时间：2023-02-08 19:38:27
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇中国美术欣赏论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
谈论20世纪中国画教育，人们大多会想到中国美术学院的“分科教育”与中央美术学院的“徐蒋体系”。的确，这一“南北异同”不但决定了当今中国画教育的主要方向和格局，并且也很大程度上深刻地影响到当今中国画的文化生态。对于前者，以往的研究中已经有很多学者进行过细致的区分，而对于后者，则不管是在当时还是现在，或许我们还都缺乏足够的检省与审视。而深入这一话题，我以为，阴澍雨是一个恰如其分的个案。
澍雨是当代青年花鸟画家中的佼佼者。作为北方人，他大学时远下杭州，在南方的中国美术学院中国画系接受本科教育，打下了坚实的花鸟画传统基础。而后他回到北京，在中央美术学院张立辰先生的指导下，先后获得硕士与博士学位，并进入中国艺术研究院担任研究人员。相对于一南一北两大美院的教育体系，澍雨都可谓深入其中而又出乎其外；而相对于整个20世纪中国画教育的学院化倾向，则澍雨又具有足够的研究资源与个人能力展开充分的反思。
众所周知，国画教育在中国美术学院渊源有自，自从潘天寿提出“中西绘画，要拉开距离”以来，聘任了诸乐三、陆俨少、陆抑非、吴茀之等一大批传统派的画家，其训练更偏重于传统和基本功，对中国画教学问题积累了大量的思考。人们常常把中国美术学院的国画教育称作“过五关斩六将”，也就是说，在长期的教学实践中，中国美院形成了一套行之有效的系统的训练体系，环环相扣，这个传统一直延续到今天。而在中央美术学院，徐悲鸿等留学西方的画家则从建院伊始就提出了“用素描改良中国画”的主张，在蒋兆和、叶浅予、江丰、吴作人等关键人物的实践和主张下，也逐渐形成了中西融合、注重个性的教学思路，对于教学方法的思考远不及对个人创作的投入。这在今天中央美术学院的教学中也有鲜明的体现。笔者在中央美术学院本科学习期间就常与同人感慨，目前我们能够想到的最理想的学习进路，就是能够在中国美术学院接受本科教育打下坚实的基础，而后再来中央美术学院读研深造，开辟创作的胆量和思路。所幸这一梦想在澍雨这里成为了现实。
在中国美术学院的本科学习，让澍雨对于中国花鸟画的源流脉络有了全面的理解和掌握，他没有放弃中国美院得天独厚的面对原作的临摹条件，广泛临摹了中国宋元以降花鸟画发展几个关键时期的代表性画家作品，按照导师们的指点将由林良、吕纪、陈淳、徐渭、、石涛直迄扬州八怪、赵之谦、吴昌硕的古代花鸟画传统各个击破，掌握了中国花鸟画工笔、没骨、写意各个画种的全部技法，无论双钩、设色还是水墨都达到了花鸟画科班教育所要求的全面而系统的高度。
而在中央美术学院的硕士、博士研究生阶段学习中，他一方面研习古代画理画论，撰写出具有学术价值的博士论文，同时也在导师张立辰先生的指导下，进一步形成了中国画以笔墨造型语言结构自然生态的学术理念，在理论的指导下逐渐形成自己既源于传统，又与时人迥异的艺术特色。他似乎并不愿意把自己局限在“没骨专家”这样狭窄的定位上，而是广泛尝试各种技法，在大幅作品、扇面小品等多种表现形式上的探索取得了一次又一次的成功，精品不断问世，毕业创作受到导师组的一致好评。
尤其难能可贵的是，在这个过程中，澍雨并没有像很多当代花鸟画家那样落入技法的俗套，陷入到那种单纯仰仗程式和概念，缺乏文人气和底蕴，“一说便俗”的境地。相反，他在技法的高度上保守出了笔墨语言的天然之趣。这是一种“拙”而非“野”的意境。用赵之谦在《章安杂说》中的话说：野可顷刻立就，拙则需历尽一切境界然后解悟。野者矫揉造作，而拙者则为笔墨尽境。澍雨的笔墨技法，并非是单纯依靠程式的概念化符号，而是紧密围绕物象造型而存在，无论是花卉、兰竹还是翎毛、草虫，澍雨都能表现自如，一钩一点似乎都是为他所表现、精神为之契合的物象而生。读他的作品，能够让人在欣赏其笔墨结构甚至其书法题款的同时，不由自主地进入到一种欲与画面物象对话的状态之中。真可谓笔墨氤氲处，朴实无华，元气淋漓时，浑然天成。
由此我们可以来回应本文开头所提出的中国画学院教育所带来的艺术生态的变化这重问题。以往为人们所忽略的是，如果说徐悲鸿、蒋兆和的体系代表了西方绘画理念入侵对于中国画生态的根本性影响的话，那么问题的另一面则是，事实上潘天寿所开创的“中国画分科教育”的背后，也隐含着中国画生态的一次根本裂变。至此，中国画从传统诗书画印兼修的文人修养，蜕变成连山水、花鸟也要加以区分的现代学科和学院专业。从技法训练的角度，在当今学院教育中这当然是必须的；而对于当代中国画家的命运与选择来说，则这种专业化的后果并不总是积极和光明的。这从今天许多中国画家训练单一、知识狭窄、不通诗文甚至不敢题款等很多现象上可以看得出来。这样说绝对不是苛责前辈，而是看到，面对20世纪这个中国传统文化艺术命运的“三千年未有之大变局”，前辈学者和艺术家的见解留给我们的与其说是一种只能墨守的经验，不如说，是向我们这个时代提出的一个永恒的、开放的问题。
我知道，澍雨在这个问题上已经开始展开自己作为新一代中国画家作为本分的思考和努力。他在专注于花鸟画的同时广取博通，读画论、诗论，习书法、篆刻，在硕士和博士论文中，他对中国花鸟画的传承史上若干关键环节形成了新见，而读他新近撰写的关于写意问题的思考，关于时代对于中国画家知识结构所提出的新的要求等一系列的随笔短文，更让我们看到他画面背后的思想以及他对于人文思考的着迷。更加难得的是，尽管取得了同辈人所难以企及的高度，他却从不自夸，勤攻吾短，糜侍己长。我相信，有着令人羡慕的学术背景、全面的知识结构和醇厚谦和的心态的澍雨，在中国艺术研究院这一新平台上一定会为艺日新，在不断带给我们惊喜和愉悦的同时，也通过自己的实践积极回应中国画这一传统的画种向我们所提出的时代追问。
（作者为北京大学博士、中国艺术研究院助理研究员）
关键词：中国画；校外美术教育；重要意义
一、校外美术教育的含义
校外美术教育至今还没有一个权威性的概念，然而关于校外美术教育的研究有很多，总结这些研究可以得到一个结论，即校外美术教育是指在除了学校课堂外的场所，包括青少年宫、少年之家（国家为其提供教育活动的经费）等，在学生的课外时间，如双休日等，进行的美术教育。校外美术教育的落实为我国美术教育事业的发展作出了重大贡献。在学校教育中，学生的学习负担重，而且美术又是一门非考试类科目，因此校内美术教育往往得不到重视，部分学生无法进行专业性学习。在校外美术教学过程中，很多学生在学习过程中表现出浓厚的美术学习兴趣。校外美术教育参与人数多，教学时间充分，学生可以接受更为专业和高水准的美术教育，这对于他们未来的素质发展具有不可忽视的作用。
二、中国画在校外美术教育中的重要意义
中国画教学在我国美术教育体系中一直占有较大的比重，校外美术教育是开展中国画教学工作的重要方式。中国画在校外美术教育中的重要意义如下：1.激发学生对中国画的兴趣，学习绘画者健康的人生观和价值观在中国画欣赏课教学过程中，学生可以通过以下几个方面了解作品，包括中国画作品的创作时代背景、画家的生平事迹以及该作品中包含的画家的情感、美好的心理期望等。学生通过学习这些内容，激发学习中国画的热情，最为重要的是学生可以从这些中国画中获得启发，引起对人生价值的思考，借此培养健康的人生价值观。如，徐悲鸿喜欢画马，他笔下的马具有一种“一洗万古凡马空”的非凡气势，让人看到画作的第一眼就会感到一种豪情万丈的气势，敬佩感油然而生。徐悲鸿还常常借助画马抒意，如借助画马抒发自己的爱国情怀。其中最为典型的作品是《奔马图》，这幅画是在1948年初冬创作的。在中国画学习中，学生只有掌握了每一幅中国画中作者所想要表达的感情之后，才能更好地掌握中国画的精妙之处。2.提高学生的动手能力，培养学生的探索、创新意识校外美术教育相对于学校美术教育具有很强的灵活性、开放性，有利于促进学生的个性化发展。因此，可以在校外美术教育的中国画教学过程中吸引学生的注意力，培养学生的创新意识和探索能力。学生在进行中国画创作练习时可以不强调造型和意象，随意一些，只需要感受笔墨的变化，体会中国画的意境。但是教师一定要注意以学生的实际年龄作为重要依据，制定合理的教学方案，对学生的中国画练习提出一定的要求，避免学生玩得失控。当学生看到自己的作品时，就会产生成就感，进一步激发探索、创新的意识。3.有助于提高学生的文化修养，激发学生对中国传统文化的热情中国画是我国传统文化中重要的组成部分，文化气息十分浓厚。学习中国画不仅可以陶冶情操，还可以培养艺术与文化修养。在浓厚的艺术氛围中，通过学习中国画，学生会经历一个完整的过程，包括对中国画的认识、了解、喜欢、创作实践、产生对美的感悟和创造力，还可以激发对中国传统文化的热情和兴趣，有利于中国传统文化的延续和发展。如，学习中国画有助于学生对诗词的了解、学习，帮助学生了解中国的历史。4.有利于提高学生的道德修养、审美能力和观察能力在中国美术发展过程中，书画同源得到了有力的彰显。所以，学习中国画的过程不仅是对中国传统绘画艺术的继承，还发扬了中国的传统书法艺术。尤其是在小学阶段的校外美术教育过程中进行中国画教学，可以采取诗词与绘画相结合的方法，让学生在学习中国画的同时也对诗词有一定的了解，进行综合性的学习。这个过程是锻炼学生素质、修养的过程，中国画教学能够提高学生的道德修养、审美能力、观察能力等。让学生不受拘束、自由自在地临摹画作，不仅可以增强学生绘画的能力，而且能丰富学生的想象力，提高学生的记忆力，除此之外，还可以锻炼学生的书法临摹能力。
结语
校外美术教育与学校美术教育是相辅相成的，两者缺一不可。校外美术教育的教学方式相对而言具有灵活性，学生参与校外美术学习的积极性也较高，而中国画在校外美术教育中具有重要意义，所以校外美术教育要充分发挥中国画教学的作用，培养学生的绘画能力。
参考文献：
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［3］常锐伦.美术学科教育学.首都师范大学出版社，2000.
