时间：2022-03-19 22:42:14
关键词音乐艺术音乐文化文化文化相对主义
在当下有关中国音乐文化与西方音乐文化是否具有可比性，中国音乐文化是否可走现代化发展道路等问题的争论中，“音乐文化”是一个被大家频繁使用的名词，但同时也是一个被误解，误用最多的概念。最为常见的误解之一就是将它的内涵等同于“音乐艺术”。在某些学者的言论中，“音乐艺术”与“音乐文化”常常被混为一谈，不加任何区分。于是便出现类似“音乐的现代化”，音乐价值的相对性等等一些似是而非，模棱两可的表述。
一、“音乐艺术”与“音乐文化”概念的提出
严格的讲，“音乐艺术”所指代的是一种特定的艺术形式，即由有组织的音乐所构成的听觉审美对象。对这种艺术形式的价值判断，尤其是审美价值的判断，无论是在不同的民族之间，还是在不同时代，不同流派之间，都难以形成一个划分高低优劣的统一标准，只是一个众所周知的事实。因此，在“音乐艺术”这个概念所限定的层面上，我们可以说：“音乐的价值是相对的”。
然而，“音乐文化”这一概念的内涵，已远远超出了“音乐艺术”所限定的范围。音乐文化包含音乐艺术，但却并非指音乐艺术。“音乐文化是多种性质不同、形式不同、作用不同的音乐现象的综合物”，他所指代是一些特定的文化现象，这些现象与音乐艺术有着千丝万缕的联系，但它们也有着自身的特征、性质和作用。总之，“音乐文化”是一个大的概念，而“音乐艺术”是一个较小的概念，我们不能用小的概念来涵盖大的概念，我们必须懂得，我们探讨的是“音乐文化”这个概念属下的诸多文化现象，而不是某种艺术形式的审美属性和艺术品位。
文化，按照广义，通俗的理解，就是指人类的创造，是人类物质文明和精神文明的总和。音乐文化作为人类文化的一种具体形态，它必然也是物质、制度、观念的综合体。从历史的，文化人类学的全部观点来看，审美价值是音乐文化多种价值中的一种，而不是其全部价值或唯一价值。因此，我们不能够仅仅从意识的，艺术的，审美的层面去看待一个国家的音乐文化，更要结合着物质的，制度的，观念的层面去看待一个国家的音乐文化。
二、中国音乐文化发展存在的问题
中国的音乐文化发展有着五千年的历史，到了二十世纪初期，音乐课作为一门独立的课程应用于课堂。但是，中国的音乐教育课程设置从近现代到如今近百年没有发生大的变化，已经不能适应当今世界音乐文化发展。这也就是说，中国音乐文化与当今世界上发达国家音乐文化之间存在着水平上的差距。
中国的音乐文化无论在物质的，制度的层面，还是在观念的，意识的层面，都没有能够适应当今世界音乐文化发展的需要，也没有能够充分的满足中国人民日益增长的文化生活需求，以音乐教育为例：就物质层面而言，教育设施的匮乏，办学经费的短缺，师资力量的不足，长期以来一直困扰着中国的音乐教育事业；就制度层面而言，中国的教育体制亟待改革，大量音乐人才的分布与流动极不平衡，一些专业音乐院系人满为患，而大量的音乐普及教育岗位则无人问津；就观念层面而言，音乐教育观念陈旧、闭塞、学术视野短浅、狭隘。以上三个层面是阻碍音乐教育事业发展的重要因素。
三、新音乐文化与传统音乐文化之间的摩擦
中国的音乐文化，需要在物质的、制度的、观念的各个层面上，全面地吸收和借鉴世界各民族音乐文化发展的成功经验和优秀成果，从而尽快跟上当今世界文明发展的步伐。现代化的音乐文化是开放的，其信息传播的快捷性，交流范围的广泛性，足以使任何一种传统文化中的人们带来各种新意的、富有个性的艺术形式。中国近百年来音乐文化的发展变迁事业已充分证明了这一点。如果不向世界敞开国门，如果彻底拒绝现代化的进程，或许我们的音乐文化会保持更纯正的中国口味，会赢得那些喜欢异国情调的老外们更多地赞叹。但是这样以来，我们中国人就必须放弃发展的机会和选择的权利，我们就只能为别人去做传统的守护神，而不能为自己去做新文化的创造者。
当然，新文化的产生并不意味着必须将传统文化一概“淘汰”。举个例子来说，一对年轻人结婚，如用传统的拜天地，坐花轿的方式来举行他们的婚礼，这一举动显然有着传统的中国味道，从而得到旁人的赞美和羡慕。但是，假如一位家长不顾“婚姻自主”的原则，硬要按照中国传统的老规矩为自己的儿女包办婚姻，这就有理由遭到人们的反对。再假如那位先生还想效法旧时代“一妻多妾”的传统，要给自己添上几房“姨太太”，那么这一行为不仅要为已经“西化”了的中国人所不齿，而且还要受到国际法律的制裁。这个例子说明，传统文化中与现代文化不相抵触的东西，自然可以继承和发展，反之，便决没有不被割除的道理。
四、中国音乐文化发展道路探索
20世纪的中国新音乐是整个新文化的一个组成部分，是中国人民选择“新方式”来做事情，过生活的结果之一。“新学堂”的建立，“学堂乐歌”的兴起以及其成熟的发展，中国的无调性作品，中国的十二音作品的陆续出现，等等。所有这一切，均说明我们中国人“听音乐”，“做音乐”的方式有了明显的质的改变。这些行为令那些不习惯接受中国新音乐的外国学者感到费解。其实赵元任先生早已说得明白：“中西音乐有异，中国音乐有自己的‘国性’，只得保存跟发展。但我们中国人得在中国过人的日子，我们不能全国人一生一世只穿了一种学博物馆的服装，专预备你们来参观。”可见，那种要求我们中国人的音乐文化永远停止在1840年以前的想法不仅是不现实的，更是“不人道的”。
自宋代以后，中国音乐主要是以本土繁衍、变异的方式在发展。直到清末，外来音乐文化，尤其是西洋音乐文化与日本近代音乐逐渐传入，音乐由此兴起。而这种现象确实为中国音乐文化的进一步发展开辟了一条新路。
随着新世纪的到来，知识经济发展加剧了东西方音乐文化的交融和碰撞。弘扬中华传统音乐文化、使中华文明在信息大潮中绽放异彩是音乐教育工作义不容辞的责任。随着全球信息高速公路、电子出版物和远程教育的发展，东西方音乐文化将形成全方位的碰撞，民族音乐文化的历史命运引起了人们的关注。一方面各民族音乐文化在冲突和融合中会增加统一和普遍性；另一方面，民族音乐文化教育的繁荣和生存面临着威胁。全球信息网络一体化极易使西方社会的人生观、价值观长驱直入。在这场以文化渗透为主要途径和手段的新的“世界大战”中，中华民族的文化、文明和社会价值观关系到国家的兴衰、统一的成败。
一个民族、一个国家，如果没有自己的精神支柱，就等于没有灵魂，就会失去凝聚力和生产力。中华民族有着强大的凝聚力和革命的英雄气概，中国人民有着坚强的意志和必胜的信念。为此，我们要主动出击、积极应战，大力开发音乐文化信息资源。将伟大的民族精神、将具有中国特色的社会主义音乐文化信息送上国际互联网，使中华灿烂文化绽放异彩；激浊扬清，用中华文化抵御外来腐朽的文化的侵蚀，在我们民族的精神广宇里筑起思想文化的万里长城。
五、中国音乐文化发展伦理思考
但是，还有一些人反对将音乐纳入现代化进程，这类人被称为“文化相对主义者”。他们以“文化相对主义者”作为理论依据。在这里，我们应当看到，“文化相对主义者”原本是强调不同文化之间的平等，宽容，相互理解，尊重，各尽所长，共同发展。就这一点而言，我们应当赞同。但同时也应当看到，一些“文化相对主义者”否认存在着人类共同的价值观，否认人类文化发展的共性，否认社会历史进程的阶段性、规律性、否认生产力对人类社会发展的决定性作用。对此，我们必需保持清醒的头脑，必须深入细致地分析，弄清那些文化现象以及这些文化现象的哪些价值具有相对性，共通性，普遍性，进而在中国音乐文化与西方音乐文化相比较中，分清哪些是“不同”的不同，哪些是“不及”的不同，决不能一概而论，人云亦云。
然而，一些信奉“文化相对主义者”的学者们却没有这样去做，以至于“文化相对主义”在他们的手上完全变了味，走了调，成为一种妄自尊大，盲目排外，抱残守缺，固步自封的借口。他们以一种对立的心态，来看待中西方音乐文化的相互影响，彼此通融的历史与现实，以虚无主义的观点来否定现代化对于人类文化的普遍意义。由此可见，这些学者手上的“文化相对主义”，其实只是，狭隘民族主义及“国粹”论的结合物，它既不新鲜，也不先进，用它来解释文化历史现象，或指导我们的实践活动，必将造成观念上的混乱和行动上的失误。
总之，文化、音乐，都是为了人而存在的，20世纪的中国音乐文化首先是为20世纪的中国人民而存在。中国音乐文化朝向现代化的发展道路是中国人民自主的，正确的选择，同时，也是21世纪中国音乐文化发展的必经之路。现代化进程给我们带来的是一种新型的、开放的，有生命力的同时也是在审美趣味上更加多元化的音乐文化。它是中国音乐文化与世界音乐文化之间完美的交融。中国的现代化任务任重而道远，而中国音乐文化的现代化则是整个社会现代化重要的，不可分割的组成部分之一。
参考文献
[1]中国音乐词典.人民音乐出版社，1984
[2]中国大百科全书.中国大百科全书出版社，1989
1、音乐艺术鉴赏课中应加强我国文化内部的多元音
