一、灰塑的制作工艺 灰塑,顾名思义就是用石灰作为主材料进行制作的工艺,将经过特殊处理过的石灰,在一些建筑的墙上进行粘贴,等其凝固后形成各色的图案,比如花草树木、飞禽走兽、神话人物画等,其艺术效果堪比浮雕,因其工艺精细,立体感强、色彩丰富;题材广泛,通俗易懂,且作品多为人们喜闻乐见的人物、花鸟、虫鱼、瑞兽、山水及书法等,因此被人们广泛运用在房屋的装饰上。 1.灰塑艺术制作的两大主要工序 制作灰塑首先要学会如何开料,比如以二百斤的石灰为例,就需要配备相应数量的辅料,多一份或少一份则开不出好料。开料方法是将石灰用水稀释,配以剪成指定长度的干稻草相互浸泡,水泥沙则作为灰塑的底部材料,总体的制作过程需要经过三个星期左右的时间才能完成。再接下来就是纸银灰的制作,利用浸泡了三个星期的打成浆的稻草和糯米粉、红糖一些材料相互混合制成,其作为灰塑的表层材料,有可能会进行上色处理,可以在纸灰银中加入矿物颜料来达到上色效果。等一切准备就绪了,灰塑就开始着手制作了。第一,先要确定灰塑的外形,利用钢筋、铁线将灰塑的整体框架先构造出来,再用草银灰作为底部材料作为铺垫,最后用纸银灰做出灰塑的表层图案,每一个部位所使用的制作工艺也有所不同,要考虑不同地方的受力因素和一些不确定的因素。石灰是一种特殊的材料,经过特殊的加工方法,可以使图案干结之后变得异常坚固耐用,可以抵抗风吹日晒的侵袭,且使用寿命也比较长,完全可以媲美当代的水泥,具备超强的实用性能。因此,灰塑装饰被广泛的运用在当代建筑上,在一些容易渗水的地方掺杂灰塑装饰,不仅解决了建筑的防水问题,还可以增加建筑的整体美感,使人们大饱眼福。 2.灰塑艺术的两种表现形式 灰塑一般都是在较高的建筑上制作,因此为了给人更好的观赏效果,制作过程中必须要考虑线条和色块是否让人们清楚的看清,才能增加观赏性。灰塑艺术有上色和不上色两种表现形式,不上色的灰塑颜色呈纯灰色,其特点是为了人们在远处更加清晰地观看;而上了色的灰塑也有两种表现:第一种是彩描,就是在灰塑成型之后,在其表面再加胶彩色;第二种则是色批,就在是灰塑作品的表面涂上不同样色的灰加以装饰。第一种表现形式比较鲜艳,第二种则比较耐色,虽然色彩比较鲜艳多样,但在远处观看出,难免会有模糊不清的感觉,因此,在比较高的建筑上的灰塑,不上色的灰塑应用的较多。 二、传统艺术灰塑在美术绘画中的应用 传统艺术灰塑在美术绘画中的应用和研究,就是将灰塑艺术和美术绘画技艺相结合。利用灰塑的传统艺术特点,让美术作品具备良好的保存性、与绘画颜料有好的搭配性。详细的操作流程如下:第一种方法,先在绘画纸上确定绘画的形状,然后开灰塑料,再将料加绘画颜料画在事先画好的纸上,等料快干时,再加以修饰,这样就可以得到一幅灰塑美术绘画作品。第二种方法,在绘画纸上,先用灰塑用料作底,再将灰塑用料加绘画颜料画在事先画好的纸上,等灰塑用料凝固作品就完成了。比如一些民间的美术绘画作品就是用传统灰塑制成的,具体的操作方法如下:首先确定灰塑材料的比例,将石灰加水和成稀的浆液和细干稻草相互混合浸泡三个星期,再加入糯米粉和红糖混合过后当做绘画用的底料,与绘画颜料形成美术绘画的主色,少数底料单用,等底料七成干才能进行绘画,这样做的好处就是利用灰塑的特点使绘画颜料料更好地附着在底料上。如果最好的时候进行绘画,很可能造成内湿外干的现象,很容易造成颜色掉落。因此,在绘画时一定要把握时机,才能制作一幅完好的美术灰塑作品。在颜料选择时也要特别注意。灰塑施彩的材料都是采用天然颜料,施工材料则选用采用矿物质居多。颜料的颜色为粉状的多样颜色,要求颜料颗粒要小,过大的要经过处理才能使用。在美术绘画创作时多选用有机颜料或矿物颜料,有机的颜料是由动物或植物里提取的颜料,具有很高的色溶解度,且颜色较轻、透明度也较好;矿物质颜料则与其相反。矿物质颜料分为合成颜和天然颜料两种,天然颜料主要以土色系为主,不像合成颜料色系较多,且颗粒较细,很难达到天然颜料的绘画效果,但是这种小小的区别一般人用肉眼很难发觉出来。为了符合现代人们多样的艺术需求,必须要选择多样的颜色混合搭配。不同的混合色的调制过程也互不相同。等到调制结束后,还要加点胶水加以搅拌。调制的用料必须根据当天绘画来决定,不得有遗留,因为胶水随着长时间的挥发会失去本来的效果。 三、结语 把传统艺术灰塑融入到美术绘画中来,利用灰塑经久不衰的工艺特点,不仅使绘画作品得到了很好的保存,还能使灰塑艺术以另一种形式得到好的传播和弘扬,是现今社会建筑装饰的一个新的趋势。 参考文献 [1]郑榕玲.岭南传统灰塑的艺术特征及文化内涵[J].大舞台,2014(04):217-218. [2]杨志,罗世侣.开平灰雕文化遗产的价值研究及发展建议[J].美术教育研究,2014(03):42-43. [3]谭美凤.广州陈家祠灰塑的装饰艺术特征[D].西安:西安美术学院,2013. [4]苏全有,宋彦芳.近十年来中国近代绘画史研究评述[J].贵州大学学报(艺术版),2010,24(01):10-20. 作者:曾庆良 单位:广东培正学院
美术作品鉴赏论文:文化情境中美术作品鉴赏分析 摘要:中国有着悠久的历史文化,不一样的历史背景和不一样的情感积淀产生风格迥异的美术作品,这就要求在欣赏美术作品的时候要对作品的历史背景和作者的感情进行分析,重视在文化情境中对美术作品进行鉴赏。本文主要简述了如何在不同文化情境下分析美术作品所包含的韵味,并深入探究了美术作品中存在的人文精神。 关键词:美术作品;人文精神;鉴赏;文化情境 一、文化情境中进行美术作品鉴赏的原因分析 艺术家在进行艺术创作时,不仅要重现事物的美,更重要的是把艺术家自身的思想感情融入其中,通过对各种学科综合知识的巧妙运用,使得“美”在其笔端得到升华。在进行艺术创作的时候,要对美术作品创作的基本能力、空间想象能力、逻辑能力机型综合运用在,这样才能创作出一幅完美的作品。所以,我们在欣赏这样一幅作品的时候要对这些思想感情、多学科知识进行综合的分析,才能很好地提高鉴赏效果。 二、在文化情境中进行美术鉴赏的简述 随着社会的不断进步,我国对美术作品的鉴赏与研究也在发生变化,将美术作品放到特定的历史环境下去分析其蕴含的深层意味,可以对画家创作时的情景进行真实的在现,这样可以很好的提高我们的鉴赏水平。所谓文化情景就是一件美术作品的创作过程当时所处的文化环境、时代背景、文化特征等等。在对美术作品进行鉴赏的过程中,分析其文化背景至关重要。在鉴赏美术作品的时候,不应该只对作品的技巧进行分析,还要明确作品的历史背景、社会人文以及科学特征等等,把作品融入到当时的文化环境当中去,对画家创作时的内在情感进行分析。优秀的美术作品作为我国文化遗产的一部分,在社会文明中有着不可替代的作用。美术作品的优秀思想、优良的精神可以运用到社会生产实践当中去,这样不仅可以有效的促进社会的进步,还能引导人们的心态向积极健康的方向发展,而且对研究人员的想象力、创造力有很好的促进作用。此外,还有很多非常深奥的哲学思想蕴含在美术作品中,这就更加要求我们在做美术作品鉴赏的时候不仅要分析其历史环境,而且要分析画家在创作的时候内心的思想与情感。画家在进行美术作品创作的过程,实际上是对多种不同文化与知识的综合运用,所以,加强文化情景中美术作品的鉴赏可以提高人们的基本素质。这种鉴赏本身就是对生活的一种很好的还原,但是不是对生活简简单单的那种描述,而是把价值观、审美观与文化情景进行统一。人们在进行美术作品鉴赏的时候,应该通过视觉感受来体会作品中蕴含的深层次的思想与感情,努力与作者产生共鸣,在鉴赏美术作品的时候使自身的思想也得到进一步的升华。 三、文化环境中进行美术鉴赏 俗话说“艺术源于生活高于生活”不同地区的美术艺术也有不同风情,所以我们在鉴赏美术作品的时候,要近距离的对美术作品进行感受。例如黄永玉前辈的《山鬼》有着浓厚的湘西本土特色,黄老塑造的“山鬼”这一形象其实是在湘西本地神话故事中有着悠久的历史,黄老在创作这幅作品的时候也让“山鬼”这一形象有了鲜明的特点。这个时候,我们要结合湘西本地的文化对“山鬼”这一民间形象和艺术形象进行对比分析。使我们在认识“山鬼”这个艺术形象的时候更加深刻。在对美术作品进行鉴赏的过程中,可以通过视觉、心理等方面的共鸣来进行,从视觉与心理上对作品进行感受,在这一过程中体验作者想要体验的情感与意境。例如在传统的国画进行赏析的时候,我们要对作品被创作出来的时代背景及其历史文化有所了解,在鉴赏这种作品的时候应该对当代历史文化有很好的掌握,还可以借助古典音乐来进行联想,体会作者创作时的情感。中国古典画作和古典诗歌一样很多都是托物言志、借景抒情的,了解了这一点很有利于对美术作品的鉴赏。在进行美术作品鉴赏的时候,我们还要注意美术与其他学科之间的连接,由于美术作品在创作的过程中,不仅仅是美术技巧的简单堆叠,其过程结合了很多其他学科的科学内容,其蕴含的知识是比较广泛的,这就要求我们在鉴赏的时候,融入当地的政治、经济、文化、历史等方面的内容,这样可以很好的提高鉴赏的效果。例如:在对文艺复兴时期的美术作品进行鉴赏的时候,我们要很好地了解当时当地的历史背景、文化背景、经济背景等等,把这些背景有机的结合起来,接受画家生活年代、国家发展面临的环境和当时的世界环境。这样可以加强对作品的思考,得到作者想通过作品传达出的深层思想。在鉴赏的过程中还要注意与生活联系起来,艺术源于生活高于生活,生活中有着丰富多彩的美术作品,所以想要在文化情景中鉴赏美术作品可以从身边的美术作品入手,以此来提高自身的美术鉴赏能力。美术鉴赏还要与自然美进行有机结合,用自然美来发展自身的思维意识与审美能力。将美术鉴赏与行为艺术相结合,用这样的方式来提高美术鉴赏效果。 四、结语 不同的美术作品其蕴含的思想不同,再加上画家在创作它们的时候,融入了当时画家生活的环境与时代背景,所以我们在鉴赏美术作品的时候,要注重作品的历史文化背景,对画家生活的历史时期的社会文化和宗教信仰进行深入了解,才能更好地体会到作品深处蕴含的深刻内涵。 作者:李梦琪 美术作品鉴赏论文:社会学视角下抽象美术作品鉴赏初探 美术作品是凝结在画作上的画家对于生活的感悟和理解,因此在欣赏美术作品时,不仅要能够理解画家高超的画技,同时也还要能够欣赏作品的美,理解作品想要表达的内涵。这在具体美术作品中能够较容易地实现,而在抽象美术作品中,由于其抽象性等特征,欣赏者较难理解其内涵。基于此,我们试图运用社会学视角对抽象美术作品的作者生平、生活环境以及政治背景等进行分析,使欣赏者能够更加深刻地理解抽象美术作品。 一、通过对创作者的生平的了解来提升欣赏者对抽象美术作品的欣赏能力 欣赏者在欣赏抽象美术作品的过程中,了解创作者的生平有助于把握作品中创作者留下的各种痕迹,从而更加理性地认识作品。例如,通过对创作者专业教育经历的了解,欣赏者能够理解作者不同时期作品的特点,以及创作者成熟时期作品中所包含的其他派系的痕迹,对于欣赏和理解抽象美术作品有很大的帮助。又如,通过了解创作者的情感经历,能够使欣赏者了解创作者在创作美术作品时经历的情感,从而能够将对画作的理性理解转移到对画作所表达的情感的感受上来,使欣赏者对抽象美术作品的欣赏能力得到提升。在对荷兰印象派代表人物彼埃•蒙德里安的作品《灰色的树》的欣赏过程中,我们就可以采用了解作者生平的方法,这样就能够更加准确地认识和理解这幅画作,同时对这幅画作的美的印象更加深刻。彼埃•蒙德里安曾在早年师从其叔叔——海牙派画家富尔兹•蒙德里安,得到了写实浪漫主义的真传,这一经历对其后来的创作影响巨大。在《灰色的树》中,还能够看到写实浪漫主义的特征——将内心深处的浪漫情感通过写实主义倾泻而出。在青年时期,蒙德里安就读于国立艺术学院,受到了象征主义、印象主义和表现主义的影响,开始形成了自己的风格。在1911-1914年间,蒙德里安受到了毕加索等立体主义的影响,因而形成了立体主义的风格,在《灰色的树》中,还能够看出采用了透视和立体三维画法的痕迹。在一战期间,蒙德里安致力于用画作表现和平和发展的理念,因而开始使用中性的色彩,这也是《灰色的树》中选择灰色作为主色点的重要原因。这样,通过对蒙德里安生平进行分析,欣赏者就能够对《灰色的树》有更加准确的理解,能够看出在画作中创作者采用的方法和其创作时的情感等,更能够欣赏到作品的美以及作者人格的伟大。 二、通过对创作者生活环境的了解提升欣赏者对抽象美术作品的欣赏能力 对创作者的生活环境的了解,能够从源头上帮助欣赏者认识到作者对于现实事物的认识能力。这样,当作者把现实事物抽象地表现为画作时,欣赏者就能够理解作者为什么选择这种方式来表达这样的主题和这样的情感。因为作者的生活环境不仅决定了创作者的受教育程度,同时还影响着作者对于事物的认知和对于情感的体验和表现程度。只有了解到这点,才能够更好地欣赏抽象画作。在对毕加索名画《哭泣的女人》进行欣赏的过程中,就需要充分地了解毕加索的生活环境,才能够深刻理解为什么“女人”哭泣时面部扭曲、眼睫毛的移位到如此地步。《哭泣的女人》是以毕加索的情人多拉•马尔为原型创作的。多拉•马尔与毕加索维持了长达九年的情人关系,在两人关系刚开始的期间,多拉•马尔与毕加索情感很好,两人出双入对。但是,两个人性格都很强硬,在很多问题上意见相左,谁也不愿意妥协,因而经常硬碰硬。在这样的相处模式之下,毕加索开始动手殴打多拉•马尔,并且多次将多拉•马尔打晕。多拉•马尔也因此多次哭泣。毕加索不仅经常打多拉•马尔,还经常出言刺激她,使她伤心落泪。在这种背景下,毕加索以多拉•马尔为原型创造出《哭泣的女人》。当欣赏者了解了毕加索的创作过程之后,就能够更加深刻地理解《哭泣的女人》中主人公面部的扭曲,也能够理解毕加索刻意对其的丑化,能够进一步地体会毕加索在创作时候的感情。 三、通过对创作者所处政治环境的了解来更加深刻地体会美术作品的寓意 虽然抽象艺术不直接表达现实社会,不直接表现政治问题,但是创作者所处的政治环境对其创作主题和创作思路也会产生巨大的影响。通过对其进行研究,能够更加深刻地掌握抽象美术作品的内涵。在里希特的画作《派对》中,创作者就通过画作来对明星托里亚尼的中产阶级生活方式进行了批判。这种批判并不是来源于里希特的一时兴起,而是在里希特早年的生活方式以及当时的政治环境影响下产生的,因而有着明显的政治意味。里希特在两德分裂之后,在民主德国生活,后来冲破阻碍到了西德。在与民主德国有着完全不同政治气氛与创作氛围的西德中,里希特的思想产生了极大的震撼,并且努力适应。美国当时在德国的文化艺术政策和政治政策深刻地影响西德的艺术发展,里希特也受到了深刻的影响,进而发展了其政治波普风格,这在《派对》里得到了淋漓尽致的体现。 四、结语 综上所述,运用社会学视角对抽象美术作品进行鉴赏能够使欣赏者更加准确地理解作品所表达的内容,把握作品所表达的主题,掌握作品所传递的情感,这对于欣赏者鉴赏抽象美术作品有着非常重要的作用。因此,我们在对抽象美术作品鉴赏的过程中,需要灵活运用社会学的视角,通过了解创作者的生平及其所处的生活环境、政治环境等对作品进行全面、深刻和立体的了解,不断提升对抽象美术作品欣赏能力。 作者:李群英 黄静 单位:河北传媒学院 美术作品鉴赏论文:文化情境中的美术作品鉴赏 摘 要:美术作品中蕴含着画家对于现实生活的所见所感,在不同的历史文化中,美术作品所反映出来的意识形态是不相同的,它所传达的思想、所抒发的情感和一定的历史文化情境都是息息相关的。所以我们在鉴赏一幅美术作品的时候,关注的不仅仅是色彩、结构等表现手法,更应该去分析作品的绘画背景以及作者所要抒发的情感。结合每幅作品的文化情境,才能有自己独特的理解和体会,才能真正去掌握一幅画所要真正表达的思想内容。 关键词:文化情境 美术作品 鉴赏 人文精神 不同的历史时期的文化情境也是不同的,中国有五千年的悠久历史,文化可谓是博大精神,鉴赏每一时期的美术作品时我们应该具体结合当时的文化,只有这样才可以还原美术作品创作的文化情境,激发学生鉴赏美术作品的兴趣,进而加深对于美术作品的理解,感受出不同文学作品所要传达出的人文精神。 最初我们对于美术鉴赏只是有一个简单的认识,认为美术鉴赏可以让学生通过去欣赏不同的美术作品,可以开阔学生的眼界、可以培养学生的感性认知,最终可以提高学生的艺术修养。可是现在我们应该要清楚的认识到:如果将文化情境和美术鉴赏相结合,会达到一种更好的效果。在b赏一幅美术作品的时候如果结合当时的文化情境,不仅可以培养学生的美术鉴赏能力,还可以对学生进行人文教育。在中国悠久文化传承过程中,我们知道前人会采用书籍记录、古物相传的办法,但是美术作品也是非常重要的工具。在鉴赏美术作品的过程中,学生可以了解到当时创作的历史背景,可以深刻体会出作者在作品中所要传达出来的人文精神,也可以去深刻的感悟清朝、唐朝以至于西周等历史时期的文化氛围,所以这种在文化情境中去感悟人文精神的方式是值得提倡的。 利用文化情境去进行美术鉴赏,还可以促进学生的全面发展。如果单单的讲美术鉴赏归结于是一场美术课的内容,未免显得不太正确。在美术鉴赏的过程中,老师可以去引导学生主动去研究当时作品创立的背景,进而可以了解历史、看懂地理人文、体会人文精神,对于学习过程中的其他学科有很大的帮助,在一幅简单的美术鉴赏课中也可以促进学生的全面发展。比如。被称为“中国十大传世名画”之一的“唐宫仕女图”中的《虢国夫人游春图》,是著名画家张萱在辉煌的唐代所创作的,表现了唐代贵族妇女闲情逸致的生活,细致的用画笔描述了“回眸一笑百媚生”的唐代美女的形象。仅仅可以通过一幅画,就可以了解到丰富的历史文化,这才是文化情境中美术鉴赏的价值所在;也是我们在美术鉴赏中,所应该去积极提唱和践行的。 在新课程改革中提出了要将美术作品的鉴赏放在特定的文化情境中,在一定程度上可以让学生了解当时作品创作的历史背景,这样也会有利于提高学生鉴赏美术作品的能力。但是美术鉴赏这一课程在现如今的实施中仍然存在一些问题。首先,鉴赏过程中只会重视基础却忽略了和现实生活的结合,只是专注于美术作品中色彩、结构、比例的讲述,但是却忽略现实生活的教育意义,以至于造成了学生只浅显的记住了“如何画”、“谁的画”,没有理解鉴赏真正的优秀要素,所以并没有体会出美术作品所要表达出来的真正情感和所要传达出的人文精神,这样并不能达到美术鉴赏的真正目的。其次,在美术鉴赏中,只重于理论的学习,却未能将它付诸于实践,每一次美术鉴赏时只知道显示现成的美术作品,却忽略了学生的主体性。如果不能让学生自己去主动发现美术作品的历史文化,不能让学生主动去研究历史背景、创作原因的话,并不能充分发挥学生的主体性,也不能激发学生主动去探究美术作品的兴趣。 对于当今快速发展的21世纪,科技不断发展,人们的思维方式,观点态度也随之不断变化,在新的挑战下新课程改革下的美术鉴赏必须要结合当时的文化情境,这样才可以真正去读懂一幅美术作品。那么如何才可以在文化情境中去鉴赏美术作品呢? 首先,我们应该去读懂我们的传统文化。社会在不断的发展和进步,不同于于最早的人类,现如今人们的思维方式、价值观都和以前不同,所以如果僵硬的要求我们用现在的思考方式去理解以前的作品是比较困难的。我们在鉴赏美术作品时应该引导学生进入当时绘画的特定文化情境,了解作者当时的经历,进而去看懂作者绘画的心。比如在欣赏张择端的《清明上河图》时,我们应该去了解北宋政治经济的繁荣发展,从画中去仔细体会交通的发达、商业的繁荣等,这样才可以看出古代社会细致形象的生活情况。只有去认真了解当时的文化情境,才可以真正地读懂这一无限伟大的历史艺术名作。 其次,我们应该增加美术鉴赏的实践机会。任何艺术都是和生活息息相关的,所以我们不能只是在课堂上去欣赏美术作品,还应该多多在现实生活中是、在实践中去鉴赏美术作品。如果想要了解绘画的背景,我们可以在民间的一些建筑、工艺中得到启示。比如北京的古老的建筑,每一建筑中都凝结着当时人们最真挚的情感,我们通过切身的体验加上去了解当时的文化才可以去真正的欣赏。比如说民间的一些艺术,皮影戏、黄梅戏等都可以深刻的了解历史文化,并且可以通过它们的表现形式、形式就可以零距离的感受民间的艺术。 最后,我们可以利用网络媒体进行美术鉴赏。网络媒体已经渗透到了生活的各个方面,在美术鉴赏的过程中也是不可避免的。我们在欣赏一幅美术作品时,可以利用多媒体技术,这样也不会使课堂显得枯燥单调,会充分的激发学生的学习兴趣,达到事半功倍的效果。 每一时期的美术作品都包含着不同的思想,也填充了每一位艺术家特定文化情境中的独特情感,所以我们在鉴赏一幅美术作品的时候,不单单要注重作品的表面,更应该去关注作品的历生平经、生活的时代背景,才可以达到对作品的深入了解,最终去真正领域美术作品所要表达的人文精神。 美术作品鉴赏论文:美术作品鉴赏中的常见问题及策略 摘 要:美术作品鉴赏是美术欣赏教学中最重要的组成部分,目前仍然存在很多问题。对美术作品的鉴赏应改变以教师为主角的状态,发挥学生的主动性,从多个角度欣赏美术作品,并引导学生大胆表达自己的想法。 关键词:美术作品鉴赏;存在问题;教学策略 “面对一幅绘画作品,该如何欣赏?面对一幅绘画作品,又该如何让学生学会独立欣赏?”这是一直以来存在我心里的一个问题,作为一名美术教育工作者,我常常观察、研究、思考并总结这一问题。 一、初中美术作品鉴赏中存在的常见问题 1.教学前往往很少布置预习,教学过程中我讲的时间多学生思考的时间少,欣赏课课后也很少布置拓展作业 这样的课我讲得口干舌燥,学生当作故事能听多少听多少,课后记得多少是多少。教学前很少布置预习是因为:(1)为了不给学习任务重的初中学生增加负担,所以一直抱着美术课的内容能在课堂解决就在课堂解决的心态。(2)事先对美术作品进行欣赏,学生需要查找一些图书资料或在网络上寻找,考虑到学校关于美术方面的图书资料不丰富,另外网络只有一部分学生家里有。 教学过程中,我讲的多学生思考的时间少,是因为:(1)学生都有惰性,而且当美术课是一节放松的课,希望教师讲,自己听听就行了。(2)至于思考,也是只有表层的反应。给予多一点的思考时间,没有人深入思考,而是变成了同学之间的聊天。 2.对美术作品的鉴赏也过多关注作者的介绍,作品的背景,还有作品的“文学性解释” 诚然,对美术作品的时代文化背景,其与艺术家本人的才能、性格的关联,以及美术作品描绘的故事等欣赏,是美术欣赏中重要的一块内容,让学生多了解和感受,使学生对艺术家及其作品有较全面和立体的认识,更能使学生在美术欣赏课中受到多方面的教育,得到全面发展。但过多阐释,而忽视作品的艺术特点,就有点为迎合学生的兴致,而将美术的“边角余料”过多阐述,没有回到审美教育的主渠道上来。 3.根据“答案”以印证自己是否答对,对自己的见解没有自信。 二、初中美术作品鉴赏的有效教学策略 1.充分发挥学生的自主性 (1)课前给学生充分的时间预习,引导学生利用图书馆、网络等收集与欣赏内容有关的资料,让学生有备而“赏”,从而缩短与欣赏内容的距离,产生欣赏的兴趣。兴趣是学生做好的老师,不必担心会给学习任务中的初中生增加负担。而且,据调查,现在一个班的学生有百分之八十家里有网络,已经不同于我们上学时期,所以有备而“赏”并非难事。 (2)上课时教师出示欣赏作品后,不要立即讲解,可以让学生读画几分钟,也可以以讨论的形式,请他们说说自己对作品的第一印象。学生可能只是凭直觉来欣赏美术作品,受到个体知识和经验的局限,感受到美的成分和质量都很有限,但确实是亲眼所见,亲身体验。教师不要因为学生思考讨论的成分和质量有限而失望,以简单的讲解代替学生感受的表达。重要的是出一些思考题,引导学生观察画面。如,画面是以什么颜色为主?画了些什么?颜色是暖色调,还是冷色调?整幅画感觉是欢快的,还是伤感的?这都有利于激发学生的主观感觉,胜于教师的讲解。 (3)课后,美术欣赏课很少有明确的课后作业或者练习,知识得不到巩固,加之欣赏活动多而分散,学到的知识很快就忘记了,所以,在教学中,可以给每节欣赏课设计不同类型的课后练习。如,在教学浙美版十三册“齐白石”时,课前我让学生观察寻找真实中的虾跟齐白石老人的虾有什么不一样的地方,课上分析讲解后,课后再让学生回去仔细观察虾,比比真实中的虾跟齐白石画的虾是不是真像教师或自己观察的那样不一样,并动手用自己的方式去画画虾,以及观察他们的生活习性。这样就把课堂的欣赏与生活联系起来了,激发了学生的兴趣与主动性。 2.多角度鉴赏美术作品 (1)对于一件美术作品,因为最突出的美点不同,所以备课、授课的侧重点也应不同。有的作品须侧重于时代背景和历史故事;有的应侧重于艺术家奇特而巧妙的构思;有的应侧重于形象的空间组合和画面构图;有的应侧重于造型与材质的表现力;有的应侧重于形象造型的寓意和联想;有的应侧重于对整体空间和自然环境的关照;有的应侧重于某种造型形式因素的运用。最重要的是教师能准确抓住作品的诸多美点之中一两个最为突出的美点,以此设计教学。 (2)美术欣赏课不应是一味地欣赏,有的时候让学生临摹作品,从中体味作品的内涵,这样就打破了欣赏课纸上谈兵、光说不练的局面,更有助于学生理解作品。美术教学的四个领域――造型表现,设计应用,欣赏评述,综合探索并不是孤立的,它们之间相互交融与渗透,形成多向互动的关系。因此,欣赏教学与工艺、绘画的教学并不是孤立的,恰恰相反,欣赏教学始终贯穿在整个美术教学过程中,他们的关系是互为作用的,学生有了绘画的实践,能够更好地理解与认识艺术作品,而在欣赏艺术作品之后,他们就可以将作品的精华运用到自己的制作中。在学生有所体会的基础上,让学生掌握基础知识,为继续探求美作好铺垫。 3.培养学生自信力 教师在教学时要给学生更大的心理空间。不要以自己的角度来审视学生的表现;更不能不顾学生的年龄特点和语言能力,用过于理性化、专业化、成人化的语言对作品进行分析、点评;不要教给学生所谓的“标准答案”,因为任何一件美术作品在不同的人看来可能有不同的评价和感受,即使是同一个人,对同一件美术作品在不同时期、不同环境中都可能有不同的评价和感受。也要时刻给学生灌注一种思维,美术欣赏没有“标准答案”,自己体会到的就是你对这幅画的答案,而且要积极地把它表达出来。在课堂上,教师要转变教学形式,变教师一人讲为大家讲,先让学生有充足的时间观察、分析作品,然后鼓励他们讲出观察、分析的感受,讲错了没有关系,讲得好多表扬。当然当学生的理解与作品表意相差太远时,可以提出一些导向性的问题,启发和引导一些偏差认识回到较为正确的思路上来。例如,在教学浙美版十四册“现代生活的视觉语言”中,我紧扣学校对标志的需要,让学生共同为学校出力设计一个标志。在设计之前,以宾王中学的标志作为例子,让学生想想宾王中学的标志是有怎样的含义,作者是怎么构思的。学生怯生生地回答了一句“像蜗牛”,然后等我批判。我鼓励学生:“对啊,是有蜗牛的含义,你们比老师厉害,老师在没了解以前都看不出这含义,其实标志这个东西仁者见仁,智者见智,只要你觉得像它就是。”一鼓励以后,全班学生争着讲,学生的回答保证设计者都没想到,但又很中肯。 (作者单位 浙江省义乌市廿三里初中) 美术作品鉴赏论文:文化情境中的美术作品鉴赏研究 美术的学习绝不仅仅只是一种单纯的技能和技巧的训练,他应该是被作为一种文化和能力来被认识和培养的。新课程标准要求美术老师在教学中,除了要教会学生自己动手画画的能力外,还应该要教会学生全方位和多方位的认识世界的能力,而这种能力的培养主要是要通过历史、文化、经济、人文、宗教等等一系列的知识面来扩展。任何一件艺术作品都不能脱离当时所具备的文化环境而单独存在,美术作品只有在广泛的文化情境中才能够更好地被认识和解读,在美术的教学中只有将美术作品与广泛的文化情境联系,才能够让学生更好地在美术作品中扩展视野,了解人类社会的发展进程。 一、美术作品鉴赏文化情境的含义 文化情境主要是指一件文学作品或者艺术作品,创作的过程中所依托的文化环境、特征以及条件。在对作品的鉴赏过程中注重文化情境,可以使人们在特定的文化环境中更好地理解作品的含义,同时还可以帮助人们通过作品更好地了解一定的科学特征和社会人文气息。任何美术作品都是在一定的文化情境中创作出来的,他都不是孤立存在的。在美术鉴赏的过程中,我们不能只是停留在单纯的技能技巧的欣赏层面上,而是应该将作品放到一定的文化情境中,认识到作品的特征、表现形式对社会生活的独特贡献。 二、文化情境下的美术作品鉴赏教学 1.美术作品鉴赏与相关的情境结合起来 美术作品的鉴赏是要通过视觉、心理以及心境的共同感来完成,观赏者需要首先从视觉上产生感受,继而进一步提炼出作品想要表现的思想感情,从而从情感上产生共鸣。 比如在欣赏中国画时,教师可事先在教室多挂一些具有代表性的古代、近代、现代的中国画图片,使学生一进教室马上置身其中,同时引起学生的学习兴趣和求知欲。在欣赏过程中,教师可播放一些中国的古典音乐来启发联想,并借助古诗词描述出一幅幅清丽、淡雅的中国画,以此内化学生的情感体验。因为中国古诗词、中国的古典音乐、中国画三者都善于借景抒情,托物言志,达到情景交融的艺术境界。所以借助古典音乐、古诗词既可以渲染学习气氛,又能帮助学生通过情感联想理解中国画的墨分五色、色彩淡雅的艺术特色。 2.美术作品鉴赏与其他学科结合起来 美术和音乐与历史以及文学都是有着密不可分的关系的,因此在美术作品的鉴赏中,可以相应地加入音乐、文学等等学科知识,丰富教学背景。比如在介绍画家生活年代以及国家时,就可以适当地加入历史知识和地理知识。再比如对作品进行鉴赏时,还可以相应地加入与美术作品主题相应的音乐,来为学生创造良好的情感环境,以促进更好地教学。一般学校只把欣赏中外美术作品作为美术赏析课程的重点,却忽略了与美术相关的经济、政治、社会、历史等领域。美术赏析课程更应具有综合性。例如在文艺复兴时期,许多世界闻名的绘画出现是与当时的社会发展、经济政治的进步紧密相连的。因此,人文历史、社会文化、经济、政治都要融入到美术赏析课程中去。只有这种各种学科的融合,才能使学生更快地提高学习的兴趣,提升审美能力,才能用学生能够用更广阔的思维来思考问题,更深层次地领悟生活真谛。 3.美术作品鉴赏与现实生活结合起来 艺术源于生活,却又高于生活。生活中的美术现象随处可见,因此我们在进行美术鉴赏教学时,可以将校内与校外,课内与课外的活动结合起来,将教学中的活动与学生的日常生活密切联系起来,这样不但可以让学生真实地感受作品的魅力,同时还能够扩大学生的视野,增强他们的感性认识,创造更加广阔的文化情境。比如我们可以利用学校建筑中的走廊教室等场所来展示学生的作品,营造艺术氛围,这样不但可以提高学生欣赏及评述美术作品的能力,同时,还能够起到美化校园的效果。又比如在欣赏建筑艺术时,我们可以让学生自己走出校园,去评述日常生活中的建筑布局和特色,因为这些建筑都是学生日常生活中常见的建筑,因此学生在进行分析和评论时也会产生出浓厚的兴趣,对于艺术作品的鉴赏也会产生出意想不到的效果。 4.美术作品鉴赏与表演结合起来 美术鉴赏课程是学生通过对自然美和美术作品等的欣赏,来发展学生的审美意识,提高学生的审美能力。在美术鉴赏教学中将美术与表演艺术结合在一起,可以更好地活跃课堂气氛,表演中的语言以及形体展示来让学生通过观察了解各种形体动作,从而更好地积累素材。比如在鉴赏外国雕塑《拉奥孔》时,为了能更好地在学生的头脑中留下被巨蟒紧紧缠身的痛苦和挣扎情景,教师就可以适当地安排学生到讲台前来进行表演,学生通过表演拉奥孔以及两个儿子被巨蟒紧紧缠身时痛苦地扭动奋力挣扎的情景,学生通过亲身的表演以及身临其镜的观察,可以对雕塑作品有一个更深层次的理解,同时在学生头脑中也会留下更加深刻的印象。 三、结语 美术鉴赏教学是美术教学中的重要组成部分,主要是通过教师的指导,让学生能够更好地体会到古今中外优秀美术作品中作者的创作思想和精神内涵,同时美术鉴赏教学也是对学生美术欣赏及评述能力的扩展和延伸,它有助于更好地培养学生健康的审美情趣和人文素养,更好地发展学生的想象力和创造力,培养学生尊重世界多元化文化的情感和态度。 美术作品鉴赏论文:文化情境中的美术作品鉴赏 摘 要:每一件成功的美术作品都不是单纯的一件东西那么简单,他们都有自己所处的特定历史阶段的独特历史含义,而且其中还蕴含着丰富的感情色彩。老师在教学的时候,就应该培养学生在浓厚的文化情境中去体会美术所特有的那种感觉,使学生能够将美术作品和其所处的文化历史联系在一起,进而能够加深学生对美术作品的认识,并且激发学生对自己祖国的优秀历史文化的热爱,促进学生对当今世界文化多元化的理解和尊重,以期他们在人类文化的继承以及发展进程中做出贡献。 关键词:文化情境;美术鉴赏 社会在进步,新课程的要求也在不断改革,而对美术作品的鉴赏应该要放在特定的历史文化情景当中,对加深学生对美术作品的认识,对提高他们在美术鉴赏方面的能力有很大的帮助。在文化情境中进行美术作品的鉴赏,能够在一定程度上还原作品的作者当时所在的具体环境,在这一基础上进行美术作品的鉴赏,是最好的鉴赏方法。因此,老师在平时美术鉴赏课程教学的时候,在向学生教授美术鉴赏方法、技巧的同时,还应该要注意对文化情境的创设,达到不断提高学生对美术作品的鉴赏能力以及他们的人文素养。 1 美术鉴赏与人文精神 美术鉴赏作为当代学校素质教育的一部分,不但能够培养学生的审美能力,促进其全面发展,而且还能使学生在更高层次认识人性的真、善、美。如果说其他课程锻炼的是学生的理性思维,那么美术鉴赏就是在培养学生的感性认知。进行美术教育的主要目的就是为了帮助人们发现和感受到所处社会和大自然的美,以及人与人之间的相处之美,教会学生用一种艺术的眼光来看世界,最大限度地挖掘学生的艺术创造力。在老师进行美术鉴赏的教学过程中,不断地带领学生,让他们学习到如何去欣赏那些古今中外的非常优秀的作品,通过接触那些不同的艺术手法,再清楚地了解到各个艺术流派特色的同时,还能够感受到在不同的文化情境之下所产生的不同的美术作品所特有的美感,进而达到培养学生的艺术修养,使之建立起良好的审美观。 2 在美术鉴赏中培养学生的人文精神 美术也是一种很重要的历史文化的集成和发展的方式,他除了能够培养学生的艺术修养之外,还能够起到对学生的人文教育的作用。在历史文化的传承以及人类的情感和思想的传递的过程当中,美术有着不可替代的重要地位。所以说不断提升学生对美术作品的鉴赏能力是非常有必要的,这就要求老师在平时教学的时候一定要注意,美术鉴赏课程的教学不单单是为了教会学生如何去机械地鉴赏一件美术作品,简单地知道美术作品的好坏之处,并不是美术鉴赏课程教学的最终目的,除了这一方面,还应该让学生了解到美术作品创作的历史文化背景,在辨别作品优劣的同时,深刻地体会到作品当中所蕴含的美,以及作品中所具有的独特的历史文化氛围。 3 为美术作品创建真实的环境背景 众所周知,任何艺术都离不开实际生活,而艺术对人们的生活也有一定的影响作用。一件美术作品,它代表的并不仅仅是一件孤立的东西,一件好的美术作品是离不开社会日常生活的,所以,学生学习美术鉴赏的同时,还应该学习美术作品所带来的特有的历史文化。因此,老师在教学的过程中就应该不断地引导学生,让学生能够体会到美术作品的时代性,体会到作者深刻的创作情感等。另外,在鉴赏美术作品的同时,还应该能够对其美术作品和自身、大自然以及所处社会的微妙的关系,培养自身的文化素养,热爱祖国的历史文化以及艺术。 我国存在好多的民间资源,比如说具有独特当地风情的建筑、工艺等,这些都是美术作品鉴赏教学最好的课堂。所以说,在进行美术教学的过程中,一定要充分地利用这些本土的资源,使得学生的美术鉴赏的过程中,能够根据老师的引领近距离地体会我国民间艺术的独特之处,对美术作品产生身临其境的感觉。 要达到以上的效果,还需要学生自己的配合,在课余时间学生可以根据老师之前布置的问题,进行分组调查,比如说民间的木偶戏。在木偶戏的场地、造型、服饰以及表演人员的唱腔等方面,写生都可以带着老师的问题去亲身体验。一张大桌子就是木偶戏的舞台,在很远的地方人们就能够听到木偶戏表演的鼓乐和演唱,一个表演人员可以同时做到唱、做、念、打以及奏乐。通过对木偶戏表演的一系列的过程,学生更能够体会到木偶戏的历史背景,并且对那一阶段的历史文化有了深刻地了解。 学生在平时的仔细走访与观察中就会发现,木偶戏作为我国民间的极具价值的艺术瑰宝,但是它的观众一般都是那些中老年人,对年轻人并没有太大的吸引力,而且在它的表演方式、形式没有任何变换,十分单一,几千年流传下来木偶戏一直保持着原来的面貌,没有经过任何的改革与创新,这些与当今社会的多样化都是格格不入的,所以木偶戏的传承处在水深火热之中。通过这些经历,学生就可以充分地挖掘出他们的爱国、爱祖国历史文化的热情,并且在一定程度上增强自身的历史文化的保护意识。 4 充分利用现代化的媒体 艺术与艺术之间是有密切联系的,不同的艺术形式之间是可以相互借鉴,彼此渗透的。黑格尔曾经说过,音乐和绘画之间是存在亲切家族关系的,因为他们在人们内心世界的外在表现上都占有十分重要的位置,当代的艺术教学活动,在对材料的处理上面,绘画就可以打破界限进入音乐的范围之内。所以在进行美术鉴赏的时候,老师可以借助于现代化多媒体技术,对激发学生的兴趣和爱好是很有用的。例如,老师在带领学生学习罗中立的著名作品《父亲》的时候,在画面上呈现的父亲的脸是古铜色的,老父亲脸上的沟壑以及汗珠,老父亲裂开的双唇和微微露出来的牙齿等,这些描绘统统都是作者对老父亲敬爱之情的体现。同时,绘画的背景是在一片金黄色,金黄色代表着太阳,也是希望和丰收的象征。老师在教学的时候就可以借助于音乐歌曲《老父亲》,优美细腻的画面,再加上演唱者饱含情感的演唱,就把父亲的伟大表达得淋漓尽致。老师还可以再加上一些具有影响力的影视片段,适当地对当时的气氛加以渲染,这对充分发挥学生的想象力有很大帮助。 在鉴赏美术作品的过程中,有了音乐和动人画面的渲染,对学生而言,都是最直接的听觉以及视觉的冲击,这就会让学生觉得更直观,并且由画面中的老父亲联想到自己的父亲。在学生观看、聆听、联想的一系列情感的变化过程当中,学生就能够真正体会到这幅作品命名的真正含义,并意识到具体生动的多媒体设备对美术作品的表现作用。 5 结束语 社会在发展,人们的生活水平也在不断地提高,但是在这个物欲横流的社会,人们的精神世界却越来越匮乏,美术作品的鉴赏正是解决这一难题的最好的选择,在美术作品鉴赏的过程中,人们不但可以提升自身的艺术修养,还能填补自己越来越匮乏的精神世界。另外,要学好美术鉴赏,一定要有历史文化情景的保证,让学生在特定的历史文化情景中加深自己对美术作品的感悟以及所蕴含的文化内涵。 美术作品鉴赏论文:高中美术作品鉴赏教学中学生鉴赏能力的培养 摘要 高中的美术课程是集应考和鉴赏为一体的教育,虽然外向的应考作用可以使学生更好的掌握美术绘画方面的技能,但是内向的美术审美鉴赏能力则更为重要。扩大学生美术方面的知识面,树立良好的审美意识,形成完善的审美心理结构,对学生的综合素养的提高极为重要。美术鉴赏可以促进学生艺术修养的提高,使学生的身心健康得到更好的发展。 关键词 高中美术;教学;鉴赏能力 一、前言 高中美术教学活动最基本的任务就是培养学生有一定的美术素养,进而掌握一定的美术鉴赏能力,这是学生在创作和设计等活动中必须具备的能力。美术课程的重要价值首先就表现在可以陶冶学生的情操,提高学生对美的敏感度,进而提高他们的审美能力,最终达到学生对自然与生活的热爱还有责任感。美术鉴赏能力不是一朝一夕就能锻炼达到的,需要教师和学生在学习活动中共同完成,在欣赏和创作美术作品中潜移默化的完成。 二、提高学生美术鉴赏能力的原因 1.学生在美术课堂上存在对美术的误解 高中新课改以来,为了改变学生直线条的思维方式以及教师单纯的教授学科知识等情况,美术课程目标划分了创造、设计、鉴赏以及探索四个阶段和领域,为的是使学生能够多角度综合的了解学习美术课,提高学生的各方面能力和综合素养,但是研究发现,这四个阶段和领域中,学生对鉴赏几乎没有什么兴趣。大多数学生对美术课的理解就是教师教他们怎么学会画画,他们对美术的范畴几乎不了解,对高中美术课中的鉴赏课也缺乏印象。 2.学生学习美术课时丧失兴趣 兴趣是最好的老师,这是所有为人师表的教师都知道的至理名言,但是现在的高中生对美术鉴赏课几乎毫无兴趣,使得提高学生的美术鉴赏能力成为不可能完成的目标。其中的原因不外乎有三点:首先是,家庭教育因素,学生在很小的时候,家里的父母就告诉孩子美术就是画画,在孩子画的好的时候给予鼓励和奖赏,误导了孩子对于美术概念的判断。其次是,教师虽然在努力执行新课改的各项任务,但是几十年如一日的教学模式已经让教师很难改变过来,陈旧的教学模式导致课堂气氛沉闷,不能激发孩子们的兴趣,甚至讨厌美术课上的理论知识讲解。最后是因为学生对美术鉴赏课了解甚少,认为那是一种高不可攀的境界,自己是不可能掌握这样高雅的鉴赏能力的,信心的缺乏也是学生缺少兴趣的原因之一。 三、培养和提高学生美术鉴赏能力的方法 1.教师作为教学的主导,应强化理论学习,提高综合素养 美术鉴赏课需要教师拥有良好的系统的与美术有关的史学知识和美术专业知识,美术教师在课堂上作为主导,本身就应该具备扎实的美术功底,广泛涉猎自己的专业知识,提高自己的专业水平,丰富自己的知识体库。不断的学习和强化自己的理论知识,厚积薄发,才能在课堂上游刃有余,将美术课上的有声有色,激发学生的兴趣和好奇心。审美教育需要仰赖教师的综合素养,教师只有将自己装备好,才能带给学生以美的感悟和体验,启发学生,让学生学会自己探索审美意识,建立审美观念。美术老师要根据学生各个阶段的认知规律因材施教,让学生发现、欣赏和创造美。 2.联系历史实际,发现作品中的美 高中的美术课强调美术作品的人文性质,要重视美术和生活、美术和历史文化的关系,教师在课堂上应该注重创设情境,针对教学过程中的美术作品,可以用与作品相关的历史故事、音乐或者其他材料进行教学,让学生能感受到作品中的审美意境,体悟作品包含的精神。在有限的美术教学时间里充分激发学生的人文情怀,引导他们树立美术鉴赏能力的观念和意识,然后让学生自己发现作品中的美,进而发现生活中的美,最后自己欣赏美和进行艺术创新。 3.善于运用多媒体工具进行教学 传统的教学模式是以教师讲解为主体,课本是中心,学生作为学习者只是被动的接受教师所讲述的内容,学习是很局限的,并且学生缺乏听课的兴趣,效率非常低下。现代教学当然不能再因循守旧了,信息化的社会,不仅是教师,包括学生自己都可以从网上了解到很多讯息,所以课堂上更是应该利用现代化的多媒体工具,让美术学习变得生动有趣,教师为学生提供一定的学习方法和途径,营造美术鉴赏的一种氛围,让学生通过过程性的了解和学习,处理艺术信息,提高美术鉴赏能力,构建良好的艺术认知体系,形成自己独特的审美方法和审美意识。多媒体信息技术的运用,可以让美术鉴赏课打破传统的教学模式,让学生在更加生动形象的课堂氛围中产生对美术鉴赏的兴趣,激发学生的学习热情,掌握美术鉴赏的基本能力。 运用多媒体网络技术不仅可以达到预期的教学效果,还可以开创新的教学欣赏模式。动态的视屏和相关的美术作品等资料相结合,影片欣赏和启发性的问题相连接,带给学生全新的课堂体验,扩大了学生的视野,增长了他们的见识,并且还提高了课内的教学效率,使美术学习的过程得到优化。学生的自主性和积极性得到极大的提高,鉴赏能力也会进一步得到提高。 四、结语 在美术鉴赏课的教学过程中,教师要精心备课,探索多样且有效的教学模式,注重美术作品中人文情怀的显现,激发学生自己对美的探究,让学生在比较研究的过程中掌握对艺术的鉴赏能力,并且可以用自己的语言表达出来,最终提升自己关于艺术方面的综合素养,促进学生身心的健康发展,养成健康的良好的审美情趣。学生在综合的立体的教学模式下,通过对美术作品的作家、艺术现象以及历史文化背景的了解,掌握运用文字和语言表达自己内心的审美感受和认识的方法,提高自己的审美鉴赏能力。 美术作品鉴赏论文:高中美术作品鉴赏应重视民族精神教育 【摘 要】高中美术作品鉴赏重视民族精神教育,既是增强民族文化自信的需要,也是学生终身发展的需要。高中美术作品内容丰富,大量作品能体现中华民族精神的基本内涵。高中美术鉴赏要继承和发扬中华民族的优秀传统文化,要正确对待外来思想文化,要与时代精神相结合,从而弘扬和培育中华民族精神。 【关 键 词】高中美术;鉴赏; 民族精神 、教育部决定,从2004年开始,每年9月为“中小学弘扬和培育民族精神月”。作为普通高中课程的重要组成部分,高中美术鉴赏课能使学生较为全面地了解美术与自我、美术与自然、美术与社会等方面的关系,引导学生热爱祖国、理解文化艺术,在弘扬和培育民族精神方面发挥着独特的作用。美术鉴赏课重视民族精神教育,将对增强民族文化自信和学生的终身发展有十分重要的意义。 首先,弘扬和培育民族精神是增强民族文化自信的需要。民族文化,主要是指代表了民族意识、民族心理及其社会理想的精神性文化。民族精神是民族文化的灵魂。作为高中阶段的美术鉴赏课程,它对于提高学生的整体素质、发展的审美能力、培养学生的创新精神和实践能力具有积极的作用。因此,无论从爱国主义角度还是课程本身而言,都要积极培养学生善于学国传统文化的品质、体会祖国传统文化底蕴以及对世界多元文化的包容和尊重,锤炼充满理想、不断进取、乐观向上的信念,激发个体创造力,逐步确立民族文化自信。 其次,弘扬和培育民族精神教育是学生终身发展的需要。美术鉴赏课不仅要传授文化知识,提高学生的认识能力,还要发挥传承文化艺术、弘扬民族精神的作用,逐步树立建设中国特色社会主义的共同理想,初步形成正确的世界观、人生观、价值观,为终身发展奠定道德思想素质基础。这就要求美术课不仅要关注知识、能力目标的落实,而且要在教学中重视学生的情感因素,采取有效的方式落实情感、态度与价值观的教学目标,这同时也促进学生知识学习和能力的提高,内化为自己的精神,指导自己的言行。 当下,由于美术课不是高考科目,有的学校美术课时难以得到保障;有的教师不重视美术教学,更不愿意挖掘美术作品的深刻内涵,美术鉴赏课的德育功能难以发挥,人文精神和民族精神的教育功能也很难真正实现。 一、民族精神的基本内涵 民族精神渗透在整个民族文化的各个环节,贯穿整个民族历史发展的全过程,集中体现一个民族特有的精神品质。民族精神是一个民族赖以生存和发展的精神支柱和力量源泉,是民族思想道德素质的集中体现。在五千多年的发展过程中,中华民族形成了以爱国主义为优秀,团结统一、爱好和平、勤劳勇敢、自强不息的伟大民族精神。 二、民族精神的基本内涵在美术作品中的体现 我国的美术有着悠久的历史和辉煌的成就,与其他国家和民族的美术共同构成世界美术的多元化。美术是人类文化的重要组成部分,美术课程具有传承文化艺术的功能,而中华民族精神又深深植根于绵延数千年的优秀传统文化之中。因此,我国许多美术作品不仅有很高的艺术造诣,而且体现了中华民族精神的基本内涵。 1. 体现爱国主义为优秀的民族精神。爱国主义是中华民族精神的优秀,它贯穿民族精神的各个方面。爱国主义不是抽象的,而是具体的。作为中国人民千百年来形成的对祖国最深厚的感情,在不同历史时期有不同的具体内涵,但有共同的要求。高中美术鉴赏中徐悲鸿的《奔马》在表现手法上将西洋画中的解剖与中国传统笔墨相结合,显示出徐悲鸿以中西融合的方法改造传统中国画,以使之具有面对现实能力的思想。在主题上,他以昂首飞奔的骏马来表达对民族前途的关怀和希望。徐悲鸿这幅作品起名《山河百战归民主》,表达了他对新中国成立,人民从此当家作主的喜悦心情和对祖国未来的期望与情感寄托。教师在实际教学中,不仅要补充作品的创作背景,还要重点介绍徐悲鸿生平事迹,徐悲鸿的大量作品都饱含着他的爱国之情。 2. 体现团结统一的民族精神。中华民族的先民很早就认识到,在复杂多变的环境中,个体必须结成整体,才能求得生存和发展。这种整体意识在全民族得到普遍认同和升华,成为团结统一的精神。徐悲鸿的另一幅作品《愚公移山》创作于1940年,正值抗日战争进入最艰苦的阶段,徐悲鸿还在印度访问。1940年4月,徐悲鸿喜闻国内传来鄂北大捷,非常高兴,他感到只有团结起来,共同奋斗,积小胜为大胜,才能打败日本帝国主义,取得抗日战争的最后胜利。为此,他以中国传统故事“愚公移山”为素材,创作了一幅作品,以表达他的这种思想。 3. 体现爱好和平的民族精神。中华民族素来以热情好客、睦邻友好、崇尚交流著称于世,以“礼仪之邦”享誉于史。正是中国坚持和平发展道路,坚决反对霸权主义和强权政治,赢得了世界人民的广泛赞誉。高中美术鉴赏中有多幅作品体现爱好和平的民族精神。潘鹤、王克庆等集体创作的雕塑《和平》就有深刻的民族精神的内涵。《和平》雕塑共有两件,一件置放在日本长崎市的和平公园,一件置放在北京复兴门大街。旨在让日本人民和政府以二战为鉴,前事不忘后事之师,推进中日友好关系,维护持久和平。作品以洁白的大理石为材料,用写实手法雕刻了一位身着中国衣裙的美丽少女,她长发如云,长裙曳地,形体完美,舒展双臂,回眸注视着落于臂上的白鸽,俨然是一尊护卫和平的圣洁女神,使人的心灵受到洗礼,感到和平之可贵。通过教师对作品的分析,向全体学生传达了作品的深刻内涵,进一步增强了爱好和平的民族精神教育。 4. 体现勤劳勇敢的民族精神。中华民族历来把吃苦耐劳、勤俭节约、艰苦朴素、不畏强暴、英勇顽强视为优良品格。正是这种勤劳勇敢精神,奠定了中华民族坚不可摧的立业根基。方增先于1955年创作的中国画《粒粒皆辛苦》就体现了中国农民吃苦耐劳、勤俭节约的优良品质。该作品画的是一位老农蹲在地上伸臂在捡拾地上的麦穗,其后是两辆装载满捆小麦的驴车,毛驴吃力地拉着向前。从老农左手拿着鞭子和两穗麦穗来看,显然他是随车而行,不时拾起地上的麦穗。此画充分地表达了农民珍惜粮食的情感,画家又以“粒粒皆辛苦”为题,旨在启迪观众。 5. 体现自强不息的民族精神。“天行健,君子以自强不息。”这反映了中华民族永无止境的创业追求、生生不息的精神动力。王文彬先生的油画《夯歌》表现了骄阳似火,晴空万里,一群朝气蓬勃的姑娘在水利工地的大坝上打夯。打夯本是繁重的体力劳动,而画面似歌伴夯起,歌伴夯落,具有音乐舞蹈的节奏美。作品又以仰视的角度,塑造了姑娘们自强不息、顶天立地、健康快乐的形象。通过作品分析,让学生更加明白追求自强不息的民族精神对他们的重要意义。面对繁重的学习任务,需要自强不息的精神;面对今后人生的创业,更需要自强不息的精神。 三、美术作品鉴赏教学要重视弘扬和培育民族精神 在实现中华民族伟大复兴的征程中,民族精神是中华民族的精神支柱,是中华民族自立于世界民族之林的精神基石。高中美术教学不仅要通过作品鉴赏让学生理解民族精神的基本内涵,更要在教学中弘扬和培育民族精神。 1. 弘扬和培育民族精神,要继承和发扬中华民族的优秀传统文化。民族精神,是一个民族在长期共同生活和社会实践基础上形成的优秀传统文化的结晶。《高中美术课程标准》在课程的基本理念中强调:“尤其要引导学生深入地了解我国优秀的民族、民间艺术,增强对祖国优秀文化的理解。”美术作品本是文化的载体,具有文化传承的功能。因此,在美术鉴赏教学时,要重视中国古代绘画、古代雕塑和古代工艺美术教学,了解创作意图,理解创作风格,挖掘文化和精神内涵,引导学生继承中国古代优秀传统文化,弘扬和培育民族精神。 2. 弘扬和培育民族精神,要正确对待外来思想文化。高中美术教材呈现了多幅外国巨匠的作品,这些作品提高学生对美术作品的内容、材料、形式、风格多样性的认识,使学生体验美术与生活的关系,陶冶审美情操,提高生活品质。我国的美术有着悠久的历史和辉煌的成就,与其他国家和民族的美术共同构成世界美术的多元化,因此要借鉴世界各国人民创作的优秀文明成果,尊重世界文化的多样性。与此同时,新课程标准也要求我们培养学生提高鉴别和判断能力,抵制不良文化的影响。 3. 弘扬和培育民族精神,要与时代精神相结合。以爱国主义为优秀的民族精神和以改革创新为优秀的时代精神,相辅相成,相互支撑。纵览古今,文化只有不断创新,才能充满生机与活力。中国传统文化底蕴深厚,悠久的文明进程留下了丰富的文化遗产。我们在上美术作品鉴赏教学时,要不断引导学生逐步形成敏锐的洞察力和乐于探究的精神,鼓励想象、创造和勇于实践,让美术教学在激发人的创新精神,发展动手能力和开发潜能等方面具有独特的作用。只有不断注入以改革创新为优秀的时代精神,才能使民族精神博采众长、日益丰富。 青年是国家的希望,民族的未来。我们人人都应该成为民族精神的传播者、弘扬者和建设者,共同续写民族精神的新篇章。 美术作品鉴赏论文:美术作品美术教学论文 一.美术教学的课堂提问过程有利于塑造个性思想课堂 提问在美术教学中起到了很重要的作用。在传统的美术课堂上设置课堂提问的过程往往许多教师的提问过程都突出了教学过程中的重点与难点,将学生的思想全部集中到一个角度上,虽然,没有将学生的思想引入到一个误区当中,但是却束缚了学生的思想,从另一个角度来看无法使学生能够张扬出他们的个性,无法起到对学生进行个性思维培养的作用。全新的教学理念对于学生在美术课堂上的提问的过程可以极大地促进学生发散思维,使学生能够张扬出自己的个性,是培养学生个性化思维的重要手段之一。教师在进行美术课堂上的设问的过程提出的问题应该具有穿透性的意义,不能只对于表面上表现出来的浅层意义进行设问,要深入到作品的内在意义中去,进行更深层次的理解以及问题的探讨。只有这样的提问才能够对学生起到启发性的意义,美术教师应该从生活中的点点滴滴着手对学生进行提问,让学生学会换一个角度去思考问题,通过每个作品的所处的时代以及历史时期的不同对学生进行提问,找到现实生活中的现实意义与美术作品相关的问题进行提问,这样将学生对于美术的学习引入到生活当中才能让学生更好的把握问题的思考的角度,通过自己对生活的不同见解表达出对美术作品的理解,表现出他们的个性。 二.给学生创造一个张扬个性的绘画空间 学生对于不同的美术作品的独特的见解往往可以表现出学生的的性格特征。而学生在美术课堂上只能通过课堂绘画以及日常的师生之间的表现出来他们的个性以及性格特征。所以,新的教学理念要求要改变传统美术课堂上的“统一思想”的弊端。要想使得学生能够不断升华他们的美术情感提高他们对美术艺术作品的鉴赏能力就需要给学生在美术课堂美术课堂上创造更多的空间。具体来讲,要想让学生能真实的表达出来他们思想以及内心想法,没有经过思想表达出来的想法往往只是起到了回答的作用,没有现实意义的表达出学生的真实情感,更不会体现一个人对不同艺术作品的见解。只有学生在教师正确的引导下找到一条符合学生能够表达出内心情感对艺术作品的出路,才能在以后的美术课堂上形成每个学生所特有的作品以及艺术风格,这也需要教师能够在学生进行作品创作时给学生提供一个开放的相对稳定张扬自己个性的创作空间,让学生能够通过美术课堂陶冶自己的情操。学生通过对每个作品的创作过程时都可以从中表现出来每个学生的性格与个性。但是,在以往的美术课堂的教学过程中教师往往都对学生进行绘画创作时规定了比较“死板”的创作要求,没有让学生发挥出自己的能力,学生往往在进行绘画的过程中并没有真正进行绘画的创作只是简单地进行了描绘。所以,要想真正意义上让学生对绘画发挥自身的个性买就需要对学生起到一个引导的作用而不是对某一个角度对学生进行指导绘图,引导学生从不同的切入点出发,没有一个硬性的规定规定学生应该从哪个角度出发进行绘画创作,这样更有利于学生进行美术作品的创作。只有这样的美术创造才能真正的体现出学生的个性特征,这样学生创作出来的美术作品才真正意义上体现了学生的思想,创作出来绘画作品才具有学生自己独特的思想,整个绘画画面才更具有吸引力。 三.张扬个性的美术教学有利于提高学生的审美 美术自身存在着很大的美感有利于人们塑造自身的价值。美术作品的创作也也需要许多的绘画技巧,不同的作品创作都需要教师先给学生作出示范的作用,让学生进行学习,美术教学的课程内容十分繁重,包括着许多的绘画技巧。教师在对学生进行美术教学时需要教会学生各种不同的绘画技巧而不是对学生的绘画有一个硬性的要求,这样会很大程度拘束了学生绘画思想,拘泥了学生对于绘画的思考,无法对学生起到引导学生进行自己的思想去进行很好的绘画体验以及对美的思考。结束语:美术课程的教学需要的是学生的发散思维,而不是侧重于对学生的绘画各种各样的要求,对于同一个美术作品有着不同的见解是必然的情况,教师应该对学生错误的美术思考进行引导而不是全盘的否定,这样才能让学生在进行美术教学的学习过程中能够体现学生的个性。职业学校的教育要符合社会发展的需要,培养综合性的技术型人才作为最基本的出发点。 作者:夏秀丽单位:江苏联合职业技术学院 美术作品鉴赏论文:小学生美术作品评价思考 《全日制义务教育美术课程标准》在论述美术作业时曾指出:“要充分肯定学生的进步和发展,并使学生明确需要克服的弱点与发展方向。”的确,每个学生的作品都会有独到之处,作为教师要时常关注学生的每点进步,及时发现学生的“闪光点”。我们只有抓住了“闪光点”才能有效地对学生进行激励,激发学生学习兴趣,强化学生个性审美发展。其实作为美术作品,如果按美学角度考虑不外乎造型、色彩这两方面,体现的是视觉效果。但是作为小学生的美术作品更多的关注的是情感。每张作品都是他们最单纯思想的体现,作品没有好坏之分。哪怕他们只是画几条线都能体现了作者本人的情感,所谓的水平的高低只不过我们后天通过一些条条框框加附在上面。对于小学生的美术作品应如何做评价,下面有几点可以跟大家共同分享。 一、教师在评价时要放下自己的架子,不要以成人的标准要求学生,更要避免用犀利的语言去“讥讽”学生在听取同行执教的岭南版小学美术第一册第一课《美妙的小世界》时,教师在作业评价时就以像与不像作为标准,这对于一年级的学生来说是不适宜的。更让人费解的是教师的示范,小动物的形象很刻板、概念化。学生也是模范教师,创作出来作品没有生机失去了童真、丧失了艺术的真谛。教师的单一评价标准必定让学生缺乏自信,扭曲了学生对美术的认知。 二、无效的激励让评价失去了它应有的意义激励要找对点恰如其分地给予肯定,这样学生才觉得你的评价是有价值的、有意义的。如果滥用鼓励学生会怀疑、蔑视教师的做法。其实要想得到鼓励是一件很简单的事情,时间久了会觉得老师很“傻”。 三、评价要做到清晰化、有指向性、针对性我们在课堂上经常会听到有些教师经常会说“很好”“非常好”“很棒”等等模糊激励的语言,而且基本上对于每个学生都用相同的口语,简直变成了口头禅了,当然学生也就无动于衷了。 四、学生作业的评价从头到尾都是由教师包办在课堂上我们不难看出有些教师一到了这个环节由于怕麻烦,对作业的评价全部由自己来讲,学生只有听的份。教师无法从课堂上解放出来,学生的能力也无法得到锻炼,无法体现新课改的精神。评价也可以采用多种方式,可以是定量,也可以是定性,同时可以两种方法交叉使用,尽量做到多元化、开放性。 评价这个环节是非常重要的,但往往有些老师却忽略了它的作用。评价是对这节课有效性的检验。学生通过生生评、师生评锻炼了自己的美术素养,同时从中体现了学生的掌握程度。因此,改革目前的小学美术作业评价势在必行。这对于学生学习的兴趣与能力的发展都是非常关键的 美术作品鉴赏论文:高中美术作品评价方法 高中美术课根据新课程要求,在高一选修美术鉴赏,而美术鉴赏就是对美术作品进行鉴别和欣赏,就是对美术作品进行评价。我认为,评价美术作品的标准有两条,一是美术作品的精神内涵,二是美术作品在艺术表现上的高度和深度。所谓精神内涵,就是指艺术家在这幅作品中所要表达的思想、愿望以及象征意义、喻意等等,是这幅作品的中心思想,是艺术家的情感表现。所谓美术作品在艺术表现上的高度和深度,就是从艺术本身的角度来研究作品所处时代的影响力,指的艺术符号、艺术语言按照一定的美学形式、运用一定的艺术技法所表现的作品在当时具有最高艺术表现形式和方法。 精神内涵是艺术作品的最终目的,是艺术家与欣赏者交流所要达到的心灵共鸣。评价一件美术作品,只有了解作品的精神内涵,才算真正读懂了作品,真正理解了作品所要表达的意思。精神内涵的表现又必须借助艺术表现的高度和深度所造成的震憾力,影响力,才能引起欣赏者的共鸣。美术作品在艺术表现上的高度和深度,是欣赏者评价的主要内容,是谈论最多的,也是很多艺术家评论艺术作品的重点内容。 精神内涵和在艺术表现上的高度和深度是对美术评价标准的高度概括,在不同的时代、不同的区域;不同流派、不同风格的艺术作品,它们只是在艺术表现方式上的不同偏重而已,是对精神内涵和艺术表现的某个方面进行强调或追求,是对艺术表现上的高度和深度的具体化。 在中国古代的绘画作品中,其最具影响的评价标准和重要的美学原则是南齐谢赫在《画品》著作中提出的六法论,即气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摹写。六法论提出了一个初步完备的绘画理论体系框架----从表现对象的内在精神,到用笔刻画对象的外形、结构和色彩,以及构图和摹写作品等进行系统的描述。其中气韵生动是流传至今的最高标准之一。纵观六法论,其实质就是对“艺术表现上的高度和深度”的具体化。唐朝画史著作朱景玄撰《唐朝名画录》以神、妙、能、逸四品评价。这些也是对艺术表现的高度、深度的变化和拓展。不管是六法论或是《唐朝品画录》的四品评价,其艺术表现都可以简单概括为四个字“形神兼备”。只要具有“形神兼备”的艺术形象,再加上作品的精神内涵,就是一个完备的艺术评论了。 工艺美术、雕塑、建筑等的评价中同样离不开“精神内涵和在艺术表现上的高度和深度”两方面。它们在追求形式的美感,线条的生动性和节律感等都是在艺术表现的高度和深度上做文章。 要了解一幅美术作品的精神内涵和在艺术表现上的高度和深度,不能用我们当代的眼光、技法和能力去评判,要用历史唯物的观点去看待,还必须将其置于作品产生的时代环境之中,去了解所表现的对象,了解艺术家与时代环境的关系,懂得它是在什么样的社会背景下产生出来的,还要了解它所使用的艺术语言、表现技巧等。比如,在鉴赏高中教材美术鉴赏第一课的古代岩画《放牧图》时,如果用现在的技法、现在人们的能力去评价的话,就是一幅很糟糕的作品。有的学生就作出这样的评价“这幅作品很不好”,原因是“还没我画的好”。 这样的评价虽然不能说错,但是很肤浅,是正确而肤浅的评价。如果把它放在当时的时代,其结果就完全不一样了。这是新石器时代的作品。当时的人们从记数发展到用凿刻或绘制的方式制作在山崖岩壁上,已经是非常大的进步,是人类发展的伟大创举,是老祖宗智慧的结晶。因为当时的人们能够抓住动物的基本特征,作正侧面的描绘,已经是最大能力了,是当时的最高艺术表现形式,他们还没有描绘正面、立体的能力。常常有人不理解达芬奇的“蒙娜丽萨”为什么是世界名作,认为今天的人完全能够画出比她更好的画来。这种看法正是缺少历史唯物主义态度的表现。“蒙娜丽萨”之所以为世界名作,是因为就文艺复兴时代而言,她不但在技巧上是科学绘画的总结,也是文艺复兴时期人们审美理想的集中体现,是那个时代思想和技艺的高峰。因此我们在评价时,不能简单的评价好和不好,一定要将作品放在当时的时代中去研究它,评价它,这样我们的评价才有一定的高度,一定的深度。 美术鉴赏主要是对不同的作品进行比较、研究,并作出艺术评价的活动,那么怎样运用评价的标准对美术作品进行评价呢?首先,要收集艺术家和作品的资料。了解艺术家的年代、生长地方、艺术经历、师承关系、喜欢题材、思想内容、创作动机和艺术表现形式等。其次,与其他画家进行比较。是同门类或是不同门类;还要与艺术家不同时代的画家进行比较,找出他是什么门类,这个门类有何特点和发展状况,独创性如何,艺术水准高不高等。最后,作出有自己独创见解的评价。从精神内涵和艺术表现的高度和深度两方面进行分析评论,可以偏重于艺术表现的某个方面,谈风格、谈流派;谈技法、谈材料;谈内心世界和精神内涵。这样就能形成有一定深度和高度的艺术评论。 总之在美术鉴赏过程中,对美术作品进行评价,一定要将精神内涵和艺术表现的高度、深度有机的结合起来,才能作出全面的,完整的评价。只有精神内涵,艺术水准不高,不是好作品;只讲艺术水平,不讲精神内涵,也不是好作品。 美术作品鉴赏论文:美术作品欣赏中的电教展示 美术课中引导学生欣赏美术作品,对学生扩一大美术知识视野、培养审美情趣和审美能力.陶冶道德情操,具有重要的意义。 美术作品欣赏活动一般分为专题欣赏、随堂欣赏和参观欣赏三种方式。专题欣赏是指利用整节课时,对某个专题范围的美术作品进行较为系统的介绍、赏析的教学活动,它可以使学生掌握较为系统的美术知识,加深对美术作品的理解。随堂欣赏,是结合各类课业教学,欣赏有关的优秀美术作品或同龄人的优秀作品,它有着启发作用和示范作用,是小学美术教学不可忽视的组成部分。专题欣赏和随堂欣赏少反般是按照课本编排的内容,运用课本上的图画与课本配套的投影片、录像带、图片穿插进行的。在欣赏教学中.适时、恰当地运用电教媒体,能极大地提高教学实效。 一、借助音乐渲染情境 美术欣赏是凭肉眼对作品的直觉开始的,欣赏者通过感觉、知觉、联想,唤起记忆和情感.再根据自己的生活经验进行类比、想象,作出审美判断。对作品的理解和判断,又是始终伴随着具体、生动的直觉形象进行的。鉴于小学生在欣赏音乐时极易激起情绪波澜,或激昂,或惋叹,或欢愉,或悲戚。因此美术欣赏教学,可借助与画面相关的音乐形象塑造情境,帮助学生去理解画面。如教学第一册《美丽的鱼》一课,要求学生首先把握住“鱼”的外形特征,然后重点在色彩、动态等方面展开想象和夸张。教师用提问方式导入课题后,在银幕上映现出五颜六色、形态各异的鱼在碧蓝的大海里游动的画面。与此同时,播放《春江花月夜》之类的抒情乐曲录音,教师重点启发学生认真观察鱼的身体形态和身上的斑纹,了解鱼的身体形态是多种多样的,斑纹是五颜六色的。并且是由各种点、线、面、形组成的。教师不作面面俱到的示范,示范完随即擦去,让学生展开想象的翅膀,在脑海中勾勒出形态各异、颜色鲜艳、花纹又不相同的鱼。 要伟意的是选择的音乐与美术作品的意境要相吻合,如在中国画的欣赏教学中,讲解齐白石的《蛙图》时,可播放活泼、快速的《瑶族舞曲》;讲解石壶的《风夜图》时.可配放优美、恬静、舒缓的《渔舟唱晚》。 二、出示欣赏提纲指导读画 美术界将认真欣赏画册称之为“读画”。读画如同读书,要静下心来,行行过目,字斟句酌地研究,将其弄懂,也就是理解意韵,揣摩技巧,熟记于心。读画是临摹作品,进而创作作品的基础。在指导欣赏美术作品时,可利用投影出示欣赏提纲,引导学生去读画。首先要审定艺术形式,区别作品类别和特点,在此基础上看作品的内容。如在欣赏第九册张置的《捣练图》中,展示挂图后,投影出示: 1.《捣练图))(工笔人物画.唐代张首)。 2.解释“捣练”。 3.盛唐时期的工笔人物画的特色:人物体态丰盈,面貌圆润;用线造型,线描简劲而流动,用色浓重艳丽而不芜杂。 4.介绍画家张置及其对后世工笔重彩人物画的影响。 5.画中描绘的各组人物在做什么?请按顺序讲出来。 6.不同的工作有不同的动作,你喜欢哪些人物的动态? 7.钻在练下玩耍的女孩,在画面上起到什么作用? 8.围绕构图美、线条美、色彩美等方面谈谈•你的感受。 三、比较中寻区别 没有比较,就没有鉴别。书画欣赏运用投影片进行比较,就容易解说。如第五册的《秋游》一课,教学重点是要求学生表现秋的特征与游的情趣。先让学生观赏四幅不同季节景色的投影图片,让学生讲一讲每幅所代表的季节特征。通过比较,明确秋天色调的特点是:树木、草丛等大多呈黄色或红色。这样,就可避免学生把秋游图画成春游图。 四、解释各词术语 在上美术欣赏课中,往往要涉及到一些名词术语,教师将释义的文字片投映在银幕上,视听同步,有助于学生理解画面。如教学第三册《生动有趣的卡通画》,课前在图书室j鳌一部分卡通画册,组织学生观看欣赏,教学中把卡通释义制成文字投影片。 卡通.即动画片,是用图画表现情节的一种美术影片,沿称卡通片。摄制时采用逐格摄影方法.把许多张有连贯性动作的图画,依次拍摄下来。连续放映时,就在银幕上产生活动的影像。 这种影片在艺术表现方面可以充分发挥真人实物所难以表达的夸张和幻想。所以特别受到小朋友的喜爱。 五、扩展教学内容 让学生大量接触美术作品是美术审美教育应遵循的一条原则。为此,除通过参观画展或摄影、图片展览使学生直接接触和欣赏到多种表现形式、风格的作品外,教师应尽可能将一些著名画展的优秀作品、精美的画片摄录下来,经选编后投映,供学生观赏,以扩大学生的欣赏面。 当然,这只能占课内较少的时间,只能侧重于作品的某一方面,作为教材中的图示的一种补充。 如教学第五册《太空旅行》一课,要学生画太空旅行的想象画,可让学生在了解浅显的太空知识的基础上,以想象画的形式画出多种飞行器,并表达出太空旅行的愉快心情。教学中可播放一段介绍太空、宇宙飞船、火箭、宇航员生活等情况的录像;投映出卡通片或图片中孙悟空翻筋斗、嫦娥奔月等形象,给学生提供想象空间和创作的素材,学生就能将科学幻想中的情景用画笔描绘出来。 美术作品鉴赏论文:文学性的美术作品衰退发展 一、文学性的美术作品 文学性的美术作品是指带有较为明显的文学色彩的美术作品,即以表现某些故事或事件情节为主要内容的视觉艺术作品。在美术界里,大家称之为主题性创作的作品,如著名墙上绘画作品《最后的晚餐》(达•芬奇)。这类作品都是来源于一定的现实生活,通过绘画的形式对生活或事件中的形象进行艺术再创造,因而与文学中的“记叙文”有着千丝万缕的联系。它具体体现在以下两个方面[1]:第一,对叙事性题材比较青睐。早期东西方绘画题材大都取材于神话故事、《荷马史诗》或圣经故事,所以具有明显的文学倾向。即便是表现现实生活事件的绘画作品,也有着很强的情节性。第二,为了真实地再现事件,这类绘画形式多以写实手法为主。 据考察,最初的艺术形式都是以“追随自然”“叙事状物”而出现的。如果着眼于绘画形式,强调绘画的个性,难以达到美术的教育功能。 绘画和文学在某种意义上是两种相对独立的艺术形式,但它们的一个共同点就是借物抒情。不管是人物,还是静物和风景,都可以是文学家、画家借来抒发情感的内容。因此已经超越了自然,并产生了“文学性”意蕴。纵观中外美术发展史,借助文学精神塑造艺术形象的美术作品在绘画史上占有重要地位。但随着历史的发展和对文学的漠视,文艺复兴以来,以库尔贝、塞尚为代表的美术大师们彻底否定了“文学性”传统绘画,主张绘画摆脱文学性和情节性,充分发挥绘画语言表现力。如今的画家们开始注重自我感觉的表现,极力摆脱绘画中“再现”因素,美术的教育功能逐渐丧失,使得传统意义上的“文学性”写实主义绘画受到猛烈的冲击,文学性的美术作品正以较快速度衰减。可见,绘画一旦脱离文学性的影响,便发生了根本性的转变,走向了纯艺术的绘画形式了。 二、中西方的文学性绘画 现在的人们要研究和了解远古人类的生活等各个方面情况,都是通过岩画所“记录”下来的画面分析推断的,比如中国广西的花山壁画、欧洲西班牙的洞穴画,这些岩画是在文学出现之前产生的,以绘画的形式“记录”了原始人类的生活、生产方式。在这时期,它已不可避免地成为文字的代用品。 所以,此时的绘画本身就具有绘画和文学的双重性。 根据西方绘画历史,“文学性”的绘画发端于公元前5世纪至4世纪古希腊时期这一阶段。[2] 公元前5世纪的古代希腊,著名的《荷马史诗》成为古希腊绘画、雕塑中的主题,希腊美术无一不取材于希腊神话。15世纪,西方美术以提香、卡拉瓦乔、戈雅、伦勃朗为代表的画家不断扩展绘画的主题性内涵,使绘画中的“文学性”逐步发达起来,并走向成熟。 特别是18、19世纪,这时期的绘画造型技法已经相当成熟,光影效果十分了得,文学性的美术作品达到高峰,作品绝大多数也都是取材于宗教文学作品,此时产生了诸如《最后的晚餐》《创世纪》《圣母的婚礼》等一大批杰出的美术作品。 尽管绘画不能像小说、剧本那样完整地表达一个故事情节,但它还是可以在一个平面以最大可能表现一定的情节故事。古代的许多辉煌的美术作品就充分证明了“文学性”与绘画这种相得益彰的关系,比如19世纪的代表人物大卫创作的取材于古罗马历史《荷拉斯三兄第之誓》以及浪漫主义画家德拉克洛瓦取材于但丁的《神曲》而创作的《但丁与维吉尔》,都在强调绘画的文学性和思想性的统一性。[3] 然而,库尔贝主张绘画要摆脱“文学”的依赖,并向现代绘画迈出了关键的一步,与19世纪法国的马奈、塞尚一起把绘画中“文学性”彻底否定了,最后产生了现代艺术。如果说前期的绘画史是绘画和文学在某种意义上的结合的话,那么库尔贝和塞尚是“文学性”绘画的终结者,这是历史发展的必然。不过,西方绘画中“文学性”是任何其他的艺术形式所不可替代的,也许现在的它正酝酿着另一个辉煌。 以中国画为代表的东方绘画同西方绘画的发展历程一样,我国绘画也经历了一个“文学性”的发展过程。中国远古绘画以崖壁画为主,基本是再现原始人狩猎、耕牧活动、巫术祈祷等活动场面。可见“叙事状物,寄托情感”是我国早期美术作品的主要功能,这时期的岩画本身就有着“文学性”的一面。另外,绘画与文学最紧密结合的另一个重要部分是中国的象形文字,它的文学特色就不用说了,这也进一步说明“书画同源”的道理。我们的墙上绘画历史悠久,美育功能比较齐全,绘画题材大多以宗教故事为主,佛教故事居多,如全国各地的壁画。“文学性”在中国绘画中也是文学叙事性和写实主义手法,这种绘画的“文学性”在唐代随处可见,如画家阎立本的作品《文成公主降蕃图》《步辇图》和北宋画家张择端的《清明上河图》都是画家运用富有概括力的手法写情节,以生动的形象表现了生活。虽然中国绘画讲究“以形写神”,但写实主义的表现手法占主导地位,例如早期佛教画中的人物形象多以裸体为先,再赋予衣褶的变化,体现了古代画家对于体积的认识。自唐末以后,宋代山水画和花鸟画跃居具有比较明显的文学性特点的人物画之上,中国绘画的文学性也逐渐被描绘自然景物的题材替代。在创作上重视构思,讲究意在笔先和造型上的“妙在似与不似之间”[4],借物抒情,具有独立的审美意味。 中国绘画正是由于自身的独特特点才形成了与西方绘画完全不同的艺术语言和审美意识,并以诗书画同时出现在绘画中,体现出比较明显的文学性。 不可否认,中国绘画未来也将是辉煌与衰落并存,这与文学艺术高潮的到来有关。 三、内容与形式高度统一的美术作品#p#分页标题#e# “文学是一切艺术之母,是一切艺术的灵魂,在整个艺术领域中处于基础地位。”所以美术作品的形式受内容支配,一定的形式美不能脱离内容而存在。 近现代抽象的形式美,也要通过人的视觉技能引起人的情感活动。[5] 可见,美术作品的美应是形式与内容的有机统一,内容随着时代的发展变化而变化。 当然,不同美术作品在内容与形式上往往有所侧重,再现型艺术偏重于文学性内容;表现型艺术偏重于形式感;抽象艺术的形式就是它的内容,内容凝结在形式上。 文学和绘画都有教化的属性,属于上层建筑的范畴。从语言来说,一门是语言艺术,一门是视觉艺术,它们在反映和表现现实生活的形式上,既有共通之处,又存在着差异。从状物和抒情的角度来看,它们都是通过对形象的塑造而形成彼此共同之处。从观念的角度而言,它们就是更多的被赋予了社会和道德价值的铸就色彩。正如曹植所言:“存乎鉴戒者”,在《历代名画记》也有言:“丹青之兴,比雅颂之述作,美大业之馨香,宣物莫大于言,存形莫善于画。”将“言”与“画”并举,在一定程度上是将文学与绘画的功能并举。[6] 又如谢赫《古画品录》则云:“图绘者,莫不明劝诫,著升沉;千载寂寞,披图可鉴。”也是从社会功能角度赋予文学和绘画超出文艺本身的价值。近期,国家重大历史题材美术创作工程业已顺利完成,并在全国各地巡展。 这一工程把“文学性”美术创作大大地向前推进了一步。展出的美术作品由我国著名美术家深入生活,认真学习我国的历史事件,将社会使命与历史责任真正化为创作动力,更是本着“为人民服务”的创作出来的佳作。遗憾的是这只是国家行为,假如是画家个人行为,致力于“文学性”的绘画创作,就难能可贵了,然而现在的美术家由于整体的文化素养在不断滑坡,个人道德素养也跟不上社会发展的要求,在标榜“个性自由”的大背景下,文学性的美术作品的“世界性”大衰减现象和趋势将不可遏制。 总之,美术的专长是把无法用文字或语言译出来的形象转化为点、线、面、光、色等具体的形象,通过对画面的经营使之产生诗意,迸发“文学性”的意蕴,在视觉上赋予了美感,提高大众的审美品位,这是文学所达不到的。同样,文学的、诗的意境也难于用绘画来转译。只有相辅相成,这对姐妹艺术才能大有作为。虽然某一时代的文学成就不辉煌,但只要深入生活,耐心听取百姓心声,客观地反映民生,“文学性”的美术作品也将会大放异彩。 四、“文学性”美术作品的反思 “文学性”美术作品是美术的一支流派,它的形成、繁荣和衰减与文学名著的诞生质量关系密切。 文艺复兴时期前后,是文学著作诞生的时代,使“文学性”的美术作品达到了一个高峰,反映人们现实生活的写实主义绘画日臻完善。 随着社会的迅速发展,科学技术不断进步,中西方艺术也进入所谓后现代主义时期,面世的美术作品如同工业革命那样不可避免地受到“污染”,出现了大量粗制滥造的作品,许多作品几乎没有令人欣赏的艺术上种种美感与较高技艺的体现,更说不上哲理性的绘画了,使得人们在迷惑不解的同时也与艺术逐渐疏远了。笔者认为,美术不是建立在其他艺术作品和其他艺术工作者的基础之上,绘画也不仅仅是画给行内人看的,而是应该反哺于百姓当中,使人能阅读,并起到社会的美育作用。对此,“文学性”的某些合理内核仍将是现代绘画所值得借鉴的。 美术作品鉴赏论文:浅谈校外美术教育如何对学生美术作品进行有效的评价 近年来,随着素质教育的不断深入,我们在美术教学目标的制定、课型的设计、新课程的改革、美术课与其他课的整合等方面都取得了一定的成果,但却忽视了或忽略了美术教学评价的研究与实践。尤其是校外美术教育,作为教育事业的重要组成部分,其教学对象、教学内容、教学目的的特殊性造成其评价有着自己不同的个性和要求。但相对于这种特殊性而言,美术评价体系就显得相对滞后,教师对学生美术作品评价容易走入误区。作为校外美术教育工作者,我想从自己多年的美术教学工作中总结的一些经验和同仁们共同探讨。 评价活动是美术教学过程中的一个重要组成部分。如何评价对学生的美术学习起着至关重要的激励作用,直接关系到学生学习美术的兴趣、激情、自信,关系到其自身人格的健康成长。现在社会的竞争压力越来越大,家庭和学校对孩子的要求也越来越高,而且不注重孩子自身的感受和需求,所以在学生的学习中形成各种各样的压力,一提起学习就烦。而作为校外美术教育主要是学生根据自身的爱好选择的,所以容易调动他们学习的热情和积极性,在这里他们没有被完全压抑的个性可以得到充分的发展。校外美术教育的生源主要来源于社会各界的美术爱好者。学生的年龄、层次、所处的社会环境以及所掌握美术知识、技能和技巧存在很大的差异,那么面对这些不同年龄段、不同认知水平的学生,要采用不同的评价方法。 一、对于儿童美术作品不能用“对不对”作为评价的标准 在我的教学实践中经常可以遇到这样的问题:儿童由于年龄比较小,他们的绘画作品往往充满奇思妙想和大胆的夸张和变形,和现实生活有很多不相符的地方和科学错误,比如“太阳和月亮手拉手”“小朋友在天空像鸟一样自由飞翔”“人的身子长出了动物的脑袋”等等。对于学生这样的作品,有些家长回去看过后,就说:“这是什么啊?你看你画的画,一点不符合生活实际啊,哪的人长出了动物的脑袋?山为什么是紫色的?”这一些成年人认为非常科学的论断,结果往往就限制了学生头脑中自由想象的空间,思维模式日益僵化。如果我作为教师自作聪明地给孩子解释什么是对,什么是错,那么对孩子想象力和创造力的培养就成了一句空话。美术学科同其他学科相比,科技重视准确性而绘画可以用夸张和变形、想象等手法将自己内在的抽象的情感形象化。在我们评价学生的作品时就要考虑到小学生自身知识不足、经验不丰富、理解力差等因素。只要能在作品中把内心情感表达出来,无论是否符合科学的标准,都要给予充分的肯定和表扬,激发学生的学习兴趣。往往教师的评价,对于学生今后绘画的风格、兴趣培养以及想象力、创造力的提高影响都是深远的。 二、不能用“像不像”作为评价学生美术作品的标准 在现实生活中有很多的家长和我交流,评价学生作品的时候往往就用“像不像”作为评价学生作品好坏的标准,我认为这种评价太片面、太主观了。孩子对于社会的接触比较少,知识技能也没有成年人高,但是孩子的内心世界丰富多彩,有着成人无法比拟的想象力和独特的表现方式。对于这些作品的评价,更应该注重作品的内涵,因为它所表现出来的是孩子的情感世界。教师不能一味地只注重技法,不能用简单的像与不像作为评价的依据,否则培养出来的孩子,也许画出来的东西非常写实,但是长此以往,可能培养的结果单纯就是培养了一个画匠而不是一个有着丰富情感的艺术天才。 三、不能以喜不喜欢评价学生的美术作品 这个误区涉及到个性的问题,教师的个性、学生的个性,怎样处理好这对矛盾。作为一名美术教师首先要有扎实的基本功和独特的审美观,但在评价学生作品的时候是不是以自己的审美观作为参照,要学生都向自己看齐呢?答案肯定是否定的。每一个学生作为一个个体都有自己的思想和情感,都有对于美的事物的见解和主张,不能简单地成为老师的复制品。对于我这样一个长期从事美术教育的老师来说,我所教过的学生有几千人之多,如果把每个学生的兴趣和审美观都培养的和我一样,那么世界上岂不是多了成千上万个相同的我了吗?美术学科同其他学科不同,评价的标准也比较模糊,对于学生的美术作品,教师要充分地肯定优点,提出不足。等级不要分得太清楚,主要目的是通过评价使学生的美术素养得到提高,让每个学生按照自己的个性向更高的艺术殿堂发展。 四、校外美术教育要重视过程的评价而不是结果的评价 校外美术教育的生源主要来自社会各界的美术爱好者,学生学习时间长短不一,对美术技能、技法的掌握水平也参差不齐,如果用传统的“通过一次比赛获奖情况或完成一件作品的好坏”来决定一个学期的学习成绩,很显然这种“一锤定音”的评价,不能全面反映学生的学习情况,对于学生的学习也没有促进作用。因此,在我的美术课上,我会尽量多给学生表现的机会,例如“说的机会、演的机会、示范的机会”只要是孩子大胆的想象,哪怕是怪异可笑的想法,孩子投入较高的热情去画。哪怕画得不好,教师都要给予充分的肯定,只有这样学生才能保持较高的学习热情,在绘画过程中享受成功的喜悦,我们应该关心学生学习的轨迹和改变情况,而不是最终的结果。 五、采用多种评价方式,建立美术成长的记录袋,增强评价的实效性 多年的美术教学实践,我经常会遇到这样的问题,有的家长会问:“我的孩子学习怎么样啊?”在教学的最初,我根据学生的情况只是从好与坏两个方面进行了评价,可是我发现对于那些被评价为不好的学生来说,家长和学生的积极性得到了很大的打击,往往有的学生就此放弃美术的学习。看到这种结果我发现作为老师来说,我简单的评价可能存在很大的片面性,为了解决这个问题,对于每个学生学习的每个阶段、每一个进步的过程和不足,我通过建立美术成长记录袋来进行记录。它包括学生学习时间、学生每一次的成长进步、学生作品反映出的个性特征和不足、学生自评、学生互评结果、师生互评结果,既有测试性评价更有非测试性评价。这样就能根据自己的教学实际需要,着眼于发现和发展学生多方面潜能,改变教师一言堂,真正体现学生成长过程,增加家长对学生了解,改善师生关系。 总之,在我们的校外美术教育中本着保护学生的个性、培养学生的兴趣、提高学生审美和综合能力为目的,在评价过程中运用一切能用的方法和手段,我们的评价过程就不会出轨,它的作用才能真正得到落实。 美术作品鉴赏论文:“线”在美术作品中的功能与审美特征 【摘 要】今天的造型艺术,以其多元的视觉形态冲击着我们的眼睛,令我们的视觉神经得不到片刻的休息。艺术教育应该走在时代的前沿,因为艺术具有前瞻性,线作为最基本的造型手段,作为艺术教育的基础,怎样与时展相适应?本文对此进行了分析。 【关键词】线美术作品功能审美 特征 在三维空间中,线是塑造形体的外轮廓线和标明形体内部结构的结构线。所以,线在造型中具有很重要的作用。线条能表现为一种心理和情感的效果。水平直线给人以平静、沉稳、舒展、安宁的感受;垂直线给人以挺拔、刚毅、庄严的感受;自由曲线给人以自由、活泼、流动与愉悦的感受。此外,线条还能表现出一定的空间关系。例如两条粗细不同的水平直线位于同一平面时,粗的线使人感到它离人比较近,细的线则使人感到离人比较远。以线条作为最基本的造型手段的中国传统绘画,在运用线条这一艺术语言方面积累了极其丰富的经验。例如,以墨线勾描物象、多不着色的白描,仅凭简练的线条就可创造出动人的艺术形象,如宋代著名的《朝元仙仗图》,或称《八十七神仙卷》。中国古代人物画创造的“十八描”就是为了表现中国古代人物衣物褶纹而创造的用线方法。 线条是美术最基本的造型手段,是构成视觉艺术形象的一种基本因素,无论平面的还是立体的作品;不论是写实,还是装饰;不论是抽象的,还是具象的……在长期的美术发展过程中。“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言,一直处于十分重要的地位,并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画,皴染不多,主要以毛笔线条勾勒,但其中线条流畅自由,轻重虚实的变化,随意性较强,具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》(油画)以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线,极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。 在要讲用“线”,以至“线”这一中国传统绘画主要的“表现手段”的确立。这不得不提到“北宋”的大家李公麟,他把唐宋以前的线描粉本式的,严谨、规整进行升华、演变。并接受了晋唐顾恺之、吴道子细“笔游丝描”的传统基础上,又能把“方折挺劲”的铁线描有机地融合进去,形成自己的新风格,使线描的表现力向前推进了一大步他的重要作品《维摩像》中,可以看到他在人物画用笔、用线上娴熟、洗练的功力。后来也影响了一大批有作为的名家,如元代赵孟?、张渥、明代画家丁云鹏、陈洪绶、清代任渭长、任伯年,尽管他们各有其独特的创造,但都是以李公麟开创的线描和白描形式为滥觞(即事物的起源)。包括南宋创立减笔水墨画技法先河的梁楷,也是受李公麟晚年减笔人物的影响而成就的,其丰富的用笔为后来的写意人物,“线”的发展奠定了基础。 在长期的美术发展中,“线”作为美术家创作形象和表达自己思想感情的艺术语言,一直处于十分重要的地位,并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。在美术作品中,线有极强烈的直觉暗示力量,如李可染曾说齐白石的草虫“那两根敏锐的触须,真有一处即动的感觉”。马蒂斯说过,他的素描只存在于一鼓作气的线条对比所作的空间分割和由此表现的情感在观众中唤起的共鸣中。这又是说出了线在构筑空间和表达情感时,运用起来表现力多么丰富。古瓷上的龟裂纹,是线的自然构成,那分割出的疏密参差、变幻不定的小区域的几何形象,却有着十足的神秘韵趣。明式家具以简练的线体切割了空间,显得大度、豪壮、洗练、富有生机,体现着人的尊贵。 线已成为画家绘画的“特定符号”,线的面貌也就决定了艺术家的面貌。我们可以看到李苦禅的线与潘天寿的线之韵味分割相差甚远。线是画家们之间绝不会混淆的个性显示。安格尔曾说“线条就是素描,就是一切”。德加喜欢纤细连贯而清晰的线条,认为这种线条是高雅风格的保证,是实现他所欣慕的那种美的唯一方法,线条成了他的欲望。毕加索、马蒂斯都用线创作了大量动人的佳作。艺术家们喜欢线,是因为线把世界和生命最辉煌最美好的瞬间那样快捷,那样概括,那样灵便,那样富有意味地凝结在自己面前,会得到无可比拟的创造的畅快与喜悦。再则画面线的组合全靠“气韵”的统摄作用。所谓“气韵”者,是指画幅线条形状和谐,大致要在两个方面实现:一是气贯,解决线在使用时可能出现的“单兵作战”的孤立感,组织好各种线的复合变化,注意线的走向,不杂乱,似以气脉贯通,有线处气脉相连,无线处也要意气相承,虚实相生。气不足、不周,神韵乃去。另外节奏、节律是事物发展过程的反映,画面中一条线、一组线都应有起始、发展、终止的节奏和律动,有旨意的变化。臻于好些,雅韵乃扬。 中国画的线,可以追溯到仰韶时代的彩绘画,晚周帛画,楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品,鲜明、生动、挺拔的线条,描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象,体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来,随着人物画创作的兴盛,线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师,人们称吴氏的线条为“吴带当风”,他画中的人物,衣袖飘动,生动异常,体现了高度的“运动感”和“节奏感”,充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画,画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能。画家用寥寥数笔,把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动,中国画家经过长期的艺术实践,从“文人画”“院体画”到民间画,对线的运用各具风采(在表现物象的同时,还传达出入的情绪),传统技法——十八描,即是各种线的生动画法。 由于受不同文化背景的影响,东西方绘画的线在形式美感上各不相同:东方绘画中的线注重表现情感,富于韵律感和装饰美;西方绘画中的线具有较强的理性特征,不能把这两者对立起来,应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的,同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛,只是由于欣赏习惯,绘画造型的传统观念的差异,形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析,东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起,如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统,又吸收了东方艺术的特点,给人一种新的美感享受。在我国,随着中西文化的不断融合,中国传统美术有厂新的发展和变化,特别是近十几年来,这一点更加突出。 对中外美术作品的优良传统,都应认真研究继承,在学好我国传统绘画课的基础上,还需了解西方美术。“西为中用用”,使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。 现代艺术的重要特征之一就是其实验性。实验精神的具体方法与途径:一方面是材料应用的可能性;另一方面是视觉心理接受的可能性,从这两方面入手可以大大拓展我们的视觉空间。没有实验精神就不会有所突破,墨守成规的技术训练谈何创造? 开放的社会需要开放的艺术,开放的艺术需要开放的思想。实验性是向未知挑战,是面向未来。
美术教育论文:现代绘画创新意识下美术教育论文 1.小学美术教育现状 由于受到传统教育思想的影响,许多家长和教师对于小学生的美术教育不够重视,导致小学生的美术欣赏能力较差,从而影响到他们今后的生活和学习水平。当前小学美术教育存在的问题主要表现为:第一,教师专业素质较差。当前我国许多小学美术教师没有接受过专业系统的美术教育,有的甚至是从其他岗位上调来的,这样使得小学美术教师水平参差不齐,教师在课堂上不能够正确引导学生进行相关知识的学习,无法培养学生良好的现代绘画艺术技巧,不能够增强学生的绘画创作和创新能力。第二,教师教学理念比较落后。许多小学教师由于对美术教育认识不足,常常牺牲学生的美术课堂来讲解其他文化课程,占科现象比较严重,这样使得小学美术课程形同虚设,没有达到小学美术课程开设的目的。尤其是在当前小学升初中的激烈竞争下,许多学校为了赢得更好的荣誉而取消美术课程的现象更是屡见不鲜。第三,课堂教学形式单一。有许多小学虽然开设了美术课程,但是由于课堂教学形式单一,从而影响到孩子们学习美术的积极性,最终不利于培养他们良好的创新思维。大部分教师在课堂上只是单纯的让孩子们欣赏一些美术作品,没有给予他们相应的动手实践空间,学生长期在这样的课堂上学习,会逐渐失去对美术的兴趣,进而会降低他们的学习质量。 2.小学美术教育中现代绘画艺术创新意识培养策略 2.1丰富教学课堂内容 传统的小学美术课堂上,教师往往是带领学生玩游戏,要不然就是让孩子们上自习,这样就会影响到小学生的美术学习水平,不利于培养他们较高的艺术欣赏能力。所以教师在今后的教学中应该要积极转变自身教学理念,以学生为中心,激发孩子们学习美术的热情,给予他们更多的学习空间,提高他们的创新意识,在今后的学习中敢于思考、敢于实践,充分发挥自身想象,创作出属于自己心目的艺术形象。尤其是在进行小学美术教学时,教师应该要抓住孩子们的心理特点,及时调整教学方案,发动学生去提高实际操作能力,让他们养成良好的自我思考、自我分析、自我解决问题的能力,这样才能够让孩子们发现美术视界的奥秘,让他们找到学习美术的乐趣。比如教师可以采用情景式的教学方式,为孩子们创建良好的学习环境。比如在教孩子们画大公鸡时,就可以先让孩子们通过多媒体来了解公鸡的模样,在向孩子们展现公鸡不同形态的过程中,使他们对公鸡有一定的印象,在画画时可以将自己看到的以及心目中的公鸡形象画出来。这样的画画过程,就是培养小学生创新的过程,让他们敢于用画笔描绘出自己的心中的事物形象,增强他们学习美术的自信。 2.2丰富学生的绘画形式 通常情况下人们认为美术课程就是用画笔来绘画,这样就会约束孩子们的创造性思维,无法达到现代绘画创新意识的培养目标。小学教师在进行美术教育时,可以不断丰富学生的绘画形式,改变他们的传统思维模式,用不同的角度来认识美术,扩大学生的美术视野,增强学生的艺术素养,为他们以后美术知识的学习奠定基础。比如教师在教孩子们画大树时,就可以采用吸管吹的方法,将事先已经准备好的颜料用吸管吹出大树的形状。孩子们在看到这样的绘画方式时一般都比较好奇,从而激发他们参与绘画的积极性,增强他们的绘画创新意识,在美术学习过程中培养创新思维。 2.3提高教师的美术专业素质 小学生美术教学质量的高低与教师的素质有着较大的联系,因此在今后的教学中,小学教师应该要积极提高自身的专业素质,了解小学生的心理特点,结合他们的美术学习需求来调整教学方案,从而激发孩子们的学习积极性,提高他们的美术创新意识。教师在教学过程中要充分尊重孩子们的差异性,结合孩子们不同的兴趣来引导他们学习美术,掌握更多的美术学习技巧。除此之外,小学生在进行美术创作时,教师还要给予他们相应的鼓励和认可,让学生有足够的信心进行美术实践,从而提高他们的动手能力,培养他们科学的思维,提升他们的创新意识和创新理念。 3.总结 小学教师在进行美术教学时,应该要提高小学生的现代美术创新意识,增强他们的自我思考、自我分析以及自我实践能力,让他们能够站在不同的角度看问题,这样才能够更好地拓展孩子们的美术视野,增强学生美术学习的积极性和主动性,从而达到小学美术教学目标,为孩子们今后的学习生活提供更多艺术享受。 作者:康海生 单位:内蒙古集宁师范学院 美术教育论文:师范教育与美术教育论文 一、德国美术教育的显著特点 德国美术教育的首要特点是注重课堂教学的开放性与对学生综合能力的启发性的统一。开放不仅仅是指课堂教学方法的开放,更重要的是指开放式的教学能够从关注学生的个性发展上激发学生的想象力和主动性。美术教育与其他自然科学相比更具有艺术性特征,而在绘画技艺学习中,一方面,学生要从绘画技巧上来理解各知识点之间的关系,如线条的对应、明暗的配合、对象的比例、动态中的侧重点等;另一方面,在课堂教学氛围的营造上,更加注重师生的平等与和谐,课堂分组探讨与交流是主要的课堂教学方式,在对待艺术的认识上,每个学生都可以发表自己的看法,可以根据自我的认知畅所欲言,而这种对课堂互动的友好方式更有助于激发学生的思维主动性,发挥其想象力。课堂探讨只是课堂教学的方式之一,在教学观念的认识上,教师是课堂探讨的引导者,将问题作为探讨的中心,并依此来引导学生探究和理解;学生不受过多的思想限制,可以依据自我的思考来形成对艺术的认知。对于探讨后存在的问题,教师并不作详细的规定,而是鼓励学生以自我的体验、自我的思考来把握课堂教学的主题。对于课后作品创作,多由学生自己与相关技术工作室建立合作,对于不同专业的不同技术,学生可以从技术工作室找到解决问题的答案,而对于创作中遇到的技术问题,则多由学生通过与工作室教师进行探讨来加以解决。其次,注重美术教育过程。从教育目标来看,德国的教育目标是明确的,即让学生通过艺术实践增强民族文化艺术与世界多元文化的关系,进而提升自身的艺术修养,增强艺术的社会功能。从艺术的发展来看,长久以来,对艺术的质疑是争论的焦点,但同时,在不断的否定与争论中也促进了艺术多元化局面的形成。德国美术教育尊重人的心理、生理规律,并将其融入到艺术创作的具体过程中,使学生能够增进对知识的理解程度。德国教师往往尊重学生自己的艺术思想,鼓励其在绘画创作中去体验、去体会。再次,注重对教学环境艺术氛围的营造。环境对于教育的作用是巨大的,德国的多数学校都会从环境的营造上来促进对学生的艺术感化和影响。同时,在美术教育实践中,德国美术教育具有全民性,特别是在对学生的艺术品位的提升上,既要体现求真、求异,又要突出创造性。对于德国文化艺术氛围的营造,无论是民族的、传统的,还是现代的、国际的,都能够从环境中见证统一与和谐。 二、德国美术教育对我国师范教育的启示 (一)对学生个性化教育的关注 20世纪30年代,包豪斯美术教育理念为德国教育注入了新的发展动力,特别是对学生天真情趣的激发,让学生在教学过程中感受艺术的魅力,展现学生对美的认识,并从关注学生的个性差异上培养其独立分析问题的能力。艺术来源于创新,更源自对审美态度的培养。德国美术教育关注学生的感受,倡导个性化的艺术教育,教师在课堂讲授中更关注学生各自的体验和感受,鼓励其从创作中展现自己的个性,并通过对学生作品的探讨,促进学生独立思维和能力的养成。在课堂教学中,可以通过开设辅导课的方式,基于学生的差异性开展针对性教学,还可以借助小组合作探讨的方式,让学生根据各自的兴趣组成小组,并在小组的学习与交流中明确教学内容,锻炼能力。在课堂教学方式上,德国美术教育多融入项目教学法,无论是基础教学还是专业教学,都通过与企业实践的结合来确立研究方向。需要强调的是,德国美术教育注重从美术这一基本概念上来构建美,并在对美的探讨中融入对人的综合性的培养。而我国美术教育往往忽视实践环节,尤其是在与行业发展、企业融合上缺乏有效衔接,大多停留在素描、手绘、色彩上。因此,加大对实践环节的引入更是改善美术教育的关键点。 (二)注重艺术与技术的有效衔接 德国的美术教育理论大多源自哲学家和思想家,他们对德国美术教育的理论与实践都起到了促进作用。如康德提出实物与图画能提升学生的记忆力,而借助于美术教育能够促进学生个性的发展;席勒从审美理念上将艺术与感性、理性建立联系。我国道家创始人老子在构建自己的人生体系时,将婴儿状态与赤子之心作为人生境界的最高层次;明代思想家李贽也提出童心论思想,这些思想与美术教育的融合为学生的艺术修养与技术进步开启了创造的思想动力。中国美术院校的学生与德国美术学院的学生相比,大多都具有扎实的基本功,特别是在技巧的运用上更为娴熟,而由于人文素养的缺乏,其技术只能成为艺术创意的工匠,缺乏个性与灵性。如对于线条的训练,西方绘画多注重基本元素的造型训练,德国美术教学中对于线条的运用更具特色,教师鼓励学生从线条的长、短、曲、直、交错中来体现出艺术化的节奏;而我国美术教育则限于对体系框架的学习,学科性太浓,难以从艺术与技术教育的协同上来促进学生的动手能力、审美能力和创造力。 (三)强化对美术教育内容及学科范畴的延展 从美术教育的实践来看,作为艺术科学,应该在教育中体现渗透性。德国美术教育实施的是模块化教育,为了凸显学科综合素质,在课程开设上有绘画、素描、陶艺、影像、自由绘画、玻璃艺术、木刻艺术、摄影艺术、印刷艺术、雕刻艺术、拼贴艺术、木材教育、纺织教育、多媒体教育以及美学、教育学、社会学、音乐美学等课程,其课程范畴的广泛性与学科独立性并列,足见其对学生综合素养的培养。同时,在学科拓展课程上,还融入了音乐、美育、人文、社会科学等知识,从美术教育与人的全面发展上建立融合。德国的美术教育环境也是丰富的,在艺术馆、美术馆每天都有不同的人群来参观与学习,有拍摄的,有临摹的,有写生的,他们在对美的发现与体验中感受创造美的快乐。在课程设置宽度上,德国美术教育注重课程的广泛性;而我国美术课程则多以教师为中心,依据教师的认知结构来设定课程宽度。因此,在我国美术教育课程中,应该适当增加一些美术延展课程,如金属艺术、木材知识、玻璃艺术、纺织课程及装饰画等知识;在艺术修养课程上,应加大对人文学科知识的延伸;在教学方法上,可以借鉴德国的探究式课堂,将学生的主动性和学习兴趣激发出来。 三、结语 我们在借鉴德国艺术教育实践的过程中,应该从自身教学的实际问题出发,强化对美术教育思想的再认识,尤其是要从美术师资队伍培养上完善艺术教师成长体系,加强对美术学科知识结构的拓展,鼓励学生从艺术教育中增强自信,采取因材施教的教育方法,最终推进我国师范美术教育的不断发展。 作者:范宁江 单位:锦州师范高等专科学校初等教育系 美术教育论文:绘画创新意识下美术教育论文 1.小学美术教育现状 由于受到传统教育思想的影响,许多家长和教师对于小学生的美术教育不够重视,导致小学生的美术欣赏能力较差,从而影响到他们今后的生活和学习水平。当前小学美术教育存在的问题主要表现为:第一,教师专业素质较差。当前我国许多小学美术教师没有接受过专业系统的美术教育,有的甚至是从其他岗位上调来的,这样使得小学美术教师水平参差不齐,教师在课堂上不能够正确引导学生进行相关知识的学习,无法培养学生良好的现代绘画艺术技巧,不能够增强学生的绘画创作和创新能力。第二,教师教学理念比较落后。许多小学教师由于对美术教育认识不足,常常牺牲学生的美术课堂来讲解其他文化课程,占科现象比较严重,这样使得小学美术课程形同虚设,没有达到小学美术课程开设的目的。尤其是在当前小学升初中的激烈竞争下,许多学校为了赢得更好的荣誉而取消美术课程的现象更是屡见不鲜。第三,课堂教学形式单一。有许多小学虽然开设了美术课程,但是由于课堂教学形式单一,从而影响到孩子们学习美术的积极性,最终不利于培养他们良好的创新思维。大部分教师在课堂上只是单纯的让孩子们欣赏一些美术作品,没有给予他们相应的动手实践空间,学生长期在这样的课堂上学习,会逐渐失去对美术的兴趣,进而会降低他们的学习质量。 2.小学美术教育中现代绘画艺术创新意识培养策略 2.1丰富教学课堂内容 传统的小学美术课堂上,教师往往是带领学生玩游戏,要不然就是让孩子们上自习,这样就会影响到小学生的美术学习水平,不利于培养他们较高的艺术欣赏能力。所以教师在今后的教学中应该要积极转变自身教学理念,以学生为中心,激发孩子们学习美术的热情,给予他们更多的学习空间,提高他们的创新意识,在今后的学习中敢于思考、敢于实践,充分发挥自身想象,创作出属于自己心目的艺术形象。尤其是在进行小学美术教学时,教师应该要抓住孩子们的心理特点,及时调整教学方案,发动学生去提高实际操作能力,让他们养成良好的自我思考、自我分析、自我解决问题的能力,这样才能够让孩子们发现美术视界的奥秘,让他们找到学习美术的乐趣。比如教师可以采用情景式的教学方式,为孩子们创建良好的学习环境。比如在教孩子们画大公鸡时,就可以先让孩子们通过多媒体来了解公鸡的模样,在向孩子们展现公鸡不同形态的过程中,使他们对公鸡有一定的印象,在画画时可以将自己看到的以及心目中的公鸡形象画出来。这样的画画过程,就是培养小学生创新的过程,让他们敢于用画笔描绘出自己的心中的事物形象,增强他们学习美术的自信。 2.2丰富学生的绘画形式 通常情况下人们认为美术课程就是用画笔来绘画,这样就会约束孩子们的创造性思维,无法达到现代绘画创新意识的培养目标。小学教师在进行美术教育时,可以不断丰富学生的绘画形式,改变他们的传统思维模式,用不同的角度来认识美术,扩大学生的美术视野,增强学生的艺术素养,为他们以后美术知识的学习奠定基础。比如教师在教孩子们画大树时,就可以采用吸管吹的方法,将事先已经准备好的颜料用吸管吹出大树的形状。孩子们在看到这样的绘画方式时一般都比较好奇,从而激发他们参与绘画的积极性,增强他们的绘画创新意识,在美术学习过程中培养创新思维。 2.3提高教师的美术专业素质 小学生美术教学质量的高低与教师的素质有着较大的联系,因此在今后的教学中,小学教师应该要积极提高自身的专业素质,了解小学生的心理特点,结合他们的美术学习需求来调整教学方案,从而激发孩子们的学习积极性,提高他们的美术创新意识。教师在教学过程中要充分尊重孩子们的差异性,结合孩子们不同的兴趣来引导他们学习美术,掌握更多的美术学习技巧。除此之外,小学生在进行美术创作时,教师还要给予他们相应的鼓励和认可,让学生有足够的信心进行美术实践,从而提高他们的动手能力,培养他们科学的思维,提升他们的创新意识和创新理念。 3.总结 小学教师在进行美术教学时,应该要提高小学生的现代美术创新意识,增强他们的自我思考、自我分析以及自我实践能力,让他们能够站在不同的角度看问题,这样才能够更好地拓展孩子们的美术视野,增强学生美术学习的积极性和主动性,从而达到小学美术教学目标,为孩子们今后的学习生活提供更多艺术享受。 作者:康海生 单位:内蒙古集宁师范学院 美术教育论文:高校学前美术教育论文 一、提升学前美术教育专业学生的基本技能 学前美术教学主要包括幼儿绘画与幼儿手工两项基本内容。学前教育教师在教学中应遵循科学的教育方法,指导幼儿开发、运用生活中的各种物质材料,开展丰富多彩的美术活动,利用外部环境的影响,刺激幼儿的绘画创作愿望,使其充分表达对社会生活的感受和认识,表达出对美好事物的追求,培养幼儿对客观事物的认识能力、观察能力,促进幼儿的美术表现能力和审美能力的发展,使幼儿通过绘画表达自己的情感,培养幼儿美的情操,陶冶幼儿美的人格。培养学生学习和掌握学前美术教育的相关理论知识,学习正确的教育观点和丰富多样的教学方法,使学生具备一定的学前美术教学基本技能和课堂实际操作能力。学前美术教育专业的学生应该具备一定的美术欣赏能力和一些相关的美术基础知识,包括对基础素描和基础色彩知识的学习,特别是对幼儿简笔画、幼儿装饰画的学习与掌握等。在专业课教学中,学前教育教师要注重培养学生的专业技能。专业知识和基本技能是美术教师的立足之本,是美术教师不断学习、提高教学质量的基础。学前美术教育专业美术教师不仅要强调学生进行美术基础技能训练,如素描基础、色彩基础、幼儿简笔画的练习等,还要督促学生学习手工操作技能。通过这类幼儿园实用美术和手工技能的训练,学生可提高教育实践能力,从而在实际教学中提高艺术审美能力和艺术表现力。一名合格的学前美术教师应当系统而扎实地掌握学前美术教育的知识和基本技能,有了扎实的基本功,才能在今后的工作中指导好幼儿的美术活动,做好幼儿美术教学以及幼儿园环境的创设工作。 二、培养分析和评价儿童作品的能力 学前幼儿美术作品主要是再现性的,情绪、情感更多起到动力作用。随着年龄的增长,幼儿会对美产生追求,作品中体现出简单的形式美规律,如画面的完整、均衡、重复和色彩的明快、鲜艳等。学前教育阶段属于幼儿身心快速发展的阶段,如果不能及时对他们的作品进行鼓励和引导,将会打击他们的绘画热情,影响其自信心的形成。教师要认真观察幼儿情绪,认真听取他们的想法。正确引导的优秀就是最大限度地保护幼儿的天赋。由于幼儿的好奇心很强,对大自然中的很多事物都充满了兴趣和热情,所以教师在开展美术教育活动时不妨从教育环境入手,为幼儿创造优美的美术教育环境,以此帮助其学习美术。教师要根据幼儿的年龄特征,抓住不同的黄金期辅导幼儿的绘画,但是要注意不能拔苗助长。教师要以培养幼儿各方面的能力为主,不要过分强调绘画形象的真实性。在指导幼儿绘画时,教师既要给予关心和指导,又要少加干涉,在尊重幼儿和保护幼儿天赋的基础上,让幼儿无拘无束地创造,发挥幼儿的内在潜力,在幼儿创作感到困难时适时进行启发建议。 三、教学中创新能力的培养 培养高校学前教育专业学生的创新思维,首先要培养他们的想象力,培养他们在课堂设计的过程中加入自己的创造性思维,在讲授绘画的同时,进行相关知识的传授,巧妙运用启发式语言,培养幼儿的创新实践能力。学前教师要多给幼儿创设艺术的氛围,及时诱导、鼓励,使幼儿体会成功的快乐,鼓励幼儿画出流畅而有情感的线条,鼓励幼儿自由画出各种形状,涂抹具有个性的主观色彩,通过主观创造将复杂物象概括成基本的几何形,鼓励幼儿在观察、记忆的基础上多画一些有生活体验、生活情节的场景画,在尊重幼儿的选择和兴趣的基础上,适当拓宽绘画训练的内容,鼓励幼儿采用不同的工具材料和运用各种绘画形式来画。学前阶段是幼儿发展创新思维、观察、想象等能力的重要时期。教师通过创新学前美术教育教学方式,开展美术教育活动,使幼儿感受、体验、想象、创造,通过美术教育培养幼儿敏锐的观察力、丰富的情感、活跃的想象力、大胆的创造力和灵活的动手能力,让幼儿在生活中寻找创作的源泉,通过观察表现生活主题,发现生活中的美,使幼儿更加热爱生活,培养幼儿发现美和表现美的能力,从而达到培养幼儿审美想象力和创造力的目的。 作者:李林娜 单位:韶关学院韶州师范分院 美术教育论文:小学个性化美术教育论文 一、个性化学习的意义与理论基础 过去一段时间,在美术教学的过程中,学生的创造潜能与艺术个性没有受到应有的重视,主要表现为教学模式过于统一:统一的教学评价、教学内容、教学目标与教学方式。教师忽视了对学习方法的研究,在一定程度上扼杀了学生的创新潜能与艺术个性。个性化学习的理论基础是多元智力理论。与传统智力观相比,多元智力理论是更为科学、广阔的有关智力本质的一些知识。同时,个性化学习强调在可能的范围内,教师合理使用不同的教育方式,从而使不同的学生都可以获得相应的教育。 二、个性化学习在小学美术教育中的具体应用 1.多样化的学习方法 在小学美术教学过程中,教师应该鼓励学生自主选择学习方法。如,在学习“我喜爱的体育活动”的课程内容时,学生可以选择自己喜爱的方法进行表现,如绘画法、泥塑法与手工法等。教师应该为学生提供可以自由发展的平台,由此,学生可以自主进行探索性学习,发展个性,施展才华,从而有效地促进自身的个性化发展。 2.多元化的教学方式 个性化学习为学生提供选择的机会,教师应依照外部环境与学生的内部需求等,有效地运用多种教学方式。如,在教学画眼睛的内容时,在实施必要的启发与组织后,对于喜欢小组学习的学生,教师可以让其自由组成学习小组,鼓励学生自主研究,使学生凭借亲身探究获得知识;对于喜欢在教师指导下学习的学生,教师可以有针对性地对其进行示范与讲解;而对于喜欢自己独立学习研究的学生,教师可以允许其独立研究。教师应该有效地对人才培养模式进行完善,从而使学生真正成长为在未来社会具备竞争力的综合型人才。 3.个性化的绘画风格 因为性格存在差异,每位学生的绘画风格也存在一定的差异。在美术教学的过程中,有些学生用色单纯、明快、大胆、果断,有些学生用色豪放粗犷,有些学生用色无拘无束,有些学生用色细腻柔和……这些都是学生个性的反映,体现了儿童画所具有的独特魅力,因此,教师应该鼓励学生大胆进行创作。 4.开放式的绘画评价 开放式的绘画评价以学生发展为基本的理念,通过多样评价标准与多种组织形式评价学生的画作。其一,开放式的绘画评价有效地使以往美术教学评价标准统一与评价形式单一的现象得到改变;其二,开放式的绘画评价有效地增强了学生的自信心,培养了学生学习美术的兴趣,促使学生充分发挥自身的创造潜能与个性。如,教师在教学“椅子的设计”课程内容时,可以选择集中地对学生作业进行展览的形式,引导组织学生实施开放式的评价。这样,学生在评价中可以及时发现自身的进步,赏识、认同与接纳自己,从而有效地激发自身的创造热情。 三、多元化的教学评价 在小学美术课程教学过程中,个性化学习要求教学评价多元化。教师应该构建可以推动学生全面发展的教学评价体系,从而有效地对学生的个性进行培养。 1.评价人员与评价方式多元化 个性化学习中,评价往往重视学习过程。教师可以构建学生成长记录袋,把学生的平时作业、竞赛获奖作品等作为资料,通过小组评价的方式,对学生的个性艺术创作进行研究。同时,还可以通过绘画作业展与小组竞赛的形式实现评价的最终目的,从而有效地对学生的绘画技能进行培养。 2.评价标准多样化 教师应针对不同学生制订相应的评价标准。如,在教学过程中,教师可以从不同方面对学生进行评价,如上课是否积极发言、绘画构图是否完美、色彩运用是否有可取之处、绘画是否有进步,教师通过此种方式对学生的点滴进步进行关注,对学生的差异进行了解,并让学生认识到自身的不足与优点,以此使学生增强自信心,获得成功的喜悦,从而使学生以积极的态度进入新的学习。 四、结语 现阶段,个性化教育已经成为教育改革的必然趋势,缺失个性难以成为适应社会发展的人才,缺失个性化教学则缺失课堂的生命。每位学生都是潜在的天才,只是他们的行为方式存在一定的差异,美术教育可以有效地对儿童个性进行培养,因此教师应该采取有效的措施保护学生的天性,引导学生个性健康发展,从而为其创作风格的个性化与多样化打下坚实的基础。 作者:黄畅 单位:福建福州市达明小学 美术教育论文:美术馆美术教育论文 一、美术与公众 在中国近代美术之前,美术作品不是成为宫廷庙堂上的装饰,就是远离尘事,作为文人墨客的把玩之物,显然当时的画家并没有因为缺少观众而意识到艺术上的“寂寞”。毕竟,追求闲适是中国艺术文化特点之一。直到中国社会受到内忧外患的冲击时,直到中国美术发展遇到颈瓶时,对美术功用才开始重新进行思考。当时,为了艺术为政治服务的需求,艺术家开始对社会、文化、政治等现实问题的展开关注和介入,国家开始强调艺术和公众的关系。随后,中国进入和平时代,绘画形式与语言继续发生着变化,但是没变的是美术与公众的紧密性,并且愈演愈烈。当然关系维持不再是受要求,单一的宣传某种主题,而更多的是画家主动采用展览的方式,来赢得观众的亲身参与。这种“中国绘画从宫廷庙堂、私人宅所,进入面向社会大众的公共展览会时代,是20世纪中国绘画史上的重大转变”。作为视觉艺术,美术本不该是孤独的,它应是通过展示来使更多的人参与其中,从而影响人们的思想精神,而能够提供合适展示空间的就是美术馆了。美术馆是陈列历史上遗留下来的美术作品或当前的美术创造成果,可以说是展示人类文明的场所,是提高全民素质的理想课堂,是人们接受和领会艺术的殿堂。美术馆文化,虽然属于艺术的范畴,但它必须借助于大众文化传播方式向公众推广。其实美术家、作品与观赏者本来就是一个整体,可惜的是中国美术过去长久的忽视第三者的存在,不过历史变革和时展使美术家意识到公众的重要性,告诉我们“美术家需要公众,作品也需要公众”。当然美术家对公众的“依赖”绝不是消极、被动的,他们是互助的,因为公众也从美术作品中得到了东西。 二、美术馆与公众 “学生不是常在学校的,又有许多已离学校的人,不能不给他们一种美育的机会,所以又要社会的美育。”正如20世纪蔡元培先生所倡导的美育方针,任何人都应该接受美术教育。那么,艺术普及的任务,让美术馆承担再合适不过。目前,美术馆越来越成为百姓驻足的地方,而在早期,美术馆常被误解为只有艺术人或者文化人才去的地方,而自认为不懂艺术的人则望而却步,但如毕加索所说:任何人都是天生的艺术家。每个人都有审美能力,在人们对艺术品进行欣赏时,这种能力就会表现,进而提高观者的审美情趣,艺术品位,帮助人们完成了道德与艺术上的融合,最后促进人的精神升华,这其实就是美术教育了。美术家在美的方面是领导者,他们的思想、意志以及对美的理解通过作品被观者感悟,在观者的精神领域里,美术发挥出它自身具有的普遍感染力,从而让观者受到教育。美术馆的教育作用在中国受到重视比国外要晚一些,很多早期的中国留学人员成为了先于国人享受国外美术馆教育的幸运儿,比如著名画家徐悲鸿在留法期间就对美术馆留下了深刻的印象:“因其为民众集合之所,可以增进人民美感,舒畅其郁积,而陶冶其性灵。”同样为中国美术教育做出突出贡献的刘海栗旅欧三年,却未踏入任何艺术学校或师从某位大师,而是将美术馆当成最好的老师,最后依旧载誉而归。当中国在南京建立国立中央美术陈列馆时,就提出“将美术展览立足于教育,想通过美展来提高人民群众的审美情趣和素养”。民国时期的美育要求直接促进了美术馆在中国大地上的出现和发展,随之美术馆便产生了比预想还要好的效果。艺术家需要观众的理解,观众也需要艺术的精神,美术馆在观众与艺术家之间架起互动的桥梁。中国的美术馆正在不断拓宽艺术大门,不仅重视为美术家服务,而且面向公众开展美术普及教育。 三、美术馆美术教育与学校美术教育 学校美术教育以课程教育为中心,向学生传授艺术的基本知识和技法,因为受到传统教育模式的束缚,往往缺乏一定的灵活性,使美术失去其特有魅力。而美术馆美术教育因为不受传统要求限制,能够充分体现出美术的趣味性与丰富性。美术馆以展出作品为基本,让人们直接欣赏美,培养观者对艺术的敏感性。以为人们提供轻松的美育环境为目的,从而发挥美术教育功用,“形成一个三维的审美感觉的氛围是美术馆美术教育与学校美术教育的最大不同”。另外,美术馆美术教育对象范围广,从儿童到成人,甚至艺术家。观者根据兴趣进行自主性的欣赏和学习。学校美术教育与美术馆美术教育各有侧重,两种教学方式理应紧密结合,取长补短。比如,学生到美术馆上美术课,结合展览举办有针对性的学术研讨、讲座,探讨美术教育实践等等行为活动都将会取得良好的社会教育效果。美术教育不仅是美术技巧的传达,更是文化传承、塑造正确人生观的过程,这也是素质教育的重要内容。另外,美术是民族文化的一部分,美术馆美术教育不能是简单停留在展览层面上,还应该从传统民族文化中寻找资源,重视培养观众对传统文化的认识和理解,避免失去“民族文化根性”。美术馆的进一步开放,教育活动的进一步开展,以及美术馆教育与学校美术教育的结合将是非常重要的。在我国,美术馆美术教育已经取得了一定的成绩,并且拥有继续发展的空间。笔者相信随着大众对文化和艺术的越来越关心,对美术馆所包含的文化价值的认识也会有不断地提高和要求。未来,美术馆应在保持现有功用的基础上寻求进一步的扩展,充分利用美术馆资源,以多种形式开展美术教育,继承民族艺术传统,弘扬中华民族的文化精神,积极引入国外优秀美术成果,向公众开放更高层次的审美领域,以达到提高大众的艺术修养,提高全民素质为最终目的。 作者:罗洋 单位:延边大学美术学院 美术教育论文:动漫艺术与美术教育论文 一、动漫艺术与基础美术教育的关系 (一)动漫艺术是多种艺术形式综合对美术教学类别的拓展 动漫艺术是多种美术形式的综合,其中我国具有多种美术特征和风格的美术动漫作品举不胜举,如水墨风格的《小蝌蚪找妈妈》和折纸风格的《聪明的鸭子》、木偶风格的《神笔马良》,以及剪纸风格的《猴子捞月》等。这些具有多种风格的动漫艺术作品开创性地融合了中国传统的美术造型元素、审美特征和艺术表现手法,全面地展现了动漫艺术多种表现形式。 (二)动漫艺术独特的美学内涵丰富基础美术教育的意义 动漫艺术符合审美教育的特征并能促进审美经验的积累。动漫是通俗艺术,欣赏动漫的过程是主体主动参与审美的过程,使人在欣赏动漫艺术作品的同时产生审美感受、体验、判断、评价和创造。动漫审美是多种心理因素作用下的综合美感活动,欣赏动漫艺术的过程势必反作用于多种心理因素如感觉、知觉、情感、想象、理解等诸心理能力,使之得到提高和相互协调。因此,可以说动漫艺术适合青少年的天性,符合审美教育的特征,能够促进审美经验的积累,有利于提高青少年审美意识的成熟。 二、动漫艺术融入“欣赏与评述”学习领域 新课程标准从美术学习方式出发,划分出“造型与表现”“设计与应用”“欣赏与评述”“综合与探索”四个学习领域。改变了单纯以学科知识体系构建课程的思路和方法,从促进学生素质发展的角度,根据美术学习活动方式来划分学习领域。因此,笔者认为探索将动漫艺术引入基础美术教育各个学习领域的方法,具有重要意义。本文仅对“欣赏与评述”学习领域进行重点分析研究。 (一)在动漫艺术作品评述中,构建青少年的主体意识 纯粹的动漫艺术形象的美术技法讲解,将使得基础美术教学成为普通的技能培训,结合审美欣赏能力的培养和文化知识的相关拓展、评述是一条符合新课改要求的并值得探索的道路。 1.动漫艺术作品辩论 利用辩论法提高学生对动漫艺术欣赏的认识能力。那么,何谓辩论呢?辩论是辩论双方用一定的理由及观点来说明自己对问题的见解,相互揭露对方的矛盾以便最后得到正确的认识或共同的意见。美对我们是一种现象,是一种情感,而辩论可以很好的强化这种情感,提高欣赏动漫艺术作品的水平和能力。利用动漫艺术作品欣赏,引起学生情感的共鸣,教师可以找出该作品的艺术特点与课程内容的优秀问题,采用以辩论的形式进行动漫艺术评述。 2.动漫艺术作品解析 在教学中教师可以向学生具体分析国外动漫作品中的审美风格,引导学生对动漫艺术作品的形式语言进行分析,包括构图形式、色彩表现等,并感受作品中含有的独特艺术元素。在整个课堂教学中,教师为学生营造出一个积极思维的主体空间和时间,充分发挥了学生的主体性与思考的独立性,教育过程变成在教师的指导下,师生一起平等地、民主地共同研究、交流、讨论、探索的过程。 (二)动漫艺术教学在“欣赏与评述”学习领域的目标与价值分析 1.目标 第一,激发学生参与“欣赏与评述”活动的兴趣,提高学生欣赏动漫艺术的美术素养,引导学生主动探讨深藏在形形色色的动漫艺术影像背后的不同文化、社会、经济和政治等因素。培养学生对不良动漫艺术现象与作品的批判和反省的能力,通过批判和反思,进一步建立对优秀动漫艺术的认同。第二,激发学生参与“欣赏与评述”动漫艺术教学的兴趣,学习多角度欣赏和认识动漫艺术作品的形式与内容特征,获得初步的审美经验和鉴赏能力,了解中外动漫艺术发展概况。通过动漫艺术欣赏逐步培养学生崇尚文明、珍惜中国优秀民族艺术与文化遗产的责任与尊重世界多元文化的态度。第三,逐步提高动漫艺术的视觉感受能力,掌握运用语言、文字和形体表达自己的对动漫艺术的真实感受和认识的基本方法,形成健康的审美情趣,发展动漫艺术审美能力,并能独立对动漫艺术作品进行简短评述。 2.价值定位 在基础美术教育“欣赏与评述”学习领域的动漫艺术教学,不仅仅要“欣赏”,更重要的是“评述”。这里的“评述”是建立在教师、学生、文本三者之上共同参与,并在相互尊重、信任与平等的气氛中,学生以自己欣赏动漫艺术的真实感受与教师及其他同学坦诚的交流,进行心灵的沟通,以此加深学生对动漫艺术作品的认识与理解,不断丰富自己的审美经验;培养学生对动漫艺术作品的批判意识,建立属于自己的动漫艺术审美价值观,使学生更好地了解动漫艺术作品的艺术审美精髓。 三、结语 中国动漫艺术有着深厚的中华文化底蕴和优秀的动漫传统,随着我国动漫产业的发展逐步与国际接轨,更需要通过基础美术教育不断解读我国优秀的文化传承与历史积淀,拓宽动漫艺术的创作思路,创造出民族与世界相结合、传统与现代相呼应的优秀动漫艺术作品。 作者:薛曼君 单位:河南理工大学 美术教育论文:我国小学美术教育论文 一、当今小学美术欣赏教学的现状 尽管美术欣赏对学生的理论知识和绘画技巧的培养具有一定的意义,但是很多小学美术教师都不重视美术欣赏教学,也没有遵循新课标的要求和目的去进行教育工作,往往形成学生在自己看书,甚至出现忽略不讲。发现其原因,首先是美术教师忽视了欣赏教学的重要性;其二是教学信息和教学设备及材料缺乏;三是教学方法过于单一,不能激发学生的学习积极性,最后导致认为学生对欣赏课不感兴趣。前两点问题在教学过程中得到了解决,因为随着新课程要求的培训和加强实施,美术教师认知了欣赏课的重要性;在“农远工程”的推动下,最大程度的解决了小学教学信息、教学设备及教学资料缺乏的问题,让每个农村小学都有了专门的网络、计算机教室、卫星收视教学点,还有教学视频播放,只要美术教师掌握简单的实际的现代信息操作技巧就能短时间内获得大量的资料,并且在同一时间可以使每一个学生都能清晰地的观赏。所以,当今情况下教学方法过于单一,才是影响美学欣赏课教学正常运行的主要原因,也是影响新课程达到目的主要因素。因为教学的方法需要美术教师通过教学过程中不断的探索和积累,它不是单一的,也不是相通的,所以教学方法要随着教学目标和教学的实际情况而不断的更新、改进和变化,新课程的目的和教学方法是相互支持的,如果不能将其融入到教学方法的价值和目的中去,终究还是纸上谈兵。新课程特别强调培养学生的积极性学习、探索性学习、自主性学习、合作学习的能力,通过这些知识能力的培养如果只靠传统的讲解为主的话也不能真正的实现,所以不断的创新、不断的探讨、行知有效的教学方式才能确保教学目的和教学改革的实现。在新课程大力实践中,教师们会发现互动教学对提高教学实效性、实现新课程目的、改进美术欣赏教学有着重要的意义。 二、美术欣赏互动教学的方法 1.巧妙设问,激发学生提问 在美术欣赏教学中巧妙的设问可以直接影响欣赏教学质量,巧妙的设问可以促进学生的积极性,有质量的设问可以启发学生的思维,走进学生内心的深处,可以让学生积极参与到课堂的教学中去,让学生真正发挥自己的作用性。如何针对教学的内容,美术教学才能提出有质量额问题呢?首先要尽量选择学生曾经经历过的,使其每一个学生都可以有说话的空间。比如《留住春天》一课,我们可以将两种设问作出比较:一是在秋游的时候,我们曾经去过什么地方?二是你们通过照片上的线索可以看出同学在做什么活动啊?你觉得这幅画好看吗?两个问题中,第一个相对于要巧妙一些,因为让学生经过大脑的思考回忆才能表达自己的看法,而且在回答的问题中多种多样,对展现学生的个人感受是有意义的。第二个问题是很传统的问题,答案都基本一致,只凭观察都能回答。其次,提问要有创新,好奇之心人人都有。在欣赏教学中,美术教师要根据教学内容和培养目的,设计有吸引力、新颖的、学生感兴趣的问题,就会激发学习积极性,调动课堂的气氛。在《什么是美术作品》的教学中,美术教师让学生在日常生活中留意生活用品、瓷器、彩陶等,然后设计问题:如何让生活用品变成美术作品?在欣赏教学中,师生互动也很重要,教师除了设计问题,还应该激发学生提问。新课程要求要培养学生提问的意识,是否能让学生积极发现问题然后主动提出问题以及探讨问题已经是课堂质量评价的标准。在学习过程中,如果哦能让学生自己提问,才证明学生真挚的掌握了知识,学生才会有所进步。所以,在欣赏教学当中,教师要改变传统的教学模式,真正意义上师生平等交流,鼓励学生发文,教师也应该通过学生的问题来开展教学,提高学生的积极性和主动性。 2.开创情境,加深体验 在欣赏教学中,情景教学和情感教育的结合能推进互动教学。在欣赏优秀的美术作品时,教师要收集作品的相关资料加以整合,融入不同学科的知识,把欣赏作品当作整个文化体系上的爆发点。目的是:使其学生可以认知这个点,更进一步让学生融入这个文化氛围,为达到教学目标,教师开创文化情景,可以使学生大范围的了解美术与整个社会、历史、生活以及人的情感都息息相关。例如欣赏《春》时,可以将教室创设成有春天气息的氛围,在加上《春天圆舞曲》的融入,学生朗读春天的文学作品。通过这样的文化情境,学生在众多感官中,体会和探讨对春天的感受,使其每一个学生都有独特的感受。 3.演讲故事,加强交流 美术是灵感瞬间爆发的艺术,一般是通过生活中有戏剧性和代表性的瞬间来作为创作对象,特别是在叙事性素材中的美术作品,只能用他最精彩的片段。根绝美术作品的特征,在欣赏教学中可以以演讲的方式,使其学生可以充分了解、认知、体验、探讨作品的内容和背景故事,加强学生掌握作品的深层次意境。如在欣赏《狼牙山五壮士》这幅作品时可以通过演讲的方式来加强批次之间的沟通交流,提高了语言表达的能力。 4.积极动手,增强合作 积极动手在欣赏教学中,教师不能一味的讲,学生一味的观看,在必要是是适当的动手师范或者让学生自己动手。这类互动方式,加强了学生的学习美术兴趣,调动了课堂的气氛,让学生更好了解美术作品,并且培养学生的合作能力。临摹的欣赏教学中学生动手操作的一种方式,在欣赏美术作品后,让学生临摹自身最有感觉的片段,从而学习经典作品的技巧,领悟作者的创造情感,在临摹的过程中还可以融入自己的发挥和创作。临摹可以让学生自身进行,也可以通过合作,总之在方式上具体的教学内容好灵活运用。如“民间竹编艺术”欣赏这课,让使其学生欣赏中国优秀的竹编工艺品,然后讲解简单的制作方法,再给学生分配材料,让他们在相互交流中完成一个佳作。学生在亲手制作过程中,提高学生对竹编工艺的兴趣。 三、结语 综合上述我对美术教学中应用的欣赏互动教学的一些方法,在教学工作中取得了一定的效果。在课堂上,掌握学生的实际情况和教学内容,灵活运用这些方法。学生可以在多种途径、多种形式的感受和体会中,在一起进行沟通和交流。为了达到新课程的目的,教师们要不断创新、不断实践、不断总结的有效教学方法。 美术教育论文:卡通漫画艺术中学美术教育论文 一、卡通漫画艺术对中学生综合素质的提升和意义 作为从事中学美术教育工作的教师,应该首先了解卡通漫画的艺术精髓,不仅能掌握卡通漫画自身所特有的艺术特征,更要熟悉学生的生活和心理特征,这样才能真正融入学生的认知世界,对学生人格的形成和能力的培养起到重要作用: 1.有助于提高中学生良好的言行举止。 中学生有丰富的想像力,为了表达自己的构思会创造生动的形象,其中会包含在生活中看到的人或者事物。学生感受到当今社会和学习环境的中的和谐现象,会积极的用手中的画笔加上自身的感受,通过绘画展现学生机智、勇敢以及高尚的情操。一副良好的卡通漫画作品,会让学生辨别什么是真善美和丑恶假。学生将自己在校园和社会生活中见到的趣事为展现题材,可以创作出趣味横生,让人一点通的佳作。而学生在创造卡通漫画的过程中可以得到激发和教育,可以净化他们的思想、规范他们的行为。因此,让学生自主参与卡通漫画的创作,对学生身心健康的发展有重要的作用。 2.有助于提高学生的观察力。 卡通漫画大多数反映生活中的趣事和人物。所以,要创作一幅好的作品必须热爱生活,了解生活和掌握生活。教师在引导学生进行创作时,要强调学生关注生活中经常出现的趣事进行反思。卡通漫画的创造需要大胆的想像力和夸张的意识,更需要对生活中层出不穷的事物进行积累,观察和反思。培养学生认真关注生活的习惯,才能促进他们不断的发现,再集合大胆带有创意的想法,才能将有价值的题材创造成好的作品。因此,在学习卡通漫画过程中,必须要求学生锻炼好观察的基本能力。 3.有助于提高学生绘画技能、增强美术创造能力。 卡通漫画是注重思维和技巧的一种艺术。一幅好的作品,需要作者具有好的绘画能力,比如:在创意造型、装饰能力、色彩构思上要下大功夫。在卡通漫画创造中,把生活中的题材直接绘画出来就是一幅作品,但是很多的作品确实需要通过后期的加工才成为真正意义上的完成,其实后期是属于想象、创作的过程,需要尽力思考,通过对比、夸张、比喻、拟人等方法,将收集到的题材进行“再创作”。作为美术教师应该要鼓励学生用心去领会,大胆的想象,引导他们把卡通漫画的创作表现手法和所收集到趣人趣事进行反复的琢磨,努力在强烈的碰撞中激发灵感,完成构思。当学生们发现了生活中可以创作的素材时,美术教师就应该用心去激励他们、引导他们,学生最后才能创作出有思想、有灵魂、有艺术的最佳作品。所以,在美术教学过程中,通过卡通漫画创作过程,可以增强学生的创造能力。 4.有助于点燃学生的求知欲望。 卡通漫画是智慧的艺术,若要创造出满意的卡通漫画作品,不经过一定的知识积累和细心观察是很难做到的。就算是好的素材摆在眼前,也难以触动学生的灵感,擦出智慧的火花,也不能找到创作的最佳途径。一幅卡通漫画作品可以展现创作者的知识范围,知识涉及领域越广阔作品越有思想深度。因此,在美术教学中教师应该引导学生应该注重知识范围的扩广,尽量增加接触面,积累的知识多了,在创作时才会有更多的素材。所以,知识的掌握在卡通漫画艺术的创造中非常重要,当学生真正体会到知识的积累真正在卡通漫画创作中得到应用时,就能点燃他们的求知欲望。 二、卡通漫画艺术在美术教材中的影响与未来的发展 在现代中学美术教材中主要有两个部分的,一是文字解释,二是图片说明,两个部分都很重要,对学生对知识的掌握、思维的扩展、智力的开发、各有不同的特点和作用。在现代美术教材中融入多种卡通漫画的艺术形式,内容就会丰富多样,不拘一格的造型。首先,会带给学生们带来多元化的感官冲击:由于形式的多样化,学生随时就能把文字和图片说明加以对比,可以达到牢记知识的目的。内容的丰富和鲜明的主题可以直接诠释和反映相关文字的说明。其次,还可以促进情感色彩的浓厚:在美术教育中,卡通漫画图片恰好使中学生的理解能力,在丰富剧情的推动下,更容易掌握理论知识和绘画技巧。卡通漫画的艺术图片以自身的魅力吸引广大学生们,这也是卡通漫画艺术形式在中学美术教材中具有重要地位的原因。虽然卡通漫画艺术形式丰富多彩,也是广大青少年所追捧的艺术形式,但是学校美术教育中,这方面针对性的内容还需要重视,可以由美术教师根据自己掌握卡通漫画的资料进行教材的补充,同时可以调动学生积极性一起收集。这样不仅掌握学生的兴趣,也可以引导学生,让美术教学更丰富多彩,更具活力。 三、结语 卡通漫画表现力很强,功能多样化、效果显著,是深受广大青少年热爱的艺术形式,可以增强青少年在多方面的能力。在今后的美术教学中,卡通漫画艺术将用广泛的表现手法、丰富的内容和强大的生命力,为学生提供乐趣。让学生体会到创作美、认知美和感知美,因此未来卡通漫画艺术在美术教育方面将会更显光芒。 美术教育论文:多媒体技术中小学美术教育论文 一、多媒体技术在小学美术教学中的具体作用 (一)提升小学生的美术学习兴趣 对于美术学科而言,应用多媒体技术可以改变传统美术画面的静态劣势,通过动态化演示,进而更加生动、清晰地呈现出艺术作品,促使学生在课堂中感受到身临其境的感觉,完全不受时空的限制。小学生在这样轻松、快乐的氛围中能够充分感受到美术所带来的精神享受,最终激发出他们的学习兴趣。 (二)提升小学生艺术欣赏水平 通过多媒体教学能够促使学生认识并理解美术作品中所包含的美,进而提升他们的欣赏水平。美术欣赏课能够通过网络手段找到丰富多彩的内容,并传递给学生,使他们欣赏到高质量的艺术图片,同时也可将不同风格、不同流派的美术作品呈现在学生的眼前,通过反复对比,促使学生的欣赏能力得到更大提升。 (三)拓展了小学生对于美术学科的视野 小学美术课堂所欣赏的内容具有一定广泛性,主要包含了世界各国以及古今中外的各种美术作品。这样庞大的信息量,通过应用多媒体资源能够使学生欣赏到传统美术教学方式所无法看到的图片以及视频,极大地拓展了学生的美术视野。利用提供出的大量教学内容及课外知识,扩大了美术教学内容,也使学生们得以在有限的范围内接触到无限的艺术作品,在积累丰富知识的同时,也深层的激发了他们的潜能,提高了实际教学质量。 (四)提升课堂教学效率 多媒体技术作为一种十分重要的信息手段,将其应用在小学美术教学当中,能够有效提升教学效率,同时也有助于学生学习心态的改善,这样学生的学习效率自然会得到提升。从小学美术教师的角度来看,通过多媒体技术教学,可以在备课阶段丰富教学内容,并且可以更加准确的展现出将要学习的课堂内容,教师得以从繁重的课堂板书中解脱出来,从而将更多时间利用在学生的实际训练当中。从小学生的角度来看,通过多媒体技术,学生能够更好的理解原本极为抽象的美术理论知识,因此有了更多的时间去思考、理解和记忆。 二、小学美术教学应用多媒体技术的有效途径 (一)确保多媒体技术应用的正确性,从而激发学生学习主动性 多媒体技术手段拥有特殊的艺术魅力以及传统教学方式无可比拟的优势,小学美术教师的主要工作任务就是要科学合理利用这种资源,并以此实现美术教学方式的多元化,进而优化整个课堂教学结构,进一步完善实际教学过程。禁止在教学过程中将其形式化,而是要把小学美术课堂教学变得更加生动、具体,切实改善传统美术教学方式中严重缺少教学情境的弊端,通过图像、视频、影像、声音等多媒体技术,使得美术教材更加生动、有趣味,将更多的艺术美展现在学生眼前。在这一过程中,学生便能够深刻体会到教材深层包含的意境,进而使学生的各种积极心理因素被充分激发出来,与此同时也充分调动了审美主体的心态功能,使之变得更乐于学习,更热爱美术。 (二)加强对多媒体技术的应用,促使学生得到全面发展 利用多媒体技术进行小学美术教育,打破了传统授课方式,使小组教学以及网络讨论等多种方式逐渐代替了原来的大班授课形式,从而使授课范围得到扩大,其授课形式也更加多元化。所以,小学美术教师更应该针对学生不同个性较多运用多媒体技术进行教学。对于不同基础、不同水平的学生,教师应给予不同数量、不同难易程度的练习,把更多学习机会以及练习机会交由学生,最终促使不同层次的学生都能够各自完成学习目标。与此同时,小学生在美术课堂上的主体地位应当得到充分体现和发挥,使每一阶段的学生都可以得到培养。另外,美术教师也可以通过改变作业模式,使学生们有效利用计算机适时完成课堂作业,这将在切实提升学生美术能力以及计算机操作水平的同时,促使学生得到全面发展。对于小学美术教师自身,应时刻重视自身专业技能的提高,通过多媒体技术设计出高质量的教学课件,为小学美术教学提供多种有效的方法和意见。 (三)进一步强化师生交流,建立和谐、融洽的师生关系 在传统美术教学方式进行授课时,很多情况下都没有实物教具,这时教师只能通过口述的方式来讲解雕塑作品、建筑欣赏等原本具体化、形象化的知识,这样便浪费了大量课堂时间,而这时学生往往还很难理解老师所讲授的内容。而多媒体技术的应用便还好的解决了上述问题,它凭借自身连续性、动态化的特点使原本抽象的问题变得形象化、具体化,同时也为教师提供了更多时间、更多精力去思考深层次的美术教学问题,为学生创设了良好的教学环境。在这样的教学过程中,学生们的自主思考、自主学习空间将会变得更大,逐渐由传统被动式接受知识转化成了积极主动的学习,也将机械学习有效转化成了意义学习,促进师生关系向着更加和谐、融洽的方向发展。值得提到的是,多媒体技术作为一种教学手段,不可将其替代为教师来履行职责,教师和学生之间的沟通交流以及学习过程中的互动仍旧需要教师的不断努力。小学美术教师应该将更多的时间应用在和学生的交流,在教学过程中去感染学生、激励学生、引导学生,使他们真正从课件当中摆脱出来,拥有更多的时间去了解学生、关心学生,进而拉近自己与学生之间的距离。 三、结语 小学教育作为基础教育,应始终强调素质教育,并主张进行全面培养。美术教学是不可或缺的艺术类学科,在教学过程中培养学生创造力不容忽视。然而当前小学美术的教育局面则应得到及时纠正。第一,应对美术功能进行重新认识,深入贯彻美术教学目标,积极评价美术教育的重要性;其次,小学美术教师应适时转变美术教育教学观念,确立起使新的美术教育观;最后,应在教学实践中深入探索美术教学新模式、新策略。而其中应用多媒体技术进行教学具有重要作用,多媒体技术凭借自身具有的多方面优点,得到了教育界的广泛认可,并且应用也越来越广泛,从而使小学美术教学迈入了新的发展阶段。 作者:吴志刚 单位:无锡城市职业技术学院 美术教育论文:多媒体技术下幼儿园美术教育论文 一、多媒体技术可以辅助幼儿教学 (一)多媒体具有灵活多变的优势,能为幼儿创造生动形象的教学环境。 (二)多媒体能够展现直观形象的事物,能使教学内容更加直观、形象,帮助幼儿主动的参加教学活动。 (三)多媒体能够开拓幼儿思维,加强幼儿的独立性学习的习惯。 二、多媒体技术在幼儿美术教学活动中的应用 (一)优化美术艺术教学环境,激发幼儿的学习美术的兴趣 由于兴趣能够促进幼儿学习的主动性。多媒体技术具有多样性、形象性的特点,它能够运用声音、动画、色彩形象的展示在幼儿眼前,使教学环境趣味盎然,美术教学设计引人入胜,通过多媒体再现生活中的事物,把静态知识转化成为动态知识,抽象知识能够变得形象化,使幼儿在美术教学过程中不产生厌烦,帮助幼儿集中注意力,使幼儿感到学习的兴趣主动的学习美术课程。 (二)多媒体技术能够优化美术教学内容,解决教学中遇到的难点 幼儿的思维活动比较形象,对于美术教学中抽象的知识很难理解,教师可以借助多媒体将教学内容形象、地表现出来,并能够多角度地呈现教学内容,把抽象的东西变得更加具体化,使教学内容变得更加直观,从而帮助幼儿得到较多的感性知识。例如:在大班美术教学活动中,如“地球的好朋友——太阳和月亮”其教学难点是如何让幼儿了解太阳、地球、月球三者之间的关系。教师利用多媒体制作教学课件,以拟人的动画形象展示太阳、地球、月球三者之间的关系,使公转、自转的抽象概念变得形象化,使幼儿清楚的直观形象理解三者关系,从而突破教学中遇到的难点。 (三)利用多媒体优化课堂教学过程,提高课堂教学效率 利用多媒体进行教学,能够有效缩短教学的课堂时间,教师可以根据教学的要求,对画面、声音进行设计,告别时间与空间的限制,使看不清、摸不到的东西变得触手可及,增强了幼儿教育活动的表现力,使幼儿主动参与课堂教学活动,从而我们要求的教学效果。例如:在幼儿园中班美术教学活动中,“美丽的大草原”教学活动中,我们主要是教会幼儿如何制作沙画,传统的教学方式主要是教师通过示范让幼儿进行学习,由于部分幼儿能看到所以教师经常分组教学浪费了课堂时间。运用多媒体技术辅助教学后,教师通过使用投影设备进行讲解,解决了遮挡幼儿视线的问题,而且缩短示范讲解时间,节约课题教学时间,使幼儿能够更多时间进行亲手操作。 (四)教师在教学中应该做到因人施教 幼儿由于遗传原因和家庭环境的不同,幼儿理解能力参差不齐。如果教师采用传统的教学方式,教师不可能在相同的教学活动中采用不同的教学方式进行教学,这样违背了教学最优化原则,而多媒体技术的应用可以使教师有效控制教学进程,采用不同的教学方式帮助幼儿更好的学习。无论是美术教学中的巩固练习或新知识的传授,教师都可以随时随地的根据幼儿不同情况进行技术修改,满足幼儿的不同的教学需求。 (五)创造和谐优美的美术教学氛围,实施艺术美感教育与幼儿情感教育 我们采用多媒体技术能够为幼儿创造轻松快乐的学习氛围,培养幼儿主动接触大自然、懂得欣赏艺术作品,感受大自然的魅力和艺术的美感。如幼儿大班美术教学欣赏活动中,如“天安门”教师可以通过多媒体播放天安门的升旗仪式,使幼儿能够身临其境的了解和感受天安门多么雄伟与壮丽。通过幼儿观看到天安门的升旗仪式的过程中,有些幼儿能够情不自禁的唱起中华人民共和国国歌,还有部分幼儿通过感染离开自己的座位站起来行注目礼。在这样的教学活动中,幼儿可以通过视觉、听觉真正感受到天安门如此庄严雄伟,增强了幼儿心中的民族自豪感。 三、多媒体技术辅助幼儿教学需要注意的问题 (一)运用多媒体技术辅助教学过程中,教师需要重视幼儿的主体地位与教师的主导作用。我们要克服重教育轻学习的情况,采用教育引导幼儿学习的方式,突出幼儿的主体性,从而激发和促进幼儿自主的学习。同时,我们要保证教师的主导教学作用,做到人与多媒体相互交融的教学方式交,教师要把自己的教学策略与多媒体课件合理融合做到有效运用,从而体现幼儿的主体性与教师的主导性。 (二)运用多媒体技术的同时要明确教学目的和教学内容,做到该用时慎重选择,做到教学重点突出,不必要的时候不使用多媒体,这样可以有效避免干扰教学的重点和难点,不占用教师的讲解时间和幼儿的思维活动时间。 (三)多媒体技术不能完全取代传统的教学方法,要做到传统手段与多媒体技术有机结合。教师需要充分考虑美术教学内容、精心设计美术教学过程的基础上选择最合适的多媒体教学方法,从而优化美术教学活动,使幼儿在最佳的学习条件下进行优质的学习,不能滥用多媒体技术。 四、结语 通过实践证明,教师如果能恰当的采用多媒体技术手段辅助课堂教学,我们能够多角度、全方位的组织好美术教学活动,这样有效的教育方式可以帮助幼儿更加热爱学习,同时还能有效促进老师美术教育活动过程中:教学的趣味性,提高幼儿学习的积极性,多媒体辅助教学能有增强幼儿的注意力、提高观察力、增加记忆力、开拓幼儿思维力与想象力。随着科学的不断进步,教学形式逐步科学化、多样化,从而有效提高幼儿课堂教学质量,但是幼儿教学仍然需要我们不断钻研、不断探索、不断创新。 作者:徐荣 单位:昆山开发区东部新城幼儿园 美术教育论文:网络信息技术视角下美术教育论文 1网络信息技术对美术教学的影响 1.1为美术教学提供了全新的教学模式 美术课程是一门视觉艺术,而传统的美术课程是以灌输式教学模式为主——一味地灌输知识会阻碍学生的全面发展。随着网络信息技术的发展,将其运用到美术教学中,有效地传递相关知识,完善美术知识结构,改变了传统的美术教学课堂死气沉沉的局面;同时,还丰富了美术教案,让美术课堂变得丰富多彩。网络信息技术可以把各种美术资源整合起来,优化美术资源,实现资源共享,营造出一种比较自由、开放的美术教学环境,便于学生之间、学生与教师之间的沟通和交流,加强师生之间的联系,形成多种形式的美术反馈信息机制,以弥补传统美术教学课堂的不足。 1.2为美术教学提供了广阔的发展空间 随着互联网技术的发展,网络信息技术也走入了人们的日常生活中。利用网络信息技术教学是一种直截了当、生动活泼、图文并茂的客观演示模式,它能让学生在短时间内获取较多的信息,逐渐加深对美术知识的认识,大大提高了美术课堂的教学效果。从某种意义上来说,网络信息技术的运用丰富了美术教学的内容,为其提供了广阔的发展空间,吸引了更多学生的注意。 2网络信息技术推动美术教学发展进步 2.1优化美术教学过程 在美术教学过程中,网络信息技术的专业操作让美术教师掌握了美术教学的主导权,为学生提供了一个多元化、有层次、有内涵的新型教学管理模式,实现了美术教学中教与学的统一,努力完成美术教学的目标。在此过程中,美术教师要充分发挥自己整合美术信息的能力,提高美术教学的整体效益。美术教学可以为学生提供最直接的视觉冲击,让学生在短时间内产生相关的审美体验。利用网络信息技术可以为学生提供最直观的演示和最真实的视觉享受,比如将文字、图像、色彩、动画和视频图像等多媒体连接在一起,把曾经枯燥、抽象的美术课堂转化为生动、形象,集趣味性、功能性、演示性于一体的视觉盛宴,让学生完全置身于美术课堂中,打破时间、空间的限制,冲破地域格局,在绘画的艺术长廊中自由飞翔,更好地实现优化美术教学的功能。 2.2充分促进师生的良性互动 网络信息化为学生提供了一个更加开放的学习环境,加强了师生之间的参与性和互动性,促进了师生之间的良性循环。这从客观上要求学生主动参与到美术教学中,主动探索、体验,不断提高学生的实践能力和创新能力,打破传统学习空间的限制,实现美术信息最直接的交换、思考和优化配置,不断激发学生的学习欲望和创作潜能。在美术教学过程中,还要充分考虑学生的个体差异,运用灵活多样的方法教学,这样才可以实现师生之间的良性互动;让每一个学生在个体差异的映衬下,思维变得更加顺畅、灵活、独特;最大限度地开发每一个学生的创造潜能,极大地提高学生的综合素质。 2.3提高学生学习美术的兴趣 兴趣是最好的老师,学生有了学习兴趣才能更好地学习,这对学习美术内容、掌握美术知识、拥有美术技能起到了非常重要的作用。所以,在美术教学中,要想激发学生的学习兴趣、激活学生的思维,就必须为学生提供最富吸引力的图形材料,营造优美的意境或为他们创造最强的视觉冲击。在整个美术教学过程中,应将教学主导权演变成学生自主学习、探索和发现的过程,最大程度地满足学生的内在求知欲,为学生自主学习打下坚实的基础,从而优化美术教学的过程。美术与其他学科相比,更贴近人们的日常生活,随处都可以看到美术的影子。在这种极具艺术性的氛围中学习美术,会收到良好的教学效果,不断提高学生学习美术的兴趣。 3结论 将网络信息技术应用于美术教学中,能够不断丰富美术教学的内容,赋予美术教学一定的时代感和使命感,开创美术教学的新思路。但是,网络信息技术不适用于所有的美术教学课程。美术教师需要适当选择网络信息技术,科学、合理地运用该技术,让美术教学的内容更加生动、有层次、有质感,不断激发学生学习美术的热情,真正发挥出网络信息化教学的优势,最终实现美术资源的共享,让网络信息化更好地为美术教学服务。 作者:张圆 单位:河北地质职工大学 美术教育论文:高校美术教育论文 一、从职业培训的轨道中解放出来,寻求精神的自由与创新 进入后工业时代,爆炸式、快节奏的资信沟通带来的负面效应是趋同式的社会空间、平面化的社会生活。在丰富的物质生活基础上,社会大众对于超越物质的精神需求应该说更大、更内在,美术将以其特有的方式更加深入地介入和反映在人们日常生活的各个层面,滋养人们的灵魂。艺术的本质是人的属性的物态化,艺术品是社会最高精神的载体,一件艺术作品的艺术性固然离不开一定的艺术技能,但更多取决于艺术家的艺术思想。与普通的高校教育不同,高校美术教育要遵循其自身的特殊性,在美术技能培训的同时,更应重视艺术素养的培养。一个艺术家个人的阅历、经验、修养、品性、功底可以通过他的艺术实践看出来,因此提升学生思想的丰度、广度以及深度在高校美术教学中显得尤为突出。 1.高等美术院校不应拘泥于适应市场需求所进行的学科分类设置 而应注重大的艺术学层面上的美术基础教学,应特别回避职业技能的社会适用性训练思路,并刻意把持其非职业化倾向,其教学不应只是传授技巧与知识,而应专注于在教学中启发学生的个性和艺术创造能力。 2.高等美术院校是当今美术学习的主要平台 也是文化艺术氛围极其浓厚的实践基地,在大学学习期间,让学生形成一定的艺术观念至关重要。应该培养学生自由的思想,鼓励创新的思维,摆脱社会实用性、功利性的职业限制,鼓励学生不停留在满足社会的、他人的需求上,而是要推陈出新,通过自身的艺术想象力给社会注入创新的活力和动力。 3.工作在一线的教师是高等院校美术教学的实践者。 艺术的独特性在于其审美性,如何传达给学生更深层、更丰富的审美体验,或许是语言教学不足以担当的,所谓“理之在诗,如水中盐、蜜中花,体匿性存,无痕有味。”教学方法应该是多样的,相对而言,目前的高等院校的美术教学缺乏一种生活体验式的教学,高等院校的美术教学应该吸收传统美术传承中身体践行式的教学模式,除了知识技能的教授之外,更应该以感化的方式提高学生的审美能力,带领学生在艺术生活中探幽寻胜,真正实现知行合一。学生对贯穿于生活的美术行为的直接体会,不仅应该设计教学环节,更应该作为教学当中贯穿始终的教学理念。 二、外师与内省的体悟式、穿透式学习 青春勃发的大学生对艺术的敏感是毋庸置疑的,但作为并未完全进入社会生活的学生而言,生活的深层、内在的艺术韵味对他们尚且是一个抽象的概念,如何穿透自身生活中惯常的、平凡的生活表象,以至造型形象,体悟到其间的艺术性、审美性,必得令其亲身体会方能渐悟一二,并一通百通。“度物象而取其真”,即将步入社会的大学生缺乏一定的生活积累,对于社会生活的体悟更多来自于日常生活的向外观察、发现,并内化到对人性的深层剖析,借由全面直接的介入体验,开启内省的、体悟式的思维,培养审美的眼睛,以个体内在的生命体验洞察外部社会乃至宇宙的律动。只有在对社会生活深刻认知的基础上才能创造出具有时代精神的艺术作品,才能更加契合现下多元的文化生活、体验式消费的经济时代。所谓的“外师造化,中得心源”,这里的造化并非仅指自然存在,而是自然的内在审美属性,是必须通过内心的感悟达成的内外通透。这种穿透式体悟方法的领会不是将现成的知识学转化成自己的语言、形式结构,而是从自己的生活出发转化、提升成自身的能量结构,汇聚所见、所闻、所知、所感,在创作中发现自我,形成自己独特的见解和认识,使作品具有深度表现力,并为未来的美术创作打好基础。 三、结语 先哲将日常生活诸般都提升到“艺”的高度,并汇通于“道”的层面,正如庄子《庖丁解牛》所谓“道也,进乎技矣”,高等院校的美术教育宗旨亦应作如是观。 作者:杨西文 单位:长安大学建筑学院 美术教育论文:少年儿童美术教育论文 一、美术教育在智力发展上对少儿健康成长的促进 智力是知识和能力的综合体现,是个体在认识过程中各种能力的综合产物。主要包括感受力、观察力、记忆力、思维力、想象力、创造力等,并以思维力和创造力为优秀。美育过程,实质就是发展和提高各种认知能力,形成完整智力结构的过程。美育把智力开发作为美术学习活动的优秀,对少儿智力的开发功能起着举足轻重的作用,其主要价值作用体现在以下方面。 (一)美术教育在感受力和视觉观察力中对少儿智力的发展和提高 感受力,心理学上称为感知觉能力。人的智力开发与感受能力高低密切相关。假如缺乏足够的感性材料,抽象思维活动就不能进行,也就无法认识事物的本质与规律,更难以进行科学的发明与创造。而美育则有助于人的感知能力的提高,进而扩大和深化少儿对客观世界的认识。从少年儿童认知与思维规律来讲,认识客观世界,获取文化知识,提高品味修养,不仅依赖各门理性学科,更需借助于感性的形象,将具体事物通过艺术表象生动积极地揭示出来,由具象引领走进真实的生活,再概括反映出现实社会生活的本质,实现理性思维达到升华自我。观察是一种有目的、有计划、积极思维的高级形式的视知觉过程。观察与观察力是指人们通过观察、感觉和知觉,使自己同外部世界联系起来认识客观事物的带有个性特点的能力。少儿正是通过良好的观察力获得知识、形成技能、发展智力。而美育又正是培养、发展和提高少儿观察力的最佳重要途径。比如,在绘画过程中,通过对具体事物的观察、比较、分析、描绘,使少儿较全面、准确、迅速地了解其状态、结构、色彩质感等特征,掌握其比例、明暗梯阶、空间等关系,使感性和理性在三维向度上再现,描绘事物的纵深和各个侧面,造成视觉上的时空构建和逼真效果,这就使少年儿童的观察力和敏感性得到了深入的提高,为抽象和逻辑思维奠定坚实基础,并为创造力开辟了道路。通过美育发展少儿的观察力,这本身不仅符合儿童认知规律,还使少儿在美术学习中得到审美的受益,这种感性认知思维同理性逻辑抽象是人类智力由“成长”到“成熟”的必经过程,它直接而又关键性地促进了少儿智力的进一步发展和提升。 (二)发展和提高少儿的想象力、创造力 在美育过程中,无论是让少儿领略自然美,还是欣赏艺术美,抑或理解社会美,都能够“随风潜入夜,润物细无声”地诱导和激发他们的丰富想象力,焕发出强烈的创作欲望和灵感,进而全面开发和提高他们的智力。创造的过程需要整合激活人所有的内在能力,这不仅需要人们具有创造性,还要具有社会价值性,将创造者艺术素质与科学素质相统一,将审美追求与科学追求相结合,才能使得美育成为人们独创精神的“契机”。比如达•芬奇,他是文艺复兴时期一位多才多艺的巨人,对绘画艺术、人体解剖、透视学、光影色和科技制作等方面均有精湛的研究和成果,同时他还是一位大数学家、力学家、工程师。再如大科学家爱因斯坦酷爱艺术,拉得好一手小提琴,“相对论”是伴随着美妙的琴声从心灵中飞出震撼了世界。我国世界级大数学家苏步青墨香飘逸文坛,其几何学精华同样充盈着中华书法的神韵……对于少儿来说,美育更是平衡他们智慧与情感所不可或缺的工具,是帮助他们构建具有适应客观世界和创造世界能力的平台。历史至今,无数次证明人类教育中还没有其他任何一个学科体系具有如此全面深化、启迪发掘人们全面发展的功能。由此可见,美育既开启人的智慧创造力,又铸造人的创造灵魂。 二、美术教育在感性认知(能力素养)上对少儿健康成长的促进 感性是人的本能、欲望情感的一种需求和表现,是人格的重要构成。感性认知改变着人对事物情理的感受辨认分析角度。因此,感性教育、感性意识是促进少儿健康成长的不可缺少的重要教育手段。 (一)释放压力,唤醒欲望和本能 审美教育首先是针对人的“感性”进行的教育。美育作为一种感性教育,是以少儿为对象,直接感知为基础的。美育恰恰为人的感官提供了一片广阔的感知天地以开启心扉,它能将少儿自身积蓄的压力释放,唤醒那些在无意识之中沉睡多年、积聚多年的欲望与本能,挥洒情感思潮,凝炼积淀感知,创造展示自我意向。在这片天地里,美育以最美妙、最鲜活、最生动、最形象的动态直接进入儿童的心灵,为少儿敞开了一扇充满美好与快乐的大门,打开了一只充满神奇的“宝盒”。此时,少儿带着意愿憧憬,主动探寻着愉悦地走进美育提供给他们的广阔、自由的空间中,充分抒发表现自我。 (二)辨别善与恶,提升能力素养 善与恶是在人们心中以信念的方式建立的行为规范和评价准则。真善美与假恶丑就是这种信念的美育内涵的表达,即人的价值观念,值得强调重视。儿童教育心理学研究证明,儿童在抽象思维、理性方面的概括判断,只能通过具象的感性认知实现。美作为意识的高级形态,对人有不可忽视的引导作用,而德育的善恶理性观念必须由美育教育(德育本身也是美)完成。所以美育作为德育内涵的升华,在少儿接受道德教育的同时,在儿童心中建立起美育的感受,即什么是真、什么是善、什么是美,来启蒙、构建,并以此更加形象、具体、生动地将真与假、善与恶、美与丑的表象、属性深深地介入少儿脑中,增强他们是非判断能力。美育与德育的相辅相成,更具象和强化了少儿积极向上的意识,促进了少儿健康成长。 三、结语 综上所述,在对少儿教育的诸多模式中,美术教育成了促进少儿全面发展健康成长不可替代必不可缺少的重要环节。美育对少儿的德育、智育、情育等发展全面素质教育具有重要的融洽、促进作用。这不仅仅是美育教师的职责,更是教育界乃至全社会基础性育人者的职责,需要大家共同努力。 作者:谢苗英 单位:江苏省昆山市开发区青阳港学校 美术教育论文:城乡结合部初中美术教育论文 1什么叫美术欣赏 美术欣赏是一种以美术作品为主要对象的特殊思维活动[2]。它是一种审美认识活动,也是一种审美创造活动[3]。要明确美术欣赏在学生审美能力发展中的作用,美术欣赏可以开阔眼界,扩大知识领域;美术欣赏可以陶冶思想情操、提高精神境界;美术欣赏是提高艺术素养和审美能力最重要的途径。 2初中美术教学渗透环境教育 2.1培养美术教师自身的环境意识 城镇和乡村的生活环境和教学环境是截然不同的,学生所形成的思维也是不相同的。然而教师也会因为自身环境的不同而改变。美术教师虽然拥有专业知识,但往往缺乏环境知识及环境教育的系统培训,因此自身环境意识存在着较大的个体差异。而教师作为环境教育的总体设计者和执行者,如果自身不具备环境意识,很难想象能够培养出具有一定环境意识的学生来。所以,在教学中,我们不仅要有提高教师的思想认识,转变教学观念,增强责任感和环境意识,将城镇和乡村的学生的思维相结合,或者是他们在学习的过程中相互交流,才能使环境教育取得最大实效。 2.2营造轻松愉快的学习氛围 中学美术教学的最终目的是对全体学生进行审美教育,提高学生感受美、欣赏美、鉴别美的能力,而不是把所有学生培养成为艺术家。作为美术教师,我们要承认学生的地区差异以及学生中存在的个体差异,允许学生个性的自由发展,允许学生兴趣的不同发展方向,给学生以足够的空间和时间来消化和掌握知识,营造一个愉快、宽松又充满艺术情趣的学习环境,以培养学生参与美术教学的主动性和积极性。 3教师如何引导学生进行美术欣赏 美术作品欣赏教学,对教师来说是赏析,对学生来说是欣赏[4]。教师的任务是引导学生去观察、分析,并提供必要的知识,不论是城镇还是乡村,我们都要提高教学质量,使学生对于美术作品的欣赏从感性认识上升到理性认识。那么教师如何引导学生进行美术欣赏呢? 3.1向学生累积知识 美术欣赏课的教学,需要基于问题的项目学习与合作学习,创设适当的模拟情境,并以此来激发学生参与的兴趣,不再仅仅是零散信息的积累,而是促进同学们开展社会性的互动学习。例如欣赏中国工艺美术,可以引人央视著名的《鉴宝》栏目场景来进行,创设鉴宝情境,让学生围绕“对讲台上的几件藏宝人作品作出你的专业价值判断”这一特定任务来进行相关学习。要解决这一问题需要用到其他一门或多门学科知识(比如历史和社会),这就体现了一定程度的学科综合。使学生直接地、有目的地、有意义地参与到学习中,它为学生提供了学习自己所需知识的机会,激发了学生的学习动机,而不是让他们仅仅学习课程上讲授的特定内容。 3.2大胆发言,善于表演 鼓励学生能用简短的话语大胆的表达自己的感受,这是欣赏活动的一个重要内容。这种描述是初步的,一开始可以要求学生用简单的词汇来描述,比如:愉快、幽默、崇高、庄重、恐怖与神秘……。慢慢的不在只是口头语言表达,还需要书面语言——用短文或短句进行表达。这就让学生积极参与到欣赏和评述活动中来,激发他们的学习兴趣。变被动学习为主动学习,从自发的欣赏进入自觉的欣赏[5]。避免学生一看到欣赏画就呆呆得等着老师来教,也避免了欣赏课成为教师的“表演课”。 3.3通过意境,引发探究作品美 美术作品是通过造型的形式表现艺术家的思想感情和审美意识,使观赏者在鉴赏时产生情感上的共鸣。教师可以在课堂教学中通过作品直观表现的情调,带领学生用探究的方法去领略作品的内涵美。在美术鉴赏教学中,意境鉴赏是较为复杂的心理活动、感知活动,也是培养审美素养的重要实践活动[6]。 3.4体会作品的组织 《美术课程标准》提出要学习多角度欣赏美术作品。学生对美术作品的形式语言进行分析,包括构图、色彩、线条、材料、明暗、肌理等。通过分析美术作品的形式语言,学生就能够弄清楚作者是怎样表达思想、感情的。他们会懂得美术家使用的每一笔色彩、每一根线条都不是随意的,而是和作品的主题紧密联系的。 3.5深刻体会作品的风格 让同学们学会体会作品的风格,感受自己的风格,感受艺术家的气质、个性,以及在作品中所倾注的感情和情绪。将作品的形式和艺术家的内在联系。例如:我国的花鸟画,是一门教学生的好课,它一般都强调作者的主观情感,寄托着画家的思想和追求,表现着画家的人格。所以,我国的花鸟画家较喜欢四君子题材,以此来言志。 4总结 城乡的环境限制了学生们的思考思维,但是教师的教学可以改变学生欣赏思维;因生活的地方不同而不同,所以加强城镇和乡村学生的交流,并提高教师的教学质量;不仅要学会欣赏作品,更加要懂得如何欣赏。 美术教育论文:审美感学前美术教育论文 1学前美术教育的作用 1.1学前美术教育促进儿童想象力和创造力的发展绘画是儿童表达自己内心情感以及美好愿望的语言,它是儿童利用线条、形状、色彩等元素来反映儿童对事物的理解,更进一步地表达儿童内心的想法。爱画画是每个孩子的天性,而且每个孩子都有创造的潜力,在学前美术发展过程中,儿童从涂鸦阶段的乱涂乱画到最后能够比较完整加入自己的主观想法创作出或者模仿出自己满意的一幅画,然后给它赋予名字,并加以说明,这都显示出了儿童的创造力和想象力。例如,当我们拿着着实物模型告诉儿童,这是一种动物,是一只小猫,然后问儿童这是什么颜色的小猫,它爱吃什么,它有什么本领,然后让孩子创作一幅有关小猫的画,儿童就可以尽情地发挥自己的想象,大家争先恐后跃跃欲试的发言,说可以画一只抓老鼠的猫、一群钓鱼的小猫、一只睡懒觉的猫、一只正在和小朋友玩耍的小猫等等。我们通过这样的方式让儿童认识了事物,让他们学会了发散思维,学会把自己已知的事物和未知的事物结合起来,间接地培养了他们想象力和创造力。儿童的创造力其实不仅体现在他们的作品中,还反映在儿童制作美术作品的过程中,在儿童的作品中,我们可以清晰地看到成人的许多关于美术的条条框框都被打破了,比如说画面中不合比例的人物造型、大胆主观的色彩、随意的空间布置、不合逻辑的构思等。例如,当一个小朋友画了一个农民伯伯,这个农民伯伯占了整个画面,然后在他旁边画一个很小很小的房子,指出这个小房子就是农民伯伯的家,如果是我们大人画这幅画时,我们就会按照房子和人的比例去画,但是小朋友画得就充满了活力与吸引力,他不会按照我们的常规去做,这些独特的表现手法体现着儿童奇特的创造和丰富的想象。 1.2学前美术教育促进儿童具有独特的审美感 (1)引导儿童欣赏艺术作品,培养儿童表现美和创造美的情趣。美是一种艺术,生活中美无处不在,但是人的审美能力不是与生俱来的,是在后天的学习中逐渐培养起来的。儿童时期是培养审美能力的关键时期,学前美术活动的目标就是培养儿童感受美和表现美的能力。在学前美术教育实践活动中,儿童通过做创意手工、画图、艺术欣赏等活动,来感受美的力量。例如,在绘画《幸福的一家人》时,每个儿童的想象不同,绘画重点也不同,有的儿童突出一家人服装上的各种各样图案,有的儿童更强调一家人幸福的笑脸。他们创作出来的作品千姿百态、各有不同。作为一次美术活动,我想教师应该注意美的形式对激发儿童审美体验的重要作用。在情感目标上,我想让儿童感受情感的美,体会到一家人在一起幸福的氛围。 (2)引导儿童接触生活中美好事物,丰富儿童感性经验和情感体验。儿童在日常生活中,在成人的引导下,感受繁花茂盛的花丛,体会夕阳西下的感动,聆听滴答的雨点声,观看波涛汹涌的大海,这些都可以使儿童感受到大自然中、社会生活中、艺术作品中的美好。无论是街上形形色色人的衣着打扮,还是大自然的鸟语花香都能引起儿童的注意力,激发他们的审美情感,让他们感受到美的陶冶。 1.3学前美术教育促进儿童思想品德的发展学前美术活动能丰富儿童的文化生活,启发儿童对自然美、生活美、艺术美的认识。其实对儿童道德品格的培养可以从儿童自己的作品中就可以清楚地看到,如爱护花草树木,爱护小动物,扶着老奶奶过马路,把拾到的钱交给警察叔叔等等,这些都是儿童常画的内容,虽然他们画得稚拙,但是能从画面中看出儿童的美好,他们用身心感悟着我们的美好世界。 1.4学前美术教育促进儿童手、眼、脑的发展大家一提到学前美术,眼前就会浮现这样的情景,很多孩子在拿着画笔在纸上认真的画画,其实美术不只是单纯地画画,它的形式也是多种多样的。例如,用手指画画,把豆子组合成一幅画,在废弃的瓶子上画等,所以学前美术不只是用笔在画,只要发散思维,就能创造出不同表现形式的画,儿童在操作中亲身体会到美术活动的乐趣,在这期间充分发挥了儿童的手、眼、脑的发展。他们用大脑去思考和理解,用语言交流自己的感受,用手操作美术工具和材料来表达自己的想法,用眼睛观察其他人的做法,激发自己的创造力。 2学前美术教育中出现的问题 2.1学前美术教育要求学生画的像,扼杀孩子的想象力在学前美术的课堂上老师认真地教儿童画画,以画葡萄为例,老师就用几个几何图形画出了,然后让儿童照着画,还要求要的像,儿童很容易就学会了这种简笔的画葡萄,但是在学之前,他们却能用很多方法去表现,虽然充满稚气,却体现了儿童创造的活力。模仿是一种固定的扼杀孩子创造性的方式,这会严重阻碍了儿童艺术感受和非凡才能的发展。 2.2学前美术教育缺乏儿童情感的培养每次当儿童完成画后,老师和家长在下课最喜欢做的一件事,就是看看谁画的最好看,每次看到涂颜色没有涂到外面且画面干净的孩子,还有看到你和老师画的一模一样的画家长就大加赞扬,其实这些都是不对的,我们不应该去注重这些,而应该更多地去发现儿童在作品中所表达的感受以及情绪,这样做还能发现孩子心智的发展是否健康。 3总结 虽然现在社会中的学前美术教育出现了一些问题,但是随着经济的发展,我们国家的教育都在朝着好的方向发展,百年大计,教育为本,学前美术教育活动不是一种孤立的学习方式,在学得技能技巧的同时,我们应该更注重儿童在其他方面的全面发展。通过美术教育对儿童进行的社会化培养,引导儿童发现美、表现美、创造美,并且利用美术活动去推动儿童身心的健康发展,使我们的儿童美术教育事业蓬勃发展。 作者:刘宏燕单位:内蒙古师范大学 美术教育论文:小学审美能力美术教育论文 一、培养审美能力是小学美术教育的重要目标 美术教育要培养创新人才,审美能力是基石,发展能力是目的。“小学美术教学,不是为了培养专门的美术人才,而是为了培养小学生的审美意识,是对少年儿童审美意识的启蒙”。美术教育作为审美教育的重要途径,就必须营造一个大平台,积极培养学生的审美能力。而在传统的小学美术教育中,由于对美术课程认识和定位的偏差,以及在应试教育大环境的影响下,导致美术教育过程中审美能力培养效果长期不理想。随着现代教育实践的推进,重视在小学美术教育中培养学生审美能力,已经成为小学教育者的共识。美术新课标将小学美术教育课程定义为“必需的文化美术课”,这深刻地实现了小学美术课程认识的重大转变,将小学美术课程从过去单纯的技术教学提升到文化教育的层次,因而,也使得小学美术教育与审美教育的结合成为现代小学美术教育改革的新趋向。许多学校纷纷从不同方面探索提高审美能力的方法和途径,并取得了一定的积极效果。在深入推进素质教育的大背景下,以美术教育为基本平台,在“愉快教育”理念指导下,可以通过每年举办“教学节”,参加美术社团兴趣学习班,在课堂内外的结合中培养小学生的审美能力;可以通过每学期在全校评选“十佳小画家”、“十佳小书法家”、“班级外墙美化评比”等丰富形式,激发和培养学生追求美和创造美的能力。对于小学美术课程而言,重点不在于培养专门的美术人才,而是为了培养小学生的审美能力,对青少年审美意识的开导。因此,培养审美能力成为了当前小学美术教育的重要目标任务。 二、当前小学美术教育中审美能力培养存在的主要问题 随着小学教育改革的推进和对教育认识的深化,小学教育者们正在逐渐树立现代教育理念,积极从具体的教学实践活动中探索对小学生审美能力培养的途径。当然,我们应该看到美术教育无论在培养学生审美能力的理念,还是在培养的方法路径方面,都取得了重要成效。但是,从总体上来看,小学美术教育在审美能力培养方面还存在以下四个方面的主要问题: 1.审美能力培养的认识存在偏差。认识和定位偏差,是导致当前小学美术教育中审美能力培养效果不理想的深层次原因。由于深受传统教育观念的影响,有的教师仍然坚持落后的教育观念,片面重视对学生技能技法的传授,而相对忽视了在具体教学实践过程中审美能力的培养,缺乏激发和培养学生审美能力的自觉意识。实践表明,只有对小学美术教育课程有全面、深刻地认识,才可能在教学实践中增强培养学生审美能力的主动性和自觉性。 2.审美能力培养的有效性严重不足。在美术课程教学中,审美能力培养的有效性就是指在美术教育实践活动过程中学生审美能力提升的实际效果和程度,它是检验教学目标是否实现的重要尺度。在现实的教学实践活动中,有的教师不重视探索符合新时期小学生身心发展特点的教学方法,导致教学效果很差;有的教师不喜欢用多种教学设备,不善于创设不同教学意境,不引导学生深入社会实践,只是简单就教材讲教材,从而导致审美能力培养的有效性严重不足。 3.审美能力培养的渠道相对单一。审美能力的培养应该是全方位、多层次的。就小学美术审美能力培养而言,往往只重视课堂教育过程中审美能力的培养,而忽视课堂内在的有机互动,缺乏引导学生从课堂走向课外的自觉意识。而大量的教育实践证明,积极引导学生参加社会实践,是培养审美能力的最佳途径,也深受学生的喜爱。比如,指导学生参加各种美术作品创作和比赛,这既可以培养学生的审美能力,也增强了学生的自信心和创造力。 4.审美能力培养的考评机制缺乏。缺乏科学的教育反馈和考评机制,是导致目前美术教育审美能力培养不理想的重要因素。同时,由于审美能力培养是非常隐形的,很难用具体的显性指标来衡量,从而导致各级教学管理者往往不重视对学生审美能力的培养。更为严重的是,这又造成了审美能力培养不足的恶性循环。 三、探索小学美术教育中审美能力培养的综合机制 重视审美能力的培养,是现代美术教育发展的迫切要求。审美能力是小学生综合素质的重要方面。因此,必须结合新时期教育实践发展的特点以及少年儿童发展的特征,积极从多方面探索小学美术教育中培养审美能力的综合机制,从而为小学生的全面发展奠定基础。 1.树立审美能力培养的观念机制。思想观念是人进行实践活动的先导。“美术教育正是培养学生敏锐的观察力、丰富的想象力、形象的思维力和奇特的创造力的教育”。在小学美术教育中要实现审美能力培养,首先就必须要确立对美术教育和审美能力培养的正确理念。一方面,要求学校教育管理者必须具有现代素质教育的理念,高度重视小学教育中审美能力的培养,改变对美术教师的偏见和不正确认识;另一方面,要求美术教师树立现代美术教育的新理念,热爱自己的工作和热爱自己的学生,在与学生的交流互动中培养学生的审美能力。还要善于不断总结审美能力培养过程中的经验教训,不断提升审美能力培养的水平。 2.健全审美能力培养的实施机制。实施机制就是指完成某种实践活动而采取的路线、方法和路径的总和。“审美首先是以能力培养为前提,能力在一定程度上体现为基础知识和基本技能,是通向审美教育的桥梁”。在小学美术教育审美能力培养中,建立、健全实施机制是基础性的环节,起着关键性的作用。健全审美能力培养的实施机制,必须要考虑学生身心发展的特点,考虑学生学习认知的水平,以及时展对学生审美能力的影响等。具体而言,一方面,教师要深刻把握新课程标准,深入挖掘教材中审美能力培养的资源,要善于在课堂教学中有意识地培养学生的审美能力;另一方面,坚持“课内”和“课外”相结合,通过各种途径培养学生的审美能力。实践证明,这既可以弥补课堂教学的不足,也可以有效地培养学生的审美能力,各学校可以积极探索建立适合本学校特色的素质教学经典品牌。 3.构建审美能力培养的反馈考评机制。要切实提高审美能力的培养,就必须要构建科学的反馈考评机制。对于美术教育审美能力培养而言,就需要尽快建立及时的反馈机制和合理的考评机制。一方面,建立及时的反馈机制,有助于教师及时了解学生审美能力的现状,从而不断改进教学方法,提高审美能力培养的效果;另一方面,要改变传统的教学评价机制,把审美能力培养这些软目标纳入教育教学目标体系中,让审美能力培养成为小学教育的基本目标和自觉追求。 4.探索审美能力培养的创新机制。创新是培养学生审美能力的根本出路,要提高小学生的审美能力,就必须要从教育内容、教育途径等多方面,不断探索实现审美能力培养的新机制。从教育内容而言,一定要结合时代和小学生的特点,创新教育内容,精心选择教学素材,努力从内容上吸引学生;从教育形式而言,要立足于小学生的认知实际,综合运用各种教学手段和方法,特别是要充分发挥多媒体在课堂教学中的作用,从声、光、电、动漫等形式来吸引学生的视觉和听觉,让学生在美术教育中培养审美能力。同时,要创新培养审美能力的载体,让小学生在参与创造活动中不断提升审美能力。 作者:华夏单位:四川省成都高新世纪城南路学校 美术教育论文:素描美术教育论文 一、素描在美术教育课程体系中的地位 1.素描的基础地位素描作品大多以写生、静物以及人体等形式出现,这些素描作品的表现形式一般比较纯粹,而且使用的材料比较单一,对光影的处理相对简单,初学者比较容易上手。因此,教师在进行素描教学时,应该明确素描的地位,树立科学的教学目标,这样才能够满足学生的美术学习需求。素描与其他美术课程不同,它的实用性较强,在教学安排上需要教师给予学生更多的创造性空间,让学生结合自身情况提高创造力,为学生以后的学习奠定基础。素描并不是单纯地描绘事物的轮廓或者形状,还需要加入创作者的思想情感,给予欣赏者更多的思考空间,在带给人们美的享受的同时,引起人们的理性分析。因此,在现代这样一个多元化的文化时代下,美术也逐渐向多元化发展,只有让学生掌握素描基础课程,学习相应的创作技巧,增强他们的创作能力,才能帮助他们更好地适应美术发展的需求。 2.素描的独立地位素描作为美术学习的基础课程,也是相对独立的一门课程。通常,人们认为素描具有比较完备的个性化特征,而且素描的艺术表现形式和美感非常丰富,在艺术领域独树一帜。创作者可以利用阴影之间的变化表现绘画技巧,表达思想情感和创作意图。将素描作为一门独立的艺术形式是对固有观念的一种颠覆,这使得素描的语言表达、艺术形式和创作方式体现出较多的变化,从而拓展了素描的适用范围。以往素描往往是美术初学者的入门课程,许多学生对素描的认识不够深刻,在创作过程中也往往是将它作为一种创作工具,但是在将素描作为一门独立的课程进行教学时,素描的创作数量大大增加,它可以与其他艺术形式更好地融合,形成自身独有的艺术创作方式,展现出不同的绘画意境,从而给人不同的艺术感受。因此,美术教师不仅要提升学生对素描艺术形式的认识,还要结合其独立性拓宽学生的美术视野,在教学过程中将更多的事物用素描展现出来,帮助学生掌握更多的素描技巧,从而提升学生的美术创作水平。 二、提升学生素描技巧的教学方法 1.坚持教学从实际出发教师在教学过程中应该坚持一切从实际出发,重视素描的教学地位,这样才能够增强学生学习素描的主动性和积极性,将相关知识运用到创作中。第一,要提高学生的抽象能力。美术创作与其他创作不同,有时候需要用比较抽象的线条或块面展现创作者的情感。所以,教师在教学时要为学生创建思维的空间,引导他们观看、学习名家的抽象作品,逐渐提高他们的抽象构成水平。第二,要提升学生的造型能力。不同的事物有不同的造型,而且同一事物从不同角度分析,也会呈现出不同的造型。学生要想更加准确地表达自身情感和创作意图,就应该增强自身的造型水平,使作品造型更加精准,充分展现出素描艺术的魅力。第三,提高学生应用不同材料的水平。素描创作的技巧存在许多差别,在造型上更是千差万别,教师讲解相关知识时要让学生学会应用不同的材料,再通过绘画技法上的转变,增强作品的艺术性,展现出素描艺术的魅力。 2.丰富素描教学内容在以往的素描基础教学中,教师主要训练学生描绘静物的能力,但是对于学生作品的情感表达要求比较少,这样学生创作出的作品大多只是神似,却缺乏艺术的灵魂。因此在素描教学中,教师应该不断丰富教学内容,让学生更深入地认识素描,而不单纯将其作为一门美术入门工具。教师不仅需要讲解素描的线条表现力、明暗关系、造型设计、意象创造等知识,还要拓展学生的弹性学习空间,培养学生的思维能力,使其创作更具有针对性、更加严谨。除此之外,教师还要积极整合各类资源,结合学生学习的实际情况,将素描技巧阶段化、单元化地讲解,帮助学生熟练掌握不同技法的要领,为他们以后的素描创作打下扎实的基础。 素描在美术教育课程体系中有着非常重要的地位和作用,它会影响学生以后的美术创作水平。因此,教师在教学时要增强学生对素描课程的认识,引导其积极掌握更多的表现技巧,这样才能够达到教学目标。教师还要给予学生更多的思考空间,提高他们的创作水平,让他们综合运用各种技法表现自身的情感。 作者:康海生单位:内蒙古集宁师范学院 美术教育论文:油画创作启示下的美术教育论文 纵观当代绘画艺术的大家族中,油画创作以其别具一格的绘画形式以及其强烈的画面冲击感,在这个庞大的家族中占据了一席之地。油画的创作过程是依托于画架,这算是美学中并不多有的绘画形式。然而更重要的是,仅凭借作品本事就足以给观赏者以强烈画面感以及坚韧的画风,这使得其在美术学中给人们以独特的教育意义。之所以他能给予美术教育一定的参考,是因为其具有不可置否的标榜性与独特性: 首先,当代油画创作更加注重“形式化”,这是通过络绎不绝的美学艺术前辈进行探索与发现,后人将其不同时期的不同形式加以,衍生为今天更能诠释当代油画艺术灵魂的一种思想。无论是油画美学中的具体派还是抽象派,对“形式化”所能带来的不俗效果无不青睐。“形式化”的主旨可以解读为当代油画本体语言上趋近于多维度的绘画表现、绘画技巧,其所显露的效果在具体派和抽象派两者之间各有所长。具体派中运用“形式化”手法对作品进行演绎,所呈现出的效果往往会突破过去过于保守的绘画风格所描绘出的效果,透过对空间进行平面化,对色彩进行单纯化,使得其表征的事物更加清晰透彻。在油画美学中,具体派对这种新颖的表现手法大胆尝试,使得不少业界精英大为赞叹。张扬、前卫而有不失清晰、层次,“形式化”所带来的震撼,在具体派中得到了近乎完美的诠释。对于抽象派的油画创作人士来言,“形式化”无疑是一个抓人眼球的独特绘画手法。透过作品,即使是未经美学艺术熏陶的观赏者,亦能体会到美之缘由。“形式化”将抽象派的画中事物表露的更加平滑,将油画创作中最独特的可塑性巧妙的融入到作品当中,让朦胧中又多了几分迷离的意味。这是可以被轻松解读出来并被理解的,打破了传统的抽象油画创作中极绵而又难以理解的画质。因此“形式化”是可以对油画创作效果有不凡的提升。 其次,不难发现,当代油画创作者在精神方面的提高与油画作品质量的提高有着不可置否的关联性。“艺术源于生活”,这是给予艺术最客观的评价,当然,美学艺术亦囊括其中。的确,脱离了生活,脱离了本质,是无法与任何人取得共鸣的。现在越来越多的油画创作者通过生活的领悟,提高精神层次进而提升作品的质量,使画面具有极强的张力与说服力。一双充满可读性的眼眸,一双写满故事的手,透过仁者见仁,智者见智的不同理解,可以多角度的对其进行定义,这也正是绘画精神提高所带来的对作品多义性的解读。抽象派的热衷人士其实是更加青睐描绘精神层次的事物,因为这很符合抽象派油画创作技巧,也更容易与品鉴者想法打成一致,产生共鸣。这种借助现实描绘抽象而又深层次的事物再通过抽象而又深层次的事物去反观现实的创作手法,是完全可以满足于创作者身心的愉悦,令其乐此不疲,这也正是油画独特魅力所给予人们畅快的享受。 通过上述对当代油画创作特点的分析,不难看出,它是可以带给美术教育一定启示的。在美学当中,无论每门绘画艺术彼此之间亦或是绘画语言本体,都存在着重要且必然的联系,这一点毋庸置疑。他们彼此的关键连接点,可以更加有效地促进学者理解,使其能够深入感触该门甚至是多门艺术的独特之处。就如同“形式化”手法一样,是当代油画抽象派与具体派一个重要的连接点,掌握了其精髓的所在,无论是品读哪一类作品,都能够发掘出其最根本的美感与意图。再有,可以在美术教育中融入丰富的情感色彩。充沛的情感如若投入到美学艺术的创作当中,犹如将作品赋以魂魄。笔者始终坚信,情感的投入可以直接决定绘画的质量,因为人们喜欢挖掘表象背后作者的情感。就如同提高精神层次去突破传统思维的局限性,将直观性与多义性捧送品读者,让他们享受个中带来的乐趣。但是,需要注意的是因地制宜,因时制宜。比如“形式化”的创作手法对中国当代油画创作者而言,其影响力与深远度是不及方兴未艾的装置艺术及影像艺术。因此,当代油画不可能独立的去承担当代视觉审美的需求,只能作为所有当代艺术门类中的一条支脉而存在。但这并不代表当代油画的形式探索已经走向极限,而是当代艺术的过度“形式化”趋向使它无法逃离其形而上学本质。因此,如何避免当代油画思想深度的跌落,还需要从当代艺术创作的观念方式入手。艺术形式固然重要,画什么、表达什么似乎更是艺术发展中、美术教育中更为重要的一个问题。 因此,在当代油画创作界,意识形态是无需进行统筹规划转变为艺术状态。艺术家仅需将事物的本质亦或自己迫切需要抒发的情感给予充沛的感情,并运用独特的、鲜活的表现手法,那么值得赞叹的作品就会应运而生。当代油画创作如此,美术教育亦如此。最后想说的是,艺术久驻常青的生命力,不仅是艺术家应真正走上艺术感性之途,大众也应该走上审美之途,实现生命存在与生活方式的人化,以纯净自己的灵魂。 作者:金世伟杨宁单位:东北师范大学人文学院长春市第一中等专业学校 美术教育论文:新时期高职美术教育论文 1.当前高职美术教育的现状和存在问题 调查显示目前我国的现行的高职美术教育管理模式已经不再适应社会对人才的需求模式,现有的人才教育模式更多的是趋向于多样化和专业化以及综合化。但是现有的高职美术教育体系已经不能适应现代人才培养的需要,高职美术教学体系的发展伴随着社会的快速发展和各行各业水平的不断提高,社会对人才的需求也在发生变化。目前,现有的高职美术教育模式和提高高职美术专业学生综合素质的美术教育培养目不能满足社会对人才的需求,其局限性和片面性对于提高高职美术专业学生的综合素质起到消极的影响。首先现代社会对于高职人才的要求是,高职毕业的学生必须是在专业和综合素质方面都很凸出的多面手,但是现在的高职美术教学体系中忽视了对于学生综合素质的培养,将学生的能力仅仅局限于学习绘画的简单的美术专业领域,学生只是掌握理论性的知识,并没有实际的社会经验,一旦毕业后不能直接参与到社会的实践中,而是需要自己花费较长的时间一点一点的积累社会经验,这就严重影响了学生的未来的发展。其次高职美术教学的教学目标不明确,很多学校的教学目标的编制与本科院校的编制内容相吻合存在一定的抄袭现象,无法将高职美术教学关于专业学习的特色展现出来,在美术专业领域无法实现自身特色的发挥。再次,高职美术教学中很多学校的教学任务以统一的培养目标为出发点,培养的学生技能水平主要还是局限于美术专业领域,而现代社会对于人才的要求越来越趋向于综合素质型人才,不仅了解和掌握美术方面的知识同时还应该具备一定的制作制定方案有着独立工作的能力。 2.浅析新时期高职美术教育的现状和发展策略 2.1彻底更新新时期高职美术教育的观念和体系随着社会的快速发展人们对于高职美术学生的综合能力的水平要求越来越高,因此在高职美术教学体系中要彻底更新新时期美术教学的观念和体系就必须要在课程改革中注重提高学生专业技术水平的同时培养学生的综合能力,强调学生的专业素质同学生的综合素质相结合,学生的理论知识要与实践需要相挂钩,坚持基础理论为实践活动服务,理论知识的服务面儿一定要广阔。高职美术教学中学生自身综合素质和相应的综合能力包括学生的表现力、想象力、创造力、观察力、以及鉴赏力都是新时期高职美术教学体系中中需要重点提高的项目,以保证学生能够胜任社会对于人才素质能力的种种要求。在学生的综合能力中对于学生观察力和创造力的培养是新时期高职美术教育体系改革的重点,通过学生综合素质的提高,将专业美术知识与社会实践形成具有创造性的结合,不拘于传统的美术审美理念,而是符合现代人对于美术作品的欣赏。同时在新时期高职美术教学体系的改革中对于高职美术专业毕业的学生其道德素质也是考核其综合素质的标准,学生不仅要树立正确的人生观和价值观同时还应该具有较高的道德素养成为对社会有用的人才。 2.2完善和丰富新时期高职美术教育的内容高职学生的美术教育不一定要求学生都能很熟练的掌握美术创作技巧,也不奢望个个成为美术家,而是希望通过完善和丰富新时期高职美术教育的内容,全面培养学生综合素质,以提升其在日后就业中的适应力和竞争力。在高职美术专业理论基础课中,可以开设中外美术史及作品欣赏、创作理论、艺术概论。现代文学与古典文学等课程,增加对中外艺术家思想及作品的全面深入了解,培养学生综合审美能力。素描教学作为美术、设计教学的基础性环节,在美术、设计教学中的地位及其作用已毋庸质疑。学生通过这种绘画形式和过程能够获得对自然形态的明确、强烈的体验,并协调观察与表现的一致性,从而形成对造型要素的初步认识。 2.3注重新时期高职美术教育的实习和活动环节高职美术教育中理论和实践的脱节是当前面临的重要问题。强化美术实践,开展丰富的美术活动不仅能增强动手能力,还能让学生在技术与材料中找到新的灵感,今后需要注重新时期高职美术教育的实习和活动环节,这对将来美术专业学生进入社会后能加速适应社会,具有更强竞争实力息息相关。构建基于美术专业实习的教学体系,是突出高职美术教育特色,确保人才培养目标与人才培养质量的关键一环。实践证明,这几年具有较高的职业素质和过硬的专业技能的美术专业毕业生能够受到广告公司、装饰工程公司、工艺美术厂、影楼、玩具厂等企业的热烈欢迎。学校可以鼓励学生成立美术社团,通过这些社团括动形成个性培养的开放式学习环境,满足层次性需求,为学生提供个性发展的空间,开阔学生的视野。同时,仅靠校内实习场地已难以满足美术实训教学的需要,校外美术实习基地是学生直接参加生产和实际工作,进行现场顶岗仿真实习的场所。 总之,随着社会的快速发展,社会对于人才水平的要求也在不断提升,综合素质和专业素质的高水平学生是人才评定的重要标准,这样的人才才具有社会的竞争力,符合社会积极向上的发展态势。高职美术教学体系的改革要认清当前的现状和出现问题,以社会的需要为标准创新教学模式,完善教育体系培养高素质的美术专业人才。 作者:李博单位:黑龙江信息技术职业学院
高中美术教学论文:创新意识下高中美术教学论文 一、教师提高综合素质,为学生发挥榜样示范作用 陶行知曾明确指出:“学高为师,身正为范。”这说明教师的表率作用在教育过程中有着广泛而深远的意义。教师的外貌仪表出色,只能引起学生一时的注意力;真正打动学生内心的,是教师的人格魅力和道德力量。教师要以身作则、为人师表,这样才能为学生树立榜样示范作用,影响学生的一生。与此同时,教师还要不断扩充专业知识,提高教学水平,这样才能从容应对学生提出的各种问题。高中美术教师的学识不能仅仅停留于美术教材上,而是要有意识地涉猎其他知识,在教学过程中旁征博引,吸引学生的注意力。如,在鉴赏《寒山寺》这幅图时,教师可以为学生介绍寒山寺之所以出名,一是在于其风景优美,二是得益于唐代诗人张继所作的《枫桥夜泊》。《枫桥夜泊》这首诗中有许多意境的描述,如月落、乌啼、秋霜、江枫、渔火等,形象地再现了江南晚秋的景色,寒山寺在夜色的笼罩下,呈现出一种朦胧的美感。这样的授课方式可以体现出教师的文学素养,让学生感受到美术是一门综合性艺术,要领悟美术的真谛,还要学习其他知识,融会贯通,进而涌起一种多学习、多积累的愿望,为培养他们的创新意识做铺垫。 二、加强学生的自主学习能力,鼓励他们的创新意识 要培养学生的创新意识,必须让学生学会自主学习。这就要求教师要更新教学观念,认识到学生是教学的主体,尊重他们的个性,相信他们的能力。心理学已经充分证实,学生的学习不是一个被动的吸收过程,而是以已有的知识、经验为基础,建构新知识的过程。教师要鼓励学生自主探索,自由发挥想象力,在创新的空间中自由翱翔。鉴于高中美术学科的性质,教师可以让学生通过练习想象画培养创新意识。对于高中生而言,他们已经具备了一定的生活阅历和知识经验,这些都是进行美术创作的良好素材,也是培养他们创新意识的重要基础。在以往的教学中,教师往往拿出一幅画让学生模仿,这样的教学方式只会让学生形成思维定势。因此,教师要摒弃这种教学法,让学生描绘以前没有接触过的东西,引导学生自由想象、自由创作。如,教师可以安排学生对凯旋门进行创作,先为学生展示凯旋门的大体框架模型,再运用语言对凯旋门进行描述,接着让学生根据大体框架模型和语言描述进行创作。虽然高中生在电视上看过凯旋门,但毕竟没有亲身接触过,这样的创作过程就十分考验学生的想象力,学生会尽力想象,然后下笔作画。毋庸置疑,想象力的激发对培养创新意识大有裨益。 三、走出课堂,体现实践教学的重要地位 美术课程具有强烈的实践性,光让学生看不能有效提高学生的艺术修养。所以,教师要安排学生进行形式多样的实践活动,这是他们进行创作的重要源泉。“教育来源于生活,而又服务于生活。”学生只有在生活中才能产生奇思妙想,创新意识更是在日常的学习、生活中对事物有了深入体会和认识的前提下萌发的。所以,走出课堂、加强实践教学有其自身的意义。在教学实践中,有诸多适合实践教学的机会和条件。对于高中美术教学而言,最简单的就是户外写生。美术教师可以将美术课堂转移到户外,多让学生通过接触课堂外的世界进行创作。户外写生的形式不拘一格,近者可以直接在校园里对教学设施、花草树木进行观察和描绘。除了课堂时间,教师也可以利用周末组织学生去户外郊游,带领他们去景区、树林、河边写生,这不仅可以充实学生的业余生活,让他们释放平时积攒的学习压力,还可以发散学生的思维,提高他们的审美能力和艺术情操,这对培养学生的创新意识有很大的帮助。 四、善用教学评价,增强学生的学习信心 在教学体系中,教学评价的重要性不言自明。教学评价犹如一面镜子,可以让教师了解学生的学习水平,进而调整教学思路,促进教学质量的提升。在固有的教学模式下,教师往往在期末时让学生画一幅画就结束本学期的课程,这种教学评价方式具有显而易见的弊端。在新课程改革背景下,教师要了解学生的知识技能水平、情感态度状况,仅凭一幅画是难以判断出学生的真实情况的。为了培养学生的创新意识,提高他们的学习信心,教师要将形成性评价与终结性评价、教师评价与学生评价、学生自评与互评有机结合在一起,全方位、多角度地评价学生的美术能力。教学评价的方式也要不拘一格。一方面,教师可以让学生评价其他学生的作品,让学生看到自己的不足,汲取别人的长处,取长补短,促进能力的提升;另一方面,教师还可以让学生评价著名画家的作品,打破学生的思维框架,让他们大胆对知名画家进行点评。如,可以让学生评价凡•高的《向日葵》,有的学生从色彩方面进行评价,有的学生从线条方面进行评价,还有的学生从布局方面进行评价。如此丰富多彩的评价,说明学生正迸发出智慧的火花,积极开动脑筋进行思考。 作者:周珍珍 单位:富阳市新登中学 高中美术教学论文:高中美术课堂中素描教学论文 一、素描多样的表现形式 从材料本身入手,因为材料自身呈现出的特点和产生的一些意外的效果,使得素描在单纯中有了很多富有内涵的变化。材料的运用所呈现出的诸多效果,正是美术所追求的。素描表现形式的多样性不仅体现为使用的材质多种多样,而且通过材质所表现的肌理也是多样的。素描的表现材料不仅包括铅笔、炭笔、钢笔及水彩笔,还有一些特有的材料,如石墨、乌墨褐等,甚至连水彩、油画的工具都可以作为素描的材质,可见其材质组成之丰富。当然,在学习素描的过程中,我们也会经常通过这些不同的材质表现不同的肌理。素描的表现形式有两种:一种是线条造型,一种是明暗造型。其中,线条造型是通过营造线条的变化表现对象;而明暗造型则是通过明暗的色调表现对象。所有客观存在的物体都有反光、暗面、亮面等,在线条上也会有很多微妙的地方。素描是通过对形体结构、空间的想象将物体呈现出来的一门艺术,如果离开了确切存在的事物形体,线条的粗细、轻重、浓淡、明暗造型协调得再好也是枉然。 二、高中美术课堂素描的基本教学方法 对于素描的学习,好处自不必说,可以培养学生对于世界敏锐的观察力,以及对于事物高度的概括能力,同时学生的创新能力也会在创作过程中得到提升。学好素描不是一朝一夕之事,学生必须打牢基础,脚踏实地地练习、钻研。古来看病有“望、闻、问、切”四步,而今学习素描则须“看、想、问、画、记”。看,作为学习素描的基础,是指学生必须先接触古今中外的一些素描作品,通过对这些作品的学习增长自己的知识,领悟作者的作画风格。当然,学生对于自己的习作也要多看,尝试从不同的角度观察自己的习作,这样就更容易发现自己的问题,并在观察中寻找新的绘画思路。想,作为学习素描的前提,是指学生通过之前的看和观察,对比自己的画作和一些经典素描画作之间存在的差距,运用辩证唯物主义的思维发现自己在素描方面存在的不足,并找出素描的科学规律和方法。这样长此以往,素描技法定会愈发娴熟。在求教的过程中,问是必不可少的。学生只有虚心向教师请教,才能让自己对于艺术的见解更加深刻。正如达•芬奇所说:“饱满的稻穗总是低着头向着大地,而越是空的稻穗却要骄傲地抬着头。”接下来是画,也就是创作,在这一步,学生需要勤画素描,通过各种方式更好地画出自己想画的作品。这个过程必须脚踏实地,这样才能增长自身的画功。记是最后一个融会贯通的环节,它能够培养学生良好的创作习惯,学生既要长期地积累形象素材,也要坚持随时随地对这些形象进行默写,这样日积月累必然会有意想不到的收获。素描作为造型艺术的基础,能够培养学生的观察能力和在美术方面的表现能力。学生所积累的素描基础如何,直接关系到美术学习能否深入地进行。素描能从多个方面考验学生对于对象的反映和把握能力,从而抓住事物的美好瞬间。同时,素描也能够为学生的创作之路提供大量的素材。在生活中,对于素材的积累,能让作品的内涵更加丰富,更具有感染力。其实,好的素描本身就是一幅优秀的作品。 三、高中美术课堂素描教学中应该注意的问题 在高中美术素描教学过程中,教师需要注意以下几个方面的问题。首先是学生的观察方法是否正确;其次是学生在作画时是否带有真实的情感;再者是学生是否拥有自己的一套创作思路。所以,在教学过程中,教师要强调运用正确的观察方法,这是作画必需的前提。只有当观察方法正确时,学生才能更好地从本质上把握观察对象的精髓。心理学认为,观察实际上是一种思维方式的外在表现,而绘画艺术是一门借助一些视觉物象表达内心感受的艺术。对于艺术,不能人云亦云,要有自己的想法和思考。学生在创作时要能够把自己的真情实感投入到作品之中,这样创作出的作品才会具有灵魂。长此以往,学生便能在摸索中形成一条自己的创作思路,从而创作出更好的作品。 四、结语 高中美术教学是一个立体的教学过程,在这期间,教师要不断地积累经验、总结和反思。为了获得好的教学效果,“看、想、问、画、记”这几步是很科学的,这样能够激发出学生对于美术作品最真实的感受,从而达到一种欣赏者和作品合为一体的境界。 作者:吴天红 单位:江苏扬州市邗江区公道中学 高中美术教学论文:信息技术高中美术教学论文 一、现代信息技术在高中美术教学中的应用探究 1.加大课堂容量,使学生学到更多的美术知识 高中美术教师要运用现代信息技术加大课堂容量,让学生在有限的课堂时间内学到更多的美术知识。①教师运用信息技术将美术作品从不同的视角呈现给学生,提高学生学习美术知识的兴趣,使学生积极地学习更多知识。②美术课本中的作品和知识不能满足学生学习的需要,教师要运用现代信息技术对美术知识进行拓展,运用信息技术搜集学生喜欢的美术作品,并进行分享学习。③教师可以将美术作品及与美术作品主题相符合的音乐作品制作成PPT,为学生提高审美能力创造学习情境,让学生尽快地融入到美术教学中。 2.提高学生学习美术知识的热情 高中美术教师在教学的过程中,应该分析学生在学习美术这门课程时的心理状态,运用合理的教学方法,让学生尽快融入到美术教学中来。美术知识具有一个庞大的系统,剪纸艺术、雕刻艺术、绘画艺术都属于美术的范畴,但是,在传统的高中美术的教学中,很难有效地将信息资源转化为校本资源。因此,教师可以采用信息技术,让学生亲自操作绘图软件,引导学生进行实际构图和设计的同时学习三维动画。并将静态的课本知识与动态的三维动画结合起来,实现美术的多元化教学。这样,不仅能够发展学生的审美能力、增强学生学习的主动性,而且提高了高中美术教学的有效性。 3.提高学生的审美能力 高中美术教学的重要目的在于培养学生形成一定的审美能力,现代信息技术的恰当运用可以促进学生审美水平的完善。高中生由于缺乏一定的生活阅历,所以对一些美术作品的理解存在一定的偏差,不能够准确把握作者的情感走向,在鉴赏美术作品时很难领会美术作品所要表达的含义。在高中美术教学中运用现代信息技术,实现了对美术作品的情境再现。例如,在“美术鉴赏”的教学中,教师可以运用信息技术将画家的生平及创作的背景进行介绍,然后运用移情的方法,让学生体会作者创作时想要表达的意图。 4.实现个性化的教学体系 在进行美术教学时,教师可以运用信息技术为学生搭建一个互动的平台,如教师和学生可以在论坛上发表自己对美术作品的理解,学生也可以将自己感兴趣的美术作品上传至论坛,并引导班级所有学生一起欣赏。教师也可以运用论坛指导学生,并通过网络论坛及时地了解学生的学习状况,采取有效的措施提高美术教学的有效性。 二、结语 在高中美术教学中处处可以体现素质教育,因此,对信息技术在高中美术教学中的应用进行探究是很有必要的。高中美术教师应积极地探索研究新的教学方式,提高美术教学的实效性。 作者:王旭东 单位:河北省唐山市丰润区第二中学 高中美术教学论文:高中美术高效课堂素描教学论文 一、素描的含义 素描,简单地说就是朴素的描绘。广义上的素描就是指不考虑任何色彩的绘画(主要指单色画);从狭义上来讲,就是指相对静止、时间较长的单色绘画。素描主要研究物体的自然形态与人的视觉关系,是构成色彩画(如油画)、雕塑和其他艺术造型的根本源泉,是一切艺术形式的高度结晶,能够培养人的创造性思维能力,掌握和认识艺术规律。艺术界人士普遍认为,素描是艺术的最高境界,除了色彩外它包罗万象,其他所有添加的东西只是起辅助作用。素描不仅仅是绘画的一种手段和形式,而且还贯通所有造型艺术领域,用来认识基本规律最本质的思维方式和语言。因此素描具有一切造型艺术的规律和特征,是造型艺术的基础,可以培养人们对事物的分析、观察和表达能力,从而进行艺术创造和构思。 二、素描课堂教学的重要性 素描课堂教学通过对物体的结构、形体、明暗、色彩感和空间感的研究,培养绘画者对事物的观察和分析能力,并把观察到的事物表现出来,以加深学生对造型规律的理解,提高学生的创造性思维能力。作为专业的美术教师,在教学过程中要因材施教,因人而异,使学生最大限度地发挥自己的学习潜能。在课堂教学过程中,要做到由简到繁、由浅到深、循序渐进,重要的是让学生理解形体间的构成与组合关系。教师要在传统写实训练的基础上引进现代美学思想,并融入表现主义素描因素,这样才能形成一套完整的教学训练系统,从而培养学生敏锐的观察能力和完美的表现能力。 三、采取多种形式激发学生的学习兴趣 兴趣是最好的老师。只有把学生学习美术的兴趣激发出来,才能使学生爱上美术,才能真正提高教学效率。因此教师要结合学生的年龄特征和认知习惯,采取灵活多变的教学形式和教学方法,根据教学要求选择学生喜欢和乐于接受的内容,以满足学生的好奇心,提高学生的学习兴趣。(1)教学手段要多样化,如采取示范画、绘画游戏、多媒体课件演示等生动有趣的教学方式,多视角地展现教学内容,增强学生对具体形象的想象力和感受力,丰富学生的审美体验。(2)把美术课和学生的实际生活联系起来。艺术离不开现实生活,否则它就失去了其生存的意义。这就要求教师在进行教学时要多联系生活实际,引导学生主动观察生活、积极探求生活中的美,通过观察达到审美体验,从而提高学生的学习兴趣,提高教学效率。 四、培养学生的绘画习惯 养成良好的绘画习惯对于绘画者来说尤为重要。因此,教师在教学中要引起足够注意,要引导学生掌握正确的学习方法,教育学生养成良好的习惯,不要急于动笔,要从整体着眼,从局部着手,要学会观察,对所画对象的整体结构,如比例、空间、形体、明暗等有全面的认识和了解后开始动笔,这样才能对物体进行整体把握,才能使作品产生整体美,不然会出现一味地死抠局部,造成局部相互间不能顺畅地衔接,使作品缺乏整体效果。 五、在素描教学中贯穿课堂示范 素描教学是一种技能性、实践性很强的学科,光靠单纯的理论讲解不利于学生的理解和接受。因此,在新课改背景下的教学中,教师要为学生进行课堂示范,在枯燥单调的素描教学中贯穿教师示范,会给教学过程增添色彩、注入活力,这是其他任何教学手段都不可替代的。课堂示范对美术教学来说非常重要,这就要求美术教师要有全面的专业技能和对绘画对象的全面把握能力,这对美术教师提出了新的、更高的要求。 六、局部修改要恰如其分 素描的学习过程应循序渐进,学生只有在反复的练习和实践中才能提高,但是学生在绘画过程中仍不可避免地面临一些问题。因此,教师在指导学生作品时要做局部修改,但修改要恰到好处,教师在指导过程中并不是多多益善,而是要恰当和适度,注意发挥学生的个性特点,给学生留有继续绘画的余地,不可改得太细太多,否则会打乱学生的思路,使绘画无法进行下去。 七、恰当的点评可以增加学生的学习信心 当学生的“绘画作业”完成后,教师要对作业进行批改。绘画作品不同于其他学科的作业,对就是对,错就是错,它需要教师对学生的作品进行点评。教师的点评很重要,因为恰当的点评尤其是肯定和赞美的评价会调动学生的情绪,增强学生的学习信心,激发学生求知欲和创作欲。同时,对作品中存在的具体问题和缺点也要明确指出,找出问题的症结所在并告知改进方法,避免在以后的作品中犯类似的错误,这样才能使学生在不断的实践中提高自身的绘画能力。 八、结语 总之,高考素描教学的目的是让学生掌握绘画知识,培养学生的能力,因此教师要立足学生实际,引导学生善于观察和思考,不断提高学生的艺术修养和专业水平。要通过多种教学手段和方法调动学生的积极性,使学生真正感受到艺术带来的美感和震撼。相信通过教师和学生的共同努力以及不断的实践锻炼,每个学生都会迈入自己理想的艺术殿堂。 作者:胡小平 单位:苏州大学艺术学院上海市桐柏高级中学 高中美术教学论文:高中美术课堂素描教学论文 一、素描的含义 素描,简单地说就是朴素的描绘。广义上的素描就是指不考虑任何色彩的绘画(主要指单色画);从狭义上来讲,就是指相对静止、时间较长的单色绘画。素描主要研究物体的自然形态与人的视觉关系,是构成色彩画(如油画)、雕塑和其他艺术造型的根本源泉,是一切艺术形式的高度结晶,能够培养人的创造性思维能力,掌握和认识艺术规律。艺术界人士普遍认为,素描是艺术的最高境界,除了色彩外它包罗万象,其他所有添加的东西只是起辅助作用。素描不仅仅是绘画的一种手段和形式,而且还贯通所有造型艺术领域,用来认识基本规律最本质的思维方式和语言。因此素描具有一切造型艺术的规律和特征,是造型艺术的基础,可以培养人们对事物的分析、观察和表达能力,从而进行艺术创造和构思。 二、素描课堂教学的重要性 素描课堂教学通过对物体的结构、形体、明暗、色彩感和空间感的研究,培养绘画者对事物的观察和分析能力,并把观察到的事物表现出来,以加深学生对造型规律的理解,提高学生的创造性思维能力。作为专业的美术教师,在教学过程中要因材施教,因人而异,使学生最大限度地发挥自己的学习潜能。在课堂教学过程中,要做到由简到繁、由浅到深、循序渐进,重要的是让学生理解形体间的构成与组合关系。教师要在传统写实训练的基础上引进现代美学思想,并融入表现主义素描因素,这样才能形成一套完整的教学训练系统,从而培养学生敏锐的观察能力和完美的表现能力。 三、采取多种形式激发学生的学习兴趣 兴趣是最好的老师。只有把学生学习美术的兴趣激发出来,才能使学生爱上美术,才能真正提高教学效率。因此教师要结合学生的年龄特征和认知习惯,采取灵活多变的教学形式和教学方法,根据教学要求选择学生喜欢和乐于接受的内容,以满足学生的好奇心,提高学生的学习兴趣。 (1)教学手段要多样化 如采取示范画、绘画游戏、多媒体课件演示等生动有趣的教学方式,多视角地展现教学内容,增强学生对具体形象的想象力和感受力,丰富学生的审美体验。 (2)把美术课和学生的实际生活联系起来。 艺术离不开现实生活,否则它就失去了其生存的意义。这就要求教师在进行教学时要多联系生活实际,引导学生主动观察生活、积极探求生活中的美,通过观察达到审美体验,从而提高学生的学习兴趣,提高教学效率。 四、培养学生的绘画习惯 养成良好的绘画习惯对于绘画者来说尤为重要。因此,教师在教学中要引起足够注意,要引导学生掌握正确的学习方法,教育学生养成良好的习惯,不要急于动笔,要从整体着眼,从局部着手,要学会观察,对所画对象的整体结构,如比例、空间、形体、明暗等有全面的认识和了解后开始动笔,这样才能对物体进行整体把握,才能使作品产生整体美,不然会出现一味地死抠局部,造成局部相互间不能顺畅地衔接,使作品缺乏整体效果。 五、在素描教学中贯穿课堂示范 素描教学是一种技能性、实践性很强的学科,光靠单纯的理论讲解不利于学生的理解和接受。因此,在新课改背景下的教学中,教师要为学生进行课堂示范,在枯燥单调的素描教学中贯穿教师示范,会给教学过程增添色彩、注入活力,这是其他任何教学手段都不可替代的。课堂示范对美术教学来说非常重要,这就要求美术教师要有全面的专业技能和对绘画对象的全面把握能力,这对美术教师提出了新的、更高的要求。 六、局部修改要恰如其分 素描的学习过程应循序渐进,学生只有在反复的练习和实践中才能提高,但是学生在绘画过程中仍不可避免地面临一些问题。因此,教师在指导学生作品时要做局部修改,但修改要恰到好处,教师在指导过程中并不是多多益善,而是要恰当和适度,注意发挥学生的个性特点,给学生留有继续绘画的余地,不可改得太细太多,否则会打乱学生的思路,使绘画无法进行下去。 七、恰当的点评可以增加学生的学习信心 当学生的“绘画作业”完成后,教师要对作业进行批改。绘画作品不同于其他学科的作业,对就是对,错就是错,它需要教师对学生的作品进行点评。教师的点评很重要,因为恰当的点评尤其是肯定和赞美的评价会调动学生的情绪,增强学生的学习信心,激发学生求知欲和创作欲。同时,对作品中存在的具体问题和缺点也要明确指出,找出问题的症结所在并告知改进方法,避免在以后的作品中犯类似的错误,这样才能使学生在不断的实践中提高自身的绘画能力。 八、结语 总之,高考素描教学的目的是让学生掌握绘画知识,培养学生的能力,因此教师要立足学生实际,引导学生善于观察和思考,不断提高学生的艺术修养和专业水平。要通过多种教学手段和方法调动学生的积极性,使学生真正感受到艺术带来的美感和震撼。相信通过教师和学生的共同努力以及不断的实践锻炼,每个学生都会迈入自己理想的艺术殿堂。 作者:胡小平 单位:苏州大学艺术学院 上海市桐柏高级中学 高中美术教学论文:高中美术素描教学论文 一、积极调动学生学习素描的兴趣 教师在评价学生作业时,要注意不能用过于专业的标准衡量学生的作品,因为教师和学生在年龄、学识、艺术水准上都存在很大的差异,教师要学会欣赏学生的作品,要善于寻找每位学生作品中的闪光点,并及时给予鼓励,肯定他们的优点和成绩。对于学生作业中的一些缺点,如构图不恰当、造型不准确、画面太灰等,教师可以通过各种有效的方式指出其不足。对于班级里基础比较薄弱的一些学生,教师更应该多鼓励、多关注,这样不仅可以保护他们的自尊心,还能够更好地激励学生,使学生敢做、敢画,从而喜欢上素描,上好每一节专业课。 二、注重临摹与写生相结合有效提高学习效率 无论是素描教学、色彩教学还是中国画的教学,都离不开临摹和写生两个步骤。临摹即学习古人,吸取前人之精华;写生即面对自然,开辟新路。在素描教学中,把临摹与写生相结合才是最有效的方法。临摹要有目的,范本应选择印刷质量出色的优秀作品或素描原作,这样才能更准确地观察学习。同时,要确立自己学习的目的和方向,也就是说,要明确通过临摹想学到些什么。临摹可以临整幅作品,也可以临作品中的一部分。临摹应侧重形体、空间关系、黑白灰关系、表现技法等方面的学习。教师要建议学生做一名积极的临摹者,也就是说,如果发现范本有需要改进的地方,便要改进它。这种处理方法可以促使学生深思熟虑地学习,消除了冷漠地复制原作的倾向。临摹的过程不仅能培养眼和手的灵巧,而且能提高创作才能。写生练习实际上是学生摸索的过程,学生要向前辈学习,借鉴他们的经验,学习他们的技法,这个过程是必需的。通过临摹,学生从中寻找对于素描的一些认识和理解,掌握一些素描的表现方法。学生的临摹练习要与写生课紧密联系,坚持由简到繁、由浅入深、循序渐进的原则进行临摹和写生练习。其实,临摹是为了在学步阶段有所依托,它的最终目的还是为了写生,为学生日后的发展打下坚实的基础。 三、加强示范性教学手段 尽管有些时候教师对一些知识做了详细地讲述,但是学生一时之间还是很难真正理解。如,素描中正确的作画步骤、铺大色调、作画中的整体性、空间关系的处理等一系列知识,光靠教师讲解是不够的,要结合教师示范,便会使学生一目了然。在讲解的同时,教师可以通过投影仪为学生作范画,让学生直接通过自己的眼睛准确地获得信息,而不是靠大脑想象和猜测。学生具有很强的可塑性和模仿能力,教师示范作画是直观有效的教学手段,示范性教学在这里起到了画龙点睛的作用。为了让所有学生都看得清楚,学校给每个画室配备了移动多媒体和实物投影设备,要求教师每节课都带领学生作画。教师在示范中做到边画边讲解,画到一定阶段,停下来为学生作详细的分析和说明,学生可以从教师的示范演示中,更直观地感受到作画的方法、步骤和要领。以这样的讲解示范方式进行素描教学,可以有效地帮助学生提高自身的素描基本能力和审美能力。绘画基础课教学的流程应包括讲解、示范、单个性辅导、集体讲评四个环节,而示范性教学方式要贯穿教学的始终。学好素描、打好基础对于高中美术专业班的学生特别重要,因为它是学生以后学习其他艺术造型的重要基础。高中阶段的素描基础教学要从实际出发,根据学生的实际情况,发展学生的个性,培养学生的审美能力,训练其扎实的造型能力和画面表现力。另外,教师要不断提升自身的艺术素养。美术教学是一个立体的教学过程,其间很多知识和经验都要靠教师平时的研究、积累、总结、反思。以上是笔者在这几年的素描教学中得出的一些浅见,还有很多不完善的地方有待提高。 作者:王晓燕 高中美术教学论文:高中美术多媒体教学论文 一、高中美术多媒体教学必要性分析 高中美术教学实践教学的性质要求改革传统的课堂教学模式,以多样化的教学手段来支撑实践教学的内容。美术教学自身具有的审美性为多媒体教学提供了应用空间,应用多媒体实施美术教学可以完善美术教学的形式。教学改革分为宏观改革和微观改革,美术多媒体教学属于微观层面的教育改革,是应用现代化先进的教学手段对传统的教学方法进行的变革。随着我国科学技术的不断进步,计算机越来越普及,很多领域都应用了多媒体技术,这也使各领域都发生了较大的变化。而教学领域尤其是在美术教学中,多媒体教学方式更符合美术的学科特点,可以采用图片、声音和文字等信息载体,更加直观地反映美术作品的内涵。美术多媒体教学是对传统美术课堂的一种变革,是美术教学的辅助工具。由此可见,在美术教学中应用多媒体技术是非常必要的。 二、在高中美术教学中应用多媒体的方法 (一)高中美术多媒体教学中的审美欣赏 随着计算机的普遍应用,在美术教学中应用多媒体技术,不仅可以丰富教学内容,为美术教学提供丰富的素材,还能弥补传统教学的不足。第一,丰富美术教学素材。美术教学的内容具有欣赏性,对于涵括古今中外的美术教学内容,教师可以将其制作成视频或课件,从而让学生在美术课堂上就可以纵横古今中外,足不出户就能领略世界的美,就能漫步在艺术长廊中,就能飞翔在想象的天空里;第二,弥补传统教学的不足。美术教学具有直观审美性,应用多媒体技术可以通过图片、声音和动画等形式,直观生动地将静态美术教材转变为动态美术动画,从而增强了美术课堂的趣味性,并以形象的美术教学深化学生的感悟,增加了美术课堂教学的感染力,充分体现出了美术教学的学科特色。美术多媒体教学刺激了学生的感官,调动了学生的学习积极性,培养了学生的审美力,刺激了学生的学习欲望,从而促使学生逐渐爱上美术。 (二)高中美术多媒体教学中的情境创设 在高中美术多媒体教学中,教师应以课堂组织者的身份进行教学,在这样的模式下师生关系会更为和谐融洽。教师通过多媒体教学为学生创设良好的学习情境,引导学生积极主动地参与到教学过程中,不仅可以活跃课堂教学氛围,而且还能创设出寓教于乐的教学情景,从而使学生可以在娱乐中学得相应的美术知识。多媒体教学在高中美术教学中的应用可以通过向学生展示图片、声音和文字等信息载体,让静态化的教材转变为动态化的逼真生动的课件,从而使学生可以尽情地展开联想,在美术的空间里翱翔,这样不仅深度挖掘了学生的潜能,改变了传统的教学模式,而且加强了教师和学生之间的互动。同时,学生也可以积极的态势主动学习美术知识,从而提高了学生学习美术的兴趣。多媒体教学以直观的美术魅力刺激了学生的感官,可以使其发现美术中的真谛和意境,从而触发了学生的内心感悟,促使学生与美术之间构建起了一种美的感应,进而优化了学生的学习效果,实现了高中美术的教学目标。 (三)高中美术多媒体教学中的教学互动 在高中美术教学中应用多媒体技术不仅可以打破传统的“灌输式”教学模式,减轻了教师的教学负担和学生的学习负担,还可以以动态化的教学内容增加美术课堂教学的趣味性,让美术课堂由静态转变为动态,激发学生的学习兴趣,刺激学生的创作活力,发挥学生的学习主体作用,培养学生的自主学习能力。这种多媒体美术教学可以给予学生更多的主动权,从而将学生的被动学习转变为自主学习。多媒体教学通过学生的自主参与,提高了学生的美术学习兴趣,激发了学生的美术创作活力,同时还能得到学生学习的及时反馈,从而增强了教与学之间的互动,优化了学生的美术学习效果。 三、结语 总之,在高中美术教学中融入多媒体技术是非常必要的。因此,我们可以从审美欣赏、情境创设、教学互动三个方面来将多媒体技术与高中美术教学结合起来,从而切实突破传统的美术教学模式,提高高中美术的教学水平。 作者:邵丽佳 单位:河北省秦皇岛市青龙满族自治县肖营子高级中学 高中美术教学论文:高中美术素描教学论文 一、素描基本意识的建构 素描中的整体观念是极为重要的,学生在绘画时往往整体意识不强,总是对细节进行大量的刻画,忽略画面中整体、主次、虚实的关系。刻画一个细节的同时要观察周边的形体是否在同一进度上,并不断调整各个形体的比例、结构、色调等关系,养成良好的对比观察习惯。如,当写生一组静物时,不要过多地关注一个形体,要注意整个画面的关系,适当地根据整体效果削弱单体。如果每个形体都刻画得极为精彩,会产生喧宾夺主的不良效果。可见,整体不仅仅是观察和表现的方法,更是一种思维模式。要想素描水平提高得快,把握整体关系是首要。当然,局部的刻画也是极为重要的,只有大的关系而没有细节的精彩,整个画面会显得空洞乏味。整体和局部两者的关系始终是从整体到局部,再从局部到整体,如此反复,相互比较,相互依托。对于整体意识的建构,可以从观察方法和表现方法着手。 1.培养“大关系”的观察方法 第一,“对比看”的方法。缩短对单个形体的观察时间,与周围形体交替进行刻画,时刻提醒自己在画单一形体时,注意与其他形体相比较,始终保持进度一致。第二,“眯眼看”的方法。当眼睛眯起来的时候,整个画面都相互统一,以强制性的方法获得整体观察的效果,无法对局部进行刻画,始终关注整体。第三,“同时看”的方法。绘画时兼顾周围形体,始终不过度刻画细节,避免导致其脱离整体关系,做到同时观察、同时调整。 2.整体表现手法的培养 第一,由大到小。大与小指的是形体间的大小比例。如一组静物,我们要从大形体着手,将整体骨架搭建起来,再配置各个小形体;又如画人物头像,整个头部是大,而鼻子、眼睛、嘴等就是小,如若过分关注小的形体会导致整体比例失调、形不准等。第二,由草到精。在绘画之初,无论是线条和色调都可以稍微放开些,以获得整体效果。在整体关系确定好的情况下,再进行刻画,过早地追求精致会使整个画面显得“碎”,如拼接起来一般,与整体失衡。第三,由直到曲。徐悲鸿说过,“宁方勿圆”。直线造型有助于对形体的归纳和总结,对形体的把握将更为准确,过度关注曲线会忽略整体形态。第四,由深到浅。每次调整都从最暗的地方开始,依次是暗—灰—亮。只有暗部的不断深入才能带动整体的进展。色调关系不明确会导致整体画面“灰”,绘画时间拖沓,更严重的是会阻碍学生提高素描水平。第五,由实到虚。虚实关系的处理是整体效果的突出表现,近实远虚的效果处理不当会直接影响整个画面的空间感。第六,由近及远。主体物的刻画需要周围形体的烘托,主次关系处理不当,会使得整个画面喧宾夺主。 二、临摹与写生的有效实施 在整个素描学习的过程中,临摹范画不可或缺。临摹与写生二者是相辅相成的,都是快速提高绘画水平的重要手段。写生中遇到的问题可以在临摹时得到很好的解答,如结构关系,黑、白、灰关系以及点、线、面之间的关系。写生的特点是直观,临摹是参考借鉴他人的理性表达。写生到了一定阶段会有壁垒,光靠勤练会浪费太多的宝贵时间,而借鉴他人的作品会直接弥补现阶段的不足。但是,画者不能太依赖临摹,长期临摹会形成概念化和经验主义,失去善于发现的眼睛,这是得不偿失的。这就需要写生与临摹穿插进行,不断寻找问题、解决问题。学生专业能力相对成熟时,就可以主观地操控画面,根据层次的逐步提高配以更为精、细、准的范画。临摹不是目的,重要的是通过临摹研究其处理表现的方法,学以致用。很多学生临摹得很好,但是写生不行,其临摹只是将看到的照抄下来,而没有真正理解,到了写生时没有了参考,自己的总结归纳做得又不够,自然画不出理想的效果。这时可以将临摹与写生同时进行,在写生时找内容、构图、角度、形体、光线等相似的范画放在一边,当遇到问题时参照范画,但绝不是机械地抄袭,而是研究理解。只有将写生与临摹有机高效地结合起来,才能迅速提高素描水平。 作者:王胜太 高中美术教学论文:新课标下高中美术鉴赏课堂教学论文 一、高中美术鉴赏课堂教学需变换角色,体味快乐 在新课示下,高中美术鉴赏课堂教学需经过变换角色的教学方法,让整个堂课的气氛变得相当融洽。符合了以学生为主体,教师为主导的课堂教学模式。那么我们做教师的为何不能真正做到主导而不是主讲呢?这倒是一个新思路。但是我用这种模式进行教学,学生能喜欢能接受吗?我能顺利完成教学目标吗?带着这些疑问,我在课后以聊天的方式和不少的学生进行了沟通,可喜的是,虽然有极少数的同学觉得这样会浪费他们一些课余休息时间,因为课前要做大量预习工作,但绝大多数学生对这样的学习模式还是寄予了极大的热情。于是,我们开始了为期一年的教学尝试。 二、高中美术鉴赏课堂教学需要合作舞台,学生自主探究 良好的课堂教学模式必须是学生自主探究、教师专业引领的课堂教学模式。因此教师必须要放下身段,走到学生中去面向全体学生,不能让课堂成为几个学生的表演舞台,要调动每一位学生积极性,参与其中。例如学习《传统艺术的根脉——玉器》时,为了让学生能够直观感受玉器,笔者用绒布口袋装了三种不同材质的玉石,然后提出问题“感受三种玉器,找出最光滑最润的”,好多学生都在踊跃举手,经过观察,发现前排有个女生,显得怯生生的,就及时请她上来,她满脸通红的摸了半天非常紧张。此时暗示同学们给与掌声鼓励,促进她拿出了最好的玉石。此后了解到这位女生其实很难鼓起勇气才举手,如果没喊她,下次就更不敢了。因此用启发、鼓励的方法与学生展开心灵的交流也很重要。 当然教师还要有驾驭和引领课堂的能力。《国务院关于基础教育改革与发展的决定》中明确指出:“鼓励合作学习,促进学生之间的相互交流,共同发展,促进师生教学相长。”所以应用探究合作的教学方法,鼓励学生分工合作,着重感受、体验和兴趣培养。推行小组合作,每组派一名代表对同一幅作品进行鉴赏,再进行互评、最后教师进行专业点评,形成积极良好的竞争课堂氛围,激发学生积极性;在教学过程中,应注意对全场的适度控制,要正确引领,不能偏离主题更不能把课堂变成菜市场。例如学习《天上人间—壁画》时,了解了拓印画的简单制作过程,当堂便要求学生分组合作完成一张黑白拓印画,感受一下拓印过程,几分钟后就通过实物投影展示学生合作而成的拓印作品,虽然很粗糙,但艺术作品制作成功的感觉却油然而生。 三、高中美术鉴赏课堂教学需要借助网络,深入鉴赏 采用多媒体教学融入美术鉴赏,除了制作内涵丰富的教学课件,展示相关艺术作品外,也要重视对网络资源的利用。一方面,学生自主探究、专业引导的课堂教学模式需要教师要掌握丰富的知识和大量的信息,而这些知识的获得大部分来源于网上,另一方面高中生的学业负担沉重,没有时间去图书馆,展览馆,而且在县城也很难见到画展、雕塑展等。但网络却能提供这些,了解喜欢的艺术大师、艺术生平、艺术风格、代表作品等。学生通过网络完成教师布置的鉴赏预习作业,对作品进行初步的了解,做一些文字整理,以便在课堂进行讨论;此外,我们在鉴赏外国美术作品时,学生对作者和作品的历史年代与背景很陌生,理解起来很困难,这时网络知识就能发挥作用。例如学习《心灵的慰籍和寄托—宗教建筑》时,学生对宗教和宗教建筑均很陌生,将学生和宗教建筑距离拉近,促进学生掌握宗教建筑的艺术风格,课前必须要求学生通过网络了解世界三大宗教的相关历史背景,学生对由此产生的宗教建筑的风格就不难理解了。如伊斯兰教反对以至禁止描画人与动物形象,所以伊斯兰教建筑的典范作品《泰姬.玛哈尔陵》的外墙也只是用几何纹和植物纹来装饰,而不可能像基督教教堂的外墙可以雕刻到各种人物浮雕等等。 因此把课堂真正交给学生,在这样的课堂教学模式下,只有通过教师专业的引导才能完成三个维度的教学目标。 高中美术教学论文:高中美术探究式教学论文 一、探究式教学在高中美术课堂教学的意义 我国早在20世纪80年代起就开始了对探究式教学的理论与实践研究。1997年,《全日制普通高级中学艺术欣赏课教学大纲(初审稿)》的颁布,使美术课程正式进入普通高中课程体系,从而形成了我国基础教育的完整格局。2003年3月31日,教育部印发了《普通高中美术课程方案(实验)》和《普通高中美术课程标准(实验)》。随着新课改的不断深入,探究式教学逐渐成为教法探索的热点之一。《普通高中美术课程标准(实验)》将“引导学生主动探究”作为课程理念和重要的学习方式,探究式教学成为新课改中重要的教学方法和学习方式。 二、探究式教学在高中美术课堂教学中的基本特征 1.教学面向全体学生,以教师为主导,学生为主体 主体性是指教师在实践与研究中要充分尊重学生的主体地位,发挥学生的主观能动性,注重学生的自我发展和相互启发。学生在课堂中通过个人思考、小组讨论等多种形式的探究活动,增强自主、合作、交流、创新等能力,培养积极参与的能动性。教师应成为探究活动的设计者和活动过程的引导者、组织者。 2.教学注重学习的过程性、目标性、研究性 过程性指师生的教学活动要经历一个研究、学习的过程,这个过程既可以是实践性的活动过程,也可以是思维方式的活动过程。目标性是指学生通过教学活动的精心设计,从学科领域或现实生活中选择和确定研究主题,要有明确的方向和具体目标。研究性是指教师在组织和指导学生开展探究式学习时必须运用一定的科学研究方法,遵循一定的研究程序。探究式教学的过程注重从学生已有的经验出发,让学生在教学过程中通过已掌握的知识进行试验、假想、对比,不断探究新知识。如,学生利用假期参观美术博物馆,通过现有的美术知识鉴赏藏品,教师在美术课上讲授相关知识时,参观过博物馆的学生对知识的理解会比没有参观过的学生要好。 3.师生多向互动,在质疑和疑问中教学 朱熹曾说:“读书无疑者,须教有疑。大疑则大悟,小疑则小悟,不疑则不悟。”科学的探究源于问题,而问题的产生起于怀疑,疑问是创新的起点。如果没有师生间、学生间的交流与研讨、质疑与反驳,没有同伴和教师的参与和影响,探究式学习将无法开展。在探究式高中美术教学中,教师为学生提供自由表达、质疑、探究、讨论问题的机会。在探究活动中,学生发现或提出问题,在发现疑问后解决问题,并围绕问题开展探究活动,进而形成发现问题的探索意识及习惯。 三、探究式教学在高中美术课堂教学中的实践 2013年9月,笔者对广西南宁市育才实验中学高一的470名学生进行了问卷调查,收回有效问卷381份。从学生以往的美术学习中的兴趣、主动性,合作意识与能力,自信心以及创新意识与自主能力等方面,了解学生对美术学科的认识是否有变化。 1.高中美术探究式教学实例 在南宁市育才实验中学进行的《辉煌的中国古代工艺美术——中国古代陶瓷艺术》美术鉴赏教学实践,采用了探究式教学分析。第一,创设问题情境:在介绍了三件具有代表性的陶器后,教师出示表格,询问瓷器和陶器的区别;第二,学生小组合作、自主探究(教师给每个小组准备一件瓷器和一件陶器);第三,师生根据问题一起讨论、辨析。教师“:大家观察很仔细,说得很有道理,除了大家说的外观上的区别,还有没有简单的方法可以分辨呢?”教师敲一下器物。教师:“敲的时候声音有差别吗?”(敲的时候注意力度,小心敲碎)学生:“敲陶器的声音没有瓷器的声音响,发闷,而瓷器的声音清脆。”教师:“这位同学总结得很好,那为什么会这样呢?因为什么不同呢?”学生:“制作的材料不同。”学生自主分析(参考课前了解的相关陶器和瓷器知识)、探究、讨论后以抢答的形式到黑板上填写表格。教师引导学生质疑、判断、分析、归纳、总结,最后得出结论。与以往的教学相比,在《中国古代陶瓷艺术》探究式教学的课例中,学生的积极性得到了显著提高,主动回答问题的学生大幅提升。在探究模块,学生的主动性与参与度也与以往有很大区别,使学生对美术鉴赏课有了新的认识和理解,这在课堂知识的巩固中得到了证明。以往的美术鉴赏课,学生听得累,教师讲得累,课堂气氛沉闷,知识巩固时,学生也只能记住几个有代表性的瓷器特点,主动性和教学效率不高。通过课例可以看出,学生参与体验并获取知识的过程,这样的探究过程既能提高学生的学习能力,也能提高学生的学习兴趣。学生与学生之间的合作、交流会对其学习成绩和身心发展产生较大影响。随着对学生主体地位的强调,教师在教学中的角色向“顾问“”同伴”转变,教师和学生之间形成了一种民主、平等与合作的新型师生关系。大多数学生希望主动探究,参与实践活动。郭沫若先生曾说:“教育的目的是养成自己学习、自己研究、用自己的头脑来想、用自己的眼睛来看、用自己的手来做的精神。”教师要尊重学生的爱好和兴趣,发挥学生的主动性。通过探究式教学,学生的求知欲望得到激发,将被动学习变成主动探究,提高了课堂效率。高中美术探究式教学与以往教学相比,效果有显著差别。如在《中国古代陶瓷艺术》探究式教学的课例中,设置提出假设、验证假设环节。高中美术探究式教学与传统教学相比,学生更喜欢哪种美术课的形式?学生的调查问卷充给出了答案:学生最喜欢的美术课中,师生合作探究式教学占到了77%,可见,探究式教学被大部分学生所认可。 2.高中美术探究式教学的现状分析 从调查问卷中可以看出,课程教学还存在一些不足。在美术教学的课堂中,有11%的学生喜欢教师以讲授为主的美术课;9.6%的学生习惯听教师讲,看教师做;能经常主动提问和讨论的只占11.4%,不敢提问的占了10.8%。由此可见,探究式教学还需要师生的共同努力,在课堂中深入开展下去。中国有句古训:“授人以鱼,不如授之以渔。”教会学生知识远没有教会学生学习来得更重要。西方也有句名言:(告诉我,我会忘记;可演示给我,我可能会记住;但让我参与其中,我就会理解了)只有亲自参与探究,学生才能理解得更加透彻,留下的印象更深刻。高中美术课堂探究式教学实践研究表明,探究式教学符合现代教育规律,符合学生的心理认知特点,是当前课堂教学改革的一种有效方法。新课程改革正在进行,怎样把新课程的理念落实到高中美术课堂教学中,将教学从关注教师怎样教转变为教会学生怎样学,这是广大美术教师必须面对和解决的问题。 四、结语 探究式教学是建立在学生探究学习基础上的一种教学模式,它关注的是学生参与活动的质量,关注学生获得知识的过程,关注学生的学习能力、探究能力能否得到提高。学生亲身体验了在活动中学习,在主动中发展,在合作中求知,在探究中创新,它带给学生的是一种无形的能力。教师要把课堂还给学生,使学生真正成为美术课堂的主人。 作者:文海红姜黎黎单位:广西艺术学院美术教育学院 高中美术教学论文:网络环境下高中美术教学论文 一、提高网络环境下高中美术教学效率的具体方式 1.充分利用网络资源寻求信息技术与高中美术教学的有效结合点。信息技术支撑下的网络资源具有共享性及开发性的特点,不仅能帮助教师们获得教学资源还能帮助学生们获取所需知识。若将信息技术与高中美术教学良好的结合起来,首先应注重提高课堂教学质量与效率,因此,在两者结合之前教师们应当明确教学目标,可通过调查学生或开座谈会等形式了解高中生群体对于高中美术的认识及主要诉求,在此基础上,归纳总结学生们的需求并将网络资源与高中美术教学进行有效的结合。网络资源提供了大量容易获得的素材,教师们在备课过程中应当注意充分利用其优点营造出较为生动的美术教学环境,激发学生们的学习兴趣,并提高学生们利用网络技术参与美术课程的积极性,进而提高学校效率。 2.利用信息技术搭建师生沟通交流的平台,以激发学生的学习兴趣。在传统的高中美术课堂中,教师们往往为如何提高课堂效率而苦恼,主要原因在于学生们自主学习的机会较少,教师们不知道叨陛知识是学生们感兴趣的,师生之间不能很好的沟通交流。在将网络技术应用于高中美术教学后,教师们在备课时可以对网络素材进行分类整理并选取学生们感兴趣的图片予以展示,并可将视频用于课堂教学中,使学生们充分享受到网络环境下进行美术学习的便利性,教师们可以根据学生的反馈来选择教学内容,学生们可以按照自己的兴趣搜索自己想要的内容,这种交互式的教学过程为师生搭建了良好的互动平台,也激发了学生的学习兴趣。 3.在网络环境下更加重注培养学生的审美观。审美观因个体的差异而有很大不同,因此即使对于同一幅作品学生们也会给出完全不同的评价。网络环境在教育领域的广泛使用己经导致教学观念及过程等发生了很大变化。在传统的高中美术教学过程中,教师们往往注重教授学生们基础的美术知识和技能,而对于培养学生们的审美观这一环节较为忽略,因此学生们对作品的评价结果较为困惑。当在网络环境下开展高中美术教学时,教师们能充分利用网络即时为学生们提供多样化的、有针对性的内容,并使学生找到自己的兴趣点,因此更能培养学生们的审美观,拓展其思维。 4.指导学生们充分利用网络资源,提高课后复习巩固的效率。网络环境为学生们提供了丰富的资源,学生们在课后可以将教师在课上讲授的电子版的文档进行复习巩固,老师还能通过与学生的网络交流,远程指导学生进行美术作品的欣赏,还可以推荐给学生相关的网站资源,使学生能够更有针对性的利用大量的网络资源进行课后学习,深入理解教师们在课上讲授的内容,并从中发掘自己的兴趣点,提高课后复习的效率,发挥学习主动性,充分利用网络资源满足自己的需求,在获得更多知识的同时也培养自己的兴趣点。 