高中美术教学探究篇1 一、图像识读素养内涵概述 图像识读指对美术作品、图形、影像及其他视觉符号的观看、识别和解读。通过学习美术课程,学生能以联系、比较的方法整体观看图像,感受图像的造型、色彩、材质、肌理、空间等形式特征;以搜索、阅读、思考、讨论等方式,识别与解读图像的内涵、意义;从形态、材料、技法、风格及发展脉络等方面识别图像的类别;知道图像在学习、生活和工作中的作用与价值,辨析和解读现实生活中的视觉文化现象与信息[1]。根据《普通高中美术课程标准(2017年版2020年修订)》对图像识读核心素养的界定,教师可以从观看、识别、解读三个方面把握图像识读核心素养的内涵[2]。学生具有良好的图像识读素养,在美术鉴赏时就会获得丰富的感受与体验,同时图像识读素养也会随着学生参加美术鉴赏活动的增多而不断提高。因此,教师要提高学生的图像识读素养,必须从图像识读素养的内涵出发,开展有针对性的美术鉴赏教学。 二、在高中美术鉴赏教学中培养学生图像识读素养的重要性 美术鉴赏是运用感知、经验、知识对美术作品和美术现象进行观察、体验、联想、鉴别与评价,从而获得审美经验,提高艺术品位的美术活动[3],其是一种需要鉴赏者全身心参与的综合审美活动。因此,高中美术鉴赏课并不是让学生简单重复地观看艺术作品和了解相关作者,而是试图让学生通过观看、识别、解读的方式对美术作品和美术现象形成深层次的理解,学会用艺术的眼光与方法看待生活和自然,这样学生能够正确地辨析和解读生活中出现的视觉文化现象。高中阶段的学生思想逐渐成熟,往往有自己看待世界的标准与想法,有对美好事物的追求,情感较为强烈。但此时学生的压力往往较大,个别学生的心理与生理可能会出现问题。因此,在高中美术鉴赏教学中培养学生的图像识读素养是十分有必要的。 1.提升视觉感知能力美术是视觉艺术,将文化视觉化、艺术化[4],古往今来的艺术家往往通过美术作品或美术现象表达思想和情感。因此,在美术鉴赏中,具备敏锐的感知能力是学生后续构思与创作表达的基础。在鉴赏课中,加强对学生图像识读素养的培养,有助于提升学生的视觉感知能力。对学生视觉感知能力的培养重在感知,在课堂中,教师通过多样且有效的教学方法,提高学生对作品的感知度,可使学生的视觉感知变得更加敏锐。在美术鉴赏课中,教师长期注重培养学生的整体感知,能够帮助学生提升对事物的感知能力,使其拥有发现美的眼睛,不仅能正确地评价艺术作品,而且能够在生活中发现美好的事物,面对现实的视觉文化现象感知到其中的关键信息,把握其主要特征。 2.增强视觉辨别能力以往,部分学生认为美术等于绘画,美术鉴赏就是欣赏绘画,其对美术鉴赏的认知存在局限。因此,在教学中,教师需要通过对学生图像识读素养的培养,开阔学生的美术视野,打破学生对美术的认知偏见,这有利于学生了解丰富多彩的美术形式。通过对不同美术形式的鉴赏教学,学生能够区分不同的美术类别,掌握作品中的材料、技法、风格及发展脉络等。美术鉴赏需要学生不断地深入挖掘作品的形式与内容,在这个过程中,学生通过学习美术语言,能够在感知作品时具体指出作品美在哪里。在课堂教学中,教师需要通过学生对作品的把握,提升其视觉辨别能力。 3.强化视觉解读能力经典的美术作品往往具有深厚的文化底蕴和较高的审美价值。除了要分析美术作品中表现的美术语言,利用视觉经验、文化修养等解读作品的内涵和人文意义,也是美术鉴赏的重要形式。在美术鉴赏课中,学生能够学会深入解读艺术作品,理解、体会艺术作品之美,这是一种剖析美术作品文化意蕴的能力。引导学生多层次、多角度分析作品,有利于提升学生对图像的视觉解读能力。这样,学生日后在面对类似的作品时,就会运用已经掌握的知识和能力解读作品,解决相关问题。在课堂中,教师需要引导学生站在艺术家的角度,体会作品传达的情感,提取作品蕴含的文化信息,形成独特的见解。 三、在高中美术鉴赏教学中培养学生图像识读素养的教学策略 1.注重整体感知,强化审美感受人们在欣赏艺术作品时,有时不需要经过过多思考就会判断作品美还是不美,观赏者能作出这种判断凭借的就是本身的直观感受。艺术鉴赏活动应当始于感知艺术作品[5]。高中生往往有着一定的艺术修养,并拥有较强的理解能力。所以,在高中美术鉴赏的教学过程中,为了培养学生的图像识读素养,教师更应该注重提升学生对艺术作品的整体感知能力。具体来讲,教师可以引导学生整体感受经典美术作品的形式特征,让学生观看之后凭借直观感受,用几个关键词或简短的句子描述自己对作品的第一印象。在整体感受作品时,为了加深学生的体验,增强学生对作品的艺术感知,教师可以引导学生调动多感官参与,这会大大丰富学生的审美感受,增强其对作品整体的把握能力。如,在人教版高中美术《如何鉴赏美术作品》一课教学中,教师通过吴道子《八十七神仙卷》和凡·高《戴草帽的自画像》(图1)这两幅作品向学生介绍,长短、疏密、角度、速度等不同的线条给人的不同感受。教师在让学生简单观看这两幅作品之后,试着用关键词描绘自身的感受。面对单一的视觉冲击,部分学生有时难以深入理解线条带来的不同感受。因此,为了加深学生对作品的整体理解,教师可以播放不同节奏的音乐,让学生在音乐中加深对不同线条的感受。《八十七神仙卷》中匀质舒畅的长线条可以搭配节奏舒缓悠扬的古典乐曲《梁祝》片段,让学生更好地理解这种匀质舒畅的长线条营造出的如流水般圆润连绵的感觉。《戴草帽的自画像》中短促交错的线条可以搭配节奏明快且强烈的《命运交响曲》片段,让学生更好地理解到这种紧密不连贯的短线条塑造的力量感,感受凡·高强烈的情感。在学生调动多重感官参与鉴赏之后,教师再让学生用关键词概括表达自己对作品的感受时,其往往更容易理解与把握作品的特征。在鉴赏课教学中,多感官参与能使学生深刻地感受到作品的形状、色彩、材质等形式特征带来的冲击,从视觉感知逐渐上升为审美直觉感知,从而不断提升学生的图像识读能力,强化其对艺术作品的审美感受。 2.采用多样比较,提高分辨能力在美术鉴赏教学活动中,要使学生很快地分辨与判断艺术作品的所属风格、流派等,比较法是最直观且有效的方法之一。中外艺术史上,杰出的艺术家往往有鲜明独特的风格,其艺术风格体现在作品的形式、内容等方面[6]。因此,不同的艺术作品往往有着不同的风格属性。学生在分析作品的形态、材料、技法、风格及发展脉络等的过程中,通过比较更能辨别出事物的属性异同。如:学生可以比较相同题材的作品,感知各流派艺术风格的不同之处;可以比较同一画家在不同时期创作的作品,以此感知其绘画风格的发展变化;也可以将艺术作品与现实的场景相比较,感受艺术来源于生活又高于生活的魅力;等等。多种多样的比较有利于提高学生的视觉分辨能力和鉴赏能力。高中生课业较多,如果教师在美术课堂中照本宣科地教学,往往会影响学生对课堂的参与度。这样的美术鉴赏课不仅难以起到教育作用,反而可能会成为学生的负担。基于此,在游戏活动中进行比较,是提高学生学习效率、美术学习兴趣的良好办法。如,在鉴赏中国传统名画《韩熙载夜宴图》(图2为局部)时,教师就可将其与西方文艺复兴时期的巨作《最后的晚餐》相对比。在课堂中,教师可以组织“我有你没有”的游戏活动,让学生通过自主探究、主动查找资料的方式,在找出两幅作品不同之处的过程中,理解两幅作品在形式与内容方面的差异。具体在课堂教学中,教师可以把学生分成两组,使其分别负责研究两幅画作,在类似辩论的游戏中,要求学生依据作品的形态、材料、技法、风格等方面对比作品,找出两幅画作具体的不同之处。教师通过让学生对中外绘画史中较为经典的两幅作品进行游戏式的对比,能够提升学生的辨别能力,使学生明白这两幅名画并没有优劣之分,其代表的是不同文化之中不同的审美观念。在以往的美术鉴赏课当中,一些教师占据了主体地位,影响了学生的积极性。教学不仅包含教师的教,而且包括学生的学,因此,鉴赏课教学不应是教师的“独角戏”。在课堂教学中,教师通过游戏式的对比,把课堂的主动权还给学生,让学生在课堂中获得快乐,可使其从多角度深入地理解作品,提升学生对画面信息的提取与表达能力,增强学生对视觉信息的观察与思考能力。 3.强调文化解读,增强运用能力据《2020中国网络视听发展研究报告》,2019年我国网络视听产业规模达4541.3亿元,截至2020年6月,我国网络视听用户规模达9.01亿人[7]。由此可见,随着科技的发展,视觉文化时代已经悄然到来。在网络视听用户中,有一部分用户就是高中生,高中生虽然在生理、心理上都与成人相近,但是其心理发育还未完全成熟,视觉文化当中的不良信息可能会使其陷入一定的审美误区。因此,当前培养学生对各种文化现象与信息的提取、判断与辨析的能力显得尤为重要。美术鉴赏不仅要关注美术馆和博物馆中的艺术作品,而且要关注现实生活中的经典视觉文化对象。在美术鉴赏课堂教学中,教师可以针对当前社会的热点事件,举办新闻漫画比赛,让学生根据了解到的事件信息,围绕新闻稿进行相应的漫画创作,运用掌握的美术知识帮助人们更好地理解新闻事件,弘扬新时代的真善美。新闻漫画创作一方面有利于学生了解时事热点,明白所学的美术知识和技能在生活中的作用与价值,体验到美术的魅力;另一方面有利于学生提取、判断与表达文化现象中的信息。对于学生的发展来说,能力的提升并不能代表全部,文化道德的底蕴才是提高审美素养的根本。学生在鉴赏过程中受到文化熏陶,从而将各种文化道德知识转化为内在的气质,不断提高审美素养。在学生创作新闻漫画前,教师可以结合徐悲鸿的《风雨鸡鸣》,除了向学生介绍作品形式上以线造型和大笔渲染的手法,还要注重挖掘作品的文化底蕴。徐悲鸿受到《诗经·风雨》“风雨如晦,鸡鸣不已”的启发,创作出这幅作品。通过画面,学生感受到的是徐悲鸿的拳拳爱国之情和美术创作者承担的社会责任,这使学生对所学的美术知识的意义有了更深的理解。又如,在欣赏剪纸艺术时,学生需要了解中国民间剪纸艺术通常会借助谐音或象征的手法表达吉祥的寓意,如,石榴喻示多子多福,桃子榆树长寿,桃子和蝙蝠组合喻示福寿双全,等等。这样,学生才能理解中国剪纸作品表达了人们对美好生活的向往。在美术鉴赏课中,教师要充分利用文化资源,不断促进学生理解美术作品的现象及其背后的文化内涵,增强优秀文化对学生的熏陶与感染。为了提高学生的鉴赏能力,培养其图像识读素养,教师要有意识地转变教学方法,不拘泥于一般的教学形式,在课堂中构建灵活、有趣、逐次递进的美术学习平台。鉴赏能力的提高要通过对学生观看、识别、解读三方面能力的培养,使学生不仅学会如何鉴赏艺术作品,而且形成正确的审美态度。 作者:王丹 周跃兵 高中美术教学探究篇2 一、当下职业高中美术课堂教学遇到的困境 传统教学理念下,美术学科并非职业高中阶段的重要科目,一些学校、教师、家长、学生对美术教学发展前景不感冒,造成美术学科被其他学科占用的情况严重。尽管很多学校相继开设了美术课程,然而因为不够重视其教学与发展,造成美术授课观念比较落后,美术教师缺乏授课动力,因为对教育模式的研究不够深入,因此难以满足学生的美术学习需求。近些年,随着新课程改革脚步的加快,职业高中学校开始注重素质教育,使美术教育的地位不断被提升,然而成效不够明显,存在的问题仍然较多,没有切实发挥出美术课程的价值与功能。1、教学模式不够合理教学模式不合理,将直接导致美术教学质量低下。在传统授课观念与模式下,教师往往是课堂的主体,他们掌控着课堂的发展方向。很多教师以灌输的方式在课堂中为学生讲解美术知识,这种枯燥、单一的教学方式,使学生学习的主动性严重低下,缺乏主动探索美术知识的欲望和激情。过于死板、呆滞的教学,难以让学生全身心地投入教学中,因此无法达到高质量教学的目的,使美术教学步履维艰。2、教学观念相对保守一些教师与家长的思想较为守旧,他们将重点放在了学生的高考主要科目的学习上,分数至上的观念突出,觉得学生只要将考试升学的科目学好即可。此种教学观念造成一些学生忽视了对美术学科的学习,甚至放弃了学习这门学科的念头。对于素质教育下德智体美劳全面发展的理念与方向,一些教师和学生没有充分的认识清楚,导致不够重视美术课程,过于保守、落后的教育观念,让美术学科的受关注度严重下降。3、学生自身的兴趣不足学生是学习的主体,一旦他们没有养成对美术学习的兴趣,即便教师多么认真地引导,也无济于事。通过统计得知,很多学生将精力和时间放到了对高考科目的学习中,无暇顾及对美术学科的学习,很多学生认为学习美术是浪费时间,对他们的高考没有太大的帮助,因此,不愿意将注意力和精力转移到对这门学习的学习和研究中。可以说,学生的这种心态直接导致了美术学科教学质量的低下,难以实现质的提升。 二、职业高中美术教学工作的开展策略 1、丰富教学内容中职美术教材虽然几经改版,但是万变不离其宗,主要就是为了夯实中职生的美术基础,所以,教师必须要以现行的美术教材为教学蓝本,用好美术教材,扎扎实实的上好美术课。但是,教材的容量是非常有限的,单纯依靠教材进行美术教学往往会单调、枯燥,不能满足学生美术学习的需要。还需要教师创造性的使用教材,挖掘教材中美术艺术的内涵,在发挥传统教学优势的基础上丰富美术教学内容,拓宽学生的美术认知,拓展学生的艺术视野,使学生学习和掌握更多的美术技能。例如,充分挖掘和利用学校资源、自然资源、社会资源和网络资源等具有地方特色的美术教育资源,丰富美术教学内容。还可以结合学校和学生实际组建各种美术小组,如漫画创作小组、写生小组、国画绘画小组、油画绘画小组、版画绘制小组、图案设计小组、艺术摄影小组、泥塑兴趣小组、剪纸艺术小组等,为学生搭建美术交流平台。又如,在美术课堂教学实践过程中,教师可以引入民间传统文化,结合剪纸、花灯、竹编、泥塑、刺绣等一些极为常见化的优质生活资源进行教学导入,让学生对不同风格的民间手工美术产生浓厚的探究欲望和学习兴趣,对接下来的美术新课程学习产生强烈的求知欲,在激发学生对于美术知识学习浓厚兴趣的同时,提升学生美术综合素养与鉴赏水平。2、巧用微课技术在课堂上,教师可以借用微课的优势,增强学生对实物的整体性和深刻性的认识,培养学生的观察能力。教师可以首先以微课视频的方式展示实物的形态,使学生从整体视角观察了解实物形象:依托微课视频从内到外、从大到小地展示实物具体构成,使学生跟随微课视频有效锻炼视觉和思维,对实物展开从整体到部分的观察了解,进而高效开展绘画教学。以“大卫写生”为例,美术教师在实际教学环节,可以具有针对性地采用理论与实践教学相结合的方法。职业高中美术学生普遍欠缺素描石膏像基础知识,在学习素描石膏像基础知识的过程中较为吃力。为此,教师应优先选用信息化美术教学方法,在备课过程中事先录制完成石膏像《大卫》的相关美术知识,然后在微课讲授中运用凝练、通俗易懂的语言讲述古希腊罗马雕塑的艺术特征,使学生能充分认识到古希腊罗马雕塑的表现力、故事情节性等相关知识。教师还应提前提炼相关知识点,帮助学生攻克石膏素描的难点,促使学生在石膏像素描过程中全面把握雕塑艺术的特征,对石膏像进行精准素描:第一步,用概括的线条画出大卫像的外形轮廓,确定五官的位置及结构;第二步,深入刻画外轮廓,确定明暗交界线的位置,并铺上色调;第三步,铺出画面的大体明暗色调,画出背景,初步展现大卫像头部的体积感;第四步,深化画面的明暗关系,表现画面的色调层次,注意整体的黑白灰关系;第五步,加强对细节的刻画,使主次、虚实关系更加恰当地展现出来;第六,调整画面的整体效果。3、采用激励评价新时期职业高中美术教学过程中,想要让趣味教学法发挥出最佳教学成效,美术教师还要针对学生展开公平、公正、客观的激励评价,保持每一名学生主动积极学习美术知识的兴趣以及提升学生的美术学习自信心。具体来讲,在进行优质化的教学评价过程中,美术教师需要结合教学实际情况,针对学生展开“分层式激励评价”。也就是说,美术教师结合不同层次、不同水平、不同能力的学生提出不同教学要求,并且做出相应的教学评价,要充分挖掘学生的闪光点与不同之处,对学生进行表扬、激励和赞赏,确保学生始终保持对美术学习的热情和兴趣,在未来美术学习路上变得更加自信、乐观、开朗。 三、结语 综上所述,教师要通过各种手段提高高中美术教学的有效性,为学生构建优质的美术学习环境,使学生的美术核心素养得到全面发展,助力我国美术教育事业的发展与完善。 作者:李红英 单位:邯郸市邯山区职教中心 高中美术教学探究篇3 1、高中美术鉴赏教学中存在的问题 1.1美术鉴赏教学的趣味性尚待提高美术鉴赏对象多停留于教材内容之中,因而趣味性、新奇性与吸引力较差,高中生难以对鉴赏对象产生足够强的好奇意识、认知兴趣与求知动机。艺术作品的趣味性、新奇性、艺术性以及质量性是美术鉴赏教学的生命线,因而美术鉴赏对象难以激发高中生的认知兴趣与探究欲望必然导致鉴赏教学的失败。这样,现阶段的美术鉴赏教学暴露出课堂活动在趣味性、新奇性、诱导性的严重不足,难以激发高中生的认知兴趣、探究热情、鉴赏动机以及发展意识。因此,美术鉴赏教学无法得到良好的主体状态与能力支持,弱化了美术鉴赏教学的群众基础,自然无法满足新课标对美术鉴赏教学的实施要求,没有对高中生施加积极影响。 1.2美术鉴赏教学的交流性明显不足美术鉴赏观察的实施过程较为简单落后、枯燥乏味,因而高中生之间进行信息交流的密度、频度与效度远远不够,教学质量与教学效果难以达到预定目标。美术鉴赏教学的实施过程直接决定着高中生的认知体验、情感态势与探究效率,因而课堂活动的实施过程已经背离生本性与人文性,必然导致美术鉴赏教学失去强大的主体支持与能动保障。因此,美术鉴赏教学没有实现课堂活动中的交流性与互助性,没有整合高中生的集体智慧与群体合力,自然没有按照新课标的具体要求实现高中生的自主学习、合作探究与互助成长。另外,课堂交流还能够提升高中生的兴奋程度与创造潜能,因而高中生固有的主体发展潜能尚待开发。 1.3美术鉴赏教学的品质性有待完善在美术鉴赏教学中,高中生对于课堂讨论的参与性、深刻性、品质性远远不能达标,没有整合出高中生的群体智慧与团队合力,没有为高中生积累足够多的艺术滋养、美育元素、思想精华与品德资源。集体讨论是高中生交流认知结果、分享探究经验、沟通艺术体验以及整合审美心得的互助平台,因而合作探究活动的弱化必然导致美术鉴赏教学的低效、低质开展。因此,美术鉴赏教学没有按照新课程标准的实施要求为高中生创设一个高品质、高体验、高收益的艺术鉴赏、审美体验、思想教育以及品德熏陶的生命成长空间。而且,美术鉴赏教学的人文性也较弱,没有激发出高中生的认知灵光、拓展冲动、创新灵感与生命律动。 2、新课改下解决美术鉴赏教学问题的对策 2.1提高鉴赏对象的趣味性新课程改革要求教师立足教学内容,为高中生提供尽可能多的类似艺术精品,提高鉴赏对象的趣味性、新奇性以及体验性,以此强化高中生的参与意识、探究动机与认知兴趣。这样,高中生的生命活力就会得以激活,鉴赏积极性以及思考主动性也会水涨船高,从而使高中生的主观能动性得到全效释放与科学利用。例如,教师在美术鉴赏教学中可以为高中生提供“莫奈”的经典绘画作品《印象·日出》,让高中生在波光粼粼、朦朦胧胧、雾气交融的海景图中看到红日初升中的蒸蒸日上与活力四射,也能够看到灰色与黑色相互交融后的一丝杂乱与阴暗,更能够从因光线不足而成为黑色的“两只小船”上感觉到一点低沉与压抑。因此,经典绘画作品《印象·日出》是一个多种情感元素隐含于其中的矛盾组合体,具有丰富的想象空间,因而使高中生的鉴赏活动、主观剖析以及友好交流更加丰富多彩、趣味横生。可见,教师提供的经典绘画作品《印象·日出》能够激发高中生的认知兴趣与探究动机,也能够在多维交流中感受到矛盾的快乐。因此,教师可以为高中生提供一些趣味性、多样性、兼容性较强的美术鉴赏作品,以此开启高中生的主体观察、集体讨论、共同交流的合作探究过程。 2.2提高鉴赏观察的交流性新课程改革要求教师提升鉴赏过程的开放性、自主性与交流性,为高中生创设一个用眼观察、用脑思考、用嘴交流、用手积累的主体认知过程,促使高中生进入大脑兴奋、情绪激动以及心理愉悦之中。这样,高中生的观察过程与交流过程就会更加积极主动与科学高效,帮助高中生学会观察、学会交流、学会认知。例如,教师在美术鉴赏教学中可以为高中生提供“梵高”的惊世之作《向日葵》,在经典作品《向日葵》中“梵高”用简洁的线条勾勒出“向日葵”的花瓣、花盘以及斑斑绿叶,因而整个绘画作品充满了生命力、冲击力与拓展力。而且,以“黄”为主的层次性、渐变性以及丰富性能够给予高中生良好的视觉刺激、听觉冲击、情绪感染以及心理激荡,因而能够直接对高中生的内心情感、精神状态以及主体心情产生强烈的震撼。这样,高中生就会群情激昂地说个不停,将个人的观察所得与剖析结果表达出来,形成良好的信息积累与智慧结晶。因此,高中生可以一边鉴赏,一边将自己的认知体验与实时想法进行广泛交流,在各抒己见中交流认知,有效提升高中生的观察效果、鉴赏效果以及认知效果,帮助高中生积累更多更好的艺术滋养与审美体验。 2.3提高鉴赏讨论的品质性新课程改革要求教师提升鉴赏讨论的全民性、合作性、探究性与品质性,能够成为高中生创设一个自由发言、友好交流的集体讨论活动,有效汇集高中生的群体智慧与认知成果。这样,高中生就会在畅所欲言中尽情展示自己在艺术鉴赏、主体思维、审美能力等方面的独特之处,借助表现意识提升高中生的认知能力。例如,教师在美术鉴赏教学中可以为高中生提供“保罗塞尚”的名画《苹果与橙子》,在名画《苹果与橙子》中“保罗塞尚”用高超的调色技术以及绘画技术展示出色彩的渐变性,以此展示名画《苹果与橙子》中的光线不同、阴暗变化、线条差异。而且,名画《苹果与橙子》具有突出的立体感、真实感与体积感,在色彩的渐变过程中实现了不同色彩的完美统一与和谐交融,自然具有非常高的艺术成就。为此,教师要利用多媒体设备将作品进行大幅展现,引领高中生一起挖掘名画《苹果与橙子》中的艺术滋养与美育元素,实现深度认知。这样,高中生在面对名画《苹果与橙子》时,就会受到强烈的感官刺激与心理冲击,在色彩对比、形体对比、明暗对比中尽情交流自己的个性观点与认知体验。总之,在新课程改革理念的科学指导下,教师开始自觉反省教学、查找问题、寻求对策、解决问题,因而直接推动了美术鉴赏教学的实质性进步,为高中生构建出一个艺术化、审美化、体验化、高效化的成长环境。因此,教师在美术鉴赏教学中积极践行质量意识与效益意识,自觉提高鉴赏对象的趣味性、鉴赏观察的交流性、鉴赏讨论的深刻性、鉴赏积累的创新性、鉴赏教学的时代性,切实推动鉴赏教学走向提质增效与创新发展,逐渐按照新课程改革的实施要求去科学完善美术鉴赏教学,自觉为高中生创设最优化的艺术成长空间、美育发展区域。 作者:汪琦钰
插画设计毕业论文:特殊技法插画设计论文 中国画的表现方式主要有两大类,一类是工笔画,另一类是写意画。工笔画强调的风格是工整、细腻、清新,绘制的速度比较慢;写意画强调的风格是粗犷、洒脱、率真,绘制的速度比较快。白描的描法有许多,仅人物画就有所谓的“十八描”,如高古游丝描、铁线描、行云流水描、钉头鼠尾描、曹衣描、兰叶描、战笔水纹描、减笔描、橄榄描、柳叶描等。创作工笔画的步骤可以是:确定好白描稿后,先用深浅不同的墨分染十次左右,然后用调好的颜色一至三遍地罩染。 我国插画艺术的发展道路是漫长的,其与传统的中国画艺术息息相关。大量中国古代的绘画作品都体现出浓厚的插画意味。先秦时期的《山海经》古图虽然已遗失,但根据考证,该书都是附有插画的。现存于世的明清诸家《山海经图》中精美的畏兽异鸟图像对理解这本天下“奇书”、认识远古社会以及山川信仰,有着无可替代的作用。又如20世纪70年掘的马王堆帛画《社神图》《天文气象杂占图》等,这些关于历史题材的图画,一方面标志着中国传统绘画的起源,另一方面说明了插画早期的基本形态,开辟了中国文化史上以图叙事的先河。再如东晋画家顾恺之的《洛神赋图》《女史箴图》等传世摹本,作品中文字与图画相得益彰。由此看来,最初的插画和国画白描相辅相成,是一个整体。 在造纸术和印刷术没有发明之前,书籍只能靠手抄本作为宣传的手段,使用中国画白描的表现方法是手抄本的主要表现方式。随着印刷术的推广,书籍的出版和插画的复制就更加省力了,并可大批制作,使得插画的形式逐渐丰富和成熟起来。此时,版画已发展成为最为主要和独特的艺术门类,与插画相伴左右。如目前发现的世界上最古老的印刷品《金刚经》,它的卷首扉页刊记的年代是唐懿宗咸通九年,它采用雕版印刷而成,布局精美,线条流畅,刻画圆熟,展现出了成熟的版画插图技法。从五代十国起,中国的插图已经用于历书和类书了。到了宋代,由于人们对通俗读物的需求日益增加,各类图书大量印刷和出版,著名的作品有《尚书图》《梅花喜神谱》《列女传》等。这些作品从图到文刻印俱佳,使用价值很高。元代宗教插图继续占有重要的地位,插图在实用书籍中的地位越来越受到重视,如《全相平话五种》是连环画的通俗读物,共有插图228幅,人物动态生动自然,且无雷同之处,表现出当时较高的版画水平。 综观中国插画的发展历史,宋元是插画快速发展的时期,明清以后就有所停滞了,这和当时的闭关锁国政策有很大的关系。之后,西方的文化思潮、绘画风格、艺术流派对我国的艺术产生了巨大的影响,中国传统的木版水印逐渐被西方的铜版、石版、照相制版等印刷方法取代,原来以白描和小写意为主的绘画造型方法在西方艺术形态的影响下,展现出了崭新的面貌。20世纪30至60年代,是中国插画的繁荣时期,徐悲鸿、李叔同、高剑父、高奇峰等文艺青年到日本或欧洲留学,他们回国之后,提倡中西结合、洋为中用的绘画风格,创作了《鲁迅小说全集》《阿Q正传》《小二黑结婚》等一批文学插画。20世纪60年代是插画艺术在明清之后的又一鼎盛时期。这些插画艺术多采用了中国工笔人物画的表现手法。从20世纪70年代至今,我国的现代插图发展了起来,改变了仅仅用中国画的手绘表现效果,借鉴了西方绘画的众多表现形式,如立体派、未来派、达达派、超现实主义、风格派和构成主义等。这些表现形式给插画设计带来了巨大的影响和变化。插画风格多样,包括中国古代传统写实的风格,还有抽象表现风格、超现实主义表现风格、装饰表现风格、卡通表现风格等。插图的绘制材料广泛,工具不仅仅是画中国工笔画的工具,彩色铅笔、炭笔、色粉笔、蜡笔与油画棒、水粉、水彩、丙烯、马克笔、彩色墨水、喷笔、计算机等都可以用于插画设计。插画的应用范围也扩大了,中国古人以图书并称,“凡有书,必有图”,传统插图在文字中间帮助说明文章的内容。现代插图不仅应用在书籍中,而且应用在宣传品广告中、商品包装中、网络中、影视作品中等。其中,宣传品广告主要包括招贴广告、牌匾灯箱广告、年报样本以及宣传页等广告媒体形式。商品包装插画包括唱片包装上的插画、T恤中的插画、徽章中的插画等。 现代的中国工笔画创作也改变了传统的绘画方法,出现了许多新的表现技法,如用细砂纸打磨熟宣纸:在表现石头、牛仔裤、粗布等粗糙质感时,可以用细砂纸轻轻打磨纸,然后再在打磨好的位置上色;丙烯点染:纸面上的一些位置经过反复擦洗后会出现斑驳、模糊的特殊效果,由于丙烯有耐水性的特性,而用丙烯点染过的地方还是清晰的,画面形成对比的效果;积水撞色法:先用淡墨或者颜色画出形状,水分可以多一些,然后再用浓墨或颜色点染,让其自由流动,这种方法可以画树干或者迷彩服等;蘸吸法:首先把纸面打湿,用撞色法混合颜色,等到稍干后,用毛巾或海绵对色彩进行吸附,可以得到微妙和丰富的肌理。 古代中国工笔画和插画艺术是有异曲同工之处的,联系得十分紧密。但是,现代中国工笔画创作和插画设计都按照自身的艺术规律绽放出各自不同的艺术魅力。现代中国工笔画创作按照纯艺术的特点,画面效果达到供人们欣赏和陶冶情操的目的,在传统中国工笔画的技法中,使用一些特殊技法能够使画面效果更加丰富。而插画设计按照实用美术的特点,特殊技法多样,工具不限,只要能够为广告、包装、网络、影视等行业服务即可。 作者:李丽华马媛单位:中州大学艺术设计学院 插画设计毕业论文:商业教学插画设计论文 一、深入浅出地进行临摹和构图训练 在课程的第一周可以通过临摹、构图训练的形式进行切入。对没有插画基础的学生来说,提起笔来往往会感到不知所措,所以开始的课程以临摹展开,学生首先可以找到自己喜欢的作品进行临摹。这样可以提高学生的学习兴趣,通过临摹的学习也可以让学生对插画有一个比较具体的认识,而且临摹大大降低了作业的难度,不会让学生感到无从下笔。很多学生刚接触插画课程时构图都很呆板,不是把人物放在画面的中心就是安排在黄金分割点,为了打破他们的思维定式,可以有针对性地开展构图训练,构图能力的训练可以从简单的草图小构图开始训练,可以安排学生在A3大小的纸张上画12到16组小构图。构图有一定的变化,体现不同的视角,可以有仰视、俯视、平视,还可以有近景、远景、中景等,还可以练习主体在画面中的偏离构图、局部特写、散点式构图等,打开学生的思路。 二、充分利用各种设计软件展开教学 作为设计类的学生对于各种设计软件的熟练运用是他们的一个优势,随着软件技术的发展,使用软件进行商业插画创作已经是一个必然的趋势。所以充分利用软件技术进行短期插画教学,收效十分显著。可以通过软件在照片的造型基础上进行插画创作。比较常用的PS、AI、CORLPAINTER等软件都有图层的功能,通过该功能就可实现将照片作为底图,借助照片的造型进行插画再创造。这样大大降低了插画初步起稿的难度,也可以摆脱造型能力的欠缺对学生插画创作的束缚。通过软件对插画进行上色也是设计软件进行插画创作的一个优势,可以随意更改颜色、修改画面、增加颜色细节等,相比运用水粉颜料、水彩颜料、油画棒等进行插画创作节约时间成本和材料成本。通过软件优化手绘插画,喜欢手绘、基础不错的学生通过软件功能的学习也可以在电脑中对手绘插画进行优化,以使其手绘作品符合商业使用的要求。Adobe公司出品的Photoshop软件对手绘的后期处理功能可以对学生手绘作品进行有效优化。如调整画面的对比度、调整出对比强烈的效果增强画面的视觉冲击力、修正画面的瑕疵等,这些手段弥补手绘插画的缺陷。 三、通过硬件设备技术弥补基础的不足 可以向学生推广一些插画设计的硬件设备,如拷贝台、数码绘图板等。拷贝台又叫透写台,是制作漫画、动画时的专业工具,主要就是由LED灯,或是一个灯箱上面覆盖一块毛玻璃或亚克力板所组成。使用的时候将多张画稿重叠在一起,可以很清楚地看到底层画稿上的图,并拷贝或者修改画到第一张纸上,通过拷贝台的使用可以用来将草稿描绘成正稿。数位板,又名绘图板、绘画板、手绘板等,是计算机输入设备的一种,通常是由一块板子和一支压感笔组成,与手写板等作为非常规的输入产品相类似,可以在电脑软件中找回拿着笔在纸上画画的感觉。高端的数位板可以分辨出画者下笔的轻重缓急,可以分辨由于力度不同所造成的笔画的粗细变化,根据执笔的倾斜角度,变化笔触的形状,还可以模拟各种各样的画家的画笔。如模拟毛笔、喷枪等画笔的质感,甚至可以利用电脑的优势,做出使用传统工具无法实现的效果。 四、训练内容偏向平面设计的就业需要 首先,训练学生运用平涂、勾线、点绘、色块归纳等平面设计的表现语言进行插画创作。平涂、勾线、点绘、色块归纳等表现手法相对传统绘画表现手法来说更易掌握,见效快。其次,在插画训练中着重追求图形的整体性和艺术性,这样插画设计课程就不是一个孤立的存在,可以与其他平面设计的优秀课程,如图形创意、标志设计、招贴设计等实现对接,也更符合学生的知识结构。对于短期插画课程来说,本文探讨的是如何找到教学的捷径,在短期内让基础薄弱的学生通过作业训练提高插画技能。但对于插画这一门艺术表现形式来说,通过扎实的基本功训练让学生掌握线条表现能力、造型基础以及色彩能力才是教学的主攻方向。对于有志于走向专业插画道路的学生来说,过早接触以上“捷径”会淡化学生对绘画基本功的认识,削弱学生的基础能力,影响学生在插画这条路上的可持续发展。所以“捷径”也是一把双刃剑,可能会使学生更加疏懒或者转而追求画面的华丽、表现效果的光炫而忽视了绘画的本来意义。而通过冷冰冰的硬件以及程式化的软件表现手法进行插画创作,也会使学生忽略了对人类情感的表达。所以在使用这条“捷径”时也应该适当有度,根据学生不同的基础以及学习目标因材施教,向学生清楚地阐述“捷径”的利弊所在,让学生根据自己的基础和学习目标做出个人的选择,教师可以设计不同难度的作业题目让学生选择完成,通过个人辅导、课外基础练习等形式来提高短期插画教学的效果,以满足不同基础和不同就业发展方向的学生需求。 作者:张晓帆单位:百色学院艺术系 插画设计毕业论文:水彩画技法插画设计论文 一、插画构思的快速表达 构思是指插画在创作过程中围绕最终绘画效果所进行的一系列的设计构想。这种构想无论是插画师瞬间灵感的涌现,还设计师对素材的不断修改与完善,无一例外都需要运用一种恰当的方式快速准确地体现在纸面上。水彩材料简洁方便、易于携带,非常适合进行插图素材的收集和记录工作。水彩的表现技法丰富多样,例如干画法、湿画法、晕染法、淡彩法、重彩法等。插画师可以通过不同技法,直观、生动、准确、快速地表现插画的主体形象、色调氛围、材质肌理等视觉要素。首先,在建筑插画的设计中,通过水彩的渲染、色与色之间渗化、润合、沉渍,图像在纸面上层层叠加显现,将建筑的光影、质感、体量、结构关系以随机的、灵动的、鲜活的艺术方式重新加以诠释,将实用的建筑插画提升为艺术审美层面。其次,在影视动画与游戏场景的插画设计中,水彩画技法同样有着独特的优势。插画师可以利用水彩颜色之间能够均匀过度的特点,快速勾勒出画面场景的设计效果,水彩的透明效果更能够拉开主体形象与背景的空间关系,充分体现插画师的设计构思。 二、意象化的信息传达 意象作为中国古典美学中的重要范畴,应用于插画创作中,强调的是以感物为基础,借物抒情、以意造像等。作为一种信息表述的载体,无论是出版物插画还是商业插画,都是插画师在充分理解、领悟原文字信息的基础上,结合受众特点、传播媒介等因素进行的二次创作。经过插画师的二次创作,插画已经不单纯是对文字内容的说明与图解,更蕴含了插画师个人的主观意识、个人情感和独特个性,并且,在其传播的过程中,受众在正确接收信息的同时也能感受到插画独特的视觉美感,引起人们的心理共鸣。设计师在进行插图创作时,运用水彩画技法有助于主体形象的意象化表现。借用传统绘画工具和材料等要素在交融变化的作用下达成透明、流淌、润泽的画面效果。这样的创作手法下所形成的水迹斑痕带有很强的随机性与抒情性。 必然性和偶然性的绘画手段成就了插画的主体形象,这样的主体形象既保留了写实形象的真实感,又带来了设计师高度理想化、单纯化的处理,具有一定的象征寓意。主体信息的表达所创造出的形象属于客观物象本身,而插画师的主体创作则是艺术思维与客观物象融合的统一体,是一种精神符号和情感形式。通过插画师们有意或无意的绘画实体来表达内心中的“意象”,一方面体现了插画师的主体创造意识,提升了插画表现的丰富审美内涵,另一方面,在信息传达过程中,受众也可以调动自身的视觉经验,将感知过的事物在大脑中再现的具体形象作为记忆内容,激发心理反应,产生联想,达成情感和思想的沟通。在受众与插画师之间形成互动交流,使信息传达向深度发展。 三、个性化的表现语言 插画艺术不同于一般的传统绘画艺术,由于商业化的信息传达需求,使它的审美标准必须具有独特的个性化的特征。插画创作中运用水彩技法,能够赋予插画独特的视觉感染力和强烈的个性表现力。“水”和“彩”兼有是水彩画技法的优势,舍此技法便丧失了水彩技法独立存在的价值。在插画创作中必须充分发挥水彩画的这一优势,并且要想方设法的在这一点上发展运用。水彩画有别于油画、水粉、丙烯的浑厚、浓重。其特定的纸质需求,使它色泽被水稀释后所产生的变换莫测的艺术效果,体现出透、薄、轻、秀等艺术特点,构成了水彩语言的个性特征。水彩技法的用色讲究随意赋彩、赋彩制形。插画师们可以将自身对于客观世界的认知与意念融入对主观色彩的夸张、组合、创造之中。水彩画中柔软而富有弹性的笔触,使画面带有强烈的随意性与抒情性。画笔运动中的水迹与斑痕,则产生出奇妙的变奏关系,形成了空灵虚远、自然天成的视觉艺术效果,尤其适合表现空灵通透的画面意境。 例如台湾著名的插画家几米,就善于利用水彩画的艺术手法创造出诗意浪漫的画面,其画面中水意的酣畅淋漓、色彩的简练通透、用笔的洒脱自如,都赋予其插画作品独到的视觉感染力和含蓄内敛的语言表达。水彩画本身具有极其宽泛的艺术包容性,不仅可以和不同的画种间相互借鉴融合,而且还可以结合不同材质产生独特的画面肌理效果。例如可以与钢笔、马克笔、铅笔、彩铅、水粉、丙烯等画材相互结合使用,产生丰富多变的画面效果;还可以用涂蜡法、撒盐法、滴彩法等绘画手法创造出各种新颖的肌理效果。水彩画是一种源自西方的绘画种类,然而在视觉表现上它的艺术表现力却与中国的水墨艺术极为相似,都讲究水色交融、笔法写意、空灵通透。在插画艺术的创作中,可以将水彩技法与水墨艺术相融合,在用笔上吸收水墨写意的骨法运笔,将笔锋变化的韵味糅合进水彩艺术的表现之中。通过水彩绘画来丰富插画设计的精神内涵并拓展其形式外延,实现插画艺术的本土化发展。丰富异常的水彩绘画语言为插画设计增添了强大的艺术表现力,越来越受到插画师们的青睐。在插画创作中采用水彩技法,能够带给插画师以新的创意灵感和设计理念,为中国插画设计的发展提供了宝贵的艺术元素和拓展空间,促进插画艺术的发展。 四、数码技术与水彩技法的融合 伴随着电脑以及各种数字化媒体设备在设计领域的广泛运用,很多艺术形式开始借用数码技术进行艺术创作,插画领域亦是如此。传统插画的表现是一种建立在绘画基础之上的艺术形式,一幅插画作品的诞生既需要插画师具有深厚的美术功底,同时也需要插画师们一段时间的反复修改,才能最终成稿。而面对快节奏的现代社会,迅捷的信息传播手段每天都会向受众展示数不胜数的图像信息,而传统的手绘插画形式已不能满足设计市场快速发展的需求,而数码技术融入到插画的创作与设计之中,才为水彩技法在插画中的运用带来技术支撑与革新。现代数码技术中的各类制作软件层出不穷,表现形式多种多样,这样的设计媒介也为水彩技法的表现提供了便利的技术支撑。 首先,利用数码科技的发展,已使插画师们手中的调色盘、画笔逐渐演变为计算机和键盘、鼠标、数位板等数字化工具。绘画过程在“无纸”的状态下完成。在作画过程中,设计师可以随时进行变动、修改、存储和进行二次创作。将插画师的从传统的作画过程中解放出来,使作品的反复修改变得快捷方便,既节省了大量的创作精力也节约了绘制的时间。 其次,数码绘图软件的开发相对方便,这也使插画师们随心所欲地针对设计画面的效果进行多种艺术处理。数码软件的利用可以将传统绘画的技艺虚拟化、程序化。当鼠标和光标笔进行轨迹移动时,计算机进行计算,在电脑屏幕上出现对应如实的图形和色彩。例如Painter软件者提供了大约600种画笔触的效果,而且每一代软件更新还会增加不同的艺术画笔效果,并可以利用数位板和压感笔对笔法的干湿度、透明度以及角度变化进行合理地调控。可以让传统的水彩图示以一种自然,新颖的形式呈现出来。使其色彩上更具层次性和丰富性,为插画带来的清新淡雅、自然仿真的视觉效果。全球互联网的普及与覆盖,使得插画家与外界受众可以零距离接触,在插画创作的过程中通过网络技术,以最快的速度将其作品流行传播。例如网络Flash网页、电子出版物、网络广告、电脑游戏中都有这种插图的出现。现代数码技术完全能够结合音效、文字、光照、色彩、动画等多种“非物质性”媒体形式,促使传统水彩技法由二维向三维转换,带给受众以视听结合的信息感受。 当然,数码技术与传统水彩手绘相比,还存在着许多不足之处。比如水彩技法运用的每一笔的浓淡、干湿、粗细、虚实,都是不会重复的。这也是任何设计软件都无法模仿的艺术手法。计算机手绘硬件和手绘软件的出现,调和了手绘设计与数码设计之间的冲突,使电脑技术与传统水彩手绘之间有了完美的交叉点,插画师可以将自己的手绘稿通过扫描仪存储到电脑当中,再利用手绘板、压感笔对图形加以修改与完善,这样的方法既保留了水彩技法的神韵,又能够自由使用各种艺术效果,创造出传统水彩技法所描绘不出的视觉效果,给人们带来全新的感受。数字化时代背景之下的插画创作呈现出多元化的艺术趋势,表现技术的选择对于插画的成功起着关键的作用。在插画创作中融入水彩画的艺术风格,不仅为插画增添了独特的艺术魅力,也为具有中国本土特色的插画设计风格增添一些新方法,为中国插画业的发展带来了更加广阔的发展空间和更高的商业价值。 作者:王薇单位:青海师范大学美术系 插画设计毕业论文:儿童插画设计论文 一、中国儿童插画发展过程 建国之后,随着版画事业的不断发展,中国的儿童读物发展也因此突飞猛进。《哪吒闹海》、《水浒传》、《大闹天宫》等一系列充满中国民间特色题材的连环画走进60、70年代的儿童甚至大人的眼中。大多80年代以前出生的人大都还有人手一本连环的印象,其中一套著名的《三国演义》连环画,更是重复印刷了不下一亿册,可谓是风靡一时。现今的儿童插画经过了解放后版画、黑板报、宣传画格式的发展,以及80年代后期对国外优秀插画表现风格的借鉴,90年代中后期伴随着计算机技术的普及,使用计算机进行插画设计的新锐插画家们层出不穷。 二、国外儿童插画发展现状 众所周知,欧美的儿童插画发展时间较早,新进技术的影响与发展也较早,所以插画风格多样化,而内容上也极具本土文化特色。画面色彩鲜明,内容丰富,受到了世界各地儿童和家长们的欢迎。在国内儿童插画图书市场上,欧美儿童绘本也是销量最大的,这对国内儿童插画市场的发展是一个极大的挑战。欧美插画家们受其文化和教育的影响,凭着自己的创作风格为孩子们创作大量既内容有趣,又带有教育意义的插画作品,满足不同年龄段儿童的需求。其次是在日本,通常具有东方小巧的气质,插图故事多变曲折,还用大量效果来烘托气氛,比如效果线、贴网点,Q版造型的运用和漫天纷飞的樱花之类来弥补画面和绘画功底上的不足,人物造型饱满充实,形象可爱,画风充满梦幻。 三、我国儿童插画设计发展现状分析 随着社会对儿童教育程度的不断重视,面向儿童的各种书籍和杂志的内容和形式也发生相应的变化,其中图文编排方式的改进和插图绘制的多样化在整个变革中起着重要的作用。据不完全统计,中国目前拥有600多家出版社,其中儿童出版社30多家,每年出版儿童图书2万多种,儿童图书占总图书量的12.3%,而儿童图书90%的是带有插图的。中国儿童图书由于在插画水平上的不断提高,使得中国儿童图书整体出版水平有了一定的提高,并且逐步与国际水平接轨,推动了富有中国文化特色的儿童插画图书走向世界。但与此同时仍然存在很多遗憾与不足。很多儿童插画作品缺乏专业性,很难满足不断提升的儿童审美能力要求,这是其中最主要的原因。以中国少年儿童出版总社出版的《婴儿画报》和绘本故事系列为例,画面处理基本只有三种处理方式,一种是每个物象外轮廓勾线,然后用彩色铅笔或油画棒画出体积,最后用水彩或丙烯颜色罩色;二是电脑简单处理形象边框之后填色;三是纯用水彩或国画颜色分染平涂。其中第一种表现手法运用最多,创作多停留在白描和简单的填色上。其次,部分作品虽然在表现形式上细致入微,但是在创作构思上过于老套死板,不能够满足现今儿童的审美取向。从而使得国内儿童插画多见平庸之作,缺少真正能令儿童感兴趣的成功作品。再次,在市场经济的不断影响下,书籍出版商急于成果,导致插画家的创作时间不足,从而导致了儿童插画的作品质量下滑,表现能力差,使得一些粗制滥造的儿童插画作品滥竽充数。 四、结语 综上所诉,儿童插画不再仅作为一种艺术形式存在于设计领域当中,更逐步的成为一种儿童教育手段。因此,根据儿童的认知特点和兴趣热点,重视儿童插画独特的艺术性和创作特色。为儿童提供越来越丰富的插画内容以及越来越多的插图形式,需要每一个儿童插画工作者的共同努力。 作者:许建康邓静娴单位:南京信息工程大学 插画设计毕业论文:插画艺术招贴设计论文 一、招贴概述 1.招贴的作用与类型 所谓招贴,就是我们通常所说的海报或者类似的宣传画,属于户外广告,主要分布在城市街道、商业区、公园、车站等一系列公共场所,在国外被称为“瞬间”性街头艺术。招贴设计主要分为以下几种,第一种属于非营利性的社会公共招贴,一般由政府承接。第二种是以营利性目的的商业招贴,这类招贴较为常见,运用也相当广泛。还有一种属于艺术招贴,艺术招贴比较注重个人主观意识、风格特点和情感的表达,更具有创意,主要包括各类绘画设计展、摄影展等。 2.招贴设计的特点 招贴设计可以给人一种视觉上的冲击力,让我们在一种充满期待的情景下,切身体验招贴设计作品的视觉传达效果和独特魅力。它在人们获取有价值信息的同时,又有一种身临其境的体验与感受,越是独特的招贴设计作品越能给人留下深刻的印象,打造出生动自然和一目了然的艺术氛围,从而逐渐接受招贴设计作品所传达的主题信息。招贴设计作品在准确地传达设计主题的基础上,如何以个性的、独创的视觉形象引起人们的注意,从而达到宣传的目的,这是设计师们不断追求的目标,实现这一目标可以通过画面的主要构成元素之一——插画来实现。 二、插画艺术的特点 “插画”在拉丁文里解释为“照亮”的意思。顾名思义,它原本是用以提高各类读物里文字所赋予的趣味性,使文字部份更加生动、形象地呈现在读者的心中。随着现代社会的发展,插画早已超过了“照亮文字”的辅助地位,它不仅能突出主题思想,更能提高艺术的感染力。而在今天的商业插画领域里,招贴设计中的插画作为商业插画的一个重要分支,其设计的基本理念是以满足和刺激人们需求为宗旨,招贴设计中的插画在实际应用中越广泛,也就能更好地商业市场服务,从而为商业经济的繁荣发展提供必要的养分。可以说,插画艺术已进入商业化时代,在当今商品经济时代,它对经济的发展起着推动作用。 1.艺术审美的大众性 插画是用图画这种人类共通的表达方式来说明主题、概念或故事,传递信息,表达情感,所以更容易被不同年龄、不同文化、不同国家和不同语言的人所接受。尤其是随着“读图时代”的来临,具象特征的视觉符号给人们强烈感官的刺激,使人们乐于接受以图画的形式所传递的信息。 2.实用性 插画与纯艺术最大的区别就在于插画的大众传播性,在插画中加入商业元素增强了插画的竞争力,依附于其他实物或商品展现出来,使艺术与经济完美结合,因此插画本身具有商业性和艺术性的双重价值。插画在广告招贴中将信息最直接、明确、清晰地传递给受众,引起他们的兴趣,使他们信服接收到的信息,在审美过程中接受宣传的内容,从而诱导消费者采取最终行动,这是插画艺术最重要的功能。 三、插画在广告招贴中表现 插画是广告宣传的重要手段,因其强烈的趣味性以及形象塑造的自由性,给人以更强的视觉上的冲击力,形成强烈的视觉刺激,从而引起人们浓厚的观赏兴趣。广告插画与其他插画最大的区别在于,广告插画是以传递商品信息、促进销售为最终目的的。广告插画作为广告传播的重要表现手段之一,其功能表现在以下几点。 1.直观生动地传递具体的产品和服务等信息 插画作为图形艺术的一种,其优势就在于它以艺术的形式将招贴主题形象化,能够使人们一目了然地知道所要传达的信息,产生身临其境的感受。与摄影图片相比,插画的表现空间更为广泛,例如在广告创意需求下表现科学幻想世界、童话与神话故事等虚拟画面时,能够将这些画面描绘得逼真迷人。 2.强化商品感染力,激发消费者兴趣 插画作为绘画艺术,在宣传广告主题的基础上,也为其宣传的内容创造了附加的审美价值。插画艺术丰富的想象力与表现力往往能够使商品从同类中脱颖而出,尤其是插画与摄影艺术结合后效果更突出。插画的形象、色彩、线条充满了活力,能够强烈冲击人的视觉,吸引人们将目光停留在插画上,提高广告关注的程度,激发消费者兴趣,挖掘他们的购买潜力。 3.增强广告的说服力 插画能够将广告创意以艺术化的形式完美地展现出来,相对于毫无创意的直白的广告诉求显得更有说服力,也更容易被消费者所接收。 四、插画在招贴设计作品中运用的具体要求 一幅招贴设计作品中,插画的运用是否成功,直接关系到招贴设计作品的最终效应,具体要求主要表现在以下几个方面: 1.插画应具有醒目的远视效果 由于招贴设计主要运用户外的空间表现形式,所以如果在招贴设计中,插画的比重较大、字体也比较醒目的话,那么这幅招贴设计作品就一定更加具有吸引力。就其功能来说,作为户外广告的主要形式,视野广阔,如果以巨幅插画来表现,能够给移动的消费者们提供了更为优质的可视空间,因此就可以使招贴设计作品的远视效果更为清晰夺目。 2.插画应遵循设计原则进行创新 招贴设计中的插画艺术既要融合传统绘画,也要与现代设计精髓相结合,只有这样,才能在尊重招贴设计原则的基础上有所创新。创意新颖、风格独特的插画会使人产生耳目一新的视觉效果。因此,招贴设计的插画运用既自由宽松又具有挑战性。在一些公共场所,经常利用一些类似或者相同风格的插画,使招贴设计作品形成系列化,具有整体统一的视觉效果。 3.插画应具有较强的视觉吸引力 插画在招贴设计中的运用,目的是更好地向人们传递某种价值信息,从而直接吸引人们的注意力,让人们去感受、理解其所想表达的价值信息内容的一种有效传播方式,这样,招贴设计的作品才具有有很强的视觉感染力。插画的运用,构成了招贴设计作品鲜明独特的艺术特色。所以,在招贴设计作品中,不管是幽默风趣的,还是客观写实的,本质上都必须包含一种无法估量的、吸引眼球的内在元素。由于市场的导向作用,一般不能把潜在的客户群体排除在外。因此,越来越多的插画被应用到各种招贴广告领域里。设计作品体现了“销售即娱乐享受的过程”“让消费者满意,消费者就会选择你”等类似较受欢迎的商业营销理念,或者是在兜售一些华而不实的商品时,“向他们展现你的真诚”等营销手段。个性特征、技法表现、物质媒介——这些都是实际创作的辅助元素,而非创作时的关键因素。 五、总结 插画艺术是视觉语言中的一种,它是构成招贴设计中的基本元素之一,就像文学作品中构建文章的字一样,传达着生动的形象。这种直观的载体方式,以优美的形式特点、形式不一的造型力量来表达情感。插画艺术作为一种特殊的语言符号,有着清晰明朗的独特优越性。对于传统以文字方式来传递招贴信息,势必会受到语言、人文、历史等系统的各种限制和影响,而插画艺术则不同,它远远地跨域时空、地域的界限,即使在语言背景完全不同的情况下,仍然会有生动形象的艺术效果。这些足以证明在招贴设计中选择插画作为设计中的重要表现元素,是能够体现出插画艺术自身的优越性,更为招贴设计提升了艺术表现魅力。另外,在招贴设计中插画的使用成为主流的驱动下,设计师门也越来越意识到插画艺术在招贴设计中所发挥的惊人作用。可以说,在创意设计瞬息万变的当今社会,插画的运用对招贴设计的巨大影响和作用是不容忽视的,插画在招贴设计中演着重要的角色。 作者:王成凤 单位:南通职业大学艺术设计学院 插画设计毕业论文:插画现代设计论文 1.招贴设计中的插画 招贴设计需要观者在不同语言、不同文化的基础上能够对招贴的图形语言有准确的识别。好的招贴往往让人如同身临其境一般,留下深刻的印象。插画能够加强招贴的趣味性,引发观者思考。插画具有高度的自由性,和摄影有巨大的差别,艺术性较强,也更能吸引眼球。在招贴设计中的插画具有其得天独厚的特性,插画形式更加丰富,传统招贴通过摄影或者手绘等方式展现,随便手法不同,但表现方式很难出现差别,而插画设计具有强大的随意性,无论从表现方式还有色彩各方面都比其他方式更加具有多变性。 插画在招贴中也更加具有吸引眼球的功效,插画在色彩和表现形式上都可以采用夸张的手法,人们很容易被夸张的形象和醒目的色彩所吸引。同时插画设计也更加具有幽默型,一幅招贴让人觉得有趣是很重要的,不仅会留下深刻的印象而且能够使人了解招贴想要表达的含义。 2.现代插画前景分析 如今的插画具有更加广阔的发展和应用空间,在过去,大多数人认为艺术是自由的,感性的。随着科技进步,数码产品深入到生活的各个方面,人们对数码信息产生强烈的依赖性。数码设备,绘图软件也进入新的时代,插画设计也成为一个新的课题。插花艺术也因为科技发展变得更加快捷更加丰富。新媒体对插画的贡献是不可估量的。这个时代给与插画艺术广阔的发展前景,拓宽了欣赏群体以及应用领域。 如今,插画艺术不断向其他领域发展,与多种视觉形式密切地进行互动。现代插画艺术在这个充满信息的经济社会里,适应了强大的社会需求,这也是新媒体时代插画艺术保持旺盛生命力的根本原因,从传统的书籍杂志报刊到现在的多媒体、吉祥物、产品设计、包装设计等方面,插画已经遍布我们的生活,如今的插画设计也拥有更加广阔的发展前景,时代的发展、科技的进步必将把现代插画推向新的高峰。 3.结语 时至今日,人类生活与现代设计紧密联系。正所谓“设计改变生活”。随着新媒体时代的到来,插画成为一个全新的课题出现在我们的生活中,将插画合理运用到商业社会中是一个值得研究和深思的话题。对于现代优秀设计师而言,合理运用插画,并将插画在设计中充分展现运用,展现其得天独厚的优越性是每个设计师的责任。 作者:丁田 单位:四川大学 插画设计毕业论文:基于插画应用的书籍设计论文 1.在书籍的封面使用插画的方法 在书籍的设计过程中,最常见的要属在书籍封面使用插画。设计师通过对书籍内容的理解及把握,运用色彩、线条或是整幅画面的方式将书籍中所要表达的内容显示在封面上。这种插画不仅是对书籍内容的概括表达,同时也是设计师自身对书籍的理解。封面插画通过一些点线面的构成进行形式语言的表现,给读者带来视觉冲击。正由于这样的形式,读者通过自己的视觉感受,也就对书籍产生了兴趣。如,在一些纯文字的书籍中,在书籍封面上使用大幅面的插画,就能够与书籍中的纯文字形成一种较为强烈的视觉对比,在这种情况下,读者可以通过书籍封面的插画预读书中内容。对一些杂志而言,杂志封面的插画可以通过色彩的鲜明对比以突出其视觉效果,使刊物本身的系列感变得更为突出,也能够起到很好地吸引读者的效果。 2.插画在书籍内页中的应用方法 插画不仅在书籍的封面上能够得到较好的应用,在书籍的内页中也可以取得很好的效果。在书籍的内页中,主要通过文字表达其中的内容,但是如果在这些文字中适当加入一些插画,就能够使读者在阅读的过程中,更为明晰地理解文字所要表达的内容,也能够为读者带来更多的阅读趣味及视觉体验。在实际的内页插画设计上,可以采用手绘形式的插画,这种形式的插画可以为读者带来清新感,也能够通过手绘插画的形式为读者提供更多的愉悦感。如我国一些传统小说中,就在纯文字的内页中夹杂使用一些黑白色调的手绘插画。这种插画让读者在阅读的过程中,更加直观地了解文字内容。在幅面使用上,不仅可以使用整张的插画,也可以采用一些较小幅面的插画。这种小幅插画的主体是书中某些章节或小节的内容,通过小幅插画和解释文字对内容进行说明。 如在一些学术类(主要是心理学类)书籍中,就可以使用小幅的插画对书中的一些章节知识点进行概括,也能够与全书形成统一的风格,这样的插画形式在书中的运用是具有代表性的。 3.结语 在书籍设计的过程中,值得重视的是插画设计。合理地使用插画能够使书籍更加吸引读者,并且能够让读者对书籍的内容产生初步的印象,而书籍内页的插画能够使读者通过一种较为直观的方式对书籍中的知识进行了解。在插画的设计和使用中,应该注意插画要与书中的内容相符合,否则就会起到相反的效果。合理使用插画,能够使知识得到进一步传播,对我国的书籍事业也能够提供不小的贡献。 作者:刘浪单位:湖南工艺美术职业学院 插画设计毕业论文:插画视觉下的包装设计论文 1插画在现代包装设计中的作用 1.1直接展示商品信息及形象科研表明人们接收的信息80%来自视觉,由此商品的信息及形象往往直观地展现在外包装上,设计师通过写实插图或摄影图像来展现产品的属性及形、色、质等,用视觉语言来吸引并打动消费者。包装设计中的插画,无论在设计上,还是在用色上,都应准确地表现形象、传达信息,避免大众在选择商品的过程中对视觉信息产生误解。成功的插画可起到“一图胜万语”的作用[2],人们通过插画传递出来的产品信息,增进了对商品及生产企业的认知,并可能产生购买欲望,产品销售的活动得以完成。乐天小熊饼的包装见图1,由于它是儿童食品,在造型和用色上,设计师采用了儿童喜爱的卡通形象与鲜艳跳跃的色彩。因为包装内的饼干形状接近于小熊的样子,所以设计师以考拉熊为元素绘制了多款可爱的形象。最醒目的是画面上方的母子熊,小熊紧紧趴在妈妈的背上,显得非常温馨;画面下方则用插画直接展示了产品的形象,使得消费者一目了然。如此直观明了又活泼可爱的包装,怎能不打动儿童并激发他们的购买欲呢?插画在展示商品形象与信息方面的作用是不可低估的。 1.2促进包装设计的创意表达插画与包装设计的结合赋予了设计师极大的创作自由,设计师可大胆地尝试多种风格的设计,比如超现实的、后现代主义的等等。插画在包装设计中的应用,拓宽了包装设计的视觉传达形式[3]。"HintMint"的薄荷糖包装见图2,此套包装插画共有老虎、女孩与蝴蝶、响尾蛇3个形象,作者采用传统的写实手法对形象进行了夸张的描绘,抽象纹样与具象图形的结合很具装饰感,画面用色华美、鲜亮。作品构图饱满大气和谐统一,既有传统绘画里“线”的运用,又有现代视觉传达的冲击力。如果设计师仍用惯性思维的方法去设计包装,就不会看到老虎、蝴蝶等和薄荷糖没有丝毫联系的事物出现在包装上,正是这种另辟蹊径、不拘一格的大胆创意,才给包装带来如此新奇的面貌。插画本身丰富的艺术造型语言,更为包装创意的表达增光添彩。插画在将抽象思维转化为具象形象的过程中,进一步完善与润色了设计者的创意,有助于促进包装设计创意的表达。 1.3为包装设计注入人文气息现代包装设计应在情感上与消费者建立联系与共鸣,不仅要促进商品的销售,还要体现品牌对消费者的人文关怀。包装设计应具有一定的持久性,不会轻易地被市场淘汰或被消费者遗忘,经得起时间考验,其成功的关键就是满足了消费者内心深处的感性需求[4]。插画与摄影都可以非常真实地再现现实的物体及场景,尤其通过电脑制图软件修饰后可达到以假乱真的地步,但插画所具有的绘画属性、丰富的表现语汇,是摄影技术无法企及的。摄影虽然可以通过光色来艺术地表现对象,但其表现力是有限的,当表现诸如水墨、油画这样的技法时显得无能为力。插画向来被称为“小绘画”,指的是它在风格、语言、技法等方面与绘画艺术是无二的,只是绘画更倾向于主观表达,而插画要受制于它所服务的内容,有一定的从属性。用插画手段绘制的产品形象或包装装饰比摄影拍摄而来的图像多了绘画感、艺术感、生动性及人情味,使得商品富有人文气息,也为消费者带来审美的享受与愉悦,拉近商品与消费者的心理距离。“Absolut”伏特加的瓶身包装见图3,采用勾线平涂的方法,描绘了一幅现代生活的场景。以线构图,画面色彩协调、简洁,装饰感强,富含情趣与韵味,如果改用摄影图像,设计会变得平淡无奇。“鲶鱼”啤酒的包装见图4,包装盒上的图案是钢笔素描的渔船与鲸鱼,极具绘画性和艺术性。包装不再仅是包裹、运输产品的载体,更一跃成为一件艺术品,为消费者带来美的体验与感受,并提高了消费者对品牌的好感度。 2在现代包装插画设计中应遵循的原则 2.1具有针对性在商品经济社会里,任何的商品都被划分为一个个精细的类别。商家这样做的目的无非是对消费群体和他们的需求加以细分,然后为不同的群体提供满足相应需求的产品。无论是产品自身还是产品的包装都应具有很强的针对性,包装上的插画更要从属于所服务的产品[5]。设计师应围绕产品,有针对性地选择和设计相应的图形、色彩、表现形式等。插画的设计需要形式服从内容,同时插画的格调要与产品的定位与属性一致,假设用民间剪纸去表现肯德基薯条的形象,虽然非常个性与新颖,但这样的包装插画恐怕很难勾起消费者的食欲。爆米花的包装见图5,共有4种口味,设计时采用了4种不同的图形与色彩的搭配组合,使得消费者通过外包装便知晓包装内爆米花的口味。比如其中一种的广告文案为“香葱与酸奶油”,画面整体以绿色为主,三把细葱前面摆放了一碗有汤匙的酸奶油,图文相互呼应,整个设计简洁、生动、清新、自在,色彩的搭配与手绘的图案营造的氛围正好契合了爆米花带来的那种休闲、放松的感觉。插画就是产品的一面镜子,人们通过插画便能大概知道包装里的内容、类别等,合情合理地运用插画不仅会给包装增添设计情趣与创意,还会更直观、高效、感性地传达产品的信息。 2.2体现包装的民族性随着商品流通与全球经济一体化进程的加剧,商品日趋同质化。想要在同类商品中脱颖而出,不仅得靠产品自身的质量或品牌影响力,还应在设计上寻求突破,建立个性差异化。要在白热化的竞争中凸显自身的品质与优势,民族化设计无疑是可供选择的明智之举。民族化的包装设计是一个民族的文化传统、审美心理、审美习惯等的集中体现,是民族审美意识和民族设计表现形式的集合体[6]。将文化观念和民族风格表现在包装设计中,会提高品牌的内涵并使产品具有一定的文化根源。鲁迅先生曾说过:“只有民族的,才是世界的。”在包装设计中越有民族特点的设计,就越有世界属性,越不容易被外来文化的包装设计所同化。日本的包装设计在民族传统文化与现代设计相结合方面给人们做出了近乎完美的诠释。日本“朝日”啤酒曾经推出一款以大和民族传统版画“浮世绘”为主题的包装设计,见图6,画面上借鉴的是著名浮世绘大师喜多川歌麿的《当时三美人》。设计师截取了画中人物上半部分的形象,突出表现了艺妓优雅细微的神情与姿态。将4个听装啤酒包装为一组,外面由硬纸卡包裹起来,简洁美观又方便携带,纸卡上的插画与罐装上的一致。这套包装实现了传统文化与现代包装设计的有机结合,具有浓郁的日本地方特色[7]。我国著名白酒品牌“景阳春”的包装见图7,其瓶身上的插画是《水浒传》里家喻户晓的“武松打虎”的典故,画中的形象深入人心,并且有深厚的文化根源。这个图案极富中国传统文化特色,是中国古典文学里走出来的形象,是非常民族化的设计。要想在世界范围的包装设计竞争中占有一席之地,民族化设计是必不可少的。 2.3彰显时代感包装设计文化是一个历史发展的过程,是以该时代的物质社会为基础的,总会带有时代的烙印。随着社会生产力的发展与进步,包装工艺和包装材质也总是在不断更新。最能体现包装时代性的,莫过于包装设计观念上的与时俱进。包装设计既能引导社会消费审美风潮,又受大众生活和文化的影响与制约[8]。随着数字时代的到来,现代包装上的插画设计在创作手段、表现形式、应用范围等方面已发生了翻天覆地的变化。比如数码插画就是电脑时代的产物,其存在的前提是电脑和电脑制图软件的应用与普及,它凭借其自身强大的模仿能力与高效制图的优势,迅速将曾经因为绘制效率低下、应用范围狭小而被冷落的插画——这一传统艺术门类又带回到了包装设计的世界[9]。由于数码插画的参与,使得现代包装呈现出了数码时代的特点。“伊利”盒装酸奶上的插画设计,见图8,如果消费者不仔细分辨的话,会把包装上由电脑绘制的图案误当成摄影图片。这种电脑模拟现实景象的画面,既有传统绘画细腻、逼真的描摹,又有电脑制作的那种超现实的鲜艳色彩与光影变化。这种体现时代特征的插画,满足了消费者审美愉悦的同时,也实现了设计者的创意,使得商品在激烈竞争的洪流中富有个性,并能吸引消费者的注意与青睐。 3结语 插画在包装中的应用,赋予了包装新的装潢形式与视觉传播理念,给包装设计带来的是全新的包装手段与视觉效果,并增添了艺术魅力与文化内涵。插画既能达到摄影图像所呈现的效果,又有多种绘画风格与数字图像的特点,给包装设计带来新鲜创意的可能性是无法估量的。由此,对于包装设计从业者来说,更应该深入研究插画设计的创作规律与艺术形式[10],以期创作出更多富有个性与新意的作品,树立良好的产品形象,促进包装市场设计水准的提升。 作者:阎鹤钱晶晶单位:青岛理工大学 插画设计毕业论文:商业插画艺术设计论文 一、商业插画的内涵与表现形式 (一)商业插画的内涵 商业插画是一项具有功能性的绘画艺术,对书籍或是期刊的文字配图,用以图文并茂的方式进行传播。其不仅仅是一种简单的艺术形式,更是服务社会传播文化的实际工具。商业插画侠义的定义就是针对书籍或插图所绘制的图画,而广义上的商业插画就是在各种杂志刊物中配备的图画具有商业价值的形式。商业插画是一种艺术文化,是以插图的形式将其涵义展示给大众,经过长久的历史发展到现在的成熟状态。所以,商业插画不仅是传统艺术文化的创新,更是对商业价值的突破。 (二)商业插画的表现形式 由于商业插画在属于艺术文化的范畴同时还能创造商业价值,所以对商业插画的评估价值十分高。在传统的商业插画中,主要是以平面手绘的创作形式为主。比如,过去广为人知的“小人书”就是利用传统商业插画的白描手法进行创作的。其特点符合中国人的传统审美观念,为人们创造多彩的娱乐活动背景,丰富人们的生活。随着社会发展,现在的商业插画已经与电脑艺术设计相融合,创作出符合当代人们审美观念与需求的作品。在不断的市场需求下,商业插画就会不断的进行完善,最终走向商业插画发展的巅峰。 二、电脑艺术设计的概念及发展前景 (一)电脑艺术设计的概念 电脑艺术设计是一门将科学性、技术性、艺术性融合为一体的学科,可以创造出具有现代化气息的艺术产品。电脑艺术设计主要是通过电脑来进行艺术设计,是营造新生活的服务形式。电脑艺术设计的根本宗旨是使用艺术设计的手段对商品生产、商品流通与成品销售进行艺术设计,为生活提供新服务形式,同时也创造可观利益。根据该宗旨来看,电脑艺术设计为生活提供了极大的便利,如今各行各业发展都增添了竞争因素。电脑艺术设计包含了图形的形成与相关存储信息,表现形式设计涉及的方面也十分广阔,主要包括了影视设计、动画设计、网络游戏设计、平面设计等等。囊括的范围广,运用的方面多,是电脑艺术设计的一大特点。 (二)电脑一社设计的发展前景 电脑艺术设计是一个利用新型视觉进行设计的方式,从本质上来说,电脑艺术设计就是用现代化工具来实现对艺术作品的生产。电脑艺术设计师发展的新兴产业,是现代化的产物,它不仅给设计师提供了不同形式的创作空间,还大大的提高了设计师创作设计的效率与质量。电脑艺术设计是一个起步较晚的产业,但是由于市场需求量使其发展的速度很快,尤其是在发达国家的发展速度更加迅速。电脑艺术设计能够应用到的领域非常广泛,从动画到建筑,从平面到游戏都具有重大的应用,在当前的电脑艺术设计的前景发展的空间范围比较广阔,发展前景十分良好。 三、商业插画与电脑艺术设计的关系 (一)电脑艺术设计对商业插画的影响 插画在生活中是常见的一种艺术表现,是运用简单线条与图案来表现的艺术方式。从插画的出现到商业中的应用,都是处于一个发展的过程中。如今,告别了手绘插画的时代,逐渐开始运用电脑艺术设计对商业插画进行创作。对于商业插画而言,电脑艺术设计的使用无疑有力的推动了其发展。随着科技快速发展,电脑等现代化信息技术不断的更新换代,同时就促进了商业插画跨进了新时代。商业插画被广泛的应用于各种商业设图标、广告宣传、书籍杂志、影视动画中。这些现代化设计都是运用电脑艺术设计完成的,给商业插画注入了新的活力,使商业插画的应用更加广泛,内涵及用途都得到了扩展。 (二)电脑艺术设计对商业插画的作用 插画是给观看者建造一个赏心悦目的视觉效果。传统的手绘功能是将情感精神通过画笔展现出来,在这样的条件下,效率与质量都无法得到绝对的保证。现代的电脑艺术设计。首先在效率上就有大大的提升,并且能将插画在人的视觉中展现到极致的程度,为观看者创造一个良好的视觉效果,在电脑中的各种插画色彩都有齐全的种类,具备的条件更加完善。在为商业插画提供设计的途径时,运用电脑艺术设计方式可有效的提高设计的效率与质量,并且在一定程度上保证其产量,所以电脑艺术设计对商业插画有着十分重要的作用。 (三)电脑艺术设计对商业插画的重要性 在商业插画的变现形式中,电脑艺术设计占有重要的地位。现代化信息技术的发展,也对商业插画的制作有了严格的要求。商业插画是一种视觉艺术,主要的目的就是为了传递实质信息。商业插画符合这个信息化时代的发展,其根本原因就是电脑艺术设计已经成为时代特征。在商业插画发展的最初,大多数插画都是需要通过设计师手绘完成,而相对现代的商业插画都是运用电脑艺术设计进行绘制的,在制作工序与完成效率上就比以前要高很多。随着现代商业插画的应用广泛,需要求增长速度快,就全国的刊物图文插图的总类与数量相当庞大,电脑艺术设计在此应用的频率就相应较高了。电脑艺术设计对产品生产的效率、质量、产量生产都有直接的促进作用,电脑艺术设计于商业插画来说是发展的基础,有着重大的意义。 四、结束语 商业插画与电脑艺术设计之间相互依存、相互促进,两者发展缺一不可。商业插画是一种具有多样性的设计艺术形式,而电脑艺术是这一切建设的基础。电脑艺术设计为商业插画提供技术环境,推动商业插画艺术的发展,促进其不断改革创新,创造艺术的同时为生产者带来经济效益。 作者:管阳单位:陕西国防工业职业技术学院 插画设计毕业论文:插画艺术与包装设计论文 一、插画与摄影艺术的差异 插画,最早是运用于书籍中,主要运用于对文字的说明,插画的出现,在中国的雏形可以追溯到北宋山东济南刘佳针包装纸上的小白图案,或者是更早期的彩陶盆上的人面鱼纹,就其形式和功能性而言,这是一种狭义的存在。就因为这种狭义的存在,随着信息时代的到来,人类对光学原理的探究以及对成像技术的应用,使得艺术家将日常生活中值得记录或者留念的画面变为不朽的影像成为可能。就是因为这种可能性的存在,极大限度地挑战了插画在包装设计中所占到的原有地位,在很长一段时间设计包装样式里,摄影技术的诞生为包装的最初目的,即有效性、效率性、真实性,提供一个很好的途径和方式,单从市场上来说,它的存在为产品竞争的实力上提供了强大的能量。摄影艺术诞生的初衷是为了证明美的艺术与日常生活的密切联系。这种理念将不会出现在那些让艺术远离生活兴趣的人身上。因为摄影的最终目的不是对物体刻板的复制,而是有意识地反映了与社会生活主要制度相连的情感和思想,即不是“为艺术而艺术”,或者是“为设计而设计”,但是摄影包装艺术的发展到最后出现了偏移。众所周知,现代的工商业已经有了国际的范围,大量的贸易和人口的流动性已经减弱了摄影艺术的独特性和地方特性。于是,原有的具有显赫地位的摄影艺术作品成为一种艺术样品,即因为其自然的表现而逝去了。由于工业化的改变,设计师已经把原本带有兴趣性的主流思想推到一边了。包装艺术出现了机械化,而设计师不能为大量的生产而机械地工作,这样会使得其设计师自身与社会服务的正常循环变得不再那么紧密了。因此摄影包装艺术的偏移以及程式化为插画艺术的再次兴起提供了契机。从历史的角度看,一个理论的诞生或者延续总能重新焕发人们对改变自身的强大动力。简而言之,事物的差别性总能引起人们的注意。 二、时代赋予艺术的多样化表达 对于真实商品的再现,摄影技术也许是个不错的选择,而对于表现商品的特质,强调其与众不同的内涵和品质,插画则是较好的选择。通常,一件产品本身并不会引起其使用者的审美意识,可是,与其说出现这种情况的责任归咎于产品设计本身,倒不如说是这种产品流向市场的单一外部环境因素所导致的。这种环境的单一性是由于环境和时间的相互作用所产生的,因此,单一的外部环境被时代所抛弃,新的视觉审美也有所诞生,即单一性向多元化的转变趋势。插画的多元化是历史所带来的必然结果。从中国古代佛教经文的注解图片,到15世纪文艺复兴时期服务于宗教的书籍,插画因为前人所留下的宝贵财富具有强大的力量,同时因为时代的发展,绘画材料的多样化给设计师们提供了一个更大的发挥空间和展现舞台。材料的多样化带来风格的多样化,就近现代而言,特殊的审美“个人主义”“抽象主义”“超现实主义”产生了,虽然这些风格的作品是因为艺术家为了不迎合经济力量的潮流而进行的一种“自我表现”的大胆尝试,是一种尝试去夸大并且分离原有物质的反常思想,但是就是因为这种思想,使得这种不为市场而诞生的理念为迎合经济市场和审美心理需求提供了很好的途径和基础。大量的例证告诉我们,包装需要我们使其具有多样化的风格和创新意识。 三、现代包装设计中插画艺术的应用 现在商业包装设计在流通和销售过程中,必须向大众传递一定的信息。所以对一个合格的产品包装而言,准确的信息表达成为一种最基本的构成要素。插画带有的图形、文字、色彩等设计元素,是种观念艺术,设计师可以毫无局限性地将商品的信息完整地表达出来,力求达到简洁、明了而且具有视觉冲击力。缺乏足够的商品信息会让商品在市场中受挫。绘画的诞生之初本身就是服务于写实艺术,设计师拥有自由多样的创作空间。例如,色彩上可以采用丰富的颜色,也可以采用比较单一的且具有强烈对比的互补色,强调视觉的冲击力,巧妙地利用人类对于颜色的敏感性,增强商品传达信息的有效性,巧妙地灵动地准确地快速表达产品的内容。单从插画艺术本身来看,可以有效性地表达设计师的美学观念、表现技巧,甚至表现设计师的世界观、人生观。因此在这样的情况下,有些人对插画艺术在包装设计中传达信息的有效性产生了怀疑,使产品本身和包装直接的关系发生错乱。大量的实际例证表明,这种情况大可不必担心,因为这种理念不会出现在一个优秀的产品包装设计中。倒是关于这种思想的存在,恰恰证明了插画艺术在市场竞争中所具有的优势。正如巴黎春天设计百货的创意总监所说:“在你设计时,最初应该明确你要摆设商品中所蕴含的精神与主题,然后赋予其一种精神理念,只有别具一格的理念才能做出与众不同的设计。”在全球化的商品竞争中,必须要让信息和情感服务于民族路线。回归于民族路线对于一个产品包装而言,是使其能够找到根源可寻的明智之举。例如,星巴克在中国本土进行了一次本土化的改造,杯子在原有的基础上,对图案进行了延伸,以红色为基调,体现了中国的特色。同时在日本运用浮世绘的手法,对杯身进行了改造。对于一个收藏家来说,通过购买一个具有本民族特色的产品包装,是对其地位的有力证明,不仅仅是个人,社群和商家也通过建立一系列能够宣扬本国民族特色的产物,来证明其高尚的文化品位。社群愿意花钱来资助艺术,这反映了其优秀的文化地位,有利于树立产品自身的文化标志。这也刚好印证了一句话:“只有民族的,才是世界的。” 四、结语 包装艺术是产品进行宣传的重要辅助工具,是对一个产品在未售出前第一状态下的表达。而插画艺术在包装设计中的合理运用能够使客户体验到产品拥有的意义。前人留下的丰富经验给我们提供了丰富的素材,在这样的一个时代大背景下,插画艺术也会提供一种特别的设计风格。在设计师与商家的共同努力下,也不断会有具有中国文化底蕴和现代设计艺术风格的包装设计走入大家的视野。 作者:赵昊俞嘉华周全单位:北京化工大学 插画设计毕业论文:插画设计中综合材料论文 一、插画设计的定义、现代插画与传统插画的区别 传统的插画指的是通过较强的手绘能力,借助颜料、铅笔、炭笔等一系列创作工具在各种二维平面例如纸张、木板、布等材质上,绘画出来的造型艺术。传统插画艺术作为诸多插画形式中最原始的一种,其造型要素的基本是点线面的构成。风格表现不外乎幽默写实与超写实等。在现代设计领域中,插画设计可以说是最具有表现意味的,它与传统的插画有着密切的关系,现代插画艺术的许多表现技法都是借鉴传统插画的表现技法。有着传统插画艺术基垫,使得现代插画艺术在表现技法多样性有着坚持不懈的探究,在设计主题表现的深度和广度方面,都有着量的进展和质的变化,展示出更加独具表现力的插画艺术独特魅力。然而,如今插画设计已成为现实社会不可替代的艺术形式。以其直观的形象性、真实的生活感在现代设计中占有特定的地位,并广泛应用于现代设计的多个领域,现代插画设计有着与时俱进的独特性与时代感。 二、现代插画综合材料的肌理 现代插画设计主张传统与现代完美结合,无论每一传统元素的循环再生,无论每一造型独特构思,无论每一色彩搭配的巧妙设计,还是每一材质相融的精美绝伦,都致力出打造新颖独特的创意和独树一帜的风格,满足人们对生活环境以及生活品质的高要求。融会贯通,将设计与技艺完美结合起来,打破传统插画的特性在于其综合材料的运用,其中综合材料的运用在其特色在于材料本身独具的肌理美。不管自然特有肌理还是创造后肌理。自然最能体现肌理艺术美感灵魂的当然是纤维材料。无论是棉、绒、亚麻、羽毛等具有本身独特的纹理,还是经过加工得到的纤维,如涤纶、腈纶、棉纶、玻璃纤维,还是各种人造的实物作为材料如各种布料、手套、报纸都淋漓尽致的表现出肌理美。无论材料以何种形式综合运用,将原生态构成、造型及色彩变化、再造和拓展等多个角度进行设计,它都有其特有的颜色、肌理、质感表现出新颖独特的创意和独树一帜的风格。不同材料的综合创意运用创作的艺术作品都会给人独特强烈得触觉感受与视觉感受。当我们的指尖接触到画面时都可以感受到画面材质的柔软、坚硬、光滑、粗糙的感觉,即触觉肌理所感应的触感即相当于画面给人的一种质感。当插画设计中将材料通过剪切、缝合、拼贴等综合运用创造独特的肌理视觉冲击效果。 三、综合材料表现形式与制作技艺 现代插画设计相对于传统的插画设计而言,具有独特性、丰富性、多元化的特性,在方法、材料和制作技艺上也发生了不一样的变化,从材料上由传统纸、绢演变到布、牛皮、羽毛等。在制作技艺上也由传统勾画、缝、刺绣到粘贴、拼贴、剪切、镂空等。如镂空效果来源于传统民间剪纸艺术:剪纸工艺。这是赋予民族宝贵财富又一次崭新的生命力完美利用伟大古人智慧的结晶。在表现形式上,不再仅追求是人们熟悉的平面型设计,平面型的插画设计主要表达的是画面优美感、主题设计的形象感,对材料和表现形式的意识感还是相对较浅些,主要是运用绘画类手法,色彩勾画,或是丝绢材质,勾勒、刺绣法等传统技法,创造出和谐细腻的平面插画作品。当今的现代插画不再限于某一风格,已远远超出了传统规定插画概念的范畴,打破以往单一使用一种材料的表现方式,为达到预想的效果,广泛地运用各种手段,使插画艺术的发展获得更广阔的空间和无限的可能。如今的现代插画设计形式上更倾向于半立体型设计,呈现出开放、多元化特性风貌,其形式更倾向于浮雕效果,装饰性更强,通过对材料的技艺加工如褶皱、折叠、抽缩、堆积、镂空、撕、剪切、剪贴、缝合、悬挂、垂吊、粘合等方法,进而再设计将不同质地的材料的表面肌理和谐丰富起来,让其综合材料构造成浮雕式立体效果,创造一种特殊新鲜感和美感的肌理效果。 四、总结 随着艺术的日益商品化和新的绘画材料及工具的出现,插画艺术进入了商业化时代,插画在商品经济时代,对经济的发展起到巨大的推动作用。社会发展到今天,插画设计在我们的生活中无处不在,现代插画设计不仅妆点了生活环境,还体现人们的现代生活追求和艺术修养。不仅是营造生活良好氛围的点睛之笔,还是生活艺术化、艺术大众化的完美体现。与现代生活结合,时尚、独特、个性,与众不同、独一无二,焕发了新的艺术的生命活力。 作者:卢海婷沈君婷单位:辽宁工业大学 插画设计毕业论文:民间剪纸艺术插画设计论文 1民间剪纸艺术 1.1民间剪纸艺术的形式民间剪纸艺术是民俗文化的产物,采用剪刀和纸张,使用纸张的“实”和被减掉的部分的“虚”,以自然的生活实物作为背景,来体现剪纸美术的画面感。我国不同地区的剪纸艺术是不一样的,其中,黄土高原地区的民间剪纸艺术最为著名,已经成为我国民俗艺术研究中的一大派别。 1.2民间剪纸艺术的艺术价值民间剪纸艺术发源于古代普通劳动群众的日常生活,是人们将对生活的渴望、希望,对美好未来的想象以及对美好事物的纪念,通过最常见的家常事务表达出来的形式。因此,民间剪纸艺术具有浓厚的生活艺术价值,承载了一代又一代劳动人民对生活的理解。通过剪纸艺术中的内容变化,我们也很容易能观察到不同时代的平民文化的变化。 2民间剪纸艺术在插画中的应用 2.1在特殊节日中的应用民间剪纸艺术中最常用的纸张颜色是红色,这种颜色自有的热烈、喜庆的含义,加上剪纸作品所展现的具体形象,使剪纸艺术成为中国传统节日中必不可少的一种艺术形式。如今,很多针对传统节日所设计的插画作品,大量地应用民间剪纸艺术,以剪纸艺术团作为插画的背景,来凸显传统节日的民族气息。例如在春节的时候,插画中经常出现贴窗花的画面,这实际上就是对民间剪纸艺术的应用;在传统节日元宵节的时候,大量插画都以红灯笼剪纸作为背景来烘托节日气氛等。 2.2在突出插画风格方面的应用民间剪纸艺术是我国固有的传统艺术,无论是西方,还是日本和韩国这些流行插画的国家,都没有这样历史悠久的剪纸艺术。许多插画都以中国风为基调,但在形象设计、技法应用方面却流露出日韩风格,受到欣赏者的质疑,但是,一旦在插画中应用剪纸艺术元素,无疑就标示了插画的“中国风”风格,欣赏者对插画作品的认同度会大大提升。 2.3在插画细节诠释方面的应用插画艺术设计中的人物形象受日韩画风影响,在细节方面多有雷同,而剪纸的应用,则可以对插画的细节进行特殊的诠释。在刻画人物时,使用可爱的人影形态,没有脸部表情,胖胖的身体,小小的四肢,简单的红白相间颜色。它的意义在于,它是每一个普通的、向往美好生活的人的影子,不一定要有漂亮的脸孔,不一定要有魔鬼的身材,而喜庆的胖胖身体中一定装着一颗满满幸福的心。这就是民间剪纸艺术的神奇力量之所在,它可以用简单的图案创造出生动、丰富的形态,而对于这些图案进行一定的提炼与变形,能够创造出了千百个不同的形态,每个形态的气质、精神,都能够得到完美的诠释。 3民间剪纸艺术对插画的实际作用 3.1为现代插画艺术添加审美价值现代插画艺术被应用在图书出版、广告设计、会展布置等方方面面,如此广泛的应用使得插画艺术的审美价值变得不稳定,插画艺术价值的范畴始终难以确定。而民间剪纸艺术在插画艺术中的运用,却使得插画艺术的审美价值稳定下来,一旦有剪纸元素的出现,插画从整体气质上就显得传统并且具有亲和力,应用的限定性就更强,审美价值也就从简单的装饰品成为烘托气氛的必需品。 3.2对传统艺术的继承人类制作某种图案为某种文化目的服务,而当这种图案长期代表特定的意义之后,它就具有了这种特殊的含义,人们随意使用它的自由就会受到其背后意义的限制。剪纸艺术以简约的符号为表象,表示着中国民间传统文化。在插画艺术中使用剪纸艺术,使得插画也具有这样的艺术意义,这实际上就是插画艺术对传统艺术的继承。 4结语 综上所述,民间剪纸艺术与现代插画设计的结合,是现代美术艺术对传统美术艺术的继承和发扬。民间剪纸艺术具有十分重要的历史记录价值以及生活审美价值,这是与现代美术艺术发展的基本思想相吻合的。民间剪纸艺术被应用在插画设计的方方面面,使插画设计的应用性更强,风格也更加突出。在插画设计中使用剪纸艺术,会使插画设计的艺术价值有所提升,值得每个插画设计师进行尝试。 作者:杨硕单位:西安工程大学 插画设计毕业论文:数码绘插画设计论文 一、当前的插画市场和以往的插画市场已经有所差别,现在的插画市场可以分为以下几种买家: 1、儿童插画买家。这是一个全国最大的消费群体,他们的服务目标为所有的低龄小朋友,甚至有的时候服务于小学生和初中生。这个市场养了中国百分之七十左右的画手。这个买家的中介是什么形式呢,现在这个买家的中介以出版社、中小书商、私人等几种群体方式来体现,而平台也基本以纸质媒介、电子出版物等流行的方式来实现。这个买家养的画手的生存情况如何呢?那么现在,国内的低幼插画家,基本的稿酬以一张a4纸张为例,单纯的线稿以20-40元不等,色稿为20-40不等,也就是说一个画手如果兼任线稿和色稿,那么他一张能得到的稿费大概在40-80元左右,一般成熟的画手一天能够完成4-5张的稿子。这个群体属于插画中的低收入群体。当然这个群体对于画手的要求也不是很高,门槛较低,一般的学生如果进入这个门槛,能很快的开始独当一面,但从发展前途上来说,没有更好的晋升阶梯。 2、绘本插画买家。这是一个中端的消费市场,教材中将插画细致分成很多门类,实际上当前在国内的市场,插画也就是大概分成三类左右,其余的细致的门类,插画师是随时可以跨门类制作插画的,在要求不是很苛刻的情况下。绘本类,基本服务于小资人群,当人也有一部分服务于儿童,但是绘本的特点是精美,对话性比较强,不会有大段的文字,基本以绘画为主,所以,绘本类的插画更适合快餐式的小资人群,也适合喜欢收藏精美插画的人群。那么绘本的制作者都是什么样的画手呢?绘本的制作者基本是属于画手里的中档级别,由于绘本入门要求比较高,写实的功夫和良好的色彩感受力都是硬性要求。 3、卡牌插画买家。这是一个高端的市场,我们可以把游戏的插画设计和卡牌的插画设计分成一类,因为卡牌也是一种游戏,那么卡牌我们都知道从日本的赛璐璐平涂画法到美系的写实厚涂画法都有自己的一定的市场。那么我们国内有一段时间最为流行的一套卡牌《三国杀》就是在游戏的过程中,夹杂了大量的美术元素。当让国内的卡牌由于制作经费有限,可能制作的时候并没有花费很多的费用,有些甚至是有赞助的情节出现。但是美国的“万智牌”做为全世界卡牌最受欢迎之一的牌种,它的美术价值,就非常惊人,据说一张成熟的“万智牌”稿费能够达到80000人民币左右。日本的二次元卡牌虽然稿费不比美国的惊人,但是也是能够让国内儿插的作者足够吸口冷气的,日本二次元卡牌稿费基本都在3000-30000人民币左右,这个中间差距根据成品的质量和卡牌画手的技术成熟度拉开。那么,卡牌的买家是什么人呢,卡牌的买家可以说从学生到社会青年到卡牌收藏者,覆盖面比较广。但卡牌的制作时间也比较长,实际上一张卡牌从草稿到线稿到色彩稿子,最少要经过半个月的制作周期。在插画当前的市场中基本以上述所表述的几种为主,其余的基本都能容纳到三个种类某一种类其中。那么如何让学生进行学习呢? 二、笔者认为在教学过程中,要通过以下几个方面来引导学生: 1、要让学生针对商业插画的制作下一定的功夫。插画不同与以往的速写,有更多的商业约束在其中,所以,要尽可能的让学生真正接触到一些插画的商业单子,通过真正的单子让学生练手。我们一些院校缺少这种让学生实践的平台,由于个别老师也避讳共享个人的机会,学生很难接触到客户,这就形成了学院教学的课程总是与实践有中水中望月、雾里看花的朦胧感,学生自己也不知道自己制作的作品是否能够合乎市场的需求。因此,这中结合是非常有必要的。 2、要让学生大量的接触优秀的插画作品,国内国外的插画大师经典作品能够让学生打开眼界,增强自我的经验积累,并且对于美丑的界定能够更明晰。 3、积极引导企业接触院校,让学生与企业互动。在让学生接触社会的同时,社会上一些企业也在了解学院,也在进行积极的良性接触,这就会形成象国外一样的企业扶持学校培养自己需要的人才的商业链条,我们恰恰需要的就是这种链条的形成。 三、通过学习更加深入的了解 目前应该掌握的软件和表现技法。对于技术的层面,现在教材中所涉及的一些cg绘画的软件基本是圈外人的一些熟知的软件,真正服务于商业插画的一些软件教材很多基本没有提及,象painttoolsai、posestudio、opencanvas等,教材中提及的ps软件等都是公用的一些软件,并不是专业级别非常强的软件。怎样把电脑变成一件超级画具?电脑可以做些什么?用电脑绘画,可以去到什么境界?这是插画家需要了解的。那么,对于学生除此之外必须要了解的另外一点是什么呢,就是数码绘的重要性,现在,基本上在商业插画的制作流程中,纸笔为媒介的方式不多见了,基本以数码绘为主,那么选择一块良好的数码绘手绘板就非常有必要性。在学生了解插画买家市场与插画软件后,并且有了自己一定的基础和手绘板后,就可以开始进行理论和实践的结合了,可以勇敢的去尝试接一些单子,在很多国内的论坛或者威客都有插画任务,可以去竞争,当然也可收集优秀的一些资料作为参考,从中来利用有用的成分服务自己的竞标,《幻想艺术》就是一本优秀的国内刊物,由于某种原因,暂时处于停刊状态,但是以往的过刊却都是非常经典,可以作为个人收藏和参考使用。从2006年开始,《幻想艺术》将国内优秀的动漫艺术家和他们的作品推向了国际舞台,让世界各国的人们走近中国的动漫艺术家和他们的艺术。当然由于国内的出版竞争情况和书籍出版政策多变性导致其刊物最终停刊,但这个刊物不得不说是一本经典的融合中西优秀作品大成的刊物,希望有朝一日能够复刊。对于学生说,成功后的果实会让学生真正体会到一个插画工作者所感受的艰辛以及市场的真实性,而不是光躲在书桌后听老师在幻灯放映机前讲文字内容和其它人的作品。 四、总结 总之,要想真正了解插画,就必须分析商业插画所处的境地。这种了解也正是学生技术能力养成的前提。当前,国内的教育方向是培养技术性的人才,很多院校甚至直接改成了技术类型的学校,这种改改必定能使教育真正的开始服务于市场,而我们也不能光把自己当做理论工作者,我们教师也应该在学习的过程中让学生真能学到知识,起码在走出校园的时候,有自己的一技之长,能够很快的得到一个生存的席位。相信,理论指导实践,实践上升为理论,这种良性循环的形成,真正能促使教育成为强国之力。 作者:李也单位:吉林大学古籍研究所 插画设计毕业论文:水彩与插画设计论文 1水彩在现代插画设计中的运用 电脑CG艺术的发展让计算机绘图已经慢慢成为插画行业的主流,较之传统的插画,电脑绘制让插画变得更多产且便利。但同时,由于电脑绘图的普及,对于插画作者的美术能力要求也有所降低,即便许多优秀的CG艺术家及他们的插画作品可以看出其扎实的美术功底,但是插画行业的门槛却成下降的趋势。所以,传统手工绘制的插画显得小众而可贵。手工绘制的插画往往借助油画、版画、水彩、丙烯、色粉等绘画工具完成的。其中,油画和版画因为成本与工程量的原因,作为现代插画来说可行性不大,即便是有,也是极少的,而且几乎全部集中于纸质装订的插画中。而水彩却是手工插画的极佳选择,水彩既可以画出细腻及丰富的色彩效果,也可以充分地表达出体积与空间。同时,水彩这种工具的属性本身就让画面有着通透感,具有良好的视觉审美性。水彩画以水为媒介,调和色与色之间的关系,在一个经验丰富、技巧娴熟的艺术家笔下,水彩可以制造出极好的效果。在电脑CG艺术出现以前,水彩可以说是插画最为便利的工具了。现代的插画中,表现形式也呈现多样化,所以即便是选择传统的水彩画作为创作工具,也不一定要像以前的插画那样以完整的具象手法来表达,可以不用绘制出完整的水彩作品,而是有更多的表现手法可选择,如以线条为主,将水彩的色块依附于线条上面,也可以绘制纯平面的图形。只要紧扣主题、格调,保持图像美感,在此基础上,无论是传统的具象插画,亦或受到极简主义影响的符号式图形插画,都是优秀的插画作品。由于现代插画不仅仅是用于书刊,而是广泛用于电子多媒体中,所以水彩插画的运用必须扫描至电脑才能得到更广泛地使用,因此,许多人会选择直接使用电脑绘制插画,但水彩插画依然是不可替代的。比如在宫崎骏的动画中,许多场景都是水彩绘制的,虽然动画不同于插画,但是单帧的动画场景跟插画还是有着极大的相似之处。不难看出,水彩具有电脑CG无法模拟的效果,尤其是对于场景风景的表现,水彩营造的画面光感更真实,空间表现更加深远。现在有许多绘图软件在模拟水彩等手绘效果,像photoshop的水彩笔刷,以及artrage和corelpainter,但是还是无法达到真实手绘所带来的特殊质感。 2水彩与现代插画设计结合的基本要求 水彩画与现代插画设计结合是一种提炼又保留传统绘画的结合,是在现代快速多产的商业美术中独树一帜的产物。将两者结合,要达到实用与审美效果,有如下基本要求。 1设计师需要有扎实的美术能力。纸上手绘是设计师美术能力的直观体现,电脑作画容易做出各种效果,而水彩画则不然,如果设计师没有经过专业美术训练,很难能够胜任水彩插画创作。 2设计师需要有现代的设计理念。现代插画不同于传统插画,更不同于水彩艺术作品。是一种服务于商业主体,容易被大众接受的实用美术,理应做到满足于受众群的需求。现代插画风格更具多样化,既包括写实,也包括卡通,设计师需要对风格进行把握。题材上不仅仅是风景和人物等写实题材,还包含了拟人化的动植物等想象化事物,所以设计师如果没有现代的设计意识,是不可能将现代插画做到位的。 作者:邱小婧单位:湖南科技大学 插画设计毕业论文:民间剪纸艺术与插画设计论文 一民间剪纸艺术在插画中的应用 1在特殊节日中的应用 民间剪纸艺术中最常用的纸张颜色是红色,这种颜色自有的热烈、喜庆的含义,加上剪纸作品所展现的具体形象,使剪纸艺术成为中国传统节日中必不可少的一种艺术形式。如今,很多针对传统节日所设计的插画作品,大量地应用民间剪纸艺术,以剪纸艺术团作为插画的背景,来凸显传统节日的民族气息。例如在春节的时候,插画中经常出现贴窗花的画面,这实际上就是对民间剪纸艺术的应用;在传统节日元宵节的时候,大量插画都以红灯笼剪纸作为背景来烘托节日气氛等。 2在突出插画风格方面的应用 民间剪纸艺术是我国固有的传统艺术,无论是西方,还是日本和韩国这些流行插画的国家,都没有这样历史悠久的剪纸艺术。许多插画都以中国风为基调,但在形象设计、技法应用方面却流露出日韩风格,受到欣赏者的质疑,但是,一旦在插画中应用剪纸艺术元素,无疑就标示了插画的“中国风”风格,欣赏者对插画作品的认同度会大大提升。 3在插画细节诠释方面的应用 插画艺术设计中的人物形象受日韩画风影响,在细节方面多有雷同,而剪纸的应用,则可以对插画的细节进行特殊的诠释。在刻画人物时,使用可爱的人影形态,没有脸部表情,胖胖的身体,小小的四肢,简单的红白相间颜色。它的意义在于,它是每一个普通的、向往美好生活的人的影子,不一定要有漂亮的脸孔,不一定要有魔鬼的身材,而喜庆的胖胖身体中一定装着一颗满满幸福的心。这就是民间剪纸艺术的神奇力量之所在,它可以用简单的图案创造出生动、丰富的形态,而对于这些图案进行一定的提炼与变形,能够创造出了千百个不同的形态,每个形态的气质、精神,都能够得到完美的诠释。 二民间剪纸艺术对插画的实际作用 1为现代插画艺术添加审美价值 现代插画艺术被应用在图书出版、广告设计、会展布置等方方面面,如此广泛的应用使得插画艺术的审美价值变得不稳定,插画艺术价值的范畴始终难以确定。而民间剪纸艺术在插画艺术中的运用,却使得插画艺术的审美价值稳定下来,一旦有剪纸元素的出现,插画从整体气质上就显得传统并且具有亲和力,应用的限定性就更强,审美价值也就从简单的装饰品成为烘托气氛的必需品。 2对传统艺术的继承 人类制作某种图案为某种文化目的服务,而当这种图案长期代表特定的意义之后,它就具有了这种特殊的含义,人们随意使用它的自由就会受到其背后意义的限制。剪纸艺术以简约的符号为表象,表示着中国民间传统文化。在插画艺术中使用剪纸艺术,使得插画也具有这样的艺术意义,这实际上就是插画艺术对传统艺术的继承。 三结语 综上所述,民间剪纸艺术与现代插画设计的结合,是现代美术艺术对传统美术艺术的继承和发扬。民间剪纸艺术具有十分重要的历史记录价值以及生活审美价值,这是与现代美术艺术发展的基本思想相吻合的。民间剪纸艺术被应用在插画设计的方方面面,使插画设计的应用性更强,风格也更加突出。在插画设计中使用剪纸艺术,会使插画设计的艺术价值有所提升,值得每个插画设计师进行尝试。 作者:杨硕单位:西安工程大学 插画设计毕业论文:图文结合插画设计论文 一、图文结合插画设计的作用 1.图文结合的形式使,插画主题更深入 插画设计具有从属性,对所插附的文章或者广告有解释的作用。所以插画的设计需要表达出明确的主题,并且能把主题准确地、简单地表达出来。对想要表达的主题要围绕“是什么”,需要设计的插画内容和内涵是什么。“怎么做”,怎么表现这些内容和内涵,用什么样的形式表现,以致达到信息传达的作用,画面还要具有一定的美感,才能体现出插画的自身价值和附加价值。文字的表达能力是图画永远无法代替的。而图画大多时候也很难把明确的主题表现出来,所以在图形里加入文字进行设计,并对文字的笔画做相应的调整,使之与图形完美地融合,这样能帮助受众理解插画与文章,这种设计方法更令人感动。作品中的文字成为“表现思想的工具”。文字加入图形中并不是对图形作品进行说明和理解释,而是对作品的含义进行一些提示。 2.图文结合的形式,使插画更具创新性 著名的作家莫泊桑在《漂亮朋友》里曾经写过这样的一段话“我感到,死神正在和我在一起,因此常想伸过手去,将他一把推开。天地虽大,但到处都有他的身影。我到处都可以看到他的踪迹。路上被扎死的蚂蚁,树上飘落的黄叶,朋友胡须中出现的一两根白毛,一看到这些,我的心就会像刀割一样,因为它是死神肆虐的见证。”设计与人、蚂蚁、树叶一样同样具有生命,如果我们不进行创新,设计出具有创新、进步的设计,等同死亡。所以插画设计要表现出独特的创意,具有创新性,插画家就需要有一定的想象力。伟大的爱因斯坦曾经说过这样一句话:“艺术形象力比知识更重要”,这说明了想象力在插画设计中是相当重要的。只运用图形设计的插画太过于常见,现在插画的表现形式越来越多,这跟插画家拥有神奇的想象力息息相关。如果插画家们尝试运用文字与图形结合,并把图形和文字之间的关系高度整合,紧紧围绕主题而设计。这种创作方法比传统的形式更独特,具有创新性。设计就是要不断地创新才称得上设计,如果一直保持原来的设计风格和用陈旧的表现形式,那就无法称为设计,插画设计亦是如此。近年来在广告设计、包装设计、书籍设计中,大多运用摄影图片表现广告创意和产品的形象,摄影能够直观呈现物体的形象,而插画设计相对与摄影来说有着绝然不同的效果。插画的形式相对来说更有幽默性、装饰性、创新性、趣味性等,而且有些运用图文结合的插画表现形式制作广告和产品包装设计等,并能在众多广告和产品包装设计中脱颖而出,起到了很好的宣传作用,因为这够特别、够创新。可想而知,我们在设计插画是必须要有创新性。 3.图文结合的形式.使插画更具趣味性 具有趣味的图形总能引起人们的关注,引发人们去思考。图文结合的插画相对常见的纯图形插画更具趣味性,它的形式、画面效果都有情趣。如果文字的笔画没有任何的变化,通常显得呆板和严肃,反之,文字的笔画富有变化甚至延伸出图形或者图形代替文字的某些笔画,使图文插画显得有美感、新奇感等,同时具有趣味性就非常容易吸引受众关注,对于商业插画的宣能传达到事半功倍的效果。如,“房屋”两个字,我们在绘画的时候,把“房”字的“方”部分设计成房子的门口和屋梁,把“屋”字的“尸”部分设计成传统瓦房的屋顶,画面的趣味感就瞬间展现了出来。又如插画主题是想表达一个跳舞的形象,可以运用适合的文字编排成一个正在舞蹈的人,或者用一个“舞”字进行变化设计,把“舞”字的最后一个笔画与正在舞蹈的脚的图形结合设计,同时对文字笔画的形态反复修改,使之与舞蹈的形象完美结合,看设计出来的“舞”字即能看出是一个“舞”,同时也明显看出是一个正在翩翩起舞的人。该画面简单易懂,形式又具有趣味性,富有趣味性的画面最容易让人产生情感共鸣,这种巧妙的设计无论是少年、中年、老年人看到这样的插画都会瞬间喜欢上这种感觉。 二、常见的几种图文结合成插画的表现形式 文字和图形结合在一起,经过设计组成一幅插画,可以形成独特的视觉效果,这就是文字成图的表现形式。图文结合设计时,需要考虑文字和图形的内涵是否一致或有关联,插画家要根据设计主题用图文结合的形式设计插画,使文字的内涵与最终的插画效果达到高度统一。表现形式有将文字设计成图形;将文字外形延伸出图形;将图形融于笔画里;运用文字代替图形的局部。 1.将文字设计成图形 将文字设计成图形时,我们通常都会把文字当做图形,因为它是图形组成的一部分,但受众在看文字的时候,通常也会根据文字含义去理解或者想象出一些画面。比如,“打篮球”这几个文字,受众直接理解或者想象出一个正在打篮球的动态或者打篮球的场面。如果把“打篮球”几个字重复排列,编排成一个正在打篮球的形态或者打篮球的场面,最终插画的画面呈现出生动活泼、有娱乐效果和动感的感觉来。另外也可以把文字的笔画设计成图形,比如,云朵两个字完全设计成云,插画的最终看到的既是“云朵”两个字,同时也是一朵云的形象,这种表现形式为画面增加创新性和趣味感。 2.将图形融于笔画里用图形 填充在文字的笔画里面,同时需要保留文字的属性和功能,可以不改变文字的外形和结构,而是把图形填充到文字的笔画里。设计这类的插画,文字通常运用一些笔画较粗的字体,或者把字体纤细的文字笔画调宽,文字笔画较粗才能看出现充在笔画里面的图形效果,如果文字笔画很细,图形显现的效果就不明显。表现这样的插画,有时为了画面显得更加灵活,图形也并不完全填充在笔画里,有一部分图形伸到笔画的外面。这种表现形式让画面显得更加活泼生动,文字因为有了图形的装饰显得更有生气,图形因为有了文字的外形和文字的含义显得更有层次感。 3.文字外形延伸出图形 文字的笔画向外延伸出图形,也可以说成图形融于文字的某个笔画里,同时图形向外伸展。这样的形式,我们通常看到的图形都把它当成是文字的某一笔画,因为这种形式一般保留文字的功能,稍微改变文字的外形和结构,用文字的一个或者两个笔画向外延伸出与主题统一的图形,就如“叶子”两个字,可以在这两个字中的一些笔画延伸出叶子的形状,使画面既保留有文字的识别功能,叶子图形的装饰同时增加了画面的生动性。 4.文字代替图形局部 文字与图形结合的插画设计的另外一种表现形式就是把文字融于图形中,代替图形的其中一部分。比如在画一个留着爆炸头发形的人物,用“头发很爆炸,超有个性”等与图形相呼应的文字编排成爆炸头的形象代替头发。一般这样的图文插画中文字变形比较大,这种变化是单个文字或所有文字的字体变形,因为文字要适合图形的变化进行某些部位的调整。除此之外,文字还需要根据图形的形态而变化,如果图形很流畅动感,文字的变形也必须设计出流畅动感的形态。图形如果是静态的,文字也要跟随图形而设计出安静的感觉。 三、结语 综上所述,文字和图形结合设计成插画的表现形式够特别、画面灵活不呆板,并且作用良多,它使画面的主题更深入,更具创新性和趣味性,同时插画运用在包装设计、平面广告、书籍设计等平面设计作品中的传播效果更佳。现今无论是年轻人还是老年人都喜欢这种图文结合的插画形式,因为它不仅明确地表现主题,还具有趣味性,容易让人产生情感共鸣。 作者:陆春连单位:广东财经大学华商学院
美术艺术鉴赏论文:高中美术鉴赏中当代艺术内容的教学研究 高中阶段往往是学生世界观、人生观、价值观形成的关键时期,这一阶段,高中生的审美意识也逐渐的增强,需要学校相关课程的任课教师加以正确的引导。美术课程作为高中阶段主要对于学生审美意识进行指导与教授的课程之一,对于学生审美情趣的提高,具有较好的促进作用,对于该课题进行研究是十分重要的,所以笔者将以高中美术鉴赏中当代艺术内容的教学研究为课题进行研究,希望对于提高高中阶段学生审美水平的提高起到一定的促进作用。 高中美术鉴赏当代艺术内容教学研究所谓的当代艺术是指在当今环境下含有批判性质的艺术,从字面中可看出,当代艺术也就是与当前环境共同发展的艺术,其本质是通过对将人们的生活与艺术相结合,将艺术拉到现实之中。因此当代艺术应当被大众所认知,如今在我国对教育进行改革的条件下,在高中美术欣赏中加入当代艺术的教学是非常有必要的。 一、当代艺术在高中美术欣赏教学中的现状 (一)学生对当代艺术的认识差 在当今高中的教学中,由于我国仍然以应试教育为主,因此美术课往往只是作为高中教育中的一门辅修课程,并且不计入统考范围之内,因此高中学生对美术鉴赏课并不持有足够的重视,往往在美术鉴赏课中出现瞌睡等情形。其主要表现在如下几点:首先,在学生在步入高中之前,虽然在初中也开设美术相关课程,但是在初中阶段美术课程更多的是以对美术教师以及其他作品的临摹,同时教师在教学之中更多的是纯技法,加之初中阶段并不重视美术教学,因此导致学生在步入高中时美术鉴赏的学习并不能有效衔接。其次,除美术特长生以外的其他学生对美术鉴赏的相关知识了解程度不高。再次,学生对美术鉴赏教学持有反面态度,并且学习敷衍性较大。 (二)教师素质较低 首先,目前我国大部分美术教师在教学理念上相对较为落后,同高中其他课程教师来说,一些美术教师在美术教学过程之中过多看重技法以及作品,忽略对学生进行理论教学,甚至认为当代艺术的教学与美术教学没有任何关联。其次,受到传统教学的影响,美术教师同其他教师相比,缺少学习与进修的机会。再次,教师缺少创新意识,在美术鉴赏教学之中往往教学模式较为单一,高中美术教师往往是一些美术院校的毕业生,他们在学习过程中更多接触的是专业技能训练,对当代艺术缺少必要的了解。因此导致在高中美术鉴赏教学过程中,只能通过宣读教材的方式进行教学。最后,由于目前美术鉴赏课程在我国高中教学的开展时间相对较短,缺少教学经验,缺乏对教学模式的研究,进而导致高中美术欣赏教学之中对当代艺术的教学出现较多问题。 (三)教学管理的不重视 教学管理的好坏直接影响着学科的教学质量,而美术鉴赏教学从目前来看,在高中教学之中受到各种因素的制约。首先,对美术教师的管理与使用不科学,往往出现将美术教师安排到其他方面工作之中,导致高中美术鉴赏教学失去原本应当拥有的地位。其次,学校对美术教师的培训以及对美术鉴赏教学的质量与评价不重视。再次,美术鉴赏教学并没有纳入到高中教学成绩的评价之中。 二、当代艺术在高中美术鉴赏教学中的对策 (一)开拓学生审美视野 在当代艺术的相关理论之中,明确提出了当代艺术与当代的文化中的文化话语有着最为直接的联系。当代艺术已经融入到人们的日常生活之中。因此要提高高中学生对当代艺术的认识,学校就应当进一步通过有效手段提升学生在日常生活中对当代艺术的认知,当代人们在日常生活中的某些细微变化,都在反应人们对审美观念的改变,审美更是与人们对艺术以及艺术活动的认知有着直接联系。 (二)提升美术教师的素质 教师是学校进行教学中的重要因素,教学目标的实现的前提是教师。因此搞好教育,培养优秀的学生就要加强教师的素质,尤其是美术教师的素质。学校应当全力培养学术性的美术鉴赏教师,培养美术教师拥有良好的职业道德,把握美术鉴赏教学规律能力,拥有较强现代艺术欣赏能力和有较强教学理论能力。通过培养,进一步提升美术教师的表达与动手能力、问题的解决能力,从而保证美术鉴赏教学的艺术性。而作为美术教师,应当通过各种手段提高自身的学识与经验,通过不断对各种理论与当代艺术的学习,进一步提升美术鉴赏教学的方法,提高艺术教学在美术鉴赏教学中的地位,促进学生全面提升个人素质。 (三)提高学生水平,制定科学教学目标 在目前我国以应试教育作为教育体制的前提下,学校对美术鉴赏教学管理的不严格造成了学生对美术鉴赏的忽略,不了解当代艺术。因此学校应当根据学生的实际情况,明确美术鉴赏的教学目标。在美术鉴赏教学目标中,目标的制定应当清晰明朗,其教学目标应当具备:一对美术鉴赏教学的范围以及内容等难点进行确定,从而引导学生积极参与到教学中。二是在美术鉴赏教学中应当明确采取分步教学的方式,将当代艺术融入到美术鉴赏之中。三是通过明确提出学生所要到达的水平,从而为教学提供检测依据。 美术艺术鉴赏论文:现代艺术和高中美术鉴赏课 现代艺术是主要发源于西方发达国家的一种崭新的艺术形式,在美术史上只经历了数百年之久。现代艺术的涌现充满了热血和激情、冷静与反思,是人类智慧的一次集中展现,将人类积聚了几千年的艺术文化彻底改变了,艺术开始变得贴近生活大众,他们和商业的距离从未如此近过。对于艺术史发展到现代艺术阶段的情景,我们能窥见背后轰轰烈烈的工业革命和信息技术革命,信息的大爆炸滋生了这些独特而富有魅力的新的艺术形式。 高中美术鉴赏课的教案编写涵盖面极广,从原始艺术到现代艺术,从古至今,从西至中,各种知名的艺术品、艺术故事,几乎无所不谈,而正是这个原因,让我们的美术课本有种泛泛而谈的感觉,而现代艺术如何在高中生中推广介绍?是我们亟待解决的问题。 在教学过程中,我们发现对于学生感兴趣的很多现代艺术作品有一种特有的新奇感,因为传统艺术篇章和现代艺术篇章的较多割裂,让学生对现代艺术的理解只停留在诸如“看不懂”――极简主义,“很狂野”――德国新表现主义,“很抽象”――美国抽象表现主义,“很像照片”――照相写实主义或超级写实主义,“很变态”――弗朗西斯培根的作品等等之类的评论上,而无法联系到这些绘画流派所在的历史背景和民族特征或者艺术家的独特经历和观念,针对这一点,我做了下述分析。 一、现代艺术鉴赏的德育方面 德育的培养离不开具体的知识和内容,任何脱离内容的形式都显得过于空泛,在现代艺术鉴赏课中,我运用各种资料来激发学生对艺术品背后的深化理解。比如,讲到波普艺术的时候,提及安迪沃霍尔和王广义两位艺术家,安迪沃霍尔是美国著名的波普艺术大师,他的可口可乐瓶、玛丽莲・梦露的作品形象深入人心,但是,当这些艺术形象推广到世界,在世界范围的人群中深入人心的时候,中国的一位文化学者河清就批判道:这是一种文化霸权。 而我国的波普艺术家王广义,则在借鉴安迪沃霍尔的波普艺术形式里贴近生活、商业气息和直接刺激的部分,使其形成一种中国式的政治波普,这便是中国独有的文化语言。讲到这里的时候,学生便能体会到教师的德育用意:霸权,不仅仅体现在政治经济上,还有文化霸权,要爱国,就要努力发扬本民族的,只有民族的才是世界的。 二、现代艺术鉴赏的智育方面 在纷繁复杂的现代艺术门类里,学生能看到很多艺术家的探索精神,虽然有些艺术的探索充满了古希腊故事阿基里斯与龟般的悖论式荒诞,但人类的求知欲可在此一窥。现代艺术里的光电艺术已经日趋成熟,这里面包含了众多科技领域的创新。比如,在上海举办的电子艺术大展,让人们对艺术和科技的结合充满遐想,未来的科技不会只有冷冰冰的操作,而是人和机器互动甚至是情感交流的媒介,通过这些现代艺术媒介的变化,能开拓学生的思路,了解现代艺术巨大而宽泛的应用领域和发展领域。 三、现代艺术鉴赏的美育方面 现代艺术中需要传递给学生的不仅仅是传统意义上美的东西,比如德国新表现主义大师基弗的作品,介绍他的绘画和装置作品的时候,需结合这位艺术家不平凡的历史时代背景和他本人的精神所向。二战的阴影给德意志民族内心的创伤,在基弗的作品里留下了巨大的影响,比如杂乱的笔触,荒野里干枯的稻草,点燃的火苗,坦克、潜艇的模具,破碎的衣服等,这些物件堆放在一起并没有很强的美感,但是学生能读懂这些东西堆放在一起的时候会呈现什么样的语境,那是一种人类被战争百般折磨后的苦难。此时的美育就变得更加深刻而富有内涵了,对美的追求不再只仅限于一张漂亮的画,一个漂亮的装置,而是灵魂的洗礼和对历史的拷问。 四、实例分析――《新的实验》 在今年的市级公开课中,我针对教材中的《新的实验》一课为原型,延伸教材内容,编写了一堂关于现代艺术的鉴赏课。附简案: 《模糊的界标》 ――探索新的实验 教学目标: 1.认知:了解并体验实验艺术的特征。 2.能力:拓宽学生的视野,初步形成对此类艺术的审美能力。 3.情感:培养学生对形式、材料、造型等方面的好奇心与探索心理。 教学难点:对新的艺术形式与内容的解读和领会。 教学准备:公益作品照片、商场里较大的商品、各式布料、夹子、彩带等。 教学时间:1课时。 课前准备:给一部分学生发放赵半狄公益作品的图片。 教学过程: 1.导入。 提问:如果把这些作品放成大幅彩照并在美术馆展出,你觉得它们是一种艺术吗?(分组讨论2分钟,由小组长汇集总体意见,确定正反方向,并作为代表发言) 2.引出课题。 欣赏蔡国强作品,猜测艺术家的想法,欣赏克里斯多夫作品――《包扎的德国柏林国会大厦》。 小结:我们通过包裹,不仅体验到一栋大楼独特的纯审美功能,也让我们关注到保护具有历史意义的大楼和保护大自然等观念。 思考:随处可见的工棚也是包裹艺术吗? 3.通过这件包裹作品来总结实验艺术的特点(是非判断题)。 4.课堂活动:利用商场里的商品和各式布料来创作包裹艺术(8分钟)。 (学生展示作品,教师指导点评并做小结) 美术艺术鉴赏论文:高中美术鉴赏课要注重挖掘学生潜在的艺术素养 【摘 要】 新课标指出:美术课程评价的主要目的是促进学生的发展,用体现多主体、开放性的特点的评价方式,培养学生自我评价的能力,帮助学生学会判断自己美术学习的态度、方法与成果,确定自己的发展方向。那么,究竟应该采取哪些方式来达到在美术鉴赏教学中挖掘学生潜在的艺术素养 【关键词】 美术鉴赏;挖掘学生;艺术素养 艺术是一门充满情感和创造的学科,文艺鉴赏课作为大学的人文素质教育课程,已不能像中学的文学艺术课那样仅培养学生的感性认识和实际体验,而要帮助学生增加对文艺美的理性认识。同时,尽管它是非专业教育,不承担培养专业文艺人才的任务,但因其基本任务是全面提高大学生的人文素质,培养学生正确的审美观,提高学生感受美、鉴赏美和创造美的能力,所以,“文艺鉴赏课是一门能力课,而不仅仅是一门知识课”。它与很多重在掌握知识点的文科课程不同,不能采用灌输式的教法,满足于强迫学生接受一些知识和技能,忽视对学生独立的认识、体验和创造能力的培养。根据其教学目标和学科特征,在教学中注意引导学生自主学习,掌握学习方法,激活审美潜能,提高审美能力就成为重点。只有保护学生的能动性、独立性和创造性,让学生自主学习,才能使学生投入地去体验艺术,发现和探究艺术的魅力和规律,从而达到教学目的。 一、《美术鉴赏》课程的的意义 艺术的本质是审美的,车尔尼雪夫斯基曾说:“美的事物在人心中所唤起的感觉,是类似我们当着亲爱的人面前时洋溢于我们心中的那种愉悦。我们无私地爱美,我们欣赏它,喜欢它,如同喜欢我们亲爱的人一样。”艺术浓郁的情感性可以带给人以精神的享受,使人身心愉悦,但同时艺术所具有的多义性和抽象性又使人在欣赏时无法畅快淋漓地把握,人必须在掌握一定的艺术语言的基础上进行审美,这种审美才带有“令人解放的性质”,才能让人了解和领悟艺术的深层意蕴,获得一种理性和情感的满足。 艺术是一门充满情感和创造的学科,文艺鉴赏课作为大学的人文素质教育课程,已不能像中学的文学艺术课那样仅培养学生的感性认识和实际体验,而要帮助学生增加对文艺美的理性认识。同时,尽管它是非专业教育,不承担培养专业文艺人才的任务,但因其基本任务是全面提高大学生的人文素质,培养学生正确的审美观,提高学生感受美、鉴赏美和创造美的能力,所以,“文艺鉴赏课是一门能力课,而不仅仅是一门知识课”。它与很多重在掌握知识点的文科课程不同,不能采用灌输式的教法,满足于强迫学生接受一些知识和技能,忽视对学生独立的认识、体验和创造能力的培养。根据其教学目标和学科特征,在教学中注意引导学生自主学习,掌握学习方法,激活审美潜能,提高审美能力就成为重点。只有保护学生的能动性、独立性和创造性,让学生自主学习,才能使学生投入地去体验艺术,发现和探究艺术的魅力和规律,从而达到教学目的。 二、《美术鉴赏》,侧重必然要求参与式的教学 (一)激发兴趣,引导学生积极走进艺术 我们知道,艺术鉴赏过程要经历三个层面,即艺术语言层、艺术形象层和艺术意蕴层,在艺术语言层的欣赏中要求学生要掌握一些艺术的鉴赏语言,比如欣赏绘画,就必须对它的线条、色彩、构图等语言有所了解;欣赏音乐,就要对它的旋律、节奏、和声、曲式等语言有所了解等。在这个层面上,如果教师以讲授为主,就很容易枯燥,我们不妨打破书本上教学内容的限制,以激发学生的兴趣作为突破口来创设情境,设计教学。同样,在艺术形象层和艺术意蕴层上也是如此。三者的关系是递进的,但在欣赏时却完全可能交叉,甚至统一。 1、创设情境,引导学生开启多种感官欣赏 与艺术作品对话,只有充分敞开,才能充分接纳,这种状态最有利于对作品的欣赏。那么,如果能创设出一个适当的情境,就可以充分打开学生的感官和心灵,使之与作品“碰撞”,从而发掘出作品最丰富的内涵。比如,欣赏托赛利的小夜曲,学生很容易听出了“优美”的感觉,但这是一种表层的情绪体验,不应满足,还要继续引导,开启他们的联想功能。教师可以设问,你觉得这是什么时候,早晨、下午还是晚上?雨天还是晴天?周围幽静吗,为什么?这样,学生进入了情境,激发了进一步倾听的欲望。当学生推想这个音乐描写的形象可能是早上(因为有鸟鸣),也有可能是雨后(下雨时鸟不可能出来),像在山中(周围非常幽静)等等,就可以启发他们开启多种感官进行欣赏。音乐不仅可以用来听,还可以嗅(嗅到清晨的清新空气)、感(静)、甚至看(画面感)。 充分调动听觉、嗅觉、视觉、触觉等多项功能的复合欣赏,给学生以新的感受,同时激活了他们以往的艺术积累、人生阅历,心灵渐渐敞开,更加细腻、丰富起来,这不仅有利于他们迅速理解艺术语言,而且为他们开始与作品进行深层对话做好内在的准备。 2、善用类比,设置问题,启发学生主动思考 文艺理论的教学,一直是难点,也是比较枯燥的。如果理论是学生自主思考、探究而得,则理论的学习就有趣多了,知识掌握得也牢靠。比如,在讲音乐欣赏时,西方音乐流派及其风格比较枯燥,也不容易理解,我举了其中巴赫、莫扎特和贝多芬三位大师的作品进行对比,实际上就把巴洛克时期的音乐与古典时期的音乐,以及古典时期不同作家的作品都进行了对比。我先放了三位大师的三首曲子的片断,然后问学生,假如有一群蚂蚁爬过,三位大师中,谁会说:“慢点,别着急,哦,好,从这边过。”谁会说:“咦,看你往哪边跑,哈哈,再来一下,对,有创意!”而谁会坐在蚂蚁爬过的地方思考,并要它们继续奋斗?当学生欣赏后,被问题激发了思考,于是不难指出第一个大师是巴赫,第二个是莫扎特,第三个是贝多芬。我就进一步引导他们说出原因,并把知识点融在推理中记忆,学生很容易就把握了这些重要的西方音乐流派及其风格。 用类比的方法,巧妙的问题,来激发学生的兴趣,启发他们看书,领会艺术语言,作出相应的判断,是学习理论的捷径。因为解答问题的过程,就是学习艺术理论的过程。在解读艺术语言,理解艺术形象,领悟艺术意蕴时,教师可以转换思维,寻找切入点,不一定直接点题讲述,这样既有利于激发兴趣,寓教于乐,避免枯燥,也有利于学生多角度思考,提升审美能力。 (二)因势利导,引导学生主动探究艺术 在文艺鉴赏的过程中,由于艺术的情感性和多义性无时无处不在,因此造成鉴赏的个性化、多样化,如果强求一律,势必违反艺术的规律,但如果放任自流,又无助于学生能力的提高。这时,教师就要善于因势利导,从学生鉴赏的具体情况出发,甚至从课堂上出现的意外出发,巧妙地引导他们思考,进一步把艺术鉴赏推向深入,乃至达到融美育、智育、德育教育等于一体的境界。 1、鼓励学生表达感受、见解、质疑,使之深入探究 要提高文艺鉴赏水平,对具体作品的独立鉴赏是至关重要的,必须让学生热情地参与进这一过程,因此,要鼓励学生充分大胆地表达自己的感受、见解,甚至质疑,使之深入探究。学生在问与答中,也可以看到自己和别人的长处和短处,取长补短,逐渐提高能力。教师要营造宽松的课堂气氛,有利于学生开口。 比如,在欣赏小提琴协奏曲《梁祝》时,我先放音乐,再让学生畅谈感受,肯定每位同学感受的合理性。有个学生问了一个颇有意思的问题:“听完‘抗婚’一段,我已经没有心情再听最后的‘化蝶’了,心中注满了悲伤和沉重,已经感受不到最后一段音乐的美好;同时,从故事的结构上看,这个故事也讲完了,所以,最后的‘化蝶’部分是不是多余了?”这个学生的感受很“另类”,但很合理。我立即肯定了他的感受有其合理性,并将这个问题交给学生们回答。大家议论纷纷。经过讨论,大家逐渐形成了这样的观点,‘化蝶’给人以希望,符合传统的审美心理,否则作品岂不是太灰色了,令人绝望。我随即结合这个问题,深入剖析相关的文艺理论,指出:‘化蝶’的存在是因为《梁祝》采用了西方奏鸣曲式结构,属呈示―展开―再现三部分中的再现部;而且,它也与展开部构成了强烈的对比,刚愈显其刚,柔愈显其柔,进一步加强了整部作品的悲剧色彩。这样一分析,对这一作品的鉴赏又加深了。同时,我又说明,这并不是说所有的作品都要采用这一结构,在处理上允许体现不同的风格。 这样的例子还有很多,经过多次艺术的探究实践,学生的自主学习习惯和鉴赏水平都有了明显的提高。解放思想,善于质疑,是提高审美能力的重要前提。 2、巧用课堂中的意外,使学生学会正确思考问题,全面提高综合素质 自主学习,学生的思维活跃了,表达时观点难免会“越界”。有的教师遇到这种情况会感到慌张,其实,要认识到意外的出现是自主学习不可避免的,而且意外正说明学生的思维开始活跃起来。有时候,意外还是难得的亮点。教师要善于运用课堂中的意外,引导学生正确的思维方法,深入思考。对闪光点更不可轻易放过,要抓住机会加以引导,以收奇效。 总之,文艺鉴赏是一个再创造的过程,艺术欣赏的最终目的是表现,所以,所有有助于学生理解文艺作品的途径,所有有助于学生自由进行艺术表现的机会,所有有助于学生创新发挥的学习方法,我们都要不遗余力地尝试。要习惯于鼓励、引导学生自主学习,互动合作,大胆创造,表达自己的情感、见解、想象和创造,肯定、接纳他们独特的审美感受和表现方式;要走近学生,参与他们的活动,感受他们的快乐,在多姿多彩的艺术欣赏和表现实践中,激活学生的审美潜能,提高学生的审美能力。 美术艺术鉴赏论文:浅谈在美术鉴赏中抽象艺术教学的策略 在新课程标准的理念指导下,如何更新美术教育观念,改变学生的审美态度,培养学生良好的道德情操和创造能力是时代赋予当代美术教师的重任。本人结合新课程理念和课堂教学实践就美术鉴赏中抽象艺术教学的策略谈谈自己的一些体会与思考。 一、 抽象艺术作品的特征 从作品形象与自然形象的相似程度上去划分作品风格的方式上看,抽象艺术主要指艺术形象大幅度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术。当作品中的主观成份大于表现客观事物时作品的形式则趋于意象、抽象。在教学中,那些完全舍弃自然对象,以纯粹的形式构成的抽象艺术作品对于学生来说很难接受,更不用说欣赏。 新课程标准的实施,教育观念的转变,这就要求作为现代的中学生,要了解世界各国文化艺术以及不同的思想观念,通过对包括抽象艺术在内的视觉艺术的欣赏,从而提高学生的人文修养及全面素质。 二、美术欣赏课堂中抽象艺术作品教学的策略 1、抽象艺术教学的设计思路 格式塔心理学中有“异质同构”的理论,同构即构造相同,不同的事物具有同构关系,就可以互相转化,因为同构的存在,一个物的局限就可以得到扩展,就能使某种抽象的符号形式与人的思想情感以及外界事物发生关联,并因此赋予符号以形式和意义,这意味着人们可以用抽象的形式符号把握和表现现实世界以及人的感情,使得各种表面看来差异很大的事物的关联对应和互译成为可能。从而使艺术的表现成为可能,同样也正是这一点使抽象艺术的表现和理解成为可能。比如鲁班从割破手的小草受到启发从而发明了锯子,正是这一理论的体现。在抽象作品的教学中我们同样可以运用这一理论开展教学。 教学中可以运用格式塔心理学“异质同构”的原理,发现音乐与美术之间共性,让学生产生通识认知体验。对抽象艺术从感性认识到理性认识,由抽象作品分析向具象画、书法等领域拓展,主要是要让学生了解美术的形式规律。 2、引导学生感知、联想、分析和归纳,形成建构主义学习观 按新课程理念的要求,抽象艺术教学实质上是让学生在教师的引导下去感知、体验作品,让学生了解到点、线、面、色彩、量感、质感、速度、节奏、韵律、秩序等的因素在作品中的作用,帮助学生更深一层理解美术中最为本质的形式规律。 艺术作品本身是多元化的,再加上抽象艺术所具有的这些特性,使这类美术作品的欣赏更具有广阔自由空间,评价上表现出价值的多元性。所以教师必须具备良好的修养和学识来理解作品的形式与内容及所具有的最普遍的审美意义,并以包容的态度接纳学生的感受和评价。在教学过程中,笔者常把自己的判断以推测性的语言告诉给学生,引导学生去感知和评价作品,参与讨论并养成自觉验证判断、减少盲目冲动的评价,使评价达到主客观的统一。 3、学科整合,关注音乐与美术的联系 音乐通过形式的变化表现人的情感的变化,并通过强度、速度、节奏、韵律等表现人的情感的变化。抽象艺术也是如此,它们之间有某种同构关系。为了让学生了解这一知识,在教学中我以蒙德里安的抽象艺术作品为切入口,让学生关注抽象艺术与音乐的联系。 抽象美术作品的表现语言从形式上看有点趋向音乐性。一些心理学家研究认为色彩与声音可以产生联想。例如让学生先听中国民乐《喜洋洋》,从中感受到这种喜庆欢快的情绪体验,再让学生用某种色彩来体现自己的这种欢快的情绪。音乐与美术这种互动在美学被称为“通感”的心理现象,也可以看作联想的一种特殊形式。它不仅是构建音乐与美术的桥梁,也为学生理解抽象艺术架起了桥梁。运用这样的方式教学,蒙德里安的抽象作品就不难理解了。 4、引领学生探究抽象艺术作品的色彩、线条等外在表现形式与内涵的关联 色彩和人情感的联系更为密切,大多数人对色彩都能产生丰富的联系和感受,蒙德里安的冷抽象作品就是充分运用了这一要素。在教学中间,笔者设置了三个小活动,目的是为了检测学生对用色彩创造性地表达情感的态度。 活动一:运用色彩的心理属性初步尝试用不同绘画方式表达自己的情感倾向,体验在绘画中色彩带来的不同心理感受。 活动二:结合绘画中的“形”的相关学习经验,通过形、色相结合的方式,完成一组表达不同心情的色彩作业。 活动三:在掌握了色彩的对比与调和的知识与技能的基础上,结合自己的生活体验,综合已知,尝试对同一种颜色采用不同表现手段来表达不同的绘画主题。 从活动中我看出大多数学生对于色彩、线条表达情感心理接受的程度还是具有普遍性的,只有少数同学感到有困难,但可以加以引导。由此可见,从色彩的情感角度引发学生感受作品的情感,再结合音乐作品中情感的表现从而理解抽象艺术作品,具有较好的效果。 5、听音乐,动手画抽象画,提高学生表现和创造的能力 为了让学生更进一步理解抽象艺术的音乐性、情绪性,在课堂中我增加了动手练习的内容,即听音乐画抽象画。我选了一些不同题材的音乐作品,让学生听并快速将第一感受用绘画表现出来。如听贝多芬交响曲《田园》后,学生们能用明快的色调、形式意味很强的纹理来表现春天的景色;听二胡名曲《二泉映月》,学生能用蓝灰等色的调子来表现忧伤的情绪;听摇滚乐、爵士乐等等,大部分同学能在表现自己的主观感受和情绪时找到某种抽象形式来进行对应,比如线条和色彩等,从而也强化了学生的感受和表现能力。将音乐融合到抽象美术教学中去,让学生从认识上升到实践,进行体验。锻炼学生的表现能力,从而感受抽象绘画具有音乐性的特征,理解抽象绘画是以点、线形式结合、情绪随意性很强的挥洒而构成的色彩斑斓的图像,从而产生运动、不安、热烈、宁静、低落等情绪感受,当学生产生某种情绪时,就是看懂了这类抽象绘画作品。 美术艺术鉴赏论文:高中美术鉴赏课中的抽象艺术 摘要:抽象美术是教学中的难点。在高中美术欣赏课中,教师应设计多种教学方法,以提高学生认识和欣赏抽象美术作品的能力。阿尔森・波里布尼指出“抽象艺术真可称得上是二十世纪典型的艺术样式了,可是没有一个人敢断言它属于通俗的艺术样式。因此抽象美术作品的欣赏一直都是美术鉴赏教学的一大难点。在教学实践中如何引导学生摆脱单一的具象审美感知模式,提高学生的审美能力,学会欣赏抽象美术作品,是时代赋予当代美术教师的重任。 关键词:抽象美术 艺术观念 美术教学 一、引言 在高中美术欣赏课的教学中,有相当一部分的抽象美术作品。学生在欣赏这些抽象美术作品时,总是以像与不像来评判,或者说看不懂,难以理解和接受。故而抽象美术一直是高中美术教学的难点,是学生最感莫名其妙,又最需要解惑的问题,也是大家争议较大的课程内容。下面谈一谈高中美术欣赏课中的抽象画教学。 二、如何欣赏抽象美术作品 (一)让学生了解抽象美术作品产生的时代背景以及其艺术价值 抽象艺术是一种独立的艺术形式,它不直接表现任何现实中可视物,但不能因此说它与现实就没有关系,可以说任何艺术的终极对象都是现实。比如蒙德里安的《百老汇的爵士乐》,创作出了一种视觉音乐,像管乐器一样明亮的黄色线,在霓虹灯光般的红色,蓝色,灰色的小点的闪烁下,呈现出一种爵士乐的节奏感,我们还能感受到纽约最繁华的百老汇夜晚的噪杂,它是蒙德里安对美国纽约大都市的面貌和节奏的感受,对现实生活的反映。但要深入的了解和认识抽象美术,还应转变审美观念。因为作为现代艺术中的抽象画和西方的传统艺术相比较,其在观念上发生了根本的变化,主要表现在:1、艺术家从以前的表现客观现实世界走向主观精神;2、放弃了传统的统一的美的标准;3、传统的艺术十分注重艺术的认识和教育功能,而现代艺术强调艺术的审美功能;4、现代艺术的价值在于发现和创造,而不是继承传统的内容和技巧。抽象艺术是艺术家突破传统观念的束缚在艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索和创造的结果。它是以纯抽象的语言表现精神及形式意味的美术,而这种纯抽象的美术对于高中生来说往往难以理解和接受,因为传统的艺术观念再加上长久的应试教育的影响,使学生在欣赏抽象美术作品时,仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准加以判断,所以会有疑惑不解之感。对于抽象美术作品,学生要了解传统艺术与现代抽象艺术在创作观念上的转变,使自己在欣赏这些抽象美术作品时也转变自己固有的传统审美观,站在现代艺术的立场和标准上来看抽象的艺术,以全面认识和理解抽象美术。 (二)抽象美术的特点 1、形象的抽象性 抽象美术作品是艺术家对生活中的视觉经验的某种感受予以抽象的心理的一种表现。它以纯粹的点、线、面、形、色等构成画面内容含蓄,形象抽象,给欣赏者的感受是一种朦胧的印象。所以学生在欣赏抽象艺术时不要以像与不像来评价,要尽量根据作品运用主观感受来调动自己的情绪,而不要刻意去辨认画家究竟画的是什么。 2、画面有强烈的动感 许多抽象的绘画,以强烈的笔触,奔放的色彩来刺激人的视觉,动感强烈。例如:康定斯基的作品,以点、线、形、色依情绪随意作画,挥洒自如,使人产生运动、奔放、热烈不安等情绪感受。如产生某种情绪,获得某种狂热、高亢等视觉感受就是看懂了这类绘画,也称为热抽象绘画。属于冷抽象的欧普艺术以形的有规律的变化产生出奇异的流动、变幻的感觉。这些动感很强的抽象艺术是传统的具象绘画无法比拟的。 3、趋向音乐性 抽象画家利用色彩与声音产生的联觉,将点、线、形、色构成无标题的音乐,直接作用于欣赏者,使观者在看抽象画时,在心理上引起某种难以言传的情绪。如蒙德里安的作品《红、蓝、黄构图》。画面用直线分割成不同的方形,再填上原色,并以黑直线将它们分开。画面显得和谐而有变化,如同一首音节长短起伏,但却有自己主旋律的歌。 4、意蕴的含混性 抽象绘画以点、线、面等符号元素组成不明确的物象,其含义也是不明确的,欣赏者从中获得的感受是千差万别的。它排除了具体的物象,其内涵不可能像具象绘画那样表现艺术家对所描绘的事物的认识、态度和评价,只是用抽象的手法表现艺术家的某种情感或追求不带任何主观色彩的“绝对抽象”。 (三)抽象美术在中国当展 在中国现代美术史上,有很多画家阐述抽象绘画创作,但它毕竟不是主流,始终处于边缘,而写实绘画作为对中国传统绘画方法的一种补充和反映社会变革、传达观念的手段,受到了特殊的重视,从抗战到新中国之后,写实绘画成为有力的社会动员工具,也成为学院美术教育的主要内容。所以在80年代思想开放的年代,当抽象美、形式美被提出时具有一种革命性的冲破感,使得发自画家内心的那份畅快得以体现。 抽象绘画是以自由的姿态现身于新时期的中国美术的。但抽象绘画在中国强大的写实主义绘画面前,始终不能汇集成潮流,仅仅是涓涓溪水,不断有哪些性情中人凭着对抽象绘画的执着和热爱,在创作、尝试抽象绘画。但是,抽象美术没有进入普遍的社会认同层面,所以就显得抽象美术还在神秘的萌芽状态,需要一批又一批的画家通过实践去丰富抽象绘画在中国的内涵,需要一个又一个得展览区普及抽象美术在公众中的影响力,需要一次又一次的去证明抽象美术在中国的意义和价值。 (四)让学生通过音乐来理解抽象美术,欣赏抽象美术作品 音乐可以通过没有具体形状的声音为人们所接受,通过形式的变化,通过强度、速度、节奏、韵律等表现人的情感的变化,抽象美术也是如此,它们之间有某种共通关系。在教学中用多媒体让学生听不同乐器的声音和旋律来辨别所传达的情感是紧张的还是松弛的,是明亮的还是暗淡的,从而用颜色来表达这种情绪的变化,明亮的色彩,让人心情愉悦,冷灰的色彩让人觉得阴森,压抑等,这就是音乐与色彩的相互转换,这为学生理解抽象美术架起了桥梁。如此,康定斯基的作品就不难理解了。康定斯基始终把绘画看成是一种能唤起听觉的“内在音响”。它经常从音乐的角度来体会绘画的色彩。如他把色彩看作是生活中的“喇叭”“器乐”和“热情”“鼓声”与“铃声”等。在他看来绘画中的色彩犹如音乐里的音符,它本身就能打动观众,所以,康定斯基的作品是抽象的色块和点、线、面的集合,一向被认为是“凝固的音乐”。 (五)教学方法设计 1、图案肌理的制作方法 高中学生理解能力强,再加上不需要写实绘画那样有严格的技艺,因而,可让他们动手制作抽象画。在制作中去体会抽象画所带来的乐趣。如:让学生在板面(如玻璃、塑料板、纸板)上,用水粉、油墨等颜料随意涂画,色彩要饱满,水色要淋漓,以此构成丰富而微妙、自然的肌理效果,然后根据画面效果命题。 2、对比欣赏法 在欣赏国外现代的抽象画时,许多学生会说看不懂,如果把中国的草书拿出来与之对比欣赏,就会发现部分学生虽然不认识其中的字,却能欣赏它的形式意味。中国的草书,特别是狂草,由于其语义的可识性程度降低,欣赏者更注重它的节奏变化及虚实浓淡的笔墨效果。实质上,抽象美术作品中夸张的线条和刺激的色彩与变幻莫测的中国草书是一致的,都是一种平面的抽象艺术,能给观者在视觉上引起某种情绪感受。 3、打散组合法 打散组合的练习能拓展学生的思维空间,提高学生对抽象画的审美表现力。具体做法是:先让学生观察要画的对象(如花、草),将花草的原形平面处理类似剪影,然后根据画面需要或个人的审美趣味将其分解、组合,使其构成一个新的形态。也可将小组或全班学生的作品重新组合成一幅抽象的美术作品,最后画面将会产生意想不到的效果。 三、结束语 总之,抽象的艺术并不是想象中的“高深莫测”。创作抽象画的艺术家对自己的符号解释有时也是模棱两可,作为欣赏者完全不必耗费心思去破解。我们对抽象的美术作品要去了解、认识,而不是对它过于肯定或完全否定。西方的抽象艺术是西方现代艺术中的一种艺术思潮和艺术流派,它仅仅只是学生了解世界文化艺术的一面镜子。 美术艺术鉴赏论文:鉴赏当代美术作品《开国大典》感受艺术美和形式美 【摘要】学习和掌握美术作品的艺术美和形式美,使学生脱离只能分辨“漂亮”与“不漂亮”的自然状态,进入更高的审美阶段;难点是对美术作品的艺术美和形式美知识的学习掌握及对概念的讲解。教学内容主要是让学生了解什么是美术作品的艺术美和形式美,并让学生学会用正确的审美标准来鉴赏美术作品。 【关键词】美术作品艺术美形式美 六十四年喜欲狂,赤龙奋起振炎黄。2013年,是我们伟大祖国“母亲”64岁华诞。中国共产党十八大胜利召开。一周年产生了新一届中央领导,被推选为新一届中国共产党总书记,承接高举中国特色的伟大旗帜,要在21世纪中叶建成小康社会。全国人民欢欣鼓舞,老百姓迎新忆昔,思绪万千,自49年建国60多年来,中国发生了翻天覆地变化,人民过上富裕幸福生活。千言万语汇成一句话,“没有共产党就没有新中国。”“翻身不忘共产党,幸福感谢。” 64年前,主席在天安门城楼上庄严宣告:“中华人民共和国成立了,中国人民站起来了。”从此,中华人民共和国进入了崭新的时代。 而著名画家董希文将这一历史瞬间以叙事性为主题,典型地代表具象再现,把创作意图通过艺术形式描绘出来,在构图上,画家以照片为基础作了较大变动,使观赏者能看到侧面、半侧面,把人物集中到左边,右边留出空间、天空,象征祖国未来前程似锦、光明美好。并让人民从中联想到新中国诞生时,举国上下一片欢腾和喜庆的盛景。 由画面可知,十月一日的北京,秋高气爽,晴空万里,古老的天安门城楼装饰一新,在阳光下显得格外端庄、瑰丽。城楼上大红宫灯放射着耀眼光泽,灯下垂吊的流苏在风中微微摆动。还有蓝天白云、黄菊花、色调单纯、对比强烈。衬托着(主体)国家领导人群像、笔直、挺立,以竖线形平等排列布局,恰当地表现了那宏伟的历史瞬间。画面的右边广场上,万众集会队伍,高举红旗,鲜花和彩旗汇集广场,这一伟大时刻当推到画家董希文的美术作品《开国大典》,这幅油画是摄影作品难以塑造的艺术美和形式美。“是画家按美的规律和法则对现实生活进行抽离、概括、综合以致创造的结果,反映了艺术家个人的时代精神与审美联想。”我们通过画面与摄影比较:油画场景宏伟壮观,室外会场宽广、上下主次分明,前景后景有序、中心突出,色彩温暖、喜庆,有吸引力。而摄影照片上,作报告的气氛能感受到,有真实性。但是黑白的,显得灰蒙蒙的,人物前后站立不齐,队列有较乱的感觉。通过比较,更能感受到美术作品是艺术家经过提炼、加工、创造出来的不同于现实生活的“第二自然”。美术鉴赏加深了学生对作品的形式美(语言元素、语言手段、语言规则)以及意图的认识。使学生脱离了只能分辨“漂亮”与“不好看”状态,而进入更深度的审美阶段;就是通过感受、体验、理解、想象、回顾等鉴赏活动来认识美术作品,关键在于“感悟”。我归纳在以下五个方面: 1.艺术内涵 画家董希文所描绘的是一个新旧时代的转换瞬间,其意义不只是艺术的再现瞬间,也不只是画了一群国家功臣肖像;而是意味着一个民族从此站起来了!把人民希望国家强盛的心理与这幅画紧密地联系在一起。主要潜伏在观望、回顾、对比、联想等心态之中。 2.艺术魅力 A画家创造性地将共和国领导人和天安门广场上群众统一在一幅画面,主席侧身站立在画面中间,其他领导人站在靠左三分之一处,右边是广场上集会群众,似乎有点左实右虚之感(不均衡),但的眼神、视线不是全注视讲稿,也看着下面群众,画家是靠主席的眼神把天安门城楼上下人物联系在一起的。为了使画面右边更加开阔、有意删去了右手处应该有的走廊上一根大红柱子,据画家女儿董一莎后来对记者说,她父亲在定稿之前,还请教了徐悲鸿(院长)和建筑专家(梁思成)获准,受到赞赏,“画面少画一根子,在建筑上是个大错误,在绘画上应该是一大创新。”B①从构图到设置采用横式竖立,安排城楼上领导人与广场上人民群众都是站着,这是寓意“中国人民站起来了”。红、黄、蓝主色调富丽堂皇,是我们中国人喜欢的色调;②从人物到场面,重点突出,主次分明,画面左右均衡,红旗如海,人群如潮,排列有序,气势磅礴。从气派到宏声,主席作为画面主体形象,位置正是横竖分割线上的交点。与人民同在蓝天下,面对广场,空间开阔,显得十分庄重、稳定、有大国领袖的风范,特别是那伟大形象,反映了泱泱大国领袖的风度;传播了庄重的历史瞬间;寄托了中华民族自信心;表达了站起来的民族自豪感;体现了新中国诞生这一重大历史事件的伟大意义;唤起了中国人民对这伟大时刻的回忆;激励了中华儿女不断创新、开拓进取。 3.艺术成就 ①创造了人民喜闻乐见的油画新风貌;②继承了唐代壁画风采;③体现了中华民族绘画特色;④揭示了艺术创作要朝着民族化方向发展、升华。只有民族的精品才能走向世界。 4.艺术创作手法 利用了传统的写实画法。亲切、自然充满人情味。而不是居高临下,离人民群众太远。例如,在主席讲话之后,人民群众高呼:“万岁!”声音一浪高过一浪时作出回应,挥手致意呼喊“人民万岁!”。传递了庄重、稳定、宁静的形式美,并恰当表现了的伟大宏声。体现了人民领袖和人民心连心。另外画家在处理人物性格上,也表现了各种特色;如的手,就不象一般画家强调总理受伤的手总是放腰间的形态,而是放在腰后,这样表现总理的形象更显机警;还有的憨厚、刘少奇的神采、宋庆龄的优雅、李济深的稳健都画得生动真实。至于张澜长袍大褂上的折痕,则是透过他头天晚上叠得平整这一细节,点出了他对开国大典的重视。 5.艺术风格 画家采用了盛唐时期的壁画风格,选用了大红、金黄、碧蓝构成的暖色调,我们中国人喜欢的颜色,并运用国画中的工笔线条和写意方法相结合,描绘了大红柱子、大红灯笼,显得圆润光亮;为了达到艺术效果,画家还掺入了沙子和木工的锯沫画成红地毯,呈现毛茸茸的感觉。这也许就是画家的刚毅、洒脱、聪明、单纯的绘画风格吧! 其历史背景:《开国大典》1952年定稿后绘制是在作者姑姑家里完成的(当时中央美院画室小)。1953年国庆节在《人民日报》头版发表,1954年国庆节首次以年画形式批量发行超100万份。后期又再出版二次印成邮票在全国发行,60年代初入选中小学教科书。其主要因素是作品的艺术内涵和艺术魅力感染了亿万人民群众,人民喜欢它。 《开国大典》因历史原因,有三次改动:①1955年因“高饶事件”画家奉命删除高岗,改成菊花盘景;②1970年底“”中间,“”要强行改掉刘少奇,换成董必武像;③1972年身患重病的董希文被请到中国革命博物馆指导复制《开国大典》,执笔画家是中国美术家协会主席靳尚谊(董希文的学生)和青年画家赵域。最后一次是1979年(党的十一届三中全会后,邓小平主持中央工作)提议《开国大典》还历史本来面目,将《开国大典》恢复原貌。这次执笔者是北京的两位青年画家(阎振铎和叶武林)的复制品,原作已保存在中国革命博物馆画库。 美术艺术鉴赏论文:湖湘艺术品鉴藏与高校美术鉴赏教学改革 摘 要:当代的高校美术鉴赏教学,要从美术鉴赏自身及其外在条件的变化出发,充分利用湖湘艺术品鉴藏知识,充实和调整教学内容,加强传统与现代文化对接;结合美术鉴赏的生存和传播特点,创新教学方法,促进美术鉴赏与人文素质教育的深度融合。 关键词:当代 湖湘 艺术品鉴藏 美术鉴赏 教学创新 盛世兴藏。在中国经济快速发展的今天,物质文明已经不能完全满足人们对生活的需要,文化和精神文明的消费需求正日益高涨,文化产业正成为知识经济时代的一个新的经济增长点。据权威部门统计,目前我国艺术品收藏爱好者和投资者已达7000万人,年交易额近200亿元,参与人员和成交额还在以每年10%~20%的速度递增,艺术品投资正成为与房地产投资、证券投资并驾齐驱的三大投资方式之一,成为经济投资界的一大热点。当前,中国急需一大批有文化、有思想、有能力的艺术收藏家和经营管理者,他们需要博古通今、融会中西、需要有深厚的文化艺术素养,才能推动中国艺术品市场可持续繁荣发展。 随着我国大学生人文素质的不断深化,美术鉴赏教学已经成为学校艺术教育的重要环节之一,也是我们适应未来社会必备的基本素质之一。然而目前我国许多普通高校对美术欣赏教学体系并没有深入系统的研究,相对于学生学习的热情与美术鉴赏课程的地位,我们对美术欣赏教学体系的研究显得极度贫乏和不够深入。 针对当前高校美术鉴赏课程教学的这种现状,同时为打造中国艺术品鉴赏教育平台,提升艺术品收藏家的鉴赏能力,以目前盛兴的艺术品鉴藏与投资为契机,分析目前高校美术鉴赏课实施的主要状况,探讨湖湘艺术品鉴藏在高校美术鉴赏教学中的应用研究,以适应现代教育需求。我们认为,当前作为高校公共艺术课程的美术鉴赏教学亟待解决的问题:即如何进行美术鉴赏教学内容与教学方法的深化改革,发挥美术独特的教育价值寻找美术与高校人文素质教育的深度融合。 一、要充分发挥理论研究的引领作用,积极借鉴美术鉴赏研究领域的最新理论成果,深化教学内容 高校美术鉴赏教学应该关注理论界的发展动态,引进新的研究成果,推进美术鉴赏课堂教学。公共选修课的美术鉴赏教学尽管属于一种通识性教育,与纯学术研究和专业教育深浅有别,但是,实践表明,一个学科的理论建设会制约或者促进该学科的课堂教学,理论的导向性和引领作用是不容忽视的。譬如,什么是“鉴赏”?“鉴赏”的本质是什么?这是我们讲授美术鉴赏首先要回答的问题。 所谓鉴赏,实际上包括鉴定与欣赏两个方面。鉴定主要指判定作品的真伪,应属鉴定学的范畴;欣赏,主要指品评作品的优劣,属艺术批评学的范畴。鉴定与欣赏两者既有联系又有区别。鉴定是建立在欣赏的基础之上的,只有懂得欣赏才能判断作品的真伪;欣赏又是鉴定的演进,高明的鉴定家必定具有较高的艺术修养。同时,鉴定着重于笔墨内涵、个性风格、文献考证等,而欣赏则重在艺术论析、气韵意境、审美价值等。收藏,主要包括收藏、流传、著录等方面。中国艺术品的鉴藏学问很深,范围很广。它以鉴定真伪为中心,旁涉欣赏、收藏、著录、考证等诸范畴。 目前不少高校的美术鉴赏教学主要是进行作品的介绍和赏析,忽视了艺术品的分析、鉴定、考证。这种美术鉴赏观念片面、明显滞后于学术界的理论研究。 二、加强美术鉴赏与现代生活的紧密联系,寻找美术鉴赏与高校学子在精神文化上的无缝对接,充实鲜活的教学内容 我们应以开放的文化心态从事美术鉴赏教学,阐述美术鉴赏的物质载体、审美特征与现代技术、文化生活的内在联系,讲出新意,讲出深度。事实上,美术鉴赏既是传统的,也是现代的,还是实用的,要有“大美术”观念,它要不断进行创新,自然能够融入现代社会。美术所蕴含的古典精神不少也具有现代性,如果我们在教学中能充分挖掘美术的人文精神,就能突破时代的壁垒,生发出新的教学内容。将古典式的极限浪漫主义情怀与现代人文精神合观共视,教学内容变得鲜活灵动,就能得到学生的高度认同。 三、从民族文化传承的高度来从事美术鉴赏,拓展教学内容 许多湖湘艺术品都是我国几千年积淀下来的珍贵文物,美术教育既是艺术教育,也是民族文化教育,具有非同一般的现实价值。譬如,我们可以从湖湘艺术品的传承方式入手来讲授美术的文化特性。从这一角度来说,高校美术鉴赏教学是当代一种自觉抢救和保护文物的文化传承活动。可以预见,在未来的高校美术教学中,美术鉴赏的民族文化传承性会进一步受到重视,开辟出美术鉴赏教学的新路径。 四、精心凝练教学内容,建立三维立体化的教学板块,提高美术鉴赏教学实效 美术鉴赏教学内容非常丰富,头绪繁多。一方面,美术鉴赏历史悠久,博大精深,内涵丰富,优秀作品灿若繁星,艺术名家辈出。另一方面,美术鉴赏是一项融文学、历史甚至音乐、舞蹈等多种艺术于一体的综合艺术。面对内涵丰富、体系庞大的美术鉴赏教学体系,要求我们遵循教育规律,精心凝练教学内容,使之系统化、科学化。笔者以为,美术鉴赏教育由三个有机部分构成:首先是文学赏析教育,即介绍美术作品意境和叙事之美;其次是美术鉴赏教育,引导学生欣赏艺术作品的造型、技法、色彩、风格之美;最后是文化传承教育,这一部分主要讲述与美术相关的政治、经济、民俗、宗教等内容,也就是阐述美术的文化生态环境。三者互为补充,彼此渗透,相互依存,共同构成完整的美术鉴赏课程体系,满足学生不同层面的文化和审美需求。 五、结合当代美术鉴赏的生存和传播特点,创新教学方法,促进美术鉴赏与大学人文素质教育的深度融合 在中国历史上,美术是广大民众精神文化生活不可或缺的组成部分。美术既是公众审美需求,也包含着深刻的宗教仪式内容,它广泛生存于人们日常生活等公私文化空间。人们接受美术的渠道多种多样,除了欣赏绘画作品,还可以通过制作和欣赏民间剪纸、雕刻、刺绣等方式来接受美术。 随着社会结构的急剧转型和现代文明的迅猛发展,美术的生存方式与传播途径发生了前所未有的变化。美术的传播方式也发生了革命性的变化:一方面,美术继续通过传统方式传播,另一方面,涌现出了更加便捷的传播手段,如影视、网络、光碟、手机等均成为美术的有效传播途径。这就要求高校的美术鉴赏教学,要从业已变化的外部条件出发,积极探索新的教学方法,综合运用多元化教学方式,提高教学实效,引领学生进入古典艺术的殿堂,促进美术鉴赏与大学生人文素质教育的深度融合。 一言以蔽之,高校美术鉴赏教学应随着时代的变迁和美术生存条件的变化,充分利用湖湘艺术品鉴藏知识,深化教学内容,积极开展教学模式的变革,弘扬民族文化,提升大学生的综合文化修养,真正发挥美术独特的审美教育功能。 美术艺术鉴赏论文:浅谈高中美术中“艺术鉴赏”的有效教学 美术鉴赏是对美术作品进行欣赏与评价,是运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,从而获得审美享受,并理解其作品背后的艺术现象的活动。可以看出美术鉴赏教学不仅仅是将艺术大师的杰作展示给学生看,更重要的是通过美术学习让学生自己具有独立思考、评价、反思作品的能力。并在鉴赏之后运用已有的知识表达自己的观点,进行独立创作。那么,如何上好美术课,让学生爱上美术课呢?本文将从如下几个方面方面来谈谈笔者的见解与体会。 一、审美观念的转变 要了解和认识抽象美术,首先就应转变审美观念。因为作为现代艺术中的抽象画和西方的传统艺术相比较,其在观念上发生了根本的变化,主要表现在:l、艺术家从以前的表现客观现实世界走向主观精神;2、放弃了传统的统一的美的标准;3、传统的艺术十分注重艺术的认识和教育功能,而现代艺术强调艺术的审美功能;4、现代艺术的价值在于发现和创造,而不是继承传统的内容和技巧。抽象艺术是艺术家突破传统观念的束缚在艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索和创造的结果。它是以纯抽象的语言表现精神及形式意味的美术,而这种纯抽象的美术对于高中生来说往往难以理解和接受,因为传统的艺术观念再加上长久的应试教育的影响,使学生在欣赏抽象美术作品时,仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准加以判断,所以会有疑惑不解之感。对于抽象美术作品,学生要了解传统艺术与现代抽象艺术在创作观念上的转变,使自己在欣赏这些抽象美术作品时也转变自己固有的传统审美观,站在现代艺术的立场和标准上来看抽象的艺术,以全面认识和理解抽象美术。 一、教师应提高自身的艺术素养 美术鉴赏包含鉴别与欣赏,在美术鉴赏中,人们总是自觉或不自觉地根据一定的审美理想、审美标准、审美趣味,从作品中获得对于艺术形象的具体感受和体验,展开联想和想像,并伴随一系列的情感反应,从而对作品作出某种审美评价,得到某种精神上的满足,即审美享受,因此,美术鉴赏在具体要求上 ,比美术欣赏要更高一些,是在义务教育阶段美术课程中“欣赏・评述”学习领域的基础上更高层次的拓展与延伸。也就是说,教师要通过美术鉴赏内容系列的教学,使学生们不仅能欣赏一些古今中外的美术作品,同时也能运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象。因此,作为一名美术教师首先就要提高自身的艺术素养,主要有两点: 1、要通过阅读美术理论、美术史、美学等方面的理论著作或学术论文,提高对美术学科的认识,如:“什么是美术”这个具有探索性的问题,就要通过查找资料,阅读文献,找到“美术”这个词演变的轨迹,并综合有名学者的观点,再加上自己的理解,就可以对“美术”一词作出自己的解释了。 2、从多种渠道接受美术信息。高中美术教师应该经常参观美术馆、博物馆所举办的展览,除了关注经典美术作品外,还应该关注当代的发展动向,了解当代美术的特征,思考其原因,从而学会鉴赏,学会评论,以加深对美术的理解 。也可通过上网查阅,获得各类美术信息,以开阔自己的艺术视野。此外,还应积极思考,加强交流,在与他人思想火花的撞击中不断地提高自身的艺术素养,以迎接高中美术课程改革提出的挑战。 二、课前有效导入 通过故事导入,利用语言的描绘对学生的认知活动有着一定的指向性,并且带着情感色彩作用于学生的感官,激发学生的情感,帮助学生进入特定的情境中。如在讲《欧洲文艺复兴绘画》时,教师在课前可以向学生讲述文艺复兴大师一些鲜为人知的故事作为导入,来激发学生的学习兴趣。 三、丰富课外活动,培养创造力 丰富多彩的美术课外活动可以使学生在生活中形成自主探索、发现学习内容并养成自主学习的良好习惯,处理得当可以激发学生的学习兴趣,拓展学生的思维,培养学生的创造力。我在美术教学中经常是这样做的:首先,有目的地让学生去阅读古今中外著名画家的有关书籍,让学生从画家们的成长历程中积累材料,得到情感体验、生活经验,获得更多的知识,丰富自己的精神世界。比如我要讲齐白石作品时,先让学生去查阅资料,了解齐白石的个人信息、历史背景、题材方向以及他的一些感人的故事等,为教学打下基础;同时,由于学生对美术知识的不断积累,教学中故事与目标相结合,气氛很好,他们对美术课也越来越感兴趣。 四、充分发挥想象力,完善对作品更深的思考 “真实的创造就是艺术想象的活动”,任何创造都离不开具体的想象。美术欣赏教学在欣赏名作过程中,大胆鼓励学生发挥想象力。高中美术教材中包含了许多高水平的美术作品作为欣赏内容,在引导学生欣赏这些作品时,凡是学生容易理解的都要给学生留下一定的思维空间,鼓励他们独立观察,充分想象,细细领悟作品表现出来的艺术效果,同时要求学生在理解作品的基础上,大胆发表个人见解,培养学生对美的感受能力、理解能力和创造性解决问题的能力,激发他们对美术欣赏的兴趣,促进学生语言表达和发散性思维的发展。如:上《形式美的创造》一课中,塞林塔诺《运动绘画第三号》是光效应艺术中同期性构成了一个典范,而学生通过欣赏这件作品有了现实性的联想和虚幻性想象。有的同学说像舞蹈演员的裙子;也有同说像抽象艺术舞台上演奏的形以载道的旋律;还有同学说像一只魔幻的眼睛等等。这一切不都是对美术名作更深的思考吗?课后,大家的周记中又出现一篇较好的观后感。当然,由于种种原因,高中美术欣赏课的教学尚在积极的摸索和发展阶段,素质教育的全面推行,对高中美术欣赏教学提出了较高的要求,如果数理化在教学能让学生在学习中感到愉快,那是教学水平的话,那么艺术教学让学生在愉快中学习,则是对教学的一般要求,美术教学中不仅要讲清楚、弄明白、更要追求讲艺术。在当前应试教育没有真正转变,高考压力依然如故的情况下,美术教师只能付出更多的智慧和精力,充分发挥艺术科学的魅力,提高课堂效益,创新求变,才有可能从学生有限的精力中,真正得到一份收获,从而实现审美教育的目标。 作为美术教师只要千方百计地设计好美术欣赏课的教学过程,以各种新的手法去激发学生学习的兴趣,定能教好高中美术欣赏课。 美术艺术鉴赏论文:浅议高中美术鉴赏中的宗教艺术 摘 要:宗教在艺术的发展当中扮演着重要的角色,并且在从原始艺术的发展当中,这种以宗教为题材为宗教服务的艺术。着重从高中美术鉴赏中的原始美术开始,探讨宗教艺术的形成过程和艺术特点。 关键词:宗教艺术;原始美术;史前浮雕;洞窟壁画 从法国和西班牙发现的原始洞窟壁画,这些距今两三万年以前的原始绘画,大都表现的是原始人类向神灵祈祷他们狩猎成功意思的一些活动场景,在西班牙的阿尔塔米拉洞窟,画有众多的动物形象,马、猪、鹿、牛、羊等形象频频出现,其中最著名的就是“受伤的野牛图”。这幅原始壁画画得充满了动感与力量,牛头深深低了下去,前肢曲了起来,后肢前翘,显出牛的野性与受伤后痛苦的挣扎。牛眼睛的刻画简练而传神,使牛的形象栩栩如生、呼之欲出。 论文附图:阿尔塔米拉洞窟壁画《受伤的野牛》 这并不是原始人单纯为了艺术而作的画作,它其实是一种意识,是一种愿望,盼望着神灵能够赐予他们力量来征服野牛,还有一种说法,这些画能够使他们的猎物如同他们所描绘的那样倒在他们跟前。 在法国的拉塞尔出土了一尊大约有两万年历史的浮雕――《手持牛角的妇女》,上面刻有一位拿着牛角的妇女形象,据人们推测,她可能与主持某种狩猎活动有关的宗教仪式有着密切的关系。从艺术角度来看,这是一件相当简练的作品,只雕刻了一些大概的人的四肢,甚至我们连五官都可不清楚,但是我们并不仅仅认为这是一件艺术品,同时,它也有可能也是记载宗教祭祀的一件礼器。 另外,在舞蹈方面来说,很多的舞蹈也是一种崇拜形态,是宗教庆典期间礼仪的一部分,从中国马家窑出土的土陶罐上就画有一群人相互牵手,一起跳舞的图案,马克思说:“原始部落的舞蹈,是一切宗教祭典的主要组成部分”。因此,在原始时代,原始人类的所有艺术活动都离不开宗教崇拜,他们与宗教崇拜仪式活动乃至部落的生产活动常常是融混一起的,原始人的世界就是那个神秘的让他们变的虔诚而令他们畏惧的宗教的世界,原始人的思想从他们的现实世界而来,也都充满着宗教思想。“宗教是这个世界的总的理论,是它的包罗万象的总的纲领”。 从绘画和舞蹈两个方面来看,因为原始人类的这些活动都离不开宗教,所以我们说原始的艺术也可以称之为宗教艺术。然而,在这里我们需要强调的是,我们并不是要混淆和模糊了原始人类的物质生产与意识观念的界限,来论证所有的原始艺术,原始宗教崇拜活动与生产活动没有明确的界限。 原始人的经济生活决定着他们思想意识的产生,实际上原始宗教仪式或者原始艺术的各种形式,都只有为了促进生产这一个目的。从原始人的思维特性看,原始人在宗教方面把握与认识世界的方式也基本采取与艺术的把握世界相一致的方式,马克思曾经把这种方式称之为“实践―精神”的掌握方式。 总之,我们对不同的艺术采取不同的评价方法,具体问题具体分析。 (作者单位 陕西省汉中市宗营中学) 美术艺术鉴赏论文:艺术家简介对美术鉴赏的重要性 当下大多数的高中美术课都是以《美术鉴赏》为主,教材按《普通高中美术课程标准》的5个系列9个模块所规定的框架进行编写,教材中出现了雕塑、建筑、绘画等几大类,每一大类都给了许多艺术大师的名作。对于如何鉴赏作品,许多教师只是带领学生看作品的作者、年代、材料、手段、语言形式和内容等直接呈现给我们的东西,往往忽略讲解作者创作作品时的社会、历史、文化背景等相关知识,这些内容都属于作者的简介,是我们了解艺术家的必要途径。教师们常会因其繁琐,占用太多课堂时间而忽略,这样造成的后果就是学生们欣赏时往往不知其达何意,不了解艺术家的创作意图,进而无法更深入的鉴赏。作为教师,不能因其繁琐而忽略一些课程,艺术家是艺术创作者,他们生活的社会、历史、文化环境以及自身性格个性都影响艺术创作,可以说艺术家简介是美术鉴赏课的重要途径。 一、艺术家生活的社会历史环境对艺术创作的影响 我们都知道,美术作品作为意识形态的一部分,是特定社会的产物。而生活在这个社会中的艺术家,他的任何作品都必然受到他所生存的那个社会环境影响,想要鉴赏美术作品,就要充分了解艺术家生活的社会历史环境。例如,徐悲鸿的《愚公移山》,我们只知道画面呈现给我们的是劳动人民艰苦奋斗的精神,却不知徐悲鸿的创作意图和作品要表达的意义。此时,教师就要讲解作者简介,通过艺术家简介我们知道徐悲鸿生活年代,而《愚公移山》创作于抗日战争最艰难的1940年,作者有感于中国人民抗战到底直至胜利的决心和信心,以我国古代愚公移山的传说创作了这幅作品。作品中有的挖掘,有的运输,还有的担负后勤工作,以此说明,只要全国人民团结起来,胜利一定属于我们。由此可见,艺术家生活历史环境对创作的影响,介绍艺术家对美术鉴赏的重要性。因此,我们再鉴赏两幅作品。教材《美术鉴赏》第一课中的《捣练图》和《拾穗》,两幅作品都以妇女劳动为题材,前者画的是贵族妇女捣练的场面,给人以优雅平和、富有劳动节奏的美感;《拾穗》画的则是三个贫穷妇女在麦地里急匆匆向前弯腰拾穗的情景,看了不禁让人同情。为什么两幅同是描绘妇女劳动场面的绘画会给人不同的感受呢?我们还是要从艺术家们生活的社会历史背景来分析,还是要对艺术家们做一番介绍。通过对《捣练图》的作者张萱的介绍,我们知道他生活在唐朝时期,当时的社会繁荣昌盛,可见作品是以展现捣练过程为目的的风俗画,主要是赞颂妇女劳动之美。而《拾穗》的作者米勒生活在19世纪的法国,当时的法国正处在贫困差距加大、阶级矛盾尖锐的时期,米勒居住于农村,亲身参加田间劳动,深知农民的贫穷与艰辛,他是站在同情农村贫穷妇女的立场上来画《拾穗》的。由几幅作品的鉴赏我们看出了解艺术家生活的社会历史环境对美术鉴赏的作用,看出介绍艺术家的重要性,只有对画家本人了解深刻,才能理解画家的表现意图,并对作品作出价值判断。 二、艺术家生活的文化环境对艺术创作的影响 我们知道,不同的社会历史环境,艺术家们的创作意图便不相同,作品所呈现的内容、想表达的意义也不相同。同样,不同的文化环境也会造成艺术家创作意图的差异。例如,李桦和古元两位艺术家,他们同是处于抗日战争的血雨腥风的年代,但因生活的文化环境不同,其作品表达的意义便不相同。李桦成长于国民党统治区,受到的是鲁迅传播的德国表现主义风格的影响,因此他的早期作品就意在以表现主义的风格揭露和批判现实,如作品《怒吼吧,中国》。而古元是成长于延安解放区的民主环境中,在《在延安文艺座谈会上的讲话》精神的指导下,他的早期作品则意在以朴实、平和的写实风格呈现和歌颂延安人民的生活景象,如作品《离婚诉》。对艺术家进行介绍,了解他们的生活环境,对这些相关因素的了解将有助于我们把握艺术家的创作意图,使我们更深入地进行美术鉴赏,从而对作品作出正确、合理的解释。 三、艺术家自身个性对艺术创作的影响 我们在鉴赏美术作品时,往往会看到一些形象怪异的美术作品,其变形的、夸张的形象令人觉得不可思议。例如,法国画家马蒂斯的作品《马蒂斯夫人像》,画面中丑陋不堪的形象实在无法让人理解为是一名美丽的女子,也曾有位女士问马蒂斯:“难道我们女人都像您画的那个样子么?”可见,人们对其作品的质疑。对于如何欣赏这一类作品,我们就要看画家自身的个性了。艺术家自身的个性决定着艺术作品的风格,也是作品创作意图的一个重要因素。以此我们来分析、鉴赏作品《马蒂斯夫人像》,根据马蒂斯简介,我们知道他是野兽派重要代表人物之一,其个性狂放不羁。以他为代表的野兽主义画风狂放,不拘笔法,形体夸张而令人惊愕,以致被人们蔑称为“野兽主义者”。同样,我们再鉴赏另一幅怪异的美术作品《内战的预感》。看到作品,很多人会感到惊讶,作品虽然展开了一个真实的风景,但那个“妖怪”式的人物已超越了人们的视觉经验,破坏了宁静、优美的风景。要欣赏这幅作品还是要从作者的个性来分析,作者达利性格怪癖,在学生时代就行为异于常人,爱穿奇装异服,极其引人注目。达利于是因势利导,把他这种怪异之处运用到他的艺术之中。这幅作品中,达利将人体各部位重新进行正常人难以想象的组合,从上臂长出小腿和脚,从大腿长出前臂和手。这样怪诞、高大、恐怖的梦境形象,表现出人的贪欲。这是人类自我耗费的象征,它渗透着作者对人类生存行为的体验,是人类不负责任地发动战争和自我毁灭的病态行为的梦态形象转译。 总之,在进行美术鉴赏时,教师对艺术家们做一番介绍,让学生了解艺术家生活社会历史环境,艺术家生活的文化环境知识水平以及艺术家的自身个性等。只有对艺术家有一个深刻了解,才能对美术作品进行深入鉴赏,才知道艺术家们想表达和创作的欲望是什么,才能理解为什么有的作品激烈,有的抒情,有的悲壮,有的优美。 美术艺术鉴赏论文:现代艺术导入高中美术鉴赏教学的探索与实践 【摘要】在全球化大发展的今天,高中美术教育应当顺应文化教育的全球化的大趋势,结合高中生群体的兴趣和特征,将世界最新的艺术结晶导入高中美术鉴赏教学中。通过探索和实践,本文总结了现代艺术导入高中美术鉴赏教学的必要性、匹配性和重要价值。 【关键词】文化教育全球化;现代艺术;高中美术教育 世界经济的全球化趋势已成为一种事实。而如今,我认为世界已经加速步入“后经济全球化时代”,即全方位的全球化的时代,包括政治、文化和生活方式的全球化。在文化教育领域,文化教育的全球化将成为新时代文化教育发展的一个基本态势。 国内文化教育方面,出国留学、双语教学、外籍教师、校际合作等等多种教育全球化的方式陆续出现。大局势要求我们教育工作者首先从文化全球化的角度考虑教育问题,并不断地做更多的实践和探索。高中学审美观和价值观正在形成,已经具备一定的判断力以及接受和吸收大量知识信息的能力,选择在高中美术教育阶段引入国际化的文化元素是比较迫切和现实的选择。 一、现代艺术导入高中美术鉴赏教学的必要性 我们研究上海高中使用的两种教科书会发现,教材中美术鉴赏部分以中华民族艺术及国外古代经典艺术为主,比较缺乏现代艺术的鉴赏内容。 就此,笔者在2011年10月份对执教的上海市金山区亭林中学高一、高二的班级做了调查问卷,统计调查结果如下:学生对现代艺术家的认知度在34%,对现代艺术概念的理解度在18%,对现代艺术名作的认知度在30%,对现代艺术展览的参与度在21%。 根据问卷调查结果分析,大部分高中学生对现代艺术很陌生,学生对四项现代艺术的基本要素的了解或参与程度最高不超过35%。另一方面,我们看学生对现代艺术的兴趣的统计数据:在我们问卷对现代艺术作品向学生举例说明后,根据问卷调查结果分析,71%的高一、高二学生对接触现代艺术感兴趣;10%的学生认为一般;19%的学生没兴趣。大部分学生之所以感兴趣主要是因为认为现代艺术激发想象、独特新奇和时尚美观。 可见,学生对现代艺术形式和内容是充满了兴趣的,但是处于似懂非懂的状态,而现行的教材对现代艺术的内容设置比较缺乏,学生对社会中接触机会很多的现代艺术的“鉴赏”兴趣和能力未得到满足。所以,笔者认为在高中美术鉴赏教学过程中,很有必要做导入现代艺术的探讨和实践。 二、现代艺术与高中美术鉴赏教育的匹配性分析 1、现代艺术解读 现代艺术起源于古代地中海沿岸(埃及、希腊、西亚)的西方艺术。可以将现代艺术理解为在科学和理性的原理之上,用各种不同类型的视觉风格组合而成的一座大厦。本文想研究说明的主要是最新的现代艺术后期的主要内涵,主要包括以下几类: 大地艺术(Earth Art)、装置艺术(Installation)、概念艺术(ConceptualArt)、过程艺术(Process art)。现代艺术表达的价值观主要是几个方面,一是不求纯粹;二是善待传统;三是非个人化,四是多种标准。 2、与高中美术教育的匹配与结合 并不是所有的现代艺术内容都适合高中生群体,现代的高中生活泼好奇愿意接触和尝试不同的文化和艺术形式,同时他们又具备了很强的自我意识,对强迫性接受的知识有很强的抗性,而且他们的自我判断力和思考力也没有成熟。 从原则上看,我认为还是从学生的兴趣和艺术价值的本源出发相结合考虑,能开拓视野激发想象力、提高审美感、故事感、共情能力等感知力的艺术形式,介绍一些最新的、时尚的、具备新奇独特性能够激发学生想象的内容,并且规避一些内容,两者结合作为高中美术鉴赏教育的补充。 从实践上,先从现代艺术简史的介绍开始,选取4种形式的现代艺术——大地艺术、装置艺术、概念艺术、过程艺术的代表作品,通过多媒体的方式呈现教学,介绍代表艺术家,对作品表达的思想和艺术价值做评价,然后在做交互式的批判评价,并且可以结合初级的艺术实践,最终达到艺术评价和批判相结合。 三、现代艺术导入高中美术鉴赏教学的意义 笔者在经过一段时间将现代艺术导入高中美术鉴赏教学课程的实践之后,认为这样的实践有以下重要的价值: 1、文化艺术兴趣的培养 现代艺术从表现内容上是取材于我们现实生活;从造型语言上可以是一张老照片、旧衣服等,具备了多样性。实践证明,新异的现代艺术能够形成对学生的强吸引力,进而能培养学生对文化艺术的兴趣、知识及鉴赏能力。 2、开阔视野,提高创新意识 现代艺术重视科技和思维两大内涵,因而与现代艺术媒体有极强的结合。通过现代艺术实践,学生可以更深刻的体会到多元的文化、科技、材料知识、信息、新观念等,可以明显的激发学生的创新意识。 3、批判性思维方式 高中生的世界观和价值观以及审美观正在形成,通过现代艺术的批判性鉴赏,可以培养学生看待社会事物的思维方式,不轻信、不盲从、不唯书、遇到事物去思考分析、鉴别批判的思维方式对他们有益。 美术艺术鉴赏论文:论高中美术西方现代艺术鉴赏教学策略 摘 要: 高中美术教学中西方现代艺术鉴赏是一个重点和难点部分,教师要结合高中生的鉴赏基础和思维能力,运用知人论世、点面结合、纵向联系、创作实践等教学策略,培养学生现代化的审美眼光和鉴赏方法,综合提高学生的审美素养。 关键词: 高中美术西方现代艺术鉴赏 知人论世 点面结合 纵向联系 创作实践 艺术作为人类世界的感性呈现,承载着人类精神史的广度和深度。西方学者巴赞认为,一个社会只有同艺术“结婚”,才能生出文化之子;如果与文化离异,就只能导致野蛮,这个社会随之会变成文化的沙漠。高中教育在升学压力下,往往不重视审美教育,在以考分为主要参照的评价体系中,学生的精神世界较为空乏,审美能力较弱,对艺术缺少感知和辨识。艺术同自然一样是人类的精神家园,无艺术的人生是乏味低俗的。在新课程背景下,高中美术鉴赏教学应该为学生提供一片自由充盈的审美空间,综合提高学生的精神素质。在高中美术鉴赏课中,西方现代艺术鉴赏是一个重点和难点内容,其涉及教材中的四部分:意象艺术、抽象艺术、西方现代艺术、美术作品的意义与价值判断等,教师需要运用多种教学方法和手段,让学生改变以写真的、“像与不像”为标准的传统视觉审美程式,用现代的审美眼光理解西方现代艺术的流派风格和思想情感。本文以西方现代绘画艺术为切入点,探讨西方现代艺术鉴赏的教学策略。 一、知人论世,探知本质。 古典艺术以客观世界为参照对象,艺术家按照看到的世界来描绘对象,画作是世界的一面镜子,真实地折射出外部世界。而西方现代绘画不再追求客观的真实,而是追求内心的真实,其艺术理念、艺术标准、创作方法、语言形式、思想情感与古典绘画有很大的差异。如果按照传统的欣赏方法就可能看不懂画家的表现形式和主题思想,所以,要想欣赏现代艺术,就必须先了解现代艺术产生的土壤——现代社会、哲学思潮、艺术家经历,等等。知人论世是走进现代绘画的基本方法,就是要了解艺术家所处的社会环境、社会思潮、艺术家的身世经历、理念追求等。现代社会摄像机的出现代替了绘画的写实功能,于是绘画不再执著对外部客观事物的描摹,而是寻找新的出路和存在价值,从而转向内在情感和精神实质。教师必须让学生了解现代工业社会物质经济发展带来的精神变动,如哲学和宗教新思潮,这对艺术产生了巨大影响。更重要的是艺术家的追求推动着艺术的变革,现代艺术如果没有艺术家的解说和评论家的阐释,则其确实难以理解。比如,要了解印象主义绘画就必须从1863年巴黎艺术界“落选者沙龙”谈起,马奈的作品从内容到形式的创新不符合学院派的审美标准而被大肆批判,从此以马奈为代表的“落选者”和保守的学院派之间进行了新旧艺术的争锋。马奈在1867年展览会前言写道,这些反对者都是以传统观念来理解绘画的形式、手法和观点的,他们从不承认其他的理解形式,而是在这方面表现出一种幼稚的偏见:除了他们的公式,一切毫无价值。马奈先生一向承认别人的才能,从不妄想消灭前人的绘画或者是创造新的绘画,他只不过决心要做他自己,而不是要做某一个别人。印象主义者们走出画室,在户外转瞬即逝的生活瞬间和自然界的光色变化,进行现场绘画创作,由此开启一个个流派的艺术实验。只有了解凡·高狂热的宗教情怀才能体会其《星空》中用火焰般、漩涡般弯曲的运动线条表现出的强烈激情;只有了解高更对都市文明的厌恶和对原始文明的向往,才能理解他住在塔西提岛思考《我们从哪里来,我们是谁,我们往哪里去》这样的人生哲理问题……知人论世的鉴赏方法可以使学生按艺术家原本意图对作品进行理解,这种从艺术家的立场来解读作品,是最基本的赏析方法。 二、点面结合,探知风格。 “点面结合”是指以艺术家的代表作或一幅画为出发点和切入口,然后结合艺术家的其他作品,感知艺术家的时代风格和整体风格。比如了解凡·高,可以把《星空》作为突破口,可以设置一些问题让学生思考:其构图、线条、色彩有何特点?他描绘的夜空和你看到的有何不同?画家这样表现的目的是什么?你从中感受到怎样的情感?经过讨论后,可以让学生欣赏其他作品,如《向日葵》、《吃土豆的人》、《自画像》、《夜咖啡馆》等,学生自然会归纳总结凡·高作品中物象的扭曲变形和色彩的强度明度,从而感知凡·高作品独特的风格。点面结合的方法可以使学生较为完整地把握一个艺术家或一个流派的风格特色。风格是一个艺术家最为显著的标志,特别是现代艺术中,层出不穷的众多流派需要抓住特征来分辨,每个流派的画家又有不同的风格,如印象主义绘画中莫奈和雷诺阿有区别,塞尚、凡·高、高更又有区别。所以,点面结合的方法,可以使学生了解画家的整体风格,而不是仅看到局部和表象。 三、纵向联系,彰显个性 现代派绘画是在反叛甚至颠覆古典传统绘画的基础上建立起来的,其与生俱来的叛逆性带来了绘画艺术的不断革新。各个流派都是在否定他人他派的基础上提出自己的新主张。运用纵向联系的手法就可以以历史为主线,把各个流派贯穿起来,分辨各流派的艺术追求。比如塞尚放弃了印象主义画家所采用的快速作画的方法,而对物象进行深入、长时间的分析,专注于物质的实体性、稳定性和内在结构的表现,“用圆柱、圆球、圆锥体去处理自然”。其画法影响了毕加索,毕加索对塞尚式的形体和结构进行了概括性处理,用几何形体的组合拼接来构图,创建了立体主义流派,其肢解破除了传统艺术家对“自然形”的认识,从而产生了空间和结构的心概念。立体主义形体观念对其后的艺术实验产生了重要启示。表现主义、未来主义、抽象主义都从中吸收了不同的营养。抓住形体这一线索,就可以把这些有传承关系的流派联系在一起,这样的纵向联系和对比,可以使学生清晰地把握各流派的异同点,体察现代艺术发展变化的规律,对现代艺术有更深入的认识。 四、创作实践,领悟精神。 现代艺术的鉴赏要不断突破传统视觉程式的束缚,培养学生现代的审美眼光和审美趣味,创作实践活动是培养鉴赏能力的途径之一。在教学活动中可以加入创作体验的小环节,加强学生对现代绘画理念或技法的认识。如在鉴赏立体主义绘画时,可以让学生用几何图案变形拼接成一定的物象,并说说这样构图的意图,也可以让学生相互评价,还可以加入拼贴和实物要素,让学生感知材料、物质要素对绘画的影响。教师要根据不同流派和画家的创新处设置简单可行的小练习、小实验,让学生亲身体悟现代艺术的理念风格和审美追求。这样的方式就把艺术理论与艺术实践有机地联系起来,综合提高学生的鉴赏能力和思维水平。 五、面向生活,慧眼识别。 现代艺术自19世纪末出现在西方文化舞台上之后,就以一种革命性的姿态,不断突破传统的艺术体系和美学规范,把各种新的观念形式和材料纳入到艺术表达的范畴内。不了解现代艺术的革新及形式和理念上的突破就不会理解当代多元化的艺术风格追求,不会鉴赏当代先锋艺术、装置艺术、行为艺术。在教学中,教师要有意识地把当代艺术出现的现象和问题作为引入部分或延伸部分,让学生思考鉴别。渐渐地,学生就会把鉴赏方法运用到现实中,对当代艺术问题进行评析,建立现代的审美品位和审美标准,从而形成自己独特的审美眼光,识辨当代复杂怪异的艺术现象。 总之,在西方现代艺术鉴赏教学中,教师要结合高中学生的理解认识水平和艺术基础,让学生了解现代艺术生成的社会背景及艺术家经历、艺术理论探知艺术家个性化的风格追求;通过纵横的对比联系明晰流派风格的继承发展;通过绘画实践、当代艺术现象体悟艺术精神,最终达到对新奇多变的现代艺术的鉴赏。在教学中,教师要灵活多样地运用这些方法,设计合理的教学环节,由浅入深,启发引导,把内容庞杂的现代艺术有计划有步骤地进行鉴赏,让学生对西方现代艺术具备初步的鉴赏能力。 美术艺术鉴赏论文:浅谈高中美术鉴赏课的教学艺术 摘 要:美术鉴赏是引导学生开展审美活动的课程,在培养学生审美鉴赏能力、提高审美素养、陶冶学生情操、健全学生人格等方面起着重要的作用。教师应在美术鉴赏教学实践中创新教法,融思想性、艺术性、趣味性为一体,才能开阔学生视野,提高学生美术素养,培养学生创新精神 关键词:美术鉴赏 有效教学 教学艺术 美术鉴赏教学是高中美术教学中的重要组成部分,是要让学生在面对古今中外优秀的美术作品时,在教师的指导下,去分析理解作者的创作思想和体悟美术作品中内在的精神涵义,是在义务教育阶段美术课程中“欣赏、评述”学习领域的基础上更高层次的拓展和延伸。它有助于提高学生的整体美术素养,培养健康的审美情趣,陶冶情操,也有助于发展学生的创造力和想象力,形成热爱本民族文化、尊重世界多元化的情感和态度。可以说,成功的美术教学能够培养学生对艺术有种潜在的感悟能力,学生可以通过这样的感悟力去丰富感情,理解生活,体味人生。那么,在有限的美术教学时间内如何完成这一目标将是一件值得我们极需共同研究的课题。 一、创设情境,激发学生学习兴趣 创设课堂情境,以激发学生的学习兴趣,是上好鉴赏课的前提。在一个教学主题开始以后,教师要创设一个求知、探究的环境和氛围,激发起学生探求的愿望和热情,激活学生主动参与的积极性。如讲《韩熙载夜宴图》一课时,我首先向学生提了一个问题:“你们知道李煜吗?”一下子把学生的注意力吸引过来(初中教材中学生都学过李煜的名篇《虞美人》),学生很奇怪美术课中老师为何会问这个问题。紧接着我又问他在文学上的成就如何?他有哪几首著名的词?他的政绩如何?当时社会环境如何?然后从他的政绩来引入《韩熙载夜宴图》背景,一切相当的自然、顺畅。通过这些相关文化情境的介绍,学生非常迫切的想看到这张作品,提升了学生对学习中国古代人物画的兴趣和欲望,为整节课起了个很好的开端。又如:在《玉石之分——古代玉器艺术》一课中,把玉在生活的用途引入到课堂教学中来,比如玉的保健、美容的生活例子。把对玉的审美与生活实际联系起来,更能激发学生学习的热情,从而有效的达成教学目标和完成学习任务。 美术鉴赏课的情境创设要切题、新颖有趣,符合学生的年龄特征,要能够激活学生的探究兴趣,要与教学内容相关联,使学生能够主动地参与到后面的自主学习中去。 二、提出问题,引发学生主动探究 新的课程标准,把学生自主学习作为一项重要策略。培养学生的自主探究能力,是各学科课堂教学都应承担的任务,美术鉴赏课也不例外。所以提出问题,引发学生主动探究,是学生亲历探究过程的中介和桥梁。问题的提出可以是教师提出问题;也可以是教师提出问题,由学生筛选和确定问题;或者由学生提出问题。如在《美在民间──中国民间美术》一课,我提出了以下一系列问题:剪纸:研究一下剪纸的历史;剪纸如果按它的表现方式来分可以分成哪几类,并举出具体的图片例子;列举各地比较有名的剪纸及其剪纸艺人,并总结南北剪纸各有什么特色。皮影:皮影的起源发展与现状;皮影造型的艺术风格;皮影戏人物的角色造型设计。年画:什么是年画;年画的用途及艺术特色;江苏桃花坞年画的发展以及艺术特色。学生可以选择自己感兴趣的一个主题,教师按照学生的自主选择进行分组编排,让学生在电子阅览室进行探究性学习。 无论是哪种方式提出问题,都是为了引发学生主动探究,所以提出的问题应具备以下特征:问题要明确;问题要适度;问题宜小不宜大;问题宜具体不宜抽象。 三、自主学习,引导学生体验内涵 新课程实验教学的要求,教学要在教师的引导下以学生为主体,让学生积极参与到学习中来,充分调动学生的学习积极性,加强学生自主学习的能力。在讲到中国民间美术鉴赏这一单元时,我们可以要求学生到农村、集市中去搜集旧的剪纸、年画、民间玩具等,也可以从报刊、杂志搜集有关图片资料。我们就应积极引导学生观察自己身边的事物,在熟悉的家乡寻美,在取材中欣赏美。这些既可以调动学生积极性,让他们兴趣大增,又是最生动最具说服力和感染力的课堂教学。如果一节课的学习基本由教师在讲,学生在听,我觉得是忽略了学生的主观能动性。有许多学生懒于动口,阐述自己的观点更是“无言以对”往往用“不知道”来回答,长期下去,学生会形成你讲我听,不想动脑的惰性。在美术鉴赏活动中,教师还应该多鼓励学生以自己的观点来描述、分析、理解和评价艺术作品,鼓励与他人进行交流,培养学生独立思考的能力,以及与人交往的能力。对于性格内向的学生更应该多鼓励其大胆说出自己的想法和观点。 四、巧用多媒体,提高课堂教学有效性 美术是视觉及造型艺术,具有可视的形象特点,利用现代化教学方法使美术教学手段向多元化发展,如实物展示、投影运用、多媒体音像的引进,通过声音、动画、视频、投影等手段,为学生创造一个色彩缤纷、声像同步、亦动亦静,能再现生活,又高于生活的情景,大大地增加信息量和科技量。在《宛自天开——古代园林》一课中,我首先播放一段苏州园林影像片段,配上中国古典乐曲,让学生陶醉在优美音乐和和谐的古典园林环境中,学生被这虽由人作,宛自天开的园林景色吸引,不知觉投入到美术欣赏活动中来,对中国园林进行重新认识和感受,然后表达自己对中国园林的理解。 让学生通过聆听、观察、想象、思索,进入情境。美丽的画面,优美的旋律,生动的解说,让学生沉浸在对美的享受中,不仅调动学生多感官的参与,更增添了欣赏的美。这种视觉形象和听觉形象融合,让学生产生“如见其面”“如临其境”的审美效果。从而使美术教学形成简易、新型、交互、愉悦的学习方式,激发学生学习兴趣,满足学生发展的需要,实现促进学生审美理念的形成和发展的目标。 五、利用社会资源,让学生感受美术作品 充分运用自然环境资源及校园和社会生活中的资源进行美术教学。我们学校位于河南省固始县,得天独厚的自然环境资源和独具特色的民间文化资源,让美术教育有着无限地就地取材的机会。端午节、元宵节等千百年的农家文化、农家风情富有强劲的艺术生命力。为开拓学生视野,拓展思维,组织学生参观美术馆、博物馆是很有必要的。 再者,作为“中国柳编之乡”的固始县,固始柳编民间美术作品品种达到上千个,近百家柳编企业云集三河尖镇,常见的有柳编篮子、柳编家具以及其他各种编织工艺品。可以让学生实地考察这些柳编加工企业,这是最生动、最有说服力和感染力的课堂教学。让学生亲身体会到美术就在我们身边,和我们的生活息息相关。同学们对这些有如此悠久历史的工艺品及人类如此灿烂的文化所吸引,可以树立起继承中华优秀传统的审美观念。 美术鉴赏教学采用灵活机动的有效教学手段,很容易激发潜藏的美术兴趣,引导学生参观美术馆、博物馆,把地方民间文化艺术引入课堂等,给学生增加亲近艺术作品的机会,自然而然地发展天性,增强美术鉴赏的信心与能力。只要美术鉴赏教学与新课标的理念相一致,能唤起学生的美术情感,达到艺术审美与人格培养相统一,艺术素养与创新意识同时得到提高,这就是美术鉴赏有效教学的体现。 美术艺术鉴赏论文:浅谈美术教学中怎样提高学生对美的鉴赏能力和艺术创造能力 初中美术教育是美术教学的重要组成部分,是对学生进行审美教育即美育的主要途径。是培养德、智、体、美、劳等全面发展的社会主义新人的不可缺少的环节。在深化教育体制改革的今天,全社会全面推行素质教育,促进中小学思想道德建设。此时,艺术教育逐渐显示出它的特殊作用,艺术教育当中的美术教育更加发挥它的社会作用。它能够培养学生发现美、认识美、创造美,提高审美意识,陶冶情操。培养他们热爱生活、表现生活、创造生活的兴趣,将来把我们的生活装点得绚丽多姿,五彩缤纷。美术课作为提高学生对美的鉴赏能力和艺术创造能力主要手段和途径在中学教育中有极其重要的作用。 中学生的心理和生理正处于发育阶段,属于从少年向青年过渡时期,他们求知欲强,可塑性大,通过美术课对他们进行系统的美术知识教育和技能训练,对于提高他们的审美修养、审美感受能力具有极其重要的意义。由于美术是直观形象的视觉艺术,它的鲜明生动的造型、富有情趣的色彩和直观感人的艺术特征,较适合青少年身心发展的特点,因而它更能引起学生兴趣,起到“随风潜入夜,润物细无声”的潜移默化的教育作用。良好的审美教育对学生的身心健康发展乃至一生都具有积极的影响。 新美术课程标准首次提出了“情感、态度、价值观”的概念,其目的是强调通过学生亲自参与美术活动来体验和感受活动的价值,从而形成自己的艺术和价值观念。美术欣赏是一项审美活动,它需要通过自己的思维活动如观察、判断和想象来感悟美术作品,这种活动更需要个人的审美感受和情感的体验。美术作品大部分是以精神产品为主的,它通常表现艺术家某种思想和观念,主要作用于人的情感领域。 任何美术作品都不是孤立存在的,都是在一定的文化环境中创造出来的,艺术家在创造艺术作品时,不可避免地受到所处环境的影响,文化情境是指一件美术作品被创作出来的时候所依托的文化环境、条件及其特征。因此,在美术欣赏教学时,不能单讲技法,要把美术作品放在一定的文化环境中去学习。为了帮助学生更好地理解作品的内涵,需要了解作品产生的时代背景和相关的历史故事。例如毕加索的《格尔尼卡》就有必要介绍有关毕加索生平的一些故事,有利于学生更好的理解画面的意思。 在我讲到《民间艺术的色彩搭配》这一课时,我就让学生先欣赏剪纸、皮影人、年画、泥塑等实物,然后让学生畅所欲言,谈谈欣赏的感受,综合之后,加以肯定。让他们知道这就是在欣赏美的事物,增强他们的自信,激发他们的学习兴趣。当他们知道民间美术就在我们身边,美的东西就在我们身边时,我也就引出了课题。授新课时,运用现代化手段,加强直观教学(视频)。声画并茂,设法用美好的事物去感染学生。从而体会到艺术作品中体现出来的艺术美。正像法国画家安格尔所说:“要拜倒在美的面前去研究美!”只有让学生置身于美的世界,才能激发他们的学习积极性。使他们对美和艺术产生浓厚的兴趣。然后采用情感性的欣赏方法当学生能直观地欣赏一幅画后。接着就引导学生采用高一层次的方法去欣赏作品,这就是情感性的欣赏方法。它是艺术欣赏者用饱含深情的灵动心灵,直浸于作品的意蕴中,去尽情地遨游、冲撞后获得自我内心的极大满足与陶醉的欣赏方法。欣赏艺术作品,并不一定非要在弄懂了艺术品的思想内容之后才能欣赏。其实,在生活中,人们经常会情不自禁地被一种外在魔力般的艺术力量所震撼、吸引而陶醉。 在美术创造中,创造力体现在对感性形象的把握和组织上。没有创造就没有美术,美术作品的独创性正是其价值所在。美术教育的目的之一,就是培养人的创造力。 当今的美术教育片面重视理论知识和技能传授,把传授专业技能技巧作为掌握知识、发展理智的根本途径。在教学中教师向学生灌输知识,学生只能被动接受一套死的表现方法,从而抵消和压抑了直觉的作用,也抹杀了学生的灵感和天赋。同学在作画时并没注意观察,只是一味的临摹,这种做法是完全错误的;还有机械的训练学生描绘对象,放映不出学生思维的灵活性,也没办法培养学生的创造能力。因此作为美术教师,出了教会学生一些技法以外,还要告诉学生不能单纯的为表现物像而表现物像,应采用相应的教法,培养学生的创造能力,要有计划、有目的、有阶段、有重点。在教学中解决主要问题,在华记忆画时不需围绕这个中心来布置练习。我的做法是:展示准备好作品,学生观摩探究汇报你看到的技法然师根据学生汇报操作,加深学生的记忆、理解,这样反复的训练,学生才会渐渐适应。 美术活动课是丰富儿童的美育生活,拓宽审美境界,诱发审美情感,培养学生多种能力的有效途径,而美术课活动可以通过欣赏,构思,创作为主线,利用所学画剪,贴,撕,卷,拚等制作为主要方式,采用有特色的新颖有趣,实用性很强的内容和形式多样的教学方法来教学生。让学生在活动课中“活”起来“动”起来,主动活动,手脑并用,增进学生直接经验,有目的针对全体学生,使每个学生都愿意,喜欢参与,重视学生构思设计,创造和评价,调动学生多种感官能力,使学生的想象,思维,动手得到发展。在原有基础上进步的同时把学习当做一种乐趣,才能激发创造力,在设计活动课中,我先从总体上理解和把握基础教材的特点,在遵循教学目标和要求的基础上,培养学生动手创造能力,充分发挥学生在鉴赏,审美和动手等方面的能力。 21世纪是一个高科技的世纪,是科技、经济文化、社会协调发展的世纪。作为一名未来的教育工作者,必须适应社会发展需要,更新美术观念,使美术教育发挥其作用,培养学生对美的鉴赏能力和艺术创造能力,让学生的动手能力、抽象思维能力得以真正的提高,使其内心的情感,渗透到艺术家所表现的丰富情感世界中去。在艺术的熏陶下,其身心不断地得到愉悦,从而使心灵得以升华;并由此逐步实现完美人格的创建和全面素质的提高,让美术教育面向世界、面向未来、面向现代化。 美术艺术鉴赏论文:高中美术鉴赏《走进意象艺术》的教学设计与反思 教材分析 本课是高中新课程美术教科书(人美版)《美术鉴赏》系列中的第4课,是具体了解和认识三种主要的美术类型(具象艺术、意象艺术、抽象艺术)中的第二类型――意象艺术。由于意象艺术介于具象艺术和抽象艺术之间的综合的艺术类型,兼有两种艺术的特点,在学习了具象艺术之后,理解艺术家对主观意念――感觉和意图的表达,是学生学习如何鉴赏意象艺术的入门,也为学生后续学习较难理解的抽象艺术打下基础,起着承前启后的作用。因此,意象艺术在整个美术门类中占据十分重要的地位。 学情分析 高中学生对意象艺术已经有了一定的认识,他们从初中的美术以及生活中的装饰品等视觉艺术中已经接触到不同的美术类型。他们能列举出中国画的写实性作品――工笔画,表现性作品――写意画等。但没有认识到意象美存在我们的生活当中,对艺术美缺少全面的了解,学生不能意识不同形态的作品表达艺术家不同的创作意图,不懂得“怪异”的艺术形象中包含着艺术家个人的情感和艺术观念。高中学生具有好学,善于思辨的特点。班级中已初步形成自主学习与合作交流,勇于探究与问题解决的良好学风,他们的洞察力较敏锐,凸显个性思考,抒发个人情感的欲望较强,对问题学习有研究精神。 设计理念 根据高中美术新课程的具体目标,结合教材内容,注重培养学生的自主学习,将美术语言运用于课题研究性学习中,引导学生主动探究艺术的本质、特征和文化内涵。通过美术鉴赏学习活动,让学生学会用艺术思维的方式认识和理解世界文化的多样性,让学生学会运用视觉感知和美术知识对意象艺术进行分析、比较、判断、想象与体验,并与生活相联系,学习艺术表现和交流的方法,提高美术素养。 教学目标 学会运用比较的方法认识什么是意象艺术,能辨析意象艺术的主要特征。(重点与难点) 教学过程与设计意图 1.思考与讨论。学生阅读课文,思考问题,进入教师创设“‘意术’(意象艺术)魅力大家谈”的讨论。根据课前教师布置自主学习课题内容,搜集相关作品资料,围绕“意象艺术的‘真实’与具象艺术的‘真实’”、“意象艺术与具象艺术相比哪一种更有表现力?”为题展开讨论交流,发表自己的观点。 (高中学生自学能力较强,引导自主学习并参与课堂主题性讨论,既检验学生的学习实效,也有利于生成课堂教学。) 2.比较与研究。选择英国画家培根的《被牛肉片包围的肖像》与前一课学习过的西班牙画家委拉斯凯兹的《教皇英诺森十世》两幅作品进行对比,来说明意象艺术与具象艺术有着巨大的差异。委拉斯凯兹笔下“教皇”形象那幅凶狠与狡诈的面貌和性格被真实地刻画出来,而培根以委拉斯凯兹的“教皇”为蓝本,两片血淋淋的大肉片被置于肖像左右两侧,让观众感受到的是一个更加阴险恐怖的教皇形象。这幅画所产生的艺术震撼力更为强烈。教师引导学生从构图、色彩、形象上反复对比、研究两幅作品存在的差异性。这种差异就表现在它传递出的不是艺术家的“眼”中之“象”,而是艺术家的“意”中之“象”,即“意象”。如何理解意象艺术呢?我们可以从两个方面来理解:一个是艺术家按照“我”感觉到的样子,来表现世界;另一个就是艺术家按照自己的主观意图来表现。为此,艺术家就要调动一切手段(常用夸张与变形)来表达这种感觉和意图,而不管是否与我们眼见的现实一致,从而产生艺术形象上的怪异性。这样,我们可以认定,意象艺术是艺术家根据自己的感觉、想象和表现意图所呈现的形象。 3.分析与理解。教师启发学生多角度地分析探究不同作品的艺术特征,理解艺术家的表现意图。选出有代表性作品作为赏析重点:A、蒙克的《呐喊》主要引导学生从作者的生活背景,家庭环境,成长历程,艺术家的论述,美术语言方面进行分析、判断。B、达利的《内战的预感》主要从人体的肢解,打破、重组,画家责任与唤醒无知方面进行感受、体验。C、凡高的《星月夜》主要从作者对艺术的追求,创作激情,色彩表现方面进行想象和评价。D、苏轼的《枯木怪石图》主要从艺术家的个性,情感,艺术观,创新方面来理解中国写意画的特点:不求形似,惟取物之意气和神韵,笔墨只是画家寄情之物。在鉴赏作品的过程中先让学生结合自己搜集到相关作品资料谈个人对作品的见解,教师再做小结。指出意象艺术是与艺术家对现实的感觉,以及他们的个人情感、观念和意识密切相关的。因此,艺术家的感觉和所要表达的意图越独特、强烈,所产生的艺术形象就越“怪异”。在赏析凡高作品时教师介绍了凡高选择别人没有画过的向日葵作为自己主攻的项目获得巨大成功的事例。 多角度地从不同的侧重点去分析理解作品,从而突破教学难点。同时帮助学生厘清意象艺术的“怪异”现象与艺术家观念的关系。而教师介绍凡高确定自己主攻方向的事例对学生个人今后的发展起到一定的启示作用。 4.三分钟质疑。教师引导学生针对本节课要完成的具体的教学目标和学习任务,进行知识梳理。对于存在的问题提出来请老师解决,或个人对作品的看法提出来与教师交流。三分钟质疑创设了师生互动交流的机会,一方面学生能将自己的疑惑问题提出来要求教师解答;另一方面也让教师了解学生存在的问题,当场反馈,有利于及时调整教学策略。 5.联想与体会。我们的现实生活中其实很多地方就存在着意象艺术美的形象,只是我们不经意去发现它。比如说;毕加索从废弃物中挑选出自行车把和椅座,将两者组合起来,创造出一件《牛头》的装饰作品,就是一个典型生动的例子。让学生联系生活展开想象,根据自己的生活经验,谈生活中的意象美的种种形象…… 之后,教师展示火烧云的图片资料,以及天空漂浮云彩的影像。接着,朗诵一段散文“天上的云,真是姿态万千,变化无常。他们有的像羽毛,轻轻地飘在空中;有的像鱼鳞,一片片整整齐齐地排列着;有的像羊群,来来去去;有的像一床大棉被,严严实实地盖住了天空;还有的像峰峦;像河流;像雄师;像奔马……”要求学生以文学作品或图像资料为素材,运用形象思维创作一幅简单的意象艺术作品。 教学反思 本课教学设计改变了过去欣赏课以教师讲述为主的教学方法,力求通过引导学生自主学习,探究新知的教学过程,使学生成为教学的主体,以达到新的课程标准的要求。主要突出了以下几点: 一是通过引导学生自主学习,要求学生在课前搜集有关意象艺术的资料,不仅能够提高学生搜集资料获取信息的能力,而且使学生在准备过程中开阔了视野,扩大了知识面。学生在思考与讨论的学习过程中运用课程资源,主动参与交流。 二是通过指导学生运用比较学习方法探究不同美术类型的艺术特征,促使学生积极主动地获取美术知识,领悟研究的方法。高中学生自学能力较强,课堂上设置一些问题,他们能独立探究解决。例如:在比较与研究教学过程中学生通过对不同流派作品的比较,分辨出艺术家的主观表达意图,以及影响形成个人风格的主要因素。这种学习方式直观、感受快、启发效果好。同时锻炼了学生的艺术思维能力,也培养了学生不断进行探究的愿望。 三是通过诱导学生分析、理解作品的内涵和意义,对学生进行了有效的情感教育。使学生进一步增强了对艺术多元性的理解、包容与接受,培养人文素养,从而达到以艺术促进学生发展的教育目的。比如:讲述凡高选择向日葵作为自己研究目标获成功的事例,对学生今后的发展有借鉴和启示作用。而达利创作《内战的预感》也说明了艺术家心里怀有强烈的社会责任感。有利于挖掘出学生潜在的感知意识,引起共鸣。 四是通过倡导学生学以致用,联系现实生活,发现身边的意象艺术形象,并动手创作,学生亲身体验创作的心灵轨迹,尝试创作的滋味,促进学生对学习内容的深刻理解。而朗诵散文,创设艺术情境,利用语文课程资源来丰富美术教学,实践综合教学是本课教学设计的一个亮点。 另外,课堂教学中的三分钟质疑,虽然时间不长,但让学生当场质疑却显得非常重要。学生有了问题,教师才知道他们需要什么。通过当场反馈教师才能知道教学预设的目标是否实现了。课堂教学的预设与生成共存,会让教学变得更实际和有意义。如:在本课质疑中有一位学生提出:“是不是所有的意象艺术都采用变形与夸张的表现手法?”这问题就提醒了我,界定意象艺术不能以表现方式作为评价作品类型的唯一标准,而应该让学生懂得“意象”相对于“实象”,它不是客观现实的再现而是艺术家的“意”中之象。因此,意象艺术也可以运用写实的表现手法来表现现实生活见不到的形象(情景)。例如:石涛的中国画《搜尽奇峰打草稿》就是一例。这幅作品看上去像一幅具象艺术的作品,实际上它属于意象艺术。当然,在一节课里就要让每一个学生一下子就把意象艺术弄得一清二楚也是有困难的,需要针对学生的认识,在今后的美术课程学习中,不断深化知识面,提高高中学生的鉴赏能力。
传统艺术论文:民间传统艺术论文 一、独特的艺术魅力 (一)老杨公 “老杨公”能历时几百年而流传至今,是跟它的地域性特色和原生态特色分不开的。早在2008年,老杨公就被评为北海市第一批市级非物质文化遗产,这不仅仅是因为了老杨公的故事反映了人们互敬互爱,教育婆媳和睦相处、夫妻合好,赞颂勤劳勇敢、驱恶行善的中华民族传统美德的内容。更重要的是它既了保留浓郁的民俗文化色彩和乡土文化意识又具有独特的艺术风格。“老杨公”采用广西合浦地方方言演唱,主要由民族乐器+打击乐锣鼓+独唱、对唱、三人联唱+舞蹈+顺口溜+讲故事等多种艺术形式构成,表演形态富有原生性,有着浓郁的地方色彩和鲜明独特的艺术风格。《老杨公》的音乐是以廉州方言发音音调为基础的,富于原生性的民间音乐结构。它的歌曲种类是山歌类歌种。音乐曲调是民族调性sol1adoremi的微调式。从音乐结构来看,“老杨公”以“西海歌”的音乐旋律为优秀,配以其它音乐曲牌如“东海歌”“西海歌”、“撑船调”、“棹船调”、“西江月”、“犯仙调”等,通过重复、变化、交替发展等方法,构成具有浓郁而鲜明的沿海地方特色、曲牌丰富多彩、风格统一的联曲,“老杨公”的音乐虽然曲牌种类繁多,但一般都是二乐句和四乐句的乐段结构;在四乐句的乐段结构中,第三句往往是第一句的变化扩展,第四句往往是第二句的变化重复。第一句一般结束在调式音阶的第三级或第四级上,形成半终止,两句乐句一起一伏,相互呼应,形成一个有机的统一整体,其曲调优美,亲切流畅。“老杨公”的表演有别于北部湾地区其它民歌的艺术表演,它是一种典型的民间歌舞表演形式,是该地区为数不多的边唱边跳的民间歌舞艺术。它能深深扎根在民众之中,代代相传,深受广大群众喜欢,是与其丰富多彩的表演形式,反映的是现实生活中的一事一物,并具有较大的包容性、较高的艺术性和广泛的影响力分不开的。《老杨公》全场表演只需两个演员,分别表演“老杨公”和“仙姑”,台下锣鼓手4~5人以及一名掌板者(兼送白、送歌)来配合台上的表演。“老杨公”和“仙姑”要唱、跳、演样样具备,因此舞蹈动作编配不能太复杂,但是,人物扮相和表演特征却十分重要。换句话说,老杨公和仙姑的形象能否独具一格,从人物扮相和表演特征来看,它必须更加具有典型性和象征性。“老杨公”的歌词采用廉州地方方言来演唱,有着非常浓郁的地方特色。不仅具有原生性发音特点,而且思想内涵丰富。它的歌词词牌如同它的曲牌一样,种类繁多,有“大唐歌”、“东海歌”、“西海歌”、“西江月”、“犯仙调”等。这些词牌往往运用“比兴”、“双关”、“歇后语”、“谐音”、“比拟”、“析字”、“叠字”等不同的修辞手法,特点鲜明涵丰富,富于哲理,艺术性高,富有魅力。其中的“大唐歌”是北海民歌当中流传最早的一种词牌,它强调双关,重在抒情,意义深远,属于赋体歌讲究第二第四句压脚韵。 (二)耍花楼 “耍花楼”也是北海市第一批市级非物质文化遗产中的一大类,是合浦县有名的民间歌舞之一,用合浦本地话廉州方言演唱,主要流传于廉州、党江、西场、沙岗、石湾、写家等讲廉州话的乡镇,具有浓郁的地方风情,不但舞蹈动作多彩,歌调也较多且感人。“耍花楼”主要是一男一女两人身穿传统服装,在舞台上交叉穿插表演,对歌对舞,动作潇洒大方而又优美热烈,舞步多姿多彩。歌舞时男持一把花伞和一把纸折扇,女持一方绢帕和一把纸折扇,边唱边舞,常用的曲牌有:“花楼调”、“游山打猎”、“开经调”、“叹世调”、“插花调”、“采茶调”、“挂金索”、“二环调”等等,其中最主要的是“花楼调”和“游山打猎”。这种曲调唱词情调优美,富有浪漫想象的神话色彩。由于这种歌舞极其引人入胜,又被人民群众喜闻乐见,解放后,合浦人民对“耍花楼”进行了革命性的变革,改革后的“耍花楼”它已去除了那些迷信成分,多是表现劳动生活的谐趣性,也逐渐成为庆丰收、迎新春的喜庆歌舞。广西北海的“耍花楼”很像东北的二人转,其舞步轻捷、活泼、轻松、幽默,如“跑马步”、“捣碓脚”、“走车盘”、“耍伞花”、“耍巾花”等,音乐节奏明快,动作舞蹈性强,旋律高亢热烈、语言亦庄亦谐,深受老百姓喜爱,也是当地群众喜闻乐见的民间艺术形式之一。 (三)咸水歌 北海“咸水歌”几百年来都是靠口口相传的方式传承至今的,它精简短小,但又富有内涵,以极具地方特色的音乐风格被疍民所喜爱。作为一种民间歌曲,它不仅体现了该群体的生活环境和文化风俗的特殊性,还在本质上反映出疍民独特的水乡情怀。其演唱形式与我国其他民族民间歌曲有着相同之处,但又因风俗、语言、生活环境等因素的不同而形成疍家独特的演唱特点。咸水歌是疍家人广为传唱的口头文化,在日常生活劳作,特别是在谈婚论嫁、丧葬等过程中,触景生情,随编随唱,以歌谣形式描绘不同的情感,所以说咸水歌的歌唱内容十分丰富。北海“咸水歌”曲调繁多,歌词内容涵盖疍家人日常生活的各个层面。如《叹家姐》、《咸水歌调》、《姑里妹》、《十二月送人歌》、《伴郎》、《伴嫁》、《叹古人》、《叹字眼》等。而《叹家姐》、《咸水歌调》是最具典型性的传统的北海外沙“咸水歌”,它们的曲调亲切自然,热情悠扬,委婉感人,甜美流畅。歌曲常常都是上下两句的一段体,每句字数不尽相同,句末一般要求押韵,但也有少数不押韵的,每句曲调多是因字取腔,但衬字的音调及句末收音都必须是相同的,并且不管唱多少段,其反反复复的基本结构是不变的。“咸水歌”有独唱、男女对唱、三人联唱、小组唱等演唱形式,格调清新,韵律天然,唱、叹流畅,感情浓郁、亲切。工作和休闲时叹唱儿句,焕发精神。北海“咸水歌”,因传唱地域而得名。这种富含海之韵味的歌谣,随着疍民迁徙漂移,在北海的文化土壤落地生根,既保持原生地同名歌种的血缘关系,又吸收了迁入地土著渔民歌种的养分而不断发展成熟,至今已形成了自己的风格特色,是北部湾沿海一带以船为家的疍民世代传承的一个歌种。 二、传承思考 由于人们的物质生活日益丰厚,文化生活日加丰富多彩,加上疍民的上岸、时代的发展、外来文化的冲击,会唱、会演、喜欢听、听得懂的人越来越少,使得这些传统民间艺术面临传人和听众双双流失的危险,甚至面临失传。因此,我们探讨这些民族民间艺术的审美属性,不能仅仅停留在学术研究的层面上,最终还是要让研究成果发挥作用而获取更大的社会效益,此外就是试图籍此引起人们对它的密切关注以及相关部门的高度重视。目前,当务之急的就是要采取有效措施,把保护传承落到实处:一是要全面发掘、搜集、整理相关的文献资料,包括文字、影像等资料。二是要积极改革、创新,创造一个全新生存环境,赋予它在信息时代新的意义。三是要大力普及、提高,努力提升知名度,扩大影响力,实现经常性,稳定性,持久性。四是要加大教育力度,努力把这些传统民间艺术引进校园,开展传承教育。 三、结语 广西北海民间传统艺术是中国传统民族民间艺术瑰宝,它在促进文化交流、加强民族团结,构建和谐社会等方面具有重要的地位和作用,对它的研究有深远的历史意义和现实意义。作为先人留给我们珍贵的遗产,我们有责任在每一个时代中展现它的风采,守望这份财富就是现代的我们应尽的责任。愿我们广大音乐工作者,为继承与弘扬我国优秀的民族民间艺术文化,为繁荣艺术文化市场,奉献绵薄之力。 作者:姚冰 单位:广西艺术学院 传统艺术论文:国画教学传统艺术论文 一、陕西高校中国画教学对传统艺术的传承 在当代艺术国际语境中,陕西高校中国画教学率先展开了教学改革。主要方式是在传统文化基础上,以传承中华文化精神为优秀,让学生学习国学、培养中国哲学精神和审美风格、审美趣味,建立传统国画评价体系,进行高校中国画的系统性教育。首先陕西高校的中国画教学在课程设置上重视传统艺术和国学内容的融入,保障了传统艺术的技法和形式传承。国学对于中国画的重要性是不言而喻的,可以说是母子的关系。国学包括传统文学、传统艺学等类别,诗书画印的统一性是在元代就形成的成熟绘画思想,历代中国画家尤为强调“书画同源”。而更早的“气韵说”更是强调了虚无缥缈的“气韵”高于骨骼、色彩的准确性,而“气韵”从何而来,就是传统文艺带给画者的深厚的品格底蕴。所以重视国学、研习国学是进行中国画教学的基础和前提条件。陕西高校的中国画教学在大一设置了“国学基础”和通识课程“大学语文”一起强调了传统艺术中文学的重要性,更设置了“先秦文学”、“唐宋八大散文家”等选修课。此外在大二、大三的课程中,亦设置了与传统艺术相关的选修课,如“古画艺术鉴赏”、“传统绘画装裱艺术”等课程,通过学分的掌控让学生主动地进行传统艺术技能和知识的学习。而在专业课程中,设置有“陕西剪纸”、“陕西风情国画创作”等课程,很好的将地域性的传统艺术融入到教学体系中。在具体教学体系中,亦设置了讲座课程,聘请陕西传统艺术大师、工艺大师进入高校校园,开办讲座,与学生进行互动。通过课程的设置,陕西高校中国画教学主要成分为国学教学、地域传统艺术教学、传统中国绘画教学三部分,这些都具有传统艺术极为活态的、持续的传承力度。如陕西高校中国画教学的专修课学习主要从学习经典画谱如《梅花喜神谱》、《高松画谱》等入手,不再单纯沿用西方素描色彩训练作为绘画基础,而是以传统绘画艺术作品、经典作品为主步入中国画的学习程序中。这样能够让学生学习到纯粹的中国画作品的精髓,更好地以传统哲学思维看待国画创作,进行笔墨的传承和形式的传承,更好地传承了传统艺术精神。其次陕西高校中国画教学通过教学实践基地的教学活动,传承了传统艺术的基本艺术语言和形式。实践基地的教学在绘画专业中是主要的一种教学形式,通常在教学实践基地以自然风景写生为主,如河南的太行山历来是河南高校国画山水科目的主要教学实践基地。但在陕西高校中国画教学中,则常以石窟寺、博物馆、民俗馆等人文资源集中区域为教学实践基地,让学生前往这些地方,临摹前人精美的石窟壁画,体会经典的传统艺术雕塑形象,摹写经典的传统画作。这样不仅充分利用了陕西传统艺术资源,更在高校国画教学中传承了传统艺术,使学生通过临摹和体验将传统艺术的形象和语言融入到自己的国画创作中。最后陕西高校的中国画教学通过建立完善的评价体系传承了传统艺术的精髓。如前文所述,传统艺术是有着与西方迥异的哲学思维作为背景的,单纯以写实性来评价当代中国画创作与教学是有局限的,片面的。陕西高校的国画教学在整体教学理念中转变了这一单一片面的评价体系,转而以传统艺术中的笔墨趣味、情感抒发为主建立的评价体系,如中国传统南宗画派认为好的画作需要“气韵为上”,不以形似为主,但讲究整体画面的协调和独特的笔墨意趣,讲求水墨恰当的比例和墨分五色的精妙,更重视留白、全景式构图和散点式的透视效果等。这些评价准则都是与西方古典写实原则迥异的。通过建立完善的评价体系,陕西高校中国画教学传承了传统艺术的品评标准,更进一步地传承了传统艺术内在的哲学精神和艺术形式语言。在教师普遍建立的传统艺术评价思维的大背景中,学生更对传统艺术所需的技法、意趣和文艺功底感兴趣,产生了主动学习的动力,从而促使了传统艺术的现当展。 二、陕西高校中国画教学对传统艺术的发展 当代高校艺术教育并不局限于对某一艺术的完全传承复制,更多的是为了其适应新时代的新发展,以及把握未来的发展趋向。传承是为了创新和发展,传统艺术在高校中国画教学中扮演的是手段和方式的角色。陕西高校中国画教学通过研习国学、学习经典传统绘画作品、体验品味传统艺术文化形式如建筑、雕塑、壁画,以及建立完善的传统艺术评价体系很好地传承了传统艺术,但其目的并非是复制传统艺术,而是在高校国画教学中发展传统艺术。陕西高校中国画教学对传统艺术的发展主要有三点:第一是促进传统艺术的原态发展。陕西高校中国画教学以课程设置、实践教学和教学评价等形式融入了传统艺术,对其进行了有益有效的传承发展。如陕西传统的剪纸艺术在高校教学和科研研究的体系中得到了保存,使一度濒于失传的剪纸艺术以及刺绣艺术等民间其他小众艺术种类得到了保存式的发展。再如陕西的窑洞建筑艺术审美风格在高校国画教学中融入了教学创作内容中,对窑洞建筑的原态发展具有一定的保障。我们还通过课程、实践活动等形式促使学生对传统经典艺术作品展开主动研习临摹,是传统经典艺术作品赖以原态保存发展的外在条件,这些形式都促进了传统艺术的原态保存和发展。第二是促成传统艺术的创新发展。陕西高校中国画教学以临摹经典作品为手段展开创新式的创作型教学,在学习传统艺术的独特艺术语言和形式基础上,融合时代主题进行创新发展:如以陕西黄土高原的地理风貌色调为色彩创新水墨类别创作;以陕西独特建筑艺术为创作主题运用传统皴法、线描技法进行新型国画形式创作;以传统界画艺术为形式进行新城市题材国画创作等。这些都是在传承传统艺术的基础上进行的融合式创新发展。正如传统国画画论中所言:“可从者从之,宗也,不可从者违之,亦宗也”,它从原态传承和创新式发展两方面论述了两者都属于传承发展的途径。陕西高校中国画教学通过各种形式丰富了传统艺术的艺术表现语言,扩充了传统艺术的创作母题,促进了传统艺术在新时代的新发展。第三促进传统艺术的材料发展。陕西高校中国画教学在课程教学内容中融入了地域民俗元素,将中国画传统的笔墨纸砚的物质材料融入剪纸、刺绣、泥沙等新型材料,创新发展了中国画创作中的形式材料语言,以实验性国画创作为手段进行了国画的创新发展。这种创新型的材料发展不仅表现在用具种类的丰富上,更表现为画面材料和形式的发展上,是陕西高校国画教学对传统艺术在新时代的创新探索发展。 三、结语 中国自古的绘画思想是“书画同源”,是“游于艺”,是《古画品录》中所称的“气韵为上”,更被称为“士人画”、“文人画”,这些都说明了中国画与传统文化艺术的紧密联系性,是中国画赖以存在的灵魂与优秀。所以学好中国画的基础和优秀是学好国学、学好传统文艺。抱着这种思想展开的高校国画教学,对传统艺术可起到传承和促进发展的作用。陕西高校国画教学通过课程设置、教学活动和评价体系等形式传承了传统艺术,并促进了传统艺术的创新发展,实现了原态发展、创新发展和材料发展,实现了高校国画教学对传统艺术的保护、流传和创新。 作者:张晓红 单位:延安大学鲁迅艺术学院 传统艺术论文:数字媒体艺术突破传统艺术论文 一、数字媒体艺术对传统艺术美学突破的具体体现 (一)数字媒体艺术的审美体验更加大众化 在传统艺术创作中,创作者主要是具有一定艺术水准的专业人士,这些文化水平较高的创作者给普通民众带来一种神秘感和距离感,传统艺术作品不够贴近普通民众的生活,给普通民众传达了一种只有欣赏水平高的人才能欣赏艺术作品的审美体验。随着科技的进步和数字化技术的不断发展,数字媒体艺术为普通大众提供了更多欣赏艺术作品的机会,简单易操作的数字媒体技术为普通民众进行艺术创作提供了强有力的支持,大众化的创作模式和大众化的审美特点使得数字媒体艺术更加贴近人们生活,更加大众化,促进了艺术作品发展的多样化,丰富了大众的审美体验。 (二)数字媒体艺术具有开放性的美感 数字媒体艺术的创作过程与传统艺术相比具有非常大的开放性,在传统艺术中创作者所创作的作品具有完整性,创作的终结也意味着作品的完成,而数字媒体艺术可以进行复制和删改,除创作者之外的观赏者可以根据自己的喜好对艺术作品进行重新修改和再创作。数字媒体艺术作品可以根据不同作者的不同创作思路进行修改,数字媒体艺术会随着科技的发展而不断发展,不断丰富自身的艺术意蕴,满足人们更高层次的审美体验和审美需求,推动现代艺术的发展。 (三)数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征 不同于传统艺术的逻辑性审美特征,数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征,数字媒体艺术的发展改变了人们的审美逻辑。创作者可以尽情构思使用非逻辑性思维进行天马行空的创作,在创作中运用了较多倒叙、跳接、反转等技术,因此人们欣赏数字媒体艺术作品时,不能仅凭借惯有的逻辑思维进行赏析,而是应该从现代人的思维和创作者的创作意图角度进行艺术赏析,从而获得更丰富的审美体验。 (四)数字媒体艺术具有超现实的审美体验 数字媒体艺术的发展依托于数字化技术,传统艺术创作是以现实中的事物为原型进行再加工和创作,因科学技术水平有限,传统艺术创作灵感来源于现实生活,数字媒体艺术与传统艺术相比,具有超现实的审美体验。数字媒体艺术中展现的恐龙、生化危机、外星人等题材具有超现实性,数字媒体艺术可以运用多种现代技术进行声音和图像的模拟,能给观赏者带来极强的感官冲击和震撼的视听效果,丰富了人们的审美体验。 二、总结 数字媒体艺术是知识经济的产物,数字媒体艺术的突破离不开科学技术的进步,数字化技术与艺术元素的有机结合丰富了艺术的表现形式,与传统艺术相比,数字媒体艺术具有的高效性与交互性,极强的虚拟性与综合性。数字媒体艺术的突破发展能满足人们更高层次的精神文明需求,也是对传统艺术的继承和发扬,数字媒体艺术的发展有利于丰富现代艺术的内涵,推动我国艺术领域的长远发展。 作者:许腾 单位:北京邮电大学 传统艺术论文:边饰纹样传统艺术论文 1中国传统艺术中的边饰纹样 (1)敦煌壁画艺术中的边饰纹样 目前敦煌壁画存有4万多平方米,在早期时代,敦煌壁画的构图中不论采用何种构图方式,基本上都是采用边饰纹样和藻井图案对壁画图进行装饰的。边饰纹样在壁画中的运用使得壁画的主题更加的清晰和完整,这就是边饰纹样在敦煌的壁画中所起到的塑造作用。在敦煌壁画的边饰纹样对壁画表象所起到的作用主要体现在以下几点。首先,边饰纹样使得壁画的内容更加的完整,起到了完整内容的作用。北魏时期,敦煌便已经形成了佛教艺术,而且还一直以活泼的艺术创作同庄严的佛经内容结合产生了一种新的艺术风格。在宋代第26窟的壁画中,有很多以佛和菩萨为主题的壁画,这些壁画四周都布满了由小花纹、半花纹和三角形等形成的边饰纹样,尽管这种纹样是几何式的构图。但其却在充分利用空间的基础上,重复的出现两种花纹,尽可能的为壁画塑造了繁花似锦的感觉,使得这些以庄严为主题的图案更加的富有情趣和生机。其次,边饰纹样在敦煌壁画艺术中更好的塑造了秩序感和空间感。边饰纹样在壁画的负面上的分割和主题的表达上发挥了直接的作用。壁画上简单的带状连续纹饰使得壁画更加具有秩序感和空间延续感,塑造了一种明朗和善良的宗教情感。边饰纹样在壁画中合理的利用了空间,使得壁画和石窟得到了更完美的结合,起到了向导的作用。第三,为壁画建立了装饰和运动感。在敦煌壁画中的边饰纹样中有一种纹饰叫做忍冬纹,这种纹样是北朝的石窟中较为突出的纹样。这种纹样的造型十分的简洁,而且变化多姿。在西千佛洞的第7窟的北壁下部就使用了忍冬纹,这种纹样采用了单叶波状式样,同有着厚实身躯的力士形成了一种相得益彰的感觉,不但同力士的装饰带的排列形式统一,而且其波形的运动感也使得壁画的运动感更加的强烈,给观者以一种单纯和朴实之感[5]。最后,在敦煌壁画的艺术中,三维边饰纹样使壁画产生三维感。从天宫凭栏的纹饰中我们可以看到边饰纹样对于壁画三维空间的塑造。这种纹样主要出现在窟内的四壁的上部,比如隋朝的西千佛洞的第八窟的西壁上部就是以凭栏的纹饰进行装饰,使得壁画产生一种三维的效果。这种纹样体现了对生活的热爱,另外还从不同的维度空间突破了壁画的艺术手法。因为敦煌的壁画是绘制在墙壁上的,要沿着墙壁进行绘制这样就存在一定的建筑功能限制,但是天宫凭栏这种纹饰可以不受这种现实限制,能够在视觉上进行改造。这种边饰纹样同亭台楼阁的立体表现也是相互呼应的,这种手法就是人们对于创造的探索,也是对陈旧图案的创新。 (2)唐代藻井图案中的边饰纹样 唐代作为敦煌艺术的一个繁荣时期,各类纹样的出现也越来越丰富。在敦煌唐代的藻井图案上最受人关注的并不是井心的纹样而是在方井井心周围的边饰纹样。这周围的边饰纹样看起来十分的华丽,但却有秩序感,正是因为这些纹样的华丽也使得整个藻井图案更加的华丽和饱满。唐代的敦煌藻井图案中的边饰纹样层次繁多而且结构形式也多样。在初唐时期主要以简单的卷草纹为主,盛唐时期主要以团花纹为主,而在中晚唐时期主要以几何连续纹为主。边饰纹样在敦煌的藻井团中是主要的构成部分,是单元重复的结构进行排列的有一定的秩序感,而且层次感较强的装饰纹样还能够避免给视觉产生拥挤和混乱感。藻井团中的边饰纹样的虚实结合也给整个画面带来了层次感。诸如,迥纹可以给人以虚感。虽然说,唐代的敦煌藻井图案中的边饰纹样结构基本上以几何式和波状为主,但是这些纹样的构成变化有序而且有着较强的节奏感,点线面的结合给人以丰富的视觉感,这些边饰纹样为以庄严为主题的图案带来了生命力。 (3)青花瓷艺术中的边饰纹样 唐代是陶瓷发展历史上的一个重要的时期。在景德镇的陶瓷艺术中,凭借其精湛的工艺和丰富的边饰纹样,在中国的艺术圈内展示了独特的风采。这里主要介绍边饰纹样在青花瓷中的应用。明代嘉靖时期的青花葫芦瓶。20世纪的70年代在我国的江西省南昌市出土了一种青花葫芦瓶。该瓶的盖口处有莲瓣纹样同瓶口的直线纹样相对称。而在瓶子的上下腹部出现了牡丹纹,纹样十分丰富,下腹部则是通过变形的牡丹进行装饰,在瓶子的底部边缘处绘制了变形的莲瓣纹饰。整个葫芦瓶的纹饰主题十分突出,瓶的边饰纹样也给整个葫芦瓶的纹样绘制增添了生机。使得瓶身的画面更加的雅丽,线条也更加的流畅活泼。 2西方艺术中的边饰纹样 (1)西方服饰艺术中的边饰纹样 在西方的传统服饰上,边饰纹样的应用倾向于对自然的模仿,其艺术的重点在于产生逼真的效果。在服饰上的边饰纹样主要以是整体面的形式出现,通过造型和色彩空间的结合进行边饰纹样设计。而在中国的服饰上边饰纹样的应用主要是突出精神上的寄托,例如,在服饰上的竹菊等纹样的设计。 (2)西方家具艺术中的边饰纹样 在西方家具艺术中,边饰纹样分为宗教神话纹样、动物人物纹样和战争题材的纹样。在西方家具艺术中,家具上的边饰纹样大多是以突出主题为主的,宗教神话纹样在家具上的应用主要是再现宗教形象,体现人们对于天堂的渴望。 3结语 对于中国边饰纹样的探索,从不同的朝代中的艺术对边饰纹样的形式、应用以及作用阐述了我国传统艺术中边饰纹样的重要作用。正是有了边饰纹样的存在,才使得传统的艺术更加的丰富、更加的雅丽。当然,文章所阐述的画石像艺术、陶瓷艺术、壁画艺术在中国的传统艺术中有着较为重要的地位,无论是艺术本身的价值还是其传承价值都有着边饰纹样不可或缺的力量。而且,这对现代的艺术设计也是一种借鉴,值得我们去探讨和研究。 作者:田静 单位:湖北工业大学 传统艺术论文:数字媒体艺术突破下的传统艺术论文 一、数字媒体艺术对传统艺术美学突破的具体体现 (一)数字媒体艺术的审美体验更加大众化 在传统艺术创作中,创作者主要是具有一定艺术水准的专业人士,这些文化水平较高的创作者给普通民众带来一种神秘感和距离感,传统艺术作品不够贴近普通民众的生活,给普通民众传达了一种只有欣赏水平高的人才能欣赏艺术作品的审美体验。随着科技的进步和数字化技术的不断发展,数字媒体艺术为普通大众提供了更多欣赏艺术作品的机会,简单易操作的数字媒体技术为普通民众进行艺术创作提供了强有力的支持,大众化的创作模式和大众化的审美特点使得数字媒体艺术更加贴近人们生活,更加大众化,促进了艺术作品发展的多样化,丰富了大众的审美体验。 (二)数字媒体艺术具有开放性的美感 数字媒体艺术的创作过程与传统艺术相比具有非常大的开放性,在传统艺术中创作者所创作的作品具有完整性,创作的终结也意味着作品的完成,而数字媒体艺术可以进行复制和删改,除创作者之外的观赏者可以根据自己的喜好对艺术作品进行重新修改和再创作。数字媒体艺术作品可以根据不同作者的不同创作思路进行修改,数字媒体艺术会随着科技的发展而不断发展,不断丰富自身的艺术意蕴,满足人们更高层次的审美体验和审美需求,推动现代艺术的发展。 (三)数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征 不同于传统艺术的逻辑性审美特征,数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征,数字媒体艺术的发展改变了人们的审美逻辑。创作者可以尽情构思使用非逻辑性思维进行天马行空的创作,在创作中运用了较多倒叙、跳接、反转等技术,因此人们欣赏数字媒体艺术作品时,不能仅凭借惯有的逻辑思维进行赏析,而是应该从现代人的思维和创作者的创作意图角度进行艺术赏析,从而获得更丰富的审美体验。 (四)数字媒体艺术具有超现实的审美体验 数字媒体艺术的发展依托于数字化技术,传统艺术创作是以现实中的事物为原型进行再加工和创作,因科学技术水平有限,传统艺术创作灵感来源于现实生活,数字媒体艺术与传统艺术相比,具有超现实的审美体验。数字媒体艺术中展现的恐龙、生化危机、外星人等题材具有超现实性,数字媒体艺术可以运用多种现代技术进行声音和图像的模拟,能给观赏者带来极强的感官冲击和震撼的视听效果,丰富了人们的审美体验。 二、总结 数字媒体艺术是知识经济的产物,数字媒体艺术的发展离不开科学技术的进步,数字化技术与艺术元素的有机结合丰富了艺术的表现形式,与传统艺术相比,数字媒体艺术具有的高效性与交互性,极强的虚拟性与综合性。数字媒体艺术的发展能满足人们更高层次的精神文明需求,也是对传统艺术的继承和发扬,数字媒体艺术的发展有利于丰富现代艺术的内涵,推动我国艺术领域的长远发展。 作者:许腾 单位:北京邮电大学 传统艺术论文:电视表演与传统文化艺术论文 一、电视表演艺术 电视表演艺术的主体是人,人类在进行表演的过程中需要充分调动各种感官,将生活中的各个角度和层面都能够通过生动的表演展示出来,增加了观众的认同感,从而增加了观众参与观看的积极性,同观众的互动程度也所有提高。这一系列优点说明电视表演艺术充分发挥了其充实人民群众精神生活的职能。然而,我国的电视表演艺术的整个发展历程中对于国外节目和表演的借鉴程度很大,无论是综艺节目还是娱乐性的节目都有很浓的国外节目特点和气息,虽然在引进国外电视表演艺术的过程中,我国也进行了相应的改革,但是仍然无法完全摆脱他国文化的痕迹。例如,我国的电视娱乐节目当中,《奔跑吧兄弟》和《爸爸去哪儿》是最近受到广大观众喜爱的节目,能够真实的将生活中的父女相处模式和人们面对生活困难中的态度展现给大家,贴近人们的生活,还具有一定的教育意义。而这两个节目都是模仿韩国同样性质和内容的娱乐节目而产生的,只是在内容上稍微做了一些改动而已;而同时娱乐节目的《中国娱乐报道》和《娱乐无极限》等以独特的方式和风格展现在人们的面前,它们在市场中的发展也逐渐成熟,同样受到了广大人民的喜爱。 二、中国传统文化艺术 古往今来,人类的发展历程中离不开文化,文化能够促进世界各个民族的不断繁衍生息,在人们的日常生活中,虽然看不到传统文化的影子,然而它却是真真正正的在影响着每一个人的正常生活。中国的传统文化更是博大精深,我国是一个历史悠久的国家,随着时代的变迁,传统文化不断得到发扬和传承,经过了时间的洗礼之后,能够留下来继续影响真人们生活的传统文化能够充分展现出我国文化的精髓所在。同时,伴随着时代的发展,这些精髓还能够及时适应社会和环境发展的需要,同时不断创造出新的文化。在很长一段历史时期之内,我国无论是经济的发展还是政治和文化的发展都始终处于世界领先地位,后来,在经历了清朝末年的腐朽之后,我国的整个社会开始落后于世界各国,经历了多年的战争和反压迫,人们开始意识到促进我国文化发展的重要性。伴随着这种认识的上升,人们开始通过各种革命来改革我国的传统文化,经历了“”等的打击之后,我国的传统文化仍然屹立不倒,并迎来了文化发展的新时期,继续对世界起着影响的作用。伴随着现代社会不断飞速发展的科学技术等,我国的传统文化逐渐与现代社会发展相结合。尤其是当新的传媒手段电视产生以来,我国社会文化当中新的思想和文化都能够通过电视产生更加强烈的影响。我国的传统文化具有着能够与时展相融合的功能,正因为如此,伴随着时代的发展,我国的传统文化艺术与电视表演艺术有机的结合在了一起,二者之间能够产生相互影响和推动的作用。 三、传统文化艺术对电视表演艺术的影响 1、丰富电视表演艺术的内容 电视表演艺术作为一种艺术表现形式,在发挥其自身职能的过程中需要拥有两个基本条件,第一,电视这一传播媒体;第二,表演内容。这就决定了电视表演艺术与中国传统文化之间不可分割的关系。现阶段,中国的电视表演艺术通过电视这一媒介所传播出来的基本内容通常都是我国国内的种种事件和知识,而观看电视表演艺术的大多数也都是中国人,进行电视表演艺术的制作者和表演者也大部分都是中国人,种种迹象说明了中国传统文化对中国表演艺术内容上的丰富作用。当我国的电视表演艺术最初开始出现在人们视野当中的时候,首先是受到其他国家表演的影响的,电视表演艺术主要是对外国电视表演艺术的一种模仿,其中受到苏联电视表演艺术的影响较为深刻。我国的电视表演初期虽然没有受到我国传统文化的影响,但是伴随着时间的推移和我国社会经济的不断进步,我国的传统文化逐渐融入到现代科技发展当中,我国的电视表演艺术也形成了自身的特点,中国的传统文化艺术充实了我国电视表演艺术的内容。 2、促进电视表演艺术的发展 伴随着经济的发展和社会的不断进步,人们对于精神文化的需求逐渐增加,这在一定程度上增加了电视表演艺术的观众。观众的增加使得电视表演艺术的制作者和表演者开始意识到增加表演内容的重要性。于是电视表演艺术开始逐渐吸收和融入中国的传统文化艺术,来丰富自身的内容,促进自身的发展。传统文化的精华通过电视表演艺术工作者的不断努力充分促进了表演题材、文化内涵和表现形式的转变和丰富,电视表演艺术得到了充分的完善,并且逐渐形成了自身的特点和个性。近年来,中国风的盛行中国派的文化得以兴盛不能够离开传统文化艺术对于电视表演艺术的推动。我国民族化的电视表演艺术是中国特色电视艺术的特点,伴随着社会的不断发展,我国的电视表演艺术形成了自身的审美价值取向。将中国传统文化中追求的意境美和气韵展现的淋漓尽致,将中国传统美学充分的展现了出来。有效将中国传统文化艺术融入到电视表演艺术当中,提高了我国电视表演艺术的层次,丰富了电视表演艺术制作的形式和手段,同时也更加符合我国观众的审美。因此,中国传统文化艺术有效促进了我国电视表演艺术的发展。 四、电视表演艺术对传统文化艺术的影响 1、宣扬中国传统美德 电视表演艺术的不断发展,使我国的传统文化得到了充分的展现。中国拥有博大精深的传统文化,一度在历史上对世界产生了重要的影响,在中国电视表演艺术不断发展的过程中,极大地吸入了中国传统文化艺术,利用其将自身的表演形式、内容和手段进行了充分的丰富,与此同时,也极大的宣扬了我国的传统文化。我国无数优良的传统文化在经过时间的洗礼过后,至今仍被人们所接受和赞扬的都是我国传统文化中的精髓,电视表演艺术将这些精髓展现给观众,能够很好的促进我国传统美德的发扬光大,使其得到传承,不断的对我国的下一代产生着重要的影响。例如,我国的一个电视表演,《家》的摄制,其主要针对的对象是农村的留守老人,这些老人都是常年无人照拂的孤寡老人,他们生活在各种条件和设施及其不健全的农村,节目组在拍摄《家》的过程中主动赞助这些孤寡老人去各个有名的城市进行旅游,而当前的明星则要留下来为老人做好地里的农活,要帮助老人喂猪、挖菜和剥大蒜等,通过为老人做这些工作来表达自身对老人的敬爱和尊重。在中国,这类的节目还有很多,能够有效的将中华民族尊老爱幼、勤劳朴实等传统美德充分的展现出来。这类电视表演艺术通过将中国传统文化艺术的融入,能够不断的将我国优秀的传统文化进行发扬,还能够有效的为我国下一代的健康成长树立良好的榜样。这些中华民族传统文化艺术的有效展现,促进了我国电视表演艺术的中国特色的形成。 2、促进我国民族特色的自然流露 伴随着科学技术的进步,我国的电视表演艺术的制作方法、形式和手段等都取得了一定的进步,它能够更好的展现作品内容。现阶段,我国的电视表演艺术当中,通过先进的技术手段,在录制节目的过程中能够将当地的风土人情以更加“唯美”的形式展现出来,经过高科技技术手段制作出来的节目,其画面感更加强烈,优美的景色当中还能够适时的加入一些古朴的气息和景象,将大自然的魅力展现的淋漓尽致。这种电视表演艺术将我国各地的民族特色充分的展现了出来,在日常的生活中能够有效的增加人们的见闻,提高人们的知识含量,促进人们对我国的了解,丰富了我国人们的精神生活。 五、结论 中国是世界上历史悠久的文化古国,具有丰富的文化资源。在当今世界电视表演艺术不断发展的过程中,中国的传统文化艺术极大的丰富了我国电视表演艺术的内容,促进了我国电视表演艺术的不断进步和发展,在不断的发展过程中,形成了具有我国特色的电视表演艺术风格;与此同时,电视表演艺术当中融入我国的传统文化艺术,能够更好的将我国优秀的传统文化进行宣扬,促进我国的不断发展和进步。 作者:黄娃丽 单位:广东广播电视台 传统艺术论文:新媒体艺术传统艺术论文 一、从传统艺术到新媒体艺术的发展历程 (1)诞生:在全球化逐步渗入到社会各个地方的领域的背景下,在欧美新媒体艺术和中国IT产业迅猛发展下,中国的新媒体艺术可以说在被动的状态下起步。新媒体艺术在中国的发展大约始于20世纪80年代末,到90年代中期,才开始出现一批质量较高的作品和较为成熟的艺术家。影像艺术追溯于1990年代,主要是指音频艺术。影像艺术的产生,是90年代艺术区别于1980年代艺术的主要特征。 (2)早期:一直到90年代中前期,新媒体艺术的应用主要表现在装置,录像,摄影和音频等媒介上的广泛使用,90年代后期则表现为使用在90年代中期在媒介实验上的所有手段用于传达表现社会和社会现象批评的内容。装置艺术和表演在1980年代后期虽然也有实验,但真正在媒介上大规模地突破原有的绘画和雕塑的传统媒介还是在90年代初期。90年代初期的装置艺术和表演的盛行还有另一个特征,就是与观念艺术的结合。 (3)中期:在90年代中期,真正的新媒体艺术的卓越性的实验是录像艺术的兴起。在90年代末期,随着互联网视觉技术的普及,网络技术,Flash动画技术,电子游戏技术,互动艺术,三维视觉技术,以及计算机数字编辑技术等开始进入音频艺术的制作。90年代末期的一个重要变化是音频艺术不再成为一种单纯的媒介,而是用音频艺术的表现方式对中国社会转型进行了文化层面上的反映,表达和社会各个群体息息相关的话题。 (4)高潮期:进入21世纪后,中国的对外开放程度进一步深入,随着中国IT产业的发展和创新能力的提高,人们开始注重精神方面的享受,大大推动了个人新媒体艺术在中国的蓬勃发展。新媒体艺术被引进中国后,影响时间还超不过十几年,但它们却和产生它们的基础新媒体,包括光,声音,电能一样,以非常震惊人的速度发展和蓬勃壮大起来。 二、新媒体艺术的艺术特征 1.综合性 新媒体艺术摆脱了传统艺术单一媒介的局限性,融合了图片,文字,动画,声音等综合媒介的特征,具备了传统艺术的所有特点。在包括传感器,音效,网络计算机,投影等许多工具的共同作用下,新媒体艺术将触觉,视觉,听觉甚至味觉一并合成进行综合性的展现,让大众在虚拟世界中实现审美感受。 2.贴近性 新媒体艺术的取材大多是来自人民生活,或者是与传统文化相融合。内容相对来说通俗易懂,但是它的与众不同是在于将现代科学技术应用到了屏幕上来,通过这种表现形式,让观众过产生了共鸣,增加了新媒体艺术贴近生活,贴近人民,贴近社会的性质。 3.互动性 新媒体艺术打破了往日传统艺术单向互动的模式,更加注重观众的参与互动。通过与观众的互动,加深了观众对艺术的理解,从而对观众的思想意识产生一定的震撼,进而通过观众的人际传播就会在社会上形成一种新的观念和思想,发挥了艺术“文以载道”的作用。 4.迅速性 新媒体的特点就在于传播速度快,范围广,影响力大的特点,那么,以新媒体技术为基础的艺术也具备这样的特征。新媒体艺术,由于其传播的方便性和快捷性,让大家快速欣赏了它们的艺术特色,并且在社会上的反应也是快速巨大的。 三、总结 新媒体艺术继承了传统文化的精华,同时,在表现形式上取得了大的突破。新媒体艺术的发展是生产力发展的结晶,它反过来也推动了科学技术的革新。它以其丰富的表现形式和艺术特征受到了社会各界的广泛认同。 作者:张弦 杨雪倩 单位:重庆工商职业学院 重庆市鱼嘴高中 传统艺术论文:职业教育国画传统艺术论文 一、开展国画艺术教育措施 (一)思想上要认识到位 在中国古代,对于艺术的教育就非常重视,比如古代教育中强调的“礼乐射御书数”,其中既包含了技术的学习也有艺术的教育,职业技能教育和艺术教育是同等重要,同步开展的。在现代职业教育中同样也继承了古代教育的理念,学校课程设置中不仅有职业能技能培训课,还有音乐、美术等文化艺术课程。可以说,没有艺术的教育是不完整的。另外,在学习方面国画艺术课程的学习和职业技能课程的学习是有相通之处的。中职学生在掌握了中国画的绘画技巧的同时还可以将其应用到职业技能学习中去,达到触类旁通的效果。因此,在开展国画艺术教育时,应该从思想认识上改变学生的学习艺术课的无用观,增强学生的学习兴趣的培养。 (二)采用学分制形式,确保正常开展 相对美术院校来说,在中职院校中开展国画艺术教育有其自身的缺陷,比如在教学计划方面不够全面详尽、教学课时不够充足、学生基础薄弱等。因此,为了保证国画艺术教学课程能够正常、持续的开展,学校在课程设置上应该多加注意。比如,在新生开学之初的第一学期就开设国画课程,每周至少一节国画课,并且要制定详尽的教学计划,采用学分制的形式激励学生学习,增强学生学习国画艺术的外在动力。 (三)教学过程中方法灵活多样 国画艺术教学中,很多学生出于兴趣原因不愿意学习中国画,为此教师应该注重培养学生的学习兴趣。首先,教学之初,可以通过欣赏课引导学生认识中国画、介绍历史上大家都比较熟悉的画家的生平趣事;教学过程中,教师应该注重教学细节的设置,比如在教学环节上可以先从临摹教学开始,进而引导学生进行写生、创作等。在临摹阶段,可以让学生先学习线描,反复练习每一线的起笔、运笔、回峰、停顿、收笔等动作,在循序渐进中逐渐提高绘画基本功。在临摹过程中,教师还应该注意学生学生学习兴趣的持续性,可以采用临摹不同作品或者是采用不同的临摹手法等手段维持学生的学习积极性。对于基础较差的学生教师不应操之过急,不同的学生可能在不同的国画风格上有不同的领悟能力,作为教师应该引导学生发现自身优点,寻找到属于自己的绘画领域。 二、结束语 在中职院校开展国画艺术教育,不仅提高了学生的艺术文化素养,还可以培养和提高学生学习专业技能的方法技巧,同时熏陶学生的品格秉性得到,使学生养成精益求精、持之以恒、刻苦钻研的求学态度与崇尚美学的价值观等良好品质。总而言之,在中职院校开展国画传统艺术教育是十分必要的。 作者:吕亚鹤 单位:长春艺术设计学校 传统艺术论文:东北传统文化艺术论文 一、传统文化艺术传承与学校教育相结合 当下人们的紧迫任务是阐释清楚传统文化艺术作为艺术教育资源得以有效传承的主要渠道及其可能性和实效性,其次是在充分利用高等教育、基础教育、社会教育等在人力、智力以及创造力等方面的优势的基础上,构建起传统文化艺术传承同现代学校主流文化教育相结合的理论体系和实践模式,使传承项目的保护与主流学校教育进行有效对接。人们可以通过在现有大学、中学、小学各个层次的艺术教育中增设优秀传统文化课程内容,提高青年学生对传统文化艺术的了解和热爱,提升其对优秀艺术资源的认知和评价能力,形成应有的文化自信心、自豪感以及对传统文化艺术传播的责任感和使命感,从而发挥教育的文化传播功能和文化创新功能。为此,首先需要在收集整理民族、民间传统文化艺术遗产的基础上,逐步形成一套特色鲜明适于各层次艺术教育的“传统文化艺术教育系列教材和丛书”;其次要探索适合传统文化艺术教育的教学方法,依靠学校艺术教育规范化的传承结构的运行,实现传统文化艺术在传承过程中的规范性、系统性、稳定性和延续性。同时,学校和教育部门还应加强与各类博物馆、纪念馆、展览馆、文化馆、少年宫、烈士陵园以及有代表性的传统文化艺术遗产项目传承人的合作,进一步大面积弘扬和传承优秀传统文化艺术资源。 二、传统文化艺术传承与数据库及网站建设相结合 建设优秀传统文化传承体系,尤其是大力推进文化资源数字化,是传统文化传承的重要基础,而数据库是永久性保存珍贵人文资源中各类信息的最好手段,也是保护文化遗产工作中最基本、最重要的方式。因此,需要突破与传统文化艺术资源的数字化保护相关的关键技术与问题,使东北地区在传统艺术资源的数字化采集、数字化处理、数字化服务以及传统文化艺术资源的示范推广与传承共享等方面,探索有益经验,充分利用数据列表这种简洁的方式说明不同地域传统文化与它自身的人文背景之间的互为依存的关系,从而大力推动传统文化艺术数字化的发展进程。目前,“黑龙江流域艺术非物质文化遗产数据库”已经建立,未来还应继续完善并补充辽宁与吉林两省传统文化艺术资源的数据库资料,尽快从地理空间上针对三省三部分数据库依次铺开介绍,并尽快健全传统文化艺术代表项目的普查和建档制度,并认真做好文化艺术典籍的整理工作,继续实施和加强文化艺术典籍的编撰、保护与出版重大工程,推进文化艺术典籍资源数字化,从而促进现代技术和手段在传统文化艺术发展中的应用。在此基础上,我们还应致力于东北地区传统文化艺术的分类与分布的数据库和门户网站建设的理论与数字工程操作技术研究,尝试建成优质数字化资源共享平台,开发具有自主知识产权的文化艺术资源数字化采集与处理、文化艺术资源示范推广以及文化艺术信息管理等一整套数字化服务系统,包括设计民间艺人主页、民间艺术绝活浏览库,实现传统文化艺术遗产网上授课、网上讨论、网上答疑以及濒危及失传的民族民间文化艺术电子公告栏等等,从而能够快捷、方便、灵活地满足社会各界对传统文化艺术知识、技能、情感等方面的需求。 三、传统文化艺术与博物馆建设相结合 博物馆作为现代文明的产物,具有为社会普通公众提供知识与文化传播的重要功能。东北地区有着悠久的历史与多样性的民族民间文化遗产,但北方地区博物馆事业、尤其是高校物馆的建设工作相对滞后,已经不能够满足公众日益高涨的文化需求以及建设新型现代文明城市的发展需要。因此,通过博物馆建设这一有效手段,收集、整理、保护和传承传统文化艺术已成为当务之急。首先,利用高等院校良好的学术氛围以及教学的便利条件,与已有的科研师资队伍和采风、考察等教学任务相结合,定期深入文化原生态地区,进行民族学、民俗学调研,针对东北地区尚存的手工艺、诗歌、舞蹈、音乐文化艺术等进行抢救性的搜集、整理与保存,构绘北方地区地域文化的详尽图谱。大力增建博物馆与陈列馆,扩充已有展馆的展示规模,提升藏品的数量和等级,建构覆盖面广的大、中、小院校文博收藏网络。目前,黑龙江省的哈尔滨师范大学已建“黑龙江流域民俗艺术陈列馆”,面积约80平方米,藏品300余件。在此基础上,未来计划联合东北地区各合作单位,在各高校内建成3至5座博物馆,并在各地区中、小学倡导地方文化艺术陈列室的创建,以实现北方地区各级院校地域文化博物馆的网络化建设。此外,人才的培养关乎博物馆事业软实力的建设。从长远发展的角度来看,专业人员的素质不但影响展览的水准、数量,还直接关乎文物遗存价值的利用、开发与学术探索。目前北方博物馆学的研究和管理人员质量和数量上均有空缺,未来还需利用高校的教育优势,为东北地区输送优秀的博物馆学方面的专门人才。未来东北地区各高校应本着文化共享的原则,积极与相关文化和教育部门、科研机构建立紧密的关系,大力增设和扩建博物馆和艺术陈列馆等,并在现有展馆的基础上扩充展示规模,提升藏品的数量、等级,建构覆盖面广阔的大、中、小院校文博收藏网络,力争将各种类型的博物馆、美术馆、展览馆、艺术工作室覆盖到东北地区各地,并构建起人文艺术类博物馆藏品信息指标和采集指标体系,从而搭建起东北地区传统文化艺术资源博物馆展示平台。 四、传统文化艺术的产业化推广与传播 产业化发展是传统文化传承的重要手段,它不仅可以更好地引领社会对传统文化艺术价值的认识,还可以更有效地促进传统文化艺术项目的“活态”保护和传承,同时可以成为各地区新的经济增长点。因此,为配合国家促进文化大发展、大繁荣的战略举措,应通过与企业、政府和研究机构合作等方式,即由政府提供法律保障和政策支持,学术和研究机构负责提供具体题材、市场预测、发展前景等信息支持,同时借助高科技手段谋求文化产业发展,形成计算机设计、建筑、美术、音乐、动漫、传媒、网络软件、会展、新闻出版、旅游、影视制作、知识产权交易等比较突出的以传统文化艺术遗产为内核的文化创意产品产业板块。①具体做法可以包括如下几个方面:一是与旅游产业、休闲产业紧密结合,将剪纸、陶艺以及手工艺品制作等转化为具有地域性特征的旅游纪念品和地标式的文化艺术产品,并结合各地旅游景点,组织“活性”表演活动,在民众中强化传统文化艺术保护意识;同时以民间信仰习俗和传统文化节庆活动为切入点,形成一系列具有地域特色的有影响力的群众文化活动,提升具有地域特色的文化旅游线路、文化旅游集聚区的附加值,增进游客的体验值,培育旅游商品市场。二是将适合的传统文化艺术项目作为现代文化和生活产品创作的主题,运用在具体的形象设计中,以文化符号、文化元素的身份进入文化产品设计领域等。如利用具有历史人文价值的旧建筑、旧街区,规划建设艺术集聚区和文化创意产业园区,吸引国内外艺术家、收藏家和文化设计机构介入,积极支持传统工艺美术品的开发生产、销售和出口。三是通过形式创新和主题演绎,对具有典型地域特征和影响力的文化艺术品种进行适合市场需求的再生,通过组织巡演和驻地演出、培育标志性传统文化品牌展会、研发具有地域性和原创性的动漫游戏产品以及建设民族服装、特色餐饮、民俗风情村等方式,探索出一条传统歌舞、曲艺和工艺现代化、产业化发展的新路。四是充分利用博物馆、文化产业园区等社会公共场所,成立文物、民间工艺等的“文化超市”或更大空间的“文化区”,从而把分散在各地的文化艺术产品集中起来,以满足人们艺术欣赏、购物及休闲等多种现代生活的需求。 五、传统文化艺术传承的专门人才培养 充分利用高校的教育资源优势,通过建立“东北地区传统文化艺术创新人才培养基地”,着力进行东北地区传统文化艺术传承人及表演人员、东北地区传统文化艺术科研专门人才、文博专业人才和东北地区传统文化艺术管理等专门人才的培养,建设一支出色的传统文化艺术传承、研究和管理队伍。首先是传承人及表演人才的培养。为了组建一支传承人队伍,应经常性组织开展具有传统艺术特色的校本教学活动,即让艺术传承人走进校园,开设传统文化欣赏课,编写民间艺术乡土教材作为校本课程。同时,定期开设传承课程培训班、文化沙龙和学术讲座,将传统文化艺术的传承列入大学课程,聘请传统文化艺术传承人走进大学传授技艺,解决传承队伍老化、后继乏人的问题。此外,还可以通过培养一批能够组织民间艺人、民间艺术的表演队伍的方式,引导社会力量参与传统艺术的合理开发利用,开发生产具有民族民间文化特色的服饰、饮食、工艺品、纪念品等,建立民族民间文化产品的研究开发生产基地,使之成为文化产业新的增长点。其次是艺术管理人才的培养。随着中国文化产业的日益升温,传统文化艺术的演出团体也日益增多,而这个产业链中重要的一个环节——艺术管理人才却处于亏缺的状态,尤其是从事传统文化艺术的管理人才更是凤毛麟角。所以传统文化艺术管理人才是确保传统文化艺术在商业社会中能够持续发展、不断完善的关键。因此,要尽快实施对艺术传承人“请进来,走出去”战略服务,培养具备专业知识及创新意识的传统文化艺术的管理人员,使其不仅能在项目管理过程中对项目本身提供管理方法,同时能够针对项目传承的特殊性和流动性随机、能动地调整管理模式。再次是科研人才的培养。制定科研人才培养计划,培养具有普查积累传统文化艺术资料和文档工作能力的科研专门人才已成为当务之急,为此要加强理论研究人才和管理人才的培养,尽快培养一支研究管理团队,同时要大力鼓励年轻人加入到传统艺术的文化传承工作中,从而利用高科技手段实现传统文化艺术资源保护的科学化,把所有文化资源信息(包括文字、图像、音响、影像)进行科学、系统的数字化处理和动态管理。 六、结语 优秀的传统文化是承载文化艺术的母体。本文以东北地区丰富的传统文化艺术遗产为基本资源,对其发展模式、战略重点及可持续运营进行系统研究和全方位的综合开发,从而达到构建传统文化艺术多维传承体系,为弘扬黑土文化提供理论和实践两个层面的创新传承思路,并使中华传统文化艺术与当代社会相适应、与现代文明相协调,不仅在新的历史条件下继续发扬光大,为中华民族的伟大复兴补充新的文化给养,赋予新的文化内涵。在探寻东北地区宝贵的多元文化艺术形态的基础上,本文提出将以往的“标本式”保护模式转变为“动态式”传承,即不仅将散存在民间的传统文化艺术转化为有形形式进行抢救性挖掘、收集、整理,使之得以“静态”记录和保存,同时更要寻求通过学校教育、艺术产业开发和文化专门人才培养等手段,实现传承主体继承、创新和发展基础上的“动态”传承的目标。总之,本文希望通过开展地方传统文化艺术遗产传承的对策研究,提出传统文化艺术的传承模式和产业化发展的战略目标,建立基于高度文化自觉和合理文化规划基础上的有效传承机制,力争摆脱在当今急剧变革的社会及现代文明发展的强烈冲击下,传统文化艺术所面临的消亡和继承的两难困境,使宝贵的文化艺术不仅能在民族共同体内的社会成员中作“接力棒”似的纵向交接,并能最终形成地方文化艺术传承的自觉机制,促使整个区域传统文化艺术在历史发展中具有更大的稳定性、完整性和延续性。 作者:宋蓓 刘永武 单位:哈尔滨师范大学音乐学院副教授 哈尔滨师范大学音乐学院副教授 传统艺术论文:灶儿巷古建筑传统装饰艺术论文 一、灶儿巷古建筑传统装饰的分类 1.传统装饰艺术的主要部位 门罩。灶儿巷古民居的大门外观朴素,简约大方,民居大门的门罩以石料制成,特点是在其上雕刻各种传统装饰图案。有的民居造型讲究,规模大,大多用水磨砖砌出向外飞挑的檐脚再在顶上覆盖瓦片。普遍以砖石雕图案装饰其门罩,造型丰富多彩,生动感人。门罩和门框在墙的外延属于一个整体,门框多以青石条砌成,上下呼应,相映成趣。门罩以青石料制成,石为天地之精华,是人与自然和谐相处的体现,寄予着万物长久的美好愿望。与之相伴的门框呈现出长方形状,在易经中为四方、四时、四季、吉祥,表四方流通之意,线形的长短组合线的曲直变化也都是太极阴阳观念的体现。以传统装饰手法来说,重视底边齐平,铺线工整,以平行线来布置山水、花鸟、人物建筑等图案,以达到规整统一的视觉效果,非常具有传统艺术的文化韵味。雕窗。窗户作为建筑的眼睛,常有精彩之笔作为点缀。灶儿巷古建筑中漏明窗常见于院墙和室内分隔等地点,漏明窗在民间也称为花窗。材质多种,图案结构常见以方形、圆形、菱形,偶有镶嵌花朵等造型。形态丰富,生意盎然,随处可见。通过多样的图案外形和对称的骨格组织来表达赣南人民纯朴的审美观念,如以四方、圆形组成的骨格图案,暗示天圆地方,四通八达,喜结连环等寓意。在形态结构的设计上,主要有通风换气,防潮祛湿等实用功能。图案结构在文化用意上大多是代表吉庆美满,象征幸福连绵不绝、长长久久的美满人生。屋脊。赣南客家古民居建筑的屋脊常见的脊身有一层和两层的,融合了皖南徽派建筑的特点而独具风格,极具地方特色。通常在脊身上可以见到许多的几何条纹,主要是砖砌并用灰塑的图案和纹路在脊身上进行装饰,用动物,器物的造型装饰屋脊。一般来说悬山屋顶只有一条正脊,往往用灰塑在屋顶两端做起飞翘,造型飞旋出外,姿态呈现出轻盈灵动的感觉。屋脊的边缘常饰以传统的民间图案,表达了聪慧的当地人民对美好生活的殷切期盼,展现出地道的赣南传统艺术情趣。 2.传统装饰艺术的题材 民间传统装饰艺术题材大都采用民间百姓喜闻乐见的形式,大致可分为祥禽瑞兽、人物神仙、山水花草、虫鱼飞鸟等。传统装饰图案的题材可以概括为祈福纳吉、驱邪消灾、伦理教化三类,其中祈福纳吉是民间装饰中应用最广泛的题材。其主要内容有:招财纳福、益寿延年、功名利禄等。这些题材以朴素的艺术语言表达了广大民众对美好生活、家族兴旺的向往和期盼,对自身生命价值和社会地位的关注与追求。灶儿巷古建筑传统装饰艺术,立意选材都十分讲究艺术美感,富含传统文化的气息。诸如“四季平(瓶)安”“岁寒三友”“喜上眉(梅)梢”“五福(蝠)临门”“三阳(羊)开泰”等,都是通过日常生活中常见的可借以抒情的生活器物、花草、鸟虫、动物来表达祈福纳吉的心愿,反映了人们对生活富足、幸福美满、平安长寿以及各种美好事物的殷切希望。灶儿巷古建筑传统装饰雕刻中,像“八仙过海”“麒麟送子”“狮子镇宅”等驱邪消灾的题材随处可见。这类题材的作品,反映了人们对平安长寿、多子多福和主宰自然、趋福避祸的美好心愿。另外,传统的装饰图案经常起到“成教化,助人伦”的教化功能。例如:“桃园结义”“目连救母”“竹林七贤”,这些以生活环境为载体的装饰题材,潜移默化的对人们进行教化,使传统装饰艺术的精神功能得到强化。 二、灶儿巷传统装饰艺术的审美特征和文化表意 1.装饰性 灶儿巷传统装饰图案有其独特的艺术语言,其造型纯朴,结构简练,充分反映了赣南劳动群众的审美理念和生活理想,表现出浓郁的装饰性。 2.意象造型 灶儿巷古建筑的装饰图案在造型观念上,不似西方艺术追求对客观自然的真实摹写,而是注重主观感受和精神意念的表达,用心灵去感受自然,重建理想的审美境界。在长期的发展过程中,集中地反映了中国传统图案装饰艺术的造型观念。 3.象征性 象征性是我国传统艺术的表现手法之一,灶儿巷的设计者在建造中缘物寄情,以民间吉祥图案寄托人们美好的祝福,传达人们的思想感情。这种象征性的造型经过历代的传承和发展,形成了较为稳定的表现形式,具有深厚的美学寓意。 4.教化实用性 图像的存在具有明劝诫,著深沉之功能。图像所传达的人文精神内涵如同教科书一般可以教化后人,使其明礼诚信、引以为戒。建筑是一种古老的、与人类生活息息相关的艺术形式,它以砖石竹木为语言,在建筑人类栖息环境的过程中诉说着自己的情感、展现着自己的才智、表达着自身的信仰。古建筑是传统文化的载体。作为文化形态的一种特殊的形式,灶儿巷的古建筑被赋予了文化的内涵,通过图案,空间,环境的方式表达人们的需求、价值、情感和欲望。灶儿巷古建筑的历史文化价值主要表现在其真实的反映当时社会的文化形态,艺术观念,审美情趣及自然环境相适应的关系。灶儿巷古建筑传统装饰艺术反映了中原汉族原有的儒家文化思想,也体现了天人合一道家的价值理念。 三、结语 灶儿巷古建筑吉祥装饰是赣南传统民间吉祥艺术的重要组成部分,不仅满足了客家人民的精神需要,而且表现赣南人民的思想情感、生活状态和审美理念。研究灶儿巷古建筑传统装饰艺术有助于了解赣南传统民间艺术文化,并深刻领会建筑装饰对表达民众精神理念所产生的重要作用,对于全面发展赣南客家文化有着重要而积极的意义。 作者:钟慧 单位:大连大学美术学院 传统艺术论文:传统绘画艺术论文 一、中国传统绘画的发展演变 纵观中国绘画史,中国绘画艺术大体经历了四个发展阶段。春秋到两汉时期,绘画艺术还处于萌芽发展时期,也没有完整的绘画理论体系。在魏晋南北朝时期,中国绘画从自发走向自觉化,并出现了《画山水序》《论画》《论画》《续画品录》等多部绘画理论著作,如晋代画家顾恺之提出“以形写神”“迁想妙得”的美学观点,为传统美学发展奠定了坚实基础;南齐谢赫提出了“六法论”是南北朝时期画论的最高成就。唐宋时期,中国绘画进入繁荣发展的历史时期,《历代名画记》《唐朝名画录》等绘画理论著作不断涌现。“外师造化,中得心源”的提出对传统绘画艺术的发展有着里程碑意义,是指只有深入观察与思考自然万物的运动变化,才能达到情景交融、主客统一的境界。张彦远的《历代名画记》提出了“书画异名而同体”的论断,认为绘画的根本在“气韵”“骨气”,并对绘画立意、用笔等进行了论述。宋代之后,文人画开始兴盛,出现了《林泉高致》《图画见闻志》《宣和画谱》等理论专著,画风也由盛唐的蓬勃向上、华贵雍容、开阔雄放变得文静典雅、含蓄隐晦、平淡天真,出现了文人绘画、民间绘画、宫廷绘画的分类。明清时期是中国绘画艺术集大成的历史阶段,虽然绘画创作逐步走向衰落,但绘画著作却空前繁荣,如石涛的《苦瓜和尚画语录》就对山水画创作进行了系统的总结,并提出“搜尽奇峰打草稿”“借古以开今”的美学观点。 二、传统绘画影响下的中国油画 在明清时期,中国传统绘画艺术就呈现出衰败的迹象,油画在西学东渐的过程中传入中国,之后掀起了思想文化解放的狂潮,“循思想自由原则,取兼容并包主义”成为基本的艺术原则,很多艺术家开始探讨西方绘画艺术,李叔同、丰子恺、潘天寿、李铁生等人不断将西洋油画引入我国,其中刘海粟、徐悲鸿、林风眠在中国油画艺术发展中占据重要位置。 (一)中国传统绘画影响下的早期中国油画。 第一代油画家都深受传统艺术的影响,有着深厚的传统绘画基础,作品中都带有鲜明的传统文化印记。李铁夫被誉为中国写实主义油画第一人,他将中国书法艺术的用笔融入油画艺术之中,使作品呈现出浓重的水墨风趣;颜文梁借鉴了欧洲古典艺术的造型手法和印象派的色彩运用技法,并将中国山水画艺术融入油画创作之中,使油画流露出浓郁的东方文化韵味;徐悲鸿反对“似与不似”的传统绘画艺术,主张用欧洲古典主义法则建立规范的绘画艺术标准,同时他也吸收了中国画的构图方式与勾勒技法,其代表作《愚公移山》《田横五百士》都有着中国画的痕迹;刘海粟是油画运动的先驱,他善于用奔放的笔触、粗犷的线条、浓郁的色彩进行艺术创作,并借鉴了石涛、郑昭道的艺术风格,使画面呈现出“骨法用笔”的气势;关良致力于中西绘画艺术的融合,力求在融合发展中形成独特的画风,其油画中的物象没有西方绘画的繁杂,有的是古朴、淡雅的中国古典韵味;常玉吸收了野兽派的绘画特点,并将中国水墨画的节奏、韵律融入画面之中,使作品显出淡淡的伤感情调,其作品《马》就用质朴的笔法、简约的画面、淡雅的意境展现出鲜明的东方神韵。 (二)中国传统绘画影响下的现代中国油画。 20世纪中期,写实主义一直在中国油画艺术中占据主导地位。在抗日战争时期,许多油画家到西部地区避难,接触到了敦煌壁画,吴作人、常书鸿、董希文等人就深受敦煌壁画的影响。在敦煌壁画的影响下,画家们对中国传统绘画艺术产生了浓厚兴趣,并将中国传统绘画融入油画创作之中,使油画既有色彩绚丽、造型浑厚的艺术特点,也保持着中国画的东方韵味。解放后,社会主义事业欣欣向荣,油画家们纷纷用画笔来歌颂新社会、新面貌、新气象,涌现出许多优秀的油画作品,如董希文的《开国大典》、罗工柳的《地道战》、艾中信的《夜渡黄河》等,这些作品深受中国传统绘画的影响。吴作人坚持了古典写实主义画风,始终将反映群众生活作为创作主题,其作品《齐白石像》画面稳重敦厚,齐白石老人神采奕奕、气度堂堂,大面积的空白背景突出了人物的厚重感。董希文始终将油画的“中国风”作为艺术追求的目标,力求使自己的作品具有鲜明的民族风格,其作品《开国大典》就用绚丽的色彩、壮观的场面、磅礴的气势展现了朝气蓬勃的时代风貌。吴冠中是中国现代绘画史上有深远影响的画家,其作品有着强烈的民族文化风格,他善于用黑白灰对比的手法进行绘画创作,将西洋油画的形色与中国传统画的形式意味联系起来,用线条的虚与实、刚与柔、疏与密来展现油画的意境美。 (三)中国传统绘画影响下的当代中国油画。 当代中国油画呈现出繁荣发展的局面,油画家们将传统绘画的精髓融入油画创作之中,用油画来表现对民族、社会、人生等思索,如《红烛颂》《高原的歌》《春华秋实》《塔吉克新娘》等都是这一时期的经典油画作品。孙滋溪的《天安门前》将民间年画的创作手法应用于油画创作之中,整个画面色彩艳丽、整洁鲜亮,湛蓝的天空、高高的天安门城楼、金色的楼顶、鲜红的灯笼,这些景物的色彩处理与整体造型深受传统绘画艺术的影响。妥木斯将传统美术中的写意手法、砖雕技法等运用于油画创作之中,使作品呈现出沉静、抒情的中国意味;王霞用传统年画的平涂手法、色彩运用来表现立体空间,并从敦煌壁画中汲取营养,使人物造型质朴无华、充满质感。朱乃正是当代油画创作的佼佼者,他曾长期生活于青藏高原,对自然美有着独特的理解与感悟,并能够从藏区风情中发现美,用独特的艺术语言表现美,其作品《金秋季节》就有意识地融入了许多传统元素,如形式与主题的和谐、线条的虚实粗细,带给观众崭新的视觉感受。赵无极将传统绘画的空间意识地融入了油画创作之中,创造出了东西方艺术神韵兼备的艺术空间,并用中国古典美学解读西方油画,用甲骨文、钟鼎文等抽象符号来表现虚无的空间,使作品充满神秘的东方色彩。 三、中国油画对中国传统绘画的传承发展 随着中国油画艺术的繁荣发展,画家们不断从中国传统艺术中汲取营养,借鉴中国山水画的用笔、构图、意境等,出现了油画山水、写意油画等不同风格的油画作品。在油画艺术发展的初期,画家将传统艺术形式的借鉴作为油画创新发展的主要形式,如传统水墨画程式、山水画技法、书法结构、民间年画等都带给画家很多创作启示,但随着中国油画艺术的深入发展,画家们开始追求油画艺术与中国传统绘画艺术的深层次融合,试图通过油画艺术展现民族审美文化、内在精神,这就使中国油画走上写意化发展的道路。意象是传统绘画中重要的概念范畴,“意”是画家的主观感受,而“象”是在画家主观感受基础上产生的艺术形象。中国传统绘画有工笔画与写意画两种形式,写意是中国传统绘画的优秀范畴,工笔画同样也推崇写意。中国传统绘画讲究“重意轻形”,将意境美作为绘画创作的优秀内容,这使中国画有着较强的抽象性、概括性与象征性。意象油画就是在借用中国传统文化画造型的基础上形成的油画艺术形态,它有着“以形写神”“形似而神不似”的美学特点,能够鲜明地展现画家的审美思想、文化修养、人格理想。当代中国油画有着强烈的主观意识,很多画家将写意精神融入写实油画之中。风景画家任传文就总结出“纯化感觉,迹化感情”,即画家不能在自然景物面前无所适从、亦步亦趋,而应该用经验与能力将“境”从自然状态分离出来,然后把与视觉相吻合的情景用艺术语言表达出来,把自在感觉转化为生命节奏与心灵体验。意象化是中国油画民族化的必然选择,但意象化绝不是绘画技巧的简单挪用,而是传统绘画的精髓与西洋油画艺术形式的融合,是民族文化精神在油画艺术中的自然流露。在近百年的发展中,油画艺术已经在中国生根发芽,并取得了丰硕的发展成就。但是中国油画艺术的繁荣发展离不开民族传统文化的支撑,只有不断从传统绘画艺术中汲取营养,走民族化、多元化的发展道路,才能使中国油画具有“民族风格”。 作者:孙国丹 单位:河南城建学院艺术系 传统艺术论文:传统民歌声乐艺术论文 一、民歌与民歌改编 1、民歌的分类及特点 按形式和作用可将民歌分为劳动歌、礼仪歌、时政歌、生活歌、情歌和儿歌;按地域可分为客家民歌、陕北民歌和云南民歌;按题材分类可分为号子(劳动号子)、山歌、小调(小曲)。中国不仅不同民族和地域的民歌形式各异,即使是同一民族和地区的民歌也会有很多种样式。民歌表达了劳动人民的思想、感情、意志、要求和愿望,具有强烈的现实性,因此民歌有着人民性、地域性、历时性,简朴、生动性的特点。民歌贯穿人生的各个阶段,人们在不同时期的生活和劳动中创作出一些音调优美、语言质朴的民歌,它覆盖生活的不同层面,内容常常是对苦难生活的诉说、对幸福生活的向往以及对美好爱情的追求等。结构常为二句头、四句头的单段体。民歌还会随着情绪、劳动、语言及时间、地点的不同,在曲调、力度、速度、繁简等方面,根据需要有所变化。曲调高低,有时也会随意而为,没有定法,所以,大多数民歌具有流传变异性的特点。 2、民歌改编曲的现状 中国的民歌产生在特殊的时代背景下,以其独特的民族魅力登上历史舞台,至今已有将近一个世纪的传承和变化发展,分为萌芽期、发展期、回落复苏期以及融汇多元发展期。不同的历史时期,民歌在创作、演唱、传承等方面都呈现出不同的风貌特征。由中国民歌改编的歌曲在我国的民歌创作历程中,出现过两次高峰。第一次是在20世纪五、六十年代,应该属于回落复苏期;第二次高峰是再上世纪八十年代末九十年代初,属于融汇多元发展期。民歌改编曲是在原始民歌的基础上,对音乐素材进行提炼、加工、处理而来。歌曲的风格和结构发生了改变,演唱的技法自然也会随之作相应的变化。中国改编民歌与传统民歌的曲调保持着密切的联系,民歌改编曲较原始民歌多了宣叙、花腔、甚至摇滚的元素,所以原始的民族唱法在改编的状态下,必然要在发声、共鸣等方面借鉴美声唱法,通俗唱法的演唱技术,充分发挥人声潜能的科学性,才能达到不同类型民歌改编曲的技术要求,对民族声乐的提高和发展产生积极作用。对于民歌改编曲的研究,国内已经取得了较大的成绩:如周为民的《对“五四”时期以来中国艺术歌曲创作的回顾与思考》一文提到了20世纪50年代中期到60年代初期,一些专业作曲家发现和利用各地民歌,对其进行精心的艺术处理,使民歌在保留它原有朴实音乐性格的基础上,给予它艺术化的品位。文章还提到那一时期以丁善德和黎英海等人所改编的艺术歌曲为代表;冯志莲的《民族声乐作品创作的新收获———王志信近年作品初探》一文中有提到:作者“选择最有普遍影响的原生民歌音调作为主题,在完整地保留民歌音调原貌的基础上进行不同程度、不同规模的加工、变化、发展、创新。通过节拍、节奏形态的扩展、紧缩加强作品中歌唱性与戏剧性的对比”;黄常虹的《民歌·艺术歌曲·民族性———析丁善德改编民歌的艺术成就》一文,从丰富和提升了民歌的音乐内涵、采用丰富多彩的钢琴伴奏和将中国民歌的演唱提高到一个新的艺术境界三个角度进行了论述。 二、民歌改编曲的创作特点 民歌改编曲是对原始民歌的继承,保留有大量原始民歌的音乐元素,如歌曲内容基本一致,新编的民歌改编曲会引用原始民歌的曲调和歌词,与原始民歌的情绪风格也基本保持一致。同时,民歌改编曲又是对原始民歌的发展,在原始民歌的基础上加以扩充融合,使得改变的民歌更加符合现代人的审美和需求。民族改编曲的创作具有以下几个特点: 1、曲式结构的发展 传统民歌多采用结构简单短小的一部曲式,而当代改编民歌为了有充足的空间展现音乐形象的个性,强化音乐的艺术感染力与戏剧性,歌曲的曲式结构规模有所扩展。王志信改编的《孟姜女》,其曲式结构特征为:Int+A+A′+B+A″+Coda1618315890GFBb《孟姜女》是具有引子与尾声相对较为完整的四段体结构,歌词分别围绕春夏秋冬四个季节展开进行。在A乐段相对简单,在旋律上进行简单的润饰,基本保留了原始民歌的主旋律,为全曲的基本感情基调做铺垫;A′是由第一乐段发展变化而来的,主要表现孟姜女触景生情;改编曲引入B乐段在旋律上更加跌宕起伏,表达的情绪也越来越强烈,描绘出的是一幅“落叶飘秋风凉”孟姜女做衣服的情景;最后一个乐段将情绪推向整首歌曲的高潮。因此新编曲《孟姜女》是在保留原民歌音乐主题的础上,引入新的音乐材料,在丰富了歌曲的音乐形象与内容的同时,把一首简单短小的一部曲式扩充为具有起承转合的大型声乐作品。原始民歌《玛依拉》是一首带副歌的单二部曲式,运用的我国七声清乐E宫调式,全曲由四个乐句组成:前两句是重复,第三句与前面并行进入,第四句引入新材料,由衬词组成,独立构成全曲的副部。歌曲3/4拍的节奏贯穿始终,其曲式结构为:A19B9a5+a5+a’4+b51+2+1+5E宫七声清乐E宫七声清乐《玛依拉变奏曲》是由青年作曲家胡廷江根据《玛依拉》改编的一首花腔女高音作品,这首《玛依拉变奏曲》将哈萨克族的音乐风格特征与西方的歌唱技巧风格相结合,可以说是中西合璧的产物。它的曲式结构为:Int+A+B+A″+Coda1-1920-4950-8788-103137-158162E宫清乐A宫清乐E宫清乐从结构图来看,《玛依拉变奏曲》属于四段体结构,由引子、主题、两个变奏、间奏以及主题再加一个尾声构成。Int部分是整个乐曲的感情基础,为后面部分做了铺垫。而A部分与B部分的乐句分布不均,结构不平衡,B部分在前面的基础上加入了花腔变奏,花腔的素材是利用主和弦的分解和弦素材,并在此基础上发展变化,升华了快乐的情绪,而coda部分是一个非常辉煌的结束,主要运用的也是主和弦素材,将音乐情绪提到了最高点。因此可见《玛依拉变奏曲》通过主题旋律的不断重复与大段花腔技巧的运用,使原本简单的三段式的分节歌结构扩展为A-A’-B-A”的变奏曲式,使歌曲的艺术表现力在广阔的空间里得到充分的延伸 2、调式调性的丰富 与传统民歌相比较,当代改编民歌在调式调性的运用上更灵活,打破原民歌基本一调到底的固定模式,而采用多调性的转化和对比,使音乐色彩更加丰富,同时也更适应故事情节的发展及歌曲情绪的深入。调式是音乐的灵魂,调性的转化是创作改编曲的一种手段,音乐的感情色彩和情绪在很大程度上是由调式调性决定的,调式调性的变化在音乐中具有不可估量的作用。改编的《孟姜女》其调性从D徵调式发展为第三乐段的D羽调式,极大地增强了其音乐表现力,最后在F徵调式上结束,通过调式调性的变换使用,使音乐的旋律、情绪、人物性格产生鲜明的对比,突出了跌宕起伏的故事情节与人物情绪。在《玛依拉变奏曲》中,开始部分的旋律一直在E宫调式上呈现,在第三乐段时转入A宫调式,音乐色彩与歌曲情绪发生转变,在第四乐段时又回归到E宫调式,实现音乐情绪的回归与音乐主题的深化,整首乐曲依照起-承-转-合的布局进行,其宫调式的使用使得音乐情景更加真实生动。 3、音域与旋律的拓展 旋律在当代改编民歌的创作中,作曲家常借鉴西洋歌曲中多见的对比、展开、再现、变奏的方式发展旋律,用来达到扩展歌曲戏剧性和艺术表现力的效果。许多由中国民歌改编的歌曲,只是加了优美的伴奏,有的虽然结构发生了变化,但是主题旋律并没有改变。原始小调《孟姜女》是典型的单乐段起、承、转、合性结构,每段四句落音分别为2、5、6、5,曲体简单规整,曲调流畅。而改编后的《孟姜女》开始部分没有较大的改编,完整呈现了原始民歌的主旋律,但也并不是照搬,而是经过了三次转调,由原来的大九度扩增为十四度,第四部分采用摇板紧拉慢唱的节奏,音乐线条的拉宽舒展与急促紧张的十六分音符的伴奏织体相结合。如在B乐段部分,改编后的《孟姜女》,音域在前面乐段的基础上有所提高,调性在31小节处由D徵转为D羽,音乐色彩由明转暗,秋风落叶的凄凉映照出孟姜女内心的悲戚。旋律部分进行中四、五度跳进增多,音乐跌宕起伏。“线是相思啊针是情啊”音乐旋律上扬,情绪在此时应拉开舒展,与后乐句下行的旋律形成回落对比。就整个旋律而言。此改编曲将我国戏曲板腔音乐融会贯通,“哭倒长城八百里,只见白骨满青山”,表现了孟姜女无法言喻的无助与绝望,生动地刻画出女主人公在狂风暴雪中不畏艰难险阻为君送寒衣的执著、坚强的艺术形象。在《玛依拉变奏曲》中,第一段完整地保留了原歌曲的旋律,虽然在伴奏上有了变化,但是大致的风格不变,旋律是向上的走向,且原伴奏的音型是非常规整的八分节奏型,但该曲的伴奏节奏在前段乐句运用了附点休止,而且采用更多的节奏型及表情符号,如:后十六分节奏型、“ff”、“fp”等等,让歌曲更富于变化,显得玛依拉不仅活泼,还带点俏皮的个性,更贴近现代人心目中的形象。在第二段中作曲家在维持原来歌曲的风格的基础上,通过增加大范围的花腔变奏,充分模仿玛依拉欢快的歌声,将新的音乐材料融入其中,赋予了整首编曲热情奔放,气氛热烈的音乐风格,增强了歌曲艺术的表现力与感染力。此外,作曲家还常常借鉴中国戏曲演唱的板式变化体的变奏方式发展音乐,从而产生与中国戏曲同样强烈的戏剧性效果。 三、传统民歌的改编与声乐技巧的提高 原始民族唱法音域较窄,虽然甜美但是演唱时跳跃幅度与流动性不够强。而现今的民族唱法也没有等同于美声唱法,改编曲的唱法还是以“民族”为基础的,同时使民族声乐艺术的吸引力和时代感不断增强,所以这就要求演唱者在声乐演唱方面具有更高的水准。 1、音色与音域 民族唱法在音色的选择上一直都采用与常人较为接近的、自然的音色,早期的中国民歌音域一般不超g2,这些民歌虽优美动听,音色明亮,风格浓郁,但是在相对较窄的音域中中音区偏多,比较浑厚。而民歌改编曲经过改编,一般都会音域加宽,使作品既可以圆润轻盈又可以高亢华丽,整体的感情表达更加舒展细腻。因此这就更加要求演唱者兼具高水准的演唱功底,在演唱时声音需要富有较强的颗粒型和弹性,这样的音色控制能够准确的塑造出歌曲中的各种角色形象。例如《玛依拉变奏曲》在改编之后,在演唱时歌曲的高音部分与花腔部分就需要更多地运用美声唱法的音色特点进行演唱,这是一种公共色彩,只有花腔女高才能具有的“木管音色”。运用这种音色演唱,声音密度极高,音质清脆灵动,更容易实现“近人声”与“远人声”的双向追求。 2、气息与共鸣 原始民歌唱法一般讲究声音甜美,运用真声部分的口、咽腔共鸣比较多,而民歌经过改编后,其歌曲的难度和音域的加深与拓宽,要求演唱者在唱民歌改编曲的时候除了口咽腔的共鸣意外,还要学会运用头腔,胸腔所有的共鸣来进行演唱,以适应歌曲的需要。以《玛依拉变奏曲》为例,演唱者在演唱时,如果能够将真假声完美结合,演唱声区统一流畅,起音与尾音相互呼应,在声音上牢牢抓住上方共鸣的位置及腔体,就更容易体现玛依拉优雅的气质与从容的性格特征。呼吸是每个人与生俱来的一种本能,但是唱歌的呼吸与我们本能的呼吸不大一样,唱歌时的呼吸,必须是以乐句的长短、音乐的需求为前提,来考虑呼吸的长短和气息支持的。而本能的呼吸是一种很自由的呼吸。呼吸对于声乐演唱来说就像是地基与楼房的关系,地基打的越牢越深,楼房就会盖得越高。声乐演唱中的呼吸是一种强化胸、腹式的呼吸运动。而美声唱法的呼吸多事采用胸腹式呼吸,这种方法被认为是最科学的呼吸方法。因此,在民歌改编曲中,很多歌曲都加入了这种唱法,使得歌唱者必须有极深的气息控制能力,对于音量、音域都有所扩大,让声音更为灵巧,有弹性,从而有益于声区统一和声音的表现力,正所谓“优伶以之,唱若游云之飞太空,上下无碍,悠悠扬扬,出其自然,使人听之,可以顿释烦闷,和悦性情,得者以之,故曰‘:一声唱到融神处,毛骨萧然六月寒’。” 3、咬字吐字的整体要求 咬字是评价歌唱好坏的一个重要因素。语言在声乐中有着举足轻重的地位,歌唱主要是靠咬字来发声,因此在唱歌过程中咬字能使歌声更加富有生命力和感染力。在民歌改编曲中,由于加入了更多的元素,很多歌唱者在发音中不能够掌握咬字的技巧,破坏了旋律的连贯性,唱的不够有韵味,不能够体现出改编曲丰富的感情色彩。以《孟姜女》为例,如唱到A段第四句“孟姜女的丈夫去造长城”中,着重“造”字的字头力度,不仅要吐字清晰,语气的强调也凸显出新年团聚之际孟姜女孤寂一人的哀怨之情。而唱到“生生血泪声声唤,天也昏来地也暗”一句,就需要演唱者放慢速度,每一句都要强调字头的咬字,用顿腔结合哭腔,仿佛孟姜女在哭诉、抽泣。因此,在声乐演唱前,初学的演唱者就需要先把歌词摘出来在高位置朗读,把握好口腔的着力点,正确完整的将字吐清晰,在朗读时注意发音,咬字,和连读,最后再将旋律加入,准确而清晰的唱进听众的耳朵里,是观众明白歌曲的意思,从而打动观众。 4、旋律与韵味 格里格曾经说过“如果一位指挥家把速度弄错了,那就什么都完了。”由此可以看出速度和旋律对于音乐的表现的重要性。中国民歌注重“声情并茂”,“声”可以通过科学的发声来训练获得,而“情”则可以靠旋律与速度来控制。民歌改编曲中有很多利用旋律和速度的对比变化来增强层次感、丰富内涵的作品,这就对演唱者提出了更高的要求。演唱者在作品的情绪与情感的表达上,多需要以真实的表现方式刻画的塑造角色,同时以其戏剧化的音色处理、表演方式、旋律处理等来诠释故事曲折迂回的情节,使作品更加有韵味。 四、结语 由中国民歌改编的歌曲,可以说是民族文化审美的标志之一。民歌改编曲是以传承传统艺术为基础的,由于简单的民歌随着社会的发展越来越难以适应人们的艺术和审美需求,从而容易被人们遗忘,濒临解体。所以,实施保护已是迫在眉睫的文化发展大事。我们保护民族音乐最有效的方法就是创新民族音乐作品,即民歌改编曲。由于把民歌改编成改编曲是,要以原始民歌为依据,也就会应用一些特有的作曲技法和演唱技法,如在原始民歌的基础上的加花,伴奏对主旋律的处理,前奏、间奏、变奏、尾奏的特点等等,才能体现出改编曲自己的风格和特点,这些对于演唱者而言也更能提高自己的表演水平。声乐创作者和声乐演唱者必须紧扣时代特征才能进行优秀的创作和演唱。通过本文对于改编曲的分析,我们可以清晰的看出新时期中国民族声乐的发展趋势,相信中国民歌会朝着健康的方向蓬勃发展,在一代人的努力下,一定会长盛不衰。 作者:王卓单位:湖南理工学院音乐学院 传统艺术论文:大数据时代下传统民间艺术论文 1大数据时代下传统民间艺术的现状研究 1.1大数据时代的特点研究 随着信息数据的增多,云储存、云计算等云服务平台应运而生。由此可见,在大数据时代下,更好地利用数据储存系统将民间艺术保护与储存下来,将为传承民间艺术做出突出的贡献。 1.2传统民间艺术的现状研究 (1)传统民间艺术的主要研究领域。传统民间艺术主要涵盖了物质产品和精神产品两个方面,物质方面主要包含了以实用为主的一些可视化的具有民族特色的生活生产用品。精神方面主要是指能够满足人们精神需求的民间艺术现象、艺术活动以及一些具有民族特色的民间艺术品。传统的民间艺术具有强烈的民族性,它能够反映每一个民族的精神信仰、思维观念以及文化传统,并且是博大精深的中华文化的体现。 (2)传统民间艺术的存在现状及其重要性。随着社会的发展,人们的生活方式以及生活观念不断地受整个社会环境的影响而发生着改变,人们的视野越来越多的关注在所谓的现代化的产品以及所谓的潮流上面,而对于真正的传统却越来越少的人去关注。据调查显示,每年有大量的民间手工艺品、民间纺织工具、民间交通工具以及民间交通器具在大量的消失,并且就算是能够满足人们精神需求的民间戏曲、民间舞蹈、民间艺术活动每年也都在大量的丢失。民间艺术这一现状应该引起我们所有人的反思,如果我们连我们传统的东西都保护不好,拿什么去发扬我们的中国传统文化。传统民间艺术的发展及其生存环境,如果我们不将其保护与传承下来,它也会随着工业社会的发展遭受着如同自然资源和生态环境一样的破坏。 2对传统民间艺术的保护与传承所面临的问题研究 对传统民间艺术的保护与传承所面临的主要问题是其自身的独特性而产生的自身的限制。大多数的民间传统文化根植于民间,并且分布在全国各地,这也将是传统民间艺术保护与传承所面临的最大问题。由于传统民间艺术涉及面多而广,外加上民间艺术从业人员的不足,所以目前对民间艺术的保护只停留在传统的采集照片,收集物品以及访问记录等方面。并没有与大数据时代现代化信息技术相结合,所以对传统民间艺术的保护只停留在表面,并不能真正地把民间艺术传承下来。 3大数据时代下对传统民间艺术的保护与传承研究对策 大数据时代的到来,对于数据的研究与开发也越来越深入,数据处理与储存技术的开发与应用也越来越广泛。我们应该利用这一特点,很好地将民间艺术储存起来。 3.1将数字信息技术与民间文化遗产相结合 大数据时代的到来,为数字信息技术的发展提供了强有力的平台。同时也促使了数字信息技术突飞猛进的跨越。将数字信息技术与传统的民间艺术相结合,突破了我们传统的对于民间艺术记录收藏的形式,其方便快捷的将民间艺术整合、收藏、记录了下来,并且也为民间艺术的保护节省了劳力成本与时间成本,同时也方便了人们对于感兴趣的民间艺术的查阅与展示。同时,我们也可以利用数字信息技术研发民间艺术图案辅助设计系统,使民间传统融入现代设计中。使传统民间文化真正地为“生活服务”。在当代的艺术和设计有史以来最商业化的时候,保持艺术和学术纯粹的张力和良知,将传统民间文化与当代设计相结合,赋予当代设计别样的韵味。例如,爱马仕的中国品牌“上下”就是利用中国传统的纹样、雕刻、染织等技术对于产品进行再设计,很好地利用了传统民间工艺的商业价值,赋予现代设计独特的魅力。同时很好的传承与发展了博大精深的中国传统文化。总的说来,现代化数字技术的应用也是使传统的民间艺术能够更好地保护与传承下来,使其不再停留在没有人观望的层面,其已经成为一种非常重要的非物质文化遗产,它的保护与传承,能够让更多的人去了解它们独特的文化。 3.2中国民间艺术云端服务平台的建设 注重于打造一个具有云储存、云计算、云分析、大数据等功能的云端服务平台。本系统是基于云端系统的文件存储平台,管理用户上传关于民间艺术资源遗产的相关文件到云服务器端,上传文件类型包含普通文件、图片、音频、视频等各种类型文件,并对文件进行相关属性说明。系统通过集群式应用、网格技术和分布式文件系统将上传的大量的各种类的文件存储在一个分布式的不同类型的存储设备中,通过应用软件协同工作共同对外提供数据文件的数据存储和业务访问,但这些对用户来说是黑匣子式的,用户只需要关注文件的文性,专注于非物质文件遗产的整理,而无需关心实现的方式和方法,系统将高度智能化的为用供数据的存储和整理工作。用户在访问时可以通过WEB或手机APP等方式进行文件的检索和访问,云服务将自动计算采用最优的访问路径为用户提供文件的检索和访问。 3.3数字民间艺术博物馆的建立 在大数据时代下,要使民间艺术得到很好的保护和传承,数字民间艺术博物馆的建设将会是推动其保护与传承的最好方式。数字民间艺术博物馆将拥有强大的数据库将民间艺术品很好的储存起来,并且方便人们查阅以及观赏,增加民间艺术品的生命力。 3.4民间艺术品网站的建设 民间艺术品网站的建设可以更好地把民间艺术品与市场相结合,给正在做民间艺术品的手工艺人提供一个让其艺术品走向市场的平台,并且增加民间手工艺人的信心。据调查显示,目前市场上并没有一个真正的关于民间艺术品的网站,建设这样一个网站,可以按照地域、产品特点、产品形式进行分类,不仅仅可以很好地保护民间艺术,而且能够使这些民间艺术真正的走进人们的视野,以后使越来越多的人来关注民间艺术,这将是对民间艺术最好的传承。 作者:王彬雪 单位:上海大学 传统艺术论文:安徽传统民间艺术论文 一、传统民间艺术的民间嬗变 安徽地区具有得天独厚的人文环境和历史,所以民间艺术在安徽的起源和发展较早,随着时间的演变,民间艺术在历史进程中逐渐发展和壮大,安徽传统民间艺术的发展经历了四个阶段。首先,萌芽阶段。早在原始社会时期,安徽的传统民间艺术就已经有了萌芽,随着社会制度的不断变革,技术与社会的发展为民间艺术的发展提供了条件。在经过历史长河的洗礼,安徽传统民间艺术代代相传,生生不息,形成了有安徽地域特色的民间艺术。其次,发展阶段。从秦朝起始,直到唐代结束,这段时期安徽传统民间艺术有了较好的发展,在唐代时期,民间艺术的发展一度出现了繁荣发展的局面。再次,兴盛阶段。在北宋时期,出现了利于商品交换的纸币,从而促进了商业发展的繁荣,而安徽传统民间艺术的发展达到兴盛阶段,许多安徽地区的人们,为谋生计会发挥自身的才能和技能,制作工艺品等,这也在一定程度上促进了经济的进步和民间艺术的发展。最后,压力时期。安徽传统民间艺术经过岁月的洗礼和无数次的融合与发展,传承至今,面临过巨大的考验和挑战。需要人们对传统文化进行深入的挖掘和整合,以促使传统文化能够迅速提升,以新的精神面貌面临现阶段的挑战。 二、传统民间艺术的艺术再现 传统民间艺术经过不同时期的考验和挑战,以顽强的生命力展现在世人面前,其艺术的再现具有四点特征。首先,具有历史传统性。安徽传统民间艺术发展至今,虽然融入了一些现代色彩,但是仍然是以传统文化为基础的。其次,具有生活娱乐性。安徽传统民间艺术主要来源于生活实际,因此,民间艺术更彰显生活的特色。此外,民间艺术的创作体现出创作艺人的情感。再次,具有多样性。安徽地区的各地各县的多种多样艺术门类都不断融合,使安徽地区的民间艺术形式具有多样化。最后,具有独特性。随着安徽地区传统民间艺术的不断发展,徽式特征更加凸显。 随着传统艺术的不断交流和融合,形成了有地域特色的安徽传统民间艺术,在其发展过程中,经历了萌芽和发展时期,也经历了成熟和压力的时期,在这一过程中,传统民间艺术并没有消退于历史舞台,而是以其特有的魅力和顽强的生命力焕发出了新的生机。以更加昂扬的姿态展现在世人面前。 作者:陶李单位:安徽大学 传统艺术论文:传统建筑艺术论文 摘要:本文主要阐述了中国“天人合一”的审美观,通过剖析中国传统建筑艺术与“天人合一”思想的关系,说明中国传统建筑艺术无论造型、艺术表现形式及处理手段等都和“天人合一”的审美观有着密不可分的关系。“天人合一”是中国传统建筑艺术的内在精神,同样也是现代建筑艺术发展和努力的方向。 关键词:建筑艺术;传统文化;天人合一 一、中国人“天”的概念与“天人合一”思想 “天人合一”是中国哲学以至中国文化中最古老、最广泛的概念。它不但是中国儒家的基本概念,而且是一切其他的思想体系,如道家、中国化了的佛家、法家、阴阳家、兵家、农家、医家,以至风水、气功、武术、房中术……的出发点与归宿点。 “天人合一”学说起源应在巫术时代或万物有灵论的时代。根据史学与考古学,中国在周以前,天的概念并不发达。发达的倒是“帝”或“天帝”的概念,大体上就是祖先神或其扩大。部落酋长或者巫师可以直接与之对话。人间一切事情都要通过占卜,得到能“降人福祉,决人休咎”的“帝”的旨意以后,才能决定。后来到了周朝,“帝”的概念为“天”所替代。到了汉武帝的时候,一方面民间流行十分迷信的经纬学说,一方面大儒董仲舒又提出一个完备的“天人感应论”,把天的一切都与人的一切相比附,比如说“人有三百六十节,象日数也;大节十二分,副月数也;内有五脏,副五行数也;有四肢,副四时数也……”。由此建构了一套完整的确认皇帝应当“法天而治”的理论。这个理论在“罢黜百家,独尊儒术”的汉朝以及对后世都有长远的影响,比如皇宫的建筑就是一个例子,今天北京的故宫就是“象天设都”的最后代表。地上的紫禁城完全是与天上的紫微垣相对应的。道家“天”的概念是对宇宙及其运行规律最彻底的抽象。老子的著名言论:“人法地,地法天,天法道,道法自然”,“天地不仁,以万物为刍狗”,这中间的天就是这么个宇宙万物最高抽象的天。 中国的传统文化是“三教合一”的文化。中国哲学成熟于宋理学,宋理学集诸家之大成并融会贯通,从而成为中国传统文化的代表。“宋理学心目中的天始终是有道德倾向的天,而人则始终是有天性善性的人。”“天”的概念与“天人合一”思想中国人的价值观念和审美思想产生了极其深远的影响。 二、天人感应相通与“善恶有报” “天人感应论”由汉朝大儒董仲舒提出,主要是把天的一切都与人的一切相比附及认为天人感应相通等。天人感应相通主要包括两个方面的含义,一是人与自然之间的感应相通,一是人与神灵之间的感应相通。这两者在大多数情况下是合二为一的。因为在古人看来,神灵往往是通过一定的自然现象来显示其存在,即所谓“天垂象,见吉凶”。人们通过观察天象就可以感知天意。故中国古代天子有用于观天象的“灵台”,感天意以察人事,以行其政。天人感应的基本含义是,人的善恶行为能够被天所感应到,并予以反馈,给人降福或降祸。原始道书《太平经》说:“天之照人,与镜无异。”人的一言一行,均受到天地的监视。“为善,天地知之;为恶,天地亦知之。”天人“以类遥相感动”。中国民间经常所说的“善有善报,恶有恶抱”“心诚则灵”等便是对此最朴素的注解。 “天人感应论”由汉朝大儒董仲舒提出,主要是把天的一切都与人的一切相比附及认为天人感应相通等。天人感应相通主要包括两个方面的含义,一是人与自然之间的感应相通,一是人与神灵之间的感应相通。这两者在大多数情况下是合二为一的。因为在古人看来,神灵往往是通过一定的自然现象来显示其存在,即所谓“天垂象,见吉凶”。人们通过观察天象就可以感知天意。故中国古代天子有用于观天象的“灵台”,感天意以察人事,以行其政。天人感应的基本含义是,人的善恶行为能够被天所感应到,并予以反馈,给人降福或降祸。原始道书《太平经》说:“天之照人,与镜无异。”人的一言一行,均受到天地的监视。“为善,天地知之;为恶,天地亦知之。”天人“以类遥相感动”。中国民间经常所说的“善有善报,恶有恶抱”“心诚则灵”等便是对此最朴素的注解。 尽管人与自然之间的相互影响则是客观存在的,自然环境的变化对人体会产生各种影响,人类的活动也会影响自然界,转而又对人类造成影响,这是不争的事实。但天人感应论毕竟是一种神秘哲学,“因果报应”更是一种唯心主义观点,但这对中国人传统观念产生的深刻影响我们不能否认。在这里有两个关键的词语不能不特别指出:一个是仁,一个是诚。 “仁”最初的意思就是“仁者爱人”,本来是比较简单的爱的观念。但是后来一直发展到“仁者混然与物同体”,这个仁也就成了“与天地万物一体之仁”,完全成了“天人合一”的自觉,而且成了沟通天人的一个形而上的概念。 “诚”最初的意思也无非是真实无妄。但是后来就发展到了张载所谓:“儒者因明致诚,因诚致明,故天人合一”。这里说的诚就是人用以知天、同天的功夫,也成了沟通天人的一个形而上的概念。 三、中国人“天人合一”的审美观 在中国传统文化中,天人合一的观念源远流长。先民们从对自然的敬畏到与大自然产生亲和关系,经历了一个较为漫长的过程。中国人对人与自然的亲和关系的体验,在世界文明史上是很独特的。在农耕为主的生产背景中,人对自然环境的依赖,对风调雨顺的期盼,使得先民们在对四时交替、气候变换格外敏感,逐渐形成了与环境和宇宙间的自然生命相互依存的文化心态,认为人的自然生命与宇宙万物的生命是协调、统一的,反映了人们在追求一种人与自然和谐亲密的关系,即“天人合一”的心态。中国人最基本的思维方式,具体表现在天与人的关系上。而在天人关系上,主张人与自然的调和、协和、和谐,是中国传统文化的主流。 中国的“天人合一”思想,深刻影响中国人的审美意识。“中国美学正是从‘天人合一’的生命情调中,即人与自然的亲和关系中寻求美。在审美的层面上,人既不是自然的主宰,也不是自然的奴隶,而是人即自然,自然即人。”就儒学而言,其“天人合一”是强调“主客合一”。但儒家所讲的“主客合一”,绝非主体与客体的消融与泯灭,而是在价值上,实现人与天、地的三者合一。例如《孟子》所讲的“尽心、知性、知天”,《中庸》在进一步发挥时所讲的“唯天下之至诚,为能尽其性;能尽其性,则能尽人之性;能尽人之性,则能尽物之性;能尽物之性,则可以赞天地之化育;可以赞天地之化育,则可以与天地参矣。”通过对主体对于客体的认识,而在价值上取法于天地,从而在价值上与天、地合一,这也就是儒家学者们常讲的天、地、人并列为“三极”,亦即“与天地参”。《周易》的“三才”观,将天、地、人相并。在天、地、人三者的关系中,人是天地造化的杰作,天生人,地养人。相对于天地而言,人在形体上何其渺小,但人可以取法天地的精神,“与天地合其德”,德配天地。在儒家看来,天地的精神主要是:“天行健,君子以自强不息”,“地势坤,君子以厚德载物”;“天无私覆,地无私载”,故天地的精神乃是“大公无私”;天地有生养万物之功,故天地的精神为“仁”,“仁”即“生生”之义。如果说“上帝”是西方人精神的终极来源,那么“天”(天地)则是中国人的精神价值来源。“文化”,中国人对这个词的理解是“人文教化”,人参天地教化人文,反映了人对自然的积极回应与人与自然的亲和关系。 天人合一问题,就其理论实质而言,是关于人与自然的统一问题,或者说是自然界和精神的统一问题。应当承认,中国传统文化中的天人合一思想,内容十分复杂,其中既有正确的观点,也有错误的观点,我们必须实事求是地予以分析。但是,从文化的民族性以及对民族文化的推进作用和深远影响看,我们应当大胆肯定。中国古代思想家关于天人合一的思想,其最基本的涵义,就是充分肯定自然界和精神的统一,关注人类行为与自然界的协调问题。从这个意思上说,天人合一观念是非常有价值的。 四、“天人合一”观念对中国传统建筑艺术的影响 “天人合一”思想的形成是一个不断发展的过程,其成熟阶段也即“天人合一”思想的精髓部分便是达到真、善、美三者的价值统一。这也是中国人追求和欲达到的最高精神境界。我们的先民正是在这种思想观念的影响下寻找着规范,积极从事各种社会实践活动,其中自然也包括建筑艺术的创造活动。 “天人合一”思想通过各种媒介,传播、灌输到中国人的意识之中,潜移默化地在他们的脑海中形成一种牢固的思想观念并指导着他们的社会实践活动。所以说“天人合一”思想具有广泛的群众基础。 随着人们社会实践活动的深入和不断发展,中国古代哲人提出了“人化自然”与“自然人化”理论。“先秦哲人把上帝之天转变为自然之天,不但认为自然之天对人活动有一定影响,也更加重视人的活动对自然之天的作用。主张人应依靠自身的力量决定自己的命运。一方面,人应遵循自然法则,提高制天之术,则可胜天,否则天胜。另一方面,人的生存发展必须经过改造自然,造福自身的途径,而自然的变化又由于人的改造而显出五光十色,日新月异上午面貌。人与自然的相胜相用,透漏出中国哲人‘自然人化’与‘人化自然’的最早理论信息。” 建筑是人的产物,而相对于人来说,又是自然的一部分。从这个意义上讲,建筑是“自然人化”与“人化自然”的产物。“人化”的结果是:一方面为人所用,一方面附加有人的意志。建筑具有实用和审美的双重价值。其实用价值在于为人们提供了居所,解决了住的问题;其审美价值不仅在于为人们的生活创造了优美的环境,更重要的是寄托了人们美好的理想和愿望,在满足人们审美要求的同时发了人们认识真理和改造外界的热情和信心,促进了人们改造自然、造福自身的社会实践活动。其实,建筑艺术本身就是人以美的规律和要求去作用和建构外界事物的体现。中国传统建筑融会了中国“天人合一”思想的精华。借物言志是中国传统艺术中的惯用手段。人们无论造物还是塑造艺术形象,大都反映一定的思想内涵,而思想内涵多是抽象概念,很难以恰当的可视形象来表现,于是人们便以丰富的想像力创造出了确立象征性形象和理想化处理等手段,以此实现抽象概念的具象化、具体化。而这些都是以人与万物同体,要求天道变化与人之所望相符,天人之间运行互为发展的“天人合一”思想观念为基础的。飞檐、翘壁、瓦当、檐兽、斗拱等的构思和表现形式是这样,(此与西方哥特式建筑的尖塔造型有异曲同工之妙。)狮、虎、龙、朱雀、麒麟等题材的选用也是这样,(这些被中国人认为是瑞兽或吉祥鸟,它们能够感受天地之灵气,与天地对话,从而达到祁福纳祥,驱邪避鬼、镇宅护院、保佑平安的作用。)这是人与天地对话的途径和媒介,其传达的信息不仅包含人祈求天地保佑的良好愿望,同时也包含着人正以积极的姿态与天地寻求着和谐共生。建筑艺术作为人们的社会实践,“天人合一”思想赋予其强大的生命力。中国传统的建筑艺术,在数千年的历史演进过程中,伴随着“天人合一”思想的形成和发展,其在内容和形式上日趋丰富多样。除实用功能以外,随着时代的进步,其审美价值和教化作用正日益被彰显,因为这是人们生活不可缺少的精神食粮。 中国人对天人关系的特殊理解使“天人合一”思想具有鲜明的民族特色,在这种特殊思想观念作用下形成的这些造型与艺术手段所表现出的民族特色既具有特殊性,也具深刻性。 五、结束语 “天人合一”是中国传统建筑艺术的内在精神。中国传统建筑艺术无论造型、艺术表现形式及处理手段等都和“天人合一”的审美观有着密不可分的关系。所以,“人应当在体认天地人生大法的思想境界上去能动地从事实践活动,以推动天人关系由原和谐层次向新层次跃迁。”这应是现代建筑艺术发展和努力的方向。 传统艺术论文:我国传统建筑艺术论文 【内容提要】19世纪末至20世纪30年代期间,中国教会大学在特殊的历史环境中,首先倡导了中西合璧式建筑新式样,拉开了中国传统建筑艺术复兴的序幕。在此之后,由于国内民族意识逐渐觉醒,这种建筑新式样又被视为弘扬和继承中国传统文化的表象参照物,并逐渐发展成为一种具有特殊意义的现代建筑风格。中国教会大学的建筑形态构成以及由此而导致的中国传统建筑艺术复兴,是中西文化双向流动的特殊案例和有形史料。 【摘要题】建筑 【关键词】教会大学/传统建筑/中西合璧建筑式样 【正文】 中国教会大学是近代中西方文化交流的重要组成部分,不仅对中国教育近代化起到了某种促进作用,而且还是近代中国建筑发展过程中一个特殊的历史文化现象。19世纪中叶以来,当中西两种异质文化发生剧烈碰撞和冲突之时,具有工业文明内涵的西方文化无疑是处于相对高势能状态。伴随着武力侵略和经济掠夺而来的西方文化,以咄咄逼人的气势向中国社会的各个领域进行着强行移植和殖民输入。从“交流”一词的本意而言,真正谈得上中西文化双向融合的实例实在是少之又少,具有表象效应的更是如此。中国教会大学的建筑形态构成以及由此而导致的中国传统建筑艺术复兴,是中西文化双向流动的较成功的特例。20世纪30年代所倡导的“中国固有形式”的运动,50年代所提出的“社会主义内容、民族主义形式”的建设方针,80年代迄今,建筑界的理论和实践所纷纭不休的“神似与形似”之争,都与教会大学建筑有着渊源关系。且不论有关中国传统建筑艺术复兴的褒贬是非,仅从半个多世纪以来的建筑工程实践来看,众多矗立在中国大地之上的这类中西合璧式的建筑作品,俨然在提示着教会大学建筑形态的存在价值和深远影响,也从另一侧面表明了教会大学在中西方文化交流中的历史作用和社会文化效应。 中国传统建筑艺术复兴,是指20世纪20年代前后由中国教会大学起始的,采用当时西方建筑的工程技术和材料,平面设计符合西方建筑的功能主义设计理念,外部造型模仿或挪用中国宫殿寺庙建筑构图元素并与西方建筑风格相糅合的新建筑式样,一般也简称为“大屋顶建筑”。中国传统建筑艺术复兴的文化意义和社会影响,远远超出建筑自身的使用价值,因此,褒时被誉为民族精神之体现,必全国效之方罢休,贬时被斥为历史倒退之逆流,必全国讨之而后快。但无可否认的是,这类建筑新式样在本质上属于中西文化交汇的历史产物,其生硬也罢,成熟也罢,失败也罢,成功也罢,这类建筑新式样毕竟将两种完全不同的建筑文化混合成了一个有形的实体,并进而演变成绵延至今的一种建筑风格,无疑值得建筑学家和历史学家共同加以探讨。本文试图结合当时的社会文化背景,对中国传统建筑艺术复兴之起点的教会大学建筑形态作一初步分析。 一 鸦片战争之后,中西文化在严重失衡的状态下交汇,西方的政客和商人可以毫无顾忌地将各种建筑形式引入中国。传教士们普遍地抱有西方本位的文化优越感,也在中国的城镇和乡村建起了西方中世纪式样的教堂。引入的西方其他建筑形式很快被中国人广泛地接受下来,唯有教会的建筑遇到了麻烦。换言之,其他的西方建筑形式更多地表现出工业文明技术成果的输入,而与教会相关的建筑则显示出西方文化观念对中国传统文化的一种侵蚀。 教堂具有基督教文化的表象特征,在历次教案中屡屡被毁,这一事实在中国近代史上一般被解释成反帝爱国运动的行为体现。如果从建筑史学的角度来考察,我们还可以看到其中包含的另一层意义,即对中国人来说,自此之后改变了以“道器分离”的思维习惯来看待建筑,终于将建筑视为了一种文化参照物。对传教士来说,中国民众对教会的普遍抵触,迫使传教活动采用了尊重中国传统文化的策略,力求得到中国民众的认同和好感,因此而发展了与教会相关的教育和慈善事业。按照西方人的思维习惯,作为一种姿态,他们也很自然地想到建筑的文化参照物的表象效应。因此,原本认为互不相容的中西建筑文化观念,终于有了一处朦胧的共通点,即需要创造一种能满足各自不同的文化动机并具有表象特征的建筑形式。由于政治、经济、技术等客观因素的制约,创造新建筑形式的早期尝试是由传教士零散地进行的,多是将中国古典建筑的某些局部加在西式建筑体之上作为装饰构件,模仿的部位与手法亦无定势,反映出西方文化对中国传统文化的一种妥协。极端的案例也有完全照搬中国古典建筑式样的做法。这些早期的尝试没有形成一种成熟的建筑风格,缺乏相应的一贯性、独特性和稳定性,因此影响也比较小。1905年,清政府正式颁布诏令,废止科举考试,建立仿照西方公学制度的教育体系。这一举措使教会的教育事业得到了新的发展机会。在义和团运动之后,种种迹象显示,外国教会在华发展高等教育事业的基本条件已经具备,同时,在华的教会学校也开始受到中国人的欢迎,各校的报告说明申请入学的学生已多得无法接受,教会上层为此都兴奋不已,办学热情日益高涨并着手筹划建立较大规模的正规大学,此时,有关教会大学校园规划和建筑形式的问题终于提到议事日程上来了。 在20世纪的前30年,许多在华教会都将所属学院和书院扩展成教会大学或新建教会大学。这些教会大学成立之时,大都购地迁址并兴建了大批新校舍。在当时的社会历史条件下,这批新校舍的兴建算得上中国最大规模的建设活动之一,也给教会大学提供了创造中西合璧式样建筑的历史契机,可以说是教会大学的建筑实践活动拉开了中国传统建筑文化艺术复兴的序幕。 教会大学一般指19世纪末至20世纪上半期,由英美基督教会和罗马天主教会在中国设立的17所高等教育机构,分布在华东、华南、华西、华北、华中等5个区域,其中基督教大学14所,天主教大学3所:上海圣约翰大学、金陵大学、金陵女子文理学院、之江大学、东吴大学、上海沪江大学、岭南大学、华南女子文理学院、福州协和大学、成都华西协和大学、燕京大学、齐鲁大学、华中大学、湘雅医学院、辅仁大学、震旦大学、津沽大学。 上述各教会大学的情况相差很大,在其后的发展过程中,有的规模宏大、兴旺发达,有的又小又穷、挣扎维持,但多数教会大学最终都为中国高等教育事业作出了一定的贡献,有的教会大学还成为闻名遐迩的高等学府。从建筑学的角度而言,教会大学的另一个贡献还在于校园的规划和建筑方面,今已成为继承者引以自豪的学校传统的重要组成部分。教会大学所开创的中西合璧式建筑样式,是中西方建筑文化交流过程中不可缺少的内容,也是试图将中国传统建筑与西方近代建筑相结合的有益尝试。 在当时的历史条件下,除少数租界外,大规模的建设活动当属教会大学的校园建设,由此形成了中国近代建筑发展过程中一个不大不小的兴盛期。教会大学的建筑质量一般都比较高,建筑的规模大、数量多,往往组合成群,成为学校所在城市或地区的主要景观。从1894年到1949年,教会大学建筑实践活动的时间跨度长达半个世纪之久。 二 19世纪末至20世纪初是中国教会大学的初创期,在此期间能够筹措到开办经费的学校都纷纷修建了校舍。在中国建立的大学应该采用何种建筑形式?对此,来华传教士们似乎是既自信又茫然。传教士理想中的大学,是像19世纪美国大学那样的僻静学术区,应位于市郊,有教学区、办公区和宿舍区之分,唯一不同的设想是希望建筑形式能表现出中国古典建筑的某些外部特征,以此来表述出某种难以言传的意义。 有的传教士按照自己的愿望和理解构想了一个朦胧的中国梦。为了实现这个梦,他们寄希望于西方的建筑师。对于西方建筑师来说,这是一次各显神通的富有东方情调的尝试,其结果是除了都具有中国式大屋顶的特征之外,其余部分就很难有共通之处。即使是中西合璧的大屋顶形式,西方建筑师在处理手法上也有很大的差异,大致可以分成两种基本倾向。一种是以地方特色建筑为其参考摹本,如华西协和大学、岭南大学、圣约翰大学等。另一种是以中国宫殿式建筑为其参考摹本,如金陵大学等。但不管何种倾向,在教会大学初创期,均没有表现出明显的偏重,也远远没有到程式化的程度。 在上海的圣约翰大学是最早出现中西合璧式样建筑的实践作品。圣约翰大学是建立时间最早,一度发展最快的教会大学。校舍建设始于1879年,第一幢校舍是两层楼的外廊式建筑,正面宽220英尺,深度130英尺,外部样式采用了具有江南格调的民居形式,西洋味道甚少,其后又照样建了三幢宿舍,可能还参照中国四合院平面进行了总体布局。1892年,圣约翰大学募捐到26000元建新校舍,因无地皮便拆除原有房屋重建,1894年新楼竣工,取名为“怀施堂”,这是教会大学建筑中最早出现的中西合璧式建筑,两层砖木结构,中式的歇山屋顶上铺传统的蝴蝶瓦,囗字形平面布局,墙身则是连续的西式圆拱外廊构图。最引人注目的是“怀施堂”的钟楼处理。以两个横向歇山顶教学楼夹住竖直的钟楼,体量组合关系更像是勉强拼接而成。钟楼采用了双层四角攒尖顶,檐角夸张地飞扬上翘。或许是“怀施堂”设计人对中国传统建筑的认识还停留在欧洲18世纪的“中国风”时期,将江南园林的亭廊造型视为中国传统建筑的特征。但在中国人看来总显得有点滑稽可笑,“瓜皮帽”的说法可能由此而生。至于何以选择这种建筑形式,可见以下文字:“关于建筑物之图样,已经在美国绘就,务将中国房屋之特质保存。如屋顶之四角,皆作曲线形。实由约大(圣约翰大学之简称)开其端,后此教会学校之校舍,皆仿行之,甚为美观。”[1](p.3)从此记载中可推断,“怀施堂”的设计是隔洋造车之作。圣约翰之所以要保存“中国房屋之特质”,其本意是表现本校历史的延续,却不曾料到做了一件中西建筑文化交汇的开创性尝试。事实上,在所有的教会大学中,圣约翰大学是以最强硬的姿态抗拒中国民族主义趋势的,实行的也是最彻底的基督化教育,甚至不惜付出学校分裂和停课的沉重代价。但中国教会大学本身就是充满着矛盾的历史产物,某些关键性人物也是极其复杂的。圣约翰大学校长卜舫济(F.L.H.Pott)是一个既顽固地坚持以基督教征服中国的信仰,同时又把毕生精力投身于中国教育事业的传教士,也不乏对中国的某种感情因素。在他的主持下,圣约翰大学的建筑一直注意留有中国传统建筑的痕迹,以此作为该校的建筑特色,用卜舫济的话是“外观略带华式”。纵观圣约翰大学的建筑演变过程,早期完全是中国民间的传统样式,后来的发展从“务将中国房屋之特质保存”到“参用中西建筑形式”再至“外观略带华式”,反映了中国近代“西学东渐”的一般过程。完全可以推断,如果教会大学建筑没有附加的某种文化意义和社会意义的因素,所谓中西建筑文化的交汇,是不会摆脱这一过程的基本程式的。 三 从义和团运动到1920年之间是教会大学相对平静的发展阶段。由于教会大学实际享有不平等条约的特权保护,也使其与中国社会或多或少有些脱节。不管是慑于19世纪末的教训还是出于纯粹的文化偏爱或其他什么原因,教会大学的建筑形式只是一种表面的姿态而已,只要能大致传达某种意义就够了,并不能反映教会大学与中国社会之间的实质性关系。换句话说,“在1920年前,教会大学的历史一般可以根据西方的材料来叙述,并可以被看作是基督教在中国的使命史的一个方面。”[2](p.194)1920年以后,教会大学的命运不得不与中国近代所发生的重大事件紧密联结在一起,迫使教会大学走上了主动寻求中西方文化结合之路。 20年代的序幕是以为标志揭开的,的反帝反封建旗帜,使教会大学处于非常不利的地位。反帝涉及到西方在华教会是理所当然的。传教士没有想到的是,由反传统儒教而起的反封建竟将教会大学也席卷进去。1922年的非基督教运动导致了两年后的“收回教育主权”运动,教会大学成为直接遭受抨击的主要目标,决定教会大学命运的已不是传教士的主观愿望,而是中国的政治局势了。五卅运动和北伐战争都使教会大学面临着能否继续生存的严峻问题。如果教会大学希望能在中国长期办下去,就必须作出相应的改革来顺应中国的时代潮流。为了迅速回应急剧发展的中国政治局势,美国基督教会于1922年5月在上海召开了“中国基督教大会”,决议倡导“本色教会运动”。大会发表的“教会的宣言”称:“我们对于西来的古传、仪式、组织,倘若不事批评,专做大体的抄袭,实在不利于中华基督教永久实在的建设。……务求一切都能辅导现在的教会,成为中国本色的教会。”[2](pp.323-324)何谓“中国本色教会”呢?正式的解释是:“一方面使中国信徒担负责任,一方面发扬东方固有的文明,使基督教消除洋教的丑号。”(注:诚静怡:《协进会对于教会之贡献》,转引自顾长声:《传教士与近代中国》,上海人民出版社1980年版,第324页。诚静怡,中国籍基督徒,1922年当选为“中华全国基督教协会”总干事,该团体是外国教会在华各差会的协调机构。)基督教“本色运动”落实到教会大学的具体措施,首先就是在力所能及的范围内明确地表明其实行“中国化”的基本态度,及时地调整教会大学与中国社会之间的关系。因此,建筑样式的问题再一次被用作表述这种附加新意义的手段。所谓“发扬东方固有的文明”之基本导向,对建筑样式的表述方式起到了决定性的作用。自此之后,教会大学建筑出现了明显的复古主义倾向,中国传统建筑形式几乎毫无例外地指向了宫殿式建筑,杂芜多样的地方特色逐渐消失,组合手法趋向于程式化和标准化,建筑风格基本定型了、纯正了,也更加优美了,只是趣味性似乎降低了许多。从这种意义来讲,20年代以后的中国教会大学建筑形态进入了成熟阶段,能够对中国近代建筑发展产生较深远影响的作品也多半是这一时期设计完成的。 一般来说,在建筑技术和材料没有重大突破之前,建筑学领域的创新方式与其他艺术领域有所不同,所谓特定样式不可能因主观臆想而出现,而是通过对原已存在的建筑风格进行修改,甚至是对原有的某些手法进行模仿来达到的,因此,重组和异化是建筑实践创新方式的主要途径之一,这也是建筑理论研究之所以特别注重文脉的原因。教会大学建筑的中西合璧式样就是通过同一形式或同一构成方式的大量工程实践作品体现出来的。教会大学在建校前后,大都购置了土地,新建了校舍。在校舍建设中,采用中西合璧式样的教会大学有12所,它们分别是:北京的燕京大学和辅仁大学,上海的圣约翰大学,南京的金陵大学和金陵女子文理学院,成都的华西协和大学,武昌的华中大学,广州的岭南大学,福州协和大学,华南女子文理学院,长沙的湘雅医学院,济南的齐鲁大学,另外还有原属教会的北京协和医学院。这些教会大学的校舍建设首先倡导了中西合璧式建筑新式样,拉开了中国传统建筑艺术复兴的序幕。譬如:在上海,圣约翰大学的怀施堂和科学馆,几乎与上海外滩租界建设同期进行,建筑的规模也相当。在华中,湘雅医学院的建筑群当时被誉为华中地区最摩登最适宜的。在华东,金陵大学的北大楼宏伟而古雅,成为当时南京最高的建筑之一。在华西,华西协和大学建筑群毫无疑问是成都近代建筑中最优秀的代表作品。在华南,岭南大学的马丁堂是中国第一幢钢筋混凝土结构建筑,在中国近现代建筑史中具有特殊的影响和地位。在华北,辅仁大学主楼曾号称当时北平的三大建筑之一。至于燕京大学和金陵女子文理学院的典雅校舍和优美环境更是全国闻名。由此来看,教会大学建筑的中西合璧式样特色反映在足以产生较大影响的一批建筑物上,尽管它们在工程实践过程中的细部处理手法方面还有某些差别。 这些中西合璧式样建筑的设计者是一批受过欧美完整建筑教育的职业建筑师,他们接受的是当时欧美盛行的古典折衷主义的严格训练。作为工程技术人员,他们未必有传教士那种欲使“中华归主”的宗教热忱,也没有传教士那种对中国传统文化的主观认知,他们也很少有长期在中国生活的体验,开始时也谈不上对中国建筑文化有什么特别的爱好或偏见,这就决定了设计者只可能以建筑功能和建筑艺术为其设计的根本目的,出于建筑师的职业习惯,他们依据的是以下三点:(1)业主(传教士,教会大学创办人)对建筑式样选择的建筑理念;(2)业主提出的建筑基本功能要求和建筑设施的标准;(3)当时所能利用的建筑材料和施工技术。 当西方建筑师开始接触到中国古典建筑时,可以想象,他们面对这种截然不同的建筑体系和建筑造型该有多么惊讶和困惑;同时也很难想象,他们能在短时期内就产生对中国古典建筑艺术的兴趣。因此,他们很习惯地将自己业已熟悉的建筑语言和设计方法与业主所特别要求的建筑理念结合起来,他们所能做到的也只是通过建筑实践来表述一种社会现象。从某种意义来说,建筑对现实社会的反应并不敏锐,却能够忠实地记录着现实社会的历史、文化、经济、科技的演变过程,建筑师是相对客观的执笔人,虽无意也无能力倡导某种时代潮流或社会时尚,但其建筑实践的设计作品却可以折射出整个社会的发展趋向,反映出现实社会的时代局限性。 四 教会大学在时机上顺应了中国人引入西学的大趋势,同样,教会大学在大规模筹划和兴建过程中,正值基督教的“本色运动”和天主教“中国化”计划的实施展开之时,许多传教士加深了对中国传统文化的认识,从而推动了在华西方教会的世俗化、本土化,为促进中西文化的正常交流起到了积极作用。仅从建筑学方面来看,教会大学的中西合璧样式实际上还反映了社会文化背景与建筑理念形成的一种内在逻辑关系。 对传教士的传教目的理应谴责,但对从事某些社会公共服务事业的传教士活动则应具体分析。有些传教士的在华工作生活经历,培养了他们热爱东方艺术的感情,从而促使他们能够较客观地理解中西文化的差异,持有较公允的建筑艺术评判标准,并为中西建筑文化的结合作出一定的贡献。为了说服教会上层接受这种新的评判标准,他们不仅特意强调了中国古典建筑在中国传统文化构成中的重要地位,而且还将其与教会的“本土化”和“世俗化”的传教策略联系起来,刚恒毅就是其中的代表人物之一。1922年8月9日,教皇庇护十一世(Pius.X.D)委派刚恒毅枢机主教(MostRevConstartini)担任第一任教廷驻华使节。刚恒毅在职的8年期间,将自己的传教事业与中国古典建筑艺术结合起来,并明确表述了自己的建筑理念。1923年,他到任不久就致函教皇,对西方教会过于热衷在华修建哥特式教堂提出批评:“一、西方艺术用在中国是一个错误。二、保留外来建筑风格无异使人们视天主教为舶来品的误会一直存在。三、实际上,教会的传统告诉我们,应当采用当时当地的艺术。四、采用中国艺术不但可能,且是多彩多姿。”[3](P.12)他认为:“每一民族都有她特殊而定型的特质,并且这些特质藉着她历史性的建树,通过民间与社会的艺术品,可以充分表现出来,各种不同艺术特征都是基于文化、习俗、兴趣、历史与宗教的史绩、建筑用材、气候、地势等等不同因素。将欧洲的形式,无论是罗马式或哥特式,加诸中国均属错误。”并由此得出一个结论:“对一民族极具象征性价值的宗教建筑方面,何不最好也来一套‘中国装’呢?”[3](pp.21-22)这一观点得到了许多传教士的赞同和支持,来自比利时的传教士艺术家格里森(DomAdelbertGresnigtO.S.B)写道:“一个不容置疑的事实是:中国建筑是中国人思想感情的具体表现方式,寄托了他们的愿望,包含着他们民族的历史和传统。与其他民族的文化一样,中国人也在他们的艺术中表现出本民族的特征和理想,中国建筑在反映中国民族精神的特征和创造力方面并不亚于他们的文学成就,这是显示中国民族精神的一种无声语言。”[4]在对中国古典建筑进行一番考察之后,格里森提出:“对于中国人来说,一种外来的建筑形式是无意义和令人诧异的。所以,试图取代中国传统建筑的传教方式是行不通的,我们为什么不能采用更有效率的传教方法,将教会的教堂修造成符合中国民族精神的建筑形式呢?无论从逻辑上或感觉上,这样做都是可以接受的,并使我们有可能借助建筑形式来表达对中国民族文化的敬意和欣赏。”[4] 何谓“中国装”或“符合中国民族精神的建筑形式”?传教士们用一句话来概括这一建筑理念:“既不是中国式的也不是西方式的。”[4]刚恒毅认为,西方建筑师完全模仿中国式的塔或建筑的外部形式并不成问题,比较困难的是掌握中国建筑的结构体系和装饰手法,但更为重要的是如何领悟中国建筑的精神,并将这种悟性运用到这套“中国装”的裁剪中去。从建筑学的角度来说,刚恒毅还是一个具有较高建筑艺术修养的传教士,他反对盲目照搬中国古典建筑形式并指出:“吾人当钻研中国建筑术的精髓,使之天主教化,而产生新面目,绝不是抄袭庙宇的形式或拼凑些不伦不类的中国元素而已,乃是要学习中国建筑与美术的精华,用以表现天主教的思想。”[3](pp.23-24)格里森对此进一步解释说:“所有的建筑形式都无一例外地存在着互相适应问题,但决不能提倡机械模仿现有的庙宇和塔的形式。在华教会采用糅合中国建筑形式的最终目的,是想以这种与众不同的建筑形态来反映真正的中国精神,充分表现出中国建筑美学观念,为创造性地解决这一问题提供更广阔的前景。”[4]如果除去其中的宗教狂热,我们可以惊讶地发现,上述观点与中国建筑理论界的有关中国传统古典建筑的创新和继承问题的共识并无质的差别。 1925年,庇护十一世捐赠10万里拉供辅仁大学改制之用,这一机会使刚恒毅有可能将自己的建筑理念付诸实践。1929年,辅仁大学在北京购得兴建校舍的用地,刚恒毅特意聘请了格里森担任辅仁大学新校舍的建筑师。辅仁大学校方按照刚恒毅的建筑理念提出了对未来新校舍的设想:“建筑方案应体现天主教的‘大公精神’,做到新旧融合,宜采用中国传统建筑形式并使其适应现代学校的功能要求。”[5]在施工奠基仪式上,刚恒毅应邀发表了有关辅仁大学建设方针的演说词:“辅仁大学整个建筑采用中国古典艺术式,象征着对中国文化的尊重和信仰,我们很悲痛地看到中国举世无双的古老艺术倒塌、拆毁或弃而不修,我们要在新文化运动中保留着中国古老的文化艺术,但此建筑的形式不是一座无生气的复制品,而是象征着中国文化复兴与时代之需要。”[6](p.40)这段演说词清楚地表明:教会大学建筑形态构成并不是出于对某种建筑风格的形象特征的偏爱来考虑的,其设计思想是由广义的社会效应和文化内涵所决定的。 五 关于教会大学建筑理念和建筑实践的文化意义,似乎在美国基督教“本色化”运动中表达得更为清晰可见,其建筑作品也更多一些。第一次世界大战期间,美国教会利用战争的机会迅速扩展了在华的教育事业,从1914-1918年之间,在华新设立的教会学校有百分之七十都是美国基督教会开办的。[2](pp.247,210)由于教会大学在中国近代教育中的特殊地位和学术水平,从国外和国内都争取到了新校舍的建筑经费,教会大学有能力进行较大规模的建设活动,从而促使中国古典建筑复兴进入到新的发展阶段。 1921年9月,美国基督教会组织了“中华教育调查团”,该团在华访问了36个城市和500多所各级学校之后,正式表明了教会学校的建校方针,即“教会学校必须尽快地去掉它们的洋气,……在性质上彻底基督化,在气氛上彻底中国化。把效率提到一个新的高度,就可以提供服务,而如果缺少这些特征,那就将一事无成。”[2](p.349)所谓造就“气氛上彻底中国化”和教会大学的形象“特征”,其主要手段就是将西方的工程技术和理性主义的设计手法与中国传统古典建筑形式相融合,是一种西方人所理解的“中体西用”,也是中西建筑文化双向流动的有益尝试。 北京协和医学院是教会大学建筑出现复古主义倾向的早期实例,也是传教士的建筑理念与建筑师的审美意识达到默契配合的实践作品,其主要建筑竣工于1921-1925年间,由美国洛克菲勒基金会资助,沙特克与赫西(ShattuckandHussey)建筑师事务所负责设计。当时确定的设计原则是“尽可能在外貌上采用中国形式,以使建筑得以和北京之建筑古迹相互彰显和谐。”(注:J.D.Rockfeller,ResponsefortheReckfellerFoundation,p.14,转引自傅朝卿:《传教主义与中国古典式样新建筑》,(台北)《建筑师》1992年第12期。)北京协和医学院建筑分为教学区和医疗区,建筑高度不超过三层,用汉白玉栏杆回廊连结,围成半封闭的院落布局,建筑质量达到了当时的最高标准,外部造型以故宫太和殿为其模仿原型,优美舒展的凹曲线屋面上,各种瓦饰也仿造得相当标准,加之平直的檐口,微微起翘的檐角,绿琉璃筒瓦,可以说是一个纯净的中式大屋顶型制。围成院落的建筑群全部坐落在汉白玉的台基上,栏杆、扶手以及台阶等建筑细部也是中国古典式的。可以看出,设计者确实是在非常认真地捕捉中国古代宫殿式建筑的外部特征,但在建筑处理手法上有点力不从心,中式的屋顶和台基与西式的墙身及开窗方式这两者之间缺乏一种中介过渡因素,而且建筑整体比例与中国古典建筑相差甚远。但总体来看,北京协和医学院建筑的体量集聚,屋顶庞大,复古主义的倾向非常突出。 在1921年的北京协和医学院落成典礼上,小洛克菲勒(JohnD.Rockfeller)代表洛克菲勒基金会致词,他进一步阐述了采用这种复古主义建筑形式的原因:“在绘制医学院诸建筑及医院时,于室内是必须要遵循西方设计和安排以便满足现代科学医学职业之要求。然而在这同时,我们也尽其可能在不增加花费之下,审慎地寻求室内机能性与中国建筑外貌之美丽线条及装饰,特别是其高度、屋顶和装饰相结合。我们之所以如此做,是想让使用如此设计建造之建筑的中国老百姓得以一种宾至如归之感觉,……并且也是我们对中国建筑之最好部分欣赏之最诚挚表现。”(注:J.D.Rockfeller,ResponsefortheReckfellerFoundation,p.14,转引自傅朝卿:《传教主义与中国古典式样新建筑》,(台北)《建筑师》1992年第12期。)更明确地说,沙特克和赫西的设计是西方式的内部功能和中国式外部造型的混合体。可是这一混合体太过于注重外部的模仿复制,刻意复古就不可能摆脱古典程式的衡量标准,反而把人们的注意力引入了“像”或者“不像”这类最直观的问题之争论中,并因此招致了更多的批评,颇有点适得其反的效果。其实,如果抛开某种固定的模式来客观地评价,在20年代初期能达到如此水平已是很不容易的事情了,其中也不乏主动进行中西建筑文化交流的积极意义。北京协和医学院建筑是教会大学对中国新形势的对策和反应的具体表现形式,虽然有其不成功之处,仍可视为中西合璧建筑样式转向复古主义倾向的标志性作品。 教会大学建筑在兴盛期的复古主义倾向的代表人物是美国建筑师墨菲·亨利·基拉姆(MurphyHenryKillam)。墨菲1877年出生,1899年毕业于美国耶鲁大学,1908年开办建筑事务所,1914年起开始在中国活动,1928年以后出任国民政府的建筑顾问并主持完成了首都南京规划的制定工作。到中国来寻求事业的发展无疑是墨菲的一个极为重要的抉择。20年代以前的中国尚无独立开业的本国建筑师,西方列强的经济掠夺又刺激了中国建筑业的局部繁荣,给西方建筑师提供了一个施展才能的大舞台。墨菲抓住机遇,及时地将设计重点从西方式的殖民地风格转向探索中西方建筑文化的结合方面,通过对中国传统建筑的潜心研究和不断实践,加深了对中国传统建筑文化的理解和认识,设计了一批质量较高的中西合璧式建筑,墨菲也因此在中国取得了超出其他西方建筑师的成功和地位。 据现有资料所知,墨菲在中国的第一个作品是1914年的清华学校扩建工程。他制定了清华第一个校园总体规划,并主持扩建了清华学堂(东部),设计了被誉为“清华园”四大建筑的大礼堂、科学馆、图书馆(东部)和体育馆(前部)。清华校园的总体规划和主体建筑都沿用了美国大学建筑的模式,属于欧洲古典折衷主义的作品,可见,墨菲在中国的早期活动和大多数来华的西方建筑师并无区别。墨菲不是中西建筑文化交流的最早尝试者。此时已有司斐罗(A.G.Small)的金陵大学北大楼及东大楼,荣杜易(Fred.Rowntree)的华西协和大学的怀德堂以及合德堂、万德堂等,柯林斯(A.S.Collins)的岭南大学马丁堂以及格兰堂、怀士堂等,佚名建筑师的圣约翰大学的怀施堂、科学馆,可能还有济南齐鲁大学的某些建筑。此时,赫西(Hussey)的北京协和医学院建造也已进行。但清华学校的设计任务使墨菲得到了一次很好的机会,使之能有较长时间在北京亲自观摩和研究中国传统建筑精粹所在的皇家宫殿。这一经历无疑增加了墨菲对中国传统建筑的艺术造诣和审美偏爱。自1920年后,他先后主持设计了福建协和大学(1920年后),长沙湘雅医学院(1920年后),金陵女子文理学院(1921-1923年),燕京大学(1921-1926年),岭南大学惺亭、陆佑堂、哲生堂(1930年后),南京灵谷寺(国民革命军阵亡将士纪念塔、堂,1929-1930年),北京图书馆(1931年)等建筑。墨菲的这批建筑作品不但在数量上十分浩大,而且主要集中在北京、南京、广州等大都市,且大都是比较重要的建筑物,其本身具有较高的社会文化和政治地位,有利于形成广泛的影响力。尤其是当墨菲被聘任主持首都规划的制定工作时,他所倡导的这种教会大学建筑的复古主义倾向已被当时的国民政府赋予了明确的政治意蕴和民族精神之含义,远远超出了教会大学建筑形态的范围。 在有关的建筑理论研究中,对墨菲的作品一向评价颇高。且抛开其中包含的政治文化意义,仅从建筑设计而言,墨菲的设计是在中国人可以接受的意义上带有更多的西方建筑特色,反之在西方人可以接受的意义上带有更多的中国古典建筑特色。以往的西方建筑师多将中式屋顶和西式墙身生硬拼接,缺乏必要的过渡,看起来就像戴上了一顶不适宜的帽子。墨菲的高明之处不在屋顶的处理,而是将中国传统建筑的韵味渗入到西式墙身。或许他是第一位能理解斗拱在中国木结构建筑艺术造型中魅力的西方建筑师。如果墙身没有中国传统建筑的额枋和红柱,斗拱的造型将失去构图的意义。换句话说,墨菲以斗拱作为中介,将其他中国古典元素糅合进西式墙身。墨菲是在长期的实践中加深对中国传统建筑认识的。他的早期作品中也曾出现结构与装饰不相吻合的瑕疵,而其后期的设计就熟练得多了,很少能挑出大的毛病,但也带来一个不可忽视的弊端,即:墨菲以众多有影响的建筑作品给中西建筑文化交流提供了一个形式主义的模式,最后连自己也陷入了无节制地盲目复古的误区之中。在他主持下完成的南京首都规划,连江轮和街灯都盖上了中国古典式的大屋顶。30年代国民政府所倡导的“中国固有形式”建筑活动,虽有其深刻的民族主义时代背景,但如果仅以建筑设计手法而言,则明显可以看出墨菲的影响。 燕京大学是教会大学中西合璧样式建筑的最高艺术典范。1920年,燕京大学选定了北京市郊的海淀淑春园作为新校址。第一任校长司徒雷登(StuartJohnLeighton)就任后,确定了燕京大学的办学方式:“我要使燕京大学在气氛和影响上彻底的基督化,而同时甚至又要不使人看出它是传教运动的一部分。”[7](p.66)为此,司徒雷登提出建校的四项目标,其中第三项就明确了新校园建设的建筑理念:“要使燕大既有一个中国式的环境,同时又具有国际性,能促进国际间的相互了解,这是培养具有爱国主义升华的世界公民唯一切实的保证。”[7](p.66)为了创造这种“中国式的环境”,司徒雷登特意聘请墨菲来主持校园规划和建筑设计。专业建筑师的参与使得这一种建筑理念能够很好地贯穿于建筑实践的过程之中,其建筑形态的外部特征也更加明显和突出。在燕京大学的建造之初,司徒雷登提出了新校舍建筑形式的设想,要尽量在学校建筑方面中国化,要采用宫殿式样的教学大楼,庙宇式样的学校大门,校园里要点缀一些华表、石狮之类的中国传统建筑装饰品。在这一指导思想之下,燕京大学陆续建造了88幢建筑,总建筑面积达2.5万平方米,再加上当时中国最漂亮的校园,燕京大学被视为中国传统建筑艺术复兴的典范作品之一。“1926年,燕大迁到北京城外新校址,并结合西方的建筑技术与中国的建筑装饰,建造了中国最漂亮的大学校园。燕园的实力最强,规模最大,资金最为雄厚,它很快就成为中国教会大学中的佼佼者。”[8](p.108)在中国教会大学或国立、私立大学中,燕京大学的建筑群堪称规模最大、质量最高、整体性最完美的校园建设工程。司徒雷登在回忆录中很得意地说到:“燕大新校址完成后,很多年来,凡是来参观的人,都夸赞燕园是世界上最美丽的校园。因为他们异口同声地说,后来我们自己也几乎相信了。”[7] 墨菲担任燕京大学校园建设的总建筑师,在燕大校史中有这样的记载:“新校址建筑师是亨利麦斐(Henry.K.Murphy),他对于中国宫殿亭园极为欣赏,所以他的建筑设计都采用这种形式,而另外加以新式设备,更切实用。他在福州、南京已有建筑校舍的经验,为燕大建筑,凭以往经验,更加以多方面的改进。”[9](p.66)在司徒雷登的要求下,墨菲最初的设计就采用了复古主义式样。由于建筑数量多,墨菲乃将中国宫殿型制的各种式样和装饰手法加以灵活运用。1926年,燕京大学建成迁校,司徒雷登在落成仪式上说:“最初我们就决心把中国建筑应用到建造校舍上,房屋的外表具有优美的曲线和辉煌的色彩,而主要的建筑全部用钢骨水泥,兼有现代电灯、暖气及自来水设备。因此,这些房子本身就象征着我们的教育宗旨是要保全中国固有的文明中最有价值的一切,并以此作为中国文化和现代知识精华的象征。”(注:转引自董鼎主编:《私立燕京大学》,台湾南京出版有限公司1982年版。) 从这段演说词中,我们还可以得到两点启示: (1)教会大学建筑形态是将当时先进的工业技术和中国传统建筑式样相结合,以此来作为传播某种文化观念的手段,其建筑构思的着眼点是意欲展现中国悠久的传统文化和西方现代科学的融合。因此,教会大学建筑形态必然会呈现出中西文化双向流动的特征。 (2)就校舍建筑本身而言,其主体结构及其他当时先进的配套设备,本可以依其功能采用多种其他形式来自由表现的,只是由于教会大学的特殊的社会历史背景和特有的文化象征作用,才使得教会大学建筑形态转换成一种特定的建筑语言。因此,中国传统古典建筑复兴的形式与功能相脱离的特点,也是源自教会大学的办学方针,只有从中西文化交流的角度来考察,才能客观地认识其中包含的积极意义,如果仅仅从民族感情或单纯的工程技术标准来评判,其看法自然偏颇。 燕京大学建筑现已被列为北京重点文物保护单位,其保护理由为:“整组建筑采用中国传统建筑布局,结合原有山形水系,注重空间围合及轴线对应关系,格局完整,区划分明,建筑造型比例严谨,尺度合宜,工艺精致,是中国近代建筑中传统形式和现代功能相结合的一项重要创作,具有很高的环境艺术价值。”[10](p.229) 六 在华传教士们寻求中西合璧建筑形式的设想,在时机上恰逢西方建筑界盛行折衷主义思潮之际,摹仿或糅合各种不同时代的历史风格,甚至于不同国家或地区的建筑形式,都是时髦的设计手法。很难说建筑师在教会大学建筑形态的起因方面有过什么促进作用,不难推断,西方建筑师了解到传教士的设想之后,他们首先想到的就是中国古典建筑那造型丰富而又奇特的屋顶。日本建筑师伊东忠太曾评论说:“屋顶为中国建筑最重要之部分,故中国人对于屋顶之处理方法非常注意,第一欲使有大面积大容积之屋顶不陷于平板单调,宜极力装饰。……中国人对屋顶之装饰,煞费苦心,全世界殆无伦比。”[11](pp.8-9)格里森还以浪漫的笔调形容道:“屋顶是中国建筑艺术的最高境界,优美曲线的屋面就像精心编织的巨大华盖,……柔和曲线是中国式屋顶最独特的表现方式之一,许多重要建筑的屋顶构成就如同专业音乐家演奏的动听乐章一样,……柔和的曲线,宏伟的尺度,和谐的比例,都足以使人们领受到那种庄重和高贵的屋顶造型所具有的极强的艺术感染力。”[4]然而,西方建筑师对中国古典建筑外部形象的捕捉,仅仅是力求达到一种总体艺术效果的相似性目的而已,他们无法也无意去探求中国古典建筑的内涵。西方建筑师面临的问题是:中国古典建筑和西方建筑分属于完全不同的两种文化范畴,从建筑手法、建筑材料到审美情趣都差之千里,要运用建筑学的方式将其糅合起来绝非易事,还得取决于建筑师对两种异质文化的理解深度和自身建筑素养的水准了。 19世纪后期,传教士在中国修建教堂时,鉴于历次教案的教训,有的传教士也曾尝试过在教会所属的建筑中添加中国色彩,但很少是专业建筑师所为,而且这些零星的尝试为数甚少,规模太小,还不足以产生什么影响力。20年代的教会大学建筑则不然,其建筑规模之大,建筑数量之多,建筑功能之繁,建筑质量之高,建筑形式之新,建筑设备之良,建筑材料之异,建筑环境之美,都在当时中国社会形成了巨大而广泛的影响。更为重要的是,教会大学建筑是在一批欣赏中国文化并具有一定地位的传教士和一批建筑专业技术人员相结合的情况下完成的,从创建之始就处于一个较高水平的建筑层次上。 如同勉强发起的教会学校最终发展成高等学府一样,教会大学建筑也在建筑师的努力实践中最终演进成延绵至今的一种建筑风格和建筑形态,成为中西建筑文化交汇的历史产物。以建筑表现某一文化思潮或某一时代风尚,在西方似乎已成惯例,而在中国则意义非同寻常,因此,笔者认为,教会大学建筑将西方建筑文化观念引入了中国并成功地进行了实践,是中西文化双向流动的典型范例,也是中国近现代建筑史的关键点。 还需要强调的是,教会大学建筑是探索中国民族形式建筑风格的起点而非终点,也是近代中西建筑文化交流的开端而非终结。试图融合两种异质建筑文化的趋向至今仍在中国延续着、进行着,所谓“教会大学建筑”不过是这一趋向起始时期的代名词而已。 西方传教士在特殊的历史地位和环境条件下,首先倡导了中西合璧式建筑新式样,拉开了中国传统建筑艺术复兴的序幕。20年代之后,由于中国民族意识逐渐觉醒,这种建筑新式样又被视为弘扬和继承中国传统文化的表象参照物,广泛地运用在政府行政办公建筑和其他公共建筑的外部造型之中。如吕彦直设计的中山纪念堂和中山陵、范文照和赵深设计的国民政府铁道部、徐敬直设计的中央博物馆、杨廷宝设计的中央医院、赵深设计的国民政府外交部等一大批有重要社会影响的中西合璧式的优秀作品,不但表明了这种建筑式样已远远超出了教会大学建筑的应用范畴,从而被视为中国建筑艺术复兴的象征[12](p.354),而且也表明中国本土的建筑师已取代了外国建筑师,成为探索中国民族形式建筑风格的主要设计者。如今,这种建筑新式样在几代中国建筑师的不断努力下,已经成为一种具有特殊意义的现代建筑形式而得到了整个社会的认同,但教会大学建筑的社会存在价值和文化交流意义以及在中国建筑近代化过程中的历史作用,却在有意或无意中被漠视和淡化了。 随着时代的进步和发展,中外文化交往活动越来越频繁,有关中西文化交流的研究课题也得到国内外学术界的普遍关注。中国教会大学建筑形态及其后来的演变结果是中西文化双向流动的特殊案例和有形史料,考察和研究中国教会大学建筑形态,可以更充分地认识和理解中西文化交汇的特点和建筑文化内涵,从而促进中西文化交流进入到一个更高的层次。 传统艺术论文:传统木雕花板艺术论文 摘要:传统木雕花板的图案有着丰富的内涵,处处渗透着中国传统文化精神。木雕艺术通过不同的题材形式和装饰手法寄寓人们对美好生活的向往。木雕花板的题材内容体现了民间美术的共性,渗透着中国传统文化蕴含的思维方式、价值观念、行为准则,成为中国传统文化的重要组成部分。作为传承中国传统文化重要艺术手段之一的中国木雕艺术,应该随着社会的发展,创作出具有时代感的木雕装饰纹样,以充实、丰富木雕艺术的装饰题材,宣扬和传承中华民族的思想和文化。 关键词:木雕花板传统文化内容题材 在中华民族光辉璀璨的文明史上,木雕工艺是历史悠久的具有代表性的中国传统民间艺术形式之一。中华民族的木雕艺术具有丰厚的传统和鲜明的民族特色,可谓雕工精湛、主题鲜明,使人看了惊叹不已,赞不绝口。木雕工艺作为我国传统艺术的一绝,早已享誉海内外。 传统木雕花板的图案有着丰富的内涵,处处渗透着中国传统文化。自古以来人们通过这些雕刻图案表达对美满婚姻、子孙繁衍、健康长寿、生活幸福、万事如意的祝愿和希冀。 传统木雕花板作为一种民族文化的表现形式,体现出中国人民特有的文化精神与审美趣味,体现出中华民族追求至善、至美、至真的精神。内容既有反映中华民族道德进步思想,又有一定历史、阶级和社会局限的道德旧识。传统支配人们的习惯,决定人们的思维方式,体现在一个民族观念和行为的方方面面。千百年来,中国传统的道德观已经深深融入中国民众的思想观念和日常生活,成为传统文化的精华部分,是中华民族大家庭共存共荣的凝聚剂和内聚力。传统木雕艺术再现生活的本质,以艺术形象和艺术感染力来展示中华民族的传统美德,使人们在艺术享受中感受到警醒和陶冶,同时又能感受到古文化的魅力。 一、传统的木雕花板 传统木雕花板是生长在我国封建社会的艺术样式,被广泛应用在建筑和家具制造中,俗称木雕花板。传统的建筑雕刻装饰,重视牢固与美学协调统一,在选择材料,确定内容,进行构图时,都立足于从装饰角度来确定题材,形成了独具特色的中国传统风格,体现出中式家居风范与传统文化的审美意蕴。其艺术特色和美学意蕴根植于传统文化和审美习惯之中。 木雕花板用在装饰上的范围较为广泛,主要包括门窗、裙板、雀替、挂落、梁坊、门楣、隔扇、门罩、窗栏,以及床榻的门罩及檐板、橱柜的面板、案桌的牙板、椅凳的靠背与扶栏、盒匣饰件等。 二、木雕花板题材、内容与文化内涵 (一)木雕花板的雕刻题材 木雕艺人在不同历史时期留下的木雕作品,蕴含着特定的历史信息,题材丰富、异彩纷呈。传统木雕图案装饰题材大多是民间生活的内容,一般有吉祥图案、戏曲人物和传说故事、山水花鸟、俗民风情等几大类。根据不同用途,雕刻的题材也不同,主要以体现中华民族传统美德为主,如仁爱孝悌,谦和好礼,诚信知报,精忠爱国,克己奉公,修己慎独,见利思义,勤俭廉正,笃实宽厚,勇毅力行等。木雕艺人把这些道德观、价值观、人生观融入木雕形象,使得木雕艺术成为传承并展现中华民族传统文化的艺术手段之一。 (二)木雕花板题材内容与文化内涵 1.吉祥图案寓意美好愿望,提倡传统美德 中华民族在长期的社会实践中,形成了极为丰富的伦理道德文化,因此木雕艺术通过不同的题材形式和装饰手法寄寓人们对美好生活的向往,推崇仁爱、和睦、宽容,倡导尊老爱幼、孝敬父母的思想品德,来弘扬传统伦理道德文化。木雕艺人利用汉字多同音字相谐的特点,巧妙地表现这方面的题材。如在我国明清时代,非常喜欢用蝙蝠形象,因为“蝠”同“福”音,所以“五蝠捧寿”的图案较为流行。在这个图案设计中,家具花板的四周各雕一只精美蝙蝠,中间雕一只大蝙蝠,口衔寿字,象征福寿安康。又如在传统的寓意图案中常在画面上雕有一花瓶,花瓶里插一根“如意”,以花瓶的“瓶”字代平安的“平”字,加之“如意”,谐心情如意,总称为“平安如意”。再如用一大串葡萄为主题图案,这是因为葡萄枝既为棵也为本,葡萄粒又多得以万字才能概括,葡萄“粒”与“利”还谐音,总之含义为一本万利。此主题多见于商家,意喻生意兴隆红如火,财源滚滚涌不尽。另外,用动物图案如鹿、鱼、鹊等来寄予对美好生活的向往,如“鹿”与“禄”谐音,可寓厚禄;“鱼”与“余”谐音,可寓“年年有余”;“喜鹊”则寓意“喜事登门”或“喜事连”(莲)等。 传统木雕中还多用“梅、兰、竹、菊”“岁寒三友”等图案作隐喻,即用生物的某些生态特征,赞颂崇高的情操和品行。用竹是因竹有“节”,寓意人应有“气节”,用梅、用松、是因梅、松耐寒,寓意人应具备不畏强暴、不怕困难的品格。在书房内挂上“必定如意”“平升三节”“马上封侯”等花板,再配上几幅赏心悦目的中国字画,既寄托文人雅士对前程的祈愿又体现出读书人的书卷气息。木雕朴实厚重而且锋芒不露的风格,很符合文人儒士讲究的中庸之道。 “孝道”在中国传统伦理道德观中具有相当高的位置,古人云:“不孝有三,无后为大。”(《孟子·离娄上》)最大的不孝是使家族断了香火。因此,多子多福、儿孙满堂,一直是几千年来中国人的传统家庭道德观。因此在传统及木雕图案中,龙、凤这一类神奇的动物形象,常常是人们所喜闻乐见的装饰题材。如徽州乡村人在结婚时,按照当地传统习俗,喜欢选用精工细琢制造的“花床”、衣橱等作陪嫁,来点缀他们的洞房花烛夜。作为家具的点缀,图案以“龙凤呈祥”“麒麟送子”“百年好合”等较多,用“石榴”象征“多子多孙”,用“鸳鸯”象征“夫妻恩爱”,用“和合二仙”的故事(和合二仙主持着人世间的婚姻),来寓意着夫妻恩爱、白头偕老,寄托人们对终身大事的美好愿望。 吉祥图案既来自于生活,又高于生活,使人产生联想,激发人们心中的美好祈望,产生吉祥平安等联想。因此吉祥图案成为木雕艺术的主要创作内容。它不仅符合国人的审美习惯,也能给欣赏者提供较大的想象空间和悉心揣摩的余地。这些传统伦理道德渗透在现实生活之中,对人们的思想、行为起到不可忽视的重要作用。 2.以人物、山水、故事为题材,宣扬爱家乡、爱祖国、爱人民的优秀传统 爱国主义是对祖国的忠诚和热爱,是千百年来巩固起来的对自己祖国的一种最深厚的感情。自孔子、孟子以来就提倡“杀身成仁”“舍生取义”的献身精神,主张不为保存生命而放弃自己的原则和尊严。这种精神鼓舞了无数中华儿女在国家民族存亡之际慷慨捐躯,从容就义。爱国主义思想深深地扎根于中华民族的心理之中,它是强大精神力量的不竭源泉。很自然,爱国主义方面的题材也成为木雕艺术中的重要创作题材之一,如《苏武牧羊》《岳家将》《杨家将》《罗家将》等历史故事在木雕图案中屡见不鲜。这些爱国主义故事既反映了过去的历史,又激励人们奋发向上。 以山水为素材的木雕,也是体现爱国主义的一种表现形式。木雕艺人主要以山水名胜为直接或间接素材,来表现对祖国大好河山的深深依恋和衷心赞美。他们常把对充溢着俊美、灵秀之气的山川草木的直接感受,升华为一种庄重、深沉的感情,把对养育自己的故土和家园的眷恋一笔一笔地雕刻进自己的作品里。 木雕花板艺术中许多体现我们民族自强不息精神的神话故事,如“女娲补天”“精卫填海”“愚公移山”等寓言都再现了中华民族优秀传统文化的精髓,使人们在得到艺术熏陶的同时,更得到了精神上的鼓励。 木雕花板的题材内容体现了民间美术的共性,成为中国传统文化的重要组成部分,渗透着中国传统文化蕴含的思维方式、价值观念、行为准则,为我们开创新时代的文化提供了历史的根据和现实的基础。 结语 中国木雕艺术是一种传承中国传统文化的重要艺术手段,木雕花板不仅充满着浓郁的历史文化底蕴,还处处散发着山水诗画般的灵气。作为中华文化重要组成部分的一块块木雕艺术,遵循着相同的价值理念,既有对中国脊梁、英雄豪杰的礼赞,也有对封建道德的吹捧和皈依。我们在品味木雕艺术的同时,应该发扬中华文化的精华,扬弃其糟粕。 中国传统文化,是不断变化的。同样,除对木雕工艺装饰题材的挖掘、整理、借鉴、继承和宣扬外,还要同其他艺术一样,不断地吸收外来民族文化的营养,不断改变,不断创新,在本民族文化传统的基础上,创作出具有时代感的木雕装饰纹样,以充实、丰富的木雕艺术的装饰题材,宣扬和传承中华民族的思想和文化。