Magazine114乐文化鉴赏，注重对我国本土音乐文化的传播与发展。自上世纪初开始我国音乐教育经历了四次浪潮(20世纪初学日本，20一30年代学欧美，50年代效仿苏联，80年代再学欧美!，至今仍存在效仿欧美的现象。欧洲中心论使得大部分音乐院校以西方音乐教育体系作为教学主要对象，而作为本国灵魂的民族音乐却成为附加模式。②全球文化趋向多元化的趋势以及多元音乐文化教育的发展，要求我们首先在音乐教育过程中应重视本国内部音乐文化的传承与发展，注重对本位音乐教育的回归，尊重我国各民族本土音乐文化的传承。在熟知本国音乐文化基础上进而推动对世界音乐文化的学习。作为基础性课程的音乐艺术鉴赏课在学校音乐教育应该承担此任务，并应该在实践教学过程中加大对本土音乐文化的鉴赏模块，包括对各民族音乐历史文化以及相关音乐的认知、辨别及其理解与评价。③推动我国各民族音乐文化的传承与发展，使高等院校培养出来的学子具备本土音乐文化的正确认知意识，以此进一步增强他们对我国多民族地区的民俗音乐的热爱与感知;另外地方院校在音乐鉴赏课程中应增设本地区音乐文化鉴赏模块，使学生在自身固有文化基础上更深刻的感知家乡地区音乐文化的魅力，土曾强对自身文化的认同意识。
2、音乐艺术鉴赏课中应加强对世界其他音乐文化的学习鉴赏
以此推动学生对世界音乐文化的了解，并进一步使学生了解世界各地区各民族的音乐文化是平等的，使学生学会从文化的角度阐释世界各国的音乐，进而引导学生以文化相对主义价值观的眼光来看待世界各国的音乐文化。音乐艺术鉴赏课自开设以来大都以西方欧洲文化为主要内容，其鉴赏发展脉络也是以西方音乐史为主，而对于除此之外的其他国家地区音乐文化提之甚少，对于这些内容有些教科书干脆忽略。自多元音乐文化进入我国音乐教育视野以来，我国许多音乐学者提出了开设世界音乐课程的建议，并在当今音乐教育中已有部分高校已实施，但其普及程度及其教学质量仍不乐观，音乐艺术鉴赏课作为普及音乐文化知识的课程应在此基础上应承担此重任，加强对世界多地区音乐文化的普及认知，一方面有利于多元音乐文化的传播发展，另一方面推动了世界音乐文化的传承，使更多的学生接触并欣赏的不同地区不同世界的音乐文化，提高学生的音乐视野及其文化修养。
3、结语
综上所述，多元音乐文化理念对我国高师音乐专业音乐艺术鉴赏课的发展起到了十分重要的作用，其不仅从文化层次上提升了音乐艺术鉴赏过程中教师与学生的修养，更是对音乐艺术鉴赏教学起到了推波助澜的作用，多元音乐文化呼吁我们应该以全新的观点看待身边及其世界的一切音乐文化，并承认世界音乐文化的平等性与多元性，进而以此为基础不断推动我国音乐教育的发展。
作者：刘东
（一）广西民族音乐文化概况
民歌是人民表达思想感情的主要工具之一，每首歌曲都凝聚着各族人民的智慧。刘三姐歌谣已被列入部级非物质文化遗产，广西民歌中的多声部民歌让世人惊叹，二声部民歌独特的和声运用成为很多专家学者研究的对象，这些都是民族音乐文化中的瑰宝。广西地方曲艺种类主要有桂剧、壮剧、彩调、粤剧、邕剧、鱼鼓等，其中桂剧、壮剧和彩调均为部级非物质文化遗产，彩调还被称为最能体现中国戏曲“以歌舞演故事”特征的剧种之一。广西民族乐器种类繁多，除了最具代表性的壮族铜鼓之外，还有极具特色的瑶族床头琴、苗族嘎浆、芦笙、啵咧、天琴、侗琵琶、独弦琴、垮尼、葫芦胡、土胡、牛腿琴以及鼓类乐器的瓦鼓、长鼓、黄泥鼓等。
（二）广西民族音乐文化保护与传承的现状
一直以来，民族音乐主要有世代传承、师徒传承和家族传承等传承方式。如侗族的民歌手，在孩子年龄较小的时候就开始教他们演唱一些基本调（也称为山歌）。孩子稍大一些（大约十四、十五岁）的时候，开始教他们演唱变化的曲调，再过两三年，孩子就可以学习演唱情歌了。然而，在社会飞快发展的今天，这样的形式已经让很多孩子难以接受了，这是因为我们古老的民族音乐是在旧社会非常艰苦的生活和劳动中创造出来的，压抑的情绪较多，它们缺少了对当今社会的复杂情绪的表达，孩子们已经在古老的民族音乐中找不到共鸣了。另外，在社会的发展进程中，很多原始的劳动方式被现代化的机器所取代，从劳动中创造出来的很多音乐种类正在慢慢消失。2008年由文化部公布的非物质文化遗产代表性传承人中，广西有11人入选，他们的平均年龄达到了66.7岁，这些情况表明，现在很多民族音乐资料都保留在年龄较大的民间音乐人那里，如果不及时进行开发和保护，这些音乐种类将面临失传的可能。广西艺术学院于2008年成立了民族艺术系，旨在培养民族音乐传承人，广西大学艺术学院、广西师范大学音乐学院、钦州学院等高校在选修课程中加入了很多具有地方特色的课程，如《广西少数民族音乐欣赏》、《广西民歌与器乐》、《采茶戏歌舞蹈表演》等。
二、关于广西民族音乐文化传承问题的思考
（一）广西民族音乐文化在高校中传承的思考
广西的普通高等学校大多设置了音乐系或艺术系，其中音乐教育专业是较为热门的专业。作为培养音乐教学人才的音乐教育专业，一直沿用了西方音乐教育的体系，大部分的课程设置都是以西方音乐理论为基础的。近年来，各高校领导逐渐意识到了本土音乐教育的重要性，在选修课程部分逐渐增设了一些相关的课程，但是目前这种模式并没有发挥很好的作用，很多课程因为学生不愿意选或不能保证授课质量而闲置，发展本土民族音乐变成了一句空口号。要真正在高校中很好地传承民族音乐文化，对课程进行改革是首要任务。如把广西优秀的多声部民歌引入到《视唱练耳》课程中，《钢琴》课程中引用以广西民族音乐作为素材创作的优秀钢琴曲作为教学内容，《声乐》课程中增加广西民歌演唱或曲艺表演内容，《作曲》课程中增加广西民歌素材进行创作教学，《合唱》课程中增加广西民族风格的创作曲目等等，这样的课程改革才能真正主动地把民族的精华传授给学生，并让学生意识到学习和传承本民族音乐的重要性。
（二）民族音乐文化传承需要社会的支持
近年来，广西国际民歌节已经成为广西的一个标志性活动，这是政府对于弘扬民族音乐文化作出的有效举措，为广西民族音乐文化的开发和传承提供了很好的途径，同时也唤醒了人们保护和扶助民族音乐的意识。在广西国际民歌节的影响下，各地也纷纷举起了发展民族音乐的大旗，如钦州海豚节、北海国际珍珠节、桂林灵川姑娘节、百色田东芒果节红歌会等活动，都为广西民族音乐的发展提供了舞台。为了加强人们对民族音乐传承重要性的认识，广西区政府还决定，每年“三月三”歌节期间增加公休日，让人们在休假的时间里，能积极参加到“三月三”歌节的活动中，尽情享受民族音乐之美。
三、结语
论音乐文化资源中的满族萨满音乐文化 精品源自化学科
摘 要:各民族以不同的文化传统、不同的血缘关系,随着频繁的部落式的游走和迁徙,在军事、政治、社会、文化等诸多因素的共同作用,加之相近的自然地理环境及其生活方式,形成了共同的宗教信仰——萨满教。本文以原始宗教仪式音乐文化—萨满音乐文化为例,对萨满音乐所依存的生活环境、表现方式以及音乐的特点进行阐述。
关键词:萨满教;满族;神本子
在中国发展的历史长河中,中国民族音乐有着自己的悠久历史传统。早在我国四五千年前,当我国还处在原始的氏族部落时期,就产生了原始的歌曲和歌舞,而到了商朝和周朝奴隶社会时,我国的音乐文化已经相当发达了。然而经过两千多年的封建社会,音乐更是得到不断的发展。虽然在我国历史上曾经多次出现政局分裂的状态,但于此同时各个民族也在相互的融合之中。在历史变迁中他们的音乐文化呈现出极为突出的民族特质,如壮族的飞歌、侗族的大歌。而对于我们东北的少数民族音乐文化来说,萨满音乐则是当之无愧了。
一、萨满音乐文化的形成
(一)萨满教的起源于传承
萨满教是人类各种宗教形成的母教,是历史上起源最早、延续最久的原始自然宗教。它曾广布于北美、北亚、北欧等广阔的疆土上。是地球北半部众多民族信奉的一种宗教形态。而中国北方少数民族萨满教是国际上公认的萨满文化的核心区域,是世界萨满文化的典型代表。其教萌生于人猿揖制后人类漫长的蒙昧时代,兴起并繁荣于母系氏族社会,继续于父系氏族社会漫长时期直至今天。所以说萨满教的历史之长、分布之广、影响之强,完全证明了其对人类有着重大的文化价值。
萨满——是人与神的中介者,也是我国北方氏族、部落的精神文化代表,它与中国民间一般的神权巫婆相比,保持了宗教的庄严性和人类童幼年时代文化继承人的起源性和值补性,几乎囊括了北方人类史前宗教、历史、经济、哲学、婚姻制度、道德规范、文学、艺术、体育、民俗等各个方面的文化成就,它是一种活态“化石”,它用自己幼童般历史语言和音乐形式,很好地反映了我们的祖先对世界的认识的过程,表达了他们对自然斗争的意志和力量,也揭示了他们的迷惘和失误。这是一个历史和对当时现实的由衷表达,它所造就出的特殊的音乐形式也呈现出极为突出的民族特质。比之许多少数民族音乐来说,萨满文化的音乐可说是世界类型之中当之无愧的了。
萨满教作为萨满音乐的一个载体,为萨满音乐提供了其生活环境。
萨满教是中国东北阿尔泰语系中满一通古斯语族和蒙古语族的一个重要组成部分。萨满教和其他原始宗教一样,是人类社会早期的自然崇拜和图腾崇拜的产物,其宇宙观是大一统的天人合一的思想和万物有灵的理念,因此萨满教也可以说已成为世界性的文化现象。它积淀的层面很多,其蕴含哲理极为深刻。随着人类历史发展的进程,萨满文化作为了维系氏族、家族精神生活和物质生活的精神支柱。在东北诸族中,尤其是满族对萨满文化形成继承是比较突出和完整的。
满族,作为我国北方古老的渔猎民族,萨满信仰始终贯穿了其历史发展的过程,并且使满族与其他民族在血缘、语言、饮食、起居、习俗等方面相互融合、相互吸收。在《还珠格格Ⅱ》中“皇太后的寿宴上出现了蒙尔丹假扮萨满法师而受到了皇太后的极大尊敬”完全可以看出萨满教在满族中的地位是何等的重要。
(二)、萨满教主要是以祭祀仪式的形式而出现的。在这种仪式下,萨满音乐应运而生。