［4］钱初熹.美术教育理论与方法.高等教育出版社，2005.
美术理论的意义
“美术理论”的定义有两种：从广义上来讲，它是指美术史、美术批评和美术基础理论；狭义而言，它单指美术基础理论。美术理论是从美术创作、艺术家及其作品，美术同自然、社会之间的关系中总结出的规律。它主要针对美术活动而言，是人们在进行美术活动时探索的结晶。美术理论的研究范围可概括为美术哲学和美术原理，细分则就是中西美术史、中西美术比较、美术批评、现当代艺术思潮研究、美学，等等。另外，有关美术作品的使用工具、材料、制作手法以及对绘画创作的经验总结，都是美术理论研究的内容。美术理论与其他美术学科确实存在差异性，这种差异性在于，美术理论看似是程序化框架、大篇幅的理论总结，与美术创作无直接联系，其实不然，美术理论作为美术的一个分支，是艺术实践的产物，它的孕育与发展并不是孤立独行，其意义更不仅仅是理论而已。在整个文化体系中，美术与其他学科有着千丝万缕的联系。黑格尔说：“每种艺术作品都有属于它的时代和它的民族，各有特殊的环境，依存于特殊的历史的其他的观念和目的。
艺术的发展与特定的历史阶段紧密相连，是与社会综合的意识形态、经济、政治、文明传统与文化教育水平相关联的复杂而现实的问题。”从我们对美术作品的欣赏到对美术现象的认识，再到我们自己的艺术实践，无论是初次学习还是深入剖析对象，我们都会发现学科间的交叉无处不在。人文、地理、政治、自然、社会、历史、科学等学科间的相互联系，使得美术学习不仅仅停留在所谓的动手能力上，也不仅仅只是要求美术教师拥有牢固的专业知识功底。对学习美术的学生来说，美术学习更是一个贮备知识、树立正确价值观的过程。美术的发展是奇异的探索之旅，在这个旅程中会有万紫千红的景象，它向我们展示的不仅仅是东方的自然美、西方的人体美，更从一定意义上见证了历史的发展。所以，老师曾说：“美术史不仅仅是绘画史，更是一部浓缩的历史发展史。”它成了人类文化最经典的组成部分。人类从不自觉到自觉，通过实践开辟出一条美术之路，顺着这条路往下走，美术观念、绘画理论自然产生。
观念一旦形成理论，理论就具备了形成体系的条件。当然，特定时期的美学观念源自各时期的哲学思想。在哲学背景下，美学研究的是艺术发展的基本规律。哲学是理论化、系统化的世界观，研究社会发展的基本规律，各个时期的哲学思想都产生了一定的影响。回忆中国传统绘画理论的发展，每位艺术大师的实践和每一次绘画技法的传承与创新，都建立在哲学思想基础之上。先秦时期《左传》里所说图画的“使民知神奸”，不仅是中国最早的绘画理论功能说，而且决定了那个时期的青铜器装饰艺术风格。魏晋时期“玄学”兴起，中国的美学思想在此时有了一个大的转折。宗白华先生曾说：“从这个时候起，中国人的美感走到了一个新的方面，表现出一种新的美的理想，那就是认为：‘初发芙蓉’比‘错彩缕金’是一种更高的美的境界。”也就是在这个时期，中国传统绘画理论强调的诗、书、画、印开始勃勃兴起。中国传统美术理论在汉代之前，还处在艺术的不自觉，美术理论也是只言片语，到了魏晋时期，绘画、审美渐渐自觉。美术史上超级明星东晋顾恺之与南齐谢赫的绘画美学思想，是中国绘画理论的先锋，堪称中国美术理论史上的第一座里程碑。
他们的理论成果无不是艺术实践的总结。顾恺之在作画时悟出，一幅画“形”美不代表画美，“神”才是塑造人物形象的最高要求。于是他身体力行倡导“传神论”。顾恺之的“传神论”一经提出，便引来绘画界的“蝴蝶效应”，其影响从人物画，扩展到花鸟、山水画领域。谢赫在顾恺之的基础上提出自己的主张，这就是我们大家熟悉的谢赫绘画的“六法论”，即“气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，转移模写”。“六法论”指引了中国传统绘画发展方向。唐代以孔孟儒学为正统，绘画风貌“灿烂而求备”。张彦远强调“书画之气，皆须意气而成”，张璪从画与人的角度提出“外师造化，中得心源”的理论；荆浩的《笔法记》、郭熙《林泉高致集》为后来的山水画发展打下了坚实基础，并成为中国山水画的最高境界和审美标准。后来刘道醇《圣朝名画评》，苏轼、赵孟頫、倪瓒、董其昌、石涛等人的绘画思想，都为中国美术理论添砖加瓦。
到了近现代，美术理论这个巨大的车轮凭借着自身的惯性继续向前发展，徐悲鸿、陈师曾、齐白石、潘天寿、庞薰、王朝闻等艺术大师在继承前人理论的基础上，提出了新时期的绘画理论思想。这些思想凝聚了艺术大师的智慧。我们要从中吸取艺术养分，站在巨人的肩膀上才能看得更高，走得更远。中国美术的发展正是由于美术理论新鲜血液的不断注入才拥有风姿卓越的面貌。当然，我们应该结合时代背景来看问题。在学习美术理论时，我们应从传统的精华中挖掘现代性的元素，因为中国传统艺术理论中蕴藏着现代性的萌芽。中国传统美术理论只是全部美术理论的重要组成部分。对博大精深的美术理论体系，我们还需要更深刻的认识。
学习美术理论不仅让我们了解已有的艺术经验总结，更重要的是让我们学会利用经验的价值，利用前人对美术实践的总结来指导我们现在的实践。这就涉及两个必须：一个是我们必须重视，第二是我们必须学习。现如今，我们处在知识大爆炸的时代，科技的快速发展带来了艺术种类的相互交融，同样也带来了艺术的狂躁不安，这不能不说是对美术类师生的一个考验。实践在继续，遗憾的是美术理论却渐渐不与它齐名。作为一名正在研修美术理论的学生，我深感学习美术理论的重要性，同时也惋惜美术理论课程在高校的不被重视。我曾经就美术理论的重要性这个问题问过身边艺术类的同学，从反馈中知道，他们还是偏重技法的研究。就美术而言，“重技轻理”明显是个亚健康发展状态，如果艺术类学生对本民族传统的理论精华都不甚了解，忽略传统文化知识，更不用说其他相关的美术理论知识。在我们进行艺术实践的时候，没有理论指导也是盲目的实践；不能全面掌握美术知识，不重理论修养似乎只是个匠人。新时期，我们要努力做内外兼修的美术教育工作者、艺术设计师甚至艺术家。拥有一双善于发现美的眼睛，从内到外都彰显艺术气息，这样才能够使自己真正融入美术，才能使科学的实践与理论相结合，使思想转变为更富有内涵的艺术作品。#p#分页标题#e#
美术理论的学习
学好美术理论，首先我们要树立正确的学习观念。对于学生而言，要把美术理论放在一个整体的系统中学习，理论与实践、技能相结合，这是其一；其二，对老师而言，要善于利用课堂激发学生对美术理论的兴趣。在学习阶段，我们不仅要打牢美术理论专业知识基础，同时也要扩展我们的视野。美术理论具有抽象性，而它又是以纯粹的理论形式出现的。很多同学会误以为理论的东西只要记记背背就行了，这是学习美术理论的一大误区。美术理论作为美术一个分支，它是与其他学科相互关联、相互影响的，死记硬背不仅浪费精力，而且，辛苦背下的东西最终还是会被忘得一干二净。所以，我们在学习这门课的时候应该在理解的基础上记忆，理解与记忆相互结合，双管齐下。把每一条理论放在特定的背景下，想想为什么每个时代所强调的美学思想不一样，为什么艺术家之间会有差别。
我们可以尝试给自己设计问题，带着问题去寻找答案，这是一个有效的理论学习方法。学习最需要的是老师的指点，特别是理论课的学习。学习美术的同学一般正规地学习美术理论是在进入大学后，但是，美术理论课程在部分院校只是以辅助课程形式出现，并没有受到足够重视。美国教育学家贝斯特认为：“严格的智慧训练，有赖于优良的教学。”有优良的教学，才能给学生一个健康的学习环境。贝斯特在他的研究结论中也指出了理论教学的重要性。由此，要想美术理论真正以学生学习为中心，适当的理论教学改革还是有必要的，如可尝试着把理论课程与绘画技法相结合。学生在学习画画时，老师可以有意识地把美术理论里面的知识穿插到实践课堂中，画石膏模型、速写、基本素描、静物写生、出去采风等都可以结合中西方美术理论的知识点。当然，具体阶段要具体分析，比如在初高中绘画课堂，老师会根据绘画对象的特殊性，找出其特点，并对学生进行讲解。
这个时候老师就可以把西方绘画理论中所强调的明暗、光感、体积、线条、透视和色彩等基本的绘画理论方法传授给学生。老师可以多介绍一些大师的书籍和作品给学生学习，这个方法在画画的初级阶段能起到很大的作用。后期的绘画学习中，学生的画画水平达到了一定的程度，技法也比较熟练，画面上的功夫转而可以上升为画外精神，这时候，中国美术理论的经典美学思想对艺术实践能起到指导作用。比如，在中国画人物教学中，可以让学生先了解一下中国人物画的发展史，根据需要选取主要画家介绍一下他的艺术风格与成就。进入大学，美术理论课程学习偏向中外美术史这部分，好在这部分史论学习有专业老师的带领，学生也就有机会对它的整体有个大概的认识。理论课内容涉及范围很广、种类繁多，特别是中国美术史里面的理论思想更是需要有一定的语文功底才能明白。教师不仅要让同学们掌握这些知识，还要活跃课堂气氛，这样就使课堂教学有一定的难度。我们在研究生学习阶段有教学实践课，主要就是自己准备课题上台讲课，一方面锻炼自己的能力，另外一方面也可以看作是一种角色互换。
在国内美术教育的研究中，有一些关于评价方面的论文，但是，评价研究比较多的针对小学和早期接触美术的教育，对于研究性美术评价的部分还不深入，主要是一些经验型的论文，仅仅针对研究对象，还停留在经验型总结的层面，缺乏相对应的评价体系，对评价的美术教学方法阐述比较笼统，缺乏具体的指导作用，另外，国内部分美术教育研究仅仅注重了教学的内容，对美术活动过程、评价等方面如何发展学生个性的创意，探讨美学教育特征方面的研究得还不够深入。
美术教育的研究是预期要达到建立一个美术教育评价平台的成果，通过这个评价的规范模式，教师可以科学评价学生的美术作业、美术态度、审美价值，从而对于乱评和不科学的评价现象有帮助。研究将使学生和老师在美术审美中建立和谐平台，使学生美术能力和美术素养得到整合发展。确立此目标，意在将科学美学作为教育的出发点，构建出进行人文教育、科学教育、创新知识和实践能力教育的新的课程体系。科学美学价值得以体现。