美术欣赏教学论文:中学欣赏教学及美术教学论文 一、欣赏教学对于美术教学的意义 中学美术教学与其他科目教学不同,既要秉承学术上的科学性和严谨性,也要遵从艺术的发展形势,把握感性的情感表达与思想内涵。因此,中学美术教学要平衡好理性与感性之间的关系。欣赏教学是美术课程中的基础教学,在教学过程中要求学生用心感悟艺术品,体悟其中蕴含的情感以及内在的思想。因此,欣赏教学的开展可以有效激发学生的情感,使学生可以在理性教学的环境下形成感性思维,积极融入中学美术教育,有效强化美术教学的艺术特性。首先,在没有开展欣赏教学之前,学生与艺术作品之间缺乏有效的交流,学生难以用艺术欣赏的眼光品评艺术品,难以理解艺术品深层的含义。应用欣赏教学法后,教师带领学生共同鉴赏艺术品,并在此过程中,教授学生如何欣赏艺术品及艺术品欣赏的意义。通过这种教学,学生会对艺术品产生全新的认识,建立起与艺术品沟通的“桥梁”,通过自己的观察和体悟,感受艺术品的艺术魅力。这对于引导学生形成正确的审美观,以及学生人格方面的发展等,都具有积极的意义。其次,以往美术教师在进行课堂授课的过程中,与其他科目教学一样采取固有的教学方法,没有根据美术学科的特性采取有针对性的教学方法和教学手段,师生之间的交流存在隔阂,导致美术课堂教学质量不高。作为美术教学的重要组成部分,欣赏教学与固有的美术教学并不相同。美术教师带领学生欣赏艺术作品的整个过程,其本身就可以理解为师生之间的一次良性交流和互动。美术教师与学生在就艺术作品进行分析和讨论的过程中,自然拉近了彼此的关系,改善了课堂的教学氛围,提升了学生对教师的认可度,这为之后美术教学的开展奠定了良好的基础。同时,随着学生思想上的不断成熟,欣赏教学更有利于帮助学生进行思想的表达,让学生在与美术教师交流的过程中,表达自己的观点和看法,进而形成自己的审美观念和艺术底蕴。最后,通过对欣赏教学的研究,我们可以发现,欣赏教学并不仅仅是带领学生对美进行探寻,同时还涉及诸多方面的内容,从人文到思想,从艺术到哲学,都有所涵盖。因此,学生在接受欣赏教学的过程中,会在多个方面有所提高,对知识有了多维度的认识,拓宽了学生的知识面,同时也对学生的文化素养进行了有效的提升,并让学生在欣赏艺术品的过程中产生对自然的热爱和对生命的崇敬之情。这对于改善中学美术教学现状,弥补中学美术教学的不足都有着正面的作用。 二、优化中学美术教学中欣赏教学方法的有效途径 在对欣赏教学意义进行分析的过程中,我们意识到欣赏教学与美术教学有着不可分割的关系,在中学美术教学中开展欣赏教学可以让学生转变对美术教学的看法,积极投入美术学习,并在与教师的不断交流和互动中,得到自我提升。因此,中学美术教学必须在欣赏教学的支持下才能高效、顺利地开展,并在艺术性方面有所提高。欣赏教学对美术教学至关重要,但在实际的教学过程中往往没有发挥出应有的作用,使得中学美术教学的发展受到了限制。中学美术教师应积极解决欣赏教学中存在的问题,并对欣赏教学应用的教学方法进行优化,使欣赏教学的质量有所提升。具体来说,可以从以下几个方面对中学美术教学中的欣赏教学进行完善: 1.发挥引导作用,激发学生感知 以往的欣赏教学主要由教师带领学生对艺术品进行鉴赏,并使学生感知艺术品的魅力。因此,以往的欣赏教学忽视了学生的作用,这种陈述式的教学方法,一味向学生灌输审美思想和艺术构成方面的知识,并不能让学生真正产生对艺术作品的感悟,学生缺乏自己的想法,这与欣赏教学的教学宗旨相悖。因此,今后在欣赏教学的过程中,中学美术教师应摆正自己在欣赏教学中的位置,对学生进行有益的引导,而不是直接把自己的观点强加给学生。美术教师要注重引发学生的思考,让学生主动发表对艺术作品的看法。要想做到这一点,美术教师需要改变平铺直叙的讲授方法,要通过提问的方式让学生进行思考。如,在欣赏印象派画家莫奈的《日出》时,教师就可以让学生谈一谈对该画的理解,并就该画的艺术成就做出自己的评价。通过这样的方法,不仅可以让学生成为课堂的主体,同时也更容易帮助学生形成个性化的审美观念。 2.营造教学氛围,强化学生感悟 无论何种科目的教学,要想提升教学质量,关键在于使学生融入学习氛围,积极主动地进行学习。欣赏教学也不例外,美术教师要想真正发挥欣赏教学的作用,就要让学生在欣赏艺术作品的过程中,真正做到用心感受艺术作品,而不是肤浅地仅从外形、色彩等方面对艺术作品进行评判。首先,美术教师在进行欣赏教学的过程中可以适当进行教学氛围的营造,让学生置身于良好的氛围中,情不自禁地被艺术作品所吸引。如,教师在带领学生欣赏中国水墨画作品的过程中,可以在班级内播放一些传统的古筝乐曲,让学生在古朴优雅的氛围中欣赏水墨作品,有效强化学生的感悟能力。其次,要对艺术作品的创作背景进行深入挖掘,注重人文方面的教育,使学生的情感可以得到充分调动,让学生带着情感欣赏艺术作品,提升欣赏效果。 3.丰富教学手段,保障教学质量 欣赏教学以艺术作品欣赏为主,但现代中学的教育资源有限,不能为学生提供真正的艺术品,也没有足够的时间经常带学生去艺术馆、画廊等地进行参观。因此,多数欣赏教学都是借助教材图片或者一些大型图片教具,这使得艺术作品的真正魅力很难被展现出来。为了弥补这方面的不足,中学美术教师应借助现代先进的多媒体教学设备,丰富教学手段,通过大屏幕向学生播放艺术作品的图片或视频,让学生可以对艺术作品进行具体、全面、深入的了解。为了让学生了解艺术作品的创作背景,教师还可以为学生播放一些纪录片或者教学微课,使学生的学习热情可以被激发起来,真正实现欣赏课的教学意义。 三、结语 我国中学美术教学在一些地方存在不足,其中欣赏教学方面的问题尤为突出。因此,改革欣赏教学需要中学美术教师转变教学思想,活跃教学氛围,通过多种方式弥补欣赏教学的不足,促进学生综合素质的提高。 作者:王海明 来璐 单位:吉林师范大学美术学院 美术欣赏教学论文:美术欣赏课情景教学论文 一、美术欣赏课情景创设方法 (一)引导阶段 1.投其所好情景的创设一方面是为了更为全面真实地展现美术要素,另一方面是为了能够调动学生的学习兴趣,使学生自发地进入课堂教学中,因此情景的创设要考虑学生兴趣投其所好。美术欣赏课所创设的情景一方面要能够对学生具有足够的吸引力,能够激发学生强烈的探知欲望,使学生认为美术欣赏课不再枯燥,成为一种乐趣;另一方面还要紧密结合课程的内容,将课程内容与学生的基础知识结合起来,形成知识冲突与合理矛盾,勾起学生的学习欲望,达到情景教学的最终目的。此外,情景的创设还应该考虑到初中生的年龄特点,创设轻松、自由、公平、民主的情景,使学生在足够放松的情境下获得心理体验,以达到良好的教学效果。2.激发通感美术课不但要用到手和眼,还需要学生的各种感知器官来激发情感体验,全方位实现对美术的立体、多层次认知和理解。在实际的美术欣赏课上,教师要通过各种教学方法去激发学生视觉、听觉、触觉、味觉等感官,使学生调动整体感官去感受美术课。一般来说,要达到激发学生通感的效果,在情景创设时需要结合教学内容及教学环境,灵活地运用情感渲染方法,将情感的真实性放在首位,借助语言、实物、多媒体、实践活动等工具或手段,创设真正具备通感的美术欣赏课堂教学氛围。3.还原生活艺术源于生活,作为主要艺术形式之一的美术,其创作更是由生活的灵感而来,因此在进行美术欣赏课教学时,将美术还原于其本来真实的生活面目或背景是获得良好教学效果的思路之一。结合初中美术欣赏课的教学内容,巧妙创设情境,贴合学生的实际生活,将学生的生活与美术欣赏结合为一体,选取生活色彩鲜明的、具有典型意义的材料运用到情境创设中,这样能够快速、准确地将学生引入情境,引导学生在情境中体验美术与生活的关系,帮助他们在生活中获取美术资源。 (二)发展阶段 1.还原物境美术不仅仅是外在物态化的表现,更重要的是内在感悟的传达。将美术还原物态化的原貌是美术欣赏课情景创设课所借助的一种教学方法,通过对美术物态还原,向学生展示美术从物态到神态再到艺术的过程,展现美术从知识产生、发展到成型的过程。美术欣赏课情景创设可以借助学生生活或经历的真实生活,在自由的状态下让学生形成不同层次的理解和认知,培养学生的综合能力和稳定的素质。2.激发情境情景创设得当往往能够使人迅速进入状态并引发相应情感,因此在美术欣赏课的教学中,教师可以借助人类的这一特点,善于结合课程内容创造一些能够激发学生情感的情境,比如生活、习惯、经历等,让学生能够在这些细微的情感中产生情感变动,快速进入到美术欣赏课中。情境的激发可以借助多样化、丰富化的活动,比如组织学生观看感兴趣的动画、动漫,参观小型画展,参观中国历史展览等,这些都能激发学生的情感,进而激发学生美术欣赏课的兴趣。3.体味情境美术欣赏课的一个重要目的是培养学生的想象力,因为艺术的创造需要丰富的想象力来支撑,艺术作品需要丰富的想象力来填充。相对而言,想象力比知识更为重要,因为知识是有限的,而想象是无限的,想象力是推动社会进步的动力,是知识进化的源泉。初中阶段的学生是最富有想象力的群体之一,因此美术欣赏课的情景教学是学生从已有知识重新认知和学习,经过想象力的作用而形成新知识的过程。 (三)生成阶段 形成情感激发和情感冲动只是美术欣赏课情感教学的表层目标,这种借助情感教学而产生的情感冲动只能保留在表面,且时间短暂,无法深入内心,无法改换思维模式而使其得到拓展和升华,因此需要在教学过程中设置适当的教学阶段和方面使学生提升体验和结果。情感的生成和升华阶段,是通过多次阶梯性、层次性的情境设置来实现的,一般来说,在进行情境的引导、发展之后,学生已经进入一个整体提升的阶段,此时再次创设生产模式的情景,使学生获得整体情感升华,是整节课整体价值的提升。 二、结果分析 通过研究分析可知,在实际的美术欣赏课情境教学中,情景教学的程序一般包括课程标准分析、学情分析、教学目标确立、教学重点难点分析、教学准备、教学方法选择、设计意图确立、教学实施过程(引导、发展认知、作业、课后小结)等几个步骤。将这些作为一个整体,通过系统的学习,学生互评、自评、点评等教学评价,能够使学生更深层次认识美术欣赏,获得勇于创新的勇气,获得良好的教学效果,并最终培养综合素质和能力。 作者:丁惠霞单位:甘肃省张掖市甘州区沙井镇小河学校 美术欣赏教学论文:高校美术欣赏下的美术教学论文 一、美术欣赏应用与高校美术教学的重要作用 1.高校美术教学中应用美术欣赏可以培养大学生的审美能力 在高校美术课堂上进行美术欣赏,可以让学生直观感受美术的魅力,不但提升了学生的审美能力,还起到了陶冶情操的效果。不同的美术作品有不同的艺术表现,教师通过美术欣赏教学,让学生欣赏不同的美术作品,进而影响学生的情感世界。如欣赏《呐喊》美术作品,教师通过画面丰富的色彩,可以将学生带入作品的意境,甚至可以让学生直观地体会到画中那个双手痉挛的小人,发出大声的呐喊,感受到他内心的恐惧与孤独,甚至在脑海中会形成一幅动态的画面。 2.美术欣赏可以培养学生正确的审美意识和欣赏能力 在高校的美术教学中,教师利用美术欣赏的方式,可以让学生直观地对美术作品进行赏析。随着我国信息化技术的不断提高,利用计算机网络技术、通过多媒体就能让学生欣赏到古今中外、各式各样的美术作品。教师根据这些作品进行适当的引导,分析作品的创作背景、含义等,可以促使学生树立正确的审美意识,也提高了学生对美术作品的欣赏能力。 3.美术欣赏可以增强学生的美术想象能力以及美术创作能力 通过对美术作品的欣赏,再配合教师适当的讲解,学生可以了解作者生活的时代背景,也能更加清晰地了解美术作品的含义,这样就能有效地激发学生对美术的想象能力。学生结合自己生活、学习的状态,将情感都融入美术创作,激发了创作热情。学生利用美术基础技能,就能进行美术创作,这对我国美术事业发展也具有重大的意义。 二、我国高校美术欣赏课程教学中存在的问题 美术教学是高校教学中重要的组成部分,是应教学改革的需要以及社会对人才素质需要开展的,也是大学生综合素质全面发展的需要。美术欣赏是美术教学中的关键,发挥着巨大的作用,然而我国目前高校美术欣赏课程发展不太乐观,主要体现在以下几个方面:第一,部分学校的美术考试为定量考核,不少学生为了得到较高的分数就对美术知识点死记硬背,这严重违背了开展美术教学的初衷;第二,部分教师美术教学观念落后,对美术欣赏重视程度不够,不能在美术欣赏过程中对学生进行正确引导,往往实现不了真正的教学效果;第三,部分学生的学习方式不科学、学校相关领导的重视程度不高等都是美术欣赏课程中存在的弊端,导致美术教学不能起到应有的功效。 三、高校美术教学过程中对美术欣赏应用方法探析 在高校美术教学过程中,对美术欣赏的应用方法是否恰当,直接关系着教学质量,对于美术欣赏的应用方式主要体现在美术欣赏的内容、教学方式、教学目标等方面。在高校美术教学中欣赏内容的选择方面,教师要进行精心的选择,选择符合课堂教学任务的作品,选择不同时期具有代表性的作品,这样才能达到应有的教学效果。如,要加强对大学生人文素质的培养,在美术欣赏作品的选择上,教师应该选择那些具有代表性的人文作品,如《蒙娜丽莎》《大卫》《向日葵》等,通过对作品背景以及作者的具体讲解,充分培养学生的人文情怀。教学目标的制订不宜过高,教师在美术欣赏课堂上,要对学生进行正确的引导,注意讲解的方式不能过于专业化,对专业术语的讲解不宜过多,否则学生不易听懂,就会失去美术欣赏的兴趣。对美术作品的欣赏,应该引导学生从创作背景、艺术风格、构图、色彩等几个角度进行,这样才能有效地提升学生的美术鉴赏能力。另外,在欣赏的时间、深度上,教师也要进行适当的控制,做好美术欣赏课堂总结工作。 四、结语 美术欣赏在高校美术教学中发挥着重要的作用,不仅提升了学生的审美能力、陶冶了其情操,而且对大学生综合素质的培养有极大的推动作用。在应用美术欣赏进行美术教学的过程中,教师应掌握正确的教学方法,对美术欣赏的内容、时间等加以控制,切实发挥美术欣赏在美术教学中的作用。 作者:唐超工作单位:天津师范大学 美术欣赏教学论文:高中美术欣赏教学论文 一、美术欣赏教学的特征 许多教师有这样的体会,欣赏教学难于艺术实践教学,而现代作品欣赏则更难。这也许因为在欣赏传统的再现性作品时,有关史料和作品内容丰富了教学内容,符合了学生追求现实意识和经验的需求,故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。而现代表现性作品欣赏的着眼点不能直接为日常意识所接受,学生一时无法超出现实经验和欣赏习惯的阈限,因而使教学发生了困难。对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能企及的,审美意识的形成需要有个学习的过程。这并不是说对再现性作品的欣赏不是一种审美意识的活动,但一个不具有较强审美意识的人,往往能欣赏前者而不能欣赏后者。曾在上海举办“法国250年绘画作品展”会上,从男女老少、各界人士的交流中我发现,人们似乎都能顺利地欣赏这类写实作品。然而,另一个事实却让我吃惊,在“毕加索”、“米罗”的画展上,许多学美术专业的学生都向我提出这样疑问:“这些画好在哪里?”而不是提出“我感觉到了什么”等评价性的意见。他们大有乘兴而来、败兴而去的情绪。造成这种情况的原因是多方面的。但有一点是肯定的,即观者的评价标准尚未建立在审美价值的基础上,当面对着新的审美现象时,其评价标准就失去了有效性。 以上列举的事实可以说明,从审美意识出发去评价和把握作品形式的情感意味,或剖析作品所激发审美体验的形式因素是个非常棘手的问题。一旦我们认识到,教学必须要达到这一目的时,那么再现性作品欣赏和表现性作品欣赏教学所碰到的困难是相同的。 我们已经知道,欣赏教学具有三个主要功能——认识、教育、审美。然而,这个属于审美范畴的教学离开了审美功能,专注于认识和教育功能是否符合欣赏教学的要求?假如,我们从伦勃朗作品中感知到铜盔的金属质感,能否成为帮助学生认识某种物理属性的辅助教材;假如,一幅画讲述的是某些伦理道德、社会思想和时代精神性的内容,是否可以作为一种传达思想观念的工具去完成德育课的教学内容,回答是肯定的。但不禁要问,欣赏教学本身的特征是什么?也许我们教学最终都是一种手段,所要达到的目的并不仅仅是培养学生的审美能力和健康美好的趣味,但通过艺术形式的直接感知和审美体验是欣赏教学的主要特征。从欣赏中不断获取多种功用是审美欣赏中继发性的作用。正如在其它学科教学中,偶尔得到一些类似艺术中审美感知的内容一样也是继发性的作用,并不是该教学的主要特征。 二、艺术的审美价值与评价 1.审美价值的客观性 艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的,具有客观性。在欣赏中,由于地区和民族等文化差别,会出现价值观的差异,甚至会有完全不同的价值标准。但这不意味审美价值无客观性,因价值不等于评价,它们之间可以统一,也可以对立。文化习俗和个人特殊经验是造成不统一的主要原因。在对某一作品实际判断中,不同主体会出现不同感受。如,一个人在丧失亲人时,热烈欢快的形式也不会被其感知为愉快的东西。反之,一个时逢喜事的人,在阴雨连绵的天气里也会感受到欢庆的气氛。由于文化习惯的差异,一幅山水国画也难以被一个西方人所接受,主体的评价与价值客观性符合与否,还要看主体所操持的欣赏媒介是否符合主体的欣赏习惯,一个不会下围棋的人,无论其有多少美学方面的知识和经验,也很难感知到棋盘中形式之美。同时,还要看主体能否在理智的作用下将普通情感升华至审美情感。一个具有欣赏水平的人,能感知和体验各种媒介的审美现象,甚至能将日常信息转换成审美信息进行体验。从中我们看到,减弱客体媒介中所粘附的非审美信息和压抑主体的非审美情感是评价符合审美价值的客观性的重要条件。所以在教学中,欣赏材料的选择和教师的讲评是极为重要的。倘若欣赏材料选择不当,教学就无法达到预期的效果,如果在学生鉴赏力尚处于低水平时,让他们欣赏人体艺术,可能使教学无法开展。同时,需要教师在课前查阅多方面的史论资料和作品分析的文章,从中抽绎出普遍性的规范和准则,这样才能使评价标准更符合审美价值的客观性。 2.审美评价的功利性 在美术欣赏中,对作品的审美感知具有社会功利性。一方面,审美意象和信息在激发主体审美经验的同时,也可能激发起个人的现实意识,即审美判断中潜伏着利害判断。如,对画中苹果的色彩和形状产生美感时,也可以作为“望梅止渴”的情感体验。即是纯粹几何形所传达一种普遍情感也能激起个人无意识的利害判断。另一方面,美感中包含着人类社会有益的内容,如果将壮观的战争场面看成是一种总体艺术,那么人们是不会想往那种艺术的。因为审美价值的判断要受认识价值和伦理价值的制约,即对人类社会有益的内容制约着审美价值判断。如,有时代和地区风格的作品或为某集团的个人情感所认可的形式规范,都可以作为审美评价的标准。 在欣赏教学中,教师和学生以及学生之间存着知识和经验的差异,这些都会影响审美判断和评价,故教师必须具备良好的修养和丰富的知识,理解作品形式和内容最普遍的审美意义,以宽容的态度容纳学生的感受和评价,启发引导学生以审美意识去感知作品,将日常情感升华至审美的判断。 3.审美评价是主客观的统一 审美价值的客观性并不排斥主体感受在审美现象上的多样性。欣赏是在主体参与下进行的,个人的视野和知识经验决定了评价具有主观成份,这些成份造成欣赏活动的复杂性,也造成评价难于统一。教师在讲解作品前,首先对自己的判断作内省的理性分析,理清情感中审美的和非审美的成份。在教学中,把自己的判断从推测性的语言引导学生去感知和评价作品。如,“我体验到……”和“我感觉到……”等非定性语气。使学生觉得教师的评价也并非是权威的和终极的。于是,学生也会进行自我分析,使他了解他的哪些反应代表自己个性中的基本和永久的成份,哪些是暂时的情绪和突变的东西,或是片面的判断。将自己的判断和他人的判断进行对照,使其看到自己的评价哪些方面符合多数人的意见。如此反复开展教学评价活动,使学生养成自觉验证判断,减少盲目冲动的评价,使评价达到主客观的统一。 诚然,教师对作品的评价总具有一定的权威性,并在教学中表现为一种灌输性。但任何评价都是对客体价值的主观选择和解释。从某种意义上说,这种“灌输”是疏通走向人性中共同的自由本质和理性精神的渠道。一种培养审美鉴赏力的教学,离开主体从个别至一般的评判过程,任何定性的灌输有可能造成学生在欣赏上的“伪敏感”,即缺乏主见的泛泛而谈和人云亦云的假象。这是教学另一个偏颇之处。 三、绘画欣赏中的评价 1.作品内容与形式 一般认为,再现性作品形式服务于内容,而表现性作品内容往往体现于形式的本体之中。尽管二者的侧重有所不同,但任何绘画都具有表现性和再现性的多重性内容。在具象绘画中,再现性内容处于显处,而表现性内容处于隐处。如,达芬奇和丁托莱托所创作的《最后的晚餐》,其再现性的内容相同,但因形式处理(构图、人物造型、透视等)不同,就有了隐藏着的另一种不同的内容,即不同的形式因素给观者造成不同的心理感受。试想,让一个不知此圣经故事的人去欣赏这两幅画时就出现这样的情况,达芬奇的画透视焦点居中,呈一种对称式构图,加之空间处理的平板装饰性,给人一种平静稳定之感。在平衡中人物的动态变化,略使画面产生从静到动、从安稳走向骚动之感,使观者体验到一种事物处萌芽状态,但预示着即将来到的运动最普遍的经验。而丁托莱托的画,由于透视焦点偏向一边,长形餐桌向纵向消失产生倾斜的纵深感。不对称的画面失去了稳定性,加之人物的前俯后爷相互重叠,以及画面上方飞动着的小天使,更加剧了动荡不安的感觉,使观者体验到事物发展中矛盾对抗即将解体的一种普遍经验。而在表现性绘画中,表现性内容处于显处,再现性内容则相反。如蒙德里安的《百老汇的爵士音乐》,乍一看,使我们首先感受到的是一种理性秩序下的欢快气氛。这种错落有致的点线面构成失去了现实形象的支持,使我们感受而不是看到,事物在运动中处于一种均衡缜密的网络系统监控下的普遍经验。在冷色调中透出澄黄的直线;在线与线之间点缀着大小不一的深红、深蓝的色块,仿佛象五线谱上的音符,给人一种机械性跳跃的节奏感。对这些表现性内容的体验,只要放弃从画中索取现实形象的要求就能得到。然而,另一种再现性内容通过想象也时常从画中迸发出来。如井字形直线象街道、大小色块象建筑物等。由于绘画具有多重性内容,在教学中必须分清它们的主次关系,使我们的感知和评价有的放矢。 2.欣赏与形式分析 在这一阶段的评价,需要我们把注意力比较长久地固定在作品上,并试图把握其中那些相互作用着的主要成份。如塞尚的《苹果与桔子》,产生顺畅、和谐及愉快情绪的形式机制是由那些主要成份造成的,线条是流畅的、形状是柔滑圆润的、色彩是暖调的;静物在大面积白衬布映衬下,整个明度是高调的。构图是由各种大小方向不一的三角形组成,变化而统一。桌面向左倾斜造成圆滑的果子不稳定感,但似乎又在右倾斜的果盆强力牵制下取得了平衡。这样画面既有欢快的动感,又有祥和定静的均衡感。但这些定性的分析必须后于学生的评价,教学应当首先引导学生充分感受,因为对形式因素的剖析是胜不过对形式的直觉,直觉是对形式全面综合性感知,是动态的。而剖析是将形式分解后逐一定格,是静态的。在教学中,两者缺一不可。一方面,我们需要直觉形式,但不能把直觉神化。另一方面,直觉后的理性分析帮助我们了解所能直觉的东西是由哪些因素造成的。我们要求学生不仅要知其然,而且要知其所以然。尽管对形式的剖析会使欣赏失去了愉悦性,但对提高形式的直觉水平是极为重要的。整个教学是一个从引导感知分析(史、概念、形式因素)再感知的循环过程。通过这一过程,使学生的直觉水平从感性阶段发展到理性的高度。 对形式因素的剖析是教学的重要部分已毋容置疑了,然而,在对作品分析时所使用的语言、方法及教具还需要进一步探究。如,在构图分析时,可将相似和相反的作品进行比较,卡尔夫的《有银水壶的静物》是一个“金字塔”形的构图与塞尚的静物画不同,具有稳重的矜持感。再如色彩分析,可以将色彩强烈的作品制成黑白灯片或教具画进行对照,使学生体会色彩在画中的作用。如果要让学生进一步体验构图的均衡作用,可以抽掉画中某一部分的色彩和形象进行试验。这种视觉实验性教学对高中生来说,是不会感到枯燥和乏味的。当然,教具的设计必须是经济又合理的。随着教学不断深入,形式的分析从笼统简单向细微复杂发展。可以说,对整体形式意味的感悟和对局部形式因素的体察和剖析都具有非生物学的意义。 另外值得一提的是,教师对作品的分析和评价应该是一种建设性的,而不是指令性的。任何作品都是某一时代和社会文化心理结构的反映,作品审美价值的各种现象都有其局限性,或侧重于技法、或侧重于观念;或侧重于唯美性、或侧重于文学性等等。只有用历史的辩证唯物的态度,才能较全面而客观地评价作品,一味迷信和排斥都不能揭示多种现象背后的审美价值。从这个意义上说,教学的过程就在于使学生成长为具有审美鉴赏力的评论高手。 综上所述,使我们明白了欣赏教学是一个复杂的综合性活动。教学的开展都必须依据学生前一阶段的基础,提出具体教学目标的侧重点。尽管教学活动的各阶段和各层次都有不同的目的和要求,但都必须围绕着以提高学生对形式的审美感知水平和对形式意味的直觉能力为宗旨。对实际作品进行多维的和有效的审美评价,是达到这一宗旨的唯一途径。 美术欣赏教学论文:高中美术欣赏教学与审美评价 在美术欣赏活动中,欣赏客体与主体发生一种审美关系。一方面,客体对人的审美感知和体验、审美能力 和需要的本质特性的制约。另一方面,由于客体具有审美价值,主体对其感知与体验必定表现为评价性;客体 在主体心理中的地位和认可程度,都具有主体的评价标准和情感态度。虽说评价本身不能创造价值,但审美价 值必须经过评价才能被认识和掌握。在教学中,这种评价是多方位和多层次的。有教师和学生对客体的评价, 又有师生之间、学生之间对评价的再评价;评价既可以是外部语言的表述,也可以是内心的检校与评判。通过 大量的审美感知和体验的交互活动,逐渐使主体的评价标准与客体的审美价值相吻合,以达到欣赏教学的目的 。本文就此谈谈自己的看法。 一、美术欣赏教学的特征 许多教师有这样的体会,欣赏教学难于艺术实践教学,而现代作品欣赏则更难。这也许因为在欣赏传统的 再现性作品时,有关史料和作品内容丰富了教学内容,符合了学生追求现实意识和经验的需求,故而造成一种 课堂秩序和教学效果良好的假象。而现代表现性作品欣赏的着眼点不能直接为日常意识所接受,学生一时无法 超出现实经验和欣赏习惯的阈限,因而使教学发生了困难。对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识 和习惯所能企及的,审美意识的形成需要有个学习的过程。这并不是说对再现性作品的欣赏不是一种审美意识 的活动,但一个不具有较强审美意识的人,往往能欣赏前者而不能欣赏后者。曾在上海举办“法国250年绘画作 品展”会上,从男女老少、 各界人士的交流中我发现,人们似乎都能顺利地欣赏这类写实作品。然而,另一个 事实却让我吃惊,在“毕加索”、“米罗”的画展上,许多学美术专业的学生都向我提出这样疑问:“这些画 好在哪里?”而不是提出“我感觉到了什么”等评价性的意见。他们大有乘兴而来、败兴而去的情绪。造成这 种情况的原因是多方面的。但有一点是肯定的,即观者的评价标准尚未建立在审美价值的基础上,当面对着新 的审美现象时,其评价标准就失去了有效性。 以上列举的事实可以说明,从审美意识出发去评价和把握作品形式的情感意味,或剖析作品所激发审美体 验的形式因素是个非常棘手的问题。一旦我们认识到,教学必须要达到这一目的时,那么再现性作品欣赏和表 现性作品欣赏教学所碰到的困难是相同的。 我们已经知道,欣赏教学具有三个主要功能——认识、教育、审美。然而,这个属于审美范畴的教学离开 了审美功能,专注于认识和教育功能是否符合欣赏教学的要求?假如,我们从伦勃朗作品中感知到铜盔的金属 质感,能否成为帮助学生认识某种物理属性的辅助教材;假如,一幅画讲述的是某些伦理道德、社会思想和时 代精神性的内容,是否可以作为一种传达思想观念的工具去完成德育课的教学内容,回答是肯定的。但不禁要 问,欣赏教学本身的特征是什么?也许我们教学最终都是一种手段,所要达到的目的并不仅仅是培养学生的审 美能力和健康美好的趣味,但通过艺术形式的直接感知和审美体验是欣赏教学的主要特征。从欣赏中不断获取 多种功用是审美欣赏中继发性的作用。正如在其它学科教学中,偶尔得到一些类似艺术中审美感知的内容一样 也是继发性的作用,并不是该教学的主要特征。 二、艺术的审美价值与评价 1.审美价值的客观性 艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的,具有客观性。在欣赏中,由于地区和民族等文化差别,会出 现价值观的差异,甚至会有完全不同的价值标准。但这不意味审美价值无客观性,因价值不等于评价,它们之 间可以统一,也可以对立。文化习俗和个人特殊经验是造成不统一的主要原因。在对某一作品实际判断中,不 同主体会出现不同感受。如,一个人在丧失亲人时,热烈欢快的形式也不会被其感知为愉快的东西。反之,一 个时逢喜事的人,在阴雨连绵的天气里也会感受到欢庆的气氛。由于文化习惯的差异,一幅山水国画也难以被 一个西方人所接受,主体的评价与价值客观性符合与否,还要看主体所操持的欣赏媒介是否符合主体的欣赏习 惯,一个不会下围棋的人,无论其有多少美学方面的知识和经验,也很难感知到棋盘中形式之美。同时,还要 看主体能否在理智的作用下将普通情感升华至审美情感。一个具有欣赏水平的人,能感知和体验各种媒介的审 美现象,甚至能将日常信息转换成审美信息进行体验。从中我们看到,减弱客体媒介中所粘附的非审美信息和 压抑主体的非审美情感是评价符合审美价值的客观性的重要条件。所以在教学中,欣赏材料的选择和教师的讲 评是极为重要的。倘若欣赏材料选择不当,教学就无法达到预期的效果,如果在学生鉴赏力尚处于低水平时, 让他们欣赏人体艺术,可能使教学无法开展。同时,需要教师在课前查阅多方面的史论资料和作品分析的文章 ,从中抽绎出普遍性的规范和准则,这样才能使评价标准更符合审美价值的客观性。 2.审美评价的功利性 在美术欣赏中,对作品的审美感知具有社会功利性。一方面,审美意象和信息在激发主体审美经验的同时 ,也可能激发起个人的现实意识,即审美判断中潜伏着利害判断。如,对画中苹果的色彩和形状产生美感时, 也可以作为“望梅止渴”的情感体验。即是纯粹几何形所传达一种普遍情感也能激起个人无意识的利害判断。 另一方面,美感中包含着人类社会有益的内容,如果将壮观的战争场面看成是一种总体艺术,那么人们是不会 想往那种艺术的。因为审美价值的判断要受认识价值和伦理价值的制约,即对人类社会有益的内容制约着审美 价值判断。如,有时代和地区风格的作品或为某集团的个人情感所认可的形式规范,都可以作为审美评价的标 准。 在欣赏教学中,教师和学生以及学生之间存着知识和经验的差异,这些都会影响审美判断和评价,故教师 必须具备良好的修养和丰富的知识,理解作品形式和内容最普遍的审美意义,以宽容的态度容纳学生的感受和 评价,启发引导学生以审美意识去感知作品,将日常情感升华至审美的判断。 3.审美评价是主客观的统一 审美价值的客观性并不排斥主体感受在审美现象上的多样性。欣赏是在主体参与下进行的,个人的视野和 知识经验决定了评价具有主观成份,这些成份造成欣赏活动的复杂性,也造成评价难于统一。教师在讲解作品 前,首先对自己的判断作内省的理性分析,理清情感中审美的和非审美的成份。在教学中,把自己的判断从推 测性的语言引导学生去感知和评价作品。如,“我体验到……”和“我感觉到……”等非定性语气。使学生觉 得教师的评价也并非是权威的和终极的。于是,学生也会进行自我分析,使他了解他的哪些反应代表自己个性 中的基本和永久的成份,哪些是暂时的情绪和突变的东西,或是片面的判断。将自己的判断和他人的判断进行 对照,使其看到自己的评价哪些方面符合多数人的意见。如此反复开展教学评价活动,使学生养成自觉验证判 断,减少盲目冲动的评价,使评价达到主客观的统一。 诚然,教师对作品的评价总具有一定的权威性,并在教学中表现为一种灌输性。但任何评 价都是对客体价 值的主观选择和解释。从某种意义上说,这种“灌输”是疏通走向人性中共同的自由本质和理性精神的渠道。 一种培养审美鉴赏力的教学,离开主体从个别至一般的评判过程,任何定性的灌输有可能造成学生在欣赏上的 “伪敏感”,即缺乏主见的泛泛而谈和人云亦云的假象。这是教学另一个偏颇之处。 三、绘画欣赏中的评价 1.作品内容与形式 一般认为,再现性作品形式服务于内容,而表现性作品内容往往体现于形式的本体之中。尽管二者的侧重 有所不同,但任何绘画都具有表现性和再现性的多重性内容。在具象绘画中,再现性内容处于显处,而表现性 内容处于隐处。如,达芬奇和丁托莱托所创作的《最后的晚餐》,其再现性的内容相同,但因形式处理(构图 、人物造型、透视等)不同,就有了隐藏着的另一种不同的内容,即不同的形式因素给观者造成不同的心理感 受。试想,让一个不知此圣经故事的人去欣赏这两幅画时就出现这样的情况,达芬奇的画透视焦点居中,呈一 种对称式构图,加之空间处理的平板装饰性,给人一种平静稳定之感。在平衡中人物的动态变化,略使画面产 生从静到动、从安稳走向骚动之感,使观者体验到一种事物处萌芽状态,但预示着即将来到的运动最普遍的经 验。而丁托莱托的画,由于透视焦点偏向一边,长形餐桌向纵向消失产生倾斜的纵深感。不对称的画面失去了 稳定性,加之人物的前俯后爷相互重叠,以及画面上方飞动着的小天使,更加剧了动荡不安的感觉,使观者体 验到事物发展中矛盾对抗即将解体的一种普遍经验。而在表现性绘画中,表现性内容处于显处,再现性内容则 相反。如蒙德里安的《百老汇的爵士音乐》,乍一看,使我们首先感受到的是一种理性秩序下的欢快气氛。这 种错落有致的点线面构成失去了现实形象的支持,使我们感受而不是看到,事物在运动中处于一种均衡缜密的 网络系统监控下的普遍经验。在冷色调中透出澄黄的直线;在线与线之间点缀着大小不一的深红、深蓝的色块 ,仿佛象五线谱上的音符,给人一种机械性跳跃的节奏感。对这些表现性内容的体验,只要放弃从画中索取现 实形象的要求就能得到。然而,另一种再现性内容通过想象也时常从画中迸发出来。如井字形直线象街道、大 小色块象建筑物等。由于绘画具有多重性内容,在教学中必须分清它们的主次关系,使我们的感知和评价有的 放矢。 2.欣赏与形式分析 在这一阶段的评价,需要我们把注意力比较长久地固定在作品上,并试图把握其中那些相互作用着的主要 成份。如塞尚的《苹果与桔子》,产生顺畅、和谐及愉快情绪的形式机制是由那些主要成份造成的,线条是流 畅的、形状是柔滑圆润的、色彩是暖调的;静物在大面积白衬布映衬下,整个明度是高调的。构图是由各种大 小方向不一的三角形组成,变化而统一。桌面向左倾斜造成圆滑的果子不稳定感,但似乎又在右倾斜的果盆强 力牵制下取得了平衡。这样画面既有欢快的动感,又有祥和定静的均衡感。但这些定性的分析必须后于学生的 评价,教学应当首先引导学生充分感受,因为对形式因素的剖析是胜不过对形式的直觉,直觉是对形式全面综 合性感知,是动态的。而剖析是将形式分解后逐一定格,是静态的。在教学中,两者缺一不可。一方面,我们 需要直觉形式,但不能把直觉神化。另一方面,直觉后的理性分析帮助我们了解所能直觉的东西是由哪些因素 造成的。我们要求学生不仅要知其然,而且要知其所以然。尽管对形式的剖析会使欣赏失去了愉悦性,但对提 高形式的直觉水平是极为重要的。整个教学是一个从引导感知分析(史、概念、形式因素)再感知的循环 过程。通过这一过程,使学生的直觉水平从感性阶段发展到理性的高度。 对形式因素的剖析是教学的重要部分已毋容置疑了,然而,在对作品分析时所使用的语言、方法及教具还 需要进一步探究。如,在构图分析时,可将相似和相反的作品进行比较,卡尔夫的《有银水壶的静物》是一个 “金字塔”形的构图与塞尚的静物画不同,具有稳重的矜持感。再如色彩分析,可以将色彩强烈的作品制成黑 白灯片或教具画进行对照,使学生体会色彩在画中的作用。如果要让学生进一步体验构图的均衡作用,可以抽 掉画中某一部分的色彩和形象进行试验。这种视觉实验性教学对高中生来说,是不会感到枯燥和乏味的。当然 ,教具的设计必须是经济又合理的。随着教学不断深入,形式的分析从笼统简单向细微复杂发展。可以说,对 整体形式意味的感悟和对局部形式因素的体察和剖析都具有非生物学的意义。 另外值得一提的是,教师对作品的分析和评价应该是一种建设性的,而不是指令性的。任何作品都是某一 时代和社会文化心理结构的反映,作品审美价值的各种现象都有其局限性,或侧重于技法、或侧重于观念;或 侧重于唯美性、或侧重于文学性等等。只有用历史的辩证唯物的态度,才能较全面而客观地评价作品,一味迷 信和排斥都不能揭示多种现象背后的审美价值。从这个意义上说,教学的过程就在于使学生成长为具有审美鉴 赏力的评论高手。 综上所述,使我们明白了欣赏教学是一个复杂的综合性活动。教学的开展都必须依据学生前一阶段的基础 ,提出具体教学目标的侧重点。尽管教学活动的各阶段和各层次都有不同的目的和要求,但都必须围绕着以提 高学生对形式的审美感知水平和对形式意味的直觉能力为宗旨。对实际作品进行多维的和有效的审美评价,是 达到这一宗旨的唯一途径。 美术欣赏教学论文:浅论小学美术欣赏教学 儿童是爱美的,而且对美的事物感受很早,随着年龄的增长,他们渴望艺术享受的心情日益增强,尤其是 进入小学以后,对于美的事物的追求更为强烈。作为小学美术教育,应当顺应他们爱美的要求,采取多种形式 实施美术欣赏教学。审美教育是素质教育要达到的一个重要目标之一,它对于培养学生的爱好、欣赏能力,陶 冶情操等方面都有极其重要的意义。 一、儿童的美术欣赏心理及欣赏习惯 小学美术欣赏教学是一种把造型艺术作品作为审美对象的感觉与感情为主导因素的心理活动形式,它与教 师的引导和儿童对事物的认识、理解紧密相关,我们不妨从儿童的生理心理及智力发展方向来分析掌握儿童的 欣赏习惯和欣赏特征。 1.强烈的色彩刺激能激起儿童的欣赏兴趣,吸引他们的注意力。蓝蓝的天,红红的花,绿荫荫的树木,黄 澄澄的果实,鲜明艳丽的颜色常常等使他们欣慰和喜悦,乐于接受,如果我们把黑白图片和彩色图片同时放在 他们的面前,儿童将对彩色图片反映强烈一些。 2.儿童在欣赏过程中,往往注意某个细节的观察而忽视整体或注意整体而忽视其它。例如一年级儿童在观 看绘画作品《美丽的风筝》时,他们全被风筝上色彩艳丽的花纹吸引住了,以至于忘记了手帕的存在,变成了 看花。中、高年级同样有类似的现象,四年级的学生欣赏工艺作品的刺绣,结果他们全把刺绣作品当作绘画作 品看。 3.儿童在欣赏过程中,通常是凭第一印象的感觉来欣赏作品,无意识属性强,受情绪牵制的随意性大。他 们对作品的感受总是激动片刻、粗略领会便心满意足,未能仔细琢磨,对作品的感受能力难于在较长的时间内 持续增长。 4.儿童在欣赏过程中,依据自己的生活经验、见闻认识及由画面产生的联想对作品进行评判。对那些反映 他们熟悉的生活和内心世界的儿童画或同学、朋友的优美作品,他们大都能够接受,并常常用来作自己的范本 。例如,城市的孩子从小看见的就是整洁、光亮的柏油路,五颜六色的霓虹灯,明亮的大厦高楼,他们就感受 不出绘画作品中农村低矮的房子、稀疏的篱笆、乱的石头和柴堆也是一种美丽。 5.为加深学生对作品的感受,视觉记忆常常需要伴之以听觉记忆,尤其是欣赏古今中外名作,没有教师生 动有趣的语言帮助,儿童对艺术作品的感受也不会很深。在实际教学中,许多成功的教学课都运用了音乐伴奏 的教学手段,目的就是渲染气氛,强化记忆。 二、小学美术欣赏内容的编排及特点 1.小学低年级欣赏内容主要是引导学生初步认识和表现生活周围的美好事物。如第二册《小朋友的画》、 《民间美术欣赏》、第四册《画家笔下的童年生活》、《绘画中的动物和花果》等。其特点是低年级阶段所欣 赏的作品富有情趣,符合儿童审美心理,如大脑袋,歪脖子,近大远小,树画在半空等等,五花八门,比例不 在准确,表现无拘无束。还有一些拼贴的小制作也深受小朋友喜爱。2.中年级欣赏内容主要是让学生初步接触 了解优秀美术作品,培养学生热爱祖国艺术的情感。如第五册《工艺美术的人物形象和动物形象》、第六册《 工艺美术的陶瓷和雕塑》、《绘画作品中风景的静物》等。其特点是从小学中年级开始,欣赏一些与学生生活 接近、学生能理解和接受的中国古今优秀绘画作品和工艺美术作品。欣赏课内容对于教学内容有“参考资料” 的作用,在欣赏课中渗透了有关的教学内容。如第六册的欣赏内容是工艺作品刺绣、竹编的欣赏,第八册的教 学内容就安排了“挑花”、“竹编”手工课。欣赏课的优秀作品档次高,起到了指导性的重要作用。3.高年级 欣赏内容主要是让学生了解祖国历史悠久的艺术文化,增强学生的民族自豪感。具体内容有:第九册的《古代 雕塑中的人物形象》、第十册《现代雕塑中的人物形象》、第十一册《中国传统建筑艺术和现代建筑艺术》和 第十二册绘画作品雕塑、工艺美术、建筑、小学内容总览等。其特点是要求比较全面地了解我国造型艺术门类 的面貌,除了已经着手的中国画教学之外还将欣赏的领域扩展到中国优秀古建筑、雕塑、工艺美术作品中去。 美术欣赏教学论文:小学美术欣赏教学策略 美术欣赏教学是美术教学的重要组成部分,小学美术欣赏教学又有其特定的内含和规律。笔者通过实践与探索,积累了一些开展小学美术欣赏教学的理性认识与实施策略。 一、选好题材和内容是“前提”。 在小学美术欣赏课中,教师为了激发学生的兴趣、拓展学生的视野,许多时候会增加一些欣赏内容。然后教师往往以自己的爱好选择作品,从而一味地追求“纯艺术”,忽视了学生的已有认识与欣赏水平及欣赏的心理倾向。因此,在学生欣赏的题材与内容的选择上应注意要选择与儿童的生活实际相贴近,要选择与儿童的认知和欣赏水平相接近的,以接近儿童的最近发展区的,能激发儿童兴趣的作品;要选择的是本身富有儿童情趣的、易于儿童接受与理解的作品。为此,可采取以下策略:1、课前对收集的欣赏作品进行挑选、归类,同时可以组织学生一起挑选自己感兴趣的内容、题材。2、把所要欣赏的内容进行“童化”的加工、处理。3、可以选择学生自己创作的优秀作品,作为补充材料。/!/ 二、注重学生的自主体验是“关键”。 在美术欣赏中,教师往往在课始出示范作后,便一讲到底,造成教师投入,而学生漠然的尴尬场面,欣赏成了“讲赏”。而通过教师的讲,学生充其量只是对作品作解剖麻雀式的理解而已。 我们知道学生的学习活动不是一个被动接受的过程,而是一个主动参与的过程,只有学生主体主动积极参与才能调动学生自身的创造潜能。美术欣赏更是主客体的统一,欣赏活动必须依赖学生主体的直接参与,才能激发学生欣赏的情意、获得深刻的体验。教师过多、过细的讲解,既不利于学生对作品的真切感受,又不利于学生欣赏能力的养成。为此,可采取的教学策略是:1、课前给学生充分的时间预习,引导学生收集与欣赏内容相关的资料,让学生有备而“赏”,缩短学生与欣赏内容的距离,产生欣赏的直接兴趣;2、在出示欣赏作品后,让学生仔细地“读画”几分钟,然后再请学生说说对作品的印象和直觉(初步的感觉);3、用思考题的形式引导学生观察画面,可以从色彩、线条、给人的情绪上去细致地体味;4、必要时,对于欣赏中出现的一些问题,可以采用小组合作的形式进行欣赏评议,以发挥学生的自主性,并为班级交流欣赏成果作准备。这样的欣赏则更多地体现了学生自主参与、自主发展。 三、规范教学流程是“保证”。 欣赏要达到教师的理解与学生的体验相结合;介绍作品的背景与作品内在艺术性与学生的情感体验相结合;达到通过上述“内外”结合,逐步丰富学生的知能结构,提高对艺术形像的审美感受能力。欣赏教学过程须有一定的操作流程规范。为此一般可采取以下策略:1、形成可操作的欣赏程序,以引导学生由浅入深地理解艺术作品,避免欣赏的随意性。大致的环节为:(1)描述。要求学生仔细观察、分析作品之后,用语言简单地描述出作品的题材内容、画种等;(2)分析。对作品的色彩、构图、造型进行整体的语言表述;(3)解释。介绍作者,并对作品的意义、所体现的人文价值进行研究;(4)评价。根据以上内容的学习与探索,对作品进行局部和整体的评价。在这个操作流程中,教师要注意结合作品讲授必要的美术术语,以帮助丰富学生的美术知识结构,提高他们的表达能力。如欣赏色彩时渗透“色调”的概念,在欣赏构图时,讲解一下“构义”的含义。当学生积累了一定的术语后,既能深入地赏析,又能自如地表达欣赏的感受。同时还要注意扣准学生的心态,激励学生反观“自我”来欣赏。如教学时,教师可设计:你喜不喜欢这幅画?这幅画要是由你来画你会怎么处理?你猜猜作者为什么要这样画?从而深化学生欣赏的感受;另外还要注意,要为学生创设想像的空间和自由交流与表述的环境,促使学生在欣赏中作出创造性的“理解”与“评价”,从而在规范的欣赏过程中提升欣赏的层面。 四、欣赏与动手相结合是“外力”。 欣赏教学与工艺、绘画的教学不是孤立的,而是相互作用的。学生如果有了工艺、绘画的实践,就能更好地理解与认识艺术作品。欣赏教学要善于借助学生绘画与工艺等美术实践的“外力”。一般可采取以下策略:1、在欣赏时安排操作活动。如教学民间绘画和工艺品欣赏时,不妨让学生照着作品的风格、形象临摹一下,这样有助于学生理解作品。我在“民间竹编工艺”欣赏这一课中,首先展示许多本地的和嵊州的竹编工艺品,在学生被工艺品所吸引时,紧接着播放介绍竹编工艺的录像,讲解竹编的制作过程。此时的学生,面对教师给他们准备好的篾片等材料,不由自主地动手编了起来。不一会儿,一个个“小玩艺儿”在孩子们的手中诞生了,看那学生的喜欢劲儿,仿佛是什么伟大的创造。这时我就及时引导学生把自己的作品与图片上的作品和欣赏的实物进行比较,然后作出评价。学生在动手中兴趣盎然地欣赏了竹编工艺。2、在课堂教学的各个环节中引入欣赏。(1)课始导入欣赏:在工艺、绘画课的开始部分安 排一些与本课有关的欣赏内容。如上《剪纸》一课时,在导入阶段让学生欣赏一下剪纸———“窗花”;(2)在实践中穿插欣赏,在指导学生练习时穿插欣赏,提供练习的范例,以欣赏帮助练习,以练习促进欣赏;(3)在结束时加入欣赏。在练习结束时加入欣赏,通过比较与实践体会能使学生认识到自身作品的优缺点,还给学生在练习的基础上明示发展的方向,诱发学生探求美的兴趣与愿望。 美术欣赏教学论文:美术课中的欣赏教学 一、欣赏作品的分类美术教材的作品欣赏大致可归纳为四类:一是古今中外名作的欣赏,如达·芬奇的《最后的晚餐》、拉裴尔的《椅中圣母》、宋代张择端的《清明上河图》、王希孟的《千里江山图》,还有徐悲鸿的《八骏图》、蒋兆和的《流民图》等现代名家作品,这些作品风格各异,艺术水平很高,是欣赏教学的重头戏,二是范图的欣赏,每课的前面都有一定的范画插图,这些范图主要是针对某一概念或某一技法而配备,它直观明了,学生易于接受,对于提高学生的绘画知识与技能至关重要。三是同龄小朋友的优秀作品欣赏,这些作品天真浪漫,富有儿童情趣,是儿童心理世界的反映,这类内容学生觉得亲切,容易产生共呜。四是其他门类的欣赏,如雕塑、建筑以及剪纸、编织、印染、拼贴等工艺制作。这类作品制作精妙,具有很高的美术观赏价值,学生很感兴趣。 二、欣赏的角度对于一件美术作品,教师大致可以从四个方面来引导学生欣赏:一是画面直观形象的欣赏,也就是画面给人的视觉印象,如《最后的晚餐》画的耶稣和门徒们共进晚餐,当耶酥说出“你们当中有一个人出卖了我”这句话时,众门徒的惊异神情动态;1949斗10月1日在天安门城楼上庄严宣布中华人民共和国成立的激动时刻;齐白石的《虾》表现的是一群活蹦乱跳的虾在水中嬉戏争食的情趣。 二是艺术风格特色的欣赏,它包括画面的构图、色彩、透视、表/,!/现手法等,主要指绘画的技巧。如徐悲鸿的《八骏图》,画家采用国画水墨技法,通过线条的干湿、浓淡、粗细、疾徐,寥寥数笔,便将马的奔腾气势淋漓尽致地表现了出来;凡高《阿尔的吊桥》一国,画家采用鲜艳浓烈的色彩,有力的笔触,奔放的线条,使画面给人一种明快跳动的感觉,充满了生机与活力;在《最后的晚餐》画中,画家把人物都安排在桌子的一边,全部面对观众,这种独特的构图法更便于表现众门徒的各种表情。三是与作品相关的边缘内容的讲授,包括艺术家的生平、爱好、传说、趣闻及当时的社会背景等。比如在讲达·芬奇的画时,教师可以给学生讲达·芬奇画蛋的故事,以及他刻苦研究解剖学、透视学的有趣事例;在欣赏齐白石的画时,可以讲他三十岁学画,为了画好画,在家里养了很多花鸟鱼虫,经常观察写生的例子。四是对作品思想内容的挖掘,如雕塑《艰苦岁月》,表现的是长征中一位红军小鬼依偎在老红军身旁,被悠扬的笛声所吸引的感人场面。但其表现的并不仅仅是这些,作品还歌颂了红军战士在艰苦条件下不怕牺牲不怕吃苦的革命乐观主义精神,也表现出了红军战士对未来美好生活的憧憬。再如徐悲鸿的《八骏图》,画面中绝非单单表现了八匹马,而主要讴歌了那种勇往直前、战斗不息的大无畏精神,当然,像一些静物画、肖像画及一些工艺品就不必非得深控其思想内涵了。 三、教学时教师的注意点1.教师要提高对欣赏课的认识,教师首先要利作品有一个较全面深刻地理解。 另外在欣赏的方法手段、教具的使用以及学生的接受能力等方面教师也要心中有数。 备课越充分,教学效果就越佳。 2.欣赏时要有重点,有些作品以艺术特色、绘画技法欣赏为主,像风景画、静物画,而有的在艺术特色欣赏的同时更要对作品的主题思想学习领会,《血衣》、《南昌起义》等,此外在选材上也要有主有次,教师要把欣赏的重点放在那些有代表性的、风格独特的名作上,以加深学生对著名作品的印象。 3.欣赏的内容不可过深,超出了学生欣赏能力的东西,教师要少讲,甚至不讲,要欣赏那些看得见、摸得着学生易于接受的直观内容,如某一点某一处的用色、线条、构图、明暗等。 4.欣赏的手段要多样化、生动化、艺术化,避免教师空洞枯燥的讲解、学生被动地干巴巴听的现象。可以采用故事、提问、讨论、观察、悬念等多种形式,还要充分发挥幻灯、挂图、录像、录音等现代教学手法,增强欣赏教学的直观性、趣味性,使学生乐学、想听、爱看,积极主动地参与教学。 5.欣赏的时间不可过长,内容过多过滥,学生会厌倦,教师可以把欣赏教学穿插于平时教学之中,使欣赏与传授技能相结合。 6.欣赏后要有检查和总结。可以采用提问、谈话及卷风考试的方法来进行。 使之达到复习巩固减少学生遗忘的作用。 美术欣赏教学论文:浅谈小学美术欣赏教学 儿童是爱美的,而且对美的事物感受很早,随着年龄的增长,他们渴望艺术享受的心情日益增强,尤其是 进入小学以后,对于美的事物的追求更为强烈。作为小学美术教育,应当顺应他们爱美的要求,采取多种形式 实施美术欣赏教学。审美教育是素质教育要达到的一个重要目标之一,它对于培养学生的爱好、欣赏能力,陶 冶情操等方面都有极其重要的意义。 一、儿童的美术欣赏心理及欣赏习惯 小学美术欣赏教学是一种把造型艺术作品作为审美对象的感觉与感情为主导因素的心理活动形式,它与教 师的引导和儿童对事物的认识、理解紧密相关,我们不妨从儿童的生理心理及智力发展方向来分析掌握儿童的 欣赏习惯和欣赏特征。 1.强烈的色彩刺激能激起儿童的欣赏兴趣,吸引他们的注意力。蓝蓝的天,红红的花,绿荫荫的树木,黄 澄澄的果实,鲜明艳丽的颜色常常等使他们欣慰和喜悦,乐于接受,如果我们把黑白图片和彩色图片同时放在 他们的面前,儿童将对彩色图片反映强烈一些。 2.儿童在欣赏过程中,往往注意某个细节的观察而忽视整体或注意整体而忽视其它。例如一年级儿童在观 看绘画作品《美丽的风筝》时,他们全被风筝上色彩艳丽的花纹吸引住了,以至于忘记了手帕的存在,变成了 看花。中、高年级同样有类似的现象,四年级的学生欣赏工艺作品的刺绣,结果他们全把刺绣作品当作绘画作 品看。 3.儿童在欣赏过程中,通常是凭第一印象的感觉来欣赏作品,无意识属性强,受情绪牵制的随意性大。他 们对作品的感受总是激动片刻、粗略领会便心满意足,未能仔细琢磨,对作品的感受能力难于在较长的时间内 持续增长。 4.儿童在欣赏过程中,依据自己的生活经验、见闻认识及由画面产生的联想对作品进行评判。对那些反映 他们熟悉的生活和内心世界的儿童画或同学、朋友的优美作品,他们大都能够接受,并常常用来作自己的范本 。例如,城市的孩子从小看见的就是整洁、光亮的柏油路,五颜六色的霓虹灯,明亮的大厦高楼,他们就感受 不出绘画作品中农村低矮的房子、稀疏的篱笆、乱的石头和柴堆也是一种美丽。 5.为加深学生对作品的感受,视觉记忆常常需要伴之以听觉记忆,尤其是欣赏古今中外名作,没有教师生 动有趣的语言帮助,儿童对艺术作品的感受也不会很深。在实际教学中,许多成功的教学课都运用了音乐伴奏 的教学手段,目的就是渲染气氛,强化记忆。 二、小学美术欣赏内容的编排及特点 1.小学低年级欣赏内容主要是引导学生初步认识和表现生活周围的美好事物。如第二册《小朋友的画》、 《民间美术欣赏》、第四册《画家笔下的童年生活》、《绘画中的动物和花果》等。其特点是低年级阶段所欣 赏的作品富有情趣,符合儿童审美心理,如大脑袋,歪脖子,近大远小,树画在半空等等,五花八门,比例不 在准确,表现无拘无束。还有一些拼贴的小制作也深受小朋友喜爱。2.中年级欣赏内容主要是让学生初步接触 了解优秀美术作品,培养学生热爱祖国艺术的情感。如第五册《工艺美术的人物形象和动物形象》、第六册《 工艺美术的陶瓷和雕塑》、《绘画作品中风景的静物》等。其特点是从小学中年级开始,欣赏一些与学生生活 接近、学生能理解和接受的中国古今优秀绘画作品和工艺美术作品。欣赏课内容对于教学内容有“参考资料” 的作用,在欣赏课中渗透了有关的教学内容。如第六册的欣赏内容是工艺作品刺绣、竹编的欣赏,第八册的教 学内容就安排了“挑花”、“竹编”手工课。欣赏课的优秀作品档次高,起到了指导性的重要作用。3.高年级 欣赏内容主要是让学生了解祖国历史悠久的艺术文化,增强学生的民族自豪感。具体内容有:第九册的《古代 雕塑中的人物形象》、第十册《现代雕塑中的人物形象》、第十一册《中国传统建筑艺术和现代建筑艺术》和 第十二册绘画作品雕塑、工艺美术、建筑、小学内容总览等。其特点是要求比较全面地了解我国造型艺术门类 的面貌,除了已经着手的中国画教学之外还将欣赏的领域扩展到中国优秀古建筑、雕塑、工艺美术作品中去。 三、小学美术欣赏教学的组织形式和教学方法 根据美术欣赏教学的目的、任务及自身的特殊规律,我国的小学美术欣赏教学的组织形式可以分为专题欣 赏课、随堂欣赏课和现场课三类: 1.专题欣赏课。专题欣赏课是课堂教学的方式,是小学美术欣赏教学主要形式(我们前面例举的内容都是 专题欣赏内容),它指的是整个课时内组织学生专门对某些作品进行欣赏的课业。我们以第十册的欣赏内容为 例谈一谈专题欣赏课的课堂教学模式。这一课是欣赏中国传统建筑艺术,教材上共提供了十幅有关传统建筑艺 术的照片。教师首先要明确教学目的,即通过本课教学让学生获得哪些方面的知识?起什么作用?本课的教学 目的应让学生初步了解我国传统建筑的艺术特点,懂得建筑的三大要素,使学生受到美的熏陶,增强民族自豪 感。在教学过程中,让学生通过观察、回忆和比较,了解“传统”二字与“现代”的区别,再进一步引导学生 了解祖国悠久的建筑史及灿烂的建筑文化,了解宫殿、楼阁、亭台、寺庙、佛塔、陵墓、民居等独树一帜、风 格迥异的建筑艺术特点。 进行专题欣赏教学,教师在教学过程中可采用谈话法、讨论法、伴音、放录音、幻灯等手段调节学生的有 意注意和无意注意,可采取分析一幅作品后及时提出问题,让学生思考。要启发儿童观察分析,鼓励他们踊跃 发言,各抒己见,积极讨论。 2.随堂欣赏课。随堂欣赏课是指在绘画和工艺(包括写生、创作、图案、塑造、手工制作)课业中所穿插 进行的欣赏。这种欣赏方法在教学过程中运用得很多,比如:我们每一课都安排了范图及资料,教师指导学生 观看讲解,指出作品美在哪里。又如:为了使低年级学生能在蜡笔的涂色中提高色彩能力,可引导学生对素描 知识的加深而出示一些合理范画,这就是随掌欣赏的教学过程。 3.现场欣赏。现场欣赏是一种在课堂教学之外的美术欣赏形式,是指在较长时间内到现场和实地察看所进 行的欣赏教学。例如:组织儿童参观美术作品展览和博物馆中陈列的美术作品,访问画家、工艺美术家、雕塑 家并观看其技法表演等。 条件稍差的农村,有关欣赏课的内容应结合本地具体情况作有效的灵活调整。比如我们上《古代传统建筑 》这一课时,就完全可以带学生到陶公庙去参观,让他们了解足够的知识后,民族的尊严与自豪感自然就出来 了。 美术欣赏教学论文:中学美术教学中人体艺术欣赏初探 在初中美术欣赏课中有不少关于人体艺术的内容,如何在教学中处理好它们,使学生对人体艺术的美有一个正确的认识,既是美术教学的任务之一,也是学生成长的需要。 初中生由于其年龄特点,对人体虽有一定认识,但尚处于朦胧状态。加之受当前电视、电影、书刊、杂志等各种媒介的影响,他们对人体内容的接触较以前的学生要多。但由于缺乏抵抗力而易受不良影响。一些学生就是受黄色书刊的影响而走上犯罪歧途的。现代社会中虽然人们思想解放,但作为成年人的家长也极少对孩子进行这方面的教育,造成了他们在性别、人体知识方面的神秘和空白,这就更需要在教学中加以正确的引导和填充。 在教学生学习人体结构时,除了讲解骨骼、肌肉的名称、位置、作用及男女形体的差异外,还要告诉他们,这个世界由男女两性组成,学习人体结构就是要正确认识自己,了解内在结构及外部形体。男性由于骨骼大、肩宽、肌肉发达,因此男人体形给人以强健的力量感。而女性由于骨骼较孝肩窄、皮下脂肪较多,给人以丰腴的曲线美之感。我在教学时准备了许多体育动态图片和服装动态效果图,引导他们回忆看过的体育比赛,思考体育健儿强健的体魄所体现出的美感;再引导他们回忆看过的服装表演,或看一些体操表演的图片,使他们对女性的丰腴秀美有一定的认识。 在中国古代美术欣赏中,我挂出了不同朝代的人物作品,有学生就问:“为什么唐代的仕女都比较胖?”由这个问题引出了不同历史时代不同的审美观问题,而这种审美观也受统治者喜好的影响,如“楚王好细腰”,唐代由于贵妃杨玉环受宠的因素,在唐代的仕女画中出现了丰满柔美的审美特点,《簪花仕女图》、《捣陈图》就是这一审美特点的具体体现。在男性审美的问题上文学作品及绘画多以表现王公贵族与才子佳人为主,如大家熟悉的《红楼梦》就给了贾宝玉“面若中秋之月、色如春晓之花”的姣好外貌,而宋玉、潘安、唐伯虎及现代的很多美男子都是眉清目秀、齿白唇红的儒雅才子、文弱书生,就在今天,也有不少人用“斯文”“秀气”作为对男性美的肯定评价。当然,这种观念有着深刻的社会学、伦理学根源。在“万般皆下品、唯有读书高”,“劳心者治人、劳力者治于人”的封建社会里,“锦衣秀士、白面书生”这类弱化的男性形像往往意味着优越的社会地位和充裕的物质生活,这也是男性弱化的因素。在当今社会,越来越多的妇女挣脱了封建桎梏,在人格上取得了与男性真正平等的地位。弱化的男性形像已不再受到普遍的青睐,也不再成为男性自我崇拜的偶像,代之而起的是有个性的健壮的男子汉,这正是引导学生认识人体美最好的契机。 人类自从认识到自身性的差异,千百年来,对男性人体美及女性人体美的认识便有了某些标准。在西方,人们将其分别归为崇高(壮美)和优美(秀美)的对立范畴,在中国则以阳刚之美和阴柔之美来形容。如果说男性人体犹如一首交响乐,那么女性人体就是一首小夜曲。从古希腊雕塑《掷铁饼者》和米洛斯的阿芙罗狄德,再从中国汉代画像砖、北魏石窟造像中的男人体和唐代巨天的造型上,就可得到确证。我在教学时将“米洛斯的阿芙罗狄德”与“掷铁饼者”及“大卫”挂图挂在一起,介绍画家及作品,尤其加深对美神的外在美与内在美的讲解,学生们听得津津有味。希腊人对于人体十分崇尚,认为只有健全的身体才能有健全的精神,他们把关心集体的利益、积极参与社会生活、心绪宁静、善于克制自己的公民道德,作为完善的心灵寄寓在强健的体魄中而创造出了身心统一的人体艺术形像。希腊人非常重视体育锻炼,自公元前七七六年起,每四年一次的奥林匹克运动会就是他们重视运动锻炼的表现。在最早的运动会上,运动员全是裸体的,并且用特制的名册记录胜利者的姓名,还为他们塑造纪念像,安置在神殿里。这样不但竞技成了希腊美术的主要题材,而且希腊美术成为古代最典型、最辉煌的现实主义艺术的直接动力。由于讲述了希腊人对体育的热爱及对人体美的崇尚,大大激发了学生对希腊艺术的兴趣,不但没有了初看人体雕塑的羞涩,而且还要求老师多讲解、多带些作品来欣赏。 在世界美术史中,优秀的人体艺术作品数不胜数。只要在教学中不断引导学生加深了解和认识,就会有收获。我所教班级的几位女学生对我讲:“过去我们为自己身体的一些部分害羞,以为谈论人体都是肮脏的行为。现在我们终于懂得了什么是女性美及人体艺术的美,要使自己成为集内在美与外在美于一身的女孩。”从他们的语言中我感受到收获的喜悦,他们健康、美丽地成长,正是我们的希望。 美术欣赏教学论文:美术欣赏课程的探究式教学模式与素质培养结合的方法 美术欣赏的过程承载着人们对美术作品的品味、感悟、欣慰等的感受。它可以提高人的艺术涵养,陶冶人的情操,开阔人的视野,扩大人的知识层面。早在文艺复兴时期,着名的科学家、艺术家达芬奇不仅在数学、物理、医学等领域卓有成就,在艺术界也是一枝奇葩。我国着名的科学家李振道曾提到:“科学是认知领域的顶峰,而艺术是情感领域的顶峰,二十一世纪将是艺术与科学的双峰聚会。”我国着名科学家钱学森的也说过:“科学家不是工匠,科学家的知识结构中应该有艺术,因为科学里面有美学”。因此,美术欣赏不仅仅是一种抒发感情,陶冶情操的课程,更多的是它可以促进其他各个学科的发展,在美术教学中通过探究式的学习可以加强学生的情感教育,从而提升其人文素养。 最早提出探究方法的杜威认为,科学教育的重心应该放在学习科学研究的过程或方法上。因此探究性教学思想相对于机械学习、被动学习的方式更会令学生便于接受和喜爱,它可以使学生通过自己的发现、研究、归纳、总结,获得经验,增长智力,提升自身的思想认识和正确价值观的一项具有重大意义的教学实践活动。 1 在美术欣赏课程中应用的实际教学方法 1.1 研究学生的心理特点,激发学生自主探究的学习欲望 探究式教学的优秀是提出问题,因此学生的学习活动是围绕问题展开的。鉴于学生大都具有广博的知识和缜密的逻辑思维能力,且好奇心很强,对于一些新知识他们喜欢提出问题、回答问题。因此探究式教学的出发点是先设定需要解答的问题,让学生通过摸索、探究新的知识,激发学生潜在的鉴赏能力,促使他们积极主动地投入到学习情境中,这是进一步探究的起点。从实际教学的角度来看,教师需要根据教学目的和内容,精心考量,根据内容设置情景,提出难易适度、逻辑合理的问题。因此在美术欣赏的教学中,教师应积极引导学生对作品的创作背景、手法、内在情感、作品意义等方面进行探究,以培养学生提高审美素养,丰富他们的情感世界,满足他们的审美需求。 1.2 实行开放式课堂教学,创设艺术情境,通过引导教学的方式,发掘学生自主探究的内在潜能 现在课堂教学大都提倡创新意识,课堂教学的优秀是培养学生的创新意识和能力,要发挥学生的主观能动性,将原来以教师教授为主的传统教学模式转变为以学生自主学习,亲身体验、研究、总结、创新为主的新模式。现代教育的教学过程不再是单纯的“填鸭式”传授知识,更重要的是培养学生独立获得、掌握、应用知识的能力。因此教师的使命不应只是“传道、授业、解惑”,更应该指导学生如何掌握正确的学习方法,主动地去获得知识、提高能力。在艺术作品接受过程中,体验是最有效的接受方式,也是最能与艺术作品的内涵相融合的接受方式,教师在美术欣赏课程中可以将学生以团队、小组的形式组织起来展开引导式教学,通过创设让学生身临其境、感同身受的艺术情景,从而激发学生的自主探究能力,提升审美修养和道德情操。 探究性教学法需要按照教学规律进行,在教师的组织和指导下,让学生运用已有的知识经验和技能进行尝试性地探究学习,结合教师的点评,学生再次体验,从而提高教与学的能力。 1.3 在课程中需穿插小问题,适时点拨,引导学生探究的方向 为了更好的达到让学生自主学习的目的,引导学生自主学习、发现问题、解决问题,应该在学生不明白时适当点拨,引导其探究的方向。比如说在鉴赏《拉荷切普及其妻坐像》时,先播放一段关于埃及文化的短片,并在短片中加放古埃及的音乐,让学生真正融入其中后,提出几个问题,让学生分组进行讨论,可以查阅资料。在讨论30分钟后,提问小组讨论的结果并加以引导学生的讨论方向。最终让学生根据提问后的解答及老师纠正后的答案总结出其基本的文化背景、特色、观后感。通过这样的方式可以从根本上加强学生学习的自主性和积极性,正确的引导学生参与到课堂中。 1.4 做好课终总结,将学生探究的结果汇总,形成本节课的知识点。课后留创新作业,激励学生自主学习 探究的结果是形成知识点,并根据学生自主学习的结果将本节课的重、难点进行梳理、汇总,让学生对本节课的知识有更系统的认识和理解,加深其掌握的效果。为了进一步激发学生自主、合作、探究的学习兴趣,课后,教师应在布置的作业上进行改革,做到“少而精”。 (1)应因材施教的布置作业。教师要根据学生不同的学情,因材施教的布置作业,采用按能力分组、分层、适度的布置作业。如学习了《蒙娜丽莎》后,我设计两个层次的作业。1)根据你的观后感,写一篇文章。2)查阅作者简介,分析作品背景、创作手法以及带给后人的意义,从而形成一篇学术论文。 可以让学生根据自己的能力和爱好,选择其中的一项来完成。这样,各个层次的学生都得到了训练,提高了学生自觉主动地完成作业的积极性。 (2)增加课外赏析的作业。课堂的时间总归有限,要想真正的做好鉴赏就必须要博览群书,多积累艺术常识,因此课后的自我学习显得尤其重要。这既可以增加自身的知识储备,又可以陶冶情操,一举两得。 (3)留一些可以促进想象力的作业,提高学生的创新性。亚里士多德曾提出:“想象力是发现、发明等一切创造活动的源泉。”可见没有想象就没有创造,只有善于想象的人才会善于创造。因此,我们在教学过程中,要善于捕捉可延伸、可拓展、又能升华和突出主题的内容,鼓励学生发散、变通,培养学生的创新意识,激发学生自主、探究学习的兴趣。 2 美术欣赏课程探究性教学模式的实践成效 (1)长期有效的培养了学生的学习兴趣,打破了课堂的枯燥无味。“只有兴趣才是学习永恒的动力。” 学习兴趣是促使学生积极、自觉学习的优秀因素,是学习的催化剂。探究性教学模式改变了以往学生对美术学习的浅显认识和厌烦情绪,丰富了学习生活,开阔了视野,提高了自主学习能力,激发了学生对美 术学习的浓郁兴趣。 (2)从根本上改变了学生的学习动机,由被动学习转为主动学习。学习动机是学生学习活动的推动力,它被各种不同的动力因素所影响。例如心理因素包括:学习的需求,对学习价值的认识、学习的兴趣、爱好及习惯等。在学习中除了要有学习需求以外,还要有好的学习目标才可以指引学习的方向,这就是学习的诱因。学习目标与需求同样重要,这成为学习动机的重要组成因素。学习动机推动着学习活动,能激发学生的学习兴趣,保持一定的唤醒水平,指向特定的学习活动。在美术教学过程中,教师采取一定的教学措施,利用一定的诱因,将学生学习美术的动机,由安静状态带入到活跃状态,促进学生勇于克服困难,产生求知兴趣和学习欲望,主动地去探求知识的奥妙。探究性教学模式改善了学生的学习动机,使学生意识到在美术欣赏课中既可以熏陶审美感,又可以在紧张的学习生活中得以放松,同时又储备了自己的知识量,对其他学科的学习也有极大的帮助。 (3)加强了教学的互动和交流,活跃了课堂气氛,有助于加深师生间的情感。在课堂中,单纯的授课方式犹如一潭死水,不仅不会带来好的收效还会适得其反。因此师生间的互动和交流可以增加课堂的活力,营造出温馨的课堂气氛,从而使师生互相交流,增进感情,这样有助于学生自主学习积极性的发挥。作为课堂教学的过程,实际上也是一种情感的交流过程。探究性教学模式发挥了认知过程对情感过程的作用。在学习中,每位学生通过发表见解得到了教师和同学们的关心,不但可以增进情感,还提升了口才能力和自我展示的能力。师生互爱、彼此尊重和信任,增进了师生间的情感交流和友谊。积极的情感交流可以提升学生学习的自信心,从而转化为学习的动力。 现在,在教学改革的大环境下,探究性的教学模式已经彻底转变了传统的教学观念,这个新的教学模式可以促进教师不断进行新课程的研究,加强对学生学习自主性的发挥,激发学生的学习兴趣。 美术欣赏教学论文:高中美术欣赏现代课堂教学五要 在推进素质教育的过程中,越来越多的人认识到美术教育在提高与造就学生素质方面所具有的独到作用。尤其高中开设美术欣赏必修课目以后,美术欣赏教育受到空前的重视,迎来了新的发展机遇,进入重要的发展时期c高中美术欣赏课的教学改革和教学研究,百花齐放,百家争鸣,新的教学方法,教学理念更是层出不穷,口新月异,同一堂欣赏课,不同的老师,由于教学观念、审美观念、知识修养、学生状况的差异有不同的教学方法,这是一种可喜的现象。—般说来,高中美术欣赏现代课堂教学应注意以下“五要”。 一、要把握学科特征 我们知道,美术是人类文化最早、最重要的载体之一,是运用美术形式传递情感和思想的一种重要的文化行为,高中学生通过对美术欣赏的学习、参与文化传承和交流,陶冶情操,了解和形成以美术学科为特征的知识、能力、情感和个性。把握学科特征,一方面要防止过分强调美术学科的特征。如上课大量使用美术专业名词、专业术语,或直接套用教材句章,将学生本来以为生动有趣,轻松愉快的美术欣赏课,上成深奥难懂的学术研究课”,这既不符合高中学生的认识规律,也不符合美术欣赏的学科特点,学生享受美的愿望得不到满,美术的学科目标也难以实现,并将导致学生对美术欣赏兴趣的丧失。其原因在于美术老师没有将教材知识融会贯通,自我消化而深入浅出的表述出来。 如教材第三课《美术作品的艺术语言》中,对美术语言特点的阐释。教材以其科学性、规范性和权威性将美术语言的特点阐释为“美术语言是一种不同于语言符号的待殊语言。在语言符号中,一个词仅仅是一个记 号,它有着独立的意义,而孤立的美术语言如线条、明暗、色彩等都不代表任何意义,只有当它们按照造型创 造法则去构造出一种全新的创造物,也就是它们结合到整体形象之中的时候,才只有表现某种意义的作用。”虽然以上阐释科学、准确,但如果教师照搬教材句章,学生会感到枯燥乏味,可用左下团阐释使学生一日了然,生动形象地了解美术语言的特点。 另一方面就是要防止一味迎合学生兴致,将美术课上成历史课或政治课而失去学科特征.对美术的“边角余料”过多阐述,没有回到审美教育的主渠道上来,忽视了《大纲》中规定的美术欣赏的目的,教师口若悬河,学生也兴致勃勃,殊不知已误入歧图.如有的教师过多介绍美术作品的历史背景、轶闻趣事,或过多挖掘作品的思想内容等,这都忽视了艺术作品本身所具有的审美功能,造成喧宾夺主. 要把握学科特征,教师还要准确把握高中美术欣赏课的教学目标,注重美术与其它学科.特别是子门艺术学科内在联系的研究,从大文化的角度了解美术与其它学科的共性,从学生熟悉的或已经形成的知识经验切入,让学生随老师设计的思路潜移默化地进人美术欣赏的学科知识中来,顺理成章,逐渐深人。如高中教材《美术作品的形式美》中对什么是形式美的教学可采用如下方法:先放一段事先准备好的外国流行歌曲(学生不熟悉的)。然后设问:你觉得这段歌曲美吗(要选择学生喜欢的)?它表现了什么内容呢(由于学生不熟悉,对外文歌曲表现的内容一般不能描述)?教师以此继续发问:你不知道歌曲表现的内容,那它美在哪里呢(学生一般都能问答出它美在旋律、节奏、音色、音质上来)?教师在此基础上归纳:旋律、节奏、音色、音质就是歌曲内容的存在方式,它所产生的美感,我们就把它叫做形式美。美术也有形式美……进一步展开. 这样从学生兴趣所至的子门学科入手,既把握了学科待征,又在欣赏美中深人浅出地传授了审美知识,有利于学生触类旁通地形成知识系统和审美经验。 二、要基础知识学习和作品欣赏并重 美术基础知识的学习和美术作品的欣赏是一个事物的两个方面,作品欣赏重在感受美,创知识重在研究为什么美。美术基础知识是美术欣赏所必需的“拐棍”,如果说欣赏是一把锁的话,基础知识便是一把开锁的钥匙。如果美术欣赏课教学只重视对作品的直观感受分析,而忽视广美术基础知识的学习.缺乏对作品的形式要素的探究,其结果必将导致学生知其然,而不知其所以然,欣赏方法难以掌握。欣赏能力难以形成。 美术欣赏只是停留在简单甚至肤浅的层面上,高层次的美术欣赏应以一定的美术基础知识为理沦支撑,就 象欣赏一辆好车,如果不了解汽车的构造风阻、引繁马力、气缸容量以及驱动方式、安全措施等技术性能,那 就不能感受到一辆好车的真正魅力。 在美术欣赏教学中,仅以“象”和“不象”、“美”和“不美”来评判美术作品,就是高中美术欣赏教学中不能并重基础知识和作品欣赏的表现。“象”和“不象”对于再现性作品来说,尚有可言,而对于表现性作品,特别是十九世纪以后的意象性作品和抽象性作品而言,就难以入座了,艺术作品的创作远不只是为了象形,艺术家寄托在作品中的主观情感和审美理想,才是作品的灵魂所在。如欣赏荷兰画家蒙德里安的作品《百老汇的爵士乐》,若以象和不象去评判达件作品,而不去分析作者如何运用点、线、面的纵横交错以及色彩的冷暖、面积的大小等形式要素,给人造成的小理感受与爵士乐、百老汇所特有的属性的联想和分析,学生是不会正确理解这件作品的。同样,以“美”和“不美”来评述美术作品,对高中生而言可以说是肤浅的,我们知道,“美”给人的感受是多样的,和谐谓之美,悲壮谓之美,崇高谓之美,有形式之美,也有内容之美。美具有多元性、复杂性,不少的“美感”,是通过不美的形式来表现的,如挪威画家蒙克的作品《呐喊》,正是通过极不协调的色彩和近乎可怕的形象来表现出自然给人的不安和恐惧的,使人们在19世纪末压抑的情绪在此得以释放而获得特有的“美感”。西班牙画家毕加索的《格尔尼卡》,也是通过怪诞的造型和地狱般的色彩来揭露法西斯的罪行的、表达了人民对法西斯暴行的愤慨,从而使人产生一种泄愤后的“美感”。所有这些,苦不通过美术基础知识,对作品进行理性的分析,而以象和不象、美和不美去评述它,美术欣赏是难以收到好效果的. 美术欣赏教学论文:高中美术欣赏教学与审美评价 一、美术欣赏教学的特征 许多教师有这样的体会,欣赏教学难于艺术实践教学,而现代作品欣赏则更难。这也许因为在欣赏传统的再现性作品时,有关史料和作品内容丰富了教学内容,符合了学生追求现实意识和经验的需求,故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。而现代表现性作品欣赏的着眼点不能直接为日常意识所接受,学生一时无法超出现实经验和欣赏习惯的阈限,因而使教学发生了困难。对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能企及的,审美意识的形成需要有个学习的过程。这并不是说对再现性作品的欣赏不是一种审美意识的活动,但一个不具有较强审美意识的人,往往能欣赏前者而不能欣赏后者。曾在上海举办“法国250年绘画作品展”会上,从男女老少、 各界人士的交流中我发现,人们似乎都能顺利地欣赏这类写实作品。然而,另一个事实却让我吃惊,在“毕加索”、“米罗”的画展上,许多学美术专业的学生都向我提出这样疑问:“这些画好在哪里?”而不是提出“我感觉到了什么”等评价性的意见。他们大有乘兴而来、败兴而去的情绪。造成这种情况的原因是多方面的。但有一点是肯定的,即观者的评价标准尚未建立在审美价值的基础上,当面对着新的审美现象时,其评价标准就失去了有效性。 以上列举的事实可以说明,从审美意识出发去评价和把握作品形式的情感意味,或剖析作品所激发审美体验的形式因素是个非常棘手的问题。一旦我们认识到,教学必须要达到这一目的时,那么再现性作品欣赏和表现性作品欣赏教学所碰到的困难是相同的。 我们已经知道,欣赏教学具有三个主要功能——认识、教育、审美。然而,这个属于审美范畴的教学离开了审美功能,专注于认识和教育功能是否符合欣赏教学的要求?假如,我们从伦勃朗作品中感知到铜盔的金属质感,能否成为帮助学生认识某种物理属性的辅助教材;假如,一幅画讲述的是某些伦理道德、社会思想和时代精神性的内容,是否可以作为一种传达思想观念的工具去完成德育课的教学内容,回答是肯定的。但不禁要问,欣赏教学本身的特征是什么?也许我们教学最终都是一种手段,所要达到的目的并不仅仅是培养学生的审美能力和健康美好的趣味,但通过艺术形式的直接感知和审美体验是欣赏教学的主要特征。从欣赏中不断获取多种功用是审美欣赏中继发性的作用。正如在其它学科教学中,偶尔得到一些类似艺术中审美感知的内容一样也是继发性的作用,并不是该教学的主要特征。 二、艺术的审美价值与评价 1.审美价值的客观性 艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的,具有客观性。在欣赏中,由于地区和民族等文化差别,会出现价值观的差异,甚至会有完全不同的价值标准。但这不意味审美价值无客观性,因价值不等于评价,它们之间可以统一,也可以对立。文化习俗和个人特殊经验是造成不统一的主要原因。在对某一作品实际判断中,不同主体会出现不同感受。如,一个人在丧失亲人时,热烈欢快的形式也不会被其感知为愉快的东西。反之,一个时逢喜事的人,在阴雨连绵的天气里也会感受到欢庆的气氛。由于文化习惯的差异,一幅山水国画也难以被一个西方人所接受,主体的评价与价值客观性符合与否,还要看主体所操持的欣赏媒介是否符合主体的欣赏习惯,一个不会下围棋的人,无论其有多少美学方面的知识和经验,也很难感知到棋盘中形式之美。同时,还要看主体能否在理智的作用下将普通情感升华至审美情感。一个具有欣赏水平的人,能感知和体验各种媒介的审美现象,甚至能将日常信息转换成审美信息进行体验。从中我们看到,减弱客体媒介中所粘附的非审美信息和压抑主体的非审美情感是评价符合审美价值的客观性的重要条件。所以在教学中,欣赏材料的选择和教师的讲评是极为重要的。倘若欣赏材料选择不当,教学就无法达到预期的效果,如果在学生鉴赏力尚处于低水平时,让他们欣赏人体艺术,可能使教学无法开展。同时,需要教师在课前查阅多方面的史论资料和作品分析的文章,从中抽绎出普遍性的规范和准则,这样才能使评价标准更符合审美价值的客观性。 2.审美评价的功利性 在美术欣赏中,对作品的审美感知具有社会功利性。一方面,审美意象和信息在激发主体审美经验的同时,也可能激发起个人的现实意识,即审美判断中潜伏着利害判断。如,对画中苹果的色彩和形状产生美感时,也可以作为“望梅止渴”的情感体验。即是纯粹几何形所传达一种普遍情感也能激起个人无意识的利害判断。另一方面,美感中包含着人类社会有益的内容,如果将壮观的战争场面看成是一种总体艺术,那么人们是不会想往那种艺术的。因为审美价值的判断要受认识价值和伦理价值的制约,即对人类社会有益的内容制约着审美价值判断。如,有时代和地区风格的作品或为某集团的个人情感所认可的形式规范,都可以作为审美评价的标准。 在欣赏教学中,教师和学生以及学生之间存着知识和经验的差异,这些都会影响审美判断和评价,故教师必须具备良好的修养和丰富的知识,理解作品形式和内容最普遍的审美意义,以宽容的态度容纳学生的感受和评价,启发引导学生以审美意识去感知作品,将日常情感升华至审美的判断。 3.审美评价是主客观的统一 审美价值的客观性并不排斥主体感受在审美现象上的多样性。欣赏是在主体参与下进行的,个人的视野和知识经验决定了评价具有主观成份,这些成份造成欣赏活动的复杂性,也造成评价难于统一。教师在讲解作品前,首先对自己的判断作内省的理性分析,理清情感中审美的和非审美的成份。在教学中,把自己的判断从推测性的语言引导学生去感知和评价作品。如,“我体验到……”和“我感觉到……”等非定性语气。使学生觉得教师的评价也并非是权威的和终极的。于是,学生也会进行自我分析,使他了解他的哪些反应代表自己个性中的基本和永久的成份,哪些是暂时的情绪和突变的东西,或是片面的判断。将自己的判断和他人的判断进行对照,使其看到自己的评价哪些方面符合多数人的意见。如此反复开展教学评价活动,使学生养成自觉验证判断,减少盲目冲动的评价,使评价达到主客观的统一。 诚然,教师对作品的评价总具有一定的权威性,并在教学中表现为一种灌输性。但任何评价都是对客体价值的主观选择和解释。从某种意义上说,这种“灌输”是疏通走向人性中共同的自由本质和理性精神的渠道。一种培养审美鉴赏力的教学,离开主体从个别至一般的评判过程,任何定性的灌输有可能造成学生在欣赏上的“伪敏感”,即缺乏主见的泛泛而谈和人云亦云的假象。这是教学另一个偏颇之处。 三、绘画欣赏中的评价 1.作品内容与形式 一般认为,再现性作品形式服务于内容,而表现性作品内容往往体现于形式的本体之中。尽管二者的侧重有所不同,但任何绘画都具有表现性和再现性的多重性内容。在具象绘画中,再现性内容处于显处,而表现性内容处于隐处。如,达芬奇和丁托莱托所创作的《最后的晚餐》,其再现性的内容相同,但因形式处理(构图、人物造型、透视等)不同,就有了隐藏着的另一种不同的内容,即不同的形式因素给观者造成不同的心理感受。试想,让一个不知此圣经故事的人去欣赏这两幅画时就出现这样的情况,达芬奇的画透视焦点居中,呈一种对称式构图,加之空间处理的平板装饰性,给人一种平静稳定之感。在平衡中人物的动态变化,略使画面产生从静到动、从安稳走向骚动之感,使观者体验到一种事物处萌芽状态,但预示着即将来到的运动最普遍的经验。而丁托莱托的画,由于透视焦点偏向一边,长形餐桌向纵向消失产生倾斜的纵深感。不对称的画面失去了稳定性,加之人物的前俯后爷相互重叠,以及画面上方飞动着的小天使,更加剧了动荡不安的感觉,使观者体验到事物发展中矛盾对抗即将解体的一种普遍经验。而在表现性绘画中,表现性内容处于显处,再现性内容则相反。如蒙德里安的《百老汇的爵士音乐》,乍一看,使我们首先感受到的是一种理性秩序下的欢快气氛。这种错落有致的点线面构成失去了现实形象的支持,使我们感受而不是看到,事物在运动中处于一种均衡缜密的网络系统监控下的普遍经验。在冷色调中透出澄黄的直线;在线与线之间点缀着大小不一的深红、深蓝的色块,仿佛象五线谱上的音符,给人一种机械性跳跃的节奏感。对这些表现性内容的体验,只要放弃从画中索取现实形象的要求就能得到。然而,另一种再现性内容通过想象也时常从画中迸发出来。如井字形直线象街道、大小色块象建筑物等。由于绘画具有多重性内容,在教学中必须分清它们的主次关系,使我们的感知和评价有的放矢。 2.欣赏与形式分析 在这一阶段的评价,需要我们把注意力比较长久地固定在作品上,并试图把握其中那些相互作用着的主要成份。如塞尚的《苹果与桔子》,产生顺畅、和谐及愉快情绪的形式机制是由那些主要成份造成的,线条是流畅的、形状是柔滑圆润的、色彩是暖调的;静物在大面积白衬布映衬下,整个明度是高调的。构图是由各种大小方向不一的三角形组成,变化而统一。桌面向左倾斜造成圆滑的果子不稳定感,但似乎又在右倾斜的果盆强力牵制下取得了平衡。这样画面既有欢快的动感,又有祥和定静的均衡感。但这些定性的分析必须后于学生的评价,教学应当首先引导学生充分感受,因为对形式因素的剖析是胜不过对形式的直觉,直觉是对形式全面综合性感知,是动态的。而剖析是将形式分解后逐一定格,是静态的。在教学中,两者缺一不可。一方面,我们需要直觉形式,但不能把直觉神化。另一方面,直觉后的理性分析帮助我们了解所能直觉的东西是由哪些因素造成的。我们要求学生不仅要知其然,而且要知其所以然。尽管对形式的剖析会使欣赏失去了愉悦性,但对提高形式的直觉水平是极为重要的。整个教学是一个从引导感知分析(史、概念、形式因素)再感知的循环过程。通过这一过程,使学生的直觉水平从感性阶段发展到理性的高度。 对形式因素的剖析是教学的重要部分已毋容置疑了,然而,在对作品分析时所使用的语言、方法及教具还需要进一步探究。如,在构图分析时,可将相似和相反的作品进行比较,卡尔夫的《有银水壶的静物》是一个“金字塔”形的构图与塞尚的静物画不同,具有稳重的矜持感。再如色彩分析,可以将色彩强烈的作品制成黑白灯片或教具画进行对照,使学生体会色彩在画中的作用。如果要让学生进一步体验构图的均衡作用,可以抽掉画中某一部分的色彩和形象进行试验。这种视觉实验性教学对高中生来说,是不会感到枯燥和乏味的。当然,教具的设计必须是经济又合理的。随着教学不断深入,形式的分析从笼统简单向细微复杂发展。可以说,对整体形式意味的感悟和对局部形式因素的体察和剖析都具有非生物学的意义。 另外值得一提的是,教师对作品的分析和评价应该是一种建设性的,而不是指令性的。任何作品都是某一时代和社会文化心理结构的反映,作品审美价值的各种现象都有其局限性,或侧重于技法、或侧重于观念;或侧重于唯美性、或侧重于文学性等等。只有用历史的辩证唯物的态度,才能较全面而客观地评价作品,一味迷信和排斥都不能揭示多种现象背后的审美价值。从这个意义上说,教学的过程就在于使学生成长为具有审美鉴赏力的评论高手。 综上所述,使我们明白了欣赏教学是一个复杂的综合性活动。教学的开展都必须依据学生前一阶段的基础,提出具体教学目标的侧重点。尽管教学活动的各阶段和各层次都有不同的目的和要求,但都必须围绕着以提高学生对形式的审美感知水平和对形式意味的直觉能力为宗旨。对实际作品进行多维的和有效的审美评价,是达到这一宗旨的唯一途径。 美术欣赏教学论文:关于中专美术欣赏课教学浅探 论文关键词: 美术教育 学习氛围 热点话题 中国画 论文摘要: 本文阐述了中专美术欣赏课的教学现状,论述了如何把枯燥、单调的美术欣赏课变得轻松愉快、丰富多彩。 在推进素质教育的过程中,越来越多的人认识到美术教育在提高与造就学生素质方面所具有的独到作用。素质教育的最终目的在于全面提高教学质量,充分考虑如何更好满足未来社会发展和学生全面发展和长远发展的需要。在向素质教育的转轨中,如何重视和发展学生的综合素质摆在了重要位置,美术教育正以它特有的功能在此过程中起着发展和完善人格、提高人的整体素质的作用。 中专生正处在由学校向社会的转变过渡时期。他们在生理、心理上已接近成熟,处于准备走向独立生活的时期;他们的自信、自尊都在增强,有自己独立的思考能力,接触面也更加广泛;他们求知欲强烈,教师传授的知识已不能满足他们的需求,他们渴望从各种渠道接受新观念,接受新知识。同时这个时期也是他们的价值观、人生观、世界观逐渐形成、成熟的关键时期,美术欣赏,能让学生在美的享受中接受教育,潜移默化地受到高尚、健康的思想感情的熏陶。 一、要给学生营造轻松愉悦的学习氛围 美术课与其它学科不一样,课堂气氛应尽可能地让学生感到轻松、愉快。这就要求教师在语言上可适当地幽默一点,尽量口语化。在阐明一些美术理论知识时,教师应尽量避免用呆板、空洞的语言陈述,多用通俗易懂的例子、歇后语,力求复杂的知识简单化,效果会更好;在欣赏作品时可结合有关作品内容或作者的趣闻轶事,使学生如同听故事般地被吸引到作品中来。同时,美术教师还可以采取多种手段来辅助教学,如用幻灯、投影、录像等播放作品,给学生一个直观的感受,在欣赏的同时还可以播放与作品内容相关的音乐。如在《韩熙载夜宴图》一画的欣赏中,放一曲中国古典音乐,那么学生在视觉、听觉上就会有一个直观的感受。除此之外,有条件的学校还可组织学生实地参观一些建筑、雕塑、博物馆、展览馆等,把课堂放在教室以外。在这样的环境下,学生学习的氛围会更加浓厚。总而言之,教师只有营造一个轻松愉快的学习氛围,才能吸引学生由被动学习转为主动学习,才能培养激发学生学习的兴趣。 二、导入热点话题,引导学生积极学习 教师在教学过程中,教学思路的设计对于激发学生的兴趣是非常重要的。教师可引入当今热点话题,巧设悬念。例如,引用荷兰画家凡高的作品《向日葵》在二十分钟内拍卖到近几亿人民币的报导,笔者提出问题:《向日葵》是何种画?大家听说过画家凡高,知道他的故事吗?这幅画给你什么感受?这幅画好在哪里,美在哪里?让学生以团队为单位讨论,回答上述问题,教师总结。这样的设计,旨在紧紧吸引住学生的注意力,引导学生主动学习。同时,这样的课程设计,肯定比对课文呆板、单调的陈述更能引起学生的兴趣。所以设计一堂完美的美术欣赏课,就如同完美的“作品”一般,这样的“作品”相信会激发学生学习美术欣赏课的兴趣。 三、多欣赏中国画,增加爱国主义教育 在美术欣赏课上,教师有必要更多地让学生了解中国的艺术,提高民族荣誉感。长期以来,由于欧洲中心论的影响,把科学的发达等同于美学的发达的错误理论,中国的艺术跟在西方科学后面,疲于追赶,在一定程度上舍近求远,忽略了中华民族的审美优势。正如毕加索所说:“在这个世界上谈到艺术,第一是中国人有艺术;其次,是日本人有艺术,当然日本人的艺术又是源自你们中国;第三是非洲人有艺术。除三者外,白种人根本没有任何艺术可言。我最莫名其妙的,何以有那么多的中国人,东方人要到巴黎来学艺术。” 提高中专生的综合素质并不是通过欣赏一定数量的美术作品就可以达到的,而是要在长期的欣赏过程中潜移默化地实现。美术教育的根本目的是培养人,人是艺术教育的目的,是思考艺术教育的新契机;人是主体,他并不是消极地接受教育,而是具有内在生成的自发力,有知觉、感觉、精神力、冲动、意志力的个人;艺术教育不是教“艺术”,也不是进行“教育”,而是激发主体“人”与环境相互关系的自觉,产生主动学习的精神,达到人与环境协调共存的目的。 美术欣赏教学论文:高中美术欣赏课教学魅力初探 有这样一个故事:一位老画师出了个“深山藏寺”的题目,令其弟子作画:大弟子画了一座山,山中一座庙;二弟子也画了一座山,树木掩映下露出庙宇的屋顶,远望去颇有点“藏”的味道;而三弟子思忖良久后,画了一座山,一条河,一个和尚挑着水往山里走。三者相比,显然后者高人一筹,含蓄地体现了主题,余味隽永,含不尽之意于画外,自然得到老画师的赞赏。这种言不尽意、意在象外的无尽妙处给我们以非凡的启示:艺术手段的精深微妙,可应用于教学艺术之中。古人论画,常有无法中有法,入乎规矩之中,又超乎规矩之外的说法,教学艺术的本质在于合乎教学规律并具其独创性。“深山藏寺”给予我们的微妙领悟应用于美术欣赏教学实践中,给学生留下思考的余地,启发学生创新思维,寓教育于艺术良方之中,寓教育于文化艺术之中,教学艺术因之而升华,教学也因此富有个性魅力。 一 “藏”知识 我国古代教育家孔子说过:“知之者不如好之者,好之者不如乐之者。”旧注:“学问,知之者不如好之者笃,好之者不如乐之者深。”孔子的名言不仅是指深入学问深浅层次,更重要的是学习者学习态度上的区别。教学的最终目的是使学生由爱学而入境,会学而晓理,乐学而动情。而在整个学习过程中最好的刺激就是学生对学习材料的兴趣。据此,在欣赏课教学中,教师在保持艺术本身的含蓄之美的同时,努力做到引起学生探究其文化内涵的兴趣,从而加大有效知识(指教学中的新观点、新材料,学生不懂、不知的,学后有所得、有所感、有所获的内容)的传授量,增添教学魅力。 在欣赏课教学过程中,结合美术自身特点(静态地、含蓄地表达人的情感、思想与认识)和高中学生思维特点(不限于对事物外部现象的了解),教师可挖掘美术自身的趣味性因素,适度引导,留有余味,使学生产生探究欲望。如,教师带领学生欣赏国画时,不应把其特色与精神作平铺直叙的介绍,可选择在中国文化艺术中学生既有兴趣又有疑问,既有期待又有困惑的内容导入,比如象形文字的演变。(虎; -虎- )首先,教师展示象形文字挂图并设疑:“挂图中的图象是什么?象什么?”学生有了各种答案,同时有了困惑,也有了期待。随后,挂图逐页翻过的同时质疑:“文字的源头是最古老的绘画,由最古老的绘画又演生出文字,说明了什么问题?”通过讨论逐步得出结论:“书画同源”。再质疑:“草书与最初的甲骨文相比较有何突出特征?”又共同探讨出:有了一种超越物象本身的神采。由此便迁移到国画中来,总结出国画的一大艺术特色——形与神的统一,与西方传统绘画(放有关幻灯片)相比较,体现着中国艺术独特的魅力——人与自然的融合、感情的真挚与感觉的质朴。整个教学过程由于较好地保持了艺术本身的含蓄性,有效知识的传授是潜移默化的,创设良好的探究问题的情境,最终使学生领悟到“藏”在国画艺术之后的中国艺术精神、民族文化心理。由此可见,由艺术本身的含蓄和教师在教学过程中保持了这种含蓄而引发起探究情境,使学生的心理需求得到了满足,对教师亦产生了敬佩之感,自然增添教学魅力。 二 “藏”观点 心理学研究认为,教学是师生双边活动,在教学过程中不可能只是单纯的认识方面的信息交流,必定还有人与人之间的情感交流和心灵的相通。据此,笔者以为教师的观点与倾向性不要特别地讲出,要从情节中自然流露,自然地同化学生心理,使教学富有魅力。 优秀的艺术作品打动人的是自然流露的真实情感,而富于魅力的教学也应是浑然天成的,特别是欣赏课。“欣赏”本身就是心与心的交流,美术欣赏课要求教师将教材内化为自己的心理品质(教师即为教材),再以自己的心去同化学生的心。这就需要教师将自己的观点、认识及倾向性融入情感、语言等教学意向活动中,自然地用自己的思路引导学生的思路,用自己的情感激发学生的情感,用自己的心去同化学生的心,用自己的灵魂铸造学生的灵魂,从而步入一种师生相融的微妙世界,魅力随之而生。如笔者在中国工艺美术欣赏课中,与学生共同探讨“凤”的形象:学生说“凤首”象鸡,教师补充:它给人的感觉又不象鸡那样好斗;学生说“凤翅”象燕,教师说又没燕子那样轻巧;学生又说“凤颈”象鹤,教师又补充,感觉又不象鹤那样轩昂。学生在余味中感觉到教师是在说人而不是在谈“凤”。在和谐的师生相融的课堂氛围中,学生不仅领悟到了“凤”的风格也领悟到了人的象征,领悟到了中国传统艺术的民族风格。通过教师精心设计的思路,使学生体验到教师自然流露出的感受与认识,那种将问题想透了而带来通体透畅的感觉从教师这里自然地曼延开来,充满整个课堂,能够激发师生内心的追问真理和热爱智慧的热情,师生体验到成功的愉悦,教学魅力亦在其中。 三 “藏”方法 我国著名科学家钱三强说:“什么叫‘名师’?并不是手把手教就是名师,而是善于启发诱导,让你敢‘创’。”这就是说,教学的目的,最终应使学生从学会到会学,逐步掌握学习方法。教师所教给学生的学习方法没有固定的模式,也没有一种万能的教学方法是放之四海而皆准的。一是因为时代在不断发展、科学技术在不断进步;二是因为学生之间存在着个体差异与群体差异。这就要求教师发挥自己的独创精神,灵活运用教学原则,去选择最佳的教学方法来完成每一节课的教学活动。对于美术欣赏而言,“欣赏”本身是一种创造,为使学生完成这一创造性的“欣赏”过程,完成真正意义上的“欣赏”,教学过程中教师应是一种启迪思想、促进理解的角色,持有一种着意开放的心态,尽量避免以假定去限制学生的独立思考,鼓励学生要求进一步澄清问题,创设一种良好的开放的课堂氛围,通过富于魅力的教学启发、引导学生去领悟欣赏“方法”。 在欣赏课教学中,总会有学生问怎样欣赏这类或那类的美术作品,教师可借鉴有法而不言法的艺术处理方法,通过独特的方法引导、启发学生自寻欣赏“方法”。这样不仅培养了学生的能力、情感,同时也增添了教学魅力。如笔者应用“空白”艺术理论追求不教之教。“空白”原本是作品中未画出的却是向观者所暗示的部分,教学中的“空白”即未明确讲出的部分。比如在国画欣赏课中,教师设疑:“如何认识一个人?”学生答:“内在品质及外表。”教师引导:“观画如观人。”学生在赏析过几幅作品后总结出国画内在神韵与外在笔墨的欣赏品评标准。这样教师引导,启发学生创新思维,巧妙地留出教学中的“空白”,留有余味,培养了学生的想象力、创造力,同时达到了不教之教之目的。再如,现代设计艺术欣赏课中,由于它与实际生活联系紧密,所以教师只需稍加引导令学生自己去赏析。笔者曾带了实物(壁纸刀、收纳桶等)到课堂上,引发学生谈论生活中优秀的设计,随后又举出反例(如一些城市垃圾箱、土产商店一度出现的“猫壶”等),再质疑:“优秀与拙劣的设计品评标准是什么?”最终学生讨论出现代设计体现现代人文意识的主题。这种帮助学生画龙,令其自点睛的“空白”教学,既培养了学生的能力也使学生领悟到欣赏该类美术作品的“方法”。 诚然,影响教学魅力的因素是多方面的,笔者运用以上“三藏”的方法,意在将“深山藏寺”之良方应用于教学当中,从而自然地增添教学魅力。实践证明,这一做法不仅体现了艺术本身的含蓄之美、意境之美,同时也使学生在轻松愉快的课堂氛围中,丰富了情感、陶冶了情操,并使教学呈现内在、持久的魅力。 美术欣赏教学论文:浅谈中国古代雕塑的艺术特点——普通美术教育欣赏课教学参考 一、中国古代较少纯粹的雕塑艺术品,这是一般人不重视中国古代雕塑的主要原因。西方雕塑发源于古代希腊,古希腊人重视人体,将神塑造成完美的有血有肉的人。他们崇拜神,也崇拜和神一般完美的英雄——战士与运动家。为他们塑造供人膜拜瞻仰的偶像和纪念像。如此形成传统,在西方世代相传,成为一种纯粹的雕塑艺术。中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教,都不同于古代希腊。中国远古时期重礼教,尊鬼神,艺术重心倾向于工艺美术,在礼器、祭器上发挥艺术天才,并且同样也形成传统,影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑,在历代都占有主流地位。它们分为两大类,一类是纯粹的工艺品,例如象形器皿和供摆设的小型工艺雕刻。一类为建筑(包括陵墓)装饰雕刻,例如一般欣赏教材中都会列举的南朝王陵石刻辟邪和唐代顺陵石狮。实用性除反映在装饰雕刻上以外,还反映在明器艺术与宗教造像上。明器是随葬用品,其中雕塑品占有重要地位,主要是俑和动物雕塑,一般教材都举秦始皇陵陪葬坑兵马俑和唐三彩俑、马为例。俑是人殉的取代物,动物雕塑也用来代替活体陪葬,它们的实用性很强,并非纯粹的雕塑艺术品。宗教造像也是如此,它们是供信徒顶礼膜拜所用的,以佛教造像最有代表性。欣赏教材多以南北朝和唐代的作品为例,因为这些时代的佛教造像艺术水平普遍较高。宋元和明清也有好作品。佛教造像有宗教上特殊的造型要求,它们和古希腊那种以人为范本的真实自然的神象有所区别,在欣赏时需要了解经规仪轨的种种规定,如佛象两耳垂肩,手长过膝等等,否则很容易认为比例不准确,解剖有错误而加以否定。纯粹的雕塑一般以纪念性雕塑为代表。中国古代重视绘画艺术,纪念性人物和事件,通常以绘画来表现而极少使用雕塑,例如汉唐功臣和历代帝王像,都是画在壁画和卷轴画里。纪念性雕刻在帝王上大夫染指绘画之前的西汉时代偶有创作,最著名的例子就是欣赏教材都有介绍的霍去病墓石刻“马踏匈奴”。此外,东汉四川都江堰李冰像和五代前蜀主王建坐像,也是现存的古代纪念性雕刻,实属凤毛麟角。中国有中国的历史和文化特殊性,也有其艺术的特殊性。我们不能因为纯雕塑品少就不承认带实用性的雕塑品,也属于雕塑艺术而拒绝认识它们、理解它们和欣赏它们。 二、出于上述原因,中国古代雕塑的装饰性相当突出。这是它孕育于工艺美术所带来的胎记,无论是人物还是动物,也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻,都普遍反映着传统悠久的装饰趣味。最显著的例子是欣赏教材中云岗北魏露天坐佛,南朝的辟邪和唐代的石狮。佛像的对称式坐姿和图案化的袈裟衣纹处理,使之显出浓厚的装饰性。和写实的西方宗教神像相比,中国佛像因装饰性的虚拟成分,更带有一种非人间性的神秘,但又包含一种蔼人的亲切,因为装饰性既不同于生活真实,却又是中国人在生活中无处不在司空见惯的艺术真实,所以有此效果。同时,装饰性对于增强佛像所要求表现的庄严肃穆气氛,也十分有效。辟邪石狮的整体造形,完全经过装饰化变形,犹如青铜器或玉器上的某个装饰部件。身上更有线刻图案来加强这种装饰品格。装饰性的变形处理是夸张概括的手法之一。经过这样处理过的石兽,往往比写实的雕刻石兽更威风、更勇猛,且更神圣不可侵犯,能更好地发挥它们作为建筑装饰的功能。(辟邪和石狮多为陵墓的仪卫性装饰品,用途在于显示墓主的权威。) 三、中国古代雕塑具有明显的绘画性。中国古代雕塑和绘画是一对同胞兄弟,都孕育于原始工艺美术。从彩陶时代起,塑绘便互相补充、紧密结合。到二者都成熟之后,仍然“塑形绘质”,在雕塑上加彩(专业术语称作“妆銮”)以提高雕塑的表现能力。现存的历代雕塑,有许多就是妆銮过的泥塑、石刻和木雕。今天的雕塑艺术完全西化了,不再加彩,但民间雕塑仍保持妆銮传统。西方古代雕塑也有加彩,到文艺复兴以后,除宗教神像为求逼真效果,大多继续加彩外,一般雕塑不再加彩。中国塑绘不分家,导致了雕塑与绘画审美要求的一致性。在中国古代,绘画受到比雕塑高得多的重视。雕塑始终由工匠从事,文人士大夫极少参与。早期绘画的作者也只有工匠,但从东汉晚期开始,文人士大夫乃至帝王参与了绘画创作,从此成为中国古代绘画创作队伍的骨干力量。他们是国家、社会及文化的统治者,自然也统治了绘画,使绘画地位高高凌驾在雕塑之上,并以其艺术观念影响雕塑,因而雕塑染上了明显的绘画性。其绘画性表现为不是注意雕塑的体积、空间和块面,而是注意轮廓线与身体衣纹线条的节奏和韵律。这些线条都象绘画线条一样,经过高度推敲概括提练加工而成,和西方古典雕塑以块面和空间的丰富变化来体现轮廓与衣纹的形状完全异趣。后者体积感强,前者只有大的体积关系,局部大多平面性很强。有时在平面上运用阴刻线条来表现肌肤和衣服的皱褶,仍然没有立体感,只有绘画的平面效果。因此,通常雕塑表面光滑,没有西方雕塑那么多明暗起伏的细微变化。这种特点,在教材最常引用的汉唐陶俑、敦煌莫高窟唐塑和麦积山石窟宋塑佛教造像,以及太原晋祠宋塑侍女,大同下华严寺辽塑菩萨、平遥双林寺明塑和昆明筇竹寺清塑罗汉像等等作品上都可见到。中国雕塑从这一特点历代相沿,至今民间匠师仍然大都先勾人物线描草稿,象人物画白描一般,再复制成雕塑。也有人直接在硬质材料上勾线描稿,再雕而刻之。这样创作雕塑,带有绘画性就可以理解了。中国古代雕塑绘画性强,自有一种东方趣味,符合中国古人的欣赏习惯,他们是从绘画艺术的角度去看待雕塑艺术的。今天我们欣赏古代雕塑,也需要借用中国画的审美眼光,才能把握美感要点。如果只用西方古典雕塑的艺术标准来指摘中国古代雕塑缺乏雕塑性,那无异于为适履而削足。 四、中国古代雕塑的另一个特点是意象性。西方雕塑从古希腊时期起,就努力摹仿再现自然,写实性极强。中国雕塑和绘画很迟才脱离工艺美术的母体而独立门户。在漫长的几千年间,它们只是工艺美术品的两种装饰手段,这是塑绘不分的主要原因,也是线刻和平面性浮雕——画刻高度结合的中国式造型方法特别发达与持久的主要原因。装饰不求再现,只追求表现物象,因此发育出中国雕塑与绘画的共同品格——不求肖似(高度写实地再现自然),形成了高度的意象性特点。中国画无论工笔还是写意,都不象西洋画那样精确地写生刻画对象,而是主要依据观察体验所得印象,再加上想象,经过主观加工美化而成艺术形象,和客观对象保有相当距离。中国画不画光影(这是表现主体感真实感的重要因素),色彩只表现固有色(所以写实性有限),造形与画面效果的平面性很强。背景一般为纸、绢的空白,不求空间深度,而把注意力放在物象的“神韵”表现上。因此,若按西洋画的解剖、比例、透视和色彩等等准确度很高的科学化标准来衡量中国古代绘画,便会觉得一无是处。但若理解中国艺术自成体系、自有追求,便懂得和喜欢品味中国画的美感。中国雕塑也是如此,它和中国画观念是一致的,而且贯穿了整个古代雕塑史。秦始皇陵兵马俑虽然表现出高于其他时代的写实性,但那也仅仅集中在俑的头部刻划上,而且形象也只是分为几种类型,不是每一件都各不相同,身体部分则无一例外是十分写意的。就是比较写实的头部,也不能和西方雕塑同日而语,它只是象中国画有工笔一样,比较深入细微而已,本质上依然属于意象性造型。其他汉唐陶俑、霍去病墓石刻、历代宗教造像无不显示意象性特点。它们和中国画一样,追求神韵,不求肖似。如果用西方古典雕塑的标准来看待它们,就能挑剔出解剖、比例不够准确,质感塑造不够充分等等不足,造成欣赏上的障碍。我们必须换一种眼光,使用我们自己民族的艺术标准和审美习惯,来欣赏中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。这样,当我们从敦煌菩萨,晋祠侍女、筇竹寺罗汉塑像上体会到“栩栩如生”这一句成语的含义时,就不是象欣赏西方古代著名雕刻,如欣赏教材常会介绍的掷铁饼者、拉奥孔群像和奥古斯都像等等那样,是个从形到神都准确得象真人一般的概念,而只是感受到一个艺术品所传达的人的生命力、精神状态和宗教境界等等形而上的东西。 五、中国古代雕塑语言精练,这是意象性衍生的另一艺术特点。中国古代雕塑始终没有发明西方雕塑的造型术(modelling)来精确地塑造物象,而多从感觉和理解出发,象中国画一般运用经济的语言,简练、明快,以少胜多而又耐人寻味,常常给人运行成风、一气呵成、痛快爽利的艺术享受。夸张乃至变形来强调人与动物的神韵,是普遍运用的手法,汉代四川说唱俑和霍去病墓石兽最有代表性。这些作品只是服从作者对物象的感觉和理解,他们所关心的不是准确比例和真实效果,而是说唱者眉飞色舞,手舞足蹈的表演神情以及虎、象、马、牛、野猪等动物的不同习性和旺盛活力。这样必须有所取舍,有所夸张变形甚至抽象,其效果更突出对象的特征,更具有艺术感染力,给人的印象更特殊而深刻。这一点和西方近现代雕塑有相似之处。西方近现代雕塑一反传统的写实为变形,追求雕塑语言的多变性和雕塑空间的自由性,不被客观物象所役,使艺术创造更纯粹。中国古代雕塑实际上也是达到雕塑语言的多变性和雕塑空间的自由性这种艺术境界的。霍去病墓石兽采取“因势象形”的手法,充分利用岩石,自然的令人联想接近某种动物的形状,只进行最低限度的艺术加工,使石兽的造形显出空间的自由而不斤斤计较于形似。加工的语言有圆雕、有浮雕、也有线刻,是根据岩石形状与动物形象的双重需要加以多变性运用的。这种圆、浮、线雕并施的语言,在汉唐陶俑、历代石兽以及佛教造像中均可见到。它们使中国雕塑在精练中块面更整体,因而有时更具雕塑感甚至建筑感,例如云岗北魏露天坐佛和龙门奉先寺唐代大佛,就是杰出代表。 六、中国古代雕塑既然是意象性的,注重“以形写神”,必然也象中国绘画一样,注重头部的刻划。中国古人认为“头者精明之主也”。(《黄帝素问》)“头者,神所居,上圆象天。”(《春秋元命苞》)从原始时代起,人面或人头,在工艺装饰中就受到特别重视,这应是中国古代造型艺术发展为特别重视传神的原因之一。这种重视贯穿了几千年,直到今天,在民间雕塑和农民画中,头部仍是艺术家首要表现的部分。头部以外的人体部分,便被看作是从属的,较为次要的。这样,在中国古代雕塑和绘画中,头大身小逐渐变成一种习惯造型,一旦头身关系处理不好,在视觉上便难免造成不舒服的特点,这是不必为古人护短的。然而优秀的作品常常把人们的注意力,从缺点中吸引转移集中到刻划精彩的头部来。这些头部看似没有西方雕塑深入,可是结构十分严谨。搞过雕塑的人都有体会,临摹西方雕塑易,临摹中国古代雕塑的头部却相当困难。它们不如西方雕塑结构准确分明,却另有一种完美性,神完气足,很不易临摹到那种境界。在头部以外,又用充满韵律的身体衣纹线条来发挥美感,使人受感染的不是比例结构的准确本事,而是传神美化的功夫。龙门奉先寺大佛、服侍菩萨与天主力士像都严重头大身小,但依然很美,非常典型地说明了中国古代雕塑的这一特点。 七、中国古代以“温柔敦厚”为诗之旨,这和中华民族的气质、生活条件、地理环境、哲学思想、伦理道德观念及其他文化因素密切相关。另的艺术也如此追求,表现在造型艺术上便是含蓄美、内在美。雕塑亦然,中国古代雕塑给人的感觉不象西方古典雕塑那样一览之下、历历在目,而是神龙露首不露尾、含不尽之意于象外。没有剑拔弩张,向外张扬的火气,而是象中国书画用笔藏锋那样将力量包裹在内部,给人更多品尝的余味。例如严阵以待的秦始皇陵兵马俑、载歌载舞的汉唐女俑、孔武威风的唐代天王力士,乃至雄强猛厉的南北朝辟邪和唐代石狮,都有这种效果。比较一下掷铁饼者力量的紧张迸发和拉奥孔群象情绪的激烈发泄,就能够领会中国古代雕塑含而不发的美感特点。它是与其他中国古代艺术的审美理想相一致的,就象西方雕塑与绘画的审美理想也相一致一样。欣赏中国雕塑时也许会觉得不如西方雕塑痛快顺溜,这就象喝酽茶和喝咖啡不同一样,不能相题并论。喝茶需要品味,如若不谙茶道,便永远进不了茶的境界。 八、中国古代雕塑风格往往体现了中国古代哲学精神。儒家哲学尊天命,受其影响,中国艺术反映为崇高、庄严、壮丽、重穆、典雅等等风格。道家哲学崇自然,在艺术上则表现为飘逸、雄浑、淳厚、古朴、淡泊、天真、稚拙等等风格。中国画和雕塑都具备这两个系统的风格特征,例如佛教造像和陵墓仪卫性雕刻,一般具备前一系统的风格,龙门奉先寺大佛最为典型。它是唐代武则天出资修造的,寓有帝王的精神气度,风格上必然强调崇高、庄严、重穆和典雅。明器艺术中的俑和动物雕塑多属后一系统的风格,它们和生活关系密切,风格上追求自然,朴拙可爱。两者各异其趣,各有千秋。西方古典雕塑风格比较接近前一系统,却少有后一系统的风格特征。希腊古风时期的古拙是艺术技巧幼稚阶段的自然产物,不是刻意追求的风格。中国画和雕塑却有意返朴归真、退熟回生,追求一种内在美,一种原始美,一种大巧若拙的哲学精神境界。这些追求是难于站在西方艺术角度来理解的,所以一般习惯欣赏写实性雕塑的人,欣赏中国古代雕塑总有障碍。这就需要提高中国传统文化修养,从根本上来认识中国艺术,否则欣赏也好,创作也好,都很难进入堂奥。 九、中国古代雕塑遗产大量属于佛教造像,佛教美术有其特殊的经规仪轨,形成自己的特点。佛教美术源于古代印度,中国的佛教雕塑源自古印度的犍陀罗、马土腊和芨多等地区与时代的佛教雕塑。中国艺术家在学习摹仿过程中,逐步将它们加以改造,使其既保存了某些原产地的样式,又更多地体现出中国特色。而印度犍陀罗佛像受到希腊化时期的古典雕刻影响,它们也有个雕塑本土化的演变过程。因此,在欣赏中国古代佛像时,适当对照希腊、印度的古代雕刻进行比较,有助于加深认识和理解各自的美感区别。同时需要了解佛教造像的经规仪轨。上文提到的佛像两耳垂肩,手长过膝,就出自经规仪轨。佛像有所谓“三十二相”、“八十种好”的形象上的神化特征,两耳垂肩、手长过膝而外,又如螺发绀青相、顶上肉髻相(不是普通发髻)、眉间的毫相等等可以通过造型艺术加以表现的相好,在雕塑时都必须严格符合要求。佛和菩萨的肢体动作,特别是手势(称作“手印”或“印相”)各有含义。各种佛经人物依身份不同而有不同的造形(如有的三头六臂,有的千手千眼),不同的服饰标识(如佛和罗汉著朴素的袈裟,菩萨则衣饰华丽)、不同的姿势(如接引佛才站着,其他佛皆取坐姿)等等,都有固定的要求。如不了解,很容易觉得佛教造像怪诞和雷同。 上述各种特点,都不是孤立的,它们互相关连。我们在欣赏中国古代雕塑时,需要综合各个特点来认识,才可能得出比较合理的结论,承认它们确实还有不少好处。特点不一定就是优点。但有了特点,一种艺术就有了它存在与发展的理由和价值。中国艺术,包括中国雕塑之所以能一枝独秀地屹立在世界艺术之林,全在于它有着与众不同的许多特点。这些特点是世界所承认和尊重的。当许多中国人奔赴西方学习雕塑时,西方雕塑家也来中国借鉴中国古代雕塑。有位美国雕塑家曾对中国美术学院的雕塑系学生说过:“你们不要捧着金饭碗要饭。”这句话是我当雕塑史研究生时亲耳听到的,我把它当作一颗定心丸摆在本文的结尾,送给对中国古代雕塑的“好在哪里”尚有怀疑,不敢在欣赏课中理直气壮教学的同行,但愿有点用处。 美术欣赏教学论文:高中美术欣赏现代课堂教学五要 在推进素质教育的过程中,越来越多的人认识到美术教育在提高与造就学生素质方面所具有的独到作用。尤其高中开设美术欣赏必修课目以后,美术欣赏教育受到空前的重视,迎来了新的发展机遇,进入重要的发展时期c高中美术欣赏课的教学改革和教学研究,百花齐放,百家争鸣,新的教学方法,教学理念更是层出不穷,口新月异,同一堂欣赏课,不同的老师,由于教学观念、审美观念、知识修养、学生状况的差异有不同的教学方法,这是一种可喜的现象。—般说来,高中美术欣赏现代课堂教学应注意以下“五要”。 一、要把握学科特征 我们知道,美术是人类文化最早、最重要的载体之一,是运用美术形式传递情感和思想的一种重要的文化行为,高中学生通过对美术欣赏的学习、参与文化传承和交流,陶冶情操,了解和形成以美术学科为特征的知识、能力、情感和个性。把握学科特征,一方面要防止过分强调美术学科的特征。如上课大量使用美术专业名词、专业术语,或直接套用教材句章,将学生本来以为生动有趣,轻松愉快的美术欣赏课,上成深奥难懂的学术研究课”,这既不符合高中学生的认识规律,也不符合美术欣赏的学科特点,学生享受美的愿望得不到满,美术的学科目标也难以实现,并将导致学生对美术欣赏兴趣的丧失。其原因在于美术老师没有将教材知识融会贯通,自我消化而深入浅出的表述出来。 如教材第三课《美术作品的艺术语言》中,对美术语言特点的阐释。教材以其科学性、规范性和权威性将美术语言的特点阐释为“美术语言是一种不同于语言符号的待殊语言。在语言符号中,一个词仅仅是一个记 号,它有着独立的意义,而孤立的美术语言如线条、明暗、色彩等都不代表任何意义,只有当它们按照造型创 造法则去构造出一种全新的创造物,也就是它们结合到整体形象之中的时候,才只有表现某种意义的作用。”虽然以上阐释科学、准确,但如果教师照搬教材句章,学生会感到枯燥乏味,可用左下团阐释使学生一日了然,生动形象地了解美术语言的特点。 另一方面就是要防止一味迎合学生兴致,将美术课上成历史课或政治课而失去学科特征.对美术的“边角余料”过多阐述,没有回到审美教育的主渠道上来,忽视了《大纲》中规定的美术欣赏的目的,教师口若悬河,学生也兴致勃勃,殊不知已误入歧图.如有的教师过多介绍美术作品的历史背景、轶闻趣事,或过多挖掘作品的思想内容等,这都忽视了艺术作品本身所具有的审美功能,造成喧宾夺主. 要把握学科特征,教师还要准确把握高中美术欣赏课的教学目标,注重美术与其它学科.特别是子门艺术学科内在联系的研究,从大文化的角度了解美术与其它学科的共性,从学生熟悉的或已经形成的知识经验切入,让学生随老师设计的思路潜移默化地进人美术欣赏的学科知识中来,顺理成章,逐渐深人。如高中教材《美术作品的形式美》中对什么是形式美的教学可采用如下方法:先放一段事先准备好的外国流行歌曲(学生不熟悉的)。然后设问:你觉得这段歌曲美吗(要选择学生喜欢的)?它表现了什么内容呢(由于学生不熟悉,对外文歌曲表现的内容一般不能描述)?教师以此继续发问:你不知道歌曲表现的内容,那它美在哪里呢(学生一般都能问答出它美在旋律、节奏、音色、音质上来)?教师在此基础上归纳:旋律、节奏、音色、音质就是歌曲内容的存在方式,它所产生的美感,我们就把它叫做形式美。美术也有形式美……进一步展开. 这样从学生兴趣所至的子门学科入手,既把握了学科待征,又在欣赏美中深人浅出地传授了审美知识,有利于学生触类旁通地形成知识系统和审美经验。 二、要基础知识学习和作品欣赏并重 美术基础知识的学习和美术作品的欣赏是一个事物的两个方面,作品欣赏重在感受美,创知识重在研究为什么美。美术基础知识是美术欣赏所必需的“拐棍”,如果说欣赏是一把锁的话,基础知识便是一把开锁的钥匙。如果美术欣赏课教学只重视对作品的直观感受分析,而忽视广美术基础知识的学习.缺乏对作品的形式要素的探究,其结果必将导致学生知其然,而不知其所以然,欣赏方法难以掌握。欣赏能力难以形成。 美术欣赏只是停留在简单甚至肤浅的层面上,高层次的美术欣赏应以一定的美术基础知识为理沦支撑,就 象欣赏一辆好车,如果不了解汽车的构造风阻、引繁马力、气缸容量以及驱动方式、安全措施等技术性能,那 就不能感受到一辆好车的真正魅力。 在美术欣赏教学中,仅以“象”和“不象”、“美”和“不美”来评判美术作品,就是高中美术欣赏教学中不能并重基础知识和作品欣赏的表现。“象”和“不象”对于再现性作品来说,尚有可言,而对于表现性作品,特别是十九世纪以后的意象性作品和抽象性作品而言,就难以入座了,艺术作品的创作远不只是为了象形,艺术家寄托在作品中的主观情感和审美理想,才是作品的灵魂所在。如欣赏荷兰画家蒙德里安的作品《百老汇的爵士乐》,若以象和不象去评判达件作品,而不去分析作者如何运用点、线、面的纵横交错以及色彩的冷暖、面积的大小等形式要素,给人造成的小理感受与爵士乐、百老汇所特有的属性的联想和分析,学生是不会正确理解这件作品的。同样,以“美”和“不美”来评述美术作品,对高中生而言可以说是肤浅的,我们知道,“美”给人的感受是多样的,和谐谓之美,悲壮谓之美,崇高谓之美,有形式之美,也有内容之美。美具有多元性、复杂性,不少的“美感”,是通过不美的形式来表现的,如挪威画家蒙克的作品《呐喊》,正是通过极不协调的色彩和近乎可怕的形象来表现出自然给人的不安和恐惧的,使人们在19世纪末压抑的情绪在此得以释放而获得特有的“美感”。西班牙画家毕加索的《格尔尼卡》,也是通过怪诞的造型和地狱般的色彩来揭露法西斯的罪行的、表达了人民对法西斯暴行的愤慨,从而使人产生一种泄愤后的“美感”。所有这些,苦不通过美术基础知识,对作品进行理性的分析,而以象和不象、美和不美去评述它,美术欣赏是难以收到好效果的.
一、高职美术专业教学的现状 1.教学模式单一 虽然素质教育理念已经落实到实践教学中很久了,但在当前高职美术专业教学中,我们仍然能够看到传统教育的影子,教师还是沿用以往灌输式教学模式为学生授课,注重美术知识理论与绘画技能的教育,忽视育人教育,互动性教学模式不足,使学生只能够被动的学习知识理论与绘画技能,对于学生艺术涵养、感受美术作品能力的开发不足,导致学生美术素养不高。在学生绘画环节中,大都以模仿为主,教师很少引导学生去感悟、想象作品,并且结合自己的想象去作画,促使学生绘画作品没有创意性,只是普通的临摹作品。这样的教学模式不仅使高职美术专业教学发挥不了其根本教育特性,还阻碍了学生美术素养的形成、艺术天赋的开发,促使学生学习美术知识兴趣不高。 2.课程设置缺乏创造性 高职美术专业教学本身是一项创造性的工作,只有在美术课堂中将创造性教学模式发挥出来,高职美术专业教学才能够称之为一门艺术课程。然而,就当前高职美术专业教学而言,美术课程设置却缺乏创造性。其原因在于美术教师缺乏对创新性意识,在高职美术专业教学中,较为并不注重教学内容、教学任务的设置,大都以传承为主,沿用以往固有的教学内容、教学任务为学生开展美术活动,促使高职美术专业教学质量低下。事实上,美术课程的创造性,对于学生学习美术知识具有重要的重要,但是教师却忽视了这点,导致学生美术潜能得不到有效的开发,进而使学生美术素养低下。 二、高职美术专业教学的改革思路 1.明确教学任务与目标 在教学中,教学任务与目标就好比指路灯,能够为教师与学生指引前进的方向,教学任务与目标的确认,是高职美术专业教学成功的一半,由此可见,教学任务与目标确立的重要性。高职美术专业教学自由度较大,其教学内容可以随着课程进度进行延伸与扩展,但也需要教学任务与目标的确认,进而才能够有效提升高职美术专业教学质量。创作能力的培养与开发是高职美术专业教学的基本任务,写生、基础训练、习作课程的安排,不仅能够提升学生美术技能,更重要的学生能够在此之中提升自身创造能力,进而培养学生的美术素养。因此,在高职美术专业教学中,教师在教学任务与目标设置中,应该多融入一些美术习作训练模式,要有步骤、有意识的将创造训练模式融入到教学任务中,使学生在美术教学中,体验、感悟知识,进而提升学生美术创造能力。在此教学氛围中,教师应该改变以往重理论知识与技能的教师,以育人教育为导向,引导学生探究、思考、想象知识,发展学生美术思维,实现理论知识与育人教育的相结合,进而陶冶学生艺术情操。例如,在美术写生中,教师可以提前整合知识内容,明确写生教学任务与目标,运用多媒体工具为学生营造一个写生氛围,吸引学生注意力,引导学生参与到教学活动中,并且告知学生教学任务与目标,让学生在此氛围中去感受,陶冶学生的艺术情操,之后让学生闭上眼睛去想象,开始写生教学,培养学生创作能力,进而完成写生教学目标与教学任务。 2.教学内容的创新 在高职美术专业教学中,不少教师都认为教学内容就是美术大纲规定的内容,只有按照美术大纲去授课就可以,不需要对其进行创新。事实上,我们所说的创新教学内容,并不是抛开美术教材内容,而是对当前美术教学加以完善,融入较为新颖的美术教学内容,进而实现美术教学内容的创新。要想实现美术教学内容的创新,就需要对教师的美术综合素养、教学模式提出了新的要求。例如,在美术绘画中,临摹是最常见的绘画教学手段,但临摹的实际意义并不是照的去绘画,而是需要教师给予学生一定的引导,引导学生去感受美术作品,将自己的感受,以绘画形式融入到自己作品中,创作独具一格的美术作品。而教师要想实现有效的引导,就应该对美术作品具有深入的理解,了解其创作背景、作品要传递的意义,进而才能够更好的指引学生进行教学内容的创新。例如,学生在临摹时,教师可以将该作品的创作背景、人物生平经历告诉学生,让学生通过作品,与作者形成共鸣,之后引导学生开展实践绘画。 3.培养学生自主思考能力 创造性是高职美术专业教学的灵魂,美术作品如果缺乏创造性,就没有了生命力与活力,美术作品也就失去的艺术意义。在高职美术专业教学中,教师应该以培养学生自主思考美术作品能力为导向,鼓励学生敢于想象,并且将想象的事物借助画笔绘画到自己作品中,进而培养学生自主思考能力。这就需要教师在课程安排中,应该充分考虑学生的个性,以知识为导向,引导学生去思考、想象美术作品,进而培养学生美术素养。 三、结语 综上所述,新时期下,在高职美术专业课堂教学中,教师应该以学生为课堂教学主体地位,尊重学生,摒弃以往单一的授课模式,以美术知识为导向,发展学生美术思维、培养学生美术情感、提升学生美术素养,使学生能够将所学运用到绘画中,进而提升高职美术专业教学的有效性。 作者简介:钱秋芸(1983~),女,讲师,研究方向为美术学,动漫,美术职业教育。 参考文献 [1]潘妍宏,邢飞凌,张敏.渐进式职业能力培养的高职美术教育专业教学实践课程研究初探——以广西幼专美术教育专业为例[J].美术教育研究,2018(01):128-129. [2]刘金山.翻转课堂教学模式在高职美术课程中的应用——以高职学前教育专业为例[J].厦门城市职业学院学报,2016,18(03):48-52.
水墨画,是中国传统绘画艺术之一,指以水和墨为主要元素所创作的画作,以中国画特有绘画工具———毛笔作画,充分发挥墨法与用笔的技法,是中国画体系中重要的组成要素。水墨画由于其独特的绘画技法以及哲学审美,使得其具有一种独特的意境之美,虽是寥寥数笔,浓墨淡彩,却能于方寸之间勾勒出大好河山,寄托出画家的满腔情怀。这种独具匠心的意境美对现代平面设计而言无疑是一种有益的补充,既可以使现代平面设计跳出西方技法的局限,同时又能够丰富现代平面设计的绘画技法、设计元素以及构图艺术,具有很强的实用性。 一、水墨意境美的美学特征 (一)哲学美 荆浩的《笔记法》有云:“随类赋彩,自古有能,如水晕墨章,兴吾唐代。”据此,相传水墨画这种绘画方式是在唐展起来的。唐以前,绘画作品大多重彩填色,以丹青赋彩为主。五代起水墨画基本形式完备,宋元时期逐步兴盛起来,明清以来持续发展。相伴而生的即为宗教哲学,自唐起,文人墨客大多受到宗教哲学的影响,这种思想上的转变不可避免地影响到了画作之中,陈衡恪曾说“不在画里考究艺术上功夫,必须在画外看出许多文人之感想”。盛唐时代,佛道逐渐融合,道家对自然美、朴素美的追求使得水墨画与唐诗宋词一样,具有了意境之美。也由此开启了“诗中有画、画中有诗”的“诗画艺术”。 (二)气韵美 “气韵生动”是对水墨画特点的准确概述,水墨画不拘泥于形式,更讲究的是“以形写神”,注重创作者情怀的抒发,情趣的表达。道家哲学讲求“回归自然”“去其繁章,采其大要”,画家强调主体意识的体现,强调主观审美,寄托情思。因此,水墨画对物化形象的简化,意蕴内涵的深刻承载,形成了不同于西方画作的灵动与气韵。在水墨画中,并不过分追求形似,而更追求神似,寥寥数笔,一幅远山黛水的作品呈现在眼前,至简至繁,既是对外形的最简化追求,又是对内涵的最深寄托,因此,水墨画的气韵美又是其简约所凝练出来的。 (三)意境美 大唐盛世时期,佛道宗教哲学思想影响深远,文人墨客深受其影响,以至于将佛教用语中的“意境”一词引进了艺术创作之中。“意境”是指作品中呈现的那种情景交融、虚实相生、活跃着生命律动的韵味无穷的诗意空间。“意境”是一种艺术辩证法,是一种审美辩证法。将“至情”和“至理”两个极端结合起来,形成“意”;将“外形”和“内神”统一起来,形成“境”,也即“情理”交融,“形神”兼备,是一种精神上的超脱,对形式限制的打破。“虚实相生”“真假相融”“有限与无限”“有形与无形”组成了意境美的风骨结构,“生命体验”“情感寄托”“诗画相生”形成了意境美的灵魂主体。“风骨”与“灵魂”的完美统一结合成为水墨画的意境之美。 二、水墨意境美在现代平面设计中的运用策略 (一)对水墨元素的继承 水墨画与现代平面设计相结合,在现代平面设计中运用水墨元素,首先要考虑的就是水墨意境之美,这种意境的引入,绝不是简简单单在现代平面设计中融入一两个水墨笔画那么简单的问题,而应该看到深层次的形神兼备的问题。因此,在对水墨元素进行继承的时候不能照搬照抄,拿来主义,要深层次理解现代平面设计的精神内涵,选择能够与之契合的水墨元素,进行突破和创新。其次,要考虑的是水墨笔画符号,水与墨的比例调和,形成了浓淡相宜的不同灰度,即墨分五色,五色相融,虚实相生,即在墨色的不同灰度渲染之间形成了具有独特内涵的水墨笔画。最后,要考虑水墨画的构图技巧,水墨画中之所以能突破二维界限主要是因为其在构图上非常注重层次性,水墨的浓淡与物体的远近关系密切,空间层次处理十分到位。现代平面设计在空间利用方面可以借鉴水墨画技巧,远小近大的透视原理以及色彩浓淡的利用都是现代平面设计打破空间界限的重要方法。 (二)对水墨元素的创新 水墨画虽然是中国传统文化精髓,深受中国人所喜爱,但由于历史的原因,西方文化的侵入,使得水墨画逐步退出了日常生活,曾一度成为博物馆中的藏品。现代平面设计融入水墨元素,是对水墨画的继承和保护,同时也要考虑如何能够让其重新焕发活力。简单的引入明显无法满足现代人的审美要求,这就要求设计师按照现代人的审美特点对传统水墨元素进行创新,使其能够符合时代美。现代平面设计所使用的工具和材料是多元化的,已经远不是“笔、墨、纸、砚”的简单时代,要将水墨元素融入现代平面设计,还要考虑创新水墨元素的表现形式,使之能够适应新时代的多元化的设计工具,比如印刷材料以及数字屏幕。 (三)寻找创意结合点 现代平面设计以宣传为主,无论是商业性质还是文化性质的平面设计作品,都要求向受众传递一定的信息,即要让受众能够看得懂。以图片信息的方式微妙地传递必要的信息,使创作者和受众处于一个时空之中进行沟通和交流,这就给图片信息的选材提出了要求,过于抽象和文艺的元素显然不适用。水墨元素具有很深的文化意蕴,包含哲学思想,能够寄托作者情思,因此,在选择水墨元素的时候就要深刻剖析所选元素的本质意义,要使元素与主题相契合,才能准确地传递出平面设计作品所要传递的信息。比如张艺谋新作《影》,海报宣传中大量采用水墨元素,尤其是电影题目的海报,就一个简单的龙飞凤舞的用毛笔书写的“影”字,不但传递出电影题目,更以毛笔笔画的变换渲染出这部电影的神秘色彩,配合“张艺谋作品”几个字,让受众不自觉地先入为主地产生想要一观的心理,宣传效果非常到位。 (四)尊重艺术设计规律 书画艺术是中国文化的瑰宝,但因其具有很强的艺术性,一直以来是文人墨客的最爱,与普通百姓实则关系不大。近百年,由于社会的动荡不安,加之西方文化的入侵,革新是文人追求社会改革、民族出路的重要议题,书画艺术尤其是水墨画自然就被束之高阁。现代平面设计是传递信息的作品,其产生与存在的价值就是向普通大众传递商业信息,因此通俗易懂是平面设计最重要的特点。水墨艺术是非常好的设计元素,但平面设计引入水墨元素还要考虑受众的通俗需求,这就要求平面设计在与水墨元素结合的过程中需要解构重组其深奥的哲学内涵,并注重对其视觉传达方面的借鉴,以求水墨元素能够为现实生活服务,被现代受众所接受。 三、水墨意境美对平面设计发展的启示 (一)形式服务于内容 水墨画是纯粹的绘画艺术,是画家主体情感的宣泄,是为画家及受众精神层面服务的,“虚实相生”的哲学意境美,使得水墨画在人们欣赏之时会产生不同的思想感悟,甚至不同时间不同心境之下,同一个人对同一幅画都会产生不同的思想共鸣,所以说,水墨画是用来“品”的。现代平面设计是符合现代人审美需求的,在快节奏生活状态下,很少有人能放松心态花费时间来“品”一幅作品,肯花费几秒钟在一幅平面设计作品之上已经很难得,这就要求平面设计作品要在最短的时间内传递出尽可能多的信息。在平面设计作品中,要有针对性地选择水墨元素,考虑二者之间的契合度,考虑形式与内容之间的关系,切忌一味追求水墨元素的套用,否则只会适得其反。 (二)融合水墨画的创作方法 水墨画是绘画艺术,讲求胸有成竹,即首先要立意,再运用绘画技巧表现画面内容,形成作品。现代平面设计是设计作品,水墨画的创作方法对其有借鉴意义。现代平面设计虽然也要有“目的”,但要做到“胸有成竹,下笔有神”就有些困难,究其原因,现代平面设计设计对象以实物为主,以快速展现实物的信息为目的,不注重“神”的传递,使其受到实体物体制约较大。水墨画则以形写神,更注重神韵的表达,这样就较容易立意,以形聚神。现代平面设计可以借鉴融合水墨画的创作方法,凝练出物体的神韵,确定主题,使信息能够自然流畅地表达。 (三)融合创新水墨画的表现方法 水墨画的表现方法包括构图、色彩、笔墨等内容,其中笔墨的变换自然是水墨画的重要技法,也是水墨画趣味所在。笔墨浓淡深浅,形成了一个个抽象性的符号,该符号不仅有形式美,而且极富有内涵和意蕴,是水墨画意境的重要体现。在现代平面设计中,这些符号作为独特的元素呈现较为容易,但由于其是写意造型,因此设计师需要理解符号的深层次含义,必要时,可以自行调配水墨比例,亲身感受水墨的意境之美。墨色浓淡分为五色,在水墨变换间虚实相生,远山近水层次分明,二维图像呈现出立体效果,这种对色彩的运用和把握也是现代平面设计突破空间限制,进行元素解构重组的重要借鉴。 四、结语 水墨画是非常优秀的文化瑰宝,其虚实相生、意境深远,自古便被文人墨客所钟爱,以“诗画文化”传承至今。在水墨画中,能够窥见古人对宗教哲学的研究解读,也能够窥见画家的思想情怀,寄情山水的文人数不胜数,更是流传下来一段又一段佳话。将水墨画与现代平面设计相结合,是水墨画重新焕发生机的重要契机,也是现代平面设计丰富文化内涵的良好平台,但二者之间毕竟有所不同,现代平面设计要快速传递信息,若想要融合水墨元素达到这个要求,就要对水墨元素进行解构、创新。现代平面设计对传统水墨元素的继承不仅仅体现在直接使用水墨符号这一途径,也可以通过对水墨画创作方法、表现方法的继承和创新达到二者的融合。 作者:李成巍 单位:辽宁对外经贸学院
素质教育强调教师不仅要重视学生知识储备的基本能力,还要积极培养学生的其他能力,使学生在知识目标、能力目标以及情感价值观目标上均有所突破,从而使其能够满足社会发展的需求。美术学科素养包含图像识读、美术表现、审美判断以及创意实践、文化理解等方面,培育高中生的美术素养对学生能力的全面提升具有积极作用。 一、美术学科素养概述及各素养的相互关系 1.美术学科素养 美术学科素养主要包含以下五点内容。第一,图像识读能力。要求学生熟知美术元素,并以发展、联系的思想融合美术元素,将色彩、画具、构图进行融合,丰富画作的内涵。允许学生将生活中的事物与绘画紧密结合,并赋予其更高的价值。第二,美术表现能力。要求学生将中西、古今等多种元素进行有机融合,继而能够借助新技术充分地展现出来,使其艺术价值得以凸显。第三,审美判断能力。学生要具备正确的价值观,对艺术要有自身的认知和判断能力。第四,创意实践能力。创新是使画作别致的关键途径,合理、大胆地创新是学生美术能力提升的有效措施。学生要能够在主观能动性的推动下,积极运用美术技巧实施美术创新。第五,文化理解能力。这是指学生要能够从文化的角度审视艺术,并且积极承担起传承文化的历史使命。 2.各要素的相互关系 图像识读能力是美术素养中的基础能力,只有认知力得到了提升,学生才会借助美术技巧进行表现与创新。视觉认知是美术表现的基础环节。审美判断能力有助于促进画作不断丰富与创新。文化理解能力是艺术能力的升华,只有认知达到一定的境界方能进行艺术的传承,促其稳步发展。 二、高中培育学生美术素养存在的问题 在升学的压力下,部分高中过于重视学生专业知识与能力的培养,对美术学科的重视度有待提升。由于美术课时不够,学生的图像识读能力有所下降,甚至缺乏鉴赏美的能力。部分高中生在赏析作品的过程中只重视创作的背景资料,对画作的真正价值探索较少。除此以外,一些高中生缺乏想象力与创新性,通常被动地接受教师传授的内容,使创新思维难以发展。 三、有效培育高中美术素养的措施 1.立足于课本,提升学生的图像识读能力课本内容是教师系统教学的主要资源,故而教师可借其提升学生的图像识读能力,引导学生充分挖掘自身的图像识读思维。据此,高中美术教师应提升自身的综合素养,潜移默化地培养学生的图像识读能力,使学生在兴趣的带动下主动接受图像识读技巧。为了丰富课堂内容,教师可依据课程目标搜索相匹配的图像供学生品鉴。 2.培养学生的发散思维,增强其美术表现能力高中生往往缺乏丰富的实践经验,因此需要教师积极引导。教师可以根据高中生朝气蓬勃的性格特点,有计划地培养学生的发散思维,不断增强学生的想象力与创造力。在教学中,教师应采用学生喜闻乐见的教学形式,如多媒体教学、情境教学等,引发学生对课堂内容的关注,借助多媒体展示多种创意非凡的艺术作品,让学生在耳濡目染的过程中增强美术表现能力。 3.端正学生的审美判断意识正确的价值观是学生创作艺术作品的基础,审美判断能力必须以正确的价值观为导向。教师要加强对学生审美判断能力的正确引导,让学生在追求独特性的同时符合大众的正确审美。部分高中生在社会因素的诱惑下,往往存在一些消极的思想意识,将其视为独特的审美。因此,高中教师培养学生正确、健康的审美判断意识是极有必要的。如,教师可借助文艺复兴时期的圣母系列作品教育学生珍惜亲情、关爱父母。 4.加强创意实践,增强学生的创新意识创新是艺术发展到新境界的关键途径,单一的教学形式会限制学生的思维发展,导致学生的认知受限。因此,教师应转变灌输式的教学模式,尊重学生的主体性,实现绘画技巧与艺术实践的有机融合,让学生在日常的实践中积累经验,从而丰富自身的认知,为进一步提升能力做好铺垫。创新思想的培养,要求教师积极鼓励学生在实践过程中打破常规,将中西文化、古今文化进行糅合,取其精华、去其糟粕。 5.渗透文化理解,促进文化的传承艺术通常借助图像、文字的形式呈现出来,因此较为内敛。每一幅作品均饱含创作者的深切情感,是对当时社会环境的侧面呈现。对新时代的学习者来说,若想学习美术文化的深刻内涵,其必须积极了解创作时代背景和创作者的具体经历,以此为基础,了解文化背景下的艺术内涵和艺术价值。教师还应为学生提供充足的空间,使学生在内驱力的推动下高效地学习文化、传承文化。高中美术教师首先需要立足于课本内容,深入挖掘适合提升学生美术素养的相关内容;尊重学生的主体性,引导学生掌握图像识读和审美判断能力;为了促进美术事业蓬勃发展,教师需要积极培养高中生的创意实践能力,使学生不受固有教学模式的影响,敢于打破常规、积极创新。教育教学的重要目的在于传承优秀的文化,包括艺术文化。因此,教师应将文化内涵渗透在教学中 ,使学生耳濡目染。 作者:汪甫林 单位:江苏泰兴市第四高级中学
广告设计概论论文:高职广告设计专业Photoshop课程教学的改革与思考 摘 要:针对photoshop课程教学中所出现的问题,结合自己的教学实践,提出以学生就业岗位需求为导向的一系列教学改革措施,包括明确教学目标、完善教学内容、改进教学方法、强化实训项目,提高并培养学生学习兴趣及设计创作能力等。 关键词:photoshop;广告设计专业;教学改革 Photoshop是Adobe公司推出的一款专业的图形图像处理软件,其功能强大,且操作界面直观、操作便捷等,被广泛应用于平面设计、制版印刷、数字影像处理、网站建设和影视特技制作等诸多领域。因此,这门课程在职业院校中有着重要的地位,但由于高职学生起点水平参差不齐,审美能力存在差异,艺术修养也有不同,在这门课程的学习中存在不少问题。本文将对Photoshop课程教育教学改革进行初步探索,为艺术人才的培养提供理论性的参考。 一、Photoshop课程教学现状与问题 Photoshop课程由于专业性强、知识点多,内容繁琐、复杂,致使教学中出现不少问题。 1)过于注重软件操作知识 在课堂教学中,不少教师在教学中,仅仅注重软件具体操作知识的传授和讲解,选用的实例过于简单,忽略了实例在设计方面的审美和意义,不利于艺术专业学生设计思维意识的形成。 2)教学方法单一,学生学习兴趣不高 Photoshop课程教学普遍的问题是教学形式单一。基本上是老师在电脑上面操作,学生在下面观看的传统教学方式,启发式、多媒体的教学方式运用较少。很多高职教师教学照本宣科,缺乏生动性、缺少应有的实训项目,没有提高学生学习软件的兴趣。此外,部分教师存在“结论式”教学方式,只讲软件的具体命令和操作,没有讲清楚软件的实质只是辅助我们设计的工具,使学生缺乏运用软件进行设计的创作能力。 3)教学实践环节薄弱 Photoshop课程是广告设计专业基础课,其中所涵盖的内容具有很强的实践性和操作性。目前大多数的Photoshop课程教学基本上仍沿用传统的以教师的讲授为主的教学模式,缺乏实践教学,造成有的学生讲理论、讲操作头头是道,但在设计具体项目碰到难点时却束手无策。在这种教学过程中,学生是无法实现由软件理论和操作向设计出成品的转变,从而影响了学习最终的教学目标和教学质量。 二、Photoshop课程教学改革对策分析 针对Photoshop课程教学中现实存在的实际问题,本文认为本课程教学需要从以下几方面进行改革。 1)明确课程教学目标 针对高职高专教育教学的特点,以学生就业的岗位需求为导向,确定了以广告设计专业的职业能力培养为目标,通过Photoshop课程的学习,能达到以下三个方面的目标: 知识目标方面需了解软件的工作界面和基本操作、编辑图像的各种方法、绘制图形与路径的方法、通道的概念与使用技巧、常用滤镜的运用。 技能目标方面需熟练掌握绘制和编辑选区的方法、调整图像色彩和色调的方法、图层的应用方法和操作技巧、文字的应用、绘制和修饰图像的方法和技巧、能够综合应用制作精彩实例。 素质目标方面需具有严谨的工作作风、吃苦耐劳的职业精神、具有较强的开拓发展创新意识、善于动脑,勤于思考,及时发现问题的学习习惯、具有较强的解决实际问题的能力、自学与获取信息的能力,欣赏与鉴别能力。 2)完善教学内容 随着photoshop软件不时推出新的版本,在实际中的应用也不断拓展,就必须要精选教材,选用教材既注重基础,同时又辅以大量实例。 简化理论,突出重点,在教学内容中不断补充并融合新知识点,同时促进教学内容的系统化、版块化、专题化。各阶段的教学内容也是由易到难,循序渐进,从photoshop的色彩成像原理入手,以选区、图层、路径、通道和蒙版四大教学版块为主线,注重基础知识点和操作技巧的综合运用,采用专题化教学思路,将photoshop教学内容分为了9个专题,包括色彩基础知识、图像调整、选择工具运用、绘画工具运用、图层的运用、文字工具及特效、路径和形状、滤镜的使用、通道和蒙版。 3)改进教学方法 本课程主要在广告设计专业机房进行教学,作为高职院校专业教学的新模式,理实一体化的教学将理论和实践较好地融合在一起,实现了理论和实践的有机结合,使学生在掌握相关的基础理论知识的同时,提高其实践能力的培养,实现“教、学、做”三项结合,理论与实践一体化。主要采用工学结合、任务驱动、项目导向等教学模式,以及在相应的教学模式下每部分专题内容(或任务)分别采用具体教学方法(如案例分析、情境项目、分组教学等)与教学手段(如多媒体教学、案例教学、实训项目等)。帮助学生形成独特的思维理念,提高图像处理能力,能熟练运用软件进行设计。 4)强化实训项目 针对具体的实践教学内容和教学过程需要,根据专题内容的难易程度安排相应的实训项目,如通道与蒙板专题,对于学生来说,难以掌握其运用的技巧,尤其是利用通道进行抠图、蒙板的运用中所需理解的黑白灰概念,因此,该实训项目的数量相比图像调整等容易专题要多出一倍。 此外,在专题教学的过程中,引入设计竞赛项目及招标项目的内容,建立项目小组,分组进行设计,并根据完稿的评比结果给予相应奖励,极大地增强了学生的兴趣和团队协作能力。 三、小结 综上所述,photoshop课程需从明确教学目标、完善教学内容等四个方面进行改革,才能有效解决教学中出现的问题,为专业优秀课程的学习打下良好的基础,并增强他们的创意思维和设计能力,进而培养大学生的现代艺术素质,成为21世纪的优秀人才。 广告设计概论论文:平面广告设计的创意技巧分析 [摘要]创意是一种设计思维活动,需要对问题有深刻了解与思考,通过联想与想象运用归纳、判断等方式进行组合分析,高度提炼信息,使用艺术手法进行修饰,再通过媒体向大众传播。本文对平面广告设计的创意技巧的分析是通过对广告设计师的能力和平面广告的创意技巧分析两方面加以论述的。 [关键词]平面广告 广告设计 创意技巧 一、广告设计师的能力分析 (一)创意交融能力 创意交融能力是一个优秀的广告设计师必备的能力。创意交融就是将现有的知识进行结合与渗透,进而形成新的、更有创意的思维方式。例如,现今社会的许多产品都具有固定的生产与销售模式,对某产品宣传时,着重宣传自己产品与同种产品的生产差异性,往往会产生意想不到的结果。消费者并不看重事情的真实情况,而更会关注与其他厂家不同的地方,这样的广告创意,会让消费者产生耳目一新的感觉,更容易让消费者信赖,从而发生购买行为。 (二)创意综合能力 在一定的知识前提之下,创意者充分发挥其主观能动性,积极调动智力与非智力因素进行创造性思维的能力就是创意综合能力。在一个广告画面中,在安静、美丽的小区,阳光照耀的小区道路上貌似父女关系的两人:中年男人牵着小女孩走在路上,小姑娘亲密地牵着中年人的手,在夕阳余晖中慢慢消失。画面中有这样的一条广告语:只有她的邻居知道,领她的是一位陌生人。这个广告将所有相关的信息进行整合,它的涵义就会一目了然:拐卖儿童。一个好的广告设计师应具有创意综合能力,能写出这样广告的无疑是一个十分优秀的广告设计师。 (三)创意主题分析能力 鸿星尔克——to be number one,这个广告就将运动竞技的实质充分运用在广告中,每一个喜欢运动的人都向往着成为冠军,设计师抓住消费者的这一特点,并灵活地运用在广告中,充分发挥了广告宣传的作用。像这样,广告设计师对产品新颖而独特的分析能力,就是创意主题分析能力。 (四)创意信息处理能力 创造力来源于对问题的敏锐观察力和分析能力的有机结合。往往信息量越大的广告,创造的机会也越大,一般要先用思维技巧进行信息的重新组合编译,从而让信息得以产生,思维转移到新的方向。好的创意评价标准体现在广告后的效果中,广告创意要结合产品情况和产品的营销策略以及产品的消费群体和市场情况来合理设计广告。 二、平面广告的常用创意方法 (一)固有刺激法 固有刺激法是由李奥·贝纳提出的,广告创意最重要的任务是把固有的刺激发掘出来并加以利用,即将自己产品的特色和消费者的需求完美的结合。李奥·贝纳认为,一般情况下,根据产品和消费者的情况,要做到恰当,只有一个能够表示它的字,只有一个动词可以使它动,只有一个形容词可以准确描述它。对于创意人员来说,一定要找到那个名词、那个动词以及那个形容词。 (二)销售主张法 “独特的销售主张”是罗瑟·瑞夫斯在20世纪50年代首创的,他认为广告能够而且必须能引发消费者的认同。Usp即独特的销售主张,它的基本要点是每一个广告都应有自己的生命力,它必须向消费者陈述一个让消费者感觉购买我们的产品可以获得怎样的利益,而且这种利益是其他产品所不具有的独特的利益的主张。 (三)品牌形象法 品牌形象法是大卫·奥格威提出来的,他认为广告是对品牌的长期投资,产品的品牌形象是通过广告建立起来的,品牌形象是消费者对产品的质量、价格等外在因素的诱导、辅助下形成的,而不是产品本身所具有的固有特征。凭借品牌形象取得成功的品牌比比皆是,而万宝路就是此中的经典之作。万宝路一度曾是带有明显女性诉求的过滤嘴香烟,从1950年代中期开始,万宝路香烟开始和“牛仔”“骏马”“草原”的形象结合起来,从而万宝路的世界逐步扩大,获得前所未有的成功。万宝路粗犷豪迈的形象从此深入世人之心。 (四)实施中心法 伯恩巴克认为广告信息策略的“如何说”这个实施的部分可以独立成为一个过程,形成自己的内容。这就是所谓的实施重心法。而周密的创意实施过程首先要尊重消费者,遵从顾客是上帝这一至理名言;其次广告必须简明精要,将要告诉消费者的内容浓缩精练才能更有创意;再次,广告应具有自己独特的一面,立意要新奇;最后广告用语的幽默诙谐往往更能吸引消费者的目光,现今社会,人们的社会压力很大,幽默诙谐的用语更能博得消费者的认同。 (五)情感共鸣法 情感共鸣法是20世纪80年代在美国广告节上首次提出的,广告视觉传达中的图形、色彩、文字等元素,传达人们的思维、情感和信息,是情感符号的载体。广告是与大众进行情感沟通的桥梁,图形真实直观、生动形象、个性突出的创意图形更能让人产生情感的共鸣。情感文字不仅可以准确传达产品的信息,而且能让人们产生丰富的想象,加大广告宣传的目的。 三、总结 随着社会的不断发展,人们的思想也在不断变化,不同的创意方法与技巧都是赋予在不同的时间段和空间点上的。要想与时俱进,就要不断适应社会的发展,让自己的思想与时俱进,以原有的方法技巧为基础,充分发挥自己的联想和想象,创作出更有创意的广告。 广告设计概论论文:平面广告设计中色彩的应用 摘要:随着社会和经济发展,人们生活水平的提高,人们对事物艺术美观的追求越高,对广告的需求也越高。一个优秀的设计师必须对广告的各个发面有所了解。而色彩恰是广告设计中一个重要元素,合理运用色彩,把握好色彩效应,是平面广告设计的重要部分。本文主要对平面广告设计中色彩的应用进行了分析探讨。 关键词:广告设计;色彩;应用;配色规律 引言 广告,存在于现代生活中的每个角落,如电视、广播、报纸、杂志等媒介。然而,人们对其理解,却各有千秋。作为设计广告的人员来说,更是有深层次的理解,期望其广告能让社会各阶层的人士认可。从设计的角度来看,现代平面广告,主要包含文案、图形、线条、色彩、编排等要素。在这众多要素中,色彩位居其首,是最具有视觉冲击力的表现。那么,如何运用色彩元素,创造独特新颖、极具吸引力的平面广告,是设计成功的平面广告设计的重要因素。 一、平面广告设计中色彩的作用 1、平面广告设计中的色彩起到了表达信息和情感的作用 随着信息的高速发展,信息流量的不断增大,人们更加倾向于接受更直接、更简单明了的信息,而事实上,简要直接的信息也更加利于信息的传递。而色彩本身具有直观性,因此,通过色彩表达信息的方式越来越受到重视,色彩的构成往往已经可以初步的定性一件平面广告作品的情绪,例如,选择蓝或红,已然决定了广告是宁静深邃的基调或是热情如火的感觉。在平面广告设计中,往往运用使人兴奋的色彩来刺激观者的感官,使得受众的感官神经兴奋,进而得以高度注意广告并产生兴趣,从而留下深刻印象。而相对而言,科技含量较高的产品广告往往使用的是沉静感的颜色,用以体现出科学的严密,表现出产品所具有的可靠的性能。而随着符号学研究的进一步拓展,色彩不仅仅表示情绪,也更为直接地表达了信息,如,运动红绿灯的原理,在平面广告中可直接用红色代表禁止,绿色代表允许,等。而两大可乐品牌,百事和可口,分别选用红色和蓝色作为自己的代表颜色,出现在平面广告中时,大众能很快地反映出不同颜色所代表的品牌。 2、在平面广告中运用色彩,便于更好地完善画面感,丰富信息量 色彩除了有直观的特征,还有其独特的“魅力”,正如前文所说,我们生活中缤纷的世界,满世界都是色彩,在一般情况下,简单的黑白色调的广告的魅力远不及色彩浓烈的平面广告,当然,不排除创意绝佳的广告。彩色的广告相对于一般的“素描”广告而言,往往画面更逼真,色泽更艳丽,形象也更加生动,能将广告信息更加全面的表达,远观平面广告,色彩无疑是吸引眼球的重要因素。可以说,色彩作为广告信息的外在表达,是平面广告传播的关键因素。而色彩并不仅仅是指画面颜色的组合,同时也包括深浅明暗关系,如明度、色相、饱和度等,更包括着平面广告合了广告主题的情感色彩的表达,色彩使得画面更为饱和,使得文字更为强大。除此之外,色彩的运用往往不仅是简单的排列组合,而是能够表达广告产品的文化和价值,正所谓色彩的象征能力。 3、作为一则成功的平面广告,必定要通过色彩的运用强化品牌和理念 通常运用色彩对一个品牌进行很好的设计形成标准化的视觉效果,这使得市场能够更快速且明确地记住该品牌,因此色彩对品牌形象的建立具有至关重要的作用。如上文所提及的百事可乐和可口可乐便是如此。色彩的运用能提升品牌的认知度,加强品牌的辨别度,当然,要经过调研、分析、挖掘、开发这几个十分复杂的步骤对对色彩进行定位,这样才能针对目标受众和市场,选择应用合适的色彩进行创意,达到最大的传播效果。成功的平面广告在色彩上的运用一定是成功的,这是平面广告这个视觉艺术所必需的元素。通过某个颜色表征可传达出来的某种理念,通过颜色的定位将内涵概念凝练浓缩,更利于广大受众接收、感知,最后形成共鸣。 二、广告设计中影响色彩运用的因素 广告设计中影响色彩运用的因素很多,主要从社会群体因素、色彩与产品的关系、色彩与产品生命周期的关系等方面进行阐述: 1、社会群体因素 社会群体是指人们年龄、性别、职业、生活环境以及政治、经济、文化、民族的不同而产生不同的社会群体,他们对事物的理解存在一定的偏差,这些偏差有时是微小的,但有时就有可能是巨大的,而且不同的社会群体其行为方式也有所不同。 生活环境:人们由于生活环境的因素而产生了不同的生活习惯,对于色彩的想象和联想也有很大的区别,如北方和南方的人们对色彩的喜好就有一定的区别,北方人喜好暖色系列,而南方人喜欢冷色系列。 年龄和性别:青少年阳光,充满活力,偏向于鲜明的色彩。而中老年人偏向于稳重的色彩;男女喜欢的色彩差别很大,女性一般喜欢温馨和谐的暖色调,而男性偏向于硬色调,表现得有男人气概。 职业:职业不同,人们的审美意识也有巨大的差异,对广告色彩的鉴赏更有着截然不同的观点。一般情况下,工人偏向于鲜艳的色彩,而知识分子更愿意柔和的色彩。 政治、经济、文化及民族:政治、经济、文化及民族环境的异同,导致人们对色彩的理解也有较大的不同,特别是民族宗教信仰不同更是对某些色彩产生禁忌,在进行广告设计时我们要很好地把握。 2、色彩与产品生命周期的关系 产品一般都会有被淘汰的时候,从新产品上市到被市场淘汰的过程称之为产品的生命周期,可分为:导入期——成长期——成熟期——衰退期4个阶段。在广告设计时每一时期的特性与色彩设计均有着相对应的关系: 导入期:导入期是指新产品进入市场,消费者对产品还不了解,广告的策略是提高产品的知名度,在广告设计之时,尽量采用原色来展现产品,使消费者印象更深刻。 成长期:这一阶段的产品已在市场上初步站住脚跟,销售开始明显增长,广告的策略为巩固已有市场,继续扩大产品的市场占有率。 成熟期:这一时期产品在市场上的知名度已较高,已有一定的市场占有率,广告策略是保护已有市场占有率,使消费者忠诚本产品品牌,这就必须满足消费者更多的心理需求。 衰退期:这一时期市场已达到饱和状态,消费者的购买意识不断地在追新求变,原有的产品功能已不能满足所需,必须根据新的市场需求,革新技术,创新功能,使产品更新换代,到新产品上市之时,很自然的得到了消费者的认同。 三、广告设计中色彩的配色规律 1、选取主色系 广告的主题内容需要通过对图案和色彩的一体化设计,配以恰当的文字描述来表达,然而一个广告设计的图案成功与否,关键却在色彩的选取及搭配上是否得当,例如时下当红的代表企业或公司形象的Logo标志,如果只有图案,没有合适的色彩做铺垫,效果会大打折扣。色彩在广告设计中不仅能发挥联想作用来吸引消费者进行选购,还能在表达广告设计的主题上起到画龙点睛的作用。因此,在进行广告设计的色彩搭配时,设计师首先要选取适合本产品广告的主色系。 2、定位主辅色 每个人在观看同一种颜色时都会出现不同程度的视觉疲劳,因此,任何一款成功的广告作品都不会只用一种色彩,而是在确定主色调的前提下,配以恰当合适的辅助色,互相搭配,互相烘托。在广告设计中,主色调是整幅广告作品色彩的重点部分,确定了该广告的整体视觉效果和设计风格,辅助色也即背景色,主要用来点缀广告作品。 3、重视色彩和消费者情感的规律 首先,根据产品特征确定所选色彩的冷暖系。冷色系给人的感觉是成熟,暖色系给人有朝气有活力的感觉。一般来讲,大多数的消费者们更愿意接受明亮清爽的广告作品,因此,在进行广告设计时尽量采用多被大众接受的明亮色。其次,针对不同消费人群进行产品广告宣传,广告设计需投其所好,运用相应的色彩,更能引起人们关注广告作品的兴趣。前文中我们讲到过蓝色和绿色,虽然明亮程度有点不高,但很符合用在科技产品的广告设计上,如IT产业的工作人员多数都很冷静,恰好蓝绿色的广告不会给人瞬间视觉上的刺激,给人的感觉就是一份沉稳,正中其怀。最后,注意产品的性质与所选色彩的搭配是否妥当。比如高档的名贵产品,配以紫色等具有华贵气质象征的色彩来包装,让其从众多物品中独秀一枝,获得消费者的认可。 结束语 综上所述,产品的广告设计和色彩的选取搭配有着密不可分的联系,在对任意一款产品进行广告设计时,合理的运用各种色彩可以最大限度地提升广告作品的视觉效果,影响消费人群的购买观念,向消费者表达产品企业的经营理念和广告设计者的设计思想,导引消费者购买广告宣传的产品。 广告设计概论论文:平面广告设计未来趋势展望 摘要:平面广告设计无疑是为广告的最终目的服务的。广告是要利用某种媒体和媒介,通过某种表达方式,把产品、服务乃至一些公益思想传播给社会。达到宣传、促进产品销售量增长的一种社会活动。本文主要对平面广告设计未来趋势展望进行了分析探讨。 关键词:平面广告;设计;特点;发展 引言 随着商品经济的不断发展,以广告为主的平面设计也悄然兴起,广告是一种大众化的信息传播手段,在商品经济时代,广告扮演着重要的角色。人们可以通过广告来了解自己所需物品的基本实用价值,而生产商则通过广告将其产品广泛地进行宣传,并告知消费者以促进销售,在这个过程中,广告承担着沟通商品与消费者之间联系的重责。而广告的兴起离不开平面设计,可以说绝大部分广告是由平面设计来完成的,平面设计的好坏将直接决定广告的效果。平面设计所涉及的内容以及构成元素十分庞杂,并且不固定,它属于一种艺术的再创造,平面设计将商品、人物或者其他元素通过一定的构图比例以及组合,最终达到吸引消费者、给消费者留下深刻记忆的目的。 一、平面广告设计的特点 1、平面设计要做到人性化 随着人们生活水平的提高,现代大众对于服务、艺术的人性化有着更高的要求,尤其对设计的追求与欣赏给平面设计带来了更高的挑战。在社会中,新型商品的不断出现,社会竞争压力也越来越大,如何让消费者更加便捷地了解产品则成为了平面设计师需要重点考虑的问题。现代商品不仅仅要满足消费者对产品外观的要求,还必须考虑到消费者精神、心理的需求,这就要求设计师必须在产品设计中添加更多人性化的因素,除了让消费者了解产品本身的用途以外,还要体现对人的关怀,如使用安全、注意包装环境卫生等。这就要求我们的企业必须迎合现代消费者的心理,设计出更加具有人性化的产品封面、外观、宣传广告等。 2、平面设计要做到多样化和个性化 世界日新月异的变化使得新技术、新元素不断地出现,这给我们平面设计增添了更多的设计元素,但同时也提出了更高的要求。当前许多设计在样式、结构、主体、元素使用上都存在模仿、重叠的现象,设计成品没有创新,虽然花哨,但消费者也容易出现审美疲劳,尤其是在产品包装、宣传标语、封面设计等方面,消费者往往存在先入为主的观念,要想让产品更加吸引消费者的眼球,那么就必须进行多样化和个性化设计尝试。现代平面设计运用电脑程序制作,一切都只能按照电脑所提供的步骤、元素来进行,缺少了设计师独特的思维理解,在融于大众化的产品设计中,个性化无疑是最能体现设计师独特见解的风格,在演变中寻找个性,在个性中创造生命,如此才能让平面设计与产品长久地生存下去。 3、平面设计需要可持续性 可持续性的平面设计是平面设计能否长期生存并得到大众理解的关键所在,现代工业的发展导致生态不断恶化,人类赖以生存的自然环境日益遭到破坏,人们对于自己所生存的自然环境忧心忡忡。可持续发展思想的出现体现了人们对自己行为的反思,体现在设计领域中,即使用更加环保、低碳的元素,同时所设计出的产品具有高度的环境协调性和经济性,尤其是在产品外包装设计中,要更多地体现出一种环保型、可循环利用性的特点。 二、平面公益广告的创意方式 1、从受众的角度出发 广告心理学的研究认为,情感是影响受众心理的重要因素之一。人的消费行为除了受理性支配外,还常常为感情所左右,情感诉求是广告诉求常用的方法。正如英国广告人布里特所说的“广告是针对人们内心深处的战斗”。因而公益广告宣传更需要对受众“晓之以理,动之以情”。 我国目前的社会正从温饱型向小康型过渡,尤其是沿海发达地区,人们不再单纯地追求物质享受,而开始更多地追求精神生活和心理满足。广告人应当敏锐地觉察到这种变化,把广告语言写进人们心中,用人情味把受众融入感情的氛围里。过去常常有些“严禁践踏绿地”、“禁止进入,违者罚款”等严肃标语,较为生硬,受众难以接受,那时候的平面公益广告较少考虑受众的心理感受;而近年来,在花园广场上出现了这样一些不锈钢精制而成的中英文警示牌:“小草正在生长,请勿打扰”、“爱护花草,保护生态”、“爱比花红,情比绿浓”等文雅的公益广告,让人们既受到了劝诫,又感到亲切,因而乐于接受。公益广告的传播如果是以一种强迫的方式直接诉诸受众,往往会使受众产生抵制心态。因而只有研究受众、理解受众,才会激起他们内心情感的认同,公益广告才能达到事半功倍的效果。另外,公益广告语言突出人情味,淡化商业气,对人多些关心爱护体贴,能消除人们对公益广告的抗拒心理,进而引起受众的注意,产生兴趣,使扭转社会风尚成为可能。 2、启迪受众的想象 当今社会,人们不再单纯地追求物质享受,而是更多地追求精神生活和心理满足。因此,广告设计者把人性化设计融入受众感情的同时还需要多考虑受众的心理感受,启迪受众的想象,使平面公益广告更加深入人心。例如这些年来文明礼貌、希望工程、为残疾人献爱心、计划生育、家庭教育、保护生态环境等系列广告,已经渗透到人们的现实生活中。 公益广告把专业的设计语言转化为大众容易接受的大众语言,是需要精心设计安排的。如可以通过设计思维引发观众看到万物的可塑性,从而引发无限想象空间,发现图形语言的美妙,感悟公益广告想要表达的意义。 三、平面广告设计的未来发展 1、广告设计的优秀,就是广告的创意 要贴近产品,符合企业的一贯理念。根据产品选择合理的广告创意,设计围绕着创意进行,把创意更为精彩的表现出来。 2、平面广告创意设计中的造型基本要素 因为是平面广告设计,所以最基本的要素离不开点、线和面。点、线、面对于设计者来说熟练的应用并不是难事,很容易表现出整齐感和秩序感。不可否认的,整齐与秩序当然也是美感的一种。但这样使用容易让人产生单调的感觉,不会被内容所吸引。点和粗可细,可长可短,可以交叉也可以凌乱。往往容易突出浓重感。而线条的长度造就了轨迹,能够给人以方向感,在平面中体现出动态的感觉。用直线可以表现出内心的平和,无限的延展。用曲线可以表现出饱满厚重的感觉。各有所长。至于面的表现形式就更为丰富,设置可以成为独立的表现体。一言难以蔽之。 3、平面广告设计中可以利用图形元素,提升效果 在平面广告中图形是运用直观的、具象的视觉传达形式,容易让人理解。开门见山地使观者很快的发现并理解其中的创意优秀,使消费者一目了然,直接感受产品的魅力。平面广告主要通过图形形象的创新设计,使所传递的信息内容在观者的脑海里加强记忆。直观的图形广告运用简洁单纯的画面特点,其过程干净、利落极具视觉冲击力并且提高了记忆效率,这一点正符合了广告界中所谓三分之一秒效应的提法,即一则广告效果的好坏在于它能否在三分之一秒钟之内抓住观者的眼睛。这对于处在户外的招贴和路牌广告尤为重要。一般这类广告都与许多不同种类内容的广告并置在一起,所面对的大众对象为路上的行人,那么谁能最先从众多广告中脱颖而出抓住观者的视线,谁就是成功的。所以在广告创作时要使用简洁明快、色彩夺目、直接明了的图形语言,这样才能达到快速传播的目的。那么广告图形设计中的直接表现主要是利用绘画或摄影来表现产品,这时更会侧重于发掘产品在某个部分,某种层次上或某种状态下的美感。此外还可以通过明度、方向的变化等手法使图形更加明了易懂,进一步增强了它的视觉瞬间感染力。 4、平面广告设计中符号化的表达 现在的平面广告设计,要突出主题,有自己的创意。那么这个创意常常要与众不同,但又和产品、企业暗合。所以人们常常会在自己的广告中创造出某种符号,作为自己的标志。我们常常称之为LOGO。一个好的LOGO可以起到画龙点睛的作用。比如搜狐,门户网站的可爱的狐狸。展现出了门户网站的特色,那就是具有强大的搜索功能,即使狡猾的狐狸也无所遁形。这个标志暗合网站功能,又可爱醒目,起到了宣传的作用。再比如耐克鞋的醒目的对号,利用了对号最为企业标志,而且给人们以运动感,高低起伏,不会改变。这些都是平面广告设计中符号化的成功例子。 5、平面广告设计中利用艺术形式,可以突出效果 在平面广告设计中,可以借鉴一些经典的艺术形式。广告设计本身就是艺术设计中的一个特殊门类。它不同于艺术本身却应具有艺术性。在设计时候,借用中国画的元素,体现山水美感。增加视觉冲击力度。也可以借用西方抽象的艺术特征,以色彩为手段,征服用户。同时也可以利用诗词,提升意境,借用文字的力量,增添广告能量。 6、平面广告的创新 平面广告也可以“立体”化,突破传统的二维局面。利用三维或者多维角度进行宣传。利用动态视觉、嗅觉、触觉的表现来让广告设计变得更具魅力。 结束语 综上所述,平面广告设计者进行设计时,要掌握一些创意的技巧,使广告的内容具有较强的吸引力,能够激发起消费者的购买欲望,随着计算机及网络技术的发展。现代设计思想观念的创新性也不断提高,具有独特创意的广告作品也将不断诞生。 广告设计概论论文:构建创新型高职广告设计教学模式 【摘要】本文提出了构建新的高等职业院校广告设计课程模式,通过建设广告设计工作室、采取多种实训教学手段开展工学结合教育模式、提出提高大学生对就业指导课的认同感,培养出符合社会发展、适于岗位需求的广告专业人才。 【关键词】创新型 高职广告设计课程 教学模式 广告设计实践教学模式的建设主要围绕的是课程标准、师资培养、创新载体等整个教学模式的建设,如“以广告设计实训为导向”的课程体系标准、“工学结合”的人才培养模式等。结合实训项目教学模式的研究,重构新的、符合高职教育发展规律的教学模式,解决广告设计教育实际应用能力培养、适应社会能力等问题成为高职艺术设计教育研究的重点。为了培养出符合社会发展、适于岗位需求的人才,就必须以学生为本,及时分析人才市场动态,使教学内容时时刻刻围绕培养实用型、专业型、技能型人才这个中心不动摇。因此,要想培养出熟悉广告市场动态、引领广告市场潮流、满足广告市场需求、为市场经济服务的广告人才,构建高职创新型广告设计的教学模式就变得尤为重要。 一、广告设计工作室的建设是构建创新型教学模式的平台 随着市场经济体制的深化改革,传统的教学模式已不能满足对学生职业技能培养目标的要求,为使高职广告设计教育合理的发展,必须建立新型的广告设计实践教学模式,培养学生知识综合运用能力,从而塑造出适应社会需求、满足企业需求的应用型人才。广告设计工作室是以专业教育与行业结合、专业学习与项目实践结合,从而构建出全新的以专业项目为教学内容、以上班式体验实践为导向的教学模式,是专业人才培养与社会需求相一致的体现。)通过真实灵活的项目,引入学生动手创作的过程,以广告设计工作室为平台,借鉴企业的管理流程,建立相应的专业标准、师资标准、课程体系、教学模式等,并以此模拟出企业管理、教学设计和教学评价的新型实践载体。通过不断地探索这种体验式教学模式,以社会岗位需求为导向,为学生的多样化发展创造有利条件,使广告设计工作室真正成为学生认知、探索和解决设计问题的平台,培养学生的广告素养及独立解决问题的能力,提高学生的专业技能应用水平,最终达到上岗就业的目标。 二、工学结合,项目导入是构建创新型教学模式的有效途径 工学结合的教育模式同样以实训为导向,以提高学生就业竞争能力为目的,以人才市场的需求为平台,是对校内广告设计工作室的教学模式的一种拓展。结合企业实际案例设计与制作,学生不再是知识信息的被动接受者,而是在教师的指导下进行实践操作,主动建构自身的知识和能力。学生变成了主角,能够对教授内容进行自主选择,在学习过程中进行自我实践与调整,克服了传统教学中的那种被动与依赖。在集体讨论、提出疑问、探索问题的过程中,学生从而学会了思考、学会了学习和创造,这样就营造出了与企业实际工作岗位高度一致的学习氛围,激发出了学生内在的潜力。 工学结合,项目导入的教学模式提高了设计专业学生在广告设计、印前设计、包装设计、书籍装帧设计、VI设计等方面的专业技能和设计方法,培养学生能够设计出适应市场需求的具有一定审美价值和商业价值的作品来,也大力地拓宽了设计专业学生能力培养的途径。 三、采取多种实训教学手段突出具有广告设计专业特色的教学模式 广告设计的实训教学必须要做到能突出本专业特色,突出培养学生的广告审美能力和创意能力。这就要求我们的实训课不能只是简单模仿式的软件培训,而应该灵活安排课程,除了要详细讲授案例的操作过程外,还应该在实训过程中增加相关的案例分析内容,包括分析广告的创意思想、广告设计的元素组合、平面构成的运用技巧、色彩的搭配、画面的表现力与冲击力,甚至还应该结合实际广告市场背景来分析,通过从理论上分析创意,从技术上讲解操作,使学生不仅仅掌握技术,而且在真实的案例分析中逐步培养广告审美能力和广告创意能力,学生可以从边操作边分析的过程中深入理解广告设计的手段与方法,这样,在以后的实践中就会有意识地回忆那些经典的广告案例,最终自己去制作有思想、有创意的广告作品。目前,大部分广告设计课程采用的实训教学手段主要还是以教师示范操作为主,该实训方法比较简单,学生容易接受,适用于难度较低的基础性知识,如软件操作和实例操作这两类教学内容,但不利于培养学生的创造力和创新意识。除了这种实训模式外,还应该针对教学内容的不同,采用更加灵活多样的教学模式,例如互动讨论方式,互动讨论主要以教师结合实际案例进行演示,针对学生的作业进行互动,通过作业讲评向反映学生对知识技能掌握的效果,并指出其存在的问题和改进方法,提高学生的解决问题能力,形成“教-学-练-评-改-提高”的良好循环。这种互动的方式可采取讨论、提问、自由发言、互相评判等比较轻松的方式,教师主要起引导和总结作用,鼓励学生发表不同的意见,尽量使每一位学生都积极参与。通过师生互动讨论给学生提供一个展示自我的舞台,互动的课堂氛围加深了学生对知识的理解,拓展了创意思维的空间。学生在发表自己观点的同时又能相互启发,相互借鉴,在这种热烈的讨论过程中,思维被打开,学生开始主动地去寻找解决问题的方法和途径,完成作业便成为了愉快轻松的事情。 另外,还应拓展多种渠道培养学生自主实训的积极性。除了在课堂上要加强实训教学外,如果有条件的话还应该积极拓展多种渠道,为学生提供更多的实训练习,如加强与企业合作,建立广告设计教学实训基地。这样在很大程度上避免了广告设计专业的师生由于没有接触到广告实务从而与广告实际之间存在的脱节问题。因此,给学生寻找最多最优良的实习机会,锻炼学生的实际操作能力,加强与广告实业界的沟通,这是广告实训教学改革的重中之重。对于教学来说,强化和提高了学生的实践能力,对于广告行业来说,可以通过实习来选拔有能力的学生就职于广告公司,从而壮大公司实力,这是双赢的策略。除了在第一课堂进行实训练习外,还应该广泛开展第二课堂,多鼓励学生积极进行课外自主练习,例如应该鼓励学生积极参与各种设计大赛,比赛是检验学生设计水平高低的最好方式。 总之,随着广告设计近年来在我国的蓬勃发展和不断的变化,广告设计课程在教学模式和教学方法等方面都要不断地创新,每一个教学环节都应该大力探索更有效的教学方法和模式,切实培养学生的设计实践能力和广告创意能力,帮助学生掌握实实在在的专业技能,为他们步入社会从事广告设计相关工作打下坚实的基础。 广告设计概论论文:关于图形创意在现代平面广告设计的应用研究 摘 要:平面设计逐渐走上社会大舞台,发展越发迅速。与此同时,图形创意越发受到人们的广泛关注,频繁被应用于现代广告设计之中,这样就可以加强人和人之间的相互交流。图形创意实际上是通过视觉观察事物形象,并将其进行思维转化,附加一定的创造性思维,得到图形创意。一个优秀的广告作品就是把自己图形语言融入创意之中所设计出来的图形。 关键词:平面广告;图形创意;应用研究 图形作为平面设计中的重要元素,在设计作品中占据优秀地位,备受人们关注,能够很好地吸引人们的眼球,在广告中的地位越来越重,这也就对很好地推动了创意图形行业的蓬勃发展。 一、图形创意的定义与特点 图形创意,简言之就是创意,是指为了达到预定的广告目的,将创造性的思维具体化并以图形的形式表现出来,即思维视觉化的具体过程。平面设计师要根据要求,悉心策划每一道表现工序,并通过造型语言,结合使用多种艺术手段,将目的主题表达出来。整个图形创意过程必须赋有创造性,构思必须独特。只有发挥创造性构思出来的创意很能吸引人,将所要表达的主题很好地传递给人们,才能称得上一份合格的创意答卷。 二、图形创意在平面广告设计中的作用 随着社会的发展,计算的应用工越来越普遍,因此计算机融入广告设计已是必然趋势,这给广告事业的发展带来了福音,使得图形设计的表现手法呈现多样化发展趋势。不仅是表现手法多样化,表现方式也是变化多样。图形凝结了设计者无限的激情与创意思想,能够引起人们无限的遐想,深切地领会设计者所要表达的主题。 在一个广告的整体版面中,是最重要的一种视觉元素,对图形广告效果具有举足轻重的作用。图形的趣味浓厚,才能激发起人们的好奇心,树立良好的广告形象。在广告中,图形必须起到很好的视觉效果,释放其强大的感染力。广告设计是将文字和视觉形象结合起来,把视觉信息传递给人们。但是必须指出的是,广告设计必须注重视觉效果,而不能只是单纯地进行文字解释,因为这样很难起到很好的广告效果。在广告设计中,图形创意中具有十分重要的作用:(1)很好地表现广告主题,使广告创意得到人们广泛的认可。(2)充分发挥图形的“视觉效果”,吸引人的眼球,激发他们的好奇心。(3)先通过图形的外观将人们的注意力吸引过来,再慢慢将其转向文字描述。 三、图形创意在广告作品中的表现 在平时的生活中,设计者必须多多留意生活,并提取其中的精华部分作为设计元素,融入创意之中,再加上一定的表现技巧,将图形创意表达出来。 一个广告是否成功,能否引起人们的兴趣,激起消费者内心的共鸣,重点在于图形的表现力如何。图形一般用来构成动态画面,但要注重以下几方面: (一)广告中的图形的数目需要控制好,一般主张少一点而且精简。在广告设计中,图形的数目对于传播效果具有十分重要的影响。但是,并不是说图形数目越多越好,而是要挑选一张质量高且重点突出的图形,清楚地将主题表现出来。 (二)要根据图形的作用和地位来确定其面积大小。为了渲染气氛,常选用大面积的图形,这样给消费者造成强大的视觉冲击,引起人们的注意。室外大型的广告招贴必须具有生动性,且利用大面积图形来吸引人们的眼球,将所要表达的主题很好地传递给消费者。 (三)探究人们不同的习惯和感情,以设计不同的广告,只有因人而异,才能起到很好的广告效果。 四、图形创意的应用 对于一个平面设计而言,首先映入人们眼帘的即是图形,图形对于人们眼球的吸引力是极大的,仅次于品牌名称的影响力。一个好的图形设计即使没有文字描述,也能够形象地将广告主题传递给读者。可见,图形完全超越了地域、语言和文化的限制,具有明显的艺术感染力。若要使设计具有创新性,就一定要也能用赋予创意的表现手法。图形创意的种类多样,应用范围广泛,可总结为如下几个方面: (一)在广告设计中,图形是优秀竞争力,是视觉中心,直接决定着广告能否吸引人的注意力,引起消费者的消费共鸣。 (二)在包装应用上,图形创意以其独特的亲和力,增强了产品的感染力,使产品能够深深印入人们的印象之中。 (三)对于一本书籍,首先映入人们眼帘的就是封面,为此封面对于一本书籍来说具有举足轻重的作用,是与读者进行交流并取悦他们的第一道也是最重要的程序。 (四)标志设计实际上也是图形设计的一种,其表现方式既类似于图形创意又与之相区别。标志设计对于一个而言至关重要,不仅担负着企业的无形资产,而且能够传递企业的各种信息。 五、小结 设计能够用来传达人们的思想,所以图形创意的根本目的就是实现人与人之间的相互沟通与交流。图形创意的过程实际上是将视觉形象表达出来的工程。在当今社会,图形广告设计越来越受到企业的重视和人们的青睐,所以设计师务必要通过自己的创造性思维,将主题创意以图形语言的方式形象地表达出来。 广告设计概论论文:城市广告设计中与人文关系的探究 摘要:企业公益广告与产品商业广告是最基本的两种企业投放广告的形式,产品商业广告是一种经济现象,具有明显功利性;而企业公益广告为社会公众利益服务的,目的是传达一种精神,但两者是否就是根本相对立的呢?如今我们看到越来越多的企业公益广告商业化和越来越多的产品商业广告公益化。因此本文对企业公益广告与产品商业广告进行了比较,以分析城市广告设计中与人文关系。 关键词:城市广告 设计 人文 关系 作为企业最终目的是为了销售产品,企业投放广告既是一种经济现象,具有功利性;也是一种文化现象,具有思想性。因此,商业广告一方面具有促进销售,指导消费的商业功能;另一方面也应服务于社会,传播适合社会要求、符合人民群众利益的思想、道德、文化观念,即具有社会功能。 只有在社会功能的推动下商业功能才能更好的发挥出来。 一、产品功能的宣传 商品广告又称产品广告。它是以销售为导向,介绍商品的质量、功能、价格、品牌、生产厂家、销售地点以及该商品的独到之处,给人以何种特殊的利益和服务等有关商品本身的一切信息,追求近期效益和经济效益。 产品商业广告往往阐述的是产品的一种属性,给人一种直观的体验,让没有花心思了解产品的人群通过几秒钟的广告画面和简简单单的广告语了解产品的属性和在同类商品中的独特之处。 产品商业广告总是把产品能带给消费者的现实利益展示出来,强调消费者从中得到什么,这种利益是看得到,摸得着的,如“喝启力添动力”“怕上火喝王老吉”它们所做的广告中主要强调的是产品可以给消费者带来真实存在的体验。 一个产品的商业广告并非是简单,它是在产品特征,市场经济,营销战略作用三者作用下形成的。有的产品所走的就是成本低战略,有的产品就是针对消费群体做创新性产品也就是所谓的蓝海战略,蓝海战略认为,聚焦于红海等于接受了商战的限制性因素,即在有限的土地上求胜,却否认了商业世界开创新市场的可能。运用蓝海战略,视线将超越竞争对手移向买方需求,跨越现有竞争边界,将不同市场的买方价值元素筛选并重新排序,从给定结构下的定位选择向改变市场结构本身转变。只有结合产品本身及市场做营销战略的分析后才可以做出最恰当的产品商业广告,达到最好的广告效果。 二、淡化商业气息 然而,随着经济的发展,企业实力不断增强,商品质量不断地提高,企业越来越注重广告的效益,电视广告,报纸广告,广播广告,互联网广告,招贴广告,户外环境广告,企业不仅在媒介上丰富了商业广告的形式,而且在广告种类也加以丰富,为淡化商业气息企业也开始做起公益广告。 企业公益广告,我们也可以叫商业广告的公益化。商业广告的公益化形式是淡化商业气息的有效途径,同时又能带来相应的社会效益,但它始终没有脱离商业广告的范畴,因为它本身的根本立足点在于企业自身的营销目的。在现代生活中人们的生活质量有所提高,人们就越发的对强销型广告充满了排斥。在做产品商业广告时,既要把产品的功能性质特色卖点阐述清楚,又不能过度的强调产品的优越性从而做成了强销性广告。强销性广告在现在的市场上投入的广告费用与取得的实际效益并非是成正比的,有的企业做强销性广告,商业气息过强,虽然投入了巨额的广告费,但广告给企业带来的经济效益却是微小的,有的甚至是负效益。造成这种结果的主要原因就是企业和广告创作者急于求成,过多的强调产品,引起消费者对产品乃至企业的反感。所以作为一个企业,要始终保持着高度的敏感性,去捕捉生活中的点滴,他们的眼光不但要盯着市场,更要盯着社会。作为一个企业,要始终保持着高度的敏感性,去捕捉任何突发事件,他们的眼光不但要盯着市场,更要盯着社会。 三、品牌形象的升华 而当今时代,现代企业间的竞争已不单是以产品为中心的单一层面的竞争,不仅仅因为产品的质量、性能就可以赢得广大的受众群体。而是以企业整体形象为中心的全方位的竞争。简而言之,即企业的形象的竞争。也许对于每一个爱喝凉茶的人来说加多宝与王老吉是一样的,面对激烈的市场竞争,谁能将最优良鲜明的企业形象呈现在公众面前,谁就能在激烈的市场竞争中脱颖而出,稳操胜券,谁能在这个紧要关头做一次企业责任的升华。说到企业形象,就如同一个无形的手,调动着消费者内心的潜意识,于是企业公益广告就在这个特殊的环境下发挥起了独特的作用。企业也从当初的产品商业广告过渡到了产品商业广告与企业公益广告结合的阶段,无非就是宣传一种理念,赢得好的形象,从而买更多的产品,达到盈利的目的。 企业公益广告是由企业出资,以围绕改善和解决社会共同利益问题而组织开展的广告活动。它兼具社会效应和企业利益的互益性,既可以服务于社会共同利益,其真实目的是为企业带来形象、声誉等无形价值回报,是我国公益广告事业发展中的必然现象,也是随着市场经济的发展,企业竞争激烈时为树立良好形象、加快企业文化建设的必然产物。也只有又好又快的意识到企业公益广告的优越性并适应企业公益广告的趋势才能使企业在形象战略中能有效利用参与公益广告事业的契机实现企业利益和社会效益的双赢。 碧生源控股有限公司曾做过这样一个与大学生的互动广告,广告语是这样的:别因为小而忽视它,公司利用产产品减肥茶泡茶袋的制作工艺,小小的细节都用心去制作,广告推销出去,反映给消费者的是碧生源公司的整个工作态度和理念,做好每一个细节,把小细节做好终能成大器,“勿以善小而不为”、“小处不可随便”、“小有小的好处”、“细节决定成败”、“从娃娃抓起”、“浓缩的都是精华”……一直口口相传。千古不变的定理就借用在了碧生源自己的企业上,树立了良好的企业形象,传达着自己的理念,吸引着更多的潜在受众群体。 近日,青岛许多交通要道“孔子不走了”的户外广告牌,随处可见。其中蕴含台湾乡林集团对青岛与涵碧楼的热爱与期许,“孔子不走了,涵碧楼也便不走了。”青岛涵碧楼工作人员如此解释道。涵碧楼在台湾的代表便是王公贵族、社会名流汇集之处,想必在青岛的涵碧楼也会让更多的“孔子”停留驻足。 在乡林集团董事长赖正镒的专访中,赖董多次提到,“山东是孔孟之乡,我非常喜欢青岛,青岛人做生意跟做人一样,真诚、直率。”看来,作为大陆首家涵碧楼,赖董对于首站落户的城市还是亲睐有佳。 一个企业的成功,离不开国家,离不开社会,离不开顾客。因此,任何一个成功的企业,都要把回报社会、参与公益活动、支持慈善事业,当作自己的重要义务。人的本性是善良的,每一个人都希望能有一个机会去向社会奉献爱心。比起商业优惠、巨大利润,这样的活动更能得到人们的支持与共鸣。每一个消费者都喜欢有爱心的企业,希望自己购买的产品中蕴含着一些理念,与自己的观念产生共鸣。 广告设计概论论文:传统水墨绘画的广告设计及应用 作者简介:刘华(1977-)女,汉,江苏丰县人,新乡学院艺术学院讲师,研究方向:艺术设计。 摘要:水墨绘画是我国传统绘画技法之一,因为水墨元素的独特黑白效果,能够将中国的山水韵味很好的表现出来,并且将中国文化当中注重意蕴之美的效果很好的表达出来,因此在各种艺术形式当中得到了广泛的应用,例如电影、舞台艺术,而很多广告设计也开始融入了是水墨情结,借鉴水墨画的表现形式和表达方式,用来展示产品的文化底蕴,论文重点阐述了广告设计当中对于水墨元素的借鉴和运用,对于启迪广告设计思路,拓宽广告设计的方法提供借鉴。 关键词:水墨、广告设计、表达方式、文化底蕴 一、序论 二十一世纪是一个视觉文化多元化发展的时代,眼球经济迅速发展的过程中,广告起到了非常重要的媒介宣传作用,而面对琳琅满目的广告宣传,人们的视觉开始进行个性化的选择和甄别。而作为中国艺术瑰宝的传统绘画因为坚持传统性以及文化的独特性,曾经不被研究人员看好,国际研究人员曾经认为中国的绘画艺术在国际文化交融的冲击之下,已经走到了穷途末路。但是作为国际文化交流重要媒介的广告设计,引入了水墨绘画元素,将中国传统绘画技法融入到商业宣传当中,不仅起到了亮眼的宣传效果,而且将中国的水墨画进行了发展,引入到了更广阔的发展空间之中。对于现代广告而言,传统的水墨绘画赋予了广告设计深厚的文化底蕴,广告设计有了民族化和本土化特征,不仅有了较强的文化代表性,而且在世界经济范围内也展现出了独特性。 二、传统水墨元素在广告设计中的应用 水墨艺术代表的不仅是一种传统文化的表现形式,其中更是蕴含了中国的一些深刻的哲学思维,水墨是中国民族精神追求的代表表达,水墨画对于广告设计有着重要的影响,现在大量的广告设计作品当中都运用了水墨画的散点透视的方法,以及画面意蕴的表达。在中国传统水墨绘画追求的内在的节奏性和平衡,计白当黑的绘画技法,在形象描绘上的似与非似指教的形象变化的随意性等,这些都在广告设计当中重新得到了鲜活的运用。 (一)留白技巧的应用 中国水墨绘画构图当中讲究留白的作用,在绘画过程中事先留出一定的空白,或者是保留纸的本色,最后演变成为一种独特的构图方式,在这种构图之下,不满的画面反而给人们一种虚实相生的已经感觉,空白处带给人们的是一种无尽的联想和想象。与整个画纸铺满要更有韵味。在中国宋代的山水绘画作品当中非常注重留白技巧,有著名的“马一角、夏半边”的称呼,著名的画家马远和夏圭在绘画当中多采用半景构图,画面留出空白,巧妙的构图彰显了绘画的独特性,带给人们的是一种强烈的绘画效果。 如图一就是典型的留白水墨技巧在广告设计中的应用,这是一幅中国形象广告,一道简单的墨迹,中间蕴藏了中国的传统礼仪汇聚形成的文字,包括忠、孝、礼、义等,画面三分之二的部分完全都是空白,这种空白却映衬出中间的墨迹道路显得更加清晰而独特,画面的主题是“品中国”,我们从整个画面可以读出中国是一条黑白分明的道路,而这条道路是由中国的道德信念铺设形成的。这条路指向空白的地方留给人们的是无尽的联想和想象,可以使这条道路的无限延伸,也可以是信条影响的无限放大。这就是我们所说的留白的作用。这种随意的空白,由实处向外扩张形成一种强烈的视觉效果,起到了此处无声胜有声的效果。 (二)水墨色彩计白当黑 水墨色彩非常单一,与现代的有着强烈视觉感的广告设计形成了鲜明的区分,但是这种区分却让具有水墨色彩的广告设计显得别具一格,在色彩学当中黑色和白色代表的是无色,简单的黑色水墨,仅仅依赖于水比例的加入从而呈现出千变万化的色彩效果,这就是中国绘画的其他之处。自然界的很多物象基本上都有一种虚实之间的朦胧之美,这种美在很多时候都很难采用写实的方法将其表现出来,例如晨雾中的山水,而正是这种朦胧之美才是自然界难得一见的造化。 图2是中国在纽约做的一个形象宣传广告“从无形到有形”不仅是画面形象的表达,更是整个画面意蕴的表达。自然流动的山水画面,在似与不似之间的物象,有着强烈的流动感和节奏性,在中国传统美学当中,讲求和谐的美学已经营造,而和谐是中国传统文化的最高理想,整个画面其实是在虚实之间,简洁的构图和灵动的笔墨表达丰富深邃的文化和民族精神意义。借用山水之景,来表达一种含蓄和朴素的精神之美。 (三)广告画面中的水墨元素应用 现代广告设计当中有很多,不仅借鉴了水墨山水画的意境和构图,而且利用水墨画的典型物象元素,用来表达朦胧的景观美感。以及中国文化当中“天人合一”的思想。 图3是一幅房地产广告,这幅广告采用了中国山水水墨的元素,墨迹晕染开中间是远去的小舟和盛开的桃花,虽然是房地产宣传广告,但是没有任何关于房地产的要素,这是一种隐逸美的表达,用晕染的墨迹和真实的物象,虚实结合,表达的是早春的意蕴之美。而人们在欣赏广告的时候从中能够想象出带有强烈景观美和文化美相结合的建筑环境。人们在挑选自己房子的时候最注重的就是这两个元素,一个是自然景观的是适合居住,另外一个是有着强烈的人文景观底蕴。而传统水墨画元素在画面当中正是代表着房地产项目所具备的文化底蕴。 三、结论 水墨元素与现代中国流行文化的结合点丰富,而且融合性强,现在的服饰设计、电影、电视、广告设计等多种艺术载体都借鉴和运用了水墨画的手法,不论是绘画技巧还是绘画思想、以及绘画的常用物象元素等等。中国传统水墨画与广告设计之间的融合,是文化与经济的接轨,是文化对经济发展所起到的促进作用,同时利用广告设计这一国际交流平台能够将中国的传统文化带到世界流行舞台当中,为中国传统文化的发展寻找到更加广阔的空间。(作者单位:新乡学院艺术学院) 广告设计概论论文:基于社交媒体用户的网络广告设计研究 摘要:本文期望通过基于社交用户的网络广告设计的研究,引起企业和业界对社交媒体用户的心理和互动行为有更深入的关注和了解。提出让网络广告在社会媒体能获得有效传播的几个要点,期望在深刻的洞察社交媒体用户生活形态的基础上让网络广告设计具有开拓性的创新和精准性的表达。 关键词:社交媒体;用户;网络广告;设计 网络广告设计在经过新生与蓬勃的发展,已经慢慢成为一个巨大的行业,而且仍在不断进化中。同时,社交媒体时代悄然到来。据最新数据统计,目前全球社交媒体平台上有15亿用户,五分之一的人上网时间花在了社交网络。商家从社交媒体中捕捉到的客户信息比以往任何时候都多,只有当广告主及设计者真正了解如何通过广告设计与社交媒体用户进行有效沟通,才更接能近成功的目标。 一 广告内容的创新 受众的参与才是关键,用户才是决定一个广告是否有吸引力,是否有价值的关键。这个时代广告内容尤为关键,内容的创造,是品牌与它的受众相互合作和不断互动的产物。好的内容,也就是与用户相关,且为他们喜闻乐道的内容。近两年微电影的火爆透露了内容营销与社交媒体互动结合后产生的巨大效应,微电影的特殊性让广告主有了机会深化品牌和消费者之间的联系。广告设计过程中,找出品牌所需传播内容中契合用户兴趣的传播点,然后创设引导性内容,传达有趣、有教育意义、诉诸情感面、具启发性等信息,激发用户互主动点击,参与互动的欲望,可为品牌带来更深层次、更长期的品牌建设回报。 二 广告形式的创新 网络广告的游戏规则正在改变,不再完全遵守传统的广告形式,而是围绕着使用者体验和产品本身,开始重新设计广告的表现方式。从Facebook的Sponsored Stories、Twitter的推文广告等,都是推翻传统模式的新型广告型态,以一种更能融入网站环境本身的型态,将广告置入其中。“蘑菇街”、“美丽说”等,这些垂直类社交媒体带来了图片视觉广告的新时代,原生广告也在此诞生发展。过去传统横幅与搜寻等主流的广告方式,几乎不会让人想要分享,或是无法获得主动点击。相反地,黑马一样出现的原生广告则由于外观强烈的视觉整合,因此让阅听人更容易分享广告,或是与之互动。Pinterest发起Promoted Pins、Google Plus发起 Instagram 无一例外显示国际大公司们都在专注于原生广告这一新的基于社交媒体的广告形式,寻找广告与社交媒体的契合点。必须从社交媒体用户的角度来思考、利用创新的形式,投放或设计出让人感兴趣,愿意与之互动的网络广告,网络广告有很多形式,也许以后还会创造出更多新奇的形式,但不管其采用哪种展现形式,前提是注重目标用户体验。 三 广告的色彩视觉呈现 社交媒体用户他们可以自主选择看或不看广告。如果一个广告的视觉表现里有太多的元素,用户将迷惑于去看哪里或误解每个要素的优先级。广告设计者在欲将广告文化以刻意或不经意的思维方式传达给受众之前,有必要对网络广告受众的消费心理以及视觉心理有一个预先认知。极简的色彩视觉表达能够将最重要的内容带到最前面并为用户避免分散注意力。比如,淘宝网的天猫商城,它在社交媒体上投放的各类广告都是以“红”的色彩意象让人记忆深刻。从心理学的理论分析红色能对人的心理产生巨大鼓舞,最适合需要消费冲动的品牌,而天猫正有这个特征。很多时候 ,广告色彩带来的感性认识比理性认识对于人们做出决定更为关键。 它建立的不仅仅是效用,而是喜爱。因此,品牌在对自身广告进行识别设计的时候,在可用性和美观的标准之上充分运用色彩来进行有效传播。 四 小结 广告传播的目的并不是只是为了建立品牌名声,而是与你的顾客沟通一种共同的观念 社交媒体广告是网络广告的新形态, 在对社交媒体用户深刻理解的基础上如何进行高效率的网络广告设计这一研究领域还是比较空洞的,时代性让这一领域是成为所有企业与商家开拓和占领未来消费市场必须的研究和挖掘的区块。 广告设计概论论文:广告设计的诉求 摘要:本文对广告设计的诉求作用进行了探讨,阐述了如何提炼广告诉求的属性以及在产品不同周期阶段时广告设计的侧重点。 关键词:广告诉求;设计诉求;受众心理 广告无法诱导人们消费他们本来就不需要的东西,如果广告起作用,那一定是广告的诉求与消费者的心理历程有某种重合。广告实际上是通过视觉和听觉刺激受众的心理,受众在广告后的反映是广告活动是否成功的决定因素,但受众的社会、文化、经济等背景是不一样的,这就需要广告者在创意设计之前需要做市场调查、数据分析的基础工作,以找出目标受众心理历程的共性,针对这一共性进行广告设计、制作、以及最后的市场反馈调查,所有的这些步骤都是为了有的放矢,准确的把握广告设计的灵魂——广告设计的诉求。每一个广告设计都有它的优秀诉求,这种诉求如果能与消费者产生共鸣,就能使设计产生较大成功。假如直接对一个女生说做瑜伽对身体健康有益处,她也许不置可否,但如果我告诉她,做瑜伽可以让皮肤更好、气色更红润,她也许就会有点心动了。这启示我们希望广告能发挥更好的作用,就需要诉求最能引起受众注意和兴趣的信息,而我们原以为重要的,受众却不一定认为重要。有一个笑话是说一个生产书架的厂家问一位智者为什么他们生产的书架坚固耐用,就算从5楼摔下来都不会弄坏,即使这样却卖得不怎么样时,智者说:“不是所有买书架的人的目的都是想把书架从5楼摔下来的。”受众的心理是广告主题制定的基础和依据,偏离了受众心理,就变成一厢情愿的说教,是很难打动受众的。产品的属性具有多样性的特点,对受众的满足也是多方面的,即产品有着多种类型的价值。我们的广告诉求重点可以从产品的两种价值类型中提炼出来: 一 从产品本身的价值中提炼诉求重点 (1)产品的实体因素 实体因素如性能、原料、产品外观等要素。如仲景牌六味地黄丸在推出“药材好,药才好”的广告后,短期内就收到了很好的效果,仲景很快就成长为六味地黄丸的第一品牌。而美国百事可乐就以产品中“不含咖啡因”为诉求重点进行宣传,以区别于可口可乐。 (2)产品的使用情况 使用情况包括产品的用途和用法以及效果。如红牛饮料的广告:“红牛饮料,提神醒补充体力” “困了累了喝红牛”。 (3)与其它产品的关系 如某电脑品牌的电视广告在最后总要播上一句:“某电脑,采用英特尔奔腾处理器”,这就是典型的通过强调与其他高端产品的关系,进而提高自身品牌的案例。 (4)受众对产品的关切点和期望 关切点即受众对该产品最为在意的价值功能。比较经典的案例应该是美国吉列公司为销售“雏菊”牌女用刮毛道所推出的的广告诉求了。作为女性刮毛刀的生产者来说,刮毛刀的抓握舒适性、剃毛安全性、携带方面性、性价比等都是他们考虑到的,但在广告中一语击中女性使用者最敏感的部分:“不伤玉腿”。 二 从产品价值链中提炼诉求重点 (1)诉求社会价值 每个人总以各种各样的方式与社会发生联系,受众需要以自认为有价值的事物来体现这种社会关系的价值,这就是我们通常所说的如友情、亲情、爱情等。这类价值往往能作为广告诉求的重点。如“有多少亲朋好友,送多少黄金搭档”的保健品广告,这就是将广告诉求于受众的社会关系价值当中,透过社会价值来体现广告产品的属性。(2)诉求主观价值 主观价值指个人内心的价值衡量尺度。如开奔驰,就会有成功人士的感觉,穿NIKE乔丹系列的鞋,打篮球时就有扣篮的冲动等,这些就是典型的将主观价值附加与产品中的案例。大多数情况下任何一种产品都有其生命周期,一般可以分为导入期、成长期、和衰退期三个阶段,广告诉求需要依据该产品市场生命周期的不同而制定不同的诉求重点和诉求方式。1)在产品的导入期和成长期前期时,新产品刚刚进入市场,产品的各方面的属性都还未被受众所认知。此时,广告诉求以告知为主,突出新旧产品的差异,向受众介绍产品的相关知识,使受众认识新产品,逐步产生信任感,大力宣传产品的商标和品牌,扩大知名度。2)在科学技术发达的今天,一旦有新产品问世,很快就会被其他商家模仿,产品的优秀技术和有形价值要做到很大的差别化是非常困难的。因此,当产品进入成长期后期和成熟期后,广告诉求需要有更大的说服力,需突出本产品与其他品牌同类产品的差异性和优越性。3)当产品进入饱和器或衰退期之后,在从产品品本身的价值中提炼诉求重点已无多大意义,这时需要从产品价值链中提炼诉求重点。例如洗衣粉的产品市场很长一段时间以来都是处于饱和状态的,而雕牌洗衣粉作为新产品推出市场的时候,就需要广告诉求即需要照顾到新产品的导入期性质,又要兼顾洗衣粉市场的市场饱和状态。所以短短的雕牌洗衣粉视频广告里面出现了“只要一点点就能洗好多好多衣服”“只买对的,不选贵的”“妈妈,我能帮你干活了”针对产品三种周期阶段的广告诉求。 三 结束语 广告诉求是广告最主要的组成部分,我们通常将它称之为“卖点”。只要弄清楚广告产品所处的生命周期,了解最能激发消费者兴趣的广告产品属性,恰当的选择广告诉求,让广告与受众的消费心理产生共振,则一定能促使受众产生更强烈的购买欲望,使得广告取得巨大成功。 广告设计概论论文:富媒体时代公益广告设计中的情感表现 对富媒体时代公益广告设计中的情感表现进行分析和探究,首先介绍了情感表现与公益广告设计之间的关系,第二部分介绍了公益广告设计的情感表现的方法,第三部分通过个案分析来了解富媒体时代公益广告设计的情感体现。 富媒体公益广告广告设计情感表现 一、情感表现与公益广告设计的关系分析 顾名思义,公益广告是不以盈利为目的的广告宣传形式,它以人的情感为基础进行内容的表达和表现形式的利用。也就是说,不论是从广告设计者的艺术构思,还是从宣传渠道,以及表现形式上,都需要将目标受众的情感需求和情感共鸣作为基本依据,以受众的情感体验作为公益广告效果的重要衡量标准。因此,在公益广告设计中,广告设计师和创意者要对目标受众的情感进行很好地把握,这也是公益广告设计的重要方面。在公益广告中,情感表现具有非常重要的意义。一方面,情感表现是公益广告所要表达的优秀内容和重要依据;另一方面,情感表现表达是否到位,是影响公益广告效果的直接因素,也是能否引起消费者情感共鸣的最重要因素。如很多研究者所讲的“情感表现是公益广告设计的灵魂和基础”,我们要加倍重视公益广告设计中的情感表现与情感表达。 二、公益广告设计的情感表现手法 (一)公益广告设计中的情感表现要不断发展 公益广告,是一种特殊的广告形式,它不以盈利为主要目的,若要引发受众的关注并引起情感共鸣,就需要在广告创意过程中加入时代特色,展现鲜明的时代精神,这也是公益广告引发受众关注的一个条件。 首先,公益广告设计要与时俱进,追寻时展和潮流。时代特色不仅是公益广告而且是所有广告创意的重要内容,在现代社会发展过程中,潮流是不断变更的,经济的发展与社会的进步,使得广告艺术也不断进步和发展,促进公益广告内容和形式的不断演变。在每一个时代中,公益广告都跟随时代的发展,产生精神和理念的变更。 其次,公益广告设计也要与科技发展相协调。在富媒体时代,人们通过各种媒体形式如电脑、手机、报纸、广播、电视等媒介,来获取所需要的信息;因此,现代公益广告应该借助飞速发展的科学技术和终端技术等来进行公益广告情感和诉求的传达与表现,与人们所接触到的媒体与终端设备相吻合,避免由于宣传渠道不畅而引发受众接触不到公益广告的情感诉求。这样,公益广告紧紧跟随时代和科技的发展速度,充分利用现代科技的力量,拓宽公益广告的宣传途径,让更多更精准的受众接收公益广告所传达的情感诉求。 (二)公益广告设计中的情感表现要符合主流意识 公益广告若要引发受众的共鸣,就要针对主流思想意识进行广告设计的情感宣传。首先,现代社会的思想呈现出多元化倾向,公益广告需要把握住主流思想,将多数人的正确的主流的思想意识融入到公益广告所展现的情感中。其次,从其作用来看,公益广告主要是为了通过内容的宣传,通过各种不同的途径和渠道,将广告内容曝光在目标受众之中,从而发挥公益广告的文化功能,将人们的思想意识统一起来,通过思想的传达,来影响受众的观念和意识,从而规范人们的行为,实现广告的更高价值和作用。对于公益广告而言,不论是何种表现形式和文字内容,都是对广告所诉求的情感进行的传达和宣传,受众对公益广告内容的认知度和接受度,对其思想和内容的认可,对广告所宣传价值的评价和追求,对广告价值的解读,都直接影响公益广告的情感表现的传达。因此,公益广告要在大范围内被认可,就要在情感诉求和情感表现上相吻合,所表现的内容与社会主流意识要协调。从这个角度来看,公益广告所释放和传达的信息和情感,必须是真善美的,需要将提高社会形象、促进社会道德觉醒为内容的关键点。 (三)公益广告设计中的情感表现要迎合受众 公益广告设计的情感表现还要迎合受众,加强对受众的分析和研究,来增强广告设计和表现的针对性。 一方面,公益广告要从公众角度出发,所传达的广告内容和理念要深入受众内心,在情感表达个性和情感诉求上,可以引起目标受众的共鸣,实现受众与广告内容的沟通与交流。所以,公益广告的情感表现要了解和发现受众的情感需要,避免轻视对受众的公益广告深层次需要的研究,冲破传统的公益广告束缚,将受众的情感与广告情感诉求结合,实现二者的高度统一。同时,公益广告还要拓展传播和诉求的渠道,将人们深藏在内心的情感需要激发出来,增强受众的情感共鸣,最终形成行动的动力。只有如此,公益广告的情感表现才能具备可视、可听的独特特点,将信息从各个层面上释放地淋漓尽致。 (四)公益广告设计中的情感表现要体现责任,加强探索 首先,公益广告设计中的情感表现要不断树立责任观念。在情感表现上,公益广告通过语言进行内容和理念的表达,并通过各种形式传达到广大受众那里,从而引起巨大的反响。因此,公益广告设计要提高责任意识,站在较高的角度来激发人性的正能量,彰显和激励人性的光辉,用情感来塑造行动的氛围和价值。 其次,公益广告与其它艺术形式一样,不能止步不前,要探索创新。从本质上来看,公益广告不仅是向受众宣传理念,传达深层次这里,其更进一步的目的是激发人们深入认识世界和改造世界的动力。因此,公益广告要不断探索,通过内容和宣传手段的创新,不断承担起文化整合和思想统一的重担。 三、公益广告设计情感表现的个案分析 当前,公益广告的类别是非常多的,呈现了内容和形式的多元化趋势。在社会不断发展和人们对利益的追逐过程中,越来越多的珍稀动物濒临灭绝,有很多公益广告是呼吁保护稀有动物的。 《抵制皮草保护动物》这一公益广告,通过视频的形式将保护动物的理念以非常创意的手法,将保护动物的理念传达给广大受众,让受众在震撼中产生情感的共鸣,提高保护动物的意识,从而形成实际的动物保护行动。 四、结语 在富媒体时代,人们处于各种媒介和信息的宣传之中,公益广告若要在目标受众中引发共鸣,就要增强情感表现,通过不同的表现策略将情感诉求传达到受众中。本文在理论方面对富媒体时代公益广告设计中的情感表现进行了分析和探讨,希望可以促进公益广告设计的实践。 广告设计概论论文:浅析广告设计中的视觉引导艺术 【摘要】广告设计很大程度上是一种视觉设计的艺术,因此,在广告设计中视觉引导艺术占有非常重要的位置。在广告设计的各步骤和各环节中,都需要在各方面充分运用视觉因素,完成对于相应设计的有效呈现。本文正是从这样的视角出发,从确立凝固视点、确立恰当的视觉引导流程、合理运用视觉要素等方面讨论了广告设计中的视觉引导艺术。 【关键词】广告设计 视觉引导 艺术 广告设计很大程度上是一种视觉设计的艺术,因此,在广告设计中视觉引导艺术占有非常重要的位置。在广告设计的各步骤和各环节中,都需要在各方面充分运用视觉因素,完成对于相应设计的有效呈现。对于视觉引导艺术的关注,可以说关系到整个广告设计的成败,好的视觉引导,能够切合大众心理,以最低的成本获得最多的大众认同。 对于视觉引导艺术的阐释,在广告设计中,主要是切合消费者心理和具体的广告主题,通过对受众心理的准确把握,设立恰当的视觉点,以合理的图形、文字、色彩等视觉元素控制受众的视线,以期达到有效的视觉引导,更好的完成相应的广告设计。具体而言,广告中的视觉引导主要体现在以下方面。 一、确立凝固视点 在广告设计中的视觉引导艺术中,一个非常重要的方面需要确立适当的凝固的视点。因为在视觉引导中,如果视点过于变动,或者出现了过多的视点,那么便极有可能对受众的关注焦点造成分裂的结果,即无法以有效的方式吸引受众的关注。如果受众的关注点一旦过多,便无法传达出有效的信息,从而不利于整个广告设计对于广告主题的表达。有了一定的视点,才能够有一定的可被认识性,而这样的可被认识性,正是在最大限度上促使受众能够看到并理解和接受事物的关键点所在。因此,在广告设计中的视觉引导艺术便需要对视觉引导中的视点进行设置上的考虑,通常需要采用有效的凝固视点,以便更好的适应受众心理,因为只有这样,才能够做出具有冲击意义,并且主题鲜明、受众清晰的视觉作品。当然,也只有这样,才能够使得设计变得充满意义。这样的意义对于更多的吸引整个的受众的眼球,符合读图经济起到了相当重要的作用。另外,在广告设计的视点引导中,同时也是在固定视点的设计中,要重点考虑第一视点,以便借此对其后的其他视点起到有效的构建作用,传达更多的与广告相关联的信息。通常而言,相对完整的元素更有利于形成视觉中心,达到有效迁引受众视角的效果。这是广告设计中的视觉引导艺术所需要关注的。 二、确立恰当的视觉引导流程 在广告设计中的视觉引导艺术中,需要关注的另一个方面便是对于视觉引导流程的关注。通常而言,广告设计中的视觉引导流程包括了单向视觉流程、曲线视觉流程、重心视觉流程、反复视觉流程、导向视觉流程、散点视觉流程等多个方面,而在其中的单向视觉流程中又包含了竖向视觉流程、横向视觉流程、斜向视觉流程等多个方面。视觉流程是一种具有一定稳定性而又不断发生变动的流动过程,在这样的流动中,使得视觉引导具有了一定的基础,同时视觉引导流程也是对于视觉引导得以实现的有效保障。具体而言,对于视觉流程的关注,便是对于上述的更细化的视觉流程的关注。在广告设计中,不同引导方向给人不同观看感受。例如,在单向视觉流程中,竖向视觉流程所呈现出来的便是不同于横向流程的更直观坚定的感觉。至于在广告设计中采用什么样的视觉流程,主要是和该广告表达主旨等相互契合,达到很好的表达效果。可以说,在某种程度上而言,视觉引导流程的确立会最终影响到视觉引导艺术的实现,而这些方面都将最终作用于广告设计,并以此为广告设计提供有效的基础,达到良好的广告效果。 三、合理运用视觉要素 在广告设计中的视觉引导艺术中,除了设定恰当的视点,设立相应的视觉流程,另外一个很重要的方面,是需要充分合理的运用视觉要素。视觉要素可以是一定的有效的图形,而视觉要素也可以是一定的色彩,对于视觉要素而言,最重要的是确立起可以被视觉所扑捉的相关因素,并且可以使得这些因素融入到人眼的视觉范围之中。更具体而言,因为只有恰当的运用了视觉元素,才能够起到引导物的作用,并以鲜明的方式引导不同元素加以组合,进而达到有效的运用。在广告设计中的视觉引导艺术中,合理的视觉要素主要包括色彩、图形、文字等要素。图形等符号的有效运用是构架有效符号的重要方面,当图形和文字以最佳的方式结合时,便能够产生好的效果,形成视觉引导中的视觉冲击力,图与图、图与文字之间的自由分散状态的相应分布,能够在最大限度上满足受众的猎奇和寻求刺激的心理,进而完成有效的视觉和设计表达。而另一方面,色彩的运用,也能够在广告设计中起到很好的视觉传达效果,色彩很多时候能够带来独特的视觉张力,而这样的视觉张力正是广告设计中所非常需要的方面,张力将为整个广告设计打下良好的基础,并最终设计出能够为受众所广泛接受的广告作品。因此,在讨论广告设计中的视觉引导艺术时,合理运用视觉要素是非常重要的方面。 四、小结 视觉引导艺术一直都是广告设计中的重要方面。为了能够使得广告设计被更多的受众所理解,视觉引导将起到重要的作用。好的视觉引导,能够在借助多种视觉要素的基础上完成对于广告设计的有效诠释。可以说,在广告设计的各步骤和各环节中,都需要在各方面充分运用视觉因素,完成对于相应设计的有效呈现。对于视觉引导艺术的关注,可以说关系到整个广告设计的成败,好的视觉引导,能够切合大众心理,以最低的成本获得最多的大众认同。当视觉引导流程被确立恰当后、在凝固视点的辅助之下,视觉艺术能够在广告设计中发挥直观重要的作用,并且最终促使受众以最便捷的方式获取广告信息。 广告设计概论论文:析高职院校广告设计专业《字体设计》课程教学 [摘 要]作为广告设计三要素之一的文字在广告设计中有着丰富的内涵和独特的魅力,在广告设计专业的学习中占据着重要的地位。我国高职院校的广告设计专业的产出与中国广告产业需求错位的情况却日益明显和突出。本文从高职院校广告设计专业字体设计课程的学习现状,从提升学生优秀竞争力入手,提出有效的学习策略。 [关键词]高职院校 广告设计 字体设计 课程 一、 引言 在当今这个信息化的时代里文字媒体随处可见,“文字”作为广告设计的重要元素,广告设计专业的《字体设计》课程显得尤为重要。为了让课程教学能够切实提升学生专业能力,笔者在教学过程中做过很多有益的尝试,也带来了很好的教学效果。本文将从加强设计类软件的学习,增加实践实训、提升学生动手能力和加强创新理念与社会需求的结合入手探讨高职院校字体教学的有效性策略。 二、 高职院校广告设计专业字体设计课程教学策略探究 (一)加强软件的更新和结合 原来《字体设计》课程主要是以手绘字体,纯粹的为字体设计而设计,已经明显适应不了现在学生就业的需求。高职院校的广告设计专业毕业的学生主要的就业趋势为一些中小型广告公司的设计员,这些公司一般不会做纯粹的字体设计,而多半为与标志设计相关联的品牌字体的设计为主,故现在的教学主要还是应该以这一部分就业需求为主体,结合设计类软件(PS、AI、coredraw),进行与标志设计相结合的品牌字体设计。在教学过程中,要及时把握软件综合运用能力,学会集中设计软件的优势,将这些软件完全成为自己的熟练工具,让教学过程也因此变得更加丰富多彩。 (二)增加实践实训,提升动手能力 根据高职院校的教学特点,在教学过程中要注重实践实训,不断加强学生的动手能力,培养技术、技能型实用型人才。笔者结合教学经验,认为《字体设计》教学应该从情感、空间、象形和会意入手,充分利用上文中提到设计类软件进行配合。为了提高课堂教学质量与学生学习效果,必须严格按照这一课程的特点,从以下三个环节,提升学生学习的实践性和有效性。首先,要对常用字体结构及绘写技法的训练。从字体结构的韵律美感出发,为文字的创作打下良好的思维基础。其次,要加强思维和创作表现力。字体创作的第二个阶段就是充分利用软件进行文字的联想和制作,侧重点在于联想上。要根据文字内容和特征,用字体的形体语义作为创意源,加强相关的创作和练习。当然,还要保持持续的创意思维能力的培养。在教学过程中,教师要尽量营造一种轻松诙谐的课堂状态,在字体设计的训练中,要加强字体与图形创意的结合,文字与其他同类设计的结合诸如字体和版式的结合,书籍装帧的结合等等。字体的设计是需要结合具体广告内容而定的,在教学中强调品牌背景的介绍,要学生了解设计是与品牌拥有者的需求相结合,不同的品牌有一些特定的品牌要求。另外专业基础课程中的《色彩构成》中的色彩知识在字体设计中也十分重要。 (三)字体设计创新与社会需求的融合 应该充分还原课堂主体,把学习和设计的主动权交给学生,注意学生优秀竞争力的培养。而针对字体教学的实际应用而言,我们必须认识到注重与广大商业设计结合的能力的提升是至关重要的。换言之,作品不仅要得到自身的认可和接受,还要得到广大商家和客户的强烈反响。个性化是视觉传达设计中最基本的要求。一件作品的好坏,包括文字设计的好坏评判标准之一就是是否具有自身特点。因此,在教学中要引导学生模仿作品创作的同时要根据时代喜好和社会需求进行创新。在设计教学中,尽量不要过多的限制学生思维,也不要做太多的示范,给学生一个自我发挥的过程。在教学课堂以及课下作业的布置中都要注重对当下的社会元素进行剖析和利用,同时开拓自身思维。广告设计乃至字体设计从来不是闭门造车,他们都需要丰富的生活和社会实践。 三、 结语 字体设计在广告中有着不可替代的位置,加强这一教学过程的有效性显得至关重要。教学的过程是提供基础和方法的过程,因此,在广大高职字体教学过程中,教师要尽量充分进行综合性教学,为学生提供良好的工具基础,同时思维和理念的创新也是教学过程中必不可或缺的,虽然无法直接介入,但是还是有着一定的方法和规律可循的。笔者希望更多的人能够关注于此,不断提升我国高职院校广告设计教学水平,为社会提供广告设计的技术、技能型人才。 广告设计概论论文:浅析视觉符号在电视广告设计中的运用 摘要: 作为意象的符号传达系统,广告以图像和语言为基本的结构要素。而电视广告作为视听合一的符号系统,主要是通过对视觉符号意义的建构,刺激着人们的消费欲望,不断创造新的消费潮流和图腾崇拜。正是因为电视广告图像的视觉传达是利用符号进行的视觉上的传达和交流,所以只有那些新颖简练、让人一目了然的电视广告,才能给生活在快节奏的现代生活中的人们以获取信息的机会。因而,追求新异和个性,制造冲突和矛盾,寻找和创造原创视觉符号,以此来获求引人注目的新异形式,是现代电视广告中视觉符号设计的主导潮流。 关键词: 电视广告 视觉符号 符号学 运用 广告创意 电视广告是以销售为目的,它是以鲜活的动态画面为主要表现形式的作品。广告与电视的结合,使广告在艺术性与科技应用性之间任意游走,兼收并蓄了其中对信息传播有用的各种要素,同时向人们传递和散播着精神的信息。 电视媒介提供的动态视觉图像赋予电视广告鲜活的表达形式,更满足了现代人们以“耳听为虚,眼见为实”来分辨事物可信度的心理现象。因此,电视广告以一种不可遏制的旺盛生命力迅速的成长着,电视广告必然走上以视觉图像满足视觉快感,以此来迎合受众急剧膨胀的“消费主义意识形态”。 1、视觉符号在电视广告创意中的运用与表现 1.1符号形态 电视广告的视觉空间是三维的,是用电视屏幕的二维平面展示的三维空间。同时,电视图像又是连续动态的,他把活生生的形象置于人们面前,给人以非常强的现场真实感。因此,正是这一连续变化的符号空间赋予了电视广告不寻常的表现力。 1.2表现手段 广告片视觉符号是通过合理的剪辑手段来产生强大的震撼力量,即影视术语中最常说的“蒙太奇”。虽然电视广告在实际的制作过程中,有的较为侧重画面,而有的更为侧重声音,但是,由于电视本身是以画面说话的,所以以侧重视觉符号为主的广告片更有感染力。 1.3表现风格 侧重视觉符号的广告片,有的画面唯美,有的气象宏大,有的意境深远,有的剪辑精致,有的注重人物动作和表情,等等。在偏重画面的广告中,声音处于烘托气氛,起解释事理、贯穿主题的辅助作用。从观众的角度看这类广告,记忆最深的是画面内容,而不是声音。 2、视觉符号对电视广告效果的积极影响 视觉要素是构成电视广告的主要要素,电视广告的图像和文字是观众获取广告信息的最直接的来源。通过电视广告的图像和文字,观众可以对商品的形态和特征产生直接的印象。 醒目的广告图像,还能有效的吸引观众的注意力;图像也为电视广告提供了创意空间,有创意的广告图像在吸引观众注意的同时,也能赢得观众的好感,塑造良好的品牌形象。电视广告的图像是观众获取广告信息的重要来源,因此,有创意的广告图像可以有效地提升广告的关注度,提高广告的传播效果。 3、电视广告视觉符号的创新研究 3.1电视广告视觉符号(图像)的创新方法 创造性地运用视觉符号语言凸显商品信息。在视觉上,一般采用刺激性、趣味性、震撼性或者差异化的图像和个性化的字幕编排来进行构图,通过色彩语言、光效语言、影调语言,以及镜头的运用、景别的大小等,来吸引注意,实现信息符号的具像化传播。 电视广告视觉符号(图像)的创新方法:让图像运动起来、采用电视数字特技和电脑动画、选择有特色的广告画面风格、环境(背景)、道具的设计上体现创新性、创作有创意的情节、创新地使用色彩。 3.2电视广告视觉符号(字幕)的创新方法 字幕也是组成电视广告的重要视觉要素,同时在电视广告的内容和画面构成中是一个十分活泼的元素,由于在信息传达方面的清晰性和确定性,字幕在表现和传达电视广告的信息方面具有独到的优势。字幕不仅可以传达商品或者品牌的重要信息,强化广告主题,同时可以参与电视广告的构图,给观众良好的视觉感受,更重要的是,字幕还可以成为电视广告的创意元素,为电视广告的创意提供更为广阔的空间。 电视广告视觉符号(字幕)的创新方法:让字幕成为广告画面主体、将字幕进行图像化处理。 近年来,电视媒介在数码技术的推动下,智能化和互动性都有了很大的提高,创作主体与客体之间的分野趋于模糊,大众的电视表达变得愈来愈容易了,电视与受众的关系产生了新的传播内涵。惟其如此,电视广告作品才能在激发人们审美动机的同时,诱发起人们的购买欲望,实现电视广告传播的目的。 广告设计概论论文:论图形创意在广告设计教学中的作用 摘 要:从古代的壁画到现代多媒体技术,图形以精炼、简洁、富有创意表达方式已深入影响到人们生活中,给人们视觉上无穷享受,一篇优美的广告文案远不如一幅富有创意的广告画面带来的视觉冲击力大,我们所看到的书刊报纸、书籍装帧设计、商品包装、广告招贴设计、企业VI视觉传达设计还是各种公共环境都离不开图形创意,图形创意在广告设计中占据着非常重要的地位,图形创意也成为高校设计类专业重要科目,学生通过掌握图形的构成形式的训练来拓展想象力及对形的分析和理解,从而提高视觉沟通能力的审美素养。 关键词:图形创意、广告、视觉 随着声、光、电新媒体环境发展,人的视觉经验、心理感受等发展,提高到更深层次,现代图形进入一个全新的视觉冲击时代,现代图形不再是单纯的标识和符号,更不仅仅是传统装饰性图案,如古代的对称图形,四方连续的黑白装饰画,已成为眼睛看的传递准确信息和精神的语言元素。图形创意以优于文字,美术作品不能比拟的优势,俨然成为有力推进图形语言的信息传播方式。 一、什么是图形创意 图形是一种说明性的图画形象,是对元素进行再造,重造的符号形象,精炼而简洁,直观而准确。它在沟通人们与文化、信息方面起到了不可忽视作用,与平面设计的各个环节无法分离。创意既是创造新意,寻求新颖,独特的主意和构想。所以图形创意就是对创作主题的思考和分析,素材收集与处理,将传达的信息形象化、视觉化的创作。如果把平面设计比作一棵大树,图形创意就像树的根基,承担着重要的作用。 二、图形创意对广告设计专业学生的要求 图形能向人们直观、生动、准确传达广告主题讯息,让人们直观、生动理解广告传达给大众讯息,通过“视觉效果”吸引到人们注意力,从而猎取人们的心理反应,商业类的就促进人们消费;公益类的就人们感动。 (一) 具有一定的手绘基础 好的广告设计作品无需文字注解,只需看图形后便能使人们迅速的意图。图形语言追求的是以最简洁有效的元素来表现富有深刻内涵的主题,形的准确与否影响到人们对作者作品的理解,所以要求广告设计专业学生有扎实手绘,从素描写生过渡到结构素描,再过渡到设计素描,大一上学期开设艺术设计造型基础、二维设计构成、空间构成为培养学生正确的观察方法和熟练运用绘画手段表现的能力,下学期开设图案基础、广告学概论等专业课程辅助图形创意课程开展,为广告设计打下专业基础;到了大二的辅助软件学习。 (二)掌握广告设计中图形创意的的构成形式 虽然在平面广告的创作实践中不必过于拘泥于用那种构成形式,但学生还是需要了解掌握图形创意中最基本的六种构成形式,灵活运动,大胆创新,用图形最简洁的元素来表现富有深刻内涵的主题,被受众喜爱和接受。 1.异影图形 异影图形是以影子与实体的关系作为想象的着眼点,以影子的改变来传情达意。 影子可以是投影,也可以是水中倒影或镜中影像等。创作异影图形所表达的意念内容有四类:内部矛盾关系;现象与本质关系、现在与将来关系、现实与幻觉的关系。 在进行异影图形创作,注意物体与影子之间关系的过渡要自然。 作品有:《救救非洲》、俄罗斯《抽烟有害》、《战争与和平》、《可口可乐》、《酒后驾车危险》。 2.共生图形 共生图形指的是形与形之间共用一些部分或轮廓线,相互借用、相互依存,以一种异常紧密的方式将多个图形整合成一个不可分割的整体,这种表现方式在视觉上具有趣味性和动感。共生图形可分“轮廓共生图形”与“正负共生图形”。例如非常有名的鲁宾杯,就是“正负共生”,当白色作为图,黑色作为底,看到是一个杯子;当黑色作为图,白色作为底,很容易看出是两个相对的人侧脸,这就是图形中传递出的正负形的魅力所在。 作品有:明朝《六子争头》、陈幼坚个人标志、日本《京都环境海报设计展》、墨西哥《反对暴虐妇女》、德国《无人监管》、波兰《职业的风险》、以色列《大赦国际》、德国《种族主义》、《融合》、瑞士《音乐招贴》。 3.换置图形 换置图形指的是在保持物形的基本特征的基础上,将原素材中的某一部分换成另一形象素材,利用形的相似性和意义上的相异性创造出具有新意的新形象。例如表现不同专业学生,用人物基本特征表达没有创新性,但把绘画系学生头像换成画板,音乐系学生头像换成提琴,计算机系学生头像换成@符号,数学系学生头像换成尺子,是不是更形象直观、趣味十足呢。 作品有:德国《和平海报》、德国《孩子们的生日》。 4.延异图形 延异图形指在图形中将一种形象通过一定过程逐渐演变成另一种渐变、演化是任何一个系统,一种生命体的必然过程,导致这个结果的演变过程叫做异变。比如自然界植物的演化过程、生命体的演化过程、两栖动物的生长过程。真正把图形变异作为一种表现物形特殊性的特定方法,是荷兰的画家埃舍尔。例如,他的经典作品《天与水》,既运用数学计算出准确的图形位置,又充分利用了异变图形的构形方法,使水中的游鱼和天上的飞鸟有机地结合在一个空间中,将黑鸟与白鱼在亮色的天空与凝重的黑色中交织渐变,它们相互衬托,生动而自然。 作品有:波兰《自由》、荷兰《天与水》。 5、矛盾图形 矛盾图形往往是运用平行和多点透视结合的方法表达形体空间,并在现实生活中是违背透视原理的,它的构成是不合常理,并不是很容易找出矛盾所在,所以图形使人感到趣味十足又荒诞不经,真正地感受到“眼见未必实”效果。这类图形常见的有两类:“混维图形”和“互勃图形”。作品有:埃舍尔《瀑布》《绘画的手》《现实》 6、文字图形 文字图形往往是以文字为素材的图形。文字的优点是更直接表达叙述者的思想,缺点是特定文字为特定人群接受。比如英文、韩文、日文等语言文字只有各自国家或学习语言人群识别,是有局限性,为了打破局限,就要求设计师尽量把文字和图形结合起来。文字图形按其结合方式和程度,可分为装饰性文字图形、意象性文字图形、综合性文字图形。例如,蒋华设计的《庆祝香港回归》,大幅面红色文字既是双喜又是香港英文字母,相得益彰,举国欢庆。作品有:《朝韩统一》、《平面设计在中国》 (三)掌握图形创意的创作流程 图形创意构成形式学习掌握后,必须要灵活运用到广告设计中,这是需要值得推敲的,产生过程是需要设计创作的构思和积累。学生要先研究设计任务;明确任务后,根据设计的目标要求,确定图形主题;收集相关素材,可以是具象、抽象、符号和综合类的素材,然后进行素材的改造组织,最终通过媒介把构思的视觉形象成果制作出来,进行传播。这样一个由意到形的转化过程都需要设计人员深入思考、分析、提炼、意象、联想,是否是最佳视觉表达需要受众给予评价。 总之,我们所看到的书刊报纸、书籍装帧设计、商品包装、广告招贴设计、企业VI视觉传达设计还是各种公共环境都离不开图形创意。图形创意这门课程在广告设计制作专业的培养方案中是举足轻重的作用,需要我们不断思考与摸索,运用图形创意对广告作品进行优秀呈现。(作者单位:江西外语外贸职业学院)
小学美术创造性教育研究:关于小学美术创造性教育思索 开展小学美术教育的主要目的是开发学生的智力,培养学生的创造性思维,而不是培养艺术家,这是绝大多数教育学家的共识。小学美术教育将学生的手、脑、眼三者统一起来,对学生进行训练和培养,这对学生潜在能力的开发尤为重要。小学美术教育是激发学生创造力的有效途径,因此,在小学美术教育当中有效地开展创造性教育是非常重要的。 一、对美术教育中创造性教育的认识 创造贯穿在整个人类历史的进程中,它不断地推动世界文明与社会的发展。在此过程中,创造力的产生是创造性思维的重要体现。对于小学教育来说,教师只有在学生思维转变与发展的萌芽时期培养学生的创造力,才能够为国家创新型人才的产生奠定良好的基础。与此同时,教师应该及时对教学方法和方式进行完善与更新,从根本上打破传统教育模式的禁锢,培养学生的创新意识和进取精神,为国家培养出现代化的综合型人才。 艺术对小学生的身心发展有着重要的意义,艺术可以表达、传递感情,促使学生施展最大的创造力,还可以提高学生的表现力、理解力、交流能力及解决问题的能力。由此看来,艺术教育不仅与学校的纯技法教学不同,而且与较为抽象的美学理论训练也不相似。 作为艺术教育之一的美术教育,是一种精神性与感性兼具的抽象活动,但是需要人们用理智来了解并认识它。如果美术教育的方法不正确,一味地遵守教条,就会使这种富有生机与活力的物质变成毫无趣味的东西,因此,现代的美术教育应当是一种全新的艺术教育,并且也是一种较为张扬的教育。美术教育不但需要技术与知识,而且还需要较为成熟的情感,因为它主要的目的就是让学生通过欣赏与创造艺术,全面地认识并掌握自己,而不是用毫无生机和感情的教条及技术来束缚学生。现代化的美术教育不仅可以促使学生产生艺术感觉,而且能够使学生科学地思考问题。 二、小学美术教学中开展创造性教育的措施 1.尝试多种多样的美术教学方式 教师应该采用启发教学的方式,利用故事、游戏等多种教学方法来调动学生作画的积极性与主动性,让学生在充满想象的空间里绘画。实践证明,教师在上课之前让学生进行有趣的美术游戏,能够起到良好的效果,并且能够充分地发挥学生的激情及创造性。 2.生活是学生创造的源泉 教师应该鼓励学生去认识生活、体验生活,引导学生去挖掘自身的情感,捕捉生活中的每一个难忘瞬间,关注身边的事和人,从中发现美并创造美。小学生具备独特的内心世界,有着极为强烈的好奇心和丰富的想象力,具有极强的探索精神和求知欲望。在小学阶段这个非常关键的艺术发展时期,美术教师应该不断地引导学生去感受外部世界、体验生活,借助审美知觉来充分强化学生对美的认识及欣赏,帮助学生走向生活,融入大自然当中,为感性生活的经验向表象的转化奠定良好的基础。 3.在美术教学中培养创造性思维 教师应该及时挖掘学生潜在的创造力,引导学生细心观察周围的生活和世界,让学生在大脑中积累大量的表象,发现创造的具体价值,勤于进取。在美术教学当中,培养学生的创造性思维的方式有:激发学生的认识兴趣,诱发学生的想象,鼓励学生勇于探索,充实学生的课外活动,创设有利于培养创造性思维的条件与空间,等等。 4.营造富有激情的艺术氛围 小学美术课堂教学是小学审美教育中不可或缺的组成部分。在一定的时间内最大限度地为学生营造出良好的绘画氛围,是小学美术课堂教学的关键,而创设“美术课堂画廊”是增强美术课堂气氛的有效方法:首先由画的作者具体来谈自身的感受及感想,之后由学生进行欣赏与评价;在评价过程中,教师应该让学生各抒己见,充分交流自己的情感。开设“美术课堂画廊”还能够帮助学生产生绘画的动机与欲望,并将自身的情感、思想表现在绘画当中。教师应该在“美术课堂画廊”中积极为学生营造艺术的气氛,从根本上完善学生的交流环境,促进学生思想的交流以及情绪的体验,以达到培养学生创造能力的目的。 结语 在小学美术教育中进行创造性教育是一项任重而道远的任务,如果想要更好地培养学生的创造性思维,教师自身就必须具有较强的创新能力及创新意识,并不断改革教学方法和教学思想,探索出一条能够充分培养学生创造力的美术教育之路。 小学美术创造性教育研究:小学美术创造性教育的探索 开展小学美术教育的主要目的是开发学生的智力,培养学生的创造性思维,而不是培养艺术家,这是绝大多数教育学家的共识。小学美术教育将学生的手、脑、眼三者统一起来,对学生进行训练和培养,这对学生潜在能力的开发尤为重要。小学美术教育是激发学生创造力的有效途径,因此,在小学美术教育当中有效地开展创造性教育是非常重要的。 一、对美术教育中创造性教育的认识 创造贯穿在整个人类历史的进程中,它不断地推动世界文明与社会的发展。在此过程中,创造力的产生是创造性思维的重要体现。对于小学教育来说,教师只有在学生思维转变与发展的萌芽时期培养学生的创造力,才能够为国家创新型人才的产生奠定良好的基础。与此同时,教师应该及时对教学方法和方式进行完善与更新,从根本上打破传统教育模式的禁锢,培养学生的创新意识和进取精神,为国家培养出现代化的综合型人才。 艺术对小学生的身心发展有着重要的意义,艺术可以表达、传递感情,促使学生施展最大的创造力,还可以提高学生的表现力、理解力、交流能力及解决问题的能力。由此看来,艺术教育不仅与学校的纯技法教学不同,而且与较为抽象的美学理论训练也不相似。 作为艺术教育之一的美术教育,是一种精神性与感性兼具的抽象活动,但是需要人们用理智来了解并认识它。如果美术教育的方法不正确,一味地遵守教条,就会使这种富有生机与活力的物质变成毫无趣味的东西,因此,现代的美术教育应当是一种全新的艺术教育,并且也是一种较为张扬的教育。美术教育不但需要技术与知识,而且还需要较为成熟的情感,因为它主要的目的就是让学生通过欣赏与创造艺术,全面地认识并掌握自己,而不是用毫无生机和感情的教条及技术来束缚学生。现代化的美术教育不仅可以促使学生产生艺术感觉,而且能够使学生科学地思考问题。 二、小学美术教学中开展创造性教育的措施 1.尝试多种多样的美术教学方式 教师应该采用启发教学的方式,利用故事、游戏等多种教学方法来调动学生作画的积极性与主动性,让学生在充满想象的空间里绘画。实践证明,教师在上课之前让学生进行有趣的美术游戏,能够起到良好的效果,并且能够充分地发挥学生的激情及创造性。 2.生活是学生创造的源泉 教师应该鼓励学生去认识生活、体验生活,引导学生去挖掘自身的情感,捕捉生活中的每一个难忘瞬间,关注身边的事和人,从中发现美并创造美。小学生具备独特的内心世界,有着极为强烈的好奇心和丰富的想象力,具有极强的探索精神和求知欲望。在小学阶段这个非常关键的艺术发展时期,美术教师应该不断地引导学生去感受外部世界、体验生活,借助审美知觉来充分强化学生对美的认识及欣赏,帮助学生走向生活,融入大自然当中,为感性生活的经验向表象的转化奠定良好的基础。 3.在美术教学中培养创造性思维 教师应该及时挖掘学生潜在的创造力,引导学生细心观察周围的生活和世界,让学生在大脑中积累大量的表象,发现创造的具体价值,勤于进取。在美术教学当中,培养学生的创造性思维的方式有:激发学生的认识兴趣,诱发学生的想象,鼓励学生勇于探索,充实学生的课外活动,创设有利于培养创造性思维的条件与空间,等等。 4.营造富有激情的艺术氛围 小学美术课堂教学是小学审美教育中不可或缺的组成部分。在一定的时间内最大限度地为学生营造出良好的绘画氛围,是小学美术课堂教学的关键,而创设“美术课堂画廊”是增强美术课堂气氛的有效方法:首先由画的作者具体来谈自身的感受及感想,之后由学生进行欣赏与评价;在评价过程中,教师应该让学生各抒己见,充分交流自己的情感。开设“美术课堂画廊”还能够帮助学生产生绘画的动机与欲望,并将自身的情感、思想表现在绘画当中。教师应该在“美术课堂画廊”中积极为学生营造艺术的气氛,从根本上完善学生的交流环境,促进学生思想的交流以及情绪的体验,以达到培养学生创造能力的目的。 结语 在小学美术教育中进行创造性教育是一项任重而道远的任务,如果想要更好地培养学生的创造性思维,教师自身就必须具有较强的创新能力及创新意识,并不断改革教学方法和教学思想,探索出一条能够充分培养学生创造力的美术教育之路。 小学美术创造性教育研究:小学美术中的创造性教育研究 (齐齐哈尔市铁锋区人民小学 161002) 摘 要: 在我国学校的教育当中,美术课是保证学生能够成为全面性人才的重要课程之一,而教育的创造性也是教学的关键性问题,现今,小学美术中的创造性教育问题突出,本文就如何解决此问题进行了阐述,并提出了加以解决的办法,希望对小学美术中的创造性教育有所帮助与推进。 关键词: 小学美术;创造性教育;研究 在我国来说,教育更加注重培养全方面、高素质型人才,而美术课的开展为学生的发展做出了重要贡献,教师要采取有效的方式来做好创造性教育,而通过小学美术教育的不断创新和改进,能够培养学生创造性思维,提高教学的效率,提升学生整体的综合素质,进而为国家提供高素质的人才做准备。 1、小学美术中的创造性教育的问题 1.1教学模式方面 在教学的方面来说,课堂教学是小学美术的重要表现方式,先进的教学模式主要以老师的传授为主,影响了学生对于创造及审美方面的培养,而且,大多数小学美术设施不够完善,趋于落后以及陈旧等问题,更多的美术教学形式以传统的黑板为主,老师在教学时,往往学生是将老师的画进行照搬和模仿,更多的是被动性、接受性的学习方式,学生的画与老师是否相似,则成了老师对于学生美术成绩和水平的主要评测标准,这使得创造性教学成为了摆设,使得对于学生创造性的培养成为了空谈。 1.2教学内容方面 在教学内容方面,小学美术教材中内容过于专业,甚至可以说是如相对职业的美术教材一般,其中的内容对于小学生来说比较难于理解,并且与实际生活联系不紧密,对于学生的情感体味及价值观等内容方面描述的较少,学生在指定的学习时间和要求的教学大纲中,没有完成教学任务,而对于小学美术教育的教学内容专业领域涉过多及学习难度过大因素的影响,许多学生出现了对于美术学习拒绝的态度,也对美术学习失去了兴趣,对于学生而言,审美能力,个性培养以及创新意识都没有在教学中有所提高,对于教师而言,在美术教学中没有将创造性教育有所发挥。 2、小学美术中的创造性教育的主要方法 2.1激发学生兴趣 兴趣是学生对于学习态度的关键,是学生能够趋向性热爱学习的心理表现,因此,老师应该着手激发小学生对于美术课的兴趣,当学生对于美术课产生兴趣时,学生的学习情绪有由被动转为主动,使得学习更加愉悦和自觉,需要老师在这其中设计不同的教学程序,与此同时在备课与讲课时,不仅熟悉教材,更要在这其中融入能够激发学生兴趣的方式,提供一定的情境设计,吸引学生的注意力,激起学生对于美术学习的兴趣,从而到达教学的创造力。 2.2改善授课方式 美术教育的书面知识较其它学科的少,美术课本是辅助学生进行创作的工具之一,使学生形成自我的审美,将绘画元素添加在自己的创作中,老师在课堂讲课时,尽量减少对课本的详细描述,更多的采用自主教学的方法,使学生成为主导地位,拥有主动权,在学生进行创作时,老师应在旁进行适量的指导,更多的让学生自我参与,表扬在创作中的优点,并加以鼓励,给予学生更多的自由空间,使学习和创作的环境更加轻松,只有在愉快的环境下,学生的创作才会得到释放,区别于其他文化课的不端正坐姿与集中的注意力,给予学生最放松的状态。同样,老师要鼓励学生进行个人创作,提供更多的机会给学生加以展示,让学生自己动手和动脑,使其在创作中发挥出最大的潜能,老师在课堂上,也可以展示出较为优秀的学生的作品,鼓励学生有更多的创造,在学生创作的同时,给予同学间讨论与交流的时间,探讨萌生的创作灵感,分享自己的绘画创作成果,将作品的创作思路进行交流,并且学生之间也可以互相学习。 2.3尊重学生想法 在传统的教学方式里,老师是课堂的主要角色,向学生传授知识,往往采取的是硬性教育,而美术课堂更多的是需要创作,老师应该了解学生的思想,尊重学生的想法,养成学生自我独立的性格,区别于他人的视角和思路,创作出优秀的且与众不同的作品。众所周知,想象力对于绘画的重要性,能够散发思维,在老师给予学生的知识时,可以充分的发挥想象,逃离固有的禁锢,对于小学生来说,想象力的激发更是重要的,这个年龄段的学生,启蒙刚开始,思维还不太成熟,更多的是老师的引导,所以,老师在美术教学中充分地鼓励学生进行想象力的发挥,不仅能够创作出优秀的作品,而且对学生未来的发展也有着至关重要的作用。在教学中老师可以提供平台,让学生自由发挥,画出自己想画的,而不是在课堂上完全要求学生利用本节课所学的知识进行绘画,留出小部分的时间,可以让学生画出自己所想,无需任何禁锢和条件,并且在完成作品后,在其他同学面前加以阐述,这样不仅能够将学生的想象力无限扩大,并且对自我表现力有所加强,在学生展示自己的作品过后,要对学生进行表扬和鼓励,推进学生在今后的课堂上进行更多的想象力的发挥。 2.4采用课件教学 随着网络的不断普及和发展,网络与课堂的关系也日益密切,而在小学美术的课堂上,网络也逐渐开始了大量的应用,这就包括制作课件的方式,它改变了以往老师在课堂上单一且乏味的授课方式,使学生能够在图片、音乐与视频的环境下进行学习,将静态的学习方式转换成动态的方法,不仅能够使得学生接收到更多的知识,也促进了师生间的互动,改善了传统的教学方式?,更加提高了美术课的学习效率。 2.5开展课外活动 课外的教学活动也是重要的,它能够丰富学生的课余生活,扩展学生的视野,也能为学生提供更多的平台展现自我,比如开展美术比赛,这样可以使学生在活动中逐渐热爱美术课堂,使学生在美术的氛围下更有参与性,不受教材的约束,可以独立自主的发挥,为学生提供了思维创造的空间,也为教师对于小学美术的创造性教育增添新的道路与色彩。 3、结束语 美术教育是一门综合性教育课程,能够培养学生具有良好的素质及实践能力,并且具备健康的身w及心理,同样,美术也是一门具有创造性的学科,在传统的教育方式下,教育方式的一尘不变,对小学美术的教育已经不能满足,所以需要教师的推陈出新和不断改革,融入更多创造性的教育方式才是时代的趋势,并且能够培养出与时俱进的高素质、高质量的人才,能够发挥教育的最终目的。 小学美术创造性教育研究:小学美术教育中的创造性教育研究 摘要:近年来,社会发展和时代不断进步的背景下,对人才的综合能力提出了更高的要求。现阶段,人才在走向工作岗位的过程中,单纯的拥有专业的知识和技能是不够的,还必须具有较强的创新能力。而创造性教育就是在这种情况下成为我国素质教育的重要内容之一的。在对学生进行创作性教育的过程中,应注重从小做起,在这一过程中,小学美术教育的重要性凸现出来。鉴于此,本文从小学美术教育入手,对创造性教育的实施进行了深入分析,希望对我国人才的全面成长起到促进作用。 关键词:小学美术 创造性教育 研究 小学生具有活泼好动、想象力丰富的特点,因此在积极提升学生创新能力的过程中,必须充分利用小学生的这一优势,挖掘学生的潜力,并激发学生的创造能力,从而为学生未来的发展奠定良好的基础。鉴于此,本文首先π美术教育与创造性思维的关系进行了深入分析,并对传统小学美术教育中存在的问题进行了简要介绍,最后有针对性的指出了提高小学语文课堂教学效率的策略,旨在为小学美术创造性教育质量的提升提供借鉴。 一、小学美术教育与创造性思维的关系 值得注意的是,人类社会的发展,同人们充分发挥想象力、大胆尝试是密不可分的。创造性思维是创造力的内在动力,而小学美术课程对于培养学生的创造思维具有一定优势。 小学生由于年龄的限制,拥有活泼好动、好奇心强的特点,小学美术教师必须抓住学生这一特点,加大对学生创造思维的培养力度。小学美术教育充满艺术魅力,教师通过引导,能够促使学生明确自身的个性需求,并在长期学习过程中养成独立的判断力和审美能力,为学生创新能力的充分发挥奠定良好的基础。 现阶段,小学美术教师在创新教育中,必须以教学内容为中心,引导学生对教学内容展开想象,并大胆的表述自身的想法,逐渐形成艺术思维和创造性思维。 二、小学美术教育中存在的问题 现阶段,小学美术教育中,仍然沿用传统的教学模式及理念,以教师为课堂主体,一味的进行知识的讲解和传授,学生在这一过程中始终处于被动状态,学习兴趣较低。这种忽视了学生主体地位的教学,不仅不利于学生对知识进行深刻的掌握,更不利于学生综合能力的提升。 同时,现阶段小学美术教学课程,仍然以物象为主展开教学,极大的忽视了学生的兴趣爱好以及个性化追求。这种忽视学生感受的教学模式,导致学生的创造性不仅没有被激发出来,甚至还受到了极大的限制。 事实上,小学生具有想象力丰富的特点,同一样事物在学生的眼中甚至会形成多种形式。而这应当是小学美术教学的中心,教师不应该通过课程设计,限制学生想象力和创造力的发挥,而是应当引导学生将自己的想象力充分发挥出来,最终养成从多个角度看问题的习惯。 三、小学美术教育中创造性教育的实施途径 (一)增加对学生创新能力培养的重视 现阶段,要想加大对小学生创造能力的培养力度,学校和教师必须首先意识到创新教育的重要意义。通过创新教育,不仅有助于学生对知识产生较强的好奇心,同时也有助于激发学生潜能,培养学生的独立思维能力。小学美术教育最根本的目标是通过学习,引导学生逐渐养成良好的观察力以及丰富的想象力。在这种情况下,新时期小学美术教师必须及时转变传统的教学理念及模式,变学生为课堂主体,引导学生对知识进行探索,并充分发挥想象力进行大胆的创作。 (二)营造良好的学习氛围 科学的营造学习气氛,是有效激发学生创新能力、提升创新教育质量的关键。因此,小学美术教学过程中,教师根据教学内容,有针对性的构建课堂环境,进行情景建设,并通过引导、鼓励等形式,促使学生逐渐融入到知识的探索过程中,并有效的应用自身的想象力,对知识展开自主探索。 例如,小学美术教师在进行手工制作课程《会飞的玩具》一课的讲解过程中,在课堂开始之初,应当巧妙的进行情景创设,吸引学生注意力,激发学生的学习热情。如教师首先将学生划分成若干小组,每一小组的桌子上都摆放着一个很大的纸盒,美丽的外表充分勾起了学生的好奇心,此时教师告诉学生,这是教师为学生们准备的玩具,学生可以闭上眼睛将礼物抽出来,并充分发挥想象力,想象手中玩具的功能和外观等。此时学生看到自己手中是一个飞机的模型。接下来,教师应当利用多媒体,对多种飞机的模型进行播放,根据翅膀或直或弯等特点向学生进行讲解。接下来便拿出自己应用彩色纸制作的飞机,从而促使学生意识到原来飞机模型也是可以手工制作,同时是可以飞起来的。 在这种情况下,学生开始跃跃欲试,想象通过自己的努力创造出属于自己的飞机。教师应充分给予学生时间,让他们自主的探索纸飞机的制作方法,并在适当的时候给予指导。当学生对纸飞机的制作方法有所掌握以后,教师需要抓住学生好胜心强的心理,引导其通过绘画等方式,为纸飞机画上图案,每一个图案背后都应当有一个故事。此时学生就会充分发挥自身的想象力和创造力,将各种独特的图案画在纸飞机上,代表了不同的含义。教师通过营造神秘、充满探索精神的课堂气氛,有效的激发了学生的创造力,对于提升小学生的创新能力具有重要意义。 四、结语 综上所述,近年来,社会发展对人才的综合能力提出了更高的要求,在这种情况下,我国小学教育阶段开始注重对加大创造性教育力度。小学美术教育在提升学生创造性能力的过程中具有得天独厚的优势。美术世界充满想象,教师应充分利用这一优势,通过精心的课堂教学情境设计,给予学生无限的想象空间,并鼓励学生大胆的说出自己的想象,为激发学生的开放性思维奠定良好的基础。 (作者单位:四平市六马路小学校) 小学美术创造性教育研究:探析小学美术课程的创造性教育 摘 要:小学美术课程有益于学生的创新精神和实践能力的培养,促进学生的身心健康,在授课过程当中,循序渐进,举一反三,通过激发认识兴趣、诱发想象、鼓励探索等多种手段激发学生的创造性思维,培养小学生的自信心理,实现创造性教育的宗旨。 关键词:创新精神;实践能力;创造性思维;创造性教育 我国新一轮基础教育改革开始启动,这对彻底达到美术教育的创新与整体素质培养迈开了重要一步。美术教育是门综合性学科教育,它培养学生具有良好的思想品德,具有创新精神和实践能力,具有健康的身体和心理素质。通过美术教育,使学生有积极的学习态度,并在学习基础知识与基本技能的同时,学会学习、学会做人,形成正确的价值观,尤其是培养学生的创造能力。 一、创造性教育的目的 当教师为学生种下创造性思维的种子,将来必能成为创造型的人才。同时也要求教师在教学当中不断自我更新、自我完善,敢于打破传统,塑造新型的人才。当我们问这个世界是谁创造的,回答是各种各样的独立的人创造的,是具有独立思维的人创造的,所以我们要培养学生独立自主的进取精神、创新意识。 故针对小学美术的创造教育而言,就是指在美术领域中通过开展创造性活动激发小学生用自己创造的图式表现对事物的认识与情感,发展小学生思维的灵活性、变通性,培养探索发现的积极性,挖掘少儿的创造替能,为培养独立的键全的人格打下基础。 二、在美术课中培养小学生创造性思维眼下,“为创造而教,为创造而学”的思想已成为教学发展的根本趋势。为了实现这样的教学,从教材说,需要有包含开发学生创造潜能的各种各样的要求;从教师说,需要有发现学生创造性的幼芽的机敏的感受性,使学生能够仔细观察周围世界,在脑子中积累更多的表象,认识更多的事物,发现创造价值,不断进取。因此,在美术教学中,创造性思维的培养,要从以下几方面着手: 1.激发认识兴趣。兴趣是与大脑中最大的兴奋中心产生联系的,兴趣是人的一种带有趋向性的心理特征。一个人当他对某种事物发生兴趣时,学习愿望总是在一定的情境中发生的,离开一定的情境,学生的兴趣,学习愿望就会成为无源之水,无本之木。我认为:老师必须酷爱自己所教的学科,要真正承担起教书育人的职责,在备课和讲课时,不但要熟练地掌握教材,更重要的是精心安排教学程序,从激发兴趣着手,使学生被动情绪转化为愉快、积极、自觉的学习情绪。 2.诱发想象。想象是创造的双翼,在教学中,教师需设良好的心理环境,让学生想象,从想象中进行创造性构思,充分运用启发式的教学方法,触发联想,增加创造的可能性。 3.鼓励探索。要培养学生创造性思维能力,我们的教学要打破以往的老框框,鼓励学生大胆提问,多问几个为什么。大胆探索,多几个设想,在学生提出众多创造性解决问题的方案中展开讨论,鼓励学生摆脱习惯性认识程序的束缚,用思维独特性,以新奇、异常、罕见首创的思维去探索问题,建立评价标准,筛选了最佳方案,为此,教师要做到每一次美术创造活动都要给学生留出一块个性发挥的余地。 4.充实课外活动。课外活动是丰富学生精神生活、扩大视野、陶冶情操。激励创新的有效阵地,创造力与创造活动有着密不可分的关系,培训创造力最好的办法是多多开展创造活动,学生在这种活动中,可以不受教材范围限制,教师倾向的束缚,能随心所欲、独立自主地得以发展。根据我们的经验,形式多样的美术比赛是培养学生创造性思维能力的广阔天地。 5.营造富于创造思维的空间和条件创造性思维的成分主要是求同思维和求异思维,而求异思维又是创造性思维的优秀,因此,在创造性美术活动中我特别注重学生的求异思维的培养,以促进幼儿思考问题的流畅性,解决问题的变通性,探索问题的独特性。 三、循序渐进,举一反三。从低起点迈向高起点与成人相比,小学阶段学生总体水平都很低自信,是所有学有所成的人的一种优良品质,创造性教育中首先要培养的就是学生的自信心理,凡高、毕加索。马蒂斯、蒙克、康定斯基之所以成为继往开来的大师,就在于他们在艺术创新上建立起来的一种开拓自我,建立自我的信念与卓识。 四、教学活动中补强法则 我认为将“补强法则”运用于创造性美术活动乃至整个创造教育中都具有一定的意义。它能极大的保护学生的创造欲望,激发学生创作热情,树立自信,为造就独立健全的人格铺平道路。补强法则应贯穿于整个活动的始终,如讨论作画方法时的及时肯定与表扬;巡回指导中发现新思路新方法给予鼓励;讲评过程中引导同伴相互发现别人有利于自己的长处等等。恰到好处地运用补强会收到意想不到的效果,而滥用“补强”则会使“补强”贬值。现在许多教师为了鼓励学生的积极性,保护学生的创作欲望,滥用补强的现象屡见不鲜。无论在活动进行过程中还是在最后的讲评中;无论学生怎样画都采用“补强”的方法:“真聪明!”、“画得真好!”、“颜色真漂亮!”、“很有创意!”等等。从某种程度上讲是鼓励学生积极性,但时间长了学生也不会感到满足。因此,作为教育者本身,应具有敏锐的眼光和洞察力,正确引导学生去感受美、体验美、创造美,真正发挥补强的价值。 五、创造性教育要培养小学生的自信心理子之所以对美术失去兴趣,其重要大原因就是在于开始阶段过死和无趣味性的严格训练,使初学者失掉了一定的自由和自信。所以教师不应将公式化的造型与色彩表现强加学生,而应当了解、保护学生的个性,鼓励学生在绘画中建立自信,呈现个性张扬。 六、结束语 现在的学生正是未来的创造者,他们的创新能力将影响着一个民族能否自立于世界之林,能否位于科学技术的制高点,而这一切又深深依赖于一个国家和民族创新教育能否得以顺利实施。美术本身就是一门创造性的学科,小学的美术教育,以提高学生兴趣为主,不仅要鼓励学生不断地寻求新的创作理念,还要培养学生创造性的思维方法。课堂始终是孩子们的。教师提出的问题要侧重理念,且浅显易懂。提出问题后不应多加约束,让学生自由思考,畅所欲言。讨论时,教师只是指路灯,结论应让不自己获得。综上所述,传统的美术教学模式,只能教出画匠;而创造性的教学却能激发孩子无穷的想象力。孩子的潜能是无可估量的,教师的任务已不只是教他们技巧、方法;而是要引导他们通过思考、探索掌握方法,,在思考与实践的过程中,创造力才能得以激发。
初中美术教学论文:初中美术课堂教学论文 一、美术课堂上的教学示范需要注意的问题 美术新课程倡导培养学生创新意识,而传统教学重讲解,轻示范;重视运用灵活多样的教学手段,忽略了学生美术技能的扎实掌握和绘画方法的学习运用,造成美术课堂示范教学的缺失。所以,美术老师应认识到示范教学在课堂上的重要性,很多技能技法的传授需要教学示范。 (一)因材示范,根据学生的实际情况 示范教学过频或过淡,忽略学生的实际需要教师对每一个步骤演示讲解,学生观看熟记,这就带来了相对的缺陷:部分学生在创作时容易受教师示范的“定势”,使得自己创作的作品没有很强的“原创性”,更多的是教师作品的“影子”。这样过于频繁地示范只会使学生依葫芦画瓢,形成思维的惰性,而且也会让学生的作品风格单调划一。学生缺乏运用迁移的方法,去选择自己喜欢的方式,去尝试艺术的表现方法,也就无法在美术创造行为的表现过程中发展个性和气质,创造新的作品。美术课虽然是技能性很强的学科,需要合理的示范,但它与培养学生的兴趣,提高学生的审美能力,陶冶学生的性情,培养学生的创新能力并不矛盾,反而是相辅相成的。 (二)示范教学流于形式,忽略学生的学习效果 美术课堂示范教学具有形象性、直观性的特点,它能帮助学生理解和记忆操作的动作要领,启发学生形象思维,锻炼学生实践技能,培养学生观察、分析、解决问题的能力,从而取得良好的学习效果。美术教材呈现在欣赏者的面前是静态的,无论教师的解说多么仔细,步骤多么详细,都不如教师的示范能解决技法学习上的难点。通过示范,使其产生表象,进行形象思维,最后掌握知识技能。例如,讲解《水墨画—动物》时,教师首先要教给学生一些笔墨技巧,而这最为一目了然的方式是示范,学生通过示范的学习,初步发现了一些创造美的方法,找到了一些笔墨技巧,并跃跃欲试。这时,学生学习的自主性也得到了充分地体现,自然产生求知和探究的欲望,会把学习当作乐事,最终进入到会学和乐学的境界,美术教学的良性循环也会因此建立起来。 (三)示范教学应根据不同的教学目的讲究一定的量和度 示范必须根据教学任务的实际需要,有目的,有针对性地选用。示范是教学的手段,它本身不是目的,不能为示范而滥用示范,只能在完成教学任务需要它时,才恰到好处地选用示范手段。如果遇到较难的内容或者学生动手能力差的学习内容,教师不妨试着带领学生学习。例如,初学水墨画,教师可以从构图开始,对造型,对线条、墨色的处理方法一一示范讲解,学生看得明白,学得真实,能较快的掌握技法。同时学习的积极性得以持久,能有充分的信心完成创造美的活动。高年级的学生无论质疑、解疑能力,都比较强,他们思考问题有了一定的深度。因此,教师只需根据教学目的,在一些人物造型、形象设计、构图等方面略做点拨即可。“教有法而无定法”,在美术教学中,美术教学示范的创设方法也是灵活多样的,美术教学中良好的教学示范创设,不仅可以激发学生的学习兴趣,还可以让学生由此及彼,触类旁通,举一反三,扩散学生的思维,使学生逐步学习创作和设计的方法。 (四)示范教学应具有启发性,充分调动学生的积极性和参与性 示范的范围应该确定为以具有普遍规律或程式的技法训练示范为主,而具有创意性探索性的创作过程就要偏重于启发和引导,不宜做完整的示范。在一节剪纸课上,课堂中有两次示范,第一次是教师快速地折剪,展开后变成一个双喜字;第二次是教师快速地将双喜字上下的两个口字进行了变化,简简单单的“笑脸”和“心形”。第一次的示范是揭示课题,引起兴趣;第二次的示范是启发学生的创作欲望,示范简单而典型,可以让学生举一反三,又起到了直观、形象的示范作用。这堂课的示范就完整的融汇于整节课中。美术课堂示范应能够充分调动学生学习积极主动性,引导学生通过独立思考,融会贯通掌握知识,并发展能力。在上述这个案例中,教师在关键处示范,千方百计地把拟订的教学目标变成学生自己的学习目标,在这种条件下,学生积极主动的学,教师的主导作用和学生的积极主动性就找到了结合点。适量适度的示范可以达到“润物细无声”“曲径通幽”的效果。教师的示范赋予课堂于“形”,学生的创作赋予课堂于“神”,神形兼备,方为上品。 (五)不能过于强调学生的主体性,削弱教师的引导作用 新课程标准重视学生学习过程中的体验,强调学生的参与性和实践性,让学生参与知识探索,并通过体验与感受,构建属于自己的认知体系。如果误认为自主学习就是学生做主,自己学习,那就削弱了教师的引导作用。 二、结语 总之,新课程下美术课的示范教学仍然是美术教学中一个重要的环节,教师匠心独具的示范设计及精心演绎的示范过程对学生来说弥足珍贵。“集腋成裘、聚沙成塔”。教师如果抓好这一环节,便能更好地服务于课堂、服务于学生。 作者:赵姝 单位:河北省秦皇岛北戴河新区大蒲河中学 初中美术教学论文:情感教育初中美术教学论文 一、在初中美术课程教学中渗透情感教育的方法 1.培养教师高水平素质,促进学生正确审美观的形成 美术老师是否具有爱岗敬业和为人师表的自身形象,能够对学生产生直接影响作用,由于“情生于境,境能移情”,因此,美术老师必须通过自己言行对学生进行感染,使自己在教学风格上具有严谨的态度,教学过程中则要对学生和蔼可亲,给其建立一种优良的学习气氛,从而使学生能够具有较高的积极性学习美术。因为情感教育是潜移默化的过程,具有润物无声的显著特点,所以在大部分时间需要将情感教育彻底地渗透到课程教学过程中,让学生能够获得美的感染,才可以使学生具有科学严谨的学习态度,从而培养他们具有无私奉献的精神,最终提高了学生的修养。例如,美术老师在一次非常良好的多媒体设计、没有瑕疵的授课安排、对学生学习具有认真负责的态度,甚至老师在讲课时的服装搭配都可以直接影响学生的学习效果,而且能够通过无形的情感动力引导学生形成正确的审美观和人生观。 2.挖掘情感题材,推动学生形成良好的道德品质 初中美术教材具有非常丰富的情感教育内容,有效地发掘学科教学内容中包含情感教育价值的素材,能够加深学生理解和认同学科素材中所包含的情感教育价值。人教版初中美术教材中能够指引学生具有正确的劳动态度、良好的爱国意识以及优秀的思维习惯的章节数量非常多,美术老师需要充分地发掘其中包含的情感教育素材,从而能够将情感教育在课堂上展开。例如,在初一上册的美术教材,有一节课程内容为“人类创造的源泉是劳动”的内容使老师非常容易指引学生认同劳动价值。特别是在当前我国独生子女数量多、大部分家长都比较娇生惯养的背景下,大部分学生在面对劳动时都没有端正的态度,因此将这些内容作为契机,再与一些恰当的美术作品相结合指引学生端正劳动态度非常必要。又如,在初二下册的美术教材中包含了与“装点居室”相关的课程内容,可以指导学生将生活中的废品“变废为宝”,如易拉罐和塑料袋等,从而使其形成良好的习惯;除此之外,初三美术教材中关于“中国古代辉煌的美术历史”这一内容,对于学生的爱国情感教育非常有利。美术老师可以利用一些中国古代画家的名作,对学生进行激励,使其具有爱国主义情感和民族自豪感,教材中蕴含的深厚的民族文化底蕴、灿烂的历史人文精神熏陶每位学生的思想,最终共同完成美育和德育的目的。 3.用丰富的第二课堂培养学生积极的生活态度 在生活中具有积极向上的态度来源于生活中对于美的发现,这样才能使学生领悟到周围环境包含的积极因素,从而形成一种优良的调控情感的能力。例如,在教授初三下册中国民间美术的课堂中,美术老师可以带领学生在课余时间参观民间的美术作品,如剪纸和窗花等,以此来指导学生们领悟到我国民间传统的作品中所具有的实用性和审美性的结合。例如,花纹型“灯笼”为美和照明相结合;“刺绣”为美和“穿着”相结合;“窗花”为美与“装饰”相结合等。其中初三下册中讲述的“蓝白之美”,主要是介绍我国江苏南通具有的蓝印花布,这作为传统的美与服饰之间的完美结合,包含了色彩美和搭配美等,是南通的民间美术所具有的劳动人民对未来美好生活的向往的典型代表。这类教学模式可以激发出学生对生活的热爱,从而使学生能够发现生活中存在的美,最终塑造了学生积极向上的生活态度。 二、结语 在初中美术教育过程中,美术老师需要注意各个年级学生之间具有不同的心理需求。除此之外,老师要避免在课堂上喧宾夺主,必须通过潜移默化的教学方式,与教学内容紧密结合,将情感教育润物无声地融入美术教学中,从而使初中美术课堂真正地达到“德育”与“智育”相结合,深入开展素质教育。与此同时,将情感教育彻底地贯彻到美术教学中,从而使教学人员能够充分地提炼出初中美术学科包含的教育价值。 作者:刘俊杰 单位:吉林省公主岭市第六中学 初中美术教学论文:新课程标准下初中美术教学论文 一、新课程理念下审美能力的培养 美育的首要目标就是端正学生的审美观和培养学生的审美能力。所以,作为美术教师,须从自身做起,严格要求,不断进修学习,提高美学素养,通过日常教学中的言传身教,潜移默化地影响学生,陶冶学生的审美情操。在美术课堂教学中,教师须从学生实际出发,做好备课,课中创设生动的美术教学情境,课后反思教学效果,不断改进、完善课堂教学。调动一切教学资源、手段,激发学生的求知欲望,让学生深入到美术学习中,提高美术课堂教学实效。如教师可以组织学生积极参与美术评论活动,这是提升学生审美能力的重要方式。以前我们对美术评论有认识误区,认为不是学生学习范畴内的事情,与学生没有交集,是专业美术评论家的事。事实上,任何人看到一幅美术作品,一定会有独特的感受和认知。美术教师就应准确抓住学生的实际感受,作为认识和深入探究美术作品的突破口,引领学生完成对美术的欣赏。这样的教学过程,能激发学生主动探究新事物的能力,培养学生独立思考、解决问题的能力,增强学生探求新知的自信心。 二、新课程理念下创新能力的培养 创新是各个行业永恒的主题,艺术同样需要创新,需要新鲜血液不断注入其中。所以,培养学生的创新能力是美育的一个重要目标。初中学生思维认知能力最具张力和活力,可塑性也最强。他们对新事物很敏感,认识和接受新事物很快,充满热情,勇于探索。这些是形成创新能力要具备的基本素质,需要教师在教学中不断开发,激发其潜力。培养学生的创新能力,须尊重学生的个性特征、独特的思维和感悟,并为其思维能力无拘无束的发挥创造环境。教师应采用科学有效的、饶有趣味的教学手段和方法,吸引学生的学习兴趣,激发学生的创作欲望和美术表达的冲动。引导学生学会观察,学会准确分析事物的方法,培养学生用艺术的视角发现和理解事物,提高学生的艺术观察力和创造力。如在讲美术造型时,我让同学们利用课外时间,根据自己的观察和兴趣,用橡皮泥或胶泥制作一个造型作品,下次上课时带到课堂上,公开评选优秀作品。结果下次上课时,同学们带来的作品花样繁多,一个个踊跃展示自己的作品。有的作品制作得很精美,完全想不到是出自初中生之手;有的作品虽然不尽人意,但也能感受到学生努力的影子。可以看得出,同学们都发挥了自己的创造力,有了不小的进步。 三、新课程理念下合作能力的培养 团队合作是一个人取得成功的重要条件,在教学中培养学生的合作能力符合新课程标准提倡的自主、合作学习的理念。通过学生间的合作学习,可以培养学生的团队合作意识,帮助学生学会合作,学会沟通,这是他们走向社会,走向未来必备的能力。在小组合作中,还可以发挥学生的自主能动性,密切配合,调动各自掌握的资源,丰富学习内容和方式,优化学习结构和方法,进一步提高教学效果。在小组合作学习中,让不同特点、不同个性的学生都有机会发挥特长,献计献策,提出不同的见解,在完成共同的任务时,锻炼了发现、分析、思考、表达、创造等方面的能力。合作学习是值得教师在美术教学中进行尝试和探索的。如在美术欣赏课上,教师先呈现一幅美术作品,然后分组讨论,选出代表说出该小组对作品的分析和认识,再通过小组间的讨论,最后总结作品所要表达的内涵和精神;再如,在美术制作课上,教师先布置任务的主题,然后分成多个小组,让每一个学生都积极参与其中,充分发表意见,他们制作的美术作品往往出人意料。然后组织同学们展示各小组的作品,让大家评选优秀的作品,进行鼓励表扬。通过这种分组合作的教学形式,以学生为主体,活跃了学习的氛围,调动了所有学生的潜力,学生在互相帮助、合作的情境中,经常会有惊人的表现,教学效果自然得到提升。 四、结语 总之,新课程理念要求美术教师,不再只是知识的传授者,更应是教育方法和理念的实践者、探索者。在教授学生美术基本知识和技能的同时,还应注重学生能力的培养,为学生的终身可持续发展保驾护航。 作者:孟薇 单位:甘肃省庆阳市西峰区黄官寨实验学校 初中美术教学论文:情感教育初中美术教学论文 一、巧妙运用情感素材 初中美术教学之中,美术教学的资源是整个美术教学活动展开的不可或缺的重要基础。教师需要利用具有较高价值的美术情感教学的教学资源对学生进行情感教学,使得学生能够充分感受到美术教学的魅力,从而使得学生能够有比较好的心理素质以及审美情操。在初中美术教学之中,教材涵盖了诸多正确的价值观、爱国主义以及道德素质的教学资源,教师需要在教学过程中进行较好的挖掘,使得美术教学的情感教学与其他的科目相通。最终,达到提升美术教学效率的目的。 二、创新师生关系 所谓的情感教育必然涉及到了学生与老师的情感,所以在情感教育之中必须建立比较恰当的情感教育方式———师生互动。学生在初中美术课堂之中,对其有着比较深的影响的必然是与教师的关系,师生之间的关系影响着学生的积极性以及审美观念的建立。良好的师生关系能够给学生传递正能量,使得学生在美术教学之中占到主体地位,使得学生能够由自身的主体地位出发,更加去接受美术的情感教学。所以在初中美术教学之中,更加注重建立较为和谐而适当的师生关系,使得学生与教师的关系能够作为情感教育的助推器。为了能够使得师生关系比较和谐,需要教师充分尊重学生的个性以及保护学生的差异性,使得学生能够各抒己见,使得学生与教师之间的沟通无障碍,最终建立起彼此信任的关系。教师需要充分认识到情感教育的最基本以及最主要的方式必然是交流,只有教师与学生进行良好的交流,才能够使得学生通过互动提升情感,形成比较合适的美术思想,使得学生在情感上得到品质的提升。 三、以情景渗情感 学生在进行美术技巧的学习的时候,教师可以通过情境教学进行情景的营造,从而使得学生能够在情境之中对美术教学产生兴趣。美术教学需要将比较枯燥乏味的课堂激活,比如:故事、游戏、视频、音频、示错、设疑等课堂的情境设计能够迅速将学生带入课堂。在氛围活跃的课堂之中丰富想象力,打消厌学的思想,激发出学生的积极性和乐趣。情感教学方式在初中美术教学之中,有着比较关键的地位,能够为学生的全面发展和培养贡献较多的力量。 作者:潘娟 单位:如东县少年业余体育学校 初中美术教学论文:初中美术素描教学论文 一、提高初中美术课堂教育方法的多样性 教师们在课堂上应该为学生们营造良好的、适合学生、并且能够有助于当节课教学的教学环境。教师可以组织学生进行实践活动,将书本上的美术知识与生活实践相结合,从而培养学生在生活中发现美、善于观察的习惯,培养学生拥有一双发现美的眼睛,做生活中的有心人。例如,除了安排学生学习欣赏教材中的作品,也可以组织学生在校园或者公园中进行写生等活动,或者在佳节前后组织学生欣赏灯会,带领学生们多多收集资料,体验美术的魅力。与此同时,将多媒体软件教学方法引入到美术教学课堂,也是一种提高课堂多样性、培养学生学习兴趣的好方法。将多媒体教学与美术相结合,使得学生从视觉、听觉两方面同时受到熏陶,多方面了解美术、学习美术,有助于加深学生对美术课堂的热爱。 二、培养学生善于观察的习惯,提高洞察力和创新力 初中生的美术教学主要是培养学生的美术素养,而培养学生美术素养的关键是对观察能力的培养。因此,观察生活是提高美术能力的最有用的措施。例如,在美术课上,教师可以让学生们欣赏一幅画,规定观察的时间为一分钟,观察过后让学生们用语言描述画面,随后再尝试着将看到的画面画出来。坚持每周进行三次训练。然而,对于锻炼提高观察力习惯的培养仅限于在课堂上是远远不够的,教师们有责任提醒学生对生活中美的事物处处留心,细心观察,从而培养成习惯。久而久之,可以逐渐提高学生的观察力。 三、严格要求学生的创新训练,培养创造力和毅力 学生学习的过程就是形成习惯的过程。在初中美术教学的课堂中,教师需要给学生创造各种类型的创造力拓展过程,让学生们主动去观察、发现问题,提出、分析和解决问题。习惯不是一朝半夕就能够养成的,而是需要学生们有毅力地坚持训练,逐步培养而成。教师需要安排学生们进行定期的美术绘画训练、思维拓展训练,采取适当的方法,严格要求学生们按照周期坚持练习,不得半途而废。教师可以制定一些奖励规则来提高学生们的学习动力。美术教学对趋异性思维的要求特别高,同时着重强调学生的个性发展和性格保护,着重培养学生能够对事物细心观察、并且通过绘画呈现出审美和创造的能力。 四、增加训练,布置作业,培养学生的基本绘画能力 美术素描是一切造型艺术的基础,也是训练造型能力的有效手段,素描训练不同于临摹训练,是艺术的再现,所画的图片不仅仅是物象的一部分,更是构成画面的有机组成部分,对于培养学生的观察能力、绘画能力、表现能力以及审美能力有着重要的积极作用。画画需要一步一个脚印地提高能力,不可以急于求成。只有循序渐进,才能够使得每一个学生的都能够牢固、可靠地掌握相关知识与技能。另外,为了使学生能够打好基础,教师在平日里的教学中,可以为学生们布置一些长期作业作为绘画训练,在平日的练习中以长期作业为主,有助于学生对于知识的深入理解。与此同时,教师也可以安排一些短期作业作为辅助训练,将长期训练与短期训练相结合,与此同时,也可以将速写训练引入到美术素描的教学中,从而全方位地提高学生的美术能力。培养成良好的学习习惯,就可以有效地提高学习效率。良好的学习习惯是学生成长必不可少的内在因素,在我们的学习和生活中有着重要的作用。由此可见,制定科学有效的初中美术素描教学策略是培养学生良好的学习习惯的重点,对提高初中美术课堂教育教学质量有着重要的作用。 作者:王宝花 初中美术教学论文:初中美术多媒体教学论文 一、多媒体技术在美术教学中的地位 初中美术是初中素质教育的一门基础性课程,虽然是副科,但是承担着不可替代的审美教育作用。采用多媒体技术在初中美术教学中,以多元化视角的教学手段来支撑实践教学的内容具有重要的推动作用。而初中美术多媒体教学能进一步适应素质教育的需求,可以对传统教学方式产生一定的冲击,促进一定的变革,而多媒体所展示的文物、图画更符合美术的学科特点。 二、多媒体技术在初中美术教学中的应用 (一)在素描与色彩课中的应用 素描与色彩是初中美术课堂教学中必不可少的课程,可以培养学生的造型能力,以及对色彩敏感度的把握等。但是在传统教学中,由于学生之前没有进行专业的训练,而教师在授课中如果讲到透视、结构部分时需要学生抛开物体的外形去分析内部结构,他们往往一脸迷惑,并且在进行实物观察的时候,没有经过系统训练的学生又很难看出其中的门道,最终素描与色彩课只能流于采用形式。多媒体进行教学可以很好地改善这些弊端。例如,可以运用多媒体能够展示动画的功能将物体的透视变化等比较完美的展示出来,这样学生在观察一个物体在不同角度和方向的透视效果的时候显得比较容易,对于提高学生对素描的理解有着很好的帮助。在色彩绘画中,如果单单的让教师讲授与观看课本的作品,学生进步情况很微小。多媒体可以大量展示教材中没有的作品,能够开阔学生的眼界,在欣赏中学生可以逐渐的发挥主动性,自己去思考构图的处理,能更准确地理解和掌握构图的相关知识,特别是对色彩的运用,有着很好的促进作用。 (二)在美术鉴赏课中的应用 通常情况下,教师在进行美术鉴赏课教学之前,都需要一定的准备,但是这个准备过程却是十分繁琐,况且课本中的插图比较小,教材说明文字又不多,教师在授课的时候往往是以口头授课为主,即使是教师做了比较充分的准备,但是每幅名画的背后往往都有着很深的故事背景,一些比较专业的问题教师可能也不理解,而学生由于在没上课之前就对这些图片翻阅过,教师再授课的时候,他们的兴趣往往不大,这样就影响了美术教学的进行。教育学家皮亚杰指出:“教育的目的是形成智慧,而不是贮备记忆,在于创造智力的探索者,而不是博学。”如果学生对美术的发展历史都不了解,又怎么能去分析、探讨美术作品的优劣呢?运用多媒体通过视、听、读、析、思同步结合可以从根本上改变过去单一讲授,教师通过网络可以将作品形象的表现出来。例如文艺复兴时期著名画家达芬奇的《蒙娜丽莎》,多媒体将这幅图片放大数十倍,学生可以非常清晰的欣赏到画中人物的表情,甚至嘴角勾起的笑容,身后的背景都显示的清清楚楚。更为重要是对于不仅可以看见作品的全貌,还可以放大局部进行观察,甚至某些因为年代久远而损坏的作品也能利用电脑软件还原后展示在学生面前。而此时,教师也可以通过网络将达芬奇的其他代表作以及平生的故事展示出来,让学生对此能够得到比较全面地了解,极大提高了他们的学习兴趣。 (三)在平面设计课中的应用 初中阶段的平面设计课程比较简单,主要是让学生认识设计前沿与一些时尚的设计作品等。而众所周知,一幅比较好的平面设计作品首先应该给人以比较强烈的视觉冲击。课本中所罗列的作品都是当前最时尚,最有影响力的大师级的作品,但是在课本上观看的效果往往不佳,采用多媒体技术来欣赏,特别是运用当前非常成熟的3D技术,让大师的作品非常震撼的展示在学生的面前,给学生一幅丰满的视觉盛宴,进而激发他们学习的兴趣。况且网络的资源是海量的,只要教师想给学生观看更多的优秀作品,多媒体技术都能办到。例如,我给学生展示当前包装设计的时候,我不仅给他们看二维平面,更多的是三维立体作品,从中国的水墨平面设计,到外国的包豪斯平面设计等等,当前国内国外最有影响的作品选取很多具有代表性的让学生欣赏,大大加深了他们对设计的认同感,同时也提高了课堂教学效率。正确恰当地使用多媒体能够改变传统的教学模式,让学生成为认知的主体,促进学在心理、智力、能力、性格等方面和谐发展。同时,对教师自身素质的提高也有一定的作用。因此,作为一线美术教师,要充分在美术课堂教学中创设多媒体情境,以期提高教学效果,充分体现美术教育的意义。 作者:刘艳 单位:江苏省邳州市新城中学 初中美术教学论文:初中美术多元化教学论文 [摘要]美术教育的思想优秀就是促进人的主体性发展,美育恰好可以从各方面陶冶人的性情,培养人的创造性思维。因此,我们要充分发挥美术课堂教育的主阵地,培养学生的创新能力、创新精神和实践能力。兴趣是培养创作能力训练的动力、生活经验是培养创作能力的切入点、好奇心是培养创作能力的诱点、丰富思维是培养创作能力的养料…… [关键词]课堂教学;创作训练;初中美术 在深化素质教育改革的今天,为了高效地提高学生的综合素质,因此,素质教育的重点就落实到了培养学生的创新能力上。《美术课程标准》(2011年版)在课程基本理念中也指出:“要注重创新精神,即现代社会需要充分发挥每个人的主体性和创造性,因此,美术课程特别重视对学生个性与创新精神的培养,采取多种方法,帮助学生学会运用美术的方法,将创意转化为具体成果。”作为站在基础教育前线的我们,既要培养学生的美术素养,又要对学生实施创新教育。因此,在初中美术教学过程中,想要真正“授之以渔”,进一步提高学生的美术创新能力,应充分利用美术教学特有的魅力,以活泼多样的课程内容形式扎扎实实地贯穿于课程中,在创作能力训练中运用多元化创作形式培养学生创新意识和创新能力,经过日积月累的创作能力的训练帮助学生开启智慧大门,有助于学生在全面发展取得显著成效。本人在课堂教学中运用多元化培养学生的创作能力,做了以下几点尝试: 一、兴趣是培养创作能力训练的动力 兴趣是一切学习成功的原动力。美国心理学家布鲁纳曾说:“学习最好的刺激乃是对所学学科的兴趣。”教学活动是师生双向互动的教学模式,“灌输式”的教学活动会忽视学生的主体地位,或课堂教学活动单一乏味,会抑制学生的学习兴趣,他们会反感,甚至产生抵触情绪。因此,在教学活动中,教师尊重学生的主体性,唤起学生的学习兴趣,他们才会有求知欲、探知欲,才会有深刻而独特的思维能力,才会有丰富的想象力和创新能力,才会带着愉快的情绪参与到学习创作中,转化成持久的情感态度和创作动力,最终完成教学任务。以苏教版七年级下册第8课《奇妙的墙》为例,在课前,我用吸铁石把9个一次性纸杯叠在讲台上,学生进入教室后用好奇的眼神看着这些杯子,有学生直接问:“老师,这是干嘛呀?”我说:“先保密”。上课后,我指着讲台上的杯子问有没有同学帮我换种造型摆法?学生在短暂的思考后,开始跃跃欲试了,2个同学摆完造型之后,我又把纸杯放在讲台上,让同学们想想看能否再摆其他造型,一石激起千层浪,学生们都争抢着做第二轮摆造型,在这个过程中,学生的兴趣被调到起来了,学习热情高涨,思路被打开后,思维也活跃起来,再后面的探究活动中,学生更容易的掌握本课的知识点,教学效果也就提高了。 二、生活经验是培养创作能力的切入点 以学生的生活经验作为美术创作训练内容的切入点,尊重学生的主体性,以他们的视角去发现、去挖掘感兴趣的内容,使学生产生共鸣。例如苏教版七年级上册第6课《花的变化》对创作训练做铺垫,给自己的杯子设计花卉图案,引导学生把所学的花卉图案知识展开讨论如何创作出有标新立异的设计图。学生们谈论的很激烈,有的说:“我在网上看见过把花卉概括成图案后再概括,让它简洁化,”有的说:“我看见家里有沙发靠垫的图案就是用点线面把花卉图案抽象化了。”他们把自己生活中见过的资源,在讨论中举例出来,在创作过程中我提醒他们不能照搬他人的创意,但我们可以采纳他人的表现手法加上自己的,这些资源都源于学生实际生活中,因此学生容易迅速产生学习热情,加速他们主动参与学习,提高学生的创作能力。 三、好奇心是培养创作能力的诱点 诱导学生的好奇心,燃烧学生的创意火花。在美术教学过程中,精心设计教学内容、运用合理的教学手段、恰当的教学措施、营造出良好的创新氛围,就可以诱发学生的好奇心、激起他们对获取新知识的渴望,教学内容要力求构思新颖,趣味性强,诱发他们对美好事物的表达欲望和创作冲动,从而来培养他们的创新能力。如苏教版七年级下册第2课《关注你、我、他》教学导入片段,我知道同学们课余会比较关注明星,也有自己的偶像。下面我们先做个游戏。猜一猜,他是谁?1.出示图片:初中美术课堂教学中,培养学生2.加大难度,猜他(她)是谁?A.B.C.先出现A图片,让学生试着猜,再逐步出现B、C图片,公布答案后揭示本课课题,开始教授头像的基础知识,讨论:你们觉得画肖像该从哪儿入手呢?……第一轮预热游戏开始就点燃了他们的热情,第二轮、第三轮难度的加大既满足了学生的好奇心,又激发了他们的求知欲,再加上后面欣赏大师的一些作品,感受不同画家所用的不同的表现手法,感受他们除了塑造人物相貌以外,还要塑造人物的精神状态和性格特征。在自己创作的作品中有的学生展示了用色彩表现同学的头像,有的是学梵高用粗犷的线条表现自画像;在老师的鼓励和帮助下,给予学生赞赏的手势,学生的创作能力得到了满满的自信感,从而激发了学生奋发进取的表现力和创造力。 四、丰富思维是培养创作能力的养料 我们不能在美术教学中单一的束缚学生的创意思维,扼杀学生的艺术灵性,压抑他们的个性潜能,而是要做一个艺术的引导者,让学生不断吸收新知识,推动他们的思维方式向前进,让创新思维不断获取丰富的养料,鼓励他们充分发挥想象力和联想力,在艺术的空间里尽情绽放。例如,苏教版七年级下册第5课《仕女•簪花》第1课时临近尾声时让同学们商讨,下节课制作有个性的饰物,可以准备哪些材料,听着他们热烈讨论声中,教师可适当的点拨。有的说:“带根短点竹子和橡皮泥,橡皮泥做簪子上的装饰物。”有的说:“我家有粗毛线,可以先编织,再挂些纸折的花朵。”有的说:“可以用铁丝,再收集些彩色布条,我用来设计手镯。”有的说:“饮料瓶盖子或者直接饮料瓶剪切一下。”……听着他们五花八门的想法,我就建议还可以带些珠子串起来或者有同学会折五角星都可以做点缀,尽量把我们身边的物品利用起来,大家都很期待下节课的创意成品了。 五、营造氛围为培养创作能力壮胆 在创造活动中,需要有一定的气氛烘托,才能让学生大胆地释放创意思维。如苏教版七年级下册第3课《在临摹中感受》的第2课时,要求学生了解、分析和实践“变体画”,课前我搜集不少艺术家在卢浮宫现场临摹大师作品的场景,做成视频导入,看看游客们走进卢浮宫的艺术殿堂里欣赏作品的同时,有着最令人羡慕的场景便是那些可以在现场临摹名画的画家们,虽然也有画家把名画彻底改的面目全非,但他自己还是画的津津有味,包括艺术大师也有临摹他人的作品,但是要让学生感悟到大师们在临摹作品时是有选择性的,不是一味的照搬照画的,他们的目的是“学”而不是“像”,然后让学生们选择一幅艺术大师的作品,体会变体画的实践过程。这同样培养学生创造能力,在欣赏过后,同学们都迫不及待的动手了,有的学生改变了背景,有的学生改变了整体色调,有的是加大笔触的线条,有的是更加夸张,有的是运用彩纸拼贴的形式,再加以细节描画,大家都发挥了无限的想象力,画出了有特色、有个性的变体画。这一课给同学们提供了体验改变艺术大师作品的机会,学生们既动脑构思,又有立意思考,使他们的创意思维在艺术空间里自由翱翔。哪怕学生的作业有点乱,也要尽量找出作业中的闪光点。 六、环保意识体现创作能力的另类美 罗丹说过:“生活中不是缺少美,而是缺少发现美的眼睛。”以前在设计•应用课……需要带材料进行动手创作时,总有许多学生不带,并推脱是忘记了。现在我鼓励他们尽量从废弃物品中去寻找可用资源,如纸张方面,可以是包装盒、香烟盒、杂志或彩色的广告纸、报纸等;瓶子方面可以是他们喜欢喝的各种饮料瓶;并根据具体课程安排恰当的收集废弃资源,长久后发现他们对于收集废弃物品比较感兴趣,上课也很少有忘带了,给他们展示自己收集的废弃物品,比一比在本节课中是否会起到标新立异的的创作效果。例如苏教版七年级上册第8课《装点生活》,让学生们准备一只单色的塑料瓶当成花瓶,其他材料自己准备。通过引导教学,简单的示范,集体商讨拓展学生的创意思维,在创作环节中有的学生用家里废旧衣服对塑料袋进行了拼贴;有的学生用树叶、花瓣等对瓶子进行装点;还有学生用彩色广告纸折成三棱体、旧毛线做成点线面的效果装点瓶子……这样既节约又环保,学生们也在创作中发现废旧的物品,也能展现美的存在。 七、个性发展成为创作能力的独特性 每位学生都有自身的独特性,所以创作的作品也要具有独特性与新颖性。在创作训练时我向学生提出作业不要有“雷同”,但结果往往不尽人意,作品大同小异成了普遍现象。有的学生是临摹惯了,懒于动脑创作作品,有的学生怕自己的作品不好,受到同学的嘲笑和老师的不认可,而去模仿周边同学的作品。其实,我们只要对有创意的、有标新立异的同学,给予及时的表扬,而不是在一定的框架中进行评价,关键是谁的作品有独到之处,不跟随大流,那就是成功的作品。如苏教版九年级上册第3课《有趣的夸张》,这课的实践活动是让学生为自己的好朋友画一幅夸张有趣的肖像漫画,在最终展示时,没有定性谁画的好或者像那位被画的同学,只以画中是否运用了夸张的手法,来完成这件作品。我们不能用一种标准去很衡量一件作品的好坏,而是要鼓励他们自主探索和创新。 综上所述,艺术的生命就在于不断地创新,在培养学生创新能力之前,学生要立足于主体地位,教师要做好主导作用,要以学生的兴趣为起点,全方位的设计教学过程,让多元化的创作形式成为培养学生创新能力的亮点。 作者:姚漪 单位:江苏省常熟市古里中学 初中美术教学论文:农村初中美术教学论文 一、塑造教师良好的人格魅力 让学生喜爱美术,首先要让学生喜爱美术教师。在初中阶段,特别是在农村初中,学生的学习兴趣往往与对教师的喜爱密不可分。强大的人格魅力能够为教师创造融洽和谐的工作氛围,是吸引学生学习的重要因素。美术教师在学识、个性、品德等方面的综合能力决定着他人格魅力的高低。渊博的知识是教师过硬教育能力的体现,它能使教师在课堂教学中做到收发自如、寓教于乐,创造轻松愉快的课堂氛围;渊博的知识往往能得到学生的尊重,也是教师在教学中协调融洽处理师生关系的关键。美术教师应该有宽广的胸襟,要包容和理解学生,特别是对处于性格叛逆期初中生,教师不仅要做学生的人生导师,还要学会和学生交朋友,与学生打成一片,用自己的真诚来换取学生的真诚,用自己的魅力来感染学生。同时教师在面对挫折时要时刻保持不气馁的状态,用自身的勤劳和勤奋带动学生,树立人格榜样。 二、建立学生美术冲动体系 美术教学是对学生知觉、情感态度和生活经验的培养过程,是对学生的心理思维特点进行强化的过程。在美术教学中要加强学生美术冲动体系的建立,让学生在表达感情、表达情绪的时候第一时间就有画画的冲动。美术冲动体系本质上就是让学生建立对事物的美术思维方式。建立美术的思维方式就要求教师在课堂中要适时的引导学生,在基本技巧的教学范围内应给予学生创作的自由,给予学生绘画自己喜欢的事物的权利,给予学生用美术进行自由表达的机会。比如在初一人物线造型的美术课上,当有老师要求作业画女同学头像时,总会有个别学生提出要画男同学,有的还要画自己的爸爸,有的甚至要画只小熊猫。我们分析一下这些学生的想法,要求画男同学的可能觉得自己能画的更好;要求画自己爸爸的是因为他最熟悉,能画象;要求画熊猫的同学可能是因为不自信,怕自己画不好人头像而要画自己拿手的。他们的“不合理”要求实际就是一种绘画表达,如果这时教师大怒,以不按老师要求做作业和无理扰乱课堂批评的话,就使学生的绘画热情受到挫伤。如我们尊重学生的思维表现特点加以引导,建立并强化美术冲动体系,学生就会产生强烈稳定的美术学生兴趣。 三、融入农村美术元素 因为农村学校条件的限制使很多美术课程不能开展,如果教师局限在学校现有的条件里,有的课堂教学内容只能是简单的讲讲,甚至让学生上自习课了。培养美术学习兴趣,我们可以因地制宜,充分利用农村现有的条件尽量开展好课堂教学。比如雕塑课,农村学生是不可能有橡皮泥来做雕塑练习的,但是我们可以利用农村的条件来上,不妨让他们再回到儿童的玩“泥巴”时代,让他们自己动手去挖红泥,让他们在课堂上由老师引导从儿时的“捏娃娃”游戏开始讲解雕塑,使学生更真实的感受到艺术来源于生活,生活是创作的源泉。这样的课堂才是培养农村孩子兴趣的乐园,这样让学生在兴趣中吸取知识和掌握技能,就能收到最佳学习效果,充分发挥课堂活跃的优势作用。现代化教育不能局限在死板的传授知识,利用情景教学的模式创设兴趣的课堂氛围,达到美育的目的。 四、最大限度的运用多种教育手段 与城市学校相比,农村学校教学设施落后,而最大程度的利用现代化科技手段往往会对培养学生的学习兴趣起到意想不到效果。采用声音、图像和音乐等生动素材进行展示和教学演练可以直观的刺激学生的学习欲望,增强学生的对作品的感性认识。在大量的不断的艺术熏陶中,学生能不断加深艺术感知能力。利用空闲时间,教师可以就地取材,带着学生到野外写生,大自然的各种花草树木,山墙刻壁都是极好的写生素材,通过自然环境中各种美好事物的熏陶可以有效培养学生的艺术气质。通过现代化的设备教学与野外写生的灵活结合,可以全方位的培养学生对美术学习的兴趣,从而更好地培养学生美术感知能力,提升学生自身的艺术素养。因为农村教学条件的限制和教师水平的差异,使农村的美术教育参差不齐。美术教师只有不断提高充实,提升人格魅力,根据农村学校的实际情况,利用各种教学方法和先进的教学工具,有效地培养学生的艺术素质,培养他们的兴趣,才能提高学生的创新能力。 作者:臧建芳 单位:山东省无棣县第三实验学校 初中美术教学论文:初中美术多媒体教学论文 1初中美术教学中对多媒体应用的误区 1.1胡堆乱砌,信息轰炸 由于多媒体的信息容量和展现方式,部分老师却将多媒体运用到一个极端的位置。多媒体作为教学的工具和课堂内容的补充,却被本末倒置,灌输太多的教学内容,对学生进行图片和视频的狂轰乱炸,反而导致学生应接不暇,对课堂和作品内容不深刻,压榨学生的思考空间,将整堂课变为一节“欣赏课”。 1.2课件花哨,背离初衷 初中美术老师都是具有深刻美术创作和鉴赏能力的艺术指导者。而部分艺术指导者因追求多媒体课件的艺术感、呈现的多样性,反而忽视了课件内容的主体和教学板书的设计,导致学生将注意力放在多媒体的呈现方式而非多媒体的教学内容,以至于教学目的未达到。 1.3引导变讲解,学生麻木化 古云“尽信书不如无书”,笔者认为“尽用多媒体不如无多媒体”。部分教师过分依赖多媒体,忘记自己作为教师的“引导”作用,而变成了一个“解说员”,反而降低了学生学习的积极性和自主性。从书本的生硬变成了多媒体的无趣,可能引起学生多多媒体的麻木,使得新教学方法适得其反。 2采用多媒体进行美术教学的原则 2.1合理设计教学内容,切勿狂轰乱炸 合理设计教学内容,切记不要堆砌过多的视频、图片对学生进行“填鸭式”的狂轰乱炸。不要因为新课标提倡的新式教学方法而滥用多媒体。教师需在课堂知识补充之余,给学生留下思考空间。多媒体教学内容需要有重点性、针对性,一方面重视多媒体带来的教学容量的提升,另一方要让学生充分感受到艺术之美。时刻记住,多媒体只是教学方法的一种方法而已,而不是教学的全部。 2.2立足教学主题,合理运用多媒体 初中美术教学的主题是“教学”二字,在多媒体的运用过程中应紧贴“教学”而不是为了展示老师的艺术才能将多媒体课件的花哨发挥到极致。在课件设计中,应该松弛有度,紧抓当期教学主题,运用老师自身的艺术素养向学生展示一个生动有趣的教学方式,着重在于提高学生的学习积极性,培养学生对艺术的欣赏和感知能力。 2.3正视待教师主体地位,带动课堂效应 教师是课堂的主体人物,是引导学生学习的关键因素。而部分教师自从运用多媒体,将自身退化为“解说员”。这好比导游带团,本来是让游客感受景物的人文与美,却变成了导游一个人在“背课文”。教师要摆正自己的位置,将引导学生的重任放在自己身上,而不是依赖多媒体,以为有了多媒体学生就会提高自身积极性。“火车跑得快,全靠车头拉”,教师作为火车头,更是要拉着学生向前跑,利用多媒体教学来带动课堂气氛,多与学生互动,将多媒体内容和教师的引导有机结合起来,利用新式教学跟好的达到教学目的。传统的照书念的教学模式并不理想,多媒体教学打破时间、空间、容量、单一的方式,扩充教学手段,将初中美术课堂变得生动,将学生带入更广阔的艺术空间,调动了学生学习的兴趣和积极性。原本抽象的、生硬的美术知识,通过多媒体这个载体变得具体,生动和充满趣味性,初中学生将更能够接触这些浅显直观的知识,这为初中美术教学带来了极大的便利。 3多媒体在初中教学不同教学方面的应用 3.1多媒体教学在素描、色彩课上的应用 素描和水彩是初中美术课教学的基础课程,主要培养学生构图、造型能力和对色彩的敏感和把握程度,提升学生的基础美术素养。但是从小学到初中,并没有对素描和色彩课程的专业教学和引导,形成了该类课程的断层。教师在讲到“构图”、“透视”等专业名词的时候,需要学生由具像到形象的分析,抛开物体的固有邢台,分析整个画面的内部结构,从宏观着眼。而说到这些,学生往往一头雾水,而且在进行实际操作的时候很难看出其中的妙处,素描课和色彩课最终只是一个表面形式的课程。利用多媒体教学很好的解决这些问题。例如,利用多媒体3D完美的展示物体的透视效果,使抽象事物具体化,使学生在观察物体透视的角度和方向时更加容易,真正帮助学生提高了对素描的理解。在色彩教学中,教师可以立足于课本,多样展示教材之外的相关内容,很大程度上开阔学生的视野,提高学生的进步空间。在欣赏之余,更是要引导学生发挥自己的主动性,让学生自己思考美术作品的构图以及对色彩的应用,极大发挥学生的主动性。 3.2多媒体教学在手工制作课上的应用 多媒体教学应用到手工制作课的效果并不如美术欣赏课的直观和明显,但是利用多媒体可以为学生的手工制作提供更多奇思妙想和实际操作技能。传统美术课的手工制作,老师需要亲自为学生做教学示范,而在有限的时间和空间内,并未达到一个高效率的教学示范效果。而多媒体教学的提倡和使用很好的解决了初中美术教学的这个难题。通过网络,教师可以搜集或者录制手工教学视频,以多媒体的形式呈现在学生面前。通过观看清晰的多样化教学视频,学生们可以发挥自己的想象空间,结合多种操作方式进行手工制作,而不是一味照搬老师的方法。课余时间,学生也可以自己寻找或者录制手工制作视频,在课堂上为其他学生播放,提高学生的课堂积极性,增加老师和学生之间、学生和学生之间的互动性,也极大鼓励学生自己的创新、创作。 3.3多媒体教学在美术鉴赏课上的应用 美术世界广阔而渊博,就成年人而言都不敢妄下对美术作品的评论之言,更何况要让初中的孩子去品味、鉴赏美术作品。而这又恰恰是一件有趣的事情。初中的孩子才敢直言不讳的说出美术作品给自己的带来的感受。所以,为了发挥孩子的创造性,我们打破美术课本的片面性和局限性,给孩子们一个自由的、丰富的美术天地。运用多媒体教学,初中美术老师可以找到很多相关的作品,让学生对其进行鉴赏。如在色彩鉴赏方面,老师可以搜集大量梵高的作品,让学生对其作品的早中晚期进行感受和点评,而后再对学生进行梵高的生活背景介绍,让他们体会作者带入自己绘画的感情,此后,再让学生对梵高的作品进行点评。透过这个案例举一反三,学生可以在教师循序渐进的引导下一步一步深入美术世界,在课本的有限内容下通过多媒体扩展到广阔的技术空间,培养学生自身的艺术鉴赏能力和艺术修养。 4结语 总之,多媒体教学是载体,而不是目的,通过多媒体教学,我们教师有了一个新的工作挑战也有了一个新的教学利器。利用多媒体进行美术教学,不仅能够有效地扩充学生的视野,让艺术和生活结合,提升学生学习美术的积极性之外,告诉他们生活无处不艺术,教他们感受生活中艺术之美。 作者:张辉单位:龙家店镇初级中学 初中美术教学论文:谈美术课水彩画技法的教学 水彩画形成于英国,传入我国已有百年历史。水彩画在中学美术课教学中占有非常重要的地位。通常人们只认为水彩画是提高学生造型、色彩及审美能力的重要因素之一,其实在进入现代社会的今天,水彩画技术及其特点还具有许多实用价值。它可以直接应用在工业设计上。例如,建筑(房屋、桥梁效果图设计)、园林(景点、绿地、长廊等效果图设计)、装修、装璜、家具、服装以及工业产品制造设计的效果图等均采用了水彩画技术。另外,水彩画工具简单、价格便宜,使用及携带方便,加之水彩画效果透明、明快、润泽,因而令人喜爱。 初中美术课水彩画部分的教学目的之一是使学生掌握水彩画的方法步骤和基本技法。因此在教学中,我首先通过范画、讲解,使学生了解、掌握水彩画的基本方法:干画法第一次涂色干了后再涂第二遍色,这样重叠着色下去即为干画法。此法不流、不混,可以从容作画;缺点是表现力差一些。湿画法头次上色未干就接涂第二遍颜色,反复接涂下去即成。此法画时比较急,需要学生有控制水分、时间的能力,一般要求学生在具有一定的绘画技巧之后运用才行。干湿并用有的地方用干画法,有的地方用湿画法。此法有快有慢,表现力强,中学生易于掌握。在整个水彩画教学过程中,应重点传授干湿并用法,以求收效快、效果好。 一、指导学生有效地利用干湿并用法,胸有整体,局部画起。 所谓胸有整体,是指学生除了要有必备的素描色彩基础外,还要有对画面的整体构想:色彩基调,远、中、近、大层次关系等。局部画起,是指把画面分成若干部分逐个完成。这种方法可使学生精力集中,绘画范围缩小,水分和时间容易控制,干湿画法并用得当,从而避免顾此失彼的现象。水彩静物写生是室内水彩画基础训练的最好方法之一。在静物写生之前,可先指导学生做几次静物范画临摹,意在使学生熟悉工具,认识各种画法,体会水彩画的特点。写生要注意指导学生按照以下几个步骤进行: 1.起笔要细,形体准确,高光、反光、明暗交界线、投影等都应尽量交待清楚,暗部和投影要少量涂点铅笔线条以示位置,上色时心中有数才能涂色不乱。 2.画前先在纸上刷一遍水,目的是让纸吃水饱和,必要时可以刷两遍,这样纸不易干燥,干湿画法便于施展。 3.先画背景(一般指衬布),优点是不乱、不花,整体效果好。背景争取一气呵成,整个画面的基调便得以确立。 4.画物体时要一个一个完成,这时采用湿画法比较得心应手。例如画一只梨,从亮部开始,留出高光后涂淡黄色;未干时迅速涂中间调子土黄色,使之与淡黄色相接自然晕合;趁其未干再涂褐色与土黄色相接,晕合后未干时再涂灰绿色于反光处,或者再涂衬布色于反光部分作为环境色的影响。这样,此梨的画面便基本完成了。 5.整理画面尤为重要。局部画法往往容易使画面出现“碎”的现象及层次上产生误差感。所以应要求学生充分重视整理,学会调整画面。前景物体当实,可以用线条来提形(在物体的关键部位狠提轮廓线);后边物体当虚,尽量在形体和色彩上减弱,以获得层次分明的效果。画面单调的,可适当增加环境色,以增强色彩的丰富感;画面色彩花而乱的,需要在基调的范围内整理,使画面更加和谐。 水彩风景写生是色彩写生的重要课题,可以培养学生热爱祖国、热爱大自然的情操,同时也是进一步掌握水彩画技法的极好机会。这部分教学中,构图、起稿、刷水同静物画法一样,但风景画作画顺序的特殊性是由上往下、从远至近、从左向右进行。在写生之前也应指导学生先临摹几张范画,这有助于学生领悟概括自然的三个层次(远、中、近),并能熟悉自然界中各种物体的画法。写生时应在以下几个方面加以着重指导: 1.写生开始要先画天空,力争一气呵成,这样整体基调和气氛便已确定,其它景物的色彩应向基调靠近,以促成色彩协调之美。 2.待天空色未干时迅速画出远山或远树,使之与天际相接的部分自然晕合。这样既可使远处朦胧、深沉,又符合近实远虚的规律。 3.从左到右,每画一个物体前再刷一次水,以防户外气候干燥、湿画法难以进行。例如,水中倒影里的房屋、树木都要趁湿把各种颜色接涂,自然晕合渗化,使倒影里面的形朦朦胧胧。等到全部干了的时候,用干画法轻轻画上几道水的波纹,此时倒影就显得真实生动了。至于岸上的房屋、建筑等宜用干画法描绘,使之坚实、挺拔,并和水中倒影形成鲜明对比。 4.主体部分应重点刻画,以使画面具有凝聚力,从构图的位置、色彩明快的程度、形体刻画的入微等方面增强其感染力。在让学生知道自然界分成远、中、近三个层次之外,还应让他们懂得艺术有主次之分。即学生在掌握水彩画技法的同时还要学会艺术处理画面的空间。 5.风景画的整理仍是重要的一环。局部画法有利于水分的发挥,湿画法得以充分的利用,但副作用是易“碎”,使整体画面受到影响,故需要从层次和色彩关系上调整一下,画面就基本完成了。 二、教学中注意指导学生操作的几个重要环节 1.学生欣赏范画,教师要逐张讲解其画法及色彩的运用,使学生了解水彩画的样式、特点,并告诉学生为了保持水彩画的透明、明快,调色时不宜过多,涂色时尽量一次完成,最多也不能超过三次,否则画面就会脏乱。临摹时首先要让学生熟悉工具的使用,以及调色和控制笔中水分的方法。 2.带领学生到室外写生时,教师可以先示范一部分景物,边画边讲:应该怎样画,容易出现哪些问题,该如何解决……这样可以使学生产生直观的感受,同时也明确了写生的步骤,掌握各种景物的表现技法。 3.给学生改画是教学过程中的一个重要环节。当学生某一部分不会画或画得不成功时,教师廖廖几笔,即令学生茅塞顿开,帮助很大。一个班级那么多学生,教师重点应给哪些人改画呢?我认为改两头带中间为宜,画得较好的学生的画只要“点”上几笔便会大增其色,给大家提供了样板,给中间水平的学生增强了自信心。另一方面帮助画得较差的学生改上一两个物体,如一个苹果一个梨,然后鼓励他们按此方法大胆画其他物体,不怕画坏坚持画完,长此下去必能有所进步。 4.将绘水彩画的一般规律编成浅白易懂的口诀,有助于学生尽快掌握和记忆水彩画技法。如画蓝天白云:“水彩水彩一遍水,涂蓝留白免后悔,画上暗部为白云,这样画天才最美。”画近树:“近树先画干,树冠几大片,干湿画远处,深浅画明暗。”画草地:“草地一片绿,冷暖要注意,天地不接实,近处盖几笔。”画小房:“水彩画小房,先涂一遍黄,深色分大面,影子不能忘。 初中美术教学论文:谈初中美术设计课的教学 摘 要:要把美术设计课教学与现实生活相融合,紧扣新课标的要求,侧重“人与生活”美术教学进行探索,对教材的教学内容进行重组与充实,体现到学习生活中去培养学生审美的眼睛和实践操作能力的锻炼。 关键词:一个中心 情感认知 激发赏析 拓展思维 个性创意 主动评价 我国九年义务教育初中阶段的美术课,是实施美育的重要途径,它对陶冶情操、启迪智慧、促进学生全面发展、培养“四化”建设人才,具有不可忽视的重要作用。尤其是近几年,原国家教委在基础教育中强化了全面素质教育,重视美育(即审美教育),学校中的美术教育也得到了迅速地恢复和发展。国家和地方教育行政部门为了加强基础教育,不断地改善教学条件,修建了一些新的教学楼,我们学区初中,就是其中之一。它周围山峦环绕,河流相伴,绿树成荫,崭新的教学大楼被蓝天白云衬托,自然景观十分优美。为促进内涵发展,学校不断加大力度,精心营造育人环境,在路旁、亭边、花坛里、操场上,矗立起一块块大小不一的石头,并在上面镌刻了三十多条(首)引人思考、催人奋进的名言警句、诗词谚语,如“德,国家之基也”、“振民育德”、“上善若水”、“天地之气,莫大于和”、“学而不厌,诲人不倦”、“运动,生命的源泉”等,让每一块石头都会说话。“石头文化”成了学校创建和谐校园的宣传阵地,通过这些名言警句对学生进行了潜在的、无声的教育。 一、一个中心 “人与生活”的一个中心即围绕“学校生活、社会生活”进行美术教学探索与研究。学校生活,是农村初中每个学生最有体会的生活经历,对学校的学习生活环境、美化寝室的应用设计,是以现有教学环境和生活环境为物质基础的整合改造,有利于学生在主动学习中培养热爱生活的情感,提高艺术修养和审美品味;社会生活,是以学生较熟悉的文化生活延伸到将来必将参与的社会经济生活,有利于学生在主动学习中培养认识生活的心智,提高人文素质和生活品味。整个设计教学的思路是在视觉传达设计教学中引入商业美术模拟实验教学的基本的指导思想,同样也适合设计欣赏教学的建构。 二、五个要素 为了体现以生活为中心的美术课堂教学理念,本人设计了“情感认知——创设生活情境;激发赏析——结合实际生活;拓展思维——探究设计规律;个性创意——凭借生活阅历;主动评价——合作学习研究”五个基本要素。整个教学模式遵循生活(素材)创作(设计)赏析(作品)的过程步骤,在具体教学操作中,对上述环节运用有所侧重,并可以适当地调整与增减。 1、情感认知——创设生活情境 列宁说:“缺乏情感的认识便失去了认识的深入,人的思想只有被浓厚的情感渗透时,才能得到力量,引起积极的注意、记忆和思维。”学习兴趣是学习动机重要的心理成分,是带有情感色彩的认知倾向,是思维活动的起点,没有学习兴趣就不会有智慧和灵感。因为美术作品、艺术家和学生之间存在距离,所以教师要在学生和艺术作品之间架起桥梁——即心灵的沟通。 2、激发赏析——结合实际生活 结合实际生活既体现了艺术源于生活的创作理念,也体现了人文主义的思想理念。本要素是在师生广泛搜集生活素材的基础上开展的以人为本的教学方式,体现学生的主动学习和合作学习过程,针对生活素材进行处理,建立师生素材共享,以及学生之间、师生之间的互动信息库。 3、拓展思维——探究设计规律 要创设生活问题情境,引发关于艺术与生活的热点话题,引导学生参与文化的传承和交流,倾听学生的独特见解,并列举社会生活中的例子,展开辩论、讨论,进一步拓展思维。随着数字化时代的发展,尤其是网络技术的普及应用,美术设计可以利用特定的电脑软件来制作,并可以利用多媒体展示,为美术课堂提供了空间,更便于教学。 4、个性创意——凭借生活阅历 美术设计课应充分调动中学生热衷于改变自己的生活和好想好动的天性,使学生主动进行创造,设计出符合青少年和时代特征的作品。要依据学生所感知的生活、审美情趣以及学生所理解、掌握的美术知识,提供典型的、与学生生活较贴近的设计师作品,从多角度探究作品成功的原因和规律,找寻设计师创作的灵感来源。 5、主动评价——合作学习研究 教师要充分尊重个体差异,尊重每个学生的个性特点,强调以鼓励为主的发展性评价,促进学生个性的发展,让不同的学生有不同程度的发展。在了解每一个学生的基础上,对每一次作业、每一次活动,应该有多种评价方式并存,小进步小成就,大进步大成就,让每一个人都体会到成功的快乐。要通过学生谈设计思路、表现手法等,把握学生的愿望和索求,结合自评、互评(学生、师生),使评价活动从创新实践上升为创新思考,使学生获得带有深刻情感体验的独特理性认识,引导学生课外拓展性的闲暇活动,激发学习兴趣和表现欲望,形成基本的设计素养,促进教学过程的最优化和主题的深化。经过几年的探索实践,本人的教学观念得到了更新,科研意识越来越强。以生活为本,以艺术为本,以学生的发展为本,体现了追求人文生活倾向的设计教学理念,学生获得了进取的力量,分享了合作的和谐,发现了生命的灿烂。在这样和谐的氛围里,才能唤醒师生潜能,张扬本真个性,共同创造奇迹! 初中美术教学论文:略谈初中美术教学方法 美术教学法是教师根据美术教学原则为完成教学任务所采用的工作方法,是实现教学目的的方式和手段。当然,教学方法本身又是随着教学实践的深入和发展而不断变化和发展的,所谓“教学有法而无定法”,就是这个道理。教的方法又是教学活动的主导方面,这进一步说明正确选择教学方法对于完成预定之教学任务是十分重要的。因此,教师应认真研究和正确选择美术教学方法。 一、讲述法 这是最基本的教学方法,所谓口传心授。没有口传,何来心授,这是每个教师都应该具备有的教学能力。恰恰是有些美术教师比较缺乏讲授的能力,只有依靠美术的专业擅长来进行弥补,这无疑是美中不足之处。如果美术教师专业水平高,而且教姿教态优美,语言幽默风趣,那学生在上课时,不仅能感受到课本中美术的审美愉悦,还感受到教师身上所散发的人格魅力。其实,教师的用语是一门艺术,语言表达的顺畅与否直接影响课堂学生的听课质量,出色的讲述可以大大地帮助学生学习知识,领略各种美术风格的匠心独具之处,同时,好的讲述方法也可以帮助教师组织教学、推进教学,引领学生走进美术的大千世界里。但是,实际教学中,对美术教师有着更高的讲述要求,特别是技能教学中更要做到“精讲多练”,课堂讲述时间宝贵,须简明扼要,把更多的时间留给学生自己动手实践。 二、讨论法 这里我们要介绍的讨论法,并不是单纯的学生之间的讨论,而是教师和学生之间平等的思想交流活动。这个互动环节在很多初中美术课堂上都被老师们忽视,觉得上课就是应该讲授知识,但是他们并没有意识到讨论的重要性。教师通过讨论法,可以将各种各样的问题抛给学生自己去思考,在师生间展开的讨论中,教师既能发现学生思想的独特性,还可以更深入的了解学生,和学生成为学习上的朋友,生活上的知己。在讨论过程中,教师应该把问题设计得巧妙些,所提问题要有启发性和刺激性。在课堂上,教师提出的问题首先是要基于学生的好奇心和知识结构水平上提出的,不能提出过于刁难的问题,这样会挫伤学生回答问题的积极性,而且语言表达要清晰,要让学生知道你究竟问什么,只有这样,学生才能在课堂上进行独立的思路,知识火花的碰撞。学生回答问题时,课堂气氛才能热烈活跃起来,为教师进行下一步的讲授知识奠定良好的基础,营造良好的学习环境。在以往的教学经验当中,讨论的最高境界就是没有感觉讨论时而已经发生了讨论,就像我们日常生活中,大家围绕共同关心的问题展开闲聊的方式一样。当然,课堂的讨论是为了推进学习活动,如果教师在美术课堂上发现讨论的主题偏离学习,就要加以引导,或者及时转移话题。 三、谈话法 谈话法是通过同学生互相交谈来进行教学的一种方法。包括启发式谈话法、提问式谈话法和指导式谈话法。这种方法有利于启迪学生思考,激发学生积极思维和师生双方在教学过程中信息的积极反锁。但谈话法的缺点是意见容易分散,不易控制,运用不好还容易使所传授知识支离破碎。 四、合作实践法 这是美术学习最个人化也是最常用的方法,也是在新课改下推广最深的教学方法之一。教师要努力使自己成为学生的研究伙伴,在学生进行艺术实践最需要帮助的时刻,教师可以发挥其指导作用。这在教育心理学上用“最近发展区”和“教师时刻”来描述。同时我们能够看到一起合作学习的同学,往往也能够相互启发和点拨,教师或者同学的帮助在合作学习过程中都起到“教学支架”的作用。合作实践法运用得好,就能有效地促进初中学生提供自主学习的能力,增强同学们的合作精神。 五、演示示范法 演示是为了形象地传达信息,示范是为了使学生在实际操作中有所遵循的法则,这都是美术教学最古老的教学方法,无论何时何地的教师,利用当场示范和演示都是最吸引学生目光的。但是随着新的教学环境和条件出现,有些教师过分依赖多媒体设备,把实际操作演示过程事先录制好,然后在课堂上重复播放,这样看起来是万无一失的教学方式,但是却失去了现场教学的感受,学生不能更直观的感觉到绘画或者雕刻等艺术作品的美。所以,美术技能的演示和示范要尽可能地做到教师现场教学。 六、参观法 参观法是丰富学生的感性知识、扩大视野,使教学同实际生活相联系并从中受到实际教育的一种方法。由美术教师带领学生走出课堂去观察社会,观察生活,观察大自然的一草一木,即我们常说的户外写生练习。学生一旦走出教室,感觉的丰富、思维的活跃,是任何课内教学活动所无法替代的,这也是美术教学中强化学生感性认知的独特方法之一。还可以参观书画摄影展览、作业观摩展览、还有历史文物、名胜古迹、建筑物体、自然风景、动物花卉等。这是进行爱国主义、革命传统和热爱生活教育的一种较好的教学形式。 七、结束语 初中美术教学方法涉及到教和学两个方面,教师既要讲究教的方法,也要教导学生怎样去学的方法。在整个教学活动中,教师应该起到引导者的作用,因为教的方法直接影响到学的方法,采用艺术的、科学的、综合的教学方法,才能帮助学生找到适合自身发展的学习方法,使得学生在艺术学习中感受到乐趣,体验到艺术的奥秘。 初中美术教学论文:对初中美术教育因材施教的特色教学探索 初中美术教育是培养学生审美观察能力和动手制作能力的双重基础教育,作为一名美术教师,我觉得应该对美术教育的重要性有重新的思考。老师主动担负起美术教育的导演特色,充分挖掘美术教育的潜力和资源,根据各校学生实际情况,因校制宜,因材施教,使美术老师大胆地进行美术校本特色教育的探索和研究,努力走出一条具有本校特色的美术教育的新思路。 一、贴近学生生活实际,丰富美术教学素材库 我认为,特色化美术教学要顺应教改的需要,努力开发各校本地的美术课程资源,也就是说校本课程应贴进本地区生活,大胆对原有教材进行增改。“增”即补充一些学生愿意学、教师擅长或有特殊意义的内容,引导学生把美术学习与生活经验、周围环境相联系,表现生活、赞美生活、运用生活。我们正是基于这一点,根据学校的实际情况,结合新课程标准合理地选择,触景动笔,开展了校内校外实物写生的校本教材的探索、研究,依托本地资源开展课程教学,既神形兼备,又便于操作,这样的教学深受学生欢迎。 二、活用多种材料,开拓表现方法 运用不同的绘画工具、材料作画,会呈现出异彩纷呈的效果。老师尽可能和学生在生活中寻找多种材料,给学生提供各种绘画技法指导,让学生在尝试新的画种的绘画过程中,掌握一些新的表达方式,更加随心所欲地创作,感受美术创作表现的多样性。例如,进行盘画教学,起初是以绘画的方法在真实盘子上创作,接着又引导学生用泥塑的方法造型,然后又引导学生用纸浮雕的形式表达,呈现出不同的立体效果,学生很感兴趣,受到启发的同学还尝试运用树叶,种子等身边能找到的材料进行设计,有一定的创新性,激发学生的探究欲望和想像创造能力。这样才能更好更有成效性的开发我校的盘画教学特色,从中提高学生艺术综合素质,这是我们下一步努力的方向。 三、结合时展,拓展美术教育特色 当前,低碳生活成为人们倡导的一个生活目标。在选择内容的时候,我们要寓趣味性于教育意义的内容中,通过有教育意义的趣味课,能够使学生在美术学习的同时形成良好的行为习惯和道德品质。利用取材于我们生活中随处可见的各类废弃物,设计成可以欣赏的艺术作品,同时也可以激发学生环保意识,倡导低碳生活的意义。在教学中结合环保教育,学生不但掌握创作的技巧以及创作中的应变能力,还使孩子们了解可以将一些物品变废为宝,潜移默化中渗透了环境保护的教育,从而也使许多学生养成了勤俭节约的好习惯。 四、注重校本教材内容的层次性和阶段性 从学校的特点和学生的实际情况展开,利用校本教材,让每一课内容的选择和实施又都有一定的层次性和阶段性,这样使各个层面上的学生都获得发展。例如,用泥成图中摆脱纸和笔的束缚,让学生用双手和泥土进行创作。低年级的学生想像丰富,但在造型和构图能力上还较低,在了解和泥成图的创作过程基础上,让学生将泥形摆上课桌,利用勾勒法、捏造法、拼贴法进行有趣想像创作。内容比较简单,难度也不大,易于操作。中年级学生在基本的创作方法的基础上,教师引导学生采用探究组合法及其他的方法进行创作。创作作品的方法要多样,内容上应该讲究创新;高年级学生有一定的造型能力、动手能力和审美能力,我们引导学生用泥巴进行造形设计,并进行色彩渲染,形成彩泥造型中各种动物或常用物品,提高学生造型能力和创新的能力,同时也提高学生做事认真细致的良好的精神。这种泥塑的方法表现,现在我们想在不同的年级尝试用纸造型的方法进行设计,使其立体感更强,更富有装饰的味道。 五、让“以生为本,因材施教”的教学理念贯穿于教学中 在特色美术教学活动中,老师要让学生亲身地参与搜集、整理材料,体验创作,课堂上注意体现以课堂时间、以教室空间、以活动主动权、以探索权利、以创新可能、以个性张扬的教学特色,满足学生自主的需要,让他们得到美术创作的乐趣,真正做到以“因材施教”、“以生为本”的教学理念。在短短课堂上,让学生充分参与其中,学生能说的学生说,学生能做的学生做,学生能想的学生想,学生能写的学生写,我们在课堂教学中充当的是组织者、指导者和参与者。如在泥巴造型趣味课中,先让学生体验收集生活中的素材,进行归类整理,然后确定主题,大胆选择“奇”、“异”、“怪”之类,并展开自己的想象,在相互合作讨论交流之中完善着自己的想法,使孩子们在思维火花碰撞中找到了回归自然的乐趣。他们的创新的想法,表现得淋漓尽致,想象力得以充分发挥,思维更加活跃,兴趣更加浓郁了。 六、学生主动参与美术活动意识显着增强 美术校本特色的教学活动贴近学生的生活实际,教学实践中发挥了学生的创造性,充分调动了他们的美术兴趣和表现的欲望,在调查、分析、发现、实践、创作等各个环节各个过程中,学生显示出了极大的热情。在学习活动中,学生主动地观察、探究、交往、审美、创作、评价,发展了多方面的能力,形成了健康向上的个性。 总之,美术根植于生活,生活中蕴含着无限的美。在现实生活中,老师要学会利用各种自然资源,让学生发现美、欣赏美,提供了丰富的素材,只要将其合理利用,开发与探索都可以成为初中美术教育的特色内容。在特色化美术教学的探索中,老师应积极引导学生观察自己身边的事物,努力引导他们走向自然,在熟悉生活中中寻找美,在取材中欣赏美,在绘画中创造美,真正让学生嗅出生活的清新,看出生活的美丽,品尝生活的快乐,用自己的真情实感去描绘生活,创造生活。 初中美术教学论文:对初中美术基础绘画教学的研究 现在很多初中美术教师在日常基础绘画教学中都是运用多媒体教学,而传统的方法如挂图、实物展示等渐渐地不再使用了,虽然运用多媒体方法可以调动学生的视觉、听觉等感官,却无法满足他们的触觉和锻炼他们的动手能力。我觉得应该把多媒体等现代化的教学手段和传统的方法结合起来,使同学们全方位地感受艺术。 一、强调学生绘画基础创作的主观性和主题性 “玩”并不是乱来,同样要让学生掌握有用的知识技能和增加审美修养。学生创作时,在自主的自由性上应该强调其主观的能动性,让他们在绘画中掌握了基本的基础原理和技巧后,完全可以去无拘束地发挥。但要引导学生将创作的热情围绕在一定的表达“主题性”上来。如:表现大自然“春、夏、秋、冬”四季的视觉印象和心感受,提示学生其中有什么“色彩”,有什么“线条”,有什么“点”,有什么“面”等等。普通学生的基础弱点在于写实造型基本功,他们并不缺乏丰富多彩的审美想象力,因此,作为辅导教师,更应该重视从纯化的美术基础语言形式上,引导学生进行“抽象”化的艺术自由表现,去追求以表达审美心理和情绪感受的“意象”审美的主要境界。 二、校内外文化活动中的绘画开展形式 外延绘画艺术课堂性辅导,利用适当时间带领热心绘画艺术的兴趣小组学生前往公园、乡村等方便组织活动的户外场地开展写生创作实践活动。另外,还要积极同校内外文化艺术活动相结合。由此拓宽学生感受与实践美术知识的参与接触范围,激发学生更强的学习积极性,巩固知识,增长见识与修养,更好地促进学生艺术素养的积累和提高。参与方式主要可分为:校内文化艺术活动,如:组织参与学校专题主办的“我的心情,校园现场绘画艺术比赛”等校园集体文化活动,组织学生观看学校师生美术展览等。校外文化艺术活动,如:组织学生观看美术馆艺术展览、听艺术讲座、观看美术文化有关的人文历史古迹等。 三、培养学生独立创作能力,注重求新求异 绘画是一种创作活动,教师的任务是引导、启发和鼓励学生创新意识。学生每天都在看周围世界,如果不加以指点,他可能并不注意物体的表象,如果我们教师适当加以引导,丰富学生对周围事物的感性认识,这样对学生绘画的创造会有更大的帮助。学生的绘画造型具有游戏性、随意性、象征性和装饰性。学生在掌握了基本的线条的基础上,鼓励学生大胆对物体进行创作,用不同的线排列组合,学会对物体进行装饰。例如:孩子从家里带来一只小蜗牛,引起极大的兴趣,我便与孩子一起观察蜗牛贝壳上的花纹,并启发学生用各种线装饰小蜗牛的背壳,学生因为对这活生生的动物有极大的兴趣,不仅创造了不同花纹的背壳,而且还添加了其他景色,丰富了画面。可见,从学生的兴趣出发,充分调动学生积极性,学生才能创造出内容丰富、生动活泼的艺术作品。 四、创意无限,精彩无限 创意人人都有,对于现在的学生来说更是满脑子的创意,问题是如何表现出来,并且在指定的主题下实现与众不同的“创意”,还要通过绘画的形式表现出来,的确非常困难。因此我在教学中结合绘画基础知识的学习,请学生就“灯泡”和“书籍”进行创意练习。并提供一些图片资料,解决学生对图形的把握较弱的问题。“灯泡练习”相对简单一些,只需在原有的造型上进行改变或添加,使之有趣或有意味就可以了;而“书籍”创意练习,现实引导学生解读“书籍”的形象,再讨论其含义和引申意义,书中的形象可以局部也可以整体,可以单一也可以众多,通过和其他形象的组合产生有主题的作品,并通过适当的背景提升作品的效果,学生在这样一步一步地引导下通过解读形象——创意草图——正稿——修改定稿——背景完善等环节,在最后的一幅作品中都能很好地通过“书”的形象表达自己与众不同的想法,在讨论和展示的环节中,也激发了学生创作的热情,学生们觉得绘画原来可以无拘无束的,像与不像并不是最重要的,创意原来可以带来创作的激情,绘画真的非常有趣。 五、把绘画与自然、生活联系在一起 我们日常生活中有很多东西可以利用充当美术作品的原材料,例如利用废旧的饮料瓶可以制作小手工,利用废旧的书、报等制作服装,既美观又环保,就看你有没有细心去发现利用,艺术来源于生活同时又高于生活。另外我们还可以充分利用本地的自然资源,不仅可以把自然界的花草带到课堂上,同时也可把同学们带到大自然中去观察、感受、体验,才有更深刻的体会,更深层地去鉴赏、理解作品,例如春季里我们可以带同学们走出课堂到郊区去感受春天的气息,教师同时现场讲解,既生动又有趣,大自然是最好的课堂,天然的教具,最鲜活的事例。 总之,我们需要让学生通过美术课放松心情,提高对美的感受和表现能力,提高动手能力和创造能力,富于激情地进行美术的学习,并不断地尝试挑战自我,这将对他们今后的生活质量的提高会起到重要的作用。而教师也通过这样的教学活动感受到了学生的创造力,感叹着年轻的力量,促使教学充满了设计,设计充满了智慧。 初中美术教学论文:论初中美术教学中学生学习兴趣的培养 孔子说:“知之者不知好之者,好之者不如乐之者”。这里所说的“好”与“乐”就是一种兴趣,一种愉悦的心理,一种力求认识和创造的倾向。学生的学习兴趣是学生学习的内在动机,也是推动学生探求获得能力的一种强烈欲望。在美术教学中,有效地激发学生的学习兴趣是形成基本的美术素养,发展美术实践能力,激发创新精神,陶冶审美情操的有效手段。激发兴趣对于调动学生学习美术的积极性和主动性起着无可替代的作用。美术课是提高学生审美素质的课程,是美育教育的重要组成部分,如今我们全力提倡和实施素质教育,这对学生学好美术具有很重要作用。通过美术课的教学,可以培养、激励和训练学生的观察能力、想象能力和创造能力,使学生的手、脑的同时得到锻炼,还可以陶冶学生的情操,提高审美能力和文化素养。在美术教学过程中,如何调动学生学习的积极性,使学生对美术产生较浓厚的兴趣是教学的根本任务。美术新课标指出:义务教育低段学美术教学强调培养学生的学习兴趣,强调情感的体验,注重学习的过程,注重跨学科学习,通过美术实践活动提高学生的综合素质。那么在初中美术课上怎样激发学生学习美术的兴趣?笔者结合自己在教学的经验谈谈一点粗浅体会: 一、了解学生心理,培养学生兴趣 作为教师,我们应该多了解学生,了解学生的学习兴趣,尊重学生的思维表现特点。由于学生的身心发展和认知事物有着密切的关系,美术教育是学生身体发展水平,知觉能力、情感态度和生活经验的自然产物,美术是学生认识世界过程中的一种表现。人们需要对事物的认识表达时就有画画描述的冲动和欲望,每当人们看到有感染力的作品就会受到鼓舞,从而有表达自己内心世界的喜、恶的冲动。因而应该给他们创作自由,让学生从兴趣开始,可以先画自己喜欢的,兴趣往往会产生“阶段性”的成果,我们要把握好学生所取得的成绩,及时的给予表扬和肯定,再画教师布置的作业,使学生乘胜进步。教师只有了解学生心理,正确的引导,才能培养其兴趣,提高创新能力。 二、趣味导入新课,激发学生的兴趣 在美术课教学中,调动起学生学习的主动性,激发他们学习美术的兴趣是至关重要的,因为兴趣是学生学习美术的原动力,正如一位着名教育家所说“教人未见意趣,心不乐学”,怎样才能激发学生学习美术的积极性呢?首先,以德育教育,激发学生的兴趣、发展思维能力。在美术课中,不仅是按课本有什么就教什么,而是要结合教材对学生进行思想道德教育。不仅在提高学生美术知识和技巧的同时,还增强了学生爱家乡、爱祖国的思想感情。其次是创设学习情境,激发学习兴趣。在美术课中,教师要善于利用与课本内容有关的儿歌、谜语等语言形式,设置各种情境,以吸引学生的眼球,以激发学生的认识兴趣。老师在美术教学活动中要善于调动学生学习的积极性,激发他们的学习兴趣,使他们大脑处于兴奋状态,这样才能收到满意的教学效果,使学生永远沉浸在快乐之中,达到寓乐于学到目的。 三、转变教学观念,提高审美意识 美术课并不是把学生培养成画家、美术家,也不是为了应付一节课或者认为是简单的哄孩子玩。学生眼中的世界,描绘的水平绝对不可能和成年人一样,因为他们所表现的视觉形象多半是直觉与想象的综合,只有随着年龄增长,知识的积累,技巧的提高,才能渐渐使其变为直觉与理解的再现,才有可能变为主动的再创作。要在学习过程中陶冶情操,培养学生各种能力,提高审美意识。因此在课堂教学当中,也不能以太高的准则来评价学生。而是看在画中是否真实反映了学生的内心感受,是否有独特性、新颖的表现。要多给予肯定的表扬,少有居高临下的指责。观念的转变是教学的指导思想,首先教师不能有副科意识,美术是不重要的课程等意识。美术联系其他各学科,渗透各学科,体现在生活的衣食住行中,教师要转变观念,也要不断提高自身的审美能力,才能培养学生的美术兴趣,提高学生的审美知识和意识,才能达到美育的目的。 四、运用媒体技术,激发学习兴趣 媒体指的是教学中常用的图片,实物、模型、音响、幻灯、语言描述等一些“辅助工具”。教学中能够尽多地将媒体介入,极大地调动学生学习的积极性。因为媒体的使用,能使绘画内容变笼统为具体,变抽象为形象,变模糊为清晰,变难为易。如透视规律是比较抽象和复杂的,仅靠语言的描述很难理解,利用演变教具不仅让学生发现规律,理解规律,而且使美术课摆脱了理论知识教学中的枯燥说教。美术课也可以通过幻灯投影从视觉角度发展学生审美能力。同时,还可录制与课文内容吻合的配乐录音,调节学生心态,为完成创作创设一个情境,启发学生积极思维,进入其境,然后进行创作。 五、漫画卡通教学,促进学习兴趣 漫画和卡通画的形式比较容易掌握,可以使学生学了就用,其技法的多元性和自由性,在进行表现的过程中束缚较少,为学生自由地表现自己的思想情感提供了工具,所以在学生的日常生活中得到了广泛的应用。学生既可以充分地利用这种工具进行信息交流,也可以用漫画或者卡通画来帮助表现和装饰书信、贺卡或者笔记本等等。漫画、卡通既可以是单幅的,也可以是连续的图画,这种灵活性可以让学生根据自己的兴趣和需要表现的内容来决定采用什么样的形式,而且不同水平及能力的学生都可以选择力所能及的形式进行创作与表现。总之,漫画或者卡通画的故事、设计和作品能够使美术课堂更富有活力和吸引力,促进学生在美术课中学习动机的形成。 总之,兴趣是最好的老师,是学生学习的向导和推动力。以上几点,是笔者在美术课堂教学中的一些体会和感受。笔者相信,课堂激趣只有与学生生活紧密联系,把趣味性与知识性、科学性结合起来,并能恰当运用多种教学手段,美术课必然会活起来,学生学习美术的兴趣会更浓。