满族的萨满祭祀活动,分为民间和宫廷两种:民间的萨满祭祀是尚未完全形成宗教形态的“自然宗教”,或者说是“原始宗教”,而清代宫廷的萨满祭祀已初具人为宗教的特征,尽管它还并未彻底完成这个过渡。关于满族萨满的职能,《黑龙江志稿载:萨满“跳神有跳家神、跳大神之别。祭祀用者为跳家神,族中人多能之,亦为家萨满;其专以治病惑人者,为跳大神。”满族“跳家神”的活动,民间称之为“家祭”;“跳大神”的活动民间称之为“野祭”。后者,今已不多见。由此可见,满族的萨满活动的分类按萨满所司之职能和作用可分为两种,即“祭祀性”的和“治疗性”的萨满活动。对萨满个人来说,有的专司祭祀之职;有的除此职能之外,还兼行治病的职能。
(三)、在萨满的祭祀仪式上,那些具有法器职能的物件形成了萨满音乐文化的组成部分,如今我们也可以称它为乐器。如依姆钦、西沙、轰勿、哈尔马力、托力、嚓拉器、单鼓、同肯等。
依姆钦,汉译“神鼓”、“手鼓”,俗称“抓鼓”。目前民间已经没有满语称谓,通称“抓鼓”或“神鼓”,是满族萨满乐器中鼓类的代表性乐器。萨满认为依姆钦威力无比,它是萨满作法的重要工具。萨满相信可以通过依姆钦从神灵那里获取无穷无尽的超自然力量,以驱魔逐妖、惩恶扬善。
同肯,汉译“抬鼓”。《钦定满洲祭神祭天典礼》中称同肯为“铁箍鼓”,配有专用的鼓架。目前民间已经没有满语称谓,通称“抬鼓”。
在满族萨满那里,同肯的音响主要象征雷鸣。同肯的作用主要是配合依姆钦以及其它乐器烘托气氛和统一演奏速度。同肯音量洪大、饱满,在满族萨满的祭祀活动中使用得比较频繁,是萨满祭祀仪式中的主要伴奏乐器。
西沙,汉译“腰铃”,亦称“摇铃”。目前民间已经没有满语称谓,通称“腰铃”。它是满族萨满乐器中的重要乐器,许多地方史志中都有关于西沙的记载,在清宫萨满祭祀中也是必备之器。
满族萨满认为西沙的音响是神来、神走时震动的声音,“相传腰铃是天神阿布卡赫赫围在战裙上的东西。它们震颤的声音使恶魔耶路里害怕、头晕,因此被打入地底下。萨满腰铃撞击,意味着萨满升入自然宇宙,身边风雷交鸣,行途遥远广阔。”因此西沙是镇邪驱妖之器,它的声音是神灵行走的象征。西沙是满族萨满驱魔逐妖的主要武器之一,在萨满祭祀中与依姆钦配合最多、最为密切。依姆钦与腰铃的配合,是满族萨满乐器中最为典型的标志性配置。
轰务,汉译“晃铃”。《钦定满洲祭神祭天典礼》中有两种译法,一是从其形制特征而言译为“铃杆”,一是从其象征意义而言译为“神铃”。目前民间已经没有满语称谓,通称“晃铃”或“神铃”。
在满族的萨满仪式中我们看到,神灵来临之际都有轰勿的铃声相伴,许多神祗都是踏着清脆而又神秘的铃声下界的,即轰勿的音响象征着神的降临。只有神灵出现之时的仪节里,萨满才把供奉在神案上的轰勿请下,与依姆钦和腰铃一起演奏。
嚓拉器,汉译“拍板”。亦称“扎板”,目前民间已较少使用满语称谓。嚓拉器为木制,不同地区流行的嚓拉器,其板片多寡不一;各片上端开有2个小孔,用皮绳相联结,下端可自由开合。
哈尔马力,汉译“响刀”,亦称“神刀”,民间俗称“哈马刀”目前民间已经没有满语称谓,通称“神刀”。金属或木制。在刀背和刀把上串联若干金属小环,舞动时“唏哩哗啦”作响,是满族萨满趋魔逐妖的武器。
托力,汉译“铜镜”,在东北萨满信仰诸族中非常流行并且通用。
早在女真人时期,萨满跳神:“各持两镜,高下其手,镜光闪烁。”在满族萨满看来,托力常常是那些能够发光的天体的象征,如太阳、月亮、星辰等。披在萨满的前胸与后背,曰“怀日背月”,起到避邪照妖的作用;挂在腰间,曰“日月相环”,取其日月相追、相映之意。将托力悬挂在萨满身上扭动起来“叮当”作响或挂在腰间舞动,其作用与西沙相似,为“镇妖驱邪”之用。
单鼓,亦称“单皮鼓”、“单环鼓”、“太平鼓”等。它是满族萨满所用鼓中的另一种类型,属握执型的单面鼓。从目前的田野考察来看,这种形制的萨满用鼓主要在满族汉军旗人的萨满祭祀仪式中使用。
据说单鼓起源与“烧香”活动这种萨满仪式的起源相连。有些传说,深受汉族文化的影响,与单鼓主要在汉族中流传密切相关。众说纷纭之中,一是来自于民间的口碑资料,一是来自于学术界对汉族“烧香”与满族“跳神”之间的源流关系而作出的判断。
大概是满族的先民们十分相信鼓语通神的作用,所以无论之中那种乐器,鼓和铃声都是主要的,他并非是音乐词典中乐器,而是与神沟通的语言工具,他们坚信没有它们,萨满不可能与神搭言,也不能获得神启,萨满也就完不成神灵和人之间的沟通。
满族和萨满祭祀,要经过从人到神又由神还原为人得人格转换过程,即:请神——神灵附体——代神立言——还原。神灵附体,此时,各种乐件大作,节奏骤紧,迅速制造出神秘、空幻,使人神情迷离的氛围和非人间的情景,在这种氛围中,以一种无以伦比的情绪在萨满心中统摄和跃动。似有一种汹涌的力量迫使他不由自主的向天界升腾……萨满的这种心理体验和整个过程,并非独享,而是伴随鼓、乐、歌、舞一爆言发,传达给围观之人。通过萨满代言,宣示神谕,再由辅祭者解释与他人、实现了由个人体验向群众告知的整个过程。
萨满中的乐器——作为祭祀中的祭器,则是其与妖魔鬼怪战斗的有效武器。如萨满使用鼓来模拟各种能帮助萨满驱魔逐妖的辅助神的声音(虎啸、豹吼、野猪嚎叫等)在击鼓的同时再伴有西沙、轰勿、哈尔马力等的加入,震耳欲聋的巨大声响,具有摄人魂魄的魅力和威力,给萨满增添了莫大的勇气和力量。所以当发现魔鬼时,便更加猛力的打击尼玛琴并疯狂的摆动西沙、轰勿等,以惊吓和驱赶他的对手,为族人寻找安康,消灭怯痛。
由于满族是中国历史上最后一个掌握着封建政权居的民族,它善于并且有机会与主流文化有机融合,加之萨满信仰体系的开放性,从而萨满文化始终在文化碰撞与融合的过程中绵延不绝,而萨满音乐也自然而然的在一代代传承着。
二、萨满音乐文化的特点
通过以上对萨满音乐文化形成的方式和其组成部分的描述,它的特点也就凸现出来了。
首先,由于萨满仪式音乐在观念的层面没有发生根本性的变异,所以,萨满的音乐行为以及由此而产生的音乐形态依然体现了原始宗教文化的基本特征。在上文中,我们已经提到了满族对萨满教的继承尤为突出,所以满族与其他具有萨满信仰的民族会有所不同 其次,满族的萨满音乐文化传承除了主要依靠口传心授的方式,还在一些具有一定文化水平的萨满那里,收藏着世代相传的“ 论音乐文化资源中的满族萨满音乐文化 论音乐文化资源中的满族萨满音乐文化 ：小学音乐论文：音乐课堂教学过程 我国民族音乐的形成与特点 音乐鉴赏教学中的创造性思维培养
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神本子”。这种神本子是面对满汉文化逐渐融合中,“满语渐废”的背景下而产生的,主要是为萨满从事祭祀活动的“备忘录”,它不是通过文人为了阅读而进行的文学创作。所以在这些“神本子”中记录和保存下了大量原生态的满族萨满祭俗。
三、萨满音乐文化研究及价值
韩国西江大学丹尼尔·基斯特教授的《韩国萨满祭礼的象征性戏剧》一文,在实地考察韩国萨满祭礼的基础上,揭示了萨满仪式的象征性意义和仪式中的戏剧因子,提出“一个完整的萨满仪式或祭礼是戏剧和宗教崇拜的结合”的观点。这对于探讨戏剧发生学和萨满仪式的意义,均有借鉴价值。吉林市满族文化研究会副主席石文炳先生在《满族石姓火炼金神述略》一文中,详细地描述了满族石姓家族放“火炼金神”(跑火池)的程式,认为满族大神祭是一种完全原始,不受规范的典礼。
通过对满族萨满音乐的研究,至少可以从以下几个方面获取它的价值:在寻找人类艺术起源途径方面;在认识人类原始艺术思维形式方面;在建立人类原始音乐模式方面;在发现人类音乐演化规律方面;在探讨满族民族审美观念方面。随着人类社会生活空间的无限拓展,一方面萨满文化赖以生存的生态环境正不断地受到现代文明的冲击,而濒临消失,另一方面,萨满文化作为一个世界性的研究课题,它所反映出的“人类本质的永恒本性”,又使它充满了无穷的魅力。我们深信,满族萨满音乐作为人类“原始文化的遗存”,它的自身价值交替地伴随着人们对它的认识和研究而不断地升值。 如今,人们在探究文化过程中往往都会用审美的标准来衡量其价值,而对于萨满音乐文化单凭现代审美标准来考量萨满祭祀仪式,那我们就无法感知过往那些混合在原始宗教仪式中的萨满音乐所具有的文化价值。处于不同知识体系中的局内人与局外人的能否客观地互相论释而不是仅仅从本己文化体系的立场出发对一个音乐文化事项作出价值判断,就显得尤为重要。
作为人类生活历程的真实记录,萨满乐器所保存和传达的远古信息是人类文化传承的基因。搜求历史的甘苦与短长,探索过往的荣辱与兴衰,是人类区别于物类进行自我观照的基本思维方式。它虽然没有钢琴那般华丽,小提琴那般悠扬,但它把普通人的生活艺术孕育其中。它的意义在于生存与生活的需要,而非仅仅在于艺术本身—是融审美与生活于一体的文化形态。
翻开人类古代文明史册，我们看到，西域文化处于中国中原文化之西、西方文化之东这样一个枢纽和交汇地带，西域以其宽阔的胸怀，广泛接受了东方文明的影响，经过长期的选择和消化，形成别开生面、独具一格的西域文化。同时它又以极强的反作用力不断对东西文化施加影响，在世界文化史上占据着极其特殊的地位。期间，西域音乐文化因其汇聚了众多民族文化、独特的地理文化和历史更迭的宗教文化，加之“丝绸之路”的震荡和辐射，使其在东西方音乐文化碰撞、交融、耗散、整合的背景上，成为东西方音乐文化交融的范本，在整体上呈现出多元性和开放性的文化特征，形成西域音乐交流史中最动人的乐章。限于篇幅，本人主要论及西域音乐文化的东渐。