美术评价是指教师对于自己课堂中学生自主完成的美术方面的成果进行的一种评价，这种评价在美术评价中有批判性、有鼓励、激发和研究性的。它是对学生在实践活动中学习效果的评价，评价的本身又是一种研究性的学习，参与学生中的教育，体验性学习，从而有效地提升学生在美术科目中总体的审美趋向、自主创新能力、自我评价和对他人合理评价的多元技术等各方面的素养。它的研究可以从以下几个方面切入：
首先是美术评价与教学的关系：使学生学会如何将美术和日常生活连接，如何提高学生艺术感知能力和让学生学会用艺术的眼光观察生活，用艺术化的方式表现生活。正确的评价对学生的影响效果的研究，错误评价对学生的影响后果，以及两者的比较分析。
其次是美术评价与激发学生互动情感：研究学生情感的变化，美学评价如何使学生通过美术与情感相互作用，利用学生成功例子与实际例子相对比得出差异，正确的评价获取途径和手段研究，结合美学评价西方历史研究，对比不同学生的反映效果。
然后是美术批评与文化教育的渗透：美学评价如何与现代思想相互的连接，增进对多元化思想的了解，加强现代美学思想认同感和美学意识。如何建立正确的评价世界平台标准。
美术中的审美标准不仅仅依靠“像”与“不像”或“对”“错”来进行评价，美是人的理解。教师对学生的一次否定将极大程度上压抑了学生勇于实践，乐于创新的精神。不论是美术的哪一门学科，中国美术高考的标准可能是学生对美术的第一个台阶，但是在跨过这个台阶以后，大学美术教育是要深刻挖掘学生的财富，让他们在自身条件限制下，发挥自己最大的优势。有些学生会因为老师一次对自己作品的肯定而转变学习观念，转变他的一生。在具象与抽象中，不要总是用画的逼真去评价学生，因为照片真实的效果并不是美术。
美术教育评价的目的是育人，其主要任务是进行美术素质教育。美术教育有别于其他科目，它有自身的独立性，这些独立的内容和方法运用在美术教育评价手段上，就明显地有别于其他专业知识性较强的课程。在这渗透审美和创造美的美术教育中，作为美术教师，对学生的评价也就相对困难一些，容易产生一些评价误差，使学生产生两种截然相反的表现。
如何去寻找正确的美的价值？如何建立正确的评价世界平台标准？正确的评价对学生的影响效果的研究，错误评价对学生的影响后果，以及两者的比较分析，如何正确的评价学生的能力和作品，这些才是我们要研究的。
实施新型、科学的艺术教育是我们国家对教师提出的信要求，因此，教师更应充分认识美术教学评价的性质及其价值，尝试将评价与美术教学进行优化结合，利用有目的、有计划的美术活动，让学生对艺术的审美特征产生浓厚的兴趣和敏感性，激活思维，诱发联想与想象，开发学生的创造潜能。更好地培养学生对美术的表现力和创造力，提高学生美术的技能、启发想象、培养创造思维，是有其理论依据的。加强美术教师素养，适应新形势的要求已刻不容缓，势在必行。
美术教育评价的灵活多样，丰富多彩，关键在于教师如何理解学生的审美观念，在美术评价中可处处培养学生的应用能力。如在“广告设计课”中教师培养学生应用性思维，用自己的广告设计思维去观察设计事物并创造出有自己个性、见解的广告作品来。如：在手工制作广告、广告作品欣赏中可让学生根据自己的构思、创意去制作一件广告成品，在作品欣赏中教师可给一些名作和优秀的美术作品对学生多进行一些“假如”，或提问：如果要你去画这个主题你又会怎样画？这些都能给学生的创造性思维创设提供一个良好的环境。
论文关键词：幼师美术审美教育;市场需求与审美教育
审美教育是幼师美术教学为提高学生审美素质所设置的课程体系中的一个重要部分。完成审美教育，使幼师学生掌握美的规律，正确的欣赏美、认识美、理解美，分清是非美丑，并在正确的审美观点的指导下进美的创造、实施美的教育是幼师美术审美教育的目标。幼儿师范的学生在毕业后大多数都会走向幼儿教师的岗位，他们是幼儿美术教育的实施者、提高民族审美水平任务的承担者和社会审美教育的重要力量。所以，幼师的审美教育在美术教学中具有重要的意义。
近年来，为了适应新形势，作为中职教育一部分的幼儿师范教育为了满足社会、市场的需求，以培养“实用型、技能型”的人才为目标，不断改革、创新，这大大提高了学生对社会、对工作的适应能力，学生毕业以后能较快的适应岗位的需求，很快投入到教学一线。但是在美术教学改革中过分强调实用、速成，很容易步入重技能、技巧，忽视审美教育的误区。笔者就不止一次的听到一些观点与建议:“幼师只要学会画简笔画、做做手工就好了”;“幼师培养的不是艺术家，一些美术鉴赏课可以改为技能训练课，没必要介绍太多的美术基础知识”。甚至有的幼儿园园长直接说“我们不需要懂多少美术知识的人才，我只要一个能适应教学、懂得装饰教室的老师就行了”。这些观点和建议无疑是舍本逐末、目光短浅的。在市场急需实用、有创新能力的人才但中职幼师学校生源美术基础薄弱在校学习时间短的情况下，审美教育更应加强。如果学生不具备感受美、鉴赏美的能力更何谈创造美、传播美?笔者认为新形势下幼师美术教学中的审美教学要注意以下几个方面:
一、注意提高自身的素质
“要给学生一滴水，自己就要有一杯水。要给学生一杯水、自己就要有一桶水。”审美教育工作意义重大，对学生的人生影响深远，作为美术教师须不断学习探索，在提高自身专业素质的同时更要提高艺术修养，要厚积而薄发，从文学、诗歌、音乐等方面汲取营养，在教学中才能充分发挥美术教育的审美功能，开扩学生的眼界，扩大学生的知识领域，陶冶学生的情操，不断提高他们的审美能力和艺术素养，使学生不但具有发现美的眼睛更具有领略文化内涵的心灵，成长为全面发展的社会新型人才。
二、注意与其他学科间的联系与迁移
审美教育在每个学科都有所体现，各个学科——不论是自然学科还是人文学科中体现的人文精神与情感体验都是相通相融的。在教学中，一方面，美术的审美教育可以渗透到各个学科的教学。例如:我校的生物教学中教师在教学生认识各类植物的叶子时，让学生将叶子做成书签、拼贴画;数学教学中教师让学生认识、理解形体，用不同的几何体来做纸雕建筑;音乐、舞蹈教学中教师让学生感受韵律、节奏、画面感……这些都是与美术的审美教学相联系的。美术教师可以不失时机的对学生的作品进行引导、建议、评价，将审美教育融入其中。
另一方面，在美术课堂教学中也可进行学科间的联系与迁移。例如:讲到画面的节奏与韵律时可以与钢琴、舞蹈、声乐相联系。讲到中西方绘画鉴赏时可以与中西方文学相联系，讲到儿童故事画创编时可与语文学科儿童文学联系……在课堂教学中联系、迁移其他学科的审美，旁征博引，会使课堂更加有趣生动，既能拓展学生的视野提高学生的积极性又能引发学生的审美思考。
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三、把握审美教育的随机性
课堂教学是一个动态发展的过程，充满变化。在日常的美术教学中，不失时机对学生进行审美教育是一个重要途径。审美教育应是贯穿于美术教学的始终的，在美术理论课、实践课中都应随机的对学生进行审美教育，这一方式在目前技能教育占“主要地位”，美术欣赏课的课时量被压缩的大环境下显得尤为重要。
四、把握审美教育的适时性
人类对美的认知是一个发展变化的过程，幼师学生所处年龄阶段的特殊性更决定了课程的内容、方法不能是一成不变的。审美教育要结合时代的发展体现时代的特色，符合学生的心理特征。
审美教育的适时性要求教师对时代的发展和社会的审美取向要有敏锐的把握。在教学内容上可以选取一些时下流行的、学生感兴趣的元素来进行分析与解读，例如:奥运会的开幕式所体现的中国特色与时代特点的结合;90后学生流行的“非主流”装扮;新近优秀电影的视觉处理;服饰的流行趋势;世博会馆所体现的建筑美学等等。这些时下流行的元素会引起学生极大的兴趣，相比较枯燥的美术史而言，教师不失时机的解析会获得事半功倍的效果。
五、注意文化的多元性
当今世界一方面不同民族、不同文化日益交融;另一方面社会形态和文化表现出多元化。各种艺术流派和表现风格更是层出不穷，尤其是现代派作品在我国迅速传播，改变了多年来写实作品占统治地位的局面，对人们的审美标准形成巨大的冲击，也为我们的美术审美教育提供了新的任务与挑战。
在课堂教学中应该拓展学生的视野，以大量的美术作品、图片、影像资料为依托进行对比教学:可以是古今的对比;中外对比;不同民族、不同地域风格的对比;不同风格艺术家、艺术作品的对比;同一艺术家不同时期作品的对比等等。例如:在介绍毕加索的作品时，我们可以将他的作品与文艺复兴时期大师的写实作品进行比较，也可以将他与中国同时期画家齐白石的作品进行比较、也可以其不同时期的作品进行分类来比较。加深学生对美术审美的印象、增长见闻、提高鉴赏能力。
六、培养学生的自主学习能力
幼儿园教师要不断成长、不断接受知识、提高专业能力，幼儿师范学校对幼儿园教师的培养目标是终身学习和终身成长，这不仅指职前培养、入职教育和在职进修，而是包括了幼儿园教师在职业生涯中提升其工作能力的所有活动。学生只有掌握自主学习的能力才能达到终身学习、终身成长的要求。
七、培养学生将审美知识和技能表达之间的转化的能力
审美能力不能停留在理论层面，最终还是要体现在实践上。学生在学会审美、产生创造美的动机的同时更要学会表达。美术审美教学不能只是在欣赏、分析，更要鼓励学生进行创作实践，例如:我们在引导学生赏析毕加索的作品《格尔尼卡》后，学生对作品的时代背景、作者的生平、作品所表达情感都有了较深入的了解。教师可以引导学生进行创作或再创作，可以是以文学的方式创作例如:写一首诗歌或者散文诗，用简短的文字来表达内心或是悲愤或是哀伤。或者进行绘画的在创作，将画面进行解构、重构，或者以手工等其他的艺术表现形式表现出来。这样学生在审美过程思想得以升华，更有利于学生创造性思维的培养。
审美教育是一个春风化雨逐步渗透的过程，不是只靠几节美术欣赏课就能解决的，这需要教师、学校、社会的共同努力。作为幼师的美术教师要不断探索新的教育理念、途径为社会为国家的幼教事业培养出优秀的人才。
参考文献
[1]尹少淳，审美能力与创新能力的对立与统一，中国美术教育2009.(3).