二、总结 在网络环境下开展高中美术教学在一定程度上能加速传统教学方式向网络化方式的转变。在网络环境下,教师们可以将自己对美术作品的感悟与自身的情感体会相结合起来,通过网络与实体的有效结合,带动高中美术教学方法的转变。因此,网络资源运用于高中美术教学一方面可以提高课堂效率,拓宽学生们获取知识的方式,提高教学质量,另一方面也能通过课后与学生的网络交流,促进学生们学习思想的转变,改善教学环境。因此,在高中美术教学中应充分利用网络资源及信息技术,以促进教学方式的转变及教学质量的不断提高。 作者:季海燕单位:江苏省张家港市沙洲中学 高中美术教学论文:高中美术教学论文 一、高中美术教学中存在的问题 虽然新课程改革的实施为美术教学带来了一些可喜的变化,但受应试教育的影响,一些问题仍然存在,具体分析如下。 (一)美术观念的缺失 一直以来,受传统观念的影响,美术在人们的眼中等同于绘画,甚至一些教师也存在这种想法。实际上,这种观点是错误的、片面的,美术的范畴很广,绘画只是其中的一个小部分,尤其是高中美术,其教学重点在于提升学生的审美能力,而现阶段的教师并没有准确认识到这一点。 (二)思维的局限性 现阶段的高中美术教育教学中,教师往往采取传统的教学模式,先由教师画一幅示范作品,然后让学生模仿或者创新,这个过程中甚至有的教师根本没有传授学生绘画技巧,只是在学生完成作业之后针对作业进行评断,而教师进行点评的最直观依据就是画得是否相似。正是教师这种教学思维的局限性,才导致学生在美术学习中墨守成规,失去了自身应当具有的创造以及想象力。这样,就很难达到高中美术教育教学目标。 (三)师资力量短缺 在现今的高中美术教师中,大多数教师并不是毕业于专业的美术院校,其对美术并没有更加深入的认识以及研究,同时也没有受过专业的培训,这样便导致教师只能以业余的、大众的眼光来看待学生的美术作品,并不能给予学生专业的意见,更无法给予学生专业的美术培训,以致于高中美术教学质量不能得到保证。 二、搞好高中美术教学应采取的对策 (一)更新教学理念 前文已经提到高中美术教学中存在将美术等同于绘画的错误认知,对此,教师应做好自省工作,重新认识美术,尤其是高中美术,改变原有传统的教学理念,从多元化的教学内容出发,以提升学生的审美能力为目标,更好地开展美术教学,全面发展学生的综合素质。 (二)更新教学方法 高中美术教学中,教师应摆脱传统的、单一的教学模式,以学生为教学中心,根据实际情况随机应变,进行不同授课方式的变幻,以调动学生的美术兴趣,让课堂活跃,让智慧飞扬。 (三)提升教师自身素养 学校教育中,教师的素养直接影响着教育教学质量。如果美术教师的自身素养较低,就无法达到高中美术教育教学的要求,无法给予学生专业的指导,这不仅会影响学生能力的培养,也阻碍了高中美术教学的顺利进行。因此,提升教师自身素质是提高美术教学质量的主要途径之一。作为美术教师,我们应在日常生活和教学中,不断学习、不断反思,积极参与各种培训,从而提升自身专业知识和教学能力,更好地开展美术教学。 (四)完善评价体系 以往传统的高中美术教学中,教师仅以绘画的相似程度来判断学生的美术水平,这样的传统评价模式,一定程度上局限了学生的创造能力以及想象能力。为了改变这一现状,教学中教师就应完善评价体系,将单一的评价变为多元化的评价,全方位、多角度地评价学生的作品。需要注意的是,教师在评价学生的作品时,应当以鼓励为主,以激发学生的学习兴趣,树立其自信心。总之,随着新课程改革与素质教育的不断深入,美术教学在高中教育中的作用越来越大,其能够有效地促进学生德、智、体、美、劳全面发展,提高学生的审美能力。因此,我们要重视高中美术教育,从问题出发,制定有针对性而又及时有效的措施。只有这样,才能更好地提高美术教学质量。 作者:曾荣保工作单位:江西省丰城二中 高中美术教学论文:高中美术欣赏教学论文 一、美术欣赏教学的特征 许多教师有这样的体会,欣赏教学难于艺术实践教学,而现代作品欣赏则更难。这也许因为在欣赏传统的再现性作品时,有关史料和作品内容丰富了教学内容,符合了学生追求现实意识和经验的需求,故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。而现代表现性作品欣赏的着眼点不能直接为日常意识所接受,学生一时无法超出现实经验和欣赏习惯的阈限,因而使教学发生了困难。对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能企及的,审美意识的形成需要有个学习的过程。这并不是说对再现性作品的欣赏不是一种审美意识的活动,但一个不具有较强审美意识的人,往往能欣赏前者而不能欣赏后者。曾在上海举办“法国250年绘画作品展”会上,从男女老少、各界人士的交流中我发现,人们似乎都能顺利地欣赏这类写实作品。然而,另一个事实却让我吃惊,在“毕加索”、“米罗”的画展上,许多学美术专业的学生都向我提出这样疑问:“这些画好在哪里?”而不是提出“我感觉到了什么”等评价性的意见。他们大有乘兴而来、败兴而去的情绪。造成这种情况的原因是多方面的。但有一点是肯定的,即观者的评价标准尚未建立在审美价值的基础上,当面对着新的审美现象时,其评价标准就失去了有效性。 以上列举的事实可以说明,从审美意识出发去评价和把握作品形式的情感意味,或剖析作品所激发审美体验的形式因素是个非常棘手的问题。一旦我们认识到,教学必须要达到这一目的时,那么再现性作品欣赏和表现性作品欣赏教学所碰到的困难是相同的。 我们已经知道,欣赏教学具有三个主要功能——认识、教育、审美。然而,这个属于审美范畴的教学离开了审美功能,专注于认识和教育功能是否符合欣赏教学的要求?假如,我们从伦勃朗作品中感知到铜盔的金属质感,能否成为帮助学生认识某种物理属性的辅助教材;假如,一幅画讲述的是某些伦理道德、社会思想和时代精神性的内容,是否可以作为一种传达思想观念的工具去完成德育课的教学内容,回答是肯定的。但不禁要问,欣赏教学本身的特征是什么?也许我们教学最终都是一种手段,所要达到的目的并不仅仅是培养学生的审美能力和健康美好的趣味,但通过艺术形式的直接感知和审美体验是欣赏教学的主要特征。从欣赏中不断获取多种功用是审美欣赏中继发性的作用。正如在其它学科教学中,偶尔得到一些类似艺术中审美感知的内容一样也是继发性的作用,并不是该教学的主要特征。 二、艺术的审美价值与评价 1.审美价值的客观性 艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的,具有客观性。在欣赏中,由于地区和民族等文化差别,会出现价值观的差异,甚至会有完全不同的价值标准。但这不意味审美价值无客观性,因价值不等于评价,它们之间可以统一,也可以对立。文化习俗和个人特殊经验是造成不统一的主要原因。在对某一作品实际判断中,不同主体会出现不同感受。如,一个人在丧失亲人时,热烈欢快的形式也不会被其感知为愉快的东西。反之,一个时逢喜事的人,在阴雨连绵的天气里也会感受到欢庆的气氛。由于文化习惯的差异,一幅山水国画也难以被一个西方人所接受,主体的评价与价值客观性符合与否,还要看主体所操持的欣赏媒介是否符合主体的欣赏习惯,一个不会下围棋的人,无论其有多少美学方面的知识和经验,也很难感知到棋盘中形式之美。同时,还要看主体能否在理智的作用下将普通情感升华至审美情感。一个具有欣赏水平的人,能感知和体验各种媒介的审美现象,甚至能将日常信息转换成审美信息进行体验。从中我们看到,减弱客体媒介中所粘附的非审美信息和压抑主体的非审美情感是评价符合审美价值的客观性的重要条件。所以在教学中,欣赏材料的选择和教师的讲评是极为重要的。倘若欣赏材料选择不当,教学就无法达到预期的效果,如果在学生鉴赏力尚处于低水平时,让他们欣赏人体艺术,可能使教学无法开展。同时,需要教师在课前查阅多方面的史论资料和作品分析的文章,从中抽绎出普遍性的规范和准则,这样才能使评价标准更符合审美价值的客观性。 2.审美评价的功利性 在美术欣赏中,对作品的审美感知具有社会功利性。一方面,审美意象和信息在激发主体审美经验的同时,也可能激发起个人的现实意识,即审美判断中潜伏着利害判断。如,对画中苹果的色彩和形状产生美感时,也可以作为“望梅止渴”的情感体验。即是纯粹几何形所传达一种普遍情感也能激起个人无意识的利害判断。另一方面,美感中包含着人类社会有益的内容,如果将壮观的战争场面看成是一种总体艺术,那么人们是不会想往那种艺术的。因为审美价值的判断要受认识价值和伦理价值的制约,即对人类社会有益的内容制约着审美价值判断。如,有时代和地区风格的作品或为某集团的个人情感所认可的形式规范,都可以作为审美评价的标准。 在欣赏教学中,教师和学生以及学生之间存着知识和经验的差异,这些都会影响审美判断和评价,故教师必须具备良好的修养和丰富的知识,理解作品形式和内容最普遍的审美意义,以宽容的态度容纳学生的感受和评价,启发引导学生以审美意识去感知作品,将日常情感升华至审美的判断。 3.审美评价是主客观的统一 审美价值的客观性并不排斥主体感受在审美现象上的多样性。欣赏是在主体参与下进行的,个人的视野和知识经验决定了评价具有主观成份,这些成份造成欣赏活动的复杂性,也造成评价难于统一。教师在讲解作品前,首先对自己的判断作内省的理性分析,理清情感中审美的和非审美的成份。在教学中,把自己的判断从推测性的语言引导学生去感知和评价作品。如,“我体验到……”和“我感觉到……”等非定性语气。使学生觉得教师的评价也并非是权威的和终极的。于是,学生也会进行自我分析,使他了解他的哪些反应代表自己个性中的基本和永久的成份,哪些是暂时的情绪和突变的东西,或是片面的判断。将自己的判断和他人的判断进行对照,使其看到自己的评价哪些方面符合多数人的意见。如此反复开展教学评价活动,使学生养成自觉验证判断,减少盲目冲动的评价,使评价达到主客观的统一。 诚然,教师对作品的评价总具有一定的权威性,并在教学中表现为一种灌输性。但任何评价都是对客体价值的主观选择和解释。从某种意义上说,这种“灌输”是疏通走向人性中共同的自由本质和理性精神的渠道。一种培养审美鉴赏力的教学,离开主体从个别至一般的评判过程,任何定性的灌输有可能造成学生在欣赏上的“伪敏感”,即缺乏主见的泛泛而谈和人云亦云的假象。这是教学另一个偏颇之处。 三、绘画欣赏中的评价 1.作品内容与形式 一般认为,再现性作品形式服务于内容,而表现性作品内容往往体现于形式的本体之中。尽管二者的侧重有所不同,但任何绘画都具有表现性和再现性的多重性内容。在具象绘画中,再现性内容处于显处,而表现性内容处于隐处。如,达芬奇和丁托莱托所创作的《最后的晚餐》,其再现性的内容相同,但因形式处理(构图、人物造型、透视等)不同,就有了隐藏着的另一种不同的内容,即不同的形式因素给观者造成不同的心理感受。试想,让一个不知此圣经故事的人去欣赏这两幅画时就出现这样的情况,达芬奇的画透视焦点居中,呈一种对称式构图,加之空间处理的平板装饰性,给人一种平静稳定之感。在平衡中人物的动态变化,略使画面产生从静到动、从安稳走向骚动之感,使观者体验到一种事物处萌芽状态,但预示着即将来到的运动最普遍的经验。而丁托莱托的画,由于透视焦点偏向一边,长形餐桌向纵向消失产生倾斜的纵深感。不对称的画面失去了稳定性,加之人物的前俯后爷相互重叠,以及画面上方飞动着的小天使,更加剧了动荡不安的感觉,使观者体验到事物发展中矛盾对抗即将解体的一种普遍经验。而在表现性绘画中,表现性内容处于显处,再现性内容则相反。如蒙德里安的《百老汇的爵士音乐》,乍一看,使我们首先感受到的是一种理性秩序下的欢快气氛。这种错落有致的点线面构成失去了现实形象的支持,使我们感受而不是看到,事物在运动中处于一种均衡缜密的网络系统监控下的普遍经验。在冷色调中透出澄黄的直线;在线与线之间点缀着大小不一的深红、深蓝的色块,仿佛象五线谱上的音符,给人一种机械性跳跃的节奏感。对这些表现性内容的体验,只要放弃从画中索取现实形象的要求就能得到。然而,另一种再现性内容通过想象也时常从画中迸发出来。如井字形直线象街道、大小色块象建筑物等。由于绘画具有多重性内容,在教学中必须分清它们的主次关系,使我们的感知和评价有的放矢。 2.欣赏与形式分析 在这一阶段的评价,需要我们把注意力比较长久地固定在作品上,并试图把握其中那些相互作用着的主要成份。如塞尚的《苹果与桔子》,产生顺畅、和谐及愉快情绪的形式机制是由那些主要成份造成的,线条是流畅的、形状是柔滑圆润的、色彩是暖调的;静物在大面积白衬布映衬下,整个明度是高调的。构图是由各种大小方向不一的三角形组成,变化而统一。桌面向左倾斜造成圆滑的果子不稳定感,但似乎又在右倾斜的果盆强力牵制下取得了平衡。这样画面既有欢快的动感,又有祥和定静的均衡感。但这些定性的分析必须后于学生的评价,教学应当首先引导学生充分感受,因为对形式因素的剖析是胜不过对形式的直觉,直觉是对形式全面综合性感知,是动态的。而剖析是将形式分解后逐一定格,是静态的。在教学中,两者缺一不可。一方面,我们需要直觉形式,但不能把直觉神化。另一方面,直觉后的理性分析帮助我们了解所能直觉的东西是由哪些因素造成的。我们要求学生不仅要知其然,而且要知其所以然。尽管对形式的剖析会使欣赏失去了愉悦性,但对提高形式的直觉水平是极为重要的。整个教学是一个从引导感知分析(史、概念、形式因素)再感知的循环过程。通过这一过程,使学生的直觉水平从感性阶段发展到理性的高度。 对形式因素的剖析是教学的重要部分已毋容置疑了,然而,在对作品分析时所使用的语言、方法及教具还需要进一步探究。如,在构图分析时,可将相似和相反的作品进行比较,卡尔夫的《有银水壶的静物》是一个“金字塔”形的构图与塞尚的静物画不同,具有稳重的矜持感。再如色彩分析,可以将色彩强烈的作品制成黑白灯片或教具画进行对照,使学生体会色彩在画中的作用。如果要让学生进一步体验构图的均衡作用,可以抽掉画中某一部分的色彩和形象进行试验。这种视觉实验性教学对高中生来说,是不会感到枯燥和乏味的。当然,教具的设计必须是经济又合理的。随着教学不断深入,形式的分析从笼统简单向细微复杂发展。可以说,对整体形式意味的感悟和对局部形式因素的体察和剖析都具有非生物学的意义。 另外值得一提的是,教师对作品的分析和评价应该是一种建设性的,而不是指令性的。任何作品都是某一时代和社会文化心理结构的反映,作品审美价值的各种现象都有其局限性,或侧重于技法、或侧重于观念;或侧重于唯美性、或侧重于文学性等等。只有用历史的辩证唯物的态度,才能较全面而客观地评价作品,一味迷信和排斥都不能揭示多种现象背后的审美价值。从这个意义上说,教学的过程就在于使学生成长为具有审美鉴赏力的评论高手。 综上所述,使我们明白了欣赏教学是一个复杂的综合性活动。教学的开展都必须依据学生前一阶段的基础,提出具体教学目标的侧重点。尽管教学活动的各阶段和各层次都有不同的目的和要求,但都必须围绕着以提高学生对形式的审美感知水平和对形式意味的直觉能力为宗旨。对实际作品进行多维的和有效的审美评价,是达到这一宗旨的唯一途径。 高中美术教学论文:高中美术欣赏课教学魅力初探 有这样一个故事:一位老画师出了个“深山藏寺”的题目,令其弟子作画:大弟子画了一座山,山中一座庙;二弟子也画了一座山,树木掩映下露出庙宇的屋顶,远望去颇有点“藏”的味道;而三弟子思忖良久后,画了一座山,一条河,一个和尚挑着水往山里走。三者相比,显然后者高人一筹,含蓄地体现了主题,余味隽永,含不尽之意于画外,自然得到老画师的赞赏。这种言不尽意、意在象外的无尽妙处给我们以非凡的启示:艺术手段的精深微妙,可应用于教学艺术之中。古人论画,常有无法中有法,入乎规矩之中,又超乎规矩之外的说法,教学艺术的本质在于合乎教学规律并具其独创性。“深山藏寺”给予我们的微妙领悟应用于美术欣赏教学实践中,给学生留下思考的余地,启发学生创新思维,寓教育于艺术良方之中,寓教育于文化艺术之中,教学艺术因之而升华,教学也因此富有个性魅力。 一 “藏”知识 我国古代教育家孔子说过:“知之者不如好之者,好之者不如乐之者。”旧注:“学问,知之者不如好之者笃,好之者不如乐之者深。”孔子的名言不仅是指深入学问深浅层次,更重要的是学习者学习态度上的区别。教学的最终目的是使学生由爱学而入境,会学而晓理,乐学而动情。而在整个学习过程中最好的刺激就是学生对学习材料的兴趣。据此,在欣赏课教学中,教师在保持艺术本身的含蓄之美的同时,努力做到引起学生探究其文化内涵的兴趣,从而加大有效知识(指教学中的新观点、新材料,学生不懂、不知的,学后有所得、有所感、有所获的内容)的传授量,增添教学魅力。 在欣赏课教学过程中,结合美术自身特点(静态地、含蓄地表达人的情感、思想与认识)和高中学生思维特点(不限于对事物外部现象的了解),教师可挖掘美术自身的趣味性因素,适度引导,留有余味,使学生产生探究欲望。如,教师带领学生欣赏国画时,不应把其特色与精神作平铺直叙的介绍,可选择在中国文化艺术中学生既有兴趣又有疑问,既有期待又有困惑的内容导入,比如象形文字的演变。(虎; -虎- )首先,教师展示象形文字挂图并设疑:“挂图中的图象是什么?象什么?”学生有了各种答案,同时有了困惑,也有了期待。随后,挂图逐页翻过的同时质疑:“文字的源头是最古老的绘画,由最古老的绘画又演生出文字,说明了什么问题?”通过讨论逐步得出结论:“书画同源”。再质疑:“草书与最初的甲骨文相比较有何突出特征?”又共同探讨出:有了一种超越物象本身的神采。由此便迁移到国画中来,总结出国画的一大艺术特色——形与神的统一,与西方传统绘画(放有关幻灯片)相比较,体现着中国艺术独特的魅力——人与自然的融合、感情的真挚与感觉的质朴。整个教学过程由于较好地保持了艺术本身的含蓄性,有效知识的传授是潜移默化的,创设良好的探究问题的情境,最终使学生领悟到“藏”在国画艺术之后的中国艺术精神、民族文化心理。由此可见,由艺术本身的含蓄和教师在教学过程中保持了这种含蓄而引发起探究情境,使学生的心理需求得到了满足,对教师亦产生了敬佩之感,自然增添教学魅力。 二 “藏”观点 心理学研究认为,教学是师生双边活动,在教学过程中不可能只是单纯的认识方面的信息交流,必定还有人与人之间的情感交流和心灵的相通。据此,笔者以为教师的观点与倾向性不要特别地讲出,要从情节中自然流露,自然地同化学生心理,使教学富有魅力。 优秀的艺术作品打动人的是自然流露的真实情感,而富于魅力的教学也应是浑然天成的,特别是欣赏课。“欣赏”本身就是心与心的交流,美术欣赏课要求教师将教材内化为自己的心理品质(教师即为教材),再以自己的心去同化学生的心。这就需要教师将自己的观点、认识及倾向性融入情感、语言等教学意向活动中,自然地用自己的思路引导学生的思路,用自己的情感激发学生的情感,用自己的心去同化学生的心,用自己的灵魂铸造学生的灵魂,从而步入一种师生相融的微妙世界,魅力随之而生。如笔者在中国工艺美术欣赏课中,与学生共同探讨“凤”的形象:学生说“凤首”象鸡,教师补充:它给人的感觉又不象鸡那样好斗;学生说“凤翅”象燕,教师说又没燕子那样轻巧;学生又说“凤颈”象鹤,教师又补充,感觉又不象鹤那样轩昂。学生在余味中感觉到教师是在说人而不是在谈“凤”。在和谐的师生相融的课堂氛围中,学生不仅领悟到了“凤”的风格也领悟到了人的象征,领悟到了中国传统艺术的民族风格。通过教师精心设计的思路,使学生体验到教师自然流露出的感受与认识,那种将问题想透了而带来通体透畅的感觉从教师这里自然地曼延开来,充满整个课堂,能够激发师生内心的追问真理和热爱智慧的热情,师生体验到成功的愉悦,教学魅力亦在其中。 三 “藏”方法 我国著名科学家钱三强说:“什么叫‘名师’?并不是手把手教就是名师,而是善于启发诱导,让你敢‘创’。”这就是说,教学的目的,最终应使学生从学会到会学,逐步掌握学习方法。教师所教给学生的学习方法没有固定的模式,也没有一种万能的教学方法是放之四海而皆准的。一是因为时代在不断发展、科学技术在不断进步;二是因为学生之间存在着个体差异与群体差异。这就要求教师发挥自己的独创精神,灵活运用教学原则,去选择最佳的教学方法来完成每一节课的教学活动。对于美术欣赏而言,“欣赏”本身是一种创造,为使学生完成这一创造性的“欣赏”过程,完成真正意义上的“欣赏”,教学过程中教师应是一种启迪思想、促进理解的角色,持有一种着意开放的心态,尽量避免以假定去限制学生的独立思考,鼓励学生要求进一步澄清问题,创设一种良好的开放的课堂氛围,通过富于魅力的教学启发、引导学生去领悟欣赏“方法”。 在欣赏课教学中,总会有学生问怎样欣赏这类或那类的美术作品,教师可借鉴有法而不言法的艺术处理方法,通过独特的方法引导、启发学生自寻欣赏“方法”。这样不仅培养了学生的能力、情感,同时也增添了教学魅力。如笔者应用“空白”艺术理论追求不教之教。“空白”原本是作品中未画出的却是向观者所暗示的部分,教学中的“空白”即未明确讲出的部分。比如在国画欣赏课中,教师设疑:“如何认识一个人?”学生答:“内在品质及外表。”教师引导:“观画如观人。”学生在赏析过几幅作品后总结出国画内在神韵与外在笔墨的欣赏品评标准。这样教师引导,启发学生创新思维,巧妙地留出教学中的“空白”,留有余味,培养了学生的想象力、创造力,同时达到了不教之教之目的。再如,现代设计艺术欣赏课中,由于它与实际生活联系紧密,所以教师只需稍加引导令学生自己去赏析。笔者曾带了实物(壁纸刀、收纳桶等)到课堂上,引发学生谈论生活中优秀的设计,随后又举出反例(如一些城市垃圾箱、土产商店一度出现的“猫壶”等),再质疑:“优秀与拙劣的设计品评标准是什么?”最终学生讨论出现代设计体现现代人文意识的主题。这种帮助学生画龙,令其自点睛的“空白”教学,既培养了学生的能力也使学生领悟到欣赏该类美术作品的“方法”。 诚然,影响教学魅力的因素是多方面的,笔者运用以上“三藏”的方法,意在将“深山藏寺”之良方应用于教学当中,从而自然地增添教学魅力。实践证明,这一做法不仅体现了艺术本身的含蓄之美、意境之美,同时也使学生在轻松愉快的课堂氛围中,丰富了情感、陶冶了情操,并使教学呈现内在、持久的魅力。 高中美术教学论文:高中美术欣赏教学与审美评价 一、美术欣赏教学的特征 许多教师有这样的体会,欣赏教学难于艺术实践教学,而现代作品欣赏则更难。这也许因为在欣赏传统的再现性作品时,有关史料和作品内容丰富了教学内容,符合了学生追求现实意识和经验的需求,故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。而现代表现性作品欣赏的着眼点不能直接为日常意识所接受,学生一时无法超出现实经验和欣赏习惯的阈限,因而使教学发生了困难。对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能企及的,审美意识的形成需要有个学习的过程。这并不是说对再现性作品的欣赏不是一种审美意识的活动,但一个不具有较强审美意识的人,往往能欣赏前者而不能欣赏后者。曾在上海举办“法国250年绘画作品展”会上,从男女老少、 各界人士的交流中我发现,人们似乎都能顺利地欣赏这类写实作品。然而,另一个事实却让我吃惊,在“毕加索”、“米罗”的画展上,许多学美术专业的学生都向我提出这样疑问:“这些画好在哪里?”而不是提出“我感觉到了什么”等评价性的意见。他们大有乘兴而来、败兴而去的情绪。造成这种情况的原因是多方面的。但有一点是肯定的,即观者的评价标准尚未建立在审美价值的基础上,当面对着新的审美现象时,其评价标准就失去了有效性。 以上列举的事实可以说明,从审美意识出发去评价和把握作品形式的情感意味,或剖析作品所激发审美体验的形式因素是个非常棘手的问题。一旦我们认识到,教学必须要达到这一目的时,那么再现性作品欣赏和表现性作品欣赏教学所碰到的困难是相同的。 我们已经知道,欣赏教学具有三个主要功能——认识、教育、审美。然而,这个属于审美范畴的教学离开了审美功能,专注于认识和教育功能是否符合欣赏教学的要求?假如,我们从伦勃朗作品中感知到铜盔的金属质感,能否成为帮助学生认识某种物理属性的辅助教材;假如,一幅画讲述的是某些伦理道德、社会思想和时代精神性的内容,是否可以作为一种传达思想观念的工具去完成德育课的教学内容,回答是肯定的。但不禁要问,欣赏教学本身的特征是什么?也许我们教学最终都是一种手段,所要达到的目的并不仅仅是培养学生的审美能力和健康美好的趣味,但通过艺术形式的直接感知和审美体验是欣赏教学的主要特征。从欣赏中不断获取多种功用是审美欣赏中继发性的作用。正如在其它学科教学中,偶尔得到一些类似艺术中审美感知的内容一样也是继发性的作用,并不是该教学的主要特征。 二、艺术的审美价值与评价 1.审美价值的客观性 艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的,具有客观性。在欣赏中,由于地区和民族等文化差别,会出现价值观的差异,甚至会有完全不同的价值标准。但这不意味审美价值无客观性,因价值不等于评价,它们之间可以统一,也可以对立。文化习俗和个人特殊经验是造成不统一的主要原因。在对某一作品实际判断中,不同主体会出现不同感受。如,一个人在丧失亲人时,热烈欢快的形式也不会被其感知为愉快的东西。反之,一个时逢喜事的人,在阴雨连绵的天气里也会感受到欢庆的气氛。由于文化习惯的差异,一幅山水国画也难以被一个西方人所接受,主体的评价与价值客观性符合与否,还要看主体所操持的欣赏媒介是否符合主体的欣赏习惯,一个不会下围棋的人,无论其有多少美学方面的知识和经验,也很难感知到棋盘中形式之美。同时,还要看主体能否在理智的作用下将普通情感升华至审美情感。一个具有欣赏水平的人,能感知和体验各种媒介的审美现象,甚至能将日常信息转换成审美信息进行体验。从中我们看到,减弱客体媒介中所粘附的非审美信息和压抑主体的非审美情感是评价符合审美价值的客观性的重要条件。所以在教学中,欣赏材料的选择和教师的讲评是极为重要的。倘若欣赏材料选择不当,教学就无法达到预期的效果,如果在学生鉴赏力尚处于低水平时,让他们欣赏人体艺术,可能使教学无法开展。同时,需要教师在课前查阅多方面的史论资料和作品分析的文章,从中抽绎出普遍性的规范和准则,这样才能使评价标准更符合审美价值的客观性。 2.审美评价的功利性 在美术欣赏中,对作品的审美感知具有社会功利性。一方面,审美意象和信息在激发主体审美经验的同时,也可能激发起个人的现实意识,即审美判断中潜伏着利害判断。如,对画中苹果的色彩和形状产生美感时,也可以作为“望梅止渴”的情感体验。即是纯粹几何形所传达一种普遍情感也能激起个人无意识的利害判断。另一方面,美感中包含着人类社会有益的内容,如果将壮观的战争场面看成是一种总体艺术,那么人们是不会想往那种艺术的。因为审美价值的判断要受认识价值和伦理价值的制约,即对人类社会有益的内容制约着审美价值判断。如,有时代和地区风格的作品或为某集团的个人情感所认可的形式规范,都可以作为审美评价的标准。 在欣赏教学中,教师和学生以及学生之间存着知识和经验的差异,这些都会影响审美判断和评价,故教师必须具备良好的修养和丰富的知识,理解作品形式和内容最普遍的审美意义,以宽容的态度容纳学生的感受和评价,启发引导学生以审美意识去感知作品,将日常情感升华至审美的判断。 3.审美评价是主客观的统一 审美价值的客观性并不排斥主体感受在审美现象上的多样性。欣赏是在主体参与下进行的,个人的视野和知识经验决定了评价具有主观成份,这些成份造成欣赏活动的复杂性,也造成评价难于统一。教师在讲解作品前,首先对自己的判断作内省的理性分析,理清情感中审美的和非审美的成份。在教学中,把自己的判断从推测性的语言引导学生去感知和评价作品。如,“我体验到……”和“我感觉到……”等非定性语气。使学生觉得教师的评价也并非是权威的和终极的。于是,学生也会进行自我分析,使他了解他的哪些反应代表自己个性中的基本和永久的成份,哪些是暂时的情绪和突变的东西,或是片面的判断。将自己的判断和他人的判断进行对照,使其看到自己的评价哪些方面符合多数人的意见。如此反复开展教学评价活动,使学生养成自觉验证判断,减少盲目冲动的评价,使评价达到主客观的统一。 诚然,教师对作品的评价总具有一定的权威性,并在教学中表现为一种灌输性。但任何评价都是对客体价值的主观选择和解释。从某种意义上说,这种“灌输”是疏通走向人性中共同的自由本质和理性精神的渠道。一种培养审美鉴赏力的教学,离开主体从个别至一般的评判过程,任何定性的灌输有可能造成学生在欣赏上的“伪敏感”,即缺乏主见的泛泛而谈和人云亦云的假象。这是教学另一个偏颇之处。 三、绘画欣赏中的评价 1.作品内容与形式 一般认为,再现性作品形式服务于内容,而表现性作品内容往往体现于形式的本体之中。尽管二者的侧重有所不同,但任何绘画都具有表现性和再现性的多重性内容。在具象绘画中,再现性内容处于显处,而表现性内容处于隐处。如,达芬奇和丁托莱托所创作的《最后的晚餐》,其再现性的内容相同,但因形式处理(构图、人物造型、透视等)不同,就有了隐藏着的另一种不同的内容,即不同的形式因素给观者造成不同的心理感受。试想,让一个不知此圣经故事的人去欣赏这两幅画时就出现这样的情况,达芬奇的画透视焦点居中,呈一种对称式构图,加之空间处理的平板装饰性,给人一种平静稳定之感。在平衡中人物的动态变化,略使画面产生从静到动、从安稳走向骚动之感,使观者体验到一种事物处萌芽状态,但预示着即将来到的运动最普遍的经验。而丁托莱托的画,由于透视焦点偏向一边,长形餐桌向纵向消失产生倾斜的纵深感。不对称的画面失去了稳定性,加之人物的前俯后爷相互重叠,以及画面上方飞动着的小天使,更加剧了动荡不安的感觉,使观者体验到事物发展中矛盾对抗即将解体的一种普遍经验。而在表现性绘画中,表现性内容处于显处,再现性内容则相反。如蒙德里安的《百老汇的爵士音乐》,乍一看,使我们首先感受到的是一种理性秩序下的欢快气氛。这种错落有致的点线面构成失去了现实形象的支持,使我们感受而不是看到,事物在运动中处于一种均衡缜密的网络系统监控下的普遍经验。在冷色调中透出澄黄的直线;在线与线之间点缀着大小不一的深红、深蓝的色块,仿佛象五线谱上的音符,给人一种机械性跳跃的节奏感。对这些表现性内容的体验,只要放弃从画中索取现实形象的要求就能得到。然而,另一种再现性内容通过想象也时常从画中迸发出来。如井字形直线象街道、大小色块象建筑物等。由于绘画具有多重性内容,在教学中必须分清它们的主次关系,使我们的感知和评价有的放矢。 2.欣赏与形式分析 在这一阶段的评价,需要我们把注意力比较长久地固定在作品上,并试图把握其中那些相互作用着的主要成份。如塞尚的《苹果与桔子》,产生顺畅、和谐及愉快情绪的形式机制是由那些主要成份造成的,线条是流畅的、形状是柔滑圆润的、色彩是暖调的;静物在大面积白衬布映衬下,整个明度是高调的。构图是由各种大小方向不一的三角形组成,变化而统一。桌面向左倾斜造成圆滑的果子不稳定感,但似乎又在右倾斜的果盆强力牵制下取得了平衡。这样画面既有欢快的动感,又有祥和定静的均衡感。但这些定性的分析必须后于学生的评价,教学应当首先引导学生充分感受,因为对形式因素的剖析是胜不过对形式的直觉,直觉是对形式全面综合性感知,是动态的。而剖析是将形式分解后逐一定格,是静态的。在教学中,两者缺一不可。一方面,我们需要直觉形式,但不能把直觉神化。另一方面,直觉后的理性分析帮助我们了解所能直觉的东西是由哪些因素造成的。我们要求学生不仅要知其然,而且要知其所以然。尽管对形式的剖析会使欣赏失去了愉悦性,但对提高形式的直觉水平是极为重要的。整个教学是一个从引导感知分析(史、概念、形式因素)再感知的循环过程。通过这一过程,使学生的直觉水平从感性阶段发展到理性的高度。 对形式因素的剖析是教学的重要部分已毋容置疑了,然而,在对作品分析时所使用的语言、方法及教具还需要进一步探究。如,在构图分析时,可将相似和相反的作品进行比较,卡尔夫的《有银水壶的静物》是一个“金字塔”形的构图与塞尚的静物画不同,具有稳重的矜持感。再如色彩分析,可以将色彩强烈的作品制成黑白灯片或教具画进行对照,使学生体会色彩在画中的作用。如果要让学生进一步体验构图的均衡作用,可以抽掉画中某一部分的色彩和形象进行试验。这种视觉实验性教学对高中生来说,是不会感到枯燥和乏味的。当然,教具的设计必须是经济又合理的。随着教学不断深入,形式的分析从笼统简单向细微复杂发展。可以说,对整体形式意味的感悟和对局部形式因素的体察和剖析都具有非生物学的意义。 另外值得一提的是,教师对作品的分析和评价应该是一种建设性的,而不是指令性的。任何作品都是某一时代和社会文化心理结构的反映,作品审美价值的各种现象都有其局限性,或侧重于技法、或侧重于观念;或侧重于唯美性、或侧重于文学性等等。只有用历史的辩证唯物的态度,才能较全面而客观地评价作品,一味迷信和排斥都不能揭示多种现象背后的审美价值。从这个意义上说,教学的过程就在于使学生成长为具有审美鉴赏力的评论高手。 综上所述,使我们明白了欣赏教学是一个复杂的综合性活动。教学的开展都必须依据学生前一阶段的基础,提出具体教学目标的侧重点。尽管教学活动的各阶段和各层次都有不同的目的和要求,但都必须围绕着以提高学生对形式的审美感知水平和对形式意味的直觉能力为宗旨。对实际作品进行多维的和有效的审美评价,是达到这一宗旨的唯一途径。 高中美术教学论文:高中美术西方现代艺术鉴赏教学策略 艺术作为人类世界的感性呈现,承载着人类精神史的广度和深度。西方学者巴赞认为,一个社会只有同艺术“结婚”,才能生出文化之子;如果与文化离异,就只能导致野蛮,这个社会随之会变成文化的沙漠。高中教育在升学压力下,往往不重视审美教育,在以考分为主要参照的评价体系中,学生的精神世界较为空乏,审美能力较弱,对艺术缺少感知和辨识。艺术同自然一样是人类的精神家园,无艺术的人生是乏味低俗的。在新课程背景下,高中美术鉴赏教学应该为学生提供一片自由充盈的审美空间,综合提高学生的精神素质。在高中美术鉴赏课中,西方现代艺术鉴赏是一个重点和难点内容,其涉及教材中的四部分:意象艺术、抽象艺术、西方现代艺术、美术作品的意义与价值判断等,教师需要运用多种教学方法和手段,让学生改变以写真的、“像与不像”为标准的传统视觉审美程式,用现代的审美眼光理解西方现代艺术的流派风格和思想情感。本文以西方现代绘画艺术为切入点,探讨西方现代艺术鉴赏的教学策略。 一、知人论世,探知本质。 古典艺术以客观世界为参照对象,艺术家按照看到的世界来描绘对象,画作是世界的一面镜子,真实地折射出外部世界。而西方现代绘画不再追求客观的真实,而是追求内心的真实,其艺术理念、艺术标准、创作方法、语言形式、思想情感与古典绘画有很大的差异。如果按照传统的欣赏方法就可能看不懂画家的表现形式和主题思想,所以,要想欣赏现代艺术,就必须先了解现代艺术产生的土壤——现代社会、哲学思潮、艺术家经历,等等。知人论世是走进现代绘画的基本方法,就是要了解艺术家所处的社会环境、社会思潮、艺术家的身世经历、理念追求等。现代社会摄像机的出现代替了绘画的写实功能,于是绘画不再执着对外部客观事物的描摹,而是寻找新的出路和存在价值,从而转向内在情感和精神实质。教师必须让学生了解现代工业社会物质经济发展带来的精神变动,如哲学和宗教新思潮,这对艺术产生了巨大影响。更重要的是艺术家的追求推动着艺术的变革,现代艺术如果没有艺术家的解说和评论家的阐释,则其确实难以理解。比如,要了解印象主义绘画就必须从1863年巴黎艺术界“落选者沙龙”谈起,马奈的作品从内容到形式的创新不符合学院派的审美标准而被大肆批判,从此以马奈为代表的“落选者”和保守的学院派之间进行了新旧艺术的争锋。马奈在1867年展览会前言写道,这些反对者都是以传统观念来理解绘画的形式、手法和观点的,他们从不承认其他的理解形式,而是在这方面表现出一种幼稚的偏见:除了他们的公式,一切毫无价值。马奈先生一向承认别人的才能,从不妄想消灭前人的绘画或者是创造新的绘画,他只不过决心要做他自己,而不是要做某一个别人。印象主义者们走出画室,在户外转瞬即逝的生活瞬间和自然界的光色变化,进行现场绘画创作,由此开启一个个流派的艺术实验。只有了解凡·高狂热的宗教情怀才能体会其《星空》中用火焰般、漩涡般弯曲的运动线条表现出的强烈激情;只有了解高更对都市文明的厌恶和对原始文明的向往,才能理解他住在塔西提岛思考《我们从哪里来,我们是谁,我们往哪里去》这样的人生哲理问题……知人论世的鉴赏方法可以使学生按艺术家原本意图对作品进行理解,这种从艺术家的立场来解读作品,是最基本的赏析方法。 二、点面结合,探知风格。 “点面结合”是指以艺术家的代表作或一幅画为出发点和切入口,然后结合艺术家的其他作品,感知艺术家的时代风格和整体风格。比如了解凡·高,可以把《星空》作为突破口,可以设置一些问题让学生思考:其构图、线条、色彩有何特点?他描绘的夜空和你看到的有何不同?画家这样表现的目的是什么?你从中感受到怎样的情感?经过讨论后,可以让学生欣赏其他作品,如《向日葵》、《吃土豆的人》、《自画像》、《夜咖啡馆》等,学生自然会归纳总结凡·高作品中物象的扭曲变形和色彩的强度明度,从而感知凡·高作品独特的风格。点面结合的方法可以使学生较为完整地把握一个艺术家或一个流派的风格特色。风格是一个艺术家最为显着的标志,特别是现代艺术中,层出不穷的众多流派需要抓住特征来分辨,每个流派的画家又有不同的风格,如印象主义绘画中莫奈和雷诺阿有区别,塞尚、凡·高、高更又有区别。所以,点面结合的方法,可以使学生了解画家的整体风格,而不是仅看到局部和表象。 三、纵向联系,彰显个性 现代派绘画是在反叛甚至颠覆古典传统绘画的基础上建立起来的,其与生俱来的叛逆性带来了绘画艺术的不断革新。各个流派都是在否定他人他派的基础上提出自己的新主张。运用纵向联系的手法就可以以历史为主线,把各个流派贯穿起来,分辨各流派的艺术追求。比如塞尚放弃了印象主义画家所采用的快速作画的方法,而对物象进行深入、长时间的分析,专注于物质的实体性、稳定性和内在结构的表现,“用圆柱、圆球、圆锥体去处理自然”。其画法影响了毕加索,毕加索对塞尚式的形体和结构进行了概括性处理,用几何形体的组合拼接来构图,创建了立体主义流派,其肢解破除了传统艺术家对“自然形”的认识,从而产生了空间和结构的心概念。立体主义形体观念对其后的艺术实验产生了重要启示。表现主义、未来主义、抽象主义都从中吸收了不同的营养。抓住形体这一线索,就可以把这些有传承关系的流派联系在一起,这样的纵向联系和对比,可以使学生清晰地把握各流派的异同点,体察现代艺术发展变化的规律,对现代艺术有更深入的认识。 四、创作实践,领悟精神。 现代艺术的鉴赏要不断突破传统视觉程式的束缚,培养学生现代的审美眼光和审美趣味,创作实践活动是培养鉴赏能力的途径之一。在教学活动中可以加入创作体验的小环节,加强学生对现代绘画理念或技法的认识。如在鉴赏立体主义绘画时,可以让学生用几何图案变形拼接成一定的物象,并说说这样构图的意图,也可以让学生相互评价,还可以加入拼贴和实物要素,让学生感知材料、物质要素对绘画的影响。教师要根据不同流派和画家的创新处设置简单可行的小练习、小实验,让学生亲身体悟现代艺术的理念风格和审美追求。这样的方式就把艺术理论与艺术实践有机地联系起来,综合提高学生的鉴赏能力和思维水平。 五、面向生活,慧眼识别。 现代艺术自19世纪末出现在西方文化舞台上之后,就以一种革命性的姿态,不断突破传统的艺术体系和美学规范,把各种新的观念形式和材料纳入到艺术表达的范畴内。不了解现代艺术的革新及形式和理念上的突破就不会理解当代多元化的艺术风格追求,不会 鉴赏当代先锋艺术、装置艺术、行为艺术。在教学中,教师要有意识地把当代艺术出现的现象和问题作为引入部分或延伸部分,让学生思考鉴别。渐渐地,学生就会把鉴赏方法运用到现实中,对当代艺术问题进行评析,建立现代的审美品位和审美标准,从而形成自己独特的审美眼光,识辨当代复杂怪异的艺术现象。 总之,在西方现代艺术鉴赏教学中,教师要结合高中学生的理解认识水平和艺术基础,让学生了解现代艺术生成的社会背景及艺术家经历、艺术理论探知艺术家个性化的风格追求;通过纵横的对比联系明晰流派风格的继承发展;通过绘画实践、当代艺术现象体悟艺术精神,最终达到对新奇多变的现代艺术的鉴赏。在教学中,教师要灵活多样地运用这些方法,设计合理的教学环节,由浅入深,启发引导,把内容庞杂的现代艺术有计划有步骤地进行鉴赏,让学生对西方现代艺术具备初步的鉴赏能力。
学前儿童美术教育论文:浅析学前儿童美术教育存在的问题与对策 摘 要:学前儿童美术教育必须遵循儿童的生长规律,并结合美术教育自身的规律,才能更好地促进学前儿童获得更好的发展。然而,由于种种原因,现在的学前儿童美术教育仍然存在很多问题,其中很多是不利于儿童健康成长的。本文试图尝试分析当前美术教育的现状,提出一些参考观点和建议。 关键词:学前儿童;美术教育;问题;对策 一、学前儿童美术教育现状及问题 1.教育目标方面,强调“技能”学习的儿童美术教育仍然占主流地位 过分强调绘画技能的教学,缺乏对儿童情感的关注。当今社会,经济竞争日益激烈,由于家长和社会对学前儿童身心发展规律的认识不够完善,很多家长就以儿童作品的好坏来评价幼儿园美术教育的成败。这就迫使幼儿园不得不教授更多的技能技巧,以此来获得好的作品,呈现所谓的“优秀作品”来吸引家长的眼球。但是,那些看似优秀的作品却失去了孩子本身的童趣。学前儿童对美术有一种自然的需要,儿童在创作的过程中可以尽情地、自由地表达自己的观点,抒发内心的情感,享受其中的喜悦,从而获得精神上的满足。同时,儿童的很多心理活动或者心理问题都可以从绘画中反映出来。但是,很多教师却没有注意到儿童内心真正的想法。 2.教育内容方面,绘画内容过于刻板,强调模仿和再现 教师的选材常常不能考虑到儿童的兴趣点,很多都是让儿童按照教师画的或者是画册上的样本来临摹。经常都是教师做一个示范,然后所有儿童画的画基本上都和教师的大同小异。这样做以后就出现了一个现象:在同一个幼儿园、同一个班集体里,甚至是在同一个画展里,从各式各样的作品中都能够看到很多模式化的形象。这样做不仅束缚了儿童的想象力和创造力,而且还使儿童的思维僵化,导致他们失去了探索学习的兴趣和能力,阻碍了他们独立思考能力的发展。虽然现在的美术教育相比过去已经有了很大的改观,但是大多时候,教师还是会给出几个示范,然后教儿童自由按照这个主题画画,结果常常是孩子们画出来的画基本上都是教师给的几个范例中的一个或者是几个的简单组合,很少有自己创新的东西。换句话来说,这样的教育也只是教师多给了儿童选择的空间而已,还是没有真正达到让儿童自由表现自我的目标。 3.教育过程方面,儿童的主体地位没能得到足够尊重 在美术教育的课堂上,教师过分强调纪律,强调统一,限制了儿童自由发展的空间。教师总是怕课堂纪律不好,总要求孩子们要统一行动,同时开始画画,同时停止画画,没有考虑到不同儿童之间的差异性,缺乏个性化的教育手段。如:有的儿童刚刚有新想法正动笔要画的时候,教师一声令下马上要他们停止动笔,把手放桌上。这个时候要是他坚持画自己的东西,大多会招来教师的批评,说他不听话,不是好孩子。如果要做好孩子,他就必须放弃他的想法。在很多美术作品制作的过程中,缺乏儿童之间的交流和分享,即使分享也只是因为教具不够才相互分享教具,儿童很少能和同伴分享想法,因为教师要求大家要保持安静,自己画自己的,自己做自己的。 4.教育评价方面,成人对于儿童艺术活动的重视往往源于某种短效的功利性 家长的功利心表现为,培养孩子的一门特长,方便以后找工作;参加中、高考加分,可以满足自己的虚荣心等。所以他们不顾孩子审美经验的获得和审美素质的培养,而让孩子早出作品,快出作品,出好作品。家长常常只以是否出现好作品为标准来评价美术教育的成败。只重结果不重过程,忽视了在美术教育的过程中孩子自身的素质和能力的发展。而且在对孩子的作品进行评价时,常常是以成人的标准来进行评价。常常以画得像不像来评价一幅画的好坏,而忽略了孩子在画中所表现出的创意和感情。 二、相应的对策 1.重新认识学前儿童美术教育的目的和作用 处理好当前需要和长远发展的关系,促进儿童身心的可持续发展。学前儿童美术教育的一般目的是培养学前儿童的健全人格和审美素质。同时,由于学前儿童主要是发展大肌肉运动,小肌肉运动能力没有发展成熟,受身体发展的限制,对其的美术教育应该重点放在打基础上,重点在于培养儿童对美术的兴趣,让儿童喜欢并乐于参与美术活动。我们都知道,兴趣是最好的教师,只有儿童愿意、乐意参加某项活动,才能够在活动中获得最好的发展。我们主张审美先行,而审美能力的提高必定会带来表现技法上的进步,待孩子的身体条件发展充分以后,再对其进行更多更系统的技能教育,这样一定能取得事半功倍的效果。因此,家长和教师应该学会等待,不要急于就成。追求快出作品,以作品来评价美术教育的好坏,这种急功近利的心理对儿童的长远发展有百害而无一利。要用长远的、发展的眼光来看待学前儿童美术教育。因此,幼儿园应该加强和家长的沟通,把正确的美术教育理念传授给家长,让家长正确认识美术教育的作用和规律,积极配合教师为更好地促进儿童的身心健康发展而努力。 2.以人为本,重视兴趣 教师在选材方面一定要以学生为本,以学生的兴趣点为准,选择大多数儿童感兴趣的主题。同时,选题还要贴近儿童的生活,符合儿童的生活经验。按照低控制原则(低控制原则是指在对学前儿童进行美术教育时,要创设宽松自由的心理环境,尽量少以成人的权威或规范束缚学前儿童的艺术活动,让他们自由、充分地体验和表达),教师应该给学前儿童充分的选择机会,使他们能尽量选择自己感兴趣的命题,使他们对美术充满好感。最好把命题画和自由画相结合,既关照学前儿童生活中大的主题,又关注学前儿童个人生活中的小愿望。 3.教师在教学过程中应该创设一个轻松、愉快的教学氛围 艺术活动本来就应该是轻松愉快的。儿童只有在精神放松和愉悦的状态下,才能真实地把自己的感受通过绘画表现出来。如果在儿童绘画的过程中,教师过多地干预,过多地强调整齐和统一,过多地对儿童不一致的行为进行责难和训斥,把教学秩序看得至高无上。这样会使得儿童处于纪律的“高压”之下,一举一动都小心谨慎,又怎么能获得好的发展呢? 4.注意对作品的评价方式 首先,教师应该改变对儿童美术教育的评价方式,不要只以作品的好坏来评价一个儿童能力的高低,要积极维护儿童的自尊心和自信心,保护好他们对美术活动的积极性。教师对学前儿童的作品应该多给予积极肯定的评价,尊重他们情感和表现上的差异性,鼓励其对自己的作品作出语言表述,让他们多进行自我评价和相互评价。其次,教师应该和家长多沟通,把家长对美术教育的传统评价方式改正过来,使家长对美术教育的认识和教师趋于一致。只有正确地认识美术教育,才能更好地促进学前儿童身心健康的发展。 学前儿童美术教育论文:关于学前儿童美术教育的文献综述 对学前美术教育领域内主要贡献者的观点进行归纳和梳理,从学前儿童美术教育的价值和实践研究两个方面进行分类阐述,进而理解学前儿童美术教育的实质。 学前儿童美术教育文献综述 学前教育――人终身发展的起点,美术教育――学前教育课程设置的重要组成部分。学前教育是一个综合性、实用性很强的专业。在幼儿园教育活动中,教师的音乐、舞蹈、美术、队列操练及口语表述等基本技巧和能力,是决定教育活动开展成败的重要因素,尤其美术教育,直接影响着儿童对美的感知。有关美术能促进人发展的研究,一直是众多专家所关注和研究的。而作为人的发展之启蒙阶段的幼儿美术教育更是备受关注。从美术活动能全面促进幼儿和谐发展的基本假定出发,心理学家们运用各种实验结果、基本原理、方法,去观察、解释美术活动的促进作用。我们尝试对学前美术教育领域内主要贡献者的观点进行归纳,并梳理其理论逻辑,进而理解学前儿童美术教育的实质。 一、学前儿童美术教育的价值 1.以发展人格为基础的美术教育 以发展人格为基础的美术教育,强调美术教育的教育价值,通过美术创作促进儿童健全发展。这是工具论的倡导者美国美术教育家罗恩菲尔德和英国美术家里德提出的。罗恩菲尔德对创造性推崇备至,里德主张通过美术教育促进儿童人格的发展,认为儿童生来就有艺术潜能,并具有不同的表现类型,教师应按儿童的类型进行指导,以发展儿童个性。奥地利的儿童美术教育家齐塞克将注重发展儿童的创造力、注重儿童人格的发展,作为儿童美术教育的重要目的。 楼必生和屠美如指出美术教育有助于一般智力和创造性的发展。美术活动中所整合的各种知识经验,所发展出来的直觉能力和空间想象能力对抽象、逻辑思维起互补作用,有助于一般智慧的发展。杨黎明、刘志红、李建春和陈彤都认为学前儿童美术教育不仅是智能培养,更在于通过美术教育来发展儿童自己,促进儿童完整、健康人格的发展,可以对儿童在健全人格的培养和形成方面产生潜在的影响和促进作用。学前美术教育在人格教育方面有独特优越的功能,因为在教育情境中美术活动可以将儿童带入一个丰富多彩的美的世界,使他们从感受领悟中体验、创造中获取实现自我的潜能、智慧、价值和乐趣,获得真、善、美高尚的人格素质的熏陶和锤炼。 2.以学科为基础的美术教育 以学科为基础的美术教育,主要价值在于它对个人经验的独特贡献。儿童美术能力不是自然发展的结果;美术学习由创作、批评和历史三方面构成;必须经过学习才能获得,而严格的课程设计是美术教育取得良好效果的前提;对美术教学效果要尽力进行评价。这是本质论的提倡者艾斯纳提出的,与他观点相似的格里主张以美术学科的基本内容作为美术教育的课程内容。W・迪文格内尔的观点与艾斯纳相近,格内尔倡导DBAE大纲,他曾在文章《一种以学科为基础的美术教育:将美术作为一种学科研究的方法》中首次使用了“以学科为基础的美术教育(The Discipline-Based Art Education)”的术语。这一流行的教育思想简称“DBAE”。 二、学前儿童美术教育的实践研究 1.以传统的技能的传授为主的教学方法 (1)国外的教学方法 在古希腊时代,儿童学习美术主要在文法学校中进行,儿童模仿教师描画字母轮廓。在20世纪早期,英国美术教师史密斯他认为绘画教学要像书写一样,从基础开始,循序渐进。德国的美术教育和英国、美国的教育实践在形式上基本相同,教师示范,让儿童模仿和练习线和形。日本在明治初期,美术教育也十分重视实用功利,绘画局限于用笔描绘正确的图形。 (2)我国的教学方法 由于受中国传统教育思想的影响,幼儿美术教育实践中最主要的方法是临摹和记忆,不能发挥幼儿创造性及自我表现的价值,重结果,轻过程,讲究功利性目的。传统的方法具体步骤为:出示范画、讲解、示范。上世纪70年代风行的简笔画教学更限制了幼儿的想象力和创造力。 2.以培养学前儿童创造性思维的教学方法 (1)国外的教学方法 教育家杜威采用进步主义教学法,指出在美术课中应让儿童去做自己喜欢做的事,他认为应重视和欣赏儿童的发展过程的有限经验,因此在美术教育中教师不必提供指导,更不应干涉,他提倡培养儿童创造性的智能。卢梭、德国柯思修泰纳和齐赛尔提倡让儿童到优美的环境中去,反对临摹。视觉艺术是一种语言;艺术不以一条准则、一门学科、一些抽象的技巧,或被视为其他任何关注技巧本身的方式教幼儿。在瑞吉欧・艾米利亚学前学校,对于大多数幼儿来说,对于还没有具备正式书写和阅读能力的幼儿,使用视觉和图像语言来表达对世界的探索和理解是很容易的。但这并不表示在幼儿使用工具、材料和图像、视觉表现方式时,不给予任何指导。在开始画画前,交流他们真实看到的事物,交流他们的想法和观察的早期经验,能为孩子的绘画和创造带来一定的好处。儿童的作品被谨慎地储存和展示,让幼儿们感受到成人对其作品的重视,激励幼儿更投入和认真地进行他们的创作。加登纳也认为,那些已经掌握了符号系统而又能不受其束缚的人,“易于获得最新鲜的概念,最原初的行动和最独特的情感组合”。幼儿园应任凭儿童自由地按照自己的想法画画,而不是过早地教导儿童线和形的画法。 (2)我国的教学方法 朱家雄和孔起英认为,学前美术教育可以通过绘画、手工和欣赏来开展。通过欣赏来培养学前儿童的审美感知力,通过绘画、手工来培养审美创造能力,通过绘画、手工和欣赏来培养审美情感的体验和表达能力。在情感方面的教育,孔起英指出应通过美术教育对幼儿进行审美情感教育,重视儿童审美经验的积累,她认为技能与创造性的发展不矛盾,技能为创造性的发展提供了技术基础。在个性方面的教育,刘志红、李连春和高明认为,学前儿童教育活动应从儿童个性心理发展特点入手实施美术教育,根据儿童个性发展特点因势利导,创设有利于儿童个性发展的环境。 学前儿童美术教育论文:探究学前儿童美术教育的危机与挑战 摘 要:在教育这个领域当中,艺术教育不仅作为审美教育,同时也是人潜在的人格魅力的一种素质教育。但是就目前我国学前儿童美术教育来看,存在的不足的地方还有很多,就此本文针对学前儿童美术教育所应该改进的地方提出了相关的策略。 关键词:学前儿童;美术教育;弊端;挑战;措施 某教育学家提出了教育的本身目的是在培养的过程中发现一个人的优点,改变一个人或者是发现一个人的优点变成本身的这个人,从教育当中挖掘人的潜质、态度以及能力,培养每一个人的发展个性,同时将发现个性和相关的团队结合在一起。但是从目前我国学前美术教育来说,这一点并不完善。本文就针对学前美术教学存在的弊端和问题提出了相关的建议,希望能够给学前儿童美术教育提供一定的帮助。 1 我国学前美术教育的现状 从目前我国学前美术教育来看,最近几年以来在对儿童实施美术教育的过程中取得了一定的成果。 第一,从浅显的认识儿童美术教育达到了一个深度认识的层次。从基本型的技能传授达到了职能培养、进一步的通过美术教育发展儿童,全方位促进儿童的生长。 第二,相关教育机构在进行儿童美术教育的过程中,高薪聘用了一些高素质、高水平的专业性人才,改变了传统的儿童教育现状,同时加强了儿童美术教育的力度。无论从教学内容、知识技能等方面都有了一定的提升。 第三,尽管这样,目前我国的儿童教育仍然延续着旧的轨道,按部就班的前进着。仅有一小部分的教育机构能够将现代化的教学理念和先进的教学技术融入其中,很多教育机构存在着极大的盲目性和随意性。就此,从教育内容、教学方法、儿童美术教学等方面进行描述。 从教学方法来说,过于强硬化和被动化,采取的方式是通过简笔画进行教学,但是从简笔画的角度进行分析,简笔画是历年以来我国为了锻炼成人的思维方式和解决能力而采用的一种方法,将其应用到幼儿教育教学当中,这是非常不利于儿童进行自我发挥和发展的。这种教学方法不但没有任何效果反而会带给学生一种压力的负面情绪。从美术教学来看,很多教师为了赶进度,只要求学生完成相对应的作业,并不追求教师在进行教学的过程中忽视教学过程对学生的影响。很多教师甚至将美术教育所渗透的德育教育忽视掉了,不但没有从根本上对学生进行美术的教育和指导,反而素质教育层面也显得不足。 2 儿童学前美术教育的建议 针对以上我国儿童学前美术教育来看,还存在很多的不足和弊端。就此针对教学方法、教学内容和美术教学提出了相关的建议。 首先,从教学方法上进行改变。传统的教学方法存在的问题和弊端有很多,已经不能够适应现代化学前儿童美术教育的节奏,同时传统的教学方法压制了学生的创造力和兴趣。就此认为应该将儿童美术教育和音乐结合在一起,通过音乐进行画画。在听音乐的过程中能够产生一定的电波,人体在音乐的熏陶下能够进行长期性的律动,在律动的过程中会使人产生一定的情绪和感想,引导儿童更好地欣赏音乐,从而发挥儿童的想象力,儿童在进行画画的过程中会注入自己的感情因素,从而描绘出一幅生动、形象的动画。 其次,将故事和美术教育结合在一起。在听故事的过程中不断地引导学生锻炼学生的思维方式,帮助学生将自己的思维方式和故事整合在一起,使得人物更加的形象和合理,培养儿童的想象力以及创造力。通过这样的方式,让儿童在绘画的过程中充满想象,对故事充满期待,能够从画画的过程中感受到快乐。 再次,通过做游戏的方式引导学生画画。游戏规则是,在几张纸上写上动物和植物的名字,将学生分成1.2.3.4组,每个组选取两个人站到讲台上,将写着动物或者是植物的纸贴在黑板上,保证纸的内容只有一个人能看到。这两个儿童,一个人利用自己的肢体动作描述纸上的内容,另外一个人猜,时间为90秒。纸上内容猜对的给三分,没有猜中的不得分。最后,哪个组猜中的最多,得分最高。哪个组获得胜利。采取这样的游戏方式,首先能够让所有的学生参与到其中,能够更好地进入到学习状态,使得学生能够从不会画画到想象画画,从想象画画到实际画画,最终从不愿意画画到想要主动画画。 最后,将画画和自然结合在一起,加强写生的练习。要不断的引导儿童观察大自然,观察生活中的一些事物。可以在每星期选取一个下午进行写生,通过对自然近距离的观察和接触,通过呼吸新鲜空气、感悟新鲜事物,通过对春、夏、秋、冬的观察,通过简单的素描和对事物的勾勒,能够给学生一种近距离的美感,从而感悟到美术的含义和精华。 3 学前美术教学改革的策略 首先,美术教育的内容和形式具有多样性和复杂性。它能够有效地为儿童的审美心理提供一定的帮助。同时因为审美心理的结构变化以及系统结构方式在不断的内化,沉淀在人心理会构成一种审美心理整体结构系统的元素。美术教育能够有效地帮助儿童进行整体性审美感知,形成完整性的心理结构,使实践能够产生审美需求,形成固定的审美个性。只有不断地进行长期性的艺术熏陶、艺术实践以及审美环境才能够使儿童构建出和发展较为和谐完善的个体审美心理概念,从观察审美变成改变审美、创造美的人。从这个角度来讲美术教育是塑造个体审美以及创造个性的一种教育方式。要以培养审美心理结构为主导,以培养审美心理观念为中心,只有这样才能够帮助学生树立正确的审美意识,从总体上提高学生的审美情趣,提升教学中所倡导的个性化教育。 其次,一些著名的画家往往会从儿童画中追求灵感的所在和创造的原动力。之所以出现这种现象,是因为儿童的思想是率真无邪的表现,能够为艺术流露出相对应的感情因素,有效地激发艺术的渲染力和感染力,能够提升艺术的魅力价值。这一点足以说明儿童美术教育支持儿童原创和激发儿童画画兴趣的重要性。学校在进行儿童美术教育的过程中,一定要遏制模仿现象,避免出现复制、仿造和虚假勾勒的现象。 再次,通过这种模式的美术教学活动,对儿童良好人格的形成有一定的帮助,简单来说就是激发学生的情感因素,激发学生的情感意识,同时激发学生潜在的艺术细胞。逐渐让学生在以后的学习过程中将情感转化成可见或者是可听的某种形式,能够有效地让学生明白艺术的含义,能够通过情感的因素理解艺术、创造艺术。 最后,在进行教育的同时一定要遵循学生个性的发展,要增强学生在美术创作过程中的情感体验,激发创作过程中高的创新意识,积极引导和因材施教。教师在进行教学的过程中不能够专权独霸,应该起到一个指导的作用,激发儿童自己去感受、表现和创造,鼓励和增强儿童的自信心和主体意识,不仅应该教会学生画法,同时还应该改变学生墨守成规的创作,满足学生想要创作的欲望。尊重学生,相信学生的潜力,激发学生按照自己的思维方式进行创作,将美术活动作为一种表达认知能力的方式和手段,重视儿童美术的价值。 4 结语 总而言之,针对美术教学来说,一定要遵从尊重学生、培养学生的方式进行。要不断地将美术提升到一个层次,提高学生美术创作的积极意识,从而帮助儿童更好地学习。 作者简介:谢智敏,本科,福建幼儿师范高等专科学校副教授,研究方向:幼儿园环境创设、儿童美术教育。 学前儿童美术教育论文:当今学前儿童美术教育现状 【摘 要】画画本身是以培养人的想象力、创造力、观察力、表现力、发散性思维能力,提高人的审美修养,从而提升综合素养为目的,但当前,很多家长和老师的做法存在误区,导致孩子不爱画画。本文就此为研究内容,分析其中原委,并给予相对建议。 【关键词】儿童美术教育 审美 绘画 随着社会经济的高速发展,人们对儿童教育问题的关注度也在快速提升,《国务院关于当前发展学前教育的若干意见》等文件的颁布足以证实全国上下对此问题的重视。《意见》中指出:学前教育是终身学习的开端,是国民教育体系的重要组成部分,是重要的社会公益事业……学前教育是开发孩子潜能、塑造孩子心理、培养健全人格的奠基阶段,良好的学前教育可以成就孩子一生的成长,这是全民素质提高、民族强大的基石。美术教育是其中尤为重要的组成部分,它旨在使儿童提升美术基本素养,同时提高观察能力、表现能力、创新能力,学会从大自然万事万物中发现美、欣赏美、创造美,健康快乐地成长。 一 当今学前儿童美术教育存在的问题 虽然人们的教育意识不断提升,理念也逐渐改善,但当今在学前儿童美术教育方面多数家长和老师还依旧存在着问题: 1.指导方法不当 部分家长和老师深知美术对儿童智力等综合能力提升的作用,但却不知如何下手,指导怕误导孩子,不指导又担心放任自流。盲目地表扬夸赞会使孩子不思进取,一味地哗众取宠;而过分地指导不但使孩子的美术素养得不到很好的锻炼,相反孩子会失去自信,失去自我。 2.依葫芦画瓢的教学方式 有些家长和老师会一笔一笔地教孩子画画,直到孩子也能像模像样地画出来。但这时却发现孩子只会画那些学过的东西,其余什么也不会或不敢画了,孩子问得最多的就是“这个怎么画”,“那个怎么画”,或“这个我不会画你教我吧”等问题。这样做不仅没有教会孩子怎么画,反而更严重地扼杀了孩子的想象力、创造力,泯灭了孩子天真浪漫的天性。 3.以成人的审美观欣赏儿童画 成人的生活经验丰富,对事物往往会客观理性地对待,但儿童这一特定年龄段天真浪漫、善于想象,观察身边的一切往往更主观。有些家长或老师若是看见孩子画上画的蝴蝶比花大或人比房子大了就连忙让孩子擦掉重画。如一次关于迎春节主题的课,大家都高高兴兴地陆续画完下课了,一位家长看见孩子把对联画到了高楼大厦的顶上了就禁不住地说“宝贝儿,你画错了吧,你怎么可以把春联挂到楼顶上呀?应该贴到大门两边的呀……”孩子没有解释,按照妈妈的指点快速地改了过来,最后赢得了妈妈的称赞…… 4.让孩子比着同龄人或大师的优秀作品画画 美术课上,学生太多,老师辅导不过来,就在黑板上贴了张放大的少儿绘画获奖作品让学生比着画。说人家为什么画这么好,好好学学,结果全班同学都瞪大了眼睛盯着黑板看一笔画一笔,结果所有孩子都在画同一张画,而不是画自己的想法。 这些做法不但不能实现画画的目的和作用,反而会导致孩子不自信、厌画的结果。当然,每位家长和老师的出发点可能都是好的,只是做法和认知有些欠缺。笔者结合自身多年学前美术教学经验及对儿童心理发展趋势研究,就以上列举的屡见不鲜的儿童美术教育方面的误区,提出几点建议: 二 引导儿童绘画的建议 1.学会欣赏儿童画 要站在孩子的视角观察事物,尽可能不要做过多干涉。美国小学里的一节美术课是这样上的:绘画的主题是“太阳”,在老师不给任何提示和限制的情况下,学生们便开始画起来。有的把太阳画成圆的,有的画成方的、三角的、半圆的,各种形状和颜色的都有,还有一位同学的画纸上没有出现太阳,只有几朵不成形的云彩,后面隐隐约约出现了几束彩色的光线……学生陆续画好,老师没有做任何比较和评判,而是面带微笑,非常认真地欣赏着每位学生的画作,逐一给出鼓励和赞扬。通过课堂创作,学生们个个自信满满,兴趣更加浓厚,绘画热情更为高涨。 身边一位朋友找我咨询,她的孩子特别喜欢画画,虽然家里到处都是他的画,但孩子是不停地画,但他们就是欣赏不了,又不知该如何引导。她拿了一张儿子的画给我看,纸的中间横着画了一根弯弯曲曲的线条,上面画了一竖线,挨着右上侧又画了个小三角,画面上方还有一些不规则的形状,我看后被这位儿童的智慧惊呆了:这不是海面荡起浪花,一条小帆船在海面上若隐若现,白云在天上自由飘散的场景吗?朋友诧异极了:“你和我儿子讲得一模一样呀!但我们有时实在欣赏不了,又不敢强加干涉,不知后面该怎么引导了。” 我忙建议朋友说,目前正是孩子的绘画敏感期,家长只需要给他提供充足的绘画材料,宽松的绘画环境,站在孩子的角度,学会倾听和欣赏,并给予及时的鼓励和称赞就可以了,不需要做过多的干预。随着孩子的作品越来越多,画面会越来越丰富和有想象力。 2.引导儿童作画时要学会运用“联想” 联想是由一事物想起另一事物的心理过程,是人脑对现实事物之间的某种联系的反映,可分为接近联想、对比联想、类似联想、因果联想等。孩子4~9岁这个阶段是培养想象力和发散性思维能力的最佳时期,这就要求家长和老师们要 学会如何在这一特定时期内运用联想给予孩子正确的引导。经过多年悉心观察研究,关于联想的方法,我总结如下:先找出一个点,再由该点发散出几条线,即所谓的扇形结构。具体到每一堂课都需有一个主题(点),课堂教学围绕这一主题引导学生思考与之有关的一些事情,并将其结合起来,再加以构图方面的引导从而变成一张完整的画。 以“蚂蚁搬家”这一例子进行详细说明。我让孩子以讨论式进行:由蚂蚁大家能联想到什么呢?(1)蚂蚁的特征,个子小,有头、胸、腹三部分,头上有触角,六条腿等;(2)当时的天气,是白天还是晚上,天气怎么样;(3)蚂蚁成群结队地搬家,搬的什么东西,在哪个地方搬,旁边环境有什么等;还可以联想到蚂蚁洞、蚂蚁王国,蚂蚁王国里有国王王后士兵等,随便从中找出某一或几点都可以画出一张非常有意思的作品。同是画蚂蚁,孩子心中想法各异,画的画也肯定会多姿多彩。孩子们在享受着画画带来的乐趣的同时,发散性思维等能力也得到了很好的训练。 3.适当引导孩子写生 艺术来源于生活,大自然中的万事万物都有可能激发人们创作的灵感。经常外出观光写生,孩子不仅能加深对大自然的认知,还能放松心情,陶冶情操。外出时可随身携带速写本,看见自己感兴趣的景象或事物时随时记录起来,画旅游日记。直面大自然的一花一草、一水一木、触景生情,有感而发,创作灵感最易激发。即便不能出去写生,室内的每样物品也可当做写生对象,这样做的目的既可以培养孩子的观察能力、表现能力,又可以增强孩子发现美、欣赏美、感悟美从而创造美的意识。 4.以鼓励为主,充分调动孩子绘画积极性和主动性 要注重激发孩子的绘画兴趣,培养其发现美、感受美、创造美的能力。如一位6岁左右的小女孩垂头丧气地站在路边,旁边的妈妈瞪着双眼一脸的怨气:“你这都是画的什么呀?乱七八糟的,以后什么东西也不给你买了,再想画画没门儿”一边说一边把小女孩的画撕得粉碎。不知到底是因为什么原因致使这位妈妈发这么大的脾气。站在成人的角度来说,可能小女孩的画没有那么干净、那么色彩斑斓、那么画什么像什么,但我真心希望家长们能够静下心来反思反思:自己五六岁的时候都能画些什么?孩子学画画的目的和作用又是什么?孩子天真浪漫的童年又去了哪里呢? 法国启蒙思想家、教育家卢梭曾在《爱弥儿》一书中说过:“教育者只需能创造一个促进儿童自由发展的适当环境,然后放手让儿童发挥本身的积极性,通过活动和个人经验,认识生活,进行学习,健康成长”。父母是孩子的第一任老师,在美术教育方面,父母、教师都应该牢记:尽可能地给孩子提供宽松自由的创作和想象空间,及时恰当地给予鼓励,调动孩子的积极主动性,为其以后能够在广阔的艺术国度里自由翱翔插上坚实的翅膀! 学前儿童美术教育论文:学前儿童家庭美术教育刍议 学前儿童家庭美术教育是整个教育体系中不可缺少的一部分。它通过绘画、手工、欣赏等美术活动,促进儿童的手脑协调综合发展的综合艺术,是多学科、多知识的综合体现。学前儿童家庭美术教育对孩子以后的全面发展起着重要作用,家长要认真对待,但不能急功近利、拔苗助长。要在给儿童提供充分条件的前提下,顺其自然,适时适度引导。学前儿童家庭美术教育误区建议学前儿童家庭美术教育是整个教育体系中不可缺少的一部分。是培养儿童的绘画能力,促使儿童全面发展的最初、最基本一种活动。从上个世纪末开始,我国越来越多的家庭认识到了美术教育的重要性,但由于种种原因,影响了家庭美术教育的发展。那么,在学前儿童家庭美术教育中,目前有哪些特点,有什么弊病,如何做好学前儿童家庭美术教育呢?一、学前儿童家庭美术教育的特点1.早期性毕加索有句名言:每个孩子都是天生的艺术家。儿童自出生之日起就开始表现自己,他从某些本能的欲望和需求出发,借助各种符号系统来表达思想和情感,并与外界沟通。只要是身心健康的儿童,在他能用工具随意涂抹的瞬间开始,就能自发的运用“美术语言”表现自我。咿呀学语儿童留在家中墙壁上、纸张上的痕迹,就是他们表现自我和发展能力的一种美术活动能力的萌芽。2.灵活性学前儿童家庭美术教育比较自由随性,兴致来了就可以画一阵,不想画了,甩下笔可以走。可以在家庭的任何时候、任何场所,具有极大的灵活性,不必像学校要有固定时间、固定场所、固定的教学内容和教学计划。比如,茶余饭后,家长可以和孩子用各种材料进行手工制作;逢年过节,一家人齐动手,美化家庭环境,提升家庭环境的审美性等。3.稳定性在学前儿童家庭美术教育中,父母情感的稳定性是家庭教育的前提。不管美术活动场所、内容、时间、对象发生怎样的变化,家长在家庭美术教育的方式与风格总是相对稳定的。二、学前儿童家庭美术教育出现的误区1.重技能轻创造在当今学前儿童美术教育中,我们最容易接受的教学,大多是注入式教学,即家长、老师怎样教,幼儿怎样画,亦步亦趋,不能走样,近似于机械模仿,家长喜欢看到儿童画的“像模像样”。2.重颜面轻实效在家长们追求不输在起跑线的目标中,儿童自由自在的空间越来越小,取而代之的是机械、枯燥的美术培训班。据笔者了解,很多家长一见面就聊孩子学了哪些知识,报了几个培训班。如果自己的孩子不参加几个辅导班,家长聊天时就很没面子。“你看人家***,学画画好几年了”这是家长告诉常说的的一句话。3.重结果轻过程有些家长评价幼儿的作品就是看幼儿画得像还是不像,认为不像,就急躁,批评多于表扬。这种评价方式造成幼儿消极心理引导和暗示,让孩子认为,画就得像,否则就不好。三、如何做好学前儿童家庭美术教育1.改变家长的观念首先,家长要认识学前美术教育的实质,儿童美术教育应该是通过美术知识,美术语言的传授,综合开发孩子的观察力,想象力,创造力等各种能力。培养孩子一定的审美能力,艺术素质和人格品质,这对于孩子将来的生活、学习,甚至在他成人后的事业、家庭、人际关系都有重要的意义。其次,家长应该保护儿童的绘画兴趣,鼓励儿童大胆作画,激发他们通过绘画表达自己的愿望。著名的儿童美术教育家罗恩菲尔德说:“假如儿童未经外界的干扰而成长,则他们的创造活动就无需任何刺激,每一个儿童都会无拘无束地运用创造欲望,而对他表现的方式充满自信”。第三,对儿学前儿童来说,相对于作品而言,更应该重视创作的过程,重视作品对于创作者的意义。第四,家长不要为了自己面子,不考虑儿童爱好,跟风似的报美术培训班,而占用儿童自由活动的时间。2.给儿童提供足够的条件包括宽松的心理环境、孩子涂鸦的足够物质条件。俗话说,巧妇难为无米之炊。要保证儿童在想画画的时候,愿意画,不怕画,并能够得到适当的绘画工具。比如,在我女儿一岁多时就开始拿着各种笔涂涂抹抹了,这就是“涂鸦”的开始。当时家里刚装修好的房子,洁白的墙壁,这可能也刺激了女儿灵感,她就开始在墙上“创作”,家里老人说,好好的墙怎么就让她乱画呢?我认为,所有的墙加起来也就是几桶乳胶漆的代价,如果一个孩子因此而等到更好地创造性地开发,这个代价是值得的。现在10岁的她,很熟练地自信地画着她稚气犹存的心中的连环画时,我就觉得格外欣慰。3.加深儿童对生活和世界的感知和体验家长应扩大儿童与外界接触的范围,满足儿童对未知世界的好奇,让儿童在创作中感受绘画的乐趣。家庭美术教育、美术欣赏自儿童一出生就可以进行,当初在我女儿出生后,我就把家里墙壁上挂上了各个时期的美术作品,虽然那时她看不懂,但若干年后在给她拿出原来的作品看,她就有似曾相识的感觉。给予孩子接触大自然的机会,那时的孩子虽然不能和你对话,家长就要慢慢给他讲:这是花,是红色的;上面是天空,天空上飘着朵朵白云;这是柳树叶,长条形状,嫩绿色……这一切都会在他幼小的脑海里留下印记。要让他们自由自在地躺在草地上,随心所欲地玩泥巴,鼓励幼儿随意选择材料和方法去画画,告诉他们不要以为只能用水彩笔或油画棒绘画,绘画可用的材料各种各样,随手可取,如棉花点染、树枝造型、树叶树皮装饰、各种布料创造肌理效果、橡皮印章画、铅笔屑粘贴、树叶拓印、吹墨画,等等。总之,学前儿童家庭美术教育对孩子以后的全面发展起着重要作用,家长要认真对待,但不能急功近利、拔苗助长。我们要在给儿童提供充分的条件前提下,顺其自然,适时适度引导。 学前儿童美术教育论文:学前儿童美术教育现状及存在问题探讨 [摘 要]美术教育是幼儿理想的美好展现,随着幼儿美术教育改革的进行,教学理念和教学实践都发生了明显的改变,但是仍然存在一些问题。只有清晰地认识这些问题,找出解决问题的办法,才能使美术教育在学前儿童教育中发挥应有的作用。本文从在学前儿童教育中开展美术教育的作用出发,结合当前的教育现状,对如何改善美术教育进行了分析。 [关键词]学前儿童;美术教育;现状;对策 《幼儿园教育指导纲要(试行)》中指出要树立新的艺术教育理念,在此基础上开展新型的艺术教育,还指出各领域的内容互相渗透,通过这种活动,可以促进幼儿情感、态度、能力、知识、技能等方面的和谐发展。艺术教育在幼儿的成长过程中发挥着重要的作用,对幼儿的发展有着特殊的意义,美术教育作为艺术教育的一个方面,其发挥的作用自然也是非常重要的。 1 对学前儿童开展美术教育的目的和作用 1.1 美术教育在学前儿童教育中的目的 首先是为了提高学前儿童的美术素养。儿童的美术素养关系着他们对生活环境中美好事物的感知和欣赏,关系着他们对美术作品创作中的想象和展现,关系着他们对美术作品创作的表达和评判,成为他们感知美的重要决定因素。因此,开展美术教育非常必要。其次是对儿童进行美术启蒙。学前儿童的美术教育具有启蒙意义,可以使儿童对美术产生兴趣,并通过美术展现自己的思维和感情。这一阶段的美术教育决定着儿童对美术的喜爱程度,及其以后从事美术专业学习和对专业技能的掌握,是基础性的美术教育。再次是为了明确学前儿童美术教育的目标。学前儿童的美术教育目标首先要向教育总目标看齐,充分发挥艺术教育的功能,使儿童建立自信,形成合作、友好、团结的意识和能力,促进他们的全方位发展。另外,还要注重儿童美术素质的培养,如感知并发现生活中的美,可以在美术活动中获得快乐的情感,可以用自己喜欢的方式进行美术活动,抒发自己的感情,认识美术工具并掌握其基本用法。 1.2 学前儿童开展美术教育的作用 儿童美术教育家罗恩?菲德在《创造与心智成长》中指出:“美术教育并不是教人画画,通过造型训练,促进人健康成长。”可见,美术教育对学前儿童的作用是综合性、全方面的,不仅局限于向幼儿传递美术知识,更重要的是对他们进行人生教育,让他们学会欣赏,认识到自己的价值,培养健康的人格,使身心得到健康发展。 (1)培养幼儿的审美意识。艺术教育的目的在于引导人们发现美和欣赏美,而美术教育作为艺术教育的一种,对于培养幼儿的美感,使他们形成审美观具有重要作用。学前儿童对美的感受具有直观性,虽然他们的认识还比较肤浅,但是已经具备了审美感觉。他们喜欢色彩艳丽、造型夸张的事物,为此,我们可以利用周围的生活环境来启发他们对美的欣赏。如带领孩子们到郊外放风筝,教给他们堆雪人,带他们捡落叶做标本等,利用自然界的事物为他们营造一个艺术氛围浓厚的学习环境,让周围事物的美感化学生,让他们对美更感性,并通过形式多样的美术活动让他们把美的体验和感受表达出来,如绘画、拼图等,让他们在快乐中创造美好。 (2)培养幼儿的自然个性。赫伯里德曾说过:“教育的目的在于启发培养人的个性,顺应儿童自然本性的发展。”美术教育可以直观展示幼儿的心灵感受,培养幼儿的个性,通过这种直观的视觉艺术让儿童在快乐中感受成功,可以说,美术教育为幼儿提供了最佳的表现自我的形式。幼儿的思维简单,他们总能根据自己的想象来表达自己的想法,绘画内容丰富,虽然绘画的线条不规则,甚至画面凌乱,但却准确表达了他们的想法和对事物的爱憎分明。绘画中倾注了儿童的感情,面对自己的绘画总能说出自己的想法,虽然大人不一定能看懂,但是这是他们内心的直接表达。所以,我们要善于从儿童的角度去思考问题,用儿童的眼光去欣赏美,多鼓励孩子进行创作,不要给他们规定条条框框,深究其画的质量,相反要从他们的创作中发现美,这样,他们才能更自信、更快乐。 (3)培养幼儿的创造能力。对于儿童来说,美术教育的目的不在于培养技艺高超的艺术家,而是要引导他们学会欣赏美、发现美和创造美,每个儿童都是充满天真和童趣的,都具有得天独厚的创造才能,他们好奇心强,对于每个事物都能问几个为什么,总的来说,可以从以下几方面培养儿童的创造力:一,积累创作素材,总结经验教训。幼儿的美术表现是建立在经验的基础上的,通过创造条件,构建有利的学习环境,可以让幼儿积累更多的创作素材、总结更多的经验教训,如绘画的主题是花时,提前让他们进行观察,讨论花的颜色、形状、种类,从而在绘画中更好地展现出来。二,营造宽松自由的教育环境。鼓励儿童把看到想到的事物描绘出来,在这一过程中他们的创造力就会逐渐丰富起来。如先让他们听一段欢快的儿歌,然后再让他们进行绘画,有的描绘田野,有的描绘天空,有的描绘森林。可见,幼儿的想象就在绘画中体现出来。三,鼓励合作绘画。合作绘画的作品不仅是儿童们集体智慧的结晶,而且可以让他们借鉴其他人的创作手法,积累创作经验,丰富自己的想象力,实现优势互补。因为同龄人更能理解同龄人的想法,而且记忆深刻,也更容易应用于创作。四,不轻易打扰儿童的创作。在进行美术绘画时,教师总是担心他们不会画,就拿起优秀的作品进行展示和解说,试图开启幼儿的想象力,但是这样做不仅对儿童不利,反而会适得其反,因为有很多孩子也许正沉浸在自己的想象中,被教师打断后,想象的思维很难继续,也就是说孩子的创造力被我们毁灭了。因此,要给他们充分的自由,在绘画中慢慢摸索和感受。 (4)完善幼儿的人格。美术教育为儿童的人格发展提供了有利的条件,对于他们来说,绘画是一种欢快、愉悦的游戏,在这一过程中,他们可以体会到成功的愉悦或者失落的伤心,使他们的心情变化和心理感受通过绘画表达出来,这样的感情宣泄对他们的心理具有调整作用,有助于使他们调整不良心态,调整好心情,积极地投入到正常的生活中来,以良好的心态面对困难。 学前儿童美术教育论文:美术教育能够促进学前儿童创造力的发展 从以下两个大的方面分析,美术教育是可以促进儿童创造力发展的。 一、从美术教育本身的特点来看 美国著名教育家罗恩·菲德在《创造性与心理发展》中指出:“美术教育的基本目标之一是发展儿童运用自己的技巧创造作品的能力,而不必用他人规定的模式或方法。” 1.创造性原则是儿童美术教育原则之一 创造本身是一个过程,也是美术的根本特点。合格的美术教师会保证儿童的美术活动经历这一由感知到思考再到完成作品的创造过程。例如:在过年过节时,教师启发每个儿童给自己的爸爸妈妈画一幅画作为礼物。为了让儿童充分发挥主体性,教师不多做要求,只是让儿童怀着祝贺爸爸妈妈节日快乐的真挚感情,尽量把自己认为最有意思的形象画出来,充分满足他们的表达欲望和创造乐趣。 (1)培养精确的观察力 观察力是全面正确深入地观察事物的能力。在进行美术活动时,教师要尽可能地把需要用来观察的实物放在儿童面前让儿童观察,帮助他们分析概括出所画物体的基本部分和主要特征,强化他们的印象,再进行描绘。这样可逐步让儿童养成整体观察的习惯。例如教师预先想让儿童进行画猫的练习,那么在几周前就可以提醒幼儿对身边的猫进行观察。当天,可以借来实物让儿童进行观察。在观察小猫时,儿童应该会注意到猫的基本形状,如猫的头圆圆的,眼睛大大的,全身毛茸茸的,还有一条大尾巴。但是大多数儿童可能会没有画猫的胡子,没有看到猫的耳朵是尖尖的,三角的。这些细节之处教师就应该提醒儿童注意观察,并多用这些形式提高儿童的观察能力。 (2)培养注意力 注意指人的活动对一定对象的指向和集中。经过观察,在日常生活中,儿童的注意力不易集中,他们通常在注意一个事物不久,又被更有吸引力的事物吸引,就把注意力移到下一个事物上。有意注意的时间长了,还可以使儿童的观察力得到发展。相对于体育活动、音乐活动而言,美术活动是一种比较安静的艺术活动,也更容易培养儿童的注意力。 (3)培养想象力 想象能力主要包括创造性想象。由于年龄的限制,儿童的想象能力低,再造想象占主要地位。在儿童美术教育中可以通过儿童感兴趣的带有情节的图画,来培养儿童的想象力。在儿童具备了一定表现物象的能力,能够画出较为完整和清楚的个别物象后,教师可以向儿童指出表现简单情节的目标,要求他们画出具有一定情节的画面,并注意事物之间的联系。根据儿童画个别物象的实际情况,教师可以引导儿童用例如“太阳出来了”,“小朋友踢球”,“下雨了”等,将几个事物联系起来,凑成有一定情节的连环画。 2.美术活动的操作性 美术活动中的操作性是说要注重实际动手能力。仅仅讲解美术知识、谈论体验和感受对儿童来讲毫无意义。要给他们充分的动手机会,最理想的是给他们提供各种便利条件,满足他们随时动手去画或制作的创造欲望。 从审美能力的形成来看,绘画是视觉艺术,必须讲究审美。在启发幼儿按编号将作品连成一片时,在幼儿眼前出现的就是一幅完整的宣传画,其中背景色由浅到深又由深到浅,不断变化、错落有致的彩色老房子和黑色线条的现代城市建设交相辉映。 二、从创造力的构成来看 我国学者根据创造力与智力的密切关系,在前人理论的基础上,提出了创造力的构成。创造力主要由三个大的方面构成,第一个方面是知识,第二个方面是智能因素,第三方面是非智能因素。 1.知识是创造的基础和原材料 运用美术教育开发儿童创造力必须让儿童掌握一些美术知识和技能。当前,在美术教育中有两种不正确的倾向,阻碍儿童创造力的发展。一种是片面强调技能和技巧,一味地让儿童按照教师的范画临摹,这样无形中就束缚和限制了儿童的想象力,偏离了美术教育培养创造力的目标。另一种不主张教儿童任何技能,任其胡画乱抹。显然这两种做法都是不对的。应该在教给儿童一些简单的表现技能的基础上,又充分给他们留有充分发挥想象的余地,使儿童的创造力得到发展。 2.智能因素主要包括一般智能和创造性思维能力 (1)一般智能 一般智能如观察力、注意力、记忆力、想象力等,它体现了人们检索、处理和综合运用信息,对事物做间接概括和反应的能力。 (2)创造性思维能力 创造性思维能力,主要指发散思维能力。它体现出人们在进行创造性思维时的心理活动水平是创造力的实质和优秀。创造性思维首先是一种心理过程。这个过程可分为四个阶段:引起专注——明确问题——发散联想——评鉴选择。 这里又回到了知识经验尚不丰富的儿童世界里,运用形象丰富、色彩斑斓的美术活动,可以实践创造力的运行过程。以一次儿童美术活动为例。 在幼儿园里,教师要组织一堂生动而富有成效的美术活动课并对儿童进行创造力的训练,她若想将沉浸在其他活动中兴奋的儿童吸引过来,就有可能采取各种可能的形式吸引儿童,比如教师想让幼儿画兔子,采取编个儿歌一起做小白兔吃萝卜的游戏,那么肯定会引起他们的专注,将他们的注意力吸引到美术活动中。这就是“引起专注”的过程。吸引儿童的注意力以后,教师引入正题。这次活动要干什么,也许还要多次强调并做示范,这样能让每个儿童都集中注意明确问题——他们应该做些什么。这就是明确问题的过程。老师要进行创造力的训练,就要启发儿童:“你们可以按照自己的想象来画,不要求必须一样。最好有变化。”这就是启发儿童进行发散联想的过程。最后,对那么多头脑中的影像进行比较,儿童要开始动笔,就会有一个评鉴选择的过程。最后成稿,创造力的成果——各种各样的小兔子就跃然纸上了。 学前儿童美术教育论文:浅谈学前儿童美术教育 摘 要 幼儿天生是好奇的,对周围的任何事物都有着广泛的兴趣,美术的活动会使他们刻画出自己内心中的想法与期望,把他们所感受到的情感与见识到的真正事物跃然纸上。 关键词 学前儿童 美术教育 创造培养 学前儿童从小就喜欢乱涂乱画,他们把乱涂乱画作为是一种自由的游戏活动。自己想怎么画就怎么画,美术活动恰恰符合幼儿的天性,反映了幼旱谋局剩通过美术活动能生动形象的表现客观事物,促进幼儿思维、情感等诸方面的发展。学前儿童美术教育活动的培养有利于儿童身心健康发展,完善儿童的内心世界,促进幼儿身心全面和谐地发展。学龄前是人的艺术才能开始表现的重要时段,这个时期对孩子进行艺术教育有明显效果。今天我对学龄前儿童美术教育培养做一些浅解。 1培养幼儿的观察力,引导幼儿善于发现生活中的美 我们首先应该教会幼儿观察,不教会幼儿观察就无法适应千变万化的世界,就无法进行审美教育,也只有幼儿亲自观察事物,掌握对象的主要特征,才能对它们有一个较完整、生动、形象的了解。 1.1培养敏锐的审美感知能力 (1)直觉性。幼儿对事物的认识,特征在于对感性经验的全面依赖。在他们的心目中的事物就是他所看到的、听到的、接触到的那个样子。 (2)整体性。幼儿对事物的感知是从笼统到分化。幼儿的视、知觉一开始把握的材料,是对事物整体的粗略的结构,先认识树,再进一步认识它是由树干、树枝、树叶构成的整体。 (3)同一性。幼儿常常拟人化地观看世界,把外部的一切都看成和自己一样具有生命力,认为自己感受到的东西,物也一样能感受到。美术作为视觉艺术,具有增强感知能力最强有力的手段,通过美术活动可以培养幼儿审美器官的灵敏度、活跃性和统摄力,激活幼儿对生命特有形式的感受能力。 1.2培养丰富的审美情感 在美术活动中,只有渗入大量的情感因素,才能使儿童画从自然表现步人艺术表现,强烈的情感体验是引发儿童灵感的动力。因为审美愉悦产生于生命的自我表现,在生命的体验过程中发生艺术活动,艺术活动的形式和内容必须要充满活力,带有适中程度的紧张以获得生命的动态平衡。利用主客体的对立、矛盾,激发幼儿探究的欲望。 1.3发掘与培养儿童的审美创造潜力 儿童具有表现形象的潜在能力,由于他们年龄小,认识不完整,常常会毫不费力地把局部的不同特征不同属性的事物杂乱地融合在一起,组成新的、非现实的、怪异的现象。他们依靠直觉、瞬问的和真心地感觉表现事物,因而比成人更能接近意象隐喻。1岁半的孩子会 把“小雨”和“面条”联系在一起。3岁的孩子能在无意的色彩涂鸦时构成一幅美丽的图画。能在观察了煎蛋的全过程后,用成人意想不到的紫色、橙色、蓝色和深色的渐变,画出一幅奇妙而生动的作品。这种偶然性的成功意味着低幼儿童对色彩象征的理解和应用。 2教师应为幼儿提供一个宽松愉快的创作环境,让幼儿对美术活动有兴趣 就是运用多种教育方法培养幼儿的绘画兴趣。无论干什么事情首先要对它产生兴趣,有了兴趣才能希望取得成功,俗话说得好:兴趣是最好的老师。为了唤起幼儿绘画的兴趣,我结合手工活动激发幼儿对绘画的兴趣,幼儿除了爱乱涂乱画,还爱玩一些撕纸、泥、小印章等,每次手工活动时就不难发现幼儿手中只要有一块泥或一张纸,他们就会百玩不厌;因此我抓住幼儿的这一特点开始培养幼儿把所撕成的、捏成的这些作品组合成一幅画儿粘贴在一张画纸上幼儿就可以随时看到自己的成绩,增强他们的自信心。幼儿之间可以互相欣赏、互相学习,还可以在幼儿原有的作品上引导幼儿添画其它的内容,利用多种工具丰富画面如:用蘸、滚、印等方法使作品更有个性。 3幼儿色彩感觉的培养 马克思说:“色彩的感受是一般美感中最大众化的形式。”根据幼儿的心理特点,遵循绘画学习的原则。首先教幼儿认识三原色,明白红、黄、蓝是三种基本的颜色。通过反复运用逐渐培养幼儿能独立搭配自己喜欢的颜,并能绘合色彩的冷暖,深浅明暗程度进行合理搭配色彩,还切记引导幼儿正确布局画面,作品层次要清楚,有主有次,有远有近提高绘画质量。 4培养幼儿良好的绘画习惯 在绘画过程中,幼儿往往在画时不小心把颜色弄脏桌子、椅子和衣服,甚至弄脏自己的作品,影响绘画效果。所以要培养幼儿在绘画时要有一个良好的绘画习惯,在绘画时要时时提醒幼儿注意有序作业,用完的废纸、笔及其它美术工具放入适当的位置,不要乱扔乱放。 幼儿的美术教育可谓是一条亮丽的风景线。幼儿天生是好奇的,对周围的任何事物都有着广泛的兴趣,美术的活动会使他们刻画出自己内心中的想法与期望,把他们所感受到的情感与见识到的真正事物跃然纸上。他们的知识和能力是由经验中来的,特别是美画活动更离不开幼儿的直接经验,他们的绘画内容来源于自然,贴近幼儿的真实生活,所以我们应注重让幼儿运用自己的感官,动手动脑,去观察、体验和感受,去获得很丰富的直接经验。美术教育中我们应清楚的了解并尊重幼儿各自分歧的审美性格,放手去让他们大胆的展现自我,循循善诱才会使他们的生活丰富多彩,充满兴趣。 学前儿童美术教育论文:浅析学前儿童美术教育现状及存在的问题 摘要:众所周知,学前儿童教育对于当前儿童的教育是非常重要的,它可以为儿童将来的教育打下坚实的基础。同样,学前儿童的美术教育也是如此,它可以为儿童今后的美术学习铺下基石,可以培养儿童的美术素养,激发他们学习美术的兴趣,并挖掘他们在美术创作上的潜力。但是,当今学前儿童的美术教育并不是非常受重视,很多家长和老师都没有意识到对学前儿童进行美术教育的必要性,此外,学前儿童美术的教育的现状也不尽如人意。笔者在本文中分析了我国学前儿童美术教育现状以及存在的一些问题,希望能对学前儿童美术教育的发展起到一定的作用。 关键词:学前儿童;美术教育;现状分析 引言 随着人们生活条件越来越好,许多家长也越来越重视学前儿童教育问题。现在的幼儿园不仅仅只是起到看管孩子的作用,而是更加注重孩子的各方面的启蒙教育。比如说,语文,英语,数学,美术等等学科也被安排到学前儿童的课程当中。在本文中,主要探讨学前儿童美术教育的一些问题。我们都知道,学前教育属于一种启蒙式教育,目的在于引导孩子对于美术的认识,培养他们对美术的兴趣,陶冶他们的情操,应该来说,美术的启蒙教育对孩子的健康成长起着非常重要的作用。然而,在实际教育过程中,美术教育的方式却不是那么令人满意,并没有起到预想的效果,也没有培养出孩子的美术素养。本文以学前儿童美术教育为研究对象,分析了我国现在学前美术教育的现状和问题,目的在于更好的解决美术教育中存在的问题,为学前儿童创造一个轻松愉悦的美术学习环境。 一、学前儿童美术教育的现状 1.1美术教育目标方面 我国现在对于儿童美术教育的认识是不正确的,具体表现在两个方面。一方面,很多家长和老师都认为教孩子美术其实就是教会他们画一幅画,把学习美术当做一种技能,认为他们只要学会画画就行,这是非常错误的看法,也曲解了儿童美术教育的初衷;另一方面,很多老师认为美术儿童美术属于一种素质的教育,从而过分强调它的道德教育和素质培训,但是却没有意识到美术教育是有一定的专业培养计划,它在于让孩子学会描绘美,欣赏美,并且在生活中发现美。总结来说,当前对于儿童美术教育的培养目标非常不明确。 1.2美术教学内容方面 学前儿童美术教育内容主要应该是描绘动物和人物为主,可以针对儿童喜欢动画片的特点,让他们在课堂上描绘自己喜欢的动画人物或者动画角色等,这样可以充分激发他们的学习热情,培养他们的美术兴趣。此外,还要培养他们的创新能力,让他们充分发挥自己的想象力来创造美术作品。但是,由于学前儿童自己的思维还不够成熟,所以还需要教师教师的引导,教师应该给他们提供一个较完整的图像,然后让他们在模仿的基础上再自由发挥。但是,在儿童美术教学中,很多教师和家长经常试图把孩子的思维引到自己的思维方向上来,这样就会导致孩子只会模仿而不会创造,最终会丧失对学习美术的兴趣。 1.3美术教学方法方面 现在儿童美术的教育还是采用传统的灌输的方法,教师要求学生画出跟他们所给的图画一模一样的图画,如果有哪个地方和他们所给的样板不一样他们都要指出来,甚至是颜色方面也是如此,但凡有一点不一样,教师都认为是学生画错了,然后纠正他们,这严重扼杀了孩子的创造天赋,会导致儿童会认为只有画得一模一样的才可以。长此以往,孩子就会逐渐丧失自己对于美术的创造天性,离开了老师的指导自己就不知道该怎么去创作了,这样会严重磨灭儿童的创作意识。 二、学前儿童美术教育存在的问题 2.1只注重模仿,没有创作 在学前儿童美术教育中,大多教师多以填鸭式的教学方法进行教学。比如说,教师打算教给学生画一幅画,那么教师就会先在黑板上给学生画出来,再让儿童进行模仿,完全忽略了培养孩子的想象力和创造力,这就使得儿童美术课堂变成了一样的“画家”,不管是画什么,都是在强调模仿、模仿、再模仿,这样的教学方式完全抹杀了孩子的创造能力,让他们形成了一种固定的思维,导致学生很难举一反三。 2.2缺少创造力和想象力的培养 对学前儿童的美术教育,目的在于让孩子学会在生活中发现美,培养他们丰富的想象能力和创造能力。但在现在的美术教学中,由于种种原因,很多教师几乎不会正确引导学前儿童学美术知识的方法,也找不到一种合适的方法来培养儿童的创造力,这些因素制约了美术教师的思想,从而使得他们没有发掘到学前儿童身上所具有的美术天赋,严重妨碍学前儿童在学习美术过程中的天分和想象能力的发挥吲。 2.3美术资源的缺乏 学前儿童的美术教育不仅只是在学校对他们进行教育,同样,家长在家里对孩子进行美术教育启蒙也是非常有必要的。现在,无论是家庭还是学校,对于孩子的美术教育的重视程度都不够高,没有给孩子创造一个良好的学习氛围,这就使得美术教育的效果偏低。例如,家长可以让孩子先接触他们喜欢的动物,激发他们的兴趣,然后再在观察和玩耍中,让孩子学会美术教育知识,告诉他们应该怎么去画出一个生动的图画。假如学校和老师不给孩子提供这样的机会,那么孩子就不能对动物有个清晰的认识,也就不能把动物画好,导致对美术的兴趣不高,因此美术资源的缺乏,会严重影响到孩子对于美术学习的兴趣和对于艺术的创造性。 三、结语 综上所述,教师应该教会孩子善于发现生活中的美,养成良好的素质,让儿童全面发展。所以,教师要从儿童的角度来看问题,抓住儿童的心理特点,不能只让孩子进行模仿,这样只会泯灭他们的创造力和想象力,要培养他们自由发挥。教师要在美术教育中多注意进行积极的引导和教育,这样才能使儿童得到健康的发展。 学前儿童美术教育论文:学前儿童美术教育中的创造力培养初探 【摘 要】随着社会日益进步,经济迅猛发展,学前儿童美术教育作为学前教育体系中的一门重要学科,受到了人们越来越多的关注。现如今的学前美术教育不仅要让学前儿童掌握一些新的美术技法,而且要注重开发儿童的大脑思维,培养他们对美术的学习兴趣,挖掘他们的洞察力、创新能力、想象能力和动手能力。因此,作为美术教育工作者,应当抓住儿童这一发展时期,实施有效发展策略,以培养儿童的创造力。不断创新教学方式,因材施教,更好更快地推进学前儿童美术教育的发展。 【关键词】学前儿童;美术教育;创造力 学前教育行业是近几年的热门行业,伴随着这一行业的蓬勃发展,学前儿童美术教育也越来越被社会、学校和家长们重视,接踵而来的是一些少儿美术兴趣班、少儿画室的开办,足以可见人们对学前儿童美术教育的重视性。这也赋予了学前儿童美术教师更高的要求,既要有丰富的艺术理论知识,又要细心地把握儿童的特点及成长规律,以科学的教育手段贯穿学前教育的全过程,真正让学前儿童在艺术创作中激发艺术潜能和天赋,促进智力的发展。因此,学前美术课堂教学在学前教育中显得尤为重要,每位教师对儿童艺术创作的指导以及儿童创新能力的培养,起着至关重要的作用。 一、了解学前儿童身心发展的特点,帮助学前儿童认识和提高审美意识 学前儿童对任何事物都充满着好奇,容易被新鲜事物吸引,有独特的想象力,我们要客观了解他们的这些身心特点。在教学中,有针对性地激发他们的想象空间,让他们在无拘无束和大胆创新中创意造型,将他们看到和感受到的丰富奇特的生活世界转化为色彩绚丽、造型生动的美术世界,不断提高他们的认识水平,培养他们创造能力和动手能力。 二、抓好课堂教学,培养学生的兴趣 学前儿童的美术课程无外乎简笔画课、手工制作课、美术欣赏课等,上好这些课就需要教师有丰富的教学经验,搞好课堂教学过程。 首先,在上简笔画课时,针对学前儿童思维的不连贯性,作为教师应该耐心告诉他们一些简单道理和自然规律,反复引导他们认识绘画中线的重要性。让他们通过大量练习,在想象中加深印象。在简笔画课堂中,教师还可以通过讲故事或者听儿歌,让学生发挥自己的想象力,并把它创作成画。在这个过程中,儿童通过教师的引导,积极思索,丰富了想象的内容,把头脑中想象的画面表现在作品中的同时,激发了他们创作力和活跃的思维能力。这将为他们今后学习美术学科及其他学科打下坚实的基础,真正实现全面发展。 其次,在上手工制作课时,教师要引导学生善于从生活中发现美,多动脑,多动手,这样手脑并用,对儿童的智力发展起着至关重要的作用。比如,在泥塑课上捏小兔子时,教师引导儿童分析小兔子的结构组成部分,并讲解和演示制作步骤,再让儿童自己动手制作。学生制作出来的小兔子各种各样,教师再次让学生观察,找出自己制作过程中的不足,不断改进。在掌握了制作要领后,教师再启发他们进行创意设计,经过儿童的积极思考后,各种各样的小兔子便相继诞生,这一过程,大大提高了儿童的动手动脑能力,训练了他们的发散思维。在这样的手工课上,教师的作用在于启发儿童的思维,使儿童的作品体现其自身对生活世界的认知和审美情趣。所以对于儿童的作品,教师应给予充分肯定,保持原创性,切不可随意改动。 再次,在美术欣赏课上,教师可以展示相关的美术作品,也可以通过画册图片、影像、电子照片这样的现代教育手段来刺激学生的眼界,激发学生的兴趣,利用这种生动丰富的资料,让学生欣赏,使学生在整个教学过程中处于主体地位,教师辅助讲解这些美术作品中蕴含的深刻意义,使学生从欣赏中开发想象力,从而提高他们的创作能力。当然,教师在这几种教学活动中,还应遵循“寓教育乐”原则,毕竟,在学前儿童教育中,游戏是幼儿的基本活动。因此,学前儿童美术教育作为学前教育的一个分支,必须体现这一原则。 综上所述,学前儿童美术教育的生命重在创新,在教学过程中,教师要鼓励儿童大胆地想象创造,让儿童用自己喜欢的美术表达方式表达自己的认知,充分挖掘他们的创造潜能,以及培养他们的审美能力。可见,创造力的培养已经成为学前儿童美术教育的优秀内容,需要教育工作者在今后的工作中不断探讨和完善,创造性地利用一切可利用的资源,在正确理念的指导下,做好儿童的引路人。相信在不久的将来,随着科技的迅猛发展,教育人才的辈出,学前儿童的美术教育一定会绽放出更加绚丽的花朵。 作者简介: 王 静,女,吉林师范大学博达学院,研究生,研究方向;美术学油画。 学前儿童美术教育论文:浅议学前儿童美术教育中对其内心成长的关注 【摘 要】在赏识教育日益盛行的今天,笔者从自身的学前美术教育的实践出发,总结出绘画教学过程达到对学前儿童内心关注的四大途径,包括用稚气的眼光、想象的思维以及赏识的目光以及疑惑的意味等。 【关键词】尊重接纳;自主创造;打造自信 学前儿童的绘画作品五花八门,尽管微不足道,但是,教师欣赏的目光,或者简单的一句话,满意的一点头,一个轻微的动作,他们都觉得是对他们创造力莫大的肯定,感受到莫大的快乐,这就是所谓的“赏识教育”。通过对儿童创造力肯定,催生他们潜在的巨大的创造力,激发他们学习兴趣。教师用尊重接纳、赞许的态度、发现学前儿童作品中的精华所在,使学前儿童在满足中产生快感,受到激励,在无声的交流中促进学前儿童创造性的发展,提升学前儿童面对困难的信心。 1.用稚气的眼光看待 学前儿童各自独特的生活经历在他们的心目中留下了独特的印记,形成了他们特别的体验和感受。学前儿童的绘画总是强烈地透着一股浪漫天真的稚气,他们获得的是成人所不能体验的生活情趣。 在笔者曾进行过以“冰激凌商店”为题的绘画作业中,学前儿童用独特的视角表现了桌子的四条腿,这个学前儿童并没有受到专业的透视教育,却在桌面上是一个俯视角度的茶杯。从画面上我们可以穿透冰柜看到里面的雪糕,并且配有文字“哥哥你的个子真大”,大冰激凌回答:“你是个小弟弟。”这都是学前儿童生活经验的反映,充满了学前儿童对生活无限的遐想。 笔者通过调查,发现很多从事学前儿童绘画教育的教师,在看到儿童画出绿色的花以及红色的叶子的时候会第一时间武断的“教育”他们,花应该是红色的,叶子应该是绿色的,他们在没有完全读懂学前儿童的绘画作品而简单粗暴的用成年人的生活体验做出的指点,他们没想到,也许学前儿童想画出绿色的牡丹花,或者想画出几片秋天的枫叶,只是他们不知道绿色的牡丹花和秋天的枫叶不会同时出现,仅此而已。 在很多从事学前儿童绘画教学的教师看来,学前儿童的绘画丝毫无所谓的“画理”所寻,他们天马行空的表达,是一次次心灵的自由旅行,这种自由的心灵体验甚至穿越了时间的更迭以及空间的跨度,因此不能以简单粗暴的“指点”,扼杀他们正处于萌芽阶段的想象力,带给他们的是受挫的自信心,让他们以后都不愿意画,到最后不敢画。 所以对儿童画的评述不能以成人的“固有观念”和要求去看待,只有理解学前儿童的心理,怀着一颗童心,才能对儿童画做出恰当的评价。 2.用想象的思维倾听 笔者长期从事学前儿童绘画教育,也常常惊叹于绘画对学前儿童的巨大吸引力。学前儿童在进行每一幅绘画作品中,都是用真实的心灵在表达,无论其结果对于成人来说是如何的难以理喻。这也正是儿童画有别于成人画的地方,就是源自那单纯稚嫩的天性,对新世界饱含热情的好奇,驱使他们用无所顾忌的手法,去表达生活。比如笔者曾以“小火车”为题,有某个学前儿童的作品,却赫然看到一个个数学符号,笔者直接感觉到他对数学的浓烈的爱好,希望小小火车能带他进入那充满未知欢乐的数学殿堂。 笔者通过观察,发现每一幅学前儿童的绘画作品,都能表现出一定的主题和故事情节,无论是一条最普通不过的直线,还是最简单不过的图案,都带着他们对生活独一无二的感悟,反映出他们真实的内心,充满对未来的向往。所以尽管绘画的手法尚且十分稚嫩,在画面构图上面还不够完善,但在图案背后凝聚着浓厚生活气息的想象力,这是艺术得以存活的最基本的元素。通过每一次绘画练习,学前儿童在情感体验以及智力提升方面都得到了锻炼的机会。想象是儿童画恒久不变的主题。教师不仅仅停留在指导学前儿童画的层面上,而是能够和学前儿童一起,展开想象的翅膀,飞进那梦幻般的童画世界。 3.用赏识的目光观赏 对于学前儿童而言,绘画是一种情感表达的方式,于是他们往往会以“无师自通”的方式,达到“画无定法,贵在得法”的艺术水平状态。学前儿童的绘画作品,是他们锻炼想象力表达力的机会,不应该用简单的好与坏粗暴的评判。教师应该提供自由创作的环境,鼓励他们在绘画中表达出自我的意识,并对他们每次大胆的创作尝试后,及时给与肯定,鼓励他们通过每一处细微的表达,传递出对现实生活以及内心世界的独特理解。 笔者曾提出以“午后”为主题的绘画创作,学前儿童的表达异彩纷呈,有的把小鸡和蜗牛画成了好朋友,有的画出冒出黑烟的烟囱,地面上的人们没法生活了,教师应该及时肯定,对前者,肯定他们友好的态度,对后者表扬他们的环保意识。 通过这样的一个主题发散性的思维方式的培育,是为将来创造型人才的培养打下基础。学前儿童的表现欲望,在自己微不足道的绘画作品得到教师充分的赞扬之后,大大的激发出来,从此逐渐养成了“一物多写”的发散性思维。 学前儿童通过教师赞赏的目光以及肯定的态度,坚信自己能成为自己生命的创作者,自由的情感充分在绘画中得到了抒发,不断的寻求自我创新和探索的道路,逐渐建立起人生重要的自信,成为将来自主学习的基础。学前儿童的自信心以及创新的方式去解决问题,以及面对生活积极的态度,正是源自教师一次次的鼓励与肯定。 4.用疑惑的意味指导 幼儿园的教师,作为学前儿童人生的第一任老师,其潜移默化的影响力,甚至会影响学前儿童今后一生的发展,他们往往以大哥哥大姐姐的形象,成为学前儿童最信赖的“伙伴”,成为他们模仿与学习的对象。这时候如果在学前儿童主动提出绘画请求的时候,教师开始他们循规蹈矩的“示范性教学”,势必让学前儿童过早的养成依赖性,自信心在教师的示范下慢慢消磨,不愿意积极独立的思考。事实证明,在绘画过程中教师过早过多的干预,其实是变相剥夺了学前儿童天性中天马行空的想象力得以发挥的自由,使得绘画中最宝贵的原创性的水土流失严重。成长是一个奇特的过程,当学前儿童的认知达到一定水平之后自然会开始逐渐画的像。 在以“小猫的烦恼”为题的绘画过程中,教师给出的绘制要求是把鱼、小猫和老鼠绘制在一幅画面中,用自己的方式安排构图。看到地面上的鱼缸,教师有了质疑: “鱼缸放在地面上,小猫就可以吃到鱼了吗?” “小猫的头和鱼缸的口是一般大的,小猫吃不到小鱼。” “那小猫为什么不吃老鼠呢?” “这是两只小飞鼠。”只见这是学前儿童为小老鼠添上了对翅膀。 教师要达到培养学前儿童的创造力,就需要尊重他们的情感体验的过程,尽可能的把他们的思维拓展开来,通过以上的绘画过程中,教师与学前儿童的交流,并不是一种干预,而是通过对对学前儿童事前充分的了解和观察,对他们绘画情况进行准确的分析判断,之后设置的人为的“绘画障碍”,让学前儿童通过翻越这些所谓的“障碍”得到思维探索与尝试的体验。 当然笔者并非完全否定教师在学前儿童绘画教学中的主导兴趣,只是提倡恰如其分的“引导”,别看学前儿童貌似对周遭事物漫不经心,其实他们内心不断在成长,所以,这种引导必须建立在学前儿童的兴趣之上,用适当的方式,教授他们必要的技能。 须知,对美的欣赏理解以及美的修养都不是靠“教”可以得到的,需要在充满智慧和灵性的引导和启发的“培养皿”一点点的催生出来的。学前儿童的美术教育强调的是发散性的思考以及创造性的解决问题的能力,这是一种貌似“无中生有”的“无师自通”,教育者需要做到的是认真聆听,仔细观察,合理引导,真诚赏识,让学生体验学习的欢乐的同时,自主探索性的学习。 教师应该充分尊重学前儿童创作的本能,细心挖掘他们的自我内心世界,帮助他们建立面对世界的自信心,创设一个自由宽松的氛围,帮助他们释放出创造力的思维,用接纳、赞许的态度对待学前儿童的每一次艺术创作,达到敢于表现自我、勇于表达自我,在交流中促进学前儿童思维的发展,培养学前儿童创造性解决问题的能力。 学前儿童美术教育论文:美术教育与学前儿童创造力的培养 创新是一个民族的灵魂,创造力的培养是现代教育的根本任务,也是一项复杂的工作。幼儿美术教育是幼儿园教育中不可缺少的内容,和其他学科有着内在的联系。因此,利用美术教育培养幼儿的创造力可以收到事半功倍的效果。 一、学前儿童美术教育中应遵循的原则 1、层次性原则 这项原则要求有两方面的含义:一是根据幼儿的基础、能力、水平、优势等,将教育对象分层;二是将统一的教育目标按不同层面幼儿的不同情况重新设计,或提高难度或降低要求。如进行主题画“未来的大树”这一活动时,我将幼儿分成了两个层次。能力较差一组幼儿的活动目标为:引导幼儿运用学过的方法把心中所幻想的大树表现出来,体验绘画活动的快乐,培养幼儿对绘画活动的兴趣;能力较强一组幼儿的活动目标为:引导幼儿把心中所幻想的美好事物通过大树表现出来,引导幼儿大胆想象、大胆创造。这样每个孩子都能在原有水平上得到提高。 2、基础性原则 创造力的形成并非凭空产生,它的产生和发展必须有坚实的基础:一是生理基础,二是知识基础,三是技能基础。创造性的形成发展还有赖于相关知识经验的基础,这要求多给孩子提供接触美术、了解美术的机会。这方面,我除了给孩子们多提供动手机会外,还非常注意利用日常活动丰富孩子们的知识经验,如结合散步、郊游等外出活动的机会,随时随地引导孩子们欣赏周围的景物,让他们产生联想和想象,从而得到美的感受,丰富自身经验。 3、示范性原则 指教育者应以自身的创新意识、思维以及能力等因素去感染、带动受教育者创新能力的形成和发展。如教师本身对各种美术形象的浓厚兴趣、善于联想、大胆创作,这种影响比单纯“教育”对幼儿的作用更大。有一次,几个孩子在美工区共同绘制一幅“我的家乡”,一个孩子不小心将“小河”上画了一条褐色的线,画“小河”的孩子哭着来告状。我走过去看了看指着褐色的线说:“其实在这儿建座桥也不错嘛,谁来建这座桥?”刚才告状的孩子一听,马上一抹眼泪说:“我来画。”一件纠纷解决了,同时,孩子们创造的欲望也愈加强烈,“我的家乡”变成了“未来的家乡”。 4、主体性原则 所谓主体性是指作为主体的本质规定性,特指人的能动性和创造性。幼儿是真正意义上的现实主体,成人要多给孩子创造机会并尊重接纳孩子的创造性美术活动。在进行主题画“我喜欢的汽车”时我本想出示范画,转念一想,这样孩子们的思维可能会受到限制。 于是,我把出示范画这一环节省略了。果然,孩子们的表现非常精彩,虽然有些汽车画得不伦不类,但我还是充分肯定了每个孩子的奇思妙想。 5、启发引导原则 有一次,王涛小朋友在美工区内快活地摆弄着一些木片、纸条、小盒子等,可是,不一会儿,却见他沮丧地坐在那儿,望着眼前的一堆东西。一问才知道,原来他想做一个人造卫星,可是却做不出来。我告诉他,老师也不会做,但我们可以一起想办法,最后我们商定,请小朋友们一起帮忙搜集有关图片,然后再制作。整整一个星期,孩子们为了做出一个漂亮的卫星忙碌着,孩子们不仅找回了图片还制作了许多人造卫星,一个星期后,我们成功地举办了“人造卫星展”,并邀请其他班的小朋友来参观。通过这次活动,激发了孩子们对宇宙的幻想,在以后的活动中孩子们的想象更加丰富了。 二、美术教育中培养学前儿童创造能力的具体实施方法 创造能力的培养并不是一朝一夕就能解决的问题,这需要在教育工作中一点一滴循序渐进地积累。在美术教育中,更要结合美术教育本身的特点为学前儿童创设多种条件和机会。归纳起来,可从以下几个方面具体实施: 1、创造型教师热情引导幼儿 培养幼儿的创造力必须有创造型的老师。日本创造学家恩田彰认为,创造型教师能够在自己身上发现创造性并加以发挥,灵活性、创造性地授课,在教学中发挥创造性。每个幼儿都不同程度地存在创造意识,他们喜欢夸大自己感兴趣的部分。创造型教师不会高高在上控制他们,而是和他们处于平等地位,尊重和爱护他们富于个性的表现,特别是鼓励他们的创造,只要孩子有自己的创造意图,哪怕再“离谱”也给予充分的肯定。这样,幼儿的个性才会得到充分的发展,自我意愿才能得以实现,其创造力才会不断提高。 2、营造富有艺术氛围的环境 学前儿童从事艺术活动要有合适的环境,这样才有利于发挥创造性。这里的环境包括物质环境和心理环境。物质环境创设要富于艺术性,如在活动室挂置名画、幼儿作品等图片,摆放雕塑等艺术品,在活动区为幼儿提供进行美术活动的材料。心理环境是指营造自由宽松的气氛,教师激励、欣赏、接纳幼儿的创造等。 3、开展各种创造性活动 开展各种创造性活动是培养幼儿创新能力最直接的方式。目前在学前美术教育中使用的创造性活动主要有意愿画、主题画、手工制作、美术欣赏等。在活动中,教师要丰富幼儿的生活经验,提供探索和操作的材料,给予恰当的指导和建议。 “千里之行始于足下”,培养儿童的创造力不是一句口号,它的实现要靠教育者脚踏实地地工作。让我们做教育的有心人,利用一切教育因素,催开创新的奇葩。 学前儿童美术教育论文:学前儿童美术教育探析 摘 要:学前教育在近年来受到了越来越多的关注,其中学前儿童的美术教育教学,不仅要求教师有专业的技能来进行幼儿教学,还要有优良的教学品质来对幼儿建立起良好的榜样作用,要求教师在教学过程中除了教授给学生准确的绘画技巧,更要注重对学生人文素养、个人素养、审美能力等的培养,让每个学生能够逐渐在美术学习中养成良好的个人品质。本文首先对当前我国学前儿童美术教育的现状进行分析,找出其中存在的问题,并针对问题提出解决和提升学前美术教育效果的措施。 关键词:学前教育;美术教育;措施 随着经济科技的快速发展,生活水平不断提高,人们对于学前教育的重视度也越来越高。近年来,关于学前教育中美术教学逐渐受到关注,这也要求幼儿老师要在儿童美术的教学中要展现出更好的状态和水准,才能够更好地完成教学工作。《国家中长期教育改革和发展规划纲要(2010-2020年)》规定,要大力发展公办幼儿园,积极扶持民办幼儿园,重点发展农村学前教育。可见,国家对于学前教育也是非常的重视。在学前教育中,美术教育一直是一个重难点,美术的学习能够让儿童提高审美能力,逐渐养成良好的性格品质,并且在学习和练习的过程中,能够帮助提升儿童的想象力和创造力,对于学生的成长是非常有益的。但同时,我国在开展学前美术教育的过程中,还存在有一些问题,需要加以改进。对此,笔者进行了简要的分析。 1 我国学前儿童美术教育的现状 据不完全统计,截至2015年年底,我国的公办幼儿园约有22万所,民办幼儿园也有14万所左右。儿童美术教育已经有所发展,但还需进一步完善。首先,在教师方面,从当前幼师专业美术教育的大纲中来看,美术是学前教育专业的一门必修课,要求学生要有专业的美术欣赏能力和关于美术基础知识的了解。其中,还有要求学生通过对中外优秀美术作品进行初步的了解,来形成系统、扎实的绘画能力。其次,在家长方面,许多家长逐渐开始重视对孩子个人兴趣爱好及特长的培养,如音乐、舞蹈、美术等。有的家长则是为了让孩子能够“赢在起跑线上”,为孩子找到更多提升个人的方法。最后,在学生方面,随着我国经济实力的不断提升,许多孩子有了机会接触到更多的课程,在学习的过程中,也有较为充足的资源,美术的学习已经逐渐受到许多老师、家长以及学生的重视。 总的来说,我国的学前教育整体还处在不断提升的过程中,师资力量、教育效果、家长配合度等都有了较好的提升,美术教育已经逐渐成了我国学前教育中重要的组成部分。但在教育方法、教育重点、教育理念等方面还存在有一些需要改进的问题,需要引起广泛的重视。 2 我国学前儿童美术教育中存在的不足 从教学内涵上来说,美术的教学能够在学前教学的过程中就让学生形成良好的性格品质,为其他学科的学习打下良好的基础,也能够锻炼学生的思维能力和想象力。我国在学前儿童美术教育中,既取得了许多突破,也还存在有许多亟待解决的问题,要提升我国在学前儿童美术教育的质量,就一定要寻找根源,从根本上来解决问题。笔者认为,目前我国的学前儿童美术教育中存在的不足主要有以下几点:第一,重视模仿,忽视创作。一直以来,美术的学习都是通过模仿、学习、应用等方法来开展的。但在整个教学的过程中,许多教师只是让学生尽力去进行模仿,这样很容易导致学生忽视了对自我创造力的培养。绘画是一个循序渐进的过程,许多绘画的技巧都是慢慢积累起来的,整个绘画的过程需要大量的精力。而在生活节奏快速的现代,美术教育中也更加追求快速、高效,教学过程中也开始关注一些“特殊技巧”来进行绘画,完全忽略的学习美术的真正内涵,在教学过程中也没有真正体现儿童绘画的特点,造成教学效果并不理想。第二,幼师的美术教学能力有待提升。幼师专业的学生在校学习的时间比较短,但要学习的科目非常多,要在繁忙的学习过程中充分掌握好儿童画的绘画及教学要点,还存在一定的难度。就我国目前的高职幼师专业来说,学生在校学习的时间只有两年半,而需要掌握的技能非常多,涉及声乐、舞蹈、英语、心理健康、教法、幼儿教育学、幼儿卫生学、幼儿心理学、美术、器乐、形体、口语、乐理、计算机等,学习内容非常繁琐,这也影响到幼师专业的学生对美术课程的掌握。第三,对于儿童绘画能力的评价“不科学”。许多家长在对孩子的绘画能力进行评价时,多是采用“像”“不像”“好”“不好”等来进行评判,导致儿童也认为只有画得像才是绘画能力优秀的表现,这也从侧面禁锢了儿童的创造能力,影响了儿童对绘画的学习和理解。 3 学前儿童美术教育的改进措施 学前儿童绘画发展的程度和儿童的身心发展水平密切相关,儿童身体的发育情况、神经系统的成熟程度以及认知发展水平都从不同程度上影响着绘画发展的能力水平。笔者认为,学前儿童美术教育的改进措施可以从以下几点来展开: 3.1 培养儿童对绘画的兴趣 任何一门学科,兴趣都是最重要的指引。因此,首先要进行的就是对儿童学习兴趣的培养。要培养起对美术的学习兴趣,可以从观赏画作、接触绘画工具等方面来进行,让儿童在接触到绘画之后产生浓厚的兴趣,并开始整个绘画学习的旅程。让儿童绘画不是为了学习而学习,而是发自内心的喜欢,并主动去学习。 3.2 由简到繁,循序渐进 在进行绘画的教学过程中,不能够急于求成,要循序渐渐,从简单的开始,让儿童从比较简单的技巧、方法中开始学习,体验到绘画的乐趣和优美所在,根据儿童身心发展规律,逐步增加难度和学习的氛围,此时要多考虑到儿童的接受能力,不宜跨度过大,但也不能长时间停留在原地。 3.3 鼓励儿童自我进行创作并加以准确的评价 在教学的过程中,可以通过鼓励儿童多创作,开发思维,加深对美术的喜爱,也让儿童一边创作一边提升绘画的技巧。创作结束后,教师还要及时进行中肯的评价,既要看到学生的优点,还要及时指出学生的不足,通过师生之间的互动,让儿童更好地了解绘画的意义。 4 小结 学龄前儿童美术的学习是一个长期的过程,需要教师和儿童、家长、社会互相之间的配合。儿童绘画的学习不仅是儿童是对自我身心的修炼和培养,还可以通过对美术的学习来培养儿童的创造力和想象力,来养成良好的个人素养和品德,对于儿童的个人成长是百利而无一害的。在教学过程中,要尽量摈弃旧的教学理念,尊重不同阶段儿童绘画的特点,尊重儿童在绘画中的主观意识,鼓励儿童想象和创作。 作者简介:尹存(1982―),女,四川德阳人,本科,讲师,研究方向:美学,美术教育。 学前儿童美术教育论文:美术教育中关注学前儿童内心成长的欣赏探究 摘要:学前儿童心智发展还没完全,其绘画的目的性不强,而且不会刻意研究事物的透视及比例,而是天马行空的绘制,即时的表现其绘画时刻的心理动态,这也恰恰是其内心成长的真实写照,而美术教育不可随意抹杀这种成长,应当积极鼓励与引导。 关键词:美术教育;学前儿童;内心成长;欣赏 赏识是对学前儿童创造力的肯定,更是开发学前儿童创造力的催化剂。学前儿童的作品哪怕是微不足道的,只要有益于发展创造力就应当受到认可、肯定和赏识。教师欣赏的目光,满意的点头,一句话,一个动作都能给学前儿童带来莫大的快乐,能较好地激发学前儿童创造的兴趣。教师用尊重接纳、赞许的态度、发现学前儿童作品中的精华所在,使学前儿童在满足中产生快感,受到激励,在无声的交流中促进学前儿童创造性的发展,提升学前儿童面对困难的信心。 1.用稚气的眼光看待 学前儿童各自独特的生活经历在他们的心目中留下了独特的印记,形成了他们特别的体验和感受。学前儿童的绘画总是强烈地透着一股浪漫天真的稚气,他们获得的是成人所不能体验的生活情趣。在一幅作品总,学前儿童用独特的视角表现桌子的四条腿,并没有受过专业的透视教育,却在桌面上是一个俯视角度的茶杯。从画面上我们可以穿透冰柜看到里面的雪糕,并且配有文字"哥哥你的个子真大",大冰琪淋回答到:"你是个小弟弟"。这都是学前儿童生活经验的反映,充满了学前儿童对生活无限的W想。 很多教师看到儿童画里一朵绿色的花、红色的叶子,就会马上告诉学前儿童:"花是红色的,叶子才是绿色的。"这真的是教师读懂学前儿童的画后做出的指点吗?也许学前儿童画的是一朵绿牡丹,只是没有达到形似罢了;也许学前儿童只是想画几片秋天的枫叶,只是他不知道绿牡丹和秋天的枫叶不会同时出现罢了。教师可以把每一幅儿童画表现的内容看作是学前儿童心灵的一次旅行,不仅穿越了季节的变换,而且穿越了空间的距离。学前儿童的绘画是不讲"画理"的。教师不经意的一次指点,也许从此就扼杀了学前儿童的想象力,以至于学前儿童以后不愿意画,到长大后的不敢画。所以对儿童画的评述不能以成人的固t有观念和要求去看待,只有理解学前儿童心理,怀着一颗童心草能儿童画做出恰当地评价。 2.用想象的思维倾听 绘画对许多学前儿童都有强烈的吸引力,这种吸引力令很多教师感到惊叹。当学前儿童拿起笔绘出第一幅图画的时候,在成人眼里看来无论多么的不合常理,不合逻辑,都是学前儿童心灵的真实写照。儿童画以单纯、稚拙的方式认知世界,这种天性通过饱含感情,大胆无顾忌的手法表现出浓厚的生活气息。 教师通过认真地倾听学前儿童的绘画,就会发现不管是一条平直的线,还是一方简单的图案,那里都有学前儿童最真实的内心世界,有对生活的最独特的感悟,也有对未来最独特的向往。每一幅学前儿童的绘画都表现出一定的主题和情节。虽然绘画语言还不够成熟,画面构图与构成上还不够完善,但画面背后的内容中充满着很强的想象力,凝聚着对具有生活感受的形象思维表达方式,这是较高创作水平的一种体现。使学前儿童的心理、情感、智力等多方面都得到了锻炼,想象是儿童画恒久不变的主题,教师不仅仅停留在指导学前儿童画的层面上,而是能够和学前儿童一起展开想象的翅膀,飞进那梦幻般的世界。 3.用赏识的目光观赏 学前儿童以"无师自通"的方式,在绘画过程中表现出"画无定法,贵在得法"的原则。对于学前儿童来说只是通过绘画进行情感表达,学前儿童画不具有任何"功利"的目的,没有好与坏之分,只是学前儿童想象力表达的一种有效的手段。学前儿童在绘画过程中每一处细小的表达,都传达着内心世界对现实生活不同凡响的理解。要鼓励学前儿童大胆地进行各种形象绘画的尝试,对学前儿童绘画中表现出来的种种意识及时肯定,鼓励学前儿童进行自由地创作。 这些看似微不足道的艺术表现语言,教师大加赞赏的评价,会唤起其他学前儿童的表现欲,也希望用自己的艺术语言获得副教授的肯定,养成学前儿童"一物多写"的发散思维模式,为成为创造型人才打下坚实的根基。教师欣赏的目光、用积极的态度使学前儿童确信每个人都是自己生命的创造者。学前儿童的情感在自由绘画中抒发,寻求独立及自我探索的内在动力,是自主学习的开端,自信与形成的起点。在每一次激励与肯定的过程中树立学前儿童以创造性的解决问题、面对生活的态度。 4.用疑惑的意味指导 教师是学前儿童的第一任副教授,是学前儿童最亲密的"伙伴",是学前儿童模仿和学习的对象。而家人对学前儿童的影响力会在潜移默化中影响学前儿童一生的发展,教师的影响力远远胜过学校的教育。当学前儿童提出"给我画……"的时候,教师开始"示范教学",会使学前儿童养成依赖的习惯,不愿意独立思考,自信心在教师的"规范教学"逐渐中丧失。过早的介入与干预,就是剥夺学前儿童体验天马行空想象的自由,使学前儿童绘画可贵的原创性逐渐丧失。成长是一个奇特的过程,当学前儿童的认知达到一定水平之后自然会开始逐渐画得像。 要培养学前儿童的创造力,使思维扩散开来就要少干预,重视创造的过程,尊重学前儿童的情感体验,轻视创造的结果。在交流中了解学前儿童,善于观察、分析学前儿童对各种情况准确把握,为学前儿童"设置绘画障碍",让学前儿童在探索中独立思考,尝试探索。教师的主导作用在教学中是不能被否否定的,教师的指导可以建立在儿童的兴趣之上,在适当的时候以适当的方式教给学前儿童技能技巧,教师适当的"引导",虽然学前儿童对周边表现的漫不经心,但已经有内在的吸收心智。 对美的欣赏和理解不是教出来的,美的修养是在充满智慧的引导和启发中培育出来的。发散性的思考、创造性的解决问题是一种无中生有,不能教也无法学。学前儿童的美术教育需要的是认真地倾听、合理地引导、睿智的启发和衷心的赏识。并让学生在乐学与好学中自主地体验。学前儿童的绘画在于满足学前儿童创作的欲望,这是一种本能。尊重学前儿童、善于发现学前儿童、善于发现学前儿童作品中传达的思想与感情,帮助学前儿童树立自信心,在轻松的氛围中打开思维的束缚。用接纳与赞许的态度去对待儿童的每一次创作,鼓励他们去表现自我、表达自我,在交流中促进学生思维的发展,培养学前儿童创造性解决问题的能力。 学前儿童美术教育论文:美术教育中培养学前儿童创造能力的实施方法 幼儿美术教育是幼儿园教育中不可缺少的内容,和其他学科有着内在的联系。利用美术教育培养幼儿的创造力可以收到事半功倍的效果。创造力的形成并非凭空产生,它的产生和发展必须有坚实的基础:一是生理基础,二是知识基础,三是技能基础。创造性的形成发展还有赖于相关知识经验的基础,这要求多给孩子提供接触美术、了解美术的机会。 这方面,我除了给孩子们多提供动手机会外,还非常注意利用日常活动丰富孩子们的知识经验,如有一次,王涛小朋友在美工区内快活地摆弄着一些木片、纸条、小盒子等,可是,不一会儿,却见他沮丧地坐在那儿,望着眼前的一堆东西。一问才知道,原来他想做一个人造卫星,可是却做不出来。我告诉他,老师也不会做,但我们可以一起想办法,最后我们商定,请小朋友们一起帮忙搜集有关图片,然后再制作。整整一个星期,孩子们为了做出一个漂亮的卫星忙碌着,孩子们不仅找回了图片还制作了许多人造卫星,一个星期后,我们成功地举办了“人造卫星展”,并邀请其他班的小朋友来参观。通过这次活动,激发了孩子们对宇宙的幻想,在以后的活动中孩子们的想象更加丰富了。 创造能力的培养并不是一朝一夕就能解决的问题,这需要在教育工作中一点一滴循序渐进地积累。在美术教育中,更要结合美术教育本身的特点为学前儿童创设多种条件和机会。归纳起来,可从以下几个方面具体实施: 1、创造型教师热情引导幼儿。培养幼儿的创造力必须有创造型的老师。日本创造学家恩田彰认为,创造型教师能够在自己身上发现创造性并加以发挥,灵活性、创造性地授课,在教学中发挥创造性。每个幼儿都不同程度地存在创造意识,他们喜欢夸大自己感兴趣的部分。创造型教师不会高高在上控制他们,而是和他们处于平等地位,尊重和爱护他们富于个性的表现,特别是鼓励他们的创造,只要孩子有自己的创造意图,哪怕再“离谱”也给予充分的肯定。这样,幼儿的个性才会得到充分的发展,自我意愿才能得以实现,其创造力才会不断提高。 2、营造富有艺术氛围的环境。学前儿童从事艺术活动要有合适的环境,这样才有利于发挥创造性。这里的环境包括物质环境和心理环境。物质环境创设要富于艺术性,如在活动室挂置名画、幼儿作品等图片,摆放雕塑等艺术品,在活动区为幼儿提供进行美术活动的材料。心理环境是指营造自由宽松的气氛,教师激励、欣赏、接纳幼儿的创造等。 3、开展各种创造性活动。开展各种创造性活动是培养幼儿创新能力最直接的方式。目前在学前美术教育中使用的创造性活动主要有意愿画、主题画、手工制作、美术欣赏等。在活动中,教师要丰富幼儿的生活经验,提供探索和操作的材料,给予恰当的指导和建议。 “千里之行始于足下”,培养儿童的创造力不是一句口号,它的实现要靠教育者脚踏实地地工作。让我们做教育的有心人,利用一切教育因素,催开创新的奇葩。
少儿美术教育论文: 新时期少儿美术教育论文 一、点——找准关键点,以兴趣出发,四两拨千斤 条条大路通罗马,通向美术王国的大路成千上万,选准一条路虽然能够具有突破性,对于少儿的特长发展意义深远,但是单一的美术教育往往无法让学生全面发展,更需要吸收众长,这种吸收就是从各个绘画风格中将其优点拿来为我所用。在少儿绘画中,对彩笔画、铅笔画、水彩画、水粉画、素描、油画、版画、国画等等,少儿有不同的选择和抉择,个人的兴趣爱好决定了其价值取向,这个点就是自身的发展点。每种绘画都有其不同的风格,而且有不同和相通的技法。我们在学习彩笔画或者铅笔画的时候,基本的线条走向与背景渲染,都是各种绘画相通的,而且最好都需要素描作为基础,这样更能够提升少儿的绘画水平。素描重在对于结构的勾画和比例的搭配,更能够提升画作的质感和距离感,举这个例子的目的就是在少儿美术教育中,要重点也要辅助,做到全面发展,这是我们需要有效思考的一个方面。 二、线——纵向深入学习和螺旋式发展,巩固加提升 1.重点突出,兼以技巧的共通 美术中互补的作用很强,我们往往在视野面不够开阔的情况之下,造成单方面的理解,由于单一的美术学习,往往限制了我们的发展。我们要求在少儿美术的学习当中,突出学习重点,但不是学习唯一,我们这个时候要遵循线性思路,不断地纵深发展,同时做到螺旋式的发展、巩固加提升。我们不提倡在少儿美术教育中的三心二意,也不提倡全面撒网,找到共同的东西,然后互相取长补短。例如一个孩子在学习水粉画作为重点的时候,这个本身就是一个关键点所在,可以作为不变的兴趣爱好,作为不变的一个主线,长时间在教授这种美术风格画作的时候,往往造成思维的单调性,找到油画作为辅助学习,两者在很多方面可以共通,水粉的调和与水粉画壁,油画颜料与油画棒,两种不同属性的绘画方式与技巧,可以在两者中体会,并且相互融合。同样是在一个平面之内创作,对于创作材料的使用,往往不同,我们可以将两者同时运用在不同的材料之上进行创作,将两者的风格相互融合。 2.形成螺旋式的渐进结构,复合式的学习与提升 不是为画而画,也不是为教而教,单一的目的缺乏持久的动力,单一的美术教育束缚少儿的思想,不利于以后的美术教育和发展。在美术教育中,提倡螺旋式的教育结构,即在一定程度的时候,稍作停顿,返回到上一层去,让少儿进行自我琢磨和思考,找出可以创新的地方。例如在素描的绘画学习中,关于十字分割的比例搭配,我们通过若干的十字线,将画作分割成几个不同的部分,在不同的区域之内我们进行有效的搭配与提升,这个过程锻炼的就是学生的观察力,而且需要长久的练习来巩固。 孩子往往在比例搭配方面有所欠缺,在达到一定的时间段之后,我们稍作停顿,做螺旋式返回,进行巩固,对于以前画过的作品,进行二次修改,这种修改就是一种纠正,并且能够得到二次提升,这比单一的新作品练习,更能够提升很多,并且能获得许多额外的收获和体会。螺旋式的结构不是停滞不前,而是换了一种方式前行,这种方式往往具有全面发展的结果,并且能够带来有效的创作灵感,我们教授美术时,在少儿当中应该提倡反复研习旧画作,并且将不同的地方进行修正,不断地将改进点渗透到新画作当中去。 三、总结 综上所述,少儿美术教育除了要继承传统美术教育的优点之外,更要从少儿本身的情况出发,根据个人的兴趣爱好、不同需求以及个人习惯等特点,因地制宜,因材施教,找出更多更好的方法来进行教育创新。 作者:王志玲 单位:新疆昌吉州呼图壁中等职业技术学校 少儿美术教育论文:少儿美术教育论文 一、当前少儿美术教育之现状 (一)学生审美个性培养不足 美术是一个培养审美个性发展的学科,在传统美术课上,教师常常“满堂灌”,把自己的审美观念强加给学生,学生的个性化发展显得尤为不足,作品大同小异,多数是照着老师的范画临摹,缺少自己的感悟。学生作品中,加入了太多成人化的认识,缺少儿童天真烂漫的绘画语言。我们知道,个性化审美是审美的最高阶段,然而人们忽视了学生审美个性的发展,偏离了审美活动的本质。在传统的教育里,绘画必须“画得像”才能被认为是好作品,那些思想和而不同、绘画表现怪异的学生常常被排挤,这对于个性的培养是很大的打击。美术与其他学科的差别在于,美术离不开个性与情感。美术教育通过独特的形式培养人的艺术思维,发展学生个性。但在实际教学中很多教师并未认识到这些实际问题。 (二)对非智力因素重视不够 笔者査阅相关资料发现,我国对非智力因素教育发展的研究总体水平是偏低的。在当前的应试教育体系中,公众过于强调智力因素的发展,并没有考虑到非智力因素对儿童成长所起到的关键作用。在学校教育中美术被当作“小三门”(音、体、美)而不受重视,但美术恰恰通过培养人的观察力、表现力、创造力,进而激发兴趣并促进非智力因素的发展。对非智力因素不够重视的原因是多方面的。首先,音乐、美术这些对于非智力因素培养具有重要作用的学科并没有放在与语文、数学相同的地位。在小学阶段,学校多少还重视这些课程对于培养学生兴趣爱好、拓展知识领域等方面的作用,但到了高中,如果不参加艺术类高考,这些课就被取消。这对于培养非智力因素来说不啻于一次重大的打击。其次,素质教育流于形式。当前部分中小学虽然开设了这些艺术课程,但是仍然流于形式,个别教师根本不知道该怎么培养学生的非智力因素的发展,照本宣科,学生提不起兴趣,学生主体作用得不到发挥,非智力因素就受到限制。 (三)学生没有实现真正的“理解” 在当前的美术教学中,公众把注意力极大地集中在美术教学的“双基”上,对于美术教学并不注重“理解”,所谓“理解”就是一个人能把在任何情景下学到的知识应用到恰当领域中,然而在实际的教学成效中,学生不会应用所学的知识来解释新形式,学生并没有真正理解这些知识的作用。举例来说,在美术课中讲解人体比例时,每个同学似乎都记住了人物面部比例是“三庭五眼”,头与身体的比例是“站七坐五盘三半”,然而在实际绘画过程中,因为角度高低的不同或者因为人体结构的变化,这个比例并不是一成不变的,如果同学仍然按照这个规则画,就并没有真正理解。这种状况是令人沮丧的,虽然我们在少儿美术教学中教会了学生基本的绘画技巧,但是他们绝大多数仍然不能通过更严格的或者更基本的检验,更为甚者,我们的一些较好的学生,也没有实现理解。 二、如何构建新型的美术教 (一)重视学生审美需求 在美术教学实践中,教师应该根据审美个性心理发展的特点,给予学生正确的引导,促进其个性的发展。首先,应该尊重学生审美能力上的个体差异。这要教师因根据美术教学差异性特点,在教学各个环节都考虑到学生的差异,选择有特点但又风格不同的作品启发学生,尊重学生对同一作品不同的看法,允许学使用不同的表现于法。正视学生是一个独立思考的个,有自己的美感体验,这对于促进他们人格的发展具重要作用。其次,运用多种强化审美个性的教学方法。实际教学中,我们可以用一些具有发散思维的命题来启发学生,例如:把纸随意揉成一团,然后打开,让学去联想纸上不规则的纹路,这样每个人看到的、想到都会不同。在创作中,老师要鼓励学生大胆创作,也以使用“头脑风暴法”激发学生创意思维,讲解要精,示范要尽量打丌学生的思维,这样每个学生的个性能得到充分拓展。最后,充分利用校外资源。校外资源包括美术馆、博物馆、艺术家工作室等,这些资源都学校资源的有益补充。经济的发展,生活水平的提高,人们对于艺术的关注也在加强,美术馆为人们的审美供了一个渠道,我们可以利用美术馆优质资源,幵展校馆结合的美术教育活动,促进学生审美品位的提高。 (二)加强非智力因素的培养 非智力因素又称非认知因素,包括情感、兴趣、意和性格等。要理解其含义必须先理解什么是智力因素。力因素是保证人们成功进行认识活动的各种记忆力、观力、思维能力等认识能力的综合。它与非智力因素共同成了认知的整体。在美术学习中,非智力因素主导审认识活动,学生只有心动,才会行动,因此美术学习着重加强对非智力因素的培养。为此,我们可以从以两个方面入手: 1.塔养学习动机。所谓学习动机就是唤起个体的学热情,弓I导其行为朝向既定目标、维持学习所必需的内心理状态。学习动机大多是后天培养的,当学生缺乏学动机时,教师必须通过多种学习方式激发和培养学习动。教师可以让学生在美术实践中尝试获得成功的体验,学生获得成就感就会对美术学习产生兴趣。适当的强化是很有必要的,相互比较才能促使进步,还可以营造出种竞争的氛围,这些都有利于学习动机的培养。 2.培养学习情感。学习中会产生很多情感,有消极有积极,教师应该引导积极情感,帮助学生调整自己情感并能把调整好的情感带入其他课程的学习中。对,教师尽量满足学生合理的需求。情感是在需求的基上产生的,与需求相符就会产生积极情感;反之,则消极情感。要让美术学习成为一种“快乐活动”,让学生拿起笔画画,表达情感和认知,调节心情,陶冶性情,培养学习意志。意志是在遇到困难时的自我调节,美术学习中会遇到很多困难,是知难而“进”,还是知难而“退”,教师可以设董一些困难情景,让学生必须通过努力才能获得。以上这些对于非智力因素的培养具有重要意义。 (二)在情景中实现对美术的“理解” 在现实的美术课堂中,“理解”应是美术教学的重要一环。在课堂上,学生需要学会展示“理解”。也就是说,能够从生活出发,理解和欣赏艺术作品的内涵。把个人的生活体验带入自己的作品中,把自己的作品与生活联系在一起,创作出触动灵魂的美术作品。不仅如此,学生还要能够分析艺术品或教科书范画,并清晰说明创作法则。要使学生达到这样的理解程度,教师就必须在轻松愉悦的氛围中教学’教师可以讲解与课程相关的创作知识和通俗易條台主、有表现力的作口口,让子生明白这些取基本的知识,然后让学生参与其中。教学应讲实践、重角军读,不断提出问题,让学生在实践中不断深入思考,从而培养学生进一步挖掘问题的能力。总之,应采用“螺旋式”上升的授课方式,让学生在情景中去不断深入挖掘,这样学生在学校里就能够多次接触丰富的、具有启发性的思想,这为实现真正理解并尊重人文打下了重要的基础。 三、结语 总之,新视野下的美术教育的目的应该是培养学生的想象力,增强学生的创造能力’尊重学生的个件差异,让学生学会多种思考方法。美术教育是人类文化的重要组成部分,是艺术教育的优秀。我们必须要转变教育观念,把新的美术教育理念融入社会、学校、家庭中,用新的理念去尊重每一个学生,并充分发掘每一个孩子的潜在的能力,到那时,蔡元培全民普及的美育或许就能真正得以实现。 作者:周志远 少儿美术教育论文:课外少儿美术教育论文 一正确认识少儿美术教育的意义 美术教育的根本出发点在于培养学生的正确审美观,提高学生感受美、欣赏美、创造美的能力。美术教育是审美教育的主要途径,能促进少儿感知和形象思维能力的发展,更能促进他们个性化发展和全面发展。美术教育不仅仅是一种单纯的技能训练,还是一种文化的熏陶,只有在文化情境中学习美术、感悟美术、接受美术,才能真正感受到美术的魅力和精髓。美术学习对于少儿审美力、鉴赏力、创造力、想象力、感受力的提高都具有不可替代的作用。创造美术作品的过程会使少儿掌握表达情绪、诠释事物的另外一种方法,美术教育能影响少儿一生。 二理性分析课外少儿美术教育中的问题 在少儿学习美术的过程中,教育机构和家长在认识上的误区、美术教学选择内容的偏差,都会导致少儿的美术学习道路越来越窄,对美术的兴趣越来越淡。第一,教育机构存在的危机。当前很多课外少儿美术教育机构因为不是公立学校计划招生,在保证教学环境、师资、课程内容的基础上,要面临招生的巨大压力,存在危机感和效益的直接压力令很多教育机构不能坚持办学,办学大环境的混乱给少儿美术教育带来不好的影响。第二,教育机构自身师资、课程内容等软实力欠缺。课外儿童美术教育机构在近几年如雨后春笋般纷纷成立,却没有稳定的师资队伍、与时俱进的教学方法、日益完善的教学环境做支撑,往往没多久就因经营惨淡直至倒闭,给家长在教育机构的选择上带来困惑,令社会对课外少儿美术教育失去信心。第三,家长盲目跟风的不坚定性。一句“不让孩子输在起跑线上”将年轻的父母们推向儿童教育的误区,很多家长为了孩子未来在竞争激烈的社会中拥有一技之长,并不重视孩子的自身特点与愿望,在选择课外教育机构的过程中盲目草率,这样的学习往往虎头蛇尾,没有计划性和持续性。第四,双方急于求成的功利性。在少儿学习美术的过程中,无论是教师还是家长,往往追求速成,而评价少儿是否获益往往是孤立地、单纯地看他们画得像不像,而不是美不美,更不是儿童是否快乐,这就把妙趣横生、激发孩子灵感的美术课上得死板、枯燥,令人生烦。 三深入探究课外少儿美术教学对策 第一,学习初期的兴趣培养。“兴趣是带有情绪色彩的认知倾向”,对美的追求与创造是人的天性,我们人人都是美的追求者,人人都可以成为美的创造者。新《美术课程标准》在前言部分的“基本理念”中就激发学生学习美术的兴趣进行了说明,“应充分发挥美术教学特有的魅力,使课程内容与不同年龄阶段学生的情感和认知特征相适应,以活泼多样的课程内容呈现形式和教学方式,激发学生的学习兴趣,并使这种兴趣转化成持久的情感态度。”要调动学生的学习动机,充分利用美术学科的特点来激发学生的学习兴趣,让他们体验到学习的乐趣。 第二,启蒙阶段的自由引导。孩子开始学画最好的年龄为4~6岁,这个年龄的孩子对点、线非常敏感,他们的画面里也主要以这两种方式来表达。这个时候学习美术的需求是更多地接触画面、形象、颜色,简单地表现自己的想法,开发少儿的想象力、专注力;要从少儿心理的角度出发,通过他们对颜色、画面的选择与构建来发掘他们的潜力。 第三,进阶期间的“像与不像”。我们发现,通过一个阶段的学习,家长和孩子都认为该“见到成效了”,该“画得像了”,他们在一张画面中更专注的是对“形”的要求。从少儿生理与心理发育方面来看,这个要求是正常的,7~10岁的少儿,不仅有了完整的思维方式,而且手脑的配合已经完全协调了,他们已经可以理解并把形状画得相对准确了。但是,单纯将这一阶段的问题围绕像与不像展开,则是得不偿失的。很多孩子拿着范画一笔一笔地照着画,挣扎于像与不像之间,非常焦灼痛苦。教师应鼓励孩子在画画的时候加入自己的主观想象,只要能抓住所画对象的主要特征就完全可以了。这一阶段最好的课程内容应以他们喜爱的卡通画、线描画为主,通过对点、线、面、体的全面认识与运用,完成对美术进阶阶段的培训目标。 第四,学会欣赏。家长是孩子作品的第一欣赏者,学会欣赏孩子的作品是每个家长的必修课。正如前文所述,如果单纯以相似度来评价少儿的画,我们就会扼杀孩子的想象力和创造力,将孩子的手脑局限起来,将孩子的思维禁锢起来,他们无法完全掌握教师要求的“技巧”,不明白教师为何而生气,在不断地否定与自我否定之后,慢慢开始排斥、厌烦美术。所以说,家长和教师对孩子画面的尝试性理解和发自内心的赞赏要比告诉他们像与不像更令他们兴奋,更能激发和推动他们的学习兴趣和创作主动性。“孩子是最伟大的艺术家”,如何将孩子与生俱来的对美的感受和创造美的天赋通过美术教育得到更好的延伸与发展,是美术教育工作者应思考的重要问题。 作者:徐秋实 单位:北华大学美术学院 少儿美术教育论文:强化少儿美术教育的品质 一、教学方法呆滞 当前形势下,少儿美术教育的教学方法过于呆滞。一些美术教师总是根据成人化的美术教育理念开展教学,从而让教学方法显得过于死板。譬如目前的少儿美术教育,皆是由教师示范性地画,然后让孩子们跟着老师一起画,最后就是教师对孩子们所作的画进行评价,谁画得最像示范画,谁的画色彩最为协调恰当,谁的画最为漂亮。然而这种模式化的美术教育已经完全超出了少儿美术教育的范围,这应是属于以成人为对象的专业基础绘画教育的范畴。长期运用这种成人化的方式教学,会严重钳制少儿美术教育的质量。因为这种美术教学方式仅是单纯地传授了绘画技巧与绘画技能,而没有注重开发少儿的美术思维,扼杀了少儿在美术方面的想象能力与创新能力,更为严重的是还会影响少儿对美术的审美能力。因此,上述呆滞的美术教学方法是少儿美术教育中应该禁止的。 二、提升策略 1.转变教育理念。在少儿美术教育的进程中,不论是教师还是家长都必须改变既有的教育观念。在上文中很多家长与美术教师都认为少儿美术教育只要注重绘画知识与绘画技能的培训即可,这是一种世俗态美术教育观念,是片面的,倘若教师按照这一理念教学,家长按照这一理念督促孩子学习美术,会严重钳制孩子在美术上的发展。对此,笔者认为美术教师与家长必须彻底摒弃这一教育理念,树立以“启蒙”为根本的教育理念。这种教育理念是指在少儿美术教育中必须注重培养孩子的审美能力、欣赏能力、思维能力、认知能力以及创新能力。即在少儿美术教育中不但要教授绘画知识与绘画技能,还应注重培养孩子对美的感悟能力以及对美术所形成的特有灵感,以此调动孩子们学习美术的积极性。美术教师与家长只有形成了启蒙的教育理念,才能有效提升少儿美术教育的质量,才能让每个孩子在现有基础上有所进步。 2.从少儿角度实施多维度的教育方式。少儿美术教育应从少儿的角度进行全方位的考虑,彻底放弃单一化的传统教学,实施多维度的教育方式。虽然少儿从宏观范畴来说,年龄属于同一个阶段,可是他们在美术方面的兴趣截然不同。因此,在少儿美术教育中必须着眼于少儿的具体情况,实施不同的教育策略,才能有效促使他们在美术领域获得持续发展。对少儿美术作品的评价绝对不能像评价成年人一样如实指出,而应根据少儿的心理特征实施以鼓励为主导的评价模式,以此调动广大少儿对美术的兴趣。少儿在美术领域的创作往往不是很成熟,倘若经常运用鼓励、表扬的方式肯定他们的绘画作品,会让他们对绘画更感兴趣,从而画出更多的画,久而久之,他们就会明白自己的缺陷所在,绘画质量也会得到大幅提升。综上所述,少儿美术教育不但要教授孩子绘画知识与绘画技能,还应培养孩子的审美能力、鉴赏能力、创造能力。这就需要广大美术教师与家长必须改变陈旧的教育理念,根据少儿的心理特征实施与时俱进的教学策略,构筑具有激励性的评估体系,方能促进少儿美术教育质量更上一层楼! 作者:管瑛 少儿美术教育论文:美术教育推进少儿智力发展 近年来,素质教育作为教改的热点已引起教育界的极大关注。美术教育尤其是儿童美术教育与活动在素质教育中的特点与优势,正不断引起教育界与社会应有的重视。美术教育与活动作为一种教育手段,正以其特有的方式在当今素质教育中将起到越来越重要的作用。随着国家对美术教育改革的不断深入,社会、学校和家庭越来越重视对儿童美术素质的教育和培养。人们也逐渐认识到,儿童期是各种感知觉发展的敏感期,也是开启智力发展的最佳时期。智力是智慧和能力的综合体现,主要包括感受力、观察力、记忆力、想象力、思维力、创造力等,而以思维力和创造力为其优秀。通过美术教育,不仅可以培养儿童感受绘画、理解美、表现美、欣赏美、创造美的能力,而且能陶冶儿童情操,开启儿童智力,促进其自身各种因素的协调发展,从而提高儿童的素质,实现个性全面和谐的发展。美术教育对学生智力的开发和综合素质的培养,主要体现在如下四个方面:1、培养敏锐的感知能力和超强的记忆力(记忆画、默写等);2、儿童观察事物的能力和思维想象能力(写生、速写、想象画);3、儿童动手能力(手工、泥塑等);4、儿童创造性思维的能力(创意画、创作)。 一、美术教育培养敏锐的感知能力和记忆力 美术教育是在美术活动中发展儿童的感官,培养儿童的感受能力和知觉能力的过程。他们在绘画中表现出对事物敏锐的感知力、细致入微的观察力以及超强的想象力等。儿童绘画是儿童美感认知功能的一种体现,儿童通过感觉、知觉、想象等心理活动创造绘画。因此,感知能力是儿童身心发展的重要因素,也是儿童审美能力培养的主要内容。美术活动是通过视觉和触觉以及感觉进行的绘画表现过程。感觉是人认识事物的前提,感觉是通过感觉器官(眼睛),对周围事物直接感知和感受的过程。儿童通过看、听和触得到最初感觉,感觉是儿童理解和想象事物以及表现事物的前提。知觉是人对于事物的不同特征(如事物的颜色、形状、大小等要素)表现出对事物整体形象的把握。感知能力在儿童的审美体验中起着十分重要的作用,因此在美术教育中培养和训练他们的感知力是非常必要的。很多的动物的形象都可以用各种形状去概括。再通过儿童对各种动物的感知后总结出它们的相同与不同之处,然后进行归类,学生通过归类从而把复杂的动物形象变得简单化。 另外,感知能力是各个领域中人发展创造力的基础,但它并不是与生俱有的,而是在实践活动中通过视觉、听觉、触觉等刺激而锻炼发展出来的。儿童在绘画时并不是对外界事物的机械的复制,而是有选择的进行绘画的行为,他们对外界的选择常常受情感支配。例如,我在教学儿童想象画《城市的街道》,孩子们首先说说城市的街道的样子,我让他们自己去通过记忆来感知城市的街道,以及想象未来的绿色城市的街道,在接下来的时间里我看到了孩子们把感知的形象表现在画面上,形式美感极强,高低错落的建筑、黑白相间的斑马线、绿色葱郁的植被以及来来往往的人群等。有的孩子画了两个街道,一个是现在的城市街道,一个是未来的城市街道。一幅幅生动的画面体现了儿童的想象能力、环保意识以及儿童对现实的审美能力,这种审美能力也是在眼睛感受到形式美之后产生的。绘画同时需要很强的记忆能力,现在的美院高考以默画的形式很多,主要是考查学生在学习绘画过程中大脑积累和保存个体经验的能力。记忆力是指把感知过的形象或从事过的绘画过程在头脑中贮存起来并再现出来的能力。学生正是凭着记忆才能在感知的基础上形成思维、想象、创造等高级的心理过程。没有记忆,感知觉就不会留下任何痕迹,智力就不可能得到发展。 二、美术教育培养儿童的观察力和想象力 儿童的眼睛对事物是非常敏感的,对事物的观察能力是很强的。人的大脑所获得的信息,有百分之八九十是通过眼睛吸收进来的。因此,有人说观察是智力活动的门户。人在学习知识的过程中,都是从观察开始的。要提高孩子的学习成绩,发展智力,必须先提高他们的观察力。那么在美术这一学科中是培养学生观察力的最好媒介,因为绘画艺术是视觉艺术,学生的形象思维、想象、审美能力都是在观察基础上发展的,学生通过良好的观察力获得知识,形成技能从而发展智力,而通过美术这一学科正是培养、发展和提高学生观察力的重要途径。在美术中培养的观察力,不仅进一步提升美术的质量,而且会开启儿童的智力。观察是人类知识的主要来源,是智力开发的基础。观察是学生自己独立获得感知认识的过程。儿童处于大千世界中,他们随时随地都在进行着观察,周围的一切都作用于他们,可以说生活处处都有条件培养儿童的观察力。但儿童在感知事物的过程中,无意性和情绪性很明显,而知觉地选择性比较差。他们在观察事物时常常只看到表面现象,不能仔细地观察,这种观察是属于“随意性观察”。而美术教学中教师要指导他们进行“目的性观察”,观察前要求他们明确观察的重点和范围,引导他们通过比较找特征,根据变化找规律,让他们有充分的时间进行全面细致的观察,使他们在实践中学习观察方法,掌握观察要点,从而掌握事物的变化规律。 在美术教育中儿童用双眼认真仔细观察生活中的事物,感受自然界的美好,从而激发起对生活的热爱,对祖国的热爱。例如我在教学风景画时领孩子们到大街上(或公园)去,引导孩子们观察事物,看大街上都有什么,公园里有什么,每个事物(说出十种或更多)形状、大小、颜色、功能等。观察地面有什么,天空有什么,动的有什么,静的有什么等。观察后回来画一幅画《繁华的城市》《美丽的公园》或画一幅《绿色城市》等。孩子的观察和成人的观察是不同的,他们的观察往往带有自己的感受,是主观的、天真的。这样通过观察画出的画不仅生动而且还培养了孩子们善于观察事物的能力。教师不要把自己眼中观察到的去强加到孩子的身上,教师应该让孩子自己去观察他们眼中的世界,这样的画才是孩子的世界。观察是想象前提,没有想象也就不会有创造,想象力来源于观察后的感受,由观察想象到创造性思维的闪现是一个顿悟的过程。儿童时期是想象力最为发达时期,儿童时期的观察力和创造力最为旺盛。想象的内容也要有来源,那就是大自然所给予的一切。在观察、写生的教学活动中,学生对事物的表象逐渐积累,在构思时就运用已有表象在大脑中进行大胆的联想与再创造,有时也会突发奇想,在绘画过程中有意识地把观察到的景物进行添加、改变、不知不觉发挥了学生的想象力与创造力。在美术教育中,教师要通过挖掘、引导、启发,使学生想象的翅膀能在广阔的艺术天空中翱翔。 儿童时期是想象力发达时期,不同时期应采取不同的引导方式,分阶段的进行不同画种的教学。儿童时期正是儿童想象力最丰富的时期,这个时候应开设一些想象画或儿童创意画,例如4岁到8岁的儿童开设创想画,针对每个孩子的不同性格气质,激励、开发儿童与生俱来的艺术天赋,充分开启儿童的想象力,画种可以选择水彩蜡笔画、线描画、水粉画、现代水墨画等。9岁到12岁才可以开设速写、素描和色彩。过早地把绘画技法教给孩子,想象力却受到制约,因为孩子的思维能力还不能综合全面地分析问题,他只能照顾到一面,另一面就照顾不过来了。比如在我所教的孩子中有一个六岁的孩子,当初他到我这里学习绘画时,他父亲要求孩子学习素描,我说六岁的孩子正是想象力发展最丰富的时期,适合于学习儿童创意画,可他的父亲却要求学素描。就这样六岁的孩子硬是学起了素描,后来的结果可想而知。儿童美术教育不是专业教育,更不是职业教育,它是人的发展教育,它以智力开发和非智力培养为宗旨,是注重孩子综合素质的教育的过程。 三、美术教育培养儿童的动手能力 在人的智能结构中,动手能力是一种最基本的而又十分重要的学习能力,儿童的许多知识技能都是在操作活动中学会的。儿童期正是躯体动作和双手动作发展的最佳阶段,而手腕和手指等小肌肉群的运动,能直接刺激大脑皮层,促进大脑皮层机能的发展完善,大脑的完善发展又促进手的运动更加灵活精细,并对幼儿的智力和创造才能的开发打下生理基础。儿童的动手能力在美术教学中是最能体现的。儿童所开设的的绘画、泥塑、剪纸、折纸、手编、布工等丰富多彩的美术活动,无一不是在手的协调操作下进行的。因此,儿童的美术教学对培养幼儿的动手能力,有不可替代的作用。例如,现在的幼儿园应该从托班就开始接受正规的美术教育,运用橡皮泥进行捏,运用剪纸进行撕、刻,运用布、塑料等废弃物进行贴,利用卡纸折各种形象,用画笔进行涂抹等,直至中班动手习惯就会逐渐形成。其实从儿童早期就开展一些简单的剪剪、捏捏、画画、贴贴等美术活动,将有利于儿童动手能力的培养。我在教学图案设计课体会很深,我让学生用多种材料和技法来完成,如蛋壳画、旧报纸、沙子、干树叶等多种材质进行粘贴,运用蜡刻、墨刻、刮粉等多种技法进行装饰画的创作,学生动手制作的起来情绪非常高,作业是自己设计并运用多种技法完成的。通过动手制作不仅开启了学生的创造性思维,而且增强了他们的创新的意识,从而激励他们不断地去研究和探索。培养儿童的动手操作能力是现代素质教育的发展需要更是开启儿童智力的一把钥匙,那种脱离教学而变成单一的、机械的、无目的性的操作,不但不会提高学生的动手操作能力,反而会让学生对其厌烦甚至丧失兴趣。因此在美术教学中对学生动手能力的培养要适当、适合、适用。真正做到对学生智力的全面开发,从而调动学生的积极性和培养学生的创造性。 四、美术教育培养儿童的创造性思维 创造性思维是一种开创性的探索未知事物的高级复杂的思维,是一种有自己的特点、具有创见性的思维,是扩散思维和集中思维的辩证统一,是创造想象和现实定向的有机结合,是抽象思维和灵感思维的对立统一。这种思维方式是遇到问题时能从多角度、多侧面、多层次、多结构去思考去寻找答案。既不受现有知识的限制,也不受传统方法的束缚,思维路线是开放性、扩散性的。它解决问题的方法不是单一的,而是在多种方案、多种途径中去探索,去选择。它能把学生置于新角度、新思路、新情况与新问题之中,适应学生带有理性色彩的好奇求新的心理。儿童的创造思维的发展是源于生活的。创造能力的一个重要组成因素是创造性思维,创造性思维是人脑特有的功能,也是人脑功能的最高表现。尤其是在美术这一学科的教学,更能激发学生大胆的想象和创造,积极引导他们去探索。儿童时期是创造思维的培养的最佳时期,因为人从婴儿时期从他会拿笔时就会画,尽管是涂鸦期,可以说人类绘画的发展是先于语言的。现在大多数儿童都能作画,生活环境决定着儿童绘画的题材,新鲜有趣的事物激起儿童的创造的兴趣,引发儿童创作的冲动,当那些生动形象跃然纸上时,我们就能体会到儿童自身所蕴藏的创造能力和表现能力。儿童的想象力、创造力在思维训练中体现出来,在这里儿童往往能创造出使他认识到自身创造性潜力的绘画作品,这个过程为儿童带来作画的是兴奋感、愉悦感、自豪感和满足感,并进一步激发其形象思维、创作灵感和表现欲望,在其绘画作品中体现出来。儿童通过运用各种形态的线表现动感、节奏感,用错落有致的随意形阐述内心的天真童稚,尤其在线描画教学中是最能体现儿童的随意性想象性和创造性。从而启迪了儿童的潜在的美感意识和形成良好的思维品质,真正达到通过美术教育来培养儿童的形象思维和创造的能力,更全面地开启儿童的智力发展。 随着学校素质教育改革的不断深入,美术教育已成为素质教育的有机组成部分,美术教育不仅培养儿童的感知力、观察力、想象力、思维力和创造能力,而且通过美术教育培养儿童健康的审美观念和审美能力,陶冶儿童的情操,激发儿童的想象力和创造精神;美术教育不仅是对儿童的智力进行全面开发的过程,也是形成儿童基本的美术素养的有效途径。那种纯技能的美术教育已不适应新的形势,因此,构建和培养以思维力和创造力为其优秀的全新的美术教育模式就成为当前小学美术教育教学中的重要课题。在培养创新人才的任务中,美术教育工作者责无旁贷。因为美术教育对儿童智力的开发是最具有成效之一的课程。 少儿美术教育论文:新时期少儿美术教育研究 摘要:21世纪以来,美术教育依然没有受到重视,而是被当成“调剂课”,在发达地区和欠发达地区差异明显。各种各样的培训学校,使美术教育变得更加功利性。鉴于我国美术教育的诸多问题,如何走出一条适合我国的美术教育之路需任重而道远。 关键词:教育观念;教育公平;培训机构;办法 一、我国少儿美术教育存在的问题 (一)旧的教育体制根深蒂固 教师仍然以传统的“以教为主”的传统教学模式为主。在以老师为主导的学习模式下,老师往往根据自己的经验或者是自己固有的观念传授给学生,学生的思维往往被老师限制,往往不是主动接受老师的思想观念。在“以教为主”的过程中,老师往往占据的是主导地位,而学生被放在了次要的位置,本末倒置。而另一方面,没有充分发挥孩子的积极性和主动性,孩子的思维受到了限制,从而导致很多孩子缺乏创造力和想象力。大多数老师仍然以画的像或不像来评价一个学生。孩童时期是孩子想象力和创造力最丰富的时间段,作为老师我们应当鼓励孩子把自己心中的所想象的东西用绘画的形式表达出来,我们更不应该以成人化的角度去看孩子们的画。孩子们的想象力是很丰富的,我们应该鼓励孩子们按照自己的想法大胆的去做,做到与众不同。 (二)美术教育资源分布不均匀 美术教育投入严重不足。近年来,我国不断加大对美术教育方面的投入,但美术教育的投入总值的比例一直很低。美术教育投入和发达国家差异明显,教育资源的扩散和教育资源的改善依赖美术教育的投入,对于美术教育的基础建设和师资力量亦是如此。资源配置不合理。教育资源开始面向中西部地区、偏远地区和边疆地区。虽然国家加大了对这些地区的资金投入,这些地区仍然和发达地区存在很大的差异。加剧了美术教育资源分布的不均衡。人们对美术教育的需求正在增长。社会越来越关注孩子们的全面发展,加上独生子女的普遍化,更多的家长希望自己的孩子应在起跑线上,让孩子参加各式各样的美术培训班和特长班。很多培训机构良莠不齐,严重影响孩子的健康发展。 (三)不能适应新时代的要求 近些年,学校加强美术教育已经成为一个不可避免的趋势,美术教育呈现一派繁荣,但在繁荣的背后有很多问题让我们不得不担忧。很多学校只追求升学率,在单一的基础上高度重视文化知识教育,而忽视了美术教育的重要性。只重视专业的美术培训,忽略了文化知识的重要性,培养出来学生的形式主要是高分低能型的。由于这些错误的观念和思想偏离了全面发展的原则。 二、应对措施 (一)家庭方面 儿童时期是孩子兴趣和爱好非常广泛的时期。我们要好好趁这个时候充分发掘和培养孩子的兴趣爱好,促进孩子的全面发展。观察和体验生活中的美。孩子们的观察能力能够通过不断地训练得到很大的提高,有助于提高对孩子美的认识和理解。保持童心不要束缚孩子的心灵。儿童的心灵是纯洁的,应该意识到天真、率性是孩子的本性.对于我们来说,画一幅画可能要考虑到整幅画面的布局,构图和色彩表达等。而对于孩子来说是不一样的。他们画画就是简单、纯粹、无目的表达和玩乐,用线条和色彩来表达他们自己内心最真实的想法。提供范本供孩子学习、参考。童年时期提供范本给孩子是非常有效的学习方式。一方面,增强了孩子对美术学习的兴趣。另一方面眼睛和手的协调能力也得到了锻炼,有利于孩子形象记忆的培养。丰富的想象力是孩子与生俱来的财富,丰富的想象力是上天赐予每个孩子的天赋。 (二)学校方面 改变不合理的制度。现今社会越来越需要德、智、体、美、劳全方面发展的人才。所以如何培养适合社会发展的人才提出了更高层次的要求。学校应转变树立新的教育教学观念,让美术课程成为和文化课并重的课程而不是成为可有可无的调剂课。美术教师应具备新的教学理念。教师自身的人格魅力是上好一堂课的关键所在。幽默,风趣的美术老师可以很好的调节课堂气氛,让学生在良好的学习氛围中完成学习任务。现在我们的儿童艺术往往太注重绘画的方法和步骤,这样的做法往往会限制孩子的想象力和创造力。在布置教学内容的时候,我们更多的应该站在孩子的角度上,多考虑孩子的内心感受,忽略我们成人特有的思维。在孩子画画的过程中不要强加干涉,只应该给孩子一个大的构思,至于孩子用什么工具和方法完成作品的过程应不做限制,让孩子们充分发挥他们的奇思妙想,增加孩子对绘画的积极性和热爱。新时期老师如何评价孩子提出了很多要求。很多老师在评价作品时,总以画的像或不像的成人观点来评价孩子,这样对于孩子来说是一种误导。作为老师,在评价孩子作品的时候,主要是看孩子的画作有没有自己的想法和自己个性,我们在点评他们的画作的时候应该鼓励他们充分张扬他们的个性,大胆的去想象和创作。 (三)社会方面 增加中央和省级金融投资,进一步加快和完善美术教育保障体系,并建立相应的美术教育投资体制,确保教师和学校基金能够及时到位的问题,提高农村学校的重建和转换。国家应加大对西部偏远地区师资力量。国家应逐步缩小提高西部偏远地区教师的收入水平。吸引和鼓励更多的教师和优秀的大学生投身于西部偏远地区的教育事业中,完善西部偏远地区教师的福利。政府要不断加大对基础设施的投入与建设,只有这样,才能解决西部偏远地区发展和美术教育的问题,才能够推动西部地区经济的发展。加大对培训机构的管理和监督制度。现有的很多培训机构存在缺乏管理,证件不齐等诸多问题。国家要不断加大不合理美术培训机构的管理。对于违建的培训机构应该加以取缔,建立与之相关的监督制度,让培训机构接受社会的监督。综上所述,如果能对孩子进行正确的美术教育的学习,再针对孩子存在的种种问题,实施有效的措施,就能够发挥孩子们最大的潜能,用孩子们的热情,充分发挥积极性和创造性。美术教育事业的发展离不开国家和政府的积极作为,相信在国家和政府的正确引导下,美术教育事业的发展一定可以更加规范、合理、有效。对促进孩子的全面发展,促进美术教育整体水平的提高大有裨益。 作者:邓蕊 单位:宝鸡文理学院美术系 少儿美术教育论文:水粉色彩在少儿美术教育教学中的作用 摘要:水粉画成为一种独特而富有魅力的艺术表现形式,在水粉方面的应用包括了水粉淡彩画、色纸水粉画、装饰水粉画等,所用技法也可分为干画法、湿画法以及干湿结合画法。本文将着手对水粉画在少儿美术教育中的应用和实践作教学研究,从而发现水粉画对教育的意义和对少儿的审美素质方面的影响。 关键词:水粉画;技法;少儿美术教育 一、研究的目的和意义 (一)研究的目的。在少儿美术教育中,不断追求艺术表现形式的多样俨然成为一种趋势,而在多变的推陈出新的现在,传统的教师教学已经满足不了人们对美术方面的追求。水粉画是一种介于水彩和油画间的画种,它通过吸取油画与水彩某些方法而形成自己的一套独特技法体系。学习水粉画不仅是当代美术教育的要求,也是为了拓展学生的创新意识、培养学生的审美能力和提高学生运用技法的能力。 (二)研究的意义。 1.有意识的培养学生创新意识与创作能力,在老师的引领下找出生活中美好的事物,并通过他们的画笔呈现出来,同时也是培养他们积极向上的心态和一双发现美的眼睛。 2.提高学生对色彩的认知能力。教师可在教学中,有意识的安排学生从色彩的色性、色相、明度、纯度等方面结合布置的作业弄清楚色彩的变化和应用。对水粉色彩的探讨学习能够使学生在作画前就清楚自己到底要画一幅什么色调的作品,色相环的学习可以锻炼学生在色彩明度和纯度上的能力,为以后的色彩基础塑造打下基础。 二、水粉色彩在实际少儿美术教育中的应用与实践 (一)水粉画中最基本的就是教会学生如何调色与水的使用,可以准备三原色,然后在其基础上加入白色,形成纯度对比。注意水粉上干湿画法的运用,在水的使用上,水粉画的水一定要干净,否则会引起颜料的污渍产生脏色。水起稀释作用,适当用水润泽颜料可以画出流畅浑厚的效果。教师可在其中加上简单的理论知识,学生可用笔自由发挥,因此,在课堂教学中必不可少的便是学习对水粉色彩的调色和运用。 (二)在水粉画教学上,教师可提供多种方式方法,学生在观察事物的同时加上自己的想象,比如教师带学生到校园里写生拍照,通过亲身摄影拍照出来的东西,学生会更有兴趣和动力。教师要注意教授学生构图与技巧,同时还要注意对时间的把握。 (三)教师可统计一下学生们平时的爱好与喜爱的卡通动画,可以用一段视频或者音频展示给学生,还可以加上学生们的现场模拟,这将是一场绘声绘色并且将美术与音乐、动画结合起来的课堂,学生们自由创作出喜爱的东西,并且用水粉画的形式表现出来。 三、少儿美术教育中水粉色彩在多种元素方面的运用与优势 (一)为了跟上日益发展的社会生活与文化上的不断发展创新,美术教育中对视觉文化的要求愈来愈高。因此教师可利用设计海报让学生们在其中进行创作,用水粉色彩的形式表现出自己的主题,不仅可以调动学生的积极性,也在一定程度上锻炼了他们的创新思维,相信他们一定有许多天马行空的点子。 (二)在造型元素上,点、线、面、色、块等这些几何形体的塑造,教师应多把物体转化为几何形体进行教学,这样才能在明暗、肌理、结构上让学生有较好的把握,才能使物像更真实地呈现于画作。同时结合水粉画技法的教授,即“平笔法”、“散除法”、“厚除法”、“点彩法”,在少儿美术教育中,根据学生学龄阶段的不同,以平笔和点彩为主要授课技法。 (三)在水粉色彩中,除了强调水粉本身能调和出来的多种颜色通过水粉笔呈现,还可以通过其他方式体现增添课堂趣味。教师可以拟定一个题目,学生们可运用多种材料进行绘画,其中还可以运用一些版画上的技巧,让学生在吹塑纸上画出图案最后影印在卡纸上,得到的又是一种充满肌理感的作品,最后可以用树叶或手指印出想要的纹路也是颇为有趣。 四、水粉色彩技法于卡通画教学中的应用分析 (一)少儿卡通画教学中运用水粉技法的优势:水粉色彩在卡通画上的应用也会带来更加丰富的艺术表现形式,在增强了感染力的同时也增加了许多艺术审美情趣。水粉颜料特点是处于不透明和半透明之间,在湿的情况下颜色饱和度很高,干后则失去光泽,这就是它纯度的局限性,水粉颜料颗粒粗湿画时对事物的描绘更需要精准的把握,在卡通风景中特别适用于画出虚淡的背景和远山远水,因此在卡通画上水粉颜料的呈现将是另一种笔下的栩栩如生。 (二)少儿卡通画教学中水粉技法与动漫卡通相结合:卡通画在水粉色彩中似乎毫不沾边,但是通过水粉却能更好地体现出卡通形象的质感,营造漫画般的浪漫与舒适。许多优秀的影视动画教师都可以把其作为课堂教学的内容,加入水粉色彩的技法与研究,既能引起学生们的兴趣,又为教师的课堂教学增添了活跃气氛。 作者:时松洋 单位:四川师范大学美术学院 少儿美术教育论文:情景教学法在少儿美术教育的应用 儿童期是想象力发展的重要时期,所以从小时候就要对少儿想象力的培养,开展少儿创想美术教育。少儿创想美术教育是一种培养少儿手、眼、脑协调活动的操作教育,也是感受、想象和创造美的一种过程。他们需要用脑去创造想象、理解加工审美概念,用言语表达些感想,用手掌控绘画材料。在教学中,如果教师创造和利用引人入胜的情景,无疑会提高少儿对绘画的创造想象能力,并更加激发少儿绘画创作的兴趣。因此更要求教师要讲求教学方法,情景教学法致力于在少儿创想美术教育过程中根据绘画内容进行辅助教学工具的应用。少儿由于年龄小,目测能力差,空间、方位概念模糊,对生活中事物的认识有限,导致在少儿的作品中,我们经常能见到一些在成年人看来既可爱又可笑的形象,例如不合理的构图,空间构图随意性,不成比例的造型等等。因此指导少儿作画,教师的作用不在于给少儿多少美术知识,而在于为他们创造认知世界的相关情景再现。 一、情景教学法概述 情景教学法是运用较为典型的画面情景进行画面知识的传授,在少儿创想美术教育的教学过程中教师努力为少儿营造一个融视听说画于一体的学习环境,有目的地引入或创造具有一定色彩的、形象的、生动的场景,以帮助少儿完成一定的生活体验,从而帮助少儿理解和获得画面的相关知识,让少儿身临其境的去体验、理解、创想后进行绘画等一系列的实践性教学方法。总之情景教学法最重要之处在于还原整个创想画面场景,使少儿能够在学习的使少儿能够在学习的过程中感同深受、身临其境。情景教学法在少儿创想美术教育中的应用不但能够使少儿能更好的感受到情景中所提供的景物、场景、事物与情感,更重要的是将创想美术教育提升为一种情景交融的教学活动,这样的教学过程能够开阔少儿的视野、培养少儿的创造性想象力以及学习美术的兴趣,提高少儿绘画的创造力、想象力以及表达能力。因此,情景教学法是一种教师有目的、有意识地设计和组织教育的外部条件,通过画面和辅助工具及手段,使少儿创想美术教育中涉及到的情景得以还原和重现,使少儿能够感同身受,最终能够达到提升绘画表达能力的一种教学方法。 二、少儿创想美术教育中情景教学法的应用 在少儿创想美术教育的教学过程中教师努力为少儿营造一个融视听说画于一体的学习环境,我们可以得出结论,在少儿创想美术教育中进行情景教学法的应用手段有三种:以图片展示和还原创想环境的场景,也就是“视”;以音乐、音效等渲染创想环境的场景,也就是“听”;以教师语言营造绘画氛围,也就是“说”;最后就是师生共同作画了,也就是“画”,这就是情景教学中视听说画于一体的教学方法。 1、情景教学法之图片展示及还原 图片展示及还原主要是通过真实图片或通过多媒体的辅助,将所要创想绘画的画面场景以图片的形式展示出来,是少儿能够直观的观察到相关的事物、景物等等。观察是创想美术教育的基础,少儿对周围的事物充满好奇,但是,因为生活环境的限制,他们接受的事物、景物、人物及场景等有限。例如,南方的孩子没有实地的看过下雪的场景,内地的孩子没有见过大海的场景。城里的孩子没有见过各种蔬菜、稻谷、野花卉、田野的场景等等,可以利用童话故事中的插图,启发想象。童话故事插图往往是和文字一起组成,少儿还未具有阅读能力的,教师要指导少儿仔细看图,多看多想,启发他们进行大胆想象,有一些看图比较弱的少儿,可以在旁边用一些语言帮助引导一下,让他们大胆地想象一下这个童话故事的内容,可以自己续编故事,要多多调动他们的积极性,引导他们发挥想象,用多种思路编故事。这样可以有助于对少儿想象力的培养,同时也会得到提高。另外。教师还可以帮助少儿完成故事的续编,在讲故事时,为他们准备一些图片、玩具和实物。可以边讲边让他们看图片,听模拟的声音,触摸有关的实物,这样童话故事就会在他们的大脑中形成一幅幅鲜明的图像,他们就会浮想联翩,使想象的触角伸得更深、更远。这些现象都限制了少儿的创造性想象力的拓展。通过图片、立体画面等手段让少儿看到的东西越多,积累的素材就越多,创想美术教育就越有坚实的基础。所以通过图片展示能使少儿在一幅幅精美绝伦的图画中感受到各种不同的美好场景,打开对大自然的创造想象力的大门。这种情景教学的方法非常直观又能激发少儿对创想美术教育的兴趣,是情景教学法中最常见的、最有效的教学手段。 2、情景教学法之音乐、音效等场景渲染 听音作画,展开想象的翅膀。音乐与绘画是相互融会贯通的,在少儿创想美术教育活动中,采用绘画活动与其它领域活动相结合的方式,激发少儿的情绪体验,让少儿听音作画,把绘画与音乐相结合,调动少儿的听觉,根据听到的引起联想和想象,展开孩子想象的翅膀,将音乐转化成形态,伴随着音乐优美的旋律,少儿们展开想象的翅膀自由飞翔,并把所听所感画下来。有了前期的图片、画面等场景的还原及想象力的拓展,少儿会各自运用不同颜色的点、线、面、体的组合来表达自己的感受,一张张作品中不同的形状、丰富的线条与五颜六色的色块组合出不同的画面,正是少儿在音乐的渲染下对图片、画面的场景还原的不同理解。充分利用外界丰富的条件,加深想象。让少儿边听故事边看书,或边听音乐,了解快乐和悲伤的心情。要知道,了解人的情感比获得知识更重要,这是非常重要的生活经验。因为少儿的脑细胞十分娇嫩,对感知的对象十分敏锐,只有当感知和思考对象是可以看得见、听得着或摸得着的形象时,才能正常工作。 3、情景教学法之语言解说与引导 在情景教学的过程中教师要不断的以温柔优美的言语对创想环境的情景进行渲染,使画面的场景、景物再现还原。例如,画面中要求少儿画“金鱼”时,让孩子听儿歌帮助少儿掌握作画技巧,“先画一笔做身体,再画四笔做尾巴。画出两只大眼睛,红色点出大脑瓜。勾出肚皮和鱼鳍,同时加上小嘴巴”这样一只美丽的金鱼就画成了。少儿都喜欢听故事,利用这一爱好,要求少儿听完故事后,回忆故事情节及主要角色特征、动态,起到语言对场景的再现作用。然后,鼓励少儿大胆创想,创造性的表现故事内容,使画面生动,使故事得以延伸。并且在给孩子们讲故事进行言语渲染时,在高潮部分稍稍停下,引导孩子想象下面将会发生什么,鼓励多种设想。这样,孩子们的绘画创想更加丰富,孩子们的绘画表现更加积极的投入,而所表现的内容丰富奇妙,充满想象力。在教师温柔优美的言语对创想环境的情景进行渲染时,其中的人物、情景、情节均能很深深地吸引着孩子幼稚的心灵,唤起他们的好奇心,展开丰富的联想,从而激发智慧的火花。丰富少儿的感性经验,让少儿多看多听,使少儿获得一些能进行想象加工的“原材料”。而听故事想象就是一种符合少儿想象特点的、能有效促进少儿想象发展的形式。选择适宜孩子想象的童话故事,运用多种方法,让孩子在优美的童话故事中体会生活的美好,多而大胆想象。要让孩子在听故事中张开想象的翅膀,应采取灵活多样的方法:有时采取对故事结尾作进一步的推理想象,有时对故事情节变化做出新的编排,有时还可以对故事中的角色关系作不同的设想等。有感情地朗读童话故事,激发想象。有感情的朗读,还包括分角色朗读,或者是角色表演。都能帮助少儿具体而清晰地想象出童话中所描述的故事情节的人物形象。每一个童话故事都会有不同的情感气氛,而我们在朗读的时候要根据里面的情感气氛气伏不定,把少儿带进你所讲的童话故事中去,引导他们根据自己的理解,借助自己的生活和体验,发挥自己的想象,丰富故事里的内容,加深对故事的理解,鼓励他们大胆想象。抓住童话故事中的空白,丰富想象。每一篇的故事不一定都要讲完,要留有一定的空间让他们自己去填充,丰富他们的想象力。少儿故事的主要引导人最终还是少儿教师为主。在读故事的同时需要教师充分发挥自己的想象力。另外,在教师用语言对少儿创想美术教育进行引导时,应注重培养少儿的散发性思维和逆向思维,突破单一、固有的定向思维模式。例如:孩子们在画云朵时总是给它涂上白色,教师可针对这一情况用提问的语言方式引导少儿“晴空万里时的云是什么颜色的?”“快下雨的乌云是什么颜色的?”“太阳照射在云上会有什么颜色?”这洋,孩子们笔下的云朵会呈现出五彩缤纷的色彩,所以在引导少儿绘画时教师应根据情景的不同,采用不同的语言对少儿进行解说和引导,使少儿在绘画时有犹如身临其境之感。 三、结束语 古希腊哲学家亚里士多德说:“没有形象的呈现,就没有创造活动。”一切想象都源于生活,所以,只有通过情景教学弥补孩子们所不能亲近的自然、生活等画面场景,为培养孩子们绘画的想象力形象的基础。情景教学法中的情景讲究“情绪”和“意象”,教师要善于发现少儿感兴趣的、贴近少儿生活的、符合少儿生活经验的绘画表现内容和题材,创设有利于促进教学内容的深入浅出或引起少儿情绪共鸣的情景,使教学成为少儿乐意参与的、有趣的、有意义的活动。 创想美术教育是一门艺术教育,是一种教师有目的、有意识地设计和组织教育的外部条件,通过画面和辅助工具及手段,使少儿创想美术教育中涉及到的情景得以还原和重现,使少儿能够感同身受,最终能够达到提升绘画表达能力的一种教学方法。 作者:刘婷 单位:广州大学松田学院 少儿美术教育论文:少儿美术教育体会 不同民族的内在区别是什么?最重要的在于文化背景的区别。爱琴海岸文化、巴比伦河流域文化与黄河长江流域文化的异彩纷呈的差异性就是最好的印证。在经济一体化的发展进程中,世界各个先进国家的经济和文化的发展基本上是同步的,当经济发展到一定时期它会有一个停滞期,假如不以强大的文化底蕴做基础,这个停滞期将会不断延长,甚至导致经济的崩溃。新世纪的国际经济竞争,最终是一种文化的竞争,因为文化制胜带来民族荣耀能够战胜一切威力。一个民族失去了自己的文化,就失去了精神和灵魂。 少儿美术教育,从来都是一个民族共同关注和重视的课题,它关系着民族的过去、现在和未来,少儿是文化传承的优秀。有人说,少儿美术教育是“培养艺术家的摇篮”,其实不然,对少年儿童进行美术教育绝不仅仅是为了培养几个未来艺术家,而是一个如何培养人的创新精神和提高能力全面发展的重要课题。“能力”具有多方面的含义:一是健康成长的能力;二是获得文化、技能和分享社会文明的能力;三是不断创新,改善提高物质和精神生活水平的能力。美术教育在相当程度上关系到社会的和谐发展和每个人的全面发展。下面笔者就少儿美育中的几个实际问题来进行分别阐述。 一、弘扬和传承民族文化。 古巴比伦以及两河流域文化受到世界经济一体化和西方霸权主义的冲击后,已出现文化断层,具有5000年悠久历史的中华民族优秀文化现在还在延绵流长。优秀的文化传统是生物链,需要我们一代代的薪火相传,文化血脉的传承,应该从儿童抓起。当然,我国经济腾飞的同时也带来了以利益为偶像的物质时代,人们在精神生活方面变得浮躁和焦虑不安,缺乏一种对生命意义进行探寻和追求的精神。全球一体化的风潮,使得多样化的文化变得非常尴尬,不少年轻人追求时尚,对本土文化淡漠,甚至质疑。没有判断力的儿童群体,对自己的文化血脉的传承可能更是一片茫然,这对于中华民族自立于世界民族之林是一种负面影响。因此,国家适时地提出实施非物质文化遗产的保护工程,及时地抢救和保护了优秀的民族民间文化艺术。做为少儿美育工作者,我们要把传统文化的传承与发展,贯穿到儿童美术教育全过程。笔者认为应做到以下三个方面: (1)教学中重视人的和谐发展。承认人自身具有发展的潜能,顺应少儿的发展规律,在教学内容中加进较多的文化色彩,介绍艺术文化发展史和美学内容。让孩子们在游戏状态中进行创作,更能够真切地感受到传统历史文化的博大和神奇,通过潜移默化的教育,在孩子成长的生命轨迹中,留下颇为深刻的文化记忆。 (2)要注意民间艺术对孩子的熏陶和启发。利用当地文化资源,比如对秦汉石刻,民间剪纸、皮影,木版年画,民间泥塑的借鉴,通过参观、讨论、书写感受,搜集素材,加深对本土艺术美的发现和认知,使得少年儿童对家园和乡土充满了感情,也使他们产生了对自己和民族的自信并充满了希望,这是一种艺术气质上的积淀,对孩子的一生都会产生不可估量的影响。 (3)让少年儿童感受大自然。在孩子们领略了都市工业文明的基础上,让他们了解自然生态环境、动植物、天文、科技等知识探究,与大自然亲密接触,开阔眼界,拓展创作思维,从乡土风情和人与自然的和谐交融中汲取灵感。 二、版画是培养少儿全面发展的一种教育。 什么是少儿版画?少儿版画指利用简便的、适合于少儿又便于少儿操作的材料进行绘制并拓印的艺术形式。其取材广泛,操作方便,版味浓厚,效果独特,为少年儿童所喜闻乐见。我们的邻国日本,版画教育作为他们成功的教学经验,在当今世界倍受注目。日本儿童美术教育的一个重要内容就是制作版画。我们越来越清楚地看到,少儿版画教育能更多地培养儿童意志方面的品质,养成锲而不舍的毅力,动手操作的能力以及一丝不苟的严谨风格。版画首先是教育,其次才是绘画和技巧,少年儿童普遍都具有强烈的求知欲和丰富的想象力,特别是当今发达的信息社会,我们更不能忽视少年儿童潜在的能力和执着的精神。他们年龄虽小,但对身边的许多事物和现象都有浓厚的兴趣和好奇心,都有他们自己的见解,而且非常希望能通过动手、动脑来表现自己的创造力。少儿版画就是要追求自由、自觉、随心,有序的创作状态,不能把少儿版画创作定位为专业版画创作。其特点是: (1)版画需要很强的动脑动手能力。画、刻、印三位一体,制作过程一环紧扣一环,缺一不可,是一种独具特色的手工劳作形式,是培养孩子协调、平衡和预见能力及严谨的品格的极好手段。 (2)可以让孩子怎样感知美,以及美的差异。哪些美是版画特有的,比如:印痕美、刀味美、纸纹美等。不同版种表现的美感是不一样的,比如:凹、凸、平、漏,等各具的不同材料形式美。受过美术教育的孩子,通过他们的眼睛能够敏锐地感知美和发现美。“艺术是增加感知能力最强有力的手段。”(鲁道父·恩海姆)。感知力是儿童美术创作的思维与发展的源泉,敏锐的感知力是人进行创造思维活动的基本能力。 (3)少儿在制作版画时,材料的丰富性、新颖性、多变性促使儿童迅速地触摸材料、操作材料,在创作实践中对各种材料的运用和认识过程正是分析问题与解决问题能力的锻炼过程。对孩子进行版画教育,重要的是培养动手能力、感受能力、整体把握能力,最终要表达对美的认识,对美的创造,张扬每个孩子的独具魅力的个性。 三、切实提高教师的辅导能力。 我们在观看一些少儿绘画展览时,大家会有一种不约而同的观感,有些作品一眼就可看出是老师捉笔代刀的,画面中弥漫着浓浓的成人意识,构图和技法成熟而平庸,缺少儿童率真、生动的造型和图式内涵,是小大人画。另外一些作品大家看了认为语言图式和内涵是孩子的,只是画面精致的制作程度好像儿童达不到,应该是老师辅导的结果,但是总体感觉还是名符其实的儿童画,这就是不同的辅导水平在儿童绘画创作中的体现。教师的教学过程即是自身修养和辅导水平获得提高的过程。我们要善于抓住儿童的思维模式,充分尊重儿童独特的视觉语言形式,保护儿童美术的原创性,按照儿童的心理生理机制以及他们对生活的总体把握因势利导、循序渐进,运用“顺水推舟”的辅导理念,引导孩子们把潜藏在幼小心灵的艺术灵感用绘画形式表达出来,虽然在画面制作过程中贯穿着老师的精心辅导,但画面的语言内质是孩子的。 有些儿童画很像是大师的手笔,甚至完全可以和现代派大师相媲美,但是孩子们不是真正的大师。因为随着儿童的年龄增长,心理不断成熟,本真的、无拘无束的心态渐渐消失,思维逐渐趋于理性化,原来那种童真和原创性也就不复存在了。真正的大师是从“不会到会”,不断升华至炉火纯青,随着对自我的不断超越,又从“会到不会”,返朴归真。我们从大师的作品里看出力图摆脱构图、比例、远近关系,造型构成、线条、笔墨的规定性、审美性、文化性,试图用一双未被“污染”的儿童的眼睛来看世界,一双儿童的手来涂世界。让我们感受到的是一种“涂鸦式”的表达,以及在这种“涂鸦”过程背后的生命律动和快感。儿童美育还给孩子一个童真,第一线的辅导教师责无旁贷,要不断提高综合素质,树立科学的教育观念。首先应该站在一个艺术家的角度,在绘画艺术领域进行广泛研究,对绘画的形式、内容、材料、语言等创作规律有了较深入的了解,具备美术创作的良好技能,美育工作才会有一个扎实的基础。其次要认真研究前沿性的教学理论成果,不断学习积累使之形成自我可操作性的教育理论,才能羽翼齐全,展翅高飞。 美术是人类文化最早和最重要的符号性载体之一,记录和再现了人类文化和思想的发生、发展过程。运用美术形式传递情感和思想是整个人类历史中的重要的文化行为。随着时代的发展,少儿美术教育始终应该扮演这个不可或缺的角色——传承文化,培育健康成长,不断创新、独立自律的个体能力发展。记得《学会生存》的作者埃德加·富尔所说:“人类发展的目的在于使人日臻完善,使他的人格丰富多彩,表达方式复杂多样;使他作为一个人,作为一个公民和生产者、技术发明者和有创造性的理想家,来承担多种不同的责任。”培养适应市场经济条件下新时期的高素质人才,就是要发掘潜能,继承传统,鼓励创新,因此我们必须在文化传承的优秀内容前提下探索少儿美术教育的新途径,达到促使人的能力的全面发展和社会和谐发展的目的。 少儿美术教育论文:课外少儿美术教育交流 作为一个美术教师,我们如何满足社会要求呢?当然是用美术的方法。美术是我们获得精神财富的重要源泉,它取之不尽用之不竭,美术可以共享,美术可以不断创造。我认为做一个美术教师不难,但当一位合格的少儿美术教师难,然而想成为一名优秀的少儿美术教师就难上加难了。固然有些人认为少儿美术教育只不过是美术教育的“小儿科”容易对付,因此少儿美术教育常常被人们所忽视。其实,现实远不是那么简单,对于孩子来说,它是人生美术教育的“第一棒”,如果这一步走错路或者失误,对他们今后在美术的发展上是有影响的,因此少儿美术的启蒙教师首先就应认识这一事业的重要性。艺术教育属于人文学科,其主要目标是发展能力。完美人格。人文学科不仅仅是使学生学到一二门技术,而是要着力提高儿童的文化素养和文化品格,它关系一个社会的价值导向和人文导向,关系民族精神的塑造。少儿美术教育是把美术学科作为手段,以学生发展为中心,教学内容和教学方法要适合人的发展,符合学生心理发展规律。 一、注意保护儿童美术的原创性 儿童的美术活动是儿童步入人生的早期精神活动。创造艺术符号表达情感是人类具有的原始本能。 儿童的绘画创作主要依靠意象。意象是神经系统的一种功能,是在印象的基础上产生的一种更完美、更理想的头脑中的形象。儿童绘画中的原创性是指创作中的想象力。其特点是: 1、不受真实和观念的束缚,表现得纯朴、天真。 2、追求与大自然的和谐,以人性的态度对待自然中的一切,表现出天趣。 3、以虚幻和荒诞的幻想力表现美感。儿童常用拟人、夸张、虚拟、表现性手法进行创作。 儿童在自身内在的驱动力下,自发进行的美术活动,产生的原生态作品,它反映人的心象、意象和潜意识中的幻象。 儿童在5岁前绘画创作基本靠意象表现,6岁以后他们学会观察,依靠知觉进行表现。知觉不是被动地获得印象,而是随眼睛活动选择视觉目标,然后通过想象组织成象。这一时期的儿童画从程式化表现中走出来,画面更为生动,有意味。 二、鼓励儿童观察生活,学会用艺术语言表现生活感受 艺术源于生活,对生活的敏锐感受与体验是艺术创造的源泉,儿童美术创造的主要特征是情感表现,其情感的内容来源于对生活的体验和感受。绘画的形式,诸如形象、轮廓、对称、重复、渐变、节奏、色彩、运动这些形式要素的运用,也来源于生活中对美的直觉。这正是儿童美术中原创性的源泉。儿童绘画形式只有符合了美的规律,才具有审美价值。我们不能满足于让儿童只停留在审美本能和想象力的原创阶段,要通过美术教育不断提高儿童的审美意识和能力。 儿童美术中的想象力表现也源于生活的积淀。儿童通过想象把不可视的形象变为可视形象,如把风、雨、声音、速度等创造视觉符号表现出来。把不同时间,不同空间的事物组合在一个画面上,他们把黑夜和白天放在一起表现,把室内和室外同时展现在画面上……这种超自然的想象力不是通过技能教育能够获得的。儿童创造思维的发展是培养感悟力、记忆力、理解力、吸收和变革能力为基础。 三、探索各种适合儿童运用的表现形式,形成不同的教学特色 儿童绘画的表现技能从成人化、专业化的传统中走出来,总结出各种教学方法,使儿童逐渐从临摹发展为创造性表现。 1、卡通画教育。改变了让学生被动学习形象技法的教学,发展为运用形象进行组合创作。通过各种构图形式教授创作方法。 2、装饰画教学。根据地区文化特点,吸取民间纹样中的风格特点,让儿童掌握基本的装饰方法进行变体创作。 3、版画教学。版画技法易于儿童接受和掌握,作品形式显得更完美。通过多年总结,创造出许多儿童便于掌握的方法。如吹塑纸粉印版画,独幅撕刻画、纸版画、木刻等。 4、国画教学。国画教学从技法临摹走出来,使儿童能运用中国画笔墨技法,自由表现生活感受,创作出生动有趣味的绘画。 5、彩色水笔、色粉笔教学。色彩教学摆脱了用固有色概念化表现色彩的习惯,能让儿童自由运用色彩去画,画面色彩明快、强烈、大胆。此外,在材料运用方面也有创新。近年来如用彩色纸、黑卡纸、细砂纸等材料,使儿童易于表现色彩效果。 6、水粉画教学。水粉画材料运用自由、轻松、畅快,易于儿童自由挥洒表现。儿童的表现性色彩在绘画中被肯定后,充分调动了儿童的主观能动性,使色彩教学提高了一个新层次。 7、油画教学。目前,油画教学运用还不普遍,由于受条件限制,还不能得到普及发展。但就目前的教学效果证明,它对儿童掌握和认识色彩有其独到的优势,色彩表现更自由、丰富。 8、线画黑白画教学。线画黑白画是儿童造型创作的基础,使儿童学会运用造型基本元素,如点、线、面的组合;线的排列;黑白灰的对比等。大大提高了儿童绘画的审美趣味和造型水平。此外,儿童速写能力培养普遍受到重视。这对培养儿童敏锐的观察力和创造能力都十分重要。 9、多种材料的混合创作。尝试运用各种材料,如纸、废弃物、铁丝、麻绳、树枝、陶泥等做平面或立体造型,创造性地使用各种材料是培养学生创造力的重要方面,综合运用材料也是现代美术创作的特点。让儿童自由运用各种材料进行艺术表现,有利于提高儿童的创造力、想象力和动手能力。培养和提高他们的综合素质和对艺术的生活品位。 总之,我们要利用各种适合孩子年龄特点的教学手段,挖掘孩子的内在潜力,让孩子创造性的进行艺术表现。通过美术教育,让孩子学会想象、学会审美、学会创造,帮助他们树立美的思想,发展美的品质,培育美的情操,从而使孩子的能力得到发展,人格得到完善,所以,被称为“小儿科”的少儿美术教育应该能做出一篇大文章。 少儿美术教育论文:浅谈少儿美术教育 437100 咸宁市群众艺术馆 素质教育的进一步推进与课改的逐步深入,如何充分挖掘少儿美术教育资源,以提高学生整体素质,成为摆在我们每一位美术教育工作者面前的课题。它是中、小学美术学科实施素质教育的不可缺少的组成部分,是提高少年儿童基本美术素养,陶冶学生高尚审美情趣,形成和发展学生感受美、认识美、鉴赏美、创造美的能力,从而促进学生全面发展的重要途径之一。少儿美术在中、小学美术教育中,长期以来不受人们重视而涉及较少,这不能不说是中、小学美术教育中的一个缺欠,其对孩子的重要性体现在许多方面,这里浅谈几点: 一、少儿美术的激趣功能 法国自然主义教育思想家卢梭指出:“教育的艺术是使学生喜欢你教的东西”,英国教育家斯宾塞也认为教学效果如何,主要看它“是否在学生中间造成一种愉快的兴奋”。在相声、小品被众多人所喜爱的同时,与其有相似之处的卡通、美术也迅速得到了广大青少年儿童的青睐,当日本等的卡通、美术涌进我国时,也带动了我国卡通、美术的发展。现在少儿每天看的动画片,几岁小孩、甚至十几岁的青少年如饥似渴地翻看的卡通、美术书籍,均成为青少年儿童的主要精神食粮之一。究其原因是:一方面由于少儿的生理、心理条件,造成少儿观察事物时只注意观察他感兴趣的或者他所观察感觉到的部分、这一部分信息被夸大的存入大脑,而另一部分不被感知的则被简化或忽略,所以少儿在再现物体时(绘画过程中),画出了具有夸张变形的物象。少儿在观看动画片、卡通中通过夸张变形的形象时,与自己头脑中存取的形象或者和自己所描绘的夸张变形物象正好“不谋而合”,于是产生出一种无意识的“亲和力”、“亲切感”和“似曾相识”的感觉而倍受少儿喜爱。另一方面这种被夸张了的来源于生活而又高于生活的艺术形式,往往有很多反常和出人意料的结局而有激趣的功能,这就更一步受到少儿的偏爱。所以少儿在电视机前搜索一个又一个的动画片频道不愿意关上,独自拿着一本又一本卡通美术书翻阅不愿意放下,在上美术欣赏课时对一幅又一幅美术作品仔细品味而不愿意下课,并且少儿边看、边笑、边议论……。在小学美术课引入少儿美术,有“增进食欲”的作用,其如让学生在吃白米饭的同时,有滋有味地品尝着各种香甜可口的、原滋原味的纯天然的蔬菜、水果一样,其色、香、味、形深深的吸引着每一位少年儿童。实践证明,学生非常喜欢美术课,通过美术教学,学生由“要我学”转变为“我要学”的局面,达到了使全体学生的素质主动地、生动活泼地发展的目标。 二、少儿美术的双基素质功能 少儿美术的“双基”指:有关少儿美术的初步含义、基本语言、特性、作用等基础知识,以及如何选材、立意、构思、趣味构成与表现手法、造型绘图等操作技能。通过少儿美术的教学,学生获得了有关少儿美术的基础知识,形成了有关的技能。 三、少儿美术的陶情、育人功能 (1)美术中的艺术形象对学生的陶冶 一方面少儿美术中的艺术形象虽然大多数用笔练,但决不是草率乱涂画而成的,而是通过作者仔细观察、分析后再经过夸张变形并反复修改而得到的形象,该形象“在似与不似之间”,并反映了事物的本质特征,有极强的艺术效果,给人以美的享受。例如:在辨析美术中人物的高兴与悲哀,憨厚与奸诈时,除了能更直观、形象地了解作品所表达的意思外,还感觉到作为人的多样性、复杂性,同时也被有这样优美的艺术形式而陶醉。 (2)美术内容对学生正确世界观的形成的影响 另一方面,少儿美术的育人功能表现在,少儿美术的内容所反映的主题有很多是表现少儿身边的人和事,反应了人们优良的或不良的行为习惯的,通过欣赏这些作品,使少儿在感受这些艺术形象的同时,心灵受到净化。例如:《小大人和大小人》(见图1)中小女孩的幼稚行为,暗示了爷爷以前对孙子的“爱心”,表现了现在孙子对爷爷的“孝心”,以及从这幅画中反映了小作者纯真的“童心”,少儿在欣赏这幅画时,无一不被小女孩幼稚的语言逗笑,在开怀大笑的同时又无一不被小女孩浓浓的“孝心”所感动,从而进一步体会到小作者作画的目的是赞美小女孩尊敬长辈的好品质,并不自觉地从中受到了教育。 (3)美术教学能让学生笑对人生,再者,这些幽默的表达形式能使人愉快,陶冶人们的情操,并让人们学会笑对人生。美术是一种具有强烈幽默性的绘画,什么是幽默呢?“幽默带来快乐,使人从痛苦的经历和情绪当中挣脱出来”。我认为:幽默是人的一种能力,幽默是人积极向上的一种力量,幽默是人的一种素质。没有幽默,我们的生活就如每天喝白开水一样乏味,而有了幽默,就好比有了牛奶和各种果汁、饮料一样有滋有味而充满阳光。特诺?赫伯在其所著《幽默术》中写到“为了应付人生大大小小的挑战,你需要力量──不论你是为人父母或为人子女,是老师或学生,是台上讲道的或台下听道的,是售货员或消费者,是老板或职员,是上司或属下。这正是我在本书要特别强调的──需要幽默的力量!”,接着又写到幽默能“增进你与他人的关系,并改善你对自己真诚的评价”,幽默还能“解除人生压力,提高生活的品质”,“它不是轻视,它的精义是爱”。当幽默与你同行时,“你也会得到向上的力量──这是必然导致成功的途径”。著名美术家方成也认为:“幽默最直接的好处是给人一种乐观向上的生活方式。”一个具有幽默品格的人能迅速吸引他人亲近你并与你相处、与你共事、更进一步与你合作。而合作能力是当代人素质中一个重要组成部分,一个能很好与他人合作的人是一个容易获得成功的人,通过成功能使人产生自信心,有自信心的人能在困难面前“笑傲江湖”、并用积极的态度面对人生。因此,幽默也是人迈入成功殿堂的“助产术”,而美术则是幽默的重要生产基地之一。实践表明,通过少儿美术的教学,能培养学生的幽默感,这样,绝大多数少儿能用乐观的态度面对人生,健康成长。 四、少儿美术的创新素质功能 传统教育中培养出的学生在老师的导演策划下“按部就班”、“循规蹈矩”地机械地重复着一个又一个标准答案的练习,他们“墨守成规”、“缩手缩脚”、“不敢越雷池一步”,培养出的是思维僵化的一台又一台“复印机”式的“人才”。“素质教育的重点是培养学生创新精神和实践能力”,全日制义务教育《美术课程标准》(实验稿)将“激发创造能力”作为教学目的之一被提到了重要的位置。实践表明:少儿美术教学能培养学生丰富的想像力,激发学生的创新思维。这是因为少儿美术的构思要求我们“打破常规”、“标新立异”,“与众不同”地想别人之没有想的、画与别人构思不一样的画,例如:在少儿美术的创作中,如果50人中有45人用同一种构思完成了作品,只有5人用其他的构思,大家会一致认为这次创作是失败的,实际上这50人应该有50种不同的构思或者更多。总之,通过一幅美术续画的构思与创作,同一主题的不同构思与创作等的练习,对学生进行纵向、横向、逆向、发散思维等训练,从而培养学生“敢于天下先”的创新精神。所以,“少儿美术让孩子们展开想像的翅膀,启迪他们的智慧”,这一学习过程是更具创造性的学习。 美术教育是少儿全面发展教育中的一个重要组成部分。它以其特有的可视形象和色彩,典型地表现出大自然的美和社会生活的美,以其鲜明的形象性和强烈的感染力加深少儿对周围世界的认识,并能激发少儿的审美观念和造型智慧。因此美术教育是少儿教育中不可忽视的内容,不断地探索少儿园美术教育的方法,也就成为了少儿教师的重要工作之一。下面,我根自身从事美术教育的经验,浅谈少儿美术教育的一些方法。 1.培养少儿的观察力,引导少儿善于发现生活中的美 我们首先应该教会少儿观察,不教会少儿观察就无法适应千变万化的世界,就无法进行审美教育,也只有少儿亲自观察事物,掌握对象的主要特征,才能对它们有一个较完整、生动、形象的了解。在少儿生活中,教师通过观察他们的交流,找出其兴趣点。同时,教师有意识地培养少儿的观察能力,从少儿感兴趣的方面入手,提高注意力,引导其亲身体验,感受现实世界的运动感、力度感、节奏感以及和谐感等,形成少儿对这些特征的敏锐的选择能力,防止少儿对一些东西视而不见或者走马观花,使少儿不断地发现生活中的美好事物。此外,教师还应重视少儿生活经验的积累,感受美术创作表现的多样性,更好地培养他们的审美能力。 2.教师应为少儿提供一个宽松愉快的创作环境 心理学家皮亚杰强调:“儿童是在周围环境的影响下,通过主体与环境的交互作用而获得心理上的发展”。在少儿的美术教育实践中,教师应为少儿提供宽松愉快的创作环境。美术活动环境的创设应加强游戏性,以培养少儿在美术活动中的兴趣,减少绘画过程中的枯燥感和挫败感,让绘画真正成为一种少儿喜爱的游戏,让游戏成为少儿不可缺少的生活。例如,布置一些少儿喜欢的游戏情境,放一些少儿感兴趣的玩具,多种美工材料,以及少儿喜爱的美术作品和布置少儿作品展示墙等等。著名的少儿教育家陈鹤琴先生曾说过:“小孩生性好动,游戏为生命。”“爱游戏”是少儿最重要的天性,游戏是少儿的基本活动。少儿在游戏中“学习”,在“游戏”中工作,在游戏中身心才能得到充分的、健康的发展。少儿只有在愉快的游戏环境中才能充分感受美、表现美,并产生强烈的创作欲望。 3.适当地教少儿掌握美术表现所必需的美术知识和技能,并采用多种形式,提高少儿的作画能力 美术教育中曾有一些讨论,就是既要培养少儿的创造性,那么老师要不要教孩子?老师不教干什么?众所周知,在绘画活动中,常会出现这样几种现象:有的少儿有很强的创作欲望,但由于缺乏一定的技能,少儿强烈的创造欲望只能用简单的色块、符号来表达,在某种程度上抑制了少儿的表现欲望。所以我认为,虽然少儿学习美术知识和技能不是美术教育的目的,但一定的美术知识和技能是少儿顺利进行美术表现的工具。所以我们将传授知识和技能与培养能力整合在一起,没有过分强调技巧,而是让少儿通过探索来主动学习和掌握技能。 采用多种形式,如涂色、粘贴、印画、泥塑、折纸、雕刻、编织等加强少儿的兴趣感,不断地提高少儿的作画能力。在美术教学过程中,除了组织孩子根据自己的画编小故事,教师还可以结合各学科教育活动开展美术活动,注意引导少儿灵活运用在不同学科中获得的知识。如:在讲故事以后,引导少儿用美术(绘画、泥塑、小制作)来表现故事内容;又如外出参观回来,让少儿用绘画来表现参观时的情景。少儿园还可以在课室走廊开辟美术作品展示栏;开展少儿美术兴趣班,允许少儿在创作中采用不同的方法,接纳孩子不同的创作结果,从不同的角度给予肯定;每一期美术兴趣班举办画展,通过展示、比较,让美术成为少儿表达认识和情感的重要方式,体验作画的快乐,激发作画的兴趣。 4.绘画活动中,采用积极强化的办法,激发少儿自信心 (1)语言强化,如“你真聪明。”“画得真有趣。”等。 (2)动作强化如微笑点头等。 (3)实物强化如奖励少儿一支画笔等。 (4)欣赏强化如让某个少儿在全班少儿面前展示他的作品等。通过这些强化创造行为的方法,并与适当的技能练习有效结合会使少儿对绘画活动产生兴趣,确立自信心。 5.做好家长工作,使他们和教师一起,运用少儿的眼光去欣赏孩子的作品 绘画是一种表现创作活动,有着很多的想象创作空间。少儿的绘画作品虽然没有什么特殊的艺术价值,但绘画本身却对儿童的感知能力、记忆能力、想象能力的发展起着重要的促进作用。教师应以少儿的眼光去欣赏孩子的画,每个孩子的画都是与众不同,想象都是很丰富的,画中都有着天真活泼、生动稚拙的美。 但是,在工作中我常常听到家长这样评价自己孩子的作品:“你画的是什么呀?你看人家画得多好?”因此,我感觉教师应通过各种途径帮助家长提高对少儿美术的认识,如家长会、少儿画展等。让家长与教师共同合作,以鼓励的方式加强少儿对绘画的热爱。做好家长工作,任重道远,它也是我们今后要研究的问题之一。 总之,美术教育是一道亮丽的风景线,通过美术教育这个工具,使美术成为有效促进少儿身心全面和谐发展的教育手段,促进少儿综合素质的提高,增强少儿发现和感受美的能力,使他们将来的生活丰富多彩、充满乐趣。 少儿美术教育论文:浅谈少儿审美体验在美术教育中的实践 摘 要:审美教育是具有一定目的的教育活动,能够促进少年儿童从小就将审美视为典型的生活体验,从而形成科学的审美理念,最终使少儿在成长过程中具有良好的审美观。少儿审美体验对其美术素养的发展具有重要意义。教师应通过采取有效的教育手段,促进儿童通过审美体验不断深入体悟人的生命和生活的本质。 关键词:少儿审美体验;少儿绘画;美术教育 一、少儿审美体验的理论分析 审美是指人与世界(社会和自然)形成一种形象的、无功利的和具有情感的关系状态,使人和世界可以进行直接的情感交流。从人类与世界这一角度来说,审美也是一种特殊形式。在实践中,审美主体通过想象、移情、感悟等心理活动交融进而升华。通过体验活动,人凭借联想、移情、感悟之类的精神行为来思考旧有经验,最终得到更深刻的感悟,它是一种有关生命意识的经验,进而内化为个人感悟,在此过程中,人顿悟到的东西具有过程性、创造性和主体性。 美国心理学家鲁道夫・阿恩海姆认为,少儿的创造对象即为少儿眼中的世界。少儿的思维和表达总是取向最简单的形式,他们的心是单纯而质朴的。儿童具有观察力和知觉能力,儿童在观察事物的时候,最先感知到的是那些可以度量的东西。比如,观察对象的比例、距离,这些是观察对象身上存在的最具生命力的鲜明特征。 儿童画最打动人心的地方在于它们善于构造一个纯真美好的世界,真实地用最朴实的方法展现出儿童所接触的事物,丝毫不显得刻意。通过观察少儿绘画,可以领会到儿童在绘画的时候是通过色彩和故事联想进行绘画创作的,其作品给人生动、活泼、纯粹、感人的直观感受,而这些丰富的画面组织途径,正是源于儿童对周围事物的审美体验。简而言之,少儿倾向于凭借充满故事感的画作反映其审美感受,信手涂鸦描绘充满神秘感的世界。当然,也有反映愉悦心情的画作。 二、少儿审美体验是少儿绘画的本真体现 就美术所呈现的模式来说,儿童画具有运用夸张符号构成整体的特点。少儿心灵不受功利目的支配,为了表达自己的认知、想象和情感,他们会通过画一些生活中所见的事物来表达内心的审美体验。 儿童通常是用简单抽象的线条来描绘对象,仅保留区别其他主体的重要特征。比如,他们描绘人像的过程中并没有性别以及年纪意识,这一特点通过儿童创作的人物画便能够加以证实。 抽象主义绘画鼻祖康定斯基觉得少儿与生俱来强大的无意识潜力,这种潜力将反映在美术作品上。少儿绘画体现了少儿本性倾向于真善美的事实,这种对真善美的追求由少儿产生的审美体验而来。在少儿的美术作品中可以找到艺术的真实性,此为人类早期艺术行为的缩影,因此,应对少儿画作里的少儿审美观加以重视。 三、少儿审美体验在少儿美术教育中的价值 儿童美术教育是以美术表现为基本手段,以儿童的艺术潜能、兴趣、童年生活体验为中心, 促进儿童个性的全面发展,同时使儿童的天性得到解放的教育,力求在少儿绘画中反映少儿审美体验的特点,彰显其美术意义,促使少儿均衡发展。就少儿自身成长来说,保护少儿初心,应从少荷竺捞逖榈慕嵌壤纯展美术教育。 21世纪为知识经济时代,对教师的素养和专业化提出了更高要求,在少儿美术教育中,绘画教师想要更好地全面提高自己的文化素质与艺术修养,就要对这些优秀绘画成果进行更细致的理解、欣赏与评论。因此,教师在树立正确的文化价值观的同时,需要在教学上也加深对文化和历史的认知。 文章通过对少儿审美体验的探究,得出以下结论:我们应重视少儿美术教育,在教育中关注少儿的精神世界,期望通过对少儿审美体验的研究来提醒人们关爱儿童成长。培育少儿艺术素质,不但要使少儿艺术天赋得到最大限度的发挥,还要重视少儿美术教育价值的实现。通过少儿美术教育,使少儿艺术创作能力得到提升,进而实现推动少儿美术素养和人文素养共同发展的目的。 少儿美术教育论文:少儿美术教育略论 摘要:本文从当代少儿美术教育的目的和意义出发,在阐明少儿美术教育特点的同时揭示了当今少儿美术教育的种种弊端。所有的美术教育工作者们应能正确的认识少儿美术教育的目的和意义,本着重在启发的原则,多考虑如何让少儿美术教育在提高少儿综合素质的过程中起到积极的作用。 关键词:少儿;辅导;启发;成人画 少儿美术教育是少儿综合素质教育中不可缺少的一块内容,通过对少儿进行美术或其它艺术门类的教育,能有效提高少儿眼、手、脑的协调性,不但能从小培养孩子对美的正确认识,也能激发孩子对学校的学习生活产生兴趣,喜欢上丰富多彩的校园生活,帮助孩子健康成长。 在少儿美术教育过程中,如何激发起孩子对美术的学习兴趣,正确的辅导方式至关重要。少儿美术辅导与成人的美术辅导最大的不同之处在于――少儿美术辅导的最大特点是注重启发、善于启发。由于孩子的年龄小,缺乏对身边事物细致观察和正确判断的能力,加之美术基础的扎实程度不够,因此就需要老师们有意识的不断对孩子进行有技巧的提示和有目的的启发。 美术作品的优劣,一是表现在技法上,二是表现在创作构思上。技法水平需要通过长期不断的潜心揣摩和刻苦练习才能获得提高,这里暂不去谈;而独特的有新意的创作构思是可以通过对少儿的有效启发来获得的。比如,有的学生对于身边的人、物、景不知如何去看待,往往是熟视无睹或仅仅是看看而已,漫不经心,缺少对所见事物的记忆、分析和合理的取舍能力,写生也只是一种机械的描摹,使作品成为无源之水、无本之木,更谈不上“创作”。此时,就需要美术教育者有技巧的引导孩子如何去发现周围有趣或有特色的人、物、景,并在绘画过程中进行合理的取舍,进行细节的体现,启发孩子如何去发现并收集有价值的美术素材,才能使孩子的作品源于生活,体现生动。 说到素材,一定要提到少儿美术命题创作。命题作品大都以描写“世界和平”、“美好生活”、“可爱家乡”等为主调,这类题材范围较大、素材广泛,怎样辅导此类少儿美术命题的创作。是我们少儿美术辅导者都需要认真思考的一个问题。孩子画笔下对事物的体现具有一种原始纯真的美感,因此辅导老师可有的放矢的带领孩子观察自然,并提醒他们感受周边环境的变化,如自己的校园、风景各异的公园、神态各异的人群、造型多姿的城市建筑、四季田园之色等等,通过引导观察并亲身感受,激发孩子们对命题创作的兴趣。而在有关动漫题材的辅导中,由于这类题材缺少已知元素,很多场景是不可预知的,可鼓励孩子主动去查找相关资料,老师也可帮助购买相关画册予以参考。还有一类是非命题类创作,对于非命题类的创作辅导,应鼓励孩子自由发挥想象空间,这种自由发挥主要来自于学生心中最为本能的艺术元素,这样使创作风格更原始,更本色,再通过辅导加工,适当运用夸张的手法,大胆的表达自我,使作品更加理想完美。 然而令人感到遗憾的是,在现代少儿美术创作中,成人化的趋势非常严重,美术辅导老师用主观意图代替有效启发的现象并不少见。少儿美术的特点是画面松散、自由、造型可掬,无规律可循,完全是一种和谐的自然境界,辅导老师的责任是在孩子动笔前让孩子充分的发挥想象力,帮助孩子正确的判断画面的主、次、虚、实,哪些需刻意描画,哪些可忽略不计,对草稿进行反复推敲,力求在提高作品质量的同时保留它原有的风格和特点。而现实中的辅导往往偏离了这一教学特点,为了能让自己的学生在美术大赛中获得奖项或出于其它目的,辅导老师包办代替,按自己的立意,有的使学生的作品画面饱满,不留空隙,虚实不分,繁杂不堪;有的将画面设计成平面图案,精美的象绣品上的图案,想以这些特点来显示作品的难度,这些都是少儿成人画的表现。 我曾经在一次省级少儿美术大展中的现场演示中,亲眼目睹了一老师为学生改画的过程。我们的命题为《满园春色》,一学生原本的构图不错,画中有校园绿草坪、五颜六色的鲜花、一大群孩子在各自玩耍,在蓝天白云的烘托下,整个画面天真烂漫,而老师为了获奖,偏要将蓝天白云改成红红的太阳,个个孩子的脸上无眉宇,这是典型的成人画,当然获奖无望。所以这种辅导方法严重不利于孩子对创作形成正确的认识,抑制了孩子创作的兴趣,扼杀了少儿画应有的纯真可爱,这大大违背了少儿美术教育的初衷。 少儿美术的另一特点是色彩浓重艳丽。优秀的少儿美术作品,精美的构图固然重要,用色更不可忽视,我们在辅导中应鼓励学生大胆下笔,随类赋彩,小心收拾。少儿美术的分类较细,中国画、水彩、水粉、腊笔、铅笔、版画等,不同的题材适宜相对应的画种。如“雨后的青山”,为了更准确的体现出水的滋润,适宜用国画和水彩画创作;而“城市风光”适宜用水粉画、铅笔画来进行创作。在辅导过程中,不能生搬硬套。 少儿学习美术通常缺乏“常性”,这就要求老师不断改变辅导的方式方法,如在课余多开展一些有关美术的兴趣活动,这样既有助于提高学生的学习兴趣,又可充分挖掘其潜能。 总之,美术教育工作者们要正确的认识少儿美术教育的目的和意义,本着重在启发的原则,把心思多放在如何激发少儿的创作潜能上,如何提高辅导水平上,使辅导方式多样化、趣味化、有效化,而绝非以庖代厨,以求得一时名利。只有这样,才能使少儿美术教育真正在提高少儿综合素质的过程中起到积极的作用。 少儿美术教育论文:论少儿美术教育中的个性发展 摘要:少儿时期是开发智力、创造力与个性发展的重要时期,少儿美术教学应以发展个性为目标。美术的个性化教学可以把知识和情感目标结合起来,使学生在掌握知识技能的同时,形成自主性、独特性,使学生的个性得到充分的体现和发展。 关键词:教学;个性;创造力 个性,是指一个人稳定的心理特征,如兴趣、能力、气质、性格等。个性的各种特质都是在发展中形成的,它能随着发展而改变。因此,个性具有可变性和可塑性。美术教学中的个性化发展作为一种课堂教学的重要内容,首先应认识到学生是有巨大发展潜能和个别差异的人,教师应因材施教、因人施教,让学生个性得到充分的发展。许多老师在教学中严格按照教学大纲来做,学生画出的画,做出的手工作品都差不多,这些不利于培养学生独立思考和实际动手的能力,不利于学生个性的发展。 一、少儿美术教育中个性发展的重要性 “世界上没有完全相同的两片叶子”,人也是一样的,世界上没有完全相同的两个人,有自己的个性,才能满足社会各个领域发展的需求。清代的思想家、大诗人龚自珍“不拘一格降人才”的观念,应该给当代教育工作者有所启示。学生之间是有差异的,教师应从学生个性发展的角度,提高学生的素质,对学生的兴趣、爱好、特长、天赋因势利导地加以发掘,启发他们的主动性、创造性,让他们充分施展自己的才华,培养出富有潜力的新型人才。人类社会已经步入了一个尊重个性、弘扬个性、塑造个性的时代。没有个性的人,是没有发展前途的人;没有个性的社会和时代,是没有希望的缺少发明与创造的时代。没有了个性,就谈不上个人和整个人类社会的发展和进步。素质教育离不开个性教育,个性教育是实现素质教育的手段和途径,没有个性教育,素质教育永远是一句空话。美术课程浸润着浓厚的人文性,美术本身极为注重独特与创新,在美术课程中实施个性化教学具备得天独厚的优势,是为了更加有效地实现教的目标。 人的个性的形成和发展是在社会化过程中进行的,影响人的个性发展是社会多方面因素,比如家庭、学校、同伴和各种各样的信息传播媒体等都对人产生影响,而学校是影响学生个性的关键因素之一,它在一定程序上决定了学生今后的发展方向和成长道路。在学校里,课堂教学十分重要。在课堂上,学生学量的课程信息,这些课程进入儿童正在发展的个性,对学生的发展起着潜移默化的作用。另外,教师的指导作用是不可忽视的,学校对儿童个性发展的影响主要体现在教师身上,尤其是少儿的学生,所以在教学中进行个性化指导,正是对个性发展动机理论的重视与运用。 二、培养学生绘画兴趣,保护好孩子一颗充满好奇的心 俗话说:兴趣是最好的老师。美术教学只有根据学生的心理需求,激发学生的兴趣,唤醒他们的情感,发展他们的个性。现代教学论认为,教学过程既是学生在教师指导下的认识过程,又是学生知、情、意、行全面发展的过程。学习归根是学生的内部活动,是在教师指导帮助下学生主动参与,充满情趣的活动。因此,在教学中,教师应创设和谐,愉悦的课堂气氛,以诱发学生的学习动机。传统的教学模式,课堂上以教师为主体的现象严重地束缚了学生的个性发展,对创新教育是十分不利的。现在我们要搞创新教育就必须把课堂让给学生,以学生为主体,充分发挥学生的主体能动性和创造性。小学生天真浪漫、无拘无束、思想活跃,具有七彩斑斓的想象世界,这个阶段是最能开发学生智力的时机,这时期教师必须为儿童提供充分表现自我的机会,鼓励儿童属于他们的方式表现自己独特的思想和感情。只有这样才能使学生的个性得以发展。 三.打破传统的教学模式,开展多样化教学 传统的美术教学方法陈旧、古板、课堂上死气沉沉的,没有一点活跃气氛,更谈不上有什么创新精神,原因在于老师教死书,学生读死书。如老师上课总是生搬课本内容教学生怎么画,要画的怎么像,要么就是照着美术教材满堂灌。学生也只能按照老师的意图依样画葫芦,课堂上总是以教师为主体,学生几乎没有时间发表自己的思想观点和展现自我的机会。教师这种只注重培养学生的绘画技能而忽视学生个性发展的培养,其结果培养的学生严重缺乏想象力和创造力,无法创作出好的作品。他们美术作品并不是来源于自己的观察、想象、生活,而是生搬硬套别人的作品模式。可见,如果只是培养会画画,而不具备思想境界和创新意识的画匠,那是不能适应现代美术人才要求的,是会被社会所淘汰。在教学中应该让课堂气氛活跃。少儿美术教学需要弱化规范和标准,因时因地制宜,采取灵活多样的教学方法。教师和学生要平等讨论教学方式,有益于形成多种思维方式,也有利于学生的自由发挥。教师不要把自己的想法强加于学生。艺术是感性的,不是教出来的,美术教学的目的是使人在创造的过程中变得更加富于创造,这种创造力将是以后生活和工作中不可缺少的重要基础。少儿美术教育更是如此。每个人都有一定的天性,但是这种天性要在一定的刺激下才能发挥出来。教师的任务就是刺激潜伏在学生心灵中的天生的创造、探索的欲望,所以美术教师在教学过程中要为学生创造环境,充分发挥学生天性诱发学生创新动机。 曾经在给小学生讲线描课时,先讲了线形的种类,然后通过多媒体的课件向学生展示优秀的设计作品,要求学生在绘画中自如地表达自己的想象,画出有个性的作品。最后给一定的时间让学生分组讨论,让同学们自己设计一个有个性的生日蛋糕,然后给自己设计的生日蛋糕加以装饰,孩子的想象力和创造力都是令人难以置信的,在我的不断的启发和鼓励下,学生的作品都完成的相当出色。从粗细线条的搭配到外形的装饰,无不体现了孩子独到的个性审美力、想象力和表现力。孩子们有了收获,都觉得非常的开心,可见,少儿美术教育中,我们可以考虑通过包括游戏中内的孩子们所喜欢的一切方式,使他们更好的消化技能、技巧,更好的了解什么是美,更合理的施展自己的个性。艺术活动的目的不在于培养多少职业艺术家,而在于利用这一手段启迪儿童成为艺术的欣赏者和艺术的创造者。 四.加强对少儿美术教师的培训,真正提高教师的专业水平 就我了解,很多乡镇小学缺少专职的美术老师,以课本和教科书为本,把教学内容局限于某本美术书中的知识,教学活动的创造性受到较大的局限,学生的个性并末得到真正意义上的培养。孩子们喜欢敲敲打打,搓弄着泥巴,堆砌着沙堆,趴在地上涂画。对各种各样的形与色有着浓厚兴趣,他们总是忘我地投入。为儿童提供足够的时间和丰富多样的材料,鼓励他们把想到的和感受到的,自由、轻松、愉快地进行表现,在这一过程中使儿童的创造性逐渐丰富。这就要求我们的教师知识结构和信息量必须跟得上时代的变迁,必须符合儿童全面发展的需要,必须从孩子的角度多考虑,调培养学生学习兴趣,合作互动学习,调情感体验,通过美术实践活动提高学生的整体素质,最终使孩子学会学习,学会做人,终身受益。 结语 美术课程是最尊重学生个性的课程之一,学生在美术活动中比在其他教育活动中能更大程度地张扬和展现自己的个性。新时期的少儿美术教育不再是一种单纯的技能技巧训练,而是一种文化学习,更注重培养人文素养与美术素养,注重培养发展学生审美能力、感知力、想象力、表现力等方面的能力,注重学生的个性发展和全面发展。 作者简介: 1.杨京霞,湖北孝感学院美术与设计学院讲师 ,主要从事美术教学研究 2.肖颖,湖北孝感师范学校实验高中,长期从事美术教学 少儿美术教育论文:美术教育中少儿绘画情感激发的探索与实践 摘要:一个人成长中的少儿阶段是对事物接纳程度比较高,因此,少儿阶段的各种教学,对于一个人的成长有着非常大的影响。美术教育对于培养一个人美学感知能力、审美思想和审美视角都有非常重要的意义,在少儿教育教学工作中,美术教育也是学校和家长对于幼儿开展教育的过程中比较重要的一个方面,如何在美术教育中培养少儿的学习兴趣,提升少儿实践的学习能力,这些都是美术教育工作中需要重点关注的内容。 关键词:美术教育;少儿;绘画情感;实践 一、美术教育中激发少儿绘画情感的意义 美术教育教学是培养少儿审美能力,提升少儿学习能力,引导少儿学习能力的一个重要内容。在美术教育中,激发少儿的绘画情感,是提升少儿美术学习的一个途径。 通过激发少儿在美术知识学习中的绘画情感,首先最重要的,是能够激发起幼儿学习美术,学习绘画的兴趣。兴趣是最好的老师,通过兴趣的培养才能够更好地引导幼儿学习和入门。激发少儿的绘画艺术情感,是情感教学的一个途径,通过情感的唤起,让幼儿从内心的感情中对美术学习,绘画学习有不一样的认知。很多孩子在少儿时期对于各种课程的学习比较有排斥心理,这就在很大程度上影响到了少儿学习的质量,对于少儿的学习能力的培养和学习效果的实现都是不利的。当前,针对少儿学习的标准和少儿学习兴趣的培养,是少儿教学内容的重点部分,兴趣培养和学习过程中的情感激发之间联系紧密,因此通过美术教学中对少儿进行情感激发,能够更好地辅助少儿快速进入学习状态,融入学习环境,并萌生对美术学习的兴趣。 此外,激发少儿的绘画情感,也是从内心提升少儿绘画思想,培养美术思维的一种方式。美术学习不仅需要学生能够掌握绘画技巧,更重要的是,要端丽一种美术思维,绘画是一种艺术,艺术中贯穿着思想,如果艺术的思维思想匮乏,绘画者就不容易创作出更好地作品。因此,美术教学培养少儿的绘画情感,激发他们对绘画的热情和情感,是提升他们创作水平的举措,也是保障少儿绘画过程中,有更加优秀的作品的途径。 二、美术教育中少儿绘画情感激发中存在的问题 当前,在美术教育中,激发少儿的绘画情感对于培养少儿绘画能力,提升他们的美术学习能力方面还存在不足,特别是是美术教师在教学工作中,教师的教学能力,教学思想以及教学的整体课堂设计等,都存在着激发少儿绘画情感能力不足的情况。具体表现在几个方面。 (一)教师不重视少儿美术教学中绘画情感的培养 在美术教学中,少儿绘画情感的培养需要教师来引导,具体的少儿绘画情感培养的效果,需要教师来衡量,并且直接能够反映在绘画作品上。当前,在少儿美术教育中,很多教师对于少儿绘画情感的培养不够重视,教师对少儿美术能力的培养更加侧重于绘画基础知识的培养,培养幼儿掌握绘画笔法,绘画色彩搭配以及总和绘画能力的提升等。所以,教师对于少儿绘画情感的培养重视程度有限,少儿自身缺乏对绘画情感思考的意识,长此下去,在少儿美术教育中,学生能够被激发的绘画情感会被压制,绘画的能力也会受到制约。错过了少儿时代的绘画情感激发培养,未来的少儿美术教学面临的的情感激发压力也会增加。 (二)教师课堂课堂设计缺乏情感激发途径 在少儿美术教学中,教师需要从多角度多层面对少儿的绘画能力进行培养,特别是艺术情感的表现,艺术思想的升华,这些都需要教师在教学中从小对少儿开始发掘,而对少儿美术能力发掘的过程,就是教师激发少儿绘画情感的过程。如何实际的做到对少儿绘画情感的激发,课堂教学是非常重要。 当前在少儿美术教学中,很多少儿美术教师在课程教学的设计方面还存在着一定的不足,少儿在学习绘画的过程中,由于教师课程的设计缺乏积极的激发途径,导致了少儿很少有机会通过美术绘画课程的学习发散自己的绘画情感。教学设计对于教学成果和教学目标的实现有着直接的影响。在少儿美术教学中,教师没有能够较好的对少儿绘画情感进行激发,在一定程度上是因为教学设计的水平较低,教学的方法比较传统,没有给学生更多的机会突出展现绘画热情和表达绘画情感。所以,这种具体的教学方式和教学设计也是少儿美术教学工作的重点。 三、美术教育中少儿绘画情感的激发措施分析 美术教育对于少儿美学思想的培养,审美意识的培养等具有重要意义,当前在美术教育中,对于少儿绘画情感的激发还存在不足,少儿绘画情感的表达受阻,未来,如何做好少儿绘画情感的激发,提升少儿绘画情感的表现力,是美术教育工作中需要不断探索的内容。 (一)提升美术教师对少儿绘画教学情感激发的重视 教师是教育的主体,美术教师对于少儿情感培养情感激发发挥着引导作用。当前很多少儿教师不注重对少儿的情感激发,在教学中不侧重于对少儿的情感培养,这是不对的。 未来,学校要加强对美术教育教学工作的关注度,给与少儿美术教师更多的机会掌握更加充分的教育手段,提升少儿美术教育的整体水平。特别是在少儿美术教师的教学思想培养方面,要更加侧重对美术教师教学思想的提升,让他们充分认识到少儿美术教学的重要意义,认识到美术教学中绘画情感对于少儿未来美术课程学习的重要意义。只有这样,美术教师才能够在未来的教学设计,教学方式方法方面更加侧重对对少儿的绘画情感培养,这将更加有助少儿绘画情感的表达和激发。 (二)教学内容设计从兴趣入手 培养少儿绘画的情感,在教学手段方面需要教师深入研究,特别是兴趣教学,对于少儿绘画能力绘画情感的激发是非常重要有意义的。学生在少儿时期,对于社会事物的兴趣度比较高,因此,教师在美术教育中,应该抓住少儿的兴趣点对他们进行美术教育和绘画培养。例如在上课过程中,动物是少儿更加感兴趣的事物,但是常见的小猫小狗等动物对于少儿来说已经没有什么新鲜感,在兴趣吸引力方面的力度比较薄弱。在此情况下,教师可以通过引导学生绘画一些不常见的动物,激发学生的兴趣,而且在绘画过程中还可以穿插一些故事性比较强的内容,更好地吸引少儿参与到绘画课程,并且从中激发他们的绘画情感。动物绘画方面可以选择企鹅,孔雀等不常见的动物,这样,可以放幼儿充分发挥自己的想象力,凭借自己的印象和认识去绘画,教师可以辅助一些相关的小故事,这样能够对幼儿更有吸引力,激发他们的绘画情感,更好地将情感凝聚在绘画过程中。 (三)教师要在教学中强化对幼儿的引导作用激发绘画情感 教师对于少儿绘画情感的激发发挥着主动的作用,针对少儿绘画情感激发不够充分的问题,未来,少儿美术教师在教学过程中,要更加重视对少儿的绘画情感的引导,在教学设计方面,要将绘画情感激发目标融入到教学设计中,将教学设计的内容与少儿绘画思维和绘画情感结合起来,提升绘画情感激发在教学设计目标中的地位,更加全面的对少儿情感激发提出全面的设计方式。教师在具体的教学过程中,要通过对学生进行引导的方式,加强课堂的教学沟通,这样一方面凝聚了学生的课堂注意力,另一方面,也能够让学生更好地跟着教师设计的思路去表达绘画思想,教师引导学生主动迸发出绘画思想,是一种教学方式,也是一种教学成果,这需要教师在不断地实践过程中寻找更加广泛的渠道来实现。 结束语 美术教学贯穿于少儿教学的始终,未来美术教学中,教师要更加重视对少儿绘画思想和情感的激发,同时,设计多种教学模式,不断探索教学方法,拓展少儿的绘画思维,更好地促进美术教学的发展。 少儿美术教育论文:少儿美术教育中的想象力培养研究 【摘 要】少儿教育是我国义务教育的基础,在教育过程中主要是注重引导型和启发性。由于幼儿时期的孩子们思维和行为还没有形成理性,所以对于各种事物的认识偏向理想化,所以也具备了与成年人的思维完全不同的想象力和创造力,作为教育的关键时期,如果没有把这种想象力和创造能力加以长期培养,这种天赋将会逐渐随着年龄的成长而消失。所以在日常少儿教育过程中,尤其是音乐、美术类艺术教育,需要通过特定的培养方式来进行教育。本文通过研究美术课程的教学模式,分析了少儿美术教育中想象力的培养方式。 【关键词】少儿;美术教育;想象力培养 想象力属于人类所具备的一种高级认知方式,通过一定的形象和表象的认知,在脑思维中进行改造,从而创造出来的新形象的思维能力。“艺术源于生活也高于生活”,美术绘画并不是凭空想象出来的东西,我们在生活中都可以找到绘画原型,但是在艺术中创造力又是高于生活的,所以在美术绘画中也需要打破常规思维方式,重新认识事物。绘画需要眼睛、手指还有大脑的配合才能完成的智力活动,通过形象的观察和思考发展思维,通过分析和概括来形成抽象思维,这个过程的变化能够为智力的发展打下良好的基础。 一、少儿美术教育的现存问题分析 1.依葫芦画瓢的传统教学思维 在幼儿美术的教学课堂上,教师侧重于传达常识性思维,例如太阳必须要画在右上方,颜色必须是黄色,这种教学模式导致孩子们画出来的作品大同小异,不管是太阳颜色的大小角度还有形状都没什么差别,教育的模式和概念的固定导致了幼儿在绘画过程中无法培养自我思考能力,在孩子们面对实物进行绘画时,脑海中也形成了固定的思维模式,也就很难出现自我创新的想象力。 2.模式化教学抑制发展 在幼儿时期的美术教育中并没有统一的要求和标准,也不能以画的很像或者很漂亮来确定谁画的好,而是在教育过程中培养孩子们对于颜色、形状、构图、线条还有整体绘画布局的审美能力。如果让孩子们在绘画过程中感觉到受挫,容易产生厌倦心理,所以孩子们在遇到困难时,教师需要进行鼓励指导,合理的训练孩子们的控制画笔的能力,完成自我想象空间的呈现,长此以往,孩子们就在绘画方面形成了自己的绘画风格,提高了思维拓展能力,为以后的学习和生活打下良好的自我思考能力的建设基础。 二、少儿美术教育中的想象力培养措施 1.培养幼儿观察能力 对于幼儿来说,对于世界认知较少,所以想象力并不是凭空就来的,往往还需要在现实生活中依靠事物的特征来展开相应的想想,这就要求了在教育方法实践过程中,想要提升幼儿们的想象力,首先就需要进行观察教育。例如在进行户外活动中,教师可以利用一些自然环境景观来练习幼儿的观察力,天气晴朗时,可以指导幼儿们抬头仰望天空,共同来观察和形容一下云彩的形状,让每个孩子们都能参与到讨论中来,教师可以一一针对这些想法做出中肯的回答,切忌不可批评错误,而是利用而难题的引导,例如云彩的颜色或者是形状来沟通,让孩子们学会在观察中抓住事物重点。 2.实现教学引导性 通过了观察教学之后,教师们就可以开展引导教学了,首先从一个简单的切入点来进行引导。例如说在秋天让学生们收集地上的落叶,然后根据不同形状和颜色的落叶,通过想象力黏在白纸上,然后组成不同的图画,这中间教师可以通过一系列的引导来丰富孩子们的想象,例如说两片落叶拼在一起像不像是蝴蝶的翅膀?还有落叶在纸上拼成小花的模样应该用几片呢?利用生活化的内容和问题的引导,引发学生们思考和想象,在美术创作的同时充分发挥自身的想象力,开拓了自身思维。 3.活动式教学模式 幼儿时期的活动类型主要包括了玩游戏、讲故事还有唱儿歌等方式。那么例如在美术课堂上,教师可以通过讲故事的方式来引起孩子们的学习好奇心和兴趣,教师讲故事讲到了小猴子来到果园里先摘了一个苹果,然后教师在黑板上相应画出苹果的形状,然后在故事情节中相应的加入苹果的大小和颜色等特征,让后引导孩子们帮忙涂上颜色,孩子们在实践活动过程中通过语言的描绘和动手能力,直观的感受到回话的颜色和布局,思维模式也从局部的想象变成了整体的想象,有助于绘画水平的提高,同时有利于提升自身想象力。 三、结语 在幼儿时期进行美术教育,并不是一个简简单单的涂画工作,它的主旨是培养孩子们想象力,少儿阶段是各项学习能力塑造和培养的关键时期,所以必须要通过多样化的教学手段,循序渐进的进行熏陶和培养,逐渐引导孩子们形成自己的绘画思维,这是一个长期的潜移默化的能力成长过程,所以也需要教师能够耐心指导,在教学思维和模式上不断地创新,发挥出美术学科观察美、创造美的特点,引导孩子们产生学习兴趣,锻炼自身创新思维能力,培养学习创新性,拓宽学生们的四维空间,从而真正地激发出学生们的美术想象力。 作者简介: 邓菲(1992~),女,籍贯四川省成都市,文学学士学位,研究方向:少儿美术教育。 少儿美术教育论文:少儿美术教育模式的研究述评 摘 要:本文主要通过调查研究,总结出适合5~13岁少儿的美术教育模式。少儿美术教育应摈弃传统、单一的教学模式,创造多元化的课程结构,激发少儿的创造性思维。 关键词:美术教育;创新思维;教育模式 随着“科教兴国”战略的提出和逐步实施,素质教育慢慢步入人们的视野。美术教育是素质教育中的一个重要的组成部分,对人们的未来生活起到重要的作用。美术教育并不仅仅是绘画,它小到培养孩子的观察力、创造力,大到培养孩子看待问题、世界的思维方式。美术教育并不只是单纯地要将孩子培养成未来的艺术家,更多的是希望通过合理的方式激发孩子的创造力。 创造力能激发人的求知欲、上进心,陶冶情操,开启智慧,培养创造力就像培育一粒种子,需要一定的环境条件。校园的环境具有心理同化、行为规范及导向激励作用。建立良好的、适宜创造力培养的学习生活环境,是培养学生创造力的一项重要策略。除了教学硬件设备作为物质保证之外,还要建立良好的、有利于激发学生创造力的精神环境,这格外重要。 7岁到青春期这个阶段里,儿童的生命组织构成的表现力主要在于感觉能力的发展。理性化教育对于这个年龄阶段的孩子来说很多时候是无用的。这时人的发展是处于动物性的发展阶段,出自于内心深处的感觉、欲望等类似于动物的特性支配着人的身体。人这时有参与生活的强烈意志,并通过感觉来表达和体验心灵中细腻的感受。此时,我们应该尊重孩子的内心感受和他们所表达的想法,以全人教育的方式来激发他们的创造力。 在整个小学阶段的美术教育体系中,教师要以艺术设计启蒙,强化学生的问题意识,通过单元制全科教学,秉承创意创新,培养具有创造性学习能力的学生。同时,结合认知与表达、观察与体验、写作与分析、造型与欣赏、发现与创新等,激发少儿的创新思维。 一、1~2年级 处于该年龄段的孩子的注意力不能随着课堂的开始马上集中,因此,教师在课程开始前导入的内容是相当重要的。对于内容的选择,应该从孩子的角度出发,选择与他们生活中息息相关的事物来导入,从而引起他们的兴趣。罗菲尔的创造性与心理论指出,7~9岁的儿童处于图示期,他们对图形有了一定的认识。因此在介绍课程内容时可以多以图形化的形式展现,使他们能够印象深刻,便于理解。在授课的过程中,要注意培养孩子的观察力。教师可以对图形进行分解和归类整理,这种方式有利于培养孩子的观察能力。观察与体验是孩子创造性思维迸发的基础。这方面的积累是灵感的来源,教师应该引导学生去挖掘自身的情感,捕捉生活中的每一个难忘的瞬间,关注身边的人和事,从中发现美并创造美。 二、3~4年级 随着年龄的增长,孩子的认知能力也逐渐完善,他们对事物具有一些自己的思考和判断。因而,在课程的内容中可以加入一些学生感到陌生、看似与他们无甚关联的观念和思想、艺术家和艺术作品、问题和主题等,帮助他们建立有意义的联系。这能扩充他们的知识、拓宽他们对世界的理解,以及对自身角色的理解。 同时,传授基本的绘画技能,使学生尝试绘画。教师可以设立“美术课堂画廊”,帮助学生产生绘画的动机与欲望,并将自身的情感、思想表现在绘画当中。首先由画的作者具体来谈自身的感受及感想,之后其他学生欣赏与评价。在评价过程中,教师应该让学生各抒己见,充分交流情感,促进学生的情感体验,将学生的手、脑、眼三者统一起来,培养学生的创造能力。 此外,教师还应该帮助学生与相隔久远的艺术建立联系。通过了解艺术家的故事、传记、作品的背景信息等一系列方式,使这些久远的图像和思想呈现意义。 三、5~6年级 引导学生进行实践与设计,深入实践,创新设计。在 1~4年级从微小的方面对学生进行创造性思维的培养和熏陶,在孩子们有了一定的艺术思维的基础上,应着重培养他们的实践动手和再创造的能力。日本著名的设计师山中俊治在他的设计心得体会中说过,一切就从观察身边的事物开始。通过观察一件物品,可以引导孩子提出问题,再解决问题。在这个过程中,他们就有了再创造。 苏霍姆林斯基说过:“我们教育工作者时刻不要忘记儿童的幸福和愉快的精神生活,让所有的学生都成为幸福的人,使他们的心灵由于劳动幸福充满美和快乐。获得自己精神生活的美满的幸福,享受劳动和创造的快乐。”因此,我们在“以美扬善”进行德育的同时,还要开启美术教育的情感教育之门,培养学生创造的兴趣和热情。 少儿美术教育论文:从“苏荷”看当今少儿美术教育的误区 摘 要:“苏荷”(SoHo)是“豪斯顿街以南”,即South of Houston Street的英文缩写,是世界闻名的艺术区。而在台湾,“苏荷”则作为儿童美术教育的传播者,给现当代美术教育提出了一些启发性的思考。本文主要根据“苏荷”美术教育中心的一些优秀观点出发,分别从儿童美术馆的意义所在、儿童学习美术的意义所在、评判儿童美术作品的指标三个方面来展开研究,探讨当今少儿美术教育还存在的一些误区。美术馆不应当只成为人们休闲娱乐的方式,应在其中产生良好的教育意义,我们学习美术的根本意义应当是学习美学和美感,同时我们也应当给孩子“画不像”的权利。 关键词:苏荷美学;美术馆;儿童;美术教育 前言 少儿美术教育一直是当今社会教育的重要组成成分,伴随着一次次的课程改革,少儿美术教育也在一步步朝着正确的方向发展,但是其中依旧还存在一些还未解决的问题。由台湾林千铃所创办的苏荷美学算当今比较具有代表性的儿童美术教育机构,他们不但有一套自己独特的教育理念,还创办了特有的当代儿童美术馆。因此,根据对苏荷美学优秀教学理念的研究,对今后少儿美术教育的发展有着积极的意义。目前,关于对苏荷美学的系统研究并不存在,只有少量资料介绍其教育理念及苏荷儿童美术馆的情况,不过有一些与其教育理念相似的研究,最终目标都是为了探究当今少儿美术教育所存在的误区。本研究主要建立在苏荷美学教育优秀理念和前人对少儿美术教育所存在误区研究的基础上,进而展开了问卷调查和访谈从而进行的更深层次的研究。 一、 对儿童美术馆认识的误区 随着时代的发展,参观美术馆已成为当今很多家庭休闲、娱乐的一种方式。而苏荷美学”认为美术馆不应只是人们休闲、娱乐的一种方式,而是应该具备一种新使命――在休闲和娱乐中获得教育。有不少家长认为带着孩子去参观美术馆就能使孩子获得教育,但具体到如何去获得教育却又答不上来,只是浅显的认为看画就可以提高审美,好一点的还会说需要听讲解员讲解。如果仅仅是依靠这样简单的方式,美术馆是适应不了现今知识水平的极速发展的,美术馆应当采取更多元化的方式来最大可能性发挥出其存在的意义。这点也可借鉴“苏荷美学”创办的儿童美术馆的经验,例如他们在讲解莫奈的印象主义时,为强调光对印象派的作用,建设了一个场景空间,背景是莫奈的作品,伴随房间光线的变化,莫奈的作品也展现出完全不同的色调感觉,这样既形象又生动,使儿童更易理解。 还有一点就是美术馆的互动游戏,现在大多数美术馆已经开始注意这一点了,在我参观的大型博物馆和美术馆都设有儿童互动游戏区,但很多小型美术馆这方面依旧欠缺。且在互动游戏形式的设置上还比较单一,未能很好的将美术馆的知识内容融合进去,大多采用填色这样的简单游戏。美术馆在儿童互动游戏方面应采取更多样化的形式,更充分地调动儿童的参与性,使他们能够在玩乐中去学习知识并且理解知识消化知识。 二、 评判儿童美术作品的指标所存在的误区 在调查中了解到,现在的家长仍有绝大部分喜欢用“画得像不像”作为评判儿童美术作品的标准。而“苏荷美学”认为其实我们应当给孩子画不好和画不像的权利。首先,从生理上说,几岁的小朋友处于身体发育阶段,手的力量是有限的,这时我们却要求他们一定要把线画直,或者说颜色一定不能涂出线外,其实是不利于小朋友肌肉的发展的。再者,其实很多知名艺术家的画都是画得“不像”的,他们更多的是在表达自己内心的感受,这一点和小朋友画画是相通的。孩子们画画更多的不是在表现技巧,而是在于把内心的感受想法画出来。如果儿童受到家长“画得像不像”这样的评价,也会逐渐以追求“像”为画画的目的,这样的后果只能是严重妨碍了儿童想象力和个性化的发展。世界著名绘画大师毕加索就曾经说过“我在小的时候已经画得像大师拉斐尔一样,但是我却花了一生的时间去学习如何像小孩子一样作画”,毕加索所学习的“像孩子一样作画”就是在学习儿童观察世界的角度,那些看似凌乱的线条和不规则的色块背后的美丽世界。 大师都是这样的看法,我们普通人也何不以一种更宽容的心态去对待和评判儿童的美术作品,发现他们作品中所存在的“美”的闪光点,而不是把眼光局限在画得像还是不像上去。 三、 对儿童学习美术的意义认识所存在的误区 从小学到高中学校一直都设置有美术课,而我们究竟为何要去学习美术呢?“苏荷美学”认为儿童学习美术应该是去学习美学和美感,而不是学习画图。在调查中发现,大部分家长认为学习美术的目的是为了提高孩子的审美能力。他们觉得孩子画面中的创意性是非常重要的,但是却存在根据儿童画得像不像来作为评判儿童美术作品的依据,这样的误区究竟是什么原因造成的呢?我大概总结了一下,是因为创意性的重要性在社会中做到了很好的宣传,所以家长会认为它是最重要的,但是其根深蒂固的觉得“画得像”才是画画的首要条件这一观念却依旧没有改变,所以这也是即使很多家长觉得提高孩子审美最重要,也认为孩子画面中的创意性很重要,但是还是会拿画得像不像去评判儿童的美术作品。这里的误区就在于家长在对儿童美术教育中知道了美学、美感的重要性,但却仍有很大一部分家长把学习画图放在首要位置。 家长只有从真正意义上认识、了解、接受儿童学习美术的意义是学习美学和美感,才能从根本上解决在儿童美术教育中所存在的误区,从而帮助儿童充分发挥他们的潜能,得到更好的更全面的发展。