美术教育教学论文:幼儿园美术教育教学论文 一、幼儿园美术活动的具体实践探索 1.创设审美环境。 (1)结合主题活动定期展示有特色的艺术作品。例如本月我们班的主题活动是“伞花朵朵开”,其中有个环节就是《彩绘伞面》,让幼儿在伞面上面进行绘画和创作,用广告颜料让幼儿在伞上进行绘画,出示多把已经绘画完成的伞,请幼儿来欣赏这些伞,让幼儿观察这些伞面构图的特点,启发幼儿商量讨论:我们要如何共同制作彩绘伞?有什么办法可以解决人多伞少的问题?几个人一起合作,怎样才能让伞的画面一致漂亮呢?每组幼儿商量出一个“工作计划”:伞面什么地方要画什么?谁负责画那个部分?画什么内容?如:语言组的幼儿商量着画海底世界,6个伞面,正好一人画一个面,他们商量着要画一个大大的鲨鱼,有尖尖的牙齿这样需要画两个伞面,就需要两个小朋友一起合作,其他四个小朋友就画小鱼和水母,还有珊瑚和水草。综合区的幼儿拿到了一把蓝色底的雨伞,他们就商量画白云、小鸟,还有很多彩色的气球。 (2)随处展示孩子的作品。班上每周有两节美术课和两次区域活动,在我班的走廊、美工区到处悬挂张贴孩子的作品,孩子们欣赏着同伴的作品,感受稚拙的画法、夸张的形象、浓烈的色彩和大胆的想象,不断地产生共鸣,激发新的创作激情。如:在我们班主题活动《最棒的我》中有节美工活动《表情变变变》,通过这节课我延伸到了区域活动《人物头像粘贴》,利用废旧的纸盒和各种彩色纸来进行人物头像的粘贴。我们班的郭承泽小朋友就把眉毛剪得又粗又直,眼睛一边是方形,一边是同心圆圈。鼻子是用纸盒的边角剪成的一个三角形,很有立体感。嘴吧贴成一个正方形,还有很多牙齿。我看到后马上问泽泽你做的这个表情是什么啊?泽泽说我做的是一个会修理汽车的机器人。当其他幼儿看到后,也马上说教师我做的也是个机器人,他可以帮妈妈干活的!其他活动区域的幼儿看到后,马上跑过来问,这是什么啊?郭承泽很骄傲地说这是我做的会修机器的机器人,其他小朋友马上也获得了类似的灵感!还有面墙展示了幼儿的绘画作品,每次幼儿完成作品后,我们都会让幼儿把作品展示到自己的画袋里面,幼儿就会一起说说自己画的是什么。记得有节课是画出四季常青的树,旭升小朋友向其他幼儿介绍自己画的树是一棵圣诞树,上面挂了很多的彩灯,树下放了很多的礼物,天空还下了雪。国贤小朋友看到后说我也画了很多的雪花,我画的是冬天的树。这时忆宣小朋友说我也要加上雪花,我过年回爷爷家就可以看到雪了。 (3)经常播放一些优美的音乐陶冶孩子的情操,丰富艺术想象。孩子天生是个音乐爱好者。无论是几个月还是几岁的孩子,只要听到优美欢快的音乐,就会情不自禁地面露喜色,或摇头晃脑,或载歌载舞。音乐和美术是分不开的,一个是听觉艺术,一个是视觉艺术,它们互相依存,共同发展,经常听音乐也能丰富孩子的艺术想象。如:中班《线的训练》美术活动中要求幼儿用流动的线来作画。这样可以提高幼儿的形象思维能力和拓宽儿童的思路。通过音乐可以从另一侧面进一步消除幼儿对绘画的紧张感。活动重点:线条的变化。活动难点:线条的粗细、疏密的变化和组织。活动过程:玩彩带,让幼儿观察彩带舞动的变化,让幼儿对线有初步的认识。欣赏红绸舞、体操、棒操、圆环操等与线条相关的舞蹈。边放音乐边用语言描述,启发儿童回忆生活中常见的线条,和我们以前学过的线条画。如浪花(弧线)、流水(波浪线)、雨水(竖线、斜线)、折线(山峰、峡谷)、花朵(同心螺旋线)、毛毛虫(螺旋线)等。边描述过程,边在黑板上记录这些线条。 2.选择有情趣的活动内容和形式。课题的选择符合孩子的需要和兴趣,只要是来自孩子的生活、经验的东西,都是孩子喜欢的,更容易引起孩子的共鸣,可以说是有情趣的。有种材料叫毛根,它在幼儿的手中能变化成不同的造型,这让我也有了一个大胆的想法,我就创设了一节美术课《千奇百态的人》。在上这节手工课之前,我先带幼儿参观了幼儿园的运动标志墙,让幼儿观察这些运动造型是什么运动的动作,并让幼儿来描述和示范这个动作。在幼儿描述动作的过程中,我随手拿几条毛根扭起来,不一会儿幼儿的动作就展示出来了,教室里一下子就沸腾了,幼儿开始在自己的座位上做出了许多千奇百态的动作,人人都说“老师做我,做我”,于是,我抓住这个时机教孩子们扭毛根:请每个小朋友拿两根颜色相同的毛根,两根毛根对齐,从毛根的中间位置开始,相互缠绕,做手和脚,这样小人的身体就做好了。再用一根毛根在我们手指上缠绕几圈做小人的头,预留一定的长度用来和身体部位相固定。这样一个小人就做好了。把小人做好后,就可让它们来做操、跳舞、运动了!孩子们可根据自己喜欢的造型随意扭动它们的手和脚,这样一个生动的小人就做好了!当幼儿开始动手操作的时候,有些幼儿显得有点困难,这个时候我就请动手能力强的幼儿帮助这些有幼儿,让他们互相交流。很快所有幼儿都能自己完成一个生动活泼的小人了。 3.改变评价方式,注重创意和情趣。在对幼儿美术作品进行评价时,应该以鼓励和正面评价为主,多角度挖掘作品中的亮点,减少对图画与实物的比对,力求神似,以相对宽松的标准客观地进行评价,让孩子真正体会到自身的创作天赋,并且在美术活动中享受成功的喜悦,展现出自己最完美的一面。幼儿团体处于特定的年龄阶段,喜欢受到他人的表扬,并且会在赞扬与鼓励中再接再厉,发挥出巨大的潜能。因此,教师应该在看到孩子的优点和正确做法时,及时予以表扬,并且提出对幼儿的期望。即使孩子犯错时,教师也应循循善诱,恳切地用孩子易于接受的方式提出具体改进意见。在教学活动过程中,教师可以采用做小游戏的方式活跃课堂的氛围,降低教学难度,使孩子通过认真观察发现事物内部规律。例如“,蝴蝶找朋友”、“和小企鹅抢答”、“编花篮”等,这些游戏能调动幼儿的积极性,活跃幼儿的思维,使师生在愉悦的课堂氛围中探索科学知识的奥秘。教师应创新评价形式,总结有趣的、新鲜的评价方式,减少幼儿的听觉疲劳。例如,在幼儿园小班的手工活动中,利用小猴买元宵的小故事代替纯粹的泥工美术活动。小猴说:我喜欢买圆圆的、一样大的元宵,我用五角星来买元宵。在小猴五角星奖励的诱导下,孩子认真地搓“元宵”,最终都获得了小猴的五角星。这种近距离的接触,不仅增进了教师与幼儿的亲密程度,而且有利于幼儿对知识的消化和吸收。 二、总结 实践证明,幼儿园的美术活动注重情趣性,能使孩子对美术活动产生更大的兴趣和更强的创作愿望,孩子们在富有创意的活动中愉悦心情,从而增强孩子的自信心;这些活动还大大地拓展了幼儿园美术活动的形式、丰富了内容,给孩子新鲜感、神奇感,激发了孩子的探究欲望,真正实现了美术教育的终极目标:寓教育于美的享受之中,始终把对孩子的个性、情感的尊重放在首位,强调在孩子精神获得满足和愉悦的同时,培养其对美的感受能力,提高他们的审美情趣,以形成完整和谐发展的人格。 作者:许莉单位:广东省肇庆市鼎湖区机关幼儿园 美术教育教学论文:高师美术教育教学论文 摘要:当前,高师美术教育正在发生着深刻变革。其突出特点是培养目标更加多元化,教师教育更加专业化,教学过程更趋数字化。把握这时代特征,有利于提高高师美术教育的质量和效益。 关键词:高师美术教育培养目标教师教育教学过程 近年来,高师美术教育在“艺考热”、扩招热及火爆的艺术品市场推动下,其办学模式发生了深刻变化。多数高师院校打破了单一培养教师的传统,面向市场设置应用型艺术设计专业,形成一种办学模式多元化的强劲态势。同时,在基础教育新课改和以数字化为特征的信息技术推动下,教师教育专业化、教学过程数字化两种趋势也十分明显给高师美术教育带来了新的机遇与挑战。 一、培养目标趋于多元化 (一)设计艺术成为高师美术教育新的生长点 传统上,我国美术教育大体延续着美术学院工艺美院和高师美术教育三大类型并存的格局。其中,美术学院设置国、油、版、雕、史论等传统专业,培养专业美术工作者和研究人员;工艺美院以实用设计门类划分专业,培养应用型专业设计人才;高师美术教育大体沿袭了美术学院的专业设置,以培养各级各类教师和教学研究人员为专业培养目标。但从上世纪80年代中期开始,这种格局开始发生变化。社会对纯艺术类人才需求量不断缩小,中小学美术教师在大中城市也渐趋饱和,而设计类实用型人才需求量逐年递增。至90年代,设计类专业成了中国美术教育的热点。全国各大美术院校都争相开办设计类专业,而高师美术院校也不甘落后,相继增设了“平面设计”和“环境艺术设计”等专业。以教育部属六所师范大学为例,华东师范大学设有综合绘画、美术教育和环境艺术设计三大学科,并按“综合绘画和美术教育”、“环境艺术设计”两个方向招生;东北师范大学设有美术教育、油画、水彩画、中国画、雕塑、环境艺术与服装艺术设计、装潢艺术与电脑美术设计等7个系,其中只有美术教育系为师范类专业;陕西师范大学设油画、国画、视觉传达设计、环境艺术设计等四个系,并按照美术教育、绘画、装潢设计三个专业培养人才;北京师范大学下设美术学、艺术设计两个专业,专门培养从事美术、书法、艺术设计教学、创作、研究等工作的高级人才;西南大学设有美术学、艺术设计、绘画及雕塑四个本科专业,只有美术学为师范类专业;华中师范大学设有美术学、艺术设计两个本科专业,其中艺术设计为非师范类专业;华南师范大学现有美术学、艺术设计、数字媒体艺术等三个本科专业,设有美术教育、视觉传达设计、环境艺术设计、工业设计、新媒体艺术等系,多数为近年来新兴的非师范类应用型专业。 高师美术教育培养目标的多元化不是一种孤立的现象,而是席卷全国的大学综合化总趋势的一部分。从高师美术教育的角度看,这种综合化趋势是从两个层面展开的:一是美术教育的综合化。在以往,美术学专业有师范类与非师范类之分在2005年教育部印发的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》中,“师范类”被“教师教育”所代替。这不仅仅是名称的变化,而是为培养主体多元化开辟了道路。当前,不少艺术学院都开设美术学(教师教育)专业,其在师资、科研、教学基础等方面的优势立刻显现出来,并对师范院校的美术教育形成了强劲的挑战。二是教师教育综合化。近年来,综合性大学举办教师教育已经成为一种国际趋势。1991年,在欧洲教师联合会上,由欧共体12个成员国60位专家共同提出了“教师教育大学化”的口号,认为“大学应该在教师培养和培训中扮演重要角色”。在我国,1999年第三次全国教育工作会议提出,要鼓励综合性高等学校和非师范类高等学校参与中小学教师的培养工作,在有条件的综合高等学校中试办教育学院。2003年11月,全国一百多所非师范类院校召开会议,共同《非师范院校积极参与教师教育的行动宣言》,明确指出:“中国教师教育已经进入了一个从数量满足向质量提高转变的历史新时期。实现这种转变,鼓励师范院校综合化和综合大学参与教师教育,是世界教师教育发展的共同趋势,也是我国经济社会和教育发展的客观要求。”实践证明,综合性大学办教师教育,能够充分发挥其办学经费充足、硬件设施先进、学校认同感较好等优势,他们的毕业生后劲足、适应性强,更加受到中小学校和同行的好评,这也成为高师院校实现培养目标多元化的原因之一。 (二)培养目标多元化推动人才培养模式创新 专业的多元化根源于人才需求的多样化和学科专业的综合化。但在现有的高师本科教学模式下,学科专业化和教师专业化二者间存在着不可协调的矛盾,因而促进人才培养模式创新也是大势所趋。主要途径有:一是形成“大美术”的理念。今天,美术在人们的观念中除了传统的国画、油画、版画、雕塑、水彩外,还有建筑设计、工业造型、服装设计、家具设计、环境设计、广告设计、染织设计、装潢艺术、多媒体网页设计等等,在这些专业中还可以分出多个分支,它们都是美术的范畴。二是实行按院招生制度。当前,多数高等师范院校都撤系建院,并实行按院招生制度。学生入学后不分专业,统一进行基础教学,在充分了解各专业的具体情况及就业形势之后,再由学生选择专业或专业方向。三是创新人才培养模式。在不少高师院校,已经开始试行弹性学制和灵活的人才培养模式。主要有:(1)“2+2”的小学师资、“3+1”的中学师资培养模式。小学师资前两年学习基础公共课和主修专业,后两年进行辅修专业和教育理论的学习与教学实践;中学师资前三年进行基础公共课、主修课程和综合课程的学习,最后一年学习教育理论并进行教学实践。(2)辅修及双专业、双学位模式。许多高校都允许学有余力、并对教师工作感兴趣的学生选择辅修教育类课程,修读双专业并获得双学位,为其以后取得教师资格证打基础。(3)“4+X”的教师教育模式。其中,实行“4+0”模式者,学生毕业即就业;实行“4+2”模式者,学生本科毕业后再读两年硕士学位,培养目标是重点中学的骨干美术教师;实行“4+3”教师教育模式者,采取本硕连读的办法获取硕士学位,学生毕业后可以到美术类高校担任专业课教师。 二、教师教育趋于专业化 (一)“教师专业化”已经从理论走向现实 我国传统的美术教育注重技能训练,因而培养出来的学生其职业意识更倾向于是一个画家而非美术教师。这种状况随着教师地位的提高,尤其是随着“教师专业化”理论的提出而有所改变。教师专业化理论最早是由社会学家卡尔·桑德斯(CarrSaunders,A.M.)于1933年提出来的。1986年,卡耐基公司和霍姆斯小组相继发表的《国家为21世纪准备教师》两份报告,指出公共教育质量只有当学校教育发展为一门成熟的“专业”时才能得到改善。在我国,1993年颁布的《教师法》明确提出:“教师是履行教育教学职责的专业人员。”2000年,《职业分类大典》也将教师归人“专业技术人员”。从2001年4月1日起,国家首次全面开展教师资格认定工作。这些都从法律和制度层面奠定了教师专业化发展的基础。教师专业化是针对其知识结构不合理、专业性不突出,以至于产生较大的职业可替代性提出来的,意在提高教师社会地位、职业地位和专业地位。尽管与“画家”的名头相比,美术教师的专业化程度仍比较低。但随着教师专业化程度的逐步加深,美术教育必将成为一种不可替代的职业而获得普遍的尊重。 (二)促进专业发展是高师美术教育的义务 在我国,高师美术教育从本质上看仍属于职业教育,其课体系基本上是参照美术学院绘画专业设置的,教师专业化程度很低。为此,我国高师美术教育从三个层面来提高未来教师的专业化程度。一是加强专业课教学。教育部于2005年颁布的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》明确指出,美术学(教师教育)专业培养的是“具备初步美术教育教学研究能力的合格的基础教育美术教师和社会美术教育工作者”。根据这一目标,《课程方案》从思想政治和职业道德、人文素养、专业基础、专业技能以及身心素质等方面提出了五条规格要求并从课程体系中辟出一个专门领域——“美术教育理论与实践”,其中“中小学美术教学论”与“美术教育实习”为必修课,“中国美术教育史”、“教学多媒体设计与制作”、“外国美术教育史”、“教育研究方法与论文写作”为选修课,其目的就在于体现课程的师范性。二是增强人文内涵。多年来,我国的高师美术专业一直以培养画家、雕塑家和设计师为取向,注重专业技能课训练,忽视美术史论课学习,这种知识结构已经远远不能适应新课改的要求。新颁布的《义务教育美术课程标准》明确指出:“美术课程具有人文性质。”《普通高中美术课程标准》也指出:“普通高中美术课程具有人文学科的特征。”这在美术课程观上是一个重大突破。在新课程方案中,美术欣赏课被放在突出位置。它不仅需要教师对美术实践有亲身体会,更需要教师具备全面的文化素养,因而需要在美学、美术理论、艺术概论、中外美术史乃至文学、历史、哲学等人文学科有较全面而深入的了解和掌握,还应在教育学、心理学等方面有一定的修养,成为一个具有人文精神和人文素养的人。三是要注重实践能力的提高。一般说来,教师的知识可分成两类,即“理论性知识”和“实践性知识”。其中实践性知识是教师专业发展的基础,在教师的工作中发挥着不可替代的作用。因此,高师美术《课程方案》中的实践性课程达20—22周之多,其中包括社会实践(军训、社会调查、就业指导、劳动等)、毕业创作、毕业论文答辩、艺术实践、艺术考察等,这些都有利于推动学生的专业发展。 三、教学过程趋于数字化 (一)数字化改变了人们关于美术的感知方式 一般认为,美术是一种造型艺术或视觉艺术,它运用一定的物质材料如纸、布、木板、粘土、大理石、塑料等,通过造型手段创造出具有一定空间和审美价值的视觉艺术形象。但是,随着信息技术的高度发展,人们关于美术作品的感知方式越来越技术化了。上世纪90年代后,数字化的印刷、摄影技术高度成熟,大幅广告、精美照片、时尚杂志、网络世界、数码影像等,凡是能够吸引眼球的功能都被商家广为采用,以致导致人们普遍的审美疲劳。而关于美术创作的经典手法,也被数字化时代颠覆了。以前,从设计到完成一幅作品需要花费很长时间,而且对手绘技术要求很高。现在,人们用电脑进行美术创作,摆脱了铅笔纸张、直尺圆规、颜料调色盒等绘画工具限制。即使是一个没有受过专业美术训练的人,只要使用Photshop等普通绘图软件,也可以制作出令人满意的图片来。不仅如此,数字时代还促生了以美术学为基础的创意产业,尤其是广播、电视、动漫、环境、设计、广告等新兴产业的迅速成长,对高校美术教育形成了强大的拉动。为适应这一需求,许多高师类院校都开设了基于信息技术的艺术设计专业。比较典型的有;动漫设计与制作专业,主要培养能在电影、电视等媒体的制作岗位上从事三维动画创意及制作等方面的专业技能型人才;图形图像制作专业,主要培养能在电影、电视、广告、新传媒等媒体的制作岗位上从事后期合成、电脑剪辑、特效制作以及影视作品技术处理的专业技能型人才;游戏动画设计专业,主要培养能够在游戏制作领域胜任原型设计、模型制作、纹理制作、动画调试等岗位的工作,并进行创作和理论研究的技能型人才,等等。这些人才的知识与技能结构与传统美术人才相比有很大的区别,他们所从事的美术活动很难以传统的美术概念来界定与归类,但往往又有着广阔的发展前景,因而也引领高师美术教育不断调整人才培养目标。 (二)多媒体及网络技术成为高师美术教育的常规手段 在美术教学中,利用多媒体教育技术可以展示出栩栩如生的画面及艺术品特有的魅力,在引发学生审美直观感受的同时,还可以渲染出浓郁的艺术气氛,以形、色、声、情来全方位、立体化地调动学生的视觉、听觉,因而受到高师美术教师的欢迎。而利用网络信息技术则可以突破时空的限制和教师知识结构的局限,古今中外的名画、雕塑、工艺美术、设计、建筑、书法篆刻等,都可以通过网络搬进课堂,从而把美术教学变成一个师生互动、共同探究的活动过程。另外,利用电脑强大的编排、文字处理及图形插入等编辑优势,还可大大提高编写教材的效率和质量。多媒体技术在高师美术教学中的运用,极大地改变了传统的“一言堂”、“满堂灌”的教学模式,不仅有利于增长学生的知识、开阔学生的视野,而且能够提高学生的审美力、想象力和创造力,培养学生自主探究的能力,这对提高美术教学的质量和效率都有着非常重要的意义。 美术教育教学论文:民间美术教育教学论文 一、民间美术在美术教育中的现状分析 在美术教育中,民间美术引入的时间还短,学生、家长、甚至老师对民间美术存有偏见,这样的观念使得学校在进行民间美术的教育中举步维艰,难以推进。现代美术教育要冲破这些不利因素,将真正的民间美术传播给学生,传承和发展民族艺术。 二、民间美术在美术教育中的价值 民间美术包含了劳动人民的勤劳智慧和对生活的热爱,这些艺术渗透在我们生活的周围,对于深化对传统文化的认识和加强思想道德都有着不可忽略的作用。民间美术对学生的影响,不仅可以提高审美能力,还能开发创造力,更可以提高动手能力。我国要求开展民间美术教育,目的就是提高学生的美术技能和人文素质,培养审美情感和创造力。新疆少数民族的建筑装饰就是其建筑文化和工艺装饰的传承,在关于教育学生对民族和民族文化的认识方面都有深刻的影响。 三、民间美术在美术教育的应用模式设计 (一)树立对民间美术教育的重视观念 首先要进行的是对学生的民间美术的审美普及教育,包括美感的教育,美学知识的普及和普遍美术教育。在课堂教育中,要调动学生的积极性和创造性,开展关于民间美术教育的交流活动。民间美术由于其浓厚的民族气息和富有的艺术特征,在科技发达的今天尤为重要,因此在进行民间美术的教学时,要带领学生重新领悟和解读其中深意。许多职业学校对民族美术的教育不够深刻,教学体系也不完整。但是运用地域特色文化来加强对民间美术教育的吸引,相信学生也能更好的适应。新疆少数民族的建筑装饰算是当地较为常见的民间文化,将日常生活中的物件引入课堂,更易接受和认知,也会引起学生兴趣。 (二)提炼适合不同层次学校的民间美术教学资源 民间美术教学资源的选取要根据教育性、学生心理和课程性质出发,选择适应审美观念、学生喜爱和可以培养学生美术素养的美术资源。新疆少数民族的建筑装饰在审美情感表达、装饰造型表现和文化融合等方面表现出了浓烈的地域特征。这些装饰既实用又具有艺术性,可以作为民间美术教学资源;而学生们的喜爱和可以动手制作部分装饰也允许民族建筑装饰成为教学资源;这种具有民族和宗教特色的建筑最能体现艺术价值,因此可以有效培养学生的美术素养。 (三)因地制宜开发民间美术资源教学应用 制作工艺的难易程度、年龄层次的不同和地方民间美术优势决定了一个学校在选取民间美术教育资源方面的内容。新疆少数民族装饰如彩画、石膏花、拼花砖、釉面砖和木雕等的制作工艺并不太难,具有当地民族和宗教特色,而且适合职业学校学生学习制作,因此可以选取作为民间美术教学资源。(四)开发灵活多样的教学方法民间美术的教育要结合多种教学方法,开放式教学和小组互动交流教学,让学生更好的吸收课堂内容。以新疆少数民族建筑装饰木雕为例,老师可用一个小故事引出木雕的来由,然后再进行造型分解,激发学生对民间美术的学习兴趣,从而带动民间美术在课堂的吸引力。 四、民间美术资源在美术教育中的实施 (一)欣赏课教学实施 通过让学生欣赏一些民族建筑的装饰,感受造型艺术的特点和价值,积极鼓励学生表达欣赏心得,并通过欣赏其造型与色彩,了解不同民族建筑装饰的文化价值和在生活中的寓意,培养学生热爱优秀的民间艺术的情感。 (二)操作课教学实施 在民间美术教学过程中,要激发学生的学习兴趣,吸引学生主动积极,让学生在轻松愉悦的氛围中感受民间艺术的美妙与博大精深。如石膏花装饰,教师可引导学生开阔思路,在颜色和造型上自主创作,例如在浅蓝、浅绿色彩外,添加金色,课堂制作完成后可送与同学留念,并向同学解说感想,表达祝福。 (三)实施的保障措施 将民间美术引入到美术教学,除教师和学生按要求发掘和应用民间美术资源之外,还要求学校在教学设备上进行充分的资源支持和精神上的鼓励,要求相关教学老师提高民间美术素养和改进教学方法,更重要的是,社会要给予民间美术合理的关注和支持,共同发展和弘扬民间美术,从而提升全公民综合素质,让民间艺术和社会一起更好的发展。 五、总结 民间文化是我国多元化文化的重要组成部分,有着鲜明的民族地域特征和差异。在美术教学中引入民间美术,是推动美术教学向多元化发展。现代教育不仅要求学生接受外来的思想文化,也需要接受本土文化的熏陶,因此要更好的利用民间美术资源,挖掘传统民间美术资源的更多内涵,发扬中国传统文化,使美术教学不仅具有地方的民族性,还具有时代的开放性。 作者:刘艳 单位:新疆文化艺术学校 美术教育教学论文:高校美术教育教学论文 一、当前高校美术教育教学的现状 1.教学拘泥于传统形式,缺乏创造性和创新性。近年来随着美术教育教学改革的不断深入,其教学形式和教学方法也取得了一些经验和成绩,但是总体来说,美术教育教学改革与社会形势发展需要、人才培养质量需求还是存在一定的差距。一是美术理论教学仍以绘画技能的讲授为主,内容和形式比较单一。教材内容比较陈旧,没能紧跟社会发展形势和需要;教学中忽视了不同专业之间的差异性和不同学生之间的特殊性。二是教学目标不够明确,美术教育不在于培养出多少画家和艺术家,主要是在教会学生美术绘画知识和技巧的同时,开发学生智力、陶冶学生情操、培养学生审美能力、认知能力和实际应用能力。很多高校在美术教学中却没能抓住这个目标,导致培养出来的学生实践动手能力和综合素质不高。三是部分高校现代化教学手段和教学设施不足。如,很多高校多媒体教室严重不足,绝大多数教师仍然是板书教学,只有少数教师能用多媒体教学。 2.美术教师实践动手能力和综合素质不高。高校美术教师多数毕业于师范院校,大多是从校门到校门,虽然美术理论知识丰富,但是实践教学能力和创新能力不强。一是大多数高校由于基本建设任务繁重、建设资金紧张,对美术教师社会实践能力和实践教学能力培养重视不够,在教学硬件建设、教师队伍培训资金上投入不多,导致学生实践教学分组率不高,实践教学效果不好。二是美术教师队伍知识结构老化。社会在进步、知识在更新,美术教学改革必须紧跟形势。但是部分教师不能做到与时俱进,很少主动学习专业知识和实践技法,只是在教学和工作中被动地学习。久而久之,美术教师专业知识老化,教学形式和手段单一,甚至影响学生学习兴趣和效果。三是教师在教学中缺乏创新意识。美术教学主要是培养学生的创造能力和审美能力,这就需要教师首先具备创新意识和创新能力,需要广泛涉猎与美术专业相关的知识,努力提高自身的实践能力和综合素质,提高美术教学效果。 3.忽视文化课程学习和实际应用能力培养。目前我国教育考试制度还是“严进宽出”,这就造成了高考就如同千军万马过独木桥的形势,家长和考生面临高考的激烈竞争和巨大压力,有些文化课成绩不理想的学生就选择美术或者音乐,但是自己并不喜欢美术或音乐这类专业。另外,我国现行教育制度是对艺术考生放宽上线分数,艺术生相对于普通考生更容易考上理想的大学。在这种制度和观念的影响下,相当一部分高校在美术教育教学中忽视了文化课的重要性,学生自己不重视文化课的学习,认为只要把美术专业课学好了就能找到理想的工作。事实上,美术的内涵和精神只有具有深厚文化底蕴的人才能理解,美术的创造力需要深厚的文化底蕴做支撑,只有绘画技巧而没有文化内涵和底蕴的人不是新形势下需要的人才,这样的学生缺乏可持续发展能力。“宝剑锋从磨砺出,梅花香自苦寒来。”美术教育需要大量的实践教学和训练,但是有些高校缺乏美术实践教学基地和设备,培养出来的学生实际应用能力不强。 4.学生综合素质下降,美术学习兴趣不浓。当前,大多数高校把办学效益放在首位,单纯追求办学规模的扩大,不断扩大招生数量,忽视生源的综合素质和美术教育教学质量,导致学生综合素质下降。而且,受到社会功利性和浮夸之风的等诸多因素的影响,尤其是“90后”学生的非主流思想的广泛存在,导致很多美术专业学生只追求另类和独特,忽略培养扎实的绘画功底,不能体会真正的艺术精神和艺术内涵。高校美术教师很多时候只注重培养学生的绘画技巧,对学生的个人内涵、品德和思想养成教育重视程度不够。高校学生学风不好,学习兴趣不浓,如课堂上使用手机玩游戏、沉迷网络等现象目前已经成为共性问题,高校和教师也没有很好的办法解决这一问题。应该不断提高美术教学效果,丰富课堂教学手段,增加实践教学内容,提高学生美术学习的兴趣和创造力。 二、新形势下高校美术教育教学改革的主要对策 随着经济的发展和社会的进步,美术教育以独特的方式在完善人格、提升素质、陶冶情操等方面发挥着不可替代的作用。在国家大力推进基础教育课程改革的过程中,美术教育同样需要在教育发展理念、教学模式、人才培养定位、实践教学环节等方面进行改革创新,培养出适应市场需求和社会需要的高素质、应用型人才。 1.顺应社会和市场需求,确定科学的人才培养目标。实现人才培养目标是学校教育的出发点,是保证课堂教学改革始终沿着正确方向发展的根本。因此,高校美术教育应该是以培养高素质的、符合社会需要和市场需求的高技术、高技能人才为目标。一是教学思想的改革。艺术创作是人类一种高级的、特殊的、复杂的精神生产活动。教学思想的改革要求师生首先要共同具有创新思维和创造性思维,美术教学要培养学生成为具有创造能力与创新能力的美术家,而不是只会照葫芦画瓢的“美术匠”。如在进行色彩的静物写生训练时,教师要以培养学生创新能力为目的,先让学生对静物进行临摹,学生能熟练搭配色彩后再进行全新的色彩搭配,培养学生创造力和自主学习能力。二是高校在确定美术专业人才培养目标时要紧跟市场需求和企业需要开展调查研究,邀请行业、企业的技师和工程师共同制定科学合理的教学大纲、人才培养方案和教学计划。同时,邀请行业企业具有丰富实践经验的人员为学生授课或者做学术讲座,这样培养出来的学生就业后实践能力强,具有可持续发展能力。 2.提高教师队伍实践能力,构建“双师型”教师队伍。高水平、专业化的教师队伍是人才培养的关键。高校要想提高美术学生培养质量,必须把教师队伍建设放在首要位置,着力提高美术教师队伍的实践能力和创新能力,构建“双师型”教师队伍。一是通过国内外研修和项目支撑,培养国内知名的美术专业领军人物;二是通过选送美术专业骨干教师到相关企业轮训、实训和顶岗,提高教师美术教学实践能力;三是实施校外美术行业企业高技能人才和校内专任美术教师“结对子”,兼职教师全程参与美术专业人才培养模式改革、专业建设和课程建设,建立了一支稳定的兼职教师队伍。通过以上三点来加强师资队伍建设,可以使美术教师成为具备深厚艺术知识底蕴和多元化教学方法的传授者,并使教师可以在对学生的传道授业中渗透人文精神,使教师可以借助美术教育帮助学生净化心灵,从而使学生的自我人格得以升华。 3.更新教育理念,深化教学体系和教学方法改革。构建符合社会需求和学生培养实际的美术专业教学体系是保证人才培养质量的基础。一是高校要遵循教育基本规律和美术专业基本特点,制定相应的教学大纲和教学计划,开设美术相关理论和实践课,教育引导学生树立正确的艺术观,提高学生整体美术理论素质。二是在教学内容上由于学生课程较多、学校设计的课时量是有限的,教师的授课内容一定要针对学生实际和就业需求,决不能泛泛而讲,要学有所用;在教学方法上,要坚持深入浅出、触类旁通和举一反三,因为美术专业学生的学习基础参差不齐,要充分调动学生学习的积极性和主动性,引导学生形成自主学习的兴趣和能力。三是在教学手段上要不断创新,要舍得投入时间和精力。要结合专业发展和学生实际,运用多媒体、视频、图片等种媒介,提升教学效果和教学质量。教师要广泛涉猎相关专业知识和课外知识,充分备课,扩大课堂的知识面和内容含量,授课内容既丰富多彩又重点突出,切实提高学生学习兴趣和教学质量。 4.提升学生文化内涵,培养学生的创造力和想象力。艺术与文化有着千丝万缕的联系。美术专业学生由于从小就侧重艺术理论和专业课学习,忽视文化基础课学习,导致学生文化课底子薄、基础不好。但是,文化内涵和文化底蕴对美术学习和美术创作具有重要的作用,很多艺术作品具有深厚的文化底蕴,涵盖历史、文化、哲学、文学等多个学科,学生必须具有一定的文化基础,才能感受领会高雅艺术作品所具有的深刻内涵和寓意,才能具有丰富的想象力和创造力,把自己的所思、所想融汇到自己的艺术创作当中。因此,高校在做好美术学生专业课教学的同时,要有重点加强学生文化国学等课程教学,切实提升学生文学素养和文化内涵。而且,教师在美术教学中要启迪、引导学生的创造力和独立思考能力,培养学生开放思维和想象力,这是教师美术教学的优秀任务。 三、结束语 系统科学的教学改革是推动美术教育持续健康发展的根本动力。但是,美术教学改革并不能一蹴而就,需要教育管理部门和高校科学设计、有序推进,需要高校广大美术教育工作者和学生不断探索实践总结,这样才能不断提升美术教育教学质量和人才培养质量,促进我国艺术文化事业蓬勃发展。 作者:徐常颖 单位:哈尔滨幼儿师范高等专科学校 美术教育教学论文:独家原创:幼儿美术教育教学论文 [摘要]绘画是幼儿喜爱的活动,在日常生活中,幼儿十分喜欢画画,他们经常情不自禁地到处画,在地上、纸上、书上,无规则地乱涂乱抹,想画什么就画什么,无拘无束。他们用自己天真好奇的眼光去看、去认识、去探索这个令人眼花缭乱的世界。在美术活动的天地里,他们真正成了生活的主人。绘画活动中兴趣非常重要,幼儿有了兴趣,才有作画的愿望,才能更迅速地提高绘画技能,但是幼儿的绘画兴趣不是说有就有的,它需要长期不断地努力培养才画兴趣不是说有就有的,它需要长期不断地努力培养才行。作为幼儿教师,它需要长期不断地努力培养才行。作为幼儿教师,应如何培养幼儿对绘画的兴趣? [关键字]绘画;教育;教学 序言 艺术是幼儿“表达自己的认识和情感的重要方式”,要让幼儿“大胆地表达自己的情感、理解和想象”,从而使幼儿体验到以自己独特的个性化的方式感受美、表现美和创作美的自由和快乐。为此,幼儿园组织老师对幼儿绘画教学实践中都认为:要冲破传统“依样画葫芦”的写实樊篱,就要大胆“放手”,要让孩子由“学着画”转变为“画着学”,让孩子在自由表达过程中,培养他们的审美情趣,发展他们的良好个性,提高他们的表现能力。然而,单纯的“放手”是不是真能发挥孩子更多的主动性,激活孩子更大的创造性呢?是不是“放手”了孩子就真能表现出自己富有个性的独特的作品呢?本文以理论和举例进行了阐述。 1幼师带动幼儿绘画能力的几种方法 1.1选择丰富有趣的内容,引起幼儿对绘画的兴趣 兴趣与好奇紧密联系,好奇是兴趣的先导,没有好奇的心理就不会产生兴趣。因此,在选材上要下功夫,要根据幼儿的年龄特征、兴趣爱好、绘画特点来选择内容,选择幼儿生活中熟悉的感兴趣的,具有较强吸引力的题材。如幼儿喜欢的小动物、交通工具等,可通过讲述故事的形式,引起幼儿的兴趣,把绘画的内容串编成故事情节,并跟随故事情节展开来作画,这样可以提高幼儿作画的兴趣。这些题材幼儿既感兴趣又乐于接受。 1.2运用多种绘画形式、绘画工具,激发幼儿对绘画的兴趣 求异、好奇是儿童的重要的特点,一成不变的绘画材料和绘画形式,只会使幼儿感觉索然无味。在美术活动中,通常使用的绘画工具都是油画棒、水彩笔、彩色铅笔,绘画形式单一,幼儿缺乏对多种绘画工具交替组合运用的能力,画面单调。因此,应运用多种绘画工具,如手指画、印章画、吹画、蜡笔水粉画、粉笔画、水画墨等,这些作画形式幼儿易学、色彩鲜艳、效果好,能使幼儿体验到成功的喜悦。在设计美术活动时,必须采用富有情趣的表现形式,把画、折、剪、粘贴结合在一起,使画面多姿多彩。例如:在“画果树”这一绘画教学中,教师可让幼儿根据自己的意愿,用不同的画法、不同的工具来画,采用撕、剪、贴的方法来画果树,幼儿不但剪贴出各种各样的果树,并在果树周围画上了太阳、小草、小花等,形式多样,画面丰富多彩的。这样,幼儿更容易对绘画产生兴趣。 1.3多鼓励,少批评,提高幼儿对绘画的兴趣 幼儿需要鼓励和赞赏,当他们作出一幅画时,教师要适时说些肯定和鼓励的话语,帮助幼儿树立对绘画的兴趣和自信心,要尽可能避免指责的话语,如:“画得一点都不像,难看死了,乱七八糟”等话语,这样容易挫伤幼儿的自尊心和积极性。只要他们在绘画的过程中是愉悦的、投入的,教师就不要过分挑剔。因此,教师评价幼儿的画,要尽量找出好的地方,表示你的赞赏,一旦幼儿作品受到老师的承认和赞许,他们会表现出更大的创作热情,从而增强自信心,对绘画产生更浓厚的兴趣,就会越画越多,越画越好。 1.4走进大自然,激发幼儿表现美的兴趣 对幼儿而言,来自现实生活并且经过创作者亲身体验的知觉材料远比间接的知觉刺激有效得多。因此我们常常通过参观、散步、郊游等活动,带领孩子们欣赏荷塘、园地、陶艺工艺等,以丰富孩子们的创作热情。我们还可以利用所处环境的有利条件,将孩子带入大自然,让孩子与花草、树木对话,与蜜蜂、蝴蝶嬉戏和审美对象融为一体,学习捕捉事物的个性美。例如:春天来了,让幼儿到大自然中去写生,寻找春天、感受春天。首先让幼儿尽情感受、欣赏春天的美景,然后可以提问:“你们看春天到了吗?”“春天是什么样的?”等问题,让幼儿先用语言把春天描述出来,再用纸和笔把春天的美景描绘出来,看谁能把春天描绘得更加美丽,以此来激发幼儿对美的感受和表现。又如:带幼儿到大自然中去观赏落叶的景象,回到活动室后,可鼓励幼儿绘画落叶,还可以引导幼儿用落叶做美术粘贴画。做什么贴画呢?让幼儿大胆充分地发挥自己的想象,如用树叶做成有趣的动物画,还可以用树叶做出喜怒哀乐表情脸谱等,让幼儿说出自己的想象后,亲自动手做一做,然后欣赏幼儿的作品,张贴到墙上去,让幼儿充分体验美的感受,充分感受自然物的趣味性。让孩子接触大自然、感受自然美景,发现美的感受,培养幼儿对美的观察力 2借鉴以下案例领会幼儿教学(案例借鉴书籍) 1.1案例----《如何培养幼儿绘画兴趣》J黄兵著湖北小学教育出版社 那天,中班徐老师正好在组织一个绘画教学活动,主题意愿画:长颈鹿。徐老师是个工作才一年多的青年教师,但她好学习善思考,能经常通过阅读有关书籍、写教学反思、和同事交流等方式来提高自己,因此在几次的论坛和教研活动中都有不俗的表现。活动开始,徐老师就引导孩子回忆有关长颈鹿的经验:你们看到过长颈鹿吗?你看到的长颈鹿长得怎么样?孩子们纷纷举手回答:长长的脖子,有四条脚,身上有一点点斑点,有一条小尾巴,还有一些孩子讲了长颈鹿的一些更为细微的特征如小冀角、眼睛等。徐老师就再次引导:故事中长颈鹿做了哪些好事?(早上老师讲过有关长颈鹿的故事)除了这些,长颈鹿还会帮小动物做哪些事呢?引发孩子根据长颈鹿特征进行想象。不负期望,孩子们说的也真不赖:它会帮小兔子摘果子,帮小鸡过河,帮胖小猪拎东西,帮掉地的小麻雀送上窝,给哭泣的小山羊当滑梯,给年老的刺猬奶奶荡秋千等等,看得出孩子思维很活跃活动也很投入。于是老师提出要求:长颈鹿为大伙做了那么多好事,大伙都很感激它,于是它们想请小朋友帮忙给做好事的长颈鹿画张像。接着徐老师就“放手”让孩子自由表现,大胆发挥了。可这时徐老师注意到有很大一部分孩子的兴趣似乎变了,一些孩子拿着笔好象无从下手,一些孩子干脆四处观望,于是她走到一位正在左右张望的小朋友身边鼓励他:露露,加油画呀!可那孩子却摇摇头说:老师,我不知道画什么。看得出徐老师没有预料会出现这种情景,所以显得有些着急,她一再的给那些孩子鼓劲:试着画画看,画错了也没关系;你们刚才是怎么想的就可以怎么画呀;可还是有几个孩子显露出茫然的样子,于是徐老师就一一走到他们身边引导提示:你觉得长颈鹿会做哪些好事呀?对呀,那你就可以画长颈鹿帮小鸡过河呀,你可以画长颈鹿帮小动物摘果子呀。在孩子作画时,徐老师走了一圈,发现很少有孩子表现刚才所表达的生动情节,也很少有独特富有个性的作品,有近三十个孩子的画上的长颈鹿都是昂着头吃枝叶状。而后,她在让孩子交流了“我的长颈鹿在干什么”后匆匆地结束了活动。 2.2通过此案例幼师应该领会假如是“你”应该怎么做。 通过这个案例我们可以看出:如果徐老师在孩子自主表达出现困境时,即认知发生冲突的关键时刻,能及时进行适宜的“出手”,对表现不同姿态的长颈鹿所需的相关经验进行启发和诱导:如引发幼儿思索:长颈鹿会怎样帮助小鸡过河呢?让孩子做一做通过自身的动作进行体验和感知,让孩子讲一讲通过形象的语言进行回忆和再现,让孩子看一看通过提供图片引导观察和概括,那么孩子对动态的长颈鹿表象一定会更加清晰,经验一定会更加丰富;如果老师能对孩子的表现技能进行引导探索:如提供孩子一只会活动的长颈鹿玩偶,启发孩子边操作边观察长颈鹿帮助小兔子摘果子、帮小鸡过河、给小山羊当滑梯时的动态变化规律,发现表现不同形态的方法,那么孩子在表达时一定会更加流畅,作品一定会更赋个性和创意;如果在活动中,让孩子互相欣赏彼此作品的同时,老师展示具有不同姿态长颈鹿的图片引导幼儿观察,那么孩子一定会自我发现问题,他们的经验也一定会有很大提升。 3结论 实践证明,“兴趣是最好的老师”,在美术活动中,教师要想方设法激发幼儿的兴趣,用心去呵护、发展幼儿的兴趣,通过循序渐进的绘画实践,增强幼儿的自信心,从而逐步培养起幼儿对绘画的浓厚兴趣。 美术教育教学论文:美术教育教学创新 创新学习是培养学生创新素质的一种学习活动,是根据创新原理,学习规律,结合学生实际,以培养学生具有一定的创新意识,创新思维,创新方法,创新能力为主要目的的学习理论和方法,注重对学生知识掌握的同时,培养学生的创新精神和实践能力。 美术教学在传统的模式下流传今,都是属于一种模仿性的教学,老师的教直接决定着学生的学,在这种教学模式下,学生学习的最高境界就是“像不像”,根本谈不上有去寻求“异端”。这种教学思想长期以来都是压抑着学生的思维,这样学生的想象空间、自由思维、独有的创造性的童趣又怎么能发挥、发展呢?就本学科而言,学生又怎样完成创作呢?我们的学科又怎样向前发展呢?社会的需求又怎样实现呢?这不得不迫使我们的教学进行改革。学生必须创新学习,因为有所创新才能取得更大的成就,也是为学生终身学习发展的需要。这要求我们对美术教学的改革与创新迫在眉捷了。 要改变根深蒂固的传统教学,在教学中为学生创设创新学习的空间,可以从以下几个方面进行探讨。 一、教学思想转变是教学创新的前提。 1、现阶段的中小学美术教育应以使学生适应未来发展的需要,奠定可持续发展的素质基础为教育宗旨。改变以传授知识、技能为主要目标的传统教学观念,使学生通过美术实践活动逐渐形成具有健康乐观的生活态度,积极向上的进取精神;全面发展思维能力,想象力和创造力;培养健康丰富的情感世界,陶冶高尚的情操;树立正确的审美观念,提高审美能力和艺术文化素养,激发他们对美的爱好和追求,形成健康的人格和个性;使学生通过美术实践活动养成良好的生活习惯,培养动手动脑能力,成为德、智、体、美全面发展的社会主义建设者和接班人。 2、以“创、玩、学”结合的体系贯穿教学过程的始终。让学生在有创新训练,快乐游戏中学习基础知识和掌握基本技能,改变传统注入式的教学体系,使学生真正参与学习活动,这样才能够确立学生在教学中的主体地位。 3、改革对学生美术成绩的评价。以往对学生美术成绩的评价都是以一张画的优劣来判断,其实这种评价有很大的片面性,这种评价与学生接受美术教育知识的多少不成正比,并且还容易打消学生学习美术的积极性。改革美术学科学生成绩的综合评价是美术教育改革与创新的重要环节。我在教学实践中得出,评价可以从三个方面进行:⑴美术课堂行为习惯的评价,其内容可包括学习用品的准备情况,课堂纪律、思考发言情况,作业态度和质量情况等;⑵平时成绩的评价,主要是对教材课业学习成绩的评价;⑶期末考核,此项考核灵活多变,形式多样,可以根据校本教材考核为主,或地方教材考核为主,教师再根据平时成绩和学生学习习惯进行综合调整,使成绩总体平衡,让学生(特别是差生)感受到成功的喜悦。 总之,综合评价是一种重过程,重能力,重全面的开放性的评价方法,其实质是学生内化和能动的结果。实施综合评价一定要着力于激发学生的自主学习意识,尊重学生的主体地位,相信学生的内在潜能,肯定学生的学习成绩。教学评价应具有弹性,有较大的宽容度,教学评价以鼓励为主,让学生充分感受成功的喜悦,培养学生对美术的兴趣,树立学习的自信心和自觉性,避免评价只用一种标准,一个答案,只求共性,忽视个性发展的倾向。 二、教学设计要抓住教材、学生、教师,为学生创新学习 打下基础。教学设计是教学理论和教学实践的结合点,是促进课堂设计中所确认的知识转化为学生个体认识能力,从而使学生整体素质得到提高的前提。一个具有科学性、系统性、合理性的教学设计能更有效地控制教材、学生、教师三者之间的相互作用。 1、教材因素。对于教材的分析目的不应只是对教材本身的分析,而是要对学生学习需求的分析;即如何使学生获得教材中的知识和技能及能力的发展,促使学生整体素质的提高来分析教材。此外,教材内容不局限于传授绘画的知识、技能和立体空间的表现形式,以使学生最大限度的开阔眼界,接受高层次的艺术熏陶和具有地方特色的人文景观。 2、学生因素。学生是主体,是富于进取精神的知识探索者。美术课要面向全体学生,确立学生在教学中的主体地位。教学内容设计应符合学生身心发展特点和需要,充分为每一个学生创造发展艺术才能、提高艺术素质的机会和条件,最大限度地开发学生的自身可持续发展的潜能,尊重学生的美感体验与情感表达,充分调动学生的学习积极性和主动性,帮助学生实现人生自我价值。另外,教学设计要在全面了解学生的基础上充分考虑学生现有的知识结构、智力、能力、情感等个性因素。 3、教师因素。在教学过程中,教师是主导地位,即一个“引路人”,教师应以积极的态度切实和学生交流思想、认识,唤起学生对学习的兴趣,把学习主动权交给学生;使学生通过自己的思考解决问题,教师要避免将自己对知识、技能的思索与理解强加给学生,尊重学生的独立人格。教学设计时要善于把握教材,明确每一个教学过程的目标是什么,师生双边活动怎样安排,这些环节教师应胸有成竹,教学设计时都应安排妥当。 三、教学方法要为学生创新学习提供条件。美术课应以开放性教学活动为主要形式,学生在接触自然、接触社会中和实践活动中,积极主动探索、发现、认识和总结造型方法和规律,以及运用物质材料进行表达的能力。应注意使学生接受综合教育、跨越不同学科,运用先进的技术手段取得理想的表现效果。 教学过程与方法以启发和诱导为原则。课堂气氛应宽松、自由、生动、和谐。我对教学方法的设计着重探索于以下几点: 1、着力培养学生的创造性思维,让学生思维发散。小学生的想象力本来就很丰富,只是长期被压抑了,变得呆板,任由教师摆布。一有创新的灵感闪现,就被视为异端,一棍子打死。所以我们在教学中必须注重学生创造性的培养,引导思维的开拓发展。笔者从实践中得出以下几点培养创造思维是可行的(1)寻找美术教学中的创造点(2)提供激发创造灵感的美术教学素材(3)创设自由学习的空间,增强课堂的随意性,降低对学习过程的要求。 2、培养学生的自主学习能力,让学生在实践中得到锻炼、提高。因为教师的讲解是灌输式的,不能激起学生心灵的浪花,只有在实践中让学生领会美术理论和技法的运用,让学生主动地接受,才能达到最好的效果,从而逐渐培养起学生的自主学习。我认为以下几种形式是促进学生自主学习的有效方法: (1)可采用情景教学、跨学科联系教学、回以现实生活教学、音乐激励教学、游戏教学等教学形式激励学生自主学习。 (2)利用先进的教学手段促进学生的自主学习。利用现代教育技术探索并尝试新的教学方式与表现形式,打破机械的成人化的循序渐进教学程序,以更广泛地适应学生全面发展需要,学生可以利用计算机多媒体、视听媒体,利用各种艺术活动拓宽视野,接受超前教育。 (3)培养学生的创新学习能力,要求学生在课本知识的基础上有着自己的见解,并不把某种技法看成是唯一的,应把这种技法传授当作开放性的探索活动。我们要明白,创新不等于创造,创造是自己独创的,新是在别人的基础是有所发展、有所提高,在美术教学中,应时时做到少提一点要求,多给一点自由,为学生创新思维发展提供良好的空间。 美术教育教学论文:网络时代高等院校美术教育教学方式 摘要:在当今互联网时代,大部分教师利用科技提高教学效果,但如何在美术教学课堂中有机地融入网络技术,并使其充分发挥积极作用,还有待进一步研究。该文阐述了网络时代高等院校美术教育教学方式,望能与广大同行交流。 关键词:高等院校;网络时代;美术教育;教学方式 在当今网络科技相对成熟的时代,人们逐渐认识到网络技术带来的好处,尤其是在教育领域,大多数高等院校已引进了多媒体设备,以促进教学质量与效率的提升。高等院校此举不仅极大地方便了美术学科的教学,还促使了美术课堂教学方式不断优化,使其教学方式不再单一、枯燥,从而在开阔了学生学习视野的同时,激发了学生对美术课堂的热情,进而有利于学生美术成绩的提高。 一、借助网络技术的优势,提高美术教学的有效性 通常情况下,高等院校的美术教学内容包括美术创意、技能、理论三方面。在常规教学模式中,美术教师往往依赖课本教学,这种教学模式较为单调,所传授的美术知识有限,且不利于学生学习兴趣的激发。而在课堂中借助网络技术的优势,不仅可以将气氛沉闷的美术课堂变得有活力,还可以迅速提高教学效率,更能让教师与学生不断更新、丰富自身的美术知识。另外,利用网络技术,教师可以在多媒体中迅速找出一些著名的美术作品进行详细讲解,这样不仅能节省课堂时间,还能让学生更深入地了解美术作品,从而提高教学的有效性。在当今网络发达的时代,美术教师应及时更新自身的知识,并及时了解当下较为流行的美术表现形式与方法,从而积极地改变自身的教学思维,并不断拓展自身的知识面,然后再对这些新知识进行有效整合,并通过合理的方式对学生进行有效教学。如,教师在对中国名画进行教学时,可在网上搜寻多幅具有中国特色的名画(也可寻找一些西方名画)进行对比,并让学生对这些作品进行合理的分析,比较它们的不同或相同之处,之后再与学生共同探讨这些作品,使学生深入了解创作者的创作意图,进而不断提高学生的理解能力。 二、改变常规教学观念,挖掘学生的潜能 在常规教学模式中,美术教材、学生与教师便组成了教学环境。以往在这种环境下,学生往往处于被动学习的状态,而且由于教学资源有限,学生的创作能力受到一定的限制,长此以往,就会导致学生的作品风格与教师的作品风格相似。这样不仅不利于激发学生的潜能,还会阻碍学生的个性化发展。另外,在作品的点评方面,学生往往以教师点评的内容为改进目标,认为只要符合教师的喜好就可以了,而这与教学目的背道而驰。因此,教师应充分认识到问题的严重性,并积极采取有效措施改善教学模式,使学生得到更多、更好的建议,不断改进自身的创作方式,改善自己的作品。如,教师可以利用网络技术,联合各大院校的美术教师或专家组建微信群进行学术探讨,并让学生加入该群,在学生完成教师布置的作业后,让学生将作品上传到群共享,虚心向其他专业教师请教,同时教师也可以对学生的作品进行详细点评。通过这样的方式,学生不仅能得到多样的专业性建议,还能从各位教师点评的角度重新看待并分析自己的作品,从而激发学生与教师在美术情感上的共鸣。教师也可以将学生的作品上传至各大专业论坛,让更多的专业或非专业的人欣赏学生的作品,并进行相应的点评,然后教师结合网上的评论,归纳出合理的可取性意见,进而促使学生的创作水平不断提升。 三、注重美术课堂的开放性,提升学生的欣赏能力 美术作品是美术作家表达自身想法的一种方式,同时也是对生活的一种呈现,不仅丰富了生活,还使生活富有创造性。通常情况下,美术多侧重于个人的想象与创作(也就是人们常说的灵感创作),但在以往的美术教学过程中,部分教师的教学模式并不能很好地激发学生的灵感,且学生对教师太过依赖,进而导致学生缺乏想象力与创造力。为使学生积极地在作品中表达自己的想法,并激发学生的创新能力,教师应在教学过程中将多媒体技术与教材内容巧妙结合,促使美术教学课堂具有开放性。如,教师可以在网络上搜寻多幅美术作品,并让学生以自己的理解对其进行合理点评。教师在展示这些作品时,可播放一些适合教学情境的音乐,进一步加深作品与情境的融合,刺激学生的多重感官。随后,教师再让学生自行选择素材进行分析,可鼓励学生将选择的素材放在网上与各位专家、教师共同探讨,并积极发表自己的见解,进而有利于提升学生的欣赏能力与创新能力。 结语 在当今网络技术发达的时代,教师应积极借助网络科技获取更好的美术教学效果。同时,在将网络科技与美术教学进行有机结合的过程中,教师还需要改变固有的教学观念,积极挖掘学生的潜能,并注重美术课堂的开放性,提升学生的欣赏能力与创新能力,进而不断提升教学质量与教学效率。 作者:牟璞姝 单位:重庆三峡学院美术学院 美术教育教学论文:高等美术教育教学素描课程探究 【内容摘要】随着教育改革的不断深入,高等美术教育专业教学也在积极寻求改革。素描课程是高等美术教育专业学生的必修课,也是美术教育教学中的基础课程,具有较强的专业性,在教学过程中需要注意多方面的问题。文章阐述了现阶段高等美术教育专业中素描课程存在的问题,提出素描课程改革的方法和措施,以期优化素描课程与整个美术教育教学的关系,促进高等美术教育专业教学的发展。 【关键词】美术教育专业 素描课程 美术教学改革 在高等美术教育专业中,素描是一门基础性课程,也是美术教育专业学生的必修课,在高等美术教育教学中占有非常重要的地位。高等美术教育专业的素描课程在教学观念、教学模式和教学方法等方面长期受绘画、美术学专业的影响,难以完全适应“新课改”提出的新标准和新要求,影响了美术教育专业学生的发展,因此,亟需对素描课程教学进行有效的改革。 一、高等美术教育专业中素描课程存在的问题 随着我国教育改革的不断深入,高等美术教育专业中的基础课程——素描课程成为美术教育专业中课程改革的重点。一直以来,在传统素描课程的引导下,美术教育专业素描课程教学缺乏一个整体的规划,以及完善的教学体系。①高等美术教育专业素描课程的教学中存在较大的问题,主要体现在素描课程的教学偏重于关注技巧性,没有建立起独立、合理的美术教育专业的素描课程体系,导致素描课程的培养目标、课程结构、教学内容与教学方法等方面都存在较为严重的偏差。很多高等院校美术教育专业的素描课程都是专业美术院校素描课程的简化,导致整个高等美术教育专业的发展滞后,培养的美术人才不够全面。 (一)课程设置偏离培养目标,教学模式陈旧 高等美术教育专业的培养目标是为社会输送优秀的美术教育专业人才,以满足社会对美术人才的需求。高等美术教育专业的素描课程应该始终立足于基础教育,培养学生的美术综合能力,使其具有较强的美术素养。但是现阶段高等美术教育专业的教学计划中素描课程的设置、课程目标与课程内容等,与社会对美术教育专业人才的需求存在较大的差距,在具体的素描课程教学安排上,也存在对素描课程定位不准确、教学内容出现严重偏离等问题。高等美术教育专业缺乏较好的教学模式,整个素描课程的教学仍然重表现、轻理论,加上部分教师的一些思想局限,如多数教师毕业于专业美术院校,在教学的过程中更倾向于向学生传授技巧性知识,对于素描课程的重点内容把握不够全面。据相关调查显示,在一些高等院校美术教育专业素描课程教学中,存在理论知识表达不清、技巧性知识的传授存在严重漏洞的问题。这种素描课程将导致整个美术教育专业教学存在严重的缺陷。素描课程的课程设置与培养目标出现偏离,整个教学模式比较陈旧,这是高等美术教育专业教学中普遍存在的问题,制约了美术教育专业的发展。 (二)缺乏有较强针对性的教材 随着美术教育专业的发展,素描课程的教材也在不断更新,出现了各种版本的高等美术素描教材,其中,《美术之路——素描》与《素描求索》这两本教材深受高校学生和教师的喜爱。但是这些教材都不同程度地存在一些问题,普遍缺乏较强的针对性,对整个美术教育专业的学生缺乏方向性的指导。③缺少针对美术教育专业学生编写的素描教材,导致整个素描课程的开展遇到困境,影响了美术教育专业学生的发展。(三)专业性教师队伍建设不足现阶段,高校的素描教师都有自己的专业研究方向,一般主要是绘画与设计。而对于本职工作素描课程教学,很多教师都没有形成一定的系统性和科学性认识,从而难以对学生进行较强的专业指导。教师对学生的影响非常大,不同研究方向的教师给学生传授不同的素描方法和观点,导致美术教育专业的学生对素描课程的认识出现偏差,对素描课程的整体性特征不能完全掌握,进而无法完全吸收和消化整个课程的重点内容。素描课程专业性教师队伍的建设不足,使整个素描课程的发展都受到影响。 二、高等美术教育专业素描课程改革的方法和措施 众所周知,素描课程是高等美术教育专业学生的必修课,也是一门独立性较强的学科,对学生今后的发展具有非常重要的作用。针对目前高等美术教育专业素描课程教学中存在的具体问题,结合美术教育专业的特点,以及培养目标,笔者提出以下几点素描课程改革的方法和措施,希望能为高等美术教育专业的发展提供有益的参考。 (一)构建科学合理的基础性素描教学体系,转变教学模式 首先,高等美术教育专业具有较强的独立性。因此,在素描课程内容的设置上,应该以基础性的训练内容为主,根据学校教学的具体情况,对课程内容进行调整,合理地设置教学内容。从美术教育专业来看,学生应掌握一定的素描技巧,能够胜任中小学素描教学工作,以及必要的课外作业辅导。这就要求在具体的高等美术教育专业素描课程的教学中进行详细的内容教学,使素描教学具有一定的规模,帮助学生熟练掌握基本的素描技巧与素描基本理论知识,使其在基础理论知识的基础上开拓视野,获得自我学习的能力。④其次,改变传统的素描教学模式。在现代美术教育发展的背景下,结合时代特点进行教学模式的全新改革,摒弃传统的教学模式,根据现代社会对美术教育人才的需要,倡导以学生为主的素描课程教学模式。教师要关注学生的感受,营造良好的课堂教学氛围。最后,在具体的教学过程中,应优化教学内容,安排科学合理的素描教学内容。要注重知识点的合理安排,并与学生的实际情况相结合,使学生在有限的课堂时间内掌握一定的素描知识,从而为学生未来的发展打下良好的基础。 (二)选用有针对性的教材,加强教师队伍建设 在教育改革的背景下,高等美术教育专业的课程也在不断发生变化,素描课程教学要根据具体的课程计划、美术教学大纲以及教材来进行。教材是教师开展教学的重要依据。素描课程的教学与教材有着非常密切的关系,选用适合高等美术教育专业素描教学的教材,是美术教育专业素描课程改革的重要内容。因此,对于美术教育专业的素描课程教学,首先要选择针对性较强的素描教材,使用合理的教材培养专业人才。其次,教师要深入研究素描教材,把握整套教材的结构,厘清知识体系,明确教材的重点和难点,为教学的开展打下基础。最后,加强教师队伍的建设,引进专业的素描课程教师,或对素描课程教师进行定期培训,使其掌握专业的素描教学知识,以更好地改革素描课程。另外,在现代信息技术的发展下,素描课程教师也要掌握一定的现代教育技术,具有基本的教学能力,以及反思教学的能力。 (三)优化素描课程与整个美术教育教学的关系 素描课程教师应从现代教育的根本出发,了解美术教育专业与素描课程之间的关系,分析学生与教材的特点,以及整个美术教育专业培养目标的具体内容;因材施教,反映出教与学的关系,关注素描教学的主要构成;将教师、学生、教材进行统一,优化三者之间的关系。⑤总之,在高等美术教育专业的素描课程教学中,教师要立足专业特点,明确素描课程在专业中的地位,改革素描课程教学,从选择教材、优化教学模式、进行教学方法创新等方面完成素描课程的改革,为社会培养优秀的美术教育专业人才。 结语 在教育改革的背景下,本文分析了高等美术教育专业教学中素描课程的开展情况,对素描课程教学中存在的问题进行了详细的分析,并针对目前美术教育专业的发展情况,结合学生及素描课程本身的特点,提出了优化素描课程教学的方法,以期厘清素描课程与整个美术教育专业课程、学生、教师之间的关系,使素描课程教学更加系统化,从而促进高等美术教育教学的发展。 作者:陈洋 吕怡然 单位:哈尔滨师范大学 美术教育教学论文:独立学院美术教育教学改革思考 一、前言 近年来,独立学院在美术教育规模方面呈逐年扩大趋势,然而随之而来的包括美术教学质量问题、美术专业学生能力、美术课程设置以及教学手段等问题也逐渐呈现出来,许多学生专业技能知识以及综合素养方面都表现出一定的滞后性。加上现行市场环境中人才竞争的日趋激烈,也使美术专业学生的就业面临极大的难题。这些都成为当前美术教育界关注的焦点,独立学院必须在美术教育教学方面逐渐改革,以使美术教育适应社会发展要求。 二、美术教育的基本概述 美术是人类进行自身思想与情感传递的重要形式,而在此基础上形成的美术教育涵盖更为广阔的内容,对其概念根据以往学者研究,可理解为教育者在美术教育手段的应用下,使学生在审美意识、创造能力以及综合文化素养等方面都得以提升,其教育目标的实现不仅集中在赏析艺术作品方面,更注重传承美术文化历史。从其教育功能角度分析,不仅集中在培养学生美术专业技能知识方面,更体现在以下两方面:首先使学生适应社会的能力得以增强,特别当前社会环境竞争的日趋激烈,通过美术教育中具有创意且激情澎湃的作品,帮助学生缓解压抑、紧张的情绪,达到适应社会的目标;其次在意志品质形成方面,美术教育中往往要求将美术历史文化内容融入其中,许多艺术家的追求探索精神都可引导学生塑造良好的意志品质。由此可见,美术教育在独立学院中培养学生能力的重要性,一定要立足当前教育教学现状,大胆进行改革。 三、独立学院美术教育教学的现状分析 不可否认,我国大多独立学院在美术教育教学方面近年来取得了一定的成就,为市场经济的发展提供了很多美术、设计人才。然而随市场环境对人才要求的提高,使当前独立院校美术教育面临较为严峻的挑战,其教育教学方面很难适应时展需要,其存在的问题主要表现在以下几方面。 (一)教学定位不准确 当前独立院校在美术教育目标方面仍较为模糊,未明确如何培养适应市场环境的人才。大部分美术专业学生往往在就业过程中多弃资深专业而选择其他行业,既使在独立院校学习的时间被浪费,美术教育资源也未真正产生其应有的效益。产生这种现状的原因很大程度上归于独立院校管理人员在对美术教育的理解方面出现偏差,导致理论教学过程与实践内容存在一定的盲目性。从独立院校美术教学课程设置便可发现,许多技法训练内容如色彩、素描等往往在总课时中占有80%左右的比例,但其他相关学科包括自然、社会以及人文等涉及极少,造成学生具备较高的模仿能力与图绘能力,却在综合素质方面存在一定的差异,进入社会后难以适应。 (二)师资力量匮乏 独立院校美术教育的有效开展要求充分发挥教师团队的作用。但我国现行独立院校中在师资配备方面仍呈现一定的不足,艺术教育课程的开展无法按预期的计划执行,这种师资力量的匮乏以及综合素质不高的问题制约着美术教育的进一步发展。尤其面对当前就业环境提出的复合型人才需求以及学生自身的发展需要,要求教师不仅具备较强的专业技能知识,还应随时了解市场对人才需求的动态,适时调整人才培养方向。同时,在实际教学过程中还应学会正确利用现代信息技术如计算机、多媒体技术等,以保证人才培养质量的提高。因此,未来美术教育教学改革的方向应着重解决师资力量匮乏且综合素质不高的问题。 (三)文化课建设水平较低 独立学院美术教育中技巧培养能够夯实学生专业知识基础,但因此忽视文化课建设将造成学生其他能力无法得以提高的现状。其原因主要可从两方面分析,一是关于教师考核方面,更强调教师专业技能;二是认为文化课无需作为美术专业学生必修课程,无论在授课内容或文化课考试标准方面都不够严格。从我国现阶段独立院校关于入学方面也可看出,相比其他专业学科学生,艺术类专业更易通过考试,使美术专业学生忽视文化课学习的重要性。综合学校角度与学生角度,文化课程建设水平不高的原因便不言而喻。事实上,美术教育中的文化课程是保证美术文化底蕴得以体现的关键所在,其与学生的道德修养也密切相关。只有具备一定的文化素养,学生才可由对美的欣赏向美的创造方向进行转化,以适应美术界以及市场发展对人才的需求。 (四)独立学院美术教育经费投入力度不足 美术教育在大部分独立学院中往往表现为弱势地位,学校管理层以及教职工等对美术专业学生的就业发展并不看好。也正因如此,使经费投入力度较低,直接导致美术教育缺少资金保障。同时,在教材使用方面也缺少相应的辅修课教材,学生应掌握的美术教学内容大多专业性较强,长此以往便使学生失去对美术学习的兴趣。另外,现代信息技术在教育领域中的普及应用,也要求美术教育中注重技术的引用以达到强化教学效果的目标,但许多独立学院在美术教学设备方面未进行及时更新,造成学生无法利用现代技术完成绘画与设计等工作,更无从谈及步入工作岗位后熟练应用绘图设计软件等。 四、独立学院美术教育教学的改革路径 (一)课程设置的完善调整 面对现行复合型人才培养的需要,应改变传统教学中在课程设置方面存在的弊端,保证课程内容更为丰富,侧重于课程理论知识与实践技能的结合,并在选修课与必修课的设置方面不断完善以达到互补的目标。具体调整策略主要可从三方面进行:第一,将提高人文素养的相关课程融入美术教育理论内容中,如哲学历史以及我国相关的文艺理论内容等,其对于学生的思考方式以及知识结构的形成具有很大的作用。如前文所述,相比其他专业,独立院校在美术专业招生方面倾向于学生的专业素质,对学生文化素质要求不高,这种情况下学生进入独立学院美术专业的动机可能并非源于自身的特长或喜好,部分仅因自身文化成绩较低才不得不选择艺术专业。对此,在课程设置方面,应注重文化课建设水平的提高,使学生结合文化知识与美术内容重新认识历史与社会。第二,美术专业课的设置也需不断完善。美术教育课程方面注重自身专业性的同时也将设计专业引入其中,原因在于现代社会对美术专业人才的需求已不再集中于单纯的绘画方面,要求注重艺术的实用性,而通过设计专业的引入可为学生的就业开辟新的路径。第三,注重传统教育教学内容作用的发挥。尽管现行美术教育改革更强调的为适应市场发展以及功能需求的艺术教育,但由于美术教育本身涉及较为如制图、摄影等内容,要求学生在掌握相关设计专业知识的同时,结合以往教育中如色彩关系或材料运用,这样才可使美术教育更具实用性[5]。 (二)加强教师团队建设 独立学院美术教育教学的改革不仅要求在课程设置方面进一步完善,还需充分发挥高素质教师团队的先锋作用。院校领导需采取一定措施进行师资队伍的编制工作,并组织美术教师进行进修或考察,使他们懂得利用现代新式技术如制图软件或绘画过程中相关的材料等。当前市场经济环境趋于成熟的背景下,包括教育领域在内的许多急功近利现象都将被淘汰,美术教育若忽视教师团队的建设,将直接造成美术专业活力的缺失。只有保证教师能够不断在知识能力等各方面经过不断洗礼,才可为教育教学改革奠定坚实的基础[6]。 (三)加大美术教育经费的投入力度 作为独立学院中新兴的学科之一,美术教育现阶段已逐渐以电脑美术教育为主,而市场对人才的需求也表现在电脑美术设计人才方面,如常见的三维动画涉及、平面设计以及二维图像等。这就要求学校在硬件设备方面加大投入力度,切实为美术教学活动提供可靠的硬件基础。同时,美术教育需注重社会实践内容的融入,如传统教学中组织学生风景写生活动,都可帮助学生将理论应用于实践,学校可在此方面加大投入力度,这样才可推动教育教学的进一步改革[7]。 五、结语 教学改革是推动独立学院美术教育进一步发展的重要途径。立足于当前教育教学中存在的现状包括课程设置不合理、师资力量匮乏以及经费投入不足等,通过人文素养的课程在专业课程的融入以及专业课设置的完善满足教学改革需求,加强教师团队建设并加大美术教育经费投入力度,这样才可使美术教育教学的改革适应市场变化需求,从而培养出更多美术专业复合型人才。 作者:田宜彩 美术教育教学论文:高校美术教育教学改革研究 一、新形势下高校美术教育教学改革的主要对策 随着经济的发展和社会的进步,美术教育以独特的方式在完善人格、提升素质、陶冶情操等方面发挥着不可替代的作用。在国家大力推进基础教育课程改革的过程中,美术教育同样需要在教育发展理念、教学模式、人才培养定位、实践教学环节等方面进行改革创新,培养出适应市场需求和社会需要的高素质、应用型人才。 1.顺应社会和市场需求,确定科学的人才培养目标 实现人才培养目标是学校教育的出发点,是保证课堂教学改革始终沿着正确方向发展的根本。因此,高校美术教育应该是以培养高素质的、符合社会需要和市场需求的高技术、高技能人才为目标。一是教学思想的改革。艺术创作是人类一种高级的、特殊的、复杂的精神生产活动。教学思想的改革要求师生首先要共同具有创新思维和创造性思维,美术教学要培养学生成为具有创造能力与创新能力的美术家,而不是只会照葫芦画瓢的“美术匠”。如在进行色彩的静物写生训练时,教师要以培养学生创新能力为目的,先让学生对静物进行临摹,学生能熟练搭配色彩后再进行全新的色彩搭配,培养学生创造力和自主学习能力。二是高校在确定美术专业人才培养目标时要紧跟市场需求和企业需要开展调查研究,邀请行业、企业的技师和工程师共同制定科学合理的教学大纲、人才培养方案和教学计划。同时,邀请行业企业具有丰富实践经验的人员为学生授课或者做学术讲座,这样培养出来的学生就业后实践能力强,具有可持续发展能力。 2.提高教师队伍实践能力,构建“双师型”教师队伍 高水平、专业化的教师队伍是人才培养的关键。高校要想提高美术学生培养质量,必须把教师队伍建设放在首要位置,着力提高美术教师队伍的实践能力和创新能力,构建“双师型”教师队伍。一是通过国内外研修和项目支撑,培养国内知名的美术专业领军人物;二是通过选送美术专业骨干教师到相关企业轮训、实训和顶岗,提高教师美术教学实践能力;三是实施校外美术行业企业高技能人才和校内专任美术教师“结对子”,兼职教师全程参与美术专业人才培养模式改革、专业建设和课程建设,建立了一支稳定的兼职教师队伍。通过以上三点来加强师资队伍建设,可以使美术教师成为具备深厚艺术知识底蕴和多元化教学方法的传授者,并使教师可以在对学生的传道授业中渗透人文精神,使教师可以借助美术教育帮助学生净化心灵,从而使学生的自我人格得以升华。 3.更新教育理念,深化教学体系和教学方法改革 构建符合社会需求和学生培养实际的美术专业教学体系是保证人才培养质量的基础。一是高校要遵循教育基本规律和美术专业基本特点,制定相应的教学大纲和教学计划,开设美术相关理论和实践课,教育引导学生树立正确的艺术观,提高学生整体美术理论素质。二是在教学内容上由于学生课程较多、学校设计的课时量是有限的,教师的授课内容一定要针对学生实际和就业需求,决不能泛泛而讲,要学有所用;在教学方法上,要坚持深入浅出、触类旁通和举一反三,因为美术专业学生的学习基础参差不齐,要充分调动学生学习的积极性和主动性,引导学生形成自主学习的兴趣和能力。三是在教学手段上要不断创新,要舍得投入时间和精力。要结合专业发展和学生实际,运用多媒体、视频、图片等种媒介,提升教学效果和教学质量。教师要广泛涉猎相关专业知识和课外知识,充分备课,扩大课堂的知识面和内容含量,授课内容既丰富多彩又重点突出,切实提高学生学习兴趣和教学质量。 4.提升学生文化内涵,培养学生的创造力和想象力 艺术与文化有着千丝万缕的联系。美术专业学生由于从小就侧重艺术理论和专业课学习,忽视文化基础课学习,导致学生文化课底子薄、基础不好。但是,文化内涵和文化底蕴对美术学习和美术创作具有重要的作用,很多艺术作品具有深厚的文化底蕴,涵盖历史、文化、哲学、文学等多个学科,学生必须具有一定的文化基础,才能感受领会高雅艺术作品所具有的深刻内涵和寓意,才能具有丰富的想象力和创造力,把自己的所思、所想融汇到自己的艺术创作当中。因此,高校在做好美术学生专业课教学的同时,要有重点加强学生文化国学等课程教学,切实提升学生文学素养和文化内涵。而且,教师在美术教学中要启迪、引导学生的创造力和独立思考能力,培养学生开放思维和想象力,这是教师美术教学的优秀任务。 二、结束语 系统科学的教学改革是推动美术教育持续健康发展的根本动力。但是,美术教学改革并不能一蹴而就,需要教育管理部门和高校科学设计、有序推进,需要高校广大美术教育工作者和学生不断探索实践总结,这样才能不断提升美术教育教学质量和人才培养质量,促进我国艺术文化事业蓬勃发展. 作者:徐常颖 单位:哈尔滨幼儿师范高等专科学校 美术教育教学论文:高校美术教育教学改革探究 一、新形势下高校美术教育教学改革的主要对策 随着经济的发展和社会的进步,美术教育以独特的方式在完善人格、提升素质、陶冶情操等方面发挥着不可替代的作用。在国家大力推进基础教育课程改革的过程中,美术教育同样需要在教育发展理念、教学模式、人才培养定位、实践教学环节等方面进行改革创新,培养出适应市场需求和社会需要的高素质、应用型人才。 1.顺应社会和市场需求,确定科学的人才培养目标 实现人才培养目标是学校教育的出发点,是保证课堂教学改革始终沿着正确方向发展的根本。因此,高校美术教育应该是以培养高素质的、符合社会需要和市场需求的高技术、高技能人才为目标。一是教学思想的改革。艺术创作是人类一种高级的、特殊的、复杂的精神生产活动。教学思想的改革要求师生首先要共同具有创新思维和创造性思维,美术教学要培养学生成为具有创造能力与创新能力的美术家,而不是只会照葫芦画瓢的“美术匠”。如在进行色彩的静物写生训练时,教师要以培养学生创新能力为目的,先让学生对静物进行临摹,学生能熟练搭配色彩后再进行全新的色彩搭配,培养学生创造力和自主学习能力。二是高校在确定美术专业人才培养目标时要紧跟市场需求和企业需要开展调查研究,邀请行业、企业的技师和工程师共同制定科学合理的教学大纲、人才培养方案和教学计划。同时,邀请行业企业具有丰富实践经验的人员为学生授课或者做学术讲座,这样培养出来的学生就业后实践能力强,具有可持续发展能力。 2.提高教师队伍实践能力,构建“双师型”教师队伍 高水平、专业化的教师队伍是人才培养的关键。高校要想提高美术学生培养质量,必须把教师队伍建设放在首要位置,着力提高美术教师队伍的实践能力和创新能力,构建“双师型”教师队伍。一是通过国内外研修和项目支撑,培养国内知名的美术专业领军人物;二是通过选送美术专业骨干教师到相关企业轮训、实训和顶岗,提高教师美术教学实践能力;三是实施校外美术行业企业高技能人才和校内专任美术教师“结对子”,兼职教师全程参与美术专业人才培养模式改革、专业建设和课程建设,建立了一支稳定的兼职教师队伍。通过以上三点来加强师资队伍建设,可以使美术教师成为具备深厚艺术知识底蕴和多元化教学方法的传授者,并使教师可以在对学生的传道授业中渗透人文精神,使教师可以借助美术教育帮助学生净化心灵,从而使学生的自我人格得以升华。 3.更新教育理念,深化教学体系和教学方法改革 构建符合社会需求和学生培养实际的美术专业教学体系是保证人才培养质量的基础。一是高校要遵循教育基本规律和美术专业基本特点,制定相应的教学大纲和教学计划,开设美术相关理论和实践课,教育引导学生树立正确的艺术观,提高学生整体美术理论素质。二是在教学内容上由于学生课程较多、学校设计的课时量是有限的,教师的授课内容一定要针对学生实际和就业需求,决不能泛泛而讲,要学有所用;在教学方法上,要坚持深入浅出、触类旁通和举一反三,因为美术专业学生的学习基础参差不齐,要充分调动学生学习的积极性和主动性,引导学生形成自主学习的兴趣和能力。三是在教学手段上要不断创新,要舍得投入时间和精力。要结合专业发展和学生实际,运用多媒体、视频、图片等种媒介,提升教学效果和教学质量。教师要广泛涉猎相关专业知识和课外知识,充分备课,扩大课堂的知识面和内容含量,授课内容既丰富多彩又重点突出,切实提高学生学习兴趣和教学质量。 4.提升学生文化内涵,培养学生的创造力和想象力 艺术与文化有着千丝万缕的联系。美术专业学生由于从小就侧重艺术理论和专业课学习,忽视文化基础课学习,导致学生文化课底子薄、基础不好。但是,文化内涵和文化底蕴对美术学习和美术创作具有重要的作用,很多艺术作品具有深厚的文化底蕴,涵盖历史、文化、哲学、文学等多个学科,学生必须具有一定的文化基础,才能感受领会高雅艺术作品所具有的深刻内涵和寓意,才能具有丰富的想象力和创造力,把自己的所思、所想融汇到自己的艺术创作当中。因此,高校在做好美术学生专业课教学的同时,要有重点加强学生文化国学等课程教学,切实提升学生文学素养和文化内涵。而且,教师在美术教学中要启迪、引导学生的创造力和独立思考能力,培养学生开放思维和想象力,这是教师美术教学的优秀任务。 二、结束语 系统科学的教学改革是推动美术教育持续健康发展的根本动力。但是,美术教学改革并不能一蹴而就,需要教育管理部门和高校科学设计、有序推进,需要高校广大美术教育工作者和学生不断探索实践总结,这样才能不断提升美术教育教学质量和人才培养质量,促进我国艺术文化事业蓬勃发展. 作者:徐常颖 单位:哈尔滨幼儿师范高等专科学校 美术教育教学论文:高等美术教育教学策略 一、高等美术院校的教育特色 目前我国的高等美术教育一般设置在综合性大学,师范大学和专业艺术学院中,各类大学的美术办学宗旨各有一定的差异,教学方向也不禁相同,但近些年来由于全球现代化进程的快速推进,市场经济,知识经济时代浪潮的冲击,各国教育机构为适应时代的新原则纷纷探索改革,希望建立和扩大自身优势,提高竞争力和社会影响力,培养出世界最优秀的人才。我国高等美术教育也不例外。 1.综合性大学的美术院系 综合性大学开办美术院系是中国高等美术教育的一个新现象,对于它学科的研究,如何定位,专业如何办学,应如何与单科专业院校拉开距离,没有现成的范例供参考,综合性大学就自身的优势与特色,它应有自己的办学理念,形成自己的办学风格。就我个人认为:综合性大学最大的优势是其学科无所不包的广泛性,学术研究的系统性与深入性。高等美术教育在综合性大学中应充分利用其优势,发展自己的特色美术教育,加强美术学科的学术性,研究性。所以,大学本科的学习应为其升入研究生的学习打下坚实的基础,成为研究性学习的过度与良好衔接,也使本科专业的学习目标成为为作研究工作而积极准备。所以也应该加大相关专业研究教育的培养力度,逐渐形成综合性大学美术院系办学的最大特色。 2.高等师范美术专业 随着我国高等美术教育的改革与发展,高等师范美术专业的发展方向与培养目标也越来越明确,估计未来大部分师范大学将改革为综合性大学,而本来的学术教育和美术史论专业已经统一改称为“美术学”专业。所以,进一步推进高等师范美术专业对我国九年义务教育的研究,是高等师范美术专业发展的最大特色。也使我国高等师范美术专业担负起研究传播美术文化,对中小学生进行美育,以及提高综合素质等重任。 3.高等专业艺术院校 我国高等专业艺术学院则应使科学知识的推广和运用这一责任更加有利的强调和执行。随着我国改革进一步的深化,国家需要大量高级美术技术性人才,尤其是极其缺少“既能动脑又能动手”的复合型技能人才,高等专业艺术院校应以此为目标,使受教育者具有较高的知识层次,较强的创新能力,并掌握熟练的技能,使能在未来的工作岗位上从事生产一线的高技能操作,设计并能组织生产管理以及在服务业提供创造性服务等。这也将是我国就业发展的趋势———在知识经济基础上的高科技知识和高技能相结合的人才。就现在我国高等专业美术学院教育培养的人才多偏重于学术性人才,与社会实际需要脱钩导致供需失衡,这就需要高等美术专业的教育搬入社会实践这个大舞台,使高等专业院校呈螺旋型发展,使所培养的人才具有较强理论基础的同时更在实践中具有更强的爆发力。 二、高等美术教育的强化 综合性大学,师范大学和专业艺术学院的教学发展模式只有拉开距离,才能充分形成互补的良性互动局面。只有个性的存在才能有共性的发展与延续。无论是综合性大学,师范大学或专业艺术学院都应有共同点美术办学宗旨,无论有怎样的教学特色与偏重,目的也都是为了使人类更文明更进步。在《四书》的第一本《大学》中便说“大学之道,在明德,在亲民,在止于至善。”就是在说大学教育的道理,在于使人们净化个人的心灵,陶冶个人的情操,培养个人的善良美德,在于团结群众,弃旧扬新,从而使人们达到真善美的最高境界。高等美术院校同样也都要遵循一个共同的办学理念及办学方向,从而达到育人的目的。 1.首先,应正确引导学生对学习的认识。 考生在升入高等美术院校之前,大都自觉或不自觉的使学习目的针对高考进行强化,升入院校后需先利用一段时间使教学工作针对这样的情况调整学生的学习方法,摆正学生的学习态度,强调在学习过程中体会到美就在身边,就在实际的生活中,并调动所有的感官去细致入微的观察一切事物,让艺术与生活密切相关。 2.关于学生正确对待现代化与传统文化关系的问题。 在老师“传道,授业,解惑”的过程中,无可避免的要遇到这个最实质的问题。尤其是随着我国现代化进程加剧,有一些错觉认识,认为现代化与传统文化完全对立或两者之间有无法逾越的鸿沟,但实际上任何一个国家进行现代化建设,传统文化大部分是保留的。例如日本、新加坡、法国、韩国等。同时现代化也是不可抗拒的历史趋势,传统文化也会不停的蜕变。如何使学生在实践中体会到传统文化的重要与不可替代性也是高等教育中重要的一课。 3.有超越的心态对待传统文化艺术与外来文化艺术。 在今天,不少人认为传统文化艺术是现代的障碍,也有人认为传统文化艺术无比神奇应顶礼膜拜。这样的态度都不利于高等美术教育的发展。应使学生们全面认识到传统文化艺术的多元性与传承发展性,中华文化艺术不仅有中华文明代表的主流文化也有少数民族文化艺术代表的非主流文化。如何大胆的与实际相融合,并深入地理性,历史性思考、研究,增强民族凝聚力,这都应是探索的主要方向,也同是探索外来文化艺术的方向。尤其是现代外来文化艺术,更应全面研究,看清它的真面貌,不应盲目模仿。真正使古为今用,洋为中用,也需有勇气实行“拿来主义”,加以吐纳吸收,重建世界上最优秀的精神文明。我们往往说最深刻的道理也是最简单的道理。高等艺术教育的深入同样也需要立足于我们的真实生活,真实情感;立足于对传统文化的尊重和研究;立足于当代性及具有现代意义。 三、总结 教育是终身的教育,高等教育也是其中的一部分,教育是一个人一辈子都不可能结束的过程,教育是人的自身目的,也是人的最高价值体现。”我们应遵循更人文化,更科学化的教育理念不断发展、改进、深入。使教育培养人的自我决定能力,去“唤醒”学生的力量,使学生能在目前无法预料的未来局势中自我作出有意义的选择。因为教育,是全民族的事,要教育的是整个民族。 作者:段敏 单位:大同市幼儿师范学校 美术教育教学论文:高职院校美术教育教学内容与方法 摘要:教师要不断丰富高职院校美术教育的教学内容,探讨高职院校美术教学的总体思路,改变以往的美术教育教学模式。教师要创新高职院校美术教育教学的方式,研究具体的教学内容和教学模式,采取相应的创新举措,推动高职院校美术教育的发展。 关键词:教学模式;美术教师;高职院校 一、确定高职院校美术教育对教师业务能力的要求 在美术教学中,教师针对不同学生的学习水平和学习情况开展不同层次的教学,这要求教师的技能水平过硬。不同的院校对于学生未来发展的定位不同,再加上美术教师的差异,所以不同的院校在培养美术教师的过程中会区别要求。美术教师不仅需要掌握熟练的艺术实践技能,还要具备丰富的美术知识,在讲课过程中自觉将理论知识和实践技能相结合。不同的美术教师对于美术知识的诠释方式不同,所以学生要在学习中结合自身的特点有选择性地吸收。为了更好地推动美术教育的长远发展,需要对美术教学内容和方式进行深入研究,分析最适合高职院校学生的课程,进而对美术教育课程进行整体调整。 二、高职院校的美术教育如何更好地满足学生的需求 1.美术鉴赏课的教学内容与方法 美术教师在进行理论讲授时,可以根据不同的学习要求对授课内容进行调整。美术专业的学生和其他专业的学生对于美术的兴趣方向不同,教师在对美术专业学生讲课时应该注重史论的系统性,而对其他专业学生授课时应将重点放在对经典美术作品的讲解上,这些学生对于经典美术作品充满好奇,他们急于知道经典传承于世的原因。在授课过程中,教师应先充分了解学生的学习需求,然后结合美术教学的特点授课。在给学生讲解外国美术作品时,大多数学生会对《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》《向日葵》等经典作品感兴趣,因此,教师在讲解的过程中应该着重对这些作品进行深入解读。在讲解中国经典艺术作品时,学生比较感兴趣的是《奔马图》《洛神赋图》《清明上河图》等,对于这些作品,教师要进行重点解释。在讲解了学生感兴趣的美术知识之后,教师要结合美术的学科特点增加一些学术性知识。如,介绍这些作品创作者的生平、艺术经历和成长过程,最好能够针对某位大师开设专题讲座,这样可以充分调动学生学习美术的积极性和主动性,从而使学生更系统地了解美术作品。 2.结合当地美术馆开展美术教育 以往的美术教学场所局限于教室,容易引发学生对于美术学习的厌烦心理。为了有效改变这种枯燥的教学模式,教师可以结合当地的美术馆开展美术教学。国家免费开放了很多博物馆和美术馆,学生可以直观地接触这些美术作品,这为美术教学提供了可行性。结合教学内容参观与之相关的美术作品,可以培养学生对于美术作品的欣赏能力,学生也可以在参观过程中积累自己的历史文化底蕴。在美术馆中学习美术经典文化,可以带给学生不一样的学习感触。艺术作品的原作具有特殊的视觉冲击力,给学生带来和教室里播放幻灯片时不一样的感受。学生通过参观美术馆,可以提高艺术欣赏能力,久而久之,学生就会养成参观美术馆的习惯,提高精神生活方面的追求。 3.通过服装设计的原理引导着装 现代大学生更加崇尚人格自由和个性化发展,以往的教育方式难以满足现代大学生的发展需要,必须创新教育模式。美术教育课程培养学生的审美能力,如何培养学生的审美水平是一个问题。这里可以从小处着眼,如平日里的着装。当代大学生的衣着装扮往往突出自己的个性,但是,有些装扮色彩过于艳丽,色彩搭配不合理,忽视了美感。所以,教师在日常授课的过程中,可以讲解相应的服饰色彩搭配、饰品搭配以及样式组合,逐渐引导学生对于美的感触。教师应结合美术教育的教学特点,设置相应的课程内容,一切从实际出发,不断开设创新型艺术实践课程,丰富美术教育的内容,逐渐引进室内设计、广告设计和服装设计。通过这些课程,学生可以提高对于艺术的审美水平。通过对服装的整体搭配和设计,学生可以提高对于美术的审美诉求,循序渐进地成为具有较高审美水平的艺术学习者。 结语 为了推动高职院校教育稳定、可持续发展,必须创新美术教育的教学模式,适应新的教育发展形势。对美术教育的具体内容要进行全面分析,对教学方法要进行适当创新和改革,强调美术教学内容和方法的针对性。通过美术教学提升学生的审美水平,培养学生对于高雅艺术作品的审美能力,推动学生在学习艺术的过程中稳定发展。改变以往的美术教育教学模式,推动高职院校美术教育的长远发展。 作者:程琦 美术教育教学论文:美术教育教学体系反思与重构 摘要:面对多元文化发展的今天,进行美术教育教学体系的重构成为当前人们热切关注的重要课题。因此,有效解决当前美术教育及其教学体系存在的困境,提出重构美术教学传统认知,改革美术教育体系具有十分重要的现实意义。只有如此,才能够为美术教育提供一个平稳且有序的发展平台,让美术教育获得更加开放的有利局面,形成全新的多元化教学体系,促进美术教育教学在我国教育系统中的发展。 关键词:美术教育;教育体系;反思;重构 1当前美术教育教学体系存在的困境原因 第一,保守单一的美术教学体系,不求改变。虽然我国的美术教育开展的并不晚,但是从历史发展上可以明显看出美术教育存在着一定的历史断层。尤其是自新中国成立以后,教育制度与教育体制得到了进一步的完善,美术教育教学体系也随之发生了质的变化。可以说直至今日,我国的美术教育体系俨然已经形成了自中心向着全国辐射的同构性,由高等教育向基础教育的逐渐发展与稳定的一个过程,虽然在这个期间因为社会自身因素使美术教育不同程度的受到了地方性特点影响,但是在大体上全国的美术教育基本上是没有差异的,并且构成了强大的体制内省性并加以惯性运转。也正因如此,加之官方权威的不断加持,以及层层因素,美术教育教学体系俨然已经僵化,而一些真正有意义的反思却根本得不到响应,长此以往下去势必会危机到整个美术教育的发展。第二,囿于体制,对非官方艺术形式过于排斥。除了当前保守单一美术教育体系的问题,美术教育教学工作囿于体制,画地为牢,对非官方艺术形式过于排斥,拒绝与时俱进也是造成新时期美术教育教学工作走入困境的重要原因。可以说自20世纪80年代以来,我国的艺术文化俨然已经受到了西方文化的巨大冲击,我国艺术家们也不断的创造出了更多突破禁区、突破观念的作品,进一步拓宽了我国艺术界线的同时,也促进了艺术思维的自由化,艺术形态的多元化。尤其是自2000年,在上海举办的双年展,更是迫使官方给予了现当代艺术形式迟到的认可。并在今后的历年之中,我国各地城市陆陆续续的多次举办艺术展览,不仅进一步丰富了我国城市的文化生活,也进一步活跃了现当代的艺术市场。也正是在这种情况下,使得我国艺术圈体制内与体制外之间的关系可谓是此消彼长,虽然在一定程度上现当代艺术形式也会渗透到当前美术教育系统之中,但是这种局部的关系是根本无法改变二者之间的对立局面。这也就致使艺术节对美术教育教学认知与学习目标产生了不小的差异性,也就造成了美术教育的生硬脱节,这不仅严重的阻碍了美术教学体系的革新与发展,也使得当前的美术教育教学体系远远滞后于时展需求。第三,急功近利,压抑学生的个性化发展。长期以来由于教育政策导向的失误,使得在教育教学过程中人们片面的追求升学率,以至于教育过于功利性,美术教育也俨然已经成为一种简单暴力的升学工具,而无视了美术教育的深远意义,更不会关心美术教育教学体系在学校中的实际功能与定位,这也就恰恰造成了美术教育教学体系的僵硬化,使美术教育推向了更为尴尬的发展局面。尤其是许多美术速成班的出现,更是无视了学生的禀赋差异与创造性,流水线的“生产”美术专业人才,也给这种畸形的美术教育继续添火加薪。 2新时期美术教育教学体系的反思与重构策略 针对当前美术教育所面临的困境,要想使美术教育得到一个平稳且有序的发展,获得更加开放的局面,形成全新的多元化教学体系,就必须针对当前美术教育工作所面临的困境对症下药。而要想重构美术教育教学体系,就必须做好反思工作,追溯历史,关怀现实,构建全新的教育教学体系。第一,对美术教育的传统认知进行重构,做好历史的追溯。要想转变当前美术教育的僵硬化体系,必须要重新追溯美术教育的发展历史,寻求到美术教育的存在本质,进而对美术教育进行全新的解读。严格来讲,美术教育的历史甚至可以一直追溯至原始时期,而这也是在考古界被充分证明过的。直至今日,美术教育包罗万象,并成为人类文化活动的重要组成部分。因此,在美术教育概念的定义上,应该切实承认美术教育的复杂性与功能上的多样化。所以,在美术教育的界定上应该以广泛性为主要目标,打破固有的美术教学是为限制,从而重构一个内涵丰富、形态多样的美术教学体系。同时,在追溯美术历史的同时,这种复杂且宽阔的事业,也会有助于我们对美术教育的传统历史进行重构,能够使人们正视现有教育体系所存在的局限性,进而做出有效的反思与批评,消除现有美术教学体系的僵硬化局面,将新美术教学体系逐渐整合到传统美术教学体系之中,促进传统美术教育工作者对现代化美术艺术的理解与宽容,促进差异化美术教学路径的逐渐形成,而这也是重构美术教育教学体系的基本要求所在。第二,关怀现实,做好美术教育的实践创新。关怀现实,做好美术教育的实践创新也是做好新时期美术教育教学体系重构的关键。而这里所说的美术教育实践创新,主要包含了两个方面的意思:一方面是美术教育教学内部的美术实践本身的创新,另一方面则是美术教育教学实践行为的创新。可以说,现如今人们的生活早已大不相同,艺术形式势必也不尽相同,因此,要想实现艺术的手段自然也应该有所不同。从当前美术教育的整体发展来看,可以看出西方美术教育普遍将突出学生的个体自由表达、个体创造意识放在教育教学的主体地位之上。因此,结合现如今我国艺术形态的发展以及人们在艺术观念上的转变,我国的美术教育也应该大胆的顺应这一变化,将个体自由表达、个体创作意识放在教育教学的主体地位,从而使美术教育以其无限的可能性,融入到当今人们的文化活动之中,参与到社会文化活动中。可以说,美术教育与现实社会之间的需求对接,已经成为新时期美术教育发展的终极方向与目标。因此,必须打破当前美术教育教学体系的僵局,扩大非绘画内容在美术教育教学内容中的融入,强调于对学生的个性化、多样化培养,提高学生们的创新意识。所以,在实际的美术教学的安排上,应该引入不同的教学内容,全新的教学观念,将非传统绘画分析与相关的艺术史理论相结合,实践能力的训练和学生个体差异相结合,促使学生在学习过程中形成个人初步的艺术趣味和判断力。 3结语 对新时期美术教育教学体系进行了反思,提出了重构策略,希望能够为更多的美术教育同行们在今后寻求美术教育教学体系发展与改革的道路上提供全新的建议与有益的参考。同时,大胆的去实践,去创新,去为美术教育及教学体系开辟出一条全新的发展路径,切实把握美术教育事业的时代脉搏,改变当前美术教育的尴尬局面以及这一片繁荣景象背后的越发消落的事实,使美术教育教学体系重新转变为健康的、富有活力的、富有创新精神的教育教学工作,培养更多有个性的、拥有实践精神的艺术性人才。 作者:秦雪梅 单位:遵义师范学院音乐与舞蹈学院 美术教育教学论文:谈美术教育教学中的教师语言艺术 摘要:随着国家对美术教育的不断重视,美术作为艺术教育教学科目的组成部分,肩负着培养学生审美能力和绘画能力的重任。高职院校以往的美术教育过于注重教师讲授、学生被动吸收知识的教学模式,导致学生的美术学习兴趣和创新能力不高。因此,在高职美术教育教学中,教师如何采用更加生动、形象的教学语言,激发学生的学习兴趣和创新能力,是高职院校美术教育教学改革的关键,值得深入探究。 关键词:高职院校;美术教育;教师语言;语言艺术 语言是教育教学工作的重要组成部分,语言的规范性和创造性与教育教学效果具有密切的关联。对于高职美术教育而言,美术教师语言的艺术性直接影响学生对美术学习的认知能力,另外,教师语言的趣味性也是提高学生美术学习兴趣的重要方式之一。因此,为了进一步提升高职美术教育教学质量,加强对美术教师教学语言的规范化和艺术性探讨,具有重要的现实意义。 一、教师语言在美术课程情境导入中的应用 美术作为一门艺术课程,如何导入新的教学内容是开展新课程教学的关键。良好的情境导入能够激发学生的情感共鸣,使其更有兴趣投入本节课程的教学。因此,教师在美术教学中采用情境导入是提高教学质量的重要方式。首先,准确的语言是创设情境的关键。教师要描述某一具体事物,应采用比较规范化的教学语言,并且做到语言准确、简洁,符合正常的思维逻辑,这样才不会给学生的理解造成误导。其次,教师生动、形象的语言是引导学生进入教学情境的前提。面对死气沉沉的课堂教学气氛,教师应充分利用语言魅力活跃课堂氛围,让美术知识成为活灵活现的教学内容。幽默的教学语言是活化美术知识的重要方式,能够促进学生对美术知识的深层次理解。最后,为了改善学生对美术知识的学习效果,教师在课程导入教学中应对重点知识进行语调和节奏的变化,通过采用不同语调、节奏的教学语言,使学生在脑海中对新知识留下深刻的印象。如,在进行中国艺术设计知识的教学中,美术教师可以通过引入郑板桥《板桥题画竹石》这首诗进行情境导入,在讲解中国传统文化知识时巧妙融入绘画知识,提高学生对本课教学内容的学习兴趣。 二、教师语言在美术启发教学中的应用 美术课程不同于语文、数学、英语等其他科目,美术教学中需要学生之间进行交流、合作,有时需要小组合作共同完成一幅作品。在这样的课堂教学环境中,部分学生会离开自己的座位,教室里充满了学生的各种说话声、笑声等,整个课程教学秩序容易失控。如果美术教师采用比较严厉的语言维持课堂秩序,学生只会在短时间内停止交流,一段时间后,学生之间又开始了之前的活动,管理效果并不理想。这时就需要教师利用富有艺术性的语言与学生交流沟通。如,教师可以采用文明、规范的语言或者艺术性的提问性语言引导学生反思接下来的教学内容和任务,让学生认识到自身行为不仅耽误了自己的学习进程,同时也耽误了别人的学习时间。此外,教师还要对课堂学习中学生的扰乱秩序行为进行总结,告知学生:“共同的交流学习是为了共同进步,而不是相互拖后腿,希望同学们在课堂教学中相互帮助,相互督促,共同完成相关学习。”通过各种富有启发性、情感性的语言交流,课堂教学将进行得更加顺利。 三、教师语言在美术教学评价中的应用 高职院校美术教育的重要目标是为社会输送全面发展的美术人才。美术教师在评价学生的美术作品过程中应结合学生的具体表现,采用准确、客观的语言进行教学评价,对于学生的优点应充分给予鼓励、表扬,对于学生美术作品中存在的缺点应明确指出并给予相应建议,同时鼓励学生积极改正,促进学生全面发展。高职院校的学生在审视自己的作品时,容易出现不自信、不满足等特点,教师应从学生角度出发,采用灵活的语言予以指导评价,让学生正确认识美术的魅力,坚持自己的兴趣。虽然高职院校学生的起点不如重点院校的学生,但是他们通过自身的努力,也可以成为优秀的毕业生。教师要鼓励学生在校好好努力并享受美术课堂的魅力。如,教师可以在课堂教学中挑选一些学生的作品,并要求这些学生在课堂上向同学介绍自己的作品,讲述自己的绘画创作历程。这样不仅活跃了课堂教学氛围,激发了学生的听课热情,而且锻炼了学生的语言表达能力,对于学生走向社会具有积极的影响。综上所述,语言作为日常生活中最为常见的交流工具,也是教育教学中必不可少的知识传达工具之一。在美术教学中应用艺术性的语言,能够更好地诠释美术知识,对激发学生的美术学习兴趣具有积极的影响。结合高职院校学生的特点,教师在美术教学中采用适当的教学语言,是促进学生学习美术知识的关键,对培养学生的审美能力和艺术修养具有较好的效果,值得提倡。 作者:郑惠凤 美术教育教学论文:中学美术教育教学方法问题及对策 摘要:美术作为中学教学的一门基础性学科,一方面能够帮助学生掌握基础性的美术知识;另一方面也能够培养中学生的审美素养和鉴赏能力,为今后进行更加深入的专业学习打下基础。但是由于教学资源、师资力量以及教学观念等多方面因素的影响,中学美术的教育教学方法仍然存在各种各样的问题,与预期的美术教学目标相差甚远。因此,必须要在分析中学美术教学问题的基础上,探究可行性的应对措施,提升美术教学质量。 关键词:中学美术;教育教学方法;存在问题;解决措施 在中学教育中,无论是家长还是教师,都更加关注学生文化课的学习成绩,对于美术、音乐、体育等课程则缺乏足够的重视。受这一观念的影响,学校在美术教学资源分配、硬件建设和师资力量投入上也相对欠缺,部分教师没有摆脱应试教育的束缚,教学方法也存在诸多问题。文章首先指出了当前中学美术教学方法存在的问题,随后概述了美术教学应遵循的基本原则,最后结合实际教学经验,提出了优化中学美术教学的可行性方法。 1当前中学美术教育存在的问题 1.1美术教学重视不足,课程安排不尽合理 素质教育虽然已经实施多年,但是考试仍然是学生升学选拔的主要手段。为了让学生提高应试成绩,学校在课程设置上也更加倾向于文化课的安排,多数中学的美术、音乐等科目,一周仅有一节课。但是教学大纲中明确指出:初中美术应当在学生熟练掌握美术基础知识的前提下,培养学生的绘画技巧和动手能力。由于课时有限,美术教师不得不压缩授课内容,考虑到学生动手绘画需要花费较多的时间,为了完成预定的教学计划,美术教学只能侧重于理论知识的讲解。在这种课堂教学模式下,学生只能接受美术教师的理论灌输,久而久之就会产生厌学情绪,失去对美术的学习热情。 1.2教学资源分配失衡,教师整体素质不高 教学资源的分配不均衡主要表现在两方面:一方面是宏观环境下的美术资源配备不均衡,这主要是由于地区之间的经济差异所造成的。美术教学不同于数学、英语等文化课,它不仅要求美术教师具备较高的专业知识和丰富的教学经验,而且还需要学校配备有专门的画室,为学生提供各种绘画素材。对于城市中学来说,基本上能够满足中学美术教学的需要;但是在广大的乡镇和农村中学,则缺乏足够的美术教学资源,甚至部分中学连最基本的画室、素描模型都不具备,更不用谈美术教学质量了;另一方面是微观环境下的学校资源分配不均衡。对于学校管理者来说,他们更愿意将有限的资金投入到文化课教育上,以提高学校的升学率。因此,由于教学资源的分配不均衡,导致许多优秀的美术教师更愿意在城市中学任职,而乡镇、农村中学由于教学条件较差,则很难吸引到优秀青年教师,美术教育教学方法的创新面临重重阻力。 1.3教学模式过于单一,缺乏人文素养关怀 美术教学要想取得预期的教学目的,必须要兼顾学生的理论知识和动手绘画能力。但是部分美术教师在长期的执教生涯中,形成了固化的教学模式,将理论知识教学和绘画教学割裂开来。在理论知识讲解时,一味地按照书本教材内容,照本宣科地进行知识点的解释,而且课堂上很少与学生进行交流互动,学生在美术学习中遇到的疑问得不到及时解答,影响了最终的学习质量;在实际绘画时,教师缺乏对学生的指导,不能及时纠正学生绘画中存在的错误,也很难起到应有的美术教学效果。例如,在进行静物素描时,许多学生难以掌握阴影的绘画方法,教师如果不能在课堂教学中进行有重点的讲解,将会对学生今后的学习造成不利影响。 2中学美术教学中应遵循的基本原则 2.1灵活性原则 教有法,而无定法。在中学美术课堂上,即便是教师做好了充分的备课,也很难确保课堂教学完全按照教学计划开展。因此,教师在课堂教学中应当采取灵活多变的教学手法,根据学生的课堂学习反映,及时调整教学思路,使学生对美术教学知识有着更加深刻的理解和掌握。灵活性教学原则的实施,需要教师加强与学生的课堂交流,并时刻观察学生的表情变化,当教师讲解到某一知识点时,如果学生表现出眉头紧锁或向教师投来疑问目光,教师就必须对这一知识点进行有重点的讲解。 2.2启发性原则 启发性教学原则要求教师在教学过程中注重培养学生的学习主动性,通过设置问题或布置任务等形式,使学生能够根据教师的任务引导由易到难、由浅入深地进行美术知识的学习。在不断完成课堂任务和解决问题的过程中,学生不仅能够学习到美术知识,而且提升了个人的创新能力和知识拓展能力,这对于学生今后自主学习习惯的养成也有积极帮助。 2.3贴近实际原则 教师可以根据具体的美术教学内容和课程安排,在美术教学中引入实际生活元素,从而使美术知识更加贴近于学生的生活认知,从而能够降低学习难度。除此之外,教师还可以定期组织学生到野外写生,一方面能够让学生在自然环境下放松身心,释放学习压力,从而以更加饱满的姿态投入到新一轮的学习中去;另一方面也可以通过野外写生,让学生将课堂所学知识应用于实践,加深对美术理论知识的理解和掌握。 3提升中学美术教育教学方法的具体对策 我国目前美术教育教学中出现的问题,限制了美术教育的正常发展,影响了中学生素质教育的健康发展。针对这种现象,提出以下几项应对策略。 3.1加强美术教学重视,适当增加资源投入 目前,中学美术教育教学资源存在地域不平衡现状,针对这种情况,教育部必须缩小地域之间的差别,协调做好不同地区中学之间的教学资源分配工作。教育部应该制定相关政策加大对较落后地区的经费支持,尤其是一些偏远山区、农村的中学,可以在条件允许的前提下适当增加财政投入。良好的教学环境有利于中学美术教学的实施,这也是优化中学美术教学方法的根本保证。 3.2提高教师综合素质,合理调配美术课程 教师队伍的整体素质直接关系到美术教学方法的可行性和合理性,因此加强教师队伍的素质建设,成为当前中学提升美术教学质量的有利举措。针对优秀青年教师在城市中学过度集中的现状,当地教育部门可以通过出台鼓励措施或优惠政策等形式,鼓励青年教师主动到农村中学任职。通过师资专业培训和考核,对中学美术师资队伍进行严格把控,进行地区之间的教师交流和走访,提升中学美术教师的专业水平和整体素质。 3.3丰富美术教学模式,注重学生全面发展 建立正确的审美观是中学美术教育的重要任务。中学生应该树立正确的审美观,将传统文化继承和发展下去。中学美术教育也应该肩负起使命,重视学生的素质发展,树立全新的教学观念,选择科学合理的方式发展美术教育,真正实现中学美术教学质量和学生审美素养的全面提高,不仅帮助学生顺利完成中学阶段的美术学习,而且能够为今后美术专业方面的深入研究打下坚实基础。 4结语 美术教学不仅可以培养中学生的人文精神、完善中学生人格、还能提升中学生的综合素质和创造性思维,推动美术教学的发展是素质教育发展的必然要求。教育部门应该立足于现在,完善美术教学师资和资源,弥补欠发达地区的经济支持,着眼于未来,让美术教学真正为中学教育所重视,让中学生在美术教学中完善自己的审美和人格。 作者:王文生 单位:江西省南昌市洪都中学 美术教育教学论文:高等院校美术教育教学方式研究 网络时代,信息技术发展空前加快,人们对信息的获取渠道增多,信息的及时性、有效性和双向互动性也变得更强。受益于网络的开放性及传播性,高校美术教育教学方式发生了较大的变化。 网络对高校美术教育教学的影响 在网络时代,信息的海量、开放、多元、互动等特点,以及信息消费的平民化、大众化,改变了信息垄断、信息单向传播和单一话语权的局面。网络时代使得人们在自主性学习、交互性学习、信息共享、资源互补等方面变得极为自由且便利。而这种学习方式的改变,从根本上说是时代变化的结果,而非教育观念和教育形态的改变。网络时代对高校美术教育教学的影响主要表现在三个方面。 1.美术教学内容 高校美术教育的内容主要包含知识、技能、创意这三个方面。在网络时代,学生学习知识的来源已经不再局限于教师和课本,他们既需要消化教师课堂传授的内容,也需要不断增强网络学习的能力,通过网络学习课堂中没有的知识。2.教学方式方法互联网的发展对美术教育的教学技巧、教学方式和方法提出了更高的要求。如何利用互联网技术及理念来更新教育理念,改变教学方式方法,丰富教学手段,是当下美术教育教学面临的重要课题。3.教学资源网络信息化直接催生了新的人力资源结构和不断更新的教育教学硬件资源,美术专业可以通过网络教学、在线课堂等方式,让学生享受到更优厚而先进的教学资源。同时,教师可以通过开设论坛话题讨论、群组交流等社交手段回答学生关注的热门热点话题。网络时代高校美术教育的着力点1.网络化与教学观念传统美术教育教学环境由教师、学生、文本简单组合而成,教师让学生在其“组织”和“规定”当中去学习,课堂气氛死板而单调,学生的学习主动性受到一定的限制,而且学生只跟几个教师学习,作品风格和教师的很相像,导致学生未能真正挖掘出自身特长所在。在网络时代,教师的思想和行为都要与时代特征紧密相连。这就要求教师与时俱进,改变教学观念,时刻想着目前的教学方式能不能利用网络手段来改进,这个教育内容能不能增加一些时代感更强的东西,并且通过互联网经常关注国内外美术领域内的最新情况,将一些精华融入教育教学中。比如,以往都是学生作品由带课老师点评,现在可以利用网络技术,将学生作品到专业论坛中,让更多人看到并对作品进行点评,或者邀请一些名家在网络上对其进行点评。这样,学生收获的不仅是一家之言,还有来自各路专家的点评,教师再来从各种点评中分析哪些是可取的意见,从而提高学生水平,让学生更重视每一次的创作。从观念上融入网络化教学的理念,从各个方面思考怎样利用网络技术改进教学,是网络时代高等院校美术教育教学的重要任务。 2.网络化与美术教育方法 美术的教学一直以一个师傅带几个徒弟的方式开展,尽管目前是分班级教学,但或多或少可以看到师徒传授的教学痕迹。以“传授”为主导的教学方式,很大程度上依赖于教师自身的综合素质,依赖于教师自身的视野,想要保证将所学内容准确无误传达到位,其实非常困难。根据“沟通漏斗原理”,每个人通常情况下想表达的意思是100%,但是实际上说出来的只有心中所想的80%,对方听到的最多只能是60%,真正听懂的只有40%,三天后只剩下了20%,三个月后只有区区5%了。这充分说明了传统的以“传授”为主导的教学方式有很多局限性。从美术教学发展来看,传统的讲授与示范相结合应该是可行的和有效的,但问题在于,这样的教学方式没有提供足够的信息量,学生还是只吸收到了几个教师的知识,不利于创新意识的培养。另外,在网络时代,学生自己通过互联网、新媒体能接触到很多美术领域的信息,但是学生缺少判断信息正确与否的能力,也缺少从海量信息中提取有效知识的能力,如果能在教师的指导下进行网络化学习,学生的能力将会得到极大的提高。 3.网络化与美术教育内容 网络上的信息浩如烟海、包罗万象,教育信息也遍及各科各类,网络能提供强大的信息检索功能,学习者可以在网上随意下载所需的资料。开放的网络环境,不仅吸引学习者的注意力,还能激发他们的兴趣。在网络信息时代,知识的来源已经不再局限于教师,教师的知识传授功能已退居次要位置,但是传授知识仍然是大学教育的内容之一,只是传授的方式方法改变了,互联网的发展对美术教师提出了更高要求,要求教师必须时刻更新教学内容、补充教学资料。另外,知识、技能、创意三个方面组成了美术教育的主要内容,我们要研究什么内容适合在线学习,什么内容适合面授,以便我们选择适当的教学形式。 网络时代高校美术教育的变革 1.教师应有信息敏感与信息整合力 网络信息是海量的,有正确的信息,也有虚假的信息,这就要求教师具备高度的信息敏感性及对网上大量信息进行整合和筛选的能力,具备运用现代信息技术手段进行美术教育教学的能力。在观念上,教师要有开放、包容的胸怀,不断接纳新的社会现象、新的艺术形式和新的教育思维,经过消化、理解和整合,以合适的形式传授给学生。在现今网络高速发展的背景下,除了书本,网络更是成为知识传播的重要途径。作为新时代的教师,必须具备接收和筛选各种新信息的高度敏感,及时了解掌握关于美术教育方面的新动态,了解当下流行的美术表现方式方法、现今的教育理念及教学方法。这样才能不断丰富、更新自己的知识结构,从而在教学过程中将更新的、更有效的知识传授给学生。比如,在教中国人物画的时候,可以与网络上搜到的西洋名画进行对比,分析其不同之处,还可以在网络上搜索出各个朝代中国人物画的经典作品进行鉴赏,搜集出人物背后的故事,深入分析作者创作的意图。 2.课程设置要具备开放性和互动性 美术作品最大的特点是表达作者的理念,是对生活方式的一种创造性的描述与呈现,是为了给人类提供一种新的生活的可能。在传统的美术教育过程中,更看重的是个人的创作,更多的是个人灵感的激发。在网络时代,整个社会的互动性与开放性都有质的改变,美术教师在制订教学计划、规划课程设置时也应遵循以下两个原则:第一,课程结构的开放性。学校在设计课程时需要在保证学科专业各科课程相对独立的前提下,注重各课程之间的互动与联系,建立各门课程之间的循环链接,防止各自闭门造车,保证课程间链接顺利。另外,也要注意利用网络技术和外界保持一定的联系。比如,在教中国山水画的时候,可以轻松地在网络上搜索得到历代名家的山水画作品并一一进行点评,并且可以搜索得到一些名山的实景图片供学生参考,设置一些开放性的课题,如山水画与古典音乐的融合、如何利用现代科技进行山水画的3D创作等各种与其他学科交叉的课题,让学生自行选择感兴趣的课题进行深入研究,并且在网络上与对应学科的专家学者进行交流学习,开拓学生眼界,培养学生创新能力。第二,课程结构的互动性。网络时代一个最大的特点就是实现了人与人之间的跨时空交流。因此,我们更应该利用网络技术,注重美术教学的互动性,让学生成为问题的发现者、课程的创造者,增强师生、生生、学生与校外专家学者之间的交流互动,培养学生的学习主动性以及创新能力。比如,教学生如何创作一幅“我心目中的中国—东盟博览会”作品,除了带学生到南宁国际会展中心实地考察外,还需引导学生在网络上与国内外会展专业的人进行交流,了解会展业的内容。再通过网络搜索了解到东盟自由贸易区的基本情况、中国—东盟博览会的定位、目标、内容等信息,还可在微博、微信朋友圈、QQ群等新媒体上发起话题,与中国—东盟博览会参展参会商、工作人员等进行交流互动,全方位了解创作主体的情况。教师还可以在网络上搜索出国内外知名展会的形象广告等作品,提炼出值得借鉴的地方,帮助学生进行创作。 3.教师应具备信息素养 学历教育的培养目标是培养的学生有宽广、深厚的专业素养,顺应时代的发展。专业素养包含信息素养。信息素养是由美国学院和学校协会南部学院委员会提出的,它包括信息能力、传媒素养、计算机素养、视觉素养以及终身学习和利用资源自学的能力等内容。在网络化、信息化的大背景下,美术教学及其教学绩效内涵正发生着深刻变化。师生在“教”与“学”的教学活动中,体现了空前的结构开放性、信息互动性和价值多元性,教学绩效的构成内容与评价标准,也烙上了鲜明的时代印记。现代社会已经进入了图文读写的时代,正是教育技术的应用丰富了教学环节和艺术实践过程。教师才可以在教学过程中通过图文并茂的多媒体教学手段,利用虚拟现实、教学交互、云计算及大数据等技术,利用网络资源收集、整理素材,弥补传统艺术表现形式的不足,紧跟新时代教学模式的需求,更是对传统教学的继承和突破。随着互联网的不断发展,教育观念也正经历着从被动式学习向主动式学习的转变,网络化学习方式能够弥补传统教学方式的缺点,给予学生更宽广的、有弹性的且极具创意的学习空间,使单向教学向互动式教学方式转变,美术教育教学亦是如此。 作者:陈立红 美术教育教学论文:美术教育教学在素质教育的作用 一、美术教育教学在素质教育中的作用 美术教育教学在素质教育中具有多方面的作用,具体的表现主要体现在以下几个方面。 (一)美术教育能够提升学生的观察感知能力 美术本身是一门艺术性较强的学习科目,是以视觉刺激感官为主要的基础特征,在实行过程中能够带给人美的感受、美的体验。在对素质教育进行美术教育教学时,学生可以通过对事物的观察与分析,描绘出观察事物的形状姿态和写实效果,在了解观察事物的结构和色彩时,可以达到提升学生观察力的重要目的。进行美术教育时,学生在绘画的过程中并不只是单单地进行观看事物的行为,而是在对事物有一定绘画想法的基础上进行记忆力发散思维,这对于提高学生的观察力具有极为重要的促进作用。而且,绘画过程需要多次的锻炼与创造,学生通过不断练习,对实际事物的绘画感受也会日趋鲜明,从而促进学生对于事物的感知能力的增强。 (二)美术教育能够提升学生的审美品位 美术艺术是一门追求美感的科目,美术教育的推广可以提高学生对事物美感的体验,培养学生的审美能力和对美好事物的创造思维能力,进而可以促进学生素质的完善、创造力的开发。在现实生活中,一个没有审美能力的人是很难去欣赏优秀的艺术品,也很难形成高尚的情操,而美术教育很好地弥补了这一缺陷,其教育的目的则是通过对艺术作品的分析、欣赏激发学生的审美意识,提高审美能力和审美品位。同时,学生在进行感受美和创造美的阶段,会明白生活中美的定义,也会拥有一双发现生活中美好事物的眼睛,从而使学生更加积极向上地学习与努力,逐渐形成一定的审美标准,达到审美品位提升的效果。 (三)美术教育能够激发学生的想象能力 一幅成功的美术作品无论是从创作上来看,还是从欣赏角度上来说,都离不开想象力。若没有了想象力,美术作品则失去了精神内涵,缺乏生机与美感。在进行美术教育时,教学应注重关注学生想象能力的提升与改善。例如,在美术教育课堂上进行美术作品赏析时,对于作品本身学生应通过激发自己的想象力,走进创作者的内心。每一个作品都具有作者的思想感情,很多创作者进行创作的目的则是为了表达某种思想感情或者是每一种观点,而在作品中这些较为抽象的事物在作品中没有得到很好的表达,所以就需要学生通过发散自我想象思维,对作品本身进行一定的欣赏与解读。美术教育中关于想象力的教学方式,能够不断地提升学生的想象能力,一系列的心理想象活动能够使学生对形象事物有更为深刻的感受体验,更能激发学生的想象思维能力。 (四)美术教育能够提升学生的创造思维力 美术是创造性较强的艺术,美术作品的创作过程更是一种创造性思维的训练过程。在素质教育中采用美术教育,可以使学生发散自己的思维创作能力。在鉴赏美术作品时,学生对于同一幅画都有不同的看法与见解,每个学生都可以从不同的角度进行作品解读,从而形成自己独特的看法。对于学生来说,作品赏析鉴赏也是培养学生创造思维能力的一种方法。一系列的绘画教学方法表明,任何一种关于美术教育的过程,都或多或少地融入了创造性思维的特征,学生在学习过程中,欣赏一幅画、画一幅画、折一张纸条,都是创造能力的体现,这对于提升学生的创作能力都是一种很好的方法。 二、美术教育教学在素质教育中作用的实施途径 美术教育教学在现代化素质教育中具有十分重要的作用,因此,如何合理充分地运用美术教学作用则显得至关重要。 (一)加强对美术教育的重视 随着时代的进步与发展,在现代化素质教育中,学校应充分地发挥美术教育在教学过程中的作用,达到合理教学与学习的目的。为了能够充分体现出美术教育的作用,学校内部则应该积极地转变传统教学观念的看法,加强对美术教育的重视。传统教育过程中,美术教育一直处于“形同虚设”的状态,教学教育一直流于表面。素质化的教学应避免忽视美术教学的必要性,学校管理部门应将美术教育作为素质教育的重要组成部分,提高学生综合素质的培养与发展。 (二)发挥对美术教学的功能 美术教学应注重培养学生的综合素质能力,教师在授课时应重点关注教学的课堂内容,明确课堂的教学目的。对于培养学生的创新能力、审美能力、想象能力等综合素质,教师可针对不同的目标进行不同的教学方法,在课堂学习上也可适当增加一些具有民族特色的文化绘画色彩或绘画内容,以提高学生的上课积极度。美术教学对于培养学生的综合素质具有重要影响,学校应对此加强管理,对于部分学校的美术教育课时没有达到教育部门的规定要求,学校应适当增加课时,满足学生学习的要求。同时,教育部门应加强对各个学校的管理与监督,保证学校美术教育顺利高效的开展与实施。 (三)完善美术教育的硬件设施 美术教育是创新型教育,对于美术教学来说,必要的教育设施是十分重要的。为了学校更好地开展美术教育,学校应不断地更新美术教学设备,确保有较为完善的美术设施进行美术教学,例如美术室、美术工具、美术资料室等,这些都可以完善美术教育的实施过程,聚集学生的吸引力,调动学生上课的积极性与主动型,以达到高效教学的目的。 三、结束语 综上所述,美术教育教学在素质教育过程中具有十分重要的作用,对于全面培养学生的综合素质也起到突出的作用。因此,实施美术教育作用的途径非常重要,其需要社会、学校的共同努力、共同发展。另外,在进行美术教育时,学校应形成具体的教育体系及教育观念,促进美术教育的高效发展,旨在为社会培养全面发展的素质型人才。 作者:王英 单位:山西师范大学
初中美术论文:初中美术教学绘画心理学论文 一、以新颖的演示方式激发学生浓厚的兴趣 笔者以多媒体投影以及影像灯配合的方式向学生演示了这一幅著名的油画作品,引导学生从作品的主题、意境、色彩、空间等方面进行分析,形象演示带来的直观体验与循循善诱的启发引导极大地调动了学生的学习探究欲望。阳光灿烂、村落参差、曲径通幽,人物已成了作品的点缀,小径两边疏落有致的树木给人以强烈的空间透视感,观众视线很容易被引向小道的纵深处,内心具有几欲走进的想法。在这样的演示与启迪中,学生对霍贝玛的风景画风格具有了更深的领悟,作品有如优雅的田园抒情诗,尽显荷兰乡村的宁静、美丽,洋溢着浓浓的明朗、乐观的情绪,处处流露出荷兰画派的画家们对祖国秀丽山川的热爱。 二、以互动的教学模式提高学生参与的激情 初中美术教学中,有些教师习惯于对学生进行“被动给予”,这样的教学模式看似能够较为迅速地完成教学目标任务,实际上学生的学习积极性受到了较大的制约,他们在美术学习中缺乏直观的参与体验,求知欲和参与欲望没有得到满足,这对于提高学生的美术学习兴趣、效率以及美术综合素养等方面都会产生制约影响。笔者在美术课堂教学中注重体现学生的主体地位,以提高学生参与性为抓手,紧扣学生内心的参与想法,满足学生的愿望,以师生互动、教师启发、学生自主为主要教学模式,进一步提高学生在美术学习中的主体地位。如,在欣赏《熟悉的物品》时,笔者结合学生在美术学习中渴望参与、渴望自主的心理需求,引导学生分组研究,感悟和理解线条、形状、色彩、空间、明暗、质感等基本造型要素,尝试描绘物体的立体感,提高学生的观察能力、合作能力、创造能力,发展富有个性的表现能力,培养学生善于发现美、感受美的能力,提高学生的审美情趣。笔者向学生展示了不同材料与内容的静物图片,引导学生从线条、形状、色彩、空间、明暗、质感等方面对作品进行解读,并尝试走进作者的内心深处感悟作品蕴含的情感,在范图分析引导后勇于表达自己的观点。在学生分析与交流之后,笔者要求学生运用现有的工具笔进行造型,重点掌握好位置与比例关系,以及通过增加明暗的方式提高静物的体积感。学生完成作品之后,在小组内进行点评,每个小组都推荐一幅作品参加全班的点评活动,其他学生提出相关的意见,师生共同对具有代表性的作品实施评价,以发挥抛砖引玉的作用。在这样的教学模式中,每位学生都成为了美术学习的主角,思维积极,相互之间也能够密切合作,动手操作能力与美术鉴赏能力、构思表现能力等都有了显著进步,对美术学习的兴趣与效率都得到了同步提升。 三、以竞争的学习氛围营造你追我赶的氛围 在初中美术教学工作中,教师要充分发掘学生内心最为强烈的竞争心理因素。初中生竞争欲望强烈,积极要求进步,教师可以把握住这一心理学研究成果,通过搭建载体、创设平台等方式,在学生中营造你追我赶的浓厚学习氛围,以积极的情感为抓手推动美术教学的有效开展。笔者在教学中注重发挥竞赛等手段的作用,无论是课堂练习还是课后练习,都将学生的美术作品进行展览或评选,让优秀的美术作品脱颖而出,使进步明显的学生得到表扬与肯定,这样的教学模式对于增强学生的美术学习兴趣、提高美术学习动力具有显著的效果。另外,笔者还在班级开展了分层美术竞赛活动,将学生按照美术领悟能力与技能技巧分为不同的层级,分别开展不同内容的竞赛活动,以此在全班营造一种你追我赶、相互比赛的良好氛围,对美术教学的有效开展帮助较大。综上所述,在初中美术教学中,教师一定要强化心理学与教育学方面的研究,制订有针对性的教学方案,有效促进教学活动深入开展。 作者:孙成 单位:南京信息工程大学附属中学 初中美术论文:素质教育下初中美术教育论文 一、城乡结合部学生美术素质的特点 城郊结合部面积较大,生源复杂,学校教学条件落后。对于城郊的初中生而言,他们虽然和市区的学生一样已形成了基本的价值观和审美观,但他们的形象观仍来自于好奇和兴趣,局限在物体的表面和局部上,难以全面认识和领悟艺术形象的生动和美妙。因此,学生美术素质低,大部分城郊的学生绘画能力较弱。针对位于城郊的学校所处的政治、经济、文化环境具有地域广、多元化、多层面、较复杂等特点,导致学校教学环境差和相对复杂。城乡结合部的人群在其经济生活城市化的同时,但其生活方式、思维习惯及礼仪素养还相对滞后,处于城市与乡村、市民与农民城乡接轨转化造新的过渡型时期,初中生的教育凸现出较多亟待解决的问题。面对这种情况,教师要科学编排教学内容、合理运用教学手段、重视教学评价,才能提高初中学生美术修养和素质。 二、初中美术教学深化素质教育的建议 (一)科学编排教学内容,培养和提高学生的美术修养与审美能力。初中美术教学的一个基本内容,是要培养学生对美术作品的欣赏能力和鉴别能力。要有效引导、训练学生对美术形态的感性认识,强化对学生美术造型感觉的培养训练,也就是感知能力。对美术作品等典型艺术美的有效欣赏,完全取决于他所掌握的科学文化知识水平的情况。在欣赏美术作品的过程中,需要欣赏者有较强的直观感知、判断、想象美术作品的能力。 1、结合学生特点,突出郊区特色。源远流长的人类发展史给我们留下了无数艺术瑰宝。中学期间很难全面了解,只有结合学生的年龄特点,突出重点,选择代表性作品,以点带面,才能完成教学预期任务。在教学中,我有针对性地加入具有当地特色的美术作品,使学生有亲切感、认同感。比如,我校地处城郊结合部,闻名遐迩的白云山就在学校附近。广州白云山为南粤名山,自古就有“羊城第一秀”之称。位于白云山飞鹅岭游览区内广州雕塑公园,是一个体现广州大都市富有时代气息的市级公园,也是国内最大的雕塑公园。整个公园按照雕塑与园林、观赏与教育、艺术与历史相结合的原则进行规划建设。分为羊城史雕塑区、中华史雕区、雕塑大观园景区和森林景区等4个功能区,首期的羊城史雕塑区于1996年12月起建成开放。主要景点有:华夏柱、雕塑广场、古城辉煌、雕塑馆、南洲风采。这给我们的教学提供了丰富的教学素材,我在教学中适当增加一些雕塑艺术方面的欣赏内容,这极大地提高了学生的学习兴趣。 2、少讲授多启发,突出学生主体。为了调动学生学习的积极性,提高参与意识,我改变了传统的以讲授为主的教学方法,多用讨论式和问答式。由于给了学生极大的自由,学生参与教学的积极性很高。例如,在中国画花鸟美术作品的欣赏课教学中。课前,给学生布置任务,搜集有关著名代表画家的生平、作品介绍等。如,广州当地画家关山月的作品。先组织学生到***参观,上课时再把把有关的作品及学生搜集到的作品挂在课堂,让学生自由发言讨论作品有什么特点?创作背景?用唯物的观点,站在现实的角度进行分析,再根据学生的讨论情况,结合中国山水花鸟画的历史、特点、发展变化进行总结。最后,通过提问、析疑,把中国花鸟画各个朝代的作品进行对比讲解,学生感受就很深刻,能初步掌握有关作品的基本特征和内涵。 3、活跃学习氛围,进行艺术欣赏。如何在教学过程中创造生动、活泼的学习氛围呢?以初中美术教材第*册《********》和《*****》画的教学为例,前者我让学生结合所学的语文课文去理解,后者我先讲解了其创作背景。这里,我分别用了不同方法,使学生深刻了解到:《*********》表现了作者的感受,对**********的主题;而《*****》虽也是以******为题材的创作,但却从不同角度表达了 **********的生活。美术欣赏不应局限于课堂,大自然、生活中的美是最动人的。我们不光要欣赏艺术作品,还要启发学生善于发现生活中的美好事物,无论风景、静物、人物,树木、花草、甚至果蔬……只要是美的、动人的。另外,我还带学生去位于越秀山镇海楼东侧的广州美术馆参观,假期让让学生到陶瓷之乡佛山瓷艺作坊体验陶瓷制作过程,这些都提高了学生的审美能力。 (二)合理运用教学手段,培养和提高学生的美术技能与手脑能动。有了好的美术素养,还需必要的美术语言来表达。学美术素描是基础,因此我还特别重视初中生素描与水彩画等基本功的教学训练。素描要求学生多练苦练,注意对物体的形体和明暗层次变化的表现。水彩画在中学美术课教学中占有非常重要的地位。它能提高学生造型、色彩及审美能力且实用性强。装修、装璜、家具、服装、园林、建筑的效果图设计以及工业产品制造设计的效果图等均采用了水彩画技术。此外,水彩画工具简单、价格便宜,使用及携带方便,加之水彩画效果透明、明快、润泽,因而令人喜爱。在教学中我还注意一是身体力行,率先垂范。要求学生画的自已先画并讲解其画法特点及技法的应用,使学生了解各种画的样式、特点及调色,画面构思布局事宜。带领学生写生时,可以先示范一部分景物,边画边讲,容易出现哪些问题,该如何解决,让学生明确写生的步骤,掌握各种景物的表现技法。同时强调观察的重要性,讲解整体和局部的先后顺序,改变雷同和公式化的弊病,要让学生勤思索、细观察。坚持严要求,多鼓励、多观察,多督促的教学方法。 (三)重视教学评价,培养初中学生学习美术的创新能力。如何发挥学生的创造性是美术教学中的关键,对初中生来说,绘画创作素材需要在生活中积累,观察是学习与创作的基础,艺术构思是中心环节。因此,鼓励学生多观察生活,在生活中搜集素材,捕捉生动感人的形象资料,将搜集到的素材进行选择、加工、提炼,力求有一个好的构思。学生选择的题材大多是表现丰富多彩的校园和身边的日常生活,以及对美好事物的追求。如如,完成广州亚运会的题材,就要启发他们从喜庆、健康、自豪、友谊的角度来立意,用寓意、象征等艺术语言进行构思、构图,使学生掌握从题材到主题、从内容到形式、从生活到艺术这一创作规律,对自己所选题材反复推敲,琢磨探究。对于学生来说,这不仅是一个复杂而艰苦的创作过程,实际上也是思想认识不断深化,想象力、创造力不断提高的过程。 初中美术课教学是一种综合性教学,只有在教学中全面贯彻素质教育的基本要求,始终如一地把素质教育的思想融入到美术教学过程中,才能提高学生的全面素质。通过美术课的教学,在对学生产生潜移默化作用的同时,也能激发学生学习文化课程的兴趣,并得到美的熏陶,达到相得益彰之效果。 初中美术论文:初中美术论文 一、愉快教学的内涵 提出愉快教学的最终目的就是对初中生人文素质不断培养,起到了整合、贯穿、渗透的作用。科学的研究结果表明:美术的学习让学生的右脑得到了良好的锻炼,可以促进学生的全面发展。一个受过良好美术基础教育的初中生,对于事物的观察是比较敏锐、完整、细致的,对未来所从事的职业有很大的帮助。 二、在初中美术实施愉快教学的必要性 长期以来,我国的基础教育部分都在做应试教育,片面的追求学校的升学率,对美术教育和教学没有引起足够的重视。初中的美术课程是义务教育的必修艺术类课程,起到的是开发学生智力和优化学生品德的作用,通过美术教育,学生学习到了美术的基本知识和技能,提高了自己的审美能力,陶冶了情操,增强了爱国主义的情感,对于提高学生的观察能力、想象能力、思维方式和创造力都有积极的作用。美术教育也起到了净化人的心灵,陶冶学生的情操的作用。初中阶段的学习是一个人个性发展的重要的转折阶段,这个时期学生们的身体和心理都在迅速的发展,并且处于一个不稳定、不平衡的阶段。学生在这个阶段的学习过程中,可以通过教师的愉快教学,提高自己的专注力和学习兴趣,日渐积累变成了一种持久的兴趣。兴趣的浓厚,就增强了学生的学习动机和努力程度,可以彻底消除学生学习的疲倦感和紧张感。初中生在愉快中充满学习欲望,全神贯注的主动参与到学习之中,成为学习的主人,觉得学习是快乐的。美术的教学活动越具有趣味性,学生参与的积极性就越高。所以在初中美术的教学中实施愉快教学是十分必要的。 三、初中美术的愉快教学 1.想象在愉快中创造升华 在美术的教学过程中,培养学生的想象力是非常重要的。学生的内心世界可以不受任何限制和约束,调动学生积极思维,多给学生一些想象的空间,培养他们的创造力。任何的美术活动其实都离不开想象的推动作用。对于美术而言,没有想象,就没有任何的艺术创造。根据想象自由发挥,多鼓励学生自由的纵横驰骋,遨游飞翔,用自己独特的视角和思维能力、创造能力为故事、诗词、歌曲插图配画。悠扬的歌声、动人的故事,都会把学生带入到一个童话般的世界,让学生对美术产生浓厚的兴趣。 2.情感在愉快中体验彰显 美术是内心活动的一种表现。在美术教学活动中,情感的彰显在愉悦教学中很重要。学生被生动的感情所打动,是一种高层次的心理状态,所以在美术教学中,教师需要善用情感的力量去启动和牵引学生,拨动学生的感情,让学生在美术的情况中进入一种“乐学”的状态,深刻理解美术愉快教学。 3.享受在愉快中兴趣浓厚 鼓励学生提高自己的审美享受,引导学生多去生活中观察、体验、从自然到社会之中多汲取灵感,带领学生到大自然中去写生,参观美术展览、欣赏世界名画,做出自己的审美判断。让学生学会美的享受,美的刺激,鼓励学生在欣赏美的过程中去想、去看、去投入、去体验、鼓励每个学生说出自己的审美感观,并享受整个过程。在愉快的美术体验中增强了学习美术的兴趣,培养学生的想象力和创造力。 4.理解在愉快中凝聚加深 在文化情境中认识、理解美术,“情境”就是指各时期美术的政治、经济、文化、历史等背景。理解一幅美术作品所反映出来的思想、观念和艺术家所处在哪个特定的历史阶段,了解作品的主题,发现美术作品的独特之处,只有积累一定的知识才可以很好的把握。美术是艺术性和思维性的有机统一,每个美术作品都有较强的思想性,学生在理解的基础上受到美术作品的熏陶、感染、在潜移默化中对美术有更深层次的了解。结论:美术是视觉的艺术和体现,通过感官神经的刺激,获取更多的信息,这就要求强化最直观的教学,充分利用好愉快教学的手段,激发初中生的学习热情,增加学生的兴趣。美术学科的教学也需要教师的精心设计,努力探索。这样才能让学生情绪愉快、思维活跃,乐学、善学、会学、真正成为美术学习的主人。 作者:黄绍联 单位:广东省阳山县秤架民族学校 初中美术论文:初中美术审美素质美术教育论文 一、调动学生的学习热情是对初中美术教育成功的保驾护航 现在独生子女众多,他们一般受到两代人的宠爱,过度的家庭宠爱容易导致他们的情感和意志力薄弱。因此,在教学过程中,教师需要为学生提供更多的关注和鼓励,调动学生在学习过程中的积极性和自信心,帮助学生在心理上树立成功感受,在细微进步的过程中积聚起朝前走的动力,当他们获得了一点小小成就的肯定与鼓励后,必然会想要得到更大的成就。这就是对学生创造热情的激发,也是对学生潜能的诱导。教师要为学生构建一个完善的审美心理结构,使其在美术学习过程中,能够用感情去体验,能够保持稳定、长久的审美兴趣。 二、初中美术教育提升学生审美素质的方式 1.加强审美教育 在初中美术教育过程中,教师需要加强审美教育的开展,这样有助于促进素质教育的全面开展和落实。初中美术课程教学,需要教师克服上课的随意性,保证在教学过程中有针对性,但是也需要避免将学生向画家方向培养。在美术教育过程中,教师需要针对初中美术教育的现状,向学生传授一些基础的绘画知识,并且关注学生审美素质与创造能力的提升。如,在课堂上多开展美术欣赏,美术欣赏课程教学的开展有助于拓宽学生的艺术感知视野;强化学生的编织、剪切、版画等一些手工课的培养训练,以达到训练学生想象能力与审美能力的目的。另外,在教学过程中,教师要注意自身仪表,用整洁大方的穿着和板书熏陶学生,帮助学生养成积极、健康的心态。除此之外,教师还必须从各个不同的角度帮助学生认识和创造美术作品,如能够从线条的搭配、色彩的搭配等方面表现作品。教师不能给学生限定太多的规则,否则容易限制学生的创造性思维,造成学生作品中个性张力与内在活力的不足。因此,不论学生的作品所表现的是印象派特点,还是画面表现过于平淡,在讲评的时候教师都需要多鼓励学生,挑优点讲评,对学生创造性的一面加以肯定,以激发学生创造美和表现美的想法。笔者最近几年在初中美术教学过程中开展的改革工作,获得了一定的效果。 2.美化育人环境 最近几年,我国强化基础教育建设,不断进行教学环境与教学条件的优化。在美术教学过程中,教师要重视提升学生的审美素养,努力让学生养成爱学习、讲卫生、爱护学校环境的习惯。另外,在美术教学中还可以通过生动具体的形象,向学生开展潜意识的思想教育与审美教育,这种教育形式的重点与优秀在于以情动人,而不是要教师在课堂上滔滔不绝地讲述,教师甚至可以用静默的方式让学生自己感受,在潜移默化的过程中达到教育学生的目的。如,在教学楼内张贴罗中立的油画《父亲》,作品中的父亲是一位生活贫困的老农;张贴王福春的摄影作品《建设者之歌》,这幅作品表现的是一位吃苦耐劳的建设者形象;张贴彭耘的国画山水作品,其作品表现的是对家乡山河的赞美之情;等等。学生看到这些作品就会在心中产生一种振奋、努力的学习精神和热爱家乡的美好情感。学生在感受自然美和艺术美的过程中,也在接受审美教育,学生辨别美丑的能力会自然地得到提升。 3.引领学生发现美 美是无处不在的,在初中美术教育过程中,教师需要对学生的生理和心理特点进行充分了解,以学生的视角为基本出发点,调动与启发学生的情感体验,并且在美术课堂上让学生尽量多地接受一些美术工具和材料,帮助学生提升美术运用技能,在潜意识中提升学生认识美、发现美和欣赏美的能力。初中美术教师就是学生认识人类艺术美与自然美和社会美的引导者,其能够让学生了解美的表现方式与运行规律,从视觉、触觉等多个感官方面触动学生,培养学生的审美心理,并最终让学生能够用自己的力量创造美。在初中美术教学中,教师对学生进行审美素质的培养,主要是通过美术欣赏课程教学。初一美术的学习内容是欧洲的近代风景画、静物画等,这个单元所选择的题材都是生活化的。因此,教师在教学过程中,需要让学生对日常生活中的各种普通事物进行观察,将生活中的艺术和人的感情联系起来。在教学活动中,教师在上课之前可以让学生依照自身的喜好收集一些与学习内容相关的资料,如,让学生搜集要学习的作品创作者的生平轶事资料,激发学生的学习兴趣。在教学过程中,教师要先向学生展示一些经典作品,引导学生用自己的眼光看待、品评作品。 4.深层次引导帮助学生形成审美心理特质 在上美术欣赏课的时候,学生都会对艺术课程有自己的看法和理解,在开始接触艺术的时候,学生的审美思想还不成熟,因此多是用自己的眼光去品评、看待,最初他们认为好的绘画作品就是画得像的作品,对一些外形画得不那么像的作品完全不理睬,是这些学生觉得画得不像不美的作品却是教师要介绍的世界名作。受到这种反差思维的影响,学生会慢慢认识到艺术作品不是外观画得像就是好的。学生有了这种思维方式后,就会突破表面的框架限制,探索作品表现的内在优秀理念。教师在引导学生欣赏各种不同的美术作品时,需要选择一些内在优秀理念不同的作品,让学生能够用发展的眼光看待艺术作品,从而拓展学生欣赏艺术作品的眼界,而不能够只是将学生束缚在一个纯粹的欣赏区间内。如,教师将徐悲鸿的作品展示给学生欣赏时,学生会觉得很有气势,不自觉地就会对这些作品表示赞许。但是当教师将刘海粟的作品展示给学生的时候,学生会觉得看不懂,表现出非常迷惑。出现这种情况的原因在于这两位画家艺术创作风格的差异,以及各自使用的用色习惯和材料的差异。通过对这两位艺术家的作品的展示,可以让学生了解艺术家对美的追求不在于外在的像与不像,此外,教师要让学生明白艺术作品对自然美的一种追求,引导学生在感受画家创作的美好形象的同时,体会作品当中所存在的各种纯真动人的思想情感,让学生在进行艺术作品欣赏的同时,也能够感受到生活与艺术的情趣,并且从中感受到教育的思路。 三、结语 初中美术教学是义务教育中不可或缺的重要内容,教师要对以往的教学方式进行相应的改变,在树立学生主体地位的同时,创造性地开展教学活动。初中美术教学要以学生的兴趣激发为切入点,不断促进学生的个性发展,以达到提升学生欣赏能力的目的。按照这种方式培养学生的审美能力,促进学生的全面发展,不断提升美术教育效果。在初中美术教学过程中,教师不可忘记素质教育的教学要求,在教学过程中要有教学重点,切实将学生的审美水平提升至新的层面,将学生带进艺术学习的乐园,激发学生热爱生活、热爱国家的情感。 作者:余龙 初中美术论文:初中美术素描教学论文 一、提高初中美术课堂教育方法的多样性 教师们在课堂上应该为学生们营造良好的、适合学生、并且能够有助于当节课教学的教学环境。教师可以组织学生进行实践活动,将书本上的美术知识与生活实践相结合,从而培养学生在生活中发现美、善于观察的习惯,培养学生拥有一双发现美的眼睛,做生活中的有心人。例如,除了安排学生学习欣赏教材中的作品,也可以组织学生在校园或者公园中进行写生等活动,或者在佳节前后组织学生欣赏灯会,带领学生们多多收集资料,体验美术的魅力。与此同时,将多媒体软件教学方法引入到美术教学课堂,也是一种提高课堂多样性、培养学生学习兴趣的好方法。将多媒体教学与美术相结合,使得学生从视觉、听觉两方面同时受到熏陶,多方面了解美术、学习美术,有助于加深学生对美术课堂的热爱。 二、培养学生善于观察的习惯,提高洞察力和创新力 初中生的美术教学主要是培养学生的美术素养,而培养学生美术素养的关键是对观察能力的培养。因此,观察生活是提高美术能力的最有用的措施。例如,在美术课上,教师可以让学生们欣赏一幅画,规定观察的时间为一分钟,观察过后让学生们用语言描述画面,随后再尝试着将看到的画面画出来。坚持每周进行三次训练。然而,对于锻炼提高观察力习惯的培养仅限于在课堂上是远远不够的,教师们有责任提醒学生对生活中美的事物处处留心,细心观察,从而培养成习惯。久而久之,可以逐渐提高学生的观察力。 三、严格要求学生的创新训练,培养创造力和毅力 学生学习的过程就是形成习惯的过程。在初中美术教学的课堂中,教师需要给学生创造各种类型的创造力拓展过程,让学生们主动去观察、发现问题,提出、分析和解决问题。习惯不是一朝半夕就能够养成的,而是需要学生们有毅力地坚持训练,逐步培养而成。教师需要安排学生们进行定期的美术绘画训练、思维拓展训练,采取适当的方法,严格要求学生们按照周期坚持练习,不得半途而废。教师可以制定一些奖励规则来提高学生们的学习动力。美术教学对趋异性思维的要求特别高,同时着重强调学生的个性发展和性格保护,着重培养学生能够对事物细心观察、并且通过绘画呈现出审美和创造的能力。 四、增加训练,布置作业,培养学生的基本绘画能力 美术素描是一切造型艺术的基础,也是训练造型能力的有效手段,素描训练不同于临摹训练,是艺术的再现,所画的图片不仅仅是物象的一部分,更是构成画面的有机组成部分,对于培养学生的观察能力、绘画能力、表现能力以及审美能力有着重要的积极作用。画画需要一步一个脚印地提高能力,不可以急于求成。只有循序渐进,才能够使得每一个学生的都能够牢固、可靠地掌握相关知识与技能。另外,为了使学生能够打好基础,教师在平日里的教学中,可以为学生们布置一些长期作业作为绘画训练,在平日的练习中以长期作业为主,有助于学生对于知识的深入理解。与此同时,教师也可以安排一些短期作业作为辅助训练,将长期训练与短期训练相结合,与此同时,也可以将速写训练引入到美术素描的教学中,从而全方位地提高学生的美术能力。培养成良好的学习习惯,就可以有效地提高学习效率。良好的学习习惯是学生成长必不可少的内在因素,在我们的学习和生活中有着重要的作用。由此可见,制定科学有效的初中美术素描教学策略是培养学生良好的学习习惯的重点,对提高初中美术课堂教育教学质量有着重要的作用。 作者:王宝花 初中美术论文:初中美术教学素质教育论文 一、以生为本,采取多样教学方式 初中生在美术学习过程中更喜欢有趣自主的课堂形式,他们会乐于尝试,通过自己喜欢的方式进行创作表达。所以在教学过程中,教师需要以生为本,采用多样教学形式与学习方式,给学生更多自主空间。如引入情境,学生观察比较、想象驰骋;或组织美术欣赏与评价,说说个人感受与想法;或交流讨论,探究美术构思,获取知识与技能;或提供材料,学生自由绘画、模仿翻新、大胆创造,等等。这样避免了单一的讲解,打破了“曲高和寡”的局面,学生不再是被动听讲,被动模仿,而是主动参与学习活动,展示自我,使他们的心智和艺术创作巧妙地融合起来,进而提高学生美术素养与审美情趣。 如教学《以刀》时,采取猜谜、作品欣赏、观察比较、讨论探究等教学方式,调动学生学习积极性,诱导他们结合木刻版画特征,设计与制作创意性的黑白木刻作品。比如猜谜引入:要求学生猜猜我国过新年的时候贴于门上的手持器物的人的名字。然后教师呈现木刻年画“门神”图片,提问学生古代年画是怎样制作的?最后教师简单介绍传统木刻版画的样式、形式和特点,让学生感知版画,提高学习兴趣。又如欣赏《正面的自画像》与“明暗素描头像”时,可先比较刻刀的用法,再亲自在小木板上用圆刀与三角刀进行刻画,感受两者刻出的线条是否一样,试着总结归纳。这样,通过观察对比,学生亲手尝试刻刀,增强体验,促使学生积极参与实践活动,便于交流与表达。比较“黑白稿”与“实景图例”时要求学生说说版画底稿构思时的注意事项,使其自主探究有关版画底稿的构思,分析黑白木刻版画展现的内容,强化学生的探究能力。 二、尊重差异,实施分层教学 由教育心理学理论看,学生因受到社会环境、家庭因素、遗传因素的不同影响,他们的发展有着一定的差异,也就是我们常说的“个别差异”。在教学过程中,若要促使全体学生主动、全面发展,教师需要分层教学,换而言之,就是根据教学对象智力以及非智力因素发展中的个体差异,区别对待,发掘学生潜能,探寻教学最佳结合点。另外,由美术课程标准看,美术教育绝非只针对少数学生,而是面向全体学生,所以要坚信每位同学均具有美术学习能力,尽量让不同发展层次的学生得到不同程度的进步与发展,让他们充满学习信心。 所以,在初中美术教学中,教师需要遵循因材施教的理念,注重教学分层,针对学生不同的认知能力,设计不同的目标,提出分层问题,布置分层练习,予以分层指导与评价。给学生更自由、更广阔的想象创造空间,调动学生的学习主动性,使其结合自身绘画能力,自由选取学习内容,得到不同的表现,让更多的学生体验美术创造的成功,进一步保护与提高基础较差、表现能力较弱的同学对美术学习的热情。如教学《时间的“表情”》时,我设计了如下分层制作目标:学困生运用所学知识设计与制作作品雏形即可;中等生需借助所学知识,发挥一定想象,在基础作品上增加创意;优等生要综合运用原有知识与技能,发掘与利用多样材料创造,设计出独具特色的优秀作品。这样,就可以尊重与发挥每位学生的潜能,提高学生的学习信心。 总之,在初中美术教学中,为了更好地适应新课程与素质教育的要求,充分调动学生学习的主动性与积极性,教师需要从教学资源的开发与利用、教学形式的设计与组织、分层教学等方面下功夫,为学生营造生动、自由的学习环境,使他们带着积极的情趣主动地进行美术学习活动,进行个性化创造。 作者:刘琴 单位:江苏省盐城市初级中学 初中美术论文:初中美术多媒体教学论文 一、多媒体技术在美术教学中的地位 初中美术是初中素质教育的一门基础性课程,虽然是副科,但是承担着不可替代的审美教育作用。采用多媒体技术在初中美术教学中,以多元化视角的教学手段来支撑实践教学的内容具有重要的推动作用。而初中美术多媒体教学能进一步适应素质教育的需求,可以对传统教学方式产生一定的冲击,促进一定的变革,而多媒体所展示的文物、图画更符合美术的学科特点。 二、多媒体技术在初中美术教学中的应用 (一)在素描与色彩课中的应用 素描与色彩是初中美术课堂教学中必不可少的课程,可以培养学生的造型能力,以及对色彩敏感度的把握等。但是在传统教学中,由于学生之前没有进行专业的训练,而教师在授课中如果讲到透视、结构部分时需要学生抛开物体的外形去分析内部结构,他们往往一脸迷惑,并且在进行实物观察的时候,没有经过系统训练的学生又很难看出其中的门道,最终素描与色彩课只能流于采用形式。多媒体进行教学可以很好地改善这些弊端。例如,可以运用多媒体能够展示动画的功能将物体的透视变化等比较完美的展示出来,这样学生在观察一个物体在不同角度和方向的透视效果的时候显得比较容易,对于提高学生对素描的理解有着很好的帮助。在色彩绘画中,如果单单的让教师讲授与观看课本的作品,学生进步情况很微小。多媒体可以大量展示教材中没有的作品,能够开阔学生的眼界,在欣赏中学生可以逐渐的发挥主动性,自己去思考构图的处理,能更准确地理解和掌握构图的相关知识,特别是对色彩的运用,有着很好的促进作用。 (二)在美术鉴赏课中的应用 通常情况下,教师在进行美术鉴赏课教学之前,都需要一定的准备,但是这个准备过程却是十分繁琐,况且课本中的插图比较小,教材说明文字又不多,教师在授课的时候往往是以口头授课为主,即使是教师做了比较充分的准备,但是每幅名画的背后往往都有着很深的故事背景,一些比较专业的问题教师可能也不理解,而学生由于在没上课之前就对这些图片翻阅过,教师再授课的时候,他们的兴趣往往不大,这样就影响了美术教学的进行。教育学家皮亚杰指出:“教育的目的是形成智慧,而不是贮备记忆,在于创造智力的探索者,而不是博学。”如果学生对美术的发展历史都不了解,又怎么能去分析、探讨美术作品的优劣呢?运用多媒体通过视、听、读、析、思同步结合可以从根本上改变过去单一讲授,教师通过网络可以将作品形象的表现出来。例如文艺复兴时期著名画家达芬奇的《蒙娜丽莎》,多媒体将这幅图片放大数十倍,学生可以非常清晰的欣赏到画中人物的表情,甚至嘴角勾起的笑容,身后的背景都显示的清清楚楚。更为重要是对于不仅可以看见作品的全貌,还可以放大局部进行观察,甚至某些因为年代久远而损坏的作品也能利用电脑软件还原后展示在学生面前。而此时,教师也可以通过网络将达芬奇的其他代表作以及平生的故事展示出来,让学生对此能够得到比较全面地了解,极大提高了他们的学习兴趣。 (三)在平面设计课中的应用 初中阶段的平面设计课程比较简单,主要是让学生认识设计前沿与一些时尚的设计作品等。而众所周知,一幅比较好的平面设计作品首先应该给人以比较强烈的视觉冲击。课本中所罗列的作品都是当前最时尚,最有影响力的大师级的作品,但是在课本上观看的效果往往不佳,采用多媒体技术来欣赏,特别是运用当前非常成熟的3D技术,让大师的作品非常震撼的展示在学生的面前,给学生一幅丰满的视觉盛宴,进而激发他们学习的兴趣。况且网络的资源是海量的,只要教师想给学生观看更多的优秀作品,多媒体技术都能办到。例如,我给学生展示当前包装设计的时候,我不仅给他们看二维平面,更多的是三维立体作品,从中国的水墨平面设计,到外国的包豪斯平面设计等等,当前国内国外最有影响的作品选取很多具有代表性的让学生欣赏,大大加深了他们对设计的认同感,同时也提高了课堂教学效率。正确恰当地使用多媒体能够改变传统的教学模式,让学生成为认知的主体,促进学在心理、智力、能力、性格等方面和谐发展。同时,对教师自身素质的提高也有一定的作用。因此,作为一线美术教师,要充分在美术课堂教学中创设多媒体情境,以期提高教学效果,充分体现美术教育的意义。 作者:刘艳 单位:江苏省邳州市新城中学 初中美术论文:初中美术多元化教学论文 [摘要]美术教育的思想优秀就是促进人的主体性发展,美育恰好可以从各方面陶冶人的性情,培养人的创造性思维。因此,我们要充分发挥美术课堂教育的主阵地,培养学生的创新能力、创新精神和实践能力。兴趣是培养创作能力训练的动力、生活经验是培养创作能力的切入点、好奇心是培养创作能力的诱点、丰富思维是培养创作能力的养料…… [关键词]课堂教学;创作训练;初中美术 在深化素质教育改革的今天,为了高效地提高学生的综合素质,因此,素质教育的重点就落实到了培养学生的创新能力上。《美术课程标准》(2011年版)在课程基本理念中也指出:“要注重创新精神,即现代社会需要充分发挥每个人的主体性和创造性,因此,美术课程特别重视对学生个性与创新精神的培养,采取多种方法,帮助学生学会运用美术的方法,将创意转化为具体成果。”作为站在基础教育前线的我们,既要培养学生的美术素养,又要对学生实施创新教育。因此,在初中美术教学过程中,想要真正“授之以渔”,进一步提高学生的美术创新能力,应充分利用美术教学特有的魅力,以活泼多样的课程内容形式扎扎实实地贯穿于课程中,在创作能力训练中运用多元化创作形式培养学生创新意识和创新能力,经过日积月累的创作能力的训练帮助学生开启智慧大门,有助于学生在全面发展取得显著成效。本人在课堂教学中运用多元化培养学生的创作能力,做了以下几点尝试: 一、兴趣是培养创作能力训练的动力 兴趣是一切学习成功的原动力。美国心理学家布鲁纳曾说:“学习最好的刺激乃是对所学学科的兴趣。”教学活动是师生双向互动的教学模式,“灌输式”的教学活动会忽视学生的主体地位,或课堂教学活动单一乏味,会抑制学生的学习兴趣,他们会反感,甚至产生抵触情绪。因此,在教学活动中,教师尊重学生的主体性,唤起学生的学习兴趣,他们才会有求知欲、探知欲,才会有深刻而独特的思维能力,才会有丰富的想象力和创新能力,才会带着愉快的情绪参与到学习创作中,转化成持久的情感态度和创作动力,最终完成教学任务。以苏教版七年级下册第8课《奇妙的墙》为例,在课前,我用吸铁石把9个一次性纸杯叠在讲台上,学生进入教室后用好奇的眼神看着这些杯子,有学生直接问:“老师,这是干嘛呀?”我说:“先保密”。上课后,我指着讲台上的杯子问有没有同学帮我换种造型摆法?学生在短暂的思考后,开始跃跃欲试了,2个同学摆完造型之后,我又把纸杯放在讲台上,让同学们想想看能否再摆其他造型,一石激起千层浪,学生们都争抢着做第二轮摆造型,在这个过程中,学生的兴趣被调到起来了,学习热情高涨,思路被打开后,思维也活跃起来,再后面的探究活动中,学生更容易的掌握本课的知识点,教学效果也就提高了。 二、生活经验是培养创作能力的切入点 以学生的生活经验作为美术创作训练内容的切入点,尊重学生的主体性,以他们的视角去发现、去挖掘感兴趣的内容,使学生产生共鸣。例如苏教版七年级上册第6课《花的变化》对创作训练做铺垫,给自己的杯子设计花卉图案,引导学生把所学的花卉图案知识展开讨论如何创作出有标新立异的设计图。学生们谈论的很激烈,有的说:“我在网上看见过把花卉概括成图案后再概括,让它简洁化,”有的说:“我看见家里有沙发靠垫的图案就是用点线面把花卉图案抽象化了。”他们把自己生活中见过的资源,在讨论中举例出来,在创作过程中我提醒他们不能照搬他人的创意,但我们可以采纳他人的表现手法加上自己的,这些资源都源于学生实际生活中,因此学生容易迅速产生学习热情,加速他们主动参与学习,提高学生的创作能力。 三、好奇心是培养创作能力的诱点 诱导学生的好奇心,燃烧学生的创意火花。在美术教学过程中,精心设计教学内容、运用合理的教学手段、恰当的教学措施、营造出良好的创新氛围,就可以诱发学生的好奇心、激起他们对获取新知识的渴望,教学内容要力求构思新颖,趣味性强,诱发他们对美好事物的表达欲望和创作冲动,从而来培养他们的创新能力。如苏教版七年级下册第2课《关注你、我、他》教学导入片段,我知道同学们课余会比较关注明星,也有自己的偶像。下面我们先做个游戏。猜一猜,他是谁?1.出示图片:初中美术课堂教学中,培养学生2.加大难度,猜他(她)是谁?A.B.C.先出现A图片,让学生试着猜,再逐步出现B、C图片,公布答案后揭示本课课题,开始教授头像的基础知识,讨论:你们觉得画肖像该从哪儿入手呢?……第一轮预热游戏开始就点燃了他们的热情,第二轮、第三轮难度的加大既满足了学生的好奇心,又激发了他们的求知欲,再加上后面欣赏大师的一些作品,感受不同画家所用的不同的表现手法,感受他们除了塑造人物相貌以外,还要塑造人物的精神状态和性格特征。在自己创作的作品中有的学生展示了用色彩表现同学的头像,有的是学梵高用粗犷的线条表现自画像;在老师的鼓励和帮助下,给予学生赞赏的手势,学生的创作能力得到了满满的自信感,从而激发了学生奋发进取的表现力和创造力。 四、丰富思维是培养创作能力的养料 我们不能在美术教学中单一的束缚学生的创意思维,扼杀学生的艺术灵性,压抑他们的个性潜能,而是要做一个艺术的引导者,让学生不断吸收新知识,推动他们的思维方式向前进,让创新思维不断获取丰富的养料,鼓励他们充分发挥想象力和联想力,在艺术的空间里尽情绽放。例如,苏教版七年级下册第5课《仕女•簪花》第1课时临近尾声时让同学们商讨,下节课制作有个性的饰物,可以准备哪些材料,听着他们热烈讨论声中,教师可适当的点拨。有的说:“带根短点竹子和橡皮泥,橡皮泥做簪子上的装饰物。”有的说:“我家有粗毛线,可以先编织,再挂些纸折的花朵。”有的说:“可以用铁丝,再收集些彩色布条,我用来设计手镯。”有的说:“饮料瓶盖子或者直接饮料瓶剪切一下。”……听着他们五花八门的想法,我就建议还可以带些珠子串起来或者有同学会折五角星都可以做点缀,尽量把我们身边的物品利用起来,大家都很期待下节课的创意成品了。 五、营造氛围为培养创作能力壮胆 在创造活动中,需要有一定的气氛烘托,才能让学生大胆地释放创意思维。如苏教版七年级下册第3课《在临摹中感受》的第2课时,要求学生了解、分析和实践“变体画”,课前我搜集不少艺术家在卢浮宫现场临摹大师作品的场景,做成视频导入,看看游客们走进卢浮宫的艺术殿堂里欣赏作品的同时,有着最令人羡慕的场景便是那些可以在现场临摹名画的画家们,虽然也有画家把名画彻底改的面目全非,但他自己还是画的津津有味,包括艺术大师也有临摹他人的作品,但是要让学生感悟到大师们在临摹作品时是有选择性的,不是一味的照搬照画的,他们的目的是“学”而不是“像”,然后让学生们选择一幅艺术大师的作品,体会变体画的实践过程。这同样培养学生创造能力,在欣赏过后,同学们都迫不及待的动手了,有的学生改变了背景,有的学生改变了整体色调,有的是加大笔触的线条,有的是更加夸张,有的是运用彩纸拼贴的形式,再加以细节描画,大家都发挥了无限的想象力,画出了有特色、有个性的变体画。这一课给同学们提供了体验改变艺术大师作品的机会,学生们既动脑构思,又有立意思考,使他们的创意思维在艺术空间里自由翱翔。哪怕学生的作业有点乱,也要尽量找出作业中的闪光点。 六、环保意识体现创作能力的另类美 罗丹说过:“生活中不是缺少美,而是缺少发现美的眼睛。”以前在设计•应用课……需要带材料进行动手创作时,总有许多学生不带,并推脱是忘记了。现在我鼓励他们尽量从废弃物品中去寻找可用资源,如纸张方面,可以是包装盒、香烟盒、杂志或彩色的广告纸、报纸等;瓶子方面可以是他们喜欢喝的各种饮料瓶;并根据具体课程安排恰当的收集废弃资源,长久后发现他们对于收集废弃物品比较感兴趣,上课也很少有忘带了,给他们展示自己收集的废弃物品,比一比在本节课中是否会起到标新立异的的创作效果。例如苏教版七年级上册第8课《装点生活》,让学生们准备一只单色的塑料瓶当成花瓶,其他材料自己准备。通过引导教学,简单的示范,集体商讨拓展学生的创意思维,在创作环节中有的学生用家里废旧衣服对塑料袋进行了拼贴;有的学生用树叶、花瓣等对瓶子进行装点;还有学生用彩色广告纸折成三棱体、旧毛线做成点线面的效果装点瓶子……这样既节约又环保,学生们也在创作中发现废旧的物品,也能展现美的存在。 七、个性发展成为创作能力的独特性 每位学生都有自身的独特性,所以创作的作品也要具有独特性与新颖性。在创作训练时我向学生提出作业不要有“雷同”,但结果往往不尽人意,作品大同小异成了普遍现象。有的学生是临摹惯了,懒于动脑创作作品,有的学生怕自己的作品不好,受到同学的嘲笑和老师的不认可,而去模仿周边同学的作品。其实,我们只要对有创意的、有标新立异的同学,给予及时的表扬,而不是在一定的框架中进行评价,关键是谁的作品有独到之处,不跟随大流,那就是成功的作品。如苏教版九年级上册第3课《有趣的夸张》,这课的实践活动是让学生为自己的好朋友画一幅夸张有趣的肖像漫画,在最终展示时,没有定性谁画的好或者像那位被画的同学,只以画中是否运用了夸张的手法,来完成这件作品。我们不能用一种标准去很衡量一件作品的好坏,而是要鼓励他们自主探索和创新。 综上所述,艺术的生命就在于不断地创新,在培养学生创新能力之前,学生要立足于主体地位,教师要做好主导作用,要以学生的兴趣为起点,全方位的设计教学过程,让多元化的创作形式成为培养学生创新能力的亮点。 作者:姚漪 单位:江苏省常熟市古里中学 初中美术论文:初中美术创造性教育论文 【摘要】美术拓宽学生思维,为学生开阔新视野,传统美术教育方法片面注重学生绘画技能,而忽视了学生美术优秀素养的培养,这种教育方式不再适用当今时代,在学生美术培养过程中因小失大,转变旧美术教学局面,更新学生美术学习观念,提高学生对美术课程的认知,让学生深入美术课堂当中去体会美,提高自我审美水平。 【关键词】创造性教育;美术;初中课堂 教师要注重提高学生美术技能,又要注重学生对美术意义和内涵的深入理解,提高学生对美术课程认知,培养学生多维角度去看待美术课程,培养学生发现美的眼睛,在生活学习上发现独特的美,让学生在平凡事务当中体验艺术。美术课程启迪学生智慧,发散学生思维,提高学生内涵气质,同时美术课程与其他课程联系密切,在一定程度上促进学生其他课程学习,是初中阶段一门重要课程。 一、美术创造性教育意义 1.提高学生美术技能和审美水平。培养出高素质美术人才,不仅要将目光注重在学生绘画技能方面,更要培养学生创新意识,让学生在打牢绘画基础同时提高学习主动性,发挥学生主观能动性,在实际生活当中去发现美创造美。美术学科具有自身独特魅力,容易吸引学生进入学习状态,学生在古今优秀绘画作品熏陶下提升自身审美水平、内在气质,有利于帮助学生明辨真假善恶,学生在优秀作品熏陶之下,深入理解作品优秀内容,在一定程度上提高学生阅读能力以及鉴赏能力。2.促使学生实现自我价值。美术给学生提供一个更宽阔的舞台展现自身能力,学生在这个广阔舞台上发挥主观能动力,形成自身完善人格,也有利于学生精准定位自身,帮助学生寻找到生活价值新方向。美术不仅注重学生绘画技能培养,更注重学生美术优秀素养培养,丰富学生想象力,培养学生创新意识,有利于学生打破传统思维定格局面,这有利于学生学习美术,更有利于学生学习其他课程,在学生生活和学习上都具有深远影响,学生形成独立思考能力,在日后遇到问题上能够依靠自身能力进行解决。 二、积极培养学生创造性思维 1.列举法。教师在挑选优秀学生作品展示过程当中,不能忽略了一些问题颇多弊端明显的作品,让学生在正面教材与反面教材激励之下寻找自身存在不足。情景创设教学方法有利于调动学生积极性,积极寻找自身以及同学之间的漏洞所在,有利于在班集体当中形成互利共赢良好学习氛围。集众人智慧发现优秀作品当中存在的瑕疵,有利于精英学生完善自我,实现质的飞跃。教师通过作业批改,列举一些绘画作品通病,有利于帮助学生认清绘画误区,及时避免,例如绘画作品当中普遍存在的问题:结构变形度不足、图案形状与排列对比存在差距等等,那句话有利于学生避免大众误区,提高学生解决问题的能力。2.激励法。教师要注重美术课堂气氛培养,积极与学生互动,带动学生学习积极性,及时了解学生学习过程中存在的疑惑,并且进行科学指引解决。在美术课程《桥梁设计》学习过程中,带动学生想象力展开联想,在学生想象定型之后进行制作桥梁,教师要及时跟进学生制作过程指着学生存在的一些明显错误。同时结合教材内容,将学生作品与教材范本内容进行鲜明对比,让学生在实践过程当中认识到自身不足,并且学习优秀成果,留给学生思维创造新空间,学生在借鉴基础上融入自身想象,有利于丰富创新设计空间。激励法教学模式学习提高学生学习自信心,在学生学习道路上是一个良性循环。3.竞赛法。教师要注重学生之间竞争合作氛围培养,建立起一定的竞争机制和评价机制,例如在学生学习“基本形体切挖”课程时,要注重用生动语言将抽象性知识点转化为具体性知识点,提高学生对教材内容理解,提高学生对几何与机械图学习效果与质量,竞争机制从专业教学心理出发,提高学生学习主动性,催使学生获取一个新成绩。通过小组交流合作模式提高学生积极性,抽取每一组的一个成员进行黑板演示,教师通过小组成员演示,泛泛知道小组水平,有利于教师根据实际情况灵活调整教学进度与教学方案,让学生在黑板演示过程中集众人智慧寻找自身绘画方面的缺陷。4.创新教学改革,培养学生创新性思维。美术课程培养美术素养高的综合性人才,在人才培养过程中目光教师要全面,不能单一注视学生基本绘画技能层次,要注重升华学生能力和思想。围绕教材内容与教学目标,通过情景式教学方式展开美术课堂,让学生在美术课堂提高自身抽象思维与创造性思维能力,让学生用专业理论知识指导自身去认识生活周围的一些美,教师要注重引导学生,探究自然界存在的美以及人文社会存在的美。创新教学改革在一定程度上为教育界注入新活力,带领学生走出被动学习的泥潭,走向主动学习的阳光地带,并且在学习过程中形成良好习惯,发现生活艺术当中内在规律。让课本成为学生走进美术世界的导师,又让学生引导教材去发现美术世界新大陆,培养出真正具有美术素养人才丰富美术世界,为世界美术做出新的贡献,取得新的突破。 作者:田剑锋 单位:靖江市滨江学校 初中美术论文:农村初中美术教学论文 一、塑造教师良好的人格魅力 让学生喜爱美术,首先要让学生喜爱美术教师。在初中阶段,特别是在农村初中,学生的学习兴趣往往与对教师的喜爱密不可分。强大的人格魅力能够为教师创造融洽和谐的工作氛围,是吸引学生学习的重要因素。美术教师在学识、个性、品德等方面的综合能力决定着他人格魅力的高低。渊博的知识是教师过硬教育能力的体现,它能使教师在课堂教学中做到收发自如、寓教于乐,创造轻松愉快的课堂氛围;渊博的知识往往能得到学生的尊重,也是教师在教学中协调融洽处理师生关系的关键。美术教师应该有宽广的胸襟,要包容和理解学生,特别是对处于性格叛逆期初中生,教师不仅要做学生的人生导师,还要学会和学生交朋友,与学生打成一片,用自己的真诚来换取学生的真诚,用自己的魅力来感染学生。同时教师在面对挫折时要时刻保持不气馁的状态,用自身的勤劳和勤奋带动学生,树立人格榜样。 二、建立学生美术冲动体系 美术教学是对学生知觉、情感态度和生活经验的培养过程,是对学生的心理思维特点进行强化的过程。在美术教学中要加强学生美术冲动体系的建立,让学生在表达感情、表达情绪的时候第一时间就有画画的冲动。美术冲动体系本质上就是让学生建立对事物的美术思维方式。建立美术的思维方式就要求教师在课堂中要适时的引导学生,在基本技巧的教学范围内应给予学生创作的自由,给予学生绘画自己喜欢的事物的权利,给予学生用美术进行自由表达的机会。比如在初一人物线造型的美术课上,当有老师要求作业画女同学头像时,总会有个别学生提出要画男同学,有的还要画自己的爸爸,有的甚至要画只小熊猫。我们分析一下这些学生的想法,要求画男同学的可能觉得自己能画的更好;要求画自己爸爸的是因为他最熟悉,能画象;要求画熊猫的同学可能是因为不自信,怕自己画不好人头像而要画自己拿手的。他们的“不合理”要求实际就是一种绘画表达,如果这时教师大怒,以不按老师要求做作业和无理扰乱课堂批评的话,就使学生的绘画热情受到挫伤。如我们尊重学生的思维表现特点加以引导,建立并强化美术冲动体系,学生就会产生强烈稳定的美术学生兴趣。 三、融入农村美术元素 因为农村学校条件的限制使很多美术课程不能开展,如果教师局限在学校现有的条件里,有的课堂教学内容只能是简单的讲讲,甚至让学生上自习课了。培养美术学习兴趣,我们可以因地制宜,充分利用农村现有的条件尽量开展好课堂教学。比如雕塑课,农村学生是不可能有橡皮泥来做雕塑练习的,但是我们可以利用农村的条件来上,不妨让他们再回到儿童的玩“泥巴”时代,让他们自己动手去挖红泥,让他们在课堂上由老师引导从儿时的“捏娃娃”游戏开始讲解雕塑,使学生更真实的感受到艺术来源于生活,生活是创作的源泉。这样的课堂才是培养农村孩子兴趣的乐园,这样让学生在兴趣中吸取知识和掌握技能,就能收到最佳学习效果,充分发挥课堂活跃的优势作用。现代化教育不能局限在死板的传授知识,利用情景教学的模式创设兴趣的课堂氛围,达到美育的目的。 四、最大限度的运用多种教育手段 与城市学校相比,农村学校教学设施落后,而最大程度的利用现代化科技手段往往会对培养学生的学习兴趣起到意想不到效果。采用声音、图像和音乐等生动素材进行展示和教学演练可以直观的刺激学生的学习欲望,增强学生的对作品的感性认识。在大量的不断的艺术熏陶中,学生能不断加深艺术感知能力。利用空闲时间,教师可以就地取材,带着学生到野外写生,大自然的各种花草树木,山墙刻壁都是极好的写生素材,通过自然环境中各种美好事物的熏陶可以有效培养学生的艺术气质。通过现代化的设备教学与野外写生的灵活结合,可以全方位的培养学生对美术学习的兴趣,从而更好地培养学生美术感知能力,提升学生自身的艺术素养。因为农村教学条件的限制和教师水平的差异,使农村的美术教育参差不齐。美术教师只有不断提高充实,提升人格魅力,根据农村学校的实际情况,利用各种教学方法和先进的教学工具,有效地培养学生的艺术素质,培养他们的兴趣,才能提高学生的创新能力。 作者:臧建芳 单位:山东省无棣县第三实验学校 初中美术论文:初中美术多媒体教学论文 1初中美术教学中对多媒体应用的误区 1.1胡堆乱砌,信息轰炸 由于多媒体的信息容量和展现方式,部分老师却将多媒体运用到一个极端的位置。多媒体作为教学的工具和课堂内容的补充,却被本末倒置,灌输太多的教学内容,对学生进行图片和视频的狂轰乱炸,反而导致学生应接不暇,对课堂和作品内容不深刻,压榨学生的思考空间,将整堂课变为一节“欣赏课”。 1.2课件花哨,背离初衷 初中美术老师都是具有深刻美术创作和鉴赏能力的艺术指导者。而部分艺术指导者因追求多媒体课件的艺术感、呈现的多样性,反而忽视了课件内容的主体和教学板书的设计,导致学生将注意力放在多媒体的呈现方式而非多媒体的教学内容,以至于教学目的未达到。 1.3引导变讲解,学生麻木化 古云“尽信书不如无书”,笔者认为“尽用多媒体不如无多媒体”。部分教师过分依赖多媒体,忘记自己作为教师的“引导”作用,而变成了一个“解说员”,反而降低了学生学习的积极性和自主性。从书本的生硬变成了多媒体的无趣,可能引起学生多多媒体的麻木,使得新教学方法适得其反。 2采用多媒体进行美术教学的原则 2.1合理设计教学内容,切勿狂轰乱炸 合理设计教学内容,切记不要堆砌过多的视频、图片对学生进行“填鸭式”的狂轰乱炸。不要因为新课标提倡的新式教学方法而滥用多媒体。教师需在课堂知识补充之余,给学生留下思考空间。多媒体教学内容需要有重点性、针对性,一方面重视多媒体带来的教学容量的提升,另一方要让学生充分感受到艺术之美。时刻记住,多媒体只是教学方法的一种方法而已,而不是教学的全部。 2.2立足教学主题,合理运用多媒体 初中美术教学的主题是“教学”二字,在多媒体的运用过程中应紧贴“教学”而不是为了展示老师的艺术才能将多媒体课件的花哨发挥到极致。在课件设计中,应该松弛有度,紧抓当期教学主题,运用老师自身的艺术素养向学生展示一个生动有趣的教学方式,着重在于提高学生的学习积极性,培养学生对艺术的欣赏和感知能力。 2.3正视待教师主体地位,带动课堂效应 教师是课堂的主体人物,是引导学生学习的关键因素。而部分教师自从运用多媒体,将自身退化为“解说员”。这好比导游带团,本来是让游客感受景物的人文与美,却变成了导游一个人在“背课文”。教师要摆正自己的位置,将引导学生的重任放在自己身上,而不是依赖多媒体,以为有了多媒体学生就会提高自身积极性。“火车跑得快,全靠车头拉”,教师作为火车头,更是要拉着学生向前跑,利用多媒体教学来带动课堂气氛,多与学生互动,将多媒体内容和教师的引导有机结合起来,利用新式教学跟好的达到教学目的。传统的照书念的教学模式并不理想,多媒体教学打破时间、空间、容量、单一的方式,扩充教学手段,将初中美术课堂变得生动,将学生带入更广阔的艺术空间,调动了学生学习的兴趣和积极性。原本抽象的、生硬的美术知识,通过多媒体这个载体变得具体,生动和充满趣味性,初中学生将更能够接触这些浅显直观的知识,这为初中美术教学带来了极大的便利。 3多媒体在初中教学不同教学方面的应用 3.1多媒体教学在素描、色彩课上的应用 素描和水彩是初中美术课教学的基础课程,主要培养学生构图、造型能力和对色彩的敏感和把握程度,提升学生的基础美术素养。但是从小学到初中,并没有对素描和色彩课程的专业教学和引导,形成了该类课程的断层。教师在讲到“构图”、“透视”等专业名词的时候,需要学生由具像到形象的分析,抛开物体的固有邢台,分析整个画面的内部结构,从宏观着眼。而说到这些,学生往往一头雾水,而且在进行实际操作的时候很难看出其中的妙处,素描课和色彩课最终只是一个表面形式的课程。利用多媒体教学很好的解决这些问题。例如,利用多媒体3D完美的展示物体的透视效果,使抽象事物具体化,使学生在观察物体透视的角度和方向时更加容易,真正帮助学生提高了对素描的理解。在色彩教学中,教师可以立足于课本,多样展示教材之外的相关内容,很大程度上开阔学生的视野,提高学生的进步空间。在欣赏之余,更是要引导学生发挥自己的主动性,让学生自己思考美术作品的构图以及对色彩的应用,极大发挥学生的主动性。 3.2多媒体教学在手工制作课上的应用 多媒体教学应用到手工制作课的效果并不如美术欣赏课的直观和明显,但是利用多媒体可以为学生的手工制作提供更多奇思妙想和实际操作技能。传统美术课的手工制作,老师需要亲自为学生做教学示范,而在有限的时间和空间内,并未达到一个高效率的教学示范效果。而多媒体教学的提倡和使用很好的解决了初中美术教学的这个难题。通过网络,教师可以搜集或者录制手工教学视频,以多媒体的形式呈现在学生面前。通过观看清晰的多样化教学视频,学生们可以发挥自己的想象空间,结合多种操作方式进行手工制作,而不是一味照搬老师的方法。课余时间,学生也可以自己寻找或者录制手工制作视频,在课堂上为其他学生播放,提高学生的课堂积极性,增加老师和学生之间、学生和学生之间的互动性,也极大鼓励学生自己的创新、创作。 3.3多媒体教学在美术鉴赏课上的应用 美术世界广阔而渊博,就成年人而言都不敢妄下对美术作品的评论之言,更何况要让初中的孩子去品味、鉴赏美术作品。而这又恰恰是一件有趣的事情。初中的孩子才敢直言不讳的说出美术作品给自己的带来的感受。所以,为了发挥孩子的创造性,我们打破美术课本的片面性和局限性,给孩子们一个自由的、丰富的美术天地。运用多媒体教学,初中美术老师可以找到很多相关的作品,让学生对其进行鉴赏。如在色彩鉴赏方面,老师可以搜集大量梵高的作品,让学生对其作品的早中晚期进行感受和点评,而后再对学生进行梵高的生活背景介绍,让他们体会作者带入自己绘画的感情,此后,再让学生对梵高的作品进行点评。透过这个案例举一反三,学生可以在教师循序渐进的引导下一步一步深入美术世界,在课本的有限内容下通过多媒体扩展到广阔的技术空间,培养学生自身的艺术鉴赏能力和艺术修养。 4结语 总之,多媒体教学是载体,而不是目的,通过多媒体教学,我们教师有了一个新的工作挑战也有了一个新的教学利器。利用多媒体进行美术教学,不仅能够有效地扩充学生的视野,让艺术和生活结合,提升学生学习美术的积极性之外,告诉他们生活无处不艺术,教他们感受生活中艺术之美。 作者:张辉单位:龙家店镇初级中学 初中美术论文:初中美术课堂海报设计论文 一、初中美术课堂海报中存在的创造性设计思维 1.逆向思维 在海报设计的过程,逆向思维也可以称为反向思维,是对学生设计思维进行训练时最常使用和反常规的一种方式。由于学生在海报设计过程中,使用常规的设计思维已经很难有亮点出现,严重缺乏创造性,因此老师可以训练学生的逆向设计思维,抛弃原有的设计思维模式,对思维模式进行颠倒,以提高学生的创造力。例如正负形设计原理的讲解过程中,老师要首先向学生展示一下正负形的设计图,通过正负形实体让学生准确的掌握正负形的设计理念,以充分的反映自己的思想与思维方式。通过正形与负形的对比,来挖掘更深层次的内涵,从而培养学生的逆向思维,为锻炼学生的设计思维提供平台与机会。 2.求异思维 在初中美术海报设计教学的过程中,老师要将求异思维传达给学生,要打破求同思维给予的束缚,进行海报设计的创新,要标新立异,找出与传统观点不同的观点,提高海报设计的个性,从而与别人的设计作品存在很大的区别。例如老师在向学生传达求异思维的思想时,可以通过元素替代的方式来引导学生的海报设计思维。在培养学生求异思维的过程中,老师可以设定一个固定的物体,让学生通过自己的想象,将该物体中的某一部分替换,从而发挥学生主观想象力的作用,创造成形式各异的海报设计图案,以培养我国中学生的创造思维和创新能力,推动我国中学生素质的上升。 二、对学生的创意思维进行培养 海报最重要的作用就是能够将设计者的思想在第一时间传达给参观者,这就对学生的海报设计水平提出了更高的要求,因此初中美术老师要采取多种措施,来提高学生的海报设计水平,并对学生海报设计思维进行训练。老师可以多向学生讲解自己的生活体验,并向学生询问如果他遇到这种情况要怎么办,以此来提高学生的生活经验,以开阔学生视野,从而为学生的海报设计奠定基础,打破学生身上的束缚。老师还可以通过多种途径来培养学生的想象和联想能力,从而来衔接自己意识中的思维碎片,因此老师可以对学生的联想进行有针对性的训练,让学生将看似毫无联系的因素联系在一起,以碰撞出新的火花。例如在《图形联想创意》一文的讲解过程中,老师就可以充分利用我们所学的海报设计的理论知识进行,让学生以铅笔为元素来进行联想和创意,有的学生将铅笔说成是香蕉,还有的学生赋予了铅笔彩虹的颜色,还有的学生通过将铅笔进行不规则的排列来反映自己的思想,还有的学生利用铅笔和铅笔的影子来表达情感,有的学生将铅笔进行了拟人化等等,通过多种形式来反映学生的创意设计思维,通过学生设计的海报能够与学生进行思想上的交流和沟通,实现了海报设计的意义。 三、总结 综上所述,在初中美术课堂海报教学中,老师要注意对学生的创意思维进行培养,以提高我国初中学生的海报设计水平,通过学生对事物和符号的重新组合,来传达出自己的思想,不仅打破了我国中学生传统的思维模式,大幅度提高了学生的创新能力和想象力,而且还提高了我国中学生的整体素质。 作者:刘晔 单位:浙江丽水经济开发区第二中学 初中美术论文:情感教育初中美术教学论文 一、巧妙运用情感素材 初中美术教学之中,美术教学的资源是整个美术教学活动展开的不可或缺的重要基础。教师需要利用具有较高价值的美术情感教学的教学资源对学生进行情感教学,使得学生能够充分感受到美术教学的魅力,从而使得学生能够有比较好的心理素质以及审美情操。在初中美术教学之中,教材涵盖了诸多正确的价值观、爱国主义以及道德素质的教学资源,教师需要在教学过程中进行较好的挖掘,使得美术教学的情感教学与其他的科目相通。最终,达到提升美术教学效率的目的。 二、创新师生关系 所谓的情感教育必然涉及到了学生与老师的情感,所以在情感教育之中必须建立比较恰当的情感教育方式———师生互动。学生在初中美术课堂之中,对其有着比较深的影响的必然是与教师的关系,师生之间的关系影响着学生的积极性以及审美观念的建立。良好的师生关系能够给学生传递正能量,使得学生在美术教学之中占到主体地位,使得学生能够由自身的主体地位出发,更加去接受美术的情感教学。所以在初中美术教学之中,更加注重建立较为和谐而适当的师生关系,使得学生与教师的关系能够作为情感教育的助推器。为了能够使得师生关系比较和谐,需要教师充分尊重学生的个性以及保护学生的差异性,使得学生能够各抒己见,使得学生与教师之间的沟通无障碍,最终建立起彼此信任的关系。教师需要充分认识到情感教育的最基本以及最主要的方式必然是交流,只有教师与学生进行良好的交流,才能够使得学生通过互动提升情感,形成比较合适的美术思想,使得学生在情感上得到品质的提升。 三、以情景渗情感 学生在进行美术技巧的学习的时候,教师可以通过情境教学进行情景的营造,从而使得学生能够在情境之中对美术教学产生兴趣。美术教学需要将比较枯燥乏味的课堂激活,比如:故事、游戏、视频、音频、示错、设疑等课堂的情境设计能够迅速将学生带入课堂。在氛围活跃的课堂之中丰富想象力,打消厌学的思想,激发出学生的积极性和乐趣。情感教学方式在初中美术教学之中,有着比较关键的地位,能够为学生的全面发展和培养贡献较多的力量。 作者:潘娟 单位:如东县少年业余体育学校 初中美术论文:初中美术教学实践民间艺术论文 一、岭南的民间艺术文化 岭南的民间艺术文化数不胜数,千奇百怪,是中华民间艺术文化中的一块瑰宝。岭南民间艺术文化艺术种类繁多,有粤曲粤器、少数民族服饰、传承多年的粤菜、各种雕塑、房屋建筑这些都是岭南文化的象征。岭南文化中的南越古墓和开平碉楼以及村落都是世界遗产文化。广东有丰富的民间艺术,教者更应该在初中美术教学实践中融入岭南民间艺术文化,加强中学生对民族文化的认同感。通过学习初中美术中融入的岭南民间艺术文化,把其发扬光大。传承好、创新好岭南文化,也是初中美术教学实践研究的目标。 二、岭南民间文化艺术融入初中美术教学的实践 既然在岭南出版社出版的初中美术教科书中以及初中美术教学实践中融入岭南民间艺术文化是那么的具有意义,那么怎样才能更好地在初中美术教学实践中融入岭南民间艺术文化呢?怎样才能让岭南民间艺术文化为初中美术教学实践做贡献呢? (一)岭南服饰融入初中美术教学的实践岭南服饰独具特色,少数民族的服装不仅具有岭南风情,还把少数民族的文化元素展现得淋漓尽致。岭南地区中服装文化的代表是瑶族和壮族的服饰。它们的服饰以红黑为主,装点各种金银首饰。在进行第四单元———静物画构图与色彩的初中美术教学中,首先可以教授同学们画静物画的方法,最主要的是把岭南文化融入到教学实践中去。画静物画可以画人体模特,也可以画一些物品。老师可以收集具有岭南特色的少数民族服饰或者是一些木屐让同学们作画。在教学实践中,老师还可以指导同学们认真领会画岭南服饰的真髓、岭南服饰的颜色搭配和意义。红色表达了岭南人士积极乐观的人生态度和热情好客的性格,金银首饰的搭配展现了岭南地区的经济发展和对子女的祝福。木屐更多地为老一辈男士使用的鞋子。木屐看似不够严肃雅观,但是木屐展现了岭南人士的包容性。初中美术教学实践中就教授同学们观察服饰和设计服饰,这不仅会增加同学们对岭南服饰的认同,也教会了同学们具有宽广的胸怀,还可以教会同学们画静物图的技巧和对颜色的认知。 (二)岭南建筑融入初中美术教学的实践岭南建筑是中国建筑的一朵奇葩。岭南建筑不仅丰富了中华建筑习惯和建筑资料,也向世界展示了中国建筑文化的博大精深,还向世界优秀建筑学习,取长补短,体现了岭南人士的积极好学。岭南建筑的代表是开平碉楼、瑶寨和西关大屋以及岭南民居。在初中美术老师教授“源于自然的启示”这一章节中,老师可以把岭南建筑融入到美术教学实践中。岭南地区的自然气候是夏季炎热,且长年多雨。而且在古代,这里的自然没有得到开发,野兽出没。到了清朝末期和战争时期,这里又土匪猖獗。所以,岭南的建筑以坚固的堡垒和圆形的寨子为主要建筑风格,为的是团结协作。岭南民间小居的房屋大都是向下的三角形,为的就是顺利排走雨水。那么,初中美术老师在教育同学们作建筑画时,可以启发大家要根据自然环境的启示以及人文风情学会设计建筑。如西关大屋多狭长为的就是通风,在美术设计上,任何美术作品它都要展现人文风貌。所以,岭南建筑可以为初中美术教学实践提供很多很好的参照物。 (三)岭南食物融入初中美术教学的实践岭南食物中最具有代表性的数粤菜。粤菜的优秀就是清谈,以及老火靓汤。众所周知,一桌好菜讲究色香味俱全。把“色”放在第一位,可见颜色的搭配、形状的摆设对于菜的重要性。初中美术已经开始学习对颜色冷暖色调的搭配以及形状的设计。所以,把岭南食物融入到初中美术教学实践中可以说是绝妙的。粤菜的卤味,外形金红油亮,色泽明快,可以做成特色拼盘,也可单独成为一道看家菜。卤味能为菜肴添辉添色。在初中美术所学习的———发现与创造中,老师就可以很好地把岭南食物和食物器皿的设计融入到美术教学实践中。在美术课堂上,老师放映粤菜,让同学们找出它们色泽搭配的奥妙和形状摆设的特点,然后自己用画笔创造一盘食物。注意运用颜色和形状,在设计器皿时还有注意它和菜肴搭配的和谐性。由此可见,岭南食物对于对初中美术教学的实践研究提供了很大的帮助。 三、结语 岭南民间艺术文化融入初中美术教学实践是具有重大意义的。岭南民间艺术文化融入初中美术教学中,一是可以让老师在教学的过程中以及学生在学习美术的过程中共同体验岭南文化的独特魅力,二是可以启示同学们多多注意自己身边的美术现象,为以后的美术学习或者是艺术创造寻找灵感,三是从国家、地方和教育层面展现了社会对中华文化的重视,更加有利于岭南文化的传承与创新。不论从哪一个方面来看,初中美术教学实践融入岭南民间艺术文化都是有利无害的。但是,老师在教学中要注意教授优秀的岭南文化,抛弃腐朽的岭南文化。只有这样,岭南的民间艺术文化才能更好地为初中美术教学实践服务。 作者:吴涛单位:珠海市香洲区甄贤小学 初中美术论文:初中美术教学方法论文 一、鼓励集体创作精神,倡导合作学习 在美术课程的学习方面,有些绘画技巧的掌握对许多初中生来说比较困难。因此可以通过倡导合作学习,鼓励集体创作的方式来完成相关美术课程的教学,调动学生学习的积极性。利用合作学习的方式,可以充分发挥学生的创造力和想象力,弥补不同学生美术方面的缺憾,消除学生的畏难思想,从而让每个学生的美术特质都激发出来,提高美术教学的效果和质量。另外,在美术课程的教学过程中,需要对学生进行分层次的训练,再加上初中学生年级的不同,教学的方式和内容也需要做相应的变化和调整。例如:初一的学生主要学习线条、造型等的模仿、练习,通过简单上手的教学内容可以逐步引导学生喜爱和热衷美术课程的学习。而对于初中二年级的学生,则可以通过实物绘图等课程提高学生学习的兴趣和自信心。例如,在进行花草等实物的绘图教学中,老师可以带学生走出教室,去欣赏学校的花草,感受其中的美丽与自然的气息,并且在这样的氛围中进行实物描绘,这样可以锻炼学生观察事物的能力,也可以让学生更好地享受美术课程的乐趣。 二、开展课外兴趣小组活动,拓宽学生美术思维能力 在提高学生学习兴趣的众多方法中,课外活动是一种有效的教学方式。通过开展课外兴趣小组活动,可以极大地锻炼和培养学生美术学习的情趣。在老师组织开展课外兴趣小组活动时,可以通过充分利用当地的有利条件,每一次活动都设计出带有趣味性的作业内容。例如:收集当地废旧材料,创造多元形象。教师指导学生收集一些常见的废旧材料,如:易拉罐、稻草、树叶等,进一步引导他们认真体验材料的形状、质地、色彩等,充分发挥学生的想象创造能力。对于废旧材料的加工创造,主要采取多角度感受、组合想象、随意裁剪等几种形式。学生自主选择各种材料,经过实践操作,让学生感受到美就在身边,只要不断地去发现,美无处不在、无穷无尽。让学生的美术梦想插上了想象的翅膀,创作出各种别出心裁的艺术品。 上文主要探讨了创新初中美术教学的方法,如开展课外兴趣小组,转变教学观念和鼓励合作精神等。从这些分析中可以看出,有效的教学方法是提高学生学习兴趣和学习质量的重要前提。并且在初中生的综合素质教学中,美术教育具有不可替代的作用,良好的美术修养可以不断陶冶学生情操,释放学生学习压力,同时还可以激发学生的创造力和想象力。因此,创新美术教学方法在提高美术教学质量和促进学生综合素质方面的发展都有着重要的作用。 作者:朱斌 初中美术论文:情感教学初中美术教育论文 一、我国初中美术教育情感教学改革调查与行动研究 (一)初中美术情感教育渗透力不足 笔者就某一中学某一次美术课作为实例进行研究,探讨教师对学生进行情感教育对学生美术鉴赏能力提升的影响,将20名学生分成两组进行不同方式的美术教学,受到情感教化的学生对艺术画作的分析和鉴赏更为深入;接受技能教学的另一组学生可熟悉地掌握绘画技巧。然后给两组学生布置独立创作的作业时,接受感情教化的学生创作的作品的艺术价值与创新性远远强于只接受技能培训的学生。 (二)中学美术情感教学模式受传统观念的制约 美术教学在初中教学中地位不高,美术师资力量薄弱,美术教师接受的讲学与培训机会少,教学观念与教学方法陈旧,使得原本活跃灵动的美术课堂变得枯燥乏味。部分教师对教授的美术画作认识不足,对画作的艺术价值评价不准确。对美术的价值没有从“人的情感”中探求真知,被利益化的市场价值导向误导。美术教育是实施素质教育的有效渠道,对促进学生身心健康发展有不可替代的作用。传统教学手段没有真正引导学生发现艺术的美,美术课堂中的艺术氛围没有真正营造出来,更挫伤缺乏美术兴趣的学生的学习积极性。 二、解决初中美术教学情感教学问题策略 随着初中美术情感教学的进一步发展,在发现其发展过程中已存在的问题的基础上提出以下改进建议,为促进初中美术情感教学提供发展策略。 (一)开发多样性美术课程资源激发学生学习兴趣 发扬传统美术教学的优良之处,如对我国传统艺术画作的画风分析、虚实相生的传统画技的特点及山水人物特殊画风的传承,在此基础上注入对中国传统美术的情感。对一幅巨大的山水画作,作业时怀抱何种情怀进行创作,分析画中的人物表情、动作和行为特点,引导学生身临其境地感受画作的伟大力量。同一幅画作还可从不同鉴赏角度进行分析,激发学生思考画作的不同特点,除作者的爱国情感之外,还要有对祖国美好河山的赞美之情,感叹大自然的伟大奇妙。山河自然组合的意境、山环水绕的美妙都具有一种神奇力量,通过画笔展现在众人面前又是另一番滋味。教师可根据此类方法开发学生的情感世界,引领学生发现心灵的美,升华学生的情感世界,促进学生感性与理性思维综合平稳发展。 (二)发掘美术情感教育“人文性” 中学美术教学是多数学生学习美术的启蒙阶段,中学生在身心成长变化中情感提升到一个新的层次。中学美术教育注重培养多数学生的审美情趣,而不是培养专业艺术家极其高端的美术技能和技法。提高中学生的美术情操需从学生心理情感变化特点着手,在课堂上适当培养学生的独立创作精神、空间感知能力和思维灵动能力。灵感来源于现实中的各类客观事物,更高于现实,需要学生自主发动思维,在学生进行创造性思考的过程中,需要对其情感认知能力进行升华。 三、结语 快节奏发展的社会环境让多数人忽视了人文关怀,应试教育目的性过强,多数学校容易忽视对学生进行人文教育,导致多数青少年情感世界一片空白,甚至往畸形方向变化,不但不利于初中美术教育的良性发展,甚至会产生社会问题。美术学科总体以提高学生欣赏评述、造型表现、综合探索与设计应用为教学出发点,而创新出奇的思维是美术教学的硬性要求。将情感教学融入美术课程中,关注学生情感变化,引导学生情感成长向积极乐观方向发展,帮助学生发现美术多元化情感内涵,同时体现美术教学的人文特点。 作者:李雪 单位:荆门市楚天学校
服装设计毕业论文范文:对服装设计专业毕业设计组织模式的探讨 摘 要:服装设计专业的毕业设计是整个教学计划中的一个重要环节和最后环节,是对学生所具备的专长与技能的全面展现。毕业设计课程要想取得良好的教学效果,合理安排组织教学至关重要:首先要具有明确的培养目标和教学要求,并重视毕业设计过程的组织与管理;采用主题教学法启发学生的创新思维,提高其综合学力;将毕业设计与企业和市场结合,与服装设计大赛接轨,能够提高毕业设计的实用价值和作品质量;最后举办毕业设计展,以检验、展示和交流成果,进一步促进教学质量。 关键词:服装设计专业;毕业设计;组织模式 作者简介:吴永红(1968-),女,江西吉安人,南昌大学艺术与设计学院副教授,研究方向为服装设计和工程。 高校毕业设计是毕业生在教师的指导下,在规定时间内,针对某课题,综合运用所学专业的基础理论、基本知识和基本技能进行的设计活动。服装设计专业的毕业设计是整个教学计划中的一个重要环节和最后环节,是对学生所具备的专长与技能的全面展现,是学生深化专业知识的学习过程,也是对学生整个专业学习的总结和检验及对专业教学效果的的综合评估。本文拟探讨服装设计专业毕业设计的组织模式,以优化教学组织过程,达到令人满意的教学效果,促使学生创作出新颖、时尚、富有艺术感染力的好作品。 一、要有明确的培养目标和教学要求 培养目标是在展开教育活动之前,在教育管理者的观念中存在的教育结果,是对教育结果的一种设想[1]。从大设计的专业范畴来说,高校的毕业设计着重于培养学生综合运用所学知识和技能来分析与解决实际问题的能力,勇于探索、创新及实践的能力,以及严肃认真的科学态度和严谨求实的工作作风。教师要重视对学生独立毕业设计的能力、设计思想和基本科学研究方法的指导,注意调动学生的积极性、能动性和创造性。 具体说来,服装设计专业的毕业设计要求学生综合运用在学校所学的知识和技能,以及服装艺术设计的原理和方法,完成服装产品的系统设计。学生在毕业设计过程中通过社会实践,调研服装市场,完成系列服装设计、制作等,可以培养他们的综合分析和解决问题的能力、主题服装的设计能力、组织管理和沟通能力等。同时,还可以引导学生正确对待社会上的不良现象,树立正确的人生观,以积极的工作态度投入毕业设计当中,培养学生的事业心和责任感,全面提高毕业生的综合素质,为培养复合型人才打下基础。[2] 服装设计专业的毕业设计作为实践教学环节,给学生提供了接触社会、投身实践、灵活运用专业知识与设计制作能力的机会。因此,其毕业设计的教学要求不同于专业课教学,一般采用课堂教学与现场教学相结合、集中教学与分散教学相结合的方式,教师的教与学生的学的互动表现得更为突出。教师除了必要的指导和跟进检查讲评之外,应发挥学生的独立性、自主性,激发学生的创造性。[3] 二、重视毕业设计的组织与管理 服装设计专业的毕业设计的组织与管理是保障学生顺利完成毕业设计环节的关键。首先,要明确指导教师的工作职责,建立毕业设计的指导规范。服装设计专业教研室根据毕业设计选题的要求组织教师讨论并制定毕业设计指导书,对毕业设计过程中需要完成的具体内容及其规范要求、时间安排、作品数量、作品的质量要求等做出周密的部署。 其次,要合理安排毕业设计时间。实践证明,毕业设计时间的合理安排与否直接影响毕业设计作品的效果。一般毕业设计主要集中在第四学年的第二学期,对服装设计专业学生而言,他们除了要完成一个系列(5套)的服装设计及制作外,还必须完成毕业论文的撰写、毕业作品的展示,任务非常繁重。在这个学期,他们还要参加各类就业应聘会,很多学生因为忙不过来而匆匆完成毕业设计,根本没时间去精心修饰作品。因此,毕业设计工作的开展必须提前安排,要将印有毕业设计各项任务、具体进程的《毕业设计指导书》在第四学年的第一学期末发到学生手中,要求学生充分利用好春节长假这段时间考虑毕业设计选题,开展社会实践、市场调研等前期工作,为第二学期开学后毕业设计的正式启动做好铺垫。[4] 再次,需制定相应的方法措施,来实施毕业设计中间各环节的检查工作。服装毕业设计主要包含选题(大主题下可设小主题)、前期社会实践与市场调研、收集资料、整理与分析资料、方案构思和筛选、定稿、制作、撰写和整理毕业设计文档、作品展示这些过程,具体环节可分为以下四个: (一)构思方案:学生根据选定的主题,结合市场调研情况,对支撑主题的素材资料加以分析和整理,制订设计方案,确定毕业设计的基本内容和设计方向。 (二)定稿:学生根据拟定的方案,画出几个系列服装的草图,并说明创作思路和意图,指导教师给予有价值的建议,根据效果、面料的可选性、加工等因素选定一个系列作为最终方案。 (三)绘制效果图和结构图:将选定的一个系列服装画出效果图,注明设计构思,并绘出结构图,在教师指导下作必要的修改完善。 (四)裁剪与制作:制作一个系列5套服装。在制作过程中,学生要按照设计方案,实现并完善设计构思,准确表达设计意图,配上服饰品,以形成完整的服装系列。这个环节要求学生自己独立完成,这是检验学生将构思转换成服装成品能力的关键。 根据以上环节,服装设计专业教研室要对学生的毕业设计进展情况和指导教师的指导工作同时进行检验,一方面对学生的过程成绩进行评定,作为学生毕业设计成绩中的重要组成部分;另一方面对指导教师的业务水平与责任心也进行如实考核,作为教师指导学生毕业设计质量的评价依据。指导教师要对学生的毕业设计选题、市场调研、设计方案、成衣制作和作品展示等环节进行指导,帮助学生把握选题的难度和深度,以及解决学生在服装设计制作过程中出现的疑难问题。[5] 三、采用主题教学法 在服装设计专业毕业设计中,主题教学法是一种行之有效的方法,主题教学法为学生创设了有挑战性的问题情境,充分重视学生的主体作用,有利于激发学生的学习兴趣和斗志,增强学生的创新意识。主题教学法为发达国家实用艺术类学科的设计教学所普遍使用,它以培养综合学力为目的,以研究实际问题为课程方式,着重培养学生对原理与方法的掌握。 主题教学法的实施就是选取某一切入点(即主题),导引思维向更加广泛、更深层面拓展,此间可借助合适的媒介激发学生的创造灵感,使学生以探索、实验的态度尝试不同的创作方式,最终形成能够体现主题、有个性、有原创并切实可行的设计方案。例如,以“建筑”为主题的毕业设计,教师讲解以“建筑”为主题如何进行服装设计的立意、思考和创作,要求学生必须把新的理念和思想体现在服装的款式上。教师在导入主题时,可以从听觉、视觉、触觉、味觉等方面启发学生全方位感触建筑的有形和无形,指导学生从颜色、面料、廓形等方面去考虑建筑元素的表达效果,并要求结合当下的流行趋势;综合以上几个方面的信息,进而形成全新款式。主题教学法要求学生颠覆固有的思维框框,一切从“零”开始,通过观看各种建筑图片,或者是带有经典建筑的影片,体会各种建筑的外形构造和气质神韵,形成各种不同类型的建筑概念:有古典的有现代的,有中式的有西式的,有复杂的有简练的,有精致细腻的有粗放豪迈的,不一而足,旨在激发学生的创作灵感和激情,产生活跃的思维态势,结合服装要素,创作出富有特质的作品。[6] 主题教学法教授的是一种具有原创性和实证精神的设计方法,它打破了时间与空间的传统格局,寻求的是一种思维方法,使学生养成发展的、思辨的创新思维习惯和能力,非常符合设计教学的规律。主题教学法的选题思路很重要,服装设计与社会经济发展联系密切,服装能迅速准确地传递社会政治经济文化信息,因此,在服装设计专业毕业设计中,我们应紧密联系社会经济文化发展动向来拟定选题,结合社会热点来做设计,以顺应时尚潮流。 四、与企业和市场结合 为了让学校教育更好地与社会接轨,必须根据行业与市场的需求来确定服装设计专业的教学内容。受高校的学术氛围影响,学生喜爱设计概念性的、造型夸张的“奇装异服”,为此,可以把服装设计专业毕业设计分为创意服装设计和实用服装设计两大方向,引导部分学生朝与企业、市场接轨的实用服装设计方向发展。创意服装设计方向比较注重展现学生的创作才华,注重个性,但是创意服装设计不能脱离人体和服装本身,要成为真正意义上的服装。对实用服装设计方向的学生,指导教师可通过一些知名服装品牌的案例分析,使学生明确“设计服务于生活”的原则。对于实用服装设计,学生必须充分意识到所谓“实用”不等于不要艺术性和创意,它同样讲究精彩的构思与创新,只不过更加强调与人们的生活需求相契合,要求服装设计与企业、市场接轨,能够占据市场份额是其终极目标。 许多服装设计专业学生主动到自己心仪的企业完成毕业设计,他们带着毕业设计任务进入企业,在此期间,学生能充分利用企业的资源,发挥自己的设计才能。经过较长的毕业实习,企业对学生的了解比较深入、具体,为选聘人才打下坚实的基础。对企业而言,采取这种方式选聘人才,相比用考试招聘的方法成功率要高得多。[7] 服装设计专业毕业设计还可把服装企业的新产品开发或者需要解决的难题作为内容,学生根据服装企业的产品定位设计新产品,企业出资、出设备,并派技术人员指导,这样既可以使学生既有经济收入,又可以尽快了解企业运作,适应企业要求。学生在与企业磨合的过程中,还能改变其设计产品一味追求个性而不顾及生产与市场的弊端,提高作品的采用率。同时企业也得到新思想、新设计或者解决难题,一举多得。[8] 五、与服装设计大赛接轨 与服装设计大赛接轨是对服装设计专业毕业设计教学模式的有益补充。服装设计大赛也分创意类设计和实用类设计,符合以上对服装设计专业毕业设计的分类。通过服装设计大赛,师生能分享参赛学校的服装教学成果、交流教学经验、提高教师的教学水平和创作水平、培养学生的综合素质。因此,尝试将毕业设计教学与国内或国际性的服装设计大赛接轨,将毕业设计的主题选定为某个或某些大赛的主题,运用主题教学法,教师通过解析大赛主题,启发引导学生构思、表现、完成服装作品。将毕业设计与参加比赛结合起来,可激发学生的毕业设计热情,提高毕业设计作品的效果和质量。如果学生能在服装设计大赛中获奖,其获奖的作品不仅可成为学生择业时含金量较高的自荐资料,而且对扩大学校的社会知名度、提高学生的就业率都将起到良好的带动作用,同时也能激励后来的学生更加积极地投入设计大赛中,以实现自己的梦想。 将毕业设计与服装设计大赛接轨,学生不但可以高标准、严要求地进行毕业设计,而且还能够把凝聚着心血与智慧的作品送上更有影响力的舞台,向更多的人展示自己的才华。即使在大赛上没能获奖,学生也能够从中积累一些经验,为今后更好的设计打下一定的基础。值得一提的是,要结合毕业设计教学计划精心筛选大赛,以完成教学任务为指导,达到综合考察学生专业能力的目的。 六、举办毕业设计交流展 服装设计专业毕业设计的最后环节就是对毕业设计成果的展示与交流,这既是学生们几年专业学习的成果汇报,也是展示学校教学水平的重要途径。服装设计专业毕业设计作品可以通过动态和静态两种形式来表现效果,分别体现舞台大效果和近距离逼真效果,各有千秋,相互补充。通过举办毕业设计交流展活动,可以使毕业设计成果检验更为直观,学生通过展览交流设计经验,可以获得一种成就感,增强自信心;学校方面也可以借此总结教学经验,研究并改进教学组织模式,以利于提高教学质量。同时,也可以让学生在相互的比较中找出差距,从模特的动态展示中发现服装的美和缺点,明确今后努力的方向。 毕业设计成果不仅面向学校展示,还可走出校园到社会的舞台去亮相,甚至可专门邀请本地区的服装企业和媒体现场观摩,这给学生提供了向社会、向企业直接展示专业能力的机会,也宣传了学校的专业教学成果,一旦企业欣赏某些学生的作品有可能直接吸纳到企业工作,促进了学生就业。 服装设计专业毕业设计是教学过程的最后阶段采用的一种总结性的实践教学环节。通过毕业设计,能使服装设计专业学生综合应用所学的各种理论知识和技能,进行全面、系统、严格的技术及基本能力的练习。使他们充分发挥创新性思维,独立实现系列服装从构思到成衣的完整过程,充分运用了所学专业知识和技能,是几年学习成果的大总结,也是对未来工作的一个铺垫。因此,高校不断研究和改进毕业设计组织模式,运用先进的教学理念,顺应服装人才培养规律和方向,结合社会与市场的需求,组织并管理好环环相扣的教学环节,以利于提高毕业设计的质量,这是需要高校服装专业的师生共同努力的地方。 服装设计毕业论文范文:高职服装设计专业毕业生就业心理分析 摘要:随着高职类学校招生规模的逐年扩大,毕业生人数的逐年增加,面对日趋严峻的就业形势和激烈的就业竞争趋势,高职服装设计专业毕业生主要的就业心理特征表现有自卑沮丧、盲目浮躁、矛盾失落理、从众与相互攀比、逃避与依赖等,它们直接关系到毕业生的身心健康和职业的选择与发展,为了树立正确就业观和良好的就业心态,本文以历届服装设计专业毕业生的择业实例说明了以上心理对择业的不利影响以及分析了该心理产生的原因。 关键词:高职 服装设计专业 毕业生 就业 心理 随着就业形势的日趋严峻和就业竞争的激烈,而高等职业技术学院的应届毕业生更是一个特殊的群体。学校不是名牌大学、自身的学习能力不高、就业形势空前严峻、与同学、恋人、家人的人际关系相处不够融洽……等等一系列的社会现实问题.高职毕业生的心理压力越来越大,直接关系到他们的身心健康和就业发展,面对即将到来的就业与择业,许多学生从心理上甚至感到恐慌,绝大多数学生对自己将来能否找到称心如意的工作信心不足;此外高校扩招,使本无优势可言的高职毕业生,在求职择业的道路上更是困难重重,倍感个人前途渺茫,信心丧失。为了正确引导我效服装专业毕业生就业,缓解他们的就业压力,本文对我院历届服装设计毕业生跟踪调查后进行了总结,得出该专业毕业生的就业心理特征主要表现在以下几个方面: 1、自卑沮丧的就业心理 高职服装专业类毕业生就业的自卑沮丧心理首先表现在对自己的学历和学校的牌子上,相对于普通的大学毕业生,高职类院校的毕业生自卑感更强。他们觉得自己上的不是“正规”的大学,感觉自己总是低人一等。再加上招聘会企业对高学历、高层次人才的追求,更加加重了高职类学生的自卑感。 其次表现在对自己的专业能力上,有些服装设计专业毕业生当问及对其对专业能力如何时,大都说“好像什么都学了,好像又什么都不会”,以至于他们对自己未来能否找到满意的工作信心不足。 这种自卑灰心的择业心理除了有个人性格因素之外,与社会环境因素也有很大的关系,目前主要行业、部门的职业准入制度尚未形成,企业用人缺乏职业资格标准和对劳动者不同学历实行不同报酬的基本规定,致使一些企业用工无标准。用人单位为降低生产成本,追求利润最大化而大量雇佣廉价劳动力,使大量的非专业技术人员进入相关行业,造成大量的高职人才不能按培养目标就业,并受到普通本科院校毕业生就业竞争的压力,因而高职院校毕业生在择业过程中,更容易产生自卑灰心的心理。 2、盲目浮躁的就业心理 在求职择业过程中, 高职毕业生面对求职择业过程中千头万绪的事情, 心情浮躁不安,是升本科还是就业, 是暂时找个单位上班以后再调整还是找不到合适单位就不就业, 是选择专业对口单位还是挑选单位的地理位置等等问题使他们难以应付。这类毕业生没有主见, 盲目从众, 心态浮躁, 最终耽误升学或就业的最佳时机。 盲目浮躁的情绪使得学生就业时不切实际、好高骛远。他们过分强调自我发展和自我价值的实现,过分注重经济利益,不原意从基层做起。部分大学生在择业时,缺乏对用人单位实际情况的了解,对岗位没有明确的定位,不了解自己的优劣势,在择业过程中缺乏主见,人云亦云,盲目从众,招聘会上一窝蜂地投放简历,忽略了个人条件和可能性,当遭到用人单位拒绝时心灰意冷,而当有单位有意向录用时又彷徨不定,给求职带来困难;这些毕业生往往陷入一种自设的困境,很容易脱离现实,在心理上产生强烈的失落感。 3、矛盾失落的就业心理 服装专业是艺术类专业,因此,服装专业的学生像大多数艺术类学生一样,与其他学生相比较有一个突出的特点就是学习过程中的高投入。这种高投入一般而言势必希望有一个高的回收。但鉴于整个社会的用人成本的大环境的影响,这种希望往往是很难实现的。于是可以想见这种矛盾所产生的失落的心情。 此外,高职服装专业学生大都怀着一个设计师的梦想,他们希望能够实现自身的人生价值,希望社会给予他实现这种价值的空间和杠杆,然而社会现实中服装行业职业结构使得多数毕业生不得不放弃自己的理想,因而当他们看不见理想、看不见未来,特别是当公平、完善的就业机制还没有形成,社会上还存在就业阴暗面的时候,更容易在毕业生此时脆弱、敏感的心里造成很大的消极影响,必定会对毕业生的个体心理产生强烈的冲击,这个时候毕业生们容易变得消极懈怠,否定现实,否定自身,否定竞争。 4、从众与相互攀比的就业心理 服装行业与其它行业不同,企业的规模一般不大,甚至有些设计公司还很小,在这种境况下,规模小工作环境不够体面的企业就成为了毕业生择业时放弃的对象,即使这些企业的效益很好,非常适合自身的发展,但他们认为自己应该找到比别人更好的单位,至少不应该比别人差,也有部分毕业生,过于向往大城市特别是沿海发达城市的生活,择业理想化色彩浓厚,对大城市、大企业和收入高、福利好、地位高的企业情有独钟,一心只想往沿海发达城市跑,这种浓厚的虚荣心态,与大众化社会需求实际发生错位,往往导致“无业可就”和“有业不就”的局面。“这山望着那山高”,把注意力过多地集中在别人的就业取向上。 5、逃避与依赖的就业心理 一部分服装设计专业毕业生害怕承担社会责任, 不愿意面对激烈的就业竞争,他们选择了逃避。许多学生把读本作为自己的一种选择,想先逃避几年再说,这种懈怠逃避心理不仅影响了毕业生的择业过程, 而且对他们的身心健康造成了危害。 另外一些毕业生虽然知道就业形势的严峻性,但根本不予关心,每天生活在梦想之中,无论是家人的督促还是老师的帮助对于他们毫无作用,始终逃避将来必须面临就业或创业的现实。 还有部分学生是在“关爱”中长大的独生子女们,外出找工作总喜欢父母、同学相伴,或一帮学友共同应聘同一单位,希望日后相互照应,自身缺乏独立自主性和计划性,对求职择业意识淡漠,表现出消极依赖的心态,就业主动性差,择业目标游离不定,虽然接受了三、四年大学教育,但在很多事情上还是缺乏应有的分析和解决问题的决策能力。依赖家人通融社会关系,试图通过关系就业;依赖老师、学校送工作上门,总念着“车到山前必有路”;即便有就业岗位选择的机会,也要向千里之外的家长寻求决策帮助、对职业左顾右盼,拿不定主意,这种心理往往会贻误择业时机。 以上的择业心理在高职服装设计专业毕业生中普遍存在,他直接影响了择业行为,以及影响了低年级学生对学习的态度和择业的态度。因此,学校要营造良好的育人环境,应重视就业指导工作,引导学生树立正确的人生观和价值观,向学生提供有效的信息服务;高职毕业生应根据就业市场的要求,注重综合素质的提高,保持积极向上的精神状态和健康心理保持心理平衡,从容地面对就业。 服装设计毕业论文范文:浅谈高职服装设计专业毕业设计作品展演商业化设想 【摘 要】服装设计专业的毕业设计作品展演,可以通过商业化思路,成为联系学校、企业、学生的桥梁。文章讨论了实施商业化展演的必要性和可能性,为加强服装专业的校企合作提供了一个新的思路。 【关键词】毕业设计 服装表演 商业化 作品质量 中图分类号:G424 文献标识码:A 毕业设计是服装设计专业人才培养方案中一个重要的实践环节,每个开设有服装设计专业的学校每年均要举办毕业生设计作品展,采用“服装表演”这一动态展出的形式,是最为直观的选择。然而在时间、作品、经费等多重因素的影响下,展演的质量难以保障。 服装专业毕业设计展演商业化,就是在毕业设计展演时引进企业参与,将学生实践、作品展示、企业招聘、学生面试、学校宣传、企业产品宣传融为一体。这一概念的提出将很好地解决了毕业设计作品展演的质量问题。 调整制作时间提高作品质量 1.调整时间安排 高职学生,第五学期中后期的任务是面试与招聘,若在此时安排毕业设计与展演,正好与之冲突。于是,我们提出了将毕业设计任务提前的思路。根据高职专业人才培养方案,最后一年一般只安排一些专业拓展性的课程和岗位实践课程,所以经过四个学期的专业学习,大部分专业知识已经有所涉及,这也为毕业设计提前至第四学期提供了有力的专业知识支持。 同时,第四学期学生要进行岗位实习,因此可以将毕业设计与之结合,由指导老师先行布置设计任务,学生在完成岗位实习的同时,了解企业与市场,利用业余时间完成设计主题的选择、作品的构思及设计工作,接下来的暑期也给学生提供了充分的面料考察及服装制作的时间,到了第五学期,就只剩下对成衣进行整理、再造、配饰处理及完成设计说明书了。第五学期中期,在企业招聘之前已完成了所有作品的制作工作和展演的准备工作,给学生就业预留了大量的时间。 经过调整后,毕业设计贯穿整年,无形中增加了毕业设计前期的考查时间,为其作品的市场性、实用性、艺术性提供了有力的时间支持,同时在专业学习时,学生也有的目标、带着任务去学,目的性更强,学习主动性更高。 2.提高作品质量 要实现展演的商业化,就必须有优秀的作品作支撑。要提高作品质量,首先要解决理念问题,也就是让学生对毕业设计作品的质量重视起来。 怎样调动学生的主动性呢?我们可以利用毕业设计作品展演的商业化,将就业、作品创作合为一体,使展演与企业招聘相结合,让企业直接在展演过程中选择学生,学生作品与企业直接见面,增强了学生对作品的重视程度。学生会为了能成为展演活动的亮点,会主动结合企业、市场需求及流行资讯进行毕业设计选题、设计及制作,努力提高作品质量,以争取企业关注。 调动企业参与实现展演的商业化 1.调动企业参与 时间调整后,展演安排在了第五学期中期,此时正是企业招聘时机。为了能真实地考查学生,对学生的学业有一感性的认识,用人企业会乐意出席展演活动,以发现他们所需的人才。 对于一些有能力的学生,可以鼓励其寻求企业资助。因此,展演对这些企业来说,可以说是产品的首次会,企业会为此出席展演活动,以了解消费者的反映。 对于品牌服装企业来说,会认识到参加展演的除了企业的同行外,更多的是观众,如何利用展演作为品牌宣传的平台,吸引这些人的眼球,为其拓展潜在消费者,对他们来说也是有不小的诱惑力的。因此,如果实施商业化展演,是不愁没有企业参与的。 2.实现展演商业化 毕业设计展演之所以受人关注,就是因为有学生、作品及未来的利益这几点因素,因此我们应该尽力去开发这几项中的商业点。 作为学校,要开发的就是企业对学校教育的关注,从而吸引他们多开发校企合作项目。而吸引他们有兴趣投资的最直接的原因正是我们的学生,我们可以通过展演活动引进企业,用学生的实力去说服他们,对学校的教学活动进行多项投资。 作品实现商业化是最直接的。除了上面我们谈到让学生在设计阶段就可以申请进行企业资助之外,还可以在展演时,对作品进行拍卖,以求得作品今后的开发权。 未来利益的开发,是企业与商家最为看重的。企业欲想长期发展,就要形成一定的市场知名度以及一大批适应企业发展的技术骨干。因此我们可以利用冠名、展演过程中产品、展演现场的氛围营造、展演礼品发放等细节设计,让他们充分感受到展演活动对品牌的宣传力度,从而吸引企业与商家投资展演,使展演真正成为学校及企业的宣传平台。 为了更好地实施商业化展演,最好安排在室内(剧场或大型展馆)举行。因为这些地方演出与观赏条件较好,灯光、背景等容易掌控。还可以邀请媒体出席,扩大展演的影响,这样就更能吸引企业积极参与并扩大学校的影响。 结 论 服装设计专业毕业设计作品展演商业化的实践将会成为服装专业校企合作的一大亮点。好的商业化毕业设计作品展演,能实现学校、企业、学生利益的最大化,是一件值得认真研究、好好去做的事。 作者单位:陕西工业职业技术学院 陕西咸阳 服装设计毕业论文范文:抽象绘画在服装设计中的应用研究 【摘 要】随着经济的发展和多元文化的融合,人们对着装越来越讲究,因此对服装设计的关注度也越来越多。当前人们的审美价值日趋个性化,着装品位也逐渐提高,因此对服装设计提出了更高的要求。抽象绘画为服装设计带来新的灵感,从而引起服装设计师的关注。本文就抽象绘画在服装设计中的应用进行了研究,希望对提高服装设计水平提供参考。 【关键词】抽象绘画;服装设计;应用 抽象绘画的出现是西方现代艺术进程中的重要现象,对传统的艺术工具论有很大的冲击,从而颠覆了艺术再现的经典观念。服装是人们生活中不可缺少的元素,是人们生存的基本前提,具有保暖、遮羞等实用功能,并且具有一定的艺术性和装饰性。服装的艺术性是评价服装设计水平的重要因素。抽象绘画艺术的出现给服装设计提供了更多的灵感。抽象绘画运用到服装设计当中,不仅能够起到装饰、提高个性效果的功能,还能够融合一定的产品功能,从而达到内外结合的作用。本文就抽象绘画在服装设计中的应用进行了研究。 一、抽象绘画概述 抽象绘画是一种不描述自然世界的艺术,反而透过形状和颜色以主观方式来表达,是一种无法辨识,联系或思考其形象的绘画。抽象绘画是二十世纪开始出现并流行的全新绘画观,为绘画提供了一种全新的认识和创作思维。关于抽象绘画的观念,可以从三个方面去理解。首先,抽象绘画也是来源于现实事物,只不过是将事物从现实世界中简化和抽离出来了;其次,抽象绘画是形而上精神的图释;最后,抽象绘画是知觉的无意识表达。一般,抽象绘画具有不可辨识性与形色自由与和谐的特征。 当代服装设计的灵感来源于艺术。在现代的服装设计中,抽象绘画为其提供了许多的灵感。服装设计与抽象绘画具有很微妙的关系。首先,抽象绘画与服装设计具有相通性,它们都是通过自己的方式将美表达出来。其次,抽象绘画是一种先锋艺术的艺术门类,因此将抽象绘画运用与服装设计当中,能够给服装设计以启迪,为设计发展起到推动作用。 二、抽象绘画在服装设计中的应用 1.服装图案上的应用 抽象绘画对服装图案的影响是最直接、最深刻的。服装图案是服装设计中的主要装饰元素。在服装图案设计过程中,抽象绘画的独一无二性为服装图案提供了更多的选择,提高了服装图案的个性化。抽象绘画在服装图案设计中直接应用时主要通过绘制、刺绣、印染等工艺手段来表现,这种形式非常直观,能够直接、准确的表现抽象绘画作品的内容和形式特点。还可以通过借鉴抽象绘画中的题材将抽象绘画作为辅助的图案去应用。另外,抽象绘画在服装图案设计当中应用以后,为服装图案提供了多元化的选择内容。抽象图案的不可辨识性以及设计风格的多样性给服装图案设计的选择提供了更广阔的发展空间,服装设计师可以根据自己的需求进行混合搭配,给了服装图案设计更大的空间。目前,现代抽象几何图案、随意形图案以及幻变图案在当代服装设计中都有很广泛的应用。除了图案的选择素材之外,抽象绘画还为服装图案的创作手法的创新提供了许多帮助。其中,泼溅和笔触的创作形式是抽象绘画图案最直接的表达方式, 2.服装构成中的应用 构成就是将不同或者相同的几个单元组合成一个新的单元。在服装设计中,构成的形式对视觉的表现有非常重要的影响。抽象的构成形式能够将独特的现代经典视觉表达出来,给人以无尽的美感想象。其中,留白是抽象绘画中服装构成的表现方式之一。不同的留白能够表现不同的视觉效果。而服装构成中的分割效果则能够展现不同秩序的视觉美感,并且能够为服装在视觉体验上增添出动感。不同的组合方式也是抽象绘画在服装构成中的一种表达方式,例如通过图案和图案的不同组合通过一定的构成形式呈现在服装中,能够使服装的艺术美感表现的淋漓尽致。服装构成中不同素材的搭配也展现出很多的优势,通过混搭,能够形成不同寻常的视觉体验。 3.服装色彩上的应用 色彩是最先引起人们视觉记忆的服装元素。因此一件完美的服装只有精湛的工艺和个性的款式是不够的,还必须有恰当的色彩表现,因此色彩对于服装来说是十分重要的。抽象绘画在服装色彩中的表达方式有许多种,例如多色混合、单色块的组合以及黑白搭配等等,都各具自己的特点,分别展现出不同的艺术效果。 4.抽象绘画丰富了服装设计的表达方法 抽象绘画除了对服装设计的图案、色彩、构成等方面有很大的影响之外,同时也丰富了服装设计的表达方法,从而呈现出新的视觉效果。例如抽象绘画与工艺手段的创新结合在很大程度上提高了工艺水平,从而更好的将服装理念表达出来。 三、结束语 抽象绘画给了服装设计师们很多的灵感,无论在创作思路上还是材料选择上,都有新的思路。抽象绘画应用于服装设计当中是提高服装的时尚性和表现力的重要手段,将抽象绘画作为当代服装设计的灵感源泉,应用到服装设计中,还有助于扩展服装设计艺术表现领域和表现手段的多样化,带给人们更丰富的视觉体验。 作者简介: 李园(1980~),女,四川内江人,本科学历,教师,研究方向:服装设计艺术类。 服装设计毕业论文范文:云纹的演变及其在服装设计中的运用与创新 云,作为一种自然现象从始至今都伴随著人类。在古代,自然中的云具有变幻莫测的神秘感。当风调雨顺时则五谷丰登,当狂风暴雨时则饿殍满地。因此,古人面对云怀有一种敬畏之情。慢慢的便将云这种自然“符号”印在青铜器、壁画、瓷器、衣物等上面,不仅形式丰富多样,而且具有独特的美感。 一、云纹的形式与装饰价值 从云纹演绎和发展的轨迹看,云纹形式的变化多于当时人们的美学观以及当时流行的文化思想息息相关。形态上追求流动飘逸的曲线和对回旋交错解构的保持。它所具有的审美代表性,充分体现了中国人热衷于对流动形式美的审美习惯的追求。 构成云纹的基本元素为“S”形的勾卷形。由于线与线之间可粗、可细、可疏、可密,富于变化性和节奏感。因此,呈现出了似静似动的视觉效果。它的尾线亦可以通过尾线的变化、延伸,最终云纹呈现出不同的形象、姿态来适应不同的装饰空间。这种形态结构概括而抽象地表达了人们对自然运动规律的认识,形象地记录和表现了我们的祖先对自然的认识和感受,也成了历来中国人喜爱的纹样之一。 二、云纹的演变 (一)起源 自古以来人们都对云纹有著各式各样的见解和看法:有人认为云纹源于对大自然的模仿,是人类对大自然的一种客观的物质反映。同时,又加上了人类自身的主观色彩。有人认为云纹伴随著人类的劳动创造而出现的,也有人认为云纹源于人类的本能或是原始宗教、原始观念的一种表达方式和方法。尽管各个领域的专家学者对此提出了各种不同的解释,但关于云纹的产生,发展以及其中所蕴含的寓意,依然是莫衷一是。但有一点是可以肯定的,云纹从其产生及变化发展无不伴随著人类审美意识的变化而发展。 (二)原始旋纹 原始旋纹的主要特点是古朴单纯、粗犷生动,结构简洁明快。原始旋纹是云纹诞生和发展的基础,在主体方面造就了相应的体现创造主动性和规定性的审美理想和审美习惯。 (三)云雷纹(商周时期) 云雷纹发展的主要时期是在商周两朝。在结构形态上,由于是在发展的初期,云雷纹和原始旋纹有著一种天然的联系,都以回环旋转的“S”形格式和作方折变化的回形格式为基本的构成形式。它奠定了日后云纹装饰满幅铺排、处虚为铺的总体发展趋势。 (四)卷云纹(春秋战国时期) 与云雷纹不同的是,卷云纹突出了“简化”和“打散”两种风格。前者表现为回转的曲线被简化成单纯的勾卷形,后者其结构模式既保存原始旋纹的特点又变化出不拘一格的多样性。从结构看,卷云纹大体有内敛、发散、综合和延长四种格式。这些格式的云纹构图清新快活,线条含蓄流畅,颜色斑斓鲜艳,与商周时期神秘和井然有序的风格形成了鲜明的对比,给人一种活泼感、动态感。 (五)云气纹(秦汉时期) 汉代的云气纹侧重视觉动感和力量气势上。构形元素出现了“云尾”这一新的成分。它给人一种力量感、运动感和速度感的视觉效果,渲染了汉代云气纹特有的一种气势和力量。同时,汉代的云气纹与当时盛行的龙纹、各类兽纹等组合构图,更体现了动感和气势,给人一种生机勃勃的雄浑气息。 (六)流云纹(魏晋南北朝时期) 简朴、自然是魏晋流云纹的一大特色。它运用简单线条、豪放的用笔和清秀的造型,展现魏晋文人学士的那种超脱,更加注重自我内心的修养,从而体现到外表的那种洒脱与自信。在艺术创作中,更加突出个体的思想品格。 (七)朵云纹和如意纹(隋唐时期) 随著云纹的发展,其形式在这一时期基本定型,隋唐云纹主要以单勾卷和双勾卷为主。两种云纹都是用圆滑波状的曲线将“云头”和“云尾”连在一起。此后历朝历代的云纹,虽然不断变化,但基本上都是朵云纹的各种组合形式。同时,如意云纹以左右对称的稳定的形式结构蕴含著互逆对旋的运动张力,呈现的平曲、静动、实虚相结合的多种姿态,阐释出中国美学所崇尚的“空灵”,恰恰体现了我国自古以来的审美角度和姿态。 (八)如意云纹(宋元时期) 宋朝时期,云纹装饰也逐渐向小巧精致,静态内向、符号化发展。云纹主要以如意云纹的形式存在。 元代其执政者是北方的游牧民族,云纹装饰受豪放的游牧民族生活方式以及审美观的影响,云纹形态趋向饱满正如蒙古包一样并以朵云和如意云纹为主。元代以后,如意形变成装饰纹样。 (九)叠云纹(明清时期) 明代的团云纹更注重组合和对称,在形式结构上,呈现鲜明的平面组合性。这一时期的云纹装饰构图清新典雅、具有深刻的寓意,很能体现出文儒高士的意趣。 清代最具时代特色的云纹是叠云纹。叠云纹是种以面状展开,颇为铺张、繁杂的云纹类型。但叠云纹装饰更有层次感,由于层次鲜明,给人一种“立体感”,符合清代追求富丽堂皇的图案装饰效果的要求。 三、云纹在服饰中的运用 (一)古代 云纹发展过程中,曾被广泛应用于历代各种服饰,或作为纹样加以抽象处理后单独运用,或与其他纹饰、花卉、山水等图形相结合使用,它所具有的独特艺术性体现了中国传统纹饰吉祥丰富的深意,同时也表达了中国古代劳动人民对理想生活的美好愿望。 服饰上的云纹在不同朝代中的特色也不尽相同,商周时期的云纹在服饰上多为反复对称的连续图案组合,具有一定的秩序性,严谨不失干练。到了汉代,以云气纹为代表的云纹装饰盛行一时、蔚然成风,从而奠定了云纹在中国服饰艺术上不可或缺的重要地位。汉代服饰上的云气纹将原先已有的曲线形态引入更为散漫的格式中作更自由随意的演绎。如曲水蜿蜒,若虫蛇游走,似烟云升腾的长长短短的“S”形流线,汇成一个仿佛铺天盖地、流溢满幅、生机盎然的宇宙大气场。此外,汉代茱萸云纹也开创了云纹在服饰装饰上的先河,这种块面状的云纹样式,形象优美生动、形态流畅飘逸、极具浪漫色彩,它被大量地用作织锦、刺绣等服饰装饰纹样中。唐宋这一时期服饰中的云纹在艺术上表现为风格样式的富丽堂皇、雍容华贵、雄浑博大、圆润饱满的朵云纹,使之成为充分体现彼时精神风貌的典型装饰纹样。朵云纹具有广泛的适应性和高度的灵活性。它既可作为相对独立的装饰主纹,又可用作散点式的点缀装饰,还能以重复排列的方式做边缘装饰。明清两代在服饰纹饰上取得了巨大的艺术成就,表现在纹样取材广泛、配色丰富明快、组织严谨活泼、色彩品种多样。云纹在原有基础上,结构日趋复杂、造型日趋丰厚、形象日趋细丽,根本地体现了中华民族为满足自身审美需要所做的不断努力。 (二)现代 现代云纹也同样广泛地应用在服装当中。最为常见的就是在受中国传统元素影响的中式礼服中的运用,因为云纹不仅有很强的装饰性和审美性,同时蕴含著吉祥富贵的美好寓意,在出席一些较为传统的仪式或者场合中,身穿中式礼服更加的符合当时的场景和主题。给人一种相得益彰的效果。除此之外,随著中国服装业的发展和创新,云纹图案也大量出现在现代日常服装中。如内衣、外套、裙装、T恤等日常服装都大量用到云纹元素,例如男装外套将云纹与唐装相结合,在肩部或者胸部龙纹与云纹组成的图案令服装看上去既精致、美观又非常民族化,很适合当下流行的“民族风”。 云纹的大量出现以及最让人印象深刻的莫过于北京奥运会上各种云纹的应用与创新。特别是将大量的云符号应用在服装等上面。让中国传统吉祥图案在国际舞台上得以展示,并得到了广泛的认可。 “只有民族的,才是世界的”,云纹作为东方人独有的服饰装饰物,体现了东方人独有的审美观,更是东方人千年文化的结晶,我们科学地把云纹运用到服装中的同时,还要将民族化的元素不断推向世界,从而使我国的现代设计在国际上占有一席之地,进而屹立于世界艺术设计之林。 服装设计毕业论文范文:浅谈服装设计专业教学改革的探索 由于中职学校服装设计专业的教学走的是传统教育模式,造成了服装设计专业进一步发展的严重障碍。同时,有的学校没有明确的培养目标,开设的课程与应企业脱轨,师资力量缺乏,实训设备落后,只注重服装设计理论,而不注重实践,造成毕业生技能差,动手能力弱,严重影响了学生的就业机会;相反,有的学校开设的服装设计专业,只重视技能训练,缺乏必需的理论知识的支撑;与社会需求的多层次人才不相吻合,而缺乏职业生命力;总之,要培养合格的,多层次的服装专业技术人才,提高毕业生的综合职业素质,是服装设计专业的发展的必然要求。本人从事技校服装教学十多年,对当前中职学校服装设计专业的教学现状,教学改革的方向和教学改革的措施谈谈一些看法: 一、当前服装设计专业的教学现状 服装设计专业与其他专业有着很大的区别,它不但要求学生有扎实的基本功,更注重学生的创造能力,使设计的作品能够适应市场的需要,并创造出更高的经济效益。研究目前的服装设计专业教学,总感到存在以下几个方面的不足: 1.教学模式落后,培养的学生不能适应企业的需要。 中职学校教育应该关注受教育者就业后的发展前景,教会他们学会学习,学会创造,从而促进其健康发展。现在不少学校的服装设计专业教学模式已经有几十年的历史,它注重理论知识的传授,忽视学生动手能力和创新能力的培养。从目前来看,这种模式已远远不能适应现代社会的需要,培养的毕业生因此也与企业的要求相差甚远。国家教育部下发的《中共中央国务院关于深化教育改革全面推进素质教育的决定》就明确提出:“要进行教学模式的改革是教育改革的优秀任务,把知识传播和能力培养紧密结合起来,增强课程的灵活性、适应性和实践性,构建适应经济建设、社会进步和个人发展需要的课程体系。”服装设计专业与时代的脉搏紧密联系,因此改变教学模式,以培养出企业需要的技术人才势在必行。 2.教师的观念落后,没有超前的意识。 要培养适应社会需要的服装设计专业人才,首先要提高任课教师的素质,使任课教师具有超前的意识。服装专业是技术性较强的专业,有些教师在教学过程中只讲授书本中的理论知识,没有将理论与实践结合,造成理论与实践严重脱离;有些教师没有到企业进行实践,对服装企业没有更深入的了解,自身知识结构比较落后,何谈培养的学生具有现代化的知识和能力?因此,任课教师必须走出课堂,深入企业,获得丰富的实践知识,培养超前的意志和现代设计技能,上好服装专业课。 3.学生技能水平低,就业困难。 中职学校服装专业毕业的学生就业难,主要原因是技能水平低下,比如在进行服装的款式设计时,学生只会临摹别人的作品,自己根本不会创作。在服装的造型设计中,学生只会传统的几款服装的裁剪,款式稍有变化就不知从何下手。我们在培养观念上要变,要注重技术能力的培养,明确我们培养的是服装技术人才,而不是简单的缝纫工人,只有从这个困境中走出来,才能使中职学校服装设计专业培养出充满生机和活力的学生。 二、服装设计专业教学改革的方向。 1.培养目标的制定与社会需求相结合。培养学生的创造力、竞争力和社会适应能力,并使之与社会需要相结合,培养真正具有产品开发能力的技术员,是我们服装设计专业当前主要的培养目标。随着服装业竞争的加剧,企业对人才的需求也开始增加,而且,有从单纯对技术工种的需求向管理型人才转移的趋势,技术和管理复合型的“灰领”人才大受企业欢迎。所以结合社会的需求,培养学生的专业素质同时提高学生的综合素质,制定科学合理的培养目标是我们服装专业教学的首要关键任务。 2.教学形式需要多样性和灵活性。课堂教学形式的多样性。服装设计是应用性设计,是理论到实践的转换过程,是由设计思维转为物化的过程。首先要明确教学目的,不仅教师要明确,学生也要明确学习这门课程的目的,这样学生才能在学习中变被动为主动。课堂教学过程不仅仅是教师向学生传递知识的过程,还是教师向学生提供学习环境和学习经验、组织和指导学生学习的过程。我们对课程的教学形式可采取多样化的尝试。例如,以课题的形式培养学生分析问题,完成课题项目的能力。一种普通的物品往往会成为一个极好的主题,例如,窗外的树叶、树干以及窗户的线条都会成为我们设计的主题。在课程学习中,还可以以案例教学法让学生组成调查小组,结合公司、企业具体的案例开展市场调研,策划、讨论并完善课题设计方案,最终实施。课堂教学的一些教学环节,可以采用讨论式,教师应尊重每一位学生的思想,培养学生的自信心。针对学生的设计引导学生反复修改,在设计和制作的艺术性、可行性、合理性和完美性上求得统一。 3.校企合作,培养学生的综合素质。首先我们要了解企业需要什么样的人才,要研究服装企业、服装人才市场的需求,采取校企结合的方式进行教学。企业竞争需要什么样的人才,这已成为学校必须面对的问题,就调查结果归纳以下几点:第一,企业需要有实践经验的实用型人才。企业一般认为学校毕业生动手能力较差,不能上一线,特别是工艺、制版、材料等方面,而我国目前很多中小型企业纯粹是靠加工,工艺制版尤其显得重要。对企业的品牌特点、发展方向,刚毕业的学生不能全面定位,一定程度上脱离实际,不太适用。第二,企业需要德才兼备,有敬业精神的技术人才。企业不愿重用毕业生的关键是学生在企业沉不下去、频频跳槽现象较多。企业对学生的要求首先要有做人的品德,要有与企业同甘苦的敬业精神。作为设计人员,首先要研究企业、研究市场、研究品牌,能准确把握品牌在市场上的定位,这些都要有个过程,需要长期与企业融为一体。所以针对这种现象,我们要重视学生的素质教育,加强学生的职业道德修炼,培养学生的综合素质。服装是一门边缘学科,服装服务生活、表现生活。如果学生对生活观念理解不深,也就无法提升服装品牌的内涵。 三、服装设计专业教学改革的措施 1.根据教学需要,加强师资队伍建设。 教师是实现教学目标的关键。教师的素质直接影响着教学改革的推进。目前不少服装设计专业的教师专业知识不足,导致了学生专业技能水平的低下。比如,在服装效果图表现技法课堂上,教师不敢动手给学生改画,只给学生讲述理论,主张学生照书临摹抄袭,谁临摹得像就能得到好成绩。教师的这种作法,扼杀了学生的创作思维能力,与服装设计专业的培养目标背道而驰。为此,学校提出教师批改作业必须当面批改,每月必须为每位学生改画不少于两次。 同时,考虑到服装设计专业的学生必须要拓宽视野,广泛地接触、了解设计潮流,信息量要求高。学校要求每位专业教师都要掌握现代化教学手段,尽可能用多媒体组织教学。对于基础较差的教师,学校还专门组织培训班,帮助他们提高。此外学校需经常组织专业教师到企业“带薪轮岗培训”,帮助他们了解企业生产现状,掌握新技术、新工艺。通过这些手段,促进了教师素质的提高,也从根本上解决了教学改革推进难的难题。 2.根据专业特点,尝试教学模式改革。 (1)服装设计专业是一个综合性很强的专业。课程主要包括服装设计(款式构成、服饰配色原理、服饰图案设计、服装学概论、服装面料学)和工艺设计(服装造型设计、服装工艺设计)两大类。目前,在中职学校采用的教学模式是传统的学科模式,一名教师担任一至两门的教学任务。这一模式显然与服装设计专业的特点是不相符。为此,我们在教学模式改革上作了一定的尝试。一方面试行了课题教学改革。将服装设计专业的所有课程融合在一起,由任课教师按照设计课题的形式组织教学。这样淡化了课程界限,强化了课程联系,既便于学生掌握系统的专业知识,培养了学生的专业运用能力,又促进了学生良好学习习惯的养成,使学生学会了学习。近年来我校服装专业学生的综合能力得到了大幅度提高,学生的就业渠道得到拓宽。 (2)开展模块式教学。市场经济证明,要在激烈的服装市场立于不败之地,产品的技术含量,价格定位有着举足轻重的作用。于是服装生产过程中出现了分工更精细,各施其责的局面。为此在进行教学课程设置时我们不妨按模块式的教学模式进行,分为专业基础模块,专业理论模块,专业技能模块。在统一修完专业基础模块的课程内容后,根据自身的特长及优势再选择专业不同方向的学习内容。一方面,可以有效的提高学习效率,使学生在长项发挥上易见成效。另一方面,通过专业的技术模块的学习,有效的增强了学生自信,在择业过程中目标明确不放任自流。有了专业的再选择与学习,毕业生中专业层次及形式进一步多样化,会大大提高就业率及就业稳定率。 3.根据企业需要,及时调整专业教学。 中职学校是为企业培养人才的,因此学校必须要与企业紧密联系,提高毕业生的实用性。为此我们作了两个方面的尝试。一是每年定期邀请服装企业的专业人士来校共同商讨专业现状及发展趋势,特别是听取企业对人才培养的意见,及时调整课程设置和教学计划,使教学更具有针对性。二是加大学生就业前的岗位锻炼。我们在加强平时实践教学的同时,特别重视二年级学生的岗位锻炼。我们在第二学年之初将学生有计划地安排到桂林当地规模比较大的企业相关岗位进行为期一个学期的锻炼,让他们亲身体验企业文化氛围,了解企业发展方向,熟悉企业的生产流程、工艺要求。一个学期之后学生再回校,根据实习所得进行“回炉加工”,在教学内容上需要强化则强化,需要补充的再补充。通过这样的形式,毕业生更贴近企业,更为社会所欢迎。这几年我校服装设计专业的学生一直很走俏,不少外地企业也慕名来校招聘员工,毕业生供不应求。 中职学校服装教育作为培养一线服装行业专门技术人才的摇篮,只要学校在突破传统认识观念的基础上, 制定适合社会需求的培养目标,探索模块式的教学方法,结合企业需求,主动调整教学计划和内容,使服装专业教学课程主动地适应市场发展的需要,真正培养出大批量的实用型的服装技术人才,中职学校服装设计专业才具备旺盛的生命力。 服装设计毕业论文范文:浅谈服装设计专业教学改革的探索 由于中职学校服装设计专业的教学走的是传统教育模式,造成了服装设计专业进一步发展的严重障碍。同时,有的学校没有明确的培养目标,开设的课程与应企业脱轨,师资力量缺乏,实训设备落后,只注重服装设计理论,而不注重实践,造成毕业生技能差,动手能力弱,严重影响了学生的就业机会;相反,有的学校开设的服装设计专业,只重视技能训练,缺乏必需的理论知识的支撑;与社会需求的多层次人才不相吻合,而缺乏职业生命力;总之,要培养合格的,多层次的服装专业技术人才,提高毕业生的综合职业素质,是服装设计专业的发展的必然要求。本人从事技校服装教学十多年,对当前中职学校服装设计专业的教学现状,教学改革的方向和教学改革的措施谈谈一些看法: 一、当前服装设计专业的教学现状 服装设计专业与其他专业有着很大的区别,它不但要求学生有扎实的基本功,更注重学生的创造能力,使设计的作品能够适应市场的需要,并创造出更高的经济效益。研究目前的服装设计专业教学,总感到存在以下几个方面的不足: 1.教学模式落后,培养的学生不能适应企业的需要。 中职学校教育应该关注受教育者就业后的发展前景,教会他们学会学习,学会创造,从而促进其健康发展。现在不少学校的服装设计专业教学模式已经有几十年的历史,它注重理论知识的传授,忽视学生动手能力和创新能力的培养。从目前来看,这种模式已远远不能适应现代社会的需要,培养的毕业生因此也与企业的要求相差甚远。国家教育部下发的《中共中央国务院关于深化教育改革全面推进素质教育的决定》就明确提出:“要进行教学模式的改革是教育改革的优秀任务,把知识传播和能力培养紧密结合起来,增强课程的灵活性、适应性和实践性,构建适应经济建设、社会进步和个人发展需要的课程体系。”服装设计专业与时代的脉搏紧密联系,因此改变教学模式,以培养出企业需要的技术人才势在必行。 2.教师的观念落后,没有超前的意识。 要培养适应社会需要的服装设计专业人才,首先要提高任课教师的素质,使任课教师具有超前的意识。服装专业是技术性较强的专业,有些教师在教学过程中只讲授书本中的理论知识,没有将理论与实践结合,造成理论与实践严重脱离;有些教师没有到企业进行实践,对服装企业没有更深入的了解,自身知识结构比较落后,何谈培养的学生具有现代化的知识和能力?因此,任课教师必须走出课堂,深入企业,获得丰富的实践知识,培养超前的意志和现代设计技能,上好服装专业课。 3.学生技能水平低,就业困难。 中职学校服装专业毕业的学生就业难,主要原因是技能水平低下,比如在进行服装的款式设计时,学生只会临摹别人的作品,自己根本不会创作。在服装的造型设计中,学生只会传统的几款服装的裁剪,款式稍有变化就不知从何下手。我们在培养观念上要变,要注重技术能力的培养,明确我们培养的是服装技术人才,而不是简单的缝纫工人,只有从这个困境中走出来,才能使中职学校服装设计专业培养出充满生机和活力的学生。 二、服装设计专业教学改革的方向。 1.培养目标的制定与社会需求相结合。培养学生的创造力、竞争力和社会适应能力,并使之与社会需要相结合,培养真正具有产品开发能力的技术员,是我们服装设计专业当前主要的培养目标。随着服装业竞争的加剧,企业对人才的需求也开始增加,而且,有从单纯对技术工种的需求向管理型人才转移的趋势,技术和管理复合型的“灰领”人才大受企业欢迎。所以结合社会的需求,培养学生的专业素质同时提高学生的综合素质,制定科学合理的培养目标是我们服装专业教学的首要关键任务。 2.教学形式需要多样性和灵活性。课堂教学形式的多样性。服装设计是应用性设计,是理论到实践的转换过程,是由设计思维转为物化的过程。首先要明确教学目的,不仅教师要明确,学生也要明确学习这门课程的目的,这样学生才能在学习中变被动为主动。课堂教学过程不仅仅是教师向学生传递知识的过程,还是教师向学生提供学习环境和学习经验、组织和指导学生学习的过程。我们对课程的教学形式可采取多样化的尝试。例如,以课题的形式培养学生分析问题,完成课题项目的能力。一种普通的物品往往会成为一个极好的主题,例如,窗外的树叶、树干以及窗户的线条都会成为我们设计的主题。在课程学习中,还可以以案例教学法让学生组成调查小组,结合公司、企业具体的案例开展市场调研,策划、讨论并完善课题设计方案,最终实施。课堂教学的一些教学环节,可以采用讨论式,教师应尊重每一位学生的思想,培养学生的自信心。针对学生的设计引导学生反复修改,在设计和制作的艺术性、可行性、合理性和完美性上求得统一。 3.校企合作,培养学生的综合素质。首先我们要了解企业需要什么样的人才,要研究服装企业、服装人才市场的需求,采取校企结合的方式进行教学。企业竞争需要什么样的人才,这已成为学校必须面对的问题,就调查结果归纳以下几点:第一,企业需要有实践经验的实用型人才。企业一般认为学校毕业生动手能力较差,不能上一线,特别是工艺、制版、材料等方面,而我国目前很多中小型企业纯粹是靠加工,工艺制版尤其显得重要。对企业的品牌特点、发展方向,刚毕业的学生不能全面定位,一定程度上脱离实际,不太适用。第二,企业需要德才兼备,有敬业精神的技术人才。企业不愿重用毕业生的关键是学生在企业沉不下去、频频跳槽现象较多。企业对学生的要求首先要有做人的品德,要有与企业同甘苦的敬业精神。作为设计人员,首先要研究企业、研究市场、研究品牌,能准确把握品牌在市场上的定位,这些都要有个过程,需要长期与企业融为一体。所以针对这种现象,我们要重视学生的素质教育,加强学生的职业道德修炼,培养学生的综合素质。服装是一门边缘学科,服装服务生活、表现生活。如果学生对生活观念理解不深,也就无法提升服装品牌的内涵。 三、服装设计专业教学改革的措施 1.根据教学需要,加强师资队伍建设。 教师是实现教学目标的关键。教师的素质直接影响着教学改革的推进。目前不少服装设计专业的教师专业知识不足,导致了学生专业技能水平的低下。比如,在服装效果图表现技法课堂上,教师不敢动手给学生改画,只给学生讲述理论,主张学生照书临摹抄袭,谁临摹得像就能得到好成绩。教师的这种作法,扼杀了学生的创作思维能力,与服装设计专业的培养目标背道而驰。为此,学校提出教师批改作业必须当面批改,每月必须为每位学生改画不少于两次。 同时,考虑到服装设计专业的学生必须要拓宽视野,广泛地接触、了解设计潮流,信息量要求高。学校要求每位专业教师都要掌握现代化教学手段,尽可能用多媒体组织教学。对于基础较差的教师,学校还专门组织培训班,帮助他们提高。此外学校需经常组织专业教师到企业“带薪轮岗培训”,帮助他们了解企业生产现状,掌握新技术、新工艺。通过这些手段,促进了教师素质的提高,也从根本上解决了教学改革推进难的难题。 2.根据专业特点,尝试教学模式改革。 (1)服装设计专业是一个综合性很强的专业。课程主要包括服装设计(款式构成、服饰配色原理、服饰图案设计、服装学概论、服装面料学)和工艺设计(服装造型设计、服装工艺设计)两大类。目前,在中职学校采用的教学模式是传统的学科模式,一名教师担任一至两门的教学任务。这一模式显然与服装设计专业的特点是不相符。为此,我们在教学模式改革上作了一定的尝试。一方面试行了课题教学改革。将服装设计专业的所有课程融合在一起,由任课教师按照设计课题的形式组织教学。这样淡化了课程界限,强化了课程联系,既便于学生掌握系统的专业知识,培养了学生的专业运用能力,又促进了学生良好学习习惯的养成,使学生学会了学习。近年来我校服装专业学生的综合能力得到了大幅度提高,学生的就业渠道得到拓宽。 (2)开展模块式教学。市场经济证明,要在激烈的服装市场立于不败之地,产品的技术含量,价格定位有着举足轻重的作用。于是服装生产过程中出现了分工更精细,各施其责的局面。为此在进行教学课程设置时我们不妨按模块式的教学模式进行,分为专业基础模块,专业理论模块,专业技能模块。在统一修完专业基础模块的课程内容后,根据自身的特长及优势再选择专业不同方向的学习内容。一方面,可以有效的提高学习效率,使学生在长项发挥上易见成效。另一方面,通过专业的技术模块的学习,有效的增强了学生自信,在择业过程中目标明确不放任自流。有了专业的再选择与学习,毕业生中专业层次及形式进一步多样化,会大大提高就业率及就业稳定率。 3.根据企业需要,及时调整专业教学。 中职学校是为企业培养人才的,因此学校必须要与企业紧密联系,提高毕业生的实用性。为此我们作了两个方面的尝试。一是每年定期邀请服装企业的专业人士来校共同商讨专业现状及发展趋势,特别是听取企业对人才培养的意见,及时调整课程设置和教学计划,使教学更具有针对性。二是加大学生就业前的岗位锻炼。我们在加强平时实践教学的同时,特别重视二年级学生的岗位锻炼。我们在第二学年之初将学生有计划地安排到桂林当地规模比较大的企业相关岗位进行为期一个学期的锻炼,让他们亲身体验企业文化氛围,了解企业发展方向,熟悉企业的生产流程、工艺要求。一个学期之后学生再回校,根据实习所得进行“回炉加工”,在教学内容上需要强化则强化,需要补充的再补充。通过这样的形式,毕业生更贴近企业,更为社会所欢迎。这几年我校服装设计专业的学生一直很走俏,不少外地企业也慕名来校招聘员工,毕业生供不应求。 中职学校服装教育作为培养一线服装行业专门技术人才的摇篮,只要学校在突破传统认识观念的基础上, 制定适合社会需求的培养目标,探索模块式的教学方法,结合企业需求,主动调整教学计划和内容,使服装专业教学课程主动地适应市场发展的需要,真正培养出大批量的实用型的服装技术人才,中职学校服装设计专业才具备旺盛的生命力。 服装设计毕业论文范文:服装时装化对运动服装设计的影响探讨 【摘 要】运动服装要实现时装化,就是把运动装里面的运动型和自由性和时尚自由有机的结合起来,是时尚的新宠儿。运动服装不仅能够体现运动的青春气息,在运动服装的设计和制作选材方面,还注重对舒适的材料的选择,因此,对其构成影响的因素我们有必要进行深入的探讨。 【关键词】运动服装;时装化设计;影响 1、运动服装及其分类 运动服装“登堂入室”的时间还不是很久,1928年开始出现便于身体活动的“运动风格”服装。进入20世纪的30年代,服装工业正是的成为“运动便装”,并因为其舒适性得到大量的生产和销售,对于运动服装大定义,也就是我们通常所说的能够穿着直接或间接的参加体育活动的服装。还可以对其进行更加详细的分类。可以分为专业性的运动服装和生活类的运动服装。专业性的服装主要是为一些专业的运动项目设计的。比如参加NBA运动的体育运动,就有专门的运动服装,进行网球运动也有你相应的专业性的服装。这类专业性的运动服装,首先得满足其专业化的要求,其次,还要与时尚的一些要素相结合。近年的伦敦奥运会等大型的体育盛会,对服装的设计,都考虑到对时尚元素的融合。运动的舞台,不仅是体育技能的竞技,也是服装得到斗秀场。随着科技日益发展的步伐,科技与服装设计的的技术不断的融合,体育的发展,让专业的运动服装的设计和制作更加的专业,同时兼具时尚。 另一类的运动服装就是生活类的运动服装。它的功能和专业的运动服装之间有很大的差距。它设计和制作的主要目的是为了偏于人们的日常生活,服装的特点是需要适应舒适和休闲的要求的。这种生活类的服装,并不是在特定的场所才使用的,而是可以贯穿在我们生活的任何地方,不仅仅是锻炼身体可用,日常的出行也可以着装。这种广泛的随意简约的运动服装都是生活类的服装。这类服装的设计需要更多的考虑时尚的因素。能够实现运动的轻松、随意。这里面的时尚的元素能够极大的引起人们的关注。也是形成人们购买的主要动因。更是运动服装未来的发展趋势和主流的方向。 2、体育服装结构款式的变化 体育运动要求实现动作的灵活和舒展。20世纪之前,诸多的运动服装的设计都是对体育运动的发展不仅不能起到推动作用,还子啊一定程度上阻碍了体育运动的发展。在不断的发展过程中,运动服装的设计和时尚的要素逐渐的融合,形成符合人们要求的运动服装。在不断的发展过程中,实现了与体育的灵活性的有机联系,并在运动体验中不断的改进和提高。现代的大型的竞技运动,对运动服装的要求更加严苛,游泳项目对泳衣的需求就是一个很好的例证。只有你呢个够根据运动项目的实际需要,不断的改进服装的样式和款式,甚至是服装的结构,才能不断的和体育运动的需要,更重要的是人们日益增长的物质文化水平相适应。增加其影响和覆盖的范围,实现其大众化的定义和无与伦比的舒适性的特性。 运动服装的大发展。不仅能够改变整个运动服装的格局,还能改变其他服装的设计和材料使用。其他服饰的设计也在不断的借鉴运动服装的材料选择和款式构造,之是运动服装对整个服装行业的冲击,也是一种不可估量的贡献。 3、体育服装的图案和色彩变化以及服装科技含量增加 (1)体育服装图案、色彩的变化满足不同的审美的需求。服装除了满足基本遮身蔽体的功效外,还能实现人们对美的不懈追求。当运动服装进入时装化以来,体育服饰的颜色和由以前的单色调逐渐向多色调的方向装变。图案也从简约到复杂,不断的追求服装的个性和独特。不童的颜色配比产生不同的服装效果,体育服装随着季节的变化,呈现出不同的样式和颜色,对体育服饰的装饰,不仅仅是颜色的变化,还有一些图案的运用。 (2)不同的色彩和图案造就的不同心理需求。视觉的冲击是很有效的,尤其是在产品的宣传方面,不同颜色的服装给人不同的视觉刺激。图案的良好运用也是良好的宣传作用。当然在不同的体育运动对服装的选择也是不同的,例如在篮球的的赛场上,裁判衣服的颜色就不能过于鲜亮,一般以灰色为主。但是在竞技上,尤其是田径上,有人玩玩选择色彩鲜艳的服饰。 (3)不同的图案和颜色彰显不同的民族文化。优秀的服装设计,不仅仅是要功效实用,还要具有独特的气息,尤其是在盛大的体育赛场,像奥运会这样的世界性的盛会,服装不仅是一种装饰,还是一种独特的民族文化。在奥运会开幕式上,中国运动员的中国红,是鲜明的中中国民族文化的象征,体现着中国人的热情和进取精神。 (4)体育服装面料的科技含量。随着竞技体育的科技含量的不断提高,体育运动的服装的科技含量也越来越高。高科技含量的复式,不仅能为运动员取得好成绩保驾护航,还能实现一般服装达不到的保暖、防潮、吸汗的功效、对衣服质量的减小,还能减轻运动的阻力,尤其是在游泳比赛中,体现的尤为明显。特别对功能性纤维材料的运用,更是受到各个运动服装大师的亲睐。鲨鱼皮的设计使用,以及现在的禁止,都体现了高科技在运动方面的助推作用。 4、运动服装消费者范围扩大对服装时装化设计的影响 随着人们的物质生活的不断的发展,体育事业得到蓬勃发展。运动消费已经成了迅速崛起的行业,无论男女老少,都成了运动服装消费的主力军。 (1)青少年运动服装消费的迅速增长,设计更趋向青春组合。在现今的大中小学的学生的平时的着装中,运动服装占据这不可取代的位置。运动服饰的自由、随意以及实用,都是得到青少年亲睐的重要因素。这和他们在不断的成长中追求自由和不受拘束的心理是想适应的,运动服装无论是在款式还是材质上,都有着比其他服饰更加舒适自由的特性。不仅利于清理,还不需要过多的打理,穿着搭配随性。这样的运动服饰和校园的文化氛围相适应。这样的学校氛围和环境也为运动装的普及和得到广泛穿戴提供了良好的条件。 (2)女性运动服装的消费日渐增长,更加注重对时尚元素的运用。如今的大街,一眼望去,穿着运动装的女生很多,越来越多的女孩子喜欢穿着运动型的衣服。而今的服装市场,尤其是运动服的市场,早已不是男生们的天下,现在的服装商场,比比皆是为女性开辟的专门的运动服装区。究其原因,是因为女生一向是购物的主力军,女生之所以会选择运动服饰,主要是因为运动风格的服装能展现女生的朝气蓬勃,也是一种时髦的象征,另外,运动服也能体现女生的性感和女人味。因此,在运动服装的市场,女生占据着很大的份额。 结束语 无论是在运动服的款式的变化还是在时装化,对运动服的设计要求提出了更高的要求。在对服装进行设计时,不仅要考虑到运动服装本身的特性,还要在不断的变化中,实现对运动服的材质、款式、图案等的运用,不断的增加其市场的占有份额。消费者的扩大,要求运动服的设计,要更多的考虑青少年用户的增长,对青春气息的需求,还要充分考虑女性在运动服装方面日渐重要的作用,不断增加时尚的元素。 服装设计毕业论文范文:浅析现代服装设计中面料的肌理再造 【摘 要】作为组成现代服装的一个重要因素,各种材料表面形成的视觉肌理与触觉肌理对人的审美取向和服装设计有重要作用。服装材料的肌理形态多种多样,不同肌理形态所产生的美感各不相同。现代人们对时尚的追崇越来越细化,面料肌理的创新应用与再造酝酿着未来时尚的前景。 【关键词】面料肌理;面料再造;现代服装设计 随着社会的发展,人们已不再满足以传统的服装形式来体现时尚,而是更加注重自身的个性和与众不同,仅仅依靠变换服装的款式已不能赢取消费者的芳心,于是面料肌理再造已逐渐成为面料生产商家和时装设计师们探索的关键。近些年,在许多时装会以及大型服装设计比赛中,我们都能寻找到面料肌理再造的影子,通过对原有面料进行改造和创新,使原本单调的面料显得丰富、有内容,简洁的款式设计就能紧紧抓住人们的眼球。同时,由于服装大批量生产的模式,导致许多服装品牌呈现类似的风格,不具特色,通过对面料进行肌理再造,不仅能防止不同的服装品牌出现同类化现象,并且能使服装品牌以较为鲜明的特征异于同行。 一、常用肌理再造的面料分类及特点 面料的颜色与肌理是服装最基本的构成元素,不同的面料呈现出的视觉、触觉感受不尽相同。面料影响着服装的裁剪制作工艺、基本风格和表现形式。只有充分的了解面料,研究、配备与之相适应的设计与加工手段,才能使服装设计理念得以实现。 1、棉质面料 棉质面料是各类棉纺织品的总称。多用于制作时装、休闲装、内衣和衬衫。由于它具有很好的着色性能,染色后色泽明快,传统上常采用印染方法实现艺术再造,而避免采用拉伸变形或压皱的工艺方法,以免因面料定型差、无弹性而达不到艺术效果。 2、麻质面料 麻质面料是以亚麻、苎麻等各种麻类植物纤维制成的布料的总称。一般用于制作夏装。进行肌理再造设计时常选取本色、漂白色或染单色以体现其粗犷的美感。另外,为回避麻布弹性差、易褶皱、易磨损、悬垂性差的缺点,可采用拼花、补花、贴花、拉毛边等方法来丰富面料效果。 3、丝质面料 丝质面料是以蚕丝为原料纺织而成的各种丝织物的统称。可用来制作各种服装,女装中尤为常见。此类面料吸湿性好、轻薄、合身、柔软、滑爽、透气、富有光泽。对其进行肌理再造的常见手法有刺绣、彩绘、印花等。 4、毛质面料 毛质面料是对各类羊毛、羊绒织物的泛称。通常适用于制作礼服、西装、大衣等正式、高档服装。在对其进行肌理再造设计时,应以体现面料本身的高贵质感为前提,采用压花、印花、绣花、附以珠绣、造立体花等常用方法。 5、皮质面料 皮质面料是指经过鞣制而成的动物毛皮面料,多用于制作时装、冬装。皮质面料坚挺、不易变形,再造时可采用剪切、压花、拼接、烫烙及配金属件等方法。 二、面料肌理再造的方法及应用 服装面料肌理再造的设计要求通过对现有面料的观察与分析,根据面料性能,采用各种技术及工艺手法,对面料进行再度艺术加工,创造出具有全新视觉效果的面料外观。服装面料肌理再造的方法可大致分为:面料的变形设计、面料的破坏设计、面料的钩编织设计、面料的花型图案设计、面料的装饰设计等等。 2.1、面料的变形设计 A、面料变形设计的特点 服装的面料变形设计的方法是指通过对面料进行拉伸或挤压,使基本造型元素发生变形的设计。服装面料是体现服装艺术美的重要因素,通过对面料进行变形,不仅能丰富面料的形态,还具有动态的、生动的审美特点,体现人对美的创造性本能。 B、面料变形设计的方法 褶皱:褶皱是一种生动的面料处理形式,它能改变面料表面的肌理形态,使其产生由光滑到粗糙的转变,具有强烈的触感。褶皱的种类很多,有压褶、抽褶、自然垂褶、波浪褶等,形态各异。褶皱材质、工艺、造型、位置等设计手法的不同,会使面料产生不同的美感。 层叠:层叠融合了剪裁、排列、拼接、折叠等方法,具有较强的随意性,能使面料展现出独特地丰富效果。 2.2、面料的破坏设计 A、面料的破坏设计的特点 面料的破坏性设计是指通过对面料表面进行破坏,使其看似不完整、无规律但又具有新意,是面料肌理再造设计中较为常见的处理手法之一。 B、面料的破坏性设计的方法 撕扯:撕扯指在完整的面料上经撕扯、劈凿等强力破坏留下具有各种裂痕的人工形态,造成一种残象。这种痕迹可部分保留和利用,以追求粗犷的效果。 做旧:利用水洗、沙洗、砂纸磨毛、染色以及利用试剂腐蚀等手段,使面料由新变旧的工艺方法。做旧分为手工做旧、机器做旧、整体做旧和局部做旧。 灼烧:灼烧是指利用烟头、火柴棍等在面料上烧出大小、形状各异的孔洞,被烧形状的周围会根据面料性质的不同而留下各种燃烧痕迹,形成独特地艺术视觉效果。 抽纱:抽纱是指在原始纱线或织物的基础上,将织物的经纱或纬纱抽去而产生的具有新的构成形式、表现肌理以及审美情趣的特殊效果的表现形式。 镂空:通过剪刀或机器设备使皮、毛及一些机织面料呈现若干个空洞,产生镂空效果的工艺技术。 2.3、面料的钩编织设计 A、面料的钩编织设计的特点 钩、编、织面料设计总称编织设计,即采用线型纤维材料,用线绳、布条等为经纬按照一定的组织规律做相互浮沉交织处理,变化出疏密、凸凹的立体效果。它利用不同针法的灵活性与特殊效果,使面料纹理产生有规律或无规律的变化,从而表现出一定的厚度感和特殊的肌理效果。在面料肌理再造中主要体现在对面料的装饰作用,既有视觉美感效果,又有触觉肌理效果。 B、面料的钩编织设计的方法 编织设计手法主要有编结工艺、棒针工艺、钩针工艺和机织四种。 2.4、面料的花型图案设计 A、面料的花型图案设计的特点 服饰面料的再造不仅依赖于色彩、材质,图案同样起非常重要的作用。将具象、抽象、几何形态等不同风格题材采用染、绘、印等不同的手法来表现,能使服装材质的视觉魅力和艺术感染力得到升华,丰富了服装的层次感,增强了材质的艺术装饰表现力。 B、面料的花型图案设计的方法 手工印染:手工印染包括蜡染、扎染、镂空印花、手绘等印染方法。其肌理效果和有规律的几何图案以及抽象图形都符合现代人的审美情趣。印染工艺显现出来的质朴简洁和自然气息,是现代服装设计师探索与追求的。 数码喷绘:通过计算机设计图案,由数码喷绘技术喷印出来,色彩丰富,可进行2万种颜色的高精细图案的印制,大大提高生产质量和效率。 2.5、面料的装饰设计 A、面料的装饰设计的特点 面料的装饰设计,是在成品面料的表面添加质地相同或不同的材料,以改变织物原有外观,形成立体效果的设计。对面料进行这种方式的设计,不仅使面料由平面转向立体,更丰富了面料的层次和内涵。 B、面料的装饰设计的方法 花饰:即通过堆叠花饰形成多层次或复杂的空间结构,使服装呈现出立体、富于变化的外观效果,在服饰中起着装饰点缀的作用。服装设计中布艺花和丝网花应用较多。 拼贴:拼贴工艺用于面料再造设计能表现出民间独特的朴实装饰纹理。它是一种在古老技艺的基础上发展起来的新型艺术,是一种以剪、以布为色进行创作的装饰手法,充分利用布的颜色、纹理、质感,通过剪、撕、粘的方法,形成有独特色彩的抽象的造型,具有笔墨不能取代的奇效。 烫贴:烫贴是指将各种形状的烫贴、烫贴片根据服装部位及图案设计的要求,用以装饰和点缀服装面料的一种表现方式。熨帖作为一种时尚产品,近几年来被广泛用在服装设计当中。 刺绣工艺:传统刺绣是以彩色丝、棉线在丝织绸缎、绢、纱、棉布等面料上,采用多种针法绣制图案的工艺。刺绣的主要手法有彩绣、缎带绣、珠绣、绳绣等。刺绣的材料与工具主要有彩色丝线、缎带、珠子、亮片、绣框、绣针和适用于不同刺绣形式的面料等。 三、面料肌理再造的创意灵感来源与构思 面料肌理再造根据服装整体风格的需要来确定主题,进行构思,才能达到设计与面料内在品质的协调与统一。灵感是艺术的源泉,是设计师创造思维的一个重要过程,也是完成一个成功设计的基础,它需要设计师有良好的艺术表现能力和专业实践基础。通过所产生的灵感,对面料进行构思与改造,使改造过的面料充分融入服装设计中去,继而创造出令人惊叹的服装作品。面料肌理再造的灵感主要来源于以下几点: 1、姐妹艺术的影响:绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影等姐妹艺术虽然具有各自丰富的内涵和不同的表现手法,但很多方面是相通的,可以融会贯通。 建筑中的结构与空间,音乐中的韵律与节奏,现代艺术中的线条与色彩,甚至于触觉中的质地与肌理,都可能令我们产生灵感,从而运用到面料造型设计创意中去。 2、人类生活的启发:人们往往忽略就在自己身边的物质形态,因为对它们太熟悉变得不以为然。但是,以职业设计师的眼光重新审视它们,进而研究它们时,就会发现它们能给予我们全新的认识和启发。 动物毛皮纹理和色彩组合、植物肌理和色彩组合、身边的建筑、山水的肌理等等这些素材,都是取之不尽的灵感来源。 3、民族文化的传承:传统文化元素是几经历史考验所沉淀下来的文化精华,更是一个民族精神的形象化象征。民族文化种类繁多,体现在服装上的民族文化尤为令人惊奇。 西方服饰中的皱褶、切口、堆积、蕾丝花边等立体形式的材质造型,东方传统中的刺绣、盘、滚等工艺形式,都成为设计师钟爱的面料肌理设计的源泉。 4、科技进步的启示:高速发展的科技为面料肌理创作提供了条件和手段,科技手段与成果激发着设计灵感。保持开放的意识,从各种资料、信息和事物中收集具有可取性的灵感,从中找出最适合的设计方案。 通过现代的高新科技,突破服装的固有模式,并创造性的运用新材料、新技术加以表达,不断拓展,以获得新的艺术形式。 四、面料肌理再造的在服装设计中的局部运用 在服装的局部进行面料肌理再造可以起到画龙点睛的作用,也能更加鲜明地体现出整个服装的个性特点。服装设计时要整体考虑风格引导下的款式与面料以及再设计后的面料三者之间的相互协调作用,这样才能使再设计的面料自然融于整体风格的美感之中。值得注意的是,同一种服装面料艺术再造运用在服装的不同部位会有不同的效果。面料肌理在服装中的局部运用主要有以下几个方面: 1、面料肌理在边缘部位的运用 边缘部位指服装的襟边、领部、袖口、口袋边、裤脚口、裤侧缝、肩线、下摆等。在这些部位进行服装面料艺术再造可以起到增强服装轮廓感的作用,通常以不同的线状构成或二方连续的形式表现。 2、面料肌理在前胸部位的运用 服装的上胸部应用立体感强的服装面料艺术再造,会具有非常强烈的直观性,很容易形成鲜明的个性特点。男装正式礼服中的衬衫经常在胸前部位采用褶裥,精美而细致,个性鲜明。 3、面料肌理在腰部的运用 此部位的设计能在视觉上给人以提胸细腰的感觉,散发出古典美感。恰到好处的面料肌理不仅能使女性的柔媚展现的淋漓尽致,更能将服装的质感表露无遗。运用于腰部的面料肌理最具有“界定功能”,其位置高低决定了穿着者上下身在视觉上给人的长短比例。 4、面料肌理在背部的运用 服装的背部装饰比较适合采用平面效果的服装面料艺术再造,过于冗杂的背部肌理效果会使服装失去灵力,穿着者的精神面貌会因此受到影响。 5、面料肌理在下装部位的运用 与面料肌理再造用于上装相比,将再造的面料肌理用于女性的下装部位的概率要小得多。下装面料肌理通常不宜过于复杂与细腻,以平衡式布局为主,部位基本选择侧面或整体运用。 五、面料肌理再造与服装的协调性 面料肌理与服装设计之间的协调性是服装设计中至关重要的环节,面料肌理设计不仅是服装造型的物质基础,同时也是造型艺术重要的表现形式,服装面料艺术再造的整体运用可以表现出统一的艺术效果,突破局部与点的局限。如简洁的款式造型可以与立体感和肌理突出的创意造型面料结合在一起,以展现其强烈的视觉冲击力,而单纯、细腻的材质可使用夸张多变的造型,若两者配合不当,所表现的视觉效果就无主次和个性,无法达到在形式和风格上的统一。因此,面料形态重塑与服装的造型、色彩间相互搭配的关系,已成为贯穿现代服装设计过程中的主要表现手段。 当今服装面料呈现出多样化的发展趋势,面料肌理再造迎和了时代的需要,弥补和丰富了普通面料不易表现的服装面貌,为服装增加了新的艺术魅力和个性,体现了现代服装审美特征和注重个性的特点。面料肌理再造已经成为扩大服装设计师创意空间的重要设计手段,代表国际时尚的主流方向和世界面料的发展潮流,它作为展现设计个性的载体和造型设计的物化形式,必将具有广阔的发展空间。 服装设计毕业论文范文:大学生服装设计工作室一年“定制”收100万 重庆大学城的龙湖U城天街,汇聚了诸多备受大学生喜爱的知名服装品牌。在这一片知名服装品牌中,有这么一家店,每一件衣服都只有一两件样衣。这家店名为几弋,是川美的3个大学生开的。顾客挑选了自己喜欢的样衣后,可以让几弋量身裁剪,价格在500元左右。作为大学生,他们经历了所有的创业者必须经历的磨难―――他们缺专业知识、缺商业模式、缺营销规模、缺品牌打造。但是他们唯一不缺的就是梦想。 产品・成立设计工作室 几弋的创始人有3个,马信学习建筑设计,史长吟学习国画,蔡鹏吉学习服装设计,他们都是川美学生。马信是3人中年龄最大的一个,尽管学的是建筑设计,但是马信一直对服装很感兴趣,和学习服装设计的蔡鹏吉关系非常好,两人经常聚在一起聊服装,渐渐的马信开始有了开服装店的念头。2011年5月,毕业不到一年的马信没有选择建筑设计,东拼西凑借了4万在大学城开了一间小服装店。 “最开始,我还是到外面去进货,拿到店里来卖,和千千万万的小服装店没什么区别。而蔡鹏吉则将自己设计的服装放在店里做展示。”让马信和蔡鹏吉没有想到的是,由蔡鹏吉设计的服装反而成为店里的明星产品,经常被前去店里购物的顾客询问,可惜那些都是非卖品。 半年时间过去,马信心中又有了新的想法,她将这个想法告诉了蔡鹏吉以及另外一个还在读大二的朋友史长吟,三人一拍即合―――要做自己的定制服装店。 于是,几弋服装设计工作室正式成立。蔡鹏吉设计好衣服,做出一两件样衣,放在店里出售。有看中的顾客,如果样衣合身,就直接买走,如果样衣不合身,店里就会量身定做。这样一套设计师定制的产品,价格在300-500元之间。最初这半年,他们的每个月平均营业额都在2-3万元左右,这让3人颇为欣喜。 模式・设计师集群设计外包 然而仅靠蔡鹏吉一个人的设计远远不够,太过单一。马信感到了一丝危机。 “如果仅仅只是想开一个店解决温饱,那么我可以说满足了,但是我想要的,是把几弋这个品牌打响,光靠蔡鹏吉是不够的。”而那个时候,蔡鹏吉也有了新的目标,他要准备中央电视台的《创意星空》设计大赛,争取到纽约进修学习服装设计。 2012年6月,三个合作伙伴聚在一起,对几弋的发展做出了新的规划。 “当时,我们发现国外流行独立设计师集成店。就是由独立设计师完成衣服的设计制作,再拿到店里出售。这个发现让我欣喜若狂。”采用这样的模式,店里的设计作品将会大大增加,而又不需要他们更多的投入。于是,马信他们开始采用这种独立设计师集群的模式,把设计外包出去。 蔡鹏吉利用自己在北京参赛的机会,和几个北京的设计师取得了沟通,开始让他们将设计的产品放到几弋出售。 马信约定对方至少每两个月给他们设计一个系列,然后再由设计师把选好的衣服每样寄1-2件过来。销售好,就再让设计师继续寄。衣服卖出后设计师和几弋按六四比例分账。 通过这样的方式,几弋的营业额开始大幅度增加,每个月能够达到7-8万元。 规模・要在大学城北城天街开连锁店 小店已经不能够满足马信他们的需求了,马信将目光盯准了大型商场,她的目标放在了龙湖开在大学城的U城天街。马信找到了U城天街的项目经理,几弋这个设计师定制服装的品牌也引起了项目经理的兴趣,几弋成功地入驻U城天街,在一堆早已被人们耳熟能详的服装品牌中重新起步。 “如今,我们的模式已经初见成效,我想要继续将几弋这种模式做下去,把定制平民化。我觉得个性、时尚不一定只属于有钱人,普通人一样可以享受到定制服务。而近段时间,‘例外’的红火也让我们有了更大的动力,我相信,这个模式是走得通的。” 而马信的心不仅仅是大学城这片小天地能够满足的。“如今,除了蔡鹏吉,我们已经有8个独立设计师,4个北京的,2个重庆的,还有2个川美的学生。我们自己的团队也发展到13人了。我们还组织了一个设计团队,在做包的设计。现在还不足以推出市场,但是相信不久之后,我们就可以有自己的包包了。” 而蔡鹏吉获得了第四季《创意星空》比赛的第三名,拿到了去纽约进修的资格,也让马信他们的底气更足了。她准备明年将几弋开到商业中心。“我最想去的地方是北城天街,但是估计很困难,而且现在融资也是一个问题,我们没有可以抵押的资产。但是这些困难我觉得都可以解决。相信明年,你就可以在主城的商业区看到我们的品牌了。” 品牌・着手改进加强品牌塑造 昨天,尽管外面下着大暴雨,几弋在U城天街的店里面仍然不时有顾客光顾,很多都是几弋的老客户。几弋的服装风格比较正式,颜色多以黑、白、灰为主,偶尔有几件粉色的衣服。每一件衣服都只有一两件样衣。店里还放有蔡鹏吉的设计作品图片,可以供顾客挑选。整个店铺的装修风格颇有一些大品牌的架势,店铺空间够大,作品摆放比较分散,不拥挤。 不过我们发现,由于采用了独立设计师集成的方式,这些衣服的标签上几乎看不到几弋的标志,很多都是设计师自己的LOGO,就连蔡鹏吉这个几弋的创始人之一设计的衣服上打的都是“Pency Choi”的标签。这对于几弋这个品牌的塑造是一个硬伤。 “我们也发现了这个问题。很多顾客买衣服,一开始可能并不会记得是什么牌子,他们需要不断地翻看衣服标签来加深这种品牌印象。但是几弋的服装却没有这个意识,对我们的品牌塑造很不利。这也是我们今后要改进的一个地方。”史长吟说。 马信介绍,几弋现在也开始在淘宝上出售服装,“电商是今后发展的重点,我们肯定不会放过。我们也研究过淘宝上很多知名的原创设计品牌,诸如裂帛等。不过现在我们已经错过了电商发展的黄金时期,有点遗憾。” 目前,马信正在准备和一些有实力、有资金的淘宝商家接触,开展合作。由几弋提供设计,由淘宝商家负责销售。“这样我们不会分散精力。我的主要目标仍然是放在设计上,扬长避短才是正道。” 服装设计毕业论文范文:校企协同模式下运用信息技术多重手段培养服装设计学生创新能力 [摘要]当前,许多服装设计学生的创新能力都较弱,在进行设计的时候常常依靠网络来模仿其他人的设计,这种通过模仿设计出来的产品必然不会有足够的竞争力,企业要想在服装行业保持足够的竞争力,就需要招纳有创新能力的人才,依靠多重手段来培养学生的创新能力。 [关键词]校企协同;信息技术手段;服装设计;创新能力 一、引言 面对当前企业设计人员缺乏创新能力,模仿他人设计的产品的现象很严重,学校培养体系不完善等状况,学校和企业应该协同合作完成对学生创新能力的培养,在培养的过程中,要充分运用信息技术手段来培养学生的综合知识、创新能力。 二、信息技术手段在培养服装设计学生过程中的应用 (一)款式图几何信息的提取方法 如图1所示,如果面对这一给定的上衣结构图模型,我们应该如何完成对轮廓各节点信息的提取,这时候我们就可以运用信息技术手段来帮助我们完成这一工作。我们先使用计算机进行水平扫描与垂直扫描,这样可以完成对图形相交点坐标值的确定,并按照坐标点的次序通过集合进行表示,然后运用节点判断法对各个节点的坐标方向是否改变,如果坐标节点改变,那么就可以确定这一点就是轮廓节点。 如图2所示,我们可以进行假设,扫描以后得到的点分别是sa、sb、sc,如果sa是起点,那么sb、sc这俩个点的坐标都是具有规则性变化,在sc后面的点出现了方向的变化,这就表明sc就是节点,这样就找出了节点,但这种方法比较慢,我们可以运用先进的信息技术AutoCAD平台上来进行系统开发工作,通过选择集命令就能够快速的完成上述节点的确定工作。对于给定的服装模型款式图来说,我们提取的特征信息参数相对于实际尺寸来说是很小的,如果我们想要提高数据来确定服装尺寸的大小,就需要在系统中输入服装特征数据库,这样有利于计算机扫描过程中的自动识别。 (二)结构图特征建模策略 结构图特征建模就是通过已经识别出来的款式图与结构图形成一种映射关系,这样可以方便结构图坐标点位置的确定,就可以生成上衣的结构图。根据图1,可以形成这样的映射关系:(1)参考坐标的原点,以直线S3S4作为Y轴的参考坐标。(2)然后先确定S1的坐标,肩宽就是S1到直线$3S4之间距离的2倍,这样可以通过肩宽确定S1。(3)胸围就是S7到直线S3S4直线距离(也是点S7的坐标)的2倍,这样可以确定S7。(4)S6点的坐标可以通过腰围确定。(5)衣服的长度决定着S2,S4,S5点的坐标,其他的一些参考的我们可以根据经验自行调整。(6)通过上述过程就完成了7个点坐标的确认,然后通过选择集函数来完成轮廓信息的提取工作。这些通过智能化识别的数据和建模后的结构图仍然不能重用,需要将这些信息输入到数据库。在进行服装的设计的时候,从数据库内调取这些数据,这样就可以形成产品设计信息的重用。 三、对学生信息素养和创新能力基本功的培养 学校在对学生培养的时候,要充分发挥网络教学平台、媒介等途径进行相关服装设计的信息的收集,比如服装行业的发展趋势、服装企业的介绍、服装企业需求人才的类型、服装流行的趋势、制图的素材等信息,然后让学生对这些资料进行分析并做出正确的判断。这样可以让学生的创新建立在一个信息充实的基础之上。 绘画是建立在素描、速写、色彩等基本功的基础上的,工艺是专业的基础。只有学生的基本功很好才可以更利于对学生创新能力的培养。因此,在教学过程中要让学生认识到学好基本功的重要性并抓好对素描、色彩、速写、工艺等基本功的训练。在教学过程中老师可以利用网络找到一些著名设计师设计与名画的作品进行分析介绍,这样可以让学生的审美观加强并能得到一定启发,这对于培养学生的创新能力是非常重要的。 音乐是人的一种素养,可以陶冶情操,能够促进社会的全面的发展,音乐潜移默化的对社会文化产生着影响,是人们在参加社会活动过程中感受到美的存在。在服装设计教学过程中,形与色的变化和音乐节奏的变化很相似,服装设计中点、线、面的变化也类似于音乐不同节奏的变化,如果在进行服装设计的过程中播放音乐,可以使学生感受到一种节奏的变化,有利于他们创新灵感的产生,因此,在教学过程中,要注重对学生音乐素养的培养,这在一定程度上可以提升学生的创新意识。 四、总结 创新能力是服装设计行业的灵魂所在,因此学校想要学生可以在服装领域取得非凡成就,就要加强对学生创新能力的培养,学校可以与服装企业进行协同合作,来使双方的人才、资源互补,运用多重手段提升培养学生创新能力的效率,使学生的创新能力得到提升。 服装设计毕业论文范文:服装设计教学中学生的创造性思维培养 随着经济的发展和生活水平的提高,服装在人们的日常生活中已经不再是单纯的必须品,而成为人们追求自由和个性的象征。消费者由原来的被动接受逐渐转向主动选择,对流行的服装设计充满浓厚兴趣,对服装设计业起到了巨大的推动作用,但同时对服装设计专业的教学提出了严峻的挑战,为了应对挑战,必需加强服装专业学生的创新思维的培养。服装设计教学创造性思维 学生随着时代的发展对创造的需求更加迫切,创造力逐渐发展为促进国家富强的动力,成为民族繁荣昌盛的希望,成为实现学校发展的不竭动力。因此,在各个领域都要重视对创新思维的培养,特别是服装设计行业要将创新思维作为设计的灵魂,时刻进行服装设计理念的革新。同时在服装设计教学中,要加强对创造思维的重视并进行教学模式的改变,在教学过程中准确把握服装设计的中心,创建符合时代需求的创新思维系统为学生提供服装设计创新的舒适氛围,并通过有效的创造新思维的训练,实现学生思维的转换和学生创造性思维的培养,从而促进服装设计的革新和发展。 一、创造性思维对服装设计教学的重要性 服装设计就是将服装作为设计对象,利用实用性原则和专业的设计技能,对选择的材料进行特定的设计而产生新服装的创造性行为。正是创造力思维的存在使现代服装兼备艺术性、实用性和时尚性,往往采用不同的搭配可以获得不同的视觉效果。服装是技术与艺术的结合物,而服装设计属于艺术设计的范畴与纯艺术存在一定的联系,在进行服装设计时仅仅依靠形象思维是难以获得优秀的服装设计,只有在设计过程中对想象思维方式、发散思维方式和多种因素的综合运用和考量,才能为服装设计产生充足的灵感。虽然服装的基本形状是人的形体,但是服装设计宗旨是在不断变化的,只有服装设计师具有创造力思维,加强对色彩款式的大胆创新,才能实现自己设计的服装流行起来。创造性思维作为人类智慧的高度体现,对超越旧事物具有重要的推动作用,在服装设计领域服装设计师通过自身独特的创造性思维往往打破原有的设计理念和常规,创造出新颖的服装赢得人们的赞赏和喜爱。另外,服装设计大师在进行服装设计时,都会在自己的创造性思维中融入时代精神,并运用先进的科技手段,创造出新的服装形式,而这种标新立异的创造往往与时代的需求不谋而合。 二、如何在服装设计教学中培养学生的创造性思维 1.充分发挥老师的作用,加强自主活动 在服装设计教学中,教师起到至关重要的作用,只有正确引导学生们的思维,才能完成对学生创造力的培养。若想要更好地提高服装设计教学效果,就不能采用原有的单元化教学和知识灌输式的教育模式。要注重对学生实践能力的培养,组织与专业相关的自主活动,让学生们在合作和实践中逐步培养自己的创造力思维。只有通过不断的开展服装设计活动,才能更好地把理论知识与实践相结合,从而提高学生的创新能力。 2.明确教学目标,完善教学模式 过去服装设计教学都是注重对专业技能的学习,忽视了对学生创造力思维的培养,这样培养出来的学生往往缺乏竞争能力。为此,在服装设计教学中要明确创造新思维的形成是的前提,只有足够了解服装设计的基础,注重服装设计教学在培养学生创造力中的重要作用,才能实现专业技能和设计目的的结合,从而在服装设计教学中培养自身的创造力。比如,在服装教学中应该坚持款式设计、结构设计以及工艺制作三者的有机结合,让学生可以结合自己的设计作品,去研究问题,完善自己的设计构思,在设计中体验到由设计带来的成功感。完善现在的教学模式,把服装设计教学作为培养学生创造力的主要力量,并形成适于我国发展水平的服装设计教学模式。 3.对服装设计教育深化改革,准确定位 要想服装设计教育凸显独特的创造力,首先,必须对服装设计教育进行改革,让服装设计教育从传统教育中得到解放,让服装设计教育形成重实践与文化有机结合在一起的教育理念。另外,对传统课程的改革必须以创设情境为主,学科性为辅的原则,实现服装设计教育的教学目标,提高学校的效益。其次,对服装设计教育进行准确的定位,将服装设计教育定位在对具有创造力思维的人才培养,并且不断根据社会的需求调整教学目标,始终保持服装设计教学的先进性。 4.培养学生创造性思维,加强实践教学 创造性思维对提高服装设计水平具有重要作用,在服装设计的实践活动中,要增强对创造力思维的运用,创造力思维的存在往往可以让一种设计理念转化为各种表现形式,产生不同的服装设计效果,比如运用不同的服装元素按照同一种设计方法进行服装设计,再比如根据不同的服装设计需求,对不同的服装材料进行不同的分类和组合,形成各种类型的设计作品,展现不同的设计风格和视觉效果。另外,在服装设计活动中要注重对学生发散思维的培养,这可以让学生在原有设计的基础上推陈出现,展现出不同的设计理念和设计风格。比如老师在讲解设计方法时,可以为学生规定某一特定的设计效果,让学生采用不同的设计方法完成,从而让学生在不断实践的过程中培养自己的创造力思维。 三、结语 随着服装业的不断发展,人们更加注重服装设计的重要性,使服装由原来的生活必须品逐渐转向人们追随时尚和潮流的艺术品,同时对服装设计中的创造性思维提出了严格要求。因此,在服装设计教学中要对原有教学做出调整,注重对创造性思维的培养。 服装设计毕业论文范文:服装设计课堂教学改革的探索与实践 摘 要:服装设计课程教学中的传统教学模式存在缺陷、不适应现代教学的发展要求。将任务驱动法教学模式应用于服装设计课程,在调动学生参与课堂的积极性、促进学生合作竞争、形成积极的课堂氛围等方面极具优势。实践中也存在任务设置、具体实施、课堂管理、评价等问题,有待解决。 关键词:任务驱动法教学;服装设计;课堂教改;“五步式”教学法 任务驱动法教学模式在调动学生参与课堂的积极性、促进学生合作竞争、形成积极的课堂氛围等方面极具优势。在服装设计课程中引入这种教学方法,能不拘一格地促进学生发散性思维的发展,使服装理论知识与实践能力达到平衡,将专业知识和专项技能结合在一起设计出新品。 一、服装设计课程传统教学模式 服装设计是高职服装制作与营销专业理论与实践兼备的优秀课程,也是一门服装专业知识与技能的综合展示课,对培养服务于生产企业、适应服装岗位行业要求的实用型人才具有重要支撑作用。这门课程的传统教学模式是每一章节的开始内容都带有共性的概念、原理、特征等作为基础理论知识,然后通过图片、例证等材料进行分析讲解,主要以理论讲授为主。课堂练习、课后作业通常是布置学生绘制设计稿。这些理论知识都是从实践活动中总结出来的,由于脱离了与服装设计相关的职业活动或相关工作,学生的学习只能是纸上谈兵,无法实际应用。这种割裂状态很难培养出理论与实战一体化的人才,因此,教学改革势在必行。 二、服装设计课堂教学改革的目标定位 1.知识目标:通过以服装设计任务为导向的学习方式,使服装专业学生全面掌握服装设计职业岗位必须的技能,同时掌握服装设计必须的知识点。 2.专业能力目标:具有服装设计创新能力;贴近职场、适应企业岗位要求;具备对时尚变化和流行信息敏锐的观察能力;具有驾驭想象的创作能力。 三、服装设计课堂教学内容设置 依据任务驱动法的教学要求,我将服装设计教学内容由原先概念性较强的六章内容细化为九章24个单元来讲授,内容涉及了寻找灵感、服装策划与设计、设计的延展、理念表现、专业领域等。每个单元涉及服装设计的一个项目,从参观博物馆到织物构想;从运用形式美的设计法则到服装轮廓外形设计再到系列专题设计,每一个项目任务都提供了所讨论主题的背景知识,每个单元都设有要完成的一个任务方案,给定目标,指导学生完成。例如,我用寻找灵感篇代替了传统服装设计教材的开篇服装设计概论章节,第一单元从哪开始用浅显易懂的词语引导学生进入服装设计的殿堂,消除学生主观上的神秘感。接下来分别设置了参观博物馆、研究建筑物、画板设计、印度传统文化、织物构想等五个单元阐述如何寻找服装灵感来源,揭示设计是对某一主题的研究、发展和创造。如果学生能以一个设计者的眼光去看周围的事物,会发现灵感无处不在。每次课前的作品评估是学生们展示作品、陈述方案的舞台,同学们讨论实施步骤、方法、品鉴设计稿,最后教师讲评、总结。如此的内容设置能使学生对服装设计有更深入的感受,也能更系统地学习服装设计知识。 四、任务驱动法应用于服装设计的具体实施 “任务驱动法”是一种建立在建构主义学习理论基础上的教学法。所谓“任务驱动”就是在学习过程中,使学生带着真实的任务在探索中学习。学生在教师的帮助下,紧紧围绕一个任务目标,在强烈的解决任务问题的动机驱动下,通过对学习资源的积极主动应用,进行自主探索和互动协作,边学习边完成任务。在此过程中,学生会不断地获得成就感,这可以很好地激发他们的求知欲望,从而培养学生善于独立探索的学习能力和对有关知识、技术的应用能力。它使教师把以传授知识为主的传统教学理念转变为以解决问题、完成任务为主的互动式的教学理念,使学生不断处于积极的学习状态,从而增强学习效果。 在服装设计课程中所实施的任务驱动法与传统教学思路不同点在于:先提出问题,然后教师与学生互动或指导学生讨论解决问题的方法,最后总结归纳出概念、原理或一般性规律。课堂上采用问题驱动的方式,每一章的教学都采用与现实生活有关的典型事例开头,引入任务布置;之后根据任务用实例引导学生思考、讨论,逐渐将知识引入进行任务分析;然后学生实践展开任务实施、最后完成任务,教师与学生讨论进行任务评价,归纳总结相关知识点,学生学习理论知识。这“五步式”教学法可操作性强,有利于学生的主动学习,实验后非常适合本课程学生的学习。 在服装设计课所采用的任务驱动法其关键是改革课程切入点――设立项目任务,把共性知识还原到服装设计的工作任务中去,让学生在完成服装设计的某项任务中去学习和应用相关知识,找对学习的载体。如,在服装系列设计项目任务中基于这种模式,我先以北京服装学院男装设计作品汇展为实例,让学生观看视频,畅谈感受,讨论所展示服装的共性与个性,引出系列服装设计概念;然后布置实践任务:一种是结合针对服装市场现有的某个品牌来做设计;另一种是学生自行定位某种服装风格进行创作。学生以个人或团队的形式做市场调研与流行信息收集,之后进行资料整合,确定个人或小组自行定位的或模拟某品牌的流行主题、设计元素、色彩等,再根据服装的主要品类作具体的产品设计,要求学生设计出风格统一,自成系列以及具有较好搭配性的一组服装。这项大作业,学生需要完成两份作业,其一是确定模拟品牌设计项目的风格定位,从而完成整个产品设计的策划案,其二学生根据自己或者小组的产品设计稿,每人选出一至两个款式进行系列服装的整体设计。从选料、打板、制作白坯样衣、板型调整,到色彩组合、工艺设计、制作成品,最后作系列服装的整体配饰设计,每一个步骤学生们必须身体力行,对他们的团队协作方式也提出了高要求。这项任务开始后我注重每次指导完课堂实践后,都要组织学生进行集中讲解,提出问题让学生讲述从方案设计到方案实施所做的步骤,操作中出现的问题、困难,引导学生发现问题、分析问题、解决问题。这一过程中结合学生现有设计作品把服装系列设计的一次设计、二次设计、系列设计的相关概念、原理、设计规律等知识点穿插讲解,最后由教师归纳相关知识点,学生总结重点、难点。整个过程学生先是一个理性的分析与策划,然后就是自己动手、总结的过程,运用实战验证系列设计理论知识,用活学活用的趣味性代替了枯燥乏味的志记。 五、任务驱动法在服装设计教学实践中所存在的问题 1.任务设置。在进行服装设计任务设计时因任务设置的共性特征,缺乏从学生的个性发展角度设计任务难易程度。在给所有学生设计相同的任务时,不能激发基础好的学生进一步探索的兴趣,也不能让基础较差的得到成功的体验从而循序渐进。任务设置时还易与实际脱节,缺乏实战性。服装设计任务设置要让学生在密切联系学习、生活经验和社会实际的情境中去完成。这对任课教师提出了非常高的要求,要有扎实的服装设计知识功底、熟悉服装设计、生产技能、把握学生实际学习现状、分析服装流行信息能力等等。 2.实施任务驱动教学。服装设计课程的任务驱动法教学由于以任务提出开始,任务评价结束,易导致学生注重完成具体的设计工作或制作设计作品技能的训练,而忽略对相关概念、普遍规律地学习与掌握。教师的主导作用被忽视,像是在简单地下达一个命令就叫学生去完成而已,无法进行系统的理论教学。如何将理论讲授与任务驱动结合得恰当也是实际教学中的一大难题。 3.课堂组织管理方面。在应用任务驱动法的过程中,有时可能会出现课堂秩序比较混乱的情况。相对而言,任务驱动法的教学组织工作难度加大,由于任务是开放性的,导致学生的学习过程是开放的,即学生完成的任务或许难易程度不同、或许形式不同、或许过程不同,这么多的不同必然加大组织的难度。教师对学生学习的指导工作方式和方法没有随着教学方法的改变而做出相应的变化。在组织教学工作中,教师没有花大功夫了解不同学生对知识的掌握程度差异,也不了解学生完成任务的进度差异,没有了解每个学生的进展情况。课堂会出现由于教师对课堂教学组织管理不力而秩序混乱的现象。 4.评估作品方面。服装设计课程的作品评估是非常重要的教学环节,而有时教师可能会重视任务的设计以及课堂教学的组织管理,而忽略了对教学效果的评价。在学生对创作进行自评时往往不够准确,教师须对学习成果进行有效的评价,没有评价就难以激发学生的成就感、责任意识、合作意识与应用意识的效果,失去了激励学生、调动学生学习和自主探究的积极性的作用。 在服装设计教授中如果能解决以上几个问题,仔细推敲每个知识点、统筹兼顾,为学生设计、构造出一系列典型的、具有层次性的、可操作性任务,让学生在完成任务中掌握知识、技能和方法,真正体现教学中学生的主体地位和教师的主导地位,任务驱动法教学新模式就会产生很好的效果。从实践中总结论证理论知识不仅能提升课堂教学质量,还能增强集体的凝聚力,形成积极的课堂氛围,促进学生智慧和良好品德的发展;同时又可以集思广益、取长补短。“任务驱动法”的教学新模式点亮了学生个性发展、自主学习的成长之路。 (作者单位 广东省汕头粤东高级技工学校) 服装设计毕业论文范文:浅析职业院校服装设计专业改革研究 【摘要】随着我国经济的发展和人民生活水平的提高,服装设计日益成为美化人们服饰和提高人们生活质量的一项重要的生活技术。本专业培养能系统掌握服装设计基础理论和基本技能,利用开拓性的设计思维能力以及娴熟的服装工艺表现力,在服装企业、服装研究管理单位从事成衣设计、产品开发、市场营销等方面工作的复合型人才。 【关键词】高职服装设计课程改革 一、引言 2010年中国纺织服装行业实现持续良性发展,工业总产值突破4万亿元,历史高位。 未来服装企业的人才需求主要集中在两类人才,即开发类、营销类人才,具体来说是三种岗位:设计、制板、销售。且在人才需求的数量上有增无减。 服装产业经济的不断发展,服装行业环境对我国的服装教育提出了全新的要求。在强调本土化、品牌化的大格局下,进一步更新服装设计专业教学内容,强化专项服装设计,重应用、重实训、让学生在创作及表现的过程中真正理解设计的内涵,有利于促进高职教育服装设计专业学科的发展。 全国服装专业高校200多所,每年服装专业毕业生大约2万多人;专业办学水平较好的高职院校有邢台职院、常州纺服职院、南通纺织职院、浙江轻纺职院、武汉职院、广东纺织职院、嘉兴职院、温州职院等十几所;对20多家企业及省属高职院校同类专业及历届毕业生的调查结果表明,目前基层从业人员学历偏低,服装企业对熟悉生产设备、工艺设计与实施、产品设计、服装营销、连锁店经营与管理、服装生产管理等高技能人才的需求不断加大;企业对高职毕业生的需求主要是中层管理和技术岗位、终端营销岗位,主要从事产品设计、制板与CAD操作、连锁店管理与营销等工作。 二、高职服装设计专业教学现状及问题 (一)教学环境差 学校校教学环境,与企业真实的生产、制度环境差距大,学生希望增强实训、实习环节。教学基本实训基地应包括有服装展示厅、服装表演厅、设计工作室、服装工艺工作室、服装陈列实验室、服装CAD实验室、服装CAM实验室、服装制板实验室、服装工艺实验室、立体裁剪实验室等,大多数院校因为经费的问题,教学环境以及条件与企业相差甚远。 (二)专业设置内容不合理 课程的设置、内容与就业岗位工作脱节,理论过多,应多开实践课程,掌握工作经验。服装设计是一门实践性很强的学科,只有通过不断的实践才能真正认识服装,才能获有更多的直接经验,才能做出真正好的有用的设计。服装专业是产业课程,强调知识的应用性,实践性。在多年的教学中越来越感受到本专业的设计课教学模式已不能适应当今社会的需求,教学活动没有走向社会,闭门造车,纸上谈兵,学生的设计是准理念型的,思维无法拓展,市场应变能力差,不少学生毕业后都感受到自身所学知识在工作实践中的应用要经过相当长的一段时间的磨合。 (三)实验教学设备不先进 学校的实验设备在先进性方面与市场有差距。目前市场上比较先进的实验设备主要有香港、日本、欧美等先进国家专业教材和最先进的电脑CAD辅助设计、打板放码,以及最新流行咨讯。 三、服装设计专业课程改革的思路 (一)教学做一体的教学内容 1、淡化理论课与实践课界限,每门专业课都是实训课 2、引入企业内容,课程项目化(虚做和实做) 3、虚做项目在校内进行多方评价,实做项目企业评价,使学生在校即可积累工作经验 由此看来,在专业课程设置方面还要进一步地改进和完善。与实际结合、与市场结合、与企业结合、与具体课题结合,是服装设计专业与企业结合的目的所在。与具体课题结合以后,市场的瞬息万变会迫使教师不断更新、调整自身的教学方法和教学内容,可以防止空对空地教学理念。 (二)项目团队的教学方式 1、一门项目课程由2~3位专业教师组成团队进行教学,在教学内容和时间上相互交叉衔接;2、以学生为主体、教师为主导、项目为载体、任务为驱动的教学方式,在做中教、做中学;3、淡化考核,注重过程管理。 转 综上所述,“以项目为引导,以任务为驱动”的教学方式,通过与企业合作、创新设计等多种形式,把课程学习的目标和内容转化为学习任务,在教学过程中始终贯穿完成一个具体的设计任务为主线。 (三)加强师资力量,改革教学方法 1、教学改革研究:教研项目、教学研讨会、专指委会议;2、管理制度:说课常态化(集体备课、议课),公开课制度,听课制度,师徒结对帮扶制度,教研活动制度,找不足、高效化;3、培训:多送教师去国外交流,参加专家讲座以及企业锻炼。 四、结论 教学做不是三件事,而是一件事,在做中学才是真学,在做中教才是真教,职业教育最大的特征是求知、教学、做事和技能结合在一起。 它是在教学实践基础上建立起来的一整套组织、设计和调控教学活动的方式方法的体系。也是在一定教学思想或教学理论下建立起来的较为稳定的教学活动结构框架和活动程序,是教学理论的具体化,是教学经验的系统概括。在近几年的教学改革中,应该探索与企业合作,达到工学结合的目的,使教学内容适合于高职教育的需要,符合行业和岗位需求特点,融技术性、艺术性、综合性为一体,强调三者的完美结合。通过学习,极大地调动学生的主动性和积极性,使学生具备设计能力、综合表现能力和分析解决问题的能力,为学生的职业发展奠定了坚实的基础。 服装设计毕业论文范文:探索服装设计人才培养的新模式 【摘要】现有的服装设计培养人才比较传统,以学院教育为主,满足不了市场需求与时展。高校需要以项目制教学、专业大赛、工作室教学、合作办学等创新的培养模式,通过知识教育、能力培养来培养和塑造素质高、能力强的综合型创新人才。 【关键词】服装教育;培养模式;创新 “人才培养模式”是按照特定的培养目标和人才规格,以相对稳定的教学内容和课程体系,管理制度和评估方式,实施人才教育的过程的总和。创新型艺术设计人才的培养模式是适应新时代的要求,培养创新型艺术设计人才所制定的培养模式,与传统艺术设计人才培养模式有本质的区别。 服装艺术设计专业,作为艺术设计的一个重要专业,其培养模式也需要随着时代的发展、社会的进步而不断创新。近年来,服装类高校一直强调服装设计类人才的培养要满足社会发展的需要,培养应用型、创新型服装人才。随着服装教育与社会的联系越来越紧密,服装教育不能只注重理论教育,而是应该加大对服装设计教学课程的改革,强调以实践与社会需求为主的新型培养模式,以培养服装企业需要的应用型、创新型人才为目标。 一、知己知彼——当前服装艺术设计人才培养模式需要创新 我国现行的服装艺术设计教育在培养具有良好艺术素质和文化底蕴、掌握扎实的设计理论知识和设计技能的人才方面具有一定的优势。然而长期以来,我国高校的服装艺术设计专业的教育重理论、轻实践,造成了学生动手能力差、创新能力弱、综合素质低。但是,通过对服装设计公司、品牌策划公司、生产第一线的服装企业进行深入调查,我们会发现市场对服装设计人才的需求是全方位和多层次的。实际上,企业与市场还急需大量的具有较高综合素质,既掌握一定的理论知识又具有较强设计能力;既有实践能力又懂得团队合作及管理的应用型、创新型服装设计人才。实践证明传统的人才培养模式很难适应当前社会对人才的要求,服装设计人才的培养模式必须进行改革创新。 二、他山之石——国外服装艺术设计教育管窥 世界各国的服装艺术设计教育都在不断进行着改革与创新,也涌现出了许多特色鲜明的新模式。在培养模式、课程设计、教学方法、校企合作等方面,有许多国家的经验都值得我们借鉴。例如法国的服装设计专业教育的代表——巴黎国际时装艺术学院。该学院是上世纪 80 年代,由巴黎时装界的几位著名人士发起成立的。学院的宗旨是将学生培养成既拥有丰富的想象力和创造力,又具有实际操作能力的时装设计师和制作师。因此,学院聘请了在法国时装界各方面都非常著名的人才作为教师,他们既拥有名牌时装企业丰富的实际工作经验又有时装教学的实践经验,他们以其自身非凡的能力给予了学生最好的专业培养。同时,学校与巴黎的各大名牌时装企业建立了长期合作关系,它们每年按约定向学生提供一定数量的实习岗位。这种校企紧密合作的教学模式,为学生的成长提供了非常良好的平台。 三、探索实践——服装设计人才培养的新模式 笔者所在的时尚设计学院,主要是培养具有较高的综合素质和专业能力、先进的设计理念、丰富的创新思维和艺术表现力以及相当的服装制作能力和解决问题能力,能从事服装设计、设计管理及相关专业工作的服装专门人才。因此在服装设计专业的人才培养上,根据国家需要为前提、社会需求为导向、学院定位为关键的原则,制定了服装艺术设计人才的培养模式,该培养模式强调知识教育是基础,创新能力是目的,高素质是保证,突出创新在人才培养中的优秀作用,制定了相应的教学目标、教学内容、教学方法、教学过程、教学质量评价标准等环节要素,为完成应用型、创新型艺术人才培养提供了可靠的保证。我院的服装艺术设计专业结合国内外服装艺术类高校的教学经验以及市场对人才的需求,对人才培养的模式做出了以下几个方面的探索。 1.项目制教学,提升实践能力 利用项目制教学强化创新性思维和实践能力,即将一个真实的项目融合到具体的教学过程中。学生在老师的带领下,通过具体的项目去理解设计要求,确定设计应从哪个角度入手,运用哪些知识,通过哪些的技巧完成设计。通过这样的实例教学,学生能够很好地把握服装设计的原理,认识到服装设计的过程里,除了构思服装本身,还要依据穿着的对象、穿着的目的,面料性质、市场条件、人们的消费心理及流行趋势的分析等诸多方面的问题进行综合思考。 例如:我院与某童装品牌合作,确定了一个具体的童装开发项目,然后专业教师将该项目融合到具体的教学中,学生分小组合作,进行产品开发。学生在老师的带领下,以已有的知识为基础,针对童装的特点进行了研究、设计、打样,与企业不断沟通,最终设计出了符合企业和市场需求的童装新款。通过项目制教学我们发现,它是一种具有启发、诱导、决策等功能的新型教学法,对于激发学生创新思维、增强其实际分析、解决问题的综合实践能力和学习的主动性有促进作用。 2.专业大赛,增强创新意识 学生参加专业比赛也是一个学习过程,是培养专业学习兴趣、开发创造潜能、激发创新精神的过程。每一个完整的参赛过程,都是对参赛学生的一次真正考验和能力的提升。学生一旦参加比赛,就会全身心地投入到创作的过程中,主动收集一切相关信息,来完成作品的创意,也会更与老师、同学等进行交流探讨,充分调动设计思维、完善设计理念。因此,学生利用课余时间,积极参加专业类的设计比赛,不仅能将平时所学的知识进行充分的融合与运用,提升自己的综合能力与素质,更能在参赛的过程中发现自己的不足,从而在今后的学习中更有目标和动力,为此,鼓励学生积极参加专业类的设计比赛,是一个很好的创新教育模式。 例如:我院的服装艺术设计专业非常鼓励学生参加各级各类比赛,在几年时间里,学生取得了一定的成绩。2012年我们组织学生参加“中央电视台创意星空服装设计大赛”,根据竞赛命题进行设计,充分发挥学生的创新性思维,构造出突出个性的服装设计作品,经过师生的集体努力,不断突破创新,最终获得了6名同学进入全国30强、3名同学进入全国20强、1名同学进入全国5强的好成绩。 3.工作室教学,订单式培养 现代服装市场面临着瞬息万变的流行趋势和越来越高的品质要求,因此在人才培养过程中,应以市场需求为导向、突出学生能力的应用性和创新性,加大对服装设计教学课程的改革,强调以实践与市场运作为主的新型培养模式,培养复合型服装人才。我院出于对学生今后就业问题的考虑,创立了校企合作的工作室教学模式,让学生可以一边学习理论基础,一边在服装企业中把所学知识进行实践,让学生能够慢慢地了解服装企业的需求,在学习的过程中调整好学习重点,让自己成为既能把握市场动向,又能运用专业知识处理相关技术问题的复合型人才。 例如:我院与某上海老牌的西服公司合作,建立了以企业名字命名的工作室,工作室与市场紧密结合,进行真实的项目开发与学研产的转化。企业派出资深的设计师、项目经理等专业人士,与学校的专业教师一起,对学生开展专题培养,带领学生进行某一具体项目的研发设计甚至投产,而学生从低年级开始,就可以参与工作室的项目,随着能力的提升,参与项目的深度与广度也随之提升,真正实现了学生与企业的“无缝”对接。这种基于学校导师与学生和社会相结合的新型高效培养模式,能让学生尽早接触实际的服装设计和生产,更早地明确市场需求,以兴趣为前提发挥学生的专业特长。通过在工作室学习和实践,学生更好地培养和锻炼了自身的实际操作能力和综合素质,成为了应用型复合型人才。毕业后,学生在就业市场上获得了很大的认同,企业争相竞聘。 4.合作办学,培养国际型人才 引入优质教学资源,积极开展中外合作办学,以国际化的视野培养高质量人才。合作办学带来的好处是多方面的,不仅提高了学生的综合能力,促进了他们的成功就业,更为重要的是对传统办学理念形成了冲击,使办学模式得到创新,从而带动了学校整体办学水平的提高。 与“上海装苑文化服装学院”及“东华大学——拉萨尔国际设计学院”的请进来的合作模式不同,我院开展的是走出去的合作办学模式。我院积极拓展国际视野,寻求国际合作办学的新方向,与美国FIT、香港理工大学等学校积极合作,通过学分互认的模式,派学生出国研修;与韩国灵山大学互派留学生,并每年进行交流访问。国际合作办学让学生在国际设计思维的冲击下,接受多元设计教育理念的熏陶。学生在国外不仅能接收最新的服装设计教育,还能提升语言能力和视野,成为优秀的复合型人才,更为今后学生的国际化发展奠定了良好的基础。 综上所述,纺织与服装行业是中国最具有国际竞争力的产业之一。中国服装业正在由简单的加工仿制向开发创新型转变,数以万计的服装企业和设计公司所需要大量的专业人才,对人才的设计能力和国际化程度有更高的要求。合格的毕业生必须能充分适应未来国内外服装行业的需求,才能有良好的就业前景。因此,服装设计的人才培养必须顺应时代和社会的需求,不断探索不断创新,时刻以最新的培养模式为社会培养最新最优的人才。 作者简介:周 颖(1977—),女,江苏吴江人,复旦大学上海视觉艺术学院时尚设计学院,讲师,学士。研究方向:思政教育。 刘 侃(1971—),女,陕西西安人,复旦大学上海视觉艺术学院时尚设计学院,副教授,博士。研究方向:服装艺术设计人才培养模式。 项目简介:本论文为上海市民办高校骨干教师科研项目研究成果,项目题目为《基于多元化就业方式下的服装设计人才培养模式研究》。 服装设计毕业论文范文:探索服装设计人才培养的新模式 【摘要】现有的服装设计培养人才比较传统,以学院教育为主,满足不了市场需求与时展。高校需要以项目制教学、专业大赛、工作室教学、合作办学等创新的培养模式,通过知识教育、能力培养来培养和塑造素质高、能力强的综合型创新人才。 【关键词】服装教育;培养模式;创新 “人才培养模式”是按照特定的培养目标和人才规格,以相对稳定的教学内容和课程体系,管理制度和评估方式,实施人才教育的过程的总和。创新型艺术设计人才的培养模式是适应新时代的要求,培养创新型艺术设计人才所制定的培养模式,与传统艺术设计人才培养模式有本质的区别。 服装艺术设计专业,作为艺术设计的一个重要专业,其培养模式也需要随着时代的发展、社会的进步而不断创新。近年来,服装类高校一直强调服装设计类人才的培养要满足社会发展的需要,培养应用型、创新型服装人才。随着服装教育与社会的联系越来越紧密,服装教育不能只注重理论教育,而是应该加大对服装设计教学课程的改革,强调以实践与社会需求为主的新型培养模式,以培养服装企业需要的应用型、创新型人才为目标。 一、知己知彼——当前服装艺术设计人才培养模式需要创新 我国现行的服装艺术设计教育在培养具有良好艺术素质和文化底蕴、掌握扎实的设计理论知识和设计技能的人才方面具有一定的优势。然而长期以来,我国高校的服装艺术设计专业的教育重理论、轻实践,造成了学生动手能力差、创新能力弱、综合素质低。但是,通过对服装设计公司、品牌策划公司、生产第一线的服装企业进行深入调查,我们会发现市场对服装设计人才的需求是全方位和多层次的。实际上,企业与市场还急需大量的具有较高综合素质,既掌握一定的理论知识又具有较强设计能力;既有实践能力又懂得团队合作及管理的应用型、创新型服装设计人才。实践证明传统的人才培养模式很难适应当前社会对人才的要求,服装设计人才的培养模式必须进行改革创新。 二、他山之石——国外服装艺术设计教育管窥 世界各国的服装艺术设计教育都在不断进行着改革与创新,也涌现出了许多特色鲜明的新模式。在培养模式、课程设计、教学方法、校企合作等方面,有许多国家的经验都值得我们借鉴。例如法国的服装设计专业教育的代表——巴黎国际时装艺术学院。该学院是上世纪 80 年代,由巴黎时装界的几位著名人士发起成立的。学院的宗旨是将学生培养成既拥有丰富的想象力和创造力,又具有实际操作能力的时装设计师和制作师。因此,学院聘请了在法国时装界各方面都非常著名的人才作为教师,他们既拥有名牌时装企业丰富的实际工作经验又有时装教学的实践经验,他们以其自身非凡的能力给予了学生最好的专业培养。同时,学校与巴黎的各大名牌时装企业建立了长期合作关系,它们每年按约定向学生提供一定数量的实习岗位。这种校企紧密合作的教学模式,为学生的成长提供了非常良好的平台。 三、探索实践——服装设计人才培养的新模式 笔者所在的时尚设计学院,主要是培养具有较高的综合素质和专业能力、先进的设计理念、丰富的创新思维和艺术表现力以及相当的服装制作能力和解决问题能力,能从事服装设计、设计管理及相关专业工作的服装专门人才。因此在服装设计专业的人才培养上,根据国家需要为前提、社会需求为导向、学院定位为关键的原则,制定了服装艺术设计人才的培养模式,该培养模式强调知识教育是基础,创新能力是目的,高素质是保证,突出创新在人才培养中的优秀作用,制定了相应的教学目标、教学内容、教学方法、教学过程、教学质量评价标准等环节要素,为完成应用型、创新型艺术人才培养提供了可靠的保证。我院的服装艺术设计专业结合国内外服装艺术类高校的教学经验以及市场对人才的需求,对人才培养的模式做出了以下几个方面的探索。 1.项目制教学,提升实践能力 利用项目制教学强化创新性思维和实践能力,即将一个真实的项目融合到具体的教学过程中。学生在老师的带领下,通过具体的项目去理解设计要求,确定设计应从哪个角度入手,运用哪些知识,通过哪些的技巧完成设计。通过这样的实例教学,学生能够很好地把握服装设计的原理,认识到服装设计的过程里,除了构思服装本身,还要依据穿着的对象、穿着的目的,面料性质、市场条件、人们的消费心理及流行趋势的分析等诸多方面的问题进行综合思考。 例如:我院与某童装品牌合作,确定了一个具体的童装开发项目,然后专业教师将该项目融合到具体的教学中,学生分小组合作,进行产品开发。学生在老师的带领下,以已有的知识为基础,针对童装的特点进行了研究、设计、打样,与企业不断沟通,最终设计出了符合企业和市场需求的童装新款。通过项目制教学我们发现,它是一种具有启发、诱导、决策等功能的新型教学法,对于激发学生创新思维、增强其实际分析、解决问题的综合实践能力和学习的主动性有促进作用。 2.专业大赛,增强创新意识 学生参加专业比赛也是一个学习过程,是培养专业学习兴趣、开发创造潜能、激发创新精神的过程。每一个完整的参赛过程,都是对参赛学生的一次真正考验和能力的提升。学生一旦参加比赛,就会全身心地投入到创作的过程中,主动收集一切相关信息,来完成作品的创意,也会更与老师、同学等进行交流探讨,充分调动设计思维、完善设计理念。因此,学生利用课余时间,积极参加专业类的设计比赛,不仅能将平时所学的知识进行充分的融合与运用,提升自己的综合能力与素质,更能在参赛的过程中发现自己的不足,从而在今后的学习中更有目标和动力,为此,鼓励学生积极参加专业类的设计比赛,是一个很好的创新教育模式。 例如:我院的服装艺术设计专业非常鼓励学生参加各级各类比赛,在几年时间里,学生取得了一定的成绩。2012年我们组织学生参加“中央电视台创意星空服装设计大赛”,根据竞赛命题进行设计,充分发挥学生的创新性思维,构造出突出个性的服装设计作品,经过师生的集体努力,不断突破创新,最终获得了6名同学进入全国30强、3名同学进入全国20强、1名同学进入全国5强的好成绩。 3.工作室教学,订单式培养 现代服装市场面临着瞬息万变的流行趋势和越来越高的品质要求,因此在人才培养过程中,应以市场需求为导向、突出学生能力的应用性和创新性,加大对服装设计教学课程的改革,强调以实践与市场运作为主的新型培养模式,培养复合型服装人才。我院出于对学生今后就业问题的考虑,创立了校企合作的工作室教学模式,让学生可以一边学习理论基础,一边在服装企业中把所学知识进行实践,让学生能够慢慢地了解服装企业的需求,在学习的过程中调整好学习重点,让自己成为既能把握市场动向,又能运用专业知识处理相关技术问题的复合型人才。 例如:我院与某上海老牌的西服公司合作,建立了以企业名字命名的工作室,工作室与市场紧密结合,进行真实的项目开发与学研产的转化。企业派出资深的设计师、项目经理等专业人士,与学校的专业教师一起,对学生开展专题培养,带领学生进行某一具体项目的研发设计甚至投产,而学生从低年级开始,就可以参与工作室的项目,随着能力的提升,参与项目的深度与广度也随之提升,真正实现了学生与企业的“无缝”对接。这种基于学校导师与学生和社会相结合的新型高效培养模式,能让学生尽早接触实际的服装设计和生产,更早地明确市场需求,以兴趣为前提发挥学生的专业特长。通过在工作室学习和实践,学生更好地培养和锻炼了自身的实际操作能力和综合素质,成为了应用型复合型人才。毕业后,学生在就业市场上获得了很大的认同,企业争相竞聘。 4.合作办学,培养国际型人才 引入优质教学资源,积极开展中外合作办学,以国际化的视野培养高质量人才。合作办学带来的好处是多方面的,不仅提高了学生的综合能力,促进了他们的成功就业,更为重要的是对传统办学理念形成了冲击,使办学模式得到创新,从而带动了学校整体办学水平的提高。 与“上海装苑文化服装学院”及“东华大学——拉萨尔国际设计学院”的请进来的合作模式不同,我院开展的是走出去的合作办学模式。我院积极拓展国际视野,寻求国际合作办学的新方向,与美国FIT、香港理工大学等学校积极合作,通过学分互认的模式,派学生出国研修;与韩国灵山大学互派留学生,并每年进行交流访问。国际合作办学让学生在国际设计思维的冲击下,接受多元设计教育理念的熏陶。学生在国外不仅能接收最新的服装设计教育,还能提升语言能力和视野,成为优秀的复合型人才,更为今后学生的国际化发展奠定了良好的基础。 综上所述,纺织与服装行业是中国最具有国际竞争力的产业之一。中国服装业正在由简单的加工仿制向开发创新型转变,数以万计的服装企业和设计公司所需要大量的专业人才,对人才的设计能力和国际化程度有更高的要求。合格的毕业生必须能充分适应未来国内外服装行业的需求,才能有良好的就业前景。因此,服装设计的人才培养必须顺应时代和社会的需求,不断探索不断创新,时刻以最新的培养模式为社会培养最新最优的人才。 作者简介:周 颖(1977—),女,江苏吴江人,复旦大学上海视觉艺术学院时尚设计学院,讲师,学士。研究方向:思政教育。 刘 侃(1971—),女,陕西西安人,复旦大学上海视觉艺术学院时尚设计学院,副教授,博士。研究方向:服装艺术设计人才培养模式。 项目简介:本论文为上海市民办高校骨干教师科研项目研究成果,项目题目为《基于多元化就业方式下的服装设计人才培养模式研究》。 服装设计毕业论文范文:论服饰图案在服装设计中的应用 图案是我们生活中最常见的一种装饰手段,它通过艺术手法把生活和实用中的装饰需要用图案的语言描绘出来。其特征是把人们生活中的观察、愿望、理想和自然美,以丰富的想像力并通过特有的形式与色彩,装饰成理想化的图像表达出来。 服饰图案对于服装来说具有相当重要的作用,它不仅是服装上的一种直接有效的装饰手法,它的样式、色彩还可以影响服装的款式和风格。可以说,大到整套服装,小到一粒纽扣都有服饰图案的存在。如果运用恰当将会起到画龙点睛的作用,否则会适得其反。 现代时装作品注重风格设计,力求通过作品表达设计师的个性和情感。我认为服饰图案也是如此,它的造型及色彩设计也应该具有强烈的时代感和独特的风格,并且能够很好的运用到服装设计当中,给人以心灵上的触动和美的享受。因此,需要设计师准确的驾驭和把握服饰图案的风格,最终达到与服装风格完美统一的境界。 一、服饰图案的发展 服饰图案发展到今天经历了一个长期而复杂的演变过程。 最早的服饰图案可以追溯到人类早期的原始社会,人们为了御寒、护体、遮羞,用树叶、树皮、兽皮围裹身体。为了美化和表现自己、吸引异性、图腾、祭祀、巫术的需要,用彩色黏土及兽血纹身、纹面,或用贝壳、兽骨、牙齿等材料串成饰链作为饰物,这可以看成是服饰图案的最早起源。 在我国古代,随着人们对美的不断需求,以及织造技术的提高,在各个朝代都出现了精美华丽的提花织物。 西周时期的“锦”,图案多以几何图形内填充人物、动物、植物纹样或以散点式排列的小型几何纹样组成。战国、秦、汉时期的丝织品,图案造型以几何、鸟兽、云气纹和文字为主。到了唐代是服饰图案发展的鼎盛时期,丝织品的图案丰富多彩,风格独特。如花卉中的莲花、牡丹花,鸟兽中的龙、凤、麒麟、仙鹤等图案,其造型处理十分饱满生动,纹样规整、连续、对称,以四方连续的组织向四面延续。唐锦纹样形象华美、活泼,给后世影响深远。在元代出现了加金织物,著名的织物形式有:长安竹、雕团、象眼、狮团等图案。清代的图案形式非常强调内容的寓意性,如:“佛教题材”主要纹样是法螺、法轮、莲花、宝瓶等,还有著名的“五福”福、禄、寿、喜、财图案。 我国自古就是“衣冠王国”,闻名世界的“丝绸之路”更能说明我国古代的刺绣、印染、丝织等工艺处于世界领先地位。但是随着西方工业化革命的发展和清政府的腐败统治,使我国的织造技术逐渐落后。 在我国的织造水平随着历史不断发展的同时,其他国家的纺织技术也在不断向前进步着。 早在古埃及,就出现了刺绣纹样。古西亚的巴比伦人的服装上也出现了几何形织纹。在古希腊织物上常用几何图案、条纹或刺绣花纹。古罗马的刺绣图案有棕榈枝叶以及金线刺绣。到了中世纪的拜占庭时代,宫廷最喜欢用紫红、金红刺绣,织花和刺绣纹样的题材广泛,有古典的几何纹样,有中东地区的神话动物,也有基督教仪式的场面。而且几乎所有的纹样都有象征意义。 近世纪文艺复兴时期的服饰图案仍然十分传统,在西班牙时代流行在黑色的面料上用金银线刺绣出华美的纹样或用珍珠、宝石装饰,强调出高贵、神圣不可侵犯的西班牙权贵特色。 近代新古典主义时期的服饰图案是在朴素的毛织物和白色的细棉布上刺绣出涡状、波状、藤蔓一样的非对称自由流畅的连续曲线,图案多取材于自然界中的花梗、花蕾、葡萄藤、昆虫翅膀等形状,线条柔美雅致富有节奏感和韵律美。 无论是中国还是西方国家,服饰图案都经历了一个由简单到复杂,由随意装饰到精心设计的过程。同时形成了不同的风格和艺术流派。 现代服饰图案是服饰艺术中的一个重要组成部分,随着科技的进步发展,服饰图案的设计及应用更加系统化、正规化,不但方便快捷,而且可以更直观的把握整体效果,并缩短了设计和绘图时间,可以说,高科技是服饰图案进步和发展的阶梯。 二、服饰图案的应用原则 服装与服饰图案就好像树干与树枝一样密不可分,离开了服装,服饰图案就没有存在的意义。因此,如何使服饰图案更好、更恰当的应用于服装设计中就成了我们讨论研究的内容。我认为服饰图案的应用应有其相适应的原则。 (一)实用与装饰有机结合 1、图案设计要适合人的心理要求。一般来说,社会地位、职业分工和文化素养不同的人,具有不同的思想情操和审美观点;不同年龄有着不同的性格特征,对于服装的色彩图案也有不同的要求。如:童装多采用鲜艳明亮的色彩,图案活泼有趣,充分体现儿童天真可爱的神态。而年轻人则喜欢新颖、前卫能展示自我个性的服饰图案,以符合时代流行的需要。中老年人对色彩的要求是柔和、稳重,图案要精致、含蓄,以体现出沉稳而不失个性的特点。 2、面料上的装饰要与服装结构相适应。面料质地色彩、纹样排列和图案设计都是以人体的比例和服装的外形结构为依据的,正常的服装衣片是左右对称、前后协调的。例如制作正装时,花卉图案要左右对称,条格图案要相互拼接合理,否则将影响服装的整体效果,不但没有庄重感,还会歪曲服装的造型。 (二)服饰图案与风格要完美统一 1、不同风格的图案适合不同的服装造型和品种。例如在制作晚礼服时为了与环境协调,除了面料应选择高雅的色彩,在图案的设计上则以精巧别致的点缀为主,使服装与环境、气氛相融合。同时,图案的设计还要考虑到面料的质地。一般在柔软轻薄的面料上更多采用自由奔放的纹样,而在稍厚的面料上则运用严谨、规则的纹样为佳。 2、服饰图案的风格可以左右服装的风格。以面料来说,款式相同而面料不同的服装给人的感觉是截然不同的。如:用素色面料制作连衣裙,会给人一种朴素大方的美感。如果换成大花图案的面料,则会给人一种活泼开朗的感觉。因此,在确定面料之前必须先把握好服装的风格,同时,服装的风格也要通过服饰图案来体现。如:设计晚礼服时,为了体现晚礼服华丽浪漫的情调,可选择郁金香、玫瑰花等雅致的花卉刺绣进行装饰。若想体现民族风情,可使用民间的蜡染、刺绣纹样或少数民族图案进行装饰。这样就可以准确的表达出设计者的意图。 三、服饰图案的应用方法 服饰图案的应用不但要遵循上述原则,而且还要注意应用的方法。 (一)服饰图案的风格是多种多样的,形成风格的因素来自于社会、自然、个人及材料等诸多方面。 1、古典风格,其含义即包括富贵、雍容的古典美,又包含浪漫怀旧的复古风情。前者以规整、精细的刺绣、提花或镂空图案为主。后者则以自然原始的手绘动植物花纹图案为主。此类型图案追求的是自然纯朴的美感,因此要避免刻意的变化及装饰。 2、自然风格,其图案不仅包括崇尚自然的主题,还以自然界及人类社会的某个地域、时期或事物为题材作为装饰。前者用自然界的动植物图案作为主题,如:蒲公英、野菊花、昆虫等。应用时应保留或接近原始造型,颜色以纯朴淡雅为佳。后者则要根据题材来确定图案,并要抓住事物的造型特点。 3、宗教及民族风格,其图案无疑是以宗教或少数民族为题材。前者要抓住宗教文化的特点,再根据自己的理解来应用图案纹样多以原始抽象的宗教图腾纹样为主。而民族风格造型是以少数民族服饰图案及体现民族风情的事物为主,并突出民族的传统特色。 除了以上介绍的类型外,还有社会型、时代型等不同的风格。总之,服饰图案内容丰富、分类广泛,但是不同类型的图案在应用时都要紧扣服装主题,否则会使服装风格不明确,内容与主题相互脱节。 (二)服饰图案应用于服装时,是为了更好的美化和装饰。因此,造型就成了服饰图案应用成功与否的关键。 服饰图案造型可分为具象形和抽象形两种。具象形图案体现了自然事物的形态和精神面貌,如:植物、动物、人物、风景、文字图案等。应用具象形图案时要进行人为的艺术处理,使其更具有艺术性和装饰性,就拿花卉来说:牡丹之富丽、玫瑰之典雅、荷花之饱满都可以艺术手法使图案更生动更具美感。因此,生活中具象形的事物经过艺术处理变化之后,形成个性鲜明的图案造型,使图案的风格容易把握,应用也更方便,不同的图案感觉也就不同,如:植物图案美观大方;人物、动物图案新颖别致;风景图案清新高雅;文字图案个性鲜明等,风格各异,所以具象形图案被广泛应用于服装设计中,并赋予服装无限的情趣和活力。 而抽象形图案以点、线、方、圆、角等几何图形为主。点,能刺激人们的视觉感受;直线,给人稳定感、纵伸感;曲线有流动的美感;斜线则会有不安定的动感等等。由于抽象图案易给人造成错觉,因此必须根据穿着者的体形、性格、年龄来应用。否则会造成不协调。服饰图案中的抽象形态千变万化,它那变化多样的造型给设计师创造了广阔的设计应用空间,同时抽象图案的效果是具象图案难以比拟的。 无论是具象形图案还是抽象形图案,都应遵循服饰图案的应用原则,要将实用、装饰与风格完美统一。 (三)图案有了造型之外,还必须与和谐的色彩相配合。不同的色彩能赋予图案不同的风格,如:红色,热情奔放;黄色,明朗稚嫩;粉色,纯情可爱;紫色,神秘高贵等等。 服饰图案的色彩表现要以主色调为主,应用时大致分为两种方法。首先可采用服饰图案色调与服装色调相同或相近的方法,这样能增加服装图案间的协调感,起到突出服装款式和造型的作用。其次是选择服饰图案色调与服装色调相对比的颜色,即能产生一种活跃、富于变化的效果,又突出了图案造型。 服饰图案的色彩表现固然重要,但色彩的表达还需要通过相应的方法来实现,也就是色彩的形式美。具体方法有:色彩点缀法,当图案色彩明度对比不清晰,感觉含混时,采用亮点(线)或暗点(线)对图案进行点缀,使画面效果变得层次丰富起来;色彩呼应法,对于图案来说就是“你中有我,我中有你”,使图案色彩相互呼应、渗透,形成统一的整体;色彩渐变法,是将图案的某部分进行色彩的深浅、明暗或色相渐变,使色彩的对比更加柔和有序;色彩混合法,也就是将几种颜色混合,或是将几种颜色并置于画面中形成独特的视觉效果,特点是富于变化,色彩感觉丰富。 图案色彩的处理方法多种多样,但必须根据服装的造型和风格来选择,这样才能使图案与服装色彩相协调。 (四)服饰图案以其优美的造型、线条、色彩装饰美化着服装,而图案装饰部位及面积的选择是决定装饰效果的重要因素。 一般来说装饰方法有三种:一是整体装饰,俗称“满地花”。它是以花色面料来表现服装特点的一种手法,能突出穿着者的整体造型,给人自由、流畅的美感。其次是局部装饰,就是将图案应用于服装的某一部分,常与素色相互搭配,具有变化性强的特点。第三是重点装饰,是将图案置于服装较突出的部位,强调服装上的重点,装饰性较强。 局部装饰和重点装饰不仅强调图案面积的大小,还要注意装饰部位的选择,同时一定要根据穿着者的体形和实际要求来决定,从而达到利用图案装饰修正体形的目的。 (五)服饰图案对于服装的装饰作用,还要通过相应的工艺手段准确、完美的表现。不同风格的服饰图案其工艺制作方法也不同。如:富贵、华丽风格的图案多采用刺绣、抽纱工艺对服装进行装饰,可以提高服装的品味和档次。表现自由、奔放风格的图案,可采用手绘的方法来完成,或写实、或写意、或抽象,皆有独到的韵味。如果要表现传统或民族风格的图案,可以采用蜡染或扎染的方法,使服装更具民族特色。 四、总结 服饰图案设计及应用是一门艺术又是一门科学,它不仅是服装的重要组成部分,同时还赋予了服装独特而优美的装饰效果,两者相互作用又相互制约。只要准确把握和处理好它们的关系,就能将图案和服装完美的组合在一起,达到既变化又统一的效果。 服饰图案设计这种装饰表现方法,已经更多地被服装设计师们应用,并加以创新和发展。设计师不但要掌握图案设计外在的知识技能,更重要的是提高内在的素质和艺术修养,这是一件作品能否具有独特风格,能否成功的关键。我相信设计师们将会把更多、更新颖的富有创意的服饰图案作品展现在我们面前,并被更多喜爱生活的人们所穿着。这种特殊的服装装饰方法随着时代的发展,会产生越来越多的表现形式,也将会在服装界继续大放异彩。 服装设计毕业论文范文:国画艺术在服装设计中的运用 摘 要:随着服装经济的发展,中国传统文化在服装设计中的运用越来越受到广泛关注。国画艺术作为中国传统文化的重要部分,尤其要关注其在服装设计中的融入与应用。本文从原创性设计、如何融入服装设计等方面入手,探讨国画艺术在现代服装设计中的应用。 关键词:服装设计;国画艺术;时尚元素;民族服装 随着时代突飞猛进的发展,现代人的需求和审美标准也在不断地提高,人们着装的标准不再仅限于保暖,而是有着更高的精神追求。中国传统文化是丰富多彩而且独具特色的,在服装设计中融入中国传统的绘画元素一直是中国服装设计师们追求的目标。但至今国内很多设计师仍未摆脱传统的束缚,不能有所突破地创新。如何让设计出的产品既有原创性又不失中国民族特色,让中国品牌服装在国外市场上拥有竞争力,这需要真正找到中国传统绘画元素与服装时尚的契合点,把个性与时代性巧妙地结合在一起,重视原创精神,真正地在服装设计中融入民族风味的同时,又不乏时尚感。本文将结合实际情况阐述当下服装设计与国画艺术结合的意见和观点。 一、实现原创性设计,提高我国服装产业国际竞争力 1.国画艺术性在服装设计中的表现形式 国画是中国传统绘画的代表,不仅传承了中华民族深厚的文化底蕴,还形成了它独特的魅力和多样的格调。因为传统绘画的内涵丰富,笔墨技巧独特,所以成为了现在服装设计的创新点。设计师深入了解之后使其设计的作品表现出浓厚的民族艺术精神和强烈的民族特色,让中国绘画元素与时尚完美地融合,才能在世界服装舞台上独占鳌头,创立属于我们自己的国际品牌。 2.中国国画的图案审美的优势 如来自著名设计师郭培“一 千零二夜”会中的一件作品,可以说中国绘画元素在这件作品中被发挥得淋漓尽致,突出了时尚与中国元素结合的设计理念。这件作品不仅在服装设计上大胆创新,还体现了中国民族文化的内涵。这件作品被许多人称为“一件真正的艺术品”,得到了很多人的青睐。由此看来,传统的中国绘画元素有着它独特的魅力,只要将传统的绘画元素合理地融入到现代时尚潮流中,就会得到意想不到的视觉效果。 3.发展民族服装品牌 受全球一体化的影响,中国服装企业正面临着前所未有的压力。这种压力与世界发展潮流有着密切的关系。中国民族服装品牌的发展目前处于成长阶段,要想在世界服装品牌占有一席之地,就必须充分利用中国绘画元素的独特性和别具一格的民族风格,将中国传统的文化元素融入到当前的服装设计中,利用中华民族历史和文化底蕴来完成中国民族服装品牌的成长之路。 二、如何在服装设计中融入国画艺术 1.让现代服装设计摆脱传统的束缚 社会日新月异,服装的更新速度和社会的发展速度是并驾齐驱的,一种服装往往代表了一个时代。在人们生活水平提高的同时,人的审美意识也在不断提高,对服装的要求也在不断变化。要想满足消费者的需求,就必须真正懂得什么是艺术美。设计师们要想设计出一件好的作品,就必须敢于打破一些旧模式,敢于创新,通过中国画的艺术性和绘画技法来实现服装设计的民族特色,真正地实现个性与时代性的巧妙结合,让中国服装和中国的文化底蕴完美结合。 2.认识传统绘画与现代服装设计的关系 绘画与设计之间有着很大的关系,很多时候设计的灵感就来自于绘画。中国画的特点在于色彩分明,线条流畅,使主观色彩在画面中产生美感。服装设计师们要善于继承和运用传统,用民族服饰的特点来诠释现代设计理念,在确定服装设计方向的同时要仔细了解传统绘画形式背后的传统文化精神,把中国传统的绘画元素巧妙地运用到设计当中,让服装设计拥有独具匠心的构思的同时增加它的文化价值,让设计出来的产品具有中国文化的象征意义,从而体现服装设计与传统绘画的完美结合。 3.让中国元素与时尚完美融合 中国传统绘画具有独特的表现形式和审美标准。要想运用中国传统绘画艺术来进行服装设计,就必须了解中国传统绘画艺术的内涵。只有真正了解了中国传统绘画艺术,才能很好地运用到服装设计当中。就目前而言,我们的服装设计与其他国家差距甚远,但我们能从其他国家不同的服装设计中看到中国传统绘画的影子,这点足以说明中国传统的绘画艺术在世界上的影响力,所以我们更应该加强对服装设计中融入中国传统绘画艺术的研究和关注。随着社会的进步,人们慢慢地开始追求服装的形式风格和艺术风格,所以设计师必须要在结合中国元素与时尚的同时,也要不断更新设计理念。只有这样才能让每位消费者都能找到适合自己的流行元素。 4.让时装变成商业和艺术的结合 把中国传统艺术绘画运用在服装设计上,首先要保证材料的质量和制作工艺。在制作工艺的不断提高下,不仅要保证产品的舒适度,还要不断地丰富中国传统绘画艺术在表现形式上的视觉美感,丰富服装设计的附加值,在提高我国服装设计产品档次的同时又能满足现代人对服装高层次的需求。现代人崇尚个性化,所以服装设计师们必须及时更新设计理念,灵活运用中国传统绘画艺术,注重服装的面料、加工,用设计师特有的理解方式来诠释其设计作品的艺术性,以设计加文化为目标,让服装设计从单纯的欣赏层面中走出来,与经济相结合,用中国传统绘画艺术来带动服装产业的发展。 综上所述,中国传统绘画艺术对服装设计的影响是源远流长的,真正的服装设计就是艺术的体现,服装设计的灵魂就是艺术和思想的结合,对民族传统文化一无所知的服装设计师是不可能设计出优秀的作品的。笔者认为,服装设计师必须深入了解中国传统绘画艺术的内涵,才能让设计的作品体现出我国传统艺术深厚的文化底蕴,从而形成自身独特的服饰文化产业。将传统的绘画元素融入到现代时尚潮流中,是时代进步的必然结果。 (作者单位:常州艺术高等职业学校)