【关键词】美术作品 “撞车” 个性 警示
美术教育是艺术教育的一个重要组成部分，是人类延续美术文化、满足人们审美需求的一种文化教育活动，“其目的在于纠正科学理性主义给社会及人类带来的负面效应，以完善人格、表达个性、陶冶情操、提高民众的审美趣味”①。随着美术教育在我国的长足发展，“普及”“陶养”成为美术教育的主要目的和任务，并取得了可喜的成绩。
网络、报刊等的快速发展使得艺术家、美术作品与大众的交流变得容易和频繁。但是我们也注意到，“由于社会的快速开放，很多画家过多地注意绘画市场的商机，而走向照片式的写实技巧，形成大量作品的风格雷同，人物造型偏向空洞唯美，缺乏个性”②。过多的美术作品采用了相同的构图、相同的立意、相同的技法，让我们不得不感叹美术作品“撞车”的频繁。
一、从“撞车”现象看美术教育中的审美个性缺失
相同景象、相同的绘画材料，如果绘画作者不同，就会得到不同的画面效果，这是由于画家个体的差异而导致的审美差异即审美个性造成的。“审美个性是个体在欣赏美、创造美的过程中形成并表现出来的具有一定倾向性的、比较稳定的心理和行为特征”。③正是因为每个人都具有独特的审美个性，艺术家在创作艺术作品时才会形成明显的个性特色。画面的个性特色就像是艺术家的条形码，对于艺术家而言弥足珍贵。
2011年6月，由中国文化保护与发展协会、中国文学艺术界联合会、中国美术家协会及首都师范大学联合主办的“纪念和平解放60周年美术作品展”在中国军事博物馆举行，众多以题材创作的美术作品齐聚一堂。这些作品都以青藏高原为创作原型，但产生的艺术效果却截然不同，没有让观众产生“撞车”的感觉。因为艺术家将他们对青藏高原的认识、体悟都烙上了时代的背景和画家的个性特征，给予观众不同的审美感受。
当下的一些展览，我们不需要看创作者的简历，仅通过画面就能知道作者曾经在哪里学习、师从何人，有时同一个展览就有好几件“神似”的美术作品。有的创作者以能与导师或者某某名家相似为荣，在作品中不加任何掩饰地暴露其师承关系，以达到某种目的。在美术教育中我们经常会听到许麟庐先生“寻门而入，破门而出”的例子，也知道白石老人“学我者生，似我者亡”的名言，但是在教育实践中却甚少有人有这样的感悟。一些明显“撞车”的作品被冠以“风格”或者“流派”，堂而皇之进入观众视野并大行其道。
美术创作的“撞车”，是不同的绘画主体产生了相同的绘画主题，不同的艺术个体具有了相同的艺术个性，也是不同的艺术作品打上了相同的条形码。美术教育中应有的审美个性不见了，代之的是相同画面、相同表现形式。我们不得不怀疑在这些作品背后，是否潜藏着美术创作群体审美观，甚至世界观、人生观的雷同，这对于美术的发展是不利的，因为，美术吸引人之处往往在于美术作品抒发了创作者的个人情怀，散发着创作者独特的个性魅力。
二、从“撞车”现象看美术教育中的人文精神缺失
艺术家的成长，不应把目光仅仅停留在技艺的完善和提高上，人文精神的教化及培养尤为重要。特别是在艺术创作图式化越来越严重的当下，部分艺术家创作的灵感主要来源于网络媒体，缺少对社会、生活的直观感悟。但由于人文精神的培养需要一定的时间和过程，不能立竿见影，而社会上不乏以功利思想来衡量事物者，因此人文精神在美术教育中常常被视为可有可无。艺术院校的扩招使美术专业逐渐改变了以往精英教育的特点，从事美术专业的人员逐年增多，美术作品在数量上不断实现新的突破。这些作品通过各级美术馆以及互联网、平面媒体的推出，强化了艺术家与观众的交流，对国民审美能力的提升是有裨益的。但由此带来的负面影响是，一些文化素质不高的学生通过短期的专业培训而进入美术院校，美术专业学生的人文素养普遍降低。而当前部分艺术院校的人才培养方式，着墨最多的往往是对“技”的教育，我们所面临的现状是，学生的技法课从大一一直贯穿到大四，从素描静物、人体到创作技法不一而足，而美术理论一般都只开设了中外美术史、艺术概论等课程，有的美术院校连大学语文、学年论文等课程都没有开设。对画面的人文精神甚至艺术家应具备的人文素质关注严重不够。在这种重技轻艺的办学方针指引下，学生往往认为专业技法才是第一位，其他学科无足轻重。
近年来，一些画家村的设立为美术专业毕业生提供了艺术创作及交流的平台，成千上万的艺术家聚集在一起搞创作、办展览，一些美术作坊也应运而生。很多年轻的艺术家，盘踞在作坊老板提供的空间里，日复一日、年复一年地在画面上涂抹着。这些美术工作者脱离了社会，我们不知道他们这些作品的创作动机是什么，也不知道这群看似自由实则被禁锢的艺术家们在创作时有没有一丝人文精神的影子。
有的艺术家为了谋取美术创作收益的最大化，不惜牺牲收藏者利益与作品的价值，创作多幅相同的作品。这种“撞车”，是艺术家责任感和道德的严重缺失。“‘责任感、使命感’的丧失，对一个画家来说是致命的，这注定你无论如何折腾都无法走得太远，……一种绘画风格如果没有经过文化共识的审美判定，充其量只能成为自言自语式的花样而已”。④
【关键词】民间美术；产品设计；传统文化内涵；创新；运用
中图分类号：J212 文献标识码：A 文章编号：1009―914X（2013）35―585―01
产品设计是一个集艺术、文化、历史、工程、材料、经济等各学科知识的综合产物。它主要协调产品与人之间的关系，实现产品人机功能和人文美学品质的要求。包括人机工程、外观造型设计等，并负责选择技术种类，协调产品内部各技术单元、产品与自然环境，产品技术与生产工艺间的关系。[1]而民间美术的作者是人民群众和民间匠师，其中绝大多数是在劳动生产的业余时间制作的，或作为副业生产，主要为自己使用、欣赏，因此表达了他们的心理、愿望、信仰和道德观念。[2]他们把这些意识形态通过民间美术的造型和色彩表达出来，从而形成了民间美术的造型象征及色彩寓意，这些象征寓意便构成了民间美术的传统文化内涵。笔者认为把这些民间美术的传统文化内涵恰当地运用在产品设计中可以从另一角度提高其人文美学品质并丰富其外观造型设计，从而使产品设计走向一条集改良性和创造性为一体的开发设计之路。这也必将会为产品设计创造出一个新兴的市场，使传统与发展相结合，不固守也不丢弃，别出心裁地既发扬了传统民族民间文化，同时又为产品设计注入了鲜活地新生命力。
一、民间美术的分类及其传统文化内涵
1.民间美术的分类
关于民间美术，其实各国都有，且种类繁多，每一种都带着浓厚的文化底蕴与人文情怀，也传承着更为伟大的国民精神和艺术启蒙，是一个国家最具民族特色的传统文化。单是我国的民间美术种类便已繁多到使许多美术理论家们在研究的过程中各持己见。如李锦璐、邓福星、王朝文、左汉中先生分别在自己的研究论著中有着不同的分类。这里主要介绍一下左汉中先生在《中国民间美术造型》中的分类。他将民间美术分为平面造型、立体造型和综合造型三大类。平面造型主要包括年画、剪纸、刺绣、织锦、印染花布、民间绘画等，立体造型主要包括泥塑、竹木雕、石雕砖刻、陶瓷、布制品、面塑等，综合造型主要包括风筝、皮影、灯彩、活动玩具、游艺活动等。这也正说明了对民间美术的分类很难有一个非常精确的界定，有的品种交叉于两类造型之间，如风筝，在山东潍坊一带是纸扎艺术与木版年画的结合体；皮影是雕刻与绘画的结合体；面具和一些泥、木玩具则是雕塑与彩绘艺术的结合体。[1]
2.民间美术的传统文化内涵
民间美术的传统文化内涵主要是通过民间美术的造型和色彩来表达它深刻的内涵和美好的寓意，同时，这些造型和色彩不断地为人们所传承并成为民间美术中最富有美学价值的一部分。首先，中国民间美术的造型上比较注重对形象符号的刻画，如鸡和羊的刻画表达了吉祥如意的内涵，金鱼的刻画代表了金玉满堂，蝙蝠的刻画表达了福自天来的思想内涵，竹子和花瓶的刻画则表达了祝报平安的吉祥寓意，莲子的刻画表达了人们连生贵子的美好愿望，等等。色彩上则具有强烈的装饰性和表现性，如民间美术色彩中常用的黑、白、红、黄、青，不仅使画面的色彩形成鲜明的对比，色彩丰富且具有视觉欢，还表达了中国传统五行中的五色观。[3]
二、民间美术与产品设计的创新结合
1.产品设计的多方需求
首先，作为一个新兴的产品，无论是获得更好的经济效益还是提高大众审美，都应建立在符合市场需求的基础上，并对社会的发展有着不可估量的作用。其次，所制造出来的产品必须要以实用功能为主，要使用起来方便快捷。再次，产品的制作工艺要简单而环保，且质量过关。只有这样，才能诞生一项成功的产品设计。
由此可见，新兴的产品市场庞大但要求甚高，无论是社会发展与个人需求，都离不开创新与进取，在前人的基础上总结经验教训，达到大众的认可。这时候，产品设计就显示出了它难以轻易被人们满足的特点。因此，民间美术如今便适时的为产品设计提供新的创作来源，为其注入新的活力。
（1）产品造型设计的民族风格
民间美术造型在产品设计中的运用，可以赋予产品造型设计以民族风格。产品设计注重外形感受，而在民间美术中，有着一种独特的，复古的美感，这种独特属于国家在千百年来保存并流传着的特定的美感，在产品设计中起着至关重要的作用。