中国美术论文:中国美术馆的采光设计 美術馆的任务就是把美術作品真实、正确地供给观众欣赏。观众常常要在一件杰出的作品前面停留徘徊、细细玩味,研究它的造型、色彩和技法。如果光线不好,就会影响展出的效果,增加观众视力的负担。因此,无论从尊重艺術品或是关怀参观者来看,都必须保证馆内有良好的光线。 为了达到这一目的,消除展览室内光线不足或过强、反射、炫光等缺点,我们在着手进行美術馆的初步设计时,就对采光问题进行了研究,以求结合建筑设计及展览方式的特点,提出合理的断面形式,采取有效的光线调节措施。 就大家熟悉的国内外设计经验来看,顶窗采光是美術馆最常用的一种采光方式。它的优点是采光效率高,整个展览室内都能有充分而均匀的光线,因而展品的布置可以不受光照的限制,但只有单层的或顶层的展览室才能利用顶光,多层展览馆除顶层外,只能用侧窗采光。至于究竟采用单层还是多层建筑,这主要从建筑上各种因素综合考虑。 普通的低侧窗是在小型展览室(50~120平米)用的,这种采光方式的照度变化很大,如果房间进深大,则房间深处光线一定不足;在面对窗子的墙面上虽然能得到比较高的照度,但是窗子位置低、亮度大,窗子造成的反射炫光几乎是无法避免的。 为使房间内照度分布均匀,避免反射炫光现象,可以把窗子的位置适当地提高,这就是高侧窗采光。不过高侧窗也不是十全十美的,在只有一侧采光时,窗下布置展品的墙面处于暗影之中,和明亮的窗子形成强烈对比,容易产生炫光;观众站在离墙面较远的亮处,二次反射就十分显著。北京帅府园美術馆采用这种采光形式,直接观察和客观测定的结果都证明,采用这种采光方式如果处理不当,会产生严重缺点。当然,如果展览室两面都开高窗,两边墙面都能受到从对面窗子射入的光线的照射,情形可以好些,但是,如果房间跨度大而高度不够,也难免产生一些缺陷。 中国美術馆建筑设计的要求给采光带来了许多困难:一层和二层展览厅的跨度达20米,而层高却只有7米,展品又是用三线陈列的布置方式,这样的条件在侧面采光的展览厅里是少见的,因此,能不能保证展览厅内有必要的照度?如果层高确实受到限制,怎样才能避免反射和炫光?怎样才能得到合理的照度分布?一系列复杂的问题,要求我们做新的探索和尝试。 美術馆的光照要求首要的是适宜的照度,照度低了画面就会显得暗淡,细致的部分看不清楚;光线过强又会增加观众视力的负担,同时会把绘画的布纹、裂痕等过分暴露出来。据调查,适于观赏的照度至少在80勒克司以上,平均为100-200勒克司;根据当地的光气候条件,可以很容易得出应有的天然采光系数标准。在设计中,我们主要是根据对北京已有的几个展览馆的调查,并参照苏联标准,预先确定了如下的指标: e3——在观众眼睛的高度(距地面1.5米)垂直面上的天然照度系数;观众到展品的距离为画高的1.5-2.0倍。 达到这两个指标,一般地就可以避免和减弱二次反射现象,这样一来,墙面显得明亮,观众的注意力会自然地被吸引到墙壁上的绘画作品上去。这也是一种利用光学效果的建筑设计手法。 消除对观众视力最有害的直接炫光和反射炫光的主要措施是:把窗子布置在必要的高度,有大于14。的保护角,并严格防止阳光进入室内。室内有阳光,不仅炫目,增加眼睛的负担,分散观众的注意力,更严重的是会损坏美術品。 为满足上述光照要求,我们主要采取遮蔽窗子以减低亮度,并用调光装置调节光线分布的办法,来克服一般常见的光学缺陷,因为展览室跨度很大,靠加大层高来避免反射炫光是不现实的。根据计算,如果考虑画面倾斜10°,窗底所需的标高也要在8m以上,这不仅不经济,而且也未必能得到良好的光照质量。 在各种调光装置中,遮光片能起遮光、散光和改变光方向三种作用,是一种有效的工具。我们首先设想在窗下加一排向墙面倾斜的遮光片(图3甲),可以在视线范围内遮蔽窗子,也能把一部分光线反射到墙上去。但是这种简单的处理就好像火车车厢里的行李架,看起来令人厌烦。于是,我们就想用第二方案(图3乙),在展览厅的中央部分做成毛玻璃的吊顶,这对室内的建筑形式虽然有了改善,但是空调设备的体积庞大的管道却不好布置,而且玻璃吊顶的面积很大,在维修、清扫和构造上也诸多不便。最后,由于结构的原因要在室内增设两排列柱,我们就结合柱子把室内室间分成三部分,中间一跨的高度比两边提高一些,利用这个高差开一排小窗,使中间部分取得间接光线,两边靠窗子的地方在折光片以上形成了三角形的采光井,斜置的反射面可以向墙面反射光线,空调管道也有了比较妥当的位置。(图3丙)。 这个方案的意图得到建筑师、结构和设备工程师以及美術家们的共同赞许,但是光照质量能否达到预期的效果,还需要进一步实验;同时,开多大的窗子合适也没有现成的计算方法,要用实验的方法决定。为此做了一个1:4比尺的模型,模型内按照使用要求布置了绘画和雕塑,经过主观评价和光照测量,证实了这个方案的许多预期的优点:照度达到基本要求,光质良好(表4)。 这个方案在施工过程中,采光设备所选用的材料、作法和实验条件有一些出入(图4、图5),主要参数是:开窗面积率为1/4,镶单层5毫米厚透明玻璃;透光片是方形的,长、宽、高各80毫米,保护角45°,用白色塑料涂面层的三夹板做成;三角天井内的反射面水平倾角23°,涂白色油漆。 建成后,实际光照效果的测量结果和实验数据大体相近(表4)。主观评价认为展览室的光照条件合乎理想,布置展品的墙面上很明亮,由于折光片的多次反射,光线也柔和、均匀,消除了常见的反光现象,形成了适于美術欣赏的雅静气氛。 因此,我们认为,这种间接高侧窗采光方案在特定的条件下基本成功。它的特点有以下几个方面: 1.利用斜置的反光面和大面积折光格片把光线有效地反射到挂画的墙壁上,从而使光线分布合理。实际证明,由于反光面的反射,墙面上的照度增加1/3左右;在加了折光片以后,照度分布系数K由0,53提高到0.78,而k3则由2.0降低到0.91。避免了发射炫光现象。 2.技術设备层布置在和窗子相同的高度,节约了层高。 3.室内的空间富有变化,有利于建筑处理。 4.人工照明可以装在采光天井内,夜间可使展室内明亮而看不见灯具,而且获得和白天相似的照明效果。在建筑上也显得洁净。 大面积使用折光格片是一次新的尝试,目前还有一些缺陷,对于存在的问题,还应当做更进一步研究。 我们在现场实验和模型试验以后发现,正方形的折光片虽然能够扩散和反射光线,但对于美術馆还不是最理想的形式。从图6的实验数据来看,60°的折光片(向墙面倾斜所成的水平倾角)能得到最好的照度分布;墙面上的平均照度则以75°时最高。这是由于当折光片的倾斜角度改变时,投在受光面上的直接光和反射光的比例也会随之改变,直接光的比例愈大,照度也就愈高,所以,为了得到均匀的光照,把几种角度不同的折光片组合使用是有利的。方形折光片多了横向格板,也就相应地增加了光线在反射过程中的损失,因而即便在横隔墙上的照度,也低于用90°和75°的单向折光片。 为了使折光片表面的亮度均匀,避免在太阳高度角大于折光片保护角时,阳光射入室内,应该在窗子内侧设置反射能力好的遮阳板或采取其他有效措施。 在美術馆四翼的角厅和主体部分的三层用顶窗采光。因为顶窗所造成的水平照度高于垂直照度,所以也用折光片散射光线,以取得合理的照度分布,室内空间处理上也可以和高侧窗采光的展览厅取得协调。 顶窗采光的展览厅光线非常充足,由于开窗面积比高侧窗还大(1:2.9),所以实际照度水平大大超过高侧窗的展览厅’以至有些过亮了(表5)。看来开窗面积率可以减少一些。 顶窗呈三角形,采用5毫米厚的磨砂玻璃。窗子沿墙连续布置成带,以便在墙面上有均匀的照度,中央部分的顶窗按相等间隔布置,在展览雕塑时可以有比较好的效果。 从美術馆的采光设计中,我们感到可以总结出以下几方面的经验: 1.采光口的形式、大小和位置对采光质量有决定性的影响,因此,在初步设计时就应当充分考虑采光要求,慎重决定平面和断面形式。看来,美術馆最好用顶窗采光,在侧面采光的情况下,建筑跨度在10米左右比较适宜,否则就要采取适当的辅助技術措施。 2.折光片可以有效地改变室内照度分布,根据美術馆要求,应该选用60°~75°的单向折光片,其宽度及合适的分布位置最好通过实验来决定。折光片倾斜了,积尘的可能性也加大了,对面层材料的要求要更高些。大面积的方形折光片只适于在要求均匀扩散的水平照明时应用。如果把折光片按倾斜率的不同分成几条带,它的光照效果比较理想,但是建筑艺術效果如何,可能还须进一步研究。 3.在朝南、东、西开窗或开水平天窗的情况下应该考虑遮阳措施,或是采用指向性玻璃砖,使光线在投入建筑物之前先经过调整,这无论从完全防止直射阳光、降低或控制室内温度,还是从使透光天棚的亮度均匀来看,都是必要的,不过建筑物的立面造型处理就复杂了。 4.各展览室之间的照度不能相差太大,应该考虑到人眼的视觉特点,一般不应使观众由展览室内直接看到室外,以免由于亮度的强烈对照而引起炫光。特别对于外门的安排,在建筑布局上应该加以注意。 5.展览室内除天棚以外,墙壁和地面应该选择中性的、明度不大的颜色作为美術品的背景,在视野内有舒适的亮度比利用反射光更重要。 中国美术论文:走近中国美术的延安时代 在纪念同志《在延安文艺座谈会上的讲话》发表70周年的日子里,举办大型主题性展览,以回顾和展示70年来中国美术的历程,对于认识中国美术在《讲话》精神指引下所发生的历史性变化和发展,对于宏观地研究70年来中国美术在思想观念和创作方法上所形成的方向性特征,具有重要的现实意义和学术价值。70年的中国美术“从延安走来”,70年的故事也要从延安讲起,因此,中国美术的“延安时代”成为展览的序篇。在整个20世纪中国美术史上,延安美术具有独特的创造性文化新质,是革命美术发展的重要篇章,而更为重要的是,亲历过延安时代的一代美术家以及他们在延安的成长与战斗、生活与创作,都开辟了后来中国美术发展的新的征程。从策展团队的构思酝酿到专家研讨会上大家的建言献计,都一致认为,在主题为“从延安走来”的展览中设立“延安时代”篇章,是十分必要的。通过历史文献及实物,营构延安时代的艺术氛围,再现《讲话》发表的历史情境,将让人们走进美术的延安时代,认识延安美术的特征,由此进一步理解《讲话》的价值与意义。 在大型展览中运用文献资料形成展出作品之外的延伸阅读,是美术展览发展的新的特点。但是,在展览中专设文献资料篇章,则是一种新的尝试。美术学界近些年急切呼吁抢救和收集20世纪以来老一辈美术家的文献资料,让它们和美术作品共同形成“活”的美术史,就是因为经过战争和动荡的岁月,许多珍贵的史料或损坏遗失,或零星散落,或缺乏整理。因此,借这次展览的机会,对延安美术文献进行寻访、汇集和编排展示,是一次初步的开端性工作。通过那些已经变旧发黄的老照片,那些留有老一辈美术家手温的创作工具,那些当年的出版物、日记、手稿以及其他实物,美术上的延安时代开始变得清晰起来。 1938年以后,当吴作人等一批艺术家纷赴欧洲、美国学习西洋绘画时,在中华民族奋起的抗日战争全面展开之际,一大批文艺工作者们来到延安开展文艺创作与宣传,他们中有新兴木刻运动的健将,有参加过抗日宣传活动的骨干,也有从国外留学归来即投身革命美术的人才,构成了充满活力的延安美术工作者群体。曾经参加过“一八艺社”现已103岁的延安美术老人汪占非先生回忆说,他们当时在城市中到处奔走呼号,宣传抗战,但是受到反动派的强烈阻拦甚至迫害。为了团结更多的革命力量,为了实现民族的独立与复兴,也怀着和平与艺术的理想,他们最后都选择去往延安。在当时烽火硝烟的岁月,延安对画家们来说如同圣地和避风港,老先生向我们讲述延安时,不断喃喃道“到达延安如同回到故乡啊”。著名木刻家胡一川在日记里也记录了他到达西北时的心情:“我已经看到金沙帐,更看到了少鱼沟。你不亲身到西北来,是不知道西北的真正面目……金色的阳光毫无自私地照耀着任何一个处所,清新的空气更充满着任何一个角落,你可以挺着胸自由地呼吸。”在滔滔延河边,巍巍宝塔山下,在绵延无尽的黄土高坡上,满怀激情的美术家们开始了艺术人生新的征程。 当年的“鲁艺”(创建之初称“鲁迅艺术学院”,后改称“鲁迅艺术文学院”)校园如今依然保存着原来的面貌,带有五彩镶嵌玻璃窗的礼堂(原为教堂)在阳光下仍然映射出神圣的光辉,如果不是看到那些老照片和文献史料,任凭怎样丰富的想象力,都无法穿越历史的时空回到彼时当地,回到革命文艺的新起点上。“鲁艺”是延安文艺发展的第一阵地,被认为是革命文艺新的摇篮。1938年2月是一个重要的历史节点,、、林伯渠、徐特立、成仿吾、艾思奇、周扬等七人,联名发出“鲁艺”的《创立缘起》。《创立缘起》指出:“艺术——戏剧、音乐、美术”等是宣传鼓动与组织群众有力的武器。艺术工作者——这是对于目前抗战不可缺少的力量。因之培养抗战的艺术工作干部,在目前也是刻不容缓的工作。我们决定创立这艺术学院,并且以已故的中国最大的文豪鲁迅先生为名,这不仅是为了纪念我们这位伟大的导师,并且表示我们要向他所开辟的道路去踏步前进。此后,“鲁艺”逐渐成为延安美术发展的中坚力量,并对整个20世纪中国美术创作和美术教育产生深远的影响。 “鲁艺”建立之初,在教学上设戏剧、音乐、美术三个系,后增加文学系。1941年,改设戏剧部、音乐部、美术部和文学部,美术部下设美术学和鲁艺美术工场。其中,美术学课程分为必修、专修和选修三大类,教学内容既有马列主义哲学、政治经济学、艺术论和美术史论,也有美术基础课、写生课和创作课;教学美术工场则是一个综合性的机构,设有创作科、研究科、工务科,负责美术研究、创作和宣传,在创作科内设绘画、木刻、雕塑、工艺美术、建筑设计、摄影等小组,研究科设美术理论、技术练习、政治学习等小组,工务科包括工场管理,材料产品等小组。“鲁艺”的美术教育在教学内容、教学方法上所形成的新型美术教育模式既延续了先前的某些合理的因素,更有发展创新,而创新是本质的。在教学的组织系统上,“鲁艺”美术教育注重教学、创作、研究、制作各有分工,相互促进,其中最重视创作,这也是20世纪以来中国美术教育崭新的事物,因此,在延安奠立起来的美术教育模式成为后来美术学院的基本结构。此外,“鲁艺”还出版专门的校刊,及时反映创作成果,交流创作思想,构筑了较为合理的教学与创作格局。在以后的70年现实主义美术创作和新中国美术教育体制的建立中,都显示着“鲁艺”的影响,正如《成立宣言》所指出的那样,“一方面,我们的一切工作是为了抗战。另一方面,我们要在这些工作中创造的新中国的艺术。我们接受各时代的中国的和外国的艺术遗产,使新的中华民族的艺术更迅速地成长。” 以“鲁艺”为起点寻找延安美术创作的轨迹,可以发现江丰、古元、胡一川、彦涵、刘岘、华君武、力群、张仃等一大批斗志高昂、激情满怀的美术家的身影,他们将创作与革命实践相结合,研究与创作相结合,创作与技术制作相结合,以勤奋的劳动创作了大量作品。一方面,他们讨论美术创作的民族化、大众化等严肃的学术课题,留存至今的一些杂志上记录了当时热烈的学术论争,胡蛮的《论美术上的民族形式与抗日内容》、江丰的《绘画上利用旧形式问题》等讨论绘画的民族形式问题的专论在当时都产生了很大影响。另一方面,美术家们也深入到农村、工厂和前线,走进群众生活,积极吸收民间美的元素,特别是结合延安剪纸艺术创造了新的木刻语言,并成为20世纪美术史上的代表性图式。由此,延安的美术创作出现了“新鲜活泼的、为中国老百姓所喜闻乐见的中国作风和中国气派”。 延安美术的发展也与活跃的文艺出版事业紧密相关。美术家们印行了专门的画刊,也为各种文艺刊物作美术设计,如《前线画报》《战斗美术》《文艺突击》《中国文化》《文艺战线》等都留有他们的印迹。其中,《前线画报》创办于1938年,一直坚持出刊长达7年之久,记录了当时美术创作和研究的丰富面貌,在延安出版的杂志中,它的存在时间最长。这些杂志刊登的美术作品和文章成为人们认识延安美术的重要文献。此外,《新中华报》《解放日报》刊登的美术作品及美术研究文章,也是构成延安美术面貌必不可少的部分。更为有意义的是,在极为艰苦的条件下,延安仍然努力介绍和传播国外的优秀艺术,曾举办毕加索、柯勒惠支等外国名家的美术作品展,体现出宽阔的文化视野和面向世界的理想。同时,也成立了研究外国美术的社团,例如,“延安d.h.孚.宗版画研究社”就经常介绍欧洲版画及其技术。延安美术的活跃态势也引起了国际美术界的关注,当时的作品也被介绍到国外,20世纪40年代的美国《生活》杂志曾多次介绍中国的木刻作品。此外,1946年在美国出版的《黑白教职里的中国木刻集》,集中介绍了在解放区和国统区的木刻作品,该书的编著者巴克·皮尔(Pearl S.Buck)在序言中说,“这本书出版的木刻作品客观公正地反映了发生在中国的故事。令人感兴趣的是,木刻成为了首选的媒介,这是因为木刻与旧中国的木版印刷之间存在着一种关联,同时通过这些作品可以发现,年轻的木刻家们将一种源自西方的技艺成功地与中国木版印刷结合,并运用在表现中国的主题上,但从实际上讲,他们选择木刻这种媒介可能与油彩颜料和画布的极大缺乏有很大程度的关联。无论如何,研究这些木刻作品都是令人兴奋的,……整体上说,通过将这种高超的技艺媒介运用到适当的主题,它们表达了真实的感受。” 延安文艺的发展始终得到了以同志为优秀的党中央的关心指导和支持。对当时的美术创作给予了极大的关注,他曾多次邀约艺术家到枣园讨论美术问题,并通过与美术组织、美术家的通信、座谈,通过对美术作品的点评、指导,通过美术界多种会议和活动,发表了重要的指示和见解。例如,同志给刘岘的回信中写到:“我不懂木刻的道理,但我喜欢看木刻。刘岘同志来边区时间不久,已有了许多作品,希望继续努力,为创造中华民族的新艺术而奋斗。”另外,在看了“讽刺漫画”展览之后,专门与华君武进行了交谈。对整个延安文艺的关注和中国文艺的思考促成了那个历史时刻的到来。 1942年,当在延安的美术工作者们收到那张粉红色的邀请时,包括美术在内的延安文艺也开启了新的篇章。那是一份来自党中央的邀请函,而不是会议通知。对参加过座谈会的画家来说,这本身就是一种新的方向。1942年5月2日,延安文艺座谈会在杨家岭中央办公厅小会议室召开,会议上同志所作的“引言”报告简明扼要地讲述了召开座谈会的目的和革命文艺的重要作用,提出为了实现这种作用应该解决的五个问题:即立场问题、态度问题、工作对象问题、工作问题和学习问题,会议引发了空前热烈的文艺讨论,以至于到5月23日座谈会才结束。在发表的那么多会议讲话中,也只有《延安文艺座谈会上的讲话》被人们简称为“讲话”,它是珍贵的马克思主义的文献,在中国革命事业和中国文艺发展的进程中,永远闪耀着不可磨灭的光辉。 《讲话》延安美术的发展而言具有承前启后的作用,既总结了前面一段美术发展取得的成果与存在的问题,也为未来的发展指明了方向与道路,其中的理论思想时至今日仍旧具有重要的价值。在此后的日子里,《在延安文艺座谈会上的讲话》成为指引中国文艺健康发展的一盏明灯。在《讲话》精神的感召和激励下,包括美术在内的延安文艺形成了新的创作热潮。美术家们遵循《讲话》的精神,奔赴前线,深入敌后,走向部队和农村,反映根据地和解放区火热的生产生活和人民群众的精神风貌,在向民族民间艺术学习的过程中,形成了清新明快、让人民群众喜闻乐见的艺术风格,美术创作呈现出更加蓬勃发展的态势,展现出中国现代型态美术新的文化内涵。 中国美术论文:当代中国美术之南通现象 一向桀骜不驯的陈丹青在演讲中这样评价南通:“一座城市能够产生如此众多的杰出画家,实在让我感到惊讶和佩服。” 在十七至十八世纪间,南通出了两位著名画家,一位是李方膺,一位是丁有煜。 李方膺是当时极负盛名的“扬州八怪”之一,善画梅、兰、竹、菊,与其同时代的郑板桥曾以“束云归砚匣,裁梦入花心”的诗句赞其绘画的神奇和高妙。 和李方膺处于一个时代的丁有煜同样名噪大江南北,郑板桥曾数次来南通拜访这位与他一样以画竹子闻名的大师——之所以愿意屈驾,是因为在他看来,丁有煜笔下的竹子比他的飘逸、洒脱得多。丁有煜晚年号“个道人”,在他去世之后,当时的文坛领袖袁枚在南京惋叹:“个老亡,江北无名士矣。” 然而,在此后的近200年时间内,除吴昌硕的弟子王个簃之外,南通人在中国画坛竟整体归于寂寞。但是,到了当代,南通深厚的文化底蕴终于孕育出一大批成就卓然的画家,并且呈现出井喷的态势。 说到当代画坛的南通人,首先不得不提到的无疑是范曾。 1938年出生于南通的范曾于1955年考入南开大学历史系,1957年转入中央美术学院学习,1962年毕业分配至中国历史博物馆随沈从文先生编绘中国历代服饰资料。1978年调入中央工艺美术学院任教,1984年调南开大学东方艺术系任系主任。在这个喧嚣、浮躁的时代,范曾先生提倡“回归古典、回归自然”,身体力行“以诗为魂、以书为骨”的美学原则,开创了被称为“范曾的艺术”的“新古典主义”艺术。2006年,中央新闻纪录电影制片厂拍摄了纪录片《范曾》——那一年,作为中国文化的符号性人物,同时开拍的还有纪录片《梅兰芳》。 “胡润艺术榜”始于2008年,榜单内容为前100位中国在世国宝艺术家按照前一年年度公开拍卖市场作品总成交额的排名。“胡润艺术榜”的推出旨在为中国企业家提供一个艺术品收藏的标杆。几年来南通籍当代书画家频频亮相该榜。2012年,74岁的范曾以9.38亿元的年度总成交额蝉联艺术榜榜首,再次成为 “国画之王”。 在同一个艺术榜上,油画家中排名第一的是91岁的画家赵无极,他以6.1亿元的年度总成交额蝉联“油画之王”。 令人称奇的是,这位“油画之王”同样是从南通走出的艺术家。 1921年出生的赵无极在14岁时从南通中学考入杭州国立艺专(现中国美院),师从林风眠学西洋画,1948年赴巴黎继续深造。他早期研习意大利、荷兰和法国的古典绘画,并深受毕加索、马蒂斯和克利等西方现代派艺术大师影响,创作以人物和风景为主的具象油画。自1954年起,他的绘画转入抽象,类似于甲骨文或钟鼎文的抽象符号,浮动于虚无的空间和变幻的色彩之中,充满东方神秘的象征意味。以后,符号逐渐解散、消失,画面为自由的笔触和大片的颜色所代替。 深受中国传统文化熏陶的赵无极将中国哲学所特有的天人合一、虚静忘我的精神意境作了西方式的诠释,从而使作品始终洋溢着生动的气韵和东方气息。 赵无极曾获法国荣誉勋位团第三级勋章、国家勋位团第三级勋章、艺术文学勋位团一级勋章、巴黎市荣誉奖章等。2002年12月,赵无极当选法兰西学院艺术院终身院士。建筑大师贝聿铭曾这样评价:“可以毫不夸张地说,赵无极是当今欧洲画坛最伟大的艺术家之一。” 几乎与范曾同时走出南通的著名画家还有袁运甫、袁运生兄弟。 1949年,16岁的袁运甫考入杭州国立艺专,后转入中央美院,1954年毕业后至中央工艺美术学院(现清华美院)任教。 在温和、儒雅的外表下,袁运甫有着特立独行的性格。半个多世纪来,他在艺术创作上倾注了大量心血,力图在中国画和公共艺术创作上有所突破和创新。从庄严的人民大会堂、纪念堂、邓小平陈列馆、中华世纪坛,到城市地铁、公园、大型建筑等公共空间,袁运甫近30年来的作品无不向人们展示着他在艺术道路上的精益求精、孜孜以求。 袁运甫的艺术以乡土文化和东方传统文化为出发点,熟练地运用西方绘画——特别是印象主义表现手法,从现实社会中发现生活的美和美的规律,形成了中西合璧艺术风格的现代中国画艺术语境。 袁运甫的弟弟袁运生是南通第一个考上中央美术学院的学生,那是1955年的7月,他以第一名的身份被中央美院油画系董希文工作室录取。毕业后,袁运生曾在中央工艺美术学院、中央美院任教。 1979年10月,袁运生为首都机场创作的大型壁画《泼水节——生命的赞歌》完成,海外媒体称,“中国在公共场所的墙壁上出现了女人体,预示了真正意义上的改革开放”。也正因为如此,这件作品引起了一场轩然大波,反对者甚至将对作品的评价上升到了政治的层面,史称“机场壁画事件”。然而,多年以后,袁运生的机场壁画与他老师董希文的《开国大典》被艺术界公认为是建国后最重要的两件艺术品。 在中国当代中青年国画家中,范曾的侄子范扬无疑又是执牛耳者。现为中国国家画院国画院副院长的范扬有着深厚的传统根基,综观他的作品,不乏吴镇、王蒙的茂密深邃,更具赵孟頫、董其昌的沉稳雍容。他的山水画取法传统,却又不同于一家一派,有着鲜明的自身风貌:潇洒而能出尘,傲放而得沉着,淋漓而又劲挺,华滋而致清健。 评论界认为,范扬的画在形而上的精神气象上着力,在画格与人格上去俗亲雅,在道技兼修上更重悟道,因此,最能体现中国画学的精神。 著名美术评论家、中国美术馆馆长范迪安谈起范扬的绘画更是不吝溢美之词:在他的作品面前,可以真切地感受到他作画之际“情驰神纵、超逸优游”的状态——就笔墨的意态而言,他浓笔酣墨,落在画幅上皆成“文章”,显示出解衣磐礴的畅快,达到了通权达变的火候;就描绘的内容而言,他打通了山水、人物、花鸟原有的门类界限,只要面对自然,便能“临事制宜,从意适便”,信手拈来皆得理法,在散乱的节脉中荡起形象的生机。 袁运甫、范扬等也在胡润艺术榜上占据了重要位置。 中国古代绘画的艺术价值已经被前人推到了极致,因此,这些年来,国际画坛一直期待着中国的当代艺术能够对接自己的传统,并在传统之路上有所推进和再造——这样一个迟迟不能完成的任务终于因为有了南通人徐累和徐累作品的出现而得以实现。 中国美术论文:中国美术教育的现状及未来发展 文明从后现代艺术的此消彼长已经开始进入了一个新的尴尬时期——大师消失了。我们再也看不到亚里士多德、尼采或达·芬奇那样的人,甚至连格罗皮乌斯也离我们远去,可我们又没理由因此而怪罪自己亲手发明的新经济体制。值得当代中国人重视的是,市场经济的快速发展使人心浮躁,自身文化丢失以及对外来文化一知半解。但这对我们来说也是一个契机,我们开始反省自身的文化状态,重新发掘中国文明的内涵以及再次审视西方文化意识,我们和世界重新站在同一个起点,而目标就是重新建立一个可以出现大师的环境,而这个建造过程的优秀环节也就是本文所要论述的重点——美术教育。 一、什么是美术教育 美术教育是一种制度,在这一系统下,培养出更多的艺术家,但这一制度在不同时期也是可变的。从古代的师徒模式到近代的学院制,这种制度通过变革延续了自身的存在。在大学美术教育中,从事美术教育的人一般都具备两种身份——艺术家和教育者。一个教育者首先应该是一个艺术家,他对世界有着自己的看法,对艺术有独立的评判;其次他也是一个教育者,为自己的学生提供自己的经验和观念作为他们在艺术活动中成长的参考。需要强调的是,教育者自身的构成基础是艺术家,优秀是教育者,这两种身份的价值是并存的。 作为一个真正意义上的美术教育者,他的职责在于牺牲的勇气,以肯定的方式教育年轻人正确地分辨艺术的价值,甚至可以为了自己的观念去否定以往的经验以及价值,这就需要一个艺术家不仅具备专业水准,更要有一个堪称典范的人品。 二、中国美术教育的现状 中国自五四新文化运动开始引进西方美术教育制度,这也是现代中国美术教育的开端。在制度更迭之际,中国人的救亡图存也直接导致美术教育跟随社会文化范式的变迁而变迁。新中国成立后,中国美术教育在废墟中移植了一套全新的模式,但随着市场经济的逐渐平淡稳定后,教育者们却发现了一个尴尬的现象:在这个平稳的时期,很多艺术家都养成了一种思维定式,即接受国外的艺术思想,缺乏思考与解构的能力。思维空白已经是艺术家感到无奈的事实。学院内的教育者不仅发现了中国美术的残缺状态,更要面对大学教育制度下来自管理体系的压力。教育制度的变质最直接的受害者就是年轻的学生。中国的大学扩招使得更多的学生选择了艺术专业,社会矛头直指美术教育。 三、中国美术教育的发展方向 虽然当代中国美术教育已经伤痕累累,但值得庆幸的是还有一部分教育者在坚持美术教育的初衷,他们更多接收及时的对外信息并思考、批判地理解,在基础教学外增加开发学生创造力的教学方法。这已经足够预兆一个新时代的开端。 在当代中国美术教育中,设计教育的革新最为突出。正如工业革命后设计的出现宗旨一样,它更接近于应用,与社会接受能力最大限度调和,也正是这种特性使得设计教育率先改革,教育者们意识到他们没有像绘画那样宣称艺术的精英属性的借口,设计首先是为应用而产生的,大学越来越多地邀请从业设计师授课,使得设计教育更具时效性。 美术教育的其他门类也面临同样的问题,年轻的学生们最大的压力就是生存,4年的本科教育能否完成这些教育者最迫切的愿望。当代中国美术教育的任务也以此为开端,已经存在的教育制度和教育模式不可能被瞬间改造,这可能是一个需要投入几代人的努力的过程,而首先要做的就是接受真正来自当今社会的信息。中国的学院教育需要更多的社会实践转化成学术成果。 目前的设计实践中,以靳埭强先生为开端的一批设计师已经开始着重发掘中国本土艺术语言的尝试,他们在实践中不断尝试这些文化符号的重新应用,甚至打破原有的设计与绘画的分科,这种学术尝试显然对起初的造型艺术是一个巨大的冲击,但这也确实带动了学院教育进行新的变革。在未来,中国教育将首先使年轻的艺术家生存下去,给与他们更多的“儿童般的自由”和人文关怀,而后才能真正诠释本土艺术的内涵。 四、新教育精神下的教育方法 任何艺术创作或艺术教育都是时代精神的写照,它无法回避与时代的血肉关系。这首先是对教育者的要求,成功的教育应该是在不断的突破之间完成的,教育者必须使学生清楚地知道当今社会美术思潮的最新动向,基础训练应被保持在最低限制的分量上。美国有一位教授曾经让学生在破烂不堪的纸上做素描练习,在我看来,这类方法完全可以使学生清醒地意识到基础训练在整个美术教育中实际的位置和作用。我们更应当明白,基础训练不是一个阶段或是整体中的一部分,而是伴随人终身学习的最重要组成部分。这样,人才能清楚地认识到自己。 事实上,美术教育应该是打破现有学科分类的,用各种方法来完成视觉艺术基础课的尝试,向学生提供社会方向的课程参考议题:生命、生存、人格、疾病、微距、信仰、文化、战争、生态、自由、地球等。学生的作品不仅仅是为了符合某种形式、技术和私人的情感价值的需要,更重要的是和社会议题进行直接的沟通和对话。中国高等美术教育的优秀是文化教育,而非单纯的技术培训。还有就是激发学生的创造力,在对社会进行思考后,不局限于绘画技巧或设计语言等的分类,甚至尝试新的视觉元素的创造来表达自己的感受。 只有这样,才能真正发挥教育体制的作用,造就出懂得独立思考而又不惧怕时代的艺术家。 作者单位:东北师范大学人文学院设计学院 中国美术论文:中国美术史研究中文献系统与图像系统二重关联问题 摘要:中国美术史研究将美术史的性质归列到历史学的范畴,其目的在于重构美术历史。美术史研究应以图像为主干,尽力摈弃以文献为主导的研究格局。但在实践中,对图像的解读仍需依凭文献的记载,形成了文献系统与图像系统的既相互契合又相互悖离的二重格局。在“昭君出塞”这一典型个案中,历史记载与故事传承这一文献系统直接诱发了其图像系统的产生与形成,同时图像系统又极力超越文献系统形成的思维定势,产生新的图像系统格局。在中国美术研究视域中,这种文献系统与图像系统的二重关联是一种普遍现象,值得认真研究。 关键词:中国美术史;历史研究;文献系统;图像系统;昭君出塞 对于几乎每一个美术史家而言,他们都包含着许多重要的、潜在的“已有观念”。这种“已有观念”是一种知识体系的先验存在。这种已有观念虽然可以通过某些图像系统获得,但是,毫无疑问,其绝大部分是通过文献系统获得的。对于美术史研究而言,图像系统是其研究的主干,图像的色彩、绘画技法等因素是其研究的根本对象,美术史学的研究回归到图像本体上来,才是美术史学研究的目的。但是,长期以来,由于图像复制的困难及图像独立审美功能的缺失,图像在真正的美术史研究中所处的地位相对尴尬。因此,还原美术史研究视域中图像系统应有的地位,结合文献系统与文图关系的实际,方是美术史研究应有的立场。有鉴于此,本文以“昭君出塞”这一典型个案为中心,探讨中国美术史研究中的文图关系,以期为中国美术史的研究提供有益借鉴。 一、文献系统:“昭君出塞”的历史记载与故事传承 “一去紫台连朔漠,独留青冢向黄昏。”(杜甫《咏怀古迹·其三》)王昭君当年出塞和亲,而今在茫茫大漠上只留下矗立的青冢,她的哀婉、悲怨以及为国为民的大义成为两千年来文人题咏与画家刻绘的重要题材。在此过程中,围绕王昭君的出塞,衍生出各类不同的民间传说、历史故事与文学创作,呈现出内容不断丰富,情节不断延展,形式不断变换的状态,形成了独具特色的多种文献系统。 一是历史文献。昭君出塞和亲,是正史载记的真实历史事件,有历史文献的依据。根据班固《汉书》的《元帝纪》和《匈奴传》的记载,王昭君,名嫱,字昭君,西汉南部秭归人。王昭君本是“良家子”,汉元帝时被选入宫。竟宁元年春正月,匈奴呼韩邪单于入汉朝见,请求与汉朝和亲。汉元帝将“待诏掖庭”未被皇帝御见的宫女王昭君赐给呼韩邪单于作为阏氏。建始二年呼韩邪单于死,前阏氏子代父立为单于。王昭君依照当时匈奴的习俗,嫁给后单于。这就是昭君故事的简单史实。 其后,南朝刘宋史学家范晔撰写《后汉书》时,又在《南匈奴传》中写入王昭君的事迹。他在史书中明说:“呼韩邪来朝,帝敕以宫女五人赐之,昭君入宫数岁,不得见御,积悲怨,乃请掖庭令求行。”也就是说,王昭君因入宫多年未得皇帝恩幸,而主动请求去匈奴和亲,并非《汉书》所言被动地被汉元帝赐给呼韩邪单于。《后汉书》不仅写明王昭君的态度和心理,而且对她的仪表也有生动的描绘:“呼韩邪临辞大会,帝召五女以示之。昭君丰容靓饰,光明汉宫;顾影徘徊,竦动左右。帝见大惊,意欲留之,而难于失信,遂与匈奴。”在这里不但有对王昭君容貌衣饰、风采仪态的描绘,同时也描述了汉元帝欲赐不忍,欲留不能,既爱怜昭君国色天姿,又不肯失信于匈奴的矛盾心理。此外,《后汉书》还交代了昭君在呼韩邪单于死后,不愿嫁给继任单于的继子,曾“上书求归”,但“成帝敕令从胡俗,遂复为后单于阏氏”的情形。 由上可见,《后汉书》所记载的昭君故事,已经不像《汉书》那样简略,可能吸收了部分民间传说,而且加上了一定程度的文学描写,王昭君已初具悲剧人物的雏形。 东晋葛洪所撰《西京杂记》也记录了王昭君的事迹。与《后汉书》相比,《西京杂记》的杂史记载更具传奇色彩。在此书中记述了王昭君之所以多年未被元帝宠幸的原因:“元帝后宫既多,不得常见,乃使画工图形,案图召幸之。诸宫人皆赂画工,多者十万,少者亦不减五万。独王嫱不肯,遂不得见。”于是,王昭君故事中又增添画工索贿的情节。及至“匈奴入朝,求美人为阏氏,于是上案图,以昭君行。及去,召见,貌为后宫第一;善应对,举止娴雅。帝悔之,而名籍已定。帝重信外国,故不复更人。乃穷案其事,画工皆弃市,籍其家,资皆巨万”。被斩画工共有毛延寿、陈散、刘白、龚宽、阳望、樊育等六人。 二是音乐文献。与《西京杂记》几乎同时的音乐文献《琴操》一书中也记载了王昭君的故事,与《后汉书》、《西京杂记》相比,《琴操》虚构成分更多。其中最明显的一点便是,该书记述王昭君不肯依“胡礼”再嫁,“乃吞药死”。这是从封建礼教的贞操观念出发,对《汉书》所载王昭君史实做出的重大改动。此外,《琴操》还写王昭君死后葬于匈奴境内,“胡中多白草,而此冢青”,交待了“青冢”这一说法的文献由来。 王昭君出塞事迹与音乐文献关涉的,还有创作于《西京杂记》与《琴操》之前的西晋石崇的《王昭君辞》,在该辞序文中,石崇曾说:“王明君者,本是王昭君,以触文帝讳,改焉。”为避晋文帝司马昭之讳,王昭君从西晋始又被称为明君或明妃。石崇还写道:“昔公主嫁乌孙,令琵琶马上作乐,以慰其道路之思,其送明君亦必尔也。其造新曲,多哀怨之声。”从此,王昭君又与琵琶结下了不解之缘。 至此,在历史文献与音乐文献系统中,后世昭君出塞故事的所有元素均已基本具备,如入宫、不见御、画工毛延寿索贿、昭君心存怨恨、和亲、再嫁、思乡、琵琶、青冢等,一个比较成熟的故事开始形成。加之魏晋南北朝时期,南北分裂,国势颓败,北方边疆又饱受异族侵扰,许多家庭离散,不少人被掳而离开家园,在动荡中惨死他乡。所以,王昭君的命运便得到民众的深切同情,他们纷纷在昭君故事中倾注他们自己的爱憎,从而使昭君故事得以广泛流传。 三是文学史文献。到了唐宋乃至元明清时期,昭君出塞的主题元素又屡屡被文人利用,并以诗歌、小说、戏剧的形式敷衍传承。唐宋时期,包括李白、杜甫、白居易、欧阳修、苏轼、王安石等人在内,几乎所有著名的诗人,都有歌咏王昭君的诗作。与此同时,《王昭君变文》为后世昭君故事小说化开了先河。元明清时期戏剧的隆兴,使昭君出塞的故事又被大规模地搬上了戏剧舞台。据《录鬼簿》载录,元有关汉卿《汉元帝哭昭君》、吴昌龄《月夜走昭君》、张时起《昭君出塞》杂剧,皆已亡佚。现存剧作只有马致远的《破幽梦孤燕汉宫秋》。马致远的《汉宫秋》是一部著名的悲剧作品,也是昭君出塞故事系列中最有影响的文学作品,同时也是迄今为止能见到的最早的昭君戏。这部杂剧集中了前记小说、文人诗词和民间讲唱文学的成果,根据时代的需要,使昭君出塞故事有了重大的发展。明代以昭君出塞故事作为题材的剧本有陈与郊的杂剧《昭君出塞》(现存《盛明杂剧》本)、无名氏的传奇《和戎记》(现存明万历年间金陵富春堂本),以及《青冢记》三种。清代以昭君出塞为主题的戏剧有尤侗的《吊琵琶》杂剧、薛旦的《昭君梦》杂剧等。不过,明清时代,昭君戏曲虽广为流行,但多歌颂昭君与元帝爱情,昭君自杀,既为朝廷殉身,又为元帝尽节,这些戏曲主题统一于爱国、忠君观念中,皆与史实背离。独《昭君梦》,以梦境结构全剧,并遵照史实令其和番,下嫁呼韩邪单于,与众剧迥异。 谈美术批评与中国美术主体精神的建构 在有关中国美术主体精神建构的讨论中,美术批评的地位不容忽视。从宏观层面上看,美术批评在美术史的“形状”的塑造上起着举足轻重的作用;从微观层面上看,美术批评是某些艺术家、艺术流派在特定艺术风格、美学思想甚至技术手法的探索和形成上的重要幕后推手。如在西方美术史中,18世纪法国的狄德罗对夏尔丹和格瑞兹的积极评介,19世纪英国的罗斯金对拉菲尔前派的热情支持,20世纪荷兰哲学家苏恩梅克尔(M.H.J. Schoenmaekers)对“风格派”的影响,都是“批评”深度参与“创作”的实例。 从根本上讲,美术批评的作用不在于片面地表达支持或反对,也不在于就作品的题材、内容或图式、色彩、技法等视觉要素进行文学式描述或哲学式阐释,而是在于“发现”作品具有的审美气质、追求的文化品格、传递的价值观念等,从而帮助作者理清思路,使其更明确地意识到自己想要表达什么,以及为什么要表达、如何更好地表达等问题。在国外艺术资本翻云覆雨,艺术创作以迎合市场为时尚,批评话语严重西化的当代中国,具有鲜明中国文化立场、坚持民族审美观念的美术批评的在场显得尤为迫切和紧要。换言之,批评家积极地参与,而不是被动地跟风,清晰地表达,而不是暧昧地声援,对于当代中国美术主体精神的建构具有的重要意义不言而喻。相应的,这对美术批评家提出了更高的要求。 首先,美术批评家应具有深厚的中国传统文化的修养。它一方面体现在对民族传统文化怀有真挚的情感,另一方面体现在重视对民族传统文化的学习。对于美术批评家而言,学习传统主要体现在对中国美术史的学习。这种学习是对中国古典绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术等方面的史实,以及其基本发展脉络、审美判断标准、优秀价值观念等知识有深入、系统和全面的学习与掌握,而不是浅尝辄止、临渴掘井式的功利主义使用。除此之外,对中国古典文学、诗歌、音乐、戏剧、陶瓷、园林等方面的知识也应该有所了解。因为中国艺术精神并非单纯地在蕴含绘画和书法艺术中,而是渗透于中国文化浸润下的所有实体器物和精神产品中。归根结底,学习传统的目的在于涵养和陶冶一种中国的格调与气质,建立对本民族文化的深刻自信,从而在美术批评活动自觉做到两点:一是用中国的艺术审美标准与文化价值观念评价和衡量中国的美术作品,即“以中国解释中国”;二是能够站在中国的文化立场对西方的美术做出独立自主的阐释,即“以中国解释西方”。 其次,美术批评家应对西方美术史、重要文艺理论及哲学观念有比较深入的了解,其中要特别重视对西方美术史的学习。只有完整地了解了西方艺术的发展历程,才能全面、客观地看待面貌多样、良莠不齐的西方现当代艺术。至于西方文艺理论及哲学观念,最重要的是要做到“消化”和“吸收”,而不是囫囵吞枣、断章取义。“向西看”的目的有两个:一是在美术批评活动中习惯于把西方美术置于西方特有的文化情境与历史语境中予以认识和考察,而不为其表面的主题、形式、材料、技术的创新所遮蔽;二是能够从西方的视角观察和反思中国的美术及其在“世界美术史”中的价值和地位,从而更加坚定对其未来的信心。另外,美术批评家还要对西方的政治、经济、社会体制有比较深刻的认识和了解,对西方的文化输入策略,以及国际艺术资本背后看不见的政治经济利益之手,保持清醒的认识。无论官方还是民间,西方各类艺术机构在展览、收藏、拍卖活动中或多或少都有着政治的考量,并非如其宣传的那样赞助具有普世价值的人类艺术成果。在这方面,英国记者弗兰斯·桑德斯(Frances Stonor Saunders)的《文化冷战与中央情报局》(《Who Paid the Piper?: the CIA and the Cultural Cold War》)值得阅读。该书通过大量鲜为人知的历史档案,揭示了美国政府在冷战时期大力赞助艺术以助力意识形态斗争的真正目的,这对我们认识当代西方艺术资本的本来面目不无帮助。 第三,美术批评家应具有历史责任感和使命感。具有崇高历史责任感和使命感的美术批评家在研究和写作中不仅要对作品负责,对艺术家负责,更要对中国文化负责。党的十七届六中全会审议通过的《中共中央关于深化文化体制改革、推动社会主义文化大发展大繁荣若干重大问题的决定》提出,文化是一个民族的精神和灵魂,是国家发展和民族振兴的强大力量。在当前和今后一段时期内要推动文化大发展大繁荣,提升国家文化软实力。总书记在中国文学艺术界联合会第九次全国代表大会、中国作家协会第八次全国代表大会上的讲话强调,广大文艺工作者要始终坚持正确方向,更加自觉、更加主动地承担起用社会主义先进文化引领社会进步的历史责任。作为文艺工作者群体的重要组成部分,美术批评家要顺应时代要求,立足优秀民族传统文化,以开阔的视野和无私的情怀,扎扎实实地研究真正具有中国精神和气度的优秀画家、雕塑家、建筑家、设计师、工艺美术师和民间艺人,把他们推介出来,使之成为建构中国美术主体精神伟大事业的领导者和生力军。 中国美术主体精神的建构固然需要美术批评家的努力,但国家的支持也是不可或缺的重要因素。回顾新中国美术史,国家在美术创作领域从来都是强有力的推动者。如始自1949年的“全国美术作品展”以部级的标准深刻塑造了新中国美术史的面貌,培养和成就了一大批杰出的美术家,直到今天还在发挥着无可替代的美术创作风向标的作用。继2005年由、文化部和财政部投入亿元巨资主办的“国家重大历史题材美术创作工程”之后,2011年底,中国文联、财政部和文化部又启动了“中华文明历史题材美术创作工程”。与国家对美术创作活动持续和强劲的赞助形成鲜明对比的是,国家还未曾主办过一次部级的美术批评或美术理论方面的奖项评比活动,这不能说不是一个缺憾。视觉艺术的历史需要作品实体,更需要批判性思维的参与、支撑和引导。当国家吹响文化大发展大繁荣的号角之时,希望有识之士能呼吁建立类似“国家美术批评基金(奖)”之类的奖励和赞助机制,从国家层面对美术批评家和美术理论家的研究和写作提供支持,从而兼顾创作和理论,推动新形势下美术事业更好的发展。 中国美术主体精神的建构不是一蹴而就的事业,其目标在于建立和完善中国美术价值判断的尺度,使中国的美术具有中国的精神气质与文化品格。就美术批评而言,其优秀内涵在于,不再以他者的标准为标准审视和衡量中国的美术,拒绝成为他文化的点缀和附庸。 (作者单位:商丘师范学院美术学院) 中国美术论文:当下中国美术教育发展面临的问题 教育学科在中国不过两百余年,借道日本取法“西洋”,后又由“中道”日本转向“直捷”西方。教育著述也是由先编译后编著的路线,中国教育学科是“西学东渐”的产物,是在译介西方教育学科的过程中形成的,本文从学院的学生、教师、评价体制包括作品评价、美院教育与师范教育来探讨中国美术所面临的问题。 拔苗助长的考前美术教育 青年人是早上七八点钟的太阳。而我们的太阳,考前的考生们却在不断训练概念性的考前素描中抹杀了学生发现自然的能力,使学生训练了一套“好活”,从而失去了自身发现世界的眼睛。最好的年龄,最有发展的年轻人只为功利考学,在不断的考前重复的概念性的训练中葬送了自己本有的敏锐的洞察力与感受力,而现行的素描、色彩、速写的考前模式与中国自身美术观念没有任何关联,也就是说我们为这样的考前培养模式培养出来的几代人的将来艺术前景堪忧。 大学本科的教育问题 1.美术教育没有自身的教学体系。现今的学院教学是百年前引进西方的学院的写实造型、写生训练并借助民族传统形式与材料加以表现,逐渐形成了临摹、写生、创作的中西结合谱系,现今体系与百年前学习西方的体系的并没有太多改进。体系落后,方法老化,专业教学与史论教学互不相干,没有产生互渗关系,中国传统画论美学更没渗透到艺术理论的教学中,美院之所以比其他综合类美术大学“好”,主要是靠美院有一批名师,而不是美院的教学体系。 2.重“技术”的培训,不重“人才”的培养。大学是培养“人才”的地方,其次才是专业或技术。现今的美术学院是“技术学院”,是“绘画技术”、“雕塑技术”、“设计技术”、“计算机技术”学院,仅是技术的训练,也提高不了学生的素质。再加上学生高中之前及家庭教育的综合素质没有跟上,想在大学提高,只是天方夜谭。 叶圣陶说,若有人问我干什么,我的回答是“帮助学生得到做人做事的经验”,我决不说“教书”。大学教育是“人”的教育,而不是“技术”或“职业”的培训地,也就是说,即使你毕业不从事你的专业,你也能很好地完成、做好你所想做的其他行业。如果在成长的过程中你没有完成自我的人格与意志品质等,你不但本专业学不好,更干不好其他专业,那么这样的结果必会为社会造成后患。这种教育不只是大学单方面能完成的,它需要我们的社会、家庭、学校及本人共同完成。 硕士、博士泛滥 盲目的提高学历层次及社会对学历的需求造成了硕士、博士泛滥,出现了绘画水平硕士水平比不上本科生,博士水平比不上硕士生。实际上美术学博士原本就是以理论研究为宗旨的。 现今,艺术升级为一级学科门类,全国美院或地方院校拼命争设博士点,许多并不够条件的也在争抢这份“羹”,又并不是从事理论研究的人员也能享有“博导”的头衔,这样的“博导”在制造一批一批怀揣着不同目标的“博士”们。官方高举引导名利的大旗,并设定了名利等级,高等美术教育便成为了集体追逐名利的竞技场。 不规范的评价体系 1.学科、教学评价体系。以往美术学在学科制度上一直在“文学”门类下作为三级学科方向,而中国的教育是起步是引进西方的,现在艺术学科升级,各方面也都是在探索过程,关于学科评价建设还没有形成一个行之有效的合理的现行方式。要建构中国自身的教育谱系,艺术理论思想与有系统的教育教学观念、方法、目标,有与之配套的实践教育系统。教育教学成果如何评价?教师的创作成果、设计作品,靠获奖。学生的成绩如何评价?靠分数。 2.职称评定体系。这是一种不平和的体制,休想让教师清闲,大学教师的任务繁重,要教学,要教好学,又要搞好“科研”,“科研”这一词界定本身就存在问题,艺术家要搞“科学研究”?“体制”希望大学教师:(1)有出色教育教学能力;(2)又要有超群的外语水平;(3)还要有顶级的绘画水平;(4)还要有“高级”的“学术”水准,要求教师要在部级优秀期刊,或者CSSCI的期刊上,才算有学术水准;(5)要有“科学研究能力”在职称评定过程中要求美术教师要有省级或者部级的“项目”方可符合所谓的相称的职称。 教师大量的时间忙于论文、项目及参加美协的展览活动,自由的时间被迫出卖。无欲则刚,给教师更大更多的自由空间,让高校美术工作者静下心来做事吧! 3.艺术创作评价体系。中国近百年美术评价体系也是西方的,又是在浅层的画面制作效果或工作量多少来“计算”作品的“优劣”。国家展览给艺术设定了错误的目标与错误的导向,展览多是虚假的矫情之作,没有深入骨髓的真正的现实主义作品。更见不到也不存在传统中得“逸品”的作品了。现今,急需建立一整套符合自身文化传统的美术作品评价体系,即不同于传统又不同于西方,要引导提倡创作符合中国自身审美要求的有相当艺术格调与境界的美术作品。 学科与职称评定的结果:1.对高校教师的身心压力;2.忙于职称,疏于教学;3.为社会制造更多“著作”、“论文”垃圾;艺术评价的结果是为社会制造了一批虚假的“大垃圾”。 给九大美院自由,他们自身更懂得评定体系。下属师范类院校及综合性大学,定位要准确。 研究学术需要评定吗?学术研究首先是自身的爱好与兴趣,再加上自身所具有的使命感与责任感才能做好学术研究。它不需要哪个单位或机构来评定这属于什么。不能一味地追逐而要问为什么追逐?大学沦为了实用与适应主义,变成了世俗化与功利化的场所,大学应是培养精英的地方,是引领而不是去盲从。康德认为艺术和审美具有超越功利性的“自由”秉性。太多实用与现实而缺少精神,缺少那自强不息的“富贵不能淫,贫贱不能移,威武不能屈”的“大丈夫精神”,这也正是我们的“大学精神”。 师范教育的问题 师范类学校过分强调专业教育,而教育应把培养目标确立明确。 课程设置不合理,教学内容陈旧,没有教学法。高等师范类美术教育从课程设置到教育实习都与中小学美术教育实践相脱节。一方面是高校本身的问题,另一方面是中小学的问题,中小学、高中对美术教育不重视。美术在中小学不能得到健康正常的发展必将影响将来的发展前景。现今美术被升为了一级学科,是否在中小学中,美术也可以从“副科”升为“主科”呢? 师范类院校培养目标应该明确:为中小学培养优秀的教育人才,而不是把目标定的跟美院一样,大学教育有其共同性和一致性,但各个大学办学应该有自身的特色,更应该发挥自身的地域及历史文化优势。 解决的出路 1.爱好从小培养——兴趣是最好的老师。 美育可救国,从幼儿园开始着手对孩子进行美育教育,小学、初中、高中要逐步加强,而不是到高中学生学习成绩下降了,那么赶快学美术吧,家长、学生都有这种心理,学生不爱自己的职业,没有兴趣一定学不好。米开朗基罗十三岁进基兰达约工作室学绘画,老师认为他学晚了,毕加索十三岁的素描作品已经相当于世界级大师的水准了。艺术是一个高尚而崇高的行业,不要玷污了她,想要成才,爱好是最好的老师。 2.大学前的多样化的学习,国画、版画、油画、雕塑、设计等要在考前有相当的基础与熟悉程度,而不是到大学毫不知其主业为何物。 3.建立“大美术教育”系统。 中国美术教育从小学、初中、高中到大学是一个应该是一个连贯的完善的自成系统的整体体系,一环扣一环形成一个连贯的培养计划。而现今,这几个环节互相并没有干系和联系,更没有形成一个系统。 小学、初中、大学他们之间要形成一个纽带,他们之间要建立一种纽带关系。如果形成一个“大美术教育”的系统,那么美术人才会从小学或幼儿开始就会有一个很好的健康的起步,通过初中及高中的逐渐的美育培养,学生的艺术素养和实践能力绝非今日的考前一两年所能企及,那么大学美术教育就自然可以想象。 中国在两千余年以前就有自己的教育思想,但现今美术教育没有形成一个完善的中国自身的体系,这需要一批人或几代人来不断地完成。发现问题是未了更好的解决问题,我们期待着中国美术教育不断前行,它会不断完善。 作者单位:西安美术学院中国画系 陕西西安 中国美术论文:中国传统文化在当代中国美术创作中的运用 改革开放以来,随着物质生活慢慢的提高,更多人需要的是精神上的生活,作为艺术创作也慢慢进入了思想的潮流当中来了。把人们从理想化的想象带入到了视觉上的审美当中来了,更具民族精神状态。国内许多艺术家现在都着力去探索与研究着中国传统文化在当代美术创作中的体现与运用,最具代表性的如吴冠中先生,他的作品体现特具民族气息,用当代西方油画语言来表达中国传统文化,提倡并推崇了中国文化,具有夸时代的意义,再如,徐冰的烟草计划,展望的假山。又如,周春芽的桃花系列,都体现了中国颇具特色的文化,从艺术创作方面来体现中国传统文化,并受到世界大众的关注与认可,它使中国当代绘画走上了一个更高的台阶,从这一点能说明中国传统文化在当代中国绘画艺术中具有意义的,值得我们去研究与发展。 在当代画坛里有很多艺术家都在把中国传统民族文化在绘画上的体现也做的非常的好,强有力的展现出作品的极大魅力。正如“吴冠中先生运用当代艺术的综合性创见解构了中国传统的艺术形式,从而独树一帜。从吴冠中先生作品丰富的意象表现中,既有中国传统绘画风格内涵,又有中国传统艺术的时间与空间、动态与静态的文化内蕴,在他的后期绘画作品当中并以意象的符号重构了中国传统艺术的现代意识和当代性,阐发出时代的强音 。说到蔡国强的火药,使他在当今世界艺坛无非也享有盛名,也是我们年轻一代的艺术追求者应关注并了解的对象,他的艺术语言,很明显具有很强烈的民族气息,作为四大发明的火药,他以它来作为绘画表象的主题,具有很强的民族意义,整个创作作品的场面气势压人,颇具东方气息,一见其作品就让人震撼与兴奋,他让火药再一次让世界所认识。再一次说明了中国民族文化在世界的地位与所做出的贡献。为世界的发展具有不可缺少的意义。作为艺术家就应该为民族文化做一份自己的努力。 看看我们生活的每一个角落,不得不让我们反思传统文化何去何从?面对外来文化的冲击,我们自身的文化已经失去了很多很多。从古至今,中华民族遇到过多少次的入侵?但是从来没有被征服过!那是因为我们有一股韧力,很强的抵抗力量,——民族传统文化。然而它却在渐渐流失。这不能不让人深深忧虑,如果当我们再一次面临武力或是文化入侵时,我们是否还具备极强的抵抗力? 现象实在严重。现在发出此呼声意识到此现象的人确实不少,但是只是都停留在喊叫声当中,能意识到问题的却往往缺乏解决问题的能力,在此我们来看看吴冠中先生,吴冠中先生就在努力的付出他实际的行动,以他个人微薄的力量通过绘画的形式去提倡传统文化。?他的绘画在后期有人说呈现出来的是绘画功底薄弱,而没有真正的去反思其真正的意义价值,这是当今所谓一些美学评论家的一种悲哀,我只能在此对他说说的说上两个字“无知”。个人觉得他后期的绘画,越来越倾向于人文价值、审美熏陶等方面,它却可以让一个人受益一生。 他的提倡也许仅仅只是表现在美学方面的传统文化,但这可以使我们意识到传统文化的其他方面,指得是其中适合人性、社会的理性部分,我们应该做到下一代从意识形态方面意识到对社会的关注、对家庭的责任、对自我的认识、对人性的尊重、对师长的尊重,应该具有为人处世恻隐之心,应该具有对民族忧患意识,应该具有赤子之心,应是一个立足与中华民族文化为基石的具有改造社会,改造自我改造世界的有能之人,以正直、宽容、大度、睿智、善良、仁和的形象立于世界民族之林! 吴冠中先生传统文化的倡导在绘画当中对于我也有着及其深刻的影响,它让我从思想上自身本质的本族民族文化能通过绘画艺术的体现形式来表达自己的情怀,在新世纪中国美术已面对着和上世纪八九十年代完全不同的文化形式与状态下,这意味着新时期美术已经进入世界当代多元文化格局中,对于民族艺术的自觉和民族艺术的当代性以及民族艺术在当今世界文化格局是否占有一席之地有着重要的意义。在这种世界文化多元化的格局中中国美术界教育界以及审美界应着重探索和研究中国开放式的文化心态中对民族文化的坚持与开拓。 我觉得中国美术要在国际拥有自己的独特地位,只有通过传统文化民族化的形式才能实现其目的。如果没有其民族特色,那将失去地位,剩下的只是躯壳,留下的只是笑话,有人说在艺术的国度中,越是具有民族的,才是越世界的,我也觉得越是自己的,才是越生动越真实的,越是具有说服力的,比如说当代中国艺术家吴冠中先生,蔡国强,等等知名艺术家,在国际上占有一席之地的艺术家在自己的艺术作品表现出来的都是具有民族的自我的真实的感受的体现,当然这一点已经成为共识。也就是说,民族化是当代中国美术发展的目标和价值追求。民族化并不是简单的传统化,更不是固守成规自己局限与自己的圈子当中成为井底之蛙,而是在继承传统和借鉴外来的基础上,对当代中国美术的一种创新。在很长一个时期内,中国的油画创作受到西方的影响过分模仿西方,轻视甚至否定中国传统文化,漠视并脱离了中国人民大众长期以来所形成的独特审美习惯,完呈现给我们的是与我们完全陌生的语言,对民族文化已经没有任何的概念基本忘却了民族文化的精髓所在,更不知道在艺术创作方面应该如何下手,更没有勇气去下手,创作。因此,我们在油画艺术的传入的同时,首先因加强民族文化的广泛性,对中国民族文化进行重视,去了解研究中国传统文化,然后再面对外来的西方文化相结合的体现在艺术创作方面。在通过熟练的绘画语言的表现方面为基础外,更需要的是再作品做表达的精神内涵方面要体现的更加的充分。因为精神语言才是绘画艺术作品的灵魂所在。它才更具意义。我一直认为作为一幅艺术作品,不管你的技艺有多高,你的画面呈现的形式感有多么的独特,你的画面在色彩方面是多么的触目惊心,那都是浮云,很表象的。这样的画面在上个世纪都已经被人家用烂了,难道我们的审美都还停留在上个世纪?确实在面对很多国内所展的很多画展,使我感受到的就是,思想落后,没有创造性思维去面对自己的艺术创作,我只能说他们大多数只是一种抄袭,而且是表面的抄袭,基本没有任何使我产生共鸣,看起来就觉得恶心。其实更重要的是面对一幅艺术创作,有没有其思想,其内涵,从中说明一个很深刻的含义。油画在绘画艺术的民族化过程,也是一样。注重民族文化内涵和审美观,要体现中华民族美学思想,因此,当代中国美术创新通过中国传统文化的民族形式具有很强的现实意义。 中国美术论文:从“四个认同”的高度谈新疆高校中国美术史教学改革 【摘 要】在新疆,高等教育的使命更重,它关系到新疆的长治久安、和谐发展,关系到祖国的领土完整和国家民族的文化传承。对新疆的未来而言,培养什么人、传承什么文化才是新疆教育的重中之重。当前,我们要紧紧围绕“四个认同”教育主线,将正确的国家观、民族观、文化观渗透到艺术教育中去,引领广大青年学生胸怀祖国、建设边疆,为新疆的跨越式发展、为新疆的长治久安、和谐进步,为各民族团结奋进的大美新疆的到来努力奋斗! 【关键词】四个认同 新疆高校 艺术教育 教学改革 新疆古称西域,自古以来就是我国神圣不可分割的一部分。千百年来新疆与内地经济文化相互影响,潜移默化,形成了难解难分,血肉相连的内在联系。同时,新疆各族人民长期共处、相互学习,成为推动新疆历史前进的巨大动力。历史证明,新疆自古就是一个多民族聚居的地区、一个多种宗教并存的地区、一个多民族共居共建的家园。 当前,国际形势复杂多变,对新疆来说,近些年国际敌对势力和境内“三股势力”对新疆不断渗透破坏,妄图将新疆从祖国大家庭中分离出去。此时,“四个认同”理论的提出及如何贯彻学习“四个认同”就显得尤为重要。我们知道,“四个认同”即是对祖国的认同,对中华民族的认同,对中华文化的认同,对中国特色社会主义道路的认同。而 “认同”又称“归属感”,没有认同感,就不可能有凝聚力。 我们认为,“四个认同”是爱国主义的基础,是解决新疆民族关系、维护祖国统一、保持新疆长期稳定发展的重要治本之策。纵观世界许多国家的分裂,都是国家认同、民族认同、文化认同、道路认同出现危机,进而造成国家民族的危亡。 新疆处于反分裂前沿,青少年由于受地域、宗教、民族、经济社会文化等因素的影响,价值观的培养和塑造就显得更为重要,这就等同于与敌对势力争夺未来。当前,新疆各高校在青年学生中都开展了“四个认同”教育以及新疆地方史、马克思主义“五观”教育等理论课程的学习,这对青年学生正确树立国家观、民族观意义非常深远。针对“四个认同”教育,新疆各高校也建立了切实可行的评估体系。多所院校的教师及理论研究人员对“四个认同”教育的落实提出了独到的见解,研究并发表了相关的论文。如新疆师范大学吴常柏教授的《新疆高校坚持“四个认同”教育的经验》一文,新疆农业大学的寇新华、何建忠教授的课题《新疆高校马克思主义“五观”“四个认同”教育现状的调查与分析》,该课题先后在新疆多地三十余所高校进行了调研,掌握了有关“四个认同”教育的第一手翔实资料。 新疆石河子大学政法学院、中央民族大学哲学与宗教学院的李瑞君、贺金瑞教授也撰写了对《新疆“四个认同”教育的思考》一文,对新疆高校“四个认同”教育提出了自己的思考。同时,新疆各高校抓住重要纪念日、少数民族传统节日等契机,举办丰富多彩的校园文化活动,促进各民族文化交流融合,增强各族学生对祖国的认同、对中华民族的认同、对中华文化的认同、对中国特色社会主义道路的认同。但是,落实“四个认同”教育,仅仅通过理论教育这一途径,对于大学生思想意识的形成及对其行为倾向的引导是远远不够的。 鉴于此,如何在学习“四个认同”理论的基础上,通过大量的实例、历史资料、考古发现来引导教育学生加深对“四个认同”的更深入理解,切实增强新疆青年学生对祖国的认同、对中华文化的认同这一点就显得尤为重要。目前,有关新疆与祖国内地政治、经济、文化从历史的角度不可分割的考古发现、现存历史遗迹、文化遗存数不胜数,但新疆高校中国美术史教学在利用此类视觉历史资料完善“四个认同”教育方面的探索和尝试尚属空白。针对这种情况,特别是新疆特殊的区情、政情,如何在新疆高校中国美术史课程教学中引入此类教育就具有既迫切又极其重要的现实意义。 一、新疆高校中国美术史课程教学改革的重要性 我们知道,美术史课程的学习是培养全面发展的高素质人才、增强各学科学生对古今社会的认识,提高修养,形成正确的人生观、价值观,获取高尚的精神享受的重要途径之一。对于新疆高校的学生来说,在中国美术史课程中充实、完善新疆与祖国关系内容的学习,目的就是强化“文化认同”, 明晰“归属感”。而这种“认同”的学习是直观的、可视的、有翔实史料可查的。这种学习就是对“三股势力”分裂新疆图谋的正面回击。从而使学生从艺术史学习的角度观照新疆的历史文化以及与祖国几千年的脉络关系。这是“四个认同”教育的需要,同时也是新疆未来长治久安、民族团结、和谐发展的需要。再者,新疆高校中的教育类专业毕业生主要就业于新疆各中小学。教师队伍的价值观认同,直接关系到新疆未来人才的培养、塑造,关系到孩子们正确国家观、民族观的形成。因此,在新疆高校中国美术史教学中从艺术教育的角度导入新疆与祖国关系内容的学习是十分必要的。 二、充沛翔实的视觉资源为新疆高校中国美术史教学改革提供了条件 新疆与祖国内地的文化联系源远流长,从先秦时期,中原文化在西域就已经开始传播,这种传播丰富和发展了西域文化,从各个侧面影响了西域政治、经济、文化、民俗的形成。它不仅包括语言文字、儒家思想、典章制度而且还包括生产技术、社会习俗等,从而奠定了西域与祖国密不可分的政治、文化关系。这种联系主要体现在以下几个方面: (一)政权建制 众所周知,从公元前60年汉设“西域都护”开始,整个西域地区就处于中央王朝统辖之下, 新疆从此成为祖国不可分割的一部分。而大量的考古挖掘史料也有力地证明了新疆和祖国内地的关系,这为新疆高校中国美术史教学改革提供了第一手资料。 (二)中原绘画艺术在西域的传播 中原绘画艺术在西域的传播可谓源远流长,盛唐时期乃至魏晋南北朝都有传播,它主要体现在新疆现存的大量佛教壁画中,这些壁画作品如在美术史教学中加以利用、学习,势必大大增强新疆大学生对祖国文化与新疆关系的认同。 (三)中原生活方式、习俗在西域的体现 随着中原地区人民与西域人民不断加强往来,中原内地的生活方式、习俗在西域也得到传播。这种传播从日常生活到丧葬习俗都有体现。不仅如此,中原彩陶、丝织工艺品以及中原书法、建筑艺术在西域也大大得到普及。这也足以证明汉文化在西域的传播已由物质领域深入到精神领域,从上层扩展到了民间。总之,丰富的现存及考古艺术资源为新疆高校中国美术史教学改革提供了必要条件,为“四个认同”学习的实践性教育提供了翔实的客观依据,为新疆的长治久安、青少年正确的国家观、民族观的形成奠定了基础。 中国美术论文:解构与重组——关于中国美术教育的现状分析与改革 摘 要:美术教育的目标是为了提高学习者的艺术文化素质,建设社会主义精神文明和物质文明。而作为新世纪的美术教育在快速发展中也暴露了一些问题。这些问题在某些方面上也阻碍了美术教育发展的进程。而只有正视这些问题,美术教育研究才能蕴含着高目标的要求和超前的思想意识、进而提升知识文化教育的广度、高度和深度。 关键词:民国;中国美术教育;发展历程;改革 教育是增进人们的知识和技能、影响人们的思想品德的活动。它泛指人类社会活动中专门培养人的一种活动,是人类进行生产、生活、物质、文化交流的一种重要方式。而其中隶属教育系统的“美术教育”则是社会教育活动中培养学习者的艺术观念和审美趣味、增进学习者的美术知识和训练技能的活动。 中国的真正意义上的美术教育的开始形成是在民国前期,这是近代中国美术教育变革的关键时期,也是近代中西文化相互碰撞与融合的特殊时期。这个时期在蔡元培先生的“以美育救国”的号召下,从外国留学的徐悲鸿、林风眠、颜文梁、庞薰琹、刘海粟等美术家毅然归国,希望通过引入西方美术教育来改革中国传统美术教育。他们一生致力于以中国传统精神为主题,消化和融合西方文化艺术的探索,丰富和发展了我国的文化艺术,并将毕生主要精力用在革新美术教育事业上。在这个过程中,在他们的教育思想和教育方法的影响下,中国美术教育形成了丰富的、多样化的教育特点。但凡是人,总存在差异性,艺术工作者更是如此。中国的美术教育家们在当时的教学理念与艺术主张一方面有着共同性,另一方面又存在着差异性;在这个教育背景下,这有着积极的作用,但是又有消极的影响。比如:徐悲鸿在美术教育中推崇“写实主义”,也就是外国古典写实主义;但是林风眠则侧重“现代主义”,即西方19世纪印象派以后的现代主义艺术。这似乎是一个典型的例子,直至今日,在这两个美术教育家的教学改革下的中央美术学院和中国美术学院在教学风格上依然呈现出大相径庭的差异性。现在,中国美术教育从20世纪初发展至21世纪的今天,已经是跨过了一个世纪。那么,它的教育思想理论、实践方式可以说已经到了比较完善的阶段。当我们把视野转从中国美术教育的历史转向现状,从中可以发现它在快速发展的同时存在着不少问题。其中较为突出的问题为中国现代美术教育一方面传承了传统的艺术教育理念,但抛弃了其中更为重要的人文观念;另一方面对上世纪50年代引进的苏联艺术教育模式缺少革新和变化。当人类逐渐步入知识经济、网络社会、新技术和信息不断涌现的二十一世纪,未来的美术教育观念较之以往旧的美术教育,也必然要发生其深刻的根本性的变化。 关于对中国美术教育的改革——首先,我们要知道,美术教育的特点及其功能所决定了它是我们人类进步与发展的重要因素。了解美术教育在社会上的内在意义和其本质功用是必要的。美术教育作为一门学科教育,包涵学科本体与教育功能两个方面,它延伸和发展美术学科的知识与技能,满足人类社会经济、精神和文化的需求以及通过美术学习影响学习者身心发生良性变化,形成他们的基本美术素质和能力。其次,美术教育在每个时期所产生的历史影响也是要重视的。因为美术教育本身就是社会活动之一,社会的发展离不开美术教育的推动作用,从而我们应该认识到美术教育不只是为了培养社会中的美术家,实际上应该更加认识到它可以通过美术绘画语言提高大众的审美修养,通过美术活动中的观察记忆活动来启发大众的智力,通过对作品的历史背景等来促进大众的思想政治水平和道德品质。再者,美术课程具有人文性质,美术教育凝聚着浓郁的人文精神,它对提高和完善人的人文素质方面有着独特的作用。 所以,我们应当准确地把握美术教育发展的脉搏,确定美术教育的发展方向,让美术教育适应当代社会发展需要,体现其价值。为发扬我国传统文化提供一种思路与途径,注重学生个性与创新精神的培养。而作为美术教育体系的主要实施者——当代美术教师在进行教育活动时应站在时代和社会发展的高度调整其教育策略,注重综合性美术素质教育和美术基础教育。在这个改革过程中,我们还要认识到改变美术教育理念的重要性,才能深入文化理论课程设置,提高教师水平,加强美术教育理论研究等方面着手,以推动我国高等美术教育的改革与发展。这样才能真正地以创造教育为优秀,素质教育为目标,培养全面发展、适应性强的现代高素质的素质教育人才。 中国美术论文:论中国美术元素在远古和当代的价值 摘 要:在当今流行复古的时代,中国元素不仅是中国设计师及前卫艺术家的宠儿,也越来越得到世界时尚界和艺术界的青睐。中国美术元素之所以有这样的魅力,与其神圣的意义、美观的造型和深厚的历史积淀有关。本文选取中国古代美术元素中的图腾纹样和雕塑图案作代表,论述美术瑰宝在远古和当代的价值。 关键词:传统纹样;雕塑艺术;象征意义;审美意义 中国是世界四大文明古国之一,无论是在科技文化还是在社会生活方面,中国的起步都早于世界上大部分区域,在史前及先秦时期就有了长足的发展。 中国的文化博大精深,艺术是体现文化形式多样的重要表现形式之一。早在史前的新石器时代,绘画艺术就有所发展,主要体现在彩陶的装饰纹样上,“其中以半坡和庙底沟类型的彩陶,艺术成就最为杰出。”当时流行的装饰纹样除各式各样的花纹图案外,还有相当发达的动物图案,如鱼纹、鸟纹、蛙纹等。这些纹样造型活泼美观,色彩和谐热烈,格调格外华丽优美。然而在远古时期,这些纹样的装饰作用是次要的,其主要作用是表达远古居民的原始信仰,就像李泽厚在《美的历程》中所说的“审美或艺术这时并未独立或分化,它们只是潜藏在这种种原始巫术礼仪等图腾活动之中”。现代人审视古代艺术品,往往是以其审美程度来评价,不探寻这种美丽背后的历史溯源,往往忘记艺术是一种“有意味的形式”。而原始纹样正有着庄严而神圣的意义:这是先民对于自然和生命的解读,是对劳动生活的提炼,象征着一种思想的意识和精神的力量。 历史留给后代的不仅仅是经验,还提供着借鉴。在现代化的二十一世纪,这些纹样不仅可以在博物馆的艺术品中观赏到,它们还被艺术家运用到了后现代的一些作品里。这些图腾纹样在现在看来仍是前卫时尚的,它们以高度的抽象和符号化、平面化风格博得了世界各地艺术家和设计师的青睐。原始图腾纹样以其博大的内涵,独特的审美意蕴和丰富的表现形式,给当代艺术带来新的冲击和闪光点。“处于信息时代的今天,高强度、快节奏的生活方式使人们更加追求时尚,民族性、个性化风格备受人们重视。”因而几千年前地古老艺术被现代社会重新发掘,显示出不可多得的伟大与深邃。 在新石器时代中晚期,雕塑艺术出现。远古的雕塑艺术虽不成熟,但也不乏优秀作品。这些艺术品手法稚拙而纯真,给人以强烈的震撼。和图案一样,它们的象征意义也往往大于审美意义。例如在河北滦平后台子出土的石刻女神像的造型,就与当时红山文化崇拜女神的宗教观念相关;在反山和瑶山墓葬出土的大量礼玉,是良渚部落尊崇的神圣旗帜,代表军事或宗教首领的权威……总之,雕塑艺术的演变发展根本上受制于“社会结构和原始意识形态的发展变化”,是为种族信仰和观念服务的。 在现代设计中,中国的造型艺术承袭了中国传统美术观。人们将很多雕塑技术和作品运用到现代设计中来,既表现了中国远古传统文化的包罗万象,丰富了中国人民的民族自豪感,又使作品达到了别具一格,耳目一新的效果。拿内蒙古翁牛特旗三星他拉村出土的碧玉龙来说,这件玉雕作品“龙首似猪,斜目方鼻,鬃鬣向后贴身弯曲上翘,龙神蜷曲,尖尾,无四肢及鳞甲”,造型非常独特。现代人虽然可能并不了解这件作品,但一定记得华夏银行的图案标志。没错,这个图案标志正是取材于远古时期红山文化的碧玉龙。这些设计让被人们遗忘的古代元素在现代重新演绎,古典找到了新的价值。 总之,透过原始艺术的历史延伸脉络,我们可以总结出这样的规律:艺术是一个开放的系统,旧的元素受到新的技术与意识观念的冲击而不断创新发展,然而其精神内涵的实质是不会改变的,这是中华民族特有的民族精神,是中华民族特有的精神积淀。把中国古老文化的精神及物质元素融入到现代的艺术创作中,不仅提高了现代艺术品的价值,同样提升了古老文明产物的作用。古老与现代,二者虽表面矛盾,其内涵却是高度统一的。原始文化和现代文明,二者相得益彰,使社会的发展更加具有文化性和统一性。 中国美术论文:“当代的人”的当代中国美术 摘 要:在中国艺术领域,当我们面对与“当代”相关的任何一个问题时,无论对其概念、内涵还是外延,我们其实难以给出准确的界定。究其原因,既有源自时间进程中已有的相关讨论和实践所产生的影响或所遗留下的争论,也有当下的相关思考和探讨本身就处于一种“理性”的进程之中,更有源自于“当代”自身属性所具有的开放性、复杂性、多元性及辩证性。那么,作为油画创作者的我们该怎样理解“当代”?“当代”的作品到底是什么样的?它又是被谁所创造,为谁所接受呢? 关键词:当代;中国美术;当代的人;艺术形式 一、关于“当代”的思考 在中国艺术领域,当我们面对与“当代”相关的任何一个问题时,无论对其概念、内涵还是外延,我们其实难以给出准确的界定。究其原因,既有源自时间进程中已有的相关讨论和实践所产生的影响或所遗留下的争论,也有当下的相关思考和探讨本身就处于一种“理性”的进程之中,更有源自于“当代”自身属性所具有的开放性、复杂性、多元性及辩证性。 曾几何时,几乎大部分从事当代艺术的艺术家,其所有思考都主动或被动地围绕着“当代不当代”的非此即彼的认知判断。而这种认知判断的实质则是对“前卫、反思、批判等”价值判断的几乎极端的理解。相应的为了追求“当代”这一殊荣、呈现这一理解,我们各抒己见,标新立异,甚至不惜牺牲自己的身体健康以几乎病态的作品来予以表达。 对于各种现象我们不必一一描述或讨论,因为相关的探讨实在太多。而又正是这些探讨引领我们进一步的思考,这种思考表现在当下——在一定意义上——反应为一种“理性”的回归。这种回归,既表现为对其辞源意义的考证、相关权威论述的梳理及其一般表现形式的总结、探讨和更新,也表现在当下的具体的艺术创作之中。当然这所有的表现,本身也还处于一种不断调整的“理性”之中(当然,我们也不能否认这种“理性”本身的感性因素,只是这种“感性”并不在本文的讨论之中,因此暂不多论)。 只是,这种“理性”的进程,即摆脱不了前期因素的延续,又无法从根本上对“当代”进行绝对的界定。因为,无论是历史的看待还是理性的分梳,对“当代”的理解都不是绝对的,而是开放的、辩证的,其内涵是丰富的,其外延则是多元的。但是有一点是明确的,那就是对“当代的人”的界定,因为当代的人才是当代的经历者和当代艺术的创造者和消费者。 正如鲁明军在其《“移动的桃花源”——不合时宜的“绘事”与“画意”》的引言中论述以“视觉考古与心态史的交界”进入“当代”一样: ……阿甘本援引了罗兰·巴特(Roland Barthes)在法兰西学院讲座时的一则笔记中所说的,当代就是不合时宜(The contemporary is the untimely)。实际上,“不合时宜”一词最初源自尼采1974年的著述《不合时宜的沉思》。尼采告诉我们,真正当代的人,是那些既不完美地与时代契合,也不调整自己以适应时代要求的人。因而在这个意义上,他们也就是不合时宜的(inattuale)。但正是因为这种断裂与时代错误(anachronism),他们才比其他人更有能力去感知和把握他们自己的时代。阿甘本指出,所谓当代,就是一种与自己时代的奇异联系,当代既附着于时代,同时又与时代保持距离。更确切地说,当代是通过脱节或时代错误而附着于时代的那种联系。反之,与时代过分契合的人,并非当代人——这恰恰是因为他们(由于与时代的关系过分紧密而)无法看见时代;他们不能把自己的凝视紧紧保持在时代之上。 虽然阿甘本对当代进行了界定,但是这种界定的内涵本身充满了哲理的思考,因为那是一种“与自己时代的奇异联系”,那种“联系”才是关键,而思考这种联系、并把这种联系付诸于艺术实践的无疑是尼采所说的不合时宜的“当代的人”,同时也是这样的人才会是真正接受这一艺术的主体。 二、“当代的人”的艺术 基于对这个时代的一般认识,作为这个时代的一般性的人,我们或许可以以一种包容的态度对待所有的艺术形式——无论它是传统的、现代的,还是当代的或伪当代的。 但是这并不是说我们没有一个根本的艺术底线。只是这个底线我们既不能以传统的艺术标准为标准,也不能简单的以舶来的观念为基础。清代学者王国维的《宋元戏曲史序》谓:“凡一代有一代之文学:楚之骚,汉之赋,六代之骈语,唐之诗,宋之词,元之曲,皆所谓一代之文学,而后世莫能继焉者也。”那么在我们当下的时代,我们的艺术评判标准或许还是要基于我们这个时代本身,基于我们自身对该时代的认知、理解。这样,无疑的是首先我们必须确定自己是怎样的人,知道“我们是谁?我们从哪里来?我们向何处去?” 因此,或许我们站在“当代的中国”以一个“当代的人”的身份介入该一问题的讨论,或许更能保持一种超然或理性的态度。这种态度源自我们中的个体对这个时代的关注,更多的“保持在(这个)时代之上”而形成的一种普遍的共识。这种共识既非来自于主流意识,也非偏激的个人感官;既非出自地域、文化和民族的争论,也非是对个体差异、自由和个性的否定。同时,它又既是对现有相关艺术讨论的可发展的理性延续,也是自身对未来的认识的一种肯定。而根据这种共识创作的艺术作品,或许才更具有一种“当代性”,这种当代性是属于这个时代的,属于这个民族的,无疑也是属于世界的,它是开放的、多元的、辩证的——它属于“当代的人”。 那么,根据这一论述,基于对尼采的“……真正当代的人,是那些既不完美地与时代契合,也不调整自己以适应时代要求的人”的理解,我们其实可以不断地超越自身的有限,通过我们(在这一时代之上)对这一时代的凝视而得来的认知和理解,并能以恰当的艺术形式表达出我们真正的内心感情。 三、恰当的“当代艺术形式” 那么怎样的艺术形式才是符合“当代的人”的“当代”中国呢?或者说怎样的艺术形式才是恰当的“当代艺术形式”呢? 中国美术论文:《中国美术分类全集》出版工程竣工 (本刊讯)我国规模最宏大、内容最丰富、最具有文献价值的“中国美术全书”《中国美术分类全集》至2011年年底圆满完成出版工作。这项倾全国之力,耗时25年、多达302卷的世纪工程展示了我国有史以来的艺术风采;凝聚了34家出版社和数千位学者专家的智慧和心血。 为深入总结编辑出版工作经验、表彰为此项工程作出突出贡献的专家、学者和出版工作者,由、新闻出版总署联合举办的《中国美术分类全集》出版座谈会3月20日上午在京举行。中共中央政治局委员、中央书记处书记、部长刘云山发来贺信。 新闻出版总署署长柳斌杰作重要讲话,副部长蔡名照宣读贺信。原新闻出版署署长宋木文、求是杂志社原社长高明光等出席会议。会议由新闻出版总署副署长邬书林主持。 和新闻出版总署共同向在编纂出版过程中作出突出贡献的35家集体和520位个人颁发荣誉证书。会上特别向已故的《中国美术分类全集》领导工作委员会常务副主任许力以颁发唯一一份特殊荣誉证书及奖牌,以表彰他在《中国美术分类全集》编纂出版工作中作出的重大贡献。许老的两位儿子上台代领。 刘云山在贺信中高度评价了《中国美术分类全集》在中华优秀文化艺术积累和传承中的重要作用,充分肯定了参与这一美术遗产抢救整理工程的专家学者和编纂人员所取得的成绩,并希望出版工作者认真总结实施重大文化出版工程的成功经验,以对社会负责、对历史负责的态度,以“十年磨一剑”的精神,倾力打造更多具有中国风格、中国气派、在人类文明史上能够传之久远的文化精品,谱写出当代中华文化新的绚丽篇章。 柳斌杰在讲话中指出,《中国美术分类全集》的编纂出版,是新时期国家重大文化出版工程的生动实践,不仅取得了累累硕果,也积累了丰富的经验,为我们实施精品战略提供了许多有益的启示。 《中国美术分类全集》总编辑出版委员会副总编辑、中国美术出版总社原总编辑程大利介绍了编纂出版情况,文物出版社名誉社长苏士澍、上海人民美术出版社社长兼总编辑李新、故宫博物院原副院长杨伯达分别代表出版单位和专家学者在会上发言。出版局局长陶骅、新闻出版总署出版管理司司长吴尚之、中央美术学院教授金维诺等有关方面的负责人出席会议。 中国美术论文:中国美术史研究的方法 按 语:巫鸿(Wu Hung)教授是著名的美术史家,芝加哥大学教授。早年于中央美术学院毕业后,在1972-1978年间一直在故宫博物院书画组、金石组任职,1978年回中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980-1987年就读于哈佛大学,获美术史学与人类学双博士学位,在哈佛大学人文学院美术史系任教,于1994年获终身教职,后受聘芝加哥大学“斯德本特殊贡献教授”讲席教授,并于2000年建立芝加哥大学东亚艺术研究中心并任主任,兼任美国古根海姆(Guggenheim)基金会研究员,是美国在中国美术史研究领域享有盛誉和权威的学者。他在方法论上兼具中国传统美术史和美国美术史的研究方法的优点,重视人类学和美术学的跨学科融通,并且推陈出新,形成了自己的独特方法论。他还致力于推动对中国当代美术的研究,有力地促进了这一领域的发展。巫鸿教授著述甚丰,目前我们国内的三联书店和上海人民出版社等出版社,迄今已翻译出版了他的《武梁祠:中国古代画像艺术的思想性》、《中国古代艺术与建筑中的纪念碑性》、《礼仪中的美术》、《时空中的美术》、《黄泉下的美术:宏观中国古代墓葬》等学术专著十余种,对中国美术界、美学界和相关人文科学领域的学术研究产生了广泛的影响。鉴于此,华东师范大学中文系教授朱志荣博士于2011年5月5日下午一点在美国芝加哥现场采访了巫鸿教授,并就美术史研究的方法等问题请巫鸿教授作了深入阐述。本刊欣闻此举,特地全文刊发本次访谈的相关内容,以期望学界在有关美术史、论研究领域与巫鸿教授进行更进一步、更深入的研究与对话,以使本学科领域内的学术探讨更加细致、透彻。国民之魂,文以化之;国家之神,文以铸之。学术为公,文以载道,站在推动中西方文化交流、塑造国家艺术形象、实现中华民族伟大复兴的现实基点上全力促进学术研讨的深入展开,既是为天地立心、为生民立命,同时也是为弘扬中华传统文化、重塑中华艺术精神,尽到《艺术百家》应有的责任和力量。 朱志荣:陈寅恪将王国维的考古与文献相互参证归纳为“二重证据法”,在中国大陆产生了广泛影响。您认为中国美术史研究应当如何利用考古发现? 巫鸿:这是一个非常重要的问题。王先生的“二重证据法”在史学研究中具有划时代的意义。但是我们应该注意,文献研究主要是研究古代遗留下的书籍,考古学则研究出土的文物。王国维当时研究注重的主要是文字材料,也就是文献文字。他所谓的“考古”因此基本上指的是安阳出土的甲骨文、还有青铜铭文等材料。他想通过二重证据的考证,得出一个历史研究的更为可信的结论。这些结论一般都是和历史事实相关的,比如历史事件发生的时间、历史人物行为等。 用两种方法互证,这在中国近代学术研究中非常重要,在今天也很重要。但是一百年之后再来看二重证据法,我们会发现它给人以一种现代性的思维启示:一个结论不是一个证据就可以论证的,而需要多重视角的检验。虽然王国维当时只提出二重视角,但这种学说已经显示出多重视角的潜能——二重可以发展到三重,也可以发展到四重。现在我们看问题就不只二重了,这种新的思考和王国维、陈寅恪的思想有一定的关联性。 如果说二重证据法主要还是作为史学研究的方法,现在我们研究的问题就更多了,学者们对美术史、文化史等历史书本以外的问题有了更多的兴趣。作为证据的考古材料的定义也发生了变化。如果说过去所说的考古证据主要还是甲骨文、铭文一类,现在由考古提供的“证据”种类就多多了,比如城市空间、实物、中西文化交流、人的审美习惯等。虽然历史考据在我们现在的研究中仍然很重要,但除此之外历史研究中还有很多别的问题。研究这些问题仅靠文字材料是不能够完全说清楚的。比如说如果要研究古人的审美习惯,除了文字材料,我们还要使用器物、图像、墓葬等材料,所有这些都有证据意义。 所以,在精神上我们还是要继承两位先生的二重或者多重证据法。但与此同时,我们还要注意两个问题。一个是:什么是证据,什么东西可以构成证据;另一个是:使用证据想要证明的是什么。这两个方面的问题是连在一起的。 朱志荣:古代美术史的研究要运用和借鉴考古学的成果。您认为在研究出土文物的时候,应当如何使用历史材料和文学材料?需要注意哪些问题? 巫鸿:我刚才已经提到一点。美术史研究主要涉及的是视觉问题、看的问题、美感的问题,也涉及到物质性的问题,比如艺术品的材料构成、空间等。中国历史考古学中,墓葬是一个重要部分。墓葬里面有很多器物、图像——对这些个体进行研究是大家比较熟悉的方法。但是我们还应该注意墓葬内的空间安排和一些消失了的东西,比如当时摆的食物、香料、灯火等。这些东西在考古中已经看不见了,但是可以根据其留下的痕迹、空间安排,重构当时的视觉或者物质的环境。 考古学者有自己的一套学术规范,比如如何发掘、如何记录等。如果有些材料不属于这种研究重心的话,他们就不一定记录了。特别是如果对象牵扯到墓葬设计者的主体感觉、审美感觉、世界观等内容的时候,就比较难于进入考古报告。还有,如果对有些东西无法进行直接的考古分类的时候,比如“空间”——考古报告也容易忽略。但是这些信息对美术史研究却非常重要。这就需要在考古发掘和记录的时候,由美术史学者和考古学者进行学术互动。 朱志荣:在美术史研究中如何利用“重构”的方法分析材料? 巫鸿:对历史状况的“重构”现在变成美术史研究的一个非常重要的手段或目的。这和历史研究的学术发展密切相关,特别是在西方。现在的历史研究,已经从研究一个重要人物和宏大历史事件转移到更为具体的、空间的和物质性的向度。甚至在研究一个人的时候,也要和他的整个的生活环境、文化环境联系起来,而不像原来那样做著名人物的传记性研究。 这种史学转向在近些年中对美术史的影响非常大。我在《武梁祠》一书里面对以前的汉画研究做了一个梳理,想看看不同时代的学者是怎么看问题的。经过这种研究我发现,开始的时候大家都是对每张画发生兴趣,所关心的是这张画的出处何在,那张画画的是什么。但后来就有人开始对整个的祠堂中的画像程序和结构有兴趣了。我写这本书时的希望就是 把武梁祠中所有的画像连在一起考虑,希望知道这些画像之间到底有没有一个叙事结构,其背后显示的又是怎样一种逻辑思维。这也就像是研究《史记》,其中的每篇都可以单独来读,但是也可以作为整部书的组成部分来看。后面这种读法所发掘的不但是司马迁对全书的想法,也可能反映出当时历史的某种观念。这种研究方法是首先重构一个基本的建筑体,然后通过这个建筑内的整体图像程序重构当时的审美和思想,其中包括家庭关系、君臣关系、政治观念等。 “重构”有不同的层次。首先,美术史研究离不开实际的东西,因此还是得从具体的图像、建筑、器物入手。然而,我们继承下来的往往是一些离开了原来原境(context)的历史碎片。因此我们需要从这些很具体的碎片出发来重构原来的实体。特别是我称为“礼仪艺术”的碎片,它们原来都是为了某种宗教、政治目的服务的,背后往往都有一个建筑体。因此我们需要探讨的是:这些碎片能不能重新拼起来?它们背后的建筑体是怎样的?如果这种重构能够做成,就可以接着去想,接着去重构更高层次上的东西。比如像武梁祠,我们就可以进而考虑武梁祠和武氏墓地中别的祠堂的关系,考虑武梁祠石刻的大环境,甚至整个东汉时期墓葬的理念。这都可以算作是“重构”。很多领域,像物质、社会、政治和宗教的原境——实际上都需要重构。但是在美术史研究中,研究者需要将这些领域分得比较清楚。有的时候学生会操之过急,还没把第一步做好,没把完整的、具体的东西做好,就一下子跳到很高的层次去谈政治、历史的问题,显得缺少中间环节。 中国美术论文:中国美术馆藏民间玩具精品展再现民间玩具历史面貌 遗产日”,由中国美术馆特别策划的“大器‘玩’成——中国美术馆藏民间玩具精品展”,于2012年5月30日在中国美术馆展出,共展出约370组八百多件民间玩具精品,将于9月3日结束。此次展览的作品均是从中国美术馆六千余件(套)藏品中精心遴选而出,一件件异彩纷呈、稚拙可爱的玩具精品将为观众带来一次视觉盛宴。据中国美术馆介绍,该展既是中国美术馆首次举办的大型民间玩具专题陈列展,也是中国美术馆多年征集、收藏民间玩具的研究成果的一次较大规模的集中展示。展览按照儿童成长和认知能力的发展顺序,以“成长”和“成才”主线分为“希冀”、“启智”、“尚德”3个部分。从婴幼儿的生命呵护、祝福祈愿,到低龄儿童的智慧开启、创造力、观察力的培养和少年儿童的知识学习、树德立志,3部分内容紧密相连,层层递进,将“寓教于乐、玩中启智”的展览主旨不断深化。我国民间玩具有着悠久的历史,早在距今约6000至10000年的新石器时代,就有陶响球、陶连环等玩具出现。千百年来,民间玩具以其造型的稚拙可爱、色彩的鲜明亮丽和内涵的丰富多彩,成为我国民间美术资源中最独特和最有趣的类别之一。 中国美术馆是部级造型艺术博物馆,征集、收藏、研究、展示我国优秀的民族民间美术作品,是其一项长期而又艰巨的重要工作,有计划、大规模的收藏民间玩具始于20世纪80年代初期。历经30年的积淀与几代人的共同努力,中国美术馆宏大而丰富的民间玩具收藏体系已具规模。中国美术馆的民间玩具收藏内容十分丰富,既涵盖泥、陶瓷、竹木类的民间玩具,也包括风筝、花灯、小脸谱、面人和彩塑;既有名家名作,如部级“非遗”传承人陕西凤翔胡深的泥塑作品,也有偏远山区佚名艺人的天才创作,如中国美术馆收藏的云南建水与贵州牙舟的陶瓷玩具。因而,中国美术馆的收藏既体现了我国现当代民间玩具的发展历程,也系统的保存与再现了民间玩具的历史面貌。 此前,结合“从延安走来——纪念同志《在延安文艺座谈会上的讲话》发表70周年美术作品展”,中国美术馆公共教育部推出“从延安走来”专场少儿赛”颁奖仪式的少儿代表、指导老师及家长,在“从延安走来”展厅现场参与了一次艺术体验活动。参与此次活动的少儿,是来自中国儿童中心、北京市少年宫、思奇培训学校、艺格文化艺术工作室等20余家北京校内、校外教育机构的“绘画大赛”获奖少儿代表。(杨子) 中国美术论文:培养问题意识乃当今中国美术教育之变法 (广州科技贸易职业学院,广东 广州511442) 摘要:当今中国美术教育,培养国人问题意识促使本国美术教育有新之转机,注重图像之读解,关注美术与文化之积淀,重塑观察世界之眼光。 关键词:中国美术教育;问题意识;变法;图像;文化传统;观念;媒材 一、问题意识与美术教育的关系 (一)当今中国美术教育需要变之缘由。 中国几千年的璀璨文化,美在很早的原始社会中已经有所体现,在原始人制作的器具中便可寻找到他们审美的趣味。商周青铜器造型之多样,鼎上饕餮纹之神秘;唐朝白瓷、青瓷、釉下彩瓷的雅致;明清家具之精巧、简练等都流露出中国人对美的本质的执著追求。在古代,中国画和书法是得到普及教育的,也是考取功名的重要途径。到了近代的中国,受外国列强的入侵等历史原因,美术教育与中华传统文化的严重脱节。蔡元培认为“教育者,养成人格之事业”,提倡将教育的目标定为“育国家之良民”,也就是教育应在于培养健全的人格。当代中国美术教育在审美意识教育和人格培养方面相对比较弱,这样的美术教育要需要改革和变化。 (二)当今中国美术教育之变法――培养问题意识。 蔡元培认为“学校美育分普通美育和专门美育两种。普通美育属于小学到中学这一阶段。专门美育属于大专阶段。这两个阶段是衔接着的,随着年龄、学识的增长,美育的内容和标准也要随着加深和提高。”事实上这两个阶段我们已经在门面上达到了,但从内容上看却还有长远的距离。当代父母都很注重子女儿童时期的艺术教育,且不少家长愿意资付不少金额请艺术家庭教师。这符合了蔡元培的理论:“儿童时代,形成概念之力尚弱,则倾于直观。故无论开智陶情,均以利用美术为适宜。”在当代社会人云亦云的大环境中,很容易缺乏独立思考,变得墨守陈规、麻木不仁,没有“问题意识”。问题意识是看清事物本质的关键。中国当今的美术教育有部分只是浮于表面,如果加强培养问题意识,对事物深入研究,中国美术教育会有更好的发展。 二、具备问题意识,看透事物的本质――问题意识在美术教育中的作用 (一)对艺术的理解更加深入。 1.图像问题。 绘画是要把事物的真实表达出来,但并不等于把事物现实的造型、色彩等外观逐一刻画,达到“一模一样”。这里的真实是指表达真实的情感,是一种触动心灵的震撼。吴冠中要求自己做出撼人的作品而不是娱人的作品。娱人之作只达到趣味的层面,撼人之作乃大师人格之流露,有感染的力量。图像在艺术中就象文字在文章中一样是一种语言,这种语言是靠视觉来再现的,往往不是直白可得,需要观者去“读解”。当然对观者的要求很高,他必须了解艺术史、哲学、心理学等学科,找出相应的关系。 (1)技术与观念问题。 前面说到绘画不必将具体的事物如实地绘制在画布上,可是当我们在幼儿时期还没学习过画画时,也不能忽略模仿这一重要步骤。只是提醒大家在掌握了绘画技法之后不要过度炫耀这种技能,应该注重观念的表达。对于“当代艺术”的评价众说纷纭,假如我们没有意识探讨当代艺术的形成发展和对艺术家个案研究的话,很容易把“观念”概念化。艺术作品不能简单地用好或坏来评价,而是从作品中找寻艺术家看问题的角度。不要过分地把技术与观念分开来讨论,经典的作品往往是技术与观念的结合,它有艺术家独特的视野,并用符合表达这一概念的技术来完成,虽说高超的技术不容易,但找到恰如其分的技术却更难。 (2)传统问题。 众所周知,中国有几千年的文化传统,在今天“传统”一词也被广泛运用。可是,不是所有的传统都可以直接拿来用。必须了解其历史背景和发展过程。传统文化在当今中国的美术教育中做得不够成熟。首先,国画在中小学没有得到普及教育。其次,教授国画只教技法缺乏国学教育。学习文化传统最重要的是领悟其精神的真谛。中国人的宇宙世界观源于《易经》:阴阳二气化生万物,万物皆禀地之气而生。这种精神渗透在水墨画中,强调直觉、人与自然的和谐。通过学习国学,领悟水墨精神,对于人生态度有更深层的意识探讨。 三、培养美术领域中的问题意识 当今物质消费已经变得理所当然了,这种购物的行为已经不需要问为什么,潜意识驱使我们这样做。假如我们对早已习惯的产生疑问,新的东西才会出现,进步才可见。“问题意识”其实是一种观看世界的角度。大自然的观看术是靠学而知之,问题意识也是靠学而有之。 (一)中国美术教育应重新调整对图像的认识。 首先,要让学生有清晰的概念――图像不只是技术和技法。中小学是认识事物的最佳阶段,绘画中模仿事物能让他们认识物体,可仅有这种方法会抹杀他们的创造力。在教学中应该培养他们怎样去观察事物,从而使他们产生问题然后自己解决,通过这种方法所得到的图像会深刻得多。通过美术史,使我们提高自身的艺术眼光,面对现实生活提高问题意识。大学美术学习应注重问题观看之方法,从纯绘画来说不可只针对图像的表面,更应注重图像背后所反映的观念。从设计来说,不能总是设计符合大众口味的图案,要以引领潮流,提高大众欣赏能力为目标,也不可仅追求设计图案之精美,而是透过设计传达观念。 (二)中国美术教育应与文化紧密结合。 陈丹青说过:最好的教育是自我教育。在美术教育中培养洞察力可引发自身的问题意识。许多有名的艺术家也是通过观察身边的普通事物创作出伟大的创作的。埃舍尔观察阿尔汗布拉宫发现了规则空间分割的关系,根据简单的“上下前后左右”来探索灭点的相对性等。香港设计师余志雄利用点、线、面来探讨艺术的故事,他对日常各个细节很敏感,例如看到线会联想到他的各个空间,它不只是一条平面的线。文化传统是一种精神,是需要全国人民共同了解并坚持的,重要的在意识中对文化传统有执著追求的信念。 (三)中国美术教育要发挥媒材的魅力。 有位学者曾经说:“艺术家是通过媒材来思考的。”媒材是产生问题意识的另一种途径。日常生活中许多不起眼的实物如果了解其特性可以加以利用来创作,只要能表达好的观念,任何媒材都具有价值。毕加索是首个在绘画上加入现成品的人,他加入了廉价的稻草,却打破的对绘画的理解。塔皮埃斯的创作总是“变废为宝”,传达任何东西都有其自身价值的概念。在美术教育中注重给学生多种媒材的尝试机会,例如把报纸变成蔬菜、透明胶片代替画中的窗户、牙膏盒子做机器人、锡箔纸做肌理图案……多种材质引发学生的联想力和创造力,还提高了学生的动手能力。 所有新颖形式的转变、高新技术的引进、人才出国深造等之变法是进步的一种策略,提高图像读解能力,注重美术与文化的学习积累和研究,培养细腻的洞察能力找寻媒材的各种关系,培养学生的问题意识是进步的长远之计。培养问题意识也就是培养观看世界的新视角,同时,也是人格培养的磨练过程,培养对艺术执著追求的坚持态度。 中国美术论文:浅谈艺术创作的方法与中国美术史的关系 [摘要]我的艺术创作方法,我的思维,我的人生正在迎接历史性的转变。随着顺利考上重庆大学艺术学院研究生,我的艺术生涯即将展开里程碑式的转变。随着更高的艺术殿堂的洗礼,把我本科阶段的单纯无知和稚嫩洗涤荡尽。反思总结我在之前的艺术创作,更多是纯粹的课堂习作、对前人的临摹和基础技法的练习。 [关键词]艺术创作 中国美术史 创作上少之又少,属于自己的艺术创作语言尚未进行探索,就连毕业创作也是偶发的一念冲动和被动地进行加工,之后就没有进行深层次的挖掘以形成艺术创作的持续。历经一年的社会工作经历,再次回到艺术的怀抱,仿佛阔别已久,初次执笔,犹如年幼时咿呀画图,思绪万千。既然再次走上这条道路,我就要毅然地走下去,并且要有实质性的收获。 咋一谈到艺术的创作,感觉无从下手。再不能返回本科时期的盲目绘画中去,要想有实质性的突破,必须要结合自己对艺术的理解和自己现有的作画手段,探讨新的艺术创作方法。而对于艺术创作来说,创造性思维无疑是极其重要的,但是之前的我,太多重视绘画基础,轻视了创造思维能力。这是一个很大的弊病。要想成为一个艺术家,只有绘画的技法,这和画匠、木匠、石匠等技师没有什么区别。那些真正有才能的艺术家,有对其所处时代的敏感、对当下文化及环境高出常人的认识、能对旧有的艺术从方法论上进行改造,并用“艺术的方式”提示出来,才能真正地创造出艺术的价值。就像上世纪80年代罗中立的《父亲》,90年代张小刚的《大家庭》等等。细细揣摩他们这些成功艺术家的创作方法,无一不是敏感地触摸其所处的时代,发现并提出“问题”,在自己的创作上结合当时艺术的发展对旧的艺术创作方法进行改造,最后通过自己的艺术语言进行阐释。这其中就介入了自己的创作方法和中国艺术史上下文的关系。 作为一个“80后”,我应当怎么去进行我的艺术创作呢?从中国当代艺术发展史来说,经历了“伤痕美术”“无名画会”和“星星画会”“85新潮”“新文人画”“实验水墨”“玩世现实主义”“政治波普”“观念艺术”“艳俗艺术”等等艺术观念,我应该走像罗中立、何多苓等等他们的乡土艺术?像80年代的一些艺术家搞抽象?还是去疯疯癫癫玩行为艺术?亦或是跟风中国当代艺术领军的诸如张晓刚、王广义、方力钧和岳敏君等当代艺术F4的艺术道路模板? 我想,这些都不属于我应该去走的道路。我没有生活在乡土艺术家们所处的年代,没有插过队,去乡村体验那种艰苦的岁月,不可能创作出《父亲》《春风已经苏醒》《西藏组画》那样的作品;我没有经历过那个动荡的岁月,体验不到“”结束后带来的那种欢欣鼓舞,还有失意落寞和精神缺失的情绪,不可能创作出《1968年×月×日雪》《春》《大家庭》那样的作品;也没有亲身接触过“85新潮”,怎么会勇敢、真诚地用相应的视觉图式来唤起社会的感奋。 作为一个四川美术学院到重庆大学的学生,从本科到研究生,我是否应该转向“图式化”的创作方法,“卡通式”的画面表征,“肤浅性”的无聊心理这种新风格呢。身边的人都说,中国社会的创作风格正在发生转变,“卡通一代”势必雄起,你也走这条路子吧。 我观察了一些和我相同从事当代艺术创作的同龄人,他们正在进行的艺术创作不完全像书面上对“80后”描述那样,80年代出生的人从事当代艺术创作并没有一种统一的性格,也不存在一种完全相同的生活方式。因为这种差异,他们所持的艺术观是多元化的,进行创作的形式和方法都不尽相同。有些人如沈桦、黄淋是两位出生在70年代的艺术家,但他们不同于朱其等人对70年代人以青春残酷、卡通等的定位,而是将自己的视角转向社会,展现了艺术家的社会责任感,都关注社会矛盾;有些人走向抽象与观念,何桂彦在2006年策划了“无中生有,超越抽象”的展览中,我们可以看到抽象绘画正在不断扩大自己在川美的影响力,为我们展示了“70、80后”一些艺术家的另一种创作状态;有些人则跟风“卡通一族”,“卡通”一时间成为“过街之鼠”。 我要怎样进行我的艺术创作呢?要有一个怎样的方法呢? 首先,我要尽可能地忠实自己,做能够真实表达自己感觉的作品。我会避免让自己产生8:“我要做一件让世人惊讶的作品”。之前我做作品,脑子里总想着一鸣惊人、惊世骇俗,或者是想“不鸣则已,一鸣惊人”,这个动机肯定是值得质疑的。“忠实自己”是忠实自己加以反思过的某种真实,是从独立意识中出来的某种需要去试探的真实,这时候的自己也许成为了需要去判断的对象。“忠实自己”意味着一种关系的建立,是作品与“问题中的自己”的关系建立。为什么我们要在作品背后做如此长期的思考,就是要在常见的忠实中去寻访出“问题中的自己”来。这个寻访的过程,有时我把它视为自我批判的过程。我要贴近自身,表达自我的生活,无论是积极的还是颓废的,且不计较,这应该是我创作的主要题材。 其次,艺术是件独立的事,能够得到的只是内心的共鸣,因此我要成为一个独立的人。艺术家的独立是艺术独立的前提。现实中,也许有许许多多能够引起内心共鸣的东西,而这种东西为何会让我最感动,我要用一个独立的思维去记忆并转化。然而,共鸣断然不是“瞎碰”碰出来的,“瞎碰”出来的共鸣断不能长久。都说与我们相关的,可以说更多的是物质而非精神,而这些又要依靠自己的父母、亲人的支援,从这个层面上说,我们是无法独立的。但是在此又有必要指出,这并不能说明我们“80后”就是堕落的。现在人生对于我们而言仅仅是开始,而在现代的生存压力之下,我们不关乎时代深刻的命题,找活命的东西,难道这是不能理解的吗?在这个环境下,我们就更应该独立。我要培养自己独立的人格精神,只有具有这种精神的人,才具有某种担当的意识,对自己的行为规范也有着别样的要求,看待现实的眼光也是独特的、锐利的。 再次,要去发现“问题”,解决“问题”。要想作为一个艺术家,就要敏感地触摸其所处的时代,发现并提出“问题”,寻找问题的根源和发展。许多人都评论我们这一代承担不了这个时代的变革命题,不会指望我们会像80年代的年轻人那样激烈地燃烧起理想的火焰,去预示、发现、再现着社会的问题。但是我们更现实,更现实地流露出了在这个即将属于我们时代的社会“自我”的重要性。正是因为这样,我们才能更深刻地发现“问题”。我要勇敢地阐述社会极端腐败的现象,或是人心的丑恶,或是社会的各种风气,或是其他的方方面面,用自己的作品去说明问题,给现代人一个启示。 1980年以后出生的人应该说都是年轻人,年轻人的行为举止、思想状况总能得到社会的关注,毕竟“少年智则中国智,少年强则中国强”。毋庸置疑,年轻人总为未来代言。我就要以我们这种年轻人的态度、年轻人的思维、年轻人的活力去创造出更好的艺术作品来回馈这个时代。
美术教育专业毕业论文:浅谈高校建筑专业美术教育的作用 【摘要】素描教学作为造型艺术的基础部分,其训练的一开始就应介入到艺术的本质,不应仅仅停留在技术训练的层面上。应将素描训练看作是人的知觉训练、情感训练、社会人的精神表达式。 【关键词】素描教学 多样性 造型 本质 今天的造型艺术,以其多元的视觉形态冲击着我们的眼睛,令我们的视觉神经得不到片刻的休息。绘画、摄影、多媒体、电影、建筑、雕塑、装置、服装、表演、行为艺术等使造型艺术世界不断扩大蔓延,甚至无法定义。 艺术永远是社会现实的反映。不可否认西方艺术的发展离不开那里的政治、经济、科技、文化与历史,我们这个时代的艺术就是我们这个时代精神观念的反映,有什么样的思想观念就会产生什么样的艺术形式。所以,观念的转变是最重要的! 一、素描是时代精神的体现 我们从艺术史的角度来看,古典艺术是在封建制度下形成的,艺术家是为皇帝或上帝服务的,那时的艺术家一定有宗教情感,几代人为表达一种情感锤炼一种样式,虔诚得并不认为自己所做就是艺术。而进入资本主义时代,文艺复兴以来,人文主义精神得到广泛传播。人对客观世界及对人自身的不断认识,人,作为生命的主体得到了应有的尊重。艺术家发现了潜藏在生命里自由的欲望以及发现与创造的欢乐,造型艺术再也不仅仅是宗教的图解和宫廷的装饰了,要求艺术和科学并列,造型艺术和音乐、文学是同样崇高的艺术形式。进入现代社会,艺术家要通过艺术表现自我,艺术的精神在于创造,而当“人人都是艺术家”的口号进入我们的生活时,当代西方艺术形式的丰富让长期饱受封建意识压抑的人们就不能完全理解了。 素描的多样性是在人的认识不断发现不断创造的过程中形成的,可以说,是在尊重个体人的创造才使素描的多样性成为可能。 我们的教学,是以培养健康的人为前提的。尊重每一个人,发现每一个人的创造潜能,是教育者的责任。其实“人人都是艺术家”就是尊重每个人的存在,我认为仍然是人本主义精神的体现。 由此看来,素描可以有多种表现形式,素描教学的内容应更宽泛些,素描不仅是技巧与方法的训练,也应是思想与观念培养。 二、基础教学素描的作用 素描是思想方法,是一种思维方式。克利说:用一根线条去散步。就说明了这样一个涵义。我们看到历史上中外艺术家的素描杰作,无一不反映了大师的思想及独特的看法。达芬奇、米开朗基罗、丢勒、鲁本斯、伦勃朗直至印象派之前的古典艺术家,在创作之前大都要先画素描草图进行构思,即使现代艺术家塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索也同样是利用素描的方式在思考。因为素描是如此的简便而直接。 造型艺术的基础是由艺术形式决定的,单一的素描方法不可能解决“一切造型艺术”的基础问题。而且,不同的思想观念产生不同的素描形式,达芬奇、米开朗基罗、塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索、齐白石、徐悲鸿各有不同。 素描是要解决造型问题,但更重要的是解决观念认识问题。如在一些新的媒体造型艺术中素描仅是一些辅助手段而已,并不一定需要有很强的素描“造型”能力。 各类造型艺术对素描的要求也是不一样的。建筑设计艺术与纯绘画艺术对素描训练的要求就不同。建筑设计需要理性的介入,尊重科学技术手段,侧重人的心理与生理的社会性视觉需求及实用功能的合理性。在素描训练上更注重理解与分析,对形体的比例、透视、空间尤其是对比例、对数的概念的理解似乎更重要。比如包浩斯的基础课程设置:约翰·伊顿与莫霍利的基础教学就是一个重内在精神冥想,另一个则重实用技术的规范与秩序的代表。 由于艺术观念的不同也决定了素描形式的不一样。中国古代论画有“得意忘形”“以形写神”之说,东坡云:“论画与形似,见于儿童邻”;而西方古典艺术家们为了“形似”却发现了解剖与透视原理。具象写实的画家与抽象表现的画家其素描的表现如此不同,都是因为观念影响了他的表达方式。 素描是一种思维方式,音乐是一种思维方式,区别文学与哲学是因为她们不是用文字语言去思考,而是用独特的语言方式——视觉的或听觉的图像和声音去思考。 素描是视觉的,是看法,也是技术方法。有什么看法就有什么样的技术方法,传统的中国山水画没有焦点透视,中国画家在画一幅画时不必站在固定的一点对景写生,所谓“搜尽奇峰打腹稿”,采用的是散点透视“三远法”;而西方的风景画一定是固定的视点、固定的光线,即使不是对景写生也要运用严格的焦点透视法则和具体的光线效果。最初西方艺术的透视法、光影法传入我国是不被接受的,因为人们的习惯看法被改变了。 素描不仅是思想,还是一种技术。因为艺术的“术”字就不能回避技术问题。中国画讲笔墨技巧,近千年的锤炼已形成了一整套独特的表现技术:勾、勒、皴、擦、染、点……在国门被打开之前,人们觉得画就应该是这个样子。而后的观念变化是看到了世界的模样,是“科学”影响了我们的看法。这时的我们想画一张看上去“正确”的素描,还需要学习相应的解剖与透视知识以及光影变化的规律等技术手段。 素描教学技术训练是基础课教学的重要组成部分,只是这个技术训练要有相应的思想观念作指导。 艺术院校设置造型艺术基础课由三部分组成。即素描、色彩及工具材料的应用。这三部分既有分工也有联系,是一个整体的三个方面不可或缺。素描训练离不开工具材料及对色彩的感觉;同样色彩训练也离不开工具材料及对素描的认识;而工具材料就是一切艺术创造的物质基础,这一点是应该明确的。选择工具材料是观念的问题,而熟悉工具材料就是个技术性问题。素描训练在对“造型”的把握过程中,技术问题就摆到了前面。 任何一种形式观念的素描都离不开可视的媒介载体——材料与图形。材料是平面的或立体的,有色或无色的纸或其它质地的基底,图形是铅笔、粉笔或墨水的痕迹等等,这些材料组合本身就有技术含量。想画得有立体感和空间感,相应的技术和知识是必备的。构图、形体与空间、画面整体感的控制,点、线、面、影调与黑、白、灰的处理,解剖知识、透视规律的运用等等。由于专业的不同所需技术手段亦有所侧重,但在传达对形体的感觉过程中具体的技术手段是丰富的,需要我们去感受去发现。不能否认,有时对技术的探求也会带来观念的变化。 即便如此,素描教学作为造型艺术的基础部分,其训练的一开始就应介入到艺术的本质,不应仅仅停留在技术训练的层面上。将素描训练看作是人的知觉训练、情感训练、社会人的精神表达式。我们知道没有感觉就没有艺术,丰富而敏锐的感觉才是艺术的生命所在。因此,作为造型艺术基础的素描教学应以开启发掘学生天性为己任,发现学生不同的视知觉感受能力及独特的个性化的表达方式,同时辅以相应的造型技术语言以建立起公共勾通能力,这才是素描教学应起的作用。也只有如此才能充分体现出素描教学在基础教学中的重要意义。 美术教育专业毕业论文:高职美术教育专业人才培养方案革新思考 【摘要】高校美术教育专业人才的培养,是基础教育中提高学生审美意识、人文素质的重要环节,在现代素质教育改革中发挥着极其重要的作用。随着新一轮教育改革的不断深入和完善,对美术教育的从业人员,无论是校内的还是校外的,都有了新的要求。论文主要就笔者自身的教学实践和学习探索,提出了关于高职美术教育人才培养培养方案改革的几点思考。 【关键词】高职院校;美术教育;人才培养;方案 1高职美术教育专业现状 在新一轮的教育改革背景下,高职美术教育成为现代素质教育不可或缺的重要环节———提供合格的基础美术教育师资。然而,当前高职美术教育的状况与社会的需求还有很大的一段差距。随着社会的全面改革,特别是教育改革的不断深化,基础美术教育的形式与方式已经发生重大改变,虽然当前高职美术教育的相应改革也在不断扩展和深化,但仍然远远不能满足岗位需要的人才要求。通过研究发现,当下高职美术教育主要存在以下两个问题: 1.1重理论轻技能 当前高职美术教育专业的体系架构,大多沿袭或参照本科专业的体系架构:过于偏重人才对学术的研究培养。然而高职人才培养应该更多地考虑培养毕业生对岗位技能的熟悉度和提高人才的职业素养。 1.2重整体轻个性 目前大多高职院校深陷就业率的泥潭,这一条体制内对院校的评价标准,导致了高职院校面对人才的培养时,更多地考虑“量产化”:针对单一的中小学教师岗位“量身定制”人才培养方案,偏离“因材施教、以人为本”的教育指导方针。因此,当前高职美术教育更多的应该考虑如何培养富含创造力的时代教育工作者。 2高职美术教育专业人才培养方案制定时的前提思考 笔者从自身多年的教育工作经历中发现,我国在校美术专业学生普遍存在着一些难以弄清的疑问,诸如应该重点掌握哪些知识和技能?毕业后假如不当美术老师我还能干什么等;同样的,毕业生也存在着这类问题的后续问题:比如,为什么明明我的就业和专业对口了,却感觉学过的知识对工作上的很多问题帮助不大甚至是感到没学过这类知识?因此,笔者提出:高职美术教育专业人才培养方案制定时的前提思考,应当从岗位能力需求与职业生涯素养两方面出发。让学生在大学学习阶段,就清楚如何才能更好地就业和就业之后如何才能拥有更精彩的人生。 3高职美术教育人才培养方案一专多能的制定纲领 一专多能,就是指人才在多方面都有一定能力,而且在某一具体的方面能做到出类拔萃。随着社会的发展,各领域岗位都出现了学科交叉,知识融合,技术集成的新特征。这一特征决定了每个人都要提高自身的综合素质,既要拓展知识面又要不断深化自己的专业技能[1]。当今社会,一方面中小学的美术教育人才需求逐渐趋于饱和,导致本专业毕业生对口就业压力不断提高,专一能力的人才往往难以找到和专业对口的工作岗位;同时另一方面,现代企业又面临着行业竞争激烈、用人成本不断高涨的时代问题,它们对于一专多长的复合型人才需求变得更为迫切。 4高职美术教育人才培养方案专业知识、岗位能力与职业素养并重的设定方针 笔者认为,高职学生应当在大学阶段,完成以下三方面的学习任务,才能从容面对当今社会对人才的挑战。 4.1掌握足够的专业知识技能 知识,于社会来说就是生产力,于个人来讲,就是成功的基础,知识的重要性已经无需赘言。 4.2具备一定的岗位工作能力 社会工作岗位总是相对有限的,对以就业或创业为目标的大学生来说,自然是僧多而粥少。一个相对满意的工作岗位,它必定是通过毕业生自己的努力争来的。那么,对于一个在企业面前毫无工作经验的大学生来说,于岗位的竞争力是十分欠缺的。因此,具备一定的岗位工作能力,是毕业生面对就业时提升自我竞争力的十分重要的因素。 4.3打下良好的职业素养基础 新中国基础教育发展至今,已经经历了五次重大的教育改革,而改革的优秀一直都是围绕着“素质”一词来展开,其目的主要是让学生在掌握知识文化的同时树立正确的世界观、价值观、人生观等。我国大学生在经历了十二年的基础教育之后,在社会素质方面,已经有了一定的成效,但却仍然存在着许多概而不全的缺陷。特别是对于未曾经历过的职场生涯的学生来说,如何才能把成长过程中养成的素质转化成为有利于往后职业生涯的职业素养,从而使得今后面对社会生活时更加从容,却缺乏足够清晰的认知。 5课程体系架构 关于高职美术教育专业的课程体系,目前国内普遍采用的架构方式,都借鉴于传统高职专业课程的普遍架构方式,即:课程总体结构=基本素质能力课程+职业能力课程+实践教学课程=思想政治素质、人文和科学素质及身心素质课程+职业通用能力、职业专门能力和职业拓展能力课程+基础实训、专业实训与顶岗实训课程。笔者基于自身教学实践体会,在此对职业能力课程和实践教学课程两个模块展开描述。 5.1职业能力课程 目前国内经济的区域性是比较明显的,因此,架构职业能力课程必须针对毕业生的人才市场流向进行分析研究。各地方的人才需求不同,对职业能力的侧重点就应当从有利于服务地方经济发展进行选择。同时,因为当前毕业生就业岗位的多样性特点,所以还需要从一专多能这点来思考课程架构,力求毕业生在专“美术教育”的基础上,还具备能胜任两到三个其他的工作岗位的能力。总结以上分析,职业能力课程可从职业通用能力、职业专门能力和职业拓展能力三个层面进行课程架构:第一,职业通用能力课程:本类型课程是美术教育专业类学生必须学习的专业基础理论和专业基本技能课程。第二,职业专门能力课程:本类型课程直接对应岗位工作任务和职业能力的需求,是形成本专业特有优秀能力的关键课程。第三,职业拓展能力课程:本类型课程是根据学生就业方向和行业应用领域需求设置的模块化课程,是职业专门能力课程的拓展和深化。 5.2实践教学课程 在职业通用能力、职业专门能力和职业拓展能力课程体系中,实践教学课程分三种类型,即基础实训、专业实训与顶岗实训,三者实现层次化的实践教学过程:一体化课程:理论教学与实践操作一体化,这类课程都在实训室或者机房中完成教学工作,主要实践任务是验证性实践教学和校内生产性实训。实际项目课程:这类课程包括教育见习、实习、专业综合实训、毕业设计等,力求达到学用结合的目的。顶岗实习和假期社会实践:假期社会实践活动是短期的体验式顶岗实习,毕业顶岗实习是最后的教学环节,学生以准员工身份到企业顶岗工作。 6教学进程整体设计 在教学进程设计时,应注重考虑课程与课程之间关联性。美术教育专业的课程和其他艺术类课程一样,课程与课程之间往往具有很强的承前启后的递进式特征。传统的整体设计方法一般采用5+1的模式,即前面五学期在校学习理论和技能,最后一学期则安排单位企业实习等实践教学。在这里,笔者有鉴于职业技能学习的实操性为重的特点,提出一个新的模式:2+0.5+2+0.5模式,即入学两学期学习基础理论和技能+第三学期用半学期参加岗位见习+接下来两学期的专业理论和技能+最后的半学期顶岗实习。这一模式的优点是两个“0.5”的安排:第一个0.5学期的见习,更有利于学生对岗位有了一定的了解后,能对接下来的学习重点和学习方向有更清晰的认知;第二个0.5,即毕业前的顶岗实习,可更有利于毕业生从校园走向企业的过渡。职业教育是一个与时俱进,满足社会职业岗位需求的教育体系,其人才培养方案制定往往受到社会人才需求的映射,因此只有不断革新人才培养方案,才能真正实现职业教育的社会服务功能。 作者:庄福鹏 单位:阳江职业技术学院 美术教育专业毕业论文:幼师专业美术教育工作研究 一、当前幼师专业学生现状 中专生和普通高中学生的文化课相比基础知识明显不扎实,存在很大差距。尤其是数学、物理、外语这些科目。而美术不等同于绘画,尤其是幼师专业,学生要学习的内容繁多,这就在一定程度上影响了学生的学习效果。 二、如何做好幼师专业美术教育工作 教师的职责是教书育生,而作为美术教育工作者,我们不但要育生,还要感染学生,培养学生审美、鉴赏美、创造美的能力。那么,我们应该如何做到这些呢? (一)营造轻松、愉悦的学习氛围 美术课与其他文化课一样,教学中教师也应尽可能地让学生感到轻松、愉快,即营造轻松、愉悦的学习氛围。首先,教师的教学语言要尽量生动化、通俗化、口语化。在讲解美术理论知识时,教师要避免太专业化的术语,而应把复杂的知识简单化,这样会收到很好的教学效果。其次,美术教师可以采取现代化的教学手段,利用多媒体播放一些与作品内容相关的乐曲,以活跃课堂氛围,充分调动学生的视觉、听觉,让他们轻松掌握美术知识,提升审美能力。 (二)教师要提高自身综合素质 随着幼师教育的改革与发展,社会对幼师教育提出了新的要求。幼师专业教师要想适应新时代的新要求,就必须不断学习,丰富专业知识,提高自身业务能力。除此之外,教师的能力也不能单单局限于美术自身,还应广泛涉猎美学、哲学、心理学等学科,以提高自身综合素质,更好地开展幼师专业美术教育工作。 (三)将课堂还给学生 幼师专业美术教学中,教师应将课堂交给学生,除了传授基本的美术技能外,其他方面都应让学生去自由发挥,让他们自己去思考,展开想象,大胆创作,这样有助于提高学生的想象力和创造力。 (四)加强美术欣赏教学 教师要重视美术欣赏教学,它有利于培养学生发现美、鉴赏美的能力。美术欣赏教学中,教师要先引导学生了解所欣赏作品的创作背景和作者思想,再通过讨论、比较谈谈自己对作品的看法、见解和认识,从而让学生从感性认识慢慢上升到理性认识,通过表象渐渐探究其事物的本质及其内在美,提升审美能力。 三、总结 总之,幼师专业学生的美术教育工作并不简单,我们只有更新教育理念,调整教学目标,从学生实际情况出发,灵活运用各种有效的教学方法,发展学生的创新思维,才能培养出适应幼儿美术教育发展的高素质的幼儿教师。 作者:郭屹梅 单位:石家庄市学前教育中等专业学校 美术教育专业毕业论文:美术教育之展示设计专业 从我院的学生方面来看,他们对美术课不重视,艺术感觉迟钝,尤其网络等一些思想对学生的影响,比如在服装的标新立异等审美让他们没有一个美与丑的标准,没有对色彩的理性认知。这些学生进入学校后,面对美术课就产生了困惑与茫然。同时由于学生的年龄在十八、九岁,心理发展处于不稳定阶段,学习中经常出现情绪的反复波动。因此,深入了解学生的实际情况有利于美术教学。 一、解决美术教学中存在的问题 针对以上的问题,通过在教学的不断摸索中,我认为可以从这几方面入手来解决这些问题。第一,要对本专业学生的基本情况进行分析,针对问题,采取相应的教学方法和措施。由于大多数学生没有绘画基础,因对专业的不明确或择业需要才选择本专业,面对美术课,他们有的新奇、有的不知所措。作为教师首先要向学生讲清楚学习目的:美术课是设计课的基础以及二者的密切关系。激活学生的学习兴趣,这点应在课前首先提出并提供详实的举证。第二,美术学习的关键在于把握造型与色彩的基本规律,并通过动手操作来掌握这些技能。因我们的学生没有美术基础,美术课时较少,所以要调整课程内容。在教学上,要简化教学内容,突出重点,以点带面,少而精。让学生掌握关键技法并对学生强化练习,以加深熟练掌握技法的程度。第三,长期以来处于应试教育的学生,创造力普遍不足,尤其对展示设计专业的学生影响更为重大。应试教育的最大弱点,大部分学生只能在框架内进行死记硬背地学习,比较呆板,就是限制了学生的想象能力。想象力是创造力的前提,展示设计专业需要人的创造力,如何提高学生的想象力与创造力也就成了职业学校展示设计专业应该解决的重要问题,而这个任务又落在了美术课中。美术课不仅要学习绘画的表现技法,还要激发想象力,为设计打基础。这就需要知识面的拓宽,需要触类旁通的比较,可以通过一些知识讲座,将音乐、舞蹈、建筑等赏析特点介绍给学生,形成艺术形式的互比,提供想象的实例,为设计奠定必要的基础。这样,想象———归纳———创作设计,这条学习脉络就显现出来了。通过艺术专题的讲座,提高学生的鉴赏力,是强化美术教学的一种方式。教师也可以通过课堂实践,诱导学生的想象能力,如把几样独立的物体进行组合,指导学生如何视其为一个整体,这就是美术课中想象能力培养的具体体现,也是归纳的一种方式。 二、增加实践教学,改进职业美术教育的教学方法 我院展示设计专业在美术教学中增加实践教学,其主要目标是要改变以教师为中心的传统教学模式,构建一种既能发挥教师“教”的主导作用又能充分体现学生“学”的认知主体作用的新型教学模式,在此基础上实现教学内容、教学手段和教学方法的全面革新,为学生创新能力和信息能力的培养,营造最理想的教学环境。我院的展示设计教研室,既有擅于应用的教师,参与企业一线的生产活动;又有从事理论研究的高素质教师,结合起来,就是一个很好的“双师型”团队。展示设计领域瞬息万变,教师的艺术观点和艺术思想都会在课堂中逐步渗透给学生。因此,不断提高教师修养和业务能力是培养教师业务能力并提高层次的大事。此外,本专业的实践能力也相当重要。展示设计是一个商业化的行动,必须与社会企业的需求紧密结合,并要根据对方的实际需求,设计出切实可行,符合生产、推广或传播要求的作品。专业教师必须参与社会上的设计活动,甚至在设计公司兼任一定的工作职务,这样才会不被瞬息万变的时代所淘汰。理论与实践结合是职业类学校培养技术应用性人才的基本途径,有了实践,才会避免不切实际的纸上谈兵。随着计算机在设计领域的广泛应用,尤其是计算机应用图像、应用设计、应用教学等软件的开发利用,也给美术教学带来了从教学方式到教学内容上实现新突破的契机。我认为实践教学应该在教学计划中占有较大比例,实践教学的主要目的是培养学生的技术应用能力。我院展示设计专业现在拥有写生画室、喷绘室、电脑机房、制作室等一系列专业方面的工作室,增添省时省力的机械设备,使教师和学生从耗时耗力的手工体力劳动中解脱出来,有更多的时间用于思维和创造,还可以成立广告公司和装饰公司,直接参与激烈的市场竞争,使教学更好的服务于社会。在实践教学中,我积极把握每个细小环节、过程解惑给学生,更好的教书育人。根据职业技术院校的教学要求,我们培养的学生要“一专多能”具有实用性。能够让学生学以致用,学有所用,学以适用,有重点性、针对性的教学,以实践为基础,以教学理论为依据,充分发挥职业教育的特点。所以在教学中我特别注重培养学生的实践动手能力、创造能力和创新思维能力,利用现代化的教学手段积极引导学生学用结合、学以致用,提高专业实践技能,理论结合实践教学。 作者:王丽 单位:哈尔滨技师学院 美术教育专业毕业论文:美术教育专业素描教学思路 【摘要】素描课程是高校美术专业的必修课程,也是一门重要的课程。从目前的现状来看,素描的教学思路存在着一定的问题和弊端,在新课标的要求下,各大高校要对素描教学思路进行改革,给学生提供更好的学习环境和掌握绘画的技巧。本文就美术教育专业素描教学思路和改革进行分析和探讨。 【关键词】美术教育专业素描教学思路改革 素描是造型艺术的基础,也是美术学科的根基,是美术专业生最先学习的画种之一,从古至今,素描教学都是美术专业教育中不可缺少的部分,起到了建设性作用。素描教学不仅仅包括技能性学习,同时还包括学生通过绘画各种石膏像对事物的态度和认识,更能够培养学生的基本专业素养和审美感知度。 一、美术教育专业素描教学所存在的问题 1.受到经验的限制 从目前高校传授素描知识及技能的角度来看,受到了传统经验的限制和束缚,在讲课的过程中不能够加进新时期的元素,不能在讲授知识的基础上进行创新。素描教学中有一些专业术语,例如:明暗交界线,反光等,需要学生在清楚地了解涵义基础上进行绘画,其次在教学中还存在着结构,虚实等规律和概念是常用语,其余的都靠教师讲解,不同的教师所传授的知识是不同的,培养出的学生也是不同的。一些客观的词语虽然有助于掌握素描知识,但缺少了吸引力和趣味性,导致学生的参与性较少,限制了学生的思维。 2.课堂不够规范 部分教师为了打破原有的课堂氛围,实行大胆的尝试,摆着为学生创造自主学习的空间为原由,以培养学生的真实感受和体验为主,经常组织学生到户外观察生活,这使得教学目标变得盲目。导致了学生对素描的学习不重视,使得素描教学变得机械化和程序化。 3.缺乏好教材和专业性教师 随着教学大纲的不断深入,素描教学也在不断地向前发展。高校请了许多优秀的素描教师,同时也出版了许多精品教材。但是教师的授课水平不够精,对于每部分的内容都只是“蜻蜓点水”,没有系统的传授出素描知识和技能。许多美术教材也都是只提到了美术绘画中的素描技巧,并没有针对美术教育专业着手研究素描教学。 二、美术教育专业素描教学的教学思路 美术教育专业的素描教学构建的是师生共同探讨完成素描作品,素描教师所培养的学生未来从事的工作与自己一样也是美术教育,在传授专业技能的同时更要学会怎样去做人,要综合考虑学生的实际专业情况和专业特征,能够在传授素描知识的同时,满足学生的专业发展需求,努力去完善素描教学体制,使教学内容展现现代化的教学特征。 三、美术教育专业素描改革的措施 1.改变现有的教学模式 美术教育的素描教学上应当以基础为主,主要让学生懂得理论知识,其次理论与实践相结合。所以,在传授素描知识的过程中,必须要转变以往的教学模式,在教学中适当加入学生的能力培养,素描教学中的能力培养主要表现在学生对外界事物的感知能力,对客观事物的分析能力和理解能力以及表达能力和创新能力。 2.以培养学生的兴趣为主 在新课标的要求下,美术教育专业的素描教学要以学生作为课堂的主体。在教学的过程中,要以吸引学生的兴趣为根本,在课下可以让学生关注一些近期素描教学的热点问题,激发学生对素描知识产生兴趣。另外,在教学内容的选择上,要尽量选择学生喜爱和感兴趣的课程内容进行讲解,对知识点要注意概括,将较难的学术问题化成简单的语言进行描绘。总之,在进行素描教学的时候,要以激发学生的学习兴趣为主,其次要掌握素描知识必备的内容,为今后的美术教育研究之路打下良好的基础。 3.选用合适教材 美术教育专业是所有美术专业中知识内容较多,学业较大的一个专业。因此,在教材的选择上也要区别于其他美术专业,在素描教学内容的讲解上既要涵盖丰富的知识内容,又要结合实际进行教学研究,优秀的教材对学生的素描学习以及专业的发展方向都有着至关重要的作用。另外,在美术教育专业的教师选择上也要下功夫,要选择专业能力和职业素养综合能力较强的教师,这关系到素描教学的质量提高,也关系着整个美术教育专业的发展前景。本文通过三大方面对美术教育专业素描教学思路和改革进行分析和探讨,提出了目前我国美术教育专业素描教学中存在的问题,同时分析了教学思路和改进措施,起到了良好作用。美术教育专业区别于其他的美术专业,它是项综合学科,既要求有理论知识的储备量,又要求有动手绘画的能力。要考虑到学生的接受能力和创新能力,转变原有的素描教学的观念,让学生深入体会素描知识和素描技能,希望不久的将来,美术教育专业的素描教学能有更大的突破和发展,为更多的学生创造更美好的课堂。 作者:孙奥 单位:江西师范大学美术学院 美术教育专业毕业论文:美术专业美术教育论文 一、高师美术课程设置现存问题分析 1.开设的美术教育类课程偏少 培养目标模糊高师美教院校发展长期受到美术院校的影响,虽然在20世纪80年代高师美教走上了全面开课的轨道,但课程设置几乎套用美术院校的课程模式,所开设的美术专业课程占有相当大的比重,美术教育类理论及教学实践课程量较少,不能突现出高师美教的师范性特点,这也导致了高师美教培养目标的不明确,以至于出现有些教师是以培养艺术家而不是培养艺术教育家为主要培养目标的偏差。 2.美术专业课程内容与学校美术教育改革发展需要 缺少对接现在高师美教课程设置普遍由美术教育类课程和美术专业类课程两大模块组成,其中的美术专业类课程内容基本套用美术院校的模式,与当前我国学校美术教育改革发展缺少应有的对接,加上执教美术专业类课程的教师大都是由美院毕业的,他们对中小学美术教育改革了解不多,这使得他们在教学过程中,很难形成将美术专业教学与中小学美术教学需要联系起来的学术自觉,这带来了师范生在大学所学的某些美术专业知识在基层学校美术教学中难以施展的困境。 3.最终评价课程缺失了高师美术教育应有的综合评价 机制“毕业创作”“毕业论文”课程是高师学生在大学四年所学知识的最终总结与呈现,因此,我们可以称这些课程为最终评价课程。长期以来,高师的“毕业创作”都是以美术创作作品展览的形式进行,完全照搬美术院校“毕业创作”的做法,这导致高师学生很自然地将自己的毕业创作与美术院校学生的毕业创作相比拼,教师和学生会投入更多的精力到毕业创作中,多少影响了高师学生在“毕业论文”写作的精力投入和对美术教育理论及实践的总结与反思,此外,“毕业创作”与“毕业论文”各自侧重在美术专业和美术教育两大块,缺失了课程之间的内在联系和高师美术教育将二者综合评价的机制。 二、高师美术课程设置策略 1.增设美术教育理论及教学实践课程 突出美术教育专业特点众所周知,一名中小学美术教师的基础知识结构应包涵美术教育和美术学科两大体系。美术教育理论及教学实践课程是高校美术教育专业课程的重要组成部分。近些年来,学院依据国家教育部的发展要求,在原有基础上增设了美术课程标准解读、各类美术课教学方法研究、微格教学、多媒体教学课件设计与制作、教育见习、第一次美术教育实习、第二次美术教育实习等课程,使美术教育理论及教学实践课程占有相当比重,突显出美术教育专业的特点。这些课程有效地提高了学生对美术教育专业的认识及其教学技能,尤其是学院将美术教育实习由原来实习一次调整为实习两次,收到很好的教学效果。第一次教育实习时间安排在大三上学期,实习时间为三周,均有带队指导教师带领,这样能随时给予学生指导。第二次教育实习安排在大四上学期,实习时间为四周,可让学生自由选择联系实习学校或组成一到二个实习小组,选派实习指导教师带领。前后两次教育实习给学生教学反思和回炉的过程,第一次教育实习返校后,教师针对学生们实习中遇到的问题给予深入的分析指导,帮助学生进行教学反思,从实践中认识教育理论的指导作用,引导学生从教学理论中寻找解决问题的方法,提高理论认识,以便指导其第二次的教学实践;有了第一次教育实习的基础,学生在第二次教育实习中更显从容和自信,教学更规范化,并在教学中有目标性地观察分析教学中遇到的问题,积极思考,寻找解决问题的方法,学生在两次实习中感受深刻,在一次次的教学实践中提高了他们的教学技能和专业认同感。合理安排每个学期的美术教育理论与教学实践课程,一方面确保学生每一学期至少有一门以上的美术教育理论或教学实践课程的学习,另一方面又将各课程相互串联,形成体系,充分发挥其职能作用,比如美术教学论、美术课程标准解读等优秀课程被有意识地安排在教育实践课程之前,旨在引导学生掌握美术教育理论的同时,形成正确的教学理念,以发挥理论指导实践的作用;微格教学、教育实习等实践性课程旨在培养学生的教学技能;各类美术课教学方法研究等课程旨在指导学生在一定教学实践基础上寻找课堂教学的理论依据,形成研究教学的思考。同时还可结合举办师范生教学技能比赛、说课比赛等活动促进学生的教学评价与反思,使教学更有成效。 2.科学整合美术专业课程内容 彰显美术教育专业特色学院在对中小学一线教学调研中发现,因教学条件、学生兴趣等原因,那些偏难和较复杂的美术学科内容在学校难以展开,如油画人体、石版画等,因此,结合基础学校实际需要,科学整合美术学科课程显得尤为重要。以“双基+创造力培养”来整合美术学科课程的思路是基于中小学“双基”教学的特点提出的,即在大学低年级阶段着重于美术学科基础理论与基础技能的学习,在大学高年级阶段着重于美术表现及创作学习,并采用选修的形式,让学生自主选择美术学科发展方向,在侧重研究某门美术学科的同时,又在相互交流中触类旁通地了解其他画种的表现手法,形成“一专多能”的美术能力。此外,在原本单纯的美术专业课程中整合美术教育教学内容,有意识地将美术学科与教育专业学习相结合,更能明确美术教育专业的本质,如《艺术考察》通常是带学生们深入乡村写生及收集美术创作素材的课程。经过整合,可将这门课程改革为《艺术考察与中小学教学调研》,教师带学生下乡写生、收集素材等活动之余,带领他们深入到乡村学校进行教学考察,了解地方办学条件和状况,并让学生提交中小学教学调研报告,思考开发利用地方美术教学资源等课题,这种一举两得的教学活动收到极好的教学效果,一方面,引导学生在美术学习的同时,思考美术与美术教学的关系,另一方面,创造了更多的机会让学生参观基层乡村学校,增进其对美术教育的责任感。再如,《民族民间美术》课程旨在引导学生了解民族民间文化的同时,让学生形成开发利用民族民间美术资源于学校美术教学的思考,如将该课程改革为《民族民间美术与校本课程开发》会更能明确其课程本质。 3.调整最终评价课程结构 明确美术教育专业本质目前,美术教育专业中有许多重要课程与美术专业课程极为相似,特别是“毕业创作”课程多以学生美术作品展示为主,不能全面体现出美术教育专业学生大学四年所学。只有合理调整最终评价课程的组织结构,才能进一步明确这类课程的实质。经过多年的教学实践,学院的美术教育专业“毕业创作”课程改革为“毕业综合展示”。“毕业综合展示”主要侧重于美术教育教学展示和美术学科技能展示两个方面,旨在全面展示学生的综合能力。在美术教育教学展示方面,包括有教学活动展板、教学实物和多媒体教学实录等形式。教学活动展板是在150cm×90cm的展板上呈现学生的教学实践成果,整个设计制作过程也是学生对教学实践进行整理、反思和总结的过程,指导教师组织学生整理充实教育实习中的教案、教学示范图、学生作品、教学录像、教学现场照片等资料,并有序地将教案、教学示范图、学生作品布置在展板上,这也是对学生设计能力的考验。教学实物展示包括学生教育实习的教案、示范图等,还通过多媒体展示学生的执教录像、教学课件等内容。人们在参观学生的美术教育教学展示内容时,都投以极大兴趣和充分肯定,并感受到学生们扎实的教学能力。在美术学科技能展示方面,美术教育专业学生在大学四年学习的美术技术门类较多,学生们的兴趣也十分广泛,这就需要给予学生提供更大的选择空间,可选择进行新作品创作,可选择整理完善自己认为平时画得较好的作品进行再创作,还可选择自己最感兴趣的某类美术内容进行表现;多元选择带来了丰富多彩的创作面貌,有油画、国画、版画、水彩、素描外,还有手工、剪纸、摄影、电脑绘画、设计等内容,这些作品都真实地记录了学生的专业技能及其创作能力,切实展现了美术教育专业学生的美术综合能力。每次的“毕业综合展示”都收到极好的效果,有观众戏称:看美术专业“毕业创作”就像逛“艺术精品店”,看美术教育专业“毕业综合展示”就像逛“艺术精品超市”。“毕业论文”也是美术教育专业的重要课程之一,过去,教师们在指导“毕业论文”时发现许多学生写的毕业论文往往照搬照套,缺乏自己对美术教育的真情实感,而他们对亲身经历的教育实习却有着许多体会和想法。学院将“毕业论文”改革为“毕业实习综述”,让学生从深有感触的教学实践中进行理论性梳理和分析,从中感悟实践上升到理论、理论指导实践的研究性方法。同时,我们还将原来在教室进行论文答辩的场所改在“毕业综合展示”展厅进行,将“毕业实习综述”答辩与“毕业综合展示”密切联系,学生们在相对开放的环境中由感而发,教师们也能从学生的答辩及其美术教学展示、美术创作中对学生形成全面综合的认识。 三、结语 目前,学院成立的美术教育学院为研究美术教育专业课程方案提供了更好的平台,并着力于研究在美术教育的基础上综合音乐、舞蹈等艺术形式和表现手段,形成整合创新、开拓贯通和跨域转换的方法,从而全面培养学生的综合能力,为研究创新型美术教师的培养积累实践经验。 作者:文海红单位:广西艺术学院 美术教育专业毕业论文:教育专业美术教育论文 一、高师美术课程设置现存问题分析 1.开设的美术教育类课程偏少,培养目标模糊高师美教院校发展长期受到美术院校的影响,虽然在20世纪80年代高师美教走上了全面开课的轨道,但课程设置几乎套用美术院校的课程模式,所开设的美术专业课程占有相当大的比重,美术教育类理论及教学实践课程量较少,不能突现出高师美教的师范性特点,这也导致了高师美教培养目标的不明确,以至于出现有些教师是以培养艺术家而不是培养艺术教育家为主要培养目标的偏差。 2.美术专业课程内容与学校美术教育改革发展需要缺少对接现在高师美教课程设置普遍由美术教育类课程和美术专业类课程两大模块组成,其中的美术专业类课程内容基本套用美术院校的模式,与当前我国学校美术教育改革发展缺少应有的对接,加上执教美术专业类课程的教师大都是由美院毕业的,他们对中小学美术教育改革了解不多,这使得他们在教学过程中,很难形成将美术专业教学与中小学美术教学需要联系起来的学术自觉,这带来了师范生在大学所学的某些美术专业知识在基层学校美术教学中难以施展的困境。 3.最终评价课程缺失了高师美术教育应有的综合评价机制“毕业创作”“毕业论文”课程是高师学生在大学四年所学知识的最终总结与呈现,因此,我们可以称这些课程为最终评价课程。长期以来,高师的“毕业创作”都是以美术创作作品展览的形式进行,完全照搬美术院校“毕业创作”的做法,这导致高师学生很自然地将自己的毕业创作与美术院校学生的毕业创作相比拼,教师和学生会投入更多的精力到毕业创作中,多少影响了高师学生在“毕业论文”写作的精力投入和对美术教育理论及实践的总结与反思,此外,“毕业创作”与“毕业论文”各自侧重在美术专业和美术教育两大块,缺失了课程之间的内在联系和高师美术教育将二者综合评价的机制。 二、高师美术课程设置策略 1.增设美术教育理论及教学实践课程,突出美术教育专业特点众所周知,一名中小学美术教师的基础知识结构应包涵美术教育和美术学科两大体系。美术教育理论及教学实践课程是高校美术教育专业课程的重要组成部分。近些年来,学院依据国家教育部的发展要求,在原有基础上增设了美术课程标准解读、各类美术课教学方法研究、微格教学、多媒体教学课件设计与制作、教育见习、第一次美术教育实习、第二次美术教育实习等课程,使美术教育理论及教学实践课程占有相当比重,突显出美术教育专业的特点。这些课程有效地提高了学生对美术教育专业的认识及其教学技能,尤其是学院将美术教育实习由原来实习一次调整为实习两次,收到很好的教学效果。第一次教育实习时间安排在大三上学期,实习时间为三周,均有带队指导教师带领,这样能随时给予学生指导。第二次教育实习安排在大四上学期,实习时间为四周,可让学生自由选择联系实习学校或组成一到二个实习小组,选派实习指导教师带领。前后两次教育实习给学生教学反思和回炉的过程,第一次教育实习返校后,教师针对学生们实习中遇到的问题给予深入的分析指导,帮助学生进行教学反思,从实践中认识教育理论的指导作用,引导学生从教学理论中寻找解决问题的方法,提高理论认识,以便指导其第二次的教学实践;有了第一次教育实习的基础,学生在第二次教育实习中更显从容和自信,教学更规范化,并在教学中有目标性地观察分析教学中遇到的问题,积极思考,寻找解决问题的方法,学生在两次实习中感受深刻,在一次次的教学实践中提高了他们的教学技能和专业认同感。合理安排每个学期的美术教育理论与教学实践课程,一方面确保学生每一学期至少有一门以上的美术教育理论或教学实践课程的学习,另一方面又将各课程相互串联,形成体系,充分发挥其职能作用,比如美术教学论、美术课程标准解读等优秀课程被有意识地安排在教育实践课程之前,旨在引导学生掌握美术教育理论的同时,形成正确的教学理念,以发挥理论指导实践的作用;微格教学、教育实习等实践性课程旨在培养学生的教学技能;各类美术课教学方法研究等课程旨在指导学生在一定教学实践基础上寻找课堂教学的理论依据,形成研究教学的思考。同时还可结合举办师范生教学技能比赛、说课比赛等活动促进学生的教学评价与反思,使教学更有成效。 2.科学整合美术专业课程内容,彰显美术教育专业特色学院在对中小学一线教学调研中发现,因教学条件、学生兴趣等原因,那些偏难和较复杂的美术学科内容在学校难以展开,如油画人体、石版画等,因此,结合基础学校实际需要,科学整合美术学科课程显得尤为重要。以“双基+创造力培养”来整合美术学科课程的思路是基于中小学“双基”教学的特点提出的,即在大学低年级阶段着重于美术学科基础理论与基础技能的学习,在大学高年级阶段着重于美术表现及创作学习,并采用选修的形式,让学生自主选择美术学科发展方向,在侧重研究某门美术学科的同时,又在相互交流中触类旁通地了解其他画种的表现手法,形成“一专多能”的美术能力。此外,在原本单纯的美术专业课程中整合美术教育教学内容,有意识地将美术学科与教育专业学习相结合,更能明确美术教育专业的本质,如《艺术考察》通常是带学生们深入乡村写生及收集美术创作素材的课程。经过整合,可将这门课程改革为《艺术考察与中小学教学调研》,教师带学生下乡写生、收集素材等活动之余,带领他们深入到乡村学校进行教学考察,了解地方办学条件和状况,并让学生提交中小学教学调研报告,思考开发利用地方美术教学资源等课题,这种一举两得的教学活动收到极好的教学效果,一方面,引导学生在美术学习的同时,思考美术与美术教学的关系,另一方面,创造了更多的机会让学生参观基层乡村学校,增进其对美术教育的责任感。再如,《民族民间美术》课程旨在引导学生了解民族民间文化的同时,让学生形成开发利用民族民间美术资源于学校美术教学的思考,如将该课程改革为《民族民间美术与校本课程开发》会更能明确其课程本质。 3.调整最终评价课程结构,明确美术教育专业本质目前,美术教育专业中有许多重要课程与美术专业课程极为相似,特别是“毕业创作”课程多以学生美术作品展示为主,不能全面体现出美术教育专业学生大学四年所学。只有合理调整最终评价课程的组织结构,才能进一步明确这类课程的实质。经过多年的教学实践,学院的美术教育专业“毕业创作”课程改革为“毕业综合展示”。“毕业综合展示”主要侧重于美术教育教学展示和美术学科技能展示两个方面,旨在全面展示学生的综合能力。在美术教育教学展示方面,包括有教学活动展板、教学实物和多媒体教学实录等形式。教学活动展板是在150cm×90cm的展板上呈现学生的教学实践成果,整个设计制作过程也是学生对教学实践进行整理、反思和总结的过程,指导教师组织学生整理充实教育实习中的教案、教学示范图、学生作品、教学录像、教学现场照片等资料,并有序地将教案、教学示范图、学生作品布置在展板上,这也是对学生设计能力的考验。教学实物展示包括学生教育实习的教案、示范图等,还通过多媒体展示学生的执教录像、教学课件等内容。人们在参观学生的美术教育教学展示内容时,都投以极大兴趣和充分肯定,并感受到学生们扎实的教学能力。在美术学科技能展示方面,美术教育专业学生在大学四年学习的美术技术门类较多,学生们的兴趣也十分广泛,这就需要给予学生提供更大的选择空间,可选择进行新作品创作,可选择整理完善自己认为平时画得较好的作品进行再创作,还可选择自己最感兴趣的某类美术内容进行表现;多元选择带来了丰富多彩的创作面貌,有油画、国画、版画、水彩、素描外,还有手工、剪纸、摄影、电脑绘画、设计等内容,这些作品都真实地记录了学生的专业技能及其创作能力,切实展现了美术教育专业学生的美术综合能力。每次的“毕业综合展示”都收到极好的效果,有观众戏称:看美术专业“毕业创作”就像逛“艺术精品店”,看美术教育专业“毕业综合展示”就像逛“艺术精品超市”。“毕业论文”也是美术教育专业的重要课程之一,过去,教师们在指导“毕业论文”时发现许多学生写的毕业论文往往照搬照套,缺乏自己对美术教育的真情实感,而他们对亲身经历的教育实习却有着许多体会和想法。学院将“毕业论文”改革为“毕业实习综述”,让学生从深有感触的教学实践中进行理论性梳理和分析,从中感悟实践上升到理论、理论指导实践的研究性方法。同时,我们还将原来在教室进行论文答辩的场所改在“毕业综合展示”展厅进行,将“毕业实习综述”答辩与“毕业综合展示”密切联系,学生们在相对开放的环境中由感而发,教师们也能从学生的答辩及其美术教学展示、美术创作中对学生形成全面综合的认识。 三、结语 目前,学院成立的美术教育学院为研究美术教育专业课程方案提供了更好的平台,并着力于研究在美术教育的基础上综合音乐、舞蹈等艺术形式和表现手段,形成整合创新、开拓贯通和跨域转换的方法,从而全面培养学生的综合能力,为研究创新型美术教师的培养积累实践经验。 作者:文海红单位:广西艺术学院 美术教育专业毕业论文:小学完善专业美术教育思考 【摘要】小学美术教育专业是以培养高素质小学美术教师为目标的综合型专业。文章就如何培养小学美术教育专业学生的知识结构和能力结构等问题进行了探讨。 【关键词】小学美术教育专业;知识结构;能力结构 小学美术教育专业是以培养高素质小学美术教师为目标的综合型专业。其专业特征一是职业导向明显,二是带有很大的综合性。[1]对小学美术教育专业学生的知识与能力结构的培养,一方面要合理把握美术专业内涵和美术课程结构,另一方面要充分兼顾到学科类课程和小学美术教师职业技能培训的特点。 一、小学美术教育专业的知识结构 信息社会的发展,需要培养具有良好的科学文化素养、综合的创造性思维方法和熟练掌握本专业技能的艺术教育人才。小学美术教育专业学生的知识结构包括以下三个方面:(1)教育科学方面的理论知识;(2)美术专业知识和技能;(3)各学科的基础知识。围绕这三个方面从以下几点来思考,可以更好地对学生进行知识结构的培养。 (一)良好的人文素养 无论是美术专业知识还是美术专业技能都只能存在于一定的社会文化环境中,是以人文素养为基础的。人文素养是指个体掌握的历史、哲学、文学、宗教、艺术、审美等学科知识以及在此基础上形成的对人类生存充满深情关怀的意识,人文素养就其优秀来说,主要是指人的世界观与人生观,以及人文科学中体现出来的以人为本的精神。它包含两方面的内容:人文学科知识和人文精神。良好的人文素养是由历史文化和传统精神熏陶而成的修养和气质,是融进了自已理解和悟性的认知结构,是对人格心理及人生定位有着巨大影响的“遗传基因”。[2] 人文知识不等于人文素养,人文知识是指史学、哲学、文学、法学等人文类学科的知识。 (二)较强的创新思维 知识经济的灵魂是创新,而教育是知识创新、传播和应用的主要基地,也是培养创新精神和创新人才的摇篮。我国教育的现状,还是偏重知识传授而轻过程分析的应试教育,教学方法多是科学主义的理性分析法,受教育者的创新能力还没有得到较好的开发和培养。 艺术教育具有开发创造性思维能力和培养创造性人格的价值,培养小学美术教育专业学生的创新精神,提高他们的创造性思维能力,形成其创造性人格,这与高校培养人才的目标是相一致的。 创新教育的优秀内容是教学方法的运用,它要求教育者在教学中注重创新教育观,即以培养创新人才为己任的教育观,它是人本教育观、素质教育观和健全的人格教育观。它不仅要求教育者倡导民主的教学作风,轻松愉快的教学情景,不轻易否定受教育者的思维结果,而且还要注重在校园范围内营造有利于师生催生创新灵感、激发创新潜能、保持创新活力、涵养创新素质、取得创新成果的文化环境,以及注重激发受教育者的思维为关键,注意激发、培养求同思维和求异思维,尤其是批判性思维。 (三)厚实的可持续发展的知识修养 可持续发展是当代社会的新理论和新战略。创新教育的结果是科技的进步和劳动者素质的提高,而科技的进步和劳动者素质的提高又有利于促进创新,有利于可持续发展。[3]知识经济是以智力资源的占有、配置为基础,以科学技术的知识生产、分配、传播和使用为支柱,以创造性的人力资源为依托的经济形态。自然知识和人文知识还要与人文素养和自身能力诸方面和谐发展,才能确保其主体行为符合可持续发展的宗旨,并创造出可持续发展的社会价值。 对小学美术教育专业学生进行可持续发展的知识修养的教育是以可持续发展价值观为优秀的教育,旨在使每个受教育者形成可持续发展需要的价值观念、行为和生活方式,进而促进社会的可持续发展。在科学发展观指导下广泛实施可持续发展教育,将会逐步提高教育质量,把我国教育改革与发展推进到新的历史阶段。(四)丰富的现代教育知识与技术 面对信息社会的挑战,教育改革速度加快以及新型的教学方式,要求小学美术教育专业学生适应新的教学环境而不断提高自己的教育技术素质。现代教育技术,一个支点是教育,一个支点是现代技术,它是先进教育思想与先进科学技术密切结合的产物,并且现代教育技术随着科学技术和教育思想的发展而不断充实和丰富新的内容,增加新的内涵。 现代教育技术就是以现代教育思想、理论和方法为基础,以系统论的观点为指导,运用现代化教育技术进行教学,由于具有直观性、形象性,给人强烈的活动感、立体感等特点,所以能极大地引起受教育者探求知识的热情和兴趣,减少教学过程中的枯燥无味感,充分调动受教育者视觉听觉等多种感官的综合参与,对提高教学效率和教学质量,起着十分重要的作用。 二、小学美术教育专业的能力结构 根据小学美术教育专业的特点,学生的能力结构包括以下五个方面:(1)审美教育能力;(2)组织教学能力;(3)专业活动能力;(4)美术科研能力;(5)获取信息能力。根据以上五个方面,教师培养他们的能力结构应注意以下几点: (一)把审美教育能力的培养放在第一位 席勒说:“若把感性的人变为理性的人,惟一的路径是使他们成为审美的人。”[4]面对小学美术教育的预备军,要想他们将来成为审美教育的工作者,必须先使他们成为审美的人。对学生审美教育能力培养的基本任务是:1.敏锐的审美感受能力;2.全面的审美鉴赏能力;3.初步的审美创造能力。而这三种能力的培养是在相应知识建立的基础上发展而来的,教师在教学过程中,应把审美知识的传授与审美能力的培养具体体现在教学活动的各个环节上。 (二)组织教学能力和专业活动能力的培养是关键 组织教学能力的培养不仅仅是教育教学理论和方法的培养,而且还要把儿童心理和生理与儿童美术教学有机结合起来,在如何科学地对儿童进行美术教育,综合提高儿童素质上下功夫。 专业活动能力是组织教学能力的前提和基础,它包含两个方面:1.了解小学美术教学大纲,研究小学美术知识和技能,具备给儿童传授知识和指导学习方法的活动能力;2.具备美术专业创造能力。这要求教师在美术必修课、选修课、教育实践环节中,融入专业活动能力的培养,使学生具备全面的科学教育知识和广泛的各科基础知识,具备丰富的美术知识和基本表现技能,并培养学生在教育实践活动中运用这些知识和技能。 (三)美术科研能力和获取信息能力的培养是发展的要求 小学美术教育专业培养的学生是将来推动素质教育和时代进步的基础教育工作者,它必须适应社会发展的步伐,符合时代的要求。由此,小学美术教育专业必须培养具有时代开拓精神和一定科研能力的高素质的小学美术师资。 对学生的美术科研能力的培养要注意两点:1.对小学美术教育的课程设置、教学内容和教学方法等科研能力的培养,推动学生将来深化教学各方面的改革;2.对美术学科的科研能力的培养,促进学生艺术创造和艺术思维的提高。 对学生能力结构的培养,也是学生将来从事小学美术教育的需要,同时也是培养学生良好的思想道德和合理知识结构的重要途径。 总之,对小学美术教育专业学生的知识与能力结构的培养应以培养高素质小学美术教师为目标,以培养他们具有良好的人文素养、较强的创新思维、厚实的可持续发展的知识修养和丰富的现代教育知识与技术,以及熟练掌握本专业技能和科研活动能力为任务,使小学美术教育专业学生的知识结构与能力结构能更快更好地适应21世纪基础教育改革和发展需要。 美术教育专业毕业论文:高等院校美术教育专业的思考构建 摘要:近些年,随着社会经济的深入发展,构建一个开放的、科学发展的美术教育观念是社会发展中需要关注的问题。高等院校美术教育专业要与学校的美术教育、社会公共美术教育模式形成相互促进的发展群体,美术教育专业应该追求创新模式,打破传统的教育教学观念,对我们的美术教育有一个新的认识和拓展,让我们的美术教育完成它特殊的教育教学职能以及独特的社会角色。 关键词:构建;高等院校;美术教育 美术教育的实现和推广自然离不开学校对美术教育的诠释与开展。美术教育的开展要明确美育的内涵和作用,然而从高等院校美术教育专业的发展情况来看,与其他的美术教育相一致,在培养的过程中始终离不开传统的绘画教育形式,忽视了文学在美术教育中对人们审美的影响和培养学生的个人修养。专业的艺术高等院校在美术教育中显示的是一种脱节现象,始终在自己的领域里发展。随着目前美术教育思想观念的不断变化与完善,美术教育不仅仅要在学科建设中满足社会发展的对人才培养的需要,还要在教育过程中体现出自身专业的优势与学科建设。美术教育首先要从内涵概念入手研究,对其有着一定的认识与了解,再进行美术教育的发展定位,最终完成具体的学科建设工程。 一、关于美术教育概论内涵的认识与理解 1.美术教育的基本内涵 高等院校的美术教育专业,因为受到艺术院系大环境的影响,对于目前美术教育优秀思想的理解与认识严重不足,缺乏系统和整体性的教学方式,在绘画教学中的惯性思维,导致在借鉴与应用一些美术教育思想时出现极大的偏差现象,很多学校美术教育中认为绘画就是美术教育。美术教育不是简单的绘画教学,要给学生们添加适当的理论基础课,理论学科是学习所以知识的入门与根基,没有理论知识的绘画美术是没有任何意义上的美术教育。构建完整的美术教育思想体系和课程安排,是我们在美术教育中需要思考的重要问题。缺乏思想的美术教育是无法体现现代美术教育的精神与内涵。各级高校的美术教育专业要培养适应现代经济发展的精英美术人才,要对美术教育的内涵进行全新的分析与鉴定,重新认识与理解美术教育的内容和精神涵养。 2.美术教育的定义与发展历程 美术教育在教育教学中通常被理解为造型艺术教育,其中包括绘画艺术、雕塑艺术、工艺美术与建筑设计四个大的门类,对它们的基础知识以及技法进行学习,侧重学习造型元素、设计方式和组合技巧,加强学生们对美术在实际生活中应用的理解。随着社会的不断发展,每个时期美术的教育有着不一样的教育目的与教育思想,其中的内涵也是在不断的变化。生活水平的不断提高,以至于人们追求高品质的艺术生活,人们对自己的生存状态、文化修养不断的重视,美术教育已经渐渐超出了传统的绘画雕塑等美术门类的学习,它的思想理论延伸到对当代社会文化的学习以及视觉艺术的欣赏。美术教育强调教育和社会的互动交流,以及视觉表达和对学生们交流能力的培养。从上个世纪六十年代以来,美术教育的理论就开始形成一种以建设学科为基础的美术教育思想。主张美术教育不仅仅是专业课的修养,更要注重培养学生对基本学科的认识以及美术史学、美术创作。这一思想理论的提出对美术教育的课程产生了很大变动,把我们的美术教育作为一个学科门类,通过严谨的课程学习来培养学生们对艺术的理解,从而实现高校开展美术教育的教学价值。随着20世纪后半叶的发展,文化以及经济的全球化,美术教育在世界范围内又出现了新的思想潮流,美术教育开始主张多元化的教育思想。这些理论渐渐丰富和完善美术教育的课程与思想。 二、现代美术教育中高校美术教育专业的思考 高等院校实施新课标的同时,也就对传统的美术教育提出了新的教学观念,美术学院作为培养美术型人才的基地,不能坚守传统的教学模式,要跟随在改革发展的步伐,形式适合自己院校学生的美术教育课程教育模式。因此,作为高校美术教育者,我们必须研究美术教学改革措施:一、关注学生知识的储备,调整课程结构;二、美术教师不是专业工作者,而是教育工作者;三、重视教育实习,培养学生教学实践能力。当代美术教育面向的不仅仅是在校学生,同时也针对社会上的广大人民群众,它是一个综合性概念。目前而言,从许多艺术高校的美术教育专业来分析,教育教学中首先是培养专业美术人才,确定美术教育专业教育教学的目标。其次,与其他普通艺术教育的师范类院校相比较,美术教育中的教学目标以至于教学方法都有着很大的相似性。因此,在现代美术教育中要确定学科发展定位是十分重要的,符合社会的发展需要是美术教育的前提。我国城市化建设规模在不断扩大,配套的公共领域也得到了发展,美术教育体现在公共美术领域发挥着极大的作用,伴随着美术教育发展的内容,其所体现的社会价值越来越得到关注,在这一背景下,艺术院校的美术教育迎来机遇与挑战,要结合公共美术教育形式统一的整体进行教育教学活动,并且承担我们公共领域的美术教育功能。高校美术教育应该借助公共美术教育这一平台培养更多的综合型美术人才,并且普及公共群众美术知识,体现美术教育对社会发展进步的重要推动作用。高校美术教育的发展也就至关重要,构建完善的美术教育体系也是我们需要探讨的问题。 三、高等艺术院校的美术教育专业教育教学的构建 近年来,我国高等院校在美术教育方面飞速发展,报考美术专业的考试也渐渐增多。传统的艺术教育类美术学院以外,各种师范类、综合类高等院校也建立起了美术教育。美术学院的美术专业也在逐渐增多,像艺术设计与动漫专业的产生。这些美术教育专业的发展体现了我国经济的快速发展,文化底蕴的不断加深,人民群众的自身素质也得到提升,对综合型的美术型人才需要越来越大,给我们高校的美术教育带来了巨大的挑战。1.建立开放式的课程结构为适应公共美术教育在艺术院校的发展,针对培养社会型人才需要,更好的发挥美术教育专业发展的优势与推动作用,在构建开放式的课程结构方面就显得尤为重要了。第一,我们要对原来的美术教育课程进行调整,更多的开展以研究性为主体的课程体系;第二,要对社会发展面临的新的形势、性质进行相关性的了解和研究,构建适应新的社会环境的多元化课程结构,同时将公共美术教育需求应用到现代美术教育专业课程的建设之中,填补学校与社会教育中缺乏联系的空档,建立出以公共美术教育为发展目的的课程教学结构。2.加强实践教学与教学资源的利用美术教育中要加强对实践课程的建设,其中包含这对美术实践以及社会实践的课程建设,在实践教学中强调出美术教育的重要性。美术教育专业的发展需要依靠学院整体的资源进行推动,利用学院的教学资源共享,对实践类美术教育进行学习,即完成了美术教育中的整体教学与互动,也达到了培养艺术绘画学习以及美术教育内涵的培养。教育教学中可以引用社会话题参与美术教育的讨论中,同时还可以将美术教育与社会实践相联系,在互动中学习美术知识,从而让美术教育以及社会美术教育的发展得到紧密联系,相互促进。高等院校的美术教育是一种通过对美术史学的综合学习来培养群众们的审美观念。3.传统的绘画教育是美术教育的基础美术教育应该追溯到传统的绘画教育,以传统的绘画优势重新设立课程目标以及相关的学习方法,让同学们重新来认识绘画在美术教育中的重要作用与意义。在高等院校的绘画教学中,绘画的技法与所需要的专业知识将不是我们学习的重点,学习的关键在于通过对课程的学习了解美术的发展历史、学派风格以及作用等内容的综合性学习。美术教育中的绘画不仅仅是画好一幅画、拥有娴熟的绘画技巧那么简单,而是用心体会学习绘画的过程,深刻了解其背景与思想,展现当代美术教育的意义,从而加深人们对绘画乃至美术教育行业的认识。构建一个严谨的、科学的美术教育课程是美术教育专业的必然结果,也是学院美术教育的一大特色,专业知识的硬性体现。 四、高等艺术院校的美术教育专业发展的意义 构建高等院校的美术教育体系不同于其他类型的美术教育,首先,高等院校的课程领导人要明确教学的方向,深刻认识培养学生综合能力;其次,在美术专业的课程编排中,要避免对专业无限制的细分,要注重学生美术基础知识的培养,合理的对专业进行划分;在设立课程是要明确专业课与基础课的比例,专业课的学习认知离不开扎实的基础知识学习,加强美术教育学科与其他学科的联系,更全面的接触各方面的知识体系学习。最后,教师在教学方面,应该不仅仅重视专业技能的传授,掌握一项专业的技能,更要注重学生的个人素质以及创新精神的培养专业院校的美术教育的传统与气质随着时间的发展不断的累积与沉淀,学院美术教育会有着自己独特的美术教育魅力,在时代的发展中,美术教育会继续秉承着传统的底蕴,树立明确的专业定位和文化涵养,也体现了在时代变迁中美术专业的人文精神和人类发展的创新意义。 结语 纵览全局,当代院校美术教育的发展是在“大美术教育”的前提下,推陈出新,随着社会文明进步的不断发展学会创新,与时俱进,走出原有的美术教育模式,结合现代美术教育思想观念和不断进步的审美要求,遵守科学的合理的美术专业知识,最大程度发挥学院美术教育在大美术教育中的重要意义,推动整个学术教育行业的不断发展与进步。现代美术教育教学的方式相对而言是比较传统的,我们在教育教学中要渐渐完善教育体制,吸取国外优秀的教学模式,而不是照搬应用,结合自身美术教育特点,形成一条特色的、适合我国院校发展的创新美术教育之路。 作者:陈权 单位:镇江高等专科学校艺术设计学院 美术教育专业毕业论文:谈高校美术教育专业学生教学能力培养 摘要:高校美术教育是培养优秀美术教师的重要手段,通过完善高校美术教学,加强对美术专业学生的教学能力培养可以为未来的美术事业培养更多的优秀人才。在高校美术教育的实际教学过程中,教师要不断更新教学观念,采取恰当的教学手段,针对美术专业学生的实际发展状况,完善教育教学方法,营造良好的教学环境,切实培养学生的实际教学能力。本文采用文献分析、综合研究等方法,对高校美术教育中的实践应用不强、专业市场定位不清、学生教学基本功薄弱等问题进行了细致的研究与探索,并提出了具体的培养策略。 关键词:高校美术教育;学生教学;能力培养 随着素质教育的深入改革与发展,美术教师在我国素质教育的进程中发挥着越来越重要的作用。同时,也为我国高校美术教育专业的发展开辟了更加广阔的前进道路,提出了更加严格的发展要求。在具体发展的过程中,随着社会对艺术专业关注度的普遍提高,这些日常的建设问题也慢慢凸显出来。因此,怎样提高高校美术专业学生的实际教学能力,加强学生自身的美术基础知识,使他们经得起时代的考验并适应不断变化的教育教学要求,是目前面临的关键问题所在。本文从高校美术专业学生教学能力培养的全新发展趋势、发展问题,以及具体的发展措施进行了初步的分析与探索。 一新课标对学生教学能力培养的新要求 (一)专业课程教学变化 随着新课程标准的不断发展与改革,在我国高等院校中,越来越多的专业要改革以往的教育发展模式,充分考虑新课程改革的建设要求。高校美术专业的课程标准体系对高校美术提出了严格的教育教学要求,强调美术课程教育要具有艺术性、文化性、专业性与创造性,强调学生要具有综合的审美能力,培养学生进行美术教育时要注重教育的文化性倾向,要跟日常的教育教学科目区别开来。 (二)对教师的要求 对于美术专业课程的教师而言,现代美术教学模式改变了传统的教师教育角色,教师由原来的灌输者、讲授者变成了现在的交流者与合作者,教师与学生之间的联系更加紧密,充分体现了现代化教学中“以学生为中心”的教学理念。另外,针对目前高校培养专业化综合型人才的发展要求,高校美术专业的教师不但要有扎实的基础知识,还要不断转变教育教学理念,掌握时刻变化的美术语言,切实提高自身的表达能力和理解能力,最重要的是,要具备创新能力和具体的实践能力,这样才能带领学生更好地进行实践操作,切实提高学生的教学水平。 二当前高校美术专业学生教学能力培养的主要问题 (一)美术专业学生的培养方向出现偏差 随着我国经济的不断发展以及新课程改革的逐渐深入演化,社会各界对我国的美术事业产生了更加深入的了解与认识,人们逐渐认识到现代美术产业不仅是一门单纯的美学课程,它更是一门艺术和一种文化。这种认识的改变也在一定程度上提高了社会各界对美术教师的教学要求,现代美术教师不但要有扎实的美术功底,更要在绘画的基础上引导学生学习绘画教学。但在日常的学习过程中,教师往往只注重学生个人能力的提高,而忽略了学生实际教学能力的培养,因此,造成了学生不懂教学规律,专业性太强,教学方法不得当等普遍现象的产生。 (二)学生的教学实践能力差 近年来,美术专业的毕业生总体岗位建设情况呈现逐年下滑趋势,他们的总体教学水平低下,教学实践能力不足,甚至有的毕业生面对讲台、面对学生会产生明显的恐惧心理,严重影响实际教学质量以及优秀美术人才的成长发展。另外,有的毕业生个人美术基础深厚,自身拥有极强的美术建设能力,但是却不能将自身的美术理念、美术建设方法以及整体发展思路很好的教授给广大学生,因此,便容易造成教师授课压力大,学生学习困扰多等不良现象的产生。 (三)学生的职业技能训练流于表面 目前,大多数高校的美术专业设置仍然注重基础专业课程的建设与发展,对于美术欣赏类课程、人文类课程缺乏总体的规划与安排,对于高等美术作品欣赏类课程的开设更是少之又少。这就造成了部分学生表面美术功底深厚,而真正符合实际教学需要,集知识与能力于一身的专业人才缺乏的实质现象。另外,由于学校片面强调学生的专业技能培养,学生没有良好的美术作品鉴赏功底,缺乏教育教学的积极性,也导致了学生毕业后不愿意从事相关的美术教学工作,从而使学校的美术教学人才培养目标得不到很好的实现。 (四)课程实践性不足 实践是人才培养的必备环节,并不是为了装饰教学的一种华丽手段。近年来,部分高校美术专业的授课模式依然采用传统的理论性教学方式,即教师讲授理论知识,学生进行记忆并且实际操作的过程,而学生走出校门进行具体实践的机会很少,造成这种现象的原因不只是因为学校的职业教育理念落后,还与学校、教师的实践认知错误存在莫大的关系。目前,我国美术事业建设发展需要的是拥有较高专业技能的综合性教育教学人才,而高校优秀的美术教学人才需要大量的学习时间和具体的专业实践才能真正上岗,因此,更加需要学校增加学生的实践性课程,让学生获得更多的实践机会。 三造成学生教学能力培养问题出现的原因 (一)高校缺乏体统的课程培养体系 高校美术教学人才的建设是一个完善的系统工程,但目前高校美术专业开设的教育课程大多集中在专业课学习上,具体包括绘画临摹、人物写生、艺术创作与观察等,对于选修课没有投入太多的研究精力,课程内容与必修课程存在重复现象,课程建设注重美术的专业性,忽视了美术教学鉴赏能力的培养以及学生教学能力的提高,并且学生美术课程呈现零星分布状态,专业课程与选修课程之间缺乏必要的联系,每门课程独立发展,而课程之间的内容关联性较差,不利于学生理论与实践的具体结合。综合看来,美术课程主要以绘画性课程为发展主线,教学方法以“授讲、临摹”等实际性操作为主,这种课程体系建设虽然稳固了学生的基础知识,但学生基本的教育教学能力却得不到有效的提升。 (二)美术教育职业理念落后 高校的美术教学建设理念是影响美术课程学习目标、拓展基本教学方法、充实教学内容的根本所在。目前,部分高校已经具备了长足建设的发展条件,在国家的大力支持以及社会各界的充分肯定下,学校的办学条件、师资力量、硬件设施、学生水平等都得到了大幅度的提升,学校的横向发展速度不断加快。但依然存在纵深发展节奏不稳的现象,归根结底是学校的职业教育理念出现了问题,部分学校依然固守传统的发展模式,重视美术教学的规模与速度,强调学生基本美术能力的培养,而忽视了美术专业建设教学人才的切实目标,因而导致了学校美术专业学生的培养方向出现偏差。 (三)学校不注重实践课程建设,缺乏建设经费 近年来,部分高校的美术教学模式依然采用传统的理论性授讲方式,而走出校门进行具体实践的机会很少,造成这种现象的原因不只是因为学校的职业教育理念落后,还与实践基地缺乏存在莫大的联系。美术专业的学生需要经过长时间的实地训练以及多次的模拟授讲才能真正上岗,但由于专门的美术学校以及美术机构数量稀缺,加之政府在美术实践基地开发与建设上的经费投入不足,学校便没有能力建立专门的实践教学基地,学生进行具体实践的机会很少,这就使得高校美术专业学生真正的教学能力培养存在一定的发展难度。 (四)专业教学模式设置不合理 1、教学方式目前,高校美术专业学生依然沿用传统的教学模式,即:教师授课,学生听讲;教师布置任务,学生完成任务;教师提出要求,学生达成目标的机械化教学模式,不仅浪费了大量的教学资源,也造成了课堂效率不高,学生兴趣不大,上课注意力不集中的普遍问题,对于美术专业学生的实际教学能力培养很难起到切实的推动作用。2、教学基础教学基础建设主要分为学校的硬件基础设施建设和学校发展软实力建设。目前,绝大多数高校已经达到了现代化的教学发展标准,学校配备了专门的教学设备,例如:多媒体、投影仪、推拉式黑板以及电脑等,但目前存在的最大问题应该属于实际教学能力薄弱的急迫状况。综上分析,虽然部分高校的硬件设施已经日渐完备,但学校发展的软实力仍然存在莫大的发展空间。3、教学内容重视课本知识的学习,忽视实践教学的重要作用是我国惯有的传统教育教学方式,这种教学模式会造成理论与实践的分离,使得教师教学失去实际的作用,学生也难以学到真正的课程精髓。美术是一门应用性很强的实践性学科,在进行具体的课堂教学时,要注重学生培养的“实践性”以及实际的教育教学能力,目前,引入更多的课堂实践活动是课堂学习的大势所趋,也是教学质量提高的根本所在。4、教学考核手段学期结束时,高校普遍采用单一的笔试考核方法对学生进行综合性评估,要想切实实现专业性教学人才培养的最终目标,必须拓展美术课程考核与评估方式,现存笔试为主的试卷考核并不是最为有效的教学考核手段。单纯的笔试考核方式只会助长学生的懒惰心理,降低学生的学习积极性,导致部分学生在日常的学习过程中轻视教师教授的实际美术要点以及绘画操作技巧,认为笔试考核只要临时抱佛脚就可以顺利过关,从而忽视日常的教学实践以及日常的基础知识学习。 四当前高校美术专业学生教学能力培养的重要策略 (一)完善高校美术专业课程建设体系 1.加强学生的基本美术教学理论所谓加强学生的基本美术教学理论,就是在日常的学习过程中,加强理论性教学,把培养高校美术专业学生教学能力所需的专业科学知识以及专业理论知识学习放在优先发展的位置。要求学生不仅要学习美术学、教育学、教学方法等方面的专业知识,还要不断增加人文学、教育哲学、美工学以及人体美学解剖等课程的学习时间,引导学生在学习专业课程的基础上,了解更多的美术知识,从而为教学实践奠定良好的发展基础。2.充分考虑学生的全面发展要求现代高等教育注重学生“德、智、体、美、劳”的全面发展,当然,美术教学人才的培养也不例外。美术专业课程安排更多偏向于专业的美术课程建设,而对于哲学、文学、语言学以及历史类课程的学习甚少,学校要在安排美术专业课程的学习过程中,将更多的相关学科贯穿其中,使高校美术专业的学生具备全面的文化素养,便于在今后的具体教学过程中,能够更好地将美术教育与其他相关学科的教育教学有机结合起来。3.调整美术课程结构目前,高校的美术课程一般分为必修课和选修课两大课程类型,必修课是根据学校的教育建设目标,在考虑学生实际发展水平的基础上统一规定的学习课程,是高校美术专业学生提高学习能力的基础课程,也是学生学习专业知识的重要保障。近年来,学校开设了素描、山水、油彩、中国画、实用美术等相关的美术课程,除了一系列的必修课程,还应该增设美术设计等具体的实践性课程,切实提高学生的动手操作能力,从而更好地将美术基本理念与具体的课程实践结合起来,不断拓宽学生的美术知识层面。 (二)合理调整学生的基础课程学习力度 在专业的美术课程学习中,素描和色彩是美术专业学生必须掌握的两项基本能力,素描是一门实践性较强的专业课程,需要学生在学习的基础上进行大量的练习才能达到相应的教学要求,因此,在日常的教学过程中,要着重加强学生素描课和色彩课的学习力度,强调对物体结构、空间、色彩等的整体表现,注重不同美术作品的色彩运用,力求将理论知识恰当的应用于具体的教学实践过程中。 (三)注重学生创新能力的培养 创新是一个民族前进发展的主要推动力,随着素质教育的逐渐深入演化,教学创新在整个教育进程中发挥着越来越重要的作用。传统的“灌输式、填鸭式”教育发展模式已经不能适应当今的教育教学要求,现代教育强调因材施教,合理引导学生进行思考与创新,切实培养学生的创造性思维。在具体的美术教学中,要重视创作型课程的建设,切实将学生的美术理论知识与创作技能应用于具体的实践教学过程中,运用自身良好的创作技能,引导学生的创新思维,促进学生色彩、构图、赏析等美术能力的稳定形成,从而为今后的美术创作指导正确的发展方向。 (四)增加学生的教学实习机会,注重实习过程建设 教学实习是提高学生教学能力的一个重要手段,是保证学生更好地适应教学工作的有效途径。为了使学生更好地进行教学实践,在实习过程中,要注重学生基本美术知识的运用,不断完善学生的实际教学方法,使学生在具体的实践过程中合理调整自身的教学风格与教学手段,使学生具备教师教学的基本素质,在教学实习过程中,要注重培养学生的语言表达能力。另外,学校可以通过“校企合作”、“联合人才培养”等方式与企业建立长久的合作伙伴关系,努力为学生争取更多的实习机会。 五结束语 教师是人才培养的建设者与推动者,只有拥有一支高水平、高质量的教师队伍才能推动人才培养进程的快速发展。高校美术专业的学生要想成为一名合格的美术教师,必须拥有良好的基础知识储备,不断更新的教育教学理念,合理先进的教育教学手段以及卓越的教学能力,只有具备以上基本技能,才能为成为一名合格的优秀美术教师提供最有力的教学保证。 作者:赵建设 单位:连云港师范高等专科学校初等教育学院 美术教育专业毕业论文:高职院校美术教育专业学生能力培养 摘要:美术专业对学生实践能力的培养一直以来都是整个学科的重要组成部分。对于高职院校美术专业学生来说,实践能力的培养是一项系统的、长期的工程,所以美术专业必须将实践教学作为重点,注重培养学生的艺术感知能力、分析能力和观察能力等,进而培养出可以满足社会具体需求的美术专业实践型人才。 关键词:高职院校;美术教育专业;实践能力;培养研究 近年来,随着“艺考热”的兴起,美术专业学生在就业方面的压力不断增加。只懂得理论知识而没有实践能力的美术专业学生在毕业之后大多陷入困境。所以,高校强化美术专业学生实践能力的培养,将社会实践切实融入美术专业教育,具有重要的、长远的现实意义。 一、提升美术专业学生实践能力对于学生自身的作用 能够影响学生综合素质的相关因素有很多,实践能力就是学生综合素质的一个重要组成部分。对于美术专业学生来说,只有经过实践的检验,其才能知道在校学习所收获的专业知识具体的掌握情况,可以说实践就是使美术专业知识得到延伸的最佳方式,也是提高学生实践能力的有效途径。因此,帮助美术专业学生提升实践能力,不但能够促使学生更为熟练地掌握相关的技能知识,而且能够帮助学生以一种正确的方式融入社会,用主观意识进行观察,并将观察所得合理地转化成个人的素质修养。 二、提升美术专业学生实践能力的方法和途径 1.改进与完善高职院校美术专业的教学体系 如果想快速提升美术专业学生的实践能力,高职院校就一定要合理地转变相关的教学理念。固有的教学理念尽管具有一定优点,但是随着社会的发展和教育环境的改变,其已不能满足现代教学的具体需求。因此,高职院校一定要强化将实践作为主导的相关教学体系建设,从而使实践教学成为整个美术教学的优秀,并以此对相关的教学方式、课程设置和教学计划等进行重新设置。在实际教学的过程中,教师应摒弃重理论、轻实践的教学思想,合理地协调实践课程和理论课程,提高实践课程在总体课程中所占的比例;与此同时,还要主动地将实践教学贯穿在整个教学中,进而形成一个更加系统的、更具有特色的实践教学体系。 2.促进教师队伍的建设 教师队伍的质量影响学生实践能力的高低,假如教师只重视理论知识方面的教学,学生自然也不会认识到实践能力的重要性。所以,提升美术专业学生的实践能力需要切实强化整个教师队伍建设,从而建立一支更加高效、更重视实践教学的优秀教师队伍。对于这个问题,可以从教师的个人进修与集中培训两个方面展开。教师通过个人进修,能够提升自身的专业知识,凭借集中培训又能稳步提高实践能力和实践意识。高职院校进而可以妥善地构建一支具有双师素质的教师队伍,为培养学生的实践能力提供有力保障。 3.加强建设实践教学基地 实践教学基地的建设是学生实践能力得到稳步提升的重要保障。利用实践基地开展实践活动,可以让学生自由地交流和汇报参加实践活动的情况,这样能够使实际操作和课堂理论知识有效地结合在一起。在实践教学基地的建设问题上,高职院校必须切实考虑到当地具体的民俗、风景、人文、历史等有关因素,可以建立一个具有经营性和生产性的小规模的艺术公司,或者实习实训室、美术培训学校等,如手工制作教室、工具和材料教室等,进而为学生创建优良的实践场所。 4.强化校企之间的合作关系 实习是促使学生的实践能力得到长足进步的关键因素。通常来讲,学生的实习期一般是在相关企业中度过的,所以高职院校应该积极地和相关企业保持沟通与合作,互利互惠、共同进步,最终达到共赢的目的。值得注意的是,高职院校一定要切实认识到当地企业所具有的特点和未来的发展形势,并且了解到其具体的生产流程和用人要求。高职院校只有妥善地做到这几点,才能有针对性地实施教学改革和专业课程设置。对于高职院校和企业双方来说,进行校企合作不但能够帮助高职院校提升学生的实践能力,同时还能够帮助企业提高并完善人才方面的储备,从而实现双赢。 结语 如今,我国高职院校美术专业学生所具有的实践能力还不够高,高职院校具体的教学改革仍然任重而道远。因此,高职院校一定要加大对于美术专业教学的研究力度,并努力实现教学改革的目的,进而为我国的市场经济建设提供更多能力更强的实践型人才。 作者:徐军 美术教育专业毕业论文:高校美术教育专业创意性水彩画教学 摘要:高校美术教育专业水彩画教学应改变过去传统造型写生方法下的水彩画教学模式,改进教学过程及观念,在水彩基础技法学习中加强水彩材料、水色变化、光色变化的创意性学习,并在教学中实现东西绘画间的相互融合,培养学生富于个性的艺术语言与表现力。 关键词:水彩画;创意性学习;水彩教学 水彩有着丰富的表现力和创造力,在高校美术教育专业教学中,水彩画教学是对色彩基础教学的进一步提高与深入。随着水彩应用范围的不断拓宽,传统造型写生方法下的水彩画教学已经不能满足时代的需要。从教学过程以及教学观念上进行创新尝试,而不仅囿于传统水彩技法的沿袭,这是高校美术教育专业创意性水彩画教学的新途径与方法。 一、在基础色彩训练中培养创意观念 在入校之前,学生们就有了色彩初级理论基础。科学而严谨的研究光色,进行光的分析,感受空间带来的冷暖对比,寻找形体结构与色彩的关系,追求画面色彩的整体统一等等,这些成为评价学生进行色彩练习质量高低的标准。学生们依靠艺考培训以来的作画惯性画下来,进入到专业美术训练中,也仅仅是把作品尺幅增大,将表现对象复杂化,色调要求更整体而已,却忽略了在学习阶段应亟待建立的色彩创作观念以及表现方法。色彩理论不仅包括色彩基础知识,也应包括色彩的创作规律及好的色彩创意,即专业的色彩理论教学应将学生从写实色彩转到观念色彩上来,并贯穿于学生色彩学习的始终,一直延续到毕业创作的进行。创意观念建立重要在于传统写生模式的转变。在过去的教学中,教师常常强调写生必须准确观察记录色彩、研究形体结构变化、营造立体空间气氛及提高画面意境美等视觉形式,追求画面与实体色彩高度统一,这样标准模式出来的学生因逐渐失去想象的经验而导致想象能力与创意的匮乏。在观念色彩中实体色仅仅是参照和感受的对象,教学应给予学生充分的空间想象,如感觉上强化对比,可以鼓励学生拉大暗部色与固有色的对比关系,以增强不调和感;或者围绕学生所臆想的情境而有意弱化对比,大胆用灰色,减弱甚至抛弃实体的固有色;抑或强调瞬间的感知而跳跃性排列纯色或不调和色,采用点彩法或色彩构成等等。在观念色彩创意性练习中,固有的模式被打破了,但这不意味着丢掉色彩造型的基本理论和能力,而是教师在基本技能训练过程中阶段性地安排观念色彩课程,让学生逐渐锻炼思考和创意的能力,培养他们的色彩创意观念。 二、水彩基础技法的创意性学习 具备一定的色彩基本技能后,学生选择性进入到水彩画技法的学习,并开始利用西画语言独立表达艺术观念。水彩画的技法表现多种多样,如水彩画干湿画法所形成的喷洒法(撒盐、洒水、撒色)、拓印法、吸色法、刮画法等等。这些本易于激发学生的创造力和想象力的课程,却常常因为枯燥的讲授和单调的训练而失去了其应有的活力。教学中创作作品与技法练习割裂开来,甚至在毕业创作时,学生们常有因大画难以控制而不敢在画面上进行技法表现的畏惧心理。在技法学习阶段就培养创意观念是非常必要的。学生对水彩技法的探索与教师对水彩基本技能的传授是并行的两条主线,只有经历对水彩技法进行反复琢磨、不断研究、倾注精力和感情的学习过程,才能形成好的技法创意,才能够产生创作的设想,并在实践中不断修正设想,提出问题和解决问题,最终产生成熟的创作作品来。对水彩基础技法的创意性学习主要包括材料的创意、水色的创意和光色的创意。 1.对水彩材料的创意性学习 水彩画对于材料的要求非常特殊,比如水彩纸的厚度、承水性能以及着色程度高低,水彩笔的吸水性与弹性、深入笔触的能力,水彩颜料在干湿状态的变化大小、色彩的鲜明度与颜料溶于水后的颗粒沉淀多少等等,这些都是决定水彩画作品好坏的重要因素。在水彩画教学中,应该重视材料的探索与尝试,发挥水彩语言的优势,在追求效果的过程中熟悉一切可能的材料,比如比较水彩纸表面肌理变化带来的画面效果,或者尝试玻璃卡纸、油画布、夹板等多种不同于画纸的材料,体会在不同画面环境下底板的粗与细、光与滑、吸水多与少等情况产生的水分与笔触变化。 2.对水色变化的创意性学习 水彩画中水色的变化是其体现的特殊效果之一,运用水之无形产生色的渲染与层次,在透明的水中追求一气呵成畅快淋漓的效果,这都需要娴熟的水色技艺。掌握水与色的变化,即是深入研究水彩画的基本技法,形成水彩语言独立艺术个性的重要渠道。创意性的水色学习,应该先研究自然物象中色彩的虚实、远近、空间关系,将水中潮湿、变化、透明的效果融入到气氛的感受当中去,比如说研究雨景带来的趣味:小雨的朦胧、中雨的清净与大雨的弥漫;或是观察水面的浮波、水中的倒影;或是分析柔软的边界、天际的云霞。在有了自然真实的感受之后,将这种感受转化为水彩意境,并反复训练技法语言以追求画面意境的实现,这才能形成具有个性语言的水彩画创作来。 3.对光色变化的创意性学习 水彩作为西画的一种,在教学中注重对光的分析与研究是非常重要的。如在不同光源作用下产生的不同色彩倾向、不同时间中景物色彩的相应变化、婆娑树影下形成的大小光斑、透光大小影响到的画面氛围等等。在水彩画教学中,应鼓励学生在真实记录光色变化的同时,扑捉寻找最能打动内心的光色瞬间,并利用技法语言尝试绘画表现,如光影中对光斑虚实、大小、疏密的安排,对色彩以及色调的把握,对干湿技法的控制等等。在完成技法训练后增加创意练习,如改变实景色调、抽象或夸大色彩关系、添加光色趣味等等。这些创意性学习能够增强学生对水彩中光色的理解力,提高他们的造型能力和对水彩技法语言的驾驭能力。 三、写生的创意性 面对水彩画的多种技法,传统水彩课程的开设相似于色彩基础粉画课程的训练,从静物写生、人物写生到风景写生,教学的大部分时间都在写生中度过了。虽然写生在水彩画学习中的重要性不可替代,无论从光的科学分析还是对于色的研究感受,写生都是认知自然和技法训练的直接途径。然而过于依赖写生或者机械的照搬自然,其结果只能导致水彩作品失去生命力和创造力。在写生中应培养学生的创意思维,每个学生对画面的处理与感受都有差别,重点表现也不尽相同,如画质感、画光线、画体块,或者画抽象、画水色等等,这些对形象的处理变化、构图的裁剪取舍、色调的设计与意境的传达,都是学生们独特的创意所在,写生的过程其实是实现创意并提高水彩表现能力的过程,水彩画写生教学应尊重这种差异和感受,鼓励学生画出创意性的写生作品。而并非像在传统的水彩写生教学中出现的那样,教师摆放静物或者模特,提出课程目标组织课堂讨论,学生在这一过程中仅仅是被动思考者和传达者。学生画教师的兴趣,追求教师的感受,甚至有的连表现形式和方法都雷同,教师教学仅致力独立的艺术研究,而使学生成为教师追求艺术道路上的翻版。在另一方面,美术教育专业的水彩写生课程开设,直接影响着未来美术教育中学生色彩意象思维的培养。美术教育专业的水彩教学应立足于大中专院校以及基础中高级美术教育课程的特点展开,注重色彩教学中色彩以及造型的创意,而不拘泥与描绘对象的外形及真实颜色,这为基础美术教学的创意性培养建立了良好的前提。 四、教学方式和内容的创意性选择 随着现代社会信息量的迅猛增长,水彩画教学方式也发展变化着。除了手绘示范以外,搜索网络图片和名家视频、制作PPT课件,或者查找水彩画印刷品、作品拍照、摄影等等各种先进的手段都可以辅助教学,学生们也可以更加直观的在博物馆展览馆中鉴赏原作,甚至能够轻松查阅到国外水彩名家的作品。高校美术教育专业的水彩课程在方式方法上应突出师范教学的特点,注重水彩在师范教学中的应用性研究,在学时和内容中对水彩课程的安排不与美院水彩专业教学相雷同,这在具体教学中体现为水彩画写生和创作课程开设的同时,也可以为学生们提供一些设计类水彩课程,比如服装设计、室内及环艺设计、工业造型设计等效果图的绘制,或者插图、装帧设计等应用型水彩画法训练等等。这些课程的开设能够丰富学生们的表现语言,拓宽他们的思维和视野,为培养优质的师范教师和适应社会需求的复合型人才奠定基础。 五、中西画法的创意性融合 西画语言体系下的水彩画不追求用笔变化,在水彩表现过程中,即使有精彩的用笔也会随着逐渐深入的画面而被掩盖;除此之外,水彩画中水渍的晕染、色与水冲撞形成的巧妙效果以及画面东方审美下的传神意境等,这些水彩画命题在过去的西画正统教学中曾被忽视。“水彩的用笔和水色变化与中国绘画的笔墨有许多相通之处”1,作为本民族绘画语言的重要传承者,美术教育专业的水彩画教学中应该融入中国画的表现元素,比如借用中国画中的用笔用墨以及用色的变化,在水彩画中结合国画的色墨互撞创造性研究色与水变化;或者在意境以及用笔中追求中国画的神韵,创造疏朗隽逸的画面效果;或者在画面评价中借用中国画的评价标准,注重画面的品格及精神境界的传达等等。在水彩画教学中对中西画法的创意性融合,这并非改变或者削弱了水彩画教学的西画特点,反而,这种东西结合的教学方式会更加彰显水彩画种在西画体系中的表现优势。无论对于艺术传承还是艺术创新来说,只有秉持中国独有的民族绘画语言,才能够破除艺术间的隔阂,增强绘画作品中的民族认同感,并将独有的东方绘画推向世界的艺术之林。 作者:王亚杰 单位:长沙师范学院美术动画系 美术教育专业毕业论文:美术教育专业素描教学思路和改革 摘要: 素描课程是高校美术专业学生的必修课程,是一门专业性很强的课程。笔者从高校美术教育专业素描课程教学中存在的一些问题入手,提出了几点关于素描课程的教学思路和改革措施,希望能为美术专业素描教学提供参考。 关键词:高校 素描课程 改革 措施 素描是一切造型的基础,是美术学习者最先学习的画种之一。素描教学一直以来都是美术教育重要的组成部分之一。素描教学不仅是技能教学,还包括了美术学习者对事物的认知的教学,更是培养艺术创造与审美感受的教学。 一、美术教育专业素描教学所存在的一些问题 以往的素描课程由于缺乏一个整体性的教学计划和教学体系,使得美术教育专业素描课程只注重技巧性而忽略了教育性。与此同时,受既定的经验、少量的实践与不完善的教学队伍等因素的影响,美术教育专业素描教学的发展受到了制约,其具体问题主要表现在以下几方面: 1.既定经验的限制 从目前高校素描教学的现状来看,素描教学在长期的教学实践中,逐渐形成了一种既定经验和固有规律。在素描教学中,结构、虚实和比例等规律和概念形成了一些教学常用语,用以表现一些固有的规律,而学生的描绘多是对这些既定经验和固有规律的重复。虽然将这些既定经验应用在素描教学中,有助于掌握和吸收素描知识,但是这种教学方法缺乏学生的主体性参与,缺少学生的实践体验,只是对以往知识的重复或验证,枯燥乏味,限制了学生对知识的理解和探索。 2.课堂缺乏规范 一些教师为了打破素描教学的枯燥氛围,大胆尝试新的教学方法,为学生创造自主学习的空间,注重培养学生的真实感受和体验,但是尝试新的教学方法缺少科学合理的规范,从而使教学变得盲目。因此,学生在教学中容易变得迷茫,缺乏真实的感受和体验,机械化的模仿造成素描教学流于形式化和程序化。 3.缺乏针对性教材和专业教师 随着教育改革的不断深入,美术教育在也不断发展。素描教材发行了很多版本,其中有很多精品教材。但是,其中缺乏针对美术教育专业的教材,很多教材教学内容没能针对美术教育专业的特点。此外,现在担任素描教学的教师大多有自己的专业研究方向,主要是绘画和设计这两大方面,因而在素描教学中,学生更偏向于绘画和设计方面的学习。由此可见,没有专业的素描教师,对素描教学质量的提高影响颇大。 二、美术教育专业素描教学应以和谐作为主要教学思路 美术教育专业素描教学的思路是构建一种学生与教师、课程和教学和谐统一的有机关系,综合考虑学生的实际情况和专业特点,让教师、课程和教材满足学生的专业发展要求,努力完善素描教学体系,使教学满足学生和现代教学的要求。 三、美术教育专业素描教学改革的措施 1.改革现有的教学模式,培养学生的基础能力 美术教育专业在素描教学的内容选择上,应当以基础教学内容为主,以提高能力为最终目的。因此,必须转变以往传授型的教学方法,以能力培养为目标。素描教学对美术教育专业学生能力的培养主要表现在对外界的感知能力、对客观世界的分析和理解能力、创新能力、表达和表现能力等四个方面的培养。因此,创新美术教育专业素描教学理念应该以培养学生的四种能力为重心,这样在规范的教学理念下创新教学方法定然会事半功倍。 2.以培养学生兴趣为主,合理安排教学内容 如今,教育教学应该以学生为主体,激发学生的学习兴趣才是关键。因此,美术教育专业素描教学也是如此,教学中要以学生关注的一些热点为教学题材,吸引学生的注意,激发学生对素描知识学习的兴趣。此外,在教学内容的选取和安排上,一是要选择学生普遍感兴趣的教学内容,二是要注重知识点的综合和概括。在教学过程中,对知识点的讲解应该科学、合理,做到通俗易懂。总而言之,教学应该以激发学生的兴趣为主要目的,使学生在有限的时间里充分、有效地理解和掌握知识点,为今后进一步研修绘画和设计打下扎实的基础。 3.选用最合适的教材,加强教师队伍建设 美术教育专业不同于其他的美术专业,因此在素描教学教材的选用上也不同于别的美术专业,所以,编写适合美术教育专业素描教学的教材是开展教学改革的重要前提。尤其是优秀的教材,对学生的学习起着至关重要的作用。建设一支专业能力过硬、职业素养良好的专业素描教师队伍,不仅关系到素描教学质量的提高,更关系着整个美术教育专业的发展、进步。 结语 美术教育专业素描教学的改革应该以人为本,充分考虑学生的实际情况和专业特点,转变固有的素描教学观念,创新教学方法,构建一个教师、课程和教材与学生相和谐的有机体系。 作者:巴哈提·卡下旦别克 单位:新疆应用职业技术学院 美术教育专业毕业论文:高师美术教育专业油画课程设置 一、课程设置概述 一般来说,课程设置是指学校或是其他机构关于课程安排的方案,主要包括开设哪些课程,在哪一学习阶段开设,以及开设的具体时间等方面,从而使学校或是有关机构能够顺利开展教育教学活动[1]。课程设置作为教学工作的关键环节,是课程内容与课程体系的集中体现,是教学内容的重要依据,关系到人才培养的方向。同时,课程设置反映了决策者对国家教育方针的理解,对教学目标的把握[2]。相对来说,师范院校的课程设置必须体现出“高素质”的要求。高师院校油画课程是高师美术教育的重要组成部分,对提高学生素养、培养学生审美能力,以及提升学生人文素质具有非常重要的作用。 二、高师院校美术教育专业油画课程设置存在问题 目前,我国各大院校都在积极进行新课程改革,就高师院校美术专业的课程改革情况而言,美术教育专业的课程设置与美术教育目标不吻合,其中,油画作为美术教育专业的基础课程,其课程设置出现了一系列问题。 (一)忽视学生艺术性培养 目前,我国大多数高师院校美术教育专业油画课程设置并没有突破性变革,在某种程度上忽视了对学生艺术欣赏能力的培养,主要表现在以下两方面。首先,教师在评判学生油画作品时以是否真实再现客观事物作为评价标准。由于油画最先由苏联传入我国,受当时苏联创作价值观的影响,我国的油画创作在表现手法上主要以写实为主,因此,画者是否高度还原所描画的客观事物成为衡量一幅画好坏的重要标准,这种标准对当代的油画创作依然有不小影响。因此,高师院校教师在培养学生时,往往会以培养学生写实技巧作为课程教学的主要任务,在课程安排上以能够进行写实的事物作为训练学生写实技巧的主要对象,比如,高师院校油画课程中主要有风景写生、人物写生等课程,这些课程看重学生对客观事物还原的能力。其次,学校认为油画学习以实用性为归宿。学生由于受写实手法的限制,在学习油画时更多是以对客观事物的描画为主,因此,画得“像”便成为他们追求的目标。于是,油画的作用就像照片一样,以记录发生的事情、看到的美景或是遇到的人物为最终目的。从以上两点可以看出,在油画课程设置上,由于学校与教师都将写实技巧作为培养学生的重点,而忽视了学生审美能力、艺术品位等综合素养的培养。 (二)忽视学生师范性的培养 目前,我国许多师范类院校的油画课程设置与美术专业院校的课程安排基本一致。学校按照培养专业画家的方式培养训练学生,忽视了师范性在学生学习中的主导地位,主要表现在以下几方面:首先,学校在安排课程时,忽视学生油画专业理论知识、户外风景写生等学习内容,忽略心理学、教育学等理论学习;其次,教师在教学设计上不重视学生对教师岗位的认识,没有适时训练学生的讲课能力,更没有让他们在实践中体验教师这一职业;最后,教师在教学过程中不注重培养学生运用教学技巧的能力,导致大多数师范生毕业后授课能力差,不能运用有效的教学手段讲授课程。 三、高师院校油画课程设置的改革方向 高师院校在培养学生时,应以师范性为指导思想,在课程设置上以培养学生绘画技巧为基础,同时,适当安排一些有关油画的基础理论知识及教育学、心理学等课程,整体提升学生的综合素质能力。 (一)以师范性为指导的油画课程设置 油画课程是高师院校美术教育专业课程的一个分支,其设置应区别于专业院校的美术课程设置,充分体现高师院校的师范性。针对这点可以从以下两方面入手:第一,作为高师院校领导,应将师范性作为培养高师院校美术教育专业学生的指导思想,使学生在日常课程学习中意识到教师能力培养的重要性[3];第二,作为高师院校油画教学的实施者,教师不仅要掌握扎实的专业知识,拥有高尚的职业道德,还要对美术学科的教育科学、教育规律等有所了解,并将这些知识作为教学实践的指导,应用于课堂教学设计中,不断创新教学模式,让学生在教学过程中能够对教师这一职位有所领悟。 (二)以教育性为基础的油画课程设置 高师院校的美术教育专业在教学内容上过于强调学生的绘画技能训练,忽视对学生艺术鉴赏能力的培养。因此,可以从以下几个方面进行改革。第一,从学校角度来讲,可以适当增加一些相关的油画作品鉴赏、油画艺术大师介绍以及油画美学理论等课程,这样不仅可以丰富学生的油画理论知识,还能使学生广泛了解各个时代代表画家的绘画特色,比如,提香在绘画色彩上的运用、米开朗基罗作品中表现出的力量美等。第二,从教师角度来讲,在进行课程教学时,首先,要认真进行课前课程设计;其次,要注重活跃课堂气氛,采用有效教学手段,使学生积极参与课堂活动,激发学生课堂学习的主动性,形成良好的师生互动;最后,适当安排学生讲课,提高他们的教学实践能力。这样的教学方式不仅有利于学生学习基础理论,还有利于发掘学生的学习潜能。 (三)以艺术性为目标的油画课程设置 学校教学的目标不仅仅是向学生传递知识,更重要的是培养学生的审美能力。为了更好地实现这一目标,可以从以下两方面进行努力:其一,学校在油画课程设置时要努力突显人文精神这一要素,只有提升学生的人文素养,他们才能更深入地理解油画作品的内涵。其二,学校油画课程设置应该将提升学生艺术审美能力作为最终追求[4]。要达到这一目的,教师可以从三个层次对学生进行训练。首先,组织学生观察大自然,让学生在真切的、充满活力的氛围中感知外界事物,全面把握事物的形态、结构。其次,对学生进行美感教育。在学生观察事物时,教师引导学生调动感官,触、嗅、味觉全面结合,在感知基础上,借助想象力,深入理解观察到的事物,做到“物我合一”,从而培养他们发现美的能力。最后,教师要对学生进行情操教育。讲解一幅画时,除介绍画家生平外,还可以补充画家生活的时代背景,让学生准确理解画家的意图,并从作品中有所领悟,以画家的品质熏陶学生情操,从而丰富学生文化内涵,提高学生精神层次,完善学生品格[5]。 四、结语 学校课程设置直接影响学生所学内容,直接体现学校教育目标。因此,学校要特别重视课程设置。高师院校美术教育专业油画课程设置应有别于专业美术院校的课程设置,要将学生作为未来的教师培养,而不是力求学生成为艺术大师。高师院校在安排课程时,应以师范性作为培养学生的主导方向,为学生安排一些教育学、心理学等理论课程,使学生对这方面的知识有一个宏观了解,而高师院校教师在教学过程中,不仅要注重学生绘画技能的训练,还要注重学生审美能力的培养,全面提升美术教育专业学生的综合能力。 作者:张赢 单位:吉林师范大学 美术教育专业毕业论文:高师美术教育专业教学改革研究 摘要:随着新升本科院校的增多和美术教育专业的扩大招生,美术教育专业中不适应中小学美术教学、实习监控不到位、课程缺乏特色、人才培养目标定位不准确等弊端慢慢显现。模仿美术学院按专业分工作室的教学模式与高师美术教育专业的师范性背道而驰。笔者通过对该专业现状进行分析提出应对策略与建议。 关键词:高师;人才培养;美术教育;现状;思考 自高校扩招以来,各院校的美术专业迅速发展,为社会培养了大量的美术专业人才。近几年,随着一些高校由专科升格为本科、美术教育专业的扩大招生,美术教育专业中一些弊端慢慢显现。模仿美术学院按专业分工作室的教学模式与高师美术教育专业的师范性背道而驰。高校为学子提供了高等教育的机会,现在面临一些亟须解决的现实问题。 一、存在问题分析 1.招生要求降低 近年来,广西美术术科统考对文化课成绩要求有降低趋势,高校录取的美术教育专业学生中不少都是学画时间2年左右的,初中开始学画的几乎没有。很多学生学画的原因是文化课成绩不佳。甚至有少数学生仅靠“突击”几个月学画就考进高校,美术基础较差,因此,提高学生的学习积极性是首要任务。 2.人才培养目标定位不明晰 新升本科院校属于应用型高校,旨在为地方经济和教育服务。当前,部分高师美术教育专业往往照搬美术学院按专业分工作室的模式,学生经一年基础训练后被分成国画、油画、水彩、版画等方向进行小班教学。美术学院的定位是研究型高校,宗旨是为社会培养技能和创作能力强的艺术家型专业人才。而高师美术教育专业的培养目标是合格的一专多能的中小学美术教师。高师美术教育专业在定位属性上必须明确师范性特征,这明确了人才培养的目标是了解中小学教育学和心理学、掌握美术和各学科知识、综合素质强的教育人才。目前,部分高校对高师美术教育专业定位有偏差,生硬模仿美术学院的模式,忽视了自身的师范性特征。 3.课程模式化、办学无特色 当前的高师美术教育专业课程设置基本沿用了苏联的契斯恰科夫教学模式,该教学模式过于强调对描绘对象进行全方位的客观描绘,导致学生缺乏创造力和创新思维。画得像不像不是检验绘画的唯一标准。“素描是一切造型艺术的基础”的教育理念盛行,一些教师把素描等同于石膏像、静物、人头像的客观写实训练。现有的课程设置提倡写实素描,忽视了创造性思维的训练。让各种形式的教学方式融入课堂才能让课堂活起来,如白描、创意素描、创意默写、写意素描等。写实素描仅仅是素描的一种形式而已,中国传统的佛像、青铜像、兵马俑等同样是优秀的绘画素材。 4.实习监控不到位 高师美术教育专业存在见习时间短、实习课程设置少等问题。实习相关的课程仅有教学技能、班主任技能,实习也仅有1周时间,这制约了实习的教学效果。现有的教学督导制度缺乏校外实习的督导评价,无专任实习指导教师,实习成绩评定不完善,无实习质量监控报告,无实习情况统计分析。 二、思考与对策 1.完善教学理念,明确师范性 美术教育专业的培养目标是一专多能的中小学美术教师,教学中不能忽视师范性。高师美术教育专业培养具备广博的美术知识和娴熟的绘画技能,具备美术鉴赏、艺术批评素质,以及各种教育理论知识的综合人才。中小学美术课程的目的在于通过绘画创作实践训练学生手与脑的配合,培养他们独立思考的能力,使其更聪明、更自信、更富有想象力与创造意识。通过绘画培训可以提高学生对色彩和立体的认知能力,拓宽他们的视野和知识面,为他们将来的全面发展打下良好的基础。要改变只重视绘画技能训练的局面,增加相关知识型课程的课时量。其一,加强普通话、书写技能、教学设计与策划等技能训练。其二,增加实用软件课程,如Photoshop、CorelDRAW等课程,让学生具备一定的设计技能。其三,开设艺术批评课程,提高鉴赏能力。其四,加大教育见习实习力度,提高教师技能和实践能力。其五,注重教育学、心理学、社会学、教学法等相关学科选修课的开设。 2.注重办学特色,开设民族美术课程 课程设置的西化让我们忽视了民族传统美术。当代性和国际化并非与传统割裂,东西方文化融合是内在精神的融合。中小学美术教育有责任改变现状,必须从教育抓起,让学生了解和学习身边的本土特色民间美术。现有的中小学美术教材中也有很多民间美术课程。因此,高师美术教育专业开设民间美术课程也是很有必要的。广西是多民族聚居地区,有绚丽多彩、独具特色的民族美术元素,如左江岩画、铜鼓、程阳风雨桥等。广西科技师范学院所处的桂中地区,也有独具特色的金秀瑶族文化,广西科技师范学院应该充分利用已经建成的金秀瑶族文化研究基地,将相关的民族特色美术引入课堂,通过设置相关课程,办出特色。3.加强实习监控体系建设教育实习是高师美术教育专业的重要教学实践环节,是对学生综合能力的实践检验。加强实习监控体系建设,改变不重视教育见习实习的现状,可以从以下几方面入手:其一,构建完善的教育实习管理制度;其二,密切与各中小学的关系;其三,培养专任实习指导教师;其四,优化实习教学质量评价体系。高师美术教育专业应紧跟时代步伐,适应新时期社会发展的需求,才能更好地为地方中小美术教育服务。 作者:玉云山
服装设计论文篇1 1服装设计中视觉传达图形创意内涵 服装图形装饰能以最直接的方式修饰身体外观,也是人类追求美感的常用方法。视觉传达图形创意设计主要以服装图形装饰为核心,根据该类图形范围及类别,可将其分为单件丝网印及面料设计等类图形,常会涉及花边镂空装饰、抽纱以及棉、麻、毛丝等类织物。也可以根据各类几何形式的设计结构及贴布图形等工艺形式进行合理化的分类。服装图形设计的历史悠久,从原始人的植物染料到不同时期的彩画,无一不在印证着人类对图形装饰艺术美感的追求。随着人类思想认知及人类水平的持续进步,造型艺术已经成为服装图形的一种独特属性。优质服装设计通常会在精准把握服装功能尺度的同时,从不同的审美角度对服装进行各类创意设计。也就是说将服装装饰结构与其功能融为一体,才能充分体现其视觉艺术效果及实用性[1]。 2服装设计及其创新设计的视觉语言及图形创意方法 2.1视觉语言 在服装设计中,建立视觉语言主要依赖于材料、色彩及空间等基本型服装设计要素,运用主次、变化等类美学原理,恰到好处地传达设计师情感,使图形视觉效果达到最佳状态。建立视觉语言的过程极为复杂,设计师应保持个人主见,有效提高自身掌控全局能力。因为设计环节拥有多种在结构、质感等层面表现力颇丰的诱惑性元素,所以设计人员应充分了解各个元素之间的内在联系,并精准地表达设计主题,赋予整体创作过程应有的艺术价值及设计美感。在充分理解服装视觉语言构造的同时,提高自身对视觉传达图形设计的思想认知,从而创作出更完美的服装设计成品。服装创意设计的视觉效果,不应局限于人们对常规形象的认知,比如20世纪的某个阶段流行内衣外穿,解锁了女性新型穿衣模式,缔造了与众不同的风格,如今,一直在影响着新型服装形象的流行。步入网络时代,服装创意设计旨在强调内容与形式的深度融合。在此期间,应精准把握各要素之间的协调关系,使新型服装视觉形象及设计情感可以淋漓尽致地展现,只有如此才能充分发挥其自身创意价值[2]。 2.2常见图形创意方法 平衡法:图形创意中的平衡法旨在充分利用画面里的元素保持一定的平衡关系(如点、线、面等元素),若一个作品缺乏一定的协调性就会产生较为强烈的对比,高调显示作品设计,则无法确保作品趋于完美。可以通过设计中触觉、视觉以及听觉等元素使整体画面保持平衡,并适时利用点、线、面等来进行过渡,使图形面积对比、节奏变化以及形状聚散等可以达到和谐效果。借鉴创意法:设计者可通过各种生活体验及细节观察,并将自身创作思路融入其中,是一种新型创意设计方法。既能帮助设计人员积累各方面知识,也能丰富其自身创意。可以嫁接东西方文化,为设计作品增添活力。也可以通过古典与现代混搭的方式表达作者的想法及独特视角,从而赋予作品极强的生命力。夸张法:图形创意夸张手法与人们日常生活密切关联,图形设计中多以夸张、抽象的表现形式为主,既能增强图形立体感,又能有效提高作品层次。由于每个人的性格、行为以及生活经历等都存在一定的差异。所以每位设计师都有自身独特的创造力,而且他们的设计风格也是不同的,不能盲目对其进行模仿或复制。比如在刀具图形设计中使用夸张创意手法,能充分体验刀具锋利及耐用效果,从而令人记忆深刻。联想法:所谓联想创意法就是重新组合旧的元素,或找到两种完全不相干事物的共同点,使其重新组建为新型事物。要求设计者在拓展延伸设计元素的同时融入自身想象力,除了个人联想之外,还可以利用团队的形式吸纳各类不同意见,激发创作灵感,比如可以将大牌手提袋设计图案与人体部位相结合,让人体验设计之精妙。逆向思维法:步入图形创意环节,根据既定事实充分考虑与其对立的一面,用反常规思维获取让人意料之外的效果,能吸引人们去关注与深思。比如将内衣设置成手的模样,用两只漂亮的双手连在一起保持托起的姿势,从而能第一时间反映出女性内衣的舒适感,进而体现出设计者的逆向思维表现形式,让人印象深刻而又无限遐想。 3服装视觉传达图形基本设计元素的创新思路 服装视觉基本设计元素大体涵盖了造型、图案、辅料、细节、工艺等元素,所以设计师应深度挖掘适合表达设计创意的相关元素,使其他元素起到一定的烘托作用。因此在选择创意元素过程中,首先应研究设计对象的功能特性,使服装设计种类及风格更加清晰明确。然后根据创意风格选择合适的元素进行组合变化,有利于在降低设计难度的同时,理清设计思路,并确保设计元素应用更加规范。设计元素可根据自身性质、量感及形态分为三级,以性质为根本是为一级,然后是设计元素的外观表现,即形态,即为第二级;第三级就是设计元素规格、尺寸等方面的数值,即为量感。比如色彩元素中的红色,单纯地说红色并不具体,也不容易想象其状态,但对其进行元素分级,即可根据红色纯度及明度充分了解红色的基本性质,进而翔实的界定它到底是浅红色还是深红色。不同性质的红色给人的感官的想象也存在较大差异,毕竟不同性质的红色存在的审美意义也不尽相同。而红色服装款式中对红色的应用是局部还是整体,其面积大小及位置亦有所不同,这便是设计元素中的量感设计。因此,只有这三个方面的创意足够有深度,才能极致发挥服装整体造型的视觉传达表现力[3]。服装视觉语言在内容方面的美感主要体现在服装设计主题思想所表达出来的美感,是一种融入作者感悟的综合型服装设计,具有较强的抽象性。视觉传达设计中的形式美则体现在面料及色彩等元素,具体体现的视觉美感。在构建服装形象过程中,心是美主要是用来平衡各类设计与元素之间的关系,并利用不同形式美学原则,丰富设计在服装视觉图案中的具体表现,使其能将新型设计元素与各类形式美原则融为一体,从而形成主题鲜明且均衡统一的服装视觉形象。视觉传达图形设计创意作品不仅具有语义生动完整的视觉语言,还能充分地体现服装创意设计的艺术感染力及审美价值。 4解析服装设计中视觉传达图形创意设计 4.1图形创意在服装设计中的应用要点及表现形式 现代服装图形设计中充分蕴含传统韵味及审美情趣,细致考究不同文化背景中的传统图形文化及其在现代服装视觉传达设计领域中的发展情况,深度了解这种传承与发展对现代服饰图形审美所起到的积极作用,有利于设计者充分挖掘古今服装图形审美取向的变化趋势,从而更好地保护传统图形文化[4]。服装除了能遮体御寒之外还具备一定的象征性元素,能通过图形创意以最新奇的方式彰显服装的艺术特性,在充分满足人们个性化需求的同时,赋予服装丰富的文化内涵。服装设计中应用图形创意能深层次普及各类艺术文化,有利于传统艺术的传承与发展。在使用图形创意时,应结合服装受众群体及使用场合等层面内容,全面分析图形设计所要使用的设计元素并遵循一定设计原则,让人们能充分感知创意作品的艺术美感。根据服装的设计需求及其立体形态,精准布局图形位置。因为图形是一种用来装饰服装的修饰符号,能巧妙传达各类创作意图,深化服装设计内涵。图形创意表现形式主要是根据各类服装设计主题及服装整体风格,协调相应色彩关系的终极效果。不能完全依照个人喜好,随意进行色彩搭配与设计。比如T恤衫设计,通常会将图形创意中所选的色彩搭配设计,放在较为显眼的位置,使具象(抽象)图形创意能完美诠释设计主题。因此,只有色彩搭配合理,才能确保人们以最直观的方式分辨图形及文字装饰的形状及内涵所在。一般情况下,具象图形创意主要侧重于图形排列组合之后的新型表现形式。而抽象图形创意则比较注重服装设计的装饰效果。 4.2图形创意在服装视觉传达设计中的应用原则 服装图形视觉传达设计至少应遵循市场发展原则、创新原则以及品牌建设等原则,因为市场能集中体现消费者对服装设计成果的认可程度。洞悉市场发展动态,才能精准把握消费者的喜好及个性化需求,整合一切因素有针对性地进行设计,才能确保视觉传达设计能充分满足不同受众群体。因此设计者应根据市场发展态势,深挖各领域图形创意元素特性并从中获取更多设计灵感,在尊重市场的情况下设计更多优秀作品。虽然不同图形在不同设计产品中应用,能充分表达设计情感,但不代表原本图形元素可被随意照搬。比如国内部分民间艺术图形元素,产生于特定时期,凝聚着先人辈们的智慧并拥有独特的文化底蕴,是一种时代标志。如今人们的审美意识持续变化着,图形运用也应得到合理创新。所以,设计师可遵循创新原则深挖特定图形的艺术元素,融合现代审美理念进行融会贯通,如此才能确保不同图形设计元素富有时代感并为大众所接受。此外,还应打造相应品牌,在传统文化元素中渗透现代设计理念,弘扬图形艺术的文化内涵,确保设计作品在充分彰显现代设计手法的同时,使古今融合的艺术功能淋漓尽致地呈现,赋予服装图形视觉传达创意设计无限可能。 5服装设计中视觉传达图形创意设计的具体应用方法 众所周知,服装图形设计有具象与抽象两种类型,设计师应系统化考虑怎样把自然物体的视觉图像印制在服装上;怎样做到布局图形纹饰以及如何充分掌握各类几何图形的变化规律等。从统一与变化之间的整体关系入手,多个角度考虑图形设计的基本变化规律,在充分了解其相关注意事项的前提下,深度挖掘具象自然物中的各类抽象图形,使其可以符合人们的常规审美习惯。逐步探析该项事物转化成抽象图形的变化过程(如具体图像→变化图像→抽象化→变异等),因此要求设计师精准把握物态特征并具备较强的创新能力。如此才能根据图形组成结构与法则,有效地融入服装视觉基本设计元素,并按要求完成相关图形设计制作。为了更好地体现密集画面抽象图形,可从作品力量、强度及气势等层面进行合理把控。比如将抽象元素融入图形的骨架结构之后,可按照现代审美法则将其组成适合服装款式风格的视觉图形。设计师应充分掌握视觉传达设计中的统一与变化规律,在此基础上进行服装图形创作。深层次了解服装图形装饰创新设计要点,毕竟服装图形设计所涉及的图形变化在某种意义上是由自然形或几何形演变而来的。在实际创作中一个形转变为多个形,也可以直接从自然物品中提取所需的形态元素,使之成为各类形态图形构成的主要素材,并在重构图形内元素形态的同时,赋予图形全新的生命及创意创作意图。因此设计者应充分感知“变化”是图形生命力的核心力量,精准把握统一与变化之间的制衡点,确保最终设计出来的服装图形能符合图形形式美的相关法则[5]。视觉传达艺术创意除了体现在图形渲染设计层面,还可以融合一些古老服装制作工艺,制作更具现代美感的新型图形作品,使其能深度融合到服装面料的生产活动当中。除了这些印制类等的图形设计绘制在外,还可以聚焦于扎染、蜡染等类服装工艺,使服装视觉传达艺术的表达形式更为丰富,从而切实提高人们对视觉传达艺术在服装图形装饰设计领域的认知。扎染在民族服饰中的应用较为广泛,是最为常见的生产工艺,对现代服装视觉传达图形设计发展具有一定启发作用。古人管扎染叫做绞缬,该类染色技法是将植物提取液作为古代服装等的重要染料,并按照具体印染要求,用细绳捆扎相关布料的局部,使其经过一定时间之后风干,可直接加工成人们所需的服装图形。因此,扎染技法在传承过程中,一直都是一项重要技能。除此之外,各类染色技法也不容忽视(如单色染法等)。对于蜡染、刺绣等类与服装图形视觉传达设计密切相关的工艺来说,他们既能有效体现服装图形创作的总体风貌,又能助推服装设计艺术的长效发展。这些工艺既是古代先民传承至今的非物质遗产,又是利用当代科技支撑下的服装图形创意设计的重要元素,为国内服装图形装饰设计走向带来不同程度的影响。 6结语 视觉传达设计与当代服装设计艺术密切相关,服装装饰创意设计意图及其价值所在,都需要相关的图形效果将其传播出去,这对人们日常生产生活来说十分重要。因此,应持续拓展视觉传达图形创意设计思维,并不断创新服装图形视觉的基本设计元素,同步提高图形创意逻辑感及视觉传达设计的能力。 作者:蔡仰风 单位:江西服装学院 服装设计论文篇2 1点彩画法在服装设计中的呈现 点彩画法中最关键的概念便是“点”,点是组成视觉文化作品最基础的元素,点不仅仅是视觉艺术的永恒元素,在服饰作品设计中更是无法忽略的存在。与此同时,点的色彩表达也同样不能忽略,色彩创作中利用丰满、自然、微妙的颜色关系表达其中的作者情感,创作者通过丰富多彩的画面效果所给予观众的视觉效果冲击的差异性,将画面所包含的思想感情传达给观众。总而言之,不管是从外在还是从内心出发,把点彩画法迁移到服装设计中,都无疑地会为服装设计提供更强烈的视觉效果与丰富多彩的画面情感表达。在2010年的早春服装产品中就出现了以点彩画法为主要设计创意的礼服,设计师以点彩画法,采用高低错落、疏密有致、颜色相间的方式,将点彩画法与连衣裙设计充分结合。在丰富服装整体设计感的基础上融入油画肌理,使服装造型更具有艺术感和时尚感。在迪奥2016年秋冬高定系列服装中,迪奥的服装设计总监拉夫西蒙在罗丹博物馆内,向观众展示了宛若印象派画面的秀场。拉夫西蒙不仅将点彩画法与服装设计相结合,同时整个秀场的主题也是以点彩画为主,拉夫西蒙将色彩各异的点状装饰覆盖在透明的膜片上,在灯光下形成五彩斑斓的点状光斑。拉夫西蒙从点彩画中汲取艺术灵感,并结合了高超的高端制作工艺,设计出美学和技艺相互融合的服装作品,从而让点彩画在迪奥的花园中闪耀魅力。本季的服装系列取得极佳的展示效果,服装既有活泼、轻盈的造型,又无时无刻不彰显独特的个性,还能展现出一丝奢华与矜持,服装色彩搭配整体上以表现忧郁气息为主,局部也不乏明亮的色彩。点彩画派的梦幻的色点也让人印象深刻,而大量使用的色点则营造出静谧和神秘的气氛,这些色点如宝石般依附在迪奥的裙摆上,伴随着模特的台步在T台上轻盈地摇摆,熠熠生辉。拉夫西蒙最擅长设计蓬松而平滑的高端礼服,而衣裙上的色点也跟随着模特的步伐不断折射出光芒,如耀眼的星河。另一个将点彩画法与服装设计完美结合的设计师是日本的草间弥生,她在点彩中总结了重复和延伸的特色,并将之视为对自己的个性符号无限再现,提升了设计作品的视觉冲击力,这也是将理性和非理性完美融合的典范,正是这种简单明了的艺术表现形式增强了标识的整体效果,因此获得了许多著名服装品牌的合作[1]。点状元素凭借其尺寸、形态和疏密程度等因素可以彻底改变观者的主观感觉,正是这些变化透过编排形态把点状当作视觉艺术符号形式附着到设计主题上,从而使点由二维空间出发逐步延伸至三维,拓展了点彩技法在服装设计中的发展形式。 2直接画法在服装设计中的呈现 十九世纪初期,照相术的问世给重现性艺术造成了极大的危机,重现性美术与直接绘画性美术之间的冲突,导致了后印象派的出现。以莫奈为代表的印象派艺术家开始普遍采用直接绘画方式进行创作,之后直接绘画也逐步代替了间接绘画。所谓直接绘画,也就是在绘画的过程中运用色彩本身的不透明性进行覆盖,画家们可以在绘画过程中加以不断地改变和调动,并利用大量的颜色变化直接地刻画物象的形状与色彩[2]。所以,直接绘画艺术也可以说是一门感性的绘画艺术,因为艺术家可运用自然产生的行笔笔触、绘画肌理和颜色交织等,直接地表现绘画时的内在情感。后印象主义者画家虽基本采取了直接画法,但并无对透明色彩进行罩染,而使得色彩更趋向浑厚深邃,这也就为画面增添了浓郁的肌理质地。其中,梵高的作品采用了最单一的直接绘画方式,他在大部分时间选择采用的都是带有粗纹的亚麻布,色彩上也是以不透明色彩为主,笔法豪放,肌理丰富,表达出梵高心中对艺术的狂热,同时表达出自我抑制状态的矛盾心理,因此梵高作品拥有强烈视觉冲击力与丰富情感含义且笔触肌理丰富,不但在美术界受到了青睐,而且在服装设计领域中也获得了许多设计者的认可。2015年是梵高去世的125周年纪念,在这年前后的很多国际时装品牌都通过将服装设计作品和梵高绘画作品结合的方法致敬梵高。其中,最经典的还是要数法国巴黎知名奢侈服装品牌YvesSaintLaurent在1988年春夏系列中推出的一款女式上衣,灵感源自于梵高的作品《向日葵》,如图1所示。这个设计作品的特别之处在于,设计者通过运用亮片、管珠、法绣等工艺手段,把向日葵鲜艳的颜色、丰富的肌理和服装充分融合。在这幅画中,梵高只是在向日葵种子的部分上采取了点彩技法,其余部分均采取了直接绘画。而梵高在描绘向日葵花卉部分内容时,则采取了湿画的画风,概括地说来就是在色彩还未干时就画了向上一笔,色彩丰富而且笔法上扬,呈现了怒张上扬的视觉效果。画面背景也是使用了垂直交错的笔法,但相比于垂直平涂的绘画,这会让背景的颜色有微妙的色彩变化,也打破了单调的表现。而品牌方则是找到了这种特点,并运用特殊的设计手法将其表现了出来,从衣服的细部上就能够看出,在做工中向日葵花部分的亮片比背景亮片更大,并且同时有管珠和丝带,从而完全复原了花卉肌理的立体效应,给人的视觉体验就如同原画肌理一般丰富。服装方面,在制作的背景部分采用的是相同大小但也有微小色彩差异的亮片,高度地还原了梵高所采用的交叉画法的视觉效果。 3色块拼接画法在服装设计中的呈现 色块拼接画法是直接绘画的一个基本方法,就是画家利用沾满颜料的画笔在画面上摆出块状笔触,从而形成具有视觉形象的整体画面[3]。法国艺术家保罗·塞尚就较为善于运用这一艺术技巧,塞尚以他厚实的美术功底和敏锐的艺术感觉,以及运用鲜艳颜色和丰富几何形态轮廓的艺术特点,给后人留下了许多经典作品。在现代服装设计中,运用色块拼接法是近年来时装设计中较为常见的设计手段,而恰当地运用色块拼接法作为现代服装设计的亮点所在,既是当下的潮流发展趋势,也同样符合了消费者崇尚个性和重视时装品质的需要。塞尚通过直线强化了形体刻画,使整体画面更趋向于简练色块的形成,按照这种绘制技巧画面会显得平稳的同时也富有动感。塞尚在油画创作中运用笔触的虚与实、强与弱、厚与薄之间的反差,使画面整体更有深度,从而增加了画面肌理的美。在迪尼姆的2017年秋冬牛仔装潮流趋势时尚会上,设计师陈闻以《致塞尚》为题材,设计了这一系列服饰。该服装设计作品所采用的图样,是设计师陈闻在塞尚的家乡南法普罗旺斯当地旅游时期的写生创作,他采用了最原生态的丹宁布料,这种布料大多不会进行后期的水洗等加工处理,而是直接和绘画创作结合(如图2所示)。在产品设计过程中,主要通过相互交错的拼接分割,并运用蓝色丹宁织物的明暗差异来表现节奏的改变,同样硬挺的丹宁织物所形成的廓形极富立体感,与绘画创作中的立体感概念不谋而合,形成了相互呼应的效果。设计师陈闻并不崇尚复杂的款式设计与繁琐的细部处理,而只是通过面料的色彩肌理和质地,结合同样富有颜色、肌理、质地的绘画作品,将隽永的古典文化和瞬息万变的时代潮流连在一起,给观众提供美的视觉盛宴。 4多层覆盖画法在服装设计中的呈现 多层覆盖画法并不同于古典主义时代的多层透明罩染画法。通常在直接绘画中也并没有真正实现一笔到位,而是必须重复好几次涂抹、调整才能取得理想的效果。梵高于1889年创作的《星空》就是这种画风的重要体现,他用了沉重的颜色在画布上纵横交错扭曲旋转,经过多层次叠加,所产生的肌理更加坚硬沉重,颜料停留在画布上呈现出雕塑般的立体感。而每一次涂抹又恰到好处地保持着前几次留下的笔触和颜色,层层精做,色层变化极其丰富,梵高用刮刀、硬笔所堆砌出的深厚肌理,营造出了两股针锋相对的力量。2012年春夏的系列服饰由凯特·穆里维和劳拉·穆里维以梵高画为创意加以设计。如图3所示,设计师们选用了水印花和刺绣的形式将星空图案和服饰融合,最为独特的地方是设计者还对部分图案采用了高度像素化的摸糊处理。同时,设计者也提供了《星空》这幅作品中的最独特的漩涡形肌理,通过变形处理和服饰造型有机地结合,获得了广泛的赞誉和肯定。《星空》这幅作品给人最明显的感受便是优雅和壮美的视觉体验,而穆里维姐妹则将这两点表现得淋漓尽致。从唯美的方面出发,设计师们采用了轻薄细腻的纱质布料并结合自然褶皱的设计方式,而纱质布料自带的朦胧质感再加上经过像素化处理的朦胧质感,充分地展示了作品中星云的神秘感。与此同时,梵高运用大量小笔画和多层覆盖画法时所达到的流动状态,也将被设计师们运用于纱质织物上展现得淋漓尽致,而梵高在此幅画中所追求的短暂的宁静也将和服装融合。褶皱的加工手段也使平面的织物更加立体化,表达出了肌理的立体感,进而将梵高深藏于肌理中的强烈情感,也融合在了衣服之中。油画肌理为什么能够在现代服装设计中进行完全过渡,一是绘画技术是诸多现代美术先驱和名师绘画技巧与艺术理想的结晶,对现代服装设计的灵感源泉是一个全新的启迪,对现代服装设计的审美理想也是正确的指引;二是绘画技术中包含着大量丰富的艺术表达方法与视觉艺术语言,无论是在整体画面中理性的图像画面结构,又或是充满情感的图像画面感染力上,都能够与现代服装设计充分过渡。 5结语 本文从肌理与服饰设计的转换入手,从肌理的外在表现特征、表现形式,分析论证设计转换的可行性,并运用现有的设计案例分析、数字抽取、仿生设计、设计实践等相关的研究方法,归纳并掌握其变化的规律。肌理带来的设计变化,不仅是一种创意与表达,更是一种更深层的精神意蕴,而对肌理的外在与内部特征的掌握,则能为服饰的创意设计提供参考和指引。 作者:车顺花 单位:潍坊市经济学校 服装设计论文篇3 1高等艺术院校服装设计专业教学现状分析 1.1教学课程缺乏理论实践与创新目前我国各高等艺术院校关于服装设计专业的课程设置偏重于理论教育,对于服装专业实践方面教学较为薄弱。高校老师在教学过程中往往按照固定有的教学模式进行教学,其教学内容与当下的市场需求不相符合。在传统的“灌输式教育”中学生都按照老师所教授的固定版型“依葫芦画瓢”,一旦脱离了固定的数据和款式,就无法进行创新性的实践。高等艺术院校服装专业的硬件设施也是一大问题,理论的学习是为了更好地实践,解决在实践中遇到的问题,现各高校的硬件设施满足不了学生展现自身的需求,最终导致学生的在止步于中期的实践探索。在传统的教学过程中,学生总是被动接受的角色,老师要结合当下的流行趋势和学生现阶段感兴趣的内容去激发学生的能动性,让学生在实践中去应用所学的理论,在实践中巩固所学的理论知识。 1.2教学内容缺乏设计专业实用性设计专业最终目的就是最大限度地挖掘学生的设计潜能,将学生的设计潜能转化为产品,更好地解决目前产品的问题,优化产品的性能,促进产品更新迭代。现阶段教师在设计课程教学中更多的是培养学生的创新意识,但学生对于创新点的产品化和市场化的转换还不够到位,致使很多优秀的作品无法为大众服务。同时,学生在课程中的设计以系列服装为主,学习过程中设计方法和思路逐渐固化,其设计方法和公司所需的成衣设计不太匹配,无法满足大批量生产的经济原则。在教学模式中,如何让教学内容既能激发学生的创新点,又能将设计方法应用于具有实用性,是教学任务设置所考虑的问题。 1.3教学实践脱离服装产业需求近年来随着电商的发展,服装行业进入更加激烈的竞争阶段,服装产业对于服装行业的人才要求也更加趋于综合型,但长期以来,我国服装设计专业过于重于校内的理论实践,缺乏对服装产业和客户需求的深度探索,忽视了与服装产业和市场的需求相结合,形成一个“闭门造车”的局面,导致大部分毕业生无法与服装市场有效衔接。在校学生接触的服装产业的实践项目较少,对于服装产业链中的设计、生产、销售等一系列运作模式不熟悉,导致学生在毕业后进入设计岗位后设计的服装与服装产业链脱节,在前期需要大量的精力去重新学习服装产业的运用模式。为了让学生在实践中能够更好地与服装产业相衔接,高校企业联动构建市场实战基地,构建良好的实践环境,同时在教学课程中充分调动学生学习的积极性。 2乡村振兴亟待解决的服装专业人才需求问题 2.1传承与创新乡村文化,提升产品的附加价值乡村文化是乡村物质财富和精神财富的总和,体现着当地的价值观和内涵,是乡镇的灵魂。乡村文化在长时间的发展中不断沉淀,形成一道道独特的风景线。在高速发展的时代下,乡村文化由于资讯不发达、居民不重视等原因导致大量的民间工艺、民俗文化没落。乡村并不缺少优秀的乡村文化,缺少的是愿意脚踏实地去传承和创新的人才,大学生作为时代的主力军,理应担任起这个任务。在非物质文化遗产难以适应现代需求的情况下,服装设计作为艺术应用类专业应该最大限度地发挥其作用,将新时代的新鲜血液与非物质文化相融合,传承和创新乡村文化,展现中国乡村文化的独特魅力。鼓励在外求学的高校毕业生积极返乡,投身乡村文化振兴事业,壮大乡村文化振兴所需的人才队伍[1]。全体人员共同努力培养和提升新生代传承人的传承创新能力将优质艺术设计资源引入传统工艺聚集区和欠发达地区。在工作站基础上,推动设立了一系列非遗扶贫工坊,带动乡村群众创新创业,共同致富。 2.2创新文旅产品,建设乡村新风尚乡村旅游是乡村振兴的重要动力,是推动乡村经济繁荣的新型产业手段,在乡村振兴战略中将发挥新引擎作用。乡村旅游能够传承乡村文化,激发乡村新活力,带动乡村经济发展,增加农民收入。乡村服饰在文化旅游产品中占据着重要地位,可称为行走的宣传牌,但乡村服饰产品落后于当代审美,品牌效应低,在众多产品中难以出圈获得消费者的喜爱。推进乡村服饰文化的创新,要以乡村优秀文化为导向,市场需求为标准,开发创新文旅产品。第一,开发新的产业链,通过当代科学技术将传统手工艺产品量化,满足现代社会消费的需求。第二,改变传统的来料加工模式,立足自身优势,以本地特色为蓝本,将优质的传统文化与市场结合,建立具有地域特色的本土的服装品牌,带动乡镇居民共同创业,同时还可以解决乡村就业问题,吸纳更多的年轻人返乡创业。第三,发挥高等艺术院校的主导作用与优势,将乡村文旅产品作为设计项目融入教学项目,结合现代流行趋势和审美,提升本土服装产品的创新力,开发新的文旅产品,增强本土产品的发展活力。 2.3挖掘民俗文化内在价值,助力乡村产业振新民俗文化作为地方社会意识形态,具有独特的地域性,是一种历史悠久的文化遗产。民俗文化无论是存在物质形态的文化还是思想文化,无论是服饰、建筑,还是传统节日和饮食习惯都为后辈留下巨大的财富[2-3]。民俗服饰作为民俗文化最具代表性之一,但由于民俗文化转化机制不合理和产业化的开发不足,民间特色服饰逐渐衰弱,传统手工艺逐渐失传,同时乡镇对于服饰产品的创新性不够重视,服装样式依旧停留在以前过时的款式,服饰产品的开发长期处于一个瓶颈期。在乡村振兴的背景下应努力发挥民俗文化的魅力,在产品开发团队中融入新鲜的血液,带动地方特色服饰的转型,提高当地的经济发展。第一,深入挖掘民俗文化的内在价值,将具有地域性的民间服装与乡村产品相结合,有效提升产品竞争力,形成具有不可替代性的服装产业带,促进经济和文化的同步发展。第二,尽可能平衡民俗文化和现代审美的关系,提高传统服装元素以及传统手工艺在现代服装产品的转化,带动乡村产品的升级与转型。将具有特色的民俗文化元素融入民俗特色产品的开发与设计中,能够避免民俗特色产品趋同化,激发消费者的消费欲望,塑造良好的景区形象,增加民俗特色产品的附加值[4]。 3乡村振兴背景下高等艺术院校服装设计专业实践课程的路径 3.1强化理论教学与乡村振兴实践需求的统一性在乡村振兴的背景下,服装设计培养目标需要与乡村实践紧密结合,以市场需求和应用实践为导向,构建高质量的“产学研用”的高质量平台。服装设计作为创造应用型专业,在教学过程中需要大量的实践来巩固专业知识,将乡村振兴项目与实践教学相结合,强化学生的实践能力,培养发现问题解决问题的能力。院校定期开展研讨会,分析学生学习近况,根据学生的学习情况状况制定教学计划,加强学科间的关联性,同时将理论课程和实践课程的有效衔接,引导学生在项目实践的过程中紧贴市场需求,将最终的作品转化为具有市场价值和销售路径的商品,完善转化中的程序问题。院校、乡镇协同建立服装工作室,为学生提供良好的实践交流空间,同时邀请乡镇特色手工艺人定期开展讲座和手工课程,加强院校老师和手工艺人的交流,给予学生艺术审美与技术上的帮助,引导学生了解乡镇特色文化,充分调动学生的实践能力。完善学生考核机制,加强实践课程的考核的百分比,注重学生在实践过程中的成长。将高校毕业设计项目与乡村振兴相结合,利用高校的人才资源优势,结合地方文化资源,实现产教融合与高校科技成果的转化,在提高学生实践能力的同时也将前沿的设计理念和流行趋势融入到乡村产品中。此外,高校毕业展给乡村文化和产品的宣传搭建了一个更广阔的舞台,让更多民众看到具有特色的地域文化,增强了大众的荣誉感,同时也让更多的公司看到优秀的作品,进而提供更多的经济支持。 3.2建立多项目层次化教学模式多项目层次化教学即在服装设计实践教学中根据不同学生的知识储备情况和学习特征,建立递进式、多层次、系统性的差异的教学模式,在实践中教师要引导学生在实践中根据个人兴趣自主探索,从而达到在“学中做,做中学”的效果。在项目小组中因人而异进行个性化的指导,突破传统的教学模式,能够及时点对点解决学生在实践项目中遇到的问题,降低学生的试错成本。在项目教学的后期根据乡镇特点建设不同层次的服装设计项目目标,学生根据自己的兴趣和能力进入不同的项目组,充分发挥学生的主观能动性,最大限度激发学生的创造性,提高学生分析和解决问题的能力。在项目实践中要求学生从乡村振兴视角出发,深入乡镇进行实地考察,打破书本局限,站在市场和消费者的角度去思考问题,培养学生的为人民服务的设计思维,解决实际问题,宣传乡镇文化,让产品带动乡镇经济发展。在完成乡镇企业设计项目后老师对项目的完成情况进行总结评价,引导学生总结和反思,加深对服装实践项目的理解,同时老师可根据学生的反馈对课程进行优化,教学相长,提高教学能力与水平。 3.3构建开放型的专业实践教学体系服装设计专业是一门综合性较强的学科,它覆盖了服装设计、服装制作、服装品牌策划等多个领域内容,构建开放型的实践教学体系,充分发挥各方面综合效益,提高教学质量。服装教育应该突破传统的以课堂为中心的教学模式,把实践教学贯穿于人才培养的全过程[5]。第一,建设全方位、宽领域的教师培养机制,从源头提高教师教学能力,以满足开放型教育体系的要求。第二,在教学中构建开放的教育空间,根据乡镇特色建设个性化的实训基地,建设完备的教室管理制度,优化教育资源配置,在课后尽可能为学生提供更多的学习时间和空间。各高校联合举行以发展乡镇特色文化为主的服装设计大赛,加强学校之间的交流与学习,与企业合作将得奖作品进行生产售卖,宣传乡镇特色文化,还可以将优秀的作品批量生产进行售卖,促进当地的经济发展。第三,以乡村为主体,利用数字平台建设线上学习平台,挖掘乡镇民俗文化内涵,引导学生在课堂外利用互联网学习,培养学生的知识应用、技术应用和创新能力,充分发挥学生的主观能动性,鼓励学生产出优秀的文化产品,从而带动地方经济发展。将“工匠精神”“设计责任与担当”等思政内容融入教学内容中,从而将社会主义核心价值观与民族优秀传统文化结合,融入设计教学当中,使学生的培养紧密跟随国家战略的需要[6]。同时政府应建立起具有保障的后勤机制,做好项目的引路人和凝聚人,为项目保驾护航。 4结语 在乡村振兴的推进下,服装设计在经济发展和文化传承中肩负着重要责任。服装设计专业课程的核心在于实践,围绕乡村振兴的时代主题,高等艺术院校对服装设计专业实践课程进行探索,优化课程设置,提高学生的综合实践水平,传承和创新乡镇民俗文化,提升乡镇知名度和经济收入。通过分析现阶段服装设计专业的现状,以乡镇主体,制定项目化教学和开放式型的实践体系,将乡村振兴和高校实践教学有效衔接,促进高校的人才转化,推动乡村的经济文化的振兴。 作者:马唯 余林 单位:吉林艺术学院