幼儿美术教育论文:幼儿创造力中美术教育论文 1我国幼儿美术教育创造力的缺失 1.1美术教育思维僵化影响幼儿创造力发展 当前幼儿美术教育思维僵化,还停留在判断教学效果的优劣在于幼儿能否将一个物品画得“很像”的思维上。例如画一个苹果,能画出红色或者绿色,比较圆的苹果,并且画面比较整洁就算是幼儿学得不错,老师教得不错。假若幼儿画出了黄色、紫色的苹果,甚至可能苹果的形状是棱角分明的,就无法得到认可。幼儿美术教育陷入过度注重技能而忽略幼儿创造思维的培养,最终导致的是忽略了幼儿的全面发展,特别是创造力的发展。 1.2模式化教学阻碍对幼儿创造力的引导 现在的幼儿美术教育过度受限于教学的流程和模式,一般的授课模式往往是教师讲解,示范,引导联想,幼儿模仿,教师指导修改。固化的流程,限制了幼儿创造力的发挥。在引导联想的环节,教师往往会告诉幼儿月亮像船、像镰刀,像香蕉……幼儿对月亮的联想也局限在有限的事物范围内。本应该最能够促进幼儿创造力发展的引导过程,反而成为最限制幼儿创造力的环节。 1.3家长教育思想落后,扼杀幼儿发散思维发展 除了社会和教师的思想误区以外,幼儿家长往往在教育目的方面也存在着一些问题。现代社会注重人的全面发展,因此对一部分家长来说,自己家的孩子“多才多艺”可以让自己“脸上有光”,“有面子”。抱着这样的想法让幼儿参加美术课程,于是注重的就是幼儿绘画是否“专业”,“像真的一样”,而忽略了幼儿创造力的培养,甚至有的教师注重幼儿创造力的培养不强调用色、构图的“正确性”和“准确性”还会引起家长不满。这也在一定程度上限定了教师在培养幼儿创造力的积极性,并且扼杀了幼儿发散性思维和创造力的萌芽。 2借助美术教育培养幼儿创造力的有效措施 2.1教师角度 (1)良好的师生关系为教学做好铺垫。 最适合培养幼儿创造力的课堂师生关系是能够实现教师与幼儿共同发散思维的关系。当前一些有前瞻性的美术教师采取主题式教学,即以一个词语、一个场景作为一次课程的主题,例如某种动物、植物,某个季节,某种食品等等,不附加任何限定,由教师与幼儿一起实践,甚至可以加入音乐和游戏的元素,让幼儿自己根据对主题的理解进行绘画,从而塑造幼儿的创造性思维,培养幼儿创造力。 (2)拓展幼儿的联想能力,为培养创造力创造条件。 在教学过程中,教师应当充分为幼儿发散创造力提供适当的氛围。例如一件事物的理解,不应先向幼儿讲述应当如何记忆和理解,而是要先了解幼儿的联想,并在幼儿联想的基础上因势利导,引导幼儿自己去进一步思考和联想,甚至产生主动创造的愿望。 (3)兴趣为主导,激发幼儿创造力。 在美术实践过程中,要推动幼儿用眼观、用耳听、动手练,引导幼儿尽可能用身体的各个部分去接触和感受外部世界,并尝试用自己的思维将这些过程和感受记录下来。由于幼儿的记录大多是以绘画为主要模式,这时教师就可以指导幼儿有目的地将所见所闻画下来,既能够加深印象,又能够培养创造能力和绘画能力。 (4)转变单一教学模式,多种教学手段相结合。 幼儿教育的过程应该是多元化的,并且这个过程中应当以幼儿为主体,基于幼儿的角度来进行。这就要求教师一方面要引导幼儿多观察,多思考,多时间,另一方面也要注重在实际生活中采取不同的措施丰富幼儿的内心世界,并结合日常生活和学习,在课堂上挑选最为合适的教学手段和方法。①多媒体合理运用。在幼儿美术教学中,可以借鉴投影仪、录音机等不同形式的多媒体仪器,帮助幼儿通过感知、感觉了解外部世界,使幼儿对外界事物的了解更加立体化,更加生动。②情境化的教学。为了帮助幼儿更好地打通思维与现实世界的通道,美术教师可以创设与幼儿所学习的内容相似的情境,帮助幼儿更好地理解教学内容,潜移默化地使幼儿建立构图和绘画的意识。③小班化教学。考虑到成人的注意力有一定的幅度,而幼儿往往又活泼好动,因此要尽可能采取小班化教学,使每一名幼儿在课堂上都能够得到足够的关注,有足够的机会参与课堂教学,展现自己的创造力。 (5)故事引导,创设想象情境。 对幼儿来说,故事比现实更有吸引力,因此对幼儿来说,以故事方式呈现的教学内容也更有利于他们的理解和感知。此外,故事还能够激发幼儿学习兴趣,活跃课堂气氛,使幼儿的学习过程更加愉悦,学习效果也更好。 (6)教师思想的解放。 幼儿创造力的培养需要有良好的创造氛围,并依赖于幼儿教师的有效引导和指导。因此培养幼儿创造力的一个重要前提就是幼儿教师要有更为开放的思想,对幼儿教育有更加深刻的认识,并通过广泛接触新鲜事物,了解和学习新的教学理念,从而能够在课堂上带给幼儿更为新鲜的内容。 2.2家长和社会角度 (1)提高家长对幼儿美术教育中创造力的认识。 从家长层面来说,培养幼儿的创造力不能完全依赖幼儿教师,而是要求家长与幼儿教师通力配合也要不断更新对幼儿教育的认识,对幼儿参与美术教育不能只寄望于幼儿画得像才算画得好,而是充分理解和尊重幼儿的联想和创造,才能真正有利于促进幼儿的创造力培养。 (2)拓宽社会教学资源。 就社会来说,培养幼儿的创造力,最终仍是以服务社会,为社会提供优质人才为目的,因此,对幼儿创造力的培养应当不断增加可用于幼儿美术教育的资源,使幼儿美术教师在课堂教学内容的选择方面能够有更大的空间,而不是局限于教学的教材。通过将更多现实生活中的素材应用于教学中,才能最终实现幼儿创造力的培养。 3结论 幼儿是我们的未来,幼儿创造力的培养影响着未来我国创造性人才在人力资源中所占的比例。对幼儿美术教育来说,由于其所具有的先天优势,理应更多地负担起培养幼儿创造力的职能。通过社会和家长的支持,借助教师不断的努力,一定能够使我们的幼儿美术教育更好地促进幼儿创造力的培养。 作者:郑茹男 单位:绥化学院教育学院 幼儿美术教育论文:多媒体技术下幼儿园美术教育论文 一、多媒体技术可以辅助幼儿教学 (一)多媒体具有灵活多变的优势,能为幼儿创造生动形象的教学环境。 (二)多媒体能够展现直观形象的事物,能使教学内容更加直观、形象,帮助幼儿主动的参加教学活动。 (三)多媒体能够开拓幼儿思维,加强幼儿的独立性学习的习惯。 二、多媒体技术在幼儿美术教学活动中的应用 (一)优化美术艺术教学环境,激发幼儿的学习美术的兴趣 由于兴趣能够促进幼儿学习的主动性。多媒体技术具有多样性、形象性的特点,它能够运用声音、动画、色彩形象的展示在幼儿眼前,使教学环境趣味盎然,美术教学设计引人入胜,通过多媒体再现生活中的事物,把静态知识转化成为动态知识,抽象知识能够变得形象化,使幼儿在美术教学过程中不产生厌烦,帮助幼儿集中注意力,使幼儿感到学习的兴趣主动的学习美术课程。 (二)多媒体技术能够优化美术教学内容,解决教学中遇到的难点 幼儿的思维活动比较形象,对于美术教学中抽象的知识很难理解,教师可以借助多媒体将教学内容形象、地表现出来,并能够多角度地呈现教学内容,把抽象的东西变得更加具体化,使教学内容变得更加直观,从而帮助幼儿得到较多的感性知识。例如:在大班美术教学活动中,如“地球的好朋友——太阳和月亮”其教学难点是如何让幼儿了解太阳、地球、月球三者之间的关系。教师利用多媒体制作教学课件,以拟人的动画形象展示太阳、地球、月球三者之间的关系,使公转、自转的抽象概念变得形象化,使幼儿清楚的直观形象理解三者关系,从而突破教学中遇到的难点。 (三)利用多媒体优化课堂教学过程,提高课堂教学效率 利用多媒体进行教学,能够有效缩短教学的课堂时间,教师可以根据教学的要求,对画面、声音进行设计,告别时间与空间的限制,使看不清、摸不到的东西变得触手可及,增强了幼儿教育活动的表现力,使幼儿主动参与课堂教学活动,从而我们要求的教学效果。例如:在幼儿园中班美术教学活动中,“美丽的大草原”教学活动中,我们主要是教会幼儿如何制作沙画,传统的教学方式主要是教师通过示范让幼儿进行学习,由于部分幼儿能看到所以教师经常分组教学浪费了课堂时间。运用多媒体技术辅助教学后,教师通过使用投影设备进行讲解,解决了遮挡幼儿视线的问题,而且缩短示范讲解时间,节约课题教学时间,使幼儿能够更多时间进行亲手操作。 (四)教师在教学中应该做到因人施教 幼儿由于遗传原因和家庭环境的不同,幼儿理解能力参差不齐。如果教师采用传统的教学方式,教师不可能在相同的教学活动中采用不同的教学方式进行教学,这样违背了教学最优化原则,而多媒体技术的应用可以使教师有效控制教学进程,采用不同的教学方式帮助幼儿更好的学习。无论是美术教学中的巩固练习或新知识的传授,教师都可以随时随地的根据幼儿不同情况进行技术修改,满足幼儿的不同的教学需求。 (五)创造和谐优美的美术教学氛围,实施艺术美感教育与幼儿情感教育 我们采用多媒体技术能够为幼儿创造轻松快乐的学习氛围,培养幼儿主动接触大自然、懂得欣赏艺术作品,感受大自然的魅力和艺术的美感。如幼儿大班美术教学欣赏活动中,如“天安门”教师可以通过多媒体播放天安门的升旗仪式,使幼儿能够身临其境的了解和感受天安门多么雄伟与壮丽。通过幼儿观看到天安门的升旗仪式的过程中,有些幼儿能够情不自禁的唱起中华人民共和国国歌,还有部分幼儿通过感染离开自己的座位站起来行注目礼。在这样的教学活动中,幼儿可以通过视觉、听觉真正感受到天安门如此庄严雄伟,增强了幼儿心中的民族自豪感。 三、多媒体技术辅助幼儿教学需要注意的问题 (一)运用多媒体技术辅助教学过程中,教师需要重视幼儿的主体地位与教师的主导作用。我们要克服重教育轻学习的情况,采用教育引导幼儿学习的方式,突出幼儿的主体性,从而激发和促进幼儿自主的学习。同时,我们要保证教师的主导教学作用,做到人与多媒体相互交融的教学方式交,教师要把自己的教学策略与多媒体课件合理融合做到有效运用,从而体现幼儿的主体性与教师的主导性。 (二)运用多媒体技术的同时要明确教学目的和教学内容,做到该用时慎重选择,做到教学重点突出,不必要的时候不使用多媒体,这样可以有效避免干扰教学的重点和难点,不占用教师的讲解时间和幼儿的思维活动时间。 (三)多媒体技术不能完全取代传统的教学方法,要做到传统手段与多媒体技术有机结合。教师需要充分考虑美术教学内容、精心设计美术教学过程的基础上选择最合适的多媒体教学方法,从而优化美术教学活动,使幼儿在最佳的学习条件下进行优质的学习,不能滥用多媒体技术。 四、结语 通过实践证明,教师如果能恰当的采用多媒体技术手段辅助课堂教学,我们能够多角度、全方位的组织好美术教学活动,这样有效的教育方式可以帮助幼儿更加热爱学习,同时还能有效促进老师美术教育活动过程中:教学的趣味性,提高幼儿学习的积极性,多媒体辅助教学能有增强幼儿的注意力、提高观察力、增加记忆力、开拓幼儿思维力与想象力。随着科学的不断进步,教学形式逐步科学化、多样化,从而有效提高幼儿课堂教学质量,但是幼儿教学仍然需要我们不断钻研、不断探索、不断创新。 作者:徐荣 单位:昆山开发区东部新城幼儿园 幼儿美术教育论文:生活化幼儿美术教育论文 一、生活化的幼儿美术教育的本质及基本特征 在传统的幼儿美术教育中,幼教的主要方向在对幼儿的认知能力和动手能力上,而生活化的美术教育则是注重幼儿在学习过程中的情感体验,通过幼儿在日常生活中的一些感受来进行引导教学。将真实的生活体验融入到美术教育中去,在引导幼儿形成独立个性的同时还能将幼儿对学习的兴趣培养出来,让幼儿在进行美术学习时发现生活中的各种美好,这样有助于塑造健康的人格。因为幼儿还小,对事物的认知能力较差,通过生活化的学习环境能让幼儿在学习中充满兴趣,同时还能让美术教育往更好的方向发展,以下几点突出了美术教育的特点: (一)生活化 艺术是需要灵感的,而生活则是灵感的源泉。幼儿对事物的认知能力有限,所以他们在进行美术创作时的灵感来源于平常生活中的一些感受和所看到的事物。但是由于幼儿还处于非常脆弱的阶段,心理和生理都还处在起步阶段,这就导致幼儿在进行美术创作时往往因为不能很好地将身体的各个机能协调运作,使美术创作在一片狼藉中结束。当幼儿的年龄超过三岁时,进行美术创作已经可以看到他们能通过一些简单的符号来表述其想表达的意思。所以在这时候教师要引导幼儿多观察生活中的事物,让孩子的认知能力得到提高。 (二)游戏性 美术其实是表达内心的一种方式,幼儿在进行美术学习创作时,也是对其生活的一种认知和反馈。因为幼儿在各个方面的发展都还不全面,所以他们完全是遵循内心感受来描述生活的,因此,教师在进行美术教育时,可以通过幼儿的天性“玩”来开展美术教育,在“玩”的同时也是幼儿表达自己生活情感的一种方式,通过游戏的形式来让幼儿在美术学习过程中深化对事物的认知度,进而获得启迪。 二、生活化的幼儿美术教育的作用 幼儿教育的另一个主要作用是帮助幼儿开发智力,而生活化的美术教育不仅能帮助幼儿开发智力,还能提升幼儿的心理素质,帮助幼儿塑造个性化的性格。 (一)有助于提升幼儿的智力 智力作为保障人们正常生活的一个基础要素,智力的发展是随着年龄的增长而增长的,在幼儿时期,是智力发展的最佳时期,此时的智力发展是非常快的,往后的阶段才会逐渐平稳的发展。生活化的美术教育主要是以生活为基础来进行教育的,在幼儿的认知上,熟悉的场景能使他们更好的感知事物,又因为创设的环境极具生活性、形象性,使得幼儿能更好地理解所教授的情景画面。同时浓厚的生活氛围能激发幼儿对美术活动的学习兴致,使其主动积极地对美术活动进行探索和发现问题,丰富他们的想象空间,使其记忆力和创造力都得到提高。 (二)有利于促进幼儿非智力的发展 人在成长过程中兴趣爱好、情感、意志和性格等非智力因素都是必备的品质,幼儿本身都是不同的鲜明个体,所以同一种方式的刺激所产生的作用是不同的,这就使得幼儿在同样的学习环境中,表现出不同的兴趣爱好。因为生活化的美术教育能使幼儿感受到生活的气息,所以教师可以引导幼儿充分利用发掘生活中可用的材料来进行美术创作,通过自己的努力而完成的作品往往会使幼儿更加兴奋,同时因为作品与实际的生活贴近,会使幼儿心中产生一种认同感,这种感觉能使幼儿的自信心得到提升,同时还会增加幼儿的荣誉感,这就给幼儿的非智力发展带来了动力。 (三)能提高幼儿的心理素质 幼儿还处于非常脆弱的阶段,所以提升幼儿的心理素质非常重要。教育的形式非常多,而美术教育只是其中的一部分,但是由于美术教育有强烈的个性化特征,这符合幼儿自身的特征,所以通过美术来教育幼儿具有非常实质性的作用。并且,美术教育也可以算是一种感情上的教育模式,因为美术具有审美性,它是反映人们生活状态的一种内心表达方式,有些甚至能达到社会道德的范畴,所以对教育幼儿的心理方面有着非常重要的影响。因此,美术教育在提升幼儿对美的感受和追求时会不知不觉提升幼儿的心理素质。 (四)有助于促进家园合作,形成教育合力 在美术教育中还可以积极利用教育中的合力作用。教育不仅仅是学校的责任,家庭也是教育的主要组成部分,只有两者齐心协力才能使幼儿往健康的道路上发展。两者之间,还是幼儿园更占据主要地位,家庭教育只是辅助教育,通过两者之间特有的趣味性和操作性,使幼儿在学习上更加积极主动。因此,家长融入到孩子的世界中能为孩子创造出更好的学习空间。 三、生活化的幼儿美术教育模式 (一)挖掘生活中的美术素材 幼儿美术教学是需要通过多个步骤来完成的,其中寻找材料就是非常重要的一个步骤,这是给孩子提供创造和学习的平台。在进行美术教育活动时,教师可以专门设立一个单独的教室来给幼儿营造创作的空间,并给孩子们提供丰富的材料和工具,在材料的选择上,可以选取一些很容易找到的生活旧物或是天然材料等,这不仅能给孩子带来熟悉感,还会引起孩子的好奇心,这样更有利于激发孩子的创造能力。 (二)动手能力和创造能力 在我国传统的教育模式上,所有的课程都是在课堂上完成的,填鸭式的教育模式使得孩子们缺少了自己的个性特征,所以对于生活化的幼儿美术教育,教师要摒弃这样的教学模式,通过不同方面来渗透美术元素,让幼儿在自然中感受美术的魅力,这不仅有助于激发孩子的积极性,还会给孩子们相互学习交流创造条件。比如在美术活动中,教师可以给孩子们布置一个美术课题“制作小蛋糕”,在孩子们用橡皮泥制作蛋糕的同时教师也可以和孩子一起制作,教师适时指点能给孩子带来更多启发,这也会提高孩子的积极性,也可以通过利用废旧的报纸、丝带等物品来制作一些奇思妙想的玩具,让孩子的思维得到开拓。通过这样的美术活动,让孩子切身体会到创作带来的乐趣及不一样的体验。同时还可以组织家长共同参与到幼儿的美术活动中来,从最初的设计到最后的成品,都由家长和孩子共同完成,这不仅能让孩子感受到美术教育的快乐,还能体验生活中不能感受到的另一面。 四、结束语 在幼儿的初始教育中,生活化的美术教育不仅能够让幼儿的心智得到提高,还能拓展开发幼儿的想象力和创造力,让幼儿更好的了解现实世界的美好,培养其正确的审美观。建立在生活氛围中的美术教育不仅能够让幼儿更好的发现生活中的美好,还能让幼儿对生命之美有初步认识。 作者:胡媛 单位:陕西学前师范学院 幼儿美术教育论文:幼儿美术教育论文 一、构建充满活力的课堂教学氛围 我国著名教育家陶行知认为,创造力的发展基础是民主。幼儿美术教师在教学过程中要构建民主、和谐的教学氛围,让课堂教学变得更加生动、融洽,具体可以从下面几个方面构建:第一,通过创设情境激发幼儿的创造力。不同的教学情境会让幼儿产生不同的心境,这对于提升幼儿的美术表现力将会起到关键性的作用。对此教师可以运用富有情感的语言、形象的道具和声像环境构建和谐的教学氛围,让幼儿通过这种氛围获得感悟并产生兴趣。教师在其中要注重适当的引导,科学合理地调节幼儿的情绪,激发幼儿的想象,让幼儿能够在看一看、想一想和画一画、玩一玩中不断培养创造力,让他们产生美术创作的冲动。第二,创建以幼儿为优秀的美术课,让幼儿积极地参与美术创作。随着教学改革的不断深入,以幼儿为教学主体、教师为主导、训练为主线的原则基本上被广大教师接受,这种教学方式能够充分激发幼儿的参与意识,提升幼儿学习的主观能动性。所以在美术教学过程中,教师要求幼儿多动手,通过具体的创造引导幼儿的创新意识,并将创新和发现问题的权利下放给幼儿,凡是幼儿能够通过自我探究获得的结果,教师不应该代劳,也不应该暗示,而是要引导幼儿探索和发现。另外,教师还要在教学过程中尽可能地让幼儿有表现的机会,搭建展示舞台,这样能够有效激发幼儿的表现欲。在教学方法上,教师通过信息、语言以及形象方面的引导,在幼儿学习的过程中做参谋。教师要充分信任幼儿,让他们自由想象和创造。如,在国画教学中,教师只需要教授幼儿笔墨的使用方法,然后让幼儿自己创作,这时候会出现千人千面的现象,从而有力地提升了幼儿的创新能力。第三,教师在教学中也要提出具体的要求。培养幼儿的创造精神,不仅要创设情境,让幼儿成为教学主体,更需要在教学过程中提出科学合理的要求,而这些要求要具备长期性和实效性,要求幼儿自己画的和别人不一样,现在画的要和过去画的不一样,要让幼儿敢于不断否认自己的过去,才能够有效地引发他们的创新精神,当然这些要求也要紧密结合幼儿的心理特征。 二、激发幼儿的想象力和思维能力 第一,选材要尽量广泛。对此可以让幼儿充分结合自己的生活实际进行创作,构建新的形象组合,这样能够有效地激发儿童的想象力,同时还能够展示他们的纯真内心。如,在立体造型的绘画教学中,就可以包装盒为切入点,构造一些简单的造型,然后使用纸张、泥土等材料构造一些复杂的造型,这样就能够让幼儿充分理解黏结、组合的创造模式,最后再以幼儿生活中比较常见的水果和蔬菜等材料进行组合,这样能够有效激发幼儿的想象力。第二,命题要尽可能的巧妙。如果在构造教学中以蔬菜和水果为主要材料,就可以将课题定为《蔬菜的联想》,然后运用流行的木匠教学法,提供给幼儿一些木块和一把量尺,让他们测量不同木块的长、宽、高,然后拼接成相应的物体。物体的拼接实际上由幼儿独立完成,教师只是解答幼儿在操作过程中遇到的问题。联想教学能够有效激发幼儿的想象力和创造力。第三,构思要从趣味着手。以《蔬菜的联想》为例,教师要抓住联想这个关键词,通过启发、诱导以及鼓励等方式引导幼儿将多种材料进行有效结合,并通过联想的方法让他们按照自身的构思和设计不断创造和探究,这样就能有效激发幼儿的创造热情。第四,鼓励幼儿动手创作,这是将构想转变成现实的重要过程,也是培养幼儿创造力的关键环节。如,在《纸条工艺》一课的教学中,教材主要介绍了纸条的卷、折、扭、粘四种方式,让幼儿将纸条剪切成等宽,然后创作菊花、小女孩的头发以及眼睫毛等。鼓励幼儿积极参与手工制作,能够让他们将自身的想象转化成具体的实物,对于激发幼儿的创造力极为关键。 三、结语 美术学科对于培养幼儿的创造力具有非常积极的作用,教师要充分利用这门学科的优势,注重教学方法的创新,有效激发幼儿的学习热情,从而不断提升幼儿的创造力。 作者:杨中洲单位:吉林吉林市昌邑区哈达小学 幼儿美术教育论文:幼儿园美感能力美术教育论文 一幼儿园美术教育中美感能力培养的必要性 作为幼师要避免只重视知识教育和技能表现,忽视幼儿在活动中的情感和态度。幼儿创作作品的过程是他们表达自己想法和情感的重要方式,所以要鼓励幼儿富有个性和创造性的表现,克服过分强调技能和技巧的做法。幼儿美术活动能力是在大胆表现的过程中逐渐发展起来的,教师的主要作用是激发幼儿感受美、表现美的情趣,丰富审美经验,体验自由表达和创造的快乐。此外,根据幼儿个性的发展状况和需求,要对其表现方式和技能技巧予以适当的指导,才能促进幼儿的身心发展。 二幼儿园教师教学过程中美感能力的培养 幼儿园教师美感教育培养首先要提升美术欣赏能力。审美与艺术是相互的,没有审美就没有艺术,没有审美情趣和审美洞察力,就不可能创造出审美价值较高的绘画作品。美术欣赏的作用是培养幼儿教师具有较高的审美能力和水平。首先要选择适合的作品,尽量选择对教师教学有帮助、跟平时技能训练有关系的作品。教师通过欣赏,了解作品的不同风格和表现技法,并从中汲取经验,选择适合自己的学习方向。教师通过作品欣赏,思考分析艺术作品和现实间存在的距离,并从欣赏过程中体会艺术的魅力,提高审美能力和理论修养。同时也可将学到的技巧用于日常教学中,如将美术理论与幼儿的年龄特点、知识结构和认识水平相结合,选择更加恰当的美术欣赏内容,引导幼儿学会欣赏,并通过色彩、线条、形状等形式向幼儿传达美的信息。其次是自身专业能力的培养与提升。幼儿教师在美术创作时,提高造型能力,把握色彩关系和色彩变化规律,表现出来的物象会更真切。教师在训练中可大胆地采用多种美术表现技法并融入环境创设,为幼儿创造轻松愉悦的学习环境。画面颜色要接近自然,这样的色彩可让幼儿产生丰富的想象力,更容易使幼儿产生共鸣,从而引起他们对美好事物的喜爱和向往,增强创作的想象力。幼儿教师要根据教育活动的需要自制玩教具,提供幼儿感兴趣并适合的活动材料进行活动。幼儿玩教有利于幼儿认识事物,促进智力发展。教师制作玩教具的过程也是创作美、发现美、欣赏美、传播美的过程。教师可利用感知自然美的能力,积累美、创造美,从活动中体验创作过程的艰辛和成功的喜悦。这一过程充分体现了教师的环保意识及创新意识,强化了教师的手工能力。指导幼儿利用身边的物品如一次性杯子、蛋壳、毛线等制作玩具、手工艺品等来美化生活,从中引导幼儿相互交流、相互欣赏、共同提高这也是一名幼儿园教师应具备的素养。 三、结语 幼儿园教师美感教育通过引导幼儿认识美的事物和艺术作品,培养他们认识美、爱好美、创造美的能力。充分发挥幼儿园教师美术教育中美感教育的特点,使幼儿的自主创造与美感能力有机结合、互相渗透,从而促进幼儿艺术综合能力的和谐发展。 作者:万传菲 董玉倩 单位:山东协和学院 幼儿美术教育论文:幼儿创造力美术教育论文 一、构建充满活力的课堂教学氛围 我国著名教育家陶行知认为,创造力的发展基础是民主。幼儿美术教师在教学过程中要构建民主、和谐的教学氛围,让课堂教学变得更加生动、融洽,具体可以从下面几个方面构建:第一,通过创设情境激发幼儿的创造力。不同的教学情境会让幼儿产生不同的心境,这对于提升幼儿的美术表现力将会起到关键性的作用。对此教师可以运用富有情感的语言、形象的道具和声像环境构建和谐的教学氛围,让幼儿通过这种氛围获得感悟并产生兴趣。教师在其中要注重适当的引导,科学合理地调节幼儿的情绪,激发幼儿的想象,让幼儿能够在看一看、想一想和画一画、玩一玩中不断培养创造力,让他们产生美术创作的冲动。第二,创建以幼儿为优秀的美术课,让幼儿积极地参与美术创作。随着教学改革的不断深入,以幼儿为教学主体、教师为主导、训练为主线的原则基本上被广大教师接受,这种教学方式能够充分激发幼儿的参与意识,提升幼儿学习的主观能动性。所以在美术教学过程中,教师要求幼儿多动手,通过具体的创造引导幼儿的创新意识,并将创新和发现问题的权利下放给幼儿,凡是幼儿能够通过自我探究获得的结果,教师不应该代劳,也不应该暗示,而是要引导幼儿探索和发现。另外,教师还要在教学过程中尽可能地让幼儿有表现的机会,搭建展示舞台,这样能够有效激发幼儿的表现欲。在教学方法上,教师通过信息、语言以及形象方面的引导,在幼儿学习的过程中做参谋。教师要充分信任幼儿,让他们自由想象和创造。如,在国画教学中,教师只需要教授幼儿笔墨的使用方法,然后让幼儿自己创作,这时候会出现千人千面的现象,从而有力地提升了幼儿的创新能力。第三,教师在教学中也要提出具体的要求。培养幼儿的创造精神,不仅要创设情境,让幼儿成为教学主体,更需要在教学过程中提出科学合理的要求,而这些要求要具备长期性和实效性,要求幼儿自己画的和别人不一样,现在画的要和过去画的不一样,要让幼儿敢于不断否认自己的过去,才能够有效地引发他们的创新精神,当然这些要求也要紧密结合幼儿的心理特征。 二、激发幼儿的想象力和思维能力 第一,选材要尽量广泛。对此可以让幼儿充分结合自己的生活实际进行创作,构建新的形象组合,这样能够有效地激发儿童的想象力,同时还能够展示他们的纯真内心。如,在立体造型的绘画教学中,就可以包装盒为切入点,构造一些简单的造型,然后使用纸张、泥土等材料构造一些复杂的造型,这样就能够让幼儿充分理解黏结、组合的创造模式,最后再以幼儿生活中比较常见的水果和蔬菜等材料进行组合,这样能够有效激发幼儿的想象力。第二,命题要尽可能的巧妙。如果在构造教学中以蔬菜和水果为主要材料,就可以将课题定为《蔬菜的联想》,然后运用流行的木匠教学法,提供给幼儿一些木块和一把量尺,让他们测量不同木块的长、宽、高,然后拼接成相应的物体。物体的拼接实际上由幼儿独立完成,教师只是解答幼儿在操作过程中遇到的问题。联想教学能够有效激发幼儿的想象力和创造力。第三,构思要从趣味着手。以《蔬菜的联想》为例,教师要抓住联想这个关键词,通过启发、诱导以及鼓励等方式引导幼儿将多种材料进行有效结合,并通过联想的方法让他们按照自身的构思和设计不断创造和探究,这样就能有效激发幼儿的创造热情。第四,鼓励幼儿动手创作,这是将构想转变成现实的重要过程,也是培养幼儿创造力的关键环节。如,在《纸条工艺》一课的教学中,教材主要介绍了纸条的卷、折、扭、粘四种方式,让幼儿将纸条剪切成等宽,然后创作菊花、小女孩的头发以及眼睫毛等。鼓励幼儿积极参与手工制作,能够让他们将自身的想象转化成具体的实物,对于激发幼儿的创造力极为关键。结语美术学科对于培养幼儿的创造力具有非常积极的作用,教师要充分利用这门学科的优势,注重教学方法的创新,有效激发幼儿的学习热情,从而不断提升幼儿的创造力。 作者:杨中洲 幼儿美术教育论文:幼儿创新精神美术教育论文 一、美术教育的重要性 创新精神作为知识经济社会的发展动力,其作用是非常重要的,而可以培养儿童创新思维、创新意识与创新精神的美术教育,对我国实现社会转型具有非常重要的帮助。幼儿对任何新奇的事物都有着很强的好奇心,通过艺术活动,可以将自己的感觉充分表达出来。通过这种方式,可以使幼儿了解艺术的真正内涵,而通过美术教育,也可以激发出幼儿的创新动力。幼儿教师代表了幼儿初步接触教育的启蒙者,其教学活动会对学生的一生造成影响,也是幼儿未来选择成长方向的重要参考对象。通过幼儿美术教师的专业化教学,可以帮助幼儿提高自身的创造力与想象力。 二、培养创新精神的措施 课堂环境与教学方法对培养创新精神有着很大的作用,通过合理的教学方法,可以为学生提供一种良好的思维环境,而这种环境正是培养学生创造性思维的关键方法。创造性思维可以反映出事物的多种变化与联系,也是一种广义物化心理活动,是人们发挥创造力的平台,也是迸发出思想火花的基础。这种可以反映出事物变化的思维模式,对每个幼儿未来的发展都有着非常重要的意义,也代表了一个人未来的思维模式。 创新精神摆脱了传统制式教育的约束,也是“填鸭式”教学的终结,而通过教师营造出的学习环境,则是学生培养创造性思维的摇篮。培养创新精神对学习环境要求较高,教师必须营造出公平、温馨、民主、尊重的学习环境,切勿使用传统的约束管教方法,防止教师的管制成为束缚学生人性发展的枷锁。 在实际教学中可以看出,一个合理的教学环境,可以激发学生进行创造性思考,也可以激发教师的教学热情,通过两者的配合,可以更加快速地完成教学任务,而且教学的效果也有很大提升。教师在课堂中摆脱了以教师为主体的教学模式,发挥出自己引导者的作用,将学生作为教学主体,帮助学生学会自我学习与思考的方法。教师在学生学会学习方法后,可以根据学生实际能力决定教学任务,充分发挥出学生的全部天赋。 三、结语 培养幼儿的创新精神,是一项长期的教育事业,幼儿教师必须持之以恒,通过科学的指导思想,开拓幼儿思维。在未来的教学活动中,必须重点加强幼儿的全面发展,通过教师的带头作用,充分激发出幼儿的创新意识,使学生获得充足的创新动力,培养出属于自己的创新精神。 作者:朱丽 单位:晋东南幼儿师范学校 幼儿美术教育论文:幼儿美术教育论文 一、重示范,轻探索 教师甲:这是一张宣纸,怎样把它染出好看的图案呢?请小朋友仔细看我染一张。我们可以把纸对边折或对角折,尽量把纸折得小一点,再选择你喜欢的颜色,把纸放进去,吸一点颜料,纸上还有空白的地方就再换另一种颜色的颜料吸一吸。教师乙:我们要考虑用什么纸来染色呢?这里有三种纸:普通A4纸、报纸、宣纸。请你动手试试哪种纸最好。请按照自己喜欢的方法把宣纸折小一点,蘸几种你喜欢的颜料。呀!你染得真好看,你是怎么折的?都蘸什么颜料?我们大家再来试一试。教师甲直接示范,表演一遍后,幼儿模仿教师进行操作。作品大多与老师颜色一致,折法一致,图案花纹都差不多。教师乙则并无过多示范,而是给了孩子多次探索和尝试的机会,先探索了染纸的材料以宣纸为最好,再探索不同的折纸方法与配色方案。教师在过程中只用了语言指导,通过同伴对比交流的方式,让幼儿探索染纸的奥秘。在民间美术教育的实践中发现,因为示范或范画的不当使用会造成幼儿表现方式的程式化和僵化。孩子的作品变得缺乏创造和童趣,幼儿的表现力和想象力萎缩。有些孩子不再主动地思考、积极地表达,而是机械地模仿,依赖于范画和老师的示范。因此,我们要经常思考如何在民间美术的教育中激发孩子的想象力和创造性。孩子天性对新事物充满好奇,我们只要教给他们最基本的操作技能,在不作过多提示的情况下,让他们自由探索,获得初步的体验。待千差万别的作品出来后,我们再挑选孩子们的部分作品来对比分析,间接使用了同伴间的范画,自然而然地渗透美术的色彩或构图等方面的经验。孩子极强的观察模仿能力,会让他们在第二次尝试时加入更多的思考和设计。正如上述案例中教师乙的教学策略,让幼儿自由的探索纸的种类、纸的折法,颜色的选择,完成属于自己的作品。活动中,我们甚至惊喜的发现有的幼儿将染纸的经验迁移到了染抹布上,染出了一块五彩斑斓的布手帕,这充分体现了《指南》艺术领域中的多元表达、多元创造的要求。 二、重前期制作,轻后期利用 教师甲:我们染了这么多漂亮的染纸,把它晒晒干,放到小朋友的作品袋里好不好?教师乙:这些染纸太美了,这样美丽的染纸,他们有什么用途?可以干什么用呢?幼儿:可以用来折扇子,可以剪窗花,可以变成风筝……教师乙:对啊,小朋友可以通过自己的思考,把这些美丽的染纸再来折一折,剪一剪,组合起来装饰一下,再挂在教室里,贴在窗户上,就更美丽啦!教师甲做好的作品只是收了起来,无法激起幼儿二次创作的欲望和灵感。教师乙则进一步开展后续活动,将作品进行多元化利用。幼儿在再次与自己作品互动的过程中,不断创造出新的表现方式。对于作品的后续处理,一直是老师们比较忽视的地方。许多幼儿的作品完成后往往是往作品袋里一放就再也无人问津了。孩子的经验是一个累积的过程,如果能与作品做多次的互动,更能体现作品的价值,激发孩子的思考和再次创作的欲望。孩子的创作水平可能差异较大,参差不齐,但老师可以和孩子一起通过二次的加工,让有些本不起眼的作品,焕发别样的光彩。案例中,老师乙能启发孩子的智慧,多次再利用这些美丽的纸,使孩子对民间美术有更深的体验。总之,在印染活动中,教师应该创设丰富的情景让幼儿充分欣赏,激发幼儿的对民间美术的兴趣;要引导孩子通过自由探索,对比分析,自然而然地渗透美术的色彩或构图等方面的经验。要通过染纸的后期利用,增进幼儿对染纸的进一步认识与理解,萌发幼儿再次创作热情。 作者:邵冰青 单位: 江苏省常州市广化幼儿园 幼儿美术教育论文:幼儿美术创造力之美术教育论文 一、评价幼儿美术创造力的标准 评价幼儿美术创造力应以幼儿美术活动中的心理特征和行为特点为依据,综合判断。首先,兴趣是幼儿美术创造的基础。应在培养幼儿兴趣的基础上,激发他们的好奇心和求知心。浓厚的兴趣能够促进幼儿学会不断感知和联想,通过色彩、线条、图形等审美情感的过程,发散思维,最后创造出形象的过程。其次,评价幼儿美术创造力必须借助思维能力以及进展水平这两个尺度。在美术教育活动中应该加强对幼儿思维的引导,使其学会将脑海中的形象和场景通过流畅的线条以及图形表现出来。或给出两张相似图片,让其找出异同,引导其观察能力的培养。通过这些手段培养幼儿的创造性思维,从而提高他们的创造能力。 二、幼儿美术教育活动中创造性培养的重要性和必要性 1.创造力是现代社会发展的必然要求。同志曾在全国科学技术大会上提出:创新是一个民族进步的灵魂,是一个国家兴旺发达的不竭动力。当今这个创新型社会要求培养和提高公民的创新能力和创造力。2.创造性的培养是幼儿健康成长和发展的需要。富有创造力的美术作品体现了一个人的个性、情感、自我价值。幼儿美术教师在幼儿美术教育活动中应应用不同表现方法,通过绘画以及手工作品来开发幼儿的智力、创造才能以及审美素养,引导幼儿运用线条、色彩等,自由大胆地地表现其对世界的认知,激发幼儿的创造潜能,促进幼儿健康全面发展。因此,幼儿美术教育活动中的创造性培养必不可少。3.幼儿阶段是创造力开发与培养的黄金阶段,通过美术教育这一手段来教育幼儿,既符合其生理心理特征以及发展需要,又符合社会的发展趋势以及对人的要求。 三、幼儿美术教育活动中的创造性培养的可能性 1.幼儿的自发性。幼儿的自发性源于他们由兴趣而引起的创作的欲望。这种自发性会让幼儿专心于美术的创造,在自发性的引导下,幼儿会积极主动地去解决遇到的问题,有利于提高其思维的灵活性。因此教育者找到激发幼儿在美术活动中的自发性的正确方法,就会使其在美术创作中自发表现成为可能。2.幼儿的创造性的想象。幼儿不会受到条条框框限制,想象力奇特且大胆,幼儿这种突出的创造性想象较强是因为其思维发展水平比较低,不能用抽象的思维推理和思考,而这也是想象的基本特点。而想象的特点和幼儿思考问题方式相符。3.幼儿的表现欲。幼儿不像成人一样有那么多的顾虑,他们不会受到习惯和规矩的制约,表现欲比成人强,他们与众不同的想法中更藏着巨大的创造潜能,而美术活动中自由开放的环境给幼儿提供了良好的表达机会,幼儿的表现欲可在美术创作中得到满足。因而教育者若给幼儿提供自由发挥创造的环境,并加强引导,激发其表现欲,就能促进其创造力的发展。五、幼儿美术教育活动中的创造性的培养的方法和途径1.尊重幼儿在美术活动中的表达和表现方式,给幼儿更多的想象和创造空间。2.将幼儿美术教育活动和幼儿园的游戏结合起来,让幼儿在游戏中既能获得快乐,又能学到知识。3.肯定幼儿在美术活动中的创作成果,增强其自信心。4.培养幼儿的观察能力和想象能力。5.带领幼儿走进自然,亲近自然,激发幼儿的创造潜能。6.以幼儿年龄及性格特点为依据采取不同教学手段。幼儿的绘画能力可分为三个发展阶段:涂鸦期、基本图形期以及涂绘期。教育者应针对在不同年龄阶段的幼儿的不同绘画能力的特点,采取相应的合理的教学方法。7.运用不同的绘画形式来激发幼儿的创造性思维。教育者应利用幼儿日记、主题画、自由剪纸等不同形式的绘画来激发幼儿的兴趣。8.对幼儿加强情感教育,激发其创作灵感。情绪情感不仅会影响幼儿美术创作的欲望,还会影响其创作内容。当幼儿情绪高涨时,就会富有创作激情,思维也较活跃,有利于其创造性思维的培养。 四、结语 幼儿是祖国的未来和希望,我们应以培养幼儿的创造性思维为己任,在进行美术教育的过程中,利用美术的特点,培养孩子的观察力想象力等有效教学手段,促进孩子健康成长。 作者:马剑英 单位:苏州市姑苏区南兵营红星幼儿园 幼儿美术教育论文:幼儿艺术素养美术教育论文 一、幼儿美术教育对幼儿艺术素养发展的意义 幼儿园美术教育活动的主要目的是促进幼儿全面发展,培养幼儿的审美能力。兴趣是最好的老师,在幼儿美术教育活动中,大部分活动旨在培养幼儿对艺术的兴趣和感受能力。绘画和美工对幼儿有极强的吸引力,他们会全身心投入,发挥自身想象力和创造力,表达自己的思想和情感。同时,在幼儿美术教育中不仅有审美情趣和价值培养,活动延伸中如教室环境布置能培养幼儿艺术素养。美术教育对幼儿艺术素养的培养影响很深远,是对幼儿艺术能力的启蒙性开导和指引,是引导幼儿艺术能力发展的重要标杆,起着导向性作用。 二、如何更好地在美术教育中培养幼儿艺术素养 幼儿美术教育对幼儿艺术素养的培养有不可或缺的作用,但是如何在幼儿美术教育中培养幼儿的艺术素养呢?1.教师自身的艺术修养和能力需要提升。教师给幼儿艺术素养发展的启蒙性指导,所以教师的艺术素养如何对幼儿艺术素养的发展有不可忽视的影响,所以教师首先要提高自身的艺术修养,带领幼儿萌发艺术新芽。2.教师要给幼儿艺术创作提供一个轻松自由的环境。幼儿艺术素养的萌发需要一个相对宽松自由的环境,如大胆进行艺术创作,大胆表达自己的思想和情感。教师不能压抑和扼制幼儿艺术素养的发展,更不能妄加批评幼儿的艺术作品。因为从另一方面说幼儿有可能是教师的艺术指导老师,因为幼儿的创造力是充满童真的。3.运用多种感官活动培养幼儿的艺术素养。教师不能局限于从一个方面挖掘幼儿的艺术特质,更要从多方面发展幼儿的艺术特质,如从多种感官活动入手,充分调动幼儿的艺术特质,发挥幼儿的创造力,为幼儿艺术萌芽发展做必要的准备。4.教师要及时鼓励幼儿,给予幼儿艺术创作的信心。幼儿对新鲜事物都充满好奇,但是会有陌生感和排斥感,在艺术素养培养过程中,教师要给幼儿充足信心,让幼儿自信地创作各种艺术作品。对艺术作品要及时地给予肯定和褒奖,如此幼儿艺术素养才能多方面提高。5.开展综合活动,多方面培养幼儿艺术素养。综合活动对幼儿艺术素养的形成很重要,如歌曲和绘画活动的结合,欣赏活动和舞蹈的结合,美工同绘画相结合,这些对幼儿艺术素养的培养都有重要影响。在实际美术教育中,教师要多方位考虑幼儿艺术素养的形成和提高,为幼儿艺术素养的培养奠定坚实的基础。 三、结语 在幼儿美术教育中,教师要给幼儿营造充满艺术气息的氛围,为幼儿树立一个艺术修养的标牌,善于观察幼儿行为,知道幼儿各种行为的原因,挖掘幼儿的艺术潜能,洞察每个孩子的发展轨迹,提供充分的操作和实践机会,为幼儿艺术素养的发展进行启蒙性引导。 作者:奚静 单位:常州市武进区宋剑湖幼儿园 幼儿美术教育论文:生活化幼儿美术教育论文 一、构建生活情景,激发幼儿参与 要培养幼儿在参与教学中的主动性和积极性,能够关注生活的点点滴滴,就需要对幼儿的活动环境进行较为生活化的装扮,幼儿在生活化的活动环境中就会激发起来幼儿对生活的思考,从而能够主动参与到美术作品中。这就需要教师在进行教育的过程中要善于观察幼儿的生活关注点,并且将这些关注的元素带到课堂中,幼儿的绘画欲望就被激发了起来。 比如,幼儿都比较喜欢《喜羊羊和灰太狼》这个动画片,教师就可以让幼儿来进行动画里面的各种小羊的绘画,幼儿对这部动画片都很熟悉,因此在绘画的过程中就会回忆自己在看的过程中的情景,也有一种想要表达的欲望,这样的一个过程,教师都不需要做过多的强调,利用幼儿的卡通喜好来进行绘画能够取得事半功倍的效果。在比如教师为了让幼儿绘画一副有关过年的情景的绘画,幼儿对过年都是很熟悉的,幼儿也愿意参与这个过程中,教师为了取得更加良好的教学成果,就可以将整个教室装扮成新年的样子,用各种剪纸、蜡染、年画来对教室和走廊进行装扮,让幼儿出身于一种过年的氛围中。在幼儿快要放寒假的时候安排这部分的绘画,那个时候幼儿想要过年的欲望都比较强烈,在进行绘画的过程中,也能够表达出自己的真情实感,这样的一个过程,不仅提高了幼儿的美术绘画水平,而且能够培养幼儿一种热爱生活的情感。 二、注重生活实践,尊重幼儿个性 美术的教学绝对不仅仅是在课堂中就能够完成的,生活化的元素需要幼儿进行亲身的体验,这样幼儿才能够感受到绘画所带来的乐趣。大自然就是一个天然的素材,因此教师在平时的时候要经常带幼儿进行户外活动,让幼儿在和大自然的亲近中来获得绘画的灵感。比如各种各样的石头、树叶、溪流、昆虫……这些都可以成为幼儿的创作素材,幼儿也能够很容易融入到这样的环境中,用自己的眼睛去发现周围的世界。幼儿在进行创作的时候,教师要尊重幼儿的作品,幼儿眼中的世界和大人眼中的世界不一样,在他们的世界中没有那么多的规矩,不需要规定苹果就必须是圆的,草地是绿的,花儿是红的……在他们的眼中,世界上所有的东西都是可以说话的,因此对待周围的事物的时候也总是带着善意,教师要保护孩子的这样一种善意,要尊重孩子的独特想法,他们成长到一定阶段自然就会理解周围的世界,不需要教师过早地强调他们眼中的事物不是他们所认为的样子,要让孩子保持一些童心来进行美术创作。 比如,让幼儿来进行“我的家乡”这个主题的绘画,幼儿在画的时候,不要给幼儿设置太多的条条框框,不要规定幼儿必须画什么,幼儿想到什么就画什么,只要幼儿能够进行合理的解释就是值得鼓励的,不需要幼儿画的有多么的完美,只要是幼儿眼中的家乡就足够,像有的幼儿在画的时候,就画了一棵树,教师耐心地询问“为什么就画了一棵树呢?”幼儿回答道“因为我爷爷经常带我到这棵树底下玩!”孩子这样的回答是多么地真挚,多么地令人感动,教师就需要对这个孩子的绘画作品进行表扬,这样孩子在以后进行创作的时候就能够根据自己的真实感受的来进行绘画,不需要在意那么多既定的规则,这样还是就能够在一种良性的环境中提高自己的绘画能力,也使得自己的真实情感得到了宣泄。 总而言之,幼儿在进行绘画的时候,教师要善于挖掘生活中的素材来让幼儿进行绘画,这样孩子的创作欲望就被激发了出来,能够积极主动地参与到教学过程中。这样不仅使得幼儿的绘画能力和审美能力得到了提升,更重要的是孩子在进行绘画的时候培养了一种观察生活、热爱生活的能力。 作者:郑少密单位:德化县双鱼幼儿园 幼儿美术教育论文:国外幼儿美术教育论文 一、关注游戏与探索的造型性游戏 “造型性游戏”是日本文部省学习指导纲要中出现的活动。“造型”的意思就是创造空间当中三维立体的形状。不单包含了物体的颜色、形状、大小等因素,更包含高低、里外、大小、明暗等空间的概念。所以说造型性游戏一定是有材料的活动,材料可以是泥、沙、硬纸箱等。“造型性游戏”是以游戏为主,以孩子为主体的游戏性活动,不以完成作品为目的。例如日本幼儿园开展的硬纸箱活动,材料是常见的大大小小的硬纸箱,电器的包装箱等大的包装箱很结实,孩子们可以把箱子撑开、压扁、钻进钻出,任意塑造纸箱的形状,并且进行装饰,把它想象成汽车、房子、浴缸、轮船等进行游戏。纸箱形状的丰富变化可以培养孩子们的表现力与想象力,让孩子熟悉工具材料的使用方法,提高动手能力,也极大地满足了幼儿的成就感。同时在制作的过程中要学习合作,拉近了孩子与其他小朋友间的距离,使孩子体验到了合作的快乐。 二、对中国幼儿美术教育的启示 (一)鼓励幼儿独特的审美与表现幼儿的美术活动是幼儿自我表达的一种方式,也是幼儿的认知能力、表达能力、思维能力发展的一种展现,虽然幼儿期的绘画、手工还是造型性游戏处于最初的阶段,成人有时对其中的表现内容不能完全理解,但那是幼儿独特的审美与表现方式。不要批评或者损伤幼儿的表现欲望,而应该鼓励幼儿尽情地按照自己的感受和想法去创造和表现,对于发展幼儿的创造力、想象力有着不可替代的作用。对于成人了解儿童也提供了一条走进幼儿内心世界的一个途径。 (二)重视美术活动中的造型性游戏以平面为主的美术活动,忽略了幼儿对空间的认识和把握及对材料工具的操作练习。造型性游戏是幼儿美术活动中的重要内容,造型性游戏可以帮助幼儿认识高低、里外、大小等空间的概念,并且是自我表达的重要途径。教师在美术活动中应尽量多给幼儿提供进行造型性游戏的材料及工具,并且给幼儿充足的游戏时间。造型性游戏活动需要幼儿在游戏的过程中边玩、边制作、边想象、边造型,在时间充裕的情况下幼儿才能在“造型性游戏”活动中得到发展。 (三)重视使幼儿在美术活动中获得成就感成就感主要是来自自己成绩的进步和他人的鼓励与赞扬。幼儿美术活动的成就感源自于幼儿完成的作品与教师的评价。所以在活动过程与评价中要重视幼儿在活动中获得成就感,而不应仅仅关注作品本身,当幼儿获得成就感之后才会享受表现带来的快乐,和培养自己独特的表现方式。教师要多给幼儿提供展示作品、交流作品的机会,使幼儿在美术活动中获得成就感。 幼儿美术教育是一种普通的美术教育,这种美术教育并不是培养画家、艺术家的教育,而是一种素质教育。每个幼儿都是独特的个体,有着独特的体验与表达,每位幼儿教师要尊重幼儿的独特性,并且通过美术教育的内容培养幼儿受用一生的素质。 作者:蔡文宇单位:东北师范大学教育学部 幼儿美术教育论文:幼儿园美术教育论文 一、幼儿美术教育的重要意义 (一)提高幼儿观察力,有助于开发智力 幼儿教师在向幼儿讲解美术的时候,不自觉的对幼儿进行视觉与听觉上的锻炼,培养其独特的观察能力,同时,听觉能力的提高也有助于幼儿表达能力的培养,有助于幼儿智力的开发。 (二)丰富幼儿生活,促进幼儿全面发展 色彩斑斓的世界对于心智尚未健全的幼儿来说,处处充满了好奇与魅力,幼儿的脑力与语言限制其准确的表达出内心的想法,而绘画能够有效缓解幼儿迫切的想与世界交流的欲望,丰富其日常生活。 二、幼儿园开展美术教育的方法措施 (一)创设良好的美术教育环境 良好的环境是幼儿美术能力提高的重要基础。传统的幼儿园美术教学中,通常是幼儿自己拿起画笔完成一副简单的作品,缺乏新意,长此以往,幼儿的兴趣必会大大降低。因此,幼儿教师可以利用多种形式,丰富教学环境。首先,幼儿教师可以带领幼儿多去室外活动,让幼儿充分感受到大自然的美,引导其联想到生活的方方面面,感受到自然与生活的密切联系,将之创作于绘画当中。其次,幼儿教师可以创新课堂教学,例如将画具与材料放置于讲桌,让幼儿自行选择自己满意的材料进行美术创作,待完成后将作品贴于教室的墙上进行展览交流。幼儿在此过程中都是自己亲身完成,有助于其养成良好的学习与做事习惯,既丰富了教学形式,为学生创设了良好的环境,又能有效培养其“自己的事情自己做”的意识,有助于幼儿的身心健康发展。最后,幼儿教师还可以引导幼儿多注意观察身边的事物,鼓励幼儿进行创新,变废为宝,例如绘画用过的废纸,可以用来折纸,废弃的易拉罐可以做成精美的小花瓶等,充分发挥儿童的想象力,提高幼儿的创新能力和动手能力。 (二)改善教育模式,注重因材施教 当前,我国的幼儿园教学多数均采用小班化教学,幼儿教师在注重对幼儿的悉心教导的同时,也要防止过度干涉,确保儿童拥有自己的“小空间”。“一千个人眼里有一千个哈姆雷特”,同样的美术作品,在不同的儿童眼里,所呈现的东西也不一样的。教师应鼓励儿童多与其他小朋友交流沟通,取长补短。此外,幼儿教师还应结合不同幼儿的身心发展状况,对其进行要有针对性的辅导,真正做到因材施教。 (三)增进师生交流,提高学习热情 幼儿园的平均儿童年龄在3岁到7岁之间,身心发展尚未成熟,其特殊的心理发展状况使得幼儿教师必须加强与幼儿之间的互动沟通,形成良好的师生关系,便于教学工作的开展。美术活动是需要幼儿教师与幼儿之间交流的一门教育活动,幼儿时期的儿童,内心比较脆弱,幼儿教师应对其多加鼓励,不断引导儿童完成当下的任务,对任务完成较好的儿童,适当进行物质奖励,增强儿童的上进心,提高其对美术的学习热情。 (四)创新教学方式,注重幼儿心理体验 随着社会的发展,现在的幼儿受家庭环境和其他外界环境的影响,思想较为成熟,对新事物的认识较快,幼儿教师要抓住幼儿的心理变化,创新教学方式,提高幼儿的学习兴趣。四、总结:综上所述,我国的幼儿园美术教育仍存在较大问题,严重阻碍了幼儿园美术教学的正常开展,也不利于儿童的身心健康发展。因此,幼儿教师要不断提高自身素质,创设良好的幼儿园美术教育环境,创新教学方式,利用多种形式提高幼儿园美术教育的有效性。 作者:吴倩楠 单位:河北省衡水市第二幼儿园 幼儿美术教育论文:幼儿美术教育论文 人们在生活水平提高之后,对于生活质量的要求也不断在增强,追求艺术的生活质量已经渐渐渗透到了各个方面。那么对于幼儿的美术教育越来越受到大家的重视,放眼现在国内的幼儿美术教育,似乎每位幼儿教育者重视的仅仅是美术技巧,用各种绘画的方法来限制幼儿们天马行空的想象空间。这与开设幼儿美术教育这门课程当初的宗旨完全背道而驰,面对这样的现状,本文就以“自然发展”的理论框架下来对幼儿美术教育进行浅析。 一、当今幼儿美术现状 幼儿美术教育是为了培养幼儿认识世界、认识自然、认识自我的一个过程,它通过激发人们对应于世界的感受用绘画的方式表达出来,它对于幼儿的创造力、想象力都有促进作用。当今社会,幼儿的美术教育已经得到家长和幼儿教育老师们的重视,但是这些重视又夹杂很多其他的复杂的成分。对于家长来说,他们希望孩子们可以全面发展,注重素质的培养,但是他们在对孩子们进行幼儿美术教育的时候,又希望这个可以作为孩子们一个保障,以后在进行升学考试的时候也许可以作为一个特长考入一个好的高中甚至是大学。这就在幼儿们学习绘画的过程中,家长们渐渐更加重视的是孩子们是否绘画出一个出色的作品,因此将孩子们送往各个出名的特长班学校,希望他们的孩子们最终可以成龙成凤。从老师的角度来说,当今幼儿园的教师们大部分是幼师专业毕业的,有比较优秀的专业基础,试析“自然发展”理论视阈下的幼儿美术教育江苏省常州市武进区横山桥中心幼儿园吴益香但是,幼儿美术教育这部分却没有得到优秀的素质培训,因此美术教育这方面还是幼师相对薄弱的地方。当今的幼儿园教学中主张在娱乐之中进行教学,但是如何将美术教育与娱乐更好地结合在一起,让孩子们在娱乐之中充分发挥自己的天性,老师们往往经验能力不足。在教学方法与教学技巧上生硬,一味地让孩子们画出老师一笔一划教的作品,而不是充分发挥幼儿们自身的创造力和能力。 二、用“自然发展”理论指导幼儿们的美术教育 (一)“自然发展理论”的宗旨 “自然发展理论”更重要的是充分尊重和发挥孩子们的天性,让孩子们主动参与活动,对于自己进行的绘画自己构思、自己想象,老师们只是简单进行点拨,在绘画的过程中孩子们能够亲近自然,探索社会。激发孩子们对于世界万物的想象和好奇,幼师们全部注重的不是绘画技巧而是以培养孩子们的创造能力和思维能力为目标,注重孩子们素质教育。 (二)尊重幼儿自然天性 幼儿心理学曾经指出,孩子们在现实生活中经过亲身实践所得到的对世界的感知和认知,要远远比书本或者老师们教的要深刻得多。其实孩子们在幼儿园的这段期间真是幼儿们的知觉迅速发展阶段,四岁左右的孩子已经开始对时间、对空间有了辨别能力。如果在这个时候充分调动他们的感知能力,那么对于孩子们一定是有着非常深远的影响。对于幼儿来说,他们的想象力是无限的。想象能力相对来说比较空洞,因为它看不到摸不着,培养起来也比较有难度。在实践过程中,因为家长对孩子们的期许,老师如果更多地教孩子们绘画作品技巧,那么家长会看到孩子们的成绩,对于老师的教学水平也更加信赖,但是如果更注重孩子们想象力的培养,可能在短时间无法让家长看到教学成绩。在这样的情况下,幼师们往往会选择前者进行教学。但其实,绘画技巧只是皮毛而已,在这时对于幼儿们想象力的培养比任何一个时期都更为重要,这个对于孩子们终身受用,在今后一生的学习以及创作过程中都会发挥重要作用。幼儿教学并不是高中、初中教学,幼师们应该侧重的应该是综合素质教育,幼儿们的想象力往往不固定、不集中,很容易从一个话题想象到另外一个毫不相干的话题,在这个时候,就需要幼师加以指引,这样逐渐过程中就可以培养孩子们正确的想象力。 (三)老师教育方法的转变 以孩子为中心的教育思想已经渗透到各个幼儿教育机构,但是只是停留在表面,也只是停留在理论上。现在的孩子们数量减少,幼师们要依据孩子们的个人情况因材施教,根据不同孩子们的性格特点实施相对不同的教育方法。“求同存异”其实也是注重孩子们个性的发展,以孩子们为中心,尊重孩子们的想象力和创造力的发挥。其实对于幼儿美术教育来说,所有人更加注重的不仅仅是教育结果,而是在教育过程中孩子们自我成长的过程,让孩子们的左右脑都得到锻炼,具体的课程其实是可以随着孩子们具体情况不断调整的,这就需要老师的业务素质不断提高。 自然发展理论下的幼儿美术教育是针对当今幼儿发展现状提出来的,幼儿发展教育在我国起步较晚,大部分理论也是从国外嫁接过来,在本土的适应过程中也需要一些时间。中国以考试为中心的教育从古代就已经根深蒂固至如今来,所以如果想全面提高孩子们的素质还是要从幼儿园开始进行改变。相信在大家共同努力下,幼儿美术教育这个学科会越来越适合孩子们的身心发展。 作者:吴益香 单位:江苏省常州市武进区横山桥中心幼儿园 幼儿美术教育论文:大班幼儿美术教育论文 一、在美术课中培养大班幼儿的观察能力 观察能力是构成人的智能中重要的能力结构之一。观察能力决定了人对事物的认知水平。只有会观察,才能发现事物的特点与内部结构与联系,为认识事物的本质奠定基础。美术是幼儿阶段最喜欢的课程之一,经过小班和中班阶段的学习,大班幼儿具有一定的美术基础,对美术课程中的一些教学资源有了一定的认识水平,因此,教师在美术的课程中可以充分利用美术教学资源来培养大班幼儿的观察能力,以发展大班幼儿的智能。例如,在大班幼儿的美术课中,教师让孩子们对班里的一盆兰花进行画像,那么就需要孩子们对兰花进行仔细地观察,观察兰花的叶子是什么形状的,花是什么形状的,兰花叶子的方向和花朵相互之间的位置以及都是什么颜色的等等,通过孩子们仔细全面地观察来发现兰花的主要特征,然后根据自己的观察来勾画兰花的线条以及填充颜色。那么,孩子们的作品就是根据对兰花的细心观察而创作出来的,在这个过程中孩子们学会了观察,提升了孩子们的观察能力。 二、在美术课中培养大班幼儿的理解能力 理解能力是人对事物的认知能力。理解能力包括整体思考能力、想象力、类比力、直觉力以及解释力等。美术学科中包含了许多工艺和手法创作的艺术作品,这些作品无不展示了创作者的整体思考力,发挥了创作者的想象力和类比力,更需要创作者的直觉力和解释力。因此,一个成果得美术作品展示了创作者的理解能力。因此,在大班幼儿的美术教学中,教师要合理利用教学资源和教学手段来发展大班幼儿的理解能力。例如,在大班孩子们的美术课中,教师让孩子们画外星人。外星人孩子们都没有见过,但是孩子们在看动画片和电影的过程中对外星人有模糊的概念。这就需要孩子们发挥他们丰富的想象力,根据自己对外星人的理解来作画。在画的过程中,孩子们根据自己对外星人的模糊理解和直觉,通过与人进行类比,综合自己的想象力,画出自己脑海中的外星人。每个孩子画出来的外星人都不一样,因为每个孩子对外星人的理解不同。经过这样的引导作画,孩子们锻炼了自己的理解能力。因此,在大班的美术学习中,教师可以通过适当的教学方法和教学资源来培养孩子们的理解能力,以发展孩子们的智能。 三、在美术课中培养大班幼儿的分析能力 分析能力又叫逻辑思维分析能力,是人在面对具体事物的时候,能够根据积累的经验和相关知识,有效选择和实现特定目的的能力。在美术创作中,面对创作素材,如果想创作出自己想要的作品,就要求创作者对素材进行分析,根据自己的经验和知识创作出自己想要的作品,成功的美术作品,需要创作者有高超的逻辑思维分析能力。为了发展大班幼儿的分析能力,教师在美术教学中应该充分利用教学资源来让孩子们进行创作,以提升孩子们的分析能力。例如,在大班幼儿的美术课中,教师为孩子们每人准备了橡皮泥若干盒、小瓶盖若干个、粉笔一根、大黄豆若干粒等等素材,让孩子们用这些素材来为自己制造一辆汽车。孩子们面对这些素材和老师的要求,开始开动自己的脑筋,对这个问题进行分析,“怎么用这些东西制造汽车呢?”孩子们经过自己的分析着手制造起来,孩子们经过自己的努力,最后制造出来了各种各样的汽车,有的老师可能也没见过,不过也是孩子们眼中的汽车。通过这个作业的完成,孩子们锻炼了自己的分析能力。 四、在美术课中培养大班幼儿的记忆能力 记忆能力是人识记、保持、再认识和重现客观事物所反映的内容和经验的能力。美术作品中有许多是创作者对一些场景的回忆和再现。作品中对各种事物特征和细节的描述,表现了创作者对事物特征的识记和重现能力,因此,一些优秀的美术作品需要创作者有优越的记忆能力才能完成。可见,美术创作有利于大班幼儿的记忆能力。教师在教学中应该合理利用教学资源发展大班幼儿的记忆能力,促进大班幼儿智能的发展。例如,教师在大班幼儿的手工制作美术课中,教孩子们学习小鸟的折纸游戏。用纸片折成一只栩栩如生的小鸟,需要多道折纸工序。老师要先折一步,让学生观察并跟着做。孩子们在跟着老师折纸的过程中需要记住老师这一步是如何折的,这就需要孩子们不仅要观察仔细,而且要记住动作。当老师折成了小鸟,孩子们也跟着做成了。然后,考考孩子们,你们记住小鸟怎么折了吗?一遍肯定记不住,然后教师再教孩子们折,并且要求孩子们要记忆步骤,经过几次练习,孩子们不断加强记忆,最后孩子们学会了自己折小鸟。在这个过程中,孩子们的记忆能力得到了训练和提高。 综上所述,美术作为孩子们非常喜欢的课堂,完全可以肩负起培养大班幼儿智能发展的重任,因为美术课内容丰富多彩,方法多种多样,每个作品的学习和完成,无不需要孩子们开动自己聪明的大脑和运用自己丰富的经验和知识。因此,教师应该在大班幼儿的美术课堂上注重培养孩子们的智能发展。 作者:韩钱云 单位:江苏省如皋经济技术开发区柴湾幼儿园
小学生美术论文:我国小学生美术教育论文 1、将审美教育融入小学美术教育中 审美观是从审美的角度看世界,是世界观的组成部分,是在人类的社会实践中形成的,和政治、道德等其他意识形态有密切的关系。小学生这种认识形成的正确性,最直观的是来自学校的美术教育,小学美术教育应该说是正确审美观树立的主要手段和方法。 1.1培养学生高尚的审美观 小学美术教育中审美观的培养可以依靠教材中美的事物、美的形象来打动学生、感染学生。.如在《五彩的烟花》特色栏目中,可以在学生沉浸在对美的欣赏与创造中时,向学生讲授2008年北京奥运会的盛况,让学生知道我国在这届奥运会上所取得的伟大成绩,向在奥运会上取得优秀成绩的运动员学习他们那种为祖国荣誉而努力拼搏的精神,懂得为祖国而奉献的美。通过审美活动还可以帮助学生开阔视野、增长智慧、训练思维能力,发挥人的想象力和创造精神,提高学生的全面素质。 1.2培养学生心理健康 美蕴藏在人们社会生活中的各个方面,如果一个人不懂得现实生活的美,也就无法正确认识与理解艺术美。教育和培养学生在现实生活中善于观察和发现美的东西是小学美术教育的基本任务。审美可以让学生体会到一个美好的世界,明白什么是健康理想的生活。美术教育工作中的审美教育,可以从教材中发掘美的内涵,美的心灵,美的理想,使学生在审美的过程中自觉地树立起远大的理想。如在《我架神州游太空》一课中,可以让学生知道科学离我们的生活并不遥远,激发学生热爱科学、亲近科学的情感,让学生从小就树立学科学,爱科学的理想信念。 2、根据小学生心理特点进行审美观培养 小学生的心理发育特点是无意记忆仍占主导地位,有意记忆逐年增强,思维方式外始由具体形象思维向抽象思维转化,其想象力随年龄增长日渐丰富。从笼统、不精确地感知事物的整体渐渐发展到能够较精确地感知事物的各部分,并能发现事物的主要特征及事物各部分间的相互关系,但情绪容易冲动,多随情境的变化而变化,其想象从片面、模糊逐步向完整、正确的方向发展。 2.1美术教师要引导学生进行审美认识 小学生的审美认识来源于粗浅的社会体验和学校的美术教育。小学生的审美认识有一个从感性到理性认识的过程。同时这一过程也是一个心理体验、积淀的过程。现代小学生处于时代瞬息万变、信息急剧膨胀、各种思想纷至沓来的特定时代,这对于思维敏捷、思想活跃的小学生来说往往会由此引起审美迷茫。美术教师要站在时代的高度,从新形势下的学生思想实际出发,不但要有敏锐的目光和扎实的美术理论功底,还要施以适当的方式方法,还要努力研究小学生审美心理形成过程,从小学生心理特点出发,纠正学生审美观上的偏差,进行科学引导,以实现小学生正确审美观的形成。美术教师要坚持师生间相互尊重,以平等的关系进行教学,着重与学生进行心灵的沟通。启发学生的主体意识,充分利用群体教育。努力发展开放性意识和创造性思维,同时通过教师的引导,让学生实现相互影响和相互教育。 2.2美术教师应以积极向上的美学观引发学生的审美追求 对于处在审美观尚未形成的青年学生来说,最根本、最长远的办法是帮助他们树立正确的审美观,用正确的美学观激发、培养他们的审美追求。只有当学生们认识到自己正确的审美观真正价值时,他们才不会放弃对真正美的观念的追求。不难看出,积极向上的美学观在小学美术教育实践中有着极为重要的作用。所以,在美术教育工作中要认真了解学生的需要,以高尚的美学观,促进学生审美思想的形成,并且充分调动学生的学习积极性有极为重要的意义。如在《美丽的家乡》教学中,让学生了解家乡的风景、风情,让学生学会发现身边的美,在教学过程中以积极向上的美学观引导学生去发现真正的美,让学生的画笔画出美好的事物,使他们从小就树立起正确的审美观念。及时发现并纠正学生出现的不正确的审美观念。 2.3美术教师应利用情感教育方式使学生树立正确审美观 情感是发展和维持认知活动的动力,是构成心理素质的重要成分,没有情感就没有认知能力。情感是人对客观事物的一种态度,是人对客观是否符合主观需要的内心体验,反映着客观事物与人的需要之间的联系。情感使人际交往变得深入、丰富、细腻。它是打开心扉的钥匙,是沟通心灵的桥梁,也是美术审美教育成功的前提。当代小学生的情感是复杂、动荡、微妙的。他们常常因自己的需要和愿望得到满足而欢欣鼓舞,也会因一时得不到满足而悲观失望。他们的情感一般易于外露,喜怒哀乐溢于言表,但有时也表现为内向性和闭锁性,这是由于他们自我意识的发展,自尊心、自信心很强,不愿望把内心秘密和真实思想轻易向别人吐露。这就要求美术教师在课堂上要以高尚、炽热的情感,真心实意去关心、感化、激发、培养学生的积极情感,克服消极情感,发挥情感在教学实践中的积极作用。同时在教育中充满爱心,争取以真情叩开学生的心扉,努力进入他们的精神天地,从而引导学生在美学观上不断树立正确的审美观。 小学生美术论文:小学生美术教学论文 一、趣动,以趣激思 在教学中,教师可以依据小学生的心理特点,把操作同观察、思考、表达有机地结合起来,采用教师为主导、学生为主体、操作为主线的教学模式,使学生全部“动”起来。教师引导学生通过看一看、想一想、玩一玩、说一说、画一画等方式,让他们的眼、手、耳、口等多种感官都参与活动,并留足时间放手让学生自己操作、想象、探索等,让学生在“动”中体会到学习美术的乐趣,以动激情,从而使学生在轻松愉快的气氛中获取新知。如,《三原色与三间色》一课的内容是认识三原色、三间色,学习色彩基本知识并进行调色练习。为了把枯燥单纯的色彩练习变得有趣,教师可以利用色与色相加会变成另一种颜色这一实际操作作为激趣点。在授课前,可以用小魔术吸引学生的注意力,拿出三个装有红、黄、蓝颜色水的玻璃杯,用剪成小块的白色布分别在三个杯中染一些颜色,这些白布渐渐变成五颜六色的彩布。学生看着用红、黄、蓝颜色像变魔术般地调配出各种不同的色彩,都很兴奋,迫切地想探知其中的奥秘。趁着学生兴趣盎然,教师就可以边指导学生观察课本提示的色彩,边讲授三原色的有关知识。这样,学生在教师创设的课堂气氛中积极主动地探知色彩基本知识,进行色彩的练习,无形中掌握了色彩知识,知道大自然中丰富多彩的颜色都是由三原色演变而来的。这既激发了学生的学习兴趣,增强了学生的求知欲望,又培养了学生的色彩感受能力和色彩应用能力,调动了学生学习的主动性和积极性,使学生在玩中学,学中玩,乐中求实。 二、趣练,以趣促创 小学生最喜欢的事莫过于玩了,玩自己亲手做的东西就更有兴趣,并且在做做玩玩中,他们乐于学习新知识。为此,教师可以在美术课堂教学的表现形式上突出选择性,让每位小学生都能自由选择自己感兴趣的表现方式,在表现中都能突出自己的闪光点。如,在上《秋风瑟瑟》一课时,为了启发学生回忆见过的秋天景象,增进学生热爱大自然的美好情感,教师可以通过多媒体播放火红的枫叶随风舞动的场景,屏幕上映出了累累的果实、湛蓝的天空、嬉戏的小动物、小朋友秋游的景象等,学生就会被这迷人的秋景感染。然后,让学生选择自己喜欢的表现方法,把秋天的美景中自己印象最深、最感兴趣的内容画出来。学生在选择中有了兴趣,在选择中有了自信,也就有了表现的欲望。小学生要“愉快地思考,愉快地活动,愉快地成长”。在美术教学中,教师应努力为学生创设乐学情境,使学生体验到学习是一种乐趣,使他们能主动学习。这既有利于提高学生学习绘画的兴趣,又有利于增强学生的操作能力;既有利于学生掌握美术基础知识,又有利于发展学生的创作能力,从而全面提高小学生的美术素质。 作者:韩翠翠单位:江苏苏州市姑香苑小学 小学生美术论文:兴趣培养下小学生美术论文 一、培养美术学习兴趣的重要性 小学生想象力丰富,而且极富创造力,他们喜欢将自己无法用语言表达的想法和看法用绘画的方式来传达,所以小学生大都喜欢绘画。然而,许多小学美术教师教学方式古板,教学语言枯燥乏味,导致小学生感到美术课索然无味,上美术课很难熬。而激发和培养小学生的美术学习兴趣,可以有效改变这种状况,使美术课有吸引力。美术教师通过新鲜活泼的教学方法和有趣味的教学语言可以有效调动学生的主动性和积极性,使学生产生高涨的学习热情,这个过程不仅使美术课的吸引力得到增强,而且也使得学生学会主动追求美术知识,获得更高的认识能力和创新能力。 二、美术学习兴趣的培养 (一)教学与生活相结合 在美术教学中,美术教师要将教学与生活结合起来,将学生实际生活中感兴趣或者熟悉的事物带入课堂教学,引起学生的共鸣,使学生的美术学习兴趣得以激发和培养。例如,在教授《可爱的玩具》这一课之前,美术教师可以让学生将自己喜欢的玩具带到学校。待上课时,美术教师就可以让学生们拿出自己的玩具来和大家分享,此时教师可以问大家有没有会滚动的玩具,将学生引入课堂教学内容。之后,教师可以提供一些课文中提到的玩具,让学生们自己选择玩具,并且和同学们一起玩,共享集体游戏的快乐。小学生大多都对玩具很有兴趣,所以,美术教师通过将学生自己生活中的玩具与课文知识相结合的方式可以使学生很自然地投入到学习当中,而且还会使学生很享受这个学习过程,自然在这个过程中使美术学习兴趣得到培养。 (二)运用教具或教学设备创设情境 教具虽然在教学过程中起的是辅助作用,但是在美术教学中,如果教具设计得巧妙,运用得恰当,可以有效调动学生的学习热情,激发和培养学生的学习兴趣。此外,美术教师也要懂得结合教学内容来恰当选择教学设备,借助多媒体来给学生创设教学情境,在丰富和形象化教学内容的同时,激发和培养学生积极主动探求知识的兴趣。例如,在教授《大鱼小鱼》一课时,美术教师就可以通过多媒体来演示大鱼和小鱼的绘画过程,在这种直观和形象化的教学情境中,充满好奇心和想象力的小学生一定会集中注意力,沉浸在美术学习中,这就很有效地实现了学习兴趣的激发。 (三)适时设疑,组织讨论 “学贵有疑,小疑小进,大疑则大进。”美术教师在美术教学中适时设置疑问,可以有效调动学生的兴趣。有效的疑问设置可以使学生在认识上产生冲突,激起强烈的求知欲望,使学生主动探索,这在无形中也实现了学习兴趣的激发。此外,美术教师也要有目的、有意识地让学生参与话题讨论,让学生通过具体问题的讨论和争辩,各抒己见,互相启发补充,通过这个过程来提高学生的课堂参与积极性,培养其学习兴趣。例如,在讲授《我的同学》一课时,美术教师可以“你对你的同桌了解多少”来调动学生的参与积极性,在学生主动参与其中时,美术教师可以以“如何介绍你的同桌”来组织同学讨论,可以让学生自成小组进行组间的具体讨论,也可以让学生分角色进行情景表演。通过这样的环节,学生不仅会积极主动参与其中,而且会在热烈的讨论过程中各抒己见,提出自己的不同看法。这样一来,学生们通过相互交流和讨论,不仅活跃了课堂气氛,而且美术学习兴趣更浓了,美术学习积极性也提高了。 (四)引进竞赛和游戏 小学生天性好奇心强,而且自尊心也很重,还很喜欢表现自己。结合小学生的这一特点,美术教师可以有意识、有目的地有意引进竞争来激发学生的美术学习兴趣,使学生对美术基础知识的掌握更加牢固和深刻。例如,在讲授《童话中的城堡》一课时,美术教师就可以采用竞争的方式来激发和培养学生的兴趣,美术教师可以结合教学内容在后一阶段采用分组竞赛的形式进行,将学生划分为四个组,并要求每个组在规定时间内合作设计制作出一个城堡,城堡制作得有特色的小组将得到纪念品。在竞争和奖励的激励下,学生们会情绪高昂,想争第一。在激烈的竞争中,学生们会对设计童话城堡的活动越来越有兴趣,这在无形中也培养了学生的美术学习兴趣。通过竞赛,学生不仅锻炼了小组合作学习的能力,还提高了评价能力。此外,小学生都爱做游戏,做游戏不仅可以满足他们爱动好玩的心理,还可以使他们的注意力持久、稳定。在美术教学中,美术教师可以把教学内容渗透在游戏中,使学生在愉快的气氛中对教学内容产生兴趣。例如,在上《我为同学画像》一课时,美术教师可以和学生们一起玩“发号施令”游戏,在游戏中让学生轮流发令,发令的内容是五官名称,让其他学生用手触摸相应的五官。这样一来,课堂气氛会活跃起来。很快,学生就会摸出每个五官的位置。通过这样的环节,学生不仅会对美术学习产生浓厚的兴趣,同时也会很牢固地掌握这一节课的教学内容,学会抓住人物的形象特征来做画的方法。 三、结语 总之,小学美术教师要培养学生的美术学习兴趣,就要把趣味性与知识性、科学性结合起来,而且要能恰当运用多种教学手段并使之持久保持,充分发挥学生学习的积极性和主动性,从而更好地达到教学目标。 作者:葛世魁 单位:内蒙古牙克石市第七小学 小学生美术论文:信息技术环境下激发小学生美术学习兴趣的策略研究 摘 要:随着时代进步与发展,信息技术在教学中得到广泛应用,其中,在美术课程教学中应用信息技术,不仅激发了学生的美术学习兴趣,而且深化了学生对美术知识理解,从而提升了学生的美术创造力。本文结合小学生美术学习兴趣现状,对影响小学生美术学习兴趣的因素进行分析,提出了运用信息技术激发小学生美术学习兴趣途径,希望为提升小学生的美术学习兴趣提供一定的参考与借鉴。 关键词:信息技术环境 激发 小学生 美术学习兴趣 伴随着科学技术的进步发展,信息技术被广泛应用于各行各业之中。其中,在美术教学中应用现代信息技术,对于激发出学生美术学习兴趣,保障美术教学的质量与效果具有重要作用。 1 小学生美术学习兴趣的现状 随着学生年级的递增,小学生对美术学习的兴趣会逐年递减,这是儿童身心发展的必然过程。据儿童教育心理学表明,小学一年级至四年级时期是学生的绘画意象期,这个阶段的学生绘画特点是下笔果断且自由自在,儿童在这个时期呈现出对于绘画的浓厚兴趣;小学五年级至六年级随着学生知识面的拓展,学生的无论是鉴赏力还是观察力都有所提升,这个阶段是学生的绘画心理写实期,学生这个时期绘画表现出犹豫不定与频繁涂改等问题,对于自身的绘画常常觉得不满意,对于美术学习的兴趣有所降低。 2 影响小学生美术学习兴趣的因素及其分析 2.1 评价方式的影响 教师的评价是影响学生的美术学习兴趣的重要因素,对于小学的绘画作品时,教师往往按照成本标准的进行评价,让学生感受到教师的冷漠与否定。比如,教师在评价学生的化作时,对于画面整洁以及造型写实的画作,教师会给予高度赞赏,而对于画面奔放、用笔随性等作品,教师往往是持不认可的态度。采取这种评价方式,对于身心发展还有待成熟儿童而言显得过于残酷,也就导致学生的学习兴趣逐渐下降。 2.2 缺乏良好的学习氛围 良好的艺术氛围是激发学生美术学习的关键,然而,教师忽视举办各种形式的活动,将更多的时间进行理论的讲述,导致学生没有机会展现自身的才能。针对于这个问题,要求教师在课堂教学之余,应举办各种形式的活动,给予学生的充分展现自我的机会,从而点燃学生的美术学习兴趣。 3 运用信息技术激发小学生美术学习兴趣的途径 3.1 利用信息技术丰富美术教学内容 以往美术课程教学之中,教师在呈现教学内容时主要采取挂图与书本等形式。然而,在美术课程之中应用信息技术,以文字、声音、图片、视频以及音乐等多种形式呈现内容,或者是应用三维虚拟现实等方式制作美术课程教学课件,以直观、形象方式让学生感受到美术无穷魅力。对于学生的涌现出设想与创意,由于受到技能方面限制,难以得到完美的展现,无法保障作品预期效果。此外,绘画技能不同学生对于自身认可度不同,技能良好的学生在经过一定时间的练习后,技能会获得一定的提升。然而,技能不足的学生会逐渐失去绘画的信心。然而,实现美术课程与信息技术两者整合之后,对于学生的绘画技能的要求逐渐淡化,而更加重视学生的绘画的创新性。由此一来,在缩短学习之间的差异性同时,更可充分的发挥学生的潜能。与此同时,通过网络技术的充分应用,促使美术课堂教学摆脱教室与课本限制,对于教学中由教师提出的问题,学生通过发挥网络资源丰富的优势,通过查询、欣赏、浏览以及下载所需的资料信息,从而拓展学生知识获取方式。 3.2 活用信息技术提高学生创新能力 对于提升学生的创新性而言,实现信息技术和美术教学结合具有重要作用,学生可根据自身需要在丰富信息资源中选取合适内容,为学生探索与设想提供重要信息支持,从而提升学生的创造力与想象力。除此之外,可在班级范围内营造出相互交流、各抒己见的良好氛围,形成互相学习、共同进步的局面。 越来越多美术教学软件在信息技术与课程整合背景下涌现出来。例如Photo shop,CAD ACD See等软件的出现,不仅提高学生学习针对性,对于开拓学生视野、陶冶学生情操以及提升学生审美能力等方面也发挥着巨大作用。此外,通过网络技术应用,化抽象复杂知识为生动具体形象,易于学生接受与理解。正是因为信息技术具有多种优势而被广泛应用于教学中,在培养学生的思维能力、认识能力想象能力以及综合能力等方面发挥着巨大作用,是开发学生的潜能的重要方式,有利于为学生营造出良好时空条件与课业环境。 3.3 巧用信息技术创设教学情境 兴趣是最好的老师,学生对于美术学科浓厚学习兴趣,将会为学生美术课程学习注入源源不断动力。信息技术在美术课堂中的应用,是激发学生的学习兴趣重要途径,其利用动态画面、优美音乐等集中学生注意力,为学生营造出真实的教学情境,让学生有身入其境的感觉,在提升教学信息化水平同时,促进学生更好学习美术知识, 作为一种重要的教学媒体,信息技术具有交互性特点,这一特点可实现信息及时反馈,有利于强化教师与学生之间交流,便于为学生开展个别化指导,满足学生对个性化学习需要,是践行因材施教这一原则重要途径。在美术课堂中融入现代信息技术,改变以往的教学方式,学生不再是被动听讲,而可根据自身需要自由选择与探索。 4 结语 综上所述,通过美术课程与信息技术两者融合,不仅激发学生的学习兴趣,而且提升教学质量与效率。因此,教师在开展美术课程教学之中,应重视对现代化信息技术应用,调动学生参与学习积极性与主动性,提高对现有资源利用效率,降低学生的学习难度,为美术课程的教学质量与效果提供重要保障。 小学生美术论文:浅谈小学生美术课合作学习教学初探 摘要:在新课程改革的过程中,合作学习越来越成为教师们经常运用的教学方式。在合作学习中,学生为了完成共同的学习任务而进行合作交流,能使学生改变以自我为中心的不良意识,有利于培养学生的合作意识,并提高合作技能。下面拟谈谈在小学美术教学中开展合作学习的几种组织形式。 关键词:小学美术;合作学习;组织形式 一、合作创作式 许多美术作业仅靠一人之力很难做得很好,如果通过集体合作制作,却能收到良好的效果。因此,我们常围绕一个主题,或小组合作创作,或班集体合作创作,共同完成一件作品或一幅组画。这样既培养学生集体主义精神和协作意识,也充分发挥每一个学生的创造潜能,让学生体验到成功的快乐,共同品尝丰收的喜悦。例如,在一次以环保为主题的校园组画创作比赛中,全校学生以班级为单位,进行集体创作,共同完成一幅代表本班水平的组画作品参赛。学生们个个跃跃欲试,认真构思想象,明确分工责任,创作出一幅幅气韵生动、含义深远的环保组画作品。 二、小组讨论式 欣赏课美术课堂教学中,常常遇到有关制作方法、绘画步骤以及材料工具使用多元化的问题,甚至在中存在的一些观点上的分歧,如果仅靠教师的教,既不能让学生理解透、掌握好,又束缚了学生的创新思维,不利于学生的发展。因此,我们常常通过让学生看书自学,实践体验,探究发现,使学生在小组的范围内学习、讨论,这样可以让每一位学生充分参与,积极思考,发表见解,逐步形成对问题方法的认识,从而构建多方面的知识体系。在教学《笔筒与笔架》一课时,我们主张以简练、实用、新颖的设计为主流,鼓励学生大胆发挥想象。 三、小组表演式 在美术活动中,为了深化学生的体验感悟,常常把制作好的美术作品让学生再创作表现,通过自己编导、自由表演、自己欣赏、自己评价的体验表演活动,促进学生创编、想像、表演、交流的综合能力更好地体现了造型与表现的课程标准精神,让学生从小树立学习美术是为了美化生活、创造生活的思想,从而有效地提高学生表现美、创造美的能力。在《小鸟找家》这一课中,当学生创作完作品之后,通过小组表演的形式,让学生把创作的图意用小品的形式表演出来,既培养了学生的表演能力,又进一步深化学生的创作情感,丰富了学生多样化的学习方式,促进了学生全面发展。 四、互动交流式 互动交流式是在体验、探究、讨论的基础上进行交流的,这种互动交流方式包括了小组内的交流组中讨论、交流,拓宽创作思路,运用多种材料制作出各种各样美观奇特的笔筒与笔架。 小组间的交流,师生间的交流。在交流过程中不但可以使学生对问题分散的认识成为系统的认识,制作方法的单一性成为多元化的制作方法,而且可以让学生狭隘的思想变得丰富多彩,让学生的思维变得更为活跃,更为多样性,为美术制作、美术活动、美术创作打下良好的基础。在一堂《风景刻纸》的美术课中,通过让学生交流创作心得,互相学习刻纸艺术的造型表观及剪刻技法,进一步活跃学生的创作思维,增强学生学习的兴趣。 五、合作创作式 许多美术作业仅靠一人之力很难做得很好,如果通过集体合作制作,却能收到良好的效果。因此,我们常围绕一个主题,或小组合作创作,或班集体合作创作,共同完成一件作品或一幅组画。这样既培养学生集体主义精神和协作意识,也充分发挥每一个学生的创造潜能,让学生体验到成功的快乐,共同品尝丰收的喜悦。例如,在一次以环保为主题的校园组画创作比赛中,全校学生以班级为单位,进行集体创作,共同完成一幅代表本班水平的组画作品参赛。学生们个个跃跃欲试,认真构思想象,明确分工责任,创作出一幅幅气韵生动、含义深远的环保组画作品。 六、比赛评选式 在美术课堂教学中常采用小组比赛评选的形式,通过组与组之间的合作与竞争,在组内形成合作学习的机制,在组与组之间形成竞争的机制,激发学生自主学习的兴趣,参与竞争的意识,感受竞争活动的乐趣,更好地发挥合作学习的效益。另外,对于各个小组的比赛可进行多元化的评价方式,以进一步激发学生参与合作学习的热情。例如,在创作完美术作品后,通过小组间的展示,交流比赛,最后可评选出最佳设计奖、最佳制作奖、最佳创意奖、最佳表演奖、最优秀小组……,使每一个小组在不同方面都获得奖励与鼓舞。 七、师生互动学习式 教师是学习的组织者,更是学习的参与者,教师应放下架子,以平和的心态,参与到孩子的学习活动中, 使孩子感到教师的亲和与亲近,在一种完全和谐的氛围中实现全体学生自主参与的热情。在自然、常态的情景中,激发学生学习美术的兴趣,发展学生的思维和创作潜能。强调学生在学习中的主体地位,将学生看作教育过程的平等参与者、合作者、教育与自我教育的主体。通过合作学习确立师生在教学中的平等地位和合作与互动关系,有效地增强师生间的交流,进一步构建平等合作的师生观和教学观。在学习过程中,我们强调建立教学相长、交往互动的师生关系,变“传话”和“对话”,使教师成为“平等中的首席”要“蹲下身子与学生对话”,“同学生一起成长。 总之,在新课改形势下,我校以美术教育为突破口,全面实施素质教育。在美术教育过程中,又能通过美术活动、分组学习、合作完成较完整的美术作品,突出合作学习意识,进一步培养学生的团结协作精神,有利于学生之间的交流沟通,促进学生的主动性、创造性和民主平等精神的发展,不断地提高了学生人际交流和语言表达能力。 小学生美术论文:如何让小学生快乐学习美术的探讨 摘要:要充分发挥小学生的主体作用,引导小学生把学习美术内化为自我的需要,积极地参与美术活动,快乐地学习美术,自觉地接受美术的熏陶,从而领悟美术的魅力:同时也可以借助美术的神奇力量,促进小学生自身身心的和谐发展。 关键词:快乐学习;方法探讨;美术内化 美术教育是以愉悦小学生的感受和使其积极体验、参与为出发点,以提高小学生的审美意识为目的的基础素质教育。而乐观使人充满朝气、生机勃勃,是人不可缺少的健康心态。作为教师,除了教小学生学习知识以外,还要培养小学生乐观的品质,让他们对学习和生活充满自信。为了使所有小学生能充分领悟美术的无穷魅力,在美术教学中,我从以下几方面引导全体小学生积极的、自信的、快乐的参与各项美术活动: 一、运用媒体,创设情境吸引小学生主动参与。 小学生认识美术主要是依赖视觉的直觉感知来完成,要感受美术的美,就必须投入到美术中去。随着鲜艳的色彩、流畅的线条,展开丰富的想象,只有这样才能动之以情、积极参与、快乐的学。比如说我在《穿花衣的热带鱼》这一课时,制作了精美的教具,创设了蔚蓝的大海、各种各样美丽的热带鱼以及会f话的小鸭子,还有美妙的旋律等一系列有趣的情境,这样以来,小学生全都争先恐后地要求参与到美术活动之中来。 心理学研究发现,小学生在认识形式上具有形象大于思维的特点,他们常常用感性的形象取代思维过程,按照他们的心理年龄特点,利用生动具体的感性形象诱发丰富的形象思维,从而激发其学习欲望,使小学生全神贯注地主动参与学习,从而觉得学习是快乐的。 二、设计美术教学活动时,必须增强其趣味性。 美术教学活动要富有趣味性,小学生参加起来才有主动性和积极性。经多次实践,我发现融音乐性、知识性、趣味性为一体的游戏,更能激发小学生的激情,以及他们学习美术的兴趣,让他们在愉悦中不知不觉地掌握所学的知识,使美术教学变得更加生动、有趣,从而使小学生对美术产生浓厚的兴趣。 在学习《手拉手,找朋友》一课时,由于这一课是学习认识色彩与线条,并运用色彩和线条画一张画,为了让小学生能认识不同的色彩和各种各样的线条,我根据《找朋友》的歌曲作为课件的主题曲,创设了一个小朋友、各种卡通模样的小油画棒人和各种各样的卡通线条人,它们在音乐声中一起做"找朋友"的游戏,小学生们看了以后就开始蠢蠢欲动了,这时候我就让他们戴上小油画棒和线条的头饰来玩"找朋友"的游戏,小学生们在做游戏的时候不知不觉中认识了多种色彩和各种各样的线条,而这节课的小学生作品也达到了非常好的效果。经过这样的教学设计,美术教学活动的趣味性大大的增加了,小学生也非常感兴趣的参与其中,并在快乐中学习。兴趣是学习的情感因素,参与是学习的行动因素"。因此在教学设计时更应把握好兴趣和参与这一对孪生的姐妹。 三、美术教学活动也应该动静结合,动中有静。 美术是内心活动的表现。美术教学活动如果忽视了小学生们的心理因素,也不是一堂好的美术课。通过小学生们的思维活动,不仅培养他们动脑能力、形象思维能力,同时还培养他们的想象力、创造力,以及审美能力。 在美术教学活动中,培养小学生的想象力是非常重要的。小学生的心理世界可以不受任何限制和约束自由地想象。我们应抓住小学生的这个特点,积极调动小学生的思维,多给孩子想象的空间,培养他们的想象力和创造力。同时,美术是艺术性与思想性的统一,每个美术作品都具有较强的思想性,因此在教学中,通过欣赏一些优秀的工艺美术作品和名画家的美术作品,让小学生从中受到熏陶、感染,在潜移默化中,可以使小学生受到爱祖国、爱人民、爱科学、爱劳动等思想教育。 我在上《中国优秀工艺美术作品》一课时,从古代的青铜器到现代精致绝伦的微雕,都充分地向小学生展示了祖国文化的悠久历史和辉煌成就。上课时我尽量把这些工艺品变成看得清楚、摸得着的物品,例如利用录像、实物投影及收集一些实物工艺品结合具体直观化进行讲解。《长信宫灯》的古朴、灵便,《莲鹤方壶》的清新流畅、纤巧,象牙雕的玲珑精巧……小学生都看得津津有味:用手指点着,小心地抚摸着,不可思议地赞叹着。青铜器发展史、景德镇瓷都的精湛技艺、繁艳华丽的景泰蓝及八国联军入侵圆明园对我国艺术瑰宝的疯狂掠夺,同学们都听得如痴如醉,随着激奋的惊叹,随着失去的愤慨,他们的欣赏程度加深了,爱国主义情感也增强了。另外,在欣赏和学习全部的作品的同时,还可以引导小学生了解和学习一些具有高尚品德的艺术家的精神。如我国清代的画家郑板桥刚正不拘,虽清平却不攀权贵,为官清正廉洁,关心人民的疾苦,常以画兰竹以寄情怀。又如徐悲鸿,他一生都用画笔激励人、鼓舞人,还把自己的画和收藏的逾千幅名家精品无偿地捐献给祖国。 四、增强小学生自信,使每个小学生大胆的在美术教学活动中展现自己。 自信心对一个人来说是十分重要的精神支柱,也是人们行为的内在动力。一个人有了自信心,不论在学习、工作,还是在生活中将成为强者,反之为弱者。因此,自信心对一个人的成长非常重要。在传统教学中以教师的"教"为主,忽视小学生的"学",把教学过程"双主体"交互作用的活动变成教师向小学生单向地传递知识的过程。在这种状况下,小学生处于被动地适应教师教学,接受现成知识的"机器",体会不到参与之乐,思维之趣,成功之悦。因此在美术教学中,要重视对小学生的评价,激励不同层次小学生学习美术,尤其对于个别美术素质不佳的小学生,或是身心有缺陷的特殊生,应多采用语言性和非语言性两者结合的评价形式,及时捕捉他们的闪光点。因为这些小学生往往对美术怀有强烈的渴望,但在美术教学活动中并非主动参与。所以,在美术教学中,不要忽视他们在美术表现中的任何一点微小的进步或任何一次参与行为,寻找一切机会表扬、鼓励他们,增强他们的自信心。 为了激励小学生大胆表现自我,在美术课堂上,我根据小学生不同的特点,让他们在黑板上、实物投影上大胆地去表现各种物体,并及时的鼓励他们、表扬他们,而他们感到很快乐,很有信心。通过实践,我发现小学生在画画的时候既能自信又很富感染力与表现力。 总而言之,人都具有主观能动性,都不喜欢被动接受外界的刺激,充当知识的容器。因此,要充分发挥小学生的主体作用,引导小学生把学习美术内化为自我的需要,积极地参与美术活动,快乐地学习美术,自觉地接受美术的熏陶,从而领悟美术的魅力:同时也可以借助美术的神奇力量,促进小学生自身身心的和谐发展。 小学生美术论文:浅谈美术教育对小学生心理健康的促进 摘 要: 随着素质教育的稳步推进,关注少年儿童的心理健康已成为社会的共识及注意的热点,让孩子们掌握文化知识的同时拥有一个健康的心理也是我们教育工作者们的神圣职责。美术教育的最终落脚点是提升学生的审美素养,促进学生的身心发展,带给学生宽松的心境和态度,直接影响学生们的一生。探索一条通过美术教育来促进小学生心理健康发展的道路意义重大。 关键词:小学生 探索 心理健康 美术教育 促进 现代生活节奏加快,社会环境也日趋复杂,加之独生子女越来越多,受家庭过度宠爱等原因,造成其心理健康问题日渐增多,因此对学生进行心理健康教育,使他们拥有健康的心理,具有重要意义。对于美术学科来说,通过美术教育的实施,培养儿童对自然美、社会美、文学作品和艺术作品美的感受、美的鉴赏、美的表现和美的创造能力,同时,培养儿童爱美情趣,高尚的道德情操和完美的性格,提高整体素质的同时必然促进心理的健康发展。在我看来整合美术教育和心理健康教育,形成教育合力,对促进孩子的身心健康发展具有深远意义。 一、总述美术教育的作用意义 一般认为,艺术教育有利于提高学生的审美素养,培养学生向真、向善、向美德精神品格和人生境界。同时艺术教育也是学校素质教育的重要组成部分。其中美术教育能有效促进学生心理健康,且通过关注学生的精神成长从而提升学生的审美素养。随着社会的发展,艺术教育将具有越来越重要的地位。 (一)美术教育促进心理健康成长 1、小学生的心理生理特征 小学生时期是人的行为、性格和智力迅速发展的关键时期。在这一阶段,由于身心变化比较快,加之文化知识及社会经验的不足,小学生很容易产生不健康的心理,导致心理问题或心理疾病。排除小学生认识、情感、意志等方面的障碍,锻炼他们的意志品质,优化他们知、情、意、行等方面的素质,使他们形成良好的品格和健康心理,使他们形成初步正确的世界观和人生观是这个阶段教育的关键。 2、引发小学生心理问题的原因 由于小学生心理生理都处于特殊阶段,因而他们心理健康成长已成为社会关注的问题。现如今学生存在心理问题已并非是个别现象,影响他们的有家庭、社会、学校、自身等方面。 3、美术教育促进小学生心理健康成长的案例 面对日益增多的心理健康问题,是否可以通过美术教育使他们更健康呢?其实美术教育是艺术治疗的的一部分。美国最早的艺术治疗师之一的玛考尔蒂一直致力于儿童绘画与心理治疗的研究。他认为绘画能将儿童内心世界反映出来,有助于交流,加深心理医生与儿童的关系,从而加快治疗的速度。 (二)美术教育促进审美情感健康成长 在美术教学中培养小学生的审美能力促进审美情感的成长,可以从两方面进行:一方面是使学生形成正确的审美观点;另一方面是培养学生感受美、鉴赏美和创造美的能力。美学家认为审美教育要从审美形态教育和美感教育两方面进行。审美形态教育是培养人对自然界中千变万化的美的形态结构和艺术品的形态形式、风格的鉴赏、识别能力。美感教育是培养人建立健全心理结构,提高人的审美的感受、情感、想象与理解等心理能力,并使之相互协调。最终使人具有敏锐的审美知觉及对美的欣赏力和创造力。 (三)美术教育促进创新能力的成长 创造是人类特有的能力,而想象就是创造力发展的重要决定因素,我们时常把想象力比作创造力的翅膀,乘着它飞向创造力的宝库。众所周知,小学生特有的想象力和创新能力是最丰富的,美术教育就是让这种天性进一步解放、发挥出来。 二、分析美术教学特点,有效促进学生心理健康 (一)深入分析《中小学美术课程标准》,突出教学特点 新的《中小学美术课程标准》充分体现了以学生发展为本的思想,并反映了艺术教育与信息社会相适应等特点。并把美术学习领域划分成"造型表现"、"设计应用"、"欣赏评述"、"综合探索"。这四个领域不是孤立存在,而是相互依存的,它们各有侧重又紧密相连,从而形成一个具有开放性的美术课程结构。 (二)如何在小学美术教学中渗透心理健康教育呢? 1、把握学科特点,挖掘心理教育因素。小学美术教材中绘画课较多,有的课对学生的心理健康教育的内容显而易见,有的则并不明显。这就需要教师认真钻研教材,挖掘出心理健康教育的材料。同时给他们营造轻松和谐的作画氛围,提供一个自由创作的空间,让学生自由去选择,自由探索,让他们感觉在梦境般的感觉中创作着自己的梦。让学生达到用“我手画我心”,直抒胸臆,从而在美术中优化心理素质。 2、放飞情感,树立信心。每个人都喜欢受人称赞和鼓励,渴望获得成功。特别是低年级的学生年龄小,激励显得更加需要和重要。教师应通过仔细观察,了解学生的作画水平,认真分析每个学生的绘画能力,并采取相应的措施,才能使学生在原有的基础上获得进步。因此,教师在组织美术活动的过程中应该注意多激励学生,增强学生自信心。 3、赏识孩子,提高学生心理水平。评价是美术活动的一个重要环节。科学的评价会激发学生的自信心。否者,会打击和伤害学生的自信心。因此教学要把握好评价的环节,改变评价方式与内容,充分发挥评价的激励作用。在评价学生美术作品时要尊重学生、善于发现学生作品中的精华所在,表现出接纳、赞许的态度,只有这样才可能和学生沟通。童心是稚嫩脆弱的,所以要及时肯定学生作品的闪光点,肯定他们的创造,理解学生作品的内涵,从小学生的角度去评价作品。 三、结语 美术教育启迪智慧、激发创造力和想象力,使学生具有健康的审美能力,提升心理健康水平。美术通过多种渠道让学生接触绘画、手工、欣赏等内容。以美术的独特的魅力激发他们认识世界,关注生活,激发创造力,提高审美能力,培养青少年良好的个性情操,促使他们心理健康成长。 作者简介 姓名:万一灵,出生年月:1991年7月,本科,南昌市青山湖区义坊学校。 小学生美术论文:小画师的创意空间――小学生创意美术课题研究 摘 要:音乐与美术,是激发小学生创造力和好奇心的良好工具,小学开设这两门课程,目的就是为了开发小学生的智力,创造力等能力。但是虽然开设了这些课程,却未必能够真正的做到激发小学生的这些能力、兴趣。因此如何最有效的激发未来的小画师的好奇心和创造的天性,让他们在有限的条件下充分发挥自己的想象力,去创造,用自己的脑,手,眼去将想象转化为现实的作品,就是作为小学教师的我们需要去真正研究的。 关键词:小学生;美术课程;创造性:自由空间;激发 一、小学生创意美术课堂的概念和研究意义 所谓小学生创意美术课堂,是相对于我国传统的小学生美术课堂提出来的。其特点就体现在课堂的创意,创新性方面。它对于激发学生的学习,动手积极性和学习兴趣,提高他们学习主动性,促进他们学习进步,成绩提高具有非常突出的效果。与它相对的是我国传统的应试教育。它与我国传统应试教育的特点完全相反。创意美术课堂这一全新的教学方法。主要目的就是为了培养小学生的创造能力,想象力和创新思维。因此在二十一世纪的今天,创意教育和创意课堂得到了我国广大教育者的一致认同和关注。 当前我国广大小学开展的小学生创意美术课堂还仅仅处于试验阶段,虽然还存在着许多的问题,但是创意美术课堂仍然具有十分重要的意义,例如,创意教育有以下一些作用: 首先它彻底改变了现代美术教育的形式和内容,传统小学美术教育更类似于一种可有可无的学科,无法激发小学生的学习主动性,培养创造能力和想象力。而现代创意美术课堂则弥补了传统教育的不足。 其次,创意美术课堂作为未来新型教育方式的一种尝试,为未来的我国教育发展指明了道路。现代社会,竞争异常激烈,未来的国家社会,拼的是人才。因此人才特别是有创造力的人才就变得更为重要。因此在未来我国教育更应该以培养创新性的创造生人才为己任,而不能再仅仅以升学,成绩的好坏为目标。所以创意美术这一新型的教育尝试无疑是非常有意义的。 第三,创意美术课堂更受小学生们欢迎。相比起传统的应试型教育方法,现代创意美术课堂往往采用了一些新型的教育手段如多媒体教学,学生自学和主动性学习,这些方法无疑更受小学生喜欢,更能充分吸引他们的学习兴趣,激发他们自己去画,去感受,去体验。对于培养他们的学习能力,发展小学生的审美能力、想象力、创新精神更有效。 二、开展小学生创意美术课堂的技巧和诀窍 我个人从事这一工作有一段时间,对此深有感触,通过不断的摸索和实践,得出了一些自己的见解,个人认为激发小学生的创造力和好奇心,创造新时代下的创意美术课堂可以从以下几个方面进行: 1.取得孩子们的信任,给予他们充分的自由 在首先教师需要跟孩子们把关系搞好,只要老师和蔼可亲,轻声细语的,在教育的同时也关怀着孩子们,孩子们自然会对教师有一种喜欢和亲近的心理。 创意美术教育的第二个要求是给予孩子们充分的自由,让他们能够自由的发挥自己的想象力和能动性。毕竟小学教育的根本目的不是为了让他们学到复杂的知识,而是为了培养兴趣和想象力,创造性的能力和动手能力。 2.鼓励他们多想象、自己动手,不加以约束,多鼓励,不批评 想象力是人类最可贵的能力之一,它是思维的翅膀,还是创造的起点,又是创造的优秀。想象力是天才们创造的基础能力之一,而幼年和儿童时期则是想象力发展的黄金时期。而这一能力的培养,特别适合在音乐,美术一类的课程中进行。具体作法是小学教师在创意性美术课程中任由学生去想像,发挥。为他们新奇、离奇、夸张、变形、具有丰富想象力的作品而喝彩,让他们勇敢地大胆地毫不顾虑的安排好自己的想法去画。 3.激发小学生兴趣,让小学生在学习中保持在轻松、愉快的心情 儿童小学生由于天生好动,活泼,其行为最容易受情绪和其它事物所支配,很难让他们在很短的一段时间内集中精力于某件事上,因此在创意性美术教育中更应该不断的激发孩子们的兴趣,并不段的将他们的注意力集中到课程中来,比如说生动的语言如模仿火车的汽笛声“呜……呜”,动物的叫声“喵……汪”等维持他们的注意力和兴趣。可以通过生动的环境刺激比例展示一些模型,讲“乌鸦喝水”等有趣的童话故事,并用漂亮的画面来不断的刺激他们等等。 4.尽量减少教师讲解的时间,多给小学生亲身体验感受的机会 传统教育中,老师讲课的时间较多,给孩子们亲自体验的时间太少,让孩子们往往只是在听了后就忘记了。这样白白的浪费的教育的资源。因此需要进行改革。现代创造性美术教育应该以小学生为本,应注重在课堂中让小学生不断的亲自体验,并在此基础上培养小学生的感受力。而不应该让他们只是成为简单的听众,只是听老师的讲解,在讲解之后不久就把听到的知识忘得一干二净。 5.对小学生的作品给予公正的评价,多鼓励,少批评 在小学生创作过程结束后,该教学活动的结束不应以作品的结束而结束,而应该继续进入下一个环节:对作品进行评价。评价作品也是一很重要的环节,在这一环节,教师应该首先放弃自己以成人的眼光来评价他人画作的习惯。而应该转变观念,以作品是否想象丰富,表现力强烈,或者是内容丰富等标准来进行评价。画作是孩子丰富内心世界的体现,因此应该公开进行展示,让小学生人人参与,积极发表看法。让孩子互相审视、教师评价每一副作品,多鼓励,不批评,也不给作品打分,这样一来让小学生没有心理负担,以后创作欲会更强,但是老师应暗中记下每个小学生的不足之处,以便在以后的活动中因材施教。 三、结论 以上几点就是多年来我在教学工作中总结出的经验和结果,我个人发现,通过这些教学方式的改革,还对孩子们的其它行为、生活习惯等非智力因素的方面产生了积极的影响。通过果断地摒弃以往旧的美术教学模式,大胆尝试新的教育理念和方法,已经取得了非常好的作用和效果。在新教学课程实施一段时间后,每一堂课,同一绘画内容,班中会出现风格迥异的几十幅好作品。说明经过改革,不但以小学生的绘画技能得到提高,而且还提高了他们的观察力、想象力、创造力。达到了创造性美术教育课程的最终目的。 小学生美术论文:小学生美术教学中爱国主义思想教育的渗透 培育和弘扬民族精神,是当前教育的重要内容之一。美术教学中爱国主义思想的教育也是学生思想教学的主要阵地。爱国主义,是民族精神的重要内容,是学校对学生进行思想教育的基本内容之一,同时也是小学美术教学的一项重要任务。美术教学以欣赏美、表现美和创造美为主要特点,在小学美术课的教学中,对学生进行爱国主义思想教育可以通过这些途径来实现:一是在欣赏课中,二是在技法课中,三是在创作作品过程中进行,即通过欣赏美的审美教育、学习表现美的方法教育和实现创造美的实践教育过程来实现,并在教学中实现一个贯穿爱国主义思想教育与继承发扬民族传统优秀文化相结合的教育新格局。 一、在欣赏课教学中的爱国主义思想教育渗透 欣赏课教学中的爱国主义思想教育,主要是通过中国历代著名美术作品介绍和欣赏,让学生基本了解我国历史上一些有代表性的美术作品的情况,使他们对祖国极其丰富的古代文化和艺术遗产有一个初步的认识,引导学生去感受、理解和领会艺术中的爱国主义思想美,实现弘扬民族传统文化的审美教育,增强学生民族自信心、自尊心、自豪感,激发学生爱国主义情感,使学生接受爱国主义思想教育。 小学美术教材中的欣赏课,是教材的一个重要部分,也是学生欣赏美,提高自身审美的重要组成部分。其中有大量的中国历代以来各种代表性的美术作品及图片资料,如传统壁画、帛画、彩陶、国画、青铜器、石雕、秦陵兵马俑、秦长城、汉画像石、版画及有代表性的美术家及其作品等。这些教材中,又有大量的作品内容蕴含着爱国思想情感因素,是进行爱国主义思想教育的最好素材。教师备课时,就要深入研究教材,充分揭示教材的内在思想性。在教学过程中,应主要围绕作品的作者、时代背景、思想内涵和艺术形式给学生作详细的介绍。在此基础上,对作品相关的爱国主义主题思想和术手法进行分析、评价,使学生逐步加深感受、理解、领会东方文化的骄傲――我国历代美术作品自信、豪迈、博大、精深的艺术所孕育的民族传统文化精神。通过教学,引导和启发学生对祖国悠久的光辉灿烂的民族传统文化和民族艺术的热爱;培养和增强民族自尊心、自信心和自豪感,从而加深对中华民族的热爱。欣赏教学可采取多种方式,如结合挂图、课件和课本图片及平时收集的史料典故进行分析、讨论、评说、评价,可以运用多媒体放映展示并作讲解,也可以利用多媒体展示在网上下载的有征对性的图片等,做到有的放矢。使欣赏教学的指导思想及教学方式,始终落实在深化爱国主义思想教育上。 二、在技法教学中的爱国主义思想教育渗透 技法教学中的爱国主义思想教育,则主要通过美术作品的临摹、写生等实践活动,让学生基本了解和初步掌握我国传统美术形式的主要特征和技能技法技巧。 在引导和启发学生对美术作品物象的认识、理解、领会和想象进而来临摹塑造形象的过程中,培养他们对传统民族美术的兴趣和爱好,培养继承发扬民族传统文化的思想情感,以此来激发其爱国之情。 小学美术技法教学中,教材要求对学生安排一定内容的想象、写生、创作等课业实践,所以说,这是对学生进行爱国主义教育的一个最好时机。 在课业实践方面,学习中国画是广大学生比较感兴趣的绘画种类之一。因为中国画是我国历史悠久的传统绘画,是东方绘画的主流、典范,它在材料的选用、题材选取和技法运用上具有鲜明的民族个性特点,国画教学尤其在小学高段尤为突出,每期都安排了一定课时的国画传统教学。在中国画技法教学中渗透爱国主义教育,可以说是一条独特、有效的途径。教学时,教师可以根据中国画艺术特征,在重点讲述其基本技法的过程中指导学生进行具体的临摹或写生表现活动。如在辅导某一作品临摹时,教师可围绕作品外在形式的美,结合直观演示向学生讲解中国画艺术特色及其技法特点。着重指出中国画十分重视对事物本质的表现,讲究形式美;塑造形象以线条为主,尤其重视用笔用墨;构图不受时间、空间的限制,也不受焦点透视的束缚,并十分注意画面空白的运用;同时强调文学、书法、篆刻与绘画的有机结合;在创作过程中,从观察生活、研究事物到表现形式上都有它独特之处等要点。通过这样的讲解,使学生对中国画艺术特点有较深的认识,便于学生从艺术角度来加深理解、掌握传统绘画的表现手法及技能技巧。 这样,学生会被中国画特有的艺术魅力所折服;他们的艺术感受也被充分调动起来了,从而激发出对传统民族美术热爱的浓厚感情,同时也激发起极大的学习兴趣。这样,学生不仅受到了爱国主义思想教育,还能兴趣盎然地投入到学习之中去。 三、创作作品过程中,是对爱国主义思想教育的具体实现 在小学的美术课业实践中,具有中国典型民族文化的制作,如泥塑制作(手工设计)、《中国龙》(龙的形象)、《发现老房子的美》(中国古建筑)、《戏曲人物》(戏曲国画)等,这些都可以通过学生亲身去了解、塑造,创作出学生心目中的典型形象的创作实践课。学生可以通过陶瓷的塑造、龙的制作、建筑塑造、戏曲人物刻画等来对中国传统文化的学习,表达对中国传统文化思想的追求和崇拜,达到对爱国主义思想教育的实现。 四、注重教学方法,增强爱国主义思想教育的实效性 可见,在美术欣赏课、技法课与创作课教学中,对学生进行爱国主义思想教育的途径是十分广泛的,还可以在工艺、年画、书法等方面深入开展。那么,如何根据美术课及其教材特点和学生的实际,来深入钻研教材、体现教学层次、重视情感激发、创设教学情景,寓爱国主义教育于欣赏教学和技法及创作课教学之中,提高课堂教学和思想教育的实效性,这是每位教育工作者都应该重视的。 小学生美术论文:浅谈虚拟现实技术在中小学生美术教育中的应用 【摘 要】随着时代的进步、科技的发展,原本遥不可及的未来科技,一个个出现在现实生活中。近几年,虚拟现实技术渐渐被大众熟知,它是当今世界尖端科技的前沿和创新竞争的制高点,不断渗透到军事、工业、文化、民生等各个领域,将给人们的生产生活方式带来革命性的变化。目前虚拟现实技术在娱乐、游戏中已有应用。如将其搬进中小学的美术课堂,想必会将美术课堂变得更加立体、生动,更加有助于学生的知识学习和健康成长。 【关键词】虚拟现实技术;中小学生美术教育 一、什么是虚拟现实技术 虚拟现实技术(Virtual Reality), 又称灵境技术, 是一种有效模拟人在自然环境中视、听、动等行为的高级人机交互技g. 它采用计算机技术生成一个逼真的虚拟环境, 使置身于该环境中的人能通过各种传感交互设备,与这一虚拟环境进行相互操作, 达到彼此交换更迭、 融为一体的程度。用户进行位置移动时,电脑可以立即进行复杂的运算,将精确的三维世界视频传回,使用户产生身临其境的感觉。市场上熟知的虚拟现实游戏就是基于这一技术进行开发的,用户在游戏中体验滑雪时,因强大的视觉、听觉、触觉感受,会随着场景不断进行变化,如遇到树枝石头会进行躲闪、在加速的过程中甚至会有失重头晕的感觉等,和现实中滑雪的感受没有太大差别,一样能体验到速度和激情。 二、虚拟现实技术在教育中的运用 虚拟现实技术克服了教学场地的局限性,无论是听觉、视觉、触觉,逼真的感官体验,让体验者如同身临其境一般。一般来说,学习动机分内部动机和外部动机。内部动机源于学习者对活动本身产生的愉悦感及满意度。虚拟现实技术可将学生带入完全逼真的教学情境,通过交互式体验,从而获取愉悦感及满意度,从而调动学生主动进行学习,激发学习动机,增加学习体验与参与度。情境学习解决了传统教学脱离真实的问题,挑战传统教学场地所带来的局限性,通过设置与生活环境类似的场景,促进学生学习。而虚拟现实技术的出现为情景学习带来技术支持,学生不出教室就可以认识世界,把学习变成一种兴趣,激发主动学习的内在积极性。 北京一所小学的科普公开课上,学生就体验了虚拟现实技术带来的学习乐趣。学生们带上眼镜模拟航天员在太空所看到的场景,他们可自由地飞向太阳系中的任何一个星体,近距离观察体会每一个行星的特征。相比二维图像,虚拟现实技术所带来的沉浸式教学使课堂变得更加生动有趣,更重要的是这种学习体验会激发学生的创造力和想象力。 三、虚拟现实技术在中小学美术教育中的应用 中小学美术教育的目的除了让学生有一定的艺术常识外,更主要是给学生建立审美意识。审美意识的建立需要日积月累,它是主体对客观感性形象的美学属性的能动反映,人如果没有一个具有普适性的关于趣味的评价标准,就无法进行积极有效的精神交流和审美评价,这种有害的、低级的趣味会影响人们形成雅正、健康之审美观。单一的美术课堂传授的知识是局限片面的,想要从小培养审美能力,需要大量的信息拓宽,所以这就需要中小学美术教师在课堂上注重审美能力的培养。 情景学习是学习者在一定情境中主动建构的,强调知识与情境之间动态的相互作用。畅想一下,将虚拟现实技术带入中小学美术课堂,学生可以更加广泛深入地了解绘画、雕塑、建筑、设计等艺术,从而培养学生具有一定审美能力。学生戴上眼镜,就仿佛置身于巴黎卢浮宫中,不用出国也能轻松感受到卢浮宫的艺术氛围,体会达・芬奇《蒙娜丽莎的微笑》的迷人与神秘。 学生在虚拟现实中学习,往往伴随着角色扮演。或许学生可以扮演成张择端《清明上河图》中的某一个人,游走于画中,体会十二世纪北宋汴京的城市面貌和当时社会各阶层人民的生活状况,体会当时房屋、桥梁、城楼等建筑特色。新课改下美术学科教材课例丰富、形式多样,容量大,通过虚拟现实技术,能更好地引导学生进行艺术创新,培育学生的审美意识。 四、虚拟现实技术在中小学美术教育中面临的挑战 虚拟现实虽然渐渐走进我们的日常生活,但在中小学美术教学中如何发挥虚拟现实技术还面临一些挑战,如教育资源设计和开发技术门槛高,学科老师很难单独开发教学所需要的虚拟现实的课件,而虚拟现实资源质量的高低,取决于开发人员对教学内容和教学方法的理解和把握。在教学过程中,学生沉浸在虚拟现实之中,教师很难监控学生的学习状况,虚拟世界过多的功能和丰富的模拟场景,会干扰学习者对重要内容的吸收。虚拟现实技术虽然在美术教育中的运用为学生学习美术带来创造力与想象力,但同时需注意在技术层面与教学层面带来的新挑战。 小学生美术论文:如何激发小学生美术学习的兴趣 摘 要:兴趣是人们认识某事物或参与某种活动的积极倾向,是进行美术学习和创作的动力。学生的学习兴趣是学生学习的内在动机,也是推友生探求获得能力的一种强烈欲望。 关键词:小学生;美术学习;兴趣;激发 激发兴趣是提高美术教学效果的有效手段。许多实践证明,决定学生学习态度的因素有两种:一是认识,二是兴趣。兴趣支配着学生的注意力,使学生在学习活动中注意力集中而稳定。教育学家斯特金认为:“教学效果基本上取决于学生的学习态度。”学生的兴趣又调节着情感,浓厚的学习兴趣使学生表现出巨大的热情,从而提高学习效率。因此,要提高教学效果,要提高学生的学习积极性和主动性,就必须激发和提高学生的学习兴趣。在这一点上,美术课显得更为重要。如果学生没兴趣学,只是为学而学。这样,就不能牢固掌握一些美术基础知识,也不能提高创造能力和审美能力。那么,如何有效地在课堂中激发学生学习美术的兴趣,使小学美术教育改变原先的单调的由老师讲授和演示的方式,使学生积极主动参与其中呢?我认为可以采用以下几种途径。 一、利用情境教学、激发兴趣 学生的认识过程和情感过程是一个有机的整体。在教学中,依据教学内容,借助幻灯、录音、录像等现代化多媒体教学手段,运用音乐、影视、图片等艺术资料,创造一个宽松、和谐、活跃的课堂气氛。不仅可以丰富、映证和深化教学内容,而且可以调动学生的情绪,引发学生积极主动探求知识的兴趣。如讲《泥塑彩鸟》这课时,我走进课堂一言不发,先在投影仪上出示一片森林的图片,接着在录音机里播放鸟叫的声音。起初学生都莫名其妙。过了一会,学生不由自主随着动听的鸟声讨论开来。然后,我指着黑板上的森林说:“原来在这片森林里生活着好多鸟类,可由于当地的人们乱捕乱杀,都把鸟儿吓跑了,现在他们知道错了想请同学们帮着把鸟儿请回来,哪你打算请那些鸟回来?。”意境的创设使学生一下子活跃起来。在这种良好的情境中,我因势利导地引入了新课。实践证明,创设一定的情境,不仅可以激发学生学习兴趣,而且可以达到“曲径通幽”之效。 二、了解学生心理,培养兴趣 在教学中教师应该多了解学生,尊重学生。美术是学生认识世界过程中的一种表现。当对事物的认识想表达时就有画画描述的冲动。教师就要在课堂上引导好学生,激发其热情。比如在初一人物线造型的美术课上,当老师要求作业画女生头像时,总会有个别学生提出要画男生,有的还要画自己的爸爸,有的甚至要画只小熊猫。我们分析一下这些学生的想法,要求画男生的可能觉得自己能画的更好;要求画自己爸爸的是因为他最熟悉,能画象;要求画熊猫的同学可能是因为不自信,怕自己画不好人头像而要画自己拿手的。如果这时教师搞一刀切,以不按老师要求做作业进行批评的话,就使学生的绘画热情受到挫伤。因而应该给他们创作自由,让学生从兴趣开始,可以先画自己喜欢的,兴趣往往会产生“阶段性”的成果,我们要把握好学生所取得的成绩,及时的给予表扬和肯定,再画教师布置的作业,使学生乘胜进步。教师只有了解学生心理,正确的引导,才能培养其兴趣,提高创新能力。 三、采用游戏,激发兴趣 游戏是儿童的天堂。做游戏可以满足他们爱动好玩的心理,使注意力不但能持久、稳定,而注意的紧张程度也较高。在美术教学中,把教学内容渗透在游戏中,使学生愉快的气氛中对教学内容产生兴趣。经多次实践,我发现融音乐性、知识性、趣味性为一体的游戏,更能激发学生的激情,以及他们学习美术的兴趣,让他们在愉悦中不知不觉地掌握所学的知识,使美术教学变得更加生动、有趣,从而使学生对美术产生浓厚的兴趣。 在学习《手拉手,找朋友》这课时,由于这一课是学习认识色彩与线条,并运用色彩和线条画一张画,为了让学生能认识不同的色彩和各种各样的线条,我利用动画制作了一个有趣的课件,根据《找朋友》的歌曲作为课件的主题曲,创设了一个小朋友、各种卡通模样的小油画棒人和各种各样的卡通线条人,它们在音乐声中一起做“找朋友”的游戏,学生们看了以后就开始蠢蠢欲动了,这时候我就让他们戴上小油画棒和线条的头饰来玩“找朋友”的游戏,学生们在做游戏的时候不知不觉中认识了多种色彩和各种各样的线条,而这节课的学生作品也达到了非常好的效果。经过这样的教学设计,美术教学活动的趣味性大大的增加了,学生也非常感兴趣的参与其中,并在快乐中学习。 四、教师要营造自由自在的学习环境 自由是身体和心理的自由。学生都有自己的创造性的想法和能力,而身心自由是开发其创新能力的基本条件之一。学生在宽松愉悦的环境里才敢在创新的领域自由自在地徜徉,从而获得个性的发展。所以,在课堂上教师要营造一个平等的学习环境,要敢于和善于激励学生用自己的方式去发现和理解问题与事物,不要干扰学生个性化的创造方式和想法。有时候,教师要让学生出去写生,走出教室来到大自然中,让学生“自由发挥”或自由组合。这时,课堂可能会给人一种“乱”的感觉,这就更需要教师的耐心和指导。学生的动作与心声是其成长的一部分,动作和语言是儿童情绪和感情的反映,在激烈的讨论和自由的谈论中,学生可以表达自己内心的喜怒哀乐。教师应适应学生的情绪,允许学生自由参与,与学生分享这种情感。课堂虽然需要纪律,但是课堂纪律要有助于营造良好的教学氛围,要符合儿童的身心发展特点,能容纳不同儿童的不同个性,因为学习氛围更重要。 五、教具演示,激发兴趣 教具的运用,虽然是教学过程中起辅助作用,但设计巧妙,用得恰当,可大大地调动学生学习的兴趣。比如在教学《对称式纹样设计》时,我先出示了一张对折了的剪纸,在未打开前,用幻灯投影出来,让学生猜:打开来的时候可能是什么?这时,学生的注意力都集中在投影上,气氛一下活跃起来,纷纷举手猜测,很快就有同学猜对。学生对此产生了兴趣。接着,利用这一张剪纸,让学生总结对称的规律,学生因为在猜测时注意到图案的形状,所以很快就把对称的规律总结出来。这种教具的运用,就起到强化学生参与教学的作用。同时也给课堂增添了一种情趣,活跃了气氛,使课堂常规教学在愉快的游戏娱乐之中得到实施。电化教学融形、色、光、声为一体,刺激学生的感官,是一种在一般课堂上难以达到的高功效的教学手段,在激发学生学习兴趣和提高教学效率方面具有很大的作用,很值得推广。及时评价,展示成果,激发兴趣。围绕某一问题,组织学生讨论、争辩,让他们各抒已见,互相启发补充,使问题获得完美的解决,提高他们的学问积极性,使他们对这一问题产生浓厚的兴趣,并萌芽了解决此问题的欲望。 总之,要让小学的美术课生动而且形式多样地开展下去,就得灵活、大胆地利用教材、让学生在轻松愉快的心情下创作。打破课本的限制,让儿童喜欢那种无据无束信手涂鸦的快乐,尽量要让儿童置身画境,倾泻情感,融感情于绘画内容之中,利用身边一切资源,创造出美。教师要善于调动学生的兴趣,因为只有兴趣才能促使一个人走向胜利的彼岸。 小学生美术论文:如何培养小学生美术课堂上发言的积极性 在教学实践过程中,我发现小学生美术课堂上发言不积极存在着以下几种情况:一是不少学生为了避免出错而不愿举手答问,他们很在乎别人的评价,怕出现情况招同学嘲笑;二是更多的学生不爱举手,总觉得老师有个标准答案在衡量他,在保持自己完美形象的心理驱使下,他们选择了沉默;三是有的学生真的不懂无法回答;四是怕回答错误挨老师批评;五是少数学生觉得没必要;六是少数学生上课注意力不集中,教师就把提问当作一种惩罚手段,这同时也打击了那些举手要求回答问题的同学的积极性。 那么,如何培养小学生美术课堂上发言的积极性呢? 一、建构良好的师生关系,提高教师自身的亲和力 在n堂上,教师首先要保持"教学民主"的观念,不要居高临下盛气凌人,如果学生觉得老师高高在上,就会望而生畏,从而小心谨慎地抑制自己的能力。应把学生当作朋友看待,尊重他们的人格,真诚对待他们,给他们以亲切感,学生发言时,允许他们答错可重答,允许发表不同的意见,允许评议老师,从而营造民主、宽松、和谐的课堂气氛,缩短师生之间的心理距离,促进师生之间的心灵沟通,调动学生发言的积极性。例如平时教学中,当课堂气氛沉闷时,教师可以停下来讲讲幽默、笑话,或者是让几个学生做简单而有趣的游戏,调节课堂气氛。 二、帮助学生消除心理障碍,树立自信 平时和学生们平心静气的多沟通鼓励,多用激励性的语言告诉孩子们:在课堂上,老师喜欢学生们积极回答问题,因为这说明学生思维敏捷,能够跟得上老师讲课的速度和思路。无论对与错,只要积极回答问题就有好处。如果回答得正确,说明你听懂了老师讲授的知识,说明你在认真思考,你会博得老师和同学们的称赞,你内心的成就感就会被激活,从而提高积极性。如果回答得不正确,也没多大关系。这时候,老师知道这个问题你没有理解,没有掌握,会及时给予你正确的指导。对你本人来说,你对这个问题的记忆会比其它同学深刻得多。以后再遇到类似的问题,你出错的可能性就会小得多。 三、创设适当情境,诱发参与欲望 伟大的名人赞科夫说过:“对所学知识内容的兴趣可能成为学习动机。”兴趣也是最好的内在动力。小学生心理活跃,但不太稳定,容易形成兴奋中心,但又难以持久,有求新求奇的心理,对平淡的听课不太感兴趣,若是创设适当情境,诱发参与欲望,容易激发他们的学习兴趣,尤其是小组间的竞争,往往能激起部分学生的集体荣誉感而举手发言,这种在心理冲动驱使下的“应急”举动,往往能激发脑细胞的潜能,促进能力的发展。 四、优化教学方法,以学生为主体,教师为主导 教学的主导思想应该是充分调动学生的积极性,以学生为主体,发挥学生的能动作用,使学生容易接收又能愉快学习,而不是强迫学生生吞活剥地全面接收,教师不光要正确地传授知识,还要教给学生学习的方法。要根据小学美术学科特点选择适合小学生的教学方法,通过多种途径,调用多种手段激发学生学习热情,使学生积极参与教学活动,从而积极举手回答老师的提问。 五、采取相应的奖励性办法,调动学生发言的积极性 我现在教的班有个特点,孩子的性格普遍内向,学生说话的声音普遍很小,很多学生不爱表达也不善于表达,与以往教的几个班有明显的差异。上课前,我总是要动员半天,并采取相应的奖励措施,他们的积极性才能够被调动起来。可是平日的课堂总不能每节课都采取这样的方式。在反复思考实践后,我进一步改进了以往的做法,开展了以小组为单位的课堂发言评比活动。就是每个学生每周准备一本成长记录册,册子上大约每周一页,一学期一共二十页,每页都对应了相应的课程表格。一节课只要老师提的问题会就举手,不论老师是否叫到,学生都可以在这节课相应的格内画一条,一周统计一次,以小组为单位进行评比。这样做既克服了课后统计的繁琐,又避免了发言才统计一次的弊端(打击学生举手发言的积极性)。 小学生美术论文:探讨小学生优秀素养美术教学中的审美教学 摘要:小学生优秀素养,主要是指其在接受小学阶段的学习教育过程中,所一点点形成的必备的品质以及各种较为重要的能力,这些能力品格未来都能够更好地促进个人在未来的终身发展,同时这也是顺应未来社会发展所必须的因素。具体而言,可以分为学习能力、合作交往能力、自主创新能力以及个人发展能力与品德修养的能力。我国在过去的很长一个阶段所开展的教育模式基本都是属于应试教育模式,所以学生所掌握的能力与培养的品格根本无法满足未来发展的需求,这也是培养小学生的优秀素养非常刻不容缓的原因。当前我国基础教育的重点逐渐变为培养什么人、如何培养人、如何切实提高教学的质量,而这其实也是当前整个世界大部分国家在教育改革方面所关注并尝试解决的优秀问题。在小学美术方面,培养小学生的自主创新能力,首先应当先让学生具备扎实的审美能力,只有在此基础上,才能够实现小学生在美术方面的自主创新,进而逐渐掌握优秀素养之一的自主创新能力。所以本文尝试通过如何培养小学生的审美能力来提高小学生的优秀素养。 关键词:审美能力;小学生;美术教学;优秀素养 一、培养小学生的优秀素养是非常必要的 在新的教学规划纲要中,明确的表示把“树立科学的质量关,把促进人的全面发展,适应社会需要作为衡量教育质量的根本标准。”作为未来的教学目标,也就是要求未来的教育需要严格按照“以人为本”的目标进行,并且明确表示了教育应当培养出怎样的人。在中共的第十八大中,教育方面要求做到“立德树人”。开展教育,其本质是为了能够将民族的文化一代代传承,能够为国家持续的培养各种各样的人才,这些人才能够满足当前社会发展和国家建设的需求,属于有用的人才。为了能够满足当前时代国家的需求,同时可以促进学生的身体素质等全面发展,从而可以在未来更加适应社会的变化与需求,所以“优秀素养”一词应运而生。所以当前作为小学教师,需要转变已有的教育理念,按照社会的发展需求来教育学生,不再盲目注重以往的知识累积,而是把重心转移到能力培养方面,通过进行各学科知识的学习,让学生成长成为一个较为全面的人才。 二、对优秀素养的认识 在“优秀素养”一词提出之后,便有两个问题出现在人们的面前,第一个问题是,学生的优秀素养究竟应当如何培养才好;第二个问题是优秀素养中究竟应当把什么作为培养的重点?由于传统的应试教育模式的影响,所以过去人们都认为,只有掌握了知识,就能够在未来的考试、升学、工作和生活中无所不能、无往不利,只要掌握了知识,就能够真正做到“学好数理化,不怕走天下”。但是这样的思维只适应于过去的社会中,当前的社会是一个信息化的社会,社会发展速度日新月异,所以对于人才的需求标准在不断地提高,而且因为互联网信息化时代的到来,大数据背景下导致各种知识、各种技术层出不穷,知识的更新换代速度比以往快了成千上万倍,所以就目前而言,单纯的“拼”知识已经不具备竞争力,还需要能够掌握从知识的海洋自助获取和升华知识的能力,这就涉及到了小学生所应当掌握的几种基本的素养与能力的问题,例如兴趣、探索、质疑、坚持和进取等等,这些都是小学生未来自主生活和步入社会所需要的极为重要的几点,而且从客观的角度来看,单纯的获取知识远远比不上这些的重要性,而这些就是优秀素养。 例如,作为一名小学美术教师,如何培养小学生的优秀素养,同时培养他对绘画的兴趣呢?想要实现这两个目标,单纯的依靠外在的经验与做法是无法实现这两个目标的,在这两个目标背后,是如何培养小学生优秀素养的思想与智慧。小学生的绘画,从一个门外汉的角度来看,无非是一些较为抽象的线条,一些对比较强的色彩。但是如果让小学生以一种类似写日记的方式,每天把他的经过或者是觉得最有意思的事情通过绘画的方式画下来,坚持每天一张或者更多,如果能坚持一两年,那可能是因为觉得这是一个教师派发下来的任务,抱着完成任务的心态;但如果能几年、十几年、几十年的坚持,常人一定无法做到这些。日复一日、年复一年的将自己所见、所闻和所感都转换成线条和色彩,保存在纸上,这本身就是对自己的学习和生活的反思,而且每天都在绘画,即便是没有他人的指引,这么多年后,在绘画上也会自成一家,成为另一个“毕加索”也未尝不能。这种单调s又充满趣味的行为,会逐渐的培养小学生对于绘画的兴趣,与此同时也培养了小学生坚持的品格,这些都是优秀素养中的一部分,优秀素养方面的良好发展会在未来为学生提供数不尽的帮助。 三、需要保护小学生的优秀素养 教育思想的灵魂就是爱,同时这也是保护优秀素养的根本。作为一名教师,应当懂得如何去爱护自己的学生,同时这也是保护学生的优秀素养的行为。在实际的教学过程中,教师和学生的内心之间是相互连通的,互相之间的心灵沟通是非常重要的。所以教师和学生应当共同营造一个和谐的氛围,加深这种沟通的深度。在这种沟通环境下,重要的不再是知识与考试和师生关系,学生内心的感受才是最为重要的,这种感受中包含了对教师的敬仰和尊重,以及从教师身上所感受到的那种为人师长的感觉,这本身也可以归类为人格魅力的一种。当前师生之间对于这种沟通并不看重,但是如果能够很好地完成沟通,尤其是让那些有此类需求的学生的内心感受到来自教师的这种力量和温暖,那么在学生未来的成长与发展都是会起到非常大的帮助,这就是优秀素养中“优秀”二字的来源。 四、教师需要唤醒学生的优秀素养 优秀素养主要是通过后天的培养和引导所形成的,但是很多情况下,小学生也许经过了很多的培养和引导,却一直未能形成自己的优秀素养,这主要是因为其脑中关于优秀素养的意识没有被唤醒,只有通过适当的方式,才能够唤醒其优秀素养。例如,对于那些表现的较为个性的小学生,其最为缺乏的并不是知识,临近发展区内的一种内心的自我实现和超越才是其最为缺乏的。一直以来,学生群体中,都是以那些成绩较为优秀的学生作为领导和榜样,但是学生自己却从来没认为自己会成功,更不会认为自己会成为群体中的领导者。所以这就需要教师根据每一位学生的特点和需求选择合适的方式去唤醒其优秀素养。 五、小学美术优秀素养之自主创新能力的基础――审美能力的培养 在小学美术教学的大纲中,明确表示:“小学美术课是义务教育小学阶段的一门必修的艺术教育课程,是对学生进行美育的重要途径。他对于贯彻德、智、体、美、劳全面发展的教育方针。提高全民族的素质、培养有理想、有道德、有文化、有纪律的社主义公民具有重要作用。”此外,小学美术教学大纲在选择教学内容的原则上又表示:“小学美术课教学内容的选择要有利于学生尽心审美教育,提高学生的审美素养。” 当前优秀素养一直是教育界所关注的重点,但是在美术教育方面,过去的很长一段时间之内,美术课与画图课之间都打着等号,美术教师都认为小学生的美术课其实就是画图课,而且在所进行的画图课,其内容基本都是在教授小学生的绘画技法,所以所形成的结果就是,小学生可以滚瓜烂熟的背出各种绘画技法及分类,但是却不懂何为美,这就有种本末倒置的感觉了。所以在当前顺应优秀素养教育理念,我们需要在美术教育方面加强培养学生的审美能力,对过去美术课的教学方法和目的进行更新。 (一)首先是需要通过培养小学生在美术方面的兴趣来培养其发现美和感受美的能力。 所有课程的设置,其结果除了培养学生的能力、兴趣,就是帮助学生掌握各种知识,而作为美术课,其成功的标准就是培养学生对于美术方面各种知识的兴趣,只有对美术相关的知识等表现出足够的好奇与热情,存在着积极地情感,才能够对美术表现出积极地兴趣。而好奇则是培养学生兴趣的基础,只有先有了好奇的心理活动,才可能会产生兴趣,而学生只有对其产生了兴趣,才能够积极地参与到其中去。作为小学美术教师,在课堂教学过程中,需要能够帮助学生形成对美术的浓厚的兴趣,这样会使得课堂的氛围更加的活跃。在小学教育阶段,绝不可以对小学生采用填鸭式的教学方式,向其灌输知识,而是需要借助一些能够吸引小学生的兴趣的资料,让小学生主动去解决这些问题,在解决问题的过程中掌握相关的知识和手段。 例如,我在为小学生上第一堂美术课的时候,在做完了基本的介绍之后,我打开投影仪,为学生展示了张择端的《清明上河图》让学生去数其中有多少人,在等学生七嘴八舌的数完之后,我并没有为他们去核对到底谁数对了,而是告诉他们这张画的尺寸,并且在黑板上比划给他们尺寸大小,他们顿时就被张择端精湛的绘画艺术惊呆了,进而被这幅宏伟的作品所折服。我是通过这种方式来刺激他们对美术的印象,提高其对美术课程的关注,进而在未来逐渐培养其学习美术的兴趣,并且能够从其中发现各种美。 (二)通过培养小学生的丰富想象力来培养其孕育和创造美的能力。 对于美育的定义是:“用人类创造的一切精神产品与物质产品的美,反过来对人进行教育,使人得到全面的和谐的发展。”人们的生活,首先需要满足物质上的各种需求,在物质上需求基本都得到满足之后,人们会转而开始追求精神层面的享受,这就是对美的追求。当前社会下,科学技术水平在不断地提高,艺术设计与创新也随之发展的越来越广泛,可以说,在人们的生活中,无处不蕴含着美,艺术美源自生活美,如果一个人尚且无法理解生活中的各种美,自然更加无法理解和认识艺术中的美。艺术脱胎于生活,所以在进行小学美术的课堂教学的时候,其最先要做的就是培养小学生观察自己和他人的生活的习惯与能力。例如我在进行中国画方面的教学时候,为学生展示了一幅关于观赏鱼的作品,要求学生认真的观察其中的每一只鱼,并且描述出这些鱼可爱的地方。所以有的学生认为鱼的眼睛很奇怪,有的学生认为鱼鳞很漂亮,有的学生认为鱼尾很美丽等。所以在课堂作业中,我就让学生尝试着按照自己看到的最喜欢的鱼的样子去画画,结果有一个学生的作业中却出现的很多鱼的鱼头鱼尾都是颠倒的,我把这幅作品展示给其他同学看,他们都在笑话这些鱼画错了,但是我让作者来解释时候,他却说,他们家的《万马奔腾》图里面很多马就是这么画的。由此可见,这就是一种脱胎于生活美的艺术美,也体现出了小学生对于创造美的能力。 (三)引导小学生大胆的创新,使其在创造中去发现和鉴赏美。 美不是只是如同阳春白雪一般高贵又高不可攀的存在,这种是美的事物的一种表现形式,事实上,美还可以以一种极为接地气的下里巴人的形式存在着,没有任何一种美的事物永恒不变,所谓的美,其实都是相对于审美对象的一种看法和感觉。例如,同样是零下十度冰雪世界,对于正在被火辣的太阳烤得汗流浃背的人而言,那就是一种美到不可方物的享受,而对于裹着厚厚的棉衣依然被冻得瑟瑟发抖的人而言,就完全感受不到这冰天雪地何来的美感。所以,作为小学美术教师,需要鼓励引导学生经常按照自己的观察与实践尝试去鉴赏各种美感。别人口中所赞扬的未必就是自己也赞同的美。在小学美术教学过程中,生活中无处不在的花花草草、小鸟、猫狗、虫子、大树甚至江河湖海与川流不息的车辆人流等等,美无处不在,小学生应当学会从中发现美,并且通过手中的画笔将感受到的美记录下来。小学生因为刚接触美术,所以很可能出现画画不好的情况,作为小学美术教师,切不可打击小学生的进取心,而是需要通过耐心的指导,让学生明白其中所存在的各种不足,并且进行改正,并且对其做的较好的地方予以赞扬,保护他们发现美和创造美的能力。 六、总结 与其他的小学学科不尽相同,美术作为一门独具特色的学科,其学习的顺序基本是寻找美、感受美、模仿美、升华美。想要做好学习美术最为基本的工作,首先需要掌握的就是审美能力,也就是从生活中寻找无处不在的美的能力,只有学生在生活中寻找到各种美感,才能够在之后的模仿美的步骤中让自己的作品夹杂着更加浓厚的生活气息,如此的贴近生活才能够逐渐形成属于自己的自主的创新,从源自生活的美中脱胎出来,这其实也是小学生学习美术的升华。只有先掌握了审美的能力,才能够从所看到的各种美中得以升华,创新出属于自己的、更高层次的美,这是一种创新,实际上也是在培养小学生优秀素养中多项能力之一的自主创新能力。所以想要培养小学生在美术方面的优秀能力,就需要从多个方面的能力培养入手,而其中的自主创新能力的培养,一定要加强对小学生的审美能力的培养,只有这样,才能够真正实现质的飞越,为小学生未来的发展提供无尽的帮助。 小学生美术论文:浅谈小学美术教学中对小学生审美心理的培养 “爱美之心人皆有之”,更何况儿童,他们是天真的,他们是单纯的,他们对待美好的事物,更是全身心地接纳。随着年龄的增长,美术课成为他们上学必修的一门功课,这就不仅要求他们的审美达到一定高度,而且还要以艺术的形式表现出来。所以,审美素质教育和心理方面的培养,关乎每一个学生能否学好美术课,提升对美的欣赏能力以及陶冶情操的目的。 一、提升儿童的欣赏能力及审美习惯 小学教学中的美术欣赏课是以引导小学生对审美对象产生好感以及对事物赋予一种向往为主的心理活动模式。老师在教学过程中,要激发学生对事物的兴趣、认识和关注,从而与理解、观察密切相关,直至能模拟下来。 具体方法有: 1.生活中带有强烈色彩的事物,能够刺激孩子的视觉神经,不妨从他们熟悉的事物入手,吸引他们的注意力。比如,红红的太阳、蓝蓝的天,蓝蓝的天上白云飘等等;再比如,绿的草、黄的花,花的上面蝴蝶飞等等。同时,老师在黑板上画出这些自然景观,让儿童尝试着勾勒出每天都看到的事物。 2.儿童往往在欣赏时能记住景观的模样,但到了真正画出来时,难免丢三落四,这时,老师不能打击孩子的积极性,而要启发他们仔细想一想自己漏掉了哪些细节,下次再观察的时候,注意什么,甚至可以拿着画去对比,印象就更深刻了。 3.小学的语文课本或者数学课本上都有很多图画,美术老师可以引导儿童观察课本上的图画,让孩子描述画里透露的情节,使孩子通过仔细琢磨,提升对作品的感受力和赏析力,甚至对哪幅画画得好、画得细,会有一个简单的认识和评判。 4.Ш⒆尤ゲ渭踊展,不要怕孩子看不懂,让儿童养成在欣赏的过程中,根据自己的“生活经验”和“审美阅历”对画面产生联想的习惯,对那些反映学生内心世界的作品展开讨论,并结合画展中的作品,让孩子尝试练习自己独到的艺术表现手法。 二、培养儿童的博爱情愫及宽广胸怀 如果画的作者对画中人物或景色没有足够爱心的话,是画不出美妙的作品来的,而且一个人的心胸是否宽广也能在画作中体现出来。所以,教师要培养儿童爱的能力,比如,爱花草树木、爱小动物、爱父母、爱家庭、爱祖国,只有学生对事物产生了喜爱的心理,才能细心观察,反复琢磨,用心刻画。 具体办法有: 1.用音乐作为辅助工具,在学生对画作进行欣赏时,加深对美的感受,甚至通过听觉感受加深视觉记忆,尤其古典音乐和轻音乐可以将学生的思维带入到创作的意境中去,感同身受地体会作者为什么要画这幅画,这幅画表达了作者怎样的内心世界,如果自己画,要如何表达,等等。 2.鼓励学生多看诗、背诗,欣赏古今中外名著。教师可以在学生欣赏画作的同时,大声朗诵跟画有关的诗词和名句,或者生动有趣的文章,使儿童对艺术作品的感受加深,这种教学手段是为了渲染气氛、引起共鸣。 3.动画是美术课中的一项内容,为了弥补静态在小学美术教学中的不足,将动漫资源引进到教学中,是很有意义的事情。很多小学生都喜欢看动画片,美术教师可以将教材中的图画融入动画片的情节中,让孩子参与其中,配音、扮演角色、模拟动作,使学生对画中的人物、动物有认知,再回归到讲解画作时,就听得更明白了。 三、加强儿童的文化素养及顽强意志 小学低年级的学生对于美术课的理解,很容易停留在“信手涂鸦”阶段,刚开始只是觉得好玩,时间长了,如果达不到老师的要求或者自己的水平没有明显进步,就有逆反情绪了,甚至有的打起退堂鼓,所以,教师要培养学生好的耐力,加强学生的文化修养。 随着小学中年级以后画作欣赏内容的不断丰富,需要孩子了解的知识也越来越多了,比如,第六册《工艺美术的陶瓷和雕塑》《绘画作品中风景的静物》等作品就要求学生对古今中外的绘画作品和工艺美术作品有独到的见解,第八册的教学课程还安排了剪纸、竹编等手工课,这也要求学生对工艺作品甚至刺绣、竹编等作品熟知、掌握,随着欣赏佳作品质的提高,教师对学生的指导也起着至关重要的作用。 首先,教师要引导孩子静下心来,因为习画需要宁静、淡泊,这是一种与世俗名利相反的心境,学生要树立正确的人生观,不要被烦心事所纷扰,要有超凡脱俗的情趣,这是一种高洁的品质,更是一种气节,唯有闲适恬淡的性格和顺其自然的胸襟才能达到如此开阔、贤雅。 其次,教师要培养学生勇于战胜困难的意志,在追求艺术的道路上不畏艰难,不断求索的决心,还要有举一反三的精神,从用色到造型,从停笔到触笔的运用,体会着艺术不可言说的规律、不断延展的生命力和永无休止的境界,让学生无论从人文修养、绘画技巧还是创作思路上,都有一个质的飞跃,在生活中,拥有对美的评审标准和理解能力。 小学生美术论文:美术教育对小学生心理健康的影响 摘 要:小学教育的方针是促进学生在“德、智、体、美、劳”等方面全面发展。美术教育是小学教育的重要组成部分。小学生处于心智发育和成长的起步发展时期,小学生对真、善、美的认知和理解主要处于直观和感性的层级。语言和文字的渗透对小学生认知和情感的作用有限,小学生在认知和情感的表达方面主要通过直观形象的方式进行。美术教育正是适应小学生心智发育成长特点的教育学科,对促进小学生的心理健康成长具有十分重要的价值。 关键词:美术;心理;教育 一、小学生的身心发展特征及心理问题成因 小学时期既是人的心智迅速发展的关键时期,也是心智发育成长的矛盾期。在这一阶段,小学生在身高等生理方面每天都在发育成长,在生理发育基础上的心智、性情等心理元素也在与日俱进。而无论是生理的发育,还是心理的成长,都是缓慢的、渐进的。生理的发育需要漫长的时间,心理的成长需要渐进的过程。身心发育的成长变化和知识文化、社会阅历的不足之间的矛盾,很容易造成小学生知、情、意、行等方面的障碍和纠结。如果长期得不到疏导和释放,就会出现心理问题,甚至会发展成心理疾病。影响小学生心理问题的除了自身心智发育成长因素外,小学生成长的家庭、社会、学校等环境因素也是至关重要的,特别是家庭的因素、父母的言传身教对小学生的影响,是有着决定性作用的因素。 二、美术教育对小学生心理健康成长影响的案例 美术教育对小学生的心理健康有哪些影响,有不少实际案例能够证明。著名的“房树人测验”,又称“画树测验”就是分析判定学生心理成长历程和心理健康状况的典案例。 “房树人”测验要求被测者在同一张纸上画出房、树、人,并用蜡笔对画进行涂抹上彩。“房树人测验”既是“人格测试”,又是“智力测试”。根据一定标准,通过对被测试者图画的分析、解释,了解被测试者的心理活动现象,分析被测试者心理活动的正常或异常等问题。在对小学生进行的“房树人”测验中,有的学生把“房树人”绘画得完整无缺,有的学生把“房树人”绘画得残缺不全;有的学生把“房树人”绘画得阳光多彩、生机勃勃,有的学生把“房树人”绘画得冷若冰霜、黯淡无光。通过学生不同的“房树人”绘画,美术工作者能够从中分析出学生的心理成长历程,能够从中判断学生的心理健康状况,并且结合具体问题的具体情况,寻找并实施科学有效的解决办法。 “房树人”绘画能够把学生不想说、不能说、不敢说的心路历程用绘画语言比较充分地表达出来。比如,有的学生在“房树人”测验中,把房屋画得低矮丑陋,没有窗户,把树木画成枯枝烂叶或没有树叶,把人画得孤苦伶仃或横眉冷对。美术教育工作者应从中挖掘绘画学生的家庭问题,发现绘画学生的心理问题,并及时找到该学生进行谈心和沟通,发现造成学生心理问题的原因,及时进行疏通和解决。 美术教育工作者要特别注意的是:一定要通过现象找原因,透过现象看本质。一定要深入挖掘学生绘画内容的背后到底发生了什么。 比如,有一个学生在家庭绘画中,没有画爸爸,画了一张床,自己和妈妈保持距离地躺在床上,房间里再无任何修饰,从这张绘画中,教育工作者分析孩子的家庭很有可能是问题家庭。经过找孩子谈心和家庭回访,了解到这个家庭是离异家庭,孩子在两岁时,爸爸就和妈妈离婚了,妈妈和孩子相依为命,妈妈很严厉,经常打骂孩子,孩子性情内向孤僻,很少和老师、同学交流。发现问题,找到问题原因后,美术教育工作者协助班主任老师开始有针对性地和孩子及妈妈沟通和交流,引导孩子妈妈多给孩子温暖和疼爱,关注、关心孩子的点滴成长和变化,疏导孩子的心结,通过丰富多彩的活动陶冶孩子的性情。半年后,美术教育工作者又让这个学生进行家庭绘画,学生画的是一间宽敞明亮的大房子,自己搂着妈妈躺在一张大床上,妈妈在给自己讲故事。画面温暖清新,充分反映了学生的心理健康变化过程。 美术教育不仅能够帮助发现学生的心理健康问题,进而解决学生的心理健康问题,还能够帮助学生释放、缓解心理压力。所谓言为心声、曲为心音、画为心作。绘画是人对事物认知的表达、情感的释放。小学生不善于用过多的语言文字表达情感,而且语言文字的表达暴露性较强,而绘画的隐晦性较强,更容易被小学生的认知和情感所接受。学生通过手中笔、笔下画,把自己的心愿画出来,把自己的心结画出来,让自己豁然开朗,使自己身心愉悦。 三、美术教育工作者应充分发挥美术教育中的“美”的元素对学生心理健康的作用 美术是一门“美”的学科,教会学生发现美、认识美、理解美、表达美。美术教育工作者要多为学生创造美的经历和感受,用美的经历和美的作品培养学生学会欣赏自然、欣赏生活,影响学生学会在生活中寻找美、发现美。我们常说一句话:生活中从不缺少美,而是缺少发现美的眼睛。学生通过美术教育,能够拥有一双寻找美、发现美的眼睛和心灵。让学生经常用一双阳光的眼睛看世界,使学生经常用一颗豁达的心灵理解他人,这些对培养学生健全的人格,对促进学生的心理健康都具有十分重大的意义。 小学生美术论文:小学生美术创作能力提升策略研究 摘 要:当前,小学美术教学中存在课程教学理念有待更新;教学内容实用性有待丰富;教学体系科学性有待提高等问题。因此,小学美术教师应用课外写生增强学生的创作灵感,用生活素材丰富学生的创作主题,以科学指导提升学生的创作意识,以生动演示提升学生的创作品质,全面提升其创作能力。 关键词:美术创作;提升策略;小学生 一、小学美术教学现状 1.课程教学理念有待更新 学生在日常生活中,己或多或少接触了与美术相关的内容,有一定的鉴赏能力。虽然对美术课有一定的兴趣,但也存在着某些误解与偏见,很多人认为美术课就是让学生“照猫画虎”。在这样的教学理念指导下,接受落后的美术知识,教师站在讲台上作画,学生则在下面临摹,学习变为机械性的重复活动。而先进的教学理念是提升教学水平的基础与前提。只有根据现实情况,更新教学理念,才能丰富教学方法,真正做到满足学生的需求。 2.教学内容实用性有待丰富 小学美术课程中,部分学校虽然采用最新教材或者校本教材,但教材的科学程度、内容的实用性有待进一步提升。大多数教师在辅导学生创作时,感觉没有什么题材可以画。有的学生等着听从老师的安排,有的学生一味地模仿成人的作品或者互相抄袭,其创新能力有待提升。在访问调查学生时,48%的小学生认为美术教材内容不实用,不能激发自己的学习兴趣;24%的学生表示对课程内容基本满意,能够帮助自己提升创作能力;28%的学生认为课程有吸引力、较为实用。 3.教学体系科学性有待提高 笔者对美术教学模式调查结果显示,当前由于小学在办学资源等方面还存在欠缺,导致教学模式的科学性有待完善,学生对教学水平的满意度较低。虽然目前部分学校已经增加了专业美术教师,一定程度上丰富了教学方法,但由于教师实践指导水平有待提升、教学模式科学性有待完善、课程缺乏实践性及评价体系不健全等方面的弊端,导致美术教学计划、教学大纲、教学模式不能与学生的需求无缝对接,导致学生无法真正形成创作能力。 二、提升小学生美术创作能力的教学策略 1.用课外写生增强学生的创作灵感 教师可以利用周末和寒暑假等带领学生去自然界观察美好的事物,增强学生的观察能力、审美能力。并通过一定量的美术学习任务,让学生时刻把握和运用明暗、形体等造型原理。唯有如此,学生才能熟练掌握美术的形象思维、观察方法和审美理念等,才能够在完成一定难度的美术技能技巧的学习基础上,产生创作灵感,为其美术创作打下坚实的基础。 2.用生活素材丰富学生的创作主题 学生在学习美术前,他们已经具有丰富的生活经验。教师应当利用学生已有的生活经验,创设学习情境,并从中引出学习内容,使学生感受到美学知识的生活意义和价值,激发学生学习美术的热情和动力。因此,为了使学生实现对所学知识的有效建构,教师应当为学生提供大量的生活实例,将生活现象灵活引入美术教学,实现美术知识与生活的紧密结合,为学生提高美术技能提供有力的支撑。只有这样,学生才会对美术课程有真切的感受,才不会只是在抽象的水平上机械地练习。 3.以科学指导提升学生的创作意识 科学的教学指导,τ谘生美术创作能力的提升具有重要作用。学生生活在五彩缤纷的世界,常常不能很好地把握事物的特征。因此,美术教师需要用赤诚心感受他们的世界,并实施情感化、多元化地有效指导。教师要依据当前学生的身心发展规律精心设计教学案例,对学生实施精确性、科学性的指导。同时,培养学生的美术创作能力是一个长期、系统的工程。因此,美术教师要引导学生学会观察生活中的事物特征,进而结合美术知识将其展现到作品中。要鼓励学生在平时的练习中时时积累创作素材。只有拥有丰富的素材,才能在进行美术创作时做到灵活自如。 4.以生动演示提升学生的创作品质 由于美术属于视觉艺术,老师的示范性作用不仅能够提升初学者在美术技能学习中的思维品质,也能够使学生熟练掌握美术创作的要领,进而使学生更加深刻地理解经典作品。因此,在学习美术之初,为了让学生体会到不同的绘画风格,培养他们不同的艺术个性,可以让学生挑选自己喜欢的作品临摹,增强其作画的新鲜感,保持绘画的冲动和学习的兴趣。同时,美术教师要结合小学生的认知特点与学习心理,生动演示绘画作品,耐心引导学生临摹经典之作,从中吸收美术精髓,从而培养学生对美术创作技能的领悟能力和创作品质。 当前,教育教学改革不断深入,笔者作为小学美术教师,在多年教学的实践经验基础上,深入探究了提升小学生美术创作能力的教学策略。希望更多的学者和教师能够关注小学美术教学,共同提升小学生的美术创作能力。 小学生美术论文:小学生美术创新能力的培养途径 摘要:现代美术教学的主要目标之一就是实现小学生美术创新能力的提高,坚决摒弃以往传统的教学观念和教学方式,探索研究一种全新的教学模式和学习方法,让美术教学具有实际性、交流性与互动性,还原美术学科的原有生趣,在这一过程中培养和提升小学生的创新能力。基于此,本文就小学美术教学中培养小学生创新能力的重要意义着手,并对此提出了小学美术教学中小学生创新能力的培养途径。 关键词:小学美术;创新能力;课堂教学;培养途径 随着新课程改革的不断深入,越来越多的人们开始重视素质教育,而创新能力的培养就是小学生素质教育中较为关键的一部分。在新课改理念下,要求小学生在美术课堂教学中能够积极主动、独立的学习,逐渐提升自身的创新意识和创新能力。同时,教师不但要帮助小学生掌握全面的知识系统,还要指导小学生在学习中努力发现、不断探索,引导小学生动脑思考,用眼睛去看,用手去实践,培养小学生发现新事物、发表新见解、独立解决问题的能力,逐步促进小学生创新意识和创新能力的发展。 创新教学模式 小W教师应该在实际教学中培养小学生突破传统的学习思维,不能仅仅是教师教什么学生学什么,而是要敢于对一切知识说“不”,也就是说教师要培养小学生能够面对问题,多角度、多层次地对问题进行思考。教师在教学过程中要实现动力创新和意识创新,这是求异策略中的重要理念。当前受到文化多样性的影响以及互联网计算机技术的普及,为小学生提供了更多的信息获取渠道,极大地影响学生的精神和理想甚至个性的发展,具备较强的创新能力能够为小学生树立正确的人生观、价值观和世界观奠定良好的基础,可使其在学习文化知识或获取信息的过程中,有勇气去揭示事物或矛盾的性质,大胆创新。 例如:在教学《蓝印花布》这一课时,教师可以选择一些乡土教材中蓝印花布的图片或者视频通过多媒体展示,可以带领学生一起进行讨论,看看生活当中都有什么样的蓝印花布的样式,自己喜欢什么样式,每种样式都代表什么意义等,学生可以结合自己对蓝印花布样式的不同理解,尽情地阐述自己的观点和看法,激发学生从多角度探讨问题,多层次进行思考。由此可见,教师在实际的美术教学中通过讨论蓝印花布样式的方法来培养学生的创新能力具有一定的实际意义。 构建愉悦的教学环境 以往的小学美术课堂教学中,模式比较单一,氛围非常古板,对于小学生来讲,就会出现厌学现象,课上不会认真听讲,更不用提创新能力的培养了。因此,教师要为学生构建一个良好的课堂氛围和环境,让学生在轻松的环境中学习,进而不断培养小学生的创新能力。 例如:在教学《蓝印花布》这一课时,教师和学生都分别的准备了不同形状的纸盘、蓝色记号笔以及白色的油画棒。可以先与学生进行交流,问问学生都想画些什么样的图案,有的说“画鱼”、有的说“画花”、还有的说“画人物”,然后鼓励学生自己进行创作,将自己当成是一名小小的设计师,通过自己的想象和对蓝印花布的理解在纸盘上面画出蓝印花布的图案,学习用蓝印花布的颜色和花纹来装饰盘子,在这过程中教师应该在一旁对学生的创作思路进行指导。通过这样亲自动手画画的过程能够缓解学生因上课而产生的紧张情绪,在轻松愉快的环境下学生能够将自己的想象力充分的发挥出来,有助于学生创新能力的培养。 鼓励学生大胆质疑 在小学美术课堂教学,知识内容相对比较复杂,往往会涉及到很多的国内和海外的本土风情等,因此,肯定会出现难以解决的问题,而面对这些问题时要鼓励学生积极、主动地去寻找问题的解决方法,逐渐形成良好的解决问题能力,同时促进学生创新能力的提升,为之后的创新能力发展奠定良好的基础。另外,培养小学生的美术创新能力不能仅考虑知识为重。因为知识水平的高低并不能决定文化素质的高度,只能起到优化本体结构的作用,促进知识水平的提升。 例如:在教学《蓝印花布》这一课时,当学生创作完之后,教师可以让学生拿着自己的作品进行展示,并且说说自己作品的创作思路和包含的意义等,在这过程中会有其他学生对其产生一些质疑。有的学生作品看着很工整,有的学生作品则看着比较乱,这时教师就应该与学生进行交流,“这个盘子把文字和点线面结合起来了,而这一个装饰的位置很独特,使不规则形状显得活泼可爱”。学生在学习中产生质疑是很正常的事情,但是教师不要急于去否定学生的观点,应该选择合适的方法来解决学生的质疑,鼓励学生继续进行创作,有效的培养学生创造性思维。 综上所述,在小学教育中如何培养学生的美术创新能力与学生生活和将来就业存在着密切的关系。因此,教师应该站在全面实行素质化教育的背景下,提升小学生的创新能力,利用更具生动性、多样性和现代性的教学方法开展一系列课堂教学活动。 (作者单位:江苏省如东县宾山小学)
优秀小学美术教学论文:小学美术课情境教学论文 多媒体集形、声、光、色、动、静为一体,突破时空限制,可以大大调动学生的学习积极性,使学生积极主动愉快地参与教学活动。教学实践证明,在小学美术课中引入多媒体教学,可创造生动、活泼、愉悦、高效地课堂学习氛围,优化教学过程,提高教育、教学效果和质量,促进教学改革向一个更科学、与日俱增先进的方向发展。 一、运用多媒体教学,创设情境,使学生积极、主动探求新知。 “良好的开端,是成功的一半”,一节课的开始是教师谱写一首优美的教学乐章的前奏,是师生情感共鸣的第一音符。精心设计好这个“开端”,使学生从新课开始就产生强烈的求知欲望,对于学生学习新知是至关重要的。因此,在美术课教学过程中,教师可根据教学内容特点和学生的心理特征,遵循趣味性和针对性的原则,根据新课内容和学生的学习实际巧妙运用电教媒体,促使学生产生强烈的求知欲,从而进入最佳学习状态。如:我在教学《海底世界》一课伊始,演示一段展现海底世界的视频影像进行欣赏,绚丽的色彩,变化无穷的神秘海底,以及优美的音乐,给学生的视觉、听觉以美的享受,使课堂教学进入轻松、愉悦的氛围,这样创设情境,导入新课,激发了学生的学习兴趣,于是探究新知识奥秘的心情由然而生,他们带着强烈地好奇心和浓厚的学习兴趣,积极主动地开始了新课的学习,为完成教学目标奠定了良好的基础,达到了“课伊始,趣即生”的良好教学效果。 二、运用多媒体教学,再现情境,促进学生积极、主动掌握新知。 美术教材的重点、难点部分,教师可借助电教媒体,根据教学内容的不同,再现情境,把教材、教师所讲和学生思维融在一起,帮助学生开阔视野,积累素材,进而突出重点,突破难点,完成教学目标。如:在教学《森林王国》一课时,我依据本教材中的知识点和重点、难点,用电脑制成的动画情景:四季的森林以及大量的动物图片欣赏,学生沉浸在对森林的无限遐想和神往中,情感处于最佳状态,加入娓娓动听的语言启迪,从而解决了本课重点,突破了难点,并使学生在得到美的熏陶和情愫的滋润的同时,积极、主动地掌握了新知,开扩了视野,提高了他们的认识能力,为学生的绘画创作奠定了坚实的基础,更为学生素质的提高创设了有利的条件。 三、运用多媒体教学,演绎情境,使学生积极主动地巩固新知。 学生的创作热情源于美的启迪,也是通过绘画的形式达到巩固新知、发展思维、反馈信息的目的的一种训练过程,更是反映教学效果的主要环节。因此,在美术教学过程中,教师要从实际出发,利用学生的好奇、爱动、争强、乐胜的心理,运用电教媒体,演绎情境,进行启迪诱导,激起学生强烈创作欲,巩固所学知识、技能,因材施教,提高美术课堂教学效果。 四、运用多媒体教学,升华情境,使学生积极、主动地强化新知。 作业展评、课堂小结,是巩固和强化新旧知识内在联系的重要过程,也是一节课教学过程的最后一个环节。因此,教师依据不同的教学内容和学生实际差异,遵循计划性、针对性、趣味性原则精心设计一个新颖有趣的作业展评区和课堂小结,让学生以主人翁的态度出现,使他们有展示自己才华的机会,让他们在完成创作后,将自己的作品放在自己的桌上或黑板上,予以展示,并结合电教媒体——实物投影仪的运用,对典型问题予以指出、分析、更正;对突出作品进行分析、点评、鼓励、表扬,提高学生的审美能力,升华情境。最后,小结本课所学内容,让学生统摄知识纲目,使整节课在学生探索求知的积极地欢声笑语中结束教学内容。 总之,在美术教学过程中,只要我们不断地优化电教媒体的组合,充分发挥其作用,并符合教材体系,就能优化课堂教学,突破教学难点,解决教学重点,并有效提高了教学效果,又丰富了学生的感性认识,开拓了视野,激发了兴趣更重要的是促进了学生素质的全面发展,从而更好地推进了现代化教育和素质教育的长足发展。 优秀小学美术教学论文:新课程小学美术教学论文 一、巧用多媒体技术手段展示美术素材,培养学生对美术知识的认知能力,提高美术教学效率 心理学告诉我们:“小学生由于年龄特点和心理特点,喜欢接受动态的、变化的知识信息。教师在教学过程中,应结合学生的实际特点科学选择教学方法,通过多媒体等技术手段优化教学方式,提高学生对所学知识的认知能力。”这就告诉我们,教学要符合学生的认知规律,从学生的实际出发,给学生看得见、摸得到的美术知识,这要比单纯的讲解、记忆效果好得多。利用多媒体技术就可以实现美术知识的动态化呈现,通过色彩的变化、多种素材的展示培养学生对美术知识的认知能力,调动学生对美术学习的主动性,提高课堂教学效率。比如,在进行“多变的大自然”的教学时,教师利用多媒体课件为学生出示自然变化图片,如油画作品南海的太阳。尤其是夕阳西下时的晚霞满天图片,吸引学生的注意力,很多学生不时发出啧啧的赞叹声,被这美丽的自然风景吸引了。又如,有松花江畔的雾凇图片,满眼的玉树琼花让学生目不暇接,有种身临其境之感。还有愤怒的火山图片,爆发的岩浆让学生对大自然的神奇惊叹不已。这些奇特的自然景观令学生着迷,很快使学生进入了学习状态,调动学习美术的积极性,提高教学效率。 二、充分利用网络资源辅助课堂教学,拓展学生的知识视野,提高学生自主学习能力 随着经济与科技的进步,当今社会已进入了网络时代。网络已走进了千家万户,走进校园的每个角落,利用网络学习已成为人们的一种习惯。小学生更喜欢利用网络接触外部世界。尤其是美术教学,利用网络知识可以使课堂更充实,让学生了解了更丰富的美术知识,拓展了美术视野。利用网络学习不受时间、空间限制,让学生自由自在的学习,落实教学的主体性原则,从而提高学生自主学习的能力。比如,在进行“多彩的民族服饰”的教学时,教师让学生利用网络了解中国五十六个民族的民族服饰,并将自己浏览到的图片保存下来,课上利用多媒体进行交流。很多学生搜集到了苗族的服饰,从花色、选材、工艺、图案等层面进行了详细的展示。还有的学生展示了藏族的服饰,这种服饰厚重保暖,大襟束腰,前边有一个突出的空隙可以留作存放物品之用。学生展示的民族服饰都突出体现了各民族的民族特点,体现了不同民族的文化传统、生活及精神风貌,极大地丰富了学生的知识视野,丰富课堂信息量,既给学生一种美的享受,又提高学生自主学习能力。 三、科学整合优质课程资源,培养学生动手、动脑、创作等能力,综合提高学生的美术素养 《小学美术课程标准》提出:“培养学生动手、动脑、创作等能力是小学美术教学的重要目标之一。美术教师必须科学整合优质课程资源,为学生搭建动手、动脑、创作的平台,让学生在合作探究中提高美术实践技能,综合提升学生的美术素养。”我们小学美术教师应在这一课程理念的指导下,选择学生容易接受的、贴近学生生活的课程资源,让学生通过这些课程资源进行实践操作,让学生在知识的体验中感知美术的魅力和价值,从而提高学生对美术的鉴赏和创作等能力,综合提高学生的美术素养。比如,在进行“巧手穿编”的教学时,教师可让学生自己从家里带来麦草、不同颜色的纸条,上课时按照教材内容进行编织。学生兴趣很浓,积极动手操作,有的学生用麦草编织菠萝罐,有的学生用纸条编织向日葵、茶杯垫、帽子等。学生在编织过程中,教师要巡回指导,提醒学生注意编制安全,指导编织思路和技巧等。通过这样的教学方式,使学生感悟到经纬概念的含义,既培养了学生的动手、动脑、创新思维等能力,使学生感悟到美术在生活中的价值,又综合提高了学生的美术素养。 四、结语 总之,为有效提高小学美术教学效果,陶冶学生的美术情感,提升美术素养,我们美术专业教师应在新课程理念的指导下,科学选择教学媒体手段,优化教学方法,整合优质课程资源,丰富课堂信息量,通过美术实践活动落实学生主体地位。只有这样,我们的美术教学才能全面落实三维教学目标,实实在在地提高教学效果,为学生的终身发展奠基。 作者:魏志君 单位:河北省迁安市第五实验小学 优秀小学美术教学论文:分组合作学习小学美术教学论文 一、合理分组 合理分组是分组合作学习的重要环节,与小组合作学习的效果有着紧密的联系,也关系到美术教学的整体质量。分组的主要目的是强化学生的合作意识,使之形成协作精神。教师应利用科学的方式将学生分为不同的类型,综合考虑其性格、接受能力、学习态度、成绩等,分为A、B、C三类,充分尊重学生的意见进行分组搭配,并保障各组中均有该三类学生,使其能够相互扶持,互相学习,共同进步。教师对小组进行分析,根据小组成员的特点及长处进行相应的指导。小组成员可以相互讨论,发表自己的意见,充分表现自己的个性,并了解其他成员的想法,这有利于细化成员的各项分工,保障小组合作学习的效果及质量。教师可以任命手工能力较强或者组织能力良好的学生担任组长,其能够带动小组成员积极参与合作学习,或者很好地组织小组的各项活动。但是组长也需要轮换,才能使得小组成员学习积极性更高,更有责任感,且不会出现内部矛盾。 二、小组竞争 在各小组之间设置合理的竞争,是构建小组评比激励制度的重要方法,能够有效提高小组学习的效果。在该方法的实践过程中需要避免出现个人主义,而重视团体的综合实力能够让学生各方面均有所提升,如语言表达、自律性、色彩表现、创新设计、对学习内容的安排等。各小组成员应具有较强的集体意识和荣誉感,更积极地参加小组学习的各项活动,与其他成员积极讨论,充分表达自己的意见,为小组合作活动积极思考对策,更好地完成学习任务。在学习《蔬果的剖面》一课时,学生均需要参与该课题的小组学习,对各类蔬菜进行观察与分析,包括颜色、形状、造型等,每位小组成员可以在条件允许的情况下,任意选择蔬菜进行绘画,或者发挥想象力,采用夸张的方式表现自己想象的蔬菜。成员将完成的作品交给组长,由组长将其贴到指定的位置进行展示,构成了丰富多彩的蔬菜世界。最后进行小组之间的评比,利用这种竞争方式,能够提高小组成员的团结程度,也使得美术课程充满了乐趣,提高了学生学习的积极性。 三、课题选择 每位学生的性格、接受能力、美术基础、兴趣等差异较大,且各个学校的条件也不同,美术教学的课堂效率及质量也会存在较大差异。因此,在分组合作学习的过程中,教师应根据学生及学校的实际情况科学选择课题,合理安排课程内容,这样不仅能够顺利完成教学任务,也能获得良好的教学效果。如,《元宵节里挂彩灯》一课的教学,就可以运用分组合作的学习方法。教师先将学生分为若干小组,小组成员对教材内容进行探讨,并根据各自的优势与特长进行细致的分工,包括研究彩灯的形状、结构、色彩,利用各种工具进行制作、结构拼装等,最后制作成品。在该过程中,教师需要给学生充分的自主权,在关键环节则需要进行一定的点拨、引导,如彩灯的拼装,教师可以教授一些技巧等。学生在分组合作学习的过程中,充分体会到操作的乐趣,提高了学习热情,积极参与活动。教师需要做好活动的组织及指导工作,适当调节课堂气氛,并及时巡查各组的活动情况及学习效果,鼓励学生,及时帮助其克服困难,解答疑问,指点方向,以提高学生的学习效率。 四、科学评价 科学评价分组学习的效果,能让学生充分认识到前一阶段的学习情况,总结经验,分析和反思不足,对于自身小组及其他小组的优势、缺点等有更多的了解,在今后的活动中弥补不足,充分发挥优势。对于小组的评价,需要先制定评价标准,学生美术作品创作的速度、质量、数量、色彩搭配、创新情况,学生对于作品内涵的理解,各小组的合作情况,等等,均可纳入评价机制。对学生的评价要公平、公证、客观,教师不仅需要适当指出其不足之处,更应对于其特点及优势进行说明、鼓励,使其不骄傲、不气馁,在今后的学习中扬长避短,优化学习效率,使教学效果更加显著。 五、结语 教育者不断尝试新的方法及模式,分组合作学习方法是其中极为重要的内容之一。将该方法应用于小学美术教学,通过合理分组,采用合作学习的方法,学生在小组中互相帮助,互相协作,不仅能够有效提高学习效率,也能够培养团结意识及协作精神。文章分析了分组合作学习方法在小学美术教学中的应用,在教学实践中还需要教师全面分析学生的基本情况及学校的条件,制订相应的教学方案并彻底落实,提高教学水平及质量,强化学生的艺术修养,促进其长远发展。 作者:刘洁 单位:江苏连云港市灌南县实验小学 优秀小学美术教学论文:学生互动下小学美术教学论文 一、教师要关注生生之间的互动 教师在教学的过程中要把握学生的基本能力的形成。教师要引导学生进行生生互动,让学生在同伴的评价以及自我评价中认识到自己的不足,发展自己的美术能力。在小学美术教学过程中,教师要改变过去传统教学中教师一言堂的行为,要让学生真正成为教学的主体,让学生之间建立一种相互尊重,相互理解的更加平等民主的生生关系,让学生在这样一种师生互动、生生互动的新型互动方式中更好地完成美术学习。如教师在学生完成美术习作之后,就可以引导学生在小组之内相互传阅,引导学生进行相应的点评。学生在其他同学悦纳的眼光中强化自己成功的喜悦,并在同学的指点下了解自己美术作品的不足进行修改。生生之间的互动,让学生从同学的眼中更好地发现了自己。 二、运用多种教学方式引导学生进行美术学习的互动 (一)巧用多媒体课件,实现人机互动。 在美术教学中,教师要巧用多媒体课件辅助教学,完成人机互动。在人机互动的基础上,教师要加强对学生美术能力途径的引导,让学生从不同的角度完成美术能力的提升。教师在这个过程中要引导学生进行美术知识的学习,运用新型的教育学理论,注意使儿童乐意学习,教师要引导学生通过多媒体课件鲜艳的色彩让学生形成画面的感知,尊重学生的内心体验,让学生在互动关习中形成自主、积极、有效的学习活动。如在人教版小学美术教材第一册《让大家认识我》的教学中,教师运用多媒体课件出示创作工具,认识常用颜色以及不同风格线条的表现,学生在与多媒体进行人机互动的基础上,体会到不同的笔触,不同的画布所产生的不同的画面效果。 (二)运用小组合作学习,完成生生互动。 在小学美术学习的过程中,教师要努力在课堂教学中,建立良好的人际关系。教师可以采用小组合作学习的方式引导学生建小学美术教学中学生互动的重要性马宗平(河北省秦皇岛市抚宁县榆关学区大刘庄小学,河北秦皇岛066303)摘要:在小学美术教学中的互动式是非常重要的。教师要关注小学美术教学过程中的师生互动,运用多种教学方式引导学生进行美术学习的互动,并努力强化评价方式,引导学生在评价中真正提升自己。关键词:小学美术;互动;重要性中图分类号:G613.6文献标识码:A文章编号:1671-6035(2015)03-0175-01立生生互动。在小学阶段,每个班的班容量不同,教师可以结合不同的班容量选择适合学生的教学策略。教师可以按照班容量的大小以每组四至六人的形式组成合作小组,让学生在小组合作中进行生生互动。教师要根据同组异质的原则实现学生之间的小组互动,让不同层次的学生能够在相同的教学环境中都能够获得教学活动的开展。当学生完成绘画的时候,教师引导学生进行组内交流以及组外交流,让学生在不同的学生互动中获得美术能力的提升。 三、强化评价方式,引导学生在评价中真正提升自己 在美术学习的过程中,教师不但要引导学生进行师生互动、生生互动,而且要引导学生进行自我评价以及生生评价,在这个基础上教师要对学生互动的方式进行评价,让学生在评价的过程中认识自己的美术能力,获取美术能力的提升。教师要创建评价机制,让学生在教师的评价中发展自己的不足,了解自己已经具备的美术能力,懂得自己应该从哪个角度进一步学习美术,如在人教版四年级美术上册《色彩的冷与暖》的教学中,教师以直观的图片引导学生观察色彩的冷暖带给人的不同感受,体会色彩的情绪,并激发学生在色彩创作中有意识的运用冷色和暖色创造不同的画面效果。当学生完成色彩创作的时候,教师可以引导学生认识冷色与暖色,了解色彩的基础知识,体验色彩给人的不同感受,并在学生对同学的作品的评价中体会冷暖色调的不同,在师生互动评价以及生生互动评价中进一步感知颜色的不同,激发学生热爱美术学习兴趣。 四、结语 总之,在小学美术学习的过程中,教师要关注学生互动方式的重要性,并在互动中激发学生的美术学习的兴趣,在教学中努力形成师生互动、生生互动,并用不同的互动方式强化学生在美术学习中的自我认知,让不同层次的学生努力提升美术能力。 作者:马宗平 单位:河北省秦皇岛市抚宁县榆关学区大刘庄小学 优秀小学美术教学论文:中小学美术课堂素描教学论文 一、素描练习与“苦练”态度 初学者总有一个“懒”字,只是喜欢欣赏别人的作品,也爱看别人作画,就是不爱自己动手,总觉得自己太“笨”,画得太“丑”,或害怕别人讥笑而不敢提笔。事实上,从古至今,许多有成就的画家,在初学阶段都有过踉跄趔趄的经历。这里就存在着一个“苦练”的问题,技法虽然弄懂了,并且背得滚瓜烂熟,提起笔来也未必画得了画,这就必须要刻苦地坚持素描写生练习。 二、基础训练与基本要求 西洋素描比我国传统技巧更加完备和先进,是具有科学性的,它能如实地反映客观现实。但是我们学习他们的素描教学千万不能生搬硬套。无论哪个时代、哪个国家的素描教学法,我们都要遵循著名画家徐悲鸿先生提出的“古法之佳者守之,垂绝者继之,未足者增之,不佳者改之,西方绘画可采入者融之”的原则进行素描训练。 素描的基础,主要是在培养学生正确地观察、分析、综合对象和生动地表现对象的能力。素描与色彩要求结合得完美,首先要抓住素描造型。譬如中国的人物画,是以线描为主要造型手段,加强白描的基本功训练,准确掌握人体比例、透视及运动规律,这就要认真分析和认识对象,打好素描基础。 在素描教学中,必须注意简练、准确、生动的特点。对于初学者,应从循序渐进入手,先画石膏和静物,但死的模型也不必画得太多。人体造型的难度是大的,随着人体的运动,当中细微变化更难掌握,因此我们要求对人体结构要有所研究,重视解剖基础训练。 素描的练习,起初可用硬笔(铅笔、碳铅或钢笔等)勾画,时间不用长,画面不用大,用小幅纸张素描,扼要地把对象的大关系概括出来即可,成为初步形体动态的印象。头脑中有了这个印象之后,即可进行第二次素描,更能准确地调整好对象的位置、比例、明暗、轻重、动态、传神等等造型因素,有程序地由浅入深地加以表现。课堂时间是有限的,在第三次素描训练时,要求同学们在课外时间进行,背离对象用心默记着去画。记忆素描结束后,还要去对着物体和画面仔细检查一番,把默记错误的地方和不准确的地方纠正过来。如果觉得不满意或有多余的时间,最好再默记一幅,或变换角度再画几张。这样的素描教学法,一定会使学生学得活、记得深、收效大。 三、提高素质与鉴赏能力 学生在素描教学中建立了一定的基础,作业就能层层深入地进行。达到这个阶段,教师要特别提醒学生注意整体关系,不忘取舍,削弱次要部分,强化主要部分,在深入的基础上进行艺术提炼,以适时提高学生的艺术素养。这就需要在素描教学中经常开展名作欣赏、习作评比活动,与学生自己的作业相互对照,找出较好的地方和不足的地方,并找到不足的原因。最后,教师可集中针对大家普遍存在的问题加以研究,分析解决,并提醒学生在今后的实践中对客观事物要作出细致的观察和认真的剖析,牢记作画要领。素描习作可以灵活多样,在日常生活中注意培养快速捕捉有生命形象的造型能力,能将写生、记忆、默写、夸张有机地融为一体。 四、总结 素描教学是绘画课程的基础,课堂作业只是基础训练的一个方面。若要表现鲜活的对象,仅凭课堂训练是远远不够的。必须要走出教室,深入生活,到校园里、到大自然中去探寻更加丰富的形象,这是基础训练的第二个方面。只要养成细心观察的习惯,生活中到处都有可发现的题材,皆是惟妙惟肖、栩栩如生,并且赋予各自鲜明的个性,甚至可以“不施粉黛而光彩动人”。只需自觉地运用相关的造型规律,学生的造型基本功完全可以在课外得到长足的发展。 作者:苏凤光 单位:吉林省东辽县教师进修学校 优秀小学美术教学论文:电脑绘画小学美术教学论文 一、培养兴趣,调动电脑绘画情感 大家都知道学习任何一种技能首先需要培养兴趣,电脑绘画作为新生事物走进教室需要有一个适应过程。小学生电脑操作技术不高,信息课学习的只是基本的文字输入法、简单的网络搜索,对比较专业的电脑绘画接触并不多。部分不愿意迎接挑战的学生在电脑绘画时总是说“我不会做!”,分小组绘画活动时总喜欢置身事外,不愿主动实践操作。不愿意学习的结果是对软件功能不了解,畏惧情绪越来越强烈,从而形成恶性循环。老师针对这部分学生的心理,首先要排除他们的畏难心理,跨出实践操作的第一步。老师要让学生通过软件操作,创作绘画作品,看得见自己的成功,从而激发学生电脑绘画的积极情感。在学生刚刚接触电脑绘画时,老师要给学生选择有趣的、容易操作的绘图软件,让学生在操作时可以直接运用模板,用鼠标在模板上点击时就可以长出草,开出花,给学生带来足够的新鲜感,让学生对电脑绘画产生兴趣。老师要给学生演示电脑绘画的撤销功能,消除学生的胆怯心理,让学生明确画错了也没有关系,可以重新操作。学生操作绘画时,老师要给予鼓励和表扬,增强学生的自信,调动学生电脑绘图的欲望。 二、注重基础,训练信息操作技能 电脑绘画与手工绘画有很大区别,需要学生熟练运用鼠标。老师在进行电脑绘画教学时可让学生先感觉鼠标,控制鼠标的灵敏度,能够准确点开绘画软件的界面,并能准确找到绘画工具。熟悉绘画软件中各种工具的位置,可以“单一”操作练习,在选择与撤销之间熟练操作。所画的作品可以是模板中的花草树木,学会简单的绘画与配色,为以后绘画创作打好基础。老师要教给学生基本的电脑操作快捷键,如复制:Ctrl+C;粘贴:Ctrl+V;保存:Ctrl+S;剪切:Ctrl+X;撤销:Ctrl+Z等。基本技能的操作老师可以集体教学,在实际操作时,老师要及时跟进,巡回观察学生在操作中出现的问题。电脑绘画灵敏度较高,学生在操作时要仔细认真,如果遇到错误操作要知道如何撤销和修正。如五年级教材中《有趣的重复》一课,老师要教给学生运用大量的绘图工具和编辑命令,先自行设计一个简单的图形,然后用复制、粘贴就可以完成重复构图,简单快捷。学生从中可以感受到电脑绘图与手工相比的优势。老师先演示一遍,然后让学生进行操作练习,巩固操作技能。老师还可以引导学生利用软件中的美术字库,在图片中插入,并对字形进行拉伸、缩放和位移,进行立体化编辑处理。学生可以随心所欲选择美术字的字形格式,根据自己图片的需要进行横向或竖向插入自己编辑好的美术字,并运用软件简单的色彩编辑命令进行色彩构成。学生在自主操作中会有更多的发现,只要学生明确撤销命令,就可以大胆尝试,体现了电脑绘画的优势。 三、引导创新,体验电脑绘画乐趣 学生掌握电脑绘画技巧后,要进行绘画创作。学生在绘画时会从自己的角度审视题目的要求,然后展开联想和想象,大胆构思。学生的作品在成人眼里也许很幼稚或者毫无逻辑,但是里面包含着学生的童真。小学生语言表达能力还不够,在表达内心世界时通常喜欢用图画的方式。老师教给学生电脑绘图的技法后,学生便可以用软件中丰富的绘图工具以及各种各样的颜色表达自己的感受。像Photoshop软件中的滤镜,可以为色彩的处理增加特效,给人一种真实而玄幻的感觉。如在《快乐的圣诞夜》的绘画创作中,学生为了表现飞速奔跑的圣诞老人的雪橇,运用了滤镜菜单功能。学生还可以运用软件工具把图片按比例进行缩放,然后运用复制粘贴工具,把图片排列起来,像是搭成的一串桥。在以“世界杯”为主题的绘画创作中,有学生的作品为《足球将世界连在一起》,其中就运用了这种方式,画面为一名足球运动健将在天安门前一脚踢飞一个足球,足球一直飞往大洋彼岸。图画就是运用了复制粘贴的方式表示连续的足球飞走的动作。滤镜中还有发光效果,在《我的魔法小天使》的图画创作中,就可以用滤镜表现魔法棒的闪闪发光。学生不断挖掘电脑软件的工具,在尝试与创新中体验电脑绘画的乐趣。电脑绘画可以存储对比,学生可以随时看到自己绘画技能的提高、绘画作品的完善。电脑绘画可以为学生的个性张扬提供更多的工具和材料。软件中的绘图工具应有尽有,平面图片的绘画之后是动感立体画的创作,这是手工绘画没有的功能。电脑绘画给学生带来广阔的想象空间,实现了美术教育的创新目标,为美术教育增光添彩。 作者:殷红霞 单位:江苏省常州武进清英外国语学校 优秀小学美术教学论文:合作学习小学美术教学论文 一、把握学生特点,科学合理分组 在开展合作学习前,教师首先要把握好学生特点,根据一定的原则,科学合理地对学生进行有效分组。一般而言,依照“组间同质,组内异质”原则来合理分组,让学生互帮互助,共同促进。“异质分组”,即按照学生个性特征、兴趣爱好、学习成绩、知识水平、思维能力等方面的差异性进行分组,以引导学生相互帮助,相互提高,促进优势互补。“同质分组”,即让上述因素相同的学生组成小组,使组内竞争向组间交流与组间竞争转化。在实际教学过程中,教师需要结合具体教学内容和班级学情,充分考虑学生兴趣、认知水平、学习能力等情况,灵活有效地选择分组方式。比如,对于一些思考性、探究性强的教学活动,教师可以通过“同质分组”方式,加强组内合作交流,促进组内互助协作。对于一些操作性、实践性强的教学活动,则可进行“异质分组”,以确保小组成员的差异性与互补性,实现小组之间合作竞争的公平性。 二、明确学习任务,引导合作探索 明确学习任务,引导合作探索是合作学习中的关键环节。在小学美术合作学习,教师要结合学生认知规律及心理因素,围绕教学目标,精心设计学习任务,激发学生的合作兴趣,引导学生合作探索,体验成功的喜悦感。一方面,教师要注意学习任务的生活性和趣味性,以学生的生活经验和兴趣为出发点,注意联系生活实际,精心设计真实而趣味的学习任务,让学生轻松、愉悦的合作学习,主动探究。比如,学习苏少版小学美术教材第六册第14课《会说话的手》时,笔者首先借助多媒体课件出示手势图片,欣赏手影片段,引导小组合作,组合手形模仿,培养学生的探究和合作意识。然后,指导学生摆出有趣的手形,用勾线笔描下手形,根据手形特点进行想象添画,画出有创意的联想画。接着,要求学生以小组为单位,设计“巧手剧场”,进行自编手形画故事表演,如龟兔赛跑、小猫钓鱼、丑小鸭等,并评选出:最佳创意奖、最佳配合奖、最佳表演奖等。另一方面,教师要注意学习任务的挑战性和探索性,精心设计一些富有探索、挑战性的学习任务,引导学生勇于参与、乐于合作,从而激发学生强烈的好奇心和浓厚的求知欲,引导学生积极主动地投入到探索知识的学习活动当中。例如,教授苏少版小学美术教材第8册第4课《穿穿编编》时,笔者将全班以4人一小组的形式组织学生开展拆编游戏活动。活动要求:拆前仔细观察穿编物由哪几个部分组成,小组成员明确分工,仔细揣摩各式各样的穿编方式,并做好记录,组装时要细心谨慎,小组成员配合协调,比一比哪个小组拆编得又快又好。 三、课外拓展迁移,注重有效评价 课堂教学时间是十分有限的,在小学美术合作学习中,教师注意除了加强课内合作学习外,还需注重课外合作,以课内学习为优秀,引导学生从课内向课外拓展和延伸,使课堂学习与课外训练有序、有趣、有力、有效的结合起来,从而拓宽学生的学习与合作空间,提高学生的参与意识和合作精神,增强学生合作能力。譬如,教学苏少版小学美术教材第8册第1课《节日》时,教师可以指导学生以小组为单位,课外收集一些有关节日活动的照片、诗词、故事,并尝试介绍与这些节日相关的风俗活动,让学生在体验中了解中国传统节日,引导学生热爱中国传统文化。此外,在合作学习中,有效评价也是不可或缺的环节。在教学评价过程中,教师应打破传统单一的评价方式,注重多元化评价,将结果性评价和过程性评价有效结合起来。同时,要注意整合激励个体竞争与小组合作达标的评价形式,通过组内成员自评、互评、组际间互评,引导学生在与同伴的磨合中,不断反省自我、完善自我,同时培养学生对事物、对他人做出公正客观的评价,增强学生集体责任感和荣誉感。当各组评价之后,教师要进行总评,在肯定各组学习成效的基础上,恰如其分地指出其缺陷,并帮助学生及时改正,以提高学生的学习能力。 作者:周红梅单位:江苏省盐城市毓龙路实验学校 优秀小学美术教学论文:信息技术小学美术教学论文 一、注重任务驱动教学法的应用 信息技术以其独特的应用优势正在改变着学生的学习方法,以多样化的手段激发学生的学习兴趣,特别是就美术教学来说,小学生通过对其他优秀作品的欣赏,更容易激发自己的创作热情,这种任务的驱使与传统的说教教学方法不同,小学生在教师为其创设的愉悦情境中可以积极、快乐地进行探索与学习,以任务驱动式教学为前提的这种整合顺应了小学生的学习习惯,利用课程的性质积极进行情境的创设,为小学生充分营造了良好的创作空间。例如欣赏《各民族朋友》时,如若只看课本中的图片,很可能会影响到小学生对美术作品的鉴赏,如若将信息技术利用进来,多下载一些关于我国各个民族有代表性的图片、视频,引导学生进行观察,使学生感受到多民族的生活差异,让自己的情感融入于其中,帮助小学生深入理解教学内容,总结各个民族的代表性,使其在自己的创作作品中展现出来。另外,教师再通过收集一些成功之作与失败之笔,通过举一反三说明成败的因素,使小学生继而掌握其绘画的深层内涵。 二、注重自主学习与合作探究 小学美术教学与信息技术的有效整合必须要注重对小学生自主学习与合作探究能力的培养,在此过程中教师需要尊重学生个体差异的表现,因人而异地进行教学活动,引导小学生在实现自主学习的基础上,与其他学生进行合作探究,继而通过美术教学与信息技术的整合培养学生的创造及团队协作能力,提高学生的美术素养。想方设法实现学生在教学活动中主观能动性的发挥,同时在合作学习中,形成学生之间的良性竞争,形成较好的学习习惯。例如,在进行《来画虫》这一节课程的教学时,教师先利用计算机收集相关虫的图片与资料,再引导学生通过信息技术来查找这些虫虫的绘画方法,并收集相应的资料,可以通过视频或者图片分组教学的方法指导学生进行绘画,引导学生进行合理地分组,通过协作来完成虫的绘制,并实现学生之间的相互评价,增强学生的绘画能力。 三、注重信息技术的平台作用 实现小学美术教学与信息技术的有效整合,其中强调的就是将信息技术手段作为服务于教学的工具性能。将信息技术作为美术的认知平台,通过这个平台,学生可以实现对美术信息的获取,探究美术的神奇之处,将美术课堂拓展到网络信息平台中,给学生带来美的享受。变小学生的“要我画”为“我要画”,在以培养学生的认知基础上,利用动画或者是电子画的制作,使学生能够熟练应用信息技术,以此来增强学生的美术素养,培养学生的动手能力。总而言之,将信息技术与小学美术教学有效地整合起来,随着整合实践的深入,美术教学的质量也会得到极大地提升。实现信息技术与美术教学的有效整合,能够进一步发掘学生的思维能力,变枯燥的知识为生动、有趣的教学,激发学生思维想象力的发挥,进一步促进学生的智力发展,最终提高美术教学质量。 作者:钱云单位:江苏省扬中市新坝中心小学 优秀小学美术教学论文:中小学美术课堂教学论文 在《美术课程新标准》中指出:“尽可能运用自然环境资源(如自然景观、自然材料等)以及校园和社会生活中的环境,(如活动、事件和环境等)进行美术教学,使学生养成关注社会、学会欣赏的习惯。”从这里可以看出,国家对于乡村的人文、地理、自然资源等其他资源的重视。因此,我们美术教师必须充分的对乡村的人文、地理、自然资源等资源进行挖掘,开展具有浓厚的乡土气息、具有生活情趣和地方特色的小学美术教学是当前新课标的重要要求。然而现行的小学美术课本以及教材,基本都没有包含这些资源,让我们在开展活动的时候会有诸多的限制。所以我们的当务之急是在美术教育中研究和开发农村自然资源,丰富小学美术教学内容。 一、转变美术教学观念,深化美育内涵 因为各种各种各样的缘故,高考制度依然存在,应试教育根深蒂固并深入人心,所以现在很多学校的美术教育仍然在遭受着传统教育观念的荼毒,美术学科总是难逃边缘化的命运。这些主要集中表现在教育管理人员的美术教育意识不强,美术教学设施不足,没有充足的师资力量。 小学美术教育在培养孩子的创新能力和提高综合素质上都有着着非同寻常的意义,它是新课标下实施素质教育的重要构成部分。美育是培养学生认识美、爱好美和创造美的能力的教育,它的全称是“审美教育”,也叫“感性教育”,它关注的是人自身的存在发展,美育重在追求人生存的生活化及情感性、具体性、过程性,因此也称“个性教育”。美育要通过各种艺术以及自然界和社会生活中美好的事物来进行。美育是为建设社会主义精神文明和培育学生心灵美、行为美服务的。它用现实生活中的美好事物和反映在艺术形象中的先进人物的思想感情和活动来感染受教育者。它广泛而深入地影响着学生的情感、想象、思想、意志和性格。它能丰富学校的文化精神生活,激起学生的情绪体验,有助于培养高尚情操,提高社会主义觉悟,鼓舞学生为实现共产主义理想和创造一切美好的事物而奋发向上。大量实践证明,美术教育对提高审美能力,形成良好的思维能力和培养敏锐的观察能力,促进智力发展,有着独具一格的功效。所以,我们要转变观念,深化美育内涵,重视美术教育,用长远的眼光和全面科学的观点来育人。在美术教育中特别要注意克服两种观念倾向。一方面不能由于它课时少,学生少,于考试和升学率没有多大影响,或因为某些学校管理者的不重视,就无所谓地采取放任的心态。另一方面也不能本末倒置,为了强调美术课的重要作用,就挤占其它课时或占用学生的课外业余时间。正确的方法应该是更新教学观念,利用农村的自然资源,在美术教育中把审美能力和创新能力的培养带进课堂,与其它学科纵向联系,促进其它学科的学习。同时学校管理者也应该因地制宜,挖掘人才,重视人才的培养,包括美术人才的培养。 二、美术教学选材上要就地取材,扬长避短 由于家境不同的原因,有的孩子的家庭经济条件相对比较拮据,绘画时要配齐美术用品不太可能,我们作为美术教师要依据课标,必须因地制宜,扬长避短,就地取材。有目的性地对一些教学内容进行选择和取舍,把那些孩子们容易寻找且容易制作的素材用作教学内容巧妙地穿插其中,通过这样的方式引导孩子去观察、发现、想象、创造,尽量让孩子在财力有限的情况下,畅通地进行经济实用的美术学习,放飞他们想象的翅膀,发挥能力,表现个性。比如在教授绘画时,可以选择节材的方式,以线描和素描为主,这样做能起到提高孩子们的构图技巧和培养写生能力和再造丰富想象力的两全其美作用。在教学色彩知识时,可以演示为主,并结合一些生活实例,如服装的色彩搭配等。再如纸塑,我们可以采用废纸和旧报纸为材料进行教学。这样做不仅仅能够对学生进行教育,同时还能够让学生学会废物利用。而雕刻,利用家里的蔬果制成果雕,也是一个不错的创意。树叶和野花在郊外与乡村里处处可见,可以用各色各样的树叶和野花作画,孩子们不仅仅会产生出浓厚的兴趣,同时还能够接触到外面更为广阔的天空。在上美术欣赏课时,除了让学生欣赏书本上的作品外,还可以带着学生们走出户外,去与大自然接触,尽情去拥抱美丽的大自然,看那日落与日出,欣赏早春红艳的桃花,观清明金黄的油菜花,览夏天畦田碧绿的稻田,读中秋挂满红果的柿树。在乡村只要细心观察,就能够发现处处都是丰富多彩的美术素材。还可以让孩子们欣赏家乡的美景和乡村那些新盖的楼房,观察乡村的变化,培养热爱家乡,激发为家乡建设发光发热的思想感情。斗换星移,四季交替,乡村与城郊有着广阔的田野、多样的植物、丰富的自然环境,这些都是可以使得美术教育变得更加生动的课程资源,能够为丰富和美化美术教育活动提供取之不尽用之不绝的素材。不仅仅能够让孩子体会到美术课的生动有趣,也能够有效地孩子就地取材的动手能力和创新意识,养成积极健康乐观的生活态度。从而培养了孩子感受美、表现美、创造美的情趣和能力,为他们的终身发展奠定良好基础。 三、走进乡村生活,活跃让美术课堂气氛 古希腊著名雕塑家罗丹说过:“生活中不是缺少美,而是缺少发现美的眼睛。”这句话中指出生活中处处都是美,关键是要我们去发现。教育方针明确的指出我们的教育、教学活动要同生产劳动、社会生活相结合,美术教育活动也不例外。多年的美术实践教学让笔者领悟到,当孩子们贴近生活中的各种美术内容的时候最能让他们产生心灵上的共鸣,同时也最能活跃课堂气氛和激发出孩子们的学习热情。我们知道,乡村地大物博,有着丰富的劳动生活和历史悠久的文化和各种民间风俗,这些都是对孩子们进行美术教学的最好题材,例如秋高气爽庄稼成熟的时候,可引导孩子们对美丽的景色及丰收的场面进行布贴画学习,开展《种子粘贴》一课,让孩子们去观察玉米、稻谷、瓜子类、豆子类等种子,然后选择喜欢的种子进行粘贴,稻谷、麦杆、布、瓜类、豆类等都可以信手拈来作素材,这样不仅增加了孩子们对美术的兴趣,也能取的比较好的教学效果。在乡村,流传着很多具有生活气息和特色民间风俗,教师们可以借此进一步增加孩子们对美术的兴趣。鼓励孩子把这些风俗带到教室里,如:过新年的喜气,正月的家人团聚,娶亲时的热闹,端午节吃粽子,重阳节爬山等孩子们熟知和喜欢的民俗,比那些生日Party、圣诞节生动得多。先让孩子们扮演,再试着用笔画下,这样一幅幅带着生活气息,充满喜气而又颇具民间特色的作品就产生了:“吃青团”、“风筝飞得高”、“我给奶奶做重阳糕伙”、“贴春联”,“拜年”、“放鞭炮”。让孩子们能够在无拘无束中全身心投入学习,轻松且有所得,何乐而不为呢。 四、美术作业评价上注重鼓励,多元拓展 开展美术评价主要是为了帮助孩子了解自己的学习水平,提高学习美术的兴趣和能力,促进自身的发展,同时还能够帮助教师总结出儿童美术发展的规律以及一般的特征。在进行评价时需要在认知、操作、情感三个方面实施综合评价,并注意发展学生的个性特点。综合看孩子在美术课堂上是否能积极地动脑筋参与,在活动中表现出一定的创意,是否能与同伴进行良好的合作等方面多元拓展。及时检查教学效果,对于学生作业中有独创性,有创意思维的要给以及时表扬和肯定,多鼓励孩子在色彩、构图、形象等某方面的独到之处。平时要结合学校课程建设和拓展型美术教材使用,鼓励学生特长发展,允许学生在绘画、速写、儿童画、书法、陶艺等选择中一项技能进行训练。同时也要注意指导孩子有意识地观察、拓展延伸课内所学的知识,培养创新意识。比如可以在五一、六一、中秋、国庆、元旦等年度节日庆祝活动中增加时令性的美术教学内容,像制作贺卡、剪纸、拉花等。同时要重视名人名画对孩子美育的影响,可在走廊上和教室内墙壁上张贴一些古今中外的伟人画像、励志格言。给孩子以美的熏陶,让学生在愉悦的感受中感悟,拓展思路,丰富美术创作题材。 “海阔凭鱼跃,天高任鸟飞”。知识的世界无比广阔,美术世界无比璀璨。教学实践证明,辽阔的乡村大地,有千姿百态的自然景物和植物,有多彩的农村生活,有丰富的人文资源,有传统的民间艺术,他们为孩子们提供了取之不尽用之不竭的美术素材。这对培养孩子们热爱家乡、热爱劳动、热爱生活的感情,发展观察力、想像力、创造力和提高动手实践能力都发挥着相当重要的作用。作为美术教师,我们应该根据农村实际,因地制宜,挖掘潜力,创造性执行美术新课标的总体要求。 优秀小学美术教学论文:小学美术多媒体教学论文 一、多媒体教学技术能够帮助教师组织学生欣赏作品 借助多媒体技术辅助美术欣赏课,就能够改善以往教学效率低下的状况。教师可以把提供给学生欣赏的图片用多媒体展示出来,还可以设计成动画的形式来播放这些作品,并配备上与之相适应的声音,所有的感觉器官就会被充分调动起来,教师通过掌控小小的鼠标便能够将每一幅作品的作者、详情以及背景资料全部都呈现在学生的眼前,这样学生就可以打破时空的界限,跨越古今驰骋,在美术艺术的长廊中饱尽眼福,展开自己想象的翅膀,不断在美好的意境中提升自己的美术素养。尤其是对那些建筑作品的欣赏,利用多媒体技术不但可以使学生观察到建筑物整体的美感和视觉冲击,还能通过一定的技术来欣赏建筑物的静态形态和内部结构。因此教师可以为学生做相应的动画展示,让建筑作品变得立体化,进而有助于学生全面地、多角度地欣赏作品。 二、利用多媒体技术,能够快捷方便地进行工艺设计教学 小学美术是培养学生审美能力的主要途径。为此,教育改革之后,美术课堂中减少了绘画技术训练的课程,增多了欣赏课程、工艺设计等能够提高学生审美素质和能力的内容。在工艺设计基础教育过程中,我们教师要通过大量的示范来激发学生的思维和能力,促使学生通过大量的练习来完成自己的设计,这就对教师的展示水平有十分严格的要求,而且仅靠教师的口头讲解和亲自示范不仅费时费力,还不保证能够取得良好的效果。而运用计算机中的绘画软件和编辑功能,便会十分轻松地达到示范的要求,学生也可以通过观察电脑中的各种操作来进行全面深入的理解,能够有效帮助他们掌握其中结构和原理。无论是图片的设计还是文字的美化,多媒体技术都能够帮助教师轻松地示范和展示,大大节省了教学时间,还提高了教师示范的质量和效果,提高了美术课堂的教学效率。而且计算机营造的良好的学习氛围会激发学生浓厚的学习兴趣,促使他们产生强烈的创造欲望。学生通过直观的观察、欣赏和想象会逐渐提高自己的创造能力,进而不断提高他们的综合素质。 三、多媒体能够实现绘画教学的多样化,激发学生的绘画兴趣 多媒体技术除了在欣赏和艺术设计课程中拥有良好的效果之外,还能够在绘画领域为教师做出更好的服务。在美术课堂中,教师可以将手工绘画和计算机绘画相结合,创新出一种更加有效和新颖的教学模式。教学改革之后,新课程标准要求小学美术教学要面向全体学生,侧重学生综合素质和能力的提高,而在传统的绘画技能训练中,多强调的是让学生掌握绘画技巧,训练单调枯燥,教学效果不太理想。而电脑绘图能够将游戏与绘画技能相结合,适应小学生学习的年龄和心理特点,学生在玩的过程中体验、理解和学习绘画技术,激发了他们的学习乐趣,并让学生把美术知识看作是一种享受,而不是学习负担,从而把美术教育推向了愉悦教学的轨道。总之,小学美术教学过程中教师要充分利用多媒体教学技术,充分发挥其优势,同时与传统教学中的优秀教学方式相结合,创新出符合完成教材内容的教学体系,不断优化美术教学课堂,帮助学生顺利地克服学习障碍,在有效提高美术教学效果的同时丰富学生对美术的感知能力,促使他们在美术课堂中能够得到良好的发展。 作者:施娅 单位:河北省青龙满族自治县七道河乡中心小学 优秀小学美术教学论文:小学美术教育色彩教学论文 小学时期是一个孩子的重要发展阶段,学校的教育承担着除家长之外对孩子教育的重要部分,有助于培养孩子的人生观、价值观和世界观,而孩子小学时期处于刚刚认识世界时期,对色彩具有天生的好奇心,这就要求小学美术课堂以课本基本知识为基础,激发孩子好奇心,提高孩子的审美情趣,以此有效促进孩子智力发展,发展个性,促进孩子综合素质提高。 一、色彩的概述 如今音乐和美术作为艺术表现的两大主要模块,我国教育改革中也渐渐加强了对这两门课程的重视。美术主要是由点、线、面、造型和色彩组成,从生活实际出发,运用丰富的联想,对艺术进行再创造的形式。色彩在我们生活中无处不在,它已经渗透到我们的生活中甚至延伸到我们的精神世界中,比如我们运用简单、明亮的色彩装点城市,使其更具现代化气息,我们运用运用复古色装点教堂等欧式建筑,比如蓝色的海,蓝色的天空和绿色的草原给我们一种舒适的心情,比如用冷色系装点快餐店有利于提高营业额,在对美术和心理学的结合研究中,人们学会重视色彩,也逐渐学会运用色彩。 二、小学美术色彩教育教学研究 (1)视觉与色彩 人们获取信息主要靠视觉,而实际生活中我们获得的信息都充满了色彩,这些色彩也赋予了极强的情感色彩。即使世界上各个国家的语言不同,但是人们对美术色彩的感知都是一样的,比如说红色,它是我国国旗的主要色彩,它赋予着生机与活力,代表热情奔放,当人们消极时,能有效激发人们的进取心,给人莫大的勇气。比如说黄色,它是我国古代皇朝中用色的主要基调,象征着高贵,黄色是太阳和向日葵的颜色,它属于暖色,是明度最高的颜色,我们经常用一抹亮黄,光芒四照等词语来形容黄色,它本身明朗而引人注目。比如说绿色,绿色是植物的颜色,象征着大自然,因此绿色给我们一种平静、祥和的心理感觉,它象征了新生和生命,经科学研究表明绿色也是对我们眼睛最有益的色彩了,近年来世界上更加强调保护自然的重要性,提倡和谐,久在城市中操劳的我们也越来越想要回到大自然中得以休憩。 (2)色彩与知觉 视觉是我们通过眼睛在光的作用下感知到了物体,而色觉是我们对于色彩的感知能力。是在光的作用下,我们的眼睛能检测到物体的形状和颜色,将物体的这一系列特征映入脑海中进行检验,大脑感知到的色彩便是色彩知觉。大脑能有效保存我们对于色彩的记忆,比如看到蓝色我们的第一反应是广阔,这是大海给我们留下的印象,想到绿色便心情舒畅这便是自然给我们留下的感官印象,这些色彩在我们的脑海中留下印记使我们对色彩拥有了感情和知觉。 三、小学美术教育中对色彩的教学研究方法 (1)小学国画的色彩教学 中国画作为我国一项优秀的传统文化,近来被引进到小学美术课堂中,它作为我国的国画,带有强烈的民族性,在小学课程中宣讲中国画的历史演变过程和绘画方式,不仅能使孩子提高绘画潜能,又能培养他们的民族自信心和自豪感,培养他们的爱国主义精神,从小便能感受到我国国画的艺术魅力。中国画不像西洋画中色彩艳丽,相反它色彩十分的少,通常以墨色为主,通过下笔的轻重,勾画的整体线条,再加以渲染,最后缀以简单的朱色画龙点睛,只求神像,不求形像。我国传统文化绵延五千年,国画的历史也发展悠久,若按传统方式中单是给孩子教授知识,加上小学生的自制力不高,注意力容易不集中,就造成上课效果差,这就要求老师改革上课方式,以故事的形式将某段绘画历史,让孩子在美术课堂以动手为主,教授基本的调墨方法和绘画方法后便让孩子自行动手画,让他们大胆的实践,充分发挥他们的动手能力,可以从临摹最简单的竹子等静物开始,在绘制过程中,教师走入孩子中间及时改正他们的错误,鼓励他们发展自己的个性。 (2)小学水彩的色彩教学 水彩因拥有鲜明、艳丽的色彩作为小学美术教育中色彩教学的重要课程,顾名思义,水彩是由颜料和水勾兑而成,不但具备水的清澈、透明和灵动,而且具有五彩斑斓的色彩,它能通过色彩强烈的给人视觉冲击,传达强烈的情感。水彩画由于是水和颜料的勾兑,勾兑比例不同或颜料之间调和的比例不同都会导致颜色不同,比如单是一个蓝色就可分上百种,比如一副远景画,远处海天相连,主色调都是蓝色,这就要求孩子对其辨认,提高他们的色彩感,并培养他们能自行调出不同颜色的能力,而孩子天生对色彩比较敏锐,这就要求加强小学课程中水彩画的教学,提高他们的水彩感和对色彩的认知能力,培养他们的美术素养和艺术情操。 四、小学美术教育中色彩教学的发展趋势 如今随信息网络技术的发展和城市化,跳房子、过家家、玩泥巴等传统儿童游戏也一去不复返,不管是青少年还是儿童都变成了受网络游戏和手机极大影响的一代,网络技术的发展是时代进步的象征,但与此同时孩子的交际能力、基本能力的培养都会受到莫大的影响,再加上如今大部分父母都忙于工作,与孩子缺乏沟通,导致孩子的精神世界匮乏。小学课堂中也受到了中考和高考的压力,单纯的注重分数只会让孩子从小产生压力和等级观念,忽视了孩子的素质培养和个性的发展。不管是家长还是小学课堂中,都要将“色彩”的观念灌输到生活中,家长需要言传身教,从自身做起,注重孩子的思维培养,鼓励孩子尝试不同的东西,授予孩子基本的道德理念,养成正确的世界观、人生观和价值观。在课堂中,教师不仅仅需要教授孩子基本的课堂知识,还要优化班级氛围,给孩子造就和谐的成长环境。 五、小学美术教育中色彩教学的优化建议 小学美术课堂中应从理念上进行革新,注重孩子的素质教育,注重孩子的心理教育,不仅仅是落实课本上的基础知识,而且还要将孩子作为课堂的主要对象,注重教学环境,营造良好的教学氛围,注重个体的差异,因材施教。在美术课堂中,从国画和水彩画两大课程注重对孩子色彩的教育,课堂上开展趣味性教学,鼓励孩子自行动手,不仅培养他们的艺术素养,而且注重孩子心理的色彩,给他们营造良好的成长环境。 作者:王安宇 单位:霍林郭勒市沙尔呼热镇中心校 优秀小学美术教学论文:小学美术多媒体教学论文 1多媒体对小学美术教学的重要性 多媒体教学概念多媒体教学是以多媒体为优秀的教学方式,可以通过多媒体构建立体化、层次化教学内容,将静态教学转变为动态教学,给学生视觉、听觉上不同的课堂享受。多媒体教学设计的过程中教师要依照教学目标和教学对象特点对教学体系进行合理编制,依托多媒体技术对教学结构进行改善,依托多媒体资源对教学内容进行拓展,从而为学生构建良好的学习环境,激发学生学习主观能动性。多媒体教学过程中学生能够与教师积极交流,与教师共同进行课堂内容的教与学,完成教学结构的全面调整,达到教学体系的优化,实现教学效益的最大化。多媒体教学的重要性多媒体教学可以激发学生学习的主观能动性。多媒体教学可以通过多媒体技术为学生提供良好的学习环境,创造生动、形象的知识体系,将小学美术学习变成简单、有趣的事,对学生学习积极性的改善和学习热情的提升具有至关重要的意义。小学美术教学过程中多媒体技术将静态的教学画面转变为动态的教学体系,通过动态图画、视频等直观、清晰地为学生展现了小学美术教学内容,让学生与美术能够近距离接触,从本质上激发学生的主观能动性。多媒体教学可以提升学生美术欣赏水平。多媒体教学过程中利用多媒体资料对小学美术内容进行展现,在课堂教学基础上实现教学内容拓展,开阔学生视野。在该教学过程中学生可以通过大量的多媒体资料充分了解美术,对美术的奥秘进行挖掘,从而全面改善自身的审美水平,提升审美观念培养效果。尤其是在不同流派画作对比的过程中,学生可以自然感受到美术的魅力,在不同流派的对比过程中充分了解不同美术流派知识,提升学生对美术的认知,改善学生审美水平。多媒体教学可以拓展学生美术认识。传统小学美术教学过程中只是对学生进行知识性教学,只是单纯进行课本知识教学,这在很大程度上限制了学生对美术知识的认知,影响了小学美术的发展。而多媒体技术可以从多媒体资源出发,对小学美术教学体系进行丰富,信息量非常庞大,可以让学生在美术知识的海洋中自由翱翔,扩大学生知识容量,给学生提供良好的知识学习氛围和环境,让学生在潜移默化中形成知识认知,这对小学美术教学效益的提升具有非常好的促进作用。 2小学美术多媒体教学体系的构建 定位教学地位,优化多媒体教学关系传统小学美术教学过程中主要以教师为优秀开展小学美术教学,在教师引导下进行各项知识学习,这在很大程度上影响了学生学习积极性和主动性。新时期小学美术多媒体教学体系构建的过程中,教师要构建以学生为优秀的多媒体教学体系,在学生需求上合理设置多媒体教学内容,确保多媒体教学能够更好地服务于学生。教师要对多媒体技术进行把握,通过多媒体技术全面展现多媒体内容,对多媒体教学体系进行完善,从而形成和谐、自由的学习氛围,为学生小学美术学习奠定良好的学习环境。该过程中教师要主动与学生进行沟通,了解学生学习状况并及时依照学生学习状况对多媒体教学内容进行调整。合理筛选材料,改善多媒体教学氛围多媒体教学的过程中,教师要对多媒体材料进行合理筛选,依照小学美术教学需求对网络资源进行合理运用,将网络资源与小学美术教学融合在一起,全面拓展小学美术教学内容。笔者在“建筑艺术欣赏”教学过程中,就在课本图片欣赏的基础上进行拓展,在网络上搜集多样图片资源,通过多媒体对上述图片进行展现,让学生对上述建筑内容进行分析。这种课堂资源的拓展让学生加深了对建筑艺术的印象,从不同方面提升了学生对建筑艺术的认知,对学生小学美术学习效益的改善具有非常重要的意义。与此同时,在小学美术教学过程中,教师还可以利用多媒体的动态环境对教学内容进行拓展,通过多媒体对小学美术资料进行对比,让学生在该对比过程中了解美术作品之间的差异,提升学生对小学美术的认知。丰富教学设备,提升多媒体教学效益在小学美术多媒体教学过程中,教师要对多媒体设备进行完善,要适当拓展投影仪和摄影器材,对多媒体教学体系进行丰富,从而全面提升多媒体教学质量,改善多媒体教学效益。教师要善于利用投影仪进行示范,通过投影仪对小学美术中的剪切画、图片等进行展示,让学生能够快速、清晰地看到示例样本,大大降低课堂中因为示例样本观赏导致的时间浪费。教师要善于利用摄影设备,通过摄影设备对学生课堂学习及美术教学中的画面进行展现,给学生身临其境之感,让学生能够在立体的空间中感受小学美术教学的美妙,提升小学美术教学效益,为学生创建良好的学习氛围。笔者在对基础色彩知识进行教学的过程中,就通过投影仪对“红、黄、蓝”色光三元素进行展现,让学生通过投影仪观察上述三原色组合后的色彩效果,通过观察效果直接进行记忆,这在很大程度上提升了学生对色光三原色组合后各种色彩的认知,提升了学生对色光三原色的学习效益。完善教学设计,改善多媒体教学质量在小学美术多媒体教学设计的过程中,教师要对设计结构进行合理把握,要依照教学要求对教学层次进行完善,为小学美术教学创建良好基础。教师要在多媒体教学中适当融入其他教学方法,在多媒体中设置探究式教学内容,让学生通过多媒体情境进行小学美术探究,充分拓展学生的视野和思维,让学生对小学美术学习过程中的相关内容进行把握,从而全面提升学生学习质量,改善小学美术学习效益。教师要设置实时交互环节,及时了解学生学习过程中存在的问题,对学生的问题及时解决,从而让学生能够紧跟教学进度。除此之外,教师还要设置小学美术评价内容,让学生指出美术教学过程中的不足之处,与学生就上述问题实施交流,及时修改和调整,从本质上提升小学美术多媒体教学质量,达到小学美术多媒体教学的全面优化和提升。 3总结 小学美术教学过程中教师要对多媒体技术进行全面把握,对多媒体内容进行全面分析,在该基础上构建系统化、层次化教学内容,达到教学效益的全面改善。教师要对多媒体教学关系进行调整,在教学需求上合理安排教学内容,设置教学方法,优化教学设备,为教学工作的开展创建良好的环境和条件,从而保证小学美术多媒体教学能够全面落实到日常教学中,从根本上加速小学美术发展进程。 作者:史凤奎单位:长春汽车经济技术开发区长沈路学校 优秀小学美术教学论文:回归生活与小学美术教学论文 一、回归生活,在生活中寻找素材 雕塑家罗丹说过:“生活中不缺少美,缺少的只是一双发现美的眼睛。”“回归生活世界”是现阶段教育界的热切呼声,现在的小学美术教育以美育为目的,作为教育工作者,要培养学生从生活中发现美的能力,首先让学生在生活中寻找素材。工作中我发现,学生对美术课的兴趣非常浓厚,他们能从美术创作中获得审美的愉悦。但乡村学校的学生、特别是低年级学生,相对城市的学生而言,动手能力及审美能力稍弱,这与他们生活的环境相关,但我们可以利用乡村生活更贴近大自然的优势,在乡村生活中寻找素材,让学生走进大自然,在生活中发现美。例如在人教版小学一年级美术第一册第一课《让大家认识我》中,要求学生利用彩纸制作一片树叶名片,我将学生带到教室外,让学生亲身体验大自然,让他们观察,感受生活当中不同树木叶子的形状,更利于自己的制作。在这个环节中,我将学生带入真实的大自然世界中,让他们感受不同叶子的形状,而不是在教室中,用几张图片让学生认识。回归生活,在生活中寻找素材,培养学生创作能力。 二、回归生活,将生活化教学情境引入教学 教育家乌申斯基说过:“儿童是形象、声音、色彩、感觉和思维的。”将生活化教学情境引入到课堂中,是学生最感兴趣的,能更好地激发学生的学习兴趣,提高学习效率。作为一名小学教师,我们要将生活化的教学情境引入到小学课堂当中去,让学生对美术课堂更有兴趣。在人教版小学美术一年级第三课《圆的世界》的教学过程中,我准备了饼干、闹钟、盘子、地球仪等等各种各样生活中圆形的东西以及其他形状的东西作为教具,将这些东西布置在教室当中,并结合当地乡村特色,将当地特产大闸蟹也带到课堂当中,让他们找找在这些事物中哪些是圆形的,在课堂中创设“圆的世界”的教学情境,激发学生学习兴趣,提高学生学习效率。对一些外地学生也可让他们在美术课堂当中了解当地文化。 三、回归生活,让课外活动与生活链接 小学美术与生活的链接,除了到生活中寻找素材,将生活化的教学情境移入课堂之外,学生的课外活动也应与实际生活相联系,让学生在课堂之外感受生活中的美。我认为小学美术课外活动不应过分注重活动的形式性,而是要将美术活动融入进生活中去,通过生活化的美术课外活动,让学生感受丰富多彩的生活世界,在生活化的课外活动中获得愉悦。美术课外活动可以与当地特色结合,课外活动不仅仅可以在教室中进行,户外操场、田间、悠久的老街等都可以成为美术课外活动的场所。生活化的课外活动培养学生的人文情怀,在活动中得到教育。 1.美术课外活动融入人文元素 美术课外活动可结合当地特色,将有人文特色的事物展现给孩子们,让孩子们在贴近生活的课外活动中了解当地文化,让孩子们热爱生活,在生活中发现美。巴城是一个有着2500多年历史的美丽小镇,拥有悠久的历史与文化,它的蟹文化举世闻名。所以,在组织美术课外活动时,我们可以结合实际情况,将这种文化融入进课外活动中。带领学生走入当地文化馆,让学生参观了解本地特色文化,走进生活,带学生实地参观一次蟹养殖基地,让学生在真实的生活中感受到美,培养学生热爱生活的情感,将人文元素融入课外活动。 2.美术课外活动融入教育元素 美术课外活动除了让学生感受生活中的美外,还应具有教育功能。我们要给学生提供健康而丰富多彩的课外活动,让学生在课外活动中同样受到教育。美术新课标指出:“指导学生利用身边物品或废旧材料,制作玩具,手工艺品来美化自己的生活。”我们可以组织一次课外活动,让农村的学生利用自己身边的物品或废旧的材料,如废旧纸盒、瓶子、破布等等制作出一件有创意的作品。小学生对于动手制作是非常感兴趣的,组织这样的活动,一方面锻炼了学生的动手制作能力,另一方面通过将废旧物品经过自己的思考制作,将废旧物变成具有创意的作品,促进学生养成将废旧物品变成创意作品的习惯,提高学生在生活中发现美的能力。艺术源于生活,小学美术教学要回归到生活中去,让学生从窄小的课堂中走出来,走进丰富的生活,从生活中寻找素材,将生活化的教学情境带进课堂,将人文元素,教育元素融入课外活动中,在生活里寻找美、发现美、创造美,让美术教学回归生活,寻找美术之花。 作者:沈雅纯单位:昆山市巴城中心小学校 优秀小学美术教学论文:多媒体小学美术教学论文 一、运用多媒体教学,营造美术课堂的梦幻美感 由于小学生的认知能力和欣赏水平有限,在小学美术课堂教学中,由于教学工具的欠缺,美术老师往往会感觉不知道如何开讲,很难将课堂教学中的内容做到认真描述,而美术课堂的所特有的色彩美感也不能与学生充分分享,对于学生的课堂教学大打折扣。而运用多媒体技术辅助小学美术教学,教师可以将事先挑选的图像、声音、视频和背景知识整理成为课件,在课堂教学的同时,多媒体课件所传达的教学内容可以同时调动学生的眼睛和耳朵,刺激其视觉和听觉,充分渲染美术课堂的课堂教学氛围,打造亦真亦幻的课堂教学氛围。比如,在进行模型结构分析和色彩搭配教学过程中,就可以充分发挥多媒体课件的优势,可以通过多媒体课件动态演示模型内部结构和外观设计,而且可以通过模型的旋转来充分体会到建筑之美,感受到建筑物的3D立体之美,整个课程教学可以立体生动,比教师简单的宣导要有效的多。而在色彩搭配教学方面,可以通过多媒体课件将三原色的之间色彩原理直观呈现在学生面前,而通过教师的引导,学生的动手操作,就可以通过三原色的搭配模拟出自然界任何一种颜色,这种教学模式就可以让学生直观了解到色彩的原理,充分感受到自然界的色彩之美。 二、运用多媒体教学,拓展美术课堂的创新视野 小学阶段作为学生脱离家庭环境,步入社会的第一个阶段,他们的创新思维和逻辑思维具有很大的可塑性,而通过课堂知识的宣导,学生可以继承过去创新思维的结晶,也可以为将来的创新思维打下良好的基础。因此,在小学课堂教学中,努力拓展学生的创新视野也是广大美术老师的教学重点之一。在传统的小学美术课堂教学中,学生往往因为没有必要的辅助学习资料和自身的年龄限制,对于创作感觉无从下手。通过多媒体技术,可以极大地拓展学生的创作思路,提高学生的信息吸收能力,挖掘学生的创新潜能。比如,在进行相关的设计课教学的时候,教师就可以将课堂搬入到多媒体教室,教师通过多媒体电脑给学生们播放相关的光盘资源或者相关的音频资料,引导学生通过不同的途径和不同的手段来表现设计元素,这样可以开拓学生的视野,提高学生的认知能力和创新能力。 三、运用多媒体教学,加强美术课堂的德育渗透 在我国九年义务教育过程中,进行适当的德育教育是教学目的之一,也是教学的手段。美术教育作为小学课堂教学的重要组成部分,在德育培养方面也肩负着非常重要的作用。在传统的美术课堂教学中,德育渗透大多停留在教师的课堂宣导和课下温习巩固上,德育渗透或者流于续表,或者成效甚微。多媒体技术作为最强的信息技术,它可以充分结合小学课堂的审美教育,充分挖掘和展示教学课本中的德育内涵,从而能够达到提高学生的思想道德水平,培养小学生良好的道德情操。比如,在美术欣赏课中,可以通过多媒体课件播放我们国画大师的山水画精品,带领学生们感受我们国画所特有的氛围,也感受到我们国家独有的文化魅力和国家的大好河山,通过多媒体课件,就可以将爱国心和民族情自然而然地融入到了美术课堂教学中来,使得学生,们油然而生一种民族自豪感。而在《我爱劳动》、《美丽家乡》等主题创作过程中,也可以通过多媒体课件播放相关的创作素材和创作背景,激发学生对于劳动的热爱和对家乡的憧憬,培养他们的爱国主义情操。 四、总结 多媒体技术作为当前炙手可热的课堂辅助教学工具,能够真正有效地将趣味性、实用性和开拓性融入到传统的美术课堂教学中,极大地减轻老师的教学工作量,又能很好地提高课堂教学效率,我们的小学美术老师一定要积极努力地掌握这门技术,将它真正融入到课堂教学中来,不断地将小学美术教育推向纵深发展。 作者:李霞单位:河北省昌黎县杏树园小学 优秀小学美术教学论文:加强小学美术教学论文 一、加强小学美术教学质量的措施分析 教育体制改革的目的就是更加重视并促进学生的全面发展。目前,小学美术教育存在不少问题,教学内容枯燥,教学方法、教学手段单一,教学秩序混乱等。美术作为一门美育的特殊学科,其内容的丰富性、教学方式的趣味性和有效性等将直接影响到教学质量。因此,小学美术教师要跟上时展的脚步,树立现代化教学理念,采用各种手段帮助学生学好美术课。为了加强小学美术教学质量,应采取如下具体措施: (一)提高教师自身的素质,发挥主导作用师资力量是保证教学质量的前提,目前很多小学在美术方面的教师资源力量还比较薄弱,专业水平也不高,有的美术老师还是语数英老师兼任的。此外,教师的自身素质也会对教学质量产生极大的影响。在倡导自主学习的新课标改革的要求下,美术老师必须不断加强自身素质,改进教学方法。因此,小学美术教师首先要转变教学观念,树立现代素质教育理念。其次要加强自身专业水平。学生由于年龄和知识水平的限制,还不能完全理解教材插图的造型与艺术表现背后的含义,对美术作品的内涵、艺术风格等也没有掌握,达不到审美的要求。因此,美术老师必须加强自身素质,不仅仅要具备美术专业知识,还要善于将自己对美术的见解与经验,以积极的情感体验为基础,用学生喜闻乐见并积极主动参与的形式,提高自身美术教学水平。 (二)利用多样化教学手段,丰富课堂教学小学生比较好动,容易被别的东西吸引注意力。要想保证课堂教学规范,提高美术教学的质量,要求教师发挥教学热情,采取多样的形式,传授美术的基础知识技能,丰富课堂教学。采用现代化的多媒体技术进行美术教学就是很好的教学手段。从网上获取教学资源,结合美术课程的特点,拓展、丰富教材内容。创设生动有趣的教学情境,营造活跃的课堂氛围。创造自由互动的课堂也是非常有效地手段之一。综合使用讲授、游戏、讨论、演示等教学方法,采取合作互助的方式,让学生积极开展自主学习、合作交流,学会自己判断美丑、感悟绘画作品的内涵,并进行自己的绘画构思。使用正确的教学方法才能有效地丰富课堂,加强小学美术教学的质量。 (三)注重学生的兴趣培养,培养审美意识兴趣是最好的老师,兴趣是最强的动力。小学生的思维跳跃非常快,总是乐于对自己感兴趣的事物展开一些思考和研究。因此,美术教学要注意开发学生的兴趣资源,吸引学生主动去认识美,发现美,集中注意力在美术课堂上,学习效率必将有所提高,从而教学质量也得到了保证。探究性、综合性美术写生活动的开展就是培养学生兴趣的一种手段。让学生走出课堂,走进自然,从具有不同形态、结构、比例和色彩等的世间万物中挖掘自己感兴趣的,有特别感悟的绘画素材,不但能拓展学生的课外知识,开拓视野,还能培养学生的审美意识,通过亲身体验,从教材、从周边的人事物中发现美、领悟美,享受美术学习的快乐。 (四)实现多样化教学评价,启发审美创造不同的人对事物的欣赏角度不同,发现的美也不同,因此,对小学生美术课的评价不应该限定在分值上,教师必须多角度全方位的评价学生的学习成果。从实际从发,针对小学生的不同性格特征和不同感悟能力,制定出层次分明的适合不同程度学生的学习任务和学习目标;教师要站在与学生平等的角度,在尊重学生的艺术欣赏的同时给予客观指导,善于发现学生身上的闪光点。从构图或调色能力,从临摹相似度或创新性等多方面引导学生自由发挥,展开丰富的想象,培养学生的观察能力,锻炼学生的艺术表现力和审美创造力。 二、结束语 为了加强教学质量,作为小学生美育的启蒙者,美术教师要改变教育观念,不断改进教学手段,培养学生的艺术欣赏和审美创造能力;规范美术课堂,不断创新欣赏教学绘画的方法,让学生不仅学会欣赏美,还要学会创造美,更要学会感悟美,培养学生的健康人格和审美情操,促进学生全面发展。这才是最高教学目标,这才是教学质量得以提高的表现。 作者:钱晶单位:石家庄市友谊大街小学 优秀小学美术教学论文:有效提高小学美术教学论文 一、小学美术教学的现状 以往的美术教学以精讲多练为主要特点,精讲与多练是教学的重要部分,但是在美术教学中直接、简单地传授知识是不够的,教师在课堂上对着课本讲解,布置学生对着课本画画,而有些只有用自己的眼睛才能看到的知识,学生就难以掌握了。更多的学生开始依赖教师的眼睛学习知识,感受能力与审美能力得不到有效培养。如果美术课只是靠教师的口头讲述,就会失去应有的形象化,使学生无法感受到观赏艺术作品时的视觉活动,难以从优秀的美术作品中获取知识。根据美术课的特点,在练习中学习知识在专业美术学校是可以被应用的,但是要在小学教学中进行就较为困难。我们经常可以发现部分高年级学生无法完成一份令自己满意的美术作业,渐渐失去对美术的兴趣。关于美术课作业的评价一般都是由教师拿几份作业进行讲解,指出哪里不好、需要怎样改进。进行作业评讲本身是没有错的,但是教师评讲的内容大同小异,有些教师为了调动学生的积极性而进行优秀作业评选,结果往往违背了美术教学的规律。学生会根据教师的评价标准创作自己的作品,久而久之就失去了创造性,为了迎合“优秀”的标准而改变自己的个性,进而封闭了创造意识。 二、提高小学美术教学实效性的措施 1.在适当的情境中激发学生的创作意识 以往的教学以教师的课堂教学为主导,这种教学方式是难以有效提升学生的自主学习能力的。随着我国美术教育的改革,教师在教学过程中要创造一定的情境,针对学生的自主创新意识,进一步强化学生的创造性思维,把以往教学中学生被动接受知识转变为主动进行学习,把教育的重点放到学生的创造过程中。小学美术教师要在教学过程中给学生提供探讨的机会,让学生可以在美术学习中获得快乐,从而充分发挥创造力。 2.鼓励学生积极参与是提高教学实效性的重点 在美术教学中要把学生放在主体的地位,以教师的引导为辅,如果教学过程中学生没有积极参与进来,就会极大地影响整个教学的实效性。由于小学生的心智尚未成熟,所以他们选择积极参与的动力主要是来自自身的兴趣以及教师的鼓励等,所以教师要很好地利用这一点鼓励学生积极参与。教师在整个教学过程要不断总结反思,要从固有的教学模式中走出来,增加课堂教学的趣味性。 3.给学生提供一定的探究活动,突出学生的主体地位 在如今的小学美术教学中,教师要转变学生的学习方式,使其由被动的接受学习变为自主的探究式学习,最大限度地提高学生的学习积极性,让学生在美术学习中根据自身具备的知识独立思考,找出解决问题的办法,从而培养学生的创新能力,突出学生在教学中的主体地位。 4.教师自身要具备教学实效性的意识 教师要具备教学实效性的意识,在开展教学活动之前预想整个活动实施后产生的效应,以此规划在整个教学过程中的行为,提高教学的实效性。而教师在教学中具备一定的实效意识是促进学生自主学习的重要因素,也是提高学生自主创新能力的关键所在。所以,要想提高小学美术教学的实效性,教师必须具有一定的实效意识。 5.提倡学生的个性展示,培养学生的综合能力 在小学美术教学中,想提高学生的创新能力,教师就要尊重学生的个性发展,让学生得到一定的自我展示的机会,鼓励学生大胆说出自己的观点,对他们的美术作品从不同的角度进行赞美,提高学生创作的积极性,对表现欠佳的学生不能严厉批评,而要耐心、适当地引导,让他们始终处于一种放松的学习环境中,鼓励他们大胆发挥自己的创作才能和想象力。 三、结语 在小学美术教学中教师要走出以往的教学模式,为学生创造好的学习环境,鼓励学生展示个性创造,培养学生的自主学习能力,激发学生的创造性思维,让学生在实践过程中学会独立思考,找寻问题的答案,从而通过自己的眼睛发现美术真正的内涵与乐趣。这样才可以真正提高小学美术教学的实效性。 作者:洪晓艳工作单位:福州教育学院附属第三小学
小学美术教育类论文:多元性教学方式在小学美术教育中的渗透 摘 要:现在是一个多元化的社会,为了适应社会和不同教育群体与教育结构的发展,教学也应变得多元化。教育的结构形式呈“阶梯式”发展,小学美术教育在美术教育中非常重要,它主要传授方式是课堂教学,它是德智体美全面发展的基础时期。因此,多元性的教学方式在小学美术课堂发展中有着重要的意义。不断地改善教学模式、教学内容,使学生与老师共同提高美术教育品质,逐渐形成一种良好的方式。以多元化的教学方式为中心,将民俗艺术运用其中,以及通过某些手段激发学生对美术的创新意识和求知欲,把美术教育的目的渗透到学校教学模式中去。 关键词:多元化;民俗艺术;创新意识 一、小学美术教育的重要性 美术教育有陶冶情操、潜移默化的作用,它能培养学生欣赏美、创造美的意识和能力,对于学生将来生活是十分有益的。尤其是1~6年级,学生以及家长可以尽早发现自己的美术天分或者培养自己的美术修养和功底来适应当今社会的发展。在德、智、体、美中,虽然“美术教育”提出得较晚,但是人类美术教育的思想和实践却很早,至少可以追溯到我国的孔子、老子。美术教育历来受到教育家的格外重视,然而,在实际教育工作中为升学,美术教育被挤得无影无踪。随着时代的发展,人们对美的追求日益强烈,美术教育必将体现出它更多的功能和实用价值。 二、民俗艺术在美术教学中的渗透 俗话说:“一方水土,养一方人。”这句话说明了地域之间有民俗差异。地域的差异就决定了文化的差异性,也就体现了多元性和独特性,而地域间文化的差异促进了艺术的融合,这就为我们的美术教育带来了无限的生机和广阔的创造空间。民俗在我国古书《礼记》中说:“礼从宜,事从俗”。“民俗”是由“俗”――“风俗”(习俗、民风)――“民俗”这样一个过程演变而来的。就民俗艺术本身而言,可以理解为:“民间艺术”“民间美术”“民间工艺”“民间文艺”,等。民艺的分类大致可以分成艺术性、民俗性和生活性。 (一)民俗艺术为小学美术课程提供了丰富的教学资源 如人教版十二册《儿歌配画》一课,我和学生共同收集了大量的本地儿歌,如儿童游戏拍手儿歌:“你拍一我拍一,一个娃娃坐飞机;你拍二我拍二,两个娃娃搬小凳;你拍三我拍三,三个娃娃爬雪山……”并且还收集了许多图片,其中有许多都是学生自己动手画的自己或者其他同学玩耍的图片。 (二)民俗艺术为美术课程提供了独特的创作素材 如人教版第十册《记忆画――家乡风情》一课,我通过各种方式为学生提供了相对完整的家乡的风土人情,有的学生为我们有这样丰富的民俗文化感到十分自豪,他们积极地搜集有关资料,向他人描述或者独自创作,写出与自己相关的素材。有表现广场上扭秧歌的、有表现清晨跑步以及练太极拳健身的,还有表现乡下制作榨菜的情景,还有的在过年过节放鞭炮、玩龙、舞狮等热闹场面。 三、培养学生的创新思维,使学生学会思考、乐于发现、喜于创造 美术教学中创新思维的培养具有它独特的学科特点,由于它视觉的直观性、造型性,可以让每个人更容易发挥,但需要正确的引导。作为一名美术教师该如何培养学生的创新思维呢?首先,要培养学生的观察能力,激发他们的绘画兴趣。只有在充分了解的情况下才能去创造。其次,先学习他人的创新方法,再实现自己的创新。创新能力虽然是每个人与生俱来的,但老师仍然要给他们埋下创新的种子,这样才更容易让创新思维开花结果。学生要多学习、欣赏具有创造性的绘画作品,并模仿这些创作作品,最后加入自己的个性化表现。再次,要求老师充分给予学生创新能力的肯定,即使学生的创造性绘画结果并不理想,也要给予肯定和鼓励。老师的肯定和鼓羁梢栽銮垦生的创新信心,让他们乐于创新。除了以上提到的几点,还要注重创设出创新的环境,鼓励学生进行创新性的绘画表现,可以定期进行一些比赛并颁发相应的奖杯,如“最佳造型奖”“色彩斑斓奖”和“最具创意奖”,其中“最具创意奖”就是为了鼓励学生去大胆创新。有一次制作浮雕,因为石膏数量不够,我正无计可施的时候,得到了学生的提醒,农村有那么多的蔬菜,其中土豆、萝卜等容易找且容易雕刻成型,不正可以用来代替石膏吗。正是我平时的创新训练,让大家可以发散思维,关键时刻总可以解决问题。 总之,美术课堂本就是一个需要不断探索的,这个过程既有规律可循,又有灵活的生成性和不可预测性。通过对民俗艺术进行研究,使我们创设的良好美术课堂更加丰富。在课程改革背景下,在美术课堂教学中抓住创新,让孩子们爱上课堂,懂得观察和感受美、欣赏并能表现美、延续并可以创造美。这验证了陶行知先生著名的“教育生活化”思想,“民俗艺术是民间流传于今世的活的艺术史册”,关注民俗艺术,并把它运用于课堂,传承、发扬美的东西。 小学美术教育类论文:综合版画在小学美术教育中的实践 随着时代的不断发展,教育教学的相关理念也需要进行不断的调整,当前的教育领域,不论是小学还是中学,都更加注重学生综合素质的培养和提高,小学美术教育也在进行着相应的尝试和实践。小学美术教育自身也具有多方面提高学生综合素质的特性,需要学校和教师引入新方法、新模式。而综合版画就是引进美术教育的新形式、新内容,旨在提高小学生对于艺术的感知能力,在学习过程中训练一种较为形象的思维,提高艺术修养。 一、把握小学美术课堂综合版画的价值 在小学美术课堂中引入综合版画的环节,在实践阶段需要考量这种做法的应用和实际价值,以及其能够带来的效果。首先,在小学美术教育中应用综合版画主要能够培养学生的一种意识,一种积极的动手理念,积极去实践,主动去创新,这样做,可以有意识地培养学生留心生活中的细节,增强他们对美、对美术的感知力和理解力。比如当做实物拓印时,对拓印材料的搜集和寻找,就可以考验部分学生对生活中常用材料的利用。 其次,在小学美术教育中应用综合版画可以丰富学生的课堂,增加学生参与课堂的时间,充分尊重学生的主体地位,给予他们亲自动手,亲自制作和创造一些东西的机会。 二、落实小学美术课堂综合版画的应用 探讨一种方式方法值不值得应用,需要从目的和效果两方面进行分析。在小学美术课堂教学过程中,应用综合版画一方面希望能够使学生全面发展,提高其综合素质;另一方面,希望能够提高美术的教学水平和教学质量。 综合版画在小学美术教育中可以相应地突出学科的特点,使教材和扩充内容有机结合,在某些方面进行一定的联系。在综合版画制作难易程度上,要根据学生的水平,合理地选择难度,可以采取先易后难的设置,循序渐进。教师应该多对学生进行实践上的鼓励,让学生不要产生畏难思想,提高学生具体的综合版画实际操作,锻炼能力,提高水平。在综合版画的教学中,很重要的一个环节是对真实物体的拓印。这里教师可以将其作为课堂的导入环节,尽量将其设计得有趣且生动。比如:老师在课前可以变个小魔术,吸引学生的兴趣,用实物的拓印呈现出既丰富多姿又色彩缤纷的图案,使学生们眼前一亮,乐于学习。 动手制作拓印,很重要的东西就是印的材料,不同的材料可以呈现出不同的质感,例如可以有蕾丝、树叶、棉麻布等等,用手去触摸,去感受不同材料的质感,可以在实物拓印的过程中加入小型游戏,刺激学生更加积极地去探索、去学习。实物拓印还可以在创作过程中利用印痕。一般来讲,印痕多采用对称模式,不同学生制作种类多样的印痕,最后通过一定的拼凑结合,便可以呈现出一幅与众不同的全新的作品。教师应该尽量多地教给学生一些基本的技能,比如对画面作品的控制能力。在一些表面质地相对粗糙的材料或是一些花纹纸上,可以将纸张放置于其上,用铅笔或是彩色铅笔轻轻涂抹、摩擦,能够呈现出比较不错的效果。 综合版画需要同学们在老师的指导下亲自动手制作,当课堂制作完成之后,教可以安排部分时间给予学生展示的平台,可以选择部分优秀作品进行展示,也可以学生自愿展示理念作品。通过这个环节,交流相关思路,总结上课经验。 三、完善小学美术课堂综合版画的问题 显然,在美术教学课堂上,增添综合版画的环节,能够很好地吸引学生的上课兴趣,活跃整体气氛,寓教于乐。但同样不该被忽视的是,偏向于视觉层面的东西存在着过度包装的问题,虽说这些人类创造出来的文化产物在某种程度上可以拓宽孩子们的视野,活跃他们的思维,但有时可能会对孩子产生误导,只注重画面,而忽视了应该从中体现的价值。另外一点,就是家长对此方式的误解。很多家长不够了解综合版画,认为综合版画在小学美术教育中没有任何好处,反而会阻碍学生发展,因此在需要学生准备相关材料和工具时,家长不给予学生帮助,导致综合版画无法正常开展。并且,有许多学生自身不重视此项环节,拿不出对综合版画课堂的热情和参与,在课上不积极参与,不认真听讲,在课下不配合老师完成布置的任务,这样做,显然会影响综合版画实践应用的效果,使其逐渐难以开展下去。 综合版画在小学美术教育中也需要注重学生的基本素质,因材施教。每个学校的基本条件有差别,每个学生自身的水平也有区别,所以综合版画的模式不能一味的照搬,而是尽量考虑学生的实际情况。此外,教师也不能盲目地进行教课,毕竟综合版画可以算是一项新的教学模式,因此需要教师对传统的教学方法进行一定的调整和突破,在教学安排上根据学生条件进行调整。 即便在小学,也会涉及到低年级和高年级的差别,不同的分类,也需要采用不同的措施。比如,小学一二年级的学生由于年龄较小,身心发育处于较低阶段,存在极大的不成熟问题,就需要教师对他们进行更多的帮助,对综合版画做出更加详细、更加具体的介绍,带动小朋友的参与热情。而对五六年级的学生来说,因其处于小学中的高年级,本身对新事物的认识和接受能力较强,所以就不需要在教学上对综合版画进行过于细致的讲解,而是应该给学生们安排更多的动手内容和探索问题,可以采用小组合作的方式,提高他们的交流合作、沟通表达的能力。 小学美术教育类论文:微信平台下的小学美术教育 在尹少淳教授美术优秀素养报告中指出,中国的老师已经习惯了“知识与技能”,本身无可厚非,问题出现在“知识与技能”未能转化为素养和能力。优秀素养的提出正是在解决这一问题,美术学科的五个优秀素养,图像识读、美术表现、文化理解、审美态度等。其实就是我们“大美术观”的概念,就是要让“知识与技能”转化成素养和能力。 人的理念决定事物发展的方向。想要进行课程改革,我们就要从目前的课堂教学模式进行改变。利用互联网进行美术的学习就是一种新的教学模式,学生可以通过笔记本电脑、平板、手机等多媒体设备在相应的平台内随时随地反复进行学习,不受时间地域空间的限制。 美术是一门视觉艺术的人文学科,需要多看,多想。所以说大量阅读艺术作品积累美术知识与创作经验是达到美术优秀素养标准的必要条件。互联网技术的应用为学生提供了丰富有效的资源,这些资源为孩子们达到美术优秀素养要求提供保障。互联网资源中的微信公众平台就具备这一优势,下面我们来看看如何利用这一平台提升学生的美术优秀素养。 一、微信平台的多资源帮助我更好地学习 微信平台的多资源能广泛传播性就有这一种优势,在微信公众账号中会有很多人分享我们所要的信息,就拿我们美术来讲,可以在微信公众账号中搜索“美术”两个字,我们就能订阅和获取到大量的有关美术信息,其中包含文字、图片、视频、声音等多种信息资源。 二、利用微信平台做好课前预习提升图像识读素养 在课堂中的时间是有限的,许多知识并不能在课堂内全部分析到位。有了微信公众平台,教师可以将自己整理的素材、大师作品、影视、图像等多种内容在平台内,教师依据所教内容设计好自主学习任务单,孩子通过所提供资源进行学习与分析,总结图像的形式特征、艺术内涵。原本在传统教学中要多个课时才能完成的内容,现在只需要打开手机点开微信公众平台,通过微信平台看老师提供的资源内容就可以快速进行学习。从被动学习变为主动学习,激发学生的学习思维,提升图像识读素养。 三、利用微信公众平台学习美术技法提升美术表现素养 在美术教学中,要想在短短40分钟的课堂中进行范画教学是需要勇气的,有的时候40分钟还不一定能完成,让本来就少的课时变得越发紧张。有些老师还可能因不是本专业出身而无法进行范画教学,但在微信平台中我们就可以把这部分内容,变成学生自己利用空余时间的自主学习,比如我本身是油画专业,但遇到一些关于国画绘画技巧的内容时就会有点“手抖”。所以在教学中我会找一些名家教程进行辅助教学。例如在小学五年级下册中《花鸟画》这一课,我就在网上找来了徐堪老师的花鸟画的教学视频把它发在平台内,让学生进行预习,学生通课前预习,上课时我就可以针对这个问题进行提问,让学生自己来完成问题的解答,教师只需要对提出的问题进行引导。这种交流方式会让学生对课堂更加期待,提高了学生教学环节参与的积极性,激发学生思考,杜绝了教师的满堂灌的方式,同时也提高了课堂效率。除此之外我们还可以找来各种创作视频让学生拓宽创作思路,从而达到提升美术表现素养。 四、利用微信平台展览提升审美态度素养 在传统的美术课中,往往到了对学生作品进行讲评的时候,我们课堂也几乎到了尾声,所以我们的讲评总是草草了事,其实对于学生来说,对他们的作品进行讲评是一个非常重要的环节,是让学生汲取别人好的经验的一个重要的过程。但是由于课堂时间问题作品分析这一环节做得很不到位,有了微信公众平台就不一样了,我们可以把你们孩子的每一次作业都办一次画展。把作业内容拍成照片或者直接扫描到电脑中配上文字和音乐,对学生的课堂作业进行集中的展示,起到互相学习的作用。同时学生也可以利用微信公众平台随时随地欣赏同学的作品,增进学生间的交流,提高孩子的审美素养。同时利用信息技术参与美术作品的鉴赏,能够开阔视野,增长知识。一个好的展览能给孩子营造一个更广阔的空间。从视觉上的直接刺激,产生想要进行创作的欲望。 五、利用微信公众平台做好教学辅助提升文化理解素养 通过微信平台的辅助教学,会让我们的课堂具有丰富、简洁、生动、高效的特点。利用微信平台去推送一些学生在美术学习活动的一些情况。传统美术教学是培养学生的动手能力和基本技能为主,而课本内容挖掘不够,对于我国一些蕴含了丰富文化内涵的传统的民族文化精粹的内容讲解不详细,很难让孩子在短短的几节课中爱上它们,这个时候我们就可以定期推送一些关于此类艺术文化的内容,不断进行强化,让孩子始终能接受来传统艺术带给他们的艺术熏陶和感染,同时互联网资源的多样性更能让孩子们接收到来自方方面面的美术文化,从而提升教学品质,提高美术课的内涵表现,提升学生文化理解素养。 互联网+教育的理念,课改优秀素养的提出,都是为了让我们的孩子受到更好的教育。作为教师的我们应该充分利用互联网资源,让信息技术助推教育教学工作,让我们的课堂变成高效优秀课堂,全面培养、提升学生的优秀素养。做一名新时代教育改革浪潮的参与者、实践者、开拓者。 【作者单位: 苏州工业园区翰林小学 江苏】 小学美术教育类论文:浅谈农村小学美术教育 摘 要:在农村小学开展美术教育面临诸多困境,结合美术教育有关理论和实际教学经验,谈谈在农村乡镇学校的环境中开展美术教学的方法。 关键词:美术教育;农村小学;教学方法 美术课的学习对学生的受益非常大,影响也非常深广,对学生审美能力的培养和带来的益处是终身受益且无穷的。因此,提高小学美术教学,关系着学生美学思维的养成,关系到学生的健康成长。但由于农村教育的先天不足,美术教学在学校教学中一直处于一种“边缘”状态,甚至可以说美术教育课程成了“附属品”,美术教学方法更是相对落后。笔者认真总Y在柳河县驼腰岭镇中心小学多年的美术教学实践,谈一谈在农村小学开展美术教学的教学方法。 一、遵循大纲要求,一切从学生的发展角度出发 美术教学有它独特的教学特点,大量时间需要学生的实际操作来完成,教师必须在教学的各个环节中,遵循课程要求和大纲要求,创造性地开展美术课的各项教学内容,设计出更适合农村学生实际接受水平的课堂教学内容,让学生真正掌握绘画的基本理念和知识的同时,结合教材,有针对性地宣传弘扬我国的优秀美术传统文化,让学生树立起对中华民族的文化自信。其次,要深入研究课标内容具体要求,同时设计出更适合本地、本校情况的课业内容,使美术学习轻松自如。再次,要以学生的全面发展为本,开展美术教学也应当让全体学生获得全面和谐的发展,作为农村学校的美术教师要十分关注自己的教育对象,根据学习内容分好类,分好课型教授学生,多为学生提供实践与学习相结合的教学内容,把学生充分调动起来,参与到美术课中来。引导学生进行探索性学习,构建民主平等的师生关系,减少规范的制约,给学生更多的自我表现空间,让学生感受到美术课程轻松愉快的氛围,增强学生学习美术的兴趣。 二、善于观察,丰富教学素材 小学美术教学要求培养学生的观察能力,这就要求教师本身在这方面有更强更突出的能力,《义务教育美术课程标准》充分考虑了学生和教师的主体性以及不同的条件,对学习内容和方式采取了概略性的表述方式,这就使教师有更广泛的自我发挥空间。农村的小学美术教育要体现出农村的特色,根据课程内容结合当地的人文环境,深入浅出地教授孩子们美术知识。美术教师要善于观察生活,善于发现身边的素材,体验农村生活,了解学生日常生活习惯,教师要善于把简单而又贴近生活实际的有说服力的实例讲给学生,而且要说明课程内容在生活中的影响力,激发他们对学习美术的兴趣,以及引导他们去观察生活,提高观察力。如果美术老师不是一个善于观察生活的人又怎能去体会到孩子们需要和喜欢这些东西呢?比如,在讲《童话城堡》一课时,设计一个让学生讲故事的环节,要求围绕城堡展开讲述,这样在故事情节中多次被学生讲到的美丽城堡、雄伟的城堡、富丽堂皇的城堡等诸多城堡的形象,在学生的脑海里有了一定的画面,这时再出示课本中的城堡图片,让学生有选择地进行绘画。这样的绘画结果内容不会那么单一,而是从样式到色彩各具特色,同时,学生的语言表达能力也得到更好的锻炼。此时,可能会有的孩子对绘画感兴趣,那么教师就应该让他们在绘画上去发挥创造;有的孩子对手工制作感兴趣,那么教师就应该鼓励他们去剪纸,粘贴构造自己理想的城堡,这样不仅提升了学生的兴趣,在教学中还可以进行比较教学,丰富教学内容。不必要求学生在每一方面都有兴趣,只要有一点点就要抓住它,放大它。 三、完善美术课程评价体系 课程评价标准也是需要不断完善和修复的,在农村的美术课堂上更应该多关注学生的内在潜能是否被挖掘,实际能力是否被锻炼。所以,教学中可以多组织小组讨论,让学生更多地参与到课程评价中来,引导学生主动探索发现自己作业中的优点和不足,在课堂上让学生感受到成功所带来喜悦的同时,激发学生团队合作的能力,也让教师多角度感受教学中的优缺点,达到教学相长。美术教师在开展课程评价时要避免过度“模糊化”的教学评价,加强学生在美术课堂实际表现的评价,帮助学生提高审美能力。 由于笔者学识及工作时间的有限,在阐述农村小学美术教学时,难免有不足和不成熟之处,还有待笔者继续努力研究学习和同仁们的指导。更好地开展农村小学美术教育任重道远,本文只是对农村小学教学的一个非常渺小的探索,还需要广大同仁共同努力进行研究和实践对它做进一步的完善,期盼农村小学美术教学越来越好。 小学美术教育类论文:试论小学美术教育中如何提高学生的欣赏评述能力 摘 要:关于美术的学习有其4块组成部分,其中欣赏评述能力占有很重要的比重。欣赏评述简单来讲就是审美主体通过主管感受对客体提出的评价以及意见。以小学的美术教育作为切入点,立足从小培养机制,建立良好的视觉和感官评价能力,为以后的美术学习打下坚实的基础。将从小学美术教学存在的问题入手,着重分析提高小学生欣赏评述能力的方法,提出合理化的意见并举例说明。 关键词:欣赏评述;实用教学;多媒体 小学生对新鲜事物与色彩是充满好奇心的,对于他们而言,生活的周围环境处处都是五颜六色的美好事物,美术与欣赏无处不在。但是由于小学生对事物的认知力和观察力不足,导致其对事物的欣赏与评述也是简单的视觉看法。引导小学生对事物的评述与欣赏是至关重要的,片面地讲解与灌输只能了解简单的轮廓,而不能形成鲜明的色彩艺术。纵然小学生的欣赏能力的培养进度缓慢,但是在共同的努力下,相信会有长足的进步。下文将从导致小学生欣赏评述能力不足的原因入手提出合理化的意见。 一、导致小学生欣赏评述能力不足的原因 1.家长和老师的重视度不够 在应试教育的背景下,老师与家长的目光更多地放在了与考试科目有关的数学、语文、外语的成绩上,进而忽视了美术教育的重要性。很多家长和老师都认为学习成绩是第一位的,应该把所有的精力都放在考试科目上,美术的学习指导认识色彩就足够了。但是,这种思维是有失偏颇的,殊不知,美术的教学能够教会孩子正确的色彩观念、色调观念,丰富多彩的教学模式更能引发学生的学习兴趣,促进全面成长的学生才是社会发展的需要。 2.教学手段古板、抽象,难以理解 对于小学生而言,对社会的认识是初层次的,很多事物都在懵懵懂懂之间徘徊。只能描述与理解身边简单并且常见的事物。例如,低年级的学生只能理解自然常见的花草树木、身边的小动物等等。很难理解其他一些画派的作品,例如,抽象派、印象派等。因此,在传授知识的时候应该着重选择学生比较好理解的范畴进行讲解,不要一下让学生感到对美术学习的不理解和畏惧感。 二、提升欣赏评述能力的方法 欣赏评述能力在美术学中占有重要的地位,是美术学的基础内容。其学习方法也不是一蹴而就的,而是凭借对事物的认识与感官欣赏能力的提升积累的。因此,本文提出以下几点意见来帮助小学生得到更好的提升。 1.抓住小学生的心理活动,激发学习兴趣 小学是一个特殊的阶段,孩子的成长面临着生理和心理的诸多变化,对事物都充满着热情和好奇心,如果不加以正确的引导,容易形成对事物的逆反心理和畏惧心理。因此,作为施教者,应该着重观察孩子的心理活动,根据其喜好加以正确的引导,让孩子在自己本身喜欢的领域产生浓厚的兴趣。例如,小学生对色彩鲜艳的事物充满着渴望,在美术教学时,施教者的选材应该偏重于日常生活中常见的、色彩丰富的图画来讲解,着重发挥学生自身的想象力和理解能力,选择一幅图画,让学生自己描述图画上的事物和所表达的内容,在简单的引导中逐渐培养欣赏评述能力。 2.参与课堂实践,培养动手能力 新的教育背景下倡导学生为主、老师引导为辅的教育模式。小学美术教学更应该以学生为主,走出课堂。施教者的讲解不应该局限于教材的内容,应该结合实际引导培养学生的动手能力。例如,在教学中教师可以根据课堂教授的美术课程引导学生自己绘画。根据学生所处的年级不同给他们留下一个主题或者场景,让其根据自己的理解做衣服作品,并在课堂展示时讲明自己作品的构思理念及作画的根据。这样学生的实践动手能力就得到了培养,在观赏别人作品及老师点评时又能提高欣赏评述能力。 3.运用新媒体的教学方式,培养欣赏评述能力 科技的发展为教育带来了便利条件和Y源,我们能够通过网络搜索获取国内外的学习资料与影视影音的学习,因此,施教者也应该充分利用这一资源,将其引进小学美术教学的课堂中。例如,在美术课堂的教学中讲解到一些画家的时候,难免会提及其代表作,空泛地讲解其代表作品没有眼睛直观的欣赏来得透彻。这时多媒体资源就可以被充分利用,将其代表作品通过多媒体播放的形式展现在学生眼前,学生可以通过观察对图片进行描述,说出自己对图片的感受或者评议,这样可以避免空泛讲解带来的枯燥,既可以激发学生学习的兴趣,也可以使欣赏评述能力得到提升。 小学生是一个特殊的群体,面临着生理和心理的发展,所以培养小学生欣赏评述能力不是一蹴而就的,是一个长期的引导和潜移默化熏染的过程,需要多方面的努力和配合,既有来自家长的支持也有来自施教者的教学方法。本文只是从几个有效的途径进行探讨,希望在小学生的培养阶段能够起到良好的作用。在各方面的共同努力下,促进资源的合理利用,共同培养小学生在美术学习上的浓厚兴趣,促进健康成长和进步。 小学美术教育类论文:小学美术教育中的情感渗透之我见 摘 要:本文以“小学美术教育中的情感渗透”为主要研究对象,从三个方面对情感渗透的具体操作方式展开论述,希望为从事小学美术教育的教师提供参考意见。 关键词:小学美术教育;情感渗透;教育策略 一、小学美术教育中情感渗透的重要性 情感教育与认知教育是相对的一则概念,是教育体系中不可或缺的组成部分。情感教育指在教学过程中,教师通过创设轻松、愉快、和谐的教学情境,让学生在这样的氛围中实现情感与认知的平衡,充分发挥情感意识对学生学习知识的积极作用,增加学生的情感体验,逐渐培养求知、探索的精神,促进学生形成独立、健全的品质和人格。 近年来,我国素质教育不断普及并深入人心,情感教育在推行素质教育过程中起到的作用也愈发明显,因此在这样一种宏观的教育背景下加强小学美术教育中的情感渗透,显得十分重要。国内外众多美术学家、教育学家也认同情绪的培养、情感的发达对构建良好师生关系、提高课堂教学效率有积极的作用,这也是能够间接提升创造力和审美力的重要渠道。 二、小学美术教育中情感渗透的路径 1.美术教育丰富学生情感 理智感是人们在探索和感知真理的过程中,因个体需求是否得到满足而生成的一种情感意识。小学生的理智感主要表现在对事物的好奇心、探索问题和奥秘的进取心以及求知欲的扩大和加深。教育心理学家指出,深厚的理智感是促使人们发挥智慧的潜在力量,所以在小学美术教W中,教师应引导学生利用作品丰富理智感。例如,学习基本图形的画法时,教师可以引导学生去思考怎么画和为什么这样画,激发学生的好奇心,在无形中增加小学生的自信心和学习目标,丰富学生的情感体验。 美术教育要想培养学生形成一定的绘画技巧,不能将教育目标局限在对技能的掌握和美术知识的传播上,而要基于基本的理论道德,利用美术教材的优势,借助时间的灵活性以及美术课程自身的优势,运用具有针对性和有效性的教学方法,让学生在感受作品、感受美的同时,不断熏陶审美意识,进而在潜移默化中感悟美、创造美。 2.情境教学,培养感悟能力 很多小学美术教师在教学时,习惯采用单一、僵化的教学模式,即教师只负责讲解,学生只负责聆听,“教”与“学”是两个独立的、没有关联性的环节。这不仅会影响学生对美术学科的兴趣,更无法让学生对美术作品、审美元素产生关联性与感悟,不利于培养美、创造美所需的条件。 例如,学习《鸟语花香》这一课时,教师可以为学生创设丰富的教学情境,让学生将自身的感情融入情境中。首先,小学生对大自然中的小鸟和花朵十分熟悉,因此教师可以利用花朵和鸟类的特征,让小学生根据自己的想象,画出自己心目中的“鸟语花香”。其次,根据小学生的回忆以及对大自然中鸟语花香的感受,教师开始讲述本堂课的关键,即如何绘出小鸟和花朵的线条,怎样让花朵更加有层次感,怎样让小鸟更逼真,表现出飞翔的张力。但是该怎么样才能画好线条呢?教师在上课前可以准备一组连笔画模板,在一张大纸上标上不同的汉字、数字等,让学生用黑色的线将相同的数字连接起来,用黄色的线将相同的汉字连接起来……用不同的颜色、不同粗细的线条表达美术形象,让学生感受到图形跃然纸上的过程,进而感受到愈发靠近成功的急切感。最后,教师可以引导学生展开拓展学习,如为花朵和小鸟绘制面孔,感受它们的喜怒哀乐。有的学生在花朵上画上笑脸,表示空气环境良好;有的学生在小鸟的脸上画上泪水,表示树木被砍伐小鸟找不到家。通过这样的方式,让学生融入教学情境,有助于启发学生的思想意识和感悟能力,让学生通过美术学习收获到更为真实的人生感悟与生活阅历。 3.实践活动提升审美水平 美术教学离不开手工环节的辅助,实践活动有助于提升美术教学效果,是提升小学生动手操作本领的重要措施。在实践活动中,教师可以让学生展开想象,制作出多元化的美术作品,将心中所想、内心所感表达出来。 例如,在《童年的手印》一课教学时,教师可以将泥巴作为重要的教学工具纳入到课堂中来,在泥巴上烙上自己的手印,利用泥巴捏出各式各样的物件,让学生感受到美术知识的趣味性。同时教师还可以展开知识拓展,让学生了解中国古老的陶瓷技艺,了解中国传统的泥塑文化等,通过对民间艺术的感知和更为全面的艺术形式的认知,小学生将会产生强烈的民族自豪感和自信心,也会间接提升审美水平。 三、结语 总之,在小学美术教学中进行情感渗透是一个十分漫长的过程,教师要在教学实践中从小学生的身心特点出发,从教学现状和教学实际出发,采取行之有效的教学方法,为小学生创设良好的学习环境与学习氛围,将情感渗透融入美术教学的过程中,促进小学生健康全面的发展。 小学美术教育类论文:小学美术教育中的色彩教学探讨 摘要:美术教学是小学教育中重要的组成部分,其中色彩教学是其入门的基础,也是提升学生绘画能力的前提。本文分析了小学美术色彩教学的重要性及其目前在教学中存在的问题,并对提升小学美术色彩教学质量的措施提出了相关建议,希望为提升小学美术教学水平提供借鉴。 关键词:小学美术 色彩教学 措施 美术的主要形式包括工艺、绘画以及雕塑等。而小学阶段的美术教学重点则是提升学生的绘画能力,培养学生对色彩的感知能力与辨别能力,促进学生形成正确的审美观。所以,教师在色彩教学中要对教学模式进行优化,通过将生活中的色彩融入到教学过程中,从而提升学生对色彩的认知。本文主要分析了小学色彩教学的现状及其重要性,并总结了提升小学美术色彩教学质量的措施。 一、小学美术色彩教学的重要性及其现状 (一)小W美术色彩教学的重要性 色彩教学是小学美术教育中重要的组成部分,重视色彩教学是提升学生色彩感知能力的重要前提。由于小学生的大脑正是发育的阶段,对于色彩的认识上处于敏感时期,鲜艳明亮的颜色能够引起其好奇心,从而提升分辨色彩的能力。由于男生与女生喜好存在差异性,教师可根据学生不同的兴趣爱好对其心理状态进行分析,并帮助学生在色彩学习中对五彩世界形成良好的认知,从而培养学生健康成长。绘画环节是美术教学中最基础的部分,其过程需利用色彩中的冷色、暖色来完成画作。因此,教师可在色彩教学中引导学生将颜色进行分类,同时在指导学生正确的将其应用在绘画过程中。然而,学生对完整色彩体系的认知在实际学习中难度稍高,教师应正确的划分色彩教学的内容,做好色彩教学内容与美术教学内容的过渡与衔接,这对学生提升色彩感知能力具有积极作用。 (二)小学美术色彩教学现状 素质教育是我国教育发展的优秀内容。目前,各校对美术教学的重视不断提升,而色彩教学是学生提升绘画教学质量的基础,也是美术教学中关键的环节。然而,小学美术教学中,教师普遍重视学生形状与线条的勾画,忽视了指导学生涂抹色彩的重要性,通常只要求学生随意完成上色作业。当学生未按照教师要求进行绘画时,则教师会给予批评,影响了学生发挥色彩的天性及认知,从而对学生自由搭配色彩的创造力造成不利因素。所以,在小学色彩教学中,教师重视对学生色彩运用与色彩在绘画中正确使用的指导,并对学生实际绘画情况进行观察,透过绘画作品区了解学生内心的想法和创作思维。另外,指导学生学习色彩的基础知识能够有效的提升学生视觉与色彩感知的协调性,同时加强色彩讲解与绘画基础的指导促进学生加大投入色彩学习的精力。 二、提升小学美术色彩教学质量的措施 (一)掌握色彩的区分及其观察方法 小学阶段的美术教学是学生接触美术的初级阶段,学生在实际的学习中会遇到诸多问题、难题。所以,教师在开展美术教学活动中,应对学生学习中可能出现的问题进行详细的解答并分析。同时当学生在对颜色种类进行划分时,教师也应指导学生正确的学习方法,并为学生详细的解说色彩的相关知识。例如,当学生进行绘画时,引导学生正确的区分冷色、暖色以及色调的搭配,并讲述色彩的运用技巧和搭配技巧。小学生的辨别能力与认知能力尚未成熟,通常会被事物表面的鲜艳色彩所吸引,对其中的关系、形成处于懵懂阶段。因此,在色彩观察的过程中,教师首先要指导学生学会对整体的色彩进行观察与比较,使学生充分了解环境因素下色彩发生的变化及影响。观察色彩的方式是色彩教学中最基础的部分,也是提升学生审美能力的重要途径。 (二)通过生活与游戏提升对色彩的认知 好奇心旺盛、活泼好动是小学生在生活中的主要特点。艺术源于生活,在现实生活中包含着五彩斑斓的颜色,教师可通过让学生悉心观察生活中存在的色彩,从而达到强化学生色彩元素认知的过程,培养学生对生活的观察能力并日事物中的色彩有足够的了解。色彩教学是一门趣味性较强且内容丰富的学科,学生受课堂环境的影响其视野受到了一定的局限。因此,教师可结合气候、时间条件,适当的组织学生开展春游活动,让学生对野外事物中色彩的变化进行观察,加强学生对色彩的认识。同时小学生通常喜爱游戏,教师可根据这一特点在课堂中进行游戏化教学,选择游戏项目符合教学内容,游戏形式要符合小学生心理特征和年龄。例如,《点彩游戏》这一课题,教师可组织学生分组竞赛,鼓励学生大胆想象,完成创作作品,并介绍作品,实行小组评分制,有效的激发学生兴趣,通过游戏提升了色彩的感知能力。 三、结语 综上所述,教师重视色彩教学对提升学生色彩认知能力和辨别能力具有重要意义,教学方式的优化能够有效的提升学生的色彩的运用能力,激发学生学习色彩的兴趣。本文主要对小学美术色彩教学的重要性及其现状进行了分析,并就如何提升小学美术色彩教学质量提出了相关建议。 (作者单位:河北省沧州市新华小学) 小学美术教育类论文:析农村小学美术教育的改革策略 【摘 要】美术教育是一种审美教育,能培养学生感受美、欣赏美、创造美的能力。近些年美术教育越来越受到重视,特别是农村小学的美术教育。本文针对我国现阶段农村小学美术教育中存在的问题,提出几点对应策略,以促进农村小学美术教育健康发展。 【关键词】农村小学; 美术教育 ;改革策略 一、转变观念,重视美术教育 (一)转变教师与家长视美术为副科的观念。由于美术课不被纳入小升初的考试范围,在课程体系中一直处于副科的地位,因此往往不受学校及教师的重视,没有完全意识到美术教育在激发学生创造力方面的重大作用。美术课可以培养学生对艺术美的感受,进而提高学生的审美能力,培养学生从多方面思考问题、从多角度去观察问题,有益于其他文化课的学习。所以学校及教师应该重视美术教育,同时向家长传达美术教育的重要性,扭转家长视美术为副科的偏见。 (二)学校应重视美术教学内容与方法的多样性。素质教育的目的是促进学生的全面发展,美术课在小学教育中起到了举足轻重的作用。调查显示,我国西北部地区的农村小学美术课大多数每周开设一节,没有专业的美术教师,基本由语文或数学教师兼任,还经常被其他课程挤占甚至被取消。在2016年的教育改革中,教育部向小学美术教学工作提出了相应的要求。 学校应重视美术教学内容与方法的多样性,不能局限于课本上的教学案例,应自制乡土教材、挖掘乡土文化,这样既有利于学生熟悉、了解当地地理文化与民族特色,激发学生的美术兴趣,同时也便于老师的教学,可以更好地开拓学生的创造力。 二、提高农村美术教师待遇,加强师资队伍建设 (一)制定相关政策,确保农村美术教师待遇,调动其积极性。美术教师是学校美术教育的支柱,美术教师的一言一行都会给学生留下深刻的印象。而今,美术教师特别是农村的小学美术教师,都出现了严重的职业倦怠感,学校应该对美术教师进行情感投入,激发美术教师工作的积极性,学校领导既要在美术教师的物质生活上给予帮助,也要在其精神上给予抚慰,实行精神鼓励和物质奖励相结合的方法,全面调动美术教师的工作积极性。 (二)提高农村美术教师的教学水平,采取“送出去、引进来”的方针。学校之间应该相互学习交流,通过“送出去、引进来”的方法提高美术教师的专业素养和教学水平,送教师外出培训提升教师的专业技能,同时高薪引进一些经验丰富的美术教师,从而带动农村美术教学的整体水平。 (三)提高农村美术教师素质,形成良好的教育风气。在山西忻州地区的某小学调查中,由于该校美术教师缺乏,因此一位历史教师转岗成为美术教师。从课堂的观察记录来看,该教师过于依赖教材,以示范教学为主要的教学方式,只针对自己擅长的和熟悉的领域开展教学。此外,很多美术教师只是为了有一份稳定的工作,没有与自己所学专业结合起来,更是缺乏对小学生心理年龄特征与审美特征的深入了解,缺乏对美术基础知识的剖析,加上教学工具和材料的单一等,这一系列因素导致农村美术教师的专业能力不足和专业素养低下。所以高等专业院校应该针对农村小学美术教育,培养一批对口的专业美术教师,从实际出发,提高农村小学美术教育的教学质量。 三、重视美育,全面培养学生的综合素养 (一)提高学生学习的主动性。美术教育的最终目的是促进学生的全面发展,它对德、智、体的培养起到推动作用。所以美术课作为对学生进行审美教育的主要手段,在小学素质教育中具有非常重要的作用。在现实生活中,美术存在于生活的各个方面,从高大的建筑到细小的耳钉,无不渗透着美术工作者的辛勤汗水。教师可以利用课余时间带领学生观察这些平常视而不见的物体,在平凡中发现美。这些活生生的例子使学生充分认识了美术的重要作用和社会价值,激发学生对美术课的热情,进而调动他们的积极性、主动性。 (二)拓展学生思维的自由性。小学美术课在贴近生活的同时,拓展学生的想象空间也是非常重要的。学生想象的素材、色彩、灵感,对美的感受都来源于生活。任何一个伟大的艺术家都是走进生活,通过细心观察、深入理解,再融入自己的想象和灵感绘制作品。丰富多彩的小学校园生活和校外生活给学生提供了大量素材,在日常的美术教学中,教师应该发挥学生的主导作用,充分调动学生的发散性思维,培养其个性,而不是以画得像不像作为美术作品优良中差的依据,这样不仅可以让学生快乐学习,而且还可以拓展他们的视野。 作者简介: 窦丽芳,淮北师范大学美术学院2015级学科教学(美术)硕士研究生。 小学美术教育类论文:浅谈农村小学美术教育的困境与对策 【摘 要】在实施素质教育多年后的今天,我们农村小学的美术(艺体)教育到底如何?我不敢妄议。现就我的亲身经历写成这篇文章,仅供大家思考。文章共分两个部分:第一,农村小学美术教育的现状与困境;第二,破解农村小学美术教育困境的对策。 【关键词】农村小学 美术教育 困境 对策 一、农村小学美术教育的现状与困境 (一)重视程度不够,导致美术课流于形式 虽然现在已经实行所谓的素质教育若干年了,但是由于考核评价机制是:一所学校好不好,能不能得到等级奖,主要看语文、数学、科学(城市学校加英语)的考试情况;一个教师好不好也主要看他所教的考试科目(即语文、数学、科学等)的统考情况。当然专职教师除外,但农村统考科目的教师都不够,哪来的专职美术(艺体)教师啊!所以,美术等艺体课只能是流于形式:一般情况下都没有上(被考试科目挤占了),即使上了,也是老师累了,想轻松一下。 (二)师资严重不足,导致敷衍了事,埋没人才 农村教师现在的编制是按生师比来核定的。农村现在的人口流动大,导致农村学校的学生人数少,但年级不能少,同年级可以合班,而不同年级呢?难道又弄成复式班吗?所以,教师严重不足。上级管理部门虽然分了一两位美术专业的特岗教师来,也强调了是艺体教师。但是由于考试科目的人都不够,就只有安排去教其他考试科目了,美术课只有随便搭配给考试科目的教师。而考试科目的教师又由于考核机制的不重视又将美术课挤占去上考试科目了。比如我校虽然来了两位美术专业的特岗教师(现在已经转成正式在编教师),上面也强调了那是美术专职教师不得挪着他用,怎奈我校虽然只有160多名学生,但却是1―6年级6个班,按编制只该有7个教师(含领导),实际在岗13个,除校长外,均为两个人一个班,4―6年级的科学还得由没有当班主任的教师兼任,美术等课就只有当考查科目搭配给课时相对较少一点的教师了,还管得了什么专业不专业啊!老师没有专业知识,只有敷衍了事,更不要说去发现人才了。 (三)教材相当匮乏,导致教学目标不明 虽然现在是国家实行免费教科书和循环教材,但是,由于农村学校教师少,事情多而杂,造成循环教材要么没有回收,要么回收了就弃于那些阴暗角落,使得学生要用教材就没有,更甚的是,教师都没有教材,导致教学目标不明确。 (四)经济比较困难,导致学习必需品没有 由于农村经济条件的限制,即使有个别有天赋的学生被老师发现了,可是进行培养又是一个大问题。受经济条件的限制,许多学生连一盒彩色笔都买不起(也有的家长是观念落后不愿意买),更不要说画板、画笔、宣纸等等,特别是高额的培训费。记得前几年,我校有一个学生,在小学一年级时,老师就发现了他在画画方面有一定的天赋,可受家庭条件的限制,根本就无法进行培养。他虽然在小学二年级时还获得过部级小学生美术作品二等奖,但最终还是因为无钱深造而放弃。 二、破解农村小学美术教育困境对策 (一)改变评价机制,从而提高认识 各级各部门应该改变评价机制。我们的教育应该面向全体学生,让学生在德、智、体、美、劳等方面都得到发展,不应该厚此薄彼,更不应该用所谓的考试科目来绝对的衡量一所学校甚至于一个老师。要从根本上改变农村小学美术教育的困境。 (二)补充教师编制,将专任教师落到实处 补充农村小学教师编制,不要绝对地以生师比设制,因为农村学校本身就是一个特殊情况。麻雀虽小,肝胆却是俱全的,应该将专门的美术(艺体)教师落到实处,只有这样,农村小学的艺体教学才不会误人子弟。其实现有的农村教师也是很有责任心的,但怎奈他们工作任务重而杂,所以是心有余而力不足。 (三)建立考评督促机制,不让循环教材变废纸 各级各部门应该建立考评督促机制,把免费教科书中的循环教材真正用好用活,不让其变为废纸而使所谓的考查科目(特别是艺体类教科书)有书可用,让国家仅有的经费用于刀刃上。 (四)适当增加经费投入,不因没钱而埋没人才 建立奖补制度,加大经费投入。对那些农村当中在艺体方面又有一定天x的孩子给予适当的奖补,使他们不因没有经费而被埋没,让他们能够平等地享受(艺体方面的)教育,从而变为祖国的栋梁。 总之,农村小学的美术(艺体)教育的困境需要从上到下的各级各部门(包括政府、学校、家庭等)多方努力才能得以解决。 小学美术教育类论文:论小学美术教育专业技法类教学与教学法对接的实现 摘要:美术教育专业的教育特性是美术教育专业的立身之本,其“师范性”的培养方向不同于其他美术专业院校。面临目前师范类院校的小学美术教育专业技法类教学在课程设置和教学上与教学法相互脱离的现状,积极结合技法类专业课程的教学,及时审视美术教育专业的培养目标、培养学生教学能力、锻炼学生的教学评价技能,成为实现小学美术教育专业技法类教学与教学法对接的重要举措。 关键词:小学美术教育;技法;教学法 当前,我国大部分师范类院校的小学美术教育专业与非师范的美术类专业教学相比较,除了增设教师口语、心理学、教育学、教育研究方法基础、课程与教学论等教师理论技能模块外,在技法类的教学方面都与非师范类的教学相差无几。而这些课程课时少、内容多,只能比较宏观地介绍了有关教育的各种理念,真正运用于实际中时,能帮助学生解决实际问题的知识少之又少。同时,教学法课程一般为理论专业或是某一技法类专业教师担任,对学生所学的各门类专业也难以面面俱到,因此,也无法对各科的专业教学提出具有实践性、针对性的具体指导意见。 因此,实践性极强的美术教育教学技能在教学中往往由于许多主、客观因素而被忽略,这也使美术教育专业学生在毕业实习或工作初期经常面临这样的困惑――“其实我都会画,就是不知道怎么说”“那么简单,怎么我说了半天学生还是不懂呢……”应该说,学生的教育教学能力与专业化水平不对等的现象归根到底还是由于师范类院校美术教育专业技法类教学与教学法的脱节。 一、师范类院校美术教育专业技法类教学与教学法内容相脱节的缘由 (一) 课程设置中对技法类教学的目标定位不明确 学校在专业人才培养方案中都对每门课程的主要内容与教学要求做了明确的安排,专业教师在实际教学中根据所授课程的主要内容和教学要求设计相应的教学计划和实施步骤。但从各大师范类院校的人才培养方案中,我们可以明显的发现,技法类课程的教学内容和教学要求几乎全部针对的是学生对专业技能和基础知识的提高,其教学目标定位脱离了师范性――课程设置也更多以培养高级美术专业人才为己任,而甚少提及相应的教学法讲授。 (二)技法类专业教师的教学要求缺少教学法内容 课程目标定位的不明确导致了技法类专业教师的教学要求偏离了“师范性”。作为专业教师,在教学要求上易将学生的专业发展作为教学目标的全部内容,而把与教授课程有关的教学法内容都笼统地推卸给教学法老师,这也同样影响了学生对专业发展的定位。 以技法类国画教学为例,教师在技法类教学的环节设置一般以梳理中国画的发展脉络作为开端,向学生介绍重点流派、重点人物、重点作品重点理论观点的标志性作用,让学生在这样一个“大传统”的氛围中,体验、感悟传统精神,提高艺术素养和品位,而后进入印证理论的教学实践环节,进而是发现问题解决问题的教学评价环节。这种传统的美术专业教学无例外地集中在技巧训练上并视方法论为最高准则,甚至形成了固定的教学模式,使大部分的技法类教学都习惯性地延续以上三步走的形式展开和结束,从而使美术教育专业的教学与专业院校大同小异。这也就是为什么许多师范类的学生在就业或者寻求就业的过程中屡屡碰壁,觉得英雄无用武之地,从而反过来责怪学校的教育教的都是他们不能用的东西。 (三)教学内容繁杂,脱离小学美术教学和学生生活实际 师范院校美术教育专业的专业课设置大多以美术院校的课程设置为范本,甚至可以说是美术院校的缩影。美术院校的教学内容大都以传统的国画、油画、版画、电脑设计中的某一方向进行较为深入的专业化教学,而作为师范类的院校为了使实用性更强往往进行全面地笼统教学,致使教学内容繁杂,专业教师在实际教学中也大多采用美术院校的评价标准,只是根据学生实际的绘画基础以及课程安排、课时的多少调整教学难度的深浅。但是,小学美术课程改革的目标正是要改变单纯以学科知识体系构建课程的思路和方法,从促进学生素质发展的角度,让学生在广泛的文化情境中感受生活,体验自然,形成人的基本美术素质和能力,最终促进人的全面发展。这是以单纯的美术技能、技巧学习作为主要教学内容的教学模式所无法承载的。 二、实现小学美术教育专业技法类教学与教学法对接的途径 为解决以上这些问题,凸显美术教育专业的专业特性,缩短学生从事教师职业的适应期,改变技法课就是进行单纯的技法训练的现象,实现技法类教学与教学法的对接,笔者认为应在各门专业类的技法教学中添加各学科的教学法内容,同时锻炼、开发学生的教育教学与评价能力,培养教师意识。 (一)明确培养目标,调整技能课的教学要求 在人才培养方案中应明确小学美术教育师资的培养方向,即在教学中突出并围绕“师范性”进行。因此,其课程设置以及教学说明中明确专业教师实践课教学的教学定位和教学要求应该在原有的技能技法传授的基础上添加相关教学法的内容,让教师在备课和教学资源的收集阶段就能作出充分的准备。另一方面,由于学生的教学技能最初是从观察、模仿教师的授课环节而来,因此,教师有了明确的教学定位和教学要求之后,在教学过程中除了对相应的技能技法进行训练外,还要有意识地引导学生认真学习环节的设置以及各个环节教学目的、教学重难点的安排,关注教师在具体环节中的教学,让学生在学习技能的同时有意识地体会、理解并掌握相应的教学技巧。 (二)联系技能课教学内容,培养学生的主题性教学设计能力 新课程改革要求小学美术的教学更加注重从学生的个人成长环境出发,在围绕人文主题的艺术学习中,以学生学习活动方式划分学习领域,加强学习活动的综合性和探究性。相应地,师范类小学美术教育专业的技法类教学也应该改变以专业技能为主体的教学模式,关注美术教学环境资源的开发和利用,在“造型•表现”“设计•应用”“欣赏•评述”和“综合•探索”等领域进行创造性的教学设计。另外,还可以结合例如“自然灾害”“参与世博会”等具有时代、生活感的主题设计,让学生参与到教学设计当中,加强学生将生活经验与艺术经验转换为教学资源的能力,真正做到综合性和探究性学习。 (三)拓展技能课的教学内容,有效提升学生的教学技能 倡导技法类课程的教学中添加与小学课程相应的赏析和评价以及主题性、实用性的内容,可以有效地提高学生进入教师岗位的教学技能和适应性。如色彩画教学中可以添加小学生应用广泛的油画棒、水粉和油画棒混合、刮画纸的表现方法和评价研究。同样如在国画教学中我们可以充分利用国画以线造型为主的特点,添加线描表现与儿童线描赏析和评价的部分,甚至可以设置国画水墨材质研究、水墨实验与主题性少儿水墨研究的结合,这样不仅丰富了原本单一的技能课教学内容同时使学生掌握了全面而深入的教学技能技巧,树立起作为师范类学生对即将从事的职业的自信心。 (四)结合技能课教学,锻炼学生的评价技能 在以往的教学中,评价能力的培养往往被归结到教学法老师的教学范畴。事实上,学生教学评价的能力绝不是一蹴而就,而应从美术教育的第一天起就要有意识地引导、训练直至最终学生的熟练运用。以国画教学为例,在专业教学中,我们对国画作品笔墨的要求是形准、神和、笔纯、墨活,而我们知道小学生特别是处于涂鸦期、象征期的学生由于生理原因和感知觉的笼统不精确,无法准确地再现所要描绘的对象,大多凭直接感受加上记忆想象创造视觉形象,他们在绘画过程中不会受到具体形状色彩的限制,不理解也无法表现空间透视现象,因此常常不分主次地表现事物,把人画的头大身小、头发直竖或者形象前不挡后,近小远大,或平放的东西竖立,但这些恰恰是少儿幼稚可爱,天真烂漫的自然流露。这时,专业教学中的评价标准明显不适用于此,因此教师应在阶段教学的赏析和评价环节中增添相应的少儿水墨赏析和教学评价方向,让学生明确专业教学的评价要求和小学教学评价的差异性,切实提高学生的评价能力。 另一方面,我们提倡让传统的“静态的单一评价”模式向“动态的多元评价”转化,是希望让学生参与教学过程之中,让评价成为评说,成为介绍,成为欣赏甚至讨论和建议,让学生成为课堂的主体。这样,学生会在“动态的多元评价”教学模式中开始主动地关注教师的评价方式方法,从而使学生在进入教学岗位时能够更快更好地运用教学法原理进行有效教学和评价,真正实现专业学习与教学法的对接,真正凸显美术教育专业的教育特性。 因此,高校技法类的课程设置只有真正实现小学美术教育专业技法类教学与教学法教学的对接,才能切实有效地提高学生的教育教学能力,使学生真正做到学以致用,在凸显小学美术教育专业的教育特性的同时缩短教育与教学岗位之间的距离,缩减国家岗前培训的投入。 作者简介 陈领,美术学硕士研究生,福建儿童发展职业学院艺术系教师(助教),研究方向:中国画。 小学美术教育类论文:我国经济欠发达地区中小学美术教育存在质量问题及对策研究 摘要: 本文通过研究经济欠发达地区中小学美术教育质量面临的问题入手,以甘肃省农村学校为例,深入了解他们在教学中存在的问题,并给出切实有效的对策,全面推进素质教育,提高经济欠发达地区教学质量,推进民族文化的全面发展。 0引言 我国经济欠发达地区缺少美术教育的基础条件。以我考察的武威地区和甘南藏族自治州地区的中小学美术教育中为例,有很多中小学没有专职专科的美术教育工作者,而是一位教师身兼数职。更有一些地区存在着美术教育的空白现象,学校及学生家长认为美术教育对学生的整体素质的作用是滞泄而不是积极的,甚至对美术教育持有比较排斥的态度。如何改变地区学校工作者及学生家长对美术教育重要性的认识;如何提高学校美术教育工作者的整体素质;如何将美术教育深入到少数民族;如何将本地区特有的文化融入美术教育;这些都是我们值得研究的课题,也是摆在我们教育工作者面前的严峻问题。 1我国经济欠发达地区中小学美术教育的现状(以西部为例) 1.1 条件的制约使西部地区农村美术教育相对滞后一方面很多学生的家庭生活条件有限,或家长不予支持,或学生不予配合,或因家、校偏僻,无处购买等等原因,使得美术课难以开展。另一方面西部农村中小学校现在的条件设备少得可怜。我考察去的武威地区农村小学、中学虽然都开有美术课, 但学校没能为教师提供最起码的教具、设备、资料, 更不用说有专用画室了。 1.2 认识上的偏差让农村的学生远离美术教育长期以来, 由于受“ 升学教育”思想影响, 在深深打上了应试教育印记的农村中小学, 重应付考试, 轻全面发展, 重教育结果, 轻教学过程。再加上有些学校领导对审美教育的地位没有正确认识, 美术课得不到应有重视, 美术课形同虚设, 美术课时被大量侵占甚至取消。 1.3 西部地区的专职美术教师严重不足与浪费并存目前,西部农村中小学的美术教师,一方面不仅数量不足,而且教师的素质偏低,特别是农村的小学更是几乎没有美术老师,原因是现在的艺术类人才由于西部经济条件落后都不愿到农村,特别是不愿到贫困落后的农村学校工作,美术类的教师就更少了。还有一种现象是即便学校有美术老师,但由于其他学科的老师人力有限,美术老师也是身兼数职,语文、数学、英语样样课都得带,这样一来教师容易分心,教学质量也差。 1.4 传统的思想观念和教学模式仍困扰着农村美术课堂教学 在不正确的观念的影响和自身素质制约下,部分美术课教师缺乏对该课程的正确认识,特别是在农村中小学校,随便让学生画,不加以引导,课堂经常出现乱的现象,结果是美术课学生只会拓着画,上课马马虎虎,时间一长,美术课就演变成了画画课。这些有悖于现代艺术教育思想的陈旧观念,严重影响了农村中小学校新课程改革的进行和艺术教育的开展。 2对经济欠发达地区农村中小学美术教育的几点对策与建议 通过以上对我国经济欠发达地区美术教育现状的分析,我认为应从以下几个方面入手改变: 2.1 加大资金和设备投入,保证正常教学的开展改善教育资源不均衡、不合理的投入现状。第一,各级部门和学校要对艺术教育的价值有准确的定位,形成合理投入意识;第二,学校要充分用好现有教学设备,发挥它的最大功用;第三,充分发挥师生的主观能动性,开发、利用好乡土教材,通过自制自创增加设备,陶冶学生的思想情操,培养学生的动手能力;第四,学校应加强宣传力度,借鉴成功经验,从学生特长出发,培养出一部分有一定艺术天赋的学生,用实际行动改变社会对艺术教育的不公正的看法。 2.2 培养具有一定艺术素养的美术教师队伍及专业师资的合理利用学校教育行政主管部门、美术教育专家学者和广大美术教育工作者首先要对西部农村美术教育给予足够的关注与扶持,加强师范类学校学生思想教育,鼓励学生到经济欠发达地区执教;对艺术教师的培养和培训加大力度,让美术教师了解美术教育发展新动态,积累经验与素材,从而提高美术教师的自身业务素质和工作积极性。 采用校外名师讲学制度。可以充分挖掘本地的文化潜力,让有一技之长的农村人、艺人到学校当兼职老师,把老艺人的绝活继承下来,发扬光大,弘扬民间传统文化,也给学校的特色教育开阔了道路。 2.3 强化领导意识,端正其对艺术教育的正确认识态度学校应该把素质教育落到实处,不论是教育管理者还是一线教师都要从育人兴才角度,转变观念,充分认识美术教育在素质教育中的重要地位,进一步提高对艺术教育重要性的认识,切实加强对学校艺术教育工作的领导和扶持,真正将艺术教育摆上工作议程。 2.4 提高经济欠发达地区的美术教育质量美术教学法要着重加强能力训练, 应多结合具体课例, 深入浅出地分析掌握各种类型美术课的教学形式和方法要针对农村教学实际, 鼓励学生有目的地学习知识, 同样能收到一节美术课应有的美育效果。通过学校的普及,影响社会,形成一种氛围,一种时尚,达到协调发展。 振兴的中小学美术教育的工作任重道远, 绝非一朝一夕的事。相信经过多方面的努力, 工作将逐步得到改善,同时也希望我的论文能对提高经济欠发达地区中小学美术教育有所帮助。 小学美术教育类论文:小学美术教育中DIY的注入 摘要:DIY 教学理念融入美术教学课堂,是一种重要的实践教学和理念创新,在近 20 年来得到了理论和实践上的双重验证,取得了丰硕的教学成绩,在基础教育的艺术设计领域得到了广泛应用。在小学美术教学中注入 DIY,与"注重三维目标培养"的素质教育理念相吻合,并对实现小学美术课堂与传统工艺的有效对接、传承和发展我国传统手工的工匠精神,具有深远意义。 关键词:小学;美术教育;DIY "DIY"是" DoIt yourself"的英文缩写,字面上看 DIY就是自己动手做。美术 DIY 也就是结合有关美术知识,利用生活中的材料自己动手制作。在多年的美术教学中,我深刻地体会到:美术并非只是画画,这其中包括了其他许多方面。因此,根据儿童爱动手的心理特点,在美术教学中加入了手工制作的形式,开展了多种形式的美术教学活动。在美术 DIY 的教学中,鼓励学生运用生活中的废旧材料,进行 DIY 创作,起到了意想不到的效果。 1.DIY在小学美术教学中的具体应用 1.1 胶画。胶画是以彩色画胶为原料的一款 DIY 玩具,孩子可以选择喜欢的图案轮廓进行任意色彩的填充,然后进行简单的烘烤就可以揭下来作为装饰品或者玩具。胶画简单易学,能够开发孩子的智力,提高他们对彩色的感知能力,通过选色和涂抹,可以制作出专属于自己的平面图像,而且制作完成后可以作为礼物赠送给老师、家长或朋友,比如作为手机贴贴在手机背面,会让学生过把小艺术家的瘾,产生创作的满足感,自发地引导孩子去产生兴趣,促进他们的再成长。 1.2 石绘。石绘是在石头上用各种材质的涂料作画,在近年来的小学美术教学中非常流行。石绘对空间造型和平面设计都有一定的锻炼。首先,学生需要寻找自己喜欢的石头,这些石头具有独特的造型、质感和纹理,学生根据石头的造型和质感来想象如何为它披上美丽的彩妆。石绘艺术具有很高的收藏价值,当然这是对于优秀的石绘艺术品来说。对于学生的石绘作品,虽谈不上较高的艺术价值,却能够让学生亲近自然、了解自然,把自己的想象力与周围的世界建立联系,并且重新认识自然的美和艺术的美,从触感和想象由里到外激发孩子们的想象力和创新力。 1.3 DIY 彩绘。DIY 彩绘是在陶瓷、石膏等特定模具上进行绘画,也有 3D 手印彩绘,直接用手在墙壁或者大型模具上涂抹。彩绘的道具以石膏模具居多,造价比较低廉,石膏材质也容易上色。而陶瓷类通常在上色后需要二次加工,造价较高,并且材质易碎,不适合低年级同学进行课堂作业。以石膏D IY 在小学美术教学中的应用价值彩绘为例,石膏模具造型各异,在没有颜色的情况下是没有生命、没有情感的,学生可以发挥自己的想象力给模具以色彩和情绪,并且通过颜色的深浅来营造造型的层次和纹理,这要结合手指的触感和对模具的空间感把握,这对单纯的平面绘画起到不一样的效果。 1.4 数字油画。数字油画又叫做编码油画,设计者把每个颜色区域都划分出来,然后给每个颜色编织数字,绘画的人只需要把编码好的颜料涂抹在相应的区域即可。油画作为一种较高难度的绘画艺术,通过这种方式能够得以快速实现,并使人在短时间内体验油画作业的成就感。数字油画不是简单的对号入座,而是通过不同的力量、涂层厚度来产生不同的画面美感,每一幅油画在完成的时候都能让学生收获成就感,建立学生的自信心。 1.5 纸雕。纸雕又叫纸浮雕,是一种古老的传统手工艺,它的起源可以追溯到中国汉朝纸的发明及 16 世纪德国对纸的改良成果。纸雕是一种以纸为素材、使用刀具塑形的工艺。所以纸雕 DIY 对学生的动手操作能力要求很高,高年级的同学才能安全使用刀具来进行纸雕创作。同时,纸雕 DIY 对老师的要求也很高,要求老师要掌握不同的刀功技艺和复杂的粘糊工序,并且纸雕 DIY 工序繁复,要手把手培养孩子们的耐心,全程注入细心和关爱,培养学生合作和共享的能力。 1.6 纸藤花。纸藤花工艺源于日本,台湾的纸藤工艺相结合,形成现在的纸藤花。纸藤花经台湾人引进到祖国大陆,以精美时尚的外观吸引着大家的目光,很多人看后都觉得不可思议,想不到这是用纸做的。纸藤花的原材料成本低廉,工序简单、老幼咸宜,在制作过程中每一件纸藤花都是独一无二的工艺品,在制作过程中可以得到无限乐趣,在做成后通过巧妙的褶皱工艺和颜色搭配,可以形成工艺精美、形象逼真的仿真花朵,作为礼物赠送或收藏,在艺术创作中注入了情感的体验。 2.DIY在小学美术教学方法分析 2.1 DIY 手工制作将教授绘画技法和启发想象完美地结合在一起。在美术教学中,向学生教授一定的美术知识和技能,发展和传播美术文化是必须的。但是在美术教学中,更应该以美术为媒介,通过美术教学,培养学生的道德情操,审美能力,发展智力和创造力。在美术教学中,有不少老师或一味地启发想象,过于偏重联想;还有的老师只顾着绘画技法的传授,而忽略了想象在儿童美术中应有的位置和作用。长此以往,儿童画题材要么枯燥无味,构图形式教条、死板,失去童真。再者就是儿童虽然能够联想、想象,但想画的内容却画不出来,即绘画中常出现的眼高手低。通过一段时期的教学实践,在美术教学中适当地运用了手工制作,将娴熟的绘画技法与孩子们的奇思妙想完美地结合起来,创作出了一幅幅充满五彩缤纷、充满童趣的绘画作品,让人感到充满了生命力。记得在上完《吸引人的招贴画》一课后,孩子们对这种手工加绘画的方式很感兴趣,他们可以克服时间不足的障碍,很好的一起合作完成这些作品,这让我感动。 2.2 DIY手工制作能开发多种教学方法,变废为宝。在美术 DIY的教学中,我会尝试教授学生利用粘贴法、造型法、剪刻法、撕纸法、拓印法等等技法去表现画面,培养学生的动手能力。在我们的生活中,不是缺少美,而是缺少发现美的眼睛。利用废旧物制作艺术形象的过程,可以将学生的思维扩展到各个领域,既能培养健康的审美情趣,又可通过便废旧物为艺术形象的练习,使学生的动手能力、创造力,在拼拼、摆摆、看看、想象中得到最佳发挥。在《实物联想》一课中,我没有让孩子事先去准备材料,希望鼓励学生在身边寻找一些材料进行联想与创作。学生们纷纷在自己的书包里、抽屉里、铅笔盒里去寻找一些材料,由于孩子们的想象力非常丰富,他们创作出了一些有趣地,连老师都没有想到的一些形象,着实让人惊叹。我情不自禁地用相机拍下了一幅幅的作品。 3.结论 总之,要将 DIY手工制作合理地运用在美术教学活动中,进行辅助绘画教学。通过多渠道、全方位的美术学习,不仅丰富了美术课堂活动,拓展了美术课堂的内涵,而且令学生享受到艺术的熏陶,使学生拥有一颗美的心灵,使孩子们更加热爱大自然,热爱生活。 小学美术教育类论文:浅析信息时代小学美术教育的探究与实践 摘要:在小学美术教学中,应培养学生良好的艺术素质、丰富的想像力及创造性思维,在信息时代的今天,应多给予学生成功的体验。在美术教学活动中,教师要善于利用各种信息手段,诱导学生参与到教育教学活动中去,发现和展现自己,把期望和要求变成有形的作品,并让学生感受到成功的快乐,尤其是进入信息化的时代,教师要善于借助信息媒体为学生创造种种自我表现的机会。 关键词:信息时代;小学美术;教育 1.引言 信息时代的学生教育工作是学生工作的基础,更是学校工作的重要内容。"教书,管理,服务"三育人中教育管理育人贯穿于"三育人"的始终,只有生动而又严格的教育管理,才能使教师的"教"落到实处,才能真正的让"服务"深入到学生心中。在积极响应了党的十七大号召,高举中国特色社会主义伟大旗帜,以邓小平理论和"三个代表"重要思想为指导,深入贯彻落实科学发展观的基础上,在从事学生工作和小学美术教学工作多年来,并向其他同行不断学习和对学生教育管理工作不断总结的基础上,总结了在信息时代如何进行美术教育。 随着人们观念的变化和社会的进步,一个小孩子家庭越快越多,这样的小孩子的性格趋于孤僻,心理承受能力不强,尤其是遇到挫折的时候,容易自暴自弃或走向极端,对孩子的成长和以后的学习不利。如何促进小学生心理素质与心理健康的发展,美术教育对培养小学生的性格,陶冶小学生的情操以及培养小学生坚韧的性格和良好的心理素质有着非常重要的作用,同时还能培养小学生的审美观和价值观。在信息化的今天,美术教师应该充分利用各种信息化手段调动小学生的积极性,更好的培养学生的性格。 2.主客结合,充分发挥学生的主观能动性 在客观规律性方面,学校要为学生营造一个良好的美术教育环境,首先,特别是要提供一个较好的美术设备等教学环境,例如:学校可以为美术教师购置多媒体设备和计算机等。正所谓"巧妇难为无米之炊",再厉害的妇人也难做出可口的大餐。其次,也要营造一个比较安全的学习环境,如果没有一个良好的学习环境,一个人总提防自己什么时候会被人打劫,担心自己的生命财产安全,怎么可能会有心思来学习知识呢?还有良好的学习氛围是不容忽视的重要环节。总之,美术教学环境至关重要。 在主观能动性方面,不仅要充分发挥主体在教育教学中的主导作用,更重要的是通过不断引导教育,增强学生自我学习意识,提高学生自我教育,自我管理能力和积极调动客体在美术教育教学中的主观能动性,以达到"内外兼顾"并以内部教育为主的目的。 在信息高速发展的今天,电视、电台以及网络技术高速发展,使"地球村"不再是一个空洞的词语,它以其独特的广泛性和深刻性渗透到社会的政治、经济、文化等层面产生革命性的影响。如果小学美术教师仍旧以传统的教育理念来教育学生,势必会将学生引入不科学的道路。网络中的各种思想、潮流良莠不齐、杂乱无章,色情、暴力等文化垃圾也有其生存的土壤,找出一条适应新形势的让小学生拥有科学的人生观和价值观,并有利于小学生成才的美术教育方法势在必行。 实际上,价值观是规范行为之母。这句话含义有多种,但其中重点有二:一是主体价值观的确立先于行为规范的确立,二是行为规范是主体价值观的实际反映。"管理是一种控制",控制论关键在于"中介"。管理工作必须要规范学生的行为,但不要直接去"管",当今社会的学生,通过电视、网络等媒体了解了很多信息,有自己的性格和爱好,也有相当的分析问题能力和独立自主的意识,引导要比限制有效的多得多。学生一旦确立了"应该做什么"的观念,在实际行动中,就会自动形成一种"不能做什么"的制约。教育的最佳状态就是自动制约,从控制论的角度看,这是种自控系统,这个控制系统的动力源就是正确的人生观和价值观,是人的所有行为规范、行为准则的驱动力。 3.注重培养儿童的艺术感觉和自我感觉 我们并不否定儿童在学绘画时,要掌握一定的绘画知识和技巧的重要性,知识技法是美术课的主要内容。但是,学习笔墨技巧并不是学习绘画的唯一目的和全部内容。教师如果只教授知识,技法,教得再好, 充其量只能算一个二流教师,算不上儿童美术教育。既然叫儿童美术教育,"教育"两个字才是最重要的,首先,教育的对象是活生生的人,而不是掌握技法的工具。教育的目的是育人而不仅仅是灌输知识,通过教育,使儿童得以全面发展才是教育的宗旨。 具体来讲,我认为,儿童美术教育应该注重培养孩子的艺术感觉和自我感觉,这是基于儿童美术教育是美 育、其目的不是造就几个专业技术人员、画家,而是培养一批有美感的,高素质的21世纪需要的人才,让他们 从小学会能从最平凡的事物上,见到美,也懂得利用身边平凡的事物,创造美,使他们对生活有一种积极快乐 的态度,而不只是现实的价值,更使他们能以美的感受,面对人生,使他们的心身得以全面健康地发展。 现代素质教育,应该以充分调动儿童的积极性,主观能动性和创造性为目的,充分尊重和保护他们 的个性。艺术更需要个性,没有个性就无所谓艺术。教师应尊重孩子的不同兴趣爱好,不同的生活感受和不同的表现形式,方法等,使他们形成自己不同的风格,切不可强求一律。艺术的魅力就在于审美个性的独特性 ,越有个性的艺术就越美,越能发现独特的美的人就越有审美能力,越有创造力。所以,在儿童美术教育中,要充分调动他们的主观能动性。让他们的天性和个 性得以自由健康的发挥,得到全面的发展。注重培养孩子的创造性,激发他们的创造欲,并教给他们具体的创 造性思维方式,让他们得以自由地运用。 4.儿童美术创造力的培养 儿童绘画创作,要从儿童心理特征出发,教育儿童对美的感受能力,想象能力,创造能力和表达能力。美术创作是形象思维。应通过激发儿童对于美术的兴趣,培养儿童的形象思维,开发儿童智力,培养儿童观察、记忆、想象和创造能力。这个过程,重要的是对儿童艺术创作的引路人,要善于了解儿童,启发儿童对美的兴趣和感受,尊重孩子神奇的幻想。 童年是充满幻想的时代。好奇和幻想是儿童思维的特征,也是儿童心灵纯洁天真的表现。他们可以"异想天开":弯弯的月亮挂在天上,孩子可以幻想在月亮上挂秋千摇荡;蝴蝶纷飞扑向孩子身上,说明我比花儿更美;因此,要指导儿童画,就要去发掘他们这种审美的奥妙。 教育家苏霍姆林斯基说过:在人的心理深处,都有一种根深蒂固的需要,这就是希望自己是一个发现者、研究者,而在儿童的精神世界中,这种需要特别强烈。这就要求教师围绕学生这一基本需要,为学生多提供创新的机会。在美术教学中,我常常开展一些有利于学生创新的活动。如"用画笔美化我们的校园"活动,号召学生在教室外的瓷砖墙壁上绘出美妙的图画,美化我们的环境。听了这个消息,同学们都高兴的一蹦三尺高,大家有了施展才能的天地了!一到课间,走廊里就呈现出一片热闹的景象。同学们个个兴高采烈,手挥画笔,尽情的用画笔创造者美、展现着美,无拘无束地发挥着自己的豪情,这一活动激发了学生的创作兴趣,发挥了学生的想象力,施展了他们的美术才能,而且乐此不疲。 5.小结 路虽远,行则将至;事虽难,做则必成,小学美术教育事业任你改进,任你创新;天高任鸟飞,海阔凭鱼跃,小学美术教育事业的天空任你遨翔,教育管理事业的大海任你畅游。让我们携起手肩并肩为中国的小学美术事业这一神圣职业奉献自己的一份力量。力量虽小,众则巨大;效果虽微,聚则甚大。 小学美术教育类论文:浅谈中国城市中小学美术教育 摘要:教育不仅仅只是为了知识的传播与技能的培养,更是为了标志着人类文明进程与社会进步的人格的养成。孔子说:“入其国,其教可知。”孔子的意思是说,通过诗、书、乐、易、礼这些不同教材与科目,以不同的教育模式教化国民,会在民众人格中养成中。 关键词:中国城市中小学美术教育;社会;美术 一、教育概况 艺术是社会生活的反映,一切艺术的源泉都来自于社会生活。因此艺术的发展是随着社会的发展的变化而变化。近年来,灵宝教育的区域影响和辐射作用不断扩大。教学改革深入推进,办学水平全面提升。这也是全国中小学城市社区教学的基本状况。20世纪中国文艺理论思想的第一个重大变化,就是美学观念的引入和确立。发展至今,在中国的各大城市中,美术教育正在演绎重大变化,逐渐得到群众大多的认识,并有重视的意识,而在一些中小城市,尽管“素质教育”这个教学理念在人们口中进行传播,但面对升学就业,大多群众,仍无视美术教育的教育功能。车尔尼雪夫斯基说:“艺术的另一种作用是说明生活。”优秀的艺术作品,总是在帮助欣赏者认识生活的同时,也就教育欣赏者对人,对生活采取正确的看法和态度。 艺术是社会生活的反映,一切艺术的来源都来自与社会生活。因此,艺术的发展是随着社会的发展而变化的。既然是相辅相成的关系,那么仅从推动社会发展这一面来讲,积极推进美术教育的发展是刻不容缓了。 这种艺术与人的精神道德联系在一起的观念来自德国古典哲学。德国古典哲学本身就是哲学领域里的浪漫主义运动,他成为艺术领域了的浪漫主义运动的理论基础。“在美学方面,康德和希勒等人对美、崇高、悲剧性、自由、天才等范畴的研究,歌德对个性特征的强调,以及赫尔德和黑格尔等人把艺术放在历史发展大轮廓里去的初步尝试,都起到理解放作用,深化人们对于文艺的敏感和理解,使人们对文艺的要求的要求具有深刻的情感思想和伟大的精神气魄。”其中最具有代表性人物使席勒(SCHILLER)面对当时社会的种种弊端,“席勒把病源诊断为人心腐化,于是就把审美教育定为治疗社会的方剂。”他相信只有通过审美教育人才能从自然的盲目状态进入理性的道德状态,这是自然与理性的统一,也是艺术的特征和功用之一。 里德非常赞同席勒关于“审美教育将会促进道德的高尚”观点。他说,“人类道德的再生和悔悟只能由道德教育来完成,如果道德教育不先于所有其它教育形式,这个世界没有希望……但是我们已经表明这里的道德并非是指通过道德概念的教育,而是指审美的教育。”而且他把:审美教育“进一步定义为:可以通过音乐、诗文和造型艺术慢慢将善性美德注入人类心灵之中的教育,而这种善性美德则使一个自由社会存在的先决条件。众所周知,只有当构成某一社会的所有个性都具有健全完满的人格时,这个社会才能和谐的运行。所以里德坚持我们的教育首先应该考虑的时所有形式的审美活动。 二、美术创作 建立自信心、独立性。洛温菲尔德认为“孩子们如果根据自己的水平表达思想和观点,他就会因自己的方式、自己独立的思考而变的更自信。独立的思考将帮助孩子们自己处理生活中可能出现的各种问题,不论感情上的还是理智上的。孩子的表达也是感情的流露。美术创作通过对美的理解曾经被认为是培养良好道德、美好感情的途径。如今美术创作又增添了20世纪中期完美人格及健康理智的新内涵。 三、审美能力 审美意趣 21世纪市教育和人才竞争的世纪。因此,一个民族和国家,要在21世纪占有自己生存的空间,不得不注重整个民族和国家的教育问题。 艺术教育是教育和教学总过程中的重要组成部分,是培养全面发展的新人不可缺少的,不可忽视的重要内容。艺术教育在教育教学以及培养全面发展的人才过程中有特殊作用,它和德智体三方面相互制约,相互促进,不能相互代替。艺术教育主要用形象思维的方式解决人们的审美意识与客观存在的美的关系。它是以美感人,以情动人,艺术教育离不开审美实践活动,寓教育于美的形象中,于享乐之中。艺术教育始终以情感活动为中介,通过亲身的情感体验,使教育受到感染和教育,从而认识事物的本质,是自己的心灵也得到净化,精神世界得到升华。 美术教育以真善美净化人的心灵,培养和提高人们感受美,鉴赏美和创造美的能力,要使广大青少年健康成长,成为有益于社会,有益于人民的社会主义建设者,美术教育是他们人生中的必修课;是一个深远的教育体系,它在不断的发展着,不断的完善着,是感性和理性的完美结合,能够促进孩子心理素质,人格品质的完善发展。我们提倡人文主义教育,美术教育不但要重视,更要科学的安排,科学的组织,要实现陶冶孩子心灵,丰富人生的目的。 小学美术教育类论文:浅谈本土资源在中小学美术教育中的作用 摘要:“本土资源”,作为当代教育领域最具开发潜力的课程资源之一,越来越受到艺术界、教育界等各界有识之士的关注和重视。本土资源形式多样内容丰富,总的来说可分为自然地理资源、人文历史资源和社会发展资源等。 关键词:本土资源;美术教学;传统文化 一、为何开发本土资源 鲁迅语“越是民族的,就越是世界的。”随着素质教育的发展,课程改革的不段深入,课程资源的开发和利用已成为了广大教师在美术教育教学过程中一个新的挑战。《美术课程标准》中就明确指出:“在保证基本规定性的同时,给予教师更大的教学空间。”其目的也是提倡教师在教学实践过程中,发挥其积极性和主动性,充分挖掘本土文化资源。 二、美术教师对新课程的认识 在倡导素质教育的今天,如何开发和利用这些优秀的本土资源,补充和完善我国现的美术教育体系,有效推进美术新课程改革的顺利进行,在利用本土美术教育资源时,美术教师既要考虑到学生的共同性,又要考虑学生的差异性,这就要求我们采用多样性策略。多样性策略指利用美术课程资源时,资源的种类是多样的,资源呈现的方式也是多种多样的。 教材不能再是唯一的教学内容,所有的美术课程资源,原则上都可以作为新的教学内容。美术课程资源的广阔性,决定了美术教学内容的开放性。我们不但可以利用建筑艺术、绘画艺术,也可以利用雕塑艺术、工艺美术。师生关系的开放性师生关系的开放要求教师采用民主的教学,而不是专断式的教学。教师要从系统、全面的讲解转变为专注地听取学生的发言,教师的提问转变为学生提问,教师给予适当的引导、点拨和鼓励,师生间进行多向交流。我们在利用美术课程资源时,要突破传统的作业形式,彻底消除简单重复的弊病,可以在下面几点来做。 (一)运用实物资源,构建直观情境 实物教具,能构建直观情境,能迅速吸引学生的眼球,丰富学生的感性认识。采集的实物课程资源,由于其生活化特征和地域性特色,可以极大地激发学生的学习兴趣。 (二)利用史料资源,构建故事情境 每一件美术作品,都有丰富的人文内涵,尤其是历史沉淀下来的珍贵的美术作品,更有着深厚的文化背景和生动的趣闻轶事。大部分地区美术课程资源中的很多作品,都具备这样的属性。在美术教学中,利用史料,借助史实,构建故事情境,能让美术学习变得更加生动有趣、有血有肉,能使美术课堂更富人文气息。 (三)利用社区资源,构建活动情境 社区的美术课程资源包括身边的建筑、公园与风景点、文艺演出等,都可以美术教学服务。我们可以开展研究性学习,比如在山东曲阜一年一度的孔子文化节,让学生研究春秋战国时期人们所穿的服饰、儒家文化的各种礼仪等等,这些活动是美术课堂教学的延伸,改变了“教学活动就是校内的课堂教学”的传统观念。利用社区的这些活动来建构教学的活动情境,既可以掌握美术知识,提高美术技能,丰富美术体验,又可以培养学学生的创新能力,获得美术学习的乐趣,激发美术学习的动机,养成美术学习的兴趣。 美术教师应充分考虑当地城市和周边农村的文化建筑、园林、民宅等作为在教学中。可以将这些建筑拍成图片,做成幻灯片,让学生欣赏,提高学生的欣赏美、鉴赏美的能力。同时,为进一步引发学生学习探究的好奇心,还可以利用课余时间,让学生自发到文物古迹中去,去发现和探索美。通过这样的活动,既让学生学会了用美术的眼光去观察身边的事物,又使学生从中潜移默化地受到了爱国主义教育,培养了学生热爱家乡、建设家乡的思想感情。把优秀的乡土资源与富有创造性的美术教育活动融为一体,无疑是乡土资源可持续发展的有力途径之一。 总之,只要我们勤于留心,善于动脑,合理地开发利用校内外资源,将书本知识与学生生活、社会实际、校园环境有机有整合起来,就能获得意想不到的教学效果。 三、研究总结 新的课程改革己经有明确的精神指向,教学要与社会相结合,与学生的生活相结合,本研究正是在这样的背景下进行的。地方文化作为民族的瑰宝,其继承与发扬也离不开课堂,研究本土文化是寻找合适的契合点。地方文化作为人文资源的重要内容,其中富含“真、善、美’’的理念,对涵养学生性灵有着不可替代作用。本土美术资源给新世纪的美术教学增添了无限的魅力和特色,运用本土美术资源的教学更是一片广阔的空间,但愿有更多的美术教育工作者去研究、去实践。