产品设计中，运用传统民间美术的装饰方式，可以使其更加饱满的情感，吸引和打动消费者，是一种创新与传统的结合，超现代的具有民族风的产品设计思想。如借鉴传统的造型（有民族特色的花纹和形状）并将其进行再设计，把再设计出来的造型与产品设计的技术相结合，则可将民间美术给人在视觉感受上的震撼力运用到现代产品设计中，从而夺得大众的喜爱与关注。
（2）产品色彩设计的民族风格
作为视觉表现力的色彩配置，民间美术上鲜明而又自然的色彩是能瞬间抓住人眼球的利器。这种能代表产品的独特的标杆色彩，首先给人以独特的可以区分的视觉印象，使人们对于新型产品产生一个比较鲜明的、首要的、独特的视觉留影，从而惦念着不愿轻易放弃拥有的权利，于是便会为产品的未来发展提供不可逆的好影响。此外，产品美观的外形和良好的包装一直是产品设计不可忽略的问题，民间美术的色彩多样化更加提高了产品的欣赏美学价值，这是一种长期的，首要的产品生产任务。
2.新兴产品的市场发展
一项好的产品的生产目的是为了能获取更大的利益或者社会认知度，而把民间美术运用到产品设计中是取之于民用之于民，是融合了传统与创新，那必将扩大出一个独立的消费市场，并能使新型产品在市场上获得更大的认知，得到更加广泛的认可。此外，民间美术作为传统的艺术形式为产品设计在开拓民族市场上，发挥着巨大的作用，这会使产品设计有着更加广阔的市场与更加广泛人群的关注。而这时的产品设计则肩负着巨大的使命，它要有一个独特的设计思维与运作格式，集复古与创新于一体，将设计与市场密切结合，创造更多更好的产品。
产品设计反映了每个时代的经济、技术与文化，而现代的产品设计从来就不缺乏创造与发展，但是却很难将传统的民间美术融合其中，创造出国民喜闻乐见的，具有国家特色的产品。尽管目前有很多人都在尝试着重拾传统民间美术，且也付诸了行动，但是，所涉及的领域还太狭窄，笔者呼吁社会及相关同好，定要将民间美术这标新立异的国粹发扬光大。因两者结合共同发展能让现今高速发展的社会更加注意到民间文化的兴衰，增加人们的爱国热情，同时，民间美术在产品设计中的运用，也能使两者同时达到前所未有的历史高度，是具有开创性的传承与发展。
参考文献：
[1] 百度百科“产品设计”
[2] 张燕 中国美术色彩在现代平面设计中的运用 学位论文 2004-01-23
[3] 王飚 论中国民族民间色彩与现代艺术的结合 理论月刊 期刊 2006-03-22
关键词：现代纤维艺术；轨迹；现象；推动
“纤维艺术”一词由 英文 “Fiber Art”翻译而来，“Fiber Art”一词首先是美国艺术家于20世纪70年代提出，至80年代被广泛使用，其目的是为了区别于欧洲传统的“壁挂艺术”这一名词。什么是纤维艺术?目前在我国的学术界和辞典、教材中虽没有准确的界定，但一般有两种概念：一种是狭义的，泛指编织艺术的延伸，侧重欣赏型艺术；另一种是广义的，既有欣赏型也有应用型，既有服饰型也有装饰型，既有织也有印、绣，只要由细小纤维构成的，都可以称为纤维艺术。综合以上两种说法，笔者认为，所谓“纤维艺术”，是指与人类生活息息相关的，以天然的动、植物纤维(丝、毛、棉、麻)或人工合成的纤维为材料，用编结、环结、缠绕、缝缀、粘贴等多种制作手段，创造平面、立体形象的一种艺术。
一、发展轨迹
关于中国现代纤维艺术发展的 历史 轨迹，国内不少专家多有论述，众说纷纭。比较权威的有北京服装学院的尼跃红教授把中国现代纤维艺术的发展归为复兴、丰富和发展的三个阶段。清华美院林乐成教授认为中国现代纤维艺术从时间、名称和艺术创作风格上，可分为三个时期，即编织艺术——平面创作时期、软雕塑艺术——立体表现时期、装置艺术——空间塑造时期。清华美院染织系主任田青老师将其发展分为三个时期：(1)编织艺术平面创作时期；(2)软雕艺术立体表现时期；(3)纤维艺术空间塑造时期。综合以上学界专家论述，笔者认为将其分为“起步期、发展期、提高期”三个时期较为符合实际。
1．起步期：始于20世纪70年代末。在这一时期主要以传统的壁毯形式为主。其特点是运用传统的栽绒工艺，追求写实的画面效果，大多数由著名的照片或绘画作品复制而成，仿制画面生动逼真。其艺术风格是质朴、简洁、概括、平面化，这其中不免带有粗糙和简单。此时期从事纤维艺术的主要是地毯行业的创作人员。
2．发展期：发展于20世纪80年代末。这一时期的纤维艺术真正从传统壁毯工艺脱胎出来，以崭新的设计理念、完美的表现形式成为国际纤维艺术中的一族。此时期从事纤维艺术的人员不断增多，尤其是老一代艺术家的加入，使纤维艺术在中国美术界引起了很大的反响。其特点是突破传统壁毯的工艺与材料，追求纤维材料独特的艺术语言；其表现形式逐渐由平面到半浮雕，最后出现完全立体化的“软雕塑”；其艺术风格也逐渐由简单、平面化向丰富多样、情感化、立体化发展。这一时期离不开与国际同行之间交流的增多，视野的开阔，工艺娴熟，理论的提高及思维的转变。
3．提高期：到20世纪90年代末，则进入了一个全新的时期。高科技迅猛发展，新材料不断涌现，现代人不仅要追求材质、形式的美感，而且还要享受场景、环境空间所带来的活力；不仅把眼光放在传统的材质与技艺上，同时还要追求时尚与流行。他们把光与影也运用到设计中去，追求作品与环境的高度统一，并构成一个整体，达到多元化价值的体现，打破单一学科观念，树立交叉文化理念，追求多元化材料(如金属效应、薄透效应、闪烁效应)。在工艺上，则更不受局限，百花齐放，各显千秋。
由此可见，现代纤维艺术在中国的发展经历了由追求绘画效果到开始追求立体表现再到对材质、肌理、空间、观念相结合的全面探索的过程。
二、发展现状
自2000年以来，中国的现代纤维艺术发展进入了前所未有的发展时期，有以下突出表现：
(一)团队初具规模
2000年1月8日，清华大学美术学院工艺美术系正式成立了纤维艺术工作室，由林乐成、张怡庄、蓝素明、洪兴宇四位教师承担起了工作室的教学和科研及对外学术交流工作，并将举办国际纤维艺术展暨学术研讨会列为首选申报课题项目。此后的几年中，全国有近50所高校相继成立了现代纤维研究室，从而壮大了研究团队，促进了中国现代纤维艺术水平的发展。
(二)理论逐步形成
近年来，随着中国当代纤维艺术的发展，现代纤维艺术著作《现代纤维艺术》和《当代纤维艺术》分别在2000年和2004年出版发行，还有近百篇有关现代纤维艺术的科研 论文 相继发表。清华大学美术学院纤维工作室率先发起“纤维艺术普及 教育 运动”。2004年，中国教育出版社还将纤维艺术编入了全国高中美术教材，2006年出版了由林乐成、王凯撰写的《中国高校通用设计教材——纤维艺术》，随着纤维艺术教材在新一代青年人中的推广和应用，“纤维艺术”已不是一个陌生的艺术名词，而是作为一种艺术形式、一个文化载体、一门人文学科，受到了越来越多人的了解和喜欢。
(三)作品质量不断提高
几年来有不少纤维艺术工作室创作实践的作品先后入选“艺术与 科学 国际作品展”、“从洛桑到北京”——国际纤维艺术双年展等国内外大型展览，并分别获得国际金、银、铜等奖项，国内外共获奖一百多项。随着现代纤维艺术在国内外影响的不断扩大，现代纤维艺术进入一个全新时期。20世纪90年代后，北京市政府会议大厅、香港行政公署、北京昆仑饭店、中苑宾馆等大型公共建筑空间中都能看到纤维艺术作品。随着我国 经济 的飞速发展及人民生活水平的不断提高，纤维艺术已成为影响现代生活或是评价现代生活质量的一部分；纤维艺术将从公共空间进入私人居室，成为体现主人文化品味的、格调高雅的室内装饰品。
(四)展示平台相继推出
为了展示现代纤维艺术作品的魅力，促进交流与研究，我国陆续举办了一些具有国际影响的展览和大赛，如“首届中国壁画大展”、“北京国际美术双年展”、“艺术与科学国际作品展”、“中国地毯图案大赛”等，特别是自2000年至今四届“从洛桑到北京”——国际纤维艺术双年展在中国的成功举办，提供了一个中国纤维艺术家展示自己作品的平台，同时也成为国际纤维艺术家交流、合作的平台，激发了各国艺术家的创作热情。
(五)中国现代纤维艺术发展存在的不足
【论文摘要】 装饰绘画属于绘画门类的一种,拥有着任何绘画都有的共同画面语言元素——点、线、面。点、线、面是画面中造型的基本元素,具有符号和图形的特性,体现着各种视觉上的感观。同时点、线、面又展示着创作者的人文思想与思维方法,并在装饰画面中永恒存在着。
装饰绘画属于绘画门类的一种,与其它的绘画门类所要表现的意义有着一样的共同点。同时装饰绘画又有其自身的独特性,通过画面本身表达作者内心的装饰情感及思想内涵,并通过多种材料的制作,运用装饰规律作用于装饰空间。因为同属于绘画艺术的范畴,所以其内容也是用来反映生活中的事物、人文思想、记录历史、装点空间的。本篇着重分析装饰绘画画面中的点、线、面的价值和意义,它们在画面中相对于色彩而言是永恒存在的,并能够表达画面主题的基本语言元素,分析它们的特性可以进一步明确它们在表达画面主题时的各自差异,同时对于分析创作者的情绪语言也是很有帮助的。
1 装饰绘画简介