美术理论论文:西方现代美术教育理论分析论文 一、工具论 工具论的主要观点在于强调美术教育的教育性价值,即把美术当作教育工具,认为通过美术教育可以促进儿童的生长和发展。工具论重视创作过程,忽视创作结果,在教学方法上主张顺应儿童的自然发展,并以分析儿童的成长特征为评量的范围。工具论的这种观点与杜威的进步主义教育理论及19世纪末20世纪初的进步教育运动有着直接的联系,了解杜威的思想将有助于我们更全面地把握工具论。 (一)工具论的教育思想基础:杜威的教育理论是工具主义美术教育观的主要思想基础。杜威(JohnDewey,1859—1952)是美国实用主义哲学家、教育学家和心理学家,他把自己的哲学称作“工具主义”或“实验主义”。在杜威看来,无论是正式教育还是非正式教育,实际上都在进行经验的改造,而改造经验必须与生活紧密结合,且能促进个人生长,因此杜威认为“教育即生活、生长和经验改造。”只有真实的生活才是身心成长和经验改造的正当途径,因而要把学校变成一种有控制的特殊社会情境,把课堂变为儿童活动的乐园,教师的职责不再是传授知识,而是引导和指导儿童参加诸如手工作业、现场参观、表演节目、盖房子、测画图等活动,让儿童在活动中由观察、接触、操作、实习而直接接触各种事实,获得有用经验,即“从做中学”。杜威摒弃了分科教材,反对传授各科知识,认为学校科目相互关系的真正中心不是科学,也不是文学,……而是儿童本身的社会活动。在杜威的教育观中,儿童得到极大的重视和强调,教育的一切措施都围绕他们组织起来。杜威曾经指出,“儿童是起点、是中心、而且是目的。儿童的发展和儿童的成长,就是理想教育之所在。对于儿童的生长来说,一切科目知识都只处于从属地位,它们是工具,它们所以服务于生长的各种要素,不是知识和传闻的知识,而是儿童的自我实现。”从这句话中,我们可以明显地看出工具主义美术教育观的思想基调。工具论者把美术教育当作儿童自然发展的工具,美术教育的根本目的是促使儿童自然发展;美术教学要根据儿童的兴趣和本性,教师不应有过多的参与或指导,在美术课堂上,儿童可以随心所欲地进行美术活动;在教学计划中,美术可以与别的科目相结合,很多情况下成了服务于其他科目的附庸。工具论的主要代表人物是赫伯特·里德(HerbertRead)和维克多·罗恩菲德(ViktorLowenfeld)。 (二)里德的美术教育观:英国著名艺术教育家、艺术理论家和评论家赫伯特·里德提倡通过美术教育促进儿童人格成长,他认为儿童具有许多与生俱来的潜能,并有不同表现类型(依思考、感情、感觉、直觉,将儿童分为八种表现类型),美术教学应该按不同类型分别予以指导。 里德对艺术在教育中的地位看得很高,把艺术看成是适应社会的人的个性的自我定位最有效的手段。他认为人类的不幸主要溯源于个人自发创造力受到压制,人格自然的生长受到阻挠。教育唯有运用艺术,才能摆脱这种状况,达到自我实现。这就是说,艺术教育的目标是促使儿童自发创造力与人格自然地成长。 里德认为人类的艺术表现形式与人类的心理类型是高度相关的。依据容格的观点,他把人类心理分为思考型、感情型、感觉型、直觉型,而每个类型有内向、外向之分。这样,人类心理共有八种基本类型。里德认为,这八种基本心理类型各自具有独特的美的表现形式。以现代艺术为例:思考型——写实派;感情型——超写实派;感觉型——表现派;直觉型——构成派。心理型中有内向与外向之分,相当于艺术型中的主观与客观之分。具体到儿童艺术,里德便有了这样的看法:儿童生来具有艺术潜能,并具有不同表现类型。它们是:有组织的、拟情的、节奏的模式、构造的形式、列举的、表现派的、装饰的和想象的,共八种。这八种儿童艺术表现类型受到儿童特定的人格类型影响,相当于儿童不同的心理倾向:外向思考型——列举的,内向思考型——有组织的;外向感情型——装饰的,内向感情型——想象的;外向感觉型——拟情的,内向感觉型——表现派的(触觉的);外向直觉型——拟情的,内向直觉型——构成的形式。由于艺术类型与心理倾向之间这种依存关系的存在,教师在教学中就应该具有型的态度(typeattitudes)而立于承认各种类型的地位,依照儿童天赋的气质予以鼓励和指导。 儿童美术不仅受儿童特定人格类型的影响,也受“由潜意识而来”的一系列原生印象或原型的影响。根据里德的观点,儿童美术是人类进化过程中作为残迹遗留在人类意识中的一种原形功能。原型最常显现的是魔环主题(MandalaTheme),包括一切同心圆、有一个中心的圆型或方型以及所有辐射状或球状的排列,如花、十字、轮状、曼陀罗等。这些符号自然反复地出现在各种文化背景的儿童画中,从而为人类的共同人性提供了佐证。 仿效进步主义的观点,里德提出美术教育的课程和教学法建议。他指出,“课程不应视为各科的总汇。在中学阶段一如在小学阶段一样,应该是创造性活动的场所,而教学只是为了达到这些活动的目的在不可免时或有助力时才实施。如果在幼儿阶段,这些活动可称为游戏活动,在小学阶段称为设计(Project),然后在中学阶段合而为建设性课业。”〔1〕艺术应成为学校日常生活的一部分,课程应采用统整模式。学校是实习工场,符合美学标准。而教师,则应该是将个体引入环境的中介,他应该了解“涵容”学生。里德的这些看法,与进步主义教育理论是一致的。 (三)罗恩菲德的美术教育观:维克多·罗恩菲德是美国当代著名的美术教育家、心理学家,宾州大学艺术教育系教授。他综合美术教育理论和实践,形成一套颇有影响的美术教育观,成为进步主义美术教育的运动的优秀和领导人物。罗恩菲德认为,在艺术教育中,艺术只是一种达到目标的方法,而不是一个目标。艺术教育的目标是造就富于创造力的身心健康的人。而创造性是每个儿童都具有的潜能,为使这种潜能得以实现,教师或家长应该为孩子排除干扰,避免让儿童使用着色画本,也不要从成人角度评价儿童作品,这样,每个儿童都会无拘无束地运用创作欲望,运用自己的感官去感受和体验生活,这就是发挥创造力的最佳途径。 罗恩菲德把儿童美术的发展分为六个阶段:涂鸦阶段(2—4岁)是儿童自我表现的第一阶段;样式化前阶段(4—7岁),儿童作首次的表现尝试;样式化阶段(7—9岁),有形体概念的形式;党群年龄(9—11)是理智萌芽的阶段;推理阶段(11—13)是拟写实的阶段;青春危机期(13—)是儿童美术发展的决定性时期。罗恩菲德认为,这些阶段是来自遗传的知觉程序自然展开的结果。一个个阶段的发展,就象一个个遗传程式的展开一样。虽然各个儿童有不同的发展特征和速度,但整体的形式和步骤却是相似的。儿童需经过一个阶段才能进入下一阶段。既然这些阶段是自然发展的,因而教师对儿童美术的学习就不该予以干涉。不要试图教儿童怎样绘画,而应该只是提供材料和刺激,让儿童自我表现,以自己的速度、自己的方式发展他们的美术能力。 罗恩菲德把儿童的创作看作是他们感情、智慧、生理、知觉、社会性、美感及创造性的反映。从儿童的作品中,可以窥见他们在这些方面的成长情况。如,当儿童喜爱某人(物)时,就会在作品中作特别的强调和夸张;当他们的社会性和群体性发展到一定阶段,作品中就会有表现群体的活动出现。儿童的发展是生理的、感情的、社会的等多个领域的整体发展,而创作过程对儿童整体发展最为重要,因而,罗恩菲德强调创作过程,忽视创作结果,明确指出“对儿童影响最大的是制作过程而非完成品。” 在说明儿童美术的特征时,罗恩菲德特别提出了知觉的视觉模式和触觉模式这组概念。罗恩菲德认为,知觉有两种反应模式——视觉型和触觉型。视觉型是一种客观类型。视觉型的个人喜爱环境,是世界的旁观者。他们在画面中咨询自然,其绘画倾向于具象的写实。而触觉型是一种主观类型。触觉型的个人是世界的参与者而非旁观者。他们专注于主观经验的阐释,其绘画倾向于高度主观的表现。当儿童成长时,大部分人(约70%)以两种方式中的一种去面对世界(约47%的人倾向于视觉型,23%的人倾向于触觉型)。〔2〕 罗恩菲德认为知觉特征的不同是由遗传而来的,因此,不要指望视觉型的儿童画出触觉型特征的画,触觉型的儿童画出高度写实的作品。由于儿童中有两种创造类型——视觉型和触觉型存在,因而对美术教师的教学指导提出了要求。“我们必须在我们的刺激中更加注意这两种经验。假如我们用主观经验、感情性质或者身体的经验来刺激他,我们将会挫折一位‘视觉型’的人。同样地,假如我们只用视觉经验来刺激主观的人,我们也会妨碍他。既然传统的艺术教育主要只是基于视觉刺激,儿童的一大部分不但受到忽略,而且还会受到挫折。许多艺术教育者在中等学校里使用视觉刺激,却未曾认识到:现代的表现艺术也是今日生活中非视觉性的一种刺激。”〔3〕所以,写实的表现方式不应该作为唯一的批评标准。教师应把经验世界的态度与视觉型视觉接触的方式一视同仁。艺术刺激应同时包括触觉感应和视觉经验,这样才能做到真正的面向全体学生。 里德和罗恩菲德都是工具主义美术教育观的代表人物,他们都主张“EducationthroughArt”。里德的贡献在于美术教育的价值与哲学的建树,而罗恩菲德则在美术发展心理及教材教法的研究方面有独到之处,两者相辅相成,联珠合璧。从他们关于艺术教育的阐述中,我们可以很明显地看到杜威及进步教育运动的影响,甚而,还有卢梭的影子。(事实上,杜威的教育理论与卢梭的理论关系密切,虽然杜威本人不予承认。)工具论使美术教育课堂发生了重大变化,儿童成为美术课的中心。 杜威重视感性经验,关注儿童兴趣,使教育领域开始了以儿童为中心的新时代。然而,“事实告诉我们,杜威牌的教育学,大概不可能在学校里广泛地被使用——到现在还是如此。”〔4〕杜威式的教育使得美国学校中暴露出“纪律松懈、书写无能,以及初等数学和科学知识严重不足”的缺点,引起家长及社会人士的不满。而在美术教育界,工具论的实践使得学校中的美术教育处于一种儿童自发的,无教师干预和评价的,无所谓最后作品的严重放任状态。艺术没有被视为一门学习的课程,而是被当成了儿童自我表现的工具。学校中视觉艺术的主要功能只是给学生提供了一个表现创造力,渲泻情绪的机会。严格地说,这种状态是“非教育”的。到了60年代,情况开始发生变化。变化的主要契机是前苏联第一颗人造卫星的升天。 二、本质论 1957年10月7日,前苏联人把第一颗人造卫星“普斯特尼克”送上了天,显示出苏联领先一步的科学教育水平。争霸世界的需要使得美国在60年代进行了一次大规模的课程改革运动,改革的理论基础是由布鲁纳(J.S.Bruner)倡导的以了解科目基本结构为主旨的结构主义理论,在此理论的基础上,美术教育界逐渐形成和发展了本质论。这次教改兴起了学科运动。在自然科学、数学、外语(即“新三艺”)这些结构清楚、易于教学和检测的科目得到特别青睐时,美术教育为求在学校中生存,也开始逐渐向科目转化。这一转化中,巴肯(M.Barken)起到了重要作用。他认为美术有权成为科目,作为科目的美术教育包括画室学习、美术批评和美术史,这一观点影响了以后作为本质论代表人物的艾斯纳(W.D.Eisner)和格内尔(W.D.Greer)。本质论形成并逐渐发展起来。 (一)本质论的教育思想基础:布鲁纳的结构主义教育理论是本质主义美术教育观的主要思想基础。布鲁纳是美国著名心理学家,结构主义教育学派的代表人物。他曾任哈佛大学和牛津大学心理学教授,哈佛认知研究中心主任。他把20世纪50年代瑞士心理学家皮亚杰(J.Piajet)创立的结构主义心理学应用于中学课程改革,提出了颇有创见的教育主张。1960年,他的《教育过程》一书出版,该书阐述了教改的四个中心思想:①使学生掌握学科的基本结构;②任何学科的基本原理可以以适当的方式教给任何年龄的任何人;③重视直觉思维力的发展;④学习的最好动机是对学习材料的兴趣。该书出版后备受推崇,被西方教育界人士称为“划时代著作”,很快,美国掀起了以此书思想为指导,以课程革新为中心的教改运动。 布鲁纳的教育思想与杜威大相径庭,这主要基于他们哲学认识论方面的差异。杜威是地道的主观唯心主义,其思想优秀是“经验”,而布鲁纳恰恰相反,他强调知识领域是独立存在的,可以认识的,“经验”或“事物”所具有的规律性的东西才是人们追求知识的根由。教材应该由记录这些规律性的东西构成;结构不是在材料内部发现的,而是“外加”进去的,是人所塑造的;知识可以由各学科的专家和学者来构成一个连贯的模式,并可以此构筑儿童应得的知识。在这种认识论指导下,他指出:(1)要以能力和智力的发展为教育的目的;(2)以学科的基本结构为教育内容;(3)以动机、结构、程序、强化为教学四原则;(4)以发现法为教学方法。 在布鲁纳的思想影响下,学科运动开始兴起。当别人根据布鲁纳理论把外语、物理、化学、数学等变成结构清楚的科目时,艺术教育研究者们也开始注意美术的结构,艺术教育从重视“自我表现”和“创造性”转向帮助学生独立从事艺术学科结构的探讨,也就是教会学生如何学习艺术,从而使本质主义美术教育观有所发展。然而,这些思想当时除了在杂志上有所宣传外,并没有站稳脚跟。1982年,保罗·盖蒂信托公司出资成立盖蒂艺术教育中心。这个中心推行正规系统的美术教育,帮助学校在实践中发展充实本质论思想,逐渐地以学科为基础的美术教育(DBAE)开始形成并流行开来。 (二)本质主义美术教育观:本质论强调美术教育的本质性价值,倡导以学科为基础的美术教育。本质主义者认为,美术教学应具有学科性、顺序性,主张系统化的课程设计与指导方法,并且以学科的标准来评量儿童的学习成果。 本质论的代表人物是艾斯纳和格内尔。艾斯纳强调美术教育的主要价值在于对个人经验的独特贡献。他指出,“美术是人类文化和实践极其特殊的一面,而且美术能为人类实践作出的最可贵的贡献是直接与其特性相关系的。美术能为人类教育作的贡献恰恰是别的学科所不能作的。因而,任何一项将艺术首先作为为其他目的服务工具的教育计划会冲淡美术的意义。美术不应屈尊服务于其他目的。”〔5 nbsp;〕美术教育不是服务于其他目的的工具,它在基础教育中有其独特的作用,从而,美术在学校课程中的地位得到了重视和提高。 与工具论者相反,艾斯纳提出美术能力不是自然发展的结果,而是学习和教育的结果。“美术学习不是随儿童成长成熟的自然结果,美术学习可以通过教育指导得到促进。”〔6〕既然如此,可教的内容有哪些呢?艾斯纳认为美术教学的领域应包括三方面:美术创作、美术批评和美术史。要使这三方面教学卓有成效,则需要有系统化的连续性课程设计,而不是那种感恩节画火鸡、圣诞节做节目装饰的以日历为中心的教学。而且,对教学要尽量评估,因为无论是有形的还是无形的评估,对师生的教与学都是大有裨益的。 W·迪文·格内尔的观点与艾斯纳相近。格内尔倡导DBAE大纲,他曾在文章《一种以学科为基础的美术教育:将美术作为一种学科研究的方法》中首次使用了“以学科为基础的美术教育(TheDiscipline—BasedArtEducation)的术语。这一流行的教育思想简称DBAE。它实际上来源于60年代出现的教育观念,但却揉进了巴肯、艾斯纳在60年代提出的美术创作、美术批评、美术史教学思想。格内尔认为,DBAE可以“培养出有教养的人,具有美术和制作方面的知识,而且能对美术品和其他物体中的美有所反应。” DBAE有三个主要特征: 1.学习领域涵括美学、美术批评、美术史和美术创作四个方面。 2.教学内容由简至繁作螺旋式递进。 3.严格的书面课程设计,实施系统化教学。 DBAE具有严谨的课程中心导向。它不仅重视形象的制作,更重视对形象的理解。它要求把创作、欣赏、理解和评价几方面统合于同一教学单元,体现在总课程中,进行系统化、连贯性的教学。 在DBAE的学习领域中,美术创作是让学生通过实践学习制作,学习技巧和组织等;美术批评是让学生通过观察、欣赏,发展他们对形象的分析、演绎及判断能力;美术史的学习使学生通过对作品作者、时间、空间背景的认识,加深对历史文化的了解;美学则是让学生通过对美的本质、美的经验、美术在人类活动中的地位等探讨,加强学生的判断能力,建立理论学习的基础。这四个方面,美术创作和美术史较容易为人理解,而美学和美术批评却较难理解,下面,我们试对美学和批评简单作一阐释。 关于美学,积极支持DBAE的艾斯纳曾这样解释:“美学方面的专门知识是把一整套久已存在、见识颇深的思想介绍给儿童和成年人,一些从未得到解答的问题。”〔7〕例如:艺术品必须是美的吗?伟大的艺术品一定寓有力量、高贵等主要思想吗?评价艺术家的作品要了解他的创作意图吗?这些问题旨在为孩子们打开一个艺术世界,让他们加入到这种千古对话中去,作一些美学上的思考,这正是形象创作无法做到的。批评如何介入呢?其实批评就是谈论艺术,利用孩子爱讲话爱争论的特点,可以使批评很顺利地引入课堂。一般可以把批评分为四个阶段: 1.简单描述阶段:看到了什么?包括物象、形状、色彩、线条等等。 2.形式分析阶段:作品如何组织?如:画面是否对称?线条间如何联系?运用了什么技法、材料?等等。 3.意义解释阶段:作者要说明什么?如:作品的意义是什么?社会经济文化、作者思想个性与该作品的关系是什么?作品中传达出什么氛围、观念、思想? 4.价值评定阶段:你的印象怎样?如:你受到感染吗?你对这件作品有什么感觉?等等。 前两个阶段的问题重心在于你看到了什么,而不是你印象如何,要防止学生过早轻易地下结论。解说阶段,教师可以运用恰当的语言解释作品,提高学生艺术修养。在前三阶段的基础,最后让学生评论作品价值。 DBAE的课程设计是统合的,即把美术创作、美术批评、美学、美术史统合在一个完整的单元教学中同时教授,由简入繁,系统展开。这样,可以帮助学生扩大艺术知识面,了解种种文化涵义,并通过视觉艺术进行思想交流。因此,DBAE要求有一系列设计严格的、反映出四方面修养的特殊教学主题。例如:以风景为主题的教学可以有:讨论大自然的景物,可否称为艺术品(美学);学习从形式与分析开始评审一幅荷兰派的风景画是狂暴或是孤凉(艺术批评);认明荷兰、法国、中国的写实派与想象派风景画的典型风格,并研究大自然如何可以理想化和抽象化(美术史);使用粉笔和海绵绘画的技巧创造空间的幻觉和自然景物(艺术创作)。〔8〕作为美术教师,应该善于从简单的美术行为,如常见的风景写生,进行意义重大的扩展。虽然DBAE四方面内容无需分而教之,但教师应清楚地意识到其中的每个方面,将它们有机地溶合在一起。 DBAE强调美术教育的本质性价值和课程结构的完整性系统性。学生不仅学习如何制作艺术品,还学习如何欣赏艺术品,了解有关的时代背景知识——作品所产生的社会环境。由于盖蒂艺术教育中心的研究、实验和大力推广,这一理论已产生了广泛的影响。人们期望,它能够有效地提高学生的艺术修养,使他们了解文化与艺术、内容与形式之间的关系,学会客观评价艺术品,具有更丰富的艺术知能。 由于DBAE以严格的课程中心为导向,有严谨的课程设计,明文规定学生在创作、批评、美术史及美学四个领域内进行螺旋递进式的学习。因此,有人提出疑问,艺术教育接近于行为科学或物理科学的教育吗?象DBAE这样的教育是否会过于貌似其他学科而丧失艺术课的独特性?是否会过于严格而导致僵化和枯燥?以结构课程论为教育思想基础的DBAE重视学生审美能力的培养,但忽略了对自发性表现的启发,对美感经验及创造性发展的强调亦显不足。在艺术教育中,注重结构性的同时必须加强灵活性。 工具论和本质论各自在不同的教育背景下产生和发展,它们有着不同的价值观,不同的目标、内容和方法。工具论以实用主义教育理论为发展土壤,提倡以儿童为中心的美术教育。它重视儿童兴趣,强调儿童自发性和创造性培养,但忽视系统的美术知识和技能传授。因此,这种美术教育不可能培养儿童具有丰厚的美术知识和技能。而有限的美术知能又限制了儿童高层次美术创造力发展,因为高水平的创造必须以丰富的知能为基石。本质论以结构主义教育理论为渊源,要求以教师和教材为中心。它重视艺术的创作、欣赏、理解和评价等审美力的全面培养,但对自发性表现的启发显得不足。此外,严格的课程设计和教学亦容易走向形式化和乏味枯燥。 比较一下这两种理论,可以发现,它们瑕瑜互见,各有扬抑。所以,单独套用任何一种于我们的美术教育,显然有失妥当。我们可以根据我国素质教育的要求和美术教育的现状,对它们予以合理吸收和改造,洋为中用,促进我国美术教育发展。 美术理论论文:美术课程新标准管理论文 传统的美术教育注重写实性的绘画造型能力,专业美术人员的造型能力为目标进行的课程设计,对观察和表现都设定了较高的要求。学生不仅要掌握比例、透视、体积、明暗、构图、质感、色彩等造型艺术的基本知识,还要做到能准确真实地描绘观察对象。这种教学方法用在儿童美术教育上,则往往达不到预期的效果。其中造型技能技巧的难度,是理解力还不强的儿童,特别是低龄儿童难以达到的。它容易把儿童已有的艺术直觉,潜意识的艺术创作活动压制下去,使儿童的艺术思维局限在某一特定的模式中。我们经常可以看,传统美术教育培养的学生,其创作出来的作品大多以简笔画、卡通形象居多,就是明证。以素质教育为宗旨的教育思想,把儿童美术教育看作是针对全体儿童的基础教育。不是培养专业美术人员,而是以提高想象力和创造力为目标。《美术课程新标准》教学较好地体现了素质教育这一宗旨。其原则是借助客观形象,强调主观感受。《美术课程新标准》摆脱了单纯传授造型技能的教学模式和强调写实性的写生教学,它在教学中提倡发挥儿童的艺术直觉,在写生作业中要求学生不仅仅要观察事物的外在形象而且能联想到与观察对象相关的其它事物及自己与观察对象之间的某种联系并把它表现在画面上。它鼓励学生在观察与表现中不拘泥于客观事物本身,学生可不受客观限制将观察视点扩展,进行超现实的表现,学生在创作式的写生作中学习基本的造型技能。这种教学方法,充分发挥了学生的主观能动性,引发了学生的艺术冲动,培养的是学生的审美素质、创造性思维能力和最基本的造型能力。从传统教法到素质教育,从传统教材到新的课程标准,在十来年的儿童美术教育教学工作中,我对儿童美术教育教学改革和实践《美术课程新标准》多少有些体会。我觉得,贯彻实践好课程新标准,重点应放在培养学生观察生活、提炼生活的能力上,让学生逐渐尝试学习作品的创作,从而达到教学目的。一、引导学生学会观察生活是创作的唯一源泉。从人的心理发展中的认识过程来看,创作的过程就是对生活的理解和感受的过程,没有感知生活的基础就不可能产生丰富的想象,创作便成了“无源之水”。儿童画的创作过程无疑也是这样。儿童的生活、活动是有限的,凭空想象、闭门造车是创作不出优秀作品的。我们应该给孩子更多的自由活动和想象空间,去发挥自己的特长,表现自己的个性。观察是人类认识世界的重要途径。针对儿童的年龄特点,在教学中,我主要是引导孩子用自己的眼睛去观察世界,观察大自然中的一切事物,而不是把我们成人眼中观察到的东西,强加到他们身上,要求他们表现出我们成人眼中的世界。比如在《给自己画像》一课的教学中,我没有讲解面部各部分的比例关系,只是让孩子们在镜子中观察自己,注意找出自己最大的特点,可以通过与其他的同学或教师比较,把观察到的自己最有特点的地方画出来。结果每张画都各不一样。有的画大眼睛,有的画大鼻子;还有一名学生展开联想画出自己眼睛中映射出的外部世界,生动地表现了自己最大的特点——大眼睛。每张作品都有自己的个性。在这里我重在教给学生观察分析事物的方法,以逐步提高他们的观察能力。只有通过观察——分析——认知,才能有根据把观察到的事物进行加工,改造产生新的形象,才能可能展开丰富的联想,展开想象的翅膀,创造出更新、更美、更奇的图画。二、鼓励学生大胆尝试桑代克认为:学习是一种渐进的、盲目的、尝试与错误的过程,随着错误反应的逐步减少,正确反应的逐渐增强,终于形成固定的,稳定的“刺激——反应”的联结,这就是著名的“试误说”。尽管这种理论有它的局限性,但我认为在美术活动与教学中,让学生大胆进行尝试起着极其重要的作用。著名的美术教育家徐悲鸿先生曾经说:“我很喜欢荷花,但我不敢画荷花,要画,就得给我二十刀宣纸,把二十刀宣纸画完了,才可以说我会画荷花了。”这些是经验有得之言,是很精辟的。从国画大师李可染的几个印章中,如:“废画三千”,“七十二准”,“千难一易”。可以看出大师在摸索创作中的艰苦历程。儿童的尝试摸索,限于对情境领悟能力不强,难免会有一些盲目,然而在现实中却无法避免,关键是看教师如何引导。在美术教学中,教师适当提供宽松的气氛,给学生恰当的“尝试”机会,有利于学生个性化发展和学习的深入研究。例如:学习中国画时,我让他们自己去尝试一下,这种特殊的绘画工具毛笔和宣纸会有怎样的绘画效果,让他们自己观察水多而墨少时和水少墨多时等不同的画面效果,让他们自己体验如何掌握用笔轻重所产生的不同效果,让他们自己分析该用什么样的笔法去表现一幅画。孩子们尝试着不同的绘画效果,惊奇地一次又一次地试验着墨与水的交融……感受着国画这个艺术画种独特的艺术魅力,体验着水、墨、色所带来的特殊艺术效果,创造着一幅别具风格的作品。三、开发学生的创造力儿童绘画是人类从事艺术活动的一个特殊阶段,它反映儿童的天性,表现出儿童的形象思维,是儿童用来表达思想感情的特殊视觉语言。由于儿童单纯、幼稚、天真无邪,他们拿起笔来毫无顾忌,由着自己的性情来,俨然一位艺术大师,充满创造性,不受任何限制,也不受真实的约束,往往形成稚拙、梦幻,甚至荒诞的特色。正因为如此,毕加索感叹道:“我花费了终生的时间去学习像孩子那样画画”。如果教师不解放自己的思想,不采用生动、灵活的教学方法去诱发儿童的创作灵感,而给他们套上一些条条框框,要求他们用工具把线条画得直直的,把太阳画得圆圆的,让他们用橡皮反复擦、反复改等等,孩子们的画难免死板、毫无生气。这样的教学,不但不能提高儿童的绘画技能,反而会使儿童的思维僵化,捆住手脚,创造力被扼杀。可以毫不夸张地说,儿童的绘画行为往往蕴蓄着一个人的未来发展,为了造就充分艺术创造力的画家,更为了培养一代充满创造力的现代人才,我们应高度强调尊重、保护、鼓励儿童的自由活动和想象空间,从而去发挥自己的特长,表现自己的个性,创造出更多更好的作品。这就要求我们这些美术老师,在平常的教学中让学生真正有了自己的活动,学生的个性就会明显地表现出来。例如:在《秋游》一课中,我在秋游活动前先布置学生注意去观察,秋游时所看、所做、所想的,再启发引导他们记忆、想象中的秋游景色编一个故事并画下来,作业完成后,我又让孩子拿着自己的画给同学边看边讲故事,我惊奇地发现孩子们的记忆,想象力和创造力是那样的丰富,使我深深地体会到,只有大胆放手让学生去体验生活,每个学生都能发挥出丰富的想象力和创造力。实践证明,小学美术教育,既不能以造就专业画家为目标,也不能胡乱臆造,而应“东”“西”合壁,面向全体学生,面向学生的各个方面,通过绘画这一活动形式来发掘孩子们自身的潜能,培养孩子们敢于追求美、勇于创造美的精神。这正是美术课程新标准的区别于传统教材教法的根本所在。也是当前美术教育教学改革的一个重要方面。 美术理论论文:美术课文化管理论文 美术是一门综合课。既要培养学生绘画能力,又要培养学生动手制作能力。进而使学生受到美的陶冶,具有一定的审美能力。把美术与活动相结合能够充分培养学生的兴趣,发挥学生的想象力和创造力。下面我以浙教版美术第五册《小饰物》为例进行教学。我分两课时教学这课。一、制作小饰物1、介绍小饰物的作用,激发学生对美的追求。①展示小饰物图片。在学生观看过程中告诉学生小饰物的品种繁多,有胸花、领结、发夹、耳环等等。制作的材料更是五花八门。使学生对小饰物有了一个大致的了解。也使学生在材料选择上有了更多的考虑。②展示装饰有小饰物的人物图片。让学生评论他们这样装饰好在哪里?学生各抒己见:有的说使人物显得更美丽、更有精神了。有的说令人觉得别出心裁,眼前一亮。也有的说这样装饰得恰到好处。师小结饰物的作用:饰物在日常生活中可以起到点睛的作用,但要装饰得恰到好处。那你想不想自己来做小饰物呢?你能装饰得恰到好处吗?2、动手制作在制作前告诉学生这次制作是要比赛的。一听到比赛学生做得更认真了。他们利用自己准备的材料发挥想象进行制作。下课后初评出优秀作品。有的学生材料准备不齐或没做好允许课后完成。3、提出下节课比赛的要求入围的选手能否留意电视中模特时装表演的步态。展示时把自己制作的饰物放在身上适当的位置。尽量做到大方、得体。此外我还告诉学生如果有更好的小饰物作出来了拿来给我看一下。好的作品还有机会参加比赛。每个学生可以制作多件饰物选择最好的进行比赛。这样一来给没有入围的同学创造了一次机会。对已经入围的同学也是精益求精的考验。二、展示比赛第二课时是比赛活动。我把学生带到操场上围了一个圈。并选出几个具有一定鉴赏能力的学生做评委。请班长主持活动。随着比赛开始录音机里传出优美的音乐。选手们踏着音乐节奏依次出场。几个评委根据参赛人员的仪表、饰物的质量以及是否装饰得恰到好处三个方面进行评比。学生的饰品真令我眼前一亮。几根鹅毛与一朵红色纸花扎在一起,再串上几颗珠子加上别针就是一枚别致的胸花。用白色纸板和鹅毛做成一对翅膀扎在衣服上成了一位小天使。还有用纸板和金纸做成的黄冠。用细绳编成的手链。用树叶串成的项链、耳环等等。我也为孩子们的想象力和创造力兴奋着。他们的世界是多么的丰富。一次比赛中所展现的是一朵朵充满活力、充满创造力的火花。从主持到评委到模特以至观众。每个学生都扮演了一个角色。我认为这不但是一节成功的美术课,更是一节成功的活动课。在活动中充分地展示了美术的魅力。 美术理论论文:美术电影艺术管理论文 [摘要]电影是一种诉诸听觉、视觉、感觉的综合性艺术,人们对一部电影的欣赏已经渐渐从单纯的故事情节扩展对音响、音乐、色彩、画面、造型、光影的细节层面上来了。不管是西方好莱坞的大片,还是我国本土的大制作电影,制作者们都越来越喜欢选择从这些细节层面大做文章,来增强电影的艺术性和欣赏性。美术在电影色彩、光影、造型等方面所起的重要作用日益凸显,本文主要对美术与电影之间内在的艺术联系进行阐述。 [关键词]美术电影艺术联系 一、美术与电影的艺术渊源 相对于历史悠久的美术传统,电影是一门年轻的艺术,绘画一直被认为电影艺术的母体艺术,是不同时代和流派的美术作品为电影的视觉造型提供了足资借鉴的养分。彼得·格林纳威曾说:“我从来都深信,几个世纪以,无数在电影家之前的画家们对绝大部分问题已经提出并解决了,大批载着问题与答案的绘画作品构成了我们集体的记忆,是一笔取之不尽,用之不竭的财富·····一切关心画面,渴望制作画面的人都应回过头来挖掘这座不断更新的巨大宝库。”一部电影的视觉风格由构图、色彩、光影、运动等元素构成。优秀的电影导演在影片视觉结构的处理上独具匠心,创造出极富艺术表现力的影像画面,并体现出独特的视觉风格。 早在1829年,比利时著名物理学家约瑟夫普拉多发现:当一个物体在人的眼前消失后,该物体的形象还会在人的视网膜上滞留一段时间,这一发现,被称之为“视象暂留原理”。普拉多根据此原理于1832年发明了“诡盘”。“诡盘”能使被描画在锯齿形的硬纸盘上的画片因运动而活动起来,而且能使视觉上产生的活动画面分解为各种不同的形象。“诡盘”的出现,标志着电影的发明进入到了科学实验阶段。1834年,美国人霍尔纳的“活动视盘”试验成功;1853年,奥地利的冯乌却梯奥斯将军在上述的发明基础上,运用幻灯,放映了原始的动画片。摄影技术的改进,是电影得以诞生的重要前提,也可以认为摄影技术的发展为电影的发明提供了必备条件。早在1826年,法国的W尼埃普斯成功地拍摄了世界上第一张照片“窗外的景”,曝光时间8小时。而在初期的银板照相出现以后,一张照片缩短至30分钟左右,由于感光材料的不断更新使用,摄影的时间也在不断缩短。1840年拍摄一张照片仅需20分钟,1851年,湿性珂珞酊底版制成后,摄影速度就缩短到了1秒,这时候“运动照片”的拍摄已经在克劳黛特、杜波斯克等人的实验拍摄中获得成功。1872年至1878年,美国旧金山的摄影师爱德华慕布里奇用24架照相机拍摄飞腾的奔马的分解动作组照,经过长达六年多的无数次拍摄实验终于成功,接着他又在幻灯上放映成功。即在银幕上看到了骏马的奔跑,受此启发,1882年,法国生理学家马莱改进了连续摄影方法,试制成功了“摄影枪”,并在另一位发明家强森制造的“转动摄影器”的基础上,又创造了“活动底片连续摄影机”,1888年,他把利用软盘胶片拍下的活动照片献给了法国科学院。可以说电影的产生是绘画艺术发展到一定程度,与光学技术、摄影艺术共同结合而生发的产物。 因此,电影在视觉造型、色彩、光影上吸收、融合绘画艺术的观念和表现手法,在中外电影史上是屡见不鲜的。同时,伴随着科学技术的发展和电影艺术观念的变化,电影表现语言也日益丰富。世界上一些有着美术经历的电影大师更是恰到好处地将自己的美术修养和技巧体现在自己的创作里。例如日本电影大师黑泽明早年学画,深受日本传统美术影响。他的影片的视觉风格洗练,纯净而古朴。黑泽明为了达到理想的视觉效果,他的许多影片都是先画好镜头画面。仅《乱》和《影子武士》就分别画了好几百张,充分体现了他深厚的美术素养。在实际拍片时,他甚至要求演员按照构图中指定的位置来表演,不能因偏离造成构图中的不均衡。日本著名电影评论家佐藤忠男指出:“……黑泽明的作品同日本古代美术的传统深深地连接着。”被誉为前苏联最后一位天才导演的格拉杰诺夫同时也是画家,他的影像结构奇特而均衡,色彩含蓄、明净,艳丽而和谐。由于画面中没有大的透视与景深,所有的事物都仿佛呈现在一个平面上,如同一幅幅中世纪的壁画。格拉杰诺夫把自己对绘画、宗教、本民族传统文化的理解融汇成诗化的电影语言。其影片的视觉风格独树一帜,具有超凡脱俗的品质。法国电影大师布莱松在做导演之前是画家,有着相当高的美术造诣,因而他的影片中显露出法国悠久、独特的美术传统造型韵味。 与以上几位电影大师相似,英国著名导演彼得。格林纳威早年受过完整的美术教育,对美术理论和实践有着浓厚的兴趣。他精通艺术史,17岁时就开始举办绘画展览,曾一度为自己是做画家还是做导演犹豫不决,后来却成了“电影圈里的画家”。格林纳威对西方写实主义和现代主义绘画传统有着深刻的理解力,并且一直从事绘画创作,因此他在导戏时美术传统深深地影响着他,他的许多影片中常出现艺术大师绘画的影子。 二、电影本质属性对美术手法在作品中展现的要求 在一部电影的制作过程中,它的美术属性的体现被看作使整个影片水平的重要标志,每一部电影都有专门的美术师在掌控作品光影、色彩、造型等元素。美术师在拿到剧本进入构思阶段,在把握主题意念的基础上,确定基本情调的基础上,要探讨影视作品的总体造型结构并形成造型基木框架的重要性和必要性是毋庸置疑的。必要性在于要对不同主题、不同结构影视作品的设计要采用不同光影、色彩、造型形式,要“量体裁衣”,找到恰当的、独特的造型结构和形式及落实构思的途径。 首先,电影美术属于时空艺术,是视听综合的艺术,对于电影美术来讲更突出了综合性、兼容性的特点。银幕造型形象的时间因素和运动因素、色彩因素是构成电影艺术性的重要元素。蒙太奇、长镜头、表演手段、美工手段、造型手段等,摄像、表演、光影、色彩、字幕、布景美工、道具、化装、声音等表现手段最后融汇在流动的画面与伴音中,电影造型形象成为一种在时空流动过程中展现的空间造型,具有四维空间造型的特点。这就要求电影美术师在场景设计上要树立运动观念,并且,要使立体空间环境符合剧情要求,符合摄像机镜头特性,符合镜头角度和运动变化。 其次,电影美术设计的创作方式以剧木为造型构思的基础,各种造型手段的设计均要以剧本为依据。一部电影在剧作结构、情节安排、人物关系、场景设置等方面会有许多差别,而且都会涉及和影响到电影美术设计的构思和处理方法。电影除了文学剧本之外,还有一个导演的分镜头剧本,导演对未来影片主题意念的把握和总体构思与意图明确化、具体化。 第三,电视和电影美术所创造的银幕和荧屏的造型形象和画面效果都要求达到视觉的逼真性。电影的荧屏形象的逼真性,是由电影特殊的传播方式,摄录手段造成的,所以电影美术已经不仅仅是平面的绘画,而是受着传播、制作方式制约的。随着科学技术的不断发展,现代数字传播手段,先进的摄像机械、录音设备及编辑电子化系统、激光视盘等的采用使荧屏的仿真度、清晰度越来越高。 对于同为视觉、听觉综合艺术形式的电视剧来说,电影在美术制作、表现、传播等方面存在着自己的特点,主要表现在物质材料、制作方式、传播途径及审美方式等方面,因此,必然会影响到电影美术和电视美术创作的不同。 首先,电视剧与电影在美术形式上存在制作方式上的差异。制作方式的差异首先是媒介材料,摄录工具的不同。电影的媒介材料是胶片,而电视的媒介材料和传播工具是摄像机和磁带。电影的样片是要经过洗印才能看到结果,如要重拍技术要求很复杂。但电影的银幕放映效果、清晰度要大大优于电视剧。而电视剧的制作方便快捷,在摄录现场通过监视器就可以直接看到拍摄效果。 其次,电视剧和电影的观赏条件和方式不同。电视剧是通过电视机的传播传达给观众,是一种家庭化,公开式的艺术欣赏和娱乐方式。在电视机前看电视是随意的,无任何限制的,可以走动着看、交谈、躺卧着看,也可以边喝茶边饮酒看……观众可以由着自己的性情随意看。专门看电影,随便看电视”一点不错,看电影观众去电影院是一种目的明确的艺术欣赏活动,是一种公众性的社会活动。看电影和去剧院听歌剧、看话剧、芭蕾舞,到音乐厅听音乐或到美术馆看展览等艺术活动是人的一种审美心理体验。因此电影制作者、消费者对作品造型、画面、色彩的艺术性的要求较高,甚至将作品的美术属性提高到电影灵魂的高度。 三、美术在电影艺术中的主要形式 绘画艺术的基本元素主要是线条、结构和色彩,这些反映在电影艺术中就是造型、色彩、光影等因素,这些也正是电影美术属性表现的主要形式。 (一)造型。总体造型观念是现代影视造型观念的重要特征。电影美术师的造型观念尤为重要,这是影视艺术发展的必然性。虽说电影视觉和听觉的综合性艺术,但视觉更为重要,因为电影是需要观众看的。在电影的创作中,美术师要与导演、摄影师等主创人员在创作上取得统一意见和认识上的一致性,这是一条重要的创作原则,在实际的工作中,意图的统一,往往是以导演意图为主的统一,这是为使影片形成完整而有特色作品的必由之路。美术师在分析剧本确定造型观念进行设计之初要先做一次导演探索,然后再进行设计。美术师只有从导演的角度审视全部作品,从全局出发,考虑演员的空间调度,摄影机伴随的工作空间,最后落实在有机的造型处理才是正确的创作之路。有经验的美术师都是从抓剧本的主题思想入手,集中形成自己创作的构思,为体现中心意念进行造型设计。前辈电影美术师韩尚义谈到:“许多优秀的布景设计,是作者从剧木主题思想中引出自己有关的生活积累和全部智慧,通过集中提练、劳心焦思、多方探索,最后以鲜明、生动、富有魅力的艺术形象表现在银幕上。” (二)色彩。色彩在任何艺术中都非常具有表现力,电影当然也不可能例外,色彩是表达浓烈感情最有效的无声语言。色彩的基调、变化往往是剧情、感情产生张力的有效手段,同时它对于作品的背景,制作人的审美特点、表现习惯有着深层次的反映。我国被称为“第五代”的大腕导演们对于色彩的应用是相对比较成功的。《红高粱》的色彩以红为基调,将黄褐色的土地、绿油油的高粱和大红、雪白的衣裤放在一起,造成了鲜明的原色对比,粗犷而强烈,很有视觉冲击力和中国西部农村景色美感,奏出了灿烂热烈、生机勃然的红色交响,红高粱,十八里红,颠轿中的红轿子,最后是天、地、人全部沐浴在血与太阳的色彩空间中,创造了符合影片生命主题的粗犷、浓郁、骚动不安的生存环境,贯穿于其中的红色基调体现出影片“豁豁亮亮,张张扬扬”的气质和自由奔放如烈马奔腾的情绪。电影画面色彩表现力和叙事性也经常体现在服装和道具等方面,如《花样年华》是运用服装颜色来表达女主人公丰富多彩内心世界的一个样板,《雷雨》中繁漪服装紫色的越来越深正与她心灵中越来越多的绝望相吻合,《我的父亲母亲》中青瓷碗的清丽无华则是纯朴爱情的一个象征,它很好地参与到了影片的叙事过程—特别是人物情感发展过程中去。正如巴拉兹所说,映现于电影画面上的各种色彩,不仅是再现性的,还必须是具有艺术表现性的。 (三)光影。与电影画面明暗密不可分的是它的光影效果。在著名与电影画面明暗、光影密切相关的是色彩。以彩色电影来说,各种色彩的恰当运用能给观众带来视觉上的美感和心理上的冲击,也可以具有一定的叙事功能。电影经常用黑白片部分来表示过去时内容,用彩色片部分来表示现在时内容,如斯皮尔伯格的《辛德勒名单》;为了特定的表达需要,张艺谋则用黑白片部分来表示现在时内容,用彩色片部分来表示过去时内容。不管在白天还是夜晚,不管在月下还是灯前,不管在室内还是野外,物质世界的明暗总是无处不在的。然而,“四围山色中,一鞭斜阳里”,“云破月来花弄影”,一切景语皆情语也。因此,电影画面所具有的明暗,既有它的自然属性,又有它的特殊功能。陈凯歌在《黄土地》叙事中为了让观众很好地感受到顾青与翠巧的话别具有“说者有心听者无意”的效果,就让有心的说者翠巧坐在明亮的窑洞门口,而让无意的听者顾青站在黑暗的窑洞里。对于任何艺术创作来说,除了选择的因素之外,还有安排的可能,电影画面的明暗效果,也可以被做出很好的安排来帮助影片进行叙事。王家卫《花样年华》的大部分画面都拍得很暗淡,既符合故事发生的时代氛围和生活真实,也切合那些场景和那份心情。 发展到今天的电影,早已不再像从前是其他艺术形式的附属品,它借助先进的机械技术、电子技术,已经开辟除了属于自己的甚至令美术、音乐、戏剧等艺术更加绚烂的天地,但电影总归是在上诉艺术形式发展成熟以后产物,也还是各种以上各种艺术表现手法特殊表现形式的综合,美术依然是电影构架的基本元素,因此,电影的发展还是要建立在对美术的重视、关注以及美术艺术的发展基础上。 美术理论论文:美术吉祥图案设计管理论文 [摘要]传统工艺美术中的吉祥图案,以其多样的形式、丰富的内容、深邃的含义而富有极其耐人寻味的文化意蕴。本文拟从远古先民的自然信仰,中国传统哲学思想以及富有浓郁特色的民俗等方面全面诠释传统吉祥图案所透射出的美学价值。 关键词:吉祥图案,文化,意蕴,信仰,思想,民俗 “吉”,与凶相对。《易系辞上》:“吉,无不利”。《逸周书武顺》:“礼义顺祥曰吉”。后来,吉祥专指吉兆、歌颂之意。中国传统装饰吉祥图案其实是古代先民希冀生活美满幸福,专门为营造吉祥而创造的装饰艺术造型设计。历代遗存至今的大量造型艺术,决大多数都是中国祈吉纳祥文化思想的物化形象。蕴藏在中华各民族的博大而丰富多彩的民间艺术,成为中华民族思想文化得以传承的源泉。传统装饰吉祥图案的形成不是一个偶然艺术现象,是中华民间、民族艺术和民俗文化千百年来沉淀的结果,是广大劳动人民集体的智慧与创造。 几千年来,中国工艺美术中传统吉祥图案具有如此鲜活的生命力,与它和我们民族的文化心理结构,文化渊源,情感表达方式有密不可分的关系。原始社会的巫术礼仪、自然崇拜使得最早的吉祥观念得以产生。据史书记载,早在尧舜之世的上古先民就已经崇拜天文,视山河为神灵并重视吉凶之兆。商周之时巫术盛行,预卜凶吉,趋利避害,是人们普遍的理想信念。以此信念为基础,汉代出现的道教教义与儒学经学譏讳思想相互影响,并与封建统治阶级的意志取得大融合,形成了封建社会上层的希求富贵,皇权永固,企慕长生不老,羽化登仙等祥瑞意念。在汉代的装饰图案中,就有吉祥汉字的出现。隋唐之际,在与外来纹样的融合中,创造出了诸如宝相花,唐草纹和陵阳公祥等富有吉祥意义的民族新纹样。宋元时期,吉祥纹样不断受到来自道教,佛教以及民间的影响,题材也日益丰富多彩,表现手法多样。到了明朝,随着商品经济的发展和市民阶层的活跃,封建上层意识与市民意识相互渗透、融合,传统的祥瑞思想转变为吉祥如意福寿富贵等世俗化的吉祥观念。清代装饰吉祥图案集历代之大成,达到了“图必有意,意必吉祥”的程度,把装饰吉祥图案发展到了极致,并被广泛应用于印染、织绣、服饰、工艺品、建筑彩画及民间艺术等各方面。其形式多样,名目繁多,是中华民族在持续不断达数千年的造物活动中,融合中国历代能工巧匠的智慧和创作设计才华,不断融合中国的道教、玄儒、政治伦理和民情风俗,成为最具民族文化特色的装饰艺术造型设计体系。 [next] 一、信仰的意蕴 意蕴,是艺术形态所表现的深刻的生活意义与社会意义,是思维内化的延伸。传统装饰吉祥图案的产生与古代先民对自然崇拜的原始信仰有密切的关系。 远古时期,人们对大自然认识非常有限,在困难、挫折中逐渐认为控制人类的力量是外在的世界,只有顺从它,才能获得生存的机会。为了获得平安、丰收,便产生了一种祈求的思维观念。于是,趋吉避凶成了原始人类寻求生存环境的本能。人们在创造了器皿时就装饰以具有象征祥瑞寓意的纹样,以表达敬意,寄托祈福的愿望。如果说,早在六千多年前,半坡彩陶上出现的鱼纹、鹿纹、蛙纹,还是人们最初勾画出的对大自然理解的情绪符号及对大自然膜拜意识的话,那么一千八百多年前东汉时期,瓷器出现的碟形纹样,和普遍盛行的用鱼纹装饰的器物,就是人们对大自然有意识的歌颂之辞了。 图腾信仰,即图腾崇拜,是古代大自然信仰中发展出的信仰形式。图腾(TOTEM),是印第安语的译音,意即原始时代的每个氏族部落,都以某种动物或植物以至无生物作为保护他们的象征或标志,因而这个氏族或部落视之为忌物,信仰并崇拜它,以促使氏族或部落的发展或繁荣。如最具民族特色的龙凤图案,就凝聚了中华民族对祖先的崇拜和对大自然理解的心态。 众所周知,龙是想象性动物,是蛇类爬虫图腾的综合体,集九种动物之特征,有“九似”之说,《说文》:“龙,鳞虫之长,能幽能明,能细能巨,能短能长。春分而登天,秋分而潜渊”可见龙不仅具有变幻莫测的神异色彩,还具有兴云雨、利万物的吉祥内涵。自古以来,龙就聚多种象征意义于一身:勇猛,威武,神秘,吉祥,喜庆等等。同时,龙属动物也有很多,如虬、夔、蛟、饕餮、窃曲、并逢、积首等,古代奴隶社会统治者常在皇室使用器皿上运用龙及其变体纹样,以显示统治者的威严与神秘。这个时候,龙的图案从图腾渐渐带有了政治色彩。到了封建社会中后期,龙凤吉祥图案多用于宫廷与皇室,它们大多气势恢弘,灵秀飞扬,成了区分统治集团尊卑等级的伦理标志。在民间,龙也是吉祥的象征,它播云降雨,驱邪降妖。民间的许多活动如“赛龙舟”、“闹龙灯”都是人们祈祷平安丰收。龙及其组合图案都是我国传统吉祥图案中人们喜闻乐见的内容。原始龙文化的文化意识,渗透着中国自古特有的民族生命意识与崇祖意识。龙作为兼有神话、图腾的意象,是中华民族伟大生命力美的象征。 凤纹和龙纹一样具有悠久的历史,是史前氏族图腾的一种。凤也是一种想象的深鸟,《山海经》:“丹穴之山有鸟状如鹤,五色而文,名曰凤。首文曰德,翼文曰顺,背文曰义,膺文曰仁,腹文曰信,先则天下安宁。”传说中只要凤凰一出现在世间,天下就会太平无事。自古以来,凤和龙都是吉祥图案中常见纹样。商周时期的凤纹质朴、肃穆;春秋战国时期的凤纹趋于写实;秦汉时期的凤纹气质刚健,具有强烈的生活气息;南北朝时期的凤纹,体态修长飘逸,常和云气纹组合;唐代时期,凤纹华美丰满,姿态多变,气韵生动;宋明时期凤纹则有了定势,云纹冠,眼细长,尾羽作四列飘起。明清以来,凤的图案更是丰富多彩,“凤凰牡丹”、“凤栖梧桐”、“双凤朝阳”、“龙凤呈祥”等吉祥组合图案,表达了一种向往美好幸福、太平的愿望。原始图腾文化是中国美学的文化根性,由图腾发展而来的吉祥纹样折射出了最真实、最纯朴的中华民族生命意识。 [next] 二:思想的意蕴 中华民族的思想素质,文化心理结构是由以儒、佛、道三家为主而构建,社会的运转与维护以此“三合而一”的哲学思想为轴心,我国传统吉祥图案对此也有充分的体现。儒家学派中,孔子创立以血缘宗法为基础的宗法世袭制度,它从人际关系而约定人的上下尊卑,以伦理道德维护人际关系。传统装饰吉祥图案中,“五翎”(指“五伦”)的凤凰、白鹤、白头、鸳鸯、燕子组合的图案,就象征儒家严格而有等级的君臣、父子、兄弟、夫妻、朋友等五种伦理关系;儒家强调“修身”作为治国平天下之根本的入世思想,以孔子“岁寒,知松柏之后凋也”之语为人格原型的松、竹、梅岁寒三友吉祥图案,以及梅、兰、竹、菊四君子组合吉祥图案,都被文人学士用来作为坚贞、高洁情操的礼赞和自我表达。马因一生追随主人、任劳任怨而被赋予“忠”、“义”的含义,符合儒家道德规范而被广泛运用。伦理的意蕴,具有一种控制力,一种规范力,力求保持社会和人际的次序。符合儒家“天人合一”观点的花、鸟、虫、兽的吉祥纹样,体现着人与大自然的和谐。中国传统哲学思想强调社会中的人际关系和人事,认为广大艺术,不论是文学,还是绘画,都要以“厚人伦,美教化”为职责,提倡人们在创造美好生活的同时,又要善于从生活中提高道德修养,发掘审美情趣。同时,在儒学影响下,我国许多封建思想在吉祥图案也有反映,如“学而优则仕”的“一路连科”、“路路连科”、“青云直上”等,表现科举高中,仕途顺畅;如“俸禄富贵”思想,表现禄文化,“鹿”便成了占第一位的吉祥物,有“玉堂富贵”、“雀禄封侯”、“受天百禄”等。 中国的传统哲学思想,既是现世的,又是出世的,故有“儒道互补”之说,儒、佛、道三家也常常合流。以渔、樵、耕,读为题材的吉祥图案,就表现了古代士大夫在儒、佛、道三家中徘徊。道家的生活态度,价值观念,使追求长生成为了普遍的人生目标,于是就有“寿山福海”“福寿康宁”等吉祥字样以及“五福捧寿”、“群仙祝寿”、“寿比南山”、“松鹤长春”等吉祥纹样。传说吃蝙蝠肉可以成仙,蝙蝠图案成了吉祥的象征,元代“八仙过海”“八仙捧寿”和清代的暗八仙都以忠、孝、顺、仁、信面目出现的道教神化,都成为传统中国工艺美术吉祥图案特具特色的内容。 魏晋南北朝时,佛教在我国盛行,这对吉祥图案的形成有着重要意义。佛教艺术题材之一的莲花成了此时期盛行的吉祥纹样。在莲花纹基础上加以变化而成的“宝相花”,其名称与佛坐象名称——宝相相同。“宝相花”的珠点也与佛珠相仿。“八宝”亦“八吉祥”,原是佛教庙宇中供在佛、菩萨“神桌”上的吉祥器物,到后来,“八吉祥”成为建筑、染织、陶瓷、地毯上吉祥图案极普通的题材,并不仅仅限于佛教供器所用。它们分别表示:法螺——宣传佛教妙言;法轮——轮回永生;宝伞——曲度众生;白盖——-曲度众生;莲花——清净;宝瓶——功德圆满;金鱼——活泼;盘肠——万劫不灭。从这些佛教派生出的吉祥寓意,符合我们民族向善的心理乃至追求永生的理想。 中国传统文化中的儒、道、佛都要人相信有一个理想的精神世界,要求人修身养性,追求至善至美,达到幸福的永恒。历朝历代统治者以此笼络人心,它们或独尊儒术,或三教并立,上以其风化下,渗透着文化思想的吉祥图案经久不衰,成为了人们乐于接受的艺术语言及和我们对语的精神同构。 三:民俗的意蕴 工艺美术是生活的美术,我国传统工艺,体现了大量的民俗意蕴,而其用以装饰的吉祥图案就把这种民俗的意蕴表现得淋漓尽致。民俗,即民风世俗,亦即民间的生活习俗,它具有特定的意义。因此,传统装饰吉祥图案也可以说是民俗的“人文景观”的一个形象世界。 远古时期人对生殖的崇拜及儒家以父亲血统为继嗣的人伦要求,对中华民族几千年来,传宗接代的使命感和创造生命的自豪感有着不可磨灭的影响。中国重视家庭的延续,以及子嗣承传的多子多福思想绵延了几千年,为了表达此类朴素的愿望,吉祥图案中有象征“榴开百子”的石榴图案,有又石榴,佛手、桃子组成的多子、做福、多寿“三多”图案,有金红色的鲤鱼上坐一白胖娃娃的“望子成龙”图案,还有“麒麟送子”“子孙满堂”等丰富多彩祈福的祥瑞图案。我国古代的宇宙观与西方不同,我国劳动人民重视在世,热爱生活,而不去追求天国,寄于幻想,因此,我国人民祈望有美好的现实生活,并延续这种现实,这种观念表现在吉祥图案上可谓形式多样,千姿百态。有表示幸福的“纳福迎祥”、“翘盼福音”等,有表示情爱的,如“连理枝”“同心结”等;有表长寿的,如“松鹤长春”、“蟠桃献寿”等;有表喜庆的“喜上眉梢”“马上封侯”等;有表富裕的;如“年年有余”、“五谷丰登”等;有表示平安的,如“四季平安”“竹报平安”等,总之,这些内容是一种人间的、现实的、生活的祝愿,是劳动人民对美好生活向往的最朴素的表达,直接反映我国民族性格和品德,具有一种内在的精神文化价值。 我国传统吉祥图案中体现出来的民俗意蕴,从时代性、民族性等方面都有其一定的局限,但它是特定时期,特定范围不自觉的群众意识和群体意识行为,具有巨大的内在力,形成了民族精神世界的内心凝聚力。 四:结束语 一个民族,必须有自己的民族文化,中国传统“装饰吉祥图案”从发生到发展,都受到民族崇拜、民族文化心理和民俗习惯的影响,不同的民族创造不同的文化,不同的文化也创造着不一样的民族,这也是我国悠久的多民族文化之所以多姿多彩的原因。中国传统“装饰吉祥图案”以自身的独特风貌和饱含人类生生不息的活力,为自己在世界艺坛中开辟出一个崭新的空间,它将引起当代人们弘扬与开发民族文化的新思考。 美术理论论文:美术教学智力培养管理论文 一、课题的确立 一九九八年,党中央确立科教兴国战略,提出要切实把教育摆在优先发展的战略地位,全国上下重教兴教,教育战线出现前所未有的大好局面,由应试教育转向素质教育成了教育改革的方向,也形成了共识,并取得一定成效。科研促教育,教育要科研已势在必行。为了配合省教厅的《学科教学与素质教育》的总课题的实验,大良镇教办组织了镇各科中心教研组,制定相应的科研课题,美术中心教研组根据本学科的特点,制定了《素质教育与美术教学中智力的培养》这一科研课题。围绕“发展学生的智力”这一教学重点,开展美术科实施素质教育的实验研究。 在《素质教育与美术教学中智力的培养》这总课题的基础上,再分几个子课题,如《注意力、观察力的培养》、《发挥想象力、诱发创造思维》、《记忆力、写生力的培养》、《美术教学与其他学科的联系》、《发挥学生的主体作用》等。用三年的时间分层次、不同形式地发开展美术素质教育。 二、课题的依据及指导思想 1、《美术教学大纲》明确了美术教学的目的、性质、任务,并要把美术教学的重点放在提高全体学生的美术素质、审美修养和培养能力、发展智力上。在教学中利用本学科的特点,根据不同的教学内容对学生进行思想品德教育,在学习基础知识进行简单训练的同时,进一步加强美术欣赏、艺术原理、美学知识的教学,变单一的知识技能为多元的知识结构,使美术教学真正落实素质教育。 2、美术教育的定义是将人类在视觉艺术方面创造的理论,技法及成果,按照教育规律再创造成适合不同对象的教学材料,用科学的教育方法和手段来培养公民对美的认识、判断、创造能力的教育活动。可见美术教育的目的在于培养公民的素质,也是立足于提高学生的文化层次,培养和发展学生的能力上。 3、美术教育是基础教育的一部分;也就是素质教育重要组成部分,对提高全民族文化素质有着特殊意义。把艺术教育由专门传授技法技能转为培养素质这是美术教学的革新。符合现代教育思想与规律,在基础教育中,学生应具备的基础素质主要是思想品德素质、科学文化素质、劳动技能素质、身体心理素质、审美素质等,学生的素质是一个和谐的整体。忽略和缺少哪一方面都不健全。 4、结合美术科特点,发挥其特殊优势,发展学生的智力,学生的素质如何,与其本身智力有着莫大的关系。智力,包括了观察力、记忆力、思维力、想象力和创造力等几方面,教育心理学告诉我们:艺术教育对促进学生的智力发展和创造力的提高有着十分重要的作用。许多著名的教育家对美术教育的功能有着共识,他们认为美术教育直接的目的是寻找种种机会,用种种方法训练儿童身心和各种感官,使他们的各种感官及观察力、记忆力、思维力、想象力、创造力及道德情感等本能渐渐地自由生长发育。 三、课题的实验和策略 1、遵循四大原则,开展教学实验。美术教学除了遵循教育学提出的教学原 则外,根据美术学科特点以及目的任务和教学规律,还提出四项原则: ①、审美原则,对学生进行审美教育,培养学生正确的审美观点和区别美与丑的能力,通过参与学习逐步提高审美能力,陶冶学生高尚的情操和良好的思想品德,这是发展学生智力的基本保证。 ②、直观性原则,重视教学过程中引导学生直接观察对象,认识对象,运用现代先进教学手段,帮助学生掌握知识,马蒂斯曾说过:“创造始于观看,而看本身就是一种创造性活动,需要一种努力。”培养学生正确的观察方法,深入观察的习惯,培养学生的观察力、记忆力,进而促进学生的智力发展。 ③、实践性原则,引导学生通过实践掌握美术双基,通过参与实践,大胆表达的过程中提高学生眼的观察力、脑的思维力、手的操作能力、培养学生眼、脑、手的协调运用。 ④、创造性原则,这是研究的重点,创造力的培养是素质教育的重要优秀,艺术教育贵在创造,艺术学科要培养学生的艺术创造才能,促进学生其他方面的综合性的有造才能的发展,在教学过程中,一方面注意营造一种适合培养学生创造性的环境,另一方面,充分发挥学生的想象力、创造力。爱因斯坦说:“想象力比知识更重要,知识是有限的,而想象可以襄括世界。”从形象思维入手激发丰富的联想,提倡独创精神,加强创新意识,通过教学培养学生的形象思维能力,并促进抽象思维的发展。突出创造力的培养。 2、大胆改革课程内容,适当增加乡土教材。开展第二课堂,依“纲”还需靠“本”,三年来我镇使用的是岭南版美术教材,该教材内容较为丰富,体现了美、新、活三大特点,有利培养学生审美能力,发展学生的智力,在课程内容安排时,我们作了一些调整,根据本地本校实际,适当增加乡土教材及有地方特色的教材,使学生对家乡增进了解,培养他们热爱家乡的情感,并使他们学会结合生活,联系实际,有条件的学校,还增设了陶艺、电脑美术等课程。各校还开展丰富多彩的兴趣小组,学生的艺术素质和美术技能往往是在活动实践中得到培养和提高。因此,坚持开展第二课堂、美术兴趣小组活动使学生的艺术潜能得到发掘,综合素质也在活动中不断提高。 3、实行开放性美术教育,发挥学生的主体作用。 改革课堂教学,营造民主、自由、平等、和谐的教育氛围,师生平等,尊重个性,有效地强化学生的主体意识,培养良好的非智力因素,发挥其各自的专长。课堂教学力求“教”与“学”的优化,教学过程充分体现学生为主体,使学生主动积极参与教学的全过程,想方设法激活学生的原动力,最大限度地把他们的智力潜能发挥出来。 4、实验形式灵活,体现民主与集中。 几年来,我们实验的教研活动持之以恒,制定了详尽的教研计划,各组员分别承担子课题的研究。实验的研究分集中研究和个人研究两种形式,个人研究,就是平时组员根据本校及学生的实际,大胆改革课堂教学,不断探索培养和发展学生的智力的方法。总结教学中的经验和教训。集体研究,每个学期都有三、四次全体组员集中研究活动,进行观摩教学、互相评课、技艺切磋、交流教学体会、参观学习等。尤其是观摩教学,我们力求有专题,并有针对性,围绕“发展学生的智力”这个目的,解决教学教研中碰到的问题,在评课交流中,大家本着互相学习、互相帮助、互相促进的出发点,做到各抒己见,畅所欲言,研究气氛民主和谐,充分发挥大家的聪明才智。真正达到共同进步,共同提高的目的。 四、教研出成果 经过几年的探索和努力,我镇的美术教育取得了可喜的成果,从整体上看,学生的审美能力得到提高,以创造力为优秀的智力得到发展,学生学会辨别区分美与丑,学会从生活中发现美、追求美、表达美、创造美,从而以一种积极乐观的态度去学习和生活。学生的艺术素质和综合素质也相应得到提高。 近几年,美术教师在参加省、部级的美术课调教评比中,获得4个奖项,教师的美术教育论文6篇获省级、部级的奖项或发表在省级以上的刊物,名列市的前茅。辅导学生参加各级各类美术活动和书画比赛中取得较好的成绩,其中获国际奖90多人次、全国奖220多人次、省级奖160多人次、市镇级奖约330多人次。 五、探讨的问题 1、我区的美术教育发展不够平衡,取得较好成绩的相对集中在几所学校,特别是集中在上规模上档次的学校,一些偏远的学校,还没有配备美术教师、美术室也十分简陋或没有美术室。也谈不上美术教学研究。今后应该提高学校管理层的认识,更新观念,加强实施素质教育的力度,加强艺术教育的力度。此外,美术中心教研组也尽可能把教研活动普及到美术教育薄弱的学校去,促进全区的美术教育的发展。 2、面对21世纪教育形势的迅猛发展,既是机遇又是挑战,特别是现代化教育手段的发展和提高,多媒体教学的普及,校园网络化。要使自己不掉队,与时代同步,就要学习、学习、再学习,不断“充电”,不断提高自身的综合素质,教育教学水平。前段,我们绝大部分的美术教师已通过了计算机初级考试,促进了大家的计算机学习,今后我们还要学习有关教学软件的设计制作。根据教学教学的需要,设计制定相应教学课件,以进一步提高教学质量,在新的学年,我们在安排教研活动时,就注重开展有关美术CAI课件设计制作的讲座学习。同时也要加强美术教育理论素质教育理论的学习,踏踏实实为美术教育发展,为培养高素质的人才作贡献。 美术理论论文:美术教学素质培养管理论文 一、课题的确立 一九九八年,党中央确立科教兴国战略,提出要切实把教育摆在优先发展的战略地位,全国上下重教兴教,教育战线出现前所未有的大好局面,由应试教育转向素质教育成了教育改革的方向,也形成了共识,并取得一定成效。科研促教育,教育要科研已势在必行。为了配合省教厅的《学科教学与素质教育》的总课题的实验,大良镇教办组织了镇各科中心教研组,制定相应的科研课题,美术中心教研组根据本学科的特点,制定了《素质教育与美术教学中智力的培养》这一科研课题。围绕“发展学生的智力”这一教学重点,开展美术科实施素质教育的实验研究。 在《素质教育与美术教学中智力的培养》这总课题的基础上,再分几个子课题,如《注意力、观察力的培养》、《发挥想象力、诱发创造思维》、《记忆力、写生力的培养》、《美术教学与其他学科的联系》、《发挥学生的主体作用》等。用三年的时间分层次、不同形式地发开展美术素质教育。 二、课题的依据及指导思想 1、《美术教学大纲》明确了美术教学的目的、性质、任务,并要把美术教学的重点放在提高全体学生的美术素质、审美修养和培养能力、发展智力上。在教学中利用本学科的特点,根据不同的教学内容对学生进行思想品德教育,在学习基础知识进行简单训练的同时,进一步加强美术欣赏、艺术原理、美学知识的教学,变单一的知识技能为多元的知识结构,使美术教学真正落实素质教育。 2、美术教育的定义是将人类在视觉艺术方面创造的理论,技法及成果,按照教育规律再创造成适合不同对象的教学材料,用科学的教育方法和手段来培养公民对美的认识、判断、创造能力的教育活动。可见美术教育的目的在于培养公民的素质,也是立足于提高学生的文化层次,培养和发展学生的能力上。 3、美术教育是基础教育的一部分;也就是素质教育重要组成部分,对提高全民族文化素质有着特殊意义。把艺术教育由专门传授技法技能转为培养素质这是美术教学的革新。符合现代教育思想与规律,在基础教育中,学生应具备的基础素质主要是思想品德素质、科学文化素质、劳动技能素质、身体心理素质、审美素质等,学生的素质是一个和谐的整体。忽略和缺少哪一方面都不健全。 4、结合美术科特点,发挥其特殊优势,发展学生的智力,学生的素质如何,与其本身智力有着莫大的关系。智力,包括了观察力、记忆力、思维力、想象力和创造力等几方面,教育心理学告诉我们:艺术教育对促进学生的智力发展和创造力的提高有着十分重要的作用。许多著名的教育家对美术教育的功能有着共识,他们认为美术教育直接的目的是寻找种种机会,用种种方法训练儿童身心和各种感官,使他们的各种感官及观察力、记忆力、思维力、想象力、创造力及道德情感等本能渐渐地自由生长发育。 三、课题的实验和策略 1、遵循四大原则,开展教学实验。美术教学除了遵循教育学提出的教学原 则外,根据美术学科特点以及目的任务和教学规律,还提出四项原则: ①、审美原则,对学生进行审美教育,培养学生正确的审美观点和区别美与丑的能力,通过参与学习逐步提高审美能力,陶冶学生高尚的情操和良好的思想品德,这是发展学生智力的基本保证。 ②、直观性原则,重视教学过程中引导学生直接观察对象,认识对象,运用现代先进教学手段,帮助学生掌握知识,马蒂斯曾说过:“创造始于观看,而看本身就是一种创造性活动,需要一种努力。”培养学生正确的观察方法,深入观察的习惯,培养学生的观察力、记忆力,进而促进学生的智力发展。 ③、实践性原则,引导学生通过实践掌握美术双基,通过参与实践,大胆表达的过程中提高学生眼的观察力、脑的思维力、手的操作能力、培养学生眼、脑、手的协调运用。 ④、创造性原则,这是研究的重点,创造力的培养是素质教育的重要优秀,艺术教育贵在创造,艺术学科要培养学生的艺术创造才能,促进学生其他方面的综合性的有造才能的发展,在教学过程中,一方面注意营造一种适合培养学生创造性的环境,另一方面,充分发挥学生的想象力、创造力。爱因斯坦说:“想象力比知识更重要,知识是有限的,而想象可以襄括世界。”从形象思维入手激发丰富的联想,提倡独创精神,加强创新意识,通过教学培养学生的形象思维能力,并促进抽象思维的发展。突出创造力的培养。 2、大胆改革课程内容,适当增加乡土教材。开展第二课堂,依“纲”还需靠“本”,三年来我镇使用的是岭南版美术教材,该教材内容较为丰富,体现了美、新、活三大特点,有利培养学生审美能力,发展学生的智力,在课程内容安排时,我们作了一些调整,根据本地本校实际,适当增加乡土教材及有地方特色的教材,使学生对家乡增进了解,培养他们热爱家乡的情感,并使他们学会结合生活,联系实际,有条件的学校,还增设了陶艺、电脑美术等课程。各校还开展丰富多彩的兴趣小组,学生的艺术素质和美术技能往往是在活动实践中得到培养和提高。因此,坚持开展第二课堂、美术兴趣小组活动使学生的艺术潜能得到发掘,综合素质也在活动中不断提高。 3、实行开放性美术教育,发挥学生的主体作用。 改革课堂教学,营造民主、自由、平等、和谐的教育氛围,师生平等,尊重个性,有效地强化学生的主体意识,培养良好的非智力因素,发挥其各自的专长。课堂教学力求“教”与“学”的优化,教学过程充分体现学生为主体,使学生主动积极参与教学的全过程,想方设法激活学生的原动力,最大限度地把他们的智力潜能发挥出来。 4、实验形式灵活,体现民主与集中。 几年来,我们实验的教研活动持之以恒,制定了详尽的教研计划,各组员分别承担子课题的研究。实验的研究分集中研究和个人研究两种形式,个人研究,就是平时组员根据本校及学生的实际,大胆改革课堂教学,不断探索培养和发展学生的智力的方法。总结教学中的经验和教训。集体研究,每个学期都有三、四次全体组员集中研究活动,进行观摩教学、互相评课、技艺切磋、交流教学体会、参观学习等。尤其是观摩教学,我们力求有专题,并有针对性,围绕“发展学生的智力”这个目的,解决教学教研中碰到的问题,在评课交流中,大家本着互相学习、互相帮助、互相促进的出发点,做到各抒己见,畅所欲言,研究气氛民主和谐,充分发挥大家的聪明才智。真正达到共同进步,共同提高的目的。 四、教研出成果 经过几年的探索和努力,我镇的美术教育取得了可喜的成果,从整体上看,学生的审美能力得到提高,以创造力为优秀的智力得到发展,学生学会辨别区分美与丑,学会从生活中发现美、追求美、表达美、创造美,从而以一种积极乐观的态度去学习和生活。学生的艺术素质和综合素质也相应得到提高。 近几年,美术教师在参加省、部级的美术课调教评比中,获得4个奖项,教师的美术教育论文6篇获省级、部级的奖项或发表在省级以上的刊物,名列市的前茅。辅导学生参加各级各类美术活动和书画比赛中取得较好的成绩,其中获国际奖90多人次、全国奖220多人次、省级奖160多人次、市镇级奖约330多人次。 五、探讨的问题 1、我区的美术教育发展不够平衡,取得较好成绩的相对集中在几所学校,特别是集中在上规模上档次的学校,一些偏远的学校,还没有配备美术教师、美术室也十分简陋或没有美术室。也谈不上美术教学研究。今后应该提高学校管理层的认识,更新观念,加强实施素质教育的力度,加强艺术教育的力度。此外,美术中心教研组也尽可能把教研活动普及到美术教育薄弱的学校去,促进全区的美术教育的发展。 2、面对21世纪教育形势的迅猛发展,既是机遇又是挑战,特别是现代化教育手段的发展和提高,多媒体教学的普及,校园网络化。要使自己不掉队,与时代同步,就要学习、学习、再学习,不断“充电”,不断提高自身的综合素质,教育教学水平。前段,我们绝大部分的美术教师已通过了计算机初级考试,促进了大家的计算机学习,今后我们还要学习有关教学软件的设计制作。根据教学教学的需要,设计制定相应教学课件,以进一步提高教学质量,在新的学年,我们在安排教研活动时,就注重开展有关美术CAI课件设计制作的讲座学习。同时也要加强美术教育理论素质教育理论的学习,踏踏实实为美术教育发展,为培养高素质的人才作贡献。 美术理论论文:美术信息技术教育管理论文 小学美术课程进行了新的改革,有了新的突破,分几个学习领域进一步明确了美术教学的方向,鲜明地提出发展学生的基本美术素质,激发学生的学习美术的兴趣,在广泛的文化情境中认识美术,培养创新精神和审美能力。 我们利用信息技术教育的优势,使之与美术教学的整合,能更好地达到美术教学的根本目的,即学生以个人或集体合作的方式参与各种美术活动,尝试各种工具、材料和制作过程,学习美术欣赏和评述方法、丰富视觉、触角和审美经验,体验美术活动的乐趣,并获得对美术学习的持久兴趣,了解美术语言的基本表达方式和方法,大胆表达自己的情感和思想。美化环境与生活,在美术学习过程中,激发创造精神,发展美术的实践能力,提高美术素养,陶冶高尚的审美情操,不断地完善人格。 美术是视觉及造型艺术,具有可视的形象特点,因而与信息技术教育的整合,使美术教学手段向多元化发展,如实物展示、投影运用、多媒体音像的引进,大大地增加了信息量和科技量。这样也适应学生认识的发展和身心发展的需要。从而使美术教学用简易、新型、交互、愉悦的学习方式,满足学生个体自我发展的需要,实现促进学生智力发展的目标。 一、利用信息技术、多媒体教学、促进学生积极参与“造型、表现”的美术学习活动。“造型、表现”是美术学习的基础,十分强调自由表现和大胆创造。在低年级尤其注重感受、体验和游戏等灵活的教学形式。使看看、画画、做做、玩玩融为一体。在教学时,利用互联网、校园网,收集有关的美术课题的信息资源,制作色彩纷呈的教学软件,开展生动活泼的课堂教学。例如教学《各种各样的鱼》、《可爱的鸟》、《鲜花世界》、《游太空》、《海底世界》、《可爱的动物》等耳熟能详的课题,运用现代多媒体组合教学,通过声音、动画、视频、投影等手段,为学生创造一个色彩缤纷、声像同步、亦动亦静,能再现生活,又高于生活的情景。激发学生学习兴趣,积极参与学习。高年级要求运用形、色、机理、空间等美术语言,以描绘主体造型的手法、选择适合自己的工具和材料,表现所见、所闻、所想的事物,发展美术构思与创造能力。同样,借助信息技术的有利因素,为学生创设有利激发创新精神的学习环境,多给学生感悟艺术作品的机会,在这个过程中让学生认识与理解线条、形状、色彩、空间、明暗、质感等基本造型要素,运用电脑、投影、录像等多媒体组合的教学,引导学生主动进行造型活动,激发想象力和创新意识。也通过对各种美术媒材,技巧和制作过程的探索与实验,发展学生的艺术感知能力和造型表现能力。 三、利用信息技术,培养学生设计意识,使学生学会按美的规律去设计生活。这一学习领域主要是让学生运用一定的物质材料和手段,围绕一定的目的和用途进行设计与制作,美化生活及环境。例如用废品泡沫拼砌《高楼》、用碎布贴《可爱的家乡》用画报贴《南海之滨》等,我们可以先摄录一些优美的环境与建筑物,指导学生分析、感悟与理解。再用摄录投影等方法表现设计制作过程,使学生了解“物以致用”的设计思想,运用设计和工艺的基本知识和方法,进行有目的创意,设计和制作活动。在学习图案、纹样、封面设计等内容时,则可以根据教学需要,从设计初稿、骨格、设色到完成作品,设计制成教学课件。分层次地展示不同的变化的骨格形式,不同的色彩配置、引导比较与分析。还有,在电脑绘画软件里设置各种特效处理功能,如对图象进行各种变形、复制、缩变、旋转、镜像合并、及色调调整等。进一步扩阔学生的视野,拓展他们的思维空间,也使教学过程加强趣味性。调动学生学习的主动性和积极性。引导学生利用计算机进行简易的设计制作。通过操作鼠标变换设计形式和各种特效的处理,使他们信息技术教育与美术设计意识与应用都得到互相促进、互相提高。 四、利用信息技术,引导学生积极参与学习的全过程,充分发挥学生的主体精神,着重培养学生美术欣赏的最基本方法,不断提高学生的欣赏和评述能力。对高年级的学生,突出引导他们学会在网上浏览欣赏适合自己的艺术作品,学会在网上收藏自己喜欢的优秀作品,反复感受、认识和理解,具体内容如《民间艺术作品》、《中国建筑介绍》、《中国优秀雕塑作品》、《精美的邮票》等和通过一系列的浏览、收藏,再运用语言、文字、绘画等方法表达自己的感受。真正达到培养欣赏与评述能力的目的。 五、结合信息技术教育,在美术教学中,发展学生的综合实践能力,综合性的提出是美术课程改革突破的重点与难点,体现了美术教学真正实施素质教育,综合性既是融美术和学习领域为一体,也是美术教学与其他学科的联系结合。并且与现实社会,现实生活联系起来,首先与信息技术教育的整合、既丰富了学习的内容,也开阔了学习的途径。大大促进了美术教育的发展。信息技术教育的发展,出现了电脑美术,包括绘画、设计、动画等内容。 教师可以根据美术教学内容,设计制作必要的教学课件,开展形式灵活,多元化的美术教学。学生则可以引导进行简易的电脑绘画、设计等,着重于认识、理解和参与,激发持久的学习兴趣,还可以让学生结合语文、音乐等学科,开展综合性的学习。如练习绘儿歌、童话、神话、日记等配画、插图。另外也可以用综合材料制作面具、头饰,并投入表演等。对设计简易的布景、海报、课外或校园的情报专栏等专题性的手抄报以及校内或户外的文娱、体育、少先队等项活动的设计制作、展示。引导学生借助计算机这个“好帮手”进行设计,在这个过程中做到主动请教他人,并积极与同学、老师或家长合作设计制作。还注意学会在网上收集有关的信息资料,建立档案、资料库,不断进行参考、比较,进行探索性的研究与学习。 美术教学与信息技术教育的整合,实现现代多媒体技术的组合,达到直观、形象、生动、多角度、立体式地展示美术教学的内在规律,有机地与其他学科联系和交互影响。使美术课堂教学让人耳目一新,具有新的突破。使教学化难为易,化复杂抽象为直观形象。同时也为学生提供包括视觉、听觉、触角等多样化的外部剌激,为学生提供了更多的认知和学习途径。在有限的时间里,加大教学密度,丰富教学内容,提高课堂效率,同时通过投影屏幕,丰富直观的感性认识,培养学生的观察力,加强了记忆力,开阔学生的视野,发散了学生的思维,也丰富了想象。更好地发展学生的智力。 美术理论论文:美术写作漫议管理论文 文学界早就感叹这是一个没有大师的时代,美术界随后也有人发出了同样的感叹。文学与美术的一大相通处,是文字写作。美术的文字写作,指美术史、美术理论、美术批评中的学术和非学术书写。对我们当下的美术写作而言,无论学术与否,这都是一个没有大师的时代。为何没有大师、我们在后现代的大众消费文化时期还需不需要大师?本文无意直接回答这些问题,但欲就此议论一番,而不仅仅是发几句感叹。 一、大师何在 从事美术写作的人,只要是认真的,就该算是学者。美术学者大体可分三流,一流学者有理论独创,可称大师;二流学者虽无独创,但讲究学术性,且有学问;而三流学者则语无伦次、不知所云,实与学术无缘。 真要给“一流学者”一语下个学术定义,其实比较困难,因为各家标准不同,更不知谁有资格来定这标准。所以,我只能大致说,在美术领域内以其理论独创而具有国际公认之成就和影响的,就算一流学者。照这个标准,时下国内美术界鲜有一流学者,那些活跃于各美术论坛的主要,多是二流。其中更有不思上进者,只以美术书写为利器,在名利场中厮杀,成为三流文字的炮制者。 由于国中为数极少的一流学者,一心向学,深居简出,在闹哄哄的美术写坛上看不见,我不愿打扰他们,所以此处只拿洋人来说事。洋学者在中国美术圈子里有影响的,多以英语书写。在二十世纪的英国,不管是土生土长还是外来移民,一流学者之多,远超出二十世纪的中国。我这样说,基于两点考虑,一是美术在全国总人口或受教育人口中的比例,二是美术书写的理论水平。与地大物博、地灵人杰、有五千年文明史的中国相较,英国实在是一个弹丸之地,但二十世纪的英国美术界,却有许多世界一流的学者,远非二十世纪的中国美术界能比。且让我按时序举出英国的十位美术学者。 罗杰·弗莱(RogerFry,1866-1934),二十世纪早期的现代主义和形式主义理论家、批评家、画家,其《视觉与设计》(1920,也译《视觉与形式》)一书,早有中译本出版,对中国八、九十年代的形式主义艺术思潮颇有影响。 克利夫·贝尔(ClieveBell,1881-1964),也是二十世纪早期的现代主义和形式主义理论家,其名著《艺术》(1914)一书,以“有意味的形式”观,而对中国八十年代的形式主义文艺理论影响深远。 科林伍德(R.G.Collingwood,1889-1943),哲学家、历史学家、文艺理论家,其名著《艺术原理》(1938)早有中译本,对中国形式主义艺术理论也同样发生了重要影响。 赫伯特·里德(HerbertRead,1893-1968),重量级美术史学家、批评家、作家,著作等身,其《西方现代美术简史》一书的中译本,对中国“八五新潮”影响极大,而《现代艺术哲学》的影响也不相上下。 肯尼斯·克拉克(KennethClark,1903-1976),老牌美术史学家,其《文明史》、《风景画论》和《裸体艺术》在欧美风行一时,后两者有中译本,国内的艺术理论学者和画家都对其情有独钟,而《裸体艺术》更在中国一版再版。 贡布里希(ErnstGombrich,1909-2001),奥裔艺术史学家、理论家,其形式主义名著《艺术与错觉》(1960)于八、九十年代就在中国美术界产生了影响,这部书现在仍是美院学生的必读经典。 麦克·苏利文(MichaelSullivan,1916-),专攻中国和日本艺术的美术史学家,后来也从事东方与西方艺术的比较研究。同另九位学者相比,其理论成就也许稍逊,但在亚洲艺术史的研究领域,却是一位泰斗。代表作有《二十世纪的中国艺术与艺术家》(1996年修订版)、《东方与西方的艺术交会》(1997年修订版),后者有中译本。 约翰·伯杰(JohnBerger,1926-),艺术家、作家、马克思主义文艺理论家,也是反对形式主义的艺术批评家,他在二十世纪中期为英国BBC撰写的关于艺术的系列电视片《观照之道》,使他成为极富影响的批评大家。 提摩泰·克拉克(T.J.Clark,1943-),当前十分活跃的马克思主义和社会学派美术史学家。恕我孤陋寡闻,不知国内有无其著作的中译本。他的《描绘现代生活》(1984)和《向观念告别》(1999)在西方艺术史学界影响极大。 诺曼·布莱逊(NormanBryson,1949-),大西洋两岸之美术理论和批评界的新起学者,也是从形式主义转向后现代主义的美术史学家,通晓欧洲、中国、日本艺术,代表作有《词与像》(1981)、《视觉与绘画》(1983)、《视觉文化》(编著,1993)等,是中国批评家高明潞在美国哈佛大学的博士导师。 这份名单,来自权威参考书《二十世纪主要艺术理论家》(ChrisMurray.ed.KeyWritersonArt:theTwentiethCentury.LondonandNewYork:Routledge,2003),我增添了肯尼斯·克拉克和麦克·苏利文两位,因为他们在中国有特别的影响。另一位不在这部参考书中但值得一提的,是路希·史密斯(EdwardLucie-Smith,1933-),他编写有大部头的《今日艺术》,有中文节译。虽然他的书有学术快餐之嫌,但在中国影响很大。其实,二十世纪具有国际声誉的英国美术学者,远不止列出的这些。仅艺术心理学这样一个十分专门的领域,在二十世纪中前期,就有奥籍形式主义理论家安腾·艾仁椎格(AntonEhrenzweig,1908-1966),他以格式塔艺术心理学而著称。在二十世纪中后期,心理学家温尼科特(D.W.Winnicott,1896-1971)将英国学派的精神分析“客体关系学派”,推向了整个西方世界,并催生了这一学派的一代新人,如艺术心理学批评家彼德·福勒(PeterFuller,1947-1990)等。 中国的人口和地盘,不知是英国的多少倍,我们国内美术界的学者,对这些英国大师的著作,也都比较熟悉,可是,为什么我们的美术界却很少有类似的学术大师?当然,历史、文化、社会、政治、经济等外在因素是重要原因,但我们总不能老是抱怨外因,难道这当中一点也没有我们学者自身的内在因素?莫非势利、庸俗、懒惰不是学者们的内在原因?我暂且点到为止,这个话题后面再说。 二、两种书写 阅读上述一流学者的美术书写,对他们的治学之道,可揣摸一二。但凡真正的学术大师,其文字书写,都讲究严谨的学术规范,其理论的来源、论证的逻辑、结论的陈述,等等,都有条有理。他们的写作,在篇章结构和语言文字方面,也是书写的典范。同时,大师们又不受条条框框的拘束,其书写文字,有充分的自由精神。通常说来,最严格的学术书写,该算博士论文。但这些大师们,已经超越了博士论文的层次,学术规范不是对他们的禁锢,而是他们天马行空的缰辔,他们在学术领域里达到了逍遥游的境界。 如果我们看不到这种超越的境界,便会误以为大师们的美术写作,不是严格的学术书写,于是有人便会去效法大师的逍遥笔意,写些既不学术又无学问的文字。这类既无深厚的理论根基,又无严格的学术训练,其书写的自由,不是经过了严格训练之后获得的自由,而是不知学术为何物的自由,颇有无知无畏的勇气。看看时下美术刊物上的文章,这些信马由缰的制造的文字垃圾无处不在,甚至成为我们美术书写的主流。 什么是学术?简略地说,就是知识的积累和理论的探索,是治学方法的规范。朱光潜和宗白华是两位前辈美学家,其学问都是一流的,他们学贯中西,对哲学、美学、美术的理解,无人能望其项背。然而,他们的治学方法却大不一样。朱光潜基本上是个西式学者,虽然写过《诗论》一类看似中式的文字,但他的博士论文和后来的《西方美学史》等专著,却是治学的典范。我觉得,朱光潜的西式学术性,与他大量翻译欧洲经典美学和哲学著作有直接关系。相比之下,宗白华基本上是中式的,他不写朱光潜那样的文字,而写《美学散步》里的那类文章,颇有散文笔调,与钱钟书的治学方式相近。我猜大家都读过宗白华论意境的两篇文章,《中国艺术之意境的诞生》和《中国艺术三境界》,也都能看出作者的学问有多么深厚,而表述文字却又多么平易。这两篇文章就是我所说的“超越”的范例。宗白华有深厚的学问和素养,又有严谨的学术训练,其学术规范不在文章的字面上,而在通篇的构思和表述中,是一种看不见的内在学术性。但是,也许正因为宗白华之文字的平易,这两篇文章才容易被人误读,会以为他不讲究学术。 宗白华的艺术家气质较重,的确不象朱光潜那样学术。但他那平易的文字,有深厚的学问作根底。当今那些口若悬河、语无伦次的,其学问不及大师之十一,其学术更无从谈起。我喜欢读宗白华的文字,但我读时却非常警惕,留心他字里行间隐藏的学术性,以防误读之。 在西方,与宗白华相似的也大有人在。前段时间我读美国著名当代小说家阿普代克(JohnUpdike,1932-)的美术文集《看看而已》(JustLooking:EssaysonArt),深感其学问了得,又叹其全无学术规范。阿普代克少时习画,后入哈佛大学和牛津大学的美术系求学,毕业后转而写小说、诗歌、书评,其著名长篇小说“兔子”系列,使他成为西方世界的顶级作家。很多年前我读其小说的中译本,只看到故事,无法领略其文字书写的魅力。后来读他的美术文集英文版,这才体会到他的文字魅力和语言力量。比如,阿普代克谈论法国印象派,不忌讳雷罗阿、德加等大师的威严,他纵横捭阖,对法国画家大加鞑伐,而对美国画家如沙金特等,尽管其画媚俗,却大加褒扬。阿普代克为什么敢如此明目张胆地偏袒美国画家?因为他有学问有眼光,他能说出法国大画家的短处,能说出萨金特的长处,例如其肖像画的“心理深度”,说得让人心悦诚服。 这“心理深度”的概念,是阿普代克对文学和艺术的理解,透露了他的学识和他的敏锐与深刻。但是,由于阿普代克的书写语言并无学术性,所以我以为他不过是画坛票友,到美术界来凑热闹而已。直到上个月,我在《纽约时报》的艺评专栏读到他写的书评《新艺术之城:抽象表现主义及其后果》,才发现他的学术性藏而不露。这篇书评是为美国艺术史学家杰德·珀尔(JedPerl)关于二十世纪中期纽约美术的史著《新艺术之城》(NewArtCity)而写的万言长评,其描述、分析、评价、总结,一气呵成,环环相扣,对该书的内容与写法、观点和语言,评得有理有据。这篇书评,褒贬得当,文气磅礴,以势夺人。读了之后,我不再认为阿普代克只是票友,而认为他是横跨文学和美术两个领域的一流作家和学者。正好,阿普代克又有新的美术文集将在本月出版,书名《仍然在看》(StillLooking:EssaysonAmericanArt),我赶忙预订,急欲先睹为快。 宗白华和阿普代克的美术写作,有共同之处,即以深厚的学问为基础,将学术性隐于字面之下。他们“深入”而不“浅出”、“厚积”但非“薄发”。我从他们的书写中得到的教益是,不要盲目信奉所谓“深入浅出”、“厚积薄发”之类古训,因为这类古训似是而非,让人不动脑子,以浅薄为能事。试想,一个学者,若在专业领域内写文章,为什么一定要“浅出”、“薄发”?如果仅仅是为流行刊物写文章,当作别论,可是专业领域内的读者,应该读得懂“深入”和“厚积”的文字。作者的浅薄,会娇惯出浅薄的读者,而读者的浅薄,又会反过来呼唤浅薄的作者。如此这般市场效果之供需调节的恶性循环,会使我们的学者满足于三流书写,这于艺术、教育、学风,有害无益。 如果说宗白华和阿普代克是一流学者中不以学术见长但有真学问者,那么一流学者中还有另外一类,即所谓学究,他们的文字书写讲究严格的学术性。美国解构主义四大理论家中的希利斯·密勒(HillisMiller,1928-),横跨文学与美术两个领域,他的《插图》(HillisMiller.Illustration.Cambridge:HarvardUniversityPress,1992)一书,在后现代的学术语境中,从文化研究的角度讨论绘画问题,既有学问,又很学术,字里行间灵气闪现,堪称治学的典范。 三、形而上的旅程 说了一流学者,再说二流学者。其实,做学问的人都眼高手低,这很正常,因为我们只有双眼紧盯一流学者,才有可能做到二流水平,否则只怕连二流都做不到。二流学者也可大致分为两类,学究的和非学究的。 去年回国,在书店见到一部翻译书,是美国学者大卫·卡里尔(DavidCarrier)的《艺术史写作原理》,其论题和内容很有意思,是关于美术写作的,于是买下一本。翻开书,见里面介绍说,卡里尔是“美国著名艺术批评家和艺术史学家”,我一下子觉得自己真的孤陋寡闻,可怜到竟没听说过这样一个著名学者。读了卡里尔的书,感觉他无法同前述一流学者相比。尽管他有学问,也很学术,但没有理论建树,更无灵气。就文字而论,他过分学究,近乎迂腐。不过,这部书的好处,是向我们展示了学术书写的样板,哪怕有矫枉过正之虞。不管怎么说,卡里尔也该算二流学者,而且是二流学者中很上进的一类。 我觉得,在学术书写中保持一点必要的学究气,是防止浅薄的一种有效手段,只要不象卡里尔那样迂腐就行。在眼下的国内美术写坛,也有这种稍有学究气但很上进的学者。就我近年读到的而言,沈语冰和常宁生便相当学术,也有学问。前者的新著《二十世纪艺术批评》,在解读和阐释的基础上立论,是一种通常的治学方式。采用这种方式,如果稍微不慎,便会成为贩卖泊来品的进口公司。另一方面,这种方式也相当形而上,作者和读者易入五里云中。幸好,作者对此相当清醒,在书写中很注意个人的立论和阐述。常宁生的《美国高等教育中的艺术史课程与教学》一文,是篇综述,写得几乎面面俱到,属介绍性文字。但是,作者并不满足于泛泛介绍,而是将自己的品评和观点融入其中,融得不露痕迹。我读这篇文章,时时会心而笑,因为文中所述,我知道是怎么回事,而且有同感。 与卡里尔式学究相反的,是那些不求上进只想钻营的人。这些人原本也有学问,算得上二流学者,可是却迷失在闹哄哄的名利场中而无心治学,只能写些三流文字。其中更有甚者,心术不正,视美术写作为谋利手段,或以奇谈怪论来耸人听闻,或以吹牛拍马来卖身求荣,或以胡言乱语来中伤他人。这样的美术书写,已与学术不搭界,不说也罢。 前不久,多年不通音信的画家朋友何工,突然传来一些图片,都是他近年的绘画。初看,只有黑白二色,我以为是网络设备有问题,传输中丢掉了颜色。一问,才知确是黑白绘画,画家着意为之。去掉了色彩的干扰,我得以专注于这些画的意旨,并感受画家笔触中流露的情绪。这位朋友当年曾在美国和加拿大居住,后来回国,又多次重访北美,并到过欧洲和亚洲的许多地方。这样的经历和见识,加上他个人生活的丰富和曲折,使他的内心旅程,成为黑白绘画的主题。这些作品,画的都是他在美国的羁旅,既是双脚天涯的形而下之行,也是思想漫游的形而上之行。我喜欢这些画,因为我从这些画中,看到了一个往日的朋友,也看到了今天的自己,还看到了无处不在的美术书写。 何工当年画过一系列欧洲火车站的抽象之形,如今又画行者旅人的具象之形。从形而上的角度说,我们从事美术书写的人,也是一个旅人,我们阅读前辈大师,便是在内心中从一个火车站到另一个火车站。有时候我们会搭错车,有时候车会晚点,说不定还会有交通事故。但是,我们总是在往前走,总是在想着自己前面的路。我们也会看车窗外的风景,会惊叹风景之美,并与风景对话,但我们又总是让风景飘到身后。当然,我们也会回头,但回头是为了与车上的旅人交谈。在形而下的交谈中,我们内心里形而上的旅程并没有停止。实际上,形而上的旅程和形而下的旅程是交织互动的,正像朋友的画,从抽象的车站到具象的旅人,其间有一条潜在的思想行程,象火车一样前行。 这形而上的思想就是哲学,是人生的哲学和艺术的哲学。一位从事美术写作的朋友,曾谈起二流学者求上进的问题,说美术写作写到后来,非有哲学不可。此话极是。我想,哲学该是美术写作中看不见的基础和动能,若无哲学,任何书写都不会上进,作者最终会从书写的峭壁上掉下来,沦为三流。所谓学问,所谓灵气,其实都需要哲学的支撑。一旦没了哲学,学术书写只能是文字垃圾。前面说到的卡里尔,是美国大师级著名艺术理论家亚瑟·但托(ArthurDanto,1924-)的学生。但托的正职是哲学家,哥伦比亚大学的哲学教授,专攻认识论和历史哲学。美学理论和艺术批评是但托哲学的一部分,是他哲学旅程中的一个驿站。国内美术界可能还不太了解但托的哲学,好在他的艺术理论已经有了中译本,如《艺术终结之后》。但托早已退休,却一直兼作《国家》周刊的艺评专栏作家,多年来基本上每周写一篇美术评论。他将这些文字收集起来,最近几年出版了好几部美术文集。这些书写都是报刊的专栏文章,而《国家》杂志并不是美术专业杂志,所以但托不能写得太学究。可是,由于有坚实的哲学基础,但托的文章写得深刻、有见地,毫无泛泛之言。有次去听但托的讲座,我以为他会讲美术,结果他讲的是佛教哲学,真是不服不行。 写艺术评论,大多是为人作嫁,难得什么理论建树,而一旦有了经济利益的诱惑,即便有点理论,也只会是嫁妆上的点缀,无学术可言。但托的书写不为稻粱谋,即便写展评,也注意理论的阐发,并有看不见的哲学作潜在支撑。我们的二流学者中,那些不思上进而自甘堕落的,其书写不仅没有内在的哲学,甚至表面文字都不通顺。且看他们的三流书写,连汉语语法都不过关,更不知措词、修辞、逻辑为何物。曾读到一篇这样的文字,也讲美术写作,作者振振有词地说:写文章,只要把意思说出来就行了,不必讲究语法。对此,我是否该说,画家只要把人画出来就行来,不必讲究人体的解剖结构和透视的抽象变形?同这样的没什么学术可言,真是无知者无畏,无知者无耻。 四、题外的话 本文批评二流学者的三流书写,并不是只提倡学究文章。与学术书写并存的,还有一类学术随笔,用散文语言谈学术问题。这既是学者间的家常话,也是同学术界之外的读者交流,从内容到语言,平易却不浅薄。求上进的学者,一手学术,一手散文,可谓文武之道,一张一弛。散文这一文体,原本是个很宽泛的概念,惟与诗歌相别,只要不用韵,就是散文。在中国的文学传统中,先秦、唐宋的散文,内容和写法都不拘一格。到了二十世纪中期,散文专指美文,如抒情散文,这使散文的概念大受局限。八十年代以前,有所谓散文三大家,杨朔、刘白羽、秦牧,其文风影响了不止一代人。现在回头看去,才意识到杨朔的抒情或流于造作,刘白羽的叙述和描写不乏琐碎,秦牧的说理稍嫌牵强,这三位前辈都有矫情之处,与先秦诸子及唐宋八大家之散文的微言大义和朴素自然相去远矣。 自八十年代后半起,年轻的散文作者致力于文体的开拓和语言的试验,诗人和小说家也越界而入,成就不凡。诗人对散文的语言有所贡献,但有些诗人过于情绪化,他们以诗歌思维方式来处理散文的结构,结果鞭长莫及,顾此失彼。小说家写散文,如烹小鲜,大多是高屋建瓴,但却无暇顾及谋篇布局的精细与微妙。到二十一世纪,有“新散文”出现,不少作者以不为而为的态度,倒是写出了一些天然浑成的作品。 依我愚见,写散文妙在为与不为之间。为者,袖手于前,对立意、结构、语言都思考再三。不为者,疾书于后,力求自然洒脱,不留斧凿之痕。在某种意义上,越界写作有助于求得为与不为间的平衡。当年上中学,读到过一部科普文集,刘书荣的《自然的启示》,介绍仿生学。作者之“为”,在于科普,讲究立意;作者之“不为”,在于散文,用语毫不造作。在这为与不为之间,作者的叙述自然晓畅,通俗易懂,写出了一部难得的好书。上大学时,读到过一篇与众不同的文章,介绍罗马尼亚雕塑家布朗库西。作者是当时的知名作家,长于小说和报告文学,但似乎不太懂美术。也许正是这不太懂美术,才是使他的文章,回避了专业问题的探究,而能够面向普通读者。那几年,报告文学流行,作者用报告文学的手法写艺术家,其“为”在于布朗库西,其“不为”在于美术,于是将这位雕塑家写得有血有肉,而不再是艺术史著里的冷面孔。 画家写散文,也是一种越界行为。拙于文字的画家,一越界便章法全无、词不达意。长于文字的画家,对写作有自觉意识,他们下笔,行文有道,立意、结构、语言,都在不经意间水到渠成。读画家陈丹青《纽约琐记》和《退步集》里的一些篇章,不得不叹服作者的修养。这位写作的画家,既有不为写作、不为绘画的超脱,又有专注于写作、专注于绘画的执着与敏锐,并在为与不为之间,长于把握分寸,是为修养。 所谓立意,用今天的大白话来讲,就是有意思或没意思。一篇有意思的散文,首先要以其用意来得到读者的认同。古人说立意高远,有儒道哲学的意味。所谓结构,是写作技巧的要义,若无结构,立意便无法实现。过去的散文讲究“形散神不散”,说的就是结构与立意的关系,只是现在的作者少了些拘谨,转而追求行云流水般的自由自在。所谓语言,指行文措辞,只要受过写作训练,懂得语法逻辑,便不会有问题。但是,艺术是一个学术科目,要用散文谈艺术,实际上就是要在学术语言与散文语言之间游走,难的是寻找一种适当的语气语调,庄也谐也,均在拿捏得当。 散文的最大敌人,是肤浅和矫情。我读过不少当代名家的散文,特别是游记散文,有些作品的肤浅,让人瞠目。当然,名家们到海外旅行,多是走马观花、蜻蜓点水,我们不指望他们对某地的风土人情、文化历史有多少了解,不指望他们写出多么深刻的文章来。想想看,他们短期出行,奔波于若干国家,要记住所到之处的名胜,已不胜其难,更惶探讨问题。于是,这些名家只好搜肠刮肚,肤浅以应,挤出一点自欺欺人的感怀,以矫情来掩饰空泛。余秋雨的海外游记散文集《行者无疆》,便是这类肤浅与矫情的典范。 学习书写之道,模仿是入门的捷径。毕加索初学画时,先是大量临摹古典主义和写实绘画,然后又临摹后印象主义和早期现代主义。在洞悉了他人作画的奥妙后,他开始模仿其画风。毕加索模仿劳特累克、马蒂斯、德加、雷罗阿,出神入化,几可乱真。这样,到了“蓝色时期”,毕加索终于发展了自己独特的绘画语言,并在以后不断探索新方法。学习写作也一样,翻译国外名家是一种临摹,细读然后照猫画虎也是一种临摹。且看二十世纪后期的中国作家,凡成气候者,有几个不曾模仿?国外现代主义文学各流派,从意识流到魔幻现实主义,整个模仿了一遍,然后才有人找到了自己的路,终成大家。但是,如果只模仿而不能最后跳出他人的影响,就会象临摹四王山水而终究找不到出路一样,永远都学步邯郸,没有自己的风格。 日本画家东山魁夷的散文集《与风景的对话》,记述作者的创作过程和艺术经历,展示了画家怎样以艺术的眼睛和心灵去发现并欣赏自然之美。国内老一辈艺术家写的回忆文章,如刘开渠、刘海粟等写他们当年留欧学画的经历,与东山魁夷殊途同归,都记述了作者对艺术的理解,其文笔之优美,比得上职业作家。最近读到加拿大旅法作家曼盖尔的艺评文集《读图:边看边想》(AlbertoManguel.ReadingPictures:WhatWeThinkaboutwhenWeLookingatArt.Toronto:VintageCanada,2002),与阿普代克异曲同工,没有学究的迂腐和八股的繁琐,却有深厚的学问和语言的博大气势。 就写作本身来说,无论是学术书写还是散文书写,都讲究立意、结构和语言,只是散文的立意不必太学究,结构也随机应变,语言更是轻松随意。一个作者,如果受过多年学术写作的训练,又有多年学术书写的经验,极容易变得迂腐呆板,这时,转而写些学术散文,说不定会有智慧与灵性的闪烁。 美术理论论文:工艺美术现象管理论文 [摘要]:在现象学视域中,楚文化中的工艺美术的实用和审美与原始先民生活世界相关,是在其存在之维度与境域上展开的。在克服传统审美要素与其实用性的基础上,我们对楚文化的漆器进行审美关照,使作品去蔽,使其通达自身,并敞开了一个作品所包含的世界。 关键词:楚文化工艺美术漆器实用审美物存在世界 工艺美术是为生活的艺术。它根植于民族文化的基础上,广泛地存在于人们的生活中。 先秦时期,楚人在偏僻荒夷的楚地,凭借着自己积极进取、革新鼎故的精神,“筚路蓝缕,以启山林”,创造了博大精深的楚文化体系,楚文化艺术瑰丽流畅,情感外露,富于抽象美感的风格,以致几千年后的今天,人们仍为这伟大的创造而激动不已。在楚文化中,富于成就和特色,首属那美仑美奂的工艺美术,单就其中的漆器,虽然在地下埋藏了两千多年,至今依然闪耀着令人目眩神迷的色彩。流逝的光阴,不但没有使它们失色,反到使它们越发璀璨夺目,那艳丽的色彩、流动的文饰、华丽的图案,无不折射着古代楚人工匠的卓越技艺与精巧才思,也沉淀了创作者的集体无意识。在民族的集体无意识的后面,是民族自身的生存状况。当然,工艺美术与人们的生存状况的关切,不是在感性的、理性的、或道德层面上的,而是发生在存在论境域中。它们同时也是在此境域中获得独特的表现形式,传承与表征着艺术,为历史建基。 但是,它们被悬搁于高墙内阁之中,脱离了自身的世界,被人冷落,甚至遗忘,“存在自身具有的遮蔽性,也导致了这种遗忘。”1对楚文化中的工艺美术进行审美关照,就是要让其去蔽。只有当我们思考存在者之存在之际,作品之作品因素、器具之器具因素和物之物因素才会接近我们,亦即接近他们自身的本质空间。 工艺美术的出现,离不开民族生存的特定历史文化条件。先秦时期的楚地,湖泊众多,森林茂密,气候温润,特别适合漆树的生长。长期的日出而作、日落而息的农耕式田园生活,使大自然之风物已渗入到楚人的生活与文化之中。他们把漆树粘稠的分泌物涂在器具上,以使其光滑、耐腐。一般的文化只是存在者,从这种文化存在整体去探寻存在者,是一种文化的形而上学,只有切入到文化所关联的民族的历史性此在,才能揭示艺术品的存在纬度。漆器的出现,也是远古人民长期接触自然、利用自然的产物,它是发生在存在论上的,是民族性和地域性的表现。 就构图而言,楚文化中的工艺美术很多是模仿自然的图案,如动物、植物、天象等,还有人们劳作、娱乐的生活场景,还有许多抽象出来的图案。楚文化中的崇火崇凤就是一个很明显的民族文化心理特征,凤是原始先民从鸟中抽象而成的图腾,在工艺美术中多见。战国时期的漆双凤鼓,用双凤作为鼓架,两兽作为鼓座,以双凤首悬一圆鼓,造型优美,生动可爱。湖北曾侯乙墓出土的战国时期“彩绘漆内棺”,棺身两侧壁板均有黑漆绘制的一堵“回”字纹样格子门,在门两侧站着执戟持戈的神鸟、神兽。足档中部绘有一“回“字纹窗户,窗户周围及棺身外壁遍布姿态各异的龙、蛇、鸟、兽等图案,多达900多个,整个构图神秘又浪漫,俨然一副神灵保佑地宫的画面。 原始的漆器作为先民们不自觉的“艺术品“,把天地人与信仰旨趣聚集于一身,被聚集的每一方都在作品中展开游戏与嬉戏。在这些纯朴天真的作品里,浸润着乡土的情感与气息,对故乡与家园的眷恋,对天地的敬畏,对神的奉侍以及对美好生活的希冀。“作品是关涉到其所关切的世界的生活方式。”2 楚文化中的工艺美术制作主要是以作坊和官府所设工场的形式来组织完成的,这些技艺世代师徒言传身教,口耳相承。这些技艺介于纯艺术与技术之间,是熟练的技艺与精工细做的产物。远古时期,艺术与技术不可分离,后来技艺则是分离后的艺术与技术的结合。技艺在相当程度上,影响着工艺品的品质。 漆器的制作就是一个技艺要求很高的过程。从工种分有素工、髹工、画工、上工、铜扣黄涂工、铜耳黄涂工、清工、造工、漆工、供工,实际上,从制胎到制漆,供漆、作底、髹漆、彩绘、镶扣、镏金直到最后完成,都每步必须,可见漆器制作的繁复与精巧。在实用的要求下,工艺美术除了坚固耐用,还要美观。实用对象又是审美对象。漆器装饰性的表现也是丰富多彩,除了颜色绚丽多变外,对漆饰也要求甚多。有剔红、剔黄、剔彩、剔黑、剔樨等,对于每一道漆层的厚薄都有严格的控制。如剔犀的雕镂外,要露出朱黑相间的色彩,剔彩则要露出几种不同的漆色,即如“红花绿叶,黄心黑石之类。”明高濂《燕闲清赏笺》记载:“宋人雕红漆器如宫中用盒,多以金银为胎,以朱漆厚堆,至数十层,有锡胎者,有红花黄地,二色眩观。有五色漆胎,刻法深浅,随妆露色,夺可观,传世甚少。”3工艺繁复、精雕细刻可见一斑。作为具有实用性的工艺美术,在创作者的拿捏与把玩中,成为具有审美价值的对象。“但是某些实用对象却要求人们的眼睛去看他们。尽管他们仍是实用对象,它们却用自己的装饰方式在想方设法讨人喜欢了。”是否具有观赏性,能否满足人们的审美要求,是区分工艺美术与一般制造品的重要标准。即使如此,自然性与实用性之于审美的工艺美术,仍然是规定性的。在工艺美术的制作中,人手凭借一些特定的工具或器具完成特定的工序。在这一制作过程中,牵涉到人与物的关切。这些物包括被摹仿的自然物如动植物,以及用于描摹这些自然物的质料。制作者依凭自己的摹仿外,还融进了作者的想象。楚文化中工艺美术品种繁多,凝重中洋溢着几许生气,流淌着这些艺术本身的生命。其中的智慧和超乎寻常的艺术想象力,源于楚民族对精神生命的执着与热爱,对美好生活的追求和向往。 制作者在制作中将物置入了工艺美术作品之中,如此顺手,以至于这些物或材料似乎根本不存在,从未受到过打量,也没有被意识到,在使用中,未能使物敞开。同样,处于对象位置上的物,即被关于物的流传的、流俗的观念所束缚,又与人相距太远,处于幽闭之中。进入作品中的物,已成为作品它即不同于自然物、器具,也不同于手前之物、手上之物。作品中的物,为物性的敞开提供了前提条件。然而,这些楚文化中美仑美奂的漆器,被搁置在那些安静而又隐蔽的角落,不在占据人们的视角,离开了人们的思维,这种非本真的生活是人们生活的常态,在这种生活方式之中,物之物性自身被遮蔽,偏离了其存在的境况,那么,追问存在者之存在,亦即思存在,就是我们使遮蔽着的存在如其本性地显现出来的途径了。 从漆器的产生到成熟的几千年历史中,它走向了两个方向:一个是主要用于实用的生活用品,另一个走向了专供宫廷贵族把玩的摆设装饰品。制作技艺也不断走向精巧。如后期明清时期的镶嵌工艺,金漆工艺都使得漆器发展到无以复加的地步。 群众是历史的创造者,而艺术乃是根本意义上的历史。这些洋溢着鲜活的生命韵律的漆器,汇集着原始先民的心智与才华。现在,已无从追问创作主体,他们早以消融在了历史文化之中,没有突显出来。在历史的长河里,他们和无数个创造着灿烂的楚文化的劳动人民融合在了一起。在这悠久的楚文化背后,却包含着一个世界的建立。 漆器本身就是一个物的世界,更确切的说是一个物进入了作品的世界。只有当我们本身摆脱了我们的惯常性而进入作品所开启出来的东西之中,亦即穿越透过美的诸要素与实用的规定,通达作品之本身,一个作品才是在其现实自身的作品,这个世界才是一个敞开了的世界。“艺术作品以自己的方式开启存者之存在。”4在对漆器进行审美观照时,我们要将其去蔽,原始先民的生活世界向人们敞开,并显现出来。作品之为作品建立一个世界,作品同时张开了世界之敞开领域,亦即敞开了作为独特存在者的人的世界,使人们回到其本身的生活世界之中。在这里,我们工艺美术世界看到的是楚文化包罗万象的情态,或者说是一种造物的方式,一种人的生活方式一种艺术情感的表达形式和人类远古文明的存在方式。 在艺术现象学领域中,一切审美的活动都是有作品“面向实事本身”的,“它排斥中介的因素,把直接的把握或这个意义上的直观看作是一起知识的来源和检验一切知识的最终标准。”5因此传统的审美标准在其语境是行不通的。在现代艺术现象学中,“美学思想在存在之维度与境域上展开。”漆器是传统意义上所说的美的世界,更是一个与原始先民生存状况相关切的生活的世界与情感的家园。 作品之成为作品,是真理之生成和发生的一种方式。“真理已自行设置入作品中”。6因此敞开作品所包含的世界,对于人类极其重要,这是因为,“因此根据现象学的解释,正是世界的开放性界定着人类。”7敞开了一个世界就是走向了真理,人类才能实现自由。 美术理论论文:游戏美术设计师管理论文 一款游戏的开发需要游戏策划,游戏程序,游戏美工三个团队的分工合作来完成。如果说游戏策划赋予了一款游戏灵魂和骨架,游戏程序让游戏得以运转,那么游戏美工就是为游戏增添血肉。所有在一款游戏里面可以看到的角色,敌人,场景,物件无不出自游戏美工之手。毫不夸张地说,游戏美工就是游戏虚拟世界中的造物主。在一个游戏的开发团队中,人数最多,工作量最大的,就是游戏美工人员。如今,游戏开发这一行业在国内得以飞速发展,游戏美工这个职业也吸引了越来越多年轻人的目光。那么究竟怎样才能成为一名游戏美工呢? 我们走进国内著名的专业游戏培训学校,GA游戏教育基地,回顾过去几年中GA培养的数百名游戏美术人才。不难发现,所有这些学员大体可以分成三类。这三类学员的成长轨迹,代表了三种典型的通往游戏开发领域的途径。下面三个学员的真实经历,或许可以给我们一些启发。 李星从小就对美术有浓厚的兴趣,父母很早就开始培养他,希望他能在美术领域有所成就。从小学开始他就一直坚持参加各种美术培训班,最终顺利考上四川美院。大学四年,李星逐渐喜欢上了游戏,刚开始是喜欢玩,后来逐渐对游戏制作产生了浓厚的兴趣。大学毕业之后,李星决定做一名游戏美术设计师。然而尽管在美术方面功底扎实,但是对于游戏开发必须掌握的3D图形技术,李星却一窍不通。几次应聘游戏公司,都因为没有相关经验,也没有必要的软件技能而功败垂成。几次碰壁后,李星报名学习了GA的游戏美术课程。刚开始,由于软件方面基础为零,学得很累。坚持了一段时间后,他逐渐掌握了3dmax和ps等软件工具,也慢慢适应了用电脑作为绘画工具的工作方式。这时他在美术方面的深厚实力开始逐步展现出来,成为了同期学员中的佼佼者。毕业之后,李星的毕业作品得到了多家著名游戏公司的赞赏,顺利拿到了工作合同。走上工作岗位之后,科班出身的李星很快体现出过人的美术实力,工作表现受到公司的充分肯定,短短一年多时间已经成为该公司主美。 杨沈杰大学学的是室内设计专业。毕业之后辗转了多家企业,一直从事室内装潢效果图制作方面的工作。然而这个职位竞争激烈,薪金福利待遇也一直不如人意。杨沈杰仔细考虑了自己的状况后决定转行做游戏美工。看了很多游戏公司的招聘要求,杨沈杰觉得自己会用3d软件,能制作各种物件的模型,贴图,应该完全可以胜任。然而他信心满满地参加了几家公司的考试后,却发现并非那么容易。所谓隔行如隔山,同是使用3d软件来制作各种物件,游戏公司的要求远远高于一般的效果图制作。在朋友的介绍下,杨沈杰参加了GA的游戏美术课程的学习。5个月的学习过程中,杨沈杰越来越感觉到3d图形技术在游戏中的应用,有许多特殊的技术和标准,这些都是以前根本不知道的。另一方面,之前制作效果图,在贴图方面几乎都是使用材质,自己手绘的能力也急待提高。在GA学习期间,杨沈杰几乎天天披星戴月,学习到深夜。最终他不仅顺利完成学业,还用业余时间组织了一个项目小组,以徐家汇教堂为蓝本制作了一个精美的游戏关卡。这为其应聘就业增添了一个重要的砝码,最终杨沈杰顺利被EPICGAMES录用。 和以上两位同学相比,余静同学成为游戏美工的道路就要艰难很多。余静所学的专业跟美术以及设计没有丝毫的关系,毕业之后从事的是销售业务的工作,可以说是地地道道的门外汉。出于对游戏的热爱,余静还是说服家人,决定改行做游戏美工。由于没有任何美术方面的基础,也从来没有接触过3d软件,余静第一次到GA求学时,甚至没有办法通过入学测试。而她没有轻易放弃,自己花了一年时间参加素描、色彩等传统美术培训班的学习。同时,找了很多3dmax方面的书籍自学软件。时隔一年之后考核通过,进入GA开始学习游戏美术课程。由于基础比较欠缺,虽然软件方面通过下功夫多做多练,能够赶上同学的步伐,但是美术方面的能力却不是一朝一夕能够提高的。毕业之后余静的应聘考试远不如同期的其他同学那么顺利,开始的几次都被游戏公司拒绝了。GA的就业指导老师帮她分析原因,寻找对策。一个重要的原因是,余静应聘了几个职位都是角色制作,角色设计师在美术基础上的要求是非常严格的。余静仅仅参加过一年的业余学习,与美术专业的应聘者竞争肯定是吃亏的。想明白这个道理后,余静改变了策略,精心制作了一些并不复杂的物件和场景,仔细观察生活中的真实物体,下了大功夫把这些看似简单的东西做得非常细致精细。果然,新的作品赢得了游戏公司的认可,最终顺利成为一名游戏场景设计师。 正所谓条条大路通罗马,前面提到的三位GA学员有着各自完全不同的教育背景和学习经历,最终都完成了同一个梦想。在这个过程中他们遇到的问题,和努力的重点,都是各不相同的。 在游戏美术领域,科班毕业的美术院校学生无疑是最具有优势的,他们受过专业、系统的美术教育,有扎实的基础,出色的艺术感觉,纯熟的绘画技法,这些对于一个游戏美工来说都是至关重要的。这一类人也是游戏公司比较欢迎的,因为他们往往具有很大的潜力,有很大的上升空间。但这一类学生面临的共同问题是他们学习的是传统意义上的美术,几乎没有接触过数码图形技术,不会使用各种软件。更不用说游戏行业内部的标准和流程,以及一些先进的技术手段。没有这些基本的技能,就算美术功底再好,也很难叩开游戏公司的大门。 因此,像李星这样的学生,其实努力的目标是很明确的。一是熟练掌握游戏开发中使用的各种软件;二是尽快适应一种全新的绘画方式;三是了解游戏开发的流程和一些重要的技术手段。虽然要学的东西非常多,但相对于美术方面的积累和提高,学习这些基本知识和技能还是一个比较容易见效的过程。应该说,这三类学生中,距离游戏行业最近的就是这第一类。 第二类是一些相关专业毕业的学生,这些专业并非纯粹的美术专业,但或多或少都跟美术有一些联系。他们在美术方面虽然不如美院的学生那么专业,但也都具备基本的手绘技能,有一定的美术感觉。例如建筑专业,工业设计专业,平面设计专业等等。这类学生的一个特点是,往往比第一类学生的软件应用能力强。甚至有一些能够比较熟练的应用3d软件。他们成为游戏美工的可能性也非常大,相对第一类学生来说,在软件方面的障碍更小。但摆在他们面前的有两个问题:第一,在技术方面并不了解游戏制作的特殊性。虽然他们有一定软件基础,或许在工作中也曾经应用过相应的软件,但游戏开发中的一些标准,习惯,以及一些特有的技术手段是他们无法掌握的。假如以往的经验形成了一定的思维定势,走入了一些技术误区,甚至有可能局限他在游戏领域的发展。第二个问题是,虽然他们比第一类学生在软件方面有优势,可能入行更容易一些,但在美术功底方面的不足可能会逐渐体现出来,限制今后的职业发展。 针对这两个问题,这一类相关专业学生的努力方向就应该有所不同。在初期的学习阶段,应该注重游戏开发实际工作能力的培养,站在一个游戏美术的角度去逐步养成一些应有的操作习惯,多把注意力放在游戏开发中特有的一些技术手段的学习上。像杨沈杰那样主动去参与一个小的项目开发会是非常好的学习方法。而更长期的学习重点还应该放在提高自己的艺术修养和美术功力上,作为一个游戏美术设计师,这将会是贯穿整个职业生涯的长期过程,只有不断的提高,才能获得更大的发展空间。 像余静这样的第三类学生应该说是面临最大困难的一类。甚至在很多人看来,让一个完完全全的门外汉在一两年里成为合格的游戏美术设计师根本就是一个不可能完成的任务。在几年前,游戏美术完全依靠手绘的时代,确实如此。不过近几年诞生了许多新软件,大大方便了3D模型的制作;以往完全依靠手绘的模型贴图,现在也可以通过修改一些现成的素材来完成。这使非美术专业的学生从事游戏美术设计工作成为可能。当然这会需要付出很大的努力。 对于第三类的学生来说,成为游戏美术设计师的道路无疑会比前两类学生更漫长也更艰难。除了坚持和努力之外,明确目标非常重要。很明显,这一类学生想在短期内达到美术院校学生的水平不是很现实。然而了解游戏公司的项目开发的话就不难知道,一个游戏中既有做角色,怪物,武器这些复杂物体的设计师。也有负责制作场景的设计师,一把椅子,一扇门,一盏路灯,这些物件的制作其实并不复杂,并不是高不可攀的。而且往往这些场景物件的制作量又很大,需要的美术设计师职位也很多。所以对于第三类学生,我们的建议是把有限的时间和精力用在一个点上。对于复杂物体模型的准确把握,这不是一朝一夕可以提高的,不如把精力更多地用在贴图的绘制上。一些简单的东西,如果做得精益求精,虽然看起来不炫不酷,也一样能够赢得工作的机会。 总的来说,游戏美工虽然是一个技术性、专业性很强的职业,但也并不是高不可攀。更重要的是,绝大部分游戏公司对于游戏美术的选拨都本着唯才是举的原则,这与很多行业是不同的,游戏美术设计师往往并不看重学历和证书。只要技术过关,作品能符合游戏公司的要求,实际制作考试能够体现出自己的水平,就可以成功就业。相信所有怀着游戏梦想的年轻人,只要目标明确,方法得当,都可以到达成功的彼岸。 美术理论论文:儿童美术教育管理论文 摘要:探索和建立我国社会主义21世纪的教育目标,是美术教育界共同关心的大事。有识之士认为“一个现代代的未来人,要有知识,才干,有开拓的思想和创新的精神。”这种观点反映了美术教育界对儿童人文教育的关注。儿童美术教育有利于培养儿童积极的情感及态度,发挥想象力。新世纪的儿童美术教育需要社会全方位的关怀,以人文精神为主线的美育是现代美术教育的主要特征。 一、儿童美术教育研究的背景 (一)时代所需的人才 未来社会是一个开放的、充满竞争的社会,竞争的优秀:是否拥有高素质创造型人才。探索、创新是社会发展的不竭动力。无论是在今天和明天的社会,如果不具备这样的能力,很难在充满竞争的社会里立足。进入21世纪,“以人为本,以培养综合性人才为宗旨”的现代教育思想越来越深入人心,这就迫切需要我们改革传统教育中只注重知识、技能的传递式教学,研究新时期的素质教育,注重情感、态度,注重探索、创造的开放式教育。 (二)儿童早期的艺术教育 情感源于艺术的锤炼,创新的精神源于对个性的尊重,而这些应是在儿童早期就撒播下的种子。自古以来,艺术作为生命的表现同它显著的感情效果和多样的社会机能,一直被视为有效的教育手段。孔子作为“万世师表”的大教育家,“游于艺”就是他重要的教育主张。时任中国教育会会长的蔡元培先生提出了“以美育代宗教”的著名观点,他“提倡美育,便是使人类能在音乐、雕刻、绘画、文学里找到他们遗失的情感。”古希腊著名哲学家亚里士多德在他的《教育论》中就曾提出“儿童学习艺术应该是为了发展优美的感情,不应变为手艺。” (三)儿童美术教育的功能 儿童美术教育在现代中国对于相当一部分人来说不再是一个陌生的名词。美术教育有利于培养儿童积极的情感、态度,有利于儿童想象思维、创新思维的发展,有利于培养儿童主体性品质和创新精神,特别是美术教育中注重对儿童个性和创造性潜能的开发,这是对人的发展最有价值的贡献。人的全面发展是人类努力追求的教育理想,儿童美术教育作为美育的一个重要门类始终在促进这一理想的实现。 童年的记忆使人刻骨铭心,因为个体早期生命经验的存在,组成的儿童种种涂画行为。根据陈鹤琴先生的研究发现,并断论:“没有一个儿童不喜欢涂画,儿童画是随着他的身心发展而发展的,与儿童的感觉、知觉、动作、骨骼、语言及思维等发展是密不可分的;同时也受着生活与教育实践的影响。儿童有运用符号表达情感的天赋,儿童的涂画和他们的精神世界总是相宜的。”前苏联教育家认为,美术教育的根本目的是培养“心灵”,让人自由成长,让想象自由飞翔,让心手合一,让色彩写在每一个孩子的脸上,即便是儿童美育的灵魂! (四)儿童美术教育中的现状 然而,随着科技的迅速发展,工业化程度的提高以及市场经济的深化,教育备受冲击,愈演愈烈的应试教育以及教育功利主义价值观不可避免地波及到儿童,儿童自出生的那一天就被置于一个由几千年的文化发展造成的复杂的文化社会结构中,他们还没具备抵御能力时却被成人所异化。在转型的现代社会中,成人对于生存和名利的压力无形中波及到儿童,使得本是最具人格陶冶感化作用的儿童美术教育被扭曲。有些家长和成人出于对儿童非理性期待,各种蜂拥而至,以盈利为目的的比赛,以及仅以技能技法为基础的培训等,致使儿童绘画中迎合和模仿的现象比比皆是。 曾几何时,儿童美术失去了它的情感色彩。台湾画家、作家、儿童美术教育家席幕容在她的《画出心中的色彩》一书中说:“应该让孩子在没有任何竞争压力下好好地度过一个快乐的童年。所以我不喜欢看儿童画展,更不爱看有大小奖状罗列的儿童画展……观察自然对于儿童不但是一种享受,还是一种资料的储存,一个处心积虑要先人一步的生活的开始,他已不再是儿童,或者说,他心中有一部分已不再是儿童了。”尽管席幕容此言看似偏激,但那确实是出于对儿童心理的感受与想象。鲁迅说:“杀死了今天也就杀死了明天,”一旦发生了席幕容所说的那种对儿童心理扭曲,“儿童画”也就失去了意义,也就没有所谓的鲜活的色彩。 (五)儿童美术教育与人文教育 早在文艺复兴时期,一些人文主义教育家便提出了以“人”为中心的教育指导思想,并主张重视美育,当时著名的教育家维多里诺正是因为看到了中世纪教会教育压抑人个性的那一面,才给自己创办的学校取名为“快乐之家”,并在学校的墙上饰以儿童游戏的绘画,以激发儿童的热情。 上个世纪90年代处一场有关“人文精神”的讨论在我国展开,它直截了当地触及了市场经济条件下人的生存意义与价值,涉及了社会思想、道德、精神、文化和教育的发展问题。虽然,“人文精神”是由文学界提出来的,但很快就超出了文学界,而成为众多学术界人士所关注的问题。现代教育的人文意义与价值及精神在教育中的体现是以人生为目的,人生理想、意义为优秀,继而延伸到知识、道德、审美等各个方面的。 我国儿童美术教育由于受到功利主义教育观的影响,教育的基点定位在知识和技能的层面,儿童感受到什么,有什么情感体验,他们喜欢怎么表达,这些问题往往被忽略,它的定位更多的是促进儿童心理走向成人心理的转换。当然,这种转换是需要的,但却不是唯一的。在美术活动中,感性的知识转授,人性化环境的熏陶,尊重儿童的情感体验,使之内化为稳定的人格、气质、修养等内在品格。儿童美术教育亿具有的人文性质是永恒的,它始终充满了人性化的关怀和关爱。正如近代学前教育理论的奠基人福禄贝尔所言:“探究的目的根本不在要成为一名画家,探究声音和唱歌的目的也绝不是要成为一名音乐家。”儿童的画来自于心灵的图式,这个图式凝聚了早期的生命体验,让我们暂且放下头脑中固有的对儿童绘画的非理性期待与标准,放下那些功利和条条框框,和儿童一起融入绘画。在儿童的美术世界中,给一份人文关怀,给一些宽容与理解。二、儿童美术教育需要人文教育结合 面对众多的困惑,很难说今天的儿童美术教育状况是令人满意的。谈起儿童美术教育时,很多家长和老师最关心的是“怎样教育”这一现实的问题,包括将孩子培养成什么样的人?孩子怎样才能提高画画水平等等。但是,谁都知道,不懂得心的教育就不能有好的教育主张和方法,不懂得儿童美术教育是什么,就不可能有突出的教学效果。丰子恺先生对人文精神的教育观体现了他对美术、音乐、文学的全面精通和研究,他将人文精神的塑造贯穿于整个教育中:儿童美术教育不仅涉及到美术学、教育学、社会学、美学、历史学、艺术门类等都有广泛的涉及。以人文为主线的美术文化贯穿于美术学科中,我们转达给儿童的视觉艺术应该具有一定的价值,儿童的潜在能力是通过人文文化的感召力来释放的。 (一)正确认识儿童美术教育在儿童心目中的地位 我们从来都是和孩子从同一方面看他们的画,而且是从同一视角。我们往往忘了考虑,儿童美术教育是一个承接和释放情感的载体,儿童绘画和他的身心发展一样,有一些早期的原生态净土,在这片净土上,每个孩子都在发展着自己的个性,按自己的规律成长。儿童美术教育在儿童心中具有不可替代的神圣的位置,教师和家长应该给孩子提供自由表现的机会,鼓励他们用不同的艺术形式大胆的表达自己的情感、理解和想像,尊重每一个孩子的想法和创造,肯定和接纳他们独特的审美感受和表现方式,分享他们创造的快乐。 (二)拓宽儿童美术视野,让儿童热爱美术 儿童美术教育是在多元文化影响下以多样性的面目出现的,是以多元文化思想渗透的、综合的、全面的审美文化教育,“美是生活”,生活中到处有美的事物。传统的美术课把主要的精力集中在绘画及技能的培养上,使原本应当丰富、生动活泼的美术课,变成了机械的模仿和乏味的操作训练。美术不应当局限于课堂中,课堂造成了儿童部分个性的缺失,束缚了他们的想像和创造,儿童美术教育的终点不是要儿童走向一个共同的点,这不是最终的目的。而应该注重过程,既在过程中提炼美术的精华,让每个孩子的个性不受阻碍,自由发展。 大自然是每一位儿童向往的天地,儿童的生活源于自然的观察和体验。观察是美术教育的教学优秀,是儿童绘画的源泉。孩子看的多,经历的多,留于心中的印象就越多,画画时内容就会丰富,想像即无穷。观察并不是让儿童照实描绘他们的所见,而是通过观察来培养他们对生活的一颗敏感、细嫩的心灵,丰富他们的感性认识,提高认知水平。教育者要善于抓住观察的时机,根据儿童的兴趣和适宜的环境,用积极的语言,提升儿童对绘画的兴趣。 儿童拥有稚嫩的童心,它无不被情所牵引。色彩是儿童表示情感的语言,教师要善于发掘每个孩子身上的潜能,知道他们表达的需要,选择他们所要表达的方式。心理学家发现,美术、音乐等艺术表现方式有利于人的身心健康发展,有利于心灵的平衡发展。要让孩子热爱美术,作为执教和教导者,对自身要有严格的要求,自己要热衷于生活中的美,保持对美术的热爱。用自己的热情感染每一颗渴望在白纸上“舞蹈”的心。 (三)美与情感 艺术来源于生活而又高于生活。高于生活是因为它提炼了生活中美好的东西,并融入了作者的思想感情。美术教育更是通过生活中那些直观、生动、具有美感形象的事物来进行的教育。因此,美术教育的一个重要任务就是:启迪儿童对真、善、美的认识,陶冶美的情操,激发美好的理想和追求。 罗丹曾说过:“生活并不是缺少美,而是缺少发现。”大自然的湖光山色、社会的风土人情、生活中人们的相互关爱,到处都蕴藏着美,需要我们引导幼儿去发现,并使他们知道美在哪?为什么美?使他们从小就受到美的熏陶,生活情趣高雅,积极向上。 爱因斯坦在他的《我的世界观》一文中说:“照亮我的道路,并不断给我新的勇气,去愉快地正视生活的理想,是真、善、美……”他确信“个人的生命只有当他用来使一切有生命的东西都生活的更高尚、更优美时才有意义”。爱因斯坦的精神境界造就了他的伟大,而这精神境界很重要的精神来源在于他从小对艺术的热爱。美术教育可以塑造人的灵魂,提高人的精神世界。 (四)美术教育体现人文的价值,为健全人格的塑造打基础 现代教育和教学思想非常重视“人”在教育中的地位,强调儿童为教学的主体,更注重人的品质与修养的培育,杜威提出要保存儿童的天性,……当读到这一段论述时,不由回想起尹少淳先生对儿童美术教育的一段精辟论述:“应该以一种发展的眼光看待儿童画,千万要保护儿童美术学习的重要品质:如高昂的兴趣,旺盛的想象力和主动大胆的创造精神。 福禄培尔(FriedrichFroebel,1782-1852)指出:一个孩子的主要性格,决定于个人兴趣愿望的自我活动。儿童可以从工作中学习,经由运动神经连接思想与行动,可说是发展思考过程的最佳方法。儿童把美术活动视为游戏,既有兴趣,又有参加活动的愿望。因此,美术教育很重要的一个教育功能——统整人格。 许多心理学家已经证明,自由说话或交谈,是缓和个人情感与他人之不和,以及侵蚀行动最有效的安全活塞。由于儿童语言发展的局限,他们还不善于用语言表达那些令他感到新奇或不满的事情,他们常选择绘画的方式来表达,边画边用语言来进行补充。这是因为美术活动比较开放,儿童可以不受限制自由灵活地表达自己的想法和愿望。这使他们的情绪、情感能够得到充分的渲泄,可以使儿童解脱心理压力和紧张,获得情感自由和适应能力,受到精神健康和心理治疗之效。 美术作品注重想象,提倡自由表达和创新,因而在美术创作中没有失败,不会产生挫折感,儿童的心情愉悦。在尝试操作或创作的过程中,他们可以在毫无压力的情况下,丰富自己的学习经验,体验到发现、探索的乐趣。在完成作品时,他们又充分感受到成功的喜悦,自信心油然而生。 每次美术尝试,对儿童来说是一次新的挑战,在新的挑战中他们所体验、感受的那份快乐、自信、成功,为他们今后能够勇敢面对新问题、新环境作好了准备。#P#三、全面发展的儿童美术教育 (一)把合适的美术教育还给孩子 日本的儿童美术教育重在体验与创造,他们准备了各种彩色泥土给孩子尽情玩乐,让孩子体验色彩、自由作画,鼓励个人的表达方式。而要让儿童画真正成为“儿童自己的画”,评价方面非常重要。日本公立幼儿园的教师从不对孩子的画横加评价,而是细心地把每个孩子的画悬挂张贴,由孩子们欣赏讨论。边霞博士认为我们的教师应该转换评价的方式,如可以问孩子“最喜欢哪一张”而不是“哪一张最好”,因为我们要做的是允许孩子表现和发展个人对世界的认识,允许不同评价尺度的存在,允许个性的发展。如果我们的评价还是教师一言堂,“这张画我喜欢”“这张画很干净”“这张画画得很好”“这张画乱七八糟,我不喜欢”,那么,只能说明我们还没有理解美术教育到底是为了什么,这样我们将永远不可能还给孩子真正意义上的美术教育。 (二)家庭与儿童美术教育 儿童的早期教学与家庭影响较大,在自由宽松氛围里生活的儿童,一般性格开朗,活泼好动,思维灵活,无拘无束。家庭是孩子的第一所学校,父母是他们的第一位老师。儿童是在成人的价值观里成长的,他们被家长所鼓励,赞扬的某一方面和水平,均是建立在家长的文化素养上。家长的价值观在许多方面与人文文化教育观背道而驰,但儿童天天都要和其打交道,生活在一起。在一种潜移默化的自然影响下,儿童们的身心和文化素质已开始有一定的模式,当这一模式与美术教育观念对话时,随时发生矛盾与冲突。 阿恩海姆评论说:“我想不出有什么艺术与美术创造中的基本因素是在儿童作品看不到萌芽的。”幼儿期是人的一生中最无忧无虑的阶段,没有学习任务和压力,他们可以自由尽情地去游乐,且乐此不疲地从事一切艺术活动。他们从自己的探索中不断得到反馈,得到享受。例如,儿童的绘画兴趣是这样被激发的:儿童随意涂抹,却能成为一幅作品得到成人的赞赏,这时所带给儿童的不仅是过程的愉悦,还能及时获得结果的享用。当他完成一幅来时,他会迫不及待希望成人分享他的快乐。这样,他也很容易从成人那里得到正面的反馈来加强作画的动机。 (三)教师与儿童美术教育 教师是人类文化的传递者,在现代儿童美术教育中他们所扮演的角色应是“援助者”而非“教导者”,互动中的儿童美术教育的结果是要把儿童引向一个较为完美的状态,而其中包含了人文的情怀及充满人文关怀的艺术教育。儿童美术教育是一种深层次的隐性文化教育,教师的素质和意识在美术教育中有很大的影响,一个能适应现代教育发展、胜任美术教学工作的教师,我认为需要具备以下基本素质: 1、走进童心世界 教师所耕耘的是一片净土。教师工作之所以纯洁,是因为他所面对的是一群纯洁的孩子,教育工作者不能容忍用肮脏的灵魂去玷污这圣洁的土地。做教育工作者不能没有爱心。热爱本职工作,就会自觉地去辛勤耕作,就会去认真地实践,就会时刻警告自己要跟上时代的步伐,不断更新知识,就会认真选择自己的事业,勇往直前。当好孩子的美术教师,必须要热爱生活,要有耐心,帮助孩子学会宽容和理解,使孩子能理解、尊重人、关心人,懂得如何和别人合作,能够很好地与人交流,相处与配合。 孩子是赤裸裸地来到这个世界的,他们的身上没有太多道德理论的束缚,对于孩子来说,兴趣是如此重要,教师要千方百计来保护,扶植儿童兴趣的萌芽。让我们暂且放下头脑中固有的对儿童绘画的种种期待与标准,和孩子一起,全身心地投入绘画,你不仅能发现孩子的另一个世界,也能唤醒你自己正在沉睡的另一种感悟。 2、精通本职专业,力求全面发展 作为一名教师要能解读儿童绘画,善于与儿童沟通。如果不能了解孩子就无法做好本职工作。现代儿童美术教育以人发展为中心,教育儿童的前提建立在尊重和了解儿童,一切以儿童心理发展规律为基础上。教师不仅要须知心理学知识,而且要具有理解儿童,善于和儿童建立密切融洽关系的本领。他们能随时进入儿童的天地中来,能听懂儿童的心声,知道儿童喜欢什么,需要什么,他们怎么想,怎么做;并能以平等、友善的态度与儿童做朋友。只有这样,教师才有资格去帮助和指导儿童。 美术教师还必须熟悉儿童们创造的视觉语言符号,能欣赏和正确评价儿童作品。儿童绘画反映儿童的内心世界,教师要通过儿童的作品去了解他们的爱好、性格,他们的成长状况。教师对儿童的艺术创造要充满热情,具有关爱之心,耐心地了解他们的想法,才能因势利导的做好教学工作。教师指导儿童不能以个人爱好为准则,不要对儿童轻易去批评和否定,要以友爱协商的态度,在美术活动中,至始至终,帮助儿童身心及人格的全面发展。 3、让人文教育走进儿童美术 人文教育提倡创建积极的充满人性味的师生关系和学习氛围,让每一个儿童在这种氛围中充分展现个性。《学会生存》中指出:“把一个人在体力、智力、情绪、伦理各方面的因素综合起来,使其成为一个完善的人。”换言之,人文教育强调以人为中心,注重教师所应具备的人性观。美术教师必须加强自身的知识的同时,也要加强历史感、责任感和自我感,那就是如何独立思考,发展自身,将人文科学、社会科学与自然科学相融相通。此外,也要了解外部民办及其面貌,与我们的感觉、心境、精神、情绪等所能体验到的内部世界融为一体。用这样的人文精神去开发儿童的美术素养,陶冶情操,促进个性发展。 “世间的大人们,你们是由儿童变成的,你们的童心不曾完全泯灭。你们应该时时召回自己的童心,亲身去看看儿童的世界,不要误解他们,虐待他们,摧残他们的美丽与幸福。”丰子恺先生对儿童心理的了解和对教师工作的要求使我们为感亲切。新世纪的儿童比以往更聪明,更具有探索精神,同时对教育的要求也就更加高了。他们生活在一个不断变化的环境中,在目前这种科技日益先进的社会生活里,美术学习有助于儿童发展自身最大的潜能。 让我们召唤社会各界人士共同关注正在成长的儿童美术教育,把精神、把传统、把最广泛意义下的文化相传下去;关怀意味着爱,用爱美化儿童心灵,缔造出具有灵性的儿童美术,还儿童一个率真的童年! 美术理论论文:美术教学法运用管理论文 [摘要]:新课程标准突出的特点就是注重学习方式的改进和指导,明确“教师应重视对学生学习方法的研究,引导学生以感受、观察、体验、表现以及收集资料等学习方法,进行自主学习与合作交流”。“尝试教学法”主张“先试后导,先练后讲,先学后教”,概括出以“尝试”贯之教学过程的教学模式,在中学美术教学实践中大有用武之地;“先试后导”实现了美术教师角色的换位;“先练后讲”实现了美术自学能力的培养;“先学后教”实现了美术创新能力的培养。 [关键词]:尝试教学、中学美术、教学主体、尝试作用 中小学教育改革轰轰烈烈,但传统的“注入式”、“--言堂”仍普遍存在,在调动学生学习主动性、创造性、积极性等方面还做得不够,学生自学能力弱。创造能力低,这种情况在我们欠发达地区显得尤为突出。在当前美术课教育中,也存在同样的弊端,传统的注入式教学方法严重地影响了学生的绘画兴趣,束缚学生智力的发展,能力的提高,不利于培养独立思考,勇于创新的开拓型人才。尝试教学理论,强调学生自主学习,主动参与,自由探究,主张“先试后导,先练后讲,先学后教”,具体操作是“从尝试入手,从练习开始”,采用灵活多样的尝试策略,为教学理论注入,新鲜血液。笔者认为美术课以练为主的学科特点非常适合运用“尝试教学法”,中学美术教学界有借鉴运用尝试教学理论的必要,“尝试教学法”在中学美术教学中大有用武之地,有利于推动美术教学改革,充分发挥美术教学在素质教育中的功能,促进全体学生在素质教育中均得到同步发展和提高。尝试教学法在中学美术课的意义主要表现在以下三个方面: 一、“先试后导”实现了美术教师角色的换位。 “先试后导”是指让学生根据教学目的先自己进行尝试。教师根据学生的尝试情况再进行指导,强调先让学生试一试。以练习为主的美术课正适合充分运用尝试教学法,以提高课堂教学效果。教师先不讲绘画技法或制作方法,而是让学生自行观察范作先试着画或试着做,这样一开始就把学生推到了主体地位,而教师则退居“幕后”,对课堂实行监控,及时指导.及时矫正,发挥主导作用。“先学后教,以学为主:先练后讲,以练为主”,充分体现了把课堂还给学生,把学习主动权交给学生的精神,改变了教师主宰课堂的现状,实现了教师角色的换位。这正是当前实行创新教育所必须的。 二、“先练后讲”实现了美术自学能力的培养。 “先练后讲”是指让学生根据自己对教学内容的理解先练习,教师在学生练习的基础上再进行讲解。当前,许多学生在美术课上习惯于听教师讲解后才进行练习,根本谈不上动脑筋自学。而尝试教学法将从一定程度上改变这种现象。尝试教学法,从问题开始,经自学自我解决间题,再经讨论才去听教师讲解,是有主体意识的学习。“先练后讲”的教学模式非常符合学生认识事物的一般规律,在其过程中所积累的经验特别具有深刻性,它不仅使学生学会一些绘画技巧,更重要的是在学会绘画技巧的过程中培养自学能力,掌握思考方法,发展智力,具有举一反三。触类旁通的本领,达到叶圣陶所说的“教是为了不教”的目的。如笔者在《美术字》的教学中,就是鼓励学生一边看步骤图及课本中的美术字写法与步骤,一边进行练习,给予尽可能大的空间发展其自学能力当学生碰到了百思不解的难点时,教师再及时给予讲解,这样在学生学会写美术字的同时培养了自学能力。 三、“先学后教”实现了美术创新能力的培养。 “先学后教”是指让学生先自学,教师在学生自学的基础上再进行全面系统的教授、尝试教学法冲破了“注入式”的传统教学方法的束缚,先让学生大胆去尝试运用绘画技法或进行手工制作。对于没有教过的绘画技法,看不懂的画面效果或脑中还未成形的制作方法,学生能够凭借已有旧知识大胆地尝试,通过自学相互相讨论,依靠自己的努力去尝试解决问题,这样,学生在不断地尝试中获得新知和能力,注重培养他们试一试的精神,长此以往,便逐步形成了创新精神和能力,不断提高创造美的能力。 在中学美术课中运用尝试教学法.强调学生的参与性,自主性、学生艺术思维能力的创造性等,着重于全面提高学生的艺术素质,使学生在受教育过程中主动、轻松,视学习为乐趣。尝试教学是素质教育的一个重要的教学模式,只要我们美术教育者不断摸索与实践,定能让这颗现代教学中的明珠放射出耀眼的光芒! 美术理论论文:美术课堂教学艺术管理论文 21世纪是个信息化的时代,社会的发展与人们观念的更新促使教师必须树立全新的教育理念,以发展的眼光看学生。美术课堂教学应以学生为主体,寓知识技能于兴趣之中,充分发展学生的个性,提高学生的审美能力,使美术学科成为一门活泼、轻松、富有魅力的学科,使美术课堂成为学生各显其能,发挥想象,并能与老师互动交流的场所。 随着二期课改的不断深入与发展,人们的各种教育观念也在不断更新,美术教育的内涵也在日益丰富。教师在“以学生发展为本”的教学理念指导下,应当改变以往单一的教学模式,在如何优化美术课堂教学方面大胆尝试、不断创新,使美术课堂教学优化为生动活泼、充满活力的教学过程。 第一、激发学生的学习兴趣,是优化美术课堂教学的重要前提。 兴趣是学习心理中最现实、最活跃的因素,它能够成为学习的直接动力。能否激发起学生的学习兴趣,是打开学生心扉、提高教学质量的捷径,也是优化美术课堂教学的前提。从兴趣入手,调动学生的学习动机,充分利用美术学科的特点优势来激发学生的学习兴趣,如在美术室注意环境布置营造气氛,教学中除了运用实物教具和挂图等简单手段,还运用音乐、幻灯、投影仪、电视录像、多媒体等电教手段来激发学生的学习兴趣,在美术课堂教学中如何激发学生的学习兴趣呢? (一)应用多媒体手段辅助美术教学,增加美术课堂教学对学生的吸引力。 在信息技术日益发达的当今社会中,现代教育呼唤教学手段的现代化,运用多媒体技术辅助美术教学既是当前教学改革的必然发展趋势,同时也是推进素质教育的一种必然要求。与传统教学手段相比较而言,现代多媒体教学的实效性强,有省时、省力、直观、灵活、生动、节奏快、容量大等特点。比如,在七年级的《结构素描》一课中,运用FLASH动画可以将“近大远小、近低远高”的透视规律直观地呈现出来,使学生一看就懂、一学就会;还可以在FLASH制作的运动画面中随心所欲地变化字体,使学生从中掌握美术字体的变化规律,同时大大提高学生的学习兴趣。再如:在以往的美术欣赏课的教学过程中,教师的资料来源往往局限于书本图片或几本书籍、杂志中的精彩图片,但那一张张小得可怜的图片使学生即使睁大眼睛,也看不清楚。如今,教师可以在课堂教学中运用多媒体技术,导入各种信息,并有机组合,声形并貌,这样,学生无论在课堂的任何角落都能看得清楚,也不会因为教师的语言不够生动、演示的画面过小而对美术失去兴趣。随着“校校通”的开通使用,一个美术课件可以为多所学校下载,网上资源可以共享,使得美术课堂素材更加丰富,有限资源得到无限使用。可想而知,只要老师能够充分地发挥多媒体的作用,对美术课堂教学来说,无疑大有裨益。 (二)拓展美术教学材料,丰富美术教学课程的内容。 当今的美术在现代艺术材料和艺术技术、交流传播媒体、视觉研究和信息技术的冲击下,在表现手法上已经发生了巨大的变化。这就要求老师用发展的眼光对待美术教学和学生,而不能只停留在教授学生掌握某种绘画技法上。比如,在七年级的《标志设计》一课的教学过程中,老师可以让学生采用即时贴进行剪贴的方法制作和创意小队活动的标志,从而塑造可爱、活泼、健康的小队形象,这样既省时、省力、又符合初中生好动的心理特点。美术材料的日益更新使得老师在设计教学思路和教学方法上有了拓宽思维和想象的空间,如鸡蛋壳工艺画的制作体现了变废为宝的环保意识,版画的制作体现了这种绘画流程给人带来的视觉美感和快感;再如,在八年级《纸的造型艺术》一课中,老师不仅仅要教学生纸的剪、折、裁、叠、卷等方法,还要使学生了解和感受到不同材质的纸张的制作特点,更主要的是让学生怎样运用学到的知识和技能美化自己的生活,做到学以致用,这就大大提高了学生的学习热情。 第二、创建轻松愉快的课堂教学氛围,是课堂教学的关键。 课堂氛围是师生共同在课堂上创造的心理和环境氛围。良好的课堂氛围能增进师生的情感交流,会产生更多的师生互动,学生愿意更多地表达自己。如何创建轻松愉快的课堂教学氛围呢? (一)充分运用教师语言的艺术。 课堂并非是老师的一言堂,因此老师的话不一定多,但要能给学生以启发和引导。老师就象是一位出色的演讲家,充分展示自己的教学语言艺术,言词中透露着思辩与智慧,话语中体现着幽默风趣、语调中包含着抑扬顿挫。老师在主导教学时应努力营造出一种宽松、愉快的课堂氛围,针对不同类型的学生,提高他们的学习主动性,使学生在繁重的学业中得以轻松地展现自我,那么,学生就会把对老师本人的喜欢迁移为对美术学科的热爱。以六年级的《发射构成纹样》一课为例,我先从生活中的一些自然现象,比如旋涡、波纹、射击的靶心等例子出发,用生动的语言帮助学生在头脑中引起暂时神经联系的兴奋,以唤起学生对感知过的事物或场景的联想;再促使学生比较这些现象的共同点:由中心向四周扩散,和由四周向中心集中;接着我以这些现象的共性向学生提问,从圆形引申到正方形、三角形以及不规则的图形等。最后我运用多媒体的动画效果展示一些发射构成纹样的作品,同时加以具体形象的描述,使学生从视觉和听觉上对发射构成纹样有了更深的了解,从完整意义上看,这是从认识到理解再到发展创造力的过程。在此教学过程中,老师的教学引导起到了很大的作用,课堂气氛宽松,学生思想活跃,他们的想象能力和动手能力得到了发挥,学生学会了发现与思考、同时也学会了探索与创造,从学生的作品中表现的正是不同层次的创作。 (二)尝试失败,因材施教,增强学生学好美术的信心。 与其他学科比较来说,美术学科更注重实践性和操作性。实践必然会有成功与失败,尝试失败的教学方法,就是事先不必给学生过多指导和框框加以限制,让学生在多次尝试与失败中自我进步。当学生在实践中出现错误时,或出现抵触情绪、不想画时,老师不应该责怪、批评学生,而应该意识到这是一个教育的契机,及时地给学生以鼓励和引导,帮助学生完成心中想要表现的作品,使学生在失败中学到许多东西。而对于基础较好的学生,教师可以鼓励他们大胆的尝试更新颖、独特的绘画方式,以培养他们的创新思维。比如在《剪纸》一课的教学过程中,学生很容易把剪纸和纸贴画混淆在一起,因此,学生的作业中有剪纸,也有纸贴画,出现这样的情况,老师只有通过展示一些个性鲜明的图例,帮助学生了解和区分纸的这两种不同的表现手法,而不能完全否认学生的作业,要帮助受挫的学生树立自信。随着时代的进步,美术课堂教学设计的目标已不再局限于区分门类和传授绘画技法上,而是能够利用所学的知识和技能进行变化和组合、创造出无数个新造型、新形象、新形式。 第三、注重对学生的个性化教育是课堂教学的重要目标。 个性化教育是未来教育的重要特征,它在承认学生共性的前提下,在教学过程中强调学生个性的培养和发挥,突出学生的个体差异性。在个性化教育过程中,师生间的情感联络和交流得到加强,学生能发挥更大的积极性和主观能动作用,从而增强自学、观察、分析、判断的能力和自我识别、自我评价和自我控制能力。 由于长期受应试教育思想的影响,在实践中有些教师并没有真正做到素质教育理念所要求的“以学生发展为本”,比如:他们让学生课堂讨论、动手练习,表面上似乎学生都很活跃,思维也开动起来了,但是,老师最后还是用一个标准答案无形中限制着学生的思维,学生还是要跟着老师的思路走。通过大量的实践练习,虽然学生的绘画技能有可能得到一定程度的提高,但是,这样很不利于学生创新意识的形成和个性的发展。我认为,“以学生发展为本”的先进教学理念所倡导的是,教师除了教会学生掌握基本的绘画技能外,还要指导学生如何把心中想画的东西画出来,甚至画得更好。传统的美术教学模式以门类、画种作为教学脉络,比较注重以教师为中心,是老师教学生怎么画,而现代美术教学模式提倡学生为中心,是教师帮助学生将他们想要展现的事物画得更好,是老师帮学生怎么画。比如:八年级的《漫画》的课堂教学中,我通过多媒体的教学手段展示名人漫画,使学生对漫画的多种形式一目了然;运用PHOTOSHOP的技术对图片进行修改,使人物的特征更加夸张,从而达到漫画效果;鼓励学生运用漫画的特殊功能把生活中的事物淋漓尽致地描绘出来,使学生能够从中分辨真善美与假恶丑。 优化美术课堂教学是一门艺术,而不仅仅是一门技术,它对开发学生的学习潜力,培养学生的创新意识和创新能力都起到很大的作用。美术教师要与时俱进,具备以人为本的思想,把握不同年龄段学生的身心特点和认知规律,悉心研究教学教法,改进教学,这样才能提高美术课堂教学的艺术。 美术理论论文:美术课堂艺术法教学管理论文 21世纪是个信息化的时代,社会的发展与人们观念的更新促使教师必须树立全新的教育理念,以发展的眼光看学生。美术课堂教学应以学生为主体,寓知识技能于兴趣之中,充分发展学生的个性,提高学生的审美能力,使美术学科成为一门活泼、轻松、富有魅力的学科,使美术课堂成为学生各显其能,发挥想象,并能与老师互动交流的场所。 随着二期课改的不断深入与发展,人们的各种教育观念也在不断更新,美术教育的内涵也在日益丰富。教师在“以学生发展为本”的教学理念指导下,应当改变以往单一的教学模式,在如何优化美术课堂教学方面大胆尝试、不断创新,使美术课堂教学优化为生动活泼、充满活力的教学过程。 第一、激发学生的学习兴趣,是优化美术课堂教学的重要前提。 兴趣是学习心理中最现实、最活跃的因素,它能够成为学习的直接动力。能否激发起学生的学习兴趣,是打开学生心扉、提高教学质量的捷径,也是优化美术课堂教学的前提。从兴趣入手,调动学生的学习动机,充分利用美术学科的特点优势来激发学生的学习兴趣,如在美术室注意环境布置营造气氛,教学中除了运用实物教具和挂图等简单手段,还运用音乐、幻灯、投影仪、电视录像、多媒体等电教手段来激发学生的学习兴趣,在美术课堂教学中如何激发学生的学习兴趣呢? (一)应用多媒体手段辅助美术教学,增加美术课堂教学对学生的吸引力。 在信息技术日益发达的当今社会中,现代教育呼唤教学手段的现代化,运用多媒体技术辅助美术教学既是当前教学改革的必然发展趋势,同时也是推进素质教育的一种必然要求。与传统教学手段相比较而言,现代多媒体教学的实效性强,有省时、省力、直观、灵活、生动、节奏快、容量大等特点。比如,在七年级的《结构素描》一课中,运用FLASH动画可以将“近大远小、近低远高”的透视规律直观地呈现出来,使学生一看就懂、一学就会;还可以在FLASH制作的运动画面中随心所欲地变化字体,使学生从中掌握美术字体的变化规律,同时大大提高学生的学习兴趣。再如:在以往的美术欣赏课的教学过程中,教师的资料来源往往局限于书本图片或几本书籍、杂志中的精彩图片,但那一张张小得可怜的图片使学生即使睁大眼睛,也看不清楚。如今,教师可以在课堂教学中运用多媒体技术,导入各种信息,并有机组合,声形并貌,这样,学生无论在课堂的任何角落都能看得清楚,也不会因为教师的语言不够生动、演示的画面过小而对美术失去兴趣。随着“校校通”的开通使用,一个美术课件可以为多所学校下载,网上资源可以共享,使得美术课堂素材更加丰富,有限资源得到无限使用。可想而知,只要老师能够充分地发挥多媒体的作用,对美术课堂教学来说,无疑大有裨益。 (二)拓展美术教学材料,丰富美术教学课程的内容。 当今的美术在现代艺术材料和艺术技术、交流传播媒体、视觉研究和信息技术的冲击下,在表现手法上已经发生了巨大的变化。这就要求老师用发展的眼光对待美术教学和学生,而不能只停留在教授学生掌握某种绘画技法上。比如,在七年级的《标志设计》一课的教学过程中,老师可以让学生采用即时贴进行剪贴的方法制作和创意小队活动的标志,从而塑造可爱、活泼、健康的小队形象,这样既省时、省力、又符合初中生好动的心理特点。美术材料的日益更新使得老师在设计教学思路和教学方法上有了拓宽思维和想象的空间,如鸡蛋壳工艺画的制作体现了变废为宝的环保意识,版画的制作体现了这种绘画流程给人带来的视觉美感和快感;再如,在八年级《纸的造型艺术》一课中,老师不仅仅要教学生纸的剪、折、裁、叠、卷等方法,还要使学生了解和感受到不同材质的纸张的制作特点,更主要的是让学生怎样运用学到的知识和技能美化自己的生活,做到学以致用,这就大大提高了学生的学习热情。 第二、创建轻松愉快的课堂教学氛围,是课堂教学的关键。 课堂氛围是师生共同在课堂上创造的心理和环境氛围。良好的课堂氛围能增进师生的情感交流,会产生更多的师生互动,学生愿意更多地表达自己。如何创建轻松愉快的课堂教学氛围呢? (一)充分运用教师语言的艺术。 课堂并非是老师的一言堂,因此老师的话不一定多,但要能给学生以启发和引导。老师就象是一位出色的演讲家,充分展示自己的教学语言艺术,言词中透露着思辩与智慧,话语中体现着幽默风趣、语调中包含着抑扬顿挫。老师在主导教学时应努力营造出一种宽松、愉快的课堂氛围,针对不同类型的学生,提高他们的学习主动性,使学生在繁重的学业中得以轻松地展现自我,那么,学生就会把对老师本人的喜欢迁移为对美术学科的热爱。以六年级的《发射构成纹样》一课为例,我先从生活中的一些自然现象,比如旋涡、波纹、射击的靶心等例子出发,用生动的语言帮助学生在头脑中引起暂时神经联系的兴奋,以唤起学生对感知过的事物或场景的联想;再促使学生比较这些现象的共同点:由中心向四周扩散,和由四周向中心集中;接着我以这些现象的共性向学生提问,从圆形引申到正方形、三角形以及不规则的图形等。最后我运用多媒体的动画效果展示一些发射构成纹样的作品,同时加以具体形象的描述,使学生从视觉和听觉上对发射构成纹样有了更深的了解,从完整意义上看,这是从认识到理解再到发展创造力的过程。在此教学过程中,老师的教学引导起到了很大的作用,课堂气氛宽松,学生思想活跃,他们的想象能力和动手能力得到了发挥,学生学会了发现与思考、同时也学会了探索与创造,从学生的作品中表现的正是不同层次的创作。 (二)尝试失败,因材施教,增强学生学好美术的信心。 与其他学科比较来说,美术学科更注重实践性和操作性。实践必然会有成功与失败,尝试失败的教学方法,就是事先不必给学生过多指导和框框加以限制,让学生在多次尝试与失败中自我进步。当学生在实践中出现错误时,或出现抵触情绪、不想画时,老师不应该责怪、批评学生,而应该意识到这是一个教育的契机,及时地给学生以鼓励和引导,帮助学生完成心中想要表现的作品,使学生在失败中学到许多东西。而对于基础较好的学生,教师可以鼓励他们大胆的尝试更新颖、独特的绘画方式,以培养他们的创新思维。比如在《剪纸》一课的教学过程中,学生很容易把剪纸和纸贴画混淆在一起,因此,学生的作业中有剪纸,也有纸贴画,出现这样的情况,老师只有通过展示一些个性鲜明的图例,帮助学生了解和区分纸的这两种不同的表现手法,而不能完全否认学生的作业,要帮助受挫的学生树立自信。随着时代的进步,美术课堂教学设计的目标已不再局限于区分门类和传授绘画技法上,而是能够利用所学的知识和技能进行变化和组合、创造出无数个新造型、新形象、新形式。 第三、注重对学生的个性化教育是课堂教学的重要目标。 个性化教育是未来教育的重要特征,它在承认学生共性的前提下,在教学过程中强调学生个性的培养和发挥,突出学生的个体差异性。在个性化教育过程中,师生间的情感联络和交流得到加强,学生能发挥更大的积极性和主观能动作用,从而增强自学、观察、分析、判断的能力和自我识别、自我评价和自我控制能力。 由于长期受应试教育思想的影响,在实践中有些教师并没有真正做到素质教育理念所要求的“以学生发展为本”,比如:他们让学生课堂讨论、动手练习,表面上似乎学生都很活跃,思维也开动起来了,但是,老师最后还是用一个标准答案无形中限制着学生的思维,学生还是要跟着老师的思路走。通过大量的实践练习,虽然学生的绘画技能有可能得到一定程度的提高,但是,这样很不利于学生创新意识的形成和个性的发展。我认为,“以学生发展为本”的先进教学理念所倡导的是,教师除了教会学生掌握基本的绘画技能外,还要指导学生如何把心中想画的东西画出来,甚至画得更好。传统的美术教学模式以门类、画种作为教学脉络,比较注重以教师为中心,是老师教学生怎么画,而现代美术教学模式提倡学生为中心,是教师帮助学生将他们想要展现的事物画得更好,是老师帮学生怎么画。比如:八年级的《漫画》的课堂教学中,我通过多媒体的教学手段展示名人漫画,使学生对漫画的多种形式一目了然;运用PHOTOSHOP的技术对图片进行修改,使人物的特征更加夸张,从而达到漫画效果;鼓励学生运用漫画的特殊功能把生活中的事物淋漓尽致地描绘出来,使学生能够从中分辨真善美与假恶丑。 优化美术课堂教学是一门艺术,而不仅仅是一门技术,它对开发学生的学习潜力,培养学生的创新意识和创新能力都起到很大的作用。美术教师要与时俱进,具备以人为本的思想,把握不同年龄段学生的身心特点和认知规律,悉心研究教学教法,改进教学,这样才能提高美术课堂教学的艺术。
艺术欣赏论文:艺术欣赏趣味优化论文 摘要:艺术趣味问题一直是艺术领域中一个重要的范畴。艺术趣味的高低、优劣无论是在艺术创作中还是艺术欣赏中都占有十分重要的地位。本文着重从艺术欣赏的角度入手,通过对艺术趣味含义、特性等方面的解析,从而进一步探讨如何优化艺术欣赏趣味,培育良好的艺术消费群体。 关键词:欣赏趣味优化 [1]189美国人本主义心理学家马斯洛认为:每个人一生下来就有一种高级的潜在的需要,即自我实现的需要,而审美需要即是其中的一种。而且当人的其他非审美需要得到相当的满足之后,那种整合的审美需要才能逐渐被主体意识到,从而化为人们追求美的积极动力,艺术创作与艺术欣赏活动便随之产生。但是由于艺术趣味的差异性,又使艺术创作或艺术欣赏活动因个体的差异而不同。一个人的艺术趣味决定了其艺术创作或欣赏活动的方向,同时艺术趣味的健康或病态、进步或落后亦决定了其艺术创作或欣赏活动的优劣,因而,艺术趣味是艺术领域中的一个重要范畴。 《当代世界美学艺术辞典》中对于艺术趣味的定义如下:“艺术趣味使之人以相应的方式欣赏和评价艺术作品的能力”。艺术趣味是个人(社会)艺术经验的概括,主要是在艺术的直接影响下形成的,但是不能认为艺术趣味只是派生与艺术客体的品质和与艺术客体接近的强度。在艺术趣味的形成和确立上,许多东西取决于一个人本身的生物心理特点:艺术感知能力,对于这一方面的过分强调唯心主义美学得出艺术趣味的本性以个人的天赋特性为基础的结论。按照马克思列宁主义美学的观点,艺术趣味的感性基础是受客观因素制约的。按伏尔泰的说法,艺术趣味是一种特殊的“对艺术中的美和丑的敏感”。艺术趣味的形成取决于许多因素,除了艺术经验外,还有个人的年龄、生理心理特点以及个人一定的社会群体属性和阶级属性、专业知识和生活经验、兴趣和需要的不同等。艺术史上常有某些艺术家由于思想和艺术立场的不同而不能接受其他艺术家创作的情况,列夫托尔斯泰曾否定莎士比亚的创作,斯塔索夫对布留洛夫的回话持批判态度,柴科夫斯基否定勃拉姆斯的音乐。这并不等于说列夫托尔斯泰等人的艺术趣味不高,而是在他们高度发展的趣味中存有某些片面的成分。趣味的多样性对艺术趣味中的个人判断与集体判断之间的相互关系也有影响,千百年来,唯心主义美学在这个问题上形成了“从少数人出发”的观点,这种观点把贵族“艺术行家”的个人主见同“大众”的意见加以对立。但也有与此完全不同的观点,即以“多数”表决的方式机械地解决艺术作品价值的问题。但是,无论哪一种观点都不能真正决定趣味判断的高低,真正的高低只能取决于对趣味水平客观的判断,但是要为真正客观的艺术趣味而斗争,必须始终注重讲求论争的文化修养,必须以尊重的态度对待论争者的趣味人格。 通过以上对艺术趣味的分析,可以看出,艺术趣味具有以下特点: 首先,艺术趣味具有差异性,这种差异性即表现为主体个性的差异和时代、民族、阶级的差异。 主体的个性特征,由先天与后天,生理与社会等多种因素的复杂影响所造成,因而是千差万别的,而这种差异性又给艺术趣味打上了深刻的印记,使艺术趣味也呈现出个性的差异,这主要体现在形象感知的差异和内容领悟的差异两方面。主体各感觉器官敏感程度的不同以及感官功能发展的不平衡是引起形象感知差异的主要生理原因,此外还有复杂的心理原因,如知觉不同,分析型和综合型以及介于二者之间的分析综合型对于事物的感知会有不同的结果,即由于生理心理上感知的差异,造成了个体形象感知的差异。再者,由于不同的主体对具体美感对象的态度、关系不同,感受时主体的选择方向、敏感程度、注意程度以及记忆联想的具体内容亦会有很大差别,因而其感受时的领悟和情感反应也就各不相同。同时主体对于某一艺术门类的形成、技巧和手法的熟悉程度,也直接影响到对艺术作品的体验和领悟的深度。 艺术趣味除了其存在主体个性特征的差异,不同时代,民族和阶级的艺术趣味也存在很大的差异性。特定时代的人们,由于受到时代特定的实践内容和社会思想的影响和制约,会形成特定时代的审美思想,并在这种审美理想的指导和规范下,形成具有时代特征的艺术趣味。不同的民族由于其生活习惯、思想文化传统和心理、情感等方面的差异,使不同民族间的文化心理各相歧异,其艺术趣味也就随之不同。由于阶级是建立在一定的经济基础之上的,不同的阶级,以其经济利益为基础,再结合不同的民族和时代特色,便形成自成一体的政治、思想、伦理和道德观念,同时亦形成了不同的审美理想和艺术趣味。 其次,艺术趣味除了其存在差异性外,亦存在着共同普遍性。艺术趣味欣赏的主体是人,人是不能脱离社会关系而独立存在的,做为一定生产关系、阶级关系、家庭关系及宗教关系等诸多社会关系的承担者,其艺术趣味就不能不包含和体现着其特定时代、民族和阶级的共同审美要求和趋向。正如黑格尔所说;“真正不朽的艺术作品当然是一切时代和一切民族所共赏的”,也就是说艺术趣味的共同性不仅存在于特定的时代、民族和阶级中,不同的时代、民族和阶级亦存在着共同的艺术趣味。当然艺术趣味的差异性和共同性并非截然分开,二者相互渗透,同中有异,异中有同。 既然艺术趣味存在着差异性和共同性,这就要求我们在培养和优化艺术趣味时要看到二者的区别和联系,既要注意其差异性,又不能忽视其共同性。在优化艺术趣味的具体措施方面,有以下几点体会: 第一、要优化艺术趣味首先要培养和提高欣赏者的艺术感知能力。人们在欣赏艺术作品时,必须以直接感知的方法去感知对象的色彩、线条、形状、声音等。现代心理学研究结果表明,人们感知所得信息总和的85%以上来自视听感官,正如马克思所讲的“感受形式美的眼睛”和“感受音乐美的耳朵”。知觉则是在感官的基础上对事物整体和综合的把握,它是一种积极的心理活动,人们只有具有敏锐的艺术感知能力,才能对艺术作品具有较强的感受能力,才能真正领略到艺术美感,从而进一步激发人们的审美需要和审美期待,并形成健康浓厚的艺术趣味。同时艺术感知能力的提高和审美欣赏水平的提高,使人们避免停留在庸俗或低级趣味的作品之上,而是转向典雅艺术,从而使艺术趣味得以优化。 第二,要优化艺术趣味,要求欣赏者树立科学的世界观和人生观,要加强自身的艺术修养和思想修养,如此才能更好地深入艺术作品深层,体验艺术的巨大魅力,获取更高级的审美愉悦。只有以科学的世界观和人生观做为指导,才能使人不致满足沉溺于低级庸俗时的津津自得,同时得益于深厚的文化修养和对艺术规律的独特把握,使欣赏主体能够充分自由地想象、回味、轻咂、细品作品的深邃,在艺术欣赏的过程中获得一种“高峰体验”,达到一种至高境界。好的作品能引起人们心灵上的共鸣,可以净化人的灵魂,而正是由于艺术作品如此强大的魅力,才吸引着无数的艺术创作者和艺术欣赏者为开拓和体验一个又一个艺术巅峰而努力和超越。 第三,由于艺术趣味的差异性,要求艺术家们根据不同的艺术趣味创作出符合不同审美需要的作品,以适应趣味多样化的要求;同时人们求新立异的心理也影响艺术趣味的多样性。犹如达尔文的进化论中物种的变异产生了物种的多样性,进而才有了自然选择和优胜劣汰,艺术作品也需要有多样性来挑逗人的视觉和感官。因为,如果艺术作品单一,长此以往,欣赏者对此类艺术作品的趣味就会减弱甚至消失,因此艺术需要变异。一些美学家曾认为美在新奇,主张艺术家要善于发现,选择新的角度、途径和方法形式去创造新的艺术风格,“一部艺术史实际便是风格史,所谓风格史,也即是自我感受的变迁史”。如在文学中,新词丽句,怪字僻语、独特比喻等易于产生陌生感和新鲜感,从而引起人们的关注,所以某些形式主义文学理论主张写作要选择异于日常语法规范的词汇和句子。但是若单独为追求关注而在艺术创作上孤投一掷,又会使艺术陷入畸形和扭曲的病态。真正的艺术来源于真实的生活,只有艺术家善于从平凡的生活中发掘出不平凡的内涵,才能真正引起欣赏者的共鸣。看米勒的《拾穗者》,恍惚之中,自己已成为他们中的一员,在金色的夕阳下,正置身于归家的途中 在物质文明高度发达的今天,精神文明亦得到了充分的发展。随着人民物质文化生活水平的提高,艺术作为自我实现的途径之一,亦愈来愈被人们倾注了更多的感情。但是在物欲横流的世界中,艺术界亦是异彩纷呈,艺术作品好劣不等,参差不齐,因此在这样的情况下有必要对人们的艺术欣赏的选择性加以规范和引导,培养健康稳定的艺术消费群体,而非放任自流,任其发展。同时要优化艺术趣味,政府主管部门也要对艺术创作和欣赏活动加以规范和引导,禁止低级庸俗的艺术品流入市场。 艺术欣赏论文:高校艺术欣赏课多媒体教学论文 一、尽管多媒体技术在艺术欣赏教学中优化 了学习环境,拓展了学习空间,活跃了课堂氛围,提高了教学效率,但在不断地实践中也逐渐暴露出其缺陷和不足,主要有: 一是,教师教学主导性被弱化。多媒体课件的制作总是在教师备课的基础上根据教学预设将课程相关信息组合而成的。也就是说,在上课前就已经形成了一个关于教学内容和授课过程的框架,上课时教师基本上按照这个框架的逻辑关系进行教学的,这很容易使教师受到束缚,影响教师对课堂教学的把控,削弱教师教学主导性的发挥。对于艺术欣赏课来说,如果按课件设计依次呈现教学内容,本来应有的教师现场的即兴表演、示范、演讲、讨论等就会被一些已经安排好的音像以及现成的结论展示所取代,表面上看似乎热热闹闹,实际上把教师讲课变成了课件演示,教师成为教学中的配角,失去了引领整个教学过程的地位,与学生失去了互动和交流,拉开了与学生间的距离,使整个课堂毫无生气,教学效果大打折扣。 二是,信息量繁杂引发审美疲劳。的确,多媒体技术巨大的信息容纳功能极大地拓展了艺术学习的空间,改善了学习环境,但是过多地采用音乐、图片、视频、动画等信息材料来充实和补充教学内容,必定会造成教学内容的繁杂,重点内容无法突显。有时教师为了完成教学内容展示更多信息,只能加快速度,从而忽视学生接受和理解知识的节奏,使学生没有充足的时间去体会、感悟艺术作品,也没有时间去思考艺术相关问题,艺术学习只能是走马观花,不仅无法抓住重点,反而会丧失兴趣,引起审美疲劳。 三是,忽视课程内容关注外在形式。为了提高学生的学习兴趣,调动其积极性,有些教师将更多精力放在课件本身的形式上,比如模板的选择、图片的运用、音乐的穿插以及它们之间的配合与变化,力求课件形式的完美,甚至为了吸引学生的眼球无意中牺牲一些相当重要的内容,为课件而课件,逐渐模糊了教学目标,远离了教学内容,只能给学生留下课件精美的印象,对于应该了解的艺术作品及其深层含义仍然一无所知。 四是,课后设计缺失。目前多数多媒体教学只注重课前的备课及教学设计,只要将教学内容以多媒体课件的形式整理出来,并结合多种信息组合在课程中呈现出来就算结束了,至于课后学生如何进行复习,如何进行课后的拓展学习,如何完成作业,如何进行平时的考核,教师很少关注,因而也很少在进行课件制作时去考虑这些问题,艺术欣赏课程的教学也不例外。对于非艺术专业学生来讲,课堂学习艺术的时间毕竟很有限,留下的课后时间和空间的空白,不能不说是一种遗憾。这些问题的出现,笔者认为可以归结为几个方面的原因:一方面对多媒体技术在教学中的角色和地位认识不足。多媒体技术在教学中的优越性使一些教师忽视了它真正的地位和作用,没有更明确的认识到多媒体技术的作用是结合教学内容对各类信息进行整合,以一种新的教学方式,提高教学效果,是为教学本身服务的。无论其设计多么新颖、功能多么强大也不能完全取代其他的教学手段,也不能取代教师的教学主导作用,只是教学的辅助手段;另一方面多媒体技术应用能力不足。虽然多媒体技术在教学中已被使用多年,但整体运用水平不高,多数教师只是做到将图片、音像及文字材料按照事先准备的提纲整合在一起,缺乏对多媒体技术的进一步挖掘、应用和创新的能力。对信息的分析选择、信息的再次加工、信息的合理利用仍然处于初级状态,不能真正达到教学的要求。另外,多媒体技术与教 二、目前,普通高校中多媒体技术与各类课程 有机结合,以它特有的形象性、生动性和丰富性,改善了教学环境,提升了教学效果,为教学质量的提升产生了积极的作用。其中,多媒体技术与艺术欣赏课程的有机结合,更为高校非专业艺术教育教学带来了新的生机和活力,其作用主要表现为: 一是,多媒体技术将课程中的文字、图片、声音、视频等多种信息聚集起来,通过整合构成一种声画并茂、视听全面、动静变化的丰富有趣的教学形式,营造了一个全新的艺术学习环境。它以生动活泼的画面、富于趣味以及声情并茂的展示,彻底改变了过去欣赏课中音乐欣赏只靠录音机,美术作品只有少数范图,教师只凭一张嘴介绍分析作品的尴尬局面,使课堂变得更富吸引力。 二是,多媒体技术可以容纳更多的与课程内容相关的信息,除了各类艺术作品之外,还有大量的涉及艺术学科前沿和新艺术潮流等信息,为学生创设了一个超越时空的新的艺术世界,拓展了认识艺术、感悟艺术、理解艺术和研究艺术的空间,充分调动了学生视听等感觉器官,强化了艺术学习的效果。 三是,多媒体技术为艺术作品的欣赏提供了多样的呈现方式,无论是音乐作品还是美术作品都可以以更多的形式引入课堂,比如对于绘画作品欣赏,既可以直接用多媒体展示作品进行介绍,也可以用有关于作品的故事等视频播放展开,还可以借助一些有关的音乐材料加以展示等,这些多样化的引入手段可以使学生更快进入课程情境,从多个侧面和角度去感受和体会,从而获得对作品的感悟,更好把握作品真正的内涵。 四是,多媒体技术所具有操作的快捷性,既使某些教学环节得以精简,教师有更充裕的时间对艺术作品进行深入的讲解和分析,又可以将经典艺术作品反复呈现,为学生接触艺术作品提供充足的机会,利于突出教学重点和难点,强化教学效果。尽管多媒体技术在艺术欣赏教学中优化了学习环境,拓展了学习空间,活跃了课堂氛围,提高了教学效率,但在不断地实践中也逐渐暴露出其缺陷和不足,主要有: 一是,教师教学主导性被弱化。多媒体课件的制作总是在教师备课的基础上根据教学预设将课程相关信息组合而成的。也就是说,在上课前就已经形成了一个关于教学内容和授课过程的框架,上课时教师基本上按照这个框架的逻辑关系进行教学的,这很容易使教师受到束缚,影响教师对课堂教学的把控,削弱教师教学主导性的发挥。对于艺术欣赏课来说,如果按课件设计依次呈现教学内容,本来应有的教师现场的即兴表演、示范、演讲、讨论等就会被一些已经安排好的音像以及现成的结论展示所取代,表面上看似乎热热闹闹,实际上把教师讲课变成了课件演示,教师成为教学中的配角,失去了引领整个教学过程的地位,与学生失去了互动和交流,拉开了与学生间的距离,使整个课堂毫无生气,教学效果大打折扣。 二是,信息量繁杂引发审美疲劳。的确,多媒体技术巨大的信息容纳功能极大地拓展了艺术学习的空间,改善了学习环境,但是过多地采用音乐、图片、视频、动画等信息材料来充实和补充教学内容,必定会造成教学内容的繁杂,重点内容无法突显。有时教师为了完成教学内容展示更多信息,只能加快速度,从而忽视学生接受和理解知识的节奏,使学生没有充足的时间去体会、感悟艺术作品,也没有时间去思考艺术相关问题,艺术学习只能是走马观花,不仅无法抓住重点,反而会丧失兴趣,引起审美疲劳。 三是,忽视课程内容关注外在形式。为了提高学生的学习兴趣,调动其积极性,有些教师将更多精力放在课件本身的形式上,比如模板的选择、图片的运用、音乐的穿插以及它们之间的配合与变化,力求课件形式的完美,甚至为了吸引学生的眼球无意中牺牲一些相当重要的内容,为课件而课件,逐渐模糊了教学目标,远离了教学内容,只能给学生留下课件精美的印象,对于应该了解的艺术作品及其深层含义仍然一无所知。 四是,课后设计缺失。目前多数多媒体教学只注重课前的备课及教学设计,只要将教学内容以多媒体课件的形式整理出来,并结合多种信息组合在课程中呈现出来就算结束了,至于课后学生如何进行复习,如何进行课后的拓展学习,如何完成作业,如何进行平时的考核,教师很少关注,因而也很少在进行课件制作时去考虑这些问题,艺术欣赏课程的教学也不例外。对于非艺术专业学生来讲,课堂学习艺术的时间毕竟很有限,留下的课后时间和空间的空白,不能不说是一种遗憾。 三、这些问题的出现,笔者认为可以归结为几个方面的原因 一方面对多媒体技术在教学中的角色和地位认识不足。多媒体技术在教学中的优越性使一些教师忽视了它真正的地位和作用,没有更明确的认识到多媒体技术的作用是结合教学内容对各类信息进行整合,以一种新的教学方式,提高教学效果,是为教学本身服务的。无论其设计多么新颖、功能多么强大也不能完全取代其他的教学手段,也不能取代教师的教学主导作用,只是教学的辅助手段;另一方面多媒体技术应用能力不足。虽然多媒体技术在教学中已被使用多年,但整体运用水平不高,多数教师只是做到将图片、音像及文字材料按照事先准备的提纲整合在一起,缺乏对多媒体技术的进一步挖掘、应用和创新的能力。对信息的分析选择、信息的再次加工、信息的合理利用仍然处于初级状态,不能真正达到教学的要求。 四、另外,多媒体技术与教学设计结合不到位也是一个重要原因 目前多媒体技术与教学设计的结合仅限于课堂内容,既缺少对技术运用前的充分准备和认真思考,又缺乏课后多媒体技术如何发挥更大作用的探索,即在欣赏课教学设计时对如何全面发挥媒体技术的作用还缺乏更深层次的研究和探索,无法展示其更多优势。基于以上原因,笔者认为充分发挥多媒体技术的优势,进一步改善艺术欣赏课教学,最大限度的提高教学效果必须从以下几个方面加以改进。 一是,充分关注教师的教学主导地位。教师的主导地位应该体现于整个的教学过程的各个环节中。备课时教师应将学生实际状况、教学内容和多媒体技术通盘考虑进行教学设计,要特别注重讲授知识的结构性和系统性,同时要对教学中不同知识如何展开以及音像图片等信息的穿插运用有一定的预见性,在媒体制作时必须进行认真考虑。使用多媒体教学时,教师要随时观察学生的情绪变化,根据具体情况调整媒体播放和展示的进度,同时可以改变策略,或者采取现场示范演唱的方式,或者邀请同学演唱的方式,或者以提问研讨的方式等调整教学节奏,为学生营造一个深入体验艺术作品的空间,吸引学生的注意力和兴趣。同时,要利用多媒体所包含的各类信息引导学生加入到对艺术问题的探究和讨论中来,比如,在讨论戏曲面具创作的基本规律时,通过媒体展示各种具有代表性的面具,引导学生对面具及人物特征之间关系进行思考和讨论,得出面具创作的基本特征,并结合这一认识让同学们自己设计面具,在整个过程中增强师生间的互动性,充分凸显学生的主体性。 二是,开发多媒体艺术实践功能。要改变欣赏课教学中单一地展示音像图片资料、边看边讲解的程式化授课方式,应该在课程中利用多媒体技术多设计一些艺术实践的环节。因为对艺术的理解和感悟在很大程度上来源于亲自实践,动手画一画才能感受到笔墨的魅力,才能了解色彩的和谐,才能明白构图的独特;拍过照片才能了解光线与色彩变化的微妙关系,等等。也就是说,艺术实践是欣赏课教学中的重要组成部分,不应被忽视,可以根据具体情况教学生一些简单的自拍视频制作、卡通动漫的制作以及微电影的拍摄等,还可以指导学生借助媒体进行新的绘画、歌曲等作品的创作。这些实践活动巧妙地把学生的实践体验和鉴赏体验结合在一起,使学生获得更丰富的对美的体验,激发其想象力,提升其创造力。 三是,进一步研究和挖掘多媒体技术的潜力,使其应用在课内外全面展开。高校非艺术专业的艺术欣赏课多数为选修课,无论是课程内容还是课程时数都非常有限,只关注多媒体技术在课堂中发挥作用还远远不够,应该让其在课外自学活动、校园文化活动、社团文化活动等方面发挥更重要的作用,因为这些都是学生进行艺术欣赏活动的重要时空段,应充分利用校园网络资源积极开发多媒体技术,努力创建课外的艺术学习新环境。可以通过建立艺术学习网络平台,将课程介绍,课件以及相关学习内容放到网络上,让学生自主学习;也可以设置艺术论坛,使学生与教师、学生与学生、教师与教师之间就某些艺术问题展开讨论,强化课堂教学效果;还可以借助网络建立学生学习考核评价电子档案,既能够让学生看到自己的进步,又能够帮助教师公正地进行学习考核。另外,可以将更多艺术学科研究最新动向及当前流行的新艺术介绍等信息引入,让艺术欣赏不只停留在经典作品上,还能够跟上时代的变化,让学生打开眼界,真正爱艺术,懂艺术,学会用最美的心创造未来的人生。当然,还可以利用网络传递学生自己的文化艺术活动信息,比如社团文艺活动、专家讲座实况、学生的艺术作品展等。一句话,就是要借助多媒体技术让艺术学习全面渗透到学生的学习生活中,与课堂教学相互补充,形成更符合学生及学校实际的艺术教育的良好环境,为学生艺术素质的提升发挥更好的作用。 四是,加强教师培训,全面提升教师媒介素养。媒介素养简单说就是我们面对各种大众传媒信息时的理解、评价、选择、创造、加工等能力,这其中辨别选择能力和创造制作能力对承担艺术课程的教师尤其重要,因为目前各种媒介为艺术欣赏课程提供了众多的信息和素材,从艺术作品到各种评论,从艺术发展趋势到各种新艺术等应有尽有,极其繁杂,筛选和利用信息的问题就成为一个关键。艺术教师首先应该参加相关培训进一步提高对媒介的认识,正确理解媒介的性质和功能,学会以批判的眼光来看待媒介信息,以减少负面信息的影响。其次,是要有意识地多接触媒介传播信息,积极利用各种方式交流信息、知识和经验,加强信息互动以及提升对信息的辨识能力,以便筛选和利用。再次应该接受专门的媒体技术使用的培训,全面提升对媒体技术的运用和开发能力,更好为教学服务。最后,除了艺术方面的知识和素养以外,还应学习其他相关方面的知识,不断提升综合素质,这也是强化媒介素养的重要基础。 作者:呼宇 程海艳 单位:甘肃中医学院 艺术欣赏论文:艺术欣赏趣味的优化透析论文 摘要:艺术趣味问题一直是艺术领域中一个重要的范畴。艺术趣味的高低、优劣无论是在艺术创作中还是艺术欣赏中都占有十分重要的地位。本文着重从艺术欣赏的角度入手,通过对艺术趣味含义、特性等方面的解析,从而进一步探讨如何优化艺术欣赏趣味,培育良好的艺术消费群体。 关键词:欣赏趣味优化 [1]189美国人本主义心理学家马斯洛认为:每个人一生下来就有一种高级的潜在的需要,即自我实现的需要,而审美需要即是其中的一种。而且当人的其他非审美需要得到相当的满足之后,那种整合的审美需要才能逐渐被主体意识到,从而化为人们追求美的积极动力,艺术创作与艺术欣赏活动便随之产生。但是由于艺术趣味的差异性,又使艺术创作或艺术欣赏活动因个体的差异而不同。一个人的艺术趣味决定了其艺术创作或欣赏活动的方向,同时艺术趣味的健康或病态、进步或落后亦决定了其艺术创作或欣赏活动的优劣,因而,艺术趣味是艺术领域中的一个重要范畴。 《当代世界美学艺术辞典》中对于艺术趣味的定义如下:“艺术趣味使之人以相应的方式欣赏和评价艺术作品的能力”。艺术趣味是个人(社会)艺术经验的概括,主要是在艺术的直接影响下形成的,但是不能认为艺术趣味只是派生与艺术客体的品质和与艺术客体接近的强度。在艺术趣味的形成和确立上,许多东西取决于一个人本身的生物心理特点:艺术感知能力,对于这一方面的过分强调唯心主义美学得出艺术趣味的本性以个人的天赋特性为基础的结论。按照马克思列宁主义美学的观点,艺术趣味的感性基础是受客观因素制约的。按伏尔泰的说法,艺术趣味是一种特殊的“对艺术中的美和丑的敏感”。艺术趣味的形成取决于许多因素,除了艺术经验外,还有个人的年龄、生理心理特点以及个人一定的社会群体属性和阶级属性、专业知识和生活经验、兴趣和需要的不同等。艺术史上常有某些艺术家由于思想和艺术立场的不同而不能接受其他艺术家创作的情况,列夫托尔斯泰曾否定莎士比亚的创作,斯塔索夫对布留洛夫的回话持批判态度,柴科夫斯基否定勃拉姆斯的音乐。这并不等于说列夫托尔斯泰等人的艺术趣味不高,而是在他们高度发展的趣味中存有某些片面的成分。趣味的多样性对艺术趣味中的个人判断与集体判断之间的相互关系也有影响,千百年来,唯心主义美学在这个问题上形成了“从少数人出发”的观点,这种观点把贵族“艺术行家”的个人主见同“大众”的意见加以对立。但也有与此完全不同的观点,即以“多数”表决的方式机械地解决艺术作品价值的问题。但是,无论哪一种观点都不能真正决定趣味判断的高低,真正的高低只能取决于对趣味水平客观的判断,但是要为真正客观的艺术趣味而斗争,必须始终注重讲求论争的文化修养,必须以尊重的态度对待论争者的趣味人格。 通过以上对艺术趣味的分析,可以看出,艺术趣味具有以下特点: 首先,艺术趣味具有差异性,这种差异性即表现为主体个性的差异和时代、民族、阶级的差异。 主体的个性特征,由先天与后天,生理与社会等多种因素的复杂影响所造成,因而是千差万别的,而这种差异性又给艺术趣味打上了深刻的印记,使艺术趣味也呈现出个性的差异,这主要体现在形象感知的差异和内容领悟的差异两方面。主体各感觉器官敏感程度的不同以及感官功能发展的不平衡是引起形象感知差异的主要生理原因,此外还有复杂的心理原因,如知觉不同,分析型和综合型以及介于二者之间的分析综合型对于事物的感知会有不同的结果,即由于生理心理上感知的差异,造成了个体形象感知的差异。再者,由于不同的主体对具体美感对象的态度、关系不同,感受时主体的选择方向、敏感程度、注意程度以及记忆联想的具体内容亦会有很大差别,因而其感受时的领悟和情感反应也就各不相同。同时主体对于某一艺术门类的形成、技巧和手法的熟悉程度,也直接影响到对艺术作品的体验和领悟的深度。 艺术趣味除了其存在主体个性特征的差异,不同时代,民族和阶级的艺术趣味也存在很大的差异性。特定时代的人们,由于受到时代特定的实践内容和社会思想的影响和制约,会形成特定时代的审美思想,并在这种审美理想的指导和规范下,形成具有时代特征的艺术趣味。不同的民族由于其生活习惯、思想文化传统和心理、情感等方面的差异,使不同民族间的文化心理各相歧异,其艺术趣味也就随之不同。由于阶级是建立在一定的经济基础之上的,不同的阶级,以其经济利益为基础,再结合不同的民族和时代特色,便形成自成一体的政治、思想、伦理和道德观念,同时亦形成了不同的审美理想和艺术趣味。 其次,艺术趣味除了其存在差异性外,亦存在着共同普遍性。艺术趣味欣赏的主体是人,人是不能脱离社会关系而独立存在的,做为一定生产关系、阶级关系、家庭关系及宗教关系等诸多社会关系的承担者,其艺术趣味就不能不包含和体现着其特定时代、民族和阶级的共同审美要求和趋向。正如黑格尔所说;“真正不朽的艺术作品当然是一切时代和一切民族所共赏的”,也就是说艺术趣味的共同性不仅存在于特定的时代、民族和阶级中,不同的时代、民族和阶级亦存在着共同的艺术趣味。当然艺术趣味的差异性和共同性并非截然分开,二者相互渗透,同中有异,异中有同。 既然艺术趣味存在着差异性和共同性,这就要求我们在培养和优化艺术趣味时要看到二者的区别和联系,既要注意其差异性,又不能忽视其共同性。在优化艺术趣味的具体措施方面,有以下几点体会: 第一、要优化艺术趣味首先要培养和提高欣赏者的艺术感知能力。人们在欣赏艺术作品时,必须以直接感知的方法去感知对象的色彩、线条、形状、声音等。现代心理学研究结果表明,人们感知所得信息总和的85%以上来自视听感官,正如马克思所讲的“感受形式美的眼睛”和“感受音乐美的耳朵”。知觉则是在感官的基础上对事物整体和综合的把握,它是一种积极的心理活动,人们只有具有敏锐的艺术感知能力,才能对艺术作品具有较强的感受能力,才能真正领略到艺术美感,从而进一步激发人们的审美需要和审美期待,并形成健康浓厚的艺术趣味。同时艺术感知能力的提高和审美欣赏水平的提高,使人们避免停留在庸俗或低级趣味的作品之上,而是转向典雅艺术,从而使艺术趣味得以优化。 第二,要优化艺术趣味,要求欣赏者树立科学的世界观和人生观,要加强自身的艺术修养和思想修养,如此才能更好地深入艺术作品深层,体验艺术的巨大魅力,获取更高级的审美愉悦。只有以科学的世界观和人生观做为指导,才能使人不致满足沉溺于低级庸俗时的津津自得,同时得益于深厚的文化修养和对艺术规律的独特把握,使欣赏主体能够充分自由地想象、回味、轻咂、细品作品的深邃,在艺术欣赏的过程中获得一种“高峰体验”,达到一种至高境界。好的作品能引起人们心灵上的共鸣,可以净化人的灵魂,而正是由于艺术作品如此强大的魅力,才吸引着无数的艺术创作者和艺术欣赏者为开拓和体验一个又一个艺术巅峰而努力和超越。 第三,由于艺术趣味的差异性,要求艺术家们根据不同的艺术趣味创作出符合不同审美需要的作品,以适应趣味多样化的要求;同时人们求新立异的心理也影响艺术趣味的多样性。犹如达尔文的进化论中物种的变异产生了物种的多样性,进而才有了自然选择和优胜劣汰,艺术作品也需要有多样性来挑逗人的视觉和感官。因为,如果艺术作品单一,长此以往,欣赏者对此类艺术作品的趣味就会减弱甚至消失,因此艺术需要变异。一些美学家曾认为美在新奇,主张艺术家要善于发现,选择新的角度、途径和方法形式去创造新的艺术风格,“一部艺术史实际便是风格史,所谓风格史,也即是自我感受的变迁史”。如在文学中,新词丽句,怪字僻语、独特比喻等易于产生陌生感和新鲜感,从而引起人们的关注,所以某些形式主义文学理论主张写作要选择异于日常语法规范的词汇和句子。但是若单独为追求关注而在艺术创作上孤投一掷,又会使艺术陷入畸形和扭曲的病态。真正的艺术来源于真实的生活,只有艺术家善于从平凡的生活中发掘出不平凡的内涵,才能真正引起欣赏者的共鸣。看米勒的《拾穗者》,恍惚之中,自己已成为他们中的一员,在金色的夕阳下,正置身于归家的途中 在物质文明高度发达的今天,精神文明亦得到了充分的发展。随着人民物质文化生活水平的提高,艺术作为自我实现的途径之一,亦愈来愈被人们倾注了更多的感情。但是在物欲横流的世界中,艺术界亦是异彩纷呈,艺术作品好劣不等,参差不齐,因此在这样的情况下有必要对人们的艺术欣赏的选择性加以规范和引导,培养健康稳定的艺术消费群体,而非放任自流,任其发展。同时要优化艺术趣味,政府主管部门也要对艺术创作和欣赏活动加以规范和引导,禁止低级庸俗的艺术品流入市场。 艺术欣赏论文:书法艺术欣赏论文 分析、欣赏书法作品,可以从如下几个论文方面入手:字的笔画长短、粗细、浓淡是否多变而适宜;字的“重心”能否给人以稳健的感觉;字势是否自然;看整篇书法作品的章法、笔势是否一气呵成、融会贯通;看书法作品中的笔法是否有法度有新意;在欣赏书法作品时,要适当地了解其创作的时代背景;欣赏书法要有一定的艺术想象力,要防止以实论实。 [关键词]书法艺术书法欣赏书法作品 书法的欣赏与实践是相互联系的,“眼高手低”的书法家从没有过。历代的书法家大多是具有高度鉴赏能力的书法评论家。他们都十分重视“读帖”。所谓“读帖”,就是通过观摩书迹和碑刻去领悟书法家所采用或创造的艺术风格和艺术手法,借以提高自己的鉴赏水平。对于一个有志于学习书法的人来说,同样需要重视读帖,逐步学会分析和欣赏书法作品的能力,取其所长,拼其所短,才能不断提高自己的书法水平。分析和欣赏书法作品,如果毫无区分地加以一概兼收,则往往进步不快,甚至会走弯路。这是一个极其复杂的问题,历来的说法各不相同,至今还没有一个共同的欣赏标准。 康有为在《广艺双楫•十六宗》中,提出了十条评论标准,即所谓“十美”:“一曰魄力雄强,二曰气象辉穆,三曰笔法跳越,四曰点画峻厚,五曰意态奇逸,六曰精神飞动,七曰兴趣酣足,八曰骨发洞达,九曰结构天成,十曰血肉丰美。”郭绍虞在《怎样欣赏书法》中提出了六条标准:“一、形体,看结构天成,横直相安;二、魄力,从笔力用墨看;三、意态,要飞动;四、流派,不拘泥碑帖,不以碑的标准看帖;五、才学,书法以外关系;六、气象,挥朴安详。” 这些都可以作为我们分析、欣赏书法作品时的参考。如果进一步加以归纳,则不外乎“形”、“神”二字。所谓“形”,指的是由特殊的笔画线条所构成的外形,包括字的笔画、字的结构、一幅字的布局;所谓“神”,指的是上述外形中内在的精神,包括笔力、气势神态、情感等各个方面。因此,欣赏书法作品,不仅要看一点一画、一字字和整幅字的外形,更要看它的笔力、气势、神态。如果外形美观多姿,内在奕奕有神,这就是人们通常所说的“形神兼备”的好作品。分析、欣赏书法作品,可以从如下几个方面入手。 一、字的笔画长短、粗细、浓淡是否多变而适宜 汉字是由若干个线条式的笔画有机的组合而成的,这若各个笔画,尤其是一字之中的相同笔画,在字中不能长短、粗细、浓淡一模一样,应该而且必须有所变化。如“多”字的四个“撇”画,唐太宗认为,应该分别写作,一缩,二少缩,三亦缩,四须出锋。这里所说的“缩”,就是笔势收缩而不伸展,含有“短”的意思:“锋”就是笔势伸展而不收缩,含有“长”的意思。“多”字的“撇”画是这样,其它的笔画也是这样,否则,字形就显得死板,单调,也就无艺术可言。 二、字的“重心”能否给人以稳健的感觉 字姿可以而且应该多种多样、千姿百态,但不可忽略必须把字的重心“稳住”。欧阳询的字,初看起来,有摇摇欲坠之感,但仔细一看,它犹似千年古塔,虽欲倾却“重心”不离地,依然稳健如新。有些书法欠佳的字,平躺在纸上似乎四平八稳,不偏不倚,但如果一竖起来,则往往东倒西歪,中心不稳。因此,要判别字的重心如何,一个最简单的方法是,把纸竖起来,看看它有没有“倒塌”。 三、字势是否自然 宋代王安石有一句论书名言:“不必勉强方通神。”所谓“不必勉强”,就是历来的书法家和书法理论家们都一致强调的要“自然得体”。王羲之在给他的儿子王献之传授书法经验时说:字要“自然宽狭得所”,“分间布白,远近宜均,上下得所,自然平稳。”王羲之的书法之所以“独擅一家之美”,关键在于“天质自然”。 四、看整篇书法作品的章法、笔势是否一气呵成、融会贯通 一幅好的书法作品,犹如一幅好的山水画,它必然是字与字、行与行之间气势连贯,笔虽短而意却连。汁白以当黑,疏密得当,给人以无穷的遐想和强烈的艺术感染力。书法作品中的落款、印章也是整体中的有机组成部分,要注意是否用得恰倒好处,起到锦上添花的作用;若是画蛇添足,也会有损于整幅作品的艺术性。 五、看书法作品中的笔法是否有法度有新意 书法艺术具有极强的继承性,书写者必须遵守一定的法度。但是,仅有继承,甚至与古人写的一模一样,还称不上真正书法艺术,充其量只能是他人的“奴书”,还必须在继承的基础上有所创新。因此,在评论和欣赏书法作品时,要看作品中能否正确的处理好继承与创新之间的关系。 六、在欣赏书法作品时,要适当地了解其创作的时代背景 书法作品和文学作品一样,与作者书写时的心情有着密切的联系,它的艺术风格常随作者的年龄和心情的变化而变化。同一个书法家可以由于不同的时期、不同的心情而写出不尽相同的甚至截然不同的作品来,如颜真卿中期写的《多宝塔碑》,是在和平环境的得意之中写就的,字势端重浑厚,清晰悦目,成为楷书中的代表作;他晚期写的《祭侄文稿》则是在朝廷岌岌可危,侄儿不幸身亡之中写就的,悲愤之情夺腔而出,于是,出现了笔画浓淡、疏密、大小不一,甚至涂涂改改的粗犷、潇洒的风格,成为行书中的代表作。因此,一定要把作品放在当时的历史背景中去评论和欣赏,才有可能得出正确的结论。 七、欣赏书法要有一定的艺术想象力,要防止以实论实 中国的书法具有象形性,字形是由特殊的线条笔划结构而成的,对于这样一种特殊的艺术,如果仅仅以实论实赋予一点想象就体味不出其中的妙处。所以,历代的书法家们总是以丰富的想象力赋予书法艺术以合理的比喻。如王羲之把“横”、“竖”两划分别比喻为“如孤舟之横江诸”,“若春笋之抽寒谷”。梁武帝形容萧子云的书法为“书如危峰阻目,孤松一枝,荆可负剑,壮士弯弓,雄人猎虎,心胸猛烈,锋刃难当”;比喻萧思话的书法为“舞女低腰,仙人啸树”,这就把两种艺术风格截然不同的书法十分形象地描绘出来了。 此外,在纵观一幅书法作品整体的美之后,还可从第一个字的第一笔看起,眼光一直跟随笔迹移转,按照原作者的笔意用眼用心把字“重”写一遍,是对书法作品进行一次“内模仿”。可以感受原作者运笔的方向和角度,笔锋的着力点以及提按的轻重缓急,笔端的走势和力度变化,笔划之间的联系和向背,笔划的相互扶持和相互呼应,领会草书的风驰电掣、偃仰盘旋,真书的持重端庄、规行矩步,行书的从容婉约、疾徐如便,从而把握到书法的活力、意趣、风格和境界,才能有效地提高书法的欣赏水平。 艺术欣赏论文:学校艺术欣赏教育探讨论文 论文关键词:艺术欣赏;教育观念;情感 论文摘要:如何进一步重视学校艺术欣赏教育和怎样采取行之有效的办法开展艺术欣赏,本文就此给出了艺术欣赏的评价标准,并指出需要我们去努力创造顺应时代要求的科学艺术,借界的魅力,提高学生整体的审美素质。解决在学校艺术教育实践中存在的相关问题,转变艺术欣赏的教育观念,让学生感受艺术世界的魅力,提高学生整体的审美素质。 当前,学校艺术教育的发展十分迅速。特别是中小学艺术教育的改革形势喜人,加大了艺术欣赏内容的幅度,高中艺术欣赏课的开设增补了中小学艺术教育在高中阶段长期匾乏的空白,而高等院校开设的艺术课程门类多达数十门,其内容涉及音乐、美术、戏剧、舞蹈、影视、书法、摄影、美学、文艺理论等方面,为学校艺术教育体系的逐步建立和完善打下了坚实的基础。从而把艺术欣赏放到了学校艺术教育的前锋,担负着能适应21世纪发展的具有创新能力和实践能力及综合素质能力强的新一代的重责,如何进一步重视学校艺术欣赏教育和怎样采取行之有效的办法开展艺术欣赏,解决在学校艺术教育实践中,艺术欣赏内容的丰富与教学课时的稀少,艺术欣赏形式的多样与教学方法的单调等充满种种矛盾的艺术欣赏教学现状,找出能够有效解决这些矛盾的途径和办法来改变它,使我们的学校艺术欣赏教育真正短时高效,丰富多彩’,这就需要我们去努力探讨能顺应时代要求的科学的艺术欣赏教育观念。 一艺术欣赏是实施美育的重要途径 一些地方存在着重技能,轻审美和创造能力培养的倾向,重视少数尖子,忽视面向全体;重视比赛,忽视教学艺术欣赏就成了薄弱的环节,违背了素质教育所倡导的基本性和全面性原则,严重阻碍21世纪全民族的整体的审美素质的提高。 有专家预言,艺术产业将成为21世纪的支柱产业之一,为适应21世纪产业发展新形势的客观需要必须通过学校美术欣赏教育对学生实施美育,促进学生全面发展,陶冶情操,提高素养,开发学生的创新意识和创新能力。李岚清同志在全国教育工作会议总结讲话中强调指出,要重视美育,不仅小学、初中要开好音乐、美术等谦握,高中、大学也应开设艺术欣赏课,教会学生欣赏音乐、舞蹈、戏剧、美术、书法等。 “对美的感知和理解,是审美教育的优秀,是审美的要点。”通过学校艺术欣赏教育这一具体形式,唤起人们的美感,能正确的理解美和感受美,从而为创造美打好基础。 二艺术欣赏是认识世界的有效方式 艺术欣赏是在接受艺术中经过玩味、领略、产生喜悦爱戴之情。在开放.的艺术博物院,一个个画展,一堂堂艺术欣赏课中,让学生在漫漫的艺术长廊中流连忘返,品味在人类文化宝库中蕴藏着数不尽的艺术珍品,感受艺术世界的广阔无限,从艺术的解放去认识一个时代或者一个国家的人民为了人类自身的发展而取得的巨大成果,例如欣赏彩陶,可以让我们认识到“历史的人类童年时代”。正如别林斯基说的,人们认识世界通过两种途径,一是科学的,一是艺术的,早在三十年代,鲁迅先生把德国杰出的、为无产阶级大声呐喊的女性艺术家坷勒惠支的版画作品《面包》介绍给国人,通过画中处在历史重压下,为捍卫劳动者而献出自己一切的伟大的母亲形象,产生强烈的社会反响,从而使欣赏者达到对世界最深刻的认识,扩大生活的视野。在艺术作品面前感受美,在艺术强大的魅力牵引下,去感慨一个时代或者是一个国家、地区文明发展的程度。 三艺术欣赏以情感介入为重要标准 欣赏中国花鸟画,认识一个人的情绪、意识,进而体会一个时代的一代人的命运方面往往有更形象的“历史”内涵,明徐渭墨葡萄,作者“笔底明珠无处卖,闲抛闲掷野藤中”的情绪和点点泪痕般的墨叶,使欣赏者在伤口的形式技巧的审美之外,进一步体味到作者凄苦的命运和倔强的个性,对那一个特定历史条件下的民族意识,以及封建专制下的平民的命运有了更深一层的认识。艺术考核教育的重要特点,以情感人,以情动人,起到教化的作用,在艺术欣赏过程中,欣赏者只有对艺术作品中所蕴含的情感有了自己的情感体验,达到了“共鸣”,才能使艺术品的存在具有价值,才能使艺术美作用于人的感性、情感,在“潜移默化”之中接受教育,不知不觉的影响着人的情感、趣味、气质、情操、胸襟。 随着思维科学的发展,科学家日益认识到,人的创造性思维的形成,正是建立在逻辑思维与形象思维统一的基础上,科学与艺术是不可分割的,它们共同的基础是人类的创造力,它所追求的目标就是真理的普通性。艺术通过欣赏作用于人,使人产生情感的共鸣,心灵的震撼,激发和强化了人的创造冲动,利于培养和发展人的审美直觉和想象力,比智力更具有功效。 在旧的艺术形式不断翻新,新的艺术形式迅速涌现的今天,只有以情调动学生的全部的艺术审美感官,方能收到事半功倍的教学效果,让学生以点带面,拓宽学生的艺术视野,了解更多的艺术形式,领悟各种艺术形式的无穷的艺术魅力。 四艺术欣赏以个体感受为评价标准 21世纪对全民族素质的一项重要要求便是提高整体的审美素质水平,.针对学生而言,则指,使我们的学生在生活中爱美、求美,有健康向上的审美情趣和丰富的审美经验,有较强的感受美、欣赏美和创造美的能力,这就不能沿用旧有的“优、良、及格、不及格”等作业评价或用所有学科共用的“百分制”来抽象评价每一个学生的实践结果。应重视非智力因素的培养,要有利于艺术的个性发展,对艺术欣赏评价的改革应首先注重艺术的这种个性发展,对每一个学生的实践都给予极其个性化的评价。 “皮格马利翁”的心理效应在这种评价方式中得到淋漓尽致的发挥,如“你挺有创意”、“你的观点不错”、“你的想法有意思”……,这种建立在对每一个学生充分尊重其个性发展基础.上的评价方式,能让学生感觉到教师的关注和期待,回报的是他们信心百倍,能让学生积极地参加每一次的美术欣赏实践活动,让学生接受一种较为客观的评价态度,体会美就在我的眼前,我的心中。 教师在对学生的肯定评价中,尊重学生.的个体感受,同样以博爱的情绪感染着每一个学生,充分培养学生的非智力因素即品德、情绪、’性格.、个性等,以便有效地提高艺术欣赏教学效益。 总之,艺术欣赏是时代赋予学校艺术教育提高整体艺术素质的主旋律,我们只有遵循艺术教育的根本目标,认识艺术教育的特点,尊重艺术教学对象的心理特点,才能获得艺术欣赏教学的艺术效果,实现艺术教育的终极目标。 艺术欣赏论文:书法艺术欣赏分析论文 摘要:分析、欣赏书法作品,可以从如下几个论文方面入手:字的笔画长短、粗细、浓淡是否多变而适宜;字的“重心”能否给人以稳健的感觉;字势是否自然;看整篇书法作品的章法、笔势是否一气呵成、融会贯通;看书法作品中的笔法是否有法度有新意;在欣赏书法作品时,要适当地了解其创作的时代背景;欣赏书法要有一定的艺术想象力,要防止以实论实。 关键词:书法艺术书法欣赏书法作品 书法的欣赏与实践是相互联系的,“眼高手低”的书法家从没有过。历代的书法家大多是具有高度鉴赏能力的书法评论家。他们都十分重视“读帖”。所谓“读帖”,就是通过观摩书迹和碑刻去领悟书法家所采用或创造的艺术风格和艺术手法,借以提高自己的鉴赏水平。对于一个有志于学习书法的人来说,同样需要重视读帖,逐步学会分析和欣赏书法作品的能力,取其所长,拼其所短,才能不断提高自己的书法水平。分析和欣赏书法作品,如果毫无区分地加以一概兼收,则往往进步不快,甚至会走弯路。这是一个极其复杂的问题,历来的说法各不相同,至今还没有一个共同的欣赏标准。 康有为在《广艺双楫•十六宗》中,提出了十条评论标准,即所谓“十美”:“一曰魄力雄强,二曰气象辉穆,三曰笔法跳越,四曰点画峻厚,五曰意态奇逸,六曰精神飞动,七曰兴趣酣足,八曰骨发洞达,九曰结构天成,十曰血肉丰美。”郭绍虞在《怎样欣赏书法》中提出了六条标准:“一、形体,看结构天成,横直相安;二、魄力,从笔力用墨看;三、意态,要飞动;四、流派,不拘泥碑帖,不以碑的标准看帖;五、才学,书法以外关系;六、气象,挥朴安详。” 这些都可以作为我们分析、欣赏书法作品时的参考。如果进一步加以归纳,则不外乎“形”、“神”二字。所谓“形”,指的是由特殊的笔画线条所构成的外形,包括字的笔画、字的结构、一幅字的布局;所谓“神”,指的是上述外形中内在的精神,包括笔力、气势神态、情感等各个方面。因此,欣赏书法作品,不仅要看一点一画、一字字和整幅字的外形,更要看它的笔力、气势、神态。如果外形美观多姿,内在奕奕有神,这就是人们通常所说的“形神兼备”的好作品。分析、欣赏书法作品,可以从如下几个方面入手。 一、字的笔画长短、粗细、浓淡是否多变而适宜 汉字是由若干个线条式的笔画有机的组合而成的,这若各个笔画,尤其是一字之中的相同笔画,在字中不能长短、粗细、浓淡一模一样,应该而且必须有所变化。如“多”字的四个“撇”画,唐太宗认为,应该分别写作,一缩,二少缩,三亦缩,四须出锋。这里所说的“缩”,就是笔势收缩而不伸展,含有“短”的意思:“锋”就是笔势伸展而不收缩,含有“长”的意思。“多”字的“撇”画是这样,其它的笔画也是这样,否则,字形就显得死板,单调,也就无艺术可言。 二、字的“重心”能否给人以稳健的感觉 字姿可以而且应该多种多样、千姿百态,但不可忽略必须把字的重心“稳住”。欧阳询的字,初看起来,有摇摇欲坠之感,但仔细一看,它犹似千年古塔,虽欲倾却“重心”不离地,依然稳健如新。有些书法欠佳的字,平躺在纸上似乎四平八稳,不偏不倚,但如果一竖起来,则往往东倒西歪,中心不稳。因此,要判别字的重心如何,一个最简单的方法是,把纸竖起来,看看它有没有“倒塌”。 三、字势是否自然 宋代王安石有一句论书名言:“不必勉强方通神。”所谓“不必勉强”,就是历来的书法家和书法理论家们都一致强调的要“自然得体”。王羲之在给他的儿子王献之传授书法经验时说:字要“自然宽狭得所”,“分间布白,远近宜均,上下得所,自然平稳。”王羲之的书法之所以“独擅一家之美”,关键在于“天质自然”。 四、看整篇书法作品的章法、笔势是否一气呵成、融会贯通 一幅好的书法作品,犹如一幅好的山水画,它必然是字与字、行与行之间气势连贯,笔虽短而意却连。汁白以当黑,疏密得当,给人以无穷的遐想和强烈的艺术感染力。书法作品中的落款、印章也是整体中的有机组成部分,要注意是否用得恰倒好处,起到锦上添花的作用;若是画蛇添足,也会有损于整幅作品的艺术性。 五、看书法作品中的笔法是否有法度有新意 书法艺术具有极强的继承性,书写者必须遵守一定的法度。但是,仅有继承,甚至与古人写的一模一样,还称不上真正书法艺术,充其量只能是他人的“奴书”,还必须在继承的基础上有所创新。因此,在评论和欣赏书法作品时,要看作品中能否正确的处理好继承与创新之间的关系。 六、在欣赏书法作品时,要适当地了解其创作的时代背景 书法作品和文学作品一样,与作者书写时的心情有着密切的联系,它的艺术风格常随作者的年龄和心情的变化而变化。同一个书法家可以由于不同的时期、不同的心情而写出不尽相同的甚至截然不同的作品来,如颜真卿中期写的《多宝塔碑》,是在和平环境的得意之中写就的,字势端重浑厚,清晰悦目,成为楷书中的代表作;他晚期写的《祭侄文稿》则是在朝廷岌岌可危,侄儿不幸身亡之中写就的,悲愤之情夺腔而出,于是,出现了笔画浓淡、疏密、大小不一,甚至涂涂改改的粗犷、潇洒的风格,成为行书中的代表作。因此,一定要把作品放在当时的历史背景中去评论和欣赏,才有可能得出正确的结论。 七、欣赏书法要有一定的艺术想象力,要防止以实论实 中国的书法具有象形性,字形是由特殊的线条笔划结构而成的,对于这样一种特殊的艺术,如果仅仅以实论实赋予一点想象就体味不出其中的妙处。所以,历代的书法家们总是以丰富的想象力赋予书法艺术以合理的比喻。如王羲之把“横”、“竖”两划分别比喻为“如孤舟之横江诸”,“若春笋之抽寒谷”。梁武帝形容萧子云的书法为“书如危峰阻目,孤松一枝,荆可负剑,壮士弯弓,雄人猎虎,心胸猛烈,锋刃难当”;比喻萧思话的书法为“舞女低腰,仙人啸树”,这就把两种艺术风格截然不同的书法十分形象地描绘出来了。 此外,在纵观一幅书法作品整体的美之后,还可从第一个字的第一笔看起,眼光一直跟随笔迹移转,按照原作者的笔意用眼用心把字“重”写一遍,是对书法作品进行一次“内模仿”。可以感受原作者运笔的方向和角度,笔锋的着力点以及提按的轻重缓急,笔端的走势和力度变化,笔划之间的联系和向背,笔划的相互扶持和相互呼应,领会草书的风驰电掣、偃仰盘旋,真书的持重端庄、规行矩步,行书的从容婉约、疾徐如便,从而把握到书法的活力、意趣、风格和境界,才能有效地提高书法的欣赏水平。 艺术欣赏论文:电影艺术欣赏管理论文 对于电影美学研究来说,“电影美学”本身还是一个问题,就更不必说“中国电影美学”了。尽管在解决这个问题的过程中将会遇到一系列麻烦的理论问题,但是,只有在解决这个问题的过程中电影美学的研究框架和学术规范的问题才能恰当地提出来并且得到确定。很显然,这个问题如果不能得到很好的解决,不管我们已经有了多么丰富的电影美学思想,电影美学的研究都不大可能卓有成效地展开(因为电影美学研究是一个庞大的工程)。提出这一问题的初衷,不是为了限制电影美学研究的创造性,而是为了更有效地利用和发挥这种创造性。这一点,从学术研究的群体性(科学研究越来越需要合作与协作,而不是单干)和机构性(即有组织地进行)运作的角度,更容易理解。其意义在于,最大限度地节约和有效地利用有限的文化资源(包括财力与智力的投入)。在国内有关高校正在积极申请国家影视学术基地之时,这个问题的提出与解决便具有更为紧迫的现实意义。 首先是电影美学的研究对象亟待明确。 电影美学的研究对象是一切电影审美现象。如果我们接受这个界定,接下来的问题就是如何界定电影审美现象。对于这个问题,我的观点是,电影审美现象是一种效果现象(当然同时它也是一种等级现象)。也就是说,电影审美现象只能根据电影观众的审美接受状况来确定。 而电影审美接受只有在与电影艺术接受的区分中才能更明确地加以确定。这又涉及到对于审美与艺术的理解问题。我认为,电影审美接受可以界定为对广大观众接受起来比较顺利、而且一般来说也比较高尚的因素的接受。电影艺术接受可以界定为广大观众接受起来有一定难度、而专业工作者却特别敏感的因素的带有探索性的职业性接受。在这个意义上,电影审美接受不同于电影艺术接受。但必须说明的是,电影艺术接受可以转化为电影审美接受。也就是说,电影艺术现象有可能(但不是必然)转化为电影审美现象,而电影审美现象则必定曾经是电影艺术现象。从这样的观点来看,无论是所谓的“娱乐片”,还是“艺术探索片”,都是既有审美因素,又有非审美因素,只是,这两者的两种因素的分布有很大不同。娱乐片以审美因素为主,探索片以艺术因素(较严格意义的艺术)为主。应该指出的是,影片中的比较露骨的色情因素和残忍的暴力因素、恐怖因素,在绝大多数情况下都既不是审美因素,又不是艺术因素,而是非审美因素。这些因素的弱化,可以在一定程度上增加审美色彩。但这并不意味着非艺术、非审美的因素在电影中是应该绝对地加以排斥的。 其次是电影美学的研究目的亟待明确。 电影美学的研究目的是为了对电影作品(一部或一批)进行美学分析。对电影作品作美学分析,不同于对电影作品作艺术分析。这种不同主要是着眼点的不同。其次是所针对的电影作品的断层不同。艺术分析更着眼于电影作品在专门化和创造性两个方面的贡献。美学分析更着眼于电影作品作为审美对象(或者更严格地说,电影审美形态)这一既成事实的形成规律,或者说电影作品审美效果的形成机制和规律的分析与运用。因此,美学分析比艺术分析更关心电影作品作为整体的复杂构成。在对电影作品的美学分析中,电影作品不能再被理解为只是一种简单的线性构成物,而是必须被理解为一种具有复杂结构的多级表意生成系统。可以把这种分析称之为系统性分析。在这样的理解与分析中,电影美学的研究框架才能形成。 与此同时,还应当有另一种分析,即对在电影作品的各个层面中都发挥作用的审美规律与审美原则的分析。可以把这种分析称之为规律性分析。正如法国电影理论家米特里所说:“电影美学就归结为确定一种形式由于某种内容和某种意图的关系,怎样和为什么优于另一种形式,换句话说,它要在特定情况下为这些形式确立其心理学的依据。”[1] 如果说电影艺术学研究的是电影作品媒介的“特化”特征,那么,电影美学研究的就是产生电影作品效果的“普化”规律(尽管它要面对大量个别的电影作品)。也就是说,电影美学必须在同电影艺术学的区分中加以界定。这些问题都是我们在提出中国电影美学之时所必须考虑的。 艺术欣赏论文:绘画艺术欣赏中的“色彩”论述 据有关学者科学研究表明,人类的大脑在视觉语言转化为知识语言的过程中,由图画所生成的视觉语言和由文字所生成的视觉语言,其在实现信息传递过程中所花费的时间是存在着本质性区别的。举例来说“,苹果”两个汉字和一张画着苹果的图片,虽然在信息传递的内容上是不存在差异的,但是人体大脑在接受速率方面,明显图片的效果更加、也更为效率。与此同时,构成画面的重要因素——色彩,其在对人传递信息、表达某种情感意识方面,所呈现出的魅力也是无穷无尽的。从宏观上说,色彩本身可以划分为“有彩色”和“无彩色”两类:后者主要指的是黑、白、灰,前者则是指的具有鲜明倾向型的赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫等,对绘画艺术而言,色彩使其进行创作和欣赏的重要组成部分,而透过色彩欣赏者可以感受到创作者从色彩当中所折射出的或悲、或喜,或平淡、或浓烈的情感意识;而创作者对于色彩的把握和运用也可以让原本索然无味的线条变得更加有生命力、更有艺术魅力。 1色彩是独特的艺术风格的体现 大千世界,我们所看到的颜色是千变万化、丰富多样的,它们或深或浅,或陈旧或鲜艳,交织在一起共同构成了缤纷绚烂的现实。从本质上说,任何颜色都包含着色相、纯度以及明度三个基本属性。其中色相指的是色彩的表象,即通常意义上我们所赋予色彩诸如“红”“、黄”“、蓝”等各类颜色的名词与称谓;纯度指的是色彩的鲜艳的和饱和度;明度是指色彩的明暗程度。这三个属性既相互独立、又相互影响、彼此制约,而正是这种复杂的关系造就了色彩变幻的纷繁复杂。有关心理学家研究表明,色彩与一个人的性格构成有着很大的关联性,正所谓“字如其人、人若其画”,就好像李白文辞粗犷、杜甫落笔抑郁一样,不同的绘画创作者拥有不同的性格,而在这种性格的驱使下,其作品也会呈现出不同的特点,因此对于色彩的把握已然成为每一位欣赏者窥测其内心今生世界的重要渠道之一。而在这样一种行为模式从诞生到发展成型的过程中,欧洲印象派所起到的作用无疑是巨大的。可以说,正是印象派的出现,才让色彩真正意义上成为绘画艺术当中一门独立的学问,并被赋予足够的个性与表达欲望得以充分显现。也正因为如此,绘画创作进入到一个更为抽象、更为印象化的过程当中,西方艺术创作原则当中的求真与写实第一次被忽略,追求色彩的自由与奔放,追求生活的狂热与活跃——在这样一种心态和行为的驱使下,欧洲的绘画艺术无疑进入到一个全新的领域。作为艺术领域的一个极大的门类,在构成绘画作品的诸多元素当中,色彩所占的比重无疑是十分重要的,一幅画作或灰白或色彩,体现出创作者不同的思想理念和艺术风格,而欣赏者在欣赏画作的过程中恰恰能够通过不同颜色的表达,感知不同画派的风格特点,比如中国古典水墨画中,融于画墨色彩当中的气韵生动;又如欧洲印象派绘画作品对于阳光下真实色彩的追求与表达,所彰显出的对于自然的憧憬、对于生命的热爱;再比如“野兽派”用色的鲜艳、浓烈,表达着画作者不可替代的狂热与奔放这些都充分说明了色彩对于表达绘画作品艺术风格的强烈作用。可以说,一幅画作之中,作者利用线条勾勒出了情节、利用色彩彰显出了态度、利用风格表达出了思想。 2引起欣赏者审美愉悦的重要情感要素 作为提升绘画表现力最为重要的元素之一,色彩不仅是最为敏感的形式要素,亦是能够引发所有欣赏者其共同审美愉悦的重要情感要素。不同的色彩选择将会影响到欣赏者欣赏画作时的思想情感,故而随着当代艺术形式当中对于色彩运用的全面解放,当代人所能欣赏到的画作愈发充满生机、充满情感与力量。通常意义上讲,人们在欣赏绘画艺术作品时,其行为步骤划分为这样三个步骤,即审美感知、审美理解和审美创造,三个步骤相互独立却又呈现出一定的递进性。而在这三个环节当中,色彩作为一种极具感染力的视觉元素,不仅是最感性的艺术语言,更拥有能够在瞬间便引起观者注意,并引起情感共鸣的艺术张力,而这也是绘画艺术创造者和欣赏着情感的又一种体验与显现。基于具体案例,我们可以发现不同的色彩使用带给看客的感受是不同的,其表达的情感体验也是有所区别的。例如,在中国人的传统文化概念里,荷花一直表达着“圣洁”“、君子”的象征意义,国画大师张大千曾经赠送给开国领袖一幅《荷花图》,一方面自比莲之境界风骨,而另一方面又将被赠予者置于同样的精神境界,笔墨落色之中表现出其对于的高度尊敬;又比如西班牙著名画家杰安•米罗(JoanMiró)所描绘的抽象主义作品《蔚蓝的金色》,饱满的色彩运用,强烈的明暗对比,使其充满了神秘感、童趣性,却同样的美妙动人;又或者例如法国画家乔治•修拉(GeorgesSeurat)所创作的《大碗岛的星期日下午》,其作品中的色彩运用既有融合、也有对比,既高度统一,又体现出一种张力和变化,故而画面当中所营造出的是一种轻松愉悦、温暖惬意的意境与氛围。通过这些事例我们可以看到,绘画的艺术其实是作者画技、表达内容以及创作形式的有机融合,而在这些行为的选择和运用过程中,色彩所起到的作用绝对不是画龙点睛或者锦上添花那般朴素,画家的艺术创造和色彩驾驭能力越强,就更容易引起观赏者的审美愉悦,更接近绘画艺术其原本创作——带给人们欣喜与喜悦。 3绘画作品维持其生命力的重要艺术表现手段 对于画家个人而言,其各自不同的思想观念、生活阅历、情感倾向、性格特点、艺术修养以及审美理念,都会影响其在艺术创作过程中生成其独有的、并且能保持一定长期和稳定的艺术创作特征,并饱含着永久的生命力。性格决定命运,也影响着画家对于色彩的选择与使用,作为一种审美的艺术,其自然而然地会透过色彩将一种或浓烈、或淡雅、或积极、或沧桑的审美情感寄托于神色的笔墨当中予以表达,引起欣赏者的审美情感。著名雕塑艺术家罗丹先生,曾经有过这样的名言“有‘性格’的作品才是美的”——那么这性格从何而来,显然是所有艺术工作者本身所给予在艺术创作过程中所给予和付出的。因此,我们可以看到一切世上颇有艺术造诣、拥有广泛知名度的画家都拥有着独特的人格魅力和艺术品格,而这也是促使其艺术生命力持久的重要原因。信息高速发展的现代生活,人们的生活愈发的模式化与平庸化,这种模式对其对待自身发展以及创造能力的提升无疑是压制性甚至是毁灭性的,然而绘画艺术当中色彩的全面运用与发展,则为平淡的、居于现代社会生活中的人们注入了更多的生机。色彩的运用不仅让绘画作品的层次性更加立体,而且赋予观者不可言说的精神内涵。如人生之路诡异传奇的荷兰画家梵高,其《星空》《向日葵》等作品当中所使用的抑郁爱上近乎绝望的蓝色,灿若太阳的炙热黄色,强烈的对比当中,欣赏者仿佛看到了一个个跃动的生命体,带着奔放、浓烈、好似燃烧的熊熊火焰,又好像优雅而幽怨的暗灵。它不仅彰显了梵高的自我精神,也彰显了其对于生命,对于生存,对于美好生活的向往,以及内心孤独的排斥与无助。艺术的生命力在这些色彩当中仿佛解除束缚的奔马,带着自由的心境,带着不再犹豫的自我,让画面当中的每一寸用意表现出浓浓的生机和态度。 4最富有感染力的视觉语言 作为一种视觉语言,色彩无疑是最富有感染力的,而且它也是绘画艺术作品生成过程当中,最富有张力和表现力的艺术元素。可以说地球上一切为人类视觉所能观察到的东西都与色彩和光线有关,因此在绘画艺术创作过程中,色彩不仅可以利用仅有的元素完成对于艺术形象的创造以及内容的表达,而且还可以通过色相、明度、纯度之间的不同变化、组合以及对比生成人类审美活动当中的不同审美效应。因此,其就像音乐作品当中旋律的起伏跌宕、乐器的拨击敲打一般引起人们情感上和心理上的共鸣,甚至将人带入一个由绘画色彩所构成的特殊而神秘的境界。例如,奥地利知名分离派画家古斯塔夫•克林姆(GustavKlimt)所创作的《吻》,将东方艺术的线条感和对浓重色彩运用的表达彰显得淋漓尽致。后人在欣赏这幅画作时,能够强烈地感受到由金色所构筑的温暖感、华丽感,感知到浓浓的爱意、温馨与甜蜜;荷兰抽象主义画家彼埃•蒙德里安(PietCorneliesMondrian)于1930年所创作的《红、黄、蓝构图》利用平行线与垂直线所组成的几何体,将自然界最具有代表性的三原色融于其中,表现出物质世界融合统一、平衡和谐的精神世界。从另一个角度来说,一幅优秀的绘画艺术作品固然能带给人美的情感体验、动人的艺术感染力,但是如果色彩使用不当,或者说画作当中的色彩关系处理失调,也会让观者在欣赏时产生心理上的不适,比如对于色彩冷暖度的选择与搭配。色彩虽然本身并无冷暖之说,但是却极易引起人们对于温度和冷暖的心理感触,比如容易让人联想起太阳、火焰、热血的红、黄、橙之色相,带给人的就是一种热烈、温暖、豪情或者是危险的感觉,这些都是通常人们语言习惯当中所谓的“暖色”;又比如容易让人联想起海洋、天空、田野的蓝、绿之色相,会带给人一种开阔的视野,一种冷静和理智的感觉,这就是人们语言习惯当中所谓的“冷色”。与此同时,纯度和明度二者都非常高的色彩会带给人一种华丽、明快之感,反之则会让人感知到一种淡定、素雅。可以说,艺术家正是利用这些色彩元素所独有的特性,再配合以丰富的艺术想象力,创造出了一幅幅丰富且充满活力以及感染力的绘画作品。综上所述,色彩对于绘画艺术的情感表达和艺术表现具有十分重要的作用,它不仅是作为其艺术形式当中的重要手段,为绘画作品增加立体感和层次性,更是作为一种可以让观者窥探画者精神世界与艺术风格的重要桥梁。可以说由色彩所铸就的艺术世界是丰富多彩、绚烂多姿,也是感情丰富、五味陈杂的具有一定岁月感和沧桑性的历史纪念。而对于广大观赏者而言,只有用心去感知每一幅绘画作品其对于色彩的选择、对于不同线条先色彩的艺术表达,才能更为准确和深刻的理解画作的形成年代、历史背景,以及画者隐藏于色彩表象之下一个真实的历史与人生。 作者:黄彦 单位:徐州工程学院艺术学院 艺术欣赏论文:声乐表演艺术欣赏美学问题研究 一、美学理论在声乐表演艺术中的渗透 首先,演唱者通过对作品情感基调的把握,将情感形态的程度、个性特征、有层次地直接或间接地表达出来,可以说这是表演者情感体验的一种表达,属于一种“有感而发”的表现。从美学角度来分析,这种情感体验的自然抒发既包含了演唱的形式美,又反映和表现了人内心真正的情感渴求,实现了感性与理性的有效统一。其次,表演者在艺术表演过程中,应将自己投入到作品的意境之中,通过对作品的情感体验,有效培养自己的创造性思维。声乐表演是通过声音比拟和模仿对象,而想象则实现了比拟和模仿之间的有效链接。演唱者在对声乐艺术进行想象的过程中也收获了音乐的激情,这是挖掘声乐表演艺术美学价值的前提。再者,不同的演唱者在环境际遇、生活阅历、气质素养和个性等方面都存在一定的差异,审美意识自然也就不同,这必然使得作品创作的风格也大相径庭。美学原理在音乐表演艺术中的渗透主要通过声乐表演艺术的真诚性和创造性两方面表达出来,表演者保持对作品的高度热情,积极了解作品的背景资料,突破前人研究的局限性,并根据自身专业特长或生活阅历实现再创造,这才能真正使声乐表演艺术具有个性,最终实现艺术创作的升华[2]。 二、如何促进声乐表演与声乐美学的完美结合 音乐为表演艺术的一种,要挖掘声乐艺术中的美学价值,并实现二者的完美结合,关键是表演者准确把握作品思想感情,并且拥有娴熟的表演技巧和丰富的演出经验,这样才能保证表演的生动和有意义。 (一)真实性与创造性的有效统一。表演者在秉承作品内涵的基础上,要创造性地融进自己的表演风格,真正实现“真实性”和“创造性”的有效统一。从某种意义上说,声乐表演艺术不仅是一个本质还原过程,还是一个“二度创作”的创造过程。石惟在《声乐基础学》一书中提及,“声乐表演艺术概念本身具有系统性,这种系统性突出表现是艺术表演动机,表演者的形态、面部表情、感情表达是艺术传承的载体,临唱前吸气、器乐的伴奏都是表演契机,歌声有效结合器乐,感情生动地融进歌声,这样的表演才是成功的。”由此可知,声乐表演中的“真实性”与“创造性”相辅相成,二者的有效统一有利于促进声乐表演与声乐美学的完美结合[3]。 (二)“传统”与“创新”的有效统一。任何声乐作品自身必然有其特定的历史背景,并且各具特色。声乐表演家应该尽可能去了解挖掘原创者的时代背景、艺术流派、生活境遇等重要信息,以声乐乐谱为主要依据,将自己置身在原作者的历史时代下,跟着自己的感受前进,从而把握声乐作品体裁的表达形式及思想内涵。声乐艺术的传统特性与时代品位是相互冲突的,但二者也可以实现统一结合,没有人能对两者之间的关系用统一标准来具体解释[4]。我们能够做到的不是去选择无条件保留传统,或者大力开拓创新,而是在声乐艺术表演过程中,努力寻求传统特性和时代品位之间的平衡点,从而实现“传统”与“创新”的有效统一。 (三)表现与技能的有效统一。要达到声乐艺术表演的真正目的,关键是要实现艺术表现性和技巧性两者的有效统一。声乐艺术表演的基础为技巧,没有表演技巧作支撑去谈论表演艺术毫无意义。而声乐表演实质上是声乐作品的内容与情感融合的美学欣赏过程,因此不应该单一追求表演技巧,还要实现声乐表演形式的多样化,表演风格的个性化、独特化。这样既能保证表演情感的丰富,塑造出更加完美动人的形象,还能促使声乐表演者将自己的艺术特长和创造个性最充分地发挥出来,真正实现声乐表演与声乐美学的完美结合。 (四)站在主观视角看声乐表演。由于人们的价值观、人生观不同,因而对同一作品的理解也不尽相同。因此,表演者在确保自身表演能力的基础上,要注意欣赏者反映,站在欣赏者的角度感受自己的表演。这就需要表演者站在主观的视角上看声乐表演,理性对待欣赏者的评价,反省自己的不足,积极听取欣赏者的意见,整合观点,创造性塑造自己的表演风格,切实提高自身的创造性和表演能力。 (五)声乐表演要适当“留白”。“留白”是一种艺术。根据艺术美学理论分析,表演者在进行声乐表演时,应该适当留出一定的空白空间,让欣赏者去填补,促使欣赏者充分发挥自己的丰富想象力,在自由的想象空间里感受艺术魅力。这种沟通形式具有高度开放性,更利于欣赏者突破传统视域的局限,去充分挖掘艺术的美学价值[5]。 (六)声乐表演要强化表演者与欣赏者之间的互动。表演者在表现声乐艺术过程中,应该加强与观众之间的交流互动。通过多样化手段最大程度调动欣赏者的积极性,从而达到增强舞台效果的目的。一个优秀的声乐表演者不应该仅仅是艺术演绎手段的丰富和娴熟,更应该保证自身演绎能够真正触动到欣赏者,并通过与欣赏者的互动,有效增强自身的舞台感染力。 三、结束语 表演者在声乐表演艺术中扮演着至关重要的角色,直接决定着作品演绎的水平和舞台效果,是“艺术创造者”与“欣赏者”之间的连接点。因此,首先保证表演者自身具有较高的作品领悟能力、创作能力和欣赏能力,在准确、全面领悟作品思想和精髓的基础上,结合作品作者的时代背景、创作体裁形式及作者的生活境遇,充分发挥自身想象力,将自己的个性风格有效融进艺术表演之中,引起欣赏者的共鸣。同时,应该站在欣赏者的角度上看问题,反思自己的表演,提高自己的表演能力,并且将美学价值有效渗透到声乐表演艺术中,真正实现声乐表演与声乐美学的完美结合。 作者:吕相宜 单位:江西财经职业学院 艺术欣赏论文:公共艺术欣赏课的教学思考 一、赣剧的声腔组成与特点 要欣赏赣剧,就要了解赣剧声腔组成及其特点。高腔、昆腔和弹腔以及前身的弋阳腔是赣剧的主要声腔组成,其中弋阳腔又包括徒歌、帮腔、滚调等演唱形式。弋阳腔的曲牌源于两方面:一是出自南戏的曲牌有[皂罗袍]、[鹧鸪天]、[步步娇]、[泣颜回]、[驻云飞]、[红衲袄]、[香罗带]、[山坡羊]等;二是出自北曲的有[新水令]、[清江引]、[点绛唇]、[醉太平]、[端正好]、[寄生草]、[朝天子]、[快活林]等。弋阳腔的特点是“一唱众和”,伴奏乐器为打击乐和丝、竹、弦、管等,弋阳腔唱腔刚柔并济,兼具婉转细腻与高亢振奋的表现力。 二、经典剧目以及名家代表 学习一门戏曲知识,要对其经典作品以及这一剧种的表演艺术名家有所掌握。戈阳腔的经典剧目有《西域行》,这部剧是根据史籍改编而来;根据明代大剧作家汤显祖的《牡丹亭》改编而成的《还魂记》:此外还有《珍珠记》、《尉迟恭》等;青阳腔剧目《双拜月》、《百花赠剑》、弹腔戏《梁祝姻缘》、《孟姜女》、昆腔戏《悟空借扇》、《相梁刺梁》等。赣剧艺术表演名家有:严有源、杨桂仙、潘凤霞、童庆礽、胡瑞华、涂玲慧、陈俐等。通过上述这些基础理论知识的学习,让学生对赣剧感觉不在陌生,从而拉近与赣剧的距离,为大学生接受并欣赏赣剧扫清基本的知识障碍与心理障碍。 三、课堂运用体验式教学方法 在学习完基本的理论知识后,我们不要急于立刻进入欣赏阶段,而是在欣赏之前让学生对将要欣赏的剧目自己先来表演。我们以《牡丹亭》这部戏为例,在介绍完创作背景后,首先让学生了解这部戏的故事情节以及人物角色,然后让学生自己扮演剧中的角色,去体会剧中故事情节,当然,学生的表演不是用赣剧演唱的形式,因为大部分学生是没有学习过赣剧演唱的,学生可以用话剧、小品、现代流行音乐演唱的形式对剧本进行创编表演,目的是让学生亲身感受角色与故事情节,能够从剧情上先产生共鸣。当学生进入了角色,产生兴趣后,再进行赣剧欣赏,使学生愿意通过戏曲的表现形式再一次感受经典巨作的艺术魅力。赣剧欣赏后,及时组织学生进行课后讨论,在讨论的过程中学生们通过交流心得才会碰撞出不同角度的欣赏审美的火花,每个人从不同的视角说出自己的心得体会来进行分享,这样才会促进加快学生们接受传统文化的脚步。 四、组织开展多元形式校园赣剧活动 通过建立校园赣剧文化沙龙、联合校园广播站、建立校园赣剧艺术社团等多种形式,加强赣剧艺术在校园文化活动中的宣传力度,探索发掘丰富多样的赣剧艺术活动及宣传方式。具体方式例如每月举行1-2次赣剧文化沙龙活动,在活动中通过赣剧演讲比赛、邀请赣剧表演艺术家进校讲座等方式,来扩展、丰富赣剧艺术的学习方式。同时由于我们的课堂时间有限,这些活动也可以起到课下知识补充的作用。 五、结语 赣剧至今有500多年的历史,作为赣文化的重要载体,我们通过在高校开设赣剧艺术欣赏的课程,可以使大学生通过传统艺术的视角更深入的了解赣鄱文化的内涵。那么如何高效的利用好我们宝贵的课堂时间,让学生充分汲取传统戏曲文化所带来的精神财富,这将是我们今后在具体教学过程中要不断思索和探讨的问题。总之,校园文化是实现人才培养的重要的精神支柱,高校人才的培养目标不是单一的注重学生的技能学习,而是要全面发展包括传统文化在内的综合性素质教育。因此,我们要振兴传统戏曲文化,努力完善提高包括戏曲在内的高校传统文化选修课程的建设。 作者:程虹毓 单位:江西中医药大学 艺术欣赏论文:国内建筑艺术欣赏教育缺失与建构 一、幼儿园“中国建筑艺术欣赏”教育的主要类型要科学地开展 “中国建筑艺术欣赏”活动,教师首先要认识到它是幼儿艺术欣赏教育的重要部分,在此基础上,还要了解中国建筑艺术的基本类型,并根据幼儿的接受心理和兴趣点,选择适宜的教育内容。基于研究,笔者认为,中国建筑艺术的形式多样、造型各异,为了便于活动的开展,下文根据建筑的结构、色彩、装饰、造型与占据的空间位置等构成的外观特征与象征意义,依据满足人们生活居住需要与精神文化需求的属性,将中国建筑艺术分为园林建筑艺术、宫廷建筑艺术、民居建筑艺术、现代建筑艺术四大类,为幼儿教师组织相关教学活动时提供参考。 (一)“园林建筑艺术欣赏”教育 园林建筑是指建造在园林和城市绿化地段内供人们游憩或观赏用的建筑。下面以苏州“拙政园”园林建筑艺术欣赏为例,说明“园林建筑艺术欣赏”教育在不同年龄班应有的不同侧重点。小班幼儿:感知拙政园园林建筑艺术造型中视觉艺术的美,喜欢观看拙政园园林建筑艺术作品,能简单表达自己欣赏后的感受。中班幼儿:通过欣赏拙政园园林建筑艺术作品,理解拙政园园林建筑艺术的基本组成部分,能简单表述拙政园园林建筑艺术的特点。大班幼儿:通过欣赏拙政园园林建筑艺术,能够运用美术技能表现拙政园园林建筑艺术的结构、色彩、造型等。 (二)“宫廷建筑艺术欣赏”教育 宫廷建筑艺术是帝王朝会和居住的地方,规模宏大,雄伟壮丽,格局严谨,给人强烈的艺术感染。下面以宫廷建筑艺术中“故宫”欣赏为例,说明“宫廷建筑艺术欣赏”教育在幼儿园不同年龄班各有侧重。小班幼儿:感知故宫的宏伟,色彩的鲜艳,造型的多样性,对故宫的各种布局感兴趣,喜欢欣赏故宫。中班幼儿:通过观察与教师的讲解,能理解故宫是中国古代建筑的典型建筑式样,特点是布局方正整齐,各部分之间对称、均衡、和谐,感受故宫建筑的艺术美。大班幼儿:在感知、理解故宫特点的基础上,用涂色、填画、造型等手段,表现出自己对故宫的感受。 (三)“民居建筑艺术欣赏”教育 民居建筑艺术是与人类生活密切相关的,是人类最早的、最常见的建筑艺术类型。下面以欣赏“北京四合院”为例,说明在不同年龄班开展“民居建筑艺术欣赏”教育时的侧重点。小班幼儿:感知北京四合院布局,对其布局产生兴趣,能够运用动作和表情表达欣赏后的感受。中班幼儿:通过观察北京四合院的布局,理解对称建筑艺术的特点,知道东房、西房、南房、北房的名称和位置。大班幼儿:在感知、理解北京四合院布局的基础上,能通过动手制作北京四合院的模型,进一步表现自己对传统民居建筑艺术的认识。 (四)“现代建筑艺术欣赏”教育 现代建筑艺术是指20世纪后建造的具有时代特征的建筑。以2008年北京奥运会代表性建筑“鸟巢”为例,它的欣赏活动在不同年龄班有不同的侧重点。小班幼儿:感知“鸟巢”的造型美和主要功能,对比感知“鸟巢”与鸟窝的相似点。中班幼儿:通过理解“鸟巢”造型特点,知道其用途和意义,感知“鸟巢”的造型美、色彩美和线条美。大班幼儿:在感知与理解的基础上,通过绘画、手工等美术技能进一步表现与表达“鸟巢”建筑的形状、色彩、结构等,理解“鸟巢”的寓意及其中蕴含的中国现代建筑艺术美。在实施上述类型的教育过程中,教师不仅要选择一些代表性建筑物,而且要充分利用本土的优秀建筑资源,让幼儿到现场观察和欣赏,进一步感受身边的建筑艺术美。 二、幼儿园“中国建筑艺术欣赏”教育的实施途径建议 在了解“中国建筑艺术欣赏”教育的基本类型并确定了欣赏内容之后,教师可以充分利用家长资源、网络资源等多种渠道去收集丰富的欣赏资料,供幼儿操作,然后通过以下几种途径组织欣赏活动。 (一)在主题活动中系统而灵活地开展 主题活动是近年来幼儿园课程的主要实施途径。在主题活动中应该有“中国建筑艺术欣赏”的一席之地:不仅可以通过集中教学活动开展,也可以在区域活动中进行。在组织教学活动时,中国建筑艺术欣赏活动不仅出现在艺术领域活动中,也应渗透在健康、社会、科学、语言等领域的活动中。活动的组织方式应以实地参观考察的方式为主,让幼儿在多通道参与的欣赏中亲身体验、真切感受到我国建筑艺术中特有的造型、结构、色彩等要素。也可以通过欣赏照片、课件和拼接图片等方式,了解中国建筑艺术的视觉美,理解中国建筑艺术中造型的鲜明特点和象征性,体验其中的情感。还可以通过主题背景下的区域活动开展相关教育。比如,在建构区中教师可以投放一些自制的仿中国建筑艺术的活动材料,如画有飞檐图案的插塑等,供幼儿自主游戏;在美术区投放画笔、纸张、颜料等,供幼儿自主表现出对中国建筑艺术的感受;在表演区,可以投放中国建筑艺术模型为舞台布景,供幼儿戏剧表演时使用;等等。与此同时,在主题活动的实施过程中,教师要注意有计划、呈系统地安排中国建筑艺术的教育内容,让幼儿能较为全面地感受到中国建筑艺术的基本构成、突出特点和整体精神风貌,从而循序渐进地提高幼儿的艺术素养。 (二)在幼儿园环境创设中渗透 环境是幼儿的第三任教师。通过环境创设这个载体,为幼儿提供一种良好的欣赏环境,帮助幼儿自然地感受和理解中国建筑艺术。可以从三个方面进行环境创设:一是在幼儿园的建筑装饰风格上突出中国建筑艺术特色,在造型上呈现中国建筑艺术的元素。比如在园内适宜的地方放置按比例缩放的中国建筑艺术模型。二是在班级的环境创设中,结合主题活动的开展,运用不同风格的中国建筑艺术元素来装饰中国建筑艺术主题墙,并邀请幼儿参与设计和布置。三是在区域活动中开设中国建筑艺术欣赏区域,特别针对我国多个少数民族建筑艺术模型或图片进行欣赏,如傣族竹楼、彝族土掌房、哈尼族蘑菇房、客家围屋等。 (三)在生活中随机进行 “中国建筑艺术欣赏教育”还应在幼儿的生活中随机进行。比如,教师与家长沟通,让家长在外出旅游时,多为幼儿介绍当地的中国建筑艺术。让幼儿有更多机会实地观察和体验优秀的中国建筑,感受不同时期中国建筑的特点和美感;也可以与社会联系,组织幼儿参观本地具有代表性的建筑物,充分利用幼儿的家庭资源和社区资源,延伸“中国建筑艺术欣赏”课堂。在上述基础上,教师还要注重整理相关教育经验,尽快将“中国建筑艺术欣赏”教育融入到当前幼儿园的美术课程中,以进一步丰富幼儿艺术教育的内涵和形式。 作者:王冰 付晓莉 李云霄 艺术欣赏论文:美术教学与艺术欣赏 摘 要:美术教学与艺术欣赏是素质教育的一个重要组成部分,通过美术教学实践把学生培养成具有个性、创造性和健全人格的人才,是新课改下美术教学的重要内容。 关键词:美术教学 艺术欣赏 美术欣赏课 美术欣赏是一种视觉心理活动。它从视觉对作品的直观感觉开始,通过知觉与联觉、统觉而变成情感和意识的过程。它是向学生增强爱国主义精神,陶冶高尚的情操,培养良好的思想品德,提高学生的审美能力和创造能力的积极手段。高中阶段,学生在生理,心理上已接近成热,是准备走向独立生活的时刻,他们的自信、自尊都在增强,他们有自己独立的思考能力,而接触面也更加广泛,他们求知欲强烈,学校教师传授的知识已不能满足他们的需求,他们渴望从各种渠道接受新观念,接受新知识。在这时,审美教育更能发挥其独特的作用,其鲜明的形象性和强烈的情感性正是对感情真挚奔放,形象思维极强的青少年作用是最大的。但同时也要认识到当代的世界正处在一个巨大的历史转折期,学生经历着空前的观念撞击和文化震荡,正如电脑和算盘同在,洗衣机和搓板并存,试管婴儿和恐龙蛋化石共生一样,生活在同一时代的精神并非同代。对于写实风格的作品,学生产生认同感后,或迷恋于写实的技巧,逼真的形象,或希望了解画中的内容,情节而不是进入真正的欣赏。若面对表现性,写意性风格的作品,与学生的审美经验就有一定的距离,从而既有新奇感,又与原审美心理有抵触的矛盾状态。这些变形怪异的造型,强而冲突的色彩,大刀阔斧的笔触等都不能引起学生真正的审美反应,而面对抽象风格的作品时学生会因看不到任何与原有经验相联系的形象而产生茫然排斥之感。 在这种观念的影响下,美术也显得希奇古怪。如现代主义的美术,有入说是一种头脚颠倒得艺术。一位心理学家曾幽默的用生动的语言概括了现代艺术和传统艺术的根本区别。他说:“今天年轻的一代和我们这一有什么不同。他们也是逐渐懂事,也离家出走,也生孩子。只是顺序倒过来的。”的确,在现代主义和后现代主义的艺术家那里,艺术的含义更加宽泛,既包括美的,也包括丑的:既有善的,也有恶的;既包括物质的,也包括精神的:既有纯实体的东西,也有纯形式的纯数学的东西。 在高中美术欣赏课上,可做以下尝试:选择优秀的画家,优秀的作品。上课时要先让学生对画家的思想和人格精神有个充分的了解,然后对其作品进行分析时,融入画家的思想和为人,学生在欣赏美的同时也接受了思想教育。要知道一件伟大的艺术品能屹立不倒,不仅仅只有外表的美,而更重要是对社会产生的影响。如十九世纪最伟大的雕塑家罗丹。艺术在他看来是所谓静观默察,是深入自然,渗透自然。与之同化的心灵的喜悦,是智慧的喜悦,是在良知照耀下看清这个世界而又再现这个世界的喜悦。学生从中获得审美喜悦,正是和艺术再现世界相对应的,即熟悉,亲切,又陌生新鲜的心灵体现。而对罗丹的大理石雕塑《沉思》,人们会同时浮现双重的现实感:一种是通过洁白润泽的大理石,造型语言等材料和媒介透出的再现形象;另一种是由这个再现形象激起的对外部客观现实的联想。这两种现实都在幻觉中产生,从再现形象到客观现实往复多次,构成心灵意象的跳跃感再现。捕捉这样一种大幅度的扩展和变化着的意象,将激起心理,智慧,想象,情意以至人生经验的涟漪,这一精神活动本身“力”图样,体现的恰是梦想与现实,精神世界与物质世界的矛盾。罗丹的助手葛赛尔写下了《沉思》这座雕像给他的审美经验“这是一个非常年轻,神的张弛,往复,伴随着极度的审美愉悦,呈现为精神上的创造,自由和超越。他在表现时特别注重强调和对比,把眼睛以上从眉弓推向前额,突出入类精神生活最主要的领域,以先声夺人的精神力量去接近观赏者。而下颉到脖颈再到双肩,几乎“沉没”在石座里,“突出”与“沉没”的“秀”,面目俊美的女性头像,她低着头,周围萦绕着梦想的气氛,显得她是非物质的头脑上帽子的边缘,好象她梦想的羽翼一样,但是她的颈项,甚至她得颔都在一块粗大得石头上,好象夹在不能摆脱得枷板中一样,不具形的“思想”在静止的“物质”中花一般地吐放出来,而且用辉煌地光彩照亮了这物质,但是她丝毫没有办法摆脱现实的沉重束缚。”应该要引导学生在欣赏中感觉到这种美的力量。学生在美的享受中自觉的接受了罗丹的高尚艺术品格,尽管也许不一定所有的学生都有这样的感受,但这种教育的深刻性是永远不能泯灭的。 艺术家创作一件美术作品时,除了通过完美的外在形式,提示某一特定的主题之外,往往还有其更深层的内涵更隐藏的意蕴,是一种文化,精神层面的要求与体现,是美术作品的最高价值所在是时代、社会、民族精神的写照,。如青铜器、秦俑、唐楷所体现的中华民族精神,古希腊艺术所体现的崇尚理想与科学的精神,文艺复兴时期艺术品中的人文主义思想。中国山水画中的意境和神宗意识等等,学生至此才会对作品产生深刻的理解和审美情感的升华。 比如《最后的晚餐》这一圣经故事在达・芬奇之前很多画家都画过,但为什么都不如达・芬奇画得有价值 ,并为世人瞩目?首先,达・芬奇没有像先前的画家那样为耶酥和十二门徒画上神圣的光圈,而是把这宗教传说当作一个极富戏剧性的场面来处理,是以世俗的感情和写实的手法把他们当作普通的人来描绘,并深刻地提示了人物的性格,心理冲突,更重要的是人文主义思想在作品中的反映。从耶酥与犹大的冲突中反映了耶酥与犹大耶酥的高尚和伟大,即人的尊严和价值;反映了正义与邪恶之间的斗争。人文主义反对宗教神学提倡学术研究,主张思想自由和个性解放,肯定人是世界的中心,强调了人的伟大,人格的尊严,这些才使这幅画成为文艺复兴时代精神的代表作。 总之,美术欣赏方法多种多样,没有唯一标准。主要看学生是否掌握了本课题主要的欣赏要求和方法,是否能抓住本艺术的特点来欣赏艺术品。 艺术欣赏论文:中国传统绘画艺术的特色及艺术欣赏 摘 要 绘画艺术鉴赏是美术欣赏的主要对象,本文从中国传统绘画的特点出发,介绍赏析中国传统美术作品的具体方法,主张提高个人的艺术修养,提升鉴赏水平。 关键词 传统绘画 艺术特色 鉴赏能力 中国是一个有着五千年历史的文明古国,数千年的历史文化传承,使这个国家拥有独特的文化形态和艺术成就。在世界历史上有着卓越成就的传统绘画,最能表现其独特的审美意识。而要认识理解中国的绘画艺术,就要从历史的根源出发,以传统的中国绘画来进行解读和剖析。首先就要了解绘画的特点: 一、形、神、韵兼备,以形传神,是中国画的一个重要创作原则 “像不像”不是创作好坏的评论标准,也不是创作的出发点。中国画追求的是绘画的气韵和意境,只具备“画得像”的功夫,但是作品没有神韵,即使你画的再像,也不是中国画所追求的最终目的。比方说,在人物刻画中,中国画从姿态上区分男女的性别特征,女子线条柔美,削肩细腰,男子则是威武雄壮,身体结构并不相称。这就是只求神似,不求形似的象征手法,用以展现性别特点。从历代名家的作品中可以看到,作者都是以形似来展现整个画面的神韵,由一点来表现整个画面的空间感和视觉享受,显得磅礴大气。 二、中国画主要以线条表现事物的生命力 与西方绘画不同,中国画并不是立体描绘对象,而以简单的线条表现分界的临界点,比如在刻画人物侧脸时,用一条曲线表现鼻子和脸部的分界,用蛋形曲线展示人物的脸部轮廓。在山水的刻画中,以线条展现山水树木的纹理,这种处理手法让西方人叹为观止,也对后期印象派的创作产生深远影响。 三、色彩的渲染主要以墨色为主,用清水调和水墨制作出深浅不一的色彩来展示不同角度下色彩变化 例如最为明显的是在处理荷叶时,中国画使用深墨简单几笔描出荷叶的经脉轮廓,而离视线较远的一部分则淡化处理,以此表现作者的视觉角度。中国画虽然是平面创作,却能很好地衔接多角度的视察。 四、中国画不讲究立体描绘 无论是人物、花鸟、山水、虫鱼,都是平铺在一张纸上,而且打破了空间的局限。比如说,很多景物描绘的都是山、水、云、雾等自然景象,层层叠叠地绵延在图纸上,空间的界限得以无限延伸。在画古代庭院的作品中,是以空中俯瞰的角度,用假山、门洞、小桥、回廊等来表现庭院深深的光景。 五、中国绘画不讲究背景 中国画不像文学创作那样需要背景烘托,几条鱼,再添加几条波纹就可以看出是鱼翔浅底的自然图景,所以留白的地方很多。这些留白的地方又通过作者或者他人的题词增加独特的韵味,说明创作的动机和深层含义。西方绘画都是在整张纸上进行创作,无论人物和景物,都没有留白,这是因为他们更注重写实。 六、画中有诗的民族特色 这也许是中国画最显著的一个特征了,纵观国画自古以来的特色,无论画风怎样变化,有一点是创作者们始终不会改的,那就是作品中的题词。第五条中已经说到,中国画存在大量留白,这些留白在画作完成之后,都被填以诗词,并盖以章印。这既增加了画的文化内涵,又使后人在阅览的过程中,对创作背景、作者心态、作品深意有一个深刻清晰的理解,考究起来有根有据。 对国画的特点有了大致的了解后,就要看怎样去欣赏了。鉴赏中国画,首先要看这幅画的整体布局,作者的创作风格,画中是否存在深远的意境和趣味。画的意境和趣味性决定了作品给观众的第一印象,好的意境和趣味,能让鉴赏者产生继续浏览的兴趣,高超的创作技艺就是为画作的意境服务的。布局是画作的关键部分。 再看作品的线条勾勒,也就是工笔,是否与造型相符,物象特征是否明显,是否线条流畅,是否生动自然等,都是考察与鉴赏的范围。传统的画作都与书法作品挂钩,所以影响线条美感的还有作者的书法功底,功底较低的,往往线条呆板幼稚、疲软无力,作品缺乏灵动性。 因为中国画注重墨色的层层渲染,所以浓淡是一层层叠加的,很有层次感,所以在鉴赏过程中,要看画作中有没有存在局部死黑,色彩变化的情况,一般存在这种问题的画,是不会受到观众亲睐的。我们可以看看齐白石的画,比如说他最擅长画的虾,意趣横生,不管整体纵览还是观察个体部分,虾好像都是在动的,这就是灵动美,也是作品的灵魂。 画作成功之后,就要将进行题词,书法的好坏会大大影响画的价值,因此书法不精的人是不敢随便题词的。在题词之后,就是加盖私章。私章的种类繁多,有画家的印鉴,有题字者的印章,还有收藏者和鉴赏者的印章。印章的造型不一,雕工和加盖的位置也不一样,但是这些细节都会影响画作的品评。 最后一步,就是作品的装裱了。中国画的装裱都别具一格,装裱用纸十分严格讲究,这是由于好的装裱能够把画衬托得名贵大方,古朴典雅,影响画作的整体效果。从以上这些方面下手,你才能更好地赏析国画的艺术精粹,具象的了解什么是艺术以及怎样欣赏艺术。 (作者单位:四川职业技术学院) 艺术欣赏论文:浅析家校合作是提升小学生艺术欣赏能力的有效举措 摘 要: 艺术欣赏与家庭合作不仅能使学生愉悦,还能给学生带来多方面益处。艺术欣赏能提高学生的学习主动性、专注力、自控力、自信心,使学生跟环境发生更深层次的联系,从而开阔视野,获得人生的幸福感。近年来,国内外在艺术欣赏教育方面进行了积极的探索,通过学校、家庭、社区共育,积累了宝贵的经验,而我国艺术欣赏教育稍显欠缺,特别是与家庭的合作,不够重视,趋于形式化,具体举措不到位,达不到提升学生艺术鉴赏力的目的。 关键词: 艺术欣赏 家校合作 艺术欣赏能力 家校合作,顾名思义指对学生最具影响的两个社会机构――家庭和学校形成合力对学生进行教育,使学校在教育学生时得到更多来自家庭方面的支持,而家长在教育子女时能得到更多来自学校方面的指导。在我执教的学校里学生家长是以村居民为主的群体,家庭教育能力较弱,与学校教育的合作意识较淡薄,在学校多次工作引领下,家校合作趋于形式化;家长多数作为学校活动的旁观者和支持者,依赖、服从学校,少部分家长甚至站在对立面;家长参与目的单一,绝大部分家庭不重视甚至忽视子女的艺术教育,且能力不足,在艺术教育合作方面严重空缺,不利于学生全面发展。在意识到这一现状后,我经过调查和尝试得出结论:家校合作是提高小学生艺术欣赏能力的有效举措。 一、家庭艺术欣赏现状 我做过一个针对学生和家长的调查,家长并不过多地与孩子进行音乐、美术欣赏方面的交流,一起参观美术作品展、听过音乐会或欣赏过艺术作品的人数比例很小,因此可以看出在家庭中,家长并不重视儿童艺术欣赏的培养,没有营造家庭艺术氛围,或带孩子参加各种艺术活动,让孩子亲身感受生活与艺术。 而在其他一些国家,这种现象是很不寻常的。为了营造家庭艺术氛围,法国父母喜欢带孩子参加各种艺术活动,让孩子亲身感受生活与艺术。在学校和家庭的合力培养下,法国孩子对建筑、美术、音乐普遍有独特的感悟与认识。在俄罗斯,家长普遍重视对儿童艺术兴趣的培养,不失时机地培养他们的艺术感受力和鉴赏力,让儿童从小就接受艺术熏陶。在周末或节假日,俄罗斯人最喜欢带孩子去的地方是剧院、音乐厅和艺术博物馆。他们听音乐时的自制力正是来自这种投入,而投入则是家长平常循循善诱与熏陶的结果。回到学校,他们会和老师、同学交流自己的感受。在博物馆艺术品前,你经常会看到年轻父母俯身对孩子指点、讲解,而各个博物馆对小观众都是免费开放的。 以上现象说明我国在家庭艺术欣赏教育方面的欠缺,这更要求学校通过家校合作这一平台,与家庭形成教育合力,共同培养孩子的艺术鉴赏力。 二、家校合作开展艺术欣赏活动的建议 通过一系列调查,我得知大多数学生希望在音乐、美术欣赏过程中得到老师和家长的共同帮助,并愿意将自己的感受与他人分享。大多数家长是支持学校的音乐、美术欣赏活动的,乐意在家庭中开展;家长们都高度赞同家校合作开展艺术欣赏活动,并提出一些建议:(1)可以让孩子多听、多看、多开展讨论活动;(2)以学校活动为主,家庭为辅;(3)组织学生参观博物馆、画展等;(4)举行相关比赛,并把好的作品张贴出来,形成小型展览会;(5)开展教师、学生、家长的座谈会;(6)前期先由教师帮助引导开展活动,后期由孩子和家长收集资料和累积经验开展活动;(7)多让孩子们分享在家累积的资料。当然,在适当时候教师可以邀请部分家长参与学校活动中。利用每学期音乐、美术课本中欣赏课的教学内容加以拓展,并开展相关活动。 三、家校合作提升小学生艺术欣赏能力的具体举措 (一)角色定位,明确家校合作双方的权利和义务。 家庭和学校应合理分工,确定好自己的角色地位。明确各自角色后才能更好地履行相应角色应承担的责任和义务,从而提升家校合作功效。 在家校合作中,教师是活动的策划人、组织者和参与者;是家长的朋友,学生的知心人,是活动资源的开发人。教师与家长必须是平等的关系,教师要发现孩子的闪光点告诉家长,让家长感到荣幸,教师要帮助孩子在心中树立起父母的伟大和无私,教师是家长和孩子联系的纽带。 家长应是学校教育的合作者、智慧者和鼓励者,而不是指责者、观察者和批评家。学校教育需要家长的参与,要用智慧、真诚支持教育,学校教育在改革过程中遇到许多困难和挫折,一旦出现问题,家长就要密切配合,多合作少指责,为教育的健康发展出谋划策。 (二)为家庭教育引路,提升欣赏教育能力。 1.开展“亲子共赏活动”,完成“亲子共赏活动反馈单”,便于教师掌握家庭欣赏教育能力和完成情况。 2.开展“艺术家庭”评选活动,如可开展“营造家庭艺术氛围”、“指导家长欣赏经典艺术作品”和“亲子共赏一幅画、一首歌”等活动。 3.鼓励家长进课堂,谈谈自己对艺术作品的感受或教孩子一些自己擅长的手工或绘画方法。家长走进学校,当回老师,充分调动家长和学生的积极性,对学生、家长和老师三方都有利。 4.鼓励家长走进校园,把家庭欣赏内容表演给其他学生看,亦可以参观学校举办的美术作品展,感受美术教育对学生成长发展的重要性。 (三)通过多种途径,拓宽家校合作渠道。 利用校园网开辟的网上家校合作项目平台,及时与家长联系,艺术欣赏活动、学生表现等情况以QQ群方式发送给家长,这种家校沟通方式快捷、有效、省时省力。 教育离不开学校,但教育不能仅靠学校,现代教育是一种开放性全方位教育,要求改变以单一的学校教育影响为主的框架,突出学校、家庭与社会的交互性教育影响。家长同样扮演着重要的角色,加强家校沟通,形成教育合力,是提高教育教学质量的重要保证。教师应该当好组织者,探寻艺术欣赏方法和策略,以活动调动家长的积极性,发掘家庭教育资源,营造家校良好的沟通氛围、教育氛围,促进学生个体及学校艺术教育教学的发展,吸引家长关注并参与音乐、美术中的欣赏教育,增强学校与家长在此方面的合作意识,从而提升学生的艺术欣赏能力,促进学生全面发展、健康成长。