高中美术教育论文:新课改下高中美术教育论文 1对新课改下,高中美术教学的问题分析与探讨 1.1美术教学模式的重复单一 高中美术课堂上的教学已经形成了僵化的教学模式,其中的原因是多方面的。一方面是由于部分学校的美术教师自身的综合素质不符合美术教学的多元化需求。美术这门学科作为一门综合性学科,对教师的综合素质实际上有着较高的要求。相关的美术教师不仅需要扎实的美术专业知识,而且还需要了解包括文学、哲学、历史等多方面的学科知识。只有这样,美术课堂上的教学才不会泛善可陈、教师也才能引经据典,帮助学生建立起优秀的美术鉴赏能力。其二是新课改后,美术教学课程的课时数不足以完成较丰富的教学内容,一部分教学为了完成教学进度,不得已缩短课本外知识的教学时间,使得整个教学模式仅仅局限于课本。但这种教学模式是非常枯燥而又单一的,使得学生容易丧失对美术课程的兴趣,也使得整个教学模式容易失去弹性和趣味性。 1.2忽视学生作为主体的作用 长期以来,在课堂上,传统的美术教学都是以教师作为主体。让教师作为整个课堂的主导者掌控课堂,而让学生作为接收者接受教师传递的信息。整个教学模式是单方面的,教师单方面的将知识传递给学生,老师讲,学生听,老师不注重学生学会了多少,学生也没有办法向老师提出自己的疑惑。整个课堂没有形成一个互动性,而这种双向的教学理念的缺乏和学生没有能作为主体的教学现象,使得学生的自主学习能力和主观能动性难以发挥,导致美术教学难以达到既定的教学效果。 1.3艺术作品鉴赏范围和数量难以提升 在绝大部分高中里,学生鉴赏的作品仅仅局限于美术课本中所出现的艺术作品,新课改中所提出的“提升学生欣赏艺术品的数量”的相关要求在大部分高中里只是一纸空文。但若是想学好美术这门课程,学生的艺术作品鉴赏范围和数量都需要达到一定的水准,包括经典绘画作品、中国画、西方油画等等。相关的美术教师需要教给学生进行艺术品鉴赏的方法,学生再通过他们喜欢的艺术作品提升艺术鉴赏的能力,而不是因为自身狭隘的艺术作品鉴赏范围而导致难以学好美术这门课程。 2新课改下,高中美术教育的发展对策研究 2.1合理利用问题教学法,有效提升学生美术学习兴趣 高中生一般具有活泼好动的天性,在心理上更倾向于追求具体的形象事物。因此,想要调动高中生的学习自主性和积极性,并取得更好的美术教学效果,就需要借助一定的教学方法。实践证明,问题教学法对于解决美术课堂教学中的重复单一性和忽视学生作为主体的作用均有着明显成效。实际上,美术课堂上的问题教学法往往以问题作为整个教学的中心,让教学过程不仅仅是单一的教学到学生的知识单向传递过程,而是根据课本知识和学生能力,把整个教学过程问题化,让整个教学通过一种互动的学习方式,让学生学习到新的知识。这样不仅可以使得学生在课堂上能够及时提出对教学内容的不理解之处,也可以使得教师能够根据学生的教学反馈适当对教学内容和教学模式进行更改,从而使得整个课程能够取得更优秀的教学效果。例如,在欣赏《泥土的生命—古代陶器和瓷器》一课中,教师可以提问学生,我们生活中的陶器和瓷器有哪些呢?从古至今、这些陶器和瓷器又发生了怎样的变化?通过这些问题,教师可以有效培养学生的学习兴趣,从而起得比灌输式教学更优质的教学效果。 2.2充分利用现代化的教学工具,提升学生的艺术品鉴赏范围 考虑到美术课程的教学与文化课程相比,并不要太多的板书。因此,利用诸如多媒体等现代化的教学工具进行教学是具有明显效果的。正如上文中所论述的,大部分高中生对于艺术作品的认知仅仅停留在美术课本之中。所以,相关的教师需要借助多媒体,引用大量的艺术作品图片和历史资料,自身再辅以适当的讲解对课本上的知识进行补充,从而拓宽学生的鉴赏视野,帮助学生树立起优秀的艺术鉴赏意识。 3结束语 在高中美术的教学过程中,通过开展有效的教学方法,能够有效提高学生学习积极性,引导学生主动参与课堂教学中,最终使得美术教学能够为学生的综合素质培养贡献出一份独特价值。愿每一位高中的美术教师,都能多拿出一份严谨与认真,让学生在艺术的天空中翱翔。 作者:李涛 单位:广饶县第一中学 高中美术教育论文:新课程理念下高中美术教育论文 一、新课程标准理念下“鉴赏”的界定 2003年4月颁布的《新课程标准》设置了美术鉴赏系列内容,指出普通高中美术鉴赏是运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与各种现象的活动,是在义务教育阶段美术课程中欣赏、评述学习领域的基础上更高层次的拓展与延伸。 义务教育阶段美术欣赏与普通高中美术鉴赏的区别:1999年出版的缩印本《辞海》对“欣赏”与“鉴赏”这两个词做了如下解释:“欣赏”就是领略,玩赏;“鉴赏”就是人们通过特定媒介与艺术形式逐步进入对作品的具体感受、体验、欣赏和鉴别的精神活动。 由此看来,“欣赏”与“鉴赏”这两个词在程度上有区别,鉴赏包含鉴别和欣赏的意思,而欣赏一般并不包括鉴别的意思,只限于感知、想象、情感体验等感性认识方面。鉴赏是“判断美的一种能力”,它高于一般欣赏水平是对美术作品的鉴别和欣赏。当然,在教学中两者有时交叉进行,不是完全分开的。 二、美术鉴赏在审美教育中的意义 高中美术鉴赏教学主要是以一些美术家的美术作品为教学内容来进行的。所以,美术鉴赏在审美教育中也就具有十分重要的意义。 (一)可以启发和培养学生的想象力、创造力,提高其对美的认识 高中美术鉴赏是提高学生想象力和创造力等思维能力的重要阶段,由于美术作品的直观形象性,易被学生接受,能引起学生心理的愉悦。在对其鉴赏评价时,是学生思维最自由的时刻,就像黑格尔所说:“最杰出的艺术本领就是想象,而想象本身就是一种创造。”所以,在美术课程中开展一些美术作品的评价,能够使学生认识到美的标准和判断原则。如学生看到春景时,想到的是春天的美景和人们在春天里活动的各种景象;看到梵高《向日葵》作品时,在老师对其色调、布局、笔触运用等方面进行鉴赏后,学生在充分地了解梵高的基础上,想象到向日葵的内在涵义,即象征着充满活力的新生命,同时也象征着梵高热爱生命,渴望生活的情感;再如学生对有关劳动作品鉴赏后,认识到劳动的艰辛和伟大,认识到劳动不仅可以改造世界也可以创造世界,再通过作文形式写一些认识体会,进一步认识到美与劳动者之间的某些联系,从而拓展自己的思维和意识,提高对美的认识与理解。从美术学科与其他学科横向联系的角度来说,它可以促进学生通过美术学习获得对其他学科的学习和理解。 (二)可以让学生充分了解中国艺术,提高民族荣誉感 众所周知,中国艺术博大精深、源远流长,且具有独特的风格。中国艺术是以线条为主,讲究诗、书、画融为一体。早在1949年出土的两件战国帛画中的线描人物的形象,从略施色彩的绘画技巧来看,至少在2000多年前我国艺术水平就达到了一定高度。 随着社会的发展,中国艺术的绘画门类和形式也在快速发展并日益壮大,成为和西方油画艺术并驾齐驱的世界两大艺术体系。如国画整体上分为三大类:人物画、山水画、花鸟画。而三大艺术又可以细分出很多类别。它不仅仅是中国近代、现代绘画艺术发展的基础,也是我们为之自豪的民族艺术,具有传情达意、表言立志和其他艺术所不能替代的艺术特色。从美术鉴赏的角度来说,这一教学内容的设置,很大程度上提升了美术学科的内涵,使美术的学习成为了一种文化的学习。从文化的多样性角度来说,它加深了学生对文化多样性的了解,尊重并理解世界的多元文化。所以,加入一些绘画故事或历史发展的讲述或评价,可以让学生们进一步了解中国艺术,提高民族自豪感和荣誉感。 三、美术鉴赏课存在的问题 (一)专业性 在美术作品分析中,关于绘画作品中的构图、造型、色彩、笔触、肌理这些绘画专业术语。有些教师一讲到构图就必谈“三角形、S形”,一讲到色彩就必然分析“环境色、光源色”,这种“专业课”也许只有美术专业的学生才会听得懂。而面对着一群没有受过专业训练的学生,即使教师分析得头头是道,学生也只会听得云里雾里,索然无味。 (二)随意性 与此相反,有的教师低估了高中生以自己的眼光分析、鉴赏甚至批评美术作品的能力,在教学过程中对艺术家的生平津津乐道,甚至讲一些秘闻轶事。分析作品却三言两语,一笔带过。这种主次不分,不求质量,只求热闹的故事会式教学,只是让学生走近了作品并没有进行剖析,学生当然无法发表对作品的见解,也无从获得鉴赏作品的能力。 (三)标准化 有些教师在作品分析中往往坚持课本或自己认同的一种观点,通过不断的暗示、诱导,使学生抛弃自己的观点,而步入教师铺设的标准轨道,这无疑是给作品贴上了标签,也影响了学生创造能力的培养与发挥。 (四)模糊性 与此同时,美术鉴赏课也有一片模糊区域,教师在分析诸如抽象作品、意象作品、印象派、后印象派等流派作品时往往束手无策。用什么方法来构建通向这些作品的桥梁呢?是美术史为这些风格流派所下的概念定义,还是课本上简单笼统的描述?是艺术家生平中的怪异举止,还是拍卖行中创下的惊人天价? 四、美术鉴赏课新思路 (一)明确教学任务,增强审美意识 美术鉴赏是对美术作品进行欣赏和评价,是适用感知经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,从而获得美的享受,并理解其作品背后的艺术现象的活动。因此,在教学中,我们教师要引导学生通过对美术作品的分析和评价,去理解艺术家的创作初衷,体悟美术作品的精神含义,完成既定的教学任务。学生通过这些内容的学习,使作品中蕴含的人文精神进入学生的心灵世界,从而达到益智增识,提高文化修养、艺术素养和陶冶情操的目的。 (二)在学生的生活中挖掘教学资源 由于美术教科书中提供的资源大都离学生的生活较远,面对这些信息,学生很难提起学习的兴趣。而生活中的相关资源却很丰富,因此,在教学设计中,美术教师可以进行挖掘、筛选,并加以合理运用。通过在学生身边挖掘这样的美术资源,可以激发他们的兴趣,引导他们积极参与美术鉴赏学习,在师生的共同讨论中尝试去了解与分析一些正在发生的美的现象。 (三)要不断充实教师自身的知识含量和储备 相较于原先的教材,新课改后的教材更突出了知识性和理论性的结合。那么作为教师就应广泛地涉猎专业知识,提高专业水平,丰富自我。首先要将中外美术史论理解透彻、梳理整齐,只有自己清楚了,在授课的时候才能将需要的知识点举重若轻、更有选择性地传授给学生。除了这些基础知识,新课程标准不仅对教师专业素质的要求越来越高,并且与其相关的知识面也越来越宽,教师可以通过网络和查阅资料获取更多的信息,尤其是学生们最感兴趣的名家名作背后的故事,将这些穿插在授课过程中,可以更好地让学生理解画家所处的时代和他的思想情感,从而更深刻地对作品加以理解。无论如何,教师只有不断地学习和吸收才能适应并胜任高中美术教学,这是创新美术教学的一个大前提,也是教育的根本所在。 (四)注重学生的个体差异性 美术鉴赏作用于不同的个体,表现出不同的鉴赏效果。美术鉴赏虽然是一种艺术再创造,但由于学生各自的生活阅历、学识素养、审美趣味、价值观念等存在差异,他们在进行美术鉴赏时,必然表现出各自的主观色彩,赋予不同的个性特点。这种差异性表现在爱好的多样性和鉴赏结果的差异性两个方面。面对一件作品,有的为之动情,有的则可能无动于衷。同样一幅作品,学生对其的理解也不尽相同。学生的生活阅历越丰富,艺术素质越高,立场和观点越接近正确,对作品的艺术价值和思想意义的理解就越深入。对于那些艺术形成和思想内容较为复杂,或者格调低下、思想庸俗的美术作品,也能予以鉴别,并加以正确的批评。因此在美术鉴赏教学中应尊重个体间的差异性,承认这种差异性是客观存在的,教学中因材施教,因势利导,充分发挥其个性。 (五)让学生在文化情境中学会鉴赏 人类艺术从来就是多元文化相互影响的结果,没有一件艺术作品能够脱离人文、科学而独立存在。艺术家在创作一件艺术作品时,往往还有更深层的内涵和更隐秘的意蕴。美术是一种文化,是精神层面的追求与体现,也是美术作品的最高价值之所在,她是时代、社会、民族精神的写照。因此,我们可以考虑在美术鉴赏教学中渗透文化的涵义,让学生在文化情境中学会鉴赏美术作品。 (六)以多重感官刺激强化学生的审美感知 学习心理学研究表明,人们的学习,对知识的掌握是通过多种感官(眼、耳、鼻、舌、身)把外界信息传递给大脑中枢而形成的,如果在教学中能有效调动多种感官并用,就会提高学习效率。美术鉴赏虽然主要依靠视觉感知,但是如果引入其他感官的刺激,会给学生留下更为深刻的印象。多方位感受。例如,凡•高《向日葵》中大量黄色与橙色的运用,仿佛让我们触摸到温暖的阳光,感受到太阳的气息。因此在教学中设计了这一个通感再现的活动,即让学生用色彩表现不同味觉,以此来帮助学生了解色彩除视觉外更丰富的表现力。在美术鉴赏课上,不可能像绘画、雕塑课那样去完成作品,因此教师可以尽量利用学生身边能取到的材料,选择具有针对性的小创作来让学生完成。在美术鉴赏教学中动手制作、创作,同样也是让学生接受多感官信息刺激的过程。 (七)改进教学方法,以此激发学生的兴趣 新课程理念中很重要的一部分就是学生学习方式的转变,在实际授课过程中,学生是学习的主体。学生只有在主动参与了学习活动,才能充分发挥自身的主观能动性,调动自身的创造潜能。上课时,教师出示鉴赏作品后,教师不要立即讲解,可以让学生读画几分钟,也可以以讨论的形式,再请他们说说自己对作品的第一印象。然后抛出一些思考题,引导学生观察、思考画面。另外,鉴赏与实践相结合,从中领悟作品内涵。 (八)充分利用多媒体技术辅助美术鉴赏教学 现有的美术鉴赏教材中所展示的作品有限,并存在印刷质量不高、画幅小的等不足等问题。这些教学中的矛盾,如果仍沿用传统的教学手段是很难解决的。然而随着多媒体技术的发展和应用,使学生在教学过程中能欣赏到更多更美的物象,为其审美素质、思维能力的提高提供了可靠的物质基础。因此,在教学中必须引进具有高效率的信息技术,与传统的课堂教学方式相整合,才能在有限的45分钟里完成美术欣赏的教学任务,达到教学目的。在制作课件的时候应该注意以下三点: 1.添加音乐。 有时候为了烘托气氛和导入课题,可以在课件的开头和结尾添加音乐,但应尽量避免在讲课过程中使用背景音乐。因为国内目前高中大都采取班级授课制,极少能为教师提供麦克风和扩音设备。而使用背景音乐如果音量控制不当的话,非常容易掩盖教师自身的声音,使学生尤其是后排的学生听不清楚台上的教师到底在讲些什么。 2.课件中的链接按钮应简单而不花哨,尽量避免使用音响效果。 很多教师在制作课件的时候力求完美,运用了许多漂亮的链接装饰,有的还喜欢在链接上加按键音效果。但事实上这么一来很容易喧宾夺主,反而分散学生的注意力。 3.课件中应尽可能多地使用图片,少添加大篇幅文字说明。 我们运用课件,目的就是使原本枯燥的理论直观化、感性化。所以在课件中添加大幅文字完全是画蛇添足,只能让学生分出更多的精力从大屏幕上阅读原本从课本上就可以读到的东西。 五、结语 总之,新课标下的高中美术鉴赏教学是一个不断发展的过程,只要我们美术老师在教学中勇于探索,美术鉴赏教学在理论上将更加完善,在实践上也将更加成熟。 高中美术教育论文:创造性教育高中美术教育论文 一、高中美术教育的特点及意义 在高中课程中,美术课程虽然没有被设置成优秀课程,但其在学生兴趣爱好、综合素质及发展等方面都具有较为重要的作用。美术课程所具有的重要特点之一就是人文性,这个特点在其课程性质、教学设计、教学活动、教材选择、教学内容、课程评价及课程基本理念等方面都有充分的体现。此外,美术课程也不仅是一种知识技能的课程,还是一种能够培养学生艺术修养与人文修养的课程。所以说,美术课程是一种人文课程。美术课程的学习,是要把学生个体提升为一个精神存在;通过美术教育,能够使学生对独立思想、权利、自由、宽容进行自觉的认识,提高其认识的深度,促使学生能够更加深入、正确地认识其人生的目的与意义。 二、创造性教育的特点与目的 美术教学的内容具有广泛性,在美术教学的过程中主要侧重于学生的审美教育,较为侧重对学生素质的培养。美术课程中创造性教育的目的就是能够通过创造及对艺术的欣赏,使学生能够更好地认识自己、把握自己,不被传统的框架所束缚,进而更好地放开自己的思想,最终得到更好的发展。创造性教育除了会在一定程度上较好地培养学生的艺术感觉,还能启发学生用更为科学、更为合理的方法去思考问题、解决问题,使其能够更好地发展。 三、创造性教育在高中美术教育中的应用分析 1.利用先进教学手段,扩大学生知识面 科学技术的飞速发展,为信息、科技的发展奠定了良好的基础。在这样的有利条件下,教师应该充分合理地利用先进的教学手段,帮助学生拓展知识,利用网络等多媒体技术帮助学生充实其美术知识,进而提高学生的创造性思维,全面提高其综合水平。例如,在带领学生学习梵高的著名作品《向日葵》时,教师就可以通过网络,找到相关的作品及作者的相关信息,加深学生对其认识与了解;另外,老师还可以组织建立班级讨论群,让学生能够在课后进行交流与分享,不但能够及时有效地了解学生的问题及兴趣爱好,还能够在一定程度上激发学生讨论的兴趣,进而启迪学生的思维。 2.合理运用教学方法,提高学生自主学习能力 学生是学习的主体,教师应该正确地认识到这一点,在教学过程中找准自己与学生的位置,在实际的教学过程中巧妙地运用创造性教育方法,引导学生进行自主学习,从真正意义上帮助学生提高其自主学习的能力。在实际的教学过程中,教师应该对学生个人的体验及情感的变化给予重视,要为学生创造机会,使其在对美术的自主探索和学习的过程中培养其兴趣。 3.重视师生互动与动手实践,优化教学质量 为了更好地提高学生的学习兴趣,激发学生的创造性思维,教师要在平常的教学过程中重视与学生之间的互动,要重视课本知识与实践活动的结合,使学生的动手能力能够在良好的互动与实践中得到强化,并通过师生的共同实践帮助学生更好地掌握美术学科的专业技能,为学生美术兴趣的培养及创造性思维的形成奠定良好的基础。例如,在带领学生学习传统的民间剪纸时,教师可以带领学生一起剪纸,在实践中向学生讲解剪纸的相关知识,带领学生探索、学习传统文化;另外,教师还可以在条件允许的条件下带领学生进行野外写生、参观画展等,这对学生了解并掌握美术相关知识具有较大的促进作用。创造性教育对学生的发展及教学质量的提高有较为重要的意义。教师应正确认识创造性教育的特点及意义,将其合理地应用到高中美术的教学中,在帮助学生更好地学习美术学科相关知识的基础上,注重学生创造性思维的形成及发展,全面提高学生的综合素质,为其更好地发展打下坚实的基础。 作者:陈雨春单位:重庆市合川瑞山中学 高中美术教育论文:农村高中美术教育论文 一、农村高中美术教学中存在的实际问题 (一)美术师资力量的缺乏 高中学习在所有人的眼里几乎还是上大学的唯一直通车,而那些必考的科目学校都是费尽心思、绞尽脑汁、变着法的进行各类模拟考试,而在这些目标要求之下,学校是多方挖掘优秀教师。随着教师工资和社会地位的逐步下滑,很多优秀教师都走向城市或者高收入地区,更有甚者放弃教师职业。所以,农村高中教育优秀教师就越来越少,美术教育本就不是主业的老师就更少,堪称得上专业的老师就更是屈指可数了。 (二)教学教育资源缺乏 城乡地域差别和优势教育资源的不平衡,造成了农村高中美术教育仍然是走老传统的教学模式,究其原因主要是教育资源缺乏,使一些想用新方法授课教学的老师无计可施,不得不再次拿起粉笔把黑板作为主场。美术教育不仅仅是单一的绘画,还需要使用现代化教学设备,让学生通过对图像、视频等媒介了解更多的东西,才能启蒙心底里对于美术更多的想象和创新。农村教学硬件差,这个也在很大程度上制约着教师的教学效果。 二、高中美术老师,怎么给美术课堂带来新活力呢 (一)灌输给学生美术教育新观念 高中美术学习的重要性对于未来的承上启下,不管未来学生们要走上大学还是走向社会,美术都会陪伴一生,在人一生的际遇中,美术扮演着生命中的重要角色,可以说美术无处不在,具体分为绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等。而日常生活中无论平面画,立体画、壁画、还是如今的高科技画,都是美术的载体在不断的创新,而创新就需要学生们孜孜不倦的钻研和持续不断的学习,要欢迎同学们用创新的思维方式来表现一幅画,用新的美术方式来表现一幅作品。美术既是可以共享的,又是属于自己独享的,也可以说是自己隐私的。所谓的美术家,就是将大家都看得懂的共性的展示出去,而那份独特的、隐私的恐怕就是美术独特的创新思维了,也就是这幅美术的魅力了吧! (二)注重素质教育的内涵和实践 新课改本就要求改变原本的课堂氛围,要求老师轻装上阵,让老师大胆革新,以发展素质教育为主,因此,我们就要从素质教育的概念入手来阐述。素质教育是指一种以提高受教育者诸方面素质为目标的教育模式。它注重人的思想道德素质、能力培养、个性发展、身体健康和心理健康教育。而美术教育就是要非常注重于学生的个性发展。所以,要不断领悟深化素质教育内涵,并付诸于日常课堂。 (三)创新教学方式 美术教育不同于其他科目,需要授课老师给予充分的把握,根据学生的美术基础和实际情况,因地制宜的制定出一份教学计划,要突出新课改中的学生才是学习主体的要求,迎合学生的兴趣,引导学生进行差异化的思考和创新力,让学生多发言,讲解自己的创作感受和创作初衷,给与鼓励和指点,给课堂不仅要带来一股学习的正能量,更要培养学生的自学能力! (四)用好乡土底蕴,再造新美术 常言说:艺术来源于生活,而农村便是最接地气的生活,在农村有芬芳的泥土气息、有肆意疯长的狂草、有宁静的河水、有比城市更淳朴天真的孩子、还有更蓝的天、有更清新的空气,有比城市里更有求知欲望的学生,还有比城市里更广阔的天地,这些都是美术的素材,都是美术创作的源泉。老师要利用这些天然的、触手可及的资源给学生以更轻松、更贴近身边事物,更饱含人情味的美术人文教育。从课堂回归生活,从生活穿越课堂,这难道不是新美术吗?中国的美术长久以来是当做技艺来教授,根本没有把它当成生命、生活中不可缺少的东西来教。当把美术教育看作是生命中不可或缺的一部分的时候,艺术才有真正的价值。生活中并不缺少艺术,而是我们少了一双发现的眼睛,仅此而已。教师不仅是授业解惑,而是授人于渔。 作者:唐海涛 单位:重庆市梁平县福禄中学 高中美术教育论文:新课程改革下高中美术教育论文 一、我国当前美术教育的主要问题 相对于功利性的美术教育而言,还有另一种极端是对美术教育的不重视。在一些学生家长眼中,美术是一门“副课”,不能当做孩子学习的重点和方向,学习美术会耽误其他功课的学习,因此对美术完全不重视。在这种思想的影响下,学生容易出现美术学习可有可无的思想。同时,在非美术专业的班级中,美术课的时间常常被用于学生自习或是做作业,并没有进行相应的美术教育;部分高中的美术课形同虚设。这些都对美术教育的发展十分不利。 二、新课程改革下如何改进高中美术教育 1.改变美术教育的观念 过去的高中美术教育延续的是教师教、学生学的固有理念,不注重培养学生的自主精神,在这种模式下,学生经历的是一种被动的学习过程。新课程改革的一个重要的教育理念就是以人为本,具体来说是以学生为中心,教师在教学中要针对学生存在的问题找出具体的应对措施,要积极关心学生,对学生要加强引导,改变其不正确的学习观点或者认识,培养学生对美术的兴趣,激发学生学习美术的热情。这种观念的改变还体现在师生地位上,要遵循新课改的目标,就必须摒弃之前教师高高在上的教育观念,教师应积极融入学生。 2.注重培养学生的创新能力 创新能力的培养是美术教育的精髓和优秀,也是新课程改革对教育的要求。美术教育不仅是一种技能的沿袭,更是一种创造,学生在模仿教师或其他作品的过程中逐渐形成了自己的理解,将之加入美术创作。而此时的创造是一种无意识的、不成系统的、具有随意性的创造。教师培养学生创新能力的方式是通过情境创设,让学生在特定的环境中通过自己的加工创作一幅能够表达自己思想或意义的作品。在这个过程中,教师需要注意训练学生的发散思维,对学生进行适量的头脑风暴训练,以培养其创新能力。 3.在美术教育中加强对学生艺术鉴赏能力的培养 美术教育作为一种专业性较强的教育,能够培养学生对美术的感知力、对美术技能的熟练度,然而这些对于新课改的要求来说还远远不够。以往的美术教育只是在技能教育的过程中形成学生对美术的鉴赏力,而没有直接地加强这方面的培养。新课改要求不仅要培养学生的基本绘画技能,还要让学生学会鉴赏,培养学生的艺术感知力。因此,在教学中,教师在传授学生绘画技巧的同时,还应加强对学生绘画理论、艺术史、艺术鉴赏类的教育,培养学生的美术综合能力。具体的措施有:带领学生参观美术馆,让学生了解艺术发展史;开设艺术欣赏课程,让学生能够见识到来自古今中外的美术作品等。通过这样的方法,让学生逐渐形成自己的美术鉴赏能力。 三、结语 高中美术作为具有专业性和综合性的教育课程,对学生专业能力的形成和综合素质的培养有着重要的作用。以往的教育理念和教育模式已经不符合时代的发展需要,教师应当在新课程标准下,遵循以人为本的教育理念,通过改变美术教育的观念、注重培养学生的创新能力、在美术教育中加强对学生艺术鉴赏能力的培养等措施,全面培养学生的美术能力。笔者认为,美术教育不论是作为专业性教育培养学生的技能,还是作为综合教育培养学生的综合素质,都应该改变原有的教育理念,发挥美术教育发展人、培养人的作用。 作者:周荣 单位:江西遂川县遂川二中 高中美术教育论文:高中美术教育论文 一、高中美术教育的重要作用 新的课程标准对高中阶段的美术教育明确了教育目标,即培养和提升学生的审美能力,促进学生综合素养的全面发展。而且,教育体制改革后,高中的美术课程被称为美术鉴赏课,这也明确显示出高中阶段的美术教育更应当注重对学生的文化素养和德育的侧重,而不是单纯的对作画技巧和方法的讲授和传输。可以说,高中阶段的美术学习过程是一种文化学习的过程,能够使学生通过对一些作品的鉴赏和分析深刻体验到中华民族的优秀文化,感受到中华民族传统文化积淀的魅力。此外,美术学科本身与自然科学、人文科学等都有着密切的联系,学生通过美术学习可以在否不知不觉中提升自身的多方文化素养。比如,美术学科中的“透视学”与数学的密切联系、“色彩学”与物理学中光学的密切联系等。在具体的美术鉴赏课的开展过程中,学生通过对优秀的美术作品的欣赏,可以体会并学习到其蕴藏的丰富的文化积淀,能够深刻体验到美术作品的美感。高中美术教师要有目的地引导学生通过欣赏美、创造美来逐步塑造自己的完美人格和气质,从而逐步形成一种稳定的文化素养,促进自己文化素养的全面提高。 二、目前高中美术教育情况及其建议 (一)高中美术教育情况 当下,高中美术教育依旧在应试教育模式的笼罩中,对素质教育的提倡和实施没有相应有效措施:高中美术教育不重视学生的课堂主体地位:重视美术知识与技能的传授,不关注学生动手能力的培养和发展。 (二)高中美术教育建议 首先,树立正确的教育观念,重视素质教育。高中阶段的美术教育应树立以人为本的教育理念,重视学生的主体地位,以培养和发展学生的审美能力和素养为最终目标。倡导和贯彻素质教育的实施,激发学生的美术学习兴趣,调动其积极性和创造性,培养其观察能力和审美能力。美术教师要为学生创造条件,使学生能够自主发现美,感受美,提升审美意识。此外,美术教师要响应素质教育,自觉努力提高自身素质,为学生素养的全面提升提供坚强的后盾。其次,重视学生的主体地位,培养其创造性思维。高中美术教育要重视学生的课堂主体地位,充分发挥其主体性,使其个性得以张扬,激发和培养其创造性思维。高中美术教师要因材施教、运用多种教学方法来促使学生创造性思维的发散,可以通过增进师生互动和学生之间的交流与讨论,使学生扩展思路,也可以引导学会通过将抽象的东西形象化、具体化来促进创造性思维的有效发散。在高中美术学习过程中,创造性思维对于学生来说是很重要的,学生只有有了创造性思维,才能够创造出好的美术作品。正所谓“想象确实是我们必须发展的才能”,想象是学生学会创作的前提。高中美术教育要充分关注学生创造性思维的培养和发展,并且给予足够的重视,使学生通过想象力的大胆发挥,得到并提出自己的观点和结论,并实施作品的创作。再次,加强对学生能力的培养。一是要加强对学生审美能力的培养。高中美术教师要培养学生良好的观察能力,引导学生多观察,多去发现问题,并从中学会捕捉美感,学会从普通的事物中发现不寻常的美。二是要提高学生的动手能力。任何美术作品的创作都离不开必要的技能和技巧,更离不开创作者的亲手操作,学生动手能力的培养和提高是创作成功美术作品的必要前提和基础。高中美术教师除了教给学生一些理论外,更重要的是培养学生的动手能力,进而使学生能够把握双手的准确性和协调性。三是培养学生良好的心理素。因为良好的心理素质对美术创作来说是十分重要的,学生只有有着超强的心理素质,才能够创造出更好的作品。高中美术教师要培养学生的自信心,提升他们的心理素质。伴随着社会的不断发展和知识经济的到来,教育在社会发展和人类进步的过程中起着越来越重要的作用,美术教育的重要性也尤为突出。为此,我们要采取积极措施,进一步完善当前的高中美术教育,促进美术专业学生的全面发展。 作者:毕力格 单位:青海省格尔木第七中学 高中美术教育论文:新课程高中美术教育论文 【摘要】受应试教育的影响,高中美术教育常被忽略,误认为是专门培养学生特长的一门课程,与学习成绩无关。因此,美术教育的效果并不理想。随着新课程改革的不断深入,高中美术教育也发生了深刻的变化,如何在新课改理念下提高高中美术教育的效果和质量,是目前美术教育的热点话题。鉴于此,文章简单阐述新课改理念下高中美术教育的不足,然后提出几点建议进行深入的分析。 【关键词】高中美术;课程改革;有效性 1.当前高中美术教育的不足 随着新课程改革的实施,为美术教育带来了新的机遇,但是受应试教育的影响,高中美术教育仍存在一些不足之处,具体体现在以下几个方面:第一,观念的缺失。很多人都认为,美术就等同于绘画,甚至有些教师也这么认为,但实际上,这种想法是错误的,也就比较片面的,美术涉及的范围非常的广泛,而绘画只是美术教育当中的一部分。而高中美术教育,教学的重点主要是提升学生的审美能力,但是目前很多的美术教师都未准确的认识到这一点的重要性。第二,思维的局限。目前,对于高中美术教学,很多的教师仍然沿用传统的教学方式,教师先画一幅作品作为示范,然后学生就跟着老师的作品进行观察模仿或者创新,但是在整个过程中,教师并没有传授学生绘画技巧,而是根据学生画好后进行点评,然后教师最为直观的判断是学生画得是否一样,正是这种思维的局限,才导致学生学习美术时的墨守成规,以致失去了他们自身思维发散、创造的能力,因此,很难实现新课改理念下的美术教育目标。 2.提高高中美术教育的措施 2.1转变美术教育理念。在传统的高中美术教育过程中,是学生围着老师在转,往往忽视学生自主精神的培养。在这种教学模式下,学生是处于被动的接受知识。而新课改理念提倡的是以人文本,注重学生自主精神的培养,因此,教师在授课过程中,应以学生为中心,根据当前学生自身存在的实际问题,提出有针对性的解决方法,加强引导和改变学生对美术的错误认识,同时教师也应对之前认为美术等于绘画的错误认识进行自我反省,要重新加强对美术的认识,在教学过程中转变以往传统的教学理念,从多元化的教学内容出发,先从培养学生的美术兴趣和热情开始,以逐步培养他们的审美能力[1]。2.2完善美术评价体系。在传统的美术教育中,对于绘画作品的评价,很多老师都是根据学生绘画相似度进行判断学生的水平,这种评价方式太过于片面,很容易对学生的创造能力、思维能力以及想象力造成一定的限制。因此,为了能够改变目前这种现状,教师应建立一套较为完整的评价体系,不再是当方向的对学生作品进行判断,而是逐渐的向多元化评价,对学生的绘画作品进行全方位、多角度的评价。在评价过程中,还应多鼓励学生,激发他们的美术学习兴趣和热情,以增强他们的自信心[2]。2.3加强学生鉴赏能力的培养。美术教育是一门专业性非常强的学科,在以往的美术教育中,就非常的注重学生对美术感知力和美术技能熟练度的培养,但是随着新课改的到来,这些却远远不够。新课改要求美术教育不仅要教会学生掌握最基本的绘画技能,还要教会学生学会鉴赏美术,以培养他们的美术感知力。所以说,在美术教学过程中,教师在教授学生基本绘画技巧的同时,还要加强学生绘画理论知识、艺术史以及艺术鉴赏方面内容的教育,以进一步的培养学生美术综合能力。2.4注重学生创新能力的培养。创新不仅是一个民族的灵魂,更是一个国家发展的不竭动力[3]。随着新课改的不断深入,美术教育也应不断的改革和创新。在传统的美术教学中,往往都是交给学生现成的知识,学生跟着临摹就可以,这种教学方式太过于传统,缺乏创新。美术教育不仅是一种技能的沿袭,更是一种创造,学生在模仿教师或者其他作品时,一定要有自己的见解,并将这种见解加入自己的美术创造中,以形成自己独特的创作。这种创作是无意识的、随意性的创造。因此,在培养学生美术创新能力过程中,教师可以通过情景创设,让学生在特定的环境中,通过自己加工,创作出一幅能够表达自己思想,并且具有意义的作品。 总而言之,在新课程改革理念下,对美术教育也提出了更高的要求,为了进一步提高美术教育教学质量,应从学生实际问题为出发点,采取有效的解决方式,才能更好的提高美术教学效果。 作者:李金相 单位:内蒙古阿拉善盟第一中学 高中美术教育论文:创造性教育在高中美术教育的作用 【摘要】美术是一门视觉艺术,通过学习美术能够提高人的审美能力,陶冶情操。美术作为高中教育的一门必修课,就目前来讲还是存在着一定的缺点与不足。因此,本文对高中美术教育的现状进行了浅析,并分析了创造性教育在高中美术教育中的作用。 【关键词】创造性教育;高中美术教育;作用探析 引言 随着素质教育的不断发展,培养全面型人才是当前教育的重要任务。高中美术教育,能够培养学生的审美能力与艺术水平,促进学生思想情操的发展,同时还可以提高学生的创造能力与实践能力,激发学生的创造性,因此,在高中美术教育过程中运用创造性教育模式,不断提高学生综合素质的发展。 一、高中美术教育的现状 (一)教学观念传统 在长期应试教育模式的影响下,对于像美术这样的学科老师没有起到足够的重视,学生面对高考的压力,况且美术不作为高考考试科目,所以老师与学生对于美术的学习都非常的忽视。为了应付高考,所以学生需要花大量的时间去学习数理化等文化科目,并且许多学校虽然在课程表上安排了美术课程,但是由于学生与老师的忽视,所以就把美术课安排给其他科,只是为了应付课程标准的要求,但是实际情况却不容乐观,使美术课的优势得到极大的浪费。 (二)教学方法单一 虽然新课程标准不断发展与进步,教学方法也不断的在更新,但是由于对美术教育的忽视,许多老师依然采用传统的教学方法,这样就会使本来学习美术兴趣不高的同变得更加讨厌美术课堂。对于目前许多美术课堂,老师大部分都是照本宣科,就是有一些辅助教学工具,也不会去重视的使用,发挥不出其最大的作用,另外,老师与学生都缺乏一些专业的绘画工具,在学术进行绘画的过程中不能很好的发挥自己的想象力,从而使美术教学变得枯燥无味,这样既不利于学生创造力的开发,同时还影响学生德、智、体、美的全面发展,不利于美术教育事业的进步。 (三)师资力量匮乏 教师是教学过程中的关键人物,教师是学生的指导者和引路人,在教学的过程中,如果老师具有优秀的教学方法和能够吸引学生的教学内容,这将会使高中美术教学变得更加简单。然而,在目前高中美术教育中,美术教师的数量与质量根本无法达到素质教育的要求,无法完成高中美术教学目标。由于传统观念的影响,学校对于美术教育也没有起到足够的重视,所以在对美术老师进行选拔的时候没有严格的要求,只是为了应付素质教育的要求,因此,由于老师的教学水平存在着差异,所以在美术教学过程中,有点教师可以有效的激发学生美术创作力,但是有些老师远远达不到创造性教育的水平,影响学生全面发展。 二、创造性教育在高中美术教育中的作用 (一)引导学生自主学习美术 引导学生学会自主学习才是真正的教育,在美术教学过程中老师不能总是像传统课堂一样,主导教学地位,在高中美术的创造性教育中,老师要学会转变角色,不仅仅是要教会学生认识美,更重要的是要教会学生如何去发现美,开展创造性教育就可以提高学生的自主学习美术的能力,让学生不再像以前一样枯燥的学习美术,而是对美术学习充满了兴趣,在学习中不断发现乐趣,不断体验美术的美,让学生感到不再被知识支配,而是自己不断的去掌握新知识,不断的去发现美欣赏美。所以,老师应该将创造性教育的思想融入到高中美术教学中去,不仅要将书本上的知识传授给学生,还要敢于将创新理念引入到教学中去,让学生学习美术的知识范围不单单局限于课本,学会自主的进行创新性的美术学习。从而更好的提高美术成绩,更好的让学生去发现美欣赏美,提高学生自主学习美术的能力。 (二)能够激发学生创新意识 创造性教育,顾名思义就是在传统教育的模式下加入创新,它以传统教育为基础但同时又高于传统教育。在高中美术教学中开展创新性教育可以提高学生潜在的创新能力,发展学生的创造性思维,要开展创新性教育,那么在实际高中美术教学过程中老师不能只是一昧的高高在上,使得课堂氛围严肃拘泥,不敢将自己内心真实的想法表现出来,这就要求老师在应用创新性教育进行教学时,要融入到学生的中间去,多和学生进行沟通交流,创造轻松和谐的学习环境,让学生能够大胆的表达自己的想法,激发出学生的创新意识,培养学生的创造能力,能够让学生去探索新知识,充分发挥自己的才能。所以,通过创新性教育模式,能够有效的激发学生的创新意识,促进学生创作能力不断发展,使学生综合素质得到有效的提高。 (三)可以促进师生之间交流 在长期的传统教育模式下,大部分课堂时间都是老师一个人在照本宣科,根本没有很好的与学生进行沟通交流,以自我为中心,对学生采用灌输式教学方法,没有结合学生的实际情况来教学,使学生处于被动的学习状态,同时使学生的观点不能及时的表达出来,师生之间缺少互动。通过运用创造性教育模式,老师运用启发式教学方法,引导学生积极去思考,大胆的发散自己的思维,以学生的发展为主体,使师生之间得到有效的交流,引导学生去创新学习,不断的去探索美术知识中的奥妙,而不是局限于教材内容上的学习。因此,创新性教育可以使师生之间交流变得频繁,不仅能够促进师生之间情感的交流,还能够摆脱学生自卑的心理,使学生完全融入到美术教学大环境之中,为以后的发展奠定基础。 结语 综上所述,随着素质教育的不断发展,美术教学在高中受到愈来愈多的重视,培养学生的审美能力与陶冶学生的情操起着关键的作用,然而,在目前的高中美术教学中,依然存在着一些问题,制约着美术教育事业在高中教育中的发展,影响学生综合素质的培养,所以说,我们应该不断的努力,不断的提高教学水平,运用创造性教育模式,使高中美术教育更上一个台阶。 作者:刘阳光 单位:福建省福安市第二中学 高中美术教育论文:高中美术教育研究 摘要:高中美术课程对培养学生的审美能力、创新能力、道德情操等具有重要的作用。由于种种的原因,很多学校不重视美术课程,致使美术课程的教育作用没有充分发挥出来。本文探讨了中学美术教育的现状,美术教育在中学教育体系中的作用,以及高考背景下如何有效实施美术教育。 关键词:高考背景;高中美术;意义;研究 1高考背景下中学美术教育的现状 1.1学校不重视美术课程教学: 因为美术课程不是高考的统考学科,所以美术课程的地位比较尴尬。大部分中学只重视文化课的教学,给基础年级的美术课程开设的课时不足,致使美术教师无法完成教学任务。在期中考试和期末考试来临的时候,美术课程还要为文化课程让道,将美术课程的课时安排给其他文化课程。由于学校的不重视,导致美术课程一直游离于中学教育体系之外,没有将美术课程的重要作用发挥出来。 1.2学生学习美术急功近利: 许多中学都有高考美术班,美术班中的学生选择学习美术并不是兴趣爱好所致,而是希望通过美术专业学习考上大学。因为美术院校对美术考生的文化成绩要求不高,致使很多文化成绩不好的学生产生走捷径的想法,全然不顾自身的美术潜力和兴趣。学生急功近利地选择学习美术导致美术班的学生参差不齐,很多学生根本就没有学习的兴趣,完全在美术班混日子。这种现象严重伤害了中学的美术教育。 1.3没有有效的美术课程评价体系: 美术课程的评价体系不完善,也影响了美术课程的发展。在基础年级的美术教学中,学校不需要考试,美术教师也不用有效的方法评价学生的学习情况,使学生产生错误的认识,认为美术课就是上课玩的课程,不需要用心。这种现象让美术课程的教学任务完成不了。在高三的美术专业班教学中,只有紧盯美术统考的评价方法,评价学生的作品在统考中能不能得到高分,这个现象使专业班的美术教师把美术教学的功能放一边,只讲授高考得高分的技巧。 2新课程改革背景下中学美术教育意义 2.1培养学生的审美能力: 美术课程的重要作用就是培养学生的审美能力和审美情趣,这个是其他课程所不能比拟的。学生在老师指导下欣赏美轮美奂的美术作品,能够感觉到美术作品中的美,学生的审美能力也得到了提高。学生在老师指导下自己创造作品,把自己对美的理解画出来,能够让其进一步理解美学的意义。美术新课程理念要求中学美术教学应该培养学生的基本审美能力,这个是美术课程必须达到的基本教学要求。 2.2培养学生的创新能力: 美术课程还可以培养学生的创新能力。创造力是中国学生普遍缺乏的,这个和中国的传统教育体系不无关系,传统的教育体系重视文化课的教学,而不重视非文化课的教学,文化课的教学也不注意对学生创造能力的培养。美术课对学生创造能力的培养有独到之处。学生在创造美术作品时,可以充分发挥自己的想象力,把自己心灵深处最美的感觉画出来。因为学生在创作时,相对自由,可以发挥其最大的创造力。通过长期美术课程的训练,学生的创造能力能够得到有效提高。 2.3培养学生的道德情操: 现代社会越来越要求公民具有较高尚的道德情操。美术课程可以培养学生的道德情操。审美能力的训练就可以帮助学生认识社会上的真善美。很多美术作品中包含了道德品质的教育,学生欣赏这些作品时,无形之中受到了教育,提高了自身的道德情操。 3高考背景下有效实施中学美术教育的方法 3.1教育部门应该重视中学美术教育: 为了有效实施中学美术教育,相关的教育部门应该重视中学美术教育。要重视美术课程,首要任务是认识到美术课程的作用,认识到美术课程是高中教育体系中不可或缺的一份子。学校应该保证美术课程的课时安排,让美术教师有足够的时间完成美术课程的教学任务。在期中期末考试即将到达时,尽量不将美术课程划拨给其他文化学科。社会应该改变对美术课程的认识,弄清美术课程对学生的培养作用。高三的美术专业班应该吸收优秀的学生,这些学生以后是对美术感兴趣的,而且保证有较好的艺术天赋和较扎实的文化基础。从基础年级到高三,对学生美术能力的培养应该具有系统性,不能到高三时,让那些投机取巧的学生进入美术班。 3.2美术教师提升自我的教学能力: 美术教师自身的教学能力也是保证中美术教育有效实施的一个关键。好的美术教师能够将学生的注意力吸引到美术课程的教学内容中,保证美术课教学任务的完成。好的美术教师还能够激发学生学习美术的兴趣,使有潜力的学生能够坚定从事美术事业的决心。美术教师应该从美术素养、教学基本功这些方面入手锻炼自身的教学能力。如果每一所高中都有几名优秀的美术家教师,美术课程的改革就能在这所学校得到深化。 3.3构建完善的美术教学评价体系: 评价体系具有指导性作用,能够帮助教师改进教学方法,帮助学生改进学习地方。有关部门可以制定一整套的教学评价体系。比如针对基础年级的评价模式,基础年级可以考察学生的审美能力和艺术鉴赏能力,通过展现一些作品让学生写一篇观后感,对观后感进行打分评价。对专业班的评价应该将高考美术统考和学生美术能力的提高结合起来,帮助学生认清自己,保证为高校培养合格的生源。 3.4大众教育和特长教育相结合: 基础年级的美术家教育可以认为是大众教育,高三的美术专业班可以认为是特长教育。学校在安排美术课程时,要将大众教育和特长教育结合起来。从高一到高三的美术教学应该是一盘棋。学生在基础年级的学习就为其进一步学习美术打好基础,高三美术专业的学生只是进一步学习美术而已。如果学生不学美术专业了,也保证学生能够有足够的美术能力,以帮助学生的终生发展。 结束语: 综上所述,美术课程对培养学生的审美能力、创新能力、道德情操有重要的作用,相关的教育部门、学校、美术教师应该重视美术教学,把高一到高三的美术教学构建成一个有机的整体,保证大众教育和特长教育结合起来,使美术教育在中学教育体系中的作用真正发挥出来。 作者:李明 单位:辽宁省盘锦市大洼县高级中学 高中美术教育论文:高中美术教育陶艺论文 一、陶泥课程如何才能有效可行 (一)简捷便利的教学设施开设陶泥课所需的教学资源有限,普通的高中有了教室、桌椅、陶泥、简易的制作工具和作品陈设架便可以运行,这门课无需繁琐、华丽,越自然、朴实,越能接近古人制陶的真实境界,重现先民艰苦劳作的情景,越能唤醒学生潜在的表现欲望、激发学生自身的创作热情,从而达到减缓压力、休养生息、发现自我、融入生活、树立信心、寻求发展的目的。有条件的普通高中以及职业学校可以增设拉坯机、施釉、窑炉等设备,让学生体会到机械制作的便捷,欣赏到作品经历窑变后神奇的绚丽色彩,对没有条件的普通高中以及职业学校则可运用各种颜料(水粉、油彩、油画棒等)和油漆、鞋油等多种材料的涂绘,完成作品的最后创作,使学生通过亲手制作真正体会经典作品创作的精妙和不易,在充分实践的基础上达到审美技艺的提高。 (二)愉悦宽松的教学理念陶泥课一改以前教者讲、学者听的传统教学模式,而是倡导一种玩的最高境界:即让学生在一种玩耍的气氛中开始揉泥感知泥性,继而泥条盘筑、泥板塑型、捏塑成形,或成器、或成像、或成形,在宽松的氛围里塑造直观的、立体的多维空间形象,潜移默化地培养了学生动手创作能力、立体造型能力、多角度观察能力、全面思考分析能力,让学生的综合技能和整体素质在不知不觉中得到了从量到质的提高。在玩中乐、乐中学、学中进,这就是我们陶泥课所要营造的娱悦宽松的教学理念。这种理念需要教师从教者变身为玩伴,在玩中不断吸引学生的眼球,调动他们的积极性、培养他们的自信心、激发他们的创作欲。所以,我们教师不仅要加强知识的储备,还得拓展见识的空间,运用多种教学技巧、多种教学材料,形成教与学之间的互动、教与学相长的良性效应。 (三)多项激励的发展空间作品陈列架是第一项激励机制,每节课下来,对新颖的造型和别致的创意要及时加以肯定,并将作品陈列上架,达到肯定成绩、培养自信、激发创作的目的;对有缺陷的作品,则指出如何修改才能达到上架的要求,给学生留下一线希望,让其在下级课更加努力地去完善。学校艺术节的展台是另一项有效的激励方法,当优秀的作品被家长、校友、教师惊叹赞美时,作者所得到的动力是无量、空前的。对艺术造型能力突出,有一定天赋的学生,要适当增加课程难度,激发他们的学习热情,同时鼓励并指导他们进行艺术创作的尝试,将相对成熟的作品进行投稿、参赛等活动,让其得到社会的认同。在可能的情况下,我们还可以引导他们走向艺术探索之路,做到人尽其才。对热衷陶艺制作的同学,可以推进他们报考相应的艺术院校,从事自己热爱的事业是一个求职者最幸福的事。 二、总结 总之,为了艺术的传承、为了文化的发展,有必要将陶泥课程融入高中美术教育课程之中;为了完善教育机制、促进素质教育,高中教学也急需引入陶泥课程。笔者相信:只要我们的学校、我们教师全身心地接纳并投入到陶泥教育的实践中,一定能收获丰硕的成果。 作者:吴春南单位:江苏省东台市中学 高中美术教育论文:高中美术教育的发展方向探求 一、当前高中美术教育现状 (一)教师自身的专业素养和专业知识结构不够完善,对美术教学钻研不够教师学历达不到标准和专业知识结构不完善,难以胜任高中美术模块教学工作,特别适应不了新的高中课程改革的要求,致使一些学校还不能开足模块,未能按照高中美术新课程的要求设置课程。此外,部分美术教师的美术教学方法陈旧,照本宣科,应付了事,高中美术教学开展的平平淡淡。 (二)高中美术教育非美术化倾向和非专业化倾向造成美术教育的非专业化趋势的主要原因在于美术教师片面理解高中美术课程的价值和目标。很多美术教师在美术教育中只注重培养学生的外在价值,或者只将“是否能创作美术作品”作为衡量标准,而忽视了学生的审美能力和鉴赏能力的培养,而这时美术教育的内在和根本价值。因此,必然导致高中美术教育教学实践中高中美术课程审美性、美术性的严重丧失。 (三)尚未建立健全科学的高中美术教育评价制度学校美术教育与社会、家庭美术教育脱节,美术教育与其他学科教育分离,学习国外美术教育理论不能与我国具体实践相结合等问题也较为严重地存在。从调查的情况看,许多中学还未能很好进行多元化、多级性的评价,高中美术学习流于形式,普遍形成“开课容易上课难”的结局。美术教育评价制度的缺失易诱发各种问题,教育主管部门和学校必须予以高度重视。 二、高中美术教育的发展方向 为适应素质教育的需求,探索适合高中美术教育教学的新途径,笔者根据素质教育和《高中美术新课程标准》的精神和高中普遍存在的实际情况,探索中找到了一些改变和促进高中学校加强高中美术教育的对策和方法。 (一)转变观念,引素质教育于美术教育之中学校要重视培养全面发展的人才,包括美术人才和具有美术特长的学生的培养,并把此举作为学校办学成功与否的标志,这就是所谓的艺术特色教育。只有提升美术教育的地位并加以重视,培养学生的审美能力、美术创造力,才能真正贯彻落实全新的美术教学理念,发挥美术教育的作用。“面向全体学生”应是高中美术教育的首要理念,让学生真正享受到美术教育的“光辉”,美术方面的各项能力切实得到提升。只有学校的重视,美术教育才能够积极配合素质教育的进程,作用才能得到最大化的体现。 (二)改善和丰富高中美术课程资源,强化高中美术教师的培训和学习改善和丰富高中美术教学资源是实施高中美术教育的有利保障。高中美术新课程标准中提到:“各级教育行政部门和学校要采用有力措施,积极创造条件,建立美术专用教室,逐步增添美术教学设备、图书资料、教学挂图及幻灯和多媒体”。因此,学校应加大对美术学科的投入,以改善高中美术教学和学生学习的环境,进一步推进我市高中教育更好更快的向前发展。学校应根据实际情况,以校为本,利用有限的资源加强校本培训,努力提高高中教师美术专业知识和教育教学能力。建立教师学历达标奖惩制度,鼓励美术教师参加进修培训,提高学历层次,丰富和完善专业知识结构。 (三)积极开发校本课程,提高学生审美能力和鉴赏能力提升审美能力和鉴赏能力就要从认识艺术的规律入手,而认识艺术的规律又是美术教育的重要目的。通过鉴赏古今中外具有代表性的艺术作品,可以有效地发现艺术规律,并提升自身的审美能力和鉴赏能力。目前,越来越多的学生走进形式多样的画展或者艺术作品展去领略艺术作品所带来的魅力。只有让他们真正感悟到作品的真谛,与作品产生共鸣,才能将所学知识运用于实际操作之中,进而导致审美基础和鉴赏能力不断得到提升。此外,应积极利用校本课程,系统介绍美术作品的欣赏方法,通过艺术作品的表现形式和表现手法来谈及其艺术规律,提炼出美术及艺术作品来自于生活,又高于生活的魅力根源。高中美术教育就应当通过审美形式,充分发挥美术的语言功能、设计功能、视觉感知功能来培养学生的各种能力。 (四)完善高中美术课程评价制度,建立健全教育评价机制高中美术教育应从师生共同发展的理念出发,切实转变评价的体系、评价的理念、评价的方法、评价的手段、评价的实施过程等,制定出让每个层次的学生都能享受成功、得到发展的高中美术课堂教学评价十分必要。学校和美术教师应结合国内外的先进做法,尝试着美术课程评价体系的构建,并在日常教学中加以贯彻执行,用以约束美术教师的教学,充分发挥课程评价机制的积极作用。我国著名的教育学家蔡元培先生曾说过:“没有艺术的教育,是不完全的教育。”高中美术教育是素质教育加以提倡的,也是新课改涉及的重要内容,学校和教师必须从观念上提高美术教育的地位,在日常教学中以积极的行动加以证明,展示美术教育的优势,促进学生的全面发展。 作者:吴雁群单位:河北保定易县中学 高中美术教育论文:高中美术教育中的生活化教学探究 【摘要】在素质教育理念不断深入的过程中,人们逐渐认识到高中美术教育的重要性。在现阶段的教育过程中,学校、教师以及家长都逐渐的增强了对高中美术教育的重视,所以提高美术教育的整体质量势在必行。因此,在今后的美术教学工作开展过程中,可以通过美术教育生活化模式,通过生活与美术的融合增强学生的美术意识与能力。对此,本文主要探究了生活化教学在高中美术教育中的具体应用。 【关键词】生活化教学;高中美术;教育;应用 生活是艺术的源泉,艺术形式主要彰显了生活之美。在高中美术教育中,要想有效的提高课堂教学质量与效率,就要将美术与生活融合起来,通过生活化的教学模式,提高学生的美术认知与理解能力,这样可以充分的发挥高职美术的主要职能,有效的增强学生对于生活的审美,使学生了解生活中各种事物的艺术之内,全面的提高了学生们发现美、感受美以及体验美的综合素质能力。 一、通过不同的生活化教学环境开展美术教学 在高中美术教育生活化教学中,利用不同的生活环境开展教学是美术教育的有效方式,主要体现在以下两个方面。一个方面,通过传统教学方式达到改变美术教学环境的目的。在美术教学活动开展过程中,因为学生的个体差异等客观因素的存在,导致学生对于美术教学环境有着不同的需求,也就是说,学生对于美术知识的接受与认知程度主要受到人为因为的影响,美术学校兴趣产生的主要原因与教学环境有着密切的关系。例如,在《现代山水画花鸟画》的讲解过程中,教师可以利用课前时间,对于现代山水画、花鸟画进行了解,然后利用生活中的各种实际事物,对学生进行正确的引导,激发学生的创作灵感,这种教学模式可以有效的增强学生的思维拓展能力,提高美术教学的整体质量。另一个方面,就是利用多媒体技术营造美术学校环境。在信息时代,教师可以充分的利用多种网络技术,开展多媒体教学活动。在课堂教学过程中,通过网络多媒体技术,利用生动形象的方式提高学生的艺术知识理解能力。 二、生活环境中的美术教育理念 第一,要将美术教育与日常生活中的具象事物有效的联系起来。教师可以对学生进行正确的引导,通过学生对生活中的各种建筑、家居以及自然环境等事物的观察与思考,有效的增强学生的事物观察能力,提高学生的视觉形象感知与理解能力,通过学生对于生活中美的发现,提高高中美术教学的整体效率与综合水平。例如,在进行《园林与民居》的讲解过程中,教师可以主要围绕生活中的园林建筑的根本目的,提高学生对园林的整体认知与了解,增强学生对园林的整体布局与局部设计的了解,进而提高学生对园林建筑的艺术感知能力。第二,要将美术教育与日常生活中的生活体验有效的联系起来。在进行高中美术教学过程中,教师还要充分的综合自身的生活经验,有针对的开展美术作品的相关讲解与指导,在根据学生不同的生活体验,针对特定的生活主题,开展相关教学活动。教师在教学过程中,可以充分利用生活中的各种因素,开展美术知识的培养与教学。例如,可以把生活中的各种蔬菜、水果作为主题,开展美术教学活动。学生可以通过日常生活中各种普通的蔬菜、水果展开观察,进而根据不同蔬菜的形状、特点进行相关美术创作,学生在创作的过程中,会自然而然的融入自身的生活实际场景,有创意的开展艺术作品的设计。第三,要将美术教育与家庭生活有效的联系起来,在家庭生活中融入美术教育思想,在日常生活中累积美术教育意识与内涵,可以有效的增强高中学生的艺术感于审美意识。首先,教师可以与家长进行交流合作,让家长在日常生活中对学生进行正确的引导,通过家长自身的美学意识,提高学生的艺术能力。例如,家长可以让学生对自身的卧室进行自主设计,家长与教师这在整个过程中,提供相关技术指导语帮助。这样可以有效的解放学生的艺术思想,提高学生的美术实践能力,让学生将美术教育理论与实践生活有效的融合起来,进而有效的增强学生的动手能力与设计能力,逐渐的巩固学生的美术知识。其次,家长作为美术融入生活的主要监督与实施者,要不断的完善提升自身的艺术素养,构建系统专业艺术知识,进而达到培养学生通过美术知识解决实际问题的综合素质能力。对此,家长可以根据家庭的需求,有针对的为学生提供一个较为自由、开放的生活空间,例如,鼓励学生根据家庭设计主要内容与风格,进行家庭用品的购买以及陈列摆设等。学生则会利用相关美术知识,选取符合家庭风格的用品,使其与家庭整体风格遥相呼应,这种方式可以有效的增强学生的美术知识运用能力,提高学生的综合素质能力。 结束语: 在现阶段的高中美术教学过程中,要想有效的提高美术教学质量与效果,就要将美术教学与生活融合起来,使得学生对于学习、生活以及教学中的美术知识进行全面的了解,有效的增强学生的美术意识与能力。此种教学方式可以有效的增强高中美术教学的整体效率,充分的调动学生的美术学习积极性,为学生构建一个科学有效的美术学习环境,为全面践行素质教育理念奠定基础,有效的增强学生的创新性、创作力等综合素质的养成。 作者:钟佐龙 单位:江西省赣州市第四中学 高中美术教育论文:高中美术教育中传统艺术文化的渗透 摘要: 古往今来,美术在人类文化中一直占有重要地位,其可以陶冶人的情操,提高人的素养,是包括文化、思想在内的社会各方面进步的体现。发扬中国传统艺术文化是目前广大教育工作者的任务,而教育改革背景下的美术教育受到了人们的普遍重视。在美术教育中融入传统文化是十分重要的。高中美术教育应以保护民族文化为出发点,构建保护传统艺术文化的平台,在美术课堂中传承传统艺术文化是一种切实可行的办法。传统艺术与美术教育的有效结合对传统艺术的传承与发展具有重要的意义。 关键词:美术教育 传统艺术 传承与发展 研究 美术在人类文化中有着十分重要的地位,它影响社会生活的许多方面,是人类文化传承的产物。美术作品集文化、道德、生活等因素于一身,在无文字时代占有尤其重要的地位。美术作品是文化的结晶,能在一定程度上体现人类文明与社会的发展。美术教育是教育的重要组成部分,其需要对学生的审美素养进行培养,提高学生的审美能力。目前,社会大力提倡弘扬传统文化,通过美术教育,学生可对传统艺术文化有更多的了解,从而提高对传统艺术的兴趣。教师应使学生明确自身传承与保护民族文化的责任,这有利于传统艺术文化的重建与复兴。 一、美术教育中传统艺术文化讲解的意义 目前,人们越来越注重视觉、精神的享受。美术是一种视觉艺术,因此教师可以带领学生参观美术馆中的传统艺术,并与学生交流,学生会被眼前的真迹感染,为之赞叹。除此之外,在教学过程中,教师可以充分利用先进的多媒体手段,如视频演示、幻灯片等,使学生可以直观地欣赏到更丰富的传统艺术作品。教师可将我国各个朝代的美术作品展示给学生,如瓷器、玉器、古画等。经过长期的传统文化教育,学生的文化保护意识显著增强,并且能够明确传统文化对我国的重要性,从而给予传统文化更多的热爱与保护。 二、组织专门人员开展民间工艺教学 教师以新课标为指导,尊重学生的主体意识,利用多种渠道,组织民间工艺人员进课堂,向学生传授传统民间工艺。民间工艺的传授可以分为理论课程和实践课程,课程内容中包括民间工艺知识基础,以提高学生对传统文化的兴趣。如,在教学实践中,教师带领学生了解中国的传统工艺景泰蓝,学生通过实际考察、参观,了解了景泰蓝的历史以及纯手工制作工艺的流程,并且在教师的指导下亲身参与景泰蓝的制作,经过制胎、掐丝、烧焊、点蓝、烧蓝、磨光及镀金等复杂工艺过程,最终创作景泰蓝作品。这种教学模式可以使学生通过认识与实践提高自身对传统文化的兴趣,同时也实现了对传统文化的有效传承与保护。 三、教师在教学中应将传统艺术与现代艺术有效结合 自20世纪以来,我国传统文化受到外来文化的冲击,学生的价值观念也有所改变,因此教师在教学过程中,应注意对学生艺术审美方向的把握。目前最为提倡的应是将传统文化与先进科技相结合,使其成为具有中国特色的文化艺术。不论是现代设计还是绘画,当今世界现代艺术以传统艺术为参考的例子十分常见。在教学中,教师可以举出具体的例子进行讲解,如薄胎瓷与雕刻艺术结合制成的瓷器工艺品等。教师还可以将一些优秀的作品通过图片或视频的形式分享给学生,从而带给学生传统文化的审美享受,增强学生对传统文化的重视。 四、美术教育传统艺术文化教学应坚持选择、包容及创新的原则 我国历史文化博大精深,传统艺术文化种类丰富多样。由于我国文化种类具有多样性特点,因此,教师应坚持包容的原则,以宽容的心态进行传统文化的传授,尊重艺术文化的多元化与多样性,积极承担弘扬优秀传统文化的责任。同时,教师在教学时还应坚持选择性原则,选取优秀的传统文化内容进行教学。事实上,传统文化的内容本身层次参差不齐,教师在教学中需要对其进行思考和选择,提炼出传统文化的精华。美术教学必须坚持创新的原则,教学过程中,教师必须将传统文化和现代科技相结合,使传统文化具有现代气息。传统文化与时代结合可以有效促进传统艺术文化的长远发展。 结语 我国传统文化在文化中占有十分重要的地位,得到了广泛的认可,产生了较大的影响。然而,随着现代文化的兴起,传统文化遭受冲击,其文化地位也受到影响。为使我国传统艺术文化得到传承与发展,必须加强传统文化教育,将传统文化渗入美术教育就是一个切实可行的办法。在美术教育传统文化教学中,教师可以组织民间工艺大师教授学生民间工艺品的制作方法,提升学生的学习兴趣。此外,在教学过程中,教师还应注意将传统艺术与现代艺术相结合,坚持包容、选择的原则,从而增强学生对传统文化的重视,也更有利于传统文化之花在现代主流文化中绽放。 高中美术教育论文:谈高中美术教育的审美价值 如何培养学生的审美能力与创新能力已经成为每一名高中美术教师的优秀工作,也是帮助学生构建健康、正确的审美观最重要的部分。下面,笔者结合实际工作经验,对如何培养高中生的审美能力展开分析,希望能够给予广大高中美术教师一定的帮助。 一、培养高中生美术审美价值的重要意义 作为新课程改革环境下的一门重要学科,高中美术不仅为学生打开了认知世界的一扇新大门,也赋予了高中生一种发现美、认识美的能力,还塑造了高中生的个人品德修养与个人情操。在开展美术教学的过程中,教师不仅要激发学生的想象力,还要将美术课程的教学目标与高中生的心理特点有机融合起来,通过多元化的教学方式来激发学生的学习兴趣,最后帮助学生从认识美术逐渐过渡到爱上美术。 二、现阶段高中美术教育审美价值提升遇到的困难 1.一成不变的教学环境作为一门高中科目,美术对正处于成长期的高中生来说具有重要的影响。然而在现阶段的美术教学中,很多教师没有意识到这一点,他们仅仅是将书本上的内容照单全念,缺乏新意,忽略了学生审美意识的培养,这种教学无疑是失败的.新课程改革下的高中美术课堂必须是抒发学生个性的平台,在尊重每一名学生自身发展的同时,引导他们利用画笔描绘出有个性的风格画卷。如果教师只是单纯地要求学生掌握较高的绘画技巧,而忽略了学生的天性,那么他们的美术天赋终将完全丧失,这种局面与当今的美学教学理念是背道而驰的。2.美术课堂符号化在实际的美术教学实践中,很多高中生对于造型复杂的东西非常感兴趣,特别是恐龙、机器人、动漫人物等。但教师更多的是要求学生描摹一些图形、立体模型。那些静止的物体无法吸引学生的注意,这很大程度上无法激发学生的兴趣。倘若美术教师没有尊重高中生的认知特点,那么培养他们的美术审美价值将是无稽之谈。为了避免这种情况的出现,美术教师必须转变教学思想,寻找全新的授课方式与授课渠道。 三、实现高中美术教育审美价值的策略 1.从高中生的兴趣与需求出发培养高中生的美术审美价值,最简单的做法便是教师以学生的角度为切入点。高中美术教师应因材施教,给予每名学生最正确的引导方式,进而更加深入地去挖掘美术的价值。久而久之,学生才能在潜移默化的引导下形成对美的欣赏与鉴赏能力。2.充分利用教学资源新课程改革背景下的美术教学的教具与模型是多元化的,然而这种多元化的模型无法让高中生充分地感知物体自身的样式,导致高中生无法主动发现其中的美感。这就需要高中美术教师运用多媒体工具,来展示自然之美。如在教学如何绘画动物的时候,美术教师可以通过播放《人与自然》的视频让学生对所要绘画的动物产生立体感受。只有这样,学生才能够在掌握基础知识的前提下,通过发挥想象力来感受绘画对象的美感。从这个角度来看,教师可以认为,高中生的美术审美价值认知,在很大程度上是对个人世界观与自然观的一种反馈。 四、结论 综上所述,对于高中生美术审美价值的培养,教师不仅要将目光放在课堂上,还要将生活作为发现美的重要来源。在实际的教学实践中,每一名高中教师都要重点培养学生的审美能力,在理解好、临摹好、创作好美术作品的同时,引导学生形成正确的审美价值观,这也是新课程改革对美术教学提出的要求。另外,每一名高中美术教师还应在肯定学生的基础上,鼓励学生尽可能地表达出其内心感受与想法,以此形成独具特色的审美价值观。 作者:吴仁荷 高中美术教育论文:高中美术教育问题及对策 【摘要】随着自1997年国家教委颁布的《全日制普通高级中学艺术欣赏教学大纲》,美术课正式进入普通高中课程体系。高中的美术教育是一种育人与传递美术文化结合起来的实践,依据新课改的要求,激发学生兴趣,营造轻松地学习氛围,高中美术教育隶属重要的人文教育。在新课改的推动下部分地区的高中美术教育得到显著的成绩,从无到有、从弱到强、不断进步,得到相关领导的重视。但是,就目前教育形势来看,高中的美术教育仍然存在很多问题。本文主要研究当下美术教育所存在的问题以及针对出现的问题所采取的对策。 【关键词】高中;美术教育;问题;决策 伴随着新课改的实施与各相关领导的重视,教育部门对高中美术教学提高了要求,然而,就目前高中美术教学情况来看,理论与实践存在着一定的矛盾。高中的学生面临着高考的巨大压力,一方面想通过学习美术这门课程开拓思维,另一方面希望能取得优异的成绩考入自己理想的大学。因此,高中美术教育应当引起足够的重视,教师应当合理的将美术教学与其他学科的教学联系到一起,避免头重脚轻的现象。 1.高中美术教育现状浅析 1.1对美术教学重视度不高 由于受国内长期应试教育的影响,高中教学中的美术课程往往被忽视,课堂教学的重视度远远低于其他学科,领导的不重视也严重打击美术老师的积极性,导致有些美术老师和学生认为美术课程可有可无,不能给与美术课应有的重视。尽管近几年由于新课改的实施,各大高校提高了对学生的素质教育,较之前对高中美术教育有所重视,加强了全面发展学生能力的力度,但是根深蒂固的传统教学理念仍然在当下的美术教学中蔓延,传统的教学理念仍被多数高校应用在当下的美术教学中,并没有完全摆脱。诸多的老师和同学存在敷衍了事的心理,并没有真正意识到高中美术教育的重要性,因此导致美术教学的质量不高,效果不理想,不能起到美术教学的真正作用。 1.2美术学习中教学目标不明确 即便是面对新课改提出的美术教学的新要求,各大高校的任课教师在进行美术教学的时候受传统教学理念的影响也不能对高中美术教学进行准确的方向定位,从其自身来讲并不能正确的认识到高中美术教育对学生全面发展的重要性。据有关调查显示,多数学校在高中美术课堂上设置更多的与美术教学实际无关的内容,占有有限的课上时间不说,也不能让学生更好的掌握优秀内容,导致课堂上出现学生学得多会得少的现象。探究其根源所在就是因为在高中美术教育中教学目标不明确,教学定位不明朗。因此,任课教师应当深刻的认识到自己的职责所在,清醒地意识到其主要任务是通过美术的教育来开拓学生的思维而并非仅仅让学生掌握绘画技巧。要通过对美术的学习来促进学生们综合能力的发展。 1.3高中生无力学习美术 虽然国内的高考模式得到很大的完善并且较之前来讲有了很大的提升,但是仍然受传统的教学理念影响,一些旧的方法依旧被采用,例如“一考定终身”的思想观念依然影响着当代考生及其家长。为了迎接每年六月份的人生第一大考,多数学生放弃休闲娱乐的时间,为了高考中取得优异成绩,拼了命的努力,把主要精力放在主要科目上,对于美术学科,抱着无所谓的态度,认为学习美术的时间就是占用了其他学科的时间。所以面临高考的巨大压力对于不是美术专业跟不对美术感兴趣的考生们来说干脆将这门课程抛之脑后,兴趣是最好的老师,可是没有了兴趣何来积极,更该如何培养审美能力,培养考生们的情操呢? 2.针对美术教学中存在的问题采取的对策 2.1激发学生美术学习的兴趣 首先,美术教师要重视美术教育,要热爱美术教育工作!对学生要有爱,“疼爱自己的孩子是本能,热爱别人的孩子是神圣!”没有爱就没有教育!记得15届毕业生考上中央美术学院的兰歆微同学,她一上高一整天吵着要回家(从尤溪县考到三明市第九中学来的),这样她就没心思学习,我及时与她家长联系了解情况,发现是家长太宠爱她的原因,由于我上中学时也是远离家乡住宿在学校,我很理解她的感受,然后我在她学习生活多方面注意给予引导,后来她才能静心学习。其次,美术培养人的创新力,激发人的智慧,从而让人们感受到生活中的新希望并发现生活中的美。俗话说“兴趣是最好的老师”,兴趣对于每个人来讲能量都是巨大的,开发和培养学生们对美术学习的兴趣是美术教育得以成功的关键,调动学生的积极性,让学生在高中的美术学习中爱上美术,营造积极活跃的课堂教学环境,提高课堂效率。要知道学生的情感观、价值观、态度观对于美术的学习作用是非常大的,所以高中美术教师为了提高高中美术的教育质量就必须注重每名学生的三观培养,让学生从多方面感官美好事物所带来的美感,一年四季春夏秋冬皆有美好事物的存在,他们一直都在,只要你细心观察,耐心欣赏。这样通过改变高中美术课堂的教学模式来帮助学生缓解学习压力,解放传统思想,让学生充分认识到美术学习在日常生活中的重要性,能够让他们感受生活中的幸福,发现生活里的美好,并且通过高中美术的学习激发学生们的创新能力,提高全面素质。 2.2充分利用多媒体,活跃课堂氛围 摆脱单一的教学方法,在有限的教学时间内达到预期的教学效果,就得开发利用课内外资源。新课改实施以后,虽然各地区的部分学校采用不同版本的美术教材并且配备了电脑、投影仪等多媒体设备,但是有关调查结果显示,高中美术教师并不能很好地利用现有的多媒体设备,不能达到预期的教学效果。归根结底就是因为高中美术任课教师在多媒体应用方面不能发挥多媒体的优越性,仅仅是处于图片播放阶段,不能很好的调动学生的积极性。如若高中美术任课教师能够充分利用多媒体教学,发挥多媒体本身的优越性,课上为学生们搜寻美术资源,课下组织学生们参观,丰富高中的视野,提升审美感的同时激发学生对美术学习兴趣。又比如课上老师在讲冷暖色一节时,可以将颜色的填充和转化通过多媒体来给学生演示,让学生自己感知冷暖色调,通过多媒体展示的图片、音乐、色彩等,可以让学生在愉快的环境下学到知识,这样既增加了师生间的互动,又提高了学生的积极性,达到预期的教学效果。 2.3丰富课堂内容,拓宽知识面 众所周知,高中美术课程的课时少之又少,事实上充足的教学时间是确保高中美术教学质量的基础,这就要求每位美术教师以积极开放的眼光,灵活的运用课内外资源,不断地丰富教学内容,活跃课堂气氛。高中美术教师要在课本教材的基础上尽自己所能搜集各种生动有效的高中美术教材,丰富课堂内容,拓宽美术课堂的知识面,增强学生的美术学习兴趣。我的做法是除了校内课堂外,经常带学生外出风景写生,看是很普通的风景,但画出来却很美。同时在自然界可拓宽知识面。3.结束语在新课改的背景下,高中的美术教育模式应当做出相应的改变。一方面教育部门加大对高中美术教学的注重,进一步加大发展高中美术教育的脚步,加大宣传力度;另一方面相关的工作人员例如老师,应当客观地认识到高中美术教学中所存在的问题,尽自己所能丰富教学内容,拓宽知识面,提高高中美术教学质量,促进美术教育事业的发展,提高中学生的美术素质,让学生“会学习”、“懂学习”,最终使美术教学效果全面提升。 作者:詹学彬 单位:福建省三明市第九中学 高中美术教育论文:创造性教育对高中美术教育的作用 【摘要】美术是一门视觉艺术,通过学习美术能够提高人的审美能力,陶冶情操。美术作为高中教育的一门必修课,就目前来讲还是存在着一定的缺点与不足。因此,本文对高中美术教育的现状进行了浅析,并分析了创造性教育在高中美术教育中的作用。 【关键词】创造性教育;高中美术教育;作用探析 引言 随着素质教育的不断发展,培养全面型人才是当前教育的重要任务。高中美术教育,能够培养学生的审美能力与艺术水平,促进学生思想情操的发展,同时还可以提高学生的创造能力与实践能力,激发学生的创造性,因此,在高中美术教育过程中运用创造性教育模式,不断提高学生综合素质的发展。 一、高中美术教育的现状 (一)教学观念传统 在长期应试教育模式的影响下,对于像美术这样的学科老师没有起到足够的重视,学生面对高考的压力,况且美术不作为高考考试科目,所以老师与学生对于美术的学习都非常的忽视。为了应付高考,所以学生需要花大量的时间去学习数理化等文化科目,并且许多学校虽然在课程表上安排了美术课程,但是由于学生与老师的忽视,所以就把美术课安排给其他科,只是为了应付课程标准的要求,但是实际情况却不容乐观,使美术课的优势得到极大的浪费。 (二)教学方法单一 虽然新课程标准不断发展与进步,教学方法也不断的在更新,但是由于对美术教育的忽视,许多老师依然采用传统的教学方法,这样就会使本来学习美术兴趣不高的同变得更加讨厌美术课堂。对于目前许多美术课堂,老师大部分都是照本宣科,就是有一些辅助教学工具,也不会去重视的使用,发挥不出其最大的作用,另外,老师与学生都缺乏一些专业的绘画工具,在学术进行绘画的过程中不能很好的发挥自己的想象力,从而使美术教学变得枯燥无味,这样既不利于学生创造力的开发,同时还影响学生德、智、体、美的全面发展,不利于美术教育事业的进步。 (三)师资力量匮乏 教师是教学过程中的关键人物,教师是学生的指导者和引路人,在教学的过程中,如果老师具有优秀的教学方法和能够吸引学生的教学内容,这将会使高中美术教学变得更加简单。然而,在目前高中美术教育中,美术教师的数量与质量根本无法达到素质教育的要求,无法完成高中美术教学目标。由于传统观念的影响,学校对于美术教育也没有起到足够的重视,所以在对美术老师进行选拔的时候没有严格的要求,只是为了应付素质教育的要求,因此,由于老师的教学水平存在着差异,所以在美术教学过程中,有点教师可以有效的激发学生美术创作力,但是有些老师远远达不到创造性教育的水平,影响学生全面发展。 二、创造性教育在高中美术教育中的作用 (一)引导学生自主学习美术 引导学生学会自主学习才是真正的教育,在美术教学过程中老师不能总是像传统课堂一样,主导教学地位,在高中美术的创造性教育中,老师要学会转变角色,不仅仅是要教会学生认识美,更重要的是要教会学生如何去发现美,开展创造性教育就可以提高学生的自主学习美术的能力,让学生不再像以前一样枯燥的学习美术,而是对美术学习充满了兴趣,在学习中不断发现乐趣,不断体验美术的美,让学生感到不再被知识支配,而是自己不断的去掌握新知识,不断的去发现美欣赏美。所以,老师应该将创造性教育的思想融入到高中美术教学中去,不仅要将书本上的知识传授给学生,还要敢于将创新理念引入到教学中去,让学生学习美术的知识范围不单单局限于课本,学会自主的进行创新性的美术学习。从而更好的提高美术成绩,更好的让学生去发现美欣赏美,提高学生自主学习美术的能力。 (二)能够激发学生创新意识 创造性教育,顾名思义就是在传统教育的模式下加入创新,它以传统教育为基础但同时又高于传统教育。在高中美术教学中开展创新性教育可以提高学生潜在的创新能力,发展学生的创造性思维,要开展创新性教育,那么在实际高中美术教学过程中老师不能只是一昧的高高在上,使得课堂氛围严肃拘泥,不敢将自己内心真实的想法表现出来,这就要求老师在应用创新性教育进行教学时,要融入到学生的中间去,多和学生进行沟通交流,创造轻松和谐的学习环境,让学生能够大胆的表达自己的想法,激发出学生的创新意识,培养学生的创造能力,能够让学生去探索新知识,充分发挥自己的才能。所以,通过创新性教育模式,能够有效的激发学生的创新意识,促进学生创作能力不断发展,使学生综合素质得到有效的提高。 (三)可以促进师生之间交流 在长期的传统教育模式下,大部分课堂时间都是老师一个人在照本宣科,根本没有很好的与学生进行沟通交流,以自我为中心,对学生采用灌输式教学方法,没有结合学生的实际情况来教学,使学生处于被动的学习状态,同时使学生的观点不能及时的表达出来,师生之间缺少互动。通过运用创造性教育模式,老师运用启发式教学方法,引导学生积极去思考,大胆的发散自己的思维,以学生的发展为主体,使师生之间得到有效的交流,引导学生去创新学习,不断的去探索美术知识中的奥妙,而不是局限于教材内容上的学习。因此,创新性教育可以使师生之间交流变得频繁,不仅能够促进师生之间情感的交流,还能够摆脱学生自卑的心理,使学生完全融入到美术教学大环境之中,为以后的发展奠定基础。 结语 综上所述,随着素质教育的不断发展,美术教学在高中受到愈来愈多的重视,培养学生的审美能力与陶冶学生的情操起着关键的作用,然而,在目前的高中美术教学中,依然存在着一些问题,制约着美术教育事业在高中教育中的发展,影响学生综合素质的培养,所以说,我们应该不断的努力,不断的提高教学水平,运用创造性教育模式,使高中美术教育更上一个台阶。 作者:刘阳光 单位:福建省福安市第二中学 高中美术教育论文:审美教育在高中美术教育的意义 引言 在过去的传统教育模式下,高中的美术教育没有受到一定的重视。而且在进行高中美术教育的过程中,仅仅是注重对于其绘画技巧的训练和提高,但是对于学生鉴赏美术作品以及生活化审美的能力没有进行刻意的培养。这种教学过程在一定程度上使学生的美术综合素质得不到有效的提升。随着新时期教育改革的到来,人们也越来越注意到审美教育对于高中生这个群体的教育价值,也对审美教育在人们日常生活和社会发展中起到的作用有了一定的认识。因此,我们应该将审美教育作为高中美术教育的一个重要部分来抓,以体现它在高中美术教育中的重要意义。 一、我国高中美术教学的现状分析 在当前我国的高中教育教学模式中,人们对于美术教学没有一个正确的认识,还存在着一定的认知偏差。一些非美术生的课程安排上,美术课没有得到相当的重视。在现阶段我国的高中美术课程的调查情况来看,不仅老师对于美术课程存在一定的偏见,大部分学生也对于美术课程的重要意义认识不到位。在这种情况下,学生只注重应试学科的教学将会对学生的综合素质的提高造成一定的阻碍。尤其是高中生处在人生观世界观形成的重要阶段,在审美方面的意识也处于萌芽状态。仅仅靠片面的对于审美方面的认识势必会影响学生审美意识的提高,同时也会遏制学生创新能力和创新意识的萌发。这种情况需要教育工作进行一定反思并采取相应的措施加以纠正。 二、审美教育在高中美术教育中的重要意义 (一)可以完善高中生的审美认知心理 审美教育的在高中美术课堂中的应用,可以提高学生对于美这一概念的认识。人生来可以对一些美好或丑陋的现象进行鉴定,但需要通过教育才能真正的系统化的进行一定审美活动。审美教育可以很好的帮助学生补充审美方面的常识,使学生的审美认知心理更加的完善。对于一些丑陋的现象也可以有一定的清醒认识。例如,一些高中生为了追求所谓的叛逆、个性,以一些奇装异服来标榜自己的与众不同,分不清美丑究竟为何物。而高中的审美教育可以帮助学生完善他们对美的认知,从而更好的鉴别何为真正的美。 (二)可以陶冶学生对于美术方面的审美情感 高中生处在一个特殊的年龄阶段,对于一切新鲜的事物都有着良好的接受能力。在高中美术教育中实行审美教育,可以使高中生更好的接受一定的审美情感的陶冶,使他们在成长过程中可以受到美的熏陶,从而拒绝一些低俗丑陋的社会现象。在美术教学的审美过程中,高中生可以从优美的艺术作品中获得丰富的艺术体验,对高中性格的净化、性情的培养都有着良好的熏陶作用。审美教学可以使高中生心情舒畅,在感性和理性层面都得到一定的升华。 (三)可以提高学生的创造意识以及创新思维 与高中巨大的学习压力不同,美术课的审美教育具有一定的自主性。美术审美活动不是对知识的简单重复记忆,也不是对思维技巧的反复磨练。它不要求学生有着固定的严密的逻辑思维,而强调性灵的舒畅和创意的发挥。优秀美术作品在创作的过程中必然结合着作者独立的创作意识,高中生在美术作品的鉴赏过程中,可以在美的熏陶下放飞自己的心灵和思绪,使之暂时摆脱应试的巨大压力,从而促进其创新思维的产生。这对于高中生综合素质的提高有着良好的促进作用。 (四)可以提高高中生的艺术人文底蕴 美术课程的开办使得学生综合素质可以得到有效的提高,因为其具有一般的高中课程不具备的优势。对高中生进行美术方面的审美教育,可以使他们接触到古今中外优秀的艺术作品,开阔他们的艺术视野,使他们在欣赏过程中有所领悟。通过老师的讲解和指点,使之对作品有一定的认识,并理解创作者的创作初衷。美术作品中蕴含的精神将在无形中熏陶学生,增强他们的人文艺术底蕴。底蕴的增加也将会对学生的其他学科产生一定的影响,这一点尤其体现在在文科一类的创造性科目上。 三、加强高中美术教育中审美教育的方法 (一)革新高中美术教学模式丰富审美教学内容 在目前,我国的高中美术教学的模式过于陈旧,不能够适应新时期教育改革的需要。对此,我们应该对高中的美术教学情况进行一定的改善,摒弃形式化的美术教学模式,开展以提高学生审美水平为目标的新型高中美术教学活动。并针对教学内容过于狭窄的问题,对学生实施丰富多样的美术审美教学活动。不仅仅包括绘画作品的鉴赏,还包括摄影、建筑、雕塑、书法作品的鉴赏,开阔学生的视野,全面提高他们的审美水平。并且也可以为学生提供一些现代艺术方面的知识,使学生的审美能力得到全方位的提高。 (二)向学生传授一定的审美方法,提高学生的自主审美水平 提高学生的审美水平,不在于引领他们去鉴赏某一美术作品,而应在鉴赏过程中教会他们审美的具体方法,使之形成自己的审美意趣和审美意识,构建自己的审美标准。这也是高中美术教学中“授人以鱼,不如授人以渔”的道理所在。教师在教授学生审美方法时,要通过每次的审美实践活动,来进行一定的审美常识的传授,使学生每次都能够积累到一定的审美内容。通过知识的传授和作品特征以及意象的讲解,使学生在学会鉴赏某一幅作品时,学会鉴赏此类作品的统一方法。积少成多,渐渐学生可以做到举一反三,可以独立的对一般的美术作品进行鉴赏。其次,要注重学生之间的审美交流,使学生经常性的交换自己的想法,取长补短,才能更有利于学生审美能力的提高。 四、结语 高中生的美术教育对于学生综合素质的发展有着重要的意义,而针对高中生的审美教育活动在高中美术教学中占有比较重要的作用。我们应该在传统的高中审美教育的基础上,以素质教育为目标,改善高中美术课堂中的审美教育情况,培养学生在高中阶段应具备的审美能力。 作者:温帅 单位:辛集市职教中心 高中美术教育论文:高中美术教育现状及策略 美术教育是丰富学生课堂的重要科目,也是素质教育的要求,中小学课堂中对美术教育的不重视也几乎成为了一个公开的秘密。尤其是到了高中,面临严峻的高考,为了美好的大学梦,多数学生为了提高文化课而不停努力。加上外界环境的渲染,父母和教师的期望,使得学生即使有学美术的愿望,也未敢提及,反而隐藏在心里。本文探究当前高中美术教育的现状,并提出解决策略,愿与同行相互探讨学习。 我国推行新课改已经有段时间,新课改在倡导素质教育的同时,却没有把社会上对应试教育的热情减退,反而,家长对孩子的成绩越发关心,而忽视了孩子其他方面的才华。作为素质教育的有机组成部分,美术教育的特殊性是其他学科不能比拟的,从某种程度上讲,其能够锻炼学生的情商和审美能力。可是眼下的高中美术教育,却可有可无,有的主科教师甚至会占用美术课的时间,而美术教师也只能感慨,因为不参加高考,但是仍然本着要为孩子的高考负责的态度去谦让,出现这样的情况实在是美术教育的遗憾。 一、浅谈当前高中美术教育的弊端 新课改的素质教育要求美术教育作为一种人文教育去提高学生的德育水平,可是实际教学中所遇问题仍是多数,各式各样的问题也是当前美术教育应亟需解决的。 (一)高中美术教师师资问题 高中美术教师在外人看来是个清闲的职业,一周也没有多少课,而且也没有什么教学压力,实在是令人羡慕,可是真实情况是这样吗?很多高中美术教师倒是想简简单单的从事自己的专业教学,可是学校有自己的安排,校方也是认为高中美术不在高考范围之内,所以给美术教师也安排了其他工作。有的去协助管理图书馆,有的被安排了行政工作,好像美术教师此时成了万能的,哪里需要,哪里就有他们的身影,压根没有时间去安心备课,没有好的备课,也自然使课堂气氛沉闷,没有活力,原本陶冶学生情操的课程,也使学生对其丧失了仅有的一点兴趣,从而致使教师没精力教好,学生没兴趣学的恶性循环。 (二)高中美术教学课时不足问题 大家都有同感,高中美术教育课程安排的太少,根本没有时间去细细的讲解给学生,让其真正喜欢美术,挖掘部分学生的潜能。新课改确实要求美术课程要有对应的时间,可是受应试教育的影响,实际情况与之发差较大。理论上的一周一节美术课已经不算多,可是就连这一节美术课,有时候也成了一种奢侈,学生有时候就是想学,也没有这样的机会,加之大家普遍认为与之浪费时间学习不懂的、无聊的、没用的美术课,还不如把这样的时间挪用给语数英或者理化生之类的学科。即使教师讲,学生也未必在这门课上下功夫,这都是恶性循环的结果。没有充分的时间做保证,也就无法细致的铺开美术教育的工作,基础工作做不好,也就谈不上循序渐进,引导不了学生对其的兴趣。 (三)高中美术课程“华而不实” 高中美术课通常的教学模式偏向于赏析,比如让学生对一些名人绘画,著名的建筑,或者是雕塑之类的工艺品去鉴赏,上述也说了,基础的课程都没教好,学生何来的鉴赏能力?所以,这就又是矛盾,断断续续的教学,没有连贯性,更没有艺术性可言,学生今天这个还没弄明白,再学下个课程的时候又是猴年马月了,至于赏析名人作品,更是无稽之谈。另外,高中美术教育欠缺实践,原本繁重的课程就如大山一样压在学生头上,令其也没有心思去研究美术,连学习、了解美术的时间都没有,也就谈不上去实践,审美能力自然也就提高不了。 二、针对高中美术教育的解决策略 (一)教师队伍要强大 所谓名师出高徒,学校一方面应该多招聘一些有能力,有见解的高中美术教师,因为只有好的带头人,学生学习起来美术才更有兴趣。另一方面,学校不应该再派给美术教师额外的一些“琐碎的活”,好钢要用在刀刃上,要给美术教师创造一个好的教学环境,要努力为其创造条件,而不是一个劲的遏制。 (二)给足美术课程的时间 高中美术教育虽然不在高考范围里,但是其作用不是眼下就可以看到的,好的审美能力,好的德育素质是在以后甚至是工作的时候才会显露出绝对优势,而这些可不是一时半会就可以补救回来的。学校要做好带头工作,校领导要重视美术教育所带来的益处,给够课程时间,让美术教师可以大显身手,这样才能让美术课程顺利进行。 (三)高中美术教育应强化学生的实践能力 再好的理论脱离了实践也是毫无意义,高中美术教育也应该多指导学生参加到实践活动中去,比如教师可以组织学生一起参观名胜古迹,一起去看画展,再了还可以一起去野外写生,此外,教师可以让学生为某些广告或者是设计,去发挥自己的想象能力,尝试性的去做一些创作和创新,以此让学生领略美术的魅力。 作者:金业明 单位:江西省会昌中学 高中美术教育论文:高中美术教育存在的问题及改进方法 美术不仅能够陶冶学生的情操,提升学生的审美情趣,还能够激发学生的想象力,培养学生的创新精神,提高学生的创造力和实践力。同时,美术还具有传承文化艺术、弘扬人文精神、缓解压力、促进学生身心健康发展等功能。鉴于以上美术的重要作用,提高美术教育的实效性便显得尤为重要。然而现实不容乐观,就目前高中美术教育的现状而言,正视现存问题并寻求相应的解决途径已成为当务之急。 一、浅析我国高中美术教育的现状及存在问题 1.对美术教育的重要性缺乏清醒的认识 受传统应试教育体制的影响,美术作为一门“副科”,往往不能引起学生足够的重视。加之,在升学压力下,大部分学校仍然把升学率作为衡量教学质量的唯一标准,对于参加普通高考的学生而言,美术往往被“遗弃”,不得不给主科“让路”,在这种情况下,学生几周都难得上到一节美术课,部分学校甚至不开设美术课,这使得学生对于美术的重要性缺乏清醒地认识。另外,对于参加美术类艺术高考的考生而言,美术却是“绝对的主科”。因此,为了在高考中赢得一席之地,这类学生投入大量的时间与精力,甚至进行高强度地训练与练习。需要指出的是,不论是普通高考生的“不学”,还是美术类艺术考生的“猛学”,这都是不正常的现象,它使得美术原本的教育价值丧失殆尽,而成为一种阻挡高考成功的“绊脚石”或取得高考胜利的“工具”。 2.美术教育的教学方法陈旧、单一,缺乏创新 创新是教育活动的不竭动力,无论是对于参加普通学生还是对于美术类艺术考生而言,创新的教学方法都同样重要。在传统的美术教学中,教师的教学方法陈旧、单一,美术教学的方式方法与其他学科一样,均采用“老师讲、学生听”的“填鸭式”学习,这种教学模式能够强制学生很快地进入教学情境,却无法发挥学生的主观能动性,体现学生的主体地位,难以激发学生美术学习的兴趣、无法培养学生的审美能力与创造能力。 3.缺乏完善的美术教育评价机制 主要体现在以下两个方面:第一,教师的评价方式单一。在对高中美术教师进行考核的时候,没有一个统一的标准,使得教师的考核难以体现科学性、客观性、完备性和可行性。在部分高中,甚至没有专门针对教师的考核机制,往往要求教师只要完成教学任务“就行了”,在这种情况下要实现美术教育的教育目标,提高美术教育的实效性,显然是不可能的。第二,在学生的评价机制方面,也显得十分无力,对于学生的考核,也只是教师拟定题目,学生在规定的时间内完成绘画,教师再根据此作品,根据高考的标准给出学生分数,用该作品的分数来作为学生学习情况的判断标准,这样的评价模式不利于学生个性的发展和成长。 二、简述高中美术教育的改进方法 1.摒弃美术教育的功利性,高度重视美术的教育功能 面对纷繁复杂、日新月异的社会,新时代下的高中生难免浮躁。因此,学校在教育学生的时候应“摆正心态”,不能为了追求“升学率”来违背学生的意志,扼杀学生的个性,更不能在升学的压力下,无视教育政策及教育规律,采取各种“极端”或“不择手段”的教育形式,而是应摆正心态,尊重学生的兴趣爱好及个性发展,清醒的意识到美术的重要作用和教育功能,深知高中美术也是素质教育得以顺利实施的重要抓手。同时,摒弃美术教育的功利性,使得美术教学有效地提升学生的审美能力,帮助学生形成积极、健康的心理情趣,美化学生内在的人格品质和外在的行为品质,从而让学生在瞬息万变的社会中保持自己的个性,提升自身的修养,从而为社会的文明进步贡献自己的力量,进而使得美术教育发挥其原本的功能、体现自身原有的现实价值。 2.创新教学方法,激发学习兴趣,丰富学生的美术学习 科学的调查数据显示,高中美术教育实效性差的根本原因在于,在学生及老师的思维定势里,美术与英语、数学、语文相比仍然是一门“副科”,甚至部分学生认为美术课上不上都无所谓,加之传统美术教育的教学方法难以激发学生的学习兴趣。鉴于以上现状,教师在实际教学中应以身作则,从自身做起,首先摆正教学态度,消除自身头脑中的“主、副科”概念,并对学生进行积极的引导,使学生意识到美术学习的重要性和必要性;其次,教师应改变以高考内容来拟定教学计划、选择教学内容的传统,在教学中根据学生美术学习的特点,来选择合适的教学内容和恰当的教学方法。同时,还应与时俱进地更新自己美术教学的方式方法,用创新的教学方法,让学生感觉到耳目一新,从而有效激发他们美术学习的兴趣与热情,让学生主动地参与到教学中,从而体现学生课堂的主体性;最后,教师在教学中还应坚持“生本教育”的原则,注重学生个性的发展,体现教育的人文性。 3.建立多元化的美术教育评价机制 大量教学实践表明,多元化的评价标准,可以客观、真实的反映出教师美术教学的教学能力和学生美术学习的学习水平。这就要求对现行单一的评价方式进行改革,从而建立相对统一、完善、客观、科学、多元的评价机制,不再根据工作量的完成情况和升学率的高低来评价教师教学的好坏,也不再根据学生期末的美术分数来对学生的学习态度、学习水平做出判断。 三、结语 在实际美术教育教学中,我们应正视现存的问题、正视自己的不足与缺陷,这样才能总结经验与教训,努力探索,进而寻求相关的改进措施。在此过程中教师应发挥自身教育的主力军作用,摆正教学态度,杜绝教学的功利性。同时,还应积极地引导学生,让学生充分地意识到美术的重要性,从而激发学生美术学习的兴趣,进而全面地发挥美术教育的现实作用,为培养复合型人才贡献力量。 作者:金戈 单位:永丰中学
小学美术高效课堂论文篇1 学生在小学美术课堂当中展开学习,这与学生在其他课上进行“知识积累-理解应用”的学习过程有所不同,而是要进行“感悟体会-准确表达”的学习过程,对此,在展开具体的教学时,教师应该将本学科的优势进行充分的发挥,促使学生的主观能动性能够充分得到调动,以便于学生能够最大限度地发挥自身的形象思维能力,促使学生能够逐步地提高美术能力。 一、通过观察式教学法培养学生的审美意识 a人们总说要追寻美,但是美好的事物其实一直都存在于人们的身边,人们追求美的过程实际上是在寻找发现美的眼睛,针对此,在展开具体的教学时,教师就应该对学生的观察能力展开锻炼,促使学生能够通过观察周边事物,来使得自身发现美的能力逐步得到提升,进一步的使得学生逐步的养成审美意识【1】。例如,在引导学生对“手印、指印变变变”这一部分内容进行教学时,教师就可以将学生分为若干小组,随后,每个人都需要对自己的手指展开观察,并说出手指所具有的特点,诸如形态、颜色,或者是不同于他人的独特之处,这样能够更便于学生充分的了解手的外形,学生还能够对手能做的事情展开描述,以及手对学习以及生活的重要意义,促使学生的创作情感能够逐步得到加深。最后,教师可以引导学生对幻灯机进行使用,从而将各种形态的手影展示出来,通过丰富的动态变化,使得学生的创新意识充分得以激发。在此过程当中,学生通过不同视角来详细的了解同一事物,促使学生能够全新认识到所熟悉的事物,以便于学生发现美的能力能够逐步得到提高。其实生活当中并不缺少美,而是缺乏发现美的眼睛,人们对于身边熟悉的事物总是关注较少,教师通过对学生的观察能力展开培养,促使学生能够对所有物品保持认真的态度,并通过变换观察角度,来将生活当中隐藏的美挖掘出来,进一步的使得学生的审美意识充分的以培养。因此,学生通过挖掘实际生活当中所存在的美,便于学生对大量形象感受展开积攒,这会更便于学生今后的创作。 二、通过多媒体教学法促使学生展开丰富联想 要想使得高效的美术课堂充分得到构建,此时,在具体的教学过程当中,教师就应该对多媒体技术的优势进行充分的利用,进一步地来对教学环节展开设计,促使学生能够在多重感官的刺激之下,使得学生对于本学科的学习兴趣逐步得到建立,从而在最大限度上使得学生展开思维发散运动,促使学生的创新性美术思维充分得到建立【2】。例如,在引导学生对“我是一只小小鸟”这一部分内容进行教学时,由于鸟有不同的种类,为了使得学生能够对不同形态以及不同颜色的鸟进行认识,此时,教师就可以将众多鸟的图片在多媒体上为学生进行播放,随后,教师再对学生进行提问:“同学们,我们看过了多种鸟的图片,那么,谁能够说出鸟的共同点都有哪些?”此时,学生便会将答案立即给到学生,有的学生说:“鸟的身体呈流线型,并且身体被覆羽毛。”还有的学生说:“小鸟两边的翅膀都一样”针对学生的回答,教师对学生进行表扬,并说:“是的,这名学生观察得很仔细。”同时,马上对其做出解释:“小鸟左右两边的翅膀是对称图形,并且可以将中间的身体作为对称轴,现在我们将这两片翅膀合起来,就能够了解了。”教师将此图片在多媒体上为学生进行呈现,能够更便于学生对轴对称图形的含义有所了解,促使学生能够对鸟的相关作品创作要领进行掌握,进一步地通过各种类型的小鸟图片,能够使得学生的想象力充分得以激发,促使作品的趣味性逐步得到加强。通过多媒体展开教学,还能够将强烈的感官带给学生,促使学生对所描绘的物体展开全面的了解,同时通过大量的想象,以便于高质量的美术作品能够得以创作,这能够在最大限度上提升整体的美术教学效果。 三、通过情境教学法激发学生的真情实感 任何一件艺术作品都与创作者的真情实感是分不开的,没有情感表达的作品并不完整。因此,在展开具体的教学时,教师就应该引导学生在特定的情境当中展开美术创作,促使学生的情感能够充分得到激发,并将其注入作品当中,以便于有灵魂、有血、有肉的作品能够得以呈现。例如,在引导学生对“风筝”这一部分内容进行教学时,教师就可以将提前准备好的风筝拿到课堂当中,促使学生对其展开观看,此时,学生的注意力便都能够集中到课堂当中,等到学生在观看完毕过后,教师将空白的风筝发放给每个学生,促使学生能够在风筝上画上自己喜欢的画,同时,学生也能够根据自身想象力大胆地展开创作。等到学生在创作完毕过后,教师将学生的作品一一进行收集,并组织全班学生对他人的作品展开观看及其评分,教师要为获取分数最高的学生颁发相应的奖励,并对其他学生则是要给予鼓励,最后,教师组织学生到户外展开放风筝的环节,促使学生能够沉浸到此过程当中。因此,教师在展开具体的教学时,教师就应该注重对良好的教学情境展开创设,从而帮助学生顺利地提取自身情感,并将其在作品的创作过程当中充分得以运用,进一步的使得学生对于作品的情感共鸣能够逐步得到提升,同时,这也会更便于学生今后的学习。 四、结语 综上所述,以往的教师总是对文化课的教学更加地重视,而对于美术、音乐等科目有所忽视,这很不利于学生的全面发展,针对此,要想使得学生的综合素质逐步得到提升,此时,教师就应该对美术课堂的整个学习活动引起更加地重视,在展开教学的过程当中,教师就应该对整个教学环节展开精心的设计,并对各种教学手段展开利用,比如说,教师应该带领学生对周边事物展开观察,以此来使得学生的审美意识充分得到提升,教师还要对多媒体技术展开运用,促使学生能够展开丰富的联想,最后,教师还要展开情境教学,以便于学生的真情实感充分得以激发,促使学生能够积极主动地参与到课堂的创作过程当中,这样会更便于高效的美术课堂能够充分得到构建,从而帮助学生的审美意识逐步得到提升。 作者:王硕 小学美术高效课堂论文篇2 高效课堂是以最小的教学和学习投入使学生获得最大学习效益的课堂,当教师有了构建高效课堂的目标,才会不断吸收先进教育理念,学习现代化教学设备,制订完善的教育教学方案。多媒体背景下的高效课堂的构建,需要教师切实发挥自身的教育引导作用,积极制订创新授课方案,促使学生能够积极参与活动,感受美术学习的乐趣,从而全面提升课堂教学质量。 一、现阶段小学美术教学中出现的问题 (一)教学内容较为单一 教学内容的丰富与否,直接决定着学生的学习参与积极性是否高涨,精彩的教学内容能够点燃学生的美术兴趣,切实增强学生参与课堂的热情。但是纵观现阶段的小学美术课堂,我们可以看到,大部分教师只是把美术教学定义为教学生如何画画,这样的教学定义,很容易让课堂内容变得单一且枯燥。而事实上,小学美术教学涉及的领域十分广泛,除了指导学生绘画技巧,还可以引导学生鉴赏美术作品、培养学生审美能力,同时,还可以设置多样化实践活动,来陶冶学生情操、增强学生艺术素养。此外,还可以带领学生走出教室,,去用心感受自然之美、生活之美,并将生活中多样色彩通过画笔呈现出来,促使学生感受美术学习的乐趣。但是这些内容在现阶段美术教学活动中,都未能得到全面体现,所以常常致使课堂教学变得单一且沉闷。[1] (二)教学方式较为落后 运用什么样的教学方式进行授课活动,对学生的美术学习和教师的授课都有着极大的影响作用。纵观现阶段美术课堂活动,首要问题是教学内容单一,主要是教师依据教材,帮助学生掌握绘画技巧,这样的活动,在一定程度上也体现了教师教学方式的落后,从而导致出现教学方式落后这一问题。在当前课堂中,我们可以看到,部分教师仍保持着陈旧的教育理念、教学心态,并采用填鸭式的授课方法,对学生进行指导,整个课堂没有太多灵动的气息,师生间的互动性也不够强。然而美术学科本应该是灵活多彩的,如果整个过程未能使学生感到乐趣和放松,并产生积极参与的动力,将难以对学生产生吸引力。这一问题的出现,需要教师能够有所认识,并迅速捕捉到问题出现的原因,并运用灵活多样的教学方式,丰富授课活动。 (三)教师专业有待提升 专业素养的提升与发展,是教师高效开展教学活动的重要保障因素,要想增强小学美术教学活动的质量,需要学校积极建立组织一支专业的教师队伍。但是纵观现阶段美术教学活动,我们可以发现,教师整体水平还有待提升,部分教师并非美术专业毕业,在开展授课活动时,只是依据教材大纲进行机械式的传递,对于很多具体教学内容和教学工作的开展,了解还不够深入,容易在教学期间出现各种各样的问题。此外,还有部分教师对于先进教育理念、教学方式的吸收理解及运用力还有待提升,在课上,也疏于对先进教学设备进行灵活使用。这些问题的出现,会致使学生的美术学习活动效率大大降低,高效课堂的构建也会出现很多阻碍。[3] 二、多媒体背景下美术高效课堂构建的必要性 多媒体背景下的小学美术活动,变得更加丰富多彩,相较于传统美术授课而言,它有许多优越性。首先,多媒体能够将图像、声音和文字集于一体,给学生带来丰富的视听感受,在学习过程中,学生不光可以对文字理论进行把握,还可以充分调动自己的各个感官,感受美术学科的丰富多彩,从而有效点燃学习兴趣,促使学生能够切实增强对美术的热爱度。同时,将多媒体设备引入教学活动,还可以扩充学生的知识吸收途径,打破教学的时空限制,并能够通过使用教学设备,获取更多教学资源,可以是基于教材内容的延伸,也可以是新的补充。因为美术学习不仅仅要使学生学习和掌握绘画技能,在课堂活动中,还要通过引入丰富作品,帮助学生提升对审美的认知,不断积累审美经验,从而增强审美能力。比如在开展“中国美术作品中人物的情感表现”这部分内容的教学活动期间,教师可以灵活运用多媒体设备,引导学生观察《流民图》,在具体图像的引导下,可以促使学生切实调动自己的视觉能力,对画面内容有整体认知,只有使学生有了对相关图像的具体认知,才能够更好地跟随教师指导,完成以下问题的思考,比如:作品中的场景氛围如何?作品中人物身份、年龄、衣着、性别、道具等效果分析;作品中人物造型、肢体动作、五官描写和情感表达间有何关系?作品是如何通过人物情感来表达和解释作品主题的?这些问题都要基于学生对相关作品的认知和了解,而非空想,多媒体设备在课上的运用,则可以很好地起到辅助作用,促使学生深化理解。此外,运用多媒体设备开展美术教学活动,也是顺应时展的必然选择,是教育教学中不可逆的大趋势。[4] 三、多媒体背景下美术高效课堂的构建策略 (一)融合文本信息,提高学生审美认知 在多媒体背景下构建高质量的小学美术课堂,需要教师能够注重对学生审美能力的培养,在此过程中,教师可以引导学生全面了解教材中的图像信息,并通过文字形式加以呈现,从而切实提高学生对美术作品的认知。当学生在学习过程中,能够一点点积累对美术作品的了解,才能够不断形成完整的审美认知,进而全面提升美学素养。比如在学习“阳光下的世界”这部分内容时,在学习期间,教师可以为学生引入思考问题:莫奈为什么长期迷恋于阳光与色彩的表现?接着,教师可以引入与莫奈相关的美术作品,比如《麦草堆》,接着,教师通过文字,向学生介绍与作品相关的信息内容,比如:图画的创作背景、图像内容、光色变化等,将相关内容通过文本信息进行传递,可以有效提升学生对美的认知和感悟,同时全面增强学生的艺术素养,切实帮助学生增进对美的理解和把握,此外还可以增强师生互动效率,为高效课堂的构建与开展奠定坚实基础。 (二)运用教学视频,激发学生学习兴趣 兴趣是最好的老师,是促使学生开展美术学习的原动力,同时也是构建高效课堂的基础,在开展小学美术教学过程中,教师要注重对学生兴趣的激发,使其能够愿意配合教师,积极投入到学习中来。在传统小学美术教学期间,教师大多运用口头讲解,促使学生了解和学习美术知识,学生只能被动地听,很容易感到枯燥乏味。新媒体背景下的美术活动,教师可以引入丰富的教学视频,促使学生观看欣赏,通过视频,可以使学生的美术兴趣更加浓厚。以“拓印的魅力”这部分内容为例,教师要能够提前明确教学目标:促使学生了解版画的艺术特色,学习欣赏拓印版画的欣赏方法,掌握简单的拓印方法,并创作一幅纸版画。为了促使学生对“拓印”这一艺术形式有深入具体的了解,教师可以引入视频,促使学生通过观看视频,全面把握拓印的方法,并能够根据视频中的提示,进行拓印活动,从而有效激发学生参与学习的兴趣,这样的教学形式,能够发挥学生的主动性,要比教师一味地讲解更具趣味性。[5] (三)引入丰富资源,提升学生审美能力 高质量的美术课堂,力图使学生通过学习探究,获得更广泛的资源,切实丰富认知,增强综合素养。对此,在运用多媒体技术构建高效美术课堂过程中,教师可以依据教学主题及教材内容,搜集与之相关的图像资源,促使学生能够获得更多对美术资源的认知。美术课堂资源包括很多内容,可以是绘画名家的信息、名家作品信息,也可以是美术创造技巧等。以“外国美术作品中人物的情感表现”为例,在本课教学中,教师可以为学生引入“蒙娜丽莎”“希施金肖像”“意外归来”“伊凡雷帝杀子”等作品,促使学生通过欣赏不同层面的作品,比较不同人物表情的特征,来感受外国美术作品的艺术魅力。又如在学习“神州大地之旅”一课时,教师可以制定旅游路线,如:北京—西安—敦煌;黄山—漓江—九寨沟。接着,教师依据路线,为学生播放反映壮美的自然景观或古老辉煌的文化瑰宝的视频,促使学生能够通过美术学习,获取更加丰富的知识资源,从而有效提升自身美术审美能力。 (四)进行学科融合,营造趣味学习氛围 高效的美术课堂,还表现在能够具备良好的学习氛围,在一种轻松、愉快氛围下,引导学生进行学习探究,能够使其更好地感受到美术学习的乐趣,从而积极调动自主学习动力,切实增强参与课堂的热情和积极性。对此,在运用多媒体进行美术探究活动期间,教师可以将不同学科融合起来,并灵活使用教学方式,促使学生能够在美术学习中,切实增强参与美术活动的主动性。在学习“小桥、流水、森林”这部分内容时,教师可以引导学生欣赏小桥、流水、森林的美丽景色,并引入齐白石的国画《蛙声十里出山泉》,列维坦的油画《深渊》,在欣赏活动中,教师可以引入多样化音乐,促使美术和音乐学科能够有效融合起来,从而切实为小学美术课堂注入活力与生机,同时营造良好的学习氛围,使学生能够愉快地进行相关活动。无论是图像展示还是音乐播放,都会运用到现代化媒体技术,促使学生能够处于一个良好的氛围下,并切实达到构建高效美术课堂的目标。 (五)运用虚拟技术,构建现代化教学课堂 虚拟现实技术涉及了很多复杂的学科,它可以通过计算机来展现出形象逼真的三维立体效果画面。这一技术的研发,让更多的信息技术的成像出现了更多的可能性。这一技术在教育领域也被广泛运用,并受到了诸多学生和老师的喜爱,在多媒体背景下构建小学美术高效课堂过程中,教师可以充分运用虚拟技术,为学生提供良好的数字化学习氛围,使其能够根据教学主题,真正置身于一个丰富多彩的现实环境中,去感受和体会美术作品的三维立体成像效果。以“科幻故事中的艺术形象”这部分内容为例,教师可以运用VR技术,来打破时间和空间的限制,并真实地还原随光线变化的艺术形象的明暗关系,为美术学习创造更加直观、真实的感受。此外,VR技术还可以被运用到美术欣赏课中,为了激发学生学习兴趣,提升学生参与美术探究活动的积极性,教师可以为学生引入一些名家作者的艺术作品,比如梵高的《星空》,当学生们运用VR技术观看和欣赏美术作品,可以直观地感受到梵高笔下星空的奇幻色彩魅力,体会画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。 四、结束语 教无定法,贵在得法。综上所述,可以看到,在多媒体背景下构建高效小学美术课堂期间,教师要保持先进教育理念,充分运用多样化教学设备,并保持终身学习理念,不断完善教学策略,促使学生能够在一个宽松自由、趣味性强的氛围下感受美术学习的乐趣,并通过文本、图像、视频等多种形式,感受美术作品的美好,并在学习探究中,切实增强美术素养,发展自身艺术审美能力。 作者:麦伟莲 单位:广东省茂名市电白区第九小学 小学美术高效课堂论文篇3 一、树立生本教育理念,突出学生主体地位 在教学的过程中,教师始终坚持的思想就是教学理念,而教学理念也在一直支撑着学生进行相应的学习。但是在以往的教学过程中,由于应试教育的局限性,教师对于学生的教学往往更为重视学生的成绩,这就导致了学生在接受美术教育方面得到的心血远远少于其他主力学科。在教学的过程中,针对于小学教学,不能仅仅对学生进行知识灌输,小学生的特性决定了学生无法长时间在课堂上集中注意力,因此就会导致学生对于知识灌输产生厌烦感[1]。想要在小学阶段对学生进行良好的教育,首先需要对学生的情况进行相应的了解,尽量明确每一位学生的情况。在教学的过程中还需要注意与学生之间的交流与沟通,作为一项需要交流的学科,美术的教学中主要是学生向教师进行提问。而在日后的发展中,为了让学生能够更多的进行自我思考,教师需要尽量多地向学生提问,让学生沿着教师给出的思维来进行思考。这种教学方向的划定能够让学生在教师的引导下进行思考,同时也能让学生在思考中养成良好的学习思维。主要目的是帮助学生建立起充分的学习信心,让学生在日后的学习中始终能够坚持自己的想法。人云亦云对于学生的培养影响非常大,会影响学生在学习过程中的良好发展与表现。在未来的学习中,教师需要对不同层次的学生进行相应的关注,使用不同的教学方式来让学生得到充分的发展[2]。例如在进行美术教学的过程中,有些学生的美术天分以及基础较好,就能得到更好的绘画效果,而对于天分不好基础不牢固的学生来说,教师也需要进行相应的教育与关注。同时教师需要注意不能使用同一种要求来对学生进行相应的划分,划分的标准应该是根据学生的学习情况来进行。学习成绩更好的学生,教师应提出的要求更高,更严厉。而学习成绩一般的学生,教师在教学的过程中不应该急于成绩,而是注重对于学生自信心的培养。只有学生拥有了良好的自信,才能在小学美术的学习过程中拥有充足的学习兴趣。 二、利用教学资源提升教学效率 在小学美术的教学过程中,应该注重对于教学资源的利用,这里的教学资源不仅仅包括学校的教学资源。对于美术教学来说,教学资源还包括教师对于教学资源的开发与引导。教师对于课堂气氛以及课堂状况的构建,能够有效地帮助学生得到学习效率的提升。首先对于教室中的黑板报、公示栏等方面的资源可以进行相应的利用,对于学生的优秀美术作品进行相应的张贴与创造[3]。同时还要鼓励学生勇于向他人学习,通过优秀的作品来将自己的想法与思维进行相应的表述。例如在教学的过程中,针对于英雄人物的绘画属于小学美术教学中的一部分,这一部分内容教学主要目的在于锻炼学生对于人像的绘画能力,同时也能帮助学生对于英雄人物进行相应的认知与了解。而英雄人物雷锋,一直都属于我国传承已久的英雄人物,那么针对于英雄人物雷锋的人物绘画,就属于小学美术教学中较为重要的一部分。在此过程中,教师需要重视教学资源的利用,通过教学资源帮助学生对英雄人物雷锋有更好的了解。教师可以使用多媒体技术帮助学生对于雷锋进行相应的认识,例如影像资料等,这种多方面的教学不仅仅能够让学生对于英雄人物雷锋进行相应的了解,同时也能在脑海中对于英雄人物有更深层次的立体化构建。 三、创设丰富的教学情境,培养学生思维能力 在小学美术课堂的教学过程中,想要让学生得到更好的教学,就需要构建出良好的教学情境,让学生在教学情境中掌握良好的教学内容[4]。为了达成这一教学目标,教师可以引导学生进行教学情境的学习,通过教学情境的建立,来让学习更为深刻与透彻。同时,情境教学的出现,也让学生在学习的过程中,能够让学生得到思维能力的锻炼。而在对学生进行相应的教学中,还需要注意根据不同阶段来对学生进行独立思考的引导。在教学的过程中,还需要对于学生的意识进行相应的培养,生活情境的出现让教学内容得到了相应的展现与确立,学生与教材之间的距离通过生活情境这一教学方式而不断被拉近。在教学的过程中,学生的思考非常重要,美术属于一门需要进行自我思考的学科,只有学生能够进行自我思考,才能保证将所学的知识得到充分的运用。 四、灵活运用教学方法,激发学生学习兴趣 在教学的过程中,高效率的小学美术课堂需要教师使用多种方法来对课堂进行相应的改善与活跃,也就是说,需要教师将原本的思维进行相应的丰富与转变。通过对学生主观能动性的调动,来实现学生学习兴趣的提升,需要将课堂气氛进行相应的改善。在小学教学的过程中,学生由于初次接触美术,因此对于美术的表现能力以及学习能力都有着一定的不足。学生由于年龄的原因,在学习的过程中常常认为自己的能力不足,因此就丧失了表现自己的勇气。很多学生认为教师给予的固定答案要比自己探索知识来的更为容易也更为轻松,对于言论方面对自己进行了相应的限制。实际上这种心理在小学美术的教育中,对于学生的未来成长将产生一定负面影响,影响了学生对于美术知识的学习以及美术学习素质的养成。教师在教学的过程中,可以使用多媒体教学方法来对学生进行相应的教学。多媒体教学方式的出现让学生对于教学中的课堂气氛有了更好的感受力,同时多媒体教学技术多方面感官刺激的方式也能有效地帮助学生注意力集中在课堂中[6]。小学生由于年龄的原因,很难长时间注意力集中在课堂中。而教师在使用了多媒体技术后,学生的注意力将逐渐地集中于课堂上,教师在这时需要引导学生进行相应的思考,尽量帮助学生得到自己思考的时间。例如教师可以向学生进行提问,让学生在问题中进行限定范围的思考。而这种引导还应该集中在多媒体教学方向中,尽量根据多媒体教学课件内容来对学生进行引导。这种教学活动的开展能够让学生在学习中收获一定的乐趣,学生也就更为愿意展现出自己的个性了。对于学生的个性培养来说,主要的目的在于消除学生人云亦云的态度,让学生能够拥有自己的想法。在小学美术的教学过程中,想要让学生达到个人个性的养成,首先需要对学生进行课堂气氛的养成,其次就需要对学生教学过程中组织形式的提升,让学生能够在课堂中乐于表现自己的个人能力[7]。 五、转变学生学习方式 在教学的过程中,需要始终注意,学生是教学的主体,想要让学生在教学中的学习效率得到充分的提升,首先需要对学生的课堂主体地位进行承认。学生的主观能动性被激发后,学生的学习方式也会有一定程度的良性转变,进而影响学生的学习能力。想要让学生的学习方式进行相应的转变,教师需要给予学生足够的学习时间,在此学习时间中,学生进行独立的思考。无论是通过资料的查阅还是合作学习的方式,都能得出答案,这种得出的答案与教师教导的答案有着一定的不同,学生能够在这种学习方式中更为深入思考问题。独立的学习能够让学生有着良好的思维方式,而合作学习能够让学生的多方面思维得到进一步的完善。在生本理念的支持下,教师通过充分的引导与教育,学生的学习方式将发生一定的转变。而学生之间的学习小组分组也能让学习变得较为轻松。对于小学美术教学来说,合作学习方式对于学生的影响更在于能够帮助学生充分地产生欣赏美的感触,不仅仅是在绘画中创造美,更是在合作学习的过程中欣赏美[8]。 六、从实际绘画教学入手 帮在以往的教学观念中,美术这一学科并没有受到家长和教师的重视,实际教学过程仍然存在不足之处。在部分小学生的认知中,美术就是简单绘画,且部分美术教师认为小学生具备基础绘画能力就已足够。因此,在专业绘画技巧教学中,部分教师会选择粗略讲解,且在学生实际绘画的过程中,没有强调绘画技巧的应用,导致一些学生虽然会绘画,却缺乏专业素养,这不利于学生未来的发展。对此,小学美术教师应重视实际绘画教学流程,帮助学生提升绘画能力,带领他们在专业美术技巧的学习过程中深度体验美术特色。如,“水墨画——动物”这一课的教学依然属于美术中的造型表现,但教师的教学任务是帮助学生了解中国水墨画的主要特点,并在此基础上学会用点法画动物。首先,教师可以在课前为学生收集一些较为经典的动物水墨画作品,如齐白石的《虾》、徐悲鸿的《奔马图》等,同时要求学生提前准备好宣纸、毛笔、墨汁等材料和工具。在课堂正式教学开始前,教师可以先向学生展示相关的名家作品,而后为学生讲解这些作品的主要特点。随后,教师再安排学生进行实际绘画,在学生的绘画过程中,教师不必过于关注学生所画的意象,而应该将更多的精力放在观察学生如何运笔等专业技巧的应用上,从而及时纠正学生的错误。此外,由于部分学生会因为角度等问题难以全程仔细关注教师的绘画演示过程,因此,教师可以通过录制微课视频整合相关的技巧、概念和对应的技法演示过程,以此使学生更加清楚、快速地掌握技法应用的核心。 七、结束语 综合上文可以了解到,在学习的过程中,想要构建出良好的小学美术学习课堂,教师需要始终坚持对于以生为本的教育理念。在课堂教学的过程中,教师需要将学生的课堂主体地位突出,使用多媒体等技术来进行相应教学效率提升。在教学的过程中,情境教学模式也需要进行相应的普及,只有将情境教学模式加入在实际教学中,才能保证在未来的小学美术教学中得到充分的提升与发展。 参考文献: [1]王宽江.基于生本理念的小学美术高效课堂的构建[J].科学咨询(教育科研),2020(4):194. [2]沈艳.以班为本的小学美术校本课堂教学探究——以《果蔬布贴画》为例[J].中国校外教育,2020(2):12+19. [3]陈密.“生本教育”在小学美术教学中的实践与运用[J].美术教育研究,2019(24):134-135. [4]冯兰洁.基于绘本的小学中段美术教学设计[D].四川师范大学,2019. [5]周悦.小学美术生本课堂的构建策略[J].教书育人,2019(28):60-61. 作者:陈倩 单位:江苏省徐州市铜山区张集镇木犁小学
插画设计论文:插画艺术背景下平面设计论文 1插画的艺术概论 从插画艺术史的发展来说,美国是插画市场非常发达的国家,享受的插图在社会上已经成为一种习惯。其中有两个主要的原因,一方面,大量独立的插画在终端市场出售的产品,如插图书籍,杂志,插图贺卡;另一方面,插图的视觉是通信系统的一部分,广泛用于在平面广告,海报封面设计。美国插画市场非常专业,分为儿童类,数字、食品、体育、科幻,纯艺术风格类,幽默和其他类型的专业,每个人都有一个专门的插画艺术家。 2插画在设计中的形式特征 好的设计作品给人的第一印象是比较生动有趣,形状的图案和颜色都比较协调,有强烈的美感和艺术性。一个好的插图设计,应该包含更多的有趣的设计元素,不仅仅是一个元素的产品信息或产品特性,其中包含有趣的艺术。你可以一目了然立即感受到插图本身最真的部分,和触摸共鸣。比如现在的插图艺术的配套产品,在社会上也很受欢迎,如手机壳,鼠标垫,卡通杯衍生产品的开发,也带来了广阔的市场。因此,插画艺术应具有有趣性的形式特征。设计本身就是一种需要,而不仅仅是装饰,装修。今天的插画,在现代生活中流行的设计元素上占据更多,人们越来越注重实用的插图设计。其性能要与华而不实的产品相比较,人们更愿意购买的产品有一定的使用价值。由以上特点分析来说,插画艺术应具有趣味性,通俗性,多元化,形象化等形式特征的艺术表现方式。 3平面设计中插画的艺术表达形式 3.1插画在文学插图上的应用以及艺术性 插画在文学插图中发挥着至关重要的作用。在文学作品中,如果载入人类心灵和情感的活动,文学既有现实的插图,也有装饰插图。那么,里面插图文学为主要特征,是孤傲的文学在千变万化,开放的艺术表现形式的重要成员组成的文学作品。插画在平面设计中应具有写实性手法和装饰性手法。作为一个例证,显示了很多的内容,一些插图,甚至具有不同的时间,和地点连接到一个插画,如此逼真的插图,一般喜欢使用蒙太奇的表现。现实主义文学插图艺术,在电影蒙太奇的表现手法道路上的发展,提供了更多的自由发挥的空间,甚至时间和空间的形式,和现实生活中是不一样的电影的时间和空间。 3.2插画在商业插图上的应用以及艺术性 伴随着商业市场的不断成熟,插画市场涌入了大量的视觉文化信息,商务信息,尤其是在强调商业插画的应用是非常广泛的。按照不同的媒体商业插图,插画平面设计,插图,版式设计,包装设计,书籍装帧设计,海报设计,电脑游戏和网络媒体中的插图,被广泛应用于商业市场,引导和拉动内需,刺激消费群体,为商业插画的经济繁荣发展,提供必要的营养物质。现代艺术对商业插画,其影响是在快速发展经济和文化背景的前提下,一方面,战后经济的逐步复苏期间,每个国家都经历了重大的变化,对人民群众的生活水平的提高,对生活的前景,价值观,审美趣味都发生了很大的变化,另一方面,大众媒体,和流行文化的快速发展,也促使国内文化消费水平一天一天的提高。现代插画艺术的演变,从抽象的艺术,超现实主义,波普艺术,达达主义和其他形式的艺术,在艺术市场为商业插画带来了新鲜的设计灵感。 3.3商业插画的表现风格及应用 商业插画设计的性能特点,往往是在不同文化行业之间的合作。一种流行的插图,不仅成为了大量的印刷杂志发行宠儿,而且也可能被改编成动画片和电影电视节目。这个时代真正的态度是一个充满生机和短暂的发展阶段。作为一个商业插画,也是值得玩味的。商业插画的应用前景,越来越广泛,它在自然背景的图案符号,从书本上插入一直延伸到各种布局,户外海报,包装,以及尖端的时尚,今天的文化已经成为一个商业插画的明天。产品的包装设计是更广泛的插图。产品包装设计,包括标志,图形,文字三个要素。它具有双重的使命:一是介绍产品,二是树立品牌形象。最突出的特点是,它是在平面和立体设计之间。 4结语 当今社会的插图,被广泛应用于社会的各个领域。插图艺术不仅仅开阔了我们的视野,丰富了我们的心灵,而且还开阔了我们的心胸,让我们拥有无限的想象空间。随着艺术绘画材料工具日益商业化,插画在商品经济时代对经济起到了巨大的推动作用。 作者:张强 单位:郑州工业应用技术学院 插画设计论文:插画平面设计论文 1插画的艺术概论 从插画艺术史的发展来说,美国是插画市场非常发达的国家,享受的插图在社会上已经成为一种习惯。其中有两个主要的原因,一方面,大量独立的插画在终端市场出售的产品,如插图书籍,杂志,插图贺卡;另一方面,插图的视觉是通信系统的一部分,广泛用于在平面广告,海报封面设计。美国插画市场非常专业,分为儿童类,数字、食品、体育、科幻,纯艺术风格类,幽默和其他类型的专业,每个人都有一个专门的插画艺术家。 2插画在设计中的形式特征 好的设计作品给人的第一印象是比较生动有趣,形状的图案和颜色都比较协调,有强烈的美感和艺术性。一个好的插图设计,应该包含更多的有趣的设计元素,不仅仅是一个元素的产品信息或产品特性,其中包含有趣的艺术。你可以一目了然立即感受到插图本身最真的部分,和触摸共鸣。比如现在的插图艺术的配套产品,在社会上也很受欢迎,如手机壳,鼠标垫,卡通杯衍生产品的开发,也带来了广阔的市场。因此,插画艺术应具有有趣性的形式特征。设计本身就是一种需要,而不仅仅是装饰,装修。今天的插画,在现代生活中流行的设计元素上占据更多,人们越来越注重实用的插图设计。其性能要与华而不实的产品相比较,人们更愿意购买的产品有一定的使用价值。由以上特点分析来说,插画艺术应具有趣味性,通俗性,多元化,形象化等形式特征的艺术表现方式。 3平面设计中插画的艺术表达形式 3.1插画在文学插图上的应用以及艺术性 插画在文学插图中发挥着至关重要的作用。在文学作品中,如果载入人类心灵和情感的活动,文学既有现实的插图,也有装饰插图。那么,里面插图文学为主要特征,是孤傲的文学在千变万化,开放的艺术表现形式的重要成员组成的文学作品。插画在平面设计中应具有写实性手法和装饰性手法。作为一个例证,显示了很多的内容,一些插图,甚至具有不同的时间,和地点连接到一个插画,如此逼真的插图,一般喜欢使用蒙太奇的表现。现实主义文学插图艺术,在电影蒙太奇的表现手法道路上的发展,提供了更多的自由发挥的空间,甚至时间和空间的形式,和现实生活中是不一样的电影的时间和空间。 3.2插画在商业插图上的应用以及艺术性 伴随着商业市场的不断成熟,插画市场涌入了大量的视觉文化信息,商务信息,尤其是在强调商业插画的应用是非常广泛的。按照不同的媒体商业插图,插画平面设计,插图,版式设计,包装设计,书籍装帧设计,海报设计,电脑游戏和网络媒体中的插图,被广泛应用于商业市场,引导和拉动内需,刺激消费群体,为商业插画的经济繁荣发展,提供必要的营养物质。现代艺术对商业插画,其影响是在快速发展经济和文化背景的前提下,一方面,战后经济的逐步复苏期间,每个国家都经历了重大的变化,对人民群众的生活水平的提高,对生活的前景,价值观,审美趣味都发生了很大的变化,另一方面,大众媒体,和流行文化的快速发展,也促使国内文化消费水平一天一天的提高。现代插画艺术的演变,从抽象的艺术,超现实主义,波普艺术,达达主义和其他形式的艺术,在艺术市场为商业插画带来了新鲜的设计灵感。 3.3商业插画的表现风格及应用 商业插画设计的性能特点,往往是在不同文化行业之间的合作。一种流行的插图,不仅成为了大量的印刷杂志发行宠儿,而且也可能被改编成动画片和电影电视节目。这个时代真正的态度是一个充满生机和短暂的发展阶段。作为一个商业插画,也是值得玩味的。商业插画的应用前景,越来越广泛,它在自然背景的图案符号,从书本上插入一直延伸到各种布局,户外海报,包装,以及尖端的时尚,今天的文化已经成为一个商业插画的明天。产品的包装设计是更广泛的插图。产品包装设计,包括标志,图形,文字三个要素。它具有双重的使命:一是介绍产品,二是树立品牌形象。最突出的特点是,它是在平面和立体设计之间。 4结语 当今社会的插图,被广泛应用于社会的各个领域。插图艺术不仅仅开阔了我们的视野,丰富了我们的心灵,而且还开阔了我们的心胸,让我们拥有无限的想象空间。随着艺术绘画材料工具日益商业化,插画在商品经济时代对经济起到了巨大的推动作用。 作者:张强 单位:郑州工业应用技术学院 插画设计论文:插画广告设计论文 一、插画使用于广告设计中的优势 抓住观众的眼球是广告最重要的首要条件,广告插画具有非常强的视觉吸引力,其吸引力主要还是需要好的创意,有许多的卡通人物都会通过广告插图的方式被大家更为熟悉和喜爱,例如现在观众中备受熟悉与喜爱的“多啦A梦”和“熊大熊二”中的人物来抓住消费者的注意力。同时,采用一些鲜明的色彩来吸引群众的眼球。可以让广大的消费者来了解产品背后的故事后产生了心与心的一种默契,广告插图有很好的创意还不够,若没有一个好的表现方式也是不能达到在众多的广告中脱颖而出的效果的,反而会物极必反,所以好的表现方式也是至关重要的,这样才能达到人们去消费的目的。在现今产品市场的众多广告中,大多数产品都会用选择明星来代言,因为明星身上的光环在受众的眼中具有相当强的影响力,但是在表现方式和创意上,插画还是更具有多元性,广告插画一般夸大插画的拟定和主旨,站在另一个角度来看,插画只是广告形式当中的一种,把个人的情感融入进去,因此,使用于广告中,对广告的推行占有一定的上风,广告牌中间有插画图形,其目的是为了增强人们的视觉吸引力。 二、浅论插画在广告设计中的作用 1、传递广告所表达的独特内涵 广告插图它有着自己最独特的表达方式,它其实就是给自身做宣传,激发出广大群众想要购买东西的欲望,尽管它自身有着特别的表达方式,但自身的目的性和制约性还是没办法摆脱,这是来源于广告自身的特点,让消费者对其产生想了解的兴趣来促进产品的销售及销量。 2、抓住受众注意力为销售商品服务 人们经常会说二十一世纪进入了网络时代,说明现在的人对文字的注意力的下降有所影响,其实不是的,只是通过另外一种方式来表达,就是现在所讲的插画,这说明文字图像对每个人来说感受力是不一样的。当文字与图片共同存在时统计出,对图形敏感的人大概有百分之七十,而对文字敏感的人有百分之三十,广告插画正好利用“阅读省力原则”深深吸引读者的眼球,引起消费者的注意,促进消费者对产品的购买,曾经有人这样说过:“注入越多的故事在图片中读者就会被你的故事所吸引,你的广告就会被越来越多的人所看到,越来越多的人所喜欢,广告插画运用各式技术方式赢得相当一部分的受众群体目光,它运用的技术方式主要包括自由性、素描、油画、图画和漫画等,获得了许多人的一致认可。 三、插画与广告商品包装 计划生产和流向市场的一系列环节中包装是重要步骤,它是市场销售中的重要技术,插画的包装还体现了全部的风格和形象,在经历社会的改革,不断的推陈出新,带来更加丰富多彩、多样化的表现形式,它自身所持有的艺术方式不仅在视觉上,还需要向广大群众通过视觉传递产品的内容所在,这些用文字来表达会让人觉得太过于单调,这个时候我们就可以把文字转变成插画的方式展现在消费者面前,消费者会觉的这种方式更加的吸引人,这种方式也是插画在包装过程中的一大特色。插画通过包装给不同的产品赋予了不同的造型,让产品具有了个性化和人情味。插画是展现在平面上的艺术,而商品却是三维立体的。当平面与三维立体结合的时候就会让消费者在第一时间感受到这种与众不同,例如儿童食品上的包装都有一些经常可以看到的米老鼠和一些其他的卡通漫画人物,小朋友在看到的时候就会有一种马上冲过去的冲动,被包装过的产品要想成功销售,必须要在感情上得到群众的认可并且接受,这就要在插画的设计风格上别具一格,要依照产品所对应的消费群体去进行相应的设计改变,举个例子,在儿童的产品上,可以设计一些卡通的造型、梦幻一些、吸引小朋友的一些图画,做到真实产品流入市场的时候的不同形式在加以呈现。画包装作为当下商业活动的一种序言,首先就应该在感情上做到让广大的人民群众接受和肯定,这样才能把商品销售出去。 四、结语 综上所述,插画不单单只是辅助文字的作用,也在商业的不同领域中都有着各式各样的表现形式,其表现形式必须要按照商品所对应的消费人群而设计,包装也很重要,好的包装让人一看就会有一种耳目一新的感觉,而且丰富的故事内容和足够的感情也是引发消费者想要购买的欲望,插画也成为最具有广泛的商业价值,本文主要讲述的是插画在商业领域中的特点。 作者:张楚悦 单位:长春工业大学 插画设计论文:数字插画设计论文 1数字插画设计中的数字技术手段 1.1矢量插画技术 矢量插画技术手段是将插画由数学公式的形式代表线条形状、大小、位置以及色彩等因素。此外,矢量插画自身的清晰度和分辨率不存在直接关系,因此,采用这种手段设计的插画作品能够随意的控制大小,也可以在不同分辨率下所呈现,同时对于插画自身的清晰程度没有什么影响。随着计算机技术的不断进步与发展,一些矢量插画数据库也逐渐的想成,相对较小或者简单的图形可以直接进行下载使用与修改,给设计者的工作带来极大的方便,越来越受到设计者的青睐。 1.2计算机合成图像技术 通过计算机技术将图片进行特定的处理,或将照片与图像进行合成,在数字插画设计中发挥着重要的作用。在计算机合成图像的过程中,需要具备特定的素材,通过图像处理技术进行一定的设计加工,让数字技术和插画艺术有机的融合。现阶段,计算机合成图像技术发展相对成熟,所涉及的数字插画几乎能够以假乱真,通过特定的图像处理,能够让虚幻的空间成为现实的插画,展示出强烈的视觉冲击效果。计算机的图像合成技术中抠像是常见的技术手段,其包含两种方式。第一种,是按照原本图像的特定颜色数据完成抠像工作。还有,是根据专门和图像对应的黑白Matte图当做抠像的区域控制。这两种方式都为繁琐的图像编辑工作带来了极大的便利。 1.3CG插画技术 CG插画就是电脑图形图像插画,主要通过计算机特有的软件进行插画设计。CG插画技术所涉及的领域非常广,在平面设计、电影特效、网页设计、动漫设计等多个领域都有所应用。现代插画设计几乎拍拖了传统的纸张、笔墨、颜料等绘图材料,CG插画设计技术逐渐的推广与应用。CG插画设计在信息传播过程中变现出很大的优势,也发挥着非常关键的作用,是插画领域最为流行的数字技术手段。 2利用数字插画软件制作插画的方法及过程 2.1PhotoShop数字插画 软件PhotoShop是现阶段应用最为广泛,也是我们最为熟知的数字插画制作软件。其自身拥有很多的优点以及完善的功能,同时在进行插画制作的过程中还能运用多种的特效处理手段。PhotoShop的插画制作方法及流程主要包括抠图处理、灰度优化以及图像输出等。 (1)抠图处理。 运用PhotoShop软件将图片里面原有的部分内容切取出来的过程统称为抠图。在利用PhotoShop制作插画作品的过程中,抠图是最为常见也是使用次数最多的图像处理方法。抠图所采用的手段也有很多种,包括使用魔法棒工具操作、运用路径编辑工具操作以及通道选图等手段。而魔法棒工具抠图法相对来说较为简单,操作便捷,使用率较高。尤其是纯色背景的图像,采用魔法棒抠图更为简便。 (2)灰度优化处理。 在对图像进行灰度处理的过程中,不仅仅将色彩转化为灰白色,更为重要的是表现出插画作品的艺术感染力以及时空跨越的视觉冲击。在利用PhotoShop的灰度处理过程中,能够让彩色图像转化为更具有艺术感染力的黑白图像,其过程如下:将原有的图像进行色彩去除,同时设定图像的对比度以及明亮程度;然后对图像进行黄色渲染,让图像具有更强的时空跨越感;利用胶片颗粒手段在图像上添加灰尘或者颗粒效果;最后通过不同像素曲线或直线的勾勒,完成对人物毛发等部位的制作。 (3)图像的输出。 图像的输出效果对于数字插画作品的艺术性影响也非常大。在图像制作初期,如果没有调整好图像的整体参数,会很大程度的影响插画作品的输出效果。因此,要注意对于颜色模式的设置,根据不同的插画需求,选择合适的颜色模式。同时,在进行插画作品输出的过程中,还要注意最初选择的颜色模式和输出的模式时候一直。 2.2Painter数字插画软件 和其他的数字插画软件不同,painter数字插画软件更加的具有手绘性质,其绝对真实的模拟出了手绘插画的现实感受,通过电脑平台,更加艺术的展现了传统绘图工具和材质的视觉效果。 (1)草图勾勒。 Painter对于图片的编辑通常是在照片的基础上完成的。第一步是在选取的照片上采用铅笔工具勾勒出一张草图。在每个插画创作的过程中,照片的选择要依据不同的视觉效果以及创作的意图进行适宜的选择。通过控制Clone菜单命令,实现线条的勾勒,同时还要对图像进行合适的大小以及清晰度进行设定。 (2)色彩 的渲染。在线稿的基础上对作品进行色彩的渲染,其渲染过程包括对色彩的选择、色彩明暗变化的设定以及亮色部分的绘制等。在进行色彩渲染时通常采用水彩工具实现。在采用水彩笔进行上色的过程中,软件会生成独立的色彩层,在上色的过程中不会影响画布层的内容,同时水彩工具更易展现出变化多彩的色彩分布。在色彩处理完毕,通过一些细节的设计与布局,更能提升作品的艺术效果及观赏性。 作者:宋倩倩 单位:中国传媒大学南广学院 插画设计论文:书籍装帧艺术插画设计论文 1插画设计在书籍装帧设计中的表现形式 1.1书籍封面的插画设计 封面是一本书给读者的第一印象,它的美观与否在消费者的购买行为当中有着一定的影响。格式塔心理学认为,图形知觉的组织性是脑本身具有机能的表现,因此,以插画形式出现的封面设计更具新奇感和情感吸引力,更能跃入人的视线。 1.1.1书籍封面插画的特点 封面插画设计是书籍封面设计中很重要的一个部分,它位于书籍封面的位置,所以要求其具有直观、明确的特点,给读者带来能够产生共鸣的视觉效果。它在画面中占有很大位置,是视觉的中心,设计者在依靠书籍封面表达书籍内容时,可以运用比喻、象征这一类的手法来表达。封面插画可使用的内容多种多样,最常见的有人物、动植物以及自然风光等一切现实中的产物。 1.1.2插画设计在书籍封面中的运用要素 (1)在插图使用的数量上应该以少而精为好。对于大部分的书籍封面作品来说,图片数量的多少直接影响到传播的效果。使用一到两幅质量较高的插画,能够鲜明地突出主题,而插画的使用数量较多时,给人带来的视觉上冲击力则会变弱,达不到宣传主题的目的;(2)插画的面积因素取决于插画的重要性。大面积的插画往往用来渲染气氛,书籍的封面采用一整张大的插图,这样能够快速地吸引读者的视线,给读者带来了很强的视觉冲击力,并通过插图的内容将书籍信息迅速地传播出去,而小面积图片则可用于帮助读者加深印象;(3)读者的印象。读者对插画的感受直接影响插画所产生的效果。总之,封面插图的设计是为了使读者与作者之间能够快速进行交流,掌握住它的运用要素,会使设计出来的作品更具有效的功能。 1.2书籍内页及内容辅助插画设计 1.2.1插画在书籍内页中的表现手法 插画设计在书籍内页中的表现手法有以下几种形式:(1)绘画的方式。在最具有代表性的书籍插画的领域,绘画方式的书籍插画以其独有的艺术品位和充满人文情感的表现方式给读者带来丰富的想象力。几米漫画,这是当代十分流行的一种绘本式的插画风格,它的绘画的手法与色调逐渐告别了写实主义风格,更加注重意境的表达,因此掀起了一股新形式的绘本创作的潮流,逐渐成为了绘画类插画的时尚代言;(2)摄影写实方式。(3)电脑软件制作的方式。CG插画作品,它就是通过电脑软件技术来制作插画的一个例子。CG插画在制作过程中先要运用电脑计算出真实的光线,再将内部环境中物体进行渲染,从而营造出亦真亦幻的视觉感受。现在许多时尚的书籍当中的插画设计,都是采用写实的摄影作品为背景,然后用绘画的形式进行修饰,最后放在电脑软件里进行制作,非常有美感和创造性。 1.2.2插画对于书籍内容的辅助作用及相互间的关系 (1)插画与书籍是密不可分的两个方面,如果插画摆脱了书籍的主题与实质,只突出美感和画面带给人的视觉感受,那就不是书籍插画了,因为它失去了在书籍装帧中的基本意义;相反的,如果只是注重插画在书籍中的从属性,那它只会变成文字的说明图解,失去了本身的审美价值与艺术价值。(2)插画对于书籍内容的表达具有辅助的作用,文字对于插画有一定的约束性,要想使设计的插画作品具有强烈的艺术感染力,就必须将插画与文字所表达的内容相结合,因此我们在进行插画设计的初期,不能天马行空,要全方面的了解文学作品,体会作者所要表达的思想,之后再进行创作,这样所产生的作品才有意义并且充满艺术表现力。书籍插画与文字内容上的相吻合是插画从属性的基本特征,它的从属性还包括与书籍文字风格和题材相协调。 1.2.3插画的版式 书籍的版式,也就是插画与文字在书籍中的色彩、位置、比例的关系,另外需要注意的是各个版式相互间的关系,它们的排列在整本书当中要具有协调性、连贯性和节奏性。文字间的插画版式可分为以下几类:(1)半页插画,插画在版面的宽度与版面的版心是一致的,可以根据排版的需要把图片置于整个版面的上方、下方或者是中间的位置;(2)通栏,书籍版面可以分为双栏、三栏及多栏等,插画可以与双栏、三栏或多栏的宽度一致;(3)四角,即在版心的四角放置插画;(4)越空,是在安排插画时,把图片的一边或两边超出版心放置,形成越空的形式;(5)出血,是指把插图的一边、两边或三边扩大到书籍边缘;(6)双页插画,即插画占据版面的左右两页,这样增强了插画的视觉效果,并且使整个版面更加整体;(7)整页插画,即插画的大小与版面的版心大小相同,一般多运用于美术及摄影类的画册和杂志类的书籍。 1.3书籍包装及宣传的插画设计 书籍包装的插画设计由于画面简单、直观清晰,易于辨认,打破了国界间语言的限制,所以它已经成为书籍包装形象创作中不可替代的一部分,它通过对产品内容、形象以及情感的处理,对产品的视觉形象进行了深层的加工。 1.3.1插画设计在书籍包装中的诉求功能 插画设计在书籍包装中最基本诉求功能就是将作为商品的书籍当中的信息简单明了地传递给读者,从而使他们产生兴趣,同时强化书籍的感染力,让消费者信服书籍所传达的信息并欣然接受这些信息,这样才能够刺激消费者的购买欲求,最后使消费者采取购买行为。 1.3.2插画在书籍包装中的应用原理 书籍包装中的插画设计,是用确切而生动的视觉形象将书籍所蕴含的主题表现出来,它所包含的元素都是以书籍为中心,因此作者在给书籍的包装进行插画创作时,需要对书籍本身有一个准确的市场定位。首先,要具有创造性,将书籍信息巧妙地表现出来;其次,一定要有好的表现形式和视觉效果;最后,就是寻找合适的介质,从而将设计出来的书籍插画及书籍本身推广出去。 1.3.3插画设计在书籍包装中的表现技巧及优势 (1)书籍插画的表现技巧可分为:第一,用“具象图案”来表现,它最大目的就是将商品内容推荐给消费者,主要是以写实表现手法为主。书籍包装上的插图使用十分具有代表性的龙门石窟佛像这一具象的图案,让读者能迅速了解书籍所要传达的内容,这样也能使消费者在挑选书籍的时候节省了时间;第二,用“抽象图案”来表现,作者能够将思想中模糊而又朦胧的概念或者是情绪通过抽象的图案来表达出来,对人们的思维没有局限,使其能够得到充分的发挥,这样更容易达到预期的表达效果。抽象的图案具有强烈的视觉印象,能够在各种各样的的书籍作品中,展现所设计作品别具一格的特点,在表现图案的选择上需要考虑书籍本身的诉求与所面对的消费群体。一套诗集的包装,包装上面采用了较为抽象的图案,图案的造型和色彩的都能够传达出来一种古朴的感觉,与书籍主题与风格相吻合,能够吸引读者的视线。(2)书籍插画在书籍包装中的优势:第一,插画在书籍包装中表现的手法是多样化的,可以从更多角度对书籍进行展示;第二,表现风格是多变的,通过对书籍本身的定位的了解分析,创作出适合不同消费群体的包装设计作品。比如针对女性书籍包装上的插画设计,可以多采用浪漫唯美的元素,这样能够提高女性消费者对其的关注度,包装的整体风格清新、柔和,给人一种温暖的感觉,符合大部分女性读者的审美;针对年轻人的书籍包装设计可以采取时尚的风格,一套涂鸦风格的包装,整体感觉时尚个性,独具特色,满足年轻消费者个性化的心理需求,更容易引起年轻人的认可;第三,具有丰富的装饰性,插画本身既可以独立使用,也可以把它当做具有装饰效果的图形进行使用,书籍包装本身只使用了具有装饰性的图案,这些装饰图案作为书籍包装设计的主要图形语言,使整本书的感觉简洁明了,与书籍本身的风格相得益彰,并使书籍获得更加多样化的艺术美感。 2插画设计在书籍装帧中的视觉传达功能 书籍插画是与书籍并存的,它不能够独立存在,必须以文本为寄托,但它的功能却不是文字所能替代的,插画的插入可以在视觉与版面上与文字形成对比,使书籍更具美感。 2.1对书籍信息的传达 人们对图形和文字的识别度比率分别为78%和22%,只有受过一定文化教育的才能够接收到文字信息想要传达的内容,而图像信息在传播的过程中受这一因素的影响较小,所以图形本身可以起到对文字解读和辅助的作用。图像是一种具有世界性、共同性的交流方式,它与文字既能够相互独立存在,又能够相互融合,它们之间相互诠释,相互补充。在文字中配上插画,可以使人们通过插画来了解文字,它在信息传达的过程中更加直观,它本身携带了文字说明的特点,尽可能地传播了它所能传播的信息,因此使大多数读者不需要太多的阅读能力就能够读懂书籍所要传达的主要意思。 2.2对艺术形象的传播 近些年来人们不仅对书籍的文字内容要求很高,作为书籍中重要的视觉传达因素,书籍装帧中插图的好坏也成为了人们关注的重点。同时,作者所创作的插画也是传递其内心世界的一种方式,展现自己与众不同的一面。我国有许多多姿多彩的传统造型艺术形象,无论是在原始的彩陶上,还是留存下来的壁画等艺术形式上,都是人类原始心态与造型观念的消化与潜存,还有我们熟知的如莲生贵子,金玉满堂的吉祥寓意,也都象征着人们对生命的憧憬,对幸福的祈求,通过书籍插画的夸张和美化,使这些艺术形象能够更好地传播与传承。 3结语 插画设计和书籍装帧艺术是密不可分的,书籍插画作为独立的插画产品始终在消费市场上占有不可替代的位置,要想使书籍插画有更好的发展,就要在书籍插画的表现形式和手法上求变异,在新媒介中不断创新,而且插图的设计也要以人的感情为出发点和落脚点。随着书籍插画多样化的需求,应该深化对书籍插图功能性能的研究,要以市场需求为导向,把书籍插画艺术与图书完美的结合起来,从而研究出更加多元化的书籍插画作品。 作者:黄姗姗 单位:南阳师范学院美术与艺术设计学院 插画设计论文:传统书籍插画设计论文 一、中国传统书籍插画的构图特点 构图,在中国古代绘画艺术中被称为“章法”、“布局”、“经营位置”,是表现作品主题思想的手段,是实现插画视觉美感的关键。中国传统书籍插画构图的第一个特点是主次分明。这是中国传统伦理观念的体现,是长期以来在封建君主统治下形成的社会伦理道德规范在美学上的反映。中国有很多经书插画,构图都是有主有次,例如在表现释迦牟尼像的时候,就会将其放在画面的显著位置,画得比较高大,其他僧众们则排放在其身后或者周围,处于次要位置尺寸较小。第二个特点是画面平衡而工整。中国古代文人画家崇尚含蓄、中庸之美,一般通过对称、均衡这两种手法达到画面的平衡。例如一些实用性较强的图书插画,就会用对称的手法来构图,这种符合自然审美规律的构图不仅能使插画的画面显得工整,还可以较为客观的诠释文字内容。像一些娱乐性质的书籍插画,如小说、戏曲书籍的插画,比较常见的构图手法就是均衡,即利用画面中各个元素之间的呼应、对比,使画面具有变化但不失工整,既不显得呆滞,又不会杂乱无章。第三个特点是中国传统书籍插画独特的透视法则。中国书籍插画与中国传统绘画在构图上有着共通的特点,使用的透视法则与西方的焦点透视有很大的差别,被称作“散点透视”,即画面当中经营布局的元素不受到视点的限制,也不受时间的限定,可以把山前山后、室内室外、远近不同、高低不一的事物安排在同一画面中;可以把不同人物同一时间在不同场合发生的故事描绘出来,如《水浒传》、《西游记》等古典著作的插画作品,就是采用这种透视方法来完成故事情节的绘制。 二、中国传统书籍插画的表现形式 中国传统的书籍插画有一种重要的表现形式,就是以线造型。书籍插画通常利用大量复制来达到信息传达的目的,因此印刷技术对插画的表现技法起到了主导性的作用。民国之前的传统插画以木版画为主要表现形式。自唐代雕版印刷技术发明以后,木版插画在出版行业中得到了广泛应用,那时的插画作品多为雕刻行业的工匠完成,虽然雕刻的技法纯熟,但作品的艺术水准却不高,主要以图解功能为主。木版插画艺术在明清时代进入到了黄金时代,也成为了我国古籍插画史上的高峰。明清书籍插画的最大特点是当时文人墨客的参与。明代中期,书商出于竞争目的,纷纷邀请当时知名书画艺术家创作画稿。因为有了文人的参与,使得以往粗犷的书籍插画更加精美,更具文化内涵。这些木刻插画以刀刻线,以刀,用木刻线条来表现传统绘画中笔墨的感觉。中国传统绘画在表现形式上十分重视笔法,强调线条的表现力。线条是造型艺术中最基本的表现形式,也是插画创作中表现力最丰富的艺术语言,它独特的形式美感体现出中国传统艺术家深厚的造型功底,积淀着浓厚的民族文化内涵。线条能让画面产生一种节奏感与韵律感。在木刻插画作品中,线条所表现出的强弱对比,疏密变化,都能形成一定的节奏与韵律,从而丰富插画的画面效果。明清时期的仇英、唐寅、陈洪绶等书画名家就充分发挥了木版插画的艺术特性,创作出了大量以线造型的精品木刻插画,并使作品具备了画家的个人艺术风格,具有较高的艺术价值。当然,在印刷技术广泛应用之前,也出现过大量的手绘书籍插画,如宋代的建筑技术书籍《营造法式》中的插画,最早的版本就是手绘而成,书中精美绝伦的插画使用白描的技法画成,通过黑色的线条直观、科学地展现了各种建筑设计的用料、结构、比例等方面的规范,通过插画的形式为观者解读了这本中国古代建筑行业的权威性巨著,具有极高的审美价值和实用价值。 三、中国传统书籍插画的文化内涵 书籍插画作为绘画的一种特殊形式,同时具备独立性和从属性这两个特性。脱离文字内容,一味强调画面独立美感和视觉冲击力的作品,是不能称之为书籍插画的,因为它失去了存在的基础;假如过多地强调插画的从属性,只是按照书本文字内容进行描绘,又会失去创造性而成为简单的说明图解。要想使插画在书籍中获得强烈的艺术表现力,就必须准确领悟文字的内涵,深刻理解文学作品的思想内容,并以此为基点进行视觉形象的创作,这样插画的艺术表现力才是有意义和价值的。中国优秀的传统书籍插画结合传统绘画的风格,运用写实和写意相结合的表现手法,重在意境的传达,忠实于文字又不为文字所局限,融入了画家的情感与想象,通过契合原著精神的绘画风格和表现形式,自然地把阅读者引领到文字作品的意境中去,这就是画家对文学作家思想情感的深入体会,对文学作品的独到见解,就是中国传统书籍插画表现出来的意境之美。同时,传统书籍插画反映着中国传统社会文化的变化和发展过程。在社会发展的每一个时期,书籍插画都代表着人们的生活方式、文化观念和审美意趣。例如,在佛教盛行的时代,书籍插画更多的是为宗教服务,出现在经书中的插画作品反映出来的是当时人们的宗教信仰和文化意识。而在政治安定、经济发展平稳的时代,人们对书籍的需求不仅仅停留在宗教读物上,转而追求一些陶情怡性的通俗类书籍。在这样的社会背景下,小说、戏曲类的书籍插画大放异彩,许多杰出的中国画家利用自己深厚的绘画功底,通过对原著精神的深刻领悟,创作出了大量贴合原著的经典人物形象,故事场景的布置也和中国传统人物画、山水画的创作理念颇为相像。如《西厢记》、《水浒叶子》、《博古叶子》、《楚辞》等书籍插画作品,既是经典的艺术品,又是社会文化的见证,深刻地反映了当时人们的思想意识。这些作品对以后的书籍插画创作都产生了极其深远的影响。中国传统的书籍插画设计在每一个历史时期都表现出了自己的设计风格和时代风貌,并且影响着世界上一些国家的插画艺术,比如日本的“浮世绘”就是受到中国书籍插画设计的影响而产生并发展起来的。这一现象应该引发我们的深思,中国的文化成为其他国家的设计源泉,而中国本土的设计师却没有从中获取设计灵感,延续本民族的设计风格。笔者认为,造成现代中国书籍插画设计进入困境的原因,是由于多元化文化的强势影响。近一个世纪以来,随着社会文化的变迁和科技的发展,国际交流日益密切,各种生活方式、价值观念、文化形态之间相互影响,使人们的审美观念产生了较大的变化,特别是年轻的一代,在现代商业文化和网络文化的影响下,他们更愿意欣赏一些个性化的、想象力丰富的、充满情趣的插画作品。王受之在他的《美国插图史》中评论道:“在人类插图历史上,还从来没有这样的多元化和个性化,以往的那种有领导风格的局面结束,在插图上不再有某种风格领导插图创作的霸主地位。”但是,任何一个国家的书籍插画,都应该带有这个国家的文化痕迹。在国际交流日益增强的形势下,设计的地域性和民族性显得愈发珍贵。当代书籍插画设计中国风格的确立,需要借助于对传统书籍插画设计的理解与转化,并跟随时代的步伐,融合时代的精神而获得新生。 作者:杨淑 单位:云南财经大学现代设计艺术学院 插画设计论文:多元文化教学插画设计论文 一、插画设计教学内容的广泛性 目前,在我国视觉传达设计专业的教学课程体系中,将设计课程分为基础课程、专业基础课程和专业设计课程三个教学阶段,插画设计课属于专业基础课程。基础课程中的“三大构成”为插画设计课程奠定了基础,而插画设计课又为后期的专业设计课起到一个承接的作用。插画设计作为一门设计学科,自身的学科结构所包含的分支领域和边缘学科,与科学技术、人文自然和社会经济等学科相互交叉,形成一门综合体系。插画设计融合了传统艺术和美学等学科领域,形成了插画设计的构图、色彩、表意等内容,而地理学、历史学、心理学、美学、经济学、哲学等诸多学科与插画设计本身也存在着一定的联系,或多或少地体现在插画设计的历史、表现、形式等各个环节。因此,在多元文化的教学过程中,插画设计课程与其他艺术设计课程之间不应存在间隔,应将边缘学科和交叉学科贯通学习,拓宽插画设计的教学内容,对插画设计课程的教学内容进行灵活设置。当下,插画设计教学急待解决的问题之一是教学内容的不明确,这致使插画设计的教学内容过于狭隘,依旧停留在出版物的插画需求上,忽略了其他行业对插画设计的需求以及市场经济大环境的需求,导致插画教学内容不能更大的拓展。因此,插画设计教学内容应与时俱进,在数字技术迅速发展的今天,将教学内容拓展到广告、游戏、网络、动画、出版、数码媒体等领域。同时,在国际化的市场环境下,不同民族地域的文化都是无限的创作资源。数字插画作品创作中,我们可以将横向、纵向获取到的资源进行重新组合,融入新元素、新概念、新思想。这样,所涉及的题材才能耳目一新,真正做到多样化的信息诉求。在教学过程中,教师应结合中外美术史的课程内容,系统深入地讲解中外插画的发展历史与现状,引导学生尽可能地深入领悟本土文化,客观借鉴外来文化,提倡创作出个性化作品。 二、插画设计教学形式的多样化 在国外,大部分艺术院校都设置了插画设计专业,随着动漫和网游的繁荣,插画教育已发展成熟。在国内,插画师的市场需求也呈现出极为广阔的发展前景。大多数设计院校的课程体系中,插画设计教学最初以传统的构图教学为主。自上世纪80年代初由国外引进了基础课程“三大构成”教学,为插画设计教学奠定了一定设计基础,直至90年代,计算机的广泛应用使计算机的辅助设计在插画设计教学中也逐步普及。时下,作为新媒体艺术,数字技术迅速贯穿于艺术设计的不同领域,同时也影响着插画设计的表现形式,使其更为丰富多彩,极大地开拓传统插画的范畴,同时让人们对插画有了更新和更为广泛的认识。在传统的插画设计课程教学中,更多的是教师在课堂上教学,学生在教室拿笔画或是用计算机去表现,没有外界物质介入,形成单一无趣的插画设计,使插画设计游离于社会之外。这是插画设计教学改革中的难点,也是多元化教学模式急需渗入的本质体现。随着插画设计教学提出多元化教学,在当前艺术设计教学承担着艺术教学与软件技术教学双重任务背景下,如何解决教学内容层面的拓宽问题,以及如何组织学生有效、积极主动地学习等问题,亟待解决。因此,对于插画设计的多元文化教学模式,在基于插画设计课程的传统课堂教学模式下,可有针对性地提出以开展形式多样的插画设计教学模式,建立开放式的插画设计教学环境。 (一)开发多元文化的课题设计 优秀的课题设计是设计专业基础课程取得良好教学效果的教学形式之一,也可成为课程知识体系的密集区。按课题的课程内容方式,将插画设计等若干设计基础课程围绕某一个设计课题构成课程循环,循序渐进地推进课程教学,同时将知识通过实践进行运用,完成综合设计教学的融会贯通,以取得良好的教学效果。在具体实施的过程中,将插画设计的理论知识和表现技能一一解析到课题中的目的、要求、方法、技能、过程和效果中。这不仅解决了学生关于插画设计理论知识的掌握和运用,同时学生的实践技能也有所提升。 (二)专题形式的课堂教学 在教学中,教师应把插画设计的多元文化贯穿于专题中进行教学,在专题设置上,力求以实际案例为基础,覆盖层面多样化。例如,将插画设计与美学中的色彩心理及新媒体中的互动文化等边缘学科、交叉学科的关联性作为专题范畴,以此深挖插画设计创作中的深层文化内涵,以及不同形态的美学意识和创新工艺技术,激发学生在插画设计艺术领域中求新求知的探索动力。创新式的专题教育模式要求学生不局限于本专业知识的学习,更重要的是将专业知识与多学科知识融会贯通、开阔视野,以培养求知欲、开发创造能力为目标,提倡学习的多元性和自主性。专题教学模式让学生在实践中通过教师及合作团队产生的影响,受到启发,在学习中感悟,获得真知。 (三)社会实践开放式教学形式 插画设计课堂中社会实践的教学目的,是提高学生的团队协作精神和设计合作能力。同时,可加强教学内部的交流氛围。通过社会实践的参与性,让学生在掌握插画设计体系中最为基本的思维方式和方法的同时,又能展示学生各自的插画设计能力。目前,在插画设计教学中,教学实践的安排一般都以虚拟的题目展开,学生的思维一般都比较程式化和概念化。在进行插画设计创作过程中,主要以考虑美观为主,较少考虑插画作品的经济性和实用性,导致设计的插画没有考虑到具体的应用环境和面对的受众群,从而作品过于主观,缺乏适用性。因此,插画设计教学与社会实践的结合,能为学生提供一个在商业环境下工作体验的机会,使学生在插画设计中亲身体验真实的设计过程和环节,更加全面地了解设计的全过程。 三、插画设计教学中的教学相长 面对数字时代与全球化背景带给插画艺术的发展机遇与挑战,以及现代社会工业生产对于插画设计人才质量的高要求,迫切需要在高校教育阶段提高学生的专业素质。目前,我国大专院校的插画设计专业人才培养模式,已呈现出滞后现象。要想改善教学模式,提高教学效果,必须做到教学相长。插画设计教学中除了对教师的教学形式提出多元文化内容的拓展要求之外,更要紧扣时代信息,及时更新知识,保持对多元文化的敏感度。不断开拓自身的知识广度,具备基础教育中的课程论、课题设计、心理学、艺术教育学等知识和写作能力等。同时,也对学生的自主学习能力提出了要求,作为学生应主动学习多学科知识,扩大知识面,拓展视野,提高人文艺术修养。只有依靠教师和学生双方的共同努力,插画设计课程中多元文化的教学才能顺利有效地完成。插画设计作为艺术设计专业的基础课程,是一门实践性很强的学科,传统的教学模式已经不再适应当代设计教育的需求,采用个性化教育模式更能体现其行业的发展特色。传统的教育模式发生转变,教师的角色也需发生转变,教师的职责更侧重于信息资源的调配和创作思维的引导,在知识传递过程中,更应注重协作、讨论、引导、启发,充分发挥学生的积极性和主动性,培养学生的创新精神,最终成为学生学习过程中的组织者、协助者和引导者。插画设计的教育重点是创新思维能力的培养。在教学中要立足于社会实践,从不同层面激发学生的创作热情和学习积极性,启迪学生的创新思维,培养学生独立发现问题、分析问题、解决问题的能力,使学生的专业设计能力得到全方面的完善。插画设计的多元文化教学是相互贯通的,其教学形式可以借鉴其他学科对于文化问题的教学经验,依据插画设计学科教学的特点加以开发,同时形成多元文化因素共同作用的成果,产生新媒介、新载体等不同插画设计的创新应用类型。 四、结语 综上所述,插画设计教育的重点是创新思维能力的培养,启迪学生的创新思维,培养学生独立发现问题、分析问题、解决问题的能力,使学生的专业设计能力得到全方面的完善。以宏观的视角来看,插画设计的多元文化教学是相互贯通的,其教学形式可以借鉴其他学科对于文化问题的教学经验,依据插画设计学科教学的特点加以开发,同时形成多元文化因素共同作用的成果,产生新媒介、新载体等不同插画设计的创新应用类型。这赋予了插画文化新的内涵,带动当代插画设计教学模式中一种全新的启迪。 作者:葛慧 单位:湘南学院 插画设计论文:手绘墙插画设计论文 一、插画的装饰性特点 在插画众多的艺术特征中,装饰性是尤为显著的。它以自身特有的抽象化、图形化、符号化、风格化的装饰语言和极具表现力的审美价值,在室内家居空间中得到很好的运用。装饰性是指在一定的视觉艺术中所呈现的特定的表现形式特征。它是集概括、提炼、夸张、变形等一系列形式法则为一体的形式表现语言。装饰造型通过形式表达,以对形式的强化为主要表现手段,追求形式上的美感,从而形成鲜明的造型特征。装饰形象大都与客观的自然形象相区别,是人们通过一些美学的形式法则和装饰手法所设计和创造的主观形象,是设计构思到装饰形式表达的实现过程。 二、室内家居墙画中的插画设计 随着人们生活质量和审美水平的不断提高,人们追求个性与时尚的需求也日益增长。普通的白墙已经满足不了大众的审美需求,充满个性与创意的手绘墙画日益流行。作为室内墙面装饰重要组成部分的手绘墙画,丰富了室内装饰设计的创作语言与表现形式,并在家居环境设计中起着重要的作用。室内家居墙画中的插画设计题材丰富,也呈现出多样的风格,有典雅复古的中式风格、简约时尚的北欧风格、自然恬静的田园风格、童真童趣的卡通风格等。中式风格的墙画图案主要选择中国传统的图案、纹样等,或以中国画写意的表现手法表现的山水、花鸟图案;北欧风格墙画图案多为比较抽象的图形,色彩上崇尚黑白灰的色系或者艳丽的色彩;卡通风格的墙画图案多为色彩明亮丰富的卡通动物、人物形象。不同风格的确定及墙面插画图案的设计要根据家居主人的年龄、职业、性格、审美品位等特征以及家居空间的整体装饰风格和功能需要进行设计,同时在色彩设计上也要和整体的设计风格一致。 三、卡通风格手绘墙画设计实践 笔者根据家居空间的功能需要,结合室内家居墙画设计中插画设计的要求,进行儿童活动室的墙画设计实践,根据空间和墙体结构特点,设计并绘制了三块墙面,整体设计上把握了图案的连贯统一。画面主体选择儿童熟悉并喜爱的经典卡通形象,如美丽的白雪公主、欢快的维尼小熊、粉红小猪、跳跳虎等,并配合梦幻的摩天楼、欢快玩耍的儿童和各种小动物以及各式各样的气球,使整个画面场景丰富多彩。屋顶墙面张开双臂的卡通太阳令整个空间似乎充满了阳光。插画图案的选择符合儿童的审美要求,多种卡通造型相结合并融入画面场景,主题鲜明,内容丰富。受审美能力和年龄与心理特征的影响,儿童一般更喜欢鲜明艳丽的色彩,因为这些色彩对他们具有更强的视觉冲击力和感染力。所以在色彩的选择运用上,墙画设计大量使用了原色和纯色等鲜亮的颜色,运用丰富的色彩,配合作为背景的蓝天白云、大片的绿色草地,用强烈的对比吸引儿童的注意。根据幼儿期儿童缺乏空间与透视概念的特点,在绘画表现技法上,笔者采用平面化的表现方式,这样更容易被儿童接受。配合色彩缤纷的儿童游乐设施,墙面插画设计和整个空间融为一体,生动而和谐地构建了一个梦幻童真的童话世界和充满童趣的嬉戏空间。此次墙画设计中,绘制的颜料选择丙烯。丙烯颜料有很多优于其他颜料的特征,如上色快、色彩鲜艳、保持时间长、防水速干、抗腐蚀、抗自然老化,且不褪色、不变质脱落、无毒环保,是现在流行于家庭墙画设计的绿色环保绘画颜料。 四、结语 手绘墙画的出现极大地丰富了我们的家居环境,并在现代家居装饰设计中广泛应用。运用插画设计的装饰性特点及独特的创作手法和造型语言进行手绘墙画的设计与创作,能更好地营造和谐、个性、时尚的家居环境。手绘墙画通过插画设计展现卓越的艺术魅力,也奠定了其在家居装饰设计中的地位。 作者:杨凯 单位:南通理工学院 插画设计论文:艺术插画平面设计论文 一、插画的概念及发展历程插画 1.也许很多人对于插画的理解还只是停留在小人书或者是连环画的领域中,这样是不全面的。插画,从字面的意思来理解,顾名思义是指穿插在书中的图画,它以一种传递信息的艺术形式存在着,对文字内容进行更直截了当的解释说明。在我国,插画最早是以木版画和石版画的形式出现,继而受到西方插画的影响,整个插画的艺术形式和表达方式都渐渐脱离了本土化。随后插画被广泛的运用在各种书籍出版物中,这为我国小人书和连环画的发展奠定了重要的基础。随着社会的发展,插画的表现形式也慢慢的在涌现,它不止局限于图和画,还包括一些摄影作品,手绘作品以及图表和图形符号等。 2.插画与平面设计插画在平面设计中的运用历史悠久,它经久不衰,深受人们的喜爱,这与它的特性是密不可分的。插画的通俗易懂让人们能在第一时间读懂它所传达的信息,幽默风趣的特征展示着其独有的魅力,让人们更易与其产生共鸣。插画的独创性表现出设计师们独具匠心的创意理念,让人们在细细品味的同时爱上插画这门艺术。插画是平面设计的一个重要视觉元素,它可以弥补设计中信息传递的缺失,用最直观、最快捷的方式让人们在欣赏中接受信息。插画得天独厚的优势让其逐渐成为了一门独立的艺术,例如漫画的发展就是从插画慢慢演变过来的。如今在漫画产业繁荣的日本,一些出色的漫画作品直接影响着日本社会的发展。虽然插画开始逐渐走向独立,但它在平面设计中的地位仍然是不可撼动的。插画与平面设计两者是相辅相成的,插画的日益更新给平面设计带来了福音,平面设计的创意提升同时也带动着插画产业的发展。 二、插画艺术在平面设计中的运用 1.书籍装帧中的插画常言道,书籍是人类进步的阶梯。书籍承载着传播信息的功能,是人们获取知识的一个重要媒介,那么如何做到与阅读者进行无障碍沟通呢,我想仅仅凭借文字的力量是很难达到的。插画的运用,可以将文字内容以一种丰富多彩的形式表现出来,让书籍变得生动形象。书籍中的插画类型分为儿童插画、文学作品插画、科技插画这三类,其中儿童插画的需求量是最大的。例如在很多儿童读物中,大量色彩艳丽的插画替代文字内容吸引着孩子们的眼球。可见插画在书籍装帧中的运用是不容忽视的。 2.包装设计中的插画在商品竞争日益激烈的今天,包装设计的重要性是显而易见的,出色的包装不仅可以激发消费者的购买欲望,同时也对商品进行了一定的宣传和保护的作用。现代的设计师习惯在包装上运用实物摄影的图片,真实的色泽与质感充分体现了商品的本质,然而他们却忽略了插画的抽象或具象的独特个性。插画在包装设计中的运用是艺术与商品相互渗透的过程,在显现产品个性的同时也激发了人们的消费欲望。插画有着不同的绘画风格,同时不同的风格也定位着不同的消费群体。例如毕加索生硬线条的形态,又如梵高那激烈奔放的色彩风格。它们在很好的诠释插画的同时也充分的揭示着产品的特征。 3.招贴设计中的插画招贴设计的视觉感染力是强烈的,成功的招贴设计对信息的传达有着简洁明了,通俗易懂的特征。插画的强烈趣味性是它视觉冲击力的保证,它在招贴设计中的运用可以直观生动的传递产品信息,在很好的强化产品感染力的同时也激发了消费者的兴趣。招贴设计中插画的运用在体现自身优越性的同时也为招贴设计提升着艺术魅力。插画对招贴设计的影响是巨大的,在创意主导的设计世界中,插画也愈发扮演者重要的角色。(四)广告设计中的插画插画在广告设计中具有重要的地位,设计师们利用插画的视觉优势来传达广告信息。在创意就是灵魂的当今广告市场,要想在众多竞争者中鹤立鸡群,我们就要不断的寻求新角度,运用独特的方式来表现。例如心相印集团的很多广告中运用了少女系列的插画,在形象的传达广告信息的同时,其优美的画面表现让人们印象深刻。五、结语在中国,随着设计理念的不断推成出新,插画风格也日益多样化,设计师们对插画的偏爱愈发强烈。插画艺术的自身优越性不仅让人们对它爱不释手,更是使其在平面设计的运用中大放异彩。插画以不同的形式渗透在我们生活的各个角落,它是不可替代的,更是平面设计中一颗璀璨的星。 作者:汪小卉单位:江西科技师范大学 插画设计论文:插画艺术平面设计论文 一插画在设计中的形式 特征好的设计作品给人的第一印象是比较生动有趣,形状的图案和颜色都比较协调,有强烈的美感和艺术性。一个好的插图设计,应该包含更多的有趣的设计元素,不仅仅是一个元素的产品信息或产品特性,其中包含有趣的艺术。你可以一目了然立即感受到插图本身最真的部分,和触摸共鸣。比如现在的插图艺术的配套产品,在社会上也很受欢迎,如手机壳,鼠标垫,卡通杯衍生产品的开发,也带来了广阔的市场。因此,插画艺术应具有有趣性的形式特征。设计本身就是一种需要,而不仅仅是装饰,装修。今天的插画,在现代生活中流行的设计元素上占据更多,人们越来越注重实用的插图设计。其性能要与华而不实的产品相比较,人们更愿意购买的产品有一定的使用价值。由以上特点分析来说,插画艺术应具有趣味性,通俗性,多元化,形象化等形式特征的艺术表现方式。 二平面设计中插画的艺术表达形式 1插画在文学插图上的应用 以及艺术性插画在文学插图中发挥着至关重要的作用。在文学作品中,如果载入人类心灵和情感的活动,文学既有现实的插图,也有装饰插图。那么,里面插图文学为主要特征,是孤傲的文学在千变万化,开放的艺术表现形式的重要成员组成的文学作品。插画在平面设计中应具有写实性手法和装饰性手法。作为一个例证,显示了很多的内容,一些插图,甚至具有不同的时间,和地点连接到一个插画,如此逼真的插图,一般喜欢使用蒙太奇的表现。现实主义文学插图艺术,在电影蒙太奇的表现手法道路上的发展,提供了更多的自由发挥的空间,甚至时间和空间的形式,和现实生活中是不一样的电影的时间和空间。 2插画在商业插图上的应用 以及艺术性伴随着商业市场的不断成熟,插画市场涌入了大量的视觉文化信息,商务信息,尤其是在强调商业插画的应用是非常广泛的。按照不同的媒体商业插图,插画平面设计,插图,版式设计,包装设计,书籍装帧设计,海报设计,电脑游戏和网络媒体中的插图,被广泛应用于商业市场,引导和拉动内需,刺激消费群体,为商业插画的经济繁荣发展,提供必要的营养物质。现代艺术对商业插画,其影响是在快速发展经济和文化背景的前提下,一方面,战后经济的逐步复苏期间,每个国家都经历了重大的变化,对人民群众的生活水平的提高,对生活的前景,价值观,审美趣味都发生了很大的变化,另一方面,大众媒体,和流行文化的快速发展,也促使国内文化消费水平一天一天的提高。现代插画艺术的演变,从抽象的艺术,超现实主义,波普艺术,达达主义和其他形式的艺术,在艺术市场为商业插画带来了新鲜的设计灵感。 3商业插画的表现风格及应用 商业插画设计的性能特点,往往是在不同文化行业之间的合作。一种流行的插图,不仅成为了大量的印刷杂志发行宠儿,而且也可能被改编成动画片和电影电视节目。这个时代真正的态度是一个充满生机和短暂的发展阶段。作为一个商业插画,也是值得玩味的。商业插画的应用前景,越来越广泛,它在自然背景的图案符号,从书本上插入一直延伸到各种布局,户外海报,包装,以及尖端的时尚,今天的文化已经成为一个商业插画的明天。产品的包装设计是更广泛的插图。产品包装设计,包括标志,图形,文字三个要素。它具有双重的使命:一是介绍产品,二是树立品牌形象。最突出的特点是,它是在平面和立体设计之间。 三结语 当今社会的插图,被广泛应用于社会的各个领域。插图艺术不仅仅开阔了我们的视野,丰富了我们的心灵,而且还开阔了我们的心胸,让我们拥有无限的想象空间。随着艺术绘画材料工具日益商业化,插画在商品经济时代对经济起到了巨大的推动作用。 作者:张强单位:郑州工业应用技术学院 插画设计论文:图文结合插画设计论文 一、图文结合插画设计的作用 1.图文结合的形式使,插画主题更深入 插画设计具有从属性,对所插附的文章或者广告有解释的作用。所以插画的设计需要表达出明确的主题,并且能把主题准确地、简单地表达出来。对想要表达的主题要围绕“是什么”,需要设计的插画内容和内涵是什么。“怎么做”,怎么表现这些内容和内涵,用什么样的形式表现,以致达到信息传达的作用,画面还要具有一定的美感,才能体现出插画的自身价值和附加价值。文字的表达能力是图画永远无法代替的。而图画大多时候也很难把明确的主题表现出来,所以在图形里加入文字进行设计,并对文字的笔画做相应的调整,使之与图形完美地融合,这样能帮助受众理解插画与文章,这种设计方法更令人感动。作品中的文字成为“表现思想的工具”。文字加入图形中并不是对图形作品进行说明和理解释,而是对作品的含义进行一些提示。 2.图文结合的形式,使插画更具创新性 著名的作家莫泊桑在《漂亮朋友》里曾经写过这样的一段话“我感到,死神正在和我在一起,因此常想伸过手去,将他一把推开。天地虽大,但到处都有他的身影。我到处都可以看到他的踪迹。路上被扎死的蚂蚁,树上飘落的黄叶,朋友胡须中出现的一两根白毛,一看到这些,我的心就会像刀割一样,因为它是死神肆虐的见证。”设计与人、蚂蚁、树叶一样同样具有生命,如果我们不进行创新,设计出具有创新、进步的设计,等同死亡。所以插画设计要表现出独特的创意,具有创新性,插画家就需要有一定的想象力。伟大的爱因斯坦曾经说过这样一句话:“艺术形象力比知识更重要”,这说明了想象力在插画设计中是相当重要的。只运用图形设计的插画太过于常见,现在插画的表现形式越来越多,这跟插画家拥有神奇的想象力息息相关。如果插画家们尝试运用文字与图形结合,并把图形和文字之间的关系高度整合,紧紧围绕主题而设计。这种创作方法比传统的形式更独特,具有创新性。设计就是要不断地创新才称得上设计,如果一直保持原来的设计风格和用陈旧的表现形式,那就无法称为设计,插画设计亦是如此。近年来在广告设计、包装设计、书籍设计中,大多运用摄影图片表现广告创意和产品的形象,摄影能够直观呈现物体的形象,而插画设计相对与摄影来说有着绝然不同的效果。插画的形式相对来说更有幽默性、装饰性、创新性、趣味性等,而且有些运用图文结合的插画表现形式制作广告和产品包装设计等,并能在众多广告和产品包装设计中脱颖而出,起到了很好的宣传作用,因为这够特别、够创新。可想而知,我们在设计插画是必须要有创新性。 3.图文结合的形式.使插画更具趣味性 具有趣味的图形总能引起人们的关注,引发人们去思考。图文结合的插画相对常见的纯图形插画更具趣味性,它的形式、画面效果都有情趣。如果文字的笔画没有任何的变化,通常显得呆板和严肃,反之,文字的笔画富有变化甚至延伸出图形或者图形代替文字的某些笔画,使图文插画显得有美感、新奇感等,同时具有趣味性就非常容易吸引受众关注,对于商业插画的宣能传达到事半功倍的效果。如,“房屋”两个字,我们在绘画的时候,把“房”字的“方”部分设计成房子的门口和屋梁,把“屋”字的“尸”部分设计成传统瓦房的屋顶,画面的趣味感就瞬间展现了出来。又如插画主题是想表达一个跳舞的形象,可以运用适合的文字编排成一个正在舞蹈的人,或者用一个“舞”字进行变化设计,把“舞”字的最后一个笔画与正在舞蹈的脚的图形结合设计,同时对文字笔画的形态反复修改,使之与舞蹈的形象完美结合,看设计出来的“舞”字即能看出是一个“舞”,同时也明显看出是一个正在翩翩起舞的人。该画面简单易懂,形式又具有趣味性,富有趣味性的画面最容易让人产生情感共鸣,这种巧妙的设计无论是少年、中年、老年人看到这样的插画都会瞬间喜欢上这种感觉。 二、常见的几种图文结合成插画的表现形式 文字和图形结合在一起,经过设计组成一幅插画,可以形成独特的视觉效果,这就是文字成图的表现形式。图文结合设计时,需要考虑文字和图形的内涵是否一致或有关联,插画家要根据设计主题用图文结合的形式设计插画,使文字的内涵与最终的插画效果达到高度统一。表现形式有将文字设计成图形;将文字外形延伸出图形;将图形融于笔画里;运用文字代替图形的局部。 1.将文字设计成图形 将文字设计成图形时,我们通常都会把文字当做图形,因为它是图形组成的一部分,但受众在看文字的时候,通常也会根据文字含义去理解或者想象出一些画面。比如,“打篮球”这几个文字,受众直接理解或者想象出一个正在打篮球的动态或者打篮球的场面。如果把“打篮球”几个字重复排列,编排成一个正在打篮球的形态或者打篮球的场面,最终插画的画面呈现出生动活泼、有娱乐效果和动感的感觉来。另外也可以把文字的笔画设计成图形,比如,云朵两个字完全设计成云,插画的最终看到的既是“云朵”两个字,同时也是一朵云的形象,这种表现形式为画面增加创新性和趣味感。 2.将图形融于笔画里用图形 填充在文字的笔画里面,同时需要保留文字的属性和功能,可以不改变文字的外形和结构,而是把图形填充到文字的笔画里。设计这类的插画,文字通常运用一些笔画较粗的字体,或者把字体纤细的文字笔画调宽,文字笔画较粗才能看出现充在笔画里面的图形效果,如果文字笔画很细,图形显现的效果就不明显。表现这样的插画,有时为了画面显得更加灵活,图形也并不完全填充在笔画里,有一部分图形伸到笔画的外面。这种表现形式让画面显得更加活泼生动,文字因为有了图形的装饰显得更有生气,图形因为有了文字的外形和文字的含义显得更有层次感。 3.文字外形延伸出图形 文字的笔画向外延伸出图形,也可以说成图形融于文字的某个笔画里,同时图形向外伸展。这样的形式,我们通常看到的图形都把它当成是文字的某一笔画,因为这种形式一般保留文字的功能,稍微改变文字的外形和结构,用文字的一个或者两个笔画向外延伸出与主题统一的图形,就如“叶子”两个字,可以在这两个字中的一些笔画延伸出叶子的形状,使画面既保留有文字的识别功能,叶子图形的装饰同时增加了画面的生动性。 4.文字代替图形局部 文字与图形结合的插画设计的另外一种表现形式就是把文字融于图形中,代替图形的其中一部分。比如在画一个留着爆炸头发形的人物,用“头发很爆炸,超有个性”等与图形相呼应的文字编排成爆炸头的形象代替头发。一般这样的图文插画中文字变形比较大,这种变化是单个文字或所有文字的字体变形,因为文字要适合图形的变化进行某些部位的调整。除此之外,文字还需要根据图形的形态而变化,如果图形很流畅动感,文字的变形也必须设计出流畅动感的形态。图形如果是静态的,文字也要跟随图形而设计出安静的感觉。 三、结语 综上所述,文字和图形结合设计成插画的表现形式够特别、画面灵活不呆板,并且作用良多,它使画面的主题更深入,更具创新性和趣味性,同时插画运用在包装设计、平面广告、书籍设计等平面设计作品中的传播效果更佳。现今无论是年轻人还是老年人都喜欢这种图文结合的插画形式,因为它不仅明确地表现主题,还具有趣味性,容易让人产生情感共鸣。 作者:陆春连单位:广东财经大学华商学院 插画设计论文:民间剪纸艺术与插画设计论文 一民间剪纸艺术在插画中的应用 1在特殊节日中的应用 民间剪纸艺术中最常用的纸张颜色是红色,这种颜色自有的热烈、喜庆的含义,加上剪纸作品所展现的具体形象,使剪纸艺术成为中国传统节日中必不可少的一种艺术形式。如今,很多针对传统节日所设计的插画作品,大量地应用民间剪纸艺术,以剪纸艺术团作为插画的背景,来凸显传统节日的民族气息。例如在春节的时候,插画中经常出现贴窗花的画面,这实际上就是对民间剪纸艺术的应用;在传统节日元宵节的时候,大量插画都以红灯笼剪纸作为背景来烘托节日气氛等。 2在突出插画风格方面的应用 民间剪纸艺术是我国固有的传统艺术,无论是西方,还是日本和韩国这些流行插画的国家,都没有这样历史悠久的剪纸艺术。许多插画都以中国风为基调,但在形象设计、技法应用方面却流露出日韩风格,受到欣赏者的质疑,但是,一旦在插画中应用剪纸艺术元素,无疑就标示了插画的“中国风”风格,欣赏者对插画作品的认同度会大大提升。 3在插画细节诠释方面的应用 插画艺术设计中的人物形象受日韩画风影响,在细节方面多有雷同,而剪纸的应用,则可以对插画的细节进行特殊的诠释。在刻画人物时,使用可爱的人影形态,没有脸部表情,胖胖的身体,小小的四肢,简单的红白相间颜色。它的意义在于,它是每一个普通的、向往美好生活的人的影子,不一定要有漂亮的脸孔,不一定要有魔鬼的身材,而喜庆的胖胖身体中一定装着一颗满满幸福的心。这就是民间剪纸艺术的神奇力量之所在,它可以用简单的图案创造出生动、丰富的形态,而对于这些图案进行一定的提炼与变形,能够创造出了千百个不同的形态,每个形态的气质、精神,都能够得到完美的诠释。 二民间剪纸艺术对插画的实际作用 1为现代插画艺术添加审美价值 现代插画艺术被应用在图书出版、广告设计、会展布置等方方面面,如此广泛的应用使得插画艺术的审美价值变得不稳定,插画艺术价值的范畴始终难以确定。而民间剪纸艺术在插画艺术中的运用,却使得插画艺术的审美价值稳定下来,一旦有剪纸元素的出现,插画从整体气质上就显得传统并且具有亲和力,应用的限定性就更强,审美价值也就从简单的装饰品成为烘托气氛的必需品。 2对传统艺术的继承 人类制作某种图案为某种文化目的服务,而当这种图案长期代表特定的意义之后,它就具有了这种特殊的含义,人们随意使用它的自由就会受到其背后意义的限制。剪纸艺术以简约的符号为表象,表示着中国民间传统文化。在插画艺术中使用剪纸艺术,使得插画也具有这样的艺术意义,这实际上就是插画艺术对传统艺术的继承。 三结语 综上所述,民间剪纸艺术与现代插画设计的结合,是现代美术艺术对传统美术艺术的继承和发扬。民间剪纸艺术具有十分重要的历史记录价值以及生活审美价值,这是与现代美术艺术发展的基本思想相吻合的。民间剪纸艺术被应用在插画设计的方方面面,使插画设计的应用性更强,风格也更加突出。在插画设计中使用剪纸艺术,会使插画设计的艺术价值有所提升,值得每个插画设计师进行尝试。 作者:杨硕单位:西安工程大学 插画设计论文:水彩与插画设计论文 1水彩在现代插画设计中的运用 电脑CG艺术的发展让计算机绘图已经慢慢成为插画行业的主流,较之传统的插画,电脑绘制让插画变得更多产且便利。但同时,由于电脑绘图的普及,对于插画作者的美术能力要求也有所降低,即便许多优秀的CG艺术家及他们的插画作品可以看出其扎实的美术功底,但是插画行业的门槛却成下降的趋势。所以,传统手工绘制的插画显得小众而可贵。手工绘制的插画往往借助油画、版画、水彩、丙烯、色粉等绘画工具完成的。其中,油画和版画因为成本与工程量的原因,作为现代插画来说可行性不大,即便是有,也是极少的,而且几乎全部集中于纸质装订的插画中。而水彩却是手工插画的极佳选择,水彩既可以画出细腻及丰富的色彩效果,也可以充分地表达出体积与空间。同时,水彩这种工具的属性本身就让画面有着通透感,具有良好的视觉审美性。水彩画以水为媒介,调和色与色之间的关系,在一个经验丰富、技巧娴熟的艺术家笔下,水彩可以制造出极好的效果。在电脑CG艺术出现以前,水彩可以说是插画最为便利的工具了。现代的插画中,表现形式也呈现多样化,所以即便是选择传统的水彩画作为创作工具,也不一定要像以前的插画那样以完整的具象手法来表达,可以不用绘制出完整的水彩作品,而是有更多的表现手法可选择,如以线条为主,将水彩的色块依附于线条上面,也可以绘制纯平面的图形。只要紧扣主题、格调,保持图像美感,在此基础上,无论是传统的具象插画,亦或受到极简主义影响的符号式图形插画,都是优秀的插画作品。由于现代插画不仅仅是用于书刊,而是广泛用于电子多媒体中,所以水彩插画的运用必须扫描至电脑才能得到更广泛地使用,因此,许多人会选择直接使用电脑绘制插画,但水彩插画依然是不可替代的。比如在宫崎骏的动画中,许多场景都是水彩绘制的,虽然动画不同于插画,但是单帧的动画场景跟插画还是有着极大的相似之处。不难看出,水彩具有电脑CG无法模拟的效果,尤其是对于场景风景的表现,水彩营造的画面光感更真实,空间表现更加深远。现在有许多绘图软件在模拟水彩等手绘效果,像photoshop的水彩笔刷,以及artrage和corelpainter,但是还是无法达到真实手绘所带来的特殊质感。 2水彩与现代插画设计结合的基本要求 水彩画与现代插画设计结合是一种提炼又保留传统绘画的结合,是在现代快速多产的商业美术中独树一帜的产物。将两者结合,要达到实用与审美效果,有如下基本要求。 1设计师需要有扎实的美术能力。纸上手绘是设计师美术能力的直观体现,电脑作画容易做出各种效果,而水彩画则不然,如果设计师没有经过专业美术训练,很难能够胜任水彩插画创作。 2设计师需要有现代的设计理念。现代插画不同于传统插画,更不同于水彩艺术作品。是一种服务于商业主体,容易被大众接受的实用美术,理应做到满足于受众群的需求。现代插画风格更具多样化,既包括写实,也包括卡通,设计师需要对风格进行把握。题材上不仅仅是风景和人物等写实题材,还包含了拟人化的动植物等想象化事物,所以设计师如果没有现代的设计意识,是不可能将现代插画做到位的。 作者:邱小婧单位:湖南科技大学 插画设计论文:数码绘插画设计论文 一、当前的插画市场和以往的插画市场已经有所差别,现在的插画市场可以分为以下几种买家: 1、儿童插画买家。这是一个全国最大的消费群体,他们的服务目标为所有的低龄小朋友,甚至有的时候服务于小学生和初中生。这个市场养了中国百分之七十左右的画手。这个买家的中介是什么形式呢,现在这个买家的中介以出版社、中小书商、私人等几种群体方式来体现,而平台也基本以纸质媒介、电子出版物等流行的方式来实现。这个买家养的画手的生存情况如何呢?那么现在,国内的低幼插画家,基本的稿酬以一张a4纸张为例,单纯的线稿以20-40元不等,色稿为20-40不等,也就是说一个画手如果兼任线稿和色稿,那么他一张能得到的稿费大概在40-80元左右,一般成熟的画手一天能够完成4-5张的稿子。这个群体属于插画中的低收入群体。当然这个群体对于画手的要求也不是很高,门槛较低,一般的学生如果进入这个门槛,能很快的开始独当一面,但从发展前途上来说,没有更好的晋升阶梯。 2、绘本插画买家。这是一个中端的消费市场,教材中将插画细致分成很多门类,实际上当前在国内的市场,插画也就是大概分成三类左右,其余的细致的门类,插画师是随时可以跨门类制作插画的,在要求不是很苛刻的情况下。绘本类,基本服务于小资人群,当人也有一部分服务于儿童,但是绘本的特点是精美,对话性比较强,不会有大段的文字,基本以绘画为主,所以,绘本类的插画更适合快餐式的小资人群,也适合喜欢收藏精美插画的人群。那么绘本的制作者都是什么样的画手呢?绘本的制作者基本是属于画手里的中档级别,由于绘本入门要求比较高,写实的功夫和良好的色彩感受力都是硬性要求。 3、卡牌插画买家。这是一个高端的市场,我们可以把游戏的插画设计和卡牌的插画设计分成一类,因为卡牌也是一种游戏,那么卡牌我们都知道从日本的赛璐璐平涂画法到美系的写实厚涂画法都有自己的一定的市场。那么我们国内有一段时间最为流行的一套卡牌《三国杀》就是在游戏的过程中,夹杂了大量的美术元素。当让国内的卡牌由于制作经费有限,可能制作的时候并没有花费很多的费用,有些甚至是有赞助的情节出现。但是美国的“万智牌”做为全世界卡牌最受欢迎之一的牌种,它的美术价值,就非常惊人,据说一张成熟的“万智牌”稿费能够达到80000人民币左右。日本的二次元卡牌虽然稿费不比美国的惊人,但是也是能够让国内儿插的作者足够吸口冷气的,日本二次元卡牌稿费基本都在3000-30000人民币左右,这个中间差距根据成品的质量和卡牌画手的技术成熟度拉开。那么,卡牌的买家是什么人呢,卡牌的买家可以说从学生到社会青年到卡牌收藏者,覆盖面比较广。但卡牌的制作时间也比较长,实际上一张卡牌从草稿到线稿到色彩稿子,最少要经过半个月的制作周期。在插画当前的市场中基本以上述所表述的几种为主,其余的基本都能容纳到三个种类某一种类其中。那么如何让学生进行学习呢? 二、笔者认为在教学过程中,要通过以下几个方面来引导学生: 1、要让学生针对商业插画的制作下一定的功夫。插画不同与以往的速写,有更多的商业约束在其中,所以,要尽可能的让学生真正接触到一些插画的商业单子,通过真正的单子让学生练手。我们一些院校缺少这种让学生实践的平台,由于个别老师也避讳共享个人的机会,学生很难接触到客户,这就形成了学院教学的课程总是与实践有中水中望月、雾里看花的朦胧感,学生自己也不知道自己制作的作品是否能够合乎市场的需求。因此,这中结合是非常有必要的。 2、要让学生大量的接触优秀的插画作品,国内国外的插画大师经典作品能够让学生打开眼界,增强自我的经验积累,并且对于美丑的界定能够更明晰。 3、积极引导企业接触院校,让学生与企业互动。在让学生接触社会的同时,社会上一些企业也在了解学院,也在进行积极的良性接触,这就会形成象国外一样的企业扶持学校培养自己需要的人才的商业链条,我们恰恰需要的就是这种链条的形成。 三、通过学习更加深入的了解 目前应该掌握的软件和表现技法。对于技术的层面,现在教材中所涉及的一些cg绘画的软件基本是圈外人的一些熟知的软件,真正服务于商业插画的一些软件教材很多基本没有提及,象painttoolsai、posestudio、opencanvas等,教材中提及的ps软件等都是公用的一些软件,并不是专业级别非常强的软件。怎样把电脑变成一件超级画具?电脑可以做些什么?用电脑绘画,可以去到什么境界?这是插画家需要了解的。那么,对于学生除此之外必须要了解的另外一点是什么呢,就是数码绘的重要性,现在,基本上在商业插画的制作流程中,纸笔为媒介的方式不多见了,基本以数码绘为主,那么选择一块良好的数码绘手绘板就非常有必要性。在学生了解插画买家市场与插画软件后,并且有了自己一定的基础和手绘板后,就可以开始进行理论和实践的结合了,可以勇敢的去尝试接一些单子,在很多国内的论坛或者威客都有插画任务,可以去竞争,当然也可收集优秀的一些资料作为参考,从中来利用有用的成分服务自己的竞标,《幻想艺术》就是一本优秀的国内刊物,由于某种原因,暂时处于停刊状态,但是以往的过刊却都是非常经典,可以作为个人收藏和参考使用。从2006年开始,《幻想艺术》将国内优秀的动漫艺术家和他们的作品推向了国际舞台,让世界各国的人们走近中国的动漫艺术家和他们的艺术。当然由于国内的出版竞争情况和书籍出版政策多变性导致其刊物最终停刊,但这个刊物不得不说是一本经典的融合中西优秀作品大成的刊物,希望有朝一日能够复刊。对于学生说,成功后的果实会让学生真正体会到一个插画工作者所感受的艰辛以及市场的真实性,而不是光躲在书桌后听老师在幻灯放映机前讲文字内容和其它人的作品。 四、总结 总之,要想真正了解插画,就必须分析商业插画所处的境地。这种了解也正是学生技术能力养成的前提。当前,国内的教育方向是培养技术性的人才,很多院校甚至直接改成了技术类型的学校,这种改改必定能使教育真正的开始服务于市场,而我们也不能光把自己当做理论工作者,我们教师也应该在学习的过程中让学生真能学到知识,起码在走出校园的时候,有自己的一技之长,能够很快的得到一个生存的席位。相信,理论指导实践,实践上升为理论,这种良性循环的形成,真正能促使教育成为强国之力。 作者:李也单位:吉林大学古籍研究所 插画设计论文:民间剪纸艺术插画设计论文 1民间剪纸艺术 1.1民间剪纸艺术的形式民间剪纸艺术是民俗文化的产物,采用剪刀和纸张,使用纸张的“实”和被减掉的部分的“虚”,以自然的生活实物作为背景,来体现剪纸美术的画面感。我国不同地区的剪纸艺术是不一样的,其中,黄土高原地区的民间剪纸艺术最为著名,已经成为我国民俗艺术研究中的一大派别。 1.2民间剪纸艺术的艺术价值民间剪纸艺术发源于古代普通劳动群众的日常生活,是人们将对生活的渴望、希望,对美好未来的想象以及对美好事物的纪念,通过最常见的家常事务表达出来的形式。因此,民间剪纸艺术具有浓厚的生活艺术价值,承载了一代又一代劳动人民对生活的理解。通过剪纸艺术中的内容变化,我们也很容易能观察到不同时代的平民文化的变化。 2民间剪纸艺术在插画中的应用 2.1在特殊节日中的应用民间剪纸艺术中最常用的纸张颜色是红色,这种颜色自有的热烈、喜庆的含义,加上剪纸作品所展现的具体形象,使剪纸艺术成为中国传统节日中必不可少的一种艺术形式。如今,很多针对传统节日所设计的插画作品,大量地应用民间剪纸艺术,以剪纸艺术团作为插画的背景,来凸显传统节日的民族气息。例如在春节的时候,插画中经常出现贴窗花的画面,这实际上就是对民间剪纸艺术的应用;在传统节日元宵节的时候,大量插画都以红灯笼剪纸作为背景来烘托节日气氛等。 2.2在突出插画风格方面的应用民间剪纸艺术是我国固有的传统艺术,无论是西方,还是日本和韩国这些流行插画的国家,都没有这样历史悠久的剪纸艺术。许多插画都以中国风为基调,但在形象设计、技法应用方面却流露出日韩风格,受到欣赏者的质疑,但是,一旦在插画中应用剪纸艺术元素,无疑就标示了插画的“中国风”风格,欣赏者对插画作品的认同度会大大提升。 2.3在插画细节诠释方面的应用插画艺术设计中的人物形象受日韩画风影响,在细节方面多有雷同,而剪纸的应用,则可以对插画的细节进行特殊的诠释。在刻画人物时,使用可爱的人影形态,没有脸部表情,胖胖的身体,小小的四肢,简单的红白相间颜色。它的意义在于,它是每一个普通的、向往美好生活的人的影子,不一定要有漂亮的脸孔,不一定要有魔鬼的身材,而喜庆的胖胖身体中一定装着一颗满满幸福的心。这就是民间剪纸艺术的神奇力量之所在,它可以用简单的图案创造出生动、丰富的形态,而对于这些图案进行一定的提炼与变形,能够创造出了千百个不同的形态,每个形态的气质、精神,都能够得到完美的诠释。 3民间剪纸艺术对插画的实际作用 3.1为现代插画艺术添加审美价值现代插画艺术被应用在图书出版、广告设计、会展布置等方方面面,如此广泛的应用使得插画艺术的审美价值变得不稳定,插画艺术价值的范畴始终难以确定。而民间剪纸艺术在插画艺术中的运用,却使得插画艺术的审美价值稳定下来,一旦有剪纸元素的出现,插画从整体气质上就显得传统并且具有亲和力,应用的限定性就更强,审美价值也就从简单的装饰品成为烘托气氛的必需品。 3.2对传统艺术的继承人类制作某种图案为某种文化目的服务,而当这种图案长期代表特定的意义之后,它就具有了这种特殊的含义,人们随意使用它的自由就会受到其背后意义的限制。剪纸艺术以简约的符号为表象,表示着中国民间传统文化。在插画艺术中使用剪纸艺术,使得插画也具有这样的艺术意义,这实际上就是插画艺术对传统艺术的继承。 4结语 综上所述,民间剪纸艺术与现代插画设计的结合,是现代美术艺术对传统美术艺术的继承和发扬。民间剪纸艺术具有十分重要的历史记录价值以及生活审美价值,这是与现代美术艺术发展的基本思想相吻合的。民间剪纸艺术被应用在插画设计的方方面面,使插画设计的应用性更强,风格也更加突出。在插画设计中使用剪纸艺术,会使插画设计的艺术价值有所提升,值得每个插画设计师进行尝试。 作者:杨硕单位:西安工程大学
美术教育研究论文:浅谈美术教育改革的创新性思维研究论文 [摘要]随着时代的发展与观念的更新,新的文化意识形态要求我们在美术教学改革中必须赋予新时代的内涵和特征,并融入现代的教学方式和教学体验,以主动的创造性思维为艺术主体活动,把对艺术的感受和创造结合起来,寻找独特的艺术形式和个人的创作风格。追求个性化,强调视觉张力,使学生自觉的参与到艺术的创造性思维训练中,以创造性思维为主体活动,体现画面创造性思维的审美陈述,使艺术创作呈现丰富多彩的表现形式。 [关键词]创造性思维;培养;流畅;灵活;独特 一、创造性思维的提出 对于什么是创造,著名教育家吴全愈认为:“创”与“造”两方面必须有机结合起来。所谓“创”就是打破常规,“造”就是在打破常规的基础上产生出具有独特意义的东西,不打破常规,无所谓“创”。 如何激发学生的创造性思维能力,让学生主动、积极的参与到创造活动中来,是提高本科美术学专业基础美术教学效率,增强学生的创造性思维能力的重要实践课题。但从基础美术教学现状看,仍然存在着许多不尽如人意的地方:老师讲绘画的基础知识,学生听绘画的基础知识;老师板书绘画的技能要点,学生抄写绘画的技能要点;老师示范作画步骤,学生观看作画步骤;老师示范画结束,静物一摆,学生便开始操作练习。这种以教师为中心,强调“灌输式”的教学模式,一直以来使学生处于被动地位,严重地抑制了学生的个性,束缚了学生的思维,极不利于学生的创造性思维能力的培养。而从事美术创作和美术教学又是最需要学生主动发挥其创造性的,现代美术教学应从“教师为中心”转移到“学生为中心”,从以传统的讲授知识为重点转移到以培养学生的创新能力为重点。一堂成功的美术课教学莫过于师生之间情感的相互交流互动和提高,拓展学生的创造性思维,不仅在视觉中感受,而且全身心的融入教学的创新思维活动中。这需要精心设计教学,使学生快速进人全新创新思维活动中,教学也就进入了“引人入胜”的境界。“创造性思维能力培养”就是一条达到这种教学境界的有效途径。 二、创造性思维能力的培养 创造意识和创造精神是学生主动探究问题和从事创作活动的根本动力。创造活动贯穿人类历史发展的始终,是推动历史向前发展、社会不断进步的不竭动力。一部人类社会的发展史就是一部创造史。苏霍姆林斯基说“将劳动人民的强大创造精神及其对于生活、理想和追求的种种观念渗透进儿童的心灵和智慧,在他们的心灵中,就会激发出为人类的创造精神、思维和技巧而骄傲的情感。”因此,在美术基础教学中,如何拓展学生的创造能力、审美能力和表现能力,激发学生的创作热情,调动学生的学习积极性,提高学生的创新意识和创造性思维,是美术基础教学改革中的重要研究课题。在美术教学中,我们应该以主动的创造性思维为艺术活动主体,把学生对艺术本身的语言和造型的感受力、创造力挖掘出来,让学生置身于创造的时代潮流和艺术氛围之中,去体验和感悟创新,从而增强其创造意识,培养其创新精神。 (一)打破常规,鼓励学生多思快想,提高思维的流畅性 美国美术教育家艾斯纳将创造力分解为边界推移、边界突破、发明与美学组织。边界推移就是扩充材料与工具的固有特性,创造性的运用造型因素。边界突破就是在传统观念与传统技法中发现缺陷,提出新观点、创立新技法。随着社会的发展和社会对人才价值取向的变化。美术教育开始有意识的吸收现代科技成果和现代教学观念,开拓学生视野,创设发挥想象的表现空间,运用现代材料与工具发掘新的教学模式。在课堂教学中,充分发挥学生的主观能动性,创造生动灵活的课堂气氛,鼓励学生多思快想,鼓励学生在思维中打破界限,打破工具和材料选择的局限性,综合运用各种技法,进行有广度和深度的开拓。为善于动脑、敢于提出自己看法的学生创设安全的心理环境,激发他们激越亢奋的创造情绪,创造独具一格的美术作品,让学生在从无意识到有意识的过程中体验到创造的乐趣。 (二)以特色课程为创造平台,训练学生随机应变,提高思维的灵活性 思维的灵活性又叫思维的变通性,是指摒弃旧的习惯思维方法,开拓新的创造性思维能力,训练学生思维的随机应变、变化多端、触类旁通、举一反三、不拘一格,不受消极定势的桎梏,从而产生超常的构思,为创造打好坚定的基础;德国20世纪初包豪斯学院教学体制创始者格罗皮乌斯是创新教育的先驱,其教育观念、教学方法至今对我们仍有借鉴意义。特别是基础美术教学的训练,只给学生题目,不给任何工具,不讲解,不给方法,由每个人自由发挥,促使自己思考,不依赖条件,引导探索新渠道,发挥想象能力,锻炼学生独立分析问题和解决问题的能力,这些都是值得我们学习和借鉴的。 近年来我国的基础美术教学改革中已出现了不少有创造意识的课题设计。如图形创意中形象的发散思维造型、借形想象、借迹造型以及创作中的反常规思维、逆向思维等,这样的课题对培养学生的创造性思维能力有很大的促进作用,但还需要我们在每块教学领域上广泛而深入地拓展和建立与之配套的创造性思维训练体系。 (三)打造良好的创造环境,鼓励学生标新立异,发展思维的独特性 创造性就像一颗种子一样,它要一定的环境,包括土壤、气候、科学的灌溉、施肥、培养才能发芽、生根、开花、结果。在中国的基础美术教学中,普遍存在着将技能技巧的掌握看成是创造的理念,而不重视学生的独立探索。 技能是由老师传授的,但创造性是无法教的。一个国家的发展应在文化教育上注重学生创造性思维能力方面的培养和提高,创造力是不能教的。但创造力是鼓励出来的,是培养出来的。它需要良好的创造环境,所以美术教育工作者就是要创造一种适合培养学生创造能力的环境,开启学生内心的创造灵感,从学生内心的形象思维入手,激发其丰富的想象力,鼓励学生标新立异,用前所未有的新角度、新观点去认识事物,对事物表现出超乎寻常的独特新颖的见解,从而创造出新的事物。这是创造性思维最高层次的境界。 为提高学生思维的独创性,我们应引导学生进行独立探索,鼓励他们对已有的知识作出新颖、独特的转换和组织,依靠自己的努力去解决问题。 善于发现事物之间存在的新关系,从中敏感的提出见地性的看法,不人云亦云,不随声附和,这是学生创造性思维的特性。丰富的想象力是产生创造性思维的必要条件。要营造适合培养创造性思维的良好环境,教师应该按照课程要求进行创造性教学,把培养有创造力的人作为美术教学的根本目的。无论以怎样的手段和方法教学,都必须始终贯穿一条主线,那就是以人为目的、着重培养学生的创造性思维能力和创新意识。 在艺术专业基础美术教学中长效而有机的融入创造性思维能力培养这一课题,为美术教学和艺术创作提供了无限宽阔的灵活空间。使学生能运用自己独特的思维方法和造型语言,以创造性思维作为艺术发展的主体活动,激发主体人有知觉、感觉、精神、意志、冲动的进行艺术创作。因此,培养创造性思维能力是基础美术教学必须贯穿一致的优秀。 美术教育研究论文:美术教育研究论文 [论文关键词]人文主义教育观美术教育艺术修养 [论文摘要]美术课程是一种人文课程,是人文主义精神的集中体现。美术是人类文化最早和最重要的载体之一,运用美术形式传达情感和思想是人类历史中的一种重要的文化行为。美术并不是单纯的技艺,而是人类文化的积淀和人类想象与创造力的结晶。 教育的人文主义是以人的和谐发展为目标,希望人的本性、人的尊严、人的潜能在教育过程中得到最大的实现和发展。在我们提倡素质教育反对应试教育的今天,人文主义教育观对我们现行教育有很好的指导作用。美术教育作为一门学科教育,它有自己的独特性,它主张以学生自身的发展为目的,强调发展人的天性,发展人的个性,发展人的潜能。因此,用人文主义教育观来指导美术教育是顺应时代的潮流,是未来教育的一个发展趋势。 美术课程是一种人文课程,是人文主义精神的集中体现。人文主义指的是一种高度重视人和人的价值观的思想态度。它注重人的自由与平等,人与社会、自然之间的和谐。美术是人类文化最早和最重要的载体之一,运用美术形式传达情感和思想是人类历史中的一种重要的文化行为。美术并不是单纯的技艺,而是人类文化的积淀和人类想象与创造力的结晶。它记录着不同时代的文明,闪烁着人类的智慧、代表着人性的深度。美术是人类情感和精神生活的创造表现。任何美术表现形式都包含着一定的情感和思想。学生通过美术学习与自己情感生活的连接和相互作用,学习用美术方式表达和交流情感,使学生的不良情感情绪得以释放和宣泄,恢复他们心理的平衡,从而获得创造、表现和交流的能力,达到健全人格,陶冶性情的目的。因此,通过对美术的学习,将使学生的审美情趣和能力不断提高,性情不断得以陶冶,从而增强对自然和生活的热爱和责任感,形成尊重和保护生命和自然环境的态度,以及创造美好生活的愿望与能力。可以说,美术已经成为人文教育的优秀学科。 美术课程的人文性开始受到广泛的关注和重视。美术教育作为一门基础学科教育,它没有应试教育的功利性和目的性,能更好地贯彻人文主义教育思想。即使在高等教育阶段,美术教育作为艺术教育的一个重要组成部分,其教育目的和作用也开始受到越来越多的重视。1997年5月,北京大学隆重宣布成立艺术学系,并明确表示:希望通过在全校开展艺术教育,培养学生的艺术感受力与理解力,用艺术生动的表现形式陶冶他们的情感,使他们具有更高的精神境界、更开阔的胸怀和眼界、更丰富多彩的生活经验和人文修养、更健全的人格,成为21世纪合格的人才。我们知道,当下的美术教育不再是传统的素描、绘画、版画、雕塑课程及欣赏课,它有了更宽泛的内容。在欧美很多国家,开始用视觉艺术教育来代替美术教育,它超越了传统的“纯艺术”范畴的教育,为学生提供了更广阔的艺术教育。美术教育的对象不是针对那些对美术感兴趣的少数学生,而是面对全体学生的,倡导全面发展的人文主义教育理念。强调通过直觉、推理、想象、技巧以及表达和交流的独特形式过程逐渐形成丰厚的文化修养。美国的《艺术教育国家标准》在强调美术学科结构特点的同时,始终贯穿着以学生发展为本的思想,内容标准是根据学生达成目标来制定的,注重学生在参与美术活动时的感性体验,发展美术创造的基本能力。中国现行的美术教学也开始以强调美术学科体系转向激发学生创新意识和创造精神,强调以学生发展为本的精神。因此,用人文主义教育观来指导美术教育,成为对现行教育进行改革的一个重要理论依据,开始受到更多的关注。 美术课程具有人文性质,是学校进行美育的主要途径,在实施素质教育的过程中具有不可替代的作用。那么如何在美术教育过程来充分体现人文主义教育思想呢?首先,创设良好的人文环境,培养人文精神。美术教学可充分发挥学校、家庭、社会的多元文化的总体效益,整合社会、社区、家庭各方面教育影响,引领学生走向生活、走向自然、走向社会。通过欣赏、认识自然美和美术作品的材料、形式与内容等特征,通过描述、分析、对比与讨论等方式,了解美术表现的多样性;通过走进博物馆、美术馆、民俗馆,了解其中的民族民间美术、艺术等文化,了解它们与其他地区或其它民族美术文化的异同;通过参观、座谈、调查、访问艺术家工作室等参与活动,了解中外艺术家的艺术思想、生活及作品诞生的过程,或结合有关资料,让学生了解相关国家的地理、历史、风俗人情、社会风貌,增进对不同国家、民族,不同风格画派的了解与尊重;通过借助信息技术手段来更加全方位直观地了解艺术作品。其次:整合美术与其它学科的关系。未来社会需要具有探究精神与创造能力的人才,通过建立在广泛的社会、文化情景中的、以美术为主体并联合其它学科部分内容的学习,引导学生学会在新情景中探究、发现与美术有关的问题。在寻找解决问题方法时,主动地融汇不同学科的内容,使各种知识与技能相互融通、彼此联系,使他们真正获得探究能力和综合解决问题的能力。从而使学生在理性与感性之间求得和谐平衡。使身心得到健康和谐发展。由于美术学科具有人文性质,因此,美术学习的范围不能仅仅局限于美术自身的领域中。需要在美术学科与其它学科之间架起桥梁,通过引导学生对一些美术或跨越美术学科的课程进行综合与探索性的学习,能使学生在良好的时间内比较全面地认识美术的特征、美术表现的多样性以及美术发展规律与趋势。其次,加强艺术修养,提高审美素质。艺术修养是衡量一个人审美素质高低的重要因素。艺术修养的规定将直接影响个体人格素质与生存质量的高低。一个有较高艺术修养的人,能够主动地、充分地使其感性、情感和理智得到协调共处,使其心理结构的各个方面得到较好的发展和完善。假如整个社会成员都有一定的艺术修养,那么,就有助于在心灵和交流的氛围中培养一种协调的人际关系,就有助于人们更好地交流内心感受,更好地实现人际间的沟通和理解。只有艺术修养在社会上升值,才能全方位地提高人们的精神素质,协调人际关系,重塑健全、自由的人格形象,从而在根本上推进一个社会的内在品格。 人文性质应该是美术课程的基本性质,通过美术教育我们可以有效地形成和发展学生的人文意识。人文精神就是一种普遍的人类自我关怀,对人的尊严、价值、命运、追求的终极维护和关切,对人类遗留下来的各种精神文化和现象的高度珍视,是素质教育中理想人格塑造的肯定!因此,人文性质应该是美术课程的基本性质,通过美术教育我们可以有效地形成和发展学生的人文意识。用人文主义教育思想来指导我们的美术教育是顺应时代要求,符合历史之规律。 美术教育研究论文:成人美术教育教学研究论文 内容摘要:成人美术教育色彩教学应该根据学员实际需要,改进教学方式,注重个性化色彩风格的培养,尝试多种绘画材料技法在色彩中的运用,并建立丰富的色彩评价体系。 关键词:色彩个性化材料技法评价 由于成人美术教育的对象是已经具有一定美术基础的成人学员,其教学也更富挑战性,不能简单地重复专业院校的教学模式,要探索出符合成人认知特点的美术教学方法。笔者在多年从事成人美术教育教学的工作中,根据学员的不同能力,实践各种色彩教学方式,不断提高培训者色彩创作能力和审美能力。 一、色彩教学中的个性化培养 个性差异体现着人类多样因素与社会因素交互作用的丰富性,而这种丰富性又与美术的丰富多样性所一致。也正是学员审美个性上的差异,为我们开展美术教学提供了基础。与此相反,划一的教育却导致美术丰富多样性的缺失,也就失去了美术的真正魅力。个体在审美活动中的差异必须被重视和尊重,尤其是在富有情感的色彩表现上。尊重个性差异应该体现在教学的各个环节中,它要求教师无论在备课、上课、指导、评价等环节中,都要以此指导自己的教学实践。不能根据自己的审美喜好影响甚至干涉学员独特的审美习惯,确保他们在愉悦的环境中感受到自己的情感被尊重,使学员自觉地保持和发展这种审美的独特性,而不是趋同于同学和老师的审美感受,最终丧失他们宝贵的人格魅力。例如,讲课时要对色彩作品客观分析,理解不同色彩情感的表现抒发:莫奈《睡莲》《教堂》系列中光影色感的扑朔迷离、欢快丰富的色彩世界;凡·高的《向日葵》《自画像》充满强烈的个人情感和心理因素,以狂热的色彩语言描绘了痛苦焦灼的心灵,那奔放的笔触和强烈的色彩,以及整个画面的律动感令每个观者能体会到当时作者的绘画激情;蒙克的《呐喊》《生命之舞》中色彩传达的苦难、恐怖等等。 指导写生训练实践时,不应要求每个学生都按老师本人的方法和色彩感受去完成作品,应该允许学生在表现手法和工具材料上有一定的自由,应鼓励学员勇于用个体独特的色彩风格表达自己对事物的审美感受。在色彩表现过程中要调动学员表现对象的激情,强化画面的主观色调,营造强烈的情感氖围,根据需要选择运用写实、夸张、变色、反色、变调、抽象、象征等手法,强调笔势的动力感,如用平涂无痕的色块、长笔触的强烈扭曲的拖摆、细笔触的轻微的颤动、旋涡笔触的绵转,弯曲笔触的起伏等,突现色彩的感染力和视觉冲击力。当学员处于兴奋的状态中,活生生的对象就会融化为生动的线条,鲜活的色彩,写生就不会是冷漠的复制,而是炽热情感生动的表现。教师尊重学生的审美个性,发现、显示、爱惜、培养每个学员的独特的个人才能,便意味着把个性提高到人的尊严充分发展的高度。 在色彩教学中培养学员的审美个性,要求我们从客观心理结构出发,充分意识到教育和环境对审美活动产生的影响,并避免影响其发展的不利因素,在教学的各个环节尊重、培养、发展学员独特的审美个性。 最大限度体现差异,编排合理的教学内容。课堂教学是成人美术教育的重要部分,而课堂教学的成功与否,关键在于教学内容的选择与安排。成人学员是具有极大差异性的群体,整齐划一的要求和内容对他们肯定是不合适的,应该尽可能地照顾各种层次的学员的身心特点。以终身教育为目标的成人美术教育,在教学内容的选择上应体现出一种弹性,这种弹性体现在对于表现方式的宽容、工具材料的多样性和教学内容的难易方面。教师在备课时,应该注意适应不同基础学员的审美喜好,在准备要欣赏的艺术作品材料时,应尽量多选择一些具有代表性但又风格迥异的作品,以体现出教材内容对不同审美个性的宽容度。从学员的生活经验和已有的知识出发,使学员感受各类作品的不同审美形态,从而引发学生内在情感的自然流露,这样,学员对美术的体验、感受和表现才会得到充分发挥。教师应充分利用网络、多媒体等工具,利用各种色彩作品资源开发色彩课程,培养学员的美术素养和人文精神,建构个体对于本民族、本地区文化的人文关怀,从而形成独特的富有民族特点的审美个性。 二、各种绘画材料技法在色彩中的运用 不同绘画材料的运用会形成画面不同的肌理表层,肌理是经过许多艺术家用不同的物质材料,使用不同的工具和技法不断尝试探索创造出来的。这种效果具有独立的审美价值,并作为一种特殊的形式语言被采用。画面中所出现的肌理,使艺术手段更趋丰富,从而可以充分体现作者的创造性。 同样,在色彩训练之中,也可以运用各种绘画材料产生不同的色彩肌理效果,来拓展学员色彩的表现力。过去的色彩教学中,只是运用水粉、水彩、油画等常用材料,对材料与技法触发的色彩肌理问题没有引起足够的重视,学生不了解画面肌理的功能及其所生发的效应,如可以表现丰富的质感和光感,或传达精致、和谐、微妙、柔和、厚重、粗犷等感觉。重视媒介和手段的研究、增加各种特殊材质的必要的感性认识,即不同材料、技法形成的不同肌理表层,其本身就体现了作者不同的情感心理、情感动向及其精神价值取向。色彩肌理本身就会使观者引发不同的心理、生理等方面的反应和变化。同样的肌理表层又会因不同的材料选择,传达出不同的情感信息。 不同材料和技法的选择运用,引发不同的色彩肌理表层效果,同时也会导致不同的审美趋向差异。收集、保护和学习前人优秀的传统技艺,是我们创新的根本和基础。我们在色彩训练中学习传统技法的同时,鼓励学员大胆尝试多种绘画材料技法,如水彩、水粉、丙烯、国画色的综合运用,油画和金属、木、陶、蜡、纤维等各种材料的混合交替使用,还有刀刮、平刷、罩染、浸染、滴洒、划痕、厚堆等方法的运用,会产生许多意想不到的极为丰富的肌理效果,从而启发学员的创造灵感。经过深思熟虑并富有想象地利用工具和技法,以不同媒介来创作美术作品,在表现技法的探索、研究和体验中,最大限度地发展个体的审美个性,同时也会得到意想不到的收获。 不同绘画材料技法运用可产生不同的肌理,而对肌理的研究与综合运用模糊了画种的界限。实际上,我们已经看到跨画种的技法被广泛运用和借鉴,不同画种材料的综合应用已成趋势,因此,我们尝试在色彩教学中,充分而综合地运用不同画种的材料和技法,从而真正实现色彩教学的五彩缤纷,使学员感受色彩的独特魅力。 三、引入丰富的色彩评价体系 对于成人美术教育学员的色彩作品评价,相对较为理性和成熟,应尊重其自身的思想和体验,在具体的色彩训练中拓宽自己色彩的经验和感觉,建立起自己独特的感受体系,形成丰富多样的评价体系。 在成人美术教育中将评价作为色彩教学的重要学习方式,目的是为培养学员色彩评价能力,促进色彩创作和审美能力。美术教育加强学员的色彩评价能力培养,能提高学员的色彩意识,还能培养学员的色彩审美敏感性,发展其感受力和思维力。在色彩作品评价中,可采用学员自评、互评、讨论、阶段性的色彩作品汇报展览等形式,激发学员的学习兴趣和创作热情。也就是说,现代教学评价体系是一个相互制约、相互促进、不断自我完善的组织系统。传统的评价都简单地以学员最终的作品来给他们的能力进行定位,可是每个学员都有自己特有的生长环境,个性的不同、专业基础、工作环境的不同,表现出来的内在气质也就存在着差异。因此,学员努力的过程就是学员素质能力发展的过程,我们应该从学员参与学习活动和表现作品的过程中,去发现学员学习表现色彩的热情,从他们的作品中发现学员本质的有个性的东西,培养学员的观察力、想象力,挖掘他们的色彩创造力,保护学员的个性特点。 传统的教学评价比较单一,教师往往以学员画的色彩关系对不对,把眼光总放在美术学科的知识和能力方面等来评价,忽视了学员在其他方面所呈现的闪光点,忽略了学员在色彩表现过程中的自我情感抒发、审美情趣、构思创意、探索能力等方面的综合评价。因此,评价不仅要关注学员的学习成绩,更要发现和发展学员多方面的潜能,了解学员发展的要求。在学业评价的范围上,不仅应该有美术学科的知识和能力,还要关注学员在学习过程中的情感表达、审美情趣、构思创意、综合能力、探索能力等全面的综合评价。只有综合全面的评价才能使学员认识自己的优点和缺点,扬长避短,提升色彩创作能力。 其实,学员的色彩作品,原本就浸透了个人的各种情感,有些想象的、抽象的作品可能画面效果不是最好,也可能是学员造型能力、构图能力的局限,甚至是因为某些个性的因素使然。所以教师应尽量给学生提供自我表现的机会。让他们以异于他人的表现方式来表达其独特的思想和情感,并树立起自我表现的信心。教师必须站在每个学员的角度上,用他们的眼光去理解他们试图表现的内容,做到理解和尊重学员。在色彩呈现中,发现他们的才华,体会他们的情感,教师在评价作品时应抱着一种充分尊重和信任的态度,运用平等和恰当的评语谈出自己的体会和对学员的期望,可以起到鼓励学员创造能力和很好地交流的作用。在美术教学中要注重对美术活动表现的评价,评价的优秀是促进个体的发展,要通过突出评价的过程性和个体的差异性等,建立发展性的评价体系。 通过培养学员色彩表现的个性化和多种绘画材料技法的尝试,引入丰富的评价体系,改进色彩教学方法,使学员从被动接受知识的模式中解放出来,与开发潜能个性化的学习环境相适应,探索以自我指导为导向,以个性化学习为中心的新学习模式,形成符合成人学员可持续发展的认知规律的知识结构以及教学方式,培养建立学员色彩创作和审美能力。 美术教育研究论文:美术教育与人文素质培养研究论文 摘要:美术课程是一种人文课程,是人文精神的集中体现。本文从人文精神的内涵与价值;人文精神在美术课程中的体现谈起,尽而从联系学生生活实际,体验生活的乐趣;注重学生情感体验,提高审美情趣;了解人类文化背景,尊重多元文化;整合美术与其他学科,使身心得到协调发展;加强艺术修养,提高审美素质等五个方面阐述了培养人文精神的有效途径。 关键词:美术课程人文精神培养 自新课程标准颁发以来,我校在美术与人文教育上得到充足的发展,笔者根据自己多年的教学和对美术与人文的探索结合同事的经念,对我校美术与人文教育总结如下,以供同行赐教。 美术与人文教育是以人文素养为优秀内涵的艺术教育活动。从大的方面来说,是通过美术教育强调目前科技与经济高速发展影响下低落的人文价值和反思。强调人与人之间的爱与关怀,人在社会中的认识与体会,尊重个性的发展,培养良好的品质和素养。从小的方面来说;是通过美术教育来培养学生自我探索能力,提高对美术的鉴赏能力及动手能力。为了让学生更深入地了解人文与美术,我校在课程目标的制定上突出了三个层面: A探索与创作:上好每节艺术课,挖掘教材中人文内涵,培养学生审美情趣,是我校向任课老师提出的最基本要求。因为音、美艺术本身就是一种极高的人文情怀、文化底蕴相当丰富的艺术门类。它更多的关注人的精神境界,关注人与自然,人与社会的和谐,关注人类灵魂的呼声。应当说音、美艺术本身就是对学生进行人文素质培养的极好教材。老师们在教学中更多的是关注美的熏陶,不光说教,不靠灌输,把教学内容中那些最富美感,最具艺术感染力的亮点挖掘出来,呈现给学生,引导学生去感悟美、发现美,从而形成一种积极乐观的求知态度。关于这一点,我认为应从四个方面去教学。第一、让学生了解美术与社会的关系。美术是一种艺术,它来源于生活同时又高于生活,即美术必须建立在对社会的理解和认识的基础上的,但美术作为一种艺术是对生活的加工和提炼。美术是人类文化最早和最重要的符号性载体之一,记录和再现了人类文化和思想的发生、发展过程。运用美术形式传递情感和思想是整个人类历史中的一种重要的文化行为。第二、发挥学生独立思考能力,运用适当的方法进行创作。美术是表现和激发学生创造才能的最佳方式之一。美术活动最能提高学生的想象能力、观察能力。学生通过观察生活来感受生活。体验来自生活的情感和乐趣。如引导学生观察周围生活、自然环境、自然景观等,并用点、线、面、色彩、空间、明暗、质感等绘画要素,进行对比、和谐、节奏、韵律、均衡、黑白、排列、堆积、组合等构成因素来表达自己的想法和感受。引导学生发现身边的美,把自己的生活经验和美感相联系,将自己对生活和自然的感受、体验与艺术家对它们的表达联系起来。尝试用自己喜欢的绘画方式表达出自己的体验和感受,或将自己对生活和美的理解写进美的成长记录里。第三、联系社会:找出美术与社会的结合点,运用恰当的方式和技法表现自己对社会的认识和看法。了解人类丰富的文化遗产和文化发展,了解艺术与社会、艺术与历史、艺术与文化、艺术与生产、艺术与生活的关系,学会分析、综合和评价的思维技能,多给学生感悟艺术作品的机会,引导学生展开想象。通过比较、讨论、体验、思考、鉴别、判断等方法以及各种形象的教学手段,如电影、电视、录像、范画、参观、访问等,增加直观形象感受,提高其审美能力。使学生受到良好的艺术熏陶,使学生具有积极向上的精神追求,摆脱物质利益的束缚,并具有文明感和历史感,是我们应不断追求的人文精神。第四、结合学科,尝试用不同的方式表现相同的题材。在方法的选择上充分遵从学生的个性,发挥其长处。取得最好效果。学科间整合或统整,是现代教育理念,亦是美术课程改革的内容之一。未来社会需要具有探究精神与创造能力的人才。通过建立在广泛的社会、文化情景中的、以美术为主体并联合其它学科部分内容的学习,引导学生学会在新情景中探究、发现与美术有关的问题。在寻找解决问题方法时,主动地融会不同学科内容,使各种知识与技能相互融通、彼此联系,使他们真正获得探究能力和综合解决问题的能力。从而使学生在理性与感性之间求得和谐平衡。使身心得到健康和谐发展。由于美术学科具有人文性质,因此美术学习的范围不能仅仅局限于美术自身的领域中。需要在美术学科与其它学科之间架起桥梁,通过引导学生对一些美或跨越美术学科的课程进行综合与探索性的学习,能使学生在良好的时间内比较全面地认识美术的特征、美术表现的多样性以及美术发展规律与趋势。美术与其它学科相结合的活动内容可表现为: (1)美术与文学:创作童话故事的插图、连环画等。 (2)美术与戏曲:舞蹈:设计、制作并表演皮影戏、影子戏等。 (3)美术与音乐:用造型艺术的方式来表现音乐,包括描绘乐感,设计制作乐器,并用这些乐器演奏等。 (4)美术与地理:绘制地图、设计、制作游乐园模型等。 (5)美术与物理:设计与制作会发光、会转动的环境艺术模型等。 (6)美术与自然:创作居住地区昆虫、植物、风景的图鉴,创作反映居住地区风貌的美术作品等。 (7)美术与历史:调查当地文化遗产以及传统艺术,用报告、画、雕塑或建筑模型表达调查结果等。 B审美与辩证:在美术课堂中培养学生审美情趣,使每个学生能通过美术教学了解艺术的价值,重视艺术作品和文化,提升生活素养。首先、我让学生主动学习书上的基本知识,了解艺术的起源与发展,了解我国及国外美术的各种风格及流派,知晓艺术发展的方向。其次、让学生参加各种活动,诸如观看画展,拜访名家并观其作画,相互交流。提高鉴赏能力。通过各种美术实践活动,使学生的美术经验不断得到丰富和升华,从而获得感受美、创造美、鉴赏美的能力和健康的审美情趣。正如英国的怀海特所说“艺术教育的目的,就是唤起智慧和美感”。美术课程充分考虑学生的可接受性,并联系学生心理、生理发展的连续性和阶段性,教学内容贴近学生的生活,与学生经验相联系。如利用游戏、表演等方法,让学生来参与、交流、体验、表现生活,使学生学会表达自己的情感和愿望。通过创设多种多样的方法和形式,挖掘其内涵,使学生从自我中心走向与他人共处。学生在活动中通过交流、体验,能够积极主动学习,由生活激发兴趣,带着饱满的热情去体验、表现、创作。再次、分析社会与艺术的关系及相互之间的影响,对一些社会活动或建设做出比较积极的建议。 C文化与内蕴:我校美术课堂力求使每一个学生了解每种艺术的发展脉络及其风格流派。让学生积极参加各种艺术活动,提高鉴赏能力,尊重科学与人格,扩展艺术视野。第一、我国地大物博,有极为丰富的自然景观和人文景观。让学生了解并珍视它们。第二、比较地方文化古迹、景观的特色,加强对历史文化的了解。第三、珍视、探讨多元文化。美术是人类文化最早和最重要的符号性载体之一,记录和再现了人类文化和思想的发生、发展过程。运用美术形式传递情感和思想是整个人类历史中的一种重要的文化行为。通过美术与文化的联系,可以了解不同地域文化背景,学会尊重多元文化。我们所接触到的很多美术作品都有象征意义,这是由文化所规定的。人类社会的神话、史诗、传说、典故、宗教、寓言都是规定象征的重要原因。如苹果在不同的文化背景中有着不同的象征性,在基督教艺术中,由于苹果是夏娃从智慧树上摘取得禁果,一般象征着人类的坠落,而婴儿耶稣手拿苹果,其实是象征着赎救人类。这些象征关系的规定性是来源于希腊神话,如果我 们不理解这些规定性,就不可能真正解读作品,甚至还可能对作品做出错误的解读。所以美术教学可充分发挥学校、家庭、社会的多元文化的总体效益,整合社会、社区、家庭各方面教育影响,引领学生走向生活、走向自然、走向社会。通过欣赏、认识自然美和美术作品的材料、形式与内容等特征;通过描述、分析、对比与讨论等方式;了解美术表现的多样性;通过走进博物馆、美术馆、民俗馆,了解其中的民族民间美术、艺术等文化,了解它们与其他地区或其它民族美术文化的异同;通过参观、座谈、调查、访问艺术家工作室等参与活动,了解中外艺术家的艺术思想、生活及作品诞生的过程,或结合有关资料,让学生了解相关国家的地理、历史、风俗人情、社会风貌、增进对不同国家、民族,不同风格画派的了解与尊重。 总之,培养学生人文态度,提高学生的人文素养,是一个长期的工程,决不是一朝一夕就可以完成的。教师必须在自己的教学活动中精心设计,充分利用各种机会去作好这方面的工作。 美术教育研究论文:儿童美术教育研究论文 美术教育作为促进儿童智力发展和培养各种能力的重要手段,已为人们普遍认识和重视。然而美术教育是一个比较特殊的学科。有其独持的教育规律,在儿童漫长的成长过程中,如能科学地将美术教育知识传授给他们,将会对儿童知识面的拓宽、想象力的丰富、形象思维的发达、创造能力的增强都有好处。 一、儿童绘画心理的正确认识 儿童绘画心理的发展有着他自身的特殊性,它不仅由心理发展的阶段性所决定,而且儿童绘画的发展状况同样也是呈现出鲜明的阶段性。我们只有充分地了解了儿童绘画发展中各个阶段的特性,才能根据不同阶段的不同特点而去制定相适应的教育方法。在这里我们根据儿童小学阶段的心理发展状况,把儿童绘画心理分成三个阶段,即初级阶段(1-2年级),中组阶段(3-4年级),高级阶段(5-6年级)。首先我们看第一个阶段,这个阶段是儿童由以游戏为主的学习方式,转为以学校正规教育为主的学习生活的开始。在这个阶段,作为教育者所面临的最主要课题,就是如何把儿童在入学前的自由式即兴作画的热情引导到正规学习中去,要达到这一目的,除了教材要适合此阶段儿童的兴趣外,师授课方法要正确得当。因为这个阶段的儿童刚进入一个新的学习环境,一方面对这种正规的学习方法感到新鲜好奇,才能得到教师的认可,因而这一时期教师的教学宜以正面鼓励和耐心细致的引导为主,如果因授课方法不当,激不起儿童的学习热情,或是指责过度,无疑将会使他们中断绘画的兴趣,给以后的学习带来困难。 儿童在进入三、四年级后,即前面所说的儿童绘画心理的中级阶段。这个阶段被人们称作儿童绘画的转变期或过度期。在这一阶段,他们的绘画水平是不稳定状态。因为这时期的儿童基本上能看出作品的不足,但又不知如何改变这种状况。此时他们的抽象思维能力还不具备。无法解决诸如物体的结构、比例、色彩等问题,因而作画的兴趣下降,缺乏以前的那种热情和信心,从心理学角度来讲,这显然是儿童从直观形象思维向抽象思维发展的过度阶段。在这个时期,教师如不注意引导,过度指责,容易导致大批学生对绘画失去信心和兴趣,所以当儿童进入这个时期,教师一定要及时给予指导,通过多种形式的美术教育方式,如走出课堂、多增加写生和速写的练习,这对提高学生的造型能力和顺利度过这一时期是很有帮助的。 儿童进入五、六年级,这是儿童绘画心理的高级阶段。在这一时期,儿童在抽象思维方面已得到了很大发展,爱好美术的同学此时热情更高,他们对形体的观察理解能力已有了很大提高,常规教育已不能满足他们的需要,这样教师就需对这阶段的学生教育要有所区别,除了传授课堂知识,在课外对爱好美术的学生要系统地传授一些理论知识和绘画技巧方面的知识,特别是写生能力的训练。 二、儿童基本绘画技能的培养 儿童绘画中最基本的技能主要是临蘑写生、速写和默写四个方面,这是提高儿童绘画水平最基本的方法,也是将儿童由被动的学习转为主动学习的最理想途径,只有掌握了一定的绘画技能,才能使儿童的绘画表现得更轻松而得心应手。 临摹:临摹对儿童阶段的学习来说,是一个重要途径。中国传统绘画和书法很注重临摹的学习。临摹要注意学习对象,低年级适于临摹简单的,线条单纯,色彩明快,令他们感兴趣的图画,可允许他们在一定范围内自由发挥,以丰富画面内容。这既可增加他们的兴趣,也可锻炼他们的想象力和创作能力。到中高年级,可根据儿童实际绘画能力提供给他们一些静物或风景作品,但要注意一点,临摹只是辅助学习方法,要掌握好绘画的技能,重要的还是造型能力的训练。 写生:写生是面对着实物进行的绘画,因而其最大的特点就是锻炼学生观察、分析事物的能力,锻炼眼、手的协调能力,经过长期有目的的写生练习,学生便能建立起正确感知物体形态、结构、比例、色彩、空间等概念,作为教师要根据儿童的不同年龄,对学生提出明确的阶段性要求,在写生练习时要引导他们观察、分析和表现,切不可用同一种模式去要求他们。 速写:速写同写生不一样,虽说都是面对实物作画。但速写要求在短时间内把眼前的物体表现出来,这种技巧的熟练掌握,将能极大地激发儿童用画笔表现生活的欲望和热情。儿童速写可以先从易于观察理解、有特点的静物开始,然后可过渡到今他们最感兴趣的动物,进而再画人,再由简单的场面过渡到复杂的场面。随着技巧的熟练,眼光也会变得敏锐起来,从而使绘画变得更加自由了。 默写:默写是指把曾经看到的形象回忆起来,并用绘画的形式把他们表现出来,因此默写的基本前提是先要有记忆。教师在进行默写训练时,要通过组织活动,然后启发他们去回忆,想象活动中生动的场面、人或物等,然后将他们画出来。在这个训练过程中,教师的启发很重要,通过启发能使儿童们的回忆更富故事情节、更生动、更典型。但这种启发要根据儿童年龄的差异而有所不同。 美术教育研究论文:幼儿美术教育目标研究论文 内容提要幼教改革从理论实践上对幼儿美术教育提出了一系列带有根本性的问题。该文认为幼儿美术教育的实质是以艺术施教,借艺术来培养智力、创造力以及人性和社会性。并在此前提下,分析了对幼儿美术教育目标的已有阐述,指出其不科学及模糊之处;点明了幼儿美术教育的独特性质以及与其它美术教育的区别,揭示出幼儿美术教育的实质是创造性的造形活动。最后对幼儿美术教育目标进行了独到的阐述,在一定程度上拨清了为此而生的种种误解。 人们对事物的认识,是在实践中逐渐发展和完善起来的。这种过程是一个由现象到本质,由外延到内涵的演变过程。随着我国10年来在幼教领域改革的加深,幼儿美术教育从指导思想到教育活动的内容和形式都发生了很大的变化。也日益受到人们的重视。在幼教改革中,综合性的整体改革和各科教法的改革从两个方面推动了幼儿美术教育的发展,同时也从理论和实践上对幼儿美术教育提出一系列带有根本性的问题。由于我国美术教育理论方面的薄弱,使得一些基本的理论问题尚不能在广大教育者的头脑中形成清晰的认识,例如,幼儿美术教育的本质特性的问题,就是一个阻碍人们正确认识幼儿美术教育的问题。对于这一问题以及由此引起的关于幼儿美术教育目标的研讨,无疑会促进我国幼儿美术教育理论的进步和实践的发展。 教育实践中的很多问题都和教育指导思想以及集中体现这种思想的教育目的有关。笔者在从事10余年的幼儿美术教育工作中深感教育目标在教育实践中的重要,因此提出对幼儿美术教育的目标如何阐述的问题,希望通过研讨,获得共识。 一 幼儿教育是为幼儿未来的学习和发展作好各种准备的教育。它的教育范畴包括身体、智力、情感、思维、语言、品德、美感等很多方面。它的教育目的是通过各种各样具体的教育活动实现的。幼儿美术教育是幼儿教育的组成部分,是实现幼儿教育总目的的手段。所以幼儿美术教育的目的不是为传授艺术而进行的教育,也不是为少数有艺术天分的儿童而存在,而是在总目的指导之下的具体目的,所以可称之为目标。 目标是教育思想最典型、最集中、最概括的反映,美术教育发展到今天,其教育指导思想也有一个演变的历史过程。 将图画、手工等活动纳入教育课程之内开始于一个世纪前的英国和德国,由于产业革命的发展,人们深感工艺教育的需要。在当时,美术被认为是可以培养观察能力,使头脑细密,又能掌握很多知识和技术的学科,所以初期的美术教育都是以技能教育为出发点的,而且都从几何形入手,然后进入写生,对幼儿也以同样的方法去教,只不过难易不同罢了。 20世纪初,很多心理学家对儿童的美术研究开始兴盛,如凯尔仙修泰那(Kerschenstener)等,他们积累了很多儿童绘画的研究成果,结果使欧美的美术教育开始了变革。奥地利的法郎兹·西泽克(Cizek)提出了革命性的主张,提出不要给儿童强加成人的思路和方法,要按照儿童的发展阶段进行教育,并使儿童的创造性得以实现。在以后的年代里,英国的赫伯特·里德(Herbertread)和美国的罗温菲德(Lowenfeld)也对美术教育理论作出突出的贡献。里德指出“儿童艺术是人的表现方法之一,模仿成人的想法是错误的,艺术应为教育的基础,通过美术来发扬光大儿童与生俱来的创造力是美术教育应有的基本态度。”罗温菲德也认为艺术教育“不是为传授艺术而进行的教育”,而是通过艺术来塑造人格。在艺术心理学的领域里,美国的鲁道夫·阿恩海姆(RudoIfArnheim)对视觉与认识与思维的深入研究为通过美术教育培养人的创造力奠定了基础。正如阿恩海姆指出的那样“艺术乃是增加感知能力的最有力的手段,没有这种敏锐的感受力,任何一个领域的创造思维都将是不可能的。” 与创造性的美术教育相呼应的是以德国包豪斯(Bauhaus)造型设计学校为代表的现代造型艺术潮流。包豪斯将一切造型领域里共同的基础内容作为学习内容教授给学生,取得了效果并推动了“构成”的发展,这不但对生产和造型艺术有极大的影响,而且也影响到美术教育。图案、手工这些教育内容被重新加以认识。抽象化、象征化的表现在造型中的重要性也逐渐被认同。美术教育同人的生产和生活愈加密切,美术教育的范畴广为扩展。 综上所述,今天世界上的美术教育已由写实和抽象两个方向发展而来,并和心理学、教育学相结合,成为以艺术施教,借艺术来培养智力、创造力、人性与社会性的教育。“通过艺术而进行教育”成为大多数国家美术教育的指导思想。 二 我国幼儿美术教育的指导思想,集中体现在幼儿园教育《纲要》中对美术部分的阐述上: “在幼儿观察物象的形状、颜色、结构等的基础上,培养他们用绘画和手工(泥工、纸工、自制玩具等)充分表现自己对周围生活的认识和感受。初步培养幼儿对美术的兴趣以及对大自然、社会生活、美术作品中的美的欣赏力。发展幼儿的观察力、想象力、创造力。发展手部肌肉动作的协调性、灵活性,初步掌握使用美术工具及材料的技能。” 对于这一阐述,可以认为是我们过去对幼儿美术教育目标的认识。笔者认为,首先应肯定这一阐述的意义,它在促进我国幼儿美术教育的发展中发挥过重要的作用,而且还将具有参照意义。同时也应指出,时展了,认识也发展了,这一阐述已不适应今天我们对幼儿美术教育的理解以及未来对幼儿美术教育的需要,主要意见有以下几点: (一)未脱离以成人对美术的理解来看待幼儿美术活动,以客观反映论对待幼儿美术活动,因此不适合幼儿美术活动的心理特点与表现特点。必然将幼儿美术引入写实的模式之中。 (二)文字表述抽象和概括不够,反而使活动范畴受到局限。如“绘画、手工(纸工、泥工、自制玩具等)”这些形式都可以用造型活动来概括。再如“观察力、想象力”,我们知道,幼儿美术活动会有助于智力的发展。智力中就包含有观察力、注意力、记忆力、想象力等多种因素,因此,可以用智力来概括。 (三)创造力是区别于智力的一种能力,也是美术教育最为突出的一种功能特征,但在表述中因平列的关系,难以清晰地认识和记住这一重要的目标。 对于以大自然、社会生活、美术作品三个领域对幼儿进行审美教育当然是不错的,但是幼儿美术教育中的美育内容重要的是对幼儿进行形式美感的教育,即视觉对形式美的认识与理解,这是区别于其它美育形式的主要特征。另外,用“欣赏力”一词,是过高的目标,幼儿的美育主要在于培养幼儿对美的事物的知觉与感受,尚难达到欣赏力的程度。 根据以上几点意见,笔者认为,我国幼儿美术教育的目标应重新修正。 为使目标及其阐述更为科学,我们首先必须对幼儿的美术活动的性质有比较清晰的认识。众所周知,幼儿美术不同于成人概念上的美术,和中、小学的美术教育也不同,这并不是难易程度或循序渐进的问题,而是由幼儿的生理和心理发展所决定的。他们不会按眼睛看到的物象的形状、颜色、结构去表现,而是用心灵对知觉样式的把握和理解去表现。幼儿美术如同原始人类的艺术活动一样,是他们认知和表现的一部分,可以说它是一种混合体,它既是幼儿自身本能的欲望的表现,又是对客观世界认识的反映,既是体质、智力的体现,又是情感、态度的表达,既是游戏、又是学习,既有模仿,又有创造。幼儿美术教育正是基于幼儿美术活动的这种混合体的特点,因此具有多方面的综合性教育功能特性。它的作用包括诸如培养美感、促进认知、发展智力、提高手、眼、脑的协调性和手的灵活性。促进创造性的艺术想象力和表现力等等。在这些作用中最重要的作用在于它具有培养创造性的功能,这种功能是通过造形活动实现的。造形是幼儿美术教育的优秀,是幼儿美术教育区别于其它教育(如语言、数等)最重要的内涵。 三 造形活动是人类一种最基本的活动领域。从原始社会的石器、陶器到现代社会千姿百态的视觉艺术,人类的造形活动随处可见,它和人的生产和生活密切相关,也是人类改造世界的一种基本能力。人类的造形活动最重要的特征是能够按不同物种的标准和美的标准进行有目的的创造,具有求新、求美的特点,它是人的本质需要,也是满足这种本质需要的本质能力不断发展的表现。创造性的造形活动源于人的手和脑的活动,视知觉在其中起着重要的作用。视知觉本身具备着一种思维的本领,具备着认识能力和理解能力,尤其是作为一种创造性的思维。它是经过知觉的选择作用生成的意思进行的。而造形活动为视知觉提供了具体的感性材料,又有通过造形活动的过程,体验到创造的过程,使想象现实化。因此,造形活动有助于人的创造力的发展。 人的造形活动离不开实践,科学家为大脑机能定位的研究和认识规律的研究表明,大脑与外界存在着某种一致的关系,大脑皮层的活动取决于脑细胞与外界的交互作用,形成自身的代码(图式),用来译解和反映对象世界,这样,经常接触某一事物的人就形成了对该事物的代码,例如,经常听音乐的人,就形成对音乐的代码,而不接触音乐的人头脑中缺少编码,自然就难以解码,也就只能听见,而听不懂音乐。创造性的造形活动也是如此。对于幼儿来说,只有在创造性的活动中才能建立起创造性的代码,因此,尽管说造形活动有助于培养创造力,但美术教育中模仿为主的模式并不能达到这一目标。因为在活动中对技术的追求已经束缚住了自主性的探索性的表现的可能性,使其不能形成创造性的代码。 造形有广义和狭义之分。狭义指造型艺术,与美术互用。广义则泛指无论有无美的要素,凡人类利用一切可视可触的材料在空间或平面上做出看得见,摸得到的形象或物体。如果我们从广义的意义上去看待幼儿美术活动,则除了图画和手工以外,幼儿的很多游戏活动都是造形活动,例如,孩子在雪地上用脚踩出花样、用插塑积木摆出各种形态,在下过雨的水沟上筑坝,在沙子堆里造城堡等等,这些活动对于创造性的造形都是具有意义的。因此,广义的造形应是我们对幼儿美术活动所持的态度。由此出发,也更为容易拓展幼儿美术活动的内容并与其它教育活动结合起来。 幼儿的造形活动是与游戏分不开的,他们对随手搭合的树叶、纸片、小棍极感兴趣,对能够通过自己的主观意志改变一种材料的形也极感兴趣,如果我们把孩子看成是小小的原始人,就容易理解他们为什么会对形式多样的美术活动那样感兴趣了,他们的活动中不仅满足了游戏的需要,而且得到了关于物质世界的真实信息以及自己与世界交流的方式。每一种新材料或新式样的接触和体验都会使他们形成深刻的记忆并影响久远,所以增强幼儿对各种适合他们年龄特点的造型材料的体验,是幼儿美术教育的重要工作,从这种体验中就培养出造型艺术的基础感觉。 幼儿在造形活动中的表现可以分为“意象表现”和“机能性表现”。这两种表现在活动中都是依赖视觉形式实现的。也就是说,幼儿在造形中的着眼点是美术的形式,在某种程度上他们只对“形”(形状、色彩、构成要素等)以及由“形”引发的联想感兴趣。例如,当孩子在涂鸦期能画出圆形时,他并非要画什么东西,而只对这种最简单的能把图与底区别开来的“形”感兴趣。在以后出现的象征性符号和各种各样的形象样式及组织形式中也是以形的变化和关系为基础的。他们对手工活动的态度也是如此。他们对泥工、折纸等活动的兴趣在于这些可变形的材料能够实现他们造形的意愿,从而体验到创造“形”的快乐。 幼儿在造形活动中表现出的创造性也离不开他们对美的认识和感情,他们对美的认识是肤浅的,但却是基础的,因为美的内涵是通过形式体现出来的,造形艺术为幼儿对美的认识,尤其是视知觉对美的形式的认识提供了条件。因此,美术教育本身就含有美育的内容。当然,美育不仅通过造形活动,它还需要其它教育活动才能实现,但造形活动中的美育作用是重要的,因为它为幼儿提供了一种具体的可以现实化的视觉的美感表现形式。 幼儿在造形中表现出的创造性也离不开他们自主的活动,自由地表现是创造性产生的必要条件。幼儿表现出的创造性是幼儿主观欲望和想象的产物,如果在活动中是为了自己的表现而做或画,他们会自然地将心里的美的情感流露出来,从而产生自然、诚实、大胆、朴实、直率、稚拙的特点,尽管这些作品在一些人眼里是幼稚可笑的,但它所具有的个性和心意是明确的,而模仿成人的艺术的作品则失去这些最宝贵的东西。所以,幼儿美术活动应更多地给予孩子自生性,教育者的工作是为他们提供条件并启发诱导使其实现这种创造,而不是简单地教他们照猫画虎。 综上所述,创造性的造形活动是幼儿美术教育的实质。以此为中心来考虑就容易展开其它教育功能。所以应重视通过这种人类最基本的活动来培养幼儿潜在的创造力。 对幼儿美术教育的本质特性的研讨有助于教育目标的阐明,而教育目标的阐明有助于更新人们对幼儿美术教育的认识,并以此为指导进行教育内容、方法的改革,使幼儿美术教育能开拓出更为广阔的天地,对以往行之有效的教育经验和方法也能以新的认识去总结出规律,予以继承和发展。 笔者认为,幼儿美术教育的目标可以这样来阐述:通过适合幼儿特点的绘画、手工等造形活动,使幼儿在体验造形材料和造形表现的过程中萌发美感和创造力,促进幼儿的认知、智力、技能与社会性发展。 对于这一表述,希望得到幼儿教育界同行的批评指正。 美术教育研究论文:独家原创:美术教育研究论文 【摘要】新课程标准的优秀理念就是“以人为本”。本文主要结合美术新课标的理念,结合自己在运用现有的美术教材进行教学实践,论述在美术新课标的理念下对学生的学习积极性调动的探索过程,论文依托美术新课标的理念,同时也论证了美术课程标准从课程建设的角度,促使美术教育观念的转变,促进美术教材模式、学生学习方式和课程评价方式的变革,有效地运用各种资源,增强美术教学的效果,充分发挥了美术教育在素质教育中的作用。 【关键词】新课标、教育、策略、研究 一.新课标教育的提出 美术课程就其人文性质特点而言,它在提高与完善人的素质方面具有独特的、不可替代的作用,因此美术教育是学校进行美育的主要途径。《美术课程标准》赋予了美术课程新理念,即以多种学习形式开展课内外有益于陶冶学生审美情操的系列活动,促使学生形成基本的美术素质,通过研究性学习,让学生通过自己设计、制作生活中的物品包装,经历在生活中感受美与创造美的探索与实践,从而锻炼学生的动手能力、思维能力、解决问题的能力和创造能力。这种学习方式可使他们与社会、生活更贴近、人际交往更融洽。 我国基础教育正经历着由应试教育向素质教育转变的历史性变革。当前教育改革之最迫切的,是从各科的无限分裂走向新的融合,使各科之间形成一种良好的生态关系。以美术课程为中心不断地与周边其它学科相互交融,特别注重综合性和人文性,能有效地传承文化,尽量使每个学生积极参与美术学习,并且促使每个学生在各自的基础上获得不同程度的发展,陶冶情感,提高学生的审美能力,促进学生感知觉和形象思维能力的发展,促进学生创新精神和技术意识的形成,促进学生的个性形成与全面发展。 然而以往美术教育在以下几个方面不适应素质教育:课程的综合性与多样性不足;过于强调学科中心,过于关注美术专业知识与技能;在一定程度上脱离学生的生活经验,难以激发学生学习兴趣。我们对学生所实施的不是专业美术教育,而应该是生活美术教育。我们所选择的教学内容应该是对学生未来生活有帮助的,有利于他们身心发展的。在教学中要更多地从教育的角度来认识美术课程,而不是从美术的角度来看待美术教育。只有这样,我们才会更多地从促进学生发展的角度来组织课程内容,才会淡化学科中心,才会关注课程的综合性和多样性,才会努力将美术学习活动与学生的生活经验联系起来,才会想方设法提高学生学习美术的兴趣。所以进行美术生活化教学研究具有十分重要的价值。 二.新课标带给美术教学的变化 1.新课标带给我们的第一个新理念——新的教材观 传统的教材是学科知识体系的浓缩和再现,教材是学科知识的载体。这种教材观的实质是“教材即知识”。新教材关注学生的学习兴趣和认知特点,一方面注意控制教材内容总量精选学生终身学习必备的基础知识和基本技能,一方面适当降低某些知识的难度要求,改变原理性知识偏重思辨和过深、过难的现象。大胆更新了“双基”的概念和内容,删除了陈旧的、用处不大的信息,充实了学生能够接受、适应现代生产与生活的信息。 传统教材把学生定格在预先设定的“书本世界”和“科学(知识)世界”之中,满足于“理论知识”的学习,而恰恰远离了儿童的生活世界。新教材观不仅关注那些客观的、系统的、逻辑的“共同知识”,而且关注那些主观的、情境的“个人知识”,关注儿童的“生活经验”和“生平情境”,力图把人类群体的生活经验纳入学生的生活世界之中,努力实现“科学世界”和“生活世界”的汇通融合。 新的教材观认为“教材既不是知识体系的浓缩与再现,也不是学生被动接受的对象和内容,而是引导学生认知发展、生活学习、人格构建的一种范例,是教师与学生沟通的桥梁。美术教材质量的优劣,对学生学习美术的兴趣、审美趣味、创新能力和个性品质有着直接的影响。美术教材的编写,应力求向学生提供美术学习的方法,展示丰富的具有审美价值的图像世界,提高他们的学习兴趣和欣赏水平” 2.新课标带来的第二个新理念——新的学习观 新课标新的学生学习观主要体现在要求注重学生的自主性学习、探究性学习和综合性学习;要求学生是在有学习兴趣的基础上学习;要求学生能在解决问题的过程中学习。具体地说,是学习方式的变革。学习方式不是单纯指具体的学习策略和方法比如背诵、练习等,这些行为方式只是载体。在学习过程中,学生的认知、行为、情感以及社会化参与进行有机结合。 3.新课标带来的第三个新理念——新的评价观 考试一直是最常用的评价方式,本来考试作为检验、筛选、强化记忆的途径并没有什么不好,但是我们都知道,在以接受知识为教学目标,以考试成绩为评价标准的应试教育下,考试就成了一种桎梏和枷锁,成了学生学习的沉重包袱。成绩好就是优等学生,成绩不好就是劣等生。考试就是拿学业性的因素来片面评定一个学生的综合素质,这显然有失公允。 新课标的培养目标变了,教材功能变了,教学模式、学习方式变了,与此紧密相连的是评价方式的变革,其注重对学生学习发展过程的评价;评价不是根据成绩来给学生下定义、分类别,而是注意学生在成长过程中的点滴变化,通过评价指引学生更好的发展。注重对学生多方面的评价;包括情感、态度、价值观的评价和学习方法的评价。 其实新课标带给我们的远不止上述的新理念,它带来的是一次头脑风暴。这些变革的构想,最后要依赖教师在具体的教学实践中去贯彻和实现,因此,我们每个教师都要树立新的教育观,了解新理念,做到与时俱进,与新课标同行,创出一片新天地。 三.新课标下美术课教学的办法和思路 1.美术教学应与学生实际生活紧密相结合 教育家杜威说:“教育即生活”,教育的目的就是为了更好的生活。现代社会终身教育理念的提出,更使教育与人的生活紧密相结合。美术是一门与生活联系十分密切的学科,生活处处有美术,美术教学要贴近学生生活,开放学生美术学习活动的空间,引导学生从生活中认识美术、走进美术世界,让美术丰富学生生活,这样学生才能感受到美的真义,才能真正热爱美术,并学会从生活中发现美、创造美。 首先,美术课堂学习内容要贴近学生生活。新课程标准指出,美术教育主要是引导学生参与各种美术活动,尝试各种工具、材料和制作过程,学习美术欣赏和评述方法,丰富视觉、触觉和审美经验,体验美术活动乐趣。因此在美术课教学时,不应一味拘泥于教材规定的题材作为教学内容,在题材、形式的选择表现上要留给学生自由空间。例如在设计制作课单元,可让学生从自己感兴趣的做起,如:给自己最喜欢看的一部电影或电视片画一张宣传画;找一找自己最喜欢的玩具或日用品,然后把不满意的地方改变一下,重新设计并画下来;为自己的亲友同学制作新年贺卡,并鼓励用刮色、涂蜡、撒盐、吹色、压印等各种新技法。还可以让学生自己命题自由创作,充分发挥学生的创造积极性。此外,美术课还可以将当地乡土民间美术搬进课堂,如蛋壳画、葫芦雕、剪纸等,以丰富学习内容,提高学生学习的兴趣。 其次,让美术教育走进学生生活,变生活为美术学习的大课堂。生活是教育的源泉,脱离了生活,美术教学就失去创造的活力。教师要开放课堂活动的空间,引导学生走向自然,走向社会,把公园、田野、村庄作为学习美术的大课堂,在大自然中学美术,感受生活的红、黄、蓝。写生课不妨带学生去野外果园、农贸市场、山麓湖畔,描绘自然界的花草树木,观察生活中千姿百态的鸟兽人物。手工制作课不妨带学生去放风筝,去迎风玩一玩小风车;用制作的彩带、挂饰、窗花美化周围环境,做到学以致用。结合欣赏课,可组织学生参观一个画展,引导学生理论联系实际,用美术课上所学的知识指导欣赏活动。 2.美术教学要充分重视学生的个性差异和不同倾向性,尊重学生的选择 个性化教育是未来教育的重要特征,它在承认学生共性的前提下,在教学过程中强调学生个性的培养和发挥,突出学生的个体差异性。在个性化教育过程中,师生间的情感联络和交流得到加强,学生能发挥更大的积极性和主观能动作用,从而增强自学、观察、分析、判断的能力和自我识别、自我评价和自我控制能力。美术课与其它学科相比,最突出的特征是它的表现性、多样性和个性化。因此在美术教学中教师不应制定整齐划一的学习标准,学习内容和要求不能规定的过死。传统的美术教学模式以门类、画种作为教学脉络,比较注重以教师为中心,是老师教学生怎么画,而现代美术教学模式提倡以学生为中心,是教师帮助学生将他们想要展现的事物画得更好,是老师帮学生怎么画。美术教师要把提高学生学习美术的兴趣和培养学生审美感受力作为教学的中心目标,充分尊重每个学生不同的审美感受和各自的审美表现,促进学生良好个性的发展成长。不同学生由于个人性格、气质、生活环境的不同,往往有着不同的艺术倾向和趣味,有的喜爱工笔,有的偏向写意,有的追求厚实,有的欣赏飘逸,教师要尊重学生艺术趣味的多样化,不能以自己的喜好对学生表现枉加评判。 3.努力营造平等、民主、融洽、和谐的学习氛围,注重学生学习过程的情感体验 美术教育家尹少淳说过:美术是最具人性意味和最具综合性质的人类活动之一。美术课程以实施美育为优秀,情感在教学过程中起着十分重要的作用。美术教师在教学中要特别关注学生的情绪生活和情感体验。孔子说过:知之者莫如好之者,好之者莫如乐之者。学生在课堂上是兴高采烈还是冷漠呆滞,是其乐融融还是愁眉苦脸?直接影响着学习效果。心理学家认为,积极的情绪对认知具有动力功能。愉快时感知比较敏锐,记忆比较牢固,思维比较活跃。反之,消极的情绪则会阻抑认知活动的开展。这就要求美术教师必须十分重视创设良好的审美氛围。良好的审美氛围由具体的环境、教师和学生等要素相互作用形成,而教师的心理状态、精神面貌、言行举止以及工作态度与方式,对审美氛围的创设起主导作用。因此首先要求教师应该情绪饱满,言行举止富于形象性、生动性和感染力,要以热情和真诚态度对待学生,对学生的每一个作品、每一次尝试都怀着浓厚的兴趣和真诚的关注。教师要放下架子,主动与学生平等交流,关注学生学习过程的情绪和情感体验,用“心”施教。只有在融洽愉悦和谐的气氛中,学生的内心世界才会敞开,他们的个性与情感才能得以充分表现张扬,创造力得以发展,学生的心灵也才能得以陶冶净化。 “以学生为中心”是现代教育思想的优秀精神。新课程强调,教学是教与学的交往、互动,师生双方相互交流,相互沟通,相互启发,相互补充,彼此分享思考、经验和知识,交流情感、体验与观念,实现教学相长和共同发展。教师不再是课堂教学的主宰者、操纵者,而是课堂教学的组织者、参与者,是“平等中的首席”,教师要积极组织学生开展合作学习,相互学习,取长补短,激发学生积极主动观察、思考、参与讨论,体现“学生是学习的主人”的精神。美术课程内容多样性和丰富性的特点更需要加强师生间的交往互动。 4.重视现代信息技术的运用,丰富教学内容,提高教学效果 二十一世纪是信息经济时代。教学活动要借助一定的手段工具来进行,以电脑、网络和多媒体技术为主的现代信息技术的出现给教学带来革命性变革。信息技术具有的直观性、形象性和超大容量,对美术课教学来说更有得天独厚的优势,美术教师要积极采取这一新的教学手段为美术教学服务。 四、利用现代教学媒体,创造新型教育教学方法 现代的教学方式不再局限于简单的讲、听、学、练,授课场地也不再局限于三尺讲台,粉笔也不再是唯一的教学工具,只要能为美术教育教学服务,随时、随地、任何方式都可以对学生进行美育。众多的变化,飞跃式的发展,对每一位教师提出了新的挑战。美术课程教育教学要发展,美术教师就必须掌握现代化教育教学方法。 1、贴近学生生活,激发学生学习兴趣 大多数学生对美术还是比较感兴趣的,因为美存在于生活的每一个角落,一片叶子、一朵花、一片云、一棵树、一只蝴蝶等等,都可能引发学生对美的追求,对美的向往,教师从事美术教学要充分掌握学生的求美心理,在新课标、大纲的指导范围内,最大限度地帖近学生生活,让学生从生活中发现美、感受美、创造美。 2、充分利用现代媒体设备展开教学 现代媒体设备能帮助我们说明抽象的问题,使一些难以形容、难以讲述的问题变得更形象、更直观,比如利用摄影机、摄像机收集一些素材,利用计算机、电视机等手段进行美术创作和展示活动,在讲风景写生的时候,我们可以根据当地情况选择性地播放一些山、水、树林、乡村等风景录像,这样会使学生很容易地进入情景之中,激发学生激情,更加投入地进行创作。 3、走出去,感受一下大自然 我们认为美术学科是一门很灵活的学科,以往的学习往往是死肯课本,就是教师教、学生画,形式很单调。不妨试一试走出去的方法,到比较安全、离学校不远、又很赋有诗意的地方去感受一下大自然,陶冶情操,开扩视野。这样的乡土课会使学生心情舒畅,更有利于提高学生的审美能力,也有利于学生健康成长。 4、和学生交朋友,在快乐中度过教学 教师应该和学生建立起融洽的关系,关系融洽了更有助于开展教育教学,通过师生情感交流,大大地提高学生学习兴趣,会让学生不拘不束地展开想象,进行美术创作,学生也会对自己的超常发挥而感到无比的快乐,这对学生性格、情感的培养和形成也有很重要的作用。 5、多种形式相结合,教学突出一个“活”字 艺术本身没有固定的尺度,大到万里长城、兵马俑,小到一个小头饰、一幅风景画,都是艺术的再现。为了追求这种多元性艺术,我们美术教学也应该是多种形式相结合的,不能只认为画画才是美术最,要丰富教学内容,让学生多学点、学多点,主要是突出一个“活”字,教师活教、活导,学生活学、活用,只有师生的默契配合才会收到更好教学效果。 6、提高专业技能,为学生做出榜样 一个成功的美术教师应该具有较强的专业技能和熟练的绘画、制作技巧,以精湛地技艺为学生做出榜样,要让学生信任老师,喜欢美术老师上课,喜欢向美术老师学习。这就要求我们加强专业训练,不断提高自己的业务水平,占居教育教学的不败之地。 7、注重交流,取人之长、补己之短 一个人的思想必须是片面的,一个再全面的人也不可能是十全十美的,定会存在这样或那样的不足。相信集思广益的道理大家都很明白,我们可以通过美术教师之间的相互交流、相互促进,共同提高对新美术课程标准的认识,加深对新教育教学技能的理解,掌握科学的教育教学方法。 以上是在实际工作中,在美术教研教改、落实新课标方面总结的几点不成熟观点,在今后的工作中,我们仍然需要不断地努力和创新,力争使我们的美术教育教学工作走向更高的位次。 美术教育研究论文:美术教育培养研究论文 【摘要】小学美术教育专业是以培养高素质小学美术教师为目标的综合型专业。文章就如何培养小学美术教育专业学生的知识结构和能力结构等问题进行了探讨。 【关键词】小学美术教育专业;知识结构;能力结构 小学美术教育专业是以培养高素质小学美术教师为目标的综合型专业。其专业特征一是职业导向明显,二是带有很大的综合性。[1]对小学美术教育专业学生的知识与能力结构的培养,一方面要合理把握美术专业内涵和美术课程结构,另一方面要充分兼顾到学科类课程和小学美术教师职业技能培训的特点。 一、小学美术教育专业的知识结构 信息社会的发展,需要培养具有良好的科学文化素养、综合的创造性思维方法和熟练掌握本专业技能的艺术教育人才。小学美术教育专业学生的知识结构包括以下三个方面:(1)教育科学方面的理论知识;(2)美术专业知识和技能;(3)各学科的基础知识。围绕这三个方面从以下几点来思考,可以更好地对学生进行知识结构的培养。 (一)良好的人文素养 无论是美术专业知识还是美术专业技能都只能存在于一定的社会文化环境中,是以人文素养为基础的。人文素养是指个体掌握的历史、哲学、文学、宗教、艺术、审美等学科知识以及在此基础上形成的对人类生存充满深情关怀的意识,人文素养就其优秀来说,主要是指人的世界观与人生观,以及人文科学中体现出来的以人为本的精神。它包含两方面的内容:人文学科知识和人文精神。良好的人文素养是由历史文化和传统精神熏陶而成的修养和气质,是融进了自已理解和悟性的认知结构,是对人格心理及人生定位有着巨大影响的“遗传基因”。[2] 人文知识不等于人文素养,人文知识是指史学、哲学、文学、法学等人文类学科的知识。 (二)较强的创新思维 知识经济的灵魂是创新,而教育是知识创新、传播和应用的主要基地,也是培养创新精神和创新人才的摇篮。我国教育的现状,还是偏重知识传授而轻过程分析的应试教育,教学方法多是科学主义的理性分析法,受教育者的创新能力还没有得到较好的开发和培养。 艺术教育具有开发创造性思维能力和培养创造性人格的价值,培养小学美术教育专业学生的创新精神,提高他们的创造性思维能力,形成其创造性人格,这与高校培养人才的目标是相一致的。 创新教育的优秀内容是教学方法的运用,它要求教育者在教学中注重创新教育观,即以培养创新人才为己任的教育观,它是人本教育观、素质教育观和健全的人格教育观。它不仅要求教育者倡导民主的教学作风,轻松愉快的教学情景,不轻易否定受教育者的思维结果,而且还要注重在校园范围内营造有利于师生催生创新灵感、激发创新潜能、保持创新活力、涵养创新素质、取得创新成果的文化环境,以及注重激发受教育者的思维为关键,注意激发、培养求同思维和求异思维,尤其是批判性思维。 (三)厚实的可持续发展的知识修养 可持续发展是当代社会的新理论和新战略。创新教育的结果是科技的进步和劳动者素质的提高,而科技的进步和劳动者素质的提高又有利于促进创新,有利于可持续发展。[3]知识经济是以智力资源的占有、配置为基础,以科学技术的知识生产、分配、传播和使用为支柱,以创造性的人力资源为依托的经济形态。自然知识和人文知识还要与人文素养和自身能力诸方面和谐发展,才能确保其主体行为符合可持续发展的宗旨,并创造出可持续发展的社会价值。 对小学美术教育专业学生进行可持续发展的知识修养的教育是以可持续发展价值观为优秀的教育,旨在使每个受教育者形成可持续发展需要的价值观念、行为和生活方式,进而促进社会的可持续发展。在科学发展观指导下广泛实施可持续发展教育,将会逐步提高教育质量,把我国教育改革与发展推进到新的历史阶段。(四)丰富的现代教育知识与技术 面对信息社会的挑战,教育改革速度加快以及新型的教学方式,要求小学美术教育专业学生适应新的教学环境而不断提高自己的教育技术素质。现代教育技术,一个支点是教育,一个支点是现代技术,它是先进教育思想与先进科学技术密切结合的产物,并且现代教育技术随着科学技术和教育思想的发展而不断充实和丰富新的内容,增加新的内涵。 现代教育技术就是以现代教育思想、理论和方法为基础,以系统论的观点为指导,运用现代化教育技术进行教学,由于具有直观性、形象性,给人强烈的活动感、立体感等特点,所以能极大地引起受教育者探求知识的热情和兴趣,减少教学过程中的枯燥无味感,充分调动受教育者视觉听觉等多种感官的综合参与,对提高教学效率和教学质量,起着十分重要的作用。 二、小学美术教育专业的能力结构 根据小学美术教育专业的特点,学生的能力结构包括以下五个方面:(1)审美教育能力;(2)组织教学能力;(3)专业活动能力;(4)美术科研能力;(5)获取信息能力。根据以上五个方面,教师培养他们的能力结构应注意以下几点: (一)把审美教育能力的培养放在第一位 席勒说:“若把感性的人变为理性的人,惟一的路径是使他们成为审美的人。”[4]面对小学美术教育的预备军,要想他们将来成为审美教育的工作者,必须先使他们成为审美的人。对学生审美教育能力培养的基本任务是:1.敏锐的审美感受能力;2.全面的审美鉴赏能力;3.初步的审美创造能力。而这三种能力的培养是在相应知识建立的基础上发展而来的,教师在教学过程中,应把审美知识的传授与审美能力的培养具体体现在教学活动的各个环节上。 (二)组织教学能力和专业活动能力的培养是关键 组织教学能力的培养不仅仅是教育教学理论和方法的培养,而且还要把儿童心理和生理与儿童美术教学有机结合起来,在如何科学地对儿童进行美术教育,综合提高儿童素质上下功夫。 专业活动能力是组织教学能力的前提和基础,它包含两个方面:1.了解小学美术教学大纲,研究小学美术知识和技能,具备给儿童传授知识和指导学习方法的活动能力;2.具备美术专业创造能力。这要求教师在美术必修课、选修课、教育实践环节中,融入专业活动能力的培养,使学生具备全面的科学教育知识和广泛的各科基础知识,具备丰富的美术知识和基本表现技能,并培养学生在教育实践活动中运用这些知识和技能。 (三)美术科研能力和获取信息能力的培养是发展的要求 小学美术教育专业培养的学生是将来推动素质教育和时代进步的基础教育工作者,它必须适应社会发展的步伐,符合时代的要求。由此,小学美术教育专业必须培养具有时代开拓精神和一定科研能力的高素质的小学美术师资。 对学生的美术科研能力的培养要注意两点:1.对小学美术教育的课程设置、教学内容和教学方法等科研能力的培养,推动学生将来深化教学各方面的改革;2.对美术学科的科研能力的培养,促进学生艺术创造和艺术思维的提高。 对学生能力结构的培养,也是学生将来从事小学美术教育的需要,同时也是培养学生良好的思想道德和合理知识结构的重要途径。 总之,对小学美术教育专业学生的知识与能力结构的培养应以培养高素质小学美术教师为目标,以培养他们具有良好的人文素养、较强的创新思维、厚实的可持续发展的知识修养和丰富的现代教育知识与技术,以及熟练掌握本专业技能和科研活动能力为任务,使小学美术教育专业学生的知识结构与能力结构能更快更好地适应21世纪基础教育改革和发展需要。 美术教育研究论文:小学创造性美术教育研究 摘要: 近年来,社会发展和时代不断进步的背景下,对人才的综合能力提出了更高的要求。现阶段,人才在走向工作岗位的过程中,单纯的拥有专业的知识和技能是不够的,还必须具有较强的创新能力。而创造性教育就是在这种情况下成为我国素质教育的重要内容之一的。在对学生进行创作性教育的过程中,应注重从小做起,在这一过程中,小学美术教育的重要性凸现出来。鉴于此,本文从小学美术教育入手,对创造性教育的实施进行了深入分析,希望对我国人才的全面成长起到促进作用。 关键词: 小学美术;创造性教育;研究 小学生具有活泼好动、想象力丰富的特点,因此在积极提升学生创新能力的过程中,必须充分利用小学生的这一优势,挖掘学生的潜力,并激发学生的创造能力,从而为学生未来的发展奠定良好的基础。鉴于此,本文首先对小学美术教育与创造性思维的关系进行了深入分析,并对传统小学美术教育中存在的问题进行了简要介绍,最后有针对性的指出了提高小学语文课堂教学效率的策略,旨在为小学美术创造性教育质量的提升提供借鉴。 一、小学美术教育与创造性思维的关系 值得注意的是,人类社会的发展,同人们充分发挥想象力、大胆尝试是密不可分的。创造性思维是创造力的内在动力,而小学美术课程对于培养学生的创造思维具有一定优势。小学生由于年龄的限制,拥有活泼好动、好奇心强的特点,小学美术教师必须抓住学生这一特点,加大对学生创造思维的培养力度。小学美术教育充满艺术魅力,教师通过引导,能够促使学生明确自身的个性需求,并在长期学习过程中养成独立的判断力和审美能力,为学生创新能力的充分发挥奠定良好的基础。现阶段,小学美术教师在创新教育中,必须以教学内容为中心,引导学生对教学内容展开想象,并大胆的表述自身的想法,逐渐形成艺术思维和创造性思维。 二、小学美术教育中存在的问题 现阶段,小学美术教育中,仍然沿用传统的教学模式及理念,以教师为课堂主体,一味的进行知识的讲解和传授,学生在这一过程中始终处于被动状态,学习兴趣较低。这种忽视了学生主体地位的教学,不仅不利于学生对知识进行深刻的掌握,更不利于学生综合能力的提升。同时,现阶段小学美术教学课程,仍然以物象为主展开教学,极大的忽视了学生的兴趣爱好以及个性化追求。这种忽视学生感受的教学模式,导致学生的创造性不仅没有被激发出来,甚至还受到了极大的限制。事实上,小学生具有想象力丰富的特点,同一样事物在学生的眼中甚至会形成多种形式。而这应当是小学美术教学的中心,教师不应该通过课程设计,限制学生想象力和创造力的发挥,而是应当引导学生将自己的想象力充分发挥出来,最终养成从多个角度看问题的习惯。 三、小学美术教育中创造性教育的实施途径 (一)增加对学生创新能力培养的重视 现阶段,要想加大对小学生创造能力的培养力度,学校和教师必须首先意识到创新教育的重要意义。通过创新教育,不仅有助于学生对知识产生较强的好奇心,同时也有助于激发学生潜能,培养学生的独立思维能力。小学美术教育最根本的目标是通过学习,引导学生逐渐养成良好的观察力以及丰富的想象力。在这种情况下,新时期小学美术教师必须及时转变传统的教学理念及模式,变学生为课堂主体,引导学生对知识进行探索,并充分发挥想象力进行大胆的创作。 (二)营造良好的学习氛围 科学的营造学习气氛,是有效激发学生创新能力、提升创新教育质量的关键。因此,小学美术教学过程中,教师根据教学内容,有针对性的构建课堂环境,进行情景建设,并通过引导、鼓励等形式,促使学生逐渐融入到知识的探索过程中,并有效的应用自身的想象力,对知识展开自主探索。例如,小学美术教师在进行手工制作课程《会飞的玩具》一课的讲解过程中,在课堂开始之初,应当巧妙的进行情景创设,吸引学生注意力,激发学生的学习热情。如教师首先将学生划分成若干小组,每一小组的桌子上都摆放着一个很大的纸盒,美丽的外表充分勾起了学生的好奇心,此时教师告诉学生,这是教师为学生们准备的玩具,学生可以闭上眼睛将礼物抽出来,并充分发挥想象力,想象手中玩具的功能和外观等。此时学生看到自己手中是一个飞机的模型。接下来,教师应当利用多媒体,对多种飞机的模型进行播放,根据翅膀或直或弯等特点向学生进行讲解。接下来便拿出自己应用彩色纸制作的飞机,从而促使学生意识到原来飞机模型也是可以手工制作,同时是可以飞起来的。在这种情况下,学生开始跃跃欲试,想象通过自己的努力创造出属于自己的飞机。教师应充分给予学生时间,让他们自主的探索纸飞机的制作方法,并在适当的时候给予指导。当学生对纸飞机的制作方法有所掌握以后,教师需要抓住学生好胜心强的心理,引导其通过绘画等方式,为纸飞机画上图案,每一个图案背后都应当有一个故事。此时学生就会充分发挥自身的想象力和创造力,将各种独特的图案画在纸飞机上,代表了不同的含义。教师通过营造神秘、充满探索精神的课堂气氛,有效的激发了学生的创造力,对于提升小学生的创新能力具有重要意义。 四、结语 综上所述,近年来,社会发展对人才的综合能力提出了更高的要求,在这种情况下,我国小学教育阶段开始注重对加大创造性教育力度。小学美术教育在提升学生创造性能力的过程中具有得天独厚的优势。美术世界充满想象,教师应充分利用这一优势,通过精心的课堂教学情境设计,给予学生无限的想象空间,并鼓励学生大胆的说出自己的想象,为激发学生的开放性思维奠定良好的基础。 作者:夏丹 单位:四平市六马路小学校 美术教育研究论文:幼儿美术教育陶行知思想研究 摘要: 兴趣在绘画活动中是一种具有积极作用的情感,贯穿于活动的始终。幼儿教育者要从陶行知先生的理论中汲取营养,把他的思想运用到幼儿美术教学活动中,寓学于乐,让幼儿的各种能力在美术活动中得到提高。 关键词: 美术教育;陶行知;个性 绘画一直是幼儿喜爱的活动之一,幼儿大多喜欢涂涂画画,绘画在他们心目中是一个自由的游戏活动,他们可以在绘画中寻找到属于自己的快乐。但是,以往的幼儿美术教学活动往往以教师示范、幼儿临摹为主,束缚了幼儿的想象。这种教学方式不仅让教师倍感疲倦,也扼杀了幼儿的创造性,降低了他们参与绘画活动的兴趣。陶行知先生曾说:“唤起兴趣,学生有了兴趣,就肯用全副精神去做事情,所以‘学’和‘乐’是不可分离的。”由此可见,兴趣在绘画活动中是一种具有积极作用的情感,贯穿于活动的始终。教师要从陶行知先生的理论中汲取营养,把他的思想运用到幼儿美术教学活动中,寓学于乐,让幼儿的各种能力在美术活动中得到提高。 一、尊重个体差异,呼唤个性解放 关于因材施教,陶行知先生曾经拿松树和牡丹花做过比喻:松树和牡丹花所需要的肥料不同,如果我们用松树的肥料培养牡丹,牡丹会瘦死;反之,如果用牡丹的肥料培养松树,松树会受不了,会被“烧”死。这和教书育人有着不谋而合之处:种花首先要做的就是认识花木的特点,然后分情况加以照料,而在幼儿美术教学活动中,教师既要面向全体幼儿进行教学,又要因材施教。所以,在组织美术活动时,教师要尽量使活动多样化,采取全班指导、小组指导、个别指导以及区域活动相结合的形式。如,在手工制作青蛙的活动中,教师可以采取将能力强和能力稍弱的幼儿分在一组的形式,给予他们不同程度的指导和不同的制作材料,提出不同的制作要求,让他们在各自的水平基础上得到进一步提高。每名幼儿都是独一无二的个体,教学活动虽然是面向全体的,但教师一定要因材施教,才能促进每位幼儿的个性发展。此外,教师要鼓励幼儿用自己的方式表达自己。陶行知先生提出过“六大解放”的观点,他指出要解放儿童的头脑、双手、嘴、眼睛、空间、时间。所以,在美术教学活动中教师要多多鼓励幼儿用自己的方式表达心目中的想法,给每名幼儿自由表现的机会。这么做的好处就是能为幼儿提供广阔的发挥空间,解放他们的头脑和心灵,鼓励他们的个性发展。在幼儿的笔下,天空可能是粉色的,空中可能漂浮着大鱼,这些在成年人眼中可以说是荒诞的,而教师需要做的就是鼓励幼儿继续用自己的方式表达“荒诞”,不应该用成人的视角对幼儿做所谓的“纠正工作”,不要用简单的对或不对、像或不像评价幼儿,让幼儿拥有用自己的思维认识世界、表现世界的机会。 二、生活融入课堂,激发美术兴趣 陶行知先生有“在生活里找教育,为生活而教育”的观点。在幼儿美术教学活动中,将美术教育生活化是一个有机的命题。教师应该让幼儿走出教室,融入自然,融入生活。教师可以带领幼儿走进自然,观察树叶、天空、云彩、花朵等,他们会发现每片树叶都有自己的形状,每朵云彩的颜色都不太一样,甚至天空从不同的角度看会散发出不同的光。自然可以让幼儿感受到美术真正的快乐和魅力。生活中的观察可以为幼儿的创作提供灵感。正如苏格拉底所说:未经考察过的生活是不值得经历的。这样相当于考察生活的教学方式无论对于教师还是幼儿来说都是喜闻乐见的。让幼儿在生活中学习,让美术回归生活,这是每名幼儿美术教师应该为之努力的方向。除了将生活融入教学之外,教师还可以将游戏导入美术教学,让幼儿在学中玩、玩中学,激发幼儿的热情,让幼儿成为美术课堂的主体,即实现游戏教学的目的。如,在教幼儿认识各种美术工具时,教师可以把美术工具放到一个袋子里,然后让幼儿猜袋子里放的是什么东西,引发幼儿的好奇心,这样美术课堂也能增添不少趣味性。 三、教学做三合一,突出美术发展 陶行知先生最根本的教育思想就是“生活教育”理论,这也是陶行知先生教育思想的主体。教与学都是为了生活的需要,而在教学实践中教师需要做的即是教学做三者合一。如,在指导《鱼儿游游》一课时,教师可以先展示鱼儿游的动画片,把幼儿带入鱼儿的世界,然后向幼儿出示空鱼缸,激发幼儿装饰鱼缸的兴趣,随后发给幼儿一些彩色剪纸与制作剪纸鱼的小工具,示范如何制作剪纸鱼,这就是在做中教。在教学结束后让幼儿用自己的方式装饰鱼缸,鼓励幼儿大胆地制作自己心目中最漂亮的鱼,如果幼儿在剪纸技术方面有什么不会的地方,教师要及时给予指导,这就是在学中教。在幼儿制作完成之后,教师可以将这些作品都放到讲台上进行展示,鼓励幼儿尽情地发挥自己的想象力。这样做能让幼儿更富有个性,也有益于更好地展示幼儿的创意。 综上所述,美术活动是幼儿用来描述自己内心欢乐的最直接的途径,也是幼儿内心精神世界的真实流露。陶行知先生的教育思想对于幼儿绘画教育有很重要的指导意义,所以幼儿美术教师需要认真研究陶行知先生的教育思想内涵,并且将其与幼儿个性相结合,以激发幼儿的兴趣为主,开发幼儿的潜能,努力将绘画变成培养幼儿创造性的载体。 作者:薛彦平 单位:江苏苏州市苏州外国语学校附属理想幼儿园 美术教育研究论文:小学美术教育创新实践研究 摘要: 小学美术是培养小学生创新思维的重要学科之一。儿童身上潜藏着巨大的创造力,要想将这种创造力激发出来,需要小学美术教师对学生进行日积月累的创新教育,尊重学生的主体性,激发学生自主创作的欲望,培养学生的创新思维。 关键词: 小学美术教育;创新思维;培养 培养学生的创新思维是新课改下小学美术教育的重头戏。作为小学美术教师如何有效地培养学生的创新思维?在此,笔者提出了以下几点建议。 一、积极培育学生的创新思维和创新意识 首先,在小学美术教学活动中,应该注重培养学生的绘画造型能力。教师要鼓励学生从多个角度进行思考和创作,多给学生独立构思的机会,采用命题画、想象画、创意画、诗配画等自由多元的方式,提升学生的创作能力。其次,应该强化学生的形象思维能力与观察能力的训练。教师不能机械地进行现成知识与技能的传授,否则学生只会依葫芦画瓢,失去独立思考的习惯。教师要引导学生观察事物的异同点,认识事物之间的关系,善于发现美和创造美。最后,实现对学生发散性思维的常态化训练。发散性思维是创新思维的前提和条件,通过训练学生发散性思维,能够启迪学生的创造想象。小学生绘画构图不能依照成人法则,看似随心所欲的思考和创作,反而更符合儿童阶段思维发展的特点。 二、创设有利于培养学生创新思维的情境 首先,小学美术课堂应该是开放的、自由的,让学生在没有精神压力的前提下迸发创新思维的火花。教师要为学生构建一个轻松愉快且富有创新乐趣的学习环境,帮助学生进入最佳的创新状态,这样,创新思维的培养效果就会愈发明显。例如,在《喜怒哀乐》教学中,教师可以邀请班里善于表演的学生来进行喜、怒、哀、乐脸部表情的表演,大家往往会“开怀大笑”。教师以此为契机,来启发学生试着画出不同表情的卡通头像,让学生在其乐融融的学习氛围中进行创作,创新思维也更容易被激发。其次,小学美术教师应想方设法地激发学生的认识兴趣。教师应该巧妙设计教学活动,以激发兴趣为向导,发挥出学生的主体性作用,加深学生自我的审美认识和体验。例如,在《陶泥的世界》教学中,教师可以利用多媒体课件导入新课,将不同风格的陶艺作品图片展示给学生,并配上简单的制作程序,让学生领略陶艺的美感,掌握制作陶艺的要领,激发学生动手制作的兴趣,将自己所想要创造的作品用泥塑的方式展示出来,进而提升了学生创新思维培养的效果。最后,将小学美术课堂打造出充满想象力的课堂,拓展学生的创新思维。从某种程度上讲,创新思维的本质就是想象,在脑海中将存储的图形加以改造、组合、提炼,进而构思出全新的意象。人类创造离不开想象,孩子们最大的乐趣也是在于想象,通过想象能够释放童心,在快乐中带动创新思维的发展。例如,在《我是汽车设计师》教学中,教师可以播放一些汽车图片让学生来欣赏,然后一起讨论交流汽车的功能与特点,让学生讲一讲自己喜欢什么样的汽车。有的学生自然会迸发对未来汽车的设想,教师在整个教学过程中,要鼓励学生大胆想象,闪烁出求新求异的思维火花,设计出自己脑海中理想的汽车图形,学生的创新思维会得到进一步激发和培养。 三、建立有助于学生创新思维的评价机制 在小学美术教育实践中,有许多学生是因为教师不科学的评价而对美术失去了兴趣,导致学生的美术创造力因此萎缩。由于每个学生的素质和个性特征不同,在美术教学中就需要建立科学的评价机制,让每一个学生都感受到成功的喜悦,鼓励和激发学生的创新思维。当然,教师的评价不能一个模样,盲目的好评也会让学生的自负心理膨胀,不利于创新思维的发展。小学美术教师应该在课堂教学中引入竞争激励机制,调动学生的内在积极因素,对于那些有创新的作品可以采用全班展示的方式,激活学生勇于创新的主动性。 四、教师应该重视自身创造性思维的提升 小学美术教育创新思维的培养,不仅仅是针对学生,还需要教师从自身做起,优化教育教学方式。试想一个本身就缺乏创新思维的教师,如何能让学生各抒己见,如何带领学生在创新的天空里翱翔?只有教师不断强化自身的创造性思维,以一个探索者的身份,不断探求新的教学方法,采用独特新颖的教学手段,才能更好地引导学生参与到教学活动中来。随着社会知识更新速度的加快以及新课改的推进,小学美术教师只有不断更新教学观念,学习新的知识,才能让自己的教学永葆青春活力。 作者:丁小荣 单位:江西省子都县利村乡中心小学 美术教育研究论文:农村中学美术教育研究 摘要: 农村中学的美术教育很容易被大家忽视,实践证明,初中阶段的美术课,对陶冶学生情操、培养学生的审美能力、开拓学生思维等方面都有很大的作用。 关键词: 农村中学;美术教育;短时高效;潜移默化 在新课程改革逐步推进的浪潮声中,美术课程改革也迫在眉睫,强化素质教育的同时,美育被提升到一个高度。 一、广大农村和边远山区中学美术教育中存在的问题 第一,在应试教育的现状下,学校领导很难真正把美术学科和语文、英语等课程放在同等重要的位置上。在农村,可以说有很多中学都不重视美术课的学习,甚至是不开设美术课,即使有美术课也往往会被其他课程所占用,这种现象非常普遍。如我原来的学校,2009年八年级没有开一节美术课,七年级有些班级的美术课也是主课老师兼的,而九年级基本都不开设美术课。第二,一般考试都没有对美术做统一要求,所以,很难衡量美术教师的教学业绩,这就使美术教师积极性普遍不高。第三,为了升入重点高中,学生对于中考的必考科目已是疲于应付,学习美术的积极性自然就不高。第四,农村中学美术师资严重不足,条件有限。一些农村中学也安排有相对专业的美术教师,但这些美术教师往往同时又“身兼数职”,他们还承担有学校安排的其他教学任务。而其他的教学任务势必也占用着他们很多的时间,这些教学工作也需要他们去研磨教材、精心备课,同时也要批改作业等。有时可能连教师自己也很难分清哪个科目是主哪个科目是次。虽然是美术教师,但他们根本没有太多时间去更新美术专业知识,更不要说提高美术专业水平了。这在很大程度上也影响到了美术课堂的教学效率。 二、针对农村中学美术教育存在的问题的粗浅看法 1.对我国现有的教育评价制作及考试选拔制度加以适当的改进 如果说地理、生物会考成绩可以计入中考成绩,理、化、生的操作实验和体育的加试成绩也可以计入中考成绩,那么美术学科的成绩是否也该考虑计入中考成绩当中呢?政治、历史、地理、生物可以作为期末考试的科目,美术学科是否也该考虑加入呢? 2.最大限度地激发学生的兴趣 兴趣是学生最大的学习动力,在短短的四十五分钟内必须充分调动学生的积极性,让美术课真正做到“短时高效”。课堂的内容如果能与学生的生活密切联系起来,更能激发他们的兴趣。如提高学生的审美能力,可以用学生身上的服装和房间的布置为主题;提高学生的动手能力,可以在节日里制作一些卡片,设计一些别有用心的礼物,在班上进行班刊评比…… 3.让课堂丰富多彩 单一的课堂形式封闭了学生的思维,如果让课堂形式丰富起来,则能取得意想不到的效果,如设置情景教学、播放音乐,美术与舞蹈、表演的融合,增加游戏环节、作业展评(学生自评、互评、老师点评)。 4.让美术教学内容充实 农村中学美术教学内容可以根据当地的特色,利用当地特有的一些资源来增添一些具有乡土气息的教学器具。比如,充分利用当地的树根、砖泥等材料来制作雕塑型的工艺美术品;用树叶、花朵、石子制作装饰画等;特别是鸡蛋壳工艺画的制作更是体现了一种创新意识,不仅变废为宝,而且融入了一种环保理念,创造了一种美。教师要让学生走出教室,多组织学生去大自然中走走,到外面进行写生,引导学生发现身边的美景,描绘美丽的家乡。这样不仅激发了学生的学习兴趣,增强了热爱家乡的情感,培养了审美能力,而且打破了传统的教学模式,加强了学生课内外生活学习的联系与沟通。 5.营造学习美术的环境 学校可以经常性地举行师生画展,既可以让学生得到锻炼,也能潜移默化地达到教育目的,还可以进行全校性的设计大赛,如防火、防电、安全标志、班级标志、环境保护等标志,既可增强学生的安全保护意识,也达到以美益智的目的。 6.密切美术与各学科的联系 学生的学习科目,除了美术还有语文、数学、化学、历史等。学生在这些科目的学习过程中,会遇到各种各样的问题,而这些问题的解答,有许多可能会运用到图像,借用图像的具体、形象化来使问题变得清晰明了。而且图像的运用给枯燥的学习内容增添了许多色彩。同时也可以借助这个机会给学生渗透美的教育,比如,在初中语文教学中,为课文绘制插图,教师通过诗与画的密切配合,增强了讲课的艺术效果,更加深了对课文的理解。又如,配合化学实验课,用试剂绘制山水画,通过喷染不同试剂进行化学反应,显现出变幻莫测的绚丽景色,这些肌理效果,也给人以美的享受。此外,可以结合学校的德育活动,绘制图表、历史人物肖像,发挥美术学科的教育作用。 7.提升师资力量,是进行审美教育的关键 美术课程改革,关键在于美术教师,目前,农村中学的美术教师,数量不足,而且素质偏低,有的学校的美术课由非美术专业的老师来教,这样很难完成美术学科的教学任务,所以必须加快提高美术教师的专业素质,采取以下几种培训措施:(1)举办中学美术教师假期培训班。(2)为全县中学美术教师创造参加高师美术函授学习的机会。(3)选派骨干教师参观全国中学教学现场比赛会。(4)选派青年骨干教师至高师美术系进行短期培训。(5)开展县内中学校间的美术优质课。 总之,农村中学美术课程改革是一条艰辛的道路,需要大家齐心协力,在新课程改革的浪潮中,乘风扬帆,劈波斩浪,美术教师更要尽快调整行为,转变角色,充分发挥学生的主观能动性,全面提高学生素质,这样才能跟上时代的潮流。“雄关漫道真如铁,而今迈步从头越。”真诚地希望21世纪的农村美术教学,踏出一片山花烂漫满园春! 作者:林良明 单位:江西省上饶县第七中学 美术教育研究论文:马克思主义美育观美术教育研究 【内容摘要】 我国高校美术教育是素质教育的一部分,对于培养大学生的综合素质发挥着重要的作用。但其目前处于摸索阶段,还有待完善。马克思主义美育观是未来美术教育发展的重要指导思想,只有以人的全面发展作为指导方向,在理论的基础上结合实践开展教育,才能产生积极的效果,取得持续的进步。 【关键词】 高校美术教育;马克思主义美育观;以人为本 美术是一门可视造型艺术,通常指绘画、雕塑等可以在空间中开展创作的艺术门类。美术作为人类精神生活中的重要组成部分,具有深厚的文化底蕴,有助于大学生提高自身的艺术素养、丰富精神世界。马克思主义美育观作为马克思主义理论应用于教育中的体现,是一种美学理论和教育观念相结合的思想体系。马克思主义是研究人和社会发展规律的哲学,经过了历史的检验。其作为一种指导思想,与我国高校美术教育的发展密切相关。我国高校美术教育应在马克思主义美育观的指导下,以现当代美术的内涵为根基,以学生为本,以提高学生的综合素质为方向,方能培养出优秀的大学生。 一、高校美术教育的重要性 高校美术教育作为一种素质教育,有着促进大学生全面发展的积极作用,并有助于大学生养成审美意识,从而认识美、发现美、创造美,实现人生的价值。高校美术教育的优秀在于培养学生的审美素养,是对美的规律和本质的探索。美术教育在数千年的发展中,以丰富的内涵与功能,反映了人类历史文明的变迁。可以说,美术教育在一定程度上推进了人类文明的发展,促进了人类社会的平衡。马克思主义美育观下高校美术教育的本质在于,让学生在美术的熏陶中正确认识自己并发现美,领悟到美术的真谛,能够识别真正的美与丑,养成崇高的人格和正确的审美观。高校美术教育对于实现中国社会主义的精神文明来说,具有深刻的现实意义。①当代大学生作为新一代人,要想成为符合社会发展的具有综合素质的人才,需要在马克思主义美育观的指导下和高校美术教育的哺育中,提高自身的审美能力与艺术素养,树立正确的人生观和价值观,塑造良好的道德品质。受过良好美术教育的人,视野更加宽阔,会更加重视德智体美劳全面发展,有条件成长为高素质的社会精英。 二、马克思主义美育观概述 马克思主义美育观指的是一种推进社会生产力发展的根本观点,强调依据美的规律对世界进行改造,并对客观事物有一定的审美能力。马克思主义将美的本质和人的本质紧紧相联,指出所有的生产物都是人类自我的复现,是人类完善自身的一种手段。马克思主义美育观的特征为实践性和阶级性。实践性在于实现美的观念的统一,涵盖了主观美和客观美,形成了一种具体的美学思想,这有助于美术教育开展实践活动。马克思主义美育观鲜明的阶级性在于以社会劳动者为主体,提倡反抗压迫,追求个人自由。在此观念下形成的美术教育有助于大学生形成正确的价值观和人生观。马克思主义美育观继承了传统美育文化的精华,将人类历史长河中积淀的实践经验进行了浓缩,开拓了继承传统的道路,并有助于传播社会主义先进文化。马克思主义美育观对当代文化建设具有重要的意义,只有提高社会大众的审美能力,将社会主义先进文化在人民群众中大规模普及并不断创新提高,才能从根本上解决好教育的各种问题。马克思主义美育观认为美的基本品质是自由。在《共产党宣言》中,马克思写道:“每个人的自由发展是一切人的自由发展的条件。”他认为,个体的自由是维持社会发展的跷跷板,而自由是由劳动产生的,劳动才能创造美,美又会带来个体的社会价值;全面发展要基于尊重个体的价值和个性的养成,能够不断自我完善,自然也能逐渐提高对美的追求。马克思主义美育观的精髓也在于此,强调人类应该提升全方面的素养,建立自身的审美结构,并提出每个人都应该接受系统的美学教育。美术教育作为美学的重要组成部分,能够激发人的主观情感,升华人的精神内涵,引起人们对美的兴趣。所以,当代美术教育应该遵循马克思主义美育观,将其作为指导性思想投入到社会实践中,形成群体的自我教育意识;并积极开展与理论和实践相关的活动,提高全社会对于马克思主义美育观的认知。② 三、马克思主义美育观指导下我国高校美术教育的现状及发展对策 (一)高校美术教育的现状 我国高校美术教育虽然继承了传统美术教育的基本思路和观念,但还未完全普及应用马克思主义美育观,所以依然缺乏让学生自我完善、全面发展的教育意识,存在着种种问题和弊端。目前,大多高校美术教育缺乏明确的培养目标,对学生的创造力不够重视,只注重教授美术知识,缺乏对学生审美能力和文化修养的培养。教学体制也不够合理,过于教条化,功利性过强;教师讲课的内容有些空洞,有时会使学生感到难以学到真正的知识,缺乏对美术内涵的真切体会,没有自己独立的思考。高校美术教育应该依据马克思主义美育观的指导,注重学生的全面发展和个人素质的提升。高校美术教育虽然要注重美术知识和技法的学习,但不能忽略学生的素质教育。如果学生缺乏一定的文化底蕴,难以真正理解美术的趣味和魅力,自然无法成为一名懂得审美的合格毕业生。③当前高校美术教育的另一大问题在于忽略学生的独创性思维,不重视美术创作,很难培养出真正的艺术家。美术教育家孔新苗认为:“90%的学生将来不会成为画家,那他们为什么要学习美术?因为他们需要成为一个有素质、有审美品位、会生活、面对艺术能够有所感悟的人。这就需要我们的美术教育不仅局限于技巧的指导,还要通过艺术这个平台来育人,让学生学会与他人合作交流,在不可预测的情景下努力完成自己的人生目标。”④笔者认为,我国高校美术教育可以不专门培养艺术家,但是也不应致力于培养玩弄技巧的匠人。当前社会需要的是具有一定审美能力和文化修养、全面均衡发展的高素质艺术人才。 (二)高校美术教育的发展对策 当前高校美术教育应遵循马克思主义美育观的指导,根据社会的需求确立培养目标。笔者认为,高校美术教育的目标在于培养学生健康的心态,促进其个性发展,提高审美和创造美的能力。因此,高校美术教育要重视学生文化修养的提升,让学生的综合素质得到全面的发展;加强对学生创造力的培养和职业素质的训练,使其能够灵活面对社会需求。另外,针对不同的学生要因材施教,培养艺术家要注重美术创作,让他们积极展现个性,能够自由发展;培养美术评论家或美术领域的相关工作者,要进行系统的职业培训,加强美术知识的教学。但无论如何,美术教育的优秀在于让学生成为能够融入社会的高素质人才。我国目前的高校美术教育体制过于机械化、课程的安排也不太合理,整体的办学模式有较大的问题,这违背了马克思主义美育观的教育理念。高校美术教育需要培养真正热爱美术的人才,因此要挖掘学生的潜力,应使学生养成独立思考的习惯;过于概念化的教学理念可能会限制学生对美的独特理解,不利于学生创造美的能力的提升。当下的高校美术教育的课程内容大多还是集中于美术技巧方面,教学方案过于狭隘,妨碍了学生综合素质的提升,难以向全方面发展。高校的美术教育应该拓宽课程的广度,扩展学生的知识面,要与社会发展紧紧相联。课程的安排最好能够展现学生的创造力和想象力,教会学生思考美术与世界之间的关系。高校美术教育只有在马克思主义美育观的指导下,结合社会的发展需要,安排一系列具有良好的审美观、能够提升学生综合素质的课程,才能体现出美术教育真正的意义。高校美术教育还应该积极开展实践活动并和理论教育相结合,让学生意识到实践的重要性,加强自身的社会实践能力。教育不仅在于“教”,也应该同样重视“育”,教育的最终目的还是要让学生能够将知识应用到社会中,为社会发展作出贡献,为社会主义精神文明的建设贡献自己的力量。社会实践是让学生发现问题并解决问题的重要途径,这同样也是马克思主义哲学的基本观念。让学生能够自觉提升综合素养,独立地思考和创造,才能形成良好的高校美术教育氛围,并一直延续下去。⑤ 结语 我国的高校美术教育经历了一段艰难的发展过程。教育应当是为人服务的,也就是“以人为本”。从教书转为育人,实现作为人的意义,这是个体内在价值慢慢人性化的重要过程,是对人的终极关怀。忽略了这一点,教育就成了一个工具,变为了一种产业,把学生异化成了产品,这是绝对不可取的。⑥因此,马克思主义美育观作为一套完整合理的教育理论体系,是未来高校美术教育普及的主要途径。马克思主义美育观体现了马克思主义哲学思想的精髓,即强调集体的创造力,让教育真正回归本体,推进社会的发展,激发高校美术教育的生命力,实现教育对于人的真正作用。我国的高校美术教育目前面临着很多挑战,因此应该积极进行探索,以马克思主义美育观作为指导思想,解决当前高校美术教育中存在的问题和弊端,构建一个以人为本适应时展的高校美术教育体系;在改革的同时也要保持传统美术教育的优势,结合理论和实践,达到教育和创新的统一。只有做到与时俱进,我国高校美术教育的发展才会迎来一条通向国际、更为宽阔的大道。⑦ 作者:李泰峰 单位:哈尔滨师范大学国际教育学院 美术教育研究论文:传统哲学美术教育理论研究 【内容摘要】 中国传统哲学是中华民族的宝贵财富,时至今日,中国传统哲学仍然有着特殊的含义,是当代中国文化教育建设的内在驱动力,更是我们与世界文化实现平等对话、互助互利的文化基础。毫无疑问,美术教育需要在现代视域中进行,而现代视域与中国传统哲学又有着千丝万缕的联系,因此,有必要基于中国传统哲学的理念,研究现代美术教育。文章从中国传统哲学的和而不同、一以贯之、执两用中三个方面出发,对美术教育理论进行探讨。 【关键词】 中国传统哲学;现代美术教育;理论研究 数千年的发展,使中国拥有了区别于其他文明的传统哲学文化,其内容丰富,洞悉透彻,是中华文明珍贵的精神财富。而今,人们经常会听到这么一个说法:传统哲学过于局限、迂腐,现展需要新的哲学理论指导。诚然,传统哲学中存在部分滞后的观点,但是诸如“诚、义、礼、信”“天人合一”等中国传统哲学文化,仍然具备推动社会发展的能力。更为可贵的是,传统哲学是连接过去与现在的纽带,具有强大的历史穿透力,能够及时纠正社会快节奏发展中出现的各种问题,同时为我国与其他国家的和谐相处、平等交流提供理论依据。本文所要讨论的美术教育,主要是现代美术教育,受现代文明的滋养,但这是否意味着传统哲学就无法参与到现代美术教育活动中呢?答案是否定的。近代存在主义哲学创始人马丁•海德格尔最早给出了时间的优先级定位,否定了普遍认为的“现代”优于“过去”和“未来”,即“重在当下”的看法。海德格尔认为,历史和现在是一个整体,并无明显的界限,“现在”不可能离开“过去”和“未来”而单独存在。这一观点被他的弟子德国哲学家汉斯-格奥尔格•伽达默尔进一步发扬光大。伽达默尔强调了时间的相关性,表示现代视域与传统视域是互相融合的,离开传统视域,现代视域在严格意义上不再完整。所以,经过大量的实践研究,笔者认为,现代美术教育理论研究需要中国传统哲学文化带来深刻而丰富的启发。 一、和而不同——坚持真我与海纳百川 “和”是中国传统哲学中一个非常重要的内容,其诠释了中国传统哲学的基础特征,充分反映了中华文明海纳百川、有容乃大的宽广胸怀。“和”起源于西周晚期,经我国古代哲学家孔子继承后,发展成为其哲学体系的优秀内容。孔子主张的“和”是和谐统一,承认事物间的不同,在积极交流的基础上,形成存在“不同”的“和”。同时,“和”也是一种平衡状态,受到原则的约束,无根无据、不加审核的迁就与苟同是不可取的。在孔子看来,人之高尚取决于这个人能否坚定自己正确的想法,在此基础上,要善于吸收和摒弃他人的各种想法,而不是单纯地追求同一、统一、相加与附和。所以,“和”的灵魂显而易见,就是批判、创新。若要实现“和”,必须以“勿意、勿必、勿固、勿我”的原则要求自己,即不以个人的妄自猜测来看待问题,不要将主观看法强加到客观事件上,不要固执己见,不要因为这个看法是自己的就不肯妥协。孔子认为,主观臆测和固执己见是错误的,同时也不应该淹没自我和任意妥协,“和而不同”意味着虚怀若谷和实事求是的人生态度。孔子对于弟子的区别看待可以说明上述观点,他欣赏能够举一反三、积极思考的子夏,谓之“起予者商也!始可言《诗》矣”;而对言听计从、乖巧懂事的颜回则颇有微词,评论道“回也,非助我者也,于吾言无所不悦”。可以看出,孔子向往的“和”应该是“和而不流”,基于一定的原则坚持自我,同时积极吸纳其他思想和想法,取之精华、弃之糟粕,互相补进。这种先进的哲学思想成为那个时代孔子学说能够生存下来,并在后世发扬光大的重要原因。中国传统哲学也在交流中获得发展与繁荣。世界各国的现代美术教育都是以西方美术文化为基础的,尽管西方美术理论与实践存在明显的领先优势,但是孔子的“和而不同”告诫我们,以完全的拿来主义来处理外国美术教育理论与实践是不科学的。整体性的选择也许在短时间内适用,但必然会影响到未来的长远发展,无法形成中国特有的美术教育理论体系。近代以来,西学东渐成为一种普遍现象,盲目模仿西方模式的现象比比皆是。而需要注意的是,世界上不存在等值作用的因素,现代美术教育充斥着各种各样的矛盾,简单代入西方体系,忽视主要矛盾与次要矛盾之间的关系将严重阻碍我国美术教育的发展。鉴于我国的特殊国情,笔者认为,“和而不同”应当成为美术教育理论体系的优秀,必须以马克思主义为建设前提,明确建设中国特色美术教育理论体系的目标,以继承中国传统哲学文化为辅助,制定适合我国整体教育阶段的美术教育策略。其实,以孔子学说为代表的中国传统哲学早就受到了世界范围的重视,尤其是在西方文化危机日趋显露的时候。在上世纪80年代于巴黎召开的世界诺贝尔奖获得者大会上,人们就曾达成共识,认为21世纪人类的生存需要去借鉴孔子的智慧。由此可见,集中国传统哲学文化精髓的孔子思想无论是过去、现代和未来,都具备显著的历史穿透力,魅力尽显。美术教育工作者所要做的就是充分重视和善用“和而不同”,坚持自我,以海纳百川、有容乃大的胸怀去建设中国现代美术教育理论体系。 二、一以贯之—结合美术教育实例探索现代美术教育规律 “一以贯之”是孔子哲学思想的另一重要内容,其源于《卫灵公》的一段记载:子曰:“赐也!女以予多学而识之者也?”对曰“然,非与?”子曰:“非也,予一以贯之”。文中出现的“一以贯之”的意思就是在总结概括的基础上融会贯通。子贡博学多才,具有很好的发展潜力,孔子为了使子贡不在知识表层过多的停留,教导他深入学习,发现本质的道理。孔子所言的“一”可以认为是某一类具有一般规律的事物或现象,“一”需要长期累积,不断实践才能得到,离开万物、绝对抽象的“一”是不存在的。因而“一以贯之”是一个持续的过程,需要付出不懈的努力和具备敏锐的洞察力。与此同时,对于事物的一般规律,中国传统哲学的另一大派系——老子哲学思想给出了自己的解释,老子强调“知常”,也就是探索物质的本质规律,这对事物的发展是极其重要的,有着内在的必要性。将“一以贯之”运用到美术教育研究中,就是要求美术教育者结合丰富的美术教育实例,探索适合本国发展的美术教育理论体系。发掘美术教育现象的“一”,既包括本土美术文化的发掘,同时又涵盖外国美术教育经验的学习,找寻普遍的规律,一以贯之。当前,我国美术教育正处于瓶颈期,一方面,扩招导致学习美术的人数激增,高校相继开设美术专业来培养美术人才;另一方面,教学理念的滞后与体系的不科学使高校无法培养出符合社会发展需要的现代美术人才,毕业生普遍存在就业难的现象,严重制约了美术与美术教育的良性发展。为此,作为美术教育者,需要一以贯之,只有找到美术教育理论的一般规律,才能做出合理的调整。首先,要平等看待世界上其他国家与民族的美术教育文化,积极学习、借鉴丰富的美术教育现象、思想和解决方案,尤其是掌握亚洲其他国家的美术教育信息。其次,要开展对于本国美术教育及文化的研究,本土文化会从各个方面给予最贴合国情的发展启示,结合现象探索美术教育理论的一般规律,这就是“一以贯之”的现代意义。 三、执两用中——辩证看待多元美术教育理论 美术教育不同于其他学科,具有很强的实证性,客观事实的叙述和实践缺一不可。除此之外,融合辩证思维,辩证看待事物使美术教育具有真正的内涵。孔子提出的“执两用中”包含两种含义:第一,抓住两端的优秀,知道分别相反的极端;第二,去除两个相反的极端,代之采用中间部分,也就是“中庸之道”的“中”,意味着最优方案,而不是调和极端选其“中”。“用中”彰显了孔子对于辩证思维的理解,示人以事物的完整面,是一种求平衡、求自然、求和谐的整体性思维,能够在一定范围内制约矛盾。对于现代美术教育的方法论研究而言,“执两用中”有着积极的意义。由于西方美术教育体系相对完善,在很长一段时间内都是我国美术教育的主要模仿对象,直至今日,仍然有明显的影响,很多高校选择沿用西方美术教育方法论中的描述法、历史法和因素法就是绝佳的例证。西式教学既有科学的理性主义,也有反对科学的非理性主义;既有传统的描述法,又有现代的系统法,我国现代美术教育出现的种种问题,很多都是由于吸收这些“舶来品”不当引起的。孔子哲学的“执两用中”告诉我们,不能草率地接受或否定,应该在充分理解的基础上,采用辩证批判的方法看待美术教育的各种理论,去除极端,择其优而用之。关于辩证思维,老子同样有所涉及,“反者道之动”就是老子哲学中一个重要的内容,指事物的对立性不是绝对的,而是处在一个发展的阶段,发展到一定程度就会自然转变至相反的一面。“物极必反”说的就是这样一个道理。受到西方实证主义的影响,我国美术教育缺乏适当的理论指导,而更加重视实践技能的培养。但是过于重视片面发展,根据“反者道之动”的说法,很有可能就会适得其反,导致美术毕业生出现只知理论知识,不善实践或者不谙美术基础的情况,难以满足社会提出的综合性要求。所以无论如何,美术教育工作者都应该以系统辩证的方法看待美术教育,针对不断变化的外界因素,吸纳创新方是良药。 结语 综上所述,现代美术教育主要还是依赖于现代视域,但这并不意味着传统哲学毫无作用。中国传统哲学文化经历数千年的实践和丰富,其中的一些思想和理论具有明显的借鉴意义。所以,要想构建中国特色美术教育理论体系,仍然需要借助于前人的智慧,做到“和而不同”“一以贯之”和“执两用中”,从而让传统哲学文化在现代美术教育领域重现光辉。 作者:王桂芝 单位:哈尔滨师范大学 美术教育研究论文:当代艺术空间语境美术教育研究 摘要: 时至今日,艺术正在不断地随着时代的发展而更新、嬗变,艺术的各类本体模式也在不断交融、碰撞,从而使艺术界限不断模糊。现当代艺术在发展和变革中表现出了对空间探索的极大兴趣,从中也可一窥艺术发展的基本趋势。而与之相对的,学校美术教育的主体思想与教育模式依旧停留在关注学生二维绘画与造型能力、基本概念表述、经典作品分析等人文艺术基础素养的培养和引导上。该文通过分析与论证,从当代艺术在空间语境下对传统艺术观念的反叛、对传统审美的颠覆和对传统艺术形式的变革等方面,阐述当代艺术中空间语境的表达对当代美术教育变革的启示。 关键词: 当代艺术;空间语境;美术教育;变革 20世纪60年代后的艺术经历了各种艺术思潮和实验探索的推动与变革,形式逐渐从架上走向架下,存在于空间中的当代艺术在变革中摆脱了越来越多的束缚,给这股后现代艺术浪潮带来了近乎狂放的自由主义精神,极大地激发了艺术家的创作灵感。艺术家以空间为载体,利用各种媒介表达艺术观念,阐述反思成果,表现关于社会、人类、政治、女权、革命、环境等多方面的观念与思考体验,使其作品更加具有震慑人心的力量。艺术从纸面转向空间,无论是对于表达形式本身,还是对于艺术而言,抑或是对于人类的思考体验、观念表现,都是一次关乎自由主义的变革。 一、当代艺术在空间语境下对传统艺术观念的反叛 艺术的发展过程中从不缺乏革命者,也经历过几次变革,传统美术的概念范畴对艺术家而言似乎是个紧箍咒,在杜尚之前的大多实验性探索中几乎难以逃离,在中国画、版画、雕塑等传统美术形态中画地为牢。当代艺术在整个艺术史的变革中第一次触及艺术的本体——观念性,当代艺术在变革中将观念作为艺术的灵魂,佐以多元的、三维的空间艺术形式,对传统艺术进行了颠覆与反叛。这几乎是一种“反艺术”,但观者看到的是一种真诚的表达。徐冰认为,当不再有风格、流派、绘画技巧等手段的干扰时,观念可以用任意载体与媒介加以表达,而不再满足于传统艺术二维的表达形式,至此,属于“艺术”的部分得以凸显。这在某种程度上揭示了当代艺术的内核,即艺术的本质是其思想观念,而非版画、油画等物质形态,这似乎将艺术从一直以来被物质形态所包裹的繁复外壳中释放了出来,将其抽丝剥茧般地返璞归真,还原其自由的本质。当代艺术对艺术本质的还原与释放在中小学美术教育中无疑起到了先遣者的作用,形式技法本身对于美术教学而言不是最值得关注的,知识与技能也不是其最终目的。美术教育应站在尊重学生的立场上,尊重学生对艺术的看法,尊重学生在空间中对艺术形式独特的表现,尊重其对表达媒介的选择,尊重其个性。 二、当代艺术在空间语境下对传统审美的颠覆 当代艺术基于表现观念的思考,让许多以往被认为不美的甚至是丑陋的东西也被当作艺术品、被尊重。“去审美”始于杜尚的现成品,并在之后的装置艺术、废品艺术等中愈演愈烈。传统艺术形式中,无论是绘画还是雕塑,在变革的过程中多是围绕风格、流派而革新,从未脱离过审美,无论是凡•高的后印象主义,还是波普艺术,都是在寻找另外一种审美体验。当代艺术是发生在三维空间中的自由的艺术形态,其具有更大的可能性,艺术优秀观念的转变、现成品的使用,更是使之脱离了传统审美的枷锁,更具变革精神。当代艺术“去审美”的特征向学生传达了艺术不一定是美的,仅围绕美的艺术未免有些狭隘,美术学习更重要的是表达自己的情感与观念,教师在此过程中要做的是为学生开拓一个更为开放的平台,引导学生拓展思维,跳出传统美术的条框,并不断从观念的角度出发加以启发。 三、当代艺术在空间语境下对传统艺术形式的变革 以观念性作为艺术创作的第一要素,形式成为观念的载体与从属,艺术与现实关系的复杂性得到了重新的审视,脱离了形式的艺术变得更加自由不羁。突破了视觉原则的艺术更多地调动了触觉、嗅觉、听觉等多种感知觉形式,突破了空间和时间的界限,在变革中更多地表现思想和观念活动的空间。“反形式”的艺术不再是艺术家在画纸上、石头上、实验室里的操作,而是对“现实可能的生活”的主观的、直觉的参与,艺术家从一开始的创作目的就不是作品,创作过程融合了各种境遇与观念,作品成为了思想在空间中成熟的过程。形式的不落窠臼对艺术而言,是吹响了变革的号角,不同概念形式取向的艺术作品形成了各自不同的空间,为学生呈现出思维范畴之外的东西,这让学生感觉思维在被动前进,促使其进行新的思考,而不是对传统美术形式的再现。 结语 该文在当代艺术空间语境表达的背景下,通过聚焦对传统艺术观念的反叛、对传统审美的颠覆、对传统艺术形式的变革三个特点,凸显了当代艺术中空间语境的表达对当代美术教育变革的启示;分析阐述了在此情境下,从美术教育教学目的的更新、教师教学观念的转变、教学内容的调整三个方面,对美术教育在新的美术知识形态和艺术情境中的重新定位。注:该文受广西民族大学2016年度研究生教育创新计划资助。 作者:齐璇 单位:广西民族大学艺术学院 美术教育研究论文:计算机应用技术学生美术教育研究 摘要: 根据计算机应用技术(广告数字媒体)专业的人才培养目标以及学生就业的需要,广告数字媒体专业应该培养具备良好的科学文化素养、一定的审美能力、创造性的思维方法和熟练掌握本专业专项技能的高端技能型人才,而实现这一目标就需要学生有一定的美术基础和审美水平。调查发现,计算机应用技术(广告数字媒体)专业的学生几乎没有美术基础,审美能力也有待提高。因此,寻找对学生进行美术教育研究的方法是非常有必要的。教师可以通过带领学生向大自然学习、教师的引导作用、周围的艺术氛围、鼓励性的教育等方法对学生进行美术教育。 关键词: 美术教育;策略;专业课程 基金项目: 本文系南通理工学院教研课题“关于计算机应用技术(广告数字媒体)专业学生美术教育研究”(2015013)研究成果。 一、当前计算机应用技术(广告数字媒体)专业美术教育的现状 (一)计算机应用技术(广告数字媒体)专业学生美术教育现状 目前,计算机应用技术(广告数字媒体)专业学生以中职类学生为主,高考生源很少,即使有少部分的高考生,他们的美术基础不牢和审美能力也不足。他们接受的美术教育非常有限,根据《南通理工学院计算机应用技术(广告数字媒体)专业美术教育现状调查研究问卷》(下称《问卷》)显示,有50%的学生对美术课的印象还停留在上小学的时候,大多数的学生表示对美术课特别感兴趣,但由于多种原因导致很多学生在中学期间就没怎么接触美术,所以美术教育现状堪忧。 (二)美术教育存在的问题 《问卷》还显示:“超过一半的学生不知道什么是美术教育,不到一半的学生觉得本专业的学习需要美术基础,很少有同学会主动去看展览,也很少有同学会觉得美术教育会对自己的创新能力有提高,学习生活中也很少有同学会主动关心美术现象,很少同学意识到美术学习对于自己的能力培养有帮助,但是有很多同学非常渴望提高自己的艺术修养(审美能力)……”高校非美术专业的学生的美术教育几乎处于“真空”的状态,鉴于计算机应用技术(广告数字媒体)专业的学生并不是艺术特长生,所以他们在专业课的学习上暴露了他们美术基础较差的缺陷,正是由于缺乏美术教育,导致艺术修养不够,以致于他们所做的设计也存在很多问题,如设计主题不明确,主次不分,版面混乱,创新度不够等,其实归根结底就是缺乏美术教育。 二、计算机应用技术(广告数字媒体)专业进行美术教育的必要性 (一)美术教育的概念 美术教育,亦称美术教育专业,顾名思义,就是学习一些关于美术的知识以及技能,以用来在未来教导学生。专业学习内容包含素描、色彩、速写、油画、国画、装饰画、版画、书法、装裱、刻印章、平面设计、立体设计、动画设计等一系列同美术能扯得上关系的技能,当然、政治、英语、体育等课程也还是要的[1]。还有人认为,美术教育,是由“美术”和“教育”组成而成的。因为美术教育是由美术和教育这两者结合产生的,那么美术教育中美术就是一个基础性的因素,也就是说没有美术就没有美术教育,美术教育是以教育为手段,按照一定社会,一定阶段的要求,以美术为媒介,向受教育者传授一定美术知识和技能,发展和传播美术文化,培养受教育者道德情操、审美能力、发展智力和创造性的教育系统工程[2]19。还有很多的美术教育理论家根据美术教育的定义与组成分析把他们分成了两种不同的价值取向:一是从美术角度出发的美术教育:从这个角度看着眼点是美术,也就是说由美术本体出发,只是以教育作为手段,延续和发展美术文化以及创作技能。即通过教育的手段达到对美术文化的延续。二是从教育的角度做为着眼点看:美术就只是充当了教育的一个媒介,追求一般教育意义的功效。其实任何一个教育科目都具有双重性功能的。即通过美术这一驾驭的媒介培养人敏锐的观察力、丰富的情感、活跃的想象力和旺盛的创造力[2]19。本文将美术作为教育的媒介,结合实际的专业课程,将美术作为教育的媒介融入到专业课的学习中去,培养学生敏锐的观察力,丰富的情感,一定的审美能力。 (二)计算机应用技术(广告数字媒体)专业的培养目标及就业方向 本专业培养学生要热爱祖国,拥护党的领导,有较好的人文素养;掌握广告数字媒体的基础理论且具有广告数字媒体的专项技能、熟悉相关业务运作的,适应广告数字媒体设计与制作第一线需要的全面发展的高端技能型人才。学生毕业后可以面向广告公司、网络多媒体公司、电视台、专业设计公司(事务所)、印刷行业、出版社、报社、企事业单位的广告事务部门、政府机构和行业主管机构的宣传、广告事物管理部门等,从事广告媒体策划、配置、设计、制作及单项或综合广告实务工作,具体如在各类广告公司从事广告设计、策划、制作等工作;在企事业宣传部门从事宣传、和管理工作;在电视台从事策划、摄像、采编工作;在出版社、报社从事美术编辑等工作。 (三)计算机应用技术专业开展美术教育的重要性和必要性 通过以上关于计算机应用技术(广告数字媒体)专业的培养目标以及就业方向我们可以发现,学生就业的方向有:广告公司、网络多媒体公司、专业设计设计公司等,不难发现这些就业方向都与美术、设计相关,需要学生具备一定的美术基础以及审美能力,还应当具备一定的创造力。 三、计算机应用技术(广告数字媒体)专业美术教育策略研究 (一)计算机应用技术(广告数字媒体)专业插画设计课实施美术教育策略 1.向大自然学习 突破传统的教室课程教学,多带学生到户外进行教学活动,让学生发现美、感受美,不处于教室,突破了传统的模式,学生不一定要在教室上课学习,带领学生到校外感受美,没有了教室的束缚感,更利于学生的学习。到自然界去感受美,可以去感受植物的美、动物的美、自然景观的美,让学生带好相机,或者手绘本,将学生认为的美,用自己喜欢的方式,记录下来。发现身边的美,用自己的方式表现美,传达美。这种在户外上课的模式,比较新颖,需要注意的是,在老师的督促下和带领下,学生才能较好的去体会和表现。 2.教师的引导性 恽寿平在《南田画跋》中所言:“作画须有解衣盘礴、旁若无人意,然后化机在手,元气狼藉,不为先匠所拘,而游于法度之外矣。”[3]虽然这是恽寿平描绘国画创作过程中的状态,但是同样说明了美术学习中所需要的自由性,所以在插画设计课程中老师不再充当主导性的地位,而是积极的去引导学生,让学生作为这门课的主导者,积极主动地去学习,老师则是在各个部分充当引路人。学生可以自由、尽情地发挥自己的想象力,进行创作。雨果说过:“科学是我们,艺术是我。”[4]因此,要注重学生个性及创造性的培养。 3.运用周围的艺术氛围 带学生参观学校附近的“1895文化创意产业园”,以及南通市中心美术馆的展览。南通“1895文化创意产业园”经常会有一些展览,虽然经常和学生通知一些展览的消息,但是几乎没有学生会主动参观。因此,在插画设计课程中应设置学生外出参观的一些课时,由老师带领学生参观,对于一些好的作品进行分析,启发和诱导学生,并且在参观和展览的过程中引导学生欣赏不同作品不同的美。运用周围的一些有利的美术氛围,以期达到提高学生的审美能力。 4.教师潜移默化的作用 在课程中教师需要和学生共同进步,并且用自己的实际行动来感染学生。如随身携带小的便签本,以备随时随地进行插画设计,同样提醒学生也这么去做,因为只有这样,把美术基础的提高和艺术修养的提高养成一种习惯,才有可能长长久久地进行下去,当然这也是在短时间内提高学生美术基础、艺术修养最可靠的方法。教师可以经常和学生分享一些自己看展览的照片、视频影像资料,并且和学生分享自己看展览的心得体会或者是给学生一些启发等等,学生没有那么多的机会去看,可以通过老师来给他们带来一些更好的启示,同时也对学生产生潜移默化的作用。 (二)计算机应用技术(广告数字媒体)专业招贴设计课实施美术教育策略 1.提高眼界 同样还是通过观看展览的形式,来对学生进行美术教育。让学生感受这样的氛围,同时提高学生的眼界,眼界提高了,才能进一步地去促进学生艺术修养的提高,当然观看的展览并不局限于招贴设计展,也可以是所有与本课程相关的展览。 2.鼓励性的教育 美国心理学家詹姆斯曾说过:“人最本质的需要是渴望被肯定。”[5]由于招贴设计课程还需要学生动手去画设计草图,当然也要求学生有一定的美术基础,但是鉴于目前这个专业的学生基本没有美术基础,所以在需要学生动手的环节,要尽量多鼓励学生。很多学生因为缺乏基础,往往不敢动手,畏畏缩缩的,生怕画不好,这个时候就需要老师尽可能地去多鼓励学生。有这么一个学生,没有美术基础,刚开始画得不好,甚至于有点糟糕,但是经过老师的鼓励和自身的不断努力,终于创作出了令人惊艳的作品。当她自己回过头来再看自己最开始的作品时,觉得自己的进步非常大,由此可见,鼓励性教育对于学生美术教育还是很重要的。 3.用画图的方式进行记录 由于这门课的特点我们需要很多的创意和想法,但是我们不会随时随地用电脑软件把想法表现出来,但是笔和纸还是随时随地都可以用的,不管什么笔,不管什么纸,随时随地把你的想法用画的方式体现出来,当你的灵感一现的时候,想到什么就把它画下来,坚持让学生这么去做,就会发现学生的艺术修养能很快得到提高,而且美术基础越来越好。同样美术方面得到提高,你会发现其在创造力方面,也会发生质的飞跃。 四、结语 综上所述,本文从实际的专业课程出发,对计算机应用技术(广告数字媒体)专业课程渗透美术教育的策略进行了研究和探讨,发掘出一些可以用来促进计算机应用技术(广告数字媒体)专业学生美术教育的方法和策略,仅供参考。 作者:黄蓉 单位:南通理工学院
期刊收录:知网收录(中) 维普收录(中) 国家图书馆馆藏 上海图书馆馆藏
当代美术论文:当代艺术融入下的美术教育论文 1通过当代艺术的启发,使学生们更好地认识社会 生产力的提高提升了我国的国民经济水平,人们生活水平的提高使得人们在工作之余有了更多的兴趣爱好去追求,当代艺术的产生满足了人们的需求。当代艺术的群体十分广泛,而且包含的素材种类很多,可以根据群体的不同,人们思想的不同以及不同的生活习惯来进行大概的区分。在当代的艺术作品中有一些是高校学生很容易能够理解的,所以,在高校的美术教育教学过程中,学校及教师应当充分地利用这部分素材,进而使得学生们的艺术水平有所提高。由于社会的不断进步和发展,人们的生活也与艺术在不断的结合过程中,而当代的艺术更是对人们的生活产生着很大的影响。所以,将当代艺术融入美术教育教学中能够让学生们在学习及生活中更好地感受此艺术形式,通过对当代艺术的感受更好地认识了解社会,进而更好地融入社会。 2当代艺术的融入能够开拓学生的视野,提高学生们的包容能力,开阔他们的思想 随着中西文化的交流,在当今时代,我国的艺术也受到国外很多因素的影响,并将其以各种的形式体现了出来。正因为当代艺术的包容性,能够使得它同其他的艺术做到很好的融合,所以,这种艺术作品同我们的传统作品有着不一样的形式。例如,在绘画方面,科学技术的发展提升了当代的绘画方法和手段,如我们现在常见的激光手段、数字模拟信息等。因此,学生们必须要对其进行系统地全方面学习。而在美术专业的教育教学中,学科的专业知识交叉发展使得高校在美术教学中既要让学生提升自身的艺术水平,也要让学生自己探寻创新点和新的灵感。 3加深当代艺术的理解及运用,丰富教育教学方式 同其他时期的艺术相比,当代艺术有着非常突出的多元性以及评价性。如果学生们对于美术的知识没有学习透彻,很容易使其因为知识的不足导致见识方面的短浅和不足,对于很多美术知识的理解仅仅停留在理论层次而不能够将其实际的运用到日常的生活中。针对这类问题,教师可以采用一些设计以及做一些宣传活动等加深学生们对当代艺术的理解以及提升其运用能力。由于现当代艺术与传统艺术不同,这就需要教师运用自己的能力提升学生的审美能力和领悟能力,将正确的美学精神传达给学生。现阶段我国教育部门对于美术教学的重视程度日益增加,很多高等学府中设有美术学院和专业,同时美术教学的性质也由以往一元化的专业办学发展出了针对非美术专业的非专业办学,通过一些美术鉴赏课和实际的理解课对非美术专业学生的美术水平进行引导教育,这就极大地丰富了教学方式。 4运用新媒体,充分发挥创造力 在艺术创作的过程中,每一件作品的创作产生都离不开创新能力和创造性思维。只有突破思维及其他各个因素的限制,充分地发挥创作者的创新思维和能力,才能诞生出让人惊艳的作品。在我国传统的美术教育教学过程中,教师通常都是根据基础的理论来对学生们进行讲解授课,这使得学生们在美术的学习及创作过程中能够接触的只是一些普遍常见的材料及方式,单一材料及方式的学习很容易降低学生们对于美术学习及创作的兴趣,使得学生们对美术的情感层面受到影响,这种情况对于学生们长期的学习是非常不利的。时代的进步及科技的发展诞生了新兴媒体。而新兴媒体的产生对于此问题的解决提供了极大的帮助。通过在教学过程中对新媒体的运用,在创作中就脱离了传统工具的束缚,学生们能够更好地将自己的想法和创作意图表达出来,能够充分地发挥他们的创造思维及创造力,对于提升学生们的学习兴趣及创作欲望有着很好的积极意义。因此,新媒体的出现对于现代的美术教育教学是非常重要的。在教学过程中,如果教师能够充分的运用好新兴媒体,那么学生在创作构思上就能够摆脱传统媒介的限制,更好地发挥创作思想。 5严格选取当代艺术,确保正确艺术观的形成 由于受到来自社会的各种因素的影响,在讲当代艺术融入美术教育教学过程中时必然会遇到各种的问题。在这种情况下,学生们应该保持正确的人生观及艺术观,避免受一些低俗思想及艺术等的影响,走上不正确的美术道路。为了确保能够对学生们的学习及生活有着积极向上的影响,在对当代艺术的内容进行选取过程中,教师要做到严格的把关,确保所选艺术高雅的基调,积极向上的意义,进而在学生们的学习过程中产生积极的影响,促进他们正确艺术观的形成。通过以上论述可以认识到,随着我国教育的不断改革及社会不断进步的推动,我国现阶段的美术教育也应当融入现代艺术的内容。通过对现代艺术内容的纳入及融合,能够使得学生们学习到更多的艺术知识,使得学校的美术教学有所提高,更好地完成教学目标,同时还能够让学生们更好地了解社会、融入社会,让学生们的学习及生活都更加的丰富多彩。 作者:林洁单位:山西大同大学 当代美术论文:当代大学美术教育现代科技论文 一、现代科技在当代大学美术的教育现状 众所周知,由于现代科技的强力冲击,当代美术教育理念及方式的发展方向发生了改变,以视觉文化的审美趣味性和创造性为主题的美术教育正在兴起。亦正是现代科学技术的影响,美术教育的体制必然会出现相应变化。我国的教育纲要明确指出:“美育对于培养学生健康的审美观念和审美能力,陶冶高尚的道德情操,培养全面发展的人才具有重要作用。”美术教育是美育的主要阵地。在当代中国艺术教育体系中,我们对美术教育的诠释更加科学,如教育概念的界定范畴不仅包含技能上的培训,还需着重强调“视觉美术教育”或者“视觉文化教育”的价值和意义。如今美术教育的空间范畴大而广,它包含了各种与视觉有关的艺术作品、艺术现象和视觉图像等方面,也包含了传统的绘画和雕塑以及工艺等方面的知识与技能。当代的美术教育实际上指的是视觉艺术教育,特别是现代科技对传统美术教育的冲击和影响表现的尤为突出。首先,现代科技的发展,特别是电脑美术的产生,对传统艺术具有较大的冲击和影响。对于当代美术教育的工作者而言,更加需要以开阔的视野和发展的眼光,建立起艺术创造力的主体性意识。电脑美术是以计算机及其配套设备为主要载体的一种新兴视觉艺术种类,其设计速度比传统美术样式可提高数十倍乃至数百倍。 软件方面,以Photoshop、CorelDraw、AutoCAD、3DSMax为主的绘图软件对传统纸笔颜料美术绘图产生着巨大冲击。每一种电脑制图软件的推出都显示出了微电子科技巨大的数字化魅力,而传统的美术表现技法,如油画、国画、版画、水彩画、素描、水粉,必然受到数字虚拟界面的影响,而审美大众甚至美术教育的主体意识也将发生革命性的变化。其次,摄影技术的诞生,使得对生产生活以至于传统绘画存在的必要性发生了问题。在很大程度上,我们似乎很难分清楚现代科技与视觉艺术教育之间的关系,而作为两种对世界不同的掌握方式,必然有着各自内在不同的规定性。一般来说,现代科技是理性的思维方式,它往往诉诸概念、原理,强调逻辑性、前沿性,需要主观符合于客观,追求真理,是人们对自然规律、社会规律知识性的给予;美术教育是一种感性思维方式,它以审美体验为基础,诉诸形象,强调主体的感受、体悟等形而上的精神表达,要求客观见之于主观,追求审美,给予人们的是审美和情感的积极愉悦。虽然摄影技术的革新层出不穷,使人们的视觉得到了前所未有的开阔。然而,随着审美意趣在客观再现的追求中发生异变,促使现代艺术走向内质与抽象的表达。如今,高科技数字媒体技术的影像时代已经来临,如何处理其与传统美术图像的表现关系,值得考虑。现代美术教育系统已经充分利用数字媒体技术来处理传统图像学知识和技法,这将给予传统美术教育以巨大冲击。因此,美术教育这种特殊性的内在特质,决定了现代美术教育中建立起主体意识的必要性,尤其是对于现代科技影响下的当代高校美术教育来说显得相当重要。 二、现代科技对当代大学美术教育的启示 如今人类社会已经迈入知识资源共享与信息网络化的境域,现代科学技术对美术教育的创新和变革起到了重大的推动作用。美术教育工作者通过现代信息获取技术,可以同步掌握不同民族不同地域不同时代的教育资源。现代美术教育的创新离不开信息的支撑,无论是现代艺术的教育性质,还是技术手段的全新应用。这对于国内外美术流派与思潮信息的把握更是至关重要,而这些信息来源的途径主要是数字媒体。当今科学技术发展的特点是突然与迅猛,它在不断发生裂变的同时,也在逐步改变着人类的物质文化生活和精神文化生活。譬如,视觉传达教育在二十多年的发展过程中,不断的变换角色。这些主要体现在两方面:一是美术教育视觉传达数字机能的引入和传统的教育方式相结合。二是快速的科技发展给视觉传达教育注入新的活力,互联网及计算机技术所带来的视觉语言,反映了全球化对中国现代视觉设计的影响。我们在很短时间内逐步与国际接轨,“读图时代”的到来,网络、电视和印刷品等“国际化”的特征更加明显,这些都归于西方视觉设计教育的影响。同时,具有传统文化特征的中国化设计特征逐渐显露。现代科技促使视觉传达艺术形式更加完美,而中国传统文化及图形融入到“国际化”的视觉语言中,显示了其不断的融合与交汇的发展趋势。由此可见,科学技术几乎以登峰造极式的神奇方式,给人们的各个生活的空间领域带来革命性的的变化,使人类几千来年的梦想在这里变成现实,变成了一个肯定现实生活和对未来幸福生活充满憧憬的时代。 作者:李华单位:重庆三峡学院 当代美术论文:发展现当代美术论文 一、张仃对现当代美术发展的贡献 张仃作为中国美术史上具有开创性的艺术家,将自己珍贵的艺术才能和青春年华全部献给了中国的革命事业,在漫画创作、艺术设计、中国壁画、民间艺术方面的贡献尤为突出。他将艺术家的艺术创作与历史责任、人民生活、教学实践紧密相结合,充分发扬了“大美术家”的精神。 1.对漫画创作的贡献 20世纪30年代张仃开始漫画创作,他的漫画作品具有极高的欣赏价值,充分地反映了时代的特点和青年的情感。他的漫画颜色单一,通常只有白色和黑色两种颜色。当时我国社会正处于战争不断的动荡年代,东北沦陷、外来者侵略,使每一个中国人都深深感觉到亡国之痛。张仃以漫画作品为武器,用这两种较为极端的色彩来表达当时社会的悲惨状况和自己的愤怒与不满。例如,他在抗日战争时期创作的漫画作品《玩偶大观》,以强烈的色彩对比揭露了日本官僚资本的罪行。 2.对艺术设计的贡献 新中国成立后,面对新的历史环境,张仃成功转型成为一名优秀的设计师,为新中国的艺术设计事业作出了巨大的贡献。他创作出中华人民共和国国徽和天安门城楼等具有民族性的作品。新中国成立初期,中国形象的艺术设计对于我国来说是一个完全陌生的领域,但是又不能完全模仿西方的模式。在这种情况下,张仃将我国民族文化的传统形式与西方艺术的现代形式进行创新结合,充分利用了设计造型中点线面的要素,大胆使用代表希望和热情的色彩,创作出了极具民族性的中国形象作品。他创作出博览会中独具特色的中国馆的形象。1953年,在莱比锡博览会上,张仃设计了占地5000平方米的中国馆。有人曾这样描述它:“张仃在展览馆的门前装修成具有民族形式的构筑物牌楼,悬挂国徽、馆名。还设计了一座宣传塔,其形式源于中国的古塔。馆内序厅中央是青铜雕像,用传统的天花藻井装饰,周围有垂花柱。在纺织品展区,张仃选用了中国古代名画《捣练图》作为丝绸展品的背景。”在人物画作品的摆放上,张仃采用黑地金线,突出了整体作品的视觉效果。 3.对中国壁画的贡献 张仃是我国20世纪壁画复兴运动兴起的倡导者和实践者之一。我国第一个壁画专业是由他于1958年在中央工艺美院建立的。袁运甫曾赞叹说:“张仃是当代壁画运动杰出的带头人。”至今,石家庄火车站、北京长城饭店、香港中银大厦、昆仑饭店和北京地铁,都有张仃的壁画作品。他对壁画创作理念的贡献。复兴壁画是一个长期的、艰难的过程。张仃倡导将环境与人文结合起来,在满足现代人美化环境的基础上,为中国画的发展和宣传找到良好的生存空间。壁画的创作需要大量的时间、精力、人力,为了充分协调三者之间的关系,他以真正艺术家的身份投入为社会大众服务的角色中去,从宏观出发制订周全的设计方案和构图图纸,并亲力亲为指导实践。他对壁画创作从构思到实践的指导,对今天壁画的发展仍然具有重要的借鉴意义。他对壁画教学实践的贡献。为了促进壁画事业的发展和培养更多专业的人才,张仃创立了我国历史上第一个以教授壁画理论知识与实践为主的壁画专业。首先,他要求学生认真学习民间艺术,积极到民间去收集资料和进行采风活动,深入少数民族的生活,了解他们的生活习惯和习俗,在实践过程中充分锻炼自己的能力;其次,他支持教师和学生到西方国家学习与壁画相关的理论知识。这种双管齐下的做法、中西结合的教学方法和理念,为我国的壁画事业培养出大量的优秀人才。他对创作现代壁画作品的贡献。张仃创作出大量的、优秀的壁画作品,如首都机场的《哪吒闹海》、长城饭店的《长城万里图》、西直门地铁里的《大江东去图》和《燕山长城图》、石家庄火车站的《燕赵颂歌》等。其壁画作品具有独特的民族性和世界性,表达了对中国历史的赞扬,又蕴含着新生的希望,从此开启了我国壁画事业的新纪元。 二、结语 总之,随着东西方文化交流的频繁和现当代艺术多元化的发展,我国传统的美术创作思想和技法已经不能适应现当代艺术形式发展的需要,对其进行创新和改革刻不容缓。张仃的艺术理论与实践为当代艺术家的创作提供了借鉴,指明了前进的方向。艺术家只有以时代的发展为指向,以不断的创新为基础,以强烈的责任为使命,创作出大量具有国际化和民族化的优秀作品,才能使中国美术在世界艺术大舞台上占有一席之位。 作者:彭艳 单位:太原理工大学艺术学院 当代美术论文:地方高校现当代美术论文 一、美术学专业开设现当代美术课程的必要性 1.现当代美术课程有利于学生形成完整的知识结构 艺术院校美术学专业培养的是从事艺术创作的专门人才,更应该对现当代美术有深入的了解和把握。《孙子•谋攻篇》有云:“知己知彼,百战不殆。”学生应对所处时代的艺术现状有宏观的把握,了解各种艺术流派和艺术思潮的来龙去脉,发现各自的优点与不足,结合自己的性情与特长,找到符合自身特色的艺术之路,否则往往会囿于教师的审美趣味和艺术风格而不知所措。一些艺术家自以为掌握了艺术的真谛,对自己专业领域以外的艺术形式多持排斥与否定态度,这犹如盲人摸象。艺术家对艺术的感知往往局限于自己的特殊视角,其实艺术的表现形式是多元的,艺术的真谛也不是唯一的,重要的是找到适合自己的方式。只有站在时代的高度,才能看清努力的方向,而不至于在艺术的丛林中迷失方向。现当代美术课程的学习可以使美术创作者系统地掌握当代美术的成败得失,为选择符合自身特色的艺术道路指明方向。 2.现当代美术课程有利于高等美术教育与基础美术教育的衔接 《义务教育美术课程标准》突出了美术课程的视觉性、实践性、人文性、愉悦性的特点,将美术学习当做一种文化学习,改变了长期以来将美术教育等同于技术学习的狭隘观点。这种定性要求教师要通过美术欣赏教学让学生理解不同的美术作品所蕴含的人文精神,通过美术的技法教学让学生表达自己对人文精神的理解。针对基础美术教育目标定位的转变,地方院校对美术学专业的课程设置应该进行相应的改革,以便与基础美术教育更好地衔接。如人民美术出版社主编的普通高中课程标准实验教科书《美术鉴赏》中选编了现当代美术作品70余幅,如果没有现当代美术的知识储备,就很难解读诸如徐冰的《析世鉴》、隋建国的《地罡》、袁运甫的《朱荷碧盖》、韩美林的《牛》、吴山明的《外师造化》、苏天赐的《早春》等作品的艺术内涵。只有通过现当代美术课程的学习和实践,不断开拓艺术视野,更新艺术观念,全面认识现当代美术发展的现状,才能为从事基础美术教育工作进行有效的知识储备。 3.现当代美术课程有利于美术的创新与发展 20世纪中国的高等美术教育是建立在徐悲鸿提出的“素描是一切造型艺术的基础”这一理论基础之上的,无论从事何种形式的艺术创作,均以素描和色彩作为基础训练的主要方式。由此也导致了学生对艺术的认识和理解相对单一,学生无法从抽象形态中发现艺术美,无法感知艺术语言的魅力,无法欣赏和创作现代艺术作品。中国现当代美术的发展明显受到西方现代艺术的影响,这是一个无法回避的现实问题。伴随着东西方文化的交流日趋频繁,艺术之间的吸收与借鉴在所难免。艺术的表现形式日趋多元,各种艺术流派异彩纷呈,让人目不暇接。无论何种形态的美术形式,都是现当代美术的重要组成部分。人们对各类艺术作品的接受和评价,取决于欣赏者的知识结构和艺术视野。美术工作者应该对现当代美术的发展现状具有系统的认识和把握。这不但有助于明确自己艺术创作的方向和目标,而且可以加强不同形式的美术作品之间的相互吸收、互相促进,创造出符合时代特色、具有鲜明个人风格的美术作品。对于现当代美术课程的学习,可以在很大程度上调动学生艺术创作的积极性,学生通过对不同形式的艺术创作方式进行尝试,超越世俗思想的束缚,让压抑的情感得到释放,进而关注社会、直面人生、表达心境,实现艺术与人生的双重飞跃。 4.现当代美术课程有利于促进高校美术教师专业素养的提升 给别人一碗水,自己要有一桶水。高校美术教师具有艺术工作者和教育工作者的双重身份,必须具有丰富的知识和超前的视野。长期以来美术学专业课程体系中现当代美术课程的缺失,导致一些地方高校的美术教师思想观念陈旧,艺术视野褊狭,创作取向单一,创新能力不足,制约了高等美术教育的可持续发展。现当代美术课程的开设可以促使地方院校的美术教师不断更新艺术观念,拓展学术视野,紧跟时展的步伐。教师在教学工作中要做到因材施教,授人以渔,结合每位学生的不同特点给予相应的指导,帮助他们尽快找到符合自身特色的艺术创作之路;而不可在自己褊狭的艺术观念中作茧自缚,同时也束缚了学生的创造力和表现力。现当代美术的认识和理解需要不断提高综合文化素质,目前高等教育艺术师资的最大问题是文化修养与专业技能不相匹配,注重专业技能的训练,而忽视文化素质的提高。现代美术教育不仅要求教师具有很强的实践能力,还应具备相应的学术研究能力,不仅要掌握传统美术的表现方式,还要熟知现当代美术的呈现形态。现当代美术呈现多元视角和复合形态,其更加注重艺术表现的观念性和实验性,是多种文化艺术元素的融合和嫁接。阐释和解读现当代美术作品需要大量的知识储备,这在客观上对高校美术教师文化素质和专业水平的不断提升提出了要求。 二、结语 总之,随着我国高等美术教育改革的不断深入,无论是师范院校的美术学专业还是艺术院校的美术学专业,开设现当代美术课程都是非常必要的,也是迫在眉睫的。现当代美术课程的开设既可以为学生构建系统、完善的美术学知识体系,又可以促进美术学专业学生的艺术创新与专业发展,让高等美术教育与时展相同步。根据地方高校美术学专业课程设置的实际情况,可以采取不同的方式和途径将现当代美术课程资源融入课程建设,让学生对自身所处时代的美术现状有深入的认识和把握,从而为学生的专业发展奠定良好的基础。这对于基础美术教育和高等美术教育来说都具有至关重要的现实意义。 作者:金成辉 单位:铜仁学院美术与设计学院 当代美术论文:现代科技影响当代大学美术教育论文 一、现代科技影响下的当代大学美术教育 1.发挥大学美术教育的主体性价值功能 当代大学美术教育的主体性功能主要集中在教育功能、认识功能和审美功能这样三个方面的功能和作用。第一,就起大学美术教育的教育功能来说,“它的根本目标是培养全面发展的人。艺术教育承担着开启人的感知力、理解力、想象力、创造力,使人的内心情感和谐发展的重任。”换一种方式说,美术教育必须要做到“以人为本”,即:以人的实际需要作为出发点和归宿点,实现人之“主体性价值”。按照鲁迅所说:“美术可以辅以道德,美术之目的,虽与道德不尽符,然其力足以渊邃人之性情,崇高人之好尚亦可辅道德以为治。”总之,美术教育功能是陶冶人之情操,净化人之心灵,让人们的主体性价值得到积极地发展,从而努力成为一个“完整的人(席勒语)”。在这里,需要说明的是,人的主体性包括了两个方面:首先人是实践主题,其次人又是精神主体。所谓实践主体,指的是人在实践过程中,与实践对象建立主客体的关系,人作为主体而存在,按照自己的方式去行动,这时人是实践的主体;所谓精神主体,指的是人在认识过程中与认识对象建立主客体关系,人作为主体而存在,是按照自己的方式去思考,去认识的,这时人是精神主体。第二,就大学美术教育的认识功能来说,主要是指通过以艺术鉴赏为前提,去了解自然、认识历史、把握现实、体悟人生、扩大人生视野,以便获得智慧的启迪和指导生活的价值,不断向着新的意义攀升。第三,就大学美术教育的审美功能来说,它的目的首先不是为了获取知识,也不是为了接受教育的思想,而是为了人之身心愉悦,或者换一种方式说,它的首要任务就是要心身得到积极的休息,暂时摆脱外在社会的牵连,不与外在社会发生任何的功利瓜葛。因此,一件优秀的艺术作品呈现在人们面前的总是一个不与现实社会发生任何利害瓜葛的世界,可以使人摆脱生活的千疮百孔,体验不能经历的冒险、不能得到慰藉。从这个意义上说,一切艺术的最初动机都莫过于此,当然,这也无疑构成了大学美术教育中主体性的作用和重要性。 2.大学美术教育的主体创造性品格 当代美术教育对于创造性品格的强调在很大程度上有着急功近利的情况,从这个立场出发,大学美术教育的创造性品格其主要体现在主体性的不断超越,即:超越前人、超越同代人和超越自己。超越前人是大学美术教育的首要任务,也是每一个教育工作者整体所面对的任务,在他们的身后,是长长的过去,前人固然在教育方面有自己的创造,但过后却成为了过去、成为了传统。后起的美术教育工作者有权从传统中吸取养料,但却无法原本的模仿。所以,如果没有对前人的观点、理念和思想的创新,又何来进步,主体性的价值功能何以得到彰显呢?超越同代人是要求我们加强教育之间的交流和沟通,彼此之间相互学习,并借以启发灵感,激发主体意识的创造品格。所以,超越自己的是实现大学美术教育中主体性发挥的必要条件,也只有充分发挥大学美术教育的主体性价值功能,才能使大学美术教育的创造性价值和意义得到实现。 二、结论 现代科技对传统美术教育带来了如此巨大的冲击和影响,但是现代教育依然离不开科技的运用。从艺术教育角度看,全新的教育方法能够促使艺术手段培养的提高,使受教育者创作出有价值生命力的艺术作品。在这个过程中,如何解决高等美术教育的社会转型与主体性的被屏蔽、主体性的价值功能以及主体性创造意识的品格三个问题,将成为美术教育者新的课题。 作者:李华 单位:重庆三峡学院美术学院 当代美术论文:融入当代艺术的美术论文 1通过当代艺术的启发,使学生们更好地认识社会 生产力的提高提升了我国的国民经济水平,人们生活水平的提高使得人们在工作之余有了更多的兴趣爱好去追求,当代艺术的产生满足了人们的需求。当代艺术的群体十分广泛,而且包含的素材种类很多,可以根据群体的不同,人们思想的不同以及不同的生活习惯来进行大概的区分。在当代的艺术作品中有一些是高校学生很容易能够理解的,所以,在高校的美术教育教学过程中,学校及教师应当充分地利用这部分素材,进而使得学生们的艺术水平有所提高。由于社会的不断进步和发展,人们的生活也与艺术在不断的结合过程中,而当代的艺术更是对人们的生活产生着很大的影响。所以,将当代艺术融入美术教育教学中能够让学生们在学习及生活中更好地感受此艺术形式,通过对当代艺术的感受更好地认识了解社会,进而更好地融入社会。 2当代艺术的融入能够开拓学生的视野,提高学生们的包容能力,开阔他们的思想 随着中西文化的交流,在当今时代,我国的艺术也受到国外很多因素的影响,并将其以各种的形式体现了出来。正因为当代艺术的包容性,能够使得它同其他的艺术做到很好的融合,所以,这种艺术作品同我们的传统作品有着不一样的形式。例如,在绘画方面,科学技术的发展提升了当代的绘画方法和手段,如我们现在常见的激光手段、数字模拟信息等。因此,学生们必须要对其进行系统地全方面学习。而在美术专业的教育教学中,学科的专业知识交叉发展使得高校在美术教学中既要让学生提升自身的艺术水平,也要让学生自己探寻创新点和新的灵感。 3加深当代艺术的理解及运用,丰富教育教学方式 同其他时期的艺术相比,当代艺术有着非常突出的多元性以及评价性。如果学生们对于美术的知识没有学习透彻,很容易使其因为知识的不足导致见识方面的短浅和不足,对于很多美术知识的理解仅仅停留在理论层次而不能够将其实际的运用到日常的生活中。针对这类问题,教师可以采用一些设计以及做一些宣传活动等加深学生们对当代艺术的理解以及提升其运用能力。由于现当代艺术与传统艺术不同,这就需要教师运用自己的能力提升学生的审美能力和领悟能力,将正确的美学精神传达给学生。现阶段我国教育部门对于美术教学的重视程度日益增加,很多高等学府中设有美术学院和专业,同时美术教学的性质也由以往一元化的专业办学发展出了针对非美术专业的非专业办学,通过一些美术鉴赏课和实际的理解课对非美术专业学生的美术水平进行引导教育,这就极大地丰富了教学方式。 4运用新媒体,充分发挥创造力 在艺术创作的过程中,每一件作品的创作产生都离不开创新能力和创造性思维。只有突破思维及其他各个因素的限制,充分地发挥创作者的创新思维和能力,才能诞生出让人惊艳的作品。在我国传统的美术教育教学过程中,教师通常都是根据基础的理论来对学生们进行讲解授课,这使得学生们在美术的学习及创作过程中能够接触的只是一些普遍常见的材料及方式,单一材料及方式的学习很容易降低学生们对于美术学习及创作的兴趣,使得学生们对美术的情感层面受到影响,这种情况对于学生们长期的学习是非常不利的。时代的进步及科技的发展诞生了新兴媒体。而新兴媒体的产生对于此问题的解决提供了极大的帮助。通过在教学过程中对新媒体的运用,在创作中就脱离了传统工具的束缚,学生们能够更好地将自己的想法和创作意图表达出来,能够充分地发挥他们的创造思维及创造力,对于提升学生们的学习兴趣及创作欲望有着很好的积极意义。因此,新媒体的出现对于现代的美术教育教学是非常重要的。在教学过程中,如果教师能够充分的运用好新兴媒体,那么学生在创作构思上就能够摆脱传统媒介的限制,更好地发挥创作思想。 5严格选取当代艺术,确保正确艺术观的形成 由于受到来自社会的各种因素的影响,在讲当代艺术融入美术教育教学过程中时必然会遇到各种的问题。在这种情况下,学生们应该保持正确的人生观及艺术观,避免受一些低俗思想及艺术等的影响,走上不正确的美术道路。为了确保能够对学生们的学习及生活有着积极向上的影响,在对当代艺术的内容进行选取过程中,教师要做到严格的把关,确保所选艺术高雅的基调,积极向上的意义,进而在学生们的学习过程中产生积极的影响,促进他们正确艺术观的形成。通过以上论述可以认识到,随着我国教育的不断改革及社会不断进步的推动,我国现阶段的美术教育也应当融入现代艺术的内容。通过对现代艺术内容的纳入及融合,能够使得学生们学习到更多的艺术知识,使得学校的美术教学有所提高,更好地完成教学目标,同时还能够让学生们更好地了解社会、融入社会,让学生们的学习及生活都更加的丰富多彩。 作者:林洁 单位:山西大同大学 当代美术论文:当代基础美术教育论文 一、美术教学中普遍存在的问题 1.师资力量薄弱,教法不得当。 “在今天的教学中,美术已经不再是一门独立的学科,它与其他学科有着千丝万缕的联系,而传统的教学方式已经不能真正体现美术的含义,无法发挥应有的教学效果”。大部分教师认为,美术只是教会学生画画即可,在课堂上拿出一幅画让学生照着画就行,用传统的教学方式进行传授,这种教学方式只能让学生学会了绘画,而无法真正体会到美术这门课的博大精深,更不能激发他们学习美术的兴趣。美术课程标准指出“美术不仅仅是一种单纯的技能技巧的训练,而应视为一种文化学习”,这就要求我们教师在教学中不仅仅要引导学生进行美术文化学习,更不能放弃知识技能的教学。只有在美术教学中培养学生美术兴趣、提高学生审美能力的同时结合知识技能的学习,才会提高学生的美术素养,从而提高学生的综合素质。 2.教学设备不健全,学生学习美术的积极性低。 由于学校对美术教学的不重视,在软硬件的配置上也会存在着差异。有的学校虽然能够按照国家课时计划标准开设美术课,可是受到中高考指挥棒的影响,很多学校少开或者某些年级不开美术课的情况也屡屡发生。有的学校就算开设了美术课,也形同虚设,经常被其他主课老师无情占用。同时,学校的教学设施,对能不能有效的推进美术教学也很重要,因为现实中教学环境及设施的差异的确存在着。再者由于大部分学生为了在学业上取得好成绩,往往牺牲娱乐时间去学习功课,这样一来就更没有兴趣去学习美术甚者其他主修课以外的课程了。很多学生在上美术课时候选择做其他课程的习题,他们认为有学习美术课的时间,不如去完成其他科作业,提高其他科的成绩,因此学生学习美术的积极性大幅下降,对美术学科的优势不予理睬,长此以往学生的审美修养和情操陶冶又如何提高? 二、美术教学中存在问题的相关对策 1.充分调动学生学习美术的积极性,培养学习美术的兴趣。 兴趣是最好的老师,当学生对一件事情产生浓厚的兴趣时,学习效率也就会跟着提高。我们要培养学生学习美术的兴趣就得了解学生,因材施教,允许学生个性的自由发展,允许学生兴趣的不同方向,承认学生存在的个体差异,承认学生对知识掌握的速度有快有慢,接受知识的能力有强有弱,给学生以充分的尊重,从而培养其学习兴趣。另一方面,也可从课堂活跃度来提高学生的积极性,让学生在课堂娱乐中对美术这门学科产生浓厚的兴趣,从此更加热爱美术。如:当我们在课堂上要求学生临摹一幅书中的国画作品时,有的同学要求画竹子,有的要求画荷花,这时教师应毫不犹豫很爽快地就答应他们的要求,因为如果这时候很强硬的拒绝他们,硬要他们统一作业,虽然他们会按照教师的要求完成作业,但他们可能就因此丧失了学习的积极性,丧失了一些对美术的兴趣,自然也不会体验到美术学习过程中的愉悦。在教学中能够充分尊重学生意愿,在许可的范围内向学生“妥协”一下,不失为一种明智的选择。 2.加强学生、家长和学校的沟通。 英国心理学家斯宾塞曾经说过:“没有油画,雕塑、音乐、诗歌以及各种自然美所引起的情感,人生的乐趣便失去了一半,这就会给各种疾病的入侵洞开门户”。美术教育的重要性不言而喻,但是由于受到应试教育的影响,很多家长认为美术对孩子的未来是没有用的,并不能帮助学生上一所好的大学,找一份好的工作,他们会为学生设计好一条最省事最高效的学习计划,会把什么有必要认真学,什么不必花时间去学分的清清楚楚。家长的言行早早就植根于孩子的脑海里,使他们受到影响,从而不重视美术课程的学习。这就需要学校和教师不断努力和家长沟通,让他们认识到美术教育的真正作用,改变对美术教育的看法。社会在发展,时代在进步,我们需要的是各方面都有能力的专业人才,而这不仅仅是体现在分数上。因此关注学生基础教育的同时,也要注重素质教育,培养综合能力。除此之外,还应鼓励学生寻找自己的兴趣爱好,给予他们信心,营造好学习的大环境。 3.提高教师专业素养和教学技能。 教师在学生美育的培养中也占很大一部分因素。教师应全面把握教材,灵活运用。在教学中应突出美术学科的特点,而不能把它上成了语文课、历史课;要把握好教材并灵活运用,不一味的照搬教材,可以根据学生的兴趣来设计自己的课堂,这样将会大大提高学生学习的兴趣,也更容易让他们吸收理解,从而在潜移默化中提高学生的鉴赏能力和艺术修养。 4.将美术纳入考核范围。 美术课是学生健康成长的必修课,它的重要性不言而喻。人在出生时候并不具备审美能力,都是通过后天的学习和培养才一点一滴建立起来的。古往今来受到科举考试制度的约束影响,学生们都已经习惯了通过考试成绩来衡量自己学习能力和左右自己的学习爱好。如果将美术纳入考核范围之内,学生就会主动尝试了解美术、学习美术。只有这样学生才能更多的联系实践,可以督促学生学习美术,端正学习美术的态度。美术教育是时展的需要,对学生未来的发展有很大的影响。其教学目的以培养学生的审美情操、人文素养为基本。通过对学生进行美术教育,以学生的学习与发展为目的,满足学生的心理需求,提高学生的学习兴趣,最大限度地激发学生的学习潜能,为学生今后的全面发展奠定一个良好的基础。 作者:付川 单位:河南省信阳市浉河区信阳师范学院 当代美术论文:高校美术社团中当代艺术探究 一、引言 五月的上海理工大学,校园一片生机,一群学生兴致地收集着地上的叶子、干枝、花瓣,在这有序的收集摆置过程中慢慢创作呈现出一件大地艺术作品。学生计划用红、黄两色叶子铺成一条百米长的红色“地毯”,以此作为欢送毕业生和迎接九月新生的一个印象。目睹着参与学生的增多,笔者不禁感叹艺术的魅力和凝聚力。 二、高校社团 (一)高校社团的历史 社团作为高校素质培养体系中的一个组成部分已历史悠久。公众较为熟知的国外名校社团有哈佛的文学社,牛津的辩论社,剑桥的体育社团,它们均以培养学生的领导艺术、团队合作、人文素养等素质为目的。我国高校社团也有着光荣的历史。革命时期,高校社团以集会、演讲、宣传唤醒众多国人昏睡麻木的灵魂;建国后高校社团除了爱国宣传之外兼具提高国人素质、丰富学生生活的功能;新世纪,高校社团延续着辉煌,丰富着校园生活,完善学生人格,培养着学生综合素质。 (二)艺术社团在社团结构中的位置 1.艺术类社团的特点以理工类高校为例,学生普遍缺乏艺术素质的培养。在义务教育和高考压力之后,学生在自由的学习气氛中追求理想和真知,内心对艺术更为渴望。艺术是公认的精神食粮,除了艺术熏陶,也是缓解课业压力、精神疏导的有效手段。一方面,满足学生对于丰富生活的需求,给予其对“美”的认知和引导。上海理工大学的音乐社团,它是“上理人”的骄傲,多次荣获各项大奖,代表上海高校出席各大音乐盛典。荣誉伴随着社团逐渐成长,它的存在不仅满足了教学,也成为校园年青人的一种精神和象征。学生在参与过程中不仅仅是表演的体验,更重要是来源于舞台演出的成就感,这种价值的实现是“课程、分数、奖学金”所不能够予以的。同学们已不简单满足于单一的自我价值实现,多元、多重、多层的自我认识是人格完善的重要方面,而正是音乐的魅力使社团“向心力”式地吸引着众多目光。另一面,正当的社团活动能正确引导学生的课余学习生活方式,避免他们将精力过多地放在诸如网络游戏等“娱乐鸦片”之上,而艺术是良好的沟通渠道,以艺术的方式引导学生健康生活也是艺术社团存在的一种必要性。 2.上海理工大学美术社团目前上海理工大学美术类社团有油画社团、陶艺社团、创意设计社团和实验艺术社团,给学生创造了开阔自由的艺术空间。从绘画到陶艺雕塑、从设计到当代艺术学生可以自由、多样地选择。教学模式以讲授到实践再到展览,同学们亲历艺术创作的整个流程。理工科学生擅长理性逻辑思维,在专业基础上的进行艺术拓展,既是平衡又是互补。 三、当代艺术进入美术社团的优势 生活中人们普遍对绘画逼真写实,不需主观解读只需客观接受的作品归类于“好”艺术。虽然当代艺术是当下最热门前沿的艺术分类,但大众对当代艺术的了解甚少且存有诸多误解。如认为当代艺术中的“行为艺术”只有裸露、血腥、暴力。传统艺术都尚未普及,当代艺术似乎离大众更加辽远。笔者作为上海理工大学实验艺术社团的辅导教师,将社团重心定位为当代艺术的普及与推广。在当代艺术的影响下,学生天马星空式的创意火花不断释放,这不仅是教学的结果,更是艺术和生活的连和,以下几点为当代艺术进入高校美术社团的优越性。 (一)政策支持 去年十月主席在文艺工作座谈会上强调“文艺是时代前进的号角,最能代表一个时代的风貌,最能引领一个时代的风气。实现‘两个一百年’奋斗目标、实现中华民族伟大复兴的中国梦,文艺的作用不可替代,文艺工作者大有可为。”在国家的支持下,中央美术学院、西安美术学院、天津美术学院先后建立实验艺术专业,专业的成立将以往徘徊民间的当代艺术带入象牙塔内,名正言顺的成为高校艺术教育的一部分。这些政策的扶助给予艺术教育方向性的指导,成为高校美术社团工作方向上的一面旗帜。 (二)当代艺术与绘画基础的关系 当代艺术因观念而生,对美术基础的要求不同于传统美术学科。传统的油画、版画、雕塑等专业需要素描色彩等造型基础的垫基,但扎实的基础需要时间的积累,这就给理工类高校带来了限制。一方面,学生会因这些前提要求止步于社团;另一方面,枯燥的基础训练会影响他们的兴趣从而造成部分成员的流失。成功的社团源于人气和士气,没有气氛和兴趣,组织框架再优越也会无米之炊。而当代艺术可以较好地适应以上情形,没有基础的同学在学习当代艺术并创作作品时,可以规避基础训练直接入手。这是由于当代艺术中的后现代主义流派,如“行为艺术”“大地艺术”“装置艺术”以及“观念艺术”等等都无需过高的绘画基础要求。当代艺术更看重作品的观念性,而“观念”正是大学生思想活跃的发泄口,让学生带着创意的头脑融于艺术之中,拉近大众与当代艺术的距离。这种所谓的“降低门槛”对于当代艺术进入高校起着推动的作用。 (三)人多力量大 当代艺术强调观众的参与性并注重人与作品的关系,如观念艺术大师博伊斯的作品《七千棵橡树》,行为艺术大师玛丽娜.阿布拉莫维奇的《节奏0》,都是强调与观众的互动,观众的参与成为艺术创作的一部分。艺术家巧借“观众”完整自身作品,这是传统美术门类难无可比拟的。上海理工实验艺术社团今年展览主题为“大地艺术”,在教师的辅导下,学生们创作了一系列与校园生活相关的艺术。其中由十几位社团成员,三十多位参与路人联手打造的百米长的红色地毯最为倾耳注目。路人在了解作品创作动机后的主动加入说明该作品已具备观念性,适合参与和推广。 (四)解读中寻找艺术价值 当代艺术的许多作品需要观众自己去解读,这有别于传统绘画前观众的被动体验。传统架上作品,观众立足作品前,只需要视觉信息的接受,而当代艺术则更需要给观众思考空间,有时更要调动观众的情感去分析。如实验艺术社团第一届学员作品《刺》,方案来自一个社团学生的内心世界,周围同学们认为该同学过于冷漠、难以相处。学生反思自己的行为,“冷漠”实质的自我防御,像刺猬的“刺”保护自己,但同时也在伤害自己,如同封锁的内心也渴望与外界交流。学生将图钉粘黏衣着的正反两面,于是黑色外套、T恤、鞋子的里外均满布了图钉。观众在展览现场,首先被炫酷的外表所吸引,接着小心地触碰,但始终保持与“刺”的安全距离。观众的行为和作品的观念相互契合,作品得到了周围肯定,这是该生首次经历艺术创作获得了关注和认可,对他而言创作艺术本身也是寻找自我价值的方式。 (五)让生活更时尚 艺术被大众认知为高雅的化身,而当代艺术无疑是现当下最热门的艺术关键词。社团学生接触当代艺术后,逐渐认清了公众对它的歪曲。笔者明显感触到了学生的这一蜕变。在组织学生观展的过程中,他们的主观解读和相互讨论都再现出当代艺术的感染力。从对当代艺术的质疑到接受再到认同,学生发出自己的声音,自己去评判作品,这实际就是当代艺术的普及宣传。心中揣着一把“美”的尺度表去观察所接触的事物,让当代艺术融入自己的生活,优化精神品质,前卫时尚地生活。 四、小结 艺术的界限是宽阔的,艺术的境界是崇高的;艺术是文雅的、艺术也是平等的。为了更好的让学生用艺术的目光阅览生活,当代艺术进入社团,进入了象牙塔是必要的。 作者:刘晓峰 李花 吴学聪 单位:上海理工大学出版印刷与艺术设计学院 江汉大学 当代美术论文:当代美术中的艺术创作 本文作者:孙昊 单位:江南大学设计学院 当代艺术作为一个模糊、非特定的文化概念、包括了各种形式的观念、态度、知识、行为的变化。当代艺术不是一个具体的艺术风格流派,它脱离了传统艺术评论对艺术现象的划分,其发展中的不稳定性决定了含义的多样性,也就决定了当代艺术存在方式的多元化。 一、艺术创作中“多元化”的定义 当代艺术思维,主体来源于西方强势工业文明。现代西方文明兴起于文艺复兴,发展于工业革命,转折于两次世界大战。当代艺术的思想以及其作用的当代艺术大致兴起于二次世界大战之后。由于战争的刺激,工业生产在战争中得到飞速的发展,极深远地影响了战后的社会生活。社会发展的加快,需要更多模式化的物品。人类每天的生活都会跟这些带有同一个特征物体接触并受其影响。因此,无论对现实社会持何种态度,现代工业社会对人类思维以及艺术思想的影响是无庸置疑的。而这种影响具体反映在艺术创作中开端于“波普”。在当代,这种多元化元素表现得日趋隐晦与含蓄。物质在变化,信息在传达,社会的多元化对每个生存其中的个体产生了有区别的影响,这种区别影响着艺术思路在一步一步发生转变。 二、多元化内核的发展与演变 1.极简元素形态下的多元化及其运用方式的变化。 有两个关键点。其一是元素符号的形态,其二是对元素符号的使用方式。这两个关键点如何变更,决定了“多元化”对于当代艺术所起的效用如何变更。POP中以安迪•沃霍尔为代表的以商品为本体的元素。而欧普艺术中的元素则点与线。这是元素一种质的变化。这种极简主义的符号使用方式产生了由欧普产生出来,并延续到当代。这事实上就是一种提炼本质元素,进而反复使用的方式。其使用多种元素并排列的基本方式却是显而易见。在元素的抽象分离提炼产生极简元素之后,社会元素本身的符号化意义被削弱了。这种分化的结果是,元素必须依靠更为大量的变化来完成价值的建立。 2.极繁元素形态下的“多元化”及其运用方式的演变 与欧普艺术对元素的建立思路背道而驰的,是照相写实。照相写实在对元素符号的建立规则上,走向了极繁的形态。在这种形态下,元素本身的价值已经接近或者等价于艺术品本身的价值。 三、对当代艺术发展的可能和影响 艺术思路在任何自由的时代,其发展都是在不断被社会左右的同时试图去反省、辨证。在当代,“多元化”的艺术创作中日渐趋于隐含于内敛,艺术家们在利用它的同时不断尝试着对它的改造。从元素的形态上,从重复的方式上,都在不断发生着变化。但是,“多元化”的内核始终如一。 当代艺术格局的建立所依赖的是一对矛盾所构成的支柱。从深层意义上来看变革事实上是文化和观念上的变革,无论什么样式的油画都会有一种文化认识作为灵魂,对于有一些艺术家来说这种认识建立在意识的层面上,对于另一些画家来说认识则是建立在无意识的层面上,他们一起构建了这一对矛盾,即对于审美的认可与否,进一步则引伸为对于油画语言在油画中的地位的认定与否。当代中国艺术已越过了技术层面更加广泛深入地参与了当代文化,与当代文化的融会加之其内在的矛盾使中国绘画显得扑朔迷离难以琢磨。但多元化给不同气质的画家提供了多方面探索发展的可能性,传统的单一具象语系的写实造就了一些艺术家,但是却断送了另外一些艰于塑造而敏感于纯粹形式的人,而当代的艺术间可以自由地以自身的情感和精神需要以及审美偏爱作为选择的依据切实地促进了艺术创作。但是多元化也同时冲垮审美的价值体系和真善美理想成为滋生不良艺术方向和异化艺术的温床,这一对矛盾正是在文化多元化与艺术多元化的基础上日趋成形并凸现,同时多元化也成为矛盾双方相互依存之理由。由于各方面的作用综合而致使一部分艺术家否定审美以及表达它的媒介———语言在视觉艺术中的第一性的地位,他们认为油画应该放弃审美作用或淡化语言更加关注社会和文化。对于审美或者语言在艺术中的地位以及艺术之社会功用前人皆有描述。对于“美”这一概念最早的文献荷马史诗《伊里亚特》和《奥德塞》就已提出,之后这一概念被柏拉图玩味得炉火纯青。中国六朝时期的理论家谢赫在它的著作中就曾说过绘画的社会功用“图绘者,莫不明劝戒,著深沉,千载寂寥披图可鉴”。 古希腊哲学家苏格拉底也说过“绘画的任务———表现活生生的人的精神与他们最内在的东西”。十八世纪的法国文艺理论家狄德罗也自信地指出“……这些艺术都以模仿自然为目的:雄辩术和诗用的是词语;音乐用的是声音;油画用颜色和画笔;素描用铅笔;雕塑用凿子和胶泥……”。而中世纪和后来的一些宗教画家则坚定不移地认为艺术行为以及产品皆是为了荣耀上帝。受时代以及文化和诸多因素之局限,到当代美术产生以前人们总是使艺术“它律”即负担着艺术之外的某些任务,而未臻达艺术“自律”的境界。尽管如此他们也没有否定纯粹的造型元素即形式的运用在视觉艺术中的重要性,而仅仅是把艺术本身与其功用对立起来。二十世纪初的英国哲学家克莱夫•贝尔在他的论著《艺术》中系统地论述了“艺术就是有意味的形式”这一观点,为现代艺术的发展在理论上铺平了道路,尽管贝尔的理论并非唯一而绝对的权威,但他的艺术自律论的确是一块不可磨灭的里程碑,因为它影响了二十世纪的一百年,明确了艺术语言是表达审美感情的最重要的中介。 当代艺术界有一部分画家在有意识或无意识的层面上都流露出他们否定审美的第一性否定语言或淡化语言的倾向,观念艺术和中国波普是其中最重要的表现。中国波普艺术很难与观念艺术截然分开,它们直接导致了油画艺术的粗糙与拙劣。通过油画艺术而表达某种观念或形上概念绝非今日之创新,历数每一个大师,他们的作品从广义上说在潜意识的层面上都隐喻着美与善的观念,而且是通过恰如其分的自然流露的方式而非强调的方式来表达。十六世纪的尼德兰画家勃鲁盖尔的某些作品以及拉菲尔前派画家的作品都倾向于去强调某种观念或者表达某种寓意,他们的作品与当代的观念油画的区别就在于,他们的作品在表达观念或寓意的同时没有淡化语言否定语言,因为观念和语言本身是不矛盾的,视觉艺术所能负载的思想观念上的信息量是极其有限的,与语言文字相比就显得幼稚而简陋,因为艺术的本质不是实用的也不是认识的。大师之所以成为大师的根本所在并非因为表达了某种思想观念,对于视觉艺术来说只有语言的大师而没有情节的大师和观念的大师。视觉艺术之所以能介入文化依赖的也正是审美和它的中介———视觉语言。当代中国油画界中存在的否定语言的不和谐音并不是偶然的,这自然又有当代社会文化的深刻背景。二十世纪中叶,科技的发展导致了视听媒介的日新月异,大众文化蓬勃兴起,它主要是指与当代大工业生产密切相关(因此往往必然地与当代资本主义密切相关),并且以工业方式大批量生产、复制消费性文化商品的文化形式。这种文化形式与大工业生产溶为一体,以公司规模的行为去开辟文化市场,这使得畅销小说、商业电影、电视剧、各种形式的广告、通俗歌曲、休闲报刊、卡通音像制品四处泛滥。它从根本上侵蚀了文化和社会、文化和经济的关系,对当代的社会、文化、艺术产生了重要的影响,并一步一步蚕食精英文化,今日之明星已由昔日之思想与精神的承载者转而变成传媒包装下的产品。在这样的背景下,油画艺术自然难逃被侵蚀和异化的命运,于是最能与大众文化沆瀣一气的波普艺术和观念艺术应运而生,远离审美的范畴以一种极其粗糙的具象写实的形式,借助观念形态直接表现艺术家对社会的感受与评价,这种艺术形态是典型的大众文化与商业文化的副产品,但是部分中国艺术家却忽略了中国的国情与现状为了与世界接轨而不加考察地以功利之心驱猎奇之手生搬硬套。简略地回顾油画或视觉艺术地发展史就会发现,艺术潮流大致有两种即代表艺术发展的真正方向或否,潮流的性质往往需要历史来验证,百年潮流对于历史来说仅仅是一瞬。 当代美术论文:外师造化观念对当代美术教育的影响 摘要:“外师造化,中得心源”是唐代画家张提出来的绘画教育观念,即艺术创作要师法自然,并按照自己内心的主观体验进行。“外师造化”的教育观念在中国的美术发展历史中始终扮演着重要的角色,在现代的美术教育中,更要辩证地认识“外师造化”,在继承的基础上加以创新,从而服务于现代化的当代美术教育。 关键词:外师造化;唐宋美术;美术教育;开拓创新 唐、宋是在中国历史上具有重要文化影响的两个朝代。在相关文治政策的影响下,官方与民间都形成了注重文艺的良好氛围。这一时期涌现出大批名垂青史的艺术人才,留下了大量的传世佳作。与魏晋南北朝时期“晋尚韵”、传神论的艺术审美特点有所不同,唐、宋时期的美术更加注重求真,以写生和写真为主要形式,而“外师造化”便是对这一时期美术绘画教育观念的归纳与总结。 一、“外师造化”教育观念的形成与内涵 “外师造化,中得心源”是唐代的艺术理论,其归纳了艺术创造的特点与含义,在当时及后世都产生了深远影响。 (一)“外师造化”观念的提出 “外师造化,中得心源”这一观念是由唐代的理论家、画家张提出来的。张,字文通,曾担任过翰林学士,以文学闻名于世,善画水墨山水画。《唐朝名画录》描述他的山水画:“则高低秀丽,咫尺重深,石尖欲落,泉喷如吼。”“欲落”“如吼”淋漓尽致地体现出了张笔下山水的真实感。“外师造化,中得心源”是张几十年来美术经验的重要结晶,也是他的美术教育观念。虽然这是张留给后人为数不多的美术理论,但却形成了唐、宋时期绘画教育观念的重要内涵,使当时众多画家的写真师法得以归纳,从而成为中国绘画史上的不朽名句,历代的艺术家们都在不同程度上继承和发展了这一绘画理论,产生了非常深远的影响。 (二)“外师造化,中得心源”的文化内涵 “外师造化,中得心源”是对绘画中主客观关系的概括。“造化”是客观世界,即指大自然;“心源”是艺术家内心的感悟体会;“师”便是学习的意思。“外师造化,中得心源”的意思就是艺术创作要师法自然,画家要认真观察大自然中的客观事物,从大自然中汲取创作素材,并且还要按照自己内心的主观体验和感悟去进行创作。艺术家在从事艺术活动时,首先要师法自然,作品要能反应出自然界的客观真实,但同时又不能机械地摹拟自然,而是要源于自己主观真实的体验感受,表达出自己对自然和生活的态度和情绪。“师造化”是“得心源”的基础,“得心源”是“师造化”的升华,只“造化”很可能会造成机械的复刻产生没有任何情感色彩的作品,所以更要融入“心源”,通过主观上的“心源”来表现出客观上的“造化”。“造化”与“心源”这一客、一主的相互作用才是完整的艺术创造过程。 二、“外师造化”在唐宋美术中的发展运用 唐、宋时期的画坛非常活跃,其审美特征与魏晋南北朝时期的“求韵”形成了差异,重视求真写实。“外师造化”这一思想在唐宋绘画进程中成为绘画教育观念的中心内容。 (一)唐代美术中的“外师造化” 唐代是古代绘画艺术发展的一个高峰期,在绘画题材上着重记录了一些重大的政治事件,由此可以看出唐代绘画写真写实的特点。《步辇图》是唐代画家阎立本所绘的一幅历史画,真实地记录了唐太宗李世民接见使者这一具有历史意义的重大事件。被称为祖师的吴道子有写生十六册,张彦远《历代名画记•论山水树石》说:吴道子“往往于佛寺画壁,纵以怪石崩滩,若可扪酌。”由此可见,吴道子描绘下的对象所具有的真实感。韩是盛唐时期的鞍马画家,有一次玄宗让他师法陈闳,韩却称:“臣自有师,陛下内厩马,皆臣之师。”韩以活马为师,自然中的真实物象就是最好的老师,这是韩不因循前人而师法自然的艺术主张。 (二)宋代美术中的“外师造化” 李成的山水画在北宋被誉为“古今第一”,他以画寒林平远著称。寒林平远就是画家关注季节气候,强调近景中景由近及远按照比例缩小的方式来描绘景象。范宽也是被称为中国山水画发展史上“百代标程”的山水画家,其亦强调师法自然造化。他认为:“前人之法,未尝不近取诸物,吾与其师于人者,未若师诸心。”与其师法前人,不如师法自然,范宽认识到外师造化的重要意义,所以为了能描绘出真实的北方关陕地区的山水面貌,范宽常年深入终南山、太华山之中,每有所得即“为山传神”,被誉为“得山之骨”。范宽的《溪山行旅图》是中国山水画发展史上具有划时代意义的杰作,淋漓尽致地描绘出行旅山下的主题,使人有种身临其境的感受。李成和范宽都是在忠实客观自然的基础上,以“外师造化”作为美术绘画创作的理念,为山水画发展作出了巨大的贡献,把北方山水画推向了新的水平。 三、当代美术教育中的“外师造化”观念及发展 写真、写实的艺术审美不管是在古代还是在现代都一直影响着美术教育的发展方向,唐、宋“外师造化”的美术理念也对我们当代的美术教育及考试制度产生着潜移默化的影响。 (一)现代美术教育中的“外师造化”现象 是否“外师造化”,通俗来讲就是像或者不像的问题。在现代的美术教育教学中,像不像仍然是很多教师评价美术作品优劣的重要依据。尤其是在中、高考的美术中,这一特点就更加明显了,因为越是写实程度高,越是“像”的作品,在考试中就越有可能得到可观的分数。在这样的考试制度下,美术没有其他方面过多的要求,不需要加入太多的个人主观情感,只需要对物象进行客观的写实即可。这与儿童时期的美术形成了一定的差异,儿童期的美术写实性不强,但是美术作品都是儿童个人的生活经验与感受的体现,更强调“中得心源”;少年期的美术写实特点比较突出,但个人的情感色彩相对少一些,更强调求真与写实。虽然各时期儿童美术表现的侧重点有所不同,但是在现代的美术教育中,都普遍存在着“外师造化”的现象。 (二)“外师造化”与开拓创新 自古至今的美术中,“外师造化”一直是评判美术作品好坏的重要依据。但是随着社会的发展进步,尤其是在素质教育正在如火如荼地进行的今天,写实写真已不能作为美术的唯一标准,而更应该强调美术作品的表现形式与内容的多样化,强调具有想象力、创造性的画面。“外师造化”固然重要,但新世纪下的人更应该具有创造的能力。“外师造化”尽管有许多可取之处,但是对于年轻一代的接班人来说,机械的写实求真会使人变得不知变通,惰于思考,只是一成不变地按照客观物象进行复制描摹,而失去大脑的活跃思维。中国儿童心理学家和教育家陈鹤琴的“活教育”理论中就强调过培养儿童创造力的重要意义。陈鹤琴认为,儿童的创造能力是需要培养的,他们本来就具有非常强的创造力,只不过惯于因循守旧而惰于创造。所以只要善于教育,加强对儿童的启发与诱导训练,这种创造力是可以培养起来的。在现代的美术教学中,更应该重视开拓创新的重要意义,在“外师造化”的基础上强调“中得心源”、开拓创新,重视培养学生的创造精神和能力,让学生敢于创新并且乐于创新,而不是局限于对物体表象进行的单纯复制。启发创造性原则是美术教学的重要原则,即在美术的课堂教学中,通过教师与学生一教、一学的双向活动,激发学生对未知领域的探索精神,培养他们的想象力以及创造性人格。《普通高中美术课程标准》凝练出来的美术学科的五大优秀素养中,有一条就是创意实践,即要求学生养成创新的意识,能够创造出有创意的美术作品。从低年龄段到高年龄段,创造能力都作为一项重要的优秀素养被加以强调。在当今的教育中,想象力与创造力越来越被社会各界所重视与接受,美术作为一门蕴含着丰厚人文精神的学科,在美术教学中便更要重视学生创造思维的培养,不仅仅要写实求真,更要有自己主观能力上的开拓创新。尤其是对低年龄阶段的学生而言,美术教师更要注意培养他们的创新、创造能力,鼓励他们按照自己的想法大胆地进行创造,不受客观写实对象的干扰,因循守旧。儿童的创造力难能可贵,身为一名美术教师,我们要悉心保护这种创造力的种子,保护他们对世界的奇思妙想,给他们足够的创作空间和安全感,让他们能够大胆、自由地开拓创新,而不是再以像或者不像为唯一标准来评价他们作品的好坏,限制他们的发散性思维。正如现代美术教育家林风眠所说:画鸟像只鸟,那又何必画呢?在刚开始教学实践的时候,面对绘画跑题的现象或者是图像不完整的情况,比如说没有尾巴的老鼠,或者是腿长错了位置的蚂蚁,我也许会干涉他们,教导他们根据物体真实的样子进行改正。后来回想一下,这些不都是孩子们天真童趣的表现吗?为什么一定要让他们画出真实物体的样子呢?儿童的美术教育就是要让孩子们能够通过画面留下他们成长的印记,能够通过美术这一途径表达出他们对于客观世界的感受与自己的想法。如果机械地将世俗的、不知变通的观念强加给他们,逼迫他们画出具有写实特点的图像,那便是对孩子天性的扼杀。罗恩菲德也曾指出,教师不应该对学生横加干涉,而应尽量向学生提供自我表现的机会。所以在美术教学中,教师应该学会大胆地放手,减少对学生作画方法与内容的干涉,不要对孩子的作品进行过多的指导或者评价,让学生们能够按照自己的意愿大胆地表现出自己的内心世界,表现出自己对这个世界的感受与体会,无拘无束地进行艺术创作,即便是画那些也许是大人所不能理解的、与现实毫不相关的图形。正如毕加索在《我不寻找,我见到》中所指出的:绘画有自身的价值,不在于对事物如实的描写,人们不能光画他所看到的东西,而必须首先要画出他对事物的认识。“外师造化”与开拓创新是互为表里的两个范畴,在美术中两者的运用不能过于绝对化,要根据具体的实际情况辩证使用才不会走上极端。总而言之,“外师造化”的教育观念在中国的美术发展历史中始终扮演着重要的角色,在现代的美术教育中,更要辩证地认识“外师造化”,在继承的基础上加以创新,从而服务于当代美术教育。 作者:刘楠 当代美术论文:莆田工艺美术的当代性与地域性 信息时代下莆田工艺美术产业现状综述 工艺美术产业是莆田市传统支柱产业之一,经过长期发展,已经成为特色鲜明的区域经济产业。2016年4月28日至5月3日,第十一届中国海峡工艺品博览会的举办吸引了大量外界资金的流入。此外,据统计去年艺博会实现签约总金额6.87亿元,比增11.5%;实现产品交易额2.51亿元,比增8.8%,工艺美术行业呈现出蓬勃发展的态势,近几年产业总值居全市行业产值榜首。开启工艺美术品牌特色发展之路每一种产业都有其自身的特色,工艺美术行业应致力于将艺术价值与商业价值相结合,人们生活水平不断提升的同时对于工艺美术品文化、审美层面需求也在不断加大。如何将莆田工艺美术行业引向更全面发展的道路?这就需要人们在探索产业特色的同时深入挖掘地域文化优势。莆田地处福建东南沿海中部,是闽中政治、经济、文化中心,地域文化深厚而鲜明,其中妈祖文化就代表了莆田海洋文化的重要特色,将工艺美术融入地域文化是莆田工艺美术一大特点。从产业自身来讲,莆田工艺美术借鉴其它发达地区文化创意产业的成功经验,在政府等相关部门的领导下,结合国家海西建设的相关政策和自身实际,正实施着合理有序的发展。 莆田工艺美术产业的当代性研究 1.营销方式的现代化。当今社会,信息成为重要战略资源,现代信息技术的发展必然会对市场营销产生深远的影响。利用多种形式的传播媒体提高传播能力,积极利用网络媒体等作为推广介质,常见的有利用flash或是请当红明星为其代言等都可以作为吸引消费者目光的营销方法。2014年,经国家八部委批准,莆田被列为“国家电子商务示范城市”,2016年8月8日,莆田举办首届互联网+工艺美术文化高峰论坛。莆田工艺美术在营销过程中利用互联网技术优势关键在于企业要主动拥抱互联网与电子商务,实现工艺美术营销模式的变革。积极鼓励营销创新,用网络拓展市场,促进电商融合,抱团营销等这一系列举措势必会助推莆田工艺美术产业的网络营销发展到新常态,真正实现莆田工艺美术营销方式的现代化。 2.注重精神内核的表现。莆田宗教信仰盛行,民俗活动众多,以宋代民间形成的妈祖文化信仰为优秀,形成世界级影响的民俗活动。此外还有明代林兆恩创立的三教合一的“三一教”。莆田工艺美术的特色之一便是与中国传统儒道释文化结合,因此将作品的设计加入更多的文化精神才能使作品经得住考验。此外,由于信众遍布全球,莆田工艺美术品可适当融入西方文化和思想,生产出更个性化的产品。依托工艺美术品,融入地域文化,在工艺品的设计理念中蕴含古典气息又不失现代元素是当下莆田工艺美术在产品设计中值得深入思考的。 莆田工艺美术产业的地域性研究 1.关于莆田工艺美术地域特色研究,以“仙作”家具为例。“仙作”家具产自于"中国古典工艺家具之都"——仙游,其民间艺术源远流长,深厚的文化积淀为创作提供无数的灵感来源。莆田雕刻以精微透雕和圆雕著称,“仙作”家具将二者演绎的淋漓尽致。其次,仙游古典工艺家具巧妙地融合了传统国画艺术,根据对仙游县的文化研究发现,艺术家李耕、李霞和郭怀等都为“仙作”家具的创作做出了巨大的贡献。再者,“仙作”家具还是对明式家具“简、厚、精、雅”特色的延续和创新。 2.关于莆田工艺美术的地域局限性研究。莆田工艺美术发展还存在较多局限性因素。从产业布局方面讲,莆田工艺美术行业,除了几个大型的企业以外,多数的生产者都是以小作坊为主,其整合的效果不佳,脱离市场的规模化运营模式而单独发展难以获得长久性的成功。此外,政府引导大都侧重市场需求,对传统工艺的研究宣传缺乏前瞻性规划;从技术方面讲,莆田市工艺美术发展本身拥有良好的文化背景和技术支撑,众多的艺术人才和当地特有的文化素养是创作的动力,早期的手艺人拥有精湛的技术和独特的构思,而随着老一辈手工艺人的老去,新的工艺美术从业者未能完全接班,某些手工技艺出现后继无人的局面;从原料方面讲,以“仙作”家具为例,木材再生速度慢,且对生态环境造成一定影响,“仙作”家具讲究大量使用名贵木材,原料的限制必然导致产业发展受阻;从种类方面讲,莆田工艺美术整体偏传统化,自主创新意识不足,原创的高艺术附加值的产品少,工艺美术从业者应该审时度势,结合时代元素,放眼全球市场,生产出更多更现代化的产品,满足大众需求。 3.加大对莆田工艺美术地域特色的保护人们的消费观随着机械化生产的出现发生了重大变化,工艺美术的地域特征正在逐渐衰退,因而对莆田工艺美术的保护迫在眉睫。莆田市工艺美术产业包括木雕、玉雕、石雕(含寿山石雕)、铜雕、宗教雕塑、古典工艺家具、油画框业、金银首饰、漆器、工艺编织等十大门类,是手工艺术品的代表。当今时代下,科技促进工艺创新,加快其生产的效率,如雕塑中利用3D打印技术快速打印成型,制模后通过程序控制进行雕刻制作,表面上带动产品的快速更新换代,但从本质上是对传统手工艺的否定。因而,加强手工艺术品价值的宣传和技艺的保护,将手工艺术的珍稀性、新奇性展现给大众,激发人们对工艺美术地域特色的保护热情。 莆田工艺美术产业的发展方向 1.从技术材料层面讲,传统的技艺之所以要保护和传承,一方面由于手工艺术品本身拥有精良的工艺,代表着艺人的灵魂所在。另一方面在快速消费的时代背景下,批量生产出来的艺术品,在人文性方面与传统手工艺术品远远无法相比。保持工艺美术品制作质量的前提下加入时代元素,提升从业者们的审美认知能力,进而实现工艺美术产业发展的传承和更新。莆田工艺品材料相对传统而单一,因此在设计制作中可以针对不同的题材、形式选择不同的材料,甚至可以多种材料综合运用,这样既丰富了表现形式又能使材质上形成鲜明对比。 2.从文化层面讲,在科技发展的冲击和工艺美术地域化衰退的情况下要从完善自身和创新理念做起,加强地域文化的保护和传承,加大研究和推广力度,如对拥有世界级影响力的妈祖文化进行大力的推广和宣传,工艺品在构思中围绕妈祖信仰背后所隐含的民俗、历史、宗教等文化体系进行创作,最终实现地域文化保护与工艺美术产业发展的双赢局面。 3.从表现内容形式层面讲,莆田工艺美术品大都与宗教信仰和民俗活动相关,迫切需要表现时代特色的创作题材,如自然景观、风土人情等。另外,莆田工艺美术品表现形式中也可以融合现代设计理念,通过解构、归纳、抽象概括等创作手法,拓展多维度的表现空间与层次,形成具有时代特色的艺术形式。 4.加强政府政策支撑。工艺美术产业的发展需要地方政策的支撑与扶持。首先,在工艺美术行业发展中,当地政府可以制定相应的优惠政策及税务调整政策,同时也可以为工艺美术行业发展提供相应的资金支持,有效促进工艺美术行业的健康发展。其次,创立一批有明显地方特色的品牌,打造工艺术品的品牌价值。探索一批有前景的且有自我发展机制的产业链,进而使资源优化配置,更好的应对机械化大生产对手工创作的艺术品的市场冲击。最后,人才是第一生产力,一方面,政府对民间艺人应给予高度重视,调动他们的积极性和创造性,同时,设立民艺作坊,吸引人们体验民间工艺。另一方面,做好人才培训和教育工作。依托莆田学院、湄洲湾职业技术学院等,开设木雕、玉石雕、家具制作等相关课程,通过校企联合办学等方式,使传统技艺得以传承。同时加强对外交流,采取“请进来”、“走出去”的办法,更新知识结构,实现地域文化的现代新生。工艺美术产业的发展模式不外乎是在保持自身优势的同时融入时代特色,保持自身文化底蕴的同时加强文化多样性的渗入,最终将工艺品的文化理念深入人心。总之,注重对工艺美术地域性的研究和保护,通过大力宣传使人们在日常生活中形成潜在的保护意识。每个人都是文化的拥有者,应该珍爱我们的地域特色文化。 作者:李建 当代美术论文:工艺美术教育的当代价值和发展方向 摘要:工艺美术教育是一门传统的艺术学科,甚至对于各种绘画技艺来说,工艺美术是最原始的艺术,其源头可以追溯到人类对工具的使用。在现代化的发展形势下,工艺美术教育的当代价值主要体现在对原始工匠精神的回归,这是在现代化观念之下一个极为重要的价值取向和发展方向,本文沿着当代工艺美术自身和工艺美术教育所存在的发展规律,来探索和描述工艺美术教育的当代价值及发展方向,以期对当代产生了重要影响的工艺美术教育产生推动作用。 关键词:工艺美术;教育;当代价值;发展方向 尽管工艺美术教育建立在十分重要的传承基础上,但在很多方面,它体现出了中国传统工艺美术教育发展的一个新特征和开启了一个新时代。实际上,本文对工艺美术教育的当代价值及发展方向的研究遵循了一个重要的工艺美术发展逻辑,这种艺术发展逻辑已经成为指导人们认识和了解当代艺术发展的一个现实理论基础,成为人们正视和看待不同类型艺术发展的一个共性问题。这个基本逻辑就是社会逻辑,即艺术发展受制于社会进步和文明前进,传统时代的艺术在与现代艺术的冲突和融合中最终像社会发展一样,形成了一种新的发展形式。社会出现了新的特征,工艺美术也出现了新的特征,简单地说就是传统的工艺手法逐渐回归并应用在现代的物质和材料上,这种结合给工艺美术打造了一个新的美术精神世界,让工匠精神与现代化发展达成了某种程度上的一致。我们认为,这就是工艺美术教育的当代价值需要把握的,也是其未来的发展方向。 1试论工匠精神与现代化发展中的社会精神 是传统还是回归,在不同的文化场合和艺术境地,我们总是要听取各种意见和建议,却忽视了在整个现代化发展的时代基础上这些思想层面的内容是无法起到决定性作用的。实际上,越来越真实的现代化也让社会各个层面的真实度有所提高,人们对真理的认识以及对整个文化艺术的认识都在不断地提升之中。这让我们看到了一个新的学科艺术在传统艺术中逐渐被抛离,而真正需要崛起的艺术形式却成了旧艺术的替代品。但是万物皆有始,不论现代工艺以何种形式出现在大众面前,我们都能从它的各种表现形式中发现它过去的样子和原始的影子,这种逻辑我们称之为艺术的基因。本章节我们所需要谈及的工匠精神与现代化发展中的社会精神正是我们所提到的基因问题。工艺美术是在反复创造和熟练度加深的基础上,从传统手工发展到现代机器等工艺制造的一种艺术体现。这里面有太多我们需要引起注意的发展历程,这是艺术的历史,同时也呈现出艺术自身的成长过程。在这个过程中,我们提炼出的最为重要的艺术精神就是工匠精神,工匠精神是无论什么时候都能够从细致和卓越的手工艺制造中体现出来的综合工艺。工匠精神的精髓是创造,本质是熟练,特点是手工。尽管我们现代意义上的手工早已与传统手工艺不是一个概念了,但我们依然能够认识到现代手工艺的工匠精神,即便那已经从纯粹的人类力量变为借助机器手段,却依然不能掩盖在这个过程中存在的工匠精神。这是我们在谈论工艺美术教育之前应该认识和尊重的事实,这个事实不以市场或者其他的意志所转移,它的基础是社会精神,是艺术精神,是不可被逆转的历史轨迹。正如随着现代化进程的加快,人类的共识是努力向前看,不断地发展和适应社会的变迁,整个世界都实现了现代化,这个共识是人类共同体的伟大进步。 2工艺美术教育的当代价值 正如上文阐述和提及的这个基本概念一样,从教育的基本职能上来说,工艺美术教育的当代价值就是工艺美术教育的基础内容,就是在让人们学习现代工艺美术的同时,知道现代工艺美术是如何来的,是如何一步一步发展到今天的,更为重要的是让学生意识到工艺美术中存在的卓越的工匠精神。工艺美术教育实际上是一个认识的过程,同时也是一个分享的过程,传承就是在这两道程序之后,一个最为重要的教育方式,达到持续发展和不断积累发展的目的。那么在工艺美术教育中的当代价值又具体体现在哪几个方面呢?实际上工艺美术教育可以简单分为基础教育、理论教育和实践教育。但是工艺美术多体现在动手能力上,所以实践教育是当代教育的一个主要方面,然而实践教育如果没有一定的理论基础,那么整个工艺美术教育就会失去了基础,变为空中楼阁。所以,我们说当代工艺美术教育的基础教育依然是十分重要的,学生不仅要知道如何动手,更要知道为什么动手,要明白工艺的传承,并且最为重要的是不断理解和把握工匠精神,让其得以延续。工艺美术教育的当代价值与传统工艺美术师徒教育中当年的价值是一致的。当代价值与当年价值既是针对当年说的,也是针对当代说的。当代也好,当年也罢,我们都是在整个发展的过程中不断地传承工艺美术的时代价值和时代精神的,只有达到了传承的目的才能体现工艺美术的价值所在。 3工艺美术教育发展方向 作为中国工艺美术的学习者,每当谈及工艺美术的发展方向,心中便感到十分遗憾,但同时也更加坚定了工艺美术学习的方向。传统工艺美术可以说没有得到完整的传承。尽管现在看上去,中国工艺美术依然还是有模有样的,但是遥想当年却完全不可同日而语。我们的传统工艺最终被新时代所摒弃,因为现代化是西方的现代化,尽管我们说这种现代化可能最终会和东方文化殊途同归,但是在由谁引领这种现代化的问题上,却体现出对东方文化的种种不公平,东方文明仅仅剩下了民族文化的特征。当代工艺美术实际上应该叫西方工艺美术,工艺简单地说就是机械化大生产后的产物,我们了解的是工艺大科目下的种种工艺分解。在工艺美术中,我们似乎一直在接受和传承新的工业,尽管这种工艺属于全世界,不应该有你我之分,但我们还是不禁要问一句,我们的传统工艺去哪儿了?所以,基于上述分析,笔者认为工艺美术教育的发展方向应该是重新延续对传统工艺的传承,衔接好现代的、西方的、传统的与近代的工艺,让我们的工艺融入新的历史发展过程中,把传统的工艺基因注入到新的工艺体系中去。即便最终变了样,但却能够不断地延续下去。这就是工艺美术教育的发展方向,要不断地努力,恢复中国的匠人精神和传统工艺美术的辉煌。同时,当代工艺美术教育的发展方向就是要追根溯源,不断地寻找我们的基因归处,不断地提升我们对工艺美术教育发展方向的把控能力。只有明晰艺术的价值取向,了解工艺美术的发展实际和传统本质,才能够更加深入地把握工艺美术教育的发展方向。不能够仅仅依靠传统工艺美术的基础内容来限定工艺美术价值的内涵,应该明确传统工艺美术在现代工艺美术当中的传承因子,要实事求是,不能牵强附会。 4结论 回顾当代中国工艺美术发展的历史和价值取向,未来工艺美术的发展任重道远。尽管现代工艺美术揉杂了中国工艺美术的各种历史基础,但实际上它依然是在西方工艺发展技艺为主的前提下奠定了现代化工艺美术的基本特征,打破这种壁垒最根本的方法就是倚重工艺美术教育。 作者:孙井义 单位:哈尔滨师范大学 当代美术论文:当代艺术与中学美术教育的融合措施 摘要:经济全球化的发展不仅带动了各国之间经济贸易的发展,也促进了艺术文化教育的融合。当代艺术背景下已经实现了东西方文化艺术的完美结合,这使艺术教学呈现出更加多样化的发展形势。如今的中学艺术教学将当代艺术淋漓尽致地展现在学生面前,既能促进中学美术教育的全面发展,也能推动当下中学美术教学模式的创新与改革。文章对当代艺术与中学美术教育融合及教学模式进行研究。 关键词:当代艺术;中学美术教育;教学模式 以往的中学美术教育在教学内容上比较注重美术发展史方面的教学,美术教师大都讲述艺术家的生平及其创作的作品,很少融入当代的艺术元素。这就造成中学美术教育无法完整地将当代艺术和传统艺术融合并共同呈现在美术课堂上,让学生全面了解艺术发展的多样性变化。为了改善目前这一局势,教师应促进当代艺术与中学美术教育的融合,将更多的当代艺术元素融入中学美术教学,并尝试进行多元化教学模式的转变。 一、当代艺术融入中学美术教育的作用 1.有益于学生深入了解当代艺术 目前,一些中学的美术教育还是采用“填鸭式”的教学模式,这种教学模式显然已经不适用于当前的美术教学。尤其在当下网络信息化快速发展的社会中,中学美术教育没有融合当代艺术,而一味地按照美术教材照本宣科,必然会造成中学美术教育与当代社会的脱节。将当代艺术融入中学美术教育是对中学美术教学的创新和完善,它给予教师更多的教学空间,但是美术教师在融合过程中要注意对度的把握。如,当代艺术更加注重对艺术品的加工和创造,不再局限于传统艺术的均衡、对称,更倾向于扩大、重复、拼贴等艺术形式。这与传统的艺术元素有很大的区别,也可以说是对传统艺术元素的推翻和重建。因而,当代艺术在中学美术教育中的应用更能让中学生体会到艺术元素的多元化,而不局限于某个固有的模式。 2.有利于学生重新认知中学美术 以往中学生对美术的认知仅停留在其是中学必学的一门课程上,这样的认知往往带有沉重的负担,而且容易使学生丧失学习兴趣。当代艺术对中学生而言较为新颖,更加贴合于学生的生活实际。学生可以在当代艺术的引导下自由发挥想象力,这样也能使中学美术课堂不再枯燥,久而久之,学生对中学美术的学习慢慢从任务转变为兴趣,一能活跃美术课堂的教学气氛,二能丰富中学生对美术元素的认知,进而帮助中学生树立正确的艺术认知。 二、当代艺术与中学美术教育融合的具体措施 1.培养学生的审美观 在中学美术教育中,学生主要依靠自身的感知能力、理解能力、想象力和创新能力,对教师所讲述的美术题材进行理解和认知。而教师则是通过对学生的美术教学将自己的思想观念、审美、情感态度传递给学生,让学生通过美术课堂的学习丰富精神世界和物质世界。美术教育也能培养中学生的审美观,使学生在当代艺术的熏陶下逐渐形成自己的新媒体艺术知识体系,学习艺术作品中的人文精神。 2.培养学生的艺术创作意识 中学美术教育的目的是让学生从艺术世界的观众逐渐变成艺术世界中的实践者和开拓者。将当代艺术与中学美术教育融合,一方面是丰富学生对艺术的全面认知;另一方面也是为了培养学生的艺术创作意识。当下的美术教育并不是教授学生欣赏美术作品的复制品,不是让学生根据他人的画作进行临摹、复制,而是要让学生充分发挥想象力,创作出具有个人独特风格的作品。 3.开展视觉化和交互化并进的教学模式 将当代艺术与中学美术教育融合,除了要改变教学方向、丰富教学题材,最重要的是转变教学模式,采用视觉化和交互化并进的教学模式代替“填鸭式”的教学模式。借助网络技术,美术教师可以为学生展现动态的美术作品,让学生能够体会动静结合的艺术形态变化。在必要的情况下,美术教师还可以开展课外美术教学,让学生体会真实的当代艺术,以此丰富学生的个人阅历,为其提供源源不断的创作灵感。结语将当代艺术和中学美术教育融合,有助于学生了解当代艺术,重新认知中学美术教育,从而树立正确的美术学习观念。此外,当代艺术和中学美术教育的融合对当下艺术的综合发展也有重要的作用,能够丰富学生的阅历,逐步培养学生的艺术鉴赏能力,进而帮助学生树立正确的审美观。通过改善当下中学美术教育的教学模式,能最大限度地发挥学生的艺术创作力,使其创造出具有个人风格的艺术作品,推动当下中学美术教育的全面发展。 作者:宋扬 单位:肇庆市实验中学 当代美术论文:当代我国美术研究的现状及策略 一、开展学术研究 在整个中心建设以及管理的工作过程中,特别需要注意的一点就是一定要让我们民族的文化和传统的精神得到发扬光大。在目前信息技术非常发达以及文化消费逐渐成为一种趋势的情况下,学者必须具备对于学术方面的忧患意识,对于一些文化表层含义逐渐掩盖内在学术研究的现象产生一种深深的担心。因此,国家建设的中心在学术界须提倡科学的探索和治学态度以及甘于寂寞的精神,并且树立求真、务实、严谨的学风,这样才能够对中国近现代美术的研究起到推动作用。中心还需要努力朝着开放性的方向发展,及时关注国内外新的研究成果,将国内外美术研究的力量联系起来。可以经常开展一些国际层次的学术交流会,将国外的研究成果纳入关注的焦点,这样也有利于将中国的学术研究在国际上积极推广,特别是一些中国的智慧和语言。 二、确定一个好的课题进行研究 经过了美术界一百多年学术方面的累积,中国近现代美术的研究已经产生了丰硕的果实,同时也体现出辩证思维和唯物史观在美术研究中的作用,显现出中国的美术学者能够将国际学术的思想和中国传统思想相结合以解决问题的精神。国家所创建的中心聘请的专家都是在我国美术学界有一定名望的学者,其中有来自台湾和香港的一些学者。国家建立研究中心之后,需要专家以自身的专业知识对于中国的美术发展进行宏观分析,将对重大历史问题的解决、理论与现实的一些问题作为整个发展的目标。一定要用全局性、与时俱进的眼光抓住问题的重点,并且形成一个课题,提倡汲取新兴的理论研究成果,尽量用一些新兴的研究方法解决中国美术的问题,对近现代中国美术的历史发展规律进行具体阐述,这样就能够借用前人的研究成果建立自己的新姿态。 三、借鉴西方的艺术 从中国美术发展的历史来看,中国可以借鉴西方艺术的一些形式,其中包括观念、行为、装置和绘画等形式,使中国的美术形式观念转变为更注重艺术的功能。尤其是到了20世纪90年代,由于一些西方资本的进入,中国艺术从以前的赞助模式转变为现代的艺术体制。直到21世纪,国内和国外的一些艺术频繁进行交 四、集合一些老一辈艺术家的资料文献 近现代的中国发生了很大的变革,这在一定程度上导致很多优秀的美术作品消失不见,还有一部分流失于民间,所以许多专家呼吁加大对于美术研究的重视程度,并且要保护好现存的一些近现代美术史料,尤其是老一辈美术学者、美术史家的学术文献和艺术作品。中心的建设需要很多专家的支持,使得规划和重点形成一个良好的集合,使得学术力量得到组织。同时,还可以建立一些机构,请老一辈的美术专家和相关艺术学者捐赠文献,并且要做好数据和文献保存方面的工作,争取形成一个近现代美术研究的部级别的档案馆。 五、结语 目前是一个全球化的时代,而当代的美术研究已经不仅关注传统的艺术,而且从单一的风格发展为多种风格。另外,国家文化部门将我国近现代美术方面的研究中心设立在中国美术馆中,这就充分表明国家对于美术研究事业的重视,表达了对于该事业发展的大力支持。因为将研究中心设立在中国美术馆中,能够使中国美术馆的优势得到充分发挥,主要表现在收藏近现代优秀美术作品方面的优势,还能够让藏品资源得到整理,并且供给后来的学者进行开放性的研究。所以,我们现在最需要进行思考的问题是:现在国家到底需要怎样一种艺术形式,如何将美术艺术与现实生活联系起来。这就需要美术家在创作美术作品的时候明白自己的责任和义务。 作者:董阔 单位:辽宁工程技术大学 当代美术论文:当代美术的语言特征探索 一、当代绘画 当代艺术家较传统艺术家,更加强调个体认知和创造,采用写实、夸张、隐喻、象征等语言表现出,其作为创作主体的审美情趣。泰国当代艺术的先驱者,泰国伟大的艺术教育家,FuaHaripitak(1910-1993)尝试以绘画作为艺术媒介,寻找探索在表达方式、图像及象征物中隐藏的美。他曾说过:“我的艺术灵感来自激情、信仰和真诚。是自然万物中尚待发掘的美促使着我在艺术创作中不断求索。”他的风景和人物画作融合了现实主义(Realism)、表现主义(Expressionism)、印象派(Im-pressionism)和立体主义(Cubism)等风格。他的作品画面颜色交错迭放,却恰到好处地捕捉了创作主题此时此刻的情感。又如画家TaweeNandakwang(1925-1991)利用丰富的想象力,将写实手法和超现实场景巧妙的结合,构成了他独特的绘画风格。在他的笔下有金色的山野,蓝色的河道,妻子的肖像以及月光下的池塘。其中他以第一位妻子Suwanee为模特的人物画被誉为最具开创性的肖像画,画面线条粗狂,作者似乎刻意通过大胆的笔触淡化细节,在画布上展现出人物鲜活的生命力和自然流露出的情绪感受。泰国也有像中国田园诗人的画家DamrongWon-guparaj(1936-2001),在他的画作中可以看到创作主题对农家质朴生活的向往。即使没有人物出现的场景,却处处充满农家生活简单、恬静而美丽的气息。阳光下金色稻草堆砌农家小屋,夜幕中停靠的打渔船,装盛粮食的竹楼,随意晾晒的衣物仿佛都在等待它们主人的出现。他的画作极具装饰性,其线条不难让人联想到班清时期陶瓷外表朴实的图案,而画中的色彩组合又能把你带到洒满阳光的谷堆旁,以及映衬在蔚蓝的阿达曼海的渔村上空。说到泰国当代美术家,不得不提到SilpaBhirasri(1982-1962),他在1933年建立了泰国的第一所艺术学院。这位意大利籍的雕塑家也是曼谷民主纪念塔,拉玛六世塑像,陶顺娜丽女英雄纪念碑的设计者。他代表了当代致力于利用西方印象派、后印象派和立体主义风格表现泰国风土人情的艺术家们。作为泰国杰出的女性艺术家,MisiemYipinsoi(1906-1988)的绘画及雕塑都取得了极高的艺术成就。她偏爱山水画创作,常常带着画布到泰国各地采风。在她的画作中的运河、池塘、沼泽、山林,光影交错,仿佛色彩就是语言,讲诉着她眼前这片多彩的世界。从1958年开始,她将车库改成工作室,在那里开始了雕塑创作。她的雕塑造型极简,文理粗糙,平凡的姿势却散发着舞蹈的张力。作为泰国雕塑界的领军人物,KhienYimsiri(1922-1971)的雕塑作品简约而优雅,人们通过他作品含蓄而简约的语言得以感知泰国传统元素和现代艺术理念的完美结合。其代表作魔笛(MagicFlute)塑造了一个颈戴项圈,眉目清秀,席地而坐的少年,独自吹奏长笛的摸样。少年双手轻握长笛,食指和无名指微微上翘,青铜的质地透露出肌肤的光泽,流畅的线条刻画出健美的体态,让人不仅想到素可泰时期的青铜造像。ChaloodNimsamer(1929-至今)作为一个多产的天才艺术家,他总是利用不同的艺术载体,无论绘画、雕塑、摄影还是印染,进行着自己的视觉艺术实践。在他可以在的画作中有一个反复出现的主题引人入胜:一个年轻女子,着传统纱笼,齐耳黑发,宁静祥和。事实上,女孩的短发总让人想到画家本人,不知道是偶然的巧合,还是画家俏皮的自画像。人物的背景或是佛教图案,或是半抽象的自然景象,或是茂密的树丛,色调简单,纹理复杂,与色彩鲜艳的人物形成强烈的对比。这种人物与背景的冲突,以及女孩几乎佛般的笑容仿佛在向世人描绘在纷扰世界中保持的另一种宁静。作为泰国当代最多产和最具争术家之一,Mon-tienBoonma(1952-2000)常常被贴上"佛教"艺术家的标签,却又公开否定正统的佛教艺术教学。他使用短暂存在的尘、草、陶、蜡等材料和失蜡铸造等传统工艺技术,大胆地把传统铸造方式和宗教仪式融入到当代艺术创作中,不断强调观者在触觉、嗅觉、视觉与听觉上的艺术体验。他曾写道:“观众们想处于安定与满足的心境中,于是我想把佛像内部的空间变成一个观众们正念的庇护所。”上述具有代表性的当代艺术家的绘画风格,代表了当代绘画风格,在继承传统美术精髓的基础上,正在突破各种束缚,更加大胆,更加富有创造性,向着多元化,个性化的方向发展。 二、曼谷设计 如果极简主义是现代设计风格的标志,那么泰国当代设计艺术则特立独行,超越时空,在传统与现代的之间穿梭游走。无论是工艺设计、室内设计、平面设计还是服装,泰国设计者们都可以在保留传统文化或吸收外来文化的基础上,塑造具备自己特征的东西。这并不意味着坚持一味的佛教的意象或花里胡哨的民俗感,而是一种自由的、天马行空的闲趣精神。泰国的设计往往具备手工艺特点,用自然材料制作,透着原始的生命力,张扬着奔放的色彩和不拘一格的形态,往往会让人想起阿瑜他王朝之前简单质朴的工艺之美。编织工艺是泰国的传统工艺,而本土的灵感和自然资源则是艺术创作的源泉。不仅蔓藤、黄麻、杂草、水葫芦以及竹木,就连回收的旧报纸、塑料,都可以在设计师的手中成为拥有艺术蓬勃生命力的语言。设计师(SuwanKhongkhunthian)为品牌家具Yothaka设计的家具组件,一如其名“来自天堂的植物”,用水葫芦、竹与藤等材料制作,盘曲而简洁,具有浓烈的东方和热带风情。他用布袋莲(waterHya-cinth)编织的手工家具,行销世界,经久不衰。近年来,Yothaka将类似芦苇的蕨类,经过特殊手工编织,做成高科技塑胶质感的家具用品。设计师(UdomUdomsrianan)为品牌家具Planet2001设计的植物雕塑式的座椅,受到宇宙万物的鼓舞启发,以天然藤条为材质,经由加热弯折并以手工层层塑型,展现出独特风貌。2011年在米兰展泰国设计主题为慢手设计(SlowHandDesign),再一次展现了设计师们对传统工艺的珍视,以及对大自然的向往,正如美国《纽约时报》所说:“泰国丰富的手工艺传统,带给了年轻的本土设计师不少灵感。这些设计师通过现代设计方式,重新激活了这些古老的民间智慧。”在纺织工艺方面,泰国也有异常精美的表现技巧。由美国企业家吉姆.汤普森(JimThompson)创立的泰国丝绸公司(ThaiSilkCo)生产的泰丝,其做工精细、质地华丽、色泽鲜艳。由于泰丝造价高,起初仅用于演出服装,后来一些时装设计师和室内装饰设计师将这种绚丽多彩的布料用于时装和装饰领域。而今,泰国丝绸公司在室内纺织品设计师蒂那特.尼萨拉克(TinnartNisalak)继续着革新之路,采用手工编织棉线和纤维,不仅质地富丽,而且充满泰国现代风格。泰国的白银饰品,以其时尚的设计理念和精湛的制作工艺,享誉世界。其灵感多来自泰国的传统文化元素,如大象、鱼虫、花朵等象征和平、幸福、纯洁等吉祥意义的动植物形象,饰以螺旋纹、云纹等图案。设计师将纯银熔炼、制条、拉丝、打磨、抛光,制成银片、银条或者银丝,然后用打压、雕刻、镂空等工艺制出精美的图案,或配以有写意风格的陶瓷,或镶嵌五颜六色的宝石,或运用古朴的檀香,或搭配染色珍珠和贝壳。五结语我们通过对泰国传统美术发展的梳理以及对当代绘画和工艺的品鉴,可以看到泰国美术如同其他国家的美术一样无一不历经着时代的锤炼。但其与众不同之处是:不管是炮火战乱,还是王朝更替都无法将泰国的传统美术连根拔起,它始终保持着对传统文化的尊敬;不管是对印度佛像造型艺术、中国传统绘画的被动模仿,还是受到欧洲写实画法的冲击,它始终坚持着对外来文化的欣赏。而这种谦和的文化姿态,恰如土壤里的养分留在泰国当代美术植根的泥土里,在艺术家们自由大胆而热烈的创造中,开出灿烂瑰丽的艺术之花,并在世界艺术之林中独秀一枝。 作者:邬丹 单位:成都学院 当代美术论文:美术在当代瓷器装饰设计中的应用 作者:余娟 单位:景德镇陶瓷学院 设计与运用将民间美术的素材通过直接、间接、再创造的方法运用到现代陶瓷设计中,并以自己已掌握的设计技巧展现出来。陶瓷艺术设计者直接把民间美术的构成形式或色彩以及某些表现方法或工艺制作方法,借用到设计之中。把民间美术的图案、造型样式作为一种创作的素材,直接运用到实践中去,以借题发挥的方式传达自己的意图,使现代陶瓷的设计与民间美术之间产生密切的联系,使现代陶瓷装饰更具有民族特性。民间美术的造型,如强烈的色彩、特殊的寓意,经过融合、消化,成为自己的艺术语言,使民间美术作为一种民族文化的营养,充实和丰富自己的思想、情感与修养。创造的作品与原始素材既有联系又有区别。现代陶瓷装饰可以借助民间美术的装饰语言创作出有新意的图样、样式,但又不失民族风格。民间美术与民族文化的基因在精神追求与思维方式上得到全面的体现与继承。在装饰的过程中,借助对民间美术样式的感受引发自己的联想,以民间美术的独特语言和视觉图像表达自己的创意,使陶瓷设计在融合时代特征的同时,保持浓郁的东方风情和本民族的传统特色。民间装饰造型设计法蓝瓷品牌设计产品在装饰造型上就完美体现了“民间+现代”的设计理念,它以大自然为创作主题,制作工艺上承袭了最纯正的传统技术———纯手工釉下彩装饰;以设计师独到的眼光、巧妙的设计,将陶瓷造型和装饰有机地结合成一体。法蓝瓷作品重视传承、鼓励创新,以独特的创意,把当代的时尚设计风格融入到作品当中。最经典之作“樱桃嬉春”,如图1所示,这款设计是根据清朝宫廷画家郎世宁仙萼长春图册之樱桃图创作而成,惟妙惟肖地将画作中的樱桃树及蜡嘴雀栩栩如生地呈现在瓷器上,既作为陶瓷的装饰,同时又是整体造型的组成部分,打破传统中造型与装饰的界限区分。但其表现重点依然放在陶瓷装饰上,整体装饰造型设计用精美的陶瓷材料再现传世佳作,在继承古人创作的基础上,加诸时代艺术美感进行重新诠释,赋予它新时代的文化气息和欣赏价值,加强了文化遗产的保护和传播。 民间装饰色彩设计 中国人以五色斑斓的正红、艳紫、浓黄、深蓝、大绿为装饰特点,既体现富贵,又表现出沉静的气质。民间传统的色彩不能简单地认为是一种俗气、落后的标志,她体现的是中华民族几千年文明历史中的民族意识、文化意识和乡土情谊。2006年底,广东协进陶瓷有限公司“唐装系列”建筑瓷片从中国民间装饰色彩文化中找灵感,以传统色彩中的代表富贵的黄、代表华美的红、代表大气的紫为基色,配以典型的唐装圆圈图案,体现了民族文化中的华美、大气,以其浓郁文化氛围营造一种具有现代感的“富贵、华丽、大气”的室内空间气质,扩升室内空间,创造舒适的生活环境。,唐瓷系列借鉴了中国少数民族服饰的颜色搭配形式来作为设计主题的,以水平的金、银、蓝线为装饰构成因素,设计线条流畅、简约,装饰色彩明快,清新自然。有很强的民族地域特色,给人一种少数民族特有的民族亲切感,充满着浓郁的乡土气息,让人忘记现代都市快速紧张的生活节奏,感到放松、恬静和自由。红色可谓是中国的国色,代表喜庆吉祥之意。但是在陶瓷装饰设计中,由于红色很难烧成功,所以运用不多。现代科技的进步使得这一缺陷得以弥补,(图略)所示,法蓝瓷朱红喜气的“旺富木槿”系列在强烈的艳红底色上缀以一朵朵柔弱娇美的木槿花,颜色纯正、色泽鲜亮,并且在装饰颜色上大胆采用红绿对比配色。红配绿是中国传统审美中推崇至极的组合经典,传统陶瓷装饰中古彩和斗彩就以红绿搭配为特色。红绿搭配要出现好效果往往是出自于对面积的把握,选取一种对比色,有画龙点睛之妙,往往是提神、提气、提色最好的方法。颜色釉装饰也是陶瓷色彩装饰手法之一,丰富的颜色釉既满足了人们日常生活的需求,又满足了人们对于陶瓷美的追求和享受。陶瓷色釉装饰在陶瓷文化的历史年轮上所呈现的是一张张浓缩了中国传统装饰艺术风格的深厚面孔,在现代陶瓷色彩装饰艺术方面,颜色釉装饰有较大发展:颜色釉的品种越来越多,不仅恢复了许多传统的颜色釉,而且创出了凤凰衣釉、羽毛花釉、彩虹釉等新的色釉品种。颜色釉装饰不仅广泛用于各类陈设瓷、日用瓷上,而且广泛用于各类工业瓷、建筑瓷上。 民间装饰纹样设计 与民间装饰色彩相比,民间装饰纹样设计更表达了一种人文精神。中国传统装饰艺术是“取其形,达其意”,是中国文化意识的体现。中国传统美学强调的是求全、美满的美学观念,认为万事万物都是一个和谐统一的整体,在几千年华夏文化的传承中,寓意吉祥是装饰图案设计的精髓所在,它扎根在人们的心中,表露在生活的方方面面,是一个延绵千万年的永恒性主题。譬如过春节的时候家家户户门上的春联、门神、福字等,意在“辞旧迎新”、祈求“福到家门”、“趋疾避凶”。“吉祥”本意为美好的预兆,吉者福善之事,祥者嘉庆之征。是对未来的美好希望和祝福,具有理想主义的浪漫色彩,通过外在“形”的装饰传达对安定、和谐、美好生活的企盼与向往。远古时期,人们是以结绳记事,“结”因此备受人们的尊重。斗转星移,时代变迁,它却发展成了一种典型的民俗文化———中国结。中国结的取意也和中国民间传统装饰艺术一样,利用自然形态、谐音取意,有万事如意结、团圆美满结、长寿安康结等祈福的内涵,被作为民间祝祷的符号,成为世代相传的吉祥饰物。现在,它可以作为单独的一种装饰形式,同时也被作为一种装饰图案被运用到陶瓷设计当中,形成具有民族特色的装饰纹样设计。中国传统纹样背后的“意”是人们迷恋其造型的关键。不论古人还是现代人,对美好事物都会心存向往,因而传统纹样蕴含的吉祥意味同样也适用于现代设计。在我们的生活中,处处可以发现古为今用、推陈出新的设计,如牡丹是我国特有的木本名贵花卉,花大色艳、芳香浓郁、体态肥硕饱满、雍容华贵、富丽端庄,而且品种繁多,素有“国色天香”、“花中之王”的美称,长期以来被人们当做富贵吉祥、繁荣兴旺的象征。牡丹作为装饰题材也一直是沿用至今。著名品牌“红叶”牌设计的“国宴牡丹”餐具,采用国花牡丹和国徽结合装饰,祝福国家繁荣兴旺,蒸蒸日上,人民生活美满幸福,富贵吉祥,被选为人民大会堂专用餐具。“松竹梅”餐具的设计(图略),在装饰上是以中国传统“岁寒三友”为题材。松、竹经冬不凋,梅则迎寒开放,都有不畏严霜的高洁风格,它们在岁寒中同生,历来被中国古今文人们所敬慕,而誉为“岁寒三友”。这一设计主题的运用是以此比喻忠贞的友谊,寓意中西友谊天长地久。在图案设计上汲取代表性的部分组成传统适合纹样形式,不同于传统的“松竹梅”写生再现形式,这在题材运用上具有现代新意的创新设计。另外在实用功能设计上又是中西合壁,取长补短,创造中西餐饮文化的和谐统一。 结语 在全球化浪潮的袭击下,中国现代陶瓷需要创新,既要符合时代潮流的崭新样式,又能体现民族文化的内涵。要以新的观念、新的视觉和新的表现手法容纳西方设计理念和思潮,并与传统文化的神韵、意境有机地结合起来。通过最简练的语言和个性化的表现形式达到最强烈的艺术效果;使民族传统文化在陶瓷设计中不断地被重新诠释和定位;使设计作品散发出博大而包容的民族文化神韵;使民间美术的艺术形式,用现代技术来表现,富有传统神韵而又不拘泥于陈旧的格式,追求设计的新意而又不忽略传统装饰风格的体现;使传统的装饰艺术更富有韵味、现代味,为现代化陶瓷文化添加更多的民族传统文化魅力,更体现出一种民族自豪感。