西域音乐文化东渐中原的历史源远流长。早在汉代，随着丝绸之路的开通，西域音乐不断涌入中原，如汉乐府中著名的“横吹曲”即出自西域。据《后汉书・五行志》记载，“灵帝好胡服、胡帐、胡座、胡饭、胡箜篌、胡舞，京都贵戚皆竟为之”，“胡化”之风成为时尚。西域的龟兹乐等纷纷流入中原。到五帝时，西域乐舞已正式归入汉宫廷乐舞机构“大思乐”中传习。至隋，已有“西国龟兹”、“齐国龟兹”、“土龟兹”三种龟兹乐舞流行长安，风靡朝野。到了唐代，西域乐舞在中原达到极盛时期，唐代燕乐在隋九部乐基础上增加了《高昌乐》。定为十部，西域乐舞竟达十之有七的比例。其中包括《龟兹乐》、《安国乐》、《康国乐》、《疏勒乐》等，以及以西域乐舞为中介的《天竺乐》。关于此，日本著名史家林谦三在《隋唐燕乐调研究》中曾作出如下结论：“唐代燕乐诸调，除开清商一部外，大抵是用着龟兹乐派生出来的东西。”“以龟兹乐调为唐燕乐的原型或母胎绝不会是不妥当的。”与此同时，许多西域作曲家、演奏家、歌唱家、舞蹈家也源源不断到中原，有效的传播了西域音乐文化。如著名龟兹音乐家白明达，疏勒琵琶演奏家裴兴奴，舞蹈家裴承恩，歌唱家裴大娘，于阒音乐家尉迟青、尉迟章，康国琵琶演奏家康昆仑、曹婆罗门、曹僧奴、曹妙达、曹善才、曹刚，安国演奏家安万善，米国歌唱家米嘉荣等。到唐开元、天宝年间，西域乐舞对中原文化的补充和滋养，使其乐舞艺术达到了鼎盛阶段。同时，西域乐理、乐制、乐谱和乐器也传到中原，对汉民族音乐文化产生了革故鼎新的深刻影响。为进一步论述这个问题，我们以《十二木卡姆》为例说明。
维吾尔古典音乐经典《十二木卡姆》是15世纪叶尔羌王朝经王妃阿曼尼沙汗将西域各地民间的“木卡姆”音乐收集、整理并加以规范和系统化，使其成为西域维吾尔民族古典音乐的集大成者。在这以前，木卡姆音乐已经对中原唐宋大曲产生着重要影响。如唐代的大曲大多沿用西域木卡姆的形式，主要有三种：一是从西汉至南北朝时期，传入中原的大曲，主要是由艳、曲、乱组成的大型歌舞套曲。这种形式与现今新疆莎车和喀什木卡姆中的第一部分琼乃额曼(又称大曲)相同，它由散序、歌曲及歌舞曲组成。作品有《秦王破阵乐》和《春莺啭》等；二是由散序、中序、破组成的大曲，在形式上与哈密木卡姆相同，作品有《武媚娘》、《上元乐》等；三是一种在汉文史籍中未曾记载的多变性多段联想(唐时也称大曲)作品有《苏罗密》、《移都师》等。又如宋词曲调《瑞鹧鸪》，对其音乐形态及特点进行分析，可看出它明显具有西域木卡姆音乐影响的痕迹。《瑞鹧鸪》的旋律大体有56712345结合而成，其中57124处于骨干位置，乐曲以七位结音，这种乐调在现代汉民族的传统音乐中很难见到，而在维吾尔族大型古典套曲《十二木卡姆》中却可觅见踪影。如在第十套“纳瓦木卡姆”的“散板序唱”和“第三达斯坦”中，都可以看到与《瑞鹧鸪》曲调的主音和结音中非常相似的情况。与汉民族传统音乐相比，《瑞鹧鸪》的旋律中各相邻乐音之间的音程联系关系有许多不同。除了大多数汉民族传统音乐中常见的大二度和小三度构成的纯4度音列，即571的旋律和减5度的音乐连接(74)旋律非常具有个性特色。另外，在《瑞鹧鸪》的旋律中，出现了极多的弱拍起句和切分形式等。以上这些在木卡姆的故乡――新疆南部维吾尔民族传统音乐中屡见不鲜。据专家考证，宋词曲调《瑞鹧鸪》也源自唐代开元天宝年间的大曲《舞春风》，而该大曲又是源于西域传人中原的龟兹大曲。综上所述的音乐相似之处便豁然而解了。
综上所述。西域音乐文化东渐中原，尤其至隋唐时期造成了中国古代音乐文化史上空前繁荣的辉煌局面。这由当时中原王朝开明的民族政策和兼收并蓄的开放文化思想所致，也有繁荣稳定的经济基础以及统治者的个人喜爱，游宴音乐之风尚等原因，更有中原与西域诸民族之间在精神和文化上的相通性(不像与西方文化的差别那么悬殊)，从而导致西域中原双方在文化艺术上相融互补，共同提高，乃至达到相互交流的境界。西域乐舞风靡中原，大大丰富了以大唐为代表的善于博采众长的汉民族音乐文化体系。同样，中原文化以恢宏的气度接纳西域文化的同时，也以巨大的辐射力向西域输出它的文化精神、资源与产品，给西域各民族的文化艺术宝库增添光彩。
音乐文化产业是一种以知识作为基础的产业文化,在音乐文化中具有很强创新的理论设计,也有的是有能力的劳动者自己创建的,通常都是将音乐文化作为核心观念,聚集音乐文化、信息技术、传播方式、自动化技术等结合在一起的知识的结晶,所以自身的知识性就很强。
二、我国音乐产业的发展情况
目前,我国每个地区都设立了专门从事音乐产业发展的部门,也慢慢形成了比较健全的管理体制,这给现代化建设阶段里音乐产业的发展提供了充足的保证。
1.缺少自主发展以及穿凿能力,造成竞争力低下由于音乐长时间都受制于传统体制,几乎不具备自由发展和创造的空间。虽然音乐出现了很多新产品,但是有价值的确很少,有些音乐企业只是看重生产,并不关注市场情况,一味的投入忽略产出,注重形式而忽略内容,对内容只是进行仿造,缺少接近大众的好产品。使得整个音乐市场都受到国家经济发展的约束,制约了音乐市场的前进,造成竞争力下降。
2.缺乏高素质音乐人才,造成原动力不足音乐人才是音乐发展的主要资源,现在我国的音乐产业人才还很少。由于原有教育培训机构的影响,我国音乐产业的人才量、结构以及整体素质还不能满足音乐产业的发展速度。尤其是对于一些缺少具备音乐知识与技术、经济的综合性人才,造成创作的原动力不足,影响了音乐产业的发展。
3.缺乏健全的法律体制音乐文化作为文化产业的主要组成,它的版权维护问题也是文化产业的问题。最近几年,虽然一些唱片公司给其做了很大的投资,也创造出了精品文化,但是却让一些盗版商偷窃了,造成唱片公司大量的经济损失。除此以外,由于网络经济的迅速发展,音乐文化也被在网络上公共使用和下载等,这些都给传统音乐市场带来了很大的影响,造成音乐投资人的合法权益受到迫害。总结这些现象出现的原因,关键还是有关音乐文化产业的一些法律体制不够健全,法律制度缺乏操作性,监督管理也不好。
三、我国音乐文化产业发展的具体措施
1.加强自主创新能力
创造音乐品牌来提升竞争力自主创新能力能够影响国家的综合国力,也是进行社会经济可持续发展的主要途径,更是我国音乐文化产业健康、迅速发展的基础。品牌经营是音乐产业形成的开端,最后慢慢再发展成产业经营。我国文化产业的发展具有丰富的文化资源,在发展音乐文化的时候不但要将这个优势充分利用,还要不断创新,将时代的新元素融入到音乐当中,创建出真正属于我们的品牌。所以要将音乐创意品牌和科学技术结合在一起,创造具有独立知识产权的精品,形成的品牌。与此同时,还要做好市场的宣传,将自己的品牌推入市场,满足市场的需求,提高音乐产业在市场中的竞争力。
2.培养专业的音乐人才
在现在的经济条件状况下,音乐产业和其他产业的结合是一种趋势,所以在培养音乐人才的时候,要特别注意对复合型人才的培养,逐渐健全人才教育机构,尽量培养一些高技能人才。第一,一些高校要专建一些音乐经济、音乐管理以及音乐营销的音乐,然后再和另外的学科结合,强化对学校的教师、音乐装备以及教学技术的培养,加快音乐专业人才素质的提升。第二,音乐企业要强化对职工的培养,为员工创造更多的实践机会,不断提升工作人员的工作能力。第三,要借助不同的方式来创建音乐文化氛围,激发音乐人的创作灵感,促进音乐人创作的积极性。
一、琵琶的声音特点
根据乐器分类法琵琶属于弦鸣类乐器，被称为“民乐之王”、“弹拨乐器之王”，使用十二平均律乐制，具有固定音高。由于琵琶的演奏手法十分繁复，如右手技法：弹、挑、摭、分、轮、扫、拂、滚、摇等；左手技法：推、拉、吟、揉、擞、带、打等，所以其声音特征十分的丰富，富于变化，律动感鲜明，具有穿透力，演奏声音饱满、音色明亮。琵琶既具有鲜明的颗粒性声音特点，又富于歌唱性的音乐风格。
事实上，在琵琶演奏的过程中，采用不同指法可以产生截然不同的声音效果。具体而言，大摭分指法可发出倏坚之声、倏利之声；快夹弹或急夹弹指法可发出跫然之声；夹弹或滚奏指法变换可发出游移飘忽之声；扫拂指法可发出倏轰之声；划拂划指法可发出倏轰鸣之声；凤点头指法可发出应和之声；弦数变化指法可发出隐现幻化之声；并弦指法可发出砉然嘶鸣之声；绞弦指法可发出铮铮之声；夹滚指法可发出铿锵镗之声；弹面板指法可发出响劲之声；伏指法可发出抑止之声；摇指法可发出浑厚之声；煞指法可发出切切之声；拍指法可发出裂断之声。在琵琶音乐中，不同的音区也具有不同的特色：比如高音区明亮而富有刚性，中音区柔和而有润音，低音区音质淳厚。琵琶的声音特点在唐代诗人白居易著名的《琵琶行》中得到了十分贴切的描绘，也十分生动地展现了琵琶的声音特点，读其句，如闻其声：“大弦嘈嘈如急雨，小弦切切如私语。嘈嘈切切错杂弹，大珠小珠落玉盘”。可以说，作为我国古老而又优秀的民族乐器，琵琶用它丰富的演奏技巧和音乐表现力，向人们展示出了独特的声音魅力。
二、琵琶音乐的审美特征
1、琵琶音乐演奏中的审美
琵琶音乐是作曲者与演奏者情感的表达。音乐是一种特殊的语言，是情感最完美的表达形式。作曲者在创作音乐的过程中，以及演奏者在表现音乐的过程中，都采用自己的方式，通过不同的角度由衷表达出自己对生活的体验。因此，琵琶音乐审美的丰富性和独特性的特征被很好的传达出来。尤其是琵琶音乐独特的演奏方法进一步提升了其艺术表现力，使琵琶音乐更加富有审美魅力。琵琶乐曲，从演奏的角度讲是非常重视旋律性的，这也是琵琶独具审美的重要原因之一。