幼儿园美术教育论文:多媒体技术下幼儿园美术教育论文 一、多媒体技术可以辅助幼儿教学 (一)多媒体具有灵活多变的优势,能为幼儿创造生动形象的教学环境。 (二)多媒体能够展现直观形象的事物,能使教学内容更加直观、形象,帮助幼儿主动的参加教学活动。 (三)多媒体能够开拓幼儿思维,加强幼儿的独立性学习的习惯。 二、多媒体技术在幼儿美术教学活动中的应用 (一)优化美术艺术教学环境,激发幼儿的学习美术的兴趣 由于兴趣能够促进幼儿学习的主动性。多媒体技术具有多样性、形象性的特点,它能够运用声音、动画、色彩形象的展示在幼儿眼前,使教学环境趣味盎然,美术教学设计引人入胜,通过多媒体再现生活中的事物,把静态知识转化成为动态知识,抽象知识能够变得形象化,使幼儿在美术教学过程中不产生厌烦,帮助幼儿集中注意力,使幼儿感到学习的兴趣主动的学习美术课程。 (二)多媒体技术能够优化美术教学内容,解决教学中遇到的难点 幼儿的思维活动比较形象,对于美术教学中抽象的知识很难理解,教师可以借助多媒体将教学内容形象、地表现出来,并能够多角度地呈现教学内容,把抽象的东西变得更加具体化,使教学内容变得更加直观,从而帮助幼儿得到较多的感性知识。例如:在大班美术教学活动中,如“地球的好朋友——太阳和月亮”其教学难点是如何让幼儿了解太阳、地球、月球三者之间的关系。教师利用多媒体制作教学课件,以拟人的动画形象展示太阳、地球、月球三者之间的关系,使公转、自转的抽象概念变得形象化,使幼儿清楚的直观形象理解三者关系,从而突破教学中遇到的难点。 (三)利用多媒体优化课堂教学过程,提高课堂教学效率 利用多媒体进行教学,能够有效缩短教学的课堂时间,教师可以根据教学的要求,对画面、声音进行设计,告别时间与空间的限制,使看不清、摸不到的东西变得触手可及,增强了幼儿教育活动的表现力,使幼儿主动参与课堂教学活动,从而我们要求的教学效果。例如:在幼儿园中班美术教学活动中,“美丽的大草原”教学活动中,我们主要是教会幼儿如何制作沙画,传统的教学方式主要是教师通过示范让幼儿进行学习,由于部分幼儿能看到所以教师经常分组教学浪费了课堂时间。运用多媒体技术辅助教学后,教师通过使用投影设备进行讲解,解决了遮挡幼儿视线的问题,而且缩短示范讲解时间,节约课题教学时间,使幼儿能够更多时间进行亲手操作。 (四)教师在教学中应该做到因人施教 幼儿由于遗传原因和家庭环境的不同,幼儿理解能力参差不齐。如果教师采用传统的教学方式,教师不可能在相同的教学活动中采用不同的教学方式进行教学,这样违背了教学最优化原则,而多媒体技术的应用可以使教师有效控制教学进程,采用不同的教学方式帮助幼儿更好的学习。无论是美术教学中的巩固练习或新知识的传授,教师都可以随时随地的根据幼儿不同情况进行技术修改,满足幼儿的不同的教学需求。 (五)创造和谐优美的美术教学氛围,实施艺术美感教育与幼儿情感教育 我们采用多媒体技术能够为幼儿创造轻松快乐的学习氛围,培养幼儿主动接触大自然、懂得欣赏艺术作品,感受大自然的魅力和艺术的美感。如幼儿大班美术教学欣赏活动中,如“天安门”教师可以通过多媒体播放天安门的升旗仪式,使幼儿能够身临其境的了解和感受天安门多么雄伟与壮丽。通过幼儿观看到天安门的升旗仪式的过程中,有些幼儿能够情不自禁的唱起中华人民共和国国歌,还有部分幼儿通过感染离开自己的座位站起来行注目礼。在这样的教学活动中,幼儿可以通过视觉、听觉真正感受到天安门如此庄严雄伟,增强了幼儿心中的民族自豪感。 三、多媒体技术辅助幼儿教学需要注意的问题 (一)运用多媒体技术辅助教学过程中,教师需要重视幼儿的主体地位与教师的主导作用。我们要克服重教育轻学习的情况,采用教育引导幼儿学习的方式,突出幼儿的主体性,从而激发和促进幼儿自主的学习。同时,我们要保证教师的主导教学作用,做到人与多媒体相互交融的教学方式交,教师要把自己的教学策略与多媒体课件合理融合做到有效运用,从而体现幼儿的主体性与教师的主导性。 (二)运用多媒体技术的同时要明确教学目的和教学内容,做到该用时慎重选择,做到教学重点突出,不必要的时候不使用多媒体,这样可以有效避免干扰教学的重点和难点,不占用教师的讲解时间和幼儿的思维活动时间。 (三)多媒体技术不能完全取代传统的教学方法,要做到传统手段与多媒体技术有机结合。教师需要充分考虑美术教学内容、精心设计美术教学过程的基础上选择最合适的多媒体教学方法,从而优化美术教学活动,使幼儿在最佳的学习条件下进行优质的学习,不能滥用多媒体技术。 四、结语 通过实践证明,教师如果能恰当的采用多媒体技术手段辅助课堂教学,我们能够多角度、全方位的组织好美术教学活动,这样有效的教育方式可以帮助幼儿更加热爱学习,同时还能有效促进老师美术教育活动过程中:教学的趣味性,提高幼儿学习的积极性,多媒体辅助教学能有增强幼儿的注意力、提高观察力、增加记忆力、开拓幼儿思维力与想象力。随着科学的不断进步,教学形式逐步科学化、多样化,从而有效提高幼儿课堂教学质量,但是幼儿教学仍然需要我们不断钻研、不断探索、不断创新。 作者:徐荣 单位:昆山开发区东部新城幼儿园 幼儿园美术教育论文:幼儿园美感能力美术教育论文 一幼儿园美术教育中美感能力培养的必要性 作为幼师要避免只重视知识教育和技能表现,忽视幼儿在活动中的情感和态度。幼儿创作作品的过程是他们表达自己想法和情感的重要方式,所以要鼓励幼儿富有个性和创造性的表现,克服过分强调技能和技巧的做法。幼儿美术活动能力是在大胆表现的过程中逐渐发展起来的,教师的主要作用是激发幼儿感受美、表现美的情趣,丰富审美经验,体验自由表达和创造的快乐。此外,根据幼儿个性的发展状况和需求,要对其表现方式和技能技巧予以适当的指导,才能促进幼儿的身心发展。 二幼儿园教师教学过程中美感能力的培养 幼儿园教师美感教育培养首先要提升美术欣赏能力。审美与艺术是相互的,没有审美就没有艺术,没有审美情趣和审美洞察力,就不可能创造出审美价值较高的绘画作品。美术欣赏的作用是培养幼儿教师具有较高的审美能力和水平。首先要选择适合的作品,尽量选择对教师教学有帮助、跟平时技能训练有关系的作品。教师通过欣赏,了解作品的不同风格和表现技法,并从中汲取经验,选择适合自己的学习方向。教师通过作品欣赏,思考分析艺术作品和现实间存在的距离,并从欣赏过程中体会艺术的魅力,提高审美能力和理论修养。同时也可将学到的技巧用于日常教学中,如将美术理论与幼儿的年龄特点、知识结构和认识水平相结合,选择更加恰当的美术欣赏内容,引导幼儿学会欣赏,并通过色彩、线条、形状等形式向幼儿传达美的信息。其次是自身专业能力的培养与提升。幼儿教师在美术创作时,提高造型能力,把握色彩关系和色彩变化规律,表现出来的物象会更真切。教师在训练中可大胆地采用多种美术表现技法并融入环境创设,为幼儿创造轻松愉悦的学习环境。画面颜色要接近自然,这样的色彩可让幼儿产生丰富的想象力,更容易使幼儿产生共鸣,从而引起他们对美好事物的喜爱和向往,增强创作的想象力。幼儿教师要根据教育活动的需要自制玩教具,提供幼儿感兴趣并适合的活动材料进行活动。幼儿玩教有利于幼儿认识事物,促进智力发展。教师制作玩教具的过程也是创作美、发现美、欣赏美、传播美的过程。教师可利用感知自然美的能力,积累美、创造美,从活动中体验创作过程的艰辛和成功的喜悦。这一过程充分体现了教师的环保意识及创新意识,强化了教师的手工能力。指导幼儿利用身边的物品如一次性杯子、蛋壳、毛线等制作玩具、手工艺品等来美化生活,从中引导幼儿相互交流、相互欣赏、共同提高这也是一名幼儿园教师应具备的素养。 三、结语 幼儿园教师美感教育通过引导幼儿认识美的事物和艺术作品,培养他们认识美、爱好美、创造美的能力。充分发挥幼儿园教师美术教育中美感教育的特点,使幼儿的自主创造与美感能力有机结合、互相渗透,从而促进幼儿艺术综合能力的和谐发展。 作者:万传菲 董玉倩 单位:山东协和学院 幼儿园美术教育论文:幼儿园美术教育论文 一、幼儿美术教育的重要意义 (一)提高幼儿观察力,有助于开发智力 幼儿教师在向幼儿讲解美术的时候,不自觉的对幼儿进行视觉与听觉上的锻炼,培养其独特的观察能力,同时,听觉能力的提高也有助于幼儿表达能力的培养,有助于幼儿智力的开发。 (二)丰富幼儿生活,促进幼儿全面发展 色彩斑斓的世界对于心智尚未健全的幼儿来说,处处充满了好奇与魅力,幼儿的脑力与语言限制其准确的表达出内心的想法,而绘画能够有效缓解幼儿迫切的想与世界交流的欲望,丰富其日常生活。 二、幼儿园开展美术教育的方法措施 (一)创设良好的美术教育环境 良好的环境是幼儿美术能力提高的重要基础。传统的幼儿园美术教学中,通常是幼儿自己拿起画笔完成一副简单的作品,缺乏新意,长此以往,幼儿的兴趣必会大大降低。因此,幼儿教师可以利用多种形式,丰富教学环境。首先,幼儿教师可以带领幼儿多去室外活动,让幼儿充分感受到大自然的美,引导其联想到生活的方方面面,感受到自然与生活的密切联系,将之创作于绘画当中。其次,幼儿教师可以创新课堂教学,例如将画具与材料放置于讲桌,让幼儿自行选择自己满意的材料进行美术创作,待完成后将作品贴于教室的墙上进行展览交流。幼儿在此过程中都是自己亲身完成,有助于其养成良好的学习与做事习惯,既丰富了教学形式,为学生创设了良好的环境,又能有效培养其“自己的事情自己做”的意识,有助于幼儿的身心健康发展。最后,幼儿教师还可以引导幼儿多注意观察身边的事物,鼓励幼儿进行创新,变废为宝,例如绘画用过的废纸,可以用来折纸,废弃的易拉罐可以做成精美的小花瓶等,充分发挥儿童的想象力,提高幼儿的创新能力和动手能力。 (二)改善教育模式,注重因材施教 当前,我国的幼儿园教学多数均采用小班化教学,幼儿教师在注重对幼儿的悉心教导的同时,也要防止过度干涉,确保儿童拥有自己的“小空间”。“一千个人眼里有一千个哈姆雷特”,同样的美术作品,在不同的儿童眼里,所呈现的东西也不一样的。教师应鼓励儿童多与其他小朋友交流沟通,取长补短。此外,幼儿教师还应结合不同幼儿的身心发展状况,对其进行要有针对性的辅导,真正做到因材施教。 (三)增进师生交流,提高学习热情 幼儿园的平均儿童年龄在3岁到7岁之间,身心发展尚未成熟,其特殊的心理发展状况使得幼儿教师必须加强与幼儿之间的互动沟通,形成良好的师生关系,便于教学工作的开展。美术活动是需要幼儿教师与幼儿之间交流的一门教育活动,幼儿时期的儿童,内心比较脆弱,幼儿教师应对其多加鼓励,不断引导儿童完成当下的任务,对任务完成较好的儿童,适当进行物质奖励,增强儿童的上进心,提高其对美术的学习热情。 (四)创新教学方式,注重幼儿心理体验 随着社会的发展,现在的幼儿受家庭环境和其他外界环境的影响,思想较为成熟,对新事物的认识较快,幼儿教师要抓住幼儿的心理变化,创新教学方式,提高幼儿的学习兴趣。四、总结:综上所述,我国的幼儿园美术教育仍存在较大问题,严重阻碍了幼儿园美术教学的正常开展,也不利于儿童的身心健康发展。因此,幼儿教师要不断提高自身素质,创设良好的幼儿园美术教育环境,创新教学方式,利用多种形式提高幼儿园美术教育的有效性。 作者:吴倩楠 单位:河北省衡水市第二幼儿园 幼儿园美术教育论文:浅谈幼儿园的美术教育 摘要:幼儿时期是美术启蒙的最佳时期,在这个时间段,儿童艺术只是表达,成人不能以自己的“哲学”对儿童作品进行评判,而更应该以欣赏的方式给予孩子鼓励和支持。幼儿作画时,成人需要给孩子的是自由的空间,并提供适当的帮助。培养发展幼儿的观察力、想象力、创造力,发展手部肌肉动作的协调性、灵活性。 关键词:美术创作;教学引导;理解欣赏 美术的教育是幼儿园艺术教学的重要内容。美术也是幼儿的另一种表达认识和情感的“语言”。幼儿虽然受年龄和生活阅历的限制,作画能力、技能技巧都处在待开发阶段,但孩子在画面上的表达,确是他们真实的内心世界。作为美育的重要内容,给予幼儿良好的开端,是非常必要的。 1.有效利用环境 环境是重要的教育资源,教师应通过创设并有效地利用环境促进幼儿的发展。美术教育应引导幼儿接触生活中各种美好的事物与现象,丰富幼儿的感性经验和情感体验。幼儿园的空间、设施、活动材料和常规要求应有利于引发幼儿的主动探索和幼儿间的交往。美术是一门视觉艺术,美的环境能让幼儿建立起良好的审美感觉,激发他们的艺术情感,形成表现美和创造美的兴趣。幼儿园的环境布置就是实际的教育。第一,环境布置要美,这是一种美的熏陶;第二,鼓励幼儿发现身边可利用的物品和废旧材料制作各种玩具、工艺装饰品,培养幼儿发现美和创造美的能力;第三,环境布置中,为幼儿创造展示自己作品的条件,激发幼儿对美的表现欲望。 2.教师的正确引导 教师是幼儿学习的引导者,幼儿的学习兴趣很大因素是源于老师的正确引导。美术活动是一种情感和创造性活动。教师要理解并积极鼓励幼儿与众不同的表现方式,注意不要把美术教育变成机械的技能训练。教师的言行举止,要有助于对孩子的教育。日常生活中,教师善于发现幼儿感兴趣的事物和偶发事件中所隐含的教育价值,把握教育的时机,提供适当的引导。维果茨基提出,让孩子体验到成功的喜悦,这样的评价更合乎儿童的“最近发展区”。帮助幼儿从评价中看到自己的特点、努力的方向和进步与发展的希望,帮助幼儿建立自信,使每个幼儿都能在自身的基础上尽可能得到最大限度的发展。实践证明,教师能根据幼儿个体发展的实际程度进行合适的引导,可以使幼儿在美术活动过程有愉悦感和个性化的表现。 3.对幼儿作品的理解与解读 幼儿由于生活经验尚在积累当中,对艺术的表达不代表要符合成人对他们的期望。教师要站在幼儿角度理解幼儿的作品,倾听幼儿对作品的描述,理解幼儿表达的用意。根据幼儿年龄和生活经验,理解幼儿的情感,分析所表达感受和体验艺术形式。教师更需要学会尊重幼儿在发展水平、已有经验、学习方式等方面的个体差异,用适当的方式给予帮助和指导,使每一个幼儿都能感受到安全、愉快和成功。 4.探索材料的运用 材料是否吸引幼儿?选材合不合适?是否是幼儿能够独立操作的?能否发展幼儿的观察力、想象力和创造力?美术活动之前,教师要先考虑幼儿的实际能力。比如,小班孩子对物体的美感和形象思维还处于启蒙阶段,缺乏表现能力。有的孩子可能看到一张白纸,会无从下手。为了激发孩子的作画兴趣,我除了提供蜡笔、水粉颜料、油画棒、粉笔等,还尝试用手指印画的形式在班上自由作画区作画。另外,我尝试用印刷衣服的方法,让幼儿动手印画服装,这种方法简单,作品效果却很好。还可以利用“半成品”让幼儿通过加工变成一件完整的“成品”,创造性地完成一幅有情节、有动感的作品。到了中班,孩子的动手能力和想象力有一定发展,可以给幼儿提供更多名画欣赏,培养幼儿欣赏能力。并提供一些如“油水分离”“碘酒喷画”“棉签淀粉”等多种易于幼儿发挥想象和创造的绘画材料。还可以让孩子自由选择身边的废旧物品的用处,启发幼儿大胆设计创作。通过幼儿自选材料、自由表达、自由张贴,给予向全班幼儿讲述自己想法的时空,使幼儿充分表达自己的感悟、想象。 大班的孩子对周围事物都充满好奇心,虽然生活经验不足,经过幼儿园几年的学习,在绘画技能方面积累了一些经验,想象力丰富,喜欢天马行空的猜想,并在美术作品中得到体现。我在教学中,挖掘日常中的资源,让这些资源进入课堂。另外,孩子作画时,可以大脑先构思画面,再进行作画。在作画方式灵活自由的情况下,幼儿的自主性会更强,更能让幼儿宣泄情感,张扬自己的个性。 总之,幼儿园的美术教育是培养幼儿审美能力,表现美的能力的启蒙教育,是教师最需花时间和精力的教学内容,也是教育的重中之重。 作者:吴湘苹 单位:华南理工大学幼儿园 幼儿园美术教育论文:陶行知“生活教育”理论指导幼儿园美术教育活动的研究 摘要:陶行知的“生活教育”理论,结合中国实际,创造出了“给生活以教育,用生活来教育,为生活的向前向上的需求而教育”的理论。用陶行知的生活教育理论指导幼儿园美术教育活动,就是将“生活教育”理论做指导,在美术教育活动中密切联系幼儿的实际生活,进行以幼儿发展为本位的美术教育,尊重幼儿的个性化创造;就是将幼儿的兴趣、能力、心理需要及生活能力为中心,以各种美术表现手法为基本手段,在幼儿美术教育活动中体现陶行知思想生活化的特征,实现其生活化的价值。幼儿园美术教育的生活化,主要是通过“主题的生活化”、“各活动环节的生活化”、“环境创设的生活化”等策略,引导幼儿运用多种美术手段表现周围的生活世界。所以,生活教育理论对幼儿园的美术教育活动,具有重要的指导意义。 关键词:陶行知“生活教育”理论;幼儿园美术活动;幼儿美术教育 中图分类号:G612 文献标志码:A 文章编号:1674-9324(2017)23-0233-02 陶行知的“生活教育”理论,结合中国的实际,创造出了“给生活以教育,用生活来教育,为生活的向前向上的需求而教育”的理论。用陶行知的生活教育理论指导幼儿园的美术教育活动,就是将“生活教育”理论做指导,在美术活动中密切联系幼儿的实际生活,进行以幼儿发展为本位的美术教育,尊重幼儿的个性化创造;就是将幼儿的兴趣、能力、心理需要及生活能力为中心,以各种美术表现手法为基本手段,在幼儿美术教育活动中体现陶行知思想生活化的特征,实现生活化的价值。 一、生活教育理论概述 陶行知的“生活教育”理论,最初源于美国著名实用主义哲学家、教育家和心理学家约翰・杜威。陶行知先生结合中国实际,创造出了自己的“生活教育理论”,其优秀内容由“生活即教育、社会即学校、教学做合一”三部分组成,这是我国现代教育的重要思潮之一。“生活教育”理论的优秀是:生活决定教育,用生活来教育,给生活以教育,为生活的向前向上的需求而教育。 让孩子“回归生活世界”,成为近年来教育界最为热切的呼声。幼儿与生俱来就热爱艺术,幼儿园美术教育活动是渗透于幼儿日常生活中的典型活动。幼儿教师通过幼儿园的美术教学活动,引导他们以美术的形式表现周围生活,唤醒对生活的感受,表达内心丰富的情感。因此,我们应以陶行知先生的“生活教育理论”做指导,在幼儿园的美术活动中尊重幼儿的生活经验,密切联系实际生活,创造出以幼儿发展为本位的美术教育模式。 二、生活教育理论对幼儿园美术教育活动的指导意义 幼儿园美术教育活动的根本特征是,以幼儿的兴趣、能力、心理需要及生活能力为中心,以各种美术表现手法为基本手段,在幼儿美术教育活动中体现陶行知思想生活化的特征,实现生活化的价值。生活教育理论是陶行知教育思想的优秀,是对学校与社会割裂、书本与生活脱节、劳心与劳力分离的传统教育的反抗。 1.生活教育理论能够提高幼儿的审美情趣和生活感知。幼儿丰富的情感和体验,往往是他们参与各种艺术活动的原动力。幼儿总是用一种十分感性的方式来理解世界,从中体味现实生活的美好。幼儿美术教育恰好具有强烈的感情色彩,是强调发掘幼儿情感表达和情感体验的教育。幼儿对美术活动有一种与生俱来的需要,他们喜欢涂画、做手工、评论美术作品,将美术活动作为表达情感的一种途径。 2.生活教育理论能够培养幼儿宽松的心理环境。宽松的心理环境是指幼儿在情绪良好的状态下进行美术活动。美术活动是表现幼儿内心的艺术,他们有足够的信心和自由去主动操作。拥有宽松的心理环境,是幼儿热爱和专注美术创作活动的前提。试想,如果幼儿在进行美术活动时瞻前顾后,唯唯诺诺,则显得迟疑犹豫、不敢下笔。如果幼儿充满自信心,就会思维敏捷,思路开阔,快速表达。 所以,教师应具备正确的生活教育价值理念,设计出具有生活性、创造性的教学形式。通过内容的生活化、形式的生活化、材料的生活化等策略,引导幼儿运用多种美术手段表现周围的生活世界,在贴近生活的主题中任意舞动创意、挥洒画笔。 三、幼儿园生活化理论的美术教育实施策略 陶行知先生对教学内容提出一个总的要求:“我们要活的书,不要死的书;要真的书,不要假的书;要动的书,不要静的书;要用的书,不要读的书”。因此,美术活动应尽可能多地选择孩子乐于接受、喜爱的,能引发孩子积极情感体验的内容。同时,注意内容的适度新颖,即从孩子的实际经验出发,选择与他们现有经验有一定联系又有适度拓展的内容,使孩子有足够的兴趣用已有的经验,探索、积累新经验,表现新的感受和认识。 1.挖掘生活化的美术活动主题。在幼儿美术教育实践中,我们发现:生活化的主题与活动,十分有助于培养幼儿的美术兴趣。如何让生活化的教育理念顺利实施?首先,应以陶行知理论为引领,挖掘生活化的美术活动主题。有关幼儿美术心理学的研究表明,来自幼儿现实生活本身的刺激,远比间接的知觉刺激要强烈。如果这种知觉刺激是幼儿亲身体验过的,那将会为他留下更为深刻的印象,美术活动中所表达的效果也会更加生动和形象。所以,幼儿园美术活动主题的选择和表现方面,一定要以幼儿的先期经验为基础,以幼儿的周围生活为背景,以幼儿熟悉的人物事物为元素,注重生活教育与美术教育的紧密结合。若在美术活动中贯穿生活化取向,则幼儿会感知得更直接、更深刻。 2.以生活化理论优化美术活动环节。幼儿园生活化的教育理论,需要在美术活动的各个环节上加以体现,并以此优化美术活动各个环节。在每个教学环节的实施过程中,教师要充分结合生活教育理念进行活动的实施和引导。一个完整的幼儿美术活动,按照顺序应分为“感知与体验”、“探索与发现”、“创作与表现”、“欣赏与评议”等四个环节。在幼儿美术教育活动中,教师要引导幼儿掌握基本的造型规律,运用自由的表现形式,使用各种美术材料的方法等。 对幼儿来说,一切教育理念应贴近实际生活。美术活动正是这样一种贴近幼儿生活的快乐游戏。例如,在“探索与发现”环节,教师切忌用成人的模式去教导、要求幼儿,而应尊重幼儿不同寻常的创作想法,鼓励他们的想法是有价值的。要运用生活化的教育理论,尊重幼儿的创作欲望,不强迫幼儿接受教师的指导意见,以免用各种条条框框限制孩子的创作思路。o论是教师还是家长,都应顺应幼儿的心理发展需要,鼓励他们在创作活动时,享受过程,充满想象,富有生气,大胆用色。 3.设生活化的幼儿园环境。在教室环境和材料选择上,应体现生活化理念,让幼儿的审美情趣培养回归生活,回归真实世界,回归自我,在周围生活化的环境中“动”起来。通过感受生活、融入生活,获得美的体验,形成自然、真实的审美情趣。例如,将教室或区角布置成孩子熟悉的超市、农贸市场、游乐场、街道等,孩子们觉得新鲜、有趣的同时,更进一步完善生活经验,加深对事物的印象,巩固已了解的知识。在这样的环境中,幼儿的审美能力能够得到提高,艺术情操能够得到陶冶,达到认知、情感、操作、创造各方面的整合。所以,进行生活化的幼儿园环境创设,引导幼儿体验生活、感受生活,时时处处重视发挥幼儿的主观能动性,树立主体观念,增加在生活中的主体感体验,呈现对生活中客观事物认识的态度和情感。 四、结论 关注幼儿及其周边生活,是当今幼儿教育的重要观念。《幼儿园教育指导纲要(试行)》充分强调各领域的教育活动与幼儿生活的联系,强调贴近幼儿的生活来选择教育内容,寓教育于生活、游戏之中。陶行知先生的“生活教育”理论,无疑对此有重要的指导意义,对加强教育与社会生活和幼儿生活的联系、改善教育过程和教学方式、培养幼儿热爱生活和参加社会实践的能力,有重要的指导作用。作为幼教工作者,我们尝试将生活化的教育活动渗透在幼儿美术教育活动的实施过程中。无论是教师预设的美术活动或是生成的美术活动,重要的是最大限度地给予幼儿感知和体验美的机会,让孩子亲身感受生活,把自身对美的体验和真实情感倾注在真实、单纯、热情的美术创作中,从中体味现实生活的快乐与美好。 幼儿园美术教育论文:浅谈幼儿园美术教育的方法 摘 要:幼儿教育是国民教育的基础,它的改革与发展关乎全体国民素质的培养与民族的进步!艺术作品的创作灵感深深植根于现实生活,且取材于现实生活,因此,美术教学“生活化模式”是有效开展幼儿园美术教育活动的重要手段之一。 关键词:幼儿园;美术教育;回归生活 “美源于生活,高于生活”,美术与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系。所谓“幼儿美术教育生活化”,是指在幼儿美术教育中,以幼儿的现实生活为背景,以幼儿的生活经验为基础,以幼儿熟悉的人、事物为内容,注重生活与美术的紧密结合,尊重幼儿的个性发展,注重幼儿的自由创造与想象,使幼儿美术教育体现生活化特征,实现生活化价值,让美术真正融入幼儿的生活。生活化美术教育对于幼儿的成长具有重要意义。把生活中常见的、幼儿熟悉和感兴趣的内容、材料充实到美术教学中,有助于激发幼儿的创作灵感,使其体验美感。生活化的活动材料、活动形式,有助于幼儿的自我表达,体验满足感和成就感,有助于幼儿个性化的发展。笔者结合幼儿园美术教学实践,谈谈对生活化美术教育活动的一些体会。 一、幼儿园美术教育回归生活的必要性 1.幼儿现实生活是幼儿园美术教育的基础。 杜威曾经说过:“教育应该是生活的本身,而不是生活的准备。”[3]幼儿作为一个独立的个体,年龄小,知识经验贫乏,幼儿必须通过自己的操作、尝试和体验,积累经验,建构新知。源于幼儿经验生活的美术教育活动,才能调动孩子们的兴趣,激发他们满怀热情和智慧去探索、发现和尝试。因此,幼儿园一方面应通过各种实践活动,如参观、旅游、劳动、游戏等,给幼儿以亲身体验,帮助其丰富直接经验;另一方面应利用各种资源帮助幼儿扩展经验,广泛收集照片、图片、录像、书籍等,让孩子获得更多的间接经验。当孩子的直接经验与间接经验不断互补,感受越来越丰富时,就为他们的美术表现和创造作好了铺垫。 2.幼儿的精神生活需要借助美术教育得以升华。 “儿童具有生动的精神世界,儿童的精神世界包括真、善、美。”在孩子的视野里,生活中的一切都是美好的。关注儿童的生活,我们更应关注儿童的精神生活。这种生活不是看得见、摸得着的现实生活,而是一种想像的生活和未来的生活。儿童美术是儿童心理世界的真实流露,是他们内在精神生活的外部显露。孩子们可以通过绘画等形式将内在流动着的思想以及感受一一表现出来。幼儿园美术教育的意义主要不在于技巧训练,而是以美术为手段,解放幼儿的那种活泼、自由、纯真的天性。因此,在美术教育中应追寻幼儿的精神生活,选取与幼儿的生命律动合拍的对象,鼓励幼儿用自己的方式表达心灵感受,帮助幼儿丰富和扩展精神生活。 二、创设生活情境,美术教育形式生活化 皮亚杰说过:“儿童学习的途径应具有生活性,更多的是在生活或类似生活的情境中学习,而不是在美术情景中学习。”生活本身为美术教育提供了很多的资源,在幼儿的一日生活中包含大量学习美术的机会。凡是幼儿每天经历的衣、食、住、行、学、玩以及与人交往等实践活动,都是可被利用而且应该恰当被利用的美术教育契机。因此,美术教育不能游离于生活情境而抽象说教或机械操作,教师应精心设现实的生活化情境,丰富幼儿美术教育形式,让幼儿在看得见、摸得着的情境中获得美的熏陶。 1.利用环境熏陶开展生活化美术教育。 环境熏陶是美术教育的重要形式之一。若能为幼儿创设富有美感的环境,就会给予幼儿启发,丰富幼儿的审美经验,激发幼儿的表现力和创造欲望。教师应该重视美术氛围的营造,通过实物、图片的收集、展示,运用现代化多媒体教学技术等各种途径,创设富有情趣性的生活化的美的情境,激发幼儿热爱生活的美好情感。如,在“欢欢喜喜过大年”的活动中,教师通过环境布置、作品展示渲染喜庆、热闹的氛围,用富有中国特色的手工艺品如剪纸、蜡染、年画布置活动室、走廊,让幼儿感受生活中美的元素,体会人们过新年时互相祝福的美好情感,这样不仅提高了幼儿的审美能力,还有助于幼儿形成热爱生活的态度。 2.利用主题活动开展生活华美术教育。 主题活动中的生活话题对幼儿有着极强的吸引力,可成为幼儿美术生活化教育重要形式之一。在主题活动中,教师引导幼儿通过亲身感受生活,最大限度地给予幼儿体验和感知美的机会,大胆地运用美术的手段进行自我表达,激发幼儿把自身对美的体验和真实情感倾注在艺术创作之中,从中体味现实生活的美好。如主题活动“我骄傲――我是上杭人”,幼儿通过实地参观与观看图片、录像欣赏家乡的名胜古迹,再用写生画、拓印画、装饰画等美术活动形式表现出这些秀丽的风景。这次活动不仅使幼儿获得了相关的美术知识与创作技能,还激起了他们热爱家乡的情感。 3.引导幼儿根据材料特质创作能反映生活内容的作品。 生活中很多材料可以为我们所用,但要怎样用才能让每种材料的特质得到发挥,让幼儿作品更“独特”,从而更好地提高幼儿的审美情趣呢?这就要教师多动脑、多动手,不断尝试与探索。例如,在一幅画中,满天的星星是幼儿用涂改液点出来的,一捏一点的操作过程,不仅可以锻炼他们的小手肌肉,还大大激发了他们的创作兴趣,也让画面更有立体感。又如,在中班开展主题活动“农家乐”时,教师让幼儿用自制的“面粉橡皮泥”制作大蒜,面粉团柔韧有劲道,幼儿兴趣极佳,做出来的大蒜形象逼真。再如,班里一个幼儿家里装修,购买了许多大型电器,家长便把废弃的大纸箱送给了幼儿园。教师由此想到:使用这些大纸箱于自然景物的创作,一定能取得不错的效果。于是教师就结合主题活动开展了美术创作活动“万里长城”,引导幼儿在纸板上用线条进行装饰,之后再利用刻刀、一次性筷子等工具进行加工,使它们展现出一种凹凸的立体效果,再配上瓦楞纸原本的横、竖条纹,最终展现的作品自然美观,活动收到了很好的效果。 幼儿园美术教育论文:幼儿园美术教育生活化策略探究 摘 要:幼儿园美术教育实施生活化策略对激发幼儿学习美术的兴趣及提高幼儿的美术素养都具有十分重要的作用。但是目前我国大部分幼儿园在美术生活化教育实施方面依然存在很多的不足,这些不足严重影响了幼儿园美术教育的质量。在此情况下,对幼儿园美术生活化进行分析和研究是十分必要的。文章就是针对幼儿园美术教育生活化策略进行探究,希望为同仁提供借鉴。 在幼儿园美术教育中,实施生活化美术教育对幼儿的成长而言具有极其重要的意义,不仅能够让幼儿更加轻松地参加到美术学习当中来,还能够培养幼儿的思维能力,促进幼儿个性化发展。文章对幼儿园美术教育生活化策略展开分析和研究,希望提出有效的生活化策略,帮助幼儿更好地接受美术教育,提高其审美能力。 一、体验式的美术教育活动,促进美术教学内容生活化 在幼儿园美术教育生活中,美术教育的内容要尽量生活化,其相关内容要能够满足幼儿对美术学习的需求。尤其是要根据幼儿实际的生活经验出发,制订一些他们熟悉的美术教育内容,这有利于美术教育生活化的进一步实施。例如,幼儿教师可以带领幼儿去大自然中体验生活,让幼儿从自然中感受到美的存在。当幼儿感叹大自然的美丽和神奇的时候,幼儿教师可以将美术的相关知识对幼儿进行渗透。并且在体验之后,幼儿教师要求幼儿根据自己的所见所想创作出作品,在这样的创作过程中,充分培养了幼儿的想象力和创作力,让幼儿的作品更加具有灵性。除此之外,幼儿美术教师还可以根据每节课不同的美术教学内容,带领幼儿去不同的生活环境中进行美术课堂教学。如果这节课是以水果为主题进行绘画,幼儿美术教师就可以组织一次关于水果的主题活动,在这种形式下进行美术教学,幼儿不仅对各种水果产生了直观的认知,清楚其具体的形象,同时还加深了学生对相关美术知识的印象。通过体验式的生活实践活动对幼儿进行美术教育,能够潜移默化地培养幼儿的想象力和创造力。与此同时,这种教学方式也是新鲜有趣的,让幼儿意识到教学方法的多样性,这对他们创新能力的培养起到了非常重要的作用。 二、创设生活情境,激发幼儿的创作欲望 在幼儿的世界里,他们的生活是极其丰富的,无论是衣食住行,还是游戏活动,都包含着非常丰富的美术教育元素。幼儿教师在进行美术教育的过程中,要创新美术教学方法,打破传统的教学思维,坚决不要从成人的角度去制订美术教育内容,而是要从幼儿出发,了解幼儿的爱好和兴趣点,然后以此为基础创设美术生活教学情境,这样的美术教育才能够让幼儿参与到其中来,并获得幼儿的认可和喜欢。所以幼儿教师要具备创设美术教育生活化情境的能力。想要创设这种情境,具体要包括两方面:一方面,为幼儿创设良好的学习美术的环境,让幼儿在潜移默化中感受到美术的气息。例如,学校注重构建美术教学环境,组织幼儿美术比赛,定期更换板报,带领幼儿进行课外写生活动等,让幼儿潜移默化地受到环境的熏陶。另一方面,家长要积极配合幼儿教师的工作,对幼儿进行美术教育生活化,教育不仅仅是幼儿园和幼儿教师的事情,也是家长们的事情。在家庭中,家长要重视幼儿对于美术的学习。例如,我国的传统节日包含着非常浓厚的美术元素,在每一次传统节日到来之时,家长可以带领孩子进行节日布置活动。春节到来时,带领孩子贴年画、写春联、粘对子、剪窗花等。这不仅能够让幼儿感受到浓郁的节日气氛,还能够让幼儿从节日中欣赏到年画以及窗花的美,激发了幼儿的创作欲望。 三、收集生活化材料,制作艺术品 在幼儿的现实生活中,含有大量的生活材料,幼儿教师要将这些生活材料运用起来,对幼儿进行美术教育。因为幼儿对这些生活材料不仅在脑海中存有具体的形象,并且还十分熟悉。所以幼航淌υ谟锥美术教育中运用生活化料,更容易引起幼儿的注意力,激发幼儿的探索之心。同时幼儿在学习美术时也会感到亲切,愿意主动地去进行美术学习。幼儿教师除了对生活化材料加以运用,还可以带领幼儿去收集生活化材料。如河里的石子、海滩边的贝壳、各种植物的叶子、废弃的各种瓶子、塑料盒子,等等。在收集之后,幼儿教师可以指导幼儿自己动手制作手工艺术品,这本身就是一个创造美的过程,有利于让幼儿从生活中发现美、感受美。 四、结语 总而言之,在幼儿园美术教育的过程中,实施生活化策略,不仅能够让幼儿更好地体验生活、感悟生活,还能够让幼儿从生活中发现美、感悟美,促进其创造美。 (作者单位:河南省永城市第一幼儿园) 幼儿园美术教育论文:浅谈幼儿园的美术教育活动 摘 要:美术教育的目的是让孩子能够全面发展,要从幼儿教育的发展的视角全面审视美术教育的目标,要让美术教育成为促进幼儿身心全面和谐发展的教育手段,增强幼儿发现和感受美的能力,使他们生活丰富多彩、充满乐趣。在教育实施过程中,有助于幼儿综合素质的提高,增强幼儿发现和感受美的能力。 关键词:幼儿美术;兴趣;美术教学 幼儿是家庭与祖国的未来和希望,幼儿的美术教育在幼儿的成长中愈来愈受到大家的重视。幼儿美术教育是对幼儿创造力和想象力培养的有力教育手段。我们可以利用幼儿丰富的想象力和不受约束的思维特点,对幼儿美术活动进行适时适宜的干预和巧妙地引导,让他们无拘无束地不分时空地自由想象,使幼儿在愉悦的氛围中学会感受美、表现美,给绘画的内容注入生命和热情,让幼儿的绘画活动有内容具有生命力。 一、幼儿美术教育的原则 幼儿时期是人的一生中智力开发的重要时期,也是思维发育的基础时段。幼儿美术教育知识和技能不是幼儿美术教育的初衷,美术以其形象性、色彩性、生动性、趣味性等特点正是吸引幼儿容易接受、乐于接受的最佳方式,也是开发幼儿智力、训练思维能力的好途径。因此对幼儿园美术教育的目标应是借助美术这一载体,促使幼儿在智能、情感、个性形成等多方面的有效发展,以及初步掌握初步美术技能等基点。 二、培养幼儿学习美术活动的兴趣 伟大的科学家爱因斯坦说过:“兴趣是最好的老师”。教师要学会让幼儿在活动中感受美术活动的乐趣,营造在玩中学、学中练、练中乐的良好氛围。要让幼儿在美术活动的感受快乐,教育活动就必须吸引住他们的注意力,使他们自觉自愿地参与。在幼儿美术教学过程中,我们教育的对象是一群天真无邪、活泼可爱的孩子,孩子们理性思维尚未发育成熟,深奥、复杂的美术理论知识,会让他们更糊涂、迷茫。教师也可以把美术活动与儿童故事讲述活动相结合。幼儿的想象思维丰富,在神奇的童话故事中幼儿思维能力得到扩散,在故事中找到自己的快乐,也培养了儿童对美好未来的理想的憧憬。 1、幼儿期的美术教育活动是发挥幼儿想象力及创造力的一个极好途径。美术教育活动不极可以作为一种创作形式,还可以酣畅淋漓地表达孩子内心多彩斑斓的心理世界,让他们的心中充满对人生成功与自信。而在幼儿刚开始接触美术活动中,所创作的作品总是很难将自己的意愿表达出来,非常容易失去自我表现的勇气,不敢画、画不好、画不像的心理问题导致了许多孩子在美术活动中产生了“老师,你给我画”、“老师,我不会画”的现象。所以说兴趣培养是幼儿对美术活动非常重要时段。 2、在幼儿的想象活动中培养美术兴趣 “想象比知识更重要”。我们学到知识是有限的,而我们在想象世界里却可以概括和创造出世间万物,孩子在幼儿时期的想象力是极其丰富、超乎寻常的。他们的言行无不蕴涵着许许多多的灵感和顿悟,我们要小心的呵护孩子想象的幼苗、思维的火花。对于美术活动,它是孩子想象力的以画面形式的表现,是孩子内心的表达。教是平时也要多多引导幼儿发挥自己的空间想象思维,展开他们想象的翅膀,让幼儿可以表达自己的想法、感受,并及时予以鼓励、表扬,课余时间组织幼儿一起听故事、进行故事续编等等,让他们在“想说、敢说、愿意说”的氛围中不断增进新东西,从而也为孩子画面内容的丰富性提供了充足的素材。 三、在美术活动中培养幼儿创造能力和审美能力 教育的目的在于培养有创新能力的人,而不是重复前人所做的事情。在美术活动中教师要成为幼儿活动的参与者,发现幼儿创造的闪光点时,及时因势利导,给幼儿创造的自信心,促进幼儿创造性思维的不断发展。只有这样幼儿创造力才会得到相应的提高。 人的创造活动是从观察开始的,观察是创造活动的源泉。认真仔细地观察,幼儿可以获得大量丰富的感性资料,理解不易掌握的理论知识。教师应通过各种途径为幼儿创造用感官接触外界事物的机会,鼓励他们多听、多看、多触摸、多尝试,达到发展幼儿感官、开阔眼界、丰富想象的目的。 孩子的创造力需要我们去发现、赏识。在美术教育活动中我们应因势利导,增强幼儿创新能力的自信心和创造能力的主动性。例如,有的孩子希望房子能长出翅膀,就可以让房子带上自己去天上睡觉。再如,有的孩子把香蕉、苹果、梨等各种各样的水果都聚在一个大树上,成为了一棵百果树…… 学会在生活中捕捉美术题材内容。有相当大一部分家长由于受传统教育思想的影响,思想不够开放,只要求孩子学数学、语文识字,学英语,而对孩子学习美术力度支持不够。而更有家长因为工作过度繁忙,缺少和孩子交流之间的交流,导致孩子对自己身边所发生的事情关注较少。因此,教师尽量应通过各种途径帮助家长提高对美术活动对孩子创造力的影响。教师也可以经常组织一些课外活动,及时引导幼儿将新的生活经验运用到美术活动中,教给孩子观察认识社会活动的方法,提高孩子的观察能力。孩子们体会了观察、思考、审美和创造,学会了语言表达,培养了观察力,加深了视觉印象。在课外活动中开展美术教育活动,引导幼儿学会获得新知识的能力。 在幼儿的美术活动中,我们教师应该要通过各方面努力提高幼儿创造力的培养。很多研究表明:幼儿时期是创造性思维形成的重要时期。而美术活动又是幼儿喜欢和感兴趣的活动之一。因此,教师要在美术教育活动充分调动幼儿创造的积极性,在活动中启发幼儿“异想天开”,让儿童敢于想象、敢于创新,最大程度地开发幼儿创造力的潜能。 四、通过美术教育形成好的幼儿心理品质 幼儿美术教育不仅有助于培养幼儿学习兴趣和学习能力的提高,能更有效地帮助幼儿形成积极的个性特征和良好的心理品质。使幼儿具有探索、自信、热情、克服困难的坚毅性格,特别对于现在的独生子女来说是非常重要的。幼儿美术教育活动,能增加幼儿对生活的热情,在美术创造的活动中,生活对他们来讲是亲切而有趣的,这种活动会使他们感到兴奋,令他们向往自己的未来,描绘美丽的图画。美术教育可以引导幼儿建立良好的社会人际关系,培养他们的交往能力。 在幼儿的美术教育活动,不仅只是知识的灌输,还要帮助幼儿发挥想象力。只要我们教师可以正确引导,孩子们定会用他们七彩画笔描绘出更加光辉灿烂的明天! 幼儿园美术教育论文:幼儿园美术教育对幼儿智力发展的促进 摘 要: 现代教育科学,特别重视幼儿创造力的培养。《幼儿园教育指导纲要》就是把幼儿园培养幼儿的创造力、想象力作为幼儿园美术教育的主要任务的。幼儿园的美术教育对培养幼儿创造力、想象力,比其它手段,具有着独特的作用。 关键词:美术教育;智力发展;促进 《幼儿园教育指导纲要》明确规定幼儿园美术教育的主要任务是培养幼儿的创造力和想象力。现代教育科学,也特别重视这两种能力的培养,尤其幼儿园的美术教育对培养幼儿的创造力、想象力,比其它手段,具有著独特的作用。 一、什么美术教育能促进幼儿智力的发展呢 1.手的动作有利于脑机能的增强。 人常说:人的聪明智慧在手指尖上,这很有道理。进行各类美术活动,靠幼儿动手去操作,操作还要靠动脑去完成。这就是说,在美术活动中,无论是绘画还是泥工、纸工等,孩子们都离不开使用手,小肌肉群的发展,大大促进了人体大脑半球的发育,增强了脑的活动机能。 2.观察力是智力构成的一部分。 当孩子绘画时,为了画的生动、形象,孩子需要的不只是拿支笔坐在椅子上深思,而是要观察,要看清楚生活中各种物体的形状、颜色,各部位的比例、位置等,毫无疑问,孩子在进行这一过程中学到的,不仅是绘画的技能而且是培养了孩子观察的能力,发展了智力。 3.想象力是智力构成的另一部分。 孩子们的世界是五彩缤纷的,孩子们的画则是趣味浓浓的。他们可以用三根毛竖立,代表人的头发;可以用一个圆圈表示人的头部轮廓,这都反映了孩子的想象力。何为想象力?严格地说:“大脑对已有的表象重新的加工的改造,从而产生新的形象”,这就是想象,想象力表现了大脑的复杂功能。这正如“在弯月上打秋千”这幅画,孩子想象得出在月亮上打秋千,这与成人的想象是不相同的,因为孩子的想象力往往超越现实,天真而大胆,富有幻想的色彩。在他们想象的世界上,没有什么做不到的事。孩子在绘画中锻炼了这种想象力,正是智力构成的另一部分。 可见,孩子在玩玩、画画、折折中,发展了想象力和创造力,促进了智力的发展。但是,在我们的教学中,美术教育大多局限于课堂教学:幼儿按老师的范围作临摹,单纯进行技能训练, 这种教育方法,影响了幼儿对美术活动的兴趣,妨碍了幼儿智力才能的发展,这就要求我们不断地改进美术教育方法。培养幼儿的绘画兴趣,使其形成一种爱好。只要幼儿爱上绘画,并致力于画画,那么幼儿学习绘画的劲头就会长期发展下去,勤画常练,在学习的兴趣中体验绘画成功的快乐。 二、如何改进教育方法促进幼儿智力的发展 1.教材与美术工具的选择要为促进幼儿智力发展服务。 教材的选择,其指导思想多半是为培养技能服务的而不能忽视了智力的发展。教幼儿掌握技能的目的是为了发展智力,而不是限制约束,所以在选材上应注意以下几点: (1)在命题的美术活动中,尽量给幼儿想象和创造的自由。比如在教幼儿画短直线时,传统的教法往往是让幼儿在范画的格式里添加固定的线条,这样幼儿的想象和创作受到较大的局限。针对这种情况,我们可以借助命题的形式让幼儿以添画的形式,根据意愿自由想象的创作。而且画题设计也要考虑,它能决定幼儿思考和创作的范围。 (2)选材要有利于运用自己已有的知识技能创作作品。比如:《快乐的小朋友》这幅画应在幼儿学会画人体的简单线条的基础上启发幼儿运用已有的知识技能,按意愿创作《小朋友跳舞》《小朋友看电视》《小朋友喂小鸡》的快乐画面。这样选材不仅注意了由浅入深地进行技能的训练,又重视了智力的发展。 (3)尽早教幼儿学画有动态的人和动物。人们和动物的生活,活动,较接近于幼儿的生活,也最易引起幼儿的举和丰富的想象力,并能激发创作的愿望。因此,在美术活动中应早让幼儿表现人和动物的生活内容。 (4)开阔幼儿的绘画才能,把绘画、纸工、泯工教学紧密结合起来,充分发挥幼儿的创造才能。在美术教育中,虽然各种教学形式有其身的特殊任务但如果变单纯依据教材为多种活动并举,互相联系,互相补充,会收到良好的效果。 2.美术教育要和日常生活紧密结合起来。 美术来源于生活,又丰富了生活。因此,美术教学须和日常生活紧密结合起来。 (1)美术教学和各种教学紧密结合,特别与语言、科学领域相结合。幼儿在语言、科学活动中获得大量的知识,大大丰富了想象力,通过绘画又深化了幼儿的知识,发展了语言。如:画春天时,幼儿在科学活动中认识了春天,就会画得逼真,同时深化了观察中所获得的印象和知识。 (2)美术教学要与参观旅行、日常观察相结合。利用参观、旅行、日常观察相结合,扩大幼儿的视野,丰富知识,如春天来了,老师在指导幼儿教育观察春天 的确自然景色和物体的远近大小,遮掩关系后,绘画“春天”主题画就更形象。 (3)美术活动和游戏内容相结合。游戏是幼儿生活中的基本活动,在幼儿游戏中运用美术的技能技巧,制作大量的游戏材料和玩具,既丰富了游戏的物体条件,又促进了游戏的发展。 美术教育活动,对启发幼儿的思维、想象,发展幼儿的创造性有独特的作用。因此,幼儿园要不拘一格地开展多种美术教育活动。 幼儿园美术教育论文:探讨回归生活的幼儿园美术教育 摘 要:在幼儿园教育中,美术教育作为其中重要的组成部分,发挥着至关重要的作用。而提倡回归生活的幼儿园美术教育更是幼儿园教育改革的重要举措之一,对幼儿的学习与生活有着十分重要的影响。文章阐述了幼儿园美术教育回归生活的必要性,并着重探讨了回归生活的幼儿园美术教育途径,希望能够提供借鉴,促进幼儿健康无忧的成长。 关键词:回归生活;幼儿园;美术教育;必要性;策略 幼儿园美术教育需要以幼儿的实际生活经验为基础,促进幼儿精神生活的发展。通过回归生活的幼儿园美术教育活动,能够让幼儿的天性得以释放,既保护了幼儿对未来以及世界的美好憧憬,也符合幼儿的成长与发展需求。由此可见,探讨回归生活的幼儿园美术教育具有十分重要的作用。本文就是从回归生活的这一角度出发,探讨幼儿园美术教育的生活化策略,从而提升幼儿的美术素养。 一、幼儿园美术教育回归生活的必要性 1.回归生活的幼儿园美术教育能够帮助幼儿更好地进行美术学习 幼儿的年龄比较小,对社会的认知度比较低,接受知识的能力也比较弱。对刚接触世事的他们而言,世界是充满着新奇和未知的,因此,一味地为幼儿灌输美术理论知识,他们是无法接受和理解那些晦涩难懂的美术概念和美术手法的。所以从现实生活场景出发,让幼儿从生活中发现美的元素,构建美的概念,能够让幼儿更好地学习美术。回归生活,从生活中实施幼儿园美术教育,通过一系列活动让幼儿真切地感受美,并适当给予美术指导,能够打破传统幼儿美术教学的束缚,也能够满足幼儿的个性发展及需求,更加有利于幼儿园美术教育的改革创新和发展。 2.回归生活的幼儿园美术教育能够丰富幼儿的精神生活 与成年人相比,幼儿的世界是美好而单纯的,是无限的,同样也是需要被保护的。因此,关心每个幼儿的精神生活对他们以后的健康成长有着十分重要的意义。通常儿童的精神生活能够反映出他们的内心世界,反映出他们对未来生活的畅想和对美好生活的热爱。所以说儿童只有拥有良好的精神生活,才能够更好地成长。幼儿园美术教育可以让幼儿根据自己的想法去画出他们眼中的世界,将他们内心的情感表达出来,这是幼儿在展示他们的内心世界,与外界沟通和交流的方式。因此,回归生活的幼儿园美术教育应该呵护幼儿的天性,丰富幼儿的精神生活。 二、回归生活的幼儿园美术教育途径 1.体验生活中的各式美食活动,开展美术教育 中国有一句古话:“民以食为天。”我国的饮食文化源远流长,博大精深,并且不同的菜系以及各种餐具的应用都包含着诸多的美术元素。我国著名的教育学者陈鹤琴先生曾经就提出过,应该让儿童与一饮一食、一草一木进行接触,并将其纳入课程教学当中来。因此,可以带领幼儿体验生活中的各式美食,让幼儿在饮食活动中感受到生活的各种滋味,然后让幼儿进行交流和操作,让他们表达出自己对美好生活的感受。具体来说,在幼儿@美术教育中,幼儿教师可以从诸多的饮食活动中筛选出与幼儿现实生活紧密相连的内容作为美术活动的素材,例如,从食物划分,包括水果、蔬菜、肉制品、鱼类等食物。从餐具划分,包括盘子、碗、杯子、筷子、刀、叉等餐具。从饮食环境划分有饭店、酒店、美食城、西餐厅等。幼儿教师在带领幼儿体验生活中各式美食活动的过程中,应该注重幼儿生活经验和其自主性的发挥,鼓励幼儿通过对生活环境的体验和感悟,创造出更加别具风格的美术作品。 2.贴近幼儿实际生活,丰富美术教育内容 在幼儿园教学活动中,要以贴近幼儿实际生活为基本原则,从幼儿的角度出发,丰富其美术教育内容,采取幼儿愿意接受的美术教育方式,并多多开展一些来源于现实生活的美术教育活动。首先,作为幼儿园教师应该为幼儿营造一个轻松愉悦的幼儿美术课堂教学氛围,幼儿教师要创新美术教学观念,改变传统固定的美术教学方式,开展贴近幼儿实际生活的美术教育内容,让幼儿在游戏娱乐的活动中学习到美术教育知识,做到寓教于乐,让幼儿进行自我发挥以及自我创造。其次,教师所开展的美术教育内容必须与幼儿的实际生活相结合,将教学知识与幼儿的实际生活相结合。例如,秋天时,教师可以带领幼儿去野外写生,观察秋天的样子。冬天时,可以带领幼儿去欣赏雪景,在雪中游戏玩闹,让幼儿真切感受到现实生活中的美,这有利于幼儿将这些美好的体验场景用自己手中的画笔创造出来。 (作者单位 :河南省永城市第一幼儿园) 幼儿园美术教育论文:乡土教育资源在幼儿园美术教育中的应用 凡是有助于幼儿成长与发展的活动、所能开发与利用的物质、 精神的材料与素材,都是课程资源。开封有着深厚的中原文化底蕴,如何充分开发和利用当地的环境资源,并在美术表现手法上,在体验审美愉悦上,让幼儿运用绘画、手工等这些特殊的语言,表达自己对家乡的认识和情感,从而激发幼儿对美术活动的兴趣?利用乡土教育资源开发园本课程,应该是一个重要的探索。 一、乡土教育资源在幼儿美育中的应用价值 1.激发幼儿学习兴趣,促进创造性发展 陶行知先生指出:治学以兴趣为主。利用家乡资源开展的园本美术活动,可以极大地激发幼儿对美术活动的兴趣。利用环境资源进行园本美术活动,受到条条框框的规矩和合乎客观情理的约束越少,幼儿的美术表现与成人比起来就显得轻松、自由也更大胆,幼儿创造性能力就会不断提高。 2.提升幼儿观察美、欣赏美的能力 儿童对美的事物的感受具有直觉性,幼稚、肤浅,但有初步的审美意识,因此,正确把握方向,给予幼儿多方位、多元化的感知,是必不可少的。 3.激发幼儿对家乡、祖国的热爱之情 《幼儿教育规程》指出:美术活动能发展幼儿的观察力、记忆力、想象力、创造力,萌发幼儿感受美和表现美的情趣以及爱家人、爱家乡、爱祖国的情感。幼儿的美术活动是一种有着多种功能、多种作用的特殊的教育手段,是一种审美活动。幼儿通过自己的眼睛来认识家乡,用自己的双手来表现家乡的美,对家乡和祖国的爱更加具体化和形象化。 二、乡土教育资源对幼儿美育活动的应用及成果 1.引导幼儿体验家乡自然之美 我园教师在教学实践中借鉴了扇面画、轮廓描画、沙画等多种形式,充分利用乡土教育资源,开发生成了许多有趣的美术活动,如:扇面画《走进清明上河园》、沙画《美丽的家乡》等,充分体现出教师运用“感受表达联想创作情感”的活动方式,引导幼儿体验家乡自然之美并进行创作,从而产生热爱家乡情感的有效策略。 2.引导幼儿感悟家乡艺术之美 美术活动是幼儿园课程的重要组成部分,对幼儿发展具有独特的价值。在园本美术活动中,教师的作用应主要在于在利用乡土教育资源的基础上,极大地丰富幼儿真实的艺术体验,从而激发幼儿自由表达和创造的快乐。如开封市的龙亭,建于六朝皇宫的遗址之上,以金碧辉煌、气势雄伟的龙亭大殿为主,由午门、玉带桥、朝门等清朝万寿宫建筑群组成,充分显示了北方皇家园林的雄杰。开封县的朱仙镇人文景观众多,文物古迹星罗棋布,有中国三大岳庙之一的朱仙镇岳飞庙,有中国木版年画鼻祖――朱仙镇木版年画等。 为了开展好这个活动,我园教师实地拍摄了大量的照片,制作了精美的课件,使家乡的漂亮以课件的形式生动、形象、直观地展示在幼儿面前。 通过系列园本美术活动的开展,幼儿更深一步地体验到了家乡的文化,创作出丰富的画面内容,产生了对家乡文化艺术的认同感和归属感,增强了对家乡古老文化的热爱和向往之情,对孩子们的终身发展都具有强烈的导向性。 3.引导幼儿感受家乡色彩之美 对于还不善于运用文字的幼儿来说,美术活动是幼儿表达自己的情绪、情感和维持心理平衡的有效途径。色彩是吸引注意力的诱饵。大千世界,每个地方、每个角落都存在着色彩。开封市每年举办的节庆、展览等活动都是很好的乡土资源。在一年一度的菊花文化节上,我园及时组织幼儿身临其境,让孩子们亲身体验着家乡的变化,家乡的美丽。教师适时抛出问题:在这些节日里,大家可以为家乡做些什么呢?泥工《菊花》、绘画《热闹的菊花文化节》、小制作《家乡宣传旗》等活动应运而生。在这些园本美术活动中,孩子们创作出来的作品丰富而多彩:菊花五彩缤纷、颜色各异、造型多变,幼儿的绘画作品充满了童真童趣。在活动中,幼儿获得了美的感受,同时还进一步形成了热爱家乡的美好情感。 4.引导幼儿体验创作之美 知识的积累是一个由浅入深的过程,《幼儿园教育指导纲要》中的艺术目标,对每个年龄段的美术教育都有不同的要求。在科研活动中,园里制订了各年龄段的不同教育内容和相关的目标和要求, 以期体现出层层递进的园本美术教育模式。如开封市区四个门楼的古城墙,小班的目标只是“初步欣赏感受家乡古城墙的美,能运用简单的线条进行绘画。”主要是简单的线条处理,能绘出外形和简单的古城墙即可。中班的目标则是“进一步认识古城墙的造型特点,能大胆进行添画”,即线条丰富些,并适当添画出门楼等等。大班目标定为“了解古城墙的不同特点,能运用所学线条和色彩大胆进行表现”,如适当加入了房屋的多面绘画方式,并鼓励幼儿添画屋瓦、门罩、门楼以及周围的环境,从而使画面逐步丰富和完美。 我园园本美术的探索并不是孤立于五大领域之外的,而是互相渗透,从不同的角度促进幼儿情感、态度、能力、知识、技能等方面的发展。在“美丽的菊花”教学过程中,中班组的教师还生发了相关的教学活动,有自主创作的散文诗“喜迎八方客,奇观菊花展”,有科学活动“菊花的种类”,还有音乐活动“家乡的菊花”等等,这些活动最终都为幼儿的创作提供了情感依据,从而使孩子们的画更富有个性,这才是艺术活动真正追求的目标。 幼儿园美术教育论文:幼儿园美术教育平台创新探究 [摘要]教师通过将美丽、易于欣5赏的图画或动漫图片呈现给学生,促使其通过欣赏这些美术作品能够意识到周围世界存在的美感,认识到其所生活的现实世界,如家庭、学校、周围环境中所蕴含的美术气息,这促使幼儿园美术教师在进行教学时,必须以培养孩子的审美情趣、对美的欣赏、能够在真实生活中发现美术作品的影子为中心任务开展相应的教学,由于孩子生活在一个较为梦幻的世界中,其受到来自父母、教师乃至亲朋好友的保护,使其生活圈子较为狭窄,很难有足够的时间与机会接触到“国外的东西”,对此,本文将探究如何从现实生活中创新现有的幼儿园美术教育平台,而不是单纯的依赖于教科书、教师讲解这类传统的传播教育模式。 [关键词]现实生活;幼儿园;美术教育;技巧;平台 幼儿的世界是纯真的,没有任何杂质的玷污,因此,他们欣赏任何事物的角度也显得十分纯净,而美术旨在培养孩子的美感、审美情趣,促使其通过一定知识的学习能够掌握基本的美术欣赏技能、绘画技巧以及对事物从美术的角度进行分析,从而发现这个世界美好而又纯真的一面,但这离不开有效的教育方式、工具以及合理的施展平台的作用,包括借用飞速发展的科技平台,例如多媒体教育、微视频指导等新型平台,但所有技巧、工具以及平台的选择都必须与幼儿的实际情况进行紧密结合。 一、现实生活影响幼儿美术教育的成效 (一)美术作品折射出生活愿景 由于幼儿时期孩子的理性分析与逻辑理解能力等都具有一定的局限性,他们缺乏丰富的生活经验,对于一些美术作品的欣赏也只能从自己的认知角度进行理解,很有可能会出现啼笑皆非的场面,所以生活中的细心观察是进行美术教育的重要前提,只有孩子了解到在课堂上所欣赏的一些美术作品源于生活,那么其便会认识到其在现实生活中的重要性,否则便会认为这是一个无足轻重的学科。例如,在美术欣赏课中,教师拿出事先准备好的一个植物标本一郁金香花瓣,让孩子们进行欣赏,如果孩子不懂得郁金香的生长环境、成长过程,便无法在头脑中还原郁金香在现实生活中的真实样子,那么也很难发现其中的美妙之处,欣赏课的目标也没有达到。 (二)生活常识有助于幼儿审美情趣的建立 现实生活中的很多事物都潜藏着美术中所要求的对称美、结构美、色彩搭配美等。例如,喜迎新年时家家户户张贴的春联,其中不仅蕴含着丰富的文化历史底蕴,而且每一张春联上的花鸟画、人物画都映衬着汉字愈发强劲有力。幼儿园阶段对孩子进行美术教育其实更重要的是让孩子能够在课堂上回想起生活中所见之物的美丽之处,同时又能够结合课堂所学内容画出真实生活中出现的美好事物,达到两者的紧密融合,但如果孩子没有足够的生活常识,那么其在课堂上欣赏到的事物只是生活中的一个方面而已,这不利于其审美情趣的培养。 二、从生活出发,创新幼儿园美术教育平台 (一)变教师主导为家长与学生共同学习 教师在设置美术教学目标与教学计划时,要综合衡量孩子与家长对于美术学习的看法,同时要让家长们充分认识到美术学习对于孩子创新能力、思维想象能力以及综合审美能力的影响,从而使其能够积极主动地配合教师与学生一起完成相应的美术教学。以往的幼儿美术教学以教师引导学生欣赏一些优秀的美术作品为主要内容,尽管也取得了一些成绩,但却忽视了家长在其中的重要性。因此,现阶段,教师可设计一些课程需要家长协助才能完成的美术作业,从而让家长了解孩子的在校表现。例如,幼儿园可根据自身的实际情况,每周设计1-2堂“幼儿家长合作课”,即要求家长与孩子(也可打乱顺序,小明的家长与小红一组或小明与自己的父母一组等)在规定的时间内共同完成美术动手制作任务一橡皮泥动物世界的建造,而教师则在一旁做好辅助工作:事先向家长与孩子介绍生活中常见的动物的样子以及它们的生长环境,然后及时通知各小组时间、并提供制作过程所需要的材料等,借助这一“亲子互助”平台教学方式,让家长看到自己的孩子对于生活中现存事物的了解程度、记忆情况以及审美状况如何,教师在展示各个小组的成果时,要对制作的惟妙惟肖的动物、整个动物世界的种类、颜色的选用与搭配等优秀作品给与充分的表扬,让孩子与家长都意识到美术的学习并不只是从教材、课堂中汲取,而更多的是来源于生活,只有认真观察生活,揣摩生活中各种事物的形态才能在笔下或手中制作出完美的作品。 (二)加大微视频在美术教学中的应用 目前,即使是幼儿园的孩子也会拍摄照片、录视频等,他们每到一个地方旅游,便会以这些形式加以记录,其实这也是美术教育的一个新型平台。美术教师要促使所有的孩子都养成在生活中将所发现的美好事物一好看的花儿、汹涌澎湃的山峦、秋天金黄的落叶、初春柳树新长出的嫩芽等以微视频的形式记录下来,并在课堂上向其他小朋友进行展示,在介绍的过程中要说出以下几点: 第一,你槭裁匆拍摄这一景物或事物,他们给你最大的感受是什么: 第二,如果现在让你将视频中的内容画下来,你觉得可以给他们染上哪些不同的颜色,并说明具体的原因。 通过这样的方式,能够让孩子在拍摄的过程中便进行思考,认识到这些事物或景物均是生活中最为美好的一面,因而也可以呈现在纸上,并且在向其他小朋友进行介绍的时候,也是孩子们分析能力、语言表达能力锻炼的最佳时机,并且在相互交流中,教师能够了解每一个孩子的综合审美能力,以便对其作出更好的指导。 (三)以常见生活事物为源泉进行美术指导 重视对幼儿进行美术教育与培养孩子的创新、表现力等分不开,而最为平常的生活事物则最能看出孩子的美术绘画以及想象能力的水平。例如,教师在教孩子们画一些简单的图画时,就可以挑选生活中常见的事物一苹果、小鸟、小鱼等,在孩子熟悉这些事物的基础上完成相应的绘画教学。教师可拿一个红彤彤的苹果、一个青苹果和一个有些发黄的苹果放在教室中间让孩子们进行欣赏,然后让孩子在自己的本子上将自己所看到的苹果的样子画出来,紧接着让孩子自行选择颜色给苹果上色。这时,有的孩子选择大红色,有的选择粉色、有的选择绿色,还有的选择黄色,教师要引导学生思考“为什么苹果有这么多的颜色呢,你在生活中还有没有见过其他颜色的苹果呢?这样便从一个最为平凡的生活事物入手,促使孩子在认真观察后体会到美术绘画的真谛。 三、幼儿园美术教育要坚持与时俱进 孩子们的生活与成长环境始终在发生变化,同时也对孩子的综合能力提出了更高的要求,而美术作为发掘审美情趣、激发想象能力、发现生活美好之处的素质性学科将会得到更多的重视。因此,幼儿园美术教学工作的重任将会随之提高,现有的教学平台、教学方式、课程设计、教学工具等已经不能满足孩子的切实需要,因此,无论是在课程设置、教学计划安排还是教师素质、教学设备与美术教育理念等方面必须坚持与时俱进,不断提升自身素质,重塑教学技巧,从而实现新型化幼儿园美术教育。 生活中蕴含着美术教育的契机,课堂中美术教育的目的既是为了培养学生的审美能力与审美情趣,同时也是为了促使幼儿更好的适应社会,服务社会。因此,在幼儿园的美术教育中不能脱离现实生活在真空中进行施教,否则孩子们便会从自身单一的视角去认识这个社会,所以,这需要幼儿园教师与家长时刻保持联系,针对当前社会发展的状况与孩子们的成长现状制定切实可行的美术欣赏与引导性绘画课程。 (作者单位:南通市南川幼儿园) 幼儿园美术教育论文:浅谈幼儿园美术教育 摘 要:美术教育在素质教育中起着重要的作用,不仅是教幼儿画画,还为儿童提供丰富多样的美术活动,其目的是通过美术活动来培养幼儿观察力、记忆力、想象力和创造力,敞开儿童心扉,提高儿童素质,并使幼儿在绘画中舒展自己内在的想象和情感,通过绘画把自己对周围事物的认识表达出来,进而培育幼儿审美情趣。 关键词:幼儿教育;美术;探讨 孩子健全人格的培养不仅仅是个人的需要,更是时展的需要!然而,优秀的人格品质并不是天生拥有的,是通过后天环境影响和教育逐渐形成的。因此,通过美术教学活动,增进其人格健全及和谐发展,使孩子的潜力和思绪得以表现,是儿童美术教育的最终目的。 一、美术教育可以培养幼儿的自信心 喜欢什么?想做什么?都是源于兴趣。当然兴趣有天赋的因素,但更重要的还是后天的培养,当孩子对绘画产生兴趣之初,大多出于好奇,如果过了好奇的时机而不去巩固,那就没有兴致画了,因此,应该让幼儿先动手画一些非常简单而又有趣的,而且要对初学画画的儿童进行正面引导,采取多表扬,鼓励的方法让幼儿把兴趣持续下去,启发他们如果在某处改进一下,下次一定比这次画的更好。这样做可以使幼儿在潜意识中产生牢固的自信心,因为心理因素是很重要的。自信心是一个人对自身力量和自我价值的正确认识、体验和充分估价。自信心对幼儿的思想情感和行为起着调节作用。 二、美术教育可以培养幼儿的观察力 画过画的人都知道,画画是一种视觉艺术活动,不管是临摹、写生或创作都是观察后才能进行的,观察能力强的人,对所画作品的敏锐程度也强,反之,观察能力较差的人,他的作品就不能表现出事物的逼真性。大同小异,幼儿绘画也需要有一定的观察能力,也要把握客体的形状、大小、各部分的比例关系,这就需要他对客观事物作细致的观察,不仅要注意事物的整体,还要注意事物的各个部分、各个细节,多发现比较事物之间的不同。有一次,我给幼儿描述了一幅美丽的田园风光,要求幼儿根据我的描述画一幅画,幼儿的作品表现的非常生动、美丽。画的田野,随层而变,远处的朦胧用浅色,近处的颜色较明亮、鲜艳。大树也逐层而变,内圈深绿,中间浅绿,外层黄绿,层次鲜明。那位小朋友告诉我,内层绿色是因为树叶长的多,越往外树叶长的越少,阳光照射树叶就是黄色的。瞧!观察的多仔细,多有趣啊! 三、美术教育可以培养幼儿的想象力 想象是智慧的翅膀,是一切发明、创造的源泉,应大力鼓励幼儿把自己的想象表现出来。进行绘画课时,我都将背景空出来,鼓励幼儿自由想象添画,并强调添画和别人不一样的背景,构成不同的情节,幼儿的作品往往内容丰富,不拘一格,充满想象。因此,培养幼儿想象力关键的一点就是给幼儿足够的空间,自由发挥。有一次,我发现班级的一位家长对他儿子的画非常不理解,并说:“我花钱买纸、买笔,就是让你瞎画吗?”我看了那位幼儿的画,整幅画面五颜六色,初看是显的乱,但深入的看下去,不难发现构图的新颖和用色的大胆。其实这正表现了孩子与其自身身心发展水平相适应的创造性。幼儿园和家庭都要为发展这种创造性提供条件,让它更好的发展。对于孩子一些创造性的问题和想法,教师和家长都要予以鼓励,鼓励孩子对习以为常的现象和已被普遍接受的结论持怀疑态度,勇于提出自己不同的意见和想法,对孩子新颖独特的想法要给予赞赏。 四、美术教育可以培养幼儿的个性 学前期是幼儿个性初步形成时期,因此注重幼儿个性培养有着重要意义。美国心理专家马尔兹认为,绝大部分自我信念都是根据过去的经验、成功与规定,屈辱与胜利以及他人对自己的反应,特别是根据童年的经验而不自觉的形成的。“成功型”和“失败型”个性一旦形成定势,将对人整个一生发生很大的影响。教师应该创造一个用孩子能充分表现自己能力和体验成功的欢乐的环境。绘画活动能让孩子在其中充分表现自己,每个人都可能找到表现自己的位置,去享受胜利的欢乐和成功的乐趣。同时孩子能充分放松自己,心情愉快,无拘无束,教师应多为孩子们展现自己的才能创造条件。 既然美术教育对幼儿的发展如此重要,那么作为教师要怎样来开展美术教育呢?分析现在美术教育存在两种不同的倾向,一种是受传统教育的影响,幼儿一味地模仿学习,是被动的学习者,没有范画,就不知道该怎么画;另一种是接受教育改革思想后,走入误区,在创造性美术活动中教师始终持肯定的态度,孩子想画什么就画什么,让幼儿盲目地创造,放任自由片面强调个人情绪情感的抒发,忽视教师的辅导,使得幼儿失去美术的兴趣,因为他们没有一定的表现技能,难于用美术的语言来表达自己的情感。《纲要》指出:教师在幼儿美术教育应视幼儿为创造的主体,给幼儿创造自由表现的机会,鼓励幼儿用不同的美术形式,大胆表达自己的情感、理解和想象,尊重每个幼儿的想法和创造,肯定他们独特的审美感受和表现方式,分享他们的快乐,同时帮助他们提高表现的技能技巧。那么,如何在平时的美术教学中落实创新教育呢? 五、美术教育可以提升幼儿创造的自信心 心理学的研究表明,年幼的儿童往往是为得到父母和教师的认可而学习。因此,家长和教师认可、评价是非常重要的,也是必不可少的。教师应指导家长学会了解幼儿,因为幼儿的思维是直观形象的,而成人的思维是抽象的,要想两者达成共识,成人必须学会了解幼儿,观察幼儿,用幼儿的眼睛去看世界,用幼儿的思维方式去思考,因势利导,从而使幼儿主动地去学习。当成人了解了幼儿,并能站在幼儿的角度去欣赏他们的作品时,应对作品给予及时的肯定和赞扬,激发幼儿再次创作的欲望。对于作品中不理解的内容,教师应指导家长并和家长一起与幼儿探讨,以开拓幼儿的想象力和创造力为目标,促使幼儿的潜能在美术活动中得到更进一步的发展。 幼儿园美术创新教育中教法与学法的对象是教师与幼儿,他们都是主体。要在幼儿园美术创新中培养幼儿成为富有创造性、个性独特的人,教师首先要树立美术创新教育的新观念和新意识,应提高创造教育的能力,应掌握美术创新教育的要求、方法和策略。其次恰当运用幼儿园美术创新教育中教法与学法,使幼儿真正成为“人人是创造之人”、“时时有创造”的人。 幼儿园美术教育论文:幼儿园环境创设中的美术教育 摘要:美术理论与美术实践相结合的教育方式,对幼儿世界观和价值观的形成发挥着积极的作用。在幼儿园美术教育的过程中可以有效的提高幼儿鉴别事物真善美的能力,让幼儿在美术实践的过程中对生活充满希望和追求,对其今后的成长和发展奠定基础。良好的教育活动环境对培养幼儿的兴趣具有引导作用,所以幼儿教师要研究幼儿园美术教育活动对幼儿身心发展的积极影响,为幼儿创设优良的美术教育环境。本文通过分析幼儿园美术教育环境创设存在的问题,提出关于幼儿美术教育活动环境创设的若干建议。 关键词:幼儿园;美术教育;环境创设;存在问题;建议 美术教学的主要目标也是培养幼儿的审美情趣,通过参与美术实践不断的提高自身的综合素养。幼儿美术教师要不断创新教学模式,让幼儿更加投入美术学习,学会感受美术的魅力。通过美术教育培育幼儿形成良好品德、形成高尚的情操。幼儿园教师应该及时调整传统的美术教学思路,不应该把美术课看成是完成任务,应该积极美术教育环境,让幼儿在美术环境和美术活动实践中感受美和发现美。文章就当前学前儿童美术教育环境创设存在的问题展开分析,探讨如何在幼儿美术教育活动中进行环境创设。 一、当前学前儿童美术教育环境创设存在的问题 (一)美术教育环境创设缺乏趣味性 幼儿的认识世界的方式是充满童真的,感受世界的方式是丰富多彩的,单一刻板的美术教学环境对幼儿智力的开发和兴趣的培养产生了不利的影响。例如,现在我国很多幼儿园的墙画上几乎都是拼音字母、识字海报等,这样的教学环境难以提高幼儿参与学习实践的主动性和积极性。尤其在幼儿美术教育中,良好的教学环境是提高幼儿美术情感体验的重要途径,但是很多幼儿教师在美术教育环境创设的时候刻板而缺乏趣味性,导致幼儿的求知欲难以得到激发,不利于幼儿的身心健康发育。 (二)美术教育环境的创设缺乏针对性 在我国幼儿教育中,每个班级幼儿的人数较多,教师往往统一制定教育教学实施方案,与新教育背景下“因材施教”的理念格格不入,教师对幼儿的性格特点进行针对性的分析,秉持“具体问题具体分析”的原则,在满足大都是幼儿美术教学需要的基础上,也要兼顾少数幼儿的发展需求。 (三)美术教育环境的创设缺乏互动性 很多幼儿教师在进行美术教育环境创设的时候,过于注重环境的美化,忽视了环境创设的教育性作用,将自我的思想与审美观念置于幼儿的学习环境当中,导致幼儿的积极性难以被调动,幼儿的话语权和参与权被剥夺,不仅导致了环境资源的浪费,还会对幼儿的健康成长产生不利的影响。 (四)脱离了幼儿的认识能力和范围 很多幼儿美术教师为了展示自己美术的技巧和能力,在美术教学中采用一些专业性的术语,展示与幼儿认识严重不符的绘画技巧。严重背离了幼儿的发展轨迹和发展方向。幼儿在这种教学环境中经常会一头雾水,不知教学的重点和目标,导致幼儿将美术视为一种高深、玄妙的教学实践,严重损害了幼儿参与美术欣赏实践的主动性和积极性,对幼儿的成长和发展产生了负面的影响。 二、关于幼儿美术教育活动环境创设的若干建议 (一)明确美术教育活动环境创设的目标 传统幼儿园美术教育环境创设,只是将幼儿的美术作品进行陈列和张贴,以及简单美术物品的摆放,不具备明确的美术教育环境创设目标。所以幼儿园在美术环境创设的时候应该克服传统美术教育环境的局限性,最大程度的发挥幼儿的主观能动性,为幼儿提供想象和艺术创造的空间。例如,教师可以利用幼儿的美工作品点缀教室环境,并且在幼儿美工作品创设的时候要尽量听取幼儿的想法,与幼儿展开积极的沟通和互动,鼓励幼儿将自己想法在美术作品中表达出来,让幼儿真实的感受到美术的意义和价值。同时,幼儿美术教育环境的创设要始终将幼儿道德情操和审美能力的培养作为创设的目标,对幼儿身心健康发展发挥积极的作用。 (二)更新美术教育活动的形式 现阶段我国幼儿园美术活动的形式基本都是大同小异,展开美术教育基本都是让幼儿在美术课堂中快速的完成一幅美术绘画,这种陈旧的美术教育方式,极度的抑制了幼儿发散性思维的形成,以及创新性能力的培养。所以幼儿园美术教育要打破这种陈旧的美术活动形式,更新美术教育活动的形式,丰富美术教育活动的内容,让幼儿在丰富多彩的美术活动中寻找美的体验。例如,教师丰富美术活动的形式,可以组织带领幼儿去动物园观赏动物,去大自然感受自然风景的奇妙等,让幼儿在观赏中进行美术创作。再如,在美术教育课堂中,教师可以让学生将自己喜欢的玩具或者物价带到课堂中来,将自己喜欢的元素融入到自己的绘画作品当中,可以让幼儿保持最高的美术活动积极性。 (三)适时变换美术教育活动的环境 幼儿的普遍的性格特征就是对新鲜的事物充满好奇,并且对同一事物的注意力集中时间较短,所以教师应该在美术教学中对环境定期进行适当的改变,例如,教师美术作品展览区域内的作品要不时更新,值得注意的是展区内的作品应该是幼儿的绘画作品,这样能够激发幼儿“主人翁”的意识,积极展开美术作品实践,让自己的作品挂在展区。同时教师要引导幼儿对自己以及其他小朋友的作品进行点评,培养学生对事物保持持久热度的品质。同时,幼儿美术教师应该不断的丰富自己的理论知识,提高自己的实践组织能力,不断的提升自己的专业教学水平和素质。幼儿园也要加强美术教师队伍的建设,形成符合幼儿成长和发展的美术课程教学体系,保证美术教师具有专业的艺术创造力和艺术修养,高效的展开幼儿美术教学实践。 (四)尊重幼儿的个性差异,秉持“因材施教”的教学理念 幼儿园的每一位幼儿在性格特点和智力发育上都存在着一定的差异性,教师应该改变传统统一施教的方式,针对不同的幼儿展开不同的教育手段,最终促进每一位幼儿的发展。例如,一节美术课的教学内容是学习用水粉绘画企鹅,首先教师利用多媒体向学生展示了企鹅的图片,介绍企鹅生存的环境、气候,了解其特征,引导幼儿观察企鹅的身体结构。对于平时性格比较内向的幼儿,教师应该积极鼓励这些幼儿,看着图片说出企鹅的身体颜色;对于平时比较活泼好动的幼儿教师可以让他们,用肢体表演企鹅的姿态等,保证每一位幼儿的都能得到实践锻炼的机会,最后让幼儿根据自己的理解画出心目中的企鹅。值得注意的是,在美术教育实践中要注重培养幼儿的美术兴趣,遵循幼儿的年龄特征,尽量减少美术理论的灌输。 (五)提高幼儿教师的素养及创新能力 美术的审美本质决定了它对人们有着美化人的心灵、美化生活的意义与作用,培养人的审美能力以及陶冶人的性情,美术具有调节精神与情绪的节奏,丰富学习内容能使人赏心悦目,心旷神怡。但是美术的作用都需要在教师的正确引导下,才能有效的发挥出来,所以,在幼儿美术教育中,教师要不断的提升自己的素养和创新能力,对幼儿而产生启发性的作用。例如,有的教师在美术课堂中,引导学生将绘画内容涂成大红大紫,遏制了幼儿主观能动思维的形成,教师要打破常,更新自己创新意识,提高自己的创新能力,保提高自己的专业的艺术创造力和艺术修养,对幼儿美术教育活动环境进行创新和改进,保证幼儿美术教育教学的有效性。 (六)美术作品展示的多元化 幼儿美术绘画作品应该以多种形式和多种角度进行展示,为幼儿提供一个展示自己的平台,并且让幼儿在自己的作品中收获自信。例如,美术教师针对幼儿园大班的幼儿,布置“我要上小学”的绘画任务,要幼儿画出自己理解中的小学生,有的幼儿画的小学生穿着标志性的校服,有的幼儿将小学生的红领巾画的格外鲜艳,然后教师将幼儿们的作品装饰一番并挂在展区,激发幼儿更加浓郁的创作欲望和兴趣。再如,根据季节的变化,教师引导幼儿画出处于这个季节具有代表性的内容,对展区内的绘画作品进行定期轮换,让每一位幼儿的作品都有机会展示出来,帮助幼儿得到更好的美术自信和感受。 三、结语 综上所述,幼儿园美术教育可以有效的提高幼儿鉴别事物真善美的能力,让幼儿在美术实践的过程中对生活充满希望和追求,对其今后的成长和发展奠定基础。良好的教育活动环境对培养幼儿的兴趣具有引导作用,教师应该明确美术教育活动环境创设的目标,更新美术教育活动的形式,适时变换美术教育活动的环境,尊重幼儿的个性差异,秉持“因材施教”的教学理念;提高幼儿教师的素养及创新能力;实现美术作品展示的多元化,让幼儿在美术环境和美术活动实践中感受美和发现美。 幼儿园美术教育论文:唐卡在幼儿园美术教育活动中的意义与创新性运用 内容提要:唐卡作为藏区艺术的魁宝,在幼儿阶段就初步认识是藏区民族教育的重要组成部分,在美术教育中的创造性运用对幼儿审美观、基本绘画技巧的形成有重要意义。 关键词:唐卡 藏族文化 创新意识 本文为“甘肃省教育科学’十二五‘规划2015年度省级规划课题:拉卜楞寺建筑装饰艺术在幼儿园教学活动中的运用与研究(课题批准号:GS【2015】GHB1524)“阶段性成果”。 唐卡也叫唐嘎,唐喀,系藏文音译,指用彩缎装裱后悬挂供奉的宗教卷轴画。唐卡是藏族文化中一种独具特色的绘画艺术形式,题材内容涉及藏族的历史、政治、文化和社会生活等诸多领域,堪称藏民族的百科全书。 唐卡是在松赞干布时期兴起的一种新颖绘画艺术,即用彩缎装裱而成的卷轴画,具有鲜明的民族特点、浓郁的宗教色彩和独特的艺术风格,历来被藏族人民视为珍宝。唐卡的品种和质地多种多样,但多数是在布面和纸面上绘制的。另外也有刺绣、织锦、缂丝和贴花等织物唐卡,有的还在五彩续纷的花纹上,将珠玉宝石用金丝缀于其间,珠联璧合。唐卡绘画艺术是西藏文化的奇葩,千余年来影响深远。 唐卡作为藏区艺术的魁宝,在幼儿阶段就开始接触并初步认识,是藏区民族教育的重要组成部分,同时对幼儿审美观的形成有重要意义。 一、唐卡在藏区幼儿园美术教育中的意义 1.让幼儿通过唐卡初步了解到藏族文化和历史 唐卡艺术是中华民族民间艺术中弥足珍贵的非物质文化遗产,唐卡在内容上多为西藏宗教、历史、文化艺术和科学技术等,凝聚着藏族人民的信仰和智慧,记载着西藏的文明、历史和发展,寄托着藏族人民对佛祖的无可比拟的情感和对雪域家乡的无限热爱。唐卡内容繁多,既有多姿多态的佛像,也有反映藏族历史和民族风情的画面。作为身处藏区的孩子,从小就应该了解藏族文化、宗教和历史,通过唐卡感染他们,形成初步的民族意识。 2.通过唐卡培养幼儿对颜色的认识,从而产生正确的审美观 唐卡的造像、线条、色彩、构图、装饰等方面,在继承藏族传统绘画流派曼唐画派精细柔美的艺术风格的同时,大胆借鉴了汉地绘画的特点,形成了细腻圆润的绘画风格。唐卡颜料全为天然矿植物原料,色泽艳丽,经久不退,具有浓郁的雪域风格。西藏唐卡构图严谨,均衡,丰满,多变,画法主要有工笔重彩与白描为主。刺绣唐卡是用各色丝线绣成,有山水、人物、花卉、翎 毛、亭台、楼阁等。通过对唐卡的认识,让孩子们对颜色有了更丰富的认识,并对自己生活的环境产生热爱之情。 3.通过动手实践提高幼儿的基本绘画技巧 由于唐卡的内容丰富,色彩多变,能激发幼儿的兴趣和想象力。教师可以充分调动幼旱男巳ぃ让他们临摹一些简单有趣的图案,例如:祥云、彩莲、花鸟、山水等,引导幼儿的正确勾线绘画。也可以让幼儿给描好的形象染色,按照不同唐卡的要求涂色。通过这些实践活动提高幼儿的绘画兴趣和技巧。 二、唐卡在藏区幼儿园美术教育中的创新性运用 联合国教科文组织国际教育发展委员会的报告书《学会生存》中强调:“人的创造力,是最容易受文化影响的能力,是最能发展并超越人类自身成就的能力,也是最容易受到压抑和挫伤的能力。”只有富于创造性的幼儿园美术教师,才能造就出富于创造性的幼儿, 只有富于创造性的幼儿园美术教师才能用创造性的教育唤起幼儿创造性的学习, 用创造性思维方法锻炼幼儿的创造性思维品质, 使教与学合理地碰撞出创造的火花。 1.幼儿美术教师要树立创新价值取向, 转变传统教育思想教育思想是幼儿美术教师行动的先导。 有什么样的教育思想就有什么样的教育行为、教育实践。 教育思想的转变是幼儿园美术教育改革的优秀和前提。 因此, 培养幼儿的创造性, 幼儿美术教师首先要形成全新的教育观念, 树立以创新精神为价值取向的教学观和质量观。 要认识到幼儿园美术教育活动的根本目的在于激发幼儿对美术活动的兴趣, 丰富幼儿的美术实践经验, 建立初步的审美意识, 促进幼儿健全人格的形成。 幼儿美术教师要充分认识到唐卡作品当中有意义的内容,将唐卡中的色彩、人物、图案融入日常的美术教学活动中,从而激发幼儿健康审美观的形成。要科学选择美术教学内容, 意识到对艺术过程的体验比结果更为重要。要灵活地运用多种美术教育方法,增加幼儿参与美术活动的兴趣, 激发幼儿创作的愿望。要正确评价幼儿的自由表现,尊重幼儿富有个性色彩的创造行为,保护幼儿的原创力 ,让幼儿成为具有旺盛的生命力、发达的创造欲望和健康和谐人格的人。运用唐卡中对和谐自然环境的描述,培养幼儿健康的自然观。教师要认识到创造力是与生俱来、自然产生的,每个孩子都有创造的欲望与权利,教师要给予小心的呵护。否则,思想认识上差之毫厘,行为效果上就会谬以千里。 2.幼儿美术教师要营造新型师幼关系, 培养幼儿创新意识。幼儿创造性的培养源于幼儿园日常的美术教育过程。鲜明的情绪是激发幼儿强烈美术创造需要的基础。因此,幼儿美术教师必须要努力营造一种有助于幼儿创新意识培养的民主师幼关系。要确立以幼儿为本的教育观念,充分尊重幼儿的思想、情感、意志和行为方式, 鼓励幼儿在轻松愉快的气氛中大胆表现自己的思想和情感, 形成一种以创新精神吸取美术知识、运用美术知识的性格。 在美术教学当中可以充分利用唐卡当中的历史故事、自然图案创设积极的课堂文化,鼓励幼儿充分表达自己的感受体验, 形成生生之间及师生之间的相互合作关系。幼儿教师要改变传统的评价观,利用唐卡对幼儿美术活动中的大胆表现要给予积极的鼓励和肯定。 总之,在藏区幼儿的美术教育中,唐卡的运用对幼儿健康审美观的培养、基本绘画技巧、创新能力的形成都有不可替代的作用,充分发挥唐卡在幼儿美术教育的影响是幼儿教育中不可或缺的组成部分。 幼儿园美术教育论文:探讨多媒体在幼儿园美术教育中的有效应用 【摘 要】幼儿园美术学科的教学意义就是增强幼儿对美的感悟,提升幼儿对美的追求,而多媒体的运用,可以把更加丰富多彩的图片、动画、声像等展现在课堂之中,更能够激发幼儿感受美的情趣。因此,多媒体运用到幼儿园美术教学中有着非常重要的作用和意义。本文主要从多媒体在幼儿园美术教学中应用的重要意义、我国当下多媒体在幼儿园美术教学中应用的现状和优化多媒体在幼儿园美术教学中应用的实际策略三个方面展开叙述。 【关键词】多媒体教学;幼儿园美术;应用现状;实际策略 在幼儿园美术教育中,多媒体作为教学辅助手段之一,不仅能够激发学生的学习兴趣,而且能改变传统的、死板的教学方式,进一步激发学生的创造力。为了有效运用多媒体,教师首先要了解多媒体教学的重要意义、多媒体教学的发展现状,然后才能结合实际经验,不断地探索,使多媒体的应用更加得心应手,让多媒体能够充分发挥教学辅助的重要作用,达到和传统教学的有机结合,促进教学水平的提高。 一、多媒体教学应用在幼儿园美术教育中的重要意义 多媒体教学应用作为现代化的教学方式,在激发学生兴趣、提高教学的现代化水平等方面对幼儿园美术教学的开展具有十分重要的意义,主要表现为: 第一,多媒体应用能够全方位展现美,从而激发幼儿的学习热情。传统的美术教学太过死板,而且仅仅利用板书或者依靠教师的简单描述,相对单调,而且枯燥,不足以激发幼儿的学习热情。多媒体可以给幼儿展示优美的画面,而且声情并茂的具体场景更能让幼儿感受美,为以后美术的进一步深造奠定良好的基础,从而提升幼儿园美术教学的质量。 第二,多媒体应用能够提升幼儿的审美能力,增强艺术修养和艺术水平。在教学课堂中,教师可以通过多媒体来播放世界各国的名画,提高幼儿欣赏美术作品的能力,激发他们自身的艺术天分。整个授课过程信息量倍增,能够极大地开阔幼儿的美术视野,从而最大化地开发幼儿潜能,促进幼儿走上艺术之路。 第三,多媒体教学能够活跃幼儿的思维,提升幼儿的创新能力。多媒体教学能够展示给幼儿的是图片、文字、声音的结合体,让幼儿感受到立体、多彩、生动的学习氛围,可以促进幼儿思维的拓展,从而使得幼儿的左右脑同时工作,激发自身的创新能力,有利于幼儿园培养出更多具有个性的艺术小天才。 二、多媒体在幼儿园美术教学中应用的现状 纵使多媒体应用在幼儿园教学中有着无比重要的意义,能够激发幼儿的多种能力,能够活跃课堂的氛围,但是在实际应用中,多媒体应用在教学过程中依然存在不足和漏洞。这些漏洞在一定程度上不仅会影响学生,也会对教师产生一定的负面影响,主要表现为: 第一,过分强调多媒体的重要性,导致教师职能缺失,主导地位受影响。教师如果在一节课程中过分依赖多媒体,其本身不能独立开展教学,则是其职能的丧失和缺位。多媒体本为教学的辅助手段,如果教师在课堂上仅仅是多媒体的播放者和操作者,则不利于教师在课堂上发挥自身的主导作用,不利于教育教学的长远发展。 第二,过多地使用多媒体,不利于教师深化教学内涵,提升教学质量。美术课程的多媒体教学本身确实提供了丰富多彩的教学画面,但是幼儿观看不能仅仅限于表面,流于形式。如果仅局限于五彩的画面和诱人的动画,则会分散幼儿的注意力。在教学中更重要的应该是了解美术的内涵,掌握画面设计的精髓、美感表达的原则和方法,具有美学思想才能够促进其自身挖掘才能,提高自己的创造能力。 第三,多媒体可以增加美术课上的信息量,但是过分地提供范画,对学生的思维和能力会产生一定程度的束缚。美术作为一种艺术课,强调的是发散思维和创新意识,如果过分地给幼儿看一些示范画,则会束缚幼儿的思维,禁锢幼儿的艺术天分。幼儿美术教学对以后幼儿美术的发展有着至关重要的影响,如果幼儿时期的美术学习禁锢了学生的思想,不利于学生长期的发展。 第四,过度依靠多媒体,不利于教师教学水平的提高。多媒体制作的课件可供多人使用,部分教师经常借用别人的制作成果,就会产生偷懒的情绪,最后由于惰性,总是借鉴别人的成果,不利于自身教学的创新和教学水平的提高。 三、优化多媒体在幼儿园美术教学中应用的实际策略 第一,要尊重幼儿在学习中的主体地位,激发幼儿的天性,培养幼儿的创新能力。教育体制的改革要求充分发挥学生的主观能动性,在课堂中尽量让幼儿发挥自己的想象,结合自身的天赋进行美术作品的创造是美术教学的最终目的。俗语有云,“一千个人眼里有一千个哈姆雷特”,所以,多媒体的应用应该以不束缚幼儿自身想象能力为前提,确保在多媒体应用的过程中能够激发幼儿的想象和创新,而不是束缚和禁锢幼儿的美术思想。 第二,多媒体的应用是教学的辅助手段,教师要充分发挥其个人作用,讲授美术的真正内涵。多媒体固然能够展示丰富多彩的画面,吸引幼儿的眼球,但是通^多媒体引起幼儿兴趣后,要通过教师讲解美术知识,教授幼儿绘画技巧,挖掘美术教学的真谛,让幼儿的心灵更加透彻,对美的追求和感悟得到相应的提升。所以,多媒体应用最多对教师的教学起到“抛砖引玉”的效果,最主要的还是教师讲解教学重点与难点,提升教学质量。 第三,多媒体的应用要和传统教学方式相结合,提高幼儿教学的总体水平。幼儿美术教学的重要目的就是培养幼儿对美的思考,多媒体作为现代科技手段,不应该让幼儿对其产生依赖,要调动幼儿自身的动手和思考的能力。而且,教师要通过不断的实践,让多媒体教学充分的和传统教学方式相结合,两者相得益彰。 比如说,让幼儿画心目中的白雪公主,在教学目标设定上肯定是锻炼幼儿自己的思维能力。因此,一开始就不应该运用多媒体向幼儿展示白雪公主的形象。每个幼儿充分调动自己的思维,画出心目中的白雪公主,教师会发现每个孩子心目中的白雪公主都不一样,如果教师运用多媒体向学生展示了白雪公主的图片,那么全班同学画出来白雪公主就都是一个样了。结合这一现象,幼儿教师在美术教学过程中可以先通过描述或者讲述各类的形象,让学生充分发挥想象,锻炼思维,画出作品,之后借助多媒体,展示美丽的、已经成型的形象,让幼儿借鉴,达到作画的最好水平。所以,教师要学会得当地运用多媒体教学,把多媒体作为教学的辅助,主要的目的还是调动学生自身的能力。 当下,多媒体教学在幼儿园美术课上的应用具有十分重要的意义,在开发幼儿的思维能力、发挥幼儿的想象力以及调动幼儿学习美术的兴趣方面,其作用是不可替代的。因此,要在幼儿园美术教学中充分利用多媒体带来的便利,在教学过程中激发幼儿的创造力,让其在实践中提高自己动手的能力。幼儿园教师在实际应用时,充分结合美术教学的教学目标、美术教学的最终目的,充分运用多媒体的作用,提升美术的教学水平,提高幼儿的审美能力,开发幼儿的美术天分,为以后美术的系统学习奠定良好的基础。 幼儿园美术教育论文:研究幼儿园美术教育生活化的有效策略 【摘 要】美是来源于生活并且高于生活的,美术和生活存在十分密切的关系,幼儿园的美术教育生活化就是要让美术教育贴近生活以及在生活当中学习美术。本文主要研究幼儿园美术教育生活化有效策略。 【关键词】幼儿园;美术教育;生活化;有效策略 幼儿园的美术教育应当充满生活气息以及贴近现实生活,生活化的美术教育不但可以提升幼儿的美术成绩,而且有助于幼儿更加热爱生活以及形成积极向上的乐观心态。本文主要提出幼儿园美术教育生活化的策略,对于美术教师具有一定的参考作用。这些策略主要包括合理选择教材内容以及及时更新教学内容、美术素材生活化,生活当中选择美术素材、创设生活情境以及美术实践生活化。 一、幼儿的美术教育内涵分析 通过美术教育方式,幼儿可以表达自己的思想以及情感。幼儿的美术作品是幼儿思维、感情等多种因素的综合表现。幼儿之间在思维、智力、情感等方面存在显著的差异性,因此,每个幼儿都会运用符合自身个性特点的美术方式表达自己对生活的感悟以及理解,或者在美术作品当中表达某种情绪,比如高兴、悲伤、开心、幸福等。幼儿美术教育是幼儿园学生在教师的帮助下学习美术。幼儿美术和成人美术存在一些差异,幼儿相对来说画画并不精确,不过幼儿的想象力比较丰富。美术教育的过程中,教师应当包容幼儿的缺点以及发现幼儿的独特优点。 二、合理选择教材内容以及及时更新教学内容 幼儿园的美术教育应当适应幼儿的特点以及内在需求,对于教学内容应当科学选择,幼儿在社会生活以及家庭生活当中已经累积了很多生活经验,包括动作技能、情感体验、知识等方面的经验,经验的累积对于幼儿学习美术课程具有十分重要的意义,是美术学习的内在动力以及源泉。换句话说,如果在幼儿美术教育的过程当中脱离生活实践以及生活经验,让幼儿学习自己平时生活不认识的事物,他们将会觉得课程枯燥无味,并且在学习的过程中始终处于比较被动以及服从的位置。脱离生活的美术教育将严重挫败幼儿学习的自信心以及积极性,压制幼儿的创造能力。在美术内容选择的过程中,作为美术教师应当选择和生活经验相关的内容,促使幼儿对自然物、植物以及动物等进行细致的观察,生活常见的建筑物、民俗等都可以作为美术教育的教材。比如,让幼儿学习画妈妈或者爸爸等,容易调动画画的积极性。只有教育内容贴近现实生活,才能调动幼儿积极性,有助于幼儿绘画水平的提升。 对于美术课程的教学内容来讲,应当注意美术课程的教学内容并不是固定不动的,美术的教学内容应当根据儿童生活经验的变化而逐渐改变。作为美术教师,更加应当注意在教学当中顺应幼儿的兴趣以及日常关注的重点,从而保障美术教学内容符合幼儿的兴趣以及爱好。在对美术教学内容选择方面,教师应当关心幼儿的生活环境,和他们成为最知心的朋友,深入了解幼儿的内心思想以及心理特点。比如,通常幼儿园的小朋友对《喜羊羊与灰太狼》的这部动画片十分感兴趣。作为美术教师,可以将其中的动画形象作为教学内容,从而激发其学习兴趣以及提升其绘画水平。 三、美术素材生活化,生活当中选择美术素材 生活当中存在很多美术的内容,应当将美术和生活相互结合。通过各种绘画的技巧将生活当中的事物展现在画上。作为美术教师,不但应当从生活经验当中选择有教育意义以及吸引幼儿注意力的美术教学内容,而且应当促使幼儿彼此分享生活经历以及相关知识,从而提升他们的见闻以及阅历,使美术教学活动贴近生活,帮助更多的幼儿在获得美术的熏陶之后,更能学会体验到生活当中的美学。比如,制作新年礼物活动等,促使美术活动和生活相互融合。作为美术教师,应当引导幼儿通过利用生活中的废物制作特别的新年礼物,不但可以保护环境以及废物利用,而且可以有效培养他们的动手能力以及思维能力,促使幼儿在生活当中发现美以及感受到美。美术教育的生活化是教育界的重要创新,不但可以帮助幼儿更好感受生活的魅力,而且促使幼儿在现实生活当中形成良好的审美情趣以及培养创新能力、观察能力以及探究能力等。 来自于现实生活当中的材料更加能够吸引幼儿的注意力以及调动幼儿的积极性。其实,生活当中很多的素材可以当作美术活动的材料进行美术创造,不但提升幼儿的想象力,而且可以增加幼儿的学习兴趣以及主动性。通过再次利用生活当中被忽视的包装盒以及器皿等,可以做出十分美好的工艺品,只要精心挑选以及适当改造和加工,就可以让这些废弃的物体再次绽放生命力以及魅力,不但符合当前保护环境的诉求,而且可以养成幼儿废物利用的习惯,并且增强幼儿的动手能力,得到美的享受。 四、创设生活情境以及美术实践生活化 儿童的美术教育应当贴近生活以及在生活的环境当中学习美术。其实生活本身已经为美术的教学提供了很多的素材以及资源,学生可以在生活当中逐渐发现美以及保留美。比如每个学生每天都必须吃饭、睡觉、学习、散步等,这些生活化元素都可以作为美术教育的重要素材,帮助学生尽快掌握美术技巧以及在美术当中找到乐趣。作为美术教师,应当创设相关生活情境,丰富幼儿的教育形式,促使幼儿在贴近生活的情境当中获得美的感悟以及学习美术。 1. 布置良好学习环境 美术教育重要的教学形式是要通过环境熏陶,从而丰富幼儿的审美体验并且从中激发幼儿的创造能力以及表现能力。作为美术教师,应当积极营造美术氛围以及搜集实物和图片等,通过多媒体技术以及创设美的情境,激发幼儿对美术创造的情感。比如,在过年的时候,可以通过在窗户上帖窗花、门上贴对联、走廊布置大量的年画等,让幼儿感受到过节的氛围以及节日美好祝福等情感。布置环境不但可以培养学生的审美能力,而且可以培养幼儿对待生活的态度,美好的环境有助于他们形成积极向上的生活态度。 2. 积极开展美术主题活动 幼儿通常喜欢各种和生活相关的主题活动,这些活动的开展不但有助于调动他们的学习积极性,而且可以让他们感受到美术教育的快乐。因此,主题活动可以作为幼儿美术教育的重要方式。在主题活动当中,教师应当引导幼儿感受生活,并且给予其美好的学习体验。在活动开展的过程当中,美术教师可以让幼儿运用美术方式实现自我表达,将幼儿对美的感受体现在创造当中。比如,去各地参观名胜古迹等,然后将这些古迹绘画出来。不但可以促使幼儿提高自身的绘画技术,而且激发了他们对于中华民族的热爱之情。 综上所述,美术教育应当贴近幼儿的生活,让幼儿在生活当中得到美的体验。本文主要分析了美术教育生活化的策略,主要包括创设生活情境以及美术生活化、生活当中选择美术素材、合理选择教材内容以及及时更新教学内容。培养幼儿于生活当中感受美的能力,只有这样才能促使美术教育贴近生活,培养出更多具有个性以及情怀的美术人才。
幼儿美术教学论文:幼儿园美术教育教学论文 一、幼儿园美术活动的具体实践探索 1.创设审美环境。 (1)结合主题活动定期展示有特色的艺术作品。例如本月我们班的主题活动是“伞花朵朵开”,其中有个环节就是《彩绘伞面》,让幼儿在伞面上面进行绘画和创作,用广告颜料让幼儿在伞上进行绘画,出示多把已经绘画完成的伞,请幼儿来欣赏这些伞,让幼儿观察这些伞面构图的特点,启发幼儿商量讨论:我们要如何共同制作彩绘伞?有什么办法可以解决人多伞少的问题?几个人一起合作,怎样才能让伞的画面一致漂亮呢?每组幼儿商量出一个“工作计划”:伞面什么地方要画什么?谁负责画那个部分?画什么内容?如:语言组的幼儿商量着画海底世界,6个伞面,正好一人画一个面,他们商量着要画一个大大的鲨鱼,有尖尖的牙齿这样需要画两个伞面,就需要两个小朋友一起合作,其他四个小朋友就画小鱼和水母,还有珊瑚和水草。综合区的幼儿拿到了一把蓝色底的雨伞,他们就商量画白云、小鸟,还有很多彩色的气球。 (2)随处展示孩子的作品。班上每周有两节美术课和两次区域活动,在我班的走廊、美工区到处悬挂张贴孩子的作品,孩子们欣赏着同伴的作品,感受稚拙的画法、夸张的形象、浓烈的色彩和大胆的想象,不断地产生共鸣,激发新的创作激情。如:在我们班主题活动《最棒的我》中有节美工活动《表情变变变》,通过这节课我延伸到了区域活动《人物头像粘贴》,利用废旧的纸盒和各种彩色纸来进行人物头像的粘贴。我们班的郭承泽小朋友就把眉毛剪得又粗又直,眼睛一边是方形,一边是同心圆圈。鼻子是用纸盒的边角剪成的一个三角形,很有立体感。嘴吧贴成一个正方形,还有很多牙齿。我看到后马上问泽泽你做的这个表情是什么啊?泽泽说我做的是一个会修理汽车的机器人。当其他幼儿看到后,也马上说教师我做的也是个机器人,他可以帮妈妈干活的!其他活动区域的幼儿看到后,马上跑过来问,这是什么啊?郭承泽很骄傲地说这是我做的会修机器的机器人,其他小朋友马上也获得了类似的灵感!还有面墙展示了幼儿的绘画作品,每次幼儿完成作品后,我们都会让幼儿把作品展示到自己的画袋里面,幼儿就会一起说说自己画的是什么。记得有节课是画出四季常青的树,旭升小朋友向其他幼儿介绍自己画的树是一棵圣诞树,上面挂了很多的彩灯,树下放了很多的礼物,天空还下了雪。国贤小朋友看到后说我也画了很多的雪花,我画的是冬天的树。这时忆宣小朋友说我也要加上雪花,我过年回爷爷家就可以看到雪了。 (3)经常播放一些优美的音乐陶冶孩子的情操,丰富艺术想象。孩子天生是个音乐爱好者。无论是几个月还是几岁的孩子,只要听到优美欢快的音乐,就会情不自禁地面露喜色,或摇头晃脑,或载歌载舞。音乐和美术是分不开的,一个是听觉艺术,一个是视觉艺术,它们互相依存,共同发展,经常听音乐也能丰富孩子的艺术想象。如:中班《线的训练》美术活动中要求幼儿用流动的线来作画。这样可以提高幼儿的形象思维能力和拓宽儿童的思路。通过音乐可以从另一侧面进一步消除幼儿对绘画的紧张感。活动重点:线条的变化。活动难点:线条的粗细、疏密的变化和组织。活动过程:玩彩带,让幼儿观察彩带舞动的变化,让幼儿对线有初步的认识。欣赏红绸舞、体操、棒操、圆环操等与线条相关的舞蹈。边放音乐边用语言描述,启发儿童回忆生活中常见的线条,和我们以前学过的线条画。如浪花(弧线)、流水(波浪线)、雨水(竖线、斜线)、折线(山峰、峡谷)、花朵(同心螺旋线)、毛毛虫(螺旋线)等。边描述过程,边在黑板上记录这些线条。 2.选择有情趣的活动内容和形式。课题的选择符合孩子的需要和兴趣,只要是来自孩子的生活、经验的东西,都是孩子喜欢的,更容易引起孩子的共鸣,可以说是有情趣的。有种材料叫毛根,它在幼儿的手中能变化成不同的造型,这让我也有了一个大胆的想法,我就创设了一节美术课《千奇百态的人》。在上这节手工课之前,我先带幼儿参观了幼儿园的运动标志墙,让幼儿观察这些运动造型是什么运动的动作,并让幼儿来描述和示范这个动作。在幼儿描述动作的过程中,我随手拿几条毛根扭起来,不一会儿幼儿的动作就展示出来了,教室里一下子就沸腾了,幼儿开始在自己的座位上做出了许多千奇百态的动作,人人都说“老师做我,做我”,于是,我抓住这个时机教孩子们扭毛根:请每个小朋友拿两根颜色相同的毛根,两根毛根对齐,从毛根的中间位置开始,相互缠绕,做手和脚,这样小人的身体就做好了。再用一根毛根在我们手指上缠绕几圈做小人的头,预留一定的长度用来和身体部位相固定。这样一个小人就做好了。把小人做好后,就可让它们来做操、跳舞、运动了!孩子们可根据自己喜欢的造型随意扭动它们的手和脚,这样一个生动的小人就做好了!当幼儿开始动手操作的时候,有些幼儿显得有点困难,这个时候我就请动手能力强的幼儿帮助这些有幼儿,让他们互相交流。很快所有幼儿都能自己完成一个生动活泼的小人了。 3.改变评价方式,注重创意和情趣。在对幼儿美术作品进行评价时,应该以鼓励和正面评价为主,多角度挖掘作品中的亮点,减少对图画与实物的比对,力求神似,以相对宽松的标准客观地进行评价,让孩子真正体会到自身的创作天赋,并且在美术活动中享受成功的喜悦,展现出自己最完美的一面。幼儿团体处于特定的年龄阶段,喜欢受到他人的表扬,并且会在赞扬与鼓励中再接再厉,发挥出巨大的潜能。因此,教师应该在看到孩子的优点和正确做法时,及时予以表扬,并且提出对幼儿的期望。即使孩子犯错时,教师也应循循善诱,恳切地用孩子易于接受的方式提出具体改进意见。在教学活动过程中,教师可以采用做小游戏的方式活跃课堂的氛围,降低教学难度,使孩子通过认真观察发现事物内部规律。例如“,蝴蝶找朋友”、“和小企鹅抢答”、“编花篮”等,这些游戏能调动幼儿的积极性,活跃幼儿的思维,使师生在愉悦的课堂氛围中探索科学知识的奥秘。教师应创新评价形式,总结有趣的、新鲜的评价方式,减少幼儿的听觉疲劳。例如,在幼儿园小班的手工活动中,利用小猴买元宵的小故事代替纯粹的泥工美术活动。小猴说:我喜欢买圆圆的、一样大的元宵,我用五角星来买元宵。在小猴五角星奖励的诱导下,孩子认真地搓“元宵”,最终都获得了小猴的五角星。这种近距离的接触,不仅增进了教师与幼儿的亲密程度,而且有利于幼儿对知识的消化和吸收。 二、总结 实践证明,幼儿园的美术活动注重情趣性,能使孩子对美术活动产生更大的兴趣和更强的创作愿望,孩子们在富有创意的活动中愉悦心情,从而增强孩子的自信心;这些活动还大大地拓展了幼儿园美术活动的形式、丰富了内容,给孩子新鲜感、神奇感,激发了孩子的探究欲望,真正实现了美术教育的终极目标:寓教育于美的享受之中,始终把对孩子的个性、情感的尊重放在首位,强调在孩子精神获得满足和愉悦的同时,培养其对美的感受能力,提高他们的审美情趣,以形成完整和谐发展的人格。 作者:许莉单位:广东省肇庆市鼎湖区机关幼儿园 幼儿美术教学论文:幼儿大班美术教学论文 本学期,美术班的幼儿集体创作、个人创作作品共36幅。作品形式有蜡笔画、线条画、吹画、水彩画、装饰画,教学过程也是按以上程序循序渐进进行的。经过一个学期的学习,我感觉孩子们都有很大的进步,有四个小朋友参加全县艺术节书法美术大赛,两名幼儿获得一等奖,两名幼儿获得二等奖。下面谈谈我在本学期大班美术兴趣班教学中的一些体会。 一、提高幼儿绘画的兴趣,寓绘画于游戏中,开展多种形式的绘画活动 兴趣是学习动力,如何提高幼儿对绘画的兴趣,发挥幼儿积极主动性,是我教学的重点。我们都知道,孩子最喜欢玩,喜欢游戏。通过生动形象的语言,以游戏的形式开展教学,把绘画寓于游戏中,是我主要的教学方法。如在进行蜡笔画教学中我让幼儿游戏的方式进行构图,鼓励幼儿大胆想象、让每幅画有创意。在涂色方面,指导孩子学习了相似色、渐变色等多种涂色方法,鼓励幼儿有自己的想法。新鲜有趣的事物,幼儿都乐于接受,为了提高幼儿某一方面的绘画能力,我注意开展一系列不同形式的绘画活动。线条绘画是一个重要表现手段,以线条为主要表现手法的为了提高幼儿对线的表现力,我们由浅入深地开展了一系列的绘画活动,有《我设计的线条》《蘑菇》《花瓶》《小姑娘》等,让幼儿随意联想线的装饰,用不同的线(直线、曲线、波折线)自由组合起来装饰动物、花瓶,以致整个画面,在活动过程中,幼儿发现了意想不到的效果,获得了成功的体验,对“线描画”的活动产生了浓厚兴趣。为进一步提高幼儿对线的表现力,又用黑白配的方式强化了画面效果,增强了幼儿绘画的自信心。大班幼儿对周围的事物有了一定的认识,所以我们在组织绘画活动中也非常注意主题的选择。《我家后院的花奶牛》《我想去天上玩》《沙漠变绿洲》《苹果船》等绘画素材都是孩子们喜欢的。在活动中能表现自己的想法,有积极的创意。 二、给幼儿以绘画的自信,根据不同的绘画形式或内容,采取不同的指导 要正确地指导幼儿进行绘画,首先应了解幼儿绘画的特点。幼儿绘画活动是一种创造活动,幼儿绘画作品的魅力就在于其充满丰富,甚至离奇的想象和独特的表现手法。幼儿的绘画能力,是靠本身的理解认识和感受力来发展的。作为教师不可把自己对世界的认识和感受强加于幼儿身上,要求幼儿模仿,这等于抹杀了幼儿所特有的灵气,压抑了幼儿的创造力。我先了解一下幼儿是怎样想的,为什么要这样画,成人的作用在于鼓励、帮助幼儿把自己所想的绘画下来。“鼓励”是指导幼儿绘画的首要方法。 “鼓励”的目的在于帮助幼儿树立绘画的自信心,为幼儿创设良好的心理环境。在绘画教学中,我肯定幼儿的想法,肯定幼儿绘画的成果,让每个幼儿都能尝试到成功的喜悦。 不同的绘画形式或内容,相应的指导方法也不同,指导的重点也有所侧重。如在蜡笔画的构图活动中,我鼓励幼儿把根据主题进行构图,然后根据自己的意愿进行合理的添画、想象,这样幼儿的绘画容易重点突出,而且有自己的创意,杂而不乱,从而提高幼儿的美术能力,逐步提高了幼儿绘画的技能技巧。 三、重视幼儿作品的评价 在美术活动中,教师评价幼儿的美术作品中一个必不可少的教学内容,教师对幼儿作品评价的态度、标准往往直接影响幼儿参与美术活动的兴趣和积极性,影响幼儿对美术作品的态度,对美的鉴赏能力。 对幼儿作品的评价主要体现在两面方面,一方面:符合大班幼儿的年龄特点,富有童趣。一幅好的幼儿作品充分体现幼儿的思想感情,具有幼儿特有的思维特点,这是评价幼儿作品的重要方面;另一方面,具有一定的艺术性,如线条有力、连贯,图形、形象清晰完整,画面饱满、均衡,色彩明显、饱满,内容丰富充实。在活动中以这两方面对幼儿作品进行评价,帮助幼儿提高对美术作品的欣赏能力,提高幼儿对生活的绘画表现力。评价的组织形式是灵活多样的,有展览作品;教师直接进行评价;幼儿互相评价;幼儿对自己的画进行自评;边游戏边评价等形式。大班有了一定的欣赏水平和评价能力,应注意提高幼儿自评和互评的能力,发展幼儿的语言表达力和社会交往能力。教师评价幼儿作品的语言要正确恰当,生动,以帮助幼儿树立绘画的自信心,增强对绘画的兴趣及积极性。不同的美术活动中,活动的评价的重点应该有所不同,分析评价作品每次可选取不同的角度,问题去分析,注意每次活动评价的不同与联系,让幼儿在潜移默化、日积月累中,不断提高对美术作品的欣赏水平,提高绘画水平,实现美术活动的教育目标。超级秘书网 这学期大班幼儿兴趣班活动,提高构图能力,学会了对自己的画面进行简单的布局,而且构图时能有自己的创意,增强了幼儿对周围生活的理解、感触能力,还能获取知识。在线条的运用方面,线条流畅很多,能运用各种图形进行线描画、黑白配。在颜色的运用方面,幼儿会根据画面的需要进行涂色,能尝试不同的涂色方法及背景色的表现形式。可以说绘画是幼儿一种独特的语言表达方式,在幼儿绘画教学中,教师是积极的指导者,引领孩子用手中的小小画笔,描绘出一个个五彩的世界。 幼儿美术教学论文:提高幼儿美术教学论文 一、我国幼儿美术教学的发展现状 1.教育观念有待提高对幼儿美术教学的重视程度随着素质教育的提出和全面普及越来越大,公办、私立等幼儿美术班如雨后春笋般涌现。但是纵观幼儿美术班中的幼儿美术教学,不难发现大多数教师采用的仍然是传统的美术教学模式进行幼儿美术教学活动。这样的教育观念和教育模式很难适应社会日新月异的发展,因此,幼儿美术教学中教师的教育观念有待提高,与时俱进。 2.对幼儿情感的培养常常被忽视对幼儿进行美术方面的教学并不仅仅是教授画画的技能和审美的视角,新课程标准提出的三维教学目标中既包括知识技能的学习与掌握,也包含情感、态度、价值观的引导和培养。因此,在幼儿美术教学的过程中,结合幼儿阶段的年龄特点,在美术教学中适当对幼儿进行情感方面的引导和培养,能够使幼儿不仅掌握美术知识与技能,同时能够使幼儿全面发展,形成全面的人格等。 二、提高幼儿美术教学的策略与方法 在新课程标准的引领下,幼儿美术教学逐渐形成新观念、新意识,出现了多元化的教学目标和教学内容。与传统美术教学相比,幼儿美术教学目标逐渐由知识技能型向审美型、实用型目标转变;教学内容也逐步与实际生活相联系,培养幼儿形成美从实际中发现并作用于实际、美化实际的美术思维;教学活动多样化趋势明显。结合教学经验及相关理论知识为依据,现提出如下幼儿美术教学的策略与方法,以供幼儿美术教育同仁共同探讨研究。 1.拓宽幼儿视野,丰富美术教学内容教师应有意识地在平时日常生活中引导幼儿去积累素材、积累内容,学会擅于捕捉生活中一点一滴值得珍藏的闪光点,从而丰富在美术教学过程中的教学内容和教学素材,同时也能够使幼儿在潜移默化中享受生活之美的熏陶和美的体验。例如,教师可以引导幼儿多关注电视上播放的内容,并以留作业的形式实现亲子活动,展开讨论和资料收集,从而拓宽幼儿的视野,与社会相联系。这也是幼儿逐渐完成社会化的重要手段之一。将对幼儿的美术教学与生活实际相联系,不仅丰富了教学内容和教学素材,更能够将幼儿美术教学的矛头指向使幼儿得到全面发展的目标上,突破单一的以美术知识技能教授目的,从而真正培养幼儿学习美术的兴趣,为幼儿今后在美术领域能够更深地发展打下良好的基础。 2.尝试开放式教学的运用传统美术教学在教室中进行,离不开各种画笔和画板,这在一定程度上影响了幼儿天马行空的创造力,也阻碍了他们想象的空间。随着现代美术教育理念的逐渐深入,幼儿美术教学活动可以尝试走出课堂,在课堂以外的广阔空间带领幼儿尽情翱翔、随意驰骋。以蓝天白云为背景,让幼儿在美术的独特课堂中亲身去体验、发现生活中、大自然中的美好,对美术教学目标的实现更有促进作用。同时,并不是只有传统意义上的水彩笔、蜡笔、铅笔等才是幼儿创造美术作品时的画笔,现实生活中的树叶、棉签等都可以作为手中的画笔创造美好的作品。因此,教师应引导幼儿到生活中去主动发现工具,充分展开想象并打开思维的禁锢,真正体验艺术的魅力。 3.创设情境,营造互动型课堂氛围有人说:“思考是创作的源泉。”只有当幼儿真正对教师讲授的内容感兴趣的时候,他们才能够用心完成绘画,从而在美术方面得到提高。因此,幼儿美术教学中,美术课堂不应该是教师一个人的“独角戏”,而是应该在教师的引导、创设下,创设出一种幼儿乐于在其中享受的情境,将课堂变成师生间互动的场所。营造互动型课堂氛围,有利于使幼儿投入感情、投入高度的注意力在教师讲授的内容上,从而自愿参与活动,得到美术方面的锻炼和提高。 作者:金宇黎单位:长春幼儿师范学校 幼儿美术教学论文:浅谈幼儿园美术情境教学及其指导策略 目前,中国教育提出了“以人为本”“一切为了孩子”等口号。但现实中存在很多过分偏重认知,忽略情感与创造性培养的教育。在如今的幼儿园美术教学中我们经常会看到一些以灌输为主的教学模式,幼儿依葫芦画瓢,较注重技能的培养,如注意物体的外部形状、色彩的搭配,画面的空间安排;评价幼儿作品的好坏也仅以“像不像”为惟一标准。这样,幼儿在绘画时努力按照老师的要求,抑制了幼儿的自我表现,扼杀了幼儿潜在的创造意识。 所以,我们更加迫切的需要一种以人为本的教学模式,通过创设典型的场景,激发孩子的情绪,把情感和认知结合起来,以发展幼儿的个性、注重幼儿的情感体验、全面促进幼儿身心和谐发展为主的教学模式——幼儿园美术情境教学。 一、幼儿园美术情境教学活动的特征 美术情境教学与讲授式、讨论式等传统美术教学不同就在于情感和情境上。笔者有目的、有针对性地观察了几个美术情境教学活动,并结合情境教学的相关理论进行了整理、分析,总结幼儿园美术情境教学活动的特征为以下几点: (一)以培养兴趣为前提,诱发主动性 兴趣是孩子前进的动力。情境教育使孩子在体验趣味的基础上,在探索中收获巨大的欣喜,激发成就感。 例如《眼睛想象旅行》的情境活动,老师和孩子一起坐在软软的靠垫上,随着音乐展开旅行。旅行中,小眼睛似乎长了翅膀,它飞到了小河里,看到了太阳和小鱼在一起游戏,小眼睛飞到了……看到了……又和谁在一起……孩子们还把自己的作品用儿歌说一说:小眼睛变变,变成了热气球的世界;小眼睛变变,变出小刺猬的乐园;小眼睛变变,讲述着鲤鱼跳龙门的传说……从幼儿出发,将“趣”贯穿活动始终,孩子全身心地投入到活动中,并有丰富的作品。 (二)以情感因素为动因,渗透教育性 李吉林的教育思想其优秀是“以情感为纽带”。儿童是最富有情感的,而情境教育正是利用儿童心灵上这特点,最大限度地发挥了情感纽带的驱动作用。 例如中班美术活动《福娃啦啦队》,因为北京举办奥运会,孩子们对奥运会吉祥物“福娃”特别关注。教师抓住孩子这个情感,进行活动的创设。在活动中,从开始观看flash,了解福娃的由来,到紧张激烈地观看福娃比赛“实况”,到组建福娃拉拉队进行彩绘布置,最后创设游戏情境进行福娃大比拼。孩子们的情绪始终高涨,教师用情感做桥梁,拉近了师幼之间的距离。 (三)以年龄特征为前提,体现游戏性 游戏是每个幼儿都喜爱的活动。在幼儿园美术情境教学活动中,为了让孩子更加好地沉浸在教师创设的环境中,可以用游戏化的语言、教学内容、教学方法。 例如在幼儿初学画画时,经常可以看到画笔乱放、乱丢的现象,这样的习惯可以通过开展艺术游戏来纠正:每个孩子都有自己的家,“广阔的大海是鲸鱼的家,冰冷的南极是企鹅的家,辽阔的沙漠是骆驼的家……”老师创设游戏情境:“红、橙、黄、绿、青、蓝、紫”笔宝宝们要回彩虹家。和孩子们一边认识颜色、一边给每个笔找“家”,在这样的游戏中让孩子自觉自愿地摆放画笔,慢慢地养成了习惯。 二、幼儿园美术情境教学活动的指导策略 指导策略是教师在教学过程中为达到一定的教学目的而采取的相对系统的行为。为了让孩子更快乐的接受美术教育,让美术情境教学发挥更大的教育作用,笔者结合美术情境教学活动的特征,通过观察、实践,探究美术情境教学的指导策略,总结了以下六个方面: (一)以语言描绘情境 想象可促进孩子更好地进行艺术创造。教学中教师通过和孩子谈话,创设与美术活动有关的情境,让每个孩子都展开想象的翅膀,在艺术的天空自由翱翔。 在《美丽的西班牙之旅》中,欣赏米罗的画的时候,就让孩子畅谈自己的感受。用语言的描述来表现情境,孩子的认知有着一定的指向性,并且这种语言带着感情色彩作用于孩子的感官,激发孩子的情感,帮助孩子的思维想象,从而使孩子进入特定的情境。 (二)以自然、生活展示情境 大自然中的感受、生活情境等都是创造的起点是灵感的源头。自然是那样的美丽多姿,生活是那样的绚丽多彩:有形、情、境。在自然生活情境中引导孩子去体验艺术的语汇、丰富创作的灵感是最恰当的。 例如美术活动《有趣的想象旅行》,旅行是生活的一部分,旅行中所见所闻更是大自然的杰作。老师以旅行贯穿活动,让孩子充分感受大自然的奇特景色,孩子在自己的想象旅行中才有了创作的根源,才会有更丰富的想象。 综合活动《大家来帮忙》,以汶川大地震的现场情境引导幼儿联想森林里发生地震的场景,用真实的生活情景展示情境,激发幼儿创作的激情;从汶川地震后为灾区人民造房子迁移到我们小朋友要帮忙森林的小动物一起盖房子,包括盖房子的基本要求都是以孩子的生活经验为出发点。 (三)以游戏展现情境 在孩子们心中,各种绘画工具对他们来说是一个概念,能画出线条色彩,是这种“玩具”的特殊功能。笔者开始了游戏在幼儿园美术情境教学中的实践探索,在组织幼儿绘画过程中,考虑孩子的年龄特点,采用游戏化的手段,使教育语言成为孩子能听懂的游戏化语言,使他们在丰富多彩的游戏中得到发展,让他们感到美术活动本身就是轻松愉快的游戏。 例如小班美术活动《和叶子做朋友》,自始至终孩子都是沉浸在游戏的氛围中——和各种各样的叶子做朋友,做游戏。首先用玩宣纸给叶子拍照的拓印的游戏;然后在印画画找秘密,玩添画的游戏;最后大家都很开心地下雨啦,体验晕染的游戏,每一个环节孩子都在“玩中学习,玩中作画”。 (四)以表演体会情境 表演是直观的、是视觉的,通过表演传达信息、反映情感,增强情绪体验,有利于孩子在作品中的情感再现,并且也是孩子乐于接受的。 在活动中,可以以表演的形式开始,让孩子一下子融入情境,充分传达直观的信息和情感;以表演的形式结束,孩子通过肢体可以更加自如更加愉悦的表现自己内心世界。情境表演极大地调动了孩子学习与探究的积极性与激情。 (五)以多媒体演示情境 在美术教学中使用电脑,创造出与教学内容融为一体的生动、形象的情境,能激发孩子学习美术的兴趣,充分发挥多媒体的作用,从而提高了美术课堂效率。 《美丽的西班牙之旅》中的师幼合作创作范例这个环节就用到了多媒体演示情境这一策略。教师用电脑软件与孩子一起在米罗的画上进行再创造,画面生动形象,一下子就把孩子的注意力吸引住了。化静态画面为动感画面,将抽象的内容形象化,从而使课堂教学变为孩子边看、边听、边动手实践的全新教学情境,当孩子在美的氛围中进行创作时,自然会用心灵绘画,释放自己的潜能。 (六)以音乐渲染情境 音乐中优美的旋律、跳动的音符、轻快的节奏都会撞击、触动孩子幼小的心灵,随着音乐波动变化会产生不同的情绪反应。以音乐渲染情境,更容易把孩子带到特定的情境之中。 美术情境教学活动很多都用到了采用音乐调动气氛的方法,音乐渲染气氛起到了画龙点睛的作用。比如《有趣想象旅行中》,让孩子们在梦幻般的音乐中想象旅行;在《美丽的西班牙旅行》活动开始,师幼随着斗牛士的音乐做各种欢快的动作,孩子一下子就进入了教师欲设的情境之中。音乐可以帮助孩子更加沉浸在某个特定的情境之中。 提高儿童的美术水平并不仅仅为了培养艺术家,美术教育的目的也不在美术教育本身,重点在于培养儿童的审美能力和创造力,提高儿童的艺术素养。依“范画”临摹式教学并不是美术教育的最佳的起点。美术情境教学为幼儿园美术教学提供了一条崭新的路,但幼儿园美术情境教学是否就能顺利托起幼儿园美术教学的明天,还需我们教育工作者的不断努力和探索。 幼儿美术教学论文:幼儿园美术活动中主题性绘画创作的教学策略研究 摘要本文针对幼儿园美术活动现状和学前儿童的年龄特点,开展以主题性绘画创作为形式的美术教学指导。本文探讨了在集体美术活动中主题性绘画创作的指导原则和指导策略,以帮助幼儿在愉快的情绪体验中创作出稚拙的、富有主观情感、自由表现的绘画作品。 1 实施主题性绘画教学的意义和概念的界定 主题性绘画活动作为一个很好的媒介将幼儿的记忆、经验、初浅的技能融于美术活动中,能将教师从纷杂的临摹教学中解放出来,发挥欣赏、认知、感悟的作用,让幼儿从体验入手,完成创作。 (1)主题性绘画教学的策略研究能帮助教师把握幼儿绘画教学的目的,体验作品创作中的情绪情感,教师在研究过程中可以通过策略指导始终明确、把握儿童绘画教学的目的,从儿童自身发展的需要和教育的要求出发,运用儿童绘画科学的教学理念,不断激发儿童的学习兴趣和审美情趣,发掘出儿童绘画的潜能。 (2)主题性绘画教学的策略研究能帮助教师增强与幼儿对话的能力,把握多元的教育策略。由于此项研究是基于在日常教学活动中完成,因此开展课题研究还有助于提高教师的创新能力和使幼儿的智力思维能力不断提升,潜在能力得到激发,让幼儿获得多元的发展。也能帮助一线教师积累绘画教学的基本方法并运用在其它形式的美术活动中,学会整合教育资源。 (3)主题性绘画教学概念的界定对通过美术活动体现幼儿认知发展心理具有现实意义。主题性绘画是绘画的画面形式,它往往能再现儿童眼中的世界和特定的环境、情境,并表现出作画人的心理,在一幅或多幅作品中表现同一个主题。在本课题研究中着重在于“主题性”框架下的同一主题绘画创作和单元主题(同种类别绘画)的系列教学。 2 主题性绘画创作教学指导所遵循的原则 绘画教学的目标是围绕着美术表现的基本要素提出的,它的依据是在遵从幼儿生理、心理发展规律的基础上,设置教学目标的阶梯,当我们在开展主题性绘画创作时要充分地关注幼儿的认知水平、已有的生活经验和基本的技能水平,尊重他们非成人式的思维和表达,预设适宜的目标以情景性、审美性、创造性和适宜性为原则开展教学指导,从而使幼儿创作出融合美感、技能和个性的美术作品。 3 主题性画绘画创作的指导策略 教学策略包含多个方面的含义,包括目标的设立、媒体的选择、方法的确立、活动的组织、反馈的方法、成绩的评定等等。所以,从系统的观点我们可以看出:教学策略是指以一定的教育思想为指导,在特定的教学情境中,为实现教学目标而制定并在实施过程中不断调适、优化,以使教学效果趋于最佳的系统决策与设计。 3.1 选择贴近幼儿生活的主题内容,在感性认知获取直观形象 在美术创作活动中,幼儿通过观看获得的关于事物的各种视觉经验,这是他们美术创作中形象的来源。因此我们在开展主题性绘画创作的内容选择时就充分考虑了这个因素,如《刷刷牙》,展现的是生活中的天天出现的场景,幼儿对刷牙印象深刻,上课时我们用多媒体展现盥洗室环境、张大嘴的脸部特点,有大人、孩子、单人、双人、正面、侧面等图片使幼儿很快的就进入特定情景中。 3.2 体验丰富的主题绘画情境,在主动学习中进入创作 幼儿园的美术活动并不只是让幼儿不断去重复已有的经验,而且还必须在幼儿原有水平上有所推动,除了在内容上不断地拓展外,还必须不断提高幼儿感受和表现美的能力。情景是导入的环节,学会方法的手段,当幼儿沉浸在情景中的时候,我们视之为“游戏”,着意表现个人对主题的认识和感受,感性体验多于理性思考,因此我们要解决的是老师对同一主题下的美术活动进行筛选,如我们在中班阶段开展的《小鸟和树妈妈》主题,预设了《春天的叶儿发芽了》、《可爱的小鸟宝宝》、《鸟窝》、《我和树妈妈的悄悄话》等,从自然到人到科幻,让幼儿体会丰富多彩的自然环境下人与动物的和谐,并遵循从幼儿中来到幼儿中去的选材原则,设计出深受幼儿欢迎的主题性绘画内容。 3.3 欣赏大师作品沉淀审美感觉,在尝试创作中感受视觉文化的内涵 幼儿很多时候无法用语言来告诉成人,但可以用绘画语言来表达,孩子们可以在欣赏大师作品的同时用自己的想象和无限的创意逐渐加入自己的理解,表现出高品位的审美境界。虽然幼儿的美感较为表浅,但教师在开展美术活动时可以安排以色彩、构图、风格不尽相同的《向大师致敬》主题作为大班欣赏和创作的内容。我们选择了幼儿偏爱的色彩浓郁、构图鲜明、与日常生活、性格特点接近的作品。如马蒂斯的剪贴画、米罗的抽象画、毕加索的立体画《漂亮女人》、凡高的点彩画《星月夜》、《向日葵》、修拉的《大碗岛的星期天》、中国画家吴冠中的水彩画和塞尚等人的作品,让幼儿在充分欣赏的前提下学习创作,把自己对色彩、构图的感觉融入到创作活动中,我们为幼儿提供了油画板、油画布、水粉、炫彩棒,让幼儿自由选择特殊材料,感受这些材料带来的不同的色彩和肌理效果。 3.4 运用支架式教学理论,让创造性的美术技能得到分层递进 在主题性单元系列绘画创作(同种类别绘画)中由于技能的学习有一个相对的过程,因此我们采取的支架式教学“五步递进法”发挥了很大的作用。 如我们开展的《线的散步》的中大班主题活动是采取了一个单元序列的方法,中班的《动物世界》主题,主要由黑色粗细线描(记号笔、水笔)、水彩笔组成教学内容:有《花和花篮》、《水里的鱼》、《亲亲小动物系列》、大班《猩猩家族》、《花的姿态》、黑白线描《向日葵》、瓦愣纸板画《京剧脸谱》等都是采用了五步递进法:进入情境——搭建支架、难点分散——引导探索、学习技能——协作学习、集体共享——交流评价、撤离支架。 我们利用“支架”在每一次的活动中寻找支点,不断向幼儿提出新的挑战,并积极推进。在这些活动中,范例往往不是完整的,而会出现简单的线条、色块、笔触、一个简单构图等,使幼儿能够在一个系列的绘画类别学习中重复地使用这种方法,从而达到一个从量变到质变的飞跃,即把支架学习的方法灵活运用,无论哪一个作品或一个实物都可以寻找“支点”,在欣赏中发现美,在发现中创造美,用基本的技能分解创作中的困难,掌握一种学习方法。 幼儿美术教学论文:谈幼儿师范学校美术字课的教学策略 [摘要]美术字是幼儿师范学校学生必须掌握的一项基本技能。对于学生现在的学习生活和未来都起着重要的作用。由于美术字种类多,教学课时有限,学生原有的构字能力差等原因,课前做好充分的准备和课堂教学方法的灵活运用对教学目标的达成至关重要。本文就课前准备和课堂教学等几个方面提出了相应的教学策略,供同行参考。 [关键词]幼儿师范学校 美术字教学策略 把中国汉字写好写端正是九年义务教育的重要任务之一。《小学语文教学大纲》指出:“写字是一项重要的语文基本功,是巩固识字的手段,对于提高学生的文化素养起着重要作用,必须从小打好写字的基础。”一个人的字写得好与否,不仅仅是个人的“门面”,而是在一定程度上反映出了他的学习习惯、意志品质及性格特点。因此,我们应该让学生在写字中陶冶情操,把练字的过程,当作育人的过程,使其终生受益。对于幼师学生而言,美术字教学的意义和作用有以下几个方面。 1.美术字是在楷书的基础上进行加工美化而成的字体,要写好美术字,首先要把汉字写端正。写美术字的意义之一,正是希望学生能更有兴趣的把汉字写好。 2.写好美术字是幼师学生必须掌握的一项教育基本技能。因为她们是未来的幼儿园老师,工作以后,适应教学的需要,经常要制作幼教图片,还有幼儿园教室的布置,校园的美化等,都离不开美术字。 3.美术字应用广泛,在学校更是常用的宣传手段。如何提高学生学习美术字的兴趣,教会学生在方格中把汉字写平、写正、写稳,这是美术字课上需要解决的问题。在这个过程中,有效的课堂教学策略无疑起着举足轻重的作用。根据多年的教学经验,本人试图对美术字的教学策略做一个简要的概括和总结。 课堂教学策略指的是教师为实现教学目标或意图所采用的一系列问题解决行为。课堂教学策略包括教学前的准备、教学中的实施和管理及教学后的评价策略,以下仅从教学前的准备、教学中的实施这两个阶段谈谈美术字教学的策略。 一、教学前的准备策略 教学是一种有目的、有计划的活动,因此在活动之前,教师需要进行必要的准备,在头脑中或书面做一个周密的计划。美术字课和绘画课一样,要在正确方法的指导下多练习,才能熟能生巧。听美术字课还要耳到,眼到,手到。 1.找好教学内容切入点 美术字的种类很多,有汉字美术字、外文(拉丁文美术字)和阿拉伯数码美术字。但最基础最常用的是宋体、黑体和变体美术字。特别宋体字是基础的基础,宋体写好了,其它各体稍加熟悉,就会触类旁通,容易写好。因此,首先必须把宋体学好学精,打好基础。学生课本上印刷的字都是仿宋体,这些字是最好的范字,便于学生书写时查对和模仿。 2.教具和学具准备 教具包括两个方面的准备,即制作多媒体课件和教学挂图。多媒体课件可让学生方便的欣赏到不同的美术字体,增加对美术字的认识和了解。比如字体的特点、美术字的美化规律、以及书写规律和步骤等,开阔眼界。教学挂图是把老宋体常用的八个基本笔划——点、横、竖,撇,捺,提,横折勾、竖弯勾制作成大副挂图。这样直观的教学手段一定会增加学生学习的兴趣。 课前要交代学生备齐学习工具,如本子、铅笔,橡皮,尺子、毛笔、颜料等。没有工具,很难进行正常的教学,这正是美术课的特殊所在。 二、教学中的实施策略 1.制作多媒体课件,发挥学生主体作用 老师一味的讲课,学生很容易疲劳。发挥学生主体作用,即教师通过新颖的导入和灵活的教法,调动学生学习的积极性,主动的参与学习,引导学生自己去观察去发现美术字各种字体的特征,让学生在描摹的过程中记住知识点,让学生在讨论的过程中使知识得到强化。 通常上美术课,教师只是用粉笔在黑板上写出课题,对学生来说没有什么新鲜感,但是如果结合直观的文字教具,就可以突出文字本身的魅力,例如:学生的教科书封面题目大都是宋体字,可以先让学生自己观察,发现宋体字的特点。然后再边示范边讲解宋体字的基本笔画写法,可以顺口溜的方法展示出来,这样更容易让学生记住。 点如水滴撇如刀横窄竖宽捺如扫左勾右勾鹅进食 横到尽时有三角平撇斜坡平底座横捺如船头上翘 2.平时苦练书法基本功,能熟练而快速的演示美术字规范的书写过程,扮演好教师的主导角色 演示法是为了配合讲课,通过操作性的示范表演,使学生增加感性知识,加深印象,明了作画(或其他美术作品制作)的具体方法步骤。美术课中的技能课如果少了教师的演示,无论双边活动如何热烈,学生一堂课下来仍旧没有什么收获。曾有人认为技法可由学生自己去探究出来,我认为很不科学。学习理论指出,技能的形成与获得需要大量的变式练习,而不是探究。这样的探究要花费很多时间,收获甚微。 上海师范大学美术学院的王大根教授指出:“值得注意的问题是,推行《全日制义务教育美术课程标准》以来,有不少老师片面理解标准的精神,认为新课程不以传授美术知识、技能为目的,而要降低美术作业的难度,强调学生的兴趣和学习活动方式,于是出现学生兴高采烈,课堂热热闹闹,只看教学过程,忽视学习结果的现象。整个教学既没有难度,也缺乏美术学科的内涵,不能为学生提供终生学习必备的基础知识和技能”。王大根教授正式指出了美术课中的“技能”不能丢的问题。不能只是听,只是看,只是问答与活动。一定要挥画笔的手动起来。 因此,不论是在讲一个美术字的书写步骤时,还是教授老宋体的八个基本笔画的书写,老师都必须按规范的操作要求,认真工整的把字体书写在黑板上。例如:拿到一个汉字,把它写成美术字的老宋体。老师就一边演示笔画的书写,一边完成书写步骤的讲解。除了教师的演示,也给学生上台演示的机会。因为看老师写是记的过程,看同龄人写则多了份好奇与兴趣。一方面锻炼学生的胆量,另一方面,台下的学生与台上的学生进行书写对照,他们在相互观摩以及之后的评议中得到提高,加深了对这些字的印象。 3.引导学生套用汉字楷书的结构 间架结构就是每个字的笔画安排。它体现了汉字笔画的组合方式。汉字是方块字,从结构看,可分为独体字和组合字两大类,例如:独体字“工”、“民”等。组合字又分左右结构,如“行”;左中右结构,如“做”;上下结构,如“春”;上中下结构,如“草”;全包围结构,如“国”;半包围结构,如“区”。布局时应根据每个字的组合结构,划分各部分的比例。 所谓结构比例,就是每个汉字的每个部首或笔画在一方框中应该占的位置和比例。其中组合字的结构比例比较好分配。这是美术字教学中的重难点。汉字的笔画多少不一,形态各异。要把它们安排在同样大小的方框内,使每个字组合的整齐匀称,疏密协调并使之生动活泼,需要掌握一定的美化规律。可把美化规律结合字例做到课件上,给学生讲解,效果很好,又节约上课时间。在学生写作业时,告诉学生当拿不准所写的笔画时参考一下字典是很必要的。凡技能类学习,非朝夕能成,要持之以恒,熟后才能生巧。通过反复的练习,大部分同学是可以把字写端正的,并且能把笔画均匀的写在格子里。对于原来字就写得很差的学生,要戒除急躁心理,提醒他们求质量而不求完成的数量。牢记美术字要写得横平竖直,端正最重要。每写好一个字,给他们以肯定,不断鼓励他们,并且进行展示,使他们对自己有信心,有成就感而乐此不疲。而对于悟性较好,写得也好的学生,给他们任务,比如书写班级的墙报,参与比赛等等,让他们不断尝到甜头,而保持学习的热情,能够持之以恒,带动更多的同学参与学习。 在教学生写字时,可以教学生一些写字的窍门,我归纳成以下几点:(1)运用彩色粉笔书写,使字体醒目漂亮,让学生在看的过程中享受美术字的美。(2)用正方形或长方形的纸张,折叠成“米”字框备用。因为书写大量的文字时,打格子很费事。再如,写黑体字时可以用板刷醮水书写字体,趁水未干之际,用色粉笔勾边,水干字成,效果很好。以及在书写较多字时,参考笔画较多的字来确定整个词句笔画的粗细,以免整行字的大小不协调。(3)充分肯定学生的创造能力。 以上所述,即是我对美术字的课堂教学策略的基本概括。 从真正让学生写好美术字的角度看,仅靠课堂内的一点时间是不够的,还需要抓住一切可以利用的课外机会,促进和帮助学生写好美术字。主要的办法有:(1)抓典型,立榜样。每个班总会有几个尖子,征得班主任的同意,我把他们召集起来,让他们负责每天值日生栏的书写。这样除了他们自身得到锻炼外,其他学生每天也都能欣赏到美术字,久而久之这些字给他们留下深刻印象。碰到写不好的字,他们可以来请教我或其他写得好的别班的同学。(2)互相帮助、多鼓励。学生的表现欲望是很强的,能得到老师和同学的夸奖是每个学生最本能的心理。可以吸收学习尖子为学校宣传队成员,这些学习尖子利用空闲时间帮助其他同学,提高对方的书写能力。这样班级写得好的同学越来越多。(3)提供展示平台,细心引导,常抓不懈。抓住节假日需要宣传的机会,给学生展现的机会。例如:三月的文明礼貌月、五月的劳动节等等,几乎是每月一版黑板报,由学生去策划和书写,我只是指导。(4)在学校艺术节中设立美术字专项奖。荣誉给人以动力,写好字也能获奖,参与的同学会很多。这样的活动成为惯例后,学校学生勤练字也就成了一种好风气。美术字的学习和任何一种学习一样,要勤学苦练。学习最忌讳三天打鱼两天晒网。字不常写就会生疏,技能不经常磨练就会丧失。以上是我在美术字教学中的一点收获,美术字字体非常多,不论是教授它还是运用它,还有待更多的同行去探究与创新。 幼儿美术教学论文:用活美术教学方法 放飞幼儿美术梦想 摘 要: 在幼儿园开展美术教育活动能催生幼儿美感、陶冶幼儿情感、促进幼儿感知,通过绘画、装饰和制作,让幼儿在实践中去体会、思考、发展幼儿的多向思维,培养幼儿动脑、动手、动口的习惯,不但能培养幼儿的审美情感,而且能增强幼儿的创新意识。 关键词: 美术教学 教学方法 有效途径 教师要遵循幼儿的认知能力和认识规律,通过选择合适的内容,创造宽松的氛围,运用恰当的方法,创造有效的途径,引导幼儿通过美术形式表现眼中所见、表达心中所想,使美术活动真正成为孩子们的一种乐趣,让幼儿在美术学习中体验成长、体会成功。 一、激情引趣,放飞幼儿美术学习的梦想 1.多维了解幼儿爱好。幼儿正处于对世界和事物认知的懵懂时期,针对幼儿生性好奇、好问、好玩、好动的特点,教师要合理呵护其稚嫩的创作热情,激发创新灵感,如此就能有效培养幼儿的创新兴趣。教师要经常深入到幼儿中,从幼儿的角度出发,与幼儿谈心交友,走进他们的心灵,把握幼儿的发展脉搏,了解他们的喜好,根据儿童的个性特点、心理状况因材施教,让幼儿用美术表达所想、所思,不断激发幼儿的学习热情。 2.催生幼儿学习兴趣。教师要准确把握幼儿的年龄特点、认知水平和爱好兴趣,引导幼儿调动情感、思维、想象、动作、语言等全方位、多渠道参与美术学习。在美术活动中,不断更新观念,厘清思路,创设能激发幼儿好奇和兴趣的环境,使幼儿主动投入到美术活动中。如在调色教学活动中,我为幼儿准备了红、黄、蓝三种颜色的水和小瓶,教会幼儿方法,在幼儿了解和掌握了配色的方法后,让幼儿任取颜色相互搭配、调和,孩子通过实践发现瓶中的颜色一会儿变深,一会儿变浅,一会变绿,一会变紫,十分奇妙,孩子们一下子对颜色的变化产生了极大的兴趣,小朋友们兴奋地说:“我成魔术师了。” 3.创设宽松教学环境。创设幼儿熟悉、喜爱和积极投入的教学环境,让孩子们主动参与到美术学习之中,为幼儿提供活动和表现能力的机会与条件。在教学中,我通过选择一些儿童美术作品,组织幼儿进行欣赏,让他们在欣赏美、发现美中找出美的长处,发现自己的不足。这样才能不断提高幼儿的美术学习兴趣。在教学中,我注重把幼儿的作品都集中展示出来,让幼儿互相欣赏,在肯定他们的创作成果的基础上,婉转地指出孩子在线条、色彩、内容等方面的不足,鼓励他们努力学习,不断提高。 二、激发想象,注重幼儿创新能力的培养 1.提供幼儿想象空间。想象力是指对事物的联想能力,给幼儿提供想象的空间,放飞幼儿想象的空间,让幼儿时期的孩子们健康、快乐地成长。幼儿是一张白纸,想象力往往会比成人更丰富、更大胆,更创新,他们会天马行空地创造出成人难以想象的思维,这就需要教师大胆地利用,合理地引导。我在美术活动“未来汽车设计展”教学中,在让幼儿了解了不同汽车的功能后,让幼儿根据自己的需要,大胆想象设计未来汽车的形状和功能。孩子根据我的指点,大胆现象、合理创造,设计了能自动抓小偷的新警车、能起飞的急救车、拥有各种功能的游乐车,幼儿的创新意识进一步增强。 2.鼓励幼儿参与实践。引导和鼓励幼儿积极参加实践活动,在实践中探求新知,体会成长是激发幼儿创新意识,发展创新思维,培养创新能力的有效途径。在教学实践中,我给每个幼儿不同的彩纸,启发孩子们用彩色纸折、拼、剪出图形、图案。在我的指点下,孩子们有的折出了长方形、三角形、正方形等图形,有的撕出了雪花、树叶、五角星等不规则的图案,我因势利导,组织小朋友玩组合图形,孩子们发挥想象力,大胆地实践,盖起了红房、折出五彩鱼、拼贴春天的景象等。幼儿的创造思维、发散得到了展现,创新能力得到了培养。 3.引导幼儿表现自我。在美术教学中,教师要注重培养孩子乐于思考、勇于探索、大胆表现、锐意创新的精神。引导和鼓励幼儿个性化发展,在生活和学习中,大胆表现自我,展示自己的特长,表述自己的情感体验,让幼儿用自己的方式表达对世界的看法,表现对事物发展的认识。在美术课中,教师要以教材中的内容为中心,通过联想、类比等方式,不断扩散思维、活跃思维。我在美术教学中,注重引导幼儿打破思维定势,通过尝试和探索,改进制作方法、表现方法,培养幼儿的创新精神和实践能力。 三、激励施教,提高幼儿美术教学的成效 1.形式多样灵活施教。幼儿是美术活动的主体,在教育活动中要把主动权让给孩子,让他们去探究、去创新。教师要引导幼儿观察认识事物、感知事物,让幼儿在观察中学会思考,并进行有益的尝试,用绘画的方式表达自我的情感爱好、对事物的认知程度。在此基础上,我鼓励他们认真学习,继续探究,运用所学的新技能、新方法表达自己的情感爱好,激发幼儿对生活和事物的热爱。在美术学习中,采用丰富多彩的游戏形式,让孩子在玩的过程中学习,在学的过程成长,不断激发他们的学习兴趣,满足幼儿的求知欲望。 2.激发幼儿创作热情。教师要鼓励幼儿独立思考,主动发现问题,获取经验。在幼儿观察、分析、交流的基础上,应鼓励幼儿进行创作。在幼儿作画时,老师要因人而导、因材施教、因需而导,让孩子们丰富画面,提高技能。在教学实践中,我带领幼儿走进生活,走进大自然,听人情世故、看桃红柳绿、品果实香甜,通过各种途径,加深他们对大自然和社会生活的印象,鼓励他们多听、多看、多摸、多试,让他们增长知识、开阔眼界,丰富幼儿的情感体验和感性认识,鼓励他们用美术的形式来表现这些现象,引导孩子们创作出一幅幅生动活泼、富有个性的画面。 3.合理利用激励评价。让幼儿在信任的目光中、赞许的言语中创作,合理利用激励评价是对幼儿进行美术创新教育的重要组成部分。幼儿在完成作品后,总喜欢得到别人表扬赞许,他们就会感到成就感,就会把兴趣拓展到对艺术活动的需求和期待。我在教《海底世界》一课时,先在黑板上画出一幅海底的背景,让孩子们画出形态各异的鱼放到画面中。幼儿运用所学的绘画技能,通过剪贴、绘画,黑板上很快就出现了一个“海底世界”,有鱼、有虾、有蟹……一幅美妙、奇幻的海底展现在孩子们面前,调动了全班幼儿的创作情趣。 幼儿美术教学论文:幼儿美术教学创造力培养 创造力是幼儿一切能力的基础,是以探索和求知为主要特征的心理活动。幼儿教师在美术教学中要充分发挥幼儿的想象力,拓展幼儿的创造时空,着力培养幼儿的创造力,从根本上提高幼儿的审美能力和审美意识。 一、发挥幼儿想象力,拓展幼儿创造的时空 想象可以给人以美的感受,是创造力发展的关键。幼儿对任何事物都充满了好奇心,幼儿的想象力能给他们带来充分的灵感和想象。所以,在幼儿美术教学中,教师应该运用多种方式,发展幼儿想象力,激发幼儿产生个性化的理解。例如向幼儿展示春天的图画,引导幼儿观察图上的景色,教师可以向幼儿提出一些问题:你在图上看到了哪些景物?大家想不想在这个美丽的季节去领略美好的事物?教师还可以激发学生学习兴趣后,再对问题进行研究:如果你是春天的主人,你希望哪些动物和你玩耍呢?教师不断提出问题,引导幼儿发挥想象力,提高幼儿的创造力。 二、在美术教学中穿插游戏,点燃幼儿创造热情 幼儿都喜欢玩,在幼儿的美术教学中,教师要让幼儿充分感受到游戏的快乐,发挥幼儿的积极性。教师可以开展丰富多彩的游戏活动,增长幼儿的创作热情,鼓励幼儿产生学习的兴趣,进行幼儿探究式学习,让幼儿无拘无束地进行游戏活动,在这样美好的氛围里,发挥幼儿的想象能力,点燃学生的学习热情。教师可以在游戏中融入幼儿美术教学的内容,引导幼儿开展富有个性的创作活动,实现幼儿手工活动和幼儿游戏的结合,让幼儿在游戏中开展创作活动,在游戏中点燃创作热情。例如幼儿在绘画小动物的时候,教师可以给学生展示精美的画面,和幼儿一起讨论动物的活动。以画“小白兔”为例,可以让学生先说一说小白兔雪白的身子、短短的尾巴等特征,或者模仿小白兔跳跃,让学生对小白兔的形象有深刻的了解,引导幼儿学习,增强幼儿记忆力。 三、调动各种感官,培养幼儿创造力 想象力是艺术创造的动力,是科学发明的源泉。教师要培养学生的想象力和具体感,将转瞬即逝的表象、幻想等,转变成清晰永久的图像,通过手中的笔将头脑中的形象充分展示出来,也就是说出来、写出来、画出来。教师要组织丰富多彩的活动,充分调动学生的感官系统。要教会学生观察,让他们学会装饰、涂色等,发展幼儿的创造力。通过看一看、摸一摸、闻一闻,让学生的触觉系统得到刺激,教师再引导、描绘,让学生发展创造力。教师可以播放音乐,刺激幼儿的听觉,让幼儿在绘画工具上抒发自己的感受力,激发幼儿的积极性,调动幼儿的好奇心,培养幼儿的探究欲望,发展幼儿的创造力。 四、积累生活经验,激发幼儿创造力 幼儿对美有着感受力,对新鲜事物有着强烈的兴趣。教师可以在教室的各个区域、角落等留出空间,让幼儿在生活中将经验充分展示,引导幼儿进入到丰富多彩的世界,感受周围的五彩缤纷,引导幼儿用笔画出这一切。例如,教师可以让幼儿绘画《校园的课间活动》,有的学生画出了学生打乒乓球、踢毽子、跳绳、跑步的情景,充满浓郁的生活气息,充满童趣,增长了幼儿的创作激情,学生绘画出不一样的绘画作品。教师可以进行充分全面的展示,介绍学生的优秀作品,丰富幼儿的知识面,满足幼儿的好奇心,增长幼儿的表现欲,发展幼儿的观察力和思维品质。 五、科学评价幼儿美术成果,增长创作的自信心 教师要对幼儿的美术成果进行积极评价,让幼儿充分感受到教师的肯定和激励,发展幼儿的想象力和创造力。例如,教师可以让幼儿自由发挥,鼓励他们绘画出美好的东西,涂上自己喜欢的颜色。于是,有的幼儿画白云,有的幼儿画蓝天,有的幼儿画花草,有的幼儿画小朋友们做游戏等。教师可以给幼儿的美术作品进行评奖,一一给予评价,并给学生激励性的评语,发给学生奖品等,满足幼儿的成就感,让幼儿得到更多的鼓励和赞美,发展幼儿的创造力。幼儿处在天真无邪的阶段,想法充满奇幻色彩。教师要根据幼儿的心理特点,从满足幼儿的情感出发,重视学生的个性化教育,进行积极的鼓励和评价,挖掘学生学习的动力,激发他们的创作灵感和创造力,提高他们的创造思维,为国家培养出更多更优秀的人才。教师在幼儿的美术活动中,要多给予幼儿积极肯定的评价,提高幼儿的自信心,鼓励幼儿,赞美幼儿,欣赏幼儿,给予幼儿激励性的评价。通过赞美幼儿的创作力,欣赏幼儿的优点,可以鼓励幼儿战胜自己,进而获得成功的体验,增加他们的成就感。 六、尊重幼儿美术表达的方式和方法 教师要增强幼儿的情感表达能力,发展学生的想象力和创造力,让幼儿真实表达自己的想法。教师可以让幼儿围绕一个主题进行绘画活动,引导幼儿在美术活动中大胆表达自己的想法。例如,教师可以开展以“小狗”为主题的绘画活动,通过引导幼儿注意小狗的外貌及行为特征,让幼儿充分发挥自己的想象力,画出缤纷的作品,提升自己的创造力。总之,小学美术教学中,教师要优化教学过程,改进教学思想,重视幼儿教育的问题,通过扎实有效的教学活动,培养幼儿的创造力,提升幼儿的综合素质,为培养新世纪优秀人才做出不懈的努力。 作者:高莉莉 单位:上海市嘉定区朱桥幼儿园 幼儿美术教学论文:美术教学中的幼儿创造力培养 摘要:幼儿正处于一个创造和发展的时期。因此,应为他们打开创造的大门,培养他们探索发现的积极性,挖掘他们的创造潜能,让幼儿在广阔自由的天地里进行创造。使幼儿渐渐从无到有,从潜在到现实。愉快地进行创造表现,体现自身价值,健康充实地成长。 关键词:美术教学;幼儿;创造力;培养 幼儿正处于一个创造和发展的时期。我们应为他们打开创造的大门,培养他们探索发现的积极性,挖掘他们的创造潜能,让幼儿在广阔自由的天地里进行创造。使他们渐渐从无到有,从潜在到现实。愉快的进行创造表现体现自身价值,健康充实的成长。 一、引发幼儿的好奇心,激发创造的欲望 创造激情来源于兴趣和好奇心,好奇心是兴趣的先导,是激发创造性思维的动力。幼儿的好奇心重,对有趣的物体,有意思的事物,出于好奇常引发兴趣,好奇心驱使他们喜欢寻找奇异的、有刺激的事物,引起探索兴趣,激发创造的激情,促进创造思维活动。因此,教师要巧妙地抓住儿童纯洁稚拙的童心和容易被新鲜事物吸引的特点,依据兴趣和绘画技巧特点进行有计划、有成效的挖掘和培养他们的创造欲望。例如,在粘贴画《有趣的春天》时,教师用变魔术的形式出示教具,引起孩子的兴趣,以提问引导的方式激起他们的好奇心,让幼儿在故事中思索发现,这样他们在做画时就把一些饶有意味、生动感人的画面特征通过自己的想象表现在作品里,从中激发了孩子创造的欲望。 二、丰富幼儿的感性认识,挖掘幼儿创造的潜力 人的创造活动是从观察开始的,观察是创造活动的源泉。认真仔细的观察,可以帮助幼儿获得大量丰富的感性材料,理解不易掌握的理论知识。教师应通过各种途径为幼儿创造用感官去接触外界事物的机会,鼓励他们多听、多看、多触摸、多尝试,从而达到发展幼儿感官、开阔眼界、丰富想象的目的。如大班画“美丽的春天”时,教师先组织幼儿观察春天自然界的变化,带领幼儿去寻找春天,观看春天的自然风景、录像带或风景图片,演唱有关春天的歌曲等。通过上述活动让幼儿了解春天的特征:春天到了,小河里的冰融化了,小草露出了嫩绿的小芽,树木也穿上了绿色的新装,迎春花开放了,燕子从南方飞回来了,农民伯伯正忙着播种……。教师启发幼儿:“这么美丽的春天,我们画下来好不好?于是幼儿就纷纷投入到创作中,一幅幅风格各异“美丽的春天”便跃然纸上了。 三、动手动脑,激发幼儿创作的灵感 美术活动中培养幼儿的创造力,离不开幼儿的手脑并用。当幼儿产生了创造意识后,就会迫不及待地通过自己的双手去验证自己的想法,在验证过程中,他们会一次次地改进自己原有的思路,通过再思考再动手,最终达到完美的结果。如泥工活动捏茶壶时,教师出示自己事先捏好的茶壶,引导幼儿观察茶壶的结构组成,并讲解制作步骤。然后要求幼儿制作茶壶。由于幼儿年龄小,再加制作较复杂,幼儿在团出茶壶的身子时无法将壶嘴按放在壶身上,教师就启发幼儿动动脑子,怎样才能把壶嘴按在壶身上,幼儿通过讨论后找出了一个合理的方法———用牙签棒将壶身壶嘴连接,但新的问题又出现了,壶嘴角度千差万别,教师再次让孩子观察后讨论,找出制作不合理的地方,并说明原因,通过几次尝试幼儿又掌握了壶柄的连接方法,这样就制作出一个好看的茶壶,大大提高了幼儿的动手动脑能力。在掌握了制作工艺后,教师启发幼儿进行创意设计。每个幼儿都积极思维,各式各样的茶壶便相继而生,方形的,圆形的,大的、小的、品种各异,个别幼儿还制作了勺子、锅、铲、碗等,他们把这些“餐具”放置在桌上,就地取材,还玩起了做饭游戏。这一过程,训练了幼儿的横向思维,创造精神得以体现。 四、保护幼儿个性发展,开发创造潜能 陈鹤琴先生的“活教育”原则中认为“凡是儿童自己能够做的,应该让他自己去做,凡是儿童自己能够想的,应该让他自己想。儿童自己去探索、去发现,自己所求来的知识才是真知识,他自己所发现的世界才是真世界”。在传统的绘画教学过程中,教师一般喜欢用同一的绘画工具,同一的绘画方法来要求幼儿完成任务,其结果是幼儿很想去尝试一些与众不同的绘画作品,但最终必将导致幼儿的从众性。因此,当幼儿掌握了一定的绘画方法后,教师就从“横向绘画创作”和“纵向绘画创作”这两方面着手,进一步促进幼儿的创造力的发展。如在综合绘画活动“美丽的家”时,教师进行横向绘画指导,也就是说同一主题画或想象画,幼儿可以自行选择绘画工具和绘画手段加以创作,于是教师为幼儿提供了油画棒、彩笔、水彩棉签等多种绘画工具。允许幼儿自由选择绘画工具,并引导幼儿充分发挥自己独创的想象力,利用自己手中的工具绘出了不同风格的画图“美丽的家”。接下来,教师组织孩子又进行了较复杂的“纵向绘画创作”。通过实验证明,这种方法充分发挥了幼儿的创造力。使用这种方法绘制组合的画面色彩丰富,布局饱满,大大开发了孩子的创造潜能。充分发挥了幼儿独创的想象力。 作者:张卫红 单位:甘肃省武威市凉州区武南幼儿园 幼儿美术教学论文:整合教育在幼儿美术教学中的应用 摘要: 本文主要介绍了整合教育在幼儿美术教学中的应用,包括教学思想、美术游戏、美术活动、环境四个方面。 关键词: 整合;幼儿美术教学;应用 幼儿美术活动是一种培养幼儿创造力的教学活动,能够让幼儿充分发挥自己的想象力,尽情抒发内心的情感。如果美术教师采用单一的教学模式,很容易禁锢孩子们的思维,压抑他们的创新能力。因此,在幼儿美术教学当中,美术教师应当整合多方面教学资源和优势,使幼儿在美术活动中多多受益。 一、整合教育的定义 整合教育是指将幼儿园的要素、资源和优势恰当地整合在一起,形成一个完整的课程体系,教学者按照计划逐步开展教学活动,促进幼儿的全面发展。由于幼儿存在年龄小、认知能力低下、注意力难以长时间集中的特点,就幼儿美术课程而言,教师更需要充分整合学校美术要素,利用各要素之间的联系和作用,积极地影响幼儿对于美术课程的理解和兴趣,培养幼儿的综合能力。 二、整合教育在幼儿美术教学中的应用 (一)将教学思想融入美术教学 传统教学方式中,教师作为教学的主体,负责给孩子们讲解教学内容,幼儿只需要被动接受。这样的教学方式容易使幼儿产生惰性。实际上,幼儿美术教师不必为画而教,可以整合各个领域、各个学科的内容,让幼儿自由地思考和创造。首先,美术教师可以设定一个美术活动主题,如我的家、我的周末等,让孩子们自由表达对这一主题的认识和想法,其次,在绘画当中可以增加师生互动,美术教师可以在恰当的时候灵活地提出问题,比如对填色的想法、对图形的认识等等,提问的过程提高了幼儿的听话能力和理解力,孩子们在回答时还需要提前组织语言和逻辑。其次,幼儿在亲自动手绘画和制作美术作品的同时,脑、手、眼的协调能力不自觉地得到练习和提高,也可以通过自身的创作,培养对美的认识和对事物的态度。最后,美术教师在课程中对图形的介绍、对颜色的辨识、对生活的欣赏和对习惯的培养,也帮助幼儿日后更好地接受其他学科的教学,这正是整合教育思想的体现。因此,美术教师需要转变教育观念,更加重视整合教育思想对幼儿发展的重要作用,把整合深入自己的教学习惯和教学意识,才能更加自然地把整合思想实际运用到幼儿美术教学当中。 (二)将美术游戏融入美术教学 幼儿普遍爱玩、易动,如果整日坐在课堂,很难对美术课程产生兴趣,因此,教师可以将美术游戏整合入美术教学过程当中,吸引幼儿的兴趣,让他们能够在玩中学,在学中玩。比如教孩子们画圆,看似容易,其实对于动手能力较低的幼儿想画好很困难。这时教师可以带领孩子们玩吹泡泡的游戏,让孩子们观察泡泡的形状、颜色、变化等,孩子们在玩耍的时候学习到什么样的形状是圆,圆有大有小,有各种颜色,这时再引导孩子们把看到的泡泡画出来,就会提高他们作画的积极性。在游戏当中不仅能够提高幼儿的美术兴趣,还能促进他们思维、行动和品格的发展。首先,同样是画圆,教师还可以让幼儿找出不同的圆形物体来玩,幼儿可以在活动中发现很多不同用途的圆形,启发了他们的思维能力;其次,在寻找圆和玩耍的过程当中,孩子们全身都会动起来,忘我地投入到游戏之中,行动力也会相应提高;最后,在整个游戏的过程中,教师不能对幼儿放任不管,要让他们知道是非、对错、好坏,要告诉他们哪些是能做的,哪些是不对的,促进他们良好品格的形成。 (三)将美术活动融入美术教学 幼儿美术教学的目的是让幼儿有独立的思想,能够创作出不同于其他人的画作,培养他们的创新能力。比如画房子,教师可以组织一次美术活动,带着孩子们观察身边各种不同建筑风格的房子,丰富他们的生活经验,鼓励他们画出自己喜欢的房子,除此之外,也要引导幼儿展开想象,大胆地画出实际生活中可能不存在的房子,如会飞的房子。幼儿创作的动力正是他们灵感的来源和丰富的想象。所以,幼儿美术教师需要通过美术活动的方式,倾听幼儿的心声,激发他们的兴趣,鼓励他们积极地思考和想象,同时给他们天马行空的作品予以肯定和赞扬。美术活动的主题一旦确定,教师就不要就绘画的具体内容过于局限,让幼儿能够在一个大的主题下自由选择与发挥,激发他们的创造性。比如主题为“小猫吃鱼”,除了这一场景外,还可以引导幼儿想象鱼是哪里来的,有不同种类的鱼,有多少只小猫,怎么样吃鱼等等,让幼儿自己先为要画的内容编一个小故事,然后根据故事画出内容。如此一来,不仅能够锻炼幼儿的思维和表达能力,还能够启发孩子们展开不同的想象空间,画出与众不同的作品。此外,美术活动的种类也可以有很多,除了参观和绘画之外,还可以把剪纸、泥工、粘贴等形式加入其中,提高幼儿的眼、手、脑的协作能力;主题也有很多选择,包括节日、家庭、动物、植物等等,但尽量选择孩子们感兴趣的主题。 (四)环境 幼儿美术课程中应当充分利用环境资源对幼儿进行教学。第一,教育环境。教师作为幼儿思想的启蒙者,要给幼儿创作一个优秀的教育环境。教师要充分发挥幼儿的主体性,重视幼儿的认知能力,多多创造机会让幼儿思考和表达。对于幼儿的作品要给予适当的点拨和肯定的评价。第二,教学环境。和谐的教学环境有助于幼儿放下心里的畏惧和芥蒂,放松地投入到学习之中。因此,教师需要营造出一个宽容、融洽的教学环境。首先,要注重师生关系的培养,让幼儿愿意亲近老师,喜欢这门课程;其次,要尊重幼儿的想法。幼儿的所想常常天马行空,难以捉摸,但这正是他们童真所在,所以,教师需要的只是鼓励他们大胆地遵从自己的内心。第三,物质环境。物质环境是幼儿灵感的来源,生活的体验,是幼儿绘画的素材。教师可以带领幼儿亲身感受大自然的美,用眼睛观察,用耳朵倾听,用身体感受。此外,教师还需要认真布置教学区域,可以把幼儿的绘画作品、手工作品等等粘贴在教室墙壁,悬挂在教室中间,不仅能够提高幼儿的审美能力,还可以促进幼儿之间的交流和沟通。通过美术教育让幼儿得到综合全面的发展,是幼儿美术教学的根本所在,整合教育可以为美术教育的改善给予一定的帮助和贡献。 作者:韩鸿照 单位:南阳幼儿师范学校 幼儿美术教学论文:幼儿美术教学情境教学法研究 摘要: 情境教学法的运用要与幼儿好动性、好奇心、喜爱模仿等特征相结合。文章从幼儿美术教学应用情境教学法需注意的问题和在幼儿美术教学中应用情境教学法的具体措施两方面进行研究,有效地激发幼儿参与活动的兴趣。 关键词: 情境教学;幼儿美术;有效性;措施 在幼儿教学活动中,教师通过教学情境的创设,可以有效激发幼儿参与活动的兴趣,增强幼儿主动学习的情感,增加幼儿的多种体验和联想。在幼儿美术教学活动中,创设情境有助于提高幼儿学习美术的兴趣。幼儿在模拟的环境中体验生活,发展社会性,同时培养幼儿的良好行为习惯。因此,以情境为导向在幼儿美术教学活动中的实践有着重要意义。 一、应用情境教学法需注意的问题 (1)情境创设的目标要明确。优质的情境创设要有明确的目标,使幼儿可以较为迅速地融入“迫切需要创作”的氛围。就当前的教学状况来看,部分教师为凸显教学方式的现代化,在情境创建的过程中,具有形式化倾向,忽略情境教学法的辅助价值,这样的情境创设不能发挥其应有的作用,反而限制了幼儿美术水平的发挥。 (2)情境创设要具有灵活性。有的教师为追求教学的可观赏性,创设情境目标具有模糊性,甚至情境的创设和教学目的没有紧密关联。根据这种状况,在幼儿美术教学中,确定活动题材后,美术教师要参照教材特征进行构思,制定符合教学内容的情境方案,这样才能提升幼儿美术教学的质量与效率。 二、应用情境教学法的具体措施 (1)应用情境教学法,彰显幼儿个性特征。幼儿教育的最终目标是提升幼儿的整体素质。在幼儿美术教学中,教师要应用情境教学法提升教学质量,促使幼儿个性得到全面发展。将情境教学法运用于美术教学,能够参照形式不一的教材内容,大胆规划故事情节,利用音乐创设情境;能够改变传统程序化的教学方式,促使幼儿在轻松的氛围中进行美术创作活动,更好地提升幼儿语言表达能力,增强学生的情感体验。例如,在大班美术活动“我的星空”教学中,教师可播放音乐视频《夜空》,并提问:“你看到的夜空有什么?你想用什么方法表现出来?”幼儿讨论后,接着欣赏西班牙画家米罗的作品《星空》,聆听米罗创作的故事,感受《星空》中各种元素、符号组合而成的神奇画面。通过观看视频,了解夜空的景色,初步感受星空的美。在接下来的创作中,幼儿尝试用线条、图形来表达自己对作品的理解和感受,创作出一幅幅自己的“星空”。 (2)以情境教学法提升幼儿思维活动。相关资料显示,要关注儿童兴趣,就要积极引导儿童主动参与美术活动。幼儿的大脑正处在发育期,易出现记忆力、观察力不稳定的状况,年龄较小的幼儿更容易出现上述状况,所以,在美术活动开始阶段,美术教师要参照幼儿年龄特点与教材特征,在美术教学上运用情境教学法。与此同时,美术教师要把创设情境当作推动教学工作开展的重要动力,促使幼儿最大程度地发挥其潜能,提高美术教学效率和质量。教师要利用丰富有趣的情境作为引导,并指导幼儿将其描绘出来。例如,在小班美术活动“三角形变变变”中,教师在进行课堂教学前,可以在教室里布置诸多三角形状的物品,如三明治、灯罩、彩旗等,还可以收集多种三角形状的物品图片贴在墙壁上。情境教学法的应用,可以将原本抽象的三角形拟人化。幼儿帮助三角形找到朋友,并且画出三角形状的物品,在轻松愉快的氛围中进行学习。 (3)利用游戏情境,激发绘画兴趣。游戏是幼儿最喜欢的活动形式,在幼儿美术活动中创设游戏情境,可以让幼儿在游戏中学习美术,这样的教学效果更佳。例如,在大班趣味美术活动中,教师可以把幼儿按每组五六人进行分配,让他们按创作的主题内容进行讨论和交流。学生相互启迪,相互激励,相互补充,使他们的创造性想象产生共鸣,并发生连锁反应,启发与诱导出更多的新构思、新形象,直到创作出新颖独特的美术作品。 (4)运用多媒体创设情境。在当前幼儿教育中,现代化的教学装备已经走进教室,这为教师的教学活动带来了方便。多媒体以声音、动画、音乐、视频等多途径调动幼儿的各种感官,使一些在普通条件下无法呈现的情境生动而形象地展示出来,弥补了传统教学的枯燥与乏味。在幼儿美术教学中,利用多媒体创设情境可以起到事半功倍的效果。例如,在大班美术活动“海底世界”中,教师可以组织幼儿观看动画片《海底总动员》。通过观看,幼儿对出现的各式各样的鱼及海洋生物惊奇不已,发出一阵阵惊叹声。他们对海底世界越来越感兴趣,调动了他们绘画的积极性,纷纷要求尽快让他们把看到奇妙景象画下来。在创作中,孩子们非常高兴,经过认真努力,一幅幅真实的海底世界图景呈现在人们眼前。 三、结束语 综上所述,在幼儿美术教学过程中,情境教学法的运用非常重要。情境教学法把情、境、物融合为一个整体,使幼儿获得丰富的情感体验,有助于提升幼儿参与美术活动的积极性,有助于提升幼儿美术教学的质量与效率。 作者:郁静芳 单位:江苏省昆山花桥国际商务城鑫苑幼儿园 幼儿美术教学论文:幼儿美术教学高效运用 【摘要】 教师要对幼儿园美术教学中需要捕捉什么、关注什么、提升什么有一个清晰的定位。围绕这三方面,教师再结合美术特点,将新理念运用到教学中,创新美术教学,让幼儿感受到美术学习的乐趣,并掌握一定的美术知识。 【关键词】 幼儿;美术教学;新理念 美术是幼儿学习中的重要内容。幼儿的世界是五彩斑斓的,他们喜欢涂鸦、画画,将自己眼中的世界展现出来。但传统的幼儿园美术教学中,教师总是习惯于教幼儿画什么、如何画,不注重将新理念运用到教学中。长期如此,幼儿对美术学习的兴趣并没有被激发出来,他们对美术学习的激情也不高。为此,教师要改变传统的教学方式,融进新的教学理念,捕捉幼儿的兴趣,关注他们的生活,并提升他们的美术能力。 1.善于捕捉幼儿兴趣,点燃学习激情 在幼儿园美术教学中,教师要善于捕捉幼儿的兴趣,以此作为出发点设计教学,从而将幼儿的学习激情点燃。在平常的教学中,教师发现幼儿对不同的动画人物非常感兴趣,捕捉到这一兴趣点,将其与美术教学融合,满足幼儿的兴趣发展需求。例如,教师设计了一次主题为“我来画动画人物”的美术教学。幼儿非常喜欢看动画片,不同的动画片会塑造出不同性格、不同特点的动画人物,这些都是幼儿所喜欢的。在教学中,教师首先利用多媒体为幼儿展示不同的动画人物,如大头儿子、葫芦娃、喜羊羊、灰太狼、孙悟空、猪八戒、光头强等。当幼儿看到这些动画人物时,兴奋不已,有些幼儿直接说出这些动画人物,如“哇,快看,光头强来了”“灰太狼来了,喜羊羊快跑”等。此时,幼儿的兴趣越来越浓厚。然后引导幼儿拿起手中的画笔,将自己喜欢的动画人物画出来,可以还原动画人物,也可以自主添加新元素,还可以赋予他们一定的想象。这样的绘画活动幼儿非常喜欢,他们纷纷拿起画笔,自主选择,自主绘画。有些幼儿画着画着会问教师:“你看,我画得像不像?你猜猜,我画的是什么?”在幼儿绘画过程中,教师需要给予一定的指导,也可以大胆放手,让幼儿充分发挥潜能,自主绘画。可见,捕捉幼儿的兴趣来确立绘画主题,可以最大程度吸引幼儿的注意力,也可以给予他们发挥的空间。等幼儿完成作品,教师可以将这些作品粘贴在美术区域中,形成一种氛围,感染幼儿;也可以与下一次的美术作品形成对比,从而驱动幼儿学习的积极性。 2.密切关注幼儿生活,激发创作灵感 密切关注幼儿的生活,便于教师从幼儿的角度设计美术教学,使之更符合幼儿的年龄特点,从而激发幼儿更强的学习兴趣,最终激起幼儿的创作灵感。日常生活中,有许多事物能够与美术教学相结合,教师要引导幼儿积极地将生活中的事物转化到美术学习中,以艺术的形式展现。在此基础上,教师还可以引导幼儿发挥想象,赋予这些生活中的事物新的生命,使之更富有趣味。水果是幼儿生活中常见的食物,缤纷的水果往往能够促进幼儿的食欲。为此,在幼儿园美术教学中,教师设计了“水果盛宴”活动,引导幼儿以绘画形式展现水果。为了增强幼儿的直观感,教师课前准备了不同的水果,有香蕉、苹果、雪梨、西瓜、哈密瓜、草莓、菠萝等,教师将这些水果一一展现在区域台上。看着这些水果,幼儿的兴趣被激发出来。教师接着引导:“小朋友们,你们都是‘小画家’,喜欢哪种水果呢?快快动手画出来吧。”在这个环节,教师只是引导幼儿画水果,即尽量以绘画形式还原水果,并给水果涂色。当然,幼儿有可能在画画过程中遇到一些困难,教师则可以从简单的线条教起,再到涂色引导。等幼儿熟悉了如何画水果后,教师让幼儿充分发挥想象,让水果“跳舞”,即让水果在画纸上变得更生动,从而真正举办起“水果盛宴”活动。这一别出心裁的美术活动赢得了幼儿的关注,有幼儿给水果画上手脚,有幼儿给水果画上了一些衣服等,幼儿的创造力得到极大的激发。美术主题的确定要从生活中寻找,艺术源于生活,因而也更符合美术教学的定位。对于生活化的美术引导,幼儿的兴趣也非常强,教师则需要做好相关引导,高度融合地工作。 3.有效提升幼儿能力,促进健康发展 提升幼儿的美术能力,从而促进幼儿的健康发展。以往的幼儿园美术教学中,教师往往只重教,忽略学,也忽略给予幼儿动手发挥和施展潜能的机会。幼儿在美术学习中往往被束缚住了,美术能力也难以得到发展和提升。为此,教师要设计让幼儿动手操作的美术活动,给予幼儿空间,让他们发挥才智,充分享受动手的快乐。例如,针对中班幼儿,教师开展了一次主题为“会变的圆”的美术活动。本次活动的目标是培养幼儿创造关于圆的粘贴画的能力,让幼儿充分了解圆的特性以及利用圆组成不同物体的能力。为了营造氛围,教师在美工区域挂上有关圆的图片和相关的美术作品。上课时,教师将所需要用到的材料分发给幼儿,如不同颜色大小的圆、图画纸等。教师先引导幼儿观察区域中利用圆创造出的作品,让幼儿直观感知到:圆原来可以变出那么多的艺术作品。教师再利用多媒体向幼儿展示更多的作品,从而打开幼儿的创造思路。为了提升幼儿的动手能力,教师引导幼儿利用刚刚分发的材料,将圆变成不同的作品。幼儿非常喜欢这样的美术粘贴画活动,不仅可以动手操作,享受指尖带来的乐趣,而且能发挥想象力,用寻常的圆变出一件件令人赏心悦目的粘贴画作品。在幼儿操作时,教师需要向幼儿展示如何正确粘贴,并注意胶水的使用。在幼儿创造出粘贴画作品后,教师要及时进行评价,满足幼儿“受表扬”的心理。只有给予幼儿发挥的空间,幼儿的美术能力才能真正得到提升。为此,在运用新理念指导教学时,要注重结合幼儿的发展需要,全面优化教学。 总之,捕捉、关注、提升,教师要将幼儿园美术教学中需要捕捉什么、关注什么、提升什么进行清晰的定位。围绕这三方面,教师再结合美术特点,将新理念运用到教学中,创新美术教学,让幼儿感受到美术学习的乐趣,并掌握一定的美术知识。 作者:吴红娟 单位:兴化市昭阳湖幼儿园 幼儿美术教学论文:幼儿美术情境教学法研究 摘要: 情境教学法的运用要与幼儿好动性、好奇心、喜爱模仿等特征相结合。文章从幼儿美术教学应用情境教学法需注意的问题和在幼儿美术教学中应用情境教学法的具体措施两方面进行研究,有效地激发幼儿参与活动的兴趣。 关键词: 情境教学;幼儿美术;有效性;措施 在幼儿教学活动中,教师通过教学情境的创设,可以有效激发幼儿参与活动的兴趣,增强幼儿主动学习的情感,增加幼儿的多种体验和联想。在幼儿美术教学活动中,创设情境有助于提高幼儿学习美术的兴趣。幼儿在模拟的环境中体验生活,发展社会性,同时培养幼儿的良好行为习惯。因此,以情境为导向在幼儿美术教学活动中的实践有着重要意义。 一、应用情境教学法需注意的问题 (1)情境创设的目标要明确。优质的情境创设要有明确的目标,使幼儿可以较为迅速地融入“迫切需要创作”的氛围。就当前的教学状况来看,部分教师为凸显教学方式的现代化,在情境创建的过程中,具有形式化倾向,忽略情境教学法的辅助价值,这样的情境创设不能发挥其应有的作用,反而限制了幼儿美术水平的发挥。 (2)情境创设要具有灵活性。有的教师为追求教学的可观赏性,创设情境目标具有模糊性,甚至情境的创设和教学目的没有紧密关联。根据这种状况,在幼儿美术教学中,确定活动题材后,美术教师要参照教材特征进行构思,制定符合教学内容的情境方案,这样才能提升幼儿美术教学的质量与效率。 二、应用情境教学法的具体措施 (1)应用情境教学法,彰显幼儿个性特征。幼儿教育的最终目标是提升幼儿的整体素质。在幼儿美术教学中,教师要应用情境教学法提升教学质量,促使幼儿个性得到全面发展。将情境教学法运用于美术教学,能够参照形式不一的教材内容,大胆规划故事情节,利用音乐创设情境;能够改变传统程序化的教学方式,促使幼儿在轻松的氛围中进行美术创作活动,更好地提升幼儿语言表达能力,增强学生的情感体验。例如,在大班美术活动“我的星空”教学中,教师可播放音乐视频《夜空》,并提问:“你看到的夜空有什么?你想用什么方法表现出来?”幼儿讨论后,接着欣赏西班牙画家米罗的作品《星空》,聆听米罗创作的故事,感受《星空》中各种元素、符号组合而成的神奇画面。通过观看视频,了解夜空的景色,初步感受星空的美。在接下来的创作中,幼儿尝试用线条、图形来表达自己对作品的理解和感受,创作出一幅幅自己的“星空”。 (2)以情境教学法提升幼儿思维活动。相关资料显示,要关注儿童兴趣,就要积极引导儿童主动参与美术活动。幼儿的大脑正处在发育期,易出现记忆力、观察力不稳定的状况,年龄较小的幼儿更容易出现上述状况,所以,在美术活动开始阶段,美术教师要参照幼儿年龄特点与教材特征,在美术教学上运用情境教学法。与此同时,美术教师要把创设情境当作推动教学工作开展的重要动力,促使幼儿最大程度地发挥其潜能,提高美术教学效率和质量。教师要利用丰富有趣的情境作为引导,并指导幼儿将其描绘出来。例如,在小班美术活动“三角形变变变”中,教师在进行课堂教学前,可以在教室里布置诸多三角形状的物品,如三明治、灯罩、彩旗等,还可以收集多种三角形状的物品图片贴在墙壁上。情境教学法的应用,可以将原本抽象的三角形拟人化。幼儿帮助三角形找到朋友,并且画出三角形状的物品,在轻松愉快的氛围中进行学习。 (3)利用游戏情境,激发绘画兴趣。游戏是幼儿最喜欢的活动形式,在幼儿美术活动中创设游戏情境,可以让幼儿在游戏中学习美术,这样的教学效果更佳。例如,在大班趣味美术活动中,教师可以把幼儿按每组五六人进行分配,让他们按创作的主题内容进行讨论和交流。学生相互启迪,相互激励,相互补充,使他们的创造性想象产生共鸣,并发生连锁反应,启发与诱导出更多的新构思、新形象,直到创作出新颖独特的美术作品。 (4)运用多媒体创设情境。在当前幼儿教育中,现代化的教学装备已经走进教室,这为教师的教学活动带来了方便。多媒体以声音、动画、音乐、视频等多途径调动幼儿的各种感官,使一些在普通条件下无法呈现的情境生动而形象地展示出来,弥补了传统教学的枯燥与乏味。在幼儿美术教学中,利用多媒体创设情境可以起到事半功倍的效果。例如,在大班美术活动“海底世界”中,教师可以组织幼儿观看动画片《海底总动员》。通过观看,幼儿对出现的各式各样的鱼及海洋生物惊奇不已,发出一阵阵惊叹声。他们对海底世界越来越感兴趣,调动了他们绘画的积极性,纷纷要求尽快让他们把看到奇妙景象画下来。在创作中,孩子们非常高兴,经过认真努力,一幅幅真实的海底世界图景呈现在人们眼前。 三、结束语 综上所述,在幼儿美术教学过程中,情境教学法的运用非常重要。情境教学法把情、境、物融合为一个整体,使幼儿获得丰富的情感体验,有助于提升幼儿参与美术活动的积极性,有助于提升幼儿美术教学的质量与效率。 作者:郁静芳 单位:江苏省昆山花桥国际商务城鑫苑幼儿园 幼儿美术教学论文:幼儿美术教育课程教学探析 【摘要】 作为学前教育专业课程中一门比较重要的专业课,《幼儿美术教育》的教学越来越受到社会的重视。开展该课程的教学活动有助于提高学生的美术能力,让学生掌握美术教育的方法,为学生日后进入幼儿园组织美术教育活动奠定良好的基础。 【关键词】 学前教育专业;《幼儿美术教育》;实践教学 【基金项目】 该论文是2015年度内蒙古自治区高等学校科学研究项目“学前教育专业实践教学体系构建研究”(NJSY305)阶段性研究成果之一。 在学前教育专业课程中,《幼儿美术教育》课程占据了举足轻重的地位,它包括理论和实践两部分,是一门综合性较高的应用型课程。本课程主要的教学目的在于通过专业化的学习让学生树立起正确的教育观以及儿童观,并能够结合幼儿的发展需求来设计出科学合理的美术活动。学习《幼儿美术教育》课程有助于提高学前专业学生的幼儿美术教育水平,因此,国家和院校应对该课程的实践教学提高重视,改善教学方法,提高该课程的教学效率与教学质量。 一、训练学生主题性绘画的能力 在《幼儿美术教育》中,绘画教学是必不可少的一部分,任课教师可以对学生进行主题性的绘画训练,改变原本以临摹为主的教学方式,让学生掌握丰富的美术知识、技能以及经验,并能够将其灵活运用到美术教学当中。要完成主题性的绘画作品,就需要学生结合自己的现实生活,从中寻找到一些独特的绘画素材,任课教师也应充分发挥自身的指导作用,指导学生全方面的观察周围的人、事、物,培养学生发现美、感受美以及创造美的能力。教师可以为学生设定主题,让学生通过细心观察和发现来自由选择绘画素材,并将绘画素材积累起来,为日后组织幼儿美术教学奠定基础。 二、训练学生的手工制作能力 实践表明,对学生进行手工制作的训练有助于发展学生的创新性思维。所以任课教师应对《幼儿美术教育》课程中的手工制作部分加强训练,提高学前专业学生动手操作的能力,培养学生的形象思维,促进学生大脑均衡发展。在教学活动中,教师应确保所教的内容符合于幼儿园教室内的场景,还需要对道具提出一定的要求,以便学生进入幼儿园后可以顺利完成与手工制作有关的任务。当教学中遇到问题时,教师可以对学生进行引导,充分发挥出学生的主观能动性,让学生通过自己的思考来找出解决的方法,从而提高学生动手操作的能力。 三、合理分配课时,增加实践课程的数量 《幼儿美术教育》课程的教学主要包括理论教学与实践教学两个部分,在实际的教学活动中,理论课程所占的课时较多,而实践课程的课时相对较少,这不利于提高学生的实践能力。因此,任课教师应对课时进行合理分配,增加实践课程的教学课时,充分发挥学生的主观能动性,让学生将所学的理论知识与实践相结合。另外,教师还可以安排一定的课时供学生去幼儿园实习,让学生学习和掌握幼儿教师的丰富教学经验,从而提高学生的实践技能。 四、增加教学内容的趣味性 在开展教学活动时,教师不能一味的遵守教学准则,以刻板的方式向学生传递相关知识,这样会让学生觉得枯燥和乏味,不利于提高学生的学习效率。教师应转变自己的教学方式,营造出轻松愉快的教学氛围,增加趣味性,让学生从美术教学中感受到乐趣,更好的掌握美术知识和技能,为学生日后在幼儿园内组织趣味教学奠定基础。教师可以重新组合一些教学内容,使得教学活动更加有趣,更能够吸引学生的注意力,从而提高《幼儿美术教育》课程的教学效率。 五、为学生创造良好的学习环境 《幼儿美术教育》课程涉及的内容比较多,因此,要满足该课程的所有教学需求,仅仅依靠一间普通的教室是远远不够的。就拿绘画来说,要满足所有绘画教学的需求,就需要至少一间专门的画室。因此,院校应加大资金投入,积极建设美术教室,并为其配备完善的基础设施,以满足教师教学以及学生学习的多样化需求,为学生创造一个良好的学习环境,让学生可以安安心心的学习各种美术知识,掌握美术技能。 六、通过展览来激发学生学习的兴趣 《幼儿美术教育》课程的教学主要是为了让学生掌握各种美术知识,并进行艺术作品的展示。在教学活动中,教师应对学生进行鼓励,让学生与同伴加强交流,不断的反省和总结自己的学习情况,从而增强学生的自信心。教师还可以定去举办一些美术作品的交流活动,让学生在欣赏同伴作品,与同伴互相交流的同时学习到同伴的优秀美术经验,拓展自己的美术视野,激发学生对于美术学习的兴趣,从而推动《幼儿美术教育》课程的实践教学进一步发展。 七、结束语 总而言之,随着社会的不断发展,幼儿教师岗位对于学前专业学生的美术教学要求也不断提高。因此,院校应对《幼儿美术教育》课程的实践教学提高重视,积极采取有效措施来让学生学习丰富的美术知识与技能,并掌握灵活运用美术知识与技能的方法,从而提高教学的效率与质量,为日后进入幼儿园组织美术教学打下良好的基础。 作者:乌斯哈拉 单位:内蒙古自治区团校 幼儿美术教学论文:视觉文化背景下幼儿美术教学实践论文 【摘要】 随着科技教育的不断发展,作为审美理念之一的视觉文化显得日益重要。美术教学实践是传播视觉文化的有效方法,也能够提高幼儿的动手动脑能力,培养学生的审美情趣要从启蒙教育开始做起。从很早的时候开始,幼儿教育就有美术课,幼儿的年龄很小,好奇心很强,也都很喜欢模仿,因此,提升幼儿的视觉文化必须科学、有效的开展幼儿美术教学实践教育。本文在分析视觉文化的同时对有效开展幼儿美术教学课程提出一些建议。 【关键词】 视觉文化;幼儿美术;教学实践 视觉文化最为显著的特点是把本身非视觉性的东西视像化,强调用视觉形式来表现抽象的或者具体的事物,它具有大众性、感官性和虚拟性。例如照片、海报、雕塑、建筑、动漫、连环画以及各种绘画作品等,在生活中,视觉文化影响和熏陶着人们的生活方式和审美观念。伴随着教育改革,视觉文化给幼儿美术教学带来许多积极的影响,同时也让传统的美术教学遇到不少困难。所以,要做好幼儿美术教学必须解决教学过程中所遇到的困难。 一、视觉文化的内涵 视觉文化是一种美,是对自然和艺术评价的哲学研究,是来自心灵和视觉上的感官。司温特纳.爱博斯在他的著作《描述的艺术》中写道:“视觉文化主要关注视觉概念、制造形象的机制,以及视觉技术,所有这些都作为一种文化资源与荷兰绘画史相关”。在今天,视觉文化也被注入了新的内涵。美术教育是视觉文化主张中最重要的一部分,古往今来的美术风格有一个共同特点,那就是重视视觉文化,重视来自视觉上的美。源远流长的中华民族在古代已经蕴含了丰富的视觉文化,那些故事壁画和故事画卷传承着中华文明。在原始社会,人类在洞穴里刻画各种图形用以记事表情,是世界上最早的壁画,这些简单的壁画体现出他们渴望装饰居住环境的愿望,同时也反映出他们的理想和信仰。自魏晋到唐宋以来,佛教道教盛行,寺院道观多有壁画,甘肃敦煌的壁画保存了大量杰出的艺术作品。随着明清时代资本主义萌芽的发展,卷轴艺术盛行,那些珍贵的画帖是中华文明的艺术瑰宝。中国北方的园林雄伟壮观、南方的园林灵秀精巧,素有“北雄南秀”的美誉,故宫、颐和园、天坛、承德避暑山庄、清关外三陵、清东陵清西陵等等,不仅是我们中国的文化遗产,而且是世界文化遗产,这可以算作中国对视觉文化的一大贡献。绘画、雕塑、建筑中的视觉文化无处不存在,对幼儿的学习和生活的影响不容忽视,所以改革后的美术教育需要把视觉文化的内涵引入教育实践中。 二、幼儿美术教学实践中所遇到的困难 传统的美术教育中,一般是幼儿园的老师在黑板上画一些简笔画,或者是以老师为主体来讲解美术,幼儿自己动手画画的几率比较小。老师在教幼儿画画的时候启蒙教育做的不够好,没有正确的引导孩子,确切的说有的老师自身的观察能力不够,过于注重写实。有一个小孩看到夕阳照耀下的绿草呈现出金黄色和橘红色,就画了一片金黄色和橘红色的草地,这时候老师告诉孩子草只能是绿色的,不能有其他颜色。还有一个小孩因为看见彩霞画了彩色的天空和几朵彩云,老师告诉孩子天空是蓝色的,没有其他颜色,云彩只有白色。这样不利于培养幼儿的感受能力和思考能力,也影响幼儿以后的发展,不利于培养幼儿的创造能力。所以,引进视觉文化,做好美术教育,首先老师自身必须具备敏锐、细致的观察能力。 三、如何解决幼儿美术教育中遇到的困难 1.改变传统教育方法,培养幼儿的美术兴趣。 要做好幼儿的美术教育,老师要改变传统的“以老师为主”的教学方法,让孩子学会思考,自己学着画画,学着做手工。视觉文化具有虚拟性,老师要把视觉文化和美术教育结合起来,让孩子画出自己所看到的世界,画出自己心里的想法,把美术当作自己表达视觉和心声的语言。老师应该运用网络教育,用多媒体来播放一些美术方面的知识,播放一些受欢迎的动画片,让孩子学画卡通人物,从而培养孩子对美术产生浓厚的兴趣。所以,老师要正确的引导幼儿,培养幼儿的美术兴趣、审美能力和动手实践能力。 2.教导幼儿学做手工,开展有效的美术活动。 无论是美术还是视觉文化,都不简单的停留在描画平面图形上。所以,老师应该教导幼儿画立体图形,学会描摹,把所看到的景物画得栩栩如生,而不是只画一些简笔画。同时,培养幼儿的动手动脑能力理应教孩子做手工,例如用彩纸折叠花篮、蝴蝶、星星和千纸鹤等。同时要学会鼓励孩子,老师可以剪一些小红花或者画一些小红花,用奖励小红花来鼓励画画很漂亮,手工做的好的孩子。对那些绘画和手工做的不好的孩子也要多加鼓励,要耐心教导,如果孩子有进步就用奖励小红花来培养孩子的兴趣,鼓励孩子不断进步。也可以办一些小型的幼儿美术比拼,用幼儿的优秀美术作品做画报或者墙报。 3.开展童话故事与绘画相结合的美术活动。 很多小孩喜欢听童话故事,老师可以给孩子讲一些赞扬真善美的故事,然后让孩子画出故事中的主人公,例如让孩子画出他们心中的白雪公主、灰姑娘、美人鱼、唐老鸭和米老鼠等。也可以让孩子发挥想象力,以连环画的方式画出故事情节,把美术当作一种语言表达能力。随着教育的发展,幼儿教育也越来越重要。在视觉文化背景的影响下,要做好幼儿美术教育,必须注重幼儿的实践能力,注重互动性的美术教育,将视觉文化和美术教育相结合,激发幼儿的想象力,培养幼儿对美术的兴趣,开展有效的幼儿美术教育活动,这样才能提高幼儿的审美能力,加强幼儿对视觉文化的理解与认识。 作者:向超 单位:景德镇陶瓷学院 幼儿美术教学论文:幼儿美术教学情景创设作用浅析 【摘要】 高质量的教学情景可以让幼儿如同身临其境般的发出体验美和展现美的强烈愿望,在这一活动中还可以调动幼儿自身探究的主体意识激发幼儿审美观念和造型智慧,进而促进整个幼儿美术教学的发展,本文针对多元化的幼儿美术情景展开了深入的探究分析。 【关键词】 情景创设;幼儿;美术教育 在幼儿园教育指导纲要指出:教学要具备潜移默化的特征。这种潜移默化的特征不仅是教师的灌输,还教师创设典型的环境和真挚的情感去感染幼儿。在幼儿美术教育中要以美术教学为主体,情景作为美术教学资源在其中起作用。著名心理学家皮亚杰曾说过“幼儿是发展于情景之中,而美术教学的情景创设要以幼儿的实际生活为前提,并在这个基础上进行开放型的创作”。通过这种方法可以让幼儿形成相应的体验感,在幼儿园的建设中应该提前有着广阔的空间设施。幼儿美术教学要以幼儿为主情景为辅激发幼儿的学习动机,调动幼儿自身的积极主动性。 一、情景 情景是指在客观事物和人物关系等因素构成的能够诱导人的思维情感变化的环境。从心理学上讲,他对人的心理有着直接的刺激作用,具有从生物、社会角度的具体意义。在教学角度来看,它是教师综合教学材料、幼儿自身特征、教学环境等因素,再结合情感为纽带创设的情感氛围进行教育。幼儿美术情景教学的基础是创设一定的情景,这个情景创设是幼儿实践课程的重要组成部分,要根据幼儿的性格差异对幼儿教育环境进行系统的布置和安排,进而营造出学习和创设氛围。 二、幼儿美术教学基本原则 在情景教学中,幼儿美术教学应该遵循以下两个原则,一是一致性原则,二是科学性原则。在一致性原则中,教师应该以幼儿心理为基础,结合实践来创设出一致的情景,在幼儿在学习中有所收获。在幼儿美术教学中要抓住生活的对象,并应用自身的感官去感受和体验,获得直接的经验;针对幼儿情景的科学性探究,教师在幼儿的成长教学中,要讲情景和知识相结合,使幼儿在愉快的情景中学习知识,开发智力。同时教师还要讲幼儿美术教学目标,幼儿省心特征相结合,再进行设计规划,确保创设的情景能够适应幼儿发展需要。 三、美术教学情境创设的措施 1.通过色彩元素,提高视觉感受力。 在以前的情景布置中多采用的是浅色调的嫩粉色和淡蓝色,长此以往幼儿都有了习惯性的心理,不在能提高他们的兴趣,无法激发出他们创作的情趣和热情。所以在色彩布置的时候多采用比较简洁大方的色彩,例如鲜红、纯黑、浅灰、亮黄等作为基调颜色。这些色彩让看到他的幼儿第一时间就感受到他的冲击力,视觉与情感一起深受感染,并在其中产生幻想。 2.通过音乐旋律,提高听觉神经。 通过音乐的美术情景教学,染学生在舒缓和跳动的音符中感受音乐的旋律并在心灵中撞击出火花,虽然这种火花是懵懂的。幼儿在这种音乐的效应中调动了创作的激情,变革了以往的那种绘画时安静的格局,在创作中起到了画龙点睛的作用。在美术教学中融入浓郁的音乐因素,让幼儿有了一定的情感体验在视觉和听觉中获得双重感受,在欣赏美术作品,也能够通过背景音乐来达到渲染氛围的作用,最终达到通过音乐进行绘声绘色的教学。 3.通过情景扮演,提高学习动力。 一个角色的定位是语言、行为、情感模式的套用和自我表现。在最原始的的教学中,书本和幼儿之间是相对独立的,在情景教学中幼儿是教学的主要位置,幼儿通过和书本呼唤角色,通过自我的观察和想象成为教学的主角。幼儿个体的情感往往是带有强烈的主观色彩,这就需要教师在教学过程中发挥引导作用,在创设的情景中予以纠偏。在这一过程中,常会出现幼儿有强烈的创作欲望,但是缺乏一定的技能,只能用简单的色块和符号来表达,导致色块和符号有了更多不被人发觉的内涵,这种表现方式不是美术教育所倡导的,它抑制力幼儿的表现欲望。所以通过情境教学的前提是要传授给幼儿一定的表达方式,虽然幼儿美术教育本质上不是单纯的美术知识和技能的学习,但是基本的美术功底是幼儿顺利进行美术表现的基础。例如我们可以教授幼儿利用涂色、粘贴、印画、泥塑、折纸、雕刻、编织等加强幼儿的美术表现力,不断地提高幼儿的作画能力。 4.通过不断鼓励,保持成长动力。 幼儿在作画方面经常是以荒诞离奇的形式出现,这是由于他们心智不成熟的表现,但是这也是幼儿们的可爱之处,但是他们的艺术是成人所不能达到的。幼儿的作画经常是一种游戏的过程,是通过画笔把对外部世界的真实感受和内心世界的真实的流露。正是这种形式给了他们成长的动力,培养了他们纯真和质朴的个性,所以教师要爱护他们的这一特征,不能总在“形”上做文章,应该遵循幼儿生理和心理发展规律,通过不断激励来保护他们这种潜能,让幼儿始终在轻松的氛围中表现自己。 四、总结 在幼儿美术教育中采用情景创设的方法,可以让幼儿得到丰富的内心感受和情感体验,给幼儿们打开了广阔的想象和思维的空间,让幼儿有了创作的灵感,让美术的教学的价值得以体现,美术教育是一道亮丽的风景线,通过美术教育这个工具,使美术成为有效促进幼儿身心全面和谐发展的教育手段,促进幼儿综合素质的提高,增强幼儿发现和感受美的能力,让他们在教学中感受乐趣、体验美好。 作者:何雨立 单位:崇仁师范学校 幼儿美术教学论文:环境幼儿美术教学资源应用 一、建立园内网络系统,充实教学资源库 网络是教学的一个无形的平台,它拉近了空间和时间的距离感,让资源的使用可以得到最大化的分享,也提供了师生一个交流的平台。对于幼儿美术教育来说,不能局限在原本的教材和校内资源上,应该多去阅览和收集其他信息,增加知识的汲取量。最重要的是,要建立一个校内的网络系统,让每个老师的课件或是心得能够得到及时的共享。幼儿美术学习不只是教学绘画的技巧,而更多的是给孩子们一个了解美术,培养美感的途径。在e环境下,网络就成为这样一个分享的平台。建立校内网,老师可以将自己的作品或者是幼儿的作品放到网上,让大家分享欣赏。在和家长的交流角度上,家长可以从网上欣赏到自己孩子的作品,更能了解孩子们的想法,家庭的沟通也会越来越和谐。校内的资源库有更加迅速的交流平台,信息化程度高,共享程度和资源纯净度也好,这使得教学资源库会更加完善,更加高质。 二、合理化资源库目录,并设立各子目录 在美术教学中,很多优秀作品已经得到了收集,甚至网络资源库已经形成,只是在资源整理方面还存在着不足之处。而一个好的网络分享平台,应该是有序的。特别是对于美术教学,美感应该在资源的安排中体现出来。因此,要建立合理化的资源库,对现有的资源进行归类、整理,设置资源库的目录。这样美术老师在查找资源时,就会方便很多。美术教学资源在e环境下的管理应该由专业人员进行合理的安排,这样才能建设科学合理的幼儿园主题教学资源库软、硬件环境,搭建起一个资源共享的平台,才能够做到更加广泛地收集各种资源。而且,为了高效性,要设立各子目录,方便查找。另外,虽然幼儿美术教学中,对资源的使用者是老师,但是加快他们的工作效率和质量,就是在提高幼儿美术的教学水平。 三、完善资源库使用价值,提高教师的教学质量 幼儿美术资源在e环境中的体现,除了要求网络信息数量之外,还要将质量提高一个层次。因此,要邀请相应的专家对资源库的建设加以指导,及时解决实践中存在的问题。在平时的实施过程中,老师要及时对美术资源库的使用情况进行讨论,检验和整理资源库,不断总结资源库的使用意义和缺陷,可以进行弥补。资源库就是幼儿美术在e环境下的一种表现,是美术资源共享和扩大的一种方式。但是这不代表,资源库的形成代表着老师教学质量的提高,这只是一个基础,而非决定因素。幼儿教师要不断提高对资源库的使用方法和频率,及时更新自己的教学观念。还可以建立自己的论坛,可以和家长或是其他美术老师共同探讨幼儿的美术学习问题。美术资源的丰富通过网络进行,更加深了对网络信息质量的要求,要做好该方面的监督,让幼儿的美术学习更加快乐、丰富。 四、结语 总之,e环境下的美术教学资源是以建立资源库为基础的,要通过采集丰富的素材来完善资源库,通过整理资源来条理化资源库的使用,通过教学培训来让老师使用资源库的能力有所提高,这都是在教学之路上不断完善和探索的,也是e环境下美术资源得以丰富的必须条件。 作者:邓文萍 单位:江苏省常州经济开发区幼儿园