美术设计论文:戏剧影视CAD复合案例美术设计论文 一、专业沿革、特点及CAD课程教学现状 从专业内部来看,尽管专业名称统一,但各院校教学特色和方向不尽相同,各院校的专业教学依据自身的历史传统、办学特色、师资配备、院校背景,侧重于不同的演剧艺术领域。如,北京电影学院侧重电影美术设计的教学;中央戏剧学院、上海戏剧学院偏向话剧美术设计的教学;中国戏曲学院强调戏曲舞台美术设计的教学;而南京航空航天大学则在教学中尤其注重当代舞台科技发展对舞台美术专业的影响和渗透。尽管源于不同传统,各院校的专业教学表现出不同特色,但它们本质上都属于广义的演剧艺术设计教学领域,其优秀的教学单元和课程设置基本相近或相同。从专业外部来看,戏剧影视美术设计专业在技术层面的优秀是构思与表达——设计。在基础课程的教学方法与理念上与通常的设计类专业,如艺术设计、展示设计、视觉设计有诸多共通之处:在基础美术课程训练阶段,强化素描、色彩;在基础设计课程训练阶段,受近代西方包豪斯设计理念的影响,强调平面构成、色彩构成、立体构成三大设计构成板块;计算机辅助设计软件都使用3dsMax、AutoCAD、Photoshop等,凡此种种,不一而足。但一般设计教育的普遍性不能掩盖戏剧影视美术设计专业教学的特殊性。戏剧影视美术设计的本质由位于上位的演剧艺术学科性质所决定。如果将当代艺术的种种形态概括为偏向商业性和偏向艺术性的两极,那么演剧艺术表现出强烈的艺术性特质。因此,戏剧影视美术设计专业在设计创作的构思、表现和执行环节所展现的个性非常明显,即设计过程通常要求设计师独立完成。换句话说,一般设计类专业在当代表现出集体合作、分工完成的趋势;而戏剧影视美术设计专业则内在地对设计者提出了集中、独立、统一的要求。目前,国内戏剧影视美术设计专业的主要培养目标是将学生培养成适应数字时代需求的跨领域、复合型戏剧影视视觉艺术设计人才。学生大学四年主要学习戏剧影视美术设计、戏剧史、电影史、舞台美术史、中外美术史等方面的基础理论和基本知识;接受绘画、设计技巧训练;掌握戏剧影视场景设计、服装设计、道具设计、人物造型设计等方面的基本技能。据此,对应的教学课程体系主要包含专业理论课程群、基础美术设计课程群、专业设计优秀课程群三大板块。在这样的课程体系下,有一门似乎隐形的课程串接着创作构思、表现与实现——计算机辅助设计课程。计算机辅助设计课程的发展大致可归纳为三个阶段:早期的手绘加实体模型加计算机辅助表现阶段;中期的实体模型加计算机表现、实现阶段;如今的完全的计算机构思、表现、实现阶段。我们暂且不论手绘表达和计算机表达在设计美学上的意义和价值的争论,不可否认计算机辅助设计是戏剧影视美术设计专业教育中保证创作与实现之间贯通的优秀枢纽。但从教育教学现状来看,该课程的教学方法和教学内容却远落后于计算机技术的发展和实际学习与就业情况,“究其根源是专业教学计划内容还停留在几年甚至十几年前的状态不变”。 二、南航大CAD课程教学改革与实践——从“按图索骥”到“实战演习” 基于上述的基本考察和分析,我们进一步延伸到实际教学中,会发现在计算机辅助设计教学现状中普遍存在两种教学模式,笔者把它们归纳为“按图索骥”式的教材化教学模式和单元型个案化教学模式。第一种模式通常依据一本教材,逐条讲述软件命令。教师教得简单,学生学得也简单,但是教学效果极不理想,实践与理论完全脱节。第二种模式部分解决了第一种模式中存在的不足,它将计算机软件命令组合成团块,教师围绕一些单元案例进行教学。然而,这些团块结构的单元个案彼此缺乏有机的联系,学生无法全面整合计算机操作能力运用到实践中,此模式也许适合上文所述的要求分工合作、集体完成的一般性设计类专业,但是不适合戏剧影视美术设计专业。因此,笔者根据戏剧影视美术设计专业属性和特点在这里提出第三种教学模式:即“实战演习”式的复合案例化教学——设定专业创作情境,假定创作任务,完全依照实际创作及执行节奏,限时、限人,完成方案从构思到实现的全过程。复合案例化教学模式充分结合戏剧影视美术设计专业的实际工作特点,训练学生“多软件整合”“个人独自”“在限定时间内”完成创作任务,着重强调设计和创作的首尾一致,保证艺术的统一性,避免了教材化教学模式和单元型个案化教学模式内在的实践与技巧的断裂,学生在课程结束后基本可以运用计算机独立完成设计创作任务。以下是笔者在南京航空航天大学对戏剧影视美术设计专业计算机辅助设计课程所进行的教学改革与实践计划概要,与同行共享。教学安排依照创作实际流程进行,戏剧影视美术设计的一般创作流程是:第一,接到演剧创作任务。第二,制订工作时间及小结表,汇总有关信息,如人员、合作班底、甲方情况等,制订通讯录。第三,分析剧本,收集整理资料,消化剧本,细化确认统计、影像、大小道具、音效等细节。以上阶段涉及Excel等文字处理软件的专业运用。第四,勘测场地、外环境,了解技术细节,绘制基本平面图。此阶段涉及CAD软件、文字软件和平面设计软件的综合运用。第五,构思初步方案,推敲方案的同时整理文字设计构思阐述。此阶段涉及Sketchup、Photoshop等多软件的综合运用。第六,深化方案。此阶段涉及CAD软件运用和Sketchup软件的综合运用。第七,效果图、制作图计算机表达。此阶段涉及3dsMax、AutoCAD软件的综合运用。第八,制订预算。此阶段涉及Excel、Word、Acrobat软件的综合运用。第九,方案汇报与图册制作展示。此阶段涉及Powerpoint、Acrobat、Illustrator、Corel、Photoshop软件的综合运用。对应的课程学时安排也参照这样的实际流程和时间进行,同时以一套教师实际创作工作中完成的完整方案图纸为参照。第一教学单元,8课时。教学内容是设定课程整体完成目标;勘测场地(在笔者实际教学中是勘测南京航空航天大学剧场);深化学习和使用CAD软件完成场地平面图绘制;使用Excel及Photoshop软件完成资料收集、整理和修改,编制模拟工作计划。该教学单元教学内容一天内限时完成,模拟实际工作中的前期准备阶段。第二教学单元,8课时。教学内容是深入学习使用Sketchup软件,完成方案基本草图构思,推敲设计空间与体量。该单元教学内容一天内限时完成,模拟实际工作中方案集中构思阶段。第三教学单元,8课时。教学内容是强化学习使用三维软件,完成方案效果图表现。该单元教学内容一天内限时完成,模拟实际工作中方案表现阶段。第四教学单元,8课时。进一步强化Autocad软件的学习与运用,完成方案分场平面图。该单元教学内容一天内限时完成,模拟实际工作中方案细化阶段。第五教学单元,8课时。教学内容是整合、贯通、综合学习及运用AutoCAD、Photoshop、3dsMax、Excel等软件,完成方案制作图及预算表。该单元教学内容一天内限时完成,模拟实际工作中方案执行阶段。第六教学单元,8课时。教学内容是综合运用Illustrator、Corel、Powerpoint、AutoCAD、Photoshop、3dsMax、Excel等各类软件,完成方案汇报总结ppt、设计方案图册平面版式设计、教师进行课程总结。该教学单元内容一天内限时完成,模拟实际工作中方案汇报总结阶段。从笔者近两年来在南京航空航天大学戏剧影视美术设计本科专业的计算机辅助设计课程的教学改革和实践来看,教学效果显著。学生在心理上克服了根源于技巧不能有效对应实际创作任务而产生的对计算机软件的恐惧感和距离感;绝大多数学生表现出充沛的创作欲望以及有能力在技术上实现创作构思的强大信心。尤其重要的是,他们对多软件的综合运用表现出强烈的兴趣和能够完全驾驭的潜力,“从课堂教学中获取了较大的教与学的空间。”另外,在计算机实际参与创作工作的现实中,往往是30%的少数重要优秀命令就可以完成90%的实际工作要求。单元型个案化教学和“按图索骥”式的教材化教学这两种模式由于全部或部分与工作实际脱节,由此在教学中会表现出重点不突出,学生的学与教师的教往往不分权重,平均用力,消耗大量时间和精力在非优秀命令上,在教与学两方面都展现出“好钢没有用在刀刃上”的弊端。复合案例化教学模式由于实践与理论结合紧密,教与学都表现出软件命令学习集中化的趋势。这种集中化趋势剔除所有不重要的或在现实工作中很少使用的软件命令。学生强化学习优秀命令,而对于那些偶尔碰到的非优秀命令的学习,教师则指明方向和学习方法,同时学生由于计算机软件学习内在信心的建立而自然获得了一种自我“主动更新、主动升级”的学习能力,这种能力的激发是课程设计之初没有预计到的“意外收获”。基于该课程已取得的良好效果,笔者将着手该课程下一阶段的改革与实践升级:继续增加教学强度;有意识强化学生“自我更新”学习能力的培养;将该课程的授课时间充分集中,浓缩成一周左右的实践周教学课程,在时空上完全对应实际创作工作,进一步“使教师的主导作用和学生的主体作用在教学过程中达到和谐统一”。 三、总结与思考 复合案例化教学模式经过初步检验,已经被证明是行之有效的,但是在具体操作和实行上有两个基本的前提和难点:一是复合案例化教学模式属于戏剧影视美术设计本科专业“计算机辅助设计课程系列”的高级阶段,要保证该教学模式发挥最大效力,需要学生对主要软件的基本使用拥有良好的基础,这对学生提出了较高的要求。南京航空航天大学的戏剧影视美术设计本科专业将“计算机辅助设计课程体系”划分在两个学年进行教学,课程名称分别对应为计算机辅助设计一和计算机辅助设计二,前者强调学生对设计软件基本命令的掌握,后者注重学生的方案实际感受与完成能力,要求学生依照未来实际工作可能面临的情形(戏剧影视美术设计的创作周期和实际工作方式),综合运用多种软件进行“实战演习”。笔者在计算机辅助设计二课程中进行如上所述的复合案例化教学模式的改革与实践。另一方面,复合案例化教学模式对任课教师也提出了较高的要求:教师要能熟练驾驭多种软件,才可以顺利接过多软件综合运用“实战演习”的指挥棒。显然,任课教师需要大量实际创作经验来保证教学质量,这点是需要特别说明的。在复合案例化教学过程中,学生自觉地展现出一种自我“主动更新、主动升级”的学习愿望。那么,对于这种愿望,教师该如何引导呢?笔者在这里提出一种方法,为便于记忆,将其称为“赫特法”(HIRT法)。“赫特法”源自四个英文单词的首字母,即Help(帮助)、Internet(网络)、Reference(参考书)、Teacher(教师)。这四个单词归纳了学生在学习上实现“自我更新”的四种途径:一是通过软件自带的帮助功能获得答案,设计软件自带的教程和说明实际上是最权威的参考书,学生往往不自知或因为畏惧英文而却步;二是通过互联网求助,这是快捷且最具有针对性的解决途径;三是通过市面上的优秀软件学习教程参考书,这是朴素而常规的补充学习方法;四是通过直接询问任课教师获取答案,这是笔者最反对的一种方式。此种学习方式在计算机教学中危害深远,而且隐形、慢性、伤害巨大,一言以蔽之:解决了问题,但丧失了解决问题的能力。学生不假思索地直接向任课教师获取答案,表面上似乎是解决了问题,却逐渐丧失了在未来没有教师在场时遇见问题而解决问题的能力,即使非问不可,也必须在经历了前三个途径之后。信息时代,日新月异,设计软件更新频繁,很多学生经常连尝试高版本软件的信心和勇气都没有,此种情形就是直接询问学习法种下的恶果。软件尚可自动升级,人岂能不自我更新?笔者提出的“赫特法”的英文字母组合的排序实际上即隐含了自身对教学中“授之以渔”与“授之以鱼”关系的体认。“艺术与科技是人类认识世界、改造世界的两种手段。”在当代的设计艺术中,计算机技术是两者有效结合的最明确表征。但我们用计算机做什么?我们为什么用计算机?我们如何用计算机?计算机到底为我们带来了什么?这些疑问和困惑值得我们反复思考和推敲。笔者一直坚信并强调:设计第一、计算机第二,二者不能倒置;计算机辅助设计课程只有在设计者主体主动的情形下才能最大限度发挥其辅助性功能。复合案例化教学模式本质上是一种研究性教学,强调“学习不是外部刺激的结果,而是外部刺激与认知主体内部心理相互作用的结果”。诚如法国学者古斯塔夫•勒庞所说:“现代科学与工业的各种发现,创造了一种全新的生存和思想条件”,但我们须始终牢记,这种“全新的生存和思想条件”的主体终究是一个个鲜活的人。 作者:魏钟徽 单位:南京航空航天大学艺术学院 美术设计论文:创造性工艺美术设计论文 1当代工艺美术在艺术构思上的创新 当代工艺美术在发展的过程中,必须不断的创新,所以,相关工作者一定要具有创造力,尤其是在艺术构思方面,一定要具有创新的精神,这样才能提高创作的水平。好的工艺美术设计,需要在创作的过程中激发设计者的灵感,要改变其传统的思维方式以及审美观念,还要体现人们对美化事物的追求。在当代工艺美术发展的过程中,不断要做到对艺术构思的创新,还需要对传统的设计知识以及理念进行创新,这样才能促进工艺美术设计更好的发展。当代工艺美术在设计时,一定要从多个角度看待问题,设计人员需要在生活中多积累素材,还要在设计中不断积累经验,提高自己的想象力与创造力,才能满足人们日益提高的审美观。工艺美术包括多项内容,需要将审美与性能有机的融合的一起,中国文化的发展经历了较长的时间,而且融合了不同的思想,所以,工艺美术在发展时,也需要将不同的文化融合在一起,需要满足社会发展的需求。为了提升工艺美化的设计理念,还需要融合现实,这样才能更好的满足大众的需求。 2当代工艺美术设计的要点 当代工艺美术设计需要紧跟时代潮流,需要与现实紧密的联系在一起,要将传统工艺文化与现代工艺文化紧密的结合起来,做到对传统文化的传承,还要掌握现代文化的潮流趋势,这样设计出的工艺品才能更好的满足大众审美眼光。社会在不断的进步,人们的素质以及文化需求也在不断的改变,只有把握当代工艺美术设计的要点,才能提高设计的水平。在创作的过程中,人们的思想以及思维方式有较大的不同,设计者要做到对不同文化以及理念的融合,要打破传统工艺美术的局限性,还要提高审美。现代社会中,人们的生活方式发生了较大的变化,人们的生活节奏也在不断的加快,所以,相关工作者一定要做到与时俱进,对工艺美术的各个方面进行创新,还要与现代社会的时尚潮流结合起来,增加创新意识,提高艺术品的价值。设计人员要具有一定创造力,这样才能促进当代工艺美术设计更好的提升。现代工艺美术是在传统工艺美术的基础上,对其形式以及内容的改进,可以使工艺作品更具时代感。人们的审美眼光以及欣赏习惯在不断的改变,增加当代工艺美术设计的创造性,可以更好的提升工艺品在中国文化中的位置,要注入具有时代信息的创造性审美观念。现代工艺美术设计的民族化就是在设计中将本民族的艺术和审美在长期的历史发展中形成的传统风格展现出来;第三,现代工艺美术设计非常注重以表现为主的抽象性风格,在现代工艺美术设计的审美意识中,不能有过多和过分的雕饰,要求产品应该要以简洁性或抽象性的特征为主。如果要确保其成就能够顺利的实现,就要通过有效地创新思想来获取,只有这样才可以创造出更多的财富,进而提升创新能力,才能进一步创造出更美的作品,使得艺术和美学之间也得以更好地相互完美融合在一起。 3当代工艺美术在创新过程中对于信息技术的应用 随着科学技术的不断发展,当代工艺美术中对于信息技术的应用也越来越广泛,很多与工艺美术相关的软件都相继的开发出来,并且大部分都已经在当代工艺美术中开始应用,这一系列的软件对当代工艺美术设计人员在制作作品的过程中,简便了当代工艺美术设计创造中的过程,给予了当代工艺美术设计人员充分的时间和空间,让设计人员能够在作品的创新上投入更多的精力。信息技术在当代工艺美术中的广泛应用,提高了当代工艺美术的整体设计水平,简化了作品的制作过程,当代工艺美术设计人员在充分的掌握了信息技术,能够对信息技术的在当代工艺美术的发展过程中进行有效的应用,对于设计人员在自身设计创造作品时的水平有着非常大的提升作用。在当代工艺美术中,想要更好的创作出当代工艺美术作品,就必须掌握对信息技术使用的正确方法,充分利用相关的信息技术对工艺美术作品进行改善,加强对作品的修改,使作品更加的完美。在当代工艺美术中,计算机的使用大大增强了在创作过程中的设计创造,因为计算机能够在创作过程中为创作者提供大量的材料,可以利用相关的工艺美术软件对创作出来的作品加强设计,当代工艺美术设计人员在使用计算机进行创作时,能够更好的将各类材料综合起来进行有效的利用,充分的掌握与创作作品相关的材料,加强创作作品自身的质量。计算机的出现在一定程度上给予了当代工艺美术持续发展的机遇,面对国内外各种艺术思潮的涌现,当代工艺美术设计人员应当充分的利用信息技术,提高自身在创作过程中对于技术、知识能力的有效创新,将当代工艺美术设计与信息技术有机的结合在一起,提高当代工艺美术的作品质量。 4结语 我国的经济发展很快,这促进了当代工艺美术设计水平的提升。现代社会,人们的审美眼光有着较大变化,而且对精神文化也有着不同的追求,所以,在工艺美术设计的过程中,一定要增加创造性,要具有与时俱进的创新精神,这样才能提高设计作品的时代感。在创新的过程中,也要注重对传统文化的传承,这可以是工艺品更具文化内涵。设计者在平时的生活中,要多观察事物,还要不断的积累素材,这样可以很好的激发灵感,可以设计出更加优秀的作品。 作者:艾佳维 单位:北大荒垦丰种业股份有限公司 美术设计论文:现代艺术构思工艺美术设计论文 一、现代工艺美术设计的创造特征 1.注重发散性思维 注重发散性思维是艺术创作应当具备的特征之一,因为艺术创造不是工业产品,不能局限在固定模式中,没有可以套用的思维模式,这也为艺术创造提供了足够的空间,而发散性思维是利用这一空间的重要方法。发散性思维要求设计师不受传统管理方式或模式的束缚,从不同角度和途径进行创新,将以往那种单一的管理模式转变为多元化的方式,从而让自己的工作兴趣得到激发,创造出更加具有艺术感的作品。 2.注重创造性思维的发展变化 注重创造性思维的发展变化强调现代工艺美术设计是动态发展的,而不是静止不变的东西。工艺美术设计的作品会因为设计师的不同而不同,这是因为他们个性的不同而形成的。工艺美术设计的多元化也反映了艺术作品的丰富,这对艺术发展而言极为有利。创造性思维的发展变化强调设计师创造性和发散性思维的利用,对思维定势持否定态度,所以设计师要注重对自身思维变化规律的把握,从动态发展中利用自己的思维能力,实现自身创新能力的发挥。 3.强调现代信息科技的运用 随着科技的发展,大量信息元素运用于现代工艺美术设计中也成为工艺美术的一大特征,并且为了工艺美术的进一步推广和传播,现代信息科技越来越受到强调。目前,使用十分广泛的Photoshop就是其中的代表,它大大简化了设计人员的操作流程,可以让他们把精力投入工艺美术的创新工作。另一方面,工艺美术信息化也是其一大趋势,所以,要想实现现代工艺美术作品的进一步创造,必须熟练掌握计算机技术,大量采用信息材料和资源。 二、现代工艺美术设计的主要着力点 1.创造性的艺术构思是现代工艺美术设计的首要环节 创造性的艺术构思是实现工艺美术设计的指导思想,一个形象的孕育必须在艺术构思中进行,这就对设计师提出了很多要求:第一,必须对思想文化的新方向给予关注,这样才能萌发新的思想观念,创造出更具创新性的作品;第二,充分利用网络信息技术创新理念,注重各事物之间的内在联系,充分利用隐喻、联想、暗示等手法,提高自身的艺术修养和知识积累;第三,设计作品要向民族性、时代性方向发展,并且以时代性为主轴,与民族性紧密结合,满足现代人们的审美需求;第四,突破对传统的模仿,注重自身对世界的独特领悟,向更加多元化的审美思想、价值取向方向前进。创造性的艺术构思强调在设计中要关注各种风格,避免过多的修饰,充分显示艺术作品的简洁性和概括性,体现时代和科技的发展。设计师的观念也要具备动态发展的特征,从而提高艺术作品的生命力和表现力。艺术世界包括微观和宏观,这都需要设计师对其进行捕捉,将美学和艺术完美结合。 2.双重性是现代工艺美术设计的发展方向 现代工艺美术设计除了要具备观赏性之外,实用性也是其主要要求。如,在市场中的家具或者工艺装饰品可能具备比较高的观赏价值,但是如果其没有具备较高的实用性,同样会遭到冷遇。因此,双重性成为现代工艺美术设计的发展方向。双重性是指工艺美术设计既要体现设计师的个性,又要满足使用者的要求,必须从二者的共性出发进行考虑,达到协调一致的效果。随着人们审美和使用要求的提高,设计师在设计中不仅要充分展示自己的艺术个性,而且要充分考虑人们的需求,对工艺进行创新。上文提到的以主动性管理为中心、注重发散性思维、注重创造性思维的发展变化、强调现代信息科技的运用等工艺美术设计创造特征,就是现代工艺美术设计双重性的具体表现,也是双重性得以实现的基本要求。 三、结语 通过以上分析可以看出,现代工艺美术设计的创造特征主要包括:以主动性管理为中心、注重发散性思维、注重创造性思维的发展变化、强调现代信息科技的运用等,而实现现代工艺美术设计更好地发展必须重视创造性的艺术构思和双重性建设,从而满足人民群众的审美要求。 作者:张锦 单位:河北邢台市市政维护管理处 美术设计论文:计算机传统美术设计论文 1传统美术设计的基础地位 传统美术设计主要包括美术理论、美术技能和审美等几个方面。传统美术设计对于提高学生美术基础知识和基本技能等方面的文化修养、培养学生良好的审美能力和鉴赏能力都有着重要的作用。因此,传统美术设计的基础地位不可动摇。一个美术设计者的艺术修养和美术技能的提高离不开传统美术,只有具有扎实的绘画功底、较高的艺术欣赏水平、艺术资质及创新能力,才能创作出高质量的作品。 1.1从艺术修养来看 艺术修养对于一个美术工作者来说是首先要具备的基本素养,主要包括艺术欣赏、艺术审美等方面的能力。作为一个美术设计者来说,只有具备一定的艺术欣赏、审美能力,才能不断地在生活实践中观察美、发现美、认识美,也才能充分利用自己的审美能力去创造出美的形象。 1.2从美术技能来看 美术技能主要包括造型能力、创造性形象思维能力和抽象思维能力等,美术技能是美术工作者赖以生存的法宝。只有具有高超的美术技能,深厚的美术功底,才能有创造性的创作出好的作品,一个没有高超美术技能的美术工作者是很难有大的发展。 2计算机美术设计的优越性 计算技术的飞速发展,促进了计算机美术设计的发展,使之成为美术设计者不可缺少的工具。计算机美术设计有着先天的优越性,在美术设计中发挥着越来越重要的作用。 2.1设计功能空前强大 作为一种先进的设计工具,计算机美术设计与传统的美术设计相比,具有直观性强、存储量大、展示便捷、动感逼真、便于修改等特点。随着计算机技术的不断发展和日益普及,计算机美术设计被广泛应用到美术设计领域,成为设计者的必备工具,并在作品创作中发挥着无可替代的作用,大大提高设计效率。 2.2设计软件丰富多样 在传统的美术设计中,可能因为一点的失误就会造成整体的报废,造成巨大的时间和人力上的浪费。计算机美术设计因为具有可修改性,从而有效避免了这一问题。除此之外,计算机美术设计在发展过程中已逐渐走向成熟,产生了丰富多样的设计软件。Photoshop、CorelDraw等广告平面设计软件,大大提高了对照片、lo⁃go标志、广告、图片的设计能力,增强了对图片的处理效果。 2.3设计素材轻松可以获取和存储 计算机技术和互联网的发展也为美术设计提供了便利的条件,设计素材的来源更广,存储更方便。互联网络建立了资源共享平台,这样美术设计者就可以利用网络搜集素材,存储素材和传递素材等。 2.4应用范围广泛 随着计算机技术的发展和普及,计算机美术设计也不断拓展,其设计领域已经涵盖了美术设计的各个方面,主要包括平面设计、网页制作、影视创意、广告摄影、建筑效果图后期修饰等方面。由于计算机美术设计的应用范围不断发展,提高了美术工作者的工作积极性和工作效率,不断涌现出大量的高质量作品。 3计算机美术设计和传统美术设计的关系 3.1传统美术设计是计算机美术设计的基础 计算机美术设计的发展虽然促进了美术行业的变化,但是计算机美术设计的优秀仍是进行美术设计。设计作品的功能性、艺术性以及文化品位都能对美术设计的发展产生重要影响。这就要求美术设计师必须掌握基础的绘画功底和造型技能,掌握视觉艺术所具备的观察能力、创新能力和艺术语言的表达能力,而要具备这些能力,就离不开传统美术设计的基础课程。 3.2计算机美术设计是对传统美术设计的发展 计算机美术设计的发展促使美术设计以崭新的面貌展现出来。传统美术设计主要锻炼学生的构图、透视、造型和设计等基础能力,培养良好的设计习惯能力。这些美术设计的基础课程对算机美术设计有重要的帮助。计算机美术设计是在设计者完成传统美术设计基础课程之后,具备一定的设计思维能力,才能根据设计需要进行作品创作。在现代设计中,计算机是设计者手中的重要工具,能够帮助设计者完成一些操作过程,降低美术设计的工作量,拓宽创作空间。 3.3传统美术设计与计算机美术设计完美结合 传统美术设计是传统基础,计算机美术设计是现代科技,但二者相辅相成密不可分。美术设计师要想设计出高质量的美术作品,就应该把计算机美术设计和传统的美术设计进行完美结合,在传统美术设计的人文基础之上,融合自己的文化素材,形成了以传统美术设计为基础、以计算机美术设计为手段的设计方式。当前,虽然计算机美术设计的水平在不断提高,但是传统美术设计的基础课程仍具有特定的实用价值,长期的美术设计实践使其形成了自身的规律和特点,发挥着不可替代的作用。因此在进行艺术设计创作时,应让传统美术设计与计算机美术设计互相联系、互相结合,以满足现代社会人们高层次的需求。 作者:李博 单位:黑龙江信息技术职业学院 美术设计论文:影片作品美术设计论文 一、影片中人物的美术设计 女主角高卫红,有着清秀的面容和倔强的个性。梳着两条小辫,穿着白衬衫,蓝色的裙子。她孤独,渴望自由,拒绝单调乏味的管束,有自己的天真的爱情幻想。发生在她身上的一切,都是在那个时代中最无奈的情感宣泄。性格内向,工作不得意,梦想破灭,低沉的家庭气氛,让一个女孩子无法正常的倾诉青春所带来的种种苦闷。就像孔雀在求恋的季节,没看到雄孔雀开屏,无法平静的释放激情所带来的尴尬。她孤独袒露个性,不停的幻想,然后破灭,在想象中以各种方式逃避现状。片段一:姐姐待业在家。梳着两条小辫,穿浅蓝色短袖长裙编织卷帘。画面带有青春淡淡的孤傲,很年轻,却又不再属于校园,姐姐待业在家。撞到门上,撩起卷帘,暗示了后面的波折。片段二:姐姐在幼儿园工作。梳着两条小辫,穿白色的帽子和短袖衬衣,黑色的粗布裤子,白色袜子,带扣布鞋,坐在小木凳上摆弄玩具琴。画面中衣着简单明了,符合了当时的社会现状,人人都穿着相似的款式,相似的颜色,淹没了个性。姐姐既生活在当下,却又时时显现出对这种统一的反抗。片段三:姐姐追逐理想。梳着两条小辫,穿着白色衬衣,藏蓝色长裙,白色袜子和布鞋,把红番茄装到玻璃瓶子里,骑自行车到处晃。七八十年代的社会现状,穿裙子是一种时髦和个性,姐姐的衣着反映她身上的一些叛逆和愿意为了自己的理想而坚决付出的个性,执拗且强硬。自行车的应用,体现了当时的物质状况。片段四:姐姐在工厂刷瓶子。仍旧是梳着两条小辫,但有些松散,穿着蓝色粗布外套,酱蓝色围裙,奶黄色手套,手拿玻璃瓶。头发散乱证明这份工作的辛苦,姐姐对这份工作的不喜欢和敷衍,有一些没有耐心,散漫的心情。衣着让我们直观的感受到姐姐与这里的不协调,显得苍老,更显现出姐姐对这份工作的不适应。片段五:姐姐与干爹。两条小辫,穿着深蓝色长袖外套,蓝色围巾,深灰色的粗布裤子,黑色鞋子,手提网兜蔬菜。姐姐漫无目的行走在街上,被悠扬的乐器声音吸引。宽大外套遮蔽住了姐姐瘦弱的身体,却遮不住姐姐游离的心。暗示了她与干爹之间似有似无的情感,其实是两颗寻求交流与慰藉的心。片段六:姐姐的恋爱与婚姻。烫过的短发,穿着草绿色长袖,藏蓝色长裤;粉色纱巾、手表是他们的爱情信物。由小辫到短发的转变,是那个时代的潮流,也是姐姐从青春步入婚姻的转折。衣着没有特别大的变化,但道具却至关重要。粉色纱巾是姐姐的婚姻,像梦一样轻薄,与服饰搭配起来显得突兀,不自然。暗示了婚姻的不幸。姐姐送出的手表是对青春的终结,是对从前的诀别。片段七:姐姐偶遇初恋情人。挽起的发髻,穿着蓝色粗布外褂,手提菜篮子买西红柿。挽起的发髻显示出姐姐的年龄和经历。外褂的衣着让人感觉苍老。提着篮子是要去买菜,说明她现在的身份和围绕的事情。姐姐偶遇初恋情人在菜摊边痛苦,涨的通红的面孔与菜摊上的新鲜番茄又是那样的相似,可惜,她已经不新鲜,不是十年前的那个女孩……梦想是美好的,现实是残酷的。这是所有人的宿命。 二、影片中场景的美术设计 (一)走廊 影片中一家人坐在走廊矮矮的桌凳上吃饭,姐姐在走廊上切西红柿装瓶,姐弟两跪在走廊上受罚,姐姐离婚在走廊上抱着行李穿过……筒子楼见证了人们成长的岁月,那个时代里特殊的建筑,长长的走廊似乎看不到尽头,人们在走廊里聊天、吃饭、洗衣、玩耍,奏响生活交响曲。以简洁而有表现力的日常场景表现人物内心和时代氛围。 (二)街道 姐姐在大街上展示自制的降落伞,弟弟奔跑在街道上叫爸爸去救哥哥,姐姐在街道上遇到初恋情人。街道的建筑和行人具有非常强烈的时代感,提醒观众在这样的环境中,人们的生活状态,更多的是一种冷漠和寂寥,掺杂着淡淡的怀念与愁绪。画面注重色彩和镜头的运动,例如姐姐带着降落伞的出现,让原本平静一层不变的街道突然明亮起来。 (三)客厅 影片中客厅作为主场景之一,也有许多令人印象深刻的画面。傍晚一家五口在客厅里各自忙碌,妈妈的钱掉了询问每个人,妈妈给落选的姐姐打镇定针,姐姐告诉父母她要结婚了,父亲发现了弟弟画的裸体女人。家本是一个温馨的港湾,在影片中,客厅作为家的优秀部分,没有家庭成员的沟通,更多的是相互的冷漠、猜疑、强迫和不满。导演注重画面构图和色彩的把控,把人物分隔在各自的区域,昏暗的灯光,陈旧的家具,压抑填满了整个画面。 三、影片中故事情节的美术设计 对姐姐这个人有着特别的情愫,似乎是在看一部电影,又似乎是看到真实的自己。片头有一段描写姐姐低头摆弄风琴,非常漂亮的画面。一边轻轻摇摆着身体,一边轻轻的弹奏着。她弹得不好,也不是那么热爱音乐,但是她高兴,她享受此刻的年轻,生命仿佛音符一样缓缓流淌。身旁是一锅沸腾的水,呼呼沸腾好一会,她虽然看见了,却并没有理会。导演用一个非常缓慢的镜头来表达这一刻,让观众隐约感到不安,而这片刻的停留也正是注定了故事里理想与现实的碰撞开始。姐姐制作了一个巨大的降落伞,骑着单车在街上尽情的展示,蓝蓝的降落伞在镜头画面里,从一个点,逐渐放大,逐渐布满,心里满满的都是对理想的追求不顾一切的感动。只是可惜的是,母亲紧张的阻止了这一次短暂的追逐。姐姐的性格决定了色彩和画面的设计,让理想和感动充斥了观众的视觉和心理。影片在表现原本很残酷的情景时,选择了一种平淡的叙述。姐姐和弟弟年少,嫉妒父母更多疼爱的哥哥,他们买来药老鼠的药水想毒死哥哥。母亲当着全家人的面将毒鼠药放到水杯中,然后把哥哥养的鹅抓来试验,那只中毒的鹅剧烈的抽搐着,伴随着母亲同样因痛苦而痛哭和抽搐脸,还有全家人的惊怖眼神,画面没有对白,甚至没有花俏的镜头变化,以近乎凝滞的慢速度,伴随着哀惋伤感的音乐,深刻且清晰的展现了人物的性格及命运。 四、结语 影片《孔雀》有一种说不出的愤怒和焦虑,安静,又有些固执。人物在画面中清楚又模糊,像是在寻找迷失的自己,过去的自己,现在的自己和向往的未来。对人物的美术设计虽然平淡沉闷,却不乏美丽诗意,但画面里所有隐含的痛苦,都沉寂在内心窃窃私语。 作者:刘春阳 单位:重庆文理学院 美术设计论文:现代京剧元素美术设计论文 一、京剧元素运用于现代美术设计中的片面性 (一)过于追求传统京剧元素与现代美术设计的结合。 现代美术设计中,设计者将京剧元素运用于其中,往往会过于追求传统京剧元素与现代美术设计的结合,结果使现代美术设计仅仅是设计本身,而传统与现代的结合过于牵强。在现代美术设计中融入京剧元素,主要是为了将现代美术设计中增添中国传统文化,并确保美术设计作品有所延续。如果仅仅是片面追求京剧元素与现代美术设计的结合,而没有根据需要实现两者的融合,就会使京剧的神韵消失,而现代美术设计则无法提升高美学境界。 (二)对于京剧的表现精神没有准确把握。 京剧脸谱的色彩使用上,是根据角色性格以及情绪特征进行塑造的,以表达不同的精神。但是,将京剧色彩元素应用中现代的美术设计中,如果对于京剧脸谱颜色没有一定程度的了解,色彩的运用没有准确把握,就难以实现京剧脸谱元素在美术设计中的艺术表现力,导致色彩毫无章法地混用,结果美术设计失败, 二、现代美术设计对京剧元素的应用 (一)京剧虚拟性的应用使美术设计空间有所扩展。 京剧表演的时候,舞台上所摆设的往往非常简单,但由于京剧表演具有巨大的扩展性,因此而使简单的演出道具构成意象,将主人公的形象展现出来。采用这种方式进行表演,可以使观众不仅欣赏了京剧的故事情节,同时还领略到京剧表演艺术的魅力。中国讲究意象美,审美取向上讲究含蓄而不张扬,因此往往在美术设计表达上,采用多种元素作为艺术表达形式。京剧的虚拟性表现力还不仅在于表演空间的扩展,而且从简单的造型中,就可以塑造内容,使表达的内容更为丰富。人们在想象的空间中主观性地赋予京剧以更多的涵义,可以使观赏京剧的人获得精神上的愉悦感。将京剧表演的虚拟性运用于现代美术设计中,可以赋予现代美术以新的创意。那么在京剧基本元素的使用上,就可以与美术设计相融合,使现代美术设计在中国京剧元素的影响下,以其浓厚的传统文化色彩推动现代美术艺术的持续稳定发展。 (二)京剧脸谱元素在现代美术设计中发挥巨大的审美生命力。 中国京剧脸谱是图案式的,伴随着京剧脸谱逐渐孕育成熟,脸谱的谱式设计固定下来,并作为一种艺术语言而存在。作为京剧表演艺术中极具代表性的一部分,脸谱的意义并不局限于舞台表演,而是凸显了其文化价值和审美特征。将京剧脸谱元素运用于现代美术设计中,主要是借助京剧脸谱造型的程式化、装饰性和象征性作用,将美术设计作品的内涵表达出来。京剧脸谱的程式化,是指脸谱的设计上造型讲究章法,使富于装饰性的图案造型可以显现审美意图。现代美术设计来自于生活,却又高于生活。将京剧脸谱造型的严谨有序的设计手法运用于现代美术设计中,可以使美术设计按照一定的程序进行,以使事物表现更为深刻全面。将京剧脸谱的装饰性引入到现代美术设计中,装饰性要服从美术设计的总体风格。从美学的角度而言,京剧脸谱的装饰性主要在于脸谱图案的严谨性、对称性,而且形象和谐、气韵生动。京剧脸谱所发挥的象征性作用,是以象征作为手段,将人物性格和情绪的艺术特征以强化,以将人物的性格突出出来。比如,在京剧《三国演义》中,通过解读脸谱,就可以对于不同角色的性格特征有所了解,并恰当地延伸到故事情节中。现代美术设计中,象征是用于表现主旨,承担着本质使命。京剧脸谱的艺术象征性,恰恰是美术创意所要达到的境界,可谓是现代美术设计所追求的艺术本质。 (三)现代美术设计对京剧色彩元素的应用。 京剧色彩元素主要体现在京剧脸谱上。与其他的戏曲形式相比较,京剧脸谱在色彩的运用上不仅多样化,而且内涵丰富。要对于京剧表演艺术产生认知,通过解读脸谱就可以获得与人物扮演角色相关的信息,包括人物的性格、扮演角色在戏曲节目中重要程度等等。比如,关羽是红脸、曹操是白脸、包公是黑脸,人物的性格就通过脸谱的色彩予以定位,引导人们形成京剧固有的审美意识。 三、结语 京剧色彩在现代的美术设计中广为应用,其不仅运用京剧色彩表达人物性格,还要从中国传统文化的角度将民族精神发挥出来。京剧色彩在美术设计中的灵活运用,主要是对于不同的色彩和色调进行多种形式的搭配,以将不同的艺术表达效果体现出来。美术设计与绘画艺术有所不同。绘画艺术主观性较强,可以根据自己的创作意图进行绘画,而美术设计则不同,其是有目的性地设计,通过多种元素的调配,以达到预期的效果。基于京剧脸谱就有性格表征和情绪表征,将脸谱色彩运用美术设计中,可以将绘画者的思想意识融入其中,并以美术语言的形式生动形象地表达出来。 作者:张莉丽 单位:深圳南山前海学校 美术设计论文:中职色彩课抽象能力美术设计论文 一、使学生真正认识和理解绘画的平面性 绘画其实就是画家在一定边界的平面中,采用特殊的手法,如图像、色彩以及工具等,通过一定的方式构筑而成的一种具有艺术形态的作品。虽然,很多著名的画家都留下了旷世佳作,将绘画技术发挥到了很高的境界,让观众可以产生身临其境的感觉,但是,这些作品从本质上来看依然是平面物,现代绘画的发展必须突破画面形态的限制,只有遮掩才能再次提高绘画技术的境界,这也是诸多画家穷其一生研究的绘画技术。教师在实际的绘画教学过程中,在学生刚开始学习绘画的时候,就会要求学少年宫能够建立一个绘画“场”的概念,绘画的场地和承载体不受限制,学生可以将石头当做一个场,在石头上进行绘画,也可以将罐子当做一个场,在罐子上作画,任何物体都可以拿来当做绘画的场,培养学生的发散思维,使学生作画不受时间、空间的限制。场,其实指的是图形能够展开的二维场地,使意向能够得到最大限度伸展的物质基础,在教学过程中只有让学生有这个概念和对这个基本点的掌握,才能真正实现绘画的要求,提高学生的能力,完成课堂教学要求。 二、让学生能够感受到图形的趣味性 在美术课堂教学过程中,提高学生对图形趣味性的认识对学生学习绘画非常重要。绘画中的图形不是数学几何中的一些抽象图形,绘画中的图形是具有外部轮廓的形状。例如,宣纸中的线条以及颜色等,这些都是图形中的基本单位。从轮廓特征来看这些图形,可以将这些图形分为点状、面状以及线状;从轮廓的清晰度来看这些图形,就可以划分为虚边形和实边形;从图形和场的相互关系来看,这些图形又可以分为负形和正形。这些图形都有自己的特征,每一个图形都是具体的,它们有自己的空间位置、方向动势、颜色质地、大小比例和明暗深浅。这就要求在实际教学过程中,教师必须通过科学的方法设计出相应的课题,让学生在研究课题的基础上进行知识的归纳和提炼,掌握绘画的基本知识和理论。例如,美术课堂中教师可以引导学生进行经典作品的解读,在学习《最后的晚餐》这一篇经典作品的时候,教师可以让学生自己观察作品,然后提问学生对这幅作品的理解,“你觉得这幅作品中每一个人的表情一样吗?那你觉得他们的表情都有什么意思?”“这幅作品的画家是想表达什么东西”“画家是用什么手法完成这幅作品的”等问题,通过这种实物的分析和解剖,能够让学生真正体会多形状的趣味,体会到形状的美感。培养学生对图形的感受力是一蹴而就的事情,所以在练习的过程中教师要有足够的耐心,逐步引导学生对作品的理解提高学生的作品感受力。除此之外,教师要让学生认识到“看”的重要性,理解图形变化的规律,使学生能够用不同的视角去观察画作,采用不同的特征去划分画面,使画面产生不一样的基本形。例如,对一幅作品的画面进行分割的时候,选取的色彩明度和色彩冷暖不同,划分出来的色块也是不同的,这也是绘画的一种独特的魅力。因此,中职美术专业色彩课教学过程中,教师必须建立实景,让学生能够在真实感受中,体会到绘画的魅力,充分掌握绘画的基本知识。 三、让学生认真找寻画面的构成规律 绘画的基本形都是由图形的比例、形状、方位、颜色等特征构成,由两个以上的基本形构成的对象就可以排列成一个组合,在绘画中这种组合也被称为画面结构,完整的画面都是由基本图形组成的。学生在对一幅画进行观赏的时候,对画面的感受都是由这一组成传达出来的综合信息。所以,在教学过程中,教师要对学生进行正确的引导,让学生能够自己去认识和理解画面的整体含义,从而提高学生对画面把握能力和意识能力。除此之外,教师还应该让学生学会整体,让学生能够正确处理画面中各个组成图形之间的层次感,只有这样才能使作品更加和谐和完整,绘画的效果才能具备开放性和多元性。画家的着眼点不同,物象的细节也可以进行省略和整合,从而实现绘画技术高度的提炼。 四、培养学生作画的主动性 在中职美术专业色彩课教学中,要提高学生作画的主动性,只有这样才能提高学生的作画水平。绘画能力并不是与生俱来的,所以只有通过不断的练习才能有效的提高学生的作画能力。在学生进行绘画训练的时候,教师要对学生进行正确的引导,让学生能够真正认识到自然和绘画之间的关系,这也是绘画的难点,学生只有具备抽象能力,正确认识自然和绘画之间的关系,才能提高自己的绘画水平。结束语 五、结语 综上所述,中职美术专业色彩课要提高课堂教学质量和效率,必须培养学生的抽象能力,使学生能够正确认识绘画的组成结构以及实物和绘画的区别,只有这样才能真正提高学生的绘画水平,实现课堂教学的重要意义,为学生以后的美术学习奠定坚实的基础。文中四个层面的认识能很好的对学生进行抽象能力的培养,所以,教学过程中,教师必须通过这四个方面对学生进行抽象能力的培养。 作者:许岩冰 单位:包头机电工业职业学校 美术设计论文:英雄电影美术设计论文 一、电影《英雄》的研究背景 如今商业化电影泛滥于院线,对于高票房的追求已经是所有电影人可以公开表达的愿望,因为保证票房成绩才能对自己今后的艺术创作有一个基本保障。而《英雄》作为这样的里程碑意义的影片,电影叙事形式和电影叙事内容被多方质疑和审视是不可避免的,但我们无法忽视《英雄》在院线票房成绩和在评论界收到的褒奖,2004年美国《时代周刊》全球十大佳片第一名,奥斯卡金像奖和美国电影金球奖最佳外语片的提名以及国内外多个奖项的获得,就是对这部电影的艺术成就的一个肯定。 二、美术设计对于电影《英雄》叙事的作用 电影艺术是一门多种艺术形式共同组合和作用下的艺术产物,所以在电影这门艺术当中,我们看到更多的是电影的包容性,各种艺术元素相互作用让电影的表达和叙事有了更多的可能性。在张艺谋以往的电影当中,色彩就承担起了叙事的功能,《红高粱》《大红灯笼高高挂》《我的父亲母亲》等电影对于红色的彻底运用,建立起了张艺谋独特的个人艺术风格。在电影《英雄》中,张艺谋对于色彩的设计和使用可谓极富创造性与实验性,整部电影主要使用了红、白、蓝、灰、黑五大主要颜色来进行叙事表达、意境构建和画面渲染,影片也用这几种颜色对各个叙事片段进行标志性的分割,利用不同的颜色来代表不同的叙事段落,形成了既各自独立又和谐统一的电影叙事风格。 (一)红色 张艺谋对于红色的钟情,我们在他以往的作品当中可见一斑,在电影《英雄》当中红色依然占据了重要的叙事作用。无名在给秦王讲述残剑与飞雪的故事时,画面的主要基调就是红色,画面的红色纯粹饱满,翻滚跳动,就像讲述故事的无名的内心一样,对秦王的怒气升腾不灭。而在这里使用红色,在另外一个意义上,也是为了表现残剑与飞雪之间爱情的炙热浓烈;在残剑与飞雪决斗的场景中,也大面积地使用了红色,红色正象征着两人的内心,飞雪的内心对残剑饱含着浓浓的爱,而残剑的内心则是对天下人民、天下大义而甘愿付出的炙热真性情;影片中红色的部分最为让人印象深刻的就是飞雪和如月在胡杨林中的决斗,整个场景被夸张地处理成红色调,黄色的树叶在空中飞舞,而决斗到最后,整个胡杨林和飞舞的树叶都变成了红色,在这里张艺谋选择了进行适当的艺术夸张处理,也是为了推进叙事。此外,飞雪和如月都穿着红色的衣服,红色和黄色形成了鲜明的对比。在这个场景当中,对于二人服装的处理也是做到了细节上的极致,二人虽然同样都是红色的服装,但是飞雪衣服的红色明显要比如月的深一个色度,而飞雪外套下搭配的是深红的服装,如月的则是粉红色,这样的细节表达一方面是为了画面的和谐与统一,一深一浅的颜色会让整个画面看起来更有层次感,另一方面也是为了通过服装和颜色塑造二人的人物形象,通过颜色来交代二人的年龄以及身份地位,这也是作为摄影师出身的张艺谋对细节的独到把控。此外,书馆也被处理成红色:红色的光线,红色的房间,红色的屏风,残剑也是身穿红色的服装,用硕大的毛笔书写的也是红色的字,在这里的红色一方面是为了突出残剑与如月的暧昧,残剑内心的火热,对于天下大义的执著的意念,还有对于秦王的恨与怒火。同时,这样大面积的红色也起到了暗示的作用,暗示影片的悲剧结尾。 (二)黑色 在影片当中,黑色代表了秦王的至高无上、不可侵犯的权威,秦王的宫殿无一例外的都是黑色,黑色的墙壁、黑色的柱子,秦王身着的服饰也是黑色的,黑色吸纳着一切的颜色,好像走进黑色的秦王宫的一切都会被吞噬,正如在秦王周围的文武百官也都无一例外的身着黑色的服饰一样,黑色象征着蕴涵着丰沛的力量,同样也代表了死亡,这样的情景布置也是非常符合故事情节当中对于秦王的描述语境的,其残暴、冷酷、威严的人物形象也很自然地树立了起来。在影片的开始,画面中的秦军就是身穿灰黑色的铠甲,头上的帽盔上飘着火红的翎毛,黑色铠甲象征着军队代表着秦王的权威与冷酷无情,而士兵头上的红色翎毛更是暗示了一种危险的感觉,这也为影片的最后无名葬身于秦王军队的剑雨之中埋下了情节氛围和伏笔。 (三)白色 白色代表了纯洁,不掺杂任何杂质,代表一颗赤子之心。白色也是残剑与飞雪的故事最初二人的服装颜色,大漠戈壁的黄色,二人身着白衣骑着白马,代表了二人一开始的纯粹、不掺杂任何杂念的爱情与彼此的忠诚,此时的白色是不带有任何感情色彩的颜色,所以也表明了这个段落是在讲述真实的故事,这里白色也代表了真实。而随着残剑为天下百姓求安定思想的浮现,二人开始有了不同的意识与想法,所以此后的场景中,二人的服装颜色以及场景颜色在不断变化,这也象征了二人不断变化的心境,虽然其中有过误解和摩擦,但是二人相知相爱的心却从未变过,所以影片结尾二人又重新换上了白色的服装,此时白色却象征着冰冷和死亡。 (四)其他颜色 蓝色代表了平稳、冷静与理智。在影片中蓝色的出现主要集中在无名对秦王讲述刺杀长空、残剑和飞雪的过程后,被秦王所识破,在其想象着残剑与飞雪的故事中,画面中是彻底的蓝,在这里蓝色就代表了秦王冷静与理智的一面,从另一个角度来看,也表现出了秦王此时对于这些人物和眼前的无名形象的揣摩,此时的这些人物形象在秦王的眼中是充满问号与具有神秘感的,充满了不确定的因素与感觉,所以使用蓝色来进行表现再合适不过。在电影中,绿色的运用也十分巧妙,主要出现在残剑回忆的这个段落中。绿色象征着生命与希望,所以在这个段落中,残剑与秦王近在咫尺却放过秦王一马,此时身着绿色服装的残剑怀揣和平、充满希望的内心不言而喻,正是如此尊重生命的残剑,才会有后来为了天下之大义而放弃刺秦的纠缠的内心。在这个回忆的片段中,残剑与飞雪在山水之间无忧无虑地生活,没有战争,没有分离,绿色正代表了残剑与世无争的平和的内心。 三、结语 张艺谋在电影《英雄》当中对于颜色的运用可谓做到了极致,艺术的夸张表现以及蒙太奇的运用让整部影片充满了超现实的意味,同时对于颜色的夸张与段落化表达也让整部影片散发出诗意的叙事语境,无论是黑色、白色、蓝色还是红色,都将影片中不同的叙事段落拆分开来,同时根据叙事框架的组合让这些部分成为有机的统一整体。虽然饱受诟病,但是张艺谋的这部具有转型意义的电影还是成功的,在商业化大制作电影实践的道路上,电影《英雄》挥洒了浓墨重彩的一笔,张艺谋让人们看到了其对于中国古典美学与文化的执著、追求与探索,不同的艺术形式与实验都是为了更好地叙事表达,通过分析影片中的颜色对于叙事的推动作用,我们看到了电影美术设计之于电影叙事的更多可能性,夸张的镜头画面之下蕴涵的深刻的、禅意的哲学之思与叙事追求才是该片获得成功与肯定的原因所在。 作者:刘坤 单位:长春工业大学 美术设计论文:文化戏剧美术设计论文 一、道教文化与戏剧 只有经历宗教仪式以及仪式戏剧到世俗戏剧的过程,戏剧才能够兴起。戏曲是中国戏剧的主体,戏曲的主体是歌舞。由于人们普遍的观点都认为戏曲起源于上古巫术歌舞,因此对于戏曲的定义则是利用歌舞的形式对故事进行演绎。标志中国戏剧成熟的是宋元南戏以及元杂据的出现。而中国戏剧最成熟的形态标志是戏曲,因此针对戏剧问题的研究,必须要以戏曲为主。与戏剧艺术有着密切关系的是宗教仪式,因为仪式具有象征性,表演性的特征。在学者倪彩霞所著的一篇名为《道教仪式与戏剧表演形态研究》中将宗教仪式与戏剧演出归纳的很形象,两者的联系非常清楚。因此可以将两者概括为:变现形式也是戏剧的演出,道教仪式则是一种再现形式。通过对研究道教以及与戏剧演出的关系和传承,能够更好的帮助我们在比较中进行经验的总结,促进艺术活动更够的发展和延伸。宗教、以及道教和佛教都对一定范围的艺术发展具有多多少少的影响。 二、道教文化对戏剧美术设计的影响 对于中国戏剧成熟形式,首先要从戏曲的美术设计着手。对于这个问题,必须先高清楚戏曲的美术设计是什么,一般来说就是:设计和制作就是为了戏曲的造型。创作具有艺术感染力的艺术形象必须通过舞台、服装、道具以及化妆等设计。这些设计是戏曲艺术中特别重要的组成部分,道教文化对中国戏剧美术设计中的服装、戏台和化妆都有重要的影响。这些设计都是借鉴了道教中的道坛、道教图案以及道服等元素。 (一)道教中的道坛与戏台设计。 在秦代初期用来祭祀的祭坛中运用最多的是土丘,一些歌舞大多数都是在土丘上表演,表演场地非常受限制。表演场地相对丰富的是汉代时期,这时的表演场地已经可以在一些庭院空地、广场、楼阙下进行,汉代时期的露台又名仙台,之所以称为仙台是它是神灵降临、得到升仙的地方。而道坛与露台搭建时使用的材料特别相似,都是采用的容易拆卸并且可以再次使用的材料。一些戏台与露台在寺庙、道观中也被人发现。道教法事的故事、表演、程序以及宋代杂剧都是以相互借用相互吸取的形式存在的。由此可见,道坛对露台的发展是极具影响力的。戏台的发展也体现出这种影响力。例如圆顶、鬼门道、八卦顶等。由于中国戏台大多利用的是圆顶以及八卦顶,与道教的八卦坛会有一定的关系。由历史来看,从神庙剧场到城市游艺场所再到瓦舍勾栏建设是中国古代西楼剧场发展的过程。道教道坛也影响着戏剧舞台的形态。与道坛的发展过程相识的是从露台到舞亭,紧接着是舞楼,最后到舞厅。 (二)道教道士的服饰和妆容与戏剧服装和化妆设计。 道教穿戴结构是头上戴巾冠,上身穿袍褐,下身船裳裙、外面披氅,着履。它的穿戴结构保持汉族服饰宽大衣袖的传统,对汉服的保存起到了重要的作用。我们看到宋代对于男人的着装与道士相似的原因是因为道教服饰对戏剧服饰有着重要的影响。其实一些戏剧中的道教神仙的着装都是借用道教的服装进行修改的,戏曲的戏服中男演员的常穿的是褶子,褶子来源于是褶衣,是利用道袍改造而来,而在一些戏曲表演中出现的青袍、道姑服、鹤氅等都是利用褶子变化而来。例如戏剧演出中男演员必须先用其束将头发勒起来,就要用的网巾,而这种网巾则来源于道教。对于戏剧人物的妆容,联系更多的是京剧脸谱,有利于演员能够更好的扮演人物角色的妆容是脸谱。它更能够讲人物的性格以及内心充分的体现。针对道教图案对戏曲脸谱设计的影响齐如山老先生进行了详细的描述。例如北斗脑门是在额头间,画一个北斗星的形状,来作为北斗星君。由此可见这些形象都来自于戏剧演出中的道教人物。 三、结束语 道教中的宇宙论、人生哲学观等不仅能增强名族凝聚力同时还能够促进社会的有序化。对道教文化进行研究是对传统文化的发扬及继承。道教的文化思想更能够对艺术创作给予借鉴和创新的帮助,所以搞艺术创作的人必须去了解它。 作者:龚建光 单位:北华大学师范分院美术系 美术设计论文:戏剧影视舞台妆中美术设计论文 一、舞台妆的发展介绍 我国在戏曲正式形成之前,在各种表演的艺术当中就已经形成了两种不同的化妆方法,分别是涂面化妆和面具化妆。面具化妆主要是从原始社会的歌舞形式当中发展而来的,而傩舞就是当中一种具有宗教特色的歌舞形式,它和后来戏曲的发展具有非常紧密的联系。傩舞最主要的特点就是表演者在实际的舞蹈当中都会戴着一种面具,把自己扮演成各种各样的角色,包括各种神鬼、怪兽、奇禽、历史中的人物等,来表达他们对神灵的敬仰和崇拜。面具化妆的主要优点就是能够对表演者的全身进行比较夸张的改造,同时表演者还能够通过更换不同的面具来表演不同的角色。采用面具化妆的主要缺点就是表演者的表情是固定不变的,而且对于表演者的演唱也会造成一定的影响。而涂面化妆则是在汉朝和唐朝时进行歌舞表演时的一种非常重要的造型手段,在戏曲的表演过程当中,就比较充分地利用了假形和假面,这样表演者的造型表现力就会得到一定程度的增强。虽然说我国的化妆是在很早的时候就开始发展起来的,但是对于舞台妆来说发展却比较晚,在20世纪80年代的时候真正意义上的舞台妆才在我国开始发展。但是如果要把我国的京剧也算到舞台妆当中的话,那么我国的舞台妆在200年前的时候就开始了。在早期的京剧当中,生角和旦角的妆化得都比较淡,主要原因就是因为那个时候的表演基本上都是在自然光的环境当中进行的。随着后期的不断发展,在舞台上进行表演开始采用灯光进行照明的时候,表演者在化妆的时候色彩也就变得比较重。在化妆的时候最开始是采用的粉彩来作为主要的化妆品,后来则慢慢的变成了油彩。生角和旦角在实际化妆的时候不需要采用图案花纹,但是需要采用比较浓厚的装饰来增加一定的趣味。旦角在进行化妆的过程当中有一种叫做贴片子,其实就是对妇女的鬓发和额发进行一种图案化的处理,这样就可以让表演者的脸型得到美化,同时还能够勾清表演者的面部轮廓。生角和旦角在化妆的过程当中,需要根据角色的生活背景、是文还是武以及年龄的大小来确定化妆的具体画法以及用色的情况。随着不断发展和改革,复杂和严谨华丽的舞台妆已经成为了京剧当中非常重要的一个看点,相对来说旦角的造型和妆面则显得更加华丽。随着社会的不断发展和进步,人们的生活品位以及对美的要求也在不断提高,人们在观赏京剧的时候也不再只是简单地停留在京剧的妆面方面。在京剧造型不断发展的过程当中,京剧的剧目也在不断的进行着改革。服装变得更加地华丽、具有个人魅力的妆面以及非常漂亮的头饰这些都要求舞台妆的造型师要不断提高自身的专业技术水平。所以在戏剧影视美术设计中舞台妆设计就显得更加重要。 二、戏剧影视美术设计中的舞台妆设计分析 在20世纪80年代初期的时候,我国开始了改革开放,借着这个机会很多信息开始出现在人们的视线当中,不管是在化妆方面还是在服饰方面都发生了比较大的变化。如果我们仔细去对那个时代的春节联欢晚会进行分析的话就能够清楚地发现,比较夸张的造型以及比较浓重的妆面,随着社会的不断发展逐渐转变成了比较精致和淡雅的妆面,对于妆面和灯光以及舞台的结合更加重视,同时对于妆面和表演内容的结合也更加的重视。对于现代的舞台妆来说,在实际化妆的过程当中都有比较系统的程序,如果表演的舞台以及表演的内容不相同的话,那么在化妆的实际过程当中采用的手法也就不一样。因为在进行戏剧影视表演的时候,观众距离舞台还是比较的远,所以在化舞台妆的时候妆面可以稍微粗糙一些,但是对于色彩、立体感以及结构却需要更加重视,妆面中的一些部分就可以根据表演的实际情况省略掉。在进行戏剧影视表演的时候,需要有一定的舞台灯光的变化来进行相互的配合,因此在化舞台妆的时候,造型设计人员首先需要对舞台的灯光有一定的了解。在对戏剧脸谱进行舞台妆化妆的时候,基本上都是根据既定的程序来进行的,它在对人物形象进行塑造的时候有自己一些比较特别的地方;在进行时装表演的时候,因为服装效果有很大的区别,所以在化舞台妆的时候就有非常大的变化。所以对于戏剧影视表演很多的表演形式都是在舞台上面完成的,但是在设计舞台妆的时候,还是需要考虑到表演时舞台的大小、和观众的距离以及表演的具体时间,这样设计出来的舞台妆才会更加符合戏剧影视的表演内容。在戏剧影视当中,在表演一些比较传统的民族类歌舞的时候,表演者在选择服饰的时候一般都会选择那些比较纯的颜色,而且明度和色度都比较高的服饰来进行表演,比如蓝色、绿色、黄色和红色等。那么在对这些表演者的舞台妆进行设计的时候,对于他们的眼部来说基本上都是选择红黄或者是红色的自由晕眼影的设计手法来进行,而且眼影的范围在实际化妆的时候也需要打得比较宽,在对眼角进行夸张修饰的时候应该要注意角度。根据实际的表演内容可以选择在表演者的眼睛下方采用手工的方式来描绘一些图腾或者花式,这样就能够很好地和造型的语言配合。在舞台妆设计的过程当中,如果需要选择假睫毛的话,尽量选择那些比较浓密而且形状是前短后长的,这样就能够让表演者的眼部看起来更加妩媚,观众从远方观看表演者的时候也会发现他们的眼睛是非常有神的。另外在选择腮红和口红的时候也应该以红色为主。对于戏剧影视表演当中的现代舞来说,在进行舞台表演的时候,应该要尽量选择那些采用亮片布或者是特殊材料做成的服装,而且这些服装的颜色变化也应该比较的多。为了能够保证表演者的服装和舞台配合更加有效果,在对现代舞表演者进行舞台妆设计的时候,可以选择珠光和闪粉来作为眼影,而且对于选择的颜色也没有什么限制。在对表演者的眼部进行设计的时候可以采用外晕以及内晕的化妆手法,这样表演者的舞台眼妆看起来厚重感就会得到一定的增加,同时也可以根据表演的实际内容在有需要的时候选择采用高彩妆面化妆手法当中的倒钩来对表演者的眼部结构进行重点强调,采用一种舞台妆设计手法能够让表演者的眼睛看起来更加的有神。在对表演者的眼线进行设计的时候,需要在表演者的上睫毛进行根画,同时还需要在眼尾处包住表演者的眼线。对于戏剧影视表演当中的舞台剧、歌舞剧以及话剧来说,它们和前面所提到的几种表演形式在进行舞台妆设计的时候则完全不同,这几种表演形式在实际的表演当中并不是进行的本身表演,在对表演者进行舞台妆设计的时候,主要目的就是为了能够让表演者更好地去为塑造角色服务,所以在进行舞台妆设计的时候,应该要根据角色的实际情况以及剧情的发展来进行。在表演者进行话剧、歌舞剧表演的时候,他们的服饰造型以及舞台的布置都和整个表演过程具有非常紧密的联系。在这些戏剧影视表演当中表演者的思想感情非常重要,为了能够让表演者在实际的表演过程当中更好地将戏剧影视当中角色的思想感情表现出来,那么在对表演者进行舞台妆设计的时候就应该从细节开始对表演者进行刻画,这样表演者的舞台妆才能够更好地和表演者的服饰结合在一起,对故事当中的人物进行刻画,和整个故事当中的细节结合在一起,这样观众也能够更好地融入到故事情节当中。 三、结语 戏剧影视美术设计当中的舞台妆设计具有非常重要的作用,对于舞台妆的设计者来说,他们应该不断地提高自身的专业技术水平,这样在他们的化妆手法之下才能够刻画出更好的人物形象,让观众能够更好地去接受。 作者:李春玲 单位:江苏城市职业学院 美术设计论文:民间美术设计论文 1在美术设计教学中引入民间美术的意义 一般来讲,作为美术设计专业的学生,都应该具备较为丰富的想象力和创造力,这样才能设计出更多新颖优秀的美术作品。而若没有任何依据和素材,单凭想象,就是闭门造车,也是无法设计出好作品的。因此,在美术设计教学中,教师应该帮助学生开拓视野,多学习一些丰富多样的艺术形式,这样会对学生今后创作能力的提升有重大帮助。而民间美术有着丰富多样的载体,正是一种具有很大学习价值的艺术形式,因此将民间美术引入到美术设计教学中具有重要意义。具体来讲,其作用主要体现在以下几点: 1.1增强学生的民族意识。 民间美术我国传统民族文化的重要载体,学生在学习民间艺术的同时,能够感受到古代劳动人民的智慧,并深刻体会我国博大精深的中华文化,这能够激发学生的民族意识,使其对国家和民族更加热爱,从而激发更多的创作激情。 1.2增强学生的审美情趣。 由于民间美术的形式种类较多,形式美法更是表达的非常彻底,每种民间艺术形式都有其独特的形式美法和艺术价值,学生在学习各种民间美术时,能够很好的陶冶情操,增强自己的审美情趣。同时,还可以帮助学生提升文化素养,为今后的艺术创造提供更多支持。 1.3拓展美术设计元素。 由于民间美术的载体较为丰富,学生可以从中领略到不同的艺术形式美法,这将会极大的丰富美术设计的素材,使学生在创造的过程中将更多的元素和内容引入到设计中,促进我国美术设计水平的提升。 1.4提高创新能力,参与文化传承。 学生在学习民间美术的过程中可以结合本土文化与西方美术文化进行创新,因为民间美术在运用时不能照搬硬抄,必须要对其进行加工和改进,提炼出精华部分,才能充分发挥传统美术的优势,使其获得新生,在这一过程中,学生不但可以提高自身的创新能力,还能够实现对传统文化的传承与发扬。 2美术设计教学中如何运用民间美术 2.1解读民间美术样式通过民间采风、实地调研、收集资料,文字、图片,从形态学角度研究民间美术的生存基础、造型特征、图案纹样。 了解民间美术样式的历史沿革与现状,分析其前景、危机和潜力。对构成的特点、形式法则和配色规律进行临幕整理.分析记录民间美米的装饰状态。研究各种纹样的称谓及特殊含义和传统,并分析其文化内涵及工艺制造特色,即附着于何物之上,客观分析记录原因。 2.2挖掘文化内涵在熟悉民间美术样式的基础上,以文化背景为前提,深入挖掘民间美术的内涵。 将民间美术放到民族历史文化和思维方式的大背景中去,在对其本质和美学特征的探求中,求得规律,吸取有价值的成果。文化是一个民族、历史发展长期积淀的结果,是民族存在、发展的根基所在。它是设计的文化积淀和永恒动力,是物质生活、精神生活和社会生活的综合体现。任何一个民族都是统一的文化共同体。民间美术的文化内涵受“天人合一”“阴阳五行”观念的影响,这是中国人特有的宇宙观、世界观和方法论。这一哲学观、美学观是中国人代代相传的文化链条。只有把握民间文化的本质,挖掘民间文化的内涵,激发民间文化的力量,才能找到最佳的设计定位,创造出富有文化内涵的设计形象。 2.3设计与运用在经过从感性到理性的认识之后,将民间美术的素材通过直接、间接、再创造的方法运用到现代设计中 并以自己已掌握的设计技巧再现出来,从而使设计作品在信息飞速更替的今天更具时代性和永久性。直接运用:直接把民间美术的构成形式或色彩以及某些表现方法或工艺制作方法,借用到设计之中。在创作过程中,将民间美术的图案、造型样式作为一种创作的素材,直接运用到实践中去,以借题发挥的方式传达自己的意图,设计出的作品与民间美术之间必然有着密切的联系,使现代的艺术设计更具有民族特性。这一阶段的重点是掌握民间美术样式的各种表现方法和形式语言,掌握好民间美术词汇的运用。间接运用:总结民间美术造型的形式法则,寻找适合自己需要的形式语言,如强烈的色彩、特殊的寓意,经过融合、消化,成为自己的艺术语言。使民间美术作为一种民族文化的营养,充实和丰富自己的思想、情感与修养。创作的作品与原始素材既有联系又有区别。再创造:好的设计不但美在形式而且美在内涵,它应该既有高科技的形式美,又有理性思辨的艺术美;既有符合时代潮流的崭新样式,又能体现民族文化的内涵。只有拥有技术含量的本土艺术语言结合深入浅出的直接情感表达,创作出的作品才能给人既带来感官的愉悦,又能唤醒人们心中潜藏的情感体验。教师在设计教学中指导学生对民间美术进行全面的分析、整理、归纳和提炼,寻找民间美术与时代特征的结合点。要以新的观念、新的视觉和新的表现手法容纳西方设计理念和思潮,并与传统文化的神韵、意境有机地结合起来,通过最简练的语言和个性化的表现形式达到最强烈的艺术效果,使民族传统文化在设计中不断地被重新诊释和定位。 3结论 总之,在现代美术设计教学中,将民间美术引进其中有着非常积极的作用和意义。教师在教学的过程中要注意不断的提升自己的民间美术认知能力,并合理的向学生解读民间美术的形式美法和深刻内涵,利用多种教学手段,让学生掌握更多的民间美术,这将会极大的提升学生的创作能力和创新能力,也是提高美术设计教学水平的重要手段。 作者:施少婷 单位:惠州商贸旅游高级职业技术学校 美术设计论文:中职美术设计论文 一、调研市场需求,明确专业建设培养方向 组织专业教师团队进行市场调研,深入了解和掌握企业对人才培养的需求,根据调研反馈的信息和研究结果,确定专业的建设方向和人才培养目标和方向。在专业建设工作中,市场调研是专业建设的探路石,为后期的专业建设提供重要的参考依据。 1.通过市场调研,可以掌握劳动力市场需求程度、生源的有效供给情况以及开办该专业所需的师资设备条件,能够在很大程度上消除新开专业的盲目性。 2.通过市场调查,了解本校毕业学生就业情况,能知晓有关专业及学生的社会适应性,及时弄清教学中存在问题,从而能为改进教学、调整专业奠定良好基础。 二、根据调研结论,组建专家团队科学制定教学计划,构建课程体系 在充分调研论证基础上制定专业教学计划,专业教学计划是为实现学校的培养目标而制定的,既要遵循教育发展的内在规律性,同时还要满足企业市场需求以及学生特点,体现中职特性和培养目标要求,为使专业设置能有效对接社会与企业岗位,学校可以聘请相关企业的技术人员或高校的专业人士,组建专业建设专家指导委员会,建立校企合作的专业建设团队,校企共同制定专业课程体系和教学大纲,定期开展市场调研和相关论证活动,对相应职业岗位进行广泛调研和深入分析,掌握企业市场动态,动态调整和完善课程建设体系。 三、以行业标准为前提,开发和完善校本教材建设 目前许多中职学校都存在着专业教材体系混乱,教材内容比较自由宽泛,技能操作缺乏统一规范,执行行业标准不一致,跟不上企业发展的步伐等问题,为学校教学带来了一定困难。组织专业教师和企业技术人员共同开发校本教材,是解决这一问题的最佳途径。教材开发应根据企业需求确定教学内容,坚持行业标准和规范为前提,“以就业为导向”的原则,依据学校现有的资源,开发适应岗位技能的专业校本教材,注重教材的整合、提炼,力争使教材体系同时兼备理论性和实用性。 四、加大师资培训力度,打造一流教学队伍 1.师资队伍是专业建设的保障,培养和打造师德高、业务精、能力强、技术硬的专业教师队伍是学校发展提升的必备条件,学校鼓励在职专业教师积极参加学历提高进修和国内外各种形式的专业技能培训学习。 2.在教学上要不断的推行新手段新方法,加大多媒体教学力度,提升教师信息技术和多媒体的应用能力,进而促进信息化教学资源的开发运用以及教学质量的提高。 3.安排专业教师参加不少于2个月的企业顶岗实践,让老师们不断将企业的新知识、新工艺、新技能应用到教学当中,为培养适应社会的优秀人才做好铺垫,保证技能教学的高质量运行,大力推动“双师型”教师的培养。 五、创新教学模式,开放教学课堂 探索和实践“工学结合”的人才培养模式,建立企业项目导向、任务驱动、理论教学和项目课程相结合的实践教学体系。开放教学内容,转变课堂教学模式,带领学生到企业参观访问,了解企业文化、行业发展动态和最新技术,将教学由课堂走向课外,引领学生走进生活,走近企业,到大自然中去创作,到工作岗位中去体验的同时提升学生对生活的观察、认识及感悟体验,更好地熟悉岗位技能,提高专业能力和职业素质培养,为今后进入企业用人单位零距离对接打下良好基础。 六、深化校企合作、加强实训基地建设,为专业建设奠定良好基础 积极与社会上实力强、口碑好、技术先进、员工素质高的企业建立稳定的校企合作关系,职业教育的目标是培养先进的社会技能型人才,企业具备真实的工作项目、实践工作环境和成熟的技术人员,为达到校企的深度合作,学校还可以引进学者、行业企业专家、技术人才到校指导课程设置,教学,开设讲座,为专业建设不断注入鲜活的生命力,积极开拓校外实训基地,将实训教学延伸到企业的实际生产中去,分阶段组织学生实习,实现校内基地与校外基地相互衔接、相互补充的多维实训实习场所,为学生的见习实习提供有力实践保障。 作者:庞小丽 单位:哈尔滨市现代服务中等职业技术学校 美术设计论文:综合性大学第二课堂美术设计论文 一、综合性大学美术类基础教学教育现状 美术、设计基础教学的发展趋势是构建一种“宽口径、厚基础”和“通识艺术基础”的模式,在基础教学改革上拓宽知识面,培养综合能力以及学生创造性思维。我国当下美术高等教育,主要是在对过去几十年形成的优良传统中去继承和发扬,结合国际上较成熟的教学理念和模式,在实践中探究“通识艺术”的基础教学模式。以主动适应新时期高速发展的经济文化对高等美术教育的要求为目的。教学研究的重点由造型技能逐渐转变为视觉艺术综合能力的培养。在进入美术高校以前,考生因课程压力过重、机械式训练等所遗留下的死板、单调等问题一直未得到解决而不利于美术高校专业知识吸收。对此,学生需要一个较长的时间来适应大学的教学节奏。而这个适应的过程在如今高等美术教育的研究中,尚未有一个行之有效的方法。由于综合性大学的艺术专业和专业美术学院在人才培养模式、课程设置等方面存在一定差异,专业美院一些先进的教学研究成果因为课程容量等原因无法直接复制于综合性大学的艺术专业,中外美术史、艺术概论等理论类课程无法很好的与专业技能课衔接,甚至出现脱节。因此,提高学生基础能力与教学质量,需要一个将课上与课下、理论知识与专业技法相衔接的桥梁。 二、艺术学院美术设计基础培优第二课堂建设研究 (一)研究目标 1.基础培优第二课堂研究的目标 (1)建立并完善基础培优第二课堂各项制度,形成良性模式持续循环,成为常规教学补充和学生提升自我的平台。 (2)加大基础培优第二课堂中的教学试验和改革,为常规教学培养模式的革新提供参考依据。 (3)指导参与第二课堂的学生每二年举办一次汇报展览,展示教学成果和学习成果。 2.基础培优第二课堂研究与理论实践 (1)改正美术、设计低年级学生因高考应考而养成的不良绘画习惯。 (2)扩展学生眼界,引导学生重新认识“基础”的深刻内涵,和动态的外延。 (3)根据学生的自身情况与特长,多角度深化专业技能的培养。 (4)结合实际情况,有选择吸收国内外美术、设计基础教学的先进经验和教学理念,运用到第二课堂教学,并以高水平的展览、竞赛来检验教学效果。 (二)研究的主要内容 基础培优第二课堂为教师无偿指导和学生自觉自愿的组织行为。因此,在最大限度上实现了学习的主动性和参与性。在教师对研究性和创造性学习指导中不会因学生水平参差不齐而降低指导效率。教学内容可以随国内外最新研究成果调整变化,体现最强的时代性和前瞻性。通过对艺术类高校美术、设计基础教学模式的调研,结合学校自身实际情况,以现有基础教学模式为基础,探索常规教学之外如何利用现有资源集中培养优质人才,并总结出培养方法。 (1)研究常规教学之外的课题补充。常规课堂教学受时间、排课等因素限制,教学中课题设置有限,通过第二课堂可以得到补充和加强。 (2)具体研究第二课堂的组织形式,课程安排,使之成为常规教学的有益补充且不与之冲突。 (3)研究在“宽口径、厚基础”的大环境下,如何组织指导学生冲击各种高水平展览、竞赛,取得好的奖项。 (三)研究的意义 1.对学生的意义 (1)拓展学生学习空间与时间,拓展多样化教学和学习手段。 (2)衔接常规专业课程间因时间安排而造成的空档,加强专业学习延续性。 (3)为学生的学习和研究提供自由发挥的空间。 (4)拓宽知识面,培养综合能力以及学生创造性思维 (5)有针对性的培养优秀学生参加创新竞赛、美术展览及创新创业能力。 2.对学校与教育事业的意义 对学校:研究常规课程之外如何补充对学生有益而又符合培养目标的教学内容,旨在对优秀学生专业拔高既而辐射整个专业,提高教学质量。对于现在的美术教育:从更多的角度和手段上摸索和建立具有地方综合性高校特色的美术基础教学模式。 三、美术设计基础培优第二课堂在高等美术教育中的实际应用 (一)美术设计基础培优第二课堂的实践方式 首先,基础培优课堂从理论联系实际,广泛收集研究国内外艺术基础教学的最新理论成果,从学校实际出发,结合自身办学定位,研究制定科学的管理方法和教学计划,合理拓展基础外延,将传统文化、综合材料等和常规基础教学相融合,形成具有鲜明特色的教学模式。其次,基础培优课堂成为艺术学院第二课堂,将是常规基础教学的延续与加强,在教学思想一致性的前提下最大限度的拓展教学手段,在小范围内推行精英试验教育,为新形势下的基础教学模式提供改革参考。最后,打造艺术学院基础教学第二课堂,在多方面提高学生专业能力的同时帮助学生尽快完成向研究性学习和创造性学习的转化。在一个相当的范围内着重培养一批基础厚重、学识宽泛的高水平学生,并具有较强的创新能力和竞赛能力,在学习上成为年级的带动者,形成广大的辐射效应,既而提高整个学院的办学水平。 (二)美术设计基础培优第二课堂在高等美术教育中的应用效果 基础培优第二课堂作为教师无偿指导和学生自觉自愿的组织行为,在最大限度上保证了学习的积极性和效率性。在教师对研究性和创造性学习指导中不会因学生水平参差不齐而降低指导效率。教学内容可以随国内外最新研究成果调整变化,体现最强的时代性和前瞻性。基础培优课堂对艺术学院提高基础教学质量有着重要的补充作用,是常规课堂教学的延续和拓展,为教学改革提供新的环境和土壤。最终成为提高艺术学院本科教育整体办学质量的重要组成部分。 四、美术设计基础培优第二课堂建设的先行实践 湖北省三峡大学艺术学院先行建设实践: (1)2011年5月至2012年1月,选拔了一批具有学习积极性与正确学习观的学生,并完成基础培优第二课堂各项制度的建立,且持续运转。 (2)2012年3月至2012年7月,指导学生完成一批形式多样的基础作品,并整理备展。 (3)2012年9月至2012年12月产生一批有质量有影响的基础作品,举办学院内部作品汇报展,并鼓励学生作品参加各项比赛或画展选拔。 (4)2013年1月至2013年5月,对此项目进行总结与成果整理:美术设计基础培优第二课堂建设前,由于专业课程的连续性不足,学生缺乏绘画主动性与作品比赛参展方向性。通过基础培优的第二课堂方式与大环境熏陶下,学生作品参展数量和质量大幅提升,于艺术学院“迎新画展”、“三峡大学桃花艺术节”、“湖北省楚风杯书画类作品比赛”等各项画展比赛均有数学生参展并获奖。 五、结语 本文实践与研究了艺术学院美术设计基础培优第二课堂的建设,探索其在当下美术设计高等教育中的应用价值与先进性,旨在开创一种新的教学模式。同时倡导人们在如今文化大繁荣大昌盛的背景中,不断尝试多角度、多手段地摸索先进教学理念与教学手段,最终引发教育的革新以适应日益增长的文化需求。 作者:汪蔚 单位:三峡大学 美术设计论文:基础课程教学视角下美术设计论文 一、首先应该从调整教学目标开始。 中专专业课教材所要求的教学目标是针对有绘画基础的学生而制定的,但是学生的基础水平不一样,就不能要求所有的学生都能达到同一个教学目标。要灵活的调整教学目标从培养学生的良好学习习惯开始,从最简单的作画规范一步一步的教学生怎样用正确的姿势画画,怎样正确使用各种工具,怎样观察,怎样构图等等。一定要照顾到所有的学生的需求,耐心细致的指导学生逐步习惯比较规范的作画方法和步骤,这也是培养学生学习兴趣的关键一步。教学目标固然重要,但是针对不同的学生一定要调整适当的教学目标,降低教学难度。学生学习和适应的过程是一个比较漫长的过程,要有足够的时间和耐心去帮助学生。 二、其次要教会学生如何分析问题并找出正确的解决问题的操作步骤。 学生有时候完成不了作业的真正原因往往是因为没能掌握正确的操作步骤,学生缺乏这方面的锻炼,没有分析问题和解决问题的能力,对于一个比较有难度的作业觉得无从下手。记得刚从美院国培回学校就接手工艺美术班的班主任,一直在想要通过一种什么方式让学生既喜欢上专业又能对我比较信服。我就组织学生进行了一次以古诗为主题的写字活动。我先示范写了一张给学生看,学生当时都觉得他们自己根本就完成不了这么大难度的作业,一点儿头绪都没有。通过我一步一步的耐心辅导,最后大部分的学生都完成了一张特别出色的作业,当我把学生的作业都贴在教室的墙上的时候可以感觉到他们对于自己的作品也很惊讶和高兴。在给学生上图案课的时候,我给学生统一购买了白卡纸和黑卡纸,要求学生严格按照步骤完成作业,学生一开始很不习惯这么严格的要求,但经过了几张的训练之后发现这样按部就班画出来的作业质量非常高。当学生们看见自己的一张一张干净漂亮的作业的时候,学生们非常有成就感,就逐渐接受和习惯了这样的方法。最后学生们把每一张自己的作品都裱在黑卡纸上,再用金属环将黑卡纸装订成册,这样每个学生都有了一本属于自己的作品集,虽然是小小的成绩但对学生却是大大的鼓励。通过这样的活动能让学生明白有些看似很复杂的作业只要通过正确的方法和步骤再加上一点儿耐心和细心就能做得很好,既提高了学生的专业素养又培养了学生的学习兴趣,还帮助学生建立了自信。 三、采用灵活多变教学形式,充实扩展丰富教学内容。 美术设计专业的基础课本身就是操作性比较强的课程,大可不必只拘泥于课本上的东西,可以变换教学形式,抓住学生感兴趣的东西进行教学,会取得更好的教学效果。作为一名中专教师兼班主任在教学上有许多优势,给自己带的班级上课时学生比较听话,课堂秩序也比较好,教学任务都可以顺利的完成。也是基于这样的考虑,除了做好日常的教学工作外,结合班级管理和学生的专业特点组织了许多的活动,比如我们开展的数字油画比赛,元旦的贺卡设计制作活动,为装饰学校教学楼进行的装饰画制作活动等等。这些活动看起来都很简单,但是学生却从这些活动中获得很多,除了各种专业知识以外,更多的是学会了一种如何解决问题的思维方式以及自信心。从班级管理的角度看,这些活动更有意义,通过竞争与合作培养了同学的团队精神,使学生更加适应集体生活。在从教十年的工作经历中常常会觉得对学生的耐心是比其它任何事情都重要的,只有耐心的指导每个学生成长的的每一步,不管是学习上的还是生活上的,只要是学生需要就不厌其烦的帮助他们。当学生信任你了,并感觉到了你对他们的关心和爱护的时候,他们也会信服于你的专业,在课堂上也会很好的配合你共同完成教学任务,这也正是“亲其师信其道”所要说明的道理吧。 四、结语 其实对于中专学生来说更为重要的是行为习惯和道德品质的学习,而如何能将这些基本素质教育更好的与专业课教学相结合是每个专业课教师和每位班主任应该思考的问题。 作者:贺蕾 单位:太原市财贸学校 美术设计论文:计算机课改美术设计论文 一、实用型教材的开发 1.教学项目的选择 通过毕业生就业跟踪、教师企业实践等方式,对与课程相关的工作岗位进行调查、研究,在深入了解的基础上,选择适应市场需求,符合行业发展趋势,又兼顾学生认知规律的实用型项目进行教学。在教材中,精挑细选了以下七个项目:(1)会展宣传平面作品系列(会展海报、入场券等的设计和制作);(2)纪念册的设计和制作(封面、封底、扉页、内页等的设计和制作);(3)房地产宣传平面广告系列(户外广告、售楼处海报、宣传单等的设计和制作);(4)相册设计和照片处理(照片的修饰和美化,相册模板的设计和制作);(5)化妆品新品推广系列平面作品(柜台平面海报、新品宣传册、包装盒等的设计和制作);(6)网店装修(网页美术设计和制作);(7)校园或企业环境布置系列平面作品(标志设计、户外宣传牌、墙面装饰标语、装饰画等)。在开发项目时,要注重项目的完整性、可操作性及可拓展性,它有助于培养学生根据自身情况制定学习目标的能力,针对不同学习任务选择不同学习方法的能力,以及对学习结果进行评估的能力。选择合适的项目进行教学是非常重要的环节,是实现自主学习,达成教学目标的第一步。 2.理论知识与操作技能的结合 中职学生喜操作厌理论,可是实践离不开理论的支持。在学习“计算机美术设计基础”课程时,如果不掌握平面设计的理念和规律,制作出来的作品很容易出现构图杂乱无章、色彩搭配不和谐等导致视觉效果不理想的问题。因此,在阐述设计理念时,本着用到多少说明多少的原则,根据作品中体现的设计原理,进行集中的有针对性的说明。通过知识拓展,以及系列作品的设计与制作,激发学生主动进行系统的学习,挖掘每个学生潜在的学习能力和创造力,教会学生灵活利用各种平台去解决学习、生活中遇到的各种问题,让学生从狭小的课堂中跳出来,引导思维向着广阔、深远的方向发展。 二、教学方法与手段的改革 1.作品的鉴赏与分析 对于美术设计基础薄弱的学生来说,观察和模仿是一个良好而简单的开始,学会以专业的眼光去鉴赏作品是“必修课”,而在以往的教学过程中,鉴赏的作用往往被淡化了。为此建议在两课时连续授课的情况下,至少用半小时欣赏与分析优秀的作品,坚持每次课如此,慢慢积累,培养学生具备一定的专业鉴赏能力。那怎样的平面设计作品算是好作品呢?从专业的角度来欣赏,主要是看以下几点:(1)构图。构图的方式丰富,灵活多变,总的原则是均衡,这是衡量一个平面作品好坏的重点之一。(2)色彩。在视觉上,色彩是给观众的第一波冲击力。色彩的搭配有规律可循,在设计作品时要避免随意性。(3)创意。那些有着独特创意的作品总是有触动心灵的能力。创意来源于生活,只有愿意体会生活、热爱生活的人,才能得到美妙的灵感,迸发出思维的火花。 2.有效的团队合作 小组合作是一种非常好的学习方式,可是在实施过程中,受制的条件、干扰的因素很多,主要存在以下问题。(1)教学环境。一桌一椅的方式显然阻碍了学生之间的交流,而现在机房的环境明显改善了,环形桌的布局就非常合适。(2)课堂纪律。小组教学给学生提供了很好的交流平台,但是也给教师掌控课堂带来了挑战。环形桌有一个明显的缺点就是教师的眼睛无法三百六十度监控,存在几个视觉死角。教师必须打起十二分精神,加强巡视。(3)合理分组。分组是个技术活,还要懂点心理学。性格相近或学习习惯相似的学生会自然聚在一起,这非常不利于小组教学。教师在进行分组时,首先必须坚持原则,合理搭配,同时也要多了解学生的个性,让学生能把精力放在学习上,减少矛盾的发生,实现“合作愉快”的目标。(4)任务分配。在以往的教学过程中,不得不面对一个现实,有些学生在开学后一段时间,就会出现厌学或跟不上进度的问题,每个班级的情况不一样,这部分学生所占的比例也不同,当这个比例比较大时,整个班级的学习氛围会受到严重的影响。为了解决这个问题,在每次准备任务的基础上,可以通过减少量或降低难度,得到一到两个备用任务,鼓励学生根据自己的实际情况进行选择,自主掌控学习的进度。 三、多元化的评价手段 1.评价方式多样化 我们坚持以教师评价为主,每次课上都要求学生上交作业,及时展示、点评。同时,每周还要综合评价,课后和学生多交流,掌控学生的学习进度,及时调整教学计划。另外,以组内评价、网络评价、企业评价三种方式作为辅助评价手段。组内评价一周一次,将一周的作品在组内收集,小组成员根据下发的评价表,从各个方面给作品打等级。网络评价一月一次,收集每组推荐的优秀作品,上传到网络上,让学生投票。企业评价两个月一次,集选优秀作品给企业的专业人士评价,将评语及时反馈给学生,然后师生再一起分析、讨论、改进作品。 2.注重个性评价 学生的个性差异总是存在的,仔细观察学生的言行,揣摩学生的心理,在适当的时候给予一个真诚的微笑,一个肯定的眼神,一句由衷的赞美,学生在心理上就会得到满足。学生一旦觉得自己被认可了,就能保持学习的信心和动力。对上进心和学习能力强的学生表扬要适当,多提出高要求,引导他们拓展思路;对接受能力差的学生则要多鼓励、多表扬,在他们出现注意力分散、厌学情绪时,更要注意批评和引导的态度和方式,以宽容和毅力帮助他们培养自信心。 四、结语 思维引导行动,行动带来实效。在实施课改的过程中,不断地反思和总结,有助于保证教师在正确的轨道上前进,也有助于改革落实到每一个细节上。在实施的过程中,笔者发现,自己课堂教学的气氛变得融洽了,师生之间的交流变得密切了,学生的积极主动性得到了很大的提高。在教与学的过程中,笔者与学生共同成长,原本沉闷的课堂焕发无限生机。当然,在教学过程中有些“顽疾”依然存在,有些问题还没得到根本性的解决。但相信只要在课程改革中做到既多借鉴别人的成功经验,又结合实际情况,认清自我,因材施教,坚持不懈,课改之路就越走越宽,越走越顺。 作者:朱星梅 单位:江苏惠山中等专业学校 美术设计论文:游戏美术设计师管理论文 一款游戏的开发需要游戏策划,游戏程序,游戏美工三个团队的分工合作来完成。如果说游戏策划赋予了一款游戏灵魂和骨架,游戏程序让游戏得以运转,那么游戏美工就是为游戏增添血肉。所有在一款游戏里面可以看到的角色,敌人,场景,物件无不出自游戏美工之手。毫不夸张地说,游戏美工就是游戏虚拟世界中的造物主。在一个游戏的开发团队中,人数最多,工作量最大的,就是游戏美工人员。如今,游戏开发这一行业在国内得以飞速发展,游戏美工这个职业也吸引了越来越多年轻人的目光。那么究竟怎样才能成为一名游戏美工呢? 我们走进国内著名的专业游戏培训学校,GA游戏教育基地,回顾过去几年中GA培养的数百名游戏美术人才。不难发现,所有这些学员大体可以分成三类。这三类学员的成长轨迹,代表了三种典型的通往游戏开发领域的途径。下面三个学员的真实经历,或许可以给我们一些启发。 李星从小就对美术有浓厚的兴趣,父母很早就开始培养他,希望他能在美术领域有所成就。从小学开始他就一直坚持参加各种美术培训班,最终顺利考上四川美院。大学四年,李星逐渐喜欢上了游戏,刚开始是喜欢玩,后来逐渐对游戏制作产生了浓厚的兴趣。大学毕业之后,李星决定做一名游戏美术设计师。然而尽管在美术方面功底扎实,但是对于游戏开发必须掌握的3D图形技术,李星却一窍不通。几次应聘游戏公司,都因为没有相关经验,也没有必要的软件技能而功败垂成。几次碰壁后,李星报名学习了GA的游戏美术课程。刚开始,由于软件方面基础为零,学得很累。坚持了一段时间后,他逐渐掌握了3dmax和ps等软件工具,也慢慢适应了用电脑作为绘画工具的工作方式。这时他在美术方面的深厚实力开始逐步展现出来,成为了同期学员中的佼佼者。毕业之后,李星的毕业作品得到了多家著名游戏公司的赞赏,顺利拿到了工作合同。走上工作岗位之后,科班出身的李星很快体现出过人的美术实力,工作表现受到公司的充分肯定,短短一年多时间已经成为该公司主美。 杨沈杰大学学的是室内设计专业。毕业之后辗转了多家企业,一直从事室内装潢效果图制作方面的工作。然而这个职位竞争激烈,薪金福利待遇也一直不如人意。杨沈杰仔细考虑了自己的状况后决定转行做游戏美工。看了很多游戏公司的招聘要求,杨沈杰觉得自己会用3d软件,能制作各种物件的模型,贴图,应该完全可以胜任。然而他信心满满地参加了几家公司的考试后,却发现并非那么容易。所谓隔行如隔山,同是使用3d软件来制作各种物件,游戏公司的要求远远高于一般的效果图制作。在朋友的介绍下,杨沈杰参加了GA的游戏美术课程的学习。5个月的学习过程中,杨沈杰越来越感觉到3d图形技术在游戏中的应用,有许多特殊的技术和标准,这些都是以前根本不知道的。另一方面,之前制作效果图,在贴图方面几乎都是使用材质,自己手绘的能力也急待提高。在GA学习期间,杨沈杰几乎天天披星戴月,学习到深夜。最终他不仅顺利完成学业,还用业余时间组织了一个项目小组,以徐家汇教堂为蓝本制作了一个精美的游戏关卡。这为其应聘就业增添了一个重要的砝码,最终杨沈杰顺利被EPICGAMES录用。 和以上两位同学相比,余静同学成为游戏美工的道路就要艰难很多。余静所学的专业跟美术以及设计没有丝毫的关系,毕业之后从事的是销售业务的工作,可以说是地地道道的门外汉。出于对游戏的热爱,余静还是说服家人,决定改行做游戏美工。由于没有任何美术方面的基础,也从来没有接触过3d软件,余静第一次到GA求学时,甚至没有办法通过入学测试。而她没有轻易放弃,自己花了一年时间参加素描、色彩等传统美术培训班的学习。同时,找了很多3dmax方面的书籍自学软件。时隔一年之后考核通过,进入GA开始学习游戏美术课程。由于基础比较欠缺,虽然软件方面通过下功夫多做多练,能够赶上同学的步伐,但是美术方面的能力却不是一朝一夕能够提高的。毕业之后余静的应聘考试远不如同期的其他同学那么顺利,开始的几次都被游戏公司拒绝了。GA的就业指导老师帮她分析原因,寻找对策。一个重要的原因是,余静应聘了几个职位都是角色制作,角色设计师在美术基础上的要求是非常严格的。余静仅仅参加过一年的业余学习,与美术专业的应聘者竞争肯定是吃亏的。想明白这个道理后,余静改变了策略,精心制作了一些并不复杂的物件和场景,仔细观察生活中的真实物体,下了大功夫把这些看似简单的东西做得非常细致精细。果然,新的作品赢得了游戏公司的认可,最终顺利成为一名游戏场景设计师。 正所谓条条大路通罗马,前面提到的三位GA学员有着各自完全不同的教育背景和学习经历,最终都完成了同一个梦想。在这个过程中他们遇到的问题,和努力的重点,都是各不相同的。 在游戏美术领域,科班毕业的美术院校学生无疑是最具有优势的,他们受过专业、系统的美术教育,有扎实的基础,出色的艺术感觉,纯熟的绘画技法,这些对于一个游戏美工来说都是至关重要的。这一类人也是游戏公司比较欢迎的,因为他们往往具有很大的潜力,有很大的上升空间。但这一类学生面临的共同问题是他们学习的是传统意义上的美术,几乎没有接触过数码图形技术,不会使用各种软件。更不用说游戏行业内部的标准和流程,以及一些先进的技术手段。没有这些基本的技能,就算美术功底再好,也很难叩开游戏公司的大门。 因此,像李星这样的学生,其实努力的目标是很明确的。一是熟练掌握游戏开发中使用的各种软件;二是尽快适应一种全新的绘画方式;三是了解游戏开发的流程和一些重要的技术手段。虽然要学的东西非常多,但相对于美术方面的积累和提高,学习这些基本知识和技能还是一个比较容易见效的过程。应该说,这三类学生中,距离游戏行业最近的就是这第一类。 第二类是一些相关专业毕业的学生,这些专业并非纯粹的美术专业,但或多或少都跟美术有一些联系。他们在美术方面虽然不如美院的学生那么专业,但也都具备基本的手绘技能,有一定的美术感觉。例如建筑专业,工业设计专业,平面设计专业等等。这类学生的一个特点是,往往比第一类学生的软件应用能力强。甚至有一些能够比较熟练的应用3d软件。他们成为游戏美工的可能性也非常大,相对第一类学生来说,在软件方面的障碍更小。但摆在他们面前的有两个问题:第一,在技术方面并不了解游戏制作的特殊性。虽然他们有一定软件基础,或许在工作中也曾经应用过相应的软件,但游戏开发中的一些标准,习惯,以及一些特有的技术手段是他们无法掌握的。假如以往的经验形成了一定的思维定势,走入了一些技术误区,甚至有可能局限他在游戏领域的发展。第二个问题是,虽然他们比第一类学生在软件方面有优势,可能入行更容易一些,但在美术功底方面的不足可能会逐渐体现出来,限制今后的职业发展。 针对这两个问题,这一类相关专业学生的努力方向就应该有所不同。在初期的学习阶段,应该注重游戏开发实际工作能力的培养,站在一个游戏美术的角度去逐步养成一些应有的操作习惯,多把注意力放在游戏开发中特有的一些技术手段的学习上。像杨沈杰那样主动去参与一个小的项目开发会是非常好的学习方法。而更长期的学习重点还应该放在提高自己的艺术修养和美术功力上,作为一个游戏美术设计师,这将会是贯穿整个职业生涯的长期过程,只有不断的提高,才能获得更大的发展空间。 像余静这样的第三类学生应该说是面临最大困难的一类。甚至在很多人看来,让一个完完全全的门外汉在一两年里成为合格的游戏美术设计师根本就是一个不可能完成的任务。在几年前,游戏美术完全依靠手绘的时代,确实如此。不过近几年诞生了许多新软件,大大方便了3D模型的制作;以往完全依靠手绘的模型贴图,现在也可以通过修改一些现成的素材来完成。这使非美术专业的学生从事游戏美术设计工作成为可能。当然这会需要付出很大的努力。 对于第三类的学生来说,成为游戏美术设计师的道路无疑会比前两类学生更漫长也更艰难。除了坚持和努力之外,明确目标非常重要。很明显,这一类学生想在短期内达到美术院校学生的水平不是很现实。然而了解游戏公司的项目开发的话就不难知道,一个游戏中既有做角色,怪物,武器这些复杂物体的设计师。也有负责制作场景的设计师,一把椅子,一扇门,一盏路灯,这些物件的制作其实并不复杂,并不是高不可攀的。而且往往这些场景物件的制作量又很大,需要的美术设计师职位也很多。所以对于第三类学生,我们的建议是把有限的时间和精力用在一个点上。对于复杂物体模型的准确把握,这不是一朝一夕可以提高的,不如把精力更多地用在贴图的绘制上。一些简单的东西,如果做得精益求精,虽然看起来不炫不酷,也一样能够赢得工作的机会。 总的来说,游戏美工虽然是一个技术性、专业性很强的职业,但也并不是高不可攀。更重要的是,绝大部分游戏公司对于游戏美术的选拨都本着唯才是举的原则,这与很多行业是不同的,游戏美术设计师往往并不看重学历和证书。只要技术过关,作品能符合游戏公司的要求,实际制作考试能够体现出自己的水平,就可以成功就业。相信所有怀着游戏梦想的年轻人,只要目标明确,方法得当,都可以到达成功的彼岸。 美术设计论文:烹饪美术设计研究论文 内容摘要:中国传统吉祥符号是人类智慧的结晶,传承并发扬它,将其精神元素融入现代烹饪美术设计之中,必定会使烹饪美术设计更具文化性和社会性。将中国传统图形艺术与烹饪吉祥图案的结合,可以分别从传统图形的“形”“意”“势”三个方面来进行分析。 关键词:吉祥美术形意势 中国传统吉祥符号是人类智慧的结晶,传承并发扬它,将其精神元素融入现代烹饪美术设计之中,必定会使烹饪美术设计更具文化性和社会性。 中国传统装饰吉祥图案其实是古代先民希冀生活美满幸福,专门为营造吉祥而创造的装饰艺术造型设计。历代遗存至今的大量造型艺术,绝大多数都是中国祈吉纳祥文化思想的物化形象,蕴藏在中华各民族的博大而丰富多彩的民间艺术之中,成为中华民族思想文化得以传承的源泉。 将传统吉祥图案艺术结合到现代烹饪美术教学设计中,是引导学生掌握具有专业性和艺术性的现代烹饪理念的关键。但这样的一种结合,并不是对传统图形进行纯粹的拷贝或者简单的挪用,教师首先应引导学生认识和了解传统图形,并在此基础上让学生学会逐步挖掘、变化和改造传统图形,让传统图形成为他们进行设计的一个新的创意点和启示点,从而设计出焕发生命力的中国烹饪吉祥图案。而对中国传统图形艺术与烹饪吉祥图案的结合,可以分别从传统图形的“形”“意”“势”三个方面来进行分析与沿用。 “形”的提取与衍生 “形”一般指图形所表现出来的物象外形与结构。中国传统图形是根植于中国民族性、地域性的传统艺术渊源中的,它们与现代图形的造型方式有着许多不同的地方。中国传统图形主要注重的是实形(或称为正形)的完整性与装饰性,关注形与形之间的呼应、礼让和穿插关系,在组构时多遵循求整、求对称均齐的骨式。那么如何将传统图形中的“形”运用到现代烹饪美术教学之中?首先,教师应该引导学生学会从传统图形中提取其“形”的元素;然后,再结合构成课程中所学到的一些构成手段,如:打散、切割、错位、变异等方法,将提取的“形”元素再进行新的设计重组;最后,再让学生将这种立足在传统图形原形上,而又对原形不断分解、转变和重构的衍生形糅合到图案的绘制之中。这样的烹饪美术图案,不仅能够保留传统艺术的神韵,又带有鲜明的时代特征,并且还能充分地表达出所蕴含的理念与个性。 “意”的沿用与延伸 从古至今,世世代代,人们之所以反反复复地描摹着同一个图形,不仅仅是因为它的外形具有美观的欣赏价值,更重要的是在于我们所看到的这些传统图形,其背后往往蕴含着更深更广的吉祥意义。 要将传统图形艺术与现代烹饪美术教学相结合,教师不仅要引导学生去提炼和创新传统图形的“形”,同时还要带领学生一起去探求和挖掘蕴含在它们背后的“意”。不论是古人还是现代人,对美好的事物都一样的心存向往,这正如司徒虹所说:“中国人文化意识和形态哲学观念的体现,它具有两个特征:一个是包含科学合理部分,是古人对自然规律的总结;二是它的想象力和创造性,它体现了中国人对吉祥幸福的向往。”传统图形背后的吉祥意味同样也适宜沿用在烹饪美术教学之中。无论从对称讲,还是从偶数说,整个图案都洋溢着古老东方早已流传的吉祥之气。因此,将约定俗成,并已经在中国民众心中形成共识的传统图形“意”延展出更新、更深层次的理念精神,使其更具有文化性与社会性,这也是现代烹饪美术设计的一种很好的艺术体现。 “势”的把握与承传 “势”通常指图形所蕴含的气韵及其所表现出来的态势和气氛,“势”能传达整个图形的精神。在传统图形的“势”这一点上,特别要提到的是中国的国粹——书法。书法是从观察自然界万物姿态而得到启示,匠心结体而成,经过几千年的发展演变,形成了各种不同的个性与风格。书法不仅有结构,更有笔势。结构仅仅是书法运笔的依据,而书法个性形态的形成还是靠其“笔不到而意到”的笔“势”。把握与承传传统图形的“势”,并最终将其融合到现代烹饪美术教学之中,是传统图形艺术与现代图案结合的一个难点。对于传统图形艺术中“形”与“意”的沿用,学生比较好理解,但这种沿用只能说是对传统图形艺术的一种浅层次的理解和认识,而一种新的民族形式的创造,是需要在研究传统图形时摆脱其物化表面,深入到它们精神领域的内部中的。因为只有在深入领悟了传统图形的艺术精华之后,再在现代西方设计思潮的基础上,兼收并蓄,融会贯通,找到传统与现代的契合点,才能打造出属于我们本民族的同时又是国际的现代烹饪美术。 中国传统美学强调的是主客统一的整体意识和“求全美满”的美学观念,认为万事万物都是一个和谐统一的整体,都遵循同一个本质规律。因而中国古代的艺术家始终致力于“以整体为美”的创作,将天、地、人、艺术、道德看作一个生气勃勃的有机整体,以人的情感赋予物的形式,借物抒情,“以形写意”,“形神兼备”,这是一种善和美的行为和意志。在传统图案的题材和构成形式上,都表露出我国人民那种“善始善终”的处世哲学。中国吉祥装饰艺术不重“写实”重“传神”,不重“再现”重“表现”,提升为“物我同一”的审美观念,是中国人文化意识和形态哲学观念的体现。即使吉祥主题的装饰在传统观念中仍具有神性的一面,但它还是具有现实意义的,其深层的装饰动机是创造一个吉祥化的世界,表达一种对安定、和谐、康富生活的企盼。 中国吉祥文化是东方文化的一处独特景观。它题材之广泛、内涵之丰富、形式之多样、流传之久远,是其他艺术形式难以替代的。它是中华民族历史文化宝库中一笔珍贵的精神财富,即使立于世界艺术之林,它那独特的东方文化魅力也丝毫不会逊色。把吉祥符号的精神元素融入现代烹饪美术设计之中,必定会使烹饪美术吉祥图案的设计更具文化性与社会性。 美术设计论文:中职美术设计教学能力探讨论文 论文关键词:中职美术设计教学能力标准 论文摘要:鉴于中职美术设计专业教师教学能力标准是师资培养培训的纲领性文件,又是中职师资培训包项目开发的基石,故我们在标准的制定过程中,除了加强对有关职业教育教师能力标准的文献资料进行综合性的分析,更注重对相关企业、职业学校以及师资培训基地进行广泛、深入地调研。 为了贯彻落实《国务院关于大力发展职业教育的决定》和《教育部财政部关于实施中等职业学校教师素质提高计划的意见》,“十一五”期间,54所全国重点建设职教师资培训基地按教育部的统一部署,开发70个中等职业学校重点专业的师资培养培训方案、课程和教材,形成一系列具有应用价值和示范作用的培训包,为全国中职师资培训提供科学化、规范化、专业化指导,以切实提高中等职业学校专业教师素质。 江西科技师范学院承担了中等职业学校“美术设计专业”师资培养培训方案、课程、教材开发项目。根据项目开发的要求,教师教学能力标准则是在整个项目当中处于首要的地位,故本文主要研究’如何开发这一标准,以促进整个培训包项目的开发与推进。 一、制定中等职业学校美术设计专业教师教学能力标准的背景和指导思想 美术设计作为物质和文化相结合的活动方式,在经济社会的发展当中最具有活力和创造力。它在中国古代被称作“百工巧艺”,其显著的特点是美术设计与生产、设计与制作紧密结合。在源远流长的发展历程中,先人们创造了丰富的广为世界称誉的成果。随着中国的改革开放和科技进步,美术设计的外延远远超过了过去以手工工艺为优秀的产业圈,而涵盖了从手工到电脑的所有技术产品。 作为培养美术设计相关产业的初、中级专业人才基地,我国中等职业学校的美术设计教育事业任重而道远。为了适应经济社会发展的需要,加强美术设计教育的理论研究及实践探索乃当务之急;加大培训力度,提高中等职业学校美术设计专业教师的素质也迫在眉睫。 制定中职美术设计专业教师教学能力标准的指导思想是:以《国务院关于大力发展职业教育的决定》和《教育部财政部关于实施中等职业学校教师素质提高计划的意见》为指导,以完善职教师资培养培训体系、促进职教师资培养培训工作的规范化与科学化、提高中等职业学校专业教师素质为目标,广泛吸收其他师资基地、中等职业学校和行业、企业等各方面的力量参与,构建一个以专业发展为目标,以指导教师专业成长为引领,以项目为载体,集理论和实践为一休的教师专业教学能力标准程式。 二、相关职业教育教师能力标准的文献资料分析 中等职业学校美术设计专业教师教学能力标准完全是一项首创性的工作,现今只有一些相近或相关的职业教育教师能力标准的文献资料可供参考,对制定中等职业学校美术设计专业教师教学能力标准较有参考意义的主要是: (一)教育部《中小学教师教育技术能力标准(试行)》.2004年12月。这是为贯彻落实((2003-2007年教育行动振兴计划》和《教育部关于加快推进全国教师网络联盟计划,组织新一轮中小学教师全员培训的意见》而开发的一个标准,教育部将以此为依据研究建立中小学教师教育技术培训、考试和认证体系。这个“标准”把相关人员分为“教学人员”、“管理人员”、“技术支持人员”三类,其中“教学人员”的能力区分为4项:意识与态度,知识与技能,应用与创新,社会责任。 (二)《重庆市中等职业学校专业教师能力标准(试行)))[2]02007年7月的《中国一澳大利亚(重庆)职业教育与培训项目国家报告》称之为中国的首个专业教师能力标准,它借鉴了澳大利亚职业教育师资队伍建设经验,从职业道德教育能力、行业联系能力、课程设计能力、教学组织和实施能力、鉴定能力、交流与合作能力等9项能力领域,“能力领域、能力单元、能力要素、能力表现水平”等4个层面,对职业教育的教师能力提出具体要求。 (三)《教师能力标准》[3],这是一本介绍“IBSTPI教师能力标准”的书。2004年,国际培训、绩效、教学标准委员会(theInternationalBoard‘StandardsforTrainingPerformanceandInstruction,简称IB-STPI)了修订的教师能力标准,包括5个维度、18项能力以及98条具体绩效指标。这5个维度是专业基础、教学计划和准备、教学方法和策略、评估与评价和教学管理。这是一个迄今为止较为权威、最为全面的国际教师能力标准。 (四)《中等职业学校美术设计专业教学指导方案》。这是《面向21世纪教育振兴行动计划》中“职业教育课程改革和教材建设规划”项目的成果,2001年由教育部职业教育与成人教育司、教育部职业技术教育中心研究所颁发。它的内容包括美术设计专业的课程设置、主干专业课程教学基本要求、专业设置标准、专业教学指导方案研究与开发报告等,是实施学历教育的各类中等职业学校加强专业和课程建设、安排和组织教学活动的指导性教学文件。需要强调的是这个指导方案从专业教师教学工作需要的角度制定了能力标准,即对专业教师的专业培养目标、专业业务范围、专业课程设置和专业教学等方面提出具体要求。 三、对美术设计行业企业、相关职业学校及师资培训机构的调研 为了给制定美术设计专业教师教学能力标准提供客观依据,课题组主要从三个方面进行调研:一是美术设计类行业、企业,二是各地中职美术设计类专业学校,三是目前正在开展中职美术设计类专业教师部级培训的基地学校。 (一)调研的内容 1.对行业企业调查的主要内容有:美术设计产业在我国的分布、发展趋势及其物质文化人力资源的配置,相关行业企业的生产工艺流程和岗位规范、人才需求状况以及从业者的素质构成,上述用人单位对中职美术设计类毕业生职业技能、知识及职业道德等方面的评价,在制定培训美术设计职业技术人员的基本技能的标准时,如何处理地域分布广泛、门类繁多所形成的美术设计职业技术人员培养中差异性与普适性的协调问题。 2.对职业学校调查的主要内容有:中职美术设计类专业在一些不同地区的大致分布情况及其发展变化的趋势和原因,中等职业学校现行美术设计类专业课程设置、教材对培养美术设计从业者的适用性及教学方法的有效性,中等职业学校美术设计类专业毕业生学习动机、就业展望,美术设计专业师资素质的基本状况以及接受培训的意愿和具体要求。 3.对部级培训基地学校调查的主要内容是充分收集目前正在开展中职美术设计类专业教师部级培训的有关信息,重点是借鉴他们所确立的培训目标。 (二)调研的基本结论 1.行业、企业的调研结论。“美术设计”涵盖了所有企业或商业活动中与美术有关的设计工作,这一庞大的行业从照应职业教育专业的角度来细分,可以大致分为视觉传达设计、环境艺术设计、产品设计和数字艺术设计四类。 在经济社会的发展中,随着人们生活质量的提高和多样化需求的增长,美术设计行业已受到广泛重视和政策扶持,发展迅速,分布广泛。同时,与美术设计相关的观念、工具、技能等更新换代快,地域差异大,市场竞争非常激烈。 业内人士对从业人员的观点大致如下:目前我国美术设计从业人员,特别是来源于中职学校的员工,大多数的基本职业能力较低,表现为专业化程度不高,实践技能不强,知识面不广,外语水平较差,而从业人员的综合职业能力素质(关键能力和跨专业能力、应变能力)更是巫待加强。 企业对中职美术设计专业教师的评价是中职师资已经具备的大学本科以上的专业知识,是美术设计流程中的上游,他们缺乏的是处于动态中千差万别、不断更新的中下游的技能知识。重点要加强实践运用和技能培养.丰富行业的实践经验.培养美术设计专业意识和职业道德以及美术设计专业教学与行业实际要求相联系的主动性等。他们在本科专业知识的基础上所接受的行业应用流程和技能训练愈多,其所培养的美术设计人员就愈能适应高度细分的行业市场。 2.中等职业学校的调研结论。资料显示,近20多年来,美术设计专业在我国发展很快。但是,美术设计专业的人才无论在数量还是质量上,仍难以满足迅速发展的国内美术设计行业的需求。我国的中职美术设计教育是在经济高速发展与社会转型的历史背景下发展起来的,尚处于发展的初级阶段,其教育理论与教学实践未完全成熟;教材存在信息滞后、内容空疏化的问题;由于资金投人不足、企业参与不积极、实训基地缺失等诸多原因,该专业实训或实践课的安排仍不够理想。 从中职学校美术设计专业师资的现状来看,总体数量尚有不足,美术设计专业教师课时任务重,更重要的是他们的专业实践能力和教师教学能力都巫需加强。随着科学技术的突飞猛进,新技术给作品的设计及作品信息的传播带来极大的便利,这些刘美术设计产生了深刻的影响,各中职学校开始设置新兴专业方向。然而,美术设计教师的教学观念、方法以及创作都跟不上形势的发展变化,一些从事图形图像处理教学的美术设计教师无法胜任,即使是包装、广告、展示设计、模型制作、商业插画等传统美术设计专业课,教师的能力表现也因人而异。另外,相当一部分美术设计教师在组织教学方面不规范,在职业教育学、心理学、美术设计专业教育学等方面存在明显的薄弱环节,能够承担美术设计专业教学改革和课程开发工作的人才更是稀有。 目前,中职美术设计专业教师从事相关实践的机会不多,教师的理论知识与实践的联系难以做到统一,反映到具体的教学中则表现为对美术设计这种面向市场的商业行为掌握不足,不具备应付多元多变要求的实际设计能力,也较难提高学生的学习兴趣和激发创业动机,难以培养企业所需要的高素质人才。 3.承担中职美术设计类专业教师部级培训的基地学校所确立培训目标的分析。2008年,中职美术设计类专业教师部级培训任务由江西科技师范学院、湖南师范大学、吉林工程师范学院、河南技术师范学院、苏州工艺美术职业学院等五所院校承担。综合分析其培训目标的要件,主要包括八个方面:了解职业教育的形势、任务和政策,掌握专业课程和教学改革的方向,掌握专业教学法和现代教育技术手段,熟练运用计算机图形图像设计软件,掌握若干种类美术设计作品的创作技术,具备指导其他教师进行专业教学的能力,熟悉相关行业企业的发展情况与需求,进行高一级职业资格证书的技能培训。 四、中等职业学校美术设计专业教师教学能力标准的构思 在经过充分调研、大量查证文献资料的基础上,集中企业行业专家、中职学校一线教师、基地学校教研人员的智慧,反复征询职教师资培训主体对象的意见,通过咨询有关专家,笔者认为《中等职业学校美术设计专业教师教学能力标准》中,可将美术设计专业教师能力分为专业实践能力和教师教学能力两个系列。其中专业实践能力系列,根据“学以致用”的中职美术设计专业教学的原则,还可分为美术设计基础、商业美术、装饰美工、电脑辅助设计4个模块。而教师教学能力系列则可基于教学的共性,分为课程设计、制定授课计划、设计教案、教学准备、实施教学、教学评价和教学指导、教学研究和教学改革、职业道德等8个方面。 这个《能力标准》应从分析美术设计专业岗位群的职业活动出发,着眼于实践的专业技能要求,侧重应用性较广的商业美术和装饰美工的专业实践能力标准的开发。同时考虑到现代信息技术和科技手段在美术设计活动中的作用不断增强,对电脑辅助美术设计的能力也要加以强调。
手绘图在室内设计中的应用:室内设计手绘图的应用 摘要: 在当今社会飞速发展的状态下,各行各业都在发生着翻天覆地的变化,人们对自己的生活水平的要求也逐渐提高,由原来的温饱问题逐渐提高到小康水平。人们对自己的生活品质越来的越重视。住房问题也是一样,怎样提高现代人的居住空间的品质,这已经成为现代室内设计师一个新的挑战。众所周知手绘在设计行业的重要性,然而在室内设计中也不例外。一个优秀的设计师除了具备一定的软件基础外,手绘能力也需要具备。对于设计专业刚刚毕业的大学生来说,手绘也会成为未大学生未来应聘工作的敲门砖。 关键词: 手绘图;室内设计 改革开放以来,电脑逐步普及,电脑制作的效果图相比手绘效果图而言更加逼真,越来越多的设计师放下了手中的钢笔、彩铅,却拿起了鼠标和键盘。前些年甚至有一些国内外的设计师预言电脑制图终将取代手绘图,但经过时间验证的结果是电脑制图不可能取代手绘图,只有二者相互结合才能为做好设计提供帮助。有些设计师偏爱电脑制图,原因是客户只看电脑制作出来的效果图,这是不可取的。手绘可以瞬间把一些好的想法表达并记录下来,可以提高设计师对空间的理解和对美的认识。这些都是电脑制图所无法比拟的。由于室内设计是服务性的行业,这就决定了设计师的设计水平必须得到的客户的认可,达到客户要求的效果。当前国内义务教育已经普及,人们的文化和审美也逐步提高,客户已经不在单纯的观看电脑制作的效果图,而是注重设计理念,那么手绘正是表达设计理念最好的工具。事实上一些设计院校也把手绘纳入了必修课,一些高端设计机构也转而亲睐手绘图纸,手绘在设计界越来越受到设计师的重视。 一、手绘常用工具简介 1)彩铅表现。 手绘表现铅占据着非常重要的地位,由于携带方便颜色丰富倍受设计师喜爱。在手绘细节表现中,彩铅处理画面当中的灯光、天空、等需要颜色过渡的地方发挥了很大的作用,这是彩铅的优势所在,但由于彩铅的颗粒感比较强,在使用彩铅绘画的时候要注意材质的把握。另外,由于彩铅多次叠加后画面会显得发腻不通透,所以,彩铅绘画过程中下笔一定要准确、果断。这样才会达到所要的效果。 2)马克笔表现。 马克笔常用的有两种:油性马克笔、水溶性马克笔。油性马克笔是手绘效果图表现当中比较常用的一种马克笔。它的色彩透明度好,便于大场景的表现和光泽质感的刻画。由于水分蒸发的原因,画面色彩会发生变化。尤其是在比较薄的纸张上作画难度更大。但是两种马克笔的表现技法基本一致。由于马克笔笔触单调且不便于修改,对细节以及材料的质感表现难以深入。如果配合彩色铅笔使用,取长补短,画面表现力将大大增加。 3)水彩表现。 水彩表现效果的特点是画面颜色丰富、细腻,在一些灯光和层次较多变化复杂的渲染上有很大的优势。在使用技法方面简单易学,熟练后可轻松快速表现。而且在材料成本上较便宜,是手绘表现中很重要的一种表现形式。 二、学习手绘的方法 学习手绘之前必须要先明白什么是手绘?很多人以为手绘就是纯绘画,这样的理解是片面的。其实手绘和纯粹的绘画有着很大的区别。纯粹的绘画是作者对所见所想的一个表现或者是对个人情感的表达。而手绘则完全不同,手绘效果图除了需要作者以表现美为主外,大多数的手绘图都是设计师对空间、结构、及产品细节处理的表现。设计师在表达设计思想的时候通常是把线变成面,再由面转化为空间和结构的过程。由此可见,线条对手绘学习的重要性。通过一段时间的线条练习后,可以将线条逐渐转为面、体以及具体的物体来练习,这样不仅可以变相的练习线条,也可以对空间和结构有一个小的理解。第二步,在线条基本功过关的基础上就可以练习物体单体,比如灯具、沙发桌椅、床、等等,其实任何一个小的单体都是有结构和空间的,把小的空间和结构画好也是为以后的大空间和大结构做准备。第三步,经过对线条和单体的练习后,就逐渐过渡到室内空间的练习,也就是手绘效果图的基础。通过比例尺可以准确画出空间的具体尺寸以及空间中具体物体的尺寸及透视关系。再加上一些素描上的光影关系,就可以画出一张简单的手绘图了。完成一张手绘效果图还需要最后一步,就是最后上颜色的过程,上颜色的工具也有很多,有马克笔、彩铅、以及水彩等等。总的来讲,手绘图可以分为两种,一种是设计师设计前期用来记录设计灵感的草图,另一种则是设计完成的最终手绘的效果图。前者是记录设计的过程,是设计师的“笔记”,而后者是设计的结果,是给客户的设计方案。无论哪一种手绘图,对于设计本身来讲都是不可缺少的。 三、手绘在室内设计中的应用 手绘草图在设计过程中是一个很重要的阶段,它是整个设计的基础,设计师通过与客户交流能够快速的记录客户的想法和要求,并且在交流的过程中可以把自己瞬间的灵感用手绘快速表现并记录下来,客户可以很直观也很容易读懂设计师的想法,在接受业主要求的情况下,表现出满足其所需的空间场景,架起与业主畅快沟通的桥梁,有利于了解业主的想法与需求,大大地提高了工作效率,也提高了方案设计的通过率。并且设计师通过表现自己灵感的同时也会得到客户对自己的认可,这样也就增加了成功签单的机率。同时,有了手绘草图在和绘图员交流设计细节处理方面,手绘草图的优势则更大,比如在墙面造型处理上,设计师通过手绘可以快速表现出墙面造型的点、线、面的关系。把这些手绘草图整理起来,一个完整的设计方案便呈现出来,最后就是设计师给客户的最终的手绘效果图。近年来在国内一线城市中,手绘效果图已经得到了很多客户的认可,他们认为,手绘效果图比电脑效果图更具有艺术性,更能体现设计师的设计能力。好的表现方式会影响客户的对设计师能力的判断,同时也会给客户一个好的印象。 四、总结 总而言之,在一个完整的设计方案出炉之前,手绘的构思草图是必不可少的。设计师往往会从多个构思的手绘图中进行优劣对比,从中选出最合理的方案进行完善设计。由此可见,手绘草图从设计之初到设计完成是基础的基础。一个设计师要想在设计的道路上走的更远更长久手绘是必不可少的技能。很多有名的设计大师手绘的造诣都很高,当前国内的室内设计水平和西方一些发达国家还有一些差距,希望设计师们能够对手绘重视起来,通过不断地钻研和学习,提高自己的手绘水平,提高自己的设计水平。为中国未来的设计事业增添一份力量。 作者:候乐乐 单位:西华师范大学 手绘图在室内设计中的应用:手绘图在室内设计中的应用 摘要:在当今社会飞速发展的状态下,各行各业都在发生着翻天覆地的变化,人们对自己的生活水平的要求也逐渐提高,由原来的温饱问题逐渐提高到小康水平。人们对自己的生活品质越来的越重视。住房问题也是一样,怎样提高现代人的居住空间的品质,这已经成为现代室内设计师一个新的挑战。众所周知手绘在设计行业的重要性,然而在室内设计中也不例外。一个优秀的设计师除了具备一定的软件基础外,手绘能力也需要具备。对于设计专业刚刚毕业的大学生来说,手绘也会成为未大学生未来应聘工作的敲门砖。 关键词:手绘图;室内设计 改革开放以来,电脑逐步普及,电脑制作的效果图相比手绘效果图而言更加逼真,越来越多的设计师放下了手中的钢笔、彩铅,却拿起了鼠标和键盘。前些年甚至有一些国内外的设计师预言电脑制图终将取代手绘图,但经过时间验证的结果是电脑制图不可能取代手绘图,只有二者相互结合才能为做好设计提供帮助。有些设计师偏爱电脑制图,原因是客户只看电脑制作出来的效果图,这是不可取的。手绘可以瞬间把一些好的想法表达并记录下来,可以提高设计师对空间的理解和对美的认识。这些都是电脑制图所无法比拟的。由于室内设计是服务性的行业,这就决定了设计师的设计水平必须得到的客户的认可,达到客户要求的效果。当前国内义务教育已经普及,人们的文化和审美也逐步提高,客户已经不在单纯的观看电脑制作的效果图,而是注重设计理念,那么手绘正是表达设计理念最好的工具。事实上一些设计院校也把手绘纳入了必修课,一些高端设计机构也转而亲睐手绘图纸,手绘在设计界越来越受到设计师的重视。 一、手绘常用工具简介 1)彩铅表现。 手绘表现铅占据着非常重要的地位,由于携带方便颜色丰富倍受设计师喜爱。在手绘细节表现中,彩铅处理画面当中的灯光、天空、等需要颜色过渡的地方发挥了很大的作用,这是彩铅的优势所在,但由于彩铅的颗粒感比较强,在使用彩铅绘画的时候要注意材质的把握。另外,由于彩铅多次叠加后画面会显得发腻不通透,所以,彩铅绘画过程中下笔一定要准确、果断。这样才会达到所要的效果。 2)马克笔表现。 马克笔常用的有两种:油性马克笔、水溶性马克笔。油性马克笔是手绘效果图表现当中比较常用的一种马克笔。它的色彩透明度好,便于大场景的表现和光泽质感的刻画。由于水分蒸发的原因,画面色彩会发生变化。尤其是在比较薄的纸张上作画难度更大。但是两种马克笔的表现技法基本一致。由于马克笔笔触单调且不便于修改,对细节以及材料的质感表现难以深入。如果配合彩色铅笔使用,取长补短,画面表现力将大大增加。 3)水彩表现。 水彩表现效果的特点是画面颜色丰富、细腻,在一些灯光和层次较多变化复杂的渲染上有很大的优势。在使用技法方面简单易学,熟练后可轻松快速表现。而且在材料成本上较便宜,是手绘表现中很重要的一种表现形式。 二、学习手绘的方法 学习手绘之前必须要先明白什么是手绘?很多人以为手绘就是纯绘画,这样的理解是片面的。其实手绘和纯粹的绘画有着很大的区别。纯粹的绘画是作者对所见所想的一个表现或者是对个人情感的表达。而手绘则完全不同,手绘效果图除了需要作者以表现美为主外,大多数的手绘图都是设计师对空间、结构、及产品细节处理的表现。设计师在表达设计思想的时候通常是把线变成面,再由面转化为空间和结构的过程。由此可见,线条对手绘学习的重要性。通过一段时间的线条练习后,可以将线条逐渐转为面、体以及具体的物体来练习,这样不仅可以变相的练习线条,也可以对空间和结构有一个小的理解。第二步,在线条基本功过关的基础上就可以练习物体单体,比如灯具、沙发桌椅、床、等等,其实任何一个小的单体都是有结构和空间的,把小的空间和结构画好也是为以后的大空间和大结构做准备。第三步,经过对线条和单体的练习后,就逐渐过渡到室内空间的练习,也就是手绘效果图的基础。通过比例尺可以准确画出空间的具体尺寸以及空间中具体物体的尺寸及透视关系。再加上一些素描上的光影关系,就可以画出一张简单的手绘图了。完成一张手绘效果图还需要最后一步,就是最后上颜色的过程,上颜色的工具也有很多,有马克笔、彩铅、以及水彩等等。总的来讲,手绘图可以分为两种,一种是设计师设计前期用来记录设计灵感的草图,另一种则是设计完成的最终手绘的效果图。前者是记录设计的过程,是设计师的“笔记”,而后者是设计的结果,是给客户的设计方案。无论哪一种手绘图,对于设计本身来讲都是不可缺少的。 三、手绘在室内设计中的应用 手绘草图在设计过程中是一个很重要的阶段,它是整个设计的基础,设计师通过与客户交流能够快速的记录客户的想法和要求,并且在交流的过程中可以把自己瞬间的灵感用手绘快速表现并记录下来,客户可以很直观也很容易读懂设计师的想法,在接受业主要求的情况下,表现出满足其所需的空间场景,架起与业主畅快沟通的桥梁,有利于了解业主的想法与需求,大大地提高了工作效率,也提高了方案设计的通过率。并且设计师通过表现自己灵感的同时也会得到客户对自己的认可,这样也就增加了成功签单的机率。同时,有了手绘草图在和绘图员交流设计细节处理方面,手绘草图的优势则更大,比如在墙面造型处理上,设计师通过手绘可以快速表现出墙面造型的点、线、面的关系。把这些手绘草图整理起来,一个完整的设计方案便呈现出来,最后就是设计师给客户的最终的手绘效果图。近年来在国内一线城市中,手绘效果图已经得到了很多客户的认可,他们认为,手绘效果图比电脑效果图更具有艺术性,更能体现设计师的设计能力。好的表现方式会影响客户的对设计师能力的判断,同时也会给客户一个好的印象。 四、总结 总而言之,在一个完整的设计方案出炉之前,手绘的构思草图是必不可少的。设计师往往会从多个构思的手绘图中进行优劣对比,从中选出最合理的方案进行完善设计。由此可见,手绘草图从设计之初到设计完成是基础的基础。一个设计师要想在设计的道路上走的更远更长久手绘是必不可少的技能。很多有名的设计大师手绘的造诣都很高,当前国内的室内设计水平和西方一些发达国家还有一些差距,希望设计师们能够对手绘重视起来,通过不断地钻研和学习,提高自己的手绘水平,提高自己的设计水平。为中国未来的设计事业增添一份力量。 作者:候乐乐 单位:西华师范大学 手绘图在室内设计中的应用:手绘图对室内设计的作用 现今室内设计师在进行设计时所采用的手段是多种多样的,随着个人电脑与专业软件的日益普及,它的快捷性、直观性、科学性使计算机辅助设计受到了大多数设计师的青睐。室内设计师门在不断享受科学技术为行业所带来的“乐趣”的同时,诸多现象表明设计师自身的多种能力和专业素养在渐渐地丧失,懒散、浮躁、肤浅、抄袭等习性的养成限制了大多数设计师的出路。今天,手绘图在室内设计中对设计师提升专业能力和修养显得十分重要,它使设计回到真正的原点,设计思维将源源不断。 1、手绘图在室内设计中的内容 第一是视觉笔记。视觉笔记是设计师的图形手记,是与文字记录相对应的图形记录,它的内容是记录视觉信息为主,在某种程度上这些内容很难用文字来描述。视觉笔记的进行,要求设计师具有独立的观察力,好奇心以及持之以恒的毅力。随时随地记录与室内设计视觉相关内容才能够提高视觉敏锐性和表述性,提高专业视觉修养。 第二是设计草图(室内方案稿)。设计草图是设计师在设计过程中,通过瞬时记录、方案推敲来绘制的“不正规”设计图稿。设计师通过线条图形来直观表现设计师内心意图和理念,同时也为同行协作、客户、项目实施者提供信息交流、传递设计构思的符号载体。它是设计原创的体现。 第三是手绘效果图。室内设计师运用多种表现形式通过钢笔、铅笔、马克笔、水彩等工具绘制出具有空间透视,平、立面等具象的概念图像,其中包含了室内结构布置、色彩、光影、材质等诸多信息。手绘效果图在设计过程中能在具体设计实施前对设计结果有直观和形象的预见,在室内设计中占据非常重要的作用。 2、手绘图对室内设计师的作用 视觉笔记就像人们读书、听报告所作的笔记一样,从整体中提炼出来的信息是个体主观能动性和思维的外在表现。视觉笔记不仅仅是记录所见所闻,还是对偶发灵感的记录;这与照相机的相片记录有很大差别,柯布西耶曾说过照相机“阻碍了观察”。因为相片是对所见物的复制,而视觉笔记则是对事物的能动性观察,它可以从不同的角度表现物体,甚至通过移动、旋转视角来表达所不能见到的东西。因此室内设计师长期保持视觉笔记的习惯,有助于激发设计师的想象与联想,我们可以称之为形象思维。视觉记录可为我们提供信息符号的载体,信息之间相互激发又能产生新的想象与联想,每一次记录视觉体验都可以提高一个人的观察力,长时间的积累就形成了有价值的信息资料。设计师也在这长期的记录过程中提升了视觉修养,而视觉修养就包含了视觉敏锐性和视觉表达性,这也是很多室内设计师所缺失的能力。 设计草图具有自由、快速、概括、简练等特点,设计师能抛开许多细节和绘图工具的束缚,迅速捕捉到思维“闪光点”将灵感记录下来,并快速地进行细节及可行性推敲、完善与设计比对。设计草图对室内设计师还有一个作用是对室内设计进行周全、系统的设计,在最初的构思阶段,我们可将各个区域空间结构、功能分区等设计稿一张张记录下来,然后对这些草图进行理顺、分析、对比,最后综合起来形成完整的设计草案。从头至尾每个细节都是用草图来推敲完成,方案一经确定后就可以来制作施工图、透视图。设计草图能对整个设计意图的发展有全方位的把握。 手绘效果图在科技水平飞跃的今天,大多数被电脑制图所替代,电脑制图是文明的进步,但也有一定的局限性,它只是一个工具,它不能像手一样灵巧,不能快速、准确地把设计师的灵感表现出来。手绘效果图在室内设计中的应用主要在于手绘的艺术感染力,其创作过程凝结了构思与表现、感性与理性、客观与主观等众多本质因素,作品形成后这些因素都转化成了物化的审美对象。手绘效果图表现技法多种多样,从某种程度上来说一幅效果图的审美效果取决于作品的表现技法,一个设计师必须选择适合自己的绘制特点,绘制特点又来自对线条的理解和表现上。线条可以遵循客观对象的形体特征,还具备独特的形式美因素,如粗细、松紧、虚实、曲直、急缓等。最终完成的手绘效果图是既有客观写实又有艺术感染力的综合画面,电脑制图是无法将其替代的。 3、室内设计师如何掌握手绘图 设计师的生命在于不断创造,而创造的根本在于设计师内在深厚的修养,这其中不仅包括生活实践、文化思想修养和艺术审美情趣,还包括强有力的艺术技能要求。对于室内设计师而言,拥有无限设计创意思维和快速表现技法,不但可以实现设计的需要,同时还是提升个人修养的有效途径。因此“拳不离手,曲不离口”、持之以恒的坚持成为室内设计师掌握手绘图的根本。长期坚持手绘可以帮助我们迅速提升捕捉形象塑造的能力,深入刻画的能力以及取舍的能力,这些能力无疑是掌握手绘图的关键。 4、结语 手绘图在个人电脑与专业软件普及的今天,已逐渐成为每位优秀的室内设计师自衡的标准,画好手绘图要比使用电脑制图付出更多的艰辛和努力,但是我们还是要强调手绘图的重要性,还要继续深入发展,因为它充分体现了室内设计的原创精神、艺术感染力与设计师的自身素养。 (作者单位:湖南师范大学工学院 北京师范大学珠海分校设计学院) 手绘图在室内设计中的应用:室内设计手绘图表现手法 1 手绘图的定义 手绘图是快速徒手绘制建筑室内,室外的表现图,是可以带来直观感受的二维图。也可称为手绘效果图。 2 手绘图的分类 手绘图大体分为2大类,手绘草图和手绘表现图。 手绘草图大多情况出现在设计的初始阶段,为了能够迅速的扑捉到设计的灵感,快速的表达想法的一种表现图,图画很潦草,线条甚至很凌乱。草图是表达设计师最初的想法的,同时在画草图的过程中又能够给设计师带来新的创意。设计往往是从草图开始的,可以说草图是设计的初始创意图。草图大多是线稿的形式。 手绘表现图是在设计构思都成熟的情况下,设计师相对较准确的表达设计意图的表现图,和草图比较起来它的透视更准确,色彩更丰富,质感更逼真,效果更完整。它是设计最终效果的提前呈现,它能够更真实的表达设计师的思想及个性,同时具有很强的创造性。 3 绘制手绘图的工具 绘制手绘图的工具有很多,比较常用的是彩色铅笔,马克笔,喷笔,水彩颜料,水粉颜料,排笔等等。 彩色铅笔(BEROL EAGLECOLOR)是一种非常容易掌握的涂色工具,分为水溶性彩铅和一般彩铅。它的颜色多种多样,画出来效果较淡,清新明快,而且便于修改。有单支系列(129色)、12色系列、24色系列、36色系列、48色系列、72色系列、96色系列等。 马克笔又称麦克笔,通常用来快速表达设计构思,以及设计效果图之用。有单头和双头之分,墨水分为酒精性、油性和水性三种。能迅速的表达效果,是当前最主要的绘图工具之一。 喷笔是能令涂料呈雾状喷出以达到均匀上色目的的重要涂装工具。能制造出十分细致的线条和柔软渐变的效果。可以更均匀的喷涂涂料,可以更好的控制涂料的厚薄以表现色彩轻重、明暗等细微差别,易于大面积喷色而不产生色差,可以自由的根据自己的喜好和需要,任意调和出各种色彩,完全不受拘束。 水彩(watercolour)一般称做水彩颜料。透明度高,色彩重叠时,下面的颜色会透过来。色彩鲜艳度不如彩色墨水,但着色较深,适合喜欢古雅色调的人。即使长期保存也不易变色。 水粉(Gouache)又称广告色,是不透明水彩颜料。可用于较厚的着色,大面积上色时也不会出现不均匀的现象。虽然同属于不透明水彩颜料,但水粉一般要比丙烯便宜;但在着色、颜色的数量以及保存等方面比丙烯稍逊一筹。 排笔是由几枝毛笔连成一排而成,用于绘画、裱糊、粉刷或油漆等。指的是一种绘画、制图、装饰时使用的一种涂抹染料的文具或工具,有时也指绘画方法。 4 手绘图的表现技法 表现技法按照使用工具的不同大致可以分为:水彩表现法,水粉表现法,马克笔表现法,彩色铅笔表现法,综合效果表现法等,目前平时工作当中使用的最多的是马克笔表现法。因为它方便,快捷,表现效果佳。 5 优秀手绘表现图的评判标准 我个人认为一张优秀的手绘表现图应该具备一下几点: (1)首先要选择一个合适的角度,视点要舒服,透视要准确。 (2)要有良好的素描关系,要主次分明,重点突出,虚实有变。 (3)要有丰富的色彩关系,丰富的色彩一定是统一在一个大的主基调里面的,绝不是杂乱无章的。 (4)材质表现要分明,通过色彩,肌理,光感,反射等准确的表现出材质的不同。 (5)更为重要的一点就是能够充分的表达出设计师创意的初衷,这点尤为重要,也是手绘图的目的所在。手绘图画的不管是多么漂亮,多么动人,多么艺术,最终目的是要表达设计意图的。 6 怎样画手绘表现图 (1)起稿先用铅笔轻轻的按照设计的要求把透视,角度,家俱,摆件等每一部分结构都在纸上勾勒出来,力求要透视准确,角度合适,物体比例得当,稿起的好坏直接关系到这张表现图的成与败,可以毫不夸张的说起稿是一张优秀手绘表现图的基本要素。 (2)勾线 简单的说就是在已经完成的铅笔稿的基础上用针管笔把线稿重新描一边,描线时注意千万不要一视同仁,平均主义,胡子眉毛一把抓,哪都画的很好,结果适得其反,没有主次,要有重点刻画,可以把物体的明暗,质感相应的表达出来,一定要做到主攻分明,虚实有度。 (3)上色上色时注意抓大关系,抓住主要基调,先把大的色调及关系表现出来,不要一开始就去着重刻画细节,按照先大后小的步骤一步一步的来绘制,大就是指大关系,大色调,是全局,小就是指单个物体,细节,是局部,要避免画面出现凌乱的效果,同时还要着重刻画不同物体的质感,光感,注意虚实变化,前后关系等等。 (4)调整调整阶段也可称为画龙点睛,是至关重要的一步,上色完成后,大关系,大基调,大效果已基本呈现,可是还少了一些出彩的部分,还不能够使观者感到兴奋。调整就是根据画面情况加强重点部分的刻画,同时注意物体与物体之间的色彩变化,适当加入环境色,做到物体你中有我,我中有你,有机的融合在一起,画面最终呈现出既有重点,又相对和谐的完美状态。 7 手绘图之现状 随着科学技术的飞速发展,电脑的普及,电脑三维效果图的出现,以及专业制作软件的不断升级更新,电脑绘图以更具真实性的效果表现,逐渐被大众认可,接受,甚至追捧。打破了过去手绘图一统天下的局面,好似有取而代之之势,现在会画手绘图的设计师越来越少了,画的好的更是凤毛麟角 手绘图走到了它的历史最低谷。 8 手绘图一电脑效果图 手绘图快速,灵活,个性,有浓郁的个人风格,有极强的艺术感染力。而要画好手绘图,没有几年功夫,没有足够扎实的绘画基础和表现技巧恐怕是难以实现的,也就是说手绘图对设计师的要求更高。 电脑效果图和手绘图相比较不仅在清晰度,光感,质感,准确性上面有极大的优势,而且电脑效果图修改起来也极为方便,非常适合现今高节奏的工作状态,在学习方面电脑绘图也相对简单,易学,对初学者的要求不高,种种优势使得电脑绘图得以迅速发展。当然了电脑绘图也存在一些不足,比如说它模型单一,千人一面,机械,死板,艺术感染力差等等。 电脑也好,画笔也好,都是设计师表达创意的工具,二者同样重要,不能片面的强调某一面而忽视另外一面,应该齐头并进,并在掌握好扎实的基本功的同时,做到根据实际情况选择适合的表现方法。 9 手绘图之“明天” 纵观效果图的发展史,电脑效果图在某种意义上是手绘表现图的发展,延伸。它弥补了手绘图存在的不足,但是手绘图在设计中的作用是毋庸置疑的,是无法取代的,电脑绘图无论大到整体色彩关系,体量大小的调节,还是小到材质的协调与搭配,都是由手绘图作为基础,指导的。基于目前国内手绘图的现状,为了唤起设计师及大众对手绘图的重视,每年相关专业协会,部门都会举办手绘图设计大奖赛,以推动手绘图在设计中的作用,促进设计的健康发展,相信手绘图的“明天”更美好,设计的“明天”更灿烂。
民族文化在广告设计的运用:民族文化对平面广告设计的影响 一、平面广告设计以中华民族文化为基础的创意特点 广告设计师们以民族传统文化作为养料设计创作广告,充分挖掘其潜能,大胆地在这片肥沃的土地上汲取吸收营养,以其为创造灵感,创作广告并更好地服务人民,拉近商品与消费者之间的距离。以中华民族传统文化为基础的广告设计,从传统民族文化着手,以光辉灿烂而又源远流长的民族文化作为滋养,掌握了民族性的手段,将使其作品拥有更为广阔的发展空间、更为深厚的文化底蕴和更为深层次的文化内涵。平面广告设计以传统的民族文化为基础,强调“意”字,具有意境美和审美意蕴以及视觉美。这些可以从以下优秀的、完美的设计作品中看出。 奥运会每四年一次,各个国家为了争取举办奥运会的机会,使出浑身解数设计深奥标志。我国2008年的深奥标志造型独特,独具匠心,整个造型运用我国特有的似与不似的写意手法,没有对传统造型的照搬照抄,而是充分发挥想象,大胆地创作,恰到好处的传递出“运动员”和“中国结”之间的视觉意象。申奥标志不仅得到了全世界的认可,同时也体现了中国传统文化特有的审美意蕴,将我国传统文化向全球传播和推广。 香港的著名设计师陈幼坚为“李锦记”设计调味品包装的系列,运用我国传统的图像“娃娃”、“年画”、“龙”、“祥云”等,与现代的文化内涵相结合,进行创造性的处理和安排,以传统图像的方式对中国传统文化特色进行突破性的改造,使其适应现代人的视觉特点和审美特点,并与产品个性充分融合。把老字号“李锦记”这一调味品的文化内涵和文化氛围进一步提升,使其在同类产品中出类拔萃,独树一帜,别具一格,并成为一种平面广告文化,可以传达这个商品标识的文化。 二、民族传统文化和平面广告设计的关系 已经进入“视觉化时代”的后现代社会,平面广告设计的图像对传统民族文化的借用应比一般的广告设计更具有视觉震撼,现代平面广告设计的最主要特征就是具有强烈的视觉冲击。平面广告设计的图像有三层内在含义:能引起信息交流的视觉符号;生动的、具体的、直观的形象;通过视觉途径进行。其画面具有动态特点,在文化领域扮演着重要的角色,以其特有的魅力吸引着广大群众的注意力,并迅速而有效地传递着个性化的商品信息。“图像”作为平面广告设计中的最基本的传达工具,它是外界与主体交流沟通的唯一渠道,人们习惯把其称作是形态语言。形态语言借助视觉元素,并通过点、线、面和色彩等生成的某种形象和状态,以生动的形态语言表达内容,吸引观众,最终通过视觉感受而完成情感交流。平面广告的设计师们一定要尽量使图像趋于视觉化,如果无法做到便于沟通和视觉化的话,其设计也就失去了意义,无法表达其灵魂深处的内涵。在信息如此发达的今天,文化资源是铺天盖地,信息资源如此丰富,传播途径更是便捷。平面广告的设计无法摆脱与文化自身的裙带关系,并受民族文化的限制。设计师在设计平面广告时,应加深对民族文化的理解并将其合理运用,把现代的广告设计理念与传统的文化内涵结合起来,运用具有代表性的抽象或具象的图像,来表达民族文化的内涵,丰富平面广告设计的创作方式,促进平面广告设计的发展和繁荣。 三、结语 在经济文化如此发达的今天,新旧时代不断地更替转型,我们必须坚持不懈的继承和发扬传统民族文化,立足于优良的民族传统文化,注重文化内涵和文化价值的积淀。我国的传统文化焕发无限魅力,吸引着更多观众的侧目,广告中的民族文化内涵,不仅充分显示我国古老而神秘的文化底蕴,而且能与国际更好地交流与沟通。运用现代广告设计理念和传统民族文化,切实有效地推动广告业的发展。 作者:王晓红 任欢 单位:保定职业技术学院 民族文化在广告设计的运用:民族文化与广告设计论文 1中国民族文化元素在平面广告设计中的运用价值 1.1文化价值 文化价值有两层含义:首先,通过提取中华民族文化当中的精华元素,将其灵活的运用到平面广告设计当中,这自然会提升平面广告的文化内涵,使得平面广告体现出其独特的文化特质,提升其文化品位。其次,平面广告设计中民族文化元素的应用实际上是对民族文化的具体化和形象化展现,是对文化传统的一种审美再现和传承发展,是将传统文化特色、风俗习惯等于现代时代气息有机结合创造出来的新型的文化形式;平面广告除去商业价值之外,在文化的传承和发展上发挥着不可忽视的作用,而这正是民族文化元素应用于现代广告设计中所展现出主要的文化价值所在。 1.2美学价值 从审美角度而言,中国民族文化有着独特的美学价值,它反映着中国历史发展、社会风貌等众多方面,同时也展现着人们的精神世界。将民族文化元素应用到平面广告设计当中,实现文化元素与广告设计的完美契合,从多角度、多层次探寻和创造民族文化的审美特质,让现代平面广告能够符合人们的审美取向,是平面广告应当追求的美学价值。事实上,广告设计是一种艺术创造性活动,虽然与现代商业活动息息相关,功利化气息较重,但是也不能掩盖其美的创造;而且只有通过迎合大众的审美情趣,平面广告才能够真正发挥其价值。 2中国民族文化元素在平面广告设计中的运用体现 中国民族文化元素包含十分丰富的内容,在平面广告设计运用中往往有如下几个方面的体现: 2.1色彩搭配 作为一种视觉传达的方式,平面广告对于色彩的运用自然是不可或缺的。色彩通过直观的视觉冲击,能够让消费者感受到产品的显著外在特征;同时也能够给予消费一定的文化体验和精神享受。在平面广告设计中,设计者通过运用具有本民族特色的色彩搭配能够恰到好处的传达产品的理念和魅力,吸引并引导消费者。青、黄、赤、白、黑五色,为中国传统的“五色观”,这些颜色在平面广告设计中会经常用到,而且往往是以两种及其两种以上颜色的搭配进行运用,例如:红与黄的搭配,麦当劳平面广告就采用了这样的色彩搭配;黑与白的搭配,凸显强烈对比,舍得酒的平面广告就运用了这样的色彩搭配。再如:蓝与白的色彩搭配。代表蓝与白色彩搭配经典风格的莫过于中国的青花瓷,在外国人看来,青花瓷白如玉、蓝如天,正是中国文化的典型代表,富有浓郁的中国特色。蓝色给人以宁静,白色则彰显纯洁之美,两者结合给人典雅静怡、超凡脱俗之美,独具浓郁的中国文化神韵。 2.2形的演绎 在平面广告设计当中,对于中国民族文化元素行的运用方面,不少设计是直接运用文化元素,即将文化元素进行简单的拼凑,直接表现表现设计作品的含义。但是必须看到,民族文化尤其是传统的民族文化距离现代社会有较长时间,而且商业的需求也具有较强的针对性和倾向性,所以必须在民族文化元素的基础上,通过运用简化、错位、夸张、强化等方式对民族文化元素进行形式的转移、演绎,对其进行在此处理或重新组合,是为人们所熟悉的视觉文化元素产生新的艺术表现形式,向人们呈现出全新的而又不失民族文化特色的设计作品。奥运会海报的设计就是在传统京剧脸谱则以原有文化元素的基础上,进行了形的演绎,在脸谱上绘制出一个个运动员的形象,完美的将奥运会的运动主题与中国传统京剧脸谱结合起来,一方面体现出了北京与奥运会的关系,另一方面也展现了浓郁的民族文化特色。 2.3神韵传承 每一个中国文化元素背后都蕴藏着中国文化的哲学理念,体现着中国文化的神韵和意境。中国文化讲求悠然禅意和超然的境界,这在中国文人的诗词以及书画文化当中都能够得到充分体现。在现代平面设计中,借鉴并传承中国文化的神韵与意境之美,能够让设计作品展现出极富民族特色的魅力,让作品发挥潜移默化的感染、熏陶作用。2008年北京申奥标志的设计采用了中国传统吉祥图案中国结和太极拳,运用了中国书法艺术中的“笔不到而意到”的写意手法,将中国结、太极拳运动员意象与吉奥运五环有机结合,具有行云流水般的生动和谐,一方面表达了中国人民对奥运会的期待,另一方面彰显了中国人民对承办奥运会的自信。”可以说,这一个设计是完美结合传统文化元素与现代设计的典范,是对中国民族文化元素神韵的完美展现。 作者:赵喆 单位:长春工程学院 民族文化在广告设计的运用:平面广告设计中的民族文化元素应用 人类社会中商业文明元素的兴起和发展,使得广告逐步融入世人的基本生活实践环境之中,近现代历史发展时期,伴随着报纸、电视、以及广播电台等各式媒体形式的出现和发展,使得广告的形式以及内容承载领域逐渐向着多元化的方向悄然演化。广告事业的不断发展壮大,使得广告行业领域逐步成为现代化社会文明建设事业的深刻象征。伴随着文明的发展以及全球化进程的不断深化,我国当代广告设计业,在元素选取以及设计思路确定实践过程中,对西方国家已有的部分广告作品进行了借鉴,造成了不良影响,为了有效解决这一发展路径过程中的不良现象,结合中国古典文化本身具有丰富底蕴,探索平面广告设计实践的全新实现策略,意义深远。 一、水墨技法在平面广告设计中的运用 1、在平面广告设计中运用水墨艺术技法的重要性简析 现阶段,之所以会有一部分当代设计师在开展平面广告设计的过程中使用水墨技法,其主要原因可以简要分析如下:其一,水墨技法在平面广告作品的设计构图过程中,能够发挥相对充分的画面烘托作用,所谓烘托,就是要将单调化的主题表现元素放置于专门设定的特定化效果呈现背景之下,实现元素表现效果的丰富性、情趣性以及内涵性特征,切实增强画面表现内容的可欣赏性,进而实现设计工作的预期效果。第二,水墨技法在平面广告设计工作中能够发挥视觉观感层次的引导效用。当平面广告的呈现画面中仅仅包含文字排版表现元素时,使用水墨表现技法,就可以在视觉层次给广告观赏者提供充分的观赏引导,实现广告表现内容的最佳呈现效果。第三,水墨技法应用在平面广告设计中,能够比较有效地提升设计工作面的层次感,通过浓淡与干湿、虚实相称的章法布局,在有限的平面内容表现空间内,展现出相对丰富且完美的空间布局以及设计内容,提升平面广告设计作品的可观赏性以及艺术价值水平。这里有一点应当引起特别的注意,并不是所有类型的等待推销产品都适合使用水墨美术技法来进行设计,要针对具体广告商品对象实际具备的属性特征,有针对性地决定是否选取水墨美术技法参与设计工作,并针对具体商品的实际生产销售实践状况,决定水墨表现技法的实际应用模式。 2、平面广告设计中水墨表现技法的应用模式 就形式和内容角度的比较而言,水墨艺术与平面广告设计本身就具有较为鲜明的差别,随着当代国人思想观念体系的多元化发展趋向,传统艺术形式与现代广告设计艺术之间的结合出现了充分可能。水墨绘画艺术,其基本的表现技法可以划分为烘、染、破、泼、积等,在艺术应用的过程中,对笔的运用技巧具有着较为深切的关注,并以此来实现对广告设计艺术作品的意境创造目标。水墨绘画表现艺术,为平面广告的设计实践提供了较为丰富的效果表现资源,实现了平面广告设计艺术作品在外在表现以及内涵创造层面的深刻拓展。 二、中国画元素在平面广告设计中的应用 1、写意元素的应用 “写实”与“写意”是全世界范围内的美术研究者,在分类美术作品表现技巧过程中的基本评判角度。“不求形似”但求“意趣之浑然天成”是中国文人画的代表性特征,中国画家在创作实践过程中,往往会经常性地趋向于借助外物来实现对内心意趣的表现,在较大程度上,借助于客观存在的外物,来展现内心世界中含蓄内敛的情愫。在现代平面广告作品的设计实践过程中,缘于照相机设备以及当代多媒体图像信息采集技术的日渐发展成熟,使得原本的写实性图象艺术实践技法日渐缺乏了在艺术领域的发展优势,与此同时,“写意”化的艺术表现技巧日渐成为当代艺术家群体的追寻目标,在“似”与“不似”的画面设计与呈现实践的过程中,实现平面广告设计艺术作品的最佳表意目标。 2、境由心生的空间处理技巧在平面广告作品设计实践过程中的应用 中国画艺术在处理空间关系问题的过程中,比较侧重于关注虚实关系的处理,致力于强调境由心生的艺术表现理念,中国绘画大师在运笔和用墨的过程中,比较深刻地强调对气和韵的表现,使作品的观赏者,在有形的表现场域中感受无形世界的内在底蕴。如果将中国古典绘画艺术在处理空间关系问题过程中的相关技法迁移到现代平面广告设计作品的设计中,势必会给广告作品的接受者带来别样的心理感受。虚实关系的营建可以通过画面表现内容的疏密安排来实现,在疏密相异的线条安排结构与内在性的相互对比中,展现含蓄而隽永的表现意境。优秀的广告艺术设计作品不能仅仅局限于优美的画面表现,还应当扎实实现画面空间内部的色彩、图形以及材质等要素的创意化组合与处理,意在逐步形成美观、和谐,以及出人意料的表现意境。传统的水墨画往往依靠虚实切换且疏密相间的线条,以及画面构图中留白空间区域来实现画面表现的含蓄性目标,这一点给现代提供了充分的借鉴空间,相比元素和表意工具慢慢分布的广告作品,包含适当留白空间区域的设计作品,无疑具备了更加充分的表意内涵,值得推崇。 三、结语 实现中国民族元素在平面广告艺术设计中的应用,应当切实保障广告设计人员对水墨画以及中国画初等表达技巧的学习和掌握,并在设计实践中逐步增加相关元素的应用比例,实现广告作品表意内容丰富性层次的有效提升。 作者:武敏 单位:中北大学艺术学院 民族文化在广告设计的运用:广告设计中民族文化的渗入探讨 摘要:随着社会信息化的高度发展,简单的报纸及杂志已经不能满足时代的要求,21世纪的我们已经进入了一个无法估量的影像时代,其中平面广告便是本时代的集大成者。广告设计不仅仅是对一些图片的乱拼乱凑,相反,它是文化的象征及精神的一种体现,其传达了商品及服务的有关信息,并且传递出一种美的感觉。在广告设计中,大部分设计者的灵感往往来源于我国历史悠久的传统文化。因此,广告设计应该走民族化发展的道路,植根于传统文化的土壤中,吸收传统文化的精华,并在此基础上对文化精髓进行创造性的转化,在广告设计中既体现出传统文化的民族性还得体现出其时代性。 关键词:广告设计;传统文化;民族性;时代 一、引言 世界的全球化带来了社会的现代化及信息化,广告已逐渐深入我们的日常生活,渐渐地影响着我们的生活国内国外错综复杂的思潮不断涌入。给广告设计带来契机的同时,也带来了前所未有的冲击。当今,如何将民族传统文化与广告设计相融合,是对本土设计者的重大考验。通过浏览近代的广告设计作品可以发现,其中不少能称之为经典,就是基于这些作品在某种程度上结合了传统文化中的一些审美因素。这些经典作品不仅体现了广告设计的观点及潮流的变化,还反映出民族历史文化的审美倾向,彰显出传统文化和现代广告设计向融合的艺术魅力。 二、广告设计总的民族传统文化因素 民族传统文化就如营养成分一样,不断滋润并支撑着广告设计,而设计师们不断的从传统文化中吸取营养,获得知识,最大化地发挥他们的设计才能,从而更好的为商品服务。一个好的设计和创意,可以直接缩短设计师和顾客的距离。从文化入手,用文化来充实,深刻掌握民族的特征,让设计的作品充满深厚的文化底蕴并具有宽广的发展空间,广告设计中通常渗透一个“意”字,并体现出传统文化的魅力。只有巧妙完美地将传统文化与广告设计结合在一起,才能映射出中国文化独有的审美韵味及时代感。 三、广告设计与民族文化的关系 (一)广告设计对民族图案再生性的运用 在广告设计中,可以对一些图案和色彩的搭配进行再生,从而在继承民族文化的优点同时又创造出新的东西,这样就可以和时代实现完美接轨。广告设计的创新即是对民族文化特点的发展和传承,我国各个民族都有其自身的特征,诸如:藏族人的豪放、傣族人的温柔善良、哈尼族人的热情、独龙族的严谨沉稳等等,在广告设计中都可以利用这些特点进行广告创意。中国的传统文化源远流长,设计师们要想将民族文化象征符号在广告设计中进行延伸发展,就必须在理解的基础上对民族文化象征符号进行在创造。通过提炼民族艺术风格元素,将其巧妙合理的用在形式美的法则中,进而设计出既有民族风格又有时代感的作品。 (二)民族传统文化使得广告设计产品更受广大群众的青睐 由于国内外文化的相互渗透,不同思潮的不断出现,在某种程度上改变了人们的价值观念和思维模式。尽管广告设计受到了新思潮的冲击,但是人们并没有丢弃传统文化,我国五千年的文明文化仍然在影响着人们的思维。所以,彰显传统文化的广告设计相对可以更好的吸引观众的眼球,也在一定程度上更加符合人们的文化品位和风俗习惯。民族文化使得广告设计产品更加具有说服力、影响力及艺术魅力。所以,如何更好地把民族传统文化广泛的运用于广告设计中,这是我们设计师的最终目标和不懈的追求。在一方面,广告能够长期生存的关键在于其能否打动人心并得到广大群众的认可。这样就需要广告在构思上具有一定的文化底蕴,能够触动人们的心弦,进而使他们产生共鸣之处。广告设计采取各种行为来表达商品的内涵,且通过视觉引起居民的关注,最终实现其目的――购买。成设计产品能够成功的重要决定因素便是安排好民族文化在广告设计中的角色,并巧妙地凝练出文化的精华部分。在广告设计中融合民族文化,不仅能减少广告设计中的商业气息,而且还增加了其自身的品位,从而增强了广告作品的表现力和艺术魅力。 四、总结 在经济全球化的大背景下,随着传统文化成为广告设计的生存基石,我们必须注重积淀传统文化的价值,发扬中国优良的传统文化。要想实现广告设计的完美精致,设计师必须有效吸收传统文化,并将历史的底蕴和悠久文化运用于广告设计中。这样不仅能映射出我国神秘的东方文化底蕴,而且还能与国际进行沟通和传播。因此,我们需要找到我们自己的新形象,走向世界,使得传统文化符号在广告中体现出民族性、时代性及世界性,进而促进社会主义和谐社会的建设和发展。 作者简介: 李敏,男,江西赣州人,江西理工大学应用科学学院助教,研究方向:视觉传达。
小学美术论文:多媒体小学美术教学论文 一、运用多媒体教学,营造美术课堂的梦幻美感 由于小学生的认知能力和欣赏水平有限,在小学美术课堂教学中,由于教学工具的欠缺,美术老师往往会感觉不知道如何开讲,很难将课堂教学中的内容做到认真描述,而美术课堂的所特有的色彩美感也不能与学生充分分享,对于学生的课堂教学大打折扣。而运用多媒体技术辅助小学美术教学,教师可以将事先挑选的图像、声音、视频和背景知识整理成为课件,在课堂教学的同时,多媒体课件所传达的教学内容可以同时调动学生的眼睛和耳朵,刺激其视觉和听觉,充分渲染美术课堂的课堂教学氛围,打造亦真亦幻的课堂教学氛围。比如,在进行模型结构分析和色彩搭配教学过程中,就可以充分发挥多媒体课件的优势,可以通过多媒体课件动态演示模型内部结构和外观设计,而且可以通过模型的旋转来充分体会到建筑之美,感受到建筑物的3D立体之美,整个课程教学可以立体生动,比教师简单的宣导要有效的多。而在色彩搭配教学方面,可以通过多媒体课件将三原色的之间色彩原理直观呈现在学生面前,而通过教师的引导,学生的动手操作,就可以通过三原色的搭配模拟出自然界任何一种颜色,这种教学模式就可以让学生直观了解到色彩的原理,充分感受到自然界的色彩之美。 二、运用多媒体教学,拓展美术课堂的创新视野 小学阶段作为学生脱离家庭环境,步入社会的第一个阶段,他们的创新思维和逻辑思维具有很大的可塑性,而通过课堂知识的宣导,学生可以继承过去创新思维的结晶,也可以为将来的创新思维打下良好的基础。因此,在小学课堂教学中,努力拓展学生的创新视野也是广大美术老师的教学重点之一。在传统的小学美术课堂教学中,学生往往因为没有必要的辅助学习资料和自身的年龄限制,对于创作感觉无从下手。通过多媒体技术,可以极大地拓展学生的创作思路,提高学生的信息吸收能力,挖掘学生的创新潜能。比如,在进行相关的设计课教学的时候,教师就可以将课堂搬入到多媒体教室,教师通过多媒体电脑给学生们播放相关的光盘资源或者相关的音频资料,引导学生通过不同的途径和不同的手段来表现设计元素,这样可以开拓学生的视野,提高学生的认知能力和创新能力。 三、运用多媒体教学,加强美术课堂的德育渗透 在我国九年义务教育过程中,进行适当的德育教育是教学目的之一,也是教学的手段。美术教育作为小学课堂教学的重要组成部分,在德育培养方面也肩负着非常重要的作用。在传统的美术课堂教学中,德育渗透大多停留在教师的课堂宣导和课下温习巩固上,德育渗透或者流于续表,或者成效甚微。多媒体技术作为最强的信息技术,它可以充分结合小学课堂的审美教育,充分挖掘和展示教学课本中的德育内涵,从而能够达到提高学生的思想道德水平,培养小学生良好的道德情操。比如,在美术欣赏课中,可以通过多媒体课件播放我们国画大师的山水画精品,带领学生们感受我们国画所特有的氛围,也感受到我们国家独有的文化魅力和国家的大好河山,通过多媒体课件,就可以将爱国心和民族情自然而然地融入到了美术课堂教学中来,使得学生,们油然而生一种民族自豪感。而在《我爱劳动》、《美丽家乡》等主题创作过程中,也可以通过多媒体课件播放相关的创作素材和创作背景,激发学生对于劳动的热爱和对家乡的憧憬,培养他们的爱国主义情操。 四、总结 多媒体技术作为当前炙手可热的课堂辅助教学工具,能够真正有效地将趣味性、实用性和开拓性融入到传统的美术课堂教学中,极大地减轻老师的教学工作量,又能很好地提高课堂教学效率,我们的小学美术老师一定要积极努力地掌握这门技术,将它真正融入到课堂教学中来,不断地将小学美术教育推向纵深发展。 作者:李霞单位:河北省昌黎县杏树园小学 小学美术论文:加强小学美术教学论文 一、加强小学美术教学质量的措施分析 教育体制改革的目的就是更加重视并促进学生的全面发展。目前,小学美术教育存在不少问题,教学内容枯燥,教学方法、教学手段单一,教学秩序混乱等。美术作为一门美育的特殊学科,其内容的丰富性、教学方式的趣味性和有效性等将直接影响到教学质量。因此,小学美术教师要跟上时展的脚步,树立现代化教学理念,采用各种手段帮助学生学好美术课。为了加强小学美术教学质量,应采取如下具体措施: (一)提高教师自身的素质,发挥主导作用师资力量是保证教学质量的前提,目前很多小学在美术方面的教师资源力量还比较薄弱,专业水平也不高,有的美术老师还是语数英老师兼任的。此外,教师的自身素质也会对教学质量产生极大的影响。在倡导自主学习的新课标改革的要求下,美术老师必须不断加强自身素质,改进教学方法。因此,小学美术教师首先要转变教学观念,树立现代素质教育理念。其次要加强自身专业水平。学生由于年龄和知识水平的限制,还不能完全理解教材插图的造型与艺术表现背后的含义,对美术作品的内涵、艺术风格等也没有掌握,达不到审美的要求。因此,美术老师必须加强自身素质,不仅仅要具备美术专业知识,还要善于将自己对美术的见解与经验,以积极的情感体验为基础,用学生喜闻乐见并积极主动参与的形式,提高自身美术教学水平。 (二)利用多样化教学手段,丰富课堂教学小学生比较好动,容易被别的东西吸引注意力。要想保证课堂教学规范,提高美术教学的质量,要求教师发挥教学热情,采取多样的形式,传授美术的基础知识技能,丰富课堂教学。采用现代化的多媒体技术进行美术教学就是很好的教学手段。从网上获取教学资源,结合美术课程的特点,拓展、丰富教材内容。创设生动有趣的教学情境,营造活跃的课堂氛围。创造自由互动的课堂也是非常有效地手段之一。综合使用讲授、游戏、讨论、演示等教学方法,采取合作互助的方式,让学生积极开展自主学习、合作交流,学会自己判断美丑、感悟绘画作品的内涵,并进行自己的绘画构思。使用正确的教学方法才能有效地丰富课堂,加强小学美术教学的质量。 (三)注重学生的兴趣培养,培养审美意识兴趣是最好的老师,兴趣是最强的动力。小学生的思维跳跃非常快,总是乐于对自己感兴趣的事物展开一些思考和研究。因此,美术教学要注意开发学生的兴趣资源,吸引学生主动去认识美,发现美,集中注意力在美术课堂上,学习效率必将有所提高,从而教学质量也得到了保证。探究性、综合性美术写生活动的开展就是培养学生兴趣的一种手段。让学生走出课堂,走进自然,从具有不同形态、结构、比例和色彩等的世间万物中挖掘自己感兴趣的,有特别感悟的绘画素材,不但能拓展学生的课外知识,开拓视野,还能培养学生的审美意识,通过亲身体验,从教材、从周边的人事物中发现美、领悟美,享受美术学习的快乐。 (四)实现多样化教学评价,启发审美创造不同的人对事物的欣赏角度不同,发现的美也不同,因此,对小学生美术课的评价不应该限定在分值上,教师必须多角度全方位的评价学生的学习成果。从实际从发,针对小学生的不同性格特征和不同感悟能力,制定出层次分明的适合不同程度学生的学习任务和学习目标;教师要站在与学生平等的角度,在尊重学生的艺术欣赏的同时给予客观指导,善于发现学生身上的闪光点。从构图或调色能力,从临摹相似度或创新性等多方面引导学生自由发挥,展开丰富的想象,培养学生的观察能力,锻炼学生的艺术表现力和审美创造力。 二、结束语 为了加强教学质量,作为小学生美育的启蒙者,美术教师要改变教育观念,不断改进教学手段,培养学生的艺术欣赏和审美创造能力;规范美术课堂,不断创新欣赏教学绘画的方法,让学生不仅学会欣赏美,还要学会创造美,更要学会感悟美,培养学生的健康人格和审美情操,促进学生全面发展。这才是最高教学目标,这才是教学质量得以提高的表现。 作者:钱晶单位:石家庄市友谊大街小学 小学美术论文:有效提高小学美术教学论文 一、小学美术教学的现状 以往的美术教学以精讲多练为主要特点,精讲与多练是教学的重要部分,但是在美术教学中直接、简单地传授知识是不够的,教师在课堂上对着课本讲解,布置学生对着课本画画,而有些只有用自己的眼睛才能看到的知识,学生就难以掌握了。更多的学生开始依赖教师的眼睛学习知识,感受能力与审美能力得不到有效培养。如果美术课只是靠教师的口头讲述,就会失去应有的形象化,使学生无法感受到观赏艺术作品时的视觉活动,难以从优秀的美术作品中获取知识。根据美术课的特点,在练习中学习知识在专业美术学校是可以被应用的,但是要在小学教学中进行就较为困难。我们经常可以发现部分高年级学生无法完成一份令自己满意的美术作业,渐渐失去对美术的兴趣。关于美术课作业的评价一般都是由教师拿几份作业进行讲解,指出哪里不好、需要怎样改进。进行作业评讲本身是没有错的,但是教师评讲的内容大同小异,有些教师为了调动学生的积极性而进行优秀作业评选,结果往往违背了美术教学的规律。学生会根据教师的评价标准创作自己的作品,久而久之就失去了创造性,为了迎合“优秀”的标准而改变自己的个性,进而封闭了创造意识。 二、提高小学美术教学实效性的措施 1.在适当的情境中激发学生的创作意识 以往的教学以教师的课堂教学为主导,这种教学方式是难以有效提升学生的自主学习能力的。随着我国美术教育的改革,教师在教学过程中要创造一定的情境,针对学生的自主创新意识,进一步强化学生的创造性思维,把以往教学中学生被动接受知识转变为主动进行学习,把教育的重点放到学生的创造过程中。小学美术教师要在教学过程中给学生提供探讨的机会,让学生可以在美术学习中获得快乐,从而充分发挥创造力。 2.鼓励学生积极参与是提高教学实效性的重点 在美术教学中要把学生放在主体的地位,以教师的引导为辅,如果教学过程中学生没有积极参与进来,就会极大地影响整个教学的实效性。由于小学生的心智尚未成熟,所以他们选择积极参与的动力主要是来自自身的兴趣以及教师的鼓励等,所以教师要很好地利用这一点鼓励学生积极参与。教师在整个教学过程要不断总结反思,要从固有的教学模式中走出来,增加课堂教学的趣味性。 3.给学生提供一定的探究活动,突出学生的主体地位 在如今的小学美术教学中,教师要转变学生的学习方式,使其由被动的接受学习变为自主的探究式学习,最大限度地提高学生的学习积极性,让学生在美术学习中根据自身具备的知识独立思考,找出解决问题的办法,从而培养学生的创新能力,突出学生在教学中的主体地位。 4.教师自身要具备教学实效性的意识 教师要具备教学实效性的意识,在开展教学活动之前预想整个活动实施后产生的效应,以此规划在整个教学过程中的行为,提高教学的实效性。而教师在教学中具备一定的实效意识是促进学生自主学习的重要因素,也是提高学生自主创新能力的关键所在。所以,要想提高小学美术教学的实效性,教师必须具有一定的实效意识。 5.提倡学生的个性展示,培养学生的综合能力 在小学美术教学中,想提高学生的创新能力,教师就要尊重学生的个性发展,让学生得到一定的自我展示的机会,鼓励学生大胆说出自己的观点,对他们的美术作品从不同的角度进行赞美,提高学生创作的积极性,对表现欠佳的学生不能严厉批评,而要耐心、适当地引导,让他们始终处于一种放松的学习环境中,鼓励他们大胆发挥自己的创作才能和想象力。 三、结语 在小学美术教学中教师要走出以往的教学模式,为学生创造好的学习环境,鼓励学生展示个性创造,培养学生的自主学习能力,激发学生的创造性思维,让学生在实践过程中学会独立思考,找寻问题的答案,从而通过自己的眼睛发现美术真正的内涵与乐趣。这样才可以真正提高小学美术教学的实效性。 作者:洪晓艳工作单位:福州教育学院附属第三小学 小学美术论文:小学美术结合优秀民间艺术论文 一、走进家庭,寻找民间艺术 艺术大师罗丹曾经说过“:生活中不是缺少美,而是缺少发现美的眼睛。”其实在小学生的日常生活中,经常可以看到民间艺术的影子,例如,贴在窗户上的窗花、沙发上的雕饰、家里的杯盘碗盏以及各色工艺品等,这些都是民间艺术的体现。许多看似平凡的旧器具,其造型和技艺却渗透着民间艺术家的匠心独运。让学生走进家庭寻找民间艺术,可以让他们懂得民间艺术就在我们身边,民间艺术让我们的生活更美好,同时,从学生的日常生活中开发美术教学的资源,可以有效地激发他们学习和研究的兴趣,使教学达到事半功倍的效果。有一次,我模仿央视的“寻宝”节目,让学生把家里的“宝物”带到课堂,并要他们了解“宝物”的历史和艺术价值,然后在展示宝物的时候讲解给全班听,让大家来评一评这件“宝物”是否恰如其分。学生都觉得很有意思,有的把家里的古玩拿来了,有的把旧铜钱拿来了,还有的把花瓶也拿来了,一时间,课堂成了一个微型的“民俗博物馆”。通过“展宝”环节的介绍,学生了解了不少民间艺术的知识,并对民间艺术产生了浓厚的兴趣。 二、走访校外,追溯民间艺术 2011年教育部在出台的《义务教育美术课程标准》中提出:“广泛利用校外的各种课程资源,包括美术馆、图书馆、公共博物馆及私人博物馆、当地文物资源、艺术家工作室和艺术作坊等。”这条规定鼓励小学美术教师去积极开发校外的各种课程资源,包括民间艺术。民间艺术源于民间,走访校外,走进民间,追溯民间艺术的来龙去脉,可以提高学生的美术素养。参观美术馆、博物馆及当地文物资源等,能让学生感受到浓郁的文化氛围和艺术气息,从而对我国的民间艺术产生敬佩之情,激发学习兴趣;参观图书馆,查阅有关的文献资料,可以加深学生对各种民间艺术的了解,包括其发展历史、艺术价值、工艺流程及有关的逸闻趣事。这些优秀的民间艺术资源,能很好地培养学生的审美能力、创新能力和艺术表现力,能提升学生的艺术素养和创新能力。例如,有一次我组织学生下乡,带领他们走进农家,随时收集隐匿于民间的艺术。在农村,学生看到了古式的建筑、古老的家具,还有草编、纸扎等,也许在学生看来,这些质朴的农民就是民间艺术,在小学美术欣赏课上,学生接触过一些以农村和农民为主题的绘画。当这些景象和人物真正映入他们的眼帘的时候,他们才会真正震撼于画家高超的写实技巧和表现力。 三、走进节日,感受民间艺术 我国的传统节日不仅是民族文化的聚集地,也是民间美术的大舞台。例如,春节、元宵节、端午节、清明节等,人们在这些节日里挂年画、贴春联、剪窗花、赏花灯、猜灯谜、赛龙舟、做祭祀等,活动内容丰富多彩,堪称民间艺术的“百科全书”。教师如果能有目的地引导学生走进节日,让他们亲身参与民俗活动,体验民间美术在节日中的特色表现,可以让学生充分感受到民间艺术的魅力,提高动手能力。有一次,我在年关将至、寒假之前组织了剪纸比赛,要求每个学生根据“春节”这个主题任意选择自己喜欢的图案,剪成窗花,然后全班投票表决,评选出“最佳创意奖”和“最佳工艺奖”等奖项。为了保证比赛公平,我要求学生在窗花背后写上自己的名字,并用简洁的语言介绍自己的作品,主要是创意和寓意。由于比赛形式比较新颖,加上寒假将要来临的氛围,学生热情高涨,充分发挥自己的想象,剪出了一幅幅非常具有创意的窗花,例如,有的学生剪出了奥特曼,有的学生剪出了牡丹花,有的学生剪出了福娃,介绍语也很有意思,有的是“花开富贵”,有的是“年年有余”,看到这些美丽的窗花和美好的祝福语,学生似乎感到春节已经来临了。由于学生表现都很出色,除了最佳奖之外,我给每个学生都准备了一份新年礼物,并要求学生在春节那天把自己的作品贴在自家窗户上。通过这项活动,学生一定会更加喜爱剪纸艺术。 四、走近艺人,体验民间艺术 民间艺术的魅力不只在于欣赏,还在于制作的过程。教师如果能利用当地的文化资源,带领学生走近民间艺人,有条件的话让学生亲自动手操作,一定能让学生更好地体验民间艺术。每个地方都会有当地独特的民间艺术,例如,北方城市的捏面人、织纬编,苗族的绣苗绣、剪苗花、做苗衣等,只要有民间艺术存在的地方,就会有民间艺人。教师可以带领学生参观艺人的工作坊,也可以请艺人进课堂,从而让学生学到许多课堂上学不到的美术知识和美术技艺。有一次,我邀请了一位擅长编织的民间艺人到课堂上讲课,学生一个个睁大了眼睛,认真地看着艺人编织,不放过他手上的任何一个编织细节。最后在艺人的指导下,学生自己动手,开动脑筋,按照自己的构思,编出了一个个栩栩如生的作品。整堂课学生的学习兴趣特别浓厚,积极性很高。有了这些成功的体验,我把一些相关的美术知识传授给学生,也较轻松地实现了良好的教学效果。优秀的民间艺术来自于民间,它的艺术形式、表现特点贴近生活,容易被人理解。小学美术结合优秀的民间艺术资源,能很好地培养学生的审美能力、创新能力和艺术表现力,从而提升学生的艺术素养和创造力。 作者:陈文婕工作单位:福建省三明市永安市实验小学 小学美术论文:小学美术情感教学观特征分析论文 [摘要]情感是人对待周围现实和对待自身态度的一种稳定而持久的体验。艺术教育是实施素质教育的重要途径,它的这一特点决定了艺术课堂教学所采用的方法要有别于其他学科。艺术更为讲究的是情感的投入与心灵的交流,否则如无根之木,无源之水。 [关键词]小学美术情感教育 从某种程度上说,情感是美术教育的优秀──美术教育即是情感教育。以小学美术课堂教学活动为载体,多点整合,多层推进,能有效加强情感教育,长足促进学生健康情感的发展。 一、教师要引导学生,激发情感 情感,不会无缘无故地产生。所以,教师要善于采取灵活有效的策略,积极创设生动真切的情境,用真情去拨动学生内心的情感之弦。角色互换,拉近距离。 努力改变“传道、授业”的模式,把主角的位置让给学生。不要让学生产生“上美术课是一种负担,欣赏理解作品是一项任务”这样的错觉。教师可以把课堂自己坐到学生中间去,作为其中的一份子参与讨论。从形式上拉近与学生的距离,营造一个愉快教学的气氛,让学生放松心情,带着轻松愉快的情绪去感受,才能得到美的体验。当然这需要学生对教学内容的提前预习。 二、在美术教学中渗透情感教育 1.美术与情感相结合 艺术是感情的表达,是灵魂的体现。教师要善于采取灵活有效的策略,积极创设生动真切的情境,用真情去感染学生,拨动学生内心的情感。创设艺术情境,需要根据美术作品的风格和内容创设相应的环境气氛。有了良好的情境,就可以充分分调动学生的多种感官,帮助学生更好的地进入艺术欣赏的心理状态,激发他们进行想象,锻炼他们的思维,使学生在艺术审美情境中触景生情,在情感共振中获得审美体验,从而陶冶性情,净化心灵,提高思想境界。 2.美术与文化相结合 首都师范大学美术学院尹少潭教授在阐述美术课程标准时指出:“新课程的基本理念之一就是要在广泛的文化情境中认识美术,因为任何美术作品都不是孤立的,都是在一定的文化环境中创造出来的,艺术家在创作艺术作品时,不可避免的受到所处环境的影响,所谓文化情境,世纪上指的是一件美术作品被创造出时,所依托的文化环境、条件及其特征。” 艺术源于现实生活,又高于现实生活。每一件艺术作品都有其产生的背景,体现作者内心的情感。我们在欣赏一件美术作品时,应从了解作者开始,进而了解作品创作的背景,所体现的价值与意义等。只有全面深入地了解作品的创作历程,才能体会艺术作品深刻的内涵,才能与作者进行心灵深处的交流。引导学生发散思维,加以想象。 3.美术与幻想相结合 小学美术教学重点在提高学生兴趣,引导学生驰骋在富于想象力和创造性的思维当中,在幼小的心灵中埋下艺术的种子,他们就会在成长中,对生活、对艺术、对世界保持长久的兴趣。有了兴趣,才可能带着一颗敏锐的心去感受,去体验,去创造。学生的心理往往拥有最美好的画面,这是他们通过幼小的心灵去触碰这个世界而留下的印记,如果可以用美术作品把这些美丽的画面展示出来,学生受到极大鼓舞,能激发他们创作的动力,对培养学生的爱好、欣赏能力,陶冶情操等都又极其重要的意义。 三、美术教学中情感教育的方式 1.营造良好的课堂教学情境 营造良好的课堂教学情境是实现课堂有效教学的关键。在教学中,可以设计多种不同的课堂引入形式——故事引入、游戏引入、场景引入等,创设相应的环境气氛,让学生投入到故事或游戏中,萌发对美术的情感。 课堂情境的创设还可以根据课堂的具体情况进行深入和发展:(1)让学生观察生活,自主深入课堂学习。(2)让学生大胆的表达自己的想法,在欣赏艺术后说感受、给艺术取名,用自己的方式理解艺术。(3)有效组织,高效参与,给学生更多的实践机会,可以结合绘画创作让学生运用不同的方式表达情感。 2.感受艺术情境 教师可以通过生动的讲述,创建一个美术情境,使学生头脑中形成一幅幅连贯的画面,甚至可以想象故事发生发展的过程。每个孩子的想法各异,彼此间互相描述,可要求学生据此创作一幅情境画。 3.拓宽情境 拓宽情境是情感教育的优秀和课堂教学的高潮,它是学生创造性和主动性的进一步发挥,是课堂教学的深化和延伸。创造出一件美术作品并不是美术创作活动和情感教育的终极目标。拓宽美术教育的情境可以通过个人独立创作、小组合作或师生合作等多种形式的游戏活动,让学生充分感受不同材质带来的新奇与乐趣,也从中感受集体精神,投入情感,从而引导学生选择自己喜欢的方式大胆表达自己的情感,不断提高审美情趣。 教师可以组织学生自编故事,充当美术作品中的角色。教师做“摄影师”,用数码相机把作品收录下来,最后用电脑将他们的美术作品组合成动画故事。这种方法把传统工艺手段和现代多媒体技术整合运用,贴近孩子们的生活,又提高了观察、造型和结构能力,扩大了他们的知识面和艺术视野。 4.让学生主动参与到艺术实践活动 通过提供给学生感受、表现、创造艺术的机会,使学生主动参与到艺术实践活动中,并从中学习最基本的艺术知识,养成在日常生活中发现美,积累素材的习惯,提高艺术鉴赏能力和表现能力。鼓励学生积极把心中的想法用艺术的形式表现出来,使学生获得艺术审美的体验,享受成功的欢愉。与此同时,通过艺术教育,着力培养学生的个性、创新精神及合作意识,陶冶情操,发展创造力,并为其他方面的学习创造有力的条件,以促进学生的全面和谐发展。 四、评价交流,升华情感 在美术课堂教学过程中,教师有必要针对实际情况,积极引导学生在赏析美术作品(包括大师作品、老师作品和学生作品等)过程中,或针对自己与他人的创作情况、参与美术活动的态度、与人合作的精神以及社会上出现的某种美术文化现象等,通过学生自评、互评和教师点评等多种形式互动交流,鼓励学生讲出并不断更正自己的感受,加深学生对美术活动过程、结果的反思和内心体验,及时梳理自己的情感,建构起新的开放性的健康情感体系,时时增强学生参与美术活动的兴趣和自信心,并长久促进学生的健康情感不断向更高层次发展。 当然,我们还需要树立大美术教育观,立足小学美术课堂,积极向外拓展和延伸,大力开发并有效利用各种美术课程资源,开展形式多样的课外、校外美术活动。这样,课内外相互配合和补充,形成美术教育的合力,以此实现情感教育的多元化目标,最终达到提高学生综合素养的目的。 小学美术论文:小学美术课堂教学新探论文 “优化课堂结构,提高课堂效率”己成为学科教改研究的总课题。新课程标准从学生学习活动方式考虑,划分出“欣赏·评述”“设计·应用”“造型·表现”和“综合·探索”四个学习领域。由于教学的目的任务不同,美术课堂教学有多种类型。不同的学习领域有不同的结构,教学过程的组织形式就有所不同。因此,所采取的教学模式也应有所不同。本文就以上四个学习领域的教学模式应用,做如下探讨。 (一)“欣赏·评述”课 情境陶冶式教学模式是使学生处在创设的教学情境中,运用学生的无意识心理活动和情感,加强有意识的理性学习活动的教学模式。美术课上适当运用背景音乐烘托气氛、设置情境会起到很好的作用。情境陶冶式教学法,有利于学生快而扎实地掌握知识,能够提高学生的认知能力和审美能力。这种模式能够拓展和深化教学的教育功能,对学生进行个性的陶冶和人格的培养,提高学生的自主精神和合作精神。 “欣赏·评述”课的基本结构程序是:创设情境──引导感受──审美导引──综合评述。欣赏课包括美术欣赏、美术常识等。通过对美术作品、美术常识的介绍与欣赏,引导学生去感受美、认识美,了解“美”的文化知识,是一种以审美为主的教学活动,也是一种通过艺术形象去认识客观世界的思维活动。此类课,一般是应以教师讲述与启发相结合,引导学生欣赏、议论、引发问题,帮助解决问题等方式进行审美导向的教学。同时,在欣赏活动中应重视对学生的语言表达能力的培养,让学生有能力确切地表达自己对美术作品的感受。欣赏课上不能形成一个固定的模式,教师应当在不断的学习中,丰富教学内容和教学方法,敢于改变原有的教学模式和方法,善于从不同的角度提出问题,引导学生能从多角度学习欣赏一件作品,使自己和学生们更灵活、更富有创造性。 (二)“设计·应用”课 工艺设计课,内容繁多,形式多样,操作性很强。通过教学,使学生了解工艺美术有关门类的基本原理、法则、基本构成方式和制作方法。通过练习,使学生了解和掌握工具、材料的性能及使用方法。懂得基本造型和制作的原理,培养学生的设计意识和设计能力。授课时,教师应运用精练的语言,结合欣赏来讲述概念、原理、法则,直观演示方法,引导设计思维,指导操作。通过实践,培养学生对形式美的感受能力。 示范模仿式教学模式是通过教师讲解、示范,学生进行参与性的练习而获得知识技能的一种教学模式。示范模仿是形成行为技能最直接、最形象的方法。其基本程序是:定向──参与性训练──自主练习──迁移。示范模仿式教学有利于学生将课本知识与实践相结合,使学生在实践中内化所学的知识。这种方式的教学,学生手脑并用,而且有利于培养学生积极思维、注意观察等良好的学习方法和相互帮助、遵守纪律、加强自主性等品质和观念。实现学生的兴趣向其他教学活动迁移,提高他们的学习成绩。 (三)“造型·表现”课(技法知识综合课、练习课) 技能训练课,包括创作、写生、临摹、手工制作等。主要是在教师讲完新教材后,为巩固知识、技能、技巧所安排的用整节课进行技能、技巧的训练,以强化知识与技能的巩固和应用。此类课,一般是学生在教师的指导下,通过独立作业练习来获得技能、技巧。 通过教学,使学生了解造型艺术的形式特点和基本表现方法。学习用科学的方法来观察研究和表现客观物象的形态、结构、比例、明暗、色彩、立体、空间等。同时也是对学生进行审美教育、发展智力、培养多种能力的过程。既有基础知识的传授,又有技能、技巧的训练,一节课中需完成多种任务。此类课,教师一般应通过欣赏、启发、讲解来传授美术的基本知识,运用引导分析的方法来培养学生的整体观察、认识和表现物象的能力。示范讲解方法,指导训练技能、技巧,实践性、操作性强。其基本结构程序是:观察欣赏激趣──发现探索研究──讲解示范点拨──自方练习辅导——评讲小结拓展。创作课,是要求学生运用已学过的知识和技能,去反映自己的感受或间接感受到的东西,通过某种美术语言来表达自己的情感和理想,进行艺术创造的体验。是培养学生记忆、想象、形象思维和创造能力的重要形式。同时,也是检测学生综合能力的方式。教师要想方设法地启发、引导学生的积极思维,鼓舞学生的信心,引发学生的联想、想象和创造。 (四)“综合·探索”课 在美术课堂“综合·探索”学习领域应用教学模式时,应注意以下两个方面。第一,加强跨学科教学的研究。第二,注重引导学生主动研讨和探索。由于“综合·探索”学习领域的目标强调培养学生主动探究精神,综合运用各学科的知识、技能创造性地解决问题的能力,所以“综合·探索”学习领域的教学活动,应以学生的研讨和探索为重点。教师应引导学生发现、探究美术或与美术相关的问题,引导他们围绕自己选定的课题以个人或集体的方式进行活动策划,并综合运用各学科的知识、技能,创造性地解决问题。 引导发现式教学模式是以问题解决为中心,注重学生活动,着眼于思维力和意志力培养,适用于“综合·探索”学习领域的教学模式。该模式以培养学生的探新求知、概括归纳的能力为教学目标。通过学生积极主动的探索研究获得新知,学会学习,积极开发学生思维活动为基础,培养学生的探索能力。因此,教师必须熟悉学生形成概念、掌握规律等思维过程,并掌握一定的认知策略。在美术教学中教师可灵活地根据教学内容,选择其他学科中有益的教学形式、教学手段,如计算机、网络、音乐、语文诗词等,加强学习的综合性,提高学生的学习效率。 决定课堂教学成败的因素之一是课堂教学结构。本人把这一堂美术创作课设计成“观察欣赏激趣;发现探索研究;讲解示范点拨;自主练习辅导;评讲小结拓展”五步进行,自认为在本课中是比较理想的美术课堂教学模式。 第一步观察欣赏激趣。上课开始用2--3分钟引导学生审美技巧,唤起创造美的欲望。教师先出示范画来指导学生观察,让学生从整幅中找感觉,找出画了些什么,表达什么意思等。于是再进一步观察,学生从范画中逐步发现了构图的方法、绘画的技巧等,逐步体会到这大一点、小一点;上一点、下一点;这繁一点、简一点;长一点,短一点的体现,无一不凝聚着作画者的思想、阅历的精华。通过这一步步地观察,学生们接受了美的熏陶,体会到画的笔墨情趣,也从中找到了一些作画的步骤、构图的方法、笔墨的技巧等。就会激发出学生的兴趣和强烈的创造美的欲望。 第二步发现探索研究。找到创造美的途径。教师不妨用1--8分钟时间引导学生学习新知,掌握正确的创造美的方法和技巧,教材中的重点部分教师一定要精讲。让学生初步发现了一些创造美的方法,找到了一些绘画技巧。 第三步讲解示范点拨。1--4分钟时间,教师根据学生观察的情况,再进行一步步的示范讲解。示范和讲解可同时进行。例如在本课的风景画示范讲解时,教者从构图开始,逐步示范讲解,让学生看得明白,学得真实,能较快地掌握技法。同时学习的积极性得以持久,能有充分的信心完成创造美的活动。与此同时,请几个有代表性的同学讲讲自己的发现,或让学生讲讲自已的构思,让他们充分显示一下自己的创造才能。 第四步自主练习辅导。用15--20分钟,让学生体会美的真谛,进行创造美的实践,全面提高每个学生的能力。学生经过前三个步骤结构的学习,已经初步掌握了表现画的技巧和方法,已经跃跃欲试,想要用自己从观察、学习中发现的方法去实践。这时可布置学生作业让学生去完成。在学生练习的同时,教师进行巡回辅导,重点帮助学生加深对美的理解,目的在于全面提高每个学生创造美的能力。 第五步评讲小结拓展。在本课结束前用1--5分钟展评学生的作业,总结本课所学,鼓励学生在创造美的活动中继续探索,鼓励学生到生活中去认识美,创造美。这个过程时间虽短,但是教师画龙点睛式的小结,可使学生对本课时所学知识系统化。 小学美术论文:小学美术教学改革论文 “优化课堂结构,提高课堂效率”己成为学科教改研究的总课题。新课程标准从学生学习活动方式考虑,划分出“欣赏·评述”“设计·应用”“造型·表现”和“综合·探索”四个学习领域。由于教学的目的任务不同,美术课堂教学有多种类型。不同的学习领域有不同的结构,教学过程的组织形式就有所不同。因此,所采取的教学模式也应有所不同。本文就以上四个学习领域的教学模式应用,做如下探讨。 (一)“欣赏·评述”课 情境陶冶式教学模式是使学生处在创设的教学情境中,运用学生的无意识心理活动和情感,加强有意识的理性学习活动的教学模式。美术课上适当运用背景音乐烘托气氛、设置情境会起到很好的作用。情境陶冶式教学法,有利于学生快而扎实地掌握知识,能够提高学生的认知能力和审美能力。这种模式能够拓展和深化教学的教育功能,对学生进行个性的陶冶和人格的培养,提高学生的自主精神和合作精神。 “欣赏·评述”课的基本结构程序是:创设情境──引导感受──审美导引──综合评述。欣赏课包括美术欣赏、美术常识等。通过对美术作品、美术常识的介绍与欣赏,引导学生去感受美、认识美,了解“美”的文化知识,是一种以审美为主的教学活动,也是一种通过艺术形象去认识客观世界的思维活动。此类课,一般是应以教师讲述与启发相结合,引导学生欣赏、议论、引发问题,帮助解决问题等方式进行审美导向的教学。同时,在欣赏活动中应重视对学生的语言表达能力的培养,让学生有能力确切地表达自己对美术作品的感受。欣赏课上不能形成一个固定的模式,教师应当在不断的学习中,丰富教学内容和教学方法,敢于改变原有的教学模式和方法,善于从不同的角度提出问题,引导学生能从多角度学习欣赏一件作品,使自己和学生们更灵活、更富有创造性。 (二)“设计·应用”课 工艺设计课,内容繁多,形式多样,操作性很强。通过教学,使学生了解工艺美术有关门类的基本原理、法则、基本构成方式和制作方法。通过练习,使学生了解和掌握工具、材料的性能及使用方法。懂得基本造型和制作的原理,培养学生的设计意识和设计能力。授课时,教师应运用精练的语言,结合欣赏来讲述概念、原理、法则,直观演示方法,引导设计思维,指导操作。通过实践,培养学生对形式美的感受能力。 示范模仿式教学模式是通过教师讲解、示范,学生进行参与性的练习而获得知识技能的一种教学模式。示范模仿是形成行为技能最直接、最形象的方法。其基本程序是:定向──参与性训练──自主练习──迁移。示范模仿式教学有利于学生将课本知识与实践相结合,使学生在实践中内化所学的知识。这种方式的教学,学生手脑并用,而且有利于培养学生积极思维、注意观察等良好的学习方法和相互帮助、遵守纪律、加强自主性等品质和观念。实现学生的兴趣向其他教学活动迁移,提高他们的学习成绩。 (三)“造型·表现”课(技法知识综合课、练习课) 技能训练课,包括创作、写生、临摹、手工制作等。主要是在教师讲完新教材后,为巩固知识、技能、技巧所安排的用整节课进行技能、技巧的训练,以强化知识与技能的巩固和应用。此类课,一般是学生在教师的指导下,通过独立作业练习来获得技能、技巧。 通过教学,使学生了解造型艺术的形式特点和基本表现方法。学习用科学的方法来观察研究和表现客观物象的形态、结构、比例、明暗、色彩、立体、空间等。同时也是对学生进行审美教育、发展智力、培养多种能力的过程。既有基础知识的传授,又有技能、技巧的训练,一节课中需完成多种任务。此类课,教师一般应通过欣赏、启发、讲解来传授美术的基本知识,运用引导分析的方法来培养学生的整体观察、认识和表现物象的能力。示范讲解方法,指导训练技能、技巧,实践性、操作性强。其基本结构程序是:观察欣赏激趣──发现探索研究──讲解示范点拨──自方练习辅导——评讲小结拓展。创作课,是要求学生运用已学过的知识和技能,去反映自己的感受或间接感受到的东西,通过某种美术语言来表达自己的情感和理想,进行艺术创造的体验。是培养学生记忆、想象、形象思维和创造能力的重要形式。同时,也是检测学生综合能力的方式。教师要想方设法地启发、引导学生的积极思维,鼓舞学生的信心,引发学生的联想、想象和创造。 (四)“综合·探索”课 在美术课堂“综合·探索”学习领域应用教学模式时,应注意以下两个方面。第一,加强跨学科教学的研究。第二,注重引导学生主动研讨和探索。由于“综合·探索”学习领域的目标强调培养学生主动探究精神,综合运用各学科的知识、技能创造性地解决问题的能力,所以“综合·探索”学习领域的教学活动,应以学生的研讨和探索为重点。教师应引导学生发现、探究美术或与美术相关的问题,引导他们围绕自己选定的课题以个人或集体的方式进行活动策划,并综合运用各学科的知识、技能,创造性地解决问题。 引导发现式教学模式是以问题解决为中心,注重学生活动,着眼于思维力和意志力培养,适用于“综合·探索”学习领域的教学模式。该模式以培养学生的探新求知、概括归纳的能力为教学目标。通过学生积极主动的探索研究获得新知,学会学习,积极开发学生思维活动为基础,培养学生的探索能力。因此,教师必须熟悉学生形成概念、掌握规律等思维过程,并掌握一定的认知策略。在美术教学中教师可灵活地根据教学内容,选择其他学科中有益的教学形式、教学手段,如计算机、网络、音乐、语文诗词等,加强学习的综合性,提高学生的学习效率。 决定课堂教学成败的因素之一是课堂教学结构。本人把这一堂美术创作课设计成“观察欣赏激趣;发现探索研究;讲解示范点拨;自主练习辅导;评讲小结拓展”五步进行,自认为在本课中是比较理想的美术课堂教学模式。 第一步观察欣赏激趣。上课开始用2--3分钟引导学生审美技巧,唤起创造美的欲望。教师先出示范画来指导学生观察,让学生从整幅中找感觉,找出画了些什么,表达什么意思等。于是再进一步观察学生从范画中逐步发现了构图的方法、绘画的技巧等,逐步体会到这大一点、小一点;上一点、下一点;这繁一点、简一点;长一点,短一点的体现,无一不凝聚着作画者的思想、阅历的精华。通过这一步步地观察,学生们接受了美的熏陶,体会到画的笔墨情趣,也从中找到了一些作画的步骤、构图的方法、笔墨的技巧等。就会激发出学生的兴趣和强烈的创造美的欲望。 第二步发现探索研究。找到创造美的途径。教师不妨用1--8分钟时间引导学生学习新知,掌握正确的创造美的方法和技巧,教材中的重点部分教师一定要精讲。让学生初步发现了一些创造美的方法,找到了一些绘画技巧。 第三步讲解示范点拨。1--4分钟时间,教师根据学生观察的情况,再进行一步步的示范讲解。示范和讲解可同时进行。例如在本课的风景画示范讲解时,教者从构图开始,逐步示范讲解,让学生看得明白,学得真实,能较快地掌握技法。同时学习的积极性得以持久,能有充分的信心完成创造美的活动。与此同时,请几个有代表性的同学讲讲自己的发现,或让学生讲讲自已的构思,让他们充分显示一下自己的创造才能。 第四步自主练习辅导。用15--20分钟,让学生体会美的真谛,进行创造美的实践,全面提高每个学生的能力。学生经过前三个步骤结构的学习,已经初步掌握了表现画的技巧和方法,已经跃跃欲试,想要用自己从观察、学习中发现的方法去实践。这时可布置学生作业让学生去完成。在学生练习的同时,教师进行巡回辅导,重点帮助学生加深对美的理解,目的在于全面提高每个学生创造美的能力。 第五步评讲小结拓展。在本课结束前用1--5分钟展评学生的作业,总结本课所学,鼓励学生在创造美的活动中继续探索,鼓励学生到生活中去认识美,创造美。这个过程时间虽短,但是教师画龙点睛式的小结,可使学生对本课时所学知识系统化。 小学美术论文:小学美术教学绘制研究论文 目前美术新教材投影片还不配套,需要教师去设计和绘制。下面我把这种投影片的设计与绘制过程介绍如下,以求同行指教。 绘制一套好的投影片,首先要全面设计,认真研究教材和学生的情况,根据教学目标和学生的情况,根据教学目标和教学内容构思投影片框数,形式是静片、动片,还是复合片,把握投影与教学的联系,遵循适时、适量、适体、省时、省材、易于演示的原则,力求突出重点,突破难点,增大容量,达到事半功倍的效果。 一、材料和工具 画投影片的画笔是日本进口的(12色的)油性彩色笔,笔的两头分别可画出极细和较粗的线条,色彩明朗,粘性强,水不溶解,经久不退色,用酒精和松节油可洗掉,是绘制投影片最理想的彩色笔。 画投影片的透明胶片,有成卷出售,用时根据需要剪裁。投影片画面规格是18×15cm,外加宽1cm做边框。画好胶片后,用白色硬片纸制一个双层外框,横边框4.5cm,竖边框宽2.5cm,把胶片嵌在纸框中间,涂上白乳胶粘牢压实,以方便操作和保护画面。 二、投影片的绘制过程 由于油性彩色粘性强和快干的特性,不易在胶片上修改,因此首先应在画纸上起稿,确定后再转稿到胶片上,用黑色或深色勾轮廓线,然后在画面背后大胆放手着色,色彩稍微画出线外,也不会破坏轮廓线,这种勾线填色方法,普遍运用画投影片,画面艳丽,效果良好,能引起学生的兴趣和注意。 三、各类课业绘制投影片方法举例 1.《郊游去》记忆画抽拉片 片底胶片画一部公共汽车,坐满少先队员,车窗外飘扬着红旗。收录机播放着《这是祖国给的》欢乐歌曲。这时移动抽拉片,银幕上出现蓝天、白云、绿树、鲜花……汽车像在前进。学生在构思,红艳艳的英雄树,横跨珠江的海印大桥,川流不息的大小汽车,郁郁葱葱的白云山……学生彩笔在飞舞,从不同角度画出广州的美景,表现出他们对祖国的无限热爱。 2.《上学去》添画组合片 根据学生回忆上学路上所见到的各种景物,用胶片分别画成单幅,诸如楼房、小汽车、鲜花、小鸟等,每种景物用一张胶片绘出。上课时,供学生边回忆上学路上所看到的景物,边在投影器上添加,摆成上学路上的画面。学生边摆边讨论,从中认识到画面的均衡,景物的大小前后关系,摆放的合理性。用十多张胶片各绘制一种景物,组合起来供一个课例使用,这种投影片的设计,能更好体现电化教学优越性,学生看到这种逐渐添加投影片,感到生动有趣,而不会像看挂图一样,产生厌烦情绪。在摆画的过程中,促进他们的思维能力,使他们有一种参与意识,通过这样的教学活动,教师就能深入浅出地对学生渗入美术基础知识和思想品德的教育。 3.三原色调色原理教学器旋转片 用三张直径15cm的圆形透明胶片,把一二张胶片平均分成4份,分别涂上红、黄、蓝三种颜色,留下1/4透明部分,第三张透明部分同前两张大小相同,剩下3/4涂上不透明色彩,平时透明部分重叠,圆片中间用一颗按钮固定。 使用时只要在投影器上转动色片,能认识红黄蓝各种原色,继续转动上下调色片,当两种原色重叠时,就能在银幕上清楚看到图片边缘的红色和蓝色、蓝色和黄色等原色,在扇形部分出现间色之间的变化,例如红+黄=橙;黄+蓝=绿;蓝+红=紫。 这个原理也可把三间色调成三复色,制作方法相同。 这种调色器简单,操作方便,解决了以往用颜色直接调配看不到原色的不足。 4.古诗欣赏与绘画风景片 古诗《小池》——“泉眼无声借细流,树阴照水爱晴柔;小荷才露尖尖角,早有蜻蜓立上头。”引导学生欣赏这首古诗时,我使用“情景教学”手段,画了一组活动投影片,画面上阳光灿烂,垂柳轻拂水面,池中荷叶挺立,充满生机。然后用抽拉片移动几只蜻蜓飞来,一群小鱼游过。此时又播放一首轻音乐曲《小河淌水》。音美、形美、意美,把学生的思维引到了学校门口的小水池,使他们的听觉、视觉、感觉一齐活动,受到了美的薰陶,激发了他们创作欲望,画出了一幅学校门口熟悉的“美丽的小水池”风景画。 5.《大家来植树》创作画的构思片 这个课题往年学生交来的作业是千人一面,没有新意,大家以教材范画临过来,名曰创作实为临摹。我改变程序式的教法,选择了“构图与立意”的重点,创作三幅简单的胶片构图让学生去观察、思考、讨论和创作。 图片(1),一座学校,当空悬着一轮红太阳。 图片(2),一片荒山旷野,一条小路通向天边。 图片(3),一棵大树浓萌盖地,寂然独立。 学生围绕三幅构图,经过思考讨论,各自构思理想画面,交来的作业有三种类型;情景交融、场景壮观、理想蓝图。构思新颖、寓意深远,与往年相比,有了明显的差异,较少找到临摹痕迹。 6.人物表情复合片 小学生掌握人物表情喜怒哀乐的画法比较困难,我画了几张人物表情变化复合投影片,进行直观教学。 第一张利用重叠片,出示一幅头像,让学生观察其表情与特征,然后喜、怒、哀、乐四幅同时出现,让学生欣赏、分析,比较其不同表情、特点与特征。面部表情,以眼部和口部的变化最明显。同时要求背诵口诀:画人笑眉开眼弯嘴上翘;画人愁嘴向下弯眉头皱;画人怒瞪眼咬牙眉上竖。 第二张利用分解复合片(简笔画),在一张片子上画出头部轮廓,再分别在四张片子上画上不同的五官表情,只需移动五官表情片,出现了表情各异的头像。要求边看边默记五官变化特征,然后再默画出来。 7.五官位置复合片 人物画教学五官位置。在制片中,先映出一个正面人物头像,然后将五官全部拉走,留一个脸形,讲“三停”,将复合片三停线合上,再拉动“眉”、“鼻”片,分别放在三等分的1/3,2/3线上,就映出了“发际线至眉线=眉线至鼻底线=鼻底线至颏底线,”这样给学生清楚地讲明什么叫三停,并掌握眉与鼻的位置。 然后将复合片“五眼”线合上,拉动“两眼”片讲解什么叫“五眼”。再拉动“嘴”片,放在鼻底至颌底1/3处,拉动“两耳”片,放在眉线与鼻底线之间。这样,学生对正面头像五官位置就弄清楚了。人的颜面五官位置有严格的规律性,在绘制“五官”的大小比例与在使用投影片时都必须准确,才能达到教学目的。 8.运动人物(速写)活动拼板人体片 小学人体画教学历来最难,学生也最怕画人物画。为了上好这堂课,要求学生制作一个纸板活动人体,人体每个关节用按钮钉牢。 (1)开始用投影片映出走路、跑步、坐地的姿态,让学生分析各部关节转动,并用纸板活动人体拼出三种姿态。 (2)要求学生凭经验记忆拼出一个足球运动员踢足球姿势,并拿到投影器前放映,全班同学观看评价,总结出一个动态优美且有力量的运动员必须符合下列三要点:肢体变化要协调,身体角度要恰当,器械位置要合理。 经过一系列纸板活动人体“操练”,在激昂的“运动员进行曲”音乐声中,要求学生用记号笔画出一个运动员,做到先拼后画。在15分钟内人均画出3个运动员,个个动态栩栩如生,全班没有一个雷同。 9.构图基本知识——变化与均衡活动片 片(1)映出4张学生平时作业构图通病——太小、太散、太满、太偏。让学生当小医生,指出毛病,提出治方,让学生初步认识构图的重要性。 片(2)画出码头轮船既高大又多。第一张只画出轮船的多;第二张只画出轮船的高大。通过比较让学生理解构图要根据绘画目的和需要而画。 片(3)映出三个排列一致的苹果,学生看后说:“构图呆板没变化”。指名三个同学在投影器前,用事前制好的苹果排出有变化的构图,达到变化有大小、前后、掩露、聚散等效果。 片(4)映出两个同样苹果,讲解说:“这两个苹果中间的中心,两边‘重量’相等,叫做均衡”。“这个构图只均衡没变化,显得呆板”,学生提出问题,接着又由他们在投影前排出一幅幅有变化又均衡的构图。学生经过看、摆、评的锻炼,较快掌握“变化与均衡”的构图基本法则。 四、绘制投影片的一些特技方法 1.白色图形和文字的绘制。用白乳胶涂在胶片上,加入透明颜色,制成透明底版,待干后用圆珠笔(没色的)刻出图形和文字。 2.木刻效果的绘制。用广告颜色直接在胶片上写画,可以收到黑白木刻效果。若在画画的胶片上贴上彩色玻璃纸或彩色明胶片,可以得到套色版画效果。 3.素描效果绘制。用硬一点的(HB)铅笔在用橡胶擦毛的透明胶片上作画,然后涂上一层透明胶水,可以得到很好素描的效果,也可以着一点色,则成为铅笔淡彩教学投影片。 4.明亮雪白效果的绘制。如明亮的星星和雪白蜡梅,将其形体用小刀挖空,旁边涂上深暗底色,映出效果特别明亮雪白。 5.朦胧和柔和效果的绘制。将油性色涂在云雾边缘,即用棉花醮酒精略压干擦开,形成自然奇特丰富效果。如需画朦胧或半明半暗的星空,可在星星背面上几层胶片,由于胶片贴的厚薄不同,灯光穿透会形成强弱的明暗变化。 经过多年的教学实践,我感到投影片在美术教学中有无限生命力和广阔的天地。投影片可使一些枯燥无味的内容变得形象生动,能化静为动,化繁为简,化小为大,为难为易,是实现教学改革的一条重要途径。 小学美术论文:小学美术课情境教学论文 多媒体集形、声、光、色、动、静为一体,突破时空限制,可以大大调动学生的学习积极性,使学生积极主动愉快地参与教学活动。教学实践证明,在小学美术课中引入多媒体教学,可创造生动、活泼、愉悦、高效地课堂学习氛围,优化教学过程,提高教育、教学效果和质量,促进教学改革向一个更科学、与日俱增先进的方向发展。 一、运用多媒体教学,创设情境,使学生积极、主动探求新知。 “良好的开端,是成功的一半”,一节课的开始是教师谱写一首优美的教学乐章的前奏,是师生情感共鸣的第一音符。精心设计好这个“开端”,使学生从新课开始就产生强烈的求知欲望,对于学生学习新知是至关重要的。因此,在美术课教学过程中,教师可根据教学内容特点和学生的心理特征,遵循趣味性和针对性的原则,根据新课内容和学生的学习实际巧妙运用电教媒体,促使学生产生强烈的求知欲,从而进入最佳学习状态。如:我在教学《海底世界》一课伊始,演示一段展现海底世界的视频影像进行欣赏,绚丽的色彩,变化无穷的神秘海底,以及优美的音乐,给学生的视觉、听觉以美的享受,使课堂教学进入轻松、愉悦的氛围,这样创设情境,导入新课,激发了学生的学习兴趣,于是探究新知识奥秘的心情由然而生,他们带着强烈地好奇心和浓厚的学习兴趣,积极主动地开始了新课的学习,为完成教学目标奠定了良好的基础,达到了“课伊始,趣即生”的良好教学效果。 二、运用多媒体教学,再现情境,促进学生积极、主动掌握新知。 美术教材的重点、难点部分,教师可借助电教媒体,根据教学内容的不同,再现情境,把教材、教师所讲和学生思维融在一起,帮助学生开阔视野,积累素材,进而突出重点,突破难点,完成教学目标。如:在教学《森林王国》一课时,我依据本教材中的知识点和重点、难点,用电脑制成的动画情景:四季的森林以及大量的动物图片欣赏,学生沉浸在对森林的无限遐想和神往中,情感处于最佳状态,加入娓娓动听的语言启迪,从而解决了本课重点,突破了难点,并使学生在得到美的熏陶和情愫的滋润的同时,积极、主动地掌握了新知,开扩了视野,提高了他们的认识能力,为学生的绘画创作奠定了坚实的基础,更为学生素质的提高创设了有利的条件。 三、运用多媒体教学,演绎情境,使学生积极主动地巩固新知。 学生的创作热情源于美的启迪,也是通过绘画的形式达到巩固新知、发展思维、反馈信息的目的的一种训练过程,更是反映教学效果的主要环节。因此,在美术教学过程中,教师要从实际出发,利用学生的好奇、爱动、争强、乐胜的心理,运用电教媒体,演绎情境,进行启迪诱导,激起学生强烈创作欲,巩固所学知识、技能,因材施教,提高美术课堂教学效果。 四、运用多媒体教学,升华情境,使学生积极、主动地强化新知。 作业展评、课堂小结,是巩固和强化新旧知识内在联系的重要过程,也是一节课教学过程的最后一个环节。因此,教师依据不同的教学内容和学生实际差异,遵循计划性、针对性、趣味性原则精心设计一个新颖有趣的作业展评区和课堂小结,让学生以主人翁的态度出现,使他们有展示自己才华的机会,让他们在完成创作后,将自己的作品放在自己的桌上或黑板上,予以展示,并结合电教媒体——实物投影仪的运用,对典型问题予以指出、分析、更正;对突出作品进行分析、点评、鼓励、表扬,提高学生的审美能力,升华情境。最后,小结本课所学内容,让学生统摄知识纲目,使整节课在学生探索求知的积极地欢声笑语中结束教学内容。 总之,在美术教学过程中,只要我们不断地优化电教媒体的组合,充分发挥其作用,并符合教材体系,就能优化课堂教学,突破教学难点,解决教学重点,并有效提高了教学效果,又丰富了学生的感性认识,开拓了视野,激发了兴趣更重要的是促进了学生素质的全面发展,从而更好地推进了现代化教育和素质教育的长足发展。 小学美术论文:试论文在新课程理念下如何开展小学美术教学 【摘要】 当前正在全国范围全面推开的新课程改革,给学校各学科教学带来了新的生机,并为素质教育思想在普通教育中的全面落实创造了新契机。一直以来处于学校教学之薄弱环节的美术学科教学,更应该抓住这次新课改的契机,以新的教育理念创新教学模式,为提高学生艺术素养,促进学生个性全面健康发展发挥更重要的作用。新课程改革给小学美术教学带来重新整合的机遇,美术教师应以新课程理念改革传统美术教学的内容和形式,让美术教育焕发出新活力。 【关键词】 新课程理念 小学美术教学 教学理念 新课程改革给小学美术教学带来重新整合的机遇,美术教师应以新课程理念改革传统美术教学的内容和形式,让美术教育焕发出新活力。一直以来处于学校教学之薄弱环节的美术学科教学,更应该抓住这次新课改的契机,以新的教育理念创新教学模式,为提高学生艺术素养,促进学生个性全面健康发展发挥更重要的作用。 1.传统观念影响下的美术教学存在的问题和不足 美术课在普通学校中地位的弱化,除了应试教育思想的干扰外,还与人们普遍对美术学科缺乏认识不无关系。人们一般认为,美术课就是教会学生一定的绘画等美术技能,提高学生的造型表现能力,这是偏颇的认识,在这一观念的影响下美术教学存在的突出问题是:学校普遍重视不够,教学设备投人不足;教学方法陈旧简单,重技法轻素养;美术课成为学校开展素质教育的装饰品,表面上丰富多彩,实质上空虚苍白,远未发挥其在素质教育中的基础性作用。 2.新课程理念下对小学美术教学的再认识 学习是快乐的,小学阶段的美术学习更是快乐的。曲折的线条,跳跃灵动的点,变化无穷五彩缤纷的色彩,让孩子随心所欲地自由挥洒,或是鲜花草原,或是飞机大炮,或是超人、奥特曼,或是美丽的家园校园。孩子是天生的创意大师,即使是世界艺术大师毕加索,也曾从孩子的绘画作品中参悟创作的灵感。 小学美术教育的最终目的是发展学生的个性,启发学生的智能,培养学生的爱好,发挥他们的创造性。儿童由于性格天真活泼,有着最直接的感受能力,他们的作品无拘无束、任意驰骋,没有成人式的思维模式,全然是他们自己充满活力的感性体验。虽然他们的作品会有许多"出人意料"或"不真实"的"错误"。但是这些"美丽的错误"却让我们为之心动,孩子们的才能是如此让人惊叹。传统的美术教学严重地阻碍了他们灵动的才华的发挥,《美术课程标准》提出:美术课程应适应素质教育的要求,面向全体学生,以学生的发展为本。 3.新课改下小学美术课教学应采取的措施和思路 在“面向全体学生,以学生的发展为本”新理念的指导下,为充分发挥美术的教育功能,发挥美术教育特有的魅力,改变当前美术课教学的薄弱势头,我对美术教学所采用的策略提出以下几点探微。 3.1 蹲下来看孩子 “蹲下来看孩子”是目前教育工作者的口头禅。其实怎样蹲、怎样看有很大的区别。首先,要尽量争取把握所教年龄段儿童的心理特点和基本规律,多从他们的视角观察和理解问题,这样才能充分理解他们,尊重他们。其次,做他们的知心朋友,处于和他们平等的位置,与他们在宽松、自由、平等、愉悦的气氛中互动、交流,教学相长。 新课程强调“面向全体学生”,既意味着每位学生都有接受同等教育的权利,不论他们的背景、基础、个性等如何不同,都能通过因人而异、因材施教的科学教育,在原有的基础上提高基本能力和素养,并获得不同的成功,使得人尽其才,各得其所。优秀的儿童作品散发着孩子花季般纯真可爱的芬芳。一位优秀的美术教师应极力维护孩子这种天性的充分发挥,而不能按照自己的意志,去干扰孩子的行为。研究证实,让儿童按照自己的想象和意志自由地表达和表现对他们的身心健康是有利的。教师在现代美术教育中所扮演的角色是“援助者”而非“教导者”。优秀的美术教师会因地制宜,充分发挥自身的优势和特点,进行创造性的教学活动。学生也可以根据自己的想法、兴趣和个性进行创作和表现。在这种美术教育中,我们在了解学生精神价值的同时也会认识自我,当我们把学生放在首位的同时,也就会尊重他们。 3.2 培养学生的观察力想象力 怎样培养?有一个非常形象的比喻:一个人的大脑就像一个房间,他的容量是有限的,如果只从房间里往外拿东西,总有一大房间会变得空空的,什么也没有了。所以,教孩子学习画画,首先应该提高他们的观察能力,让孩子学会看,这就如同不断地往房间里装东西。在学生画画时,教师不应催促他快画,或者要求他们按成人的意思或已有的概念去画,而应提醒他们时时停一下笔,仔细把所画的事物同自己脑中原有的概念比较一下,让孩子在画的过程中提高比较和求异的能力,提高他们的观察能力。 鼓励孩子在画中充分发挥想象力的最好办法就是引导孩子细心观察,一旦孩子养成了从周围世界的细致观察中扩展自己想象的习惯,他们的想象力自然而然地就会得到充分的发挥。为了达到这个目的,教师应该尽可能地为他们提供更多、更细致地观察周围世界的机会,这样做,既可以让孩子充分地发挥想象力,又可以丰富孩子的生活经验,让他们对更多的事物产生兴趣,强化孩子对学习的渴望。 3.3 培养孩子的创造力 一个人基本素质能力的最高体现就是创造力。要通过画画培养孩子的创造力,教师首先就要把“孩子是否能画一张漂亮的画,”“能否得奖”、“能否成像画家那样的画”这样一些目标放在后面,而将“孩子是否敢于画”、“是否敢于面对真实的世界画”、"是否敢于画与众不同的画"这样一些目标放在前面。有了这些目标,教师就可以把孩子今天的画同他们过去的画相比,看今天的画是否有了更多的内容、更多的细节和更多的情趣,不难发现这其中闪现着孩子创造力的火花。 为了培养孩子的创造力,在辅导孩子画画时,教师应尽可能地鼓励孩子画自己周围一些常见的事物。因为创造力的一个最大的特点就是:它往往是对一件平常事物的再发现和重新组合。孩子在画周围事物时,往往会自然而然地在观察、记忆、分析、理解和再现的过程中加人自己的想象,补充新奇的内容,这正是孩子创造力最好的锻炼。 总之,新课程标准指导下的美术教学理念,以学生为主体,更富有鲜活的时代气息,美术教师更应大胆开拓教学活动,实现美术教学从以学科为中心到以学生为中心的转变,寻求优化美术教学的真正出路,使学生得以更生动活泼地发展。 小学美术论文:小学美术论文 美术教育是实施素质教育、培养学生创新能力的最有效手段,它独特的优势,就是可以在发展学生艺术个性的基础上开发学生的创造潜能。所以,在过去的三年里,我进行了“让个性化教学在小学美术课堂中激情飞扬”的探索,初步寻求到了美术课堂教师个性化教学的基本规律,取得的成效是有效地培养和发展了学生的艺术个性,开发了学生的创造潜能,充分尊重了学生的个性,展示了学生的个性,发展了学生的个性。 美术课程是一个以培养学生感受、表现、鉴赏、创造美的能力,从而促使学生追求人生的情趣与理想境界等为目标的教育。很多老师都说美术课轻松,要学生照着书上的示范作品画就行了,如果这样上或者这样认为的老师,他对美术课以及对学生还没有一个比较深入的了解。美术学科能帮助学生树立正确的审美观,培养欣赏和创造美的能力,它也是为其他教育学科功能发挥提供前提条件作用。蔡元培说过:“美育者,与智育相辅而行,以图德育之完成者也。”我们不能忽视美术学科对学生的影响,不能让他们一味的临摹美术书上的示范作品,更不能让美术课成为自习课的代言词。什么样的美术课才称得上好?怎样才能上好一堂美术课?我在得出一些启示。 一、在课堂教学中的具体操作 (一)师生一起来制定个性化教学的目标 根据大纲要求和教材的特点,我具体从课堂教学中入手,和学生一起制定了教学弹性目标,具体分为三层: 普通性目标、提高性目标、发展性目标。 普通性目标:增加对周围环境的审美认识;在纸、卡纸上,用几种方法,如铅笔、水彩笔、粉笔进行绘画练习;利用绘画、拼贴、组合进行艺术实践。 提高性目标:欣赏美术作品,能对自己喜爱的作品进行简单的评价,学生能进一步体验周围生活和大自然的美感。 发展性目标:学生能初步了解中外优秀美术作品的文化价值,能进一步提高绘画表现能力和设计制作能力。这三个目标适合全体学生,哪一个目标则由学生自主选择,但基础目标必须全体完成。 (二)确定了个性化教学的内容 坚持学生自主选择与教师引领相结合的原则。我在实践的课堂教学中概括出了个性化教学的思路:营造一种积极的,崇尚不同的心理态势(作业赏析,优秀或失败作品评价)——激发学生对学生内容的审美关注,并展开和挖掘自己的个人感受(各种感受想法的交流、启发、强化)——选择自己喜爱的形式加以表现(有个人意味和痕迹形式的表现)——个性倾向明显的课堂作业。 (三)运用了个性化的教学方法 在美术课堂教学中,教师的指导方法和学生的自主探究互相结合。在美术课堂教学中,教师根据学习内容的不同,提供了不同的指导,一方面创造一定的学习条件,运用了个性化的教学方法,另一方面允许学生在课堂上选择适合自我学习习惯的学习方法,如蜡笔画和手工制作的学习方法就不同,教师进行了不同的指导,而学生也有自我的选择,可以自我探索学习、同学相互讨论学习、请教老师讲解后学习和请教同学示范后学习等等方式。 (四)开展了对美术作业的个性化评价 个性化教学的评价,从本质上说应有利于促进学生个性的发展,因此,我着力做了以下两方面的工作: (1)评价标准的制定。 以尊重学生自己的学习个性和可持续发展为出发点,不同的学生作品有不同的标准,不强求统一。但考虑到国家课程标准的严肃性和学生发展过程中的人格平等性,我在广泛征求专家、教师、家长、学生意见的基础上,分三个维度(国家规定的知识技能、学习过程的方法与策略、个体获得的情感与价值观),两个层面(参与程度、努力程度)制定了基础性标准与发展性标准,强调以学生自我为评价主体,同伴、家长、教师的评价为学生的自我评价服务。 (2)评价方式的展开。 1采用“自我参照”标准,引导学生进行“自我差异评价”。我从学生作品(常规与创新)方面对学生作品过程性自我差异评价,让学生能善于发现自己进步。 2采用“他人参照”标准,引导学生正确评价他人作品。在自我评价的基础上,我还十分注重他人评价的运用,以便增强评价的合理性和科学性。 二、探索后取得的课堂教学成效 在课堂教学中,在有关专家的关心指导下,经过我和学生的共同努力,课堂教学取得了良好的效果,主要表现在: 1.美术课堂中小学生可持续发展能力增强。为了了解学生在美术课堂中个性化教学的发展状况,从学习需求、自主设计、自主评价三个方面对、学生进行自然状态下的调查,结果如下:学生在学习需求、自主设计、自主评价三个方面呈现出良好的发展态势。 2、对学生健康个性养成具有良性的影响。我深刻感受到:课堂的美术个性化教学是对学生进行美术教育、思想教育和情感教育的一个有益的切入口。它帮助了学生认识自身的个性、认识自己的美术学习的特点,有利于学生认识自我;培养了学生的创新精神和创新意识;学生的人文素质也得到了不同程度地提升。 3、营造了民主和谐的师生关系、生生关系。在课堂中把“主人”的地位归还给学生,让学生成为课堂的主体,学生在学习中学会了自主,也唤醒了学生的自主意识,培养了学生的自主能力。 4、创设了个性化的学习场所。根据教学内容的需要我给学生提供了不同的学习场所,让学生通过不同的学习环境激发了学生的创作激情。 兴趣是最好的老师。一节枯燥无味而且单调的美术课,学生也就没有了学习的动力,没有了兴趣,他们只会被动的接受老师传授的知识,还不如激起他们的兴趣让他们主动的探究观察动手,得到的知识远远要牢固、深刻得多。所以说:兴趣是最大的动力,也是成功的一半!只有让学生对美术产生了兴趣,才能让他们主动去吸收美术知识和技能,积极的去完成老师布置下来的教学任务。 作为老师也不要吝啬我们的表扬,赞美。你的一个肯定的眼神,一个表扬的手势,一句赞美的语言,对于学生来说,心里是一个巨大的鼓舞。我觉得作业的批改不能用分数来衡量,分数会让那一批绘画不够好的学生看到那分数变得越来越不自信,我的评价是用三种不同的贴纸笑脸来表示,当他们看到这些笑脸时,不会感到不满,反而会感到老师在鼓励他,要他加油!批改作业时,当着他们的面批改,我先欣赏画,然后根据他的画在言语上给他三五句评价、指导和鼓励,最后给他作品上贴一个笑脸,他们每一个人拿着图画本都很开心。那些学生也变得很积极交作业了。 小学美术论文:电脑绘画小学美术教学论文 一、培养兴趣,调动电脑绘画情感 大家都知道学习任何一种技能首先需要培养兴趣,电脑绘画作为新生事物走进教室需要有一个适应过程。小学生电脑操作技术不高,信息课学习的只是基本的文字输入法、简单的网络搜索,对比较专业的电脑绘画接触并不多。部分不愿意迎接挑战的学生在电脑绘画时总是说“我不会做!”,分小组绘画活动时总喜欢置身事外,不愿主动实践操作。不愿意学习的结果是对软件功能不了解,畏惧情绪越来越强烈,从而形成恶性循环。老师针对这部分学生的心理,首先要排除他们的畏难心理,跨出实践操作的第一步。老师要让学生通过软件操作,创作绘画作品,看得见自己的成功,从而激发学生电脑绘画的积极情感。在学生刚刚接触电脑绘画时,老师要给学生选择有趣的、容易操作的绘图软件,让学生在操作时可以直接运用模板,用鼠标在模板上点击时就可以长出草,开出花,给学生带来足够的新鲜感,让学生对电脑绘画产生兴趣。老师要给学生演示电脑绘画的撤销功能,消除学生的胆怯心理,让学生明确画错了也没有关系,可以重新操作。学生操作绘画时,老师要给予鼓励和表扬,增强学生的自信,调动学生电脑绘图的欲望。 二、注重基础,训练信息操作技能 电脑绘画与手工绘画有很大区别,需要学生熟练运用鼠标。老师在进行电脑绘画教学时可让学生先感觉鼠标,控制鼠标的灵敏度,能够准确点开绘画软件的界面,并能准确找到绘画工具。熟悉绘画软件中各种工具的位置,可以“单一”操作练习,在选择与撤销之间熟练操作。所画的作品可以是模板中的花草树木,学会简单的绘画与配色,为以后绘画创作打好基础。老师要教给学生基本的电脑操作快捷键,如复制:Ctrl+C;粘贴:Ctrl+V;保存:Ctrl+S;剪切:Ctrl+X;撤销:Ctrl+Z等。基本技能的操作老师可以集体教学,在实际操作时,老师要及时跟进,巡回观察学生在操作中出现的问题。电脑绘画灵敏度较高,学生在操作时要仔细认真,如果遇到错误操作要知道如何撤销和修正。如五年级教材中《有趣的重复》一课,老师要教给学生运用大量的绘图工具和编辑命令,先自行设计一个简单的图形,然后用复制、粘贴就可以完成重复构图,简单快捷。学生从中可以感受到电脑绘图与手工相比的优势。老师先演示一遍,然后让学生进行操作练习,巩固操作技能。老师还可以引导学生利用软件中的美术字库,在图片中插入,并对字形进行拉伸、缩放和位移,进行立体化编辑处理。学生可以随心所欲选择美术字的字形格式,根据自己图片的需要进行横向或竖向插入自己编辑好的美术字,并运用软件简单的色彩编辑命令进行色彩构成。学生在自主操作中会有更多的发现,只要学生明确撤销命令,就可以大胆尝试,体现了电脑绘画的优势。 三、引导创新,体验电脑绘画乐趣 学生掌握电脑绘画技巧后,要进行绘画创作。学生在绘画时会从自己的角度审视题目的要求,然后展开联想和想象,大胆构思。学生的作品在成人眼里也许很幼稚或者毫无逻辑,但是里面包含着学生的童真。小学生语言表达能力还不够,在表达内心世界时通常喜欢用图画的方式。老师教给学生电脑绘图的技法后,学生便可以用软件中丰富的绘图工具以及各种各样的颜色表达自己的感受。像Photoshop软件中的滤镜,可以为色彩的处理增加特效,给人一种真实而玄幻的感觉。如在《快乐的圣诞夜》的绘画创作中,学生为了表现飞速奔跑的圣诞老人的雪橇,运用了滤镜菜单功能。学生还可以运用软件工具把图片按比例进行缩放,然后运用复制粘贴工具,把图片排列起来,像是搭成的一串桥。在以“世界杯”为主题的绘画创作中,有学生的作品为《足球将世界连在一起》,其中就运用了这种方式,画面为一名足球运动健将在天安门前一脚踢飞一个足球,足球一直飞往大洋彼岸。图画就是运用了复制粘贴的方式表示连续的足球飞走的动作。滤镜中还有发光效果,在《我的魔法小天使》的图画创作中,就可以用滤镜表现魔法棒的闪闪发光。学生不断挖掘电脑软件的工具,在尝试与创新中体验电脑绘画的乐趣。电脑绘画可以存储对比,学生可以随时看到自己绘画技能的提高、绘画作品的完善。电脑绘画可以为学生的个性张扬提供更多的工具和材料。软件中的绘图工具应有尽有,平面图片的绘画之后是动感立体画的创作,这是手工绘画没有的功能。电脑绘画给学生带来广阔的想象空间,实现了美术教育的创新目标,为美术教育增光添彩。 作者:殷红霞 单位:江苏省常州武进清英外国语学校 小学美术论文:中小学美术课堂素描教学论文 一、素描练习与“苦练”态度 初学者总有一个“懒”字,只是喜欢欣赏别人的作品,也爱看别人作画,就是不爱自己动手,总觉得自己太“笨”,画得太“丑”,或害怕别人讥笑而不敢提笔。事实上,从古至今,许多有成就的画家,在初学阶段都有过踉跄趔趄的经历。这里就存在着一个“苦练”的问题,技法虽然弄懂了,并且背得滚瓜烂熟,提起笔来也未必画得了画,这就必须要刻苦地坚持素描写生练习。 二、基础训练与基本要求 西洋素描比我国传统技巧更加完备和先进,是具有科学性的,它能如实地反映客观现实。但是我们学习他们的素描教学千万不能生搬硬套。无论哪个时代、哪个国家的素描教学法,我们都要遵循著名画家徐悲鸿先生提出的“古法之佳者守之,垂绝者继之,未足者增之,不佳者改之,西方绘画可采入者融之”的原则进行素描训练。 素描的基础,主要是在培养学生正确地观察、分析、综合对象和生动地表现对象的能力。素描与色彩要求结合得完美,首先要抓住素描造型。譬如中国的人物画,是以线描为主要造型手段,加强白描的基本功训练,准确掌握人体比例、透视及运动规律,这就要认真分析和认识对象,打好素描基础。 在素描教学中,必须注意简练、准确、生动的特点。对于初学者,应从循序渐进入手,先画石膏和静物,但死的模型也不必画得太多。人体造型的难度是大的,随着人体的运动,当中细微变化更难掌握,因此我们要求对人体结构要有所研究,重视解剖基础训练。 素描的练习,起初可用硬笔(铅笔、碳铅或钢笔等)勾画,时间不用长,画面不用大,用小幅纸张素描,扼要地把对象的大关系概括出来即可,成为初步形体动态的印象。头脑中有了这个印象之后,即可进行第二次素描,更能准确地调整好对象的位置、比例、明暗、轻重、动态、传神等等造型因素,有程序地由浅入深地加以表现。课堂时间是有限的,在第三次素描训练时,要求同学们在课外时间进行,背离对象用心默记着去画。记忆素描结束后,还要去对着物体和画面仔细检查一番,把默记错误的地方和不准确的地方纠正过来。如果觉得不满意或有多余的时间,最好再默记一幅,或变换角度再画几张。这样的素描教学法,一定会使学生学得活、记得深、收效大。 三、提高素质与鉴赏能力 学生在素描教学中建立了一定的基础,作业就能层层深入地进行。达到这个阶段,教师要特别提醒学生注意整体关系,不忘取舍,削弱次要部分,强化主要部分,在深入的基础上进行艺术提炼,以适时提高学生的艺术素养。这就需要在素描教学中经常开展名作欣赏、习作评比活动,与学生自己的作业相互对照,找出较好的地方和不足的地方,并找到不足的原因。最后,教师可集中针对大家普遍存在的问题加以研究,分析解决,并提醒学生在今后的实践中对客观事物要作出细致的观察和认真的剖析,牢记作画要领。素描习作可以灵活多样,在日常生活中注意培养快速捕捉有生命形象的造型能力,能将写生、记忆、默写、夸张有机地融为一体。 四、总结 素描教学是绘画课程的基础,课堂作业只是基础训练的一个方面。若要表现鲜活的对象,仅凭课堂训练是远远不够的。必须要走出教室,深入生活,到校园里、到大自然中去探寻更加丰富的形象,这是基础训练的第二个方面。只要养成细心观察的习惯,生活中到处都有可发现的题材,皆是惟妙惟肖、栩栩如生,并且赋予各自鲜明的个性,甚至可以“不施粉黛而光彩动人”。只需自觉地运用相关的造型规律,学生的造型基本功完全可以在课外得到长足的发展。 作者:苏凤光 单位:吉林省东辽县教师进修学校 小学美术论文:小学美术多元文化创新教育论文 一、美术教材渗透多元文化因子 1.世界经典的融合,培养多元欣赏角度 艺术是世界的,只有风格的不同,地域的不同,其内涵表达是统一的。对于世界经典美术艺术作品的赏析,我们通常采用对比的学习方法。生活经验的积累和审美情趣的激发,可以让学生在欣赏和理解的时候有一定的深度,并能够生动的描绘出自己的感觉。如《爸爸妈妈》一课,主要是对人物肖像比例结构的掌握,在绘画中表现人物的形象特征。教材中展示的是罗中立的油画《父亲》,刻画的是一位饱经风霜的老父亲,古铜色的皮肤上是岁月刻下的皱纹,写满了生活的艰辛,有着强烈的震撼力。佟金峰的木刻版画《母亲》主要运用的是黑白对比的效果,色彩鲜明地表现了母亲的慈祥和沧桑。罗马尼亚克鲁杨的油画《洗头》则注重的是脸部细节的刻画,改变了头部概念化的画法,通过恰当的五官比例,从侧面和背面进行刻画。通过欣赏,学生可以融合各种画法,为自己的父母画一张肖像画,通过五官和表情的刻画,从而表现出父母的性格特点。 2.时尚多元文化的渗透,散发时代气息 随着时代的发展,美术创作中的时尚元素也不断增加。大街小巷的广告纸制作精美,PS出来的照片比例和谐,电脑和手机都有“秀图”的功能,这使得美术作品在视觉上越来越完美。我们在教学过程中也可以结合身边的这些美术素材,激发学生的创作欲。如周末超市打出的促销海报,水果区的颜色搭配非常美,为的是刺激消费者的购买欲。我们学生在水果作品的创作时,就可以借鉴。当然,艺术和图片是不同的,不能太“唯美”,作品创作的时候还是要讲求技法的。 二、美术教学运用多元教学手段 因为美术教育的多元教学要求,有的老师就追求“大而全”的花哨课堂,信息量的增大,形式的多样化,反而使课堂“华而不实”。多元教学手段,要在教学中创设更适合学生接受的环境,适当拓展教学内容,采用适合小学生接受的教学手段,才可以提高教学的效果。 1.创设多元美术教育的环境 小学美术教学现在多用循环教科书,每个学校设有专门的美术教室,这样我们就可以根据美术学科的特点进行多元美术教育环境的营造。教室的每一面墙体可以自成一个民族,或者一个朝代,或者名家作品。我们年级的美术教室,外面的阳台处就是梵高的《向日葵》,学生在进入教室之前就被这么明亮的“向日葵”所感染,学习情绪也非常高。教室左侧是“中国风”,具有鲜明特色的民族服饰占据了很大的地方,然后是大红的“中国结”和中国特色的“剪纸”,后角悬挂着“京剧脸谱”等。教室右侧是“世界之窗”,在各个国家的国旗下面配有最有代表性的建筑物。学生在课间总会去欣赏一番,和在电视上看到的做一番对比。这些图案和线条对小学生起着潜移默化的作用,在后来作品创作的时候,很多学生就借鉴了这些图案。美术教学的环境营造还可以借助集“声光影”于一体的多媒体。在欣赏达?芬奇的名画《蒙娜丽莎》时,背景音乐是钢琴曲《献给爱丽丝》,在欣赏《中国山水画》时,背景音乐则是古筝的演奏。美术和音乐本是不可分割的,在美术作品欣赏的时候,配上合适的背景音乐,则会增强美感。音乐可以感染人,用音乐把学生的情感调动起来,对美术作品的欣赏也可达到更高的层次。视听结合的效果是很明显的,老师在营造氛围的时候,也要及时引导,让学生快速进入状态。 2.选择多元美术教育的内容 美术教育不是让学生“被动”接受,也不是对着教材机械地进行枯燥的“说教”。美术教学时,中外同类的作品可以共同欣赏,通过对比找出其中的不同之处。甚至有时候老师可以进行同类作品的拓展。在《画中的线条》的学习时,教材本身就展示了魏晋时期的砖画《放牧图》、南宋马远的《黄河逆流》、唐朝吴道子的《八十七神仙卷》(局部),在这些作品中线条的使用,风格不同。通过仔细欣赏,就能找出异同点。作品展示中还有法国马蒂斯的《女像》、西班牙毕加索的《两个青年农民》。对线条画的欣赏,能够感受到线条透出来的人物内心世界,《女像》的平静如水,《两个青年农民》内心的动荡不安。这一课线条画中既有我国的美术作品也有域外的作品对比,教学的内容呈现多元化。老师还用多媒体展示了中国著名绘画大师吴冠中的《山水》,主要是以毛笔的线条勾勒而成。电子白板的资源库中还可以随时调出很多的线条画。简单、明晰、动感十足,这就是线条画的魅力。学生学习欣赏之后,也开始用铅笔进行线条创作。 3.采用多元美术教育的方式 多元美术教育方法的采用要根据具体的学习内容进行选择,可以结合时代特征,节日主题等。应时应景的美术创作更能够引起学生的兴趣。尤其是我们家乡流传的民间艺术,奶奶辈都可以教给我们剪纸的方法,所以我们老师在民俗文化教学时,可以通过家校联合的方法,在学校里学习后回到家还可以继续创作。如元旦来临之际,我们可以教给学生剪窗花,做绣球来装扮教室,学生都会动起手来,满怀热情进行创作,有的学生还跟家长学会了剪“拉花”。现代美式教学还可以结合电脑制作。在《电脑美术———模板帮我们作画》一课中,我们就在电脑上制作图画,并打印出来。学生在模板库中运用轮廓线的方式,可以任意调出各种图形、符号,方便易行。利用模板,学生还可以对自己的画进行加工润色,创作出意想不到的画面。小学生在作画的时候,通常没有严密的预设,一边想,一边画,这就是可贵的“创新”。美术教学的方式很多,只要能够结合学生的实际生活和学习现状,激发学生的求知欲和创新因子,就可以收获更好的课堂效果。 三、总结 小学美术多元文化教育,是美术课改的必然。我们要对小学美术教材中的多元文化元素进行深度挖掘,通过课堂教学形式对多元文化进行全面展示,实现多元文化因子的大融合。美术是不同时代、不同地域、不同民族的表达方式,人们用美术作品传递着更多的文化信息。小学美术教材呈现多元化文化特征,这为美术教学中的多元化提供更多的资源,我们老师要以教材为基础,适当拓展,优化美术教学资源,促进学生的美育发展。 作者:白文俊 单位:江苏省常州市武进清英外国语学校 小学美术论文:多媒体技术中小学美术教育论文 一、多媒体技术在小学美术教学中的具体作用 (一)提升小学生的美术学习兴趣 对于美术学科而言,应用多媒体技术可以改变传统美术画面的静态劣势,通过动态化演示,进而更加生动、清晰地呈现出艺术作品,促使学生在课堂中感受到身临其境的感觉,完全不受时空的限制。小学生在这样轻松、快乐的氛围中能够充分感受到美术所带来的精神享受,最终激发出他们的学习兴趣。 (二)提升小学生艺术欣赏水平 通过多媒体教学能够促使学生认识并理解美术作品中所包含的美,进而提升他们的欣赏水平。美术欣赏课能够通过网络手段找到丰富多彩的内容,并传递给学生,使他们欣赏到高质量的艺术图片,同时也可将不同风格、不同流派的美术作品呈现在学生的眼前,通过反复对比,促使学生的欣赏能力得到更大提升。 (三)拓展了小学生对于美术学科的视野 小学美术课堂所欣赏的内容具有一定广泛性,主要包含了世界各国以及古今中外的各种美术作品。这样庞大的信息量,通过应用多媒体资源能够使学生欣赏到传统美术教学方式所无法看到的图片以及视频,极大地拓展了学生的美术视野。利用提供出的大量教学内容及课外知识,扩大了美术教学内容,也使学生们得以在有限的范围内接触到无限的艺术作品,在积累丰富知识的同时,也深层的激发了他们的潜能,提高了实际教学质量。 (四)提升课堂教学效率 多媒体技术作为一种十分重要的信息手段,将其应用在小学美术教学当中,能够有效提升教学效率,同时也有助于学生学习心态的改善,这样学生的学习效率自然会得到提升。从小学美术教师的角度来看,通过多媒体技术教学,可以在备课阶段丰富教学内容,并且可以更加准确的展现出将要学习的课堂内容,教师得以从繁重的课堂板书中解脱出来,从而将更多时间利用在学生的实际训练当中。从小学生的角度来看,通过多媒体技术,学生能够更好的理解原本极为抽象的美术理论知识,因此有了更多的时间去思考、理解和记忆。 二、小学美术教学应用多媒体技术的有效途径 (一)确保多媒体技术应用的正确性,从而激发学生学习主动性 多媒体技术手段拥有特殊的艺术魅力以及传统教学方式无可比拟的优势,小学美术教师的主要工作任务就是要科学合理利用这种资源,并以此实现美术教学方式的多元化,进而优化整个课堂教学结构,进一步完善实际教学过程。禁止在教学过程中将其形式化,而是要把小学美术课堂教学变得更加生动、具体,切实改善传统美术教学方式中严重缺少教学情境的弊端,通过图像、视频、影像、声音等多媒体技术,使得美术教材更加生动、有趣味,将更多的艺术美展现在学生眼前。在这一过程中,学生便能够深刻体会到教材深层包含的意境,进而使学生的各种积极心理因素被充分激发出来,与此同时也充分调动了审美主体的心态功能,使之变得更乐于学习,更热爱美术。 (二)加强对多媒体技术的应用,促使学生得到全面发展 利用多媒体技术进行小学美术教育,打破了传统授课方式,使小组教学以及网络讨论等多种方式逐渐代替了原来的大班授课形式,从而使授课范围得到扩大,其授课形式也更加多元化。所以,小学美术教师更应该针对学生不同个性较多运用多媒体技术进行教学。对于不同基础、不同水平的学生,教师应给予不同数量、不同难易程度的练习,把更多学习机会以及练习机会交由学生,最终促使不同层次的学生都能够各自完成学习目标。与此同时,小学生在美术课堂上的主体地位应当得到充分体现和发挥,使每一阶段的学生都可以得到培养。另外,美术教师也可以通过改变作业模式,使学生们有效利用计算机适时完成课堂作业,这将在切实提升学生美术能力以及计算机操作水平的同时,促使学生得到全面发展。对于小学美术教师自身,应时刻重视自身专业技能的提高,通过多媒体技术设计出高质量的教学课件,为小学美术教学提供多种有效的方法和意见。 (三)进一步强化师生交流,建立和谐、融洽的师生关系 在传统美术教学方式进行授课时,很多情况下都没有实物教具,这时教师只能通过口述的方式来讲解雕塑作品、建筑欣赏等原本具体化、形象化的知识,这样便浪费了大量课堂时间,而这时学生往往还很难理解老师所讲授的内容。而多媒体技术的应用便还好的解决了上述问题,它凭借自身连续性、动态化的特点使原本抽象的问题变得形象化、具体化,同时也为教师提供了更多时间、更多精力去思考深层次的美术教学问题,为学生创设了良好的教学环境。在这样的教学过程中,学生们的自主思考、自主学习空间将会变得更大,逐渐由传统被动式接受知识转化成了积极主动的学习,也将机械学习有效转化成了意义学习,促进师生关系向着更加和谐、融洽的方向发展。值得提到的是,多媒体技术作为一种教学手段,不可将其替代为教师来履行职责,教师和学生之间的沟通交流以及学习过程中的互动仍旧需要教师的不断努力。小学美术教师应该将更多的时间应用在和学生的交流,在教学过程中去感染学生、激励学生、引导学生,使他们真正从课件当中摆脱出来,拥有更多的时间去了解学生、关心学生,进而拉近自己与学生之间的距离。 三、结语 小学教育作为基础教育,应始终强调素质教育,并主张进行全面培养。美术教学是不可或缺的艺术类学科,在教学过程中培养学生创造力不容忽视。然而当前小学美术的教育局面则应得到及时纠正。第一,应对美术功能进行重新认识,深入贯彻美术教学目标,积极评价美术教育的重要性;其次,小学美术教师应适时转变美术教育教学观念,确立起使新的美术教育观;最后,应在教学实践中深入探索美术教学新模式、新策略。而其中应用多媒体技术进行教学具有重要作用,多媒体技术凭借自身具有的多方面优点,得到了教育界的广泛认可,并且应用也越来越广泛,从而使小学美术教学迈入了新的发展阶段。 作者:吴志刚 单位:无锡城市职业技术学院 小学美术论文:小学美术教学中多媒体技术论文 一、多媒体技术在小学美术教学中的具体作用 伴随计算机技术的切实发展,教师应按照既定教学目标及对象,应用新式教学设计,达到良好的的教学效果。在小学美术教学过程中应用多媒体技术授课能够体现出艺术与科学的完美结合,另一方面更能促使小学生积极参与到课堂学习当中,提高他们接受新事物的速度,并通过鲜明的画面使他们意识到美术学科的重要性,最终使学生的组合素质得到有效提升,推进素质教育的切实发展。 (一)提升小学生的美术学习兴趣 对于美术学科而言,应用多媒体技术可以改变传统美术画面的静态劣势,通过动态化演示,进而更加生动、清晰地呈现出艺术作品,促使学生在课堂中感受到身临其境的感觉,完全不受时空的限制。小学生在这样轻松、快乐的氛围中能够充分感受到美术所带来的精神享受,最终激发出他们的学习兴趣。 (二)提升小学生艺术欣赏水平 通过多媒体教学能够促使学生认识并理解美术作品中所包含的美,进而提升他们的欣赏水平。美术欣赏课能够通过网络手段找到丰富多彩的内容,并传递给学生,使他们欣赏到高质量的艺术图片,同时也可将不同风格、不同流派的美术作品呈现在学生的眼前,通过反复对比,促使学生的欣赏能力得到更大提升。 (三)拓展了小学生对于美术学科的视野 小学美术课堂所欣赏的内容具有一定广泛性,主要包含了世界各国以及古今中外的各种美术作品。这样庞大的信息量,通过应用多媒体资源能够使学生欣赏到传统美术教学方式所无法看到的图片以及视频,极大地拓展了学生的美术视野。利用提供出的大量教学内容及课外知识,扩大了美术教学内容,也使学生们得以在有限的范围内接触到无限的艺术作品,在积累丰富知识的同时,也深层的激发了他们的潜能,提高了实际教学质量。 (四)提升课堂教学效率 多媒体技术作为一种十分重要的信息手段,将其应用在小学美术教学当中,能够有效提升教学效率,同时也有助于学生学习心态的改善,这样学生的学习效率自然会得到提升。从小学美术教师的角度来看,通过多媒体技术教学,可以在备课阶段丰富教学内容,并且可以更加准确的展现出将要学习的课堂内容,教师得以从繁重的课堂板书中解脱出来,从而将更多时间利用在学生的实际训练当中。从小学生的角度来看,通过多媒体技术,学生能够更好的理解原本极为抽象的美术理论知识,因此有了更多的时间去思考、理解和记忆。 二、小学美术教学应用多媒体技术的有效途径 (一)确保多媒体技术应用的正确性,从而激发学生学习主动性 多媒体技术手段拥有特殊的艺术魅力以及传统教学方式无可比拟的优势,小学美术教师的主要工作任务就是要科学合理利用这种资源,并以此实现美术教学方式的多元化,进而优化整个课堂教学结构,进一步完善实际教学过程。禁止在教学过程中将其形式化,而是要把小学美术课堂教学变得更加生动、具体,切实改善传统美术教学方式中严重缺少教学情境的弊端,通过图像、视频、影像、声音等多媒体技术,使得美术教材更加生动、有趣味,将更多的艺术美展现在学生眼前。在这一过程中,学生便能够深刻体会到教材深层包含的意境,进而使学生的各种积极心理因素被充分激发出来,与此同时也充分调动了审美主体的心态功能,使之变得更乐于学习,更热爱美术。 (二)加强对多媒体技术的应用,促使学生得到全面发展 利用多媒体技术进行小学美术教育,打破了传统授课方式,使小组教学以及网络讨论等多种方式逐渐代替了原来的大班授课形式,从而使授课范围得到扩大,其授课形式也更加多元化。所以,小学美术教师更应该针对学生不同个性较多运用多媒体技术进行教学。对于不同基础、不同水平的学生,教师应给予不同数量、不同难易程度的练习,把更多学习机会以及练习机会交由学生,最终促使不同层次的学生都能够各自完成学习目标。与此同时,小学生在美术课堂上的主体地位应当得到充分体现和发挥,使每一阶段的学生都可以得到培养。另外,美术教师也可以通过改变作业模式,使学生们有效利用计算机适时完成课堂作业,这将在切实提升学生美术能力以及计算机操作水平的同时,促使学生得到全面发展。对于小学美术教师自身,应时刻重视自身专业技能的提高,通过多媒体技术设计出高质量的教学课件,为小学美术教学提供多种有效的方法和意见。 (三)进一步强化师生交流,建立和谐、融洽的师生关系 在传统美术教学方式进行授课时,很多情况下都没有实物教具,这时教师只能通过口述的方式来讲解雕塑作品、建筑欣赏等原本具体化、形象化的知识,这样便浪费了大量课堂时间,而这时学生往往还很难理解老师所讲授的内容。而多媒体技术的应用便还好的解决了上述问题,它凭借自身连续性、动态化的特点使原本抽象的问题变得形象化、具体化,同时也为教师提供了更多时间、更多精力去思考深层次的美术教学问题,为学生创设了良好的教学环境。在这样的教学过程中,学生们的自主思考、自主学习空间将会变得更大,逐渐由传统被动式接受知识转化成了积极主动的学习,也将机械学习有效转化成了意义学习,促进师生关系向着更加和谐、融洽的方向发展。值得提到的是,多媒体技术作为一种教学手段,不可将其替代为教师来履行职责,教师和学生之间的沟通交流以及学习过程中的互动仍旧需要教师的不断努力。小学美术教师应该将更多的时间应用在和学生的交流,在教学过程中去感染学生、激励学生、引导学生,使他们真正从课件当中摆脱出来,拥有更多的时间去了解学生、关心学生,进而拉近自己与学生之间的距离。 三、结语 小学教育作为基础教育,应始终强调素质教育,并主张进行全面培养。美术教学是不可或缺的艺术类学科,在教学过程中培养学生创造力不容忽视。然而当前小学美术的教育局面则应得到及时纠正。第一,应对美术功能进行重新认识,深入贯彻美术教学目标,积极评价美术教育的重要性;其次,小学美术教师应适时转变美术教育教学观念,确立起使新的美术教育观;最后,应在教学实践中深入探索美术教学新模式、新策略。而其中应用多媒体技术进行教学具有重要作用,多媒体技术凭借自身具有的多方面优点,得到了教育界的广泛认可,并且应用也越来越广泛,从而使小学美术教学迈入了新的发展阶段。 作者:吴志刚 单位:无锡城市职业技术学院 小学美术论文:我国小学美术教育论文 一、当今小学美术欣赏教学的现状 尽管美术欣赏对学生的理论知识和绘画技巧的培养具有一定的意义,但是很多小学美术教师都不重视美术欣赏教学,也没有遵循新课标的要求和目的去进行教育工作,往往形成学生在自己看书,甚至出现忽略不讲。发现其原因,首先是美术教师忽视了欣赏教学的重要性;其二是教学信息和教学设备及材料缺乏;三是教学方法过于单一,不能激发学生的学习积极性,最后导致认为学生对欣赏课不感兴趣。前两点问题在教学过程中得到了解决,因为随着新课程要求的培训和加强实施,美术教师认知了欣赏课的重要性;在“农远工程”的推动下,最大程度的解决了小学教学信息、教学设备及教学资料缺乏的问题,让每个农村小学都有了专门的网络、计算机教室、卫星收视教学点,还有教学视频播放,只要美术教师掌握简单的实际的现代信息操作技巧就能短时间内获得大量的资料,并且在同一时间可以使每一个学生都能清晰地的观赏。所以,当今情况下教学方法过于单一,才是影响美学欣赏课教学正常运行的主要原因,也是影响新课程达到目的主要因素。因为教学的方法需要美术教师通过教学过程中不断的探索和积累,它不是单一的,也不是相通的,所以教学方法要随着教学目标和教学的实际情况而不断的更新、改进和变化,新课程的目的和教学方法是相互支持的,如果不能将其融入到教学方法的价值和目的中去,终究还是纸上谈兵。新课程特别强调培养学生的积极性学习、探索性学习、自主性学习、合作学习的能力,通过这些知识能力的培养如果只靠传统的讲解为主的话也不能真正的实现,所以不断的创新、不断的探讨、行知有效的教学方式才能确保教学目的和教学改革的实现。在新课程大力实践中,教师们会发现互动教学对提高教学实效性、实现新课程目的、改进美术欣赏教学有着重要的意义。 二、美术欣赏互动教学的方法 1.巧妙设问,激发学生提问 在美术欣赏教学中巧妙的设问可以直接影响欣赏教学质量,巧妙的设问可以促进学生的积极性,有质量的设问可以启发学生的思维,走进学生内心的深处,可以让学生积极参与到课堂的教学中去,让学生真正发挥自己的作用性。如何针对教学的内容,美术教学才能提出有质量额问题呢?首先要尽量选择学生曾经经历过的,使其每一个学生都可以有说话的空间。比如《留住春天》一课,我们可以将两种设问作出比较:一是在秋游的时候,我们曾经去过什么地方?二是你们通过照片上的线索可以看出同学在做什么活动啊?你觉得这幅画好看吗?两个问题中,第一个相对于要巧妙一些,因为让学生经过大脑的思考回忆才能表达自己的看法,而且在回答的问题中多种多样,对展现学生的个人感受是有意义的。第二个问题是很传统的问题,答案都基本一致,只凭观察都能回答。其次,提问要有创新,好奇之心人人都有。在欣赏教学中,美术教师要根据教学内容和培养目的,设计有吸引力、新颖的、学生感兴趣的问题,就会激发学习积极性,调动课堂的气氛。在《什么是美术作品》的教学中,美术教师让学生在日常生活中留意生活用品、瓷器、彩陶等,然后设计问题:如何让生活用品变成美术作品?在欣赏教学中,师生互动也很重要,教师除了设计问题,还应该激发学生提问。新课程要求要培养学生提问的意识,是否能让学生积极发现问题然后主动提出问题以及探讨问题已经是课堂质量评价的标准。在学习过程中,如果哦能让学生自己提问,才证明学生真挚的掌握了知识,学生才会有所进步。所以,在欣赏教学当中,教师要改变传统的教学模式,真正意义上师生平等交流,鼓励学生发文,教师也应该通过学生的问题来开展教学,提高学生的积极性和主动性。 2.开创情境,加深体验 在欣赏教学中,情景教学和情感教育的结合能推进互动教学。在欣赏优秀的美术作品时,教师要收集作品的相关资料加以整合,融入不同学科的知识,把欣赏作品当作整个文化体系上的爆发点。目的是:使其学生可以认知这个点,更进一步让学生融入这个文化氛围,为达到教学目标,教师开创文化情景,可以使学生大范围的了解美术与整个社会、历史、生活以及人的情感都息息相关。例如欣赏《春》时,可以将教室创设成有春天气息的氛围,在加上《春天圆舞曲》的融入,学生朗读春天的文学作品。通过这样的文化情境,学生在众多感官中,体会和探讨对春天的感受,使其每一个学生都有独特的感受。 3.演讲故事,加强交流 美术是灵感瞬间爆发的艺术,一般是通过生活中有戏剧性和代表性的瞬间来作为创作对象,特别是在叙事性素材中的美术作品,只能用他最精彩的片段。根绝美术作品的特征,在欣赏教学中可以以演讲的方式,使其学生可以充分了解、认知、体验、探讨作品的内容和背景故事,加强学生掌握作品的深层次意境。如在欣赏《狼牙山五壮士》这幅作品时可以通过演讲的方式来加强批次之间的沟通交流,提高了语言表达的能力。 4.积极动手,增强合作 积极动手在欣赏教学中,教师不能一味的讲,学生一味的观看,在必要是是适当的动手师范或者让学生自己动手。这类互动方式,加强了学生的学习美术兴趣,调动了课堂的气氛,让学生更好了解美术作品,并且培养学生的合作能力。临摹的欣赏教学中学生动手操作的一种方式,在欣赏美术作品后,让学生临摹自身最有感觉的片段,从而学习经典作品的技巧,领悟作者的创造情感,在临摹的过程中还可以融入自己的发挥和创作。临摹可以让学生自身进行,也可以通过合作,总之在方式上具体的教学内容好灵活运用。如“民间竹编艺术”欣赏这课,让使其学生欣赏中国优秀的竹编工艺品,然后讲解简单的制作方法,再给学生分配材料,让他们在相互交流中完成一个佳作。学生在亲手制作过程中,提高学生对竹编工艺的兴趣。 三、结语 综合上述我对美术教学中应用的欣赏互动教学的一些方法,在教学工作中取得了一定的效果。在课堂上,掌握学生的实际情况和教学内容,灵活运用这些方法。学生可以在多种途径、多种形式的感受和体会中,在一起进行沟通和交流。为了达到新课程的目的,教师们要不断创新、不断实践、不断总结的有效教学方法。 小学美术论文:学生互动下小学美术教学论文 一、教师要关注生生之间的互动 教师在教学的过程中要把握学生的基本能力的形成。教师要引导学生进行生生互动,让学生在同伴的评价以及自我评价中认识到自己的不足,发展自己的美术能力。在小学美术教学过程中,教师要改变过去传统教学中教师一言堂的行为,要让学生真正成为教学的主体,让学生之间建立一种相互尊重,相互理解的更加平等民主的生生关系,让学生在这样一种师生互动、生生互动的新型互动方式中更好地完成美术学习。如教师在学生完成美术习作之后,就可以引导学生在小组之内相互传阅,引导学生进行相应的点评。学生在其他同学悦纳的眼光中强化自己成功的喜悦,并在同学的指点下了解自己美术作品的不足进行修改。生生之间的互动,让学生从同学的眼中更好地发现了自己。 二、运用多种教学方式引导学生进行美术学习的互动 (一)巧用多媒体课件,实现人机互动。 在美术教学中,教师要巧用多媒体课件辅助教学,完成人机互动。在人机互动的基础上,教师要加强对学生美术能力途径的引导,让学生从不同的角度完成美术能力的提升。教师在这个过程中要引导学生进行美术知识的学习,运用新型的教育学理论,注意使儿童乐意学习,教师要引导学生通过多媒体课件鲜艳的色彩让学生形成画面的感知,尊重学生的内心体验,让学生在互动关习中形成自主、积极、有效的学习活动。如在人教版小学美术教材第一册《让大家认识我》的教学中,教师运用多媒体课件出示创作工具,认识常用颜色以及不同风格线条的表现,学生在与多媒体进行人机互动的基础上,体会到不同的笔触,不同的画布所产生的不同的画面效果。 (二)运用小组合作学习,完成生生互动。 在小学美术学习的过程中,教师要努力在课堂教学中,建立良好的人际关系。教师可以采用小组合作学习的方式引导学生建小学美术教学中学生互动的重要性马宗平(河北省秦皇岛市抚宁县榆关学区大刘庄小学,河北秦皇岛066303)摘要:在小学美术教学中的互动式是非常重要的。教师要关注小学美术教学过程中的师生互动,运用多种教学方式引导学生进行美术学习的互动,并努力强化评价方式,引导学生在评价中真正提升自己。关键词:小学美术;互动;重要性中图分类号:G613.6文献标识码:A文章编号:1671-6035(2015)03-0175-01立生生互动。在小学阶段,每个班的班容量不同,教师可以结合不同的班容量选择适合学生的教学策略。教师可以按照班容量的大小以每组四至六人的形式组成合作小组,让学生在小组合作中进行生生互动。教师要根据同组异质的原则实现学生之间的小组互动,让不同层次的学生能够在相同的教学环境中都能够获得教学活动的开展。当学生完成绘画的时候,教师引导学生进行组内交流以及组外交流,让学生在不同的学生互动中获得美术能力的提升。 三、强化评价方式,引导学生在评价中真正提升自己 在美术学习的过程中,教师不但要引导学生进行师生互动、生生互动,而且要引导学生进行自我评价以及生生评价,在这个基础上教师要对学生互动的方式进行评价,让学生在评价的过程中认识自己的美术能力,获取美术能力的提升。教师要创建评价机制,让学生在教师的评价中发展自己的不足,了解自己已经具备的美术能力,懂得自己应该从哪个角度进一步学习美术,如在人教版四年级美术上册《色彩的冷与暖》的教学中,教师以直观的图片引导学生观察色彩的冷暖带给人的不同感受,体会色彩的情绪,并激发学生在色彩创作中有意识的运用冷色和暖色创造不同的画面效果。当学生完成色彩创作的时候,教师可以引导学生认识冷色与暖色,了解色彩的基础知识,体验色彩给人的不同感受,并在学生对同学的作品的评价中体会冷暖色调的不同,在师生互动评价以及生生互动评价中进一步感知颜色的不同,激发学生热爱美术学习兴趣。 四、结语 总之,在小学美术学习的过程中,教师要关注学生互动方式的重要性,并在互动中激发学生的美术学习的兴趣,在教学中努力形成师生互动、生生互动,并用不同的互动方式强化学生在美术学习中的自我认知,让不同层次的学生努力提升美术能力。 作者:马宗平 单位:河北省秦皇岛市抚宁县榆关学区大刘庄小学 小学美术论文:色彩教学下小学美术教育论文 一、色彩教学在美术教育中的具体表现 美术主要是通过线条、色彩等手段进行再次加工的艺术表现,光有线条而没有色彩的美术不具备足够的吸引力,所以,色彩在美术活动中的作用是不可逾越的。在美术教育中,通过丰富多彩的色彩,能够将学生的注意力吸引过来,并对学生的审美情感产生一定的影响,以潜移默化的形式感染学生的世界观、人生观和价值观。可以说,正确地把握色彩,能够给学生传递积极、健康的生活态度。在美术教育中,色彩除了其本身所特有的物理性质之外,还能对人的感情产生触动,此外,邻近的色彩通过合理的调配,可以看起来更加完美,继而获得一致的色调效果;色彩也具有一定的对比性,不同色彩在不同的位置上可以使得某一色彩更加显著,达到预期的目的。 二、色彩教学在小学美术教育中的应用 (一)激发学生对色彩的认知能力 色彩教学在小学美术课程教学中占有重要的地位,假若不能吸引学生注意力,将使得这一课程失去了原本的意义。在实际教学过程中,需要从美术工具的认识上来促进学生对色彩的理解,对于年龄较小的学生来说,可以通过日常生活中能够接触到的物体对色彩进行分辨和学习,通过这样一种方式,学生很容易产生对美的情感,并积极参与到课堂教学中来;此外,也可以通过“游戏”设置来引领学生感知色彩的变化,在美术活动中,鼓励学生自主选择颜色进行搭配,充分激发学生对色彩的认知能力;在课外活动中,拓展学生对色彩的感受与愿望,小学生是活泼好动的,他们更希望从大自然中来感受色彩的变化,为此可借助于课外活动,引领学生感受蓝天、绿水、四季等的变化,帮助学生体验色彩的美感。 (二)帮助学生更好地掌握世界 色彩对人是具有一定的影响的,既具有普遍性又具有特殊性。年龄较小的孩子由于大脑的发育并不完全,对色彩的辨识能力有限,而对于鲜艳的色彩却表现出强烈的好奇,小学阶段的学生正是色彩心理敏感时期,男生多喜欢冷色系的蓝色和绿色,而女生多喜欢暖色系的粉色或红色,由此便可判断出他们在日常生活中的某种心理倾向。例如,对于偏爱红色的学生,其感情较为细腻,具有一定的好强心,对任何事物总是好奇的追问,性格开朗、热情奔放;对于偏爱黄色的学生来说,他们的性格偏向于热情,在外人面前会表现得很有自信,反应较为灵敏,做事比较积极、主动,具有团队精神等等,可以说,通过对喜欢不同色彩进行分析,能够判断出学生的性格、喜好等具有典型的特点。因此,在美术教学中,利用这种色彩心理效应,完全可以因势利导地帮助学生更好的成长,使学生的优点充分发挥出来,通过扬长避短的方式,让学生更好地成长。 三、提高学生的色彩教学质量的具体途径 (一)掌握色彩的观察方法 对于色彩的观看是观察的一种,就拿红色来说,不论红色的物体受什么环境色影响,起什么变化,只是孤立、抽象地观察物体的固有色,这种观察色彩的方法一般用于装饰色彩绘画中。但是,对于不同的为物体,不同的角度会出现不同的理解,同一个物体,因作者观看的角度不同,便会得出不同的形象,比如,正方形的物体因作画者和物体的角度不同,可以看成梯形的透视形,换一个角度也可看成近于平行四边形或菱形的透视形。观察色彩也是如此,一定要将对象、光源和环境三者作为不可分割的整体来观察、比较,要让学生学会从对色彩的诸要素的对比联系中来把握色彩的变化。这种观察方法是造型艺术的技术基础,但也包含了审美的基础,因为色彩美是色彩的整体效果,体现在色彩的关系之中。 (二)正确引导学生观察生活中的色彩 艺术离不开生活,美术也不例外,对于美术教育的学习可以借助许多生活中的细节元素,更好的认识到美术构图中的关键元素,也可以更好地把握生活周遭的事物色彩。当然,美术学习过程漫长,量的积累是为质的转变做准备,美术的学习便是为今后美术的发展做准备,美术终将归于生活。在小学的美术学习阶段,教师应当引导学生们学会观察生活中与美术相关的细节,对生活当中的事物以及自然界的生物都拥有一个明确的认知概念。 (三)结合实践,联系生活 小学生在进行美术学习的过程中,常常会对某一美术作品进行赏析,最为常见的便是对名画进行鉴赏,针对此,教师可以适当在美术课程当中涉及名画赏析,学生们在学习的过程中,会真正切身感受到作者想要表达的思想情愫,更好地理解与掌握这些美术作品的思想内涵。 四、结束语 随着人们越来越注重对美的追求以及对美的认识,美感教育在基础教育中的作用越来越重要,对学生的全面发展起着决定性作用,因此,在小学美术教育中,需要通过欣赏、实践等多种方法促进学生色彩感知能力的提高。 作者:李云洁 单位:重庆市南岸区金山路小学 小学美术论文:分组合作学习小学美术教学论文 一、合理分组 合理分组是分组合作学习的重要环节,与小组合作学习的效果有着紧密的联系,也关系到美术教学的整体质量。分组的主要目的是强化学生的合作意识,使之形成协作精神。教师应利用科学的方式将学生分为不同的类型,综合考虑其性格、接受能力、学习态度、成绩等,分为A、B、C三类,充分尊重学生的意见进行分组搭配,并保障各组中均有该三类学生,使其能够相互扶持,互相学习,共同进步。教师对小组进行分析,根据小组成员的特点及长处进行相应的指导。小组成员可以相互讨论,发表自己的意见,充分表现自己的个性,并了解其他成员的想法,这有利于细化成员的各项分工,保障小组合作学习的效果及质量。教师可以任命手工能力较强或者组织能力良好的学生担任组长,其能够带动小组成员积极参与合作学习,或者很好地组织小组的各项活动。但是组长也需要轮换,才能使得小组成员学习积极性更高,更有责任感,且不会出现内部矛盾。 二、小组竞争 在各小组之间设置合理的竞争,是构建小组评比激励制度的重要方法,能够有效提高小组学习的效果。在该方法的实践过程中需要避免出现个人主义,而重视团体的综合实力能够让学生各方面均有所提升,如语言表达、自律性、色彩表现、创新设计、对学习内容的安排等。各小组成员应具有较强的集体意识和荣誉感,更积极地参加小组学习的各项活动,与其他成员积极讨论,充分表达自己的意见,为小组合作活动积极思考对策,更好地完成学习任务。在学习《蔬果的剖面》一课时,学生均需要参与该课题的小组学习,对各类蔬菜进行观察与分析,包括颜色、形状、造型等,每位小组成员可以在条件允许的情况下,任意选择蔬菜进行绘画,或者发挥想象力,采用夸张的方式表现自己想象的蔬菜。成员将完成的作品交给组长,由组长将其贴到指定的位置进行展示,构成了丰富多彩的蔬菜世界。最后进行小组之间的评比,利用这种竞争方式,能够提高小组成员的团结程度,也使得美术课程充满了乐趣,提高了学生学习的积极性。 三、课题选择 每位学生的性格、接受能力、美术基础、兴趣等差异较大,且各个学校的条件也不同,美术教学的课堂效率及质量也会存在较大差异。因此,在分组合作学习的过程中,教师应根据学生及学校的实际情况科学选择课题,合理安排课程内容,这样不仅能够顺利完成教学任务,也能获得良好的教学效果。如,《元宵节里挂彩灯》一课的教学,就可以运用分组合作的学习方法。教师先将学生分为若干小组,小组成员对教材内容进行探讨,并根据各自的优势与特长进行细致的分工,包括研究彩灯的形状、结构、色彩,利用各种工具进行制作、结构拼装等,最后制作成品。在该过程中,教师需要给学生充分的自主权,在关键环节则需要进行一定的点拨、引导,如彩灯的拼装,教师可以教授一些技巧等。学生在分组合作学习的过程中,充分体会到操作的乐趣,提高了学习热情,积极参与活动。教师需要做好活动的组织及指导工作,适当调节课堂气氛,并及时巡查各组的活动情况及学习效果,鼓励学生,及时帮助其克服困难,解答疑问,指点方向,以提高学生的学习效率。 四、科学评价 科学评价分组学习的效果,能让学生充分认识到前一阶段的学习情况,总结经验,分析和反思不足,对于自身小组及其他小组的优势、缺点等有更多的了解,在今后的活动中弥补不足,充分发挥优势。对于小组的评价,需要先制定评价标准,学生美术作品创作的速度、质量、数量、色彩搭配、创新情况,学生对于作品内涵的理解,各小组的合作情况,等等,均可纳入评价机制。对学生的评价要公平、公证、客观,教师不仅需要适当指出其不足之处,更应对于其特点及优势进行说明、鼓励,使其不骄傲、不气馁,在今后的学习中扬长避短,优化学习效率,使教学效果更加显著。 五、结语 教育者不断尝试新的方法及模式,分组合作学习方法是其中极为重要的内容之一。将该方法应用于小学美术教学,通过合理分组,采用合作学习的方法,学生在小组中互相帮助,互相协作,不仅能够有效提高学习效率,也能够培养团结意识及协作精神。文章分析了分组合作学习方法在小学美术教学中的应用,在教学实践中还需要教师全面分析学生的基本情况及学校的条件,制订相应的教学方案并彻底落实,提高教学水平及质量,强化学生的艺术修养,促进其长远发展。 作者:刘洁 单位:江苏连云港市灌南县实验小学 小学美术论文:新课程小学美术教学论文 一、巧用多媒体技术手段展示美术素材,培养学生对美术知识的认知能力,提高美术教学效率 心理学告诉我们:“小学生由于年龄特点和心理特点,喜欢接受动态的、变化的知识信息。教师在教学过程中,应结合学生的实际特点科学选择教学方法,通过多媒体等技术手段优化教学方式,提高学生对所学知识的认知能力。”这就告诉我们,教学要符合学生的认知规律,从学生的实际出发,给学生看得见、摸得到的美术知识,这要比单纯的讲解、记忆效果好得多。利用多媒体技术就可以实现美术知识的动态化呈现,通过色彩的变化、多种素材的展示培养学生对美术知识的认知能力,调动学生对美术学习的主动性,提高课堂教学效率。比如,在进行“多变的大自然”的教学时,教师利用多媒体课件为学生出示自然变化图片,如油画作品南海的太阳。尤其是夕阳西下时的晚霞满天图片,吸引学生的注意力,很多学生不时发出啧啧的赞叹声,被这美丽的自然风景吸引了。又如,有松花江畔的雾凇图片,满眼的玉树琼花让学生目不暇接,有种身临其境之感。还有愤怒的火山图片,爆发的岩浆让学生对大自然的神奇惊叹不已。这些奇特的自然景观令学生着迷,很快使学生进入了学习状态,调动学习美术的积极性,提高教学效率。 二、充分利用网络资源辅助课堂教学,拓展学生的知识视野,提高学生自主学习能力 随着经济与科技的进步,当今社会已进入了网络时代。网络已走进了千家万户,走进校园的每个角落,利用网络学习已成为人们的一种习惯。小学生更喜欢利用网络接触外部世界。尤其是美术教学,利用网络知识可以使课堂更充实,让学生了解了更丰富的美术知识,拓展了美术视野。利用网络学习不受时间、空间限制,让学生自由自在的学习,落实教学的主体性原则,从而提高学生自主学习的能力。比如,在进行“多彩的民族服饰”的教学时,教师让学生利用网络了解中国五十六个民族的民族服饰,并将自己浏览到的图片保存下来,课上利用多媒体进行交流。很多学生搜集到了苗族的服饰,从花色、选材、工艺、图案等层面进行了详细的展示。还有的学生展示了藏族的服饰,这种服饰厚重保暖,大襟束腰,前边有一个突出的空隙可以留作存放物品之用。学生展示的民族服饰都突出体现了各民族的民族特点,体现了不同民族的文化传统、生活及精神风貌,极大地丰富了学生的知识视野,丰富课堂信息量,既给学生一种美的享受,又提高学生自主学习能力。 三、科学整合优质课程资源,培养学生动手、动脑、创作等能力,综合提高学生的美术素养 《小学美术课程标准》提出:“培养学生动手、动脑、创作等能力是小学美术教学的重要目标之一。美术教师必须科学整合优质课程资源,为学生搭建动手、动脑、创作的平台,让学生在合作探究中提高美术实践技能,综合提升学生的美术素养。”我们小学美术教师应在这一课程理念的指导下,选择学生容易接受的、贴近学生生活的课程资源,让学生通过这些课程资源进行实践操作,让学生在知识的体验中感知美术的魅力和价值,从而提高学生对美术的鉴赏和创作等能力,综合提高学生的美术素养。比如,在进行“巧手穿编”的教学时,教师可让学生自己从家里带来麦草、不同颜色的纸条,上课时按照教材内容进行编织。学生兴趣很浓,积极动手操作,有的学生用麦草编织菠萝罐,有的学生用纸条编织向日葵、茶杯垫、帽子等。学生在编织过程中,教师要巡回指导,提醒学生注意编制安全,指导编织思路和技巧等。通过这样的教学方式,使学生感悟到经纬概念的含义,既培养了学生的动手、动脑、创新思维等能力,使学生感悟到美术在生活中的价值,又综合提高了学生的美术素养。 四、结语 总之,为有效提高小学美术教学效果,陶冶学生的美术情感,提升美术素养,我们美术专业教师应在新课程理念的指导下,科学选择教学媒体手段,优化教学方法,整合优质课程资源,丰富课堂信息量,通过美术实践活动落实学生主体地位。只有这样,我们的美术教学才能全面落实三维教学目标,实实在在地提高教学效果,为学生的终身发展奠基。 作者:魏志君 单位:河北省迁安市第五实验小学