装饰绘画以其特有的装饰韵味和独特的艺术语言陶冶着人们的心灵,美化着人们的生活环境,很早就成为了绘画门类中不可缺少的一个门类。装饰绘画的发展历程可以追溯到新石器时期的彩陶艺术,以及夏、商、周时期的青铜纹饰,秦汉时期的瓦当和画像纹样,汉唐时期丝绸制品上的图案纹样,宋明时的瓷器纹样和敦煌莫高窟的壁画,以及富有极其浓郁地方特色的民间手工艺。以上这些都充分体现了传统装饰艺术的强劲生命力和其特有的神韵。已故着名工艺美术家陈之佛先生在他关于装饰学的手稿中写到“装饰可以说是一种思想”,也可以说装饰绘画是画家对自己内心精神世界的表现,与其他门类的绘画同样具有其时代的烙印,而点、线、面这三种造型基本元素在画面里所反映的视觉特征也明显的带有历史时代的气息,是研究某个历史时期绘画作品风格、特征的依据。通过对装饰画面中的语言表达因素的研究,对于研究装饰艺术的发展和造型规律、发掘和整理其规律,是很必要的一个课题。
2 点、线、面的特性和功能
点、线、面这三种元素是人类在绘画发展历程中运用的永恒语言。抽象派画家康定斯基在论述点、线、面的特性和功能时说点、线、面是造型艺术表现的最为基础的语言和单位,它们具有符号和图形的特性,能表达不同的性格和丰富的内涵,它们抽象的形态赋予了造型艺术的本质及超凡的精神。点、线、面在装饰绘画里,不论要表现的主题是具象的还是抽象的或是意象的都是那么的重要,因为它们是视觉元素的一部分,永远的体现着各种视觉上的感观。创作者在视觉逻辑美的前提下,可以真实的在画面上向人们再现具象的画面,通过发挥联想和幻想将现实与梦幻,主观与客观,真实与虚幻融汇,从而表现抽象的主题。
3 点、线、面的情绪特征
正是前面所述的这些,来分析思考这三种元素作为一种媒介传达的艺术家们的情绪世界及存在的必然。它们的形成是人类主观要对所处环境,加以主观记录或客观的再现而产生的,是人类生理视觉的需要,也是人类具有抽象思维的一种验证。
3.1 点 点,作为绘画艺术中的最小视觉元素和语言元素,它的产生是必然的。“点”在现代几何图形中没有长、宽、厚,而只有位置。是画家在创作画面时,从具象到抽象,从复杂的
视觉世界中提取出来的最为简单的视觉语言元素。“点”在画面上的突出抹掉了空间在画面上的价值,使得空间变的更加意象了。我们欣赏北宋画家米芾的《萧湘奇观图》,这幅作品完全使用水墨并强化“米点”,不去沉溺于传统的山水画的那种用笔墨的勾皴来表现那些树林、山石,而画面效果也就有了那些“点”的组合出来的视觉信息,也成就了差异于在此之前的山水画的特殊的神韵。当我们欣赏米罗的那幅《米罗美术馆听觉室的共鸣板》的同时,发现了“点”的意义被米罗推到了一个及至,米罗要在画面里所要表现给人们的空间变的更加意象。画家米芾和米罗,将点、线、面抽象出来直接装饰他们的情绪世界,哪怕那是具象的感觉,但更多的蕴藏了画家个人的抽象情绪,而且在努力突出着“点”的韵律组合。他们力求从复杂的具象景物中提取更为简单抽象的图形语言因素,是为了更好的表达他们对那些景物的感知,从而让他们内心的那种情绪感染每一个人的视线,对于画面来说那不单是一种单纯的表达景物,而更多的是一种情绪的升华与满足,是一种心灵上的装饰。“点”在装饰画面里运用是广泛的,可以理解为是对画面的一种说明,“点”没有本身的长、宽、厚的限制,只有位置的几何图形的这种特征,使它对画面产生的视觉冲击,对活跃画面气氛,平衡画面组成显的那么不可或缺。它同时也丰富了画面的层次,“点”的各种形式的排列可以产生不同肌理效果的“面”,这时点作为装饰绘画里略显单一的表达语言开始活跃起来,这是“点”作为画面语言出现的一种表现手段,同时也是艺术家的一种思维组合形式的体现,作为装饰画面里最小的语言单位它本身就是一种情绪的流露,同时“点”作为一种符号,也就传达给我们一种独特的视觉信息,就像一段悦耳乐曲的音符,传达着一种视觉的慰藉。
3.2 线 “点”在空间里连续移动所产生的轨迹,使人类在视觉上抽象出“线”的存在。当我们欣赏一幅绘画作品时,“线”把画面中停留的那种瞬间的情感连接成一片,使我们的情绪潜移默化的随之流动着,这种情绪的流动是发自我们内心深处的,相对于这种视觉语言来说,它让我们感受着画面里充满的种种矛盾、聚合与分割。一个“点”任意移动所构成的图形,可以划出直线和曲线的痕迹。“线”作为几何学中的定性,比“点”的表达意象程度丰富的多。在二维的空间里,“线”只有长和宽,没有厚度的描述着绘画的主题。画家把对事物的观察,通过线条的组织表达画家的感觉,同时也为观赏者转述可视的形象。东方绘画艺术,尤其是中国画在线条的运用上,可谓匠心独具,传统的中国画线条很讲究线条的本身韵味,画家把本身的思想与情绪寄托于线条的长短,虚实,抒发着画家的感性认识。在中国书法和篆刻的艺术世界里,彰显着线条的恒久魅力,书法和篆刻可以说是把线的表现发挥到了极致,同时线条也把书法和篆刻艺术表现的淋漓尽致。
作为构成书法和篆刻的主要语言元素,艺术家赋予了线条灵性,意象的表达着艺术家的感情历程,篆刻中所传达的那种阴阳相生相克的视觉冲击,被线条分割、连接、融汇的那么自然与完美。对于装饰绘画里的线条而言,它是依附于形体之上的,同时线条也会独立于形体之外,而充分的表达着其自身的形式美。其一,现代装饰绘画的线条依靠形体的变形,变形而不破形,筐形而不媚形,变形使得线条显得不过于呆板而富于变化,同时也产生了线条的自身韵味和装饰性。例如敦煌壁画中的“飞天”婀娜多姿,线条圆润、流畅,四肢舒展,彩带似云飘拂。这时的线条在其造型上显示出了这一时期所独有的风格样式。其二,靠线条本身的组织、结构,线条的穿插关系以及虚实浓淡的变化,关键在于线条对于形体而言结合的和谐,且富于形式的美感。最重要的是变形后的形体能够很大程度地表现对象,更能抒发画家内心的那种装饰情绪,和追求那种独到的装饰性及风格。从古代的地中海地区、埃及、希腊、罗马等地区的装饰图案中可以领略线条在其装饰图案中的价值,其中的线条肩负记载历史、事件等画面的主题,同时也成为一种视觉符号。
3.3 面 从客观的角度来讲唯一存在于我们所处环境中的,真实存在的只有我们称之为“面”的视觉元素。与点、线等造型元素性质相比较,面的能量表现更占优势,任何点、线的扩展延伸都以面的形态出现,所以面在构成画面时以较大的形态出现,充分发挥其不同的量感,影响着整个空间的意味。去仔细揣摩克里姆特的作品《吻》,其中在人物服饰的创作上集合构成了大小不等微量元素但规律排列的面,使画面即充满节奏又不失图案的生动变化。面可以分很多种,其中包括虚面和实面,不同的面质给人不同的感受,同时在画面中创造着不同的空间感观,反映着创作者不同的情感思绪。在克里姆特的《人生的三个时期中》中,背景应用直线分割,把平板的空间分成上部分黑色平涂,形成实面,而下部分应用了不同肌理处理手法,形成虚面,这种虚实对比打破了背景空间的单调。在背景之间,主题人物之间,以及主题和背景之间应用了不同的实面和虚面构成了不同的亮度层次,形成了丰富的节奏感,同时不同的实面虚面表现的量感各有不同,充分传达了作者要表达的主题人物和思想。这些作品里所用的面已成为克里姆特表达自己内心世界的一种媒介,一种比文字更能透析自己心灵的语言,对于画家那是心灵的表述,对于画面那是一种装饰的表达。
4 结论
装饰绘画作为绘画的一种,凭借着自身的独特性,美化环境装点空间。点、线、面作为装饰绘画的基本语言单位,充分发挥着自身的特性、构成的美感,传达着创作者的审美及情感,而其自身韵味和装饰性在装饰绘画中也充分的体现出来。作为装饰画面中基本单位元素——点、线、面将永恒存在着,在不同历史时期的装饰作品中发挥着他们的价值和意义。
5 参考文献
1 韦自力.设计一点通-面构成[M].广西美术出版社,2004:6
2 赵殿泽.构成艺术[M]辽宁美术出版社,1987:6
3 德比奇(法),徐庆平译.西方艺术史[M].海南出版社,2001:9
4 中国美术史及作品鉴赏编写组.中国美术史及作品鉴赏[M].高等教育出版社,1997:7
一、 体验是《美术课程标准》在《美术教学大纲》上的突破。
课程标准是国家课程的基本纲领，是国家对基础教育课程的基本规范和质量要求。《美术课程标准》是全日制义务教育中，国家对不同阶段的学生在知识与技能、过程与方法、情感态度与价值观等方面的基本要求，规定了美术课程的性质、目标、内容框架，提出了教学建议和评价建议。毋庸质疑，它对美术教材、教学和评价具有重要指导意义。但是，在特定的教育情境中，无论是教师还是学生对给定的内容都有自身体验、自身理解、自身解读，课程的内容和意义在本质上对不同的人必然是不同的。因此，课程不只是“文本课程”，而是师生真切地体验到、感受到、领悟到的“体验课程”。
与现行的《美术教学大纲》相比，《美术课程标准》不仅突出了以学生为本的教育理念，注意知识和技能的学习，还特别强调了学生在学习过程体验学习方法和过程，体验美术活动的乐趣。它更关注了学生学习时的体验，体验也使美术学习进入了生命领域。因为有了体验，美术知识与基本技能的学习不再仅仅属于认知、理论范畴，它已扩展到情感、生理和人格领域，让学生在体验的过程中，审美趣味和审美能力不断提高，情操不断得到陶冶，丰富视觉与触觉的感受，发展美术实践能力，形成基本的美术素养。不难看出，《美术课程标准》也是美术课程观上的一次变革，它必然对教学改革也发展产生重大影响。