从琵琶的发展历史可以知道，它是文化融合的产物。琵琶的器形在历史发展过程中得到了转变和改进，融合了我国不同时代、不同民族、不同阶层人士的智慧与情感，也正是由于琵琶的历史悠久、雅俗共赏，使得琵琶音乐成为了一种拥有广泛的爱好群体的民族乐器。在演奏的过程中，琵琶音乐可以通过不同指法、不同音色的使用，表现出不同音乐的不同内容。例如琵琶的扫弦，在武曲中要有力度、爆发力，而在文曲与大曲的演奏中则要求声音干净、集中不能出现噪音。演奏文曲时需要用指甲更深地接触琴弦，从而使声音更加厚实饱满，而演奏快速乐曲时需要是指尖立起，使声音明亮轻快。琵琶是以“点”为主的弹拨乐器，但是琵琶的轮指、滚奏、摇指等却是用点联成线的指法，在演奏中根据乐曲内容的需要形成“线中有点”、“点中连线”的音色形式。刘德海先生曾经说过，琵琶演奏的特色具有右手阴阳之美、曲线之美和左手虚实之美，这句话概括了琵琶演奏中的审美要求。右手弹挑的阴阳互动，形成了琵琶最基本的指法；轮指的点线对应形式起伏错落的线条感；而左手的推拉吟揉形成了中国传统“音腔”（沈洽提出）的虚实之美，这就是琵琶演奏中赋予我们中国传统文化中的中和之美。
2、琵琶音乐语言蕴含的审美
琵琶音乐可以表达出作曲家多样的情感，琵琶音乐语言是一种特殊的语言，是作曲家和演奏者内心深处一种感情的独白，这其中既有包含充满诗意的柔情的作品，表达着作曲家对生活的各种感悟；也有充满强烈而深厚的民族情感的作品。这些音乐语言虽然看不见摸不着，却能够把创作者和演奏者在社会生活中所体验的各种情感淋漓尽致地表达出来，同时让听众内心产生强烈的共鸣。
琵琶音乐中著名的十大名曲就反映了不同的审美体会。比如《海青拿天鹅》是现今所知流传年代最早的一首琵琶曲。开头是天鹅展翅翱翔天空的情景，音乐是舒展起伏的，天鹅是自在逍遥的。之后，舒缓的音乐还来不及有半刻的停顿就急转直下。直到最后，音乐终于变回了抒情，天地归于了宁静，生命又呈现出了暂时的和谐。
《塞上曲》是琵琶文曲的代表作之一，这首曲子充分应用琵琶文曲左手的各种推、拉、吟、揉技法来装饰旋律，细腻地描写了王昭君怀念故国家园的心情，表达了古代妇女受压抑的痛苦内心，具有强烈的艺术感染力。
《十面埋伏》则是曲中经典，是一首著名的琵琶传统武曲，描写了公元前202年楚汉相争中在垓下决战，汉军刘邦用十面埋伏的阵法击败楚军项羽这个历史故事。乐曲内容的壮丽辉煌，风格的雄伟奇特，以其技巧的丰富、极强的音乐表现力和流派纷呈流传于世。
《夕阳箫鼓》是一首抒情写意的文曲，旋律雅致优美。《霸王卸甲》的取材与《十面埋伏》一样，也是描述楚汉相争的垓下之战，只不过《十面埋伏》的主角是刘邦，而这首曲子的主角是项羽，乐曲显得沉闷悲壮，带有同情和叹息之感，渲染了项羽的无奈和痛苦。
《草原小姐妹》讲述了蒙族孩子龙梅和玉荣在暴风雪中保护羊群的动人故事，乐曲流畅生动形象，叙事性很强，具有浓郁的内蒙民间音乐色彩。
《大浪淘沙》是阿炳创作的一首琵琶独奏曲，和阿炳的身世密切相关，表达了他对黑暗现实控诉的情感，这首乐曲的音乐语言蕴藏着极大的愤怒与反抗情绪，通过锣鼓的节奏音型，表达了一种跌宕起伏，颇具气魄的势态，同时又展现出一种坚定不屈、向往光明、向往美好未来的情感。
三、琵琶音乐的文化意境
1、琵琶乐曲自身的文学性
在传统的琵琶音乐中，许多曲目都与一定的历史故事、历史人物或文学题材紧相关联，具有浓厚的文学意味。从这些曲子都可以看出琵琶传统乐曲具有丰富的表现性和耐人寻位的深刻内涵。这些乐曲已经成为中华民族音乐的瑰宝、琵琶艺术的珍品。比如与昭君出塞这一历史典故相关的曲子就包括了《塞上曲》《思春》《昭君出塞》《武林逸韵》等知名的乐曲，这些乐曲分别从不同的角度，采用相似或者不同的演奏技法表达了作曲者对昭君出塞这一历史的理解和情感。还有一些曲子则以爱国诗人屈原的故事为题材，表达了对屈原的景仰、怀念、歌颂感情，比如《离骚》《渔父吟》《龙船》等曲。《十面埋伏》和《霸王卸甲》也取材于同一个历史典故，都描述了楚汉相争的垓下之战，只是前者着重描写了汉军的刘邦用十面埋伏的阵法击败项羽的楚军，取得战斗的胜利，而后者的主角是项羽，注重人物感情的刻画，乐曲表现了项羽的无奈和痛苦，尤其是别姬一段极为哀痛，
传统的琵琶曲可分为武曲、文曲以及大曲。《十面埋伏》《霸王卸甲》《海青拿天鹅》等都是武曲的著名代表作，这些都是以写实和运用右手技法为主的；文曲则恰好相反，通过运用左手技法为主，通常采用抒情优美、简朴动人的旋律，深刻表达人物内心思想感情。文曲的代表作包括《浔阳月夜》《陈隋》《飞花点翠》《夕阳箫鼓》《塞上曲》《汉宫秋月》等等；大曲的作品包括《阳春古曲》《高山流水》《灯月交辉》等等，这些曲子则兼具文曲和武曲的演奏风格特点，都表现了一定的情节或故事，综合运用了文曲、武曲的表现手法。琵琶音乐发展到了19世纪以后，南派琵琶在江浙一带兴起，逐渐形成了主要以地域为界定的无锡派、崇明派、上海派、平湖派、浦东派等近代琵琶演奏流派。这些流派的发展对文曲、武曲和文武曲的进步都起了一定的促进作用，也更加提高了琵琶表现力和适应力，丰富了琵琶乐曲的文学性。可以说，琵琶音乐在不断发展完善中，融汇中外，贯穿东西，波及到文学艺术、绘画、宗教、民俗等各个领域，其自身的文学意境不断的得到加深，在我国民族优秀文化传统中占据了十分重要的地位。
2、文人对琵琶音乐的寄托
在中国古代文人中，琵琶拥有大量的知音，在众多的诗文中人们可以发现，关于琵琶的诗词歌赋不胜枚举，优美的诗句数不胜数。在历代文人对琵琶及琵琶音乐的描述中，透过这些具体而又生动的文字描写，使我们对琵琶的形制、音色、演奏技巧及其表现力有深刻的了解。而且许多文人除了具备高超的文学素质外，往往都喜好音乐，甚至能够操奏乐器，咏歌唱和。一些文人除了创作了很多与琵琶相关的诗词歌赋之外，还通过自己的演奏活动对乐曲进行创造、加工或者改编，表达特定的情绪情感特征，展现自己对琵琶音乐的理解。事实上，有些文人自己也能弹得一手好琵琶。比如诗人王维、刘希夷等就是琵琶演奏的高手，由王维作曲并演奏的《郁轮袍》更是成为流传千古的琵琶名曲。
自古以来，琵琶是文人经常操弄的乐器之一。可以说，琵琶音乐与文人雅士有着不解之缘，这更加赋予了琵琶音乐浓厚的文化意境。尤其是在唐代，刘禹锡、白居易、元稹、李商隐等都创作了这类诗歌，唐诗用文字的形式将琵琶艺术加以记述、描绘，有的诗词直接描写了琵琶乐器本身，如《玉琵琶》《琵琶弦》等；有的诗词则描写了琵琶音乐的演奏特点和自己对这种音乐的欣赏，比如《琵琶行》《五弦弹》等；也有的诗词是重点描绘了演奏者的技艺高超，如《曹刚》《听曹刚琵琶兼示重莲》《泰娘歌》等。在这些诗词歌赋中，最为著名的则是白居易的千古名篇《琵琶行》，白居易通过比拟、比喻、对比、抑扬、纵横等多种手法形容了琵琶女出神入化的演奏技巧，“曲终收拨当心划，四弦一声如裂帛”就是经典的句子之一。著名的宋代文学家欧阳修也在其诗作《于刘功曹家见杨直讲女奴弹琵琶戏作呈圣俞》中描写了演奏者的高超技巧：“不见啄木鸟，但闻啄木声。春风和暖百鸟语，山路硗确行人行”。元人的宋无《琵琶》一诗坦言道：“一片相思木，声含古塞秋。琵琶是谁制，长拨别离愁。”从众多描写琵琶的诗句中，可以看出琵琶艺术在我国有着非常深厚的文化底蕴。正是文人们对琵琶音乐的情感寄托和诗词咏唱，使琵琶音乐具有更加深刻的文化内涵。
四、结语
关键词：音乐艺术音乐文化文化文化相对主义
在当下有关中国音乐文化与西方音乐文化是否具有可比性，中国音乐文化是否可走现代化发展道路等问题的争论中，“音乐文化”是一个被大家频繁使用的名词，但同时也是一个被误解，误用最多的概念。最为常见的误解之一就是将它的内涵等同于“音乐艺术”。在某些学者的言论中，“音乐艺术”与“音乐文化”常常被混为一谈，不加任何区分。于是便出现类似“音乐的现代化”，音乐价值的相对性等等一些似是而非，模棱两可的表述。
一、“音乐艺术”与“音乐文化”概念的提出
严格的讲，“音乐艺术”所指代的是一种特定的艺术形式，即由有组织的音乐所构成的听觉审美对象。对这种艺术形式的价值判断，尤其是审美价值的判断，无论是在不同的民族之间，还是在不同时代，不同流派之间，都难以形成一个划分高低优劣的统一标准，只是一个众所周知的事实。因此，在“音乐艺术”这个概念所限定的层面上，我们可以说：“音乐的价值是相对的”。
然而，“音乐文化”这一概念的内涵，已远远超出了“音乐艺术”所限定的范围。音乐文化包含音乐艺术，但却并非指音乐艺术。“音乐文化是多种性质不同、形式不同、作用不同的音乐现象的综合物”，他所指代是一些特定的文化现象，这些现象与音乐艺术有着千丝万缕的联系，但它们也有着自身的特征、性质和作用。总之，“音乐文化”是一个大的概念，而“音乐艺术”是一个较小的概念，我们不能用小的概念来涵盖大的概念，我们必须懂得，我们探讨的是“音乐文化”这个概念属下的诸多文化现象，而不是某种艺术形式的审美属性和艺术品位。
文化，按照广义，通俗的理解，就是指人类的创造，是人类物质文明和精神文明的总和。音乐文化作为人类文化的一种具体形态，它必然也是物质、制度、观念的综合体。从历史的，文化人类学的全部观点来看，审美价值是音乐文化多种价值中的一种，而不是其全部价值或唯一价值。因此，我们不能够仅仅从意识的，艺术的，审美的层面去看待一个国家的音乐文化，更要结合着物质的，制度的，观念的层面去看待一个国家的音乐文化。
二、中国音乐文化发展存在的问题