中小学美术教学论文:中小学美术课堂素描教学论文 一、素描练习与“苦练”态度 初学者总有一个“懒”字,只是喜欢欣赏别人的作品,也爱看别人作画,就是不爱自己动手,总觉得自己太“笨”,画得太“丑”,或害怕别人讥笑而不敢提笔。事实上,从古至今,许多有成就的画家,在初学阶段都有过踉跄趔趄的经历。这里就存在着一个“苦练”的问题,技法虽然弄懂了,并且背得滚瓜烂熟,提起笔来也未必画得了画,这就必须要刻苦地坚持素描写生练习。 二、基础训练与基本要求 西洋素描比我国传统技巧更加完备和先进,是具有科学性的,它能如实地反映客观现实。但是我们学习他们的素描教学千万不能生搬硬套。无论哪个时代、哪个国家的素描教学法,我们都要遵循著名画家徐悲鸿先生提出的“古法之佳者守之,垂绝者继之,未足者增之,不佳者改之,西方绘画可采入者融之”的原则进行素描训练。 素描的基础,主要是在培养学生正确地观察、分析、综合对象和生动地表现对象的能力。素描与色彩要求结合得完美,首先要抓住素描造型。譬如中国的人物画,是以线描为主要造型手段,加强白描的基本功训练,准确掌握人体比例、透视及运动规律,这就要认真分析和认识对象,打好素描基础。 在素描教学中,必须注意简练、准确、生动的特点。对于初学者,应从循序渐进入手,先画石膏和静物,但死的模型也不必画得太多。人体造型的难度是大的,随着人体的运动,当中细微变化更难掌握,因此我们要求对人体结构要有所研究,重视解剖基础训练。 素描的练习,起初可用硬笔(铅笔、碳铅或钢笔等)勾画,时间不用长,画面不用大,用小幅纸张素描,扼要地把对象的大关系概括出来即可,成为初步形体动态的印象。头脑中有了这个印象之后,即可进行第二次素描,更能准确地调整好对象的位置、比例、明暗、轻重、动态、传神等等造型因素,有程序地由浅入深地加以表现。课堂时间是有限的,在第三次素描训练时,要求同学们在课外时间进行,背离对象用心默记着去画。记忆素描结束后,还要去对着物体和画面仔细检查一番,把默记错误的地方和不准确的地方纠正过来。如果觉得不满意或有多余的时间,最好再默记一幅,或变换角度再画几张。这样的素描教学法,一定会使学生学得活、记得深、收效大。 三、提高素质与鉴赏能力 学生在素描教学中建立了一定的基础,作业就能层层深入地进行。达到这个阶段,教师要特别提醒学生注意整体关系,不忘取舍,削弱次要部分,强化主要部分,在深入的基础上进行艺术提炼,以适时提高学生的艺术素养。这就需要在素描教学中经常开展名作欣赏、习作评比活动,与学生自己的作业相互对照,找出较好的地方和不足的地方,并找到不足的原因。最后,教师可集中针对大家普遍存在的问题加以研究,分析解决,并提醒学生在今后的实践中对客观事物要作出细致的观察和认真的剖析,牢记作画要领。素描习作可以灵活多样,在日常生活中注意培养快速捕捉有生命形象的造型能力,能将写生、记忆、默写、夸张有机地融为一体。 四、总结 素描教学是绘画课程的基础,课堂作业只是基础训练的一个方面。若要表现鲜活的对象,仅凭课堂训练是远远不够的。必须要走出教室,深入生活,到校园里、到大自然中去探寻更加丰富的形象,这是基础训练的第二个方面。只要养成细心观察的习惯,生活中到处都有可发现的题材,皆是惟妙惟肖、栩栩如生,并且赋予各自鲜明的个性,甚至可以“不施粉黛而光彩动人”。只需自觉地运用相关的造型规律,学生的造型基本功完全可以在课外得到长足的发展。 作者:苏凤光 单位:吉林省东辽县教师进修学校 中小学美术教学论文:中小学美术课堂教学论文 在《美术课程新标准》中指出:“尽可能运用自然环境资源(如自然景观、自然材料等)以及校园和社会生活中的环境,(如活动、事件和环境等)进行美术教学,使学生养成关注社会、学会欣赏的习惯。”从这里可以看出,国家对于乡村的人文、地理、自然资源等其他资源的重视。因此,我们美术教师必须充分的对乡村的人文、地理、自然资源等资源进行挖掘,开展具有浓厚的乡土气息、具有生活情趣和地方特色的小学美术教学是当前新课标的重要要求。然而现行的小学美术课本以及教材,基本都没有包含这些资源,让我们在开展活动的时候会有诸多的限制。所以我们的当务之急是在美术教育中研究和开发农村自然资源,丰富小学美术教学内容。 一、转变美术教学观念,深化美育内涵 因为各种各种各样的缘故,高考制度依然存在,应试教育根深蒂固并深入人心,所以现在很多学校的美术教育仍然在遭受着传统教育观念的荼毒,美术学科总是难逃边缘化的命运。这些主要集中表现在教育管理人员的美术教育意识不强,美术教学设施不足,没有充足的师资力量。 小学美术教育在培养孩子的创新能力和提高综合素质上都有着着非同寻常的意义,它是新课标下实施素质教育的重要构成部分。美育是培养学生认识美、爱好美和创造美的能力的教育,它的全称是“审美教育”,也叫“感性教育”,它关注的是人自身的存在发展,美育重在追求人生存的生活化及情感性、具体性、过程性,因此也称“个性教育”。美育要通过各种艺术以及自然界和社会生活中美好的事物来进行。美育是为建设社会主义精神文明和培育学生心灵美、行为美服务的。它用现实生活中的美好事物和反映在艺术形象中的先进人物的思想感情和活动来感染受教育者。它广泛而深入地影响着学生的情感、想象、思想、意志和性格。它能丰富学校的文化精神生活,激起学生的情绪体验,有助于培养高尚情操,提高社会主义觉悟,鼓舞学生为实现共产主义理想和创造一切美好的事物而奋发向上。大量实践证明,美术教育对提高审美能力,形成良好的思维能力和培养敏锐的观察能力,促进智力发展,有着独具一格的功效。所以,我们要转变观念,深化美育内涵,重视美术教育,用长远的眼光和全面科学的观点来育人。在美术教育中特别要注意克服两种观念倾向。一方面不能由于它课时少,学生少,于考试和升学率没有多大影响,或因为某些学校管理者的不重视,就无所谓地采取放任的心态。另一方面也不能本末倒置,为了强调美术课的重要作用,就挤占其它课时或占用学生的课外业余时间。正确的方法应该是更新教学观念,利用农村的自然资源,在美术教育中把审美能力和创新能力的培养带进课堂,与其它学科纵向联系,促进其它学科的学习。同时学校管理者也应该因地制宜,挖掘人才,重视人才的培养,包括美术人才的培养。 二、美术教学选材上要就地取材,扬长避短 由于家境不同的原因,有的孩子的家庭经济条件相对比较拮据,绘画时要配齐美术用品不太可能,我们作为美术教师要依据课标,必须因地制宜,扬长避短,就地取材。有目的性地对一些教学内容进行选择和取舍,把那些孩子们容易寻找且容易制作的素材用作教学内容巧妙地穿插其中,通过这样的方式引导孩子去观察、发现、想象、创造,尽量让孩子在财力有限的情况下,畅通地进行经济实用的美术学习,放飞他们想象的翅膀,发挥能力,表现个性。比如在教授绘画时,可以选择节材的方式,以线描和素描为主,这样做能起到提高孩子们的构图技巧和培养写生能力和再造丰富想象力的两全其美作用。在教学色彩知识时,可以演示为主,并结合一些生活实例,如服装的色彩搭配等。再如纸塑,我们可以采用废纸和旧报纸为材料进行教学。这样做不仅仅能够对学生进行教育,同时还能够让学生学会废物利用。而雕刻,利用家里的蔬果制成果雕,也是一个不错的创意。树叶和野花在郊外与乡村里处处可见,可以用各色各样的树叶和野花作画,孩子们不仅仅会产生出浓厚的兴趣,同时还能够接触到外面更为广阔的天空。在上美术欣赏课时,除了让学生欣赏书本上的作品外,还可以带着学生们走出户外,去与大自然接触,尽情去拥抱美丽的大自然,看那日落与日出,欣赏早春红艳的桃花,观清明金黄的油菜花,览夏天畦田碧绿的稻田,读中秋挂满红果的柿树。在乡村只要细心观察,就能够发现处处都是丰富多彩的美术素材。还可以让孩子们欣赏家乡的美景和乡村那些新盖的楼房,观察乡村的变化,培养热爱家乡,激发为家乡建设发光发热的思想感情。斗换星移,四季交替,乡村与城郊有着广阔的田野、多样的植物、丰富的自然环境,这些都是可以使得美术教育变得更加生动的课程资源,能够为丰富和美化美术教育活动提供取之不尽用之不绝的素材。不仅仅能够让孩子体会到美术课的生动有趣,也能够有效地孩子就地取材的动手能力和创新意识,养成积极健康乐观的生活态度。从而培养了孩子感受美、表现美、创造美的情趣和能力,为他们的终身发展奠定良好基础。 三、走进乡村生活,活跃让美术课堂气氛 古希腊著名雕塑家罗丹说过:“生活中不是缺少美,而是缺少发现美的眼睛。”这句话中指出生活中处处都是美,关键是要我们去发现。教育方针明确的指出我们的教育、教学活动要同生产劳动、社会生活相结合,美术教育活动也不例外。多年的美术实践教学让笔者领悟到,当孩子们贴近生活中的各种美术内容的时候最能让他们产生心灵上的共鸣,同时也最能活跃课堂气氛和激发出孩子们的学习热情。我们知道,乡村地大物博,有着丰富的劳动生活和历史悠久的文化和各种民间风俗,这些都是对孩子们进行美术教学的最好题材,例如秋高气爽庄稼成熟的时候,可引导孩子们对美丽的景色及丰收的场面进行布贴画学习,开展《种子粘贴》一课,让孩子们去观察玉米、稻谷、瓜子类、豆子类等种子,然后选择喜欢的种子进行粘贴,稻谷、麦杆、布、瓜类、豆类等都可以信手拈来作素材,这样不仅增加了孩子们对美术的兴趣,也能取的比较好的教学效果。在乡村,流传着很多具有生活气息和特色民间风俗,教师们可以借此进一步增加孩子们对美术的兴趣。鼓励孩子把这些风俗带到教室里,如:过新年的喜气,正月的家人团聚,娶亲时的热闹,端午节吃粽子,重阳节爬山等孩子们熟知和喜欢的民俗,比那些生日Party、圣诞节生动得多。先让孩子们扮演,再试着用笔画下,这样一幅幅带着生活气息,充满喜气而又颇具民间特色的作品就产生了:“吃青团”、“风筝飞得高”、“我给奶奶做重阳糕伙”、“贴春联”,“拜年”、“放鞭炮”。让孩子们能够在无拘无束中全身心投入学习,轻松且有所得,何乐而不为呢。 四、美术作业评价上注重鼓励,多元拓展 开展美术评价主要是为了帮助孩子了解自己的学习水平,提高学习美术的兴趣和能力,促进自身的发展,同时还能够帮助教师总结出儿童美术发展的规律以及一般的特征。在进行评价时需要在认知、操作、情感三个方面实施综合评价,并注意发展学生的个性特点。综合看孩子在美术课堂上是否能积极地动脑筋参与,在活动中表现出一定的创意,是否能与同伴进行良好的合作等方面多元拓展。及时检查教学效果,对于学生作业中有独创性,有创意思维的要给以及时表扬和肯定,多鼓励孩子在色彩、构图、形象等某方面的独到之处。平时要结合学校课程建设和拓展型美术教材使用,鼓励学生特长发展,允许学生在绘画、速写、儿童画、书法、陶艺等选择中一项技能进行训练。同时也要注意指导孩子有意识地观察、拓展延伸课内所学的知识,培养创新意识。比如可以在五一、六一、中秋、国庆、元旦等年度节日庆祝活动中增加时令性的美术教学内容,像制作贺卡、剪纸、拉花等。同时要重视名人名画对孩子美育的影响,可在走廊上和教室内墙壁上张贴一些古今中外的伟人画像、励志格言。给孩子以美的熏陶,让学生在愉悦的感受中感悟,拓展思路,丰富美术创作题材。 “海阔凭鱼跃,天高任鸟飞”。知识的世界无比广阔,美术世界无比璀璨。教学实践证明,辽阔的乡村大地,有千姿百态的自然景物和植物,有多彩的农村生活,有丰富的人文资源,有传统的民间艺术,他们为孩子们提供了取之不尽用之不竭的美术素材。这对培养孩子们热爱家乡、热爱劳动、热爱生活的感情,发展观察力、想像力、创造力和提高动手实践能力都发挥着相当重要的作用。作为美术教师,我们应该根据农村实际,因地制宜,挖掘潜力,创造性执行美术新课标的总体要求。 中小学美术教学论文:中小学美术课程的教学研究 摘要:中小学美术课程的教学是素质化教学的优秀,重中之重。近年来,随着社会生活节奏的加快,人们的审美追求也日趋细致化,参加美术学科高考学生的数量呈飞速上升趋势,有很多省份已经把音体美三门学科纳入中考成绩范围内或者作为总成绩的参考值。这就要求美术学科的学习必须要从根基抓起,这里所说的根基基本上就是中小学阶段美术学科的学习。下面笔者就从中小学美术课程的教学研究来展开讨论。 关键词:中小学 美术 课程 教学研究 一、背景分析 以往大部分人对美术学科的鉴定界限很模糊,认为它只是一门可有可无的学科,觉得它是副科,学不学都无所谓,学校不重视,教师轻视,学生无视。很多城区、郊区学校利用音体美课程来给学生补充语数外等主科知识,还有很多农村小学直接取消对音体美等学科课程的开设,教育局每年的教师招聘也减少中小学美术教师的入编。原本教育局给下面各个学校拨放了关于美术兴趣培养费这笔款项,但学校根本没有发放到位,或者用于其他地方。 学校领导自身的不重视导致学校部分老师在工作上的不积极、懈怠,学习美术的条件有限,画具、画材不全,甚至连最基本的美术学科或者美术活动的单独教室都没有,学生的学习兴致不高,导致中小学的学生美术功底普遍很低,中考时美术学科的成绩不理想,高中时不敢选择美术学科作为发展方向。家长也起到了推波助澜的作用,对孩子也有很大的消极影响。周围的学生学习美术兴趣不浓等各方面因素导致了今天的这个局面,严重制约了学生的全面发展和我国教育方针的落实。因此,积极探索解决美术教育存在问题的有效对策,是保证农村中小学美术素质得以提高的迫切需要,是落实国家教育公平战略的重要环节。美术教育与文化教育一样重要,也是学生学习与生活中不可或缺的一部分。美术教育不仅能培养学生的美术鉴赏与美能力,还可以激发其创新精神和实践能力,致使学生对美术有很大的兴趣,对生活有很大的激情,这也符合现代素质教育的基本理念。 二、就目前美术教学课程的措施和建议 首先,学校应该改善教学条件,开设美术学科单独活动的教室。定期对在校美术教师们进行专业能力培训,加大美术老师课程发展意识,发展地方性传统文化知识并将其加入校本教材。不把教主科的老师叫过来教美术。积极落实教育局的政策,开设美术兴趣班等可以专门发展绘画和手工的课程,可以像开运动会那样开设美术欣赏课与动手实践课,培养学生的审美能力,多开美术交流会,或者举办优秀美术作品展,充分利用反馈信息,妥善进行奖惩,激发学生的积极性与参与性。这也是完成学生的全面发展,落实国家教育公平的战略。 其次,教师应充分发挥自身的资源优势,要有敬业精神,积极参加教育局的学科培训,努力提高自身的学科基础知识和专业能力。教师在教学中起主导作用。关于美术课程的各种课型要做到熟能生巧,提前做好备课工作,钻研教材,因材施教,深入了解每一位学生,走进学生心里去。蹲下来做学生的知己与朋友,做教学的参与者与指导者。 再次,家长应该从孩子的童年抓起,从小就培养孩子的绘画能力与美丑鉴赏能力。从根基抓起,参与孩子的成长,陪孩子做做手工,一方面增进与孩子的交流,和孩子共同学习与发现;另一方面引领孩子成长,让孩子意识到自己在家长心里的分量。了解孩子,知道孩子喜欢什么,培养孩子的创新能力。若孩子在美术方面确实有特长,不妨从小就加强培养,长大后可以把它发展成为一技之长。做孩子的引路人,虽然天赋很重要,但是后天的环境、培养以及自身努力更为重要。 最后,学生作为学习的主体,自己要去多想、多听、多看、多品,多去接触大自然、了解大自然、感受大自然,在大自然中寻找一丝灵感。上美术课时,充分发挥主观能动性,听从教师的正确指导,积极参与教师布置的各项活动。平时多去阅读关于美术鉴赏知识的书籍,多去图书馆、美术展览馆、文化馆、个人私藏馆、博物馆。适当地了解中外美术史,了解国内外知名的画家以及他们的作品和流派,给自己的美术奠定坚实的基础。到中考时,美术知识能够拿来就用。保持一种乐观、积极向上的学习态度。学好美术对发展其他艺术特长也是百利而无一害的。 三、结语 美术可以提高一个人的内涵;可以使人们正确区分美与丑;可以使人知道怎么从生活中发现美,或把美术当成认识与发现美的一种技艺,修身养性,提高自身的素质,陶冶情操;可以改变一个人的性格,热爱大自然,向往和平友爱。艺术对一个人的熏陶是潜移默化的,不是一朝一夕的,所以一个人学习美术,学习艺术,经过长期的艺术熏陶,会使他的气质与众不同,包括言谈举止、穿着打扮,会更加懂得生活。毕竟中小学生是祖国未来的接班人与新社会的建设者,美育对德智体美劳教育也有一定的促进作用,所以美育可成为生活的重中之重。 (作者简介:姚丹丹,女,硕士研究生在读,赣南师范大学美术学院,研究方向:中国民间美术) 中小学美术教学论文:论中小学美术教学的生活化 摘要:生活是教育的基础和源泉,生活化已然成为中小学美术教学的必然趋势。在美术教学生活化的背景之下,中小学美术教师应牢牢把握生活是中小学美术教学活动的源泉这一宗旨,让美术教学走进学生生活,引导学生在生活中学会观察、学会借鉴、学会创作,要将丰富的现实生活引入美术课堂,激发学生参与美术活动的兴趣和创造性,从而提高中小学美术教学的质量和水平。 关键词:中小学美术教育;美术教学生活化 《义务教育美术课程标准(2011年版)》在课程基本理念中就明确指出:“美术是人类文化的一个重要组成部分,与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系。通过美术课程,学生了解人类文化的丰富性,在广泛的文化情境中认识美术的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献,并逐步形成热爱祖国优秀文化传统和尊重世界文化多样性的价值观。”因此,中小学美术教学应该全面贯彻新课程改革的基本精神,把走向生活化作为美术教学改革的必然选择。 一、美术教学生活化的实质 美术教学最主要的内容即对学生进行审美教育,并且是以审美情感教育为主,即借助于一定的审美媒介,引导和组织学生开展各类审美活动,从而培养学生的审美情感。其中不容忽视的是,审美情感的体验与形成是决然离不开“生活”这片肥沃土壤的。艺术虽高于生活,但始终还是源于生活的。因此,在美术教学中必须通过引导学生对生活的环境及周边的人、事、物进行细微的观察与体会,将其亲身所得的生活经验与审美教育相结合,鼓励学生在生活中发现美、感知美、体验美,进而对“美”进行表现与创造,此即美术教学生活化的实质。 二、生活化是中小学美术教学改革的必然选择 1.生活是中小学美术教学的自然源泉 美术教学是中小学生感受美、表现美和创造美的重要途径。美术教学的基础在于学生对美的体验和发现。大自然的鬼斧神工创造出许多令人叹为观止的自然美景,使中小学美术教育获得了最为直接和丰富的教学资源。四季更替的景观变化能帮助学生感受色彩的鲜明;潺潺溪流、林间鸟鸣能帮助学生感受音乐的节奏与韵律;起伏的山峦、层叠的梯田能帮助学生体会和谐与变化的形式美。而在日常生活中以及社会生活中,中小学生总是会调动自己身体的所有感官去感知和认识身边的事物。这些都可以成为中小学美术教学丰富的资源。 2.美术教学生活化符合中小学生的心理特征 中小学生的认知心理是以直觉行动思维和具体形象思维为主的,他们需要在活动中不断摸索、学习和发展,所以,不能以静听的方式作为主要的学习途径。中小学阶段的学习必须以直接经验为基础,正因为中小学生处于无意识注意的心理发展阶段,无意识注意产生的心理机制是探究反射,往往是在周围环境的刺激下而产生的,是一种无预定目的、不需意志努力的注意。因此,在中小W美术教学中,以学生的生活经验为基础,把他们熟悉的人、事、物作为教学中的内容加以呈现,并将学生自身的生活经验与美术教学相结合,是符合这一学习阶段学生的心理特征的,其有益于让学生在多姿多彩的生活中成长、发展,从中发现美、感受美、体验美,进而可以用自己的双手去创造美、表现美。 3.生活化是现代中小学美术教学的基本理念 我国教育界早在20世纪20年代到40年代就已经开始将教育与生活的密切关系重视起来。传统的美术教学,强调灌输式的知识点和基本技法的传授,注重基本功的强化与练习。而生活化的美术教学,出发点则是学生自身的生活经验,结合他们的生活环境,创设生动的美术教学情境,鼓励学生在熟悉的事物中获得审美体验。这种教学方式更尊重学生的个性发展,注重兴趣与能力的培养,能够真正发挥美育在陶冶情操和塑造人格中的积极作用,更契合现代中小学美术的教学理念。 三、生活化的中小学美术教学的实施 1.明确教学目标 对于中小学阶段来说,美术教学的最终目标不是培养高高在上的艺术家,而是要通过基本技法、艺术欣赏、美术史论等课程内容的教学,为学生提供相应的感知训练与信息交流的平台,以提高学生的审美能力,陶冶其情操,培养其发散性思维能力、创造能力和动手能力,进而完善学生的人格,丰富学生的人生。因此,在这样的教学目标之下,要求将美术教学与学生的生活高度融合,提倡用生活资源促进美术教学活动的开展。 2.将生活引入美术课堂 现阶段大多数中小学生所接触的生活环境很狭小,很多情况下都是家庭和学校两点一线。因此他们所积累的生活经验也就更少了。同时,由于种种原因教师不能带领中小学生频繁地走出课堂,那么就需要教师把生活引入课堂。在美术教育中利用学生平时积累的经验加上引入的生活知识进行新的经验的整合,让学生在原有生活经验的基础上大胆与夸张地表现,借助于美术的表现手段,使他们原有的经验得到了重组、再现和拓展,并在作品中融入了自己的亲身感受与体验。 例如,在设计中小学美术《国宝熊猫》一课时,教师将自己的生活经验和收集的一些图片资料和影像资料引入教学资源,让学生对熊猫的形态特征和生活习性有详细和生动的了解。经过不同材料的欣赏,学生对熊猫的感知加深了,同时也激发了他们进行表现和描述的欲望。于是,在他们的画作中可以看到众多形态各异、生动可爱的熊猫,这都是学生们在自己原有经验的基础上发挥各自的想象力画出来的,虽然他们的画功还很稚嫩,但能从中清楚地感受到他们打开了自己的思维用心地去描绘自己所感兴趣的事物。 由此可见,教师把生活引入课堂,使课堂内容贴近学生生活,不仅能让学生通过这种方式进一步感受生活,增加教学的趣味性,还在无形中提高了学生的学习能力和学习效果。同时,他们的发散性思维能力和创造力也在这种学习氛围中得到了开发。 3.选择贴近生活的表现材料以丰富创作手法 张雪门先生在其关于行为课程的研究中提出,中小学课程应该从生活中来,在生活中展开,在生活中结束,这在一定程度上也体现了对中小学课程生活化的研究。现在,生活化是我国基础教育课程改革中的一个重要理念,要求每一个教育领域都要充分结合生活,特别是美术教育更是提出了引导学生接触生活中美好的事物和感人的事件,以丰富学生感性经验和情感体验,并指导学生利用身边的物品和废旧材料制作各种玩具、工艺装饰品,体验创造的乐趣。 神奇的大自然是一个丰富多彩的素材库,它能够为学生的美术创作提供许许多多天然的素材。例如,各种各样的树叶、形态各异的石子、不同品种的豆子以及不同坚果的果壳,用这些随处可见、随手可得的材料去进行美术创作,学生会觉得既熟悉又新奇,更容易激起他们创作的热情和欲望。 例如,中小学美术《蛋壳彩绘》这堂课中,教师先让学生提前准备好鸡蛋这种生活中常见且容易收集的材料,然后让学生自由发挥,用水彩笔在蛋壳上轻轻地作画。看到生活中普通并容易被忽视的不起眼的鸡蛋,在自己的手中加以改造,变成一件精美的作品时,学生的喜悦是由衷而发的。而在《蛋壳贴画》这堂课中,教师先让学生把准备好的蛋壳捏碎放到桌子中间的一张大白纸上,然后再让学生小心翼翼地把捏碎的蛋壳轻轻粘贴在事先准备好的涂有粘胶的有图画的纸上,就这样,一幅幅漂亮的作品就完成了。 这种利用身边随处可见的小材料进行美术创作意在让学生能通过这种方式初步感受到一种自然的美术形式,让他们知道生活中很多平时看起来并不起眼的东西通过双手的改造可以变成另外一种样子,教导他们平时要多注意观察生活,扩展思维,善于从琐碎的生活中发现可被利用的生活材料。这样,学生的创作热情和学习兴趣也被极大地激发出来了。同时,学生的作品还可以很好地点缀和装饰教室环境,真可谓是一举多得。 4.创设生活化的教学环境 中小学美术教育中环境创设的生活化、情景化和其他教育阶段相比显得尤为重要。中小学教育工作者需要对中小学教室、走廊以及其他学生能|及到的活动范围内的环境创设加大重视的力度。 教学环境生活化的创设,会随时随地用直观的美的熏陶,增加学生对美的感性认识。将贴近中小学生生活的名家名作展示在教室里,可以让学生在无形中欣赏、体验,积累经验;而学生自己作品的展示,则很大程度上可以让他们获得自我成就感。比如,在小学美术课《运动会》中,学生在了解了运动会的性质、内容之后收集了一系列关于运动会的资料,由教师生成了一节名叫“我们一起设计运动会”的美术活动。之后教师将学生设计的班牌、队标、运动员标志、奖牌等在教室内分别设置展台进行展示,这样对学生来说不仅愉悦了身心,还培养了动手动脑的能力,更增强了他们的自我成就感。 5.教学评价的生活化 教学评价也是整个教学活动中不可缺少的一部分。美术教学的评价是教师对学生整个美术学习过程的质量和学习成果的总体评价,其中既包括了学生对于美术基本技能、艺术认知的掌握程度,也包括了学生在自主创作和情感成长方面的综合发展程度。教学评价对学生今后的学习方向具有导向性的作用,也是教师对整个教学设计进行反思和改进的直接依据。因此,正确地对学生的学习成果进行评价是至关重要的。生活化的美术教学方式也必然要求其最终的教学评价要与学生的生活紧密联系,将学生的美术作品置放于生活场景中、生活用途中,或是生活理念中去评价总结,更有利于学生对这一阶段的学习成果进行理解、消化,并将其吸收作为自己的成长养分。 四、结语 艺术源于生活,美即生活。只有透彻地理解了生活,才能理解美和创造美。作为美术教育工作者,必须坚持生活化的价值取向,为学生创造一个生活与艺术紧密结合的美术课堂,使学生从中受益,从而激发他们热爱生活、表现生活的动力,促进他们健康人格和崇高人文素养的形成。在生活中教学,在生活中学习,师生共同享受生活化的美术教学带来的无限乐趣。 中小学美术教学论文:MOOC与当代中小学美术教学变革 摘 要: MOOC是一种新兴网络课程教学模式,当下,传统美术课堂模式在信息化教学中面临方方面面的问题。慕课对于提高学生的学习效率、促进美术教师转变教学方法及角色转换等起到积极的作用。美术教师可通过合理选择内容、设置学习问题、开展小组合作、交流学习成果、改革学习评价等方式,探索利用慕课平台的美术课程资源,推动美术教学改革。 关键词: MOOC 中小学美术 课堂变革 一、基于MOOC对中小学传统美术课堂的思考 (一)何谓MOOC 大规模在线开放课程,主要通过信息技术与网络技术将优质教育送到世界各个角落。与传统的视频公开课不同,慕课不仅提供免费的优质课程资源,还提供完整的学习体验。在这样一个平台上,学习者可以进行自主学习。表明观点,做作业,参加考试,获得分数,拿到学分,是学习的全过程。在传统的美术视频公开课的学习中,学习者的学习活动是相对封闭的,除了本人外,没人知道他学到了什么。但是慕课不仅可以让他人看到学习者的学习内容,还可以评价其学习情况和结果。慕课这样的学习平台更符合学习的一般规律。学习之后,会做检验,进而反馈给学习者。 (二)MOOC给中小学传统美术课堂带来的机遇与挑战 教学实践中普遍采用的教学模式是传递―接受模式。它本质上是以教师为中心,教师按照此模式所采用的理论教学程序一般是:激发学生兴趣―复习旧课―讲授新知识―巩固运用―检查评价。这种模式的优点是有利于教师主导作用的发挥,有利于美术教师对课堂教学的组织、管理与控制。传统美术教学模式最大的弊端在于忽略学生的主动性、创造性和认知主体作用[1]。美术理论及美术实践的讲解,缺乏对学生评判性思维和应变思维的培养,导致一些学生逐渐养成不爱问、不想问的习惯,容易盲目崇拜书本和老师。此外,传统美术教学模式还存在其他问题:第一,教学形式机械,教师全盘教授,学生习惯于接受知识,导致缺乏自学能力。无论是在教室还是在美术活动室,老师教得多,示范得多。第二,教学内容单一,重知识点,轻学生实践。第三,教师观念滞后,强调学生的任务就是要消化、理解教师所讲授的知识,与学生互动较少,把学生当作灌输知识的对象。 二、MOOC模式下中小学美术课堂变革的必要性与可能性 (一)MOOC模式下中小学美术课堂变革的必要性 慕课课程制作精良、内容丰富,具有一定的吸引力。与传统美术课堂相比较,慕课模式的课程较短,内容生动和通俗易懂。美术教师将更多的精力放在课程引入、材料准备、话题展开、学生思维启发等方面。虽然教师投入的时间较多,但从时间成本看,单位时间内可以服务更多的学生,课程的覆盖面不是一个教室内的几十或上百名学生,而是几万、几十万甚至更多的学生。根据当前我国中小学教育资源分配不均衡,尤其是偏远地区师资不足的问题,教育主管部门组织重点学校的优秀美术老师对知识点进行分解,通过现代化的教学设备进行教学演示,再利用先进的信息化方式将课程教学整理分布给教学条件和师资资源相对落后的地区,缩小区域经济发展不均衡导致的教育水平差距。 从国家层面看,随着社会的不断发展与进步,整个社会对人的各方面要求不断提高。近些年来,人们不再单一满足于物质层面的需求,逐步注重精神层面。当下美术这一领域可以说在不断丰富人们的精神世界,尤其是高质量的美术作品。学生审美能力的提高迫在眉睫,慕课这一模式某种程度上将更加全面、更科学化地培养学生审美能力。如今,终身学习在人的一生发展中显得越来越重要,慕课课程的便捷性将使人们不受时间、空间的限制进行学习丰富知识,强化能力。慕课课程在中小学美术课堂的大力推广将不断培养学生的自学能力、批判性思维能力等,这将对学生终身学习能力的培养产生很大的影响。因此,中小学美术课堂的变革显得越来越必要。 (二)MOOC模式下中小学美术课堂变革的可能性 第一,学习方式的变革。大规模在线开放课程的发展使传统教育的学习方式面临变革。慕课课程可以使任何人进行学习,学习者的数量不受限制,只要拥有一部电脑,就可以按自己的需求和兴趣学习,这样就可以提高学生的自学能力。在中小学教育改革中,慕课课程的出现实现了师生之间、学生之间随时随地地交流与互动。比如学校可以把教学重难点开设在线课程,课堂上没有掌握的可以随时学习。 第二,评价方式的变革。在线开放课程可以跟踪学生的学习行为、学习过程,进行有针对性的教学,更准确地评价学生,提高学生的学习质量和学习效率。慕课课程的大数据分析功能可以帮助教师轻松完成对学生的评价。尤其是在班级人数较多的情况下,如何关注每一个学生的评价,慕课课程的评价方式将会做出一定的贡献。 第三,教育方式的变革。慕课课程提供了多样化的美术教学方式。课堂与在线学习相结合,可以实现个性化的学习,学生按照自己的学习进度和方式不限时间不限地点地学习相关知识,课堂上更多时间用来师生互动、教师解惑。这种教育模式有助于教师转变角色,由讲解者、传授者转变为激励者、引导者。慕课这种在线开放课程自由、开放的学习模式会对整个学习过程进行全程监控并作出相应的评价。 三、MOOC引领下的中小学美术课堂教学模式 (一)学生在美术课堂应用慕课的自主学习模式 慕课为开放教育和终身教育环境下进行自主学习提供了有效和灵活的渠道,其课程的权威性、资源的优质性、良好的组织性和活跃的用户参与性为自主学习模式提供了良好的基础。应用“慕课”,学生完成注册后,在课程开放的周期内,自主安排学习活动,结合自身具体情况选择美术相关课程,从系统的理论学习及操作视频观看,指导性地自觉阅读美术前沿文献,针对性地系统复习知识点,理解性地练习操作,参与互动讨论并积极思考,完成课程的学习过程并获得相应的学分[2]。采取@种应用慕课的自主学习模式,学生可以在网络上检索中西方名画、著名建筑、美术大师提高美术鉴赏力,还可以通过查阅相关美术技法视频提高绘画及设计的能力。在这样的情况下,将提高学习美术学科的效率。新课程倡导的学习方式是自主学习、合作学习和探究学习,学生在自主学习过程中对遇到的问题及难点做标记或在本子上记下来,课堂上和老师交流和讨论。 (二)美术教师基于“慕课”所设计的翻转课堂模式 翻转课堂教师是利用视频实施教学,其特点是教学视频短小精悍、教学信息清晰明确、重新建构学习流程、复习检测方便快捷。在“慕课”所设计的翻转课堂模式中,美术教师的地位和作用与传统课堂教学不同,更多的是扮演课程发起人和协调人的角色,而非课程的主导者。课前,美术教师进行课前调查,了解学生的美术知识基础、学生期望和操作能力水平,有针对性地调整课程内容和安排。个性化地设定学习要求、学习主题、学习目标、学习任务及完成的期限,提供美术课程资源,帮助学生做好美术学习准备。课上,侧重学习内容的重点分析、总结,进行深入的分享,解决学生存在的问题[3]。课后,美术教师对学生进行调查,了解其学习动态和对课程的满意度等信息,指导学生组成美术学习小组,开展合作交流学习。课程结束后,教师全面总结课程实施的整个过程,并形成课程报告并进行共享[4]。这种翻转课程模式:第一,要求美术教师有针对性地安排课堂前的准备,充分挖掘教材和了解学生的美术基础。第二,要求美术教师具备扎实的教育教学基础。教师应重视对学生学习方法的研究,引导学生以自主性学习方法进行探究和合作交流。第三,要求美术教师了解完整的课程实施全过程。 (三)师生基于“慕课”的师生互动模式 慕课课程下的师生互动模式将有效弥补学生在传统课堂师生互动中由于胆怯、害羞等行为阻碍老师和学生之间的交流与互动等不足。慕课课程尤其在线上平台中,师生间通过微信、QQ群、博客等进行交流与讨论。例如学生在美术鉴赏课中,欣赏美术作品时疑惑点较多,由于学生的性格、知识体系、学习能力方面的不同,将会在美术作品鉴赏中存在不同角度的疑问与认知,传统课堂中的师生互动交流不能满足学生个体差异的问题需求。那么慕课课程这一师生线上互动平台将有效解决这方面的短板,突破时间、空间的限制,进行师生间的长线交流,有力增进师生间的情感,提高教师威信等。 中小学美术教学论文:关于中小学美术教学的几点思考 一、美术教学中要实施愉快导入教学 导入新课的方式方法,每个人有每个人的绝招,如猜谜语导入新课,既开发学生的智力又能加深学生对所画内容的印象;对学生的作品进行评价欣赏,引导学生分析作品的造型构图;巧设悬念激发兴趣,学生在问题当中进入新课的学习,提高教学效率;巧用多媒体导入新课,生活当中的图片、实物、模型、音响、幻灯、语言等都是可以借用的媒体语言,它们能够使教学直接简便,形象而又具体,客观而又科学。美术教学里的规律是很难用语言描述清楚的,那么老师就要借助网络或者是幻灯片来实施,就能取得事半功倍的效果。 二、美术教学中要学会欣赏艺术作品 在美术教育教学当中,要打开学生想象的闸门,鼓励学生在想象的海洋中,感受艺术作品的精神内涵。如在欣赏的《伏尔加河上的纤夫》时,老师简单介绍一下作品和时代背景,让学生自己去欣赏艺术作品。从所画的人物方面分析,穿着的破烂体现了家境的贫穷,经济的窘迫;向前倾斜的身子,说明了货船的沉重;地上深陷的脚印更说明了货物的沉重;河岸的曲曲折折,高高低低,证明道路的坎坷。人物绝望的眼神里,隐藏着对沙皇黑暗统治的绝望。从美术的角度看,乌云的阴沉,画面色彩的灰暗,影射了生活的阴沉灰暗;线条的弯曲,绳索的粗糙沉重,大船的缓缓移动,一切都在诉说着一个主题:纤夫生活的艰辛。如果学生完全能理解作者的创作意图,那么学生的美术素养就达到了很高的一个层次,为他们以后的继续深造打下一个非常好的基础。 三、美术教学中要鼓励学生的艺术表现欲望 美术教学中,老师要给学生提供一个展现艺术才华的空间,以此提高学生的艺术表现力。美术老师不能扼杀学生作品里所体现的与众不同的内容,正因为与众不同才能有丰富多彩的艺术作品。如果教师规定了这样那样的要求,把学生的思维限制在一个固定的模式里面,那么学生的创作欲望就完全被扼杀了,那他们根本就创作不出有个性的艺术作品来。学生的作品有的显得夸张有余,有的显得平淡无奇,有的细腻传神,有的粗犷奔放,有的热情洋溢,有的宁静素雅,有的奔放不羁。不管是那种形式的作品,都有他内在的含义,都是学生心血的结晶,是学生思想的反映,是学生对客观世界的认识,是学生心目中的艺术作品。因此老师在评点学生的作品时要多讲优点,多肯定学生积极的一面,多激发学生表现美的欲望。生活中的任何事物,都有他的魅力存在,就看学生有没有表现美的欲望,如果有,那么美是无处不在的。 四、美术教学要走出课堂到实践中去体验 农村的山山水水非常漂亮,空气非常清新,宽广美丽的土地上有一年四季耕作的人们,乡间小道上随处可见放牛的牧童,蓝天白云映衬自由飞翔的小鸟,一幅幅美好的画卷尽现眼前,走过路过,看到如此的美景难道就没有创作的欲望?拿起手中的画笔,描绘出心目中的生活画卷,这就是最好的教学。如在教学泥塑课时,选一个风和日丽的好天气,带领学生走出课堂,走进大自然,放飞学生自由想象的翅膀,让学生无拘无束地画画、塑造。有的学生受家长的熏陶,对泥塑有非常好的感知能力,捏啥像啥,塑什么像什么。一块泥巴在手里反转几下,一会儿是飞鸟,一会儿是小鱼,一会儿又是小鸡小羊小猪……城市学校的美术老师,一样可以带领学生走进生活,描绘鳞次栉比的高楼大厦,描绘车水马龙的繁华盛景,等等。只要用心去感受,俯首之间都是创作素材。 五、美术教学要吸收民间的养分来提高学生艺术素养 我国的美术专著浩瀚如海,真正简单易学的还是民间的一些手工艺的理论书和民间创作者所作的艺谱。手工艺方面的书籍,带有官方修饰的痕迹,如先秦时期的《考工记》、唐代《工艺之法》、明代《天工开物》等。艺谱是以物相传的民间美术,传播的形式主要以谱子为依托,如剪花样谱、影戏谱、画谱、年画版样,等等,这些代代相传的艺术作品,有的是著名艺人亲手绘制的,有的则是借b其它艺术形式套用而来的,都经过几十代人的不断完善而形成的经验总结。如果学生拜这些艺人为师,他们的经验就是非常宝贵的知识库,学习美术会少走不少的弯路。 总之,美术教学不仅要在实践方面培养学生的能力,还要在理论方面开阔学生的眼界,提高学生的认识能力,只有这样才能培养出合格的美术人才。 (作者单位:甘肃张掖市民乐县第四中学) 中小学美术教学论文:论中小学美术教学的生活化 摘 要:生活是教育的基础和源泉,生活化已然成为中小学美术教学的必然趋势。在美术教学生活化的背景之下,中小学美术教师应牢牢把握生活是中小学美术教学活动的源泉这一宗旨,让美术教学走进学生生活,引导学生在生活中学会观察、学会借鉴、学会创作,要将丰富的现实生活引入美术课堂,激发学生参与美术活动的兴趣和创造性,从而提高中小学美术教学的质量和水平。 关键词:中小学美术教育;美术教学生活化 《义务教育美术课程标准(2011年版)》在课程基本理念中就明确指出:“美术是人类文化的一个重要组成部分,与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系。通过美术课程,学生了解人类文化的丰富性,在广泛的文化情境中认识美术的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献,并逐步形成热爱祖国优秀文化传统和尊重世界文化多样性的价值观。”因此,中小学美术教学应该全面贯彻新课程改革的基本精神,把走向生活化作为美术教学改革的必然选择。 一、美术教学生活化的实质 美术教学最主要的内容即对学生进行审美教育,并且是以审美情感教育为主,即借助于一定的审美媒介,引导和组织学生开展各类审美活动,从而培养学生的审美情感。其中不容忽视的是,审美情感的体验与形成是决然离不开“生活”这片肥沃土壤的。艺术虽高于生活,但始终还是源于生活的。因此,在美术教学中必须通过引导学生对生活的环境及周边的人、事、物进行细微的观察与体会,将其亲身所得的生活经验与审美教育相结合,鼓励学生在生活中发现美、感知美、体验美,进而对“美”进行表现与创造,此即美术教学生活化的实质。 二、生活化是中小学美术教学改革的必然选择 1.生活是中小学美术教学的自然源泉 美术教学是中小学生感受美、表现美和创造美的重要途径。美术教学的基础在于学生对美的体验和发现。大自然的鬼斧神工创造出许多令人叹为观止的自然美景,使中小学美术教育获得了最为直接和丰富的教学资源。四季更替的景观变化能帮助学生感受色彩的鲜明;潺潺溪流、林间鸟鸣能帮助学生感受音乐的节奏与韵律;起伏的山峦、层叠的梯田能帮助学生体会和谐与变化的形式美。而在日常生活中以及社会生活中,中小学生总是会调动自己身体的所有感官去感知和认识身边的事物。这些都可以成为中小学美术教学丰富的资源。 2.美术教学生活化符合中小学生的心理特征 中小学生的J知心理是以直觉行动思维和具体形象思维为主的,他们需要在活动中不断摸索、学习和发展,所以,不能以静听的方式作为主要的学习途径。中小学阶段的学习必须以直接经验为基础,正因为中小学生处于无意识注意的心理发展阶段,无意识注意产生的心理机制是探究反射,往往是在周围环境的刺激下而产生的,是一种无预定目的、不需意志努力的注意。因此,在中小学美术教学中,以学生的生活经验为基础,把他们熟悉的人、事、物作为教学中的内容加以呈现,并将学生自身的生活经验与美术教学相结合,是符合这一学习阶段学生的心理特征的,其有益于让学生在多姿多彩的生活中成长、发展,从中发现美、感受美、体验美,进而可以用自己的双手去创造美、表现美。 3.生活化是现代中小学美术教学的基本理念 我国教育界早在20世纪20年代到40年代就已经开始将教育与生活的密切关系重视起来。传统的美术教学,强调灌输式的知识点和基本技法的传授,注重基本功的强化与练习。而生活化的美术教学,出发点则是学生自身的生活经验,结合他们的生活环境,创设生动的美术教学情境,鼓励学生在熟悉的事物中获得审美体验。这种教学方式更尊重学生的个性发展,注重兴趣与能力的培养,能够真正发挥美育在陶冶情操和塑造人格中的积极作用,更契合现代中小学美术的教学理念。 三、生活化的中小学美术教学的实施 1.明确教学目标 对于中小学阶段来说,美术教学的最终目标不是培养高高在上的艺术家,而是要通过基本技法、艺术欣赏、美术史论等课程内容的教学,为学生提供相应的感知训练与信息交流的平台,以提高学生的审美能力,陶冶其情操,培养其发散性思维能力、创造能力和动手能力,进而完善学生的人格,丰富学生的人生。因此,在这样的教学目标之下,要求将美术教学与学生的生活高度融合,提倡用生活资源促进美术教学活动的开展。 2.将生活引入美术课堂 现阶段大多数中小学生所接触的生活环境很狭小,很多情况下都是家庭和学校两点一线。因此他们所积累的生活经验也就更少了。同时,由于种种原因教师不能带领中小学生频繁地走出课堂,那么就需要教师把生活引入课堂。在美术教育中利用学生平时积累的经验加上引入的生活知识进行新的经验的整合,让学生在原有生活经验的基础上大胆与夸张地表现,借助于美术的表现手段,使他们原有的经验得到了重组、再现和拓展,并在作品中融入了自己的亲身感受与体验。 例如,在设计中小学美术《国宝熊猫》一课时,教师将自己的生活经验和收集的一些图片资料和影像资料引入教学资源,让学生对熊猫的形态特征和生活习性有详细和生动的了解。经过不同材料的欣赏,学生对熊猫的感知加深了,同时也激发了他们进行表现和描述的欲望。于是,在他们的画作中可以看到众多形态各异、生动可爱的熊猫,这都是学生们在自己原有经验的基础上发挥各自的想象力画出来的,虽然他们的画功还很稚嫩,但能从中清楚地感受到他们打开了自己的思维用心地去描绘自己所感兴趣的事物。 由此可见,教师把生活引入课堂,使课堂内容贴近学生生活,不仅能让学生通过这种方式进一步感受生活,增加教学的趣味性,还在无形中提高了学生的学习能力和学习效果。同时,他们的发散性思维能力和创造力也在这种学习氛围中得到了开发。 3.选择贴近生活的表现材料以丰富创作手法 张雪门先生在其关于行为课程的研究中提出,中小学课程应该从生活中来,在生活中展开,在生活中结束,这在一定程度上也体现了对中小学课程生活化的研究。现在,生活化是我国基础教育课程改革中的一个重要理念,要求每一个教育领域都要充分结合生活,特别是美术教育更是提出了引导学生接触生活中美好的事物和感人的事件,以丰富学生感性经验和情感体验,并指导学生利用身边的物品和废旧材料制作各种玩具、工艺装饰品,体验创造的乐趣。 神奇的大自然是一个丰富多彩的素材库,它能够为学生的美术创作提供许许多多天然的素材。例如,各种各样的树叶、形态各异的石子、不同品种的豆子以及不同坚果的果壳,用这些随处可见、随手可得的材料去进行美术创作,学生会觉得既熟悉又新奇,更容易激起他们创作的热情和欲望。 例如,中小学美术《蛋壳彩绘》这堂课中,教师先让学生提前准备好鸡蛋这种生活中常见且容易收集的材料,然后让学生自由发挥,用水彩笔在蛋壳上轻轻地作画。看到生活中普通并容易被忽视的不起眼的鸡蛋,在自己的手中加以改造,变成一件精美的作品时,学生的喜悦是由衷而发的。而在《蛋壳贴画》这堂课中,教师先让学生把准备好的蛋壳捏碎放到桌子中间的一张大白纸上,然后再让学生小心翼翼地把捏碎的蛋壳轻轻粘贴在事先准备好的涂有粘胶的有图画的纸上,就这样,一幅幅漂亮的作品就完成了。 这种利用身边随处可见的小材料进行美术创作意在让学生能通过这种方式初步感受到一种自然的美术形式,让他们知道生活中很多平时看起来并不起眼的东西通过双手的改造可以变成另外一种样子,教导他们平时要多注意观察生活,扩展思维,善于从琐碎的生活中发现可被利用的生活材料。这样,学生的创作热情和学习兴趣也被极大地激发出来了。同时,学生的作品还可以很好地点缀和装饰教室环境,真可谓是一举多得。 4.创设生活化的教学环境 中小学美术教育中环境创设的生活化、情景化和其他教育阶段相比显得尤为重要。中小学教育工作者需要对中小学教室、走廊以及其他学生能触及到的活动范围内的环境创O加大重视的力度。 教学环境生活化的创设,会随时随地用直观的美的熏陶,增加学生对美的感性认识。将贴近中小学生生活的名家名作展示在教室里,可以让学生在无形中欣赏、体验,积累经验;而学生自己作品的展示,则很大程度上可以让他们获得自我成就感。比如,在小学美术课《运动会》中,学生在了解了运动会的性质、内容之后收集了一系列关于运动会的资料,由教师生成了一节名叫“我们一起设计运动会”的美术活动。之后教师将学生设计的班牌、队标、运动员标志、奖牌等在教室内分别设置展台进行展示,这样对学生来说不仅愉悦了身心,还培养了动手动脑的能力,更增强了他们的自我成就感。 5.教学评价的生活化 教学评价也是整个教学活动中不可缺少的一部分。美术教学的评价是教师对学生整个美术学习过程的质量和学习成果的总体评价,其中既包括了学生对于美术基本技能、艺术认知的掌握程度,也包括了学生在自主创作和情感成长方面的综合发展程度。教学评价对学生今后的学习方向具有导向性的作用,也是教师对整个教学设计进行反思和改进的直接依据。因此,正确地对学生的学习成果进行评价是至关重要的。生活化的美术教学方式也必然要求其最终的教学评价要与学生的生活紧密联系,将学生的美术作品置放于生活场景中、生活用途中,或是生活理念中去评价总结,更有利于学生对这一阶段的学习成果进行理解、消化,并将其吸收作为自己的成长养分。 四、结语 艺术源于生活,美即生活。只有透彻地理解了生活,才能理解美和创造美。作为美术教育工作者,必须坚持生活化的价值取向,为学生创造一个生活与艺术紧密结合的美术课堂,使学生从中受益,从而激发他们热爱生活、表现生活的动力,促进他们健康人格和崇高人文素养的形成。在生活中教学,在生活中学习,师生共同享受生活化的美术教学带来的无限乐趣。 (作者单位:甘肃省庆城县陇东中学) 中小学美术教学论文:新课程背景下中小学美术教学方法研究 摘 要:在科学技术突飞猛进的今天,迫切需要改变美术教学的现状来提高学生的综合素质,适应社会发展的需求。利用一切有效的教学方法手段激发学生学习美术的兴趣,一旦学生的学习兴趣被释放出来了,那么美术教学就一帆风顺。在教学方法方面,要发挥信息技术在教育教学中的作用,给学生创造一个丰富的世界,培养学生的想象力;要发挥美术教师的特长,提高学生全面的美术素养。 关键词:美术;教学;方法 虽然科学技术在教育教学中的普及应用已非昔日,但是由于种种主观和客观的原因,中小学美术课在有的学校名存实亡。有的学校对美术教学历来就不重视,美术课上不是语文就是数学;有的即使在上,也是教师干其他的事,学生对着课本“照葫芦画瓢”,画出的作品是“四不像”。此种做法与我国义务教育所提出的素质教育目标背道而驰,不利于学生的创造想象力和视觉记忆力的开发,不利于学生个性、意愿、情感的表达与发挥,更缺乏对学生的审美教育。 一、美术教学中实施愉快导入教学 导入新课的方式方法,每个人有每个人的绝招,如猜谜语导入新课,即开发学生的智力又能加深学生对所画内容的印象;有时教师对学生的作品进行评价欣赏,引导学生分析作品的造型构图,利弊所在;有时巧设悬念激发兴趣,学生在问题当中进入新课的学习,提高教学效率;有的巧用多媒体导入新课,生活当中的图片、实物、模型、音响、幻灯、语言等都是我们可以借用的媒体语言,它们能够使教学直接简便,形象而又具体,客观而又科学。美术里的透视规律是很难用语言描述清楚的,那么教师就要借助网络或者是幻灯片来实施,就能达到事半功倍的效果。导入新课的方式方法很多,选择适合自己的几种方式,熟练的应用,将美术的教学提高到一个新的层次。 二、美术教学中要学会欣赏艺术作品 在美术的教育教学当中,教师不能给学生预设一个固定的标准方法,让学生按照教师的条条框框去审视美术作品,而是要打开学生想象的闸门,鼓励学生在想象的海洋中,感受艺术作品的精神内涵。鼓励用自己审美的视觉与艺术作品产生共鸣。如在欣赏的《伏尔加河上的纤夫》时,教师简简单单地介绍一下作者和时代背景,让学生自己去欣赏艺术作品。从所画的人物方面分析,穿着的破烂体现了家境的平穷,经济的窘迫;向前倾斜的身子,说明了货船的沉重,地上深陷的脚印更说明了货物的沉重;河岸的曲曲折折,高高低低,证明道路的坎坷,脚下的路是坎坷的,那么生活的路是照样坎坷的。人物绝望的眼神里,隐藏着什么样的内容呢?是对沙皇黑暗统治的绝望,是对整个社会不公平的无言的反抗。从美术的角度看,乌云的阴沉,画面色彩的灰暗,影视了生活的阴沉灰暗;线条的弯曲,绳索的粗糙沉重,大船的缓缓移动,一切都在诉说着一个主题。那么从纤夫的生活的艰辛当中,你能看懂什么呢?这样下来,不论是从美术的角度分析还是从生活内容的角度分析,整幅画的主题是永恒不变的。如果学生完全能理解作者的创作意图,那么学生的美术素养就达到了很高的一个层次,为他们以后的继续深造打下一个非常好的基础。 三、 美术教学中要鼓励学生的艺术表现欲望 美术教学中,教师要给学生提供一个展现艺术才华的空间,以此提高学生的艺术表现力。美术教学和文化课的教学有很大的区别,学习美术基本靠的是学生的领悟能力,多作品的感知能力。因此,美术教师不能扼杀学生作品里所体现的与众不同的内容,正因为与众不同才能有丰富多彩的艺术作品。如果教师规定了这样那样的制度,把学生的思维限制在一个固定的模式里面,那么学生的创作欲望就完全被扼杀了,那他们根本就创作不出有个性的艺术作品来。学生的作品有的显得夸张有余,有的显得平淡无奇,有的细腻传神有的粗犷奔放,有的热情洋溢有的宁静素雅,有的奔放不羁还是含蓄内敛,不管是那种形式的作品,都有他内在的含义,都是学生心血的结晶,是学生思想的反映,是学生对客观世界的认识,是学生心目中的艺术作品。因此,教师在评点学生的作品时多讲优点,多肯定学生积极的一面,多激发学生表现美的欲望,天长日久,学生自然而然就知道了什么是美,怎么才能表现美的东西。生活中的琐碎事物,都有其魅力所在,就看学生有没有表现美的欲望,如果有那么美是无处不在的。 四、美术教学要走出课堂到实践中去体验 农村的风景非常的优美,一早一晚的空气非常的清新,宽广美丽的土地上有一年四季耕作的人们,乡间小道随处可见放牧的牛童,蓝天白云映衬自由飞翔的小鸟,一幅幅美好的画卷尽显眼前,看到如此的良辰美景就会有创作的欲望。拿起手中的画笔,描绘出心目中的生活画卷,这就是最好的教学。如在教学“泥塑”课时,看看天气预报,选一个风和日丽的好天气,带领学生走出课堂,走进大自然,放飞学生自由想象的翅膀,让学生无拘无束地画画、塑造。有的学生受家长的熏陶,对泥塑有非常好的感知能力。城市学校的美术教师,一样可以带领学生走进生活,描绘鳞次栉比的高楼大厦,描绘车水马龙的繁华盛景等等。只要用心去感受,俯首之间都是艺术作品。 五、美术教学要吸收民间的养分提高人文素养 美术教学光有画笔是不行的,需要一定的理论素养;光有课堂教学是远远不够的,需要到广阔的民间去汲取营养;光有个人的激情是不够的,需要博览群书,开阔眼界。我国的美术专著浩瀚如海多如牛毛,真正简单易学的我以为还是民间的一些手工艺的理论书和民间创作者所作的艺谱。手工艺方面的书籍,带有官方修饰的痕迹,如先秦时期的《考工记》、唐代《工艺之法》、明代《天工开物》等。艺谱是以物相传的民间美术,传播的形式主要以谱子进行,如剪花样谱、影戏谱、画谱、年画版样等等,这些代代相传的艺术作品,我看有的是程式化的范本,有的是集体的创作的结晶,有的是著名艺人亲手绘制的,有的则是借鉴其他艺术形式套用而来的。整体来看其没有一个统一的标准,但都经过几代人几十代人的积累和不断完善而形成的经验总结。如果学生拜这些艺人为师,他们的经验就是非常宝贵的知识库,学习美术少走不少的弯路。 总之,美术教学不仅要在实践方面培养学生的能力,还要在理论方面开阔学生的眼界,提高学生的认识能力,只有这样才能培养出合格的美术人才。 中小学美术教学论文:互联网时代如何进行中小学美术教学 现代美术学习 , 已经从单纯的技能技巧训练提高到了美术文化学习的层面,而文化内涵的多元性和综合性又使得美术教师需要更加关注社会科学、人文科学和自然科学等知识。但教师个人的学识有限,教材和教参中的资源也不足。在美术课程资源的扩展建设中,现代信息技术为美术教学提供了丰富而庞大的人文性素材资源库。 1. 应用多媒体课件进行教学,创设一个良好的教学情境。 多媒体课件可以把教学所需要的各种图像、语音、音乐、影像以及文字说明进行整合,并自然、快捷、合理地展示给学生,实现教学活动的生动和高效。用于制作课堂教学课件的软件 有很多,如 Dreamweaver 、Frontpage可以制作链接层次清晰的网页式的课件,Flash可以制作动感效果强烈的课件,Authorware制作的课件功能完善,交互功能强大,而方正奥恩、课件大师等国产软件则易学易用,就连Office自带的幻灯片制作软件 PowerPoint 也能制作出美观实用的美术课件。当然美术教学课件的设计、制作和使用作为实现教学的辅助方式,不一定需要在每一节美术课中出现。 2. 导入网络美术资源,使美术教学内容更宽广、直观。 网络的即时性、便利性使学生的学习,能够突破时空的限制和教师知识局限性的束缚,使课堂教学成为一个师生互动、共同探究的活动过程,有效地改变了以往教师凭借自己有限的知识,进行“独角戏”似的教W活动的模式。 如:人民美术出版社出版的义务教育课程标准试验教科书《美术》第十三册《学习服装搭配》一课,教材给出了服装搭配的三个基本要求:满足穿着场合和功能要求;结合着装人的肤色、年龄、性别、身材特点;注重款式、色彩、材料的对比变化与服装风格的统一。另附有服装色彩搭配的参考。在实际教学过程中我发现,学生学习的兴趣点不在于纸上表现服装的款式和色彩的搭配,而是对自己及周围人的穿着打扮感兴趣。那么如何去引导学生进行服装美的认识呢? 教学中我设计了这样两个环节,(1)给出有关服装教学资源的链接,学生通过浏览网站上展示的服装和点评解说,对服装的设计语言有了感性的认识。(2)让学生利用搜索引擎“google”或“百度”自行查找任何与服装有关的知识,通过主动的探究和欣赏,完成对服装美的认知过程。学生在尝试进行服装款式设计和搭配时,也就不再满足于简单的临摹,而是开始融人自己对服装的一些反思和设想。 3. 开设电脑美术课程,为学生开创美术学习的新途径。 用计算机作为学生美术学习的载体,丰富了美术教学内容,为培养学生创新能力提供了新的途径。学生采用电脑进行美术绘画创作,摆脱了纸张、铅笔、颜料、调色盒等繁琐的绘画工具的限制,一有构思,就可以在电脑里尝试表现,随意挥洒,修改也极为方便,这一切都大大增加了学生学习美术的兴趣。我区的一所小学,开设了电脑美术课程,自编电脑美术教学教材,进行《小学现代美术教学新途径的探索》的课题研究,利用每周二课时时间进行教学,用 Windows自带的画图软件和其他的画王、画笔工具根据学生个体差异进行分 层次教学和指导。通过几年的实践,使电脑美术成为了该校的一大特色课程。 对于小学高年级和初、高中学生,可以结合实际,有选择地传授相应的美术设计软件,如:位图软件:我形我速(Photo Express)、photoshop;矢量图软件:CorelDRAW、FreeHand、Illustrator;多媒体网页软件:Director、Authorware、Flash、Dreamweaver、Frontpage等。这些软件使学生能自由驾驭设计、制作有创意的电脑绘画,进行图像处理,设计贺卡、装帧、招贴、标志,制作电脑动画和网页作品等,使美术课程中“设计、应用”领域的学习,变得快捷而更有创意。如:软件的复制、粘贴功能,使构成与图案设计中连续纹样的制作易如反掌,使得学生能有更多的时间和精力关注构成与图案的创意。 美术技能的形成,一定程度上是一种潜移默化、自我学习的提高过程。随着多媒体和网络 技术的日益普及,网络中形成了界面友好、形象 直观的交互式学习环境, 超文本、超链接形式构成的网络教学资源,深深地吸引着学生的眼睛。网络是友好、宽容的,如同茂密的森林诱导着学生进行自主学习和探究,它没有批评和指责,不同性格、习惯,不同知识层次的学生都能在 Internet网络中寻找到自己学习的位置。众多的美术网站既提供美轮美奂的艺术作品,也提供美术技法指导和考试辅导,学生在关注技能学习的同时,对美术作品的审美能力、鉴赏能力、创造能力也得到了提高。 另外,通过对网络美术资源的检索、查找、 发现、探索,还有利于学生发展联想思维和建立新旧知识之间的联系,建构起较全面的人文性知识体系和审美观。 当然,网络也是一把“双刃剑”,在对学生的学习提供便利的同时也带来了一定的困惑和无所适从。因此学生课外的网络自主、探究性学习,更加需要教师和家长的帮助和指导,有必要提供优秀的教育网站、个人主页、博物馆、美术展览等美术资源,供学生选择。 中小学美术教学论文:对数字教育资源在农村中小学美术课堂教学中应用模式的研究 摘 要:根据农村信息化建设现状,在美术教学中将数字教育资源和翻转课堂相结合,设计出基于QQ群平台的美术翻转课堂教学模式。在教学实践中,从提高学习者自主学习能力、协作学习能力以及作品完成情况等方面验证了其在美术教学中的有效性。 关键词:数字教育资源;教学模式;教学质量 教育信息化是促进教育发展,解决教育资源分布不均衡,实现教育公平的重要抓手。强调,中国要坚持不懈推进教育信息化,通过教育信息化大力促进教育公平。因此,对数字教育资源在中小学美术教学中的应用模式进行系统研究是非常必要,也十分有意义的。 首先,农村学校中美术专业教师十分稀少,例如杞县沙沃乡,全乡22所小学和2所中学,仅有5名美术专业教师。美术课堂教学存在很多困难。其次,学校信息化设备很少,“班班通”占比仅为26%。最后,学生的绘画水平和计算机基础能力参差不齐,教学内容难以满足全体学生个性化学习的需要。这些问题成为农村美术教学必须要解决的难题。做好数字教育资源在美术教学中应用模式的研究,对于促进教育均衡发展,提高教育质量,具有重要意义。 教学模式是指教学过程中两种或两种以上方法或策略的稳定组合与运用。在教学过程中,为了达到某种预期的效果或目标往往要综合运用多种不同的方法与策略,当这些教学方法与策略的联合运用总能达到预期的效果或目标时,就成为一种有效的教学模式。 教学中发现,学生上网查找资料的经验不足,缺乏学习目的导航,达不到预期效果。基于QQ群网络平台的翻转课堂模式,既能够弥补传统的被动接受学习的弊端,又能够很好地培养学生的自主学习能力。同时,数字教育资源作为翻转课堂的媒体,可以将其用于课前预习,还可以将其用于课堂的讲解示范,让学生反复观看,满足不同层次学生的需求,有利于提高课堂的学习效率。 一、翻转课堂在农村中小学美术教学中的优势体现 1.支持学生个性化学习的需求 翻转课堂支持以学习者为中心的个性化学习,有助于缓解学生在美术课堂上学习基础有差异的矛盾,符合学习者个体的独立性与主动性。从学习者本身出发,基于自主学习的对话、讨论与学习,并兼顾到不同层次水平的学生,从而实现分层教学,激发学生的学习兴趣,有效地解决不同层次学生的学习需求。 2.促进学生自主学习能力的提高 兴趣是推动人们求知的一种内在力量。如果学生对某一领域产生兴趣,就会持续地、专心致志地钻研它。了解学生现有的兴趣,发现学生潜在的兴趣,吸引学生参与学习,引导学生更好地发展,是美术教师工作的重要内容。学生有的对绘画技法感兴趣,有的对手工制作感兴趣;有的学生对活动本身感兴趣,有的则对活动带来的结果感兴趣。虽然兴趣有着种种差异,但是它确实可以推进个体的发展,因为“兴趣是最好的教师”。因此,基于QQ群平台的美术翻转n堂能在短时间内充分地调动学生的多种感官参与学习,使学生的学习兴趣和自主学习动机被激发出来,从而形成良性循环。 3.促进学生协作能力的提高 在基于QQ群网络平台的美术翻转课堂中,教师不仅可以引导学生自主学习,还可以将学生分成不同的小组,小组成员在遇到问题和困惑时,进行有针对性的交流、讨论,从而提高他们的协作能力,这样成员的参与度及时间利用率也会相应地提高。 二、翻转课堂教学模式实施案例 1.研究对象 杞县回民小学三年级1班和2班,两个班学生人数相同,学习水平相近,由相同的教师任课,教学进度基本一致。因此,选定1班为实验班,2班为对照班。 2.实验目的 检验基于QQ群网络平台的翻转课堂教学模式是否有助于改善美术课教学现状,提高教学效率。 3.教学内容 教学内容为人教版美术三年级上册第12课《多彩的窗户》。根据教学内容,教师利用QQ群网络平台展示法国的《夏特教堂彩色玻璃窗》和中国广州的《圣心大教堂的彩色玻璃窗》的图片。上传动画《多彩的窗户镶嵌画》《我的多彩的窗户》。利用课前预习任务单引导学生欣赏优秀作品,拓宽创作思路,尝试用彩纸剪贴画等方法模拟设计多彩的窗户的方法,完成第一次作品创造。 4.教学实施过程及教学效果 实验班采用翻转课堂教学,对照班则延续教师一贯的教学方法。通过实验班和对照班教学实施过程的对比,实验班的学生分别做了两次作业:一次是预学任务单要求完成的作业,课后再自主完善调整,优秀率达75%;一次是在课堂上完成的作业,优秀率达98%。而对照班的优秀率只达81%。由此可见,美术翻转课堂的教学模式对美术教学的效果有显著影响。 根据教师的课堂记录和学生的作业反馈,实验班大部分学生的学习积极性高,在课前观看图片、视频,根据预学任务单上的提示完成教师的教学任务,并利用周末的时间选择自己喜欢的绘画方式完成了第一次作品创作。在课堂上,教师检查学生的预学情况,学生通过课前自主学习,有绘画特长的学生会用水粉或油画棒根据视频的讲解和群内的图片素材创作,而绘画基础弱一些的学生会用简笔画的形式勾画出一个自己喜爱的窗户。接下来课堂主要解决学生作业中的困惑和不足。本年龄段的学生,绘画水平较弱,缺乏对画面的整体把握能力,个别学生设计的花纹零碎,不够大方,通过分析优秀作品和组织学生讨论的方法来解决学生作业中的这些问题。指导学生利用对称的方法剪出各种形状的玻璃窗,用镂空、剪贴等方法设计制作漂亮的多彩的窗户。教师通过电子白板和学生互动演示、尝试,使学生情绪高涨,指导学生完成课内作业,并将学生的作品及时展示,增加学生的自信心。而对照班主要是以教师的讲解、演示为主,学生只能被动地学习欣赏,在很多情况下,教师的讲解已占据了课堂的大部分时间,所以学生练习的时间就很短,只能采用单一的线条形式来表现,如果选用色彩或水粉的形式,作业就无法在课堂上完成,效率低下。 在网络环境下,基于QQ群网络平台的美术翻转课堂教学不仅可以实现分层教学,还可以帮助学生有效地完成知识传递,但是翻转课堂需要教师有充分的知识储备和课堂把控能力,对教师个人的能力要求非常高。教师不能简单地把资源传送给学生看,而是要高效地组织学生完成知识的内化。基于QQ网络平台的美术翻转课堂只是一种教学手段,更重要的是我们要清楚:我们到底要培养什么样的学生? (作者单位:河南省杞县教体局基础教研室) 中小学美术教学论文:浅谈中小学美术教学中学生创造力的培养 摘要:美术教育是发展思维、情感、创造性和培养全球化意识人才的重要学科。如何在教学过程中充分培养学生的创造力,将学生从被动的、被改造的、被教育的观念中解放出来?在培养学生创造力的过程中,美术教师要具备应有的要素,在教学中讲求策略激发学生的学习兴趣、培养学生的创造意识、提高学生的创造能力。 关键词:美术教育;创造力;教学策略;素质 美术教学是通过绘画、工艺、手工、欣赏等教学内容对学生进行美术方面能力的培养。当前的美术教学仅仅停留在单一的技能技巧的传授和掌握上,而对学生在美术学习过程中所应具备的创造力的开发与培养则很少受到重视和发展。而当前的美术教育要以培养具有多种综合创造力的学生作为培养方向和长远目标。传统的教育模式显然已经不符合素质教育发展的要求。美术教育的目的不是为了模仿和酷似,而是传达、表现、交流。这就要求教师要有培养学生创造力的能力,要求教师改变传统的教学观,要求教师具有较强的创新能力,要求教师具有一定的教学策略。 一、培养学生创造力教师应有的要素 美术教师是办好美术教育的基本依靠对象和主要力量,他们素质的好坏、品德的优劣、能力的高低,直接关系到美术教育的成败。由于美术教育的多样性,也就必然具有创造性。每个学生所受的环境传统教养不同,产生的美学爱好不同,他们的思想、性格、智力、技能也各有不同,因而对学生的教育教学过程,不可能有一个刻板的程序、固定的模式,只有通过教师复杂的、创造性的劳动才能获得预期的效果。在教学过程中,教师并不是他人思想被动的传话机,他们必然要对教材与教学内容进行精心的、创造性的加工处理,甚至加以更新改造和充实,并创造新的教育方法,针对每个学生的具体实际情况,创造出不同的教学方法,施以卓有成效的教育。 美术贵在创新,没有创新,美术就不会有发展。学生美术创造力和创新意识的开发与培养是美术教育的特殊目的。在整个教学过程中,美术教师必须用自身劳动的创造性和创新意识去诱发学生的创造力。富有创新性的教师,能善于发现学生的艺术才能、启迪学生的创新意识、培养他们的创造性思维能力、丰富发展他们的创新才能,把他们培养成为勇于开拓的创造型人才。 二、培养学生创造力教师教学的策略 1.激发学生的学习兴趣 现在许多学校上美术课时,很多人都称之为“图画课”,可美术仅仅是限于画画吗?美术课应该给学生们带来些什么?在孩子入学之前,很多的家长看到孩子能画画就给予鼓励和夸奖,入学之后则以学生的学习成绩来衡量孩子,这样孩子的天性被慢慢的扼杀。作为教师我们应该从自身做起,改变教学观念,因地制宜,从课堂抓起,培养学生对美术课的兴趣、培养学生的创造能力。 一位艺术教师上完一个艺术单元课,就要求班上若干志愿者按照自己在本单元中学到的一些艺术家的样子装扮和穿戴起来,以此向全班学生传递这个艺术家的信息和激发他们的探索欲望。例如,一个男孩子选择了孟德里安。在教师和家长的适当帮助下,他制作了一套由三种基本色和黑色垂直线和横线为基本图案的纸服装。另一个男孩则选择了波洛克。他按照波洛克作画的方式,将多种色彩随意的喷洒到自己做好的纸衣服上。一个女孩则选择齐夫特(George o' keefte),她依照这个艺术家特有的创作风格,穿起黑白对比鲜明的衣服,还找到了一个漂白了的牛头骨戴到头上。另一个女孩选择了威斯特勒(whistler)。她的穿着和姿势活脱脱就是作者为其母亲画的那幅题为“灰和黑的搭配”的画。在这些志愿者穿上自制的服装做服装表演时,其他学生便开始判断,这些被戏剧化了艺术家及其作品究竟是谁。假如学生们学习了这些艺术家的生平和作品,并有一定的印象,就很容易猜出来。当然,有些艺术家比较难猜,但不管结果如何,每次经过这种戏剧化表演之后,学生都会比以前更感兴趣于了解这些艺术家的生平和作品。【1】 2.培养学生的创造意识 创造意识是一种好奇、发现、进取、探索未知的品质,是一切创造活动的前提。美术教师也应具备不甘落后向往成功的品质,并有将美术课上的更加新颖出色的愿望。有创造性的教师常常有突如其来的灵感,做一件简便有效的教具,突然产生一个有趣的问题,列举一个颇具启发性的事例等都能给教学带来活力。在课堂教学中,教师要积极创设生动和谐的氛围,鼓励学生展开想象的翅膀,发挥创新的潜能,做到敢想、敢说、敢做,教师要充分发挥教学激励的功能,培养学生的创新意识。在美术教学中,我们将音乐与绘画结合。首先选择不同的音乐片段让学生倾听。学生在听每一段音乐的同时,手中的画笔在纸上自由运动,作为对音乐的反应。这种体验活动重点放在音乐节奏的感受上。当音乐停止时,每个人也完成了自己的即兴作画。此时可以开辟一面墙,把学生的即兴美术作品挂到墙上,供大家一起讨论,讨论的重点是根据不同音乐创作的各幅作品在结构和色彩方面的类似和差别。很多学生的思维受到了启发,创新意识也有了很大的提高。 3.提高学生的创造能力 美术课的综合性对能力的培养是多方面的,如果把合作意识和探究能力在资料搜集方面也可以看作是对动手能力的体现的话,那么,创造能力的培养贯穿在每一节美术课中是责无旁贷的。当然,对于各种能力的培养可以多管齐下,但尺有所短,寸有所长。作课教师应该根据具体的课业要求去进行具体的教学设计,目标明确,重点突出,启发得体,指导到位。总之,以课标和教材为依据,充分发挥教师的主导作用,充分发挥教师的自身潜能,调动学生的学习积极性和主动精神,真正凸现美术课的综合性,使学生终身受益。 严格来说,绘画风格是一个画家的艺术表达方式成熟化的标志。要说中小学生的“风格”问题,窄一点谈,实际上就是他们创造能力的表现问题。每个学生的性格不一,画出来的作品当然就是不一样的,有的娟秀细腻,有的豪迈粗犷,再加上喜好不同,表现的内容也就自然各有差异,有的爱画森林,有的爱画森林动物,有的喜绘汽车楼宇……要根据他们各自的情况,加以引导,并起到逐步挖掘巩固他们的个性作用。 如何指导缺乏创造力的孩子? 缺乏创造力的学生往往喜欢模仿老师、同伴或者自己的作品。引导学生敢于打破常规,富有创造性的表现绘画主题,可以从以下入手: (1)选题贴近学生的生活,易于学生表现,学生亦乐于表现。 (2)教师示范讲解时不要出示完整的范画,多提供不同个性的范画,内容丰富、形式多样、不拘一格,把更多的创造空间留给学生。关于画面布局、色彩搭配、形象设计等技能不过于统一、规范,因人而异。积极鼓励学生敢于使用绘画材料,自由地描绘出自己内心的世界。表达出不同于伙伴的情感色彩与内容。 (3)多亲近学生、多与学生交流。在观察学生创作过程中,捕捉学生的“亮点”与“不足”,及时评点,协助学生在已有的基础上不断创想、丰富情境,使作品展现个性。 (4)营造宽松的活动氛围。允许学生在创作过程中相互小声交流与观摩。鼓励学生画出自己的画。 (5)与家长共同激发学生的创作欲望,激活学生的创造性思维,设置美工角,让学生在这里尽情发挥。 陶行知先生说:“让我们解放眼睛扔掉有色眼镜,要看事实,看未来;解放头脑,撕掉精神的裹头巾,要想得通,想得远;解放嘴巴,享受言论自由,谈天,谈地,谈出真理来;解放双手,甩去无形的手套,大胆操作,向前开辟;解放空间,把学生从文化的鸟笼里解放出来,飞向大自然,大社会去寻觅,去捕捉。” 总之,中小学的美术教育活动必须在贯彻《规程》的基础上,结合当前的教育发展与改革,以学生为主体,从培养学生的创造力着手,引导学生主动参与美术活动。切不可用一张范例框死学生的思维,切不可以成人的眼光评价他们的作品。 中小学美术教学论文:略论中小学美术课程教学中教师的角色 摘要:强调发展地方资源,关注地方课程资源的开发与利用,是当前我国课程发展的主要方向,也是中小学美术课程教学中教师需要重点关注的内容。长春中小学美术课程教学存在诸多问题,本文对此进行了分析.认为美术教师应增强地方文化和美术课程资源的开发与利用. 关键词:长春市 中小学美术课程教学地方美术课程资源开发与利用 《全日制义务教育美术课程标准》中提出:“美术教学教师要广泛利用校外的各种课程资源,开展多种形式的美术教育活动,充分开发信息化课程资源、利用网络.开发新的教学内容,探索新的教学方法,尽可能利用自然环境资源等等进行美术教学。美术教学要创设一定的文化情境,增加文化含量。”教师如何在美术教学中充分利用当地的民族、民间艺术资源和文物资源,积极开展各种形式的美术教育活动?教师在美术课程教学过程中扮演着怎样的角色?教师如何在学校美术课程正确进行美术教学评价?这些问题亟待解决。我们对长春市中小学美术课程教学进行了实证性调查研究,对教师在美术课程实践教学中的角色进行了综合分析与思考,并提出了建议。 一、长春地方美术课程资源的理论分析 我国教育学者仲信生认为:地方美术课程资源可界定为“民间美术资源”和“具有地方文化特色的美术资源”。长春地方美术课程资源是指具有长春地方特色的资源,是长春地方美术课程和中小学学校美术课程内容、教学活动与美术课程评价的资料来源。在梳理长春地方美术课程资源时,主要从自然资源、社会资源和文化资源三大方面进行归类。 长春是吉林省省会,也是一座历史文化悠久的城市,具有丰富的美术课程资源,地方自然、社会、文化资源有很大的挖掘潜能。具体划分如表一: 我们到长春部分中小学美术课堂听课和访谈美术教师,认为长春中小学美术课程教学中存在以下问题:大部分教师以教材为唯一的教学内容来源,教学没什么特点,对基础美术这门课讲解不深人,教学内容缺乏时代性和创新性;教师对课程标准了解不够,对地方美术课程开发没兴趣;教学方法陈旧,课堂封闭,现代教学技术(多媒体、CAI等)应用不灵活;有的教师只一味讲课,不强调上课纪律,等等。以上存在的问题导致美术教师难以让学生体会到美术教学的新鲜感,不能激发学生的创造性.也不能提高学生的审美能力。《美术课程标准》提出:“注重美术课程与学生生活的紧密联系、不同地区的教师可根据实际情况和条件,创造新的教学活动方式。”Ⅲ美术教师应该改变传统式教学观念,积极进行尝试性创新式教学.加强美术学习与学生生活的联系,增强地方文化与美术课程资源的开发与利用。 二、教师是美术课程教学过程中的引航者 教师要转变美术课程的教学理念,从知识传递者向引航者、开拓者、激励者转变。教学过程是指由若干能够实现预定教学目标的教学环节组合而成,教师的教授与学生的学习双边互动的活动进程。教学过程是师生交往、共同发展的互动过程,彼此将形成一个真正的“学习共同体”。教学过程不仅仅是忠实地执行课程计划(方案)的过程,也是师生共同开发课程、丰富课程的过程。为了更好地体现“在探究中学习,在学习中提高”,教师要进行资源梳理与教学设计。 例如,在讲授小学四年级美术课《艺术与生活》时,教师应该引导学生自己去观察生活中感兴趣的物品.思考物品造型与实际用途的关系,在课堂中进行改进物品造型的练习。教师可根据本节教学内容和课程标准,适当调整教学内容的比例,如表二所示: 在美术教学过程中,教和学是师生互相合作的过程.而不只是知识传递的过程,需要建立平等的师生关系。在教学过程中,教师应该正确引导学生进行讨论与合作,师生共同参与分析与解决问题。 三、教师是美术课程教学组织形式的开拓者 教师在教学组织形式上,应以各种方式开阔学生的视野,拓展教学空间,激发学生探索未知领域的欲望。让学生体验探究的成功感,并逐步形成崇尚文明、热爱家乡的意识;注重美术课程与学生生活经验紧密关联。丰富教学形式,使学生在积极的情感体验中提高想像力和创造力,提高审美意识和审美能力。增强对大自然和地方资源的热爱及责任感,发展创造美好生活的愿望与能力。教师要给学生增加社会实践机会。例如为丰富校园文化,给学生展示艺术造诣的机会,让学生制作提倡时代新风尚的连环画报和手册、POP展示板。在手工课中。教师可指导学生制作路标指示牌和环卫标识,并带领学生到净月潭森林公园进行环保宣传。教师将美术课程内容与学生的生活经验紧密联系在一起,强调知识和技能在帮助学生美化生活方面的作用,能使学生在实际生活中领悟美术的独特价值。 教师将美术教育实践活动与地方文化课程资源整合,不仅能让学生掌握文学、历史学基础知识,而且能让学生领略到古代建筑的魅力,学生可以利用绘画的表达方式,将电影城或伪皇宫建筑作为一种绘画题材。这种教学形式能拓展学生的文学视野。 四、教师是学生在美术课程教学评价中的激励者 我们在中小学美术课堂听课过程中发现这样一种现象:多数教师把学生最后完成的美术作品作为评判学生成绩的依据。这种评价方式过于单一、机械,同时也严重抑制了学生创造力的培养。“美术课程评价是促进学生全面发展.改进教师的教学,促进美术课程不断发展的重要环节。评价体系应以学生在美术教学中的客观事实作为评价的基础.注重评价和教学的协调统一,加强形成性评价。既要关注学生掌握美术知识、技能的情况,更要重视对学生美术能力学习、学习态度、情感和价值观等评价”。我们从美术课堂中教师生应综合掌握学生认知和实践的角度分析美术课程的评价。 我国学者胡知凡教授认为:“教师评价提供的信息,应随时给学生以客观、鼓舞性的评价,使学生有成就感,产生信心、增强兴趣,以此来强化学生的学习。”美术学科评价的本质是注重学生身心发展的历程,鼓励和培养其自信心:美术学科的学习过程重于结果,教师在对学生进行评价时,评价的目标应建立在综合判断学生在整个教学过程中的价值,才能提高学生的学习兴趣,激发学生的创造力。 综上所述,在美术课程教学过程中,教师作为美术学科教学的引航者、开拓者、激励者,应找准学科教学与创新教学的结合点和切入点,着重培养学生观察分析、采集制作、动手操作、实验设计、开展社会调查等实践活动能力;应侧重讲解那些具有多样性、可变性和综合文化性的内容;要引导学生理解地方美术课程资源的理论内涵,并认识到教科书不是唯一的课程资源.学会在教学活动中开发与利用课程资源的方法。教师与学生都要进行实施新课程标准的探索,形成多种教学方法相结合的教学模式.从而深入寻求美术教育与人文活动、地方文化与多元文化之间的联系,进一步开发出具有综合性、创新性、科学性的美术课程资源。 中小学美术教学论文:中小学美术教学中示范方法的研究 摘要:中小学的美术教育是培养学生美术意识和美术绘画技巧的重要课程,本文深入的分析了中小学美术教学过程中的示范方法应用情况,并队示范方法的优越性和实施细则进行了深入的研究。 关键词:中小学,美术教学;示范方法 前言: 提升中小学教育的美术教学质量,是提升中小学学生综合素质的关键,研究示范方法在中小学美术教育领域的具体应用特点,并对相关示范方法进行完整的分析,能够很大程度上提升中小学美术教学的质量。 一、中小学美术教育领域应用示范教学的意义 (一)有助于中小学学生更好的掌握美术学习的重点 在中小学实施常规美术教学的过程中,教师需要将美术领域的基础知识通过直观展示的方式完成对学生的基础知识教育[1]。因此,教师模式和方法的频繁转换的保证美术教学质量的关键。在具体的教学过程中,美术教学需要将美术领域的理论知识和绘画过程中的具体技巧进行融合,使美术教学可以通过示范教学的模式进行很好的教学设计,并保证全部的教学活动能够适应美术教育的具体设计理念,并提升对教学意图的实现水平。教学活动推进的过程中,示范性教育可以使抽象的美术理论变得更加巨化,避免由于中小学生不能很好的理解美术学理论而产生厌学情绪。美术教学的推进还能够使教学活动在程序上变得更加科学,以便学生可以在现有的学习模式中加强对美术基础知识的理解[2]。中小学的美术教育不同于高等美术专业领域的教育。因此,使用示范教学进行中小学美术教育领域重点因素的设计和实施,能够很大程度上提升中小学教育过程中的重点突出情况,以便中小学的教育工作能够保证学生熟练的掌握教学重点,避免在教育的过程中由于基础知识的繁杂造成美术教学质量不够理想。 (二)提升中小学生对绘画技能的掌握水平 中小学生的基本绘画技能是保证中小学生美术学习兴趣的关键,也是提升中小学生美术学习基础功底的重要因素。在当前美术教育对创新因素要求较高的情况下,在中小学美术教育领域进行学生个性化塑造是美术教学的关键性内容[3]。因此,保证中小学的美术教学能够为学生营造出更加高水平的个性施展空间,是提升中小学生美术学习质量,保证中小学生掌握基础性学习功底的关键。此外,示范教学的开展还能使中小学生通过模仿的形式进行美术学习的开展,使中小学生可以避免由于理解力水平不高造成难以掌握基础性美术学习能力,使中小学生能够在尚不具备足够理解能力的情况下将心中的创意进行完整的表达,保证中小学生掌握一定的美术绘画功底。 二、中小学美术示范教学的具体执行方法 (一)直接由教师进行示范 首先教师需要采用较为简单的程序执行美术示范教学,使学生可以按照较为直观的方式了解正确的美术绘画技艺。此外,教师要使用传统的绘画技巧进行展示,不能使用现代信息技术进行示范程序的简化,使学生可以在程序当中了解到正确的绘画程序特征,提升示范教学的执行水平[4]。在执行具体的美术教学示范过程中,教师需要保证示范教学能够涵盖美术教学的全部过程,使中小学生可以在每一个教学过程中感受到正确的美术绘画技巧,增强对新型示范教学方法的认同度。教师要保证在实施示范的过程中学生可以参与到示范教学的活动当中,并在教师的指导之下进行美术学习技巧的掌握,保证学生可以在教师的示范过程中提升对教师教学内容的理解深度,并从根本上提升对示范教学的认可程度。例如,教师在进行国画示范教学的过程中,教师需要从墨水的研磨到毛笔的舒展进行全过程的示范,并在具体的教学过程中,将绘画作品的染色程序和毛笔的转折技巧进行处理,使国画作品可以很好的进行色彩因素的正确配置,并保证色彩因素能够适应绘画技法的运行需要。教师还要在处理绘画材料的过程中对学生进行示范,保证染料的制备状态程度不会影响到绘画示范质量[5]。教师还要时刻关注示范教学进行过程中的学生心理状态,切实保证示范教学能够有效的激发学生对美术学习的兴趣,使学生能在兴趣因素的驱使下更好的进行美术学习的探索。 (二)应用媒体资源实施示范程序设计 中小学的美术教学虽然并不涉及到众多的深奥的理论知识,但是,很多美术知识如果缺乏理论因素的协助,很难保证在应用的过程中产生理想的教学效果。因此,将多媒体技术正确的应用于中小学美术教学领域,可以使教学活动的推进获得较强的科技层面的支持。在具体的多媒体资源应用过程中,教师要加强对多媒体课件制作过程的关注。保证多媒体技术进行的示范教学可以同传统的教学模式取得相同的效果。由于多媒体教学形式并不是由教师进行亲自示范,教师必须保证以独立操作的方式完成对多媒体教学的补充,使多媒体技术的局限性可以得到有效的破解,确保中小学美术教学质量。教师还要加强对多媒体示范教学的重要元素的分析,使多媒体教学可以保证具备较强的直观优势,并保证课件的制作可以使示范过程变得更加形象,确保多媒体示范教学的实际价值得到实现。教师可以将多媒体教学同美术课程的兴趣因素进行联系,使学生能够在兴趣因素的保证之下实现教学水平的提高。 (三)应用对比式示范方法 对比式示范是示范教学的重要组成部分,教师需要科学的选择不同的美术作品实施对比处理,并通过各类美术作品的优劣对比进行对比示范模式的构建,使对比示范方法的价值能够得到完整的体现。教师可以将绘画教学中的典型错误通过对比示范的方式进行展现,使示范教学能够有效的将中小学美术教学领域的问题进行合理的展示,使中小学生更加直观的了解到绘画过程中可能出现的典型问题,并对问题进行处理,保证对比示范法的价值可以得到有效的延展。 结论: 示范方法是一种科学的教学方法,目前已经广泛使用于中小学教育工作的各个领域,深入的分析示范教学方法的具体应用情况,并对中小学教学领域应用示范教学方法的情况进行分析,可以很大程度上增强中小学美术教学质量。 中小学美术教学论文:提高中小学美术教学有效性的研究 摘 要:针对部分学校美术教学效果差的原因,从掌握学生学习需求、做好充足的备课工作、创建合适的课堂意境、对美术作品进行针对性的评价、促进师生关系和谐发展等方面,研究提高美术教学有效性的措施。 关键词:中小学;美术教学;有效性;策略 目前,部分中小学的美术教学课堂单调乏味,致使学生对于美术学习的热情和兴趣降低,这种教学现状与我国提出的素质教育要求有着很大的差距。本文针对美术教学的实际情况,分析其教学效果低下的原因,并阐述提高美术教学有效性的相关措施。 一、当前部分学校美术教学效果差的原因 (1)美术教学与现实结合不密切。部分学校的美术课堂教学只是在形式上与现实贴近,但是在实际情况上则不然。这就导致学生对于美术课堂无法保持良好的热情与兴趣,不能够积极主动地参与到美术课堂教学中来。具体而言,美术教师的教学具有过细、过多的特点,使学生没有足够的时间来自我思考。而一些美术教师则讲得过少,使美术课堂教学随意化,使学生无法真正与美术教学融合起来。 (2)学生缺乏对美术课的认识。在具体的美术教学中可以发现,对于美术课的学习内容以及学习规律,很多学生缺乏一定的了解。部分学生认为,美术教学的内容过于抽象,难以掌握和理解,部分学生则认为美术课过于乏味简单,致使无法对美术课产生浓厚的学习兴趣。 (3)美术课堂的教学目标不够清晰明确。没有明确的教学目标,从而导致学生在美术教学中无法发挥自己的创造力与想象力。学生的创意性受到了制约,就使教师无法开展有效的教学活动,进而严重影响了美术课堂的有效教学。 二、提高美术教学的有效性的具体策略 实现有效教学,是时展和提高教育质量的必然要求。从目前美术教学有效性不高的实际情况出发,结合新课程改革提出的要求,要使美术课堂实现有效教学,教师就要全面认真地对学生的学习情况加以了解,把握其心理思维发展的规律,结合美术教学的客观规律和具体要求,充分调动学生对于学习美术的兴趣与积极性,为实现美术课堂的有效教学提供充足的动力。 (1)充分掌握学生的学习需求,为实现美术的有效教学找到准确的切入点。这一点是要求美术教师要全面了解学生的实际学习情况以及学习需求,坚持学生在教学中的主体地位,才能够有效地提高美术教学的质量。教师以学生的学习需求为基础,找准教学的切入点,对新课程标准进行仔细研究,同时对美术教学的教材加以准确合适的选择,采取针对性的措施来进行美术教学,减少盲目性与重复性的工作,使教学资源得到最大程度的利用,从而实现中小学美术课堂的有效教学。 (2)美术教师在课前应做好充足的备课工作。美术教师在课前将备课工作做好,是实现美术课有效教学的重要保障。所谓备课工作,主要是将美术教材中的画面形式、内容、色彩、构图等进行全面细致的思考,要对美术教材编写的意图进行准确的了解,对教材的内涵进行不断的深入挖掘,利用多方位、多层次的对比方式展开美术教学活动。同时在这样的备课基础下,教师要保证学生预习教材内容的时间足够。教师在进行备课工作的时候,学生也要对美术教材进行功课预习,只有这样才能提高美术课堂教学效率。 (3)创建合适的美术教学课堂意境,实现美术教学的延展性与开放性。结合具体的实际美术教学内容,创建良好合理的教学环境,使学生的学习热情与学习求知欲得到最大程度的激发,教师再进行恰当的引导与纠正,能够促进教学效果的提升。教学环境的创设,是实现美术有效教学的重要手段之一。相对传统的美术教学而言,有效的美术教学应做到延展性与开放性。这要求教师引导学生在教学中走向更广阔的美术空间,将教学渠道逐渐拓宽,使美术教学向更多的领域迈进,促进学生学习到更多的知识,提高学生艺术水平。 (4)对美术作品进行针对性的评价。学生的每一件美术作品,都是学生思想的体现。中小学之间存在着很大的差异性,所以,对于学生美术作品的评价,教师一定要做到针对性和科学性。对于优秀的作品,教师要提出表扬和鼓励;对于相对较差的作品,教师也要注意评价的方式,不能全面否定学生的作品。故而教师在进行作品评价的时候,要将更多的精力用在需要提高美术能力的学生身上,尊重学生的差异性,鼓励学生进行大胆的自我创作,提高学生的整体美术素养。 (5)促进美术课堂上师生关系的和谐发展。教学活动最主要的参与者就是学生与教师,实现师生关系的良好发展,能够推动美术有效教学的进程。教师在不断地激发学生的学习热情之余,还要与学生之间进行有效的交流和合作,在课堂上建立起讨论小组,充分调动学生的思维能力,听取学生提出的合理意见,使课堂教学在有序、和谐的环境中开展。 三、结束语 实现中小学美术教学的有效性,不仅能够直接提高学生的学习效果,使学生的学习取得实质性的进步,还能够促进教师教学水平的提高,为教育事业的进步起到推动作用。所以,加快实现中小学美术课堂的有效教学是十分必要的。 中小学美术教学论文:地方文化资源在中小学美术教学活动中的方法初探 摘 要:本文探讨如何在中小学美术教学活动中融入地方文化资源,以及如何更好地将地方文化资源融入美术教学活动中,以加强美术课程的地方性,拓宽美术学习领域,满足不同学生的个体发展需要,增强学生对地方文化的了解和热爱,促进地方文化的传承和发展。 关键词:美术教学活动;地方文化;方法 受我国地势的影响,东西部地区经济发展极度不平衡,呈现出东部发展较快,西部发展较慢的现象,这些不平衡现象在教育上表现的也很明显。因此,在中小学美术教学活动中融入地方文化资源,应该充分考虑本土地方文化的特色、学校的特色和学生个体发展的特点,才能因地制宜。具体方法初探如下: 1 地方文化美术教学活动探索原则 1.1 整体性和多样性原则 整体性的原则,即为有计划地将地方文化资源合理的分配到美术教学活动的各个环节中,其一,在中小学美术教学活动中融入地方文化资源,需要站在整个美术学科的基础上;其二,在分配地方文化资源的时候,需考虑各种资源自身的特点,务必使之能够得到合理的分配;其三,考虑学生的个体差异性。 多样性原则是根据不同地方文化资源所呈现出的不同特点,首先,可通过讲述的方式和在为学生展示的多媒体课件中,插入一些意义的和学生感兴趣的图片、视频、音乐资源,这些资源对于引导学生理解某些知识具有重要的作用;其次,通过直观的方式加入一些实物资源的呈现,如出示一些具有代表性特点的图片,帮助学生理解;第三,通过在实地考察的过程中开展一些研究型的学习,让学生在实地考察的过程中对地方文化有一定深度的了解。 1.2 主体性和开放性的原则 在教学环节中,教师是教学活动的主体,学生是学习活动的主体,而在中小学美术教学活动中融入地方文化资源,教师和学生的主体地位是不能被改变的。因此,需充分地尊重教师和学生的主体性。首先,在教学过程中既要发挥教师的主导作用,又要发挥学生的主体性,并将两者结合起来,教师发挥主导作用主要表现在课堂教学中对教学内容、方法的有效组织,教师要指导学生的学习,学生也要积极的发挥主动性,在教师的引导下积极、主动的学习;其次,尊重教师和学生的主体性,需要遵循以人为本的原则,以发挥学生和教师的主体性作为宗旨,尊重和关注学生的个体差异。 在中小学美术教学活动中融入地方文化资源的实践过程中,如何尊重教师和学生的主体性可从以下几点考虑:第一,教学内容的开放性。新课程改革背景下,把地方文化资源融入美术教学活动中时,需将各种各样的教学内容带到课堂中,除了能够吸引学生的注意力,还要能够丰富课堂的教学内容,使学生在愉悦的情境中学习。第二,师生关系的开放性。在教学活动中师生关系是一对最基本的关系,在教学过程中,应该树立民主、平等的师生关系理念,在将地方文化资源融入美术教学活动的过程中,教师要联系学生的生活经验,找寻适合学生生理、心理发展的特点,使学生对学习产生浓厚的兴趣。第三,作业的开放性。作业是课堂教学的延续和补充,对教学成果的巩固和学习成绩的提升起着至关重要的作用,传统的作业形式束缚了学生的创新思维能力,并且抑制学生的个性发展。因此,在融入地方文化的美术教学活动结束后,教师布置作业的方式可以灵活多变、新颖创新为主。 1.3 传承性和发扬性的原则 在中小学美术教学活动中融入地方文化资源,要遵循传承性、发扬性的原则。地方文化这些具有本地特色的文化是艺术教学的一部分,甚至应是学校教学的一部分,这对于学校实施素质教育是一个良好、有效的途径,且对于传承历史文化具有重要的意义。因此,在中小学美术教学活动中融入地方文化资源的过程中,需要充分利用地方文化资源的特点,在培养学生的艺术能力、学习能力的基础上,进一i地培养学生热爱生活的能力,以及热爱家乡传统文化的情怀。 2 地方文化美术教学活动探索方法 在中小学美术教学活动中融入地方文化的方法,有资源收集法、课外实践法、主题活动法。 2.1 资源收集法 资源收集法是在中小学美术教学活动中融入地方文化资源,最直接有效的方法。首先,校内资源的收集是最简单的方式,主要可以利用学校的图书馆、展览厅等资源,以这些资源丰富学生的学习;其次,学校应该与社会相结合,开展多种形式的教育活动,如组织学生在周末的时候,前往博物馆、艺术工作室、手工作坊等社会公共场所进行参观和学习;再次,家校结合的方法,学校鼓励家长周末带孩子参观一些博物馆、展览厅等场所,拓宽学生的视野。 2.2 课外实践法 课外时间的利用也是在中小学美术教学活动中融入地方文化资源的一种有效方法。具体可以参考的方法有:在进行地方文化教学时,充分利用课外实践法,特别是对一些难以在短时间就理解的知识而言,在课堂学习上,教师可以进行特别的引导,让学生注意观察发现,使学生记住其特点,随后带领学生或是让学生自己利用课后和周末的时间搜罗资料,进行观察了解。 2.3 主题活动法 这个方法主要是以教师为主导,在每个单元的课程学习结束后,有意地去引导学生收集一些有创意的作业在学校的展览厅或宣传栏展出,利用这种方法激励一些学生,让更多的学生参与进来,并让更多的学生和老师了解地方文化资源在美术教学中的重要。 3 地方文化美术教学活动探索步骤 3.1 美术教学活动的整理 不同的地域其资源自然也不尽相同,所以学校在关于美术教学活动中融入何种地方文化资源的选择和应用上也有所不同。鉴于此,若要实施或制定出美术教学活动融入地方文化资源的机制,必须要对当地地方文化资源进行分析整理,且分析整理的内容要包括地方文化资源的大致分布状况和当前美术教学活动现状。 3.2 地方文化资源的分析 地方文化资源分析过程是指在对资源进行整理基础上,利用已经收集到的信息,将学校的内部环境特点和它所处当地的大的外部环境结合起来,进行系统的优势、劣势、机遇和潜在的危险等情况的分析,然后在针对这些资料进行综合评估,进而在分析和评估的基础上,归纳符合当地实际发展的应对策略。 3.3 美术教学活动的确立 首先,美术教学活动的选择满足社会发展的需要,才是具有研究价值和探索意义的课题;其次,美术教学活动的选择满足学生个体发展的需求,是学校和教师不竭追求的动力来源;再次,美术教学活动的选择要符合教师自身的教学能力,教师的教学水平和科研能力是对美术教学活动能否得到准确实施的重要因素。 3.4 美术教学活动的实施 教学活动的实施不同于以上三个步骤,以上的步骤仅仅是作为教学活动实施的前提i骤,为教学活动的实施提供基础性的准备。教学活动的实施过程大致可分为教学设计阶段、教学活动开展实施阶段、教学活动的评价阶段以及教学活动的反思阶段。 中小学美术教学论文:浅谈中小学美术教学中对欣赏课的几点认识 摘 要: 美术是以视觉形象为载体的艺术类型,它以其强烈鲜明的造型给人们带来不同的视觉享受。但是受制教学方法和教学设备,中小学美术欣赏课教学往往忽略了美术作品的视觉性。本文分析了欣赏和美术欣赏的涵义,论述了中小学美术欣赏课教学的重要性,并且介绍了一些如何获得课外美术欣赏课资源的方法。 关键词:美术教学 美术欣赏课 一、欣赏和美术欣赏课 《辞海》中对“欣赏”的解释为“领略玩赏。”《现代汉语词典》的解释为“享受美好的事物,领略其中的趣味。”长期以来,我国中小学美术课程中一直都设置有美术欣赏课,美术欣赏教学的内容通常限定于古今中外优秀美术作品,美术欣赏教学的目的主要对优秀美术作品的美感体验与内涵了解等方面[1]。 二、欣赏课是美术视觉性特点的必然要求 图像、影像、网络等各种视觉资料充斥于我们周围,通过欣赏课获取信息作为一种认识世界的方式得到前所未有的认可和强化[2]。如果我们想通过自己的眼睛去理解和领会视觉艺术所传达的信息与意味,必须在一定程度上能够认识和感受视觉形象语言。视觉图像在向我们传递信息时,每个人的知识水平、所处环境及个人经验不同,会产生不同的理解与感受。生活在视觉文化背景下的中小学生,每天都面对着大量的视觉信息。“看”什么,怎样“看”,又“看”到了什么都会对其各个方面产生潜移默化的影响。培养学生视觉化思维,提高审美判断能力,美术欣赏课成为其主要途径。教会学生如何正确解读视觉图像,是美术欣赏课的任务。 三、欣赏课是中小学生身心发展的需要 学生是教育的对象,正确看待学生在教育过程中的地位和作用,了解教育过程中学生的特点,这是取得教育成功的关键和重要条件。 在教育学研究中,学生的特点主要有三个[3]:1、学生是教育的对象,青少年儿童正处于身心发展变化最大的时期,在此时期,心理、生理发展变化快、程度深、不稳定且极易受到各种因素的影响,具有很大的可塑性。2、学生是自我教育和发展的主体,具有自觉性、独立性和创造性。3、学生是发展中的人,是有其自身身心发展规律和特点的人。教育要适应人的发展的顺序性和阶段性。根据生理学、心理学等科学研究成果和教育工作者的实际经验,青少年的身心发展可划分为以下几个阶段:1、婴儿期(又称学前期)出生至三岁;2、幼儿期(相当于幼儿园阶段)三岁至六岁;3、童年期(相当于小学阶段)六岁至十二岁;4、少年期(初中阶段)十二岁至十五岁;5、青年初期(高中阶段)十五岁至十八岁。中小学时期学生的生理、心理和社会性发展方面都出现显著的变化,是促进学生个性发展的黄金期。美术欣赏课通过学生习得美术作品欣赏的专业表述与方法,对学生视觉审美方面的教育与正确引导,让学生形成正确的审美情趣与审美能力。 四、中小学美术欣赏教学中存在着亟待解决的问题 在以往的中小学美术欣赏教学中,欣赏教学方法以 “讲授―接受”型为主。单向的知识传递,不仅忽视了学生的感受能力和感受差异,也切断了欣赏者与作品之间的密切联系。这种状况不仅无法培养学生欣赏和分析作品的能力,也使学生丧失了学习的主动性和积极性。随着新课程改革的不断推进教师开始注重培养学生的自主性和探索性,全面提高教育教学质量。但是,仍然存在着过于强调突出学生而弱化教师的作用,忽视了学生的不成熟性和待发展性,导致学生学习效率低下,未达到预期的教学效果[4]。视觉文化时代来临之后,在大量视觉图像冲击下,看什么,怎样看,对于中小学的美术教学来说更是如此。美术老师承担着怎样让学生学会看、能够区别、恰当运用视觉图像的任务。美术欣赏课让学生学会看,通过观察,思考引导他们的审美阅读、价值判断。 五、利用多种资源开展美术欣赏教学 美术欣赏课堂教学受时间和场所的限制,一方面美术欣赏内容稀少,另一方面学生难以接触原作,因此课外美术欣赏资源是美术欣赏教学的有益补充。美术欣赏课资源渠道主要有[5]:1. 利用计算机网络技术、多媒体技术等开展美术欣赏教学活动。2.教师可以将自己或他人创作的美术作品或名画的仿制品带进教。3.鼓励或组织学生课余时间到博物馆、美术馆、画廊、艺术家工作室实地参观、考察、欣赏,促进对美术作品的体验和理解。4.充分利用当地资源,邀请艺术家和民间艺人到学校介绍创作经验,演示创作过程,拓展美术欣赏教学的活动形式。5.组织某一主题的欣赏活动,指导学生从前期的相关资料检索,制作宣传手册,邀请家长或朋友及老师一起参与,到现场欣赏、分析、记录,至回校反馈交流,递交本次活动的成果并展示。 中小学美术教学论文:浅析中小学美术课堂教学的原则 【摘 要】本文依据课改后的全新教课原则、美术课程的现状以及美术课类的前景,探讨中小学美术课程教育的几大原则,包括实效性、整合性、开放性、感官审美文化性以及科学性。 【关键词】中小学;美术;课堂教学 一、实效性原则 实效性原则是指在课堂教授中,老师启发学生得到及完善自己在知、意、情等方面的真实理解与进步。同时它也是被传授者作为课程学习主体对统一学习完善的课程新概念最直接的表现。如何在特定的课堂中获得最深刻以及最广泛的沟通交流,这是教师在课程准备与实施时一定要考虑到的难题。教学的实效性最重要的就是“学”和“教”如何融合的问题,也就是如何构建与学生实践能力、理解方式、教育素养、性格内涵,以及认知水平相适应,同时能够使学生获得充分发展与提升的高效率的课堂教学。 要多关注与尊重那些具备独特个性与性格的学生,使其得到同等的学习机会与发展基础。课堂教学所具备的实效性原则最为注重的,就是要努力提高所有学生的学习效率。充分理解学生们合理的情感认知与需要,构建和谐的条件与氛围,使学生能够更全面的了解自己,找到自己存在的价值以获得更好发展,达到提升学生在课堂教学中的专注性、积极性。 培养学生的学习兴趣,与教师一起学习是最为有效率的教学方式。平等的沟通与交流,使学生与教师之间的距离被进一步拉近,从而为学生主动学习知识奠定了基础。教师需要在教学活动中更加主动地去构造学生的学习氛围,以激发学生的学习兴趣和学习企盼,同时更加积极与学生沟通交流,使课堂教学的质量得到提升,从而使学生能够成为课堂教学的主体,让课堂教学成为学生与老师共同构建与发展的学习方式。将传统的教学方式与感官体验相互结合,提高课堂教学的实效性。如何使课堂教学过程中出现的理性知识与抽象概念被学生们全面理解,也是亟待解决的问题。使感官体验和概念讲解、感性和理性、具体和抽象、想象和时间互相激荡,尤其是把教学活动和学生已经具备的理论知识相结合起来,把美术欣赏和技能操作紧紧融合在一起,激发学生的情感体验与想象空间,以达到其在认知与情感方面的全面发展,从而达到更高层次的体验。[1] 二、科学性原则 如何在丰富复杂的课堂教学活动中找到更加科学完善的教学方式,也是教学管理与实施要解决的问题。课堂教学活动与方式要与学生的情感与心理认知具有一致性。从20世纪开始,视觉认知心理研究一直处于持续发展中,并且获得了一定的研究成果,也是我们在课堂教学活动中实施教学方案的关键依据。这一系列研究成果对美术教育手段方式的选择有非常大的作用。课堂教学方案与方法需要与美术学科的规律相符。其中要包涵文学、科技、哲学、历史学以及社会学等丰富内容,具有很强的实践操作性与综合复杂性;知识体系与教学方法有着线形和逻辑的一面,也同时也有着很多非线形与非逻辑的一面;是否具备文化理性判断能力、形象思维能力、视觉感知能力、视觉表现能力等能力结构,也就决定了课堂教学计划的丰富性与复杂性、挑战性与开放性,同时也是美术课堂教学计划探讨科学性原则的重要因素。[2] 三、综合性原则 知识、感受与体验的互相激荡,能够使学生对所学到的知识理论概念得到更深刻的理解,以及衍生出更多的认知;学科间互相关联,实践和理论能够互相作用,能够促进知识的综合性与提高知识的再生活力。这就需要我们构建正确的教育观,把各类知识放在系统体系中去学习,把理论概念与人文精神,以及人格构建联系起来。 在课堂教学过程中,老师在激发学生对某些概念更加深刻的理解与认知时,需要积极主动帮助学生去调动其他的感官,用多维的方法去感知事物,使其得到更加丰富的认知与了解。美术文化的探索、感官文化体系的发展与技能的实践,凡是独立培养发展的教学方式都会具有不可避免的难以持续的问题,相互关联的学科间的互相融合与启发,能够为更多知识体系发展提供一个更好的生存环境;把知识点从线扩展到面,然后再使其更加的立体化;把教师在课堂教学活动中需要触及的知识理论置于实践中,使学生的视野更加开阔,理解能力更加出众,为学生的各种感知能力的提升与发展奠定良好的基础。更加重要的是将文化、情感、生活与科学等方面进行整合,从而为学生提供更加优良的学习环境。 课堂教学过程中多种方案手段的综合运用不可或缺的。首先,不同的教学方式所带来的丰富的认知形式能够增加学生的思维想像,培养学生的学习兴趣与学习活力,从而使教学效率得到大幅度的提升。其次,针对不一样的认知结构,就要设计与其相对应的教学方法,不一样的知识点,其独特结构必定会有与之相应的教学设计。各种知识点所组成的课堂教学方案的完成,必定要有各种与之对应的教学方法。
戏曲舞台美术设计研究:戏曲舞台美术设计的独特性 随着社会的的进步、人们精神文化的需要,舞台艺术越来越深入到我们的生活中,大型的广场文艺晚会、电视台的春节晚会、T台的服装走秀等等。而戏曲舞台美术设计具有区别其他艺术门类舞台设计的独特性,它是通过舞台上的布景、灯光、服饰、化妆等方式,营造戏曲剧情发展所需要的场景,时空转换,烘托戏曲所要表达的内容和感情,起到“绿叶”的作用。因此,戏曲需要舞台美术的支撑,而舞台美术也随着戏曲的发展而不断发展变化。本文从戏曲舞台美术的内涵、传统表现手法、创新方向等方面对戏曲舞台美术设计的独特性进行了阐述,以便更好地对舞台美术进行继承和创新,更好地满足现代人们审美的需要。 一、戏曲舞台美术设计独特性的内涵 作为一门综合的艺术,戏曲包括了表演、导演、作曲、装置、舞台布景、道具、化妆、服装及灯光等环节,这些环节均相互衔接。而舞台美术从广义上来讲,是指戏曲舞台上除导演以外的一切造型,狭义的舞台美术主要指舞台的布景、绘画、造型、道具等艺术加工过程以及效果。 作为烘托戏曲的“绿叶”,戏曲舞台美术是舞台戏曲的重要组成部分,在设计方面必须以服务剧本为中心。要把最大程度表现剧本的思想和故事情节的发展作为舞台美术设计的中心任务,布景、服饰、灯光等各方面都要和戏曲中的人物思想、动作密切结合。也就是说,作为舞台美术设计工作者,在进行舞台艺术作品创作时,应遵循的最佳合理思路则是:依据舞台导演要求及剧本提示,表现需要表现的,寻找达到目的的途径,而脱离开剧本,单独进行舞台美术的设计构思是没有意义的,无论设计的多么华丽、多么炫美,最终还是没有生命力。舞台美术设计者的设计思想, 无论多活跃,也要受剧本的制约,要始终贴近生活、依据剧本,从而为剧本所表现的人物和生活提供最为适合的条件。剧本在给舞台设计提供规定的环境和时间的同时,也对舞台设计提出了要求,要求设计者们应该以发展和继承的眼光了解戏曲舞台的特性、深入分析剧情及剧中人物对客观事物的感受力,使舞台美术设计真正地为人物和剧情服务。 二、传统戏曲独特性的舞台美术设计表现 (一)较强的空间感。传统戏曲具有独特的舞台美术设计,其特点表现在时间和空间上面,也就是对有限的空间进行处理使之转化为无限空间遐想。戏曲舞台设计较为注重演出中观众想象力的发挥,尽量使用最少的东西激发出观众最大的想象力,让观众通过深入想象来融入到广阔的舞台生活中,通过有限的空间平台表现不同的空间。 (二)独特的写意性。在表达人物情感时,戏曲艺术较为重视景物描绘。传统的戏曲舞台美术设计主张自然景物应来源于生活且又要高于生活,重视写意,追求的是似与不似,采用的是夸张、美化甚至是变形的方式,收到假中见真、真中有假、亦真亦幻、渐入佳境的观剧效果,他同时还能做到“无中生有”,例如涉水过河、上山下山、上楼下楼、开门关门及上马下马等一些写意性非常强的动作,与传统绘画艺术有着诸多相通的地方。而具体到其表现的形式上面,这一典型特点主要表现为:重视质地、画面色调及追求意境。戏曲舞台设计所强化的写意效果表现出以下两种特点,一是为刻画人物形象和烘托气氛,以规定的各种情景为出发点;二是将独立的审美品格赋予到写意中,即舞台美术设计者在以独立的形态融入到个人的审美价值中的同时,还应该为戏曲内容服务。这两个独特之处不仅能有效弥补景物造型削弱导致的局限,又可以将传统戏曲舞台中表现的简陋局面淡化,因而不断增强戏曲艺术自身的表现力。 (三)是注重虚实结合。正所谓“虚实相生, 无画处皆成妙境。”传统戏曲舞台设计更加注重虚实结合,如在剧情常用的鞭实马虚、杯实酒虚、桨实船虚等都是突出表现。这样,景物中的远虚近实、大虚小实的流动美感不仅能使演员尽情施展自己的技巧,又能有点及面来更好地激发观众的联想。传统戏曲舞台美术设计, 正是突出和放大了虚实相生及虚实结合的特性,景物特征以实来显示,能使演员的表演环境更加广阔,经过演员的灵活表演来再现时空转换,彰显人物的内心世界。作为戏曲独有的特点,要做到虚实结合则必须要求舞台美术设计者能够把整个舞台装入自己心中,形成一幅流淌于自己心中的妙曼画卷, 给演员以空间、 给观众以愉悦, 使其以实代虚,以虚补实,真正做到虚实相生、画龙点睛。 三、现代的戏曲舞台美术设计创新之处 作为戏曲艺术的主要组成部分,舞台美术设计在舞台艺术整体效果的发挥中起决定性作用。随着戏曲艺术的发展、时代的进步、观众审美意识的提高,对戏曲舞台美术的要求也越来越高,戏曲舞台美术设计只有不断进行发展和创新才能适应时代的发展。舞台美术设计在不同时代均有其独有的精华和特色,现代舞台美术设计必须紧跟时展,在吸收传统舞台美术精华的同时,注重开拓创新,使舞台艺术更上一层楼。 (一)创新的舞台。当前,戏曲演出舞台逐渐走向多元化和多样化,其舞台形式包括镜框式、中心式、伸出式和开放式等,各种形式的剧场舞台均不断涌现。创新是戏曲舞台美术的艺术生命,创作设计时要注意继承传统审美标准,还要加入自己的创新意识,所以美术设计者们应该不断追求创新和多样化,在赋景物予新生命的同时,通过展现生命力,开辟出一条属于自己的艺术风格之路,并以此作为舞台美术设计的目标。舞台美术工作者在设计戏曲舞台时, 胸中必须有空间感,牢记作为一个广阔的三度空间,在舞台上要充分利用布景、材料、灯光及道具等各种新兴产品及装备,力求创造出更好的舞台氛围和喜剧环境。 (二)布景的创新。传统的布景常常是通过手工绘画做出来的,随着时代的发展,布景的运用也已经增加了很多新的内容,更具创新感和灵活性。除了绘画布景,现代科技的合理运用更是给了舞台别具一格的独特表现力。采用新型材料来进行设计和制作的布景方法已经在很多的舞台节目中得到了合理运用。如我们耳熟能详的秦腔《梦回长安》,其中就采用了电子彩幕和乐章演奏,使作品中的奇景幻境得到了完美展现,也使观众看得兴趣盎然。布景的创新使得秦腔的吟唱也有了最时尚的背景,增强了艺术感染力。在京剧《嫦娥》中,运用高科技手段,九个太阳随着后羿的射日舞蹈依次爆炸,形成强烈震撼的舞台效果,“奔月”一场戏中,运用升降、移动平台,时而穿越森林、时而穿越大海、时而穿越浩瀚的宇宙,使整个剧情达到了高潮。此外,将虚拟的布景与写实的布景相结合也是现代戏曲的一大创新。将布景的写实和虚拟结合起来,不仅使我国的传统戏曲展现了其虚与实的艺术魅力,还在虚与实的艺术魅力中展现了其良好的艺术效果。如虚实相生、以虚拟实等表现手法的运用,使舞台更具神韵。这样的布景创新充分表现了中国古典的文化魅力,既虚又实,虚实结合,环环相扣,使观者在视觉上和听觉上得到独特享受。 (三)灯光的创新。与传统戏曲舞台美术设计相比,现代戏曲舞台灯光一直是舞台的重要部分之一。现代的戏曲舞台灯光不仅起了良好的照明作用,还能够对戏剧整体氛围进行渲染、烘托人物内心情感,情以光移,光以情动,以光传情。随着当前科技水平的快速发展,现代化灯光器材也得到迅速发展,舞台美术使用的灯光器材品种和样式也在不断的更新换代中,现代的新型灯光器材正在逐步的发展中,在各种戏曲舞台美术设计中发挥着越来越大的作用。现代舞台的美术设计要求更具创新、更别具一格的设计理念,这就使新型光源的出现成为了必然。例如我们熟知的LED灯和一些新型的电脑灯等,这些灯源更具变化性、美感性、创新性,如果利用得好,一定能够更好地渲染舞台的气氛。同时,除了积极采用新的灯源,也需要灯光设计者与舞台服务者熟练、恰当地使用这些新灯源,随着舞台的气氛变化、人物心情变化、灯光的特点来调整灯源的使用情况,与舞台上的表演相得益彰,进而提升戏剧的整体艺术效果。 戏曲舞台的发展需要各个方面的共同发展与配合,还需要我们与时俱进、不断创新。在戏曲舞台美术设计中,我们应充分了解其设计内涵,展现现代舞台设计的创新性、时代性。对舞台、布景、灯光等细节方面都要进行不断地研究探索,更好地表现舞台的气氛。戏曲舞台美术设计不仅是一种工作,还是一种艺术,只有不断进行对美的追随,才能淋漓尽致地展现舞台上的美感。 戏曲舞台美术设计研究:戏曲舞台美术设计的独特性分析 摘要:我国的戏曲文化历史悠久,戏曲是在一种特定的风格中进行认识世界、展现世界、融合世界的过程,戏曲也属于一种语言艺术,是一种长久的文化发展的产物。随着我国经济的发展,人们欣赏水平也日益提升,对戏曲的欣赏不仅仅停留在对声音的辨识度,戏曲舞台上的表现也渐渐的成为了人们欣赏和点评的对象。本文就戏曲舞台的美术设计上进行分析和研究,对戏曲舞台美术的独特性进行剖析,并在戏曲舞台美术设计上提出一些相对的建议。 关键词:戏曲舞台;美术设计;独特性;分析 在我国的戏曲舞台上,众多的艺术家兢兢业业的奉献着自己的智慧和才华,并结合着其他的生活阅历和文化修养,以及我国的传统文化的影响对我国的戏曲舞台上的设计进行了不断的钻研和努力。如今的戏曲艺术家们在进行戏曲的舞台设计上也结合时代的进步以及观众的要求进行了设计和创新,给戏曲舞台的设计展现了相应的有别于其他艺术的独特性,逐渐的形成了一定的舞台表演的风格,影响着一代又一代的戏曲后辈们。 一、戏曲舞台美术设计在戏曲的创作中的重要地位 俗话说“艺术反映生活,生活滋养艺术”,但是在我国戏曲艺术不同于其他的艺术形式,它源于生活,又高于生活,与传统的历史和文化相结合。戏曲舞台美术设计不仅能够表现戏曲的重要主题,又能在对舞台美的设计过程中营造一种氛围,让人们在一种融入的状态中感受那样一种美意境。在戏曲的舞台上存在着舞台美术与真实的现代生活在某种程度上存在着相应共通之处。在进行舞台美术设计时,要找到这一共通之处,不一味的追求唯美的设计风格,二是在结合相应的通感之处进行剧情和舞台的糅合,只有这样才可以正确认识戏曲舞台,才能做到摆脱不现实的个人主义风格,使得戏曲本体与舞台美相结合,展示出戏曲舞台美术设计的重要地位性。 二、戏曲舞台美术设计的独特性 (一)戏曲舞台美术设计虚实结合的场景 戏曲舞台美术设计的主要特色之一便是在表演上的虚实结合,根据我们的看戏曲的经验,在舞台上由于有相应场景的涉及,比如骑马、喝酒、乘船、开关房门,涉水过河,这些自然场景的部分在舞台上表现出来较为困难,此时戏曲舞台进行相应的设计,一般是通过虚虚实实的手法进行表演,也逐步得到了业界和观众的认可,主要就是以鞭为实,以马为虚;以酒杯为实,以酒水为虚;以船桨为实,以船和水为虚……就是在这种虚实结合的场景表演下把戏曲涉及的具体的事件内容表达的清楚透彻。如新编绍剧《佘太君》的舞台美术设计就非同凡响,杨门忠烈战死沙场,百岁太君忍悲出征。此剧舞美风格简洁、大气,既体现了该剧的悲怆色彩,又带有浓郁的征战气息,引人入胜。在点兵出征时为一个大鼓,在运筹帷幄时为一把长枪,在两军对垒时为一片沙场,无不与剧情和谐统一,具有烘云托月之功。 (二)戏曲舞台美术设计的写意风格 戏曲舞台主要就是重在写意,因为不能照搬人物或是自然景观的原型,更多的是在戏曲的情节发展过程中追求着历史场景的还原和相似,进行相应的舞台美化和变形,采用写意的手法引导观众引入情节,感受舞台上相结合的美术设计,想成一幅在观众心中流动着的妙曼的画卷,给演员和观众同样的空间感和时空感。比如评剧《天山丽人》的舞台美术设计为其独特性提供了一定的范本:舞台上每一幅场景的设计的写意风格都是一幅美丽的画卷,给人一种回疆天山脚下的绚丽风光的场景。 三、当代戏曲舞台美术设计的发展趋势 传统戏曲艺术的发展主要注重的是戏曲艺术上的基本功的技巧,在唱腔的辨识度和戏曲的完整性上要求比较严格,但是缺少一种舞台上的美的表现风格。虽然随着经济的发展,道具的种类增多,观众的审美的提升促进着戏曲舞台上的美的风格的转化,但还是存在着一定的创新力的不足。在当代戏曲的发展中,舞台效果已经成为了重要的一项内容。在今后的发展趋势上,进行更为高端的舞台设计成为了需要。在进行舞台设计时,除了了解相应戏曲情节、导演、表演,还要了解各种道具等其他的知识和文化特性,进而对舞台艺术的风格、美学方面的相应趋向有个基础性的认识。把戏曲的主体内涵融入到整个舞台的美术设计上来,赋予舞台以新的生命和活力,这是时展的需要,也是戏曲舞台美术设计独特性的需要。 四、结语 在我国的戏曲文化传承中,对戏曲的喜爱之情总是油然而生。在如今听来,百年前的故事重新以一种全新的姿态展现在眼前,透过那些表面的表现少了些历史教材真假性的争论,少了些历史人物的褒贬,更多的是从戏曲的意境中寻找那些消逝了很久的精神信息,心灵和心灵的对话,借助戏曲舞台的美术的处理原则认识和塑造舞台。这些内容在今天的戏曲舞台美术设计中表现的淋漓尽致。所以在今后的戏曲艺术领域内仍旧要不断的探求并积累知识,在舞台的美术设计上进行相应的创新和独特性的表现。 戏曲舞台美术设计研究:谈戏曲舞台美术设计的表现形式 摘 要:戏剧舞台美术是戏剧演出艺术的重要组成部分,是灯光、服装、道具、效果、化妆以及舞美设计,绘景、装置等多个部门相互合作的群体,是许多艺术学科合作的成果。 关键词:戏曲;舞台美术;表现形式 中国戏曲的舞台美术,蕴涵了中国几千年文化精华,传统戏曲剧目的舞台美术受中华民族的审美观念和经济条件的制约,主要局限于人物的装扮、化妆及布景道具,而随着现代科学技术手段的不断发展,电视动画及时多媒体等运用现代科技手段的表现形式使戏剧舞台美术集多种视觉艺术形式于一身,如布景、灯光、化妆、绘景、道具、服装、音响等都是戏剧舞台美术的表现形式的组成部分。通过多种表现形式的创造来进行戏剧环境和角色形象的创造、舞台气氛的渲染等等。 戏剧舞台美术是戏剧演出艺术的重要组成部分,是灯光、服装、道具、效果、化妆以及舞美设计,绘景、装置等多个部门相互合作的群体,是许多艺术学科合作的成果。随着现在科学的不段发展,舞美设计人员在积累了相当的创作经验和不断发展、完善的戏曲舞美理论指导下,没有局限在传统的一桌二椅、出将入相、牡丹守旧的范围里,也没有拘泥于写实化的布景框里,更是更大胆的追求景物造型的戏曲化、真实环境化的新时代艺术风格。 舞台灯光方面,传统戏剧剧目中舞台灯光主要以照明为主,而在新编的剧目中,舞台灯光以色光为主,主要任务是制造演出气氛,参与演员表演。现代舞台灯光设计技术就是切合舞台表演的需要,运用灯光技术,服务演出的整体效果。灯光作为舞台演出的灵魂,它即可以切换出表演空间也是表现时间感的一个重要手段,在舞台演出中利用这一特点,创造合理的光源效果,显示时间变化,是舞美中不可缺少的表现手法。如早晨的感觉都用比较柔和的灯光,夜晚和漆黑的环境一般都是冷色光来处理,用灯光可以弥补空间缺少那种层次感,给观众一种强烈的真实感。而且灯光还可以根据节目、剧情、人物运用追光、特写光,以多变、善变的动态手法操控舞台节奏,使整个戏剧有张有驰;有快有慢、给观众展示无穷的想象空间,由此可见光的作用不仅仅是表现效果,而且可能点燃舞美中的生命,点燃观众的心理期待,让时间和生命一起流动。 随着时代的发展和戏曲不断的革新及人们对审美观念的提高,舞台布景也随之产生,而对舞台布景的要求则是:首先要遵重戏曲程式化的特点,吸收了话剧写实布景创作方法,采用“平面绘画的立体造型”手段,通过对硬景片、软景片、幻灯色光及平台的组合使用,使舞台产生了一个三维的立体空间,为此使戏曲舞台美术提高到一个新的层次,令人耳目一新。所以当代舞美设计者的任务,已不再是提供作为装饰性的布景或背景,而是要求全面地介入排练与创作,成为整体戏剧空间的设计者。舞台空间造型景物的大与小,高与低都会给观众的视觉心理感不尽相同。大,给观众有气魄、宏大、雄伟和舒展、开朗的感觉,但过大也会令人产生渺小、孤独的感觉;小,给人以亲密、围护和小巧玲珑的感觉,富于空间表演的私密性,但尺度过小也会显得局促、憋闷、不舒服的感觉。高,给人以崇高、神圣、向上升腾的感觉,但过高与过大的心理感受近似;低,给人以安全、私密的感觉,但过低则容易产生压迫、局限、憋闷之感。由此可见,舞美设计师要正确把握好空间、造型、景物的尺度,适应观众的视觉心理需求,避免尺度上的不良反应,也体现了舞台布景的重要性。 戏曲舞台的人物造型,包括化妆、服装、服饰等的处理,是舞台美术创造不可忽视的一部分,也是戏曲舞台整体形象创造重要的一环。化妆的造型方式也很重要,表现手法也很多,尤其近、现代剧的舞台,生活化和特定历史感常有的舞台。舞台服装设计与制作是密不可分的,如果把舞台服装设计理解成是一种思想,一种理念的话,那么舞台服装的制作就是体现这一创作思想的物质手段,也是设计制作的依据,所以服装服饰的处理,与景的基调相呼应,做到了戏曲舞台服装的性格化、戏曲化。 音响效果在舞台演出中是另一种表现手段,是舞美整体结构中的一个重要环节,所谓的"声",就是戏剧表演中的音响。以前的音响创作并不那么讲究,现在,观众除了要享受视觉上的美,还要享受听觉上的美,因此,现在的戏剧表演音响创作已经与表演融为一体,使观众能置身于布景的色与音响的声融合的戏剧表演艺术氛围之中。 音响效果也可以以时间条件主线为大梁来整体规划,在一部戏里利用音响效果放出动物的声音是最有代表性的,因为它们的生物钟已被人类所熟知,如听到公鸡打鸣,观众就知道是天亮了,听到恐怖的狼音,观众就知道是深夜等。音响效果也可以表现出空间的和情绪的变化,如快乐的、悲伤的、痛苦的、恐慌的、喜悦的等等的情绪变化,让观众们一听就知道演员在表达什么,如风雪交加的旷野,在喜庆场面的欢乐,祭奠场合的悲痛,五鼓鸡叫的黎明。无不有束于音响效果的释放,在舞台的演出中造成一定的时间与空间的气氛。这也是音响效果的一个重要表现手段。 以上就是舞台美术在戏剧中的不同形式不同手段的不同体现。 戏曲舞台美术设计研究:戏曲舞台美术设计的独特性 随着社会的的进步、人们精神文化的需要,舞台艺术越来越深入到我们的生活中,大型的广场文艺晚会、电视台的春节晚会、T台的服装走秀等等。本文从戏曲舞台美术的内涵、传统表现手法、创新方向等方面对戏曲舞台美术设计的独特性进行了阐述,以便更好地对舞台美术进行继承和创新,更好地满足现代人们审美的需要。 一、戏曲舞台美术设计 独特性的内涵戏曲舞台美术是舞台戏曲的重要组成部分,在设计方面必须以服务剧本为中心。要把最大程度表现剧本的思想和故事情节的发展作为舞台美术设计的中心任务,布景、服饰、灯光等各方面都要和戏曲中的人物思想、动作密切结合。在进行舞台艺术作品创作时,应遵循的最佳合理思路则是:依据舞台导演要求及剧本提示,表现需要表现的,寻找达到目的的途径,而脱离开剧本,单独进行舞台美术的设计构思是没有意义的,无论设计的多么华丽、多么炫美,最终还是没有生命力。剧本在给舞台设计提供规定的环境和时间的同时,也对舞台设计提出了要求,要求设计者们应该以发展和继承的眼光了解戏曲舞台的特性、深入分析剧情及剧中人物对客观事物的感受力,使舞台美术设计真正地为人物和剧情服务。 二、传统戏曲独特性的舞台美术设计表现 1.较强的空间感 传统戏曲具有独特的舞台美术设计,其特点表现在时间和空间上面,也就是对有限的空间进行处理使之转化为无限空间遐想。戏曲舞台设计较为注重演出中观众想象力的发挥,尽量使用最少的东西激发出观众最大的想象力,让观众通过深入想象来融入到广阔的舞台生活中,通过有限的空间平台表现不同的空间。 2.独特的写意性 在表达人物情感时,戏曲艺术较为重视景物描绘。传统的戏曲舞台美术设计主张自然景物应来源于生活且又要高于生活,重视写意,追求的是似与不似,采用的是夸张、美化甚至是变形的方式,收到假中见真、真中有假、亦真亦幻、渐入佳境的观剧效果,他同时还能做到“无中生有”,例如涉水过河、上山下山、上楼下楼、开门关门及上马下马等一些意性非常强的动作,与传统绘画艺术有着诸多相通的地方。而具体到其表现的形式上面,这一典型特点主要表现为:重视质地、画面色调及追求意境。戏曲舞台设计所强化的写意效果表现出以下两种特点,一是为刻画人物形象和烘托气氛,以规定的各种情景为出发点;二是将独立的审美品格赋予到写意中,即舞台美术设计者在以独立的形态融入到个人的审美价值中的同时,还应该为戏曲内容服务。这两个独特之处不仅能有效弥补景物造型削弱导致的局限,又可以将传统戏曲舞台中表现的简陋局面淡化,因而不断增强戏曲艺术自身的表现力。 3.是注重虚实结合 正所谓“虚实相生, 无画处皆成妙境。”传统戏曲舞台设计更加注重虚实结合,如在剧情常用的鞭实马虚、杯实酒虚、桨实船虚等都是突出表现。这样,景物中的远虚近实、大虚小实的流动美感不仅能使演员尽情施展自己的技巧,又能有点及面来更好地激发观众的联想。传统戏曲舞台美术设计,正是突出和放大了虚实相生及虚实结合的特性,景物特征以实来显示,能使演员的表演环境更加广阔,经过演员的灵活表演来再现时空转换,彰显人物的内心世界。作为戏曲独有的特点,要做到虚实结合则必须要求舞台美术设计者能够把整个舞台装入自己心中,形成一幅流淌于自己心中的妙曼画卷,给演员以空间、给观众以愉悦,使其以实代虚,以虚补实,真正做到虚实相生、画龙点睛。 三、现代的戏曲舞台美术设计创新之处 1.创新的舞台 当前,戏曲演出舞台逐渐走向多元化和多样化,其舞台形式包括镜框式、中心式、伸出式和开放式等,各种形式的剧场舞台均不断涌现。创新是戏曲舞台美术的艺术生命,创作设计时要注意继承传统审美标准,还要加入自己的创新意识,所以美术设计者们应该不断追求创新和多样化,在赋景物予新生命的同时,通过展现生命力,开辟出一条属于自己的艺术风格之路,并以此作为舞台美术设计的目标。舞台美术工作者在设计戏曲舞台时,胸中必须有空间感,牢记作为一个广阔的三度空间,在舞台上要充分利用布景、材料、灯光及道具等各种新兴产品及装备,力求创造出更好的舞台氛围和喜剧环境。 2.布景的创新 传统的布景常常是通过手工绘画做出来的,随着时代的发展,布景的运用也已经增加了很多新的内容,更具创新感和灵活性。除了绘画布景,现代科技的合理运用更是给了舞台别具一格的独特表现力。采用新型材料来进行设计和制作的布景方法已经在很多的舞台节目中得到了合理运用。如我团2009年创作的现代京剧《丫头医生》,其中就采用了自然风景的背景和民族风格的近景道具,使作品中的地域特色得到了完美展现,也使观众看得兴趣盎然。布景的创新使得京剧的吟唱也有了最时尚的背景,增强了艺术感染力。在我团创作的反映南疆地区抗震救灾事迹的现代京剧《红柳滩》中,运用技术手段,模拟地震发生时的景象,形成强烈震撼的舞台效果,使整个剧情一开始就达到了吸引人的效果。此外,将虚拟的布景与写实的布景相结合也是现代戏曲的一大创新。将布景的写实和虚拟结合起来,不仅使我国的传统戏曲展现了其虚与实的艺术魅力,还在虚与实的艺术魅力中展现了其良好的艺术效果。如虚实相生、以虚拟实等表现手法的运用,使舞台更具神韵。这样的布景创新充分表现了中国古典的文化魅力,既虚又实,虚实结合,环环相扣,使观者在视觉上和听觉上得到独特享受。 3.灯光的创新 与传统戏曲舞台美术设计相比,现代戏曲舞台灯光一直是舞台的重要部分之一。现代的戏曲舞台灯光不仅起了良好的照明作用,还能够对戏剧整体氛围进行渲染、烘托人物内心情感,情以光移,光以情动,以光传情。随着当前科技水平的快速发展,现代化灯光器材也得到迅速发展,舞台美术使用的灯光器材品种和样式也在不断的更新换代中,现代的新型灯光器材正在逐步的发展中,在各种戏曲舞台美术设计中发挥着越来越大的作用。现代舞台的美术设计要求更具创新、更别具一格的设计理念,这就使新型光源的出现成为了必然。 戏曲舞台的发展需要各个方面的共同发展与配合,还需要我们与时俱进、不断创新。在戏曲舞台美术设计中,我们应充分了解其设计内涵,展现现代舞台设计的创新性、时代性。对舞台、布景、灯光等细节方面都要进行不断地研究探索,更好地表现舞台的气氛。戏曲舞台美术设计不仅是一种工作,还是一种艺术,只有不断进行对美的追随,才能淋漓尽致地展现舞台上的美感。 戏曲舞台美术设计研究:戏曲舞台美术设计的独特性表现 随着社会的发展和人们精神生活水平的提高,更多的人对戏曲感兴趣,戏曲舞台美术设计也毫无疑问地走进人们视野,时代的发展对戏曲舞台美术设计提出更高的要求。戏曲舞台美术设计和一般艺术形态美术设计不同,它有着自身的独特性,从审美价值、诠释作品主题、营造剧作环境等来说,其独特性都可圈可点。本文从戏曲舞台美术设计的内涵出发,对其独特性展开讨论。在戏曲艺术创作与表演过程中,要想取得理想的创作与表演效果,独特的戏曲舞台设计是提高戏曲艺术表现力,增强表现效果的基础,因此占有举足轻重的地位。戏曲舞台美术设计对设计者有很高的要求,只有具有丰富生活经验、深刻生活领悟、饱满生活激情和真挚的设计情感的设计者才能设计出独具特色的戏曲舞台设计作品,为戏曲舞台艺术呈现服务,实现戏曲艺术的二次创造。 一、戏曲舞台美术设计的内涵 一提及戏曲,很多人认为仅仅是一种区别于歌曲,与说唱相关的艺术表现形式,其实不然。戏曲是综合性较强的一种艺术形态,它集表演、导演、作曲、服装、舞台、灯光、化妆、音响等于一体,以上几种艺术形式都属于戏曲艺术内容的一部分。舞台美术有广义和狭义之分,前者是指除去导演这一因素之外所有戏曲舞台上出现的一切造型,而后者则泛指戏曲舞台的以布景、道具、绘画、造型等为主要内容的艺术加工过程,以及艺术表现的最终效果。戏曲舞台美术设计要基于服务剧本的理念,将剧作思想与故事情节展现作为设计优秀,进行独特的设计构思,充分运用布景、服饰、灯光、道具等设计元素,使舞台美术设计贴近剧本,贴近生活,彰显生命和生活气息,映衬剧本主题,表现主题,既要独特又要充满表现力。 二、戏曲舞台美术设计的独特性表现 1.美术设计具有较强的审美空间感 戏曲舞台美术设计的独特性一方面表现在时间和空间上,时间和空间是对戏曲舞台设计限制性相对较大的因素,特别是空间,空间感、立体感十足的舞台美术设计才更真实,更具艺术表现力。在舞台设计过程中,设计者运用独特的设计手法将有限的空间延展为无限的领域,给予观众更多的联想和想象,空间的拓展也仿佛使戏曲走进了更为宽广的表现平台,这样不仅可以激发观众无穷的想象力,赢得观众的赞许,同时也能通过有限的空间展示无限的内涵,增强戏曲的丰富性与深刻性。在舞台美术设计方面,更加注重通过增强审美空间感,给观众带来神秘莫测、变幻无穷的美妙遐想,观众很快被舞台的独特表现力折服,全身心感受由舞台空间变幻带来的视觉盛宴。毋庸置疑,舞台美术设计是独特的,是成功的。 2.戏曲舞台美术设计更加关注“写意” 很多艺术形式在涉及到人物情感表达时往往善用景物,借景抒情,以景衬情,达到理想的艺术表现效果。戏曲舞台美术设计也是如此,只是它在描绘景物、运用景物时不刻意将生活中原景原封不动拿来,而是要经过一定的艺术加工。在“似与不似之间”徘徊逗留,甚至还要运用夸张、美化等方式增添一种亦真亦幻的效果,使观剧者有一种“真中有假”“假中带真”“模糊梦幻”的舞台感,增强观众的观剧效果。这样独具特色,空间感和写意性都十足的舞台设计才能更加巧妙深刻地升华戏曲主题。 3.善于运用虚实相生的美术设计手法 虚实相生是戏曲舞台美术设计成功必备的多种因素之一,在戏曲表现舞台上,其实演员的许多动作都是无中生有,如跋山涉水、开门关门、上山下山等。这与我国诗歌与绘画中的“虚实相生”有着很大相似性,节省舞台设计开支,又能增强表现力,虚实相生的运用可谓恰到好处。在舞台美术设计时,可采取大景物虚化、小景物实化,远景虚化,近景实化的方式使演员的技艺得到最大限度的施展,并使观众萌生无尽的遐想。当然,要想用好虚实相生这一技巧,美术设计者要心有舞台,将舞台设计成一幅推动情节发展的曼妙画卷,在给观众无穷想象的同时给予演员广阔的表演空间,让演员充分发挥。真正做到以“虚实相生”“真假互补”之方式实现戏曲舞台表现力的提升,做到舞台设计为剧情服务,为主题表现服务。综上所述,戏曲舞台美术设计不刻意注重炫美,烘托气氛,一切以戏曲作品主题的表现为基准,戏曲舞台美术设计独特性主要体现在较强的审美空间感,设计更加关注“写意”,善于运用虚实相生的设计手法等,当然这就需要舞台美术设计人员具有更高的美术设计与艺术表现素养。只有独特的舞台设计能给戏曲舞台带来鲜活的生命力,才能使舞台景物具有更强的创造性与表现力,才更有利于将戏曲艺术精髓展现的淋漓尽致。 作者:程颖 单位:山东省艺术服务中心
美术研究论文:高等工艺美术研究论文 一、认识工艺美术从传统“手工业” 角色向现代“文化产业”角色的骤变是开展好高等工艺美术教育的基础在很长一段历史时期,以小农经济为特征的传统手工业,是为了满足人们基本的日常物质生活需要而存在,其产品以实用价值为主,其中的艺术价值依附于实用价值而存在。伴随着工业化大生产和现代商品经济的迅猛发展,人们的物质生活水平显著提升,精神文化需求日益强烈,原有的手工作业产品因其内在的人文因素所体现出来的艺术审美价值受到人们的强烈追捧。传统手工艺生活必需品逐渐向现代艺术品转变,其产品本身的艺术文化价值被放大,工艺美术从传统“手工业”角色逐渐向“文化产业”角色转变。2008年,新成立的工业和信息化部将工艺美术行业纳入了国家的文化产业,从此工艺美术实现了从传统“手工业”向现代“文化产业”的华丽转身,工艺美术人才需求也随之急剧增加,客观上促进了工艺美术教育的新一轮大发展。学界能否准确认识这一转变,是趁势而为、顺势而上,抓住高等工艺美术教育发展契机的基础。 二、遵从母体文化的传统和现代文明 的召唤是开展好高等工艺美术教育的优秀工艺美术根源于中国的母体文化,是中国劳动人民生产生活的文化结晶,是历史文化积淀的产物,具有较强的民族色彩,其发展壮大不能脱离其自有的文化本色。与此同时,工艺美术亦不能仅仅停留于对传统的故步自封,更应该紧跟现代化的节奏,与时俱进,不断吸取多元的现代文明因素去发展壮大自身。1.从传统工艺中吸取养料。古代手工艺的“物”的内核,在独特的美学,简而言之有两大不变的内容:一是超越时代的“材美工巧”———这是手工艺永恒的原则,二是每个时期的审美趣味的映射。超越实用的“工艺美术”不是一般的人工制造物,而是传统精神的凝聚物。尤其是中国的“工艺美术”,它是亚洲这个独特文化国家在地理上的标本(活的、生活的),它是中国独特生活方式的“原型”所在,它复杂地折射了土地、人、生产之间的关系,并通过“馈赠”和流转,在纵向的历史和横向的生活片断中传承。也正是这个原因,可供品鉴的“工艺美术”不会消亡,它卷土重来,自会与中国人如影相随。[1]所以,将立足当代的高等工艺美术教育教学首先从学习好传统工艺中汲取养料作为要义自然是毋庸置疑的。2.从现代文明中吸收新信息。工艺美术教育不同于一般的文化与艺术教育,也不仅仅限定在继承与传播所谓手工业时代。文明的工艺美术教育,它还包含着深刻的人文主义精神,它对于传统与现代文化所表现出的广裹性与包容性正日益为世界文化所认同。现代工艺美术教育的形成与发展过程,必然是一个与传统工艺美术教育中某些束缚人们的思想观念相诀别的过程。[2]现代文明中现代技术手段的精密、现代工具的灵巧、现代工艺技能的张扬、工作方式及表现形式的多变势必给工艺美术创作带来了有别于以往的优越感。同时,多选的新材料、题材和现代审美经验共同构建的气候无疑给工艺美术赋予更大的现代价值。在这样的时代背景下,把现代工艺技术、现代工具、现代材料、现代审美与文化心理等作为高等工艺美术教育教学的主要内容不仅显而易见,而且是转型时代下工艺美术行业适应社会发展、适应市场需求之必需。 三、构建科学的教育教学架构是开展好高等工艺美术教育的关键 1.学科体系建构。南京艺术学院教授徐艺乙对工艺美术概念进行了认真的分析后认为,“工艺美术相比于美术工艺来说,它是指采用工艺手段来复制或制作的美术。工艺是对某种(或多种)材料施以某种(或多种)手段以改变其形态的过程,所以在工艺美术教学课程设置中应该包含材料学、工艺学与形态学三个方面的内容”。[3]笔者以为,徐艺乙言之有理。除此之外,文学、史学、美学以及敦煌学、藏学、徽学为代表的地域文化也应作为学科体系的重要内容被纳入其中。如此,学生的文化修养、审美能力与鉴赏水平、民间情怀可以得到全面培养,国际视野得以拓宽。2.课程结构体系建构。文化孕育了课程,但课程不仅传承文化,而且创造文化。文化与课程之间存在着双向互动的关系。[4]今天的工艺美术教育要摆脱过去“重道轻技”文化观念的影响,课程结构比例方面在重视工艺美术理论建设,开展工艺美术批评的基础上,给予“技”层次对应课程更大的比重,复兴过去楚天创新奖、中南星奖、西南新奖、关东金奖、中国之星、东北之星、西部之星等赛事及高质量展览形式,宣讲展示优秀的工艺美术作品,以此来实现技艺合一、匠艺升华的教育教学目标。随着现代文明的高速发展,工艺美术被赋予了更多的时代价值,如何将传统的工艺美术进一步发扬光大,如何推动高等工艺美术教育教学的变革与发展,使之适应时代新要求,是我们高等美术教育从业者的历史责任,但愿笔者的浅议能够起到抛砖引玉之功效,引发更多的学者对高等工艺美术教育的关注,共同推进高等工艺美术教育向前发展。 作者:许奋单位:湖北美术学院 美术研究论文:浅谈美术教育改革的创新性思维研究论文 [摘要]随着时代的发展与观念的更新,新的文化意识形态要求我们在美术教学改革中必须赋予新时代的内涵和特征,并融入现代的教学方式和教学体验,以主动的创造性思维为艺术主体活动,把对艺术的感受和创造结合起来,寻找独特的艺术形式和个人的创作风格。追求个性化,强调视觉张力,使学生自觉的参与到艺术的创造性思维训练中,以创造性思维为主体活动,体现画面创造性思维的审美陈述,使艺术创作呈现丰富多彩的表现形式。 [关键词]创造性思维;培养;流畅;灵活;独特 一、创造性思维的提出 对于什么是创造,著名教育家吴全愈认为:“创”与“造”两方面必须有机结合起来。所谓“创”就是打破常规,“造”就是在打破常规的基础上产生出具有独特意义的东西,不打破常规,无所谓“创”。 如何激发学生的创造性思维能力,让学生主动、积极的参与到创造活动中来,是提高本科美术学专业基础美术教学效率,增强学生的创造性思维能力的重要实践课题。但从基础美术教学现状看,仍然存在着许多不尽如人意的地方:老师讲绘画的基础知识,学生听绘画的基础知识;老师板书绘画的技能要点,学生抄写绘画的技能要点;老师示范作画步骤,学生观看作画步骤;老师示范画结束,静物一摆,学生便开始操作练习。这种以教师为中心,强调“灌输式”的教学模式,一直以来使学生处于被动地位,严重地抑制了学生的个性,束缚了学生的思维,极不利于学生的创造性思维能力的培养。而从事美术创作和美术教学又是最需要学生主动发挥其创造性的,现代美术教学应从“教师为中心”转移到“学生为中心”,从以传统的讲授知识为重点转移到以培养学生的创新能力为重点。一堂成功的美术课教学莫过于师生之间情感的相互交流互动和提高,拓展学生的创造性思维,不仅在视觉中感受,而且全身心的融入教学的创新思维活动中。这需要精心设计教学,使学生快速进人全新创新思维活动中,教学也就进入了“引人入胜”的境界。“创造性思维能力培养”就是一条达到这种教学境界的有效途径。 二、创造性思维能力的培养 创造意识和创造精神是学生主动探究问题和从事创作活动的根本动力。创造活动贯穿人类历史发展的始终,是推动历史向前发展、社会不断进步的不竭动力。一部人类社会的发展史就是一部创造史。苏霍姆林斯基说“将劳动人民的强大创造精神及其对于生活、理想和追求的种种观念渗透进儿童的心灵和智慧,在他们的心灵中,就会激发出为人类的创造精神、思维和技巧而骄傲的情感。”因此,在美术基础教学中,如何拓展学生的创造能力、审美能力和表现能力,激发学生的创作热情,调动学生的学习积极性,提高学生的创新意识和创造性思维,是美术基础教学改革中的重要研究课题。在美术教学中,我们应该以主动的创造性思维为艺术活动主体,把学生对艺术本身的语言和造型的感受力、创造力挖掘出来,让学生置身于创造的时代潮流和艺术氛围之中,去体验和感悟创新,从而增强其创造意识,培养其创新精神。 (一)打破常规,鼓励学生多思快想,提高思维的流畅性 美国美术教育家艾斯纳将创造力分解为边界推移、边界突破、发明与美学组织。边界推移就是扩充材料与工具的固有特性,创造性的运用造型因素。边界突破就是在传统观念与传统技法中发现缺陷,提出新观点、创立新技法。随着社会的发展和社会对人才价值取向的变化。美术教育开始有意识的吸收现代科技成果和现代教学观念,开拓学生视野,创设发挥想象的表现空间,运用现代材料与工具发掘新的教学模式。在课堂教学中,充分发挥学生的主观能动性,创造生动灵活的课堂气氛,鼓励学生多思快想,鼓励学生在思维中打破界限,打破工具和材料选择的局限性,综合运用各种技法,进行有广度和深度的开拓。为善于动脑、敢于提出自己看法的学生创设安全的心理环境,激发他们激越亢奋的创造情绪,创造独具一格的美术作品,让学生在从无意识到有意识的过程中体验到创造的乐趣。 (二)以特色课程为创造平台,训练学生随机应变,提高思维的灵活性 思维的灵活性又叫思维的变通性,是指摒弃旧的习惯思维方法,开拓新的创造性思维能力,训练学生思维的随机应变、变化多端、触类旁通、举一反三、不拘一格,不受消极定势的桎梏,从而产生超常的构思,为创造打好坚定的基础;德国20世纪初包豪斯学院教学体制创始者格罗皮乌斯是创新教育的先驱,其教育观念、教学方法至今对我们仍有借鉴意义。特别是基础美术教学的训练,只给学生题目,不给任何工具,不讲解,不给方法,由每个人自由发挥,促使自己思考,不依赖条件,引导探索新渠道,发挥想象能力,锻炼学生独立分析问题和解决问题的能力,这些都是值得我们学习和借鉴的。 近年来我国的基础美术教学改革中已出现了不少有创造意识的课题设计。如图形创意中形象的发散思维造型、借形想象、借迹造型以及创作中的反常规思维、逆向思维等,这样的课题对培养学生的创造性思维能力有很大的促进作用,但还需要我们在每块教学领域上广泛而深入地拓展和建立与之配套的创造性思维训练体系。 (三)打造良好的创造环境,鼓励学生标新立异,发展思维的独特性 创造性就像一颗种子一样,它要一定的环境,包括土壤、气候、科学的灌溉、施肥、培养才能发芽、生根、开花、结果。在中国的基础美术教学中,普遍存在着将技能技巧的掌握看成是创造的理念,而不重视学生的独立探索。 技能是由老师传授的,但创造性是无法教的。一个国家的发展应在文化教育上注重学生创造性思维能力方面的培养和提高,创造力是不能教的。但创造力是鼓励出来的,是培养出来的。它需要良好的创造环境,所以美术教育工作者就是要创造一种适合培养学生创造能力的环境,开启学生内心的创造灵感,从学生内心的形象思维入手,激发其丰富的想象力,鼓励学生标新立异,用前所未有的新角度、新观点去认识事物,对事物表现出超乎寻常的独特新颖的见解,从而创造出新的事物。这是创造性思维最高层次的境界。 为提高学生思维的独创性,我们应引导学生进行独立探索,鼓励他们对已有的知识作出新颖、独特的转换和组织,依靠自己的努力去解决问题。 善于发现事物之间存在的新关系,从中敏感的提出见地性的看法,不人云亦云,不随声附和,这是学生创造性思维的特性。丰富的想象力是产生创造性思维的必要条件。要营造适合培养创造性思维的良好环境,教师应该按照课程要求进行创造性教学,把培养有创造力的人作为美术教学的根本目的。无论以怎样的手段和方法教学,都必须始终贯穿一条主线,那就是以人为目的、着重培养学生的创造性思维能力和创新意识。 在艺术专业基础美术教学中长效而有机的融入创造性思维能力培养这一课题,为美术教学和艺术创作提供了无限宽阔的灵活空间。使学生能运用自己独特的思维方法和造型语言,以创造性思维作为艺术发展的主体活动,激发主体人有知觉、感觉、精神、意志、冲动的进行艺术创作。因此,培养创造性思维能力是基础美术教学必须贯穿一致的优秀。 美术研究论文:抽象美术特征及教学方法研究论文 论文关键词:抽象美术;艺术观念;美术教学 论文摘要:抽象美术是教学中的难点。在高中美术欣赏课中,教师应设计多种教学方法,以提高学生认识和欣赏抽象美术作品的能力。 在高中美术欣赏课的教学中,有相当一部分的抽象美术作品。学生在欣赏这些抽象美术作品时,总是以像与不像来评判,或者说看不懂,难以理解和接受。故而抽象美术一直是高中美术教学的难点,是学生最感莫名其妙,又最需要解惑的问题,也是大家争议较大的课程内容。下面谈一谈高中美术欣赏课中的抽象画教学。 一、审美观念的转变 要了解和认识抽象美术,首先就应转变审美观念。因为作为现代艺术中的抽象画和西方的传统艺术相比较,其在观念上发生了根本的变化,主要表现在:l、艺术家从以前的表现客观现实世界走向主观精神;2、放弃了传统的统一的美的标准;3、传统的艺术十分注重艺术的认识和教育功能,而现代艺术强调艺术的审美功能;4、现代艺术的价值在于发现和创造,而不是继承传统的内容和技巧。抽象艺术是艺术家突破传统观念的束缚在艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索和创造的结果。它是以纯抽象的语言表现精神及形式意味的美术,而这种纯抽象的美术对于高中生来说往往难以理解和接受,因为传统的艺术观念再加上长久的应试教育的影响,使学生在欣赏抽象美术作品时,仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准加以判断,所以会有疑惑不解之感。对于抽象美术作品,学生要了解传统艺术与现代抽象艺术在创作观念上的转变,使自己在欣赏这些抽象美术作品时也转变自己固有的传统审美观,站在现代艺术的立场和标准上来看抽象的艺术,以全面认识和理解抽象美术。 二、抽象美术的特点 欣赏抽象美术作品时,除了要抛弃传统的艺术观念外,还要让学生注意把握其主要特点。 1、形象的抽象性 抽象美术作品是艺术家对生活中的视觉经验的某种感受予以抽象的心理的一种表现。它以纯粹的点、线、面、形、色等构成画面内容含蓄,形象抽象,给欣赏者的感受是一种朦胧的印象。所以学生在欣赏抽象艺术时不要以像与不像来评价,要尽量根据作品运用主观感受来调动自己的情绪,而不要刻意去辨认画家究竟画的是什么。 2、画面有强烈的动感 许多抽象的绘画,以强烈的笔触,奔放的色彩来刺激人的视觉,动感强烈。例如:康定斯基的作品,以点、线、形、色依情绪随意作画,挥洒自如,使人产生运动、奔放、热烈不安等情绪感受。如产生某种情绪,获得某种狂热、高亢等视觉感受就是看懂了这类绘画,也称为热抽象绘画。属于冷抽象的欧普艺术以形的有规律的变化产生出奇异的流动、变幻的感觉。这些动感很强的抽象艺术是传统的具象绘画无法比拟的。 3、趋向音乐性 抽象画家利用色彩与声音产生的联觉,将点、线、形、色构成无标题的音乐,直接作用于欣赏者,使观者在看抽象画时,在心理上引起某种难以言传的情绪。如蒙德里安的作品《红、蓝、黄构图》。画面用直线分割成不同的方形,再填上原色,并以黑直线将它们分开。画面显得和谐而有变化,如同一首音节长短起伏,但却有自己主旋律的歌。 4、意蕴的含混性 抽象绘画以点、线、面等符号元素组成不明确的物象,其含义也是不明确的,欣赏者从中获得的感受是千差万别的。它排除了具体的物象,其内涵不可能像具象绘画那样表现艺术家对所描绘的事物的认识、态度和评价,只是用抽象的手法表现艺术家的某种情感或追求不带任何主观色彩的“绝对抽象”。 三、教学方法设计 为了进一步提高学生对抽象美术作品的审美能力,加深对美术创作和美术作品的理解,在教学中,笔者采取了如下一些方法: 1、图案肌理的制作方法 高中学生理解能力强,再加上不需要写实绘画那样有严格的技艺,因而,可让他们动手制作抽象画。在制作中去体会抽象画所带来的乐趣。如:让学生在板面(如玻璃、塑料板、纸板)上,用水粉、油墨等颜料随意涂画,色彩要饱满,水色要淋漓,以此构成丰富而微妙、自然的肌理效果,然后根据画面效果命题。在教学过程中,教师要鼓励学生发挥自己的想象力、创造力,注意培养学生的审美能力。要充分发挥色彩的丰富性、表现性,而不是具体事物的真实性。这种让学生动手创作的过程不仅加深了学生对抽象画的理解,还调动了学生的学习积极性。 2、对比欣赏法 在欣赏国外现代的抽象画时,许多学生会说看不懂,如果把中国的草书拿出来与之对比欣赏,就会发现部分学生虽然不认识其中的字,却能欣赏它的形式意味。中国的草书,特别是狂草,由于其语义的可识性程度降低,欣赏者更注重它的节奏变化及虚实浓淡的笔墨效果。实质上,抽象美术作品中夸张的线条和刺激的色彩与变幻莫测的中国草书是一致的,都是一种平面的抽象艺术,能给观者在视觉上引起某种情绪感受。抽象美术欣赏教学时,教师把两者对比起来欣赏,能起到解惑的作用。此时,教师还要不失时机地引导学生去理解其中的形式意味。 3、打散组合法 打散组合的练习能拓展学生的思维空间,提高学生对抽象画的审美表现力。具体做法是:先让学生观察要画的对象(如花、草),将花草的原形平面处理类似剪影,然后根据画面需要或个人的审美趣味将其分解、组合,使其构成一个新的形态。也可将小组或全班学生的作品重新组合成一幅抽象的美术作品,最后画面将会产生意想不到的效果。 总之,抽象的艺术并不是想象中的“高深莫测”。创作抽象画的艺术家对自己的符号解释有时也是模棱两可,作为欣赏者完全不必耗费心思去破解。我们对抽象的美术作品要去了解、认识,而不是对它过于肯定或完全否定。西方的抽象艺术是西方现代艺术中的一种艺术思潮和艺术流派,它仅仅只是学生了解世界文化艺术的一面镜子。 美术研究论文:美术教学中素描认识和训练的误区研究论文 论文关键词:素描;教学;创造;线务 论文摘要:保守的素描训练方法厦艺术观念阻碍了学生创造力的发挥,不利于培养具有创新精神的艺术人才。本文检讨了传统美术教学中素描认识和训练的种种误区,结合学习和教学经验,分析、总结,从古典至现代的艺术观念中抽取概括出注重形感及结构塑形的素描教学手段,强调了线务的合理表现对于造型的重要性。 西方美术史上所有杰出的大师,无一不是从学习素描而走上艺术之路的,素描是形成绘画的最重要的要素。素描的意义在绘画上不仅仅是表现轮廓,它同时可以表现质感、运动感和韵律节奏的动态、谐和安定的静态,更可以表现画家的个性。所以,古往今来许多艺术大师都把素描看作是艺术的灵魂,绘画的生命,素描练习甚至伴随他们一生的艺术创作。所有复杂深奥的学问都必须依靠最简略的训练方法,绘画所依靠的就是素描,素描是我们通向自然和心灵的最直接通道,也是我们探索已往艺术大师奥秘的钥匙。素描训练对画家的艺术能力成长的影响是全面的,它不仅训练画家的造型能力,同时也是画家智能训练、审美能力训练的重要途径。素描基本功能的训练对提高画家的艺术素养,形成画家独特的艺术风格起着十分重要的作用。 在古典大师那里,素描主要是通过最简单的素描语言塑形以构成画面来体现画家的创作意图的。然而现今我们所因袭的素描教学模式中的素描训练已很难体现这种创作意图了。那种单调,表面、几乎是保守的训练方法体现在素描观念上是模仿,拷贝生活,它的特点是在“全因素”的口号下孤立地强调明暗层次光影虚实的照片效果,追求表面的肖似、华丽和面面俱到。这种素描需要很长时间作业且不能离开模特儿,时间短了,无法完成,离开了模特儿,便画不下去。 应该说这是苏派教学模式的传统遗留,重写生能力而非创造能力,重模仿能力而非表现能力。后果是受其影响的画家往往只能以模特儿写生代替创作,他们的画从创作意图上看是含糊不清的,形象往往较之生活原形逊色而且雷同。目前,仍有人把这种模特儿型素描看作是唯一的素描方法,许多教师还用这种素描方法来训练学生,甚至对许多有创造性的学生的素描不加以鼓励和诱导,而是加以贬低。使学生失去了自信心,也就失去对艺术的兴趣,只会跟着教师去进行机械复制,完全扼杀了学生的创造性,从而使我们的素描训练最终失败,我们的素描也就失去了表现创作意图的作用。 生活是艺术的源泉,但艺术决不等于生活。艺术不应该是模仿,绘画更不应该是生活的模仿。绘画艺术的创新要求建立相应的素描观念,以正确的素描造型观念去进行创作。我们提倡与模仿型素描不同的创造型素描。我们同样重视生活,但只是把它作为塑造艺术形象的依据,以形象构成的本质因素为基础,注入作画者的真情实感,追求形象的艺术感染力。素描没有特定的方法,每个人眼中都有可信的、有自己审美趣味的东西,能表现出作画者所感受到的现实对象生动的、和谐的、合规律的美。 当然,我们在强调艺术表现力的同时。并不是就讲不要写实能力,而是在基本的训练中把写实能力和表现能力等同看待。在素描教学中技术与艺术应整体上同步发展,不要企图越过基本的造型能力先去追求表现与发挥,这也就要求教师不应该把艺术家和学生截然分开。教学生时,将他(她)看作学生,要教得透彻、耐心、毫不保留,但评价他的作品时要把他看成艺术家,严格要求,除了功力以外,要特别审视他的艺术观念、艺术个性的发展,重视从艺术素质上去培养,防止纯技术的观点。 首先谈谈素描中的比例。初学素描的学生应该先学比例,因为他必须考虑作品中各个部分之间或整体在大小、数量上的关系。但在学生的素描有创造性时,他就可能把物体画变了形。因为他这时想的最多的是美学上的比例,而不是严格意义上的正确比例。早先的素描教学中有些老师对比例只求准确。以尺码的准确来束缚学生的手脚,使学生陷入苦恼的局部比较当中,忽略了最重要的整体感和认识上的自信心,以及必要的夸张和自觉处理,过多的强调了共性特征,把个性特点限制到了很小的范围内,画出来的形象不可能有很大的变化和艺术上的感染力,很容易千人一面,同时学生的艺术才能、创造性被轻易的扼杀了。 比例在艺术上应不完全是尺度上的准确,它有着更重要的自身规律,这就是整体上的谐调,比例谐调来自客观形象及画家经验的总结和智慧的发现。要使学生认识到,眼前的物体,无论是一个人、一只凳子还是一根绳索,都只是意识的载体,不只是技法功能的实在物,应该说在“似与不似之间”。在凡·高的素描作品《樵夫》中,画家没有受到传统严谨刻画表达方式的束缚,而是用略加夸张的造型、充满激情且呈长条放射状的笔触藉以寄托再现其对对象近乎狂热的内心感受。正因为这样,凡·高走上了艺术王国的颠峰。所以,教师应要求学生及时抓住客观形象的启发,大胆地去创造鲜明的、属于自己的形象。比例的谐调,要求只在印象的舒适感及表现艺术对象的个性特征,不应该是简单的尺度上的准确。它在艺术上只是相对的,当然应是合理的。 其次,在我们传统素描训练的观察方法中,主要是明暗层次光影虚实的观察法。在素描训练中应当改变这种方法,采取形体、结构的观察法。这并不是在教学中反对利用明暗变化来表现对象。而是要求在素描造型中不要把它作为形象的本质因素来对待。因为明暗光影的变化是被结构形体所决定的,常常在只有表现结构、形体时才能显现它本身的光彩,所以这些明暗层次和光影虚实都会因不同的形体结构而使它们发生改变,但形体结构却不会因光影和明暗的变化而变化。 另一方面在传统素描教学中往往过分强调以明暗层次光影虚实为主体的面造型手段,而忽视线条的表现力。一幅好的素描作品,往往除了讲究造型、结构以外还具有线的表现力。“画家所用的线往往是风格的最明显体现,线是最引人注目的一种艺术元素,也是画家主观意图的传递者。线条与素描的关系,“犹如色彩之于绘画,形体之于雕塑。”“只要在纸上画几条线,就可以看到‘明暗关系’已经作为素描的成分进人素描中去了,因为已经考虑到线条的明暗值。在瑞士著名画家贾克梅蒂的素描作品(达格拉斯·库帕肖像》中,人物与桌椅只是画家摹写的实存物体在瞬间留下的景象。大师将线条融入整体之中,画面中的线条在叠交运行中形成一种内聚力而指向中心,对于画家来说,物体的颜色、外形以及上面的光线只是一点点难以定义的东西,画家认为这点东西可以通过点、线表现出来。这些足以说明线条在素描作品中的重要作用。假如我们在造型时,不考虑线的变化关系,统统用一种线条去刻画,可以想象作品会如何的单调和乏味。如果根据物体的造型体态、结构关系、空间层次、透视关系去表现,视觉效果就会截然不同。而失去变化的线条,不能产生节奏和韵律,无法达到造型的目的。我国古代画家通过长期积累所倡导的铁笔十八描:如钉头鼠尾描、游丝描、兰叶描等,表现对象的质感、量感、运动感,注重线条的疏密变化,都是基于通过凝炼的造型以提升表现力的考虑。 纵观世界著名的绘画大师,米开朗基罗、达·芬奇、拉斐尔、鲁本斯、提香、伦勃朗等等,他们对线条的运用和理解都达到纯熟的境界。比如鲁本斯松动而准确的线条,寥寥数笔却赋予人以生命力。凡·高的素描线条稚拙中见深刻、朴实中见真诚。仔细读来,大师的素描精练而到位,下功夫去领悟、推理,每一处转折、每根线条都表现出了生动丰富的形体,因此带来的感觉是舒畅、有信心的。 在素描训练中,要让学生充分认识到线条对塑造形象具有的不可忽视的主导作用。素描造型艺术中的线不是一个单纯的符号,它更是形的高度概括而极富艺术个性的载体。 综上所述,可以得出这样一个结论,在素描教学中,不应片面强调一个”难”字,因为在艺术的表现中,无论如何也离不开夸张、概括、感觉、写意等手法和意图,只能在加强对规律的理解中和灵活运用中使学生画起来主动且又放松,使他们能时常处在一种心理上自我平衡的状态中,感受到塑造的乐趣,画出自己的气质来,使学生想画、敢画,充分挖掘他们的创造潜力。课堂习作应强调研究性。习作同时要表现主动性和创造性。应让学生大胆实践,不要为一张画的得失而动心,而是以感觉到更多东西为目的。一张素描画得好坏和完整效果都不是素描的直接目的,目的是从中得到造型能力的训练,解决将来专业创造中造型构成的能力问题。画面尽可能有许多探索性的局部与完整形象并存。因此,在教学中,如何把技术和艺术结合起来,使学生基本功训练一开始就成为创造性的艺术劳动,对于培养新的创造型艺术人才来说非常重要。让学生在掌握基本功的同时,逐步形成或找到自己的造型面貌,是我们每一个美术教育者的任务。 美术研究论文:浅析美术馆提高观众审美品位研究论文 [摘要]美术馆及博物馆要发展,其职能也要发展。实现美术馆公共性的主要推动力在于群众,而非美术馆自身。公众是博物馆取得发展的关键。笔者谈论了公众政策在现代美术馆中的实施。 [关键词]美术馆;观众;公众政策 “美术馆”这个词的原意是“缪斯的神殿”,现代意义上的美术馆在西方已经成为市民的终身教育场所,可以为人们提供调节身心,享受生活的机会。 从2005年开始,中国美术馆设立了公共教育部,截至目前已组织学术讲座60余场,主要邀请相关领域一流的专家学者针对重要的美术家、美术作品、美术现象、美术思潮,对普通观众做知识的普及和提高。不仅是中国美术馆,很多新型美术馆,都开始了留住观众脚步的努力。北京今日美术馆启动长期的美术讲座,希望通过建设一个开放的艺术大课堂,推广普及艺术知识。此外,北京中华世纪坛世界艺术馆、广东美术馆等都不定期举办相关艺术讲座。在深圳何香凝美术馆OCT当代艺术中心,艺术家们把创作过程与展览面向公众开放,让人们了解艺术家艺术想法的形成,一些相互交流甚至还可以激励艺术家的创作。 实现美术馆公共性的主要推动力在于群众,而非美术馆自身。除了抢占市场份额、增加收入的考虑,以“观众为中心”也是艺术本身发展、丰富和振兴的需要,更是提高国民素质、活跃社会元素和传承民族精神的关键所在。 到底哪些观众来参观美术馆?他们有何特点?他们为何而来?有何期望?他们对美术馆的看法如何?他们的理解与我们想要传达的信息有何出入?有哪些为他们所欣赏?美术馆能为他们提供什么样的体验?他们又在美术馆中得到了什么参观经验?这些参观经验是否于他们有益?哪些做法能够吸引潜在观众并使他们成为忠实观众?我们如何得知?以问卷的方式,如何将观众参观的情感、思想、学习成效,以较客观方式标示出来?如何明确地定义其满意程度与参观收获? 这些问题涉及到美术馆的观众投入(需求)、参观过程、参观结果三个层面。一份设计合理的问卷,能够进一步分析参观经验与各层面变项之间的关系。通常调查问卷的设计与问卷分析都是美术馆专家或是专业的调查机构根据美术馆需求来实施、主持,除了基本情况,问卷中还需设计一些没有终结答案或标准答案的开放性问题。 何谓“公共政策”呢?公共政策是文化设施的一种新型战略职能,其目的是在国家整体文化政策指导下,在其为之服务的某一文化设施内部,将与公众的联系提升为该文化设施的主要职能之一。公众政策实施的最终目的,不光是要增加公众的数量,更是要保持参观者的平衡,社会角度观众的增加和不同代观众的延续以及让展馆的参观者成为我们的忠实观众。其直接目的是要提高公众的修养,将公众与博物馆、与艺术作品之间的关系调整到最佳状态。 翻开英汉词典,美术馆与博物馆在英文当中的词源是相同的,都是“museum”。所以,博物馆和美术馆,在国际上通常可以被视为一体。国外的博物馆早在20世纪20年代便开始有意识地进行有计划的观众研究。让我们看看国外的知名博物馆是怎样进行观众研究的,以世界著名的法国卢浮宫为例: 卢浮宫博物馆闻名天下之处,不仅仅在于她的展品之丰富、之珍贵,更在于博物馆本身便是一座杰出的艺术建筑。卢浮宫整个建筑壮丽雄伟,用来展示珍品的大厅的四壁及顶部都有精美的壁画及精细的浮雕,处处都是呕心沥血的艺术结晶,让人叹为观止。卢浮宫最近这些年的公共发展工作主要是按照了解参观者、吸引更多的参观者两个方针进行的。 1994年3月卢浮宫开始采用“常设参观者观察所”这一调查研究模式,由调查员来发放调查表。这种调查表是用9种语言编写的,调查员发放表格之前要确定参观者使用的是何种语言。 这种调查表每5天发放一次,每次在展厅的三个入口处发放4个小时,已保证调查的日期和时段间隔均匀。如今这些调查结果已经构成了一个关于卢浮宫的资料库,通过它,既可以看到卢浮宫的巨大发展,又可以看到参观者的详实资料。卢浮宫的改造、展览、票价调整、管理困难、技术改进等现象对参观者产生的影响,都在调查结果中得到了清晰、逼真的反映。 只有掌握了大量的数据,才能对许多变数进行综合分析。比如说,要想了解星期日免费开放对于优先受惠的那些人究竟产生了怎么样的影响,我们就必须对观众所提出的下列问题进行单独和综合的分析: (1)您是在哪一天来参观的?(2)您此前是否来过这里?(3)您来自什么地方?(4)您是否因为免费开放才决定来这里参观?(5)您多大年纪?从事何种职业? 调查结果必然会产生各种各样的百分比,这些看似简单的比率实际上却要用严格的方法加以分析。这些集束似的综合分析法得出的结论帮助卢浮宫的工作人员更好的了解参观者,是社会文化设施每时每刻适应公众新的需求的重要工作内容。 此外,卢浮宫的公共政策还体现在博物馆设立的一些大型公共服务机构中,这些机构包括:接待服务处、音乐厅服务处、公关处、文化处、外联处等等。 如果说有那么一座博物馆,所有法国人都认识它,并且在它那里认识自己,那就是卢浮宫。卢浮宫吸引和接待初访者的方法是富有挑战性的,因为卢浮宫要以此证明,它是否有能力让尽可能多的法国人意识到:通往文化殿堂的大门是向他们敞开的。 反观我国,2007年北京今日美术馆的一场名为“美术馆面面观”的讲座上,“我们要逐步培养青年一代进入美术馆参观展览的习惯”,中国美术馆馆长范迪安说,“中国美术馆每年都有丰富多彩的展览值得大学生们走进来,通过观赏艺术,可以获得审美的提高,从艺术作品中获得创造的启迪。” 在中国美术馆进行的“美国艺术300年:适应与革新”展,渤海银行投资150万元请北京大学、清华大学、中央美术学院等京津地区10万大学生免费走入中国美术馆。 “艺术家以开放的姿态面对大众,用最通俗的语言表达自己的理念。”OCT当代艺术中心艺术指导委员会秘书长冯博一说:“艺术不是象牙塔,艺术家应该考虑如何与大众交流。艺术类场所的这种为大众服务的功能,不能丧失。” 总之,美术馆及博物馆要发展,其职能也要发展。 美术研究论文:后现代主义思想艺术对我国美术教学引导研究论文 论文关键词:后现代艺术;后现代艺术观念;美术教育;课程改革 论文摘要:后现代艺术观念既影响着世界美术教育的发展趋势,也深深影响着我国美术教育的改革和发展,无论从美术教育理念、还是从美术教育课程内容设置和结构模式方面,它都对我国的基础美术教育产生着巨大的影响。 自20世纪60年代以来后现代艺术是在西方艺术界出现的一系列艺术现象。它改变现代艺术的以自我为中心的艺术创作理念,而提倡艺术走向社会,贴近生活,强调艺术的社会功能。把多元化作为优秀的后现代艺术观念一开始就渗透到了西方的美术教育中。在现代美术教育改革中,其发展趋势表现为倡导以人为中心,强调美术与日常生活的联系,强调通过美术教育使学生获得终身受益的美术能力,强调美术教育让学生运用多种手段、多种材料包括声、光、电进行美术作品的创作,这些都与后现代主义所呈现的普及化、生活化、多元化、解构化等特征是分不开的。在此影响下,西方各国家出现了许多新的课程理念,如90年代初美国盖蒂艺术教育中心提出了“以多元文化学科为本的美术教育”,力图通过美术教育挖掘个体的潜能达到全面发展。同时,强调扩展美术学习的领域,把美术与各学科联系起来,在学习方式上强调主动探究,形成综合全面的美术教育。在西方后现代主义教育思潮影响下的西方美术教育,也影响着我国的美术教育改革。 一、西方后现代艺术观念对中国基础美术教育改革的影响 德国著名教育家赫尔巴特认为,“艺术是人的内部生命的表现,也是人的本能,要培养充分和全面发展的人,就必须开设艺术课程。”在现代全球化与多元化充斥的教育环境下,我国的美术教育更是素质教育中必不可少的一部分。后现代艺术观念也直接影响着我国的美术教育改革。 (一)对美术教育改革理念的影响 后现代艺术观念倡导文化的差异性和多样性,消解了文化的中心论,强调文化观念多元并存,影响着我国美术教育改革的基本理念,主要表现在:首先,强调统整的课程观以达到培养人的综合艺术能力,强调“以生活技能为本(而非美术制作技巧)代替内容为本的课程,并强调课程的统整”。闭在美术学习中让学生去了解各个国家的优秀文化艺术遗产,并了解这些艺术的生长环境,以及它们是如何产生的,怎样才能学会艺术等。这种多视点和多方面的求索,能使学生自觉地回到艺术的生长环境,从而使艺术学习的动力和兴趣不断保持下去。另外,美术教育改革强调人文性的学习。21世纪,随着信息化、数字化年代的到来,理性和感性的发展处于一种不平衡状态,社会的高速发展,使人类偏离了自然,人们认识到艺术是理性和感性趋于平衡的途径,因此,在美术教育改革中,人文性的学习被高度重视。我国的美术教育改革在人文性的学习上,主要是引导学生通过学习美术知识,使个人感情和整个人类的情感源泉联系起来,个人经验与人类的丰富经验接通,以促进学生与周围环境的交流。所以在课改中“不以单纯掌握知识技能为目的,试图改变艺术教育中学生机械模仿与枯燥训练技能的方式,把艺术知识、技能的学习还原到一种完整的艺术情境中,或把一定的知识技能渗透到某个人文主题中,让孩子围绕该人文主题展开轻松愉快的学习”。闭人文主义的学习,能够使学生在学习的过程中,实现美术技巧的掌握和人文主义关爱精神和审美价值感的提升。其次,注重以人为本,培养人的个性以达到完美人格的美术教育思想。后现代艺术观念“追求一种更完美的现代性,期望人的行为更具合理性”的观念影响着美术教育观念,“以人为本”成为现代美术教育思想的主导思想,美术教育改变了过去的以传授知识为主的教育思想,提倡以‘培养人的个性,达到培养全面发展的人的教育理念。英国教育家赫伯特里德曾提出“通过的艺术教育”,即通过美术教育来培养人,把美术教育作为引导儿童发展的工具,从而培养儿童的个性,达到完美人格的塑造。在我国的美术教育改革中也特别强调人格的培养,并提出“教育要面向全体学生,以学生发展为本”,尊重学生个性特点,鼓励学生进行个性化的艺术活动,促进他们创造能力、审美能力等的提高,成为全面发展的人。 (二)对美术教育课程内容和结构改革的影响 “20世纪初以来主导教育领域的线性的、序列性的、易于量化的秩序让位于更为复杂的、不可预测的系统和网络,课程不再被视为固定的、先验的跑道,而成为达成个人转变的通道”,后现代艺术观念也影响着我国美术课程内容和结构的变革。2000年6月,教育部启动了基础教育改革项目,包括普通学校美术课程标准;2001年7月,教育部颁布了《全日制义务教育美术课程标准(实验稿)》;2004年初,美术课程标准研制组对“美术课程资源的开发利用的条例”进行了修订。其中指出美术教育要引导学生进行探究性的学习,而实施综合、探索的学习,必须要扩展美术课程资源,课程资源的开发包括校内资源、校外资源、信息化资源、教师资源,通过课程资源的开发以提高美术课程的适应性,促进学生的个性成长。在课程改革中,把“统整的建构主义”作为一个重要的理论依据,在“统整各派建构主义理论的基础上,汲取该学说的合理内核,并从知识观、课程观、教学观和评价观四个方面建构素质教育的理论框架”。 1.强调美术学科与其他学科的综合。后现代艺术是综合的艺术,现代美术教育已是综合的教育,美术课程改革也主要以综合性为原则,从传统的分科走向综合的发展,改变了传统的学科观念,以综合的学科观念而代之,不同学科之间的交叉和渗透,逐步使学科门类达到综合。基础美术课程资源的改革同样受到影响,进人21世纪,美术课程资源开发进入了一个新的历史时期。 2.注重美术学科内容的综合。在课程设置上,强调消除对于实用美术的轻视,将“工艺美术、现代设计”与强调审美的精神功用的“纯艺术”结合起来。 3.对“过程”与“技能”的同时并重。在美术课程资源的开发中把美术课程的“过程与方法”、“情感、态度和价值观”与“知识、技能”看作是同等重要的,美术课程资源也并不局限于美术学科本身,并拓展至自然、文化、社会等范畴。 4.以素质教育为宗旨。坚持“以人为本”的教育理念,充分挖掘学生的潜能,达到人的全面发展。在课程设置上,则主要体现以素质教育为依据,让学生获得终身学习美术的能力,改变过去以美术知识、技能为内容标准,而充分体现美术的情感性;加强学习活动的综合性和探索性,让美术课程和生活、自然紧密联系起来。 总之,西方后现代艺术观念对世界、乃至中国美术教育课程改革具有巨大的影响,在它的影响下,“学校美术教育更注重美术与文化及社会的联系,设计一种更开放的、既能容纳又能扩展的美术课程成为世界各国美术教育改革的焦点”。 二、扬弃西方后现代艺术观念。促进中国美术教育健康发展 西方后现代艺术观念对世界的教育改革产生了重大影响,对于世界各个国家的美术教育改革更是有着不可替代的作用,它同样也推动着我国21世纪美术教育改革前进的步伐。然而,后现代艺术观念是在西方的土壤里生长起来的一种理念,是西方社会矛盾的产物,而我国的艺术观念有着深厚的文化根基和人文传统,美术教育在这两种文化观念不断冲突的情况下,应在继承我国传统文化的前提下,汲取西方后现代艺术观念中合理的部分,推进美术教育改革进程。另一方面,我国是第三世界国家,不管从政治、经济、文化等各个方面都与西方国家相差甚远,后现代艺术观念作为西方的产物,我们应该合理地吸收其优点,找到适应我国美术基础教育改革的理念,以指导美术教育改革。因此,在汲取西方后现代艺术观念的同时,笔者认为,后现代主义的出现,从合理性方面看,它确实能让人对现代化进程中的种种危机有清醒的认识:例如对自然资源的过分掠夺、物欲膨胀而导致的人文精神价值的失落等等。后现代主义的批判精神对现代化发展有一定的约束意义。但其中也存在着一些深刻的矛盾和严重的弊病,不仅对于整个人类文明,就是对于当下的社会文明、现代教育,也带来了不可忽视的负面影响。 首先,后现代主义打破艺术与生活的界限,使得一向被认为是崇高和高雅的艺术打上了当代商品经济的印记,因而失去了美的崇高和独立的价值。后现代艺术对古典艺术、现代艺术的冲击,导致崇高和理想的衰落。社会理想、人生意义、国家前途、传统道德等等,在后现代主义的浸淫下变得相当模糊、淡化,这就难免导致文化生态的平衡和社会大众文化素养的低俗化。 其次,后现代主义的“复制性”导致“快餐文化”的泛滥,使千锤百炼、呕心沥血的文化力作和精品的出现,变得几乎没有可能,个性、创造力、批判热情、现实精神都消失殆尽。 第三,后现代主义也追求“独创性”,但这类“独创”并非真正的创新,而是以时尚的胡闹来博取轰动的新闻效应。这在受后现代主义影响的后现代艺术中表现得最为鲜明。从中摘取几个镜头可见一斑:将牛肚剖开,“艺术家”钻出来(美其名日“再生”);在医生协助下在手臂上种植草,有的作者还利用自己外貌上女相男身“弯曲的直线”的暧昧性别,裸体表演性自虐,《复活节快乐》因其血腥的场面和残忍的过程,引发了强烈的反应。在成都南郊牧马山高尔夫球场一侧草坪上演了一幕名为41》的行为艺术:以四川音乐学院成都美术学院为主体的41位在校男女学生露天全裸,以身体组成电子邮件符号“@”,满足了不同性别观者的好奇心。还有种钱、病毒餐、颜料浴,为都江堰算命、用冰洗河、对水弹琴等等。这些不但扭曲了艺术的含义,有的已经与艺术没有多少关系。 对后现代主义艺术观,我们不能完全赞同,但有些观点是可以接受并能在我们的美术教育中加以实践和运用的。例如,艺术创作对主题的重视,艺术与生活的广泛联系、艺术创作的多元化和艺术对现代媒体的运用等在现代美术课程中具有十分重要的理论价值和实践意义。必须要处理好传统民族文化与西方后现代艺术观念的冲突、社会因素对西方后现代艺术观念的制约这两方面的问题,并积极寻找在两者之间取得交融与和谐的第三条途径。如何既继承传统又连接现代与未来,既吸取西方美术教育的成功经验又呈现中华民族独特的风貌是我们应当探索的美术教育道路。克服后现代观念那种排斥继承、不追求艺术内涵、艺术即生活等消极的方面,汲取其积极的一面,这样,中国美术教育改革才可以取得长足的进步。 美术研究论文:素质教育与美术教学的智力培养研究论文 一、课题的确立 美术中心教研组根据本学科的特点,制定了《素质教育与美术教学中智力的培养》这一科研课题,围绕“发展学生的智力”这一教学重点,开展美术课实施素质教育的实验研究。 在《素质教育与美术教学中智力的培养》总课题的基础上,再分几个子课题,如《注意力、观察力的培养》、《发挥想象力、诱发创造思维》、《记忆力、写生力的培养》、《美术教学与其他学科的联系》、《发挥学生的主体作用》等。用三年的时间分层次、不同形式地开展美术素质教育。 二、课题的依据及指导思想 1.《美术教学大纲》明确了美术教学的目的、性质、任务,并把美术教学的重点放在提高全体学生的美术素质、审美修养和培养能力、发展智力上。在教学中利用本学科的特点,根据不同的教学内容对学生进行思想品德教育,在学习基础知识进行简单训练的同时,进一步加强美术欣赏、艺术原理、美学知识的教学,变单一的知识技能为多元的知识结构,使美术教学真正落实素质教育。 2.美术教育的定义是将人类在视觉艺术方面创造的理论、技法及成果,按照教育规律再创造成适合不同对象的教学材料,用科学的教育方法和手段来培养公民对美的认识、判断、创造能力的教育活动。可见美术教育的目的在于培养公民的素质,也立足于提高学生的文化层次,培养和发展学生的能力上。 3.美术教育是基础教育的一部分,也是素质教育的重要组成部分,对提高全民族文化素质有着特殊意义。把艺术教育由专门传授技法技能转为培养素质这是美术教学的革新,符合现代教育思想与规律。在基础教育中,学生应具备的基础素质主要是思想品德素质、科学文化素质、劳动技能素质、身体心理素质、审美素质等,学生的素质是一个和谐的整体,忽略和缺少哪一方面都不健全。 三、课题的实验和策略 1.遵循四大原则,开展教学实验 美术教学除了遵循教育学提出的教学原则外,根据美术学科特点以及目的、任务和教学规律,还提出三项原则: (1)审美原则。对学生进行审美教育,培养学生正确的审美观点和区别美与丑的能力,通过参与、学习,逐步提高审美能力,陶冶学生高尚的情操,培养良好的思想品德,这是发展学生智力的基本保证。 (2)直观性原则。重视教学过程中引导学生直接观察对象、认识对象,运用现代先进教学手段,帮助学生掌握知识。马蒂斯曾说过:“创造始于观看,而看本身就是一种创造性活动,需要一种努力。”培养学生正确的观察方法,深入观察的习惯,培养学生的观察力、记忆力,进而促进学生的智力发展。 (3)实践性原则。引导学生通过实践掌握美术双基,通过参与实践,大胆表达的过程,提高学生眼的观察力、脑的思维能力、手的操作能力,培养学生眼、脑、手的协调运用。 2.大胆改革课程内容,适当增加乡土教材 开展第二课堂,依“纲”还需靠“本”,三年来我镇使用的是岭南版美术教材,该教材内容较为丰富,体现了美、新、活三大特点,有利于培养学生审美能力,发展学生的智力。在课程内容安排时,我们做了一些调整,根据本地本校实际,适当增加乡土教材及有地方特色的教材,使学生增进对家乡的了解,培养他们热爱家乡的情感,并使他们学会结合生活联系实际,有条件的学校,还增设了陶艺、电脑美术等课程。各校还开展丰富多彩的兴趣小组,学生的艺术素质和美术技能在实践活动中得到培养和提高。因此,坚持开展第二课堂、美术兴趣小组活动,使学生的艺术潜能得到发掘,综合素质也在活动中不断提高。 3.实行开放性美术教育,发挥学生的主体作用 改革课堂教学,营造民主、自由、平等、和谐的教育氛围,师生平等,尊重个性,有效地强化学生的主体意识,培养良好的非智力因素,发挥其各自的专长。课堂教学力求“教”与“学”的优化,教学过程充分体现以学生为主体,使学生主动积极参与教学的全过程,想方设法激活学生的原动力,最大限度地把他们的智力潜能发挥出来。 4.实验形式灵活,体现民主与集中 几年来,我们实验的教研活动持之以恒,制定了详尽的教研计划,各组员分别承担了子课题的研究。实验的研究分集中研究和个人研究两种形式。个人研究,就是平时组员根据本校及学生的实际,大胆改革课堂教学,不断探索培养和发展学生智力的方法,总结教学中的经验和教训。集体研究,每个学期都有三、四次全体组员集中研究活动,进行观摩教学、互相评课、技艺切磋、交流教学体会、参观学习等。尤其是观摩教学,我们力求有专题,并有针对性,围绕“发展学生的智力”这个目的,解决教学教研中碰到的问题。在评课交流中,大家本着互相学习、互相帮助、互相促进的原则,做到各抒己见、畅所欲言,研究气氛民主和谐,充分发挥大家的聪明才智,真正达到共同进步、共同提高的目的。 四、教研出成果 经过几年的探索和努力,我镇的美术教育取得了可喜的成果,从整体上看,学生的审美能力得到提高,以创造力为优秀的智力得到发展,学生学会辨别区分美与丑,学会从生活中发现美、追求美、表达美、创造美,从而以一种积极乐观的态度去学习和生活。学生的艺术素质和综合素质也相应得到提高。 美术研究论文:民间美术创作特点研究论文 摘要:源自中国农业社会的民间美术,顺应了民间文化的观念、性质和特点。民间美术通过特有的观察和思维方式,以及对历史传统遣型的重新建构,实现了创作语言的自由和个性化的要求,具有强烈的审美感染力。民间美术表达了创作者真挚,朴素的情感,并使这种艺术形式最终实现了大众化。 关键词:民间美术;造型;表现;创作 民间美术的创作手段是以民族根源上流传下来的造型语言为基础,民间美术成为创作者对于自我主观意识的强烈自信。它们有一些共同的表现特征规律一一不以再现客观现实为目的,而形成了艺术创作中重视直觉、意念、臆断对客观世界的认识,以重建美好的现实、理想和必然。民间美术色彩热烈、喜庆,造型夸张、幽默,艺术形式生动活泼,表现技法质朴无华而又大胆、鲜明,使得劳动人民的情感在创作中得到淋漓尽致的体现。 一、随意性的特点 民间美术的审美意象是追求情感上的真。因此,不注重形象上的真,“不求形似,但求神似”是主观的真实,创作的随意性就是基于这个道理。民间美术随意性的造型特点源于;民间艺人娴熟的技艺所创造的“熟能生巧”之作和因陋就简条件下的“弄巧成拙”。这类创作表现出“即兴发挥”,造型上显现“随意、稚拙”的特点。在创作过程中民间艺人表现出异乎寻常的洒脱,他们的精力集中在创作主题的渲染上,乎略细节的处理,表现出一些违背生活常识的不合理情节,让理念服从于意念、情理服从于情感。在造型中并不完全依赖对自然的观察和简单的直观反映,而是靠记忆力,借助意象进行创作,这样一来造型的随意性也就顺理成章了。老百姓常说,“我想啥就画啥,只要心里有,看不到的东西也可画在纸上”。这些朴实的话语道出了中国民间美术创作者的心理状态,在他们看来,“画是随心草”,表达了民间美术创作的自由性、随意性,同时又反映了老百姓对待现实生活、客观事物的主观态度。当你询问民间剪纸艺人,为什么侧面牛的眼不是一只?他们说:因为牛都长着两只眼睛;为什么大牛肚子里有一只小牛?他们说:牛怀着孩子就是这样的。这是他们所见,在他们眼里,这是最写实的。民间美术创作的随意性向我们展示了这样一个艺术世界:老虎身上长着刀;老牛拉车可以两只蹄子走路、两只蹄子扶辕;打腰鼓的人可以三头六臂、七八条腿;老虎可以赶来拉碾,耕地的两头牛背靠背躺在地上;莲花开花、生藕、结子、生出胖娃娃都在一起,鹊桥相会里有牛郎织女、天上人间、日月星辰、银河、燕子,河里还有牡丹鲤鱼等等。不同时空、人神鸟兽都可以集聚成一个整体,这种随心所欲、轻松自由的创作令人难以想象。他们以为自己的剪纸、绘画、泥塑最正确地再现了客观现实。他们没有像专业艺术家那样有意识地概括、简化、夸张、重新组合。民间美术造型的“心里有”、“爱啥就画啥”是他们自由无羁、无拘无束地表达自己的审美感受和审美理想的心理写照,他们并没有将自己心灵的感悟当作是真实的客观存在,所表达的只是“心里有”的东西。在审美创造活动中自己既是审美主体,又是客观的观察者;既可以自由地面对审美客体,又在冷静地注视自己。“爱啥就画啥”是一种“心上之音”、“得意忘象”的审美境界,强调审美创造的自我意识;而在艺术表达的时候则是积极主动的,客观现实物象都被纳入到作者的审美范畴中,各种造型有所依据,又不是客观现实的影子,这种主观认识又必定符合民众的内心要求和审美感受。 二、圆满完美的造型 中国传统的宇宙观中,有一基本信条:就是一切事物莫不在变化之中,宇宙是一个变易不息的大流。中国人自古形成了往而复返的空间观念和周而复始的时间概念。古人的这种宇宙观与人生观与佛教哲学上“因果报应”、“三世轮回”的人生观不谋而合,表现在民间美术造型上即崇尚圆满完美,浑沌思维的整体性。民间艺人对事物的完整、全面的追求一一崇尚完美,这便是“天人合一”思想与人们主观情感同外界事物同形同构的关系所致。圆满完美的造型观,反映出民间美术“求垒”、“求美”的特点。民间美术的创作是以全部的感性和理性认识来综合表现对象,把长期观察所得到的体验充分表现在造型中。其一是通过透明透视,把对象的各个侧面和背部进行垒方位的展现,体现了崇尚完整、圆满的观念。所描绘的对象内外重叠或前后重叠,互不遮挡。例如:透过虎、牛的肚皮可以看到腹内的小仔,透过房屋的墙面可以看到屋内的景象等。民间美术之所以能突破透视规律的局限,在于民间美术抛开了自然对象的实体真实,即立体的、占有一定空间的真实,而是以全部感性与理性的认识来综合表现对象,观看得真实已让位于观念的真实,客体形象的真实已让位于心象的真实。这种造型的完美特征在各地的民间美术作品中都有体现,山东潍县木牌牟画中的骑虎,湖南年画“老鼠嫁女”不是在侧面身上出现正面头,就是在侧面头部出现正面的两只限,产生二维平面上的多维感。质朴的思想感情和审美需求,形成对民间美术造型的完美性要求。其二是通过看不见的内部真实,表现出造型上的求全求美,在表现石榴、葫芦、南瓜一类的瓜果时往往剖开物体,使其露出籽来,透过母鸡可以看到腹内的鸡蛋,公鸡肚子吞下了五毒,在老虎、牛、羊、鹿身上装饰梅花等图案。把完整与美好有机结合达到和谐统一的境界。其三是民间美术对事物完整、圆满的理想化审美定向。因此,在民间美术作品中,很少看到残缺的人物形象,讲究构图的完整性,常将画面看成独立的舞台,形成与外界隔离的小天地,通过完整形象的巧妙组合,达到集中、内向、充实、饱满的艺术效果。山东潍坊木版年画《男十忙》里描绘了十三个庄稼汉在耕田、耙地、种麦、锄草、轧垄、收割、运粮等田间劳动情景。《女十忙》画面中的十一个妇女,有的弹棉花,有的纺纱、捻线、织布,其间穿插有儿童、花猫、黑狗既填补了画面空白又活跃了气氛。在剪纸中男女老妇,衣服都饰以花纹,连老虎、狮子、鹿、狗动物身体上都描画出花草的形象,为的是使画面丰满、完整、突出喜庆热闹的主题。为了达到完美的效果,民间美术的造型不拘泥于一般生活现象,创造出异想天开的画面,完整与美好有机结合,达到和谐与统一的美学境界。 三、造象的抽象性.概括性 劳动者是最先从认识自然和改造自然的过程中获得了抽象创作的原动力,原始美术和民间美术成为抽象艺术的先导。民间艺人在形象的塑造上,多因时、因地、因材制宜,不假虚饰,以抽象性的手法表现出物象自然、质朴的本来面貌。抛开现实形象的细节,用极简单的线条概括抽象现实形象:在织绵刺绣和桃花这类民间美术种类中,除少数具象图案外,大部分都是点、线、面组成的几何形图案。这种抽象造型能力可以追溯到新石器时代,在彩陶的表面有圆点、三角、旋涡、波折、齿纹、鱼纹、蛙等多种纹样,抛开现实本身的各种细节和不规则因素,用极简单的线条概括抽象现实的形象。把各种动物、植物、抽象为几何图案,不但要仔细观察。抓住对象的主要特征,集中概括,夸张变形,而且还要饱含浓厚的文化内涵和古老的造型意识;云南沧源文化和古老的造型意识具有的抽象、象征含义。汉族的民间服饰,日用品装饰上也可以看到概括的抽象几何图形,如百家衣、百纳幛。这种以菱形的碎布拼制而成,以色彩的拼接和几何状的结构,完整 呈现出某种动物、植物造型,色调鲜艳和谐;生殖崇拜的华中树、鱼人、鸡头鱼、双鱼,气氛热烈喜庆。民间美术概括性表现在程式化造型。如“十斤狮子九斤头,一斤尾巴掉后头”的画诀,表现出大胆取舍,夸张、提炼其本质,舍弃、弱化细枝末节,并夸张画中的内容:贵州民间泥玩中,野猪的造型十分奇特,头部和嘴占了大半位置,躯干几乎被省略了,却将野猪的生猛表现得鲜活生动。河北武强木版年画为突出门神的勇武,尽量横向夸张,把人体比例缩减为四个头长,形成方厚如山的气度,而仕女则被刻画得格外清秀,细腰削肩极尽婀娜之态。民间木刻版画在处理大场面时,以简略的笔画表现出多种物象。在戏剧表演中,几个兵卒就是千军万马,版画中几组细浅排列的草就是一片草地,这种造型上的省略手法存在合理性,言未尽而意已明。 四、结束语 民间美术是千百年来集体意识和劳动积累起来的丰富经验的结晶,民间美术的创作者是劳动群众和民间艺人,其中决大多数是在劳动之余创作的,主要为劳动者自己欣赏、使用,因此表现了他们的愿望、心理、信仰和生活观念。民间美术和民俗活动有极为密切的关系,民间美术是伴随民俗活动而发展的。民间美术是在生活中发生、并为现实生活服务的文化表现形式,它的文化内涵和艺术魅力始终无法摆脱创造者的群体意识、情感气质和习俗心理,它是为生活而创造的艺术。它有着自己独特的艺术体系和造型体系,这种艺术体系和造型体系不是取法自然的真实形象去表达作者的某种观念,而是用观念去看待和描述某种事物,使作者的观念暗寓其中。民间美术是最自由、最有生命的艺术,是没有雕琢、不做作,用简单的形式表现出古老的民族风俗的艺术。 美术研究论文:江西省美术欣赏理论研究论文 摘要:校本课程是对国家课程、地方课程的有益补充,文章结合江西省文化资源优势,运用校本课程开发的理论,对江西省美术欣赏课校本课程开发的基本理念和主要价值及课程目标的定位、课程内容的设置、课程评价指标的确定和影响校本课程实施的因素进行了研究,使美术欣赏课程能够体现出江西省地区的特点,进而推动素质教育的实施。 关键词:美术欣赏课校本课程开发 校本课程开发,是一种与国家课程、地方课程相对应的课程开发策略,是对国家课程、地方课程的有益补充,它实质上是以学校为基地,由学校校长、任课教师、课程专家、学生以及家长和社会人士共同参与学校课程计划的制订,实施和评价的民主决策的过程。 “校本课程”不同于“国家课程和地方课程”,它更能体现“以校为本”的理念,有利于激发地方和学校在课程决策方面的主体性,促使学校办出特色,促进教师专业素质的提高,从而满足学生个性发展的需要。 中学开设美术欣赏课是实施素质教育的重要形式,如何在美术欣赏课教学中利用江西省特有的艺术文化资源,对学生进行贴近生活的审美教育,提高现实生活中学生发现美、感知美的能力,是中学美术欣赏课课程改革的重点。本文试图依据校本课程开发的基本理论,对江西省美术欣赏课校本课程开发的基本理念和主要价值及课程目标的定位、课程内容的设置和影响校本课程实施因素进行研究,使美术欣赏课程能够体现出江西省地区的特点,进而推动素质教育的实施。 一、进行美术欣赏课校本课程开发的依据 1.美术欣赏课课程内容设置与学生喜好的矛盾冲突,促使美术教师进行美术欣赏课校本课程开发 目前,学校美术欣赏课课程实施的课程内容单调,缺乏时代感和多样性。教学方法死板,教材安排不够合理,存在重复现象,缺少接近学生生活实际的知识内容。因此,学生对美术欣赏课课程内容的喜欢程度与教师的课程内容安排出现了比较大的反差,教师的主观意向取代了学生的兴趣和爱好。以上种种问题都反映出开发校本课程的必要性,因为美术欣赏课校本课程的开发可以弥补、拓展现有课程设置存在的诸多弊端。 2.美术欣赏课校本课程开发,有助于教师专业发展和教学水平的提高 在美术欣赏课校本课程的开发过程中,美术教师成为课程开发的主体,提高了美术教师对课程的兴趣和满意程度,增强了教师工作的积极性,同时赋予美术教师参与开发的权利和责任。由于校本课程开发有教师的参与,故能激励他们从教育实践、学生现状、社会需求等方面来拟订美术欣赏课课程目标和选择课程内容。这样更能激发美术教师的创造欲和教育实践活动积极性,并有助于美术教师教学专业发展水平和能力的不断提高。 3.美术欣赏课课程的自身特点,为进行校本课程开发提供了较大的空间 美术欣赏课属于非考试课程,是教养性课程,不是升学考试科目,因此,课程内容不受应试需要的限制,具有较大的选择空间。另外,美术欣赏课课程内容具有可代替性。教学中教师可以根据课程目标,有选择地进行教学内容的安排,不受特定教材的限制,因此,课程内容的选择具有较大的灵活性。以上特点为进行美术欣赏课校本课程开发提供了较大的空间。 二、江西省美术欣赏课校本课程开发的基本理念和价值取向 中国的陶瓷艺术驰名中外,在世界文化艺术史上有着重要的位置。景德镇陶瓷源远流长,是中国陶瓷史的重要组成部分,其丰富的内容有着很高的艺术欣赏价值和传统文化内涵。中国的建筑同其他国家相比也有着鲜明的特点,其精髓不仅体现在大型的宫殿建筑和园林建筑上,徽派的民居建筑也毫不逊色。 景德镇陶瓷和徽派的民居建筑,两者似乎并无直接联系,但仔细探究,它们却有不少相同的地方。以装饰图案的内容而言,两者都有秩序井然的图案、花鸟虫鱼、神仙瑞兽,历史典故,虽借助的媒介不同,但生动的形象却有异曲同工之妙,都是民间艺人高超的技艺和智慧的结晶。弘扬我国传统文化,发挥江西省地方资源的优势,把陶瓷艺术和民居艺术引入课堂,并把两者的知识同科学、文化、艺术、环保等知识结合起来,作为对学生实施素质教育的一种载体,是一项很有价值的探究和尝试。 开展景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术的欣赏课。通过图片和声像资料的欣赏,理论知识的系统讲解、实地考察、课堂讨论等形式,让学生生动直观地了解本省的文化艺术资源和特点,提高其审美素养,增强其主人翁的责任感和自豪感。美术欣赏校本课程能够充分发挥其优势,对推动素质教育发挥良好的作用。 三、江西省美术欣赏课校本课程开发的程序 1.美术欣赏课校本课程开发目标的构建 陶瓷艺术和民居艺术都是集艺术、科学、技术为一体的综合艺术,是美的表现形式。它们都是创作者运用高超的专业技术,将物质材料同自己的审美追求进行统一整合的结果。鉴于此,美术欣赏课校本课程的总体目标是通过对陶瓷和民居两种艺术形式蕴含美的元素的赏析,培养学生审美能力,增强学生审美情感,丰富学生的审美经验。 美术欣赏课校本课程的具体目标是:第一,景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术源远流长,使学生通过翻阅资料和教师的系统讲解,通过讨论的方式,让学生了解景德镇陶瓷和徽派民居建筑的特点,以及同其他种类的陶瓷和民居建筑的区别。第二,了解景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术所用的材料和技艺,对两者所表现的纹饰内容进行比较,寻找共同点和不同点。第三,景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术都蕴含了丰富的历史文化内容,学生通过对陶瓷艺术和民居艺术的观赏和考察,拓展视野,丰富审美经验,激起学生对传统文化艺术的热爱和探究的热情,增强其主人翁的自豪感。 2.美术欣赏课校本课程内容的设置 基于每所学校的地理位置、教学设施、师资力量等都有差异,可根据各校的实际情况,灵活机动地开展教学活动。根据景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术的特点,制定以下教学内容: (1)两门古老的艺术——陶瓷和民居的发展历史与类别。 (2)江西省的陶艺和民居文化——景德镇陶瓷与徽派民居的特点。 (3)金、木、水、火、土——景德镇陶瓷和徽派民居中所用的材料和技艺。 (4)美丽的纹饰(一)——景德镇陶瓷和徽派建筑中的植物形象。 (5)美丽的纹饰(二)——景德镇陶瓷和徽派建筑中的动物形象。 (6)美丽的纹饰(三)——景德镇陶瓷和徽派建筑中的人物形象。 (7)美丽的纹饰(四)——景德镇陶瓷和徽派建筑中纹饰内容表现的异同。 (8)景德镇陶瓷和徽派建筑中的文学艺术。 (9)景德镇陶瓷和徽派建筑中的书法艺术。 (10)景德镇陶瓷和徽派建筑中的绘画艺术。 (11)感受陶艺和雕刻艺术——陶艺浮雕的实践(可同美术实践课相结合)。 3.美术欣赏课校本课程的评价指标的确定 课程评价是指依据课程的实施可能性、有效性及其教育价值,可以作出价值判断的“论据的收集与提供”(钟启泉 :《现代课程论》)。课程评价主要包括教学活动中教师的评价、学生受益情况进行评价和课程内容的评价。美术欣赏课校本课程的评价指标,对美术欣赏课课程的特色建设有着很强的导向作用。 在角色上,教师是学生学习的引导者,要确立以学生为中心的教学观,进行教学活动。结合美术欣赏课校本课程的特点,教师的评价指标确定为:(1)教师能够引导学生自主地对美术欣赏课的内容进行学习,创造良好的学习氛围。(2)教师能够通过教学方法的运用,促进学生之间互动和师生间的互动。(3)教师对美术欣赏课内容相关的信息与支撑材料的搜集与掌握。(4)教师在传递教学内容的过程中,对教学活动有良好的组织和调控能力。 对学生的评价:(1)学生积极主动的学习态度和团结互助的合作精神。(2)学生与同学、教师之间的信息交流,以及对美术欣赏课相关信息的搜集与整理能力。(3)对美术欣赏课内容了解的深度和广度。(4)美术欣赏课的学习效果,对学生素质和谐发展的影响。 对美术欣赏课课程内容的评价:(1)美术欣赏课课程内容的合理性、科学性和特色的体现。(2)美术欣赏课课程内容的综合性,及与其他学科的联系。(3)符合学生接受和理解能力的发展的实际水平。(4)美术欣赏课课程适宜推广和普及。 四、影响美术欣赏课校本课程实施的因素 将景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术引入课堂,作为美术欣赏课的主题内容,这是一个新的尝试,在具体的实施中,会受到以下因素的影响:1.学校教育理念的影响。在推行素质教育的今天,美术欣赏课成为提高学生审美素养的重要手段,但学校在面临应试教育的压力下,对美术教育的投入相对较少。因此,美术欣赏课校本课程的顺利实施,首先要得到地方和学校的肯定与支持。2.教师素质的影响。对于陶瓷艺术和民居艺术的相关知识内容,各校美术教师掌握的信息有限,需要个人搜集大量的实物、图片、影像、文字等资料。对材料进行系统的整理和对比、引导学生探究性地学习,对于教师也是一种新的挑战和学习。3.学校地理位置与实施能力的局限性的影响。为了加强学生对景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术的直观感受,欣赏课中要有参观考察的环节,让学生通过对陶瓷制作流程以及作品的观赏和对民居建筑的考察欣赏,身临其境地感受这些艺术不同的美。由于学校所处的地理位置不同,所以在参观考察的环节上其便利性存在差异,部分乡镇学校、周边地区就可见到陶瓷工场或民居建筑,为美术欣赏课程的考察环节提供了便利条件。相反,对于地处市区的学校,考察环节使学校在实施上存在一定的困难。 结语 综上所述,江西省美术欣赏课校本课程能够充分体现出本地区的特点,并对学校推动素质教育起到良好的作用。课程开发是一项持续发展与不断完善的工作,无论在理论上还是在实践上,都需要不断地研究和探索。面对江西省丰富的艺术文化资源,美术教师应结合自己独特的审美视角,去挖掘探索新的具有地方特色的艺术资源,来丰富和完善美术欣赏课校本课程。 美术研究论文:幼儿园美术情境教学研究论文 一、幼儿园美术情境教学活动的特征 美术情境教学与讲授式、讨论式等传统美术教学不同就在于情感和情境上。笔者有目的、有针对性地观察了几个美术情境教学活动,并结合情境教学的相关理论进行了整理、分析,总结幼儿园美术情境教学活动的特征为以下几点: (一)以培养兴趣为前提,诱发主动性 兴趣是孩子前进的动力。情境教育使孩子在体验趣味的基础上,在探索中收获巨大的欣喜,激发成就感。 例如《眼睛想象旅行》的情境活动,老师和孩子一起坐在软软的靠垫上,随着音乐展开旅行。旅行中,小眼睛似乎长了翅膀,它飞到了小河里,看到了太阳和小鱼在一起游戏,小眼睛飞到了……看到了……又和谁在一起……孩子们还把自己的作品用儿歌说一说:小眼睛变变,变成了热气球的世界;小眼睛变变,变出小刺猬的乐园;小眼睛变变,讲述着鲤鱼跳龙门的传说……从幼儿出发,将“趣”贯穿活动始终,孩子全身心地投入到活动中,并有丰富的作品。 (二)以情感因素为动因,渗透教育性 李吉林的教育思想其优秀是“以情感为纽带”。儿童是最富有情感的,而情境教育正是利用儿童心灵上这特点,最大限度地发挥了情感纽带的驱动作用。 例如中班美术活动《福娃啦啦队》,因为北京举办奥运会,孩子们对奥运会吉祥物“福娃”特别关注。教师抓住孩子这个情感,进行活动的创设。在活动中,从开始观看FLASH,了解福娃的由来,到紧张激烈地观看福娃比赛“实况”,到组建福娃拉拉队进行彩绘布置,最后创设游戏情境进行福娃大比拼。孩子们的情绪始终高涨,教师用情感做桥梁,拉近了师幼之间的距离。 (三)以年龄特征为前提,体现游戏性 游戏是每个幼儿都喜爱的活动。在幼儿园美术情境教学活动中,为了让孩子更加好地沉浸在教师创设的环境中,可以用游戏化的语言、教学内容、教学方法。 例如在幼儿初学画画时,经常可以看到画笔乱放、乱丢的现象,这样的习惯可以通过开展艺术游戏来纠正:每个孩子都有自己的家,“广阔的大海是鲸鱼的家,冰冷的南极是企鹅的家,辽阔的沙漠是骆驼的家……”老师创设游戏情境:“红、橙、黄、绿、青、蓝、紫”笔宝宝们要回彩虹家。和孩子们一边认识颜色、一边给每个笔找“家”,在这样的游戏中让孩子自觉自愿地摆放画笔,慢慢地养成了习惯。 二、幼儿园美术情境教学活动的指导策略 指导策略是教师在教学过程中为达到一定的教学目的而采取的相对系统的行为。为了让孩子更快乐的接受美术教育,让美术情境教学发挥更大的教育作用,笔者结合美术情境教学活动的特征,通过观察、实践,探究美术情境教学的指导策略,总结了以下六个方面: (一)以语言描绘情境 想象可促进孩子更好地进行艺术创造。教学中教师通过和孩子谈话,创设与美术活动有关的情境,让每个孩子都展开想象的翅膀,在艺术的天空自由翱翔。 在《美丽的西班牙之旅》中,欣赏米罗的画的时候,就让孩子畅谈自己的感受。用语言的描述来表现情境,孩子的认知有着一定的指向性,并且这种语言带着感情色彩作用于孩子的感官,激发孩子的情感,帮助孩子的思维想象,从而使孩子进入特定的情境。 (二)以自然、生活展示情境 大自然中的感受、生活情境等都是创造的起点是灵感的源头。自然是那样的美丽多姿,生活是那样的绚丽多彩:有形、情、境。在自然生活情境中引导孩子去体验艺术的语汇、丰富创作的灵感是最恰当的。 例如美术活动《有趣的想象旅行》,旅行是生活的一部分,旅行中所见所闻更是大自然的杰作。老师以旅行贯穿活动,让孩子充分感受大自然的奇特景色,孩子在自己的想象旅行中才有了创作的根源,才会有更丰富的想象。 综合活动《大家来帮忙》,以汶川大地震的现场情境引导幼儿联想森林里发生地震的场景,用真实的生活情景展示情境,激发幼儿创作的激情;从汶川地震后为灾区人民造房子迁移到我们小朋友要帮忙森林的小动物一起盖房子,包括盖房子的基本要求都是以孩子的生活经验为出发点。 (三)以游戏展现情境 在孩子们心中,各种绘画工具对他们来说是一个概念,能画出线条色彩,是这种“玩具”的特殊功能。笔者开始了游戏在幼儿园美术情境教学中的实践探索,在组织幼儿绘画过程中,考虑孩子的年龄特点,采用游戏化的手段,使教育语言成为孩子能听懂的游戏化语言,使他们在丰富多彩的游戏中得到发展,让他们感到美术活动本身就是轻松愉快的游戏。 例如小班美术活动《和叶子做朋友》,自始至终孩子都是沉浸在游戏的氛围中——和各种各样的叶子做朋友,做游戏。首先用玩宣纸给叶子拍照的拓印的游戏;然后在印画画找秘密,玩添画的游戏;最后大家都很开心地下雨啦,体验晕染的游戏,每一个环节孩子都在“玩中学习,玩中作画”。 (四)以表演体会情境 表演是直观的、是视觉的,通过表演传达信息、反映情感,增强情绪体验,有利于孩子在作品中的情感再现,并且也是孩子乐于接受的。 在活动中,可以以表演的形式开始,让孩子一下子融入情境,充分传达直观的信息和情感;以表演的形式结束,孩子通过肢体可以更加自如更加愉悦的表现自己内心世界。情境表演极大地调动了孩子学习与探究的积极性与激情。 (五)以多媒体演示情境 在美术教学中使用电脑,创造出与教学内容融为一体的生动、形象的情境,能激发孩子学习美术的兴趣,充分发挥多媒体的作用,从而提高了美术课堂效率。 《美丽的西班牙之旅》中的师幼合作创作范例这个环节就用到了多媒体演示情境这一策略。教师用电脑软件与孩子一起在米罗的画上进行再创造,画面生动形象,一下子就把孩子的注意力吸引住了。化静态画面为动感画面,将抽象的内容形象化,从而使课堂教学变为孩子边看、边听、边动手实践的全新教学情境,当孩子在美的氛围中进行创作时,自然会用心灵绘画,释放自己的潜能。 (六)以音乐渲染情境 音乐中优美的旋律、跳动的音符、轻快的节奏都会撞击、触动孩子幼小的心灵,随着音乐波动变化会产生不同的情绪反应。以音乐渲染情境,更容易把孩子带到特定的情境之中。 美术情境教学活动很多都用到了采用音乐调动气氛的方法,音乐渲染气氛起到了画龙点睛的作用。比如《有趣想象旅行中》,让孩子们在梦幻般的音乐中想象旅行;在《美丽的西班牙旅行》活动开始,师幼随着斗牛士的音乐做各种欢快的动作,孩子一下子就进入了教师欲设的情境之中。音乐可以帮助孩子更加沉浸在某个特定的情境之中。 提高儿童的美术水平并不仅仅为了培养艺术家,美术教育的目的也不在美术教育本身,重点在于培养儿童的审美能力和创造力,提高儿童的艺术素养。依“范画”临摹式教学并不是美术教育的最佳的起点。美术情境教学为幼儿园美术教学提供了一条崭新的路,但幼儿园美术情境教学是否就能顺利托起幼儿园美术教学的明天,还需我们教育工作者的不断努力和探索。 美术研究论文:舞台美术研究论文 一、外在形象 这里的表现,可以分成三个层次:弱化——模仿——强化。顾名思义,在戏剧演出中,为了适应不同的戏剧风格,满足不同的剧情,表达不同的含义,灯光设计者在利用灯光塑造人物的时候会有意识地不同程度地显现人物的外在形象。这里尤其需要指出的是,这里的模仿,并不是纯粹地为了模仿而模仿,而是一种有意识的“再现”,一种主观能动的“再现”,是“表现”的一种。 一般来说,对灯光来说,人物的外在形象主要有以下几点: 1.服装、化装 灯光对服装和化装的再现最常规的作用便是用白光、浅色光来显现人物,再造形象(化妆)。呈现人物的服装(服装的颜色、材质、结构、组成等)。 此外,灯光的着色作用在这一方面也表现得尤为突出。不同颜色、质地的服装在不同的灯光的照射下会呈现出不同的状态。有时是有助于表现服装、化装的,考虑得不周到却会适得其反。 灯光对服装、化装的表现既要忠于服装化妆本身的设计,又应当融入整个场景。从整体的美感上去考虑,使他们在灯光的帮助下和整个戏剧更紧密地结合起来。 2.形体 服装、化装既是利用灯光的造型作用表现人物的特定形体。在这种情况下,设计师往往偏重于用一些会产生特殊效果的灯光,运用一些较特殊的灯位、颜色、强弱对对象进行塑造。 在一般的戏剧演出中,导演常常会根据剧情的需要,安排一些特定的形体动作,表现一种特定的意境。这往往是灯光可以大展拳脚的地方,这时灯光应当恰如其分地协助演员来表达出这样份情感,使演员的形体表演更加丰富,表达更加清晰。 3.特征 这个世界上没有两片完全相同的叶子,也就更没有两个相同的人了。灯光在表现人物的特征方面是有其象征意义的。拿颜色来说:红色描绘人物的赤胆忠心,蓝色象征智勇刚毅和强悍,白色表示生性奸诈狠毒,而黄色则意味着残暴。当然,这些象征意义不是绝对的,在不同的文化环境,不同的时代所象征的含义也会截然不同。这就要求灯光设计从剧本出发,对人物的特征进行刻画。二、内心情感 由于戏剧艺术的特定表演形式,一般来说,演员和观众之间是保留比较远的距离。和电影、电视相比,由于距离的存在,演员的很多细腻的内心情感的表现往往不能被观众所察觉,这样一来,也使得观众在很多情况下对整部作品的体味大大打了折扣。在这种局限性下,灯光毫无疑问地充当了将演员的内心、情感外化,进行有效的放大、传递给观众,增强感染力,加大震撼力。 灯光对人物内心、情感的刻画从总体上来说可以分为动的和静的两种。利用静态的灯光场景表现人物的情感状态,有的时候,半寸的光或阴影,就足以表现一个人物的心情;利用动态的灯光变化来表现人物情绪的变化、起伏,这个时候,灯光的表现对人物的表演往往起到推波助澜的作用。当然,灯光设计不应过分夸大这一功能,否则会适得其反。 三、命运 一般来说,一个戏的剧情的发展都是和剧中人物命运的发展变化密切联系在一起的,而灯光设计所要做的是通过灯光场景或灯光变化来表现人物命运的动态或状态。 人物的命运往往主导了整部戏的发展,而演员对命运的把握和表现都是通过台词、动作来体现,这往往显得单薄。这时就需加入一些其他的因素来强化他。 和表现人物的内心、情感一样,灯光对人物命运的体现也可以分为动态和静态两种。静的暗示人物的命运和生活状态;动的表现人物命运的变化起伏。 无论是从客观上的可能或是主观上的需要来说,剧本中的人物,物体往往不可能统统出现在舞台上,而灯光对表现这种东西则能起到很重要的作用。 灯光的这种指代,有时是具体的,有时是抽象的。所谓的具体是指在剧本中存在的角色,即取代;而抽象的指代则是一种隐喻,代表了想象中的人物,甚至是一种精神上的东西。 以上的几个作用并不是孤立的。灯光在发挥其中的一个作用对演员产生影响的同时,毫不影响其他作用的发挥。同时,不管是哪一种作用,都必须与演员的表演节奏相一致,与剧情气氛相统一。倘若它游离于剧情之外,那只能陷入无源之水、无本之木的形式主义。在这一点上,从灯光的角度来说,演员就是我们灯光的生命。 不能否认的是,在光对演员发挥作用的同时,演员也在对光起着发作用。我们不能片面地夸大灯光的作用,而忽略演员对灯光的反作用。客观地说,在戏剧舞台上,脱离了演员的灯光,完全不能称作是灯光艺术。 对于一个有经验的演员来说,他对舞台上灯光的变化是非常敏感的,不合时宜的变化会破坏他的激情和感觉,阻碍他的表演。 限制性是舞台空间的基本特点,舞台的表演空间是有限的,而艺术表现和反映的生活范围是无限的。舞台美术就是要在有限的舞台空间表现无限的演出空间。由于客观的原因,舞台布景很难给予演员的运动和姿态的价值,而灯光给予演员以立体造型的价值,不仅可以改变时间和空间,同时也可塑造剧中人物的心里空间。 光具有一种精神辐射作用,一旦它渗透到戏剧感情的波涛中与表演溶为一体时,舞台光就能给观众一种感觉,一种唤起,从而产生心理共鸣和思维联想。光色的变化要和表演的情绪、情感相结合。光的意境创造是舞台光的升华,夸张、内涵和深化的艺术体现,从外部的视觉直观,向心里、内心世界和借光传情的方面,寻求舞台光的表现力。舞台光的意境创造,千言万语,集中于一点,就是传情。意境创造使舞台人物、景物、情调、气氛,注入情字的“新血液”使观众在艺术鉴赏中,增添了丰富多彩的联想和享受。同时,充实了舞台光的表现语汇,使舞台演出更生动、更多样。 【摘要】限制性是舞台空间的基本特点,舞台的表演空间是有限的,而艺术表现和反映的生活范围是无限的。舞台美术就是要在有限的舞台空间表现无限的演出空间。由于客观的原因,舞台布景很难给予演员的运动和姿态的价值,而灯光给予演员以立体造型的价值,不仅可以改变时间和空间,同时也可塑造剧中人物的心里空间。 【关键词】舞台美术灯光表演 美术研究论文:美术优质课研究论文 1.美术优质课的评定等级与参评学校、教师的自身利益息息相关 长期以来,因为美术优质课与美术教师考核等级的密切关系,导致很多美术教师,甚至学校为了美术优质课的评定名次、考核等级或个人与集体的面子而忘记了美术教学原本要实现的目标。平常,美术教师上课,不会去安排学生做表演,也不会花费大量金钱去购置一节美术课需要的材料和道具,自然表演的成分要少,没有精心雕琢的痕迹。这是真实的课,最能反映美术教师水平和学生素质的课。但是对每一位能够参加优质课评选的美术教师而言,能够讲美术优质课是一件利益攸关的事情,所以,为了得到好评,为了能够脱颖而出,参评教师势必想方设法完善自己的那一堂课,以求达到最佳效果。当每一位参评的教师都在为此而努力时,课堂就蜕变成了美术教师比武的舞台。 2.部分教研员对美术教学以及评选美术优质课的目的理解不深刻 教研员是基层美术教学的指导者和组织者,为了体现出本地美术课的特色和成绩,教研员往往在美术优质课上大下工夫。教研员自身水平的高低对美术教学和美术优质课的评选有着很重要的影响。事实上,各地教研员的专业素质参差不齐,许多基层教研员自身的专业素质有待提高。有的教研员本身不是美术教育专业毕业的,不了解美术教学的特点和规律;还有的教研员身兼数职,对美术教学缺乏深入的全面的研究;也有的教研员对当前美术新课程改革领域的精神理解不够深刻,往往凭个人经验指导教师。上述原因,导致部分教研员对美术教学以及评选美术优质课的目的理解不深刻,过于重视华丽的教学形式和繁复的教学手段,舍本逐末。 3.美术优质课评选方法和标准的不完善 美术优质课比赛往往是借班上课,师生互不认识。而美术教学是一个生动的连续的过程,美术教师和学生们的精神世界是连续性发展的,而借班上课往往忽视了这种连续性。比赛的课堂上,学生的积极性,活跃的气氛,只能临时借助于教师技艺超卓的个人表演,课堂成了参评教师的舞台。学生只是参与活动的观众,而不是课堂的主体。另外,美术优质课评选的标准往往注重教师的课堂效果是否精彩,至于学生在课堂上究竟学到了什么,掌握了什么,学得是否深刻,知识掌握得是否牢固,往往很难通过短短的一节课体现出来。 4.美术教师为追求课堂效果盲目使用多媒体和道具 多媒体仅仅是美术教学的一种辅助手段,并不是多用多媒体的课就称得上是美术优质课。而现在,但凡美术优质课,几乎整堂课都用多媒体,一些基本技能、方法步骤等内容也被多媒体课件取代,配之以温和机械的解说词。美术优质课上大量运用道具,一堂课上准备几种甚至十几种道具。从表面看,这些多媒体工具和大量道具有时确实增强了课堂效果,丰富了课堂的表现内容,但如果任何课堂上都这样运用,就违背了基本的教学原则——课堂上真正的讲解者是教师,而不是这些多媒体工具和道具。多媒体和道具可以用,但是应该视本节课的需要程度而用,而不是滥用。 当前美术优质课存在的误区,使得美术优质课与日常美术教学的距离越来越远,不能够很好地带动日常美术教学的发展。为消除这一误区,笔者认为应当采取以下措施: 1.加强美术优质课的教学管理,提倡纯正严谨的教风 教研员一要加强研究意识,提高美术优质课的教学指导能力。二要端正思想,正确理解美术优质课的功能作用。“从评价功能来看,必须弱化选拔与淘汰的功能,强化改造和促进教学的功能。”美术优质课的主要功能不能单单盯在选拔的结果上,更应该注重其过程,在美术教师的参与过程中,发展美术教学,促进美术教学,弱化其功利性。教研部门要改变以优质课作为评定美术教师教学成绩、学校美术教育水平的主要依据的做法,尊重真正的美术教学的意义和价值。学校应加强美术优质课的教学管理,提倡纯正严谨的的教风。美术教师之间应加强沟通与交流,提高美术教学水平。 2.尊重学生的主体精神,充分调动学生的主动性 评定一节课是否符合美术优质课的标准,是以能否促进学生的综合发展为目的的,那些表面上的表演,是把学生当做观众,忽略了学生在美术课堂上的真正价值。我们应该提倡以真实、生动作为美术优质课的标准。美术教师要坚持以人为本的教育理念,把精力放在教材钻研和如何引导学生学习的角度上,充分发挥学生的主体作用,师生交流互动,共同参与课堂教学的全过程,而不是美术教师的“独角戏”。 3.正确对待多媒体在美术优质课教学中的作用 美术课堂教学是一个审美活动过程,应做到情感性、直观性、示范性的有机统一,这也是美术教学必须遵循的基本原则。课堂上美术教师的直观演示,富有情感的讲解与介绍和师生的互动交流是不可缺的。美术课堂教学适当运用多媒体教学手段,可以促进情感性、直观性、示范性的有机统一。但是,多媒体的应用应立足于辅助教学,保证使用适度和恰当,有利于提高课堂教学效益。若一切由多媒体取代教师声情并茂的讲解和直观具体的现场示范,那么多媒体对美术课所起的作用只能是事倍功半,适得其反。 4.提倡贴近课堂主题、内容朴实、易于实施的美术优质课例 为了增强课堂效果,大多数美术教师在课件、资料、教具、课堂形式和创设情境上下了很大的苦功,花费了大量的精力、物力,与平常没有任何渲染的美术课相比,确实收到了较好的课堂效果。但事实上,在日常的美术教学中,由于地方办学条件所限,不可能每一节美术课都有这样大的投入。针对现实的美术教学设施和条件,减少表演性,贴近课堂主题、内容朴实、易于实施的美术课例才是值得提倡和推广的。 内容摘要:当前美术优质课存在一定的表演性误区,为消除这一误区,应加强对美术优质课的教学管理,提倡纯正严谨的教风,尊重学生的主体精神,充分调动学生的主动性。正确对待多媒体在美术优质课教学中的作用,提倡贴近课堂主题、轻松朴实、易于实施的美术优质课例。 关键词:美术优质课表演性误区对策 美术研究论文:民间美术研究论文 一、将民间美术融入设计教学 数字时代的优秀作品对于载体有着更多的选择,而其是否能打动人,是否能成为设计亮点,就需要从文化的角度衡量。然而,快餐文化的盛行、就业的压力使学生不能体会设计文化的重要性。这就需要教师要有意识地为学生解读民间美术的样式和文化内涵,引导学生在传统文化的沃土中发挥想象力与创造力,培养学生在多种艺术语言的交叉中找到设计的灵感。 中国是有着几千年悠久历史的文明古国,创造过为世人瞩目的优秀文化遗产。民间美术作为中国历史文化的投射,是民族文化中无比绚烂的一页,是中国人特有思维方式与表达方式的反映。民间美术将吉祥的内容与美的形式融为一体,表现了喜庆、乐观、吉祥的人生态度和生命的完美境界。其质朴、自然、充满人性化的表现形式,具有卓越的创意和独特的风格,并且涵盖着广博的传统文化精髓。民间美术与人类社会有着天然的亲合性,能够在瞬间扣人心弦,使人产生丰富联想和美的共鸣,使人的心灵获得激荡和铸造。它所产生的愉悦和美感,能使形式的审美因素超越时空,震撼人们的心灵,它沟通了人类共同的心理倾向和共同的感觉经验,必然导致人们具有共同的审美基础,使处于不同目标与不同角度的人,从积淀下来的形式中,感受到不同层次的内容。民间美术就像一条纽带,把不同时代、不同文化传统、不同文化氛围中的人,在深层意识中连接起来。 教师应在对民间美术溯本求源的解读中,帮助学生求得规律,吸取有价值的成果。在继承传统的优秀审美观念的同时找到突破,要将民间美术中的文化精髓通过对现代设计的认识和理解转化成符合时代要求的视觉语言,并赋予其时代的气息和新意。要将传统和现代有机结合,使传统与现实互动,使民族精神与时代特征互动。只有这样才能使设计创新,才能在竞争中闪烁出与众不同的光芒。 二、教学方法、步骤 在设计教学中,教师应指导学生从构成形式美的角度、从设计方法论的观点,把握民间美术及其文化内涵的拓展与应用。从感知、理解、再现的潜层面着手,进而利用所掌握的现代设计观念、方法与民族化的民间本土艺术语汇对比、映衬、沟通,最后实现浑然天成的艺术效果,从而完成对本土化审美形象的心理体验、升华和对现代设计理念的消化超越。 1.解读民间美术样式 通过民间采风、实地调研、收集资料,文字、图片,从形态学角度研究民间美术的生存基础、造型特征、图案纹样。了解民间美术样式的历史沿革与现状,分析其前景、危机和潜力。对构成的特点、形式法则和配色规律进行临摹整理,分析记录民间美术的装饰状态。研究各种纹样的称谓及特殊含义和传统,并分析其文化内涵及工艺制造特色,即附着于何物之上,客观分析记录原因。 2.挖掘文化内涵 在熟悉民间美术样式的基础上,以文化背景为前提,深入挖掘民间美术的内涵。将民间美术放到民族历史文化和思维方式的大背景中去,在对其本质和美学特征的探求中,求得规律,吸取有价值的成果。文化是一个民族、历史发展长期积淀的结果,是民族存在、发展的根基所在。它是设计的文化积淀和永恒动力,是物质生活、精神生活和社会生活的综合体现。任何一个民族都是统一的文化共同体。民间美术的文化内涵受“天人合一”“阴阳五行”观念的影响,这是中国人特有的宇宙观、世界观和方法论。这一哲学观、美学观是中国人代代相传的文化链条。只有把握民间文化的本质,挖掘民间文化的内涵,激发民间文化的力量,才能找到最佳的设计定位,创造出富有文化内涵的设计形象。 3.设计与运用 在经过从感性到理性的认识之后,将民间美术的素材通过直接、间接、再创造的方法运用到现代设计中,并以自己已掌握的设计技巧再现出来,从而使设计作品在信息飞速更替的今天更具时代性和永久性。 直接运用:直接把民间美术的构成形式或色彩以及某些表现方法或工艺制作方法,借用到设计之中。在创作过程中,将民间美术的图案、造型样式作为一种创作的素材,直接运用到实践中去,以借题发挥的方式传达自己的意图,设计出的作品与民间美术之间必然有着密切的联系,使现代的艺术设计更具有民族特性。这一阶段的重点是掌握民间美术样式的各种表现方法和形式语言,掌握好民间美术词汇的运用。 间接运用:总结民间美术造型的形式法则,寻找适合自己需要的形式语言,如强烈的色彩、特殊的寓意,经过融合、消化,成为自己的艺术语言。使民间美术作为一种民族文化的营养,充实和丰富自己的思想、情感与修养。创作的作品与原始素材既有联系又有区别。 深化与再创造:再创造是借助民间美术的装饰语言创作出有新意的图形、样式,但又不失民族风格。民间美术与民族文化的基因在精神追求与思维方式上得到全面的体现与继承。在这一阶段主要是通过前期的调查研究,酝酿设计的创作灵感,寻找能够抓住自己视线的并能激发自己设计欲望、创作热情的兴奋点。借助对民间美术样式的感受引发自己的联想,以民间美术的独特语言和视觉图像表达自己的创意,使得作品在融合时代特征的同时,保持浓郁的东方风情和本民族的传统特色。 结语 好的设计不但美在形式而且美在内涵,它应该既有高科技的形式美,又有理性思辨的艺术美;既有符合时代潮流的崭新样式,又能体现民族文化的内涵。只有用有技术含量的本土艺术语言结合深入浅出的直接情感表达,创作出的作品才能给人既带来感官的愉悦,又能唤醒人们心中潜藏的情感体验。教师在设计教学中指导学生对民间美术进行全面的分析、整理、归纳和提炼,寻找民间美术与时代特征的结合点。将民间美术的象征性艺术语言和特定的文化内涵结合,以强化作品的张力为目的,在赋予其新的活力的基础上,延续和拓宽设计的视觉语言。要以新的观念、新的视觉和新的表现手法容纳西方设计理念和思潮,并与传统文化的神韵、意境有机地结合起来,通过最简练的语言和个性化的表现形式达到最强烈的艺术效果,使民族传统文化在设计中不断地被重新诠释和定位,使设计作品散发出博大而包容的民族文化神韵,最终在对民间美术学以致用的基础上,为设计创新打好基础。 内容摘要:文章通过对学生现有设计思路、设计风格的评析阐述,提出了将民间美术融入设计教学的重要性,进而说明只有真正领悟传统文化的精髓,才能做到设计创新。 关键词:民间美术设计文化 美术研究论文:中学美术运用研究论文 摘要:新课程标准突出的特点就是注重学习方式的改进和指导,明确“教师应重视对学生学习方法的研究,引导学生以感受、观察、体验、表现以及收集资料等学习方法,进行自主学习与合作交流”。“尝试教学法”主张先试后导,先练后讲,先学后教”,概括出以“尝试”贯之教学过程的教学模式,在中学美术教学实践中大有用武之地;“先试后导”实现了美术教师角色的换位;“先练后讲”实现了美术自学能力的培养;“先学后教”实现了美术创新能力的培养。 关键词:尝试教学中学美术教学主体尝试作用 中小学教育改革轰轰烈烈,但传统的“注入式”、“—言堂”仍普遍存在,在调动学生学习主动性、创造性、积极性等方面还做得不够,学生自学能力弱。创造能力低,这种情况在我们欠发达地区显得尤为突出。在当前美术课教育中,也存在同样的弊端,传统的注入式教学方法严重地影响了学生的绘画兴趣,束缚学生智力的发展,能力的提高,不利于培养独立思考,勇于创新的开拓型人才。尝试教学理论,强调学生自主学习,主动参与,自由探究,主张“先试后导,先练后讲,先学后教,具体操作是“从尝试入手,从练习开始”,采用灵活多样的尝试策略,为教学理论注入,新鲜血液。笔者认为美术课以练为主的学科特点非常适合运用“尝试教学法”,中学美术教学界有借鉴运用尝试教学理论的必要,“尝试教学法”在中学美术教学中大有用武之地,有利于推动美术教学改革,充分发挥美术教学在素质教育中的功能,促进全体学生在素质教育中均得到同步发展和提高。尝试教学法在中学美术课的意义主要表现在以下三个方面: 一、“先试后导”实现了美术教师角色的换位。 “先试后导”是指让学生根据教学目的先自己进行尝试。教师根据学生的尝试情况再进行指导,强调先让学生试一试。以练习为主的美术课正适合充分运用尝试教学法,以提高课堂教学效果。教师先不讲绘画技法或制作方法,而是让学生自行观察范作先试着画或试着做,这样一开始就把学生推到了主体地位,而教师则退居”幕后”,对课堂实行监控,及时指导.及时矫正,发挥主导作用。“先学后教,以学为主:先练后讲,以练为主”,充分体现了把课堂还给学生,把学习主动权交给学生的精神,改变了教师主宰课堂的现状,实现了教师角色的换位。这正是当前实行创新教育所必须的。 二、“先练后讲”实现了美术自学能力的培养。 “先练后讲”是指让学生根据自己对教学内容的理解先练习,教师在学生练习的基础上再进行讲解。当前,许多学生在美术课上习惯于听教师讲解后才进行练习,根本谈不上动脑筋自学。而尝试教学法将从一定程度上改变这种现象。尝试教学法,从问题开始,经自学自我解决间题,再经讨论才去听教师讲解,是有主体意识的学习。“先练后讲”的教学模式非常符合学生认识事物的一般规律,在其过程中所积累的经验特别具有深刻性,它不仅使学生学会一些绘画技巧,更重要的是在学会绘画技巧的过程中培养自学能力,掌握思考方法,发展智力,具有举一反三。触类旁通的本领,达到叶圣陶所说的“教是为了不教”的目的。如笔者在《美术字》的教学中,就是鼓励学生一边看步骤图及课本中的美术字写法与步骤,一边进行练习,给于尽可能大的空间发展其自学能力当学生碰到了百思不解的难点时,教师再及时给予讲解,这样在学生学会写美术字的同时培养了自学能力。 三、“先学后教”实现了美术创新能力的培养。 “先学后教”是指让学生先自学,教师在学生自学的墓础上再进行全面系统的教授、尝试教学法冲破了“注入式”的传统教学方法的束缚,先让学生大胆去尝试运用绘画技法或进行手工制作。对于没有教过的绘画技法,看不懂的画面效果或脑中还未成形的制作方法,学生能够凭借已有旧知识大胆地尝试,通过自学相互相讨论,依靠自己的努力去尝试解决问题,这样,学生在不断地尝试中获得新知和能力,注重培养他们试一试的精神,长此以往,便逐步形成了创新精神和能力,不断提高创造美的能力。 在中学美术课中运用尝试教学法.强调学生的参与性,自主性、学生艺术思维能力的创造性等,着重于全面提高学生的艺术素质,使学生在受教育过程中主动、轻松,视学习为乐趣。尝试教学是察质教育的一个重要的教学模式,只要我们美术教育者不断摸索与实践,定能让这颗现代教学中的明珠放射出耀眼的光芒! 美术研究论文:美术教育培养研究论文 【摘要】小学美术教育专业是以培养高素质小学美术教师为目标的综合型专业。文章就如何培养小学美术教育专业学生的知识结构和能力结构等问题进行了探讨。 【关键词】小学美术教育专业;知识结构;能力结构 小学美术教育专业是以培养高素质小学美术教师为目标的综合型专业。其专业特征一是职业导向明显,二是带有很大的综合性。[1]对小学美术教育专业学生的知识与能力结构的培养,一方面要合理把握美术专业内涵和美术课程结构,另一方面要充分兼顾到学科类课程和小学美术教师职业技能培训的特点。 一、小学美术教育专业的知识结构 信息社会的发展,需要培养具有良好的科学文化素养、综合的创造性思维方法和熟练掌握本专业技能的艺术教育人才。小学美术教育专业学生的知识结构包括以下三个方面:(1)教育科学方面的理论知识;(2)美术专业知识和技能;(3)各学科的基础知识。围绕这三个方面从以下几点来思考,可以更好地对学生进行知识结构的培养。 (一)良好的人文素养 无论是美术专业知识还是美术专业技能都只能存在于一定的社会文化环境中,是以人文素养为基础的。人文素养是指个体掌握的历史、哲学、文学、宗教、艺术、审美等学科知识以及在此基础上形成的对人类生存充满深情关怀的意识,人文素养就其优秀来说,主要是指人的世界观与人生观,以及人文科学中体现出来的以人为本的精神。它包含两方面的内容:人文学科知识和人文精神。良好的人文素养是由历史文化和传统精神熏陶而成的修养和气质,是融进了自已理解和悟性的认知结构,是对人格心理及人生定位有着巨大影响的“遗传基因”。[2] 人文知识不等于人文素养,人文知识是指史学、哲学、文学、法学等人文类学科的知识。 (二)较强的创新思维 知识经济的灵魂是创新,而教育是知识创新、传播和应用的主要基地,也是培养创新精神和创新人才的摇篮。我国教育的现状,还是偏重知识传授而轻过程分析的应试教育,教学方法多是科学主义的理性分析法,受教育者的创新能力还没有得到较好的开发和培养。 艺术教育具有开发创造性思维能力和培养创造性人格的价值,培养小学美术教育专业学生的创新精神,提高他们的创造性思维能力,形成其创造性人格,这与高校培养人才的目标是相一致的。 创新教育的优秀内容是教学方法的运用,它要求教育者在教学中注重创新教育观,即以培养创新人才为己任的教育观,它是人本教育观、素质教育观和健全的人格教育观。它不仅要求教育者倡导民主的教学作风,轻松愉快的教学情景,不轻易否定受教育者的思维结果,而且还要注重在校园范围内营造有利于师生催生创新灵感、激发创新潜能、保持创新活力、涵养创新素质、取得创新成果的文化环境,以及注重激发受教育者的思维为关键,注意激发、培养求同思维和求异思维,尤其是批判性思维。 (三)厚实的可持续发展的知识修养 可持续发展是当代社会的新理论和新战略。创新教育的结果是科技的进步和劳动者素质的提高,而科技的进步和劳动者素质的提高又有利于促进创新,有利于可持续发展。[3]知识经济是以智力资源的占有、配置为基础,以科学技术的知识生产、分配、传播和使用为支柱,以创造性的人力资源为依托的经济形态。自然知识和人文知识还要与人文素养和自身能力诸方面和谐发展,才能确保其主体行为符合可持续发展的宗旨,并创造出可持续发展的社会价值。 对小学美术教育专业学生进行可持续发展的知识修养的教育是以可持续发展价值观为优秀的教育,旨在使每个受教育者形成可持续发展需要的价值观念、行为和生活方式,进而促进社会的可持续发展。在科学发展观指导下广泛实施可持续发展教育,将会逐步提高教育质量,把我国教育改革与发展推进到新的历史阶段。(四)丰富的现代教育知识与技术 面对信息社会的挑战,教育改革速度加快以及新型的教学方式,要求小学美术教育专业学生适应新的教学环境而不断提高自己的教育技术素质。现代教育技术,一个支点是教育,一个支点是现代技术,它是先进教育思想与先进科学技术密切结合的产物,并且现代教育技术随着科学技术和教育思想的发展而不断充实和丰富新的内容,增加新的内涵。 现代教育技术就是以现代教育思想、理论和方法为基础,以系统论的观点为指导,运用现代化教育技术进行教学,由于具有直观性、形象性,给人强烈的活动感、立体感等特点,所以能极大地引起受教育者探求知识的热情和兴趣,减少教学过程中的枯燥无味感,充分调动受教育者视觉听觉等多种感官的综合参与,对提高教学效率和教学质量,起着十分重要的作用。 二、小学美术教育专业的能力结构 根据小学美术教育专业的特点,学生的能力结构包括以下五个方面:(1)审美教育能力;(2)组织教学能力;(3)专业活动能力;(4)美术科研能力;(5)获取信息能力。根据以上五个方面,教师培养他们的能力结构应注意以下几点: (一)把审美教育能力的培养放在第一位 席勒说:“若把感性的人变为理性的人,惟一的路径是使他们成为审美的人。”[4]面对小学美术教育的预备军,要想他们将来成为审美教育的工作者,必须先使他们成为审美的人。对学生审美教育能力培养的基本任务是:1.敏锐的审美感受能力;2.全面的审美鉴赏能力;3.初步的审美创造能力。而这三种能力的培养是在相应知识建立的基础上发展而来的,教师在教学过程中,应把审美知识的传授与审美能力的培养具体体现在教学活动的各个环节上。 (二)组织教学能力和专业活动能力的培养是关键 组织教学能力的培养不仅仅是教育教学理论和方法的培养,而且还要把儿童心理和生理与儿童美术教学有机结合起来,在如何科学地对儿童进行美术教育,综合提高儿童素质上下功夫。 专业活动能力是组织教学能力的前提和基础,它包含两个方面:1.了解小学美术教学大纲,研究小学美术知识和技能,具备给儿童传授知识和指导学习方法的活动能力;2.具备美术专业创造能力。这要求教师在美术必修课、选修课、教育实践环节中,融入专业活动能力的培养,使学生具备全面的科学教育知识和广泛的各科基础知识,具备丰富的美术知识和基本表现技能,并培养学生在教育实践活动中运用这些知识和技能。 (三)美术科研能力和获取信息能力的培养是发展的要求 小学美术教育专业培养的学生是将来推动素质教育和时代进步的基础教育工作者,它必须适应社会发展的步伐,符合时代的要求。由此,小学美术教育专业必须培养具有时代开拓精神和一定科研能力的高素质的小学美术师资。 对学生的美术科研能力的培养要注意两点:1.对小学美术教育的课程设置、教学内容和教学方法等科研能力的培养,推动学生将来深化教学各方面的改革;2.对美术学科的科研能力的培养,促进学生艺术创造和艺术思维的提高。 对学生能力结构的培养,也是学生将来从事小学美术教育的需要,同时也是培养学生良好的思想道德和合理知识结构的重要途径。 总之,对小学美术教育专业学生的知识与能力结构的培养应以培养高素质小学美术教师为目标,以培养他们具有良好的人文素养、较强的创新思维、厚实的可持续发展的知识修养和丰富的现代教育知识与技术,以及熟练掌握本专业技能和科研活动能力为任务,使小学美术教育专业学生的知识结构与能力结构能更快更好地适应21世纪基础教育改革和发展需要。
海报设计论文:海报设计论文 (一)民族文化的传承与海报设计 中华民族的文化艺术是一座蕴藏丰富的宝库,对海报设计有着深刻的启迪与借鉴作用。面对丰富的民族文化资源,我们可以多层次、多角度的进行再认识、再发掘。 1.从艺术手法方面借鉴。 中国五千年文明的发展,无论是宫廷美术还是民间美术,无论是文人画还是宗教画,经过历代的画家、艺人、工匠的创作实践,积累了大量丰富多样的艺术表现手法和表现形式。从新石器时代的彩陶到殷商时期的青铜,从战国时期的器皿、帛画到汉代的雕塑画像石,从唐宋的绘画到明清的瓷器,以及民间广为流传的剪纸、木版年画、建筑、纹饰、戏装、面具等等,充分体现了或恢弘灵巧,或简约或精致,或工整或粗放或热烈或娟秀,或质朴或奢华等多种手法。无论是逸笔草草的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案;无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画,这一切无不为现在海报设计提供着丰富的表现形式和图式语言。靳埭强为日本“自在”纸坊创作的一种具有中国文化特色的海报,在纸纹上运用了传统手造纸的毛边,宣纸竹纹变化构成中国山水自然绘画意境疏散的意象,表现了中国人文性情无束,悠然自得的生活态度,整幅海报制作结合中国传统艺术表现手法,把作品风格淋漓尽致突显。对于今天机械工具,电脑技术带来的表现手法单调划一的理性倾向,传统民族艺术表现手法对于现代手段与智灵手法的协调,发挥重要的平衡作用。 2.从图像元素方面借鉴。 中华民族文化艺术在经过漫长的历史凝炼后,逐步形成各具典型文化内涵的图形和纹饰。他们包括人物、植物、动物、图腾、几何符号等形式在内的图像,以及一些流传广泛的典故、成语、传说中的人物、景物,一些约定俗成的事物及组合。如梅竹松岁寒三友象征坚贞的友谊,三羊开泰象征吉祥如意,莲花与鱼寓意“连年有余”,喜鹊与梅花寓意“喜上眉梢”等。这些乡土味浓郁的图像元素是民族文化的重要组成部分,正如张道一先生指出的“民间艺术是一种本元文化”,如果将这些富有民族形式特征的元素有机的组合到现代海报设计中,无疑会给单调枯燥的现代设计风格带来一股清新的空气。 如韩秉华把冰裂纹(开片)结合汉字引用与“苏州印象”海报作为创意概念。开片纹图案窗格及“三点水”的笔法,组成“州”字的主体,并突出“姑苏城外寒山寺”牌匾中的“苏”字以展示苏州。背景衬以山水影波光和一叶小舟的照片,并以黑色和银色印刷,展现了中国艺术古朴淡雅的诗般意境。 3.从思维方面借鉴 中国传统文化中整体的、辨证的、因果循环的思维方式,强调事物各方面辨证统一和相互间的联系,其思维过程重综合、重归纳。反映在自然观上,强调“天人合一”,“浑然天成”,“物我不分”和“因势就成”。其思想发轫于先秦的道家,儒家以及禅宗理念,是原始朴质的混沌思维方法论的基本优秀。中国特有的思维方式,为现代科学技术解开某些知识密码提供了科学辨证的有力思想武器。现代科学的三大发现——量子力学,相对论和混沌论中所包含的概念和思维方法,与中国民族文化中所蕴含的注重整体、和谐、相对、转化的传统思想方式相当吻合。中国的绘画理论和设计原理与这种思维方式有着密切的渊源关系,古代太极图中的阴阳回转,青铜器纹饰的抽象多义,国画中大写意虚实相生中无不透出这种思维方式的精髓。我们知道思维方式转化到海报设计上,往往促成创意的产生,它是人所共知的潜意识中存在的思想意念。一个好的思维意念的生成,能够超越任何阻碍人类之间相互交流的因素,达到更高层次的彼此交流,它是使“中国海报设计”登向国际设计舞台的不可或缺的条件之一。我们的设计师在进行海报设计时,能够把作品的创作思维糅合到中华民族传统的自然观、哲学、思维方式中,往往会有意想不到的效果产生。 二)民族传统文化与当代海报设计 中西文化的互动和双赢,成为世界多元文化格局发展的必然趋势。海报设计要根植于本土文化精华的土壤中,深入领悟传统中的“中国特性”,汲取外来优秀的意识、方法、兼收并蓄,融会贯通,做到既有自己的独到之处,又不落后于国际潮流的设计理念与实践体系。 1.对民族文化精髓的创造性转化 对我国的民族文化,即要发掘出其中蕴藏的丰富资源,又要看到其中存在的不是和缺憾,在进行海报设计时,要活学活用。很多设计师还存有“借古人以自重”的倾向,认为套几件古装或搬出典故神话就是弘扬民族文化,设计就有了文化内涵,殊不知这恰恰是远离文化的一种流于表面的吸收,刻意模仿穿衣戴帽的行为表现。 那么如何在海报设计中将民族性与时代性创造性相结合,是体现其本土文化设计的关键之一。我们认为,首要的就是将中国文化传统中视觉的符号和价值系统加以改造,使这些符号与价值系统变成有利与时代变迁的种子,根植于国人心中,使其保持文化的认同。因此,我们所要努力把握的不仅是形式与内容,更重要的是抓住中国传统视觉符号所蕴含的精神方式与审美内涵,并自然地将它转化到我们当代的海报设计之中,亦即将传统文化符号转化为现代视觉语言。例如余秉楠1995年创作的《海峡两岸一家亲》是为台湾印象海报会设计的“汉字”海报。作品选用了最古的篆字“家”,家是屋顶下的猪,一个多么美好的形象,多么安定和幸福的家庭,它虽然经历长期的形制更叠,繁衍出行,仍离不开造字的初衷,隐喻出海峡两岸一家亲的主题。刘小康设计的《新北京,新奥运》,背景是北京故宫九龙壁中的一条栩栩如生,威武动感,再加上一个跑步人形及科技感的线条造型,重叠龙形和人形,把传统文化,现代思维和运动精神结合起来,表达新时代北京的气象,还有很多成功作品,陈幼坚1987年设计的《Hello香港》,李永铨1993年设计的《现代香港设计师八人展——八仙过海》海报等等,都是从视觉文化的角度来重新看待中国传统视觉符号,深化了对中国传统文化精髓的把握,这对于发现具有新时期民族特色的海报设计艺术具有启发的意义。 2.“全球化”中的现代中国海报设计 在全球一体化的今天,海报作为信息与观念交流的载体,成为人们生活中不可缺少的成分,一个成功的海报设计应将不同地区,不同文化背景的人的共通性意念,通过图形文化方式表现出来,以求人们免去因文化、地域、语言、种族等,使人类交流产生阻碍的因素,通过视觉图形而达到心灵之间的直接沟通。 真正理想的“现代海报设计”,应该更多是一种融古通今,关怀人性的思考方式,是多种文化并存,是人与自然协调的“现代化”的体现,是庄子所畅想的“天地与我并生,万物与我为一”的人生境界。当然,对传统的珍视,并不是一味的沉溺与审美的情感体验,我们所希冀的中国海报设计是在理性秩序下借西学之风,熔铸古代传统,培育拥护中国的文化生命的强大力量,而不是盲目裁切我们古代图形中的优秀片段,凭空移植外来文化。“民族的才是国际的”,把海报设计穿上民族的盛装,让它在世界各种文化的击撞中接受挑战,汲取营养。 (三):结束语 面对“西方文化”的强势入侵,我们的文化艺术也必然受到前所未有的挑战。“与狼共舞”并不可怕,相反,每一次异质文化与中国民族文化的交融,都将会带来民族文化质的飞跃。面对设计全球化的浪潮,思想的贫瘠和信念的过失将成为每一位海报设计师共同的劲敌。因此,在这片具有悠久灿烂文化史的土壤中,我们的海报设计师要“善学邯郸,不失故步。中西结合,以中为主,源流结合。以源为主,形成民族个性,这样我们的民族文化将得以不断传承,我们的海报设计艺术在本土化的土壤里也必定大放异彩。 在设计国际化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言的失语视觉现象非常突出。 摘要:在设计国际化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言的失语视觉现象非常突出。作为当今社会人与人交流载体的海报设计,要走出一条“民族个性”的道路,就必须根植于民族文化土壤中,向传统学习,并进行具有创造性的转化,使传统文化符号在当代海报设计中既具有“民族个性”又有“时代性”,这样,我们海报设计才能真正走“国际化”。 关键词:传统民族文化海报设计本土化国际化 视觉传达设计是一种以“图”作为信息载体的艺术,也是与传播相结合的设计艺术形式。其中海报便是一种非同寻常的充满信息与传达的交流载体,它往往可以不通过文字的阅读或提示,让人们一目了然地快速识别图形中所传达的内容和含义。德国设计大师皮尔·门德尔认为:“海报不仅是为了引起人们的关注和理解,而且更是一种美的语言,它映射出一个国家的民族传统与社会文化。” 然而,在全球化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言“失语”现象非常突出。世界设计的大同之日就是它的末日到来之时。当设计失去了民族个性时,不仅达到“世界水平”的目标无法实现,实际上也正在迈向衰败的道路。真正的“中国设计”应该是试图去发现一种既根植于我们民族的本土性又对整个当代设计语言有意义的东西。一个好的海报应该是在寻找表现某种可以识别、分析、解读我们的传统艺术中渗透的我们民族的智慧、意境、精神的“中国特性”。我们要为“中国设计”寻觅正确的方向,也为国际海报艺术设计的丰富性提供来自把握们本土的智慧和想象力。 海报设计论文:海报设计的研究论文 摘要:在设计国际化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言的失语视觉现象非常突出。作为当今社会人与人交流载体的海报设计,要走出一条“民族个性”的道路,就必须根植于民族文化土壤中,向传统学习,并进行具有创造性的转化,使传统文化符号在当代海报设计中既具有“民族个性”又有“时代性”,这样,我们海报设计才能真正走“国际化”。 关键词:传统民族文化海报设计本土化国际化 视觉传达设计是一种以“图”作为信息载体的艺术,也是与传播相结合的设计艺术形式。其中海报便是一种非同寻常的充满信息与传达的交流载体,它往往可以不通过文字的阅读或提示,让人们一目了然地快速识别图形中所传达的内容和含义。德国设计大师皮尔·门德尔认为:“海报不仅是为了引起人们的关注和理解,而且更是一种美的语言,它映射出一个国家的民族传统与社会文化。” 然而,在全球化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言“失语”现象非常突出。世界设计的大同之日就是它的末日到来之时。当设计失去了民族个性时,不仅达到“世界水平”的目标无法实现,实际上也正在迈向衰败的道路。真正的“中国设计”应该是试图去发现一种既根植于我们民族的本土性又对整个当代设计语言有意义的东西。一个好的海报应该是在寻找表现某种可以识别、分析、解读我们的传统艺术中渗透的我们民族的智慧、意境、精神的“中国特性”。我们要为“中国设计”寻觅正确的方向,也为国际海报艺术设计的丰富性提供来自把握们本土的智慧和想象力。 (一)民族文化的传承与海报设计 中华民族的文化艺术是一座蕴藏丰富的宝库,对海报设计有着深刻的启迪与借鉴作用。面对丰富的民族文化资源,我们可以多层次、多角度的进行再认识、再发掘。 1.从艺术手法方面借鉴。 中国五千年文明的发展,无论是宫廷美术还是民间美术,无论是文人画还是宗教画,经过历代的画家、艺人、工匠的创作实践,积累了大量丰富多样的艺术表现手法和表现形式。从新石器时代的彩陶到殷商时期的青铜,从战国时期的器皿、帛画到汉代的雕塑画像石,从唐宋的绘画到明清的瓷器,以及民间广为流传的剪纸、木版年画、建筑、纹饰、戏装、面具等等,充分体现了或恢弘灵巧,或简约或精致,或工整或粗放或热烈或娟秀,或质朴或奢华等多种手法。无论是逸笔草草的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案;无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画,这一切无不为现在海报设计提供着丰富的表现形式和图式语言。靳埭强为日本“自在”纸坊创作的一种具有中国文化特色的海报,在纸纹上运用了传统手造纸的毛边,宣纸竹纹变化构成中国山水自然绘画意境疏散的意象,表现了中国人文性情无束,悠然自得的生活态度,整幅海报制作结合中国传统艺术表现手法,把作品风格淋漓尽致突显。对于今天机械工具,电脑技术带来的表现手法单调划一的理性倾向,传统民族艺术表现手法对于现代手段与智灵手法的协调,发挥重要的平衡作用。 2.从图像元素方面借鉴。 中华民族文化艺术在经过漫长的历史凝炼后,逐步形成各具典型文化内涵的图形和纹饰。他们包括人物、植物、动物、图腾、几何符号等形式在内的图像,以及一些流传广泛的典故、成语、传说中的人物、景物,一些约定俗成的事物及组合。如梅竹松岁寒三友象征坚贞的友谊,三羊开泰象征吉祥如意,莲花与鱼寓意“连年有余”,喜鹊与梅花寓意“喜上眉梢”等。这些乡土味浓郁的图像元素是民族文化的重要组成部分,正如张道一先生指出的“民间艺术是一种本元文化”,如果将这些富有民族形式特征的元素有机的组合到现代海报设计中,无疑会给单调枯燥的现代设计风格带来一股清新的空气。 如韩秉华把冰裂纹(开片)结合汉字引用与“苏州印象”海报作为创意概念。开片纹图案窗格及“三点水”的笔法,组成“州”字的主体,并突出“姑苏城外寒山寺”牌匾中的“苏”字以展示苏州。背景衬以山水影波光和一叶小舟的照片,并以黑色和银色印刷,展现了中国艺术古朴淡雅的诗般意境。 3.从思维方面借鉴 中国传统文化中整体的、辨证的、因果循环的思维方式,强调事物各方面辨证统一和相互间的联系,其思维过程重综合、重归纳。反映在自然观上,强调“天人合一”,“浑然天成”,“物我不分”和“因势就成”。其思想发轫于先秦的道家,儒家以及禅宗理念,是原始朴质的混沌思维方法论的基本优秀。中国特有的思维方式,为现代科学技术解开某些知识密码提供了科学辨证的有力思想武器。现代科学的三大发现——量子力学,相对论和混沌论中所包含的概念和思维方法,与中国民族文化中所蕴含的注重整体、和谐、相对、转化的传统思想方式相当吻合。中国的绘画理论和设计原理与这种思维方式有着密切的渊源关系,古代太极图中的阴阳回转,青铜器纹饰的抽象多义,国画中大写意虚实相生中无不透出这种思维方式的精髓。我们知道思维方式转化到海报设计上,往往促成创意的产生,它是人所共知的潜意识中存在的思想意念。一个好的思维意念的生成,能够超越任何阻碍人类之间相互交流的因素,达到更高层次的彼此交流,它是使“中国海报设计”登向国际设计舞台的不可或缺的条件之一。我们的设计师在进行海报设计时,能够把作品的创作思维糅合到中华民族传统的自然观、哲学、思维方式中,往往会有意想不到的效果产生。(二)民族传统文化与当代海报设计 中西文化的互动和双赢,成为世界多元文化格局发展的必然趋势。海报设计要根植于本土文化精华的土壤中,深入领悟传统中的“中国特性”,汲取外来优秀的意识、方法、兼收并蓄,融会贯通,做到既有自己的独到之处,又不落后于国际潮流的设计理念与实践体系。 1.对民族文化精髓的创造性转化 对我国的民族文化,即要发掘出其中蕴藏的丰富资源,又要看到其中存在的不是和缺憾,在进行海报设计时,要活学活用。很多设计师还存有“借古人以自重”的倾向,认为套几件古装或搬出典故神话就是弘扬民族文化,设计就有了文化内涵,殊不知这恰恰是远离文化的一种流于表面的吸收,刻意模仿穿衣戴帽的行为表现。 那么如何在海报设计中将民族性与时代性创造性相结合,是体现其本土文化设计的关键之一。我们认为,首要的就是将中国文化传统中视觉的符号和价值系统加以改造,使这些符号与价值系统变成有利与时代变迁的种子,根植于国人心中,使其保持文化的认同。因此,我们所要努力把握的不仅是形式与内容,更重要的是抓住中国传统视觉符号所蕴含的精神方式与审美内涵,并自然地将它转化到我们当代的海报设计之中,亦即将传统文化符号转化为现代视觉语言。例如余秉楠1995年创作的《海峡两岸一家亲》是为台湾印象海报会设计的“汉字”海报。作品选用了最古的篆字“家”,家是屋顶下的猪,一个多么美好的形象,多么安定和幸福的家庭,它虽然经历长期的形制更叠,繁衍出行,仍离不开造字的初衷,隐喻出海峡两岸一家亲的主题。刘小康设计的《新北京,新奥运》,背景是北京故宫九龙壁中的一条栩栩如生,威武动感,再加上一个跑步人形及科技感的线条造型,重叠龙形和人形,把传统文化,现代思维和运动精神结合起来,表达新时代北京的气象,还有很多成功作品,陈幼坚1987年设计的《Hello香港》,李永铨1993年设计的《现代香港设计师八人展——八仙过海》海报等等,都是从视觉文化的角度来重新看待中国传统视觉符号,深化了对中国传统文化精髓的把握,这对于发现具有新时期民族特色的海报设计艺术具有启发的意义。 2.“全球化”中的现代中国海报设计 在全球一体化的今天,海报作为信息与观念交流的载体,成为人们生活中不可缺少的成分,一个成功的海报设计应将不同地区,不同文化背景的人的共通性意念,通过图形文化方式表现出来,以求人们免去因文化、地域、语言、种族等,使人类交流产生阻碍的因素,通过视觉图形而达到心灵之间的直接沟通。 真正理想的“现代海报设计”,应该更多是一种融古通今,关怀人性的思考方式,是多种文化并存,是人与自然协调的“现代化”的体现,是庄子所畅想的“天地与我并生,万物与我为一”的人生境界。当然,对传统的珍视,并不是一味的沉溺与审美的情感体验,我们所希冀的中国海报设计是在理性秩序下借西学之风,熔铸古代传统,培育拥护中国的文化生命的强大力量,而不是盲目裁切我们古代图形中的优秀片段,凭空移植外来文化。“民族的才是国际的”,把海报设计穿上民族的盛装,让它在世界各种文化的击撞中接受挑战,汲取营养。 (三):结束语 面对“西方文化”的强势入侵,我们的文化艺术也必然受到前所未有的挑战。“与狼共舞”并不可怕,相反,每一次异质文化与中国民族文化的交融,都将会带来民族文化质的飞跃。面对设计全球化的浪潮,思想的贫瘠和信念的过失将成为每一位海报设计师共同的劲敌。因此,在这片具有悠久灿烂文化史的土壤中,我们的海报设计师要“善学邯郸,不失故步。中西结合,以中为主,源流结合。以源为主,形成民族个性,这样我们的民族文化将得以不断传承,我们的海报设计艺术在本土化的土壤里也必定大放异彩。 海报设计论文:海报设计技法论文 这是一种最常见的运用十分广泛的表现手法。它将某产品或主题直接如实地展示在广告版面上,充分运用摄影或绘画等技巧的写实表现能力。细臻刻划和着力渲染产品的质感、形态和功能用途,将产品精美的质地引人入胜地呈现出来,给人以逼真的现实感,使消费者对所宣传的产品产生一种亲切感和信任感。 这种手法由于直接将产品推向消费者面前,所以要十分注意画面上产品的组合和展示角度,应着力突出产品的品牌和产品本身最容易打动人心的部位,运用色光和背景进行烘托,使产品置身于一个具有感染力的空间,这样才能增强广告画面的视觉冲击力。 突出特征法 运用各种方式抓住和强调产品或主题本身与众不同的特征,并把它鲜明地表现出来,将这些特征置于广告画面的主要视觉部位或加以烘托处理,使观众在接触言辞画面的瞬间即很快感受到,对其产生注意和发生视觉兴趣,达到刺激购买欲望的促销目的。 在广告表现中,这些应着力加以突出和渲染的特征,一般由富于个性产品形象与众不同的特殊能力、厂商的企业标志和产品的商标等要素来决定。 突出特征的手法也是我们常见的运用得十分普遍的表现手法,是突出广告主题的重要手法之一,有着不可忽略的表现价值 对比衬托法 对比是一种趋向于对立冲突的艺术美中最突出的表现手法。它把作品中所描绘的事物的性质和特点放在鲜明的对照和直接对比中来表现,借彼显此,互比互衬,从对比所呈现的差别中,达到集中、简洁、曲折变化的表现。通过这种手法更鲜明地强调或提示产品的性能和特点,给消费者以深刻的视觉感受。 作为一种常见的行之有效的表现手法,可以说,一切艺术都受惠于对比表现手法。对比手法的运用,不仅使广告主题加强了表现力度,而且饱含情趣,扩大了广告作品的感染力。对比手法运用的成功,能使貌似平凡的画面处理隐含着丰富的意味,展示了广告主题表现的不同层次和深度。 合理夸张法 借助想象,对广告作品中所宣传的对象的品质或特性的某个方面进行相当明显的过份夸大,以加深或扩大这些特征的认识。文学家高尔基指出:“夸张是创作的基本原则。”通过这种手法能更鲜明地强调或揭示事物的实质,加强作品的艺术效果。 夸张是一般中求新奇变化,通过虚构把对象的特点和个性中美的方面进行夸大,赋予人们一种新奇与变化的情趣。 按其表现的特征,夸张可以分为形态夸张和神情夸张两种类型,前者为表象性的处理品,后者则为含蓄性的情态处理品。通过夸张手法的运用,为广告的艺术美注入了浓郁的感情色彩,使产品的特征性鲜明、突出、动人。 以小见大法 在广告设计中对立体形象进行强调、取舍、浓缩,以独到的想象抓住一点或一个局部加以集中描写或延伸放大,以更充分地表达主题思想。这种艺术处理以一点观全面,以小见大,从不全到全的表现手法,给设计者带来了很大的灵活性和无限的表现力,同时为接受者提供了广阔的想象空间,获得生动的情趣和丰富的联想。 以小见大中的“小”,是广告画面描写的焦点和视觉兴趣中心,它既是广告创意的浓缩和生发,也是设计者匠心独具的安排,因面它已不是一般意义的“小”,而是小中寓大,以小胜大的高度提炼的产物,是简洁的刻意追求 运用联想法 在审美的过程中通过丰富的联想,能突破时空的界限,扩大艺术形象的容量,加深画面的意境。 通过联想,人们在审美对象上看到自己或与自己有关的经验,美感往往显得特别强烈,从而使审美对象与审美国微软公司者融合为一体,在产生联想过程中引发了美感共鸣,其感情的强度总是激烈的、丰富的。 富于幽默法 幽默法是指广告作品中巧妙地再现喜剧性特征,抓住生活现象中局部性的东西,通过人们的性恪、外貌和举止的某些可笑的特征表现出来。 幽默的表现手法,往往运用饶有风趣的情节,巧妙的安排,把某种需要肯定的事物,无限延伸到漫画的程度,造成一种充满情趣,引人发笑而又耐人寻味的幽默意境。幽默的矛盾冲突可以达到出乎意料之外,又在情理之中的艺术效果,勾引起观赏者会心的微笑,以别具一格的方式,发挥艺术感染力的作用。 借用比喻法 比喻法是指在设计过程中选择两个在本拷贝各不相同,而在某些方面又有些相似性的事物,“以此物喻彼物”,比喻的事物与主题没有直接的关系,但是某一点上与主题的某些特征有相似之处,因而可以借题发挥,进行延伸转化,获得“婉转曲达”的艺术效果。 与其它表现手法相比,比喻手法比较含蓄隐伏,有时难以一目了然,但一旦领会其意,便能给一以意味无尽的感受。 以情托物法 艺术的感染力最有直接作用的是感情因素,审美就是主体与美的对象不断交流感情产生共鸣的过程。艺术有传达感情的特征,“感人心者,莫先于情”这句话已表明了感情因素在艺术创造中的作用,在表现手法上侧重选择具有感情倾向的内容,以美好的感情来烘托主题,真实而生动地反映这种审美感情就能获得以情动人,发挥艺术感染人的力量,这是现代广告设计的文学侧重和美的意境与情趣的追求。 悬念安排法 在表现手法上故弄玄虚,布下疑阵,使人对广告画面乍看不解题意,造成一种猜疑和紧张的心理状态,在观众的心理上掀起层层波澜,产生夸张的效果,驱动消费者的好奇心和强烈举动,开启积极的思维联想,引起观众进一步探明广告题意之所在强烈愿望,然后通过广告标题或正文把广告的主题点明出来,使悬念得以解除,给人留下难忘的心理感受。 悬念手法有相当高的艺术价值,它首先能加深矛盾冲突,吸引观众的兴趣和注意力,造成一种强烈的感受,产生引人入胜的艺术效果。 选择偶像法 在现实生活中,人们心里都有自己崇拜、仰慕或效仿的对象,而且有一种想尽可能地向他靠近的心理欲求,从而获得心理上的满足。这种手法正是针对人们的这种心理特点运用的,它抓住人们对名人偶像仰慕的心理,选择观众心目中崇拜的偶像,配合产品信息传达给观众。由于名人偶像有很强的心理感召力,故借助名人偶像的陪衬,可以大大提高产品的印象程度与销售地位,树立名牌的可信度,产生不可言喻的说服力,诱发消费者对广告中名人偶像所赞誉的产品的注意激发起购买欲望。偶像的选择可以是柔美风流的超级女明星,气质不凡举世闻名的男吸星;也可以是驰名世界体坛的男女高手,其它的还可以选择政界要人、社会名流、艺术大师、战场英雄、俊男美女等。偶像的选择要与广告的产品或劳务在品格上相吻合,不然会给人牵强附会之感,使人在心理上予以拒绝,这样就不能达到预期的目的。 谐趣模仿法 这是一种创意的引喻手法,别有意味地采用以新换旧的借名方式,把世间一般大众所熟悉的名画等艺术品和社会名流等作为谐趣的图像,经过巧妙的整形履行,使名画名人产生谐趣感,给消费者一种崭新奇特的视觉印象和轻松愉快的趣味性,以其异常、神秘感提高广告的诉耱效果,增加产品身价和注目度。 这种表现手法将广告的说服力,寓于一种近乎漫画化的诙谐情趣中,使人赞叹,令您发笑,让您过目不忘,留下饶有奇趣的回味。 神奇迷幻法 运用畸形的夸张,以无限丰富的想象构织出神话与童话般的画面,在一种奇幻的情景中再现现实,造成与现实生活的某种距离,这种充满浓郁浪漫主义,写意多于写实的表现手法,以突然出现的神奇的视觉感受,很富于感染力,给人一种特殊的美感受,可满足人们喜好奇异多变的审美情趣的要求。 在这种表现手法中艺术想象很重要,它是人类智力发达的一个标志,干什么事情都需要想象,艺术尤其这样。可以毫不夸张地说,想象就艺术的生命。 从创意构想开始直到设计结束,想象都在活跃地进行。想象的突出特征,是它的创造性,创造性的想象是新的意蕴的挖掘开始,是新的意象的浮现展示。它的基本趋向是对联想所唤起的经验进行改造,最终构成带有审美者独特创造的新形象,产生强烈打坳人心的力量。 连续系列法 通过连续画面,形成一个完整的视觉印象,使通过画面和文字传达的广告信息十分清晰、突出、有力。 广告画面本身有生动的直观形象,多次反复的不断积累,能加深消费者对产品或劳务的印象,获得好的宣传效果,对扩大销售,树立名牌,刺激购买欲增强竞争力有很大的作用。对于作为设计策略的前提,确立企业形象更有不可忽略的重要作用。 作为设计构成的基础,形式心理的把握是十分重要的,从视觉心理来说,人们厌弃单调划一的形式,追求多样变化,连续系列的表现手法符合“寓多样于统一之中”这一形式美的基本法则,使人们于“同”中见“异”,于统一中求变化,形成既多样又统一,既对比又和谐的艺术效果,加强了艺术感染力。 海报设计论文:电影海报设计管理论文 摘要:本文着力探讨在不同文化背景中电影海报所呈现的民族性问题,以及设计师如何受到传统文化影响,进而在电影海报中体现出鲜明的民族性倾向。而电影海报设计师只有立足文化传统并挣脱其束缚,方能在中西文化之间达到完善自身的终极目的! 关键词:电影海报,设计,文化背景,民族性 世界电影自诞生之日已有百余年历史,“电影海报同月份牌、年画、宣传画一样可统称为招贴画,也可称为电影宣传画。一般张贴于影剧院、广告栏或是张贴在大街马路等公共场所。”电影海报属于平面广告设计,其作用在于推销电影内容,在颇具审美性的艺术形式下,电影海报因设计者的文化背景差异,导致了强烈的民族性艺术风格,因而也成为时代的忠实记录者。 由于美学文化背景的差异,以及客观条件的限制,电影海报设计必定带有民族性特质。设计师的成长环境决定了设计理念的民族性差异,他的作品体现着历史发展的清晰脉络,在多元化的沟通与理解中,电影海报图形语言的国际性趋势并没有消解民族性内涵。相反,拥有国际背景的民族性设计才是电影海报的发展趋势,因为国际性基于民族性得以产生、发展,否则电影海报设计的国际化将成为空洞的说谈。以德国为例,它是现代设计与现代设计教育的发祥地,包豪斯的设计理念至今仍影响着我们的生活,而欧洲传统文化对冈特·兰勃的广告招贴设计作品存有显而易见的影响。源于同一文化土壤的设计师,必定具备相似的设计观,德国HeinzSchulz-Neudamm亲自设计的《大都会》(由弗里兹·朗使执导)国际版电影海报,在美国拍出六十九万美元,因为作品绘制于1927年且存本较少,设计师采用艺术装饰主义手法,极力营造出充满未来世界的审美性效果,进而成为具有收藏价值的艺术珍品。不同文化背景决定了电影海报的设计理念差异,在提升电影主题的过程中,电影海报也因设计者的民族性,无形之中成为时代风貌的见证者。 电影海报设计伴随着世界电影而产生,经历了由黑白到彩色的发展历程,逐渐由单纯介绍电影内容的招贴画,变成一种平面设计艺术作品。从海报设计角度研究,世界电影海报大致经历了手绘海报和电脑(设计)海报两个阶段。二十世纪二十年代,手绘海报首先出现于观众视野,直到五十年代,新中国的电影海报均采用手绘的形式。这种绘画方式强调了平面设计者的主观能动性,采用大胆的夸张造型以及鲜明的色彩,充分表达了设计者对电影内容的文化解读。此时的设计要求在于着力刻画影片内容,多写实性描绘,如影片的主人公以及重要场景皆成为手绘对象。1939年由维克多·弗莱明导演的《乱世佳人》成为影坛经典,电影海报以剧中亚特兰大的火光冲天为背景,配合火红的暖色调,夸张而鲜明地表达出英雄怀抱美人的浓烈爱意。1941年由奥逊·威尔斯导演的《公民凯恩》成为划时代的一部影片,它的一款海报(西班牙)采用写实性手法描绘出男主角的半身像,在色彩处理上因降低了纯度造成偏灰的效果,与电影所要阐发的深刻内涵相符合。 二十世纪九十年代,大型摄影加工器材的应用以及电脑合成技术的广泛普及,世界电影海报逐渐步入电脑设计时代。设计师采用先进的电脑合成技术,突破了传统的写实性描绘,丰富了电影海报的象征性寓意以及文化的多义性表达,成为电影商业化运作中的一个亮点。萨姆·门德斯(SamMendes)导演、AlanBall编剧的《美国丽人》为一部家庭伦理片,海报以少女性感、美丽的腹部为背景,一朵玫瑰花尽显青春的甜美,画面呈现粉红色娇嫩的绘画色调,温暖、鲜艳的色彩与深刻、复杂的故事内容形成鲜明对比。它没有任何写实性描绘,暧昧的电影主题通过人体的肌肤得以表达,含蓄而深刻。大导演斯皮尔博格的经典之作《外星人E·T》为一部科幻片,海报以一轮明月为背景,一个穿雨衣的小男孩正骑着单车向月亮奔去。画面前方男孩和外星人用食指相通,温情的友谊成为这部科幻片的感情基调。海报选取湛蓝的色调,象征着对未知世界的探秘,正如影片内容注重电脑特效的运用,海报设计在奇幻性的视觉语言中向受众讲述了一个美丽的孩童之梦。导演韦斯·克莱文于2000年制作的《惊声尖叫·3》为一部喜剧类惊悚片,电影海报选取黑色调造成了某种视觉压迫感,左边从黑暗中飘来一张变性的骷髅脸,右边为一个白色数字“3”,其中透出一个女子惊恐的眼睛。海报以黑白形成强烈的对比色,营造出恐怖的画面视觉效果,它在设计理念中摒除了叙事性概念,抓住“惊悚”这一优秀元素,为电影做出了较好的市场宣传。 可以说,一部出色的电影海报可以提升电影的艺术品味,甚至成为电影内容所成就的某种文化的象征性代表。譬如顾长卫于2005年的处女作《孔雀》,它的海报以麦地为背景,左上方是一个白色的降落伞,右下方的女主角推着自行车,出神地望着远方天空。画面选取纯度较低的灰绿色为基调,呈现出略带感伤的怀旧情绪;女主角凝视远方天空的默默神态,以及象征着个人梦想的白色降落伞……这些设计元素与影片的主题意义相得益彰,观后令人无限回味八十年代社会转型期的历史风貌。当然,出于电影内容的实际需要,在电脑时代的电影海报设计中仍会出现若干手绘海报,这也不失为一种文化怀旧的经典性回归。 早期的手绘海报多出自画家之手,之后为专业设计师,无论其何种身份,电影海报制作者的文化修养对设计理念起着至关重要的作用。在东方文化内部,包括中华民族、大和民族以及朝鲜民族,他们秉持着传统的儒教思想,却又各具特色,这种细微的文化差异对电影海报设计存有至关重要的影响。在斯皮尔博格执导的《艺妓回忆录》中,它的海报设计将目光聚焦在一张苍白的脸上,搭配鲜艳的红唇、翠绿的眼珠、飘动的黑发,形成强烈的视觉冲击力。黑白的眀暗关系,色彩的冷暖对比,平静的表情与舞动的头发,这些设计元素如同剧情一般,在中西文化间以及儒家文化圈内得到了莫衷一是的反响。在文化禁忌中,东方文化享有悠久的历史传统,中国人历来忌讳“流星”以及数字“四”,韩国人忌讳“菊花”,而日本人却忌讳“白手帕”。三国都对红墨水书写的名字表示反感,因为这也代表了“死亡”的意义。东方文化中的民族传统也各具特点:中国的“阴阳”学说在现实中对应着相应的象征物,如日、月对应着“阳”与“阴”;在日本和服礼仪中,只有死者的头部右侧方能佩戴头饰……中日文化间的差异,导致中国人在设计中注重平衡性理念,推崇中庸思想,而日本人却崇尚简约的设计风格,反映出大和民族平和、细腻的文化风貌。另外,中国的汉字不仅成为表情达意的语言工具,也成为一种审美性图案,它们或行云流水,或万马奔腾,只因字体的变化即可完成语义之外的情感表述。由此可见,文化背景的多样性呼唤着设计师必须具备专业性知识,只有立足本民族文化传统,方能在设计中显示出超越文化形态的包容性。 新中国成立以来,电影海报设计伴随着中国电影发展而逐步成熟,尤其在二十世纪七八十年代形成了自身的民族性风格。在更早的三十年代,中国电影海报业已出现,但那时并未形成规模,与西方的设计理念差距较大。建国后中国电影海报设计者借鉴多种艺术手法,在手绘海报时期,他们多采用水粉,还有油画、素描、摄影、雕塑、国画、版画、连环画以及剪纸等艺术形式,可以说他们在传统文化中找到了丰富的文化补给。 二十世纪七八十年代,传统文化中的国画、工艺美术以及少数民族装饰艺术,对电影海报的民族性颇具影响。中国传统绘画粗略分为写意和工笔两大类,前者重在意境,用极简笔墨勾勒出物象的形神;后者运用工整、缜密、细致的技法来描绘物象。1959年出品的电影《林则徐》,邀请国画大师程十发进行海报创作,他用中国水墨的表现手法塑造了林则徐的英雄气势,成为手绘海报中难得的精品。电影海报的作用在于吸引眼球、传递信息,同时也要具备艺术审美。中国写意绘画要求笔墨简单且形神兼备,寥寥数笔便表现出物象特点以及现场氛围状况。电影《小街》海报即是此例,一个人物头像仅用去些许笔墨,简单、醒目的笔墨语言,黑白相间的虚实对比,形成一种强烈的视觉冲击力。同时,这种传统绘画方式也易于拉近与中国观众的距离,因为受众在迅速接受电影内容的宣传中,容易产生审美性共鸣。对于中国戏曲电影,借鉴传统绘画方式进行电影海报设计,可以起到事半功倍的效果。二者皆为中国传统艺术珍品,讲求简约以及意境悠远,在设计中通过国画笔墨的“气韵生动”,可以达到两种艺术形式在审美取向上的精神性共鸣。 在电影海报设计中,工艺美术中的版画和剪纸艺术,也成为颇具中国特色的设计元素。版画是以“版”作为媒介,进行绘画创作的一种艺术形式。二十世纪二三十年代,鲁迅倡导的新木刻运动在文艺界产生了广泛影响,他们在理论上吸收了了来自欧洲版画界诸如麦绥莱勒和珂勒惠支的艺术思想,以及当时苏联版画界的革命主义精神,于是中国版画界成为“左联”活动的一个重要领域。在抗日宣传中,他们将版画视作革命斗争的有力武器,因而版画艺术与民族情感相融合,在中国得到广泛普及。电影海报《红色娘子军》以木刻版画的形式,着力刻画了娘子军的飒爽英姿;八十年代电《聂耳》和《早春二月》的电影海报设计,也都取得了木刻版画的艺术效果,令人印象深刻。 剪纸作为中国最为古老的民间美术之一,至今仍在民众中拥有影响力。早期的剪纸多见于丧葬以及祭祀仪式,发展至今,成为一种产生广泛影响的民俗艺术。剪纸讲究图案式构图,虚实相间以及明暗的强烈对比,这一艺术形式被电影海报所借鉴,设计的民族性愈发强烈。基于民间故事拍摄而成的电影《白蛇传》,它的电影海报采用民间剪纸设计元素,取得了良好的视觉效果。一方面,剪纸艺术为群众喜闻乐见,易于为受众接受;另一方面,剪纸与民间故事在审美上具有相通性,民俗艺术赋予民间故事以更多传奇性因素,颇具吸引力。 中国是一个多民族国家,因而民族装饰类图案也经常出现在电影海报设计中,成为一个亮点。由于地域广阔,各地民族风俗习惯亦有差异,于是别具风情的民族性装饰类图案可以获得更多关注,并发挥艺术审美的功用。在电影海报《金银滩》中,设计师手绘了少数民族典型服饰,不但符合剧情需要,也起到吸引眼球的作用。电影海报《相约在凤尾竹下》传递出浓郁的苗族风情,不仅适合少数民族影片的内容宣传,在艺术审美上更是获得了相当成功。 直至九十年代,中国电影海报设计多采用电脑三维技术与摄影图片结合的方式,这一阶段的时代创新仍在积极探索中。告别了传统手绘的设计方法,设计师需要在国际性图像语汇中找到自身的民族性内涵,正如七八十年代的努力探索一样,在新世纪中以民族性姿态走向世界影坛。 纵观电影海报的发展历程,从手绘阶段到电脑设计时代,这一艺术形式越来越需要设计师具备专业性知识。电影海报设计开始成为一个相对独立的新兴设计门类,文化的差异性注定其具备显著的民族性特征。电影海报设计师只有立足文化传统并冲破其束缚,方能在中西文化的激烈碰撞中,逐渐达到完善自身的最终目的。 海报设计论文:剪纸艺术海报设计论文 一、传统民间剪纸艺术的概述 1.传统民间剪纸的特点 (1)传统民间剪纸的材质传统民间剪纸大都使用那些价格比较低廉和纸质非常轻薄的大红毛边纸。正是由于在材质、工艺以及手法上面所呈现出来的不同,才使得传统民间剪纸和其他传统民间艺术相比,具有独特的表现力。 (2)传统民间剪纸的主题传统民间剪纸最初是在关乎生死祭祀、庇佑祈福等民俗活动中以旗幡的样式出现的。随着我们生活节奏的不断加快以及生活水平的不断提高,有许多民俗礼节已经被人们所遗忘了,但是那些表现夫妻恩爱、多子多福、风调雨顺等的主题,依然是民间剪纸艺术最为重要的主题。 (3)传统民间剪纸的题材传统民间剪纸表达了人们对美好生活的向往,其来源于人们的日常生活,题材非常丰富,无论是随处可见的花鸟鱼虫,还是人们耳熟能详的神话和民间故事等,都能成为剪纸艺术的素材和表达对象。 (4)传统民间剪纸的手法传统民间剪纸主要是利用剪刀来完成的,随着剪纸艺术的快速发展,剪纸也需要进行批量生产,这样就出现了刻刀。刀刻工艺相比于剪刀,其更能从细节上表现出剪纸艺术的魅力。 2.传统民间剪纸的发展趋势传统民间剪纸艺术蕴含着中华民族独特的审美观念和创造精神。工业文明的飞速发展,以及世界经济和文化的大融合,使得很多传统的艺术财富正在被我们所淡忘。在对剪纸艺术进行学习和了解过程中,我发现剪纸就是设计,一门独特的设计,它的文化底蕴、纹样以及色彩的独特性给现代设计带来了无限的发展空间。且现代设计离不开民间文化,因此现代设计要得以发展,就必须继承和发扬民间文化,对民间文化兼收并蓄、融会贯通,寻找传统与现代的切合点。这样才能找到真正属于我们本民族的,同时又能够为国际社会所认同的现代设计。如何借鉴和吸收传统文化的精髓,如今已经成为了现代设计师所共同面对的新课题。所以本民族的民间文化越来越被当今设计师所重视。很多华人设计师在创作的过程中,都不同程度地借鉴了中国传统民间文化作为素材。例如“2010上海电影节”的宣传海报就是以剪纸窗花的形式来表现的,它运用了剪纸的表现手法,对胶片与摄像机进行了变形,通过镂空透雕,成功地将剪纸艺术融入到了现代海报设计中。可见,将剪纸艺术的表现手法融入到现代艺术技巧里面,是更好地发扬我国文化的一个有效途径。 二、民间剪纸艺术融入现代宣传海报设计的必要性与作用 1.将民间剪纸艺术融入现代宣传海报设计中的必要性民间剪纸艺术在现代海报设计中的应用白露摘要:本文在介绍了中国传统剪纸艺术的概念、特点及发展趋势的基础上,着重分析了民间剪纸艺术融入现代宣传海报设计的必要性与重要作用,并进一步探讨了民间剪纸艺术在现代海报设计中的应用与创新。关键词:民间剪纸艺术;现代海报设计;应用艺术设计海报在我们当代社会可以说是无处不在的,然而有很多海报设计却令我们着实感到费解,非但没有得到人们的喜爱,反而因为丧失文化个性而被人们厌恶。为此,将传统的剪纸艺术经过加工和升华融入到现代海报设计中,无疑能起到意想不到的良好效果,同时这也是我国现代海报设计未来发展的必然趋势。我国民间艺术所具有的影响力对海报设计的影响是非常大的。从表面上来看,民间剪纸艺术与海报设计是两种不同的艺术形式,看上去毫无关联,但二者的本质却潜藏着一种天然的联系。这需要我们努力地挖掘出它们二者之间的联系,这样才可以使它们更好地融合。 2.民间剪纸艺术对现代海报设计的作用 (1)中国传统民间剪纸题材广泛、内容丰富,能够为现代海报设计提供丰富的视觉艺术资源传统民间剪纸艺术表现的题材非常丰富,包括花鸟、鱼虫、民间故事、传奇人物、原始图腾等。这些表现题材能够为我们的现代海报设计带来丰富的灵感和资源。如在“2010上海世博会宣传海报”设计中,设计者运用民间剪纸当中中国传统吉祥物的题材,把中华文化巧妙展现在了世界人民眼前。 (2)中国传统民间剪纸艺术的视觉思维方式能够给现代海报设计带来无穷的启迪传统民间剪纸艺术体现的是原发性的思维方式,其不是对自然对象进行的机械复制,而是在对这些现象和问题有一个准确的把握以后,在此基础上所进行的变形和创造。如在“2010上海世博会宣传海报”设计中,我们不能单纯地借用事物的图形,而要在抓住事物的特点的基础上,对事物进行变形再创造。比如在“2010上海世博会宣传海报”中设计师运用剪纸的手法把复杂的中国馆简约地展现了出来,同时又没有失去中国馆原有的形态。 (3)中国传统民间剪纸艺术蕴含的审美思想和审美意蕴,可以升华现代海报设计的内涵和底蕴中国传统剪纸和国画等艺术形式一样,追求的是一种意境美,讲究每一幅图都要有其特定的含义,而且这些含义都要是吉祥的,这些都源于我国传统文化对尽善尽美与幸福圆满的不懈追求。如在“2010上海世博会宣传海报设计”中加入中国传统代表吉祥喜庆平安的符号,并将这些主题、意境融入到海报设计中,以丰富现代海报设计的内涵和底蕴。 三、民间剪纸艺术在现代海报设计中的应用 1.现代海报设计对传统民间剪纸色彩的创新我国传统民间剪纸一般喜欢把大红色作为主色调,主要是因为红色在我国具有寓意吉祥和喜庆的意蕴,这和剪纸艺术所要表达对吉祥幸福的追求以及喜庆气氛的烘托是不谋而合的。现代海报设计不仅可以对传统民间剪纸艺术进行利用,还可以在融入剪纸艺术的过程中进行创新,在剪纸中加入千变万化的色彩。如“2010上海世博会宣传海报”设计就以剪纸的大红色为主,表达出了喜庆吉祥的气氛,再以其他颜色为辅,不仅解决了剪纸艺术当中色调单一的问题,还使得海报设计更加多彩化。 2.现代海报设计对传统民间剪纸纹样的创新传统民间剪纸的材质决定了它的外部轮廓必须完整,不能刻断,所以民间剪纸艺术讲究“千刻不落,万剪不断”,它不允许形的破碎,即使发展到了今天,这也是剪纸艺术中一个非常重要的特色。然而在现代设计中,人们的思想更加开放了,已经没有了这种限制,完全可以按照主体形象的要求,在没有对纹样造成破坏的基础上进行大胆的变化和删减。在“2010上海世博会宣传海报”设计中,设计师把中国馆与上海的标志性建筑物——东方明珠的图形通过剪纸的形式表现了出来,把复杂的图形简约化,不但突出了海报所表达的中心,而且形象地把上海世博会的风貌展现了出来。3.现代海报设计对传统民间剪纸内容的创新我国传统的民间剪纸与皮影戏、风筝等民间艺术一样,都具有非常明显的本土特征。剪纸基本上表达的都是劳动人民对美好生活的向往,吉祥如意是其永恒的主题。但是在现代设计里面,在对剪纸元素进行利用的同时,还可以进行创新,将更多的元素融合进来。也就是说,在一幅图像中,可将不同的元素结合起来来讲述不同的故事。在“2010上海世博会”的宣传海报设计中,设计师把上海东方明珠与传统的剪纸元素相结合,既有浓浓的剪纸韵味,又给人以时尚简洁的感觉。 四、结语 当前,我国海报设计理念受西方思想的影响比较深,不少设计师一直在努力去模仿其他国家海报设计的理念,但是这些海报在我国并没有取得预期的反响,这说明我国民族文化已经淡出了艺术设计领域。而传统的剪纸艺术为当前的海报设计提供了非常多的新元素。当然,如何将我们传统的剪纸艺术和海报设计完美地结合起来,仍是一个比较重要的问题,还需要我们继续研究下去。 作者:白露单位:河南牧业经济学院 海报设计论文:当代绘画对海报设制影响探究 本文作者:黄润生作者单位:西华师范大学美术学院 现代绘画的特征 现代主义绘画的艺术特征可从两点来分析,以下就以毕加索的《格尔尼卡》和德拉克洛瓦所绘的《希阿岛的屠杀》为例作出简单的分析。 特征之一:现代绘画的表现形式从传统的具体化转化为意象化、抽象化。就毕加索所绘的《格尔尼卡》来看,其是代表现代主义绘画立体主义的主要作品之一,而德拉克洛瓦所绘的《希阿岛的屠杀》则是代表传统绘画的浪漫主义作品中的经典之一。虽然二者的表现题材主要是战争,然而就作品表现形式分析,可谓大相径庭。德拉克洛瓦在所绘的《希阿岛的屠杀》中采用了明暗造型法,对耀武扬威、趾高气扬的侵略者与孤立无助、绝望挣扎而倒在血泊之中的受欺压人民的残酷现状进行了真实的刻画,而且还是具象、真实的画面,而在毕加索所绘的《格尔尼卡》中,其画面主要是单纯的几何图形和活动的曲线,互相交错拼贴成近似于马头、牛头以及支离破碎的妇女和孩童的抽象化的画面,这主要是由于画家在其中赋予了自己的主观情感和人格化的东西。 特征之二:从再现的客观世界转化成表现的主观世界。在毕加索所绘的《格尔尼卡》中,其采用的手法具有象征性,加上形体变形,尤其色调采用的是灰暗色调,从而表现了战争带来的灾难和罪恶的悲剧。其中,画面中的牛头象征着法西斯的残暴,而支离破碎的人体则代表人民受到残害的残酷现状。画面中与普通灯泡一样大小的眼睛则揭露了法西斯的暴行,变形之后的形体互相交错,形成一种视觉效果混乱、气氛残暴恐怖的画面。但这就是毕加索脑海中对战争的主观反映之一,其借助极大夸张而又变形的表现形式,充分表达了内心对德国法西斯暴行的强烈不满和仇恨。因而现代主义绘画特征之二,就是从再现的客观世界转化成表现的主观世界。 现代绘画在海报设计中的应用 视觉传达设计的概念被认定为现代设计的一个主要类型,它是通过视觉媒介表现并传达的设计,将一些复杂的精神内容赋予视觉语言并体现在物质形式中。设计史上将卡桑德拉的风格称为立体主义,他说“:有人称我的广告是立体主义的,从某些方面来讲,他们是正确的。我的造型表现方法基本上是几何化的,具有一种永恒的性质。立体逐一的价值在于它的主导性倾向,这种倾向和人类视觉先天所具有的变形和异化现象作斗争。”再看日本的福田繁雄,他是世界三大平面设计师之一,他的设计理念对20世纪后半叶的设计界产生了深远的影响。他创作的极具个性特征的大量招贴画使他享誉全球,成了全世界最引人注目的平面设计家之一。福田的设计观念源于他不断探索的精神,他善于学习,既深谙日本传统,又掌握现代感知心理学,具有将各种创意革新并融会贯通的能力。几乎每件作品都反映出他主观想象力的飞跃以及他营造作品品位的独具匠心的才能,看似荒谬的视觉形象中往往透析出种种理性的秩序感。福田繁雄的招贴设计作品紧扣主题、富于幻想,设计语言单纯、简洁、幽默,善于用幻觉创造一种怪异的情趣。显而易见,在当时传统绘画占主导地位的年代,他的成功在于借助海报表达了其独特的艺术观念。由于他在设计理念及实践上的卓越成就,福田繁雄教授被西方设计界誉为“平面设计教父”。现代绘画艺术的新观念、新流派总是最直接、最快捷地反映在海报设计之中。现代绘画艺术诸多流派的大师们的各种观念、风格、样式为海报的绘画性提供了丰富多样的艺术设计思路与方法。 海报设计论文:电影海报设计走向世界的根本的认识论文 【摘要】设计符号的选择和重构,使得电影海报在不同文化背景中呈现出鲜明的民族性。民族民间美术元素是中国传统文化的符号积淀之一,它所拥有的传统符号元素为当代设计的艺术语言注入了新的生机,将其与现代电影海报设计语言合理结合,使作品更具本土文化性,是多元文化语境下的今天的中国电影海报设计走向世界的根本。 【关键词】设计符号电影海报民族文化现代设计 1895年12月28日,卢米埃兄弟在巴黎的一间餐厅里,向观众放映《火车到站》,电影由此诞生。据说当时还制作了题为《卢米埃电影》的宣传画,这恐怕就是最早的电影海报。电影海报即电影广告,属于平面广告设计类,其作用在于推销电影内容。通常,创作者需要在一张约27×40英寸的纸上完成传达影片信息的艰巨任务——它能简明扼要地总结电影,它要吸引观众的注意力。电影海报因设计者的文化背景差异,导致艺术风格多变,因而也成为时代的忠实记录者。 二十世纪二十年代,首先出现造型大胆夸张,色彩艳丽鲜明,主要描绘影片内容的手绘海报,直到九十年代,大型摄影加工器材的应用以及电脑合成技术的广泛普及,电影海报设计才开始成为一个相对独立的新兴设计门类。步入电脑设计时代,设计师需要在国际性图像语汇中找到自身的民族性文化内涵,突破传统的写实性描绘,丰富电影海报的象征性寓意以及文化的多义性表达。其中,成功的作品不胜枚举,例如,斯皮尔博格《外星人E·T》的海报,以一轮明月为背景,一个穿雨衣的小男孩正骑着单车向月亮奔去,在奇幻性的视觉语言中向受众讲述了一个美丽的孩童之梦,温情的友谊成为这部科幻片电影海报的感情基调《星银岛》电影海报,以寻宝少年手抚桅杆凝视充满梦幻色彩的星际太空为主题……这些设计弥漫着勇敢与冒险、乐观与进取的精神:《51号星球》、《怪物史莱克》、《功夫熊猫》的海报则展示出张扬个性和夸张童心,洋溢着欢乐气氛:《街舞少年》海报以不同肤色的几个少年头像为主题,充满开放的状态和创新的活力,反映出剔除掉文化冲突、种族歧视和主流文化优越感因素之外“美国式的自由、平等和竞争”:特别是《女招待》的海报,画面以淡粉绿灰美式格子为底,衬托着甜蜜微笑的女招待,娇美可爱的表象下却是女性主义眼中堪忧的地位和命运……这些电影海报以“美国梦”的方式向世界展示出资本飞速发展所带来的普遍富裕的图景,这种非剧情式的海报设计展示出承载美利坚民族精神与性格的美国文化的一部分,体现出美国文化的独创性,文化的多元化和现代性,而这种非剧情式的海报设计使电影海报在色彩、光影、造型上极具特色同时又与其电影风格保持一致,成为了当今海报设计的主流。 非剧情式的海报设计,图形语言的国际性趋势并没有消解民族性内涵,在多元化的沟通与理解中,国际性基于民族性得以产生、发展,拥有国际背景的民族性设计成为电影海报的发展趋势。顾长卫2005年的《孔雀》,海报以麦地为背景,左上方是一个白色的降落伞,右下方的女主角推着自行车,望着远方天空。画面选取纯度较低的灰绿色为基调,天空下女主角的沉默神态以及象征着个人梦想的白色降落伞,呈现出感伤的怀旧情绪……这些设计元素与影片的主题意义相得益彰。斯皮尔博格执导《艺妓回忆录》的海报设计将目光聚焦在一张苍白的脸上,设计元素如同剧情一般,在中西文化间游走:鲜艳的红唇、翠绿的眼珠、平静的表情与舞动的头发,等等。任何事物,都可以是当今非剧情式海报设计的元素,任何一种物质都可以成为非剧情式海报设计图形变异的工具。文化背景的多样性呼唤着设计师只有立足本民族文化传统,方能在设计中显示出超越文化形态的独创性。电影海报也因设计者符号选择的民族性,无形之中成为时代风貌的见证者。 符号学(Semiotics)是研究符号系统的学问,20世纪初由瑞士语言学家索绪尔(Sauaaure)、美国哲学家和实用主义哲学创始人皮尔士(Pierce)提出。所谓符号就是负载、传播信息的基元,是认识事物的一种简化手段。在有限的时间、篇幅内,以简洁明了的视觉图形,快速、准确的传达宣传目的和设计者的设计意图——设计中的构成要素就是代表信息的符号。任何人类社会都离不开文化,文化是人类社会赖以生存和发展的基础,人类文化生活都是符号形式——一切文化形式即是符号活动的现实化。设计作为文化活动的一部分,也是符号活动的现实化。因此,设计本身就是符号的一种表达方式。设计中选用的符号是用来传达创意讯息的,设计师在运用符号时,要充分考虑到不同的符号情境要素,必须对其进行编码,将传达的讯息转换成易于理解、耐人寻味的创意,在这个过程中民族民间美术文化符号生成了不同的意义,所要表达的主题也就在作品中得到无限延伸——受众也乐意去“破译”、去“解码”讯息。只有双方在文化、知识背景和审美情趣等方面的标准一致,才能保证讯息意义被畅通无阻的传达。受众对于消费需求的标准,包括物质和精神两个方面。设计的创意就是要针对受众的精神层面,通过符号消费来使受众得到满足。 设计时对美术符号进行重构,要选取最具特征的部分符号对象,打破原有的图形组织结构形式,才能按照符合现代受众审美和文化价值的取向,最终产生新的符号形体,使其既具有民族民间美术的形神韵,又有现代设计的意味。如以木刻版画为表现形式的电影海报《红色娘子军》、《早春二月》和《祝福》,根据影片的故事情节、人物、风格等进行艺术的再创造,对主题进行诠释和渲染,令人印象深刻。在设计上运用一些具有民族艺术特点的艺术表现形式,如借用年画形式的《朝阳沟》、国画形式的《林则徐》等,将民族民间美术符号的造型法则渗透于设计的图形之中,体现出中华民族的气质、精神和理念:电影《白蛇传》的海报采用民间剪纸设计元素,这种以民间美术符号为基本元素的设计,民间美术符号意义的沿用与发展,使现代设计少了一些商业气,更多了一些文化气息和亲和力——传统语境产生约定的意义,而设计符号的创新意指则传达出作品主题的寓意,受众在解读符号意味的同时获得文化认同的愉悦——在跨文化的交流传播中,能够简洁有效的表达设计创意,最易达到“是民族的也是世界的”这一文化传播的最高境界。超级秘书网 民族民间美术也是这样——民族民间美术符号本身是一种存在,它的载体形式十分丰富,它是民间艺人创造的具有审美因素、情感因素和表现因素的特殊符号,具有民族民间的审美情趣和审美尺度,独特的造型系统和色彩系统,更具有完整的表征和意指方式,在传承远古文化符号的基础上,积累构筑了一个独立的、丰富多彩的视觉符号系统。将中国传统文化作为一种符号元素融入设计,凸显地域文化、民族特色和人文特征——中国的传统文化为现代海报设计带来了新风格。《那山那人那狗》、《我的父亲母亲》、《卧虎藏龙》、《白银帝国》等海报的成功说明,运用于平面设计特别是在电影海报设计中的民族民间美术符号,是对受众符号消费需求的满足,也会对受众的消费心理和精神产生影响,它应当是设计师对民族文化理解后的一种自然的情感流露。独特的中国元素到底应该怎么用从来也没有一个教科书式的案例,它需要设计者、受众,对相应文化的理解延伸。21世纪的市场竞争,是设计的竞争,而设计的竞争背后则是文化的较量——秉承和发展一切优秀传统文化,是设计创新的前提。 海报设计论文:电影海报设计内容异同的研究论文 摘要:本文着力探讨在不同文化背景中电影海报所呈现的民族性问题,以及设计师如何受到传统文化影响,进而在电影海报中体现出鲜明的民族性倾向。而电影海报设计师只有立足文化传统并挣脱其束缚,方能在中西文化之间达到完善自身的终极目的! 关键词:电影海报,设计,文化背景,民族性 世界电影自诞生之日已有百余年历史,“电影海报同月份牌、年画、宣传画一样可统称为招贴画,也可称为电影宣传画。一般张贴于影剧院、广告栏或是张贴在大街马路等公共场所。”电影海报属于平面广告设计,其作用在于推销电影内容,在颇具审美性的艺术形式下,电影海报因设计者的文化背景差异,导致了强烈的民族性艺术风格,因而也成为时代的忠实记录者。 由于美学文化背景的差异,以及客观条件的限制,电影海报设计必定带有民族性特质。设计师的成长环境决定了设计理念的民族性差异,他的作品体现着历史发展的清晰脉络,在多元化的沟通与理解中,电影海报图形语言的国际性趋势并没有消解民族性内涵。相反,拥有国际背景的民族性设计才是电影海报的发展趋势,因为国际性基于民族性得以产生、发展,否则电影海报设计的国际化将成为空洞的说谈。以德国为例,它是现代设计与现代设计教育的发祥地,包豪斯的设计理念至今仍影响着我们的生活,而欧洲传统文化对冈特·兰勃的广告招贴设计作品存有显而易见的影响。源于同一文化土壤的设计师,必定具备相似的设计观,德国HeinzSchulz-Neudamm亲自设计的《大都会》(由弗里兹·朗使执导)国际版电影海报,在美国拍出六十九万美元,因为作品绘制于1927年且存本较少,设计师采用艺术装饰主义手法,极力营造出充满未来世界的审美性效果,进而成为具有收藏价值的艺术珍品。不同文化背景决定了电影海报的设计理念差异,在提升电影主题的过程中,电影海报也因设计者的民族性,无形之中成为时代风貌的见证者。 电影海报设计伴随着世界电影而产生,经历了由黑白到彩色的发展历程,逐渐由单纯介绍电影内容的招贴画,变成一种平面设计艺术作品。从海报设计角度研究,世界电影海报大致经历了手绘海报和电脑(设计)海报两个阶段。二十世纪二十年代,手绘海报首先出现于观众视野,直到五十年代,新中国的电影海报均采用手绘的形式。这种绘画方式强调了平面设计者的主观能动性,采用大胆的夸张造型以及鲜明的色彩,充分表达了设计者对电影内容的文化解读。此时的设计要求在于着力刻画影片内容,多写实性描绘,如影片的主人公以及重要场景皆成为手绘对象。1939年由维克多·弗莱明导演的《乱世佳人》成为影坛经典,电影海报以剧中亚特兰大的火光冲天为背景,配合火红的暖色调,夸张而鲜明地表达出英雄怀抱美人的浓烈爱意。1941年由奥逊·威尔斯导演的《公民凯恩》成为划时代的一部影片,它的一款海报(西班牙)采用写实性手法描绘出男主角的半身像,在色彩处理上因降低了纯度造成偏灰的效果,与电影所要阐发的深刻内涵相符合。 二十世纪九十年代,大型摄影加工器材的应用以及电脑合成技术的广泛普及,世界电影海报逐渐步入电脑设计时代。设计师采用先进的电脑合成技术,突破了传统的写实性描绘,丰富了电影海报的象征性寓意以及文化的多义性表达,成为电影商业化运作中的一个亮点。萨姆·门德斯(SamMendes)导演、AlanBall编剧的《美国丽人》为一部家庭伦理片,海报以少女性感、美丽的腹部为背景,一朵玫瑰花尽显青春的甜美,画面呈现粉红色娇嫩的绘画色调,温暖、鲜艳的色彩与深刻、复杂的故事内容形成鲜明对比。它没有任何写实性描绘,暧昧的电影主题通过人体的肌肤得以表达,含蓄而深刻。大导演斯皮尔博格的经典之作《外星人E·T》为一部科幻片,海报以一轮明月为背景,一个穿雨衣的小男孩正骑着单车向月亮奔去。画面前方男孩和外星人用食指相通,温情的友谊成为这部科幻片的感情基调。海报选取湛蓝的色调,象征着对未知世界的探秘,正如影片内容注重电脑特效的运用,海报设计在奇幻性的视觉语言中向受众讲述了一个美丽的孩童之梦。导演韦斯·克莱文于2000年制作的《惊声尖叫·3》为一部喜剧类惊悚片,电影海报选取黑色调造成了某种视觉压迫感,左边从黑暗中飘来一张变性的骷髅脸,右边为一个白色数字“3”,其中透出一个女子惊恐的眼睛。海报以黑白形成强烈的对比色,营造出恐怖的画面视觉效果,它在设计理念中摒除了叙事性概念,抓住“惊悚”这一优秀元素,为电影做出了较好的市场宣传。 可以说,一部出色的电影海报可以提升电影的艺术品味,甚至成为电影内容所成就的某种文化的象征性代表。譬如顾长卫于2005年的处女作《孔雀》,它的海报以麦地为背景,左上方是一个白色的降落伞,右下方的女主角推着自行车,出神地望着远方天空。画面选取纯度较低的灰绿色为基调,呈现出略带感伤的怀旧情绪;女主角凝视远方天空的默默神态,以及象征着个人梦想的白色降落伞……这些设计元素与影片的主题意义相得益彰,观后令人无限回味八十年代社会转型期的历史风貌。当然,出于电影内容的实际需要,在电脑时代的电影海报设计中仍会出现若干手绘海报,这也不失为一种文化怀旧的经典性回归。超级秘书网 早期的手绘海报多出自画家之手,之后为专业设计师,无论其何种身份,电影海报制作者的文化修养对设计理念起着至关重要的作用。在东方文化内部,包括中华民族、大和民族以及朝鲜民族,他们秉持着传统的儒教思想,却又各具特色,这种细微的文化差异对电影海报设计存有至关重要的影响。在斯皮尔博格执导的《艺妓回忆录》中,它的海报设计将目光聚焦在一张苍白的脸上,搭配鲜艳的红唇、翠绿的眼珠、飘动的黑发,形成强烈的视觉冲击力。黑白的眀暗关系,色彩的冷暖对比,平静的表情与舞动的头发,这些设计元素如同剧情一般,在中西文化间以及儒家文化圈内得到了莫衷一是的反响。在文化禁忌中,东方文化享有悠久的历史传统,中国人历来忌讳“流星”以及数字“四”,韩国人忌讳“菊花”,而日本人却忌讳“白手帕”。三国都对红墨水书写的名字表示反感,因为这也代表了“死亡”的意义。东方文化中的民族传统也各具特点:中国的“阴阳”学说在现实中对应着相应的象征物,如日、月对应着“阳”与“阴”;在日本和服礼仪中,只有死者的头部右侧方能佩戴头饰……中日文化间的差异,导致中国人在设计中注重平衡性理念,推崇中庸思想,而日本人却崇尚简约的设计风格,反映出大和民族平和、细腻的文化风貌。另外,中国的汉字不仅成为表情达意的语言工具,也成为一种审美性图案,它们或行云流水,或万马奔腾,只因字体的变化即可完成语义之外的情感表述。由此可见,文化背景的多样性呼唤着设计师必须具备专业性知识,只有立足本民族文化传统,方能在设计中显示出超越文化形态的包容性。 海报设计论文:电影海报设计中如何灵活运用大脑的研究论文 [摘要]电影海报是随着电影的产生而产生的。一幅优秀的电影海报不仅能招徕观众,还能使其对电影作品产生美好的印象。电影海报的魅力源于创意表现,借助图形、线条、符号、色彩、文字以及独到的表现手法,在海报中突出所宣传的电影的精华部分。联想是诱发灵感重要的思维方法之一,是创意的关键,是形成创意思维的基础。 [关键词]联想思维电影海报设计创意思维共鸣 在电影海报设计中,通过联想的创作手法,将人们脑海中储存的审美习惯与审美对象套用到大多数人自己的或与自己有关的经验,美感往往显得特别强烈,不但突破时空的界限,扩展艺术形象的容量,更能加深海报画面的意境。从而使审美对象与审美者融合一体,发生联想的过程中引发美感共鸣。客观事物之间是通过各种方式互相联系的,这种“联系”,正是联想的“桥梁”。通过这座桥梁可以找出表面毫无联系,甚至相隔遥远的事物之间内在的关联性。运用联想思维进行电影海报的创意设计,可以开阔创意思维的天地,打开设计思维的通道,将无形的思想朝着有形的图像转化,联想的具体方法有如下几种: 一、虚实联想 构成图形主题思想的许多概念常常是虚的看不见的,但它却与看得见的形体相关联而构成虚实联想。在“踏花归来马蹄香”中,“香”这个概念是虚的、看不见的,而飞在马蹄之后追逐香气的蜜蜂则是实的、看得见的;“和平”这个概念是虚的,而“鸽子”和“橄榄枝”则是实的;“战争”这个概念是虚的,而枪炮、硝烟和作战的士兵则是实的。越战影片《野战排》的海报再现了越南战场的真实情景,使人有一种身临其境之感。画面上一个倍受战争创伤折磨的美国士兵,迸发出绝望的呐喊,映射出战争的疯狂、混乱和非理性。揭示了战争给美国人民留下了巨大的肉体上和精神上的伤害,让人们去思索战争的真正含义。 二、接近联想 在接近的时间或空间里发生过两件以上的事情,会形成接近联想。当我们想起甲的时候,就会容易地想起乙,看到闪电就会想到雷声;看到南飞雁就会想到秋风凉;看到江河就会想起船舶;看到蓝天就会想起白云等等。电影《美国丽人》的海报整个画面充满了女性腹部肤色,人的面部被省略掉了,腹部、肚脐、手,都呼应着那朵点睛之笔的红玫瑰,整个画面使人联想到主人公独特的娇艳之美。海报作品上没有什么耀眼的明星头像和那些符号、图案,但同样设计出了很高的品味。 在电影海报设计中运用接近联想将事物的形态通过逻辑思维建立联系,使形意升华,创造内涵独特的新形象。 三、类似联想 有些事物在外形、结构和内容上有相似的特点,因而产生类似联想。是一事物的感知或回忆,引起了对和它在性质上接近或相似事物的回忆。如由圆形想到月亮、足球、轮胎、烧饼,张大的嘴,还有完美、包容等。看到火柴,由发光、发热而联想起机会;看到乌瓦、白墙,就会联想起苏州园林等。类似联想是一种“托物言志”“借景抒情”的表现手法,把受众知晓的事物的形意与要传达表现主题定位点的形意进行关联,并将该事物的形展现于画面中,通过意的转换联想到要传达的主题中。电影《达芬奇密码》的海报设计在卢浮宫的标志性珍品——达·芬奇的《蒙娜丽莎》上做文章,结合电影中名画真品上的密码线索,“蒙娜丽莎”神秘的微笑伴随观众一同踏上破译解读密码的旅程。海报设计通过利用名画家笔下人物作为谐趣的图像,经过巧妙的整形手术,使名画与影片产生谐趣感,给消费者一种崭新奇特的视觉印象和轻松愉快的趣味性,使人赞叹,过目不忘,这种手法的运用极大提高了海报的诉求效果和影片的注目度。电影海报中视觉形态的相似性,引发受众对主体形象的回忆,产生意的延伸,达到形意完美感的共鸣。 四、对比联想 有些事物在外形上或内容上正好相反,我们想起这一事物就会联想起与之相反的事物,称为对比联想。是一事物的感知或回忆,引起了对和它在性质上相反或对立事物的回忆。例如:白天与黑夜;大与小;静止与运动等等。对比联想即反映事物的共性,又反映事物相对立的个性,有共性才能有对立的个性。电影《朝夕之间》海报上主人公两个截然不同的表情对比,把影片的主旨勾画的淋漓尽致。影片《万夫莫敌》取材于美国历史上著名橄榄球选手文斯·帕培尔的真实经历,影片讲述了已是而立之年的他加入球队之初,受尽怀疑和白眼,但他凭借不懈的努力和自身条件,终于赢得了掌声和喝彩,摆脱了底层的地位,成为一位事业辉煌的职业球员。他从几乎一无所有到克服重重困难、最终实现梦想的故事。海报上将主人公成功后的风光和成功前的训练画面进行对比,悠扬地叙述了属于那个时代的情怀。超级秘书网 五、因果联想 因果联想是指对事物产生的原因和结果而引发的联想。世界万物都有其存在、发展的原因和导致的结果。环保纪录片《难以忽视的真相》是一部有关气候变迁的纪录片,其中揭露了气候变迁的资料并对此做出预测,其中特别关注全球暖化现象。此片获得第79届奥斯卡金像奖最佳纪录片。系列海报画面上过量的废气排放,让人联想到大气的污染形成酸雨、植被的破坏导致土壤沙化;全球变暖,冰川消失给人类带来巨大危害。观者会被海报上让人难以忘怀的画面深深触动。 电影海报的创意设计千姿百态,风格各异。人的视觉感觉具有一定的相同性和互转性,只要事物的关联要素,运用逻辑思维和形象思维将其联行组合,就能引出观者心理上的共鸣,诱发一种深思或是回味,创造出既能准确传达信息又具有视觉冲击的作品。 海报设计论文:工学结合海报设计论文 一、工学结合课程改革探索 1)课程目标 课程的理念与目标决定了课程的方向,改革课程的中心目标旨在推动网络媒体下的海报设计课程工学结合教学模式改革,培养适应电商时展需要的设计从业者。尝试以交叉课程内容的整合教学内容,情境化、项目化的教学方式培养学生的设计观念,并掌握相应的技能素养。 2)课程内容 信息时代下的海报设计课程既需要各种相关软件课程的支持;也需要网页设计、新媒体设计等学科知识的支撑。这需要对课程知识体系进行合理再配置,大幅增加应用较多的新媒体设计内容,适度地删减现今使用较少的知识内容。同时改变原有的理论—实践的单一教学方式,尝试理论——实践——理论——实践——理论的教学方式,将大模块的教学内容分解由各个小单元解决,强调学生在不断的实践中学习理论与技能知识,加强知识的吸收。 3)课程实施 a.综合性和多导师制长久以来艺术设计的各个科目教师独立完成自己的课程教学,学生也很自然的独立看待各科目的知识内容,这造成学生的学科知识呈现碎片化的趋势。这也是造成学生学到的知识在实际工作岗位时往往用不上或者用不好的重要原因。综合性的课程内容可以在一定程度上解决我们所面临的问题,但是对于以往由单个教师掌控的课堂来说是很难实现的,教学的改革必须结合课堂实施方式的革新。基于这样的教学目的笔者尝试在教学中以大课堂、宽视野的原则,以项目化、实验性的教学内容配合多导师的形式进行教学。大课程与宽视野指的是课堂中的教学内容不再局限于以往的单一的海报设计课程知识,尝试将各个相关学科的知识融入教学。以期改变过去独立课程造成的知识碎片化倾向,使高职学生更好的贯通所学知识层。另一方面在教学过程中请相关电商企业中的一线资深设计师进入课堂,同时将其他相关课程的教师引入课堂,形成多导师的教学形式。这个过程中尝试了请毕业工作多年有一定成绩的师兄师姐回课堂讲课作交流的形式,取得了较好的效果,出身于一样教学环境下的他们对自己所学知识技能的优点与劣势有比较清晰的了解,在交流中也更有针对性更有带动性。b.实验性与实用性结合同时运用实际课题与虚拟课题相结合的项目教学法进行情景式教学。联系实际的课题设计并不意味着一味的强调商业化设计。作为新兴的媒体形式,不论是行业本身还是从事教学的教师和学习角色的学生对于其特性的了解都是不全面的,这使得新的海报设计课程会融入更多探索性、实验性的因素。本课程的实验性涵盖着两方面的意义,第一层的实验性指的是教学过程一方面应该严格按照设计企业的流程来进行,前期的市场调研对相关信息的积累;中期的整合分析吃透主题,通过合适的创作方式,如头脑风暴(BrainStorming)进行创意突破;后期以一定的输出规范进行符合业界要求的设计。另一方面则强调设计中的艺术性,培养学生的艺术设计审美能力和自己独特的设计观点。摆脱商业化带来的流水线设计风格。设计的特质注定只有同时具有富个人色彩与实用性两部分特点才能够培养一流的设计从业者。具有实验性的设计摆脱了僵化的约定成俗的商业设计模式,而更倾向于艺术创作,这样的方式会使学生的作业初看起来缺少一些实用性,但是却更有生气。这可以培养学生活跃而有生机的设计思维意识,这是学生应该在专业学习的三年中首先掌握的。许多的设计理论知识都会随着环境的变化而过时,只有设计思维方式是相对稳定的,好的思维方式可以指导学生在毕业后不断学习,迅速适应设计工作的需要。c.情景化与项目化课程采用理论教学配合模拟一线设计项目实际操作的形式进行,打破以往一人做作业的方式,以个人设计与团队调研、策划、实施相结合的形式,以模拟投标或网上实际项目竞标项目进行。一方面让学生初步体验了设计的实际操作,锻炼了自己的能力,从实践中学到知识,又将知识应用于实践。另一方面增加了课程中的不确定性,丰富了教学内容,使课堂变得更加有乐趣,强调快乐地学习在教学中的作用。d.课程置换在设计课堂中的应用一段时间以来,课程置换一直是不少院校在校企合作工学结合改革中研究的课题,它解决了将学生的工作作为学校专业培养计划的一部分,学校通过过程管理和考核,并给予其工作相应的学分的实际操作问题。在海报设计课程的工学结合教学改革中笔者尝试在教学中承认学生在此期间的实际设计项目,并通过考核计入成绩。在具体操作中要求学生完成一定量的实际设计项目,并计入该课程成绩。设计项目的来源一般由校企合作的设计单位或网络设计交易平台(如八戒网等威客网站)提供,学生可以根据自己的实际情况和兴趣自由选择,并按工作量情况由个人或小组完成。在考核中按照委托方的采用情况给予相应的分值。 二、课程评价 课程的评价形式对于课程中教师的教和学生的学的方式有着很大的导向作用。笔者认为在工学结合下的海报设计课程评价中可以采用模糊等级制和社会效益评价结合的形式进行。在现有的教育方式中由于我们对于分值评测的依赖程度,我们的学生在课堂中的表现被单一的分值所表示,这使得所有的可以或不可以被数值衡量的能力都被一些定量化的数据表示了。从表面上看这些数据是这么的精确,当我们看到数据时就会下意识的假设这些数字能客观的表现学生的全面情况。但实际上不论这些数字看起来有多么精确,在对于学生实际能力的衡量方面的有效性都是非常有限的。分值式的评价方式会让艺术设计课程这类直觉思维、形象思维为主,以个体创造为主要形式的没有标准答案的特质的课程的评价出现困难。所以模糊式的等级评分制反而在艺术设计课程中更具有合理性。同时将学生在实际设计项目中的作品作为总成绩的一部分计入评价中,特别是对被采用的设计进行适当的分值奖励以鼓励学生参与设计实践。以比较综合的打分方式给学生较为全面、合理的评价。 三、总结 海报设计是一门理论与实践紧密结合的设计专业课程,工学结合的教育模式十分适用于该课程。通过对专业情况的分析,利用现有资源以教学内容综合性,教师结构多导师制,教学方式实验性与实用性结合,教学评价可置换性等多方面进行工学结合教学的改革探索可以建立一套有一定特色的设计教学模式。 作者:魏争驰单位:浙江同济科技职业学院 海报设计论文:多模态海报设计论文 一、海报《千万别让我走》的多模态解析 电影《千万别让我走》的宣传海报(英国版)是一幅典型的多模态图像,其设计内涵能通过克雷斯和莱欧文的视觉语法得以解析。《千万别让我走》是一部根据“英国文学移民三杰”之一的日裔英语作家石黑一雄2005年的同名畅销小说改编的影视作品。该电影讲述了三个在寄宿学校一起长大的伙伴露丝、凯西和汤米的生命故事。三人从小在一个看起来如田园诗般的寄宿学校中过着与世隔绝的生活。这个寄宿学校的孩子们都没有父母,却接受着十分良好的教育。随着年龄的增长,他们渐渐发现自己生活世界的异样,并最终了解到自己原来是克隆人,其存在的唯一价值是给有需要的顾客提供鲜活的移植器官。虽然他们有灵魂,在成长中也体会着爱、嫉妒和背叛等真切的情感,但他们的短暂生命终究会在第四次器官移植后自然终结。导演马克·罗曼尼克通过该片在科幻的外表下承载了一个关于爱情、迷失以及自我身份追问的电影主题。影片发行上映后即在全球赢得好评如潮:2011年获土星奖最佳编剧提名,并与《盗梦空间》《钢铁侠2》同获当年土星奖最佳科幻电影提名。影片能取得诸多专业殊荣,电影海报的宣传作用不应小觑。下文拟运用克雷斯和莱欧文的“视觉语法”来解析该影片的宣传海报如何通过图像多模态手段构建电影主题和折射影片文化内涵,塑造电影的外在形象并激发大众的观影兴趣。 (一)海报图像的再现意义 克雷斯和莱欧文区分了图像的再现意义的两种模式:叙事再现和概念再现。叙事图像展示了发展中的行动和事件,以及变化的过程和瞬间的空间安排,包括行动过程、反应过程、言语过程和心理过程。电影海报《千万别让我走》(英国版)是一幅叙事图像和概念图像巧妙结合的综合海报。该海报由3幅图片和3组文字说明错落拼接而成。海报右上角图片中露丝忧郁的目光直视正前方,左手做挥手状,似乎在向观众传递“千万别让我走”的主题寓意。左下角图片中汤米深情注视凯西并用手轻托她的脸庞,目光的凝视和手托面庞形成两个动作矢量,表达了汤米想要亲近凯西的心理活动。同时,两者间的深情对视也传递了情人间的浓浓爱意。右下角图片中汤米和凯西并肩奔向木质走廊的尽头,前倾的身体形成了两个类似矢量,寓意他们奔向光明和希望的急迫心情;但图片背景中过分对称的建筑结构似乎暗示了他们将要遭遇的冰冷的体制化现实。海报的3组文字说明实现了图像的概念再现功能。左上角的文字说明呈现了三位主演的名字及所斩获的突出电影奖项。这样简洁、直观的文字信息能够瞬间吸引影迷们走入电影院追踪他们所喜爱的明星的最新影视作品。海报中部的文字说明“改编自最畅销小说《千万别让我走》”又能吸引大批喜欢该类文学作品的人,尤其是那些阅读过原著的人们:他们或许特别好奇小说的故事如何在影片中得以诠释。海报右下角文字则主要提及大卫·卡梅尔发表在英国《每日邮报》上对影片故事的一句影评“无声的抗争与令人心恸的感动”。如此高的评价再次凸显影片扣人心弦的情节,并将促使更多海报阅读者购票观影,一探究竟。 (二)海报图像的互动意义 克雷斯和莱欧文认为图像和观看者之间可以产生互动关系;图像可以提示观看者对图像所表征的事物(包括人)应该持有的立场态度。影响互动意义的四个要素是接触、社会距离、态度和情态。接触指图像中的参与者和海报观看者间有目光交流,海报中人物对观看者有情感诉求,向观众索取反馈;反之,无接触或无目光交流则仅限提供信息。海报右上角图片中露丝的目光直指海报观众“你”,形成直接互动;她那幽怨的眼神似乎在邀请观众走进她的故事,并给予她理解与帮助。汤米和凯西在图片中与观众没有目光交流,他们只是在向观众传递着爱情的信息。社会距离指图像中的参与者与海报观看者间的亲疏关系;主要通过镜头取景的框架来实现,如特写提示亲密的关系、长镜头表示非个人的关系。右上角图片中的露丝试图通过直接接触同观众建立亲密关系,并以忧郁的气质搅动观众的好奇心去探究在她身上究竟发生了怎样的故事。海报右下角图片运用长镜头捕捉汤米和凯西两人的背影,展现的是疏远的社会距离,象征着现实的残酷。态度提示海报观看者对图像中的参与者所应持有的主客观态度。态度由图像取景的“视角”来体现。正面取景表明“卷入”(邀请观看者去体验和感受),侧面视角意味着“超脱的介入”(要求观看者以旁观者的身份客观地分析和评价),水平视角寓意平等。该海报采用水平视角的方式既邀约观众以平等的心态走入克隆人的生命故事,又提示观众客观冷静地看待克隆技术,并启发观众思索如果克隆人同人类一样拥有爱情、友情、愤怒、高兴等情感,人类该如何面对他们?人类是否有剥夺克隆人生命的权利?该海报有效利用这些意义资源展现出露丝的幽怨、汤米和凯西间的真挚爱情,以及对美好生活的向往等信息都是同人类共通的真实体验,使得影片的叙事具有很强的真实性,更能激发广大影迷的观影兴趣。 (三)海报图像的构图意义 克雷斯和莱欧文特别指出视觉语篇的构图意义展示再现、互动意义如何相关并协同构建一个完整的多模态语篇,其本身由信息价值、凸显度和取景来表现。海报《千万别让我走》被深红色线条分割为3幅图片和3组文字说明,形成表现形式的对照并相互凸显。图片的基本色调为灰色,而文字说明的背景是红色。灰色传递着压抑、宿命的氛围并寓意希望的渺茫。红色是血液的颜色,喻示着残酷的人体器官移植,同时也象征着鲜活生命的可贵。两种背景颜色的反差表达出影片中人类对克隆人的冷酷无情和克隆人对生命的不舍。海报右下角的图片以两个少年的背影取景,与其他两幅以人物正、侧面取景的图片在镜头层面形成对比,预示着克隆人虽对不公平的命运努力抗争,但残酷的现实却并未给他们些许曙光。左边的图片比右边的图片更吸引眼球,它通过主人公面部神情的特写凸显了电影主题———爱情。另外,海报在中间位置,用与红色底框形成巨大反差的白色字体标示出电影片名,即原著名,有效地突出了影片的文化内涵并借此来吸引观众观影。 二、结语 电影海报能有效利用语言文字、图片、色彩、光影、亮度等多种模态资源来构建图片意义与传递丰富信息内涵,属一种典型的多模态叙事语篇。根据克雷斯和莱欧文的视觉语法,电影海报《千万别让我走》通过图片、色彩、光影和文字等多种视觉模态的巧妙组合和协同互动,以实现再现、互动和构图三种意义的方式构建了一个完整的多模态语篇。因此,该海报语篇在设计中有效调配了多种模态,通过多种视觉模态协同互动、交织配合,渲染了电影情节、凸显了电影主题,从而强化了海报的宣传效果。 作者:吴林单位:湖北工业大学外国语学院 海报设计论文:意境营造的海报设计论文 1.利用色彩营造意境 色彩是人们感知事物的第一要素,一个色彩亮丽的事物可以给人以强烈的视觉冲击力,一个色彩灰暗的场景也可以让人觉得倍感压抑,其直接作用于人的情绪。而意境本身就是情感的产物,和色彩有着千丝万缕的联系,设计者要根据设计对象的实际情况对色彩进行有机的运用,让色彩成为意境营造的有力工具。具体来说,利用色彩营造意境主要有以下三种方法。 首先,利用色彩对比表现意境。色彩对比是色彩学中的重要内容,在对比中能彰显出色彩存在的意义。对色彩对比进行合理利用,不但能够使画面层次得到丰富,而且能够用一种强有力的视觉冲击力将观众的眼球牢牢抓住,使海报信息得到更充分表达。如设计大师卓思乐设计的一则“保护森林”的主题海报,在画面中就使用了大红色和深绿色的对比。画面中是一片被砍伐过的森林,背景选用了象征着森林的深绿色,但是在那些被砍伐过的树桩上却使用了大红色,远远望去,就像是鲜血在汩汩流出一样。这种对比传达出了两层意思:一是树木也是有生命的,它们被拦腰斩断,也会因为疼痛而流出鲜血;二是对人们破坏森林的行为进行的谴责,这是一种血色的警告,更是血淋淋的代价。可见,色彩对比的运用可以使画面获得发人深省的艺术效果。 其次,利用色彩调和表现意境。色彩调和是指色彩之间的相互混入,被选用的色彩往往处于同一个色系中,将其有机调和后,能够获得新鲜的、协调的色彩感受。如微软产品MSN的海报设计就使用了色彩调和的意境表现法,画面中由蓝、绿、红、黄四色组成的蝴蝶的四种颜色全都使用了透明色设计,这就使得图案的重合部分也实现了色彩的重合,即蓝色和绿色的重合、红色和黄色重合,产生了一种新奇的色彩效果,使人看着这只振翅欲飞的蝴蝶,就感受到了一种“心有灵犀一点通”的味道。 最后,利用色彩联想表现意境。色彩在发展过程中,因为和人们文化、生活的紧密结合,形成了联想性的特点。如看到白色想起白云、雪花;看到绿色想到草坪和山脉等。对色彩这种联想性特征的有机运用,将会使作品获得一种“此时无声胜有声”的意境体验。设计者应该对色彩法则有扎实和深入的掌握,根据作品的实际需要把握色彩的心理变化,使色彩成为意境营造的有力工具。 2.利用文字营造意境 文字也是海报设计中不可或缺的重要元素,其不但能够对图形和色彩进行补充和说明,很多时候还能起到画龙点睛的作用。中国文字博大精深,其本身就是一门艺术创作,有着独具特色的外部形态和丰富深厚的文化内涵,将中国文字运用于海报设计中,能给海报以无尽的想象和意境。具体来说,利用文字表现意境有以下两种手法。首先,利用文字含义来营造意境。在充满意境美感的海报设计中,文字所起到到已不再是单纯的说明作用,或者说其不再是一种阅读符号,而是通过对其含义的挖掘使其本身以一件艺术品的形态展现出来。如香港著名设计大师靳埭强设计的《汉字》系列海报,其主题是宣传汉字、展示中国汉字之美。对此靳埭强就对汉字的含义进行了深入挖掘,其选择了“山、水、风、云”四个汉字,将其与中国的“笔、墨、纸、砚”相结合:“笔架山”的巧妙、“静止(纸)水”的灵动幽远、“沿(砚,意沿海)台风”的骤动无影、“墨色云”的飘逸非凡,无不表现出书法独特的形式美和极高的文学素养。设计者在单纯的汉字中追求厚重感和丰富感,使画面表达出富有魅力、朴质飘逸的东方意境美。 其次,利用文字形态来营造意境。中国文字的形态十分丰富,楷书字体的端庄优丽、隶书字体的严谨秀美、行草书的婉转飞扬等,都可以在海报设计中得到广泛的运用,使其和图形、色彩等形成良好的配合与互动,使作品的意境特别鲜明。如中央电视台综艺频道的海报设计选用了盛开的鲜花作为画面主体,寓意着百家争鸣和百花齐放,而在画面的下方则是一个用草书书写的繁体“艺”字,而且其笔画也是由一朵朵鲜花构成。草书素来给人以潇洒飘逸之感,在此用来表现艺术,可谓是再合适不过。又如,汶川地震的一则海报设计,其将“济”字进行了解构处理,其上部是一个“汶”字,下部是一个“川”字,使原三点水偏旁中的最下方一点得到了双重运用,既是“汶”字三点水偏旁中的一点,又是“川”字中的一撇,一个简单的文字处理,既表明了主体,又表达出了一种同舟共济的深意。所以说,文字是中国海报设计意境营造的重要资源,设计者要通过不断学习来加深对汉字的理解,并将其更好地运用于设计中。 综上所述,海报作为平面设计中的重要组成部分,在各类信息的传播、交流中发挥着重要的作用。虽然近年来的中国海报设计已然有了长足的进步,但是相对于欧美发达国家来说,无论是在创作构思还是表现手法上都还有一定的差距,如何缩小这种差距,并体现出中国海报设计的特色,是当下迫待解决的一个问题。意境是东方美学中特有的范畴,中国各类艺术创作中的意境表现都是独一无二的,将其作为海报设计中的重要追求,不但能够使海报设计的信息得到更加艺术性的表达,同时也能够彰显出中国海报设计的民族性风格。故本文对海报设计中意境的营造进行了具体分析,希望能够起到抛砖引玉之用,引起更多同行对意境问题的重视,为中国海报设计的发展贡献一份力量。 作者:江水明单位:苏州高博软件技术职业学院数字艺术系 海报设计论文:田中一光的海报设计论文 1日本美学与现代设计的结合 田中一光被誉为游走在西方现代感与日本传统美之间的设计大师。究其原因,是其作品精妙地把握住了日本传统美学概念与西方理性结构,并将二者结合得天衣无缝,如间(Ma),禅寂(Wabi-sabi)等传统日本美学概念,都被他体现在了作品中。由于二战前西方文化已影响到日本,当时日本设计徘徊在西方现代设计风格与传统审美文化之间。现代设计注重理性、完整的视觉感受,而日本的美学则强调唯美、意象的视觉享受。例如,禅寂就表现出了质朴美感。田中一光将几何结构的规整性视觉效果作为开拓,加上运用传统的日式美感,使得设计更具有视觉享受。在其1958年所创作的著名能剧海报(如图1)中,海报中的主体图像为日本传统歌舞伎演员的面部扮相,简单淳朴的曲线与婉转粗糙的边缘,精确地将整个面部图像加以层次地展现出来。严谨的视觉元素结合日本书法的柔和笔触,让画面充斥着一种禅寂的不规则与残缺的美感。而背景的规整色块无疑是现代主义理性的完美诠释,我们可以看到在这幅海报中,作者试图将人脸从海报中抽离,极具画面层次感。田中一光通过面部图像的刻画,使得现代主义与日本传统的高度融合,解读了理性韵律与感性意韵之间的互补,极强丰富了海报的视觉冲击力。 2传统色彩与几何结构的调和 除图像的运用方法之外,运用日本传统色彩理念来调和海报中的几何结构,也是田中一光独特的设计方法。在其海报设计中既用理性结构分割,又蕴含高纯度的互补色彩。前者展现了西方现代主义,后者则展现了浓烈的日本色彩审美观念。收缩张弛的色彩不仅满足了精神象征,也完善了装饰功能。例如,浮世绘版画与歌舞伎(Kabuki)剧服的色彩等。起源于日本江户时代(1603~1867)的浮世绘版画,经常使用丰富斑斓的对比色。例如,黄与紫,红与绿等,此风格影响了诸多日本艺术家,田中一光可谓其代表性人物,这种对比而又和谐的色彩元素形成了与众不同的日本色彩理念。 在第一届日本文化节海报设计(图2)之中,田中一光一方面将海报中的互补色转为富有节奏的跳跃。例如,顶部明艳的紫色与底部单纯的黄色呼应,这种源自于浮世绘色彩理念的视觉冲击力,给观者耳目一新的体验快感。另一方面,他精准地把握住了黄紫之间的秩序,并巧妙地运用白色背景作为调节二者色彩关系的虚实需要。单纯的几何色块又构成了日本传统妆扮的女性形象,海报中并无曲线,但却打破了现代主义僵硬呆板的形象。田中一光还钟情于浓烈色彩的运用。例如,日本平安时代(794~1192)女性服饰上的色彩运用。在其为SalvatoreFerragamo所设计的展览海报中,繁多的色块通过对比,进而组合成海报的中心图案。他的色彩风格在80年代现代主义盛行的日本设计界引领了一种新的风潮。 田中一光毕生都在探寻西方现代主义与传统日本文化的交融,他探索性的设计为20世纪中期的日本设计做出了巨大的贡献。通过他的海报设计可知,他的每一幅作品都完美地将日式美学与西方现代主义相融合。田中一光独特的设计理念,深远地影响了日本的设计,甚至影响了世界的设计。在当今世界,随着经济的发展和文化的交流,东西方文化进行着碰撞与交织,对于当代设计师来说,怎样理解民族传统文化,并且将其融入现代设计中,田中一光的作品体现的形式和蕴含的理念,都值得借鉴。 作者:秦臻珍单位:安徽师范大学 海报设计论文:传统陶瓷艺术下的海报设计论文 一、传统陶瓷的艺术形式 中国传统陶瓷的艺术形式主要表现在陶瓷的造型样式和装饰纹样两方面。中国传统陶瓷有着自身独特的整体风貌和各个历史时期及地区的风格特点,有着新颖的形式和特定的艺术内涵,在世界陶瓷艺术发展史上拥有一致的赞誉和高度的评价。陶瓷艺术的本质特征体现在陶瓷造型和陶瓷装饰上,二者完整地展现了陶瓷艺术的审美价值。 1.陶瓷造型陶瓷造型的“造型”一词主要指陶瓷器物的形态和样式,与广义的“造型”有所区别,特指具有一定抽象特征的陶瓷器型。在中国传统陶瓷中,各种不同的造型因时代、地域以及生活需要而形成。它们包含着生活美学、生活意蕴、生活习俗,渗透着创作者对生活的理解和适应,并“物化”为具体的陶瓷造型形态。正因为如此,陶瓷造型是制陶人的艺术思想和文化修养的载体,也是某一时期文化特征的载体,体现了民族精神和民族文化。中国传统陶瓷造型从模拟开始,进而发展为象形取意的方法,通过长期延续和演变创造了许多优秀的陶瓷造型。象形取意的造型方法的长处在于能够借助自然界的植物、动物形态以及人工的各种器物形态和样式的启发,发挥想象、开展构思,创造有别于“原型”的优美的陶瓷造型,甚至比“原型”更为美好、更为动人、更具特点;在完成造型的象形取意过程中不受“原型”的限制,而是根据所创造的陶瓷器物的特点,充分发挥作者的创造性,把个人对“原型”的观察、理解、感受、爱好表现出来。象形取意的造型方法在我国传统陶瓷艺术发展的很长时期内一直是一种比较重要的方法,贯穿于各个不同时期的陶瓷艺术制作中。虽然在某些时候会有所调整和突破,但基本制作方法离不开象形取意这一制作理念。象形取意首当其冲的是汉字,中国汉字是最具代表的象形文字,制陶者在制陶过程中会将陶瓷器型与汉字匹配,以此区别其形态特点。如“由”字形的天球瓶、油锤瓶、玉壶春式瓶等,“甲”字形的梅瓶、鸡腿坛等,“申”字形的橄榄尊、柳叶瓶、莱菔尊、链子观音瓶等,大都是根据造型的大致轮廓、主体部分所处的位置与某字形相像而加以区分的。如果从深层的造型观念来分析,汉字的造字原则在一定程度上与陶瓷的造型方法有着某种内在的联系,存在所谓的“通而同之”的造型意识。中国传统陶瓷造型的名称更明确地反映着这种象形取意的造型意识,如蒲锤瓶、石榴尊、葫芦瓶、马蹄尊、蒜头瓶、纸锤瓶、灯笼罐、角篓罐等陶瓷造型样式,都是以自然形态或者其他器物造型为基础加以概括、变形、转化而形成的。象形取意的造型方法是优秀的传统,与国外陶瓷造型相比给人留下的印象是含蓄、丰富,更富于情感表现,展示的是诗意的韵味,体现了中国传统文化的基本精神。 2.陶瓷纹样新石器时代晚期的几何印纹陶,常见的纹样有水波纹、米字纹、回字纹、方格纹、编织纹、云雷纹等几十种。商代有饕餮纹、方格纹、回纹等。战国时期有云纹、花瓣纹、鸟兽纹。六朝有铺首纹、联珠纹、莲花纹、忍冬纹等。宋代陶瓷的装饰方法多种多样,有刻花、印花、绣花、画花等多种,刻花、印花是传统方法,绣花则是用针刺出花纹,画花则为后来的绘瓷开创了新纪元;宋瓷的装饰题材喜用折枝花以及飞鸟虫鱼,纹样秀丽、线条流畅,规矩的几何纹很少,体现了清新、典雅的艺术特色。明代,我国陶瓷工艺又进入了一个新的阶段。如果说在明代以前我国陶瓷的釉色是以青瓷为主,明代以后则主要是白瓷。白瓷的发展为陶瓷工艺的装饰开辟了广阔的新天地,唐宋时期普遍采用的刻花、划花、印花等方法已经逐渐衰落;画花的装饰方法主要是青花、五彩等,成了陶瓷的主要装饰方法。 二、在现代海报设计中应用传统陶瓷造型和纹样的实例 1.陈幼坚先生与他的罗汉式瓷碗陈幼坚先生设计的海报作品《民以食为天》,其作品元素选自中国传统饮食工具筷子和端庄的罗汉式瓷碗造型。设计表现形式采用正负形构成,为了更好地凸显罗汉式瓷碗这一传统造型而将筷子密集化处理,密集的中国筷子款式多样,不但有传统木筷、竹筷,还有现代的不锈钢筷子等。围绕着一口碗,留白的处理手法一下子抓住了所有观众的眼睛,把所有的视线都集中于一口瓷碗上,而这一空碗形象很好地体现了设计师的设计意图,深化了主题“民以食为天”。密集多样的筷子正映射出中国现实社会中的多样性与复杂性,对于一个现代社会问题,陈幼坚先生采用几千年来一直沿用的传统材料,利用现代设计手法精彩地展现出来。碗的选择更加说明设计师对传统文化要有深度的学习和了解,如此才能恰如其分地在现代设计中发挥传统素材所蕴含的传统人文精神。 2.赵清先生与他的青花瓷赵清先生的海报作品《在中国》很直白地给人留下“中国”的概念。同样的正负形构成处理,同样的传统陶瓷器物,赵清先生选用的“申”字形青花瓷,且不考虑与青花瓷里负形“CHINA”一词有何隐喻,就曲线优美的“申”字形瓷器造型加上以制作精良著称的青花瓷,直观上就为观者展示了中国传统工艺的精美和令人着迷的传统文化精神。赵清先生的作品又一次把“陶瓷”推上了当代文化的海报设计前沿。 3.何见平先生的《中国》何见平先生的《中国》拥有传统书法造型和中国风景画的设计元素,其中同样离不开蕴含大量传统文化精神的陶瓷。圆润的笔触内含青花的云气纹,使作者的设计意图传达得更含蓄。作品中国画梅花的意味或许更多的是对中国传统文化的一种委婉的视觉传达。这是一件优秀的后现代设计作品,也是一种文化的传承,它提醒我们在当下的现代社会生活中面对中国传统文化问题时需要谨慎处理。 4.杭春晖先生的《苹果电脑标志》2003年靳埭强先生就任汕头大学长江艺术与设计学院院长一职后大力倡导传统文化在现代设计中的应用,特别是对传统文化的继承和发展问题努力探究,因此就有了2004年的“靳埭强全球华人大学生平面设计大赛”这一隆重赛事,此赛事后来成为中国大学生平面设计的重要大赛之一,是一个有益于整个华人设计界的教育和学习平台,而这一年的主题恰恰就是“传统文化与现代设计的结合”。此赛事最高奖项“未来设计师大奖”由当时就读于中央美术学院的杭春晖先生的海报作品《苹果电脑标志》获得。这件烙印明显的后现代作品表达是现代科技在成为主流文化的同时对中国传统文化的一种融合以及给人们带来的新思考,或许也更想说明现代科技文明对传统文化的一种新形式的继承和发展。用苹果电脑公司标志作为主要图案在图形处理上没有什么新颖独特的手法,只不过把标志主体部分换成了代表我国璀璨传统文化的青花瓷图案,那片蓝色的叶子最耐人寻味。作品最终传达出的是中国这个拥有五千年深厚传统文化的国家在现代科技面前正生发出新的嫩叶,完美地演绎了此次大赛的主题思想,获得“未来设计师大奖”当之无愧。 三、结语 传统陶瓷艺术蕴含着丰富的中国传统文化精神,对我们的审美习惯和生活方式的影响从未间断,一直在潜移默化地陶冶着现代人的情操。带着传统的记忆和情感,我们必须坚定不移地继承优良的文化精华。运用现代科技,将历史文化展现在日常生活的方方面面,是当下设计师的艺术使命;推动传统文化的可持续发展,进而将其发扬光大,是我们义不容辞的责任。无论是过去还是将来、传统还是现代,我们的文明都应该光芒四射、繁荣昌盛。所以,现代设计中无论是平面还是立体,传统文化的点点滴滴都值得我们学习和领悟,我们要运用现代设计手段实现中国风、传达中国美。 作者:潘振华单位:武汉理工大学艺术与设计学院 海报设计论文:当前电影海报设计原则分析探讨论文 摘要:电影海报兼具绘画和设计的特点,既能传达特定的观念和信息,又能提升电影的艺术品位和价值。在政治、经济、文化多元化发展的当今社会,图形作为一种用形象和色彩来直观地传播信息、观念以及交流思想的视觉语言,可以极大地拓展电影海报的表现空间,使其具有更深刻的内涵,从而在信息传达方面发挥重要作用。 关键词:电影海报图形设计表现设计原则 电影海报是海报设计的一个种类,但是比一般的海报更富有情节性,具有传递电影信息、吸引观众注意、刺激电影票房收入的作用,因此也被称为电影的“名片”。电影海报设计是一种自我形式的推广,更是电影灵魂的直接表达,这种直观的信息传达有时甚至比电影更有说服力。 1895年12月28日,法国的卢米埃史弟在巴黎的一问餐厅里,向观众放映《火车到站》,当时还制作了题为《卢米埃电影》的海报,这大概是世界上最早的电影海报设计。 由于电影海报兼具绘画和设计的特点,以及对电影宣传所产生的巨大影响,后来的许多艺术家和设计师纷纷参与电影海报设计,他们将绘画和设计的各种风格相互融合,把多种表现形式、手段和技法综合运用,使电影海报设计很长一个时期内呈现出风格迥异、精彩纷呈的多元化发展格局。这些优秀的设计既传达了特定的观念和信息,又提升了电影的艺术品位和价值,同时,也使电影海报成为具有历史和艺术价值的收藏品。 随着社会的进步,政治、经济、文化都在多元化发展,东西方文化日益频繁的交流和融合,现代科技、文化、广告都给电影海报设计带来新的观念,设计师们也在不断尝试、突破常规,在注重电影信息传达的同时,力图使设计出的电影海报独具风格和富有创意,电影海报成为沟通思想、交流情感的媒介。图形,作为海报设计的重要构成要素之一,在这种设计思潮中成为设计师设计的重点,起着不可替代的作用。 一、图形在电影海报中的功能 图形是一种用形象和色彩来直观地传播信息、观念以及交流思想的视觉语言,具有只可意会不可言传的独特魅力,它能够超越国界、排除语言障碍并进入各个领域与人们进行沟通和交流,是被称为“世界语”的人类通用的视觉符号。因此,在电影海报设计中,图形具有吸引人们的注意力、易于理解以及将视线引向文案的诱导功能。将不同的图形通过创造性的组合能够产生新的图形语义,使电影海报具有更深刻的内涵,从而极大地拓展电影海报的表现空间,并在信息传达方面发挥重要的作用。 二、电影海报中图形的具象和抽象表现 具象图形与抽象图形是海报设计最基本的表现方式,这种相对意义上的具象与抽象一直都在相互影响、并行发展着。在电影海报设计中,两者有着各自的优势和局限,因此在实际应用时,两种表现方式有时会同时出现或者以相互融合的形式出现,设计师通常是根据电影形式和内容的不同。以及观众层次的不同需要而灵活应用的。 1、具象图形 具象图形具有一种亲近有趣和感人的魅力,是人们乐于接受和喜爱的一种视觉语言形式。在电影海报设计中,具象图形能通过表现客观对象的具体形态来突出电影主题,同时也能表达出一定的意境,其富有美感的写实形象在一定程度上满足了人们的审美需求。电影海报运用具象图形来传达某种观念或信息,往往可以取得较好的宣传效果。如电影《佐罗传奇》的宣传海报设计,画面中佐罗的形象英俊潇洒,黑面具、黑帽子、黑斗篷、佩剑和长鞭,以及人物坚毅的面部表情和身体动态,准确地刻画出一位行踪不定、行侠仗义、除暴安良、劫富济贫的蒙面游侠。不仅增强了画面的表现力和吸引力,提高画面的被注意值,而且还使电影宣传更富有成效。 具象图形以其直观的形象性、真实的生活感以及强烈的艺术感染力。易于快速从心理上取得人们的信任,从视觉上激发人们对电影本身的兴趣和需求欲望,尤其是极具创意的写实图形,其被设计师主观放大的高度逼真的形象,超越了视觉的一般状态,会给人以强烈的视觉冲击力和心灵上的极大震撼。 由于电影海报设计中具象图形的表现空间十分宽广,所以它的作用不可估量,它以其独特的魅力,至今一直占据着电影海报视觉表现的主导地位。 2、抽象图形 抽象图形,是“从具体物象出发,不断反复地剔除物的细节,忽略、忘却它的原形,超越它的具体性,从整体意象上把握它的结构形态,也就是要予以抽象化”,是高度理念化的一种视觉表现,集中体现了客观科学技术和时代精神的形式美。 抽象图形的独创性可以使电影海报设计不受任何对象和表现技巧的束缚。不受时空的限制,它通常是通过对构图、形象、色彩的单纯化表现强化电影主题,并使主题更为强烈鲜明,更具有典型性和情感化的特征。如电影《黑暗中的舞者》的宣传海报设计,斑驳的黑色背景,散落的白色文字,突起的盲文。不需要具体的形象,简洁的画面给人们留下了足够的幻想空间:在想象的明亮和现实的滞重问隐约进发出塞尔玛的歌声,也许此时塞尔玛的灵魂正徘徊在无边的黑暗当中,但天堂的光线就在她的前方,她会在那里看见吉恩清澈的双眼,将在那里用她的天籁嗓音歌唱天堂里的颤音。 抽象图形具有宽泛的象征性,所以在电影海报设计中表现的范围也是广泛的,既可以表现社会政治、经济方面电影主题,又可以表现科技、文化、体育等电影主题。与具象图形的相互结合、互为渗透,可以对电影主题进行更深层次的表现,这种两者结合的画面,具有简洁、明快的效果和强烈的现代感、形式感和装饰性。 没有一种图形能够如抽象图形的千变万化和象征特性一样涵盖更多的内容。也正是由于这种宽泛的象征性,要识别和理解它需要依赖于人们的感受与文化程度。不同地域、民族、文化程度、生活经历、性格、欣赏习惯等因素都会使人们对于抽象图形产生不同的理解,因此,在选择与运用抽象图形进行电影海报设计时,必须以了解和掌握人们的文化心理、欣赏习惯为前提,加强针对性和适应性,避免因为视觉语言晦涩模糊出现的歧义性和负面效应,以利于抽象图形准确地表述电影主题并发挥其应有的作用。 抽象图形在电影海报中的运用,打破了具象表现的单一模式,极大地拓展了电影海报的表现空间。 三、电影海报中图形设计的基本原则 首先,电影海报中的图形设计应该遵循“阅读最省力”的原则,形象要高度简洁、富于创意。直观形象性的图形阅读越省力,越能增强其被注意值,进而使人们对所要宣传的电影产生明确而又深刻的印象。 其次,电影海报中的图形要符合社会与大众的道德观念,在所传递的信息和社会形态的主流文化相吻合的基础上,画面形象应生动鲜明并给人以美的感受,使人们看后能够产生生理上的舒适感和心理上的亲近感,既设计中通常所说的感情的愉悦性。 再次,图形的形象要主次分明,主要形象应与设计诉求的目标相一致,为电影主题服务,不能喧宾夺主。单纯的追求形式美和自我意识的表现。或者不知所云,都会使人们的注意力分散、转移,从而导致电影海报偏离传递电影信息、吸引观众注意、刺激电影票房收入的目的。 最后,电影海报中图形的形象应做到情与理的高度统一,以情感人,以理服人。因为情理交融的形象有助于调动人们的感情因素,图形的情感色彩越浓重,就越能激发起人们的兴趣并使之产生情感上的共鸣,这种双向的沟通与交流有助于人们对电影海报所传达信息的关注、理解和记忆,并产生强烈的观看欲望。 二十一世纪在平面设计领域也被称为一个“读图信息时代”,当今的电影海报随着人们的个性化需求和设计形式的日渐发展,明显的呈现出多重发展的形式。但是无论怎样发展变化,电影海报作为视觉设计的一个代表、一种表达方式、一种文化的载体。都必须起到传播与展现的作用,这也是一幅优秀的电影海报所应具备的基本功能。 海报设计论文:当代海报设计论文 (一)民族文化的传承与海报设计 中华民族的文化艺术是一座蕴藏丰富的宝库,对海报设计有着深刻的启迪与借鉴作用。面对丰富的民族文化资源,我们可以多层次、多角度的进行再认识、再发掘。 1.从艺术手法方面借鉴。 中国五千年文明的发展,无论是宫廷美术还是民间美术,无论是文人画还是宗教画,经过历代的画家、艺人、工匠的创作实践,积累了大量丰富多样的艺术表现手法和表现形式。从新石器时代的彩陶到殷商时期的青铜,从战国时期的器皿、帛画到汉代的雕塑画像石,从唐宋的绘画到明清的瓷器,以及民间广为流传的剪纸、木版年画、建筑、纹饰、戏装、面具等等,充分体现了或恢弘灵巧,或简约或精致,或工整或粗放或热烈或娟秀,或质朴或奢华等多种手法。无论是逸笔草草的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案;无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画,这一切无不为现在海报设计提供着丰富的表现形式和图式语言。靳埭强为日本“自在”纸坊创作的一种具有中国文化特色的海报,在纸纹上运用了传统手造纸的毛边,宣纸竹纹变化构成中国山水自然绘画意境疏散的意象,表现了中国人文性情无束,悠然自得的生活态度,整幅海报制作结合中国传统艺术表现手法,把作品风格淋漓尽致突显。对于今天机械工具,电脑技术带来的表现手法单调划一的理性倾向,传统民族艺术表现手法对于现代手段与智灵手法的协调,发挥重要的平衡作用。 2.从图像元素方面借鉴。 中华民族文化艺术在经过漫长的历史凝炼后,逐步形成各具典型文化内涵的图形和纹饰。他们包括人物、植物、动物、图腾、几何符号等形式在内的图像,以及一些流传广泛的典故、成语、传说中的人物、景物,一些约定俗成的事物及组合。如梅竹松岁寒三友象征坚贞的友谊,三羊开泰象征吉祥如意,莲花与鱼寓意“连年有余”,喜鹊与梅花寓意“喜上眉梢”等。这些乡土味浓郁的图像元素是民族文化的重要组成部分,正如张道一先生指出的“民间艺术是一种本元文化”,如果将这些富有民族形式特征的元素有机的组合到现代海报设计中,无疑会给单调枯燥的现代设计风格带来一股清新的空气。 如韩秉华把冰裂纹(开片)结合汉字引用与“苏州印象”海报作为创意概念。开片纹图案窗格及“三点水”的笔法,组成“州”字的主体,并突出“姑苏城外寒山寺”牌匾中的“苏”字以展示苏州。背景衬以山水影波光和一叶小舟的照片,并以黑色和银色印刷,展现了中国艺术古朴淡雅的诗般意境。 3.从思维方面借鉴 中国传统文化中整体的、辨证的、因果循环的思维方式,强调事物各方面辨证统一和相互间的联系,其思维过程重综合、重归纳。反映在自然观上,强调“天人合一”,“浑然天成”,“物我不分”和“因势就成”。其思想发轫于先秦的道家,儒家以及禅宗理念,是原始朴质的混沌思维方法论的基本优秀。中国特有的思维方式,为现代科学技术解开某些知识密码提供了科学辨证的有力思想武器。现代科学的三大发现——量子力学,相对论和混沌论中所包含的概念和思维方法,与中国民族文化中所蕴含的注重整体、和谐、相对、转化的传统思想方式相当吻合。中国的绘画理论和设计原理与这种思维方式有着密切的渊源关系,古代太极图中的阴阳回转,青铜器纹饰的抽象多义,国画中大写意虚实相生中无不透出这种思维方式的精髓。我们知道思维方式转化到海报设计上,往往促成创意的产生,它是人所共知的潜意识中存在的思想意念。一个好的思维意念的生成,能够超越任何阻碍人类之间相互交流的因素,达到更高层次的彼此交流,它是使“中国海报设计”登向国际设计舞台的不可或缺的条件之一。我们的设计师在进行海报设计时,能够把作品的创作思维糅合到中华民族传统的自然观、哲学、思维方式中,往往会有意想不到的效果产生。(二)民族传统文化与当代海报设计 中西文化的互动和双赢,成为世界多元文化格局发展的必然趋势。海报设计要根植于本土文化精华的土壤中,深入领悟传统中的“中国特性”,汲取外来优秀的意识、方法、兼收并蓄,融会贯通,做到既有自己的独到之处,又不落后于国际潮流的设计理念与实践体系。 1.对民族文化精髓的创造性转化 对我国的民族文化,即要发掘出其中蕴藏的丰富资源,又要看到其中存在的不是和缺憾,在进行海报设计时,要活学活用。很多设计师还存有“借古人以自重”的倾向,认为套几件古装或搬出典故神话就是弘扬民族文化,设计就有了文化内涵,殊不知这恰恰是远离文化的一种流于表面的吸收,刻意模仿穿衣戴帽的行为表现。 那么如何在海报设计中将民族性与时代性创造性相结合,是体现其本土文化设计的关键之一。我们认为,首要的就是将中国文化传统中视觉的符号和价值系统加以改造,使这些符号与价值系统变成有利与时代变迁的种子,根植于国人心中,使其保持文化的认同。因此,我们所要努力把握的不仅是形式与内容,更重要的是抓住中国传统视觉符号所蕴含的精神方式与审美内涵,并自然地将它转化到我们当代的海报设计之中,亦即将传统文化符号转化为现代视觉语言。例如余秉楠1995年创作的《海峡两岸一家亲》是为台湾印象海报会设计的“汉字”海报。作品选用了最古的篆字“家”,家是屋顶下的猪,一个多么美好的形象,多么安定和幸福的家庭,它虽然经历长期的形制更叠,繁衍出行,仍离不开造字的初衷,隐喻出海峡两岸一家亲的主题。刘小康设计的《新北京,新奥运》,背景是北京故宫九龙壁中的一条栩栩如生,威武动感,再加上一个跑步人形及科技感的线条造型,重叠龙形和人形,把传统文化,现代思维和运动精神结合起来,表达新时代北京的气象,还有很多成功作品,陈幼坚1987年设计的《Hello香港》,李永铨1993年设计的《现代香港设计师八人展——八仙过海》海报等等,都是从视觉文化的角度来重新看待中国传统视觉符号,深化了对中国传统文化精髓的把握,这对于发现具有新时期民族特色的海报设计艺术具有启发的意义。 2.“全球化”中的现代中国海报设计 在全球一体化的今天,海报作为信息与观念交流的载体,成为人们生活中不可缺少的成分,一个成功的海报设计应将不同地区,不同文化背景的人的共通性意念,通过图形文化方式表现出来,以求人们免去因文化、地域、语言、种族等,使人类交流产生阻碍的因素,通过视觉图形而达到心灵之间的直接沟通。 真正理想的“现代海报设计”,应该更多是一种融古通今,关怀人性的思考方式,是多种文化并存,是人与自然协调的“现代化”的体现,是庄子所畅想的“天地与我并生,万物与我为一”的人生境界。当然,对传统的珍视,并不是一味的沉溺与审美的情感体验,我们所希冀的中国海报设计是在理性秩序下借西学之风,熔铸古代传统,培育拥护中国的文化生命的强大力量,而不是盲目裁切我们古代图形中的优秀片段,凭空移植外来文化。“民族的才是国际的”,把海报设计穿上民族的盛装,让它在世界各种文化的击撞中接受挑战,汲取营养。 (三):结束语 面对“西方文化”的强势入侵,我们的文化艺术也必然受到前所未有的挑战。“与狼共舞”并不可怕,相反,每一次异质文化与中国民族文化的交融,都将会带来民族文化质的飞跃。面对设计全球化的浪潮,思想的贫瘠和信念的过失将成为每一位海报设计师共同的劲敌。因此,在这片具有悠久灿烂文化史的土壤中,我们的海报设计师要“善学邯郸,不失故步。中西结合,以中为主,源流结合。以源为主,形成民族个性,这样我们的民族文化将得以不断传承,我们的海报设计艺术在本土化的土壤里也必定大放异彩。 摘要:在设计国际化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言的失语视觉现象非常突出。作为当今社会人与人交流载体的海报设计,要走出一条“民族个性”的道路,就必须根植于民族文化土壤中,向传统学习,并进行具有创造性的转化,使传统文化符号在当代海报设计中既具有“民族个性”又有“时代性”,这样,我们海报设计才能真正走“国际化”。 关键词:传统民族文化海报设计本土化国际化 视觉传达设计是一种以“图”作为信息载体的艺术,也是与传播相结合的设计艺术形式。其中海报便是一种非同寻常的充满信息与传达的交流载体,它往往可以不通过文字的阅读或提示,让人们一目了然地快速识别图形中所传达的内容和含义。德国设计大师皮尔·门德尔认为:“海报不仅是为了引起人们的关注和理解,而且更是一种美的语言,它映射出一个国家的民族传统与社会文化。” 然而,在全球化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言“失语”现象非常突出。世界设计的大同之日就是它的末日到来之时。当设计失去了民族个性时,不仅达到“世界水平”的目标无法实现,实际上也正在迈向衰败的道路。真正的“中国设计”应该是试图去发现一种既根植于我们民族的本土性又对整个当代设计语言有意义的东西。一个好的海报应该是在寻找表现某种可以识别、分析、解读我们的传统艺术中渗透的我们民族的智慧、意境、精神的“中国特性”。我们要为“中国设计”寻觅正确的方向,也为国际海报艺术设计的丰富性提供来自把握们本土的智慧和想象力。