二、 体验是传统学习方式向现代学习方式的转变。
此次课程标准充分体现了“以学生发展为本”的基本理念，在内容设计上，改变了以往单纯以学科知识体系构建课程的思路和方法，而是以教学活动来设立学习领域。即“造型表现”、“设计应用”、“欣赏评述”、“综合探索”四个领域。这种把教学内容由“静态”“平面”转化为“动态”与“立体”的划分，突出了学生主体的作用，更突出了学生学习活动的方式的重要地位。
发挥学生主体性必须有多样化的学习方式，学习方式的转变自然成为本次课程改革的核心任务。它变改原有的单一、被动的学习方式，建立和形成旨在培养创新精神和实践能力的学习方式，促进学生在教师指导下主动地、富有个性的学习，从根本上说就是要从传统学习方式转向现代学习方式，而体验性则是现代学习方式最突出的特征。
体验是身临其境或亲自实践，感受事物、环境的丰富和微妙，并产生独特的情绪和认识。体验既是一种活动，也是活动的结果。作为一种活动，即主体亲历某件事并获得相应的认识和情感；作为活动的结果，即主体从亲历中获得认知和情感。美术活动无论是创作还是欣赏，都是在创作欣赏者自身体验的基础上进行的。基础美术教育面对的是中小学生，在美术活动的过程中，学生既需要诉诸心理、生理，又诉诸情感的美术语言：色彩、线条、构图、明暗、加以体验，更需要在尝试各种工具、材料和制作过程中完成任务，到达掌握知识和技能目的，不能以简单的讲解代替学生的感情和认识，而是在美术活动体验中到乐趣，培养学生审美能力，提高学生审美趣味。这种情感和理性的统一，脑力与体力的结合，与现代教育心理学所倡导的：学习的过程不仅是接受知识的过程，而且是一个发现问题、分析问题、解决问题的过程。在这个过程中，学生必然会产生各种疑难。困惑和矛盾，学生只有经历探索新知，才能与获得新知的“体验”教学观是一致的。
同时建构主义认为：学习者的知识是在一定的情境下，利用必要的信息，通过意义的建构而获得的。他们反对传统教学情境化的做法，提倡情境性教学，这种教学是使学习者在与现实情境相类似的情境中发生，以解决现实生活中遇到的问题。这富有创建性教学思想实际上就是让学生通过实际行动亲身经历或心理上虚拟经历，获得认识或情感。这种实践、心理的亲历性正是体验的本质特征。美术教学中，教师以各种生动有趣的教学手段，如电影、电视、录像、范画、参观、访问、旅游、甚至故事、游戏等方式也是在创设情境，让学生体验，增强学生对形象的感受能力与想象能力，激发学生学习美术的兴趣。
三、 体验是其个性特征和美术价值观的统一体。
从体验的个性特征来看，由于每个人的遗传素质、社会环境、家庭条件和生活经历不同，他们在性格、兴趣、爱好、特长、气质、需要各不相同、各有侧重，这种个性的本质特征的独特性的不同，必然对事物的前理解不同，故体验也各不相同。即便对于同一事物，不同的主体也完全可以以不同的方式去亲历，得到不同的认知，产生不同的情感。因此体验是个人的、个性的，是不能相互取代的。
一切艺术作品都是个性的体现，没有个性就没有艺术；没有个性的存在，没有个性表现的自由，也就不会有创造力。因此，丰富而自由的个性是一个社会能产生具有丰富创造力的根本原因所在，也是艺术作品展示人的丰富性之所在。美术作为造型视觉艺术，在促进人的进步和社会的进步方面，在促进个性形成与全面发展方面，体现出独特的价值。美术课程作为九年义务教育阶段的必修艺术课，在实施素质教育的过程中有着不可替代的特殊作用。
目前从我国的美术课程改革的目标来看，更多的是一种导向性目标，而非标准性目标，这就意味着在美术活动中每个学生都未必达到一个标准，应在自己的基础上获得不同的发展，这实际上就是尊重学生的个性。保护个性本质特征的独特性，也就是 保护学生的差异性，因为差异不仅是美术教育的基础，更是学生发展的前提，应视为一种财富而珍惜开发，使每个学生在原有的基础上得到完全、自由的发展。正因如此，我国新一轮基础教育改革方案中把：尊重个性、重视个性发展列为教育原则。
体验是美术活动的最基本的因素，“体验，是人的生存方式，也是人追求意义的方式”，体验作为“体验课程”和教育学中的一种话语，值得每位美术教师在美术教学中探究。
主要参考文献：
1：周小山主编：《教师教学究竟靠什么？》北京大学出版社2002年版。
2：朱慕菊主编：《走进新课程——与实施者对话》北京师范大学出版社2002年版。
关键词：美术教学；渗透；法制教育
学科渗透是进行法制教育的有效途径之一。在初中美术教学中，如何才能快速机智地发掘法制内容，随时、顺势地对学生渗透法制教育，从而将教学内容与法制教育进行无缝衔接，达到润物细无声的法制教育效果呢？经初步探索，笔者得出以下几点结论。
一、深钻教材，善于发掘美术学科教材中的法制教育内容
一些人认为，能在初中美术课中进行渗透的法制教育内容的资源十分匮乏，其实，所谓的资源匮乏，准确地讲指的是灵活把握知识，勤于动脑的匮乏。如果我们勤于动脑，深钻美术教材，将初中美术资源的内涵加以拓展，我们就会发现教材上的一些图片资源是非常丰富的。教师可以充分利用这些图片资源材料，采取灵活多样的教学方法，潜移默化地对学生进行法制教育。如在教学美术（人教版）七年级（下）“生机勃勃的春日景象”第9页彩图时，教师可以联系春天大自然的景象，顺势渗透《中华人民共和国环境保护法》第二十四条规定：采取有效措施防止其他活动中产生的废气、废水、废渣、粉尘、恶臭气体等对环境的污染和危害。借此告知学生要多了解环境保护法，不要乱丢垃圾、废渣，要让我们的家园变得更加干净舒适。又如在讲解（人教版）九年级美术（上）“中国美术的辉煌历程与文化价值”第1页展示出土的古代玉器、彩陶、青铜器图时，可渗透《中华人民共和国文物保护法》，让学生从小养成保护文物的习惯，告诫学生在参观文物时不要在文物上乱涂、乱画、乱刻，甚至销毁文物。
二、选材贴近生活，拓展美术学科中法制教育资源的内涵
《九年义务教育课程标准》强调：“教材应尽量适应具体的教学情境，具有可操作性，以适应不同地区的教师和学生的需要。”在渗透法制教育时，教师应当从地方的实际情况出发，选择贴近生活的素材，将课程资源的内涵加以拓展，这样就会发现非常丰富的美术教学资源。
例如，在教学（人教版）初中美术九年级（上）“读书与藏书的情结”第7页时，教师让学生通过观察图片上学生读书的情景，联想到今年班上来读书的学生是比上学期多了还是少了，并分析增多或是减少的原因。此时在和学生的讨论过程中，就可以轻松渗透《义务教育法》和《未成年人保护法》。此外，面对失学的同学，教师还可以组织学生开展“寄语卡片”的活动，以表达对不能来上学的学生的关心之情，在这个活动中，可用旧挂历、杂志、报纸等做卡，以节约用纸，保护森林，这一过程又可顺势渗透《中华人民共和国森林法》，从而使学生认识到保护森林的重要性
这种贴近学生实际生活的美术课堂，不仅可以拓展美术学科中法制教育资源的内涵，还能让学生感到无比的亲切，从而使教学的可行性和可操作性程度得到大幅度的提高。
三、创设氛围，在启迪学生心扉中渗透法制教育
新课程标准要求：教师应激发学生学习的积极性。如果法制教育只是要求学生死记硬背概念，或靠教师念经似地照本宣科，其结果只能是学生学习得毫无兴趣，教师讲课也毫无动力。因此在美术教育教学的过程中必须做到师生互动、平等参与，只有在这种课堂氛围下，才会激发学生的求知欲，才会在启迪学生心扉中渗透法制教育的内容。如讲授人教版《美术》八年级上册第4页《让人们的生活更美好》（设计・应用）时，教师可先引导学生欣赏人民大会堂、“永远盛开的紫荆花”雕塑、办公环境的设计、住宅的客厅设计等不同的环境设计作品，同时，在引导学生以艺术家的敏锐眼睛捕捉自然中美好的事物，体会环境艺术形式表现出的自然与人之间形成的和谐美时，创设氛围，顺势渗透《环境资源法》，讲述合理保护、利用环境和自然资源的重要性。这样的学习氛围会对学生产生很大的触动，能引起学生的内心共鸣，也就达到了润物细无声的法制教育作用。
四、善于联想，随时随地捕捉“法”的身影
在一个法治较为健全的社会里，从广泛的意义上讲，法就在你身边，生活中处处有法。在教学过程中，只要善于联想，一段话，一个词，一张图片，都可以捕捉到“法”的影子，都可以渗透法制教育的内容。如，讲授（人教版）初中美术九年级（上）第19页“剪纸的意蕴”一课时，因为剪纸于2009年申报非物质文化遗产成功，所以在这一课中可以渗透《中华人民共和国非物质文化遗产法》；在教学（人教版）初中美术九年级（上）第3页时，从苹果公司掌上电脑、台式电脑的设计中也可以渗透《中华人民共和国知识产权法》。
五、结语
总之，加强小学生普法教育是整个社会的共同责任，课堂是普法教育的主战场，在课堂上既要让学生学到文化知识，又要不失时机地渗透法制知识。这就需要教师在初中美术教学过程中找准切入点，多动脑筋，多发现，多创设氛围，只有这样才能使学科渗透法制教育这一教学方法收到良好的效果，才能真正培养出知法、学法、守法、品学兼优的一代新人，才能促使他们身心健康快乐地成长。
参考文献：
1.《中华人民共和国环境保护法、海洋环境保护法（中英对照）》 法律出版社，2003（2）.