美术教师教学论文:美术教师素描教学论文 一、美术教师应当引导学生掌握科学的观察方法 所谓科学的观察方法,即是指遵循客观规律的观察方法。这就要求教师在素描教学的过程中应当有意识、有目的地引导学生对所描写的事物进行正确的、综合的观察,并促使学生以此为基础尝试用分析对比的方式方法对具体要描写的事物进行深人的探索与研究。以下,仅以科学观察所描写事物的局部与整体为例。有经验的画家在创作之前就对所要描写的事物形成了整体而综合的认识与感受,并以此为前提进行下一步的艺术想象、构思与具体创作。反观,我们的美术特长学生,却有相当一部分人在尚未对所描写事物形成整体认识时就已经下手进行描写对象的艺术创作。其后果只能是看一点,画一点,既丧失了作为创作者应有的积极性与主动性,又在失去整体认识的同时,无法真正确保素描作品的艺术风格与独特魅力。这就要求我们美术教师在素描教学过程中要向学生灌输一种理念整体是艺术的完整表现形式,创作者在创作之前必须养成整体观察和思考的良好习惯,从一开始就要明确所描写事物所特有的明暗关系、大致结构等大致方向,这样才能确保自身在真正的创作过程中不至于完全陷人被动消极的尴尬境地。需要指出的一点是,重视整体观察的同时并不意味着创作者就可以轻易忽视所描写事物的具体细节。须知,假如缺乏细节,整幅素描作品就会显得极为单调、缺乏应有的生命与活力。细节的观察与刻画同等重要,既要从事物的整体出发,又服务于事物的整体创作,应当对这两者形成辩证统一的认识。 二、引导学生树立积极的创新意识,促进他们素描学习的个性化发展 受到应试教育理念的束缚及影响,部分美术教师往往倾向于依据美术专业考试的内容与标准展开教学,考试考什么就教什么,并将所谓的“素描考试技巧与秘籍”一一灌输给学生。如此,就在一定程度上制约了学生创新意识及个性的发展,致使同一主题下,相当一部分学生的画风与创作风格都趋向于一致。这不能不说是美术教育的弊端。众所周知,素描是一项艺术创作,需要创作者拥有对生活的独特感受与深刻感悟,并以美术专业法则的形式充分表现出来这就决定了素描创作过程中作者必须具备积极的创新意识,这样才能确保将自身对于所接触事物的影响与感官感受进行生动、形象的描述。这就要求高中美术教师在素描教学过程中必须对学生的自我变形、个性化表达予以高度肯定与重视,引导学生在掌握基本的素描技巧与规律之后,鼓励他们尝试依据自身的主观喜好与情感态度进行创作。这样既能充分尊重学生在素描学习活动中的主体地位,有利于调动其学习积极性与主观能动性;同时,还可以促使最大限度上培养与提升学生的创新意识、艺术创造力,从而为其创作出具有生命力的、真正能打动人心的优秀素描作品提供充足的保障。 为此,高中美术教师必须积极更新教育理念、优化课堂教学细节,创新素描教学模式,这样才能在切实促进高中美术特长生.素描真实水平与实际能力的显著发展与进步的同时,为他们高考专业考试中更好地发挥自身水平奠定良好的基础。 作者:潘黎 美术教师教学论文:美术教师情感教学论文 苏霍姆林斯曾经说过:学校里的学习,不是毫无热情地把知识从一个脑袋装到另一个头里、而是师生每时每刻都在进行的心灵接触.这种心灵的接触,可以让人在严寒的冬天感到春天般的温暖,让人享受被爱之乐,也可以在炎炎的夏日,让人有寒彻心骨,被冷落之感,情感对人与人之间的行为以及在此基础上所形成的人际关系状态,有着非常重要的影响。课堂教学中学生积极的学习情感会使学生学习兴趣和信心倍增,智力活跃,主动参与认知活动。因此,教学中应重视情感的培养,创设生动活泼、轻松愉快的课堂学习气氛,优化课堂教学使学生在愉悦中体会数学奥秘。 一.情感对美术活动作用 著名教育家布鲁姆把教育评价分为三个方面,即三个纬度:认知纬度,情感纬度和动作技能纬度.而在这三个纬度中、情感纬度往往被忽视.情感教学心理学认为、良好的情绪使一个人的感知变得敏锐,记忆获得增强、思维更加灵活,有助于内在潜能的充分展示、而不良的负情绪,则会抑制,干扰一个人的各种认知过程,使已有的能力也无法获得正常施展教学中、还可引导学生为获得某种成功而相互鼓励.为师者应创设学生间为他人的成功而热情鼓励的氛围,当一个学生在学习中取得某种成功,如出色地回答了一个问题,成功地创作、在课堂上有明显的进步时,不仅受到老师,还受到同学们的赞赏,这无疑是积极情感的积累,不仅增进了学生间的友情、而且活跃了课堂气氛、提高了学生学习英语的热情。 幼儿的自我意识水平和自我控制能力都很低,他们喜欢什么就要什么,心里有什么嘴里就说什么,所有的情绪、情感都可以从表情上表达出来,现实的情感是不需要用绘画这种复杂的表现形式来表达的。但我在美术的领域中,不能缺乏情感教育,在儿童绘画中,情绪与情感在儿童绘画中起决定因素。在潜意识情感对儿童绘画的中,儿童是画他们感觉到的东西,而不是他们知道的东西,图画是儿童的情绪、潜意识的思想和感情的一面镜子。只有在情感智慧的带动下,才能深入地感受心灵的呼唤,激发幼儿绘画创作的欲望积极评价,巩固情感情是智力发展的催化剂。因此,情感激活在幼儿美术活动中起主要作用。 二、运用情感激活童心进行美术创作: (一)从感受中得到表达再从感受中激活童心 人的心理活动不是单一的,是相当复杂的。由于我们大脑各种功能的整体发挥,感知、理解、想像、联想、情感等活动此起彼伏、相互联系、彼此促进,就形成了人的审美心理机制。如在《认识色彩》活动中:1.孩子们观察各种颜色,体验不同颜色的感觉。2.大胆表达。3.想一想自己最喜欢的颜色,把它画在心形里。4.说出自己对这种颜色的感觉。结果心的色彩五颜六色,孩子们说:橙色代表太阳下山的时候,天蓝色是在海洋里游泳的感觉,土黄色代表紧张,黑色是大地,粉红色感觉在雨中散步的浪漫。我问:“什么是浪漫呀?”“不知道。”虽然孩子对词义不太清楚,但我们不能否认他的感觉与理解。 (二)从感受联想到迁移表达激活童心 审美过程中的联想和想像。审美过程当中,由于审美者面对的是很富有吸引力的、启发性的一种美的形象,所以呢,会自然地唤起对事物的种种联想和想像。这些联想和想象是在对审美对象有所感受、有所理解的基础上产生的。它们反过来又会加深感受和理解。如在《情绪脸谱》美术活动中:1.引导孩子感受当时的心请,找一个表情去表现。2.把当时的表情与脸谱的画面联想在一起。3.迁移变化创作成各种各样有趣的脸谱。虽然以成人的眼光看不出所以然,但孩子们能清晰地告诉我:这是奇怪、开心、气愤等。这证明幼儿能够了解自己的情绪与情感。 (三)以感觉反思表达诱导思维激活童心 在美术活动中运用情感智慧为激发点,不但能开拓艺术题材的空间,体现美术与情感的关系,有效激发幼儿进行美术创作,而且还有利于教师更好地关注儿童心理状况,了解孩子的思维方式,因此,该研究的价值不仅仅在于美术。在制作《贺卡》活动中:我们注入了这一思想:1.在母亲节来临之际,让孩子们感受往日亲人对自己的关怀。2.想想自己是怎样关心亲人的?3.做一张心意卡表达对亲人的祝福。结果卡上都写满了祝福语。 三.激活童心启发、诱导幼儿的创作激情 把幼儿心灵深处的美感引发出来,让他们回到美术创作的原始冲动之中,画出具有自己个性的作品,是我研究“构成意识美术教学法”探索创造性教学模式的宗旨。调动幼儿学习的积极性,发挥幼儿的创造力,将游戏融入美术活动之中,使游戏与美术创作紧密结合,。皮亚杰也曾说过:“儿童不能像成年人那样有效的满足他个人情感上的,甚至智慧上的平衡,他具有一个可资利用的活动领域,在这领域中他的动机并非为了适应现实,恰恰相反,却使现实被他同化,这样的活动领域便是游戏。儿童进行的游戏很多,绘画也是这种游戏的一种方式。”在美术活动中较多地运用诗歌、故事、猜谜语、做做玩玩等游戏,使幼儿获得愉悦,新奇的情感体验,激发幼儿创造出别具一格的意象。比如在《美丽的小花伞》中,首先应用故事法导入:春天来了,小燕子也到家中来做客了,小红觉得园子里光秃秃的,一点生机也没有。望眼放去,小红觉得应该在园子里种些花,她选了各种各样的花种,每天给它浇水、施肥,希望小花早点绽放,夏天来了,花园里开满了各种花。幼儿被故事深深地吸引,他们一起讨论、设想、积极的绘画,教师根据幼儿的绘画编成故事结尾,孩子们则完全沉浸在游戏中。 总之,一个合格的指导教师应深入了解本班幼儿实际发展水平,制定出适合幼儿发展的教育目标,促进幼儿获得最大限度的发展。 美术教师教学论文:美术教师教学素质要求研究 编者按:本论文主要从课程开发意识;科研能力;合作交流的能力;掌握现代信息技术;学习能力等进行讲述,包括了美术教学过程的情趣性、表现活动的自由性和评价标准的多样性、教师必须以研究者的姿态,进行教育教学并在不断的研究与探索中,有所发现,有所创造、教师教育对象是人,需要教师与学生之间进行精神的沟通、学技术日新月异等,具体资料请见: [摘要]现代教育需要教师素质的提高,美术教育是在多个层面教育与引导学生去认识生活美的真谛,这需要美术教师素质不断的提高。 [关键词]美术、教师、素质 所谓教师素质,就是教师在教育教学活动中表现出来的,决定其教育教学效果,对学生身心发展有直接而显著影响的心理品质的总和。教师素质是实施素质教育的关键。作为一名教师,应具备“对人民教育事业无限忠诚,有高度的事业心和献身教育事业的精神;有正确的教育思想;有科学的教育管理能力和方法。新的教育形势对教师素质提出了更高更全面的要求,美术教师的素质就表现得尤为重要。 一:课程开发意识 美术教学过程的情趣性、表现活动的自由性和评价标准的多样性,提供了创造活动最适宜的环境。通过美术课程培养的创造精神,将会对学生未来的工作和生活产生积极的影响。 教师拥有一套适合自己,适合学生,适合环境的行之有效的课程素材,才能更充分发挥美术教学特有的魅力,使课程内容与不同年龄阶段的学生的情趣和认知特征相适应,以活泼多样的课程内容呈现形式和教学方式,激发学生的学习兴趣,并使这种兴趣转化成持久的情感态度。 二:科研能力 苏霍姆林斯基说过:“如果你想让教师的劳动能够给教师带来乐趣,使天天上课不至于变成一种单调乏味的义务,那你就应当引导每一位教师走上从事研究这条幸福的道路上来。”现代教师要从经验型转向科研型,要成为新的教育思想、教育理论、教育内容、教育对象、教育方法和教育实践者和研究者,为提高教学水平,培养适应社会发展的创造性人才能力,那种“教教材”的“教书匠”的传统做法已不适应现代教育的需要。高效率地提高学生素质,迫切地呼吁着教师的创新智慧。所以,教师必须以研究者的姿态,进行教育教学并在不断的研究与探索中,有所发现,有所创造。 三:合作交流的能力 教师教育对象是人,需要教师与学生之间进行精神的沟通,情感的交流,引导学生健康活泼地成长。同时,教师也是工作群体的一员,要有与同事融洽相处,合作共事的能力。教育是不仅涉及学校,同时还涉及到家庭及社会,所以教师还应具备有与家长沟通与合作的能力,从而形成教育全面进行有效地工作。 四:掌握现代信息技术 当代社会,科学技术日新月异。计算机和信息科学技术智能化、信息网络全球化、国民经济信息化的时代已经到来,将信息技术作为现代教学手势在必行。结教师必须迅速适应科学发展的形势,学习、掌握一定的现代教育技术手段,“一本书,一张嘴,一支粉笔,一堂课”已不适应现代教育的要求。 五:学习能力 未来社会是一个学习化的社会,要求教师成为终身的学习者。瑞士的查尔斯、赫梅尔曾指出:“终身教育是唯一能够适应现代人,适应生活在转变中的世界和变动社会中的人的教育。这样的人必须使自己能够不断地适应新情况。”把握时代的脉搏和教育改革的方向,教师必须树立终身学习的观念,提高自己的学习能力,才能时时充电不断更新自己的教育观念、知识结构,掌握科学的教育方法,提高教学效率,适应现代教育的需要。一个好的美术老师应该具有较扎实的专业功底,美术理论修养,艺术想象能力和艺术创造能力等与专业美术家共有的某些能力。要具备这些素质,就让我们要保持学习的习惯,才能更好地提高并完善自我。 美术教师要想提高教育水平、教学质量,除了不断地学习和吸收、取人之长补已之短外,主要是在教育、教学过程中努力实践、反复探索。教师素质的自我完善是长期累积的过程,要不断的完善自己,只有付出辛勤,才会收获丰硕。 美术教师教学论文:美术教师教学方法探究 摘要:在我国经济迅速发展以及对复合型人才需求增多的背景下,国家提出由应试教育转向素质教育。在高考制度的影响下,美术教育被认为是众多素质的补充,它在学科中的地位误导了人们对它的理解。虽然美术教育被忽视,但是它所蕴含的思想、技能几乎在所有学科之上,如达•芬奇、米开朗琪罗为“艺术三杰”的同时,又是科学家和建筑学家。所以,发展美术学科,是美术教师应尽的责任。本文以美术学科发展前沿为着手点,探究高中教师的教学方法。 关键词:美术;教学 美术是文化的存在,美术教育也是文化的存在。就目前高中美术的教育状况来看,多数同学没有意识到美术所承载的文化知识,使教学质量大打折扣。那么教师该如何教美术? 1培养学生的独创性 科学家贝福里奇说:“具有相关学科,甚至边缘学科的广博知识,那么独创性就会产生。”所以,知识结构丰富,独创性越高,综合能力越强。美术课堂培养学生的独创性,教师应做到如下几点: 1.1刺激学生的感官 吸引眼球,抓住趣味是刺激学生感官的方法之一。美术鉴赏课主要以赏析为主,所以其中可以夹杂一些技法课程,使两者融会贯通。另外,可以充分发挥多媒体的作用,利用声音、动画等艺术形式去描述与表现,内容尽量是学生感兴趣的。 1.2探索美术其他领域 美术不只是画画,剪纸、雕塑、设计等也为美术领域。学生同样可以用这些手法对美术进行探索与创作,从而提高自己的鉴赏能力。 1.3加强美术学科与其他学科的联系 以前,美术属于文学系,但是现在它已悄然茁壮成长为一棵参天大树。除此之外,美术还与社会、人类、生活、历史有着千丝万缕的联系。美术鉴赏课最重要的是描述。无论是从美的角度还是生活的角度等,都可以请学生说出自己的所观和所想。如果有些学生不愿意说,老师也可以让他们写出来,内容可以为优美的语句,也可以是流水账,形式不限,集思广益。只有当想法相碰撞,才能进行更深刻的交流,学生才会敢说。除此之外,教师还应该注意到文科、理科学生的差异。教美术生可以用理性观点去分析,教理工科可以结合学生的专业分析。 1.4融入地方文化 深入挖掘本土的美术文化资源。这样,老师向学生传授知识的同时,也提高了学生的审美能力,从而更加热爱自己的家乡。 2传扬“工匠精神” “工匠精神”即为对工艺品精益求精的追求。进一步说,它的背后更重要的是匠人们对技艺的不懈追求和对事业的虔诚热爱。一个国家如果没有心灵手巧的匠人,就没有特色的建筑和民族特有的服饰,那么这个国家的文明程度一定不高。为什么中国会掀起买日本马桶盖热潮?不可否认,因为结实耐用。为什么日本武士刀千年传承,永不衰竭?因为他们把做武士刀当作事业,经过多年的学习才可以成为师傅,一步一个脚印。如今,中国丢了“工匠精神”,而日本却没有。归根结底,笔者认为应该是人们德行的缺失。越来越少的人坚持手艺人的耐心、缓慢、坚持、少量的特质,而越来越多的物品将高生产、低质量、高利润。对于学生,我们不要求每个人都像匠人一样传承中国文化,但是学习匠人的精神一定没有错。这种精神就像一个信仰,鼓舞和支撑着每个人坚持不懈地努力。 3加强美术学科与生活的联系 美术服务于生活,那么什么样的生活才是我们应该追求的?生活分为物质性生活、科学性生活、艺术性生活。不难看出,艺术性生活才是在不愁吃和穿的时代更应该追求的精神层面的生活。美的东西在于加工和利用。例如,一张废弃的报纸,我们可以用它来包书;一个废弃的瓶子,我们可以涂上自己喜欢的颜色,用来插花;一条废弃的牛仔裤,我们可以用来做口袋装杂物等。学生每天都过着三点一线的生活,美的事物可以使他们缓解压力,身心愉悦。 4注重个体差异 一幅画,一个人。不同的人,与作品有着不同的交流方式。当学生分析画面的时候,老师同时也可以了解每一位学生的心理状况,以便对其及时进行相应的教育。例如,凡•高的《向日葵》,很多学生看到的首先是向日葵的颜色魅力,而认真观察过的学生可能会发现有的向日葵是面朝下的。因此,我们可以体会到,当时的凡•高是处于一种不死不活的心理状态。分析后,老师应提示所有学生把画家的状态与自己目前的生活状态相联系,进而取其精华,去其糟粕。 5注重情感教学 动之以情,学生才能晓之以理。以下为情感教学的优势: 5.1情感教学为师生建立了良好的关系 高中生面临着升学的压力,这种压力的存在,使得师生关系总是非常的微妙。情感教学为师生营造了一种非常轻松、舒适的教学环境,能够拉近彼此的距离。我们都知道,轻松、愉快的学习氛围更能够激发学生和老师的潜力以及培养出学生对美术学习的热情。所以,情感教学有利于缓解这种压力,并能够很好地调节课堂氛围,对师生情的培养起着一定的调节作用。 5.2情感教学可以提高学生对美术的兴趣 如果在高中鉴赏课教学中老师一味地讲作者简介、历史背景、艺术语言,那么这节课必然是乏味的,最后学生的学习成果也必然是不理想的。所以,在高中美术课堂上,老师要注意到学生的兴趣点,针对学生的兴趣点进行情感教学,激发学生的学习兴趣。有了兴趣,就有了动力,从而也会提高高中美术课的课堂质量。 5.3情感教学可以提高老师的教学质量 情感教学以学生为主体,打破了传统的教学模式,使学生发现美术课程的真正魅力。如果美术老师主要以传授知识为主,教学一定是枯燥的,那么学生与老师在课堂上都将提不起兴趣。而如果在教学中老师将美术知识与学生的生活实际相结合,灵活运用于课堂上,使学生与老师的互动更多,那么课堂氛围一定会高涨,因此教学质量就越高。 6坚持人文优秀素养 美术人文优秀素养包括图像识图、美术表现、审美态度、创想能力、文化理解。这五个素养并不是针对美术专业人士设定的,而是面向全体公民的,只是美术专业人士表现得更为突出和优秀罢了。图像识图是指对美术作品的辨识与解读。只有学生具备了图像识图的素养,才能在浩瀚的图像里获取有用的信息。美术表现也就是绘画语言,只要学生用不同媒介表现出不同绘画效果的意识即可。审美态度指每个人根据自身经历对作品本身进行判断、分析便可。创想能力需要学生发挥自己的想象。文化理解要从文化的角度去欣赏,需要学生储备一定的知识。这五个优秀素养,是美术教育的具体体现。所以,了解美术优秀素养,有利于学生的全面发展。 7坚持素质教育 素质教育,是以全面提高人的基本素质为根本目的,尊重人的主体性和主动精神,以人为的性格为基础,注重开发人的智慧潜能,注重形成人的健全个性为根本特征的教育。有素质的人不一定有知识,但是有素质的人一定会做人、处事。而会处事的人,生活也将会非常的轻松与快乐。 8结语 在中国封建时代的科举考试中,傅以渐、王式丹、毕沅等为状元,曹雪芹、胡雪岩、李渔等落了榜。学霸与学渣的定义真的准确吗?显然可以看出,成绩的高低并不是最重要的。为什么现在还有大学毕业生杀人事件?因为从小被教导,摔倒了抱怨是石头的不对,同学之间发生冲突不能吃亏等。师范无小事,处处是大事。学高为师,身正为范。老师是学生旅行中的伙伴,老师指引学生共同前进的方向。 作者:樊梦茹 单位:西华师范大学 美术教师教学论文:美术高等院校下青年教师教学探究 一、美术高等院校应如何增能青年教师教学 面临以上的种种现状,作为美术院校的教学管理部门应该有怎样的举措?如何增能青年教师的教学呢? 1、强化和提高专业教师的知识基础 教师的知识基础对于课堂教学是很重要的,知识基础的强化和提高也是学校工作的一个重要内容。对于青年专业教师来讲,渊博的知识基础不是一蹴而就的,而是需要经过多年的辛勤积累的。第一,定期举行专题讲座,开设“学院大讲堂”,这是强化青年教师知识基础的一个有效方法,应作为学校一项日常的教研活动。学校聘请一些校内或校外的教授、硕导、博导主讲,学科种类可以由与美学相关的学科(如地理、历史、考古、音乐、设计、建筑、文学、传统文化等)扩展到心理学、逻辑学、教育学、方法论、演讲艺术及辩论艺术等等。这可以使青年教师掌握学科的最新进展和发展趋势,了解国内外的研究动态。与此同时,还可增加青年教师知识的广度和深度,开拓其视野和思路。目前,各大美院均设不同形式的专题讲座,从教学和科研两方面对青年教师展开全面培训,有的学校把青年教师参加培训的出勤率和评职称结合起来,借此督促青年教师提升自己。有时,带有强制性的政策在教学环境较为轻松的美院是必要的。第二,要鼓励和支持专业教师攻读高学位。尽管目前一般高校有很多博士学位的教师,但美术院校拥有博士学位的教师却不多,这与美术学自身的发展有关,目前在全国八大美院中只有中央美院、中国美院和西安美院有博士点,但每年招生名额有限,所以全国美术学和设计学博士不多,但从长远来看,高校青年教师攻读博士学位已是一个大趋势。所以,美术院校为了自身长远发展,应该在经济上给予支持,比如报销部分学费等。此外,一些美院要求博士脱产学习,这就致使部分青年教师远离了教师岗位,有些教师考虑到经济方面的原因,对攻读博士会有顾虑,介于这种原因,学校应根据自身的实际情况制定出一系列鼓励政策,第三,支持青年教师开展科研活动。由于青年教师以前多从事教学,很少涉及到科研工作,所以在这方面学校要给予一定引导和支持,还要抓好学科带头人的选拔和培养。在开设关于不同级别科研项目申报讲座的同时,可给青年教师提供指导教师、经费、场所等一系列有利于科研的条件。比如,从2013年12月起,国家设立了国家艺术基金项目,美术院校的青年教师应利用此契机,所在院校也应在推荐方面给予支持,同时应组织专家给青年教师提供一些申报指导。除了支持青年教师申报或参与部级和省级课题外,学校也可规定一个目标,在规定时间内完成论文的篇数及申报课题的级别,甚至独立编写教材或出版专著。比如在支持专著方面,学校可根据字数和内容分为几个等级去资助,并且把青年教师的著作推荐给优秀的出版社。如果有了这些帮助,不仅可以进一步地督促青年教师在科研方面提升自己的综合能力,而且也可以更好的服务于教学。 2、训练和提高教师的授课能力 讲课能力是青年教师综合能力的根本和基础。所以从备课开始到公开课及观摩交流,都可由老教授指导完成。进而可举办青年教师教学比赛。还可开展一系列关于微课、慕课和翻转课堂等新型授课方式的教学实践和论坛。在提高青年教师讲课能力方面,学校可组织一批教学经验丰富的教授通过专题报告介绍教学经验、教学方法和讲课技巧。美术院校的课堂是理论加实践,实践时间较多,这就意味着青年教师要脱离开课本授课,这就需要他们除了有扎实的基础功之外,还要掌握一定的教学方法和技巧。当然,青年教师掌握一些心理学、逻辑学和演讲技巧方面的知识也是相当必要的。此外,指导青年教师利用教育技术,通过网络发展混合式教学是当今新的授课模式,一些学校在外语教学中已开设了网络课堂,但美术院校中,网络教学还比较少,目前,部分美术院校在选修课中进行了尝试。 3、加强青年教师的对外交流,鼓励其融入国际社区 文化艺术交流是美术院校教学和科研发展重要的一部分。美术院校应大力加强青年教师的对外交流活动,比如,参加高层次的教学研讨会,参加国内及国际艺术展览,参加高级短训班等等。艺术要交流,所以美术院校更应该坚持“走出去,请进来”的方针,鼓励青年教师多交流多参展,也要请一些知名专家来学校授课,比如举办教学交流周或开设工作坊等等。一些美院每年均派优秀的青年教师作为访问学者出访欧美,并在欧洲一些国家设立画室,供这些艺术人才使用。也有些美院每年公派青年教师出国留学,帮助其在国外获得学位。 二、美术高等院校增能青年教师教学的意义 青年教师是美术院校师资队伍中人数最多的一部分,是教学和科研的重要力量,是学校的未来和希望,增能青年教师教学不仅是当务之急,而且也具有战略意义。增能青年教师教学,有利于青年教师自身的发展,有利于学校师资队伍的建设,有利于学校的教学和学科建设,有利于国内及国外的文化交流,也利于学校长远发展,提高国内及国际的知名度,更有利于千千万万国家艺术人才的培养。因此,作为美术院校管理教学的部门,加大增能青年教师教学的力度是势在必行的,同时这也是学校长远发展的一项重要举措。 作者:唐培淞 单位:西安美术学院 美术教师教学论文:谈美术教育教学中的教师语言艺术 摘要:随着国家对美术教育的不断重视,美术作为艺术教育教学科目的组成部分,肩负着培养学生审美能力和绘画能力的重任。高职院校以往的美术教育过于注重教师讲授、学生被动吸收知识的教学模式,导致学生的美术学习兴趣和创新能力不高。因此,在高职美术教育教学中,教师如何采用更加生动、形象的教学语言,激发学生的学习兴趣和创新能力,是高职院校美术教育教学改革的关键,值得深入探究。 关键词:高职院校;美术教育;教师语言;语言艺术 语言是教育教学工作的重要组成部分,语言的规范性和创造性与教育教学效果具有密切的关联。对于高职美术教育而言,美术教师语言的艺术性直接影响学生对美术学习的认知能力,另外,教师语言的趣味性也是提高学生美术学习兴趣的重要方式之一。因此,为了进一步提升高职美术教育教学质量,加强对美术教师教学语言的规范化和艺术性探讨,具有重要的现实意义。 一、教师语言在美术课程情境导入中的应用 美术作为一门艺术课程,如何导入新的教学内容是开展新课程教学的关键。良好的情境导入能够激发学生的情感共鸣,使其更有兴趣投入本节课程的教学。因此,教师在美术教学中采用情境导入是提高教学质量的重要方式。首先,准确的语言是创设情境的关键。教师要描述某一具体事物,应采用比较规范化的教学语言,并且做到语言准确、简洁,符合正常的思维逻辑,这样才不会给学生的理解造成误导。其次,教师生动、形象的语言是引导学生进入教学情境的前提。面对死气沉沉的课堂教学气氛,教师应充分利用语言魅力活跃课堂氛围,让美术知识成为活灵活现的教学内容。幽默的教学语言是活化美术知识的重要方式,能够促进学生对美术知识的深层次理解。最后,为了改善学生对美术知识的学习效果,教师在课程导入教学中应对重点知识进行语调和节奏的变化,通过采用不同语调、节奏的教学语言,使学生在脑海中对新知识留下深刻的印象。如,在进行中国艺术设计知识的教学中,美术教师可以通过引入郑板桥《板桥题画竹石》这首诗进行情境导入,在讲解中国传统文化知识时巧妙融入绘画知识,提高学生对本课教学内容的学习兴趣。 二、教师语言在美术启发教学中的应用 美术课程不同于语文、数学、英语等其他科目,美术教学中需要学生之间进行交流、合作,有时需要小组合作共同完成一幅作品。在这样的课堂教学环境中,部分学生会离开自己的座位,教室里充满了学生的各种说话声、笑声等,整个课程教学秩序容易失控。如果美术教师采用比较严厉的语言维持课堂秩序,学生只会在短时间内停止交流,一段时间后,学生之间又开始了之前的活动,管理效果并不理想。这时就需要教师利用富有艺术性的语言与学生交流沟通。如,教师可以采用文明、规范的语言或者艺术性的提问性语言引导学生反思接下来的教学内容和任务,让学生认识到自身行为不仅耽误了自己的学习进程,同时也耽误了别人的学习时间。此外,教师还要对课堂学习中学生的扰乱秩序行为进行总结,告知学生:“共同的交流学习是为了共同进步,而不是相互拖后腿,希望同学们在课堂教学中相互帮助,相互督促,共同完成相关学习。”通过各种富有启发性、情感性的语言交流,课堂教学将进行得更加顺利。 三、教师语言在美术教学评价中的应用 高职院校美术教育的重要目标是为社会输送全面发展的美术人才。美术教师在评价学生的美术作品过程中应结合学生的具体表现,采用准确、客观的语言进行教学评价,对于学生的优点应充分给予鼓励、表扬,对于学生美术作品中存在的缺点应明确指出并给予相应建议,同时鼓励学生积极改正,促进学生全面发展。高职院校的学生在审视自己的作品时,容易出现不自信、不满足等特点,教师应从学生角度出发,采用灵活的语言予以指导评价,让学生正确认识美术的魅力,坚持自己的兴趣。虽然高职院校学生的起点不如重点院校的学生,但是他们通过自身的努力,也可以成为优秀的毕业生。教师要鼓励学生在校好好努力并享受美术课堂的魅力。如,教师可以在课堂教学中挑选一些学生的作品,并要求这些学生在课堂上向同学介绍自己的作品,讲述自己的绘画创作历程。这样不仅活跃了课堂教学氛围,激发了学生的听课热情,而且锻炼了学生的语言表达能力,对于学生走向社会具有积极的影响。综上所述,语言作为日常生活中最为常见的交流工具,也是教育教学中必不可少的知识传达工具之一。在美术教学中应用艺术性的语言,能够更好地诠释美术知识,对激发学生的美术学习兴趣具有积极的影响。结合高职院校学生的特点,教师在美术教学中采用适当的教学语言,是促进学生学习美术知识的关键,对培养学生的审美能力和艺术修养具有较好的效果,值得提倡。 作者:郑惠凤 美术教师教学论文:中职美术设计专业教师教学能力的思考 摘要:教师能力标准是衡量教师教学技能与专业能力的基础,教学能力标准的设定应以国家标准为基础,以教师技能、教师教学能力、教师岗位需求等为向导,全面对教师教学能力进行客观性评价。相对来讲,构建教师能力标准并非一蹴而就之事,构建教师教学能力标准需权衡多方面要求,方能保障教师教学能力贴合实际教学,更能全方位展现教师教学能力,保证标准具有公平性与科学性。基于此,本次以构建中职美术设计专业教师教学能力标准为主题,探究如何构建中职美术设计专业教师教学能力标准。 关键词:中职美术设计专业;教师教学能力;教学能力标准构建 信息化时代,教育发展方兴未艾,中职教育更是出现强劲态势。相对来讲,中职教育主要面向的是中学阶段的学生,这一时期培养学生的专业素养,帮助学生定位发展方向,不论是对于学生今后发展,还是社会专业人才需求来讲都具有积极的作用。中职教师是学生生活与成长的引路者,在教育学生专业技能的同时,也不断指导学生思想,因此中职教师应具备较强的教学能力,并根据班级学生基本情况安排教学。相对来讲,应按照构建中职美术设计专业教师教学能力标准,对教师能力进行判定,合理选择班级教师。其中包括,岗位要求、专业技能、教学反馈等多方面要求,保证教师能力与实际情况相符合,更好地保证中职教育顺利开展,保证教育满足学生发展实际需求。 一、中职美术设计专业教师教学能力标准概述 中职美术设计专业,对于美术设计专业技能要求较高,教师需具备一定的设计专业技能,还需在教学中具有一定的创新意识,以期保证设计思路满足时展要求,保障设计作品更加新颖。中职美术设计专业教师教学技能标准分为两方面,一方面为教师教学能力,另一方面为能力标准。顾名思义,标准是指对复杂事物的判定衡量尺度,而教师能力则是指对教师教学综合全面的概括,其中包含各方面的影响因素,如教师设计水平、教师教育方式等方面,对教师教学能力进行标准化衡量,代表着对于优秀教师的肯定,更希望在此标准评价下,教师根据自身不足进行改正,以便保证教师教学水准,更好地为学生、为教育事业服务。对于中职美术设计专业教师教学能力标准的设定,应当以《职业教育法》《教师法》等多部权威性法律与条款为依据,一切教育评定以教学活动为基础,围绕教师设计技能,美术教育方式为中心。并遵守规范性原则与实用性原则,全方位对教师教学能力进行判定,力争具体化,尽量还原教师教学真实水平,保证判定结果与实际相符。 二、构建中职美术设计专业教师教学能力标准 1.依据岗位概况评定教师教学能力 中职美术设计专业教师岗位概况包括教师技能等级、岗位文化程度、在岗教育时间等多方面。中职美术设计专业教师与其他学科教师岗位不同,其教育工作需要较强的设计创新意识,中职美术设计专业教师不仅需教育学生设计知识,更需引导学生如何自主掌握设计,懂得欣赏艺术与创造艺术。因此,在构建中职美术设计专业教师教学能力标准时,应首先要求教师行为符合岗位基本概况要求。教师技能等级是教师设计水平的直观展现,想要提升技能等级需教师自行考核,当符合要求后方能给予教师一定的技能认定,故教师岗位概况是衡量教师教学能力的硬性指标,是构建中职美术设计专业教师教学能力标准所不可或缺的重要因素之一。由于岗位概况需教师自行进行考试考取,因此以岗位概况对中职美术设计专业教师进行评定也体现着公平性与科学性。 2.根据教师专业知识与职业道德进行能力判定 中职美术设计专业教师对于专业知识要求较高,教师不仅需具备一定的美术知识,更需运用实际作品展现自身专业设计能力,如雕塑设计作品、绘画设计作品等,这些作品也是教师专业技能的代表,象征着教师的专业水平。而职业道德素养则是指教师教学态度、教师教学语言运用以及教学自律行为,结合当前教师实际教学中的各种表现对教师整年教学进行考核,如是否出现重大教学事故,是否存在违规事件等,查看教学任务是否按时完成,教学效果实施如何,学生设计作品完成情况等,并运用专业视角审视教师教案,从常规工作中反馈中职美术技术专业教师教学能力,以期保证标准设置与教师实际教学情况相符。 3.教学反馈综合评定教师能力 教学反馈是学校教学中不可或缺的一部分。教师教学能力一方面需从教学视角进行判定,另一方面,教师与学生共同为课堂教学参与者,美术设计教师将相关知识以及教学技能传授给学生,学生将知识转变为技能并运用,两者之间相互依存,相互影响。因此,评价教师教学能力,也应赋予学生更多的权利,使得学生参与到教学能力反馈中,更加真实地将教师能力体现出来,在进行教学反馈与评价时,也需考虑学生是否存在弄虚作假行为,进而对此行为进行排查,以期保证反馈信息的真实性。故在构建教师教学能力标准时,更是对教师教学能力的全面综合考察,这样才能保证考核成绩更加真实与科学。综上所述,构建中职美术设计专业教师教学能力标准是一项繁杂的系统工程,单方面对教师教学能力进行考核将会使得考核出现偏差,有失公平性,难以真正体现教师的实际能力。因此,应从专业技能、岗位概况、职业道德、教学反馈等多方面进行构建,从各方面进行标准设计,以期保证中职美术设计专业教师教学能力标准更加真实可靠,并富有科学性。 作者:吴华军 单位:浙江省绍兴市柯桥区职业教育中心 美术教师教学论文:美术老师对艺术教学的构思探索 作者:商应丽 王英伟 单位:东北师范大学人文学院 学生身心健康、乐观、自信,充满丰富情感去面对生活;使学生对未知领域的探索充满热情,激发创新精神,增强实践能力;美术渗透于社会生活的各个邻域,从书籍装帧、广告招贴、服装设计到工业造型、城市建筑、园林设计,将来无论做什么行业都需要具备一定的美术素养。所以,艺术教育能帮助学生拓展发展空间,规划人生。我们应该相信,艺术教育能为学生的终身学习奠定坚实基础。艺术教育的优秀是实现创作与自然科学运用实证、逻辑推理来求证一个固定结果不同的是,艺术没有固定答案,不可重复,艺术的自由、想象空间的开阔与对人心灵和情感的呵护是自然科学所无法比拟的。艺术在很大程度上直接与人的情感、体验发生关系,因为体验的个体不同,所以在对艺术进行表达的时候会有各种各样的可能性存在,正是这种可能性的存在,才使得艺术像今天这样的丰富多彩和动人心魄。学生对创作实践的尝试不仅体现了学生对艺术语言熟练的驾驭,更重要的是,他们可以在这一过程中进行天马行空的想象、尝试,调动他们周身的感官把各种可利用的因素进行组合,从而创造出新的图像。在整个创作过程中,一方面,学生会遇到很多困难和不自信的因素,随着作品的不断完善,学生会逐渐克服它们,从而体验到成就感,增强他们的自信心。另一方面,学生会把这种成功的体验运用到对其他学科的学习中,谋求更好的发展。在欧洲的中小学,“艺术理念重于绘画技法,以艺术的创造力培养人完善人”的教育理念已经在后来的实践中得到了很好的证明:在学生走出学校后,不论他们从事什么行业,所表现出来的创造力和与众不同的独立思考能力,使他们在各自的领域很快脱颖而出,而且这种教育强化了整体国民的创新意识。 艺术创作实践对本科一年级的学生的全面发展有着深远的意义。艺术教育不同于技术教育艺术教育是一门专业的学问,它的发展大大落后于艺术的发展。在这个一切以实用性最大化为最高价值前提的社会,教育全面适应社会,艺术被当成了提供固定的技术与知识的作坊,而学生则是大作坊里生产出的具有同样面孔、同样行为和同样思想的产品。现有的教育模式完全脱离了人的情感需要,单方面的完成知识与技术的传承,并把技术与知识当成用来炫耀和谋生的手段。这种把艺术知识当作艺术,把技术教育等同于艺术教育的误导,只会一味强调技术知识的重要,而“人的教育”在美术课上,教师总是习惯先把制作步骤或作画方法一一交给学生,遇到个别的学生,教师还亲力亲为;或者一味强调“模仿”和“基本功”的技术训练,这种方式对于帮助学生掌握美术技能确实有一定的暂时的效果。但是长此以往,这种灌输的强权式的教学方式,会让学生产生依赖性,不独立思考,习惯于人云亦云,更谈不上创造。所以,“以人为本,以学生的发展为本”的教学理念,是基础教学的根本。 美术教师在学生创作中的作用美术教师在评价学生创作的时候,能否在给出判断之前先倾听一下学生对自己作品的想法以及创作意图,能否以学生的视角去评价一幅作品?我们的教育常常忽略了学生对客观物像的体验与感受,而单方面的去判断学生作品的优劣。对待同样一件事物,每个人的感受和体验是不可能相同,所以,不同学生创作出来的作品也应该千差万别,但这里绝没有“好坏”之分,美术教师应该在尊重每个学生独特感受的基础上对学生作品进行评价,而不是用一种评价标准规范所有的学生。美术教师要使创作课堂充满神圣感,要告诉学生我们正在做一件独一无二的作品,只与自己的体验有关,是自己创造出来的一个与现实世界无关的只存在于我们头脑中的图像世界,那种创造的快乐只有自己才能体会,使学生在创作中学会“热爱”、“信仰”与“尊重”等,认真对待创作过程,并对自己的作品充满自信。当学生的某件作品和想法受到大多数人质疑的时候,美术教师一定要站在学生的身边支持他,同时肯定学生独特的感受力和他的勇气,并与他深入亲切的交流。只有这样,美术教师才能很好地保护那部分具有天赋又不循规蹈矩的学生的自尊心,并以自己的人格的力量去感染学生,给他们创新的勇气。明确艺术教育的目标是美术教师面临的首要问题,更是美术教师进行具体教学的优秀与基础。因此,美术教师对艺术教育目标进行深入的分析与研究,是非常有必要的。 美术教师教学论文:教师在美术教学中的定位 一、美术教师应是学生创造性思维的引导者 创造性思维,是创新能力的优秀。美术的一切实践活动,包括构思、创作、表现、欣赏等环节,都离不开创造性思维活动。美术课程的基本理念就是注重对学生个性与创造精神的培养,通过多种方法,使学生思维的流畅性、灵活性和独特性得到发展,最大限度地开发学生的创造潜能。因此,美术教师应是学生创造性思维的引导者。教师首先要改变教学内容与方法,以培养发散性思维为出发点,加大思维训练课程,着重培养学生创作(设计)思维的灵活性及独创性。例如在绘画领域,存在诸多的风格与流派,它们之间的艺术风格和表现手法千差万别,这种多元化的艺术思潮也会直接影响到学生的美术创作。这就要求教师给予正确的梳理和引导,在博取众家之长的同时,还能对之有选择性地分析和提炼,让学生在观察思考中增长知识,开阔视野,并能推陈出新进行绘画创作。其次,教师能够采用设疑式教学,即通过提问来组织课堂教学。教师的提问也需要有技巧,难易要适度,既要涵盖教学内容又能让学生充满兴趣,这样才能提高学生分析问题和解决问题的能力,还能让学生得到新的发现和启迪,锻炼学生的创新能力。 二、美术教师应是课堂讨论的催化者 教育不是灌输,应是交流与互动。在研讨式教学模式中,美术教师应是促成课堂讨论的催化者,尽量鼓励学生讨论,让学生自己思考,使学生成为课堂上的主角,而教师则起主持的作用,把握课堂的灵魂。这种教学方式能使师生双方相互沟通、启发和补充,分享彼此之间的思考、创新和知识,共创一种良好的、活跃的课堂气氛。同时,恰当的讨论与交流能让学生克服口头表达时的紧张和恐惧心理,能训练学生清晰的思维表达能力和自信心。事实上,在美术教学中,学生许多创作理念问题、技术取向的问题都会在交流中产生和明确。学生在倾听、质疑、交流、讨论中能够不断丰富、加深对美术作品的体验。教师需用一种包容、开放的心态创设特定的情境,引导学生去观察、思考和交流,让学生能从富有艺术生命力的作品中,看到艺术家应具备的品格,能用艺术的方式感觉世界,懂得用自己的思想、艺术语言表达对人生的感悟,展示智慧所在。最后教师在学生讨论的基础上给出意见和建议,并可以提供一些反省的问题来进一步促进学生思考能力的提高。学生在课堂中的畅所欲言,又为教学带来了一种“释放”,这种“释放”将使教学过程真正成为师生个性化的创造过程,教学内容既不再拘泥于教材,也不局限于教师的知识视野,学生的学习空间得到拓展,课堂教学的效率得到提高,学生的求知欲得到激发,审美能力得到提高,从而达到一种较理想的互动性教学效果。 三、美术教师应是学生学习兴趣的爱护者 爱因斯坦曾说过兴趣是最好的老师。培养学生兴趣也是美术研讨式教学模式中的重要一环。浓厚的学习兴趣,可以使学生的大脑处于最活跃的状态,促使学生注意力集中,容易接受教师所传递的教学信息,全神贯注地投入到学习活动中。因此,教师应是学生学习兴趣的培养者和爱护者。教师在美术教学中的各个环节中,需努力使学生保持积极的学习兴趣。美术教学在实践环节往往是一对一教学指导,教师要充分尊重学生的意见,恰当地指出优缺点。在对学生的作品进行点评时尤其要慎重,勿以自己的主观好恶对学生进行评判。美术专业毕竟与其他学科不同,它更多是张扬个性,而不强调一致性和标准性。教师要以欣赏者的角色来点评学生的作品,注重让学生从自己的角度去表现,注重去肯定学生所表现出来的个体差异,根据学生的不同情况适当降低或提高评判标准,使每一个学生都能找到一个前进的方向和目标。即使有的学生作品差强人意,也不要急于否定,先了解学生的创作意图,再努力找到作品中的可取之处,最后再给予相应的指导。这种方式才能使学生始终保持着创作的勇气和自信,要知道很多富有审美个性的学生,其想法往往与众不同,其作品也会奇怪独特,正因如此,他们往往也最具有美术的独创能力。作为美术教师,应冷静分析每个学生的个性特征,因材施教,不限制学生审美个性的发展,不扼杀学生的创造意识。 四、美术教师应是学生专业实践机会的提供者 实践教学是美术教育中的一个重要环节,实践的过程就是创新思维实现的过程。教师在教学过程中如能为学生提供大量的专业实践机会,不但能让学生将专业理论知识通过各种实践形式进行应用和反思,培养学生的创新精神,还能提升学生发现问题、解决问题的能力。专业实践是对课堂学习有益的补充,同时还能缓解人才培养与社会需求之间的脱节现象。专业实践通常包括校内实践和校外实践两个部分,校内实践可以通过课堂命题,在课堂上锻炼学生的动手能力;也可以与企业合作,将项目或者课题引入课堂教学,结合社会实际开展实践教学;还可以鼓励学生参加各种展览和比赛,让学生能了解自己的专业水平在社会这个大环境中所处的位置;鼓励学生积极主动参与省校级的实践类课题等。校外实践包括带学生参观考察美术馆、博物馆、画廊等机构开拓视野;通过实习基地让学生直接进入企业实践,亲自了解市场、参与社会活动等。遵循由“实践——认识——再实践——再认识”的基本认知规律,让学生明白在释放个性的同时,必须明确市场需求,与社会对接。总之,教师应多给予学生专业实践的机会,营造一个开放的、有成效的课堂教学环境,鼓励每个学生参与,让学生从艺术的象牙塔中走出去,给学生以良好的谋职需求,最终使学生获得一定的从业能力和不断进行自我完善发展的能力。 综上所述,在研讨式美术教学模式中,教师要明白每个学生其实都有巨大的创造潜能,只是需要合适的机会和环境才能激发出来。只要教师能把握好自己在美术教学中的角色,以一种相互平等、相互尊重、相互信任、师生互动的新型师生关系,采用科学合理的指导方法,就能营造出一个充满创造力和活力的课堂教学环境,为社会培育出更多的具有创新精神和能力的优秀美术人才。 作者:唐长安单位:湖南科技学院 美术教师教学论文:教师应用文小学五年级美术教学计划 美术课程教学是对学生进行美术教育的主渠道,根据美术新课程标准,为了让全体学生生动、活泼、主动地发展,提高学生的审美能力,使学生成为有健全人格、有创新精神的合格人才,特制定本期教学计划如下: 一、教材分析 本册教材共安排了14课,其中有欣赏课2课,绘画课8课,工艺美术课4课。本册绘画课中安排了三课《学画中国画》,工艺课中安排了版画,由于实际情况和授课条件的关系,完成有一定困难,拟据实际情况选学。其它的和学生生活息息相关,可以完成。 二、学生情况分析 学生已经到了五年级,学习任务比以前更重一些,时间不多。但是本年级学生对美术这门课有着相当浓厚的兴趣,愿意学。还有部分同学特别爱好,在这方面也有特长。针对这些优势和不足,只要扬长避短,适时点拨,点滴渗透,学生在美术方面的知识和技能都可以有一定的增长和提高。 三、重点难点 根据学生情况和地域的情况,我决定把本期重点放在工艺课上。本期工艺课中的《美化板报、墙报》与学生活动关系密切,有实用价值,所以把这一课及其相关内容作为重点。本学期教材安排的素描基础:物体的结构比例和透视基础。这两方面的内容共有四课,专业性很强,概念抽象,学生没有接触过,比较难于理解。这是本期学习的一个难点。 四、教学模式 结合美术学科特点和学生实际情况,在本期的教学活动中,以多种方式进行教学,室内和室外教学相结合,知识讲解与实际操作技能相结合,想像与写实相结合,教师引导和学生自主学习相结合。 五、课时安排 1、封二画页(欣赏)1课时 2、难忘的一件事(欣赏、绘画)1课时 3、比例的美感(绘画)2课时 4、立方体和长方体的透视现象(绘画)2—3课时 5、圆柱体的透视现象(绘画)2课时 6、物体的结构(绘画)1课时 7、美化板报(工艺)5课时 (其中美术字2课时,板报设计制作3课时) 8、做风筝(工艺)1课时 9、纸筒人(工艺)2课时 10、学画年画(绘画)1—2课时 11、表现日常生活的绘画(欣赏)1课时 除以上内容之外,根据时间和实际情况,在教学过程中调整教学计划,补充学生喜欢、愿学的自编内容。新晨 美术教师教学论文:中学美术教师教学实结 一.教学体会。 我任教初三级的美术。之前在学校的十节微格教学训练,在这里变得有点微不足道。 1.基础技能课。 第一堂课,我抱着敢死的心态,没有紧张。声音自我感觉也比较响亮,而且教的内容是基础技能课,这样的课堂仿佛有个形去抓,目的非常明确。我结合我的经验和初学者易犯的错误,分步骤去教。同学们的专注的眼神不断地给我动力和勇气,这让我感觉很实在。 但是,一个星期下来有五节的重复课,不同的班级,有不同的课堂反应,活跃或沉闷。这相当考验老师的应变能力。根据课堂上的反应,我也做出相对的改变。一个星期下来我有了一个小总结: (1).声调表情是控制课堂气氛的方向盘。 (2).别想着一节课你说完了就了事,那是完了你的事,别忽略了学生。 (3).尽早摸索到学生的实际情况,如接受能力,学习美术兴趣等。 (4).别老在简单的问题上搞太多花样。 (5)学生喜欢实际例子的引导。 于是,接下来的时间,我以这几点去要求自己,在课堂上多了几分自然,也渐渐加强了随意发挥的能力。而且在改了大量的学生作业之后,我才发现,原来批改作业的作用是如此的大。它让我更清楚学生的实际情况。在面对学生的时候,让我有个底。在上课之前,评论分析同学们的作业,可以让课程分阶段性,更加系统性。同学们学习的积极性更高。 2.作品鉴赏课。 可以说鉴赏课是美术教育里面最难以把握的课堂,像水中月,雾里花,你知道她的美,却难以展现在学生面前。 在备课阶段,我尽量想象优美的语句,或搜索大师的一些幽默的小故事来渲染课堂气氛,我把课堂尽量设成我的想像中那样完美。 而到了真正的课堂上,才发现以上准备的这些,需要你的语言艺术,你的真正的感受去感染学生。但我的感觉是,我像是把刚发现的新闻报告给观众听一样。我放不开,无论是动作,表情或是语调。每一节课,我的指导老师颜老师都全程跟踪。颜老师意见比较简短,她让我注意与学生互动,像这种课留多点时间让学生去说.还有声调没有控制好,整节课就平了。 我抓住这两个意见,反思。的确,几节课,我都上得比较吃力,想尽量带学生进入那个大师的崇高的艺术境界当中去。却没注意到学生的感受。就像前面总结的别忽略了学生。 接下来,我尝试让学生去说大师的故事,或是怎么欣赏大师的画。有一个男同学给我的印象很深刻,他把达芬奇的画模糊地总结了一下,虽然听起来有点稚气,但着实让我产生了点小佩服,课堂气氛也比较好,那是从他们理解的世界出发,比较容易带动同学。课堂气氛也比较好。我也更加注意了什么时候用什么声调,适当停顿或留个空白,会让课堂更富有节奏感。 几节课下来,我多了点体会和一些思考。 (1.)课堂就像匹野马,需要你的点点积累去慢慢驯服。 (2.)要想去感染学生,你必须要有真实的感受。 (3.)教好美术,需要一种情感,这种情感包括你对艺术不断的探索,还有对学生的一份爱心,守护学生的天性并加以引导。 (4.)把你对学生的爱融入到你对艺术的热爱。这样你的教学质量才能不断上升。 3.手工制作课。 最后的一个星期是手工制作课,主要让同学们制作和设计家具模型因为前面的许多挫折,我很早就为这个课做好准备,我努力回想我在初中时对美术课的期望,和那个时候对房子装扮的一些幻想。搜索了大量而又精美的手工制作,我也事先做好了几个范品。我也想着让音乐融进美术课堂,音乐美术本相通。有些音乐就是有种无形的力量,激发着人的情感。 在真正的课堂上,效果都不错。我把初中时的一些幻想陈述或转为提问放在导入部分。这给课堂起了个很好的展开,在展示样品时,同学们的眼睛都亮起来了,气氛达到了预期的效果。在同学们的制作过程当中,我慢慢推放原先准备好的一首节奏轻松的钢琴曲,没有人发问我为什么播放音乐,我也没故意说明。整个课堂情境,轻松流畅。师生能得到较好的交流。上完这个课以后,我发现和同学们的感情更亲切了。一部分同学的作品都不错。看着她们的作品,我仿佛回到了我的中学时代。 艺术是一种语言,艺术探索的是人类情感的奥秘。在美术教育中我深深体会到:必须注重与学生心与心的交流,尽全力、用爱心唤醒和鼓舞学生对生活的感受,讲方法、抓契机引导他们用美术语言去表现内心的情感,丰富生活、陶冶情操,促进审美能力的提高,能够身心和谐地健康成长。 二.班主任工作体会 有句话说,天下最小的主任是班主任,管的事情最多的也是班主任。真言。 虽然实习之前看了一些关于班主任工作的书籍。但是在我刚面对一班学生时,我什么方向都没有。 原来的班主任是一位比较严厉的老师,向我介绍了班里的基本情况之后,我便甚少与张老师交流。一切得靠我自己慢慢摸索。 我给自己的定位是原班主任的助手。同学们的第二个领导者。 因为一个美术绘画表演的辅导,我选择了初三3班。18个男生,28个女生。刚开始的感受是女生对于集体活动比较积极,也比较可爱,而男生相对被动些,但是给我的印象很幽默。本班级是美术专业班,学习成绩在全级看来多是中等水平。大部分同学学习积极,学习气氛良好。 面对他们,有种更深的身为人师的责任感,也有一种领导者的感觉。 因为这是一间封闭管理式的完全中学,以艺术教学为主。这就更加考验了班主任在许多细细碎碎方方面面无所不及。在这过程当中,我深深第体会到了作为老师的不容易。 在初阶段,我主要以观察为主,早读,午读,晚修时间去巡班,留意同学们的一举一动,学习状态。渐渐的,每次去的目的更明确。我也渐渐清楚了自己的任务。 多利用在宿舍的时间了解学生,交流沟通,尽早记住学生的名字,这个我完成的比较出色。作为一个班主任,一定要了解班上每一位学生,这样才能做到“因材施教”。同时,还通过批改周记、作文,中下午有空找学生聊天,课间深入班级,广泛接触学生,与学生进行心与心的交流沟通。通过以上方法,我逐步了解了班内每一个学生,为做好班级辅助管理工作做好了准备。 学校的许多活动都是在我们实习期间举行。这给了我更多的机会去与学生接触,以及锻炼我们的组织与领导能力。我本着对学生关爱,负责的态度很快获得了同学们的信任与依靠。 相处久了,渐渐发现这个班级存在的问题,相当一部分的同学学习比较散漫,有些同学存在互相猜忌的情况,而不清楚现在所处的状态。缺少一个目标。在了解了同学们的基本状态之后,我决定召开一个以“坚持,奋斗”为主题的班会。 利用网络资源寻找了一个励志短片《启动梦想.成就人生》马拉松竞赛篇。在同学们平时的体育锻炼中拍取一些积极认真的镜头,结合流行曲《最初的梦想》制作了一个视频短片。也结合了品是对同学们的学习态度,生活状态拟定了一份讲话内容。 在这次班会课上,我深刻地体会到了班主任在一个班级里的重要性。那一双双专注的眼神,投入的表情就是对我的肯定。班会课在一阵掌声中结束。心里有种满足。同时也感觉到班主任是一个班集体的中心、灵魂,引导者,平凡而伟大。在一次和张老师的深入谈话中,她向我诉说了许多班主任的艰辛,在面对自己的家庭和自己的班级时,很多时候难以抉择。而学生又很难去体谅老师的苦处。 这让我深受感动开始去深思,作为一个教育者,所具备的知识体系只是个基本条件,而更多的是你对教育的情感、态度。这一份职业带给你的生命内涵。其中的复杂,意义还需要我以后慢慢去发现,去经营。 三.工作关系体会。 实习期间,我们几个美术队员参加了三次美术科组的例会。这让我对一个科组的整体工作的运行有了初步的了解。也认识到工作中的同事关系,集体协调性的重要。 对于这方面,黄校长的一翻话,让我从容:人的整个职业生涯分四个阶段,第一个阶段创业阶段,在这个阶段里你要多干活,不怕吃亏,用事实去证明你的实力。对生活抱着积极乐观的心态。第二个阶段发展阶段,这时候你办事得讲求一种创造性,创新非常重要。最后的一个阶段就是顿悟人生了。这时候很多事情都讲求随缘…… 八个星期的体验非凡深刻。对于我来说,它就是一场洗礼。也让我有了一种对职业在生命中的意义的衡量。八个星期的收获,我想,这得在以后的生活中才能慢慢体会。 美术教师教学论文:美术教师学年教学总结 年,是我踏上工作岗位后的第五个年。 从肤浅到深刻,从幼稚到成熟,从手忙脚乱到基本胜任,年——我在工作的每一个方面都有了进步和发展。我深刻体会到,教师工作任重而道远,不仅担负着教书的职责,更承担着育人的重担。教师是学生班集体的教育者、组织者和领导者,也是学校教育工作主力军。下面我对自己几个方面的工作作点小结: 一、教育教学工作 韩愈说:师者,传道、授业、解惑也。教学工作是教师工作的重要组成部分,关系着学生心智的健康成长。本学期我担任五年级语文教学工作,能认真钻研教材,把握教材。在教学中,努力把新课标、教参与课本有机结合,以提高和培养学生发现问题、分析问题和解决问题能力为目标,重视学生的创新思维和创造能力,全面提高学生的综合语文素养。 五年级的学生已经有了很强的自我意识,要做好教学工作,首先必须充分尊重学生。全国优秀教师杨传泳老师来我校作报告时这样说道:“教师只有亲近学生,融入学生,才能发现学生的问题,找到教育的契机,从而点亮学生的心灯。”我在工作中十分重视与学生之间的情感交流和培养,在严格管理的同时能尊重学生的学习热情和认知能力,放手让学生去做,鼓励他们大胆探索和实践,共同提高。本年度,我班开展了班际包馄饨大赛、我“行”我“秀”等丰富多彩的活动,极大地培养了学生的能力,提高了学生的学习积极性。 在教学上,我在名师谈老师、陈老师以及校骨干教师沈老师的影响下,逐步形成了删繁就简、幽默朴实的教学风格,深受学生的喜爱。所带的班级,也成为了全校有名的“公开课”班。凡是学校有开课活动,或者外校老师来上课,我们班都是“点击率”最高的班级。作为学校的骨干教师,一年来,我在学校开设公开课6次,送教到民工学校1次,力争先在课堂上让自己成长起来。 二、教育科研工作 “问渠哪得清如许?为有源头活水来。”我们的学校无疑也是一个清凌凌的方塘,怎样让这方塘之水清澈可人?其源头活水自然是教育科研。当然,教科研是一项系统的、复杂的创新工作,需要热情、兴趣和关注,更需要充足的时间和执着的毅力。 苏州大学朱永新教授为了鼓励教师写教育随笔,在网上开办了“教育成功保险公司”,即教师如果坚持每天写教育随笔1000字,坚持十年写成3650篇,字数达365万字,如果不成为教育家的话,教师十年前如投保一万,他愿赔付100万。我没有去朱老师那里投保,但工作五年来,我对教科研却是情有独钟。 10年,市教育局在全市范围推开了“师生共读整本书”的课题研究工作,要求各校选派2名教师参加实验研究,我荣幸地成为了其中的一员。其实,在这个活动推开之前,由于我对学生课外阅读的重视,我班早已形成了浓厚的阅读氛围。参加实验,在多次的培训学习后,我在指导学生课外阅读上有了的方法,也取得了一些显著的成绩。我班本学期人均读书量20册,开展读书交流研讨会2次,学生习作在市级以上报刊杂志上发表28篇次。我主持的吴江市年度课题《开展新教育实验改善小学生读写生活》,获得课题研究成果一等奖,撰写的13篇论文、随笔得到发表。此外,我还评到了“吴江市教科能手”,这是我在教育科研路上的一个新的里程碑。 三、团支部工作及其他 作为语文组的团支部书记和学校的团总支副书记,我能认真做好本职工作,开展多种多样的活动,丰富团员教师的生活。3月份,100多名团员教师去无锡参加了班主任培训,欣赏了鼋头渚的秀丽风光;4月份,我们在团员教师中开展了以“爱心、责任、成长”为主题的教育叙事征文比赛;5月份开展“激扬青春”的演讲比赛…… 《青春教坛》是团总支自己的刊物,主要刊发团员教师的教育随笔,心情杂感,是广大团员教师交流、学习的重要平台。双月刊的杂志,现在已经出到了18期,它以精美的文章、匠心的设计赢得了镇团委领导的高度赞扬。 同时,本学期,我还担任了《吴江绸都》报的教育版面工作。能在工作之余,积极写作学校新闻,遴选出优秀的教师文章,将好新闻,好文章推荐给该报,为宣传学校、教师成长献出了自己的一份力。 美术教师教学论文:美术教师学期教学工作报告 一、教学计划贯彻情况 教学中认真遵照教学大纲要求,认真贯彻党的教育方针,坚持思想教育和技能教育,大力推广素质教育,按时按质地完成了本期的教育教学工作。 二、教学情况: 1、老师们能按照学校工作管理规定,认真备好课,写好教案,努力上好每一节课。美术科学校安排的课时比较少(一周每班一节)这对于学生来讲的很重要的一节课;对老师来讲是比较难上的一节课。所以才能上好每节课对老师对学生都是很关键的。除了备好课、写好教案外,我还要查阅各种资料,能上因特网时还上网寻找好的教学材料,教学课件,把它们和我所从事的工作结合起来,为我所用。 2、在美术课教学中有的放矢,有重点有难点,注意美术课内容的调整,教学中注意体现民族特点和乡土文化,充分发扬我国民族、民间优秀的艺术传统,增强学生的民族自豪感。美术教学中体现时代精神,适应社会发展的趋势。充分利用当地的美术资源,丰富美术教学的内容。美术教学中注意适合学生的心理和生理特点,注意循序渐进和趣昧性。贯彻理论联系实际的原则,教学内容的选择注意到联系学生生活的实际,要按10--20%的课时比例补充乡土内容,以反映当地社会与经济发展的实际。通过美术教学,培养学生对美术的兴趣与爱好;学习美术的基础知识和基本技能,培养学生健康的审美情趣、初步的审美能力和良好的品德情操;提高学生的观察能力,想像能力、形象思维能力和创造能力。 3、在教学之余,教师们也注重自身发展进步。除了听课,评课,参加教研组教研活动外,教师还注意到要自学。从思想上,利用行评机会端正自己;从行动上参加继续教育学知识,学电脑技术,学教学技能等;在生活上注意形象,为人师表。作为教师教学工作是主要的,但除了教学工作外,我也积极参加学校组织其它活动如:政治理论学习,课改教研等等。 4、除了认真完成正常的教学工作以外,老师们还开展了美术兴趣课的教学工作.课外兴趣辅导等。并有多人次在各级各类比赛中获奖。 美术教师教学论文:美术教师教学方法改革交流 一、教学计划贯彻情况 教学中认真遵照教学大纲要求,认真贯彻党的教育方针,坚持思想教育和技能教育,大力推广素质教育,按时按质地完成了本期的教育教学工作。 二、教学情况: 1、老师们能按照学校工作管理规定,认真备好课,写好教案,努力上好每一节课。美术科学校安排的课时比较少(一周每班一节)这对于学生来讲的很重要的一节课;对老师来讲是比较难上的一节课。所以才能上好每节课对老师对学生都是很关键的。除了备好课、写好教案外,我还要查阅各种资料,能上因特网时还上网寻找好的教学材料,教学课件,把它们和我所从事的工作结合起来,为我所用。 2、在美术课教学中有的放矢,有重点有难点,注意美术课内容的调整,教学中注意体现民族特点和乡土文化,充分发扬我国民族、民间优秀的艺术传统,增强学生的民族自豪感。美术教学中体现。 三、经验和教训 1.教师要认真贯彻本教学大纲的精神,处理好思想品德教育、审美教育、能力培养和双基训练的关系。在传授双基、培养能力过程中,加强思想品德教育。要充分发挥美术教学情感陶冶的功能,努力培养学生健康的审美情趣,提高中生的审美能力。 2.要贯彻启发式原则,采取多种教学形式,充分调动学生的学习积极性,使他们生动活泼地学习,大胆地进行艺术表现和创造。 3.教师应加强示范,并充分利用展示图片、美术作品及放映幻灯、影片、录像片等教学手段和现代教育技术进行直观教学。 4.要关心美术教学的改革和发展,积极进行教学改革实验,努力提高教学质量。 5.学业考核以平时成绩为主,考核可采取多种方式。 6、对学生美术学习的评价要尽可能做到态度习惯养成和知识能力发展并重,做好教学工作计划,并鼓励大胆创进和个性发挥,即着眼于实际成绩,更注重未来发展。 7、美术教学要尽量注意学科间的联系。如在讲到点、线、面等概念时,可联系数学中的相关概念来解释。 四、经验和教训 1.教师要认真贯彻本教学大纲的精神,处理好思想品德教育、审美教育、能力培养和双基训练的关系。在传授双基、培养能力过程中,加强思想品德教育。要充分发挥美术教学情感陶冶的功能,努力培养学生健康的审美情趣,提高中生的审美能力。 2.要贯彻启发式原则,采取多种教学形式,充分调动学生的学习积极性,使他们生动活泼地学习,大胆地进行艺术表现和创造。 3.教师应加强示范,并充分利用展示图片、美术作品及放映幻灯、影片、录像片等教学手段和现代教育技术进行直观教学。 4.要关心美术教学的改革和发展,积极进行教学改革实验,努力提高教学质量。 5.学业考核以平时成绩为主,考核可采取多种方式。 6、对学生美术学习的评价要尽可能做到态度习惯养成和知识能力发展并重,做好教学工作计划,并鼓励大胆创进和个性发挥,即着眼于实际成绩,更注重未来发展。 7、美术教学要尽量注意学科间的联系。如在讲到点、线、面等概念时,可联系数学中的相关概念来解释。
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动漫设计教学改革研究:关于中职动漫设计专业色彩教学改革的探讨 摘 要:设计色彩是艺术基础训练教学的重要环节,也是艺术设计专业的必修课程。它不但是一门科学,同时也是一门实用美术。色彩教学改革对于中职动漫专业基础课程而言,是培养专业课程中色彩教学课程体系的必备能力建立的基础,由于动漫学生的技能水平、知识构架都是动漫课程及其教学结果直接的影响而决定的,所以对于专业色彩教学的改革中点应该放在教学上。本文主要对中职学校动漫设计专业色彩教学改革进行探讨。 关键词:色彩搭配;空间构想;能力培养;教学;改革 现代视觉传达艺术中,“色彩构成”是其基础理论之一。近些年的设计教育发展,基本确立了由色彩构成、平面构成和立体构成三大构成组成的视觉相关专业和设计专业类的基础学习科目。动漫专业作为我国近年来成立的新兴艺术专业,中职阶段的课程教学中针对色彩教学体系的构建还是处于摸索时期,建立与中职动漫专业相适宜的色彩教学体系,是施行中职动漫专业色彩教学改革的关键所在。笔者对自己所在的中职院校自开设动漫设计与制作专业以来的课程设计进行分析,可以得到以下总结。动漫专业课程设置根据其色彩基础教学的要求主要表现为:色彩空间认知能力、动态把握能力、色彩表现能力、色彩心理掌握能力以及空间环境的理解表现能力。因此在课程设置上的培养构建主要以色彩教学为基础,再依据专业性质的不同做一些细微的调整。 1 当下中职动漫设计专业的色彩教学构成上存在的问题 1、专业特色的色彩构成教学制度的薄弱和教材选择的不当。由于中职所开设的动漫设计专业,主要模式构建是仿照本科学院而进行的,因此,相对应的课程安排、理论教学设置和相关实践教学的分配比例上都与本科院校相差无几。至于课程教材,也是与本科院校的内容完全一样。而中职教育的人才培养目标和方向都与本科院校毫无关系,因此在动漫学科的教学方面,若中职院校沿用本科院校的教学模式,将会使得专业所教授的学识概念变得晦涩且难以理解,不能进一步对教学效率有所提升。所以在教学选材和教学模式施行方面,中职院校应该突出职业教育的优点和特色。 2、专业定向不够明确,没有充分体现出中职院校的培养特点。随着中国经济的快速发展和日益庞大的市场需求,动漫专业在我国各中职院校的开展越来越广泛,同时社会对动漫专业的发展也越来越受到重视。中职教育的初衷就设定为为社会需求而培养相关技术人才,所以在当下抓住动漫设计专业的给予是十分恰当的选择。但是,笔者所了解到的中职动漫教学,大多数的院校在专业教学方面没有树立明确的教学目标,致使教学效率不高。因此,各个中职院校应该对动漫专业进行较为全面的调研和教学模式探讨,从而摆脱当下教学的投机性和盲目性。由于该专业的开设时间较短,而且在教学经验上又无从借鉴,所以现在的中职动漫专业的课程设计都是仿照于高职院校的教学模式而进行的。也就是说,中职院校的动漫专业教学就是本科院校专业教学的“缩影”。因此在课程设计方面存在有结构安排不够合理,理论课程过多而实践课程过少以及课时安排不足等突出问题。 3、课时安排以及教学内容的针对性不强及与后续课程衔接的缺乏。由于中职院校对动漫专业教学经验的匮乏,从而导致盲目地将本科院校的教学模式加以利用。如此一来,中职院校对动漫专业的方向就没有有明确的针对性,例如比较于剧本编导、动画角色设计以及游戏场景设计等多个动漫专业的学习来说,侧重点都有所不同。因此中职院校在该专业课程的内容安排和教学针对性方面要加以完善。 2 中职动漫专业色彩构建教学体系改革的相关思考 1、色彩构建基础比重的适当增加 锻炼色彩创造能力的有效方法主要分为两种,1.色彩构建的色彩调和(简称为色彩调和);2.色彩对比练习。其中,色彩调和练习是色彩理论教学中十分重要的基本训练,其形成过程经过了多年的教学实践和综合,并且在空间装饰上的应用十分频繁;色彩对比练习则使得学生对色彩把握的准确程度有所提升并锻炼其色彩创造能力的有效训练。所以,笔者认为应该在色彩课程教学体系中提高上述两种练习的实践课时比例,从而使学生的色彩创造能力有所提升。 2、重点突出动漫色彩构建课程的特征 所谓色彩构建指的是对具备一定形状、位置固定关系以及面积大小的不同色彩之间进行搭配,从而摸索出色彩和色彩之间和谐并具有美感的构建规律,提高学习者对色彩的敏感程度,可以说是对学生色彩思维方式的培养。所以在课程中,除了对色彩知识有所教授以外,还应该提高对后续学科延展性的重视。强化感知是一个较为漫长的训练过程,同时也是色彩构建的基础,教师群体应该对该课程的教学投入大量的时间和精力从而使教学本质得以提升。 一个适合动漫专业的色彩教学体系的建立,首先要将色彩教学所占的课程比例进行提高,从而使得学生的色彩基础训练力度得以强化。笔者对现行的教学体制所了解到资料显示,对于色彩训练课程的安排设置一般为一个学期,课时总量在60左右。按照这样的课程安排,完全不能满足动漫专业的基础训练要求,更别说能使学生对色彩的表现能力、创造能力、协调能力以及动态把握能力得到较为全面的训练。动漫专业的教学离不开对色彩基础的强化训练,只有在课时方面的比例进行提高,使得色彩运用训练时间有所满足才能保证对学生的色彩表现能力及创造能力有综合性的提高。 3、对学生与学科专业之间的相关能力进行重点培养 基于中职动漫专业的课程教学模式是仿照本科院校教学,从而在色彩教学这部分还不能够与中职教学进行匹配完全,虽然在某一程度上,本科院校的设计类课程教学模式能够适用于中职动漫专业的色彩能力锻炼,但是要想在这方面获取更好的教学效果,则要对教学模式做相应的一些调整。动漫专业中所设计到的室内设计方面主要侧重于空间色彩认知和色彩搭配两个方面,因此,课程教学的方向应该有所明确。尽量在教学课堂上多安排“色彩调和”的训练内容,使学生在严谨的色彩构建训练中以比较直观的方式理解到色彩调配的作用,有利于他们今后的专业技能学习。 4、色彩课程设置中要具备明确的侧重点 从以上对动漫专业课程设置的描述中不难看出,色彩调和能力、色彩表现能力、相关色彩心理的把握和创造能力以及空间色彩的理解、协调能力是该专业对于色彩基础的要求配备。所以,中职动漫专业的色彩课程教学应该以上述能力培养为侧重点,对教学体系和课程内容进行适当的调整和安排,从而在边教学边实践边摸索的过程中逐步构建出一个适和中职动漫专业所匹配的色彩课程教学体系。 3 总结 综上所述,中职动漫专业的色彩教学体系,应该具备满足色彩能力训练要求的课时、严谨规范的色彩课程教学内容以及适宜动漫课程需求而进行的教学改革等等,在探究实践中创立专业课程需求能力为培养目标的色彩教学体系。充分利用“三大块”课程教学分布的作用,使得学生的色彩调和能力、色彩表现能力、相关色彩心理的把握和创造能力以及空间色彩的理解、协调能力有所提升,为后续课程的学习打下良好的色彩基础。 动漫设计教学改革研究:高职动漫设计与制作专业教学改革研究 摘 要 动漫产业被视为21世纪创意经济中最具发展潜力的朝阳产业。在高职教育中,作为一个较新的艺术设计专业方向――动漫设计与制作专业,走出一条既符合高职教育要求又符合市场人才需求的发展道路已是当务之急。本文从学生四大能力的培养、课程设置的渐进性和方向性和教学模式的创新三个方面,着手研究和制定高职动漫设计与制作专业教学改革方案。 关键词 高职 动漫 教学改革 动漫的创造者是日本漫画界的小林光一郎,他首创“使画面在平面上展现动态效果”的技术,将“动态漫画”的概念与数码合成技术、高科技光学材料结合,在四维空间技术所产生的快感中,融入生活细节和运动魅力。所以动漫设计师是将职业和爱好完美结合,一个间杂了音乐、美术、雕塑、文学、摄影、计算机的职业,也是最具创意的职业。可以说,一个好的动漫设计师绝对是一个艺术的全才。综上所述,各大高校要培养出合格的动漫人才,是非常具有难度和挑战性的。 高等职业教育是指培养具有某种职业或生产劳动所需要的专业知识、技能并获得国家承认学历的毕业证书的高等教育。高等职业教育具有针对性强、企业认知度高、紧跟市场需求、培养目标明确等特点。要走出一套既符合高职教育要求又符合市场人才需求的路,是我们高职教育人需要思考、探索和实施的。 根据目前普遍高职院校的人才培养方案,动漫设计与制作专业的培养目标是培养德、智、体全面发展,具有扎实的动漫设计与制作理论基础知识和实践技能,能胜任动画设计与制作的专门技术人才。毕业生应能熟练掌握动漫设计与制作的知识和技能,熟悉动漫产业技术行业标准;成为既具有较强的动漫设计和绘制、计算机动画设计、计算机图形图像处理、计算机二维与三维动画制作及影视后期制作能力,又具有一定的艺术表现能力的技术技能型人才。这些方案针对性强,紧跟市场要求、培养目标明确。但是如何在实际的培养过程中通过课程和各种培养手段去体现,是各大高职院需要不断研究和改进的。 时代的发展是迅速的,动漫专业是在紧跟时代的步伐而前行的。我们的教育不能固步自封,要随时代的变迁而改进。针对高职院校的现有特点,“动漫设计与制作”专业学生的培养方案,需要从下面三个方面去研究和制定: 1 学生四大能力的培养 1.1 绘画和造型能力 绘画没有好与坏的绝对标准,但是有水平高低之分。学习“艺术”的人才必须具有基本的绘画功底和能力。动漫设计人员从事的是“动“的设计,它需要从基本的人的“动”去着手。绘画人物是绘画中高的阶段,所以在学生绘画能力的培养中要着重于准确的造型能力的培养。包括人物的面部绘制的“三庭五眼”,身体绘制的“八个头”比例关系等等,从这些常规的准确的造型中发展到创造性的角色形态变形进而达到角色设计的最终目的。所以高职教育中的“动漫设计与制作”专业第一步需要培养的就是学生更加准确的绘画和造型能力,这些需要从科学的教学方法入手,必要时需要引入人体解剖学的学习和实践学习。 1.2 动画软件制作能力 社会的发展与时俱进,动漫设计与制作的最终目的是要把动的画面呈现给消费群体,如果有必要最终达到“产业化”的目的。 “动漫”如何呈现?以什么样的形式呈现?成为市场需求要考虑的一个重要部分。不管是二维的平面动画,还是三维的立体动画,还是后期的影视动画,无纸化作业已经成为市场主流。所谓“无纸化”设计指的是利用计算机这种现代化媒介,实现不用纸张和笔进行各种设计的过程。所以动画软件课的开设和学习成为了高职教学的一个重要部分,也成为了学生能力培养的一个重点。 二维平面动画需要学习的主流软件包括:Photoshop、Flash、Paint。 三维动画需要学习的主流软件包括:Photoshop、Paint、3Dsmax、MAYA。 后期影视动画需要学习的主流软件包括:Photoshop、Paint、AfterEffect、Premiere。 从上面动漫设计与制作需要的主流软件列举的情况来看,要学习的软件就有六款。高职院校应该从解决专业机房的基础点着手,从各个软件难易程度和相互联系出发,安排专业软件课的开设时间前后进而实现关联性的学习。 动画软件制作能力的培养,不仅是技术能力的培养,也是设计能力和工作能力的培养。人们都说“知识是相通的”,其实动画软件也是相通的。这个“通”包括很多快捷键的运用,还包括制作流程、制作方法等等。一门软件学习好了,学习其它的软件时就会事半功倍。 1.3 行业创新能力 动漫行业的发展与时俱进,高职院校要培养动漫人才必须培养其创新能力。这种创新能力从设计基础来说,需要从角色造型创新、角色品牌创新、角色产业化创新三个方面着手,并且将三者有机结合起来,相互影响相互推进。 从动漫涵盖的范围来说,需要从美术、文学、音乐、雕塑、摄影和计算机等方面进行综合培养和熏陶。 所以动漫行业的多样性决定了从业人员的多样性,他们必须要有创新能力。高职院校需要从多个方面各个角度去培养动漫设计与制作专业学生的创新能力。 1.4 广阔的知识面和丰富的思维模式 商业动画片的创作者需要培养的素质能力包括:(1)广泛的阅读文学作品;(2)欣赏各种风格的绘画、摄影、雕塑作品;(3)观摩大量电影、动画片;(4)学习心理学。 艺术动画片创作者需要培养的素质能力包括:需要多方面的艺术修养,绘画、音乐、戏剧、文学、建筑、雕塑、宗教、风格、政治、经济、哲学、科学等各种背景的思维模式,以及独特、丰富的生活历练。 2 课程设定的渐进性和方向性 高职院校的动漫设计与制作专业的课程设定必须按照循序渐进的方式,按照先基础后专业再拓展和实践的环节,进行推进教学。 2.1 职业基础课的设定 根据本专业基础课重绘画,重造型,宽了解等特点,需开设动画设计素描和色彩、动画人体结构素描和速写、动画设计概论、动画设计构成基础等课程,从动漫基础绘画到专业绘画,进而进入到动画设计思维的了解和学习。 2.2 职业技能课的设定 动漫设计与制作专业的职业技能课需要从“二维动画”、“三维动画”、“影视动画”三个主流方向着手去开设相关课程,并且同时遵循先易后难、先基础后专业的循序渐进的方式开设,包括:“二维动画” 、原画(动画角色造型)、动画中间画、动画剧本创作基础、动画场景设计、动画设计平面软件制作(photoshop CorelDraw)、Flash动画制作;“三维动画”中三维角色动画(MAYA)、3D动画基础、3D角色动画创意与设计;“影视动画”中动画影视剪辑(短片创意与设计)、动画影视后期特效创意与设计。 每门课程都专门针对动画的不同方向专门开设。 2.3 职业拓展课的设定 动漫设计与制作专业是一门多样性的专业,它包括的门类很广泛,职业拓展课程应作为职业技能课的补充,以市场需要为导向的目标去开设,包括:动画视听语言、动画摄影艺术表现、网页设计与制作、商业插画绘制。它们既为职业技能课作了良好的补充,又能有针对性地发展学生的独特技能。 2.4 实践环节的设定 实践环节是高职教育非常重要的一个部分,为“学有所用”奠定了基础和发展方向。就动漫设计与制作专业方向开设的实践课程包括:3D角色动画创意与设计实习、影视动画专项实习、专业写生实习和求职面试技巧实训。这些课程的设置为职业技能课的学习进行了检验的同时,也帮助学生把所学习的内容进行了一个纵向的贯穿,利于学生走向社会后能更好地胜任相应的工作。 3 教学模式的创新 3.1 项目引进式教学 高职教育的动漫设计与制作专业必须与动画公司、游戏公司、各级电视台动漫与游戏制作公司等企业高度融合,以动漫设计与制作、动漫插画绘制、三维动画设计和多媒体制作等岗位技能要求为重点,以真实工作任务为载体,形成课堂教学与项目实训结合的人才培养模式。 在课程体系的构建上突出职业特色,根据专业培养目标构建专业课程体系,按照“突出岗位(群)职业能力需求并适于教学执行”理念,以“项目驱动”的方法将传统的专门化课程进行分解与整合,构建了更具高职特色的全新课程体系。 3.2 顶岗实习 顶岗实习是高职教育中非常重要的环节,它是课堂教育过渡到社会工作的一个中间轴,起到承上启下的作用。 学生必须根据自己的专业选择顶岗实习的单位,并且按照岗位的要求努力工作,把课堂上学习的知识综合运用到实践操作中。遇到问题可以和同事和老师沟通共同解决。学生在顶岗实习期间要做好实习周志的写作和总结,积极努力地和学校老师联系,报告近况,做到与社会和学校都不脱节。 3.3 项目比赛 指导学生参加各项比赛,也是教学环节中非常重要的部分。比赛不仅可以检验学生学习的程度,还可以激发学生的学习兴趣,甚至可以检验学习的内容和设计的成品在社会中的实用价值。 学校各艺术专业应该根据社会发展现状,记录一些长期可以参加和协作的比赛,也可以机动地参加一些特殊的设计比赛。让比赛成为教学环节中的一个有机组成部分,把比赛内容纳入到教学环节中,既可以增强教学的互动性,也可以增加老师对新知识的摄入和传播。 高职动漫设计与制作专业是一个新型的快速发展的专业门类,教育工作者们要顺应时代潮流,找准方向和方法,才能培养出符合社会需求的动漫设计与制作人才。 动漫设计教学改革研究:高等职业教育动漫设计专业教学改革探索 【摘 要】随着现代工业与经济的发展,社会对艺术设计类动漫专业人才需求量增大,各高校也开始对艺术设计类动漫专业进行组建扩招。由此产生招进来的学生水平参差不齐,对本专业的认识不够等问题,笔者根据自己多年的研究和工作经验,主要探讨了高等职业教育艺术设计动漫专业教学存在的问题及高等职业教育艺术设计动漫专业教学改革的的建议。希望对相关领域的研究具有一定的作用。 【关键词】高等职业教育;动漫专业;教学;探索 一、前言 动漫设计专业是随经济发展而产生的一个新型专业,同时国家大力扶持动漫产业。但由于入学学生水平参差不齐,对本专业的就业认识不足,及人才培养方案的一些偏差。使得动漫设计专业教学存在着很多问题。如何解决这些存在的问题,是高等职业教育动漫专业教学面临的一大挑战。因此,笔者就在这个方面进行了一些探讨,希望能够促进高校动漫专业人才培养的新发展。 二、高等职业教育动漫专业教学存在的问题 现阶段动漫专业的教学还是沿用十九世纪时期俄罗斯的美术教育思想,从我国现在的基础美术教学到专业美院,都是十九世纪的产物。这就出现了一些问题。 根据对动漫专业学生培养的职业教育的发展和职业教育是以培养应用型人才的目标,似乎全国所有高职院校都在进行着轰轰烈烈的教学改革。到底改掉些什么,革掉些什么最为合适,大家也都在讨论,实践,验证。 我们艺术设计分院对动漫专业也积极响应学院教学改革的号召。请了些校外的用人单位进行咨询 双师型教师探讨 企业走访调查等,对教学进行了大刀阔斧的改革,可以说现已取得初步良好的效果,但也存在一些问题。例如之前的动漫设计专业的造型基础课的“设计素描”后来改成“动漫造型”,但教材依然是〈〈设计素描〉〉,教学内容依旧是设计素描的内容。和其他专业的设计素描教学没有什么两样。这种换汤不换药,不得不引起我们的反思。 我一直以来担任着动漫设计的基础教学工作。关于艺术设计动漫设计的教学改革有着相应的体验,我们传统的教育模式是基础到专业,从理论到实践,几乎是所有学科教学必须遵循的原则。艺术设计教学也不例外。因此,我们从课程设置到教学安排,无不遵从这一原则而按部就班地进行。然而,暑假在昆明一些公司走访调查期间,我发现一个特殊的人。一个高中没有毕业从未经过高等学府“正规训练”的竟然是设计总监,他既没有接受过系统的基础学习,诸如素描、色彩、构成等,也没有多少艺术设计理论指导他们的实践,他只是在“做中学”,“学中做”,即走实践在先这样一条路。 据我的了解,从我国目前绝大多数学校的教学计划、课程安排,课程的设置几乎都是一个模式:先基础后专业。把3年的学习分成“三大块”即以素描,色彩、构成为主的基础块以及设计软件教学、电脑辅助设计等适用于不同专业需要的专业基础块和专业块。大多数学校说改革也只是压缩了美术基础课,加了些软件课,或者就是把课程的名字换了和专业的名字更接近些。在教学时间安排上,新生入学的第一年为基础年,“高楼万丈平地起”、“基础好,专业才会好”,因此学生不敢怠慢。第二年为专业基础年,“循序渐进”,基础向专业“平稳过渡”,但感觉“不疼不痒”,仍不知自己专业为何物。到了第三年才是专业年,学生从大学三年级才开始真正接触到专业,而第三年的第二学期学生面临毕业实习、毕业设计和就业问题,真正学专业的时间只有半年,而且今年07级出现了一个这样的现象,大三一开学就有学生申请“半工半读”,那他们是不是学的很好了,可以工作了?据我了解07级动漫设计与制作专业的马同学也选择了“半工半读”,工作是移动3G业务的推销员。也就是她的专业课就没有学或者只学了一个多月。这显然是不够的。其结果是学生到社会上觉得自己竟然是那么没用,感觉十分心虚或恐慌,觉得过去在学校里学的是些无关痛痒的课程,过去对基础的学习与理解上也有一定的误区,有―种“上当”的感觉,“悔不当初早些接触专业,参与实践”。这样的毕业生给用人单位的印象是既不能,也不专,无奈之下,由用人单位“回炉再炼”,或者是“转业”。于是用人单位大发感慨:“我们公司培养一个设计人员只要3~4个月时间便可搞掂,而大学用3~4年还搞不定。”当然,此话有失偏颇,但是作为高等职业技术教育,如果仍是按照传统的教学模式,目无市场和社会,铁板一块,四平八稳地按照所谓的教学规律去闭门教学,那么最终的失败或者说没有达到职业教育的培养目标是必然的。 三、高等职业教育动漫设计专业教学改革措施 (一)在人才培养方案上进行调整。在人才培养方案上先上专业课再上基础课第一年先把动漫设计专业需要掌握的基本技能学会。入学就开始实习让学生先了解本专业是做什么的,要怎么做,要掌握些什么样的技能,让学生心里有个底,也有一个奋斗目标,不是那么太茫然。第二年学艺术修养及动漫设计综合训练,在做中学,在学中做,学生才能有更多体会。 (二)要引进竞争机制,注重引入年轻专业对口与在企业一线的动漫设计人才,为高等职业教育动漫设计专业注入新鲜的血液。这样就可以使动漫设计的教学具有活力,开拓动漫设计教学的新思维,增加新观点。把更多的动漫设计教学新观念引入高等职业院校。这样就能使高等职业教育动漫设计专业教学避免认识上的误差。 (三)建立学院自己的动漫设计工作室,引进校企合作单位。让学生更早更好的接触了解动漫设计,同时也能更方便更直接的进行实际操作,而不是纸上谈兵。 四、结束语 动漫是一个新兴的产业,动漫设计专业在学院开设的时间较短,面临着许多问题需要探索,还有很多问题需要解决。同时因为是新兴产业,也有很多机遇可供探索的路子也比较多。只要很好的抓住机遇,解决存在的问题。就能使动漫专业取得更快更好的发展。 动漫设计教学改革研究:高职院校“动漫设计”课程的教学改革 摘 要:随着国内动漫产业的飞速发展,市场对动漫人才需求的逐步增加,许多高职院校开设了动漫设计专业。动漫设计专业作为新兴的专业,目前还存在着许多问题,通过改进课程的教学方法,培养出适合市场需求的专业型人才。 关 键 词:动漫设计;高职教育;教学改革 随着国内动漫产业的飞速发展,市场对动漫设计人才需求在逐步增加。2008年文化部《关于扶持我国动漫产业发展的若干意见》,提出“提高人才培养水平,促进动漫人才职业化,从高等教育、职业教育、继续教育、基础教育等不同层次全面推进动漫人才培养。以职业院校为依托,大力推进动漫人才职业教育”的要求。在此背景下,动漫设计专业也由1999年的两所院校开设的相应专业到现在的动漫设计专业比比皆是。为了符合市场需求规律,高职院校在动漫设计专业建设过程中,引进先进的教学理念,改进课程的教学方法,培养出适合市场需求的专业型人才。 一、高职院校动漫教育存在的问题 1.高职人才培养目标定位不清 近年来,市场对动漫设计人才需求在逐步增加,而高职动漫设计专业毕业生就业情况并不理想。究其原因,还是高职院校动漫人才培养目标含糊、定位不清所致。高职教育主要培养的是市场需要的技术应用型人才,高职动漫设计专业的性质决定了它要为社会培养专门的动漫技术工作者及相关设计人员,实践与操作能力强是它的主要特性[1]。然而,大多数高职院校在招生时为了扩大和吸引生源,忽视了本身学生素质低和个人潜能弱、课时少以及师资力量不足等客观因素,对本科教育模式进行盲目效仿,将人才培养目标订得过高,培养出来的高职学生在就业时,普遍存在“学不精,做不了”的现象,实践与操作能力并不强,职业教育实用性、技能性和职业性的特色与优势也没有得以体现,使人才培养目标与培养结果南辕北辙。 2.动漫设计课程设置不合理 高职院校动漫设计专业基础理论课的课时安排较少,对动漫设计原理性的知识(如动画造型、原画、动画场景设计、动画剧本写作、分镜头台本设计等)只是泛泛而谈,学生的基础理论知识不强,只会对动漫设计的相关软件进行操作,对动漫作品只会按部就班地模仿,而无创新精神。这也使很多学生就业时,很难达到就业单位对专业技能应用能力要求。 3.实践教学效果不明显 大部分的高职院校动漫设计专业实践教学体系尚未完善,高职动漫设计教育必须加强实践性教学,强化职业所需实践能力的培养,使我们的教学内容、教学方法、教学手段与社会的需求和技术的发展同步,突出教、学、做的有机结合[2]。然而,我们实践性教学效果并没有达到高职人才培养的目标,许多高职院校并没有做到真正的“校企合作”,并没有与动漫相关产业的公司建立合作项目,没有相应的校外实习基地,学生的企业实习并不是从事动漫设计专业,使教学与实践没有有机结合到一起。 4.学生缺乏创新精神 目前,很多高职院校过分强调实践技能培养,不注重学生创新精神的培养。学生在动漫公司实习时,只会机械性地模仿和套用,没有想象力,缺乏原创力和原创精神,并不能很好的胜任相关工作,使学生在动漫公司的就业情况并不理想。创新人才培养,创新模式教学理念是高职教育发展的必由之路。 二、高职院校动漫设计改革措施 动漫设计课程是一门实践性很强的课程,为了加强教学的效果,使学生很好的就业,就必须采用好的教学方法,加强动漫设计的实践训练。 1.实习实训基地建设 高职院校可以与企业共同建设动漫专业培训实践基地,使高职学生在毕业前,参加一段时间的企业顶岗实习,不仅将实训基地看成是教学实践场所,用来提高学生的实际动手能力,还可以是学生参加工作前提前进行企业生产实践的平台,同时也为企业提供一个现有人才选拔和招聘的平台,使学生真正能够实现“毕业、上岗零过渡”。解决了高职学生毕业后,需要再培训,才能上岗的现象。 2.合理制定人才培养方案 高职院校应结合自身办学能力和教学特色,从动漫行业发展、企业人才需求以及学生个人素质三个方面合理制定符合高职特点的人才培养方案。盲目效仿本科教育模式,将人才培养目标订得过高,培养出“学不精,做不了”的高职毕业生,将难以就业。只有制定出符合市场需要的人才培养方案,培养出具备实用性、技能性和职业性特点的人才,才有较强的就业竞争力。 3.师资队伍的培养 加强高职动漫设计师资队伍建设,是动漫人才培养的根本保障。高职院校可以聘请一定数量的企业工程师兼课,通过制定相应专业教师岗位考核标准,完善教师聘用制度,加强学校与企业进行师资的交流与合作,建立一支强大的动漫设计“双师型”师资队伍。专职教师要定期到企业参加操作实践,外聘教师则要定期到学校参加教学工作,努力发挥专职和外聘教师各自的优点,着重发展师资队伍的自主设计与开发能力,教师设计、制作动漫产品,再将成型的产品应用到整个教学体系中,每门课程环环相扣,从上专业课开始就进入动画制作流程中,专业课采用“工学结合”的人才培养模式对专业教师提出了更高的要求[3]。 三、结束语 我国高职动漫设计专业起步较晚,动漫设计专业的人才培养模式和实践教学还处在摸索阶段,如何能科学定位与正确导向人才培养目标,合理设置专业优秀课程,在动漫的教学过程中找到更好的教学方法和改进实践教学环节,使高职院校动漫教学体系更加完善,能更好地为社会为行业培养出一专多能的动漫技能人才,是高职院校动漫专业需要探索的课题,也需要我们所有的高职教师在教学中不断总结和思考[4]。
水墨元素在现代广告设计中的运用:浅谈中国水墨艺术在现代广告设计的运用 摘要 水墨艺术与广告设计,因其创作目的不同,在创作手法、创作要求和内容上必然存在差异,然而广告设计的第一诉求是引人注目,只有关注的人多了,才能有广而告之的效果。因此广告设计要体现美感,这就与水墨艺术的追求相一致。从这个共同点出发,笔者以为水墨艺术可以在广告设计中找到用武之地。 关键词 水墨传统文化广告设计构图色彩 广告设计由于其目的是要把商品和服务推向市场,其侧重点在于介绍产品的特点或者优势,设计是以市场为依据,市场变则设计变。因此其在设计上会更多的体现商业化特征,从而对设计的美感会有所忽略。而对审美有着极致追求的水墨艺术,则是一种纯粹的艺术形式,创作者是要通过作品来表现和传达自己的审美感受和审美理想,欣赏者则是透过水墨作品来获得视觉上的美感冲击,以满足自己的审美需求,水墨艺术的美感与简洁无疑会给广告设计带来新的灵感和气象。 中国的水墨艺术,具有悠久的历史,是中国绘画艺术形式的独特代表,是中国人文精神中最具代表性的文化遗产之一。水墨艺术的发展和中国文化的发展一样,脉络清晰,是目前世界上少数具有独特传统意识的画种。传统水墨画的画风与中国人的传统信念息息相关,水墨之间既能渲染出道的清静无为,佛的禅机与顿悟,也能使儒风的浩然正气跃然纸上,无处不彰显着中华民族的精神和追求。 中国的广告设计意欲在国际领域独领风骚,广告设计的民族特色不可或缺。如何创造出既具民族风情亦不乏时代感的设计,就显得尤为重要。笔者以为把中国传统绘画之精华的水墨艺术元素融入到现代广告设计中,既能提升广告设计的艺术感染力又能彰显审美之意味,水墨艺术中的传统文化底蕴和构图及色彩的运用都将会在现代广告设计中有所作为。 一、水墨艺术中的传统文化底蕴益于广告设计的个性化需求 当代中国设计存在的一大问题是设计理念深受西方设计思想的影响。因为我国当代设计来源于西方现代艺术,中国设计自产生之时一直带有向外国设计借鉴的痕迹,设计作品中带有浓郁的西化色彩。虽然近年来,中国现代设计开始倡导本土化、民族化的设计理念,但是主体设计潮流仍然是以西方的设计旋律为主。鉴于此,现代中国设计应该从深厚的中华传统文化艺术中汲取丰富的设计元素,向着本土化、民族化、个性化的方向上发展。只有注重运用中国传统艺术元素的精神和根本,重新体味、感受和理解传统文化的意蕴精髓,并且把传统和现代完美地结合并体现在设计中,才有可能实现具有独特的富有中国风格的当代设计。 为了避免广告设计陷入程式化的困境,需要提升设计创作的个性化追求。个性化是设计者在广告设计上的个体差异,是设计者表现自我,尽情施展和宣泄其差异性的平台。这一点和艺术创作的托物言志是相似的。在广告设计中,广告设计者们通过对设计素材的利用和构建,来探寻在应用中的个体差异,追求设计的多样性。充分表现设计中个人之不同情感和理想诉求,是实现设计个性化的有益途径。 设计中民族性与时代性的具备是相辅相成的,只有巧妙地把民族特质和时代气息糅合运用,才是中国本土广告发展的合理方式。如果中国现代广告设计中缺失中国文化、民族精神的内涵,就会失去本土广告的韵味和魅力,无法为本国受众所接纳。但是如若一味的强调民族性,忽略了时代特色和意义,现代广告就会变成愚昧的东西,不能为国际受众所认可。本土化和全球化,民族性和国际性是一个相通又对立的联系。 发展具有强烈中国文化独有特色和中华民族根本精神的现代广告已成为势不可挡的方向。 二、水墨艺术之构图在现代广告设计中的运用 水墨艺术独一无二的简洁特征,顺应了现代设计求之简洁、传神的要求,是水墨元素走进现代设计的合理契合点。在广告设计中,通过对水墨的点线面造型元素和黑白灰的色彩因素的重组、对比等手法,使水墨溶于广告设计之图形。力求以最简洁的方式构成画面,实现设计主题的高度概括,使画面中的表现元素简单大方,而毛笔笔触的特殊表现和渲染感觉,将使水墨之意境在现代广告设计中得以完美呈现。这样,观赏者会对设计者所要推销的产品铭记于心,也会感受到艺术本身之无与伦比的魅力。 在图像造型的设计上,设计师要将技法、图形与广告主题相结合,以要表现的主题要素为依据,进行笔法和墨法上的创作。笔法上需要具备形式美感,墨法上要注意墨的意境与趣味,并要与图形创意融合在一起。这样笔触的不同表现会给人带来轻松、异样的情感体验。 三、水墨艺术之色彩在现代广告设计中的运用 将水墨艺术之黑白色在广告设计中加以运用,将会使图案清晰、视觉集中。在色彩缤纷的现实社会和五彩斑斓的广告天地里,广告传达中视觉色彩复杂无序,致使受众视觉注意涣散,没有突出色彩体现反而使传达效果无法集中。而水墨的朴素色彩体系会给广告设计带来强烈的感染效果,因为人对色彩有丰富而又细微的心理感受,黑白两色能够表达情感的深厚与凝重,并提升人文情感关怀。 水墨艺术虽然色彩朴素,但会使视觉感受丰富多样,能够营造出不可捉摸且变化万千的意境。墨的多寡,将会显现设计中不同的力度和品性。水墨艺术“计白当黑”的巧妙手法是以墨为彩的与众不同的艺术表现形式,纯粹的黑白水墨风格的广告,朴素、淡雅而又含蓄,饱含深厚的文化底蕴,符合中国人长期的审美心理追求,在大众宣传中有得天独厚的优点。 将水墨元素紧密融入到广告设计中, 二者互相辅助,合理地发挥彼此的作用,势必为双方带来创造性的发展。水墨元素的简洁明快、端庄神秘而富有韵味,会使得现代广告设计表露出独特而又迷人的中国气质。设计的民族性和国际趋势使得中国水墨表现与现代技术更加完美的契合交织。水墨艺术以具有中国特色的语言形式,与国际发展的设计理念相契合,必将收获同时具备民族审美标准和具有国际时代特色的完美的现代广告设计之经典。(编辑王影) 水墨元素在现代广告设计中的运用:水墨元素在现代广告设计中的运用 【摘要】本文对中国水墨元素的发展历史及表现特点进行梳理,进而对中国水墨元素在现代广告设计中的独特运用和表现效果进行研究,分析并解决现代广告设计中中国水墨元素的表达特点及地位问题。 【关键词】广告设计;水墨元素;文化根源 当今社会中,越来越多融合民族元素的广告设计作品逐渐成为一种潮流,在以中国文化为根基的广告设计领域里,包含水墨元素的广告设计作品越来越受到人们的喜爱。为什么水墨元素在历经百年时间后依然屹立不衰,并且大量出现在现代广告设计作品中?水墨元素作为一种中国传统的艺术表现形式,它的独特魅力在何处?它体现的中国文化是什么?这种种问题促成了目前中国广告设计界一直不断追求与探索的课题。 一、中国水墨元素的特点及发展 首先,中国水墨绘画简约、大方、寓意丰富,以少许胜多许,以最简练的表现语言表达出最丰富的内涵。其次,中国水墨画讲求用墨和墨色的变化技巧。由毛笔中含有的水与墨的量的多少,以及笔法的抑扬顿挫,可呈现出不同的干、湿、浓、淡的墨色变化。变化丰富的墨色效果可以产生色彩丰富的画面表现,渗化的水墨效果和飞白效果的结合更是可以营造出诗样的意境和特殊的视觉张力,从而展现画家的修养和对古老中国文化的品味与人文情怀的传承。 水墨绘画在中国绘画史中的出现要追溯到唐代,后历经宋、元、明、清逐渐成为画坛主流。现代的水墨画家逐渐具备了开阔的文化视野,这样开放式的艺术态度也逐渐将水墨画从画种推向了艺术的高度。而水墨画之所以能从一个封闭的天地进入一个敞开的艺术空间,是无数艺术家大胆革新和开创的结果。虽然这中间经历了曲曲折折,但最终水墨画不再是陈旧的领地,艺术家可以自由地出入与回归,也正是因为有了这样出出入入的流动变换,中国水墨元素才逐步融入现代广告设计领域中。 二、现代广告设计与水墨元素的融合 现代广告设计是随着时展所形成的一种多元化、创新化的艺术表现形式。而中国水墨元素以其独特的表现形式和艺术语言,逐渐引起了现代广告设计界的高度重视和运用。 在当今文化多元的时代,经济的全球化逐渐影响了文化的全球化,而国际化、全球化并不意味着牺牲文化的民族特点和地域特征,顺应文化全球化的趋势是与之融合、学习进而进步,而不是盲目跟从某一种文化而导致本土文化的丧失。当代的中国广告设计界需要具有海纳百川的文化胸怀和综合创新的能力,只有对国外优秀先进的设计文化和理念进行学习和借鉴,再创作出具有自身民族特色的现代广告设计,才能在世界广告设计领域中独树一帜,展现出中国作为世界文明古国的霸气和风采。 现代广告设计中大量的水墨元素符号的出现,一方面是广告设计界追求艺术表现的自由创新,将其进行融合;另一方面也是一些具有传统修养底蕴的广告人对中国水墨元素及所表达的传统文化有着深厚的情感,自身认识到对传统文化的传承具有不可推卸的责任。所以说,水墨元素运用于现代广告设计中,更需要设计师立足传统,学习西方设计理念,赋予水墨元素以传统性与时代性的结合、共性和个性的统一,最大化地对中国水墨元素进行运用和传承。 中国水墨元素是千百年来中华民族文化精髓的表现形式之一,是民族设计的源头,它所具有的精神力量和文化底蕴却是当下广告设计领域所缺乏之处。当下广告设计中往往过于注重形式主义,只存在表层意义,经不起深层的推敲和挖掘。水墨元素的融入恰好弥补了这一点,它以最深厚的内涵为基础,以现代的设计形式为表现,呈现出精神和外在相统一的设计形式,这一点在广告设计中的海报设计中有着生动的体现。 三、中国水墨元素在现代海报设计中的独特表现 (一)现代海报设计与中国水墨元素 海报作为一种传达信息、诱导与说服、刺激需要的媒介形式,最终目的是宣传和推销,分为商业海报和公益海报。现代多数海报是由商业功利动机作为驱动,是以满足商业传达、实现传播信息为目的。由于人们对图形的偏爱是天生的,一本书中人们对插图的关注往往先于并且多于对文字的关注,所以图像作为海报中不可缺少的一部分,一直是广告设计师们进行研究和设计的一个重要内容。而水墨元素在海报设计中的融入与结合,在进行宣传的同时让人领略到了一种深层的文化底蕴,更彰显出了一种独特的意境。 中国水墨元素作为一种具有独特特质和精神内涵的民族文化形式,其精神是博大的,传统墨分五色的多变浓淡效果,其本身就有着独特的精神内涵,广告设计师在追求这样的效果的同时,也是对自身文化精神的追求。水墨元素对整个东方的美术都产生了深远的影响,在海报设计中,东方人更容易接受和关注有水墨元素的作品。由于东方文化的相似性和共通性,无论从形式还是深层内涵上,水墨元素都更容易引起东方人情感的共鸣,从而达到良好的传播效果。 中国的海报设计起步较晚,在发展过程中难免受到西方海报设计元素的影响,所以造成了很多的广告设计师一味效仿西方设计,照搬西方成功设计从而制作出大量“山寨”设计,缺乏自己的设计语言,丧失了民族特色,也就丧失了设计的生命力和竞争力。 要想在设计上有新的突破,就必须重新认识和利用传统的形式。海报设计是现代的宣传媒介,中国画的水墨形式借鉴海报设计的现代意识,海报设计继承水墨的传统表现形式,互相取长补短相辅相成,在表现形式上对传统重新挖掘,在设计中独具匠心,对现代海报设计有很大的启发,也是现代海报设计立足传统并发展的根基与大趋势。 (二)经典水墨元素海报分析 现代招贴设计和传统水墨艺术的融合,已经越来越多地被设计师认可并加以运用。靳埭强作为当代设计师,他主张把中国传统文化的精髓,融入西方现代设计的理念中去。而这种看似容易的相融并不是简单的相加,而是在对中国文化深刻理解的基础上进行的融合。 在靳埭强的作品中经常可以看到水墨的遗痕,他的中国画颇有功底,并且对中国画的笔墨认识和理解都有着较为独特的见解和深刻的悟性。他的作品中往往存在的并不是水墨绘画,也不是水墨文字,而是经由饱蘸水墨的毛笔在画面上简单而随意勾画的水墨线条,由于干、湿、浓、淡的不同和笔触技巧的不同而呈现出富有节奏感和东方韵律的作品(见图一)。 以靳埭强的海报《岁寒三友》为例,《松》(见图二)是以中间一道厚重深沉的墨迹作为松树树干的形象,但这只是树干的上半部分,在下半部分中,靳埭强将雕刻后的实物松木作为松树树干,把墨迹和实物进行衔接,再以较为淡灰色的水墨在树干中部进行松针的描绘,将“松”这个字以松针形象为基础进行字体设计,笔画设计较细,置于画面顶端,并且只有个别笔画使用了和松针颜色一样的绿色进行填充,寓意新芽和希望。 在《竹》(见图三)中,靳埭强同样以墨迹和竹子的实物进行结合,但墨迹颜色较浅,与竹子呼应,从上而下进行设计,分为左右两部分,在墨迹和竹子的衔接处进行了简单的设计,形象地凸显了竹节的特点,再对“竹”这个字进行字体设计,笔画较为粗重,将“竹”字的两撇进行与竹叶相类似的形状设计和颜色填充,乍看仿佛真的竹叶一般。 而在《梅》(见图四)的设计中,靳埭强并没有一贯地将梅花的枝干和墨迹做结合,而是单纯使用了自上而下的墨迹线条,在画面中部,则根据梅花冬季盛开的特性进行了一朵抽象且鲜艳的梅花形象设计,而在“梅”的字体设计上,将“梅”中的几个点部笔画进行了颜色的填充,并且依附在主线条枝干上,借以比喻枝干上含苞待放的梅花花苞形象。三幅作品整体统一,都充分地运用了水墨元素,静盈而端庄,大片的留白更显得简洁清亮,如清风拂过。 靳埭强讲:“水墨画在中国传统艺术中的地位很重要,它的水平与内涵是超时代的。不能用西方主导的艺术观去评价我们自己的艺术。对于古人和现代人而言,水墨在历史上一定有我们都能理解的共通的内涵,这也是我一直在设计中追求的永恒的韵味。”[1]这段话充分说明靳埭强在继承传统水墨元素进行艺术设计时的文化观,给当下广告设计界以启发。 现代中国的海报设计中,要真正地将其民族化、世界化,就要继承传统,而作为传统艺术媒介的水墨艺术,经过了漫长岁月的洗礼,在当代更是存在诸多的挑战和机遇,二者要想更好地发展,必须互相交流、互相渗透、互相提升。只有敢于吸收和继承、不断探索和创新,民族的艺术和设计才能独具一格,才能有更长远的发展。 四、结语 现代广告设计不能脱离传统文化,中国的传统设计源头是水墨文化,具有相当的根基性、稳固性和原创性的独特民族魅力。中国水墨元素铸就了民族的文化魂魄,将水墨元素与现代广告设计进行融合是民族化设计的趋势。当代中国广告设计师需要有更广阔的胸襟和长远的目光,做好传统文化的传承和对外国文化借鉴的创造性转换工作,着力于对民族的审美意识和审美心理的把握,重新梳理中国艺术的精神,将民族的艺术推向世界的舞台,设计出流露东方文化气韵的作品,从而既是民族的,又是世界的! 水墨元素在现代广告设计中的运用:水墨元素在广告设计中的现代诠释 摘要:水墨元素是中国特色的民族文化符号的设计形式,其艺术地位和艺术价值不言而喻,水墨元素作为实用图形元素和绘画的构成要素,可以同广告设计融合并用,本文在了解水墨元素涵义的基础上,分析水墨元素在广告设计中具体的表现,深入探讨在广告设计中如何运用水墨元素及其文化内涵。 关键词:广告;水墨元素;广告设计 一、广告设计中水墨元素的表现 当今设计界越来越多的传统元素开始在广告设计之中得到关注和应用,尤其是水墨元素在广告设计中的表现非常成功,其在广告设计中的表现值得研究。 (一)水墨元素与现代广告设计形式的结合 艺术的本质在于其开放性。广告设计的灵魂在于其创意,各个民族的艺术只有在保持独特传统的前提下,吸收外来艺术的养分,才能丰富本民族的艺术形式和表现手法。 靳球强先生善于发掘传统文化艺术精髓,他的设计方式是把西方版式结合到的水墨的深层元素,在版面中运用虚实和疏密对比,再现水墨画惯用的空间感、虚实感,将文字、几何图形等通过有渗透感的水墨表现出来,运用简洁明了的排版,借用立体的构图手法,营造出丰盈的比照,极大提高了画面中的视觉效果。干脆利落的水墨笔触,轻盈简练的线条,一点即通。这种设计包含了多样的韵味,堪称中法西用的典型。二十世纪八十年代他设计的香港艺术展海报,用本民族的太极图为模型,将粉彩运用到水墨中去表现,粉彩与水墨对比,黑墨与粉墨对比,湿墨与干彩对比,融合西方版式与东方元素,展现了东西艺术的和谐融会共生。[1]时代在进步,生活、感情也随之变化,新的生活感受,要求以新的笔墨技法,赋以新的生命,寻找新的形式,改革、创新,才能发展。 (二) 水墨元素在广告中的体现 水墨是我国传统绘画和书写的最小单元,具有较强的不可涂改性。尤其是讲究利落干脆的风格,造就了特有的表现手法和表达语言。[2]伴随国际上设计艺术交流的频繁,很多设计关注中西艺术形式的融合。水墨元素表现的图形在汉字印刷的编排中的运用和主题说明中的诠释,表现出广告设计的基本特征。 对水墨元素传承的方式就是要在保留传统的前提下,发展创新,使其以全新的形式丰富生活。艺术形式是随社会进步而发展的。科技的进步要求设计也要同步前进。电脑作为重要工具使得创作多样水墨效果成为可能。水墨元素通过电脑设计就清除了水墨落笔难以修正的遗憾,特定的设计软件能够重复操作,直至出现理想的视觉效果。如黄胜英大师创作地“东情西韵”,先以水墨元素表现大剧院的外在形象,然后以淡墨描绘人工湖映照的剧院倒影,在此基础上施以浓黑的水墨,最后通过设计软件修正到最理想的剧院外形,简约的版式设计,鲜明的水墨主体图形,表达思想一目了然。 二、广告设计中的现代思想与水墨元素的融合 我国的水墨画是艺术史上别具一格的传统文化珍宝,尤其是水墨在视觉造型艺术表现上的深度,使得水墨艺术在当前广告设计中的运用成为传承传统艺术,发扬传统文化的突破口。 (一)水墨艺术与广告设计的共融性 水墨艺术最初源于我国传统绘画艺术和传统书法艺术。其最大的特点主要表现为“计白当黑”等雅素的表现手法,彰显出水墨独到的表达形式和简约洞明的艺术话语体系。简洁的美感形式在广告设计中也是屡见不鲜,尤其需要指明的是广告设计作为艺术形式中极具张力的大众媒体,它时刻处于纯粹艺术与实用设计的中间点上,将水墨元素的传统与广告设计的现代相结合,就是要在传统与现代间找寻一种平衡,展示其灵动简约之美感,丰富多样之空间,营造出优美淡雅之意境,故二者具有根深蒂固的共融性。 (二)水墨艺术和广告设计的互补性 中国传统平面设计艺术进入时代的轨道必须建立在深度思考与合理扬弃的前提下,现代设计必须从历史积淀下的文化艺术中挖掘民族艺术的精髓,这样才可能正确体悟使用水墨元素的方法和形式,找寻妥当的路径弘扬和改良华夏文明悠远独特的文化精髓。 设计师关注的切入点很多,但以时代与传统的融合居多,这点也展现在广告设计革新与改良的形式上。我国传统艺术表现形式也应当在开放的环境中进行适度的创新和改良,以广告设计为例,不仅需要传承和弘扬,更需要引领时代精神,体现当前审美意向,把握艺术文化的深层内涵。 (三)水墨艺术的传统性与广告设计现代性结合的必然性 尽管水墨画和广告设计分属不同的两种艺术形式,但是彼此却存在很多可供借鉴的因素。水墨艺术和广告设计存在着颇为深远的渊源。我国传统绘画通过水墨描绘物象,以水墨形式表现审美情趣,借笔墨之变幻体现灵动、简约、质朴的艺术效果,勾勒出独具东方艺术魅力的艺术表现体系。[3]广告设计作为现代艺术门类的一种,虽然在工具和素材甚至表达方式上与传统绘画大相径庭,但是二者都关注画面的建构,注重形态表达的横平与节律的联系。均倾心于视觉图像展现给受众的视觉引导之效果。可以说水墨元素在广告设计中的运用,绝不限于艺术造型领域,即使是在色彩表现的各方面也存在很大的可能性。对于中国现代广告设计来说,传统水墨元素为发展传统民族文化特色广告设计提供了思路,同时为民族化的广告艺术设计注入了新鲜的表现手法和表现元素。 三、水墨元素于广告设计中的现代诠释 水墨艺术特有的表现形式主要体现在水墨艺术独特而简洁的形式语言方面。尽管水墨艺术的画面非常简洁但并不表示简单,而是通过简洁单纯的形象蕴含深刻丰富的寓意,其妙处体现在能用最少的元素传达最丰富、深刻的信息。广告设计需要借鉴这些有意义的审美追求,好的艺术设计,带给人们更多的东西是思考,不是赤裸的告诉。所以,设计的构思必须可以超载现实,设计的构图需要概括集中,设计的形象需要简洁地夸张,通过去繁为简的艺术手法,凸显所要表达的事物,将更深沉的涵义赋予画面之中,以便观赏者能够在有限的画面中体会到更为宽广的空间,体味与众不同的深义。 在广告设计中引入中国水墨元素的艺术理念和意境,开辟一条具有民族特色的设计之路,有着异常深远的现实意义。水墨艺术是表现意境最为贴切的艺术形式之一,[4]只要不断深入地研究我国传统的美学意境和美学理念,深入研究水墨艺术在意境表现领域的表现形式,我们的广告设计一定可以具备现代性和民族性,这有利于我国的广告设计在国际层面独树一帜。 关于广告设计借鉴水墨元素的关键,在现实中首先是关于审美意识、设计理念的互相渗透和融合,之后才是对处理手法的关注,当然较理想的实现水墨艺术元素在广告设计中的运用,必须是三者的有机结合。 “只有民族的才是世界的”,水墨艺术通过特有的审美方式和浓郁的文化蕴含,成为升级广告设计的蕴涵和表现形式的宝库,可以说把自己民族的传统文化艺术的精华糅合到现代广告设计中去,对于我们开创一条富含中国特色的广告设计之路是十分有利的。弘扬水墨艺术,精心打造具有民族意蕴的广告设计风格,体现了民族设计之本质,因为只有立足本土的设计艺术才是真正具有强大生命力的设计艺术。我国的现代广告设计只有彰显民族特点,体现民族气质,才能真正在国际设计界独树一帜。必须指出的一点是,追求民族特色本身与文化艺术的国际化、全球化之间并不是必然的对立冲突关系,相反的它们是可以相得益彰的。这里所强调的广告艺术设计领域的本土化,绝对不是鼓动一种盲目排斥外来优秀设计理念和文化的倾向,相反的,我们所倡导的是当代中国优秀的设计师群体和新生代,需要在立足本土的前提下培养“容异集粹”的文化情怀和“海纳百川”的文化底蕴。(作者单位:武汉纺织大学) 水墨元素在现代广告设计中的运用:传统水墨绘画的广告设计及应用 作者简介:刘华(1977-)女,汉,江苏丰县人,新乡学院艺术学院讲师,研究方向:艺术设计。 摘要:水墨绘画是我国传统绘画技法之一,因为水墨元素的独特黑白效果,能够将中国的山水韵味很好的表现出来,并且将中国文化当中注重意蕴之美的效果很好的表达出来,因此在各种艺术形式当中得到了广泛的应用,例如电影、舞台艺术,而很多广告设计也开始融入了是水墨情结,借鉴水墨画的表现形式和表达方式,用来展示产品的文化底蕴,论文重点阐述了广告设计当中对于水墨元素的借鉴和运用,对于启迪广告设计思路,拓宽广告设计的方法提供借鉴。 关键词:水墨、广告设计、表达方式、文化底蕴 一、序论 二十一世纪是一个视觉文化多元化发展的时代,眼球经济迅速发展的过程中,广告起到了非常重要的媒介宣传作用,而面对琳琅满目的广告宣传,人们的视觉开始进行个性化的选择和甄别。而作为中国艺术瑰宝的传统绘画因为坚持传统性以及文化的独特性,曾经不被研究人员看好,国际研究人员曾经认为中国的绘画艺术在国际文化交融的冲击之下,已经走到了穷途末路。但是作为国际文化交流重要媒介的广告设计,引入了水墨绘画元素,将中国传统绘画技法融入到商业宣传当中,不仅起到了亮眼的宣传效果,而且将中国的水墨画进行了发展,引入到了更广阔的发展空间之中。对于现代广告而言,传统的水墨绘画赋予了广告设计深厚的文化底蕴,广告设计有了民族化和本土化特征,不仅有了较强的文化代表性,而且在世界经济范围内也展现出了独特性。 二、传统水墨元素在广告设计中的应用 水墨艺术代表的不仅是一种传统文化的表现形式,其中更是蕴含了中国的一些深刻的哲学思维,水墨是中国民族精神追求的代表表达,水墨画对于广告设计有着重要的影响,现在大量的广告设计作品当中都运用了水墨画的散点透视的方法,以及画面意蕴的表达。在中国传统水墨绘画追求的内在的节奏性和平衡,计白当黑的绘画技法,在形象描绘上的似与非似指教的形象变化的随意性等,这些都在广告设计当中重新得到了鲜活的运用。 (一)留白技巧的应用 中国水墨绘画构图当中讲究留白的作用,在绘画过程中事先留出一定的空白,或者是保留纸的本色,最后演变成为一种独特的构图方式,在这种构图之下,不满的画面反而给人们一种虚实相生的已经感觉,空白处带给人们的是一种无尽的联想和想象。与整个画纸铺满要更有韵味。在中国宋代的山水绘画作品当中非常注重留白技巧,有著名的“马一角、夏半边”的称呼,著名的画家马远和夏圭在绘画当中多采用半景构图,画面留出空白,巧妙的构图彰显了绘画的独特性,带给人们的是一种强烈的绘画效果。 如图一就是典型的留白水墨技巧在广告设计中的应用,这是一幅中国形象广告,一道简单的墨迹,中间蕴藏了中国的传统礼仪汇聚形成的文字,包括忠、孝、礼、义等,画面三分之二的部分完全都是空白,这种空白却映衬出中间的墨迹道路显得更加清晰而独特,画面的主题是“品中国”,我们从整个画面可以读出中国是一条黑白分明的道路,而这条道路是由中国的道德信念铺设形成的。这条路指向空白的地方留给人们的是无尽的联想和想象,可以使这条道路的无限延伸,也可以是信条影响的无限放大。这就是我们所说的留白的作用。这种随意的空白,由实处向外扩张形成一种强烈的视觉效果,起到了此处无声胜有声的效果。 (二)水墨色彩计白当黑 水墨色彩非常单一,与现代的有着强烈视觉感的广告设计形成了鲜明的区分,但是这种区分却让具有水墨色彩的广告设计显得别具一格,在色彩学当中黑色和白色代表的是无色,简单的黑色水墨,仅仅依赖于水比例的加入从而呈现出千变万化的色彩效果,这就是中国绘画的其他之处。自然界的很多物象基本上都有一种虚实之间的朦胧之美,这种美在很多时候都很难采用写实的方法将其表现出来,例如晨雾中的山水,而正是这种朦胧之美才是自然界难得一见的造化。 图2是中国在纽约做的一个形象宣传广告“从无形到有形”不仅是画面形象的表达,更是整个画面意蕴的表达。自然流动的山水画面,在似与不似之间的物象,有着强烈的流动感和节奏性,在中国传统美学当中,讲求和谐的美学已经营造,而和谐是中国传统文化的最高理想,整个画面其实是在虚实之间,简洁的构图和灵动的笔墨表达丰富深邃的文化和民族精神意义。借用山水之景,来表达一种含蓄和朴素的精神之美。 (三)广告画面中的水墨元素应用 现代广告设计当中有很多,不仅借鉴了水墨山水画的意境和构图,而且利用水墨画的典型物象元素,用来表达朦胧的景观美感。以及中国文化当中“天人合一”的思想。 图3是一幅房地产广告,这幅广告采用了中国山水水墨的元素,墨迹晕染开中间是远去的小舟和盛开的桃花,虽然是房地产宣传广告,但是没有任何关于房地产的要素,这是一种隐逸美的表达,用晕染的墨迹和真实的物象,虚实结合,表达的是早春的意蕴之美。而人们在欣赏广告的时候从中能够想象出带有强烈景观美和文化美相结合的建筑环境。人们在挑选自己房子的时候最注重的就是这两个元素,一个是自然景观的是适合居住,另外一个是有着强烈的人文景观底蕴。而传统水墨画元素在画面当中正是代表着房地产项目所具备的文化底蕴。 三、结论 水墨元素与现代中国流行文化的结合点丰富,而且融合性强,现在的服饰设计、电影、电视、广告设计等多种艺术载体都借鉴和运用了水墨画的手法,不论是绘画技巧还是绘画思想、以及绘画的常用物象元素等等。中国传统水墨画与广告设计之间的融合,是文化与经济的接轨,是文化对经济发展所起到的促进作用,同时利用广告设计这一国际交流平台能够将中国的传统文化带到世界流行舞台当中,为中国传统文化的发展寻找到更加广阔的空间。(作者单位:新乡学院艺术学院) 水墨元素在现代广告设计中的运用:浅谈水墨之美在现代广告设计当中的意义 摘要:水墨艺术之美是中国传统文化的神韵,历经千余年的发展,国画家们将笔法,墨法,以及水法结合运用巧妙至极,或清雅氤氲或酣畅淋漓,水墨艺术一直以其独特的艺术语言在国际审美艺术中独树一帜,而广告设计呢?是将信息通过图形、色彩、文字的编排以平面的形式呈现出来的形式,那怎样去使用水墨以增强设计表现的美感和艺术效果呢?作者认为在现代广告设计中恰当地运用水墨之美去表达作者的思想诉求,可以丰富现代设计的表现形式。 关键词:美;广告设计;水墨元素 广告设计是大众传播的一种商业形式,以艺术形象为载体,能够引起受众的积极心理态势去被引导性地审美,因此可以说广告设计具有审美价值的实用艺术形式,好的视觉传达与创意表现是使广告艺术化的手段。而传统水墨艺术的独特韵味,给现代广告设计提供了丰富的创意和视觉语言。水墨元素在现代广告设计中的审美特性主要体现在如下几个方面。 一、简约之美 中国水墨艺术最推崇简约精炼,没有一笔废话,遵循物象在“似与不似之间”为标准,意在笔先,寥寥数笔,力透纸背,用有限的形线去说话,“以少胜多”“留白”当然,简约却绝不简单,虽说形象简洁、却不失意义的精彩丰富。笔有限,意无穷,比如一股流泉、一缕轻烟、一座亭台,都带给人无穷的遐想。对比我们现今生活的快节奏,人心的功利和急躁,生活的压力,信息科技的速度,人们需要的是快速,立杆见影,一目了然,熨帖亲切,所以广告作品要使人能够一见钟情,久久回味的话,这就必然需要对精心布置你的画面,换位消费者心理,起到有效传播信息的作用。在运用较好的水墨元素广告设计中,经常可以见到画面诉求集中于一点,设计者将尽量去简化背景并且去将画面主题元素单纯化,使得图形质朴明朗,辨识度极高,更加容易记忆,这也正好跟了水墨的“简约性”如出一辙。 二、意境风格之美 传统的水与墨相互融汇互渗产生出氤氲微妙的特殊的意境,这是水墨艺术异于其他艺术的意象美,使其他艺术手法无法望其项背的独特之处。当水与墨嬉戏于宣纸之上、随之渗化开来,晕染,一点一划,甚至看不出明确笔触和具体描摹对象,也总是可以让人浮想联翩到高山流水,飞泉瀑布,云水,雾气之类,或者什么也不象,却意味深长,单单是让观赏者品位起来觉得妙不可言,美不胜收,可以放任自己的想象力在水墨交融的气氛里荡漾开来,经常,你也会见到展示墨色的微观世界中水墨交融的细节是创作者通过多媒体技术手段来实现,以此来实现如绘画中明确的黑白灰的层次变化;还有一种方式是精心将实景的图像通过软件处理成朦胧浅隐约淡雅的调子,再制作出酣畅淋漓,水墨交相辉映的效果,这个是通过笔墨基本技巧勾皴点染来实现、最后将水墨形式的图形图象的元素进行综合精心的虚实编排,进而创造出优美恬静、简约含蓄的美妙情境。 “无笔无墨不成画。”水墨画的精彩是通过利用笔墨的变化来实现的。而墨色的奇妙效果是通过靠成熟的运笔产生的,笔的轻重是靠墨来呈现,笔墨关系相辅相成。笔墨中流淌着艺术的生命,是作者性情,个性的显露,追求笔墨情致是中国水墨画的典型爱好。运笔的讲究速度的疾徐、笔的提按及转折、顺畅,意态情趣生动有气韵;勾、皴、点、染、擦、泼等笔墨基本方法的灵活变通,“外师造化,中得心源”的创作境界,使得水墨形象展示出稳重大气、或枯涩旖旎,或雄奇壮阔的灵动形象,也使得现代广告设计中的水墨元素气质个性独特突出。 三、黑白色彩空间之美 有些广告设计作品中黑白对比使用鲜明,常带给人活泼的惊艳感,而黑灰白的柔和配色,又让人感受到雅致和谐,这是在水墨艺术的黑白色彩空间之中的审美感受。以黑白的无彩色为灵魂色彩的传统水墨十分注重墨色使用的技巧以及墨色层次的分布,墨又分五彩就是枯湿浓淡的丰富变化,在干净的宣纸上渲染出物象空间的虚实变化,创造出深邃悠远的意境。水墨画在逐渐变化的黑白色彩中摸索生命的真相,人类存在的本质。而且可以说,水墨画的运用中集结着大道无形无象的智慧,体现出独特的东方美学之韵味。老子有言:“道可道,非常道;名可名,非常名。”随之而行的是“知白守黑”、“虚实相生”的墨色观。黑白色是经典色彩,与任何色彩搭配都不冲突,反而更衬托出其他颜色的个性,低调而沉稳,这与现代设计崇尚黑色为经典有着异曲同工之妙,广告设计师们都热衷使用。 四、结语 现今将水墨艺术之美运用在现代广告设计中,使之具有符号,审美和文化特性,越来越受人们的欢迎,这个契机是由水墨语言随着时间的积淀以及设计师对艺术表现形式的不断探索引发的,是中国传统文化情节和民族文化责任感与自信结合的必经之路,同时,亦反映出,广告设计与水墨艺术之美高度融合是适应人类精神需求高级需要的一种艺术形式,可以赋予广告对象以高品位的文化内涵,中国现代平面设计从中国水墨画元素中能得到许多宝贵的启发和借鉴,使平面设计既具有鲜明的民族特色,又具有强烈的现代性。
商业广告设计论文:传统绘画艺术商业广告设计论文 一、传统绘画艺术在现代商业广告设计中的应用 1.传统绘画艺术的丰富形式在广告设计中的应用 我国传统的绘画艺术形式丰富,种类颇多,都有着独特的魅力。目前市场中许多商业广告中的优秀设计都借鉴了传统绘画艺术的精髓,比如传统的汉字艺术等,将汉字、绘画艺术中的线条、笔画原本分割的部分结合在一体。我国艺术文化在不断的传承中继续延伸,在漫长的发展历程中越来越受到当代人的重视,同时传统的艺术文化还推动了社会的进步。源远流长的我国传统绘画、书法、形态纹络等丰富的表现形式,都对我国的广告设计产生了积极的影响。 2.传统绘画艺术的审美意境在广告设计中的应用 目前,我国某些商业广告设计越来越重视水墨绘画艺术的融入,将该传统艺术广告设计作为立足于国内并走向国外的出发点。现代商业广告中水墨绘画艺术的广泛运用和追求表现出了传统文化和当前形势的完美融合和传承。 3.传统绘画艺术的风格特点在广告设计中的应用 传统的绘画艺术有着独特的创作风格和特点,将多样式和丰富性的艺术风格通过不同途径的展现,能够让观众在欣赏艺术、传承艺术的同时理解其内在的含义。(1)对传统绘画艺术编排形式的应用。广告设计师将传统绘画艺术中的图案、文字等根据一定的规则,通过一定的手法进行编排,很好地将广告的形态和空间,文字和图案等之间的关联体现出来,很好地引导了观众的视觉,让艺术文化成为广告信息的载体,在传统文化传承的同时带动了广告的传播。(2)对传统绘画艺术图形传达的应用。传统绘画中的插画技巧是通过视觉艺术表达内在信息的一种途径,图形性比较文字更具有形象化和直接性,同时又是一种世界性的表达形式。(3)对传统绘画艺术色彩特征的应用。在广告设计中运用传统艺术的色彩特性,准确地把握好色彩的冷暖、明暗、对比度、均衡性等所代表的韵味和含义,以色彩的形式表达广告主体所代表的信息,在无形中提升了观众的兴趣和吸引力。 二、在现代商业广告设计中准确应用 传统绘画艺术的途径伴随着商业广告设计的市场竞争愈演愈烈,传统绘画艺术在广告设计中的融入可以提升广告一定的竞争力和效果影响,这也是目前艺术性广告开始流行的重要原因,然而,如何准确把握广告设计中传统艺术的精髓,最大限度地发挥艺术性广告的传播效果,这也是广告设计者所追求的境界。因此,在现代商业广告设计中,如何通过有效的途径才能够准确地将传统绘画艺术融入到设计中去,能够做到让消费者和观众眼前一亮,提升商品的内在价值和品牌影响力,做到国内外销量的提高。对此,广告设计者们怎样才能将传统艺术的广告设计做到艺压群雄成为当前研究的重点。 1.广告设计中做到艺术画面色彩和线条的整体把握 目前比较流行的广告设计主要涵盖了平面设计、立体设计、影视等形态的设计,也有的表现为静止的设计模式,也有动态的设计模式,但是无论采用什么样的模式都离不开画面的整体观和大局观,以达到总体的效果,因此,要把握好整体的效果的前提是做到画面中色彩和每一条线的完美融合。因此,在商业广告设计中,一定要考虑到传统绘画艺术的存在,简约而又高尚,质朴而又崇高,在设计空间中体现传统艺术的魅力。纯粹的从广告设计的本身出发,根据研究,广告的设计画面中有一个大七的说法,意思是说设计的广告作品的最大的边长乘以数字七以后得到的结果就是该广告的观察距离,也是指在这个距离以外可以得到最佳的视觉效果,更容易被观众和消费者所捕捉到。然而,我国传统的绘画艺术构成的重要元素所注重的恰恰是色彩和线条的完美结合,起到唯美的视觉效果。在当前电脑设计、缤纷杂乱的广告设计中,很容易让人眼花缭乱,让广告起到相反的作用。在广告设计中如果准确地把握好传统绘画艺术中色彩和线条的完美结合,可以让广告变的更加有吸引力,让观众在享受一场视觉盛宴,真正达到广告的目的和作用。 2.在广告设计中做到对传统绘画艺术手法技巧合理变异的把握 在商业广告设计中,将我国传统绘画艺术的手法合理运用到设计中来,做到绘画本质的不变,其效果要超越直接的挪用和引用。将商业广告设计当作一张宣纸,让色彩和线条在上面随意的飘散和渲染,让广告设计产生了不同的欣赏角度,从而让设计作品展现出不同的情感面。另外,还可以将传统绘画艺术的手法技巧经过合理的变异,准确运用堆、拓、贴、揉等技巧巧妙的挪用到商业广告设计中来,让广告设计更具有欣赏力,增添广告的平面色泽表现力,从而丰富了观众的视觉享受。另外,除运用传统绘画艺术中的色泽晕染和手法技巧之外,白描作为我国传统绘画的技巧也可以被运用到商业广告设计中,运用这种粗细不均、软硬兼备的线条勾勒出来的商品形态,在不需要着色的条件下,更能简明直接体现商品的外在形态,体现出商品的怀旧情怀、婉约大方的设计思路,让观众的亲近感油然而生。因此,传统绘画艺术有着多样式的手法和技巧,在商业广告设计中可以将其进行适当的调整和变异,在不脱离传统艺术的前提下,借鉴现代人的眼光,运用现代化技术,将传统的绘画艺术手法嫁接到现代商业广告设计中,可以起到让人眼前一亮的视觉效果。 3.在广告设计中做到传统绘画艺术符合观众审美观念的把握 在广告设计中,除了要把握好绘画艺术中线条和色彩等重要要素,还需要做到各要素之间互相搭配的整体效果,在广告设计中,要素以及形态之间的搭配更容易影响广告给观众留下的感觉和印象。因此,在广告设计中如何才能让广告作品吸引更多的目光和注意,这需要设计者在具备一定的专业水准下,切身深入到观众的内心世界中,了解其思想和观念,以提高观众的购买欲望。另外,将传统绘画艺术融入到现代社会商业广告中去,对于该产品所面向的消费群体的接受程度是决定其成败的关键,因此,一定要真正深入到市场中去,了解市场行情的同时,熟悉消费群体的当地思想观念,以及当地人们的审美观念,洞察市场的发展脉络,验证何种类型的传统绘画文化和艺术更容易适合该产品的消费群体,将广告中的传统绘画设计当作一种沟通的艺术语言,表达商品内容的同时,吸引消费者的眼光和亲近感,做到广告的设计真正符合当地的观念,以便达到商品的销售。除此之外,地域的民族特性、地理文化、人文素质等都是广告设计要考虑的因素。 4.广告设计中做到对传统绘画艺术精神之感悟应用的把握 我国的传统绘画艺术中,涵盖着一定的儒家思想,在商业广告设计中,要追求广告与人的完美结合;另外还涵盖着一定的道家思想,在广告设计中追求的文化的传承和宣扬,取之于自然而又回归于自然的设计理念,将传统的绘画艺术融入到现代广告设计中,提倡低碳设计、绿色环保设计等;此外还涵盖一定的禅学思想,意在追求绘画空白处的表达意境,强调的是画面以外的设计的感悟和理解。(1)借鉴儒家“中庸之道”的广告设计思想。(2)借鉴道家“天人合一”的广告设计思想。(3)借鉴禅学“虚实相生”的广告设计思想。 三、结语 综上所述,在现代商业广告中运用传统绘画艺术不仅可以提升广告自身的吸引力和内在韵味,同时也是一种很好的传统文化艺术的传播方式。通过研究传统绘画艺术外在的要素以及内在的精神,融合到商业广告中去,对于广告设计的外在质感和内在感悟都起到了很好的促进作用,让广告产生不错的视觉效果,达到广告的目的。 作者:周心懿 单位:武汉理工大学艺术设计学院 安徽工商职业学院艺术设计系 商业广告设计论文:情感诉求与现代商业广告设计论文 一、情感诉求广告的现状解析 情感诉求广告往往通过将情感因素融入设计来揭示广告主题,其所营造的气氛和渲染的意境会带给人们一种言有尽而意无穷的回味感。在广告中,要抓住产品的特征并针对各类消费群体进行兴趣、爱好、需求的调查,把情感诉求对象当做朋友般的倾心交谈、推心置腹,对广告所推介的商品和品牌要进行积极的推荐和真诚的引导,使广告的理念或商品和品牌能引起消费者的关注,得到消费者的认可。因此,在广告设计中将情感融入创作,巧妙地进行“情感投入”,通过各种情感表现手法的应用,把消费者引入一种情文并茂、情景交融的艺术境界,自然能使消费者产生情感上的共鸣。 二、从设计心理学角度分析情感诉求在商业广告设计中的作用 1.情感诉求增强了商品的吸引性 广告想要引起人们的注意力就必须具有生动形象的视觉刺激过程,不管广告的目的是加强人们对品牌的认知还是诱发人们的购买行为,要达到这些广告效果都需要一个先决条件——引起人们的注意。可以说,赢得消费者的注意是广告成功的标准。 2.情感诉求提高了情感的需求性 人们对生活中的情感因素表现出强烈的心理需求,这使得情感需求的表现越来越多地出现在市场商品中的情感设计中。而广告设计在很大程度上是打造商品美丽外观的行为,广告作为市场化的产物必须满足受众的情感需求,因为商业广告设计的主要职能之一就是促进消费。从这个意义上讲,这意味着设计师在设计创意的过程中要研究消费心理,不仅要在购买后为消费者提供满意的产品使用功能,还要在商品的情感设计上抓住消费者的情感心理需求,引起消费者的情感共鸣,多层次、多角度满足消费者的需要,以引起消费者情感的共鸣,使消费者对商品产生好感,从而激发购买行为。 三、情感诉求在现代商业广告设计中的重要地位 广告的情感诉求表现出的是一种浓厚的感情色彩和抒情审美的理念,将抒发的情感融于创意设计中。情感诉求广告通过情感表现的方式表达商品与需求之间的关系,广告的内容通过生动的形象、突出的个性、不凡的创意、多种多样的艺术处理方式表达出来,引发消费者产生身临其境的感受,使产品与消费者的心灵产生直接的沟通,从而唤起消费者潜意识里对产品的需求。只有将“情”字融入广告中,才能产生强烈的共鸣感,只有将情感诉求运用于广告设计中,才能拨动人们的心弦,使之产生回味无穷的感受。 1.情感诉求是商业广告设计打造品牌的主要策略 情感诉求广告不同于那种硬性的推销广告,情感诉求广告以柔和亲切的语言、自然流畅的风格,不断激发消费者的感情,撞击消费者的心灵,让消费者在情感的包围中感触、领悟,使消费者能够接受广告并对商品品牌产生好感,最终在感情上被征服。随着现代生活节奏的日益加快,忙碌的人们往往会忽略了情感、心理上的需求,内心世界往往都有一种孤独感和漂泊感。在这种情形下,人们似乎更需要心理上的满足和精神上的慰藉,家庭的温暖、爱情的甜蜜、事业的成就、地位的荣耀等,这些都是人们在生活中不可缺少的情感需求成分,这些需求被设计师捕捉并寄托在日常的商业广告中,通过人们的情感需求引导人们的消费行为,从而实现广告促销的目的。 2.感性消费占主导地位的现代消费方式 在经济飞速发展的今天,我国的消费形式从根本上发生了变化,形成了消费行为差异化、多元化和个性化等特征,迈入了“情感价值”胜过“功能价值”的时代。如今,人们更重视情感化消费需求的满足和精神的愉悦,因而这类消费活动也被称为“感性消费”,也就是消费者在进行商品的购买选择时遵循感性原则,将商品的感受、情感、喜好和象征意义作为消费选择的出发点。因此,要想打动消费者,必须从消费者的心理出发,了解消费受众的情感需求,以消费者的情感取向分析为切入点,准确定位商品的广告策略,达到促进商品销售的目的,完成商业广告促销的功能。商业广告创意通过文字、色彩、画面、音乐等多种元素,进行“情感投资”,激发消费者的情感,使消费者在观赏广告时的情感得到满足,产生美好的回忆和想象,诱发消费者的购买欲望和行为,最终促成消费者的情感消费。 作者:刘洋 单位:信阳农林学院 商业广告设计论文:现代商业广告设计论文 一、现代商业广告设计应具备的审美优势 广告是依靠艺术化的语言来展现,由此,在这里我们将现代商业广告设计过程比喻成美妙旋律的创造,其中,广告主题卖点是广告设计的主旋律,卖点的展现需要各种重要旋律的良好配合,多种有效旋律的成功配合才谱写出优秀的广告设计作品。 1时代旋律 时代不同,所反映的时代精神也会有所不同,我们可以在不同历史时期的经典广告作品中找到每个时代的价值典范。作为广告创意作品来说,时代旋律的体现至关重要,具有时代旋律的广告能更多的与受众产生共鸣,这对受众即广告信息传播的接受者来说,是一种非常感人的召唤和启示,从而影响着人们的消费情感和理念,这是广告创意的关键所在。没有这种时代感召,广告的艺术魅力也就无从谈起。 2装饰旋律 广告设计不仅为了商业价值,而且也兼有艺术欣赏价值,装饰旋律就是广告艺术欣赏价值的体现,它要求设计师具有较高的综合素质。从事设计工作不但要具有较高的设计能力,还要拥有美学、文学、摄影、市场销售、心理学等学科知识。这些知识都会提高创意作品的装饰品位,进而赢得受众。没有艺术欣赏价值的商业广告设计必将随着社会的发展而被淘汰和替代。 3个性旋律 一个优秀广告设计者往往具备超出常人的能力,以至于他们可以寻找更独特的路径去解决问题。个性旋律是指广告设计中的原创个性,陌生化的视觉语言会给人以耳目一新的视觉感应,更能够吸引受众的注意力。要想使创意更具独特个性的旋律,就要善于观察总结、善于思考、善于积累创意素材,并且多多加强训练实践等都是十分必要的。广告创意不能总要追赶流行的脚步,那样往往会落在流行之后。追求独创个性才会使创意产生独具匠心、与众不同的视觉感受。 4繁简旋律 广告设计在内容上需要考虑繁简关系,这恰恰是广告区别于其他媒体广告的根本所在。中国的传统观念是:广告版面就是金,把大量内容都要尽可能的利用上来作为卖点,因而城市里出现了大版小版的广告,哪个部分都要突出出来,实际上,真正会有多少内容能被传达呢?试想在一个只有5秒钟停留时间和一个5分钟停留时间的环境中;在一个拥挤嘈杂和一个清静优雅的环境中;在行进或坐在车辆上和在购物场所游览中,人们的心境是有所不同的,因此对广告的关注程度有着很大的差别。这就要求我们要考虑内容是否和环境融合,处理好内容之间的繁简关系。 二、商业广告设计的未来发展展望 如今的现代商业广告设计正向着形式多样化的趋势发展,但具有艺术价值的商业广告设计形式能够潜移默化的迎合观者的消费心理,留给受众的是更美好的消费体验,所以,商业广告设计的发展方向是能更好的吸引公共视线来参与和体验。 1注重公共艺术化的设计布局,使之更具情感性表达 独具特色的布局设计能营造出一种完美的艺术氛围和新鲜的视觉感受,拉近与消费者的距离,引领塑造更富有时代特色的全新的广告设计模式。将这种公共艺术设计理念导入商业广告设计中会产生双效作用,使之达到品牌营销与艺术欣赏的完美结合,引领消费者在欣赏之余主动进行消费。宜家家居是全球最大的家居装饰产品销售商,除了宜家家居创始人英格瓦的个人能力外,它的广告营销手段效果是十分突出的。在宜家卖场里,每一款产品的摆设布局都经过了产品陈列师的非常用心的思考,完美的造型布局设计赋予了产品闪亮的公共艺术化形象,这些产品就像一件件公共艺术作品,使人们在选购的同时也体验着一种艺术化的商业空间。宜家这种唯美的艺术化展陈设计,使得宜家家居的品牌文化迅速升温。“penelope”的寝室品牌店铺为使产品特性展示得更加立体化与艺术化,使产品形象深入人心,广告商将橱窗大胆的布局成了一个透明玻璃制作的封闭空间,在空间底部安装了类似风筒的装置,柔软的鹅毛在风的作用下四处飘散,游荡在玻璃窗内的效果美轮美奂,使你路过的时候,仿佛看到了一件美好的艺术作品。这种橱窗广告的设计布局,既将产品材料特征表现得淋漓尽致,也把公共艺术语言完美的运用到了广告设计中,使广告作品具备了双重价值,店铺也因此引来了众多关注。 2讲究广告材料的创新语言运用 在商业广告设计环境中,我们最常见到的形式就是彩喷广告、灯箱广告和电子屏幕广告,很少去讲究材料运用的突破性问题。如果我们将艺术的创新材料语言运用理念,用来服务于商业环境的众多广告设计,传达给受众各种新信息与新理念,那么,我们的选择也许会更多。艺术家们利用自然材料、人工材料以及高科技含量材料来表现多种造型效果,尤其突出以废旧材料作为可再利用的材料语言。这种材料感的突破性运用使得共艺术的表现形式丰富多彩,而且,使大量废旧材料变废为宝的精彩作品呈现,也向受众传达了生态环保的生活理念。艺术设计讲究结合多种手段于一身,跨界打造艺术作品。我们可以通过某种商业广告材料的特性去传达或倡导某种理念。在芬兰赫尔辛基的建筑物顶部装饰了一些大品牌的金属材料标志,以循环转动的闪亮形式来表现产品,令人醒目,给人留下深刻印象。这一方面打破了灯箱广告的单一形式,另一方面这种材料的使用和设计形式的突破也烘托装点了城市的美丽,更重要的是这种单一的广告形式,即醒目明了,又减少了制作过多彩喷广告给环境带来的污染。在WINMAX品牌服饰店的品牌促销活动中,全部店内广告材料用的是废旧纸板,而且运用很少的广告语言,这就减少了广告成本,而且暗示这种打折季的宗旨,就是减少消费成本,更多的是向受众传达了一种理念,那就是废物利用,节约环保。 3注重强调与环境融合或利用实际环境来营造作品 商业广告设计作品存在于公共环境中,它的设计需要考虑与环境的完美融合。而现实商业环境中出现了很多杂乱无章的广告设计形式,这主要表现在有限商业环境中大量广告的出现和广告的,未考虑环境承受因素而产生了不协调的效果。这一方面造成了公共环境的污染,另一方面也影响了广告的效果。美国最大的商用机器公司IBM设计了一系列户外广告作品,这个系列作品充分考虑了所要广告的周边环境特点来展开,广告的结构设计既具有公共艺术的实用性特点,又迎合了该公司的广告意图表达,这就是广告设计充分结合环境因素,使它变成了方便行人过往的坡道,也是躲风避雨的港湾,还是路人坐下来休息的座位,为行人带来了很多便利,这似乎映射着公司的高科技技术给人们带来的便利。北京的南锣鼓巷这条胡同具有丰厚的历史文化积淀,每个商铺宅院都在诉说着老故事。这里的门面和橱窗广告,在设计之时完全考虑了胡同的原始环境和北京的地域文化。有些店面并不像现在的广告店面一样经常更新,而是根据纯正老北京胡同的环境特点保持着它的原汁原味,使人们从这里走过,就能体验出一种古今交错的感觉。 作者:高品 单位:沈阳建筑大学设计艺术学院 商业广告设计论文:商业广告设计论文 首先,良好的公共艺术化的设计布局给商业带来意想不到的效果,使商业环境中的广告设计,引领塑造更富有时代特色的全新品牌形象。广告商常常会遇到如何处理商业环境中的广告设计布局形式问题,比如牌匾的安装布局方式,橱窗展示广告的布局形式以及店内展示商品的摆放效果。公共艺术语言讲究独具特色的布局设计,营造一种完美的艺术氛围和新鲜的视觉感受。将这种公共艺术设计理念导入商业广告设计中会具有双效作用,使品牌营销与艺术欣赏完美结合,引领消费者在欣赏之余主动消费。土耳其的伊斯坦布尔是古老而不乏现代的国际大都市,这里的人们热衷于时尚消费。在这座城市里坐落着众多的大型商场,在这些商场里有很多完美的公共艺术化布局的商业广告设计案例,有一家名字叫作“penelope”的寝室品牌的店铺,这家店铺的产品材料主要是采用鹅绒,为了使产品的特性展示得更加立体化与艺术化,使产品形象深入人心,广告商将橱窗大胆地布局成了在一个透明玻璃制成的封闭空间,在空间的最底部安装了类似风筒的装置,柔软的鹅毛在风的作用下四处飘散,使你路过的时候,仿佛看到了一件美好的艺术作品,这种橱窗广告设计的布局既将产品材料特征表现得淋漓尽致,也使公共艺术语言完美地运用到了广告设计中,使广告作品具备了双重价值,店铺也因此引来了众多的眼球。在LV品牌卖场里,产品陈列的广告被巧妙地布局成了珍惜动物的主题,这种公共艺术化布局,使受众在欣赏产品本身的同时,也记住了一个理念—珍爱稀有动物。它有强烈的社会公德意识,极具人情味与吸引力。 其次,公共艺术讲究材料的创新语言的运用,商业广告也可以将创新材料运用到设计中,传达给受众各种新信息与新理念。任何艺术作品形式都是要通过某种材料来实现和表达其形式效果的,公共艺术也不例外。我们经常看到艺术家们利用自然材料、人工材料以及高科技含量材料来表现多种造型效果,尤其突出以废旧材料作为可再利用的材料语言,向受众传达了生态环保的生活理念。另外,公共艺术设计讲究结合多种手段,跨界打造艺术作品。可以通过某种商业广告的材料的特性去传达或倡导某种理念,例如,在WINMAX品牌服饰店里,在品牌促销活动中,全部的店内广告材料用到的是废旧的纸板,而且运用很少的广告语言,这就减少了广告成本,而且暗示这种打折季的宗旨,就是减少消费成本,更多的是向受众传达了一种理念,那就是废物利用,节约环保。在芬兰赫尔辛基的建筑物顶部装饰了一些大品牌的金属材料标志,以循环转动的闪亮形式来表现产品,给人留下深刻印象。这一方面打破了灯箱广告的单一形式,另一方面这种材料使用和设计形式的突破也烘托装点了城市的美丽,更重要的是这种单一的广告形式,既醒目明了,也减少了制作过多彩喷广告给环境带来的污染。再次,公共艺术语言强调与环境融合或利用实际环境来营造作品,商业空间中的广告也应善于巧妙地结合实际环境展开设计。 公共艺术作品的营造是离不开环境因素的,环境诉诸于人的视觉、听觉感受,要突出强调和表现某种主题思想或在特定环境下的主题构思。环境背景是首先要研究的问题。公共艺术语言善于利用环境营造气氛,而不是破坏环境。它是利用已有的环境作为自己作品的一部分,或是利用环境作为自己作品的铺垫和补充,从而展示出符合时代脉搏和满足人们审美需求的作品,在艺术与环境相互沟通、相互融合的基础上形成一个强有力的整体。而商业广告设计作品也与公共艺术作品一样,同样存在于公共环境中,也同样需要与环境的完美融合。而现实商业环境中出现了很多杂乱无章的广告设计形式,这主要表现在有限商业环境中的大量广告的出现和广告的,未考虑环境因素而产生了不协调的效果。这一方面造成了我们的公共环境的污染,另一方面也影响了广告的效果。北京的大型商业空间比比皆是,但最能够代表北京地域特色,云集商业、休闲与观光于一身的空间之一,莫过于南锣鼓巷。这条胡同具有丰厚的历史文化积淀,其每个商铺宅院都在诉说着古老的故事。而新世纪以来,不经意间,许多特色店铺与酒吧在这条古老的街巷里逐渐出现,这里的门面和橱窗广告,在设计之时完全考虑了胡同的原始环境和北京的地域文化,使人们在这里走过,就能体验出一种古今交错的感觉。 美国最大的商用机器公司IBM设计了一系列户外广告作品,这一系列作品充分考虑了所要广告的周边环境特点,广告的结构设计既不仅有公共艺术的实用性特点,而且这种设计理念也迎合了该公司的广告意图表达,那就是广告设计充分结合环境因素,它变成了方便行路人过往的滑道,也可以是避风避雨的港湾,它还是路人坐下来休息的座位,为行人带来了很多便利,这似乎映射着公司的高科技技术所给人们带来的便利。 作者:高品单位:沈阳建筑大学设计艺术学院 商业广告设计论文:手绘图形的商业广告设计论文 一、手绘图形的风格特征与表现 手绘图形包含的种类很多,包括甲骨文、书法、山水画、涂鸦、彩铅画等。一般来说,充满文化氛围的中国水墨图形元素运用在商业广告设计中时,常常能够恰到好处地表现出具有中国传统文化和内涵的作品。潇洒流畅的速写图形常常将人带入原汁原味、纯天然的风貌之中。而自由奔放的涂鸦又显出它独有的稚拙和质朴。这些不同的手绘图形作为一种特别的元素存在于商业广告设计中时,显出它独有的亲和力和文化价值。尤其是当这些同类的手绘图形之间或者手绘图形与电脑的矢量图形之间有结合时,更体现出一种风格,如水墨元素和速写结合,如涂鸦和矢量图形的结合,如油画和肌理的结合,常常能够达到非同寻常的效果。 1.原创性的意趣 世界上没有两片相同的树叶,同样,在商业广告设计中也没有两个一模一样的手绘图形。随着网络技术的飞速发展,资源共享已成为常见,设计者浏览、使用同样一张图片或者图形的频率大大增加,原创性因而显得愈发地珍贵。原创的手绘图形,是艺术家通过个人的艺术实践活动和独创性思维,发自内心世界的图形感悟,通过速写、水墨、涂鸦等不同方式来表现的。通过原创性带来的好处最主要的一定是其唯一性和独有性。手绘图形既能够充分地表达出设计师的思想意趣和个人的偏好以及风格,也能够更好地体现出作品的主题中需要传达的特定含义,从而使作品的主题更加突出,风格更加鲜明。 2.创意性的表达 创意是设计的生命。而手绘图形总是通过鲜明生动的视觉形象,丰富的联想来表达思想情感和思绪脉络,因而创意在手绘中体现得更为明显。手绘图形中的创意是新颖、独特,有开创性、说明性的视觉表达方式。手绘图形作为信息的载体,以其独特的视觉表达方式,说明性的图形语言,准确、直观地建造起一座传递设计与受众之间沟通的桥梁,这也正是手绘图形的价值所在。 3.亲和力的流露 手绘图形是设计者自我情感的具体性转化,可以说是一种个性的表达、年轻的释放,很多设计师喜欢用手绘图形来表达自己的想法,就是在于手绘图形能够散发出一种年轻的味道。同时手绘图形亲切、生动,是一种回归大自然的情感体验,传达着一种充满生命力的能量。 4.技巧性的展露 相对于文字在商业广告设计中的作用,手绘图形的作用更加直观、生动,更能够吸引消费者的眼球。因此设计师在利用手绘图形来传达产品功能的时候,需要有深厚的美术功底和造型能力才能够恰到好处地表现出产品需要传达的诉求点。 二、商业广告设计发展的特征 现代商业广告设计艺术作为视觉传达艺术中的主要组成部分,经历了从工业化社会到信息化社会的转变。在现代设计多元化发展的大趋势下,商业广告设计也向着多元化发展。我国商业广告设计的发展受到了东西方文化思潮和艺术风格的影响,在观念、功能、风格、表现手法上都有了许多新的变化。其中最为突出的是手绘图形在商业广告设计中的广泛运用。 三、手绘图形在商业广告设计中的运用 手绘图形逐渐成为商业广告设计的主要传播载体之一,是代表或表述某种事物的重要途径。很多商业广告设计的创意都是通过手绘图形中所特有语言符号来传达思想、表述真相的,因而具有必不可少的作用和功能。 (一)手绘图形符号在商业广告设计中所特有的功能 手绘图形是以象征性为基础和起点,通过联想、想象等方式加以润色,以此让手绘图形承载着更多更丰富的象征含义,使得手绘图形更容易被认知和解读,被赋予十足的个性而不至于雷同,从而能够更加准确地传达出商业广告需要诉求的主题。避免出现设计者并不十分了解手绘图形在商业广告设计中的功能,不懂得手绘图形的使用方法,因而不能有效传达的这一情况和弊端。贫乏、空洞的手绘图形是没有负载真正有效的诉求、传播功能的,更不能使受众产生共鸣和影响作用。手绘图形的所指功能使得受众能够更好地理解和接受主题。 (二)手绘图形在商业广告设计中的原则 1.手绘图形颜色选择的大胆突破 在商业广告设计中,最重要的因素就是要吸引受众,因此手绘图形在颜色的表达和搭配上一定要合理、大胆,要敢于突破。大多时候,需要根据产品的特点和功能来选择与之搭配的色系。同时,要敢于采用较为明亮、跳跃的颜色。甚至可以模仿当下时新的色彩搭配,大胆撞色,才能出其不意。 2.手绘图形创意的独特性和新颖性 众所周知,创意是商业广告的灵魂。在商业广告中,能够第一时间抓住受众的眼球的广告,一定是有独特魅力的。淹没在大海中的广告大多是平平的,品牌与品牌之间的关系也变得鱼龙混杂,让其品牌效应也削弱了。在商业广告无所适从的尴尬境地中,通过手绘图形表现的创意性和新颖性也在一定程度上挽救了现代商业广告的尴尬。手绘图形作为信息的载体,以其独特的视觉表达方式,说明性的图形语言,准确、直观地传递设计中与观众间建立起一座沟通的桥梁,这也正是手绘图形的价值所在。好的手绘图形创意,除了需要准确传达信息以外,还要满足人们不同层次的审美需求。运用形式美法则和多种表现手法,能更好地激发人们的审美情趣,给消费者带来赏心悦目的视觉感受,更好地为传达信息服务。手绘图形还具有帮助沟通、促进交流的语言特征。它以其独特的表达方式,成为最具说明性和说服力的语言。 3.手绘图形所体现的文化价值 手绘图形运用在商业广告设计中时,需要有特定的价值,独特的思想观念,要体现一定的文化价值。在西方,相当多的商业广告设计、招贴设计都是通过夸张、大胆的手法的手绘图形来表现的,其效果鲜明,具有十分强烈却又恰到好处的效果。从而在传到东方等亚洲国家后,也深深地影响了亚洲各国国家对于手绘图形的重视程度。因此手绘图形也起到了促进文化的相互借鉴与交融的作用与力量,具有十分重要的文化价值。 (二)手绘图形的有效传播 当下的许多商业广告中,越来越多地出现用手绘图形来传达新的信息,因此手绘图形承担了信息的有力传播者。手绘图形符号是生产者、经营者与消费者之间进行信息传递的桥梁和互动平台,信息内容要系统化地包涵消费者的诉求点、利益点、需求点、知识点和支持点等沟通要素和内容。一则好的商业广告设计不需要观赏者和消费者花费太多的精力投入到搜寻信息中去,如果已经耗费掉大量的时间和精力含辛茹苦地在解读这一则广告想要传达的信息内容和资讯,已经足以证明这则商业广告的失败。给消费者的情感传达是一个懵懂的情绪或者不明就里的诉求点,白费的只能是设计师的一番苦心和徒劳无益的诉求效应。因此,好的手绘图形是需要并且能够快速准确地传达出商品的诉求的。 四、手绘图形是商业广告设计最好的归宿 在没有出现电脑的年代,艺术家和设计师表达自己的感受和灵感的时候常常依靠画笔,轻松自如并且能够及时地记录当下的想法,完成的整个过程是完整,没有任何束缚的。而电脑出现后,虽然创作的效率大大提高,也完成了从繁到简的整个过程,然而在很多创意细节上逐渐表现得粗略。而手绘图形充满了人情味和亲和力,通常能够完整地表达出个人瞬间的灵感,当设计师萌生出极具创意的灵感时,需要依靠手绘辅助让其实现,其中的表现力就要靠手绘图形的张力来传达了。有位设计大师曾说过:“最能体现你脑袋灵感的东西,是你灵巧的手”。创意的过程就是设计人员将自己思维中的空间形象转化为视觉形象的过程。一个有创意的设计,其灵感的火花是在“想”和“画”反复肯定与否定中碰撞出来的,并且不断地交融互动,从而使设计方案在“想”和“画”的循环交融互动中不断改进和完善。而手绘图形作为设计师创意最好的承载者,发挥着无穷的作用。因此,手绘图形与商业广告设计的相互融合、相互运用能产生丰厚的美学价值和巨大的商业价值。 五、结语 手绘图形正逐渐影响着商业广告设计的形式和风格,而商业广告设计也影响着手绘图形的发展,两者相互作用、相辅相成,为商业广告设计提供了一个新的领域。高质量的手绘图形艺术在商业广告设计中具有灵魂的作用,能够带来强大的亲和力和表现强烈的视觉冲击,体现商业广告的深度和力度,使其具有更加强大的号召力和感染力。 作者:夏令单位:杭州师范大学美术学院 商业广告设计论文:农村商业广告设计探讨论文 摘要:农村作为一个庞大的广告市场,越来越受到各方重视,但是农村商业广告仍然面临众多问题。文章通过对农村市场及农村消费者的特点分析,针对农村商业广告的策划、创意及设计提出了相应的解决策略。 关键词:农村市场;广告策划;广告设计 今天,不管在城市还是在农村,商业广告日益改变着消费者的消费习惯,成为影响消费者选择商品的重要因素。受各方面的影响,农村作为一个庞大的广告市场,越来越受到各方重视。因而针对农村市场及农村消费者,如何进行农村商业广告的策划及设计,如何设计有效的广告形式与内容,如何利用广告传播开拓农村市场,就成了必须面对和解决的问题。 一、农村商业广告的整体策划 以现代市场观念为指导,深入农村环境,对农村广告市场进行调查。通过对调查结果的研究,明确农村市场和农村广告的现状;产品的目标受众是谁,有多少人,有多少户;目标受众对本产品的认知、态度和购买行为及市场分布;用什么方法能刺激农村消费者产生购买兴趣;竞争对手在农村市场宣传的优、劣势所在;广告策略;媒体运用计划;营销建议;广告、所需广告费用及广告效果评定等。制定能实现主动进攻农村市场的广告竞争策略。 二、农村商业广告的创意应注意的问题 奥格威曾说:“没有好的创意,广告充其量是二流作品。”好的创意是农村广告宣传的重要一环。农村商业广告设计要做到三点: (一)广告内容贴近农村受众,即观念性 广告实质上是一种沟通。广告通过一定的表现形式实现和消费者的心灵沟通是广告成功的一大表现。中国农民受传统思想的影响,观念相对保守,接受新事物的能力较弱,这就决定了好的广告创意不能拐弯太多、太抽象,也不能过多地讲求艺术表现,要通俗易懂,还要在接受新事物的方向上对农民做一定的引导,在广告创意转化为广告作品之后,实现内部结构的联系性。如中国移动通信在某乡镇做的广告语“中国移动通信卡,一边耕地一边打。”即宣传了广告目标,又符合了大部分农民的工作习性,还引领了农民要跟上时代的步伐——使用手机这种现代化的通讯工具。 (二)广告内容要拉动农村广告市场,即独创性 心理学告诉我们,人们关注的总是新颖的东西。广告作品如果毫无新意,则必然无法引起人们的注意。要想实现农村广告的独创性,就要因地制宜,把农村当地风俗作为创作的素材。在周密、详实的市场调研基础上设计适应不同农村消费者的广告语、广告画面。例如蛇王隆力奇能登上中国本土日化销量冠军的宝座,很大程度上就是在农村市场把广告的宣传和农民的特点紧密地联系在一起:“低价格、高质量、全覆盖”抓住了农村消费者的心。且结合农村秋收后举行的融购物、娱乐为一体的大型物资交流会,把蛇技表演带到现场,穿插丰富的促销活动,其宣传作用可想而知。史丹利复合肥在不同媒体采用不同的广告语,让受众既有亲切感又有新鲜感。电视广告语是“黑土地黄土地,用肥就用史丹利”,横幅广告语“选史丹利,准没错”。 (三)广告内容要服务于农村广告客户,即关联性 关联性是指广告创意必须与广告商品、消费者、竞争者相关联,必须要和促进销售相关联。找到产品特点和消费者需求的交叉点,是广告创意的重要前提。心理学家高尔顿·奥尔波特说过:“人的鲜明特征是他个人的东西,从来不曾有一个和他一样,也永远不会再有这样的一个人。”农村市场有几个不同的消费群体,广告宣传也该实行差异化策略,提高广告的适应性。 1、以农业为主的农民,收入水平较低,中老年和女性居多,喜欢喜庆吉祥,对应马斯洛的“需求层次说”,就是物次价廉的寻求,往往低价格高附加值的产品更容易被接受,主要是为了满足生理需要。针对这部分消费群体,可以采用特殊的广告形式。如啤酒是农村季节性较强的消费品,除了夏季,农民大都饮用白酒。河南蓝星啤酒抓住农村夏季麦收的有利时机,组织车辆和人员分散行动,把啤酒送到田间地头,给农民提供了便利,也实现了广告的针对性宣传。从另一方面讲广告也可以强调产品的方便、舒适性,利用他们的从众心理、权威心理,在广告中权威消息,利用产品及其承诺的高可信性,采用科学鉴定、专家学者评价、消费者现身说法等广告策略实现广告的有效传播。例如,舒肤佳肥皂广告就以“中华医学会认可”作为权威证明,沙宣洗发水则由世界著名“护发专家推荐”等,都力图在消费者的心目中树立一个情感的支持点,使广大消费者认同和认可其产品、品牌的可信度和可靠性,以达到促进消费者购买行为的目的。 2、以打工为主兼务农的农民,中青年居多,有一定经济收入,受城市影响很大,尾随时尚潮流,具有潜在的消费能力。是家电、摩托车等生活用品最重要的目标受众。这类消费人群注重情感消费,受城市环境的影响,产品的款式、颜色、外观、品牌等外在因素都能成为他们的购买理由。针对这类人群,宣传的产品要适用且时尚,可采用直销的方式诱导其购买。广告内容要运用适当的语言、音乐和形象,渲染广告气氛,广告宣传可以多考虑新媒体的利用,如互联网、手机短信等。 3、部分高收入农村消费者,消费能力较强。能通过网络、电视、报纸等媒体了解信息,接受信息,能够快速接受新事物。物质生活得到满足的同时,期待精神生活更加丰富。针对这部分消费群体,广告对产品功用的介绍不可夸张失实,广告语力求取得和他们的沟通。电视广告可以考虑用传统文化、民族文化符号来诠释广告内涵。如孔府家酒广告,南方黑芝麻糊广告等。纸质广告可以在产品选择上更具有针对性。也可在传统媒体发挥其影响范围及覆盖面广的优势基础上,运用新媒体如网络、手机短信等与受众进行互动,来进一步加强品牌形象,两类媒体的内容应相互配合,共同发挥广告宣传的作用。总之企业在开拓农村市场时,要选准目标市场,同时在产品的多样化、系列化上下功夫。广告创意一定要新奇、有理、切中,增强对这部分消费者各种器官的刺激强度,达到广告宣传的目的。 三、农村商业广告设计可采用的方法 (一)从明星 利用高知名度的明星作为通向农村消费者的桥梁是一种有效的广告宣传策略。选择的明星要和其代言的产品相适应,能充分发挥明星高知名度的正面作用。如蚊香在农村的使用率远远高于城市。三笑集团就利用赵本山在农民心目中的幽默和淳朴形象,为睡得香蚊香做形象代言。史丹利复合肥也邀请陈佩斯做电视广告宣传,从而拉近了产品和消费者之间的距离。另外还可以寻找有影响力的地方名人做广告。如山东莱芜移动公司,就请莱芜梆子剧团名角张洪展利用方言做神州行的广告代言,给人亲切感,收到很好的广告宣传效果。 (二)从众 受各方面环境的影响,农村消费者的从众心理比城市消费者要严重的多,这就成了农村广告创意的一个出发点。广告内容要根据产品性质,满足受众在部分群体里的从众心理。比如脑白金广告:“脑白金是大家的选择,大家都选择的产品肯定没有错”。还有三鹿婴幼儿奶粉的电视广告:“2000万妈妈的营养选择,三鹿婴幼儿奶粉”。神州行广告词:“神州行,是吧,用的人多!听说将近两亿人用,我相信群众!”这就是从众的“消费逻辑”与广告策略有机结合的典型案例。 (三)从情 亲情、爱情、友情等情感融入广告,能让消费者从中找到自己过去或现在的影子,也能在不经意间利用“润物细无声”的手法打动消费者。如“雕牌”洗衣粉一句“妈妈,我能帮你干活了!”,孔府集团的“孔府家酒,叫人想家。”都成就了一个个感人至深的产品故事。龙江家园酒“实在人,喝实在酒”,也是迎合了农村消费者的淳朴善良性情。 (四)从需 为了满足农村消费者某方面的要求,广告内容要突出产品独特的优点。食品广告就应该更多的强调味觉和嗅觉,而服装广告则更多的运用视觉和触觉。比如中国联通在农村的广告语:比一比,算一算,还是联通最划算(中国联通);黑土地黄土地,用肥就用史丹利(史丹利复合肥)。浏阳市夏维烟花制造有限公司就在产品包装上就满足了农村消费者对新年喜庆及幸福的渴望。 (五)从权威 权威广告可以采用科学鉴定,专家学者评价或消费者现身说法等广告策略,在消费者的心目中树立一个情感的支撑点,使广大农村消费者认同产品和品牌。成功的案例也有很多,比如三株口服液曾利用医生作为其农村权威传播者,具有相当的说服力,实现了很好的广告宣传效果。 (六)从系列 系列性广告具备广告创意的延续性,以及时空的扩展性,还有多种媒介的差异性,对产品特性的宣传性更强,对受众的针对性更强。农村广告宣传采用系列性广告,能让农村受众对广告的接触面更广,接触时间更长,更有利于加深品牌印象。如兰陵酒业在墙体、电视、赠品等不同媒体进行系列广告宣传,收到了非常好的效果。 (七)从俗 通俗易懂,是农村广告设计的一大要点,容易使农村消费者接受广告内容,加深品牌在他们心目中印象。如“时风时风,路路畅通”(时风集团)。“这好,那好,还是固定电话品质好”。(中国电信) (八)从方言 语言是思想的载体、是广告与农村消费者沟通的桥梁和纽带。好的方言广告有利于产品的宣传。例如大连人在表达特殊的时候往往都用方言“血”,如“血好玩”、“血没劲”等。而一家鞋店就利用“鞋”和“血”的谐音推出了“血便宜”这样一则广告语。广告宣传事半功倍。北极绒保暖内衣广告里就有赵本山的一句“外星人咋不知道呢?”让消费者听了感到亲切温馨。 总之,农村作为一个新型的广告市场,还有很多地方值得我们去探讨和研究。只要我们能够有针对性的进行广告策划、广告设计与广告实施,做到分层推进,中国农村的广告市场会越来越好。 商业广告设计论文:民国商业广告设计教育的启发 20世纪最初10年到30年代后期是中国新式美术教育和艺术设计教育迅速发展的时期。在此期间各地纷纷开设美术学校和美术科系。其中,国立杭州艺专令人瞩目。就艺术设计教育而言,1928年国立杭州艺专建校之初就已设立图案系,这一时期任教的主要教师有:雷圭元、陈之佛、李有行、庞薰琹、章东浩、沈福文、谭旦、尹陂九、唐隽、王道平、郑月波、邓白、柴扉、王隐秋等。国立杭州艺专图案系重视民族民间遗产,主张在继承中发展传统图案。将设计与技术熔于一炉,如装潢设计联系广告、印刷品及展览会整体形象,染织设计结合印花布、壁挂和地毯。这些教学内容由于当时社会需要而设置,这些设计都不以纯绘画作为衡量的尺度,而以设计水平高低为标准,从而提高了学生的实际设计能力。②中国现代设计教育是通过图案教学得到发展的,陈之佛是“图案”教学的代表人物。1923年陈之佛从东京美术学校(今东京艺术大学)的工艺图案科毕业归国后,在上海创办了“尚美图案馆”,专门为生产厂家和出版单位作产品、书籍的设计。他强调“艺术的路子要走得宽一些,要理论和实践结合起来,不要太窄太偏,否则在社会上无法立足。” 陈之佛在1930年出版的《图案法ABC》中介绍了日本、欧洲的图案设计,并明确指出“图案实在含有‘美’和‘实用’两个要素”。③对于工艺美术的职业教育问题,他在1936年发表于《中国美术会季刊》第一卷第三期的《应如何发展我国的工艺美术》一文中提出自己的意见“:一、筹设规模较大的工艺美术学校,专门训练最优秀的工艺人才,分发到各学校、工场;或调各学校、工场之有经验者来训练,使全国工艺在整个策划之下得以猛进。二、就各地特产区域筹设各种初级工艺学校,或在已设之职业学校中的工艺科设法改进,或于特产区域筹设工艺子弟补习学校,以增益其学识。三、举行工艺美术品展览会,使互相观摩比较,并奖励出口优良者。四、搜罗国内外优良的工艺美术品,筹设工艺美术陈列馆。”④(二)民间私立教育官方在积极开展新式艺术设计教育的同时,民间人士也通过不同方式追求现代新知,以适应商品市场的需求。上海美专是一所“事实上承继了上海地区自清末以来所发展的新美术传统,同时不断地适应社会的要求,修改教学内容,并配合画坛的变化适时的吸收新师资,逐步演变成受到民间与官方认可的专业学校。”⑤该校自创办至发展过程中,以大众商业市场的需求为主导展开教学和师资招聘,为商业艺术市场培养了大批美术家。上海美专在办学方法和课程设置上相当灵活,具有商业价值的布景画、肖像画、插图、广告画等是这一时期的主要教学内容,并根据商业市场的需求及时修改课程。 除办学来教授艺术设计外,传统的师徒教学还是继续存在。民国时期著名的商业美术家如郑曼陀、杭稚英、谢之光、丁云先、金柏生等,他们在承接月份牌、商标、商品包装等商业美术业务的同时,招收学员培养专业人才。但就他们自身而言,也经历了不同的学习方式,其中企业内部培训就是一种。一些规模较大的企业设有设计部门,招聘画家从事产品和广告设计,如胡伯翔、倪耕野、梁鼎铭、吴志厂、戈湘岚等是英美烟草公司的专职画师。谢之光、周柏生等人是南洋兄弟烟草公司的画师。杭稚英、金雪尘、金梅生等都曾在商务印书馆的图画间学习。⑥企业内部的设计机构不仅营造了重视设计的氛围,还培养了一大批具有实战能力的设计师。他们是在企业中接受虽不正规但贴近生产和市场的实战训练的,所以设计能力和市场适应能力都很强,所以当杭稚英开办“稚英画室”的时候,就已具备丰富的和客户接触、提供客户所需设计方案的经验,从而迅速适应市场环境并发展成为上海著名的设计事务所。 职业教育特色与高职平面设计教学 (一)职业教育特色 根据《国家中长期教育改革和发展规划纲要(2010-2020年)》的要求,职业教育要以科学发展观为指导,增强服务经济社会发展、促进学生全面发展的能力。并以经济社会发展需求为依据,坚持以服务为宗旨、以就业为导向,创新体制机制,推进产教结合,实行校企合作、工学结合,促进专业与产业对接,课程内容与职业标准对接,教学过程与生产过程对接,学历证书与职业资格证书对接,职业教育与终身学习对接,强化职业教育办学特色,增强服务经济社会发展和人的全面发展的能力。从教育类型看,高职教育是职业岗位教育;从培养的人才类型看,是培养面向某一职业或技术岗位群,工作于一线的高素质技能型人才;从培养方式看,着眼于培养岗位工作能力,重视技能训练,强调校企合作;从办学体制看,更强调办学的开放性,办学体制上更加灵活,强调社会、企业参与培养人才。民国时期商业广告教育虽处于中国艺术设计教育萌芽阶段,但仍呈现出一种多样性:官办与私立并存,学术与商业实践共生。从民国商业广告设计教育实践中,我们可以总结出对今天的设计教育有启发性意义的经验,这就是教学、研究、实践三位一体的设计教育方法,它也与德国包豪斯的“知识与技术并重,理论与实践同步”的教育体系不谋而合。职业教育是以培养学生实际操作能力为特色的。设计学科要求学生能把设计思想转变为现实,将抽象的理论变成具体的物质形象,这需要与实际生产相结合。现阶段我国高职教育正进入重要的转型发展阶段,就平面设计教学而言,诸如课程体系与授课方式、教学环境、教学管理与学生学习动力等方面的问题,仍需要不断摸索与总结,以期及时找到合理、有效的教育思路与教学方法。 (二)高职平面设计教学 1、加强设计产、学的合作从20世纪初始,在“实业救国”的爱国主义标语下,一场长达四十余年的国货运动轰轰烈烈地展开了。与此同时,政府和民间的工商业美术教育与协会的创办,为中国早期商业广告的发展及推动国货的销售铺搭建了良好的交流平台。我们由此得到启示,业界与协会是连接学校和企业的重要纽带,是推进产学合作的生力军。学校需要强化教育与行业相关部门的指导作用,以便有效开展本行业各级各类技能型人才需求预测,参与高等职业教育专业设置和建设,制定人才培养方案,促进课程内容和职业资格标准融通;推动和督促企业与职业学校共建教学与生产合一的开放式实训基地,合作开展兼职教师选聘;组织指导职业学校教师企业实践、学生实习、就业推荐等工作。学术界也可以多多邀请这些主管部门和产业界参与学校课程内容规划,提供设计产业的现有资源,建立产学合作的桥梁,使学界培育人才为业界适用;学校可以利用寒暑假期间,安排推荐学生到设计企业实习,业界也可提出商业计划由学生参与执行,共创产学合作的价值。另外建议教育与行业相关部门,调查和统计现有可供学校聘任实践教学的师资资料库,提供未来各个学校安排讲座、实习辅导或聘任之用,以共同创造设计的社会价值。即使以校内实训基地建设为实践方法,也要强调针对性大、仿真性高、模拟性强的特点,形成良好的职业教育学习环境。同时要努力使校内实训基地体现教育和企业运行特点的有机融合,充分发挥校内实训基地的社会效益以及实训基地的对外辐射和服务功能。 2、文化素质建设与性格培养由于人们对高职教育不够了解,导致对高职教育存在偏见,认为它是一种低层次、低水平教育,从而影响了高职学生的学习积极性。因此,高职院校应加强文化素质建设与性格培养,这是培养学生完整人格的必需,是高职教育培养职业人的必然要求。文化艺术可以滋养人的心灵,而大学特有的文化环境是离开大学后所得不到的。它聚集文化精髓,沉淀人类智慧,给予青年人以心灵的关怀,并能促进学生心智的成长,修正人生追求,丰富生命感悟。文化素质还可以提高职业人相应的性格。任何职业的从业者,都应该具备职业性格,包括职业态度和职业情感、职业意志和职业操守、职业行为方式和习惯。职业能力不仅提供从事职业的可能性,有文化素质的职业人更是合格的职业人才。高职教育应以培养出具备健全人格的高技能人才为目标。这要求我们强化学生文化素质培养,改进教育教学过程;改革以学校和课堂为中心的传统教学方式,重视实践教学、项目教学和团队学习;开设丰富多彩的课程,提高学生学习的积极性和主动性;研究借鉴优秀企业文化,培育具有职业学校特点的校园文化;强化学生诚实守信、爱岗敬业的职业素质教育,加强学生就业创业能力和创新意识的培养。 3、基础设计教育及鼓励学生参加竞赛面对未来国际设计的强烈冲击与市场竞争,将具有中国特色的经典元素融入于现代设计,借此培养具有独特风格的设计新秀展现于国际设计的舞台,是高职设计教育的远大目标。这需要学校更加重视基础设计教育,培养学生扎实的基础造型能力。教师在设计教育中,应把美的观念和技能从课堂延伸到自然和生活中,引导学生从生活中感受设计,从设计中创造生活,把设计的意识和观念带进生活,使学生的设计活动成为艺术化的生活和生活化的艺术。参加各种层次的设计竞赛,各个选手可以在其中展现自我能力、水平;同时可以从各个方面看到自己与其他参赛选手之间的差距,从而帮助学生正确认识自己。自主学习是成绩提高的最有效的途径,因为在设计过程中,需要学生寻找各种不同的知识,从各种渠道获取相关创意的信息资料,通过了解、分析之后并把相关的知识转化为创意的图形。学生通过自己的努力如果获得竞赛的成绩,肯定会获得学习的成就感,这种成就感、超越性能成为学生继续进步的动力。 结语 现代美术教育家、工艺美术家陈之佛在1936年谈到工艺美术的职业教育问题时提出,将“工艺人才,分发到各学校、工场;或调各学校、工场之有经验者来训练”;设计教育萌芽期的职业教育产学合作方式仍值得我们今天借鉴和思考。这种方式可以使学生提前接触社会,参加生产实践,使课堂上的理论知识与社会实践有机结合,从而适应社会的需要。希望通过对民国商业广告教育历史的回顾,促进对高职平面设计教育与教学中的实际问题的思考,在正确认识和把握高职平面设计教学内涵的基础上,对今后教学内容和方法提供一些思路。在职业教育科学发展观指导下,以经济社会发展需求为依据,把培养人才的教育目标与市场需求结合起来,并随时根据市场需求进行调整。这种教育模式下,学生不但可以学到更多的专业知识,而且可以具备相当的文化理论素养,掌握熟练的实际操作能力,使他们在成为具有综合能力的复合型人才。 作者:胡晓东单位:中国美术学院艺术设计职业技术学院 商业广告设计论文:农村商业广告设计分析论文 摘要:农村作为一个庞大的广告市场,越来越受到各方重视,但是农村商业广告仍然面临众多问题。文章通过对农村市场及农村消费者的特点分析,针对农村商业广告的策划、创意及设计提出了相应的解决策略。 关键词:农村市场;广告策划;广告设计 今天,不管在城市还是在农村,商业广告日益改变着消费者的消费习惯,成为影响消费者选择商品的重要因素。受各方面的影响,农村作为一个庞大的广告市场,越来越受到各方重视。因而针对农村市场及农村消费者,如何进行农村商业广告的策划及设计,如何设计有效的广告形式与内容,如何利用广告传播开拓农村市场,就成了必须面对和解决的问题。 一、农村商业广告的整体策划 以现代市场观念为指导,深入农村环境,对农村广告市场进行调查。通过对调查结果的研究,明确农村市场和农村广告的现状;产品的目标受众是谁,有多少人,有多少户;目标受众对本产品的认知、态度和购买行为及市场分布;用什么方法能刺激农村消费者产生购买兴趣;竞争对手在农村市场宣传的优、劣势所在;广告策略;媒体运用计划;营销建议;广告、所需广告费用及广告效果评定等。制定能实现主动进攻农村市场的广告竞争策略。 二、农村商业广告的创意应注意的问题 奥格威曾说:“没有好的创意,广告充其量是二流作品。”好的创意是农村广告宣传的重要一环。农村商业广告设计要做到三点: (一)广告内容贴近农村受众,即观念性 广告实质上是一种沟通。广告通过一定的表现形式实现和消费者的心灵沟通是广告成功的一大表现。中国农民受传统思想的影响,观念相对保守,接受新事物的能力较弱,这就决定了好的广告创意不能拐弯太多、太抽象,也不能过多地讲求艺术表现,要通俗易懂,还要在接受新事物的方向上对农民做一定的引导,在广告创意转化为广告作品之后,实现内部结构的联系性。如中国移动通信在某乡镇做的广告语“中国移动通信卡,一边耕地一边打。”即宣传了广告目标,又符合了大部分农民的工作习性,还引领了农民要跟上时代的步伐——使用手机这种现代化的通讯工具。 (二)广告内容要拉动农村广告市场,即独创性 心理学告诉我们,人们关注的总是新颖的东西。广告作品如果毫无新意,则必然无法引起人们的注意。要想实现农村广告的独创性,就要因地制宜,把农村当地风俗作为创作的素材。在周密、详实的市场调研基础上设计适应不同农村消费者的广告语、广告画面。例如蛇王隆力奇能登上中国本土日化销量冠军的宝座,很大程度上就是在农村市场把广告的宣传和农民的特点紧密地联系在一起:“低价格、高质量、全覆盖”抓住了农村消费者的心。且结合农村秋收后举行的融购物、娱乐为一体的大型物资交流会,把蛇技表演带到现场,穿插丰富的促销活动,其宣传作用可想而知。史丹利复合肥在不同媒体采用不同的广告语,让受众既有亲切感又有新鲜感。电视广告语是“黑土地黄土地,用肥就用史丹利”,横幅广告语“选史丹利,准没错”。 (三)广告内容要服务于农村广告客户,即关联性 关联性是指广告创意必须与广告商品、消费者、竞争者相关联,必须要和促进销售相关联。找到产品特点和消费者需求的交叉点,是广告创意的重要前提。心理学家高尔顿·奥尔波特说过:“人的鲜明特征是他个人的东西,从来不曾有一个和他一样,也永远不会再有这样的一个人。”农村市场有几个不同的消费群体,广告宣传也该实行差异化策略,提高广告的适应性。 1、以农业为主的农民,收入水平较低,中老年和女性居多,喜欢喜庆吉祥,对应马斯洛的“需求层次说”,就是物次价廉的寻求,往往低价格高附加值的产品更容易被接受,主要是为了满足生理需要。针对这部分消费群体,可以采用特殊的广告形式。如啤酒是农村季节性较强的消费品,除了夏季,农民大都饮用白酒。河南蓝星啤酒抓住农村夏季麦收的有利时机,组织车辆和人员分散行动,把啤酒送到田间地头,给农民提供了便利,也实现了广告的针对性宣传。从另一方面讲广告也可以强调产品的方便、舒适性,利用他们的从众心理、权威心理,在广告中权威消息,利用产品及其承诺的高可信性,采用科学鉴定、专家学者评价、消费者现身说法等广告策略实现广告的有效传播。例如,舒肤佳肥皂广告就以“中华医学会认可”作为权威证明,沙宣洗发水则由世界著名“护发专家推荐”等,都力图在消费者的心目中树立一个情感的支持点,使广大消费者认同和认可其产品、品牌的可信度和可靠性,以达到促进消费者购买行为的目的。 2、以打工为主兼务农的农民,中青年居多,有一定经济收入,受城市影响很大,尾随时尚潮流,具有潜在的消费能力。是家电、摩托车等生活用品最重要的目标受众。这类消费人群注重情感消费,受城市环境的影响,产品的款式、颜色、外观、品牌等外在因素都能成为他们的购买理由。针对这类人群,宣传的产品要适用且时尚,可采用直销的方式诱导其购买。广告内容要运用适当的语言、音乐和形象,渲染广告气氛,广告宣传可以多考虑新媒体的利用,如互联网、手机短信等。 中国论文联盟-3、部分高收入农村消费者,消费能力较强。能通过网络、电视、报纸等媒体了解信息,接受信息,能够快速接受新事物。物质生活得到满足的同时,期待精神生活更加丰富。针对这部分消费群体,广告对产品功用的介绍不可夸张失实,广告语力求取得和他们的沟通。电视广告可以考虑用传统文化、民族文化符号来诠释广告内涵。如孔府家酒广告,南方黑芝麻糊广告等。纸质广告可以在产品选择上更具有针对性。也可在传统媒体发挥其影响范围及覆盖面广的优势基础上,运用新媒体如网络、手机短信等与受众进行互动,来进一步加强品牌形象,两类媒体的内容应相互配合,共同发挥广告宣传的作用。总之企业在开拓农村市场时,要选准目标市场,同时在产品的多样化、系列化上下功夫。广告创意一定要新奇、有理、切中,增强对这部分消费者各种器官的刺激强度,达到广告宣传的目的。 三、农村商业广告设计可采用的方法 (一)从明星 利用高知名度的明星作为通向农村消费者的桥梁是一种有效的广告宣传策略。选择的明星要和其代言的产品相适应,能充分发挥明星高知名度的正面作用。如蚊香在农村的使用率远远高于城市。三笑集团就利用赵本山在农民心目中的幽默和淳朴形象,为睡得香蚊香做形象代言。史丹利复合肥也邀请陈佩斯做电视广告宣传,从而拉近了产品和消费者之间的距离。另外还可以寻找有影响力的地方名人做广告。如山东莱芜移动公司,就请莱芜梆子剧团名角张洪展利用方言做神州行的广告代言,给人亲切感,收到很好的广告宣传效果。 (二)从众 受各方面环境的影响,农村消费者的从众心理比城市消费者要严重的多,这就成了农村广告创意的一个出发点。广告内容要根据产品性质,满足受众在部分群体里的从众心理。比如脑白金广告:“脑白金是大家的选择,大家都选择的产品肯定没有错”。还有三鹿婴幼儿奶粉的电视广告:“2000万妈妈的营养选择,三鹿婴幼儿奶粉”。神州行广告词:“神州行,是吧,用的人多!听说将近两亿人用,我相信群众!”这就是从众的“消费逻辑”与广告策略有机结合的典型案例。 (三)从情 亲情、爱情、友情等情感融入广告,能让消费者从中找到自己过去或现在的影子,也能在不经意间利用“润物细无声”的手法打动消费者。如“雕牌”洗衣粉一句“妈妈,我能帮你干活了!”,孔府集团的“孔府家酒,叫人想家。”都成就了一个个感人至深的产品故事。龙江家园酒“实在人,喝实在酒”,也是迎合了农村消费者的淳朴善良性情。 (四)从需 为了满足农村消费者某方面的要求,广告内容要突出产品独特的优点。食品广告就应该更多的强调味觉和嗅觉,而服装广告则更多的运用视觉和触觉。比如中国联通在农村的广告语:比一比,算一算,还是联通最划算(中国联通);黑土地黄土地,用肥就用史丹利(史丹利复合肥)。浏阳市夏维烟花制造有限公司就在产品包装上就满足了农村消费者对新年喜庆及幸福的渴望。 (五)从权威 权威广告可以采用科学鉴定,专家学者评价或消费者现身说法等广告策略,在消费者的心目中树立一个情感的支撑点,使广大农村消费者认同产品和品牌。成功的案例也有很多,比如三株口服液曾利用医生作为其农村权威传播者,具有相当的说服力,实现了很好的广告宣传效果。 (六)从系列 系列性广告具备广告创意的延续性,以及时空的扩展性,还有多种媒介的差异性,对产品特性的宣传性更强,对受众的针对性更强。农村广告宣传采用系列性广告,能让农村受众对广告的接触面更广,接触时间更长,更有利于加深品牌印象。如兰陵酒业在墙体、电视、赠品等不同媒体进行系列广告宣传,收到了非常好的效果。 (七)从俗 通俗易懂,是农村广告设计的一大要点,容易使农村消费者接受广告内容,加深品牌在他们心目中印象。如“时风时风,路路畅通”(时风集团)。“这好,那好,还是固定电话品质好”。(中国电信) (八)从方言 语言是思想的载体、是广告与农村消费者沟通的桥梁和纽带。好的方言广告有利于产品的宣传。例如大连人在表达特殊的时候往往都用方言“血”,如“血好玩”、“血没劲”等。而一家鞋店就利用“鞋”和“血”的谐音推出了“血便宜”这样一则广告语。广告宣传事半功倍。北极绒保暖内衣广告里就有赵本山的一句“外星人咋不知道呢?”让消费者听了感到亲切温馨。 总之,农村作为一个新型的广告市场,还有很多地方值得我们去探讨和研究。只要我们能够有针对性的进行广告策划、广告设计与广告实施,做到分层推进,中国农村的广告市场会越来越好。 商业广告设计论文:农村商业广告设计浅析论文 摘要:农村作为一个庞大的广告市场,越来越受到各方重视,但是农村商业广告仍然面临众多问题。文章通过对农村市场及农村消费者的特点分析,针对农村商业广告的策划、创意及设计提出了相应的解决策略。 关键词:农村市场;广告策划;广告设计 今天,不管在城市还是在农村,商业广告日益改变着消费者的消费习惯,成为影响消费者选择商品的重要因素。受各方面的影响,农村作为一个庞大的广告市场,越来越受到各方重视。因而针对农村市场及农村消费者,如何进行农村商业广告的策划及设计,如何设计有效的广告形式与内容,如何利用广告传播开拓农村市场,就成了必须面对和解决的问题。 一、农村商业广告的整体策划 以现代市场观念为指导,深入农村环境,对农村广告市场进行调查。通过对调查结果的研究,明确农村市场和农村广告的现状;产品的目标受众是谁,有多少人,有多少户;目标受众对本产品的认知、态度和购买行为及市场分布;用什么方法能刺激农村消费者产生购买兴趣;竞争对手在农村市场宣传的优、劣势所在;广告策略;媒体运用计划;营销建议;广告、所需广告费用及广告效果评定等。制定能实现主动进攻农村市场的广告竞争策略。 二、农村商业广告的创意应注意的问题 奥格威曾说:“没有好的创意,广告充其量是二流作品。”好的创意是农村广告宣传的重要一环。农村商业广告设计要做到三点: (一)广告内容贴近农村受众,即观念性 广告实质上是一种沟通。广告通过一定的表现形式实现和消费者的心灵沟通是广告成功的一大表现。中国农民受传统思想的影响,观念相对保守,接受新事物的能力较弱,这就决定了好的广告创意不能拐弯太多、太抽象,也不能过多地讲求艺术表现,要通俗易懂,还要在接受新事物的方向上对农民做一定的引导,在广告创意转化为广告作品之后,实现内部结构的联系性。如中国移动通信在某乡镇做的广告语“中国移动通信卡,一边耕地一边打。”即宣传了广告目标,又符合了大部分农民的工作习性,还引领了农民要跟上时代的步伐——使用手机这种现代化的通讯工具。 (二)广告内容要拉动农村广告市场,即独创性 心理学告诉我们,人们关注的总是新颖的东西。广告作品如果毫无新意,则必然无法引起人们的注意。要想实现农村广告的独创性,就要因地制宜,把农村当地风俗作为创作的素材。在周密、详实的市场调研基础上设计适应不同农村消费者的广告语、广告画面。例如蛇王隆力奇能登上中国本土日化销量冠军的宝座,很大程度上就是在农村市场把广告的宣传和农民的特点紧密地联系在一起:“低价格、高质量、全覆盖”抓住了农村消费者的心。且结合农村秋收后举行的融购物、娱乐为一体的大型物资交流会,把蛇技表演带到现场,穿插丰富的促销活动,其宣传作用可想而知。史丹利复合肥在不同媒体采用不同的广告语,让受众既有亲切感又有新鲜感。电视广告语是“黑土地黄土地,用肥就用史丹利”,横幅广告语“选史丹利,准没错”。 (三)广告内容要服务于农村广告客户,即关联性 关联性是指广告创意必须与广告商品、消费者、竞争者相关联,必须要和促进销售相关联。找到产品特点和消费者需求的交叉点,是广告创意的重要前提。心理学家高尔顿·奥尔波特说过:“人的鲜明特征是他个人的东西,从来不曾有一个和他一样,也永远不会再有这样的一个人。”农村市场有几个不同的消费群体,广告宣传也该实行差异化策略,提高广告的适应性。 1、以农业为主的农民,收入水平较低,中老年和女性居多,喜欢喜庆吉祥,对应马斯洛的“需求层次说”,就是物次价廉的寻求,往往低价格高附加值的产品更容易被接受,主要是为了满足生理需要。针对这部分消费群体,可以采用特殊的广告形式。如啤酒是农村季节性较强的消费品,除了夏季,农民大都饮用白酒。河南蓝星啤酒抓住农村夏季麦收的有利时机,组织车辆和人员分散行动,把啤酒送到田间地头,给农民提供了便利,也实现了广告的针对性宣传。从另一方面讲广告也可以强调产品的方便、舒适性,利用他们的从众心理、权威心理,在广告中权威消息,利用产品及其承诺的高可信性,采用科学鉴定、专家学者评价、消费者现身说法等广告策略实现广告的有效传播。例如,舒肤佳肥皂广告就以“中华医学会认可”作为权威证明,沙宣洗发水则由世界著名“护发专家推荐”等,都力图在消费者的心目中树立一个情感的支持点,使广大消费者认同和认可其产品、品牌的可信度和可靠性,以达到促进消费者购买行为的目的。 2、以打工为主兼务农的农民,中青年居多,有一定经济收入,受城市影响很大,尾随时尚潮流,具有潜在的消费能力。是家电、摩托车等生活用品最重要的目标受众。这类消费人群注重情感消费,受城市环境的影响,产品的款式、颜色、外观、品牌等外在因素都能成为他们的购买理由。针对这类人群,宣传的产品要适用且时尚,可采用直销的方式诱导其购买。广告内容要运用适当的语言、音乐和形象,渲染广告气氛,广告宣传可以多考虑新媒体的利用,如互联网、手机短信等。 3、部分高收入农村消费者,消费能力较强。能通过网络、电视、报纸等媒体了解信息,接受信息,能够快速接受新事物。物质生活得到满足的同时,期待精神生活更加丰富。针对这部分消费群体,广告对产品功用的介绍不可夸张失实,广告语力求取得和他们的沟通。电视广告可以考虑用传统文化、民族文化符号来诠释广告内涵。如孔府家酒广告,南方黑芝麻糊广告等。纸质广告可以在产品选择上更具有针对性。也可在传统媒体发挥其影响范围及覆盖面广的优势基础上,运用新媒体如网络、手机短信等与受众进行互动,来进一步加强品牌形象,两类媒体的内容应相互配合,共同发挥广告宣传的作用。总之企业在开拓农村市场时,要选准目标市场,同时在产品的多样化、系列化上下功夫。广告创意一定要新奇、有理、切中,增强对这部分消费者各种器官的刺激强度,达到广告宣传的目的。 三、农村商业广告设计可采用的方法 (一)从明星 利用高知名度的明星作为通向农村消费者的桥梁是一种有效的广告宣传策略。选择的明星要和其代言的产品相适应,能充分发挥明星高知名度的正面作用。如蚊香在农村的使用率远远高于城市。三笑集团就利用赵本山在农民心目中的幽默和淳朴形象,为睡得香蚊香做形象代言。史丹利复合肥也邀请陈佩斯做电视广告宣传,从而拉近了产品和消费者之间的距离。另外还可以寻找有影响力的地方名人做广告。如山东莱芜移动公司,就请莱芜梆子剧团名角张洪展利用方言做神州行的广告代言,给人亲切感,收到很好的广告宣传效果。 (二)从众 受各方面环境的影响,农村消费者的从众心理比城市消费者要严重的多,这就成了农村广告创意的一个出发点。广告内容要根据产品性质,满足受众在部分群体里的从众心理。比如脑白金广告:“脑白金是大家的选择,大家都选择的产品肯定没有错”。还有三鹿婴幼儿奶粉的电视广告:“2000万妈妈的营养选择,三鹿婴幼儿奶粉”。神州行广告词:“神州行,是吧,用的人多!听说将近两亿人用,我相信群众!”这就是从众的“消费逻辑”与广告策略有机结合的典型案例。 (三)从情 亲情、爱情、友情等情感融入广告,能让消费者从中找到自己过去或现在的影子,也能在不经意间利用“润物细无声”的手法打动消费者。如“雕牌”洗衣粉一句“妈妈,我能帮你干活了!”,孔府集团的“孔府家酒,叫人想家。”都成就了一个个感人至深的产品故事。龙江家园酒“实在人,喝实在酒”,也是迎合了农村消费者的淳朴善良性情。 (四)从需 为了满足农村消费者某方面的要求,广告内容要突出产品独特的优点。食品广告就应该更多的强调味觉和嗅觉,而服装广告则更多的运用视觉和触觉。比如中国联通在农村的广告语:比一比,算一算,还是联通最划算(中国联通);黑土地黄土地,用肥就用史丹利(史丹利复合肥)。浏阳市夏维烟花制造有限公司就在产品包装上就满足了农村消费者对新年喜庆及幸福的渴望。 (五)从权威 权威广告可以采用科学鉴定,专家学者评价或消费者现身说法等广告策略,在消费者的心目中树立一个情感的支撑点,使广大农村消费者认同产品和品牌。成功的案例也有很多,比如三株口服液曾利用医生作为其农村权威传播者,具有相当的说服力,实现了很好的广告宣传效果。 (六)从系列 系列性广告具备广告创意的延续性,以及时空的扩展性,还有多种媒介的差异性,对产品特性的宣传性更强,对受众的针对性更强。农村广告宣传采用系列性广告,能让农村受众对广告的接触面更广,接触时间更长,更有利于加深品牌印象。如兰陵酒业在墙体、电视、赠品等不同媒体进行系列广告宣传,收到了非常好的效果。 (七)从俗 通俗易懂,是农村广告设计的一大要点,容易使农村消费者接受广告内容,加深品牌在他们心目中印象。如“时风时风,路路畅通”(时风集团)。“这好,那好,还是固定电话品质好”。(中国电信) (八)从方言 语言是思想的载体、是广告与农村消费者沟通的桥梁和纽带。好的方言广告有利于产品的宣传。例如大连人在表达特殊的时候往往都用方言“血”,如“血好玩”、“血没劲”等。而一家鞋店就利用“鞋”和“血”的谐音推出了“血便宜”这样一则广告语。广告宣传事半功倍。北极绒保暖内衣广告里就有赵本山的一句“外星人咋不知道呢?”让消费者听了感到亲切温馨。 总之,农村作为一个新型的广告市场,还有很多地方值得我们去探讨和研究。只要我们能够有针对性的进行广告策划、广告设计与广告实施,做到分层推进,中国农村的广告市场会越来越好。 商业广告设计论文:商业广告设计教学中项目教学法的运用 摘 要:广告设计岗位的要求使得广告设计课程必须以实践为主,项目教学法起到了至关重要的作用,但实施过程并非一帆风顺。 关键词:商业广告;项目教学法;广告设计 广告设计课程在很长一段时间内以理论课为主、实践课为辅,且实践课多为模仿设计。这不仅与新课程标准的要求相背离,而且也不符合广告设计课程的性质――操作性和创造性。这种学生处于被动地位的广告设计教学课堂,无法激发学生的兴趣,调动学生的主动性,影响了对学生创造性思维和实践能力的培养。为培养出满足岗位需要的插图设计人才,各高校必须改革教学方法,逐步培养学生的创新思维和解决问题的能力,使学生成为课堂的主体。在各种改革方式中,引入项目教学法是一种行之有效的手段。 一、项目教学法 项目教学法以建构主义为理论基础,由老师和学生共同进行项目的设计,通过实际操作,挖掘学生的潜能,发挥学生的创造力,锻炼学生的协作能力和应变能力。 在项目的进行过程中,教师需明确任务分工,将学生分组,并在项目的最后阶段进行验收,项目所有具体的工作均由学生自己动脑动手完成,学生需根据项目的性质和预定目标,进行搜集材料、制订计划、任务实施等活动。 与传统教学法相比,项目教学法强调学生主观能动性的发挥、创新思维的运用、解决实际问题的综合能力以及团结协作意识。与任务教学法相比,项目教学法是真实的实践,项目结束后,一般有具体的作品呈现,而任务教学法则是创设情境,可以没有具体作品。 二、广告设计课程中项目教学法的具体实施 广告设计课最重要的目标是培养学生的广告创意,使学生能够设计出符合市场需求的作品。教师采用项目教学法,引入广告界现行的设计项目,给学生创造了感受实际工作的机会,强化了学生对岗位工作的适应能力。项目教学法一般通过以下五个步骤进行: 1.恰当选择项目。教师对项目进行选择时,既要考虑学生的兴趣和现有知识水平,又要考虑项目与教学目标的吻合性,以保证学生充分参与。所以,为把前沿合适的项目引入教学中,教师在平时应与广告界保持密切交流。 2.制订项目计划。拆分所选项目为若干单元,制订总工作进度表,根据总计划表和学生实际情况将学生进行分组,指定小组的相关负责人并将单元项目的总体要求阐述清楚。具体的组内分工和计划,教师不再细化,只要求负责人上报组内计划表并给予相应指点即可。组内计划表由小组学生共同讨论完成。 3.实施项目。首先是根据各人所得到的任务分配查找相关资料,包括大众的欣赏习惯、设计风格与色彩等,其中的一些资料,组内成员可以共享。其次,确定设计方向,每个人都要详细分析自己所查找到的资料,得出设计的初步构想。最后,在教师评价之前修改工作。根据他人的评价,总结并修正作品。 4.教师评价。教师应根据学生在项目实施中的参与度、所发挥的作用、知识运用能力、团体协作精神、最终的作品价值(由客户的满意与否决定)等维度对学生进行评价,并把评价纳入毕业考核。这既是对学生在项目实施中表现的一种肯定,也能为学生以后更加踊跃参加起到激励作用。 5.成果展示。教师安排场地展示学生作品。这一环节能够增强学生的自信,为学生进行后续课程学习起推进作用。 三、对广告设计课程中项目教学法的思考 1.教师必须具有较高素养。任课教师必须对项目活动中涉及的所有基础理论和实践技能了如指掌,能够对项目进行准确分割和评价,并在学生需要之际进行及时引导。任课教师应具备与专业相关的其他方面的知识,如营销、经济、心理等诸多专业知识。所以,广告设计的教学团队应扩大范围,授课人不仅仅只局限于高校教师,也应该囊括客户单位和专业的广告策划人。这样,不仅能够教授学生最好的理论课程,也能对学生的项目活动起到实际的指导作用,且从理论到实践,能对广告设计这门课程形成一个整体的布局。 2.联系合适的项目。一方面,教师联系的项目必须符合学生特点和教学目标,并把项目分成若干单元、若干板块来实施;另一方面,因企业对广告设计有着时间上的要求,实际教学与企业存在着时间差,使广告设计课程的教学难度增大,影响项目教学的真实性及利用项目设计对学生进行评价的准确性。此问题可以通过教务处系统重新编排课程时间。教师应充分利用学校资源寻找合作项目,需要注意的是,学校必须对严格要求设计标准,依据市场要求审视学生作品。如果学校敷衍了事,不仅不利于活动的进行,也使得学生失去了锻炼各种能力的机会。 广告设计具有高度的实践性,教师可以采用项目教学法来提高学生的创新思维、实践能力,同时培养学生解决问题的能力和团结协作的精神。因项目教学法仍处于发展阶段,在实施中可能遇到种种问题,任课教师的工作任重而道远。 商业广告设计论文:民国商业广告设计教育对高职平面设计教学的启示 [摘要]民国时期的广告教育模式呈现出一种多样性,学院与社会办学并存,学术与商业实践共生。通过对民国商业广告教育历史的回顾,提出并思考高职平面设计教育与教学中的实践问题。在职业教育科学发展观指导下,适应经济社会发展需求,正确认识和把握高职平面设计教学内涵。以历史为镜,将当前高职平面设计教育作为思考点,帮助我们更新观念,明确定位,促进高等职业艺术设计教育的发展。 [关键词]民国商业广告设计教育职业教育 19世纪末20世纪初,中国新式教育在社会变革的大潮中孕育发生。通过参鉴日本新式教育,其本质是实业教育:以培养工业社会的工程技术和设计人员为目标,满足社会对各种技术人才的需求。早期广告教育作为其中之一涵盖在早期艺术教育的发展中,并在官方和民间以不同方式同时开展教学尝试,为近代中国工商业的发展置入了重要的推动力。一个世纪后的今天,社会经济建设促进了艺术设计的发展,这对艺术设计教育与教学提出了新的要求。近几年随着高职学院专业建设及教育教学水平的提高,其教育模式更是艺术设计教育的重要组成部分。 高职设计教育以“致用”为原则,注重“教”与“学”、“理论”与“实践”、“学校”与“市场”的紧密结合。然而高职设计教育仍然是个薄弱环节,它在专业建设、课程设置、教材编写、教学与考试评价等方面存在脱节或重复现象,这与加强技能型人才系统培养的要求尚有较大差距。回顾民国商业广告教育的诞生与发展,以历史为镜,将当前高职平面设计教育作为思考点,可以帮助我们更新观念,明确定位,促进高等职业艺术设计教育的发展。 一、民国商业广告设计教育 (一)官方主办教育 中国艺术设计教育的独立发展与蔡元培的教育思想和教育实践是分不开的。1912年1月5日,蔡元培出任首任教育总长,他在《对于教育方针的意见》中提到:“图画,美育也。而其内容得包含各种主义:如实物画之于实利主义,历史画之于德育是也。其至美丽至尊严之对象,则可以得世界观。……手工,实利主义也,亦可以兴美感。”1917年4月他在北京神州学会发表题为《以美育代宗教说》的演讲,主张“专尚陶养感情之术,则莫如舍宗教而易以纯粹之美育”,强调美术和工艺设计改良社会风气的作用。 20世纪最初10年到30年代后期是中国新式美术教育和艺术设计教育迅速发展的时期。在此期间各地纷纷开设美术学校和美术科系。其中,国立杭州艺专令人瞩目。就艺术设计教育而言,1928年国立杭州艺专建校之初就已设立图案系,这一时期任教的主要教师有:雷圭元、陈之佛、李有行、庞薰栗、章东浩、沈福文、谭旦、尹陂九、唐隽、王道平、郑月波、邓白、柴扉、王隐秋等。国立杭州艺专图案系重视民族民间遗产,主张在继承中发展传统图案。将设计与技术熔于一炉,如装潢设计联系广告、印刷品及展览会整体形象,染织设计结合印花布、壁挂和地毯。这些教学内容由于当时社会需要而设置,这些设计都不以纯绘画作为衡量的尺度,而以设计水平高低为标准,从而提高了学生的实际设计能力。 中国现代设计教育是通过图案教学得到发展的,陈之佛是‘图案”教学的代表人物。1923年陈之佛从东京美术学校(今东京艺术大学)的工艺图案科毕业归国后,在上海创办了“尚美图案馆”,专门为生产厂家和出版单位作产品、书籍的设计。他强调‘艺术的路子要走得宽一些,要理论和实践结合起来,不要太窄太偏,否则在社会上无法立足。”陈之佛在1930年出版的《图案法ABC》中介绍了日本、欧洲的图案设计,并明确指出“图案实在含有‘美’和‘实用’两个要素”。对于工艺美术的职业教育问题,他在1936年发表于《中国美术会季刊》第一卷第三期的《应如何发展我国的工艺美术》一文中提出自己的意见:“一、筹设规模较大的工艺美术学校,专门训练最优秀的工艺人才,分发到各学校、工场;或调各学校、工场之有经验者来训练,使全国工艺在整个策划之下得以猛进。二、就各地特产区域筹设各种初级工艺学校,或在已设之职业学校中的工艺科设法改进,或于特产区域筹设工艺子弟补习学校,以增益其学识。三、举行工艺美术品展览会,使互相观摩比较,并奖励出口优良者。四、搜罗国内外优良的工艺美术品,筹设工艺美术陈列馆。” (二)民间私立教育 官方在积极开展新式艺术设计教育的同时,民间人士也通过不同方式追求现代新知,以适应商品市场的需求。上海美专是一所“事实上承继了上海地区自清末以来所发展的新美术传统,同时不断地适应社会的要求,修改教学内容,并配合画坛的变化适时的吸收新师资,逐步演变成受到民间与官方认可的专业学校。”该校自创办至发展过程中,以大众商业市场的需求为主导展开教学和师资招聘,为商业艺术市场培养了大批美术家。上海美专在办学方法和课程设置上相当灵活,具有商业价值的布景画、肖像画、插图、广告画等是这一时期的主要教学内容,并根据商业市场的需求及时修改课程。 除办学来教授艺术设计外,传统的师徒教学还是继续存在。民国时期著名的商业美术家如郑曼陀、杭稚英、谢之光、丁云先、金柏生等,他们在承接月份牌、商标、商品包装等商业美术业务的同时,招收学员培养专业人才。但就他们自身而言,也经历了不同的学习方式,其中企业内部培训就是一种。一些规模较大的企业设有设计部门,招聘画家从事产品和广告设计,如胡伯翔、倪耕野、梁鼎铭、吴志厂_、戈湘岚等是英美烟草公司的专职画师。谢之光、周柏生等人是南洋兄弟烟草公司的画师。杭稚英、金雪尘、金梅生等都曾在商务印书馆的图画间学习。企业内部的设计机构不仅营造了重视设计的氛围,还培养了一大批具有实战能力的设计师。他们是在企业中接受虽不正规但贴近生产和市场的实战训练的,所以设计能力和市场适应能力都很强,所以当杭稚英开办“稚英画室”的时候,就已具备丰富的和客户接触、提供客户所需设计方案的经验,从而迅速适应市场环境并发展成为上海著名的设计事务所。 二、职业教育特色与高职平面设计教学 (_一)职业教育特色 根据《国家中长期教育改革和发展规划纲要2010-2020年)》的要求,职业教育要以科学发展观为指导,增强服务经济社会发展、促进学生全面发展的能力。并以经济社会发展需求为依据,坚持以服务为宗旨、以就业为导向,创新体制机制,推进产教结合,实行校企合作、工学结合,促进专业与产业对接,课程内容与职业标准对接,教学过程与生产过程对接,学历证书与职业资格证书对接,职业教育与终身学习对接,强化职业教育办学特色,增强服务经济社会发展和人的全面发展的能力。 从教育类型看,高职教育是职业岗位教育;从培养的人才类型看,是培养面向某一职业或技术岗位群,工作于一线的高素质技能型人才;从培养方式看,着眼于培养岗位工作能力,重视技能训练,强调校企合作;从办学体制看,更强调办学的开放性,办学体制上更加灵活,强调社会、企业参与培养人才。民国时期商业广告教育虽处于中国艺术设计教育萌芽阶段,但仍呈现出一种多样性:官办与私立并存,学术与商业实践共生。从民国商业广告设计教育实践中,我们可以总结出对今天的设计教育有启发性意义的经验,这就是教学、研究、实践三位一体的设计教育方法,它也与德国包豪斯的‘知识与技术并重,理论与实践同步的教育体系不谋而合。 职业教育是以培养学生实际操作能力为特色的。设计学科要求学生能把设计思想转变为现实,将抽象的理论变成具体的物质形象,这需要与实际生产相结合。现阶段我国高职教育正进入重要的转型发展阶段,就平面设计教学而言,诸如课程体系与授课方式、教学环境、教学管理与学生学习动力等方面的问题,仍需要不断摸索与总结,以期及时找到合理、有效的教育思路与教学方法。 (二)高职平面设计教学 1、加强设计产、学的合作 从20世纪初始,在“实业救国”的爱国主义标语下,一场长达四十余年的国货运动轰轰烈烈地展开了。与此同时,政府和民间的工商业美术教育与协会的创办,为中国早期商业广告的发展及推动国货的销售铺搭建了良好的交流平台。我们由此得到启示,业界与协会是连接学校和企业的重要纽带,是推进产学合作的生力军。 学校需要强化教育与行业相关部门的指导作用,以便有效开展本行业各级各类技能型人才需求预测,参与高等职业教育专业设置和建设,制定人才培养方案,促进课程内容和职业资格标准融通;推动和督促企业与职业学校共建教学与生产合一的开放式实训基地,合作开展兼职教师选聘;组织指导职业学校教师企业实践、学生实习、就业推荐等工作。学术界也可以多多邀请这些主管部门和产业界参与学校课程内容规划,提供设计产业的现有资源,建立产学合作的桥梁,使学界培育人才为业界适用;学校可以利用寒暑假期间,安排推荐学生到设计企业实习,业界也可提出商业计划由学生参与执行,共创产学合作的价值。另外建议教育与行业相关部门,调查和统计现有可供学校聘任实践教学的师资资料库,提供未来各个学校安排讲座、实习辅导或聘任之用,以共同创造设计的社会价值。 即使以校内实训基地建设为实践方法,也要强调针对性大、仿真性高、模拟性强的特点,形成良好的职业教育学习环境。同时要努力使校内实训基地体现教育和企业运行特点的有机融合,充分发挥校内实训基地的社会效益以及实训基地的对外辐射和服务功能。 2、文化素质建设与性格培养 由于人们对高职教育不够了解,导致对高职教育存在偏见,认为它是一种低层次、低水平教育,从而影响了高职学生的学习积极性。因此,高职院校应加强文化素质建设与性格培养,这是培养学生完整人格的必需,是高职教育培养职业人的必然要求。 文化艺术可以滋养人的心灵,而大学特有的文化环境是离开大学后所得不到的。它聚集文化精髓,沉淀人类智慧,给予青年人以心灵的关怀,并能促进学生心智的成长,修正人生追求,丰富生命感悟。文化素质还可以提高职业人相应的性格。任何职业的从业者,都应该具备职业性格,包括职业态度和职业情感、职业意志和职业操守、职业行为方式和习惯。职业能力不仅提供从事职业的可能性,有文化素质的职业人更是合格的职业人才。 高职教育应以培养出具备健全人格的高技能人才为目标。这要求我们强化学生文化素质培养,改进教育教学过程;改革以学校和课堂为中心的传统教学方式,重视实践教学、项目教学和团队学习;开设丰富多彩的课程,提高学生学习的积极性和主动性;研究借鉴优秀企业文化,培育具有职业学校特点的校园文化;强化学生诚实守信、爱岗敬业的职业素质教育,加强学生就业创业能力和创新意识的培养。 3、基础设计教育及鼓励学生参加竞赛 面对未来国际设计的强烈冲击与市场竞争,将具有中国特色的经典元素融入于现代设计,借此培养具有独特风格的设计新秀展现于国际设计的舞台,是高职设计教育的远大目标。这需要学校更加重视基础设计教育,培养学生扎实的基础造型能力。教师在设计教育中,应把美的观念和技能从课堂延伸到自然和生活中,引导学生从生活中感受设计,从设计中创造生活,把设计的意识和观念带进生活,使学生的设计活动成为艺术化的生活和生活化的艺术。 参加各种层次的设计竞赛,各个选手可以在其中展现自我能力、水平;同时可以从各个方面看到自己与其他参赛选手之间的差距,从而帮助学生正确认识自己。自主学习是成绩提高的最有效的途径,因为在设计过程中,需要学生寻找各种不同的知识,从各种渠道获取相关创意的信息资料,通过了解、分析之后并把相关的知识转化为创意的图形。学生通过自己的努力如果获得竞赛的成绩,肯定会获得学习的成就感,这种成就感、超越性能成为学生继续进步的动力。 三、结语 现代美术教育家、工艺美术家陈之佛在1936年谈到工艺美术的职业教育问题时提出,将‘工艺人才,分发到各学校、工场;或调各学校、工场之有经验者来训练”;设计教育萌芽期的职业教育产学合作方式仍值得我们今天借鉴和思考。这种方式可以使学生提前接触社会,参加生产实践,使课堂上的理论知识与社会实践有机结合,从而适应社会的需要。 希望通过对民国商业广告教育历史的回顾,促进对高职平面设计教育与教学中的实际问题的思考,在正确认识和把握高职平面设计教学内涵的基础上,对今后教学内容和方法提供一些思路。在职业教育科学发展观指导下,以经济社会发展需求为依据,把培养人才的教育目标与市场需求结合起来,并随时根据市场需求进行调整。这种教育模式下,学生不但可以学到更多的专业知识,而且可以具备相当的文化理论素养,掌握熟练的实际操作能力,使他们在成为具有综合能力的复合型人才 商业广告设计论文:关于商业广告设计中信息传达的研究 摘 要:商业广告是商家对外宣传的前沿阵地之一,是当代商业设计中不可缺少的重要组成部分。商业广告承载着商家需要告知观众和消费者的商品信息。由此可见,能否把商业信息快速和清晰的传达给观众和消费者就决定了一副商业广告作品的成败。本文就商业广告所含信息如何准确快速的传达给观众和消费者进行分析研究。 关键词:视觉冲击;信息传达;广告语 对于以传递商业信息为主要目的商业广告而言,信息传递的效率直接影响到其商业信息的宣传效果。能够把商家的信息完整快速的传达给消费者,是对优秀商业广告的基本要求。不能在有限的时间内把相关的商业信息传递给消费者,就不能称之为合格的商业广告设计作品。 商业广告面向的人群是来去匆匆、形形色色的消费者。实践证明,消费者对于商业广告的观看都是在极短时间内完成的。来去匆匆的行人对于街面广告很少驻足细观。针对这种情况,如何把广告中所承载的商业信息更快更直观的传递给消费者就成为商业广告设计中的一个重中之重了。 经调查,消费者更容易接受秩序性强的事物。一些有次序并且相对简洁明了的事物,更容易引起人们的注意。在广告设计作品中,包含着各种设计元素:如图像、文字、色彩等。各种元素又由于各自承载的信息不同各司其职,同时又共同服务于一个共同的主题。若想使广告中的商业信息更好的传达给消费者,就要将这些设计元素秩序化,分清主次关系,分清最重要的信息元素是什么,其次、再次什么。商业广告所承载的各种信息不能不分主次的呈现在消费者面前。而要解决好商业广告中信息传达的关系就需要注意以下几点: 一、合理处理好广告作品中图像与图像之间的主次关系 图像是商业广告中不可缺少的设计元素,具有形象、具体、直观的特性,它能够更加形象地表现设计主题和创意,是商业广告设计主要的构成要素,对设计理念的陈述和表达起着决定性的作用。 通常,在一副商业广告作品中一般都会有若干个图像元素。这些图像元素分别承载了不同的商业信息。根据人比较容易接受有秩序的事物的特点,我们要对这些图像元素进行归纳整理。分清重要部分和次要部分,对其在视觉上进行主次分明的处理。力求将最主要的的商业信息首先传达给消费者,其次再将其他信息逐级递减的传达给消费者。 (一)通过改变各图像元素的大小来打造主次分明的图像信息传达 图像信息传达的主次关系是由其视觉冲击力来决定的,视觉冲击力强的图像必将首先吸引到观众的注意。因此,我们可以通过放大主要图像元素的面积来增加主打图形的冲击力,其他的图像的视觉冲击相应依次减弱。达到将图像元素的视觉冲击力逐级分层的效果。 (二)通过虚实对比来处理个图像元素的主次关系 近实远虚。对比强为实,对比弱为虚。由此,我们则可以依照商业广告中各信息元素的重要性的不同,来对其进行视觉上合理的安排,使其各元素形成层次分明的视觉冲击。使审美客体给予消费者清晰分明的信息刺激,利于消费者对广告本质内容的直观把握。 (三)依据大众的视觉流程规律来合理安排图像元素的位置关系 大众观察事物的习惯是由上至下、由左至右。由此可见,我们在安排图像元素的位置时,要把重要的元素放在左上方。这样更加有利于吸引消费者的注意。淡然事无定律,如果想要其他的特殊效果,亦可以将主要的图像元素放置在其他区域。 二、合理处理好文字之间的主次关系 文字是商业广告中不可缺少的构成要素,是对一件广告设计作品所传达意思的归纳和提示,起着画龙点睛的作用,它能够更有效地传达作者的意图,表达设计的主题和构想理念,传递商家的信息。 在商业广告中,一般都会有多种含有不同信息的文字元素。而只有依据观众的视觉观察特点,合理的处理好这些文字元素的主次关系,才能使广告设计作品具有节奏和韵律,更好地传达作品所需传达的内容。 (一)要合理的安排好不同段落文字之间的秩序关系 不同段落的文字承载着不同的商业信息,对于这些商业信息,商家也不是要不分主次一股脑儿的传递给消费者。其也是有重要次要之分的。这些不同段落的文字包含有标题、引语、简介、联系方式等等。要根据重要性来安排这些文字的主次关系。加强重要的文字元素的视觉冲击力,合理有序的减小次要元素的视觉冲击,最终达到规范有序的信息传达。承载的信息越重要,其图形图像元素的视觉冲击力就越强。 (二)恰当处理好同一段落文字中的主次关系 在同一段落中的文字之间,也有着层次分明的关系。可谓整体中包含着局部,局部中又存在着整体。例如:在“我喜欢你”这句话中,是“我”重要。还是“喜欢”和“你”重要。一旦确定其的主次关系,那就要从视觉表达上做相应的处理了。最终给予这段文字层次分明的关系,更加符合“易视”“易记”的特点。 (三)充分重视字体在文字主次关系中的作用 字体在商业广告的宣传上可谓至关重要。字体变化是在视觉上区分同一段落和不同段落之间文字元素的重要手段,也是文字元素之间节奏感、韵律感和次序感形成的重要条件。例如,在商业广告中比较重要的标题都会使用较为粗壮的字体,这是增强其视觉冲击力的需要,就算在某些时候因特殊的设计要求使用较为清秀细致的字体,那也必定会将其字号放大,以使其视觉冲击力不减。 三、恰当处理好文字元素与图像元素之间的关系 在商业广告中图像元素和文字元素都是同等重要的。二者的主次关系可谓极其微妙。二者不是孤立存在的,是互相依存的关系。在商业广告中,文字元素和图像元素都是相互组合,成组存在的。这样就减少了作品中信息元素的层次,使作品在视觉上更加的简洁明了,利于消费者的观察。 另外,为了使消费者更好的领略商业广告的主要内容,设计者必须选用大小适当的文字(字号)。文字太大或者对比太强,必然喧宾夺主,干扰了主题画面的视觉传达作用,反之文字太小,不利于突出设计思想,降低公众对作品主题的摄取。所以合适的字号是设计者控制整个画面层次、详略的关键。 四、充分运用色彩对于信息传达的作用 色彩的运用得宜也是商业广告设计中相当重要的一环。消费者对商业广告作品的第一印象是通过色彩而得到的,色彩的艳丽、典雅、灰暗等感觉影响着公众对广告作品的注意力,比如鲜艳、明快、对比强的色彩较暗淡、破碎、对比弱的色彩组合会更加的吸引观众,这就要求我们在设计时注意以下几点: 1.在色彩配置和色彩组调设计中,要把握好色彩的冷暖对比、明暗对比、纯度对比等等,充分利用色彩的这些对比关系来划分设计中各元素的视觉直观性,使其有次序的传达到消费者眼中,利于消费者对于广告所承载的信息的接受。 2.作品的色彩要有明确的主色调。主色调的确立能够将广告设计的主题在第一时间清晰的传达给消费者,使消费者能在最短的时间内对于该广告的主题有一个直观的认识,从而加强消费者对于广告继续观察下去的兴趣。 五、尽可能将广告语进行精简、提炼 广告语是商业广告的中最为主要的部分之一,也是商业广告中起画龙点睛作用的元素。一句简洁精炼的广告语能在第一时间将广告的主题告诉观众。这样做为消费者更快、更好的领会广告的主题提供了最有力的条件。观众的注意力是有限的,不可能同时去观察多个视觉元素。只有通过我们对于广告中诸元素视觉冲击力的秩序化处理,促使其先观察一点,之后在观察另一点,这样依次下去,使消费者更容易领会广告中的内容。一句简洁精炼的广告语可以为信息元素的传达起到龙头作用。使广告中不同信息元素之间的节奏感、韵律感和秩序感得到加强。使之更加符合消费者对于商业广告的观察习惯。 综上所述一副在信息传达上有着良好秩序感的商业广告作品,能带给观众清晰明了、层次分明的信息刺激。使其能够更好地领会广告中的主题和内容,有利于商业广告的宣传作用。在安排处理商业广告中各信息元素之间的关系时,不仅要在视觉上处理好各视觉元素之间整体与局部,局部与局部之间的主次关系,使其在视觉审美上主次分明、层次清晰,更要从广告创意和文字语义的层面出发,通过更好的情感元素来打动和感染观众,从而增强商业广告信息传达的节奏感和韵律感。 商业广告设计论文:浅谈商业广告设计作品中的艺术内涵 【摘 要】本文主要探讨的是更具艺术内涵的广告作品能够给人们留下鲜明的印象,并给人以美的享受,成为引领时代的典范,从而最终更能够唤起人们的购买欲望,所以商业广告创意离不开艺术内涵的营造。首先艺术内涵是商业广告设计的审美价值体现;其次,独具艺术内涵的商业广告有着更出色的宣传价值;再次,商业广告展示是艺术欣赏的成果。 【关键词】商业广告;艺术内涵;艺术欣赏;审美价值;广告宣传 商业广告设计是运用某些视觉设计理论来把某种商品价值传达给受众的传播方式,它以文字、图形、色彩等为基本设计要素进行设计艺术创作,是沟通企业――商品――受众的桥梁,[1]以其独特的视觉语言影响着人们的消费情感和理念,同时它也创造了更多的附加价值,那就是更具艺术内涵的广告作品能够给人们留下鲜明的印象,并给人以美的享受,成为引领时代的典范,从而最终更能够唤起人们的购买欲望,所以商业广告创意离不开艺术内涵的营造。 一、艺术内涵是商业广告设计的审美价值体现。 优秀的商业广告设计除了要展示它的商业价值之外,也要强调审美,讲究艺术性,否则不用设计,只要告示就可以了。商业广告的艺术性首先是调动必要的艺术手段来反映特定商品形象的本质属性,这种艺术内涵使广告产生的美感,对受众即广告信息传播的接受者来说,是一种极具“诱惑力”而且非常感人的召唤和启示,这正是商业广告的审美价值的体现。商业广告的艺术魅力同广告的经济效益和实用价值密不可分,它紧紧地依附在广告的促销功能上。[2]按照这种标准,不能吸引消费者注意的广告就不能算是美的广告作品。同时,如果只是把消费者的注意力引向广告本身而不是引向广告所宣传的商品,也同样不能算是成功的广告。广告佳作应该使广告诉求对象产生“我从来没有听说过这种产品,我一定要买它来试试”的效果,才是成功的作品。由此可见,广告创作的艺术内涵要围绕商业性这一特点来追求画面美、色彩美、语言美,决不能使设计脱离于广告营销战略的整体构思之外。广告设计者要防止自己所追求的艺术美达不到推销商品、扩大销售的目的,甚至过度渲染,使受众感到虚假、产生逆反心理,对广告宣传起到反作用的后果,这就要在广告构思、创作直至推出作品前,都要模拟市场,站在受众角度进行中肯的分析、研讨和预测,需要修改就坚决地修改,需要割舍就坚决地割舍,确认自己的广告作品真正达到了商业价值和艺术内涵的有机统一,才能正式推出,以免产生不良市场效应,造成难以挽回的损失。 二、独具艺术内涵的商业广告有着更出色的宣传价值。 商业广告的另一价值体现在于宣传商品信息、扩大企业知名度,促进经济发展。要实现这一宣传价值,就要求广告设计者在塑造艺术形象时突出的只能是某一商品的品格形象,并依照企业营销战略及商品本身的特点,融入自己的审美情趣,从最能挖掘出商品品牌个性的最佳视点,精心塑造出一个良好的个性化商品形象,使受众能够很好的接受,这就展示出了广告的宣传价值。商品形象既是特定商品价值的符号化,也是广告诉求意愿的物化形态。每一个成功的商业形象,都贮存了大量的认知的和审美的信息,受众接受这种信息是一种选择性心理活动,广告艺术内涵的深浅必然影响到传播者、媒介以至受众的状态,从而最终影响到广告信息的价值。要影响受众对商业广告信息的第一步“注意”,调动其感觉器官指向和集中于一定的广告形象,使其“一见钟情”,艺术内涵的感染力和导向性将对其发生的选择意向产生重要的影响,这包括受众在接触广告信息时的心理状态、感觉程度、类比程度、选择刺激强度等,实际上是其艺术内涵的展示,展示的越深越广,广告宣传在受众身上的作用就越大。当受众注意了、理解了、接受了这些信息,也就接受了商品形象,接受了广告的诉求意愿,实现了广告的宣传价值,从而使受众获得了审美享受。因此,独具艺术内涵的商业广告作品可以为商业活动增分加彩,宣传价值倍增。 三、商业广告展示是艺术欣赏的成果 商业广告既是一种产品的宣传展示,也是一种设计艺术的欣赏。有人说,毕加索之所以变成毕加索,是因为有收藏者买他的作品。他们喜欢他的创作并相信会升值--因为有画商与收藏家,所以他变成了毕加索。优秀的商业广告之所以优秀,那是因为它不仅是具有商业价值的设计,而且兼有艺术欣赏价值。回顾一下广告史,我们能回顾出许多深入人心的设计艺术作品,例如万宝路香烟品牌广告里那个深入人心的美国牛仔的形象,它其实映射出的是一种美国精神。米其林公司推出的轮胎汉也已经陪伴它的客户走过近百年。 现实中,有艺术内涵的广告设计才能招引更多的顾客,使他们得到高质量的商品认知服务,为企业带来经济效益。可见广告设计的艺术性隶属于商业性,其视觉优秀是体现某一商品的内在气质,同时广泛传播,诉求受众的认同。因此说,广告设计构思有别于一般的艺术创作,它与企业或商品相联系,具有明确的商业目的。其中有商家的意图、要求,有销售的心理因素,有特定的风俗民情,还蕴含与同类商品的竞争性,新产品的独创性,老商品的历史性等。但是,一种商品只是历史的产物,它必将随着社会的发展而被淘汰和替代,而启示人们对这种商品产生需求欲望的广告设计作品,却具有长久的艺术欣赏价值。独具艺术价值的商业广告的营造要求设计师除具有高超的设计能力外,还需要具备美学、文学、摄影、市场、销售心理等学科知识。这些知识都会提高你的作品的品位,进而赢得受众。 四、结论 如果有一位艺术家脱口赞叹某件广告设计作品,那是他的艺术欣赏感情的一种自然流露,是艺术家源于艺术角度的真实感觉,得到的是一种艺术享受,而他可能并没有想去购买广告中宣传的物品。可是如果换成另外一个普通受众,他就可能在这种艺术欣赏中产生对某种物品的购买欲望,这就使商业宣传在艺术欣赏中得以实现,既达到了商家的宣传效果,也实现了广告促销的价值和目的,使企业家和艺术家的付出都取得了相应的成果。 商业广告设计论文:版式设计在商业广告设计中的应用 商业广告随着经济的发展,越来越得到社会的认同。论文探讨了商业广告的价值以及如何构成富有美感的广告形式。同时总结了版式设计的形式美法则,以及广告设计的视觉应用及其构图类型。 商业广告的主题具有社会性,其主题内容存在深厚的社会基础,它取材于老百姓日常生活中的酸、甜、苦、辣和喜、怒、哀、乐。并运用创意独特、内涵深刻等广告手段和用不可更改的方式、鲜明的立场及健康的方法来正确诱导社会公众。 版式设计形式美的法则 版面艺术设计的构成离不开艺术表现,是设计师为之奋斗而总结出的理论精华。美的形式法则通过重复与交错,节奏与韵律等一系列形式构成法则来规划版面,把抽象美的意念诉诸于观者,并从中获得美的教育和感受。 1. 重复与交错:在版面构成中,不断重复使用形状,大小,方向相同的基本形式,形成严正庄重的气势。重复使设计产生安定,整齐,规律的效果,但重复构成的视觉感受有时容易显得呆板,平淡,缺乏趣味性的变化。故此,在版面中可安排一些交错与重叠,打破版面的呆板,平淡的格局。 2. 节奏与韵律:节奏与韵律来自于音乐概念,正如歌德所言“美丽属于韵律”。韵律被现代版面构成所吸收。节奏是按照一定的条理,秩序,重复性连续排列,形成一种律动形式。它有等距离的连续,也有渐变,大小,长短,明暗,形状,高低等排列形成。在节奏中注人美的因素和情感—个性化,就有了韵律。韵律就好比是音乐中的旋律,不但有节奏,更有情调,它能增强版面的感染力。 3. 对称与均衡:对称是同等同量的平衡。对称的形式有以中轴线为轴心的左右对称;以水平线为基准的上下对称和以对称点为源点的放射对称;还有以对称面出发的反转形式,其特点是稳定、庄严、整齐、秩序、安宁、沉静。均衡是一种有变化的平衡。它运用等量不等形方式来表现矛盾的统一性,揭示内在的含蓄的秩序和平衡,达到一种静中有动或动中有静的条理美和动态美。均衡的形式富于变化,趣味,具有灵巧、生动、话泼、轻快的特点。 4. 对比与调和:对比是将相同或相异的元素作强弱对照编排所运用的形式手法,也是版面设计中取得强烈视觉效果最重要的手法。归纳起来有:主次、大小、粗细、长短、疏密、动静、黑白、刚柔、虚实等对比,它们彼此渗透,相互并存。通常在同一版面中呈现,多种对比关系交融在一起。在对比关系中,对比越清晰鲜明,视觉效果就越强烈。调和是在类似或不同类的视觉元素之间寻找相互协调的因素,也是在对比同时产生调和,所以许多版面常表现为既对比又调和,两者相互作用,不可分割。 对比为强差异,产生冲突;调和为寻求共同点,缓和矛盾。两者互为因果,共同营造版面的美感。 广告中版式设计的视觉流程 在大型商业活动中,为适合特定空间的氛围,可将同样的广告画面进行重复排列,扩大其时空容量,加深消费者的视觉记忆累积。具体到单幅广告,可采取有方向性的竖向、横向、斜向视觉流程,引导视线作或上下、左右或倾斜地流动;无方向性的曲线视觉流程和重心视觉流程则更具有韵味,强烈的节奏感、扩张感突出了鲜明的主题内容,版面视觉流程的设计将消费者的视觉流程停留点在了突出重要信息位置的最佳视域区。导向视觉流程是目前商场招贴广告中利用率最高的设计手段。导向元素可以是线条、箭头符号、手势符号和文字等,它主动性地引导人们的视线向一定方向顺序运动,由主及次,把画面各构成要素依序串联起来,形成一个有机整体,使重点突出,条理清晰,发挥最大的信息传达功能。 商业广告的版式构图 构图是商业招贴广告设计的重要问题。它是整个版面的结构形态,不同的构图具有不同的性格,表达不同的感情倾向。 1. 图片信息主体化构图:这是常见的一种广告编排类型,图片在版面上方,标题在下方,然后是说明文与商标图形。图片占据版面大部分区域,文字部分无论从信息量还是所占空间大小都相应弱化,精美的图片从形式还是内容上都具有视觉冲击力,易引起消费者的注意。 2. 标题型构图:标题在版面上方,图片、说明文与商标图形依次在下方。以标题作为图片的先导,让观众对标题先予以注意,留下明确印象,然后看到图片后获得感性的形象认识,进而在版面下方安排适当的说明和商标图形,使观众获得一个完整的认识。这类构图一般文字较少,可以根据内容需要对主题文字形式本身,以及文字组合形式进行灵活、生动的设计,实际上是文字图形化的设计表现。 3. 散点型构图:在版面的设计时将图与图、图与文字之间作自由分散状态的散点构成方式,形成一种随意的不经意的视觉效果。散装排列强调感受性原则,较注重自由、随机和偶然性的空间运动感。这种设计貌似随便而为,其实在内涵上蕴含着设计者独具匠心的创意追求。如在商业招贴广告的版式设计中运用散点构图的形式,则要注意各元素成焦点分散状态,而色彩主调和图形的相似性要协调,总体感上有统一的气氛与效果。为便于消费者在散点的版式中有视线的焦点,可将构成要素作适当变化,如将其作局部完整的放大,以规则的块面嵌入散点构成的特定部位,使消费者一开始就能把视线集中在这些经过着意设计的部分,以此为导线,然后再对散点的内容做轻松的视线流动,获得完整的印象。 4. 全图型构图:这是一种具有现代感的构图形式,也称无版心设计。它是用一张图片占据整个版面,无疆界性地打破了传统版式天头、地脚、内外白边的含义。图片可能是产品或品牌代言人形象,在图片的适当位置直接嵌入标题、正文和商标图形,用开窗形式安排其他构成要素,或图片甚至文字元素频繁“出血”,使广告形式具有较强的视觉冲击力,从而赢得消费者的极大关注。图片的视觉流程往往是从图片的精妙之处开始,最后视线流动到说明文及商标图形。 总 结 商业招贴广告象其他文化招贴一样,是对平面视觉传达设计美学的一种应用和延伸。版式设计的应用是增强广告自身美感、提高广告视觉注意力的重要因素。它促进了色彩的和谐组合,让人们在无意接受广告的同时,享受商业招贴广告为消费者带来的诸多便利。 (作者单位:广东省南华工商学院) 商业广告设计论文:色彩在商业广告设计中的运用 [摘 要]色彩在商业广告中起到至关重要的作用,它是商业广告最先吸引眼球的所在。优秀的广告设计师明知道色彩运用的重要性,加强色彩的运用,促使商业广告达到良好的宣传效果,是广告设计师们竟相探索的领域。文章研究了色彩运用在商业广告设计中的重要作用,进而研究了色彩在商业广告设计中的运用技巧。 [关键词]商业广告设计 色彩 运用 一、色彩运用在商业广告设计中的重要作用 色彩是光感过程的第一类要素;而面积、形态、位置、肌理等形象的四要素是获得色彩表现的条件,被称为色彩的第二类要素;此同时,色彩还会对人产生一定的心理暗示,产生一定联想。每一个优秀的广告作品,在色彩运用上都有着其成功之处。商业广告的色彩就像文章的标题一样,是最先闯入消费者视野的元素,其对于广告的品质有着至关重要的影响作用。 二、色彩在商业广告设计中的运用技巧研究 (1)色彩在商业广告设计中的运用要符合商品特点、环境、季节、投放场地等客观条件 1.要符合商品特点 作为一名广告设计师,考虑商品的特点是最首要的。色彩设计首先应以表现商品内容、属性为准则,运用色彩形象化地反映被包装商品的内容、特征、用途等。主要是通过外在的包装色彩能够揭示或者映照内在的包装物品。使人一看外包装就能够基本上感知或者联想到内在的包装为何物。正常的外在包装的色彩应该是不同程度地把握这个特点。从行业上进,食品类正常的用色其主色调鹅黄、粉红来表述这样给人以温暖和亲近之感。当然,其中茶,用绿色不少,饮料,用绿色和蓝色的不少,酒类、糕点类用大红色的不少,儿童食品用玫瑰色的不少,日用化妆品类正常用色其主色调多以玫瑰色、粉白色、淡绿色、浅蓝色、深咖啡色为多,以突出温馨典雅之情致,服装鞋帽类多以深绿色、深蓝色、咖啡色或灰色为多,以突出沉稳重典雅之美感。 2.要符合应用环境 大的商场适合选用较明亮、温和、淡雅的色调,有利于塑造安详、舒适的购物空间,与顾客放松惬意的购物目的形成一致,也为顾客注意各家店铺的独特性提供很好的保证。而小商铺的色调则可以多样化,选择较为强烈的色彩,刺激顾客的视知觉,特别是具有行业特征的商铺,更需要个性鲜明的色彩加以强调,对顾客而言,选择符合自身心理的产品是购物的首选目标。 3.要符合季节等因素首先,卖场的POP广告、图片,海报、文字的颜色与季节和具体时期相符。春季应突出生机勃勃,夏季应给人制造清凉的效果,秋季制造成熟的氛围,冬季营造温暖以及享乐的氛围。在这点上,石家庄新百商场的卖场设计就做得很到位。例如某卖场在2008年。其在每个转角处都放置了象征春天的景物,如鸟巢,盛开的桃树,以及花团等等,甚至还有大幅的春天图景。让人在寒风凛冽的严冬以外的享受到丝丝暖意。其次,也可以在不同季节分别装饰上符合人们对不同季节感觉的主色调,给店面赋予生命。如春节时选用大红色作为主色调,传达喜气洋洋的感觉。 (2)寻找色彩运用的突破口,打造色彩运用的更高境界 色彩运用中有许多成功案例,这里以“百事蓝色风暴”与以红色元素为主的可口可乐广告为例进行研究。 1.“百事蓝色风暴” “百事蓝色风暴”是百事公司的宣传语,其色彩运用是以蓝色为主。近些年,很多商店的招牌、冰柜等都选用了百事蓝色网暴的图例。那一串带着气泡的蓝色的图案已经成为百事的代名词,可见其广告运用的成功之处。 2.运用红色元素的可口可乐 与其对应的就是“要爽由自己”的可口可乐公司的红色主题广告,其广告的创意是以红色元素为主,宣传自由、个性,以红色刺激消费者的消费欲望,也是十分在功的色彩运用案例。 3.“百事红色阴谋” 做品牌自己的颜色,可以收到良好的广告效应,但是,在飞速发展的商业时代,根据热点事件、环境变化等随时调整自己的广告策略显得更为重要。 以百事公司为例,2007年9月,百事公司在“百事13亿激情会”上,突然以推出“火红中国队百事纪念罐”,其红色运用大气灵运、风度翩然成为广告设计中的又一经典传奇。其这一举动也打破了消费者心目中的蓝色百事、红色可口的印象。有人戏称其为“百事红色阴谋”,之所有会有这样颠覆性的转变,主要是为了迎接当时即将到来的一个商机,即2008年北京奥运会。运用一身中国红,即符合中国元素,又显得喜庆刺激,极大地争夺了中国市场,这也突显了百事可乐“敢作敢为,大胆创新”的个性和理念。其这一次广告中的色彩运用可以说是又一次重大突破,打造了色彩运用的更高境界,是百事形象的一次华美转身。 三、总结 色彩在商业广告中起到至关重要的作用,它是商业广告最先吸引眼球的所在。优秀的广告设计师明知道色彩运用的重要性,加强色彩的运用,促使商业广告达到良好的宣传效果,是广告设计师们竟相探索的领域。 商业广告设计论文:面向低龄受众的电视商业广告设计 摘要:0~17岁低龄受众是电视商业广告重要的目标受众,也是极易受广告影响的群体,在电视商业广告设计中要从广告的内涵定位、具象表现设计、道德伦理约束三个方面进行健康、积极、美的设计,以达到商业效应和公益效应的双赢。 关键词:低龄受众 电视商业广告 设计 在物质丰富的现代社会,少年儿童等广大低龄受众逐渐成为商家角逐商业份额的重要市场,因此面向这些低龄受众群体,各类商业广告设计成了商家进行产品与企业形象宣传的重要组成部分。在众多的广告形式中,电视广告是最具影响力的广告形式和媒介,面向低龄受众的电视商业广告设计,不仅在表现形式上要进行创新与突破,同时更需要在设计的内涵和伦理道德层面进行深入的思考。 低龄受众群体与电视广告分析 低龄受众的年龄跨度一般是从0岁至17岁,在其内部又可以细化为学龄前幼儿、学龄儿童、少年和青少年这四大类群体。从生理和心理上的不同特点进行分析,这四大类低龄群体对广告有着不同的关注点。0~5岁的学龄前幼儿认知能力和理解能力弱,但对周围事物充满好奇心,对广告中鲜艳的色彩、简单明了的图形、欢快的音乐和柔和的语音有明显偏爱,随着年龄的增长,对自己的想法和要求能够有越来越明确的表达能力。6~10岁的学龄儿童已具备一定的认知理解能力和逻辑思维能力,有着自己独立的思想和喜恶,对广告中出现的一些自己熟悉或喜爱的动画形象或儿童形象有着较为强烈的倾向性,能独立或借助不同方法实现自己的要求和想法。11~14岁的少年认知理解能力和逻辑思维能力已经比较强,渴望得到等同成人的待遇和理解,思想和行为有着明显的成人化倾向,对广告中较为幼稚的形象或语言行为有一定的抵触,对年轻帅气、健康活力的广告形象或广告明星有较为强烈的倾向性,并常对广告内容中的语言行为和生活方式有仿效的倾向,同时喜恶比较分明,对广告人物形象或广告内容的喜恶会直接影响他们对产品的选择。15~17岁的青少年在认知理解能力和逻辑思维能力方面已基本等同于成人,有着比少年更为独立和个性的思维与想法,对自己的喜好、言语、行为都有着强烈的主见,不易受他人左右。 针对低龄受众进行广告宣传的产品多集中在学习用品、食品、保健品、药品、服装鞋包、玩具等门类。这些产品及其生产企业,根据低龄的少年儿童爱看电视并容易受到电视内容影响和引导的特点,常常花费大量精力财力制作精美的电视广告,并通过购买广告时段在少儿节目、动画片、儿童剧等低龄受众较为集中的节目时间段进行不同方式的插播。然而,并不是所有的广告都会受到低龄受众的喜欢,其广告的内容、人物形象、画面色彩、音效处理、长度、播放频率与时段等,都直接影响着广告的效果。因此,电视商业广告一方面有着覆盖范围广、影响力大、表现直观等优势,另一方面也存在着竞争激烈、创新难、反复播出或影响主体节目收看引发受众反感等劣势。 低龄受众电视商业广告的内涵定位 商业广告,顾名思义,首先考虑的是广告为产品和企业所带来的经济效益,然而在竞争日益激烈的当今社会,企业的长远发展并不能单纯地依靠某一种或某几种产品的成功销售,更重要的是要树立企业健康的形象,因此企业在进行产品商业广告宣传的时候更多是要进行健康、积极、深刻的内涵定位,透过产品的商业广告模式传达企业的精神、树立企业的形象,让受众在认识了解产品的同时逐渐认可和信任企业。 电视广告作为一种低龄受众接触最多的商业广告形式,常常采用叙事作为广告主题的表达手法,这种讲故事的方式深受低龄的少年儿童喜欢,因此,将故事内涵进行良好的定位对广告的成功有着积极的作用。良好的内涵定位,一方面要突出广告所宣传的产品与同类产品相比较优点在哪儿,另一方面要借助故事的情节和内容帮助少年儿童了解企业的文化、理念以及更为深入的人生知识和思想。良好的内涵定位主要通过优秀的电视商业广告文案设计得以实现,也就是要写出好的电视广告故事脚本。 低龄受众电视商业广告的具象表现设计 电视商业广告的具象表现是优秀内涵的完美表达,主要包括人物形象设计、画面形式美设计、音效设计、广告节奏设计四大块设计内容。 人物形象设计。在进行电视商业广告的拍摄与制作之前,人物形象的设计无疑是一道极其重要的环节。在这一环节中不仅要通过主体受众分类进行广告主角和配角人物的选定,同时要通过充分和深入的受众分析来进行广告人物的形象造型和动作设计。0~5岁的学龄前幼儿较为适合运用动画人物或拟人化的动植物形象作为广告人物;6~10岁的学龄儿童较为适合运用动画人物和儿童影视剧明星作为广告人物;11~14岁的少年和15~17岁的青少年较为适合使用儿童影视剧明星、体育明星以及一些健康的青春偶像明星作为广告人物。 以可口可乐的中国新年贺岁广告片为例,其主体受众主要定位于少年和青少年群体,因此广告人物选择的是这类低龄受众较为偏爱和崇拜的体育明星。根据受众的地域分析,广告选择了中国青少年比较喜欢的刘翔、郭晶晶等中国奥运冠军,并为他们穿上了极具中国新年特色的红色唐装,片尾以共同举杯作为贺新年的代表性动作。 画面形式美设计。画面的形式美设计主要是指艺术的形式美法则在电视商业广告设计中的运用,形式美的法则是人类在创造美的形式、美的过程中对美的形式规律的经验总结和抽象概括。主要包括:对称均衡、单纯齐一、调和对比、比例、节奏韵律、渐变突变和多样统一。电视商业广告设计作为现代一个重要的设计门类,对其形式的艺术美有着严格的要求,最主要的表现方法就是对其广告画面的色彩、形态、图案、比例、动势等要素的形式美进行精心推敲。 大致说来,针对不同年龄阶段的电视广告画面形式对儿童产生的视觉和心理效应是不同的。0~5岁的学龄前幼儿对画面的色彩比较敏感,因此在处理广告画面时尽量考虑使用鲜艳的纯色,色彩通过简单的几何图形来表现,并运用一定程度的对比以加强对学龄前受众的视觉刺激。同时还要注意广告画面的色彩和形态不宜过多,图案也不宜复杂,以免造成受众的视觉混乱,尽可能地考虑画面的调和对比与单纯齐一的形式美原则。色块排列形成的优美的节奏韵律感也容易吸引学龄前幼儿,此外,广告画面的主体动势应尽量运用渐变方式,不宜用过于激烈或快速的突变方式。如一些广告在舒缓的播出中突然以极大的体量、极夸张的形态、极快的速度出现广告产品画面,很容易给受众造成惊吓。6~10岁的学龄儿童对广告画面的关注更多地集中在产品或广告人物形象上,因此广告画面的背景与主体的关系显得尤为重要,广告画面的主体动势要加强,主体与背景的比例要拉开,背景的色彩、形态与图案的形式美应更多地起到烘托广告主体的作用,因此对比和突变的形式美法则在这一阶段的电视商业广告中运用较多。11~14岁的少年和15~17岁的青少年审美要求逐渐提高,不仅关注广告的主体,同时也将广告画面的形式美纳入对广告主体的评价体系之中,在广告画面的色彩、形态、图案、比例等要素的设计上或通过调和对比形成趣味性的视觉刺激,或通过单纯齐一形成整齐明快的视觉享受,或通过节奏韵律形成轻松美妙的情感共鸣,无论运用什么形式美法则都需要注意尽量营造出健康明快、高雅脱俗的美的画面形式。 音效设计。电视广告是一种集声画于一体的广告形式,因此除了画面的形式美,声音效果产生的美感也很重要,电视广告的音效一般包括广告语音效和背景音效两部分。定位于低龄受众的电视广告,背景音效可以选择节奏舒缓、柔和欢快的儿童歌曲、世界名曲等,不要使用过于喧闹的流行音乐或过于低沉的音乐。背景音效的选择以不影响广告语效果、有效烘托广告画面氛围为佳。广告语音效宜选择清脆可爱的童音或温柔舒缓的年轻女性声音,如果是男性声音也应该尽量表现得柔和沉稳,广告语的诵读轻缓流畅、节奏感强,通过合理地抑扬顿挫加强受众的记忆效果,针对11~17岁受众也可选择广告代言明星诵读广告语以增强对受众的吸引力。 广告节奏设计。广告节奏设计主要是指广告情节起伏和广告画面变化的节奏感处理。一般说来,受众年龄愈低,广告节奏愈慢,即是说广告的情节相对简单、起伏变化不大,广告画面变化的速度较平缓,舒缓直白的慢节奏型电视广告更容易为0~10岁的低龄受众喜爱、理解和记忆。而11~17岁的受众往往更喜欢情节相对复杂、故事性强、情节高潮明显、变化丰富、画面变化速度较快的快节奏型电视广告。当然,在具体的设计中也要根据产品和目标受众的具体特点进行快慢节奏的有机结合以达到广告的最佳播出效果。 低龄受众电视商业广告的道德伦理约束 低龄受众随着年龄的递减,其判断力、自制力、抗诱惑力等心智因素会显著降低,其语言和行为的模仿力会明显增强,因此电视商业广告在设计上要特别关注对低龄受众尤其是11岁以下低龄群体的心智成长影响,也就是说,要在广告的内容及表达方式上向纯洁、健康、积极的方向和理念进行设计。 第一,面向低龄受众的电视商业广告设计要注重引导少年儿童正确的消费观和价值观。诸如众多的儿童食品广告、儿童服饰广告,其广告的直接目的即是刺激少年儿童的占有欲和购买欲,以达到向家长提出购买要求,推动产品销售的根本目的。很多广告中运用“我们都有……了,你有了吗?”等类似的语言,或运用“拥有某种产品引来其他小朋友羡慕妒忌的神情”等类似的情节画面,让众多的低龄受众产生非买不可的想法,引发与同龄人的攀比心理,由此在成长过程中逐渐形成物质至上、追逐名牌、注重享乐、虚荣心强等一系列错误的消费观和价值观。因此在广告内容及具体的语言、情节、行为的设计上要特别注意避免对商业效应的过度关注,更应关注的是广告的公益效应。 第二,面向低龄受众的电视商业广告设计要注重引导少年儿童正确的语言和行为。少年儿童的记忆力和模仿力是很强的,电视广告由于其播出频率高,其广告语和广告中的代表性行为动作对少年儿童潜移默化的影响也是极强的。因此应该为他们设计适合他们年龄段心理、生理特点的健康简单、琅琅上口的广告语和积极向上的广告内容,像一些成人化、有暴力倾向、意志消极的广告语和暴力、夸张、危险的广告动作要避免出现。此外,电视广告的内容和广告语应尽量实事求是,不可盲目夸大,以避免滥用少年儿童的信任而带来恶果。 第三,面向低龄受众的电视商业广告设计要注重培养少年儿童优良的道德品质。在具体的广告设计中可以大量运用讲述中国传统美德的故事来帮助少年儿童尤其是11岁以下的低龄群体了解并理解诸如助人为乐、尊老爱幼、宽容礼让、不畏困难等优秀品质的内涵,并通过电视广告的强力影响使之深入少年儿童的思想,通过少年儿童好模仿的特点使之身体力行。这种集商业效应和公益效应于一身的电视商业广告无论是对受众的健康成长还是企业的长远发展都是大有裨益的。 结语 面向低龄受众的电视商业广告的最高目标应该是实现商业效应和公益效应的双赢,因此优秀的内涵定位是舵,完美的具象表现是船,严格的道德伦理约束是帆,只有三者的紧密结合才能让电视商业广告载着成长中的低龄受众驶向光明的未来。 商业广告设计论文:浅议商业广告设计中创意图形的视觉表达 摘要:商业广告中的图形在促销和文化推广上与文案有着同等重要的作用,在大多数商业广告设计中,图形比文案占据更多的位置,它是大众传播中最具情绪感染力和精神浸透力的信息传到形式。本文分别从商业广告中图形语言的特性、商业广告中图形创意的表现方法、商业广告的图形表现形式三方面对商业广告设计中创意图形的视觉表达进行了阐述。 关键词:商业广告图形语言创意 21世纪是信息过剩的时代,商业广告如何不被信息海洋所淹没,使匆忙的现代人也能驻步留意留下深刻印象?这是广告设计师的首要使命。创意图形,这一独特的视觉语言以它独有的传播优势,构成了它在商业广告信息传播中的不可替代的价值。 1.商业广告中图形语言的特性 1.1图形语言的形象性 图形语言最基本的特性就是形象性。一则需要长篇大论才能叙述清楚的信息内容往往通过一张图片就能让人一目了然。从传播角度来说,文字信息存在相对的模糊性,但如果用图形形式来加以展示或再现,那么信息就会更加生动准确地进行传达,同是视觉再现,图形的展示比文字形式的陈述更具有说服力[1]。 1.2图形语言的识记性 记忆的基础首先是识别,图形是由形、色、表现风格等多种因素组织而成的,很难完全雷同。其独立的形象特征和视觉感染作用,使它成为最易识别和记忆的信息传播形式。目前许多企业即是基于对形象语言这一功能的认识而广泛运用VI系统来提高企业及产品在消费者心目中的认知率,增强记忆,由此获得推广、赢得市场。而具有独特图形语言的商业广告更容易吸引受众的目光,并产生清晰的图形印象,从而实现信息识别、传递和记忆。 1.3图形语言的新奇性 新奇就是指想法的新鲜和奇特,并且还要有新颖的表现手法,超出了人们的思维习惯,新奇是创意吸引力产生的根源。商业广告设计中的图形具有很大的吸引力,是因为它们不仅向消费者传达信息,更重要的是它们构思巧妙、独特、具有创造性。可以满足受众如图求新、求异的心理。 1.4图形语言的象征性 图形语言的象征性是用一种或一组形象使观者体验到其中的内涵和意义,利用图形与客观对象之间存在或并无必然的、内在的联系的因素,自由地表征对象的。图形语言的象征性营造的是一个看不见的世界,在商业广告设计中能广泛地表现各种笼统的事物和那些带有抽象性的属性[1-3]。 2.商业广告中图形创意的表现方法 商业广告设计中的创意表现应是以传播商业信息为根本原则,以创造性思维为先导,寻求独特、新颖的意念表达方式和表现形式,以独特而清晰的阐释方式说明商业广告中要表述的信息内容,以独具匠心而新奇的形象画面引人关注、发生兴趣、产生感染,并留下深刻印象,从而使观众不得不接受信息。 2.1展示法 展示法分为两种,分别是直接展示和间接展示。直接展示主要展示产品的面貌、质地、特点、功能、用途、生产环境、生产过程以及为消费者带来的利益和好处等。一般采用逼真的图形,给人真实、直观、形象的感觉,使信息具有令人信服的说服力。间接展示借助其他事物来表现,适合用于表现那些不容易直接表述的事物或产品,通常使用的表现主体是品牌、人物或道具等。 2.2组合法 2.2.1同类组合 同类组合是将相同的元素或事物以重复的形式组合在一起,形成一个新的形象,赋予新的思想理念,从而产生新的创意。 2.2.2异类组合 与同类组合有所不同的异类组合是将两种不同性质或类别的事物放置在一起,产生一种意境和独特的视野。但这种组合必须根据广告的主题需要确定其主次关系。图例含义:是一个PS3宣传广告,该广告将眼珠和游戏中的场景巧妙的组合在一起,形成一个独特的视觉效果。表现出游戏的繁多,能够使消费者目不暇接的中心含义。 2.2.3重新组合 将同一个物体打散后进行重新组合,主要方式是通过改变部分与部分之间的关系产生新的创意。图例含义:是一则航空货运公司宣传广告,该广告使用了重新组合的方式来表现该广告的中心含义,该广告将世界地图上的不同区域打散后重新组合,组成了一架飞机的造型,表现了该航空货运业务遍及世界各地。 2.3夸张法 使用夸张法需要运用想象力将事物的特征进行夸大,增强作品的表现效果,加强视觉冲击力,使人产生深刻的印象。需要注意的是,此处的夸张不是产品的性能、特点以及作用的夸张,而是指图像创意中的夸张,包括形态的夸张和神情的夸张。 2.4同构法 同构图形强调独创性,通过创意联系,对来自生活中的创意元素加以创造性的改造,关键在于形的连接与相互转化,不追求生活的真实性,更注重视觉创意上的艺术性和内在联系,强调美学质量,要求构成体自然又合理[4]。在寻求同构图形的思维过程中要尽力找出创意元素之间的相似或相同之处,由此开始联想。例如:把不同的但相互间有联系的元素,可能是矛盾的对立面,或对应相似的物体,巧妙地结合在一起。商业广告中同构图形是创意表述的重要方法,它应用广泛,感染力强。同构图形以独特的视觉语言赢得了受众的视线,从而达到了信息传达的最佳效果,给人留下深刻的视觉感受。 2.5比拟法 拟人化是一种幽默的创意形式,以诙谐、风趣、夸张、变形的手法表现幽默感背后的深刻内涵。拟人图形是通过想象、虚构、假设等思维方式,把一些非人类的物象当成具有人类思想情感、语言能力、行为特征的生命在画面上进行变化处理,以人的表情、思想、动态或活动特点等作为创意的切入口,把其他事物的形象与人的性格特征有机联系起来,使创意更具人性化,更易于理解,富有亲切感,利于信息传达[5-6]。在商业广告设计中普遍使用比拟的方法,既能够使抽象的寓意转换成具体的形象,又能使图形更加生动,还可以把事物原来的形象变形、扭曲、重新组合,制造超越常规的视觉形象,从而增强商业广告的视觉冲击力和吸引力。 3.商业广告的图形表现形式 随着现代科技的发展,各种新的表现形式不断涌现并被广泛地运用到商业广告领域,它极大地拓展了商业广告的图形表现空间,使表现形式显得更为丰富多彩、风格纷呈。 3.1摄影 在视觉传达设计中,摄影照片的运用具有可信度高、效果逼真、实用方便等特点,对树立产品形象和企业形象起着良好的作用。由于摄影照片所具有的直观的形象性和真实性、客观性,因而能极大地增强广告诉求的可信度,从心理上缩短作品与人们之间的距离,从情感上获得人们的信任,从视觉上对人们产生强烈的吸引力,从而使广告更具有打动人心的力量。 3.2绘画 绘画表现形式创作的商业广告设计中的图形,充满韵味的美感,富于生气的视觉效果,能给人们以强烈的视觉感受和丰富的联想[7]。尤其是手绘图形中的线条、色彩、造型、肌理等所具有的设计风格和情感,更容易使人们对作品产生一种亲近感,从而对商业广告中的产品或品牌形象产生好感。 总之,商业广告设计主要是由图形语言构成的,图形语言的种类繁多,且资源非常丰富。每一位现代设计师和我们从事设计专业的人员来说,都应谙熟它的特性、艺术表现形式和表现方法。必须充分认识了解商业广告中创意图形的涵义、表现特征和创作原则。在借鉴他人设计的同时按照其创意原则进行训练,从而提高我们的创意及设计能力。 作者简介: 任真真(1982年― )女,汉族,河南郑州人,商丘师范学院现代艺术学院教师,硕士,研究方向为视觉传达设计。 商业广告设计论文:浅谈色彩与商业广告设计 [摘要] 在不同的时期,不同的领域,不同的范畴,色彩始终影响着人们的生活,影响着人类文明的不断发展,而商业广告作为人类文明发展的产物,它与色彩有着不可分隔的联系,因此色彩是商业广告设计不可缺少的一个重要的方面。 [关键词] 色彩 心理 商业广告 注意力 人类的色彩文明意识,自觉认识和开发在不断的进步。古往今来,色彩从来就不仅仅是以创造美的色彩作品为最终目的。在总结色彩的规律和开发色彩的表现及揭示色彩的神秘中,人们不断发现色彩在政治、经济、历史、宗教、文化艺术上的不可言状的力量,人类在大自然中不断的吸取灵感,享受着色彩创造的喜悦。21世纪以来,科学的日新月异,改变了世界的面貌,极大的丰富和改变了我们视觉和体验。今天,人们的生活与色彩有着密切的联系,由于色彩心理的刺激感和满足感不断的影响着人类,它已成为现代文明生活的一部分,而商业广告恰是人类文明社会发展的产物,它必将与人类有着密切的联系,因而色彩和商业广告的关系已是不言而喻。 一、色彩与人的心理 色彩对人心理的影响体现为情绪和机能两个方面。情绪方面的影响体现为:人们对某些色彩的喜爱、厌恶,从不同色彩关系中所感受到的华丽、朴素、高崇、俗气等印象。这常常能影响人的情绪,并导致人在行为上的不同反应。人对色彩感知的心理反应,不能一概而论,它因人在生活环境,生活经验,文化修养,审美观念的方面存在的各种差异而不相同。直接影响到人对色彩感知情绪的因素众多,有人种、民族、宗教、性别、地理、教育、生活等。色彩对人的影响,在机能方面的反映体现为:人们对不同的色彩和色彩关系会产生不同冷暖、硬柔、强弱、轻重等心理感觉。这些感觉在不同的地域、人种、民族、性别和宗教、文化背景的人群中,基本上是相似或相同的。这是因为长期以来,在不同地域和不同文化背景中生存的人类,对色彩与生活内容相联系时,有很多相同或相类似的生活经历而形成的。 二、色彩的表现 大千世界,色彩斑斓,,大自然通过色彩向我们展示了色彩的价值和魅力,每一个角落无不渗透着色彩的设计。都市环境、建筑、交通工具、产品设计、包装设计,服装设计、广告设计等,不但丰富原有多彩多姿的色彩世界,更使人们的生活处处充满生机,同时也开拓了人类前所未有的视觉色彩的领域。 色彩设计艺术家们在这些工作中充分体现出伟大的创造力。东方的色彩表现重感情、意象,西方色彩重感受、再现。无论是西方还是东方,各民族都在自己的宗教文化活动中,以宗教的精神性最先产生自觉的色彩形式,主导了区域性的色彩美学倾向和集体性的色彩表现个性色彩的开拓。如大家关心的商场促销活动或介绍商品时,都需要用鲜艳和亮丽的颜色,去刺激消费者的购买欲望和食欲,更熟悉的中国国旗,它有红,黄色组成。使人充满热情和活力,红色表示吉祥、喜庆,黄色表示明亮、尊贵,同时也表现出了中华民族的色彩特征。 三、色彩在商业广告设计中的运用 色彩在商业广告表现中与公众的心理反应密切相关。公众对商业广告的第一印象是通过色彩而得到的艳丽、典雅、灰暗等色彩感觉,影响着公众对商业广告内容的注意力。鲜艳、明快、和谐的色彩组合会对公众产生较好的吸引力。陈旧,破碎的用色会导致公众产生“这是旧广告”而不会引起注意。因此,色彩在平面广告上有着特殊的视觉祈求力。 现代平面广告设计是由色彩、图形、文案三大要素构成的。图形和文案都不能离开色彩的表现,色彩传达从某种意义来说是第一位的。色彩在商业广告中的运用,设计师要表现出广告的主题和创意,充分展现色彩的魅力。首先必须认真分析研究色彩的各种因素,由于生活经历、年龄,文化、背景、,风俗习惯、生理反应有所区别,人们有一定的主观性。同时对色彩的象征性、情感性的表现,人们有着许多共同的感受。在色彩配置和色彩组调设计中,设计师要把握好色彩的冷暖对比、明暗对比、纯度对比、面积对比、混合调和、面积调和、明度调和、色相调和、倾向调和等等。色彩组调要保持画面的均衡呼应和色彩的条理性。商业广告画面有明确的主色调,要处理好图形色和地色的关系。 设计师要明确色彩定位。商业广告定位在突出标志时,要考虑企业的个性特征和企业的形象色,通过色彩定位来强化公众对它的辨认,商业广告定位在突出商品时,就要强调商品形色。色彩传达的目的在于充分表现绘画、对象的特征和功能,以适合市场审美流,利用色彩设计的创意造成一种更集中、更强烈、更单纯的视觉形象语言,加深公众对广告的认知程度,以致达到信息传播的目的。 四、商业广告设计中的色彩价值 20世纪50年代,新的市场观念的形成,市场营销学已成为企业发展的根本依据,企业不仅仅希望能够短期销售自己的产品,同时也希望能够通过产品,通过平面设计等一系列的系统设计,来树立企业在顾客中的各种正面形象,其中就把色彩与商业广告设计当作视觉因素的一个重要关键来进行研究和推广,而这两者恰恰与购买者的心理及购买行为相融合,因此,色彩与广告是不分家的,色彩是商业广告设计中的一个重要因素。在尚未了解广告设计的内容时,一个广告给我们的第一感觉是通过色彩而得到。它能从直观上给人诸如:华丽、高贵、典雅、俗媚等不同的心理反应,同时色彩与形的结合也可以使我们更好地辨认图形,因为色彩所具有的象征性,会使我们产生各种不同的联想,从而达到了商业广告最大的效应。 一个好的商业广告设计,首先要吸引人们的注意力,而人们最先受到刺激的因素就是用色,广告的用色好比人的面色,而人的面色又能够反映出他们的健康及精神状态是否良好。在一般情况下,鲜明、和谐明快的色彩会给人眼睛一亮,而杂乱、灰暗、陈旧色彩则不能吸引的注意力。由此可见色彩在商业广告设计中的价值重要。如当今KZN20品牌的一个香水广告,整幅画以淡黄色调呈现,表现了一个童话般场景,在花叶般造型的香水瓶顶部,一个美丽动人的小蝴蝶仙女在闭幕休憩,整个色调的处理给人诗一般的感觉和梦境般的幻想,从而及为深动地展现了品牌的形象和品味。 马克思说过:“色彩的感觉是一般美感中最大众化的形式”,由此可见色彩对人的影响力它已成为商业现代广告设计中最重要的情意表达手段。此外,色彩还有使人增强识辨记忆的价值,而具有良好色彩构成的广告设计,往往给人留下深刻的印象,不仅增强了识别,而且还有助于引起记忆,产生不断的重复消费的作用,接触事物表面的色彩特征,有时比接触其本质特征更为深刻。 色彩还有明显的刺激感和影响情绪的作用,而色彩正是商业广告设计中最重要的视觉冲击力表达的一个主要方面,它影响着人的感官,直接或间接地影响人们的情绪或行为,种种色彩实验表明不同的颜色在不同的环境下会给人带来不同的心理和生理上的反应,如法国迪奥唇膏广告,广告画面以绿色的散沙为背景,就在这洋溢着无限生机活力的绿色沙粒中,出现的红色唇膏显得的尤为突出,大有“万绿丛中一点红”的妙趣,再次色彩还可以传达人的意念,正确表达企业和产品的含义,即使再复杂的东西和事物,经过一定的色彩处理后,可以使其变的简单而易懂。 而现代的设计家们,在设计广告的同时,对色彩关注和色彩研究从不停留,认为色彩在视觉上最容易对人们产生影响力,增强产品形象的感染力,它是提高艺术魅力和刺激购买行为最有力的武器。因此,色彩以成为商业广告设计中“价值”体现的主要依据。 五、色彩与商业广告设计有机结合 色彩的运用已不再是简单地为了画面和环境的美观,它体现着图形语言及视觉冲击的特点,而在商业广告设计中引起的目标消费注意,更是广告传达信息的功能反映,因此我们必须要牢牢吸引目标,不仅仅是要反映一定的主题内容,更要认识到色彩的心理刺激作用,从人的各种心理因素入手,抓住目标消费者的购买心理活动,而色彩情感的表现恰恰又是心理活动的一部分。对于表现商品的特点来说,色彩又及时地反映了商品的真实性。如在可口可乐广告设计中,红色反映了产品色彩的特点,同时也反映了年轻人生机勃勃的感觉。而广告设计中的幽默夸张,比喻、借用等创意的表现手法,同时再加上色彩感染力的表现,更是令人刮目相看,有 “触目”“惊人”之感。此外色彩表现的准确,也是商业广告设计中最具有说服力的体现。由此可见我们只有去深入生活,了解生活,通过不断的探索,并做到应用与心理的兼顾统一,这是设计师创作一副好商业广告的关键。 综上所述,色彩已是研究广告美学的一个重要的方面,它在广告设计中重要地位,已与人们的心理、生理紧密相关,同时色彩的功能性和影响力,也直接关系到广告是否能吸引注意,是否达到销售目的,是否提现价值的关键。因此对色彩和商业广告设计之间关系的研究,已是现代平面设计师进行创作设计的重要课题之一。 商业广告设计论文:论商业广告设计的表现形式 [摘 要] 随着广告传媒的规模化、传播现象的普遍化、传播活动的社会化、传播功能的显性化,商业广告业在国民经济体系中已经占有重要地位,渗透于诸多领域。商业广告区别与非商业广告,按传播方式的不同可分为:电视广告、报纸广告 、杂志广告、户外广告牌、网络广告等多种样式。多元化的传播方式决定了商业广告设计表现形式的多变性质。 [关键词] 商业广告 广告创意 传播媒介 商业广告区别于非商业广告,如社会广告、公益广告、形象广告以及西方世界以政治为优秀的意见广告等,它是建立在付费基础上的市场交换行为。就其本质而言,商业广告与公益广告在诉求目标上截然不同。一般来说,公益广告则是为了向公众输送某些观念以提高公众的整体素质,是为了获取良好的社会效益,它是一种为公众服务的非盈利性广告。而商业广告是为了宣传、推销某些商品或服务,为了诱导消费,开拓市场,有着明显的获取经济效益的目的。随着广告传媒的规模化、传播现象的普遍化、传播活动的社会化、传播功能的显性化,广告业在国民经济体系中已经成为占有重要地位,渗透于诸多领域。 商业广告按传播方式的不同可分为:电视广告、报纸广告 、户外广告等多种样式。多元化的传播方式决定了商业广告设计表现形式的多变性质。那么,商业广告在不同传播媒介中有哪些表现手法呢? 一、商业广告设计在电视广告中的表现手法 中国传统文化价值观念在电视广告中的渗透,改变了电视广告单纯的角色,无论是妻子丈夫、子女父母都在亲情上做文章。从脑白金到酒类、手机、牙膏、洗衣机、洗衣粉等等,使其朝着融教育性与宣传性、娱乐性之中的方向发展,成为一种新的文化形式。 国内电视广告的一个重要创作特性是讲究感性诉求。感性诉求与消费者购买商品的社会和心里需求有关,许多消费者在进行购买决策时对品牌的感觉可能比对这种品牌的特征或属性的了解更为重要。国内电视广告的另一个特点是体现诚信。诚信是义理的优秀,也是商业行为的基本要求,国内电视广告内容以此为支点,中华民族以和为贵的文化精神滋养出了一种崇尚和谐统一的博大胸怀。家庭美满、和睦,国家和平、富强,民族团结、统一,成为千百年来人们追求的永久目标。 从美学的典型理论角度上看,强调个性化的典型观是由类型化的典型观发展而来,效果自然要胜于后者。一段优秀的幽默广告往往被人们竞相传颂,因此它还有重要的社会功能,可以成为社会凝聚力的来源。这也反映出广告商的水准:要诙谐风趣就一定要具有敏锐的洞察力并关心外界的变化。 二、商业广告设计在报纸广告中的表现手法 报纸广告设计是大家非常熟悉的一种宣传媒介。它主要体现在房地产类、国际和国内品牌上,对于告知性广告、新品上市广告报纸有其独到的优势。而设计新颖的报纸广告必然会引起读者的广泛关注。 我国的都市类报纸是报纸广告的主要市场。当今市场竞争的激烈程度是有目共睹的,任何一种产品或服务,都有众多的企业在进行角逐,消费者往往只能根据自己的模糊印象挑选。与此同时,报刊媒体的品种和数量越来越繁杂,如何选择媒体、如何安排版面和时段、如何计划和预算已经是摆在广告设计人员面前的一大课题。 要达到好的广告效果,报纸广告设计必须重视广告设计表现的两个方面:形式和内容。前者是属于广告的篇幅、字体、文案多寡、图文排版、刊载位置等形态上能够处理的问题;而后者是广告的情感表现即气氛、印象程度、插图的视觉语义、文字内涵等。报纸作为传播媒介除了追求商业上盈利,还要对社会和公众承担相应的义务和责任,即保持公共性和公益性,因此在报纸经营中不可忽视的一点是受众的利益。根据报纸的“双重销售”理论,报纸既是有形的实物形式又包含了无形的服务形式。这种无形的服务形式有两种,一是向受众提供新闻和其它信息服务,二是向广告客户提供媒介传播能力和影响力。 三、商业广告设计在杂志广告中的表现手法 各类杂志都有着不同的读者群,杂志作为广告信息传播的媒体,它以特定对象为目标,以专见长,因为它的选择性强;它的阅读期限长,读者接触次数多,深化了广告传播效果;杂志广告印刷精美,对读者有较强的视觉冲击力;它突出醒目,一页内容占据一个版面,不受其它内容的影响,有利于读者的注意力集中。但是杂志广告时效慢,信息传播缓慢,读者面较报纸而言小,广告覆盖面有限。 杂志广告设计对于插图的要求比其它广告形式要高,杂志广告设计的制约较少,表现形式多种多样,有直接利用封面形象和标题、广告语、目录为杂志自身做广告;有独居一页、跨岳、或采用半页做广告;有连续登载;还可附上艺术欣赏性高的插页、明信片、贺年卡、年历、甚至小唱片,当读者接受这份情意,在领略艺术美丽的同时,潜移默化地接受了广告信息。 四、商业广告设计在户外广告中的表现手法 企业除提高自身的内部管理机制与产品质量外,常常会借助户外广告这大众媒体进行产品的促销、企业形象的推广,户外广告的目标明确,针对性强,使企业增加更大的效益。户外广告已为广告领域的新宠。对于普通受众而言,提起户外广告通常会想到户外广告牌和海报,这些传统户外形式依然是户外广告的坚实基础,创造着户外广告60%的收益。但随着各种新技术、新思维的出现,户外广告也在进行着一场没有硝烟的革命。 户外广告放置在户外环境中,作为广告公司应当在广告初期就要把诸多内容引入方案,实地了解该广告位置与周围的环境,以达到促进商品销售的预期目的。户外广告创意设计要始终贯穿视觉形象的标准化、系统化,使之具有简明而准确的视觉特征。户外广告定位是根据不同的消费要求,给产品树立良好的形象,户外广告设计定位以突出其历史悠久的特征等,对广告定位设计的目标,广告设计的时间、地域、预期达到的结果进行前期分析,只有科学、严谨、详实的定位才是户外广告成功的依据。 据心理学研究表明,人们对运动着的物体比静止的物体更易激发注意和产生联想。当前,我们的广告设计有太多的诉求形式,而缺乏诙谐幽默的设计表现内容。对文化内涵缺乏明晰地认识,片面追求商品功能性或缺乏文化内涵的户外广告设计,时效性短,毫无生命力。对户外广告设计准确地定位,要求设计必须贴近消费者的生活,深入研究消费者的行为和潜在的消费心理需求,探索一条消费者深信不疑的有关物质转化为意象的、联想的、人性的、深层次的表现形式。 五、商业广告设计在网络广告中的表现手法 网络广告作为一种全新的广告形式之所以受到大众的重视和喜欢,因为它与其他媒体的广告相比,具有交互性、实时性、无时间地域限制、传播范围极大、受众数量可准确统计、针对性强、受众群体特征明显、形式多样、迅捷性、可重复性、易检索性等特点。 传统的广告行业由广告主、广告公司、媒介经营者三位一体的支撑起来,三者各司其职,分工合作。然而网络将广告行业三者界限打破,媒体本身就是广告。在网络时代,一些有实力的广告公司架设了自己的网络服务器,建立了自己的网站,通过经营自身的网站作为客户网站的媒介,改变了所扮演的角色,抢了媒介经营的戏。一些有实力的企业,也架设自己的网络系统,雇佣专业人员对网站进行管理,广告公司在企业的网站运作中失去了发言权。网络时代使企业轻而易举地抢夺了广告公司和广告媒体的职能。而新闻媒体在信息提供方面的重要地位开始滑落,因为网络面前,人人平等,网上的每个点都可以成为重要的信息提供者,取得不亚于传统新闻媒介的地位。 综上所述,商业广告设计的表现形式虽然复杂多变,但它所表现出来的共性有以下几点:1、弄清楚为什么要做商业广告,要有明确的目的性。2、明确所做出的商业广告做给谁看,也就是定位要准确。3、成功表达广告的主题,这就要求设计人员要有独创性,有创新的设计思维。商业广告设计在给企业创造经济价值的同时,也赋予了企业品牌个性,使品牌与众不同,以求在消费者的头脑中留下深刻的印象,这在今天激烈的市场竞争中表现得尤为重要。商业广告设计在紧跟着传播途径的不断更新和发展中,起着引领消费群体的重要作用。