学前教育美术论文:学前教育儿童美术教育论文 一、中韩学前儿童美术教育课程性质比较 中韩两国学前教育专业儿童美术课程性质大同小异,都是要求从理论和实践两个方面展开教学的。稍有不同的是,韩国儿童美术课程更侧重实践部分,而中国儿童美术课程在理论课时安排上更显优势。幼儿美术教育课程教材的编写,要根据幼儿各年龄阶段的不同表现能力,了解现实的课堂教学情况和教育机构对教师的要求等。美国儿童美术教育家艾斯纳提出,既要重视儿童美术学习的过程,也要重视儿童美术学习的结果,以学科为基础的美术教育主张,对我国儿童美术教育的发展产生了深远的影响。中国儿童美术教育过度关注美术作品本身和美术活动结果,从而忽视儿童创作过程的问题。作为中国儿童美术教育工作者有责任、有义务解决好这一问题,应了解儿童在不同时期有不同的艺术表达需求。例如,处于涂鸦期、前图式期的幼儿,可以侧重于保护幼儿艺术天性,提高幼儿创作的兴趣,尊重幼儿大胆想象、情感释放以及自我表达的本能;处于图式期、写实萌芽期的儿童,过度让儿童自由散漫、无基本技能支撑的创作,显然是不可取的。作为教育机构,幼儿创作结果失真的展示与宣传,也不利于儿童在美术教育方面的自然发展。因此我国学前儿童美术教育加强了课程价值取向;韩国学前儿童美术教育课程性质的研究,主要侧重于儿童发展取向。韩国在美术与儿童的两者之间,注重培养具有健全人格和艺术素养的人作为最终目标,将儿童的发展放在首要位置。韩国儿童美术教育在理念上强调通过儿童创作来发展他们的个性和创造力,把艺术作为一种达到目标的方法,而不作为一个目标。韩国重视儿童美术发展的价值,尤其在幼儿涂鸦期得到体现,但随着儿童年龄的增长,由前图式期向图式期的过渡,长期处于无技能指导和支撑的自发状态,对其发展也是不利的。 二、中韩学前儿童美术教育课程内容的比较 儿童美术教育是学前教育专业学生的一门专业必修课程,其目的是使学生初步掌握幼儿美术教育的理论知识、正确的教育方法和多样化的教学方法,具备一定的幼儿园美术教学的实际操作能力。中韩两国学前儿童美术教育课程内容都具有各自的特点: (1)中国学前儿童教育以学科取向形式呈现课程内容 中国学前儿童美术课程在活动内容设计上是偏重于技能训练的,以美术学科的基础知识、技能为主要依据来设计该课程。其优点是:能够使幼儿相对系统地学习美术知识和技能,能够使教育者有序地组织教学活动,使幼儿作品得到一定标准的评价。其缺点是:可能会导致幼儿创作兴趣大跌,导致幼儿脱离自己的生活和经验,过度技能的训练还导致幼儿逐渐丧失艺术创造力。学科取向的不足现象已经被多数教育者所知晓,从而积极采取相应、有效的方法加以弥补。混合取向的美术教学活动是目前我国幼儿园美术教学活动中采用较多的一种取向,能够取长补短。 (2)韩国学前儿童美术教育以儿童发展取向形式呈现课程内容 韩国学前儿童美术课程在内容设计上充分满足幼儿创作的兴趣,让儿童成为创作的真正主人,主张把一定学科的知识转化为儿童当下的生活经验,使儿童获得全方面的发展。但过分注重美术活动中的偶发创作,过分放纵幼儿,让美术活动极具游戏性,其实会丧失儿童应有发展机会,造成有效资源的浪费。笔者在韩国走访了多所幼儿园,跟韩国相关的教育者也进行了相应的研讨,探究韩国学前儿童美术教育具有以下几个方面特点:突出专业性质,专业课程集中细致;了解多元化教育的理念,强调授者的功能;强调学生制作手工作品,定期进行手工作品展示活动;课程设置突出心理教育,如美术欣赏与心理教育、游戏与心理指导。中韩两国学前儿童美术课程内容上也有着诸多的相同点:一是儿童美术教育课程内容都具有理论和实践两大部分,在理论课程设置上都要求学生初步掌握基本理论与基本知识包括。如儿童美术及其教育、儿童美术的发展、教师与儿童美术教育、幼儿园美术活动的设计和实施、幼儿园美术教育评价等。二是在实践课程设置上都包括作品欣赏和实践操作两个方面,实践操作又分为绘画和手工两大类。中韩两国在实践课程方面是有很大区别的。首先,我国学前教育专业学生儿童美术实践课程内容,主要以技能训练形式呈现课程内容,对教材的大量临摹和再现,刻板的涂色等成为教学的主要内容,偏重于技能专业化教学。绘画内容一般包括简笔画、水粉画、版画、国画、装饰画等,手工包括泥工和纸工等。其中简笔画教学被称作学前教育专业学生基本功,是学生必须掌握的,学生经过反复训练,基本能够达到应物象形,却失去了美术的创造力;水粉画教学,能够使学生了解水粉基本的表现技法,但不能转化到实际的幼儿美术教学中;版画教学过于重视传统知识和技能,没能与幼儿实际能力相联系;儿童水墨画教学,注重本民族绘画的传播与训练,这是值得肯定的,具有一定的现实意义;装饰画教学,过于注重临摹和再现,儿童创作力得不到体现。其次,韩国儿童美术实践课程内容一般以主题的形式呈现课程内容。以贴近幼儿生活经验和兴趣爱好的主题呈现课程内容,把幼儿对美术活动的喜爱、对美好事物的初步感受和欣赏、对各种基本操作方法和表现技能的探索学习等方面的内容,根据课题的需要,自然地渗透到每一次具体的活动当中。手工操作的类型很多,如撕贴、剪贴、染纸、折纸、厚纸制作等纸工,以及泥工、综合材料制作等手工类型。这样,每一次美术活动都与他们的生活和兴趣紧密相连,同时包含一定的美术技能。这些操作类型以及其中涉及的技能技巧按照由简单到复杂、由易到难的顺序,作循序渐进式安排。同时,根据主题活动的需要,同一类绘画或手工类型的操作又可以在不同学期反复出现。幼儿在这种感受、创作的过程中,可以慢慢地积累相关知识,获得有关技能,得到艺术感受和表达能力的提高。生活化和情感性贯穿于每一个主题中,激发儿童的创作欲望,保持儿童对美术活动的兴趣。 三、中韩两国学前儿童美术课程组织与实施比较 中韩两国学前儿童美术课程都非常注重课程的组织与实施。在课程组织中都针对学生的实际水平,安排多样的操作实践,如加强儿童美术课程教案的编写,安排学生去幼儿园熟悉幼儿园美术教学的过程,参观幼儿园室内外环境布置等。首先中韩两国幼儿园教育教学都非常重视教学计划的制定。中国的《幼儿园教育指导纲要(试行)》和韩国《幼儿教育法》等都有所体现,各自结合本地的实际情况、幼儿园的实际水平、教师的条件,制定出具体的行之有效的教学计划。韩国学前儿童美术课程教学计划分为半年计划和课时计划,有效保证了教师有计划、有目的、有步骤地对幼儿进行美术教学,克服了美术教学工作的盲目性、随意性和偶然性。其次,韩国非常重视儿童美术课程教案的编写。课前教学设计的好坏,对一节课的成败起到关键的作用。教案是教学活动设计的体现,是重要的教学准备。教案因人而异,但都应写得明确、具体、实用。教案包括课程名称、教学纲要、教学准备、教学过程这几个方面。除此之外,韩国在儿童美术课程教学过程和课程评价方式上也有自己的特色,如在教学过程中组织学生到幼儿园参观,了解幼儿园的节日装饰和日常环境布置,熟悉幼儿园美术教学过程,增加学生对美术运用的感性认识。从而把课堂学习过程直接与就业上岗工作、学校课堂教育教学与幼儿园实际工作紧密联系起来。在课程评价上采用多种评价形式,如学生自评、师生共评、作品展评、作业批改等,在这一点上与中国类似。 四、结语 总结中韩两国学前儿童美术课程教育异同,其主要目的就是为了扬长避短,借鉴韩国学前儿童美术教育的优点,克服自己的缺点。从中韩两国学前儿童美术教育课程比较,受到以下几点的启示意义:把课堂教学权还给老师,鼓励教师选择教育模式、教学内容的创编和课程教学方法;幼儿是课程生成的主体,要及时关注幼儿生成的课程,有利于幼儿探索精神和创造力的发展;学会发现有价值的东西,学会尊重,学会支持;培养儿童丰富的情感和完美的个性,提高儿童美术教育的质量;理论与实践相结合,积极提高儿童美术教师的综合文化素养和教学水平。 作者:江丽亚单位:南京特殊教育师范学院 学前教育美术论文:美术教学学前教育论文 1引导学生多角度观察,培养学生思维的求异性 创新素质表现为引导学生探究问题、发现问题,积极研究新规律新方法的心理取向。创造性思维具有多向性、多维度、开创性的思维活动。在学前专业美术教学中,培养创新意识是美术教学的重中之重,应指导学生多角度观察,强化学生形象思维能力的日常练习,实现思维多向性的基础学习。 1.1引导学生多角度体验、多维度分析马蒂斯说过:“创造始于观看,而看的本身就是一种创造性活动,需要一种努力”。在美术教学中,应把观察作为美术教学的基础,教师引导学生有意识地进行多角度观察客体、认识客体,寻找不易察觉的关键因素。通过视觉观察后学生会对物体有自身独特的理解和感受,包括客体初步的形体特征、自身寻求感兴趣及表达的角度及主观上的认识。 1.2鼓励学生从自身的思想感情出发,将观察视点表现为思维和感觉不同的观察方式形成了不同的视觉角度,产生了不同的绘画角度及绘画表现方式。观察为创作提供了丰富的素材,在观察的基础上,避免绘画的模式化和概念化,需培养学生不断地主动分析、比较、取舍。把“客观美”转化为“艺术美”是一个复杂的创造性过程,提炼主体的主观认识,之中包含学生们的想象力及智慧,注入自己的情感和思想,安排画面的艺术节奏感和张力。 2引导学生运用多种创造方法,培养学生创造性思维方式 2.1换种思维方式,打破惯有思维习惯性思维不利创新意识的培养,有目的地培养学生打破原有理念,摆脱原有束缚,换种思维模式。如可以简单先从问题的“点”散射联想到“面”。 2.2同一命题用不同的方法进行绘画表现,培养学生的变通能力去了解和体验不同的材料。材料和工具的不同能带来的创意灵感。这种“一题多画”,围绕一个问题向不同方向扩散,训练学生的求异思维,培养学生从联想中求异,从观察中求异,增强思维能力的灵活性、变通性和创新性。 2.3丰富想象,以法作画,以情作画苏联教育家苏霍姆林斯基曾说“:在人的心灵深处,都有一种根深蒂固的需要,这就是希望感到自己是一个发现者、研究者、探究者”。想象力和创造性思维有着密切的联系,每位学生都拥有一颗充满幻想与想象的心,教师应鼓励学生大胆创造想象,以推动思维的创新。在艺术表达中,避免依靠现有资源临摹,启发学生从自身兴趣、与自己密切相关的点出发,引导学生主观化用色,表现自己的情绪和情感,如分析马蒂斯的主观色、强调色。 3建立科学的评价机制,培养思维的积极性 评价是一个教育的过程,是一个充满人文关怀的过程,更是一个促进学生发展的过程。科学合理的评价,可以促进和提高学生学习的积极性。 3.1评价形式:互动——开放教师教与学生学是互动的,又是开放式的。放开教学,开放思维,有利于彼此分享交流经验,提升综合能力,实现教学助长。传统的教学评价教师总是一言堂,没有民主气氛,忽视了学生的自我评价,导致学生习惯被动接受知识和评价,长期不敢于发表自己对事物的看法。要想改变学生状态,就必须努力营造平等、融洽、和谐的学习氛围,经常让学生上台讲讲自己的作品,谈谈自己的设想,与同学互动,尽情阐述自己多方面的想法。在关注学生画面特征的基础上,有意识的培养学生心理发展和绘画的一致性。由此可见“,互动——开放”式评价保护生命的活泼和原创力,能使学生畅所欲言,并让学生在宽松的环境下集思广益、获得灵感。 3.2评价内容:过程——结果过程评价是对学生美术学习中的表现进行评价——包括学生的认知水平、绘画技能、参与精神、合作意识、探究想象能力以及交流表达能力等全方位的综合评价。评价立足于学生的观察感知力、表现力、想象力、创造力是否得到充分的展现与发挥,关注的是学生的能力形成与发展,有意识地培养学生心理发展和绘画的一致性。结果评价是对学生学习成果的评价。关注的不仅是学生的基本知识和基本技能,还有学生的情感和创意、个性形成与发展。作为美术教师不能忽视了学生认知事物关系和掌控作品的能力。所以在教学的每个环节都要加强教学内容与学生生活经验的联系,尊重学生的自由表现,承认学生审美个性特征的客观存在,不断激活学生的创造热情,最大限度开发学生的潜能,重视发展学生思维的贯通性、独特性和灵敏性。 3.3评价态度:真诚——引领赏识——教学评价以鼓励学生作为美术评论的出发点。艺术承载人的各种情与感,是一个丰富多彩的情感世界。教学中,教师应注重学生的兴趣爱好,从多个角度关注不同类别、不同层次的学生,建立和谐的师生关系,以发展的眼光来评价学生。日常中及时抓住学生稍纵即逝的新鲜想法,满足学生的心理需求,充分激发他们的自信心,肯定学生们所取得的点滴进步,使他们的创造性思维得以发展。引领——指导性评价,指导学生怎样构思、用色、取舍、创意等,这是学生发展的需要,具有指导意义,发挥了评价的促进和提升作用。教师要关注学生自我认知、自我提升,促进学生主动且全面的发展。教师评价的目的是为了自我认识、改善,以全面深入、多维的教学评价方式,为不同层次的学前学生创造完善的机会,发挥了评价的促进功能——推动学生的进步与发展。教学评价不是一个静止的结果,是课堂教学活动的促进和补充,最终引导学生更好地体验创造性思维的过程。 作者:李臻单位:首都师范大学 学前教育美术论文:高职美术学前教育论文 1、高职学前教育专业美术教学存在的问题 1.1美术教材的实用性不强,很难体现教学大纲的要求。现行的学前教育专业的美术教材内容过分强调美术基础知识和基础技能,内容过难、过深,严重脱离学生的美术基础、文化背景和生活基础,让学生产生畏难、逃避、甚至排斥的情绪,对学生的学习兴趣和积极性产生了严重的影响。 1.2美术教师在幼儿美术教育理论知识方面较为匮乏。就目前来看,高职院校学前教育专业的美术教师多半是美术学院和高师艺术学院毕业的学生,二者的知识结构都偏重美术技能的掌握,而在美术理论方面学习研究的很少,尤其在幼儿美术教育理论知识方面就知之更少。因此,在美术教学当中,这方面就显得捉襟见肘,严重的制约了学生的全面发展。 1.3教学过程过于强调美术专业知识与技能的学习。高职学前教育专业的美术教学过程,很多也在模拟美术专业院校的授课程序,在美术教学中过于强调绘画技能技巧的传授与接受,把“绘画技能训练”作为高职美术课程教育的主要任务,而对于写生要求的过于专业化,对于高职学前教育专业美术基础薄弱的学生而言是很困难的。这种过于强调美术专业知识和技能的学习,与学前教育专业的培养目标不相符。同时,这种过于专业化的教学内容与将来幼儿园美术教学活动是脱节的,不利于学生上岗就业。 1.4教学方法单一、滞后。教师过多地采用讲授法、演示法等学习方法,忽视个性教育,强调教师的讲解和示范。“教师示范学生看”“学生练习教师看”的教学方法很是常见,教师一成不变地教,学生机械地模仿,其结果是限制了学生创造性思维的自由空间。 2、高职学院学前教育专业美术课程改革思路对策 2.1明确美术课程的教学目标,科学适度地调整美术教材,增加幼儿美术教育理论知识的教材。高职学前教育专业主要培养的是未来的幼儿教师,美术课程也要体现幼儿美术的特点。美术教师可以科学适度地调整美术教材,不能始终把技能训练放在首位,也不能以此作为衡量学生学习成绩好坏的唯一标准。只有明确了学前教育专业的培养目标和美术课程的教学目标,并且从理论中学习和认识幼儿美术独特的作用,引导学生了解幼儿审美心理发展,才能在今后的实际美术教学中发挥作用。因此,有必要开设幼儿美术教学论、幼儿审美心理、幼儿心理学、幼儿教育学等理论课程。 2.2加强美术课授课教师的综合素质。美术课程教学质量的提高,需要高素质的授课教师,这是推动美术课程教学发展的前提条件之一。 2.2.1美术教师应具备深厚的专业功底(专业技能和艺术修养)。作为一名美术教师,他的专业功底是否深厚,影响美术课的教学质量;也是完成各种课程任务的基本条件。美术教师要向学生传授美术知识与技能,其本人应该具有全面的美术基础知识,基础理论和技能,具备较为全面扎实的美术造型能力和艺术表现力。否则,即使你再认真努力,也很难培养出高水平的学生。 2.2.2美术教师要具备高尚的道德情操。美术教师不但要传播人类文化、艺术修养、开发人类智能,还承担着塑造人类灵魂的神圣职责。具有高尚道德情操的美术教师与学生能做到相互尊重、理解、民主、平等、信任,从而建立良好的教与学的互动平台,具有高尚道德情操的美术教师能够以人格魅力潜移默化地教育学生。 2.2.3美术教师应具备一定的人文知识。美术教师除了钻研更宽、更广、更深的美术专业知识技能外,还应当具备更广博的人文知识,美术教师在与学生的交往中,会遇到学生提出的难以预料的难题,渊博的知识会满足学生求知的欲望,是做好教育工作的基本要求。 2.3采取探究与互动的教学方法。 2.3.1在不断提高教师综合素质的前提下,更要重视培养学生素质的教学方法。教师可以根据教学的目标和内容,以及学生现有的知识经验,利用现代教育技术创设一定的问题情境,引起学生思考,激发学生主动参与的愿望和探究的兴趣。 2.3.2开展形式多样、丰富多彩的美术实践活动。在高职学前教育美术教学活动中,须重视“以活动促发展”,开展丰富多彩、形式多样的创造实践活动,使学生能产生有现实意义的创造成果。比如,设定一个主题,开展简笔画的设计竞赛;模拟情景,开展幼儿园的环境设计比赛。使他们切身体会到独立思维与独立操作能获得的乐趣。 2.3.3走向幼儿园,以教促学。社会实践活动是学习主体增加信息,积累经验,培养创造性思维能力的第二课堂,幼儿园是学生最终的工作环境,让学生定期在幼儿园参加见习,她们会发现幼儿园的工作需要哪些能力,幼儿美育需要哪些知识和能力,自己哪些方面不足。回到学院她们会主动缺什么,补什么,从而增强她们学习的主动性和积极性。 作者:郭超群单位:咸阳职业技术学院 学前教育美术论文:学前教育专业美术教学改革论文 一、学前教育专业美术教学改革研究 1.对教学方法的改革 通过以上的分析可以看出,在当今学前教育专业美术教学中,教学方法使用不当会对美术教学效果产生负面的影响,甚至会影响到学生学习美术的兴趣以及对美术的认知。对此,笔者建议,应对教学方法进行深入改革。首先,在学前教育专业美术教学中,教师需要对学生的现有水平以及接受能力等进行全面的分析,根据个体差异性,对学生因材施教,更有效地将对学生的整体教学与个体教学进行结合,全面提升学生的学习效果,及时解决个体学生的个别难题。其次,教师应采取引导式教学方法,将学生的主体性充分发挥出来,引导学前教育专业学生认识美术、了解美术、学习美术以及积极地探索美术知识等,避免以往教学中存在的单向教学方式。教师要加强与学生之间的互动教学,通过互动交流让学生对美术重难点知识进行定位,这样对于拉近师生关系,为学生营造良好的教学环境有着重要的作用,从而有效地激发学生的学习热情。再次,应加强对学生的实践教学。如,可以将一些影像资料、图片等作为学生绘画的精品模板,一方面可以引导学生将其作为参照物尝试去画,另一方面可以引导学生将自己对精品模板的观点表述出来,并与其他同学进行分享,活跃课堂教学氛围,这样更有利于学生的学习和发展。 2.对教学内容的改革 教学内容的不合理会对学前教育专业美术教学效率带来直接的影响,因此,在课程改革背景下,应对教学内容进行改革。首先,应加强教学大纲的优化,合理修订学前教育专业美术课程教学计划,并在原计划的基础上分析美术课程教学规律,丰富教学内容,并引导学生自主完成教学内容探索,给学生足够的时间,将学生的主体性充分发挥出来。其次,应适当增加实践教学内容,相比之下,实践教学内容对加深学生对知识的理解效果更佳,同时对培养学生的动手能力也有着很大的作用,而美术本身对动手能力的要求较高。因此,作者建议在教学内容改革中,应多增加实践教学内容,这样才更有利于学生的学习和发展。另外,要适当调整学前教育专业美术课堂教学,尤其是在学前教育专业要求不断提高的情况下,更要注重对学生综合能力的训练。因此,在学前教育专业美术教学中,应对课程进行合理设计,加强学生对知识的理解,同时,在丰富教学内容的前提下,培养学生的学习热情。另外,教师可以充分发挥多媒体设备的作用,将多媒体技术应用到学前教育专业的美术教学中,充分引入网络资源库中的教学案例,不断丰富美术课堂教学内容,为提升美术教学效率提供支持,拓宽学生对美术的认知面。 3.对教学体系的改革 学前教育专业美术教学体系的改革,首先,应确定改革的方向,结合院校的实际发展情况以及实际教学情况等合理改革教学目标,打破以往大纲式的教学目标设置,注重对学生创新能力、专业能力、审美能力等方面的培养,帮助学生树立正确的价值观。其次,应对教学专业课程设置进行改革,做到理论与实践结合、课堂与生活结合等,主要以培养学生学习兴趣、积极性等为目的,让学生自主学习美术、探索美术知识,从而有效提升学前教育专业美术教学效果。再次,应注重教学评价方式的改革,打破以往问卷考试的评价形式,要从学生的实践实习中进行评价。如,针对学生在幼儿园进行的试讲,对学生开展实践性评价,让学生清楚地认识到自身的不足,并不断改进。另外,要通过丰富教学评价的方式,从多种角度、多个方向对学生展开评价。如,以学生自评、生生互评、教师总结等方式提高教学评价的有效性,从而促进学前教育专业美术教学工作高质量完成。 二、结语 随着教学改革的不断推进,幼儿教育也越来越受到重视,尤其是幼儿教师的培养,更为关键。学前教育专业美术教学主要是对幼儿教师美术教学能力的培养,应对其进行不断的改革,才能更好地满足当今教育发展的要求。笔者通过对学前教育专业美术教学改革的研究,结合自身多年的工作经验,对当今学前教育专业美术教学中存在的问题进行剖析,同时也提出了教学方法、教学内容、教学体系等几个方面的改革策略,希望通过文章的分析为提高学前教育专业美术教学质量提供一定的帮助,进而为社会培养更多的学前教育人才。 作者:崔贺 单位:沈阳师范大学学前与初等教育学院 学前教育美术论文:高职电脑美术学前教育论文 一、目前高职院校学前美术教育存在的问题 目前,多数高职院校学前美术教学形式多以教师讲解、辅导,学生临摹绘制为主,一幅四开大小、难度适中的简笔彩色画大约需要6个学时才能完成,有的学生还要利用课余时间才能完成作业。这种教学形式费工又费时,会使学生的思想停滞,感觉迟钝,并且极大地浪费原本就很少的课时。现在一般中高档的幼儿园大都已实现电脑设备教学,环境美化也都是用电脑设计、绘制好后喷绘输出,或者采用幼儿园专用环保装饰墙贴,即便一个小小的指示牌都是用电脑雕刻的,既高档、防水,又方便清洁。手工绘制或制作的墙饰时间长了会变色、粘灰、脱落。以往培养学生动手能力的观点和“形准”的评画标准,在快节奏的当下是有待商榷的。教学当随时代,现代幼儿园美术教学多采用电、光、声、影等多媒体综合形式或者在游戏活动中认色知形,很少用粉笔或者颜料手工绘制教学。笔者认为,学前的美术教学若主要以手工绘画和制作为主,是不太可能在极少的课时条件下很好地完成教学任务的,也不能适应当今时代的要求。要解决上述问题,笔者认为除了要拿出三分之一的课时用来开设电脑美术教学外,还要把音乐、舞蹈与电脑美术教学结合起来,设计一些美术游戏活动课程。 二、伊顿12色相环的色彩原理及电脑绘制 笔者以学前大专班上的第一堂色彩基础课程的授课内容与步骤为例,探讨高职院校学前教育专业电脑美术教学改革的方法。该教学内容如果按以往的教学模式,先讲解然后手工绘制、填色需要4个课时,而借助电脑教学只需要2个课时就可以完成,可谓事半功倍。学生既学习了色彩知识,又掌握了电脑绘图技能。学习色彩要从认识色相环开始,了解色彩形成的过程,即色彩是怎样从三原色开始,经过不同的组合出现间色、复色,又是怎样排列后形成色相环的,以及色相环对学习色彩具有哪些作用。认清这些问题,学生将会对色彩有一个初步的认识。 1.伊顿12色色相环原理 约翰内斯•伊顿(JohannesItten)是一位瑞士画家,也是一位著名的色彩大师,他设计的12色相环非常鲜明、直观地展示了色彩规律,把本来十分复杂的色彩理论简化得十分通俗,非常适合初学者学习。它的构成原理是由红、黄、蓝三原色开始,两个原色相加出现三个间色,再由一个间色加一个原色出现三个复色,最后形成12色色相环。 2.电脑绘制步骤 第一,打开corelDRAWX4软件(简称CDR),在左边工具箱中选择基本形,在出现的基本形面板中选择梯形,按住鼠标左键向下拖动画一个正梯形,通过垂直镜像得倒梯形。第二,用挑选工具双击倒梯形,使之成为旋转状,按下键盘上的快捷键ctrl,垂直向下移动旋转轴心。第三,从菜单栏“排列”下的“变换”中选择旋转,在出现的旋转面板的角度框中输入30,点击“应用到再制”11次,得到图6的组合圆形。注意,倒梯形的旋转间距是靠移动旋转轴心的上下调节的,要想将12个倒梯形刚好组成一个圆,需要反复尝试。第四,根据伊顿12色色相环的色彩原理,先填上红黄蓝三原色,先用挑选工具击活最上面的倒梯形,在调色板中点击黄色即可,图7为填充后的效果。第五,根据伊顿12色色相环的色彩原理,在黄与红的中间填上间色橙色,在红与蓝中间填上间色紫色,在黄与蓝中间填上间色绿色,是填充后的效果。第六,根据伊顿12色色相环的色彩原理,在黄与橙的中间填上复色黄橙色,在红与橙中间填上复色红橙色,在红与紫中间填上复色红紫色,在蓝与紫中间填上复色蓝紫色,在蓝与绿中间填上复色蓝绿色,在黄与绿中间填上复色黄绿色。第七,CDR软件的调色技巧:在填复色黄橙色时,先填上黄色,按住键盘上的Ctrl键用挑选工具点击调色板中的橙色,即可在黄色中加入橙色,加入的多少与点击的次数有关,以此法依次为其他5种复色点击调色。第八,6个复色填好后,整体观察每个级别的过渡是否自然。如发现有的色过深或者过浅就要进行调整,调整好后用挑选工具框选所有图形,用鼠标右键点击调色板上的“去掉轮廓”按钮完成最后的制作。 作者:郑雨田 单位:荆州教育学院 学前教育美术论文:美术手工教学学前教育论文 1.学前教育进行美术手工教学的方法 学前教育的美术手工教学过程中要以学生为中心,考虑到教学实践中学生的具体情况,合理地对课堂教学内容进行微调,为学生提供丰富多样的教育资源。教师要注重培养学生多角度观察事物的能力,提升学生对美好事物的好奇心,乐于接受美的事物的熏陶和启发。儿童有着天生的好奇心,在美术手工教学过程中,教师要对于这种好奇心进行正确的引导,指导学生学到科学的系统的美术知识。教师要为儿童营造一个宽松快乐的学习环境,给予学生充分、自由的创作空间,鼓励学生进行大胆创新,积极呵护学生的创作热情,为学生将来的美术创作打好基础。 2.学前教育美术手工教学工作的具体措施 美术手工教学想要保证高效的教学质量,达到锻炼儿童能力的目的,就要依靠正确的教学举措。因此,教师要根据实际情况,采取具体有效的教学措施,做好学前教育的美术手工教学工作。 第一,构造情景故事,调动学生的学习兴趣。在美术手工教学过程中,不能单单只是让学生完成课本上的任务,还要通过一些生动的故事,来对课本上的知识以儿童能够接受的形式进行传授。这样不仅只是传授了课本的知识,更吸引了儿童的好奇心和求知欲,将他们的学习兴趣充分调动了起来,从而达到理想的教学效果。例如,可以在画动物的教学过程中,给他们讲一些动物的寓言故事,《农夫与蛇》《东郭先生》和《狼》等。寓言故事是一种很能打动学生的方式,让学生能够生动的了解善恶美丑,懂得真善美的真谛。使得美术教学不仅停留在技法表面,而是有了比较内涵的东西。 第二,结合地域文化,借鉴当地民间艺术,把传统民间艺术手法应用到学前教育的美术手工教学实践中。例如,甘肃的布老虎、山西的皮影、粤西的木偶戏等,通过指导学生利用普通的手工材料,学习传统工艺的制作、表演过程,选取符合学生自身特点的故事背景加以创作,还可以让学生突破传统段子,自己制作简单的人物和场景,比如可以在皮影戏学习的时候,鼓励学生创作一出表现当今儿童在课堂上的可爱表现的皮影戏,让学生在即兴表演之余,收获创造的乐趣。带领学生进行木偶的制作过程中,除了对木偶的制作过程的讲解,也可以讲解一下该地区的风土人情和流传的神话故事,培养学生的文化底蕴,让学生了解我国悠久灿烂的文化和世界变迁的历史。 第三,练习布置画展,增强学生的整体能力。举办画展既能激发学生对美术作品的创作热情,锻炼学生进行美术手工的动手能力,也能很好地考验学生在进行团体活动中的应变能力。在布置画展的过程里,学生可能会遇到这样或那样的问题,而这些问题极有可能就是学生成长路上必须经历的考验。所以,现在就要对学生的应变能力进行实践锻炼,使得学生通过画展,不仅锻炼了美术手工制作能力,还在团体活动中学到许多与同学合作的经验,与他人交流沟通的经验。美术手工教学作为学前教育的主要内容,不但锻炼了儿童的美术手工动手能力,还使得他们的各方面能力都得以加强。美术手工教学的实践研究,关乎全社会的幼儿教育,对于我们进行素质教育改革,培养出综合素质全面发展的学生有很大帮助,从而为我国当代的教育事业发展做出贡献。 作者:余海艳 单位:江苏省滨海县五汛中心幼儿园 学前教育美术论文:美术课堂学前教育论文 一、传统美术课堂教学模式的弊端 随着新课改的实施,传统美术教学的弊端逐渐暴露出来,严重阻碍了学前儿童对美的探求。首先,在传统的美术教学活动中,教师多采用讲解、板书、多媒体等的方式来向学生讲授知识,学生也只是被动地接受美术知识。这种“填鸭式”的教学模式禁锢了学生的思维,忽视了学生创新能力的培养,进而导致了孩子们对美术课失去了兴趣。课堂教学主要是“以教师为中心、以教材为中心、以美术知识为中心”的传统模式,这种传统教学模式与美术这一要求非常个性化的艺术背道相驰,难以培养出具有活力、创造力的学生。其次,在传统美术教学中,教师主要是通过点评学生们的作业效果来判断其对技能的掌握情况,而点评作业依据的又是专业的美术技能知识,“像与不像”便成为了评价学生作品的重要标准,只有那些画得像真实事物、画得像教师所画的作品才是优秀的。这种单一的评价标准使得美术教学完全偏离了素质教育的轨道,阻碍了美术教学的发展。再次,在美术教学过程中,所采用的美术材料内容仅仅局限于美术知识的范围,只看重学生能否掌握专业技能,而对其他知识的涉及则较少,其内容脱离了儿童的生活,使得学生对美术课产生了疏离感。传统的美术教材过于重视美术知识的严密性,使得儿童发挥空间较小,无法培养学生个性化的兴趣和审美能力。 二、实施美术课堂有效教学模式的意义 美术教学的最终目标是培养学生的审美情趣,让儿童了解美、感知美、创造美。教师在美术教学过程中,针对儿童的心理特征、年龄特征可建构有效的教学模式,进而逐渐培养他们对自然、社会中的美好事物的审美能力以及对艺术的热爱,使得他们在追寻美的活动中能够潜移默化地获得美的感染,陶冶情操,从而逐步提升了自身的艺术素养水平。 1.建构有效的教学模式 有利于培养儿童的创造力美术教育是培养儿童创造能力的最佳途径之一,美术教育的本质就是创造性的教育,这也是素质教育的基本要求。美术教学活动的最终目的是培养儿童全面而个性化的发展,建构有效的教学模式,引导和挖掘出儿童的个性潜能,发现、保护、发展并强化他们的艺术个性。如在美术课堂教学中,教师可以通过写生、记忆、欣赏等方式来激发学生们的创造思维,培养学生们的创新能力,鼓励他们要发挥自己的艺术个性,创造出真正属于自己的作品。同时,教师建构有效的教学模式,也能够锻炼儿童的观察力、感知力、想象力,培养他们的主动性和创造性。 2.建构有效的教学模式 有利于培养儿童非智力因素的发展非智力因素主要是指除了智力因素之外的心理因素,主要包括意志、求知欲、自信、独立、自我意识等。传统学科教学主要注重儿童智力因素的培养,而美术课堂教学,主要依据的是儿童的心理特征来建构有效的教学模式,进而可引导学生在欣赏美术作品时,能够培养其求知欲和对艺术的兴趣;在进行作品创作时,可通过让学生完成一幅作品来培养其坚定的意志、耐心。建构有效的美术教学模式也有利于逐渐树立起学生的自信心,通过对学生的作品进行展示和点评,来让儿童树立起良好的自信。 3.建构有效的教学模式 有利于培养儿童展现自我的能力美术教育主要是通过培养儿童一些美术技能,来让他们学会欣赏美、发掘美,并将其以独特的方式表现出来。建构有效的美术教学模式,教师可将自己的教学思想、课堂教学内容与儿童的认知特点有机地结合起来,为学生们创造一个活泼、轻松的课堂氛围;通过各种鼓励方式,让学生们在美术学习和创作作品过程中,学会发现自我、认识自我、展现自我。 三、建构美术课堂有效教学模式的策略 美术教育主要有两个层次的教学任务,一是形式层面,即通过教学活动让学生们掌握各种美术技能和知识;二是内容层面,即通过学生们的自我创作来让他们准确地表现出自我情感以及对美的认知。建构有效的美术教学模式恰恰就是依据美术新课程的标准巧妙地连接了两者,唤醒了儿童的审美意识,来让儿童主动建构自我的创造能力。 1.建构以训练儿童想象力和创造力为主的有效模式 美术教育的最终目标是培养与实现儿童创造力和创作能力的提升。在美术课堂教学过程中,只有通过教师引导学生们自我唤起其想象力和创造力,才能真正地发挥美术教育的价值,逐步培养学生们从不自觉创作转变为自觉创作、热爱创造的过程。首先,在美术课堂教学过程中,教师应依据学生们所要表达的情感来进行大小画交替的教学模式。教师可以让学生画较大物体时用小张纸来画,而画较小物体时用大张纸来画,以帮助儿童提高其构图能力。比如,在静物的描绘课程中,教师可以将纸裁剪为不同形状和不同尺寸的大小,来让学生运用不同的构图方法来画同一事物,即先将画纸尺寸逐渐缩减,之后再将画纸尺寸逐渐放大,注意画面主题要一致,以培养儿童对画面的驾驭能力,这种教学模式对儿童创造力的培养大有裨益。其次,在美术课堂中,教师应采取让学生画想象画与现实画相结合的教学模式。教师要以现实画为基础向他们讲授绘画的基本技能,然后积极鼓励孩子们“异想天开”地创造作品,这样的教学模式,既可以让儿童打牢基础技能,又能够锻炼他们的思维想象力。在美术课堂教学中,美术教师要积极引导儿童体验美、认识美,还要结合学前儿童的年龄特点、心理特征、表现能力等实际情况,采用多元化的教学方法,灵活调控教材,并运用各学科知识,有计划、有目的地对儿童进行想象训练,给学生搭建一个丰富的想象平台。再次,在美术教学过程中,教师可以采用绘画故事的教学模式,可选取一些诗歌、故事的情节或学生自己编写故事,然后让他们描绘连续的图画,以提升儿童思维的连贯有序,丰富儿童的表现能力、创新思维能力以及综合分析能力。但采用绘画故事的教学模式相对来说要比描绘单幅绘画有难度的多,然而学生对自己所熟悉的诗歌、故事等内容兴趣较大,在美术教师的引导下能够很好地表达出自己的内心情感,进而提升儿童的创造能力。 2.建构以激发儿童兴趣为主的有效模式 兴趣是开启美术教育的大门,因此,美术课堂教学应实施以激发兴趣为主的教学模式,利用学前儿童的年龄和心理特征来安排和设置一些感兴趣的活动。首先,教师可以在课堂教学时创设一些小游戏,让学生参与到游戏活动之中,以游戏为题材进行绘画,以加强儿童的集体感和情感交流能力。比如,在美术课堂教学中,教师可以设置“画自己”的绘画课程,绘画完成之后,让学生之间进行相互评价。其次,教师在课堂教学中,可以运用多媒体手段来优化教学模式,以提高儿童的绘画水平和欣赏水平。比如在课堂上可让学生观看一些优秀的故事片、美术片,其屏幕上美好的形象、绚丽的色彩可潜移默化地促进儿童的观察力、想象力以及审美情感的形成,培养学生对美术的学习兴趣。再次,在美术课堂教学中,教师应依据教学实际条件将教学课堂搬出教室。比如教师可以带学生去参观美术展览,以开阔他们的视野,让他们在观赏的过程中产生丰富的想象和感悟,引发他们对美术创作的冲动和激情。同时,教师还可以带学生到大自然中,体验自然带给我们的美,让他们对不同季节的树木、人物等进行描绘,使他们能熟悉美术的造型和色彩旋律。 3.建构以培养儿童造型感和色彩感为主的有效模式 美术教育对儿童造型和色彩的训练主要以形象感觉为主。在美术课堂教学中,教师运用了直观图模式对儿童的造型感和色彩感进行培养。比如,教师可以准备一组静物,先让学生对这组静物进行观察,然后迅速打乱静物的摆放位置,之后让他们对这些静物进行重新摆放,这样便可以培养儿童对事物的造型感。同时,教师还可以采用填色训练的模式,用以测试和训练儿童在色彩表现上的个性、情感,以强化儿童对色彩的了解,进而提升学生的色彩表现力水平以及对色彩的敏感度。比如,教师让学生对一幅冬日的图画进行填色,有的学生会用偏冷的色彩,而有的学生则会选用较暖的色彩,之后教师要予以适当的点评,以便让学生自己能够感知不同色彩下的冬日主题,并有针对性的讲解一些色彩知识。 四、结语 美术教师对有效教学模式的探究不仅能够提升儿童的审美水平和美术素养,也为美术新课标的实施提供了一些实实在在的探索。美术教学的模式是多种多样的,我们应通过具体的实践教学去验证这一模式。为此,美术教师要积极结合学前儿童的心理特征、年龄特征,以新课标为基础,来建构出具有科学性、系统性、有效性的教学模式,进而激发学前儿童对美术学习的兴趣,开拓儿童的美术思维,陶冶儿童的艺术情操。 作者:曹静 单位:河南省安阳幼儿师范高等专科学校 学前教育美术论文:美术教学与学前教育论文 一、提高学生的美术素养 以往的传统美术教学认为,美术教师并不需要多少美术知识,具备多高的美术素养。教师只要会画简笔画,会做一些手工制作就行了。其中美术欣赏课也可以改成技能培养课。而在我们的幼儿园中,真正掌握美术专业知识的教师并不多,我们还不是照样上课,把学生培养的非常优秀吗?教师只要懂一些简单的装修知识,会布置教室,美化教室就行了。殊不知这样并不能适应时代的发展要求,不能把我们的孩子培养成真正优秀的社会主义人才。相对于小学以培养掌握学生知识为主要目标幼儿美术教育而言,更注重培养学生的养成良好的艺术素养。教师必须根据学生的思维特点,对学生进行创新性的美术思维培养。让学生从心灵上去感染美术,从手中去创造美术,让学生的想象力,创造力都得到增强。并且让学生从日常生活中去发现美,感受美的存在,感受美的力量。这些美术素养不仅仅要求学生会画画,会做手工,还要让学生从美术素养的理念出发去培养他们。教师要善于从多种角度出发培养学生的审美素质。其中包括对学生进行美术趣味,审美能力,审美感受等。高教版的中职学前教育专业教材中,作为独立一章的“美术欣赏”,课时安排充足,教师就要根据实际情况加大美术欣赏课时数,让学生充分对艺术知识进行掌握和理解,让学生从跟深层次的作品上加深对美术的理解程度。 二、转换美术教师的角色 我们的美术教师在讲课的时候总是喜欢用传统的教学模式进行教学,教师习惯于对学生进行美术知识的传输和训练,在培养人才这一方面注重单一方面的人才训练,形式单调,但在内容上却非常之深,总是让学生望而却步。我们应该改变传统的教学方法,注重对学生进行全面的美术知识的普及,对学生进行全面的了解,创立一个宽松和谐的教学环境,让学生在这种氛围中轻松地开展学习。并且教师要目的地做到因材施教,应人施教,鼓励学生上课的时候积极回答问题,主动思考,主动学习,积极的表达自己的想法。比如在欣赏梵高名画《向日葵》时,教师先简单介绍作者和作品的背景故事,紧接着留给学生一段时间去仔细地观察,但在学生观看的同时,教师可以提出一些问题让学生边看边思索,例如:绘画中你觉得颜色怎么样?看到图画你会感受到什么?图中画得最好的地方是哪里?逐渐的让学生能够感受画家的思想,让学生感受到画家的主观情感中去。但是我们也应该了解到由于学生的认识水平有限,会对作品产生这样那样的想法和看法,但是我们只要认真讲解,学生就一定有真实的感受,教师对于学生的感受应该充分地给予尊重和理解。 三、教学密切联系学前专业特点 高职学校的教育对象主要是幼儿教师,所以,无论是哪一个专业多要立足于它要培养的的教育对象的特点,密切联系实际,精密联系教材来对学生进行美术教学。让学生在实际锻炼的同时,能够满足于以后所要从事的教学需求。 1.结合幼儿园美术教育教学实际,可以拓展增设《色彩搭配的原理与技巧》、《幼儿园环境设计》、《POP艺术字体设计》、《幼儿园舞台美术》、《幼儿园环境创设》等课程,我们教师在讲课的时候,既要结合学前儿童美术的特点,又要这对学生的年龄特点,是学生能够加强对美术的认识和了解。例如,实际教学中教师应该根据专业特点,可以再素描方面,色彩方面和卡通画等方面增加课时,加强学习的力度。 2.幼儿园学生对于绘画形式要求不是太严格,它的种类非常多。为了扩大学生的视野,增强学生的了解程度,教学过程中注重多种多样的美术教学,水笔画,线描画,儿童版画,水墨画,综合材料粘贴画等一些可以增强学生绘画技巧和绘画手段的学习。力求在今后的教学实践中达到内容和形式的灵活多变,为指导幼儿进行美术创作奠定基础。 作者:霍大涛 单位:山东省潍坊工程职业学院 学前教育美术论文:中职学校学前教育专业美术教学论文 摘要:近年来,我国职业教育正大踏步的前进与发展,中职学校学前教育专业旨在培养具备学前教育专业知识、能在托幼机构从事保教和研究工作的教师。美术课是学前教育专业的必修课,是锻炼学生基本技能的重要环节。本文深刻分析了当前我国中职学校学前教育专业的特点与现状,对中职学校学前教育专业美术教学的相关内容与方法做了系统分析,并对存在的问题找到了改善的对策,以便更好地提高中职学校学前教育专业美术教学效率。 关键词:中职学校;学前教育;美术;教学;人才培养 近年来,我国职业教育正步入一个飞速发展的新阶段,中职学校是为社会培养高素质专业型人才的场所,其教育目标的优秀就是要使学生具备职业所必需的实际能力。中职学前教育美术专业作为职业教育的重要组成部分,但随着我国招生的不断扩大,中职学前美术专业学生的综合能力不断下降,这成为中职美术专业待解决的难题。通过近几年课程改革,中职学校都在推进“以学生为本”的办学思想,在美术教学中实践,培养学生综合能力,发挥地方经济资源与特色,进一步完善中职学前美术专业学生培养策略,拓宽学生就业渠道,提高美术学生的就业能力,让中职美术学生在日益竞争激烈的社会里立于不败之地。 一、中职学校学前教育专业美术教学的现状及问题 1、产教结合的教学模式在我国发展不平衡 当前,校企合作已经成为我国中职学校学前教育专业培养人才的主要策略,已经成为中职学校重要办学模式。但我国具有地域经济发展不平衡、地域广阔的特征,中职学校学前教育专业学生的能力培养还具有片面性。当前产教结合还不平衡,部分中职学校缺乏主动性。[1]在课程设置上,中职学校学前教育专业忽略了美术职业岗位对学生能力的要求,使美术学生远离生产第一线,不利于学生将所学理论同实践相结合,培养出来的中职学前教育专业美术学生综合能力还有待探究。 2、我国对美术行业认识的不够 首先,从社会角度来看,现在社会及家长对美术教育虽然引起注意,但这种注意使扩招后的中职学校都开设了学前教育美术设计课程,在这样的条件下仓促上马新课程,必然会使师资力量缺乏,造成学生成才率下降。加上中职学生越来越多,而幼儿园数量有限,可容纳的人数有限,学生居多而教学条件不足,教育资源越来越危机。还有,中职学校学前教育专业美术的学生文化素质不高,美术设计基本功很不扎实。其次,从学校角度来看,在我国中职学校开设学前教育专业美术课程的职业技术学校很少,很多中职学校对美术相关的其它方面不引起重视,从而影响了我国美术设计教育的事业的可持续发展。 3、中职教育的急功近利 我国很多职业中等专业学校资金不足,课程上还重抓文化儿轻专业,由于资金投入不足,对实训基地和设施的投入也非常有限。中职学校学前教育专业美术学生很难在实训情境中得到锻炼,实施以人为本的培养方式较难。当前,中职教育为更好地适应市场的需要,对专业课程的设置已有了很大的改善,但很多中等职业学校竟然大规模削减基础文化课的学习,极大地影响了学生培养人文精神,忽略了陶冶情操课程的学习,影响到学生综合能力的培养。 二、中职学校学前教育专业美术教学培养策略的探究 1、更新中职学生全面发展的能力观 职业教育是就业导向的教育,终身教育,以人为本。中职教育不但要使学生在获取职业技能,还要有在未来适应社会的发展的能力,为将来步入社会,融入社会打下坚实基础。首先,要培养学前教育专业学生综合能力的意识观念。要树立培养学生综合能力的意识观,增强培养学前教育专业学生综合能力的意识观。其次,要提高美术专业教师的教学能力。中职学前教育学生美术综合能力的培养主要靠美术教师来实现,教师对培养起着举足轻重的作用。中职学校要大力提高教师的专业素质,落实真正的以人为本的教学观,实现“双师型”教师队伍建设。[2] 2、转换中职学校学前教育专业美术教学课程设置的适应性 职业教育的培养目标是以培养在社会职业岗位第一线从事操作、服务或管理的实用型人才为主。笔者通过对职业教育学的学习,认为进一步完善“宽专多能型”学生的培养,整合学科资源,实施模块教学,实现中职学校学前教育专业美术教学学生综合能力的全面发展。课程设置要进行以下几点改革:首先,要巩固基础理论课程设置,使学前教育专业学生就业能够最大限度的适应社会的发展,为终身学习打下良好文化基础。其中,基础论课课程设置具体科目有公共礼仪与就业指导、法律基础知识、政治经济学、公关与应用文写作、数学、应用英语、计算机应用基础、体育等等。其次,要对基础知识课程进行合理科学的课时分配。对技能知识模块与实训知识模块进行合理配置。 3、努力提升中职学校学前教育专业美术教学的实效性 中职学校学前教育专业美术教学必须强调课堂的实效性,课堂教学的教学方法充分体现了和教师与学生双主体性,注重启发诱导,使学生成为学习的主体,自我地发现学习,努力让学生形成良好的学习习惯,为社会培养实用型人才。中职美术教师必须使学生理论联系实际,参与实践,为学生提供了一个创新的空间,充分发挥学生个人的想象力和创造性,开发学生思维,锻炼学生的分析能力、解决问题能力与团结协作的能力。 4、多渠道开发美术学生综合能力培养的资源 中等职业学校强调学生专业技能的熟练,强调人才能够快速适应某一具体工作岗位。新时期职业学校要努力加强校企结合,学校积极和幼儿园联系,和多家幼儿园建立了合作关系。结合学校各专业优势和各具体幼儿园的特点,开展了多种形式的社会实践,学校本着面向市场的需要,创造性地开展了订单式人才培养实践。 作者:赵琳琳 单位:大连计算机学校 学前教育美术论文:高职院校学前教育美术课程建设 摘要:学前教育对于幼儿的学习、生活和未来发展都有至关重要的作用,其中美术特色课程对拓展幼儿的想象力和创造力,提升幼儿的综合素质具有积极意义。本文根据当前我国高职院校学前教育专业的教育特点,结合人才培养需求,对高职院校学前教育专业的美术课程设置进行分析并提出建议,希望可以进一步促进高职院校学前教育专业教学的特色发展。 关键词:美术课程;特色教育;课程设置;学前教育 美术课程是学前教育专业学生必不可少的基础课程之一,但是在实际的开展实践中,教学效果呈现出一定的差异性。例如,大部分高职院校的学前教育专业美术课程设置单一,很多学校对这些课程重视度不够高,很多学校只是设置了简单的美术基础知识课程或者基础的美术训练课程,但是往往缺少了不同学科间的融会贯通以及对幼儿自发进行美术活动能力的培养,浅显孤立的美术课程设置并不能适应当前学前教育的需要,与学龄前幼儿的学习和接受能力相脱节,因而学前教育专业学生难以将课堂所学知识很好的应用到幼儿美术教学实践中。 一、学前教育专业美术课程开展的功能 (一)培养幼儿的自主发展能力 传统的以教师单方面灌输知识为主的填鸭式教育已经被社会发展所逐渐淘汰,现在新的课程标准更加注重互动式教育,即重视学生全面发展的同时也重视幼儿的差异性发展。因此,结合新时代学前教育需求,高职院校应当在美术课程设置时注重培养学前教育专业学生以幼儿自身审美特点和个人能力为基础的差异性教育能力。此外,合理的美术课程设置也可以帮助学前教育专业学生理解在知识接收和传授中的个体差异性,注重在学前教育开展时引导幼儿在美术创作方面全面、均衡、个性地良性发展。 (二)突出学前教育专业教育特色 基于学龄前幼儿知识水平较低的情况,相较中小学生的美术教学来说,幼儿园的美术课程及相关美术活动通常会涉及到更多的方面,不仅包括绘画技能一项,还有对美的鉴赏、表现力和创造能力的培养。所以,以上能力的培养,可能会涉及到人文、自然、地理、音乐、体育等多方面的知识,甚至会涉及到幼儿心理学应用。因此,在涉及到的众多学科知识中,学前教育专业的美术课程必须在有限的教学时间内牢牢抓住教育主线,融汇各个可能涉及到的专业,整合各个学科,避免教学中出现知识交叉重复的现象,体现美术在学前教育中的特殊作用,培养出综合全面的学前教育人才。 (三)增强课内外学习统一度 课堂学习的时间终归是有限的,因此,统筹学生在课上课下所涉及到的各种美术活动,形成美术能力的训练是至关重要的,因此,学校可以适当地开设一些与美术相关的课后活动,如美术类文艺活动、美术竞赛等,用以培养学生美术训练的自觉性,提高学生课内外美术学习的统一度,让美术进入学生的生活,进而帮助他们在未来的职业生涯中进行更游刃有余的实用性美术教育为幼儿的学前教育发展助力。 二、学前教育专业美术课程设置具体开展实施 (一)设置培养幼儿创意绘画能力的课程 在很多学前教育的美术课程中,因为幼儿的绘画水平较低,所以更多注重培养幼儿的模仿能力,往往会忽略幼儿的美术创造能力,因此,高职院校在学前教育专业美术课程的设置上,应当增设更多培养幼儿绘画创意的课程。比如,开展素描写生课程,培养幼儿快速描绘客观事物的能力。另外,色彩运用课程也必不可少,色彩对人的神经刺激性最强,感染力也最强,色彩运用课程可以帮助幼儿表达情感,也能帮助幼儿建立对绘画的自信。除此之外,拟人化、夸张化的儿童画创作也需要纳入课程,这些课程的创新教学开展,可以帮助幼儿自主完成对可观对象的描绘而非一味模仿绘画成品,进而培养幼儿自主创作的能力。 (二)设置培养幼儿绘画逻辑思维的课程 学龄前幼儿正处在形象思维向抽象逻辑思维过渡的重要阶段,绘画这一活动对逻辑思维的培养也有非常好的作用。因此,利用美术教学培养幼儿的逻辑思维是非常行之有效的一种手段。比如,简笔画利用简单的点、线、面来进行客观事物的基本特征描绘,笔触简单洗练,作品形象生动,表现力也极强,正是化具象为抽象的典型美术形式;而且,简笔画对于幼儿的写实功底和绘画技巧要求都非常低,可操作性高、上手快,再加上拟人化的卡通形象,非常受幼儿的欢迎,简单快速的同时又能够有效培养幼儿的逻辑思维能力。因此,在学前教育专业美术课程的设置中加入开拓幼儿逻辑思维能力的美术课程是非常有必要的。 (三)设置培养幼儿环境创设能力的课程 绘画不仅可以在画纸上进行,还可以有很多的创作形式。美术是一种适应性非常强的艺术,只要是可以着墨、显像的地方都可以进行美术创作。因此,培养幼儿在不同的环境下进行美术创作的能力也是非常重要的。幼儿园的墙体、走廊、黑板、布告栏、区角等地方正适合作为培养幼儿环境创设能力的好地方,教师带领幼儿在这些地方进行进行美术创作,不仅可以提升幼儿的绘画能力,还可以培养幼儿对平面、立体、透视的认知。同时,美观的环境也有利于幼儿的身心发展。因此,高职院校的学前教育专业美术课程设置中也应该加入培养学生的环境创设能力以及不同情况下对不同工具、材料的运用能力的课程。 三、结语 总的来说,学前教育专业的美术课程设置对于未来幼儿园教师的综合能力培养有着十分重要的作用。因而,在教学实践开展中,对学前专业学生进行合理、系统、全面的美术课程设置,提升学前教育专业学生的美术教育素养,以及结合学前幼儿美术教育的需求,培养更多优秀的综合型学前教育人才是高职院校义不容辞的责任,我们应在不断的教学实践中促进和深化美术课程设置,提升学前教育专业学生职业能力。 作者:田醒 单位:河北女子职业技术学院 学前教育美术论文:五年一贯制学前教育美术课外活动现状 摘要:学前教育专业的美术课外活动开展得好坏直接影响学前美术教育的教学质量。我们课题组对徐州市几所五年一贯制学前教育专业学校进行了调查,并就学前教育专业美术课外活动开展现状进行分析探讨,以便为以后的教育、教学提供帮助。 关键词:学前教育;美术课外活动;调查;现状;措施 五年一贯制师范学校把儿童美术教育作为学前教育专业的一门必修课,其重要性不言而喻。美术课外活动是课堂教学的补充和延伸,美术课外活动开展得好坏直接影响学前美术教育的教学质量。鉴于此,我们课题组对徐州市几所五年一贯制学前教育专业学校进行了调查,并就学前教育专业美术课外活动开展现状进行探讨,以期发现不足,分析原因,能为学前儿童美术教育、教学提供更好的借鉴。为了解徐州市五年一贯制学前教育专业美术课外活动开展状况,我们课题组对徐州市3所学校进行了调查。调查主要采用问卷式,问卷有19个项目,调查了一至五年级共计120名学生。为了调查数据的准确性,我们课题组又进行了访谈,主要是与学校领导、教师、学生进行座谈及谈话。下面就调查的基本情况作些说明。 1基本状况分析 1.1调查对象的基本状况 从此次调查回收的120份有效问卷的结果分析来看,男女比例不均衡,女学生占95%,男学生比例是5%。男生比例较低,从学前教育专业学习美术的男女比例对比中,我们可以发现女性受教育情况发生改变,女性再也不是从属地位。从某种意义上来说,这是社会历史进步的表现。学前教育女性学生是主体人群,这种男女比例失调的问题是值得我们思考的,从另一个方面也反映出幼儿教育男性主体缺失的问题。 1.2活动时间安排不均衡 通过调查我们发现,88%的学生对美术课外活动感兴趣,这无疑对学前美术课外活动的开展是有积极意义的;然而,学前的美术课外活动时间安排不均衡,有的班级偏多、有的班级太少,有的班级开展活动的周期太长,没有合理的、科学的计划安排,相对松散。此外,学校对学前美术课外活动的重视程度不同,有美术课外活动开展较好的班级,也有开展不足的班级。可以这样讲,学校方面的因素对学前美术课外的有效开展具有重要的作用。 1.3活动设施不够完善 美术课外活动教室,往往是一所学校里最美的、最高雅的地方,它是一所学校美术课外活动开展状况的最好说明。美术活动教室是学生交流与创作的场所。调查发现,很多班级没有活动教室,这些班级基本上是在自己班的教室,简单收拾一下就可以就用做活动教室了。通过和一些学校的教师、学生谈话了解到,其他的教学设备也不足,有的学校的活动教室还要与其他学科的共用,这实在不利于美术活动的有效开展。 1.4活动课程单一,教学效果不好 调查发现,美术活动课程开设过于单一,如简笔画、儿童画等;学习内容单调、无趣,学生学习积极性不高,没有兴趣。许多学生在谈话中表现出一种不满的情绪,对美术课外活动的课程有一种应付的态度,导致美术课外活动的质量不高。兴趣是学习最好的老师,通过兴趣引导学习,学生的主体地位很容易在教学中得到发挥,会成为学习的主导者。反之,学生会走向反面。 1.5活动评价体系不完善 教育评价是教育活动的基本反馈机制,是深化、提高教育质量的有效手段。不同的评价观念会产生不一样的评价结果,对学生的发展产生不同的影响。正确的评价观念会促进学生的美术学习,提高学生的综合素质,会促进学生的发展和健康成长。通过调查、谈话,我们发现,多数教师对美术课外活动的评价方式还是比较单一的,往往只注重作业的评价、注重学习结果的评价,忽略了过程性评价,对学生的个体性差异关注不够。 2解决措施 根据以上的现状调查及原因分析,我们课题组通过实践探索,提出了一些积极的应对措施和办法。第一,男女学生入校比例的失调,直接影响幼儿教育的状况,那就是女教师多,男教师严重缺乏,从而导致幼儿性度偏差;这种教育使女性幼儿更加柔弱,男性幼儿女性化严重。郭飞在其文章中提出了很好的建议:“政府部门应加大宣传力度,利用大众媒体进行现代文化意识的传播,帮助人们改变对男幼师的偏见,能够以平等尊重的眼光看待男性从事幼教工作;提高男幼师的工资待遇,增设保险、养老金等福利措施。比如解决住房问题,在经济待遇方面考虑到男同志承担养家糊口的重担,进行适当的倾斜;健全男幼师培养机制,创办专门学校开设相应专业,扩大招收男生数量,选择优秀人才报考幼教专业;为男幼师创设和谐轻松的工作环境,减轻工作压力。”[1]第二,学校积极采取有效策略来合理安排美术课外活动时间,完善设施、设备。如学校领导认真听取各专业教师意见及遇到的困难,集思广益,共同提出完善的意见和建议。学校要求学生都能积极参加文明、健康、活泼的校课外活动。为了解决课外活动时间分配问题,学校对课外活动时间做了同一安排,每周一、周三下午五六节课后为课外活动时间;在活动时间上统一协调,给学生自由的活动时间、空间;设置专门的活动教室,完善教学设备。教研室督促检查,教师要认真对待美术课外活动的教学,教师之间定期进行课外活动教学经验交流,提高美术课外活动的教学质量。因此,美术课外活动课程符合学生口味,克服美术课外活动课程的诸多弊端,开设符合地方需求与学生需求的课程。第三,在设置与优化美术课外活动课程时,对原有的美术课外活动课程进行完善、修正,调整课程内容、目标、策略,构建完善的美术课外活动课程体系。构建活动课程时,我们课题组把活动课程是否真正契合了学生发展的需求,是否与未来幼儿教育相吻合作为出发点,避免以往课程的单一、单调、无趣等问题,综合分析教学实际条件与多方面因素,从学生所需知识出发,为学生奠定扎实的基础;明确每一次美术课外活动单元的活动目标,是否在有限的活动时间里进行有的放矢的美术教学;同时,在美术课外活动中尊重学生学习的主体地位,把握住学生的心理状况,以激发他们的美术学习兴趣。第四,完善学前美术课外活动评价体系,美术课外活动的教学评价应遵循科学性、全面性原则,完善学生评定的各个环节,转变评价目的。评价的目的不是为评价而评价,而是为教育而评价,注重过程性评价及评价主体的多元化、评价内容的多元化、评价标准的多元化。对于参与美术课外活动的学生,教师要激发他们的进取精神,发现他们的长处,与学生共同成长、共同进步。综上所述,我们课题组在五年一贯制学前教育专业美术课外活动的现状调查研究中有了不小的收获,在此基础上进一步研究了美术课外活动的校本课程,为学生营造一个良好的学习环境,组织好和发展好学生的美术课外活动。 作者:刘强 单位:徐州高等师范学校 学前教育美术论文:中职学前教育美术课程中国画的教学 摘要:学前教育专业是针对处于小学教育阶段之前的幼儿园教育所设立的。中职学前教育的就业方向主要是幼儿园。随着素质教育教学改革向纵深推进,学前教育专业的美育已被提上议事日程。美术课程是广大学前教育专业学生的必修课,中国画作为美术的重要组成部分,对于学前教育专业的学生增强美学素养、陶冶情操是大有裨益的。该文结合中职学前教育专业的美术课教学,系统阐述中国画的教学策略。 关键词:中国画;中职;学前教育专业;美术课;幼儿 中职学前教育专业的美术课程是净化学生心灵、升华学生艺术境界的重要手段和必要载体。中国画是美术课程中不可或缺的内容,其趣味性在于作画的专业性和墨色的渗透性。这就要求学前教育专业的学生要以童心与爱心洞察周围事物的发展变化,努力学好中国画,以便为未来职业发展铺平道路。 一、推动教学内容灵活化、生活化 中职学前教育专业旨在为社会培养和输送高素质、高水平、高情商的幼儿教师。众所周知,学前教育阶段的美术教学对于幼儿早期思维启蒙至关重要。一直以来,学前教育阶段的美术教学以手工制作和简笔画为主。这些内容均适用于幼儿从早期涂鸦到习练绘画的过渡,若幼儿学习时间过长,容易使幼儿逐渐热衷于把记忆的符号同周围事物区别开来,长此以往,不利于培养幼儿的创新思维和感性思维。中国画是我国传统美术的瑰宝,通过学习中国画,幼儿可以从小培养发现生活之美的能力,进而感悟艺术神韵、体会美术精髓,这会在客观上推动我国传统美术的传承和创新。从这个角度看,中职学前教育专业要树立与时俱进的教育观,培养人才培养的战略眼光,加快综合型、全面发展的学前教育专业人才的培养和锤炼,在学前教育专业美术课程中高度重视中国画教学的改革和创新,并同日常生活衔接,使中国画教学更接地气、更有生命力。要学好中国画,首先要从临摹上苦练“内功”。中国画讲求临摹的功底,中国画教师在传授国画技巧时,要有意识地引导学生练好章法、笔法和墨法,善于汲取临摹的精神要义,以半创作的方式完成临摹教学;高度关注户外考察,给学生更多写生的机会;广泛搜集各类生活素材,实际创作时严格要求学生遵循中国画课堂教学中所讲的临摹笔墨、色彩、布局等美术语言,并要融入自身情感,善于发现国画之美。中职美术教师要结合学生未来的职业需求,以学前幼儿喜闻乐见的生活化素材为教学案例,引发学生强烈的共鸣。如,在中国画课堂上,教师可尝试让学生创作一幅《猴子祝寿》,并提醒学生不但要追求外在形似,还要考虑神似和内涵。学生运用学过的临摹技巧和章法,结合生活中观察的猴子形象,通过对生活的领悟、理解和提炼激发创造潜能,使作品更富有生活趣味,更能体现中国画的基本笔法和主旨。 二、拓展教学手段 中国画教学讲求高度的悟性和审美水平,鉴于中职学前教育专业学生的年龄和心理发展状况,教师不妨在教室、门厅、走廊等学生日常必经场所布置中国画环境,以张贴学生的优秀作品为主,充分发挥艺术环境对人的潜移默化的陶冶作用,增强中国画学习氛围。学生经由仔细观察和思考,会进一步加深对中国画艺术内涵的理解,萌生更强烈的探究和鉴赏欲望。除了校内引导外,教师还要利用课余时间组织学生前往本地的大型美术展览馆、博物馆等参观学习,让学生零距离接触和感知中国画优秀画作的创作者生平、创作背景以及风格、手法等。回到课堂以后,教师可不失时机地给学生讲解作品的色彩设置、线条章法、下笔节奏等事关画面整体美感的技巧,让学生对已欣赏并接触的著名国画作品有更进一步的理解和立体的印象。再者,教师可向中职院校有关部门申请,力求每学期至少开设一次国画学术讲座,邀请本地乃至全国中国画大家现场亲授,给学生解读国画奥秘,进而为学生开辟一个同著名中国画画家近距离交流的渠道。在日常授课时,教师可积极引导、热心鼓励学生学会自我讲评并适度表现,以更加饱满的艺术热情诠释水墨的内涵和韵味。当然,为充分巩固学生学习中国画的效果,中职院校内部可举办不同主题的中国画绘画比赛,设立丰厚的奖品,激发更多学生踊跃报名参赛,让学生的中国画功底得到充分展现,力求获得更高水平和层次的提升。 三、积极选用新型原材料和工具 在中国画创作过程中要积极运用新型原材料,必要时可用其他画种的颜料充当传统的中国画颜料。当然,亦可别出心裁,用特制的棉布替代宣纸作画。教师在课堂上要鼓励学生待自身中国画基本功达到一定程度后,大胆选用新材料完成绘画,以充分发挥学生国画创作的想象力和兴趣,使作品产生更强烈的视觉观感。结语在新一轮美术教改浪潮下,中职学前教育专业美术课程要高度注重中国画教学的地位,加大中国画教育教学改革和创新的力度,注入更多正能量,激发学生自主创作的内生动力,从而培养更多优秀的幼师人才。 作者:刘敏 单位:重庆市云阳教师进修学院 学前教育美术论文:学前教育专业美术课程观重建研究 摘要:高等师范学前美术教学担负着培养合格加特长美术教师的任务。在美术教育面看,当前高师学前美术专业的学生,将来要成为学前美术教师。《基础教育课程改革指导纲要(试行)》中指出了要培养特色鲜明和体魄健全的新型人才。对目前高师学前美术教学提出了更高的要求。高师学前美术教学如何应对,如何改善高师学前美术教学,如何重建美术课程观,为更好地培养未来合格美术教师,应该成为当前高师学前美术教学工作的重点。 关键词:学前教育;学前美术教学;课程观;基本目标 一、明确目标 在高等师范学前教育专业的美术教学中,如何改善教学方法,如何体现创造精神性,进而达到育人的目的,这对我们提出了更高的要求。当前高等师范学前教育专业的美术课教学,以注重实践性为主,虽然课程结构较合理,但是还不能达到体现创造精神的育人目的。如何改善高师学前美术教学方法,重建美术课程观,是我们当前要做的首要任务。教学中,积极调动学生主动性、激发学习美术兴趣、锻炼学生动脑动手能力,让学生获取审美感受,获得丰富的知识与能力,转变了教学观。教学观的重建,改善高师学前美术的教学方法,完善了学生的学习兴趣,开拓了学生的学习视野,教学取得了良好的效果,达到育人的目标。教学中学生的认知事物的能力得到了提高。欣赏美术作品的能力得到了提高。通过欣赏作品提高了学生的想象力,丰富的美术视野。学生总是会这样认为“我明白了这幅画”,或是“我看不明白这幅画”,他们认为的“明白”,也许仅仅局限于明白画上的内容是什么。他们的这种对画的认知方法缺乏审美的气息,也不符合对艺术品的创作方式及审美观念。在常规的美术教学中,我们应该让学生领悟到美是多样性的,并且各个多样性之间又有着不可分割的联系,是局部与整体的统一。艺术的价值并不是对某一事物或景色的准确地临摹,而是在于作者通过这一摹写揭示出这一事物的内在本质并且以此抒发作者的情感。艺术的发展历史向我们揭示了这样的一个道理:艺术不是一层不变的,它随着时代的发展而发展,是传统与现代的结合。所以只能看懂一幅作品或是几幅作品并不能说明你形成了审美观,只有通过对不同时代,不同风格的作品进行反复观摩、研究、欣赏才能在头脑中建立对作品的框架结构,逐步形成自己的审美观念。 二、精选内容 学前美术教学中的一个关键性的内容,是合理选择教学内容。它决定了教学内容,教学方法和教学效果。 1)从种类划分: 分油画、中国画、水粉、水彩、版画、雕塑、建筑、民间工艺、设计等。 2)按时期划分: 外国:原始、古希腊、古罗马、文艺复兴、十八、十九美术等。中国:新石器时期、旧石器时期、商代时期、秦汉时期、魏晋时期、唐代时期等。 3)按派别划分: 西方国家:古典、现实、印象、浪漫、立体等。中国:有青铜器的神秘、狞厉、有陶佣雕刻的雄厚有力,有顾恺之的“传神阿褚”有吴道子的“吴带当风,有范宽”郭熙的“高山仰止!”,也有徐青藤的水墨大写意等。上述的教学内容,有各自规律性。教学中紧密就精选的教学内容,联系学生实际,合理利用现代化教学媒体,利用科学的教学观,是高师学前美术教学达到最优化。 三、重构课程观 教学中根据学生现有的水平,将教学内容进行有规律的排列,做到科学有序,由简到繁,由有易到难。通过美术教学拓宽了学生的艺术视野,使学生受到美的熏陶。以学生为主体,以教师为导向,引领美术欣赏能力。要理论联系实际,不能因受时间、教学设备或师资等因素的制约,就把理应教授给学生的各个内容走马观花似的一带而过,如果这样做的话,学生对所学的知识得到的只是一些模棱两可的影像,没有较深层面上的理解,不利于培养学生的审美能力,达不到理想的教学效果。美术教学的内容之间都有着这样或那样的联系,他们之间有很多共同之处。当一个人的某种知识水平达到了一定的程度,就会在头脑中建立起这个知识的一个基本框架,同时会对其他知识的理解能力增强。一个打排球的运动员,学打篮球,就比其他人要相对容易。学生对新科学的理解认识就比学文科的人强。还有,专业各不相同的美术工作者,面对当今令人眼花缭乱的,各种视觉现象,却有着相对一致的,高于其他人的评判,其原因也就在于各种艺术的规律之间审美价值系统有很多的相似之处。因此,我们的教学内容组合,必须要有一定的系统,以组建学生的知识框架为目的。在课堂教学时,合理利用数字媒体艺术,将所教的美课程内容向学生开放,发挥学生学习的个性化,让美术课程知识活灵活现。充分体现了教师的主导,体现了学生的主体地位,是老师和学生主宰美术课程内容。高师学前美术教学中,由于重建课程观,合理利用数字媒体艺术,使学生拥有了更合适的学习氛围,使学生学习新知识更加便捷,增加了学生的感性认识,丰富了学生的情感,学生端正了学习的态度,进而达到美术教学目标。通过现代化媒体,使美术教学的课程观得以重建。 作者:刘长胜 单位:北华大学师范分院美术系 学前教育美术论文:学前教育专业美术手工教学分析 摘要:美术手工教学是学前教育美术教学的重要组成部分之一,它以美术手工为重要平台,引导幼儿创造性地使用各种工具和材料,制作出一系列手工作品,能够不断提升幼儿的手工技能。随着幼儿教育的不断发展,美术手工教学在学前教育专业教学中具有重要地位,美术手工成为学前教育专业学生必须掌握的一项工作技能。高职教师要与时俱进,不断加强美术手工课堂教学,从而为社会培养出大量的高素质幼儿教师。文章立足于学前教育,主要从四个方面探究美术手工教学。 关键词:学前教育手工教学实践研究 一、注重示范 教学实效美术手工课具有较强的综合性、实践性和实用性特点,但是部分学前教育专业的学生没有经历过专业化的美术训练,美术基本功比较薄弱。实际的幼儿美术手工教学中常常会涉及许多制作技法问题,而学生对于制作技法的理解单靠教师的语言表达和讲解是远远不够的。因此,要想不断提高学生对手工制作技法的理解,教师就需要不断加强示范教学,让学生直观、形象地了解手工制作的整个过程,快速掌握制作技巧。如,在教学生制作卡通木偶时,学生头脑中对木偶的制作过程没有印象,教师要充分发挥示范教学的实效性,利用白布、棉花、纸杯、彩钉、皮筋等材料,为学生演示一个“县官”木偶的制作过程。示范教学既可以让学生通过观摩了解卡通木偶的制作过程,又可以不断启迪学生的思维,激发学生的创作欲望,使学生能够制作出不同的卡通形象。示范教学能够充分调动学生制作的积极性,使学生了解和熟悉手工制作的全过程,对手工制作形成表象认识,激发学生的形象思维,促进其积极探索,从而不断提升美术手工教学的实效性。 二、不断充实教学内容 充实教学内容是优化美术手工教学的重要途径,高职教师要不断拓展学生的学习渠道,结合实际教学内容和学生的学习情况,深入挖掘和整理民间美术手工内容,在学前教育专业美术手工教学中引入民间美术资源,适当为学生介绍一些优秀的民间手工艺术,实现民间手工艺术与现代美术手工教学的巧妙融合,让学生在学习美术手工制作时可以有效地借鉴民间手工艺术的制作经验,使当前手工课的结构更加科学、合理,从而不断拓展美术手工教学内容,大大开阔学生的视野,有效提升学生的综合素质。如,剪纸是我国一种重要的民间美术形式,在教学“剪纸”这一内容时,教师可以在课堂教学中引入学生喜闻乐见的民间手工艺术窗花和喜花。它们是比较传统的民间剪纸形式,其制作技法非常精妙,能够给学生一种镂空的艺术感受。学生通过欣赏窗花和喜花的制作过程,能够有效地掌握一些剪纸的基本技法。教师通过在课堂教学中不断充实教学内容,能够提高学生的学习兴趣,有效地激发学生的创造灵感和创作欲望。 三、与幼儿教学相结合 高职学前教育专业的培养目标是为社会培养大量高素质的幼儿教师。如今,家长对幼儿教育提出了更高的要求,希望幼儿在学前教育中不仅能获得基础知识,而且能培养综合能力。所以,美术手工教学作为高职学前教育专业教学的重要课程,应该与幼儿园教学相结合,不断培养学生的实践能力。因此,教师要根据当前幼儿园教学的需求积极组织美术手工教学内容,实现学校和幼儿园的有效链接,从而为学生就业奠定坚实的基础,使他们能够更好地胜任幼儿园教育教学中活动的设计、教室环境的布置和幼儿手工制作教学等各种工作。在实际美术手工教学中,一方面,教师要重视对学生进行实训教学,充分发挥学校实训室的功能,让学生在特定的环境中进行训练,根据幼儿园的具体环境进行分角区布置设计;另一方面,教师要同幼儿园合作,建立学生实习基地,定期组织学生到幼儿园实习,让学生运用所学的美术手工制作知识技能指导幼儿园教学工作,从而让学生将理论知识与实际相联系,不断提升学生解决实际问题的能力,实现学以致用的目标。 四、积极开展课外活动 课外活动是美术手工教学不可缺少的一个重要环节,是课堂教学的有效延伸和补充,能够充分发挥学生的积极主动性。美术手工制作是深受幼儿喜爱的课程。幼儿教师也可以利用美术手工技能布置幼儿园环境,自制教学道具。因此,学前教育专业学生需要学好美术手工课程,不断提高创新精神和设计能力。教师要根据教学内容和美术专业的特点,积极开展丰富多彩的课外活动,同时,组织学生观摩并进行积极评价,从而不断提升学生学习的积极性,让学生学以致用,全面提升美术手工教学的效率和质量。教师还可以从学生对美术手工的兴趣出发,组织学生开展手工兴趣活动小组,并定期举办手工制作活动或者手工作品成果展览,让学生在相互交流中有效地掌握相关的手工制作过程。如,在教学《泥工》一课时,教师在学生充分掌握泥的捏、团、搓和卷等基本技能的基础上,让学生以小组为单位,利用橡皮泥进行“最喜欢的小动物”泥塑作品比赛活动。在学生创作完成后,教师根据每个组的实际创作水平评出三个等级的奖项,并且从每一等级中选出一份作品为学生展示。教师通过开展课外活动能够形成一种学习手工制作的氛围,提升学生参与课堂教学的热情,使学生的创作和实践能力得到有效发展。总之,随着幼儿教育的不断发展,社会对高职学前教育专业学生的素质提出了更高的要求。新课改形势下,教师要顺应时展的需要,不断创新教学方法,有效提高学前教育中美术手工教学的效率,为幼儿园输送大批合格且具有实践能力的幼儿教师。 作者:牟贺贺 单位:阜新高等专科学校 学前教育美术论文:中职学前教育专业美术教学问题 摘要:美术课程是中职学前教育专业的必修课程之一,对培养高素质的幼儿教师具有至关重要的作用,学前教育专业的美术课程教育应该贴近幼儿园和中职生实际,从教学主体地位落实、理论实践并重、着眼就业需求等方面着力。 关键词:中职;学前教育专业;美术教学 许多初级中学受客观条件和升学压力限制,只重视统考课,忽视艺术课教学,致使学生缺失美术课程学习机会。中职学前教育专业学生基础差,底子薄,美术知识和技能近乎空白,对美术教学带来了极大的挑战。 1部分中职学校学前教育专业美术教学中的问题 1.1重视教为主导,忽视学为主体 当代教育提倡“以人为本”的教育理念,这里的“人”除了老师外,更多的是指我们的学生,现实中的“人”更多体现为教师,教师为主色,学生为辅色。在一次写意花鸟画的课堂上,某教师通过多媒体让学生观看写意花鸟画的技巧,及用墨、用纸、用水的注意事项,之后要求学生按照视频教授过程对画进行临摹,学生实践过程在选墨、选纸的步骤就卡住了,满脸的疑惑和不知所措,而老师又在一味地强调写意花鸟画的临摹技巧,一心只顾自己的教学进度,全然不顾学生的接受情况,学生在开始部分就已经感到困难,无兴趣继续学习。长期处于如此的学习环境里,学生的学习兴趣就会消失。 1.2重视基础绘画训练,忽略手工操作训练 部分教师教学理念落后,教师没有相关的幼儿美术教育经验,运用纯美术专业的教学方法进行课堂教学,教学期间不能结合幼儿美术教学的心理特点进行教学。作业以绘画为主,忽视手工制作等操作性较强的课程开设和训练,没有专业的场地,没有丰富的制作材料,缺少经验丰富的手工课专业教师,学生无法接触到幼教手工素材,无法熟悉材料工具的使用和性能,无法掌握制作方法和技巧。这样的学生毕业后只能带学生画而不能做,使学前教育专业美术课陷入一个狭隘的单一模式。 1.3重视技法技能训练,缺少教学活动指导 在学前教育专业的美术技能课教学中,没有较为系统的专业教学大纲和教学计划,对于各年级学生在某一阶段达到怎样的目标没有较为详细的评价方案,只是按照教师偏重的喜爱课程进行美术课教学,一定程度上存在着单一、被动的问题。如何组织幼儿园的美术课教学,中职现行教材普遍章节少,内容简,而幼儿园美术教学往往不是单一的手绘,而是一个融合了各个学科知识,尤其是自然学科和生活知识(常识)的综合教学活动。它对环境的选择、场地的设置、情景的创造,均提出了不同于传统教学的新要求,需要我们教师做好更加周密完备的课前准备,课堂的管理,氛围的营造,甚至灯光、音乐、道具、服装都需精心设计,让幼儿在游戏中完成美术作品的创作,寓教于乐。 2中职学校学前教育专业美术教学的对策 2.1创新教学观念,落实教学实践 建构主义理论认为,知识不是被动吸收的,而是由认知主动建构的。美术课是一门实践性较强的课,在进行基本知识的讲解时,理论联系实际,注意趣味性,可采用讨论、探究、感受等方式开发学生的思维,要给学生作业练习留够充足的时间。美术教师需要创新教学观念,针对学生的个性,敢于创新,积极指导学生加强课堂练习,并进行有效地个别辅导。除了完成课堂练习之外,鼓励学生利用图书馆、美术展览厅等场所来拓展学生的视野,鼓励学生自主地学习。教师要时刻关注掌握学生的情绪、情感状态,创设教学情境,加强课内与课外的联系,指导学生了解社会,感受生活。在教学中进行大量的范画临摹练习,锻炼学生的造型能力,提高学生的基本功。但一味地临摹,不是我们教学的目的,要善于探究、敢于创新。在临摹中还要善于揣摩幼儿的心理,“每个幼儿心里都有一颗美的种子。幼儿艺术领域学习的关键在于充分创造条件和机会,在大自然和社会文化生活中萌发幼儿对美的感受和体验,丰富其想象力和创造力,引导幼儿学会用心灵去感受和发现美,用自己的方式去表现和创造美”。此外,要确保室外写生课的练习,不仅陶冶学生的情操,还锻炼学生的写生绘画技能,更能培养学生热爱大自然的感情。在教学中临摹与创新相结合。 2.2加强理论教育,突出技能培养 鲁迅先生说:“美术可以辅翼道德。”要想培养出优秀的幼儿教师,就需要对他们进行审美方面的教育。利用美术的教化作用,促进学生学习方式的转变,提升学生的审美品位,使其树立对生活的正确态度,提高其学习兴趣和自信心,促进良好品德的养成。加强审美理论的教育,有助于引导学生做好以后的学前教育工作。教师要正确引导学生,让学生明白什么是真正的美,让学生对艺术语言、形式美感等有一定的理解,并把美术作为一种文化来学习,实现在美术教学中提高学生文化素质、审美素养的教学目的。学前教育专业的美术教学内容涵盖面广,包括绘画、工艺美术、手工、美术欣赏及美术教学法,要求学生能将这五方面内容大致掌握并整合运用。兴趣是最好的老师,教师要采取多样手段激发学生的学习兴趣,让学生把美术学习当成一项兴趣爱好,变被动学习为主动学习。教师在教学中要求创新、求实效、求特色,鼓励学生利用微课、翻转课堂等现代教育手段对绘画、手工制作等技能进行全方位、多元化的学习,全面提升自身的综合素养。这样,使学生毕业后既能在幼儿园、早教中心等从事幼儿教育教学工作,又能在其他行业从事美术创造与美术设计工作,拓宽就业渠道。 2.3着眼就业需求,提升教学质量 美术教学,尤其是幼儿美术教学是一门多学科紧密联系的综合学科,如舞蹈、音乐、自然、科学、体育相互结合,多角度、多层面启迪学生,传授知识。只有把握住这一点,中职美术教师才不会闭门造车,盲目独行,才能授予学生正确的,科学的教学理念。学校应多组织美术教师和学前教育专业学生参加幼儿园见习实习,使他们了解就业需求和就业所需具备的基本功,明白美术教学对象的心理特征,年龄特征。知道组织好一堂幼儿美术课的教学目标,教学原则,教学方法,从而在自己的学习中做到有的放矢。学前教育专业学生有其自身特点,机灵活泼,擅长歌舞,善于表演。美术课教师可以积极引导学生发挥专长,变讲授式教学为教师引导,学生互动自主学习为主,在活动交流中达到训练绘画手工技能技巧和幼儿美术课编排方法的目的。 3结论 学前教育专业的美术教学是幼师生接受美术教育的重要途径,中职学前教育专业美术教学能更好地培养适应未来幼儿园工作需要的专业教师。学前教育专业美术教师要想方设法提高教学水平,努力培养出一批高能力、高素质的幼儿教师,从而提高全民的美术素养。 作者:孙代玉 单位:四川省民政干部学校 学前教育美术论文:版画在学前教育美术课的运用 有理论家说,艺术起源于游戏。儿童版画的制作,从行为学上的确可以定位于游戏。儿童天性就喜欢做游戏,但必须源于兴趣。我们在启动了儿童绘画的兴趣后,就要将他们引导进入版画的制作快乐之中,由此学前教育专业版画课从最简单的对印版画开始。对印版画是比较易于操作、容易激发儿童学习热情的版画的种类之一。这种灵活多变的拓印技巧,一旦与儿童绘画的审美趣味相结合,就会产生一种既具有儿童情趣又有现代感的效果。对印版画的制作步骤:画———涂———印,利用纸对折或两张纸对印,涂上水粉颜料,压印出来的具有对称美的作品。 实物版画也比较容易掌握。它是利用生活中常见的具有漂亮的外形和纹理的各种实物(如树叶、有纹理的布、水果切面、铅笔屑等等),经过加工,拼出所需要的画面,然后在拼成的图案上分别磙上所需颜色的油墨,再通过擦印或压印等手段,使实物的外形和内部纹理在纸上再现出来的画。在实物版画的制作过程中,画稿的设计与创作,布、线、树叶等废旧物品的发现与利用,这就是一种美的创造。实物版画,是用天然实物制作出来的版画,具有特殊的肌理效果,而且,整个制作过程就是玩的过程,儿童特别感兴趣,符合幼儿的特点。如在实物版画教学过程中,学生用树叶或其他实物按自己的意愿拼贴成自己喜欢的小动物,用压印的方式印制:用毛笔将造型和垫板轻轻刷湿,然后再用毛笔蘸上颜色,涂在造型上,注意要涂匀不要出现笔痕,颜色可以适当浓-些。垫板也可以适当的涂上颜色,迅速将白纸覆在造型上,用手轻轻按压,用一个轻而平滑的物件磨擦,尽可能用力均匀都磨擦到,轻轻揭开白纸,一个反方向的可爱的小动物就印出来了。通过实物版画制作实践,学生对版画会产生极大的兴趣,破除版画的神秘感。在近似游戏的制作中使学生认识到版画的基本特征和制作规律。 它制作方便,吸收了传统版画的绘制方法,基本保持了版画独特艺术魅力与个性之美,印出的线条流畅,画面肌理丰富,色彩浑厚,装饰感强。吹塑纸版画使用水粉颜料印制,印制时间较短、创作过程较轻松,因此很适应学前教育专业美术课堂教学的需要。吹塑纸版画的制作首先需要制版,即需要把图样用硬笔或圆珠笔代刀刻在吹塑纸版面上,刻、划非常轻松,能产生阴刻的线与点,也可以用梳子、叉子、瓶盖、笔杆等物在吹塑纸面上压刻各种平行线、曲线、圈点等,使画面产生丰富的变化。接着,要把制好的版和准备好的黑色印纸用夹子固定在一起,用画笔蘸水粉色在版上局部着色。颜色里可加点洗衣粉或洁净液,以增强水粉色的附着力。印制时则应注意在吹塑纸版面上涂好色后,把印纸轻轻地覆在版上,用手在纸背上轻轻按压,版上的颜色才会均匀地吸附到印纸上。在上色印刷中,着色不宜过多,可以画完一个局部就印制这一局部,画面分若干次印完为好。 纸版画的版材是各种厚薄不同而有纹理的纸张。因为材料容易搜集,纸版画制作过程也比较简单,表现力比较丰富。根据制版方法和印刷原理不同,可将纸版画分成;剪贴纸版画(堆叠纸版画)、凸版纸版画和凹版纸版画。利用综合材料、综合技法制作的版画被称为综合材料版画,它是一种操作材料多样、技法灵活的版画形式。与传统单一的版画形式相比,综合版画有如下特点:首先,它的操作材料和工具可自行收集,水果的外包装、地上的树叶、秋收后的稻柴,甚至身上穿的衣服、头上的夹子、脚上的鞋子……都可以作为版画材料,取材方便;其次,它制版简单,将一两样物品摆在一起,就可以变成一个底版,适合不同层次的幼儿;第三,它可以融合剪、贴、挖、刻、印等多种技法,产生多变的效果,给学生带来意想不到的惊喜。 总之,版画课作为学前教育专业美术课的重要课程内容之一,对提高学生们的美术素养和创作技能具有重要的意义。版画具有很大的随机性和灵活性,也具有很强的试验性和实践性,学前教育专业美术课有必要充分利用版画的多种形式,整合美术课程,提高学生的美术素养。结合幼儿园教学实际,注重加强以培养学生的美术综合技能为主的课程建设。多方位、多角度地开展美术文化教育,使美术教育中不同的课程内容能够统一起来,成为一个整体,并建构出实践性与综合性并重的美术教育体系。版画兼有多个画种的长处,具有很强的可塑性和可操作性,围绕版画开展多元形式的美术教学,能够充分实现培养学生美术修养的教学目标。版画教学能够适应学前教育专业美术课堂教学的实际情况,也能够满足学生将来毕业后到幼儿园辅导儿童绘画涂抹的需要。儿童版画不需要像成年人那样去研究色彩的冷暖变化,多以平涂为主,并主要根据自己的审美意趣调配色彩,能够产生富有装饰色彩的效果。此外,多元形式的版画教学是以掌握版画的基本技法为基础的。这就要求学前教育专业的学生必须全面熟练掌握版画的基本技法,并在此基础上汲取或借鉴其他美术形式与表现技法,努力拓宽版画的表现形式与创作手段,从而使版画的多元表现与创作形式能够在学前教育专业美术课中得到综合应用。 作者:刘潇湘 单位:重庆第二师范学院 学前教育学院
艺术领域论文:幼儿园艺术领域课程的内涵及基本理念 摘 要:幼儿园艺术领域课程是以音乐、美术、文学活动为主要教学活动,以培养幼儿的审美素养(包括审美感知、审美理解、审美想象、审美创造等)为主要目标,以促进幼儿身心和谐发展为最终归宿的一门综合性课程。它是实施幼儿园艺术教育的重要途径,其具有的基本理念推动着幼儿园艺术课程改革不断迈向深入。 关键词:艺术领域课程;内涵;基本理念 一、幼儿园艺术领域课程的内涵 对于幼儿园艺术领域课程概念界定的文献比较少,比较有代表性的定义有三种:一是杨敏的《幼儿园艺术课程改革的实践探索》,笔者认为艺术课程是一个以培养幼儿的审美素养(包括审美感知、审美理解、审美想象、审美创造等)为主要目标的各项活动的整体计划,它应该和其他子课程一起,围绕着总课程既相互独立又相互渗透融合,共同指向课程的总目标――促进幼儿身心和谐发展。二是在《学前儿童艺术综合教育课程研究简介》中,笔者认为,它是统整音乐、美术、文学三门学科,以各门学科的优秀概念为主要依据,将其相关联处加以整合的一门综合性课程。三是在《综合艺术课程的实施与策略》中,笔者认为,综合艺术课程是在艺术学习和艺术实践中,注重音乐、美术、戏剧和舞蹈等不同艺术门类的融合,强调知识技能与人文主题的结合,最终达到培养学生艺术能力与人文素养整合发展的一门综合性课程。 这三种定义各有各的侧重点,前者侧重审美素养,后两者侧重各学科间的渗透性和整合性。基于上述的定义,我们对幼儿园艺术领域课程有了初步的界定:幼儿园艺术领域课程是以音乐、美术、文学活动为主要教学活动,以培养幼儿的审美素养(包括审美感知、审美理解、审美想象、审美创造等)为主要目标,以促进幼儿身心和谐发展为最终归宿的一门综合性课程。 二、幼儿园艺术领域课程的基本理念 尽管人们对幼儿园艺术领域课程的概念没有统一的界定,但是人们对艺术领域课程领域基本理念的把握却是一致的,其基本理念具体体现在以下四个方面: (一)建立多门艺术学科的沟通与交融,促进综合艺术能力的形成 不管是一个人的幼年时代,还是整个人类的早期,说、唱、舞、画等艺术活动都是融为一体的,而且这些艺术活动还与人自身的日常生活、情感表达等紧密联系。这种多艺术形式的自然融合是艺术学习的最佳环境,它能使艺术学习变得更自然,更容易,更为活泼多样。所以,幼儿艺术教育也应该遵循这一艺术能力的形成规律,为幼儿营造音乐、美术、舞蹈等多种艺术学科相互支持、相互补充的艺术学习环境。 (二)在完整的艺术活动中形成艺术能力 完整的艺术活动包括两个层面:即内容的完整和过程的完整。所谓内容的完整是指幼儿园开设艺术活动内容的本身应全面。这在调查中不难发现,节奏乐、音乐欣赏以及美术欣赏活动在许多幼儿园是很薄弱甚至是被砍掉的内容。这种内容的薄弱性和不全面性必然会限制幼儿艺术能力的充分发展。所谓过程的完整性是指幼儿艺术活动中的艺术感知、艺术创造和艺术反思。传统幼儿艺术教育中的一大误区是删除了在艺术教育中占重要地位的感知、欣赏和评价,仅仅教授幼儿创作和演唱,而此处的综合性艺术教育,则是把幼儿视为一种新型的学习者,这种学习者自始至终扮演三种相互交换和交融的角色,即:感知者、创造者和反思者。他们必须亲自感知和接受艺术大师和同伴的作品,在接受中得到启发和创新。他们必须亲自动手创作,但创作又是建立在对大师作品的感知和对丰富多彩的日常生活的联想基础之上,或是对人类情感和生活有所体验的前提下进行。他们必须善于反思,通过反思将自己感觉到的东西升华,对自己的创作进行回顾。 (三)强调艺术学习的个性化 现代幼儿教育的一个最基本的理念就是“教育要面向全体,以幼儿的发展为本”,而《幼儿园教育指导纲要》一个重要的指导思想就是:促进每一位幼儿的发展。我们的教育不应该成为精英式的教育,基础教育必须使每个幼儿享有学习的机会,必须为每个幼儿的终身发展奠定良好的、全面的基础。面向每个幼儿,意味着艺术教育要关注每个孩子不同的生活背景、学习环境,最大限度地调动他们的主体意识,为他们创设参与体验、主动探索、积极实践的有利条件。面向每个幼儿,还意味着艺术教育要尊重每个孩子的个性特点,鼓励他们大胆地进行个性化的艺术活动,帮助他们认识自己的独特性和价值,形成具有个性化的审美标准。 (四)主张开展具有游戏性的艺术活动 1.在游戏中,幼儿得到大量机会“扮演”或“进入”不同的角色,而角色的扮演就无形地发展了其艺术对话才能,这种对话一方面丰富了幼儿的艺术感受,另一方面促进其语言智能的发展。 2.在游戏中,幼儿可以频繁地得到自我表现的机会,而这种自我表现相当大一部分又是与视觉艺术形象或造型能力紧密联系的,久而久之,幼儿的空间智能、自我认识智能、交流智能会得到同步发展。 3.在游戏中,幼儿有许多机会得到节奏的训练,使他们的音乐和舞蹈才能得到发展,无形中丰富了他们追随音乐的直觉能力和音乐智能。 4.在游戏中,幼儿能频繁地得到“建构”事物的机会,而“建构”又总是与手的动作和工艺紧密联系的。很多时候,“建构”还必须与他人合作,这就无形中强化了幼儿的身体动感智能、空间智能和人际交流智能。 (作者单位 天津市信息工程学校) 艺术领域论文:艺术领域“表现与创造”教学活动的组织策略 《3-6岁儿童学习与发展指南》(以下简称《指南》)针对不同年龄段的幼儿“表现与创造”活动提出了具体的发展目标和指导建议,为教师艺术领域“表现与创造”的教学活动提供了明确的思路。下面结合中班创意彩泥活动“美丽的瓶子”,阐述《指南》引领下幼儿园美术教学活动中“表现与创造”的组织策略。 一、定位目标――把握“表现与创造”的活动价值 《指南》艺术领域“表现与创造”中,明确了目标1“喜欢进行艺术活动并大胆表现”,目标2“具有初步的艺术表现与创造能力”。更重要的是,《指南》明确了不同年龄段幼儿“表现与创造”的发展目标。 在学习、理解年龄发展目标后,我在组织中班美术活动“美丽的瓶子”时,结合幼儿的发展水平和年龄特点,制定了教学目标:1.学习搓、捏的技能,会简单使用辅助材料和工具。2.结合幼儿的生活经验,鼓励幼儿大胆表现自己的想法。3.尊重幼儿审美标准,支持幼儿自发的、有个性的艺术表现和创造。 二、展开形式――把握“表现与创造”的呈现方式 形形色色的瓶子本身就是一件件艺术品,无论是造型或是色彩都有独特之处,更透着各种文化的传承。我引导幼儿用感官和双手去表现自己的情感,用彩泥装饰成自己喜欢的模样,避免重技巧而忽略幼儿的自身生活经验、愿望情趣以及内心的情感体验。 1.完整呈现――借助生活经验。 借助已经完成装饰的创意瓶子,目的是培养幼儿独立捕捉色彩信息的能力。教师在幼儿观察完后,会问幼儿“你们看到了什么”“瓶子上都有什么”“你更喜欢哪个瓶子呢”等问题,引导幼儿反馈捕捉到的信息,接着引导幼儿进一步观察。 2.部分呈现――借助半成品材料。 一般来讲,能够给人留下深刻印象的作品色彩大胆、造型夸张,呈现出来的是一种超乎想象的独特形象,带有浓烈的个人色彩。想呈现出这样的效果,首先需要有创作对象“瓶子”,其次创作者会借助小工具进行彩泥压模。 三、活动策略――实现“表现和创造”的关键所在 中班创意彩泥活动“美丽的瓶子”实际上是引导幼儿在创作的过程中,把对事物的理解和想象反馈在美丽的瓶子上,展现幼儿的纯真童心、童趣。 尽管幼儿是创作的主体,但依然离不开教师的帮助。针对瓶子的形状、颜色,教师要组织幼儿进行探讨,如“这个瓶子上面更适合什么样的图案”“用什么颜色涂更漂亮”等等。 1.借鉴经验一从生活中寻找创作的源泉。 《指南》中建议,“和幼儿一起感受、发现和欣赏自然环境和人文景观中美的事物”“和幼儿一起发现美的事物的特征,感受和欣赏美”。“美丽的瓶子”的创意过程,是幼儿调动自己已有的知识经验和生活体验来对话创造,并且从中获取自我表现和表达能力的过程。幼儿不断从记忆中搜寻生活中自己对色彩的点点滴滴认知,搭建创造“美丽瓶子”的知识支架。教师要善于观察、了解幼儿的已有经验,引导幼儿运用自己的视觉经验和独特情感开启表现和创意活动。 环节一:观察欣赏 师:今天老师带来了很多瓶子,看,这些瓶子都是做什么用的?你怎么知道的? 幼1:这是个酒瓶,上面有画。 幼2:这是个花瓶,上面有花、有鸟,还有各种线条。 幼3:这是个青花瓷瓶,我们家有一个。 幼4:这是个蜂蜜瓶。 教师:怎样让大家一看就喜欢这个瓶子? 幼儿借助自己的生活经验大胆地表达、交流,发现生活中不同事物的美。 2.探讨想象――鼓励幼儿大胆地说。 《指南》中要求幼儿大胆表现,但是“我不会”似乎经常挂在一些幼儿的嘴边,这种现象值得教师深思。为何幼儿不敢画、不敢说?原因无外乎是教师以成人的审美和所谓的技巧制约了孩子的灵动。其实,“放任”孩子们自己随意去表现,往往有惊喜出现。教师“没有要求”,反而会触动幼儿的创意空间。创意活动“美丽的瓶子”能够激发幼儿的想象空间,形成了对幼儿想象力的挑战。幼儿的创作过程应该是不断提升有意想象,借鉴创作的成品和生活经验以及自己对美的概念,大胆构建的过程。 环节二:探讨交流 师:怎样让大家喜欢这个瓶子? 幼1:我喜欢大海的蓝色,我想把这个蓝色的瓶子变成小鱼的家。 幼2:我想让这个瓶子变成蝴蝶的家园。 幼3:我想做个青花瓷瓶。 此时教师对于幼儿大胆的想象与表达要及时给予引导与鼓励,帮助幼儿探索制作,提高想象的能力。 3.探索制作――指导幼儿大胆地做。 对于中班幼儿捏泥,《指南》中目标是“经常用绘画、捏泥、手工制作等多种方式表现自己的所见所想”。借助于瓶子进行捏泥活动给了孩子们一个新的体验,引起了幼儿兴趣。我紧紧抓住幼儿对在瓶子上进行捏泥活动的关注,引导幼儿从整体创意与细节入手,提供表现与创作的空间。 环节三:大胆创意 教师:你想做什么?先做什么?用什么颜色、什么形状来做? 幼1:用瓶子当大海,用圆形做小鱼的身体。 幼2:做花园,两种不同颜色的一起捏成彩色的绳子做栅栏。 教师对于幼儿的发言要给与肯定,帮助幼儿梳理创作需要的元素,完成对瓶子的初步创意设想。同时,应按《指南》精神,倡导“幼儿需要时再给予帮助”的顺应幼儿需要的指导,让幼儿成为活动的主体,充分展现个体才能。 教师的一句话或者是一个动作,往往都会影响到孩子的想法。如果教师强行打断孩子的创作,也许会给孩子传达一个错误的信号,继而会影响到孩子的心理。给每一个孩子自由选择活动的权利,让他们都有参加活动的渴望,在活动中成为主角。 环节四:呈现作品 教师:看,小朋友将瓶子当成了大海、花园、天空、草地,还有的将瓶子做成了家里美丽的装饰品。你是怎么想的?怎样做的?让我们把瓶子放到展览区一起说一说吧。 孩子们的作品各有特色,在展览区,孩子们不但关注自己的作品,还更多地关注他人的作品,展览区为幼儿提供更多欣赏、表达、交流、学习的机会。 《指南》精神强调的是尊重幼儿的兴趣和独特感受。教师要善于倾听来自幼儿内心的声音,要从欣赏者的角度去肯定孩子们的表现和创造,用心等待幼儿的成长,努力营造属于教师和幼儿之间的那份默契和支持的心灵空间。 艺术领域论文:美国早期艺术领域学习标准解读与启示 【摘 要】艺术教育在学前儿童的成长中发挥着极为重要的作用,美国各州从20世纪末就开始制定艺术学习标准。本文对亚利桑那等七个州的学习标准进行分析比较,发现各州在标准的结构、年龄的覆盖面以及内容的制定方面既有共性又各有侧重。各州艺术学习标准的制定为我国修订与细化《3-6岁儿童学习与发展指南》提供了借鉴。 【关键词】早期教育;学习标准;艺术 一、 引言 20世纪80年代以来,随着美国早期学习标准化运动的开展,各州都制定了相应的中、小学学习标准。到目前为止,共有45个州对艺术领域的学习与发展做了具体的规定。随着运动的深入,标准的制定也向学龄前阶段延伸,艺术领域的发展标准得到越来越广泛的关注。本文以美国亚利桑那、加利福尼亚、爱荷华、马里兰、怀俄明、佛罗里达和罗德岛等七个州为例,对其艺术学习标准的结构、年龄的覆盖面以及内容的制定方面进行比较研究。 二、 美国艺术学习标准总况 1.艺术学习标准的价值取向 从整体来看,美国亚利桑那等七个州早期艺术学习标准的价值观遵循美国《艺术教育国家标准》,在大体内容采纳国家标准的基础上,各州又进行了地方化。首先,从目标来看,七个州的总体目标都是为儿童艺术能力的发展创造良好的环境,为儿童艺术能力发展提供框架,从而促进幼小衔接,提高早期教育的质量,并帮助父母及幼儿教师了解儿童,为学前儿童的发展创造有意义的、适宜的学习工具,提高儿童的表现力。第二,从宗旨来看,七个州都奉行儿童中心理论,把儿童看作一个独立的社会个体,尊重儿童的想象力和创造力,给儿童提供自我探索,自我发展的机会;教师作为观察者对其进行指导,最大限度的发挥儿童的潜能。最后,从指导原则来看,七个州的指导原则基本是一致的,即在相信儿童自身能力的前提下,通过教师的观察对其进行指导和沟通,强调在儿童已有经验基础上发展其艺术创造力,注重儿童的文化背景、各科学习的联结、父母及家庭在儿童艺术能力发展中的作用。此外,七个州都认为游戏是儿童艺术发展的最好途径,强调通过游戏发展儿童的艺术能力,并为儿童未来的职业发展做准备。 美国此七个州在儿童艺术学习方面都给予了充分的关注,所制定的艺术标准框架不是衡量和评价儿童的工具,而是为儿童艺术能力发展制定适当的、符合儿童发展规律的内容,最大限度的发挥儿童的潜能。尊重儿童的自我能力,发挥其自主性,注重标准的灵活性。同时,七个州都认为儿童艺术能力的发展,重要的不是结果,而是创造艺术的过程,强调儿童的全面发展。 2.各州艺术学习标准的年龄覆盖面 各州在艺术学习标准的年龄划分上有所差异,大部分州的艺术学习标准都是为三岁到五岁的幼儿制定的,但也有一些州提前到婴儿时期,还有一些州把它延伸到十二年级。例如爱荷华州把艺术标准分为两个阶段,前一阶段为婴儿期(零到三岁),后一阶段为幼儿期(三到六岁),所制定的标准也相应的有所差异;佛罗里达州仅颁布并实施了四岁儿童的艺术学习标准,相对于其他几个州来说年龄覆盖面较小,但具体标准上规定很详细;加利福尼亚州在所研究的七个州中年龄长度是最大的,除了与其他州相同的年龄阶段,还制定了零岁到三岁以及小学一二年级的学习标准,婴幼儿阶段的具体内容在结构划分上也是相同的,易于对婴幼儿艺术学习标准的理解;怀俄明州、亚利桑那州、马里兰州以及罗德岛州在年龄上都是三到五岁,具体的艺术学习标准各州针对本州的具体实际而有所不同。 三、 艺术学习标准的结构 美国早期艺术学习标准的结构包含四个层次,即子领域、各子领域标准条款、每条标准的行为表现指标、帮助儿童达标的准备性学习活动。七个州所制定的艺术标准在结构类别上各有不同,具体表现为:佛罗里达州的艺术领域划分为两个方面,即艺术的表达和表现以及理解和欣赏;亚利桑那州从三个方面划分了艺术领域,即创造、关联和评估。结构划分为四方面的有两个州,包括马里兰州,分别为觉察和反应、历史和文化背景、创造性表达和创造作品、美学与评论;罗德岛州没有命名为“艺术”的标准,而是直接命名为“创造性”,包括游戏、创造性表达、工具、艺术赏析四个部分。爱荷华州以及加利福尼亚州将艺术学习标准分为五个方面来详细描述幼儿应达到的程度:标准、基本原理、基准、基准示例、护理支持;加利福尼亚州的艺术学习标准包括艺术感知、创造性表达、历史和文化背景、审美评估、联结、关系和应用。 四、 艺术学习标准内容 1.艺术学习标准内容的构成成分 美国早期艺术学习标准的内容在宏观上是相同的,基本都是根据美国《艺术教育国家标准》而制定,主要包括四个方面,即音乐、舞蹈、戏剧和视觉艺术。各州根据本地区的具体情况来制定适合本地的艺术学习标准,同时充分利用本地区的艺术资源,发展幼儿的艺术感知力,增强幼儿对本民族、本地区特色的认识及了解。 2.艺术学习标准内容的具体目标 本文将各州艺术学习标准的具体内容中具有共性的、得到多数州认可的内容列举如下: 3.各州艺术学习标准内容的侧重点 美国各州在艺术学习标准的制定上除了表现出以上共性之外,在某些具体指标上还有所侧重。第一、各州在音乐上都强调动作与节奏,有些州则试图让幼儿通过使用乐器来提高幼儿对音乐的感知能力,如马里兰州、佛罗里达州;而加利福尼亚州对幼儿园的音乐标准中提到了让幼儿创作伴奏以及识别和描述基本的音乐元素。第二、在此七个州中,对舞蹈单独做出规定的有五个,亚利桑那州、马里兰州和加利福尼亚州明确提到了即兴创作和表演;而爱荷华州和罗德岛州把舞蹈和音乐放在一起,基本上为让幼儿感受音乐进而创造舞蹈动作。第三、在戏剧艺术标准方面,七个州有四个州提到了模仿、使用艺术材料(道具、衣服等)、假装不同角色(尤其是生活中的角色)来表演戏剧。马里兰州强调幼儿识别戏剧表演要素以及对表演者和观众的认识;怀俄明州要求幼儿在戏剧表演中能够表现出创造力和想象力等。第四、在视觉艺术标准方面,七个州基本上都提到了通过媒体、艺术材料、工具等来发展幼儿的视觉艺术表现能力。其中罗德岛州、加利福尼亚州指出幼儿应使用视觉艺术词汇来表达自己对所看到的艺术作品的看法以及进行对艺术家作品的讨论;爱荷华州强调要给幼儿创造艺术氛围来帮助其学习视觉艺术;罗德岛州还注重通过游戏来提高幼儿视觉艺术的能力;加利福尼亚州要求幼儿用素材表现艺术作品并且在立体环境中创造立体的艺术作品等。 五、 启示 目前我国已经出台《3-6岁儿童学习与发展指南》(征求意见稿),对幼儿在艺术等五个领域的学习与发展提供指引,各省市对该指南仍处于学习阶段。对美国七个州艺术领域学习标准的比较分析可为我国早期艺术学习标准的修订以及各省市的学习和细化提供以下启示: 首先,应该树立科学的价值观,艺术不等于技术,学前儿童的艺术不是专业艺术。因此在学前教育中要坚持艺术的欣赏性、基础性和创造性优先,从多角度来审视艺术教育给儿童带来的发展。对艺术领域的各个方面,如音乐、舞蹈、戏剧和视觉艺术要给予正确的评价,它们不仅仅是幼儿艺术能力发展的课程标准,更要重视艺术的内在价值,让幼儿体会我国博大精深的文化艺术底蕴,为提高自身的修养及素质奠定基础。 其次,在制定与修订艺术学习标准时,应重视幼儿创造力的培养,发展幼儿的创造力和想象力,培养其创新精神。同时,要注意幼小衔接,结合我国中小学艺术课程标准的内容,做好过渡,以便儿童顺利进入小学,全方位的把握艺术标准。 最后,在学习和实施早期艺术学习标准时,要重视灵活性。“标准”不是一个硬性规定,不是考试大纲,而是幼儿领悟艺术、感受艺术的指南,是幼儿学习艺术、教师实施教育的抓手。各省市也可根据本地的具体实际,遵循教育部的统一指南,并进而将指南细化,使之适合本地区教育条件与儿童实际,充分利用本地区的艺术资源,发展幼儿的艺术能力。 艺术领域论文:浅谈电脑灯在舞台表现艺术领域中的应用 摘 要:舞台艺术是由很多因素组成的,是技术和艺术的完美结合,灯光占据着很重要的位置,它不仅起简单的照明作用,更多的还是配合剧本以及人物表演,随之不断变化,使整个舞台效果更加的协调。随着科技的发展,灯光技术不断更新,功能逐渐强大,效果也越来越好。在实际中,灯光管理有一定的难度,操作人员需要具备多方面的知识,积极配合每一个工位,将最好的效果呈献给观众。本文对电脑灯在舞台上的用途及其布光做了简要分析。 关键词:电脑灯;舞台表现艺术;布光 作为现代化的多功能灯具,电脑灯在舞台上以其绚烂夺目、变幻无穷的灯光效果被频繁应用,对营造舞台氛围、推动情节发展等方面意义重大。电脑灯最突出的特点是它内部设有微型的电脑电路,能接受来自控制台的信号,经处理后,将其转换为机械部分,从而完成各种舞台效果。电脑灯的机械部分主要由步进电机组成,负责各种移动操作。目前,按照运动方式常电脑灯分为两大类,一是固定式,二是摇头式。在现代的商业活动、晚会和舞台艺术中发挥着重要影响。 一、电脑灯的优势 与普通的灯不同,由于内部安装有电脑电路,电脑灯能够接受信号并对信号进行处理,转换为操作命令,实现自动化控制,使得灯光控制工作能够更方便的开展;舞台具有很大的不确定性,在表演时,可能会发生很多变化,电脑灯具有较好的灵活性,能够根据实际变化对其进行有效控制;电脑灯内的光源多是些亮度较高的金属卤化物灯泡,使用寿命长,具有很好的色彩纯度,颜色有很多种变幻,有利于渲染舞台意境,协调整体效果;传统的灯光有很多效果都做不到,但电脑灯可以,如图案变化等,在三面棱镜的控制下,电脑灯的光束能够来回摆动,且图案变化多种多样;可根据实际需要对灯的频闪速进行适当调整,能够实现360°的移动,保证每个角落都能被扫描到;最大的优点在于各项功能的组合,通过棱镜、色彩以及光束运动等创造出绚丽多变的舞台效果,使灯光有了动感,在刺激了视觉的同时,对舞台表现力也有很大帮助。 二、电脑灯在舞台表现艺术中的应用 (一)舞台布光技术 灯光在舞台艺术中的作用是极其关键而又独特的,首先,所有的表演都要依靠灯光展示给观众,其他诸如服装、人物、摄影、道具等每个工位都需通过灯光才能使各自特点得到充分发挥。其次,灯光操作者仅仅掌握电工技术是不够的,还需对光学、舞蹈、表演、美术、色彩学等都有足够的了解,因为舞台艺术要的是一个整体效果,灯光必须符合导演的用意,并结合剧本和具体表演做二次创作。所以,对舞台的布光看起来容易,实则很难。 灯光是艺术和技术的结合,可以说,没有灯光就没有舞台的空间时间。关于布光的要求,一般来说应符合四个要求,首先要调整好亮度、色彩等基本要素,给观众一个良好的视觉效果;其次,设计表演者的造型,为视觉呈现出一个立体结构,将物体的立体感和空间感充分展现出来;再者,灯光的强弱、方位以及色调等应与舞台表演、剧本剧情相符,更好地烘衬出表演者的情绪变化;最后,要达到一定的意境,通过各项技术将舞台艺术化。 (二)电脑灯的作用 和影视布光不同,舞台布光注重的是现场效果,演员和观众是近距离接触,且舞台具有固定性,而在表演的剧本中,常常要进行多个空间之间的转换,这也正是舞台表演的难点所在。为增强故事的感染性,除了演员的深情表演,还需借助声、光、色、形等技术模拟出一个个与剧本要求相符的空间。起关键作用的无疑是灯光,所以在布光时,为取得良好的空间效果,必须对舞台结构、道具摆放以及设备状态灯因素进行综合考虑,包括舞台平面剖面图的绘画,舞台的高度、长度测量,吊杆的数量、相关设备的功率及运行状态等。一般而言,时空是分不开的,除了表现各种空间,布光也要符合时间的变化,如天气变幻、季节往来等,都需经过灯光亮度、色调、滤片等不断转换来完成。 在舞台表演中,地点、时间、人物是最基本的要素,而剧情的发展通常是由人来推动的,相对来说,时空较为固定,而人物是活跃的,是舞台的优秀。人物的表演要通过灯光传递给观众,所以对人物的布光也异常关键。首先是人物的外形,主要是指服装、动作等,灯光一定要和演员的服装颜色相称,如果色彩反差很大,观众看起来会很不舒适。表演者的动作是苏浙剧情不断变化的,灯光也务必要跟紧,如动作紧促时,可将灯光调暗些,加强效果。 三、结束语 舞台表现艺术需要多项技术和艺术相互协调、相互结合,灯光是其中较为关键的要素之一,是整个表演顺利进行的重要保障,对舞台的整体效果影响很大。在科技的推动下,各种灯具不断被研发,尤其是电脑灯的出现,使得舞台表现的艺术性更加完美。 艺术领域论文:浅谈幼儿园语言教学与艺术领域的整合 摘 要: 幼儿期的语言学习与发展,是人的一生中语言发展与运用的关键时期,在语言活动我发现时,幼儿说的少,经常会出现不敢说、说的不全面和不知道说什么的情况,但在进行艺术活动时,幼儿却可以放开思路大胆的说,动手绘画的时候也是不停的一边画一边说。《幼儿园教育指导纲要》中也指出:互相渗透的各领域教育是发展幼儿语言的重要途径,艺术活动中同样蕴涵语言教育的价值,“让艺术作品说话”也是培养幼儿语言的重要方式,这也是《纲要》体现的重要先进理念。 关键词: 幼儿园; 语言; 艺术领域; 整合 作为幼儿老师我们要把握住这一语言发展的关键期把语言教学同艺术领域结合,让幼儿获得多方面的语言信息,自由地创造性地运用语言。 一、语言与美术活动有机结合,促进幼儿语言的学习与发展 (一)在美术活动中整合语言教育。如何在美术活动中渗透语言教学呢?绘画前我有意识地让幼儿到大自然中去体验,引导幼儿观察、讨论,发现生活中美好的事物与景象,启发幼儿能够运用语言表达自己的感受和发现。有一次在组织大班的绘画活动《我喜欢的高楼大厦》时,先组织幼儿观看视频,欣赏世界各地不同建筑风格的高楼大厦,孩子们领略到不同的建筑美景以后,显得异常激动,各抒己见发表自己的看法,好多高楼在我们的生活中从来就没有见到过,尤其是欧美国家的楼房设计的竟然是那么的别具一格,就像一件件精心雕刻的艺术品似的,我便趁热打铁鼓励幼儿插上想象的翅膀,给自己设计一个自己喜欢的与众不同的楼房,结果全班四十多位小朋友,画出了四十多幅不同的画面,我便让孩子们给自己的画命名,并创编不同的故事情节讲给大家听,我先给孩子讲评了其中一幅画,先启发能力稍弱的孩子进行简单讲述,能力强的孩子都按捺不住了,我便适时增加了难度,要求每人的故事里至少要有两到三个成语或修饰词,孩子们各个乐不此疲竞相讲述,每一幅画都是一个生动的故事,结束后我把它们装订成册投放在语言区,供孩子们互相分享学习,在这个过程中孩子们充分表达着自己的思想和情感,说出自己想说的话。经过一段时间的尝试与实践,既大大提高了孩子的语言概括组织能力和语言表达能力,还丰富了孩子的词汇量,可谓一举两得。 (二)在语言活动中整合美术教育。如中班的《蒲公英的旅行》,第一个活动,幼儿观察图片、理解故事内容,了解蒲公英飞到了世界最高的山脉、最长的长城、最大的天安门广场;第二个活动,启发幼儿想象蒲公英还会飞到哪里?遇到谁?把它画下来。幼儿非常感兴趣,在“我画我讲”中不断发展幼儿的语言表达能力。又如活动《青蛙飞上天》,故事讲述了小青蛙想飞上天去看看,可是青蛙没有翅膀,该怎么办呢?启发幼儿大胆想象,续编故事的后半部分。小朋友们真是异想天开,生动有趣。有的说:小鸟飞来了,像飞机一样载着小青蛙,小青蛙看见了美丽的田野;有的说蝴蝶来帮助小青蛙;还有的说小朋友来了,用大气球帮助了小青蛙,小青蛙看见了美丽的花园等等。老师适时鼓励幼儿把自己的故事讲给好朋友听,再到全班评选故事大王。小朋友个个喜欢画故事、编故事、说故事,大大地激发了他们愿说、想说、会说的愿望,有效促进了幼儿语言连贯性表达能力的发展。 二、语言与音乐领域的整合,提高幼儿的学习兴趣 (一)听歌曲创编故事。首先选择有趣的活动内容,改变以往看图讲故事的单一,让幼儿将歌词与已有的经验结合,想象创编故事情节。如大班歌曲《蹦蹦跳跳身体好》,幼儿会唱歌曲后,已经了解和掌握了歌词,我便引导幼儿把歌曲《蹦蹦跳跳身体好》改编为故事《森林运动会》,幼儿兴趣非常浓厚,根据奥运会比赛项目的经验,有的创编了故事《骄傲的小猴》。森林里举行了动物运动会,小猴子参加了爬高比赛,它一边爬一边说:“我是第一名,看我的”,“啪”不小心摔了下来,小猫获得了第一名;有的创编了《快乐的运动会》,小动物们都来参加了,它们每个人将自己的本领表演给大家看,小狗赛跑第一,大象举重第一,小鹿跨栏第一;它们快乐地站在领奖台上,多自豪呀!在幽默、欢快的音乐中幼儿敢于大胆想象、讲述,在这样的活动中培养了幼儿用自己的语言构建新的故事内容,并大胆地表达出来。 (二)听音乐感受表演。音乐能激发孩子的表现,除了语言,孩子更喜欢肢体动作的表演。根据这一特点,我们还准备了头饰等道具,满足孩子表演的需要。如:大班音乐活动《捉迷藏》,幼儿戴着头饰轮流在时而活泼跳跃,时而沉重缓慢,时而轻柔优美,时而阴森恐怖的音乐中模仿动物动作,不知不觉地进入了角色。当音乐一停,孩子们的话匣子打开了,他们以角色的身份讲述自己对音乐的理解,贝贝说:“我是大老虎,我躲在大树后面。大班音乐欣赏《狮子王》,先通过故事情节帮助幼儿理解乐曲ABA的结构,“狮子大王要过生日了,听一听,谁会来帮它过生日呢”?使幼儿的注意力一下子集中起来,猜一猜会发生什么事?进一步增加幼儿的想象,使乐曲内容与故事内容匹配,有效地在音乐活动中渗透语言。其次,引导幼儿根据故事情节、乐曲性质创编动作,他们各自用富有个性的动作表现了故事中狮王的高兴、神气、威猛、害怕等词的理解和掌握。更让每个幼儿享受到故事表演的乐趣。 (三)音乐旋律和儿歌、古诗的整合。儿歌与歌曲有着密不可分的关系,可以歌唱的儿歌就成了儿童歌曲,好的儿童歌曲也常常是在好的儿歌基础上谱曲而成的。如果我们从音乐要素的角度把儿歌与歌曲的内在因素与特点做个比较的话,就会发现儿歌和歌曲一样,也有节拍、重音和节奏,也有声音的高低、强弱和快慢的变化。优美的音乐旋律总能给人以美的享受。儿歌本身就具有一定的节奏,如果儿歌再加上节奏表演后,就会使儿歌更具生命力。所以我在儿歌和音乐旋律整合的初级阶段,选择的旋律是简单的、幼儿非常熟悉的歌曲旋律。如《小花狗》、《两只老虎》、《蜜蜂做工》等歌曲,根据歌词的的特点配上相应的儿歌或诗歌。先让幼儿节奏朗诵,然后让幼儿配上符合儿歌内容的肢体语言和旋律来引导孩子理解儿歌的含义,最后配乐器伴奏,边唱边打节奏,但先要让幼儿了解乐器的特点,会看图谱。如碰铃、三角铁清脆、柔和,带有延长音;圆舞板木鱼则是结实明亮、清脆而短促的乐器。在儿歌和节奏整合的前期应根据儿歌的特点出示表示乐器的符号,认识了图谱以后,让幼儿根据提示自主来选择乐器来表演,通过尝试我发现在儿歌中加入音乐旋律节奏后不但使儿歌更加形象化、趣味化,而且幼儿对这种形式特别喜欢不但乐学,同时也不易遗忘。 总之,在语言和艺术领域的整合中,还应该给幼儿一定的探索空间,让幼儿自主的学习。同时老师也要不断地探索,根据幼儿的发展水平,制定一些适合幼儿,更利幼儿发展各种能力的活动。单一的、传统的语言教学已远远不能满足21世纪的孩子,只有在开放性的活动中,帮助幼儿积累生活及语言经验,丰富表述内容,提高语言水平,才是幼儿园语言教学的宗旨。后来我不断尝试以多种形式、多种手段,向多领域延伸激发幼儿对语言学习的兴趣,培养幼儿良好的艺术素养,经过一年的尝试与探索,幼儿达到了知识技能与素质培养兴趣相统一,促进了幼儿全面和谐的发展。同时我的整合课也起到了示范引领作用,作为优质课向全园老师推广学习,让我们的孩子在唱一唱、画一画、演一演多样化的教学方式中感受语言的魅力,才能使他们主动的想听、愿听、想说、愿说……孩子的语言就像美妙的音乐,需要我们给她插上五彩的翅膀,让那旋律变得更加悠扬。 艺术领域论文:浅析影响幼儿园艺术领域课程发展的因素及优化途径 摘要:虽然目前我国大部分幼儿园已经意识到了艺术领域课程实施的重要性,并采取了一些相应措施,但是许多不利因素依然存在。本文就影响幼儿园艺术领域课程发展的因素进行分析并试图构建理想的幼儿园艺术领域课程,以促进幼儿园艺术领域课程的健康持续发展。 关键词:艺术领域课程 因素 途径 1 影响因素 1.1 教师观念 教师对幼儿通过高难度技能的训练,最终要使幼儿掌握并运用这些技能技巧,比如在学习音乐时,让幼儿长时间发高音。这种只重结果不重过程的训练无法让幼儿深刻体验美的内涵。我国的新课程改革倡导每位教师改变重结果不重过程、重技能训练不重方法的传统教育观念。因此,教师要转变教学观念,要使幼儿艺术教育活动的过程充满愉悦。首先,教师与幼儿都处于一种愉悦的状态,都获得美感满足,都感到兴趣盎然,在使幼儿获得愉悦感受的同时发现美、体验美、感受美。在艺术活动中,变“苦学”为“乐学”,在“玩中学”、“学中创”,满足幼儿自我实现的需要并获得成功的体验。其次,教师还要吸引幼儿在积极并富有创造性的无拘无束、轻松愉快的氛围中参与艺术活动,在艺术活动中教师应想法设法鼓励幼儿参与,引导幼儿逐渐懂得怎样去思考,怎样在“不懂”和“不会”中找出解决问题的办法,怎样去大胆地探索。要坚持正面教育,不断鼓励幼儿去观察、实践、探索、创新,激发幼儿的好奇心和内驱力。 1.2 家庭环境 首先,父母是孩子的重要的模仿对象之一,父母对艺术的审美观念、艺术爱好等都对幼儿起着直接的榜样示范作用。其次,家庭文化。家庭成员的道德修养、个性特征、审美情趣、思维品质、生活方式的不同形成了各个家庭独特的文化氛围,它以潜移默化的心理暗示和熏陶的方式对幼儿的发展产生直接而深远的影响。文明、健康、积极向上的家庭教育环境,为幼儿艺术教育打下良好的基础。因此,为幼儿营造良好的家庭环境在幼儿艺术教育中起着非常重要的作用。 1.3 社区文化 社区的文化传统、风俗民情都对幼儿艺术教育产生影响,教师要利用好社区这一教育资源,要重视社区文化的传承性,在继承的基础上要不断开拓创新,这样才能更好地让幼儿感受到丰富多彩的社区文化,才能使幼儿更好地开阔视野,才能使幼儿更加深入地了解本土文化,也才能更好地提升幼儿的艺术教育水平。但是,教师在实施社区艺术教育之前,首先要对本土的社区文化进行充分的了解,比如风俗民情、基本设施等。其次,要充分了解幼儿已有的社会经验、生活经验等知识结构,根据教育内容选择利于幼儿发展的教育资源,教师可以采用问卷调查法、访谈法等方法去了解幼儿的知识结构。再次,利用社区教育资源开展艺术教育活动。充分考虑涵盖幼儿在社区生活中能接触到的、常见的艺术内容以及大纲要求的内容,根据幼儿已有经验、教师预设目标、幼儿需提升经验等方面来开展,让社区的人文资源和物质资源为艺术教学服务。 2 优化幼儿园艺术领域课程的重要途径 2.1 艺术课程要具有生活性 《幼儿园教育指导纲要》明确指出:教育活动内容的组织应充分考虑幼儿的学习方式和特点,注重综合性、趣味性,寓教育于生活、游戏之中。[1]幼儿的艺术活动充满着巨大的想象力和创造力,因此也充满了趣味性和游戏性,但是这种趣味性和游戏性具有随机性和即兴性。根据幼儿艺术能力的发展特点,教师在对幼儿园艺术领域课程进行设置的时候,不要仅局限在一星期安排几天的艺术教育活动或是在一天中某个时间段进行的艺术教育活动,应实施融入幼儿的每日生活中。不管是每天进行的课程教学,幼儿园每天的例行活动,都要以全方位融入幼儿的每日生活为理念对幼儿进行艺术教育,有意识地进行艺术教育,使生活环境成为幼儿学习艺术的重要途径,充分拓展幼儿热爱真善美率直天性的空间。因此教师不仅利用园内一日生活,让幼儿尽情游戏、表演、创作,而且还要带领幼儿外出观察,欣赏大自然的美景,参观博物馆、艺术馆、科学宫、游乐场,观察各种社会活动,引导幼儿发现周围生活中的美,培养幼儿的审美直觉、审美感知和审美情趣。 2.2 艺术课程要具有人本性 人本性,是指以人为本,强调在艺术活动中教师首先要接纳每一位幼儿,把每为幼儿看作独立的个体,他们有不同的看法与思想情感。其次教师要帮助幼儿认识到自己是有能力、有价值的人。最后,教师要善于帮助、引导幼儿发掘他们的艺术潜力。在《幼儿园教育指导纲要》的思想指导下,教师要更新观念,将传统的以“教师教”为中心转为以“幼儿学”为中心,以“教材”为根本转为以“幼儿”为根本,针对幼儿感兴的艺术教育形式适当地引导、支持幼儿的有意义学习。这种意义学习首先具有幼儿个人参与性,即整个身心投入艺术教育活动中。其次,学习是幼儿自我发起的行为,必须是幼儿自主探究的,要有主动学习的内在动力。再次,学习是全方位的,它能使幼儿在情感、态度、行为乃至个性等各个方面发生变化,而不仅仅是单一的认识或技能的改变。 总之,艺术教育活动强调幼儿的主体性、参与性、创造性,尊重每一位幼儿,把他们作为教育的主体,充分调动幼儿的积极主动性,使每一位幼儿在各方面都能得到和谐的发展。 2.3 艺术课程要具有渗透性 《幼儿园教育指导纲要》指出:幼儿园的教育内容是全面的、启蒙性的,可以相对划分为健康、语言、社会、科学、艺术等五个领域,也可作其它不同的划分。各领域的内容相互渗透,从不同的角度促进幼儿情感、态度、能力、知识、技能等方面的发展。[2]这句话告诉我们要使各领域课程得到更好的发展,需加强领域间的渗透性,才能实现一种完整全面的教育。 如果我们能够做到用一种生活性、人本性、渗透性的观点来理解幼儿艺术课程,我们就会发现,艺术无处不在。 作者简介:王金利,天津市信息工程学校,天津 301900 艺术领域论文:浅谈以工作过程为导向设计环境艺术设计专业的学习领域 摘 要:我院艺术设计系自2003年开设环境艺术设计专业以来,紧跟中国职业教育改革步伐,认真学习职业教育理论,不断地深入人才培养模式改革,深化教学模式,以工作过程为导向,开发设计符合职业岗位能力要求的课程体系,培养出满足企业职业岗位需要的职业技能型人才。 关键词:工作过程 学习领域 课程体系 近几年来,我院环境艺术设计专业通过深入教学改革,提高了教学质量,毕业生得到社会用人单位的肯定。这得利于本专业以行动为导向、以项目为载体的工作过程系统化为指导思想,按照环境艺术设计职业岗位(群)能力要求,归纳分析典型工作任务,确定行动领域和学习领域,对专业课程以项目为载体按照典型工作任务进行构建,实行“项目+工作室”工学结合的人才培养模式。 1 确定环境艺术设计的典型任务 环境艺术设计专业采取市场调研、毕业生跟踪调查,以及召开实践专家座谈会等举措,调研环境艺术设计职业岗位的典型工作任务,论证毕业生职业成长的主要有五大阶段:绘图员、助理设计师、设计师、首席设计师、设计项目总监。每个阶段都有对应的典型工作任务: (1)设计绘图员。 典型工作任务:绘制施工图、绘制方案效果图、绘制现场施工标准、标注材料应用规格。 成长时间段(从毕业后累计):3~6个月。 (2)助理设计师。 典型工作任务:协助设计师与客户洽谈;协助设计师设计方案;协助设计师选取施工材料;汇编施工标准;协助设计师施工管理。 成长时间段(从毕业后累计):0.5~1年。 (3)设计师。 项目洽谈、签订合同;项目创意表现;方案效果表现质量监控;项目预算、成本控制;材料选取、施工管理验收。 成长时间段(从毕业后累计):1~2年。 (4)设计项目总监。 中型项目洽谈、签订合同;中型项目规划设计;方案表现质量监控;投标方案设计;项目预算、成本控制;工程质量监控,竣工验收。 成长时间段(从毕业后累计):4~6年。 经过行业\企业调研,归类的环境艺术设计专业的主要工作岗位群,并依据实践专家座谈会反馈信息,确定环境艺术设计的典型工作任务、岗位能力要求、岗位知识要求,并根据市场调研和结合我系环境艺术设计专业的资源优势,确定环境艺术设计专业主要培养助理环境规划设计师、绘图员和施工管理员。 助理设计师岗位知识与能力要求:能够熟练地应用各种环境规划设计软件,适应多种景观规划、园林工程项目的需求,掌握园林景观以及建筑的外观理论知识,具有方案设计与施工图、效果图、工程预算与施工管理等方面专业知识,能够根据项目特点综合运用恰当的设计元素进行景观、园林设计项目创作,熟悉和掌握环境规划设计项目的方案表现方式及制作执行流程,具备合格的专业素质,学习并遵守行业规范。 绘图员岗位知识与能力要求:能够熟练地应用各种设计软件,掌握环境规划设计方案表现技巧,具有园林景观以及建筑设计方案与施工图、效果图等方面专业知识,熟悉和掌握环境项目的方案表现方式及制作执行流程,具备合格的专业素质,学习并遵守行业规范。 施工管理员岗位知识与能力要求:能够熟练地应用环境项目施工图绘制软件,适应多种工程项目管理需求,掌握园林、景观、建筑装饰设计与施工管理的基本理论知识,具有项目施工管理统筹能力,熟练掌握项目的施工标准管理、安全监督,及质量监控执行流程,具备合格的专业素质,学习并遵守行业规范。 2 归纳环境艺术设计专业的学习领域 经过对环境艺术设计设计技术职业成长的五大阶段职业岗位对应的典型工作任务进行归纳分析,找出典型工作任务与课程之间的对应关系,归纳出与典型工作任务相对应的学习领域有手绘构思表现、计算机辅助设计、施工制图、环境、景观规划设计、景观植物与绿化配置等。 3 以工作过程为导向,设计环境艺术设计专业课程体系 由主管教学的领导、专业带头人、骨干教师、企业一线设计人员和技术人员、教育专家等组成的课程体系改革小组,在对专业开展全面、深入的社会需求调研基础上,明确专业培养目标定位,确定毕业生就业岗位和发展岗位,按照技术领域和企业对岗位胜任能力的基本要求,并参照职业技能鉴定标准,开发融入行业企业技术标准的课程体系。并按工作过程设计各教学主题单元,开发系列以项目、案例为主的“教、学、做一体化”课程,实施“项目+工作室”工学结合教学模式。 4 主干课程(学习领域)教学运行设计 与广西长绿山园林工程有限公司、南宁市艺巢装饰设计公司、樊汉环境设计事务所等单位紧密合作,根据环境艺术、园林景观工程技术的职业标准和职业岗位的知识、能力和素质要求,校企合作开发课程标准,包括课程教学目标、教学内容、教学时间安排与教学情境设计、教学方法、课程考核方式等。 5 结语 基于工作过程系统化,设计环境艺术设计专业的学习领域,能够完善了实践教学体系,职业教育特色更鲜明,确保环境艺术设计专业“项目+工作室”工学结合人才培养模式深入推进,教学效果显著,毕业生就业率连续三年到达100%,对口率达90%,具有很高就业质量。 2007年环境艺术设计专业被确定为广西壮族自治区级优质专业。 2010年环境艺术设计专业被确定为广西高等学校特色专业及课程一体化建设项目。 2011年环境艺术设计专业被确定为教育部财政部重点支持高等职业学校提升专业服务能力建设项目。 2012年环境艺术设计实训基地被确定为自治区示范性高等职业教育实训基地。 在环境艺术设计实训基地,实施“项目+工作室”教学模式,在教师指导下学生一共完成10多项景观规划设计项目:八桂绿城、凭祥市友谊小学规划设计、北海斜阳岛旅游景区、龙胜滑石矿综合开发区园林规划等大型项目。 艺术领域论文:浅谈古典钢琴作品在现代各个艺术领域中的运用 摘要:古典钢琴的魅力是无穷的,但是古典钢琴在中国却没有国外那么广为人知,近几年国内外开始把一些古典钢琴的作品运用到电影、歌曲、舞蹈和其他一些艺术领域,这些运用使各领域、阶层和年龄层的更多的了解认知古典钢琴,使古典钢琴焕发了全新的生命力。 关键词:古典钢琴;现代音乐;传承;发展 钢琴在我国大众生活中还没有那么普遍,我国民众对钢琴的了解大多还停留在一些中国的乐曲和一些歌曲上,对于各种体裁的专业的钢琴曲大部分人还不那么了解。随着我国经济飞速增长,各种艺术形式蓬勃发展,也有一些新的艺术形式的建立。古典钢琴作为一门传统的古典的艺术形式在我国并没有进入到普通大众的生活中,这是多方面原因造成的。一方面,钢琴由西方传进中国,它的经济价值不菲,并不是普通大众可以承受的起,另外在钢琴刚传入的时候演奏和传授钢琴技巧的人才也不多见,钢琴进入中国以后,国外的古典钢琴作品我国普通的民众由于没有接触过,在最开始的时候还太能够欣赏古典钢琴作品。这些都是制约钢琴在我国的发展的原因。 建国以来我国的音乐家们开始创作一些民族的钢琴曲作品,并拿钢琴做为歌曲和乐曲的伴奏乐器以进入人们的生活,当一些民族乐曲歌曲以钢琴的形式演奏出来,熟悉的旋律和感觉以一种没有见到和听到的方式展现在人们面前,钢琴独有的艺术魅力一出现就征服了人们的心。但是古典钢琴作品却没有能够在我国的舞台上大放异彩,主要是古典钢琴作品相对于我国民族不像民族乐曲改编的曲子那么通俗易懂,另外欣赏古典作品是需要了解一些作品的背景、风格及其进行一些基础知识的学习,这些因素都造成了古典钢琴作品至今没有像西欧国家那么普及。 近十年间,古典钢琴作为电影配乐中的运用越来越多,配乐的使用使很多情节在情绪上起到升华的作用。不可否认配乐在电影中是特别重要的一个部分,而古典钢琴相当多的作品放在任何年代哪怕是现在最流行的电影中也非常合适。尤其在一些爱情电影中作为配乐的时候非常能够烘托气氛,例如韩国电影《我的野蛮女友》中女主角弹奏的就是乔治温斯顿改编帕赫贝尔的卡农。一时间大街小巷中都充斥这这段旋律,许多年情人也开始尝试这学习了解钢琴,钢琴开始作为优雅女性的一项技能代表,似乎在电影中美丽优雅的女主角再弹奏一段钢琴,就立刻成为了人们心中完美女神,这也是古典钢琴作品展示过后给我们的印象。也有直接以钢琴为线索拍摄的电影,例如《钢琴课》、《海上钢琴师》、《钢琴战曲》等等,在这些电影中我们了解了不同风格种类的古典钢琴作品,在剧情需要的前提下时而凄婉动人催人泪下,时而技巧高超惊情澎湃,时而如行云流水自然的淡淡的流入我们的心田。一些动画片中为了配合剧情需要也使用了许多古典钢琴作品,例如我们非常熟悉的动画片《猫和老鼠》中加入了大量的古典钢琴作品如李斯特的《升C小调匈牙利狂想曲2号》、肖邦的《24首前奏曲:d小调》、《革命练习曲》、《光辉圆舞曲降E大调作品18 》等等,这些作品在动画片的热播中从儿童时代就把古典钢琴作品的形象刻画到人们的心中。 钢琴在声乐领域就像鱼和水的关系,是声乐艺术中不可或缺一部分。钢琴在演奏古典钢琴作品的同时,开始也为歌唱者伴奏,后来随着古典钢琴作品的深入人心,艺术家们开始尝试把钢琴作品套上歌词以另外一种形式来展示,一出来效果就非同凡响。例如舒伯特的《小夜曲》,当它由钢琴作品加上歌词演唱时使我们更深的感受到它是如此打动人心和古典钢琴作品的不同凡响之处。也有一些流行作品中添加了古典钢琴的演奏段落,艺术形式多样化的同时古典钢琴作品的优雅流畅的曲风一出现便迅速的征服了人们的心,例如元若蓝的《爱乘以无限大》中间就插入了钢琴作品《踩到猫》,诙谐可爱的曲子加上现代元素,使人们在吟唱着流行的旋律的时候也领略到了古典钢琴作品的魅力。一些音乐家改编了一些古典钢琴作品成为合唱曲,例如小约翰・斯特劳斯的《闲聊波尔卡》,里姆斯基.克萨科夫的《野蜂飞舞》等等,从合唱的领域诠释了古典钢琴作品,展示了另一番风采。 在舞蹈艺术领域中,古典钢琴作品也是不可或缺的非常重要的一部分,在各个舞种以古典钢琴作品作为伴奏的成功的作品都非常多。芭蕾舞跟古典钢琴作品的关系更是密不可分,从最基础的芭蕾基训到成熟的作品,非常多的选段都是以钢琴来作为舞蹈音乐的,比较著名的有芭蕾舞剧天鹅湖中的《四小天鹅》等。其他国标舞、族舞、现代舞、当代舞、古典舞等等各个舞种都有许多的优秀的作品是用古典钢琴作品做伴奏音乐,并取得不俗的成绩,获得一致的欢迎和好评。 古典钢琴作品在现代,不仅仅是在电影、声乐、舞蹈这些艺术领域发挥着作用,在魔术、舞台剧、电视艺术等领域都有着不同的作用和不俗的成绩。古典钢琴艺术在各个领域发挥作用的同时也在我国迅速的发展,在不同阶层和年龄段都有不少稳定的“粉丝”,相信古典钢琴作品不会退出历史舞台,会在一代又一代的艺术家的努力下不断发展壮大、展翅高飞。 艺术领域论文:浅谈幼儿园艺术领域教学策略 《幼儿园教育指导纲要》将艺术教育作为一个领域提出来,其目标、内容、实施各部分的阐述不仅赋予了艺术教育新的理念,同时要求我们幼儿教师能够“在艺术活动中面向全体幼儿,要针对他们的不同特点和需要,让每个幼儿都得到美的熏陶和培养”。更重要的是《纲要》精神主张让幼儿感受快乐,体验成功;主张幼儿大胆地表露个性,张扬自我;主张幼儿会欣赏自己,更要学会欣赏他人。 艺术教育的价值取向不再是注重知识、技能的传递,而是注重幼儿情感的培养和自我表达、精神创造的满足,使幼儿成为一个热爱生活、热爱艺术、热爱美的人。这将使幼儿受益终身,为其一生的发展奠定良好的基础。教师作为幼儿园教育中最重要、最基本的力量,是幼儿艺术教育改革中最主要、最直接的创造者,因此,对幼儿进行科学有效的教学策略能起到事半功倍的效果。 1树立正确的艺术教育观,引导幼儿快乐创作。 孩子天生喜欢艺术,他们和成人一样有艺术审美的需要,并且对艺术有着强烈的好奇心和表现欲。他们容易对艺术活动表现出自发的热情和兴趣,但又往往带有情绪色彩,不稳定、易转移,这时教师切忌灌输式,不要一味地强调技能的训练。让幼儿自由畅想、随意作画,幼儿通过自主性的创作,充分地表现自己对周围世界的看法,大胆流露自己的情感。这其中,幼儿不拘一格的新奇创意,大胆、无拘无束的表现出的童心、童趣,是成人无法想象的。教师不要随意打断幼儿的创作,注意幼儿创作的流畅性。幼儿的现实与想象是混沌一体,很难划分清楚的,在活动时,幼儿会积极地建构想象的虚幻的世界。并在这一过程中得到了极大的快乐和满足。这也需要我们教师善于反思,拥有正确的审美观点和审美情趣。 2对幼儿进行科学评价,促进不同层次的提高。 在艺术教学过程中,不难发现幼儿在各方面的能力水平有很大的差异性,作为教师,如果用横向标准来衡量,就会出现“能力强”和“能力差”的孩子,很难做到不失公正的因材施教行为。因此,要对幼儿进行科学的评价,首先必须善于观察、积极引导,根据幼儿的发展状况、兴趣情绪、行为需要等,提供不同层次的操作材料,提出不同的作画要求,促使他们在不同的能力水平上都有所发展提高。 其次,教师要运用鼓励的方式对幼儿进行纵向的比较。当幼儿通过自己的努力还没有达到理想的效果时,我们教师的一个微笑,一次轻轻的抚摸或许就是对他最大的鼓舞,给幼儿一种“我能行,一定行”的心理暗示,使他们在自信中完成艺术目标,提高自身水平。 另外,教师适时适度的在技能、技巧方面的引导,使教师变成了幼儿艺术活动的支持者和合作者。当幼儿完成艺术作品时,教师又成为欣赏者和分享者。通过教师的主动参与,不仅调动了幼儿极大的兴趣,而且使他们有强烈的成就感与满足感。让每一个幼儿都有机会进入“能力强”的行列。 3创设艺术环境,形成与其他学科的整合。 《纲要》中要求"各领域内容相互渗透"。在传统的艺术教育活动中,我们一味强调技能技巧的训练和习得,很少把它和各领域活动联系起来,即便在幼儿园轰轰烈烈搞综合主题教育的时候,也只能算是东拼西凑的大杂烩,不能算是真正意义的整合。 3.1要通过多种途径,将艺术教育和各领域教育相互渗透。如在进行《我用画笔画家乡》这一活动时,除了让幼儿通过不同颜色、线条展示家乡之美的同时,还可以融入社会了解家乡的美景、人文,融入语言创编儿歌等等。 3.2营造艺术氛围,加强日常生活中的艺术教育。在日常生活中到处都存在着艺术,幼儿所生活的环境就是一种“隐形语言”,比如我们园内的假山、楼阁、莲池、游鱼,处处都是一种美的熏陶,各种节日欢歌笑语、无比欢畅,此时重在我们善于引导孩子留意美、欣赏美、抓住各种教育契机来进行艺术教育。 3.3区域活动,留下永久的艺术气息。在活动室内外,大到墙饰布置,小到区角活动,无处不在孩子参与的作品。比如泥工区、剪纸区、音乐区等等,通过成品摆放、观察记录、照片留影、多媒体摄像等,展示着幼儿在主动参与创造设计后,留下的发展足迹,潜移默化地给幼儿带来永久的艺术感受和审美愉悦。 4为幼儿提供机会,展示自我,欣赏同伴。 艺术教育要以幼儿为本,重视幼儿的情感体验和操作过程,发挥艺术的情感教育功能,促进儿童健全人格的形成。教师作为艺术教育活动实施者和引导者,其多才多艺的艺术表现能力,可以展现艺术的生动形象性和具体可感性,并与幼儿的心灵直接沟通。所以,幼儿艺术教育活动要转变那种以教师教,幼儿练为主的单一的、封闭的、静态的课堂教学组织形式,可以充分发挥幼儿的主体作用,改变幼儿被驱使进行艺术活动的被动地位。 为幼儿提供机会,使幼儿在与教师、同伴、环境、艺术作品的互动过程中,在自我表现、自我表达过程中,获得丰富的情感和体验,提高其艺术审美能力。并且,要鼓励幼儿多欣赏同伴的作品,为幼儿创设条件,引导他们相互交流、相互协商,通过合作意识,共同提高艺术素养。 总之,在艺术教育活动中,教师已经远远不限于知识传承者的角色,而是要在《纲要》的指导下,作为支持者、合作者、引导者灵活地扮演最适宜的角色去与幼儿积极地互动,激发幼儿感受美、表现美的情趣,丰富他们的审美经验,使之体验自己表达和创造出来的快乐,在艺术领域活动中,发挥最大的潜能。 艺术领域论文:数字艺术研究领域的中国学派之花 20世纪90年代以来,随着数字技术的迅猛发展,一种新型的艺术形式——数字艺术,应运而生。从网络文学到网络游戏,从数字动画到数字电影,从数字电视到数字广播,从手机彩铃到手机电视……一时间,这些花样繁多的新媒体艺术以令人眼花缭乱目不暇接的速度在艺术生态园中恣意攻城略地,大大吸引了社会大众的眼球。然而,与此截然相反的一个现象是,对这类新兴艺术的考察和研究相对落后和薄弱,尤其是系统的有深度和创见的学术探索更为罕见。山东师范大学马立新教授的《数字艺术哲学》一书的出版,标志着我国在数字艺术研究领域取得了突破性进展。 首先,本书最引人瞩目的成果是创建并系统论证了“自由情感美学体系”。所谓自由情感即“任何审美客体激发审美主体产生的无功利性愉悦情感”,因此,自由情感就是审美情感,是主体在与审美客体互动过程中能够切身体验到的心理愉悦。显然,这是一个既不同于古典美学,又不同于现代美学的一个崭新的美学观,是马立新对美的重新“立法”。这一美学理念的独特价值,在于超越了古典美学和现代美学的各种清高和孤傲的弊端,首次实现了审美主体与审美客体的有机统一。古典美学将美作为一种客观属性来分析,而现代美学则将美作为一种纯粹主观属性,它们看似观点对立,但本质上都是一种美学上的机械论。这些观点单独来分析,似乎有其合理之处,但与实际的人生审美经验背离,严重脱离普通社会大众的审美生活,尤其不利于文化产业时代的艺术创作。 马立新在对古今中外的各种美学观分析、比较和批判的基础上,恰当地对准一般大众的审美生活和审美经验,并针对大众艺术产业发展的时代感召,建构起一种人人都很容易体验、把握和理解的美学理念,它强调审美主体的能动性、审美客体的普遍性和审美情境的重要性。“美不是独立存在的自由王国,即美不具有客观实在性。审美主体不具有特殊性,即任何具有完全生命能力的人只要存在着审美情境都可以成为审美主体。审美客体不具有共同的属性,任何一个客体都存在着成为审美客体的潜能,即在一定的审美情境下都有可能引发主体产生美感。美是抽象的概念,无法比较测量;但美感是具体的,可以比较的,这就意味着美感既是可以分类的,又是可以测量的,我们不妨用‘美感指数’来表征美感的强度。”这些原创性的观点也许未必能让所有人认同,但的确为一般大众开辟了一条朴素、真诚和可感的审美道路。 第二,在创建自由情感美学观的基础上,本书阐明了数字艺术的独特美学原理——双重互动不确定性机制。自由情感是美的情感,是审美主体能够体验到的心理愉悦。那么,艺术或其他审美客体为什么能够激发审美主体的自由情感呢?马立新认为,原因就在于审美客体固有的不确定性机制。一幅好画的魅力就在于其丰富蕴藉的审美意蕴,这就是一幅画的意蕴的不确定性。一部好看的小说的魅力就在于其情节的跌宕起伏和出人意料,这就是故事的不确定性。同样的,一部好看的电影的魅力也必然在于其自始至终的不确定性意蕴。 然而,数字艺术除了这种一般艺术固有的意蕴上的不确定性之外,它还具有强烈的致瘾作用,这尤其表现在像网络游戏、微博、QQ聊天软件等新型数字艺术品种中。如何解释这一特殊审美现象?马立新通过大量试验发现,数字艺术具有的致瘾作用和它较之传统艺术强烈得多的自由情感激发功能的根源,在于它与生俱来的双重互动机制,他发现一切数字艺术的创作、传播和消费都必然是在互动中完成的。借助于电脑的人机互动、人人互动本身就充满一种莫名的魅力,马立新将其定义为“本真情感”。然而,他进一步研究发现,正常社会中的人际互动并不足以产生特殊的魅力,也就是说,数字艺术特有的互动具有不同于人际社会中的那种互动的特殊性质,这种性质他认为就是互动中的“不确定性”。这一发现揭示出数字艺术的美学机制,具有重要的学术价值。同时,这一发现也破解了互动性数字艺术的致瘾机制,从而为根治和戒除严重威胁社会公共安全的网瘾毒瘤带来了希望。 第三,本书系统阐明了数字艺术的生产机制。数字艺术在创作主体、创作思维和审美诉求三个方面都显现出迥异于原子艺术的特点。首先,数字艺术家获得了高度自由的创作个性,自我确立了民主的创作秩序,实现了彻底的精神解放,建树起和谐发展的文化人格,并形成了一种新型的艺术思维范式——数字思维;数字思维既是一种多向度发散性的思维,也是一种平等性和平民式的思维,还是一种创新求异性的思维,更是一种基于人工智能的放量思维。最大限度地制造感官快感,最大限度地开拓新奇的审美领域,最大限度地满足人类的体验梦想,最大限度地开发和制造“轰动性产品”,是数字艺术创作中主要的审美诉求。 第四,本书对数字艺术传播规律的探讨也不乏创见。在数字艺术传播中,传播和媒介不断融合,传统大众传播媒介之间传播方式的区分,在数字艺术传播中变得微不足道,语言、文字、印刷、广播电视等媒体,在数字时代逐渐成为一种整合的传播形态,过去独立的多种传播渠道融合成为一种媒体,网络媒体便成为数字艺术传播中最具代表性的传播媒介,数字图像、数字电影、数字文学、数字游戏等多种数字艺术形式也统一在这一传播媒介中。同时,网络媒体打破了我们所熟知的大众传播的单向传播,双向交互成为传播的主流,传受双方的界限已不再明显,最为重要的是受众的需求得到最大限度的满足。数字艺术在数字媒介和传统媒介的双重作用下不断扩大受众群,除了满足最直接的数字传播媒介受众群,数字艺术转化为原子艺术走向有形的市场,也满足了传统受众的传播需求。但媒介和受众并不是影响传播的唯一因素,数字艺术传播与传播环境相互制约,受到政治、经济、文化等多种因素的影响,并最终与社会大背景挂钩,受制于政治,并走向市场。 本书所首创的关于数字艺术的一整套理论体系填补了国内外研究的空白,在同类研究中处于领先的水平。这标志着在数字艺术研究领域,以马立新为代表的一批学者以其独立的思想意识和开创性的科学发现,正在国际学术舞台上形成一支具有中国特色的中国学派。 (作者为北京师范大学文学院教授、博士生导师) 艺术领域论文:浅议陶瓷艺术领域的项目管理 【摘要】通过分析陶瓷艺术领域管理中存在的问题,阐述了项目管理应用的科学性和必然性,提出了陶瓷艺术项目管理改善的创新原则和方案。 【关键词】项目管理 陶瓷艺术 一、前言 随着经济的全球化,我国现代化建设的快速发展。我国的陶瓷艺术产业取得了蓬勃发展,其发展已经上升为国家发展策略。陶瓷艺术产业是文化产业的一部分,艺术机构是具有产业性质的创意、制作并销售的企业。陶瓷艺术产业的发展和形式经历了初创、提升和创新。实践证明,用传统的陶瓷艺术管理模式强化产业管理,是无法促进和发展陶瓷艺术产业文化的。因此,深化陶瓷艺术创业管理体制,实现陶瓷艺术产业管理模式的发展,已经成为陶瓷艺术界和社会最为关注的话题。 二、陶瓷艺术管理的内涵 传统的陶瓷艺术管理者主要由一些优秀的陶瓷艺术家自己成立的,采用的是作坊式管理,这种管理模式使得艺术家忙于行政事务而影响了艺术才华的发挥,同时管理的成效也不理想。目前,随着陶瓷艺术产业的迅猛扩大,对懂艺术、懂管理的人才需求甚多,这些人才不仅需要深厚的艺术素质,还需要有先进的创新创意、市场运作和经营管理能力。一个优秀陶瓷艺术管理者,在实际的管理当中,明确自己在陶瓷艺术发展中的位置以及角色,是非常重要的,因此陶瓷艺术管理者应该充分发挥好自己的作用。 三、陶瓷艺术领域项目管理中存在的主要问题 陶瓷艺术在我国发展的历史很长,但是由于人才、意识和经验等方面的因素,项目管理的我国陶瓷艺术管理中的应用还存在一些问题。 (一)项目管理制度不完善 由于陶瓷艺术机构多把精力放在工程创意、设计和制作等方面,而对项目管理在陶瓷艺术创作中的重要作用没有引起足够的重视,导致项目管理制度不完善,或者是前后不衔接、相互不配套,因此,影响了项目管理在陶瓷艺术创作实践中积极作用的发挥和效益的增长。一部分机构往往只习惯于关注艺术创作方面的问题,而对项目管理本身缺乏正确的认识,要么没有建立或健全相应的项目管理机构、机制;要么是没有聘用专业的项目管理公司来进行管理,造成了只能保证陶瓷艺术品的工艺和质量,却不能保证项目整体的效率和效益,很难满足陶瓷艺术项目管理的科学化、标准化和国际化运作的要求,一定程度上影响和制约了陶瓷艺术机构参与国际竞争的步伐。 (二)执行控制力度不够 项目管理无论是制度再健全、管理项目设计再周全,如果缺乏应有的执行力,这种项目管理也是无法推广,项目管理的作用也是很难得到发挥。在实际的陶瓷艺术工程项目施工的各阶段,通常包括建设建议书阶段、可行性研究阶段、设计工作阶段、建设准备阶段、艺术施工阶段、竣工验收阶段中,往往存在陶瓷艺术管理执行者通常处于一种非主动性位置,很难发挥陶瓷艺术工程优秀建设执行者的组织功能和主导作用,一定程度上削弱了项目管理的真实效果。 (三)人力资源配置不合理 陶瓷艺术工程在施工阶段是整个项目的建造实施过程,项目管理队伍的管理人员和技术人员是关键的建设要素,决定着整个建设项目的建造质量与水平。随着建设事业的快速发展,陶瓷艺术业对人才的需求量与日剧增,导致项目管理人才和相关陶瓷艺术技术人员严重不足,使得项目管理缺乏有力的人力资源支撑,一定程度上影响了制约了项目管理的实效,甚至会影响陶瓷艺术工程施工建设的进度。 (四)缺乏懂陶瓷艺术、会管理的复合型项目经理 项目经理在工程建设中具有举足轻重的作用,是项目建设实施的重要的管理人才,处于优秀位置。其在项目建设中起着主导、指导和引导作用,是沟通内外、引领各种需求的集中交汇点和执行点,对项目建设具有至关重要的作用。目前情况下,由于对陶瓷艺术领域中的项目经理缺乏科学有效的考核评价体系,导致对项目经理重使用、轻管理,使得项目经理缺乏强烈的危机意识和竞争意识,项目经理自我加压、强化业务学习、提高项目管理水平的动力不足,也在一定程度上制约了项目建设的实施与发展。 四、项目管理在陶瓷艺术领域的创新应用 陶瓷艺术领域的项目管理是一项系统性工程。在陶瓷艺术创作过程中,一方面要大力推广应用项目管理的思想和模式,另一方面要针对陶瓷艺术创作的特点创新项目管理的方式和方法,力求项目管理在陶瓷艺术领域中取得较好的效果。 (一)创新陶瓷艺术项目管理理念 项目管理管理者要打破传统的计划经济下的经营管理理念,深刻理解项目管理就是要以实现目标为最根本目的而开展一系列的行动,针对陶瓷艺术行业的特点,牢固树立市场意识,积极参与国际、国内市场竞争,以理念的创新,指引项目管理实施的创新,增强项目管理的实效性,推动陶瓷艺术可持续发展。 (二)创新陶瓷艺术项目管理模式 项目管理具有其本身的特点,而陶瓷艺术企业的创意、制作、管理的过程,又具有明显的个体性、阶段性特征,这就给陶瓷艺术领域中的项目管理提出的新的更高的要求。采用项目管理的模式管理陶瓷艺术活动,就必须要结合陶瓷艺术创意和陶瓷艺术销售的特点。建立科学务实的项目计划手段和严谨有效的项目控制手段,确保项目管理机制的有效落实。 (三)提高项目管理信息化水平 要充分发挥计算机处理信息快捷、管理规范的优势,把基于计算机的信息化管理作为提高陶瓷艺术机构提升经营管理水平的重要途径,将信息化管理纳入到陶瓷艺术活动的各个方面,融入到的日常管理活动中,进一步提升陶瓷艺术机构的管理水平,强化成本控制,确保艺术品的质量,增强机构的竞争力。 艺术领域论文:高等学校学前教育专业艺术领域课程标准研究初探 摘 要:随着我国对学前儿童教育的日趋重视,高校的学前教育专业近年也在飞速地改革与发展之中, 本文通过对学前教育专业艺术领域课程的重要性和意义的论述,以及现阶段学前教育专业艺术领域课程结构设置和教学的现状所存在问题的分析,从而提出了学前教育艺术领域相关课程教学设置的目标定位,以此进一步探讨学前教育专业艺术课程体系的新的建构方案。 关键词: 高校学前教育专业 课程标准 幼儿艺术领域 一、艺术领域课程在学前教育专业课程中的重要意义。 在去年10月我国教育部颁布的《3-6岁儿童学习与发展指南》中,将幼儿的学习与发展划分为五大领域,其中艺术为五大领域之一,强调了艺术在幼儿身心发展中的重要意义:“ 艺术是人类感受美、表现美和创造美的重要形式,也是表达自己对周围世界的认识和情绪态度的独特方式。”因此,在高校学前教育专业的课程设置中,艺术领域的课程也就成了不可或缺的专业必修课。同时,相对于幼儿对艺术的了解与学习,作为成年人群的大学生,艺术领域课程的学习,也有助于发展和提高学生的审美能力和审美修养,为创新型人才的培养打下良好的艺术理论与实践基础。 二、学前教育专业艺术领域课程的现状分析与存在问题 随着近年教育体制的改革和学前教育行业的蓬勃发展,学前教育专业的培养模式也在不断的发展和变化之中,笔者通过自身的教学体会和对多个高校学前教育专业的走访、调查和研究,发现了学前教育专业艺术领域课程中共同存在的若干的问题。 其一,艺术领域课程结构存在缺陷,课时设置比例不均衡以笔者所在学校的学前教育专业为例,艺术类课程的结构呈现不合理化的倾向,艺术领域课程科目的课时分配合理性略有欠缺。例如手工与玩教具制作课程的课时分配目前为54学时,在第四学期一学期内完成,手工与玩教具制作这门课程在教与学的过程中要求“教”和“学”之间有一定时间的实践练习环节,而54课时每周2-4课时的较集中的“教”让学生缺乏了实践练习的“学”的时间,这样就出现了由于课时安排过密而降低了学习质量和效果的问题。同时,手工与玩教具制作课程应分材料和玩教具两大版块,分别在两学期里完成,因此,课时数的设置上也应建议设置为72学时,分两学期完成,这样,不论从教学效果还是教师教学工作量安排上都更为合理、有效。 其二,各门艺术课程之间缺乏较好的融汇、贯通环节。传统的艺术课程教学模式,每门课程都各自独立,缺乏课程之间的有机联系与互动。导致在实施教学的过程当中容易出现了知识孤立、单一、片面和遗漏等现象。与此同时,艺术领域课程体系多为偏重于技能技巧类课程,学前教育艺术领域理论的教学比较欠缺,也是课程架构中存在的问题。 其三,当前许多高校学前教育专业的人才培养方案普遍存在着这样两种不同的观点:一种是培养技能、技巧型的教师,这种注重于对艺术技能、技巧的训练,能歌善舞、能写回话;另外一种培养以理论研究为发展方向的教师,这种取向培养学生的观察、认知、研究、思维、情感等方面的发展,但减弱了实践技能方面的培养和训练。这两种培养模式都过于极端和片面,在一定程度上都阻碍了高校学前教育教师的培养,也是对艺术类课程的目标定位不准确造成的。 三、学前教育专业艺术领域课程标准构建方案及其实施途径 鉴于当前学前教育专业艺术领域课程中存在的种种情况,如何改善和建立新的课程标准和课程结构就成了当前迫切需要解决的问题。 首先,应确定艺术领域课程的教育目标。 音乐、舞蹈教育目标。首先要形成以音乐的美育功能培养人的教育技能,其次是培养音乐素质,并形成如下几种能力:通过乐理、和声、伴奏、音乐欣赏、舞蹈、艺术概论的学习和实践及音乐、舞蹈技能学科的学习与训练,具有音乐、舞蹈艺术的鉴赏能力、表演能力、创作能力,具有运用各种先进的科学手段、方法组织学前儿童积极参与各种音乐、舞蹈教育活动的能力。 美术教育目标:需要在美育功能的激励下,培养学生的教育的目标,进行艺术素质的提高和训练,在美术的课堂当中需要掌握几种能力,通过绘画掌握绘画的基本原理和知识,形成相应的造型的能力和手工制作的能力,这些需要在设定的美术环境当中进行,同时可以给学生开设美术欣赏课,进行装饰画、泥塑、折纸、手工等各方面的制作。综合利用美术知识的专业化的发展的要求,不断的结合学前教育专业的特点进行相应的教育,要跳出艺术教育的框框进而实现创造性能力的培养和提升。 其次,建立新的课程结构和课程标准。 学前教育专业音乐领域课程,括乐理、视唱练耳、声乐、琴法、学前儿童音乐教育等内容。乐理和琴法课是相通课程,需要由同一个老师进行代课,这样会让学生的音准、节奏和识谱等能力能达到系统化的提升,例如在整合课程的时候,学生会更加的熟悉所要呈现的内容,提高对音乐的表现和理解的能力。声乐课上,应改变成人声乐专业性模式的技术上的要求,增加有针对性的、适用于幼儿园领域各年龄班特色的儿歌、谱子和曲调,使音乐课成为一种技能和欣赏的课程。同时,音乐作为一门综合课,还包括幼儿音乐欣赏、幼儿歌曲创编、幼儿合唱与指挥等实践应用型课程。在课程结构上,应先由基础的基本乐理和视唱练耳的学习入手,然后再进行声乐的练习,再次是幼儿的简单歌谱练习等,重点是强化乐理和琴法的系统化过程,两者互为基础,相辅相成,提高学生音乐的敏感性。 学前教育专业美术领域课程包括美术技能(素描基础、简笔画、平面构成、色彩构成、装饰画、儿童主题画创编)、手工与玩教具制作、幼儿园装饰环境创设、学前儿童美术教育等内容。美术技能课程的重点是训练和培养学生的美术基础技能技巧、以实用美术教育内容为主,侧重基本造型、色彩、幼儿园领域美术技能实际应用能力的培养。手工与玩教具制作课程的主要内容为手工玩具制作和手工教具制作。课程的重点在于材料的熟悉与应用技能训练和幼儿园领域玩具和五大领域教具的制作。美术领域课程的结构应为:美术技能课程为先修课程,应在第一学年进行,其次是手工与玩教具制作和幼儿园装饰环境创设课程。有了美术技课程打下一定的美术基础,才能进行手工与玩教具制作和幼儿园装饰环境创设这样的实践应用课程。 学前教育专业舞蹈领域课包括舞蹈基本功训练、民族民间舞、幼儿舞蹈、舞蹈鉴赏等内容。在具体做法上采用以下方式,把原来的舞蹈课进行分类,每个类别以一个点展开讲解,也可以融合进去其他的内容,比如各种舞蹈形式的融合,民间舞、藏族舞等等,以及东北秧歌的学习,需要进行管穿性的结合,不断的将舞蹈的编创和各种舞剧的表演结合,必要的时候可以增加对人文知识和音乐史的教授,同时也需要进行各个小组的练习,提高学生学习舞蹈的热情。 最后,艺术领域课程的具体实施途径。 适当、合理地调整学前教育专业艺术课程课时比例。时间对课时的保证将提高艺术课程的提升空间,在合理课时设置的保证下,同时对艺术类课程的发展也应进有相应的调整和实施,不仅从理论上和实践上对艺术教育进行实施,而且还将班级内的舞蹈编创的评比,或者是画画的评价更多地放在新的教学模式中,进而多层次、多角度地激发学生学习艺术类课程的热情,并且让他们进行下园实习、调研,增加实践一线教学体验和经验,为今后的职业发展奠定基础。 音乐、美术、舞蹈是实践性学科,是集艺术性、实践性、创造性于一体的课程,因此需要学生在学习的过程当中,运用表演、鉴赏等方法学到艺术方面的知识,提高艺术能力,进行艺术方面的熏陶进而培养素质。在为学生创设机会的同时,可以在不同的方面提高学生的素质,定期的对学生进行实践活动的组织,可在幼儿园开展艺术教育的活动当中提高艺术综合能力的培养,成为了提高学生艺术素质能力的要求和基础,为幼儿教育工作的培养奠定良好的基础。通过各种技能课程的实施和整合,必将促进艺术教育可以真正的为学生服务,锻炼学生良好的素养,提升学前教育专业的培养水平,制定良好的教育方案,以实现培养高层次、应用型幼儿教育工作者的培养目标。 艺术领域论文:浅谈浪漫主义艺术在绘画领域的体现 摘 要:简单概述浪漫主义艺术兴起的背景,就浪漫主义在绘画领域的体现进行分析,重在探讨英、法、德、俄等国具有代表性的浪漫主义绘画人物。 关键词:浪漫主义;美学特征;绘画代表作 热情是浪漫主义艺术的要素,激情是浪漫主义精神所在,以时事为题材而成为浪漫主义的内容,首先是绘画中洋溢着的激情,这是遵循旧法,由“理智”导致冷漠的古典主义艺术最缺乏的品格。当新古典主义走向保守时,浪漫主义提出了许多与古典主义不同的乃至对立的主张。古典主义主张抽象理性的描绘,浪漫主义则主张具体情感的表达;古典主义艺术表现上多为类型化,浪漫主义在艺术表现上多个性化;古典主义重视以线与轮廓为主导的严谨素描造型,浪漫主义则特别重视用色彩来创造饱满的形象,用奔放的笔触创造有生命力的动感造型。 一、浪漫主义艺术兴起的背景 古代神话是浪漫主义的萌芽和源头。浪漫主义是艺术创作最重要、最基本、最常见的创作方法之一。浪漫主义提倡神话、想象、虚构、夸张,将艺术当作主观激情和心理真实的表现。浪漫主义,一般是指18~19世纪欧洲一些国家所产生的思想和艺术的运动,它反映在艺术的各个领域。作为绘画艺术的创作方法和风格,浪漫主义在表现现实上,强调主观与主体性,侧重表现理想世界,把情感和想象提到创作的首位,常用热情奔放的语言、超越现实的想象和夸张的手法塑造理想中的形象。 二、浪漫主义艺术在绘画领域的体现 (一)浪漫主义的先驱――戈雅 经历过17世纪的辉煌后,西班牙美术界沉寂下来,直到18世纪下半叶,随着达维特的同代人奇才戈雅的出现,才打破了这种沉寂的局面。1800年,他为查理四世全家绘制了一件可以与《宫娥》相提并论的肖像画《查理四世及其家人》,这幅笔法流畅、色彩绚丽的作品,虽然大体上保持着宫廷肖像画的庄重构图,但他对国王夫妇这对至尊人物形象的塑造却是十分大胆的,那生动的近似漫画式的处理,似乎暗示着嘲讽。通过光与影、明与暗、冷与暖、美与丑、勇敢与怯懦、正直与卑劣的强烈对比,戈雅的激情宣泄得淋漓尽致。大胆的想象、无拘无束的造型、主观的色彩,更直接地传达了他个人的感受。戈雅的艺术成就赢得了后代浪漫主义者的深深敬佩。 (二)浪漫主义在法国的兴起 1.法国浪漫主义的先驱――席里柯 泰奥多尔・席里柯被誉为法国浪漫主义艺术绘画的先驱,他深受前辈大师们的影响,创作出一些具有浪漫主义色彩的作品。席里柯的生命虽然短暂,但却终生充满着激情、幻想和痛苦,并把这种感情反映在自己的作品中。席里柯28岁时创作了世界名作《梅杜莎之筏》,尔后到英国和德国展出,引起极大的轰动。《梅杜萨之筏》是席里柯最具代表性的作品。取材于当时“梅杜萨号”远洋船触礁事件,表现遇难船员乘木筏在海上漂流了13天终于看到救援的船只,一刹那间人们所表现出的激情和求生的渴望。这宗海难事件激起法国人的强烈不满,受到社会各界舆论的谴责,富有正义感的画家席里柯从这一真实事件出发,创作了这幅世界名作《梅杜莎之筏》。情节激动人心,构思大胆富有戏剧性,构图严谨充满律动,画中人情感激越。人体塑造坚实有力度,光影对比强烈,整个色调阴森沉郁,显示出震撼人心的悲剧力量。这幅杰作的问世,开辟了浪漫主义的艺术道路。 2.浪漫主义的雄师――德拉克洛瓦 欧仁・德拉克洛瓦是19世纪法国浪漫主义最伟大的画家之一。德拉克洛瓦精力充沛才华横溢,被左拉誉为“浪漫主义的雄师”。他重视色彩的热烈奔放,认为“色彩是绘画的主角”。德拉克洛瓦所画的形象色彩饱满热烈,有强烈的音乐感,能表现出一种诗意的美。这是这位艺术大师的最大创作特色。作为浪漫主义画家,他是最善于运用色彩的,这和他重视主观感情的要求是相一致的。他的名画《自由引导着人民》,就是这样一幅具有时代意义的浪漫派杰作。《自由引导着人民》又名《1830年7月27日》,取材于1830的革命,那是法国人民最后推翻封建王朝的“光荣的3天”。德拉克洛瓦以象征手法在画面视觉中心塑造了一位丰硕半裸的女性形象,她一手握枪,一手高举三色旗。她是自由的象征,正在勇敢的领导人民前进夺取最后的胜利。画面构图具有极强的视觉冲击力,有一种不可阻挡的动势,在女神的周围安排有法国革命代表性阶层的人物形象。人群中那个孩子象征着年轻的法兰西。 (三)英国、德国、俄罗斯浪漫主义艺术的迅猛发展 1.英国浪漫主义美术的发展 18世纪末和19世纪初,以威廉・勃莱克为代表的英国浪漫主义绘画,拓展了艺术审美的新范畴,启动了个性与自由的艺术契机,在与僵化的学院派艺术抗衡的同时,更注重了情感表现与幻想情境。接着,19世纪上半期,康斯太布尔和透纳又在风景画创作上,树起了现实主义艺术的旗帜,将平凡的乡间生活和激动的海上情景展现在人们面前,让人们进入一个更为饱满的精神天地。 2.德国浪漫主义美术的发展 在19世纪前半叶德国绘画艺术中,浪漫主义流派占主导地位,可将其视为典型的德国流派。德国艺术家在浪漫主义绘画方面取得了独特的成就。自这一画派产生之日起,就存在着两条不同的道路。在北方以德累斯顿为中心聚集了一些信仰新教的画家,他们的创作以风景画为主,因此称为早期浪漫主义风景画家。 3.俄国浪漫主义美术的发展 19世纪上半叶,俄罗斯的肖像画艺术在突破传统束缚的同时,更注重现实主义的手法和浪漫精神的因素,强调人物的内在品质和情感世界。像基普林斯基(1782~1836)、特罗平宁(1776~1857)等人的创作,他们分别以贵族知识分子和一般民众的形象来揭示那个时代的精神品质和情绪。绘画中浪漫主义的代表是基普林斯基。他的优秀作品《骠骑兵达维多夫》使他获得院士称号。1827年基普林斯基为普希金所作的肖像曾受到普希金本人的肯定。 三、结束语 对于浪漫主义的兴起、发展及与此有关的知识,以上也仅仅是一个简单的概述,不管是过去、现在或是将来,艺术学界仍将继续进行更深的探索与研究。 艺术领域论文:艺术市场中的跨领域合作 苏富比(Sotheby's)是全球拍卖业的鼻祖,成立于1744年3月11日,至今已有267年的历史,业务遍及全球34个国家,并且纽约证券交易所上市。创始人山姆贝克(SamuelBaker)的事业从受约翰史丹利爵士(John Stanley)所托的一场藏书拍卖起家。此后,苏富比的拍卖范畴从书籍逐渐扩展到名画、装饰艺术品及珠宝,这个过程几乎等于全球拍卖市场的变化演进。如今,苏富比在领航艺术品拍卖之余,还与其他公司进行跨领域合作,开拓拍卖之外市场,如苏富比国际地产、苏富比钻石、苏富比艺术学院、苏富比名酒、苏富比艺术贷款等。其中苏富比钻石是苏富比与斯坦梅茨钻石集团跨领域合作的典型代表,本文希望通过浅析苏富比钻石的市场营销策略,了解艺术市场中的跨领域合作的优势及目的。 一、资源互换 与苏富比合作的是全球最顶尖的钻石公司之一的斯坦梅茨(Steinmetz),至今该公司已在钻石领域内拥有70年的经验,曾经切磨过赫赫有名的203.04克拉的戴比尔斯千禧之星以及59.60克拉的斯坦梅茨粉红钻,被誉为是业内的切磨行家,“最好钻石的制造者”。除了在瑞士日内瓦的总公司,斯坦梅茨在美国、英国、比利时、以色列、印度、纳米比亚和南非都有据点,拥有钻石领域内的广泛资源。 斯坦梅茨钻石集团过去是苏富比相当大的委托客户,二者有长久的合作关系。斯坦梅茨虽然钻石资源充沛,但对于亚洲市场、客户的品位及需求的认识并不充足;随着亚洲客户对于钻石珠宝的需求度增加,珠宝私人洽购业务的不断成长,苏富比也日渐出现资源供不应求的现象。基于取长补短,共同挖掘商机的目的,斯坦梅茨和苏富比萌发了合作的念头。 苏富比拍卖行和斯坦梅茨钻石集团正式合作起始于2005年7月13日,对于这种跨领域合作双方互换了什么样的资源,两个公司的代表人表达得很清楚一一斯坦梅茨的首席执行官Nir Livnat认为斯坦梅茨提供了绝佳的钻石资源,独特的零售系统以及传奇般的切磨工艺;苏富比钻石的主席黄林诗韵(Patti Wong)表明苏富比提供的则是引以为傲的珠宝鉴赏专家团队,具有强大号召力的品牌,国际化的客户基础以及全球范围的营销市场。 总而言之,通过跨领域合作,苏富比钻石相当于购买了斯坦梅茨现成的一套钻石系统,然后嫁接现有的资源进行销售。这是个多赢联盟的独特模式,具体优势如下: (一)缩短产业链,减少外耗和风险 从商业链条上讲,苏富比钻石通过合作简化了商业链。多数珠宝商和珠宝品牌都是位于下游做零售,这意味着他们已经承担了钻石从开采、切割、打磨为成品钻的各环节费用。然和苏富比钻石的合作伙伴斯坦梅茨钻石集团处于钻石王国的上游,它可以直接从全球最大的钻石开采商戴比尔斯下属的钻石贸易公司DTC(Diamond Trading Company)拿取钻石原石,从中挑选出最优质、最大颗的进行切割打磨。切磨完成之后,苏富比钻石的珠宝专家们再挑选出合适的成品钻,用来决定是作为裸钻销售还是设计为钻饰成品。这巧妙地绕开了繁复的环节,降低了衔接和积累的损耗,从而使产品的价格更有竞争力。 据Patti所说,苏富比拿到最新的上乘钻石之后,并不需要马上付钱,因为项目是两者合资运营,所以等到产品卖出后,双方才会结算利润。这就大大降低了资金预付成本,也相当程度上消解了运营风险。 (二)嫁接客户资源,拓宽宣传和销售渠道 苏富比的首席执行官威廉・舍利丹(William Sheridan)最津津乐道的就是苏富比非凡的客户资源――可以“与世界上最富裕的人建立别人所无法建立的纽带”。斯坦梅茨通过与苏富比的合作,可以嫁接这个老牌帝国积攒百年的优秀客户,大大拓宽了宣传和销售的渠道。其他的珠宝品牌一般需要在昂贵的地段开设奢华店铺,请明星做代言,并在电视、报刊和路面上做大篇幅广告,不仅花费宣传资金,还让产品从制作到售出需要比较漫长的周期。相较于此,苏富比钻石无需实体商店,其成品钻石的详细信息会出现在苏富比的网站上,出现在定期发放给客人的图录中,还可以在苏富比全球各地的办公室查询,这些都不需要额外的广告费用和黄金地段的店铺租金。最终,苏富比钻石还会随着拍品一起全球预展,利用苏富比成熟的渠道,最终销售给购买艺术品的顶级客户。 二、细分市场 苏富比钻石是全新的裸石或钻饰,并不在拍场上成交,而是随拍卖预展之后销售给私人客户,这其实是苏富比对市场的细分。1986年以前,拍卖行经手的珠宝几乎都是二次流通的。其后,随着在拍卖行交易潮流的兴起,苏富比和佳士得同时开始拍卖各珠宝品牌刚刚上市的新品,其珠宝拍卖成交额迅速增加5倍。到了现在,越来越多的个人和机构倾向于购买全新的珠宝。黄林诗韵曾在访谈中表示,苏富比钻石的客人大致分两类:一类是习惯在苏富比珠宝拍卖上竞标的客人,但是有时他们会着急要买生日礼物致赠亲友或自己佩戴,常会碰到等不及拍卖会的窘况;另一类客户是考虑到拍卖会上的钻饰被人戴过,或是不习惯拍卖场上的紧张,喜欢坐下来,慢慢听专家的讲解,然后安安静静地挑选合适自己的饰品。这种全新的、顶级的可以随时购买和拥有苏富比品牌的钻石首饰是完完全全针对想要买顶级钻石的拍卖行客户设置的,这就是苏富比钻石通过跨界合作在拍卖和珠宝领域内做到的市场细分。 三、客户拓展 除了利用苏富比原有的丰富客户资源之外,苏富比与斯坦梅茨的跨界合作还可以吸引来更多潜在的客户。苏富比钻石的主席黄林诗韵,同时身兼苏富比亚洲地区主席要职,除掌管着顶级珠宝资源之外,其领导的苏富比伦敦私人签约客户部,5年来涉猎了印象派与现代画作及当代艺术等多项领域,黄林诗韵本人也是一名印象派和现代画作的资深专家。这意味着她也可以为购买钻石的客人提供更多有关艺术品的知识与信息,培养其成为有品位的艺术品藏家。另外,苏富比钻石的售价多高达百万美元之上,通过售价把购买钻石的客户进行了筛选,若客户冲着购买苏富比钻石而来,那他的财力也足够可以支付一幅不错的画作。苏富比将会定期向苏富比钻石的客户投放艺术品和奢侈品的图录,在预展中也常能看到苏富比钻石与印象派、当代艺术、红酒、名表一同展出,拓展兴趣点相近的客户,刺激同等梯次的货品的销售。 通过对苏富比钻石跨领域合作的营销策略的浅析,可以看出,拍卖公司在艺术市场中,已经不再满足于第二市场,通过与第一市场中资深企业的合作,抢占第一市场份额――为资本进行扩张,形成完整的垄断。跨领域合作带来的优势是明显的,能够为拥有“世界上最富有的客户群落”的国际拍卖行带来多领域的掌控和多渠道的输出,优势加乘。但是,跨领域合作也存在着自己的问题,比如说,斯坦梅茨钻石集团是钻石领域的龙头老大,故只能提供最好的钻石资源,如果客户喜欢红宝石和祖母绿,仍只能去拍场或去珠宝店购买,抑或再和新的珠宝第一市场中的企业合作彩色宝石部分。这些日后还待探讨,但我们现在可以目睹的是在勇敢开拓和合作中诞生的苏富比钻石,将作为一个艺术市场中跨领域合作的经典案例,像钻石一样恒久生辉。 艺术领域论文:现代艺术设计领域中华传统图形应用探讨 摘要:我国有着悠久的历史文化,传统的图形内部是富有我们特有的文化内涵在里面。它不但有效的表达了我们文化中的底蕴与一些好恶的观念。现代设计工作可以充分的吸收其中的特色部分,让设计的作品更加的具有表现力。同样,现代艺术设计利用传统的文化特色,也可以让传统的文化特色更好的传承下去并发扬光大。 关键词: 传统图形;现代艺术设计;融合 在文字产生以前,我们人类是依靠图画以及图画的形状来表达自己的意愿。我们从不少新石器时代的出土文物中可以发现有不少的图案,这些都是表达了人类早期对于他们所生存环境的认知和人类的对未来的祈福。伴随着时间的延续和人类科技的进步,载有图形的工艺也在不断的进步,同时因为对外交往的扩大,也会与其他文明相容并演变结合。这样就必然造成了我们所独有的图形。这个图形艺术代表我国的华夏文明5000年的智慧结晶。我们在有效的继承这一宝贵的文化财产的时候,也要考虑到如何将其发扬光大,让全世界人民都认同我们所独有的文化,并接受它。这就需要我们与时俱进,不断的开拓,要将传统的瑰宝与现代的流行文化中的精华相结合。这样就能够在现今全球一体化的大背景下打造出自己独特的文化艺术。文化具有承接的特点但同时也具有延续的特点,文化的传播离不开艺术的加工与设计。我们艺术设计的主旨是为了大家能够享受到充分的美学,这其中隐藏的巨大的经济利益就成为了不少人从事这项工作的动力,这样可以有效地激发起艺术工作者的工作热情,让他们为文化的发展和积累做出自己应有的贡献。所以,我们需要打造富有我们传统文化特色的设计思想,将我们的文化以及所特有的民风民俗与现代的设计思想相结合,这样不但能够将设计的内容进一步的丰富也可以让设计的思路更加宽广。这也就是民族的也是世界的。 第一,伴随着互联网的迅猛发展,信息的爆炸时代已经来临,现在已经是高速传播的图像。我们的设计思想处处都有我们传统的儒家思想在里面,这已经渗透到我们的思想深处。在创新的过程中,所有有特色的文化都是由所在的特定地区的日常生活的积淀,反映了一定的历史文化和与之相应的人文生活。本土所特有的文化特色会在艺术设计过程中彰显出来。现代的艺术设计虽然处处都透露出了我们现在的审美观点和时尚精神,然我们只要细细的品味并从中仔细的研磨就会发现传统的儒家文化还是深深的嵌入在其中。让现代的设计理念能够与传统的文化相结合,并结合的恰到好处是今后我们艺术设计的发展的方向。 我们上溯到战国时代就会发现我们的前辈的设计也是深受当时各种文化的影响,道家、法家、儒家这些诸子百家的文化都可以在各种作品上寻找到痕迹。道家所宣传的天人合一的思想,传统的玄学和周易、八卦这些在各种作品上的表现都是很明显的。这些传统的思想打造了富有我国传统特色的设计思想,一步一个脚印的记载了我们国家在平面设计方面的历史进程。 第二,我们的先祖留下了宝贵的文化遗产并创造出当时领先其他国家与民族设计理念。我们如何才能使用好先祖给我们的瑰宝是一个很大的问题。作为一名中国的设计人员。我们是有责任和义务向其他国家的展示我们的特色文化,而我们所能做到的就是在设计的过程中加入一定量的传统文化因素在里面。因此,我们现在的设计工作,需要多多挖掘以往的文化遗产,同时利用现代的科学技术为依靠。也就是以传统的文化特色为其中的精髓所在,利用现代的科学技术来表现。这样的做法不但能够达到好好利用我们的传统特色文化,同时也能够在现代科学技术的引领之下展示我们的传统特色文化,并可以凭借这个基础,创造出富有当今时代特色的设计理念和设计文化,让我们的设计作品被大家所认可并接受。 第三,我国的不少传统图形并不是先祖的随意涂鸦,是有着深厚的历史积累的,在其中能够找寻到我们传统文化的影子。有些传统图形还有这一定的历史典故与传说。所以说,这些传统的图形我们不能简单的认同其社会价值,还应当看到其在设计工作中的实用性。我们在使用这些传统的图形进行设计工作的时候与现在的艺术设计技术和观点相结合,可以让设计出的物品形象上更加的丰满,造型上让人容易接受并可以理解其中的含义。图形通过其自身的表现来传达设计者的意愿,从图形的发展历程来看,在图形还是处在原始社会中的结绳记事之时就已经承担起了记载信息和传播文化、交流思想的功能。现在的设计工作中,将本土的特色文化融入是需要一定的技巧的,我们需要避免出现画虎不成反类犬的现象发生。要利用传统文化来营造出一定的意境,让传统的文化与现代设计相结合后来创新已经是一个不可能逆转的潮流。图形符合传达着设计者最初的思想,表示出其内在的深层含义,只有这样的图形才是富有生命力的。而我们积极地创造各种富有生命力的图形文化,也就为现代的艺术设计创造了丰富的设计土壤,让其有取之不尽、用之不竭的题材元素可以采用。 21世纪是设计的世纪,探索本土文化特色,将富有东方文化哲理和意蕴的中国本土文化元素融入现代审美的视觉模式之中,会赋予设计以全新的精神内涵和现代艺术设计语言。根植于本土文化土壤的中国设计师正在努力探寻多元文化思维在审美表象上的和谐意识及创新精神,在开放的视野中构筑特色化的中国本土设计风格。 传统图形是中国传统精神的凝聚,注入了中华民族传统的审美理想,是经过炎黄子孙长期劳作、积累和高度提炼的结果。中国传统图形源远流长,形式丰富,意蕴深厚,积淀着数千年历史的审美和生活智慧,为当代的设计师提供了丰富的可再造资源。 艺术领域论文:幼儿园语言艺术领域渗透教育的策略研究 一、引言 随着时代的发展,我国关于幼儿园语言教育的改革越来越多,并且取得很大进展,要不断完善幼儿园教育体制,给幼儿提供比较好的教育环境。对于幼儿园教育的研究很多,在这些研究中看到我国幼儿语言渗透教育的缺陷,针对这种缺陷提出对策,以此提高幼儿的语言艺术水平。 二、相关概念界定 一是幼儿园。不同的国家对其有不同的名称,比如蒙养园、幼稚园及托儿所,其实就是孩子在学前教育学习的教育机构。二是语言艺术。一般语言艺术是划归到艺术门类当中,就是在平时生活中运用语言这种手段,有意识地塑造一种审美形象,它是一种艺术形式。三是渗透教育。幼儿教育具有渗透性,这是大家公认的,所谓语言渗透教育,就是在语言教学中,受教幼儿不需要花很多时间与精力就能在平时活动或者学习中不知不觉地获得一定语言词汇与表达能力。 三、幼儿园语言艺术领域渗透教育的不足 每一件事的发展都是一个过程,幼儿园的语言教育也是这样。就幼儿语言学习看,在学习前首先要做好准备。我国大部分幼儿园都很重视对幼儿语言能力的培养,但目前在幼儿园语言艺术领域渗透教育上还存在几个问题: (一)高压、高控制。 第一就是这种教育是一种高压、高控制教育。一节课当中有大部分时间都是老师在发言,幼儿们基本上只是在听老师讲,没有太多的发言机会,这样的语言课堂可以说是不成功的。在课堂上,如果老师一个人讲,幼儿们都是跟着老师的步伐走,则不利于幼儿自主性的发挥,也不利于语言能力的提高。 (二)低效、低关注。 上完一节语言课,最基本的要求是让所有幼儿有所收获,不管收获大小,让他们的语言水平有所提高。这是幼儿语言课的目标,同时是要求。在一些课堂上,老师会通过提问,然后幼儿举手回答问题的方式进行教学。但是一些幼儿不愿意回答问题,不举手,也不发言,进而被老师忽视点,没有得到关注,这是因老师设计的问题没有广泛性及提问的方式不科学造成的,带来的后果是课堂整体取得效果不明显。 四、幼儿园语言艺术领域渗透教育的策略 (一)营造氛围,让幼儿想说、敢说、喜欢说。 在幼儿园语言教育中,要营造一种平等教学氛围。《纲要》明确指出:“语言能力是在运用的过程中发展起来的,发展幼儿语言的关键是创设一个能使他们想说、敢说、喜欢说、有机会说并能得到积极应答的环境。”为此,老师要在平时的课堂上给孩子创造一个平等教育氛围,这种良好的教育氛围能够很好地促进老师与幼儿之间的互动。一个经典的案例就是“吃掉黑暗的怪兽”,在这个教育活动中,老师一次设计了六个问题,通过这几个问题,达到与老师之间的互动。第一个问题是:黑夜和白天有什么区别?这是一个开头引发幼儿兴趣的问题。第二个问题是:你觉得白天与黑夜哪一个好?这个问题需要幼儿自己动脑筋去思考。第三个问题是:如果那个地方有黑暗?这个是让幼儿去理解暗黑的含义。第四个问题是:你认为黑暗到底好不好?这个问题就需要幼儿质疑,假如没有黑暗到底是好还是不好?就要学会判断。第五个问题是:你一个人敢睡吗?这个问题就是带有鼓励性质的。第六个问题是:你们需要黑暗吗?这个问题比前面的问题都要深奥,是一个能力提升的问题,可以促进幼儿经验的提升。老师创造这样一个学习环境,六个连续性的问题,很大程度上会引发幼儿学习的积极性,让幼儿们都参加,与老师、同学讨论并积极发言,各自发表自己的看法,从而在活动中产生精彩纷呈的师幼互动。 (二)给予鼓励,让幼儿乐读、悦听、乐意学。 《纲要》在语言领域中明确指出:“注意倾听对方讲话,……养成幼儿注意倾听的习惯,发展语言理解能力。”在幼儿语言艺术教学中,我们要注意个体的差异性。每个幼儿都是不同的个体,有不同的学习方法、能力及个性等。要深刻保持对幼儿的尊重,给予鼓励,而不是在幼儿上课不愿意听课或者吵闹时给予严厉的批评。在幼儿今后发展过程中,倾听是非常重要的,所有在幼儿园培养他们的倾听能力是必不可少的。在教学过程中要让幼儿乐读、悦听、乐意学,而不是用压迫的方式。比如在老师讲故事时,故事如果内容比较多,就要分开讲,在讲到一部分时,停下来问他们:“故事主人公为什么这么做?”这时幼儿就会认真听,并且积极与老师讨论,不时还问老师问题。把故事渗透到语言教育中,引发幼儿兴趣,让幼儿自己去发言,从这种教学中不断培养语言能力。 (三)把握关联,让其他学科参与进来。 幼儿园的语言艺术领域的渗透教育就是要把其他的学科知识有机地融合到语言教育当中,才能达到最完美的效果。一是音乐与语言,在音乐活动中渗透语言教育。这两者之间的关系是非常密切的,在美妙的音乐背后都是存在故事。比如音乐《小人书,你别哭》,在听完这个曲子后,就让大家积极谈论,这首曲子你喜欢吗?好听么?听到这个曲子你会联想到什么东西?为什么?老师与学生讨论的过程中,孩子们积极发言,不仅能学会了这首歌曲,而且发展了幼儿的听音乐学语言的能力。二是数学与语言,在枯燥的数学教育中渗透语言教育。数学是一门比较乏味的学科,它不用太多的语言表达。为了提高幼儿数学思维能力,我们在教育过程中会用一些游戏方式解说那些数学概念,让孩子在说说玩玩中就把这些东西掌握。另外,还可以让体育、美术及其他的学科都参与进来,这些学科之间形成互动。 (四)实行家园合作机制。 《纲要》明确指出:幼儿的家庭是幼儿园的最佳合作伙伴。在幼儿语言教育中,要建立一套家园合作机制。幼儿园的老师平时要本着合作、平等原则,在教学中要赢得家长的支持,还要帮助家长提高教育能力。在这个经济社会中,不少家长都有一种功利主义思想,他们认为在孩子的语言教育中就是学会认识多少字,把这个作为一个孩子语言学习成绩好坏的主要衡量标准。有时一些家长还会把自己孩子会背诵诗词的事拿出来对其他家长炫耀。为此,我们应该看到幼儿园语言教育中的这种现状,从实际出发,大力宣传,随时、随地、随机地渗透幼儿教育的理念。把这种教育理念输送给家长,让家长知道,除了认字以外,孩子还可以通过唱歌、跳舞、画画等活动来展示自己的能力。总之,在教学中要引发家长主动与教师密切合作,实现家园教育形成合力。 五、结语 语言是一门艺术,它伴随着我们终身,在生活中无论从事什么事情,都会用到它。对于幼儿来说,语言教育对于他们是至关重要的。在教学过程中要意识到幼儿园语言艺术领域渗透教育的重要性,找出这种教育存在的不足,并且积极找到解决的对策,进而提高幼儿的语言艺术水平。 艺术领域论文:儿童歌舞剧在学前教育艺术领域的体现 【摘 要】黎锦晖先生自20世纪20年代创造了儿童歌舞剧的音乐体裁。这是一种崭新的针对少年儿童的艺术形式,如今也不断应用于各小学、幼儿园中,尤其在幼儿园教育中重要性不断扩大。 【关键词】儿童歌舞剧;艺术领域 一、儿童歌舞剧 提到歌舞剧,相信大家都不陌生。这是一种将音乐(声乐与器乐)、戏剧(剧本与表演)、文学(诗歌)、舞蹈(民间舞与芭蕾)、舞台美术等融为一体的综合性艺术。而黎锦晖先生在20世纪20年代,结合中国国情与西方音乐开始创编并初步形成一种崭新的音乐体裁――儿童歌舞剧。 儿童歌舞剧主要包括四大元素,分别是剧本、音乐、舞蹈、舞美。而儿童歌舞剧也正是这几个元素的一种综合性艺术运用。在剧本的选择中,选择形象鲜明生动的作品,要有完整的故事情节和剧情结构,选择一些贴近儿童生活或者感兴趣的题材,要保证内容健康积极向上,符合儿童身体与心理的发展规律。同时可以鼓励儿童进行一些剧本情节创编的工作,激发创作的热情。而在音乐和舞蹈的设计上,儿童歌舞剧主要表现手段是音乐歌舞,歌的形式可以是独唱、对唱、齐唱、合唱、幕后伴唱等,舞的形式可以是动作造型、律动、即兴表演,或是独舞、双人舞、集体舞等。它区别于普通儿童剧就是因为有大量的音乐伴奏、歌唱与舞蹈来表现人物鲜明的性格特征、情节的矛盾冲突、剧情的不断发展。它又区别于歌曲也是因为充满了戏剧性,利用音乐手段完成戏剧性也正是儿童歌舞剧的一大特征。在表演的时候,尽可能给孩子发挥的空间,让孩子根据自己的理解、想象在原有的程度上自由表现出来。在舞美方面,在服装与道具制作上,使用多种材料,多种手段完成,可以鼓励孩子积极加入,培养孩子的动手能力和想象力,让孩子成为歌舞剧的一份子,不断投入新的热情和活力。 二、学前教育艺术领域 艺术是人类感受美、表现美和创造美的重要形式,也是表达自己对周围世界的认识和情绪态度的独特方式。艺术领域的教育对于幼儿也起了至关重要的作用,它包括感受与欣赏,表达与创造两大内容,主要的表现形式则是音乐、美术、舞蹈和表演,是希望幼儿通过各种表现形式,参与各种各样的艺术活动,发现和感受自然之美、艺术之美,并积极参与艺术表现和创造,形成健全人格。因此,儿童歌舞剧就艺术领域而言,是多种艺术手段的综合展示。 三、儿童歌舞剧在学前教育艺术领域的体现 首先,上文中提到艺术是人类感受美、表现美、创造美的重要形式。《幼儿园工作规程》中提到幼儿园的任务是:“贯彻国家的教育方针,按照保育和教育相结合的原则,遵循幼儿身心发展特点和规律,实施德、智、体、美等方面全面发展的教育,促进幼儿身心和谐发展。” 冈察洛夫曾说:“美是艺术的目的和推动力”。可见幼儿美育对于幼儿的艺术培养与身心发展具有重要作用。艺术是实施美育的主要途径,儿童歌舞剧是一种集音乐、舞蹈、朗诵、表演于一体的综合性艺术表现形式,因此通过观赏或表演儿童歌舞剧对幼儿进行美育教育是十分有效的方式之一。 幼儿艺术领域的培养不仅仅体现在音乐、舞蹈、绘画、表演等可见的艺术形式上,还体现在对幼儿的行为品德,社会交往能力的潜移默化的艺术熏染上。让孩子们获得快乐,这种真善美的品质就在剧情发展、人物形象的塑造中不断传达到孩子的心里,让孩子在不经意间形成美好品德,这也符合现在提倡素质教育的宗旨。主题的阐述与升华全部融入于歌舞表演,通过人物情感的表达,剧情的不断深入,不断渗透,与幼儿产生情感上的共鸣,使幼儿能够感知美、欣赏美,这就是儿童歌舞剧在学前教育艺术领域最主要的体现。 艺术源于生活,更高于生活。对于培养幼儿的艺术发展,最恰当的就是从他们身边熟悉的事物、事情出发,通过他们自己的加工,想象和再造后,以他们喜爱的方式呈现出来。如:可以让幼儿在老师的指导下自主创编儿童歌舞剧。整个儿童歌舞剧的创作到表演过程中,孩子不仅仅在想象力与创造力方面得到了锻炼,在音乐、舞蹈、绘画等艺术技法上也得到了启示,最重要的是孩子更加体会到了通过多种形式表达自己情绪情感的乐趣,这也达到了学前艺术教育的培养目标。 无论从欣赏和感知的方面还是从表现与创造的方面,我们都可以体会到儿童歌舞剧将不同艺术魅力、不同美学范畴、不同审美方式的艺术高度综合起来,对培养儿童的艺术表现力、想象力有着巨大意义,在帮助儿童主动发现美、感悟美和创造美,培养儿童富有爱心、学会合作、融通各领域知识等方面都体现得淋漓尽致,对学前教育的发展具有重要意义。 艺术领域论文:走向综合材料艺术表现领域的中国现代漆画 摘 要: 在现当代艺术的发展中,艺术观念逐渐超越传统美学的范畴,对综合材料的重视和运用几乎成为现代艺术共有的特征。材料的创造性使用极大地拓展了艺术作品的表现力、想象力和感染力,有着数千年辉煌的中国漆艺成为现当代艺术密切关注的资源,而现代漆画作为一个年轻的画种,不像其他画种一样传统深厚而纠结于固守与演变的较量,而是同时兼具丰富的历史资源和直面当下的年轻态势,它在综合材料艺术表现领域无疑蕴藏着更大的表现潜力,而当前的漆画实践也恰恰印证和践行了这一方向。 关键词: 现当代艺术 综合材料 中国现代漆画 从上世纪60年代初为数不多的漆画前辈开始专门从事漆画创作以来,中国漆画艺术已走过了风风雨雨40余年,而对于一个画种来说,这40余年仅仅是一个开端。漆画依托于数千年漆艺的辉煌,但同时作为一个年轻的画种,又将遵循现当代艺术的发展轨迹。在现代艺术的发展中,艺术的观念已脱离了传统美学束缚,而综合材料的运用几乎是众多现代艺术所共有特征,材料的创造性使用拓展了艺术作品的表现力、想象力和感染力。在中国漆画展中,除了使用传统材料技术语言的现代漆画外,各种新型绘画性的或非绘画性的材料也层出不穷,都以巧妙的构思及技巧很好地将各种材质与画面的造型、色彩结合得更加完美。更有一些摆脱了传统的审美习惯和内容表现、体现材料本身所特有的内在精神的作品,使材料从载体走向了艺术的自我表现与观念表现。从当前漆画发展的现状来看,中国现代漆画不像其他画种那样,有着成熟而固定的语言程式,也不像其他画种一样困惑于固守或演变的较量,而是紧密地结合现代艺术发展的开始走向了综合材料艺术领域。 一、进入综合材料艺术领域的现当代艺术 艺术的发展始终是动态的,从二十世纪以来的艺术发展来看,运用综合材料进行艺术探索,以取得技术和观念的更新,已被艺术家广泛尝试。显而易见,现代艺术在抽离了对色彩、造型最真实的模仿以后,笔触、结构、各种材料的独立表现力量显现出来,潜伏的意念表达开始复苏。材料在艺术作品中的主体性不断得到提高,材质之美提高到与造型之美、色彩之美同样高的地位,艺术实践使材料的物理形态传达出一定的生命意味,材料从载体走向了艺术的自我表现与观念表现。 综合材料既不是艺术的流派,又不是某种阵营的标志。在国外,用某种固定的材料来为自己划分阵营的局面已不复存在,而是进入了综合材料艺术状态,甚至很难分清它们的界线和属性。而国内,由于我们过去艺术分类过细过清的原因,艺术家很多还是停留在画种分界的表层,往往对新材料的选择和使用采取一种拒绝的态度,对所从事的画种美其名曰“纯正”和“地道”,殊不知他们在捍卫的同时,已经背离艺术的真正精神。对综合材料艺术的研讨将有助于帮助中国人转变习惯的审美和思维方式,更好地解读当代艺术和进行艺术创作。而对于新生的中国现代漆画来言,有并轨于世界当代艺术的直接意义。 二、中国现代漆画具有综合材料应用与表现的先天优势 中国传统漆艺经历了7000余年的历史演变,技法和材料应用源远流长,明代黄大成的漆艺专著《髹饰录》就记载了上百种漆艺的材料和技法。漆艺就是一门综合运用各种不同质感材料的艺术创作,并且带着很鲜明的东方特色。 漆画创作所使用的材料是大漆、合成漆等适合固着于画面的媒材。大漆有着温润的光泽、优雅瑰丽的色彩,年代越久越能显现出高贵的气质,材质具有朴实、含蓄、品质的独特之美,打磨推光后的漆板乌黑铮亮,本身就是一件绝好的艺术品。合成漆也有着色彩丰富的优点,两者的美感和表现力是其他材料所无法比拟的。漆有很强的可塑性和干固性,可以层层磨显,幻化出迷离的、斑驳的色层,这是别的绘画材料所不具备的。 美国艺术理论家杜安・普雷布尔在《艺术形式》一书中写道:“一件艺术品是运用某种媒介,通过人类的技巧构成的某种观念的审美表现,媒介是艺术创作所使用的材料,如果某一种媒介使用得非常完美,把我们的感受扩展到了超越普通的意识,那么媒介的这种特殊的使用方法就可以视为艺术。”乔十光先生的漆画《水乡》以大漆为粘合剂,用蛋壳镶嵌表现出了江南的白色房子、漆黑的屋顶、银灰色的水天,使画面呈现诗一般的意境。可以说,乔先生将漆的材料美、技术美,用最恰当的艺术形式发挥了出来,材料在他的手中既是承载艺术思想的媒介,同时其独特的材料魅力又能成为艺术表现的主体。 由此可见,漆画本身就是一门综合运用各种材料质感的艺术,能很好地对接当代艺术从观念到材料的进程,具有综合材料应用与表现的先天优势。 三、进入材料表现领域的中国现代漆画 由于历史的因素,中国艺术直到上世纪末才开始真正认识到材料语言在绘画中的价值,但短短20年已取得了不少的进步。画种界限日趋模糊,开始出现“综合”,艺术家渐渐地不满足于传统的表现手法,试图通过材料的综合应用和材料的观念表达,从常规的画板、画布、纸张中游离出来,并从平面走向空间,材质之美提高到与造型之美、色彩之美同样高的地位,材料从载体走向艺术的自我表现与观念表现,出现大量体现材料本身所特有的内在精神的作品,综合材料的艺术表现已成为先锋前卫的艺术作品。 中国漆画也开始进入综合材料的艺术领域,传统的漆画创作往往过于注重严谨的漆工艺技法及繁多的漆艺工具使用,漆画创作当然不能仅仅停留在传统层面上的创作,它与别的画种所面临的问题一样,那就是如何重新认识材料的美感及材料的内在精神,使材料由承担内容的载体转变为既是承载体又是表现主体。漆画家和其他艺术家的区分也日趋模糊,比如旅德艺术家苏笑柏近年来使用大漆在麻布、板面、青瓦等载体上的艺术创作,有绘画特征和材料表现特征,又具有装置艺术特征,界限十分模糊,画家参展和出版的归属也只能按他过去油画家的身份去划分。而漆画家程向君的漆画作品以大漆为媒介,大量使用了麻布、图片、纸张等新材料与传统材料结合,采用刮擦、拼贴、堆砌、压印的综合技法,材料的个性表现特征十分明显,既是内容承载体,又成为艺术表现主体。 随着科学技术的发展,新材质的选用,绘画技巧、工具和艺术风格逐渐改变。这些年来,各种新材料、新技术层出不穷,为漆画创作提供了广阔之路,漆画的技术手法、材料与制作程序将更加丰富多样。随着漆画表现形式的日趋多样,注重材料语言的运用,在创作中“从材料角度构思”变得极为重要,它要求艺术家具有材料意识,善于发现材质美,体现和利用材质美,融艺术想象与材料表现为一体。而面对现有的漆画材料,我们要去把握和挖掘;面对没有被利用的新材料,我们应该去尝试;面对司空见惯的材料,我们也可以通过打破重组,使之成为新的材料,产生新的精神。不再拘泥于传统漆画技法所要求的按部就班的严谨程序,充分发挥主观创造性,进行漆材料各种组合的可能性尝试,体现漆材料的材质美,让精神穿透材料,使漆材料具有自身的生命力量感。尝试着从关注材料技法到感知材料的精神内涵,最终呈现材料的审美价值和艺术家的观念价值,将成为漆画创作新的切入点。 四、展望 艺术的发展始终是动态的,艺术是需要不断创新的,自由和创新才是艺术的主诣精神。古老的传统漆艺因其特殊的工艺材料属性而更具有兼容精神,从惯常涉及的有形创作方式中脱离出来,打破造型与色彩的束缚,尝试新材料和新技术的介入。同时也把材料从单纯作为画面载体提升到深化艺术语言的主体地位,演绎材质本身蕴含的内在精神,成为中国现代漆画发展的必然方向之一。漆树分泌的神奇液体孕育了无比辉煌的中国漆文化,而走向综合材料表现领域的中国现代漆画,因材料本身蕴含的艺术生命力的觉醒,必将焕发出新的魅力。
美术专业毕业论文:高校美术专业毕业论文 一、前言 毕业创作是高校美术类专业学生在校学习期间非常重要的一个环节,也是检验学校四年来教学成果的主要标准之一,是学校教学质量优劣的直接体现。如何引导学生顺利完成毕业创作这一环节的学习,并通过这个课题形成创造性思维和提升绘画技巧,为日后的美术创作之路奠定坚实的基础,是值得关注和探讨的。首先,作为美术类专业的教师,有责任帮助学生树立正确的毕业创作目的的观念。针对本科美术类专业,毕业创作按照教学大纲规定一般安排在最后一年。这个时间段学生虽然不像前三年被排满了专业课和文化课,但却正是毕业生忙于找工作、实习、面试以及参加考研复习的时间,大多数学生由于时间紧张都将重心放在了找工作等事情上,对毕业创作不能全身心的投入时间和精力,直接导致了毕业创作作品的水品参差不齐。表面上看,利用有限的时间完成创作是无奈之举,但实际上这正是学生没有意识到毕业创作的重要性的结果。因此,提高学生对创作的重视程度是首先要解决的问题。要让学生了解到,毕业创作这个需要短时期内投入大量情感、精力的工作在一定程度上指引了学生今后的艺术道路的发展方向。它可以让学生发现自己的一些专业上的不足,并在以后的日子里加强技巧练习、知识补充,更重要的是引发其关于创作的思考和探索。 二、毕业创作并不是完成一项日常的作业,而是需要实践、思考,有创意、有激情的一项工作。 学生在日常的专业学习过程中就要积累经验,并加以思考,为最后一年的创作打好基础,而不是简简单单按照大纲的教学计划进程表学习完每学期的既定课程,考试达到合格就可以。然而这就对教师提出了一个要求,即讲授每一门独立的课程时除了完成教学内容,还要循序善诱的引导学生进行创造性思维,在绘画技巧的提升之外激发其创作灵感。文化是一个广的概念,我们的学生既要掌握美术专业的技法、知识,又要了解其他门类的文化、艺术知识。教师可以通过引导学生欣赏大师的作品、听讲座、观摩展览、欣赏音乐演奏会以及网络视频等方式拓展学生的视野,让学生尽可能多的接触到文化、艺术的方方面面,不拘囿于课堂知识,从而提高其文化修养、思想高度,刺激思维的活跃性,激发灵感,进而运用到创作中去。这样创作的作品将具有更多的文化底蕴和艺术情怀、创新性。以我校艺术学院的某毕业设计为例,学生将中国传统音律的特色与江南水乡古建筑、小桥流水的造型相结合,并进一步抽象化,创作出一件有着水乡古朴特色且有旋律意味的书籍设计。相反的,一学生的毕业创作借用中国篆刻造型来设计标志,作品外轮廓保留了篆刻的刻刀雕凿效果,但内里的文字部分却使用了平滑的印刷体,失去了协调感和本想表达的古代文化意蕴。 三、毕业创作的素材也应当尽量丰富。 这素材既可以来源于课堂作业,也可以是闲暇时间的习作,或者是在外写生的采风记录,甚至是来源于网络的内容。并不是一定要到深山写生得来的才是可用的素材。倘若对课堂作业进行深入研究,把技法磨练好,把理论学习深刻理解,同样可以成为日后进行毕业创作时有力的素材。日常的习作也是很好的创作素材来源,艺术来源于生活,是生活的提炼与升华。来自生活的最朴素的素材有助于展现学生的内心世界,以及对生活的真实体验与感悟。以我院某一毕业设计为例,学生在进行多次实地考察之后,结合翻阅查找历史资料,把泉城济南的七十二名泉的各种不同形态用刺绣的形式再现到了书籍纸张之上,给观者带来亲切、熟悉而又新鲜的感受。相反的,某一学生的毕业创作设计是将摇滚乐明星的造型印制到中国传统民间工艺风筝之上,文化的格格不入的冲突感带给观者并不太美好的感受,这则是一例简单拼凑文化元素的反例。大师黄永玉曾评价庞薰琹先生:“他不像许多俗子所表现的穿花衣、扭苗舞、带银饰的浅薄庸俗猎奇角度弄出的作品……他懂苗族人气质和美的所在:淳朴、憩静、温良”。抗战时期,杭州美院迁徙,庞薰琹先生曾经长期深入云贵少数民族地区生活,在收集了丰富的民族装饰材料的同时,了解人民生活的疾苦,增进了与乡民的感情,进而创作出大批高水平的艺术作品。毕业创作虽然没有足够长的时间让学生长期在外体验生活,但教师有责任引导学生在生活中发现美、提炼美,提高学生在平淡中扑捉趣味、然后借由毕业创作来生动的再现美的能力。 四、毕业创作的选题也要做到尊重学生。 根据学生的自身的专业所长和爱好进行选题,指导教师应多和学生进行交流,最终选定一个适合学生的创作命题。根据美术类专业的特殊性,其毕业创作是伴随着毕业论文一起呈现的。为了深入对创作的研究,应尽可能的选定与毕业创作相关的论文方向。随着创作和论文的一步步完善,指导教师也要对其提出针对性的指导与修改意见。这个意见更多的是启发性的,因为创作的主体还是学生本人,指导教师要巧妙地发挥主导作用引导学生最大限度的展现自身的艺术特点。 五、结语 毕业创作浓缩了美术类专业学生四年的学习成果,是一个过程很艰辛的工作,希望学生通过毕业创作会收获自信和对艺术的感悟,为将来的创作之路开创一个起点。 作者:冷梅单位:山东财经大学艺术学院 美术专业毕业论文:美术专业毕业创作课教学内容与方法改革 内容摘要:现今的高校美术专业毕业创作课程设置与教学还存在着一定问题,作为美术教学的一个十分重要的环节,这将直接影响教学的质量与效果。文章通过对现今美术教学中存在的问题的分析,提出一些具体的教学内容及改革方法,旨对今后的美术创作课教学具有指导意义。 关键词:美术毕业创作 教学内容与方法 改革 美术类专业毕业创作是指学生毕业前所做的绘画创作及类似的一些创作(工艺设计等)。美术创作是作者创造性的工作,所创作的作品跟所学知识、技能、思想、经验融于一体,以一种视觉形象展现于人;创作作品是大学生在校4年专业与技能学习情况的一个总结,是个人艺术理解与综合修养的集中体现。 创作课作为美术教学的一个重要环节,对于指导老师来说,大到指导和资源配置该如何抓起,何时开始介入创作课,以及如何协调创作课与其他课程之间的时间安排,小到具体的教学环节、课程指导的连贯性、作业量大小的安排、教学辅导方法的选择、教学内容与教学方法的具体实施等诸多问题,这些问题的恰当安排,都将直接影响创作教学的质量与效果。此外,学生的毕业论文的写作与毕业创作之间的关系,以及对创作作品的评分方式等,都是毕业创作教学中需要进一步完善的,也是一个值得研究与探讨的课题。 一、美术毕业创作课教学中存在的问题 美术教学是美育的一部分,它承担着美术欣赏和技法训练的重任,在教学中应遵循因材施教、因学施法的教学理念,否则就会变成僵化的、教条的、无生机的教学。 高等美术教学与初、高中以及考前美术教学有着本质不同,教学内容与方法有了根本改变后,学生的基本功与审美就会明显提高,在此基础上,还要既巩固原有的知识技能,又要挖掘潜力、发展特长,把学生培养成主观能动、充分发挥聪明才智、有明确发展方向的人才。 如今,有些高校在课程设置、教学内容、教学方法、辅导方法等方面仍是“填鸭式”的教学,仍围绕以课堂、教师、教材为中心的“三中心”教学体系,多注重基本功训练,不重创作实践,认为学好技术就能搞好创作,好的习作就是创作;在平时的基本训练中,缺乏考虑习作跟进创作的成分,让学生呆板临摹,照搬客观写生。这种认识其实是较偏颇的,在这种教学氛围中,学生不爱动脑筋,教师的讲课也不轻松,最终无法实现教学目标。因此,一方面,我们在承认现代信息科学的发展促进了各方面进步的同时,也要看到现代化设施的使用与传统教学是相互依存、相互促进、取长补短的。各种教学光盘、网络信息资源及多媒体的使用大大增强了美术教学的效果,而且也使信息的传播更为快捷、便利,但这也从某种程度上带来一些负面效应,随着社会经济的高速发展,现代化设施越是完备,人的求索精神会相应减弱。另一方面,高速发展的多媒体教育辅助我们进行教学的同时,教师的责任也增加了很多。实践中,毕业创作教学一直都是一个教师带一个班或多个班,这种教学安排首先加重了教师的教学负担,指导方法难免单一,不能照顾周全,难以做到因材施教。 诚然,在课堂教学中,教师的态度起着举足轻重的作用。在现在的毕业创作教学中,有些教师不认真、不细心、讲解少、辅导少、不示范,甚至缺课,导致学生学习态度自由散漫,学习氛围差,到了高年级,有些学生也只掌握了一些基本技法,缺乏举一反三的能力,缺乏对新材料、新技法的大胆探索,没有发挥出自己的个性和长处。如果学生的潜力没有得到充分挖掘,长此以往,也就造成了学生在毕业的时候显得能力不够高,“一专”不强,“多能”弱,很难成为出类拔萃的美术人才。 二、美术专业教学措施的完善 在教学的具体实施中,教师应把以教师为中心变为以学生为中心,教师主要起引导作用,这种引导作用在学生的“学”中具有重要意义,这就要从以下几方面做起。 (一)教学指导思想 转变教学观念,毕业创作不应在毕业时才做准备,而应在所有基础课及专业课的学习与教学中加强创作理念,创作训练在以后的教学制度改革中会占有越来越重要的地位。 美术专业的学生基本存在以下三种学习状态:一是新生的懵懂状态;二是中、低年级的浮躁状态;三是高年级学生的僵化状态。针对这三种学习情况,在实践教学中我们应注意以下几方面:1.低年级学生的教学应增强知识能力,培养他们良好的学习习惯,要让他们在班级中形成一个好的学习氛围,比如形成一种好的艺术氛围,鼓励学生之间互相讨论,互相交流、学习经验,以利于学生的共同提高与进步。2.教师除了课堂讲授必要的知识外,还应多拓宽学生的知识面,除介绍相关专业书籍,还应要求学生好好利用网络资源,并定期聘请专家给学生多举办专题讲座。3.有些中、低年级的学生学习劲头大,对每门课程都感到新鲜,但有时候会不知所措,感觉茫然,缺乏自我定位、超越自我、自强不息的信念,教师就应言传身教,勤于示范,善于讲解,鼓励学生在平凡的事物中多去感受、发现有意味的、美的形式,并让他们学会善于联想、实践,积极地探讨。在教学过程中,激发学生的兴趣,挖掘其潜力,可以突出其个性,然后在教师的指导下,学生就会慢慢学会独立自主进行创作练习,运用创造性思维,将所学的知识、技能重新组合,形成一定的目标,创作出好的、新的作品。而高年级学生已有一定的基本功,可以让他们主要进行创作训练,为以后的毕业创作做准备。 创作是一种全面的、综合的发展训练形式,是以开拓学生的创造能力为目的,同时又是一个消化吸收、融会贯通,将知识转化成智能的一个过程。显而易见,创作练习将成为对学生综合评价的主要依据。早在上世纪80年代,美术理论家、教育家江丰就认为“基本训练和创作是相辅相成的。因此,练习基本功的同时,要训练自己的眼睛,探索、捕捉事物的本质,锻炼自己的分析和表现能力,用自己的感受去驾驭、施用技法,而不是刻板地模仿老师、模仿古人、洋人。创作教学要按不同学年、不同水平做相应的课程安排,尽快地引导学生走上善于创作,即善于反映生活的道路”。 (二)教学措施的实现 毕业创作是学生在校4年学习与实践的综合表现,只要在校前3年多的基本功,包括基本技法、知识掌握、实践能力、创作功底等打得牢固,学生的毕业创作就会十分顺利。 从教学来看,教学可分为两类,一是独立的、启发的、思考的教学;另外是集体的、灌输的、记忆的教学。创作训练就具有启发式教学的性质,侧重于对学生创作能力的培养。教师在上课期间要善于发现学生的优点和特长,对好的苗头、好的想法、小的探索都要及时鼓励表扬,往往一个不起眼的鼓励和褒扬会影响一个学生的一生,甚至能使其做出一番事业。 以往毕业创作是一个教师带一个班或几个班,每个班有20多个学生,很难照顾周全,指导方法难免单一,不能达到预想的教学效果,学生的作品水平也很难上升到一个高度。中、低年级学生由于缺少丰富的画法和技巧,大部分基础课和专业课基本遵循着写实的道路,很容易走入写实的误区,从而使高年级学生的创作容易陷于单一、僵化的状态中,这种僵化状态大多表现在模仿名家、名画、教师的技法、风格上,不会自觉运用自己的方法去处理画面,使作品流于浮躁、浅薄,缺乏创新精神,达不到毕业创作教学要求的最终目的。 现在的毕业创作课,是大四第一学期期末才开始收集素材、确定创作内容,并要求学生在寒假期间画出构图及草稿,其实这样的布置往往会因为缺乏某种强制性而无法达到要求,有些学生会应付了事,敷衍地画个构图、草稿,有的学生会毫无头绪,不知如何下笔。所以,毕业创作应尽早安排,加上有中、低年级时的零星的、不间断的创作练习所得到的丰富经验,创作就不会很费力气。 (三)教学内容和方法 创作课教学的改观要从内容与方法上进行调整和改革。创作课教学的内容包括教师指导及学生毕业创作的过程。绘画作品的创作不是一件容易的事,需要长期训练方可有效,所以,把创作课提前是明智的选择。创作教学应该在三年级分专业之初就开始,学生在确定所学专业,选择适合自己的导师后,导师要有针对性、有计划地把创作的相关理论知识、创作技巧、方法、步骤等给学生进行系统讲解,使学生懂得如何进入创作状态,如何选择创作题材,并在收集素材的过程中逐步从历史事件、民间风俗等平凡的事物、现象中发现自己喜欢表现的题材,并进一步经过刻苦的技法训练去选择适合自己,又能发挥自身特长的表现手段,使作品从无到有,在最后一学期的毕业创作中发挥出优势,创作出主题鲜明、构思新颖、形式多样、富有创新意识和较高艺术性的作品。 在指导方法上,教师还应在分专业之初就让学生选择自己喜欢的教师,这样可以让教师的资源得到合理分配,又会由于人数少,师生之间的交流也变得更为方便,对指导更为有利,学生也会在导师指导下有计划、有步骤、有目标、有程序地进行创作。学生的创作作品是教师精心指导、因材施教、因人施法而来的,学生经过深思熟虑、刻苦钻研、精心创作后,他们的创作状态也就呈现出百花齐放、千姿百态、生动感人的局面。 (四)评价机制 毕业创作的成绩划分是对指导教师及学生综合能力、创造能力的检验、评判、鞭策和肯定,因而评价的标准就显得尤为重要。评价的标准要做到:健康向上的主题内容与新颖的表现形式相统一,先进的思想性和完美的艺术性相统一。而评分时,则要综合看学生的毕业作品,对不同风格、不同表现手法的作品不能采取同一打分标准,应把不同风格的作品分开进行评比,以避免个别老师有主观性的评价。 评分办法:1.由全体委员对每一个毕业生的作品协商评定;2.由全体委员分别打分,然后相加取其平均分数,二者取一。 评奖与收藏。为了褒扬、鼓励学生刻苦努力、积极创作、执著追求、争取好成绩,除对创作作品评定成绩外,还要评奖。根据学生的比例评出一定数量的“优秀作品奖”,并颁发获奖证书予以鼓励,在征得学生的同意后,凡获奖作品可以由学校统一收藏,并发收藏证书和象征性的创作作品材料费。经过长期积攒,这些毕业创作的作品就是学院的一批丰富的财富了,这是展示学校办学能力、教学成果的一个侧面,同时也给后来的教育者和学生做出榜样。 结语 美术专业学生的美术创作能力绝不是一朝一夕就能轻松获得的,它需要有计划的、长期的培养造就,因此,各类美术院校美术技能课都要有相应的创作课程设置。每个课后都安排创意、创作课,与毕业综合素质展示形成一系列的创作实践环节,使学生在美术各领域都有创作实践的机会和积累,他们因此就会有更宽广的选择空间。毕业创作可以让学生根据自己的情况创作新作品来完成美术创作,也可以充分地从以往的作品里挑选他们喜欢的作品,然后依个人感觉整理、加工、完善。这些作品已经凝聚了学生的不少心血和汗水,真实记录了学生的技巧及创作能力,既减轻了学生毕业创作的难度与负担,又呈现出多元选择的创作面貌,是毕业创作最佳的选择。 作者单位:聊城大学美术学院 美术专业毕业论文:美术专业学科建设论文 1、美术专业学科建设的原因 当前时期,除了一些美术专业学校之外,很多高校也已开设了相关的美术专业。但是,从实际情况来看,美术专业学科建设比较滞后,教学理念比较陈旧,实际教学效果也不是很好。人们对美术专业的认识还存在一定的误区和偏差,例如,不少人认为美术专业其实就是一种单纯的绘图画画,是一种专业画画技能。而对美术专业在设计理念和思维创造能力方面的认识不足。在这种情况下,美术专业的教学更加侧重制图和绘画技能的训练,而对学生艺术设计理念和原始创造思维能力的培养不足。从长远来看,这种教学模式是不利于美术专业人才培养的。 2、美术专业学科建设存在的问题分析 2.1传统的美术教学方式和观念影响深远。 从当前美术专业的教学模式和教学方法,可以看出,传统的美术教学方法和观念依然发挥着重要的影响。教师在教学过程中,不敢放开手脚。大胆创新,对当前专业发展的趋势和市场实际需求把握不够准确,在一定程度上,影响了美术专业的实际教学效果。 2.2缺乏科学合理的美术教育模式。 从当前美术教育中存在的问题可以看出,其实,归根结底,还是没有形成科学合理的美术专业教学模式。现代化的美术教育理念没有形成,其结果导致美术专业教学基础单一、学科建设跟不上时代需求,重点不够突出。 3、美术专业学科建设的基本思路 3.1以市场需求为导向。 随着我国对经济增长质量要求的不断提高,经济和社会的发展对实践应用型美术专业和艺术设计人才的需求开始增多。比较明显的例子,在动漫游戏行业,近几年发展非常火爆,而相关专业的人才,尤其是优秀的艺术设计人才,非常缺乏。从这方面来看,美术专业学科的建设,一定要结合市场对人才的需求,在经过深入细致调研和充分论证的基础上,合理设置相关专业,并及时对课程体系的内容进行调整。 3.2优化专业配置,探索美术相关专业的互动教学 。美术专业的范围要适当扩大,同艺术设计、电脑美术、服装设计和摄影等专业深度结合,扩大专业学科的跨度,在实际教学过程中,教师要充分利用不同专业的特色优势,提高学生对美术专业的理解层次,通过相关专业互动教学的模式,实现对相关知识的深度整合,减少学生重复学习雷同知识的负担。 3.3建设高水平的美术专业教师队伍。 美术专业学科的建设,要注重从人的层面做起,首先应该是提升教师的专业素质,因为,教师的学科建设和教学改革过程中发挥着非常重要的作用,也肩负着推进学科进步,培养优秀人才的重要使命。因此,要建设高水平的美术专业教师队伍,把教师人才队伍的培养提高到重要的战略高度,培养一批专业理论知识扎实、教学经验丰富、敢于大胆创新和实践能力强的优秀美术教师人才。 3.3强化美术专业基础教学,重视学生人文素养的培育。 在美术专业学科建设过程中,要稳扎稳打,切勿过激冒进,要强化美术专业基础知识教学,让学生打牢基础,扩展学生学习的范围,在教学过程中,融入平面和立体结构的研究、材料的研究、色彩的研究等独立而又互相作用的知识模块,从而使美术教育摆脱艺术家个人化、自由化、非科学化的主观倾向;美术教育,坚持工作室(车间)制的教育模式,让学生亲自参与制作,充分发挥其潜在的创造能力的教学方法,突破以往纸上谈兵的局限。可以说美术专业的教育,不同于其他学科,美术专业是一种美学艺术,美学艺术教育有着很强的实践性和主观性。基于这种情况,教学要强调实践能力的培养,强化基础课教学。同时,还需要重视对学生人文素质的培养,强化艺术教育。艺术教育不是技术教育,单纯的技术传授不是现代艺术教育的全部内涵,深厚的文、史、哲修养是视觉文化创作者必需的文化积淀。 3.4美术教育理念要与时俱进、兼容并包,不断创新教育方法。 继承“兼容并包”的教育理念,强化创新意识,现代艺术领域之宽,跨学科之广,综合性之强是前所未有的。所以我区要继承“兼容并包”的教育理念,既博纳中西古今文化之精华,又吸收中外艺术教育的有效资源,以此营造一个宽松而充满活力的学术与创作氛围,旨在强化创新意识与能力的培养。相关院校应围绕教育教学的优秀任务开展学生工作,现代美术教育方法着重从培养专业复合型人才。较之以往的传统教育方法,现代设计教育应该主要强调“启发式”、“协作参与式”和“开放式”三种教育方法,以此作为传统教育方法的补充和更新基础。 4、结语 综上所述,美术专业学科的建设,不是一朝一夕的事,在建设过程中,要注意总结经验,及时发现问题和不足,并且要敢于突破创新。在本文的分析研究中,主要是从现代美术教育的理念、优秀美术专业教师人才的培养、市场需求等几个层面探讨了美术专业学科建设的思路,希望可以对美术专业的发展起到一定的帮助作用。 作者:李明磊 单位:大连旅顺职业教育中心 美术专业毕业论文:高校美术专业科研管理论文 一、国内美术院校科研管理中存在的问题及成因 1.缺乏科学有效的评价和激励机制 美术专业具有技能性较强的专业学科特点,强调日积月累的实践创作与艺术感悟,科研成果的形式大多是作品而非论文及著作,如绘画或雕塑作品参展获奖,企业形象设计或标志设计作品被采用等。各省市按照现行的科研管理条例对高校进行综合评价时,往往没有考虑到美术类学科的专业特性,经常以文章发表及专著的数量进行衡量,以至于在美术高校填写的上报表中,许多很重要的专业成果找不到相应的填写位置,因此很难获得更多的经费支持及成果奖励。更重要的是,由于各高校的日常科研管理条例及成果统计形式都是针对上级主管部门的要求制定的,因此,这些评价和激励机制不完善直接影响到了教师的职称评定及对优秀成果的奖励。 2.学科建设及管理模式的滞后性 目前,美术院校科研管理观念相对落后,管理模式僵化。美术院校传统的学科建设组织形式以设立二级学院及直属系为主体,按专业特点进行划分:造型学院、设计学院、媒体学院、实验艺术学院、国画系、史论系等。科学研究层级结构以校、院、系、研究所、教学研究室、课题研究组等形式进行设立,课题间及学科专业间的联系相对闭塞,缺乏长期有效的合作和沟通,阻碍了项目研究及学科专业的交叉与融合。近20年,国外新兴的视觉文化研究领域对以视觉为优秀的各学科综合性研究非常重视,取得了显著的研究成果。相对而言,国内一些传统学科的组织形式制约了人才的流动,已经不能适应科学研究多样性与灵活性的需求,如何科学有效的利用软件和硬件的科研资源及人才队伍,是提高美术院校科研水平的重要环节。近些年,伴随高校绩效考核制度的深化及各校间科研成果的竞争,美术院校科研管理模式的弊端日益凸显。许多美术院校普遍存在重艺术创作而轻学术研究,重设计实践而轻理论总结,重教学工作而轻专业研究的问题,这些现象不断地积增,违背了大学教育发展的规律,迫切需要建立切实有效的科研管理创新模式。 3.科研管理人员的素质良莠不齐 美术院校科研管理队伍的建设良莠不齐,引进人员的教育背景几乎和岗位工作内容没有相关联系,其大部分管理人员的实践管理知识都是通过实际工作中的经验积累形成的,缺乏针对美术管理专业的系统培训。院校对管理人员经常重使用而轻培养,继续教育的环节薄弱,进一步造成非专业的管理人员与高水平的教师队伍之间的差距。同时,高校对科研工作的重视和支持,科研成果数量的激增,不断对科研管理者的工作提出更多的要求。成为一名优秀的美术科研管理工作者,不仅要具有高度的爱岗敬业精神和认真负责的服务态度,相应的科学管理知识储备,还需掌握全面的艺术专业知识,关注文化领域的最新学术动态,这样才能适应美术专业科研管理创新模式日新月异的发展趋势。 4.美术专业科研成果的转化率低 美术专业科研成果的推广与转化工作一直是各大院校科研管理中的薄弱环节,美术院校师生创作的艺术成果丰硕,但成果转化与推广程度不容乐观,这一现象与美术院校科研管理体系建设的不足有密切的关系,现行的科研成果量化与奖励制度只重视项目数量,专利总数、、刊物级别等,没有协助教师建立成果转化相应的渠道及搭建校企合作的平台。同时,大部分教师缺乏成果转化的意识,大多数艺术家只埋头进行专业创作,忽略了艺术成果和市场经济的对接。因此,许多艺术成果仅仅停留在学术研究、职称评定、论文撰写等层面,没有积极地进行推广,使成果转化为生产力,致使科研成果严重浪费。 5.科研经费管理中的弊端 美术院校科研项目负责人大多以副高级职称及以上的教师为主,青年教师和研究生只能是项目参与人,以这种金字塔结构为主体的固有模式进行配置,致使项目研究人员的组成缺乏多样性与灵活性。然而,科研项目的创造性劳动,绝大多数是由这些年轻人承担,他们长期大负荷的工作,却无法成为项目的主要承担人,这种过于严格的项目申请资格的规定,虽然符合国家的项目管理要求,但在实际应用中,却间接抹杀了青年教师及学生的创造热情,无法直接地激励他们的创新思维,阻碍了艺术创新成果的产生。近年来,国家对科研项目的资金支持逐年增长,而对于承担人员资格的过度限制,使得大量的科研经费集中于少数人的手中,科研成果的数量和质量不能得到有效的监控和保证,出现了同一成果多头结项的现象,严重影响了科研经费的良性运转。 二、提升美术院校科研管理水平的策略与途径 1.科研资金组织与资金管理优化 美术院校的科研资金组织与资金管理需要根据学科特点进行优化,参考国外诸多大学的管理模式,对我们的管理创新颇有启发。比如,我国科研项目的管理经费的报销环节,人工费用还需通过其他途径进行支付,这凸显出管理制度中相关条款的不合理现象。国外大学从申请项目时,就已经严格进行了预算明细审核,项目研究过程中的经费使用严格按照预算来执行,报账的管理体系与预算的管理体系完全分开。项目经费以直接费用和间接费用两部分进行划分,间接费用的比例可占到实际费用的一半以上,项目研究中的材料费及研究人员的福利都很多。同时,项目研究中对学校内设施的使用也要收取费用。这种资金组织及管理的透明化是需要我们借鉴的。 2.人才培养与科学研究紧密结合 科学研究与人才培养同时进行,已成为国外高校科研管理中的成功案例。在美国,人才培养与一些项目研究相联系,导师招收博士生的数量与项目直接相关,博士根据导师的项目经费及研究需要来做助研工作。导师可招收博士生和博士后的数量很大,在国外一流的大学里,学术研究的辅助队伍是相当庞大的。这种管理模式为我国美术院校的科研建设提供了诸多启示。回望美术创作的发展早期,可以追溯到师傅带学徒的作坊,在规模庞大及有名望的作坊里,一位师傅拥有众多的学徒,完成大的艺术定件。这种传统的艺术创作模式与国外的科研体系有很多类似之处。首先,它可以降低进入研究领域的门槛。其次,它可以在创作与研究中培养学生。最后,它可以为国家节省大量的学费资助及科研人员工作费用。需要严格把关的是相应制度的建立,当学生参与学校的研究项目时,对该生的各种成果及学术能力的综合评定,必须有相应的顾问来监督,并设立学科组对该学生进行评分和最终的资格考核。 3.发展战略组织与科研理念优化 西方发达国家中许多大学科研管理制度的建设比较完善。美国所有大学几乎都有科研管理手册,手册中对不同专业的科研管理都有详细的规定,而且各大学的管理制度如出一辙,普遍性原则对所有研究人员及机构都是适用的。统一的标准,营造了公平的学术环境。因此,我国高校美术专业科研管理也应根据学科的特殊性,设立行之有效的统一管理模式,美术类院校与其他高校科研管理的不同之处,主要在于众多复杂多变的艺术成果形式的评价与鉴定,全国美术类高校的科研工作基本相同,统一的艺术科研管理体系在全国院校都是可以使用的,具有共通性。因此,全国统一的美术科研管理体系有待建立,这既是提高管理效率及各院校横向比较的迫切需要,又是全国学术水平认定规范化的必然举措。 4.营造良好的管理文化环境 国内美术院校科研管理的文化有很多弊端,整个管理模式都是行政体制下的管理,缺乏学术研究的管理文化。许多高校把科研管理制度简单理解为项目管理、工作室制度、科研经费管理等,这是非常片面的,高校的科研管理制度不只是用于规范教师与科研人员的日常工作,更应自然成为每位教师心中的管理符号,形成普遍的约束力与认同感,同时对所有教师的行为与意识产生潜在影响。因此,以人为中心的人本管理,是高校科研管理的优秀及发展方向。所谓人本管理,就是指在高校科研管理的所有活动中,首先应把教师放在最重要的位置,以服务教师学术研究的全面健康发展为宗旨,充分调动教师和管理者的积极性与创造力,从而使高校的学术成果获得效益的最大化。 5.美术专业科研管理信息系统的研发 随着科学技术的飞速发展,以数字媒体为代表的互联网管理技术的研发水平日新月异。经统计表明,全国绝大部分高校已采用了计算机和管理软件进行日常科研管理工作,但缺少适合不同学科特色的管理软件研发。因此,结合美术专业自身特点,自主开发适合美术专业科研管理的信息系统是十分紧迫的工作。现代信息技术监测在科研成果认定、质量监控、制度决策及成果创新过程中广泛应用,对于简化科研管理的流程,提供科研信息与数据的统一与利用,加强管理的科学性具有重要作用。互联网管理技术不只是信息化管理的媒介,还将成为管理工作的重要手段,伴随着数字媒体网络技术在美术院校科研管理中的应用,美术院校科研管理工作必将走向信息化与规范化。 三、高校美术专业科研管理评价体系建设与实践 全国独立的八所美术院校(中央美术学院、中国美术学院、天津美术学院、湖北美术学院、广州美术学院、西安美术学院、四川美术学院、鲁迅美术学院)经常组织联席会议,针对美术专业科研管理方面的问题进行研究与分析,内容涉及科研量化指标体系的建设、科研质量鉴定、科研成果转化、学术规范及学术不端行为的惩戒等。会议提出学术规范与管理规范的界限不能混淆,要把科研成果的量化管理变成社会评价、学术评价、长期评价而非单位评价、工作评价、短期评价的结果;要对当下美术院校的学术成果评价进行全面的检讨和反思,努力实现从行政思维转向学术思维,从形式评价转向内涵评价等问题。同时,针对部分高校试行的科研成果统计方法进行近一步探讨。试图建立起一套分值换算的方法进行美术成果量化的评价体系。美术院校科研成果评价体系由统计表格、分值说明、参考目录三大部分组成,统计表格与分值说明中10个方面的内容依次对应。首先,教师可以按科研成果形式的分类在表中填写内容,填好后根据分值说明计算分值,最后得出当年获得科研成果的总分值。例如,体系中将教师参展分成四个等级,一级为国际大型展览或部级展览;二、三级为全国美术家协会和各专业艺委会主办的展览;四级是各省市美协主办的艺术作品展。科研处根据四个展览等级,分别列出历年展览的具体名称和相应分值。教师在填表时,很快就能查找到参展级别与获得分值。科研成果分值量化管理以整年为一周期,其中设有最低分值:助教最低需获得8分;讲师最低需获得10分;副教授和教授最低需获得15分。三年为一个奖惩周期。这种分值量化的方法,不仅为美术院校中不同专业的横向比较提供了依据,也为全国高校美术专业的总体衡量带来了可能。这些方法的探讨无疑为高校美术专业科研管理的科学发展带来了新的活力。高校的逻辑起点首先应是高水平的学术研究,因此,学术是高校的安身立命之本,那么学术管理也就成为高校发展建设的重要环节。科研管理无论采用何种运行方式,都应是保证和服从于学术研究及教学实践的。科学的管理方法对高校的长远发展具有非常重要的意义,高校科研管理部门的工作包括了特定的研究涵义,也就是说,高校科研管理具有其自身研究的学术价值,针对美术专业教学科研的实际需求而开展的学术研究,制订教学科研总体发展规划和计划;面向美术专业科研管理者的实践业务和管理专业的培训方案,对科学合理地做好美术专业科研管理工作具有非常重要的学术价值与实践意义。 作者:范晓楠 单位:天津美术学院 美术专业毕业论文:美术专业平面设计论文 1平面设计课程教学的问题 平面设计课程的教学实践中,有的老师过分注重实践过程,认为这就是一门实践课,只注意学生们的作品的美观,也就是视觉效果,而忽视了它是一个设计的过程,这个问题很严重,从小学到大学的美术课上都可以发现这种问题,小学的美术课就是临摹课,很多学校都是让孩子临摹画画,然后看他画的好坏与否给予评分,这是一个严重的误区,美术课、平面设计课,是一种设计课程,开发学生想象力的课程,单凭作品的视觉效果给分只能限制住学生的思维,让他们把重点放到了制作方面而忽视了最重要的方面。这种方法培养出来的学生,他们是达不到设计家的水平,他们的设计思想很容易就得到禁锢。 2如何提高平面设计的教学效果 (1)创新课内实践环节 在平面设计课程当中,最常用的实践设计就是一个logo的设计,这种作为标志的设计能够让每个学生发挥他的想象力,根据自己对事物的理解,内容的理解创造出自己认为可以表达出该企业或该学校的一种文化,这个过程很难抄袭、很难借鉴最大限度的开发了学生的想象力和创造力,只能通过学生查阅各种材料,加深学生对设计对象的深层理解,同时涉猎很多艺术知识,还要站在观赏者的角度上去看艺术作品,是一个极其综合的艺术表现,此外对于不同的作品也会使他们对其他艺术作品有一定的分析,以后也能加强自己的分析。 (2)创新校外实践环节 对于这种设计课的实践环节,学校应尽可能的让学生打开眼界、放开思路、驰骋想象、敢于标新立异的思考去进行学习,可以带学生们去设计公司参观,具体观察一个设计成品的制作流程,增加感性认识,提高学生的设计兴趣,让他们知道他们以后工作的特点和需要,能够将学生独特和创新的思维与实践结合起来,让学生知道自己能做什么、爱做什么,该做什么,然后为之去努力,去奋斗,同时也让学生正视平面设计的难度,踏下心来一笔一笔的进行设计,一点一点地积累设计体会和经验。 (3)树立现代设计观念 理念决定一切,一个学校的教学理念是一个学校的灵魂,什么样的理念教学,就会产生什么样的学生,就会产生什么样的作品。因此理念是一个根本性的东西、最重要的一个东西。"设计",英文表达方法叫做"design",它包含了设计、图案、构思、纲要的概念,而中文"设计"的概念则是根据所达到的目的预先将图样和方法展现出来的一种手段。教师应积极的引导学生做一名成功的设计师具有的素质即:一个设计成功的设计师应该具有艺术家的情操、诗人的想象力、商人的经济头脑、科学家的智慧、促销员的坚持、工人的实干精神,既然选择了美术设计专业,从大一开始就该树立强烈的意识就是自己是一名设计师,必须以现代的设计理念来武装自己,时刻记住设计的概念,统观自己所有的需要修的课程,明确课程目的,设计学习方法,解决实际问题。教师也要根据这些方面去教学生与学生互动。 (4)学生的个性培养 设计是来自于设计人员的创造性思维。独特化、时尚化、艺术化、创新化是对设计师的要求,在平面设计教学中对理论性知识传授之后,就要倡导学生们的个性化创意、倡导与众不同的思维,挖掘每个学生的特色,使每个作品都带有鲜明的特点,尊重学生每个认真创作的作品,以鼓励的方式激励每个学生异想天开的作品,这样才有培养出不拘一格的学生、想象力丰富的学生、个性化的学生、创造性思维的学生,才能真正成为设计家,才能容易被社会接纳。 (5)提高学生的观察能力 平面设计当中观察是一个重要的环节,是一个重要的经验的积累。闭门造车的教训不能再历史重演,学生不了解社会新的变化、不了解人与人之间的关系、不了解目前企业的发展的情况和企业发展文化,就发展不了自己,因此要鼓励学生对周围的一切都仔细观察,积累生活经验,学校也要为他们举行各种设计活动及比赛,丰富他们的生活,激起他们的设计兴趣,生活中到处都是设计,到处都是学问,大家一起讨论每一个作品的优缺点,取之长,补己短。 作者:史地 单位:北华大学师范分院 美术专业毕业论文:高师美术专业教育实习论文 一、高师美术专业教育实习在组织与实施中存在的问题 1.高师美术教育专业的课程内容及课程设置有待调整 (1)美术教育专业的教育类课程内容相对陈旧 如心理学、教育学等课程都是由公共课教师任教,他们比较注重知识讲授,缺少联系实际,致使学生在日后接触到教学中出现的实际情况,无法运用所学知识进行解决。尹少淳教授在他的《美术及其教育》一书中指出:美术教师教育应准确把握中小学普通美术教育的角色定位,以美术学科知识带动以教育为取向的美术教育。 (2)由于美术教育专业的学生 在校期间主要学习的专业课程主要是素描、油画、国画等,而对于如电脑美术、影像艺术、版画、民间美术等课程了解甚少,所以在实习过程中很难适应中小学美术课程对素质教育及广度的要求。 2.高师美术专业实习生自身存在的问题 (1)有些实习生对于教育实习认识不明确 很多实习生对于育实习的重要性认识不足,不能认识到育实习是对自己一次难得的阅历,是一次难得的锻炼机会。教育实习这门课程对自己今后的学习和工作都会有很大的影响,反而是把它当成一门普通性的课程,甚至是一种负担来对待。因此他们对待教育实习课程将就应付,自律性不强,能否有收获也就无所谓了。 (2)有些实习生的教学技能有所欠缺 美术教师对于基本功的训练也是非常重要的,如毛笔字、粉笔字、钢笔字、普通话,部分实习生做得既不标准也不规范,尽管现在很多中小学配备了先进的多媒体教学设施,但是这些教学基本功对于一名合格教师而言依然必备的,必须掌握的,教师对于学生的示范性及导向性是不会因技术的进步而衰退的。 二、改革高师美术教育专业教育实习策略的措施 1.构建高师美术教育专业特色的教学体系 (1)更新教学理念 强化培养目标高校美术教育专业学生的水平和素质将直接影响到中小学美术教师的水平和素质。能否建设高素质的中小学美术教师队伍,关键在于是否能办好高校美术教育专业,因此高校美术教育专业就要结合中小学美术教育的需求及自身的专业特色与培养目标进行改革,强化培养目标、更新教学理念、调整教学计划与培养方案。美术教育专业毕业生的素养与能力除了具备“三基”能力(美术教育基本知识、基础理论和基本技能)外,还得具备美术教研能力与美术教学管理能力等,并且要加强管理强化这些培养目标。 (2)构建具有职业特色的现代化教学模式 随着教师职业发展专门化与学科发展的综合化的趋势,高校美术教育专业的课程教学要注意吸收其他学科教学的精华进行学习外,还要注意培养学生的创新意识以及现代课程观和教师观,同时还要鼓励教师开发具有发展前景的新课程、现代化的教学方式与基础美术课程标准来构建现代化教学模式。 2.加强微格教学的效用和教师职业技能训练 (1)微格教学可以使每个学生不断地转换角色 从学习者到执教者,再转为评议者,反复从理论到实践,再从实践到理论,可以有效提高教学训练的效率。美术教育专业如何加强微格教学的效用,笔者认为,首先,是深入研究现代教育技术和美术教育理论;其次,为实习学生提供学习参照,掌握美术课堂教学的技能,对教学进行设计;最后,完善教学评价、鼓励风格教学。在美术教学过程中使用微格教学,能使美术教育的专业性更强,高校除了安排实习学生在教育实习前可以使用微格教室外,应该经常地向学生开放,使学生平时也能得到练习,使微格教室发挥应有的教学效用。 (2)教师职业技能是教师的基本能力 作为美术教师,具有写作能力与语言表达能力和良好的思维逻辑是非常重要的。捷克教育家夸美纽斯曾说:“教师的嘴就是一个源泉,从那里可以产生知识的溪流”.充分体现出教师基本能力的培养的重要性。当今社会已经是信息高度发达的时代,现代技术在教学领域也被广泛运用,如从电子课件取代传统黑板,再到以三维动画为主体的课件的开发,也将成为高素质美术教师教学必备能力之一。 3.调整教育实习时间加强师德教育 (1)各高校可以根据自身条件 更改教学计划,使教育实习课程安排更人性化,不至于让实习生疲于应付,也可以加大教育实习力度,使师范专业学生得到更好的锻炼。高校、实习单位、实习生,三方都应树立正确的教育实习理念,一切为了学生,一切为了祖国未来的师资储备,共同努力把教育实习课程认真完成。 (2)加强师德教育 认真学习教师的职业道德规范,可以让师范专业学生树立坚定的职业信念,树立职业理想,这也是对师范专业学生提出的更高层次的师德要求,要鼓励师范专业学生树立成为优秀美术教师、美术教育家的理想,努力研究美术教学规律及创新教学精神等,也可以很好地帮助师范专业学生确立正确的教育实习价值观。 三、总结 总之,高师院校美术专业教育实习课程是让学生直接参与学校美术教育教学实践的机会,也是高师美术专业学生走向工作岗位的一个过渡性训练,通过开展美术教学实践,了解中小学美术教育的现状以及基础美术课程改革发展方向,提高从事美术教育教学的实践能力,促使高师美术专业教学实践课程变得更加完善。 作者:韩莹莹单位:湖北第二师范学院艺术学院 美术专业毕业论文:美术专业素描教学论文 一、素描教学的基本情况 在美术学专业中素描任课教师主要以专业方向的教师为主,其中油画方向、国画方向、版画方向、设计方向教师都有基础素描课程的教学任务,根据教师绘画风格与学生基础情况,教授内容主要以具象、写实性方面的素描教学为主。这和中国美术教育的发展有着密切关系。从最初中国留学的有志之士,在学习西方的造型体系回国之后,他们认为可以拯救中国单一的国画体系,就是在中国美术院校开始教授西方写实性造型体系,这种写实性造型体系来自欧洲,至今已经有一个世纪,并且源远流长,人才辈出,大师璀璨。因此学习古人、前辈的优秀的传统绘画是高校美术教育的责任,在我校美术专业的素描教学以写实性为主,目的也是作为传承、学习、研究前辈的优秀文化遗产。目前的现状是从一、二年级到三、四年级都是写实性教学体系,国画专业学生在三、四年级中的素描课程也基本是写实性的素描造型方法。设计专业教师更多会以设计素描的方法进行教学,整体美术教学属于接受性教学方式,把前人的知识传授给学生,创造性教学方式较少涉及,也就会导致学生在毕业创作时不知所措,临摹古人,自己的理解少之又少,在创造性方面是少有突破的,这就是目前美术专业的教学现状。这种教学模式与素描教学大纲的制定内容是有一定的关联,素描教学大纲中要求以对象造型准确、刻画深入、形象生动为标准要求以写实性造型体系为依据进行素描教学,标准只有一个,这就很容易导致教学中创造性的剥离,而且学生的作品也会呈现出千人一面的绘画风格,这样的教学后果也是我们教师不愿看到的,同时这就要求我们对教学内容与教学思路进行反问式的思考:我们究竟应该教会学生什么知识,学生用这些知识干什么的追问式的教学反思,才能够改变一成不变的教学现状。 二、素描教学现状分析与反思 (一)素描教学模式单一 我系美术专业在契合西部大开发与丝绸之路经济带大环境的带动下,有了长足的发展,美术专业的学科建设与课程建设也在积极的建设之中,素描教学作为基础的造型课程,应该起到基础的思维训练、基础的技术训练两个大的框架之内,只有技术的练习,没有思维的训练,只会把学生训练为会画画的工匠,而没有艺术思想。因为长期以单一写实性素描教学时,会出现以下几方面的问题: 1.美术史理论知识与专业技能训 练相互混乱而导致理解的偏差美术专业学生在学习美术理论方面时,会学习到西方美术史中从古至今美术发展的详细脉络,之中包括古典主义、现实主义、印象派、后印象派、野兽派、超现实主义、超写实主义、现代主义、后现代主义、立体主义、极简主义、当代艺术等各种派别及绘画形式,这些形式的代表作品均被世界著名的博物馆收藏,并被流传至今,是世界的优秀的艺术文化形式。纵观这些形式中偏向写实性的风格有古典主义、现实主义、超写实主义,其他形式的也有不是纯写实性绘画风格的,我们长期以单一的写实性素描造型形式为基础进行教学,导致学生在美术史理论知识的学习与专业技能训练之间,相互混乱而导致片面性理解:学生在理解写实性绘画方面是容易接受,甚至固执地认为写实性绘画是最好的艺术绘画方式(根据对美术史的学习与分析,我们知道各种绘画形式,只要能够画出好的作品都是好的绘画形式),但在认识其他绘画形式时,如印象派绘画、立体派、野兽派等,他们不是太能够理解绘画大师们的绘画意图及绘画风格,有些学生甚至认为这些绘画是不好的,为什么能够被放到著名的博物馆呢?这在我们的教学当中是屡见不鲜的。显而易见,这就是单一的写实性教学模式带来的可怕后果。从欧洲美育教育的现状来看,博物馆承担了一部分美育教育的功能,在博物馆中可以看到以美术史为主线的各种展览,其中从古典主义、印象主义、表现主义、现代主义到当代艺术,在博物馆中都可以欣赏得到,社会人群中各个阶层都可以在博物馆中进行艺术熏陶及美育教育,欧洲整体的艺术欣赏与艺术素质较高,并且具有普遍性。中国的美术博物馆在美育教育方面注重了中国传统绘画的展示,但在现当代美术方面展示较少,这在很大程度上影响着学校专业学生的艺术鉴赏水平,因此学校美术教育不能够全面的从美术史的角度去进行美术教学,而只片面地讲授与写实性绘画有关的知识,就远远背离了客观的美术史的发展变化,忽略了多元文化客观并存的现状,这是我们不能够漠视的,应该积极改变这种现态的发展,不断完善美术基础教学理念,重视基础素描的思维能力训练,提高学生的整体艺术素质。 2.素描教学形式与内容的单一 会导致千人一面的绘画效果写实性绘画,从它的诞生注定是容易让人接受的一种绘画方式,由于它的客观性与写实性,容易识别绘画的内容与思想,受众普遍,是一种较好传播的一种美术绘画形式。但是任何一种艺术形式在以教学的方式普及并广泛传播时,容易造成千人一面的艺术后果,每个人没有特点,形式统一,正是失去了艺术的独特性与可识别性,这样的艺术作品是没有任何价值的。因此我们在设置素描教学内容、教学方式时要追问式地探讨教学的目的与价值,要培养有思想、有思考、敢于怀疑、敢于创造的学生,那么就要对我们的选择去负责,去改变单一的基础素描教学模式,加入多种绘画语言风格训练的教学模式,引导学生自己懂得思考什么、如何思考,每个学生的绘画作品中的不同面貌就会自然出现,逐渐会运用绘画语言去表达自己对社会、人、自然的思考,这样就避免了千人一面的教学后果,是对学生的负责,也是对艺术的负责。 (二)应该融入并设置有多元语言的探索性、创造性的素描教学模式 现有的素描教学内容主要以写实性素描风格为主的教学方式,旨在学习前辈传承的造型方法与技能,这种方式基本属于接受性教学模式。这种方式在传承与创新中起到了传承的作用,如何在传承中创新,并具有思想性、创造性、时代性的教学模式,这在现代美术教育中是主要讨论的主题。这就需要我们的教学首要是培养思维,同时还要注重技能,而且还需要把握时代的特征,从这三方面去入手进行基础素描教学的全面探讨,能够对我们的教学模式有所突破。我在学校从事基础素描教学多年,认为基础素描的优秀主要是“基础绘画语言的思维训练”“绘画造型语言的技能训练”“绘画语言的创造性训练”三个方面,这三个方面中首推思维训练,其次为技能训练,然后是创造性训练。我们现在的训练模式更多的是强调了单一语言的技能训练,而缺失了多种语言的思维与运用训练,这样的基础引导会导致学生到了高年级时,面对创作思维变得简单,创作语言也可谓只是模仿他人的绘画语言,不会表达出自己的想法与认识,也就是面对“观众”时是“失语”的状态,不会自己“说话”,而需要借助别人的语言来说。这种情况在众多国内高校的美术教育中屡见不鲜,问题就出在我们的基础素描教学的目的不明确而导致的教学结果。综合分析如包豪斯设计素描教学、王华祥“将错就错”素描教学、中央美术学院周至禹的“让学生站起来环顾四周”等各种教学方式,由于各自的思维、训练指向不同,虽然能够学习吸收教学理念,但不能够兼具有综合的绘画语言训练方法,由此探讨一种具有实验性的、探索性的、能够吸收各种综合绘画语言的基础训练方法,定义为“实验性”素描教学方法,目的就是通过对综合绘画语言的分析、研究、训练,了解并掌握“会说话”的语言,能够表达自己想说的话。运用这种“实验性”素描教学方法,由学生在完成“基础绘画语言的思维训练”与“绘画造型语言的技能训练”后,选择适合自己的语言完成“绘画语言的创造性训练”三个过程,从而形成对自己语言面貌的了解、思考与蜕变,产生出全新的自我状态。同时我们应清楚实验的探索性与传统的关系,首先不是对立的关系,而是在继承传统的基础上进行的探索,不是“无源之水”的创新,更不是臆想的创造。我们想让学生从一种绘画语言中解脱出来,寻找适合自己的语言方式,其实更多的还是从传统中继承、学习、消化为自我的理解,创作出属于这个时代的、有思想的优秀作品。 三、结语 其实我们不是要把写实性素描作为罪魁祸首,而是我们的教学模式需待完善,我们单纯地把一种表现语言形式作为了绘画的“基础”,而殊不知绘画语言的多样性并存的现实特征。同时我们也忘却了我们教育的初衷与目的:教育独立的人,有创造性、有思想的人的本质教育。单一写实性的素描教育模式应该有所改变,融入多元语言的、包容性的素描教学思想,亟待完成学生在素描基础中的综合思维训练与综合技能训练,才能够有效促进创造性教学的健康发展。 作者:田军单位:喀什师范学院艺术系 美术专业毕业论文:美术专业美术教育论文 一、高师美术课程设置现存问题分析 1.开设的美术教育类课程偏少 培养目标模糊高师美教院校发展长期受到美术院校的影响,虽然在20世纪80年代高师美教走上了全面开课的轨道,但课程设置几乎套用美术院校的课程模式,所开设的美术专业课程占有相当大的比重,美术教育类理论及教学实践课程量较少,不能突现出高师美教的师范性特点,这也导致了高师美教培养目标的不明确,以至于出现有些教师是以培养艺术家而不是培养艺术教育家为主要培养目标的偏差。 2.美术专业课程内容与学校美术教育改革发展需要 缺少对接现在高师美教课程设置普遍由美术教育类课程和美术专业类课程两大模块组成,其中的美术专业类课程内容基本套用美术院校的模式,与当前我国学校美术教育改革发展缺少应有的对接,加上执教美术专业类课程的教师大都是由美院毕业的,他们对中小学美术教育改革了解不多,这使得他们在教学过程中,很难形成将美术专业教学与中小学美术教学需要联系起来的学术自觉,这带来了师范生在大学所学的某些美术专业知识在基层学校美术教学中难以施展的困境。 3.最终评价课程缺失了高师美术教育应有的综合评价 机制“毕业创作”“毕业论文”课程是高师学生在大学四年所学知识的最终总结与呈现,因此,我们可以称这些课程为最终评价课程。长期以来,高师的“毕业创作”都是以美术创作作品展览的形式进行,完全照搬美术院校“毕业创作”的做法,这导致高师学生很自然地将自己的毕业创作与美术院校学生的毕业创作相比拼,教师和学生会投入更多的精力到毕业创作中,多少影响了高师学生在“毕业论文”写作的精力投入和对美术教育理论及实践的总结与反思,此外,“毕业创作”与“毕业论文”各自侧重在美术专业和美术教育两大块,缺失了课程之间的内在联系和高师美术教育将二者综合评价的机制。 二、高师美术课程设置策略 1.增设美术教育理论及教学实践课程 突出美术教育专业特点众所周知,一名中小学美术教师的基础知识结构应包涵美术教育和美术学科两大体系。美术教育理论及教学实践课程是高校美术教育专业课程的重要组成部分。近些年来,学院依据国家教育部的发展要求,在原有基础上增设了美术课程标准解读、各类美术课教学方法研究、微格教学、多媒体教学课件设计与制作、教育见习、第一次美术教育实习、第二次美术教育实习等课程,使美术教育理论及教学实践课程占有相当比重,突显出美术教育专业的特点。这些课程有效地提高了学生对美术教育专业的认识及其教学技能,尤其是学院将美术教育实习由原来实习一次调整为实习两次,收到很好的教学效果。第一次教育实习时间安排在大三上学期,实习时间为三周,均有带队指导教师带领,这样能随时给予学生指导。第二次教育实习安排在大四上学期,实习时间为四周,可让学生自由选择联系实习学校或组成一到二个实习小组,选派实习指导教师带领。前后两次教育实习给学生教学反思和回炉的过程,第一次教育实习返校后,教师针对学生们实习中遇到的问题给予深入的分析指导,帮助学生进行教学反思,从实践中认识教育理论的指导作用,引导学生从教学理论中寻找解决问题的方法,提高理论认识,以便指导其第二次的教学实践;有了第一次教育实习的基础,学生在第二次教育实习中更显从容和自信,教学更规范化,并在教学中有目标性地观察分析教学中遇到的问题,积极思考,寻找解决问题的方法,学生在两次实习中感受深刻,在一次次的教学实践中提高了他们的教学技能和专业认同感。合理安排每个学期的美术教育理论与教学实践课程,一方面确保学生每一学期至少有一门以上的美术教育理论或教学实践课程的学习,另一方面又将各课程相互串联,形成体系,充分发挥其职能作用,比如美术教学论、美术课程标准解读等优秀课程被有意识地安排在教育实践课程之前,旨在引导学生掌握美术教育理论的同时,形成正确的教学理念,以发挥理论指导实践的作用;微格教学、教育实习等实践性课程旨在培养学生的教学技能;各类美术课教学方法研究等课程旨在指导学生在一定教学实践基础上寻找课堂教学的理论依据,形成研究教学的思考。同时还可结合举办师范生教学技能比赛、说课比赛等活动促进学生的教学评价与反思,使教学更有成效。 2.科学整合美术专业课程内容 彰显美术教育专业特色学院在对中小学一线教学调研中发现,因教学条件、学生兴趣等原因,那些偏难和较复杂的美术学科内容在学校难以展开,如油画人体、石版画等,因此,结合基础学校实际需要,科学整合美术学科课程显得尤为重要。以“双基+创造力培养”来整合美术学科课程的思路是基于中小学“双基”教学的特点提出的,即在大学低年级阶段着重于美术学科基础理论与基础技能的学习,在大学高年级阶段着重于美术表现及创作学习,并采用选修的形式,让学生自主选择美术学科发展方向,在侧重研究某门美术学科的同时,又在相互交流中触类旁通地了解其他画种的表现手法,形成“一专多能”的美术能力。此外,在原本单纯的美术专业课程中整合美术教育教学内容,有意识地将美术学科与教育专业学习相结合,更能明确美术教育专业的本质,如《艺术考察》通常是带学生们深入乡村写生及收集美术创作素材的课程。经过整合,可将这门课程改革为《艺术考察与中小学教学调研》,教师带学生下乡写生、收集素材等活动之余,带领他们深入到乡村学校进行教学考察,了解地方办学条件和状况,并让学生提交中小学教学调研报告,思考开发利用地方美术教学资源等课题,这种一举两得的教学活动收到极好的教学效果,一方面,引导学生在美术学习的同时,思考美术与美术教学的关系,另一方面,创造了更多的机会让学生参观基层乡村学校,增进其对美术教育的责任感。再如,《民族民间美术》课程旨在引导学生了解民族民间文化的同时,让学生形成开发利用民族民间美术资源于学校美术教学的思考,如将该课程改革为《民族民间美术与校本课程开发》会更能明确其课程本质。 3.调整最终评价课程结构 明确美术教育专业本质目前,美术教育专业中有许多重要课程与美术专业课程极为相似,特别是“毕业创作”课程多以学生美术作品展示为主,不能全面体现出美术教育专业学生大学四年所学。只有合理调整最终评价课程的组织结构,才能进一步明确这类课程的实质。经过多年的教学实践,学院的美术教育专业“毕业创作”课程改革为“毕业综合展示”。“毕业综合展示”主要侧重于美术教育教学展示和美术学科技能展示两个方面,旨在全面展示学生的综合能力。在美术教育教学展示方面,包括有教学活动展板、教学实物和多媒体教学实录等形式。教学活动展板是在150cm×90cm的展板上呈现学生的教学实践成果,整个设计制作过程也是学生对教学实践进行整理、反思和总结的过程,指导教师组织学生整理充实教育实习中的教案、教学示范图、学生作品、教学录像、教学现场照片等资料,并有序地将教案、教学示范图、学生作品布置在展板上,这也是对学生设计能力的考验。教学实物展示包括学生教育实习的教案、示范图等,还通过多媒体展示学生的执教录像、教学课件等内容。人们在参观学生的美术教育教学展示内容时,都投以极大兴趣和充分肯定,并感受到学生们扎实的教学能力。在美术学科技能展示方面,美术教育专业学生在大学四年学习的美术技术门类较多,学生们的兴趣也十分广泛,这就需要给予学生提供更大的选择空间,可选择进行新作品创作,可选择整理完善自己认为平时画得较好的作品进行再创作,还可选择自己最感兴趣的某类美术内容进行表现;多元选择带来了丰富多彩的创作面貌,有油画、国画、版画、水彩、素描外,还有手工、剪纸、摄影、电脑绘画、设计等内容,这些作品都真实地记录了学生的专业技能及其创作能力,切实展现了美术教育专业学生的美术综合能力。每次的“毕业综合展示”都收到极好的效果,有观众戏称:看美术专业“毕业创作”就像逛“艺术精品店”,看美术教育专业“毕业综合展示”就像逛“艺术精品超市”。“毕业论文”也是美术教育专业的重要课程之一,过去,教师们在指导“毕业论文”时发现许多学生写的毕业论文往往照搬照套,缺乏自己对美术教育的真情实感,而他们对亲身经历的教育实习却有着许多体会和想法。学院将“毕业论文”改革为“毕业实习综述”,让学生从深有感触的教学实践中进行理论性梳理和分析,从中感悟实践上升到理论、理论指导实践的研究性方法。同时,我们还将原来在教室进行论文答辩的场所改在“毕业综合展示”展厅进行,将“毕业实习综述”答辩与“毕业综合展示”密切联系,学生们在相对开放的环境中由感而发,教师们也能从学生的答辩及其美术教学展示、美术创作中对学生形成全面综合的认识。 三、结语 目前,学院成立的美术教育学院为研究美术教育专业课程方案提供了更好的平台,并着力于研究在美术教育的基础上综合音乐、舞蹈等艺术形式和表现手段,形成整合创新、开拓贯通和跨域转换的方法,从而全面培养学生的综合能力,为研究创新型美术教师的培养积累实践经验。 作者:文海红单位:广西艺术学院 美术专业毕业论文:高校美术专业素质教育论文 一、高校美术专业教学中开展素质教育的必要性 在高校美术专业教学中,实施素质教育,是当今时展的必然,是提高美术专业学生综合素养的需要。具体来讲,在高校美术专业教学中开展素质教育的必要性体现在以下几个方面。 (一)促进学生全面发展的需要随着社会的不断发展,创意产业蓬勃发展起来,它对美术专业的人才需求越来越大,同时对美术专业人才提出了更高的要求。高校美术专业教育,主要培养的是艺术家或者是美术专业人才,其教学的好坏直接影响学生美术艺术水平的高低。就目前我国高校美术专业教学来看,大多重视学生美术技艺的传授,忽略了学生素质教育;将大多精力放在美术实践教学中,没有重视美术理论方面的教学。在这样的教学模式下,培养出来的美术专业学生,虽然具备了美术专业的绘制技能,没有良好的美术思辨能力。长久下来,学生的不能深入理解美术艺术的本质,不利于学生的长远发展。因此,为了促进学生的全面发展,必须要在美术专业教学中实施素质教育。 (二)是培养创新人才的需要就我国高校教育来看,要求培养的是德、智、体、美、劳全面发展,并且具有良好素质的创新型人才,要求高校在各专业教学中,既重视学生专业知识和技能的教学,同时还要注重学生的全面、协调、可持续发展。美术专业教学中,如果只是一味重视单一学科的专业知识、技能的传授,那么最终培养出来的人才必定是呆板的,缺乏创新能力的人才。因此,在高校美术专业教学中,教师需要在具体教学中实施素质教育,以美术教育为优秀,引导学生树立正确的价值取向,注重学生个性的发展,不断锻炼学生的创新能力,为社会培养出高素质的创新型人才。 (三)促进美术教育发展的需要在美术专业的传统教学模式下,大多教师都是注重美术专业教育,往往忽略了美术素质教育,不利于学生的发展。在美术专业教学中实施素质教育,可以积极发挥美术专业教学的辐射功能,在注重美术专业学生致使、技能下,同时注重学生的理论知识传授,进一步提高学生的综合素质,从而不断推动美术教育的自我发展、自我完善,促进促进美术教育的良性发展。 二、美术专业教学中开展素质教育的具体措施 在高校美术专业教学中,教师要在注重专业知识的传授之外,还要帮助学生培养良好的审美情绪,进一步增强学生的爱国热情,提高学生社会公德,促进学生的全面发展。 (一)在作品鉴赏中开展素质教育美术鉴赏课是高校美术专业教学的重要组成部分,主要培养的是学生对艺术的鉴赏能力。在这部分的教学中,教师要善于利用美的艺术形象,逐渐激励学生的情感,有效提高学生审美能力的同时,有效实施素质教育。 1.选择优秀的教材教材是开展课堂教育的依托,同时也是美术专业教学的重要基础。因此,在美术专业鉴赏课中,教师需要在课前选择好教材,比如选择那些代表性强、比较优秀的美术作品。一般来讲,每个时代都给我们留下了包含浓厚爱国主义思想的作品,比如秦始皇兵马俑,被誉为世界八大奇迹之一,里面以数量众多的大型陶俑,形成一个气势磅礴的军阵,充分体现了秦朝时期的精神面貌。这些兵马俑造型生动、比例协调,良好展现了我国秦朝时期雕塑艺术的伟大成就;再比如我国当代著名画家董希文的一篇名作——《开国大典》,充分利用写实的艺术手法,赞扬了中国共产党的辉煌历史,体现出中国伟人指点江山的伟大胸襟。在美术专业艺术鉴赏课堂中,教师就可以根据教学需要,选取出代表性强的作品,潜移默化地培养学生的爱国情感,树立崇高的民族自豪感和自信心。 2.善于引导学生在美术专业艺术鉴赏课中,有了良好的鉴赏作品后,教师还要充分发挥引导者的作用,在对艺术作品进行鉴赏的过程中,善于引导学生领略作品的意境,了解背后的重大意义,从而让学生在情感上产生共鸣,从而油然升起一股爱国情感。优秀的美术作品,可以让学生继承我国文化传统,同时激励学生拥有对美的不懈追求信念。因此,在美术鉴赏课中,教师要以优秀美术作品为依托,以培养学生爱国情感、提高学生美术鉴赏力为优秀,采用循循善诱的方法,进一步提高学生的美术素质,提高学生的综合素质。 (二)在专业实践教学中实施素质教育美术专业教学中,为了让学生能够充分运用课堂上所学的知识,教师都会组织学生走出校门,深入大自然,开展写生教学,即实践教学环节。在这部分教学中,教师所要教的不仅仅室内学生美术绘画技能方面的知识,还要充分利用自然界中的景观,实施素质教育。 1.充分利用自然景观众所周知,我国幅员辽阔,很多自然景观叹为观止,为美术专业学生的写生教学提供良好的素材。如东岳泰山是我国的五岳之首,现在都被视为崇高、神圣的象征,山势非常雄伟壮观,自然风光优美,每年都吸引了大量的游客。那么在美术专业实践教学中,教师就需要充分利用这些自然景观。当然,在选择自然景观的时候,教师必须要遵循就近原则,充分利用当地的自然景观,让学生充分领略自然景观,感受祖国的大好河山,训练学生的绘画技能,同时有效培养学生的爱国。 2.充分利用人文景观在社会的发展中,我国还形成了丰富的人文景观,包含了很多的文化特质。教师在组织学生在校外的写生训练中,就可以充分利用当地的人文景观,让学生了解这些人文景观背后的文化意义。比如中国著名建筑——布达拉宫,教师就可以向学生讲解其修建原因、艺术特点等,从而让学生了解其背后的文化内涵,使学生不仅掌握绘画技巧,还能增长理论知识,有效达到素质教育的目的。 (三)在整个课堂中贯穿素质教育思想在美术专业的整个课堂教学中,教师都要坚持素质教育思想,注重学生个性发展,引导学生充分利用手中的画笔,描绘祖国的山河之美,培养学生良好的创造力。 1.注重学生个性发展在素质教育思想下,要求教师在尊重共性的前提下,注重学生个性的发展。因此,在美术专业的整个课堂教学中,教师需要了解每个学生的特点,然后因材施教,根据学生的美术水平、兴趣爱好,采用不同的教学方法。具体来说,需要教师在具体的教学中,需要不断改进美术专业人才培养方案,在课堂教学中实施个性化教学;需要教师根据学校师资,构建多样化的课程体系,从而满足美术专业学生个性化发展的需求。总之,在美术专业教学中,教师要实施素质教育,重视学生的个性化发展和培养,有效促进不同层次学生的发展。 2.善于在教学中联系历史在美术专业的课堂教学中,坚持素质教育思想,还需要教师利用已有教材,挖掘其背后的历史资料,从而让学生多了解一些历史知识,促进学生的全方面发展。比如在中国画的教学中,可以在介绍中国画的工具材料中,联系我国历史知识,比如毛笔的制造、宣纸的发明、颜料的改进等,从而不断丰富学生的理论知识;再比如在介绍唐三彩时,可以结合作品包含的历史文化,让学生体会中华民族精湛的艺术成就,勤劳勇敢的民族精神等,从而养成良好的爱国热情。在这样的美术专业教学中,就有效达到素质教育的要求。 三、总结 综上所述,美术专业教学实施素质教育,是促进学生全面发展的需要、是培养创新人才的需要、是促进美术教育发展的需要。因此,在美术专业具体教学中,需要充分利用作品鉴赏,从选择优秀的教材、善于引导学生;在专业实践教学中,充分利用充分自然景观和人文景观;在整个课堂中,注重学生个性发展、善于在教学中联系历史,从而进一步落实素质教育,真正实现素质教育。 作者:郝好燕单位:河南科技学院艺术学院 美术专业毕业论文:高校美术专业计算机基础论文 1调查数据分析 1.1目前大一学生使用计算机的主要用途 现代计算机的发展,使得软件种类多种多样。在日常工作、学习、社交、娱乐等方面,都有各种软件与之配套。据调查统计,目前学生对于计算机的使用,更多的是把计算机当成一台“游戏机”,作为从小接触计算机特别是计算机游戏的90后,约6成以上的学生是把计算机当成娱乐的工具,只有不到3成的学生开始把计算机当成自己学习、工作的主要工具。这是当代大学生的一种常态,而这种状态,随着各个专业的不同也呈现两种不同的趋势。以传统艺术(如书法、国画、油画、版画、雕塑)为主的美术类学生,在计算机的使用用途上,依旧会保持原有的特征,计算机对于他们来说,只是日常生活中的一种工具,今后主要用途也还是在娱乐上,随着专业深度的提高,利用互联网来进行资料收集、专业学习交流的情况占到一定的比重,而在自己的专业上,计算机直接使用的情况并不多见,这类专业的学生对计算机课程的兴趣及重视程度相对较低。而一些设计类专业,计算机在平面设计、建筑规划、动画制作、图像媒体编辑等方面已经是必不可少甚至最主要的工具。随着专业的发展,计算机在学习工作上的比例会逐渐提高,利用网络进行素材收集和信息交流的比例也会增大,这都需要占用大量的计算机使用时间,学生使用计算机玩游戏的时间会越来越少,计算机对于他们来说会真正成为赖以生存的工具,这类专业的学生对于计算机的使用和课程则更为重视。 1.2大学新生配备的计算机类型 近几年,大学新生入学的“配套设备”越来越高端,智能手机和笔记本几乎已成大学新生必备品。从调查问卷中可以看到,大多数学生在入学时已经有了自己的电脑。并且这个比例逐年增加,即使是一小部分还没有电脑的学生,也有很大一部分已经把采购电脑加入了近期购买的计划之中。而因为笔记本方便携带、造型时尚等优点,成为大学生电脑类型的首选。最近一届大学新生的统计情况表明,73.59%的学生目前使用的电脑类型为笔记本。针对这种情况,高校在计算机基础教学内容上,在计算机硬件方面,应增加笔记本电脑应用相关知识点,同时也要强调笔记本的空间散热局限性会导致CPU速度下降等特点。因为设计类专业特别是涉及到大量图像处理的建筑设计、三维动画等专业,需要图像渲染、视频编辑、格式转换等大量计算功能,目前高年级的相关专业仍然需要使用运算效率更高的台式机进行专业软件的运行,笔记本在这些场合显得有些弱势,这些笔记本与台式机相比较的知识点,虽然不在教材中,但同样也会在授课内容中有针对性地对相关专业学生做一些普及。而绘画类学生使用计算机的主要目的还是以日常生活、娱乐为主,笔记本是目前阶段最适合他们的计算机类型,这方面知识只需要简单带过即可。 2针对调查结果,在教学上的调整 艺术类专业计算机基础教学的教学大纲不涉及编程等知识,因此最主要的内容就是office软件教学,这部分的调查数据是我们最关心的,也是直接影响我们教学内容和教学方式的。通过调查可以看到,对于Word和Excel这两个最基本的软件,学生选择“略懂一些”的占大多数,基本维持在70%左右。Word因为在日常生活中的使用频率较高,有16.37%的学生可以做到“熟练掌握”,只有10%左右的学生基础还比较薄弱,选择“完全不会”,尽管还是占一定比例,但这个比例正在逐年下降。对此,在Word授课方面,就要简化一些基本操作的授课内容,主要讲述新版本软件的界面变化及功能改动,并且以课堂练习的形式对软件水平进行检查,在课堂练习巡视过程中发现极个别基础特别薄弱的学生后,应以“加小灶”的形式单独指导,把“课堂作业”当成他们的授课内容,并增加课后练习来提高软件熟练度。Excel软件则呈现另一种局面,因为Excel在美术专业学生日常生活里的使用频率并不高,大部分学生对于Excel软件的接触仅局限于中学阶段的相关课程,只有5.63%的学生可以做到“熟练掌握”,22.18%的学生则“完全不会”。而Excel软件功能丰富的特性,使得它的授课内容较多,对于美术类专业学生来说,枯燥的表格数据处理等功能只会使他们昏昏欲睡,毫无兴趣。因此,在教学内容上,既要照顾一部分基础较薄弱的学生,又要考虑如何避免学生被复杂枯燥的表格处理所困扰,在Excel的教学内容安排上,应当下一番功夫。 首先在软件介绍阶段,并不直接从最基础的内容讲起,而是通过展示Excel开发的游戏、制作的图像及Excel的高级功能,让学生从娱乐和专业的角度重新认识这款软件,先引发学生对这款软件的兴趣,再导入一些基础概念。而在讲解原本让美术类学生感觉非常头疼、枯燥的表格处理、公式函数、数据排序筛选等功能上,使用与学生生活较为贴近,学生更感兴趣的考试成绩统计表、教师工资表、运动会统计表等,使学生更加容易理解内容,也可以现学现用,通过日常生活中的使用,来增加学生对Excel软件的熟练程度和使用技巧。PowerPoint作为多媒体教学的主要工具,在各个课程里都是教师使用的主要授课工具,学生对于这个软件并不陌生,但据统计,只有54.05%的学生选择了“基本掌握”,有35.21%的学生选择了“完全不会”,相对于Word和Excel来说,PowerPoint软件的普及程度低了很多。按我校的教学进度,经常会有其他专业课程布置的各种作业需要用到PowerPoint,因此学生会有大量的实践机会,虽然部分学生软件并不熟练,但因为软件使用方便,基本操作也不复杂,并且整个Office软件界面的通用性,经过前两个软件的学习,多数基本功能学生都可以通过实践和自己摸索掌握。而软件本身的功能特点,使得用PowerPoint可以很方便地添加编辑图片及动态效果,这类以图像见长、偏向设计的软件非常容易受到美术类学生的喜爱,学生的学习热情和积极性都很高,上课的气氛也很活跃。 对于这类软件的教学,为了避免学生在学习过程中过于模仿课件,产生固定模式,整个课堂教学过程并不能只讲授如何完成一个完整的作品,而是要把各种元素的添加特别是图形图像、音频、视频、动画等多媒体素材,以及元素动态效果的设置等向各个功能的分解,而这些功能的组合则应由学生按自己的想法天马行空,自由发挥,把PowerPoint作业当成一次艺术设计的过程,而这正是个性张扬的美术类学生所喜闻乐见的形式。美术类学生想象力丰富、对色彩把握准确等特长在PowerPoint的教学和作业中得到了很好的发挥,每年都有大量创意十足、制作精细的精彩作业呈现。而在课内再将这些精彩作业予以展示和讲解,一方面可以让学生之间互相学习,另一方面也可以激发学生的创作积极性。网页制作软件方面,从统计数据可以看到,只有不到1%的学生选择了“熟练掌握”,而有70.42%的学生选择了“完全不会”,可以说网页制作对于大部分学生来说都是比较陌生的领域。网页制作本来就是一个易学难精的领域,一个高质量的网站需要投入大量的时间和精力,并且制作水平越高,越需要各种新知识、新技术的支持,而初高中乃至大学的计算机基础教学课程,都没有太多的课时用来把网页制作讲得非常仔细和透彻。因此,教学难点在于如何在有限的课时内,让学生掌握网页制作软件的基本使用技能,进而培养网页制作的兴趣,让学生在课外能够去深入学习网页制作。授课内容既不能太难使学生望而却步,也不能过于简单让学生学不到东西。鉴于大部分学生基础较薄弱,在授课内容安排上可以采用两段式模式,即先以单网页网站的形式制作一个包含不同分类站点的导航页面,并可以让学生把自己常用的网站放入自己的作品中,日常生活中也可以使用。通过这样一个简单网站的制作,让学生接触网站制作中最基本的元素添加、链接设置、网站结构等相关知识。对于初次接触网页制作的学生,这些基本知识再加上网页直接链接的跳转,就可以完成最简单的静态网页制作了。而对于学有余力的学生,则在第二阶段先通过讲解框架、层、动态HTML、动态页面过渡等软件自带功能,提高网页网站效果,并介绍网站架设步骤,使得学生可以把自己的作品以成品形式在互联网中展示,再通过展示各类、各种高水平网站,讲解新技术用于网站的使用方式及效果,让学生根据自己的兴趣和能力在今后的网页制作中有进一步的发展。而采用3~5人的小组模式来完成网页制作课后作业,一方面可以让学生在专业作业繁重的课余不用花费太多时间就完成一个相对完整的作品,另一方面也可以通过互相合作,提高学生团队意识。 3总结 近年来,随着计算机基础教学普及程度越来越高,大部分大学新生在入学前已经具备一定的计算机使用技能,基于不同专业、不同层次、多样化典型案例导向教育模式的研究与实践已成为大学计算机基础教育工作者必须面对和重视的问题。大学计算机基础教育的工作重点应该从传统的基本技能普及教育逐渐转向为专业服务、与专业结合的专业基础教育。在教学过程中,应该结合授课对象的专业特点指定教学内容、因材施教,使学生可以在基础计算机技能和专业计算机技能两个阶段之间平稳过渡。美术类学生因为在初高中阶段除了文化课之外,还要投入大量的课余时间进行专业练习,使得这类专业的学生在日常计算机使用熟练度上相对于其他文理科学生较为薄弱,并且因为专业特点对计算机的需求程度也有截然不同的态度。在美术类专业的计算机基础教学过程中,通过定期有针对性的调查统计,在把握不同专业特色的同时了解学生特点,掌握每一届学生的计算机基础水平情况,结合计算机基础教育的自身情况,融合不同美术专业的专业内容,改进针对不同专业学生的教学内容和教学方式,有助于各美术类专业学生学习计算机技术与专业技能,为培养有特色的美术类专业人才打好基础。 作者:章雁 单位:中国美术学院实验教学管理部 美术专业毕业论文:美术专业教育艺术论文 一、艺术教育下强化学生高尚的爱国情操,树立正确的思想品格 艺术教育的目的不同于科学教育,其目的是培养学生要具有高尚的爱国情操,丰富学生的精神生活,通过美术作品的熏陶,让学生的产生艺术魅力、艺术灵感、艺术共鸣、艺术感染力,让学生不断积累和不断丰富爱国情操、审美情感,使学生感悟到有一种心灵之间的纯洁之美、高尚之美。例如:让学生在课堂上欣赏张大千的国画作品《千里江山图》时,画幅中展现的烟波飘渺、连绵千里、重峦叠嶂,一波万里,散发着无与伦比的光芒。《千里江山图》展现的出来的景观何其雄伟壮观,关键在于细节的刻画上,将自然界无穷变化的自然形象比如茂林修竹、飞流瀑布都刻画的惟妙惟肖、多姿多彩,无论是幽绿茂密的树林还是连绵不绝的山峰,都没有一样类似,其之间的精美生活空间相融合,如野村小市、楼台亭阁还有小船人家等幽幽景观,无一都刻画的恰到好处。通过这些景色的深刻绘画,将祖国的壮丽河山都呈现在学生绵延,使其学生在情感上有深刻的触动,感觉到我们的国家是非常美丽的,油然而生一种爱国情感,提高对国家的热爱之情,更加的积极学习。还有展子虔的《游春图》、范宽的《富春山居图》等,通过这些作品的欣赏,让学生自然产生一种爱国情感,一种崇高的爱国情节。美术的魅力是无法比拟的,也是艺术教育特色展现的一面,也是美术教育在艺术教育中的完美体现。 二、培养学生崇高的审美情操,加强学生的艺术情感 艺术教育可以爆发学生内在潜力,非普通教育所能比拟的,培养学生的个性发挥,是对学生的道德、意志以及气节、个性等心理因素进行完美触发的特殊教育。比如,在课堂上我们欣赏中国传统绘画《溪山行旅图》的时候,首先会感觉到这是一副描绘山水画的巨作,笔墨浑厚,气势磅礴,仿佛画里的山峰耸立于我们面前,山峰嶙峋,挺拔坚硬,让后直落千尺,将整个山川的生机与活力展现的淋漓尽致;山尖茂林密密,山腰巨石突起,老树盘根,山间小溪可以让人感觉到潺潺水声;古道上驼队的点缀,更是加强了生命力。宏伟磅礴的挥笔用墨,将国画技巧运用到如此精准,气象宏伟的自然景观,把无法用语言来表达的独特意境得到充分的展现。一部作品给学生的审美情操更是有一种特殊的情感,让学生对祖国的大好河山有着自然的爱慕,这种特殊的爱慕情感会让学生感受到,以画感人,了解祖国文化的多元化和丰富性,加强学生对不同文化的尊重和热爱。教学中,将学生的情感融入,使其学生可以亲身体验到国画的灵魂、国画的传神、国画的自然巧妙指出,通过整体的方式来感受,让学生感受到美术专业对他们人格魅力的熏陶;用美术的角度去感受,是艺术教育的完美表达;以传统教育去体会,是传统教育所展现的情绪反映以及情感上的完美体会。 三、培养学生的生活实践的能力,加强学生的艺术情感 艺术对象创造出懂得艺术和能够审美的大众,艺术是按照美的原则来触发灵感创造作品的;反之,也会对学生从心灵上起着没的教育熏陶和情感上的作用。艺术是一种听觉和视觉相互融合相互传神的过程,它将有艺术的和谐力、节奏的感染力来体现生活、表达生活、热爱生活,通过栩栩如生的形象和身临其境的意境来触发学生们的大胆想象力和丰富的联想力,最重要的是心灵上的触动也必须是由感性来呈现出来的。艺术所反映的是生活现实的一面,是心灵触动之后的一种自然感悟上的冲动,将现实生活的心灵化与艺术作品的心灵化完美融合。艺术家用心灵的呼喊或心灵上的动态、线条以及色彩用美术的形式来创造作品,正式艺术家通过作品向世人表达心理和传递情感的一种体现,更是艺术家带给世人生活上的感受和感悟,对生活上的向往和体现。例如,在课堂上学生们在观赏齐白石老先生《虾》的作品时,就能从这幅绘画中感受到独特的艺术风格的展现,以及齐白石老人独特的人格魅力的体现。学生们需要学会用不同的方式去展现自己,对于学生来讲,自我展现的机会越多,就会最大的限度的去挖掘自己内在的潜力。美术专业为学生建设了创建展现个人情感的发展性及可能性的,在美术专业教学中,不仅要学习美术本身的基本知识、技能、技巧以外,而且还要涉及到历史、地理、政治、自然等方面的知识补充。通过艺术教育,可以帮助学生提高见识、增强思维能力等具有新时代的个性空间发展的空间的全面发展。 四、培养学生个性的创作能力,逐步成为创新型人才 艺术教育的最终目的是培养学生的个性的创作能力,加强学生创新的能力,也是完善和全方位增强学生基本素质的教育,在创作活动、创作思维的过程中,让学生的人格魅力得到全面的培养,使学生在通过自己的灵感去创作自己的美术作品的时候,可以表达学生对整个人类环境、对祖国的大好河川、对社会文明有深刻的认识,然后通过这种思想情感,让学生逐步去寻找内心的自己,慢慢的认识自己、最后掌握自己,了解当今时代的传统文化,使学生的艺术感得到升华;提高学生的自身素质,丰富学生的文化修养和底蕴。美术专业在艺术教育中的完美之处就是在于培养学生自己独特的创作能力,让学生把对现实生活的感受、美丽景观的感叹、当今社会文明的感悟用艺术的形式表达出来,使学生把生活中的真、善、美用美术专业的独特魅力去展现自己认识的美、自己人生的独特,用美术专业的方式去激发学生对创作的追求、刺激学生的创造欲望,培养学生的创造能力,爆发学生的创造潜力。当代艺术教育有着特殊的历史使命感,只将赋予艺术教育的独特创意,将美术的形象、色彩、形态可以完美的融合,才能体现出艺术的奇迹,艺术的真善美。培养学生艺术的想象力,扩展艺术的联想力,爆发学生的灵感,永远都从创意的角度去展现艺术的独特魅力。 五、加强美术教师教师素质的培养 美术教师自然是美术专业的重要力量,本身所具备的素质好坏、能力高低会直接影响到美术教育的效果。 (一)不断充实美术教师的专业知识 不断提高自身知识的掌握能力。当今社会,科技经济告诉发展,艺术也更多元化,新的艺术形式不断出现。因此要结合时代的要求培养美术人才,美术教师要不断更新的自己的知识体系,把“专”“精”的知识体系与“博”“深”“广”相结合。 (二)加强美术教师教学能力和美术创作能力 美术教师若能是有理论知识、教学方法、创作能力三者结合的理想教师,那是完美的境界。有创造能力的教师,一般专业技能和技巧也会较强。这类教师一般在基本的功的训练上,在引导创造行,都会影响学生。所以,高水平的教师会培养出高水平的学生。在这里特别注重一点,当今社会创造要有时代的精神的体现,敢于大胆摸索新的方法、创造新的艺术语言与表现手法,从而创造出有个性、有风格的美术作品。 六、教学方法的改革和实施 目前社会都在积极地推行如何改革传统的教学方法,建立现代的教学体系,来培养符合新时代要求的人才,从以下几个方面来探讨教育方法和思想的改革: (一)改革三中传统教学观念 首先是改变教学质量观,树立完善全面的教育质量观;其二改革单一的教学观,树立多个教学观;其三改革整齐的教学观,树立灵活多元化的教学观。第一中教学观念最重要。通过事实发现,知识、智力、和非智力的因素是衡量教学质量的标准,基础是知识,重点是智力,前提是非智力,三者必须完美的结合起来,才能达到教学质量的理想效果。 (二)改革传统堂课气氛 调动教师与学生在美术课堂的互动积极性,是实现教学目标的重要途径。在美术教学过程中,学生的学习动机、兴趣、心情、态度与美术教师的交流配合,都会成为影响教学质量的因素。如何提高学生的兴趣,关键在于教师提供的内容和教学方法;学生乐趣在于教师的指导和学生的收获;学习中矛盾的解决关系教师的灵活处理。美术课程最佳的教学效果,是教学要素各个最优化的综合效果,取得最好的教学效果,关键要靠有强烈能动性作用的教师,在于美术教师对所有教学因素最佳的设计和实施,更主要是学生自身主动学习的积极性。 (三)实施启发式教学方式 启发式教学模式关键是“吸引”,每堂课都应该保持做好“吸引”的工作,引起学生的注意,激发学生的兴趣,启发学生的想象、推理、判断、回忆等思维活动,引起学生发现自身的问题、愿意自我改正。其次是“主动”,教学的效果,在很大程度上是教师能否充分调动学生的主动性和积极性。三是“适度”。教学的适度,就是要使教学深度、进度和广度能与学生能够想融合的境界。因此,美术教师要对教材的内容掌握到达到广、博、熟的程度。 艺术教育培养以美术创作为优秀的审美心理结构,而我国现代美术教育应该将上诉要素构成一个整体,目的是希望通过美术教育的探讨和研究,能够使艺术教育达到一个理性的效果,让美术教育成为学生提升人格魅力的专业教育。 美术专业毕业论文:美术专业素描教学论文 1培养学生的创新意识 素描分为写实和抽象等类别,风格多样,分析素描写实的衡量标准,要求在素描教学中需注重形体结构的比例关系、整体画面的协调关系及解剖透视关系等关键内容。由于美术专业主要靠向结构素描和设计素描,所谓结构素描,是指通过理性和严谨的数据分析来认识形体结构及变化规律等,其比较注重素描的物象的客观性和应用型,而设计素描是指通过将设计意识与素描有机结合起来,对所描绘事物的物体形态及结构等进行逻辑性的分析,设计素描注重强调结果和过程,开展设计素描教学,可以启发学生的思维,也可以培养学生的创新意识和正确观察方法。设计素描的主旨是通过减少光影内部因素来达到形体自身的纯粹实体效果,在教学过程中,对于结构素描和设计素描教学,注重于石膏像、静物、界面的临摹与写生等内容上,采用交叉教学方式,使学生熟练掌握绘画技能表现方法。例如在素描教学中可以安排建筑内部空间的素描练习,在结构素描教学中,可以根据素描的基本要求来选用适当的建筑立体图片资料来作为学生研究结构的对象,以三维空间概念作为结构素描教学的重点,并要求学生关注建筑设计图片所具有的时代特征和艺术感染力,让学生有选择性的进行适度空间的素描练习,为了让学生在今后的美术专业学习中不会机械地理解平面构成,可以安排“平面构成表现”课程,以具象写实为画面的主体形象,通过学生多视点和全方位地观察,将所描绘的主体作为抽象的形态因素,并通过抽象的对比、渐变等骨架结构做创造性的重新组合。在素描教学中,无论采用何种素描练习方式,其都是对自然的直接观察,而学生所描绘的主体主要从写生而来,只有学生全身心地去感受自然,寻找视觉的规律,学生的设计思维才能得到发展。 2学生个性发展 对于初学画画的学生来说,大多数学生认为素描较难学,尤其是在临摹教学中,大多数学生都容易犯概念化的错误,在作业中时常忽视对精神特质及整体因素的学习和统一处理。针对这些问题,应开展具有针对性地素描教学,加强学生对素描的认识和理解,根据学生的特点和长处来启发学生对素描的学习兴趣,发展学生个性,注重强调每个学生的素作品需保持自己的风格,注重素描的简练与单纯,简练与单纯的素描是统领画面的优秀。因此,在素描教学中,教师应充分挖掘学生的灵感与个性,让学生明白艺术性的创造才能打造出优秀的作品,在传统的素描训练中,其比较注重于强调素描对绘画的显性作用,而学生只需要进行自然中形态与空间的客观性分析,这种客观对象的规范制约,导致学生创造力的培养与发挥受到限制。因此,在未来的素描教学中,更注重于学生创造力的开发,在未来的设计开发,其社会实践活动是创造性的,因此,注重学生创造力和想象力的开发是非常重要的。 3素描教学中的素描“转型期” 对于西方传统的写实方法,由于我国的素描主要从外国输入,在近50年代以来,素描逐渐风气渐盛。但是,随着教学改革的不断深入,当前素描教学必须摒弃过去传统僵硬、死板的画法,应注重素描画法的生动性和多样性,将素描由自然被动的记录转化成一种艺术创造,只有苦练素描基本功能,学生的艺术创造力才能有所发展。分析现代素描,随着当代艺术教学工作者的勇于探索,当代的素描注重个性情感的表达及素描概念的深化延续,其表现的内容主要包括艺术家在自我感受和自我修养发展中所形成的个性,这无异于促进了写实素描的发展。因此,写实素描中所具有的抽象艺术的简练性和直接性图像效果是我国现代素描教学中体现的一个趋势。总的来说,无论是传统的写实素描还是现代的抽象素描,其都涉及艺术家对自然和生命的态度问题,其共同点都是引导学生思维能力和想象力的培养。因此,在素描教学中,探索一条传统与现代贯通的发展道路,在传统的素描上实现教学方法的创新,从而开拓新的创造之路。 4总结 素描是美术专业的最重要的基本课程,随着教学改革的不断深入,素描教学必须打破传统的常规,才能适应现代化的设计要求,在传统的素描教学上不断发现和创新,寻找一条传统与现代贯通发展的素描教学模式,以促进素描教学的可持续发展。 作者:次仁卓玛 单位:拉萨师范高等专科学校 美术专业毕业论文:高等美术专业与文化产业论文 一、美术专业与文化产业高关联度的多维背景分析 1.传统绘画久远的艺术品性基因相对于作为声音艺术的音乐,美术一直来更具有可流通和可收藏的艺术商品的属性。在古代,绘画是美术最主要的艺术形式,物质性和实用性是其典型的特征,它比音乐更早地作为一种艺术品进入市场的交换和流通。首先,绘画的创作和留存都依赖于实实在在的物质性媒介,最后呈现为一种形象性的实物痕迹。而音乐表演虽然在过程媒介上也是实物性的乐谱和乐器,但是它的作品呈现结果却是时间性的声音,不可视、不可触和不可留。历史上由于技术的原因一直做不到对音乐表演的作品留存,后来虽然有了黑胶唱片、录音带、录像带和光碟、数码影音等不断发展和完善的记录工具,但与美术作品的可直接展示和欣赏相比,音乐表演的作品的影音留存和欣赏都具有依赖播放工具以及对时间和场地的特定要求,这样就在还原程度和效果上受到了诸多的限制。其次,对于每一张美术作品,基于其每一次手工创作的特性,作品结果都具有独一无二的不可复制性。而音乐在发明记录工具之前它肯定是不可收藏的,而有了记录工具后,由于其刻录所借助的是机械工具,它又存在着可复制甚至是大量复制的可能性。因此,美术的创作特点和媒介特性使得它比音乐更具有成为一种典型的艺术品的可能。这一点,在东西方古代的艺术家相似的生存方式上就已得到印证。在古代,绘画很早就成为了一种可交换和可流通的商品,东西方的古代画家都可以通过出售自己的作品来进行日常谋生,而那时的音乐家大多依赖宫廷官府和乡绅的资助和供养,通过为他们提供表演而不是通过出售作品来得以生存。综上所述,美术作品在媒介和留存上的物质特性赋予了它在展示、装饰和投资等方面丰富的实用性功能,这种实用性功能转化为艺术品属性作为基因一直从古延续至今。 2.小康社会的多元消费对于创意设计的普遍性需求设计相对于造型在美术中是一个偏向于实用性的子学科,现代设计初始于工业化时代而同步于现代艺术的发展。工业化大生产满足了社会对于商品的量的需求,随着商品生产数量的不断递增,同质化的商品越来越多,这时设计的出现和介入使得商品的生产转向了差异化和人性化的追求,从而实现了商品质的提升。现代设计的第一个重要时期是包豪斯时期,它让世界充分认识到了设计的巨大能量和超凡意义,从此设计与物质文明开始了同轨融合和同步发展。从生产者一方来看,设计可以让产品更符合大工业化生产的要求,提高生产效率,让产品更实用和美观来获得更好的销路。而从消费者的一方来看,好看而具有特色的产品可以获得视觉上的愉悦,彰显个人的审美品位和文化气质;而产品的人性化可以让自己在生活中获得舒心的使用体验,提高自己的生活品质。在当代,随着社会和经济的不断升级发展,设计的任务还关涉提高产品的能效,节约能源,从而实现生态环保。从工业化初期发展到现在,设计自身的专业系统性和丰富性不断地得到完善和拓展,从而对生产和生活的覆盖和介入都达到了十分高的程度。当代中国正在全面步入小康社会,而小康社会的生活特征是由满足基本温饱需求转向对生活质量的提高,表现为生活从必须性的数量型满足向转向了选择性的质量型满足,同时生活和消费中文化性需求的比重逐渐增大。这种变化具体体现为对于消费和商品的要求是兼具实用性与美观性,进而要求融入更多的人性化和文化性的内涵和底蕴,这一切,都需要各种创意设计的介入和参与才能得以实现。生活和消费中的设计需求体现在小康时代人们的吃穿住行的每一个细节和层面,我们从一天醒来开始,看见的和使用的每一样东西似乎都与设计分不开,例如:你从早到晚使用和接触的每一样器具都经过产品设计,你穿戴的服饰需要服装设计,你住的房子和家具来自建筑设计和装潢设计,你看的书和网络都经过了平面设计,你看到的形形色色各类媒介的广告都融合了平面和广告设计,你买的每一样东西现在都有着越来越丰富和特色的包装设计,你游览的公园景区离不开环艺设计……等等。小康社会对于设计的需求正在爆发性地被唤起,让设计和创意全面介入社会经济和日常生活是社会进步的需要。好的设计和创意不但能带来使用的审美愉悦和人性化体验,更重要的是它可以几何级地增加产品的附加值,不断促进生产和消费的升级和换代。如今从设计到生产这些具有文化内涵的产品,每个过程和环节都已经发展为各种细分性的产业,这些产业广义上都可以定义为文化产业。无论是信息社会、娱乐或体验经济还是基于符号与意义的经济,文化产业确实扮演了促进变迁的优秀角色。所以,这也是我国在当前的经济转型升级中把发展文化产业作为优秀任务的原因所在。 3.图像化时代新的消费行为特征进一步促进了对于美术与设计的需求21世纪,随着数码成像技术以及互联网的成熟和普及,人类媒体由文字时代进入了图像时代,人们传播、阅读和交流的更多地选择和信赖图像而不是文字。首先,在数码成像时代,数码摄影、摄像和手机照相技术的日益发达使得图片的生产变成了一种十分便利的事,这是一个全民生产图像的时代。其次,图片和影像具有天生的直观性和生动性的基因,更容易让人作为认知的媒介。再者是互联网技术的高度发展使得图像传播的质和量都有了保证,使得人们广泛地利用图片进行展示和交流有了技术上的保障。这种图像生产和传播技术的革命性改变也促使当代社会的消费行为的革命性变化,从地域性的实体店消费快速地转向于无地域限制的网络消费。人们能信赖和接受这种全新的消费模式最主要的一个原因就是他们可以通过网店上传的各种图像和视屏来甄别和挑选商品,众多的图片可以从各个角度和细节对商品进行具体形象的介绍和展示,人们通过图像来获得如同现场购物般的直观感受,正是这种强大的视觉传播保证使得网络消费逐渐成为了当前主流的消费方式。绘画和设计作品都是一种广义的图像,应该说绘画是一切图像的母体,这种图像化的渊源联系,使得美术在图像消费时代的作用和优势到了前所未有的体现。在网络消费时代,图像的制作和传播展示都离不开美术,首先是图像的拍摄关涉美术中的摄影摄像专业,其次是图像的后期制作需要图形设计软件的处理,再者是网页的展示需要特色化的网页平面设计。而销售的产品为了在海量的商品中凸显个性和差异性,更是在产品设计和包装设计上花尽心思而争取吸引更多的关注和购买。所以从更宏观的层面上观察,当代社会更是一个泛图像消费时代,除了网络消费,人们对于图像的需求还反映在日常化生活的每一个领域,日常阅读、社交、基于数字图像的网络游戏等,在数字图像时代,基于泛图像消费而延展的各类产业成为了引领创新性的文化产业,美术设计作为消费性图像的生产之“器”,社会对它们的需求也被推到了一个前所未有的广度和高度。 二、美术专业与当前文化产业发展政策的高度契合 1.当代文化产业在内涵和外延上的拓展文化产业的概念源起于20世纪40年代的法兰克福学派。虽然文化产业概念的出现已近八十年,但是对于文化产业至今仍然没有一个统一的确切定义,联合国科教文组织对于文化产业的定义是:结合创造、生产和商品化等方式,运用本质是无形的文化内容;这些内容基本受到著作权的保障;其形式可以是货品或服务。文化产业的内涵皆具商品和精神的双重属性。然而在二十一世纪之前的50多年里,文化产业在各国的经济结构里一直被当做是隶属于第三产业的一个小角色,文化大多更多的只是作为一种教化和传播的工具,并没有被真正视为一种与产生经济效益的产业。而在外延上,大多只是包含影视、表演、娱乐和出版这几个传统文化领域。到了当代,文化生产和传播的工具和技术发生了革命性的变化,生产方式也变得十分多元和丰富,文化产业的内涵和外延也发生了相应的发展变化。当代的文化产业已经涵括文化和创意的双重内涵,一方面是与文化、艺术和娱乐相联系的具有创新性并产生社会和经济价值的产品和服务;另一方面是通过设计介入所有门类的生产和服务对其进行创意性的文化植入和价值提升的创意产业。随着文化生产和传播技术的不断发展,加之人们对于文化消费需求的不断扩展,文化产业的外延已经跨越文化本体的界限,扩展和渗透到社会生产、经济和生活的方方面面。而在创意产业中,除了文化的融合,设计是主要性的手段和内容,设计不单单是外观的改变,更是理念和观念的显现,所以在当代,随着文化与创意的融合,文化产业的内涵和外延上都得到了极大的拓展和延伸,它们已经覆盖了绝大部分的生产和服务领域,在许多发达国家它已经超越传统的第一第二产业成为新的支柱性产业。 2.我国当前文化产业发展具体政策内容与美术专业的高度关联我们以浙江省的十二五文化产业规划来具体考证美术专业与当代文化产业的高度关联性,浙江省是传统文化大省,也是文化产业发展得较为趋前和成熟的省份,他们的文化产业发展规划在全国具有一定的代表性。在《浙江省文化产业发展规划(2010-2015)》中,明确了该省今后重点发展的八大文化产业:文化创意业、新闻出版业、数字内容与动漫业、文化会展业、文化产品流通业、文化产品制造业。在这八大类文化产业中,六大类从字面上直接与美术专业关联,只有影视服务业和文体休闲娱乐业与音乐表演专业在字面上直接关联。而深入剖析,这八大类中全部包含了美术专业。由上表可见,美术专业和文化产业高层度和高密度的关联,这种文化产业规划让高校美术研究实现了纯学术效应向社会效应的转化,也说明美术专业在当前文化产业中的重要地位得到一种政策性和规划性的认可和重视,已经成为了文化产业创新和发展的重要学科基础和学术源泉。 三、美术专业与当代文化产业关联的途径和方式 在这些众多的美术专业中,它们与文化产业的关联存在着直接的、间接的和潜在的三种不同的途径和方式。 1.直接关联这种关联直接显现在字面含义上,产业的内容在各个高等美术学院中有对应的专业设置,这是一种直接粘合的应用方式。比如文化创意业之于创意设计,出版业之于平面出版设计,数字内容与动漫业之于动漫专业和多媒体专业,文化会展之于会展设计,文化产品制造业之于造型艺术品创作、工业造型设计和工艺品制作。直接关联的产业从内容上看都是以相应的美术专业作为产业的绝对性主体,专业和企业之间可以开展直接对接性的合作,美术院校在开展社会服务时更容易实现专业转化,从而全面而深入的实现服务的深度和广度,获得较好的整体有效性。 2.间接关联间接关联美术专业与文化产业之间最常见的一种关联,每一种产业内容在字面意义下包含着宽泛的外延,它们与美术专业发生着各种层面上的联系,这是一种专业在产业中的延伸性和渗透性应用。比如文化创意业是一个综合性的产业,在创意产业中它几乎关涉美术设计的所有专业,除了直接关联的广义上的理念性创意设计,对于一个具体的企业和具体的产品,必须有各种专业性的设计综合参与才能实现新颖而有效的创意,比如形象设计、产品设计、服装设计和环艺设计等,同时也要广告设计的参与推广。而在影视服务业上,它字面呈现的是以音乐表演为主的专业内容,但摄影摄像、舞台美术设计、电影美术设计和表演服装设计等作为技术过程和效果保障,它们在影视业中是间接性的重要专业内容。而文化产品流通业中,形象设计和广告推广对于提高流通的效率,提升文化产品的无形价值起到了很大的作用。在文化产品制造业中,随着数字技术的发展,虚拟性的文化产品也越来越受到追捧,所以除了传统的书画和工艺品,动漫和网游设计在文化产品制造中占据越来越多的分量,而所有的文化产品都离不开包装设计,它对于产品的形象和价值提升也十分重要。这种间接性表明美术专业和文化产业的关联具有无限的广度,一种文化产业下包含有多种细分的美术专业内容,同时也存在着各种专业内容的交叉和融合,美术高校进行社会服务时必须提供多元化的美术专业内容的服务。 3.潜在关联在这八大类文化产业中,有许多种常规性和常态性的设计隐性地关联和介入到其中每一类的任何一种细分产业中,这是一种多角度和多层面转换性质的应用。例如任何一个文化事业和企业单位都离不开VI形象设计,他们的园区和建筑离不开建筑设计和园艺设计,他们的生产和办公空间都需要越来越讲究的室内设计提高舒适性和效率,他们的门户网站需要丰富而新颖的网页设计,他们共同需要广告设计的策划推广,这些隐性的设计潜在关联于每一个环节和程序中。潜在关联使得美术专业和文化产业之间的合作和互动具有多元的无限可能性,它使得文化产业的外延获得不断地延伸的空间。同时,对于潜在关联的文化产业,要求美术院校在开展相应具体的服务和合作时,需要更多地去主动发现和设计可能性的项目,同时在内容和形式上能够进行大胆的创新和尝试。 四、文化产业化大发展之于美术院校专业建设的意义 高等美术院校在专业上与文化产业的高关联度,是社会经济发展到一定程度的必然结果,我国通过发展文化产业来实现经济的转型和升级,使得美术成为了这次新产业运动的主角,这既赋予了美术院校以重任,同时也是美术院校进行专业调整和拓展的良好机遇。各个高等美术院校要充分发挥专业与文化产业之间的高关联度和高粘合度的优势,践行“产、学、研”结合的办学理念,积极回应和介入我国当下的文化产业化浪潮中,开展各种类型和各种层次的文化社会服务,同时也积极尝试以独立身份在高层次专业上的文化产业培育实践,突破原先过于封闭于象牙塔内的专业局限,从而发挥高校专业研究在经济建设中的引导和催化作用。在高等美术院校服务地方文化产业的过程中,让政府和文化企业主管部门充分认识到了美术专业在文化产业化中的重要作用,从而可以获得区域政府财经上更多的主动性投入和支持。而通过对文化企业的服务和合作,让企业切身感受到设计和创意对于产品和企业价值的几何级催生力量,在获得企业经济回报的同时,也会获得全面性的产业和专业的合作研究和协同创新的实践机会。这样,高等美术学院就可以获得多个渠道的经济保障来进行硬件和软件的提升建设,最重要的是可以利用社会服务中发现显性的和隐性的专业需求和要求,开展有特色和有需求前景的新专业和新课程的建设,更好地实现专业和产业的关联和互动。各个高等美术院校要根据文化产业发展的趋势和需求,同时结合各地传统的特色文化产业,主动进行现有专业的整合和调整,从而在当前美术专业重复性建设和需求过剩的情况下实现专业的差异性和特色化,建设各自的优势和品牌专业,从而提高各个美术院校的专业竞争力和办学层次,拓展专业的内涵和外延,为地方文化经济提供更全面和更优质的专业支持和服务。 作者:尹小斌单位:浙江师范大学美术学院 美术专业毕业论文:美术专业平面设计教学实践论文 摘要:平面设计是一门很重要的课程,它能运用到美术方面的所有基础知识,对于美术专业的学生来说平面设计课程能在很大的程度上拓宽专业视野,能够增强学生的设计思维。但是,现在学校在教学上存在着很多弊病,使得很多学生学无所用。本文就平面设计教学实践的一些问题进行探讨。 关键词:平面设计;教学实践;美术专业 平面设计是一门艺术性和专业性都很强的学科,设计出来的作品以最直观的表现方式展现在人们眼前。平面设计方式丰富多彩,可以通过文字、图像或某些符号来传达信息。在教学中,平面设计对于美术专业来说虽然是一门基础课程,但是其具有很强的专业性,它不仅需要很强的动手能力,还需要很丰富的专业知识和实践运用能力。学生如果能很好地掌握平面设计的知识,不仅能够提高个人的动手实践能力,对以后的就业也具有很大的帮助。但是现在很多学校对平面设计课程重视度不够,在教学和理论研究上也不够深入,教学方法老套。学生的学习热情不够,不能很好地掌握这门有实用价值的课程。这些问题是由很多原因造成的,系统地探讨这门课的教学实践问题能够让平面设计教学者更清晰地了解到问题的症结所在,这样才能对症下药,有针对性地对教学方案进行调整。 1平面设计教学实践问题的“病灶” 1.1学校教学不能实事求是 现在学校里开设的平面设计课程大多是概论课,虽然讲解了很多概念,但主要是学生被动接收的填鸭式教学方式。学生在记录大量的概念后根本不能及时消化,导致学生只知其一不知其二,不能形成自己的知识体系,只能了解到零散的专业知识。这直接导致学生不能把所学知识运用到日常生活中,特别是对于一门刚刚接触的课程,学生还需要一定时间去了解,一味追求课程进度只会导致学生对课程一知半解,可能有的学生能够记住老师讲授的知识,但是缺乏实践练习,还是不能熟练运用平面设计知识。设计类课程就是要调动学生的思维和动手能力,而现状是很多高校延续了中学的考核教学模式,还是一种应试教育的状态。 1.2新型教学工具的局限性 随着计算机的大规模普及,我们可以很简便地运用软件来完成设计任务,计算机设计的便利和快捷是传统美术所不能匹敌的,它可以进行多维度的创作,可以快速引用现有资源。这对于平面设计的创造本应该是件益事,但现在很多高校只教学生如何使用计算机技术,反而减少了传统美术设计的教学。所以,现在学设计的学生在学校学习的只是各种设计类的软件,离开这些软件后就不知道如何画图了,完全被工具所限制。计算机只是一种工具,设计需要大量的积累,需要自己动手去赋予作品生命,而不是复制粘贴计算机里的资源,所以老师不能只注重计算机软件的教学,还要教授设计的理念,不能丢掉传统的美术设计,让学生脱离工具的束缚。 1.3教学与实际需求脱轨 平面设计需要走出课堂,学生不仅要学习好理论知识,更重要的是能够活学活用,能够满足社会的需求。现在很多学校是在闭门造车,教授的知识与社会实际需求相差太远,没有构建很好的校企合作机制,学生没有足够多的机会去设计一线工作,严重缺乏社会实践能力,不能把自己所学的知识变成有社会价值的作品,不了解社会的需求,延长了学生工作时与企业的磨合期。 2改善平面设计教学效果的“治病良方” 2.1改进教学理念 不能只是让学生被动地接受知识,还需要积极地进行沟通交流,老师需要耐心引导学生思考,了解学生所思所想,调动学生的思维,激发学生的创作灵感,让他们的想法能够运用到学习和实践中,这样才能让学生真正了解到设计的魅力。老师可以和学生一起设计创作作品,让课堂上的设计理念活生生地展现到学生的面前。这样学生不仅能够直观地感受到设计的魅力,也能提高学生的动手能力,使理论与实践教学有机地结合在一起。教师可以将学生平常的实践表现放到成绩考核中,改变应试教育的现状,寻找多元化的考核方式。 2.2加强学生的创新设计思维的训练 设计软件让设计变得简便、快速,设计作品的质量也有了很大的提升,但是互联网上能够伸手拿来的东西太多了,设计的过程变得越来越简单,导致设计作品抄袭问题严重。学生要具备自主设计作品的能力,教师在教学中应当积极引导学生构思设计出一份优秀的作品,如何通过设计作品向别人传达出自己想要表达的信息。要具备这样的能力,就需要在平时进行大量练习。老师应该在日常教学中增加学生自主练习的机会,减少设计软件的使用,让学生使用传统的设计方法,一步一步踏踏实实地积累知识,让学生脱离工具给设计带来的束缚,这样才能培养出高素质的设计师,而不是只会使用软件的制图员。 2.3增加学生社会实践的机会 平面设计必须要走出课堂,在学生有一定理论基础的前提下,创造条件让学生与社会需求接轨,进入需要平面设计人才的企业或者单位合作,让学生能够直观地了解设计工作的完整流程和实际成品的制作过程。这样既能提高学生的学习兴趣,又能拓宽学生的眼界,掌握平面设计实际应用能力,使学生真正走出课堂了解社会对平面设计的需求,给需要平面设计人才的企业和单位培养输送平面设计人才。学校要制定出企业、学校和学生共同发展的良好机制。 3结语 平面设计本身具有艺术被认同的偶发性,平面设计作品是长期积累的专业知识与生活需求所结合的产物。一般情况,平面设计是一种以改造具体事物和影响人们的生存行为来增进社会转变的因素,它在新的流行文化的发现和推进上有着重要的作用。与此同时,设计对生活中一些边缘化和非主流的文化保持了一定的关注。事实上,平面设计是一门与其他领域有高度联系的学科,其特性使它具备了很多学科不具有的中心性,而设计者在这种属性下得到的是一种社会责任,而不是权威性。如今,平面设计在实践教学中还没有引起足够多的重视,教师应当身先士卒积极采用多元的教学方法、科学先进的教学理念和给学生创造合适的实践环境来提高教学效果,培养出高素质的设计人才,得到社会的广泛认同,推动平面设计进一步发展。 作者:温宇君 单位:广东省电子信息高级技工学校 美术专业毕业论文:美术专业色彩分析论文 摘要:随着高等教育大众化进程的加快,美术专业学生基础参差不齐的现象十分普遍。针对当前学生色彩写生基础的现状,提出强调科学训练的重要性,注重提高学生的美术鉴赏能力,以科学的知识作引导,加强对色彩知识的理解和色彩观察能力的训练,重视教学的示范性和直观性,重视教学的程序与方法的教学原则。 关键词:美术专业色彩写生教学方法 伴随着我国高等教育的高速发展,美术院校招生比例逐年扩大,学生色彩基础差且程度参差不齐的现象正不断困扰着美术院校的基础教学。色彩写生是美术专业的重要课程,是提高学生艺术素养、观察方法和表现手法的一个有效手段。目前我国大学美术专业在色彩写生教学中还存在着一些不尽如人意之处,诸如:忽视对学生美术鉴赏能力的培养;对色彩的观察与理解不够重视;教学方法简单,模式陈旧;教师教学随意,缺乏针对性;缺乏对教师进行行之有效的评价与监督的体系等。其产生的直接结果是学生对色彩的观察能力和理解能力普遍偏低,依赖心理强,缺乏创新的意识与能力。这些都在制约着色彩写生能力的提高,不利于学生的个性发展。因此,近年来围绕如何提高学生的色彩写生能力,进而培养高质量、高素质美术人才的呼声日益高涨。由于学生在入学前很少受过色彩写生的专业训练,加上艺术鉴赏能力不高,色彩知识欠缺,观察方法不正确,因此,在色彩写生教学过程中会面临许多问题,这就要求教师在教学时必须与学生的实际情况相适应,在教学内容和教学方法上不断地改进与提高。 一 美术鉴赏具有艺术再创造的性质,作为艺术鉴赏对象的艺术作品,既是艺术家认识生活的成果,也是鉴赏者再认识的对象。要使学生明确美术鉴赏对色彩写生课的重要性,通过美术鉴赏课教学,参观美展等形式,使学生进一步感受色彩的魅力,理解绘画色彩的表现规律。在鉴赏作品时,要尽量选择原作,原作的笔触清晰,肌理层次分明,色彩效果生动,印刷品无法取代。如果为条件所限,也可以选择画幅大、拍摄清晰、印制精美、色彩还原准确的作品。在鉴赏过程中教师要根据自己的经验引导学生聚精会神地反复观赏、品味,有的作品细节生动,有的作品整体和谐,有的作品技艺精湛,因此,要通过鉴赏别人的表现手法,汲取画面中的精华部分。通过对作品线条、色彩、形体、构成的琢磨,体验和谐、平衡、对称带给我们的美感因素,以此激发学生的表现欲。鉴赏过程要有针对性,例如:针对学生写生时出现的色彩单一、色彩冷暖意识模糊、片面强调固有色的通病,可以着重欣赏印象派画家的作品。印象派在观察方法和表现技巧上的大胆创新,在画面光与色上的大胆突破,对学生有很好的启迪作用,色彩写生时他们不再只盯着对象的固有色,而是在光线、环境和固有色中去寻找色彩变化。 二 自然界的色彩虽然变幻莫测,但又是有规律可循的,只要我们在学习理论的基础上不断地与实践相结合,就能正确地掌握色彩规律。 首先,要让学生了解光与色的关系。没有光就看不到色彩,物体在光的照射下,会呈现出不同的色彩,同是阳光,在不同的时辰也会有不同的变化。法国著名印象派画家莫奈,面对同一景物,每隔一段时间画一张画,生动地表现了不同时辰、不同光线下同一景物所产生的微妙变化。通过引导学生观察,使学生印证了一般情况下,早晨和傍晚的阳光、火光为暖光;中午的阳光、天光、月光为冷光;光源的冷暖是相对而不是绝对的,同为暖光,傍晚的阳光就比早晨的阳光要暖;同为冷光,月光就比天光要冷。理解了光与色的关系,学生们也就能更好地理解环境色与固有色的相互关系,画色彩时不再一味从固有色出发,而是充分考虑了光源色和环境色对物体的影响。例如:画绿树不再只用纯绿色去表现,而是用不同的颜料调和成不同冷暖、深浅的绿色,使它跟特定的光线、环境相协调。 其次,色彩的三要素也是理论学习的重点,它包括色相、明度、纯度。写生中学生们对原色、间色、复色的相貌较容易识别,而对混合次数增多产生的色相就难以识别。因此,教师在教学中要引导学生用正确的观察方法去加以识别。色彩往往由于其明度和纯度的变化产生了无穷的魅力。教师在上理论课时,要特意布置相应的练习,让学生用画色表的方法掌握色彩的明度、纯度变化规律。实践证明,这种方法行之有效。在写生中,学生们大都能用单纯的颜色,经过调配、组合,产生丰富的色彩效果,色彩写生中的一些难题在理论学习中得到了化解。 三 法国艺术大师罗丹在《遗嘱》一文中说:“所谓大师,就是这样的人,他们用自己的眼睛去看别人见过的东西,在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。”古今中外的艺术大师都是在观察生活的基础上,提炼出宝贵的艺术精华。没有观察就没有齐白石笔下游动的虾、跳动的蛙、横行的蟹……就没有莫奈笔下变幻的教堂、多彩的睡莲…… 人的眼睛都能观察物体,但并不是人人都有正确的观察方法,培养学生树立正确的观察方法是画好色彩的重要前提。在训练色彩的观察能力时,由于学生的基础不同,先天条件、接受能力各异,所以发展是不平衡的。有的学生对色彩感受较敏锐,一旦掌握了正确的观察方法,许多问题就能迎刃而解。而有的学生对色彩的感觉能力较弱,又没有掌握正确的观察方法,尽管付出很大的努力,仍然进步不大。因此,教师在教学中既要从大多数学生的实际情况出发,提出统一的要求,也要考虑个体的差异,针对每个学生的具体情况,因材施教。要让学生明白,在对色彩的辨别上,既有先天性,也有后天性,先天不足的完全可以通过正确的教育方法获得较好的色彩辨别力。有的人虽然对色彩的感觉更具有天赋,但不进行科学的训练,只会局部地辨别色彩,一旦从整体的角度来辨别色彩之间的相互关系及色彩的微妙差别时就感到束手无策了。 在自然界中,物体的色彩千变万化,错综复杂,如何从复杂的色彩中找出其规律性,就必须首先学会整体观察,观察中要善于发现造型的优美、色彩的和谐,把握物体的主要特征和大的色彩关系。有些学生在观察中往往容易犯孤立地看某一部分、不与其他部分进行整体比较的错误,结果画出来的色彩基本上是物体的固有色,缺乏光源色和环境色所带来的变化,这是色彩写生时最忌讳的。要想改变这一现象,教师必须在课堂中反复强调整体与局部的关系,物体的局部应该服从整体的需要,局部的色彩再丰富,也不能影响整体的色彩关系。观察时还要引导学生从不同的角度去比较、鉴别,注意冷暖对比、明暗对比、纯度对比。不进行物象间明度的比较,就无法获得黑、白、灰的变化关系;不进行色彩的冷暖比较,就无法获得正确的色彩关系;不进行色彩的纯度比较,就无法感知物体的色相特点。四 色彩写生技巧的训练也是教学的重要内容,教师必须全面熟悉这门课的教学,掌握该课程一系列的知识和技能,不能只把课前画好的范画、作画步骤图展示给学生,而应该在课堂上加以演示,从构图、落幅,到铺大色块,深入刻画,调整完成,都要边示范,边讲解,使学生知其然又知其所以然。一些常见的技法,如干画法、湿画法、干湿画法、刀画法,以及如何用笔、如何用色,也应该进行示范。教师的直接演示,具有巨大的感召力,学生通过观看教师作画,对写生的方法步骤和表现技法一目了然,产生了跃跃欲试的激情,调动了学生的积极性。具体示范时,范围要大,要让全体学生都能看到,对重点、难点问题要反复强调。当写生过程遇到障碍时,要及时演示。例如,有的学生画面上常出现脏、灰、粉的毛病,教师就要对其进行调色和用笔的示范,并指出产生这些毛病的原因。除此之外,教师还必须具备其他画种的知识,加强画种之间的相互联系、相互渗透,才能达到预期的教学效果。 学生作业的相互观摩,也是直观性教学的有效形式。教学中要及早发现优秀的作业,指出画面的精彩处,使其起到示范带头作用。对于有典型问题的作业,应提示大家注意,使类似的问题得到及时纠正。一张作业完成后,可以组织学生进行讨论,让学生根据自己的经验,自由地发表意见,教师要根据具体情况进行必要的小结,肯定成绩,提出不足,或进行作业展示,对下一阶段的教学提出新的要求。 五 根据教材特点、学生情况,制定科学的教学程序和方法,加深对重点、难点的体会和理解,是确保色彩写生顺利进行的有效手段。 (一)单色画练习 素描是绘画的基础,单色画是素描的另外一种形式,学好单色画,对熟悉工具、材料的性能,丰富色彩写生的表现手法,提高学生的自信心有较大益处。为了让学生有一个适应的过程,可以先进行色彩的明度变化练习,以培养学生辨别色彩明度的能力,接着便可进行室内单色静物和室外单色风景的练习,为色彩写生打下良好的基础。学生有了单色画的基础,在光感的表现、空间层次的处理、色度的变化、水分的掌握、笔触的运用上也就有了一定的适应能力,色彩写生中的一些难题,在单色画中得到了化解,为画好色彩铺平了道路。 (二)大色块练习 刚开始作画时,学生的精力充沛,注意力集中,对色彩的感觉也较敏锐,这时要求学生在较短的时间内,用大笔触准确地表现出物体大的色彩关系。这样做的好处是避免了因长时间作画,感觉迟钝,或过多地表现细节,忽略整体的现象。这种大色彩稿可以保留下来,画长期作业时,用它来比较大的色彩关系会很有帮助。 (三)色彩冷暖练习 冷暖是构成色彩的重要因素,因为有了冷暖,色彩才更生动。在写生过程中,学生往往注意物体的明度和色相,忽略了冷暖,因此,在教学中应加强色彩冷暖的训练。在室内作画,物体的亮部偏冷,暗部偏暖;在阳光下作画,亮部偏暖,暗部偏冷。一般情况下,物体的暗部如果偏冷,亮部就必须偏暖;暗部偏暖,亮部就必须偏冷。同样的色彩,离我们近的暖、远的冷。 教学中可以依靠画色表的方式进行冷色和暖色、色彩的前进与后退的练习,也可以通过画不同光线下不同距离的物体,来达到练习的目的。 (四)循序渐进的练习 如何使课程循序渐进,由浅入深,顺应知识的内在逻辑顺序,这是考虑学生实际情况的一种教学方法。在我国古代,墨子曾提出:“量其力所能及”的教育方法。在循序渐进向前发展的同时,就要考虑量力性。在色彩写生刚进行时,应该先画结构清晰、色相明确的物体,由于它简明易画,能增强学生的自信心。有了成功的体验,再画结构复杂、色彩微妙的物体时就不觉得太费力。例如掌握了室内静物后,再去表现室外景物,这也是循序渐进。室内静物稳定不变,较少受时间、气候的影响,作画条件相对舒适,学生可以反复推敲画面,潜心研究物体的色彩关系。而室外景物变幻莫测,受时间、气候的影响较大,作画条件又相对艰苦,难度也就更大。所以,当学生具备了一定的室内作画经验后,才能更好地表现室外景物。 对于初学色彩的学生来说,写生中可能还会碰到许多问题,教师在教学中应从学生的实际情况出发,注意学生反馈的信息,适时调整教学内容和方法,只有这样,才能取得理想的教学效果。 美术专业毕业论文:美术专业本科毕业论文写作常见问题分析 摘要:美术专业本科毕业论文写作是高等艺术教育人才培养计划的重要组成部分,是本科人才培养过程中重要的实践教学环节,也是对毕业生综合能力和全面素质的检验。在近年来的毕业论文写作中,论文质量逐年下降。对论文写作问题进行分析并找出解决问题的方案,是提高美术专业毕业论文写作质量的重要途径。 关键词:美术专业毕业论文;论文开题;论文写作 美术专业本科生毕业论文写作是高等艺术教育过程中极其重要的教学环节,是检验学生运用所学知识分析问题、解决问题以及动手能力的重要手段。也是培养学生进行艺术考察与材料收集整理,相关文献资料的阅读及使用,学科论文与实用文体写作等基本技能的训练良机。近年来,通过本科教学水平评估,美术专业本科毕业论文写作在规范化方面有所改善。然而,随着学生数量逐年上升,学生的综合素质却逐年下降,其中毕业论文写作质量下降尤其严重。本文根据近几年的毕业论文辅导与管理工作,本文对这些年质量下降的毕业论文进行综合分析,从中发现了一些普遍的规律性问题。并针对问题,对论文教学计划和方案做出了一系列的调整。 一、美术专业本科毕业论文选题与开题常见问题 (一)论文选题 合适的选题是提高研究能力和写作水平的重要保证。多数同学在选题方面缺乏新意,显得陈旧老套,自主性不强,研究价值和意义不大。其次是论文选题盲目笼统,不够精准,缺乏内涵和外延性,或文不扣题,部分题目字数偏多不够精炼,逻辑性不强。或选题偏大,无法用一两个月、数千字深入展开论述,只能点及皮毛。如《工艺美术研究》《论中西方文化艺术比较》《论中国工笔画》《论产品包装》《论中国美术发展历程》《我的何去何从》等。或是论文题目结构不完整,只有名词,缺少动词或介词,或者是重复使用动词,如《抽象与写实》《内衣的流行色》《传统民间绘画艺术性的研究分析》等。因此,导师的积极引导或建议学生选择有研究价值的和正确的选题,是学生顺利完成毕业论文写作和提高毕业论文质量的前提。 (二)论文开题报告不按照要求填写,随意拼凑一些不相关的内容 对该课题的研究目的较含糊,缺乏对课题研究价值与意义的认识。其次知识面狭窄,查阅资料不够,在该项课题国内外研究现状方面,把非常陈旧的选题说成是国内外现在无人研究,本项研究可以填补本课题空白。研究内容不够简单明了,满篇幅的长篇大论。 二、美术专业毕业论文写作方面常见问题 (一)摘要与关键词 摘要是全文的浓缩,也称内容提要或概要。主要包括研究目的、方法、成果和结论等要素。不对文章内容加以补充解释和评论,我们学生在摘要撰写时惯用“本文”、“笔者”等作为主语,习惯对论文内容作诠释和评论及自我评价。还有大部分摘要复制正文中的某一段落,结构不完整,不能够概括反映论文内容构成。关键词,是从论文的题名、提要和正文中选取出来的,是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键字的选取都是遵循一定规范的,是为了满足文献标引或检索工作的需要而从论文中选取出的词或词组。关键词的内容应该与论文密切相关,不能使用常用词,如特点、比较、研究等。 (二)文不对题或研究方向与本学科偏离 文章内容与标题有明显不符和偏差,非本学科研究范畴。如:《电热水壶的可能性研究》标题感觉与艺术设计专业无关,而文章内容却是电热水壶造型设计。还有一些文章不能够围绕主题展开论述,比如谈关于绘画情感方面课题,前一两段内容还围绕绘画情感这条主线,中间部分就偏离到绘画教学问题上了,再后的结论则偏离到另一个主题上了。 (三)写作能力方面的问题 首先是选题的自主性不强,题目与研究内容陈旧、老套、缺乏创新。表现为单纯叙述多,口头用语或方言使用频率偏多,对选题的静态解释和再次印证做得过多。创新和理论深度稍显不足,有些论文在研究具体画家或具体作品时,过多地描述画家的生平,不善于与其同时代的作品去比较,更没有放入当时整个社会大文化环境中去分析,这就使得作者在论文自主分析能力方面显得无力,更缺乏对问题的判断与定论。其次有些论文行文中分段过渡不自然,依靠小标题进行上下段落衔接,引用图例量大,而对图例分析缺乏深度,文章拼凑痕迹明显。下载一些与论文选题相关的内容拿来不加分析地肆意组合,前后自相矛盾。如《关于地域民俗文化对民间艺术的影响》一文,文章的前半部分主要是肯定地域民俗文化对民间艺术的影响,然而到文章结论部分话锋一转,对前面的论述予以否定。 (四)论文结构不完整 主要表现为论点不鲜明或没有论点,结论不充足或没有结论,“缺头少尾”或“虎头蛇尾”。全文从头到尾都是对研究内容单纯的叙述或介绍,没有一个明确的研究切入点和自己对这个问题的观点。或者是文章开头架势很大,随着文章的深入,论述越来越显得苍白无力,对所提论点不能自圆其说,首尾缺少呼应。 (五)格式不够规范 美术与设计专业学生的毕业论文格式容易出现的问题有:一是习惯自我发挥,对论文原有固定格式进行随意修改,破坏原有格式及结构。二是不善于阅读,对毕业论文撰写要求理解不够到位。三是没有掌握WORD软件功能,无法按照论文格式标准要求独自完成。 三、存在问题的原因分析与对策 指导教师对毕业论文思想认识与指导力度不够。随着近几年学生数量的增加,师生比逐渐加大,几乎全体专任教师参与本科毕业论文指导工作。由于美术专业教师主要承担技法课程教学工作,且大部分为青年教师,科研能力参差不齐,部分教师对毕业论文写作的重要性认识不足,自身平时缺少论文写作与系统的科研训练,在论文写作方面缺乏经验,因此在论文辅导工作中存在许多困难。从毕业论文的开题到写作及最后答辩难以达到严格的规范要求。 从学生的层面上讲,由于艺术生在招生录取中,文化分数要求普遍偏低,尤其是文字写作能力偏低或缺乏兴趣。因此在毕业论文写作中困难重重,易出现言语匮乏、概念模糊、格式混乱、文不对题,论文结构不合理等问题。其次是美术学科学生缺乏端正严谨的态度,学生普遍认为论文写作与专业技巧知识关系不大,毕业论文的撰写较耗费精力,不必全身心投入,毕业论文成绩只要合格即可大功告成。此外计算机网络的普及与相关学科文献资料源的丰富,给学生提供了论文参考的便捷途径,同时也给论文抄袭提供了方便,论文抄袭拼凑成风。另外就是受到就业压力的影响,学生大部分奔波于各类招聘会,心情浮躁,无法安心进行毕业论文写作。于是出现毕业论文写作不够积极主动,甚至应付的情况。 这既是教风与学风问题,也是客观存在的社会问题。近年来我们在论文工作中对此采用了相应的措施,取得了一定的效果,但未能完全杜绝此类情况的发生。这需要我们在今后本学科毕业论文工作中,从自身的工作中找问题,严抓教风与学风建设,加强学生实践教学环节的监控,制定一套行之有效的毕业论文工作方案和实用于美术学科的文体写作标准及评价体系,这将对美术学科本科生综合能力的培养起到至关重要的作用。 首先建立以系负责人与教研室分级管理制度。把教师能否完成本学科毕业设计(论文)指导作为教学工作考核的一项指标,打造一支业务过硬的老中青结合的可持续发展的毕业论文指导教师团队。鼓励教师在科研方面投入时间和精力,确保学术与教学相互促进。同时以传帮带的形式,对青年教师有规划培养,直至青年教师能够独立进行课题研究及完成毕业论文的指导。 其次是实行导师制,根据教研室分若干课外兴趣辅导组,可安排学生在第二学年后半阶段开始在导师指导下有步骤地进行训练。根据学生的志趣和专长制定训练计划,内容可包括美术基础、艺术创作(设计)、阶段应用文写作、创新训练等,以此培养学生综合实践能力。指导教师在平时加强自身的学术研究,同时也可以鼓励学生参与到自己的课题研究中,以自己的切身感受和研究过程影响学生,以此培养学生的学术研究能力及兴趣。这种训练方式也可以作为毕业论文与创作设计的前提,为学生毕业论文与创作设计打下坚实基础。 最后是毕业论文形式多样化,根据学生的兴趣与实际情况,实行毕业论文类型多样化,如艺术史论、民间艺术、艺术评论、创作(设计)构思与理念等。鼓励学生根据自己的创作(设计)撰写可行性报告书、结题报告书。在撰写此类文章时,思路不能只停留在创作(设计)方法或内容本身,而要上升到对当代社会生产生活、意识形态、人类生存环境等方面的关注,要有社会责任感。 通过以上几个方面的有针对性的教学与实践,可以有效降低学生的抄袭行为,提高学生的综合艺术实践与研究能力,同时也可以提高青年教师的自身科研能力。 美术专业本科毕业论文问题不是一朝一夕就可以解决的,这些问题是年复一年重复出现的,同时也伴随着时代的发展而发展。这就需要我们参与毕业论文工作的全体教师有坚定的意志和严谨的工作态度,与时俱进,不断学习,从而提高自身的学术水平和科研能力,确保美术专业本科毕业论文工作健康有序地发展。
美术课堂教学艺术研究:浅谈美术课堂教学艺术 当你站在讲台上,讲着理论性较强的课,布置一套新的作业课题,入学不久的新生们却只是迷茫不知所措时,你就会感到在接下来的课堂作业中个别辅导别有分量。 艺术教育中对学生习作的个别辅导是一个非常具体的教学环节,是整个教学过程中最实在的工作,有时手把手就像师傅带徒弟一样。这是由艺术教育的特殊性所决定的,而再现代化的艺术教育也不能完全脱离这一古老的传统方式。基本规律也好,基本知识和技能也好,无论是被梳理得如何清楚明了,都得通过人去教。任何一种实践本领,都不可能用文字表述完备,这如同即使看菜谱也不一定能烧出美味的佳肴一样。 有实践经验的教师都有这样的感受:再好的大纲、计划、教材与习作课题设计,要变为学生的一张较为理想的作业,这是一个颇难预测的过程。这个过程如同一个电影导演,拿着分镜头剧本在给演员说戏,诱导演员寻找感觉,掌握分寸,进入角色,而理想的剧本案头准备与演员状态之间的距离就成为问题的所在。教师在个别辅导中必须无限缩小这个距离,在做作业的过程中培养出合格的学生。 在美术教学中,大量新课题的设计,使大家无根可寻,无据可依,这就更显示出个别辅导的重要性。课堂教学的个别辅导不仅是美术教学的一个具体实施过程,而且是上好美术课的关键所在。 如果说在上美术课时,个别辅导讲究的是因材施教,因势利导,发现与培养学生艺术的个性,那么在开始的基础训练中则要强调培养学生的思维方式,对课题的理解能力及具体的处理形式,从而引入到一种正确的轨道上来,熟悉与掌握一种方法甚至是模式,即从无法到有法。 对基本知识的基本技能训练的辅导,尽管在教学中可以有条有理,井然有序地开展,但其中有一个贯穿始终的、活的优秀,那就是思维能力的培养。可以看出,即使是最简单的基本课题,也有一个开动脑筋的问题,而且这个脑筋得动在点子上。思路不对的习作,只能使人啼笑皆非。大量独创性的课题设计是美术教学的一大特点,这就更促使学生要开动脑筋,当然这些课题本身也会启发、帮助学生进行思维活动的展开。如何把作业做得有意思、有情趣、有想法,思维的正确与否、充分与否是一目了然的。我们既要花力气、费口舌地纠正学生的一些模糊认识与不良习惯,这是理顺正常思维渠道的前提,又不能轻易地否定学生哪怕是幼稚的想法,而要保持他们的兴致和情趣,因为一旦真正建立起正确的思维方式,就具备了点石成金的本领。 这种思维能力的培养是多方面、多层次的,但在许多情况下又是看不见摸不着的。要真正地解决好这个问题,教师必须在心理学、美学、教育学等方面系统地下更踏实的功夫。 在个别辅导的过程中,培养运动状态的思维方式,多做草图,重视作业过程是行之有效的方法。我发现不少学生出于一种片面的理解,在做作业时谨小慎微,把表面挺括、精细作为完美的标准去追求,因而并不在草图上下功夫,呈现一种单一的线形思维的状态。这种片面强调制作感的作业标准与完成方式给其带来了一种束缚创造能力发展的紧张感与压迫感,为了扭转这一情况,我让学生多做草图,做多种构思与方案的尝试,强调一种对象可以通过多种途径、多种形式、多种构成方法、多种色彩关系、多种描绘手法表现,使学生将完成作业的过程变成一个不断尝试各种可能性的过程,重视并抓住这个过程,而不是急于完成作业。作业只是这个过程的结果,没有这个过程,任何作业都缺乏实际的意义,因为我们要教给学生的是一种完成课题的方法。如在美术字课程中,不少学生开始时一味地使用尺与直线笔,而忽略了字的结构、比例与笔画的关系。后来让他们做徒手练习,将注意力放在大的方面,使练习量大为增加,进一步引发学习兴趣。在色彩课的变调练习中也是如此,关键是让学生如何来变,而不是在“平面”或“写实”这一外表形式上做修补。同一对象作不同角度、不同光线、不同构图、不同方法的练习,这样学生对对象色调关系的理解就较为透彻了。 学生做作业时的一个突出问题是只满足于教师所规定的基本要求,有“不求有功,只求无过”的倾向,即作业效果刻板,不够丰富生动。针对这个问题,我曾向学生举过这样的例子:做作业如同参加足球比赛,不能只以不违反规则为满足,而是要在不犯规的前提下以进球取胜为目的,乃至要争取成为球星。在这儿,守规则不是目的,只是取胜的基本保证。这又如同会讲普通话并不一定就是话剧演员一样,演员是用普通话去演戏,但这只是一种最低限度的基本需要。这一现象实际上涉及对待作业的标准问题。可以说完成作业有两个标准,即低标准与高标准。低标准即完成一张作业,仅仅以完成为目的而已。而高标准则是以作业完成过程为磨练,得到更多作业完成后纸面上图形、色彩、造型、绘制手法以外的东西,在高一级的层次上学到更多的东西。我们应该看到,一个单元、一门课程并不能做出多少作业,数量是很有限的,所以如何在有限的习作中解决诸多的问题,打下既有宽度又有深度的基础,让学生掌握举一反三的本领就显得极为重要了。而这又是过渡到全面专业设计实践中解决更多问题能力的基础之一。 个别辅导中使人头痛的一点是,绝大多数学生的艺术视野较为狭窄,审美基础与鉴别能力空白如纸。而这种鉴别能力的提高实际上是做出较好作业的一把钥匙。常见有不少同学在完成作业的过程中,纸面上常有闪光之处,有一些好的苗头,但由于他们把握不住火候,往往转胜为败。而这种不善于控制效果的原因,正是因为他们缺乏敏锐的鉴别能力、好坏不分。没有一定的鉴别水平,就会变为艺术上的“睁眼瞎”,就不会选择资料、利用资料。所以他们有一种对印刷品的盲目崇拜,眼光死盯着一些俗不可耐的东西。因此我们在向学生大量介绍各类优秀的典范作品的同时,也向学生指出一些劣作的丑陋之处,一正一反,对学生鉴别能力的提高是显而易见的。按以前的说法,教师要给学生一桶水,自己首先要有一缸水,但在信息普及的今天,教师在缺乏集中、更新,乃至出国进修的情况下,这已经成为不可能的事,但要紧的是教师要能告诉学生到哪里去找水。 课堂教学中个别辅导的效果与教师的有无威信乃至个人魅力是分不开的,它并不完全取决于地位、职称、年龄,而在于与学生思想与语言的沟通,因为在辅导作业的同时自然是产生师生之间的交流。这种交流的程度是重要而关键的,对许多关系与问题起着微妙的调节作用。它还在于教师是否对艺术教育有着深邃的理解和把握及一定的当代意识。学生对教师及辅导的兴趣有时会成为其求取知识,获得专业上进取的稳定倾向,以至成为一种内驱力。 美术课堂教学艺术研究:美术课堂教学艺术初探 美术和人民的生活息息相关,如影随形,美术的社会作用远非其他艺术可比,美术的综合素质高,其精神生活和物质生活会丰润饶益,表现在服装设计、室内设计、工业设计、商业美术、环境艺术等等方面,在工艺美术和建筑中,美术的价值尤为突出,促进着人们的文明之发展。下面将教学体会略作分享,敬请匡误扶正。 一、培养学生认识美的能力 审美是一种实践活动。法国雕塑大师罗丹曾说:“世界上不是缺少美,而是缺少发现。”美术教学的内容,大都来源于大自然的事物。为使学生认识美,带领学生到自然界中进行观察体验是一个重要的途径。在教学中,让学生走出教室,带领学生走进大自然,去观察,去分析,去感受。春山艳冶而如笑,夏山苍翠而如滴,秋山艳艳而如妆,冬山惨淡而如笑,此四时之美;风霜雨雪,朝晖夕阴,气象万千,此气候变化之美;鹰击长空,鱼翔浅底,人与自然共融,此自然和谐之美。丰富多彩的大自然,为我们展示了精彩绝伦的形色之美。 在这些对自然景物的观察、体验、分析的过程中,让学生去发现美,感受美,去锻炼善于发现美的眼睛,培养学生的审美素质,从而陶冶性情,净化心灵。 二、学生预期培养目标 1.学生通过几年的学习,能够达到正确地看待人生,规划发展目标,树立正确的价值取向,能对事物作出客观的价值判断,对美术的理解、欣赏能力与水平有所提高。 2.能够达到确立学习目标,学会制订学习计划,及时调整学习计划的能力。具有养成良好学习习惯和思维品质,发现问题、提出问题,自我总结、反思的习惯。 3.让学生能达到认真上好每节美术课,掌握一定的美术知识,同时热爱生活,珍爱生命,意志坚定,不怕挫折,正确认识自我,保持和谐的人际关系,有自信心,有较强的意志品质和较好的心理调适能力。 4.在审美与表现方面,形成珍视自然、文学、艺术和科学之美,热爱大自然,领略大自然的色彩,具有辨别美与丑的感觉和直觉的审美素养。具有创造美的欲望和思维,具有应用艺术美化生活能力的审美表现。形成鲜明的美术教学风格,提升教学品味,大力推进素质教育发展而奋斗。 三、让学生在学习中体验快乐与需要 一头牛,一棵树,前人画的作品一样能够震惊于世。牛,一些长期生活在城市的学生不是很了解,更不要说有过近距离的接触和观察了。在生活当中,各种各样的树我们随处可见,树在自然界中不可缺少,它具有韧性,呼唤春天,在冬天与严寒共舞;在阳光下,在夜里,它美丽多情,魅力无限,树影婆娑,随风起舞,它姿态万千风情万种;树有坚强的意志,它深深地扎根在土壤里,抵御风沙,保护着自然环境,为地球的绿化做出了杰出的贡献,树平凡而伟大,古往今来,文人骚客,吟诗作赋,歌唱树、赞美树,说到这里,对我们中学的学生来说,非常适宜,因为书画同源,画好一幅美术作品,可以题一首小诗,对于每一个学生来说这都不是陌生的,也不是非常之难;画树的主要目的就是培养学生热爱自然、保护自然界的情怀,让学生进一步对树有所了解,培养了学生的欣赏能力和对艺术的追求兴趣。现在,《苍松翠柏》的教学内容给我们打开了一个新的学习世界,提示了树在山水画中的重要意义,为丰富绘画尝试以及进一步了解山水画提供了一种学习路径。 爱美之心人皆有之,在学习美、研究美的各种活动中,与美术相比,其他艺术相形见绌。没有美术,人生的乐趣大为逊色。没有美术,艺术殿堂便不再丰实。美术学习与生活不可分割,丰富着人类的文化生活,给学生的学习与生活带来无限的乐趣。 美术课堂教学艺术研究:美术课堂教学艺术初探 美术和人民的生活息息相关,如影随形,美术的社会作用远非其他艺术可比,美术的综合素质高,其精神生活和物质生活会丰润饶益,表现在服装设计、室内设计、工业设计、商业美术、环境艺术等等方面,在工艺美术和建筑中,美术的价值尤为突出,促进着人们的文明之发展。下面将教学体会略作分享,敬请匡误扶正。 一、培养学生认识美的能力 审美是一种实践活动。法国雕塑大师罗丹曾说:“世界上不是缺少美,而是缺少发现。”美术教学的内容,大都来源于大自然的事物。为使学生认识美,带领学生到自然界中进行观察体验是一个重要的途径。在教学中,让学生走出教室,带领学生走进大自然,去观察,去分析,去感受。春山艳冶而如笑,夏山苍翠而如滴,秋山艳艳而如妆,冬山惨淡而如笑,此四时之美;风霜雨雪,朝晖夕阴,气象万千,此气候变化之美;鹰击长空,鱼翔浅底,人与自然共融,此自然和谐之美。丰富多彩的大自然,为我们展示了精彩绝伦的形色之美。 在这些对自然景物的观察、体验、分析的过程中,让学生去发现美,感受美,去锻炼善于发现美的眼睛,培养学生的审美素质,从而陶冶性情,净化心灵。 二、学生预期培养目标 1.学生通过几年的学习,能够达到正确地看待人生,规划发展目标,树立正确的价值取向,能对事物作出客观的价值判断,对美术的理解、欣赏能力与水平有所提高。 2.能够达到确立学习目标,学会制订学习计划,及时调整学习计划的能力。具有养成良好学习习惯和思维品质,发现问题、提出问题,自我总结、反思的习惯。 3.让学生能达到认真上好每节美术课,掌握一定的美术知识,同时热爱生活,珍爱生命,意志坚定,不怕挫折,正确认识自我,保持和谐的人际关系,有自信心,有较强的意志品质和较好的心理调适能力。 4.在审美与表现方面,形成珍视自然、文学、艺术和科学之美,热爱大自然,领略大自然的色彩,具有辨别美与丑的感觉和直觉的审美素养。具有创造美的欲望和思维,具有应用艺术美化生活能力的审美表现。形成鲜明的美术教学风格,提升教学品味,大力推进素质教育发展而奋斗。 三、让学生在学习中体验快乐与需要 一头牛,一棵树,前人画的作品一样能够震惊于世。牛,一些长期生活在城市的学生不是很了解,更不要说有过近距离的接触和观察了。在生活当中,各种各样的树我们随处可见,树在自然界中不可缺少,它具有韧性,呼唤春天,在冬天与严寒共舞;在阳光下,在夜里,它美丽多情,魅力无限,树影婆娑,随风起舞,它姿态万千风情万种;树有坚强的意志,它深深地扎根在土壤里,抵御风沙,保护着自然环境,为地球的绿化做出了杰出的贡献,树平凡而伟大,古往今来,文人骚客,吟诗作赋,歌唱树、赞美树,说到这里,对我们中学的学生来说,非常适宜,因为书画同源,画好一幅美术作品,可以题一首小诗,对于每一个学生来说这都不是陌生的,也不是非常之难;画树的主要目的就是培养学生热爱自然、保护自然界的情怀,让学生进一步对树有所了解,培养了学生的欣赏能力和对艺术的追求兴趣。现在,《苍松翠柏》的教学内容给我们打开了一个新的学习世界,提示了树在山水画中的重要意义,为丰富绘画尝试以及进一步了解山水画提供了一种学习路径。 爱美之心人皆有之,在学习美、研究美的各种活动中,与美术相比,其他艺术相形见绌。没有美术,人生的乐趣大为逊色。没有美术,艺术殿堂便不再丰实。美术学习与生活不可分割,丰富着人类的文化生活,给学生的学习与生活带来无限的乐趣。 美术课堂教学艺术研究:美术课堂教学艺术优化论文 前言:21世纪是个信息化的时代,社会的发展与人们观念的更新促使教师必须树立全新的教育理念,以发展的眼光看学生。美术课堂教学应以学生为主体,寓知识技能于兴趣之中,充分发展学生的个性,提高学生的审美能力,使美术学科成为一门活泼、轻松、富有魅力的学科,使美术课堂成为学生各显其能,发挥想象,并能与老师互动交流的场所。 随着二期课改的不断深入与发展,人们的各种教育观念也在不断更新,美术教育的内涵也在日益丰富。教师在“以学生发展为本”的教学理念指导下,应当改变以往单一的教学模式,在如何优化美术课堂教学方面大胆尝试、不断创新,使美术课堂教学优化为生动活泼、充满活力的教学过程。 第一、激发学生的学习兴趣,是优化美术课堂教学的重要前提。 兴趣是学习心理中最现实、最活跃的因素,它能够成为学习的直接动力。能否激发起学生的学习兴趣,是打开学生心扉、提高教学质量的捷径,也是优化美术课堂教学的前提。从兴趣入手,调动学生的学习动机,充分利用美术学科的特点优势来激发学生的学习兴趣,如在美术室注意环境布置营造气氛,教学中除了运用实物教具和挂图等简单手段,还运用音乐、幻灯、投影仪、电视录像、多媒体等电教手段来激发学生的学习兴趣,在美术课堂教学中如何激发学生的学习兴趣呢? (一)应用多媒体手段辅助美术教学,增加美术课堂教学对学生的吸引力。 在信息技术日益发达的当今社会中,现代教育呼唤教学手段的现代化,运用多媒体技术辅助美术教学既是当前教学改革的必然发展趋势,同时也是推进素质教育的一种必然要求。与传统教学手段相比较而言,现代多媒体教学的实效性强,有省时、省力、直观、灵活、生动、节奏快、容量大等特点。比如,在七年级的《结构素描》一课中,运用FLASH动画可以将“近大远小、近低远高”的透视规律直观地呈现出来,使学生一看就懂、一学就会;还可以在FLASH制作的运动画面中随心所欲地变化字体,使学生从中掌握美术字体的变化规律,同时大大提高学生的学习兴趣。再如:在以往的美术欣赏课的教学过程中,教师的资料来源往往局限于书本图片或几本书籍、杂志中的精彩图片,但那一张张小得可怜的图片使学生即使睁大眼睛,也看不清楚。如今,教师可以在课堂教学中运用多媒体技术,导入各种信息,并有机组合,声形并貌,这样,学生无论在课堂的任何角落都能看得清楚,也不会因为教师的语言不够生动、演示的画面过小而对美术失去兴趣。随着“校校通”的开通使用,一个美术课件可以为多所学校下载,网上资源可以共享,使得美术课堂素材更加丰富,有限资源得到无限使用。可想而知,只要老师能够充分地发挥多媒体的作用,对美术课堂教学来说,无疑大有裨益。 (二)拓展美术教学材料,丰富美术教学课程的内容。 当今的美术在现代艺术材料和艺术技术、交流传播媒体、视觉研究和信息技术的冲击下,在表现手法上已经发生了巨大的变化。这就要求老师用发展的眼光对待美术教学和学生,而不能只停留在教授学生掌握某种绘画技法上。比如,在七年级的《标志设计》一课的教学过程中,老师可以让学生采用即时贴进行剪贴的方法制作和创意小队活动的标志,从而塑造可爱、活泼、健康的小队形象,这样既省时、省力、又符合初中生好动的心理特点。美术材料的日益更新使得老师在设计教学思路和教学方法上有了拓宽思维和想象的空间,如鸡蛋壳工艺画的制作体现了变废为宝的环保意识,版画的制作体现了这种绘画流程给人带来的视觉美感和快感;再如,在八年级《纸的造型艺术》一课中,老师不仅仅要教学生纸的剪、折、裁、叠、卷等方法,还要使学生了解和感受到不同材质的纸张的制作特点,更主要的是让学生怎样运用学到的知识和技能美化自己的生活,做到学以致用,这就大大提高了学生的学习热情。 第二、创建轻松愉快的课堂教学氛围,是课堂教学的关键。 课堂氛围是师生共同在课堂上创造的心理和环境氛围。良好的课堂氛围能增进师生的情感交流,会产生更多的师生互动,学生愿意更多地表达自己。如何创建轻松愉快的课堂教学氛围呢? (一)充分运用教师语言的艺术。 课堂并非是老师的一言堂,因此老师的话不一定多,但要能给学生以启发和引导。老师就象是一位出色的演讲家,充分展示自己的教学语言艺术,言词中透露着思辩与智慧,话语中体现着幽默风趣、语调中包含着抑扬顿挫。老师在主导教学时应努力营造出一种宽松、愉快的课堂氛围,针对不同类型的学生,提高他们的学习主动性,使学生在繁重的学业中得以轻松地展现自我,那么,学生就会把对老师本人的喜欢迁移为对美术学科的热爱。以六年级的《发射构成纹样》一课为例,我先从生活中的一些自然现象,比如旋涡、波纹、射击的靶心等例子出发,用生动的语言帮助学生在头脑中引起暂时神经联系的兴奋,以唤起学生对感知过的事物或场景的联想;再促使学生比较这些现象的共同点:由中心向四周扩散,和由四周向中心集中;接着我以这些现象的共性向学生提问,从圆形引申到正方形、三角形以及不规则的图形等。最后我运用多媒体的动画效果展示一些发射构成纹样的作品,同时加以具体形象的描述,使学生从视觉和听觉上对发射构成纹样有了更深的了解,从完整意义上看,这是从认识到理解再到发展创造力的过程。在此教学过程中,老师的教学引导起到了很大的作用,课堂气氛宽松,学生思想活跃,他们的想象能力和动手能力得到了发挥,学生学会了发现与思考、同时也学会了探索与创造,从学生的作品中表现的正是不同层次的创作。 (二)尝试失败,因材施教,增强学生学好美术的信心。 与其他学科比较来说,美术学科更注重实践性和操作性。实践必然会有成功与失败,尝试失败的教学方法,就是事先不必给学生过多指导和框框加以限制,让学生在多次尝试与失败中自我进步。当学生在实践中出现错误时,或出现抵触情绪、不想画时,老师不应该责怪、批评学生,而应该意识到这是一个教育的契机,及时地给学生以鼓励和引导,帮助学生完成心中想要表现的作品,使学生在失败中学到许多东西。而对于基础较好的学生,教师可以鼓励他们大胆的尝试更新颖、独特的绘画方式,以培养他们的创新思维。比如在《剪纸》一课的教学过程中,学生很容易把剪纸和纸贴画混淆在一起,因此,学生的作业中有剪纸,也有纸贴画,出现这样的情况,老师只有通过展示一些个性鲜明的图例,帮助学生了解和区分纸的这两种不同的表现手法,而不能完全否认学生的作业,要帮助受挫的学生树立自信。随着时代的进步,美术课堂教学设计的目标已不再局限于区分门类和传授绘画技法上,而是能够利用所学的知识和技能进行变化和组合、创造出无数个新造型、新形象、新形式。 第三、注重对学生的个性化教育是课堂教学的重要目标。 个性化教育是未来教育的重要特征,它在承认学生共性的前提下,在教学过程中强调学生个性的培养和发挥,突出学生的个体差异性。在个性化教育过程中,师生间的情感联络和交流得到加强,学生能发挥更大的积极性和主观能动作用,从而增强自学、观察、分析、判断的能力和自我识别、自我评价和自我控制能力。 由于长期受应试教育思想的影响,在实践中有些教师并没有真正做到素质教育理念所要求的“以学生发展为本”,比如:他们让学生课堂讨论、动手练习,表面上似乎学生都很活跃,思维也开动起来了,但是,老师最后还是用一个标准答案无形中限制着学生的思维,学生还是要跟着老师的思路走。通过大量的实践练习,虽然学生的绘画技能有可能得到一定程度的提高,但是,这样很不利于学生创新意识的形成和个性的发展。我认为,“以学生发展为本”的先进教学理念所倡导的是,教师除了教会学生掌握基本的绘画技能外,还要指导学生如何把心中想画的东西画出来,甚至画得更好。传统的美术教学模式以门类、画种作为教学脉络,比较注重以教师为中心,是老师教学生怎么画,而现代美术教学模式提倡学生为中心,是教师帮助学生将他们想要展现的事物画得更好,是老师帮学生怎么画。比如:八年级的《漫画》的课堂教学中,我通过多媒体的教学手段展示名人漫画,使学生对漫画的多种形式一目了然;运用PHOTOSHOP的技术对图片进行修改,使人物的特征更加夸张,从而达到漫画效果;鼓励学生运用漫画的特殊功能把生活中的事物淋漓尽致地描绘出来,使学生能够从中分辨真善美与假恶丑。 优化美术课堂教学是一门艺术,而不仅仅是一门技术,它对开发学生的学习潜力,培养学生的创新意识和创新能力都起到很大的作用。美术教师要与时俱进,具备以人为本的思想,把握不同年龄段学生的身心特点和认知规律,悉心研究教学教法,改进教学,这样才能提高美术课堂教学的艺术。 美术课堂教学艺术研究:美术课堂教学艺术论文 一、让学生认识美术教学的重要作用 美育是素质教育的重要组成部分。培养学生审美能力是素质教育的基本要求,也就是培养学生的运用艺术的美以及自然的美,并创造美的能力。发展美育,不仅是美育自身的要求,而且也能使学生受到道德熏陶,提升思想境界,有利开发学生智力,提高学生学业成绩,有利于培养学生动手操作能力,有利于学生开展健身健美活动。也就是说,提高学生审美能力更有利于学生德、智、体、劳全面发展。在独自或合作完成美术活动、创作时,在欣赏美术作品时,学生总会产生审美体验,获得对美术学习的持久的兴趣,提高了学生美术创新能力,学会评价美、欣赏美,培养了学生现实观察能力,形成自己的美术素养。美术教育对于学生美术技能的形成和创新意识的启蒙,对于学生良好的个性形成有着非常重要的作用。 二、培养学生良好的美术学习习惯 美术教师要想实现教学目标,产生预期的教学效果,就必须深入研究现行美术教材,并根据自己学生的身心发展特点和年龄特征,找出教材与学生的最佳结合点,使学生对美术教学产生浓厚的兴趣,从而培养学生良好的美术学习习惯和学习方法。美术课由于以学生活动为主,且学生学习活动多种多样,跟其他学科有着本质的区别,如果不认真组织教学,不管控好课堂,易造成课堂混乱局面,也影响了课堂教学效果。美术教师在课堂秩序混乱的情形下,有时对学生大声批评、指责,甚至惩罚,但学生的逆反心理非常强,你越压制,反而闹得越欢。教师只有冷静下来,用耐心和平静对待,就能使学生慢慢安静下来。另外,教师要潜心研究美术教材内容,发掘教材中易产生学生浓厚兴趣的知识点,让学生对所学的对象产生一种情感。如教师可以对美术课文的题目进行引发悬念的修改,可以通过欣赏学生优秀习作,使学生产生新奇感,有了主动学习的愿望,课堂秩序就会井井有条,学习习惯也就自然养成了。 三、重视对优秀美术作品的赏析赏评 在中学美术教学中,教师应重视美术欣赏教学,培养学生直观认知感受能力以及抽象综合思维能力,训练学生全面、准确的观察能力,创新、设计、实践能力,以及在美术活动中与人交流、合作的能力。美术欣赏教学不能让教师一直在讲解、灌输,而是让学生自己去观察、品味、感受。而学生出现疑惑时,也正是教师激发学生求知欲望的最佳时机。因此,教师应积极引导,鼓励学生多角度、多渠道进行感知,使学生获得丰富的直觉印象。更重要的是,教师不能只停留在这个层面,要积极鼓励学生对美术作品在欣赏的基础上,展开评价和评论。教师可以让学生评论作者所处的年代、作品的内容、表现手法,以及作者、作品在美术史上的地位和影响。而且,评论的重点还是要放在作品本身的内容、形式上。至于评论的深度跟学生的审美体验、文化素养、知识水平有着直接的关系,不要求全责备,可以学生评论,教师评论,也可以学生评论,教师总结。例如,对于齐白石老人的作品,在总结其特点的同时,教师可以拿出齐白石的几幅画作让学生欣赏、评价,让学生得出齐白石的画上的动物跟真的一样,充满活力,特别是画的虾在水里,透明、活泼,最后让学生得出结论:画家笔下的动物妙就妙在似与不似之间。这样,就激发了学生对美术创作活动的渴望,培养了学生的社会意识。四、鼓励学生积极参与美术实践活动受“应试教育”的影响,中学生整天上课、考试,学习、生活紧张,校园生活枯燥乏味,环境沉闷,严肃紧张,长此下去,对学生身心健康会带来一定影响。美术教师可以利用一些常见的生活用品当材料,进行手工制作,如用黑豆、黄豆、红豆、绿豆以及各种颜色的树叶等,拼贴自己喜欢的或者教师要求的图案。这有利于提高学生的学习兴趣,有利于培养学生的想象力。教师还要鼓励学生参与各种美术活动,进行美术制作,学习美术欣赏和评述,在美术学习、制作过程中,激发创造精神,发展美术实践能力,形成基本的美术素养,陶冶高尚的审美情操,完善人格。为了调动学生美术学习积极性,教师可以采用小组竞争的方法,进行集体表彰,还可以奖励学生看一些与美术相关联、有教育意义的动画片,给学生一些不一样的视觉印象,可使学生从中学习画面的美感、形象的刻画,使学生在有趣的活动中受到潜移默化的影响。 中学美术教育越来越受到教育主管部门的重视,成为中学教育的必修课程。我们美术教师应该努力研究中学美术课程标准,研究教材和学生,致力于培养学生的审美修养,培养学生的创新能力,促使学生德智体美劳全面发展,使学生能够真正感受到素质教育的魅力,使其各项潜力能够在艺术的熏陶中得到提升。 作者:霍玉红单位:河北省清苑县中冉中学