中国的音乐文化发展有着五千年的历史，到了二十世纪初期，音乐课作为一门独立的课程应用于课堂。但是，中国的音乐教育课程设置从近现代到如今近百年没有发生大的变化，已经不能适应当今世界音乐文化发展。这也就是说，中国音乐文化与当今世界上发达国家音乐文化之间存在着水平上的差距。
中国的音乐文化无论在物质的，制度的层面，还是在观念的，意识的层面，都没有能够适应当今世界音乐文化发展的需要，也没有能够充分的满足中国人民日益增长的文化生活需求，以音乐教育为例：就物质层面而言，教育设施的匮乏，办学经费的短缺，师资力量的不足，长期以来一直困扰着中国的音乐教育事业；就制度层面而言，中国的教育体制亟待改革，大量音乐人才的分布与流动极不平衡，一些专业音乐院系人满为患，而大量的音乐普及教育岗位则无人问津；就观念层面而言，音乐教育观念陈旧、闭塞、学术视野短浅、狭隘。以上三个层面是阻碍音乐教育事业发展的重要因素。
三、新音乐文化与传统音乐文化之间的摩擦
中国的音乐文化，需要在物质的、制度的、观念的各个层面上，全面地吸收和借鉴世界各民族音乐文化发展的成功经验和优秀成果，从而尽快跟上当今世界文明发展的步伐。现代化的音乐文化是开放的，其信息传播的快捷性，交流范围的广泛性，足以使任何一种传统文化中的人们带来各种新意的、富有个性的艺术形式。中国近百年来音乐文化的发展变迁事业已充分证明了这一点。如果不向世界敞开国门，如果彻底拒绝现代化的进程，或许我们的音乐文化会保持更纯正的中国口味，会赢得那些喜欢异国情调的老外们更多地赞叹。但是这样以来，我们中国人就必须放弃发展的机会和选择的权利，我们就只能为别人去做传统的守护神，而不能为自己去做新文化的创造者。
当然，新文化的产生并不意味着必须将传统文化一概“淘汰”。举个例子来说，一对年轻人结婚，如用传统的拜天地，坐花轿的方式来举行他们的婚礼，这一举动显然有着传统的中国味道，从而得到旁人的赞美和羡慕。但是，假如一位家长不顾“婚姻自主”的原则，硬要按照中国传统的老规矩为自己的儿女包办婚姻，这就有理由遭到人们的反对。再假如那位先生还想效法旧时代“一妻多妾”的传统，要给自己添上几房“姨太太”，那么这一行为不仅要为已经“西化”了的中国人所不齿，而且还要受到国际法律的制裁。这个例子说明，传统文化中与现代文化不相抵触的东西，自然可以继承和发展，反之，便决没有不被割除的道理。
四、中国音乐文化发展道路探索
20世纪的中国新音乐是整个新文化的一个组成部分，是中国人民选择“新方式”来做事情，过生活的结果之一。“新学堂”的建立，“学堂乐歌”的兴起以及其成熟的发展，中国的无调性作品，中国的十二音作品的陆续出现，等等。所有这一切，均说明我们中国人“听音乐”，“做音乐”的方式有了明显的质的改变。这些行为令那些不习惯接受中国新音乐的外国学者感到费解。其实赵元任先生早已说得明白：“中西音乐有异，中国音乐有自己的‘国性’，只得保存跟发展。但我们中国人得在中国过人的日子，我们不能全国人一生一世只穿了一种学博物馆的服装，专预备你们来参观。”可见，那种要求我们中国人的音乐文化永远停止在1840年以前的想法不仅是不现实的，更是“不人道的”。
自宋代以后，中国音乐主要是以本土繁衍、变异的方式在发展。直到清末，外来音乐文化，尤其是西洋音乐文化与日本近代音乐逐渐传入，音乐由此兴起。而这种现象确实为中国音乐文化的进一步发展开辟了一条新路。
随着新世纪的到来，知识经济发展加剧了东西方音乐文化的交融和碰撞。弘扬中华传统音乐文化、使中华文明在信息大潮中绽放异彩是音乐教育工作义不容辞的责任。随着全球信息高速公路、电子出版物和远程教育的发展，东西方音乐文化将形成全方位的碰撞，民族音乐文化的历史命运引起了人们的关注。一方面各民族音乐文化在冲突和融合中会增加统一和普遍性；另一方面，民族音乐文化教育的繁荣和生存面临着威胁。全球信息网络一体化极易使西方社会的人生观、价值观长驱直入。在这场以文化渗透为主要途径和手段的新的“世界大战”中，中华民族的文化、文明和社会价值观关系到国家的兴衰、统一的成败。
一个民族、一个国家，如果没有自己的精神支柱，就等于没有灵魂，就会失去凝聚力和生产力。中华民族有着强大的凝聚力和革命的英雄气概，中国人民有着坚强的意志和必胜的信念。为此，我们要主动出击、积极应战，大力开发音乐文化信息资源。将伟大的民族精神、将具有中国特色的社会主义音乐文化信息送上国际互联网，使中华灿烂文化绽放异彩；激浊扬清，用中华文化抵御外来腐朽的文化的侵蚀，在我们民族的精神广宇里筑起思想文化的万里长城。
五、中国音乐文化发展伦理思考
但是，还有一些人反对将音乐纳入现代化进程，这类人被称为“文化相对主义者”。他们以“文化相对主义者”作为理论依据。在这里，我们应当看到，“文化相对主义者”原本是强调不同文化之间的平等，宽容，相互理解，尊重，各尽所长，共同发展。就这一点而言，我们应当赞同。但同时也应当看到，一些“文化相对主义者”否认存在着人类共同的价值观，否认人类文化发展的共性，否认社会历史进程的阶段性、规律性、否认生产力对人类社会发展的决定性作用。对此，我们必需保持清醒的头脑，必须深入细致地分析，弄清那些文化现象以及这些文化现象的哪些价值具有相对性，共通性，普遍性，进而在中国音乐文化与西方音乐文化相比较中，分清哪些是“不同”的不同，哪些是“不及”的不同，决不能一概而论，人云亦云。
然而，一些信奉“文化相对主义者”的学者们却没有这样去做，以至于“文化相对主义”在他们的手上完全变了味，走了调，成为一种妄自尊大，盲目排外，抱残守缺，固步自封的借口。他们以一种对立的心态，来看待中西方音乐文化的相互影响，彼此通融的历史与现实，以虚无主义的观点来否定现代化对于人类文化的普遍意义。由此可见，这些学者手上的“文化相对主义”，其实只是，狭隘民族主义及“国粹”论的结合物，它既不新鲜，也不先进，用它来解释文化历史现象，或指导我们的实践活动，必将造成观念上的混乱和行动上的失误。
总之，文化、音乐，都是为了人而存在的，20世纪的中国音乐文化首先是为20世纪的中国人民而存在。中国音乐文化朝向现代化的发展道路是中国人民自主的，正确的选择，同时，也是21世纪中国音乐文化发展的必经之路。现代化进程给我们带来的是一种新型的、开放的，有生命力的同时也是在审美趣味上更加多元化的音乐文化。它是中国音乐文化与世界音乐文化之间完美的交融。中国的现代化任务任重而道远，而中国音乐文化的现代化则是整个社会现代化重要的，不可分割的组成部分之一。
参考文献
[1]中国音乐词典.人民音乐出版社，1984
[2]中国大百科全书.中国大百科全书出版社，1989
关键词：高师音乐；文化；评价；民族音乐
中图分类号：J60-05 文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）30-0106-01
一、高师音乐教学的现状剖析
我国高师音乐教学是我国音乐教育中的主要支撑力量，经过长期的发展，取得了一定的成果，然而目前我国一些地区的高师民族音乐在教学内容、教学模式、教师的教育观念及素质结构、教学方式方法上存在单一、对传统文化融入不足、多元音乐文化意识浅显等弊端。大多数音乐教师在音乐教学时采用的都是传统的“填鸭式”、“灌输式”教学方法，学生们在处于被动接受的状态下进行学习，缺乏自主性和创造性。学生与学生之间、学生与教师之间缺乏交流、协作和共同解决问题的互动性，民族音乐课变得较为单调、枯燥、乏味。由于传统教学模式的影响，音乐课程的师资队伍建设极不平衡，以钢琴、声乐、中西器乐和综合音乐理论教师为主，专职民族音乐教师很少，学科队伍师资匮乏，重技轻艺，重西轻中。作为教学主体的实践教学环节开展很少，或者手段简单，欠科学性，这与当下教育部门所呼吁倡导的“应用型”人才培养的科学教育理念相违背。种种现象，无疑会制约着高师民族音乐教学的发展和民族传统文化的进步发扬，作为基础音乐课程的民族音乐课程教学能效如果滞后，其它的音乐技能和理论知识掌握再深亦是缺憾。因此在现阶段，我国高师音乐教学中需要传统文化的渗透和融入，通过对民族音乐文化、传统文化的深入研究，促进教学方式、教学内容的转变，调整高师音乐教学的结构，构建科学的、完善的、合理的高师音乐教学体系。
二、高师音乐教学与文化的结合
教育部最新的《指导纲要》中明确强调：提倡学科知识的综合，注意音乐与文化相结合。应该贯穿“文化中的音乐”和“音乐中的文化”的理念和方法，以利于理解音乐教学的根本目的和音乐在文化整体中的位置和特点。使高师音乐教育在突出师范性的同时还能传播和创新民族音乐文化，为培养合格的音乐教育人才打下坚实的基础。所以，所有的音乐课程尤其是民族音乐课的内容需要向横向拓展，寻找与其它知识领域的切合点。可以考虑在教学中增加不同地域风格的现代创作音乐的介绍，内容涉及艺术歌曲、群众歌曲、流行歌曲和器乐作品。特别是运用民族音乐元素创作的流行歌曲、或具有流行音乐外观形式的民族音乐的介入，可以很好地激发学生的兴趣，感受到民族音乐其实无所不在，离我们并不遥远。这种由导入，渐进趋近的方式，可以起到“润物细无声”的事半功倍之效，逐渐培养学生对民族音乐的兴趣和感情，并在此过程中树立起民族的自豪感和自信心。
三、高师音乐教学中传统音乐文化融入的建议和对策