美术学论文:美术基础教学高等教育论文 一、高校美术基础教学存在的主要问题 (一)重写生轻创作 以美术学专业为例,美术学有国画,油画,壁画,雕塑等学科,国画与书法密不可分,油画更强调材料的探索运用,雕塑的材料内容更多,壁画也需要一定的国画基础。但是很多学校用了过多时间让所有学生画素描,练写生,练基础。最后出现了一个非常奇特的现象,很多人画得一手优秀的素描,真实程度甚至不输相机,却画不出自己的作品。过长时间的基础训练,让学生越来越接近一台重复劳动的机器,失去了思考和感受的能力。很多四年级的学生在面对毕业创作时不知所措,脑子里空白一片,对作品的构思,设想,用何种材料能达到何种效果,哪个阶段会遇到哪些问题一无所知。很多本来很喜欢绘画的学生,在基础训练阶段取得了骄人的成绩,可是奇怪的是毕业之后便不再有作品,一部分人继续从事美术教育,还有很多人放弃了自己的专业。少部分人能继续从事艺术创作,甚至有很成功的艺术家坦言,自己进行创作时,在形成自己的艺术语言的过程中“第一个想忘掉的就是学校教给我的那些东西”甚至是“学院是我最大的敌人”。我们应该好好去思考,我们是否忘记了训练的目的而把训练当成了目的。 (二)重手头操作轻理论 很多高校美术专业的课程设置都是两大块,公共课,专业课。专业课则以写生训练为主,石膏,风景,人体,着衣绘画练习过多。与此相比,只有少部分的美术史论课程,时间占所有专业课程的十分之一甚至更少,内容则是文字为主,考试时要求以语言文字列举某时代代表画家代表作及主要风格特点为主要方式。学生学习时间少,内容多,来不及深入学习,很多所谓油画专业的学生甚至都没见过自己试卷上写出的某张画。没有真实的视觉感受,谈不上懂美术史,别说创新,连继承都是凭想象,这样的心理准备去创作,高质量的作品稀少是可想而知的。 (三)重学院轻民间 自有学院教育以来,学院与民间艺术的分野就显现出来,古今中外都有这种情况。学院派看不起民间艺术,认为后者没有技术含量,没有学术传承,比不上学院艺术的正统地位,难登大雅之堂。而民间艺术往往源于自然,感受天真活波,想象力新奇大胆天马行空,不囿于传统审美,正统观察方式。许多优秀艺术家出身于民间艺人,之后能学习学院艺术中对自己有用的内容,成为集大成者也不在少数。学院艺术与民间艺术有合作,在国外的高等院校屡见不鲜,比如德国的艺术设计院校的鼻祖包豪斯。但在国内,学院艺术与民间艺术仍存在很强的壁垒。 (四)重基础轻材料 这一点从教师构成上可以看出来,我们的写实基础教师很多,多年的大规模写实教育,为我们培养了很多擅长素描色彩的专业教师,因为每个人教的内容都差不多,学生会很适应,学习起来目标比较明确。但是擅长材料的教师少之又少,因为掌握某种材料的性质,效果,是需要花费大量时间和金钱的事情,只有具有相当专业水平的人才有这种能力,而这样的人差不多都已经是小有成就的艺术家,人数少,不能满足学校教育的需要。这方面的改善是需要学校,教师,学生,共同去努力的。 二、改善美术基础教学现状的应对措施 虽然现实情况存在这么多的问题,但是只要我们转变思想,情况是会逐渐改善的。 (一)思想上不要避重就轻 艺术教育界有句著名的笑谈叫做“技术能教,艺术不能教”。这话有对的地方也有不对的地方,就目前的情况来看应该说成“技术好教,艺术不好教”。我们的技术教育,已经具有相当规模和水平,而且有了很丰富的相关经验,这已经是有目共睹的。对有志于学习写实绘画的学生来说,这是个幸运的时代。但是我们的审美教育,任重而道远。审美教育之难,在于内容多而庞杂。百花齐放,如何读懂每朵花的美,需要深厚的文化修养,美学修养,甚至心理学修养,因为所谓美,不一定是甜的,甚至是苦的,辣的。手上功夫了得,心里却空白一片,这很可拍。我们要追回的是天真并不是痴呆,只有敢对症结所在下手,我们才能从根本上扭转这种艺术教育上重手轻心,本末倒置的局面。 (二)在实施时需要多方面的努力和配合 学校在课程设置上,应该偏重美术史的学习,加长学习时间,丰富学习资料,改变考核方式。我们的网络资讯已经如此的发达,美术史教材却还是多年前的那几本,干干巴巴,少的可怜的几张彩图,是时候投入人力物力去编写更好的史类教材,这比浪费大量的时间颜料闭门造车收效大得多好得多。美术馆的作用也是必不可少的,很多外国小朋友在小学就可以到自己国家的国宝面前去临摹。我们也不必总是关在教室里闭门造车,应该让学生去学习,去实习,去为游客讲解介绍,让美术馆时间成为课程的一部分,让心灵真正与杰作对话。专业教师也应注重自己的知识更新,成为教学材料的收集者,组织者,成为学生修心的引导者,让学生能更好的吸收这些知识。在教学中转变思想,善于发现学生写实能力以外的创作能力,鼓励学生发展属于自己的艺术语言,在作品评价上更多元,就能避免千人一面的可怕下场,我们要培养的是创造力,不是照相机。我们不必先把自己训练成照相机再去成为真正想成为的人。 三、总结 总之,高校美术基础教学是高等美术专业教育的基础,教学改革任重而道远,我们应该结合学生的实际,创新教学方法,重视发展自己的民族艺术。这样才能更好的实现高等美术教育的目的,培养出高水平高质量的学生,提高全民族的美术基础素质。 作者:武冰松季又君单位:石家庄学院美术学院 美术学论文:小学生美术教学论文 一、趣动,以趣激思 在教学中,教师可以依据小学生的心理特点,把操作同观察、思考、表达有机地结合起来,采用教师为主导、学生为主体、操作为主线的教学模式,使学生全部“动”起来。教师引导学生通过看一看、想一想、玩一玩、说一说、画一画等方式,让他们的眼、手、耳、口等多种感官都参与活动,并留足时间放手让学生自己操作、想象、探索等,让学生在“动”中体会到学习美术的乐趣,以动激情,从而使学生在轻松愉快的气氛中获取新知。如,《三原色与三间色》一课的内容是认识三原色、三间色,学习色彩基本知识并进行调色练习。为了把枯燥单纯的色彩练习变得有趣,教师可以利用色与色相加会变成另一种颜色这一实际操作作为激趣点。在授课前,可以用小魔术吸引学生的注意力,拿出三个装有红、黄、蓝颜色水的玻璃杯,用剪成小块的白色布分别在三个杯中染一些颜色,这些白布渐渐变成五颜六色的彩布。学生看着用红、黄、蓝颜色像变魔术般地调配出各种不同的色彩,都很兴奋,迫切地想探知其中的奥秘。趁着学生兴趣盎然,教师就可以边指导学生观察课本提示的色彩,边讲授三原色的有关知识。这样,学生在教师创设的课堂气氛中积极主动地探知色彩基本知识,进行色彩的练习,无形中掌握了色彩知识,知道大自然中丰富多彩的颜色都是由三原色演变而来的。这既激发了学生的学习兴趣,增强了学生的求知欲望,又培养了学生的色彩感受能力和色彩应用能力,调动了学生学习的主动性和积极性,使学生在玩中学,学中玩,乐中求实。 二、趣练,以趣促创 小学生最喜欢的事莫过于玩了,玩自己亲手做的东西就更有兴趣,并且在做做玩玩中,他们乐于学习新知识。为此,教师可以在美术课堂教学的表现形式上突出选择性,让每位小学生都能自由选择自己感兴趣的表现方式,在表现中都能突出自己的闪光点。如,在上《秋风瑟瑟》一课时,为了启发学生回忆见过的秋天景象,增进学生热爱大自然的美好情感,教师可以通过多媒体播放火红的枫叶随风舞动的场景,屏幕上映出了累累的果实、湛蓝的天空、嬉戏的小动物、小朋友秋游的景象等,学生就会被这迷人的秋景感染。然后,让学生选择自己喜欢的表现方法,把秋天的美景中自己印象最深、最感兴趣的内容画出来。学生在选择中有了兴趣,在选择中有了自信,也就有了表现的欲望。小学生要“愉快地思考,愉快地活动,愉快地成长”。在美术教学中,教师应努力为学生创设乐学情境,使学生体验到学习是一种乐趣,使他们能主动学习。这既有利于提高学生学习绘画的兴趣,又有利于增强学生的操作能力;既有利于学生掌握美术基础知识,又有利于发展学生的创作能力,从而全面提高小学生的美术素质。 作者:韩翠翠单位:江苏苏州市姑香苑小学 美术学论文:课堂教学美术教学论文 一、创设有趣的教学情境,激发学生的学习兴趣 由于初中生的自我控制和判断能力有限,教学过程中的各种主客观因素对他们的兴趣和注意力有着较大的影响。初中阶段美术学科是为了培养学生的审美能力,美术课程对于学生的中考升学作用不明显,有相当多的学生对于美术课程不感兴趣,美术课堂教学效率低。为了提高美术课堂教学效率,教师需要根据学生心理需求,创设活泼轻松、生动有趣的教学情境,合理安排教学内容,并引入一系列渐进性的教学问题,从根本上展现美术教学的动感与灵性,让学生对美术教学有着耳目一新的体会。活跃美术课堂气氛,提高学生学习美术的积极性与主动性,将学生学习的驱动力升华为学习兴趣,让学生在和谐愉悦的氛围中掌握更多的美术知识,提升艺术修养。例如,在讲解西方名画《蒙娜丽莎》时,由于大多数学生对该作品缺乏基本的认识与了解,教师如不进行生动的讲解,就容易致使课堂陷入枯燥和单调。教师可以将“蒙娜丽莎的微笑”作为课堂教学的引子,讲述当蒙娜丽莎正陷入哀痛之中时,达•芬奇请来喜剧演员逗她开心,并通过绘画定格她当时的神情。教师讲述这个故事可以将学生的注意力吸引到课堂上来。 二、激发情感因素,端正学生的学习态度 相关教学理论认为,课堂教学除了掌握知识的主线外,还掺杂着一条情感主线。情感因素是初中美术教学中的重要组成部分,它是确保教师与学生、学生与学生之间有效沟通与合作的基础。因此,激发学生情感因素,关注学生的心理需求,能促使美术教学充满情致和趣味,能端正学生学习美术的态度,进而达到以情促知、以知增情、情知交融的境界。在桂美版初中美术教学中,我们可以采取以下情感策略。第一,教学过程中始终保持着平等和谐的师生关系,增加对学生的感情投入,尊重学生的人格。关注学生的心理需求,将微笑带入课堂,给予学生充分的信任,用循循善诱的方法点燃学生思维的火花。第二,将激发情感因素与教学内容和目标有效的结合起来,让学生掌握基础的绘画技巧,在学生掌握扎实的美术功底的基础上进一步深化学习情感。例如,《角色游戏———面具》拥有很强的游戏性和趣味性,教师可以组织学生利用彩笔对该作品进行面具制作,让学生在制作的过程中感受到鲜艳饱和的色彩对比,以此提高学生的审美能力,激发学生的情感因素。 三、引导合作,丰富美术教学内容 初中美术教师要实现角色的转变,在教学中倡导自主、合作和探究为主要内容的学习方式,充分发挥学生在美术学习中的积极性,为学生搭建良好的知识获取平台。可将全班学生分成若干个小组,让学生通过小组合作的方式完成美术教学课堂任务,教师则进行以下引导。第一,组织学生欣赏卡片,并让学生讨论课堂上的卡片与商场里卡片的区别;第二,让学生动手实践画直线、折曲线、切割、粘和等立体制作方法;第三,让每个小组制作一张立体卡片,学生在分工合作完成教学任务的过程中,能够感受到不同材料的质地美;第四,引导学生灵活运用立体构成制作法,充分发挥自己的想象力与创造力,将材料特质与绘画艺术相结合。初中美术教学引导学生小组合作完成教学任务,既能够将被动的教学方式转化为主动的教学方式,也有利于学生独立自主地发现美术问题,并以此感受到美术教学中的乐趣。 四、总结 综上所述,提高初中美术教学效率有创设有趣的情境,激发学生的学习兴趣和情感因素,端正学生的学习态度、引导合作,丰富美术教学内容等策略。初中美术教师可以在教学中采用以上策略,并进行创新与突破,以此提高学生学习效率与教师教学效率。 作者:黄海滨单位:广西宾阳县高田中学 美术学论文:自主学习美术教学论文 一、如何提高初中美术教学的有效性 (一)营造一种和谐愉快的气氛 老师在课堂上的教学态度直接影响着学生学习的情绪,老师亲切、自然,学生就会感到轻松、愉快,学习的积极性就高,从而在没有压力的情况下学习。老师面带微笑,会带给学生无穷的力量,使学生在老师的微笑中读出关心和爱护,理解和信任,并从中受到鼓舞,这样他们会更加喜欢老师,进而喜欢老师所教的学科。即使面对学困生,老师一个期待的眼神和一个真诚的微笑都会使他们感到尊重,会避免不良情绪的产生和激化,从而使他们自主改正缺点,努力学习。所以,老师在课堂上要保持良好的心理状态,为学生创造一种良好的学习环境,只有这样,才能使学生在轻松的氛围中提高课堂效率。 (二)创新教学方法的有效性 在以前的美术课堂上,学生都是以临摹为主,美术课就是画画课,这样的课堂形式,时间长了学生就会失去兴趣。我们应该很据学生的年龄特点来激发他们的想象力,不给学生设立样板,而是让学生在老师的引导下根据自己的生活体验构图,用心去画,真正实现美术课的自主性,这样学生的表现欲就会越来越高,兴趣也会越来越浓,从而体验到成功的喜悦。所以,老师在课堂上要运用适合学生的教学手段来辅助教学,使课堂变得更加生动、和谐,从而使学生对美术课的热情更为长久。 (三)学习与教学环境的有效设计 教学环境设计的科学性直接影响着美术教学效果的有效性,老师在教学环境设计中不仅仅需要对教材进行充分把握,还需要了解学生的情况、学生的爱好、学生的心理特点和年龄特点,以及学生的已有水平、学生的能力等等,比如,我在《梅竹精神》课堂设计中通过竞赛的形式让学生抢答,课堂气氛非常活跃,学生的积极性和兴趣都很高,在轻松愉快的教学环境中学到了知识和技能,体验了有效学习。 (四)学习兴趣培养的有效性 成功的教育没有强制,学生有了兴趣教育才能成功,因此兴趣是教育成功的有利条件。对初中生而言我们在教学中要培养学生学习的兴趣,以提高美术课的有效性,运用多种教学方法使他们主动参与教学,及时评价和鼓励,给他们以自信,从而提高他们学习的有效性。 (五)自主学习的有效性 在教学中,培养学生的自主学习是很有必要的。在美术科学中,运用想象力进行创新是美术课的灵魂,只有不断创新才能使艺术更有活力。所以,美术课没有死记硬背的内容,作为美术教师,要做学生的引导者,不能简单地只讲画画的技巧和方法步骤,要在创作过程中激发学生的想象力和创造力,让学生自己去发现问题、分析问题和解决问题,比如,我在《灯与光》一课中,让学生自主讨论什么是光,以及它们之间的关系,通过小组讨论探究,展示出本组最佳的答案,最后让学生去对作品进行创新,这样会大大提高学生学习的有效性。 (六)合作学习的有效性 小组合作是一种学生喜欢并乐于接受的学习形式,在小组学习中学生通过互帮互助来共同完成学习任务。有效的小组合作学习中,小组内分工明确,学生相互配合、相互补充、相互交流、一起总结,对个人的作品进行再加工,这样也会提高课堂的有效性。比如,在《花圃》一课的课堂设计中,我就采用小组合作来完成作品,通过小组讨论自主完成作品的主题,然后分工,合作最终完成具有创意的作品展示给大家。当我看到他们的一幅幅作品时很惊讶,他们的构思巧妙,想象力丰富,在作品制作过程中,他们掌握了制作的过程和方法,同时也培养了团队精神和创新能力。 (七)学生作品评价的有效性 老师要给学生创作和展示作品的空间和机会,学生通过相互欣赏和分享,交流和对比,激发了表现欲,提高了自信心。老师要认真倾听学生创作的理念和感受,了解他们的内心世界,并及时对其作出有效的评价,给予鼓励和肯定。 二、总结 总之,在美术教学中,教师要通过了解学生的特点及学生的素质,认真备课,不断反思,总结经验,不断对自己的教学方法进行改革和创新,努力为学生营造一种宽松愉快的课堂气氛,激发学生学习兴趣,培养学生自主学习的好习惯,树立学生信心,才能使教学富有生机,从而使美术课堂达到高效。 美术学论文:多维互动美术教学论文 一、带领学生走进生活,在生活中发现 美术教师更应该带领学生从生活中发现美,把生活中的美广泛地渗透到学生生活、学习的方方面面之中,与生活紧密地联系在一起,通过了解学生的兴趣爱好、情感交流和内心需求,把学生的艺术生活变得更加丰富多彩、生动有力。生活是一切文化教育的源泉,教师以生活为切入点,对学生进行美术教育,让学生深切感受到美就来自身边、来自生活。因此,教师可以组织学生参加丰富多彩的户外活动,让学生在生活实践中受到熏陶,获取美术素材。由于学生的兴趣爱好各不相同,教师可以利用学生的优势进行分散活动,化整为零,使得内容丰富多样,让每位学生都参与其中,体会生活,感悟人生。教师可以通过列出活动目标和活动范围,如进行郊游、采访生活、采集标本、户外写生等,鼓励学生把生活中领悟到的美用手中的笔或相机记录下来。在每次活动中,教师要有计划、有目的地进行安排,确保学生的人身安全并有所收获,让学生真真切切地走进生活,在生活中学习美术。这样,学生不仅学会了如何收获知识,更领悟到生活中处处有知识,培养了勤奋好强的学习意识。 二、开展多维互动交流,实施美术教学生活化 所谓多维互动,主要是指师生之间、生生之间以及师生与教学环境之间的相互交流、相互学习。在美术教学环境中,教师往往无法完全掌握学生的心理、生理状况,因此开展多维互动交流不仅能促进师生之间的关系,还能增进学生之间的友谊,使学生在学习过程中相互交流,交换学习意见。教师在教学中可以将学生的心理、生理特征与美术教材巧妙地结合在一起,开展体验式学习和开放式教学,常常会获得事半功倍的教学效果。 三、结语 美术教学应是丰富多彩的,学生的美术创作应该是他们生活的真实写照。美术教师要积极将生活融入美术教学,让美术教学成为学生生活的一部分,从而带领学生感受到生活中的趣味,让学生乐于欣赏生活中的美。 作者:黄斐单位:江苏泰州市永安洲镇初级中学 美术学论文:教学效率下的美术教学论文 一、转变观念,加强重视 对小学美术课程来说,在过去以往的观念之中,我们教师未能给与相当足够的重视。因为多数学生考试的时候是不会考美术,所以我们从观念上就不重视他。在课堂教学时,能省则省,大多数的情况下只是给学生进行地简单介绍课本知识。随着新课程改革的不断深入,教学理念也发生了新的概念。作为教师,首先,我们要从根本上改变对美术课程的观念,要从根本上重视小学美术的教学工作,要确立让学生全面发展的教育理念,重新认识美术课程。摆正美术课程的地位,要将美术与其他所有课程放在相同的地位。小学美术教师观念上一定要转变的。这种观念的转变不仅要在我们教师身上改变,更重要的是要让学生体会到美术课程对他们个人自身发展的积极重要作用,让学生能够从主观上改变这种现状。从师生两方面上改变传统观念,为学生好好学习小学美术课程做好思想基础。另外,在进行教学的过程中,要树立学生为主体的观念,教育的过程是教会学生知识的过程,所以学生是教学过程中的主体,发主体的客观能动性和积极主动性,尽可能多地让学生参与到美术的教学工作中来,让学生学好美术的基本知识。 二、师生互动,激发兴趣 兴趣是最好的老师,能否激发小学学生对美术课的兴趣直接关乎能否提高课堂的教学效率。学生只有对美术这一科目有了兴趣,才能在兴趣的驱动下对美术科目进行深入学习,进而能够将美术学好。小学学生的年龄段是一个人美好的童年时代,这个年龄段学生的特征是活泼爱动,学习兴趣比较强,对新事物的学习充满着浓厚的兴趣,我们应该抓住学生的这些特点,掌握好学生的这些特点来,有步骤地进行教学,吸引学生的注意力,进而激发学生的兴趣。就如何激发学生兴趣的具体措施可以有以下几种方法。 1.注重学生的参与程度 激发学生的兴趣。在美术教学过程中,教学方式也可以有新的创新。学生在学习过程中的主体地位不容置疑,而教师是课堂的掌控者,如何进行好一堂课,掌握在教师手中,因此,教师要充分发挥这个掌控作用,调动学生的参与程度,在课堂环节的设置上尽可能多地让学生参与到课堂的教学过程中,调动学生的积极性。在对基本的教学内容进行教学之后,我们可以放开手,让学生自主地去进行画画,对于低年级的学生来说,这样可以很好地发挥学生的天性,他们可以任意的进行发挥,想画什么就画什么,这样的结果往往能够更好地保证学生的兴趣,从而对于课堂的氛围来说就有了保障。高年级的学生有了一定的自主意识,会主动地运用我们所讲述的方法来运用到实际的操作中来,这样的效果也会更好。通过这种方式使得小学生更加积极地参与到实际的教学活动中来,教学的效果就会更佳,保证了教学的质量。 2.教学辅助手段的运用 传统的教学手段是教材加板书的运用,由于教材的篇幅限制,内容并不是十分丰富,而过度的板书会让学生心生倦意,难以激发学生的兴趣,所以说传统的教学手段带来的效率并不是特别高。因此,在科技进步的今天,我们完全可以将新的教学辅助工具多媒体运用到新的教学过程中,通过这种新型技术的运用,在课堂上可以更加简便地展示美术作品,同时可以上网展示出更多和本节课相关的内容,如果在展示作品的时候配上一些轻松舒适的音乐,课堂的氛围就能够得到良好的保证,让学生在轻松的课堂氛围中进行学习,学生的学习效率就能够有所保证。对小学生来说,动漫之类的影像图片会更加有益于学生的兴趣,这样的话小学生对课堂的感知力会更好,进而保证了教学效率。 3.树立榜样,做好示范 作为课堂的引领者,教师首先要从自身上为学生树立正确的榜样,我们可以用自己的教学和学习经验多多地运用起来,来激发学生的兴趣。可以将自己过去的一些作品展示给学生,让学生从我们教师身上看到学习不是一朝一夕就能学习来的,看到教师由不会到会的过程,从而激发学生在学习过程中克服困难的决心,从激发学生认真学习美术课程的信心。对于美术初学者来说,在画画和构图过程中,不免会存在着各种问题。作为教师,我们就应该在学生进行练习的过程中,检查和发现学生存在的问题,对一些细小的问题一定要及时地指出,帮助学生从开始养成正确的习惯。对于一些容易出错的地方,还可以在课堂上进行集中讲解,将正确地方法给学生进行讲解,在讲解时一定要怀着耐心,不厌其烦,保证学生能够学会。在进行美术作品赏析的时候,多用一些各个派别的代表性作家的作品进行展示,通过对这些经典作品的赏析,一方面提高学生的审美能力和情操陶冶,另一方面用这些伟大作家的经典作品来激发学生的兴趣,为学生树立好榜样,拓展学生的视野,让他们对美术的追求更进一步。 三、教法创新,引导参与 在教学方法上也要有新的改变,在传统教学方法的基础上进行新的创新。对小学的学生来来说,如果能够在课堂上多多的动手,应该是能够更加营造比较好的课堂的氛围。所以,我们可以在课堂中引入一些动手的小活动。在泥塑阶段教学时,可以让每个学生都实际的动手来操作,通过他们自己的动手,领略到美术课程的意义。当然,我们教师应该更多地将课本的教学内容来联系实际的生活,在适当的条件下,可以结合当地的资源,让小学生参观古代遗留的建筑,山水以及田园风光,将美术的教学不仅局限在课堂之上,而是更加贴近生活,让小学生在生活中就能够发现美术的存在。对于每一个小学生来说,他们的水平和潜力是各不相同的,对于同一事物可能有不同的见解。我们在教学上也要有相应的层次,根据学生的实际情况,制定切合实际的教学目标。通过人性化的要求来要求学生,对学生的作业上面,做到针对他们各自的特点,有着不同的要求,使小学生在美术水平得到相应的提高。在新课改的要求下,作为一名教师,我们应该更加注重对美术教学的重视,不断地用新的教学理念来发展自己,在教学过程中不断地积极探索,为提高小学美术课堂的教学效率而不断努力。 作者:徐国淦单位:江苏省徐州市铜山区马坡实验小学 美术学论文:素质教育美术教学论文 一、怎样在素质教育的背景下开展小学美术教育工作 (一)培养学生的观察能力 小学生仍然处于少年或儿童时期,具有强烈的好奇心,因此在教学过程中应该着重培养学生的观察能力。大部分学生在美术课程的学习之后,容易自然或不自然地对身边的事物感兴趣,进而仔细认真地关注身边的一切。学生在不断的探索过程中,才能得到新结论,才可以提高自主创新能力。教师要根据教学内容选择性地进行教学,给学生充足的思考和创造时间。 (二)为学生提供充分的想象空间 学生完成一件作品后,很容易对表现对象产生有意或无意的注意,并且自发地进行记忆。学生观察的事物多了,自然记忆能力也得到提高,还会对本来毫无联系的事物重新随意地组合,进行增添或删改。一段时日后,学生的想象力就会不由得丰富起来,逐渐在自己脑中形成创作素材。教师在课堂教学中应该介绍教材中出现的事物,比如讲到自然界时,教师不仅应该跟学生提到花草树木,还应给学生讲解一些森林中的动物,勾起学生兴趣,通过对动物外形特征的描绘,让学生想象出一幅自然界的景象,并激励学生将头脑中形成的世界以画笔的方式表达出来。这样能够培养学生敏捷的表现力和丰富的想象力,通过教师描绘的自然界的景象到为学生营造出一幅和谐、多彩、丰富的场景,给学生的想象力插上翅膀,也为学生日后将要学习的“自然”这一课题的课程打下了坚实的基础。 (三)调动学生的学习积极性和学习热情 多媒体的使用在教学过程中已经十分频繁,传统的美术教学使得课堂氛围死气沉沉,教学内容枯燥乏味,单一的教学模式影响了学生对美术的热爱。利用多媒体来活跃课堂氛围,让课堂教学更加生动、形象,教学方式多元化,也促进学生形成活泼、向往自由的性格,进而调动学生对美术的学习热情。当遇到学生难以想象的情况时,学生很难与教师互动,只能保持沉默,学生不理解教师所述内容,自然不能跟上教师教学的步伐。这时,教师就不该急切地直入主题,可以先跟学生讲解这个概念,让学生对抽象事物有一定理解,在脑中形成自己的想象产物,然后教师再让学生动手画出脑中所想的事物,教师再有针对性地进行指导。教师在课堂前先站在学生的角度思考教学效果,“这样上课学生是否能理解”“应该怎样与学生互动”“怎样吸引学生注意”等几个方面让学生与教师之间良性互动,提高课堂教学效率,还能提高学生的想象力。在学生画好自己的作品后,再由教师播放幻灯片,以图片和视频等途径让学生直观观察抽象事物的外形、颜色和特征,让学生结合自己的作品进行修改,鼓励学生充分发挥想象力。通过学生自主参与到教学内容中,很快就可以激发学生的学习热情,提高教学效率。而且,也证明通过多媒体可以使得课堂教学内容更加直观、形象,利于学生接受,能使学生很快融入到美术教学中,提高学生的学习兴趣,进而提高学生的综合素质。 (四)实施因材施教的教学方法 重视教师对学生的评价教师必须充分重视学生的个体差异性,由于每一位学生对美术的敏感程度、天赋和兴趣、实际绘画能力以及美术基础知识等的不同,教师有必要设置不同的教学目标,让学生在原有基础上进一步提高。比如,在课堂刚开始时,教师就可以在黑板上板书出不同的教学任务,让学生根据自己实际情况阶梯式地一项一项完成,鼓励学生细心完成教学任务。对于学习能力强的学生,教师应该充分发掘他们在美术方面的潜力,引导学生向更高层次学习;学习能力差的学生,教师应该注重基础的培养,引起学生对美术学习的热情。在美术学习的不同时期,教师应该对学生做出合理、客观的评价,教师应该多从学生的闪光点出发,给学生更多的鼓励与支持,引导学生朝着正确的方向前进。教师科学的学习评价,可以让学生自主地热爱美术学习,消除学生的心理恐惧,达到有效的教学效果。 二、结语 小学美术教学不是专业性的美术教学,更不是为了培养专门的高级画家而创建,小学美术教育作为小学教育中的重要科目,是小学生综合素质教育不可或缺的部分,因此,小学美术教育必须从小学生的特征出发,真正让小学生做到欣赏、观察和审美三位一体相结合,让小学美术教学工作适应当今时代教育,更好地与素质教育结合在一起。 作者:苏林芝单位:浙江省青田县高湖镇小学 美术学论文:创新能力美术教学论文 一、中职美术教学中学生创新能力培养的策略 1.培养学生的实践能力 中职美术课程是一门实践性很强的学科,要培养学生的创新能力不仅仅应该停留在理论知识讲解层面,而应该放眼于课外活动实践,在丰富多彩的实践活动中培养学生的观察能力和习惯,激发学生的想象思维。细致的观察、丰富的想象是创新思维的基础,而教师的任务就是提供和创设丰富多样的实践活动,吸引学生注意力,激发他们的学习兴趣,使得他们能够自主地进行想象、思维,通过创造美术作品的形式将他们在生活中的所看、所想表现出来。这要求教师在教学中应该注重将理论和实践教学放在同等重要的地位,在对学生进行美术基本理论知识讲解的同时,让学生懂得美术的基本表现手法和技能,提高他们对美术艺术作品的鉴赏力。另外,在教学条件允许的情况下,可以开展丰富的教学实践活动,例如:让学生出去写生、开展美术作品展等方式。教师在实践中还要注重对美术作品的技巧和风格进行分析,一方面提高他们的美术鉴赏力,另一方面还可以丰富创新思维,提高其实践动手能力。 2.提高教师的创新能力 教师是中职美术教学的具体实施者,在培养学生创新思维和创新能力中起着非常重要的作用。教师自身的创新能力和创新意识很大程度上影响着教学中学生的创新思维的形成。因此,教师一方面应该努力提高自身的专业基础知识,在原有的专业基础之上,可以通过中职美术论坛、校园网等平台挖掘美术资源,进行自修,不断提升自己的创新能力和创新意识;另一方面应该及时更新教学理念,在实践中探索和钻研教学方法,突破墨守成规的教学方式,在教学实践中大胆尝试新的教学方法,尤其要注意在教授美术专业知识时应该体现人文性和科学性,努力激发学生美术创作兴趣,拓展学生创新思维,从而培养学生的创新意识和艺术创新精神。 3.完善教育评价体系 科学合理的评价体系能够调动学生的学习积极性,激发学生的创新潜能。首先,教师应该分层次的对学生进行个别评价。根据每个学生的先天素质、个性特点和智力水平有针对性地做出评价,保证每一个学生能在美术学习中充分体会到成功的喜悦,树立他们的学习自信心,让他们更加自动自觉地参与到美术学习过程中来。特别注意,不应该用统一的标准对学生进行衡量,从而过于限制学生的思维及其创新潜能的发挥,导致学生在美术创作中失去自由,最终对美术创作失去兴趣。其次,在教学评价中应该鼓励学生探索和创新,教育学生尽量避免重复,注重对学生个性的保护和培养。 二、小结 总而言之,要培养中职学生的创新能力和创新意识,必须从学生、教师自身出发,通过开展教学实践活动、探索新颖的教学方法、完善个性化的教学体系来打破对学生思维的限制,真正发挥学生的创造潜能,培养其创新精神。 作者:潘冬冬单位:江阴市华姿中等专业学校 美术学论文:课程教学美术教学论文 1.高校美术教学的现状 (1)理论与实践相结合 由于全国各大高校长期以来形成的传统教学方式,使美术教学进入一个恶性循环,传统的教学体系与课堂气氛打击了学生学习的积极性及学习兴趣,而学生学习兴趣的丧失又导致教学改革的效果不理想。在这其中最为突出的问题就是教学理论与实践不能相结合。 (2)内容不协调 近年来随着教育学与心理学理论在美术教学中的应用,各大高校在美术教学中更加注重发挥学生的主体性及主观能动性,这使得学生的创造能力及创新精神得到很大的提高。但是,还有一个我们不能忽视的突出问题也随之而来,那就是在我国当前的美术教学中普遍存在的内容与教学形式的分离,具体来讲就是,在现如今的美术教学中,它的整体形式是与现代美术教学改革要求一致的,可其本质其实是教学内容与形式不协调的。 2.高校美术课程教学的改革途径 从我国高校美术课程教学效果来说,在美术教学中存在着很多问题,这使得我国美术教育的发展受到严重制约,解决这一问题的关键就是进行教学改革。 (1)教学理念 其实是一个很难改变的东西,我国的绝大部分高校一直沿用传统的教学观念,而这些传统落后的教学观念贯穿并根深蒂固的存在在我国的整个美术教学中,它不仅影响了课程教学的时效性,却严重束缚了学生创新思维的发展,因此我们的老师一定要以教学改革内容为标准,并结合美术教育的发展趋势,从本质上改变教学理念,解放学生的思想,进而使学生的创造能力及创新思维得到提高。 (2)加强教学思路设计 众所周知,教学设计是教学实践的基础,也是课程教学的总体思路,是教学实践与理论的有机结合,它会直接影响学生对知识的理解与接受情况,而老师在教学思路的设计中扮演着重要的角色,这就要求我们的老师要重视教学思路的设计,不可马虎了之。详细说起来,就是教学设计要以课本为标准,在此基础上教师应熟知课本内容,明确教学目标。 (3)改进课堂教学方法 随着信息化时代进步,各项先进的科学技术也为美术教学提供了便利的条件,利用多媒体教学设施,将课题制教学模式引进,使课堂教学效率得到提高,同时老师还应根据每一位学生不同的性格,给予他们表现自我和自由表达的机会,提高学生的学习兴趣。 (4)调整教学评价方式 教学评价应该是形成性评价,而不是解决具体问题,得到正确结果。它应该反映出学生在学习中的发展过程及成长历程,及时调节和反馈学生在动态教学中的执行情况及执行效果,以达到预期的目标。 3.结束语 人们对艺术的追求日益彰显了美术教育的重要地位,但传统教育的弊端日益显露,所以美术课程的教学改革势在必行,我们要顺应美术教育的发展趋势,发挥学生在教育中的主导地位,独立创新,为社会的发展培养更多高素质的现代化人才。 作者:冯丽丽单位:内蒙古通辽职业学院 美术学论文:审美教育与美术教学论文 一、美术教育中审美教育的内涵和外延 简而言之,美术教育中的审美教育教师培养美术生对于美的欣赏能力和树立正确的审美观念,也就是培养学生在学习中以及生活中发现美、感受美、欣赏美、诠释美,并且能够进一步做到创造美,从而形成正确的审美观念和审美意识。进一步来讲,美术教育中审美能力的培养不仅仅局限于美术作品或者艺术作品,更多的是平时生活中的事件和事物,以及学生对于生活的感悟和态度,从而美术教育中的审美教育不但能够培养学生的审美能力,帮助学生树立正确的审美观念和审美意识,还会进一步对学生的全面发展包括道德修养、谈吐举止以及心境心胸产生积极的正面的影响。随着社会的进步、经济的发展,社会以及高等院校对于美术教育中的审美教育提出了越来越高的要求,所以说美术教师应该更好地发挥自身的教育引导者的作用,充分重视美术教育中的审美教育,培养出高素质的美术毕业生,为社会进步以及经济发展做出更多的贡献。 二、高校美术教育中审美能力培养的途径 1、阐述美术理论知识及相关知识 为审美能力的形成打下坚实的基础。高校美术生在中小阶段的美术教育中,大部分的时间都是在培养和提高美术基本技巧或者基本绘画技能,很少在知识或者意识层面欣赏美术作品,进而造成现在高校美术生由于知识层面的局限,对于美术的鉴赏开展形成极大的困难。因此高校美术教育者,应该针对这一现象,全面的深入的阐述美术审美知识以及相关鉴赏知识,使学生形成坚实的知识基础,从而隐形地提高了学生的鉴赏能力,为审美能力的培养打下坚实的基础。 2、欣赏美术作品和艺术作品 提高学生对于美的认识,陶冶学生的审美情操。首先,通过对于古今美术作品和艺术作品的欣赏,可以直接地帮助学生扩大知识领域,使学生对于美术知识和美术感受得到具象化的感受。美术欣赏的优点不仅仅局限在开阔学生眼界,拓展学生视野,而且提高学生对于美的感悟能力,提升学生的精神境界和艺术情操。因此,教师应该积极定期组织学生参加美术画展和相关的艺术展会等活动,并在活动当中积极与学生沟通和交流。与此同时,师生之间、学生之间展开作品欣赏、对比和讨论,进一步培养学生的审美判断力。教师积极的鼓励学生形成自己的美术作品,并进行作品展示。首先让学生对作品进行自我阐释以及自我批评,让学生针对自己的美术作品从构思立意、构图建构、造型色彩以及色调格局等方面进行自我阐述和自我讲解;然后教师组织大家分别发表意见,各自讨论对于此次美术作品的想法和建议。这样使学生在互帮互助、轻松自由的学习气氛之中,提高了自身的审美判断能力。需要注意的是,教师在组织学生进行美术作品或者艺术作品鉴赏时要注意审美方法的传授,培养学生的审美鉴赏能力。俗话说“授人以鱼不如授人以渔”,让学生学习和掌握美术欣赏和美术鉴赏的方法,是美术审美能力培养的重要内容之一,更深次的讲也是现代素质教育和全面教育的要求。大致来讲,欣赏一幅美术作品或者一件艺术品,首先应从分析美术形式以及艺术形象入手,以此为切入点,了解美术作品和艺术作品的形式特点。 3、锻炼美术生的动手能力 使学生在美术作品的制作当中提高自己的审美能力与传统的意识形态不同的是,美术教育中审美能力培养这一角度来讲,动手的目的不在于培养系统地训练,学生的美术技巧和美术技能,更多的在于了解美术作品或者艺术作品的产生过程,材料材质,步骤程序以及在此基础上所传达的作者的思想状态和心境感情。学生通过参加教师组织的动手实践活动,对于美的体验上升到更高的境界。美术教师在组织动手实践活动中,应该采用先进的多媒体教学途径,陶冶学生的审美情操,提高学生的内在审美能力。举例来讲,自古以来,音乐美术不分家,音乐的欣赏能力和美术的欣赏能力相互作用、相互影响共同达成对于美的感悟。因此,教师可以利用这一特点,在美术课堂中联系音乐,学生一边进行美术作品制作,一边聆听经典的世界名曲,使学生在美妙的艺术的情境中,自然发挥甚至于超水平发挥。 4、高校美术教师应该顺应时代的需求 积极推进教学改革首先,高校美术教师应该积极根据现代社会以及大众心态对于美术艺术的需求和变化,勇于改变陈旧的教学观念。目前在高校美术教育中,一些美术教师还保留着传统的陈旧的教学观念,教师按照传统的教学模式对于学生的美术创作提供出了创作目的,创作目标以及许多的条条框框,使学生在这许多的条条框框的要求下进行美术创作,从而导致学生不能独立思考,不能进行创意创新,使美术生完全失去了自我创造能力,因此使学生的审美能力也就得不到更有效、更积极的培养。现代高校美术教育者应该积极地与时俱进,打破传统教育思路的束缚,提供给学生更多的思维创作空间,注重学生的自我欣赏,自我鉴赏以及自我创作的能力,提高学生的审美能力。其次,高校美术教师在现代教学观念的指导下,改变传统的美术教学模式。高校美术教师应该积极打破传统的美术课堂教学模式,不断健全完善高校美术教学体系,重点是改进完善美术实践教学体系,让学生的美术创作不要单单局限于课本之内、课堂之内,让学生的美术创作走出课堂,融入自然,融入艺术,在美术动手实践当中使学生懂得如何去发现自然美、社会美和艺术美,培养学生的审美情趣,使学生树立正确的审美观念,提高学生的审美能力。 三、总结 高校美术教师在美术教学活动中要彻底摆脱以往“以教为本”的教学方式,把“以教为本”的教学方式改为“以人为本”的教学方式。高校美术教师在教学活动过程中要尊重学生,重视学生自身的思想意识和行为状态,因材施教,对于学生的大胆想象以及审美观点给予充分的理解和恰当的指导,这样既可以使学生的思想意识得到教师的肯定和认可,又可以提高学生的思维积极性和创作积极性,使学生大胆进行美术创作和艺术欣赏。 作者:刘亚梅单位:信阳职业技术学院 美术学论文:探究式教学美术教学论文 一、开展个性教学 创新教学方式新课改的重要目标之一就是改变“一刀切”的教学理念,教师要根据学生的具体情况开展有针对性的教学活动。教师应该根据学生的基础知识、美术意识、兴趣爱好等特征创新教学方式,开展个性化教学,使得不同能力的学生都能够得到良好的美术教育,促进学生共同进步。如,在初中美术《校园的春天》一课的教学过程中,教师不应该采取整齐划一的教学方式,而应该根据个性教学的要求,把主题活动划分为标志设计、海报设计、运动会场设计等多个方面,学生依据自身的能力及兴趣爱好,设计心目中校园的春天。教师要把个性化的教学理念贯穿于初中美术教学,凸显学生在美术教学过程中的主体地位,这是我国教育改革的客观要求,也是培养综合性人才的必然趋势。 二、采取多种形式 激发学生学习兴趣初中学生处于青春期,性格活跃,思维敏捷,同时世界观、人生观及价值观还处于逐步完善的时期,对事物的认知还是存在一定的偏颇,教师在美术教学过程中应该对此有充分的认知。美术学科博大精深,内容比较广泛,对于宗教、建筑、环境等诸多领域都有涉及。学生在学习美术的过程中,如果不能够对美术产生浓厚的学习兴趣,对于中西方的美术史缺乏了解,是难以取得理想的学习效果的。因此,教师结合初中学生的身心特征,激发学生学习美术的热情就显得十分重要,这也是提高初中美术教学质量的重要保证。在提高学生学习美术的积极性的过程中,情境教学是比较理想的一种教学方式,能够在一定程度上吸引学生的注意力,激发学生学习美术的热情。如,在初中《标志设计》一课的教学过程中,如果采取填鸭式的教学方式,则很难取得理想的教学效果。因此,教师在教学过程中可以采取情境代入的方式,事先准备一些标志供学生辨认,并且鼓励学生在黑板上描绘出自己熟悉的标志,如汽车标志、服装标志等。在这个过程中,学生的学习热情被充分调动起来,对标志设计充满兴趣。教师还可以鼓励学生设计一些标志,加深学生对于标志设计的理解。最后,教师根据学生的表现,结合标志设计的特点对于学生的设计进行点评。情境教学不仅能够活跃课堂气氛,营造适宜美术教学的氛围,而且可以开发学生的智力,提高学生的美术修养。 三、以探究式教学为切入点 促进初中美术教学方式改革探究式教学是新兴的教学理念,强调教师在教学过程中结合社会和学生的实际情况展开教学活动,避免唯书至上的现象。在初中美术教学过程中,探究式教学方式也是一种比较理想的教学手段,能够在一定程度上促进初中美术教学质量的提高。 四、结语 在初中美术教学过程中贯穿发现美、创造美的教学理念,对于培养高素质的综合型人才具有重要作用,对于提高学生审美意识具有深远的影响,这也是教育改革在初中美术教学过程中的实践形式。 作者:刘海燕单位:江苏邳州市赵墩中学 美术学论文:简笔画美术教学论文 一、简笔画能够构建学生的想象力 简笔画的另一个优越性在于它能够很好地促进学生想象能力的构建。想象力的具备是小学美术课程的教学中一个非常重要的教学要点,想象能力也是学生能够更好地进行作品创作的基础与源泉。简笔画能够很好地为学生营造想象力的土壤,这很大程度在于简笔画十分抽象、十分灵活,能够给学生留下很大的想象空间。教师应当在课堂上更多的借助简笔画来培养学生的想象能力,这对于提升学生的美术素养以及创造能力都很有帮助。《弯弯的小路》是很有意思的一节教学内容。这节课程的教学目标在于要让学生了解物体近大远小的透视规律,并且让大家在学完本节知识后能够运用透视的方法画一条符合透视规律的小路。此外,在理解透视规律的基础上要让学生学会欣赏并评价美术作品,通过画路来提高描绘写生的技能,逐步发展学生的观察力、表现力和创造力。教学中的重点在于通过对周围环境的观察,让学生发现近大远小的透视现象,并掌握简单的原理和规律。同时,要让学生将透视知识应用于绘画中,使描绘的物象更真实。在给学生呈现了各式不一样的“弯弯的小路”后,学生不仅对于透视规律有了很直观的感受,各式各样的小路也在他们的脑海中逐渐冒出。为了培养与锻炼学生的想象能力,我会让大家通过简笔画的形式将他们头脑中的小路表达出来,这不仅是对于学生知识掌握程度的一种检验,也能够为他们的想象力与创造力提供土壤,让他们的创作水平得到发展与提升。 二、简笔画能够活跃课堂教学气氛 简笔画的在活跃课堂教学气氛上也能够起到很好的作用。例如,在学习《奇妙的点彩画》时,教学过程中要让学生通过初步接触点彩画,知道点彩的绘画特点及简单技巧,并用点彩法创作一幅画。同时,通过思考、比较、欣赏与讨论,要使学生感知点彩画的画面效果,了解点彩画的原理。此外,通过学习活动,要引导学生富有创意地学习运用各种绘画手段,丰富学生的想象力,激发其对美好事物的表现以及创造的欲望。点彩是新印象主义以色彩分割原理为依据所采用的一种绘画表现形式,又被称为“点彩法”。其主要是利用不同的纯色点和块并列在一起形成的画面。课本中展示了法国新印象主义画家保罗•西涅克的作品《纳蒂布港》和修拉的《大碗岛的塞纳河之春》,目的是让学生了解点彩画的主要特征,提高研究点彩画的兴趣。学生对于这种由大片的鲜亮的色块所构成的艺术作品都非常喜欢,为了活跃课堂气氛,我会借助简笔画的形式让这些作品得以重现。简笔画往往是没有颜色的,只是借助简单的线条勾勒出物体的大致形态。当大家看到我将那些浓重的色块以完全不一样的形式呈现出来时,学生不仅觉得非常惊奇,也觉得非常震撼。大家在课堂上都非常投入,对于美术乃至艺术的体味与思考也在一点点加深。 三、结语 简笔画对于辅助小学美术课程的教学很有帮助。首先,简笔画能够易于教学知识点的呈现,其次,简笔画能够极大地培养与丰富学生的想象力与创造力。此外,简笔画还能够很好地活跃课堂教学气氛。简笔画的应用对于小学美术课堂教学是一种很好的推动。 作者:侍慧梅单位:江苏省盐城市迎宾路小学 美术学论文:高校素描教学美术教学论文 一、高校素描教学创新的方式 (一)开展实验性教学 对于我国目前的社会情况来说,其是一个多元化、开放的社会。对此,就需要我们在制定教学方法时能够良好的根据这种特点,而通过实验性的方式更好的适应我国目前社会的需要。对于我国目前大部分艺术院校中所开展的艺术课程来说,通常都分为素描、工具材料以及色彩方面的应用,对于这三者来说,其不但是一个整体,同时也是不可缺少的一部分,而这也需要我们能够把握这三者的关系以及特点,从而更好的开展素描教学。 1.技术形式的探索 对于任何一种形式观念的素描来说,其在创作的过程中都离不开媒介载体图形,比如立体还是平面、有色还是无色等等。而我们要想使画作能够具有更强的空间感以及立体感,就需要能够具有良好的知识以及技术,对于素描作品的构图方面来说,形体和空间以及掌握好画面整体感,控制好点、线、面十分重要,处理好影调(如对黑、白、灰的明暗进行处理),要正确地运用解剖知识和透视规律,就应该通过在各种技术手段的运用过程中区别对待,从而完成对其进行恰如其分的描述,并尽可能的通过更为丰富的技术手段对形体进行表达。而要想达成这个目标,就需要我们在实际素描教学的过程中一开始就重视对其强化训练。 2.造型理念的观念造型 是我们开展素描教学的重要基础,而对于造型理念的教学方面,则由于不同学生特点的不同而需要教师能够在实际教学过程中能够从多个方面对其进行研究、探讨,并最终形成一个更适合我们教学的方案,而这同教学在教学过程中联系学生实际以及借鉴我国以及国外已有、较为成熟的教学模式则具有较大的关联。而在发现学生自我的方面,也需要能够我们在教学的过程中能够更好的加深对于前人艺术作品的认同和鉴赏。对此,就需要教师在实际素描教学的过程能够更好的开创艺术之门,从而使学生能够在不同艺术作品的鉴赏过程中更好的对于素描的新观念、新方式进行理解,从而更好的在心中形成不同优秀作品的空间、体积、量感等重要的因素,并能够在实际创作过程中对于不同方向的流派进行比对,从而能够在心中产生不同的艺术共鸣,且户使得自身对于素描的个性创造能力以及人文精神也能够在对素描艺术寻觅的过程中得到提升。 3.运用素描语言 在素描抽象训练的过程中,能够有效的对学生对于形式语言的感悟能力进行培养。对于素描艺术来说,其是由点、线、面以及结构等一系列元素组合而成的,不但能够组成抽象艺术,同时也能够组成具象艺术。而对于现今社会的艺术氛围来说,抽象艺术的方式更能够对现代人神秘、难以描述等精神视觉进行表现。对此,就需要教师能够联系这种情况,在实际素描教学的过程中适当的向其中加入抽象的训练内容,则能够较好的对学生自身心理情绪的表现力以及对于素描基本元素的感悟能力进行加强,从而将点、线、面等等元素都能够以具象的方式融入到微观的元素方面,再通过微观元素的顿悟下进行再一次的整合,并最终形成具有意味的抽象图式。 4.发挥素描工具材料潜能 对于我国目前的素描教学来说,对于学生素描材质方面的表现意识来说通常都采取了很大的忽略,在以往教学的过程中,单纯铅笔加纸的方式虽然能够在课堂上使大部分学生都能够保持一定的步伐,但是对于学生丰富、多样性的学习来说却是不利的,会使学生在练习的过程中感到枯燥、无聊。而针对这种情况,就需要教师能够更好的安排材料以及工具之间的关系,从而能够帮助他们以制造独特语言符号的方式对于不同材质所具有的美感情况以及视觉效果进行全面的表达,并适当的根据情况向其中加入有色材质以及新型工具,从而在最大程度拓展素描表现力、丰富素描语言的同时使学生在练习的过程中也能够形成对于素描课程的良好学习兴趣。对此,就需要教师能够根据实验性的原则,来适当的鼓励学生能够对素描过程中新材料进行应用以及比较,从而在不断实践的过程中来寻找到更加适合自身主观情感表达的方式,并将不同的艺术形式如油画、国画等要点以及优秀在素描的方式方法方面进行全面的渗透。 (二)素描教学中加强培养学生的创造性思维能力 创造性思维要求学生在对待艺术进行创作的过程中加强思维的独特性,也就是说创作必须有独特的艺术个性,要表现出独特的艺术风格。素描教学中培养学生创造性思维能力,使其具有社会价值的理论以及观点,是教育学生创新素质的重要组成部分。对于我国艺术设计发展趋势来说,其也向我国传统的美术思维方式提出了非常严峻的挑战。对此,只有我们在素描教学的过程中大力培养学生的创造性思维,才能够更好地提升美术课程实际教学的教学质量。而要想达成这一目的,就需要我们能够更加注重素描教学中对学生创造性思维的培养。对于我国目前高校的素描创造性思维培养方面,则主要具有以下几点: 1.形的动感创意 在素描造型方面,其主要包括态动感和笔意动感形态动感主要来自某些形状给人的心理带来的动态暗示。其中,笔意动感是通过作者笔触的方式更好的为观察者带来一种视觉方面的感受,而动感则能够为人们在观察作品时能够感到一种更强的视觉冲击力。 2.发散思维培养 具有创造性的思维以及发散性的思维能力,这是有效地提高学生素描思维能力的一种方式。在这里,我们所说的思维方式是一种多因素、全方位的,而其由于这种不羁的特点也能够在学生实际创作的过程中带给他意想不到的创作灵感。对此,就需要教师学生能够在艺术设计素描的过程中更好地教育和启发学生,以加强学生的这种发散性思维。3.将具象转为抽象素描教学之中的重要一环就是将具象的形象思维上升为抽象思维,即具象转为抽象。而将人们抽象之中的形象用具象来表达对学生进行启发训练,而再将具象的形象抽象化,这是一个辩证的过程,是现代艺术中艺术家们惯用的手法。在素描教学中,这种训练的意义也是十分重要的,在对学生进行创造性思维的教学中大有裨益。 4.改变逻辑关系 使用某种特殊的方式来改变人们正常的思维逻辑,就必然使人产生某种诧异,或者在人们思维中产生某种陌生感。采用改变逻辑关系的教学方式在高校素描教学中能够取得创造性的效果。我们在教学实践中通过这种素描基础训练,能够很好地调动学生学习主观能动性,加强了学生的设计意识和发散思维,实践证明它是科学的、创新的教学新模式,并且获得了全新的教学效果。 二、结语 高校素描教学是为我国艺术类人才进行培养的重要基础,需要我们能够对其引起充分的重视。在上文中,我们对于高校素描教学的创新方式展开了一定的研究与分析,而在实际教学的过程中,也需要我们能够良好的联系学生实际,从而以更具针对性的创新方式来培养出更多、更好的艺术类人才。 作者:何继业单位:私立华联学院 美术学论文:小学绘本美术教学论文 一、绘本在小学美术教育的优势 绘本实则为图画书,将绘本融入小学美术教学对小学生的心理及审美都有很大的帮助,同时也符合小学美术的教学要求。小学阶段是一个特别的时期,是儿童德、智、体教育的启蒙阶段。在这样的期间内,他们的逻辑性还比较弱,脑海里没有具体的表象,思维较为混乱抽象。因此,在小学美术课堂中除了让学生欣赏一些著名画家作品及画风之外,还需要添加一些简单易懂的图画,由浅入深地引导学生,避免学生失去美术学习的兴趣。首先,在绘本中人物、动物、植物的造型大多鲜明、可爱、生动,符合小学生的认知水平。其次,绘本图画大多色彩鲜艳,充分运用了邻近色、对比色等色彩知识,对学生的色彩知识学习具有良好的示范作用。第三,绘本中的故事往往短小精炼,具有趣味性,可以让学生轻松领会图画含义。第四,绘本的绘画风格各异,绘制材料丰富,能够帮助学生认识不同画种。第五,绘本画面蕴含美术原理,如画面均衡、透视等,为教学提供优秀资源。由此可见,绘本内容与小学美术学习内容高度一致,并且符合小学美术教育理念,能够辅助教学达成教学目标,进一步激发学生对美术学习的兴趣。 二、绘本在小学美术教学中的应用 1.合理运用,激发学习绘本 用于美术启蒙教育的优势显而易见,随着学生年龄的增长、认知的不断变化,合理地选择和运用绘本成为首先要关注的问题。由于不同学龄基础知识量的不同,对绘本的选择要有所变化,需从低年级到高年级分出不同的层面。对于低年级的孩子,应用色块明亮、简单的绘本进行教学;对于高年级的孩子,他们已能大致分析画面所使用的绘画技巧、风格、和图画所蕴含的教育意义,故在选择上可以倾向于绘画技巧较复杂的绘本或视觉传达效果强、寓意深刻的绘本来提高孩子的想象力和艺术气息,促使孩子了解自己喜欢的作画风格,找到自己的发展方向,进一步提高孩子们对美术学习的积极性。 2.循序渐进,深入教学 美术教学中,循序渐进地引导学生认知,能够最大限度地保留学生学习兴趣,从而达到深入教学。绘本“浅显易懂”这一特性,恰好能成为启迪学生认知的“金钥匙”。如:高年级《猫头鹰》一课中,教师需引导高年级学生欣赏著名画家《猫头鹰》作品,找到猫头鹰的形象特点,并将《猫头鹰》作品与实际猫头鹰的图片做比较,领会作品中的寓意,并且分析画家运用了什么画法来体现猫头鹰这些特点。为了营造轻松、趣味的学习氛围,我们首先可以引用绘本《猫头鹰宝宝》的图画故事,利用绘本中的画面提高学生对猫头鹰生活习性和身体结构的了解;引导学生对比《猫头鹰宝宝》和著名作品《猫头鹰》的绘画手法,使学生对猫头鹰的身体比例及形象特征有更深刻的认识。 3.理性临摹,提高技巧 绘本中的画面构图合理美观、造型活泼、色彩鲜艳,贴近小学美术教育的内容。小学美术教育主要培养学生审美能力、造型能力和色彩感知等,这些教学点在绘本中都能一一提炼,故理性地临摹绘本能帮助小学美术教学实现教学目的。还可让学生将绘本中的明暗色块用水彩颜料调和出来,再按照绘本的明暗位置进行上色,这样的教学方式可以有效的提高学生对色彩的运用。 三、结束语 小学课堂加入儿童绘本,既能结合世界各国原画家、插画家的作画风格,(如抽象派、现实主义派等作画风格)使孩子的艺术细胞受到熏陶,对于艺术的理解不断增加,又能开创学生的想象力、观察力,使学生不断创新。美术是一种艺术,文字是一种文化,两者结合成一种文化艺术来教育学子,引导学生的启蒙之路可以说是一门学问,也是开创新型美术教育的里程碑。 作者:陈敏薇单位:厦门市演武小学 美术学论文:色彩心理美术教学论文 1指导学生学会观察色彩心理感应 教师在平时教学中,可以采用美术写生课指导学生如何观察色彩,培养学生的色彩心理感应能力。比如,在学习“色彩静物写生”的相关内容时,在展示出一个作品后,要求学生在短时间内快速记住对色彩的第一眼感受,从中找出各色块,并且明确色彩的明暗关系,形成一个比较明确的色调倾向。同时,应引导学生们自己用色彩来塑造形体,让学生们能够在反复的练习过程中掌握色彩应用的基本技巧,学会用眼睛观察色彩,用手表现色彩的张力和能量,从而形成自己的色彩心理倾向,这样也会使学生以后创作的作品更具艺术魅力,更加打动观众。 2指导学生如何调整自己的心理情绪 通过学习关于色彩心理的相关知识,观察色彩心理,可以发现学生的情绪性格变化。教师可以通过美术色彩心理课训练,帮助学生学会调整心理情绪的方法,帮助学生树立健康的人格,促进学生的身心健康发展。比如,在美术色彩心理课堂,有的学生对色彩非常敏感,自己的情感较为丰富,在绘画中对色彩运用自如。而有的学生在创作时常常会采用一些不平衡颜色或者刺激性的颜色乱涂乱画,这说明这些学生的性格非常不稳定。了解、掌握学生的色彩心理后,教师可以针对不同心理层次的学生采用不同的色彩心理调整教学方案。若学生的情绪、性格不稳定,可以先控制学生使用色彩的数量,然后再慢慢增加用色,使学生的心情慢慢平静下来,调和出相对稳重的色彩,平复学生冲动、浮躁的性格。通过美术色彩心理教学,引导学生正确使用色彩,有利于学生发泄自己心中的压抑情绪,缓解学习中的疲劳,使学生在学习的过程中体验到快乐,培养学生健康的心态。 3通过美术课外活动引导学生感受色彩心理感应 在美术教学中,教师应定期组织学生参加美术课外活动,引导学生接触更多的色彩,亲身感受色彩心理的艺术魅力。学生在学习色彩心理知识后,对色彩心理感应会更加敏感,当他们重新回到自己生活的街道和场所时,会以另一种眼光来观察街道上商场、高楼大厦的色彩设计,这样会使学生重新认识色彩心理效应。比如,在道路上的安全标志、交通信号往往会比较醒目,这主要是因为这些标志采用了强烈的配色设计(如黑白、黄蓝、红绿等),这样的色彩设计可以达到一种警醒作用,有特别强调的意味。 4通过电脑软件网络手段使学生体会到色彩传播的心理感应 随着计算机技术的飞速发展和普及应用,现代学生已经越来越依赖电脑,很多学生在创作中喜欢用电脑创作,也不喜欢用画笔。教师可以投其所好,让学生们利用CorelPainter、Adobephotoshop、光影魔术手电脑绘画软件进行色彩创作。通过电脑上简单的操作,可以在瞬间完成色彩的明度变化、纯度变化、色相变化,使整个色彩画面呈现出素描、靛蓝、菲林、油画等多种绘画风格,这种视觉效果、速度效果是现实手工绘画无法实现的,这样会使创作作品更加符合学生自己的审美情趣。其次,教师在可以在网络上举办自己的艺术展,让学生们参与在其中,学生在鉴赏过程中可以根据自己的喜好进行评价、修改,这样有利于培养学生的色彩心理。 5总结 综上所述,美术色彩心理教学具有自身独特的内在规律,高校美术教师在实际教学过程中,应提高学生对色彩心理的认识,指导学生学会观察色彩,感受色彩心理感受,增强学生对色彩的敏感性、感受力和悟性,形成自己独特的色彩心理理念,正确运用色彩心理塑造绘画作品,增强美术作品的艺术感染力、表现力。 作者:姚屹东单位:兰州城市学院
油画艺术创作方法探讨:油画艺术创作方法之间的关系 本文作者:王玮 单位:首都师范大学 对于马蒂斯的油画作品,有些人曾批评道:“画中女人的胳膊太长了。”而马蒂斯的回答是:“这不是一个女人,而是一幅画。”不论是油画还是其他艺术的创作,都不可能依靠一成不变的经验支撑,而需要各种方法的综合运用。虽然油画不像平面设计那样需要不断求新、求异、求变,但是画者也不可掉入思维的固定范式。中国当代油画艺术创作存在同质化现象,这显然不是中国当代油画的发展方向。那么中国当代油画需要遵循怎样的方法理论呢? 一、油画艺术创作方法的构成 我们一般把艺术创作分为三个方面,第一是创作精神,用来处理艺术与现实本身的关系;第二是艺术原则,主要是从现实生活出发,以现实生活为归宿,或者从主观意念出发,以自我为归宿;最后是表现手法。这三点有机统一,并以创作精神为优秀。 1.创作精神 创作精神尤为重要,其体现的是艺术家的精神生活深度。笔者认为创作精神的重要性远远高于其他原则,有了创作精神,才能利用艺术形象传达思想。不管用什么艺术手法表现作品,都必须以精神为支撑,有些艺术家也喜欢把创作精神称为灵感。当然,没有好的表现手法,创作精神也很难更加明确地表现出来,因此它们是相辅相成的关系。综上所述,创作精神体现了艺术家的精神生活深度,是作品审美的高度体现。 2.艺术原则 艺术原则的作用同样不言而喻,艺术家都有自己独特的艺术语言,通过这种特有的语言去表现其丰富的精神世界,这样才能使其思想的表现过程独具特色,从而充分表现艺术家的性格。这种艺术风格是基于精神表现的,艺术家在创作中通过发掘独特的表现形式,不管形式如何变化,其都有着创作者独特的精神印记。这种印记随作品而产生,是作品不可或缺的一部分。创作者的艺术原则在作品中服务于其特有的创作精神,从而形成一种更加个性化的艺术特色。 3.表现手法 艺术家的表现手法是艺术家的审美体验和艺术思想的最直观体现,是其表现思想的直观手法,也是指导创作的基本原则,对艺术作品有着全局性影响。艺术家利用特殊的线条、色彩、技法等塑造形象、反映生活、突出主题。表现手法是思想和技巧的有机统一体,其不仅仅是技巧、技法、艺术手法等,而是它们的有机统一体,创作者利用这些表现手法为作品增添艺术特色。 二、油画艺术创作方法之间的关系 1.创作精神为精髓 在国内的当代艺术作品中,大部分艺术作品都可以从创作手法中反映艺术家的独特思想,这些创作精神在作品中体现为一种特有的表现形式,也就是将思想符号化,从而表现作者独特的艺术风格,因此如果作品中没有创作精神,作品就成了一种单纯的形式,成为单纯的模仿,从而失去作品的本来意义。当代艺术家岳敏君将人们喜闻乐见的笑脸形象作为一种特有的艺术符号,在此基础上增加一些小的细节,比如让人物脸上多一些皱纹,或者头上长出了角。他的场景系列作品则把别人作品中的主体事物去掉,然后不断复制,形成一种独特的观念行为,从而突出特有的创作精神。 2.艺术原则为基础 绘画艺术并没有统一的原则,特别是中国绘画艺术,其绘画技法千变万化。过去艺术家喜欢用毛笔作画,且文人画以突出意境为主,对构图等并无严格要求;西方画作的写实感更强,画家通过颜料及画布去描绘其特有的内心世界。随着时间的推移,画家创作理念的多元化趋势愈加明显,后现代主义画作层出不穷,技法也在原有的基础上不断改革,但唯独不变的是画家的艺术原则。 3.表现手法为措施 要创作出富有新意的作品,画家不仅要在素材上下工夫,还要在思想上有独特感受,在技法上别出心裁。新的观念和技法是同生的,创作精神、艺术形象和表现手法有机统一。如,现实主义善于运用朴实的语言,组织符合生活逻辑的情节;浪漫主义则采用一些特殊的语言形式,设计曲折离奇的情节;等等。这些手法都是不同的艺术手法的有机统一,从而形成了特定的作品。 结语 艺术的创作手法因人而异,因此具有明显的独特性和历史性,在不同时代,艺术家总是采用不同的同时又适合自己的创作手法。而作为艺术的表现形式,艺术创作手法不是孤立存在的,因为不同的思想会相互交流,不同的创作手法也会相互影响,如现实主义和自然主义、浪漫主义和神秘主义、立体主义和未来主义、超现实主义和抽象主义等有可能相互转化,艺术创作方法也始终处于发展变化之中。正是这种变化和无限的组合可能性向我们揭示了艺术创作的奇妙魅力。艺术创作方法是与艺术家的世界观、价值观、审美旨趣、天赋秉性紧密联系的,是艺术家借以认识生活和表现生活的创作指向和原则。从创作方法的发展中窥一斑而知全豹,我们得以饱览人类艺术的博大精深和变幻无尽。 油画艺术创作方法探讨:关良油画艺术创作的流变 1.早期的写实主义(20世纪20年代中期至40年代末) 1917年关良远赴日本东京学习油画,至1922年的五年间他跟随中村不折、藤岛武二两位写实主义绘画大师学习,练就了坚实的油画基础,而且当时西方盛行的各种绘画作品经常在东京展出,使得关良近距离接触了印象主义、表现主义、立体主义等欧洲画派,为其早期写实主义油画艺术风格的形成奠定了基础。回国之后,关良结识并跟随齐白石、吴昌硕、黄宾虹、潘天寿等国画大师学习中国画,逐渐习得中国传统绘画艺术的理论要义,也使得当时关良的油画创作尽管具有明显的西方写实主义风格,但还是透射出些许中国画风貌。这一时期,关良的油画作品虽然数量不是很多,但内容和题材却是相当丰富,有人物、有风景、也有静物,作品主要有《少妇肖像》(1928)、《裸女坐像》(1930)、《母女肖像》(1936)、《村景》(1943)、《嘉陵江之晨》(1945)、《花果静物》(1947)等。这些作品从构图、色彩、造型等方面都体现出写实风格,但由于受到当时国内战乱不断、政治氛围沉闷的影响,作品的格调显得犹豫低沉,比如《少妇画像》就是一幅典型的此类作品,画面中除了一位神情犹豫惆怅的少妇之外,只有一个似乎在滴答作响的钟表,好像诉说着青春的一去不复返,极具西方象征主义表现风格。简约的画面,加上对五官不画阴影的线条勾画,使得画面效果的立体感有意识淡化,烘托出一种情景交融的艺术效果,也从另一方面透露出画家对于美好人生的眷恋与渴望。 2.中期由写实走向写意的转型(20世纪50年代初至60年代中期) 新中国成立之后,全国呈现出欣欣向荣的景象,这种安定祥和的大环境为关良的艺术创作带来了无限生机与活力。经历了前期对中西绘画艺术的研究探索,加上这一时期深入农村、工厂的生活体验,关良的油画艺术创作在这一阶段发生了很大改变,除了题材依然多样化之外,创作了诸多反映社会主义建设的作品,如《丰收图》(1954)、《山区风景》(1955)、《山乡农忙》(1958)、《新安江水电站》(1962)等。形式上表现为从写实主义向写意的转变,不仅摆脱了之前日本画风与西方现代画派的深刻影响,而且突出了中国式的写意方法,尤其是把中国的写意水墨技巧淋漓尽致地展现出来,使画面不再犹豫低沉,而是充满了明朗清新、乐观向上的积极色彩。在画面处理上,他有意识淡化传统的素描关系,通过线条表现力的强化和造型的简化概括,突出平面化趋势,比如作品《颐和园》(1950)、《白屋眺望》(1957)、《园林》(1960)、《天柱岩》(1962)、《花果》(1963)、《上海苏州河》(1964)、《太湖风景》(1965)等。可以看出,这一阶段关良的油画作品以静物和风景为主,在技法运用方面,多以稀薄的用色与方笔使用,发挥出民族画风的流畅特性以及含蓄性特色,即尽可能以简练的形式表达出真实情感。创作于1960年的《渔父图》就是太湖一景的缩写,充分展现了我国江南的独特自然风光,也完全显现出关良风景油画“用笔简练概括、平淡天然”的特质,颇有古风笔意,既有倪瓒“隔江山色”式的平远构图,又有吴镇轻盈闲适的“笔墨”意趣。 3.晚期“意”、“形”、“神”结合的成熟(20世纪70年代前期至80年代初期) 这一阶段,关良经历了多重洗礼,受到政治运动的影响,十年间他几乎中断了油画创作,而是以“隐忍”态度在深思和等待,20世纪70年代中后期中国终于迎来了一个崭新的历史时刻,关良也迎来了一个新的创作黄金时期。正是经历了前期的诸多艺术探索与人生思考,关良的油画艺术风格走向成熟阶段:他大胆地采用油画的一切工具、颜料,按照水墨画的画法,不再考虑用油画的背景作陪衬,而是运用了我国传统绘画的一些精湛理论,通过极其简练的造型,明快的色彩,深邃的意境,实现“意”、“形”、“神”的完美结合,这一时期其主要作品有《三岔口》(1973)、《风景》(1975)、《三峡》(1976)、《初夏之晨》(1978)、《戏曲人物》(1978)、《钟馗》(1978)、《舞蹈》(1978)、《武松打虎》(1979)、《贵妃醉酒》(1980)、《绽放》(1980)、《构图》(1981)等。可以看出,这一阶段关良除了在静物和风景油画方面继续探索油画的中国本土化之路外,他开创性地创作出一系列戏曲人物油画。当然关良早在20世纪四十年代就开始尝试创作戏曲人物画,但这一阶段无疑是其戏曲人物油画创作的巅峰。在其戏曲人物油画作品里,他似乎都在漫不经意中塑造出一个个得意传神的戏曲人物形象,让观者在这看似随意、实则煞费苦心的形象中感悟到一种至高致远的艺术境界。比如在取材自明代高廉《玉簪记》的同名作品《秋江》中,画家避开虚拟的马、船与实景的矛盾,把寥廓寒江、白云碧柳、船桅林立的镜头虚去,表现的仍是戏曲,背景以深色为主,不交待具体物象,以鞭代马,以桨代舟,让画面充满流动的空间感,虚实对比愈加强烈,突出画面的整体意境,这种手法在《戏曲人物》、《武松打虎》、《贵妃醉酒》等其他戏曲人物油画中同样体现得酣畅淋漓。 4.结语 作为我国20世纪早期画坛的一位先驱人物,关良尽管经历了诸多风云变幻,但是他对绘画艺术的挚爱始终如一,这正是使他绘画精品层出不穷的关键。当我们品鉴关良的油画作品,特别是其极具开创性的戏曲人物油画时,我们看到的不仅仅是一个个融合色彩、造型、情趣、意境于一体的艺术形象,而更是一种永不停息、特立独行的艺术创新精神,这也正是中国油画艺术深化发展所亟需的内在特质。 作者:管艳 油画艺术创作方法探讨:油画艺术创作中民族审美意识 一、前言 时光荏苒,光阴似箭如梭,油画艺术作为一种先进的外来文化在中国已然得到了持续性的百年发展。中国油画创作艺术家对西方油画的材料使用、风格技法和文化内涵的理解和运用也得到了实质性的突破理解。民族的才是世界的。中国的油画在未来不该仅仅作为承载西方油画艺术的载体而存在,中国油画更应该立足于本民族的文化和精神诉求,具有中华民族的文化内涵和审美意趣,成为真正意义上的中国油画。 二、两大主要民族审美意识发展之源 如果仅凭常识和自己的大脑来认知世界,世人对许多事物的理解和体会往往有着谬误之处。诚然,东方人保守安分,西方人敢于冒险;东方注重感性思维,西方侧重理性思考;东方注重精神世界的探索和自由,西方侧重物质世界的获取和改进。中华传统文化可以被归类为最大生存限度下的伦理道德结构,在此结构下的人类的观念和行为都会受到限制,西方的文化活动则为人类社会居于主导地位放大了人性的力量的强势世界。这似乎给大众带来了一种错觉,东方民族的审美意识秉承的是静态观,西方民族的审美意识秉承的是动态观。答案恰恰相反:东为动,西为静。 (一)动观———东方民族审美意识发展之源 东方油画在民族观念意识的影响下是动观。东方更加注重写意、感受、象征、追求美和善的和谐统一。在东方文化中,天地与我并生,万物与我为一。在“天人合一”的观念下,物我相忘,和谐相亲。东西方截然不同的审美意识形成了不同的艺术观和价值观,由此观察和表现事物的方式恰恰相反。东方油画的创作需要接触自然、观察自然、感受自然和领悟自然。一切景语皆情语。以我观物,则万物皆着我之色彩也。画家在行动中观察事物,观物如观人,万物皆着人之意趣,万物皆着我之情致。水情乃我情,水清则我清;春池如美人,秋泉如高士;山性即我性,山行为我行;夏峰如猛将,冬岭如孤人。古梅如高士,坚贞骨不媚。花、蕊、枝、干皆有君臣、父子、夫妻之分。花也,叶也,兽也,鱼也,皆人也。画家眼中的物,气质与情态皆与人的精神气质相契合,不受此时此刻此情此景之制约,不受一时一地一知一解之束缚,目之所见得于心而会于意,最终展现在笔末毫端。 (二)静观———西方民族审美意识发展之源 与东方的“天人合一”相反,西方对人与自然的关系自始至终持“天人相胜”观。首先,宇宙本身就不是一个独立的整体,它合二为一。其次,人与自然也是两个相互独立的个体。人是主体,物为对立。由此,西方油画艺术创作中,油画艺术家着笔于写实、模仿、再现、追求美和真的统一。西方油画最初多为在室内描摹事物的形态、质感,注重事物的空间感和存在感,以求达到栩栩如生、以假乱真的效果;随着时间的变革,西方油画得到了长足发展,开始打破常规,由室内转为室外,追求事物在变换的光线下的光感和趣味;最终西方油画家开始致力于油画创作的创新和内在精神特质。西方信任认知自然、把握自然,从而改造自然、驾驭自然。可以这样说,西方人的精神特征是偏向于动态的,但其研究和观察事物的方式则倾向于静态,偏好审视。 三、油画艺术创作中东方审美意趣的演绎 (一)概论 东方油画的历史与西方比起来诚然短暂,但是在一批文化探索先驱的不懈努力和庞大的东方文化体系的承载下,注定会走上一条阳关大道。部分学者未免有失偏颇:内在的精神气韵已然达到,为何要追求事物的表象和外观?殊不知西方油画的伟大之处不在对视觉上的色彩和形态的征服,在于感性和理性的理念的交织中人性的力量展现。艺术的理念来源于哲学。而在西方的哲学家黑格尔的眼中,东方画家虽然也可以将事物描绘得纤毫毕现,但他们并未在事物的光影变化中解释美所之所以为美,也没有掌握崇高理想的瑰丽的艺术技巧。而东方油画的精髓也并不在于表观世界的构建和再现,而在于其秉承的笔墨气韵和人文情怀。由此,我们自然可以认识到东方文化和西方文化二者自身的无可取代和艺术价值以及在自己文化体系中所具有的价值与意义。但是在文化现象光怪陆离亟待矫正的社会大前提下,中国少年渐渐走失在探索油画的道路上,他们知道怎样作画,如何作画,却忘记了为何作画和怎样创作油画。这些现象不仅仅是技术上的矫正就可以纠正过来的。 (二)东方审美意趣的演绎 “象”既指自然的物体形态,又象征着宇宙人生,所以大象无形,大象无声。“意”既是美学观念,又是哲学观念。东方审美中,油画创作是偏好于侧重于事物的意象化表达和寻求创作的衍生和结合的。各种具象的色彩、造型、结构都有着一定的文化指向性。中国的油画创作相比较于西方的油画创作而言,更在乎虚实和主次的布局和安排。主体和客体相互区别对立,也相互结合统一。国画中的重要的“留白”是世界上首次正式提出的关于虚实的概念。有限的实体和无限的虚体丰富和延展了传统的油画创作观。画面的疏密与色彩则能够体现画家本人对画面的掌控,画面的层次感和节奏感都能够在画家的关于疏密和色彩的艺术主张之中体现。在现代人的视觉经验下,梅兰竹菊、山石沟壑的精神气质都实质化起来,积淀着丰富的人文气质。这一点在中国画的运用和东方油画的运用上都有着共通之处。成功的东方画家在汲取了西方艺术精髓之后创作的油画作品仍然能够明显区别于西方绘画有赖于画面的布局、留白、置色、意境等都来自于东方艺术熏陶下的审美视角,这一点颇值得后人学习和借鉴。 四、油画创作中中华民族审美意识的应用 (一)绘画创作中中华民族审美意识的体现 1.绘画观念本文说过:艺术创作的观念来源于哲学。中华民族的审美意识秉承着客体和主体相互结合统一的“天人合一”观。所以在艺术创作中,画家时常融合个人的思想主张,“一切景语皆情语”,绘画的构图安排也时常汇集了画家的文学素养、哲学观念和宗教信仰。个人的精神世界展现在绘画之中,画家本人的中华民族传统价值观和充满民族意识的审美视角也在绘画中展露无遗。油画作品不仅呈现着自身形态,而且展示了画家创作时的精神世界和理想追求。 2.艺术元素华夏民族的历史悠悠五千年,汇聚了无数传统价值符号、美术意象和创作素材。瓷器、屏风、戏剧、锦绣、壁画等风格独具的中华民族传统装饰元素在油画创作中逐渐平面化和实体化,复杂或简化,力求以其风格别具一格的民族特色文化推进中国油画的发展和油画的民族性意识思维的发展。 3.绘画风格中国油画创作的色彩使用有一定的局限性———偏好于素色的使用,其色彩的使用基本围绕着青色、红色、白色、黑色和黄色五色。白色是本真,是虚无;黑色是坚守,是纯厚。中国的传统绘画风格的笔墨的风格技法的借鉴意义颇大。中国画的平笔、圆笔、留笔、重笔、变笔“五笔”以及浓墨法、泼墨法、淡墨法等“七墨”在中国油画创作中的使用也很多,而这些西方油画创作者都难以掌握和领会。 (二)油画创作中中华民族审美意识的实际运用 1.国内艺术大师的中华民族审美意识的实际运用艺术大师吴冠中先生站在国画界的边缘,其油画创作对中华民族的审美意识进行了叛逆性的传承。其油画作品《长江万里图》从绘画构图到点线置色、意境处理无不透露着他对民族文化精髓的深入了解。它以中国画卷传统的打开形式展开,短小精悍,尺幅千里,融时间和空间概念为一,作品充满了叙事性和独特美感。艺术大师林风眠先生的传统文化底蕴十分深厚,变革了西方绘画的造型观念形成了自身别树一帜的精神面貌。他的作品体现着强烈的东方意味,以作品来表现自己的善恶观和美丑观,在油画的东方意味之路上的探索远超前人,看似轻轻松松、散漫不羁,实则充斥着浮世的积极意义。 2.国外绘画大师对中华民族审美意识的探究奥地利画家古斯塔夫•克里姆特深受东方艺术和传统思想的影响,精心研究了中国的书画作品。他的油画作品的装饰韵味浓厚,思想内容深刻。生命的诞生和衰竭的意义在于认知生命并能够不断把握其中的过程。将绘画上升到了对人生哲理的探索和追求,他的画作中不乏对生命意义的理解和把握。我们还可以看到他的许多作品中都有着中国文化的影子,隐约而随性。 五、结语 今时今日,东方和西方的民族审美意识已然失去了从前的对立和冲突。百年的岁月和时光的洗礼之后,中国油画已经成为了中国艺术必不可少的组成结构之一,油画艺术作为思想和理念的重要载体之一也成为了各民族不可或缺的艺术创作手段。东方油画创作中秉持的审美意识理应回到东方是归来,再到西方是归去,最后终究又归来。多媒体科学技术的出现和运用让油画创作遭受了更多和更大冲击,也让油画艺术得到了机遇,可以在绘画构图方面得到多元化发展。一切艺术都是为了寻求美的根源。坚守心灵的净土,秉承追求“真善美”的观念、善于发现美、不懈地探究美,这样油画艺术创作事业就一定能够得到蓬勃发展。 作者:秘云腾 单位:武汉科技大学艺术与设计学院 油画艺术创作方法探讨:油画艺术创作的情感体现分析 情感是艺术的本体,是一切艺术创作的动力和支撑之一。真挚的情感作为艺术创作的主宰与灵魂,在整个油画创作中日益显得重要。 一、油画艺术创作情感的时代性 油画艺术的创作与演变离不开它赖以生存的社会与时代。时代和社会经济情况成就了一大批杰出的油画艺术家和极具影响力的艺术风格,一定意义上讲,他们是与时代相融的。一个人在自己心里唤起曾经一度体验过的感情,并且唤起这种感情之后,用动作、线条、色彩,以及言辞所表达的形象来传达这种感情,使别人也能体验到同样的感情,这便是艺术活动。1816年“,梅杜萨”号军舰由于指挥者的无能,触礁沉没。军官乘救生艇逃命,并对试图登舰的士兵开枪。剩下150多名乘客被抛在临时搭制成的一只木筏上,在大海里听凭命运摆布。几天过去了,在饥渴和酷暑的折磨下,许多人开始绝望,面包师深信没有获救的可能,投入大海中自杀了,还有一些人撬开酒桶,灌醉自己,企图忘却死亡的痛苦。不久,这种绝望的情绪越来越疯狂,一些人砍断缆绳,妄图让所有人一块儿完蛋。另一些人去拦阻,于是爆发了一场激烈的搏斗。有个叫多米尼克的机械工参加暴乱被扔进海里后,哀号着求救。工程师可怜他,跳下水抓住他的头发,将他拖回木筏上。但没几天,这个忘恩负义的家伙,又加入第二次暴动。经过三次暴乱和平息后,木筏上尸体横布。又过了几天,食物和水的短缺成了更大的威胁,两个黑人士兵饥渴到极点,于是违反规定,将最后一桶酒剜个洞用吸管偷喝,暴露后,被人无情地扔进大海里。有些人把刺刀弯成大鱼钩,希望可以钓鲨鱼。但鲨鱼咬住后一扯,鱼钩又变成笔直的刺刀了。经过这番折腾,木筏漫上许多海水,一些受伤的人的伤口被咸水浸泡,惨叫不绝。最后,木筏上仅剩下27个人了,其中15人还能支撑一段时间,其余12人,受伤太重,神志不清,不大可能熬下去了。而且食品不足以维持所有的人,有些人甚至开始偷偷啃噬刚死去同伴的手肘,于是那15个人经过辩论,终于做出一个决定,把那些在三次反暴乱斗争中和他们并肩作战、甚至救护过自己的伤病员,统统抛进大海。150多人,最后只有10人幸存下来,无论如何,这也是一场特大的惨剧。但是路易十八政府怕此事张扬出去受到舆论谴责,只在官方报纸上发了一条简短的消息,悄悄通过军事法庭判处船长降职和服刑三年就了事。两位木筏上的幸存者不服,向政府上书,却遭到打击,被解除公职。在忍无可忍之下,他们将这次船难经过如实写成报道,印成小册子公开发售。这一举动立刻轰动了国内外,舆论一片哗然,籍里柯也格外愤慨。在人民有冤无法诉说的情况下,26岁的籍里柯,走访了生还的船员,听他们讲述真实的遭遇,并到医院亲自看望了受伤的船员和已经死去的船员的家属。他把聆听幸存者的叙述作为灵感的来源,同时也对腐烂的尸体、重危的病人等进行现场写生,搜集素材。他要以此为题,创作一幅饱含激情和想象力的画,让它再现出那惊心动魄的场面。为了这幅画,籍里柯还托筏上一个生还者木匠制作了一只木筏模型,让黄疸病人做模特儿,在上面摆出各种惨状。为了能够更真实地表现出海浪和天空,他也亲自去海边进行研究。籍里柯用了18个月的时间终于创作出了震动法国、波及欧洲的《梅杜萨之筏》这幅“写实”的巨作。《梅杜萨之筏》从画面的构图、光线、色彩到人物的动态表情以及丰富的想象力,都是无与伦比的。画家以金字塔形的构图,把事件展开在筏上仅存者发现天边船影时的刹那景象,刻画了遇难者的饥渴煎熬、痛苦呻吟等各种情状,画面充满了令人窒息的悲剧气氛,开创了浪漫主义先河。在画面上,船帆与木筏上的幸存者正好构成一个三角形,成为画面的中心,向观众明白展现出木筏在海上飘荡的情景。有的人已经死去,有的人奄奄一息,有的人抱着亲人的尸体陷入沉思而一群振臂向前的人冲破了稳定的大三角形的束缚,又构成一个动荡的、富于激情的三角形。他们一个推一个,直到最高处的人被高高举起,挥舞着一块红巾。顺着他们呼喊的方向,细心的观者能够在远处的浪尖上发现一个细微的船影,与迫在眼前的死亡相比,它意味着生的希望。而画家有意在背景上画一风帆,逆风将木筏往后吹行,这就营造了遇难者向往救生船与逆风逐渐将木筏往后吹的对立紧张的气氛。画家用了18个月的时间来描绘这幅力作,以后又做了不断的修改。当作品第一次公开展出的时候,已经到了1819年。展出时的轰动效果恐怕连作者本人也不曾料想到。尽管这一事件已经过去许久,但当人们站在画作前,似乎又看到了汹涌的海浪,又看到了士兵们孤立无援的境况,画面不是在四平八稳地叙述,而是通过匠心独具的布局和触目惊心的描绘,强烈地刺激了观赏者的情感。情感的寄托与转化带领观众进入作者所规定的特定环境,使人们为之感动,从而产生共鸣。“动之以情,晓之以理”。人们在进行艺术欣赏时通常要联系创作者的创作背景等因素。一件好的艺术作品要使其具备一定的感染力,必须拥有其创作背后与创作过程中的情感因素。在人类社会发展的长河中,任何一种表达方式要想为人们所接受,都是以一定的情感传递为基础的。正如设计的表达是以情感的形式化为基础,音乐的表达是以情感的波动为基础,言语的表达是以情绪化文字为基础,同出一辙,绘画情感的表达是通过情感视觉化过程来完成的,是“一种情感审美过程的转化”。油画是真实感情的记录。1937年4月26日,德国法西斯空军恣意轰炸了西班牙历史名城——风光旖旎的小镇格尔尼卡,当时恰逢集市,2000名无辜平民丧生,格尔尼卡被夷为平地。这一事件震撼了全世界,也震撼了毕加索。 愤怒的画家毕加索,挥笔创作了大型油画《格尔尼卡》。七十年过去,这幅杰作已经成为警示战争灾难的文化符号之一,也使格尔尼卡的悲剧永远留在了人类伤痕累累的记忆中。画面里没有飞机,没有炸弹,却聚集了残暴、恐怖、痛苦、绝望、死亡和呐喊。被践踏的鲜花、断裂的肢体、号啕大哭的母亲、仰天狂叫的求救人、断臂倒地的男子、濒死长嘶的马匹这是对法西斯暴行的无声控诉,撕裂长空。画家以半抽象的立体主义手法,以超时空的形象组合,打破了空间界限,蕴含了愤懑的抗议,成就了史诗的悲壮,在支离破碎的黑白灰色块中,散发着无尽的阴郁、恐惧,折射出画家对人类苦难的强大悲悯。毕加索自己曾解释此画图像的象征含义,称公牛象征强暴,代表的是凶残的德国法西斯;受伤的马象征受难的西班牙;闪亮的灯火象征光明与希望当然,画中也有许多现实情景的描绘。画的左边,一个妇女怀抱死去的婴儿仰天哭号,她的下方是一个手握鲜花与断剑,张臂倒地的士兵。画的右边,一个从楼上跳下来的人高举双手仰天尖叫,在他后面,是熊熊的火焰。离他不远处,那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶,以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切,都是可怕的轰炸中受难者的真实写照。零乱的肢体从各个角度诉说着当时德国法西斯的残忍。在这里,毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过,画中那种剪贴的视觉效果,并不是以真正的剪贴手段来达到的,而是通过手绘的方式表现出来。那一块叠着一块的“剪贴”图形,仅限于黑、白、灰三色,从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。在创作手法上,这幅画显然是侧重表现主观强烈的思想情感;但如果没有这次的狂轰滥炸,也就不会激起毕加索的义愤,从而使他在短短一个月的时间内完成这幅名垂画史的伸张正义、控诉暴行的杰作。作为一个具有强烈正义感的艺术家,毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。 二、油画艺术创作情感的民族性 人类的情感是一种物质化的外向表达。一个人只要一出生,就必定存在于一个特定的、不可自我选择的文化环境中,客观上接受一种绘画风格。果戈理说:“真正的民族性不在于描写农妇穿的无袖长衣,而在于具有民族的精神。诗人甚至在描写异邦的世界时也可能有民族性。只要他是以自己民族气质的眼睛,以全民族的眼睛来观察它,只要他的感觉和他所说的话使他的同胞们觉得,仿佛正是他们自己这么感受和这么说似的。”别林斯基发挥了果戈理的观点:“无论诗人从哪一个世界提取他的创作内容,无论他的主人公们属于哪一个国家,诗人永远是自己民族精神的代表,以自己民族的眼睛观察事物并按下他的印记。”罗中立的油画《父亲》,在当时引起过强烈的反响,与其说罗中立创作了《父亲》,还不如说是那个年代选择了《父亲》。含辛茹苦的父亲一路走来,他那张布满皱纹的脸见证了中华民族沧桑的历史,他养育了罗中立,养育了那个时代的每一个人。今天,当我们再次面对曾经打动过无数人的《父亲》时,仍能领略到一种逼人的烧灼感“。农民是这个国家最大的主体,他们的命运实际上是这个民族和这个国家的命运。”罗中立说。有一天,罗中立在路边公共厕所看到一个收粪的农民,这个场面触动了罗中立“。看到他的时候天已经黑了,而且外面的天气阴雨绵绵,非常湿,非常冷,当时我看他还是很麻木的,完全不知道已经是大年三十这样一个感觉,所以当时一下子很震动,然后回去马上画了很多关于收粪农民这样一个场面。”他认为是又脏又臭的农民支撑着国家,农民才是支撑国家和民族的真正脊梁。《父亲》不论是在题材内容上,还是在形式语言上,都有革新的意义,开辟了刻画农民的复杂性格和表现内心思想的新领域,给20世纪80年代的艺术界以巨大的震动,使人们开始思考过去、现在、未来。有人说《父亲》的形象不是某一个农民的父亲,而是中国经历十年浩劫的八亿农民的父亲,也是当代中国农民的形象,这个形象所体现的力量,是支撑我们整个民族,整个国家从过去走向未来的伟大力量,这个形象有很大的概括性,又有巨大的包容性,它具有划时代的意义《。父亲》在一定程度上反映了当时的社会特征,它更像一座纪念碑,屹立在那个年代人们的心中。每一个民族,不论其大小,都有自己的而其他民族所没有的特殊性。由于各民族生活的特殊性必然造成民族精神和审美情趣的差别性。民族精神与审美情趣的差别性必然造成民族艺术的多元性。同志指出:“艺术有形式问题,有民族形式问题。艺术离不了人民的习惯、感情以致语言,离不了民族的历史发展。艺术的民族保守性比较强一些,甚至可以保持几千年。古代的艺术,后人还是喜欢它。”正是由于各民族艺术的独特性、差别性与多样性,决定了各民族艺术相互交流的必然性。某一民族具有先进思想的艺术作品会有力地影响其他民族的艺术,各民族艺术的形式都有自己的特点,因而,通过不同民族艺术的相互影响可以使艺术形式更加丰富多彩。黑格尔说,一切优秀的艺术作品都表现了人的本性。现实中的一切人和事都是暂时的、易逝的;只有人的普遍本性才是永久的、长存的。艺术如果仅仅表现具体的人和事,必然是暂时的、易逝的,只有表现人的普遍本性才是永久的、长存的。尽管各民族之间以及许多世纪的历史发展过程的各阶段之间有一些差别,但是作为共同因素而贯穿在这些差别之中的毕竟有共同的人性和艺术性,所以这一民族和这一时代的艺术对于其他民族和其他时代同样还是可理解、可欣赏的。油画作为外来艺术形式,在中国走完了百余年的历程,它始于写实,至20世纪50年代学习苏联油画,接受的也是现实主义画风。它从稚嫩的枝丫成长为相当结实的枝干,开花结果,且果实累累。而后,在全国一片“解放思想”的大背景下,国家经济发展,外国各种艺术思潮不断涌入,中国油画家也敢于接受并融合西方当代艺术的表现形式,丰富了创作实践,开创性地以西方语言形式解构中国民族图式的新思维。 三、当代中国油画创作之思考 油画创作必定反映创作者的一种情感。情感是“人对于客观现实的一种特殊的反映形式,是人对于客观事物是否符合自己的需要和目的所做出的一种心理反应形式”。情感始终贯穿在油画的创作过程中,在情感的推动下,油画家以情取形,以形抒情,赋予现实的真实存在以新意义,创造出景物与他自身情感的统一物。艺术需要情感,艺术来源于生活,生活需要美,油画创作需要发现美、创造美。我们需要建立“可持续发展的艺术生态体系”“,中国的油画艺术前景是多样的,类似生态关系那样的局面”;写实油画“不是‘唯一的‘’最好的’,也不好叫作‘主流的’”,但“必须是其中一种”。中国油画是中西方文化的碰撞与融合。“现代与后现代的东西没有人刻意调度,而是事有其所必至,毕竟是时代给予了后起的、发展中的中国以不同的需要和条件”。创新不守旧。但我们的文化,我们的传统,我们的油画需要做到审美归真。蓬勃发展的当代中国油画将人们的视野引到了一个新的立体化审美境域。中国的民间艺术有其特有的审美形态、语言内涵、价值取向,这是我们该保留、珍视、继承和发扬的。中国油画的发展道路也该是不断探索与发展的和谐与冲突之过程,要求切入文化本体中去探究,索求其有益于启迪当代中国油画的深层内涵。 作者:彭伟时 单位:沈阳理工大学 油画艺术创作方法探讨:主观性油画艺术创作论文 一、油画艺术中主观性色彩的语言特点 在油画艺术的创作中,主观性色彩摆脱了客观真实色彩,并成为具有独立审美意义的艺术表达语言,其运用过程也是艺术家在进行艺术创作过程中,强调自我情感以及思想表达的过程。 (一)主观性色彩具有主观性 荷兰后印象派画家文森特•梵高是表现主义的先驱,可以说他是主观性色彩的创始人,其油画艺术作品中,色彩表现具有强烈的个性特征。在他的作品中能够强烈地感受到画家在创作过程中的内心情感。例如1890年创作的油画作品《乌鸦群飞的麦田》被称为是梵高的“绝命书”。整幅作品画面色彩鲜明而强烈,绿色的小路在大片黄色的麦田中伸向远方,乌云密布的天空压抑着金黄色的稻田,流露出阴郁与不安,让人感觉空间凝固,无法喘息。低飞的乌鸦以及狂暴跳动的笔触增强了压迫感与反抗感,让骚动的画面增添了激动、振奋与不安的情愫,整个画面被蒙上了一层紧张与不祥的预兆,充满着恐怖、不详的感觉。画面中没有表现出自然物象真实色彩之间的对比关系,却表现出画家本人内心的思想与情感体验,而这极具个性的艺术语言,成功地使整个画面获得了强烈的视觉表现效果与精神感染力。法国画家、野兽派创始人亨利•马蒂斯认为,艺术创作色彩的选择应该是以创作者个人观察感受的经验为基础,色彩表现的目的是表达创作者的情感意识,而不是复制客观存在事物。 (二)主观性色彩具有象征性 色彩因联想而具有象征性,红色能够联想到火与血;黄色能够联想到太阳;蓝色可以联想到海洋、天空等。不同的色彩能够令人想到不同的事物。然而,色彩不仅能够象征不同事物,还可以象征一些抽象意义的概念,比如精神信仰等。在油画艺术创作中,色彩的象征性特点表现得尤为突出,并且为艺术家提供了更加广阔的油画艺术创作的空间。与塞尚、梵高合称后的印象派三杰——法国后印象派画家保罗•高更就是一位善于运用象征色彩来进行油画艺术创作的优秀画家,其代表作之一——《雅各与天使的搏斗》看起来像是宗教题材的作品,实际上是以象征主义为特点,运用红、蓝、黑和白色组成的画面。整幅作品显得十分神秘,运用强烈的对比与大面块的设色。而这种独特的色彩选择与结构安排使得画面表现内容极具象征特性。 (三)主观性色彩具有表现性 德国画家、思想家约翰•沃尔夫冈•冯•歌德曾经对色彩与人的关系进行阐述,并从人的心理与情绪的角度进行分析,他认为色彩可分为主动色彩与被动色彩,能够传达出人们内心积极或者是消极的情绪,这也就是色彩的表现性。在油画艺术创作中,客观描摹对象的色彩不是用来被复制的,而是使之升华用于表达情感。 (四)主观性色彩具有装饰性 画家在进行艺术创作活动过程中,为了充分表现自身的情感体验,往往采取平面性、秩序性的手段将貌似简单的各种色彩有规律地组合在一起,形成线条与面块,将画面中的色彩元素进行分割或者是重叠,利用点、线、面的相互映衬,使得画面内容丰富且生动起来。如高更的作品《塔希提妇女》,画面中描写的对象没有立体感,而是用近乎是平涂的手段,使画面产生一种原始的韵味。画中盘里鲜红的水果色彩与人物赭石、红棕的色彩,以及人物腰部裙衫的苹果绿与深黑等色彩形成了鲜明的对比。再如一直追求艺术探索的马蒂斯,其曾经从东方艺术中汲取了绘画表现手法以及平面的表达手段,使画面极具装饰感。 (五)主观性色彩具有节奏性 绘画艺术如同音乐一样,能够表情达意,抒发内心情绪。内心情感的迸发表现在油画创作中,借助色彩冷暖与明暗的表达,就形成了富有思想和灵魂的节奏。如同俄罗斯画家瓦西里•康定斯基创作的一系列作品,其画面中所表现的内容充满了节奏感,并且是伴随着创作者的情感波动而产生变化的。其作品《在褐色中展现》描绘了一个人从呈褐色微暗的室内登上向外的台阶的情景,当门打开时便出现了明亮的光,显然这个人走向了光明。画面中褐色与白色的面块相互映衬,明亮与灰暗之间巧妙地产生了不同的节奏,同时又清晰地表达出创作者的内心情绪。 二、在油画创作中对主观性色彩运用的思考 (一)油画创作主观色彩的产生源于创作主体的艺术个性与艺术感悟 在油画创作中,主观性色彩的运用就是创作者艺术个性表现的重要表达方式与手段。而油画色彩语言是由不同创作主体来决定的。不同主体的主观性会创作出不同的色彩语言形式。主观性色彩是创作者艺术个性的体现,而艺术个性也代表着主体对客观描绘对象的主观性认知。因此,主观性色彩与艺术创作者的艺术个性是一致的。在具体的创作过程中,绘画作品中的主观性色彩体现着创作者的个人审美、个性特征与思想情感。如同有的艺术创作者喜欢意象表达、有的喜欢象征主义、有的偏爱表现主义一样,不同的创作主体的自我情感与精神不同,因此在艺术创作中,其对于色彩的运用也就有着不同的内涵与意义。 (二)油画作品中主观色彩的产生是创作者在创作中的主观思维表现 主观性色彩在油画中是创作者主观性的直观展现。在油画创作中,虽然艺术表现的内容是客观性的,但是形式与色彩却是主观性的。客观存在的表现内容是艺术家创作的基础,而主观性的色彩表达就是要将其中蕴含的美表现出来,并使之升华为艺术美。油画作品的主观性色彩就是创作语言的主观性,其与创作者的主观性一致,是艺术家在具体的创作过程中主观思维的艺术化体现。在实际的创作过程中,艺术创作者的主观性思维体现在多个方面。首先,在绘画内容上,不再像以往那样按照主题来进行创作,艺术家可以根据自己的喜好来决定题材,只要是感兴趣的题材都可以进行创作。其次,绘画创作材料与技法的主观性。伴随着时代的进步以及科技的发展,各种各样的材料都可以作为艺术家进行绘画艺术创作的工具。在现代举办的很多画展中,很多优秀的绘画作品很难看出是什么样的画种,却同样具备很高的艺术价值。再次,绘画形式上的主观体现。以往的绘画创作都有条条框框的规定,需按照规则进行作画,然而在今天的绘画创作中,很多艺术家已经突破了固有形式,抛开观念上的束缚,创作出了属于自己的画作,有着自身独特的表现形式。色彩是油画艺术创作的基本构成元素,其本身就带有非常强烈的主观特征,但是因为有不同的表达方法,色彩又有了主观与客观之分,而现代艺术家们在油画艺术创作中,越来越多的表达出自己内心情感世界与精神世界,在画面中有意识的去构建属于自己的色彩规律,尤其是带有寓意以及象征性的色彩语言,成为绘画作品的主体色彩。 (三)情感与精神是主观性色彩的优秀 现实主义的色彩一般是以客观再现为主。而具有代表特性的主观色彩则是以表现情感为主要目的。在油画艺术创作中,艺术家主观世界心理与情感的表现,必须要有客观存在的限制,用表达强烈的色彩语言,或夸张、或对比、或变形等方式去表现情感。艺术家将整个世界看作是“自我”的空间,就能够用主观性的情感去看待整个创作,用主观精神去对客观存在的物象进行再创造,重新组织画面的色彩规律,融入更多的个人意识,体现出个人的审美情感。比如在现代画派中,同样是一片天空,不同的艺术家会有不同的创作表现,有的画成蓝色,有的画成绿色,即同样的描绘主体,因不同情感的左右而产生不同的视觉心理,便有着不同的情感定位。艺术创作中,主观性色彩在形成一定规律的同时,上升到精神层面的表达,以突出主题思想以及创作者的精神观念。在很多画展中,我们都会看到一些作品,其内容与形式都很虚无,但整幅画面的色彩表现却有着很强的感染力,能够吸引观者去思索,这就是绘画中主观性色彩的精神性,同时也是其根本优秀。 三、总结 油画艺术创作的主观性色彩是一个艺术家综合艺术修养与艺术个性的展现,是一项值得长期探索研究的课题,需要在更多的艺术探索与实践中去论证。主观性色彩是一个仍在不断发展变化的、具有生命力的创作元素。目前,有许多油画艺术家会从不同的角度展现其独特主观性色彩语言。这对主观性色彩在艺术创作中的研究、对于油画艺术创作的发展创新有着积极的推动作用。 作者:赖琳 单位:四川文理学院美术学院
建筑设计专业素描教学研究:建筑设计专业素描教学探讨 1、设计素描的出现与发展 就设计方面而言,现代设计发展至今已经有一个多世纪的历史沉淀,出于自身的特点,各个国家在设计的发展史方面也千差万别,这也是为什么几乎每个国家都有自身建筑艺术特点的根本原因。许多先进的工业国家经过五十多年的探索和创新,完善的设计教育体系已经基本成形,这也在一定层面上推动了工业的发展和对于设计人员基本素质的培养,对改善社会环境起到了积极的作用。到了二十一世纪,设计已经融合在生活中的各个领域,这从根本上推动了高等院校在设计类专业的大面积招生,这也从客观层面看出社会对于这类人才的需求程度。在设计类的教学体系当中,素描是最为基础的课程,通过设计素描的训练,能够强化对形体的感知能力,增强把握塑性的能力使得学生具有一定的造型和思维创新。国外很多美术功底深厚的艺术院校中,对于专业性的突出程度格外重视,加上瑞士巴塞尔等美术设计教育成功典范的熏陶,逐渐把素描按照科技、观察、资料等进行了分类。国内诸如清华大学美术学院、中央美术学院、广州美术学院实力突出的美术院校中,也开始流行学习国外先进的教学理念,对素描基础课程进行改革,由此形成了设计素描。设计素描是基于传统明暗全因素发展起来的全新素描模式,本质上属于一种研究性的素描,主要通过作者对于形体进行科学构思分析和整理归纳,辅以素描手段,将想要塑造的内容在平面上表达出来,完成整个设计过程。这也是对于物象重新理解和认知的全新过程,是对于设计整体进行调整、推敲和优化的过程。设计素描和传统素描不同,表现形式上对于设计意图表达更加重视,把设计意识作为主导优秀,分析诠释图形,并在这一过程中不断的进行调整,最终使得想要表达的内容深入刻画出来。但这并不意味着忽略对于形体本身的刻画和塑造。因为设计素描的目标是把科学性和技术性相结合作为前提条件,合理化和人性化作为设计宗旨。它在作为一种表现过程存在的同时,也是一种设计思维的过程,把形态要素作为基本组成,形成一种综合性的作业。观察当成基础、表现当成过程、创造作为目的,形象思维和逻辑思维作为提高设计的基本素质。在平面上刻画出三维立体形态训练的空间想象力和表现力,深化对于空间结构的理解。所以在素描的基础教学改革中,应该给设计素描足够的重视,把其中的所有内容和素描基础课程行之有效地结合起来,给学生素描的基本素质培养创造良好的环境。 2、建筑专业素描教学方法 2.1结构造型的训练 这种训练主要以线条作为塑造手段,理性的对结构进行分析,以形体的透视原理作为理论依据,减少甚至排除敏感光影的影响,把线条作为主要的框架以达到形体自身结构的实体效果,建立起结构空间的理论以探求形式构成。结构素描的表现形式主要集中在两个方面,一方面是以单一的线条作为表现手法,运用结构线实现形体穿插和构成的表达;另一方面则是以研究和表现形体的结构作为优秀,把结构作为主要部分,辅以明暗关系的结构素描。学生通过结构素描的学习,能够充分的掌握严谨造型方法,对于提高造型能力和透视知识的运用有很大帮助。这部分的教学重点应该放在三维立体结构空间关系和透视知识运用和表现上。 2.2明暗写实造型的训练 明暗写实造型主要依赖的表现形式是明暗素描。在以往的教学过程中,经常把创作课程和造型训练课程分开开设,学生大多数时候都是根据老师的思想,接受作业和任务,学习状态相对被动,积极性也不到有效的保证。在这个阶段,教育重点应该放在让学生主动参与到原创中去,调动起学习的兴趣。摒弃固定摆放景物如实进行写生的传统模式,由学社自由的进行创作,重新对画面的构图、空间、时间先进性分割。甚至适当扩大训练范围,学生自由挑选室内外自己感兴趣的对象进行写生。没有了构图和角度的束缚,能够使得学生的思维空间更加宽敞,进而更好的培养学生表达意向,拓展思维,为设计新思维的培养打下坚实的基础。 2.3局部精细描写训练 局部的精细特写是在结构造型和写实造型的基础上,更为细致的表达形式。教学的重点在于对不用材质的质感进行深入的认识,从而使得细部的写实能力得到进一步的提升。这部分课程主要目的是训练学生在实践中善于发现,充分刻画材料机理不同的美感,使之能够很好的运用到今后的设计当中。 2.4写实的创意 当学生具备了一定造型和写实基础能力,就要着手培养丰富灵活的思维拓展能力,避免学生思维停滞在固有的写实思维模式上。学生要在构思构成中摒弃过去陈旧思想观念,放开束缚,自由发挥,要用新的理念将新的图像传递出来。这部分的教学课程重点是培养和启发学生多种多样的学习形式和发散性思维创造力。 3、总结 点、线、面作为造型艺术设计的基本语言,也是建筑设计中不可或缺的工具。但是如何更加合理的运用这些基本元素,更合理的运用到建筑设计专业的素描领域中去,是值得思考的问题,我们应该在教学过程中培养创新意识,提升技能水平,才能给建筑设计师的造型提供坚实的基础。 作者:栗亚明单位:重庆市建筑科学研究院 建筑设计专业素描教学研究:建筑设计专业基础素描教学的重要性 摘要:建筑设计专业必须要具备美术基础造型能力和审美趣味,进行研究建筑造型和空间观察和理解,设计出优秀的建筑作品。少数民族地区苗族和侗族有着悠久的历史建筑设计创造力,以木材为材料构建榫卯结构为基础,设计出独特的实用性很强的建筑。榫卯结构为主构成内部和外部的空间关系的建筑审美的设计创造能力是勤劳的少数民族的智慧。围绕学习苗侗族木结构建筑中的榫卯结构的运用以及功能作用发扬和继承就需要在建筑学专业中设置素描基础课程提高造型能力,培养空间想象力与创意构思和抽象思维能力的修养和技能。也就必须学习素描基础课程,具备一定的表现能力和创作出优秀的作品。 关键词:少数民族地区;高校;建筑设计专业 一、建筑学专业素描基础课程教学的针对性 建筑学专业设置基础素描课程是培养学生对建筑整体外部形体结构空间及内部形体结构空间的想象力和设计能力,这就需要高校的建筑类专业基础课程中都开设了素描基础课。素描基础的功能是提高表现能力和造型能力就要掌握扎实的素描基础和艺术修养把创造和想象力完成实际描绘能力,为建筑学设计这一学科打下良好的基本功。而建筑学专业素描基础课程与专业美术素描课程两个专业的特点和要求有不一样的标准。建筑学专业的素描基础课程一般都在大学一年级开设,刚进校的学生对造型能力和表现能力的认识较弱,同时素描教学内容上应该要围绕建筑类专业的特点来培养学生进行素描基础的训练,制定由易到难,由浅入深的教学计划。首先学制为五年的建筑专业的学生对学院美术基础素描要求的专业知识不是很了解,教师在引导启发经过扎实的造型能力基础训练,熟练的掌握表现手法和正确的观察方法。要求对石膏几何形体结构基础研究培养和训练学生对物体的透视、理解物体比例、形体和空间结构,包括明暗素描的训练线条明暗为主方法和物体之间的结构关系的表现手段训练学生对空间感的想象力以及抽象理解能力,由简单到复杂的引导和最后转化到建筑实体空间认识。 二、建筑学中素描基础课程的教学内容和方法 建筑设计专业的素描基础课程以结构素描研究为主和表现性素描两个部分的教学内容。培养学生认知三维世界的空间和造型结构为出发点,掌握形态表现能力和空间想象力以及严谨的结构造型和丰富的绘画表现能力,开阔艺术视野和提高艺术素养的审美趣味。理解造型、色彩、构图等绘画里的基本要素和敏锐的视觉感受能力,表达出对象的造型基本特点和结构形式的审美心理感受。在建筑学课程里除了学习基础素描应该开设相关的美术作品赏析,从外在内容与形式启发想象思维来体会作品的视觉感受力,获得空间的思维建构能力来完成素描造型训练,为建筑设计能力打下了扎实的基础。结构素描训练开始以几何体为主要内容,从不同角度研究几何形体的空间透视变化以及基本结构的构造关系,以表现性素描的形式培养学生对透视,明暗色调、结构,抽象的表现、意象表达等不同艺术表现形式的训练方法:第一,把素描中的形体和结构、空间与透视、体感与质感、光影和明暗等造型各要素分解开,分门别类地进行教学讲解和训练。第二,教学中运用相应的教学器具辅助的和教学加快学生的接受速度和理解程度。第三,熟练的掌握造型基础之后,观察并练习不同表现方法和表现形式。第四,教学内容中进行临摹优秀的素描作品和现场写生快速掌握一些素描的表现技法并开阔视野。 三、结构素描和苗侗族建筑中的榫卯结构的空间关系 苗侗族民间建筑师在长期实践中提炼和概括使用木材构建了各种风格的居住建筑其空间结构具有实用性和审美功能。木结构建筑具有坚固、实用的井干式、穿斗式、抬梁式等形式,榫和卯是苗侗建筑主体间架结构的连接方式,榫即指用坊木通过加工制作成凸出来的固定部分为榫头,卯是指通过坊木加工凿成凹陷进去的固定部分为卯孔,数百根大小长短的柱梁通过榫和卯作整体结构互相连接,无钉无拴组成了内外空间结构是其建筑风格的重要特征。从而提供了苗侗族建筑一种自然环境和人造环境之间的古朴自然的审美意识。而在实用性来看内外部结构空间的布局以及造型装饰上的设计是通过柱梁支撑和榫卯衔接,梁的中心矩形向外和多部分连接,重力均衡地分布于以柱为建筑的构架中,上下檐层间的空隙起着透风效果,削弱风力而增强了其整体结构的平衡和牢固性。苗侗族实用建筑的技术性能与审美性的相互结合,证明其建筑技术是建筑艺术美与技术美结合给予建筑学中的基础素描教学给予了一个很好的教学例子。学习苗侗族建筑造型方法或设计的形体、结构、质感、量感及空间关系造型训练大都从物体的立体感、明暗、色彩、量感及其空间感进行研究。而在基础素描教学中常用的透视基本原理以轻、重、缓、急等线条通过表现出建筑物的三维立体感、空间透视感、物象质感和量感的结构形态研究成为素描教学的重要课程。其中结构素描是现代建筑设计师必须掌握的专业设计中造型表现能力和设计表现技能和创意思维能力的基本训练方法。训练内容包括结构、透视、线条三个基本要素和各种材质的认识和不同肌理的美运用于设计之中,是对三维立体结构空间关系在结构造型和明暗造型训练基础上进行表现能力的研究和表现。可以把临摹作为一个教学的课程环节,结合苗侗寨中的建筑欣赏进行分析作品的造型构思、构图、色调、风格、绘制程序、表现技法、步骤及特点。培养学生丰富、灵活的思维意识,在基础素描与建筑设计之间建立起更紧密和直接的联系, 四、基础素描对于学习建筑的重要意义 建筑设计专业中建筑素描是一门重要的基础课程,其构成了建筑造型教育和审美素质教育的必修课,在培养学生的专业素质和能力中起着重要的作用。基础素描培养学生精准的形态观察能力、严谨的造型能力和活跃的空间思维能力以及丰富的绘画表现能力,开阔艺术视野和增加艺术审美素养的作用。建筑设计专业中学习素描基础是对三维世界的认知,了解建筑空间造型的必修课程。里面就会涉及到绘画造型相关的知识来系统的学习基础绘画,增强敏锐的视觉感受能力和想象空间思维能力和表现能力很快地表达出设计理念。根据社会对建筑设计人才的职业能力培养的需要,对基础素描课程设置教学提出了学习能力培养和在建筑设计专业的职业技能以及审美趣味上培养中具有非常重要的位置。 作者:卜景培 单位:凯里学院艺术学院 建筑设计专业素描教学研究:基于职业能力养成的建筑设计专业技术素描教学探讨 【内容摘要】为改变当前存在的建筑设计技术专业素描教学美术学科化倾向,我们应在充分认识建筑设计造型基础训练特点的基础上,减少绘画专业教学模式对其的束缚,通过更新教学观念、革新教学内容、探索教学方法,开展具有较强职业针对性的教学,构建以职业素质养成为优秀的建筑素描教学系统,以实现素描教学为建筑设计技术专业人才素质养成服务。 【关键词】建筑设计技术 素描 造型能力 近年来,高等职业院校的土建类专业发展十分迅速,建筑设计技术专业作为其中的一个分支,也取得了很大的发展,专业点数和在校生人数不断增长。伴随着社会发展对这一专业教育要求的不断提高,专业教学需要根据社会的发展做出相应的调整。 建筑素描是建筑设计技术专业的一门基础课程,是本专业建筑造型教育和审美素质教育的重要组成,在学生的素质养成和职业能力养成中起着较为重要的作用。在以往的建筑素描教学中,我们的着眼点往往是在学科的角度,把其作为绘画造型相关学科的一个分支来思考并组织建筑设计专业的素描教学,在不自觉中向绘画造型学科方向看齐,追求素描教学的绘画学科价值。素描教学为建筑设计专业人才培养服务的意识不强,造成教师教得辛苦、学生学得痛苦,教学效果不佳。虽然近年来有不少院校也在进行建筑专业的素描教学改革,但效果并不明显。在职业教育迅速发展的全新状况下对建筑设计技术专业的素描教学进行适当的调整,以适应社会岗位对人才素质的新要求,是一个十分必要并且很有现实意义的工作。根据社会对建筑设计技术人才培养的新要求,从职业能力构建的角度,笔者对建筑设计技术专业的素描教学提出一些个人的思考,以期引起更多的专业教师关注素描教学改革,更好地适应建筑设计专业人才培养的需要。 一、素描在建筑设计技术专业人才职业技能养成中的重要意义 按照通常的看法,建筑是一门关于造型的艺术,素描也是一门关于造型的艺术。①素描以其精谨的造型要求、简单的工具材料、丰富的表现手段及其独特的审美价值,在专业造型素质的构建过程中具有普遍意义,成为了在造型艺术学习过程中进行造型能力训练和审美素质养成的首选。素描与建筑艺术设计有着造型和审美上的密切联系,也成为建筑造型艺术的重要基础之一。 高等职业院校建筑设计技术专业的素描基础课程是从认知三维世界的角度出发,根据建筑艺术设计的空间造型需要而开设的一门必修课程。素描可以培养学习者精准的形态观察能力、活跃的空间思维能力、严谨的形态构造能力和丰富的绘画表现能力,还可以对学习者起到开阔艺术视野、加强艺术素养、提高审美情趣的作用。学好素描可以增强学习者敏锐的视觉感受能力,完善学习者的空间思维能力,提高学习者的空间建构能力,还可以提升学习者的形态表现能力,顺利地表达设计理念。 正是由于素描在能力培养方面的显著作用,使得素描课程在建筑设计技术专业的人才职业技能养成中具有非常重要的基础地位。 二、课程教学要以职业技能素质养成为优秀 建筑设计技术专业的素描课程应该把握本专业培养的人才所具备的职业技能要求这一关键环节来组织教学内容,换句话说,教学应该为人才的职业技能养成服务,教学内容必须符合专业教学要求。 建筑设计专业的学生要具有建筑设计能力和造型表达能力,就必须具有一定的视觉感受能力、空间造型能力和审美能力。视觉感受能力包括接受视觉信息的能力以及视觉信息的分析处理能力。②空间造型能力是由空间形象的构想思维能力以及思维活动成果的形象外化表达能力所构成的。空间形象的构想思维能力我们称之为构思,思维活动成果的形象外化表达能力我们称之为绘画。简单地说,建筑设计技术专业学生的造型能力由两个部分构成,即构思能力和绘画能力。构思能力的素质要求指向空间构成的可能性与合理性,绘画能力的素质要求指向外化表达的准确性和有效性。审美能力包括审美主体对形式美感的认识与评价能力以及创造与表达能力等,认识与评价能力包括对美的感受力、对美的判断力,创造与表达能力包括对美的想象力、对美的外化表达。这三种能力是相辅相成和相互促进的关系,缺一不可。 建筑设计技术专业开设素描课程的目的,就是通过素描教学和训练有效培养并提高学习者的视觉感受能力、空间造型能力和审美能力。在这三者中,空间造型能力是建筑设计专业的优秀技能,也是课程教学的重心所在,素描课程的教学应以空间造型能力养成为最基本优秀,兼顾视觉思维能力和审美能力的养成。 三、基于专业特点和职业技能要求组织教学内容 目前,多数高等职业学校建筑设计技术专业的素描课程还是参照传统的绘画类专业教学模式确定的建筑素描课程教学内容。一般来说素描课程安排在第一学年的第一学期,教学课时大多控制在80至96个学时之间。教学内容大致是作为三部分安排:石膏几何模型写生(几何模型单体及组合体的写生、浮雕柱头花饰写生)、静物素描写生、建筑与自然风景写生。从这些内容来看,大体上是延续以绘画学科发展为目的的教学价值取向,以明暗(光影)写生为主要表现手段,以研究其形体结构、透视关系、质量感觉为主要目的,大量的时间用于探索如何真实地再现对象和相应的表现技巧上。这样的教学内容安排对建筑设计技术专业的教学来说是不恰当的。 建筑的三维空间展现是其最基本的形态特点,这一点和雕塑艺术有一定的相似之处,而与绘画相去甚远。即使是雕塑,与建筑对三维空间的塑造形式也是不同的,雕塑对空间塑造的重点在形体的空间存在形式上,注重的是形体的外在形式,而建筑对空间塑造的重点是形体空间存在状态和的内部空间构建并重,甚至更注重内部空间的构建。“虽然绘画中包含了几乎所有的艺术规律,但将它作为建筑的基础还是应有所选择。”③传统的素描教学力求造型诸因素的全面和完整,对建筑设计技术专业来说,在不到100个课时的学习时间内,让学习者掌握全面完整的素描学科知识和能力的做法是不现实的,更是没有必要的。作为建筑造型基础的素描教学,在内容上更应该凸显空间结构以及美感教育的重要地位,基于专业特点和职业技能要求组织教学内容。 把握建筑区别于其他造型艺术门类的特点,基于专业的职业技能要求来构建课程,以形体特征、空间结构、透视规律、形式美感为优秀来组织素描的教学内容,形成以结构研究为主的结构素描和以视觉传达为主的表现素描两个内容模块。结构素描训练以几何体和几何体组合为主要内容,研究形体的基本结构以及形体在空间中的透视变化,研究不同形体组合结构的构造关系;表现素描训练以多种表现形式为主要内容,探索光影色调、质感表现、肌理感受、特征速写、精细描绘、意象表达、抽象表现等不同艺术表现形式的美感特征。通过两个内容模块的教学培养学习者的空间造型能力、形象表达能力和审美能力。 四、根据学习者状况进行有针对性的教学 建筑设计技术专业的学生美术基础普遍偏低,美术基础与高等学校建筑类专业对新生入学美术素养的要求相差甚远。这就需要从事建筑素描教学的教师根据建筑设计技术专业课程时间少、学生基础弱的实际状况有针对性地进行教学活动。 具体来说:第一,把形体和结构、空间与透视、体量与质感、光影和明暗等造型各要素分解开,有选择、有重点地进行专题性研究,力求在有限的时间内重点解决特定问题。第二,在学生具备一定的造型基础之后,进行不同表现形式的尝试,而不是一味地通过调节光影表现。对同一表达内容,寻求多种表现方式,可以是即兴速写式的寥寥数笔,也可以是写实式的精致描绘,还可以是兴之所至式的大笔挥洒等。教师要引导学习者观察并体会不同表现形式产生的不同情感变化和心理印象,促进学习者主动寻找恰当的表现形式。第三,针对特定的教学内容制作相应的教学器具作为教学的辅助,可以加快学习者的接受速度和理解程度。如讲解几何体在空间中的透视变化,就可以用画框绷平一张丝网,直立在学习者面前,让学习者透过丝网观察几何体,丝网纤维空隙构成为一个个的坐标方格,学习者马上就对透视现象有了最为直观的印象,并很容易就能理解透视变化的规律。第四,对于一些特定的教学内容,可以进行适当的临摹练习,通过临摹优秀的素描作品,学习者能够快速掌握一些素描的表现技法并开阔视野。 通过有针对性的教学活动,并“创造内容丰富、生动活泼的教学环境,让学生积极主动地学习”④,能够有效地在较短的时间内解决具体的某些问题,尤其是专题式的课题教学活动的教学效果较为显著。 建筑设计技术专业的素描教学,要以建筑设计技术专业背景为出发点,以本专业的职业素质养成为目的,借助但不拘泥于传统的绘画型的素描教学。依据教育教学规律和学科特点大胆进行尝试,探索适合建筑设计要求的造型能力养成与艺术表现能力养成的素描教学模式,并不断完善和革新,才能真正为专业人才培养服务。 建筑设计专业素描教学研究:素描在建筑设计、建筑装饰专业中的教学与研究 素描主要分为基础素描和设计素描,设计素描是艺术设计类专业的基础教学课程,尤其是在建筑设计和建筑装饰专业中对于学生作品的设计有很大的影响。对于建筑设计和建筑装饰专业的学生来说,基础素描可以培养学生的设计意识,而设计素描则能够提高学生的创新能力,让他们在该领域设计出更多优秀的作品。 随着人类社会的不断发展,人类的审美方式和思维方式随着生产和生活方式的改变都发生了很大的变化。人类对于身边事物的品质要求越来越高,这对于建筑设计和建筑装饰提出了更高的要求。素描作为建筑设计和建筑装饰专业的基础课程,在教学过程中也应适应社会的发展需求和人才需要,改变传统的素描教学模式。 绘画素描与设计素描的区别与方向 素描起源于西方绘画,后来被传到中国。它的本意是设计,根据中国的传统文化和它独特的绘画特点又被称作素描。素描从表面的意思来理解就是运用单一色彩而绘成的作品。绘画素描是一种以写实为主的绘画方式,而设计素描则是存在于设计者思维中的一种造型活动,它的目的是培养设计者在设计过程中的思维能力和创新能力,将艺术的设计理念运用到建筑设计和建筑装饰的过程中,体现独特的设计理念和具有创造性的作品。 从绘画的角度来看,绘画素描与设计素描存在两点不同。第一,在基础素描中,所要画的物象的位置是固定不变的,绘画者只需要在绘画过程中准确的把握住物象的外形特征和表现的空间感。而设计素描则需要通过多角度、多方位立体观察事物特征。在写生的过程中,由于对象不固定,所以可以通过移动进行全方位的观察,通过多角度的观察有利于设计者提高对观察对象的理解和构造研究。设计素描不仅需要设计者具有敏锐的观察能力,还需要准确的推理,将透视原理运用到设计当中。第二,设计素描主要应用于建筑设计和建筑装饰当中,它需要学生在设计过程中拥有独特的设计理念和思维能力,因此在构图上与绘画素描有所不同。绘画素描的最终目的是为了让观看者看着顺眼,所以它更加重视物象的布局和大小,而设计素描着重表现物象的结构关系,构图需要体现出设计者的设计理念,所以更加注重设计的实用性和审美性。 素描在建筑设计和建筑装饰教学中的表现形式 由于设计素描的应用都是与建筑设计和建筑装饰专业相结合,所以许多高校都将设计素描从艺术的范畴中分离出来。高校的素描教学正在向着现代化素描艺术的方向发展,发展成为具有多种风格的艺术形式。但是由于我国高校的素描教学起步较晚,因此还存在着很大的发展空间。在素描的教学过程中,大部分学生对于绘画过程中的明暗、虚实、比例等理论知识都十分了解,在绘图中也是按照这样的标准来绘制物象,这样的方式有利于教师检查,但是也在一定程度上让学生的自主创作和发挥受到了局限,致使学生的素描学习仅仅局限在了技术层面上,而没有真正融入自己的设计理念和思想。这样的教学方式太过传统死板,缺乏生气。 设计素描的关键在于绘制的作品中融入作者独特的设计理念和思想感情,素描技巧和样式的学习只是绘画的一种手段,只有融入了精神才能创作出能打动人的作品。素描作品来源于生活,更高于生活,它是创作者精神的一种表达,不应该有固定的模式,每个创作者对素描对象都有自己的理解和情感,例如对于人体的绘制,梵高的作品在朴实中体现了深刻和真诚;鲁本斯利用简单的线条,表现了对象的生命力。虽然他们作画的内容相同,但是风格各具特色,流畅的线条,丰富的思想内涵,给观赏者带来了精神的享受。因此,在素描教学过程中,应该让学生将设计素描与建筑设计和建筑装饰内容相结合,让学生自由设计,培养他们的思维能力和创作能力,将自己的设计理念和思想感情融入到建筑设计和建筑装饰当中。 素描在建筑设计和建筑装饰教学中的实践方式 素描在建筑设计和建筑装饰中实践的主要方式就是通过对物体造型、颜色、质感在特定环境中的对比关系进行观察分析。从物体的质感、对比、艺术处理三个方面进行教学。 1.改变传统的绘画方式和审美习惯 色彩的冷和暖,线条的粗和细,图形的大和小以及材料表面的粗糙与光滑都产生了强烈的对比关系。有对比就会形成反差,反差会对人的视觉产生刺激。在素描静物教学过程中,充分运用对比,会让学生的思维更加活跃,情感更加丰富,具有强烈的视觉效果。 2.借鉴和鉴赏大师的作品 不同大师的作品其艺术造型、表现形式和色彩的使用都不相同,应该帮助学生科学的分析大师作品的艺术格调和色彩应用,给学生带来更多的灵感和视觉冲击,增加对艺术的理解,避免知识面狭窄和过于死板的绘画方式。 3.加强对物象的组合练习 在素描的过程中,教师应帮助学生对所绘制的物象的理解提升到艺术的层次来鉴赏,通过对点、线、面等造型的运用来表现真实感受,从中发现艺术的形式美。在教学过程中,教师应运用先进的教学技术充分调动学生的积极性,根据每个学生的不同特点因材施教。 结语 建筑设计和建筑装饰专业在素描的教学中应该与现代艺术设计相结合,在素描过程中,充分尊重学生的意愿,调动学生的积极性,培养学生的创造性思维和设计意识。利用学生自身的特点进行专业训练,形成具有自己独特风格的设计理念,这样才能在建筑设计和建筑装饰上取得一定的成绩。 (作者单位:海南工商职业学院)
动画设计毕业论文:数字媒体技术影响动画设计论文 我国信息化技术不断延伸到各个产业领域内部,数字媒体开创出多元服务架构形态,包括书籍、动漫与摄影艺术等都产生着翻天覆地的变化。数字技术与文化内容高度结合换取了稳固的文化产业基础,并且在人们逐渐熟悉且广泛应用背景衬托之下,中国动画设计工作也势必焕然一新,相信会随着改革开发政策的科学布置,将富有中国民族特色的文化元素宣传到世界各地,绽放更高水准的中国艺术青睐业绩。 1数字媒体技术特征论 述数字媒体主要利用二进制形式进行各类信息记录,其中可应用的载体包括事物、感觉与逻辑因素等。其中狭义数字媒体就是透过感觉突破口获得解放的,表现形式包括数字化声音与动画等。计算机在数字媒体过渡发展历史上贯彻着独特的支持功效,经常会把计算机软件程序作为展示工具并科学放置于其余媒体框架之中,就是所谓的多媒体设备。包括平面广告、字体定制以及插图布局等。目前大多数设计学院已经开始借助计算机接口研究虚拟现实环境。不可忽视的是,数字媒体保留一定程度的交互性特征,透过各类硬件、软件以及用户参与进行媒体生命力赋予,提升艺术创作内涵同时挣脱纯数字技术炫耀弊端,需要相关艺术创作主体多加关注。数字媒体技术表现直接决定后期作品视觉效果,是一种切实的包装手段。在数字媒体创作空间中,艺术摒弃独立观赏特性,一切功能都为贯彻主题视觉、音效效应服务,杜绝个人、总体风格混乱状况。因此,包括色彩、界面非线性设计都彰显着开发人员独特的认知水准,这也决定着参与数字媒体动画设计活动的个体都必须保留一定技术应用潜质,这样才有助于尽量发挥想象空间并丰富艺术表现手法。 2中国动画设计事业发展现状研究 动画产业作为特有文化产品构造与宣传模式,已经在我国社会中产生巨大的反响效果,大部分青少年群体纷纷投入关注力度并换取相应的经济效益。动画作品颁布与宣传能够激发少年爱国情怀与民族意识,丰富社会大众精神文化层次,适当缓解长期工作带来的疲倦效应。而后经过与国外动漫生产厂家经验交流,加上数字生产技术的大量引进,使得具备中国特色的动画制作体制产生多元形式改变迹象,包括一专多能动漫人才亦获得健康成长。动漫企业理所当然地迈进市场前沿并注重产品样式丰富工作,维持着电影电视、服装设计行业的同步带动效应。以上裙带关系对于数字媒体技术科学应用产生以下启示:首先,数字媒体技术若想过渡成为完整的价值链系统,就必须主动完善创造、供应、流通传播机制。其与传统价值链形态相比,更加注重在数字化背景下的存在意义,希望带动观众参与,使得既有价值链更加多元。其次,涉及各个链接结构实际上保留相互联系特征,组合模式特同步维持动态效应。最后,数字媒体技术发展历程不具备顺序特征,主要是围绕优秀价值系统进行专业化品牌改进,确保在市场竞争中保留宣传优势。 3数字技术与数字媒体对于动画设计工作的影响细节解析 自从我国动画透过电视过渡到数字媒体领域之后,市场需求量一再扩张,各类受众人群也开始对体裁模式与情境质量产生严格要求,而各类媒体之间的多元竞争现象更加会提升优秀内容价值牵引功效,令国产动画在数字媒体技术发展渠道上更加兴旺。在数字媒体技术视角下,包括一切外在物质表象束缚都得到挣脱,而纯粹化自由心灵领域之门终于大开。这一切现象都赋予着艺术创作空前的自由空间,相应地会全方位引发艺术形成的当代重构格局。 3.1动画创作形态的有力丰富此类功效 具体透过创新材料与艺术语言表现手段呈现,大部分艺术家已经开始学会将固定作品传输到计算机程序内部,并依照个人想象与情感基调进行特殊效果赋予,包括3D立体效果等。 3.2内容表现空间的拓展 传统动画艺术表现形式经常会受到材料与空间各类限制因素影响,但目前随着计算机媒体技术的广泛应用和影响,艺术表现便可以透过宏观、微观层面进行细致展现。例如在大部分电影作品中表现远古时代场景,单纯利用物资搭配需要耗费一定数量的成本资金,而数字媒体便可以在操作者天马行空想象之下进行合理配置,令一切如梦幻般的场景清晰呈现在观众面前。 3.3提升动画作品设计效率 由于计算机技术的发展,创作人员在进行艺术创作时操作更加方便快捷,而且作品的、宣传的渠道也更加广泛畅通。这对于作品优秀理念有效地传达给观众来说,是十分有利的;但对于创作者来说,运用便捷的工具进行大批量的艺术品生产,把艺术创作这种带有神圣灵感的人类活动,变为理性机械的生产活动,将艺术生产这种特殊的创新活动,与一般的商品生产活动相混淆,对艺术创作的发展也非常不利。长此以往,必将使艺术作品更加商业化、模式化。流水线式的商业运作,也必然会消减艺术性,减少作品中人性化的创作成分。数字媒体全面强化人员文化交流效率同时改善既定生活质量,目前传统视觉设计成果已经难以满足观众多元欣赏需求,而数字化技术恰巧顺利迎合历史过渡趋势。作为创新时代下的设计主体,必须积极联合外国先进经验与技术成果进行多媒体产业环境改造,促使我国数字动画艺术能够快速成熟起来。 作者:韩杏雨 单位:四川省商业服务学校 动画设计毕业论文:平面构成运用于动画设计论文 动画设计是集合了文学、音乐、美术等门类的综合艺术,也涉及媒体传播、商业、娱乐、教育等社会媒介领域,是综合性的学科和独特的艺术形式。动画的画面构成是对设计元素的理解和创造,不同造型的角色和场景构成了动画画面。点、线条、光影面、色彩等都是画面的重要组成部分,这些元素通过对比与统一、和谐与韵律等形式美法则把各个元素结合成一幅完整的画面。构成是对造型方法、原理、规律的研究。我们将动画设计的元素类型化、结构化,通过观察感知自然形态、人化形态、抽象形态的变化规律,对其结构、功能进行研究,达到在动画画面表现上的新形式。平面构成是视觉元素在平面上,按照美学的原理和美的视觉效果进行的编排和组合,它可以解决构图问题,丰富动画画面,同时又保持镜头风格的统一和连续。平面构成也创造新图形,并对新的图形作多种形式的组合,是理性和感性相结合的产物。平面构成可以解决镜头中画面上各种因素之间的内在联系和空间关系,增强动画作品的生动性、丰富性、层次性、秩序性。将不同要素组织在一个画面上,形成一个和谐统一的整体,可以强调画面中主要的角色或场景,分层次地表现主次之间的关系,使作品更完善、更加典型。 动画的表现手法和艺术形式也越来越趋向多元化,虽然画面中有些单一元素也许简单,但不同的处理,也会有极强的视觉效果。例如重复的形显示出整齐划一、气势磅礴的力量,极具视觉冲击力。画面中所见到的点、线、面、体、色彩、材质就像是文学中的字、词、句一样,是视觉语言的构成要素,其中的对称、对比、均衡、统一等形式美法则就如同视觉语言的语法。比如均衡的视觉效果在心理上就会平和、安静一些,均衡也就成为动画设计中追求视觉平衡的一种形式。而将现实中本来庞大的事物缩小,或微小的东西放大,并置在一起,就会产生不真实的强烈对比效果,是动画中常常使用另一种构成画面的方法。 点是一切造型的基础,单个的点传达给人孤独、沉默,两个点有一种张力感,三个处于任意位置的点具有流动感,大小不同的点组合在一起会使人感到节奏、韵律的变化。在动画设计中,角色的五官、商标、文字等元素都可以作为点来处理,起到点缀、呼应、平衡视觉的作用。 线在几何学意义上是一个看不见的实体,没有粗细之分,只有长度与方向。简练的线条清晰明快,繁杂的线条给人混乱模糊的印象;淡而柔的线让人感觉轻松活泼,舒展飘逸;浓而刚的线结实、朴素、浑厚。线的内涵功能在于线给人以运动、力量和速度等主观感觉,各种线的内涵均表现为不同的性格与表情。 面是由于线的移动而形成的,面的移动产生立体。面的形式有几何形、组合形、偶然形成的面等,各具有不同的内涵。几何面给人以明朗、庄重、规范、简洁的理性感受;有机形态的面,亲切、圆润、富有弹性,带给人一种充满生命活力的印象。组合形由两个相同或相异的形连接,重叠或分离后组成,内涵语义较丰富,会产生各种不同心理认知。 构成元素是动画构图的重要组成,在画面组织上具有极大的造型概括力,能将画面中复杂的内容归纳得简练、有序,这样能够直截了当、明确清晰地突出画面的主要意义和隐藏的含义。构成中的点、线、面关系同样是动画构图中的重要组成元素。例如,在大全景的动画设计,其中的建筑群或天空我们就可以看作是面,角色人物和交通工具等可以看作是点,路灯绿植树木等就可以看作是线。如果是中景拍摄表现空旷的场景和孤独的人物,那么其中的角色人物就是面的关系;地平线就是线的关系;远处的小景、植物、动物就是点的关系,而场景中所有这些元素都随着画面的运动而不断交替变化。在动画制作中,如能流畅恰当地运用这种关系进行镜头画面调度调整,能让动画画面更加活跃。 这些动画设计的基本规律是以图形中各种点、线、面的关系在画面中不断地运动变换位置,而产生空间感和动感的画面效果。如果加一些辅助性的电脑特效,画面将变得更饱满和谐、绚丽多彩,这就是平面构成在数字动画设计运用的一种典型例子。线与面的结合运用是动画设计表现最多的元素之一,线条的韵律运动配合音乐的节奏使得画面丰富多变、动感十足。动画影视画面的线条运动能引导观众的视线走向,也是转换镜头与变换画面元素切合点常用的手法。 任何动画作品中的形态都是由这些基本的形式构成的。动画造型的塑造主要是以体的形式存在,动画角色造型的各个局部,点、线、面都在动画设计的外延功能和内涵功能方面起着重要的作用。在动画角色造型外延功能方面来看,这些元素构成了动画作品最直观的视觉特征,是具有实用功能的;而从内涵功能方面来看,这些元素都是构成动画形态符号的主体,具有象征意义。 无论是平面的、三维的、写实或者写意的动画造型都是由这些基本点、线、面、体构成的,它们通过不同的组合搭配,塑造出了形象生动的动画视觉形象,又向外界传达着其动画作品特有的文化价值并被观众所认知。动画设计中,构图配置了画面场景、角色造型的比例、安排画面中的点、线、面等元素,这些让画面更丰富有趣,强调了动画的焦点,是表达动画主题思想和体现艺术美感的重要手段。从具体的角度来说,动画画面是由角色、场景、道具组成的;而从抽象的构成角度来看,这些画面是不同造型的点、线条、面、光影和色彩,把这些元素合理得当地组成所要的画面,这种构图的方法就是构图的形式美法则。我们所知道的形式美法则—变化统一、对称平衡、对比调和、韵律与节奏等讲的都是同一个道理。一部动画画面的构图与景别是相互联系的,在一部动画作品中,镜头画面不是单独存在、毫无关系的。完整的动画画面构图是由一系列颇费心思的构图组合形成的。在一组画面中,每一个画面都有承上启下的作用,让每一帧都息息相关;然后利用画面构图的关联性,运用重复、变异等手法,连接每组画面,利用元素延展引起下一个画面。 平面构成是在形象思维与逻辑思维方式引导下的造型形式和设计思维的训练。在大自然中、在日常工作生活中、在休息娱乐中,都包含有点、线、面关系,是我们动画设计中,构图形式美感的一个重要源泉。在进行动画构图设计时,要利用我们在平时积累的经验,整理归纳和选取动画场景画面的各个个体之间的关系,通过特殊手段,提炼出有用并且可以让动画角色造型更夺目的构成元素。动画设计创作,就是要善于运用我们所想到和看到的各种点、线、面关系来再现和创作画面的视觉形象,创造出有吸引力的动画画面。 结语 平面构成在动画设计中有着极其重要的意义,可以体现在对于动画形象塑造、场景空间布局、动画时间空间的控制等,也是对思维的训练和形式语言的研究。平面构成特有的视觉形态和构成方式带给我们一种特殊的视觉美感,只要我们好好学习并能合理地将其融入动画设计中,必定会给动画设计带来新的活力。 作者:杨尹 单位:沈阳理工大学艺术设计学院 动画设计毕业论文:数字艺术三维动画设计论文 一、三维动画设计的含义 随着我国的数字电子技术的深入发展,为了适应动画市场的需求,在数字电子技术的基础上加强了三维动画技术的运用。在三维动画设计中,主要是静与动的结合,将动画生动形象化,运动赋予动画更多的艺术感染力是动画设计的本质,而动画是运动的一个基础,是运动艺术表现的一种形式。动画设计的本质就是将画面以动态的形式表现出来。简而言之,动画设计包括两个方面,动态的画面以及动与静相结合的画面。随着动画设计技术的提高,改变了传统的动画设计形式,将每一副画面以动态的形式表现出来,真正意义上赋予画面动态感和形象感,提高动画的艺术表现力。随着三维动画设计技术的逐渐成熟,数字艺术设计中的动画设计采用和传统的动画设计相同的原理,运用计算机技术和相关的设计技术,实现动画的设计与制作,在基本原理相同的情况下,加强技术的改革与完善,从本质上提高了动画设计的表现效果。数字艺术电子技术的利用为动画设计提供了一个新的发展方向和表现形式,满足了设计者对动画的更多的主观思想的表达,提高了动画设计的光影、画面、纹理、运动等各个方面的表达效果,实现动画设计一个新的飞跃。在三维动画设计的过程中,运用数字电子技术建立一个真实的三维空间场景,使动画设计更加的形象化和生动化。在数字电子技术日趋成熟的今天,很多先进的运动原理被引入了三维动画设计软件,这些设计者在设计三维动画时,根本不需要设计每一帧画面。只需要设计好动画之间的连接点,满足动画的自动转化,从而形成动态的画面。这种技术方法有效的提高了设计效率,并且使画面之间的衔接自然、流畅,形成一个整体动态画面的感觉。通过三维动画设计软件,将静态的画面先设计出来,然后运用运动学的理论,设计出关键转折点的画面,最后从整体的画面表达出发,达到三维动画效果。 二、数字艺术设计中三维动画设计的应用分析 1.广告三维动画设计三维动画设计最主要的一种类型就是广告三维动画设计,以商业化广告为目的,利用多媒体技术,丰富广告内涵,提高广告的表现力,从而吸引消费者,引导购物。广告三维动画设计具有很强的目的性,时间短,但是所要展示的内容却要有针对性,能够吸引人、感染人,实现商业化广告效果。所以在广告三维动画设计中一般为了将广告内容更加的形象化、生动化、具体化,往往采用多种特效技术,如:粒子效果、滤镜效果等,将广告动画美化,提高广告动画的表现力和吸引力,达到引导消费者消费的目的。 2.影视三维动画设计影视三维动画设计主要是与影视相结合,将影视作品中特殊的镜头和画面通过三维动画设计合并成影片需要的特效。随着影视制作技术和设备不断提高和完善,人们对影视动画的要求也越来越高。在影视作品中为了能够有效的提高特殊镜头的感染力,给人以更大的视觉冲击和巨大的视觉震撼,提高影视作品的艺术性。在影视作品制作中采用三维动画设计,结合多种多媒体软件,使影片发挥最大的表现力,以达到特殊的影视效果。利用三维动画设计,影视动画的展现将更加的真实,更能够促动观众的情感,为影视作品提供更多的展示平台,实现影视作品的真实化,给人以更广阔的视觉享受空间。 3.游戏三维动画设计游戏本身就是一个绚烂的,跳跃的,丰富的场景和画面,游戏不同于一般的影视作品,具有真实存在的人,而是一个完全虚拟的平台。三维动画设计在游戏的开发设计中起着关键性的作用。游戏中的场景、人物、活动等都是通过三维设计制作的。利用三维技术,将游戏中的人物、场景生动形象化,利用环境效果,运动效果等特效,构成一个虚拟却真实的世界,从而使游戏更加的吸引人,使游戏者在游戏中感受到乐趣。 4.工业三维动画设计三维设计运用在每一个所需要的行业中都发挥着巨大的作用,在工业设计领域,三维动画仍然起着十分重要的作用。利用三维动画技术将工业的设计以立体的、空间的形式表现出来,能够完整的、真实的模拟工业设计的流程和布局,这样就能更加简单的观察设计中存在的不合理的地方,能够有效的调整方案规划设计,使工业设计流程布局更加的合理化和科学化,这样就有效的减少了工业施工过程中存在的问题,提高了工业的成功率,有效的节约了时间。 5.建筑三维动画设计建筑三维动画设计与上述工业三维动画设计类似,都是利用三维动画技术,将建筑进行全方位的展示,提高建筑设计的效果。三维动画设计技术将想象变为现实,以有限的视觉设计效果展示无限的设计空间。在未来建筑设计要求不断增加的前提下,为了节约建筑成本,减少建筑施工过程中存在的问题,就必须将三维动画设计具体的应用在建筑设计中,以三维动画技术展示建筑设计的空间效果图,使人们能够更加全面的、立体的感受整个建筑的整体效果,提高建筑价值。 6.机械设计中的三维动画机械设计中的三维动画能够有效的将机械的各个部分以及各个零件的运动关系,通过电脑真实的、客观的表现出来,使其能够从整体上把握机械设计,还能较快发现机械在细微之处存在的不足,并加以更正,避免了生产出产品后再进行更正,节省了大量的原料和时间,提高了生产效率。在机械设计中运用的三维动画,要掌握相关的软件,电脑系统配置要高,要满足软件的运行。在机械设计中的三维动画的创造是有步骤,分过程进行的,一般而言主要分为三个部分:第一,动画编导。它是机械设计的一个前期的准备工作。首先,设计人员对产品进行大致的一个三维模拟,将回路中的线路设计成场景,展示产品流程原理。其次,最重要的,单个的装置可以按照准备好的路径运行,在电脑上面放大检测,观察其运行情况。最后,合理的配置相关的配件,掌握好它们之间的工作原理,使整个流程更加的快速、顺畅。动画编导需要掌握相应的知识和技术,能够灵活的运用软件设备,有效的减少机械设计中的错误和偏差,提高机械设计的合理性。第二,资料收集。资料收集的途径有很多种,如:网上查阅、图书馆等。主要收集的都是机械设计相关的内容和设备,如:收集路径、机械设备,基本流程、三维几何尺寸等。提高机械设计的效率。第三,建立模型。一般而言建立模型也分为设计水平不高的产品和设计难度系数大的产品。前者建立模型的方法有很多种,并且都简单易操作。但是对于后者模型的建立就必须贴近原产品,模型建立难度大、时间长。下面主要就设计难度大的产品模型建立提出集中方法:第一种方法:创建实体模型,通过微调相关的比例修改产品尺寸,准确的把握好尺寸大小,抓住关键点建立基础模型。第二种方法:通过函数程序在客户端应用程序中创建对象,然后再分别创建一些子对象,最后通过这些子对象来完成实体的构建和编辑。编辑完成后再保存结果与原模型进行对比。在创建子对象以及对于实体的构建和编辑都可以通过软件内部的宏功能轻松的实现。这种方法相对比较省时省力,适合创建一些结构单一、建模步骤较多的零部件。但是如果所需要创建的模型需要很多宏的时候,就比较容易出现差错。 三、数字艺术设计中三维动画设计过程 在数字艺术设计中设计三维动画,第一步要先确定动画脚本,建立模型;第二步要制定出三维动画的材质贴图,设定好光源和摄像机后,加入一些三维动画的特用效果,进行调试;第三步是输出三维动画设计,进行后期合成。数字艺术设计中的三维动画设计过程和传统的动画设计方法有着很大的区别,数字艺术设计中的三维动画设计主要以数字电子技术为基础,利用多种设计软件,实现三维动画设计的快捷化、科技化发展,极大地改变了我们的工作方式。随着数字电子技术的快速发展,三维动画设计在各个领域的作用显得越来越重要。三维动画设计主要利用数字电子技术,以多种设计软件为平台,让文字、图像、音频等艺术元素进行完美结合,为不同的行业提供或虚拟或真实的三维动画场景,衍生了数字艺术设计产业。 总之,随机数字化技术的不断发展和完善,三维动画设计在数字艺术设计中的各个领域都起着十分重要的作用,它通过利用数字电子技术,满足人们的想象创造,利用相关的软件将图、文、形、声等各种艺术元素融合在一起,提高其艺术的表现力和感染力,适用社会发展的需求。 作者:侯承 单位:贵州大学艺术学院 动画设计毕业论文:当代艺术与动画设计论文 一、当代艺术的特点 (一)当代艺术的抽象风格现代社会是以信息科技作为社会发展基础的,简约、时尚成为当代社会人们所追求的风尚,当代艺术作品也显示了当下的时代元素,伴随着数字化和网络化,当代艺术作品无论从文字还是图像方面,都具有极高的抽象性,符号的使用是当代艺术作品表现中最常用的一种,将复杂的事物采用艺术加工,抽象成艺术作品,是当代艺术的主要风格。 (二)当代艺术中的复古元素很多当代艺术家对当代艺术作品中过多的抽象和过于超前的创造性进行了反思,于是,当代艺术作品在抽象风格的基础上显示出许多复古元素,也表达了当代艺术对传统文化的继承和发扬。无论是文学作品还是影视作品乃至服装设计,到处都可以见到以色彩、图案为主的复古元素的出现。 (三)当代艺术的社会文化价值艺术是社会文化的升华,因此当代艺术也极具现代社会文化价值。传统艺术在表现形式和艺术价值方面极具两极性,民间艺术和高雅艺术的区分十分明显,而在当代艺术中,艺术的层级界限模糊了,艺术成为民众精神文明生活中不可或缺的组成成分。另外,当代艺术的经济价值越来越明显,各种专门为艺术作品而诞生的经济实体越来越多。 二、当代艺术与动画设计的关系 动画设计是动画片制作的基础,包括动画人物形象设计、场景设计、音乐设计等多个环节。动画设计按照其工作特征来讲属于艺术设计中的一部分,为动画设计作品的表现形式又与美术作品和影视作品类似,可以说动画设计是当代艺术的一部分,探讨当代艺术与动画设计的关系,对丰富当代艺术作品、发展动画设计来说都是十分必要的。 (一)动画设计中体现了当代艺术的特点动画设计的目的是为了制作动画作品,为人们的精神生活提供资源。动画片是儿童所喜爱的电视作品,因此,动画设计要符合儿童的认知模式,即动画设计作品力求简洁而色彩丰富,易于儿童理解。从这个角度上,我们可以分析出,动画设计体现了当代艺术的“抽象风格”,例如《喜羊羊与灰太狼》这部动画作品中,懒羊羊的头部以螺旋形代表了丰厚的羊毛,突出了懒羊羊“爱吃”、“小胖子”的特点,在这部动画作品中,无论是动画形象还是动画场景设计,都具有极高的抽象性,却将羊和狼的形象表现的淋漓尽致。 (二)动画设计是当代艺术的表现手法之一艺术作品有众多的表现形式,并且随着社会文化的发展而展现出不同的魅力。在信息时代,艺术创作也受到加工处理手段的影响,除了传统的以文学、美术、音乐等为代表的艺术作品外,电影和电视剧也成为艺术作品的主要形式。而在动画设计中,也不乏当代艺术的元素使用,例如,宫崎骏的动画电影诞生于动画手稿的创作,其中对动画场景的设计无不是借用了许多日本明治时期的绘画风格和社会元素,并通过服装设计的细节和色彩展现了绘画艺术之美,同时,也介由绘画艺术,使得动画片制作更加丰富,深受青年们喜爱。由此可见,动画设计作品不仅应用了许多当代艺术的设计理念,同时也为当代艺术作品的展示提供基础,从艺术创作的角度来讲,动画设计是当代艺术的表现手法之一。 (三)动画设计与当代艺术发展的趋同性动画设计与当代艺术除了在艺术表达特点和艺术表现手法方面展现了千丝万缕的联系之外,动画设计与当代艺术发展还展现出相同的脉络。当代艺术的一大特点就是艺术作品具有十分有影响力的社会文化价值,一方面,艺术作品服务于大众而非专门的某个人群;另一方面,艺术作品具有十分明显的经济价值。而动画设计正是当代艺术社会文化价值的表现,很多动画电影不仅对儿童具有十分重要的教育意义,也为成年人所喜爱,例如《功夫熊猫》、《驯龙高手》等,另外,以动画设计为中心的动画产业链也逐渐发展起来。动画设计将遵循着大众的审美口味和市场的需求进一步发展,这与当代艺术的发展模式是相同的。 三、对动画设计的几点建议 (一)在动画设计过程中重视艺术手法的使用当代艺术与动画设计的联系,使得动画设计工作者们必须重视在设计过程中有规律的使用某种艺术手法,以展现动画设计的艺术价值,使动画设计成为动画影视和动画周边作品创作的基础,使动画设计作为当代艺术的一部分,能够更加完整的履行艺术对社会文化和经济发展的责任。 (二)在动画设计中展现艺术精神艺术是对社会生活的提炼和升华,其中蕴含了巨大的社会文化价值,从艺术作品中,人们能够感受到当代社会的主流思想,并且经由艺术作品欣赏产生审美感受,通过评论艺术作品抒发内心的想法,这就是艺术精神的体现。因此,在进行动画设计的过程中,也必须考虑到如何展现动画设计和动画作品的艺术精神,这也是提升动画设计作品质量的根本。 四、总结 综上所述,与传统艺术相比,当代艺术在艺术风格、元素使用、社会文化价值方面都具有十分明显的特点。动画设计作为动画影视作品制作的基础,与当代艺术有着千丝万缕的联系,不仅动画设计体现了当代艺术的特点,复古元素的使用也使得动画设计成为当代艺术不可或缺的形式,并且,动画设计与当代艺术在发展脉络上可谓是一脉相承,不可分割的。要做好动画设计,就必须清楚地认识到动画设计与当代艺术的关系,重视动画设计中的艺术性展示。 作者:万卫青 单位:江西泰豪动漫职业学院 动画设计毕业论文:课程教学下的动画设计论文 1教学过程中综合实施多种教学法,培养学生的实践和创新能力 1.1项目教学法的运用 项目教学法是以项目为载体,以学生为主体的教学方法.结合FLASH动画设计教学大纲和课程特点,在教学过程中将课程内容分为基础动画制作、电子贺卡设计与制作、广告设计与制作、课件制作、MTV设计与制作五个教学项目单元.根据每个教学项目单元的知识内容结构,参照教学要求将教学项目单元分解为多个子任务,每个子任务都配备精心选取和设计的教学案例.项目教学法的实施,实现了FLASH教学的理论与实践有机结合,通过“课堂教学案例分析讲解操作-课后案例操作练习-思考案例选择操作”的循环教学和实训,使学生的FLASH操作技能和解决实际问题的能力得到了提高. 1.2案例教学法的运用 将FLASH动画设计课程内容分为多个教学项目单元,每个单元又分为多个子任务,在每个子任务的教学中采用案例教学法,精心选取和设计教学案例,通过对案例的分析、讨论和操作演示等活动实施教学.案例教学法有助于学生对动画知识、原理和操作方法的理解掌握,有助于学生将理论与实践有机结合.教学案例的选取 教学案例选取的好坏直接影响教学效果,因此,案例选取时应确保案例具备以下要求:(1)案例应具备生动性和有趣性,能激发学生的学习兴趣;(2)案例应具备典型性和代表性,能基本覆盖FLASH动画设计的基础知识和操作,并较好的诠释FLASH的动画精髓;(3)案例应具备层次性,使教学能针对不同层次的学生,做到因材施教.教学案例的安排 教学应遵循由浅到深,由易到难、循序渐进的原则,便于学生理解和掌握.教学案例分为课堂授课案例、课堂练习案例,课后练习案例和课后思考案例.(1)课堂授课案例,一般比较简单,用于教师课堂讲解,方便学生对基础知识和基本操作的理解;(2)课堂练习案例,教师通过分析讨论和操作演示,使学生通过思考和操作,达到知识的简单应用;(3)课后练习案例,是课堂练习案例的补充,以便学生能透彻掌握相应的理论知识和实践操作,做到“举一反三”;(4)课后思考案例,难度最大,涉及知识的综合性应用,提供给有能力的学生思考和操作.案例教学法的实施 在案例教学过程中,教师应充分调动学生学习的积极性,以启发、引导为主,可实现良好的教学效果.实施过程分为授课案例的引入、授课案例的分析、授课案例的操作演示和归纳总结、课堂和课后案例的操作完成等.(1)授课案例的引入.通过案例引入吸引学生的注意力,并通过提出的问题鼓励学生对案例进行分析思考,如介绍引导动画时,通过播放老虎在林中穿行奔跑的效果,提出问题思考:a.老虎在树林中穿行的效果如何实现;b.老虎的奔跑路线是非直线的,不规则的,应如何实现.(2)授课案例的分析.案例引入后,开始分析讲解案例涉及的理论知识点和动画原理,并对案例的实现方法展开讨论,如上面的案例,在效果播放完引出引导动画的内容介绍,通过师生讨论得出案例效果实现的操作方法,如a问题可通过图层方式解决,b问题可通过引导动画的路径实现.(3)授课案例的操作演示和归纳总结.经过案例分析之后,进行示范案例操作过程的演示,讲解操作技巧,并归纳总结案例的重点、难点、技巧和方法,强化学生的对理论知识和操作方法的理解和掌握.(4)课堂案例的操作完成.选取类似案例让学生在课堂操作,教师以启发、引导方式对学生操作进行指导.(5)课后案例的操作完成.通过课后练习案例巩固学生的理论知识和操作技能,做到举一反三,并通过具备一定综合性的课后思考案例操作,提升学生的动画操作能力和解决问题的能力. 1.3任务驱动教学法的运用 在FLASH动画设计课程的后期教学中,通过任务驱动教学法的实施提高学生的思考能力和创新能力.任务驱动教学法是围绕一个既定任务开展教学活动,设定的任务有:电子贺卡设计与制作、广告设计与制作、课件制作和MTV设计与制作.根据任务的大小可分为个人创作和团队协作.团队协作时,以小组方式进行创作,人数2-3人,这种方式有助于学生良好的团结互动协作能力的培养.任务教学法实施中,应“以任务为主线,教师为主导,学生为主体”,如围绕电子贺卡设计与制作任务,要求以圣诞节、感恩节或新年为主题,制作电子贺卡,贺卡要求主题突出,有创意,画面和动画效果好.任务制定后,教师提供相应的作品进行分析,提示和引导学生在贺卡制作过程中可用的FLASH技术和可行的动画效果,如制作圣诞贺卡时,提示学生可将礼品盒制作成按钮,通过鼠标点击触发礼品盒打开现出圣诞礼物的动画.学生通过个性化电子贺卡制作,实现FLASH技术和方法的融会贯通,对完成教师布置任务的信心和积极性大大提升. 2结束语 教学实践证明,在FLASH动画设计教学中通过以上三种教学方法的综合灵活应用,激发了学生的学习兴趣,在掌握FLASH基本操作技能基础上,大大提高了学生的综合设计能力和解决问题的能力,教学效果显著. 作者:陈星娥 单位:福建江夏学院 电子信息科学学院 动画设计毕业论文:艺术元素与动画设计论文 1中国传统艺术元素在动画设计中的应用 (1)中国民族美术元素应用于现代动画设计。以水墨画为代表的中国绘画艺术博大精深并具有自己独特的艺术魅力,将具有“线条流畅、色彩微妙、意境丰富、气韵生动”特点的水墨画应用于现代动画设计可谓是中国动画历史上的一大创举,它不仅强调了动画的深远意境,并且表现出中国传统艺术中的美学精神,体现鲜明的民族文化特征,例如《小蝌蚪找妈妈》。除此之外,皮影、木偶、年画、剪纸、刺绣、编织、染织、彩塑、壁画等民间美术样式对现代动画设计提供借鉴,例如剪纸动画片《猪八戒吃西瓜》。(2)中国民族音乐元素应用于现代动画设计。音乐作为艺术的一种载体,承载着一些语言、画面无法表达的信息,在与动画片巧妙结合时可以起到渲染剧情背景、表现情感氛围、提炼角色特点等作用。我们不仅拥有自己独特的传统音乐形式如京剧、花鼓戏、豫剧等,还拥有自己独特的民族乐器如唢呐、二胡、琵琶等,这些都给现代动画设计以借鉴,例如没有对白、旁白,完全靠音乐构建全片的《三个和尚》。 2中国传统艺术元素对动画设计的影响 中华民族的祖先创造出体现民族风貌、展现民族特征、反映民族精神的优良文化,世世代代的华夏儿女将这些优良的文化汇集、演化、继承、传承,并最终形成璀璨的中华文明。我们把其中的中国传统艺术元素运用于现代动画设计中,将会产生深远的影响,具体来说: (1)把中国传统艺术元素运用于现代动画设计有助于本土文化氛围的营造。 一个民族没有自己的文化是可怕的,中国五千年来凝结的智慧结晶需要我们去继承发扬,这就要求我们把中国传统艺术元素运用于现代设计,向动画市场注入本土的血液,营造良好的本土文化氛围,弘扬本土文化的魅力。上海美术电影制片厂于1961~1964年制作了一部影响几代人,堪称是中国动画历史上的里程碑式的经典彩色动画长片《大闹天宫》。这部动画片根据中国古典文学名著《西游记》前七回改编,并在主要角色孙悟空身上运用夸张的外形、浓厚的色彩、典型的性格等艺术手段塑造成中国式的神话英雄,不仅仅在角色造型设计中我们可以看到浓厚的中国传统艺术元素,在雄伟壮丽的场景、特征鲜明的形象、跌宕起伏的情节、荡气回肠音乐中我们同样可以见到中国传统艺术元素的印记。可以说这样的动画片传播了本土文化、开拓了本土动画市场、融入了本土文化气息。 (2)把中国传统艺术元素运用于现代动画设计有助于传承中华民族文化。 聚集世代人民智慧结晶的中国传统文化的传承和发展需要一个稳定的媒介,而中国动画片和动画市场勇于担此重任,完成这一光荣的历史任务。少年儿童作为动画片最多的受众人群和动画市场最大的潜在消费人群在观看动画片时,潜移默化中自觉接受中国传统文化教育,感受动画片中的中国传统艺术元素,认知中国传统文化符号,承接中国传统文化结晶,传递中国传统文化价值。例如,中国第一部大型武侠动画连续剧《秦时明月》,这部动画连续剧讲述的是从秦始皇统一六国到咸阳被楚军攻陷结束这一时期内,英雄少年荆天明励志的故事。整部动画连续剧从时代背景、历史典故、成语故事到天文历法、儒家礼仪、建筑装饰无不展示其“中国风”的注入,可以说是一部教育意义广泛的动画连续剧。 (3)把中国传统艺术元素运用于现代动画 设计有助于多种文化形式并存的动画市场新格局的形成。一直以来,欧美动画和日本动画长期占据动画产业的主导地位,而他们通过动画所宣扬的文化也是他们的国家文化。例如,在美国的动画片《人猿泰山》中可以看到“人格独立、求异思维、英雄主义”的美国文化精神,日本动画片《千与千寻》的创作背景是日本传统的沐浴文化。而我国的动画片融入中国传统艺术元素,不仅能够宣扬中国传统文化,更多的是可以形成具有中国文化特色的动画产品,打破长期以来欧美动画和日本动画占据动画产业主导地位的旧格局,构建多国文化形式并存且和谐发展的新格局,从而推动整个动画产业的稳定而迅速地前进和发展。从20世纪40年代在亚洲产生极大轰动的《铁扇公主》到20世纪50年代在国际上获奖的《神笔》,再到20世纪80年代在国内外获多项大奖的《鹬蚌相争》《山水情》,一直到21世纪收视率和票房稳定上升的《喜洋洋和灰太狼》,无不显示这一新格局的形成。 3结语 由此可见,历史悠久、传统优良、民族特色鲜明、内涵博大精深的中国传统文化是我们宝贵的历史财富,而其中的中国传统艺术元素给现代的动画设计提供养分和创作源泉。我们只有将中国传统艺术元素注入现代动画设计中使其相互融合,才能创作出观众喜闻乐见的好作品,在以继承发展中国传统文化的前提下推动中国动画产业的新发展。 作者:曹娜 单位:琼州学院 动画设计毕业论文:国画元素中动画设计论文 1国画内部造型元素在当前我国动画设计中的主要应用 (1)国画造型元素中的相关特点描述。 国画以线造型特点和国画意向造型特点二者均是当前我国国画中主要绘画风格和主要造型特征,同时也是国画中的主要表现元素。国画绘画山水、国画绘画花鸟和国画绘画人物,三者皆为国画绘画元素中的三大分科,其自身表现因素也由此三者所促进构成。应该了解到,国画绘画以线造型特点和国画绘画意向造型特点,二者相辅相成、相互影响,产生此种状况的主要原因就是线条并非实际绘画物象,其实质上是主观视觉对相关绘画客观事物的对应抽象传达和抽象表现,国画绘画线条表现力极为明显且国画绘画中的精神内涵也展露无遗,但从此方面来看,二者自然是相同的,二者相互融合也为后续物象构成奠定了强有力基础。 (2)动画造型与国画绘画造型的合理融合。 就动画设计流程而言,动画造型在整个动画设计过程中占有相当部分的比重,也可以说,无论是何种动画作品创作,其首要一点都是对其基础性动画角色和动画人物的创作,动画造型概括、动画造型简练、动画造型符号化、动画造型夸张变形等特点预示着动画设计的多变性,上述种种动画设计特点均与国画绘画特点间相契合,国画绘画意向造型与当前我国动画设计中的特点持等同态势,动画形象表象特征十分明显且也丰富多彩,最为成功的动画作品《大闹天宫》、动画作品《小蝌蚪找妈妈》、动画作品《牧笛》、动画作品《哪吒闹海》、动画作品《三个和尚》等,这些国产动画作品中均充斥着身后的国画文化底蕴和国画艺术内涵,在动画作品《大闹天宫》中。张光宇成功借鉴了国画绘画中相关艺术元素,将仙女这一形象展现的活灵活现,之后在此基础上将敦煌飞天想象也“据为己有”。在作品中,无论是任务线条创作还是任务表情描绘,其皆为上乘之作。 (3)线描在当前动画设计过程中主要应用。 众所周知,线描手法是现下我国国画绘画中的基本表现形式之一,作为中国画最基本的表现方式,线描不仅有多种不同的表现形式,而且,就是同一种表现手法,也能被演绎出多种风格。比如线描表现手法中就有写实风格、写意风格、装饰风格等多种风格。而同样是装饰风格的线描,由于画家不同的个性语言和表达方式,又各具特色,既有方圆对比,又有夸张变形。这些,都可以为动漫造型中不同性格、不同形象的设计提供强有力的参考。 2当前我国国画绘画中其自身表现元素在基础性动漫设计过程中的主要应用 (1)国画绘画中其自身笔墨语言的独特绘画形式和表现手段。 国画山水绘画和国画花鸟绘画以及国画人物绘画统称为国画绘画中的三大绘画科目,国画绘画章法、国画绘画笔墨和国画绘画设色等也有着独特的国画绘画表现语言。在国画绘画章法布局过程中,其以宾主呼应绘画形式和虚实相生绘画形式将相应基础性审美思维展现得淋漓尽致。需要注意的是,在国画绘画笔墨语言表达上,其在一定程度上形成了笔墨融合神韵以及国画绘画形神兼备神韵等。国画绘画基础性表现因素和国画绘画基础性表现形式多种多样,在表现形态中,国画绘画笔墨挥洒表达、国画绘画意境表达、国画绘画色彩应用、国画绘画叙事处理以及相应国画绘画空间表现等共同构成中当前我国国画的表现性特征。 (2)当前我国国画绘画笔墨语言在动画设计中的主要应用。 在国画绘画的众多因素之中,笔墨语言表达形式显得尤为重要。传统山水式国画具有不断变化之特性,将其科学合理的展现到动画设计当中可以达到意想不到的视觉效果。因为当前我国国画绘画笔墨语言造就了中国动画产业的升级,其有效吸取了本土文化中积极元素,将国画绘画山水和国画绘画人物以及国画绘画花鸟等融入到基础性动画作品创作中去,之后在此基础上有力吸收了笔墨语言中的优异特点,使整个动画画面中满满的充斥着国画绘画审美情趣和国画绘画审美意境以至被世人广为称赞。水墨画以墨代色,用墨的方法也异常多样,渲、泼、破、积等,创造了墨色中的明度变化和纯度变化,使得水墨动画的画面空间和层次更加深远。因此,中国动画中的人物造型与背景在采用了水墨这一艺术形式之后,不仅凸显了水墨画这一中国传统的艺术特色,更是扩充了动画的艺术情调。 3结束语 中国传统形式绘画思维元素和中国传统形式绘画造型元素以及中国传统形式绘画表现元素等在当前我国动画设计中应用较为广泛。中国国画的完美融入可以将其自身文化特点和造型特点以及相应表现元素等于动画设计有机结合,之后在此基础上使动画设计内容、动画设计形式和动画设计格调以及动画设计表现手法等都相继发生变化。随着科学技术的飞速发展和人们生活水平的不断提高,当前人们逐渐对动画行业领域的发展重视起来,适时在其中融入国画元素可得到事半功倍的效果。 作者:王腾 单位:渤海大学 文理学院艺术系 动画设计毕业论文:高校动画设计教学论文 一、Flash课程建设和教学改革实施的具体措施 1、教学模式上“讲”与“习”合一Flash动画设计课程教学内容以动画制作为优秀,包括基本动画制作、高级动画制作、元件创建、动画编程等技能课,以及基础理论课,既让学生进行基本的Flash动画设计理论学习,也要让学生花费大量的时间去练习,所以教学模式上应强调“讲”与“习”合一,一次理论课,两次实习课,尽量为学生创造更多的练习时间。尤其是遇到教学难重点的时候,更要贯彻“讲”“习”合一的模式。例如,Flash的教学难重点——遮罩动画,由于其概念比较抽象,讲解时要借助生活中的实例,如KTV字幕等,再做动画演示面,之后让学生练习。在这种教学模式下,学生边听边练,边练边学,有了教师的现场辅导,使得教学效果大大提高。 2、教学内容上要技术与艺术统一Flash作为一门综合性艺术,涉及了文学、美术、音乐、戏剧等诸多领域,综合了摄影、计算机等许多科学技术手段,所以Flash动画制作上既要使用视频、音频、摄影等工具,也要应用戏剧、动哂美学等艺术原理,以期达到技术与艺术的统一。从这一方面看,Flash动画设计课程教学脱离艺术只重技术是不行的。诚然,实践教学有不可比拟的重要作用,但也不能忽视对学生艺术修养和文学素养的培养,所以教学内容要更丰富,多囊括一些文史内容,使技能课与文史科交相呼应,使教学内容达到技术与艺术的统一。比如,开设赏析课、美术课、文学课等,使学生受到艺术与文化的熏陶。在互联网时代里,教学资源是开放共享的,作为一种依托于计算机技术存在的课程,建议构建属于Flash教学的教学资源库,它不仅能不断更新教学内容,也具有较强大的教学影响力。因为它的成立,让原本单方面的书本知识传授转变为灵活的互动教学,建立师生互动课堂,这对提高学生的实战能力是有所裨益的。 3、教学方法上要多样化与多元化为培养学生的动手操作和创新能力,Flash动画设计与制作课程的教学方法要摆脱传统教学方法的枷锁,针对该门课程的特点,采用陈案例法、项目教学法、任务驱动方法等教学法,力求做到多样化和多元化,更利于学生理解知识。目前,案例教学法是Flash教学最常用的方法,运用有趣味的实例讲解启发学生,引发学生讨论,鼓励学生一起参与教育教学活动,以达到寓教于乐的目的。案例法实施步骤:第一步,案例演示,学生观看;第二步,案例分析,引导学生理清设计思路;第三步,案例讲解,让学生掌握Flash动画设计技能,并融会贯通;第四步,案例设计,让学生运用所学技能去设计与制作Flash动画,以锻炼学生的动手操作能力。此外,教学中要着力培养学生的创新力和创造力,学会从周围生活中寻找创作灵感,搜寻素材,清楚知道如何运用自身所掌握的专业知识及软件、工具等去制作Flash动画。至于怎么做?如何做?等一系列问题,则需要教师因材施教,善于运用教学渠道、教学工具去达到目的,如下面提到的创业园,让学生结合园内项目独立设计、创作,一点一滴的促进自身创新能力的提升。 4、教学手段上要电教化和网络化众所周知,Flash动画是一种数字动画,以计算机技术为依托,其教学手段自然也应采用符合自身特殊性的多媒体网络教学,所有的教学活动都必须在多媒体教室进行,或计算机机房。例如,在实例教学法中,利用多媒体作案例演示,能让学生更直观的看到整个操作过程,分析讲解后,也可让学生立即进行机上操作。与此同时,多媒体机房链接互联网,随时搜索需要资源,实现资源共享,最大限度的为学生提供设计资源。当然,为防止学生玩电脑游戏,教师要严格机房管理,演示阶段控制电脑,练习阶段巡视课堂,确保课堂教学质量和效果。同时,还可利用网络远程授课,例如建立学习论坛,Flash动画制作相关技术、软件等,为学生提供充足的学习素材供。最为重要的是,师生、生生之间通过学习论坛可实现无障碍的交流互动,这样的学习方式利用调动学生的学习兴趣和积极性,亦可增进师生间的情感交流,构建和谐平等的教学环境。 5、课堂考核要综合化Flash作为一门实践性很强的课程,有必要通过课程考核来考核学生对Flash工具的实际操作和创意能力,督促学生学习。在考核上采用模块化、项目测试相结合的方式,重点测试学生对基础知识、基恩技能的掌握程度,以及学生的创新能力和综合能力是否达到了能把设计技能学以致用的水平。除了阶段性考试之外,还要关注学生在每一节上机课上的学习过程、学习成果,并及时给予学生反馈,及时肯定学生的学习成果,或更正学生的错误。总之,考核模式以过程考核、期中和期末考试为主,教师评价与小组内评价相结合,给学生一个客观、公正的考核成绩。在考试形式上,可以采用机试,内容包括填空、选择、问答,以及实践操作题,既测试学生的理论知识掌握情况,也考研学生的实际操作能力。例如,考试题目:制作动画短片或MV。考试要求:主题的表达形式新颖,构思独特,有一定的技巧;情节人物、语言等设计引人入胜;人物角色生动,富有艺术想象力;画面美观,色彩和谐;结构设计独到,想象力丰富。这样的考试题目及要求,旨在夯实学生对Flash动画制作技术的操作能力,提高Flash动画的制作水平。 6、深化校企合作,成立创业园一直以来,校企合作都是高校动画设计专业加强实践教学的主要方式,也是锻炼学生动手操作能力的重要渠道。对此,校方要持续深化校企合作,与动漫公司保持密切联系。比如,校方派遣专业教师到企业学习、交流经验,指导初入动画制作岗位职员理论,而企业可定期派遣动画制作方面的专业人才到高校客座授课,传授给学生一些成功经验和设计技能。另一方面,校方联同动漫企业成立创业园或工作室,搭建实践与创新平台,实现高校教学与企业岗位之间的有效对接。在这种体系下,建立以工作过程为导向的课程教学体系,让学生了解实际的Flash动画制作岗位的工作流程、操作技能、注意事项,掌握汇融自己思维及创意制作完整作品的基本方法和过程,能够制作运动动画、变动动画和逐帧动画,全面提升学生的动手操作能力,成为对口企业真正需要的人。 二、结语 总而言之,高校Flash动画设计与制作课程教学中确实存在一定问题,对此要针对该门课程教学特点,面向职业岗位,以工作过程为导向去探究课程建设和教学改革问题。从教学模式到教学方法、教学手段,再到课程考核,每一个教学环节都要做出相应的调整,通过校企合作等方面加强实战学习,让学生掌握新的Flash设计技术,积累经验,培养创造力和创新力,成为高薪Flash设计岗位需要的人。与此同时,教师要紧跟时代步伐,深入了解市场动态和岗位需求,不断提升自身的专业技能和教学能力,让学生接触到最前沿的Flash设计技术,熟练使用设计软件,真正做到学以致用。 作者:丁静楠单位:河南工业大学 动画设计毕业论文:动画设计中主观色彩的应用论文 摘要:人们对主观色彩的感受和解读,自然会反映到动画场景设计之中,这就是我们对动画场景设计色彩提炼的意义所在。 关键词:动画;影视;场景;色彩 在影视动画场景设计中主观色彩的运用,是从事动画场景设计教学的教师,必须具备的基本功。大千世界、五彩缤纷,我们在动画场景设计实践中应把握对象最本质的色调,理性地筛选刻画对象的色彩关系,使动画场景设计去伪存真,去杂存精,使动画场景设计作品得到质的升华。 人类对色彩的体验,随着时间的推移,不断地积累和发展,逐渐形成了自己的审美情趣,渗透了诸多对色彩感受和解读的主观因素。在中国,用白色悼念亡者,用红色乞求避邪,用黄色象征权贵,这已成为人们的生活习惯。人们对色彩的这些感受和运用,既有社会文化因素,也是由其本能所决定的,是生理机能的客观反应。人们对主观色彩的感受和解读,自然会反映到动画场景设计之中,这就是我们对动画场景设计色彩提炼的意义所在。尽管有些人对色彩感觉不太敏锐,但在动画场景设计作业中,同样能画出较为丰富的色彩来,全凭主观色彩意识的分析和判断,将动画场景设计对象的色彩关系跃然纸上。 一、主观色彩在动画场景设计中的作用 动画场景设计中的主观色彩意识,属于自我认知方面的范畴,跟“客观”相对应。它依据对实际景物的反复观察体验,形成自己的主观意识感觉。倘若我们改变以往的观察方法,以我们自己的思维去理解色彩的自然属性,将会发现色彩具有变幻莫测的魅力,这就是我们常说的将色彩的客观属性、变成自己的主观色彩呈现在动画场景设计之中。当主观色彩在你的思维中逐步升级,动画场景设计将不属于肉眼观察的客观物体。而是设计师经营的色彩王国。不然,设计师就成了摄影机和照像机。因为有了主观意识的发挥和存在,才会使许多设计师同画一个景物时色彩的感觉绝然不同。设计师通过反复观察自然景物形成主观意识。进而又通过主观意识对自然景观予以调整改造,这是存在决定意识又由意识反作用于存在的具体体现。 动画场景设计中主观色彩意识的形成,应通过观察训练和写生训练进行培养。从生理上讲,人眼的视网膜吸收可见光,视神经把视觉的信息输送到大脑,产生了物体的光色反映。在户外,有时客观条件不能满足画面的需要,这时主观色彩意识就会大放异彩,它运用创作人在大脑中掌握的色彩常识及生活阅历的积累,重构画面的合理性和完美性,将景物色彩进行重组和甄选,促成写生画面的尽善尽美。对色调及光源和暗面进行合理调整,使其主题突出,画面整体而有生气,形成画面的视觉趣味中心,达到传递美感享受的艺术效果。学习者自我训练敏锐的辨析复杂景物能力,以及用冷暖色彩的处理方法调整色彩的能力训练,以达到主观意识的养成。崇山峻岭、白浪与沙滩,江河湖海、绿树青草、田园风光、都市民风、作为动画场景设计艺术,无论是写生或是创作,它与摄影最大的区别,画家的眼睛独具一种比照相机镜头更丰富的艺术功能,这就必然地体现了设计者的主观色彩意念因素。 总之,在各种光照环境下,观察和研究自然界千变万化的色彩现象及景物,体验解读光照和色彩神奇的变幻规律,形成动画场景设计色彩表现的主观色彩意识。要意识到自然景观的形与色是不可能原封照样搬上画面的,教师需要指导学生运用主观色彩意识去取舍。 在整个训练中应注意并克服色彩纯度太低所造成的灰画面,和过纯而造成的色彩过生,颜色跳跃,面画太花等弊端。要求对客观对象完全理解和正确判断,用主观色彩意识去大胆实践。需要强调的是,理解和掌握色彩关系及共变化规律至关重要,它能使我们在完成每一幅动画场景设计时得心应手、酣畅淋漓,有了这方面的基本功,就能表现出动画场景的空间、质感,使欣赏者的视线停留在优美的画面上,感受空气的流动。 二、色彩运用影视动画场景设计中常见的问题 1、局部色彩与整体色彩关系的对立 一部音乐作品要有它的节奏和主旋律,一幅美术作品在色彩上要有色彩基调,这些旋律与基调是表达作品的主题,体现作者创造意念的重要因素。这种叫作旋律和基调的东西,赋予作者创造意念的重要因素。同样,一部电影作品,也要有它的色彩基调(现在,中外一些电影导演喜欢拍摄黑白影片,黑白,也是一部电影的色彩基调,也是电影色彩语言的组成部分。)纵观中外优秀影片,对色彩基调的整体把握,是一部影片风格与类型,时代感与品格形成的基本前提。影片色调的整体关系,一是指它的统一,使一部影片有协调统一的色彩基调。二是讲它的对比,在对比中形成影片的色彩基调。三是电影色彩的整体运动,在运动中构成既对比又统一的整体色彩关系。中国电影色彩整体与局部关系的问题,还表现在创作镜头画面色彩的变化对某一个场景空间色彩,某一个镜头画面色彩的关心,而忽视了场景和场景之间、道具服装同场景之间、画面和画面之间的整体色彩运动关系。没有通过色彩的对比与和谐、场景空间的疏于密、画面运动的实与虚等变化所形成的统一与对比,达到影片整体的色彩关系。中国电影的问题当然是多方面的,色彩实其中不可忽略的问题之一。我们应从电影色彩的各个方面诸如空间环境色彩的语言的角度处理这些具体的色彩问题。使这些局部构成电影色彩的整体关系,而不是孤立、琐碎的某一种什么东西。 人物造型色彩与空间环境色彩关系的孤立:人物与环境是电影造型的最基本内容,是构成故事影片的基本单元。因此,人物造型的色彩与环境色彩的关系,在人物一出现就成为人们关注的问题。而空间环境色彩的关系上是孤立的、没有联系的,因为我们的编导们太注重情节、故事的是否合理,而往往忽视银幕色彩所形成的视觉、空间构成关系的有机理性。没有通过人物服装、化妆色彩与空间环境色彩的对比与和谐关系,明确地表现出在他所构建的银幕空间关系里,人与人之间、人与环境之间既矛盾又统一的微妙关系。 色彩与人物内心情感世界的无缘;色彩是体现人的内心情感、心理、情绪和人的精神世界的外在显现,反过来,现实世界的色彩对人的内心情感、心理和情绪也有着潜在、微妙的影像。当代中国电影则过多地停留在表现事件、故事、表演、时间的报告文学式表层线索上,而较少地去表现人、精神、空间的情感的时侯,不知道现实色彩(光色、形色)反映人的内心世界,只有过于激动的肢体语言来强化气氛,是事倍而功半的。只用运用好主观色彩才能使我们所做的场景设计发挥得更好,更精。 2、动面场景设计中自我风格的实现 在动画场景设计教学实践中,除重视素描课程以外,色彩写生课程更不容忽视。因此教学中要求学生做到理解色彩的基本原理及规律,娴熟地运用主观色彩意识的艺术规律,有助于对其它专业设计课程的学习。这种主观色彩能力的培养是由多种因素决定的,它来自人的视感神经及健康的心理因素,以及灵活机动的组织能力。这种主观色彩意识的成熟应用,在动画场景设计、场景调度中表现为分割重组构成新的视觉元素来表达动画主题,其中也包括色彩的分割组合生成新的视觉色彩关系,达到最大的视觉满足。应该说,在动画场景设计领域中,主观色彩的运用能力至关重要,直接关系到设计作品的成功与失败、高雅与低俗。 主观色彩在动画场景设计中的运用,是从事动画场景设计专业师生必备的技能,它能推动动画场景设计的艺术创造活动,完成更新更美的动画场景设计作品,培养出一批能适应现代动画市场需求的专业人才。 动画设计毕业论文:三维角色动画设计论文 一、相关工作 在骨架提取方面,已经有很多自动生成骨架的方法。①②③Baran等的Pinocchio系统创造性地提出了骨架嵌入的方法。在自动角色动画方面,骨架嵌入比骨架提取要好的原因是对于复杂骨架的角色,骨架提取可能会产生不同的拓扑结构,这就让使用者很难将原来有的骨架运动数据运用到其中来。虽然可以通过附属肢体模板来鉴别复杂的附属肢体,但是由于拓扑结构的复杂性,自动生成时也会产生各种不同的误差。骨架嵌入相对于骨架提取的另一个优势就是它能够在骨架中定义角色所需要的很多的结构信息,这是在提取的纯几何骨架图中难以得到的。 几乎所有的网格变形技术,无论是基于表面的还是基于体积的,都可以用来作为基于骨架运动动画中的对表面进行蒙皮。④⑤不幸的是,到目前为止,这些方法都不能实现实时的动画。Baran等的线性混合蒙皮(LBS)具有简单高效并且能够利用GPU进行运算,并可以根据骨架进行子空间变形等优点。虽然在质量上的不能够达到很好的效果,但是它仍然成为在实践应用中最常用的方法。所以我们的系统采用该方法。⑥ 二、原型系统设计设计过程 对于输入的三维角色模型,我们首先嵌入骨架,然后通过定义骨骼运动对表面网格上每个顶点的变化的影响权值,将表面皮肤依附在骨骼上。对于不同的角色,我们建立不同的罚函数去惩罚那些我们不期望的骨架嵌入方式。基于样本用支持向量机的方法求得最大边缘解,然后对不同罚函数赋予不同的权值。用人工智能中A*启发式的方法在指数级的搜索空间里加速寻找最优的骨架嵌入方式。在蒙皮阶段用热扩散方程的方法去计算骨架运动时每一块骨骼对表面网格上顶点的影响权值。据骨架的变化情况,插值计算出骨架的“蒙皮”模型的各个顶点的位置变化。对于某个特定骨骼,“蒙皮”模型的顶点变换矩阵=初始姿势的变换矩阵的逆×姿势变换后的矩阵。另外还要考虑到一个顶点可能受多个骨骼运动的共同影响。 1.骨架嵌入 由于骨架嵌入需要将骨架重新定义大小和定位使得它能够正确的嵌入到模型当中,所以它能公式化为一个优化的过程:计算关节点的位置和朝向使它能够更好的适合于给定的模型。但是这个优化是一个三维空间的问题,所以连续优化的方法是不可行的。因此可以建立一个用顶点表示潜在关节点,用边表示独立的骨骼的图来简化优化问题。建立这样一个图是具有一定挑战的,因为我们可以用未知数量的顶点和边来表示相同模型的关节和骨架。我们在近似模型垂直等分的平面上建立中轴面,并且建立圆心在中轴面上的圆的一个特定的集合,将这些图的圆心连接起来形成一个图。然后使用自定义的离散的罚函数来最优化的骨架嵌入这个图。为了帮助优化,在给定的骨架中可以包括一些关节点的额外的信息。比如说对称的部位应该以相同的名称命名,又比如如果一个关节被命名为脚,那么就表示它应该事在模型中位置最低的一个关节。由于定义的罚函数是独立于具体的模型的,所以并没有减弱它的通用性。 2.简化骨架 前面的步骤建立了几何图G=(V,E)来表示骨架,我们需要将它嵌入到我们给定的骨架当中。给定骨架原先是以有s个节点的树的形式给出(在一般人形的骨架上会取s=18),但是如果这s个节点没有经过简化,嵌入的优化过程是很难处理的。因此我们需要一个简单的骨架,所以在嵌入骨架之前,需要将骨架简化。所有的自由度为2的关节都将被除去(比如说膝关节),关节两端的骨骼块被连在一起。简化后的骨架将会只有r个连接点。那么骨架嵌入以后缺少某些必要关节的骨架怎么让角色动起来呢?我们根据未简化骨架上关节在整条边上的比例,重新计算出该关节在简化骨架上的位置,然后插入到骨架中。在我们的系统中,简化的骨架中r=7。简化后的结果就是我们可以将简化的骨架嵌入到系统中以最小化罚函数惩罚的对象。否则这样的工作是很难实现的。 3.离散的嵌入骨架和优化 一般不可能计算离散的嵌入方式时使罚函数最小,因为嵌入的数量是指数级的。但是可以用类似分支定界的方法在问题的解空间树T上搜索问题解。我们使用这样一种方法:首先根据部分嵌入的下界估计保存优先级队列。然后在每一步,取出在队列中最好的部分嵌入,将它展开,与下一个关节进行计算,然后将结果保存在队列中。所以,第一个被完整展开的嵌入就是最好的嵌入。为了加速算法并且尽可能少的占用内存,如果部分嵌入有一个很高的下界,那么它将被立即拒绝并不在嵌入到队列中。虽然这种算法在最坏的情况下依然是指数级的,但是在我们测试实际情况它都是很快的。 在骨架嵌入前将骨架进行了简化,省略了很多的关节,比如说膝关节,但简单骨架嵌入以后,要让角色真正的动起来,还是需要重新插入这些关节。在这里可以通过按比列分割骨架图中路径最短的边来得到。我们希望嵌入后的骨架能够很好的满足角色的形态比列,但是,有时候骨架并不能很好的适应我们的角色。同时,一些小的被忽略的骨骼块并没有被赋予正确的朝向。骨架优化的过程就是为了解决这些问题的提出的。 4.蒙皮 我们的角色和嵌入的骨架在将皮肤依附到骨架上之前是没有任何关联的。骨架并不能够驱动角色运动。因此我们需要指定骨架运动与角色表面网格变化之间的联系。虽然在这里我们可以用很多的网格编辑技术来进行网格变形,但是我们选择标准的LBS方法:假设表示网格顶点j的坐标,表示第i块骨骼的变形矩阵,表示第i块骨骼对第j个网格顶点的变形权值。LBS把j变形后的位置表示为。我们的目标就是找到每一块骨骼变化对所有顶点的影响权值。我们所期望权值有以下几个特性:首先它应该与网格的大小无关,其次权值的变化应该平滑,最后关节间两块骨骼的移动宽度必须与关节到表面网格的距离成一定的比例。即使有一个方案能够得到权值使得骨骼能够满足这些特性,但是它们很可能失败因为他们忽略了角色的的几何学特性。作为代替,我们用热平衡原理来寻找权值。假设我们把角色的体积认为是一个不占容积的热导体,然后我们强迫骨骼i的温度为1,而其他骨骼的温度为0。当热平衡以后,我们就可以把表面上每个顶点的温度值作为该骨骼对它影响的权值。 三、实验结果 盼盼动画系统设计时主要依照三个标准:①广泛性。适应于尽可能多的模型。对一些结构比较特殊,或者会产生歧义的模型能够尽可能的正确嵌入骨架。②质量。关键在于蒙皮的技术,让表面皮肤能根据骨架运动驱动正确的位和形变,以期与视频游戏中的模型相媲美。③性能。运行在大多数的家用计算机上。在盼盼动画系统里对采用的模型进行了一些简单的限制:模型必须是全封闭的,并且是以最自然的姿势站立,这样能大幅度的提高骨架嵌入的准确性。当然模型需要是一个有四肢能被嵌入人体骨架的。 图3为盼盼三维角色动画系统的一张截图画面。系统主要包括模型选取、BVH运动数据选取、运行、视图操作、工具条等功能。该系统的运行环境为英特尔酷睿双核CPU,主频为1.73Mhz,内存为1GB。因为盼盼动画系统是单线程的,所以双核的CPU几乎没有什么影响。测试发现,计算的主要消耗花费在分离过程中距离场的计算上。 4、展望 虽然盼盼动画系统在人体动画领域取得了一定的进展,但是它依然存在着不足,限制着它的应用范围。在技术方面,建立骨架图的时候可以用椭圆来建立初始骨架图。在应用方面,首先它的蒙皮质量在某些地方还可以改进,可以通过在骨架上自动蒙皮的技术来提高质量;其次,它的骨架中的关节与一般人体的关节有出入,不能由一般人体骨架运动的数据来驱动,这样就不能很好地利用网络上大量的表现复杂运动的运动数据。另外,盼盼动画系统依然不能够表现手部动画、脸部动画这些需要细节的动作。如果能在后期中加入这些方面的应用,一定能够得到更为广泛的应用,并且大大减少人体动画开发的整个周期。 动画设计毕业论文:高校人才培养动画设计论文 中国动画产业由于受到了国家的重视而进入了一个飞速发展的阶段,各地政府有关部门都针对此给出了一些相关政策,希望能以此来实现中国动画产业的飞速前进。而我们要做的就是如何去建立一个关于动画设计人才培养的全新模式,打造一个全面系统的教学方式、个性化的创作实践为整体的全面人才培养基地。以此为根基来达到我国动画专业人才整体实力的提高、自主创造能力的提高。 一、动画专业的人才培养构想的内容 (一)着重于如何提高学生自主创作的积极性 在针对学生能力提高的过程中,我们要重视学生的自主创作的积极性,对不同性格的学生要表现出足够的重视与尊重。在教育的过程当中,我们的教育方式应该将理论与实践结合起来,让学生可以主动投入到学习的过程当中去。这种方法可以更好的将学生的兴趣爱好和教学的内容相结合,实现我们教学的主要目的。学生在动脑学习和思考中可以进行自主创作,从而提升学生的创作的积极性。在这种全新的教课模式下,学生创造性运作能力会得到很大的提高,而我国动画设计专业领域也能得到许多具备自主创作能力的高端人才[1]。 (二)重视理论知识与实践能力协调发展的全能培养 动画专业是理论知识与实践能力同等重要的专业。而我国现下却将精力大多放在如何去制作,在前期的理论知识的教授却比较弱,后期全面的补充也有所欠缺。所以造成了我国现在大部分的艺术专业人群与其专业的知识并不匹配[2]。我们现在要做的就是重视理论知识与实践能力协调发展的全能培养,突出动画专业的理论知识的教育,并且对学生的实践能力进行全面的培养。在对学生进行理论与实践全能培养的同时,在对其动画专业能力进行改善。这不仅实现了实践创作能力的需要,也满足了我国现下动画专业创作技术的发展需要。 (三)要实现学校与企业建立合作关系和学校与学校建立沟通 一般情况下,必须要让动画人才的成长突破校园内的局限,从社会实践出发,让学校与企业、学校与学校能够在沟通和合作的基础上得到巨大的进步。我们可以从实现校企合作培养和校校合作的模式进行入手。通过这样的形式,才能更好的促进动画专业人才的培养。 二、高校动画设计专业人才培养新模式的结构 科技水平的不断提升,动画设计专业的人才培养模式也有了突破性的进展,人才培养模式的改革也提到了日程当中,比如说创新课程结构模式,注重对学生发散性的思维能力培养与提高等相关方面的内容。 (一)创新课程结构模式 课程对教育的传播起到了很重要的作用。高校动画设计专业针对学生专业素质的提高,应该针对实际市场上动画设计的需求和需要,进一步规整当前的动画设计专业教学内容,认真调查研究动画行业重要企业的人才需求和能力要求,从实践应用的角度出发,尽量抓住动画设计专业学生的基础课程,强调创新能力的培养,并高度重视动画设计专业中的实践环节,强化动画专业课程的针对性,提高学生的综合素质和应变能力。 (二)重视对学生发散性的思维能力 培养与提高,提升学生自主创新的能力目前就我国现状而言,高校动画设计专业其人才培养方式还不是特别的健全,造成我国当前具有动画原创潜力的高素质人才流失,虽然其表面一派欣欣向荣的现象,但还是不能达到动画产业在我国持续发展的根本目的。所以我们要重视对学生发散性的思维能力培养与提高,还要提高他们的自主创新的能力,让他们能够将自己的能力发挥超常。中华民族伍千年深厚的文化底蕴本就是原创动画一个很好的创作基础。所以,高校就更加应该针对传统文化知识来向动画设计专业的广大学生进行深入的教育,并针对中国传统的文化来开设专门的课程,比如说中国古代文学的发展,中国古代历史的讲解等,以此来达到增强学生对于中国古代文化的了解与书面表述的目的。 (三)努力培养学生的综合素质,形成有特色的培养模式 高校动画设计专业学生的培养,关键的一点是要培养并不断提高他们的综合素质,这些将为他们以后的发展起到了很重要的作用。所以高校应当采取各种方法来达到学生能够了解基层的实际情况,从切身的体会当中充分的了解体会到动画产业的运转流程以及生产流程,通过去基层的切身体会来达到提高其自身的自信心和创作能力[3]。学生的专业导师还要不断鼓励他们运用自己所学到的知识应用到实践当中。加强锻炼他们的综合素质的提高,有助于他们对于动画设计创作灵感的迸发。 (四)抓紧师资队伍基础的建设,建立优良的师资培养模式 从师资队伍建设方面入手,也就是从文化传播者入手。所以要十分重视对于专业导师的建设工作,多让著名的学者来学校对学生进行公开的讲课与指导,让专业的导师们积极带领学校的学生们开展关于动画教学研究的学术交流,通过这种动画教学研究的学术交流可以更好的提高学校的知名度,以此来吸引更多慕名而来的高素质人才,无形中推动了动画产业的可持续发展。高校还可以提供更多的培训活动来提高本校教师团队的数量和综合素质,从根源上解决我国动画专业导师匮乏的情况,同时也要稳抓现有导师的教学质量。在条件允许的情况下,我们的专业导师们也应该积极参与学校组织的培训与进修,通过培训与进修,可以很好的提高学校教师的教学水平。 三、结语 综上所述,因此,本篇文章针对这种现状,提出了应由动画专业的人才培养入手,并且着重于关于高校动画设计专业人才培养模式的结构。按照动画设计项目研发以及其他方面的相关程序的培养作为主旋律,进行专门性的动画基础以及相关专业实践能力相融合的教学机制,实施工学融合的教学组织以及实施形式,以期能够更好的满足企业对于人才的需求力度,积极为周边的行业企业源源不断的输送人才。高校动画设计专业人才培养模式,其不单单有助于动画设计的发展,还有利于对专业人才的塑造。所以我们应该建立一个更好、更科学的综合性高素质的人才培养模式,从而促进中国动画设计产业的健康发展。 作者:王春莹 单位:陕西国际商贸学院 动画设计毕业论文:中国画运用于动画设计论文 1中国画与现代中国动画设计的关系 中国古代哲学思想不外乎三家:儒、道、释。儒、道、释三家的入世与出世两种思想影响着艺术家的生命历程和艺术历程,也影响着艺术家的艺术创作方法——写实或写意。儒家思想比较重现实,遵儒者追求入世,重写实;道家思想崇尚自然、追求虚静和向往一种原始自然状态的生活方面;佛教从印度传入中国,一经与中国文化相融合,便带有浓厚的民族色彩,它所追求的“清静无为”、“息心去欲”等境界,则与老庄思想不谋而合。尊佛者则追求出世,更注重超脱尘世,艺术创作不以“肖形”为佳,而以“通意”为主。 中国画家取材上画家通过主观感受萃取其精华,保留那些最能引起思想情感活动的因素;在构图上通过虚、实、疏、密以及留白等多种手法的运用,形成了绝妙的空灵感,于画中体现出超凡脱俗的精神境界。这些中国画的技巧为中国动画设计铺垫了理论和实践基础,对中国动画的发展起到了不可忽视的作用。中国画的线条在《大闹天宫》中运用的惟妙惟肖,蟠桃会上仙女们衣裙涟漪、彩带飘舞,此景只应天上有;《哪吒传奇》结合中国传统山水画的技巧,将古法中的“经营位置”理念灵活应用在动画背景绘制中,营造出虚实相生、疏密有致的视觉美感,并很好地烘托了剧情。例如,《山水情》《牧笛》借鉴了中国画的意境;《螳螂捕蝉》《鹿铃》融入了中国画水与墨的美。这里就不一一列举了。此外,1997年迪士尼推出的第一部以中国味背景的动画片《花木兰》,该片以中国家喻户晓的“木兰从军”的传奇故事为题材,整体风格借鉴了中国画的一些技法,画面优美,意境深远,颇具东方韵味。再如《功夫熊猫》,用西方人的思维方式诠释中国传统文化内涵。这两部片皆在中国获得高额的票房收入,这不得不引起我们的反思。 2中国画与现代中国动画设计的结合及运用 2.1《荷塘月色》 早在中国南北朝时期的谢赫,就在《古画品录》中提出了绘画六法,即气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。顾恺之也曾在《画论》中提到了“置阵布势”。清代戴熙在其所著的《习苦斋画絮》中说:“画在有笔墨处,画之妙在无笔墨处”。被人称为“马一角”、“马半边”的南宋著名画家马致远十分擅长以少胜多,他常画山之一角或水之一崖来概括全景,画面中保留了相当多的空白。凡此种种,都说明中国画的构图十分讲究留白,并通过虚实相生创造意境。《荷塘月色》借鉴了“马一角、夏半边”、留白布空等中国画构图手法,将影片意境美与视觉美巧妙融为一体,从而形成一种气势,以达到传情达意的功效。动画中充分体现了《绘画六法》中“经营位置”一说,如画家描绘景物从不涂满全纸,而是用空白来表现无形的朦胧意境的“生动之气”,生动之气韵笼罩万物,而空灵无迹,故在画中为空虚与流动,空白之处并非真空而是灵气往来生命流动之处。艺术家的艺术功底通过“黑”来体现,艺术家的艺术境界通过“白”来呈现。“白”最能体现艺术家的艺术修养。 2.2《小蝌蚪找妈妈》 《小蝌蚪找妈妈》从一开始就为动画注入了浓厚的中国味,打开一本素雅的国画画册,一幅幽静的荷塘小景淡淡推入,伴随着悠扬的古琴和琵琶乐声,共同勾画出优美抒情的水墨世界。画面风格是以国画大师齐白石的绘画为基础完成的;主要角色小蝌蚪源于齐白石先生的名作《蛙声十里出山泉》,小蝌蚪的形象为一群黑色墨点,并没有细致的五官刻画,借助它们游动时尾巴线条的变化来变现它们的内心情感,以形写神、虚实相生,追求中国画的意境与趣味。动画片通过连续画面的编辑赋予了他们“生命”,让齐白石老先生的画动了起来,引领观众走进了流动的“中国画卷”,将传统国画中的水墨意趣搬到了银幕上。《小蝌蚪找妈妈》通过水墨的意蕴、笔墨的情趣,使得所描绘的小蝌蚪不再是客观的形象,而是人的“情感对象化”的“审美意象”。淋漓尽致地再现了中国画特有的笔墨情趣,与传统音律、动画思维、故事情节等元素巧妙地结合起来,体现出一种中国特有的审美情趣,弘扬了中国文化。例如,茅盾写了一首关于影片的诗:“白石世所珍,俊逸复清新,荣宝擅复制,往往可乱真。何期影坛彦,创造惊鬼神。名画真能动,潜翔栩如生。柳叶乱飘雨,芙蕖发幽香。……画意与诗情,三美此全具。”法国《世界报》评论这部影片时说:“中国水墨画,画的景色柔和,笔调细致,以及表示忧虑、犹豫和快乐的动作,使这部影片产生了魅力和诗意。” 3小结 中国画在现代动画设计的艺术形式创作中具有很高的艺术价值,它为中国动画设计注入了一股新的活力,带来了一场新的视觉盛宴。汲取中国画的精髓,深入了解中国传统文化,摆脱单一的设计模式,将中国画元素与动画设计进行选择性的叠加构建,如融入中国画特有的技法、布局、意境等元素,来诠释设计师的情感和思想,创作出优秀的具有中国特色的动画作品。 作者:雷鸣 单位:西南大学美术学院 动画设计毕业论文:课程资源开发三维动画设计论文 1基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发的现实情况 早在2007年,全国各类高职院校就在教育部“以工作过程为导向的课程开发”精神指导下开始了以工作过程为导向的课程建设研究;而在《教育部2012年工作要点》第三点第18条“大力发展职业教育”和第19条“促进高等教育特色发展”中明确指出“要深化校企合作、产教结合,加强行业指导。深入实施国家示范性职业学校数字化资源共建共享计划。”基于工作过程导向的系统化课程资源建设已经成为高职院校课程建设的重中之重。近年来,高职院校的课程建设虽然有了较大的突破,但仍有不足。就“三维动画设计”这门课程来说,目前开发基于工作过程导向的三维动画设计课程资源的高职院校还是很少,高职院校三维动画设计课程资源建设尚处于起步阶段。三维动画课程教学与企业岗位需求不能直接对接,导致职业院校培养的学生不能迅速适应企业的要求。 2基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发的研究目的 基于工作过程导向的课程资源建设将理论学习和实践学习融为一体,它能够满足高职院校培养技能型、实用型专门人才的目标;它使学生认知能力发展和建立职业认同感相结合;科学性与实用性相结合,符合职业能力发展规律与遵循技术、社会规范相结合;学校教育与企业实践相结合”,学生通过对工作任务化的学习资源进行学习和体验,实现知识与技能、过程与方法、情感态度与价值观学习的统一,为培养学生的实际工作能力奠定坚实基础。基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发就是以推进基于工作过程导向的课程建设为综旨,以培养学生职业能力为目标将企业生产项目部分引入课堂,提供全套的“生产型”课程教学资源,加强对学生职业能力的培养,提高学生的创新能力、就业能力、工作能力和人际和谐能力,以适应企业对三维动画设计人才的需求。 3基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发的研究意义 3.1理论意义 基于工作过程导向的课程资源开发,是职业院校深化课程建设的重要内容,是推进职业教育的重要途径,是培养技术应用性人才的重要途径。 3.2实践意义 基于工作过程导向的课程资源开发有助于更好的与企业生产相结合,增加课程面向职业教育的适应性。基于工作过程的课程资源开发立足于行动导向体系课程,以工作过程作为课程资源开发的参照系,为改进教学行为提供了新思路。与生产过程配套的课程资源能够将原来的线性教学模式转变成一个动态学习的过程,能够使课堂变得富有生机和活力,有利于培养师生的应变能力与创意思维,有助于提高学生的就业能力和适应职业变化的能力。 4基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发的研究内容 基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发应包括:课程标准、.校内讲义、项目库、学习工作页、多媒体课件、教学演示录像、测试题库、实训包等内容。通过基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源的开发,推进教学改革,以满足职业能力培养为最终目标。建立与三维动画设计工作过程一致的学习情境,借鉴三维动画产品生产标准制定三维动画设计课程标准,引入企业的典型项目,构建集生产型、仿真型、创意型三大类型于一体的项目库、编辑能够将教学与工作融为一体的学习工作页、教学课件和电子书。编写适应三维动画设计师资格鉴定的职业知识测试题库与满足三维动画设计师上岗标准的职业技能训练题库,以有效实现学生职业技能的培养,保证校内硬资源与校外软资源有机结合,学习技能与仿真生产同步进行,真正实现所学与所用无缝对接并达到零距上岗。 5基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发的研究方案 5.1研究主线社会调研。调研分析三维动画师岗位的工作要求、任务与职责从而确定三维动画师岗位的职业能力标准,为确定基于工作过程导向的课程开发标准提供依据。生产观摩。观摩企业生产设计过程,分析动画产品的开发流程,研究其普遍规律和行业规则,确定动画设计的基本工作过程,为基于工作过程导向的课程教学过程设计提供参考。项目提炼。研究企业以往工作项目,认真分析并整理出适合用于课堂训练的,流程清晰且有代表性的优秀项目,为基于工作过程导向的课程资源开发做出项目准备。资源设计。基于工作过程导向的课程资源设计。分析其他基于工作过程导向的课程的资源,根据本课程的特点设计出三维动画师工作过程的讲义和配套课件。参考三维动画设计师职业资格考试的大纲,设计出与职业资格考试相配套的试题库。 5.2具体步骤制定课程标准:组织团队人员研究确定三维动画课程的课程标准。编写校内讲义:根据课程标准精选合作企业的优秀项目,并组织团队人员对校内讲义版式及内容进行讨论。建立项目库:根据企业项目整理集贴图、效果图、工程原文件全部在内的项目库。开发学习工作页:根据课程标准与校内讲义按学习进程编写不同学习情境所对应的学习工作页(包括技术单、资料单、计划单、考查单)。制作教学课件:根据校内讲义制作特色项目教学课件。编写技能题库:组织团队人员完成本项目的试题库的整理与编辑。录制教学录像:根据项目库内容录制项目制作的教学演示录像。编辑测试题库:借鉴三维动画设计师职业认证标准创建知识测试题库。整理实训包:根据三维动画设计课程实训要求编写实训计划、动员报告、实训指导书,并整理所需图片与工程素材。 6结语 基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发能够推动职业教育动画相关专业人才职业技能的培养,通过提供完备的资源使“三维动画设计”课程改革更加深入。 作者:孟男 单位:黑龙江农业工程职业学院 动画设计毕业论文:角色造型要素三维动画设计论文 在计算机软硬件技术得以加速发展的今天,三维动画作为一种新兴技术,已经逐渐走进了人们的视野。 一、角色造型分类 在对三维动画当中的人物进行设计的时候,不仅仅是要考虑到人物所表现在外部的形体,更为重要的是应注重塑造的角色内在的气质以及性格。在角色造型的设计中,运用最为广泛、最多的是实物类的造型,像动画中的写实类则可以划分为两种:一种是纯写实,如《小蛾蚌找妈妈》、《花木兰》等,这种都是依据人物的原型,加上少部分的艺术修饰;第二种形体式的造型,如《大闹天宫》、《人猿泰山》等等,对于这些角色的设计,与现实就有很大的差异。 二、造型要素符号化分析 作为将多项艺术综合在一起的动画艺术,它所使用的表现手段有动作、绘画、声音、性格等方面。在动画形象的塑造中,这些动画艺术的表现手段都御用不同的形式集于一体,表现形式的融合才将动画艺术独特的审美价值表现了出来。在互动化、动态化飞速发展的新时代,塑造出来的具有独特视觉的的形象,已经逐步的被人们所认可;动画形象也用它独特的“语言”,已经影响了世界文化。从本身来讲,动画形象也属于一个国家的文化,从另一个面讲,也代表着民族应有的精神。所以,笔者认为,可以将三维动画中所表现出来的角色视为对传统文化传承的系统符号的组成。作为三维动画角色造型,是从人、社会以及自然中逐渐衍生出来的,并且分为了若干小系统,在配合上有机的结合,输出一个完成的模型系统,最终让人们来评价起功能性。 三、角色内涵设计要素 (一)性格要素 19世纪英国的著名演员麦克雷蒂曾经说过:想要测定出性格的深度,则需要探索他潜在的动机,真实的去感受他心中最细致的、精细的情绪变化,挖掘出字面下所隐藏的思想,从而真正的掌握住一个具有鲜明个性的人的内心真髓。其中最关键的是要去了解角色、抓住基调,即角色最为本质、最为优秀的方面、思想以及个性特点。动画角色的创造是否能够得到成功,关键取决于设计者对角色的实际理解以及感受的多少。实际上,想要准确的抓住人物性格的基调,主要是从动画电影的剧本中、角色行为以及对话语言中进行摸索。高尔基曾经说过这么一句话“情节是性格的历史。”正是由于每一个动画形象都具有自身独特的特点,动画里面的角色才能够有血有肉;只有角色之间进行相互的比较,才能够真正的构建出属于这一部动画真正的灵魂。所以,笔者认为将角色的性格塑造完美,对动画的影响是巨大的,设计人员必须要重视这一点。 (二)形体要素 在《符号形式的哲学》这一文当中,卡西尔表示:“各种符号形象集合在一起,就形成了人类的文化。”而且雅各布森也说过:“人类以视觉、听觉要素作为基础,就形成了人类社会中最社会化、最为贴切以及具有丰富意味的符号系统。”而在三维动画的设计中,角色造型就成为了最主要的符号。也可以说成,在动画作品中,角色所具有的视觉符号、听觉符号的意旨与设定的表现都是运用的造型符号的整体集中性。 (三)表情要素 对于表情的研究,所选取的参照物基本上都是在现实中实际存在,或者是在以现实为基础,加以中和或者扩展得来的。(无论是人物,还是动物需要塑造的角色都如此。)在动画表情的设计中,首先考虑的是角色的真实性(大量的参考现实实物),然后还需要考虑是否符合动画表演的特殊性。动画角色的表情设计必须符合角色的本身特征。这样设计出来的角色才能符合所要求的表情。俗话说:“相由心生,而心灵的窗户则是眼睛。”在动画形象的表情研究中,需要充分的研究真人眼睛,在其中,我们发现了眼睛之所以不同的关键。试想一下,一个动画人物的眼睛没有任何的变化,那它就算不上三维动画中一个鲜明的形象,最多能算做一个模型,或者是玩具。迪斯尼曾经说过:“观众喜欢关注动画角色的眼睛,因为眼睛能够传播心灵的呼喊,所以想要让形象具有说服力,必须在这方面的技术上投入时间和资金。” (四)动作要素 理查德·威廉姆斯有这么一段话:“传统的动画作为绘画艺术的发展,那三维动画设计则可以作为木偶戏的发展,换句话将,既是具有高科技的木偶戏。但是两者包含的角色塑造的动作、重量等方面,则是都需要解决的问题。”例如: 在福建泉州有闻名于耳的提线木偶戏,强调的表演概念则是——傀儡意念。其中的傀儡意念指的是以专门的舞台表现的语言作为其特点,运用准确的把握,作为傀儡戏自身具有艺术规律一种依据的独特创作思维方式。而我们则可以借鉴这一种理念方式,从“角色的性格思维”这点出发,设计出角色的动作,这样才能够让三维角色更富有生气,并且贴切剧情需要。 (五)声音要素 动画形象的配音在三维动画的创作中,是角色造型设计中不可或缺的部分,配音与视觉形象的完美结合,才能构造出生动的形象。不论是哪一部经典的动作作品,除了让人们眼前一亮的绚丽画面,还需要贴切的声音与之相配合,而且声音也能够留给人们深刻的印象。随着三维动画的发展,配音的重要性也逐渐的显现出来,不再是以往的无声电影了。 在三维的动画中,人与人、人与观众之间的交流主要是运用语言这一要素来实现的,而语言也是在声音中最为重要的构成元素之一。在《电影艺术词典》一文中,将配音分为了广义与侠义两个方面,从广义的角度上来说,配音主要指的是动画电影的后期制作中,对动画影片中的声音需要加工处理的艺术创作的活动,例如:动画的音乐需要如何选择、配置,以及相关的动画解说、动画台词的相关录制等等;而从侠义的角度上来说,动画配音则指的是动画影视中的对白、独白、内部独白等等语言,而在后期的动画制作配置过程中的创作性活动。 总之,对于三维动画设计的角色造型,还有很多方面需要我们去研究、考察。文中对三维动画设计的角色造型做出了简要阐述,进而对三维动画设计做出进一步的认识。 动画设计毕业论文:聋人大学生二维动画设计教学法论文 一、聋人大学生二维动画设计的发展现状 二维动画的概念来源于西方,对其的英文翻译有:animation、cartoon等。其中,比较通俗与正式的用法是"Animation",经考证其词源自于拉丁文词根anima,包含有灵魂的含义;而与之相对应的动词animate,则有赋予生命的内涵,进而引申为使某物活起来的意思。所以animation可以解释为经由创作者的安排,使原本不具生命的事物获得生命一般的活力。动画属于综合艺术门类,其集合了绘画、漫画、电影、摄影、音乐、文学等众多艺术门类于一身的艺术表现形式。随着中国动画产业的发展和政府对动画产业的政策倾斜,动画业必将成为中国最具发展前景的产业之一。但是,目前中国专业动画人才奇缺,据统计,中国动画人才的总需求量在200万人以上,而业界仅有5万人左右,由此可见动画人才的匮乏已经严重制约了中国动画产业的发展,培养专业人才已成为中国动画产业发展的当务之急。另一方面,随着“中国动画人才培养计划”的启动以及在“让动漫走进特殊学校”教育科研的推动下,一些高校也相继开设了针对聋人大学生的动漫专业课程,主要的培养对象为聋人大学生(在下文中,简称聋生)。聋生作为弱势群体,一直处在社会边缘。即使其自身具备一定的劳动技能,也大多从事一些低附加值的,简单重复性的劳动。而聋生中有一大批对二维动画感兴趣并具备一定天赋的青少年,却苦于没有学习深造的机会和施展才华的舞台。考虑到聋人大学生中动画制作人才的潜在资源,以及聋生得天独厚的刻苦、耐劳、好学的优势,怎样在动画设计教育环节中发掘聋人大学生的优势并进行深入与细致的研究是非常必要与迫切的。 二、聋人大学生二维动画设计的学习特征 发展针对聋人大学生的二维动画设计教育,首先必须要先了解他们在二维动画学习中的学习特征。阅读理解能力不足是聋生在学维动画设计中遇到的最显著困难,在学习过程中,聋生与健听生的阅读理解的能力的差距较大,如19一21岁的聋生的阅读理解的能力并不比8一9岁的健听生的能力强,在教学过程中发现他们无法很好的理解动画脚本与剧本。语言的障碍始终贯穿于他们的学习与职业生涯当中+。聋生学习特征的许多方面都因其具有听觉障碍而出现特殊性,如对语言材料记忆困难、语言形成发展缓慢、抽象思维能力发展迟缓等。听觉障碍虽然给聋生心理发展带来一定的困难,但也带来某些新的动力,对某些方面(如视知觉)的发展产生积极的影响,在动画教学中发现聋生具有以下相对优势: 1.聋生的动手操作能力强,在教学过程中发现,聋生不喜欢上抽象的理论课而喜欢动手操作的实践课。他们可以根据教师的操作来操作,模仿老师的操作过程。 2.聋生的模仿能力强。借助于书本与视屏,他们能将动画人物的动作神态刻画的惟妙惟肖,他们的观察和模仿能力很大程度上弥补了其在听觉上的缺陷。 3.聋生想象力较为丰富。由于聋生长期使用视觉来替代和补偿听觉的缺陷,其视觉优势明显,他们可以不受噪音干扰,由于视知觉的发展相对比较迅速,相应的使聋生在观察的细致性、记忆的直观性、思维的形象性等方面较见长。 三、聋人大学生二维动画设计教学法 二维动画设计与制作包括动画的前期制作阶段(文学剧本、文字分镜、美术设定、画面分镜头台本),动画中期绘制阶段(设计稿或构图、原画设计、动画序列帧绘制、背景绘制、填写律表、清稿导演检查),动画的后期合成阶段(扫描、上色、配音、合成),而考虑到聋人大学生在艺术创作中形象思维能力比较差,即使其想象力较为丰富但也是基于模仿上的,其绘画基本功较弱,文化层次低等学习上因素,以及其刻苦、耐劳、好学的优势做综合考虑,有以下教学法可以尝试采用: 1.改革针对聋生二维动画的课程体系,基于聋生动手操作能力强、模仿能力强、阅读理解力差等学习特点做综合考虑,改变针对聋生的二维动画课程设置,减少文字剧本、文字分镜等理论知识的学习时间,着重加强聋生对于二维动画基础课程的教学,使其能通过大量的练习与临摹,使聋生逐渐牢固掌握对于人体结构、人体运动规律、动物运动规律等的基础性内容。 2.强化重点,找到突破环节,在大量的教学实践中发现,学维动画的聋生比较适合动画中期绘制阶段的动画序列帧制作这一环节,动画序列帧绘制是二维动画制作中的重中之重也是动画制作中人力资本投入最大的一个环节,需要绘制人员根据原画的关键动作和摄影表,准确地加出中间帧,最终以标有序号的连贯张数完成一个个镜头动作。在这一部分的制作中只要熟练掌握运动规律无需太多的形象思维便能绘制出比较连贯的动作,在实际的教学工作中发现只要听障学生能熟练掌握运动规律,基本都能胜任动画序列帧绘制工作。由于在前期的课程改革中,强化了聋生对于二维动画基础内容的学习,使其都具备了较牢固的基础技法,所以在绘制动画序列帧制作这一环节中,聋生基本可以自如发挥,收效显著。 四、总结 文章从二维动画的学习过程以及听障大学生的学习特点入手,循序渐经进行分析研究聋人大学生二维动画设计教学法。主要解决聋人大学生学维动画的针对性和科学性,提高动画学习效果,如何使聋生学以致用,最终达到成为一名合格的动画制作人员。 作者:苏力健 单位:南京特殊教育职业技术学院