2.《义务教育美术课程标准（2011年版）》 北京师范大学出版集团、北京师范大学出版社，2011.
3.安利民.试论初中美术新课程课堂教学的特征[J].新课程（教研），2011.6.
【关键词】公共艺术 艺术性 公众性
公共艺术是城市历史文化建设的一个标志，与生活密切相关，与社会密切相关，与文化密切相关。在全球城市化的热浪中，深圳作为中国最早的对外开放城市，城市的建设不仅是满足衣食住行的需要，人们开始追求精神上的满足、视觉上的冲击、感情上的愉悦。公共艺术的概念也逐渐渗透到深圳市民的生活之中，随着城市的发展而发展，越发显现其艺术魅力。探讨与研究深圳公共艺术的发展，可以从中看到一个城市文化的缩影。
一、深圳公共艺术之初成
城市的公共艺术，反映着城市的艺术与文化层次，用艺术形式提高城市公共建设的文化内涵。公共艺术，从狭义上讲，公共环境中的艺术品可以表现人们在经济环境改善后，对环境的美化，对美好生活的憧憬与追求。从另一个角度看，公共艺术不仅美化城市的公共环境，还作为一种文化观念成为当代公共政治学的另一种表达方式，反映政策的施行与成长，利用公共艺术的设计理念，反映城市各个阶层的发展现状，是现代社会政策和政治观的简化，使公共艺术成为政治语言，用一种符号的形式展现给世人。
公共艺术不同于传统艺术，公共艺术是贴近百姓，服务于百姓的艺术形式，公共艺术强调创作艺术品有公众的参与，民众需要艺术家优秀的作品去引导，同时艺术品也要面对公众，所以公共艺术的创作既要具有艺术家的设计思维，还要符合民众的审美。公共艺术在城市环境中既是表现人文环境，也是对自然、生态、物质环境的体现，同时创造人性化的公共生存空间，深圳的公共艺术作品伴随着特区的成立而发展。潘鹤先生的《孺子牛》也称为《拓荒牛》，不仅是一件优秀的雕塑作品，更重要的是象征深圳城市的开拓精神，作为城市的精神财富，《孺子牛》成为深圳公共艺术的一个象征。《孺子牛》最早放在深圳市政府大院里，之后从政府大院里挪到了深南大道的城市环境中，从某种角度说也是一种突破，值得赞美。1998年孙振华①先生策划的公共艺术作品《深圳人的一天》②，作者随机选取深圳不同阶层的18位普通人作为原型，真实地刻画出他们平凡而真实的身影与表情，记录了深圳各个阶层人士一天的生活，引发了社会各界的关注与争论。这件作品是由深圳市政府出资的项目，创作方案征求民众的意见，是一个具有平民视角的公共艺术。它的成功与当时深圳开放的氛围是密不可分的。
如果说《拓荒牛》成为深圳早期公共艺术象征性作品，表现深圳城市开拓精神的话，那么《深圳人的一天》则成为公共艺术成功记录深圳城市发展的见证，并且表现出富有时代精神的象
征性。
二、深圳公共艺术之发展
公共艺术发展需要一定的条件，与国内其他城市相比，深圳作为全国四大一线城市之一，具有一定的经济基础，另外深圳政府极力倡导“文化立市”，大力支持文化产业的发展。尤其是成功申请了“设计之都”，为深圳增添了国际文化色彩。
“公共艺术在中国”学术论坛于2004年10月23日至24日在深圳举办，希望能够搭建一个公共艺术理论平台，促进深圳公共艺术水平的提升，同时也希望促进中国公共艺术水平的发展。对于深圳公共艺术的发展而言，成功举办4届深港双城双年展，在国内具有很大的影响力，通过双年展的举办，让公众参与其中，亲身体验公共艺术的魅力，真正欣赏、理解公共艺术给城市带来的生机与活力。连续多年举办的深圳当代雕塑艺术展，海纳百川，包容汇聚了来自海内外艺术家的作品，装点在深圳的华侨城生态广场、OCT创作园以及华侨城生活区，使之成为公共艺术作品的一个高品位亮点。
2009年3月17日下午，“深圳雕塑院”③正式更名为“深圳市公共艺术中心”④，成为国内第一家以“公共艺术”命名的国家事业单位，成为深圳公共艺术逐步发展的一个里程碑。深圳市公共艺术中心的成立，是深圳作为“设计之都”的一项重要举措，公共艺术中心承担公共空间艺术的研究、策划、推广、创作等工作，并将全面负责深港城市建筑双城双年展的日常工作，通过双年展的举办，构建一个平台，让市民共享艺术家和设计师们的专业成果。更重要的职责是围绕公共艺术概念的推广，全面系统地梳理深圳30年来公共艺术发展的状况、成就、问题，让公众了解公共艺术，关心深圳公共艺术的发展，提高市民的整体文化素养，参与其中，才能不断创作出符合深圳城市特点的公共艺术作品。韩家英⑤认为，“一个著名的公共艺术品可能成为一个城市的符号，如果这个中心的成立，能够让大家知道公共艺术在城市中的价值，那么这个中心就有很大意义了。”
深圳这座城市魅力无限，优秀的建筑物代表深圳这座城市的气韵和内涵，也是深圳公共艺术的集中表现。正如深圳当代雕塑艺术展的策划人黄专⑥所提出的，公共艺术品往往体现着这个城市居民的生存状态、审美趣味乃至文化精神。公共艺术品对于城市而言，不仅是为了装饰、点缀城市环境，它代表了这座城市的品位，透露出这城市的气韵神态。城市公共艺术作品，（转第页）
（接第页）体现民众的文化底蕴和审美观念，是一座城市的精神文化标志，其中蕴涵着民主平等和人文关怀。因此，公共艺术也被大众看成“城市名片”来审视城市的发展。公共艺术是深圳文化立市不可忽略的一个组成部分。
三、深圳公共艺术之期许
深圳公共艺术的建设、发展与深圳的城市建设同步，需要艺术家和设计师在设计公共艺术品时，注意城市环境和人文景观的结合是否符合大众的需要，让大众了解公共艺术语言，不仅是公共空间中的雕塑、景观等公共设施，更是渐渐成为大众生活的一种文化现象。公共艺术既是艺术品，也是功能设施，体现出具有艺术价值之外更重要的文化精神价值，符合公共艺术的公共性。
创造公共艺术对城市经济建设的活力，从而推动社会的和谐，基于民主性，真正体现民主观念，吸纳大多数人的意愿，提升民众的参与性。以全新的观念塑造深圳的文化艺术形象，创造出的公共艺术品留下深圳历史的记忆，让刚来深圳的人能够通过其塑造的公共艺术品对深圳获得了解和印象，展现一个完美的城市形象。建造属于深圳独有的城市公共艺术品，将深圳打造成为艺术之都，形成一种独特的风格和样式，在创新中为深圳寻求发展变化之美。创作关注深圳弱势群体的公共艺术，具有教化意义的公共艺术品，培养民众对城市的责任感和归属感，利用公共艺术呼吁民众关心、关爱身边的弱势群体，使得创作的公共艺术具有教育意义，实现的方式也是综合性的，可以利用雕塑、建筑、绘画、园林等形式来表达。促进公共艺术文化的繁荣，构建公共艺术空间，塑造城市之灵魂。人们把临时性、动态的、功能性的艺术形式纳入公共的艺术范畴，形成一种新的公共艺术形式，标志着深圳形象的公共艺术融入中国当代社会。
深圳公共艺术作为一种精神诉求，展现了一个城市的文明和发展，塑造并传播城市的文化形象，符合时代的发展进程，以完美的艺术形式展现城市的魅力，打造有深圳地域特色的公共艺术空间，营造艺术的深圳、文化繁荣的深圳。
注释：
①孙振华，出生于湖北省荆州市。中国美术学院雕塑系教授、博士生导师，中央美术学院客座教授、硕士研究生导师，深圳雕塑院院长.
②《深圳人的一天》城市公共艺术雕塑，1999年11月29日落成.
③深圳雕塑院1991年成立.
④引自《一次为了公共艺术的聚会》深圳市公共艺术中心挂牌仪式侧记.
⑤韩家英，中国知名设计师，1961年生于天津，1982—1986年就读于西安美术学院工艺系装潢专业，1986—1990年任教于西北纺织学院服装系，手绘创作并丝网印刷海报《人以食为天》等，1990年任职于深圳万科企业有限公司影视部，后任职万科文化传播有限公司设计总监，1993年成立韩家英设计有限公司。