在观念上要树立“只有民族的才是世界的”的观念。把民族音乐放在第一位，扭转重视西洋音乐轻视民族音乐的观念。在声乐、器乐、音乐理论等课程中加强民族音乐文化的内容，尽可能多的向学生灌输我国的传统的音乐文化，让他们在学习的过程中去比较中西音乐文化的差异，尽可能多的了解我国优秀的民族音乐文化，成为一个合格的音乐工作者。其次要大力培养和引进传统民族音乐文化人才，培养一批传承民族音乐教育的师资队伍，增强和提高承担民族音乐教学的教师素质和业务水平，切实提高民族音乐教育效果和质量。再次，调整民族音乐教学的结构。特别是在声乐教学中要充分吸收民族音乐中合理的发声技巧，加大声乐演唱中的民歌曲目；在乐理教学中要加大民族调式理论和民族音阶理论教学；在视唱练耳教学中增添优秀民族曲目；在器乐教学中设置民族器乐的教学。
对民族音乐教学中传统音乐文化的融入要遵循四个原则:第一，促进对民族音乐文化的理解，加强民族音乐的唱奏能力与民族音乐文化视野的统一。要求学生既能掌握所唱奏曲目，又能对所掌握的民族音乐文化资源作理论性系统性的表述，按照民族音乐学的观点，“既知道是什么，又知道为什么”。第二，提高学生的审美内涵，坚持严密的技术结构和深层审美内涵的统一。要求学生以娴熟的技巧准确掌握曲目所固有的形态结构，并能对该形态所表达的深层审美意蕴有深刻独到的感悟。第三，知识技能的素质和数量的统一。一方面要求学生准确、到位，并有较高文化品位地掌握唱奏风格，又要对所要掌握曲目的量有硬性要求。第四，传统的系统性和个人的创造性。既要求学生对传统的音乐艺术成果有系统的理解和掌握，同时鼓励学生发挥自己的特长以保证个性创造力的发展。
河北省科技厅2009年指令计划项目，项目编号：094572128D
乐山市是一座拥有悠久历史和优美自然风光的文化名城，随着城镇化脚步的加快，乐山市标准化社区逐步建成，从原有杂乱的老城区，一举建成一座座标准化的封闭式社区，良好的社区建设为居民安居乐业提供了保障，乐山市是中国唯一一座联合国城市管理中心合作城市。社区居住环境优化，社区文化生活在市、区、居民委员会的逐级领导实施下蓬勃发展起来，社区居民的文化生活日益丰富。乐山市现有社区有245个，2009年前，乐山市的社区各类民间组织已经非常广泛，社区服务志愿者组织有329个，社区老年人活动组织199个，社区残疾人组织191个。这些不同的社区组织为社区居民的活动组织安排提供了保障，并且在不断的壮大完善。乐山市社区建设提出了“乐善至美，创新力行”的乐山精神，在乐山精神的指引下，乐山市社区文化生活践行着乐山市一贯的悠久文化传统，注重社区居民文化生活的品质。乐山市社区文化生活内容丰富、项目繁多，能够充分满足不同年龄阶段和不同文化层次居民的需要。乐山市社区文化活动精神文化层面的活动居多，参与的居民人数逐年增加。社区文化活动中，音乐活动丰富多彩，从音乐活动的范围看有大众健身娱乐性的广场集体舞、健身操活动、夕阳红大合唱活动等，社区团体类的有川剧戏曲活动社团、京剧社团、拉丁舞社团、民族舞社团、声乐社团、电子琴社团、民乐社团等。从开展活动的方式上来看，有政府组织活动，如2007年乐山市政府组织的迎春节系列活动；有社区自发组织的社团汇报演出；市、区政府组织的重大节日文艺活动，如迎接建党九十周年群众合唱比赛；社区内教育机构组织的教学成果汇报演出等。这只是众多社区文化活动的一部分，在这些多种多样的社区文化活动中我们发现，很多活动都是与音乐艺术密切相关的。音乐文化活动容易吸引广大社区居民参与到其中，不管是自娱自乐也好，还是配合各级演出也好，都进行的非常红火。从社区音乐文化生活异常红火的表象下，我们也看到了社区文化生活存在的一些问题。人民群众对音乐文化生活的需求是巨大的，从儿童、青少年到老年人，都有各自喜好的音乐种类，参与其中的积极性高。群众参与社区文化生活的目的多是以学习音乐知识技能、培养高雅业余爱好、锻炼身体为主。从对社区音乐活动的调查观摩，我们发现一个问题就是社区音乐文化活动大多数是处于自发的状态，组织者和参与者是同一群人，他们自身所具备的音乐知识较少、音乐技术技巧薄弱、音乐理论水平一般，难以将社区音乐文化生活引领上音乐艺术层面，自娱自乐的成分更大。随着中国人口老龄化的到来，参与社区文化生活的人数将大幅度递增，因此群众需要更高质量的、更加专业的社区艺术文化生活。怎么样处理好社区音乐活动开展同居民精神文化生活需要的关系，是政府、社区和音乐教育工作者应积极思考的问题。
二、高校音乐教育资源与社区音乐文化建设契合点分析
乐山市教育资源丰富，有多家大中专院校，省属高校有5家，其中拥有音乐教育专业和音乐表演专业的是乐山师范学院音乐学院。乐山师范学院音乐学院每年为乐山市和四川西南部地区培养大量高素质音乐教育人才，为了提高学生的专业技能，除了课程设置上注重音乐理论与实践相结合外，还大力开展学生的艺术实践工作。音乐学院开设了多种艺术实践艺术团，有管弦乐队、合唱团、舞蹈队、民乐队、曲艺队等，让学生根据自己的艺术特长，在课堂之外发掘自身潜力，锻炼艺术表现力、组织能力和教学能力。高校教育资源丰富，高校拥有优秀的教育团队，音乐厅、琴房、乐器、舞蹈房等教学设施丰富全面，仅仅停留在培养学生方面会造成教育资源的浪费。一方面，高校中的学生实习实践基地短缺，难以完成实践教学任务；另一方面，社区音乐文化生活中，没有专业的教师来进行指导。如果能将两方面的力量很好的结合，将会对高校教育资源的合理利用与社区音乐生活水平的提高有相互促进作用。
1.高校的优势与需求
首先，在学习设备方面高校优势大。高校在教学设备设施配备上与其他音乐团体相比有绝对的优势，高校音乐院系都建有供教育教学所使用的音乐表演厅、琴房、多媒体教室，各高校还拥有礼堂、大操场、练功房等。各类乐器配备也很全面，西洋管弦乐器、民乐乐器、各类打击乐器等配备充足。在社区音乐活动过程中，不管是学习还是训练，都可以充分利用高校的教学设备资源，避免重复建设。高校有两个假期，在假期期间社区可以加大对高校教学设备的利用力度，开展各类文艺汇演、大型节日演出等。其次，高校具有丰富的人力资源。高校音乐专业中拥有不同音乐专业方向的人才，从音乐理论到声乐、器乐表演人才，不管是音乐院系的教师还是音乐教育、音乐表演专业的学生，他们都可以协助社区进行高水平的音乐教学活动，成为音乐活动的专业指导教师，组织社区居民进行音乐学习与排练。最后，社区能够满足高校教学科研需求。音乐专业学生专业知识能力的培养不能仅仅在课堂中进行，不能仅凭几次演出就完成了学生的实践教学内容，怎样为学生提供更广阔的实习锻炼空间，这是高校应该认真思考的。社区可以为学生的教学实践、能力实践提供所需环境，社区中学员年龄结构丰富，音乐学习门类多样，学生从教学、排练、赏析、组织大型活动、策划大型活动等多个方面来锻炼能力，为将来从业打下坚实基础。高校音乐专业教师，可以利用社区开展教学研究和传统音乐发掘研究工作，乐山地区有众多少数民族，民族民间音乐是中国音乐文化瑰宝，很多民族由于缺少文字，音乐舞蹈艺术方面大多数是口耳相传，亟待音乐工作者去进行挖掘、整理和保护。通过对少数民族社区音乐的调查了解，有步骤的开展科研工作，完成音乐文化科研项目，对保护中国传统音乐做出贡献。
2.社区的需求
社区音乐活动的开展是居民自发的一种行为，是人们精神文化生活的重要内容，这种对音乐的喜爱不同于传统学校内的音乐教学，是提高全民音乐素养的良好方式。社区音乐活动需要政府部门的重视与支持，扶植社区文化建设，为社区音乐文化发展提供广阔空间。社区音乐活动需要具体的实施者，也就是音乐活动的组织者和教学指导者，需要不断提升音乐活动的质量和水平，需要专业人士的参与，促进社区音乐活动广泛健康的成长。社区文化生活中需要欣赏到高雅的艺术，大中院校的专业音乐团体可以将各类音乐会带到社区，满足社区人们不断提高的艺术追求。社区音乐活动需要演出的平台，多年的训练学习，需要展示的机会，在专业的音乐表演厅，可以让社区音乐学员有极大的艺术成就感。
三、高校音乐教育资源在社区音乐文化活动中的利用
乐山市的教育资源丰富，乐山师范学院是历史悠久的学府，音乐教育专业实力雄厚，硬件资源和软件资源都可以充分利用到社区音乐文化建设中来。充分分析社区音乐文化建设的需求，了解高校教育资源优势，为我们找到了社区与高校音乐事业共建的契合点。在对高校音乐资源的利用实施过程中，我们可以从以下几个方面来加以利用。
1.人力资源的利用
在社区音乐文化建设中，最为稀缺的就是教师资源，以往的社区音乐文化生活往往是一种自发的形式，很多社区音乐社团是由于社区居民为音乐爱好者，自发地来进行音乐文化活动。参与的人员也以退休人员和无业人员居多，要想扩大音乐活动的覆盖面，提高中、青年居民的参与比例，音乐活动的门类要更广泛、组织者指导者要更专业。在中国发达城市如北京、上海、广州等城市，社区音乐文化活动开展的扎实而富于成效，其中重要的一个因素就是这些城市有专门的社区音乐指导员，定期为社区指导各类活动，安排社区音乐指导员在社区教授相关课程，联系专业音乐团体进入社区演出，帮助社区排演节目，完成各类晚会演出编导工作。二级城市社区中没有设置专门的岗位来指导社区音乐活动，那么我们就可以在城市中找相关的教育资源，最为有利的当属高校音乐教育资源。高校音乐教师可以被聘请为社区音乐课程客座教授，定期的来为社区居民上课，提供音乐学习指导和各类音乐方面的咨询工作。帮助不同年龄阶段的社区居民制定学习音乐知识的方向、找到正确的学习方法。帮助培养社区中的音乐骨干，推动社区音乐教育的发展。高校中的音乐专业学生，可以通过学习实践的方式，深入社区担任音乐课程的教师，针对社区内已有的社团活动，制定相应教学大纲，确定教学内容，落实教学计划，将学校中所学知识实际应用。从授课开始，在逐步进行排练、节目策划编排，最后到组织编导演出。这些实践工作在校内教育体系中是不可能完全实践的，对学生来说是难得的学习实践机会，达到了学习实践双赢。
2.教学资源的利用
高校音乐教育专业有优质的音乐厅、琴房、排练厅、多媒体演示厅等，这些设备设施在社区中是不多见的。高校还拥有大量的音响器材、演奏乐器，如能将上述设备设施向社区开放，会对社区音乐文化建设有极大帮助。高校中音乐专业不定期会有师生汇演，这是师生检验教学成果的一种方式。声乐方面的独唱音乐会、合唱音乐会；器乐方面的交响音乐会、管弦乐音乐会、钢琴独奏会、民乐音乐会等。音乐专业的专业音乐演出可以走出校门，进入社区为社区居民演出，使社区居民足不出户欣赏到高雅音乐，提高音乐学习兴趣，将人们引入音乐的殿堂，陶冶情操。这些难得的音乐盛会仅仅停留在校园内就太可惜了，走入大众中带来与众不同的反响。高校除了自身的教学资源外，还会聘请一些专家学者或知名音乐家来校进行学术活动，这些工作除了可以满足本校师生的艺术修养提高外，也可以帮助社区音乐骨干开拓眼界。开展各类高水平的音乐学术活动和音乐欣赏活动，对社区音乐建设来说是非常难得的。
3.音乐场馆的利用
社区音乐活动与高校音乐院系密切合作，共同构建高质量的校、社区合作模式。在利用高校的音乐场馆和其他大型公共设施时，我们可以充分考察高校的教学安排，利用音乐场馆的闲暇时间，来为社区音乐艺术活动所用。其中可以高效率利用的时段是高校的假期，高校假期与一些中国传统节日重合，比较适合于进行大型文艺表演，这一时期将经过精心排练的各类音乐节目进行表演效果会非常好。高校的音乐厅，可以进行各类音乐会的表演，舞蹈表演，大合唱表演，室内音乐厅演出效果好，会对社区居民的学习积极性以极大促动。各类高校的体育场馆也可以为社区音乐活动提供便利，篮球馆、羽毛球馆等小型体育馆，可以进行小型的各类社区音乐活动比赛，体育场馆的看台可以容纳部分观众，气氛热烈融洽；大型的运动场，可以进行各类大型社区音乐活动的展演比赛，比如社区广场舞比赛、社区秧歌队表演、锣鼓表演等。让社区的居民来到高校，感受一下大学教育的优越教育设施，高校的艺术氛围和良好的环境，对人们的心灵也起到荡涤的作用。
四、结语
一、高校校园文化建设的现状
经过多年的办学实践，我国高校无论是从数量还是质量上都得到了长足的进步。与此同时一些高校特别强调高校自身文化与校园文化建设，形成了独具自身特色的校园文化。这些独具特色的校园文化对于高校发挥文化育人的功能与优势，培养适应经济社会发展需要的高素质人才、举办人民满意教育起到了极其重要的作用。然而在看到这些可喜的成绩的同时，我国高校校园文化建设还存在很多问题，你比如说有的高校校园文化建设强调“文化上墙”、有的高校觉得把各种文化活动搞的丰富多彩就是高校校园文化建设、有的高校在校园文化建设上拿来主义、有的高校校园文化建设形式主义、有的高校校园文化建设对传统文化的片面强调一味继承、有的高校觉得校园文化建设仅是高校管理者的事、有的高校把主要精力用于硬件基础设施建设，对于校园文化建设这样的软实力置之不理。上述这些问题的存在，对高校通过校园文化建设，实现文化育人，确保人才培养质量都将产生一系列的负面影响。这些影响可能是看得见的、也可能是看不见的，这些影响可能是短期内就会显现、也许需要长期的回望。
二、课外音乐艺术活动在高校校园文化建设中的角色
（一）通过课外音乐艺术活动，在高校校园唱响时代主旋律
经过三十多年的发展与建设，我国经济社会各个领域的发展与进步有目共睹，人民的物质和精神生活水平都得到了较大提升。人民群众的物质与精神需要越来越多样化，需要层次也在不断提升。音乐作为人类社会发展进步的重要标志与文明成果，成为当下社会几乎每一位个体不可缺少的精神食粮，丰富了人民群众的业余生活，对于提高人民群众艺术修养与音乐造诣都发挥了重要作用。同时音乐也成为唱响时代主旋律，弘扬社会主义核心价值观的重要载体，对于建设有中国特色的社会主义现代化事业也具有极其重要的现实意义。近年来，大到国家小到社会组织，越来越重视文化软实力建设。高校作为特殊社会组织形态，承担着文化育人的重要使命，理应更加注重校园文化建设。一方面，高校是培养社会主义现代化事业的建设者这与接班人的重要主体，唱响时代主旋律、弘扬社会主义核心价值观是高校的历史使命与责任担当；另一方面，高校作为文化传承的中心，是唱响时代主旋律、弘扬社会主义核心价值观重要阵地。高校的校园文化建设应该、也必须应该以社会主义核心价值观为引领，高校应该在校园文化建设中运用好音乐艺术这一青年大学生最为喜闻乐见的艺术形式，在高校校园唱响时代主旋律，弘扬社会主义核心价值观。
（二）通过课外音乐艺术活动，在高校校园营造积极向上的精神状态
音乐艺术是高校大学生最为喜闻乐见的艺术形式，高校通过将高校专业学生的课外音乐艺术活动与校园文化建设中有机结合，一方面，丰富了高校专业学生的课余生活，在充实学生学习生活的同时，寓教于乐，使高校专业学生从内心深处产生高昂的情绪和奋发进取的精神。从而引导学生树立积极乐观向上的人生观、世界观；另一方面，依托对高校专业学生的课外音乐艺术活动的计划、组织与实施，以高校专业学生的课外音乐艺术活动为载体传播校园文化，营造良好校风与学风、规范学生行为。从而引导学生学会学习、发现兴趣、探索未知、突破自我、养成良好的职业精神与职业素养。
（三）通过课外音乐艺术活动，在高校校园形成文化育人的氛围
音乐艺术是高校大学生最为喜闻乐见的艺术形式，同时，高校专业大学生的课外音乐艺术活动应该是多种新式的。高校可以通过鼓励青年大学生组建相关社团组织开展课外音乐艺术活动，也可以通过校园歌手大赛、爱国歌咏比赛、迎新送老晚会等多种形式开展课外音乐艺术活动，丰富高校专业学生课余生活，建设校园文化。同时，高校课外音乐艺术活动的主体应该是青年大学生，高校校园文化建设单位在青年大学生组织实施课外音乐艺术活动时应围绕校园文化建设这一主线，对青年学生给与积极的引导与必要的支持，鼓励学生探索创新音乐艺术表达形式与音乐艺术内容，实现课外音乐艺术活动的多元繁荣局面，从而实现文化育人。
作者：刘璇 单位：张家口职业技术学院
一、引导学生学会辨析刘三姐歌谣的艺术特色及文化价值
教师可以对学生讲解刘三姐歌谣的发展历史以及在发展过程中产生的变化，使学生能够掌握歌谣的基本规律以及基础表现手法、技巧，并能够对歌谣的一些经典曲调有所认识，懂得山歌的竟唱方法，在学习过程中学会对刘三姐歌谣中的艺术特色和文化价值有一个全面的把握。同时，教师要引导学生掌握歌谣编写的基本规律，培养学生口头创作能力。
在经过歌谣的相关学习后，学生应该达到以下的要求：学会利用多种方式对歌谣信息进行收集和整理，学会用基本的调查方法提高自身报告撰写能力，以及充分挖掘自身口语表达能力、创作能力以及演唱能力等。教师将刘三姐歌谣引入音乐教学中，能够培养学生对家乡文化的热爱之情，从而激起其自觉承担家乡建设的责任感。教师将刘三姐歌谣中能够引起学生学习兴趣的部分带入课堂，能够很好的培养学生的情感与价值观，提升学生的文化修养，同时也会本土文化留下更多的人才，以此维持地方文化的发展，促进广西桂中地区民间艺术的进步。
二、培养学生唱与情的高度统一
歌唱艺术的灵魂是唱出感情，为了更好地推动高校音乐教学的发展，教师应当在日常的教学活动中注重给学生唱与情统一的培养。培养学生民族唱情法，既能够提高学生的音乐修养水平，又能够使民族文化得到弘扬与流传。刘三姐歌谣是壮族民歌的经典，也是壮族人民真情实感的最佳体现。“情”是刘三姐民谣的基础，演唱者所唱的都是自己所见所想，来源于生活并反映生活，唱的人动情，无论是歌唱者还是聆听者都能够得到良好的情感体验。如刘三姐歌谣中的爱情歌谣，无论是见面唱还是定情唱，这些情歌都表现出强烈的情感做到情景交融，以歌传情，使听者的心绪也随着歌声而起伏变化。这一唱与情的高度统一的方式完全可以运用到高校的音乐教学环节中来，让学生学会用歌声来表达自己的情感，培养学生唱与情结合，创作出优秀的作品。
三、传承歌谣文化与民族精神
广西壮族人民从年少时就开始学习唱歌，到了青年到山上对歌，老了就教后辈唱歌，这一传统在壮族人民中流传了千百年，造就了一代又一代的歌者。这些歌者就是壮族民族音乐文化的传承者。歌者要想传承歌谣文化，首先就要做到成为本民族文化的代表人物和创造者。因此，在高校音乐教学中，教师应当将传承歌谣文化的重要性纳入教学范围之内，培养学生传承和弘扬民族文化的精神。如开展民族文化教育活动，利用歌会的形式为学生培养一个良好的歌谣学习氛围，使学生主动参与到歌谣教学中来，充分激发和培养学生的学习热情与学习动力。从而利用刘三姐歌谣的教育手段来丰富学生的音乐教学，使学生能够对本民族文化有一个全面的认知和了解，从而更好地弘扬本民族精神。
四、总结
总之，刘三姐歌谣是我国壮族民间文化艺术的重要部分，其沉淀了珍格格壮族历史发展的经验，也反映了我国壮族人民生存的智慧，使我们能够通过歌谣更好的了解壮族人民的生活习俗以及审美情趣。刘三姐歌谣这种特有的文化应当融入地方高校音乐课堂教学中去，在促进高校特色教学发展的同时，丰富和扩大民族歌谣文化的精神内涵。
作者：丁杰 单位：河池学院