美术欣赏论文:欣赏美术教育论文 1、美术欣赏活动是学生良好精神品质塑造的途径之一 美术欣赏课帮助学生通过对于艺术作品的品评和鉴赏,结合社会历史文化了解作品的创作背景,揣摩作者倾注于作品的艺术主张及情感态度,在战争题材中感受仁人志士对和平的渴望及视死如归的爱国情怀,在山水风景作品中激发学生对祖国大好河山的热爱之情,在世俗题材中体味生活的美好和对勤劳人民的歌颂,在神话题材中体会人们对自由与爱情的憧憬。使学生润物细无声的沉浸在作者的感情世界里。将思想教育融入到美术教育中,在潜移默化使学生在了解美术与自然、美术与社会的和谐关系的同时,帮助学生树立高尚的道德品质和人文素养。 2、美术欣赏与生活水平息息相关 许多学生对艺术欣赏课的认识存在误区,认为欣赏课中只是名家名画的枯燥乏味的理论知识,不具有实践作用,与自己的生活相去甚远。其实恰恰相反,随着社会的不断进步和科技的发展,视觉文化已经无处不在的被运用到我们的日常生活中,建筑、园林、装饰、广告中充满了色彩纷呈、五彩缤纷的审美现象。如何从艺术欣赏的角度运用画面构图、色彩效果、人物造型等方面的艺术理论知识,来解读自己所喜欢的事物是在我们生活中经常遇到的现实问题。对个人而言,用感知美的态度去观察生活、享受生活,从而运用符合审美规律的艺术语言来装点自己的生活,以一种良好的世界观和心态来迎接生活。伟大的艺术家罗丹曾说过:“生活中不是缺少美,而是缺少发现美的眼睛。” 3、通过美术欣赏培养学生的创造力和想象力是时代的要求 高中时期是学生生理和心理发展的关键时期,感知能力、逻辑思维和想象能力都得到了一定的发展,美术欣赏课可以使学生在欣赏和学习过程中增强对三维空间的了解,在讨论和评述过程中锻炼学生的语言表达能力,在观察和创作过程中培养学生的动手能力和想象力。使学生通过换位思考,引导学生站在创作者的角度根据自己的知识结构和想法观念进行再创作,启发学生的创新能力。 4、美术欣赏课程的开设有助于为学生普及艺术理论知识 由于过重的课业负担和对语、数、外等科目的过分重视,学生几乎把所有心思都放在了文化课上,而对艺术知识了解甚少。古今中外的优秀艺术作品,承载了艺术家毕生的心血,其中积淀了作者对世界的态度看法以及对艺术的思想感情,是历史文化的产物,也是人类智慧的结晶。通多这些作品可以更好的了解人类发展的光辉历史和发展历程。 但是近几年的美术欣赏课程,由于教育观念的陈旧落后,片面追求升学率而严重缺失。对美术课程的定位也只是为了使美术专业的学生得到技法上的提高,而忽略了美术欣赏课的重要性。如何推进高中美术教育改革是我们当前急需解决的问题: (1)、转变思想观念,正确认识美术教育课程的功能及重要性 思想观念是制定一切教育制度和改革方向的源头,只有正视美术教育课程在高中课程设置中的重要性,将进行素质教育和引导学生全面发展的改革工作真正落到实处,才能使教育为时代服务,培养跟上新时代人才需要的步伐。这就需要在学校领导的带领下彻底革除应试教育的旧模式,将眼光放远,着眼于学生的未来发展。 (2)、探索新型教育模式,为高中美术教育赋予时代感 在中西文化的交流和作用下,当代中国艺术正不断从传统绘画模式和审美观念中寻求突破,因具有丰富多彩的视觉形式和表现技法而逐渐呈现出新的态势。因此在美术欣赏课程设置中需紧跟时代步伐,注入新的内容,引导学生以创新性的观念对当代艺术进行鉴赏,利用网络等媒介,使学生了解当代艺术的最新动态,结合艺术的发展史,自主的对比中外传统艺术与现代艺术在创作理念和表现语言上的异同,培养学生发现问题、独立思考的能力。 (3)、要求美术教师提高文学和专业素养,改进教学方法 艺术家所创造的艺术作品,是以具象的形象来感染人,而在艺术欣赏过程中需要教师将作品中所传递出的直观感知用抽象的语言表达出来,这就需要教师在文化积淀、专业素养和语言组织方面具有较高的水平,并且配合幻灯片、插图等教学用具的使用,使学生更直观、深刻的赏析作品。美术教师在新世纪美术教育工作中扮演着国民素质塑造者的身份,这就要求教师抛弃满堂灌、填鸭式的教学模式,潜移默化运用启发和激励教学方式培养学生的学习兴趣,为学生营造轻松愉快的学习氛围,引导学生自主探索,结合艺术作品的时代背景和创作理念深入的研习作品,鼓励他们运用自己的语言结合表达对作品的感受,培养其语言表达能力,形成活跃的课堂互动效果。 美术教育在学生身心成长阶段起着至关重要的作用,尤其是在培养学生审美表达和独立思考、自主探索方面,肩负着其他学科无法比拟的重任。只有树立正确的教育观念,在教育实践中不断探索,勇于创新,才能使高中美术教育发挥它在人才教育中的作用。 作者:张楠 单位:吉林师范大学 美术欣赏论文:幼儿美术欣赏与民间艺术论文 一、收集民间艺术资源,使欣赏内容更为丰富 1.幼儿亲自参与收集过程,使资源更具情感性。以“促进每一个幼儿的健康和谐发展”为立足点和归宿点,确定“以幼为本”意识,所开发的民间美术欣赏内容,要面向全体幼儿,要使每一位幼儿都喜欢参与,有能力参与,都能产生成功体验,促进每一位幼儿自主性、能动性、独立性和创造性。因此,我们把挖掘地方美术欣赏资源,让幼儿从欣赏自己的家乡开始,喜欢家乡,喜欢民间美术作品,成为我们挖掘地方民间美术资源的探索点。我们带领幼儿深入民间,通过带领幼儿实地参观、图书馆查阅资料,通过网络搜集资料,挖掘吴越地区民间建筑、年画、石雕艺术;民间歌谣、童谣、传说故事;民间游戏、玩具;民间传统节日、服饰;民间音乐、戏曲欣赏、打击乐;民间传统美食等。幼儿亲身参与、亲自体验,容易引起幼儿的兴趣与共鸣。 2.发挥社会、家庭、社区的力量,使资源更具完整性。我们注重整合社会、社区、家庭各方面的教育资源,充分挖掘和利用源远流长的优秀民间艺术作品,发挥多元文化的总体效益。如我们联系小满戏社团,请社团的人员为我们介绍小满戏的来源、请家长带幼儿去看小满戏,观察小满戏头饰的装饰物、戏服的图案花纹等,联合社区,采访当地的老人,并从他口中了解更多的民间习俗,如端午节挂彩蛋、穿老虎衣服,二月二吃桂花糕等本地习俗活动;还请民间面塑师来幼儿园传授捏面人技巧,请家长利用周末等带幼儿参观古建筑、各类石桥、先蚕祠,带幼儿品尝家乡的盘龙糕、大麻饼、梅花糕等,充分利用社会资源,使收集欣赏内容的过程更加贴近生活,更便于幼儿感受和理解。 二、刷选民间艺术资源,使欣赏内容更适宜幼儿 民间美术作品的形式是多样化的,在挖掘有价值的民间美术欣赏内容时,不要一味的求大求全,也不是拿来就用,而是遵循幼儿生理和心理发展规律,关注幼儿的学习兴趣和生活经验,选择的每一个欣赏内容都符合幼儿的精神需要。 1.选材以生活性、活动性为原则,选择的作品要接近幼儿的生活,才会被幼儿理解和认识,才能引发幼儿进行相关心理、动作活动,使幼儿通过心理、动作等反应更好的来理解作品。如选择幼儿会经常经过的一些古桥,幼儿不仅熟悉,而且可以随时随地的进行观察。家家户户节日都要吃的盘龙糕,欣赏盘龙糕的形状、装饰的图案等。 2.要把民间艺术作品欣赏化繁为简,取其精华,选材以提高幼儿的艺术感受为欣赏目的。民间艺术作品生动有趣、自由奔放、色彩绚丽,给人一种强烈的视觉美感。这与孩子们平时接触到的儿童画有着很大的区别,从理解到实践再到创造,需要一个内化的过程。因此,教师应通过多种方式,取其精华,帮助幼儿理解民间艺术作品的表现形式及其深刻内涵。 3.选材要摒弃落后的资源,关注积极向上的。只有积极向上的资源,才有利于进行资源创新,使幼儿在原有经验上有提高。如有些民间艺术作品表现出欢庆、美满、喜悦、追求、向往美好等情感,如:“百子图”、“古建筑上的双龙雕塑”、“定胜糕”,这些象征美好愿望的作品,有利于幼儿在欣赏表面现象的同时,内化为自己的情感认识,激发幼儿再创造的热情。 三、归类民间艺术资源,使欣赏内容主题化 以“促进每一个幼儿的发展”为立足点和归宿,制定欣赏目标,根据不同年龄段的目标和幼儿发展需要确定适合欣赏的内容。为此,我们在对民间美术作品价值分析的基础上,把搜集到的本土资料归类罗列好,包括建筑类(古桥、古建筑等)、民间布艺类(丝绸、织锦、蓝印花布、刺绣、蜡染花布等)、传统节日类(小满戏、送灶、舞龙、地藏香、端午、重阳、冬至等)、传统美食(定胜糕、盘龙糕、麦芽塌饼、重阳糕、酥糖、大麻饼)。在归类的基础上,再以主题的形式开展活动,因为相比单一的美术活动,主题式美术活动能为幼儿提供更丰富的感受美、体验美、表现美的机会。它是根据某一主题而开展的系列活动,它的涵盖面广,知识点综合性强,其灵活开放的教学方式,有利于激发幼儿的创造力和自主学习的兴趣。如以传统的布艺印染为切入点,开展了“有趣的印染”主题。开展活动“漂亮的印花被面”、“蜡染花布的色彩”、“蓝印花布的图案”、“美丽的印染丝巾”、“漂亮的兜肚”等,在一系列的活动中,让幼儿欣赏到单色、多色、有规律印染的各种花纹,加深了对色彩的冷暖、深浅、明暗、强弱的感受,领略到图案美妙神奇之处,丰富了幼儿的知识,提升了幼儿的审美意识。一位美术教育家说过:“儿童们参加美术活动不仅仅是画几幅画,他们需要经常到生活中去,开阔眼界,学会珍惜大自然,重视人类文化,在生活中学习知识,磨练意志,学会与人沟通,从而提高自身的人文素养。”我们的家乡———江南水乡盛泽,民间美术资源丰富,我们要充分挖掘民间艺术中的精华,让幼儿进一步熟悉民间文化的内涵,使幼儿在现代文化的氛围中吸取民间文化的精髓,不但促进幼儿良好个性品质的形成,更有效地提高了幼儿智力的发展,增强了幼儿的审美能力,同时也激发幼儿爱家乡、爱祖国的情感。 作者:王春红单位:苏州市吴江盛泽镇中心幼儿园 美术欣赏论文:美术欣赏课情景教学论文 一、美术欣赏课情景创设方法 (一)引导阶段 1.投其所好情景的创设一方面是为了更为全面真实地展现美术要素,另一方面是为了能够调动学生的学习兴趣,使学生自发地进入课堂教学中,因此情景的创设要考虑学生兴趣投其所好。美术欣赏课所创设的情景一方面要能够对学生具有足够的吸引力,能够激发学生强烈的探知欲望,使学生认为美术欣赏课不再枯燥,成为一种乐趣;另一方面还要紧密结合课程的内容,将课程内容与学生的基础知识结合起来,形成知识冲突与合理矛盾,勾起学生的学习欲望,达到情景教学的最终目的。此外,情景的创设还应该考虑到初中生的年龄特点,创设轻松、自由、公平、民主的情景,使学生在足够放松的情境下获得心理体验,以达到良好的教学效果。2.激发通感美术课不但要用到手和眼,还需要学生的各种感知器官来激发情感体验,全方位实现对美术的立体、多层次认知和理解。在实际的美术欣赏课上,教师要通过各种教学方法去激发学生视觉、听觉、触觉、味觉等感官,使学生调动整体感官去感受美术课。一般来说,要达到激发学生通感的效果,在情景创设时需要结合教学内容及教学环境,灵活地运用情感渲染方法,将情感的真实性放在首位,借助语言、实物、多媒体、实践活动等工具或手段,创设真正具备通感的美术欣赏课堂教学氛围。3.还原生活艺术源于生活,作为主要艺术形式之一的美术,其创作更是由生活的灵感而来,因此在进行美术欣赏课教学时,将美术还原于其本来真实的生活面目或背景是获得良好教学效果的思路之一。结合初中美术欣赏课的教学内容,巧妙创设情境,贴合学生的实际生活,将学生的生活与美术欣赏结合为一体,选取生活色彩鲜明的、具有典型意义的材料运用到情境创设中,这样能够快速、准确地将学生引入情境,引导学生在情境中体验美术与生活的关系,帮助他们在生活中获取美术资源。 (二)发展阶段 1.还原物境美术不仅仅是外在物态化的表现,更重要的是内在感悟的传达。将美术还原物态化的原貌是美术欣赏课情景创设课所借助的一种教学方法,通过对美术物态还原,向学生展示美术从物态到神态再到艺术的过程,展现美术从知识产生、发展到成型的过程。美术欣赏课情景创设可以借助学生生活或经历的真实生活,在自由的状态下让学生形成不同层次的理解和认知,培养学生的综合能力和稳定的素质。2.激发情境情景创设得当往往能够使人迅速进入状态并引发相应情感,因此在美术欣赏课的教学中,教师可以借助人类的这一特点,善于结合课程内容创造一些能够激发学生情感的情境,比如生活、习惯、经历等,让学生能够在这些细微的情感中产生情感变动,快速进入到美术欣赏课中。情境的激发可以借助多样化、丰富化的活动,比如组织学生观看感兴趣的动画、动漫,参观小型画展,参观中国历史展览等,这些都能激发学生的情感,进而激发学生美术欣赏课的兴趣。3.体味情境美术欣赏课的一个重要目的是培养学生的想象力,因为艺术的创造需要丰富的想象力来支撑,艺术作品需要丰富的想象力来填充。相对而言,想象力比知识更为重要,因为知识是有限的,而想象是无限的,想象力是推动社会进步的动力,是知识进化的源泉。初中阶段的学生是最富有想象力的群体之一,因此美术欣赏课的情景教学是学生从已有知识重新认知和学习,经过想象力的作用而形成新知识的过程。 (三)生成阶段 形成情感激发和情感冲动只是美术欣赏课情感教学的表层目标,这种借助情感教学而产生的情感冲动只能保留在表面,且时间短暂,无法深入内心,无法改换思维模式而使其得到拓展和升华,因此需要在教学过程中设置适当的教学阶段和方面使学生提升体验和结果。情感的生成和升华阶段,是通过多次阶梯性、层次性的情境设置来实现的,一般来说,在进行情境的引导、发展之后,学生已经进入一个整体提升的阶段,此时再次创设生产模式的情景,使学生获得整体情感升华,是整节课整体价值的提升。 二、结果分析 通过研究分析可知,在实际的美术欣赏课情境教学中,情景教学的程序一般包括课程标准分析、学情分析、教学目标确立、教学重点难点分析、教学准备、教学方法选择、设计意图确立、教学实施过程(引导、发展认知、作业、课后小结)等几个步骤。将这些作为一个整体,通过系统的学习,学生互评、自评、点评等教学评价,能够使学生更深层次认识美术欣赏,获得勇于创新的勇气,获得良好的教学效果,并最终培养综合素质和能力。 作者:丁惠霞单位:甘肃省张掖市甘州区沙井镇小河学校 美术欣赏论文:高校美术欣赏下的美术教学论文 一、美术欣赏应用与高校美术教学的重要作用 1.高校美术教学中应用美术欣赏可以培养大学生的审美能力 在高校美术课堂上进行美术欣赏,可以让学生直观感受美术的魅力,不但提升了学生的审美能力,还起到了陶冶情操的效果。不同的美术作品有不同的艺术表现,教师通过美术欣赏教学,让学生欣赏不同的美术作品,进而影响学生的情感世界。如欣赏《呐喊》美术作品,教师通过画面丰富的色彩,可以将学生带入作品的意境,甚至可以让学生直观地体会到画中那个双手痉挛的小人,发出大声的呐喊,感受到他内心的恐惧与孤独,甚至在脑海中会形成一幅动态的画面。 2.美术欣赏可以培养学生正确的审美意识和欣赏能力 在高校的美术教学中,教师利用美术欣赏的方式,可以让学生直观地对美术作品进行赏析。随着我国信息化技术的不断提高,利用计算机网络技术、通过多媒体就能让学生欣赏到古今中外、各式各样的美术作品。教师根据这些作品进行适当的引导,分析作品的创作背景、含义等,可以促使学生树立正确的审美意识,也提高了学生对美术作品的欣赏能力。 3.美术欣赏可以增强学生的美术想象能力以及美术创作能力 通过对美术作品的欣赏,再配合教师适当的讲解,学生可以了解作者生活的时代背景,也能更加清晰地了解美术作品的含义,这样就能有效地激发学生对美术的想象能力。学生结合自己生活、学习的状态,将情感都融入美术创作,激发了创作热情。学生利用美术基础技能,就能进行美术创作,这对我国美术事业发展也具有重大的意义。 二、我国高校美术欣赏课程教学中存在的问题 美术教学是高校教学中重要的组成部分,是应教学改革的需要以及社会对人才素质需要开展的,也是大学生综合素质全面发展的需要。美术欣赏是美术教学中的关键,发挥着巨大的作用,然而我国目前高校美术欣赏课程发展不太乐观,主要体现在以下几个方面:第一,部分学校的美术考试为定量考核,不少学生为了得到较高的分数就对美术知识点死记硬背,这严重违背了开展美术教学的初衷;第二,部分教师美术教学观念落后,对美术欣赏重视程度不够,不能在美术欣赏过程中对学生进行正确引导,往往实现不了真正的教学效果;第三,部分学生的学习方式不科学、学校相关领导的重视程度不高等都是美术欣赏课程中存在的弊端,导致美术教学不能起到应有的功效。 三、高校美术教学过程中对美术欣赏应用方法探析 在高校美术教学过程中,对美术欣赏的应用方法是否恰当,直接关系着教学质量,对于美术欣赏的应用方式主要体现在美术欣赏的内容、教学方式、教学目标等方面。在高校美术教学中欣赏内容的选择方面,教师要进行精心的选择,选择符合课堂教学任务的作品,选择不同时期具有代表性的作品,这样才能达到应有的教学效果。如,要加强对大学生人文素质的培养,在美术欣赏作品的选择上,教师应该选择那些具有代表性的人文作品,如《蒙娜丽莎》《大卫》《向日葵》等,通过对作品背景以及作者的具体讲解,充分培养学生的人文情怀。教学目标的制订不宜过高,教师在美术欣赏课堂上,要对学生进行正确的引导,注意讲解的方式不能过于专业化,对专业术语的讲解不宜过多,否则学生不易听懂,就会失去美术欣赏的兴趣。对美术作品的欣赏,应该引导学生从创作背景、艺术风格、构图、色彩等几个角度进行,这样才能有效地提升学生的美术鉴赏能力。另外,在欣赏的时间、深度上,教师也要进行适当的控制,做好美术欣赏课堂总结工作。 四、结语 美术欣赏在高校美术教学中发挥着重要的作用,不仅提升了学生的审美能力、陶冶了其情操,而且对大学生综合素质的培养有极大的推动作用。在应用美术欣赏进行美术教学的过程中,教师应掌握正确的教学方法,对美术欣赏的内容、时间等加以控制,切实发挥美术欣赏在美术教学中的作用。 作者:唐超工作单位:天津师范大学 美术欣赏论文:剖析学生美术欣赏能力提升对策论文 摘要:按新课标的要求,在美术教学时应注重美术欣赏、审美情趣发展,同时在课堂上也要对学生审美能力的提高采取一些新的教学方法,使学生在学习中能够开放、创造、锻炼独创思维能力,增加美术欣赏兴趣。 关键词:欣赏能力提高情感文化情境创新发散性思维 新课程标准指出:“应通过美术学习,使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性,人类社会的丰富性,并在一种广泛的文化情境中,认识美的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献。”长期以来,学校美术的评价只是单纯的技巧技能的考查评价,忽视美术欣赏能力的培养。那么如何培养学生的美术欣赏能力呢,本文进行了如下阐述。 一、学生如何在欣赏中与画面交流 新美术课程标准首次提出了“情感、态度、价值观”的概念,其目的是强调通过学生亲自参与美术活动来体验和感受活动的价值,从而形成自己的艺术和价值观念。美术欣赏是一项审美活动,它需要通过自己的思维活动如观察、判断和想象来感悟美术作品,这种活动更需要个人的审美感受和情感的体验。 情感是审美活动的中心问题,美术作品大部分是以精神产品为主的,它通常表现艺术家某种思想和观念,主要作用于人的情感领域。 学生由于生活阅历、审美经验、知识修养的不足,能对美术作品积极主动地欣赏是比较困难的。教育学家第斯多惠在教师规则中讲过:“我以为教学的艺术,不在于传授的本领,而在于激励、唤醒。没有兴奋的情绪怎么激励人?怎么唤醒沉睡的人?”我想这句话应该能给我们以启迪。在美术欣赏教学中需要教师对学生作适当的引导和激发,其过程可分为三个步骤。其一是引发学生的情感。教师可帮助学生分析美术作品的形象、情节,特别是一些引人入胜的细节,如蒙娜丽莎的神秘的微笑等等,再通过生动恰当的语言描述,以此为突破口引发学生的注意力和兴趣。其二是适当提出一些问题来激发学生的想象,但是问题不要太多,要少而精,重点要突出。其三要以肯定的态度来评价学生的回答,这一点很重要。 二、教会学生领悟美术作品的文化情境 任何美术作品都不是孤立存在的,都是在一定的文化环境中创造出来的,艺术家在创造艺术作品时,不可避免地受到所处环境的影响,文化情境是指一件美术作品被创作出来的时候所依托的文化环境、条件及其特征。因此,在美术欣赏教学时,不能单讲技法,要把美术作品放在一定的文化环境中去学习。那么具体怎么做呢? 首先,为了帮助学生更好地理解作品的内涵,需要了解作品产生的时代背景和相关的历史故事。例如凡高的《播种者》就有必要介绍有关凡高生平的一些故事,有利于学生更好的理解画面的意思,欣赏苏联雅布隆斯卡娅的《粮食》时,学生就应该知道当时苏联经过战后洗礼,人们高涨的劳动热情和崭新的生活风貌。 我们知道艺术来源于生活,多少名家作品也是如此,生活中美术现象也随处可见。在进行美术欣赏教学时,还可以把课内与课外、校内与校外的活动相结合,并与学生的生活经验密切联系,扩大学生的视野,增强他们的感性认识,创造一个更为广阔的文化情境。 三、学生欣赏能力的提高要多方面着手 每一个同学的审美都是有差别的,任何一件优秀的作品,不同的人,在不同的情况下欣赏,都会有不同的感受,这也正是美术欣赏的魅力所在。美术欣赏教学应该注意培养学生的创造性思维,不能搞教师一言堂或者照本宣科,应该有差异的,要能容忍和接受学生的各种见解和感想。在教学中,教师要对学生的看法、观点持有正确的态度,让学生体验到成功的喜悦,才能激起学生更大的兴趣,才能引发学生继续学习的动力。美术欣赏教学应该看重其学习的过程,不要过于追求结果,也很少有统一性,告诉学生这些,有利于他们进行积极思维,学会研究问题的方法,锻炼独创思维的能力,增强美术欣赏的兴趣,提高学习效率。美术教师在课堂教学中要紧紧围绕素质教育的优秀,以新课程标准为开展美术教育教学工作的指针,引导学生主动参与,鼓励学生大胆创新,注重学生的个性发展,使学生美术课堂教学的重点逐渐从传统的以传授美术技能技巧为主的单一模式转到全方位的、多元化的、开放型的、以美术文化渗透为主的课堂教学新模式的轨道上来,促进学生身心全面、健康、和谐地发展。 开发学生的发散性思维,毕加索感叹道:“我花费了终生的时间去学习像孩子那样画画”。教师要解放自己的思想,采用生动、灵活的教学方法去诱发学生的创作灵感。可以毫不夸张地说,为了造就有充分艺术创造力的画家,更为了培养一代充满创造力的现代人才,我们应高度尊重、保护、鼓励学生的自由活动和想象空间,培养学生发散性思维,从而使学生发挥特长,表现个性,提高美术欣赏能力。美术教师在平常的教学中让学生真正有自己的活动,学生的个性就会明显地表现出来。学生在上美术欣赏课时都有一个对艺术的认识和理解的过程,最初是从他们个人的角度开始的,他们觉得画得“像”的就是好,而有些画得不“像”的作品却被老师当成世界名画加以介绍。正是这些反差,他们渐渐会发现艺术品并不是以画得像不像做唯一标准。有了这些思考以后,学生才会关心艺术到底是什么,教师不要从理论上空洞地介绍艺术,要大胆放手让学生去体验生活,让每个学生发挥出丰富的想象力和创造力。 学校美术教育,是在全面发展的素质教育思想指导下学校教育体系中通过美术活动的方式培养学生的学科,其目的不是培养专业美术家,而是通过美术教育让学生掌握美术方面的知识,去培养学生的种种美术方面的能力和品质。在新课程标准理念的引导下,我们应该清楚地认识到:初中美术欣赏主要通过欣赏活动来培养学生的审美能力,而不是掌握多少美术史论和多少美术技法理论,其根本目的是学会用一种美好的心态面对社会、面对未来。教育的任务不仅是用知识来充实学生的头脑,而且要发展他们的智力和才能,教学应当促进人的全面发展,有助于人的高尚品德的形成。新的教育理念的育人观念需要我们进一步更新教学评价观,从而更好地加强教学的实效性和促进教育功能延伸的职能性,以物之美,开启心灵之美。我们要充分运用各种教学手段,不断探索新的教学模式和思路,把自己培养成既有扎实的专业基础知识,又能懂得鉴赏美和创造美的高素质的美术教师。同时,在教学中也要以提高学生的审美能力、欣赏能力为已任,使学生的美育能更深入的渗透到学习中。 美术欣赏论文:提高学生的美术欣赏能力探求论文 摘要:按新课标的要求,在美术教学时应注重美术欣赏、审美情趣发展,同时在课堂上也要对学生审美能力的提高采取一些新的教学方法,使学生在学习中能够开放、创造、锻炼独创思维能力,增加美术欣赏兴趣。 关键词:欣赏能力提高情感文化情境创新发散性思维 新课程标准指出:“应通过美术学习,使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性,人类社会的丰富性,并在一种广泛的文化情境中,认识美的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献。”长期以来,学校美术的评价只是单纯的技巧技能的考查评价,忽视美术欣赏能力的培养。那么如何培养学生的美术欣赏能力呢,本文进行了如下阐述。 一、学生如何在欣赏中与画面交流 新美术课程标准首次提出了“情感、态度、价值观”的概念,其目的是强调通过学生亲自参与美术活动来体验和感受活动的价值,从而形成自己的艺术和价值观念。美术欣赏是一项审美活动,它需要通过自己的思维活动如观察、判断和想象来感悟美术作品,这种活动更需要个人的审美感受和情感的体验。 情感是审美活动的中心问题,美术作品大部分是以精神产品为主的,它通常表现艺术家某种思想和观念,主要作用于人的情感领域。 学生由于生活阅历、审美经验、知识修养的不足,能对美术作品积极主动地欣赏是比较困难的。教育学家第斯多惠在教师规则中讲过:“我以为教学的艺术,不在于传授的本领,而在于激励、唤醒。没有兴奋的情绪怎么激励人?怎么唤醒沉睡的人?”我想这句话应该能给我们以启迪。在美术欣赏教学中需要教师对学生作适当的引导和激发,其过程可分为三个步骤。其一是引发学生的情感。教师可帮助学生分析美术作品的形象、情节,特别是一些引人入胜的细节,如蒙娜丽莎的神秘的微笑等等,再通过生动恰当的语言描述,以此为突破口引发学生的注意力和兴趣。其二是适当提出一些问题来激发学生的想象,但是问题不要太多,要少而精,重点要突出。其三要以肯定的态度来评价学生的回答,这一点很重要。 二、教会学生领悟美术作品的文化情境 任何美术作品都不是孤立存在的,都是在一定的文化环境中创造出来的,艺术家在创造艺术作品时,不可避免地受到所处环境的影响,文化情境是指一件美术作品被创作出来的时候所依托的文化环境、条件及其特征。因此,在美术欣赏教学时,不能单讲技法,要把美术作品放在一定的文化环境中去学习。那么具体怎么做呢? 首先,为了帮助学生更好地理解作品的内涵,需要了解作品产生的时代背景和相关的历史故事。例如凡高的《播种者》就有必要介绍有关凡高生平的一些故事,有利于学生更好的理解画面的意思,欣赏苏联雅布隆斯卡娅的《粮食》时,学生就应该知道当时苏联经过战后洗礼,人们高涨的劳动热情和崭新的生活风貌。 我们知道艺术来源于生活,多少名家作品也是如此,生活中美术现象也随处可见。在进行美术欣赏教学时,还可以把课内与课外、校内与校外的活动相结合,并与学生的生活经验密切联系,扩大学生的视野,增强他们的感性认识,创造一个更为广阔的文化情境。 三、学生欣赏能力的提高要多方面着手 每一个同学的审美都是有差别的,任何一件优秀的作品,不同的人,在不同的情况下欣赏,都会有不同的感受,这也正是美术欣赏的魅力所在。美术欣赏教学应该注意培养学生的创造性思维,不能搞教师一言堂或者照本宣科,应该有差异的,要能容忍和接受学生的各种见解和感想。在教学中,教师要对学生的看法、观点持有正确的态度,让学生体验到成功的喜悦,才能激起学生更大的兴趣,才能引发学生继续学习的动力。美术欣赏教学应该看重其学习的过程,不要过于追求结果,也很少有统一性,告诉学生这些,有利于他们进行积极思维,学会研究问题的方法,锻炼独创思维的能力,增强美术欣赏的兴趣,提高学习效率。美术教师在课堂教学中要紧紧围绕素质教育的优秀,以新课程标准为开展美术教育教学工作的指针,引导学生主动参与,鼓励学生大胆创新,注重学生的个性发展,使学生美术课堂教学的重点逐渐从传统的以传授美术技能技巧为主的单一模式转到全方位的、多元化的、开放型的、以美术文化渗透为主的课堂教学新模式的轨道上来,促进学生身心全面、健康、和谐地发展。 开发学生的发散性思维,毕加索感叹道:“我花费了终生的时间去学习像孩子那样画画”。教师要解放自己的思想,采用生动、灵活的教学方法去诱发学生的创作灵感。可以毫不夸张地说,为了造就有充分艺术创造力的画家,更为了培养一代充满创造力的现代人才,我们应高度尊重、保护、鼓励学生的自由活动和想象空间,培养学生发散性思维,从而使学生发挥特长,表现个性,提高美术欣赏能力。美术教师在平常的教学中让学生真正有自己的活动,学生的个性就会明显地表现出来。学生在上美术欣赏课时都有一个对艺术的认识和理解的过程,最初是从他们个人的角度开始的,他们觉得画得“像”的就是好,而有些画得不“像”的作品却被老师当成世界名画加以介绍。正是这些反差,他们渐渐会发现艺术品并不是以画得像不像做唯一标准。有了这些思考以后,学生才会关心艺术到底是什么,教师不要从理论上空洞地介绍艺术,要大胆放手让学生去体验生活,让每个学生发挥出丰富的想象力和创造力。 学校美术教育,是在全面发展的素质教育思想指导下学校教育体系中通过美术活动的方式培养学生的学科,其目的不是培养专业美术家,而是通过美术教育让学生掌握美术方面的知识,去培养学生的种种美术方面的能力和品质。在新课程标准理念的引导下,我们应该清楚地认识到:初中美术欣赏主要通过欣赏活动来培养学生的审美能力,而不是掌握多少美术史论和多少美术技法理论,其根本目的是学会用一种美好的心态面对社会、面对未来。教育的任务不仅是用知识来充实学生的头脑,而且要发展他们的智力和才能,教学应当促进人的全面发展,有助于人的高尚品德的形成。新的教育理念的育人观念需要我们进一步更新教学评价观,从而更好地加强教学的实效性和促进教育功能延伸的职能性,以物之美,开启心灵之美。我们要充分运用各种教学手段,不断探索新的教学模式和思路,把自己培养成既有扎实的专业基础知识,又能懂得鉴赏美和创造美的高素质的美术教师。同时,在教学中也要以提高学生的审美能力、欣赏能力为已任,使学生的美育能更深入的渗透到学习中。 美术欣赏论文:试论幼儿阶段美术欣赏兴趣培养论文 论文关键词:幼儿美术欣赏;艺术观念 论文摘要:幼儿美术欣赏教学是幼儿美术教育的一个重要组成部分。欣赏不是简单地展示出来,更重要的是引导幼儿进行认真的观察体会,理解作品的内容形式,不断提高其审美情趣和审美能力。而教师作为引导者,其自身素质是影响幼儿欣赏活动的重要因素之一。同时民主、和谐、轻松的教学环境是我们倡导的宗旨。 一、美术欣赏在幼教活动中的意义 美术欣赏作为一项基本的美术教学活动,在不同层次和不同程度的教学中存在着,是学习美术不可缺少的学科。在人类文明进程中美术欣赏起到了重要作用,我们可以通过欣赏了解人类不同历史阶段的绘画种类、绘画特征及每个时期的美术创作背景,了解作品的风格。美术欣赏对提高学生审美文化素养,拓宽创作视野,弘扬人类正义精神,确立开放、宽容的审美心理,重构知识结构有着积极意义。 美术欣赏可以提高幼儿对艺术的兴趣,培养幼儿的审美创造力,发展幼儿的观察力、记忆力、想象力、思维能力。同样,美术欣赏也是对幼儿教学进行审美教育的重要手段,它能提高幼儿的审美能力,能使幼儿运用感知、记忆、经验、知识对欣赏内容进行感受、体验、分析、判断,从而获得审美享受和教育。 幼儿美术欣赏作为一种教学手段,是幼儿美术教育的一个重要组成部分。在美术教育中,欣赏与绘画、手工、玩具等内容有机结合,构成美术教育的完整体系。我们必须了解幼儿的欣赏接受能力和范畴,才能为幼儿欣赏教学做好前提准备。首先,幼儿认知美和欣赏美是需要时间和方法的。美的欣赏具有自身的规律和特点,生活中美的形象、美的形式随处可见,但幼儿对这些美不一定能直接感受到,需要教师通过一定的方法来帮助其提高审美能力,达到审美目的。其次,幼儿美术欣赏能丰富幼儿的知识,开阔幼儿的视野。人们既可以用科学的方法来认识世界,也可以用艺术的方法来认识世界。前者是抽象的逻辑思维能力,后者是具体的形象思维活动。三至六七岁幼儿的思维特点就是以具体形象思维为主,是需要用艺术来丰富知识、开阔视野的。因此,在美术教学欣赏中,幼儿通过欣赏教学可以了解许多个人经历无法得到的丰富知识。 二、幼儿美术欣赏的范畴 美术欣赏是美术教育的一个关键组成部分,是对美术作品的一种和谐的、令人愉快的、思想上无拘无束的探索。其目的在于加深对美术作品中美的理解,提高审美意识,培养儿童的审美敏感性,使其在生活中更加有信心,能主动地、充分地发挥自己的才能。儿童的美术欣赏活动是一种审美活动。在美术欣赏过程中,儿童充分调动他们的感知、想象、理解、情感等心理因素可以对美术作品的形式及其意味进行充分体验和认识。幼儿对美术作品的欣赏是有选择性的,什么样的物象他们可以感知、接纳,接纳到什么程度都受其感知能力和内在情感结构的制约,表现出来的特征也不尽相同。因而,我们进行美术欣赏活动前需要了解幼儿审美能力的发展状况,了解不同年龄幼儿对生活中美的物象的认知程度和接受程度,以便能使欣赏活动真正达到提高幼儿审美能力、陶冶情操的效果。 实际上幼儿在出生2-3个月时就对生活中的光和声有了明显的感知,并能够逐渐熟悉某种形象和声音,过了4个月,它就会主动寻找光源和声源,5个月后就可以有意识地去伸手抓摸自己感兴趣的物件,并能通过手足舞蹈和咯咯的笑声来体验人生最初级的审美乐趣。 2-3岁是幼儿能够欣赏具体形象和感知具体情节的阶段,幼儿情感是单纯的,他们为之陶醉的事物都带有某种幼稚的特征。简单的形状、单纯的颜色以及单纯的情节都能引起这个阶段孩子的共鸣,而一些深沉、含蓄的表现很少对幼儿产生影响。幼儿的经历有限,他们的内在情感比较单纯、自然,审美体验也是单纯的,已有经验的参与比较少,也没有成人那么丰富的联想和想象能力,他们的审美体验更多的是对物象感知的认识及伴随着的感性愉快。 幼儿过了6岁以后,大脑机能日趋完善,其中一个非常突出的标志,就是大脑兴奋和抑制过程都有了明显增强。精力的充沛给幼儿的审美提供了足够的能量,他们的审美能力已相当成熟,艺术才华也逐渐显露。历史上许多驰名世界的伟大艺术家都在幼儿阶段表现出了惊人的才能。 一般来说,幼儿欣赏的美术作品大致包括3类: 1.经典性的美术作品:包括古今中外各种题材的美术作品、雕塑及工艺美术品,这些作品有着较高的艺术性,对培养孩子的审美能力最有帮助。 2.儿童画家创造的美术作品:这些作品是根据幼儿的心理特点创作的,深受幼儿喜爱。 3.幼儿的绘画:包括国内外的优秀幼儿作品,同园同班孩子较好的、富有创意的作品,这些作品距离幼儿情感最近,最容易被他们接受和理解。绘画作品的欣赏,在幼儿的欣赏活动中占有相当大的比重。美术作品是人类情感和智慧的结晶,能够使幼儿欣赏到在日常生活中被忽略的物象的美,使幼儿的审美层次不断提高、不断延伸。而对好的欣赏作品,要使幼儿产生美的感受,产生更丰富的联想,并能够用艺术的语言和词汇表达出来,还需要教师掌握正确的指导方法。正确科学的方法和富有情感的语言,能够使幼儿、教师和欣赏作品融为一体,达到良好的教学效果。 三、似与不似的审美评价 幼儿对美的感受是阶段性的,每一个阶段对形象和色彩的理解和感知是不同的。在造型方面,幼儿一般喜欢看一些具体的、简练的形象,在色彩方面,他们也总喜欢鲜艳和绚丽的色彩。就单一色彩的物象与五彩斑斓的物象来说,幼儿一般喜欢后者,因为后者的色彩对视觉的冲击力较强,并且能够激发幼儿多方面的联想,也最能使他们感到兴奋和愉快。这种凭借好听好看韵标准来判断对象的美丑是可以理解的,也是幼儿在审美力发展提高过程中必然要经历的阶段。但是审美毕竟是一种宽泛的精神活动,它的内涵并不局限于这种初级的标准当中,粗犷的造型、滞重的色彩在绘画当中也是不可或缺的因素,也从不同角度传达着美的信息。如果要使幼儿能够真正切实地欣赏这样的美就要跳出初级标准的束缚,向更高层次升华才行。 似与不似的审美标准是幼儿美术欣赏中一个很重要的层次。在艺术观念上,中国传统艺术的审美是以道德为价值判断准则的。中国传统历来讲究作道德文章,把绘画的功能也定位于“明劝戒”、“著生沉”这一辅翼道德的层面上。中国传统绘画虽然在技法上是注重笔墨的,但在作品的内涵上也是借物咏怀,抒写胸中逸气。因此,历代的绘画作品中大多都能看出作者表达兴趣和情绪的痕迹。幼儿在欣赏绘画作品时可以从似与不似的角度,由教师悉心引导去观察,去扩展自己的思维,抛开具象的束缚,主观地去理解作品。因为幼儿的思维还处在动作思维到形象思维的过渡阶段,一时还不具备抽象思维的能力,这时教师的启发和引导就显得尤其重要。总之,让幼儿理解艺术源于生活,必须让他们直观地感受到作品须接近生活才行。因此,欣赏美术的似与不似不能以对错的观点来评价,不能随便否定,而是应该循序渐进地帮助幼儿逐步提高。 四、教师审美素质的提高 在幼儿欣赏活动中,涉及美的内容是宽泛的、多彩的,而对美术作品的欣赏是幼儿美术欣赏中的重要组成部分。我们的调查显示,幼儿园课程中美术欣赏活动开展得并不理想,有的幼儿园甚至没有把这种活动列入课程,这是一个值得思考的问题。 幼儿欣赏能力的开发主要取决于生活和教学中教师和家长的引导,而一般家庭对孩子的欣赏能力开发是很有限的。因此教师的引导就格外重要,这也是从事美育工作的一项基本职能。把美术作品欣赏引进幼儿的活动室,不但是必要的,也是可行有效的。这种对美的作品欣赏的独特性和重要性是其他活动不能取代的。 应该说,幼儿教师与艺术家欣赏美术作品的水平是有差距的,艺术家对作品的认识是多方面的,有历史的、现代的,也有客观的,主观的,对作品的认识也有一定深度,他们可以更科学地把这些认识传播给学生。相对来说,部分幼儿教师的审美观念则较多的受传统优劣观念的影响,往往笼统地把作品归纳为好与不好、像与不像。这种认知会直接影响到孩子的审美观,同时也会为孩子的欣赏观点注入成人好恶的习惯因素。幼儿年龄较小,对真、善、美之间的界限不明确,对他们来说,生活中的一切事物和现象都需要有一个合适的观点,如什么是好的,什么是坏的,但是对美术作品欣赏来说,教师应该尽可能避免用好与不好来对作品进行审美评价。首先,教师必须全方位地理解作品,对作品的内涵有一定的认知,客观地分析作品,并且能站在幼儿的角度欣赏作品,让幼儿在轻松、民主、和谐的氛围中领略教师对作品的理解,而后从精神上跟随教师达到认知美的境界。其次,美术作品应多与其他形式相配合,在内容上相互交叉,如语言、自然、音乐、文学等等,把欣赏活动变成一种综合性的教育活动,这样能够使幼儿在广博的知识环境中逐渐成长。艺术教育从本质上讲是一种生命教育和情感教育,它调动了人对生命的感悟力、鉴赏力、创造力;挖掘了人在无意识层次上的生命潜力,使人成为更加完美合理、有情感、有智慧的个体。通过艺术可以充分地发掘儿童的潜力,使其精神世界更开阔,生活更丰富多彩,更富有活力和进取精神。因而,从形成和塑造未来完美和谐的、具有创造性人格的角度来认识幼儿审美教育,具有特殊意义。 美术欣赏论文:德育教育在高中美术欣赏教学中的体现论文 摘要:随着教育体制的改革,素质教育已经广泛普及到学校的各科教学中。美术欣赏教学进行审美教育本身具有优势,作为德育的手段,具有形象生动、易为学生接受的特点,体现出德育在美术教育中作为素质教育一部分的另一个功能。 关键词:美育;学生;美术欣赏;德育 美术在人类文化中具有重要地位,美术作为一门视觉艺术,美术教育是以艺术为手段,在潜移默化中对学生进行美育和情感教育。随着教育改革的不断深化,美育对培养全面发展的素质人才的作用越来越来越重要。高中美术欣赏课教学参考中提到,美术欣赏对于开阔学生文化知识视野、陶冶高尚的情操、健全人格、发展个性,都具有十分重要的促进作用,这也正是德育的重要组成部分。那么美术欣赏课教学具有这种独特的优势,在教学中教师应注重德育渗透,给学生以潜移默化的影响,不仅培养学生一双审美的眼睛,树立全新的艺术观念,还要陶冶学生情操,使其在思想上形成质的飞跃,提高道德修养,进而树立正确的人生观和价值观,达到提高学生的整体素质,促进学生的全面发展的目的。那么,如何在美术欣赏教学中渗透德育呢? 一、合理设计教学内容,把握课堂灵魂,培养学生审美能力,树立科学的艺术观和价值观 高中阶段,学生的文化视野迅速扩展,多学习、接触优秀的美术作品,不仅能丰富学生的文化知识,还能帮助树立正确的艺术观、文化观,提高道德修养。对于不是学特长的高中学生来说,文化课所占比重相当大,面对文化课学习的压力,每周一节的艺术欣赏课是非常宝贵的。尽管美术欣赏课中涉及的内容多范围广,但在教学中,教师要理顺教学思路,把握住课堂灵魂,讲出精彩的环节,让学生喜欢上美术课,期待着上美术课,让学生充分感受到美术的独特魅力。在上美术课的时候,除了讲授课本上的相关知识外,还要开动脑筋,利用各种教学手段上好美术课。 美术欣赏课中涉及到的名家作品较多,欣赏部分所占比重大,在有条件的地方采用多媒体教学能够起到事半功倍的效果,因为多媒体能够带来视觉上的直接感受,在制作幻灯片过程中、采用音乐和名画欣赏相结合、和课堂内容有所联系的一些活动等,尽可能的让学生感受到艺术的魅力。例如:我上关于《培养审美的眼睛》这节课时,首先让学生了解不同的美术种类和特点及美术的功能,其次让学生理解美术作品可以传递人的情感和反映人类丰富的内心世界,最后把德育的相关内涵挖掘出来,我制作了课件来调动学生情绪,在课件中我试着播放了不同感觉的音乐:有《国际歌》、《命运交响曲》、歌曲《长城谣》,让学生伴随着音乐来欣赏美术作品,讲解知识点同时引申到作者创作作品的背景和所表达的主题,把德育知识在不知不觉中渗透到学生的大脑中,使学生在课堂上既了解了知识,也慢慢体会了不同作品的内涵,明白了美术是可以充分传递人的情感的,让学生欣赏到艺术所传达的美。清楚的知道美是情感、道德与知识的桥梁,它不仅能够丰富人的内心世界,而且让人的精神世界得到升华,可以接受从美术作品中获得多方面的感受,使自己的精神生活充实和丰富起来,更为艺术的魅力所折服。 二、充分利用教材中的民族艺术瑰宝、建筑艺术和我国现代的优秀作品进行德育教育,寓思想品德教育于美术教育之中 美术欣赏的内容包含很多,有绘画、雕塑、工艺设计和书法、摄影、建筑艺术等。在中华民族丰富的艺术宝库里,蕴藏了广大劳动人民的创造力和聪明智慧。在欣赏课教学活动中,除了让学生有直观上感受外,提高审美能力,还要引导学生对艺术作品的表现进行深入挖掘,揭示其内容,潜移默化地渗透思想教育。让学生通过对这些艺术作品欣赏以及教师对艺术作品生动仔细的讲解,使学生得到美的享受同时也得到了心灵上的升华。如在《中国古代建筑艺术》和《中国现代美术》这两节欣赏课时,应该清楚地让学生感受我们伟大祖国的悠久历史和灿烂的文明,促使学生更加热爱自己的祖国,激发爱国热情,增强民族自豪感。使学生了解悠久历史的文化遗产、优良的艺术传统和劳动人民的聪明才智,对学生进行潜移默化的爱国主义教育。而我国现代的一些美术作品大多跟随时代的脚步,鲜明地反映了那个时代的社会背景,画家们在自己的作品中表达了深刻地思想内容,反映了我国革命战争时期和社会主义现代化建设时期优良的革命传统、积极的生活态度和时代精神,培养学生奋发向上的品格和坚定的信念。如《血衣》、《母亲》、《流民图》等绘画作品,通过教师分析画中人物的特点及艺术特色,以此来激发学生的爱国主义情操,热爱自己的祖国,珍惜现在美好的生活。 三、借助形象直观的美术欣赏活动,用艺术家的人格和精神进行德育教育 德国著名版画家、雕塑家柯勒惠支毕生为了人类的进步事业进行斗争。法国著名作家罗曼。罗兰曾经赞扬她是一位有丈夫气概的妇女。在她一生的创作中,始终以她特有的激情,努力表现劳苦大众所受的苦难和他们的英勇斗争,如铜板组画《农民战争》,这些作品曾对现代无产阶级解放事业起过积极的作用。我国现代著名画家蒋兆和为了创作《流民图》曾有十年时间到北京、南京、上海等地搜集素材,画了许多素描、人物速写,最后完成了这一名作。艺术家用自己的生命、情感、力量,赋予了自己作品以生命,达到人的精神情感合一。美术作品是反映社会生活的,优秀的美术作品可以真实的反映生活,并高于生活,给人以教义。美术教学中的德育,应该是有机地与审美教育结合,有意识地渗透,“润物细无声”。只有品德高尚的人,才能对社会产生积极的影响。学生的世界观尚未完全形成,可塑性很大。学校是德育工作主要场所,教师是德育工作的实施者,教育要因材施教,因人而异。在美术欣赏教学中也要因材施教,当教师分析某一优秀作品时,要介绍历史状况、艺术观念,也要作艺术的分析,同时不要忘了德育因素的发掘和培养,加强学生的道德修养。新时代需要新的施教者和受教者,在教学中把德育教育贯穿始终,真正做到教书育人,这也是教育者义不容辞的责任,新课程改革中更是明确的提出了这一点,只有在日常的教学中加以潜移默化的渗透,学生品德的提高,才能使学生真正成为有用于社会的建设者。 理性的思维和设计方法恰恰是环艺设计初学者在学习的初始阶段所匮乏的。推敲尺度、强调定位,引入模数概念等,都可作为此阶段空间训练中突出设计表现的上佳选择。 四、结语 空间训练对环境艺术设计的专业学习意义重大,其内容体系涵盖面广,训练的实效性重要却不易实现。在安排相关课程时,必须在课程内容的取舍、设计任务的制定,课程考核的标准等方面都作出合理的选择,让空间训练的作用更为突出。 美术欣赏论文:江西省美术欣赏理论研究论文 摘要:校本课程是对国家课程、地方课程的有益补充,文章结合江西省文化资源优势,运用校本课程开发的理论,对江西省美术欣赏课校本课程开发的基本理念和主要价值及课程目标的定位、课程内容的设置、课程评价指标的确定和影响校本课程实施的因素进行了研究,使美术欣赏课程能够体现出江西省地区的特点,进而推动素质教育的实施。 关键词:美术欣赏课校本课程开发 校本课程开发,是一种与国家课程、地方课程相对应的课程开发策略,是对国家课程、地方课程的有益补充,它实质上是以学校为基地,由学校校长、任课教师、课程专家、学生以及家长和社会人士共同参与学校课程计划的制订,实施和评价的民主决策的过程。 “校本课程”不同于“国家课程和地方课程”,它更能体现“以校为本”的理念,有利于激发地方和学校在课程决策方面的主体性,促使学校办出特色,促进教师专业素质的提高,从而满足学生个性发展的需要。 中学开设美术欣赏课是实施素质教育的重要形式,如何在美术欣赏课教学中利用江西省特有的艺术文化资源,对学生进行贴近生活的审美教育,提高现实生活中学生发现美、感知美的能力,是中学美术欣赏课课程改革的重点。本文试图依据校本课程开发的基本理论,对江西省美术欣赏课校本课程开发的基本理念和主要价值及课程目标的定位、课程内容的设置和影响校本课程实施因素进行研究,使美术欣赏课程能够体现出江西省地区的特点,进而推动素质教育的实施。 一、进行美术欣赏课校本课程开发的依据 1.美术欣赏课课程内容设置与学生喜好的矛盾冲突,促使美术教师进行美术欣赏课校本课程开发 目前,学校美术欣赏课课程实施的课程内容单调,缺乏时代感和多样性。教学方法死板,教材安排不够合理,存在重复现象,缺少接近学生生活实际的知识内容。因此,学生对美术欣赏课课程内容的喜欢程度与教师的课程内容安排出现了比较大的反差,教师的主观意向取代了学生的兴趣和爱好。以上种种问题都反映出开发校本课程的必要性,因为美术欣赏课校本课程的开发可以弥补、拓展现有课程设置存在的诸多弊端。 2.美术欣赏课校本课程开发,有助于教师专业发展和教学水平的提高 在美术欣赏课校本课程的开发过程中,美术教师成为课程开发的主体,提高了美术教师对课程的兴趣和满意程度,增强了教师工作的积极性,同时赋予美术教师参与开发的权利和责任。由于校本课程开发有教师的参与,故能激励他们从教育实践、学生现状、社会需求等方面来拟订美术欣赏课课程目标和选择课程内容。这样更能激发美术教师的创造欲和教育实践活动积极性,并有助于美术教师教学专业发展水平和能力的不断提高。 3.美术欣赏课课程的自身特点,为进行校本课程开发提供了较大的空间 美术欣赏课属于非考试课程,是教养性课程,不是升学考试科目,因此,课程内容不受应试需要的限制,具有较大的选择空间。另外,美术欣赏课课程内容具有可代替性。教学中教师可以根据课程目标,有选择地进行教学内容的安排,不受特定教材的限制,因此,课程内容的选择具有较大的灵活性。以上特点为进行美术欣赏课校本课程开发提供了较大的空间。 二、江西省美术欣赏课校本课程开发的基本理念和价值取向 中国的陶瓷艺术驰名中外,在世界文化艺术史上有着重要的位置。景德镇陶瓷源远流长,是中国陶瓷史的重要组成部分,其丰富的内容有着很高的艺术欣赏价值和传统文化内涵。中国的建筑同其他国家相比也有着鲜明的特点,其精髓不仅体现在大型的宫殿建筑和园林建筑上,徽派的民居建筑也毫不逊色。 景德镇陶瓷和徽派的民居建筑,两者似乎并无直接联系,但仔细探究,它们却有不少相同的地方。以装饰图案的内容而言,两者都有秩序井然的图案、花鸟虫鱼、神仙瑞兽,历史典故,虽借助的媒介不同,但生动的形象却有异曲同工之妙,都是民间艺人高超的技艺和智慧的结晶。弘扬我国传统文化,发挥江西省地方资源的优势,把陶瓷艺术和民居艺术引入课堂,并把两者的知识同科学、文化、艺术、环保等知识结合起来,作为对学生实施素质教育的一种载体,是一项很有价值的探究和尝试。 开展景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术的欣赏课。通过图片和声像资料的欣赏,理论知识的系统讲解、实地考察、课堂讨论等形式,让学生生动直观地了解本省的文化艺术资源和特点,提高其审美素养,增强其主人翁的责任感和自豪感。美术欣赏校本课程能够充分发挥其优势,对推动素质教育发挥良好的作用。 三、江西省美术欣赏课校本课程开发的程序 1.美术欣赏课校本课程开发目标的构建 陶瓷艺术和民居艺术都是集艺术、科学、技术为一体的综合艺术,是美的表现形式。它们都是创作者运用高超的专业技术,将物质材料同自己的审美追求进行统一整合的结果。鉴于此,美术欣赏课校本课程的总体目标是通过对陶瓷和民居两种艺术形式蕴含美的元素的赏析,培养学生审美能力,增强学生审美情感,丰富学生的审美经验。 美术欣赏课校本课程的具体目标是:第一,景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术源远流长,使学生通过翻阅资料和教师的系统讲解,通过讨论的方式,让学生了解景德镇陶瓷和徽派民居建筑的特点,以及同其他种类的陶瓷和民居建筑的区别。第二,了解景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术所用的材料和技艺,对两者所表现的纹饰内容进行比较,寻找共同点和不同点。第三,景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术都蕴含了丰富的历史文化内容,学生通过对陶瓷艺术和民居艺术的观赏和考察,拓展视野,丰富审美经验,激起学生对传统文化艺术的热爱和探究的热情,增强其主人翁的自豪感。 2.美术欣赏课校本课程内容的设置 基于每所学校的地理位置、教学设施、师资力量等都有差异,可根据各校的实际情况,灵活机动地开展教学活动。根据景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术的特点,制定以下教学内容: (1)两门古老的艺术——陶瓷和民居的发展历史与类别。 (2)江西省的陶艺和民居文化——景德镇陶瓷与徽派民居的特点。 (3)金、木、水、火、土——景德镇陶瓷和徽派民居中所用的材料和技艺。 (4)美丽的纹饰(一)——景德镇陶瓷和徽派建筑中的植物形象。 (5)美丽的纹饰(二)——景德镇陶瓷和徽派建筑中的动物形象。 (6)美丽的纹饰(三)——景德镇陶瓷和徽派建筑中的人物形象。 (7)美丽的纹饰(四)——景德镇陶瓷和徽派建筑中纹饰内容表现的异同。 (8)景德镇陶瓷和徽派建筑中的文学艺术。 (9)景德镇陶瓷和徽派建筑中的书法艺术。 (10)景德镇陶瓷和徽派建筑中的绘画艺术。 (11)感受陶艺和雕刻艺术——陶艺浮雕的实践(可同美术实践课相结合)。 3.美术欣赏课校本课程的评价指标的确定 课程评价是指依据课程的实施可能性、有效性及其教育价值,可以作出价值判断的“论据的收集与提供”(钟启泉 :《现代课程论》)。课程评价主要包括教学活动中教师的评价、学生受益情况进行评价和课程内容的评价。美术欣赏课校本课程的评价指标,对美术欣赏课课程的特色建设有着很强的导向作用。 在角色上,教师是学生学习的引导者,要确立以学生为中心的教学观,进行教学活动。结合美术欣赏课校本课程的特点,教师的评价指标确定为:(1)教师能够引导学生自主地对美术欣赏课的内容进行学习,创造良好的学习氛围。(2)教师能够通过教学方法的运用,促进学生之间互动和师生间的互动。(3)教师对美术欣赏课内容相关的信息与支撑材料的搜集与掌握。(4)教师在传递教学内容的过程中,对教学活动有良好的组织和调控能力。 对学生的评价:(1)学生积极主动的学习态度和团结互助的合作精神。(2)学生与同学、教师之间的信息交流,以及对美术欣赏课相关信息的搜集与整理能力。(3)对美术欣赏课内容了解的深度和广度。(4)美术欣赏课的学习效果,对学生素质和谐发展的影响。 对美术欣赏课课程内容的评价:(1)美术欣赏课课程内容的合理性、科学性和特色的体现。(2)美术欣赏课课程内容的综合性,及与其他学科的联系。(3)符合学生接受和理解能力的发展的实际水平。(4)美术欣赏课课程适宜推广和普及。 四、影响美术欣赏课校本课程实施的因素 将景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术引入课堂,作为美术欣赏课的主题内容,这是一个新的尝试,在具体的实施中,会受到以下因素的影响:1.学校教育理念的影响。在推行素质教育的今天,美术欣赏课成为提高学生审美素养的重要手段,但学校在面临应试教育的压力下,对美术教育的投入相对较少。因此,美术欣赏课校本课程的顺利实施,首先要得到地方和学校的肯定与支持。2.教师素质的影响。对于陶瓷艺术和民居艺术的相关知识内容,各校美术教师掌握的信息有限,需要个人搜集大量的实物、图片、影像、文字等资料。对材料进行系统的整理和对比、引导学生探究性地学习,对于教师也是一种新的挑战和学习。3.学校地理位置与实施能力的局限性的影响。为了加强学生对景德镇陶瓷艺术和徽派民居艺术的直观感受,欣赏课中要有参观考察的环节,让学生通过对陶瓷制作流程以及作品的观赏和对民居建筑的考察欣赏,身临其境地感受这些艺术不同的美。由于学校所处的地理位置不同,所以在参观考察的环节上其便利性存在差异,部分乡镇学校、周边地区就可见到陶瓷工场或民居建筑,为美术欣赏课程的考察环节提供了便利条件。相反,对于地处市区的学校,考察环节使学校在实施上存在一定的困难。 结语 综上所述,江西省美术欣赏课校本课程能够充分体现出本地区的特点,并对学校推动素质教育起到良好的作用。课程开发是一项持续发展与不断完善的工作,无论在理论上还是在实践上,都需要不断地研究和探索。面对江西省丰富的艺术文化资源,美术教师应结合自己独特的审美视角,去挖掘探索新的具有地方特色的艺术资源,来丰富和完善美术欣赏课校本课程。 美术欣赏论文:美术欣赏教学研究论文 内容摘要:美术欣赏课是颇受高校重视的素质教育课程之一,是当前高校素质教育中艺术教育的关键。在教学活动中,学生的情操得到了熏陶,审美和评价能力也得到了培养和提高。 关键词:美学欣赏教学审美评价 美术欣赏活动是欣赏主体与客体发生的一种审美关系,反映在两个方面:一方面,美之所以使人感到可爱,美的形象中之所以含有感染力量,是因为美的形象中蕴含着人的本质,蕴含着人的最珍贵的特征——人的自由创造;另一方面,美并不是纯客观存在的,而是人通过感觉器官去感知的。因为人有不同的层次和修养,所以他们对美的看法就是不一样的。也就是说在欣赏活动中,主体对客体的审美会显示出多样性。 一、认识和理解作品所固有的审美价值 在美术欣赏教学中,教师要尽可能地容纳学生(主体)对美术作品(客体)审美的多样性,并正确地加以引导,以利于激发学生的创造性。引导学生认识和理解作品所固有的审美价值,培养学生的审美能力,是由于美术作品固有的审美价值,学生对其的感知与体验必然表现为评价性。只有经过评价,作品的审美价值才能被认识和理解。当然,这里的评价又是多方面的,主要有教师对作品的评价;学生对作品的评价,教师对学生评价的再评价以及学生相互之间对评价的再评价等。但无论是哪方面的评价,要使其评价与作品的审美价值吻合,我们就必须具有相应的美学理论知识。 从教师的审美评价角度讲,评价除了要充分体现作品的审美价值之外,评价的本身还要能引起人的美感。要使评价具有美感并能感染学生,教师必须具有一定的美学知识和文化修养。比如,教师在讲形式美时,当谈到物质材料所产生美感的时候,引用美学家桑塔那耶的一段话:“假如雅典娜的神殿巴特农不是用大理石砌成,王冠不是用黄金制造,星星没有了火光,他们将是平淡无力的东西,在这里物质材料的物质美对于感官有更大的吸引力,在刺激我们的同时,它的形式美也是崇高的,它提高而且加强了我们的感情。”在美术欣赏教学活动中,教师的评价是学生理解作品审美价值的主要途径,尽管教师的评价无须表现出权威和终极性,但可以陶冶学生情操,激发他们的求知欲。要达到这一目的,教师就必须具备较高的美学修养和文化修养。 二、评价标准与作品的审美价值 在欣赏教学中,作品在学生心中的地位和认可程度都依赖于学生的评价标准和情感态度。欣赏教学的目的就是逐渐使学生的评价标准与作品的审美价值吻合。很显然,学生评价标准的提高要经历一个由感性经验上升到理性,并使感性与理性相结合的过程,即在欣赏中不仅能感到作品的美,而且要了解它为什么美,再用这一“为什么”去感知其他作品的美。为了使学生完成这个过程,教师必须在教学中向学生更多地渗透美学知识(在中学的教学中,则可以较为深入地向学生传授美学知识、高校的审美意识。美学知识的教育培养则需要更系统地、辩证地、理性地去讲授和引导)。比如,在欣赏阿格桑德罗斯的雕塑《拉奥孔》时,学生对这件作品的艺术价值是认可的,许多学生都会被作者精湛而准确的形体塑造感染,尤其会因作者对拉奥孔父子三人被巨蛇缠身时,肌肉处于高度紧张状态下的精确塑造而感到震惊。这时学生的认可其实是指对作品的形体美而言,他们体会到的只是作品形式产生的美,是被艺术家高度的艺术技巧所打动。 在美术欣赏教学中,教师除了要对作品形式进一步分析之外,还要在讲述作品内容时着重谈到悲剧给人带来的崇高美,从而使学生认识并体会到美的类型除了优美之外还有崇高美和悲剧美。这样学生就会渐渐地进入审美的空间,去思考和分辨。如果这时,我们带领学生去欣赏抽象派艺术大师毕加索的作品《格尔尼卡》,学生便不难体会到它的美感了。艺术家通过恐怖的形象、伤感的色调、大画面的视觉冲击力以及立体主义表现手法,使作品产生了悲剧的震撼力。如果学生仅从优美的角度去欣赏,是感受不到这种美的。这时教师再结合这种美感去进一步分析作品的形式美,那么学生就容易接受。不难想象,学生这时对作品的审美评价要完整得多,更容易自觉地把作品的内容和形式结合在一起去感知和评价。当我们在欣赏罗中立的油画作品《父亲》时,如果只谈他的写实主义和画面上父亲脸上布满的皱纹、半干开裂的嘴唇和迷茫而又带着渴望的目光,以及长着老茧的手指、陶制的大碗和耳朵夹着的用过无数次的笔,而不谈作者对“衣食父母”的无限热爱与崇敬,这便是肤浅的。或者谈到了作品所表现出的农民勤劳善良和坚忍不拔的崇高品质,而不提及美与善的关系和美与真的关系,那么,我们欣赏的深度将会受到一定的限制。 综上所述,美学知识掌握的多少将直接影响学生审美价值的水平,也决定一节美术欣赏课的质量。美学知识是人的审美评价发生质变的根本因素,是欣赏课教学质量提高的必由之路。目前很多中学由于“应试教学”,而对素质教育有所忽略,笔者所在院校美术学专业培养的是中学美术教师,学生必须要有足够的美学知识和修养,才能担负起素质教育中对学生审美观念的建立的任务。在高校美学欣赏教学中,我们应直接深入地向学生传授美学知识(如美的类型、美与真、善的关系、美的绝对性和相对性、美的辩证关系等),提高学生思维的独立性和批判性,美学知识的渗透和学习有助于学生正确审美观的形成。席勒曾说过:“把感性的人变成理性的人,唯一的途径就是先使人成为审美的人。”可见审美教育在提高人的素质上的作用,学习审美是提高审美教育质量的需要。 俄国宇航之父季托夫曾说:“一个不懂得艺术的工程师是蹩脚的工程师,不善于幻想的设计师不配做设计师;一个缺乏诗情画意的学者不过是一个欺世盗名之徒。”随着人们物质生活和精神生活水平的提高,各行各业的生活领域都出现了美的要求,人们对生活的追求与评价都需要美学知识来引导。在未来的社会里能进入大学深造的人可能是大多数,我们不应该让他们的美学修养方面成为空白。 美术欣赏论文:美术欣赏教学特征论文 一、美术欣赏教学的特征 许多教师有这样的体会,欣赏教学难于艺术实践教学,而现代作品欣赏则更难。这也许因为在欣赏传统的再现性作品时,有关史料和作品内容丰富了教学内容,符合了学生追求现实意识和经验的需求,故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。而现代表现性作品欣赏的着眼点不能直接为日常意识所接受,学生一时无法超出现实经验和欣赏习惯的阈限,因而使教学发生了困难。对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能企及的,审美意识的形成需要有个学习的过程。这并不是说对再现性作品的欣赏不是一种审美意识的活动,但一个不具有较强审美意识的人,往往能欣赏前者而不能欣赏后者。曾在上海举办“法国250年绘画作品展”会上,从男女老少、各界人士的交流中我发现,人们似乎都能顺利地欣赏这类写实作品。然而,另一个事实却让我吃惊,在“毕加索”、“米罗”的画展上,许多学美术专业的学生都向我提出这样疑问:“这些画好在哪里?”而不是提出“我感觉到了什么”等评价性的意见。他们大有乘兴而来、败兴而去的情绪。造成这种情况的原因是多方面的。但有一点是肯定的,即观者的评价标准尚未建立在审美价值的基础上,当面对着新的审美现象时,其评价标准就失去了有效性。 以上列举的事实可以说明,从审美意识出发去评价和把握作品形式的情感意味,或剖析作品所激发审美体验的形式因素是个非常棘手的问题。一旦我们认识到,教学必须要达到这一目的时,那么再现性作品欣赏和表现性作品欣赏教学所碰到的困难是相同的。 我们已经知道,欣赏教学具有三个主要功能——认识、教育、审美。然而,这个属于审美范畴的教学离开了审美功能,专注于认识和教育功能是否符合欣赏教学的要求?假如,我们从伦勃朗作品中感知到铜盔的金属质感,能否成为帮助学生认识某种物理属性的辅助教材;假如,一幅画讲述的是某些伦理道德、社会思想和时代精神性的内容,是否可以作为一种传达思想观念的工具去完成德育课的教学内容,回答是肯定的。但不禁要问,欣赏教学本身的特征是什么?也许我们教学最终都是一种手段,所要达到的目的并不仅仅是培养学生的审美能力和健康美好的趣味,但通过艺术形式的直接感知和审美体验是欣赏教学的主要特征。从欣赏中不断获取多种功用是审美欣赏中继发性的作用。正如在其它学科教学中,偶尔得到一些类似艺术中审美感知的内容一样也是继发性的作用,并不是该教学的主要特征。 二、艺术的审美价值与评价 1.审美价值的客观性 艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的,具有客观性。在欣赏中,由于地区和民族等文化差别,会出现价值观的差异,甚至会有完全不同的价值标准。但这不意味审美价值无客观性,因价值不等于评价,它们之间可以统一,也可以对立。文化习俗和个人特殊经验是造成不统一的主要原因。在对某一作品实际判断中,不同主体会出现不同感受。如,一个人在丧失亲人时,热烈欢快的形式也不会被其感知为愉快的东西。反之,一个时逢喜事的人,在阴雨连绵的天气里也会感受到欢庆的气氛。由于文化习惯的差异,一幅山水国画也难以被一个西方人所接受,主体的评价与价值客观性符合与否,还要看主体所操持的欣赏媒介是否符合主体的欣赏习惯,一个不会下围棋的人,无论其有多少美学方面的知识和经验,也很难感知到棋盘中形式之美。同时,还要看主体能否在理智的作用下将普通情感升华至审美情感。一个具有欣赏水平的人,能感知和体验各种媒介的审美现象,甚至能将日常信息转换成审美信息进行体验。从中我们看到,减弱客体媒介中所粘附的非审美信息和压抑主体的非审美情感是评价符合审美价值的客观性的重要条件。所以在教学中,欣赏材料的选择和教师的讲评是极为重要的。倘若欣赏材料选择不当,教学就无法达到预期的效果,如果在学生鉴赏力尚处于低水平时,让他们欣赏人体艺术,可能使教学无法开展。同时,需要教师在课前查阅多方面的史论资料和作品分析的文章,从中抽绎出普遍性的规范和准则,这样才能使评价标准更符合审美价值的客观性。 2.审美评价的功利性 在美术欣赏中,对作品的审美感知具有社会功利性。一方面,审美意象和信息在激发主体审美经验的同时,也可能激发起个人的现实意识,即审美判断中潜伏着利害判断。如,对画中苹果的色彩和形状产生美感时,也可以作为“望梅止渴”的情感体验。即是纯粹几何形所传达一种普遍情感也能激起个人无意识的利害判断。另一方面,美感中包含着人类社会有益的内容,如果将壮观的战争场面看成是一种总体艺术,那么人们是不会想往那种艺术的。因为审美价值的判断要受认识价值和伦理价值的制约,即对人类社会有益的内容制约着审美价值判断。如,有时代和地区风格的作品或为某集团的个人情感所认可的形式规范,都可以作为审美评价的标准。 在欣赏教学中,教师和学生以及学生之间存着知识和经验的差异,这些都会影响审美判断和评价,故教师必须具备良好的修养和丰富的知识,理解作品形式和内容最普遍的审美意义,以宽容的态度容纳学生的感受和评价,启发引导学生以审美意识去感知作品,将日常情感升华至审美的判断。 3.审美评价是主客观的统一 审美价值的客观性并不排斥主体感受在审美现象上的多样性。欣赏是在主体参与下进行的,个人的视野和知识经验决定了评价具有主观成份,这些成份造成欣赏活动的复杂性,也造成评价难于统一。教师在讲解作品前,首先对自己的判断作内省的理性分析,理清情感中审美的和非审美的成份。在教学中,把自己的判断从推测性的语言引导学生去感知和评价作品。如,“我体验到……”和“我感觉到……”等非定性语气。使学生觉得教师的评价也并非是权威的和终极的。于是,学生也会进行自我分析,使他了解他的哪些反应代表自己个性中的基本和永久的成份,哪些是暂时的情绪和突变的东西,或是片面的判断。将自己的判断和他人的判断进行对照,使其看到自己的评价哪些方面符合多数人的意见。如此反复开展教学评价活动,使学生养成自觉验证判断,减少盲目冲动的评价,使评价达到主客观的统一。 诚然,教师对作品的评价总具有一定的权威性,并在教学中表现为一种灌输性。但任何评价都是对客体价值的主观选择和解释。从某种意义上说,这种“灌输”是疏通走向人性中共同的自由本质和理性精神的渠道。一种培养审美鉴赏力的教学,离开主体从个别至一般的评判过程,任何定性的灌输有可能造成学生在欣赏上的“伪敏感”,即缺乏主见的泛泛而谈和人云亦云的假象。这是教学另一个偏颇之处。 三、绘画欣赏中的评价 1.作品内容与形式 一般认为,再现性作品形式服务于内容,而表现性作品内容往往体现于形式的本体之中。尽管二者的侧重有所不同,但任何绘画都具有表现性和再现性的多重性内容。在具象绘画中,再现性内容处于显处,而表现性内容处于隐处。如,达芬奇和丁托莱托所创作的《最后的晚餐》,其再现性的内容相同,但因形式处理(构图、人物造型、透视等)不同,就有了隐藏着的另一种不同的内容,即不同的形式因素给观者造成不同的心理感受。试想,让一个不知此圣经故事的人去欣赏这两幅画时就出现这样的情况,达芬奇的画透视焦点居中,呈一种对称式构图,加之空间处理的平板装饰性,给人一种平静稳定之感。在平衡中人物的动态变化,略使画面产生从静到动、从安稳走向骚动之感,使观者体验到一种事物处萌芽状态,但预示着即将来到的运动最普遍的经验。而丁托莱托的画,由于透视焦点偏向一边,长形餐桌向纵向消失产生倾斜的纵深感。不对称的画面失去了稳定性,加之人物的前俯后爷相互重叠,以及画面上方飞动着的小天使,更加剧了动荡不安的感觉,使观者体验到事物发展中矛盾对抗即将解体的一种普遍经验。而在表现性绘画中,表现性内容处于显处,再现性内容则相反。如蒙德里安的《百老汇的爵士音乐》,乍一看,使我们首先感受到的是一种理性秩序下的欢快气氛。这种错落有致的点线面构成失去了现实形象的支持,使我们感受而不是看到,事物在运动中处于一种均衡缜密的网络系统监控下的普遍经验。在冷色调中透出澄黄的直线;在线与线之间点缀着大小不一的深红、深蓝的色块,仿佛象五线谱上的音符,给人一种机械性跳跃的节奏感。对这些表现性内容的体验,只要放弃从画中索取现实形象的要求就能得到。然而,另一种再现性内容通过想象也时常从画中迸发出来。如井字形直线象街道、大小色块象建筑物等。由于绘画具有多重性内容,在教学中必须分清它们的主次关系,使我们的感知和评价有的放矢。 2.欣赏与形式分析 在这一阶段的评价,需要我们把注意力比较长久地固定在作品上,并试图把握其中那些相互作用着的主要成份。如塞尚的《苹果与桔子》,产生顺畅、和谐及愉快情绪的形式机制是由那些主要成份造成的,线条是流畅的、形状是柔滑圆润的、色彩是暖调的;静物在大面积白衬布映衬下,整个明度是高调的。构图是由各种大小方向不一的三角形组成,变化而统一。桌面向左倾斜造成圆滑的果子不稳定感,但似乎又在右倾斜的果盆强力牵制下取得了平衡。这样画面既有欢快的动感,又有祥和定静的均衡感。但这些定性的分析必须后于学生的评价,教学应当首先引导学生充分感受,因为对形式因素的剖析是胜不过对形式的直觉,直觉是对形式全面综合性感知,是动态的。而剖析是将形式分解后逐一定格,是静态的。在教学中,两者缺一不可。一方面,我们需要直觉形式,但不能把直觉神化。另一方面,直觉后的理性分析帮助我们了解所能直觉的东西是由哪些因素造成的。我们要求学生不仅要知其然,而且要知其所以然。尽管对形式的剖析会使欣赏失去了愉悦性,但对提高形式的直觉水平是极为重要的。整个教学是一个从引导感知分析(史、概念、形式因素)再感知的循环过程。通过这一过程,使学生的直觉水平从感性阶段发展到理性的高度。 对形式因素的剖析是教学的重要部分已毋容置疑了,然而,在对作品分析时所使用的语言、方法及教具还需要进一步探究。如,在构图分析时,可将相似和相反的作品进行比较,卡尔夫的《有银水壶的静物》是一个“金字塔”形的构图与塞尚的静物画不同,具有稳重的矜持感。再如色彩分析,可以将色彩强烈的作品制成黑白灯片或教具画进行对照,使学生体会色彩在画中的作用。如果要让学生进一步体验构图的均衡作用,可以抽掉画中某一部分的色彩和形象进行试验。这种视觉实验性教学对高中生来说,是不会感到枯燥和乏味的。当然,教具的设计必须是经济又合理的。随着教学不断深入,形式的分析从笼统简单向细微复杂发展。可以说,对整体形式意味的感悟和对局部形式因素的体察和剖析都具有非生物学的意义。 另外值得一提的是,教师对作品的分析和评价应该是一种建设性的,而不是指令性的。任何作品都是某一时代和社会文化心理结构的反映,作品审美价值的各种现象都有其局限性,或侧重于技法、或侧重于观念;或侧重于唯美性、或侧重于文学性等等。只有用历史的辩证唯物的态度,才能较全面而客观地评价作品,一味迷信和排斥都不能揭示多种现象背后的审美价值。从这个意义上说,教学的过程就在于使学生成长为具有审美鉴赏力的评论高手。 综上所述,使我们明白了欣赏教学是一个复杂的综合性活动。教学的开展都必须依据学生前一阶段的基础,提出具体教学目标的侧重点。尽管教学活动的各阶段和各层次都有不同的目的和要求,但都必须围绕着以提高学生对形式的审美感知水平和对形式意味的直觉能力为宗旨。对实际作品进行多维的和有效的审美评价,是达到这一宗旨的唯一途径。 美术欣赏论文:高中美术欣赏分析论文 众所周知,审美教育是学生全面发展教育中不可缺少的组成部分。罗克韦尔肯特曾说过:"艺术的最高目的,就是使人们更深地懂得生活,进而更加热爱生活。 马克思曾引用黑格尔设想的一个生动比喻,来说明人类在创造活动中实现其本质力量叫产生的愉悦:一个小男孩,将一块石子投入水中,他看到水的涟漪不断变大,他欣赏自己的创造,从中得到无比的欣喜……。而到了初中阶段,审美教育更显示出在素质教育方面的作用,这时的学生从原来的快乐、无拘无束、天真活泼变得沉默、羞涩和严肃,他们要寻找一种新的适合表现自我意识的方式,在这个关键时刻,我们如果灌输给他们一种起着心灵感应作用的思想教育---审美教育,就能让学生在美的享受中接受教育,不知不觉地受到高尚,健康的思想感情的熏陶。这种教育的特殊效果,是一般道德说教难以达到的。而到了高中阶段,学生在生理,心理上已接近成热,是准备走向独立生活的时刻,他们的自信、自尊都在增强,他们有自己独立的思考能力,而接触面也更加广泛,他们求知欲强烈,学校教师传授的知识已不能满足他们的需求,他们渴望从各种渠道接受新观念,接受新知识。在这时,审美教育更能发挥其独特的作用,其鲜明的形象性和强烈的情感性正是对感情真挚奔放,形象思维极强的青少年作用是最大的。 但我们同时也要认识到当代的世界正处在一个巨大的历史转折期,学生经历着空前的观念撞击和文化震荡,正如电脑和算盘同在,洗衣机和搓板并存,试管婴儿和恐龙蛋化石共生一样,生活在同一时代的精神并非同代。 在这种观念的影响下,美术也显得希奇古怪。如现代主义的美术,有入说是一种头脚颠倒得艺术。一位心理学家曾幽默的用生动的语言概括了现代艺术和传统艺术的根本区别。他说:"今天年轻的一代和我们这一有什么不同。他们也是逐渐懂事,也离家出走,也生孩子。只是顺序倒过来的。"的确,在现代主义和后现代主义的艺术家那里,艺术的含义更加宽泛,既包括美的,也包括丑的:既有善的,也有恶的;既包括物质的,也包括精神的:既有纯实体的东西,也有纯形式的纯数学的东西。 比如60年代,卢卡斯萨马拉斯主要探讨的是人的亲妮行为和暴力强奸。他的作品中弥漫着炽热的性欲和色情主义。似乎全部的作品都被梦魇困扰着,镶饰着欲望,渴望者心醉神迷。 尽管一些现代主义艺术也从不同的方面得到了人们的肯定,但某些作品的形式和内容的确不适合一个中学生。敏感的学生面对着万花筒般的多元观念,往往不知所措,分不清美丑。况且在过去的日子里,我们国家的美育也曾受到极"左"思想的影响,把美和资本主义混为一谈,在十年内乱期间,美育更受到毁灭性的催残,真假不分,善恶颠倒,严重扭曲了青少年的心灵,带来愚昧,粗野,庸俗等不良后果。 同时,随着我国商品经济发展迅速,社会上难免出现许多不良因素,商潮汹涌,文化兵败,伪劣走俏,真金蒙尘。今天,似乎已经到了这样一个扑溯迷离和令人费解的时代。 哲学家不再尊重笛卡儿,黑格尔;文学家不再推崇莎士比亚,鲁迅;艺术家也不再欣赏达芬奇,拉非尔和贝多芬。一台部级水平的交响乐演出,听众寥若星辰,而一位怀抱吉他,声嘶力竭,似唱非唱的"歌星"却吸引数以万计的歌迷。同样,在美术市场,一些利令智昏的画店,画商更是不吝出资,成批伪造画和名家字画。同时,在我们今天的艺术殿堂中,也似乎愈来愈难以看到人类古代所创造的各种美丽的神话,圣洁的传说,优美的音乐和令人心醉神迷的绘画。而更多的是邪恶,荒谬,仇恨,丑陋。 莎士比亚在《风月通鉴》中曾经写道:人们齐心赞赏新玩具,不理会他们是用旧物捏成,宁愿歌颂镀金的劣货,不愿欣赏盖了灰的金泊。 因此,做为美术教师,我们的任务不仅仅是在课堂上欣赏好一张画,一件工艺品,而更重要的是带动学生能独立的去认识美,有选择的接受新的观念。在我任教的高中美术欣赏课上,我做了以下尝试: 首先,选择优秀的画家,优秀的作品。上课时要先让学生对画家的思想和人格精神有个充分的了解,然后对其作品进行分析时,融入画家的思想和为人,学生在欣赏美的同时也接受了思想教育。要知道一件伟大的艺术品能屹立不倒,不仅仅只有外表的美,而更重要是对社会产生的影响。 如十九世纪最伟大的雕塑家罗丹。艺术在他看来是所谓静观默察,是深入自然,渗透自然。与之同化的心灵的喜悦,是智慧的喜悦,是在良知照耀下看清这个世界而又再现这个世界的喜悦。 学生从中获得审美喜悦,正是和艺术再现世界相对应的,即熟悉,亲切,又陌生新鲜的心灵体现。而对罗丹的大理石雕塑《沉思》,我们会同时浮现双重的现实感:一种是通过洁白润泽的大理石,造型语言等材料和媒介透出的再现形象;另一种是由这个再现形象激起的对外部客观现实的联想。这两种现实都在幻觉中产生,从再现形象到客观现实往复多次,构成心灵意象的跳跃感再现。捕捉这样一种大幅度的扩展和变化着的意象,将激起心理,智慧,想象,情意以至人生经验的涟漪,这一精神活动本身"力"图样,体现的恰是梦想与现实,精神世界与物质世界的矛盾。罗丹的助手葛赛尔写下了《沉思》这座雕像给他的审美经验--"这是一个非常年轻,神的张弛,往复,伴随着极度的审美愉悦,呈现为精神上的创造,自由和超越。他在表现时特别注重强调和对比,把眼睛以上从眉弓推向前额,突出入类精神生活最主要的领域,以先声夺人的精神力量去接近观赏者。而下颉到脖颈再到双肩,几乎"沉没"在石座里,"突出"与"沉没"的"秀",面目俊美的女性头像,她低着头,周围萦绕着梦想的气氛,显得她是非物质的头脑上帽子的边缘,好象她梦想的羽翼一样,但是她的颈项,甚至她得颔都在一块粗大得石头上,好象夹在不能摆脱得枷板中一样,不具形的"思想"在静止的"物质"中花一般地吐放出来,而且用辉煌地光彩照亮了这物质,但是她丝毫没有办法摆脱现实的沉重束缚。" 而在现实当中,罗丹对艺术的执著使他自己认为是"教徒",他在遗嘱中对青年谆谆教导:要有耐心!不要依靠灵感,灵感是不存在的。艺术家的优良品质无非是智慧,专心,真挚,意志。象诚实的工人一样完成你们的工作吧! 我们应该要引导学生在欣赏中感觉到这种美的力量。一个朦胧中的少女有着自己的梦想,这与中学生多梦的性格是如此的接近,这种心灵的沟通和激发,如电流通过全身,精神上的自由和超越,忽然间犹如脱胎换骨,学生在美的享受中自觉的接受了罗丹的高尚艺术品格,尽管也许不一定所有的学生都有这样的感受,但这种教育的深刻性是永远不能泯灭的。 又如凡高,他尽管只活了37岁,而且是孤僻,自闭,精神分裂.真正的去了解他,了解他的生活,了解他的品格,我想学生会对凡高充满了尊敬。 脾气古怪的凡高从小就不合群,不仅长相难看,有时羞却,有时又冲动粗鲁。他拒绝社会,社会也拒绝他;但他向社会献出诚心,社会仍然拒绝他。他在为古皮尔画店工作时,直截了当地批评顾客的爱好,甚至公开宣称商业实际上是有组织的盗贼集团,于是他被解雇了;他在一家寄宿学校任法语教师,看到了贫苦的学生的生活状况而没有向他们收学费,于是他又被解雇了:他在一座煤矿当自食其力的传教士,把财产分给穷人,自己粗茶淡饭,衣裳褴褛,教会认为他布道失当,于是他又被解雇了:他满腔热情,一往深情地追求真诚的爱情,但不是被戏耍,被背离,便是酗酒放浪,于是被"解雇"了;他如痴如狂,满怀虔诚的创造绘画作品,却因不被世人理解难以找到知音,于是他又被解雇了。 然而凡高和罗丹一样,对待艺术就象一个虔诚的教徒,他并不太在乎人们是否理解和接受自己的作品,他只是把画画当作宣泄情感的一种最佳方式,并且他有着和雷诺阿一样的追求。"我画画不是使人苦恼,而是使人们快乐。"他在一到信中这样写道。这一点着实令人惊讶,也使人们得以窥到凡高的内心:他就象一个天真烂漫的儿童,尽管生活如此对他不公平。他仍然热爱和渴望生活 他的代表作《向日葵》,作为一副静物画,从它色调,布局,瓶花的特定形成构成,以及笔触的运用,油彩技法上的处理,都是显示出画家对自然,生命,人生的独特情感的体验,传达出一种既热烈又悲伤,既骚动又孤寂的心理情绪。学生只有在充分了解凡高的基础上才能真正体会到这盘俯仰张弛挣扎的向日葵的内在涵义,充溢着张力的新生命在凋残痛苦的旧生命种诞生。学生在欣赏时自然而然地想象到凡高地一生,沉默,欲喊又喊不出来的压抑人生。而更重要的是凡高的这种爱心和渴望生活却永远留在学生的心中。 其次,在进行欣赏教育时,有必要的让学生允分地了解中国的艺术,提高民族荣誉感,长期以来,由于欧洲中心论的影响,由于把科学的发达等同于美学的发达的错觉,中国的艺术跟在西方科学的路子后面,疲于奔跑的追赶,在一定程度上舍近求远,忽略了中华民族的审美优势。 事实上,中国的近百年来科学落后不等于艺术落后,中国画作为一种风格独特的艺术早就与西洋画并起并坐,成为世界上最重要的两大绘画体系。 一,中国的绘画具有悠久的历史和独特的风格。据记载,早在春秋后期,周代都城的政治性建筑"明堂"里,就绘有"尧舜之容,桀纣之像,''''以及周公抱着幼年的成王接受诸侯朝拜的壁画.可惜这些壁画因为建筑物的毁灭都已不存于世,但是从1949年出土的两件战国帛画的线描人物形象,略加色彩的绘画技巧来看,我国至少在两干多年前已经达到一定的艺术水平。 到了战国以后,随着中国社会的发展,中国古代绘画也在不断地完善和丰富着它的艺术形式,表现手法,艺术风格以及各种绘画体裁,画家们将书法的结构,用笔运用到绘画中去。以加强绘画的表现力和艺术趣味,形成了具有具有浓厚的民族风格和鲜明的时代特色。它不仅是中国近代,现代绘画艺术发展基础,而且对我国一些邻近国家也产生了重要的影响,日本老画家中村不折在他的《中国绘画史》一书中指出:"中国绘画是日本绘画的母体,不懂中国绘画而研究日本绘画是不合理的要求。我想,用长流不息来比喻中国的绘画是最合适不过的。" 而欧洲的绘画从时间来看,应该是早早承认,旧石器时代,世界上最早的美术品,都是发现于欧洲的西南部与中部。虽然考古学是一门不断发展的学问,但迄今尚无新证物以前无法动摇上述的观点。 到了中世纪以后,由于基督教成为统治国家的精神支柱,这一时代在绘画史上称之为"黑暗的中世纪"。直到文艺复兴时期,新兴资产阶级为了扫清前途的障碍,需要很有说服力的思想武器,他门终于从古人的武器宝库里找到了饱含着现实主义精神和科学理性的古希腊,古罗马的思想文化,从而打出文艺复兴的旗号,正如恩格斯所说:"拜占庭灭亡之时抢救出来的手抄本,罗马废墟中发掘出来的古代雕像,在惊讶地西方人面前展示一个新的世界,------希腊的古代:在它地光辉形象面前,意大利出现了前所未有的艺术繁荣。"因此,欧洲的绘画是时而浩瀚,时而干涸,这与中国地绘画地源远流长是不同的。 二、西方文化是以"神"为中心的文化。他们将人的发展归之于神的创造。在他们那里,"神"与"人"是分离的。所以他们习惯于将人与自然,人与社会,主体和客体对抗起来。探索各个领域中纵的逻辑关系,在种与类的基础上区别其层次,力求符合这些关系的客观秩序。 他们是属于哲学美学,叙事诗学,状物画学。 他们写实绘画的焦点透视,像一位独眼巨人在锁孔里看世界,只能老老实实地把看得见的画出来,把看不见的挡起来。他们的安琪尔要飞,只有实实在在地安上一双翅膀,其爱的信息的传达还得借助于一支有形的弓箭。 而中国的文化是以"人"为中心的文化。它以笔墨"线索"作为塑造意识形象的根本要求,并融诗入画,使画的意境,布局,笔墨,色彩完全诗化而成为"无声的诗"。他不仅是中国近代,现代绘画艺术发展的重要基础,而且对我国一些邻近国家的绘画也产生重要影响。因此,中国绘画是属于艺术美学,抒情诗学,写意画学。 中国绘画是多点透视,在游动中看世界,不但能画出肉眼之所见,而且能画出心眼之所见。山前山后,屋里屋外,长江万里,四季花卉,皆可同时纳入画面。 我们的飞天要飞,勿需安装沉重的翅膀便能"乘天地之正,而御六气之辩,以游无穷",其爱的信息的传达虽然"身无彩凤双飞翼",却能"心有灵犀一点通"。 一个是"无翼而翔",一个是"有翼而飞",哪个更高? 难怪毕加索反问:"在这个世界上谈到艺术,第一是您们中国人有艺术;其次,是日本人有艺术,当然日本人的艺术又是源自你们中国;第三是非洲人有艺术。除二者外,白种人根本没有任何艺术可言。我最莫名其妙的,何以有那么多的中国人,东方人要到巴黎来学艺术"。 况且有专家认为,中国画是后现代主义的温床。进入90年代,伴着消费的发展,现代主义的热潮在中国迅速降温,而一种打破传统和新潮,艺术和非艺术,雅和俗的后现代主义以游戏的姿态悄然兴起,他兼容性更强,在这里,被排斥的古典艺术又有了自己的位置,并且是以一种游戏的姿态出观:维纳斯穿上了牛仔裤:蒙娜丽莎被戴上一副眼镜,弥勒佛扛起了广告牌等等。在这里,这些艺术既保持着自己的"风和雅",同时更大众化。 现代主义重视看得见的形式,后现代主义重视道不清说不明的状态,他从东方神秘主义众吸取了信息,而崇尚"天人合一"中国早有"玄之又玄,天机不可泄露"之说。这些被某些学者视为不能用精确数值定量定性的落后乃至迷信的中国古老文化,说不定潜藏着科学主义未能认识的领域和未能解读的信息。 正如古希腊的奴隶制太完善了,所以他的封建社会就不发达。中国完善的封建社会决定了他不可能出现完善的资本主义,而在后工业社会形态中则可能获得充分的发展和繁荣。中国对现代主义艺术有着一定的排斥性,而对后现代主义却有着先天的亲和性。 学生通过多方面的了解,必定会对美术有新的认识,在欣赏美的同时,既自觉的接受了思想教育,也接受了新观念。 以上是我对高中美术欣赏的几点肤浅见解。应该说,这是一个长期的过程,至于效果如何,还是未知之数。 美术欣赏论文:高中美术欣赏教学与审美评价论文 在美术欣赏活动中,欣赏客体与主体发生一种审美关系。一方面,客体对人的审美感知和体验、审美能力和需要的本质特性的制约。另一方面,由于客体具有审美价值,主体对其感知与体验必定表现为评价性;客体在主体心理中的地位和认可程度,都具有主体的评价标准和情感态度。虽说评价本身不能创造价值,但审美价值必须经过评价才能被认识和掌握。在教学中,这种评价是多方位和多层次的。有教师和学生对客体的评价,又有师生之间、学生之间对评价的再评价;评价既可以是外部语言的表述,也可以是内心的检校与评判。通过大量的审美感知和体验的交互活动,逐渐使主体的评价标准与客体的审美价值相吻合,以达到欣赏教学的目的。本文就此谈谈自己的看法。 一、美术欣赏教学的特征 许多教师有这样的体会,欣赏教学难于艺术实践教学,而现代作品欣赏则更难。这也许因为在欣赏传统的再现性作品时,有关史料和作品内容丰富了教学内容,符合了学生追求现实意识和经验的需求,故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。而现代表现性作品欣赏的着眼点不能直接为日常意识所接受,学生一时无法超出现实经验和欣赏习惯的阈限,因而使教学发生了困难。对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能企及的,审美意识的形成需要有个学习的过程。这并不是说对再现性作品的欣赏不是一种审美意识的活动,但一个不具有较强审美意识的人,往往能欣赏前者而不能欣赏后者。曾在上海举办“法国250年绘画作品展”会上,从男女老少、各界人士的交流中我发现,人们似乎都能顺利地欣赏这类写实作品。然而,另一个事实却让我吃惊,在“毕加索”、“米罗”的画展上,许多学美术专业的学生都向我提出这样疑问:“这些画好在哪里?”而不是提出“我感觉到了什么”等评价性的意见。他们大有乘兴而来、败兴而去的情绪。造成这种情况的原因是多方面的。但有一点是肯定的,即观者的评价标准尚未建立在审美价值的基础上,当面对着新的审美现象时,其评价标准就失去了有效性。 以上列举的事实可以说明,从审美意识出发去评价和把握作品形式的情感意味,或剖析作品所激发审美体验的形式因素是个非常棘手的问题。一旦我们认识到,教学必须要达到这一目的时,那么再现性作品欣赏和表现性作品欣赏教学所碰到的困难是相同的。 我们已经知道,欣赏教学具有三个主要功能——认识、教育、审美。然而,这个属于审美范畴的教学离开了审美功能,专注于认识和教育功能是否符合欣赏教学的要求?假如,我们从伦勃朗作品中感知到铜盔的金属质感,能否成为帮助学生认识某种物理属性的辅助教材;假如,一幅画讲述的是某些伦理道德、社会思想和时代精神性的内容,是否可以作为一种传达思想观念的工具去完成德育课的教学内容,回答是肯定的。但不禁要问,欣赏教学本身的特征是什么?也许我们教学最终都是一种手段,所要达到的目的并不仅仅是培养学生的审美能力和健康美好的趣味,但通过艺术形式的直接感知和审美体验是欣赏教学的主要特征。从欣赏中不断获取多种功用是审美欣赏中继发性的作用。正如在其它学科教学中,偶尔得到一些类似艺术中审美感知的内容一样也是继发性的作用,并不是该教学的主要特征。 二、艺术的审美价值与评价 1.审美价值的客观性 艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的,具有客观性。在欣赏中,由于地区和民族等文化差别,会出现价值观的差异,甚至会有完全不同的价值标准。但这不意味审美价值无客观性,因价值不等于评价,它们之间可以统一,也可以对立。文化习俗和个人特殊经验是造成不统一的主要原因。在对某一作品实际判断中,不同主体会出现不同感受。如,一个人在丧失亲人时,热烈欢快的形式也不会被其感知为愉快的东西。反之,一个时逢喜事的人,在阴雨连绵的天气里也会感受到欢庆的气氛。由于文化习惯的差异,一幅山水国画也难以被一个西方人所接受,主体的评价与价值客观性符合与否,还要看主体所操持的欣赏媒介是否符合主体的欣赏习惯,一个不会下围棋的人,无论其有多少美学方面的知识和经验,也很难感知到棋盘中形式之美。同时,还要看主体能否在理智的作用下将普通情感升华至审美情感。一个具有欣赏水平的人,能感知和体验各种媒介的审美现象,甚至能将日常信息转换成审美信息进行体验。从中我们看到,减弱客体媒介中所粘附的非审美信息和压抑主体的非审美情感是评价符合审美价值的客观性的重要条件。所以在教学中,欣赏材料的选择和教师的讲评是极为重要的。倘若欣赏材料选择不当,教学就无法达到预期的效果,如果在学生鉴赏力尚处于低水平时,让他们欣赏人体艺术,可能使教学无法开展。同时,需要教师在课前查阅多方面的史论资料和作品分析的文章,从中抽绎出普遍性的规范和准则,这样才能使评价标准更符合审美价值的客观性。 2.审美评价的功利性 在美术欣赏中,对作品的审美感知具有社会功利性。一方面,审美意象和信息在激发主体审美经验的同时,也可能激发起个人的现实意识,即审美判断中潜伏着利害判断。如,对画中苹果的色彩和形状产生美感时,也可以作为“望梅止渴”的情感体验。即是纯粹几何形所传达一种普遍情感也能激起个人无意识的利害判断。另一方面,美感中包含着人类社会有益的内容,如果将壮观的战争场面看成是一种总体艺术,那么人们是不会想往那种艺术的。因为审美价值的判断要受认识价值和伦理价值的制约,即对人类社会有益的内容制约着审美价值判断。如,有时代和地区风格的作品或为某集团的个人情感所认可的形式规范,都可以作为审美评价的标准。 在欣赏教学中,教师和学生以及学生之间存着知识和经验的差异,这些都会影响审美判断和评价,故教师必须具备良好的修养和丰富的知识,理解作品形式和内容最普遍的审美意义,以宽容的态度容纳学生的感受和评价,启发引导学生以审美意识去感知作品,将日常情感升华至审美的判断。 3.审美评价是主客观的统一 审美价值的客观性并不排斥主体感受在审美现象上的多样性。欣赏是在主体参与下进行的,个人的视野和知识经验决定了评价具有主观成份,这些成份造成欣赏活动的复杂性,也造成评价难于统一。教师在讲解作品前,首先对自己的判断作内省的理性分析,理清情感中审美的和非审美的成份。在教学中,把自己的判断从推测性的语言引导学生去感知和评价作品。如,“我体验到……”和“我感觉到……”等非定性语气。使学生觉得教师的评价也并非是权威的和终极的。于是,学生也会进行自我分析,使他了解他的哪些反应代表自己个性中的基本和永久的成份,哪些是暂时的情绪和突变的东西,或是片面的判断。将自己的判断和他人的判断进行对照,使其看到自己的评价哪些方面符合多数人的意见。如此反复开展教学评价活动,使学生养成自觉验证判断,减少盲目冲动的评价,使评价达到主客观的统一。 诚然,教师对作品的评价总具有一定的权威性,并在教学中表现为一种灌输性。但任何评价都是对客体价值的主观选择和解释。从某种意义上说,这种“灌输”是疏通走向人性中共同的自由本质和理性精神的渠道。一种培养审美鉴赏力的教学,离开主体从个别至一般的评判过程,任何定性的灌输有可能造成学生在欣赏上的“伪敏感”,即缺乏主见的泛泛而谈和人云亦云的假象。这是教学另一个偏颇之处。 三、绘画欣赏中的评价 1.作品内容与形式 一般认为,再现性作品形式服务于内容,而表现性作品内容往往体现于形式的本体之中。尽管二者的侧重有所不同,但任何绘画都具有表现性和再现性的多重性内容。在具象绘画中,再现性内容处于显处,而表现性内容处于隐处。如,达芬奇和丁托莱托所创作的《最后的晚餐》,其再现性的内容相同,但因形式处理(构图、人物造型、透视等)不同,就有了隐藏着的另一种不同的内容,即不同的形式因素给观者造成不同的心理感受。试想,让一个不知此圣经故事的人去欣赏这两幅画时就出现这样的情况,达芬奇的画透视焦点居中,呈一种对称式构图,加之空间处理的平板装饰性,给人一种平静稳定之感。在平衡中人物的动态变化,略使画面产生从静到动、从安稳走向骚动之感,使观者体验到一种事物处萌芽状态,但预示着即将来到的运动最普遍的经验。而丁托莱托的画,由于透视焦点偏向一边,长形餐桌向纵向消失产生倾斜的纵深感。不对称的画面失去了稳定性,加之人物的前俯后爷相互重叠,以及画面上方飞动着的小天使,更加剧了动荡不安的感觉,使观者体验到事物发展中矛盾对抗即将解体的一种普遍经验。而在表现性绘画中,表现性内容处于显处,再现性内容则相反。如蒙德里安的《百老汇的爵士音乐》,乍一看,使我们首先感受到的是一种理性秩序下的欢快气氛。这种错落有致的点线面构成失去了现实形象的支持,使我们感受而不是看到,事物在运动中处于一种均衡缜密的网络系统监控下的普遍经验。在冷色调中透出澄黄的直线;在线与线之间点缀着大小不一的深红、深蓝的色块,仿佛象五线谱上的音符,给人一种机械性跳跃的节奏感。对这些表现性内容的体验,只要放弃从画中索取现实形象的要求就能得到。然而,另一种再现性内容通过想象也时常从画中迸发出来。如井字形直线象街道、大小色块象建筑物等。由于绘画具有多重性内容,在教学中必须分清它们的主次关系,使我们的感知和评价有的放矢。 2.欣赏与形式分析 在这一阶段的评价,需要我们把注意力比较长久地固定在作品上,并试图把握其中那些相互作用着的主要成份。如塞尚的《苹果与桔子》,产生顺畅、和谐及愉快情绪的形式机制是由那些主要成份造成的,线条是流畅的、形状是柔滑圆润的、色彩是暖调的;静物在大面积白衬布映衬下,整个明度是高调的。构图是由各种大小方向不一的三角形组成,变化而统一。桌面向左倾斜造成圆滑的果子不稳定感,但似乎又在右倾斜的果盆强力牵制下取得了平衡。这样画面既有欢快的动感,又有祥和定静的均衡感。但这些定性的分析必须后于学生的评价,教学应当首先引导学生充分感受,因为对形式因素的剖析是胜不过对形式的直觉,直觉是对形式全面综合性感知,是动态的。而剖析是将形式分解后逐一定格,是静态的。在教学中,两者缺一不可。一方面,我们需要直觉形式,但不能把直觉神化。另一方面,直觉后的理性分析帮助我们了解所能直觉的东西是由哪些因素造成的。我们要求学生不仅要知其然,而且要知其所以然。尽管对形式的剖析会使欣赏失去了愉悦性,但对提高形式的直觉水平是极为重要的。整个教学是一个从引导感知分析(史、概念、形式因素)再感知的循环过程。通过这一过程,使学生的直觉水平从感性阶段发展到理性的高度。 对形式因素的剖析是教学的重要部分已毋容置疑了,然而,在对作品分析时所使用的语言、方法及教具还需要进一步探究。如,在构图分析时,可将相似和相反的作品进行比较,卡尔夫的《有银水壶的静物》是一个“金字塔”形的构图与塞尚的静物画不同,具有稳重的矜持感。再如色彩分析,可以将色彩强烈的作品制成黑白灯片或教具画进行对照,使学生体会色彩在画中的作用。如果要让学生进一步体验构图的均衡作用,可以抽掉画中某一部分的色彩和形象进行试验。这种视觉实验性教学对高中生来说,是不会感到枯燥和乏味的。当然,教具的设计必须是经济又合理的。随着教学不断深入,形式的分析从笼统简单向细微复杂发展。可以说,对整体形式意味的感悟和对局部形式因素的体察和剖析都具有非生物学的意义。 另外值得一提的是,教师对作品的分析和评价应该是一种建设性的,而不是指令性的。任何作品都是某一时代和社会文化心理结构的反映,作品审美价值的各种现象都有其局限性,或侧重于技法、或侧重于观念;或侧重于唯美性、或侧重于文学性等等。只有用历史的辩证唯物的态度,才能较全面而客观地评价作品,一味迷信和排斥都不能揭示多种现象背后的审美价值。从这个意义上说,教学的过程就在于使学生成长为具有审美鉴赏力的评论高手。 综上所述,使我们明白了欣赏教学是一个复杂的综合性活动。教学的开展都必须依据学生前一阶段的基础,提出具体教学目标的侧重点。尽管教学活动的各阶段和各层次都有不同的目的和要求,但都必须围绕着以提高学生对形式的审美感知水平和对形式意味的直觉能力为宗旨。对实际作品进行多维的和有效的审美评价,是达到这一宗旨的唯一途径。 美术欣赏论文:美术欣赏教学方法研究论文 初中学生的经验、认识具有一定的局限性,所以有不少学生根本不懂得如何鉴赏美术作品,他们只是习惯于传统的课本学习,学到的只是一些花拳绣腿式的欣赏套路而已,更谈不上培养学生创造性的欣赏能力。因此在初中美术欣赏教学中,如何将一些专业性很强且有一定教学难度的艺术知识变得易懂好学,使教学效果得到进一步提高,从而提高学生的审美能力和艺术素养,一直是我努力探索的问题,在平时教学实践中有很多常用的方法,如讲授法、分析法、讨论法、练习法等等,经过笔者多年的教学探索实践认为:运用作品比较的方法,不失为一种较好的方法。 一、美术作品与生活比较 生活是艺术的源泉,任何美术作品都基于生活,且高于生活,并用艺术化的方式表现生活、美化生活、提高生活质量。如在讲授“自然与艺术----中国山水画”的欣赏教学时可以选择一些内容相同的反映自然物象的图片和美术作品,让学生进行直观的比较。如将李可染的《漓江图》和反映漓江自然景观的图片进行比较,引导学生发现身边的美术,把自己的生活经验和美术经验相联系,将自己对某些生活和自然现象的感受、体验与画家对它们的表达联系起来,尝试用自己喜爱的美术方式表达出自己的体验和感受,这样学生就能很快找出艺术作品与自然生活的区别,明白艺术形象来源于生活,但比生活更集中、更典型。因此,与现实生活比较是最基本的比较方法。 二、东西方美术作品的比较 在进行中西绘画欣赏教学时,如果不很好地联系作品进行比较分析,学生往往产生认识模糊。为此,在教学中我选择一些中西方画家题材内容类似的作品让学生进行比较分析,如将中国画家的人物肖像与西方画家的肖像画,将中国的山水画作品与西方画家的风景画作比较区别。至于中西人物画技法的欣赏教学时,我选择了古代的《仕女图》和西方的肖像画哈尔斯的《吉普赛妇女》让学生比较,引导学生结合中西方的文化底蕴和时代背景进行深层次的比较,一般通过具体作品的比较,学生自己讨论,加上老师的归纳,就加深了学生对中西方绘画基本艺术特征的认识。 三、同一时代、同一题材的作品比较 在美术作品中有不少作品是同一题材并处于同一时代的,但表现手法不同,对此可注重了解这一时期绘画的主要特点以及代表人物的艺术风格。如中国古代人物画的欣赏教学时,采用多种不同技法作品作比较欣赏,能使学生更直观地了解我国传统绘画技法的多样性。如把潘天寿的《映日》和齐白石的《荷塘》作比较,很容易看出《映日》中线条强劲并以浓重的墨色与红花相映衬,表现出“映日荷花别样红”的意蕴。《荷塘》是深秋景色,画中荷梗以有力的线条组合交错,产生丰富的变化,无序中有序。学生从中强烈感受到了中国传统绘画的多样性、生动性,以及一种韵律美,更能激发起学生热爱民族传统文化的情感。 四、不同时代、同一题材的作品比较 艺术是人类情感和精神生活的创造性表现,任何艺术表现形式都包含着特定的情感和思想,常言道:“一千个观众就有一千个哈姆雷特。”同一题材的不同美术作品必然见智见仁,所表达的想法及表现的情感当然也不一样。世上没有两片相同的叶子,人不可能趟过同一道河流。相同的脚步,足迹有深浅轻重,艺术不可重复。如西方绘画对希腊神话中一些人物的表现,例“圣母”就有不同的表现作品,将这些作品让学生进行比较,学生们领略了各个时期人们对于美的不同理解和认识,可以说,无论时代如何变迁,岁月如何流逝,人们从未停止过对美的追求。通过作品的比较,学生们认为不同的时代,美的标准也不同,不具备时代精神的美必然为时代所淘汰。 通过教学实践,笔者感到:在美术欣赏教学的课堂上,运用作品比较的方法,是一种很方便很实用的欣赏教学方法,它具有很强的直观性,学生能直观地、多角度地对不同的作品作比较分析,使深奥的理论形象化,便于学生认识掌握相关的理论知识,并能产生深刻印象,从而提高学生的审美能力和艺术素养。要使这种方法取得理想的教学效果,还应该注意精心选择作品,适时进行启发、引导,讲究科学性、典型性和艺术性。运用作品比较的方法,有利于释疑解难,有利于调动学生参与教学的积极性,使欣赏课学习不再是被动、无聊的事情,相反成为一种主动、快乐的事情,有利于学生对艺术作品审美欣赏能力的提高。就艺术课程的实施、课堂教学的更新,我们还有很长的一段路要走,需要我们不断探索、创新。 美术欣赏论文:美术欣赏教学研究论文 [内容提要]: 运用作品比较的方法,具有很强的直观性、多角度地对不同作品做比较分析,使深奥的理论形象化,便于学生认识掌握相关的理论知识,并能产生深刻印象。要使这种方法取得理想的教学效果,还应注意精心选择作品,适时进行启发、引导,讲究科学性、典型性和艺术性。总之,运用作品比较方法,有利于释疑解难,有利于调动学生参与教学的积极性,有利于学生对艺术审美能力的提高。 [关键词]: 素质教育、直观性、教学方法 在初中美术欣赏教学中,怎样将专业性较强且具有一定难度的艺术理论知识变得易董好学,使教学效果得到提高?经自己的探索实践证明:运用作品比较,可以说是一种行之有效的方法。本文就此列举几例来谈谈自己的做法。 一、美术欣赏中的音乐与绘画: 现代教育论认为:教学活动是一种双向的“知识对流”而不是单向地灌输。所以虽然音乐是一种艺术门类中最为抽象的艺术,但音乐同样也是表达情感反映现实生活的一种手段。如在进行中国古代人物技法的欣赏教学时,通过苏州弹词《新木兰辞》地放送,请同学们进行浏览式欣赏两张图片,注意营造一种艺术氛围,利用声音的比拟,使学生接受音乐信息的同时,可以在头脑中使学生直观的了解认识我国传统绘画技法的多样性,如采用工笔重彩人物作品与线描人物作品比较欣赏,工笔人物与写意人物作品比较欣赏。为了让学生更好的感受传统绘画以线造型的艺术特色,特选了风格迥异的作品进行比较(一般用实物投影或换灯片)。如梁楷的《泼墨仙人》与曾鲸的《李白行吟图》进行比较欣赏,一简一繁,各将其妙。学生从中强烈的感受了中国传统线条的多样性、生动性,以及一种韵律美,从而激发起学生热爱民族传统文化的情感。 二、美术作品中的对比与和谐: 事实上,中外的美术史早已证明“美既不是美术的唯一内涵,又不是美术的中心任务。美术作品中的一切都是有意味的艺术形式存在”。其实,在美术作品中的形式美这一节中,如果不很好的联系作品进行比较分析,学生往往会认识模糊。为此,在教学中我选择了一些中国画家题材内容类似的作品让学生进行比较分析,让他们看看画家是如何来经营画面的。如图3林凤眠的《静物》中,直力的玻璃水壶和水中的鱼。黑与白,背景上的橙与绿,都存在鲜明的对比,使画面具有很强的感染力。而潘天寿的《水仙》,花丛方向与造型在整体形式上非常和谐,然而在花丛大小位置,叶的交插与题字上又稍有变化。通过作品比较,加深了学生对美术作品基本艺术形式的认识。 三、美术绘画中的制作技法比较 沃乐夫曾经说过,一切绘画得益于其它绘画的比得意于自然的多。因此,在进行十七、十八世纪欧洲绘画欣赏教学时,了解这一时期绘画的主要特点以及代表人物的艺术风格,往往是教学中的难点。为此,我采用了一些具有说服力的作品让学生进行比较分析,从而起到潜移默化的作用。如十七世纪的荷兰画家姜布鲁各的《瓶花》。在进行作品分析时,我找到了一幅与其题材相似的作品进行比较,如另一位荷兰画家梵高的《向日葵》,可以让学生充分认识到两个时期的绘画在用笔、造型技法上的差异,即“写”、“画”差别一目了然。 四、美术作品中的艺术形象 在欣赏中,将中西方现代主义绘画欣赏作一比较,是教学难点之一。针对这种情况,我同样采取比较的方法来突破这一难点。 众所周知,艺术形象来源于大自然,而大自然赋予了人类的一切,同时也激发了人类的灵感和创作激情。如唐代青绿山水大师李思训的《江帆楼阁图》,他的作品标志着山水画中青绿体系的成熟。而《森林风景》为十七世纪荷兰派画家鲁伊斯达尔所作。 这两幅作品和后来的风景画相比,他们的山水画作风一样,都属于早期古典作风,但两者的起点完全不同。课堂上学生兴趣浓厚,讨论激烈,你一言我一语,经过比较不难发现:风景画本质上仍没有独立,它仍然是人的活动舞台,只是人暂时离不开前台而已。它不像中国山水真正脱离人物,山水画是大自然生命的自我展现,风景画则是大自然中的大自然,和利用照相机去摄取一片风景相同,这是山水画与风景画的本质区别。因此艾斯纳指出:“任何一个艺术问题都不会有唯一正确的答案,而可以多作解释。” 五、美术想象中自由自在的世界 黑格尔认为:最杰出的艺术本领就是想象。想象是迷人和令人神往的,人们只有在想象中才能无拘无束,达到非凡的境界。我们再把莫奈的风景画《印象.日出》与梵高的《星月夜》作比较对照,会让学生在不知不觉中进入一个梦幻的世界。在这里,没有时空的限制没有形的约束,色彩的随意流动,画面的变化莫测,人类的内心世界毫不保留的展现出来,人的情感也得到最大限度的发现。 通过教学,自己体会到:比较也是美术欣赏的一个重要方法,尤其是作品的艺术形式、技巧方面。如果把不同画种,不同风格的作品,用文学语言来描述常常不易说清楚,但如果把这些作品摆放在一起,形成对比,进行比较,很快就会区分开来。因此我们在美术欣赏中切忌孤立的对待每一件作品,而是要和其他作品联系起来看,进行各种和多方发面的比较。如横向比较、纵向比较、吸引、启发和引导学生,激发学生的学习兴趣,从而调动学生学习的主动性。当然,初中美术欣赏教学,进行作品比较的范围很广。只要我们去探索,去实践,就能更好地发挥这一学科的教学优势。在素质教育中,发挥更积极的作用。
一、数字插画 (一)数字插画的概念 数字插画是数字技术与绘画创作原理相融合的一类新型绘画形式,凭借Photoshop、Painter、Illustrator等二维绘画软件的综合运用,形成强大的数字插画创作技术支撑,并凭借软件多样的编辑技巧,形成绘画、矢量、混合、图像处理等于一体的综合技术平台[1]。简单说,数字插画是依托在电脑软件上的艺术创作方法。 (二)数字插画的特点 1.数字插画传播范围的广泛性 互联网时代快速发展,数字插画也随之迎来了新的高潮,满足人们对精神文化的需求。插画设计师将自己的作品投放在网络上,通过互联网提供最为便捷和海量的交流平台,使插画爱好者能够与世界各地的插画设计师进行广泛交流。这种传播速度远远优于手绘插画的传播速度;投放在互联网的数字插画作品面对的是亿万人,数字插画的传播范围更为广泛。当然,这与手绘插画的纸媒传播方式并不冲突,两者协同进行,可以让插画艺术进一步阐扬广大。 2.数字插画使用工具、制作方式的便捷性 传统的手绘插画需要人们准备大量的画前工作,包括纸张、颜料、画笔工具等,其工作比较琐碎、繁杂。但数字技术的出现改变了这一切。插画的绘制由传统的画架转移到了电脑,电脑屏幕和鼠标代替了纸张和画笔,节约了画前准备工作的时间。科技的发展也出现了更多可以用来进行数码作画的产品,使用绘制的手感越来越好,这些工具可以在任何场合实行绘画,随时随地的将灵感画下来。数字插画的绘制也克服了手绘插画修改画稿方面的缺点,提高了绘画效率[2]。 3.数字插画形式语言的多样性 传统手绘插画的绘制通常采用一种绘画工具,一幅手绘插画作品可能只会使用水彩颜料或者其他颜料,很少采用多种材质的颜料来绘制一幅插画作品。而数字插画突破了这种常规,它不仅可以在一幅插画作品上融合各种材质的颜料,也可以将各种艺术语言融为一体。例如,将绘画和摄影结合起来,不同的艺术语言的结合势必产生不同的效果。数字插画是以数码技术为基础,并且将其与人类的思维和灵感结合的艺术,科技的进步势必让数字插画变得丰富多彩,不再受到纯艺术风格的制约。 二、数字技术在丝路主题插画的应用 丝绸之路是一条历史悠久的文化长廊,它是中西方经济、文化充分沟通的桥梁。丝绸之路上留下了许多优秀的文化、精美的文物,这些都需要深入探讨。目前对丝绸之路的了解可能是通过文字、语言等方式,但也不乏插画形式的介入。在传统的手绘时代,有许多画家在丝路主题方面进行绘制插画,因为手绘插画有一定的局限性,所以不能更好的传播丝路文化,现在可以利用互联网和数字技术对丝路主题插画进行创新,加强对丝路文化的传播力度。 (一)以丝路为主题的数字插画在动漫设计的应用 《丝路传奇》是关于丝路主题的动画片,这是数字插画在动漫领域的应用。其中的人物形象、场景设计以丝绸之路为历史背景,以数字插画的形式绘制,这比原有绘制动漫的方法便捷,并且融合了多种艺术风格,画面丰富多彩、色彩轻快、外形简约、风格年轻,更符合当代观众的审美。丝路文化和数字插画的结合是新的碰撞,让丝路文化以崭新的形式出现在观众眼前,从而更好地传播丝路文化,传播中国文化,唤起观众内心的民族归属感,深入了解丝绸之路的意义和内涵。 (二)以丝路为主题的数字插画在广告招贴设计的应用 《登场了,敦煌》是由爱奇艺出品的综艺节目,这档节目通过美食、飞天、匠心等多个维度来展示敦煌优秀的传统文化[3]。节目内容中的海报设计就是借鉴了这些优美的图案绘制而成的数字插画,它一方面吸引了观众的视线,给观众剧烈的视觉冲击,让大众有了去了解敦煌优秀文化的欲望,另一方面赋予了节目深厚的文化内涵。敦煌文化有着千年的历史,通过数字插画这种形式可以更好地宣扬敦煌传统文化。这是数字插画在平面广告设计方面的应用。 (三)以丝路为主题的数字插画在文创设计的应用 文创产品本身是以文化资源为基石,经过现代化的设计,将文化元素转化为一种创新设计,具有一定的实用性和创新性。2020年中传艺术文创衍生品推出了鹿灵系列艺术晴雨伞,这把伞一到市场就受到消费者的喜爱[4]。它是采用数字插画的形式,提取敦煌壁画的传统纹样为元素,最后呈现出伞面的图案,伞面边缘是以简单化的形状绘制的茂密的深林,在深林的深处,一只九色鹿在散发着光芒,九色鹿上方绘制有莲花和忍冬草,代表着纯洁和顽强的生命,该画面所传达出来的情感是希望人们在喧闹的世界中找出一丝平静。鹿灵系列艺术晴雨伞包含了实用性和设计性,满足了人们的审美要求,同时也具有文化底蕴。 (四)以丝路为主题的数字插画在包装设计的应用 丝路文化礼宾酒——花开敦煌,是甘肃白酒的全新品牌,它承载着弘扬敦煌文化的使命,也是丝路酒文化的新时代传承。该产品以数字插画的形式将敦煌元素绘制在包装设计中,瓶身绘有神秘九色鹿、比翼鸟等多种造型,外包装是以凤仙花、凌霄花等纹样为主的设计,不同的纹样代表了不同的意象诉求。包装设计精美,整体呈现端庄儒雅之感。 三、数字技术在丝路主题艺术设计中的应用所具有的优势 (一)拓宽区域文化现有的宣传方式 数字插画的介入,拓宽了现有的宣传方式。目前数字插画被广泛应用于电影、动漫、游戏等产业中,而通过这些领域来宣传丝路文化也是一种有意义的尝试。数字插画形式的应用对丝路文化进行创新性的阐释,赋予其崭新的时代内容,推动了中华文化的不断创新,也弘扬了中华优秀传统文化。不仅拉近了丝路文化和大众之间的距离,也使大众可以在多个领域触碰到丝路文化,使丝路文化跟随着时代的步伐,以全新的面貌走进公众的视线,让丝路文化与其他民族文化进行积极主动的交融与互相借鉴,铸牢了中华民族文化共同体意识的历史根基。 (二)提升丝路主题产品的活力 丝路文化是重要的民族财富,为了提高它的影响力和传播力,针对丝路文化的文创产品不断被设计和开发,数字插画也被应用于文创产品研发领域。数字插画形式的注入,给丝路文创产品带来了新的活力。随着丝路文化影响力和传播力的提高,不少品牌的产品包装设计中呈现出丝路文化元素,丝路文化元素的融入,给品牌带来了不一样的含义。同样,包装设计更新迭代的速度很快,数字插画在包装设计中有巨大的需求量,通过数字插画的形式将丝路文化融入到产品的包装设计中,这会给其产品增添亮点,使其在外包装上吸引了消费者的注意力,引发消费者的购买行为。茅台酒的多种系列酒的外包装都是以数字插画的形式将丝路文化元素绘制其中,这类产品的销售,是在另一个方面宣扬丝路文化的美。结语丝路文化是中华民族传统文化,它在任何时代下都不会褪色,数字插画作为一个新的文化载体,让公众对丝路文化有了全新的认识[5]。在手绘插画时代,丝绸之路上的传统文化对我们来说遥不可及,如今这个信息发达的时代,数字插画形式的出现,令各种丝绸之路上的传统纹样轻易就能呈现在人们眼前,这不仅有利于丝路文化的传播,更加有利于加强公众对中国传统文化的认同,提高中华文化共同体意识。 作者:刘颖 马祯 单位:新疆师范大学
儿童美术教育论文:少年儿童美术教育论文 一、美术教育在智力发展上对少儿健康成长的促进 智力是知识和能力的综合体现,是个体在认识过程中各种能力的综合产物。主要包括感受力、观察力、记忆力、思维力、想象力、创造力等,并以思维力和创造力为优秀。美育过程,实质就是发展和提高各种认知能力,形成完整智力结构的过程。美育把智力开发作为美术学习活动的优秀,对少儿智力的开发功能起着举足轻重的作用,其主要价值作用体现在以下方面。 (一)美术教育在感受力和视觉观察力中对少儿智力的发展和提高 感受力,心理学上称为感知觉能力。人的智力开发与感受能力高低密切相关。假如缺乏足够的感性材料,抽象思维活动就不能进行,也就无法认识事物的本质与规律,更难以进行科学的发明与创造。而美育则有助于人的感知能力的提高,进而扩大和深化少儿对客观世界的认识。从少年儿童认知与思维规律来讲,认识客观世界,获取文化知识,提高品味修养,不仅依赖各门理性学科,更需借助于感性的形象,将具体事物通过艺术表象生动积极地揭示出来,由具象引领走进真实的生活,再概括反映出现实社会生活的本质,实现理性思维达到升华自我。观察是一种有目的、有计划、积极思维的高级形式的视知觉过程。观察与观察力是指人们通过观察、感觉和知觉,使自己同外部世界联系起来认识客观事物的带有个性特点的能力。少儿正是通过良好的观察力获得知识、形成技能、发展智力。而美育又正是培养、发展和提高少儿观察力的最佳重要途径。比如,在绘画过程中,通过对具体事物的观察、比较、分析、描绘,使少儿较全面、准确、迅速地了解其状态、结构、色彩质感等特征,掌握其比例、明暗梯阶、空间等关系,使感性和理性在三维向度上再现,描绘事物的纵深和各个侧面,造成视觉上的时空构建和逼真效果,这就使少年儿童的观察力和敏感性得到了深入的提高,为抽象和逻辑思维奠定坚实基础,并为创造力开辟了道路。通过美育发展少儿的观察力,这本身不仅符合儿童认知规律,还使少儿在美术学习中得到审美的受益,这种感性认知思维同理性逻辑抽象是人类智力由“成长”到“成熟”的必经过程,它直接而又关键性地促进了少儿智力的进一步发展和提升。 (二)发展和提高少儿的想象力、创造力 在美育过程中,无论是让少儿领略自然美,还是欣赏艺术美,抑或理解社会美,都能够“随风潜入夜,润物细无声”地诱导和激发他们的丰富想象力,焕发出强烈的创作欲望和灵感,进而全面开发和提高他们的智力。创造的过程需要整合激活人所有的内在能力,这不仅需要人们具有创造性,还要具有社会价值性,将创造者艺术素质与科学素质相统一,将审美追求与科学追求相结合,才能使得美育成为人们独创精神的“契机”。比如达•芬奇,他是文艺复兴时期一位多才多艺的巨人,对绘画艺术、人体解剖、透视学、光影色和科技制作等方面均有精湛的研究和成果,同时他还是一位大数学家、力学家、工程师。再如大科学家爱因斯坦酷爱艺术,拉得好一手小提琴,“相对论”是伴随着美妙的琴声从心灵中飞出震撼了世界。我国世界级大数学家苏步青墨香飘逸文坛,其几何学精华同样充盈着中华书法的神韵……对于少儿来说,美育更是平衡他们智慧与情感所不可或缺的工具,是帮助他们构建具有适应客观世界和创造世界能力的平台。历史至今,无数次证明人类教育中还没有其他任何一个学科体系具有如此全面深化、启迪发掘人们全面发展的功能。由此可见,美育既开启人的智慧创造力,又铸造人的创造灵魂。 二、美术教育在感性认知(能力素养)上对少儿健康成长的促进 感性是人的本能、欲望情感的一种需求和表现,是人格的重要构成。感性认知改变着人对事物情理的感受辨认分析角度。因此,感性教育、感性意识是促进少儿健康成长的不可缺少的重要教育手段。 (一)释放压力,唤醒欲望和本能 审美教育首先是针对人的“感性”进行的教育。美育作为一种感性教育,是以少儿为对象,直接感知为基础的。美育恰恰为人的感官提供了一片广阔的感知天地以开启心扉,它能将少儿自身积蓄的压力释放,唤醒那些在无意识之中沉睡多年、积聚多年的欲望与本能,挥洒情感思潮,凝炼积淀感知,创造展示自我意向。在这片天地里,美育以最美妙、最鲜活、最生动、最形象的动态直接进入儿童的心灵,为少儿敞开了一扇充满美好与快乐的大门,打开了一只充满神奇的“宝盒”。此时,少儿带着意愿憧憬,主动探寻着愉悦地走进美育提供给他们的广阔、自由的空间中,充分抒发表现自我。 (二)辨别善与恶,提升能力素养 善与恶是在人们心中以信念的方式建立的行为规范和评价准则。真善美与假恶丑就是这种信念的美育内涵的表达,即人的价值观念,值得强调重视。儿童教育心理学研究证明,儿童在抽象思维、理性方面的概括判断,只能通过具象的感性认知实现。美作为意识的高级形态,对人有不可忽视的引导作用,而德育的善恶理性观念必须由美育教育(德育本身也是美)完成。所以美育作为德育内涵的升华,在少儿接受道德教育的同时,在儿童心中建立起美育的感受,即什么是真、什么是善、什么是美,来启蒙、构建,并以此更加形象、具体、生动地将真与假、善与恶、美与丑的表象、属性深深地介入少儿脑中,增强他们是非判断能力。美育与德育的相辅相成,更具象和强化了少儿积极向上的意识,促进了少儿健康成长。 三、结语 综上所述,在对少儿教育的诸多模式中,美术教育成了促进少儿全面发展健康成长不可替代必不可缺少的重要环节。美育对少儿的德育、智育、情育等发展全面素质教育具有重要的融洽、促进作用。这不仅仅是美育教师的职责,更是教育界乃至全社会基础性育人者的职责,需要大家共同努力。 作者:谢苗英 单位:江苏省昆山市开发区青阳港学校 儿童美术教育论文:学前教育儿童美术教育论文 一、中韩学前儿童美术教育课程性质比较 中韩两国学前教育专业儿童美术课程性质大同小异,都是要求从理论和实践两个方面展开教学的。稍有不同的是,韩国儿童美术课程更侧重实践部分,而中国儿童美术课程在理论课时安排上更显优势。幼儿美术教育课程教材的编写,要根据幼儿各年龄阶段的不同表现能力,了解现实的课堂教学情况和教育机构对教师的要求等。美国儿童美术教育家艾斯纳提出,既要重视儿童美术学习的过程,也要重视儿童美术学习的结果,以学科为基础的美术教育主张,对我国儿童美术教育的发展产生了深远的影响。中国儿童美术教育过度关注美术作品本身和美术活动结果,从而忽视儿童创作过程的问题。作为中国儿童美术教育工作者有责任、有义务解决好这一问题,应了解儿童在不同时期有不同的艺术表达需求。例如,处于涂鸦期、前图式期的幼儿,可以侧重于保护幼儿艺术天性,提高幼儿创作的兴趣,尊重幼儿大胆想象、情感释放以及自我表达的本能;处于图式期、写实萌芽期的儿童,过度让儿童自由散漫、无基本技能支撑的创作,显然是不可取的。作为教育机构,幼儿创作结果失真的展示与宣传,也不利于儿童在美术教育方面的自然发展。因此我国学前儿童美术教育加强了课程价值取向;韩国学前儿童美术教育课程性质的研究,主要侧重于儿童发展取向。韩国在美术与儿童的两者之间,注重培养具有健全人格和艺术素养的人作为最终目标,将儿童的发展放在首要位置。韩国儿童美术教育在理念上强调通过儿童创作来发展他们的个性和创造力,把艺术作为一种达到目标的方法,而不作为一个目标。韩国重视儿童美术发展的价值,尤其在幼儿涂鸦期得到体现,但随着儿童年龄的增长,由前图式期向图式期的过渡,长期处于无技能指导和支撑的自发状态,对其发展也是不利的。 二、中韩学前儿童美术教育课程内容的比较 儿童美术教育是学前教育专业学生的一门专业必修课程,其目的是使学生初步掌握幼儿美术教育的理论知识、正确的教育方法和多样化的教学方法,具备一定的幼儿园美术教学的实际操作能力。中韩两国学前儿童美术教育课程内容都具有各自的特点: (1)中国学前儿童教育以学科取向形式呈现课程内容 中国学前儿童美术课程在活动内容设计上是偏重于技能训练的,以美术学科的基础知识、技能为主要依据来设计该课程。其优点是:能够使幼儿相对系统地学习美术知识和技能,能够使教育者有序地组织教学活动,使幼儿作品得到一定标准的评价。其缺点是:可能会导致幼儿创作兴趣大跌,导致幼儿脱离自己的生活和经验,过度技能的训练还导致幼儿逐渐丧失艺术创造力。学科取向的不足现象已经被多数教育者所知晓,从而积极采取相应、有效的方法加以弥补。混合取向的美术教学活动是目前我国幼儿园美术教学活动中采用较多的一种取向,能够取长补短。 (2)韩国学前儿童美术教育以儿童发展取向形式呈现课程内容 韩国学前儿童美术课程在内容设计上充分满足幼儿创作的兴趣,让儿童成为创作的真正主人,主张把一定学科的知识转化为儿童当下的生活经验,使儿童获得全方面的发展。但过分注重美术活动中的偶发创作,过分放纵幼儿,让美术活动极具游戏性,其实会丧失儿童应有发展机会,造成有效资源的浪费。笔者在韩国走访了多所幼儿园,跟韩国相关的教育者也进行了相应的研讨,探究韩国学前儿童美术教育具有以下几个方面特点:突出专业性质,专业课程集中细致;了解多元化教育的理念,强调授者的功能;强调学生制作手工作品,定期进行手工作品展示活动;课程设置突出心理教育,如美术欣赏与心理教育、游戏与心理指导。中韩两国学前儿童美术课程内容上也有着诸多的相同点:一是儿童美术教育课程内容都具有理论和实践两大部分,在理论课程设置上都要求学生初步掌握基本理论与基本知识包括。如儿童美术及其教育、儿童美术的发展、教师与儿童美术教育、幼儿园美术活动的设计和实施、幼儿园美术教育评价等。二是在实践课程设置上都包括作品欣赏和实践操作两个方面,实践操作又分为绘画和手工两大类。中韩两国在实践课程方面是有很大区别的。首先,我国学前教育专业学生儿童美术实践课程内容,主要以技能训练形式呈现课程内容,对教材的大量临摹和再现,刻板的涂色等成为教学的主要内容,偏重于技能专业化教学。绘画内容一般包括简笔画、水粉画、版画、国画、装饰画等,手工包括泥工和纸工等。其中简笔画教学被称作学前教育专业学生基本功,是学生必须掌握的,学生经过反复训练,基本能够达到应物象形,却失去了美术的创造力;水粉画教学,能够使学生了解水粉基本的表现技法,但不能转化到实际的幼儿美术教学中;版画教学过于重视传统知识和技能,没能与幼儿实际能力相联系;儿童水墨画教学,注重本民族绘画的传播与训练,这是值得肯定的,具有一定的现实意义;装饰画教学,过于注重临摹和再现,儿童创作力得不到体现。其次,韩国儿童美术实践课程内容一般以主题的形式呈现课程内容。以贴近幼儿生活经验和兴趣爱好的主题呈现课程内容,把幼儿对美术活动的喜爱、对美好事物的初步感受和欣赏、对各种基本操作方法和表现技能的探索学习等方面的内容,根据课题的需要,自然地渗透到每一次具体的活动当中。手工操作的类型很多,如撕贴、剪贴、染纸、折纸、厚纸制作等纸工,以及泥工、综合材料制作等手工类型。这样,每一次美术活动都与他们的生活和兴趣紧密相连,同时包含一定的美术技能。这些操作类型以及其中涉及的技能技巧按照由简单到复杂、由易到难的顺序,作循序渐进式安排。同时,根据主题活动的需要,同一类绘画或手工类型的操作又可以在不同学期反复出现。幼儿在这种感受、创作的过程中,可以慢慢地积累相关知识,获得有关技能,得到艺术感受和表达能力的提高。生活化和情感性贯穿于每一个主题中,激发儿童的创作欲望,保持儿童对美术活动的兴趣。 三、中韩两国学前儿童美术课程组织与实施比较 中韩两国学前儿童美术课程都非常注重课程的组织与实施。在课程组织中都针对学生的实际水平,安排多样的操作实践,如加强儿童美术课程教案的编写,安排学生去幼儿园熟悉幼儿园美术教学的过程,参观幼儿园室内外环境布置等。首先中韩两国幼儿园教育教学都非常重视教学计划的制定。中国的《幼儿园教育指导纲要(试行)》和韩国《幼儿教育法》等都有所体现,各自结合本地的实际情况、幼儿园的实际水平、教师的条件,制定出具体的行之有效的教学计划。韩国学前儿童美术课程教学计划分为半年计划和课时计划,有效保证了教师有计划、有目的、有步骤地对幼儿进行美术教学,克服了美术教学工作的盲目性、随意性和偶然性。其次,韩国非常重视儿童美术课程教案的编写。课前教学设计的好坏,对一节课的成败起到关键的作用。教案是教学活动设计的体现,是重要的教学准备。教案因人而异,但都应写得明确、具体、实用。教案包括课程名称、教学纲要、教学准备、教学过程这几个方面。除此之外,韩国在儿童美术课程教学过程和课程评价方式上也有自己的特色,如在教学过程中组织学生到幼儿园参观,了解幼儿园的节日装饰和日常环境布置,熟悉幼儿园美术教学过程,增加学生对美术运用的感性认识。从而把课堂学习过程直接与就业上岗工作、学校课堂教育教学与幼儿园实际工作紧密联系起来。在课程评价上采用多种评价形式,如学生自评、师生共评、作品展评、作业批改等,在这一点上与中国类似。 四、结语 总结中韩两国学前儿童美术课程教育异同,其主要目的就是为了扬长避短,借鉴韩国学前儿童美术教育的优点,克服自己的缺点。从中韩两国学前儿童美术教育课程比较,受到以下几点的启示意义:把课堂教学权还给老师,鼓励教师选择教育模式、教学内容的创编和课程教学方法;幼儿是课程生成的主体,要及时关注幼儿生成的课程,有利于幼儿探索精神和创造力的发展;学会发现有价值的东西,学会尊重,学会支持;培养儿童丰富的情感和完美的个性,提高儿童美术教育的质量;理论与实践相结合,积极提高儿童美术教师的综合文化素养和教学水平。 作者:江丽亚单位:南京特殊教育师范学院 儿童美术教育论文:儿童美术教育论文 一、目前儿童美术教育存在的问题 1.教育价值观 背离人文精神由于教师在迅速转型的现代社会中生活和工作压力与日俱增,其往往重视应试教育,导致美术教育陶冶情操的目的渐渐淡化,这使得一些学生在一段时间的学习后,美术技艺越来越高,但纯真稚嫩的天性渐渐消失。本应该拥有人文性和情感性的美术教育被理性化和机械化的艺术规则取代,这些都会对学生以后的性格和情感产生一定的影响。笔者并不是反对美术技能教育,而是更想让学生通过美术学习并懂得一些人生的道理,让他们学会如何分辨美与丑,从而更好地指导他们以后的人生方向。 2.内容枯燥 形式单一在功利性教育背景下,教师往往只注重教材知识的讲授,不注重教材的研发,而且常常从成人的角度讲授知识,忽视了学生的思维特性与成人的差异,这就造成了美术教学与学生思维和情感体验方式的背离。原本生活是所有艺术创造的根源,但是现代社会急功近利的态度加剧了儿童美术教育中美术欣赏部分的缺失,现在的一些学校并不注重引导学生到自然界和生活中发现美,忽视了艺术来源于生活这一本质。学生不去欣赏美,就无法创造美。可见教师应该注重学生想象力和潜力的开发,让他们快乐地学习美术课程。3.评价标准以教师的思想为主当前部分学校的教师单纯地认为儿童美术教育仍然以教师教和学生学为主,因而只是把自己对作品的感受和体验告诉学生,而没有让学生通过美术学习自己探索获得审美经验和提升自己的审美情感,更为严重的是教师扼杀了学生潜在的想象力和创造精神。 二、儿童美术教育实现人文精神培养的对策 1.以儿童的视角重新审视美术教育的地位教师 要依据学生的不同个性因材施教,从不同的角度看待儿童绘画,儿童绘画与学生的身心发展相同,存在一片净土,在这片净土上,所有的学生都按照自己的个性成长着,而且在学生的心目中儿童美术教育具有不可取代的神圣地位。因此,教师应该为学生创造一个自由想象和创作的空间,对他们的创作成果给予积极评价和鼓励,尊重他们的审美感受,分享他们在创作中的快乐。 2.引导儿童了解和尊重多元的文化教师 通过对美术与文化之间关系的分析,可以对不同地域文化背景加以了解,从而让学生尊重多元文化。由于我们接触的一些美术作品都具有一定的象征意义,这就要求教师引导学生通过欣赏美术作品感受其中的文化内涵,以及美术作品的内容、形式和自然美。教师可以带领学生走进博物馆和美术馆等地方,让学生了解其中的民族文化和艺术等方面的知识,从而使学生了解各国文化和艺术的差异。教师还可以和学生一道访问艺术家工作室,让学生了解更多的艺术及其流派,结合一些资料让学生了解各国的人文和地理环境。 3.教师注重对学生人文性和情感性的培养 美术教师不仅要提高自身专业知识,更重要的是对儿童绘画进行解读,并且善于与学生进行交流沟通,加强对学生心理的探索,了解他们的所思所想,为更好地进行人文性和情感性的培养做好铺垫。教师可以让学生用语言表达自己的想法,然后进行创作,这样可以提高他们的语言表达能力和对环境的适应能力,可以让他们的情感得到充分的释放,从而更好地激发他们的想象力和创造力。 三、结语 根据以上的论述可以看出,教师在儿童美术教育中,应该注意对学生人文精神的培养。人文精神是美术教育的关键,它应该贯穿于儿童美术教育的始终。只有这样才能使美术教学课堂变得生机勃勃,才能激发学生学习美术的兴趣。教师应该树立以人为本的理念,建立平等、自由、和谐的师生关系,让每位学生都能得到全面、个性化的发展。 作者:侯瑞单位:内蒙古呼伦贝尔市满洲里市湖西小学 儿童美术教育论文:现代儿童美术教育论文 一、尊重儿童的率真天性 每个儿童都具有创造的潜能和天赋。弗兰兹•西泽克认为“:既然儿童的绘画与成人的不一样,甚至比成人的更纯真、更富创造性,对现代儿童的美术教育就不能简单化地按照成人的意志,以成人的标准教给儿童成人的画法,儿童美术教育应以儿童的自由表现为主,重在发展儿童与生俱来的创造本能与创造热情。”①对待儿童绘画作品时候,应该善于发现其独到之处。儿童看世界的角度不同于成人的角度,儿童更多的发现了我们成人忽视的细节,所以儿童绘画中更多地体现出孩子的率真不羁、敏锐的直觉表现。就这一点而言,作为家长和教师更应该尊重儿童,不要以成人的技法、标准去衡量一个孩子的作品,要把他们作为一个主体的人,要透过他们的特殊表现去理解其本质意义,释放孩子的想象力,为儿童的创作提供一个自由、宽阔的空间。 二、感知儿童内心世界 现代儿童感知这个世界的时候,对于情绪、思想、感受有着强烈的表达欲望,由于年龄限制,语言不能完全表达内心感受,所以孩子选择涂画的方式,用绘画的“语言”表达他们对于所见世界的认识和感受,孩子的绘画作品成为我们走进他们内心世界的一扇门。心理学家认为,儿童的绘画有着独特的特点和很强的内在逻辑性,绘画是儿童表达自己情绪情感和对事物理解的一种方式。如线条的表现形式可以解读出孩子的情绪:线条清晰、稳定表明孩子的情绪稳定,线条模糊表明孩子胆小、自我压抑;色彩表现的冷暖可以看出孩子的性格是活泼还是安静内向等。研究表明儿童画作为一种符号形式与儿童的认知发展、性格、心理、情绪有着千丝万缕的联系,反映着儿童对于周围世界的认知程度。作为教师、家长关注、学会这种与孩子之间特有的沟通“语言”,在此基础上给孩子的成长做出正确的引导。 三、建架儿童创作的桥梁 在当今这个数字化多媒体时代,人与人之间少了一份面对面的沟通,特别是21世纪的现代儿童被家长呵护的如温室里的花朵,普遍缺乏亲身体验和直观感受的环境,1899年第一所儿童博物馆在美国布鲁克林出现,1907年有了现代儿童博物馆,1927年又诞生了世界上最大的印第安纳波利斯儿童博物馆。正如西方著名的艺术史学家李斯托威尔曾提出:“每一种创造性的想象都必须有感情的动机作为先行的条件,这就是一种需要、一种欲求、一种愿望,一种没有得到满足的冲动,或者一种这样那样的情绪。”②美国视觉艺术教育专家伊莱恩和鲁斯极为重视在美术活动中的交流过程,他们认为在交流中“能帮助儿童了解自己,学会思考,观察和认识情感,整个教育过程将从这些理解力中获益”。儿童博物馆成为家长、老师与儿童的一种情感思想层面交流的媒介,在观察和触觉作品的时候,拓宽儿童的创作动机,提高儿童的审美意识,起到积极的互动作用。 四、教师“扮演好”在儿童天地中的角色 儿童要比成人更加敏感一些,在成长过程中,需要给予肯定和鼓励,美国的心理学家曾经说过,“人最本质的需要是渴望被肯定。”每一个人都是从儿童时期走过来的,回忆小时候,教师的肯定与鼓励,都会让我们信心倍增,成为前进的动力,所以教师在教课的时候要付出更多的耐心与爱心,没有爱的教育就是一种失败的教育,所以教师需要及时和孩子交流思想。同时教师要具备一定的艺术修养和心理学、教育学理论基础,因为绘画不仅仅是儿童的一种技能练习,它更是儿童情感表达的一种方式,是儿童的一种语言。现代儿童绘画教育,应该是无规矩才成方圆,培养儿童的创造力要比教授儿童绘画技法更加重要。教师需要在了解儿童思想的前提下,激发儿童的创造热情,正确引导孩子在绘画过程中表达自己的感受。 我国儿童美术教育的质量需要与时俱进,应该针对我国国情与现状制定出一套适合儿童的教学方法。这样才能形成一个良性循环,更好地发展我国的儿童美术教育。 作者:王媛单位:东北师范大学美术学院 儿童美术教育论文:儿童人格培养美术教育论文 一、小学美术教育培养儿童的基本能力 用视觉形式冲击学生感官的美术教育,是儿童加深对世界的认识的有效途径,其中的绘画课程不但能够有效地提升儿童的动手能力,而且能积极推动儿童观察能力的提高。在好奇心的推动下,儿童能够通过细心的观察来找出事物之间的细微差别,积极地自我观察能够让儿童逐渐养成细心观察的习惯,这是培养儿童健全人格的主要途径。同时,小学美术教育可以帮助儿童完成记忆力训练。小学美术教育的写生教学可以帮助学生对身边比较常见的事物进行更全面的了解,并借助自我记忆来完成特定形象的记忆。这不但能锻炼儿童的观察力,而且能训练儿童的记忆力,从而推动儿童健全人格的形成。想象力是小学美术教育的主要培养目标,在儿童观察力和记忆力不断提升的基础上,不断培养儿童的实践技能和创新意识。比如小学生在画鱼的过程中可以联想到海底怪兽或者美人鱼,这样的联想锻炼将会对儿童想象力进行有效地锻炼。最后,小学美术教育不但包含必要的美术绘画和手工制作,还包含相应的美术成品欣赏和美术作品创作,这对小学生审美形态的形成具有长远的影响。早期美术教育在引领小学生认识美和发现美的过程中,逐渐提升小学生的审美情趣,培养小学生的艺术素养,推动小学生形成相对健全的人格。 二、小学美术教育可以推动儿童全面素质的发展 首先,作为一门重要的艺术教育形式,小学美术教育可以促进儿童个性塑造。作为陶冶儿童情操的有效方式,美术教育课程的开设将会从理论和实践两个层面推动儿童完整个性的形成。美术作品是最能体现儿童内心的艺术形式,从美术作品的绘制过程中小学美术教师能够体验到儿童内心主动、敏感和独立的性格特点。合理的安排美术作品,可以激发儿童内在的实践意识和创新能力,能够推动健全人格的形成。小学美术教育的开展促进儿童个性教育的发展,需要以儿童的兴趣为出发点,按照儿童身心发展的规律,丰富儿童绘画课程的内容和表现形式,促进儿童思维和智力的双向延伸。其次,小学美术教育可以促进儿童智力的发展。儿童智力的开发需要从左脑训练和右脑开发结合在一起。但是,现阶段小学教育的内容不是文字就是数字,这给儿童的左脑造成了极大的压力,但是其右脑的开发却几乎处于荒废的状态,这对儿童的开发是非常不利的。早期美术教育课程的开展,可以引导儿童在观察和感知事物的过程中明确某一特定事物的外在特性——外形、结构和颜色等,锻炼儿童的抽象思维能力,推动儿童智力的发展。再次,小学美术教育可以培养儿童的创新意识。作为目前素质教育中培养儿童创造意识的有效途径,小学美术教育课程的开展把儿童文化讲述和实践能力培养放置在同样重要的地位,是个性教育在小学教育阶段的集中体现。小学美术教育的开展,将会引领儿童在勇于实践和创新的过程中形成丰富的想象力和表现力,从而提升自我艺术修养,实现健全自我人格发展的目的。小学美术教育在培养儿童创新意识的过程中,小学美术教师应该积极引导学生进入最佳学习状态,激励儿童进行大胆的想象和合理实践,用美术教育的重要性合理培养儿童的创新意识,推动儿童人格的发展。 三、总结 在小学过程中开展美术教学,能够在一定程度上推动儿童基本能力和全面素质的提升。作为一种刺激儿童视觉的艺术形式,它不但让儿童具有更加敏锐的观察力和强劲的记忆力,而且可以帮助小学生完成个性塑造,推动儿童智力和创新意识的发展,这些都是儿童人格健全的一个方面,小学美术教育能够从这些角度促进儿童人格的完善。 作者:何代君 单位:江苏省金湖县育才小学 儿童美术教育论文:儿童早期美术教育论文 1儿童早期美术教育重要性分析 加强对儿童早期美术教育重要性的分析,对于后续教学工作的开展有着重大且积极地影响,所以应当引起高度的重视。一个成年人眼中做不到的事,儿童眼里就能做得到,因为他们的思想处于原生态,没有束缚。而成年人,受到各种教育、宗教、政治等社会上的各种干扰与困惑,禁锢在各式各样的牢笼里。孩子的心底宽阔,天马行空,只有了解孩子的这些天性,才可以和孩子一起学习美术,必须有和孩子平等甚至低下的思维方式尚可谈及幼儿教育。孩子眼里美的人和物便是人间最美的东西,和孩子探讨这些美好东西将是成年人永远的美好的回忆。成年人和孩子学习的内容应该是绘画,了解合作对象又不能以自己为师,只有乞求孩子接受你,方能进入到孩子们万花筒般的思想世界。 2儿童早期美术教育对儿童成长的影响 根据上文针对我国当前儿童早期美术教育的重大意义和深远的价值等进行综合性的分析,可以明确到工作的内涵所在。下文将针对儿童早期美术教育对于儿童所产生的重大影响等进行深层次的研究,旨在更好地促进教学思想和教学方式理念的改进。对于儿童早期美术教育,应当从颜色的层面着手,由于不同年龄阶段的儿童对于事物的认知也有着一定的差别,所以应当注重教学和教育方式的差异性。在一般的情况之下,儿童对于蓝色以及绿色等颜色的反应相对而言较为平淡,而对于橙色以及红色等较为鲜艳的颜色表现则相当的强烈,对于颜色所呈现出来的物质变化等反应敏感程度也有着巨大的差别,所以在实践的儿童早期美术教育过程之中还应当重视上述的情况。但是需要注意的是,不同年龄阶段的儿童对于颜色的敏感程度不一样,处于婴儿阶段的儿童应当教导其使用嘴以及手等,感受不同物体的形状,另外,颜色对于婴儿所产生的刺激可谓是相当强烈,所以,对于此阶段的儿童采取恰当的儿童早期美术教育,有着重大的意义。在实践的教育过程之中监护人还抱着孩子,仰望天空,引导其对天空之中的蝴蝶、鸟等进行观察,同时引导幼儿观察身边的花草和植物等等,在这样多重颜色的刺激之下,儿童对于颜色的认知也必将有着巨大的提升。在实践的教育过程之中还应当注重的是对于儿童的表扬,恰当的表扬可以全面地提升儿童的信心,这一点对于其今后的成长以及个人发展有着巨大的意义,在表扬的过程之中还应当注重对儿童积极性的提升,以增强儿童进行绘画等的兴趣。因此,早期美术教育应是不断探索、不断改变现状,因人、因地、因时灵活的教育方式,不可用成人的目光抱着功利的目的实施教育。恰当的教育方式,对于儿童的个人成长也必将起到深远且积极的影响。 3结束语 采取恰当的儿童早期美术教育方式,可以形成儿童较为高尚的道德情感,且实现对儿童思维方式的提升,为其今后的成长奠定基础,正如上文所分析到的,儿童的思维方式对于美术教育的发展也有着一定的影响,儿童的一些天真并且简单的思想,可以采用美术教育来进行塑造,同时由于儿童有着较为丰富的想象力,所以采取恰当的儿童早期美术教育,对于其后期的发展以及个人成长也有着关键性的影响。综上所述,根据对当前儿童早期美术教育教学过程之中需要注意的问题以及教育工作开展的重难点等进行集中性的分析,从实际的角度出发,深入且细致的对教学工作的开展方式以及开展的相关优秀理念等进行了综合性的探讨,旨在以此为基础,为相关教育教学工作的发展奠定坚实的基础,同时为更好地促进儿童的健康成长而做出积极贡献。从本质上进行分析,开展科学化的儿童早期美术教育对于儿童的成长必然有着关键性的影响,所以应当对相关教育工作产生深刻的重视,且不断地完善教学的理念和教育工作的思想,为后期儿童的健康成长奠定坚实的基础条件。 作者:毕瀚书 单位:北华大学师范分院 儿童美术教育论文:儿童美术教育论文 一、鼓励儿童独特的审美与表现 1.营造课堂氛围,调动儿童兴趣在上每节课之前,教师都需要利用一些工具,如投影仪、电脑、幻灯片或启发式的语言,抓住儿童的兴趣点,让儿童在顺其自然的状态下走入课堂,进而开始教学。若不做前期工作,避免不了生硬的授课方式,儿童的积极性就会受到相应的影响。兴趣是最好的老师,教师的课前准备是必需的。 2.尊重绘画原创,倾听儿童心声毕加索曾说过,他一辈子都在追求像孩子一样画画。儿童所创作的作品有他自己的想法与情感,是纯粹的、天真的,和他们的心灵一样。他们接受美术教育并不是为了追求某种技法,更多的是有其情感上的体验,与其精神相结合,是他们对现实生活的理解,是他们自身思想的表达。虽然教师授课的主题相对固定,但是不同的学生有不同的思考,有其个性的一面。教师应当尊重儿童绘画的原创部分,保留其独特的绘画表现,鼓励儿童发挥创造力和想象力。 二、多采用手工与绘画相结合的教学方式 美术课堂材料的多样性是深受儿童喜爱的,儿童的好奇心驱使他们产生学习动力。在课堂教学过程中,笔者发现儿童更愿意接受手工与绘画相结合的授课方式,纯粹的图画已经不能满足儿童的需求,他们渴望创作出更加丰富多彩的作品,而尝试使用剪刀、胶水等工具会让他们兴奋不已。有些儿童对于单纯的绘画有较好的控制力,但在操作工具时还是显得有些生疏。儿童的兴趣不会因为这点小挫折被磨灭,他们会在自己的作品创作中更加投入,专注地做自己的事。有时候,虽然作画的材料是一样的,但可以制作出不一样的作品。以纸盘为例,白色的纸盘可以让儿童在上面涂色作画,也方便剪裁。在课堂上,教师可以将纸盘作为儿童的手工材料,将纸盘一裁为二,一种是以纸盘作为小鸟的身体,另一种是以纸盘作为水母的身体。同种材料不同的做法带给儿童极大的乐趣,他们对纸盘也有了自己的想法,如作为小乌龟的壳、小狮子的脑袋(周围加上碎纸条)或是对折成西瓜等,儿童新奇的想法不断涌现,这些都可以作为课后内容去实践、探索。 三、重视儿童在美术活动中的成果 1.儿童相互欣赏,提高审美能力每次课程结束时,笔者都会要求儿童将作品贴在黑板上,大家互相欣赏、评价。在这一过程中笔者会问他们:“你们觉得哪个小朋友的作品好?哪里好?”这时候儿童会自己思考并说出他们的想法,这也是一个重要的学习过程,让儿童学会欣赏他人的优秀之处,相互之间的赞赏让儿童更加有自信、有激情。 2.教师恰当评价,激发创造动力美国儿童教育专家吉拉德•培特森在《观念改变行为:与孩子一同成长》一书中谈到:“我们小的时候想象非常丰富,长大以后就没了。这是怎么回事?”在他看来,首要原因是儿童的幻想没有得到家长的鼓励,而对儿童最有力的鼓励,是父母亲对他的爱、兴趣和注意。同样,教师对儿童的评价也是至关重要的。在学生互评结束后,教师往往作出补充,在对儿童作品进行表扬之后,可以用“你这里……画会更好”这样的方式激励儿童改进,而不是用否定的语气与儿童交流,教师要学会用正确的交流方式和儿童相处。 儿童美术教育是对于儿童创造意识的培养,是一种启蒙教育,并非一笔一画的呆板的教育,儿童的感官能力在美术活动中能得到充分的开发,这对于他们其他方面的教育也有促进作用。通过儿童美术教育,儿童的视野扩大了,他们会以欣赏美的角度看待生活、看待学习,也会变得更加积极、乐观,日常生活也会变得更加丰富而充实。教育者和家长应当试着站在儿童的角度理解其在儿童时期生理和心理上的需求,切忌把教育内容当作一项任务去完成。多和儿童交流,用心体会,像朋友一样与儿童相处,你会发现儿童的世界简单、平凡而美丽。 作者:许菁单位:南京师范大学美术学院 儿童美术教育论文:现代儿童观与儿童美术教育论文 一、儿童美术教育对现代儿童观的背离 在中国,由于现代人文思想和自然科学的影响,现代儿童观受到了普遍的欢迎和接受;但我们的儿童观在与现代儿童观逐渐同步的过程中也出现了一些偏差和背反,主要表现为对儿童溺爱的同时,却不尊重他们的兴趣爱好,甚至强制性地改变他们的兴趣和行为取向,将儿童当作实现成人的愿望和理想的工具或是当做成人社会相互竞争的牺牲品。当下的儿童美术教育也存在严重的背离现代儿童观的现象。如今的儿童美术带有明显的伪成人化特征,脱离了儿童的真实认知与情感状态,如学习中国花鸟画时,并没有引导儿童实际观察真实的花鸟,画牡丹没有见过牡丹,画老鹰没有见过老鹰,只是从成人美术中照搬样式。有的老师将自己喜好的样式和风格强加给儿童,令其模仿和学习,从而造成用儿童的手画成人画的现象。更有甚者,一些老师为了谋取虚荣,让儿童摹画自己画好的作品,送去参展或比赛;还有的老师干脆捉刀。究其原因,可以概括为:其一,突然加速发展的儿童美术教育,引发了浮躁和虚妄的现象。儿童美术教育迅速发展,原本应该是值得夸赞的现象,因为这表明整个社会越来越重视儿童艺术素养的形成与提高,然而对应这种突如其来的加速发展的却是我们从教者心理和学习上的准备不足。目前,除了公办儿童中心和少年宫的儿童美术教育机构之外,民办的校外美术教育机构遍及大江南北。校外美术教育机构规模不等,大的机构甚至开设连锁和加盟分支机构,学生动辄数百上千。 这些机构之间竞争激烈,故而存在许多隐患。其一,赢得家长(而不是儿童)的青睐成了竞争的焦点。为此,一些儿童美术教育机构不惜以成人化的教学效果吸引家长,因为其效果非常直观。其二,家长给予这些机构过高的期望。在当今竞争日益激烈的社会环境中,家长普遍具有望子成龙、望女成凤的心理,许多儿童被送到校外教育机构学习美术并非己愿,而是由于家长的从众心理和相互之间的攀比。而且,许多家长都渴望能在极短的时间里,看到自己孩子的“进步”和“成果”。有些家长对儿童美术比赛尤其热衷,在一些现场,家长比参赛的孩子还要紧张,似乎参加比赛的不是孩子而是自己(图1)。这种压力自然转嫁到了校外教育机构的老师身上,导致他们为满足家长的虚荣心而做出违背儿童美术教育规律的事情。其三,导向错误的儿童美术比赛泛滥。社会的需求必然导致相应活动的出现,由于家长和美术教育机构的需求,现在的儿童美术比赛非常之多。其中有些比赛会因为主办者以及所聘请评委的专业素质不高或对儿童美术理解有误,从而误导了儿童美术的自然取向。其四,一些从业教师缺乏对儿童美术的正确认识。由于儿童美术教育的迅速发展,急需大量的从业教师。这些教师来源复杂,其中一些人既没有经过就职前的专业教育,上岗后又没有得到合适的培训,因而对儿童美术教育缺乏正确的认识。他们往往用原有的“美术”和“设计”专业知识从事教学,从而导致儿童美术教育被“专业”扭曲。 上述很多做法,是在爱儿童的招牌下行害儿童的事情,实际是不尊重儿童、不遵循儿童身心发展规律的行为,违背了现代儿童观的主旨。因此,什么是儿童美术?什么是儿童美术教育的真正价值?需要我们做深入的思考。儿童美术具有独特的内涵。这一概念与儿童文学、儿童音乐、儿童舞蹈等概念的内涵并不类同。后者几个概念的内涵是“成人为儿童创作的文学、音乐和舞蹈,或供他们欣赏、体验和学习”;而儿童美术的内涵则是“儿童根据自己的观察、体验,运用美术方法的创作活动及其作品”。正因为自己创作与他人为其创作之分野,使得儿童美术具有极强的发展意义,因为毕竟儿童终归要发展为成人。作为生命属性,唯一能代表人的智力、情感和体力高峰的是成人而非儿童。同理,能代表人类美术最高成就的是成人美术而非儿童美术。如果说儿童美术代表着人类最高成就,那么试问:我们能够说出几位世界著名的儿童画家吗?我们又知道哪几件儿童美术的杰作呢?相信没有人能够回答这样的问题。而凡是初具美术知识的人却能轻而易举地列出一些著名成人美术家的名字及作品。其实,成人对儿童美术的偏爱和褒扬是因为能够从中感受到天真无邪的童趣和肆意无拘的想象。虽然一些成人艺术家也尝试以儿童的眼光看世界,模仿儿童的手法表现世界,如毕加索和米罗;却没有必要无限地夸大儿童美术的艺术本体价值。 儿童美术教育对不同的人具有不同的价值,从儿童美术中,心理学家可以发现儿童的身心状态,艺术理论家可以找到艺术发生学的证据,美术家可以借以拓展自己的创作思路和空间,一些家长可以满足自己的虚荣心。然而这些价值都是外在的,儿童美术教育的真正价值又是什么呢?儿童美术教育的价值体现为四个流向。其一,促进人的优秀素养的形成。优秀素养,指的是一个公民应该具备的基本素养或共通素养,包括思想品德、人文精神、审美品位、思维能力、认知理解、合作交流、创新意识等。儿童美术对这些优秀素养都有极大的贡献率。比如,通过美术教育对儿童进行思想品德教育就是一种普遍的现象,无论古今,无论中外。中国画论中关于绘画的功用说,最早见于《左传》,其中谈到青铜器的图案和铭文的作用是“使民知神奸”;唐代张彦远认为美术之功用是“成教化,助人伦”;鲁迅同样认为“美术可以辅翼道德”。西方的哲人柏拉图等也有类似的看法和表达。其二,贡献学科素养。每一个学科都会向儿童贡献独特的学科素养。数学能够训练人的逻辑思维能力和严谨的行为习惯;美术能够贡献观察力、感受力、想象力、创造力和动手实践能力。其三,使人形成终身的爱好。儿童学习美术,不一定将来从事与美术相关的职业,却能形成对美术的热爱,并有可能在业余或者退休之后成为一种行为取向,充实闲暇,丰富精神,提升品位,获得幸福感。其四,成为职业。虽然大多数学习美术的儿童不一定将来以美术为职业,但依然有些儿童长大后会选择美术作为自己的专业,以此谋生并获得成就感。现供职于中国美术学院的曾获得国际建筑学最高奖普利兹克奖的王澍先生小时候就曾在儿童美术教育家张桂林先生的指导下学习过美术,现在从事与美术相关的工作。其他还有一些著名画家也在童年学习过美术,后来就以美术为终身职业。这四种流向体现了儿童美术的价值,综合而言,美术教育的价值在于促进儿童的身心发展和人格形成。从这个意义上说,儿童美术教育具有未来学的意义。因此,儿童美术教育的基本原则应该是“立足当下,着眼未来”,无论家长还是学校的教师,都不要过多地纠结于眼前的一件作品是否符合成人社会的标准或者得奖,而应该关注在学习美术过程中的儿童身心发展状态以及儿童美术教育对学生未来的正面影响。 二、基于现代儿童观的儿童美术教育 社会上有人呼吁“让儿童美术教育回归本真”。所谓“本真”,在国学中和一些哲学流派中有不同的理解。在国学中,“本”指的是元气,是宇宙万物之根,属于先天的存在;“真”指的是真气,乃宇宙万物的生长,属于后天的发展。宇宙万物的衍变和发展取决于“本”和“真”的相互作用。而在德国哲学家海德格尔的“本真现象”哲学中,“本真”指的是“生存可能性的无蔽展开”,即在群体氛围和趋同心理的压力下,依然保持自身的优势基因,体现个性,拒绝异化,追求真理的精神。而在一般的解释中,“本真”含有本源、真相的意思。在我们的话题中,“本真”主要取“真实、自然”的含义,因此所谓回归本真,应该是帮助儿童美术教育回归到一种真实和自然的状态。这种状态与现代儿童观合辙。 如何让儿童美术教育回归本真呢?首先,应该全面而辩证地认识本真。尽管我们承认“本真”具有真实和自然的内涵,而且也主张儿童美术教育应该努力体现这一内涵,但应该认识到,本真不是静态和绝对的;如果将其视为静态和绝对的,没有受到任何教育影响而创作出来的儿童画应该是“纯天然”的,最为本真的。但这种“本真”只是一种短暂的存在,因为儿童是要不断发展的,他们不仅是自然人,更要成为社会人。其一生的发展不可避免地会受到一定程度的社会文化的影响,而且这种发展对于由自然人成长为社会人具有重要的价值,也对每个人所处的社会具有正面的意义。所以,教育应当努力保持特殊个体的自然本性,同时也要赋予其特殊的社会性。正如英国学者赫伯•里德所说,教育包含两个矛盾,“一方面是人应该接受教育以实现本来的他,另一方面是人应该接受教育以成为非本来的他”[2]。因此,在儿童美术教育中,我们拒绝的不是教育,而是不合适的教育。从这个意义上看,我们似乎应该让先天之“本”与后天之“真”彼此相助,从而推进儿童的发展。要使得“本”与“真”彼此相助,前提是需要充分认识儿童的身心发展规律及其体现在美术学习上的阶段性特征,并在此基础上实施合适的教育。合适的教育,指的是所选内容的难度不应超过特殊儿童发展期的认知和操作能力,选择的方法也要适合特殊儿童发展期的兴趣和需要。比如,过早地将一个低幼儿童引入成人的花鸟画样式,难免“揠苗助长”之嫌:我们在用一种外在的方式让儿童被动地接受和模仿,表面上看去似乎画得很成熟,可以博人一誉;但本质上违背了儿童的天性,逾越了儿童的自然发展,本真付之阙如。因此所谓“本真”,不是让儿童永远停留在自然状态,也不是过于主观地让儿童超越自然状态;而应该让“本”和“真”携手,迈着稳健的步伐,沿着发展的道路,以适当的步幅和步频前行。儿童美术教育的“本真”应作如是理解。其次,要智慧地平衡如何表现和表现什么两个方面。任何儿童美术教育都不可能回避这两个方面,在这两个方面都照顾得好的儿童美术教育才是高明的。 如何表现主要关乎媒材的选择、形象的组织和技法的运用。不同创作个体的差异是通过选择的恰当性、组织的审美性、运用的合适性显现出来的。儿童美术同样如此。在儿童美术中,由于自发性以及相关知识的缺乏,在“如何表现”方面的主动性和选择性的空间相对于成年美术更狭隘,需要教师给予一定的帮助。这正是我们教师的可为性所在。比如在表现时需要与学生协商,选择恰当的媒材,是平面媒材,还是立体媒材?具体而言,是纸、泥、木、金属,抑或其他?一般规律是,如果是综合性的美术创作活动,在材料的选择性方面范围会更大,因而也相对自由;如果给学生规定了具体的媒材或美术的门类,媒材的选择范围会狭小,学生创作的自由度也相对较小。在形象的组织性方面,儿童有符合其年龄特征的组织方式,但教师不能放纵他们的惯性。考虑到其发展性,也可以在协商的基础上,帮助儿童完善对形象的组织,比如运用一些形式法则或者不同的视点的画面效果,以便获得更多的审美性和独异性。不同个体在表现的品质方面获得的水平与他们的表现技法有着密切的关系,因此也是大多数教师所关注的。技法的提高依靠的是“事”(指某一次正式的表现活动)先的积累,“临时抱佛脚”的现象比较少见,体现为“你平时是什么水平,现在就是什么水平”;但针对一次正式的表现活动所进行的临时局部性技法练习仍是被允许的,而且也会收到一些较为明显的效果。表现什么,是儿童美术活动的灵魂,是“如何表现”的依归,也是儿童的美术魅力之根源。因为它直接反映出儿童经验范围、思想程度、情感状况、发展水平,是他们所感、所知和所想的直观呈现。在此方面,存在的最大问题是一般化和概念化,在一些儿童的作品中,鲜见观察的独到、思想的奇异、情感的独特、经验的偏僻。 在以一次“关怀”为主题的美术活动中,大量的作品描绘扶着盲人过马路、给妈妈洗脚、小鸟的家园等情节,这是典型的一般化、概念化。这种现象的出现是儿童自己的认识局限,还是成人的命题结果?值得深究。而针对“关怀”这一主题,有的儿童却能画出工地上农民工吃饭的情境(图2),有的儿童也能画出街头被窃井盖后的空井(图3),这样的表现才显现出独异性。如何做到表现内容的独异性呢?可以参考的建议是:唤醒儿童的体验,丰富儿童的经验。其方法可以是讲故事、讨论、进行角色扮演、观看视频、参观游览、亲为活动,通过这些活动帮助学生打开全部感官,使得他们触动情感,揭开记忆,让身心保持一种开放的状态。在这样一些状态中,努力将知识与经验内在化。知识与经验是可以通过语言和文字加以传播,并强加给儿童诉诸记忆;但此举因为不能唤起儿童的内在情感而只能成其外在的知识与经验。这种外在的知识和经验既不能长久,也不能促进儿童情感的发展,即便作为表现的内容也只能是表浅的。让儿童背诵李白的《静夜思》是轻而易举的事,但让他们产生内在的理解,最好的方式就是让他们获得体验。我设想了一个情境:中秋节的前一个月带一群儿童西行旅游。在中秋节的晚上,当大家一起坐在西部沙漠上望着空中一轮皎洁的明月、听到声情并茂地朗诵《静夜思》时,会发生什么?我问儿童,他们说:“我们会哭。”只有在这种情境中,他们才真正理解了《静夜思》表达的孤独、思念的情感。可见,体验是知识和经验内在化的重要途径。这也启发我们,给儿童的任何指导最好经过学生的心灵,并由他们有意识地、主动地发挥出来。虽然通过外在的方式也能获得一些效果,但那只能是表面的和短效的。 总之,任何教育理想都是基于人们对希望受教育者“应该是怎样”这样的问题生成的。我们对教育现状的满意与否,都是来源于我们对它们之间吻合度的判断。同样,我们对当下儿童美术教育的满意与否也是来源于不同的儿童观。根据现代儿童观,我们对儿童美术教育的现状加以判断,有满意之处,也有不满意之处。满意出处应当坚持,不满之处需要改进。基于现代儿童观的儿童美术教育事业才能在稳健前行。 作者:尹少淳单位:首都师范大学美术学院 儿童美术教育论文:校外儿童美术教育论文 孩子们在生活中看到的,感受到的都可以用绘画的方式来表达,绘画语言也是丰富多样的。儿童美术教育的教学目的是培养儿童用图绘、想象、动脑、动手的方式发展艺术想象力和创造力。美术教师是课程教学的设计者、实施者和评判者,而不是简单的传授技艺和方法的教育工作者。校外儿童美术教育的真正目标是引导、开发儿童对图像的感知和创造能力以及表达能力,促进少年儿童智力。因此,我设计了几套剪贴画教学,希望通过这样的教学给孩子们带来艺术上的启发与引导。我的设计思想是让孩子们运用多种材料完成一幅作品,打开思路,有创新意识。我以其中一个案例《城市中的人们在公园里》为例进行说明和讲解。 首先,准备材料剪贴画课程的材料准备的基本要求是让孩子们选择收集与画面制作相关的纸质图片、布料、线绳等多种日常生活用品,为了达到画面丰富的效果,可以使用彩色卡纸做背景,剪刀和胶棒必不可少。本类课程适合在小学二年级以上的学生中开设,并且具备一定的绘画基础,因为要用到剪刀,老师一定要强调安全意识。老师要预先给出一个创作题目,我们这节课要制作的是《城市中的人们——在公园里》,收到题目后,孩子们可以在彩色卡纸上进行背景创作。有的孩子画了一个大大的喷泉,有的画了冷饮屋,有的画了摩天轮,有的画了亭子、湖水、假山……内容丰富多样。同时,在孩子们创作的过程中,老师要给予适当的教学干预,在辅导过程中启发与引导非常重要。例如,有的孩子会向老师求助:“老师,我想画摩天轮,但是不会,你帮我画画。”这时我没有直接帮他画在纸上,而是启发他:“孩子,你坐过摩天轮吗?”“坐过!”“那你在远处看见过它吗?”“看到过!”“远看像什么形状?”“圆形,椭圆形!哦!我知道了,先画个大圆,中间有线!”经过启发式的对话,孩子的创作热情被激发,创造性地把座位画成圆的、方的、三角的,非常有想象力!接着,我们开始剪贴,孩子们可以根据自己收集到的材料加工画面,比如说废旧的杂志画报都可以。例如一位学生在喷泉边剪贴了一个人物和一条小狗,中间他用粗线连接,感觉像是在遛狗,非常有趣;还有的学生,动手能力比较强,会选择用不同材料拼贴人物,先画出人物的头部、四肢,其余的部分选择用各类布头拼贴,非常生动。有的学生使用海绵纸,由于海绵纸的质地比普通纸稍软,颜色丰富,好上色而且容易修剪黏贴,是大部分孩子的首选。在孩子们制作的过程中,老师要适当干预,启发他们创造生活当中丰富的画面。通过这样的课程设置,孩子们学会了观察和感受生活中的方方面面和角角落落。我习惯在上课前把题目布置下去,让孩子们先去实地观察,互相交流,相互提意见,这样对于他们进行再创作有很大的帮助。通过一个阶段的绘画制作,孩子们形成了独立的思考,制作风格和艺术效果多样化。最后,作业的评分也是教学的重要组成部分,作业的评判对孩子及其家长具有较强的指导作用,评判标准的确立会引导家长、孩子去建立较高的审美和鉴赏水平,因此老师对于儿童美术作品的评判环节尤为重要。儿童心理研究学者边霞博士认为:“我们的教师应该转换评价的方式,如可以问孩子最喜欢哪一张而不是哪一张最好……”我觉得这样的评判方式非常重要。 我们要做的是允许孩子用自己的认识和理解去表现和描绘这个世界,允许对艺术有不同的评价尺度和审美标准,允许儿童的个性和身心自由、快乐地成长,而不是单纯地灌输和要求。这样的教学宗旨会让儿童感觉到校外教育的乐趣,给孩子们营造一个轻松而快乐的学习环境。如果我们对孩子评价是另一个标准,如“这张画好”“这样的画儿画得不工整”“我们应该这样画”,只能说明我们没有读懂孩子的心理,没有理解儿童美术教育到底是为了什么,我们就不可能还给孩子们一堂真正意义上的美术课。我们可以努力创造一种宽松的学习氛围,让孩子们互相观摩作品,互相评判,这样可以让孩子看到别人的不同,学习和借鉴别人的优点。 作者:李欣 单位:呼和浩特市青少年活动中心 儿童美术教育论文:儿童美术教育中素质教育浅谈 儿童是一个国家兴旺发达的不竭动力,儿童的发展更关乎人类知识文明、素质文明的进步,美术教育作为提高国民审美能力有效手段之一,对儿童素质教育方面的培养有着不仅重要而且特殊的作用。在儿童的表达语言中除了口语,图画的作用依次。通过图画来解释儿童内心活动、情感已经成为关爱儿童成长发展中的一个重要部分。儿童美术教育的作用是促进审美意识萌芽、启迪心智、培养爱心、发现生活之美的教育。近年来,无论是城市还是乡镇,发达或是欠发达地区中学生家长对于儿童的美术教育的素质要求愈来愈高。现如今,在物质文明的高度发展大于精神文明发展的今天,如何促进社会更加和谐的前进与发展?整个社会也越来越重视美术教育这一重要的社会文化活动尤其是针对儿童早期的美术教育。 一、制度下的素质美术教育 1999年制定并出台了《中共中央国务院关于深化教育改革全面推进素质教育的决定》,2001年颁布了《国务院关于基础教育改革与发展的决定》又于2011年正式出台《全日制义务教育美术课程标准》。我国正在逐步细化美术教育对于儿童全变发展的制度化管理,从全面推进素质教育到基础教育的改革和发展,再到义务教育的美术,接下来将会出现对于每个阶段美术教育对儿童心理、生理、生活、社会认知等方面做出更加细致的分工。这正体现了我国对于儿童基础素质教育的重视程度正在不断的提高。美术教育的人文性质不言而喻,美术课程是在实施素质教育过程中不可替代的一部分。《全日制义务教育美术课程标准》的制定,致力于体现素质教育的要求,以探索性和综合性的标准制定课程,通过美术教育与儿童学习、生活体验密切联系,使儿童在和谐、友爱、积极的情感生活体验下,增进儿童想象思维和创造思维的发展,促进审美意识与能力的启蒙,增强对大自然的热爱和社会文明的责任感,燃气对未来和创造美好生活的憧憬与奋斗。 二、儿童美术教育培养目标 我国美术教育的总目标同其他科目相同,从三个维度设定,包含:“知识与技能”、“过程与方法”、“情感态度与价值观”。随着当今社会对人才的需要,提出了更高的素质教育改革要求,在符合三个维度目标的同时,美育在培养儿童知识面上突出了综合性、个性化并使其身心愉悦、健康等特点。对于儿童美育的目标而言,其培养目标可大致概括为:1.提高儿童的认识、认知能力;2.优化、拓展智力的进步;3.以游戏形式全面发掘儿童的智力潜力;4.重视儿童个性发展;5.保护儿童丰富想象、创造力;6.使身心健康、快乐。著名艺术家丰子恺先生说过:“我教艺术科,不求学生作直接有用之画但求涵养其爱美之心。能用作画一般的心来处理生活、对待人生,则生活美化,人世和平。少儿美术教育,应当是启迪心智、培养爱心的教育,至于将来能否成才成家,那要看孩子日后的发展,由他们自己决定。对大多数孩子来说,艺术不过是一种素养而已。”某一次,去参加朋友儿子的百日宴问朋友:你想让他以后做什么?朋友答:快乐就好了。我们往往在无意识下就会想自己的孩子的将来,但是这样往往扼杀了孩子自主意识,然而儿童的美育课程目标不是“越早学习就越有希望成为艺术家”的误区。 三、儿童美术教育实践内容 儿童阶段的孩子在表达自己的思想和感情时都表现出了不同的障碍,但通过游戏活动来认知、学习,不仅可以增强儿童学习美术的兴趣,而且可以使他们学习到美术感性方面的知识与内容。儿童美术教育在选择内容上应注重体现其游戏与生活,使儿童真情自然流露。儿童美术课程应是一种无压力课程。可以说这种安排还具有指导儿童生活、促进身心健康、儿童精神治疗,缓解的作用。如我国人民教育出版社出版的一年级美术课程教材中多以生动的同龄儿童作品以及优秀的艺术作品为主,辅以概括性的文字介绍,例如“美丽的印纹”、“神奇的口袋”、“彩线连彩点”等,很少有介绍美术专业绘画知识的内容。目的就是为了引导学生去想象、思考、体验、创作。儿童在接受美术教育过程中,丰富视觉、触觉、审美体验,获得对美术学习的浓厚兴趣,形成美术素养、美术审美的启蒙。同时,儿童的审美体验与表现之喜悦感,培养了童年丰富的情操”,使社会、家庭更注重孩子们创造能力的培养、审美的愉悦以及人格的完善。 四、重视家庭与生活的影响 美国著名教育学家罗恩菲尔德讲过:“艺术教育的目标是造就富于创造力的身心健康的人。每个儿童应无拘无束地运用创作欲望,运用自己的感官去感受和体验生活,这就是发挥创造力的最佳途径。”人类是大自然中的人类,但却比自然环境中生活的生物更高级,有审美,人类在进行物质创造与生产的同时,更需要交流感情与思想。自然而然的就产生了图画、手工、造型艺术等艺术行为,人们通过这些艺术性未来追求美和感受美,从而得到精神上的愉悦。正如日本著名学者高山正喜久认为的:美术并不是简单的教养,而是生活,是人类的一种本能的娱乐行为。儿童以个人、集体、家庭合作的方式参与美术活动,发现生活之美,激发创意,注重理性与感性平衡的素质教育。了解美术语言及美术表达方式和方法、运用各种画面,表达情感与思想,爱护环境、感受生活、学习美术欣赏方法,提高审美能力启蒙,了解美术对文化生活和社会发展的独特作用。 五、结语 美术教育在教会儿童什么是“美”什么是“丑”的同时,也保存了儿童对事物认知的果断、端正的态度,美术的教育对儿童而言不是成为“艺术大师”的禁锢,而是在社会进步中要求我们全面、综合性发展的素质教育中的重要组成部分。 作者:张天 单位:广西师范大学 儿童美术教育论文:儿童绘画本质与儿童美术教育原则 摘要:儿童美术教育一直是社会关注的焦点,儿童美术教育应是在愉悦的环境中找到兴趣,为创新能力的培养打下坚实的基础,从而达到儿童美术教育的目的。 关键词:儿童;美术教育;原则 一、儿童绘画的本质 人类真实生命的体验在童年,童年滋养着我们的精神世界,同时也培养了我们必备的创新素质,所以绘画创新思想的培养在儿童阶段尤为重要。在儿童的眼里,他们对于世界的认识不仅充满好奇而且永远那么美丽。所以通过孩子们最真实的想法使他们认识绘画融入到绘画中,只有这样才能让他们通过绘画来表达对美的认识。我们通过正确的启发与引导,使孩子们在绘画的世界里展开翅膀,让画面具有生命活力。保罗•克利说艺术并不是描绘可见的东西,而是把不可见的东西创造出来,正是基于这种特殊的经验领域的感受与体位。我们说的儿童绘画是指孩子们自主完成的画面,他对于整幅画面的理解是和自身成长与自我生活的经验紧密相连的。儿童绘画通过观察、思考结合眼、脑、手的协同,画出具有生活体验、表达内心情感的画面,所以也有人把儿童画称之为儿童生命图像。儿童绘画首先应保护其本性的真实,尊重个性发展,培养纯洁童心,从个人兴趣爱好出发顺应自然成长规律。生命和情感真实的表达是儿童教育的本质,老师应通过美育活动及其绘画作品来了解儿童的性格、习惯及兴趣爱好。家长应给与孩子更多的鼓励,支持孩子,不要过多干涉儿童的思维,应让孩子在画面中尽情表现,自己细心聆听,耐心欣赏孩子画面中所表现的故事。真正了解儿童所需的一切,只有这样儿童才会充满自信。儿童绘画相对成人而言,他会更加的纯真及更富想象力及创造力。所以在美育过程中,我们应更多的关爱孩子,关注其童心,孩子们才会感觉绘画不是一种负担,而是一种情感的表达,才能吸引孩子去画,在绘画中使儿童找到乐趣,对其健康成长也会起到积极作用,从而达到美术教育的效果。对于孩子本身来讲,儿童天生都会有欣赏美、感受美及创造美的一些能力,对外界陌生的东西他们会充满好奇与激情,儿童对天生具有美的欣赏能力,在孩子眼中世界是灿烂美好的、五彩缤纷的。儿童脑海中呈现的所有物象,在其放松状态下他都可以通过画笔表现出来,因为审美是他们的本能,感受美也是天生的。绚丽的颜色能使孩子的童年充满趣味,这是我们很多年通过实践所得出的结果。孩子们的情感及情绪会通过表情表达,也会通过其绘画作品及绘画过程表达出来,情感的体验与表达是孩子内心真实的表现,我们抓住这些特点,学会通过孩子们的绘画作品了解其内心真实的情感,走进孩子的内心世界,去了解他们,更好的启发孩子的创造力及想象力,给孩子更加广阔的创造空间和想象空间,更好地关爱孩子。儿童绘画的特点突出体现在表现在造型夸张稚拙,想象大胆新奇,其绘画作品中流露出内心的真实情感及对世界的认知和想象。儿童绘画与成人绘画在表现形式也是不同的,相对成人绘画儿童的表现形式更加夸张及符号化,能使我们更加明显的感受到对自由活泼,对真、善、美的追求。所以,在儿童美育中,我们更应该关注儿童内心的真实情感,关注孩子们的童心,使孩子们的艺术潜能得到最充分的表达。儿童美术教育其实不仅和孩子学习相关,也是对孩子的一种素质培养,会对其生活的各个方面有直接和间接的影响,让绘画走进孩子的生活,让孩子的生活充满绘画,使孩子们在绘画中享受生活,这样才能使儿童美术教育的价值得到更充分的体现,也是美术教育本质的一种表现。 二、儿童美术教育的原则 (一)兴趣原则 驱使儿童进行绘画创作的动力来源于兴趣,他们在创作中表达对一些物象的兴趣。儿童创造艺术的方式多变和自发的,儿童在绘画的学习过程中,更注重自己情感的表达,如过分要求技能的表达,会使儿童产生抵触情绪,甚至不愿学习绘画。儿童美术教育也并非不注重技能,只能说技能的掌握只是一小部分,而更多要考虑儿童自身成长过程中心理、生理发展状况,以提高儿童的好奇心及兴趣为儿童美术教育的最初原则,使儿童对绘画的学习成为自己的一中内在需求,而不是受外界压力所驱使。待培养起其对绘画的兴趣之后,再进一步引导他们向更高的目标方向学习,逐步掌握绘画技巧。 (二)愉悦性原则 目前教育大的环境整体缺乏宽容性,在其影响之下,儿童美术教育在课堂的管理上也相对过于呆板。本来用于儿童真是情感表达的科目,往往因为课堂气氛过于严肃,让孩子们感到肃然无味,兴趣锐减。教师与家长过于强调孩子学习的眼前成果,也使得儿童美术教育的功利性过强。从根源上讲,儿童美术教育是要通过绘画增强学习趣味性提升儿童对学习的主动性,进而使儿童的潜力得到充分发挥。绘画本身是给人带来精神享受和审美愉悦的一门学科。所以儿童美术教育要积极把握愉悦性原则。儿童美育愉悦气氛创造的前提是自由度的培养,儿童美术教育要做到管理适度的,尽量减少压制和束缚,营造轻松快乐的气氛,利于儿童创新思维发展,潜能的释放。“当学校教育过度致力于将学生从自由状态转变为控制状态时,全面限制个体的自由范围则使内含于自由之中的智慧也随之被摒弃。” (三)创新思维原则 21世纪的教学主旋律是创新,创新思维也是多元智能理论所提倡的,美育也是培养儿童创新能力的一种重要手段。儿童美术教育过程中我们要鼓励孩子们大胆的创新,在儿童美术教育阶段创新思维的培养应得到鼓励与提倡。 1.给儿童创造性思维发挥创造有利环境 尊重孩子的创造力与想象力,儿童创新能力培养的前提是创造利于儿童创造性发挥的客观环境。在情感心理上给儿童创造宽松环境,儿童在任何活动中都渴望被关注,所以我们要了解孩子心理给孩子信心,让孩子以合理的方式表达自己的情感。另外,我们也需要给孩子创造能够引导儿童创新活动的一些硬件设施,孩子们的想法能够借助硬件设施进行实施。 2.积极引导儿童美术创造活动 美术教育在培养孩子的创造能力时,要让创造性思维形成习惯,这就需要我们在孩子们的创造过程中给予一些引导,打开儿童的思路使其思路更开阔,要让孩子自己探索答案,敢于创造。教师在美术教育中给于启发式引导,让孩子对绘画感兴趣,并且联想大胆,作品在完成后,我们要对孩子以鼓励为主,建议的提出一定要委婉,以便更好的引导儿童。总之,新型儿童美术教育,不是单纯的技能教育,也是一种审美素质教育,发掘儿童的绘画天分,使绘画除了能培养儿童确的审美观以外也能使其心理和生理能力得到健康的发展,使得儿童的人格得到塑造,兴趣与创造力得到相应的培养,审美的素质与情趣也会得到大幅度提升。我们要为儿童美术教育的发展创造优良环境因素,使儿童得到整体全面的发展。儿童美术教育的发展与进步,最终要体现在课堂教学过程中,研究儿童美术教育教学对儿童的学习和发展是非常重要的,儿童的每一步成长,思维的每一点开阔,都会为以后的社会发展带来了创新性的因素,促使社会快速健康的向前发展。 作者:李粉 单位:黑河学院美术与设计学院 儿童美术教育论文:现代信息技术对儿童美术教育的影响 随着时代的不断变迁与发展,现代化科学技术也在迅猛发展。当代社会的发展,已经与现代化信息技术紧密相连。与此同时,现代化信息技术已经深深渗入到教育行业,也在美术教育领域发挥着极其重要的作用。当代教育者们要深刻认识到现代化信息技术对美术教育的重要性,结合现代化的信息技术,创新美术教学方式,使教育成果更加显著,让学生能在更好地学习环境中掌握所学美术知识。因此,我们详细分析了现代化信息技术对儿童美术教育的影响及其产生的作用。 一、现代化信息技术的运用实现对儿童美术教育的两个转变 近年来,随着我国现代化教育改革进程的不断加深,现代化教育越来越注重学生综合素质的培养,儿童的美术教育也越来越被人们重视起来。现代化信息技术对儿童美术教学的影响转变主要有以下两个方面。 (一)使美术教师由“讲”转变为“导” 传统的儿童美术课堂教学主要是由教师讲述课本上的美术知识以及教会孩子绘画一些简单的事物,教学内容不够丰富与生动,难以激发孩子的创造力与想象力。在信息技术不断更新的时代,也要求儿童美术教育追上时展的步伐。因此,儿童美术教师在课堂讲授有关美术知识后,还应运用现代化信息技术,引导儿童对美术的学习进行自主的探索与学习,利用丰富的学习资源来拓宽孩子的视野,有利于儿童的想象能力的培养以及美术教学质量的提高,实现美术教学由“讲”到“导”的转变。 (二)使儿童由“听”转变为“学” 在传统的儿童美术教学中,儿童主要是通过听教师讲课来获得相关美术知识。这样的教学方式对于儿童来说太过于被动,并且很难激发儿童对于美术学习的兴趣。所以,运用现代化信息技术激发孩子自主学习的积极性,如,在学习花朵绘画课程时,可利用现代化信息技术,让孩子更加清楚直观地了解到所画花朵在各个生长时期的不同特征,激发出孩子们对花朵绘画的学习兴趣,并主动地学习关于所画花朵的相关美术知识,实现了孩子从“听”到“学”的转变。 二、现代化信息技术的运用激发出儿童对美术创作的兴趣 利用现代化信息技术,让孩子进入一个个童话世界,从而激发出儿童对美术创作的兴趣。绝大多数儿童都对童话故事或者动画故事片有着特殊的偏爱,相较于静止的图画,孩子们更加喜欢生动活泼的事物。孩子们的思维常常介于现实和想象世界之间,这正是孩子们进行绘画艺术创作的最佳状态。在儿童的世界里,童话或者动画故事里的人物都是富有生命力的,这在他们的绘画作品中,也会有所体现。例如,孩子们常常会把太阳用老爷爷的脸部形象表现出来;把植物画的具有人的特征;把日常生活中的用品赋予人物形象特征等。现代化信息技术的不断发展,使得现代教育也深深受到影响。在美术教育中应用电脑与多媒体教学措施,采集丰富的绘画教材的信息资源,再利用现代化信息技术将信息进行整合,制作出生动的教学材料,使教学过程得到优化,让孩子们学习变得更加轻松,调动孩子们对美术学习的积极性,增加其学习的兴趣。除此之外,在儿童美术教学中,对于儿童来说比较难以理解的相关概念,则可通过现代化信息技术让孩子们理解地更加透彻。例如,美术教师在教授孩子们绘画树木的过程中,如果只是根据教材中相关参考图片,那么孩子们则可能会无从下手,不知道该如何去树立关于一棵树的形象,但是如果应用现代化信息技术的多媒体教学,让孩子们通过各种电子图片观察各种树木,如松树、柏树、柳树等,或者直接播放关于树木的纪录片,让孩子们透彻了解树木的特征,激发其想象力,那孩子们则会更加容易的进行创作,并从中体会到创作的乐趣。 三、现代化信息技术的运用激发出儿童对绘画的激情 在儿童美术教学中,利用现代化信息技术,用音乐做辅助材料,帮助孩子创造出一个意境,激发其对美术学习的兴趣。应用现代化信息技术,用音乐作辅助,创设出一个情境,能更有利于儿童想象绘画对象。多媒体美术教学是综合“声”、“乐”、“画”、“色”,使孩子们在美术教学课堂中能更好地感知事物,充分发挥其想象力,利用多种感官的刺激获得绘画所需的信息资源,更好地完成绘画作品。 四、现代化信息技术的运用利于对儿童创造力的培养 在儿童美术教学中,运用现代化信息技术,不仅仅有利于孩子们掌握基础的美术知识、绘画出多样的作品,还有利于培养孩子们想象能力与创造能力。利用现代信息技术,在美术教学中帮助孩子对绘画对象进行声色同步、形象直观的了解,并可利用多媒体播放有关动画视频,使孩子通过对绘画对象自主发挥充分想象力,创作出形象生动的作品。 五、结语 科技的不断发展,把我们带入了信息技术时代。随着现代化信息技术不断深入各个行业及各个领域,现代教育事业也与新兴的信息技术相结合,实现教育改革目标。在儿童美术教育中,更加需要结合现代化信息技术来进行教学,使传统的美术教学方式得到转变,更好地培养儿童想象力和创造力,利用绘声绘色的美术教学课堂,激发孩子对美术知识的学习兴趣,使儿童美术教学的教学质量在现代化信息技术的应用中得到有效提升。 作者:卞舒民 单位:吉林吉林市第一实验小学 儿童美术教育论文:儿童美术教育艺术 改革开放以来,教育愈来愈受到重视,就其本身而言,教育观念是否新,教育思想是否先进,教学方法是否正确,亦是非常重要的,更值得认真探讨。 那么,什么样的老师才是好老师呢?我们认为:一流的老师教人,二流的老师教知识,三流的老师误人。 教师具有什么样的教育观念,教育思想和教学方法,就决定了他怎样教学。 教育的宗旨应放在培养有能力、有优良品质、有高素养的现代人——二十一世纪所需要的开拓型人才这个基点上。那么,如何在儿童美术教育中贯穿这一宗旨呢?我们应从以下方面作出努力。 一、培养儿童的创造性。 黑格尔说:“说到本领,我认为最重要的艺术本领就是想象。”美术课最重要的任务就是要激发引导孩子们的想象力,孩子们最大的乐趣也在于幻想,每一个孩子的心都是一个充满幻想和想象的神奇世界。教师的教学应着眼于童心的释放,鼓励儿童好奇心的张扬,如自由自在的野外写生,随心所欲的泼墨赋彩、绘声绘色的形象思维启动等,都能激发孩子们用自己的画将神奇的童心世界表现出来,使想象力得到发展。 二、培养儿童的开放意识。 孩子们生活在一个开放的、高科技的信息时代。教师在教学内容上,应丰富多采,让他们接触人物、动物、花鸟、山水、建筑、民风民俗、影视等大千世界所有的美好东西,扩展他们的视野;在风格技法上,应接受传统和现代的各种流派,可运用毛笔、水彩笔、油画笔、刻刀,甚至计算机等各种可接受手段;使之形成一种开放的意识,塑造开放的人格。 三、培养孩子的艺术感觉和艺术气质。 儿童美术教育把孩子们带到一个美的世界中去,教师在教学中要引导学生多鉴赏,如讲解大师的作品,带领他们参观好的画展,到郊外观察大自然,讲述优美的童话故事,听音乐等,提高他们的对美的感受能力,同时也能培养他们真挚美好的感情、陶冶他们的情操。 四、培养儿童自由、平等的**意识。 好的教师应尊重孩子、平等地对待他们,给予他们积极的指导性的建议,尊重和倾听他们的见解和判断力,为他们创造一种自由、愉快和谐的**气氛,在一种自由的游戏状态中学习和创作。让他们无拘无束地表现自己。 五、培养儿童的自信心。 兴趣是儿童学画画的基础。教师的职责就在于保护和激发他们潜在的兴趣,充分调动他们的积极性。教师还应多采用鼓励的方法,发现和充分肯定他们的优点,看到他们的进步,使他们对自己的才能产生自信心。绝不能轻易地伤害他们的自尊。 六、培养儿童的竞争意识。 竞赛状态最能调动孩子们的积极性,老师应创造一个平等和谐的竞争气氛,表扬、奖励成绩优秀的孩子,鼓励、帮助进步较慢的孩子,使他们努力赶上来。适当参加一些美术比赛、展览活动,培养孩子们的参与和竞争意识。 另外,儿童美术教育是一个长期的、定时的训练过程,这对磨练儿童的毅力,培养他们持之以恒的精神,能动能静的禀性等都是大有益处的。 总之,教育不仅仅是教孩子一些知识,训练一下他们的技能,更重要的是为了育人,是为了培养德、智、体、美、劳全面发展的高素质的现代新人。 儿童美术教育论文:美术教育对儿童思维的培养 我国著名教育学家陶行知先生很早便意识到儿童美术教育与创造力培养之间的密切关联。他曾在《创造的儿童教育》一文中写到:“我们发现了儿童有创造力,认识了儿童有创造力,就须进一步把儿童的创造力解放出来”“创造的儿童教育,不是说教育可以创造儿童,儿童的创造力是人类至少经过50万年与环境适应斗争,所获得而传下来的才能之精华,然而发挥或阻碍,加强或削弱,培养或摧残这创造力的也是环境。教育是要在儿童自身的基础上,过滤并运用环境的影响,以培养加强发挥这创造力,使他长得有力量,以贡献于民族与人类。” 前苏联著名教育实践家和教育理论家瓦阿苏霍姆林斯基(1918-1970)就曾指出:“教育工作者的任务在于发现每个受教育者身上一切美好的东西,不要用学校的条条框框限制他们,鼓励独立工作——进行创作。”因此,色彩、线条、形状正确与否,是否符合日常的思维意识并不重要,而尊重学生对于世界的独特认知与审美,为学生的创造性思维潜质营造空间,才是儿童美术教育真正的本质诉求。儿童美术教师所扮演的角色应该是儿童美术感知与思维的构造者,而非灌输者。这种构造并不是传统教育意义上对于受教对象的辖制,而是一种“自主”空间的搭建。在搭建的过程中,教师应弱化陈旧教育方式中的“标准化”美术技巧,而倾力于激发、引导孩儿童的个性表达,注重发挥儿童在美术创作过程中的主体地位。美术教育对儿童创造性思维的培养起到了关键性作用。儿童的创造性思维很大程度上来源于他们天马行空的想象力,在他们的认知世界中,所有事物都具有生命,儿童往往都会将它们拟人化。在儿童的绘画创作中可以看到能够“行走”的楼房、“微笑”的茶壶、“古怪脾气”的狂风、“乐于释放能量”的烈日等等……与以往限定描绘对象和运用材质的美术创作方式不同,在“主题性创作”中,美术教师只需在创作之前限定创作主题。比如,要求以“变化”为题目进行创作。在开始前让儿童尽情发挥想象,直至创作出自认为可以称之为“变化”的画面,并引导他们用语言表达出自己的想法。例如:“冰块的融化”“人的成长与衰老”“城市的千变万化”“一年四季的更替”都可以成为想象的对象,同时无需限定创作的材料与形式,鼓励学生发现并运用一切可用的创作媒介。 可以说,教师对于儿童创作的介入越少,就越能彰显出“美术”自身对于孩子的包容度,从而极大地发挥他们的浅谈美术教育对儿童创造性思维培养的重要性想象力与创造力。在儿童的美术教育中,可以培养其创造性思维的还有“通感”教育。通感教育指在美术教育中与音乐、戏剧、文学、电影等其他艺术形式的关联性。比如通过聆听各种音乐从而感受不同的节奏和情境;或根据戏剧和电影中的故事情节进行再创作,经由学生创造性思维的再加工,将其诉诸于不同形式美术创作的表达中来,是各种艺术形式启发下的多元化创作。由此看来,美术教学可以充分调动儿童的其他感官,如听觉、触觉、肢体语言等,并在相互置换与混合的基础上挖掘他们的审美直觉本能。通过这种互动游戏式的美术教育历程,可以将孩子的创造禀赋最大化地进行发掘。儿童时期的美术活动,正是经由逐渐感知、了解客观世界过程中将其对象化的视觉方式,这种图像的营造正是对儿童创造性思维的培养。儿童在探索过程中的绘画作品可能是幼稚、粗糙和不完美的,但在此过程中,他们的心灵得到了满足,情绪得到了宣泄,心智得到了发展,艺术教育的重要性超过了艺术本身,个性与创造性得到极大的发展。 因此,造就适合于其自身特点的美术创作空间,是儿童美术教育的优秀问题所在。爱因斯坦说过:“想象力概括着世界上的一切,推动着进步,并且是进化的源泉。”儿童正处于身心发展的阶段,我们应通过美术教育,培养他们的审美能力,丰富他们的想象储备,通过开放性的教育模式让儿童在早期的生活体验中激发出丰富的想象力与创造力。 作者:蒋思妤 单位:中央美术学院 儿童美术教育论文:学前儿童的美术教育探析 美术教育对幼儿的健康成长具有重要的意义,儿童的美术是儿童内心世界的真实流露,也是儿童认知世界的一种方式。幼儿在美术学习活动中,通过脑、眼、手的综合运用,可以帮助小朋友初步认识造型美、色块美和其中的乐趣,从而对周围的世界产生浓厚的兴趣。因此,恰当的引导与教育对于培养未来的艺术人才是极为重要的。孩子的早期美术教育主要是启发孩子们对美术的热爱,拓宽他们的视野,陶冶他们的性情和提高他们的审美意识,为孩子们早期的素质教育和文化教育打下坚实的基础。笔者认为在进行学龄儿童早期美术教育时要重视和掌握以下几点: 一、掌握幼儿心理特点是提高美术教育的前提条件 在孩子“呱呱”坠地的最初几个月里,对鲜明的色彩有了反应,对形体有了感受,如果在他们的床前挂着红、绿、黄色的气球,就能引起孩子的注意,而稍大一点的孩子则喜欢玩彩球和积木一类颜色鲜明的玩具。而在他们刚开始绘画时,鲜明的色彩更能引起他们的兴趣。他们起初使用蜡笔绘画时,不会考虑被画物体的本色,而改用鲜明的红、黄来绘画。如果问这是为什么?他们会异口同声地说“:这样好看。”这说明鲜明的色彩能刺激孩子的兴奋点。 幼儿在美术活动中喜欢兴趣性强、有玩有乐的活动形式已成为了幼教美术的前提条件。而幼儿美术教学活动的取材也应来源于丰富多彩的生活形象,经过提炼用故事化的美术形象来教学更富有吸引力。例如“:晒被子”是冬季常见的生活内容,如果直接让幼儿画一床被子,对幼儿就不会有多大的吸引力。但我们可以这样设计:先向幼儿介绍晒被子的简单常识,然后让他们欣赏儿歌“太阳下,晒被子,爸爸妈妈大被子,爷爷奶奶厚被子,娃娃的花被子也要晒,晒死细菌小虫子”。这样就让幼儿过渡到欣赏美丽的被面,接着让幼儿自制一床玩具小被子,挂在绳子上晒一晒。在这一过程中不仅提高了孩子的兴趣,孩子也不由自主被有趣的情节所吸引,很快投入到整个教学活动中来。 二、学龄前儿童早期美术教育的原则:幼儿美术教育必须注意浅显易懂,形式的多样性、生动性,启发性和鼓励性相结合在幼儿早期的美术教育中,为了使孩子多侧面、多角度的了解美术知识,在教学中不能单一程式化。将线条画、色彩画、布饰画等充分结合起来,这样才能调动他们用脑动手的积极性。在讲课中,老师要根据小孩子的不同特点,把语言尽量简化些,故事化一点,这样小孩子更容易接受。由于学龄前儿童只懂得一些简单的语言,对外界事物感到新鲜,这个阶段的教学往往需要老师耐心细致,不厌其烦的重复你所讲过的知识。 在幼儿美术教育中要掌握由浅入深的原则。有的教师在教学中注重了趣味性而忽略了上述原则。由于孩子的大脑发育还不成熟,认识问题还很肤浅,在教学中,重点是让孩子热爱美术,提高他们的审美意识,学会正确的坐立姿势,了解执笔、用色、用线、用点及其他简单的造型能力。 在教幼儿绘画时要由线到面,再到基本单个物象。有了这方面的基础后,再到物体的简单组合,最后才发展到有主题意义的情节绘画。而到中大班后,就要运用各种几何图形来表现事物的基本特征和某些细节,并会简单的描绘出人物和动物的不同姿态。幼儿大多数喜欢有颜色的玩具和用具。这是因为鲜艳的色彩对幼儿刺激性强,吸引力大。如教幼儿绘画时,幼儿就喜欢用色彩鲜艳的蜡笔或水彩笔画他们所熟悉的物体。关于教学的生动性和启发性的问题,在教幼儿绘画时不妨用讲故事的方式,用幼儿所熟悉的故事加上小动物的叫声引起幼儿的注意,再引入主题。如:在上中班的手指点画课时,我先给幼儿讲了这样一件事情:几天前,老师路过一个苹果园,看见树上结了许多又红又大的苹果,看完后画了一棵结满大苹果的苹果树。今天拿来给小朋友欣赏,从而引入主题。我还告诉幼儿,这幅画是用手指点画的,这样的开头语引起了幼儿极大的兴趣,在接下来点画的过程中,幼儿已经产生了浓厚的兴趣,所以在作画时很认真,很投入。 三、引导和发挥孩子的想象力和创造力孩子美术活动的想象力和创造力是指孩子利用材料及过去的经验重新组合材料,制作出对其个人来说是新颖有价值的东西,这种能力不仅在作品中反映出来,还从制作过程中显示出来,表现在孩子美术作品中,孩子常常打破成人有关美术创造的条条款款,出现一些在成人看来既可笑又非常可爱的现象。幼儿美术教育活动中,教师先引导幼儿以自己的眼光观察、感受艺术作品的造型、色彩、构图,观察周围环境中事物的结构、特征、运动模式,并通过语言的描述,让幼儿把通过感知所把握的整体艺术形式和自然在头脑中形成表象,当幼儿开始用色彩、形状创造想象时,教师又启发幼儿思考,对自己头脑中的表象进行加工改造,并加入大脑的想象,形成全新的形象,运用艺术语言在画面上或手工作品中创造性地表现出来,使得幼儿的美术作品显示出稚拙的情趣和成人美术无可比拟的独特魅力。同时教师对这种创造性的美术作品的赞赏和鼓励必然会使幼儿对美术创造活动产生更大的兴趣,更进一步地促进其创作能力的发展。 幼儿的思维从总体来看属具体形象思维,由于年龄发育的不同而产生差异。年龄小的幼儿往往出现幼儿前期的直觉行动思维,较大的幼儿则开始出现抽象逻辑思维。当幼儿所遇到的问题情境在一定程度上超过其知识经验所能解决的范围时,进行正确的思维教育,丰富他们的感性经验;指导他们解决事物之间的关系和事物的本质属性;鼓励他们积极思考。这将促进他们思维的发展,在美术教育中我们也应遵循以上规律来开发幼儿的思维。孩子的思维得到开发后,往往在他们自己作画时积极性十分高涨,想象力开始丰富起来。比如:有的孩子把平时所看到或想到的许多童话形象和卡通、鬼神形象或生活中的形象巧妙地组合起来形成一幅画。这段时间,孩子们的思维形式是想怎么样就怎么做,在他们的绘画形式上,往往不顾时空透视比例和虚空界线。由于有了这些认识,有的在老师教的简单画面上开始注意添加景物,而我在这方面的教学中,注意给孩子留点想象的余地,留点自由发挥的空间,这样他们会觉得很轻松,提高他们的想象力和创造力,这阶段对孩子的行为要多加鼓励,对他们的作品不求形似、不求逼真,只要他们的画有儿童味、有情节,色彩明快,画面清洁,构图饱满就是一幅好画,从而更好地调动孩子们绘画的积极性。 孩子是祖国的未来,人类的希望,时代需要有知识、有能力的全面人才,美术教育必须从孩子抓起,在美术活动中,我们应该始终以欣赏的目光注视着孩子们,用积极的态度激励着孩子们,并尊重儿童以游戏为主的天性,在美术活动中较多地运用诗歌、故事、猜谜语、做做玩玩等游戏,使儿童获得愉悦、新奇的情感体验,激发他们创造出别具一格的作品。幼儿才可以受到德、智、体、美等方面的教育,这对于幼儿认识社会、认识生活是很有必要的,而且对于增强他们对事物的表现力、想象力和创造力大有帮助。由此可见,学龄前儿童的美术教育是尤为重要的。#p#分页标题#e# 儿童美术教育论文:学前儿童美术教育思维能力培养 摘要: 随着人类文明程度的提高和教育质量的不断提升,家长们除了重视孩子文化知识的培养外,也越来越关注音乐、美术等艺术特长的培养,希望孩子得到全面发展。在学前儿童的美术教育上,其对于儿童的发散思维能力培养具有深刻的影响,作为教学应该注重培养学前儿童发散思维,在策略上注重课程设计上的开放性、美术教育活动上的趣味性、艺术的多样性以及关注学前儿童精神的培养,从而注重学生各方面的发展,真正体现美术教育的价值。 关键词: 学前儿童;美术教育;发散思维 随着人类文明程度的提高和教育质量的不断提升,家长们除了重视孩子文化知识的培养外,也越来越关注音乐、美术等艺术特长的培养,希望孩子得到全面发展。早教教育中,教师也希望学前儿童能够更早的接受全脑开发教育。在全脑开发教育中,语文、数学等的启蒙教育侧重于左脑的开发,音乐、美术等艺术学科侧重于右脑开发,尤其是手脑并用的美术早教活动对于学前儿童发散思维的启蒙与培养起着重要的作用。那么究竟什么是发散思维?美术教育中的哪些因素对学前儿童发散思维的形成具有重要作用?如何在学前儿童美术教育中潜移默化的促进其发散思维的形成?本文将对这些问题进行一一探索。 一、学前儿童发散思维概述 发散思维是创造性思维的优秀成分,是根据已有信息从多方面、多角度去寻找解决问题答案的思维方式。以一个目标为中心,把思路向四面扩散,沿着不同的方向,不同的角度思考问题,探索多种可能的解决方案,解决问题的方法具有多样性和新颖性。发散思维是创造性思维的最主要部分,也是测定创造力的主要标志之一。学前儿童发散思维的发展具有十分明显的年龄特点,随着年龄的增长发散思维逐渐提高,主要表现在发散思维的流畅性、变通性、独特性的发展。而且学前儿童发散思维的发展是不匀速的,5岁左右是学前儿童发散思维发展的转折期,5岁前快速发展,然后到了高原期,5岁后发展速度减慢。但是学前儿童的发散思维发展总体上来看并无显著的性别差异。由学前儿童发散思维的特点可知,5岁前是启蒙和训练的关键期,但是在家庭教育中发生的一些活动可能会抑制孩子发散思维能力的发展,比如家长有意的控制孩子的一些幻想以及创造性游戏,比如孩子好奇心和想象力天生就是很丰富的,会对生活中的一些不认识的事物进行猜想,发挥自己的想象力去给它们命名,家乡不要急于普及常识武断的否定,包括孩子们会通过过家家等活动去幻想一些场景,这些都是发散思维能力发展的载体,家长要积极鼓励。现实中往往会有些家长急于让孩子学习成人世界的规则和知识,扼杀孩子的天马行空的想象力。孩子的想象力是上天赐予的最宝贵的礼物,家长们一定要好好珍惜,好好保护。另外,儿童一定的知识经验可以为发散思维的加工、重组、快速发展奠定基础,所以学前儿童的早期教育也是十分必要的。 二、学前儿童美术教育对发散思维能力培养的影响 2001年,教育部制定并颁布了《幼儿园教育指导纲要(试行)》明确规定了学前儿童艺术教育的目标和内容,学前儿童美术教育的内容大致可分为三类:绘画、手工和欣赏。绘画教育要求教师引导孩子用纸张、笔等工具和材料,运用线条、颜色、形状等描绘出一定的视觉图像,并能传达出儿童表达的相关思想情感。手工制作教育要求教师引导幼儿运用形式多样的手工材料,通过撕、剪、贴、折等可以使用的手段制作平面的甚至立体的物体,从而锻炼并发展幼儿手部动作的灵活性和协调性,并使其对一系列动作的先后次序得到有效的规划。欣赏教育要求教师引导幼儿感受、欣赏、评价身边的大自然及社会环境的美,培养其审美体验,形成审美感情,启蒙审美评价能力和品位。 1、学前儿童绘画教育对其发散思维的影响 学前儿童有自己独特的个性,也有自身独有的思维方式,发散、个性、新颖。在很多层面,绘画都成为激发学前儿童发散思维开发的重要内容,通过绘画我们也能发掘儿童在心理层面、行为上所表现思想,因而美术教育是学前儿童身心发展中非常重要的组成部分。绘画通过动手的实践,将学前儿童在头脑中呈现的形象加工表现出来,这一活动发展了学前儿童的动手能力,更为重要的是拓展了学前儿童的发散思维。绘画教育本身也具有很强的优势来发挥学前儿童的发散性思维。绘画教育通过线条、轮廓、形状、色彩等这些要素激发学前儿童的创造性,他们通过不同的线条、色彩等塑造每一个他们头脑中的想象,或者通过不同线条、色彩等塑造同一个想象的不同表现形式,从而在这种教育中将学前儿童的创造性、独特性、发散性表现的淋漓尽致,勇士这种教育活动也让学前儿童获得了不同的情感体验,使他们得到全面的发展。当然,在教学过程中,通过激发学生运用各种材料,创造出不同形态、不同色彩构成的图片,作为教师可以依据这些事物有效地对其加以引导,充分发挥学前儿童以其特有的视角去观察事物、塑造事物。同时绘画教学也非常重视学前儿童的动手及参与过程。学前儿童从最初的关注轮廓及大致的颜色到关注细节及颜色的细微变化,都有助于他们培养思维。在绘画过程中,他们所做图画内容、形象的发展,也能很好地反映出他们的思维过程,对于教师有效掌握及引导他们的思维发展都具有深刻意义。 2、学前儿童手工制作教育对其发散思维的影响 手工制作也是美术教育中重要的方面。在手工制作中,学前儿童通过对材料的选择,依据自己的理解,将材料组成自己所期望的样子,这对于每一个学前儿童都是具有挑战性的工作,这能激发学前儿童的创造力。同时手工制作也能够有效锻炼学前儿童的辨认能力,使学前儿童更加关注细节和创造,充分发挥其发散思维。手工制作中最重要的是对材料的选择以及创造。在手工制作中,教师鼓励学前儿童选择各种各样的材料来创造作品,包括旧材料翻新、新奇事物创造等,引导学前儿童关注身边事物,接受学前儿童独特的思想及审美。同时针对同一事物鼓励更多的解决方式,激发学生解决问题的能力。学生在这一活动中不仅仅能够展示锻炼自我的能力,也激发学生的成就感,使其自我价值得到认可,更能够鼓励学生认可自我,更加创造地认识世界。 3、学前儿童艺术欣赏教育对其发散思维的影响 艺术欣赏教育也是美术教育中很重要的组成部分。它通过儿童利用语言、文字等对相关作品进行描述,表达自身的感受和认识。艺术作品本身就具有抽象性,通过学前儿童的理解我们能够发现学前儿童本身所具有的思维状态,对于训练他们的思维都具有很重要的作用。通过对学前儿童进行艺术欣赏教育,引导学前儿童多角度、多视角、多层面地理解相关的艺术作品,可以激发他们的发散性思维。同时针对学前儿童存在不良的思维模式也可以进行有效地引导和矫正。对于学前儿童来说,美术教育以其独特性在培养儿童的发散性思维发挥重要作用。美术教育由简单到复杂的过程也展示了儿童发散性思维由简单到复杂的过程。因此在学前儿童的教育过程中应该重视美术教育的进行,以激发学前儿童的发散思维能力的成长。 三、学前儿童美术教育培养发散思维的教学策略 如前文所述,学前儿童美术教育对培养其发散思维具有深刻的意义。作为一门学科,应在教学过程中注重对其优势的开发,在教育过程中使其真正起到作用。 1、课程设计上的开放性 开放性暗含着思维的发散性。在美术教育课程的设计上更应该遵循这一原则,使得这种开放性引导学生能够大胆创造,大胆体验,使学前儿童所具有的好奇心、冒险精神、对未知的奋力探究能够得到最有效的发挥。开放性首先表现在教学思想上的开放,教学思想的开放则是激发学前儿童发散性思维的基础。教学思想的开放改变了过去教学中所要求的完美的学生,其允许学生“犯错”,允许学生按照自己的理解去理解事物和教学。或许也正是这些“犯错”让学生能够得到更好地创造,思维得到更好地发散。教师在这一过程中要尊重学生个人的理解,不能一味地将自身的理解或者书本上的理解强行灌输给学生,而应该更多地培养学生独立探索的能力以及自由表达想法的可能,最终让学前儿童获得创造与欣赏艺术的才能。同时,教育思想上的开放也要求教师能够积极培养学前儿童的合作创作能力。通过引导学生在美术教学过程中的合作,不仅能够满足他们交往的需要,也能激发他们更多地思考,在协作过程中不断地展示其创造性。同时这种思想上的开放也助于培养学生批判性地看待事物,提升学前儿童评判性的思考,鼓励其提高解决问题的能力。课程设计上的开放性还表现在材料使用的开放性。幼儿美术教育的目的主要是为了开发学前儿童的潜能,提升其艺术探索的意识,获得艺术的乐趣。在这些在材料使用上的开放性则能够有效地变现这一点。在具体使用材料上,鼓励学前儿童能够利用他们觉得可以利用的任何东西,比如废旧报纸、塑料瓶子、树枝等,拓展学生们的思维广度和深度。课程设计上的开放性还表现在美术教学空间上的开放性。传统美术教学一般将教学空间局限在教室之内,利用一些物品进行创作。确实特定的空间为学生美术教育提供了一定的条件,但想要激发学生的发散性思维,在特定的空间还是不够的,这就需要开放美术教育的空间,使得学生能够在更广阔的空间里发挥自己的潜能。此外,空间的开放性还包括时间上的开放性,在美术教育的过程中不能仅仅局限课堂教学,以分数还评定学生的能力,要给予学生更广阔的空间和时间,由学前儿童去探索。 2、美术教育活动上的趣味性 兴趣是最好的老师。在学前教育的美术课程的教学上,也更应该凸显出其趣味性来。通过在教学中突出其趣味性,激发学前儿童的好奇心、兴趣,使其能够维持对美术教学的喜爱,培养其良好的审美情趣,同时也通过美术教学增强其对社会,对生活的积极应对。兴趣的展开也是学前儿童快乐的缘起,当儿童在自己感兴趣的领域努力,其将更容易获得满足感和成就感,也能在这一过程中收获快乐。同时兴趣的培养也会积极促使美术教学模式的变化,从由教师主导转变为学生主导、教师引导。美术教育不仅仅是兴趣的培养,也更是实践的培养。在美术的创作过程中,一方面锻炼了学生的兴趣,更主要的是在这一兴趣过程中也锻炼了学生的实践能力,比如手工制作等。在美术教育的过程中,学前儿童通过自己的双手,将一幅幅他们的“杰作”展现在他们和我们面前,让学生在这一过程中不断体会动手的乐趣,感受艺术的魅力。在这一过程中,作为教师,尽可能地在教育环节开展趣味性的活动及制作,真正凸显出孩子们的创造力。同时,更加关注在这一教学活动中的过程,关注孩子们的体验,观察孩子们在这一活动中的表现,引导孩子们展示出自己的潜力,而不能更多地关注结果,注重在趣味性基础上儿童个性的发展。 3、关注艺术的多样性 美术教育不同于其他教育,美术的结果并没有一个标准的衡量标准,它不像数学那样存在对错,它的很多表达形式都是抽象的。因此,在美术教学过程中要关注孩子们所创造艺术的多样性,而不能以某种标准进行衡量。艺术来源于生活但又高于生活。学生在表达自身感受的结果上是没有差异的,作为教师也应该在美术教学中正视这一问题。在孩子绘画、手工制作以及艺术欣赏方面都应该有同样的观念。同时教师在这一活动中也应该很好地加以引导。尽管强调关注艺术的多样性,但引导也是必不可少的,对于学生片面的、明显错误的观点也要有所引导。此外,引导的含义也在于学前儿童的认识尚在其实阶段,通过有效的引导,使得学生获得更多的知识,而这也是多样性的内在要求。 4、关注学前儿童精神的培养 美术教育不仅仅是审美教育、实践教育,也是学生精神层面教育的表现。在很多研究中都指出学生的美术作品都展现了学生的内心世界,那些作品也正是其内心的精神的反映。在这一方面,教师就应该通过美术教育更加关注学前儿童的精神状态,不断使学前儿童的各方面得到满足,提升其内在精神品质。在美术教育中,作为教师首先应该仔细的倾听学前儿童的绘画,这种倾听更多是要倾听该绘画、手工作品其背后的故事。在了解这些背后的故事之后,教师就要有针对性地开展相关工作,关注学前儿童的心理发展。之后,作为教师应该一赏识的眼光来进行欣赏学生的作品。尽管有些作品很简单,或者没有艺术色彩,但每一件作品都应该是学生努力的结果,都是他们内心深处对现实生活的反映,所以要欣赏,要鼓励儿童的成绩,对学生的成绩要及时肯定,这也在一定程度上促进其精神的提升。学前儿童的美术教育并不是说要培养出一个知名美术家,而更多地是将每一个学生培养成有创造,有思维的人。美术教学不仅仅是艺术的教育,更是育人的教育,所以在美术的教育过程中要注重学生各方面的发展,培养学生发散性的思维能力真正体现美术教育的价值。 作者:高星 单位:洛阳师范学院 儿童美术教育论文:儿童美术教育DIY艺术发展 摘要: 最近几年,儿童美术教学逐渐开始使用DIY,它凭借多元化的艺术表现、自主的设计和亲身的动手操作深得学生的喜爱,将DIY理念融入儿童美术教学当中,能够让每一位儿童都参与儿童美术教育活动。本文通过具体分析儿童美术教育中DIY的融入策略,从根本上提升儿童美术教育水平。 关键词: 儿童美术;DIY;艺术领域 随着新课改的实施,儿童美术教育越来越注重学生实践能力和创新精神的培养,要求教学能够朝着多元化和开放化的方向发展。在儿童美术课堂中融入DIY教学理念就属于一种创新,也是一种实践教学,这在最近几年的教学中得到理论与实践两个方面的验证,并且取得令人欣喜的成绩,所以它在基础教育的艺术领域之中得到广泛的应用。 一、设计应用领域 将DIY理念融入儿童美术教学过程,就可以实现真正的以生为本,因为DIY理念本身要求的是自我创作,老师只可以简单地引导,不能过多地干预,要懂得对儿童加以鼓励。在DIY理念当中没有对和错,儿童创作出来的每一件作品都是好的,因为它是独一无二的,但是必须是儿童自己想做的东西,拥有自己的设计和创意,最后制作成为一个漂亮的作品。如在关于太阳一课的讲解当中,如果儿童将太阳制作成为三角形,我们不需要告诉他太阳是圆的,而是要懂得换一种方式问他,为什么你想象中的太阳是三角形,等待他回答之后,我们只需要对他的创新思维加以鼓励即可。在班级内部,越是有与众不同的儿童,我们越是应该通过这样的方式帮助其树立自信心,因为这样的儿童只有在鼓励和支持下才能够实现目标,一个优秀的美术教师应懂得如何引导他们,不伤害他们的成就感和自信心。当儿童体验到通过简简单单的材料便可以制作一个成品,就会更喜欢开动小脑筋,而儿童在这样的课堂上建立出来的自信心还可以带入到其他课程学习当中,推动整体性的进步。DIY的各种表现形式可以将部分内容注入儿童的各个学习领域之中。又如DIY的拼贴,也可以称之为贴花,它起源于古代民间给儿童穿百家衣的风俗。在DIY的拼贴领域当中,有手机壳美化、钱包美化等多种装饰。对于儿童而言,利用DIY来进行拼贴就可以制作成为贺卡、房间装饰品等,在材料方面可以选择石头、纽扣、彩色塑料管、废报纸等多种生活中最常见的材料。通过材料的寻找,儿童可以了解自然,与生活建立联系,通过手触摸生活的地方,让他们利用眼睛和双手感受周边的环境、周边一切实用的东西,进而发现事物的美。这样的方式能够教会学生利用创造性的思维看世界。在拼贴过程中,教师不能单一地利用审美的角度看待学生的作品,而是要通过教育的角度对儿童的作品加以审视。有的时候,当儿童竭尽所能完成一件作品后,他所得到的体验反而比制作一件精美作品更多,而这是一个儿童的进步。教师应该懂得从不同的角度去欣赏、去评价,让儿童“满意”自己的拼贴。 二、欣赏评述领域 鲁道夫•斯坦纳说过,当人们仔细感受一下自身的智或者是灵的力量,他们就能够发现人类可以通过不同的层次来表达自己,其中主要分为思考、情感和意志三个层次。当儿童接触实物本身的时候,通过不同的表达体验,我们可以得到不同类型的思考,那是属于创新的、充满丰富图景的想象。教师应该懂得让学生去触摸、去体验,而DIY就能够帮助儿童培养发散思维,对于其智力和意志力的培养都有着极大的帮助作用。同时,DIY的理念拥有审美观,可以在融入过程中观察每一件作品或者物体,引导儿童利用开放性的审美观看待作品或者是物体,让儿童懂得发现生活的美好,这样才能够激发起对内心个性审美的追求。如可以让儿童看看教师对DIY的运用,通过这样的方式让儿童感受到教师的制作,让儿童在欣赏美的同时能够激发兴趣。 三、DIY对于教师和教学方法的要求 DIY在儿童美术教育的融入属于时展的展现,当然,DIY的融入就对教师和教学方法提出了更多新的要求。第一,对于教师而言,每一位儿童美术教师都应该明白DIY对于儿童的重要意义,能够从自我意识中认可DIY的融入,认识到DIY对于课堂教学的帮助,从而让更多的儿童愿意参与到课堂学习中。第二,对于教学方法而言,DIY的融入转变了传统模式下的应试教学模式,儿童成为课堂的主体,教师应该将原本的教学方法转变成为儿童自主探究的方式。DIY的融入是儿童的自制、亲身参与的过程,教师不能扼杀儿童的参与热情,不能完全按照自己设定的教学方法进行教学。当然,教学方法也可以根据课堂的实际情况更换,只有最适合儿童创新思维能力培养、能有效激发学生学习兴趣的方法才是好方法。 四、结语 在素质教育的大背景下,儿童美术教育应该适应时代的发展要求。时代的发展让DIY出现在我们的面前,将DIY融入儿童美术教育中不但让教师教得更加轻松,而且让儿童学习得更加轻松。希望本文对儿童美术教育中DIY融入的探讨能够让今后的儿童美术教育更加完善。 作者:黄巍 单位:宝应县青少年宫 儿童美术教育论文:透过美术教育对儿童生长环境的思考 内容摘要:本文是针对当今物质文明发达、精神文明匮乏的问题,阐述由该问题引发的人文环境对儿童生长环境的种种影响。在儿童美术教育上,美术教师尤其是儿童美术教师,对儿童生长环境应有全面的认识、判断、选择和探究。 关 键 词:选择 美术教育 儿童 生长环境 生活在现今社会的儿童,拥有前所未有的物质优势。科技的巨大进步使人们的生活越来越富足,丰富且繁华的世界为生活提供方方面面的服务。每个人都有可能拥有金钱、聪明和美丽等等现实因素,这似乎构成了儿童生长环境的“幸福模式”,许多家长都朝着这些可预见的“幸福”苦苦追求着,想方设法为自己的孩子创造优越的生活环境;然而,真正的精神需求有时却容易被低估甚至忽略了。在这个看似“幸福”的环境里,儿童时时面对周围的种种诱惑,盲从着感官欲望和物质欲望。其实孩子们并不感到快乐,物质的满足无法填补饥饿的心灵,过量的物质刺激和各种信息的轰炸,容易导致儿童无所适从,拜金意识过强、疏远自然而无法与人沟通、甚至导致品德低下和思想狭隘。 我们要重视少年儿童所面临的工业文化和商业环境的侵袭和催化,例如当前流行的漫画、设计、时装、卡通、影视及新媒体这一类视觉文化,它们正在以各种姿态融入我们的生活,它们表面上迎合人们的需要,而实际上已在潜移默化地支配人们的意识,取代人的思考从而垄断某些观念。所以,作为儿童美术教师和父母们,必须就儿童生长和生活的环境做出仔细的观察、衡量和理智的选择和淘汰。 当然,我们在这里所说的环境,已不仅仅指自然环境,在某种程度上来说,我们更担忧的是孩子生存的人文环境已被瓦解,以及它所造成的对儿童精神和成长的不可估量的影响。 从儿童早期教育这个角度来看,儿童的成长与社会的发展是息息相关的。在目前整个社会经济向市场经济转轨的时期,儿童的学习和发展必然受到很大的冲击,教育的功利性的影响越来越明显。面对当前儿童美术教育,不同的愿望和态度,不同的社会风气,不同的价值取向和文化取向,不一样的选择,在某种程度上便决定和造就了形形色色的儿童生长和生活的环境。 作为美术教师,在日常教学中我注意到部分大学生(未来的儿童美术教师)对儿童美术教学的认识存在着片面性,他们考虑得更多的是所学的知识技能,很少站在儿童的角度来进行学习和教学;他们对儿童美术教育的具体操作不熟悉,同时对儿童美术教育的意义与教育目标理解不够,因而,导致了表面教学模式与儿童内在心理发展相脱节的现象。而成人,尤其是家长,在看待儿童学美术教育的心态千差万别,其态度直接影响了儿童的学习质量和思维发展。一种文化环境的产生,一种心理取向的形成,带给儿童的影响虽说是无形的,却是永远的。有些人选择命令的态度“教育”孩子,结果造成孩子顺从、胆小,习惯由别人来安排一切;有些人认为美术的价值仅仅在于像与不像之间,把孩子当成复印机;有些人认为获奖和考级才是证明孩子聪明才智的唯一途径,其结果可能使儿童的思维机械化,使美术教育变成一种带有投机性质的商业行为。处于这样的环境下,儿童的童心和独立精神不是被抹杀就是被误导了。 众所周知,美术重要,就在于它是构成人文环境的一个重要部分,美术的创作能给予人们一种精神力量。美术创作能唤起儿童早期的精神活动,儿童可以通过绘画的形式表达内心的感受和愿望,并在这些看似简单的创作过程中获得心灵的满足。例如通过线条的练习进行思维的游戏,通过色彩绘画可以表达情绪和感觉,获得和谐的审美体验。相对于电脑游戏而言,美术教育显得更安全更有创造力,它不但不会使孩子变得麻木和冷漠,还可能唤起孩子对生活的热情和细腻的情感体验。可以说,家长选择对孩子进行美术教育,无疑是为孩子的成长多提供了一条精神的通道。事实上,轻视美术教育的人们已经付出了代价。例如,我们的许多城市已经变得越来越相似,越来越多的自然环境已不再是“诗的国度”“花的海洋”,取而代之的是现代建筑的粗制滥造和复制模仿。自然环境的过分人工化,建筑空间审美的丧失,僵硬、冷漠的水泥森林,使人感到空虚和精神的无所依靠,接下来就是人文环境的失落。 近年来,人们渐渐意识到素质教育的重要性,随着美育地位的提升,儿童成长的空间和环境得到了适当的改善。多一点理解和支持,少一点商业性和功利性,为儿童营建一个健康成长的环境,已逐渐成为人们的一种共识。让儿童在美术课中获得更多的创造性、独立性和勇气,是美术教育的任务,也是我们美术教师的职责,换言之,美术可以成为儿童心灵成长的一种安慰。 但是,在应试教育体制下,衡量孩子聪明与否往往是通过其学习成绩来评估的;这一狭窄单一价值体系常常迫使孩子、老师和父母都承受着不切实际的压力。实际上,每个孩子都各有长处,单一的价值体系并不能充分地将其显示出来;这在美术课上已有所表现,尽管儿童的绘画表现得很不一样,但大都是心灵的自由独白。康德曾经讲过:教育不是手段,而是目的。教育的目的是以培养社会人为首要目的,关键是大人用什么样的眼光来看待孩子的教育,家长的态度和眼界在某种程度上可能限定了儿童生长环境的空间和品质。 就美术教育的角度来看,越来越多的儿童作品趋向于画面华丽、技能复杂;表达内心世界的作品少了,大家都感觉到很难在城市里发现让人感动的儿童画,反而在一些边远地区,儿童的作品却常能引起更多的注意。是不是我们把孩子的美术才能给格式化了? 这是可怕的。如果我们不去对这种种的“热现象”作“冷思考”,不去考虑孩子真正的需求和将来的需要,逃避为孩子做出选择的责任而去追求时尚,根据时尚为孩子选择衣服、书籍、娱乐、美术等等,那么单纯的美术教育便会陷入市场的漩涡而失去教育的方向。假设一下,如果儿童才能的培养像大规模的机器生产一样,儿童生长环境像是无限扩大的工厂或是连锁店,那么我们的孩子就会像蚂蚁或蜜蜂,尽管很努力,但是没有创造性,缺乏主见,而没有创造性和个人自由意志构成的统一模式的社群,那将是没有多少发展可能的不幸的社会。这样的社会环境能让我们的孩子幸福吗? 不管我们这个时代的孩子是美少女式的、圣斗士式的、歌星、芭比娃娃式的还是明星式的,如果全都朝着一定的可想象的“成绩”进行培养,他们将会是什么样的呢?也许会扭曲变形,也许会泛滥成灾而失去任何价值。实际上每个孩子都迫切需要因材施教,迫切需要儿童美术教师为他们的成长环境作出慎重的选择和建构。 爱因斯坦认为:“学校最重要的任务,是让学生在工作和工作结果中获得乐趣,教育的目标始终应该是使学生在离校时拥有和谐的人格……学校始终应把发展独立思考和独立判断的一般能力放在首位,而不应当把取得专业知识放在首位。如果一个人掌握了一般学科的基础,并且学会了独立思考和独立工作,就必定会找到自己的道路,比起那些靠主要技能训练来获得细节知识的人来说会更好地适应社会。” 爱因斯坦的观点给我们儿童美术教育的启示是:单一的精英教育模式已不太适合今天社会对人才的需求标准,时代要求人才个性化、综合化、信息化,而且要拥有丰厚的文化底蕴,具有解决问题和独立工作的能力。教师和家长要仔细衡量选择儿童生长的环境,还要经过长期有规律的教育来培养儿童自身的意志。而这一切的获得都需要有一个好的人文环境。 毁坏一个人文环境是极其容易的,而重建一个好的人文环境却需要缓慢而艰苦的过程。当人们还停留在对传统建筑的永远删除的麻木与接受冷漠僵化的钢筋水泥建筑盲目占据空间的无奈上时,对现代图像世界、商业文明的接受来不及消化、吸收、排斥的同时,有些恶俗文化已迅速蔓延至整个社会环境,并迅速被儿童所吸收,成为他们的偶像与精神寄托。 美术教育不是消遣。它是一种智力,一种思维方式,它可以帮助孩子获得他们所需要的内部力量,以克服现在和将来可能面临的种种障碍。人类可以通过教育不断地超越自身,超越自己的体能、智慧及精神的极限。这种超越始终存在于张扬个性、释放自由精神的过程之中,而美术教育的一个重要功能就是帮助学生展示和体现这种精神。 笔者认为,只有立足于自身文化,唤起对自身文化的尊重和认同感,才更有利于孩子自尊心的建立。同时我们应注重让儿童学会自制和自律;只有拥有了自身文化的“根”,才能更好地吸纳外来知识而体现出自我发展的价值。现代的机器文明带给我们太多的方便、太多的物质刺激,整个世界犹如一个庞大的市场,时时都充满生机活力也充满诱惑和陷阱,我们无法用过去的观念来看待这个复杂繁华的世界,生活给我们带来新的挑战、危机,也带来新的希望。儿童也是希望之一。
儿童美术论文:儿童美术教育分析论文 改革开放以来,教育愈来愈受到重视,就其本身而言,教育观念是否新,教育思想是否先进,教学方法是否正确,亦是非常重要的,更值得认真探讨。 那么,什么样的老师才是好老师呢?我们认为:一流的老师教人,二流的老师教知识,三流的老师误人。 教师具有什么样的教育观念,教育思想和教学方法,就决定了他怎样教学。 教育的宗旨应放在培养有能力、有优良品质、有高素养的现代人——二十一世纪所需要的开拓型人才这个基点上。那么,如何在儿童美术教育中贯穿这一宗旨呢?我们应从以下方面作出努力。 一、培养儿童的创造性。 黑格尔说:“说到本领,我认为最重要的艺术本领就是想象。”美术课最重要的任务就是要激发引导孩子们的想象力,孩子们最大的乐趣也在于幻想,每一个孩子的心都是一个充满幻想和想象的神奇世界。教师的教学应着眼于童心的释放,鼓励儿童好奇心的张扬,如自由自在的野外写生,随心所欲的泼墨赋彩、绘声绘色的形象思维启动等,都能激发孩子们用自己的画将神奇的童心世界表现出来,使想象力得到发展。 二、培养儿童的开放意识。 孩子们生活在一个开放的、高科技的信息时代。教师在教学内容上,应丰富多采,让他们接触人物、动物、花鸟、山水、建筑、民风民俗、影视等大千世界所有的美好东西,扩展他们的视野;在风格技法上,应接受传统和现代的各种流派,可运用毛笔、水彩笔、油画笔、刻刀,甚至计算机等各种可接受手段;使之形成一种开放的意识,塑造开放的人格。 三、培养孩子的艺术感觉和艺术气质。 儿童美术教育把孩子们带到一个美的世界中去,教师在教学中要引导学生多鉴赏,如讲解大师的作品,带领他们参观好的画展,到郊外观察大自然,讲述优美的童话故事,听音乐等,提高他们的对美的感受能力,同时也能培养他们真挚美好的感情、陶冶他们的情操。 四、培养儿童自由、平等的民主意识。 好的教师应尊重孩子、平等地对待他们,给予他们积极的指导性的建议,尊重和倾听他们的见解和判断力,为他们创造一种自由、愉快和谐的民主气氛,在一种自由的游戏状态中学习和创作。让他们无拘无束地表现自己。 五、培养儿童的自信心。 兴趣是儿童学画画的基础。教师的职责就在于保护和激发他们潜在的兴趣,充分调动他们的积极性。教师还应多采用鼓励的方法,发现和充分肯定他们的优点,看到他们的进步,使他们对自己的才能产生自信心。绝不能轻易地伤害他们的自尊。 六、培养儿童的竞争意识。 竞赛状态最能调动孩子们的积极性,老师应创造一个平等和谐的竞争气氛,表扬、奖励成绩优秀的孩子,鼓励、帮助进步较慢的孩子,使他们努力赶上来。适当参加一些美术比赛、展览活动,培养孩子们的参与和竞争意识。 另外,儿童美术教育是一个长期的、定时的训练过程,这对磨练儿童的毅力,培养他们持之以恒的精神,能动能静的禀性等都是大有益处的。 总之,教育不仅仅是教孩子一些知识,训练一下他们的技能,更重要的是为了育人,是为了培养德、智、体、美、劳全面发展的高素质的现代新人。 儿童美术论文:儿童美术教育研究论文 美术教育作为促进儿童智力发展和培养各种能力的重要手段,已为人们普遍认识和重视。然而美术教育是一个比较特殊的学科。有其独持的教育规律,在儿童漫长的成长过程中,如能科学地将美术教育知识传授给他们,将会对儿童知识面的拓宽、想象力的丰富、形象思维的发达、创造能力的增强都有好处。 一、儿童绘画心理的正确认识 儿童绘画心理的发展有着他自身的特殊性,它不仅由心理发展的阶段性所决定,而且儿童绘画的发展状况同样也是呈现出鲜明的阶段性。我们只有充分地了解了儿童绘画发展中各个阶段的特性,才能根据不同阶段的不同特点而去制定相适应的教育方法。在这里我们根据儿童小学阶段的心理发展状况,把儿童绘画心理分成三个阶段,即初级阶段(1-2年级),中组阶段(3-4年级),高级阶段(5-6年级)。首先我们看第一个阶段,这个阶段是儿童由以游戏为主的学习方式,转为以学校正规教育为主的学习生活的开始。在这个阶段,作为教育者所面临的最主要课题,就是如何把儿童在入学前的自由式即兴作画的热情引导到正规学习中去,要达到这一目的,除了教材要适合此阶段儿童的兴趣外,师授课方法要正确得当。因为这个阶段的儿童刚进入一个新的学习环境,一方面对这种正规的学习方法感到新鲜好奇,才能得到教师的认可,因而这一时期教师的教学宜以正面鼓励和耐心细致的引导为主,如果因授课方法不当,激不起儿童的学习热情,或是指责过度,无疑将会使他们中断绘画的兴趣,给以后的学习带来困难。 儿童在进入三、四年级后,即前面所说的儿童绘画心理的中级阶段。这个阶段被人们称作儿童绘画的转变期或过度期。在这一阶段,他们的绘画水平是不稳定状态。因为这时期的儿童基本上能看出作品的不足,但又不知如何改变这种状况。此时他们的抽象思维能力还不具备。无法解决诸如物体的结构、比例、色彩等问题,因而作画的兴趣下降,缺乏以前的那种热情和信心,从心理学角度来讲,这显然是儿童从直观形象思维向抽象思维发展的过度阶段。在这个时期,教师如不注意引导,过度指责,容易导致大批学生对绘画失去信心和兴趣,所以当儿童进入这个时期,教师一定要及时给予指导,通过多种形式的美术教育方式,如走出课堂、多增加写生和速写的练习,这对提高学生的造型能力和顺利度过这一时期是很有帮助的。 儿童进入五、六年级,这是儿童绘画心理的高级阶段。在这一时期,儿童在抽象思维方面已得到了很大发展,爱好美术的同学此时热情更高,他们对形体的观察理解能力已有了很大提高,常规教育已不能满足他们的需要,这样教师就需对这阶段的学生教育要有所区别,除了传授课堂知识,在课外对爱好美术的学生要系统地传授一些理论知识和绘画技巧方面的知识,特别是写生能力的训练。 二、儿童基本绘画技能的培养 儿童绘画中最基本的技能主要是临蘑写生、速写和默写四个方面,这是提高儿童绘画水平最基本的方法,也是将儿童由被动的学习转为主动学习的最理想途径,只有掌握了一定的绘画技能,才能使儿童的绘画表现得更轻松而得心应手。 临摹:临摹对儿童阶段的学习来说,是一个重要途径。中国传统绘画和书法很注重临摹的学习。临摹要注意学习对象,低年级适于临摹简单的,线条单纯,色彩明快,令他们感兴趣的图画,可允许他们在一定范围内自由发挥,以丰富画面内容。这既可增加他们的兴趣,也可锻炼他们的想象力和创作能力。到中高年级,可根据儿童实际绘画能力提供给他们一些静物或风景作品,但要注意一点,临摹只是辅助学习方法,要掌握好绘画的技能,重要的还是造型能力的训练。 写生:写生是面对着实物进行的绘画,因而其最大的特点就是锻炼学生观察、分析事物的能力,锻炼眼、手的协调能力,经过长期有目的的写生练习,学生便能建立起正确感知物体形态、结构、比例、色彩、空间等概念,作为教师要根据儿童的不同年龄,对学生提出明确的阶段性要求,在写生练习时要引导他们观察、分析和表现,切不可用同一种模式去要求他们。 速写:速写同写生不一样,虽说都是面对实物作画。但速写要求在短时间内把眼前的物体表现出来,这种技巧的熟练掌握,将能极大地激发儿童用画笔表现生活的欲望和热情。儿童速写可以先从易于观察理解、有特点的静物开始,然后可过渡到今他们最感兴趣的动物,进而再画人,再由简单的场面过渡到复杂的场面。随着技巧的熟练,眼光也会变得敏锐起来,从而使绘画变得更加自由了。 默写:默写是指把曾经看到的形象回忆起来,并用绘画的形式把他们表现出来,因此默写的基本前提是先要有记忆。教师在进行默写训练时,要通过组织活动,然后启发他们去回忆,想象活动中生动的场面、人或物等,然后将他们画出来。在这个训练过程中,教师的启发很重要,通过启发能使儿童们的回忆更富故事情节、更生动、更典型。但这种启发要根据儿童年龄的差异而有所不同。 儿童美术论文:儿童美术教育人文思考论文 摘要:探索和建立我国社会主义21世纪的教育目标,是美术教育界共同关心的大事。有识之士认为“一个现代代的未来人,要有知识,才干,有开拓的思想和创新的精神。”这种观点反映了美术教育界对儿童人文教育的关注。儿童美术教育有利于培养儿童积极的情感及态度,发挥想象力。新世纪的儿童美术教育需要社会全方位的关怀,以人文精神为主线的美育是现代美术教育的主要特征。 一、儿童美术教育研究的背景 (一)时代所需的人才 未来社会是一个开放的、充满竞争的社会,竞争的优秀:是否拥有高素质创造型人才。探索、创新是社会发展的不竭动力。无论是在今天和明天的社会,如果不具备这样的能力,很难在充满竞争的社会里立足。进入21世纪,“以人为本,以培养综合性人才为宗旨”的现代教育思想越来越深入人心,这就迫切需要我们改革传统教育中只注重知识、技能的传递式教学,研究新时期的素质教育,注重情感、态度,注重探索、创造的开放式教育。 (二)儿童早期的艺术教育 情感源于艺术的锤炼,创新的精神源于对个性的尊重,而这些应是在儿童早期就撒播下的种子。自古以来,艺术作为生命的表现同它显著的感情效果和多样的社会机能,一直被视为有效的教育手段。孔子作为“万世师表”的大教育家,“游于艺”就是他重要的教育主张。时任中国教育会会长的蔡元培先生提出了“以美育代宗教”的著名观点,他“提倡美育,便是使人类能在音乐、雕刻、绘画、文学里找到他们遗失的情感。”古希腊著名哲学家亚里士多德在他的《教育论》中就曾提出“儿童学习艺术应该是为了发展优美的感情,不应变为手艺。” (三)儿童美术教育的功能 儿童美术教育在现代中国对于相当一部分人来说不再是一个陌生的名词。美术教育有利于培养儿童积极的情感、态度,有利于儿童想象思维、创新思维的发展,有利于培养儿童主体性品质和创新精神,特别是美术教育中注重对儿童个性和创造性潜能的开发,这是对人的发展最有价值的贡献。人的全面发展是人类努力追求的教育理想,儿童美术教育作为美育的一个重要门类始终在促进这一理想的实现。 童年的记忆使人刻骨铭心,因为个体早期生命经验的存在,组成的儿童种种涂画行为。根据陈鹤琴先生的研究发现,并断论:“没有一个儿童不喜欢涂画,儿童画是随着他的身心发展而发展的,与儿童的感觉、知觉、动作、骨骼、语言及思维等发展是密不可分的;同时也受着生活与教育实践的影响。儿童有运用符号表达情感的天赋,儿童的涂画和他们的精神世界总是相宜的。”前苏联教育家认为,美术教育的根本目的是培养“心灵”,让人自由成长,让想象自由飞翔,让心手合一,让色彩写在每一个孩子的脸上,即便是儿童美育的灵魂! (四)儿童美术教育中的现状 然而,随着科技的迅速发展,工业化程度的提高以及市场经济的深化,教育备受冲击,愈演愈烈的应试教育以及教育功利主义价值观不可避免地波及到儿童,儿童自出生的那一天就被置于一个由几千年的文化发展造成的复杂的文化社会结构中,他们还没具备抵御能力时却被成人所异化。在转型的现代社会中,成人对于生存和名利的压力无形中波及到儿童,使得本是最具人格陶冶感化作用的儿童美术教育被扭曲。有些家长和成人出于对儿童非理性期待,各种蜂拥而至,以盈利为目的的比赛,以及仅以技能技法为基础的培训等,致使儿童绘画中迎合和模仿的现象比比皆是。 曾几何时,儿童美术失去了它的情感色彩。台湾画家、作家、儿童美术教育家席幕容在她的《画出心中的色彩》一书中说:“应该让孩子在没有任何竞争压力下好好地度过一个快乐的童年。所以我不喜欢看儿童画展,更不爱看有大小奖状罗列的儿童画展……观察自然对于儿童不但是一种享受,还是一种资料的储存,一个处心积虑要先人一步的生活的开始,他已不再是儿童,或者说,他心中有一部分已不再是儿童了。”尽管席幕容此言看似偏激,但那确实是出于对儿童心理的感受与想象。鲁迅说:“杀死了今天也就杀死了明天,”一旦发生了席幕容所说的那种对儿童心理扭曲,“儿童画”也就失去了意义,也就没有所谓的鲜活的色彩。 (五)儿童美术教育与人文教育 早在文艺复兴时期,一些人文主义教育家便提出了以“人”为中心的教育指导思想,并主张重视美育,当时著名的教育家维多里诺正是因为看到了中世纪教会教育压抑人个性的那一面,才给自己创办的学校取名为“快乐之家”,并在学校的墙上饰以儿童游戏的绘画,以激发儿童的热情。 上个世纪90年代处一场有关“人文精神”的讨论在我国展开,它直截了当地触及了市场经济条件下人的生存意义与价值,涉及了社会思想、道德、精神、文化和教育的发展问题。虽然,“人文精神”是由文学界提出来的,但很快就超出了文学界,而成为众多学术界人士所关注的问题。现代教育的人文意义与价值及精神在教育中的体现是以人生为目的,人生理想、意义为优秀,继而延伸到知识、道德、审美等各个方面的。 我国儿童美术教育由于受到功利主义教育观的影响,教育的基点定位在知识和技能的层面,儿童感受到什么,有什么情感体验,他们喜欢怎么表达,这些问题往往被忽略,它的定位更多的是促进儿童心理走向成人心理的转换。当然,这种转换是需要的,但却不是唯一的。在美术活动中,感性的知识转授,人性化环境的熏陶,尊重儿童的情感体验,使之内化为稳定的人格、气质、修养等内在品格。儿童美术教育亿具有的人文性质是永恒的,它始终充满了人性化的关怀和关爱。正如近代学前教育理论的奠基人福禄贝尔所言:“探究的目的根本不在要成为一名画家,探究声音和唱歌的目的也绝不是要成为一名音乐家。”儿童的画来自于心灵的图式,这个图式凝聚了早期的生命体验,让我们暂且放下头脑中固有的对儿童绘画的非理性期待与标准,放下那些功利和条条框框,和儿童一起融入绘画。在儿童的美术世界中,给一份人文关怀,给一些宽容与理解。二、儿童美术教育需要人文教育结合 面对众多的困惑,很难说今天的儿童美术教育状况是令人满意的。谈起儿童美术教育时,很多家长和老师最关心的是“怎样教育”这一现实的问题,包括将孩子培养成什么样的人?孩子怎样才能提高画画水平等等。但是,谁都知道,不懂得心的教育就不能有好的教育主张和方法,不懂得儿童美术教育是什么,就不可能有突出的教学效果。丰子恺先生对人文精神的教育观体现了他对美术、音乐、文学的全面精通和研究,他将人文精神的塑造贯穿于整个教育中:儿童美术教育不仅涉及到美术学、教育学、社会学、美学、历史学、艺术门类等都有广泛的涉及。以人文为主线的美术文化贯穿于美术学科中,我们转达给儿童的视觉艺术应该具有一定的价值,儿童的潜在能力是通过人文文化的感召力来释放的。 (一)正确认识儿童美术教育在儿童心目中的地位 我们从来都是和孩子从同一方面看他们的画,而且是从同一视角。我们往往忘了考虑,儿童美术教育是一个承接和释放情感的载体,儿童绘画和他的身心发展一样,有一些早期的原生态净土,在这片净土上,每个孩子都在发展着自己的个性,按自己的规律成长。儿童美术教育在儿童心中具有不可替代的神圣的位置,教师和家长应该给孩子提供自由表现的机会,鼓励他们用不同的艺术形式大胆的表达自己的情感、理解和想像,尊重每一个孩子的想法和创造,肯定和接纳他们独特的审美感受和表现方式,分享他们创造的快乐。 (二)拓宽儿童美术视野,让儿童热爱美术 儿童美术教育是在多元文化影响下以多样性的面目出现的,是以多元文化思想渗透的、综合的、全面的审美文化教育,“美是生活”,生活中到处有美的事物。传统的美术课把主要的精力集中在绘画及技能的培养上,使原本应当丰富、生动活泼的美术课,变成了机械的模仿和乏味的操作训练。美术不应当局限于课堂中,课堂造成了儿童部分个性的缺失,束缚了他们的想像和创造,儿童美术教育的终点不是要儿童走向一个共同的点,这不是最终的目的。而应该注重过程,既在过程中提炼美术的精华,让每个孩子的个性不受阻碍,自由发展。 大自然是每一位儿童向往的天地,儿童的生活源于自然的观察和体验。观察是美术教育的教学优秀,是儿童绘画的源泉。孩子看的多,经历的多,留于心中的印象就越多,画画时内容就会丰富,想像即无穷。观察并不是让儿童照实描绘他们的所见,而是通过观察来培养他们对生活的一颗敏感、细嫩的心灵,丰富他们的感性认识,提高认知水平。教育者要善于抓住观察的时机,根据儿童的兴趣和适宜的环境,用积极的语言,提升儿童对绘画的兴趣。 儿童拥有稚嫩的童心,它无不被情所牵引。色彩是儿童表示情感的语言,教师要善于发掘每个孩子身上的潜能,知道他们表达的需要,选择他们所要表达的方式。心理学家发现,美术、音乐等艺术表现方式有利于人的身心健康发展,有利于心灵的平衡发展。要让孩子热爱美术,作为执教和教导者,对自身要有严格的要求,自己要热衷于生活中的美,保持对美术的热爱。用自己的热情感染每一颗渴望在白纸上“舞蹈”的心。 (三)美与情感 艺术来源于生活而又高于生活。高于生活是因为它提炼了生活中美好的东西,并融入了作者的思想感情。美术教育更是通过生活中那些直观、生动、具有美感形象的事物来进行的教育。因此,美术教育的一个重要任务就是:启迪儿童对真、善、美的认识,陶冶美的情操,激发美好的理想和追求。 罗丹曾说过:“生活并不是缺少美,而是缺少发现。”大自然的湖光山色、社会的风土人情、生活中人们的相互关爱,到处都蕴藏着美,需要我们引导幼儿去发现,并使他们知道美在哪?为什么美?使他们从小就受到美的熏陶,生活情趣高雅,积极向上。 爱因斯坦在他的《我的世界观》一文中说:“照亮我的道路,并不断给我新的勇气,去愉快地正视生活的理想,是真、善、美……”他确信“个人的生命只有当他用来使一切有生命的东西都生活的更高尚、更优美时才有意义”。爱因斯坦的精神境界造就了他的伟大,而这精神境界很重要的精神来源在于他从小对艺术的热爱。美术教育可以塑造人的灵魂,提高人的精神世界。 (四)美术教育体现人文的价值,为健全人格的塑造打基础 现代教育和教学思想非常重视“人”在教育中的地位,强调儿童为教学的主体,更注重人的品质与修养的培育,杜威提出要保存儿童的天性,……当读到这一段论述时,不由回想起尹少淳先生对儿童美术教育的一段精辟论述:“应该以一种发展的眼光看待儿童画,千万要保护儿童美术学习的重要品质:如高昂的兴趣,旺盛的想象力和主动大胆的创造精神。 福禄培尔(FriedrichFroebel,1782-1852)指出:一个孩子的主要性格,决定于个人兴趣愿望的自我活动。儿童可以从工作中学习,经由运动神经连接思想与行动,可说是发展思考过程的最佳方法。儿童把美术活动视为游戏,既有兴趣,又有参加活动的愿望。因此,美术教育很重要的一个教育功能——统整人格。 许多心理学家已经证明,自由说话或交谈,是缓和个人情感与他人之不和,以及侵蚀行动最有效的安全活塞。由于儿童语言发展的局限,他们还不善于用语言表达那些令他感到新奇或不满的事情,他们常选择绘画的方式来表达,边画边用语言来进行补充。这是因为美术活动比较开放,儿童可以不受限制自由灵活地表达自己的想法和愿望。这使他们的情绪、情感能够得到充分的渲泄,可以使儿童解脱心理压力和紧张,获得情感自由和适应能力,受到精神健康和心理治疗之效。 美术作品注重想象,提倡自由表达和创新,因而在美术创作中没有失败,不会产生挫折感,儿童的心情愉悦。在尝试操作或创作的过程中,他们可以在毫无压力的情况下,丰富自己的学习经验,体验到发现、探索的乐趣。在完成作品时,他们又充分感受到成功的喜悦,自信心油然而生。 每次美术尝试,对儿童来说是一次新的挑战,在新的挑战中他们所体验、感受的那份快乐、自信、成功,为他们今后能够勇敢面对新问题、新环境作好了准备。#P#三、全面发展的儿童美术教育 (一)把合适的美术教育还给孩子 日本的儿童美术教育重在体验与创造,他们准备了各种彩色泥土给孩子尽情玩乐,让孩子体验色彩、自由作画,鼓励个人的表达方式。而要让儿童画真正成为“儿童自己的画”,评价方面非常重要。日本公立幼儿园的教师从不对孩子的画横加评价,而是细心地把每个孩子的画悬挂张贴,由孩子们欣赏讨论。边霞博士认为我们的教师应该转换评价的方式,如可以问孩子“最喜欢哪一张”而不是“哪一张最好”,因为我们要做的是允许孩子表现和发展个人对世界的认识,允许不同评价尺度的存在,允许个性的发展。如果我们的评价还是教师一言堂,“这张画我喜欢”“这张画很干净”“这张画画得很好”“这张画乱七八糟,我不喜欢”,那么,只能说明我们还没有理解美术教育到底是为了什么,这样我们将永远不可能还给孩子真正意义上的美术教育。 (二)家庭与儿童美术教育 儿童的早期教学与家庭影响较大,在自由宽松氛围里生活的儿童,一般性格开朗,活泼好动,思维灵活,无拘无束。家庭是孩子的第一所学校,父母是他们的第一位老师。儿童是在成人的价值观里成长的,他们被家长所鼓励,赞扬的某一方面和水平,均是建立在家长的文化素养上。家长的价值观在许多方面与人文文化教育观背道而驰,但儿童天天都要和其打交道,生活在一起。在一种潜移默化的自然影响下,儿童们的身心和文化素质已开始有一定的模式,当这一模式与美术教育观念对话时,随时发生矛盾与冲突。 阿恩海姆评论说:“我想不出有什么艺术与美术创造中的基本因素是在儿童作品看不到萌芽的。”幼儿期是人的一生中最无忧无虑的阶段,没有学习任务和压力,他们可以自由尽情地去游乐,且乐此不疲地从事一切艺术活动。他们从自己的探索中不断得到反馈,得到享受。例如,儿童的绘画兴趣是这样被激发的:儿童随意涂抹,却能成为一幅作品得到成人的赞赏,这时所带给儿童的不仅是过程的愉悦,还能及时获得结果的享用。当他完成一幅来时,他会迫不及待希望成人分享他的快乐。这样,他也很容易从成人那里得到正面的反馈来加强作画的动机。 (三)教师与儿童美术教育 教师是人类文化的传递者,在现代儿童美术教育中他们所扮演的角色应是“援助者”而非“教导者”,互动中的儿童美术教育的结果是要把儿童引向一个较为完美的状态,而其中包含了人文的情怀及充满人文关怀的艺术教育。儿童美术教育是一种深层次的隐性文化教育,教师的素质和意识在美术教育中有很大的影响,一个能适应现代教育发展、胜任美术教学工作的教师,我认为需要具备以下基本素质: 1、走进童心世界 教师所耕耘的是一片净土。教师工作之所以纯洁,是因为他所面对的是一群纯洁的孩子,教育工作者不能容忍用肮脏的灵魂去玷污这圣洁的土地。做教育工作者不能没有爱心。热爱本职工作,就会自觉地去辛勤耕作,就会去认真地实践,就会时刻警告自己要跟上时代的步伐,不断更新知识,就会认真选择自己的事业,勇往直前。当好孩子的美术教师,必须要热爱生活,要有耐心,帮助孩子学会宽容和理解,使孩子能理解、尊重人、关心人,懂得如何和别人合作,能够很好地与人交流,相处与配合。 孩子是赤裸裸地来到这个世界的,他们的身上没有太多道德理论的束缚,对于孩子来说,兴趣是如此重要,教师要千方百计来保护,扶植儿童兴趣的萌芽。让我们暂且放下头脑中固有的对儿童绘画的种种期待与标准,和孩子一起,全身心地投入绘画,你不仅能发现孩子的另一个世界,也能唤醒你自己正在沉睡的另一种感悟。 2、精通本职专业,力求全面发展 作为一名教师要能解读儿童绘画,善于与儿童沟通。如果不能了解孩子就无法做好本职工作。现代儿童美术教育以人发展为中心,教育儿童的前提建立在尊重和了解儿童,一切以儿童心理发展规律为基础上。教师不仅要须知心理学知识,而且要具有理解儿童,善于和儿童建立密切融洽关系的本领。他们能随时进入儿童的天地中来,能听懂儿童的心声,知道儿童喜欢什么,需要什么,他们怎么想,怎么做;并能以平等、友善的态度与儿童做朋友。只有这样,教师才有资格去帮助和指导儿童。 美术教师还必须熟悉儿童们创造的视觉语言符号,能欣赏和正确评价儿童作品。儿童绘画反映儿童的内心世界,教师要通过儿童的作品去了解他们的爱好、性格,他们的成长状况。教师对儿童的艺术创造要充满热情,具有关爱之心,耐心地了解他们的想法,才能因势利导的做好教学工作。教师指导儿童不能以个人爱好为准则,不要对儿童轻易去批评和否定,要以友爱协商的态度,在美术活动中,至始至终,帮助儿童身心及人格的全面发展。 3、让人文教育走进儿童美术 人文教育提倡创建积极的充满人性味的师生关系和学习氛围,让每一个儿童在这种氛围中充分展现个性。《学会生存》中指出:“把一个人在体力、智力、情绪、伦理各方面的因素综合起来,使其成为一个完善的人。”换言之,人文教育强调以人为中心,注重教师所应具备的人性观。美术教师必须加强自身的知识的同时,也要加强历史感、责任感和自我感,那就是如何独立思考,发展自身,将人文科学、社会科学与自然科学相融相通。此外,也要了解外部民办及其面貌,与我们的感觉、心境、精神、情绪等所能体验到的内部世界融为一体。用这样的人文精神去开发儿童的美术素养,陶冶情操,促进个性发展。 “世间的大人们,你们是由儿童变成的,你们的童心不曾完全泯灭。你们应该时时召回自己的童心,亲身去看看儿童的世界,不要误解他们,虐待他们,摧残他们的美丽与幸福。”丰子恺先生对儿童心理的了解和对教师工作的要求使我们为感亲切。新世纪的儿童比以往更聪明,更具有探索精神,同时对教育的要求也就更加高了。他们生活在一个不断变化的环境中,在目前这种科技日益先进的社会生活里,美术学习有助于儿童发展自身最大的潜能。 让我们召唤社会各界人士共同关注正在成长的儿童美术教育,把精神、把传统、把最广泛意义下的文化相传下去;关怀意味着爱,用爱美化儿童心灵,缔造出具有灵性的儿童美术,还儿童一个率真的童年! 儿童美术论文:儿童美术教育人文思考论文 摘要:探索和建立我国社会主义21世纪的教育目标,是美术教育界共同关心的大事。有识之士认为“一个现代代的未来人,要有知识,才干,有开拓的思想和创新的精神。”这种观点反映了美术教育界对儿童人文教育的关注。儿童美术教育有利于培养儿童积极的情感及态度,发挥想象力。新世纪的儿童美术教育需要社会全方位的关怀,以人文精神为主线的美育是现代美术教育的主要特征。 一、儿童美术教育研究的背景 (一)时代所需的人才 未来社会是一个开放的、充满竞争的社会,竞争的优秀:是否拥有高素质创造型人才。探索、创新是社会发展的不竭动力。无论是在今天和明天的社会,如果不具备这样的能力,很难在充满竞争的社会里立足。进入21世纪,“以人为本,以培养综合性人才为宗旨”的现代教育思想越来越深入人心,这就迫切需要我们改革传统教育中只注重知识、技能的传递式教学,研究新时期的素质教育,注重情感、态度,注重探索、创造的开放式教育。 (二)儿童早期的艺术教育 情感源于艺术的锤炼,创新的精神源于对个性的尊重,而这些应是在儿童早期就撒播下的种子。自古以来,艺术作为生命的表现同它显著的感情效果和多样的社会机能,一直被视为有效的教育手段。孔子作为“万世师表”的大教育家,“游于艺”就是他重要的教育主张。时任中国教育会会长的蔡元培先生提出了“以美育代宗教”的著名观点,他“提倡美育,便是使人类能在音乐、雕刻、绘画、文学里找到他们遗失的情感。”古希腊著名哲学家亚里士多德在他的《教育论》中就曾提出“儿童学习艺术应该是为了发展优美的感情,不应变为手艺。” (三)儿童美术教育的功能 儿童美术教育在现代中国对于相当一部分人来说不再是一个陌生的名词。美术教育有利于培养儿童积极的情感、态度,有利于儿童想象思维、创新思维的发展,有利于培养儿童主体性品质和创新精神,特别是美术教育中注重对儿童个性和创造性潜能的开发,这是对人的发展最有价值的贡献。人的全面发展是人类努力追求的教育理想,儿童美术教育作为美育的一个重要门类始终在促进这一理想的实现。 童年的记忆使人刻骨铭心,因为个体早期生命经验的存在,组成的儿童种种涂画行为。根据陈鹤琴先生的研究发现,并断论:“没有一个儿童不喜欢涂画,儿童画是随着他的身心发展而发展的,与儿童的感觉、知觉、动作、骨骼、语言及思维等发展是密不可分的;同时也受着生活与教育实践的影响。儿童有运用符号表达情感的天赋,儿童的涂画和他们的精神世界总是相宜的。”前苏联教育家认为,美术教育的根本目的是培养“心灵”,让人自由成长,让想象自由飞翔,让心手合一,让色彩写在每一个孩子的脸上,即便是儿童美育的灵魂! (四)儿童美术教育中的现状 然而,随着科技的迅速发展,工业化程度的提高以及市场经济的深化,教育备受冲击,愈演愈烈的应试教育以及教育功利主义价值观不可避免地波及到儿童,儿童自出生的那一天就被置于一个由几千年的文化发展造成的复杂的文化社会结构中,他们还没具备抵御能力时却被成人所异化。在转型的现代社会中,成人对于生存和名利的压力无形中波及到儿童,使得本是最具人格陶冶感化作用的儿童美术教育被扭曲。有些家长和成人出于对儿童非理性期待,各种蜂拥而至,以盈利为目的的比赛,以及仅以技能技法为基础的培训等,致使儿童绘画中迎合和模仿的现象比比皆是。 曾几何时,儿童美术失去了它的情感色彩。台湾画家、作家、儿童美术教育家席幕容在她的《画出心中的色彩》一书中说:“应该让孩子在没有任何竞争压力下好好地度过一个快乐的童年。所以我不喜欢看儿童画展,更不爱看有大小奖状罗列的儿童画展……观察自然对于儿童不但是一种享受,还是一种资料的储存,一个处心积虑要先人一步的生活的开始,他已不再是儿童,或者说,他心中有一部分已不再是儿童了。”尽管席幕容此言看似偏激,但那确实是出于对儿童心理的感受与想象。鲁迅说:“杀死了今天也就杀死了明天,”一旦发生了席幕容所说的那种对儿童心理扭曲,“儿童画”也就失去了意义,也就没有所谓的鲜活的色彩。 (五)儿童美术教育与人文教育 早在文艺复兴时期,一些人文主义教育家便提出了以“人”为中心的教育指导思想,并主张重视美育,当时著名的教育家维多里诺正是因为看到了中世纪教会教育压抑人个性的那一面,才给自己创办的学校取名为“快乐之家”,并在学校的墙上饰以儿童游戏的绘画,以激发儿童的热情。 上个世纪90年代处一场有关“人文精神”的讨论在我国展开,它直截了当地触及了市场经济条件下人的生存意义与价值,涉及了社会思想、道德、精神、文化和教育的发展问题。虽然,“人文精神”是由文学界提出来的,但很快就超出了文学界,而成为众多学术界人士所关注的问题。现代教育的人文意义与价值及精神在教育中的体现是以人生为目的,人生理想、意义为优秀,继而延伸到知识、道德、审美等各个方面的。 我国儿童美术教育由于受到功利主义教育观的影响,教育的基点定位在知识和技能的层面,儿童感受到什么,有什么情感体验,他们喜欢怎么表达,这些问题往往被忽略,它的定位更多的是促进儿童心理走向成人心理的转换。当然,这种转换是需要的,但却不是唯一的。在美术活动中,感性的知识转授,人性化环境的熏陶,尊重儿童的情感体验,使之内化为稳定的人格、气质、修养等内在品格。儿童美术教育亿具有的人文性质是永恒的,它始终充满了人性化的关怀和关爱。正如近代学前教育理论的奠基人福禄贝尔所言:“探究的目的根本不在要成为一名画家,探究声音和唱歌的目的也绝不是要成为一名音乐家。”儿童的画来自于心灵的图式,这个图式凝聚了早期的生命体验,让我们暂且放下头脑中固有的对儿童绘画的非理性期待与标准,放下那些功利和条条框框,和儿童一起融入绘画。在儿童的美术世界中,给一份人文关怀,给一些宽容与理解。二、儿童美术教育需要人文教育结合 面对众多的困惑,很难说今天的儿童美术教育状况是令人满意的。谈起儿童美术教育时,很多家长和老师最关心的是“怎样教育”这一现实的问题,包括将孩子培养成什么样的人?孩子怎样才能提高画画水平等等。但是,谁都知道,不懂得心的教育就不能有好的教育主张和方法,不懂得儿童美术教育是什么,就不可能有突出的教学效果。丰子恺先生对人文精神的教育观体现了他对美术、音乐、文学的全面精通和研究,他将人文精神的塑造贯穿于整个教育中:儿童美术教育不仅涉及到美术学、教育学、社会学、美学、历史学、艺术门类等都有广泛的涉及。以人文为主线的美术文化贯穿于美术学科中,我们转达给儿童的视觉艺术应该具有一定的价值,儿童的潜在能力是通过人文文化的感召力来释放的。 (一)正确认识儿童美术教育在儿童心目中的地位 我们从来都是和孩子从同一方面看他们的画,而且是从同一视角。我们往往忘了考虑,儿童美术教育是一个承接和释放情感的载体,儿童绘画和他的身心发展一样,有一些早期的原生态净土,在这片净土上,每个孩子都在发展着自己的个性,按自己的规律成长。儿童美术教育在儿童心中具有不可替代的神圣的位置,教师和家长应该给孩子提供自由表现的机会,鼓励他们用不同的艺术形式大胆的表达自己的情感、理解和想像,尊重每一个孩子的想法和创造,肯定和接纳他们独特的审美感受和表现方式,分享他们创造的快乐。 (二)拓宽儿童美术视野,让儿童热爱美术 儿童美术教育是在多元文化影响下以多样性的面目出现的,是以多元文化思想渗透的、综合的、全面的审美文化教育,“美是生活”,生活中到处有美的事物。传统的美术课把主要的精力集中在绘画及技能的培养上,使原本应当丰富、生动活泼的美术课,变成了机械的模仿和乏味的操作训练。美术不应当局限于课堂中,课堂造成了儿童部分个性的缺失,束缚了他们的想像和创造,儿童美术教育的终点不是要儿童走向一个共同的点,这不是最终的目的。而应该注重过程,既在过程中提炼美术的精华,让每个孩子的个性不受阻碍,自由发展。 大自然是每一位儿童向往的天地,儿童的生活源于自然的观察和体验。观察是美术教育的教学优秀,是儿童绘画的源泉。孩子看的多,经历的多,留于心中的印象就越多,画画时内容就会丰富,想像即无穷。观察并不是让儿童照实描绘他们的所见,而是通过观察来培养他们对生活的一颗敏感、细嫩的心灵,丰富他们的感性认识,提高认知水平。教育者要善于抓住观察的时机,根据儿童的兴趣和适宜的环境,用积极的语言,提升儿童对绘画的兴趣。 儿童拥有稚嫩的童心,它无不被情所牵引。色彩是儿童表示情感的语言,教师要善于发掘每个孩子身上的潜能,知道他们表达的需要,选择他们所要表达的方式。心理学家发现,美术、音乐等艺术表现方式有利于人的身心健康发展,有利于心灵的平衡发展。要让孩子热爱美术,作为执教和教导者,对自身要有严格的要求,自己要热衷于生活中的美,保持对美术的热爱。用自己的热情感染每一颗渴望在白纸上“舞蹈”的心。 (三)美与情感 艺术来源于生活而又高于生活。高于生活是因为它提炼了生活中美好的东西,并融入了作者的思想感情。美术教育更是通过生活中那些直观、生动、具有美感形象的事物来进行的教育。因此,美术教育的一个重要任务就是:启迪儿童对真、善、美的认识,陶冶美的情操,激发美好的理想和追求。 罗丹曾说过:“生活并不是缺少美,而是缺少发现。”大自然的湖光山色、社会的风土人情、生活中人们的相互关爱,到处都蕴藏着美,需要我们引导幼儿去发现,并使他们知道美在哪?为什么美?使他们从小就受到美的熏陶,生活情趣高雅,积极向上。 爱因斯坦在他的《我的世界观》一文中说:“照亮我的道路,并不断给我新的勇气,去愉快地正视生活的理想,是真、善、美……”他确信“个人的生命只有当他用来使一切有生命的东西都生活的更高尚、更优美时才有意义”。爱因斯坦的精神境界造就了他的伟大,而这精神境界很重要的精神来源在于他从小对艺术的热爱。美术教育可以塑造人的灵魂,提高人的精神世界。 (四)美术教育体现人文的价值,为健全人格的塑造打基础 现代教育和教学思想非常重视“人”在教育中的地位,强调儿童为教学的主体,更注重人的品质与修养的培育,杜威提出要保存儿童的天性,……当读到这一段论述时,不由回想起尹少淳先生对儿童美术教育的一段精辟论述:“应该以一种发展的眼光看待儿童画,千万要保护儿童美术学习的重要品质:如高昂的兴趣,旺盛的想象力和主动大胆的创造精神。 福禄培尔(FriedrichFroebel,1782-1852)指出:一个孩子的主要性格,决定于个人兴趣愿望的自我活动。儿童可以从工作中学习,经由运动神经连接思想与行动,可说是发展思考过程的最佳方法。儿童把美术活动视为游戏,既有兴趣,又有参加活动的愿望。因此,美术教育很重要的一个教育功能——统整人格。 许多心理学家已经证明,自由说话或交谈,是缓和个人情感与他人之不和,以及侵蚀行动最有效的安全活塞。由于儿童语言发展的局限,他们还不善于用语言表达那些令他感到新奇或不满的事情,他们常选择绘画的方式来表达,边画边用语言来进行补充。这是因为美术活动比较开放,儿童可以不受限制自由灵活地表达自己的想法和愿望。这使他们的情绪、情感能够得到充分的渲泄,可以使儿童解脱心理压力和紧张,获得情感自由和适应能力,受到精神健康和心理治疗之效。 美术作品注重想象,提倡自由表达和创新,因而在美术创作中没有失败,不会产生挫折感,儿童的心情愉悦。在尝试操作或创作的过程中,他们可以在毫无压力的情况下,丰富自己的学习经验,体验到发现、探索的乐趣。在完成作品时,他们又充分感受到成功的喜悦,自信心油然而生。 每次美术尝试,对儿童来说是一次新的挑战,在新的挑战中他们所体验、感受的那份快乐、自信、成功,为他们今后能够勇敢面对新问题、新环境作好了准备。#P#三、全面发展的儿童美术教育 (一)把合适的美术教育还给孩子 日本的儿童美术教育重在体验与创造,他们准备了各种彩色泥土给孩子尽情玩乐,让孩子体验色彩、自由作画,鼓励个人的表达方式。而要让儿童画真正成为“儿童自己的画”,评价方面非常重要。日本公立幼儿园的教师从不对孩子的画横加评价,而是细心地把每个孩子的画悬挂张贴,由孩子们欣赏讨论。边霞博士认为我们的教师应该转换评价的方式,如可以问孩子“最喜欢哪一张”而不是“哪一张最好”,因为我们要做的是允许孩子表现和发展个人对世界的认识,允许不同评价尺度的存在,允许个性的发展。如果我们的评价还是教师一言堂,“这张画我喜欢”“这张画很干净”“这张画画得很好”“这张画乱七八糟,我不喜欢”,那么,只能说明我们还没有理解美术教育到底是为了什么,这样我们将永远不可能还给孩子真正意义上的美术教育。 (二)家庭与儿童美术教育 儿童的早期教学与家庭影响较大,在自由宽松氛围里生活的儿童,一般性格开朗,活泼好动,思维灵活,无拘无束。家庭是孩子的第一所学校,父母是他们的第一位老师。儿童是在成人的价值观里成长的,他们被家长所鼓励,赞扬的某一方面和水平,均是建立在家长的文化素养上。家长的价值观在许多方面与人文文化教育观背道而驰,但儿童天天都要和其打交道,生活在一起。在一种潜移默化的自然影响下,儿童们的身心和文化素质已开始有一定的模式,当这一模式与美术教育观念对话时,随时发生矛盾与冲突。 阿恩海姆评论说:“我想不出有什么艺术与美术创造中的基本因素是在儿童作品看不到萌芽的。”幼儿期是人的一生中最无忧无虑的阶段,没有学习任务和压力,他们可以自由尽情地去游乐,且乐此不疲地从事一切艺术活动。他们从自己的探索中不断得到反馈,得到享受。例如,儿童的绘画兴趣是这样被激发的:儿童随意涂抹,却能成为一幅作品得到成人的赞赏,这时所带给儿童的不仅是过程的愉悦,还能及时获得结果的享用。当他完成一幅来时,他会迫不及待希望成人分享他的快乐。这样,他也很容易从成人那里得到正面的反馈来加强作画的动机。 (三)教师与儿童美术教育 教师是人类文化的传递者,在现代儿童美术教育中他们所扮演的角色应是“援助者”而非“教导者”,互动中的儿童美术教育的结果是要把儿童引向一个较为完美的状态,而其中包含了人文的情怀及充满人文关怀的艺术教育。儿童美术教育是一种深层次的隐性文化教育,教师的素质和意识在美术教育中有很大的影响,一个能适应现代教育发展、胜任美术教学工作的教师,我认为需要具备以下基本素质: 1、走进童心世界 教师所耕耘的是一片净土。教师工作之所以纯洁,是因为他所面对的是一群纯洁的孩子,教育工作者不能容忍用肮脏的灵魂去玷污这圣洁的土地。做教育工作者不能没有爱心。热爱本职工作,就会自觉地去辛勤耕作,就会去认真地实践,就会时刻警告自己要跟上时代的步伐,不断更新知识,就会认真选择自己的事业,勇往直前。当好孩子的美术教师,必须要热爱生活,要有耐心,帮助孩子学会宽容和理解,使孩子能理解、尊重人、关心人,懂得如何和别人合作,能够很好地与人交流,相处与配合。 孩子是赤裸裸地来到这个世界的,他们的身上没有太多道德理论的束缚,对于孩子来说,兴趣是如此重要,教师要千方百计来保护,扶植儿童兴趣的萌芽。让我们暂且放下头脑中固有的对儿童绘画的种种期待与标准,和孩子一起,全身心地投入绘画,你不仅能发现孩子的另一个世界,也能唤醒你自己正在沉睡的另一种感悟。 2、精通本职专业,力求全面发展 作为一名教师要能解读儿童绘画,善于与儿童沟通。如果不能了解孩子就无法做好本职工作。现代儿童美术教育以人发展为中心,教育儿童的前提建立在尊重和了解儿童,一切以儿童心理发展规律为基础上。教师不仅要须知心理学知识,而且要具有理解儿童,善于和儿童建立密切融洽关系的本领。他们能随时进入儿童的天地中来,能听懂儿童的心声,知道儿童喜欢什么,需要什么,他们怎么想,怎么做;并能以平等、友善的态度与儿童做朋友。只有这样,教师才有资格去帮助和指导儿童。 美术教师还必须熟悉儿童们创造的视觉语言符号,能欣赏和正确评价儿童作品。儿童绘画反映儿童的内心世界,教师要通过儿童的作品去了解他们的爱好、性格,他们的成长状况。教师对儿童的艺术创造要充满热情,具有关爱之心,耐心地了解他们的想法,才能因势利导的做好教学工作。教师指导儿童不能以个人爱好为准则,不要对儿童轻易去批评和否定,要以友爱协商的态度,在美术活动中,至始至终,帮助儿童身心及人格的全面发展。 3、让人文教育走进儿童美术 人文教育提倡创建积极的充满人性味的师生关系和学习氛围,让每一个儿童在这种氛围中充分展现个性。《学会生存》中指出:“把一个人在体力、智力、情绪、伦理各方面的因素综合起来,使其成为一个完善的人。”换言之,人文教育强调以人为中心,注重教师所应具备的人性观。美术教师必须加强自身的知识的同时,也要加强历史感、责任感和自我感,那就是如何独立思考,发展自身,将人文科学、社会科学与自然科学相融相通。此外,也要了解外部民办及其面貌,与我们的感觉、心境、精神、情绪等所能体验到的内部世界融为一体。用这样的人文精神去开发儿童的美术素养,陶冶情操,促进个性发展。 “世间的大人们,你们是由儿童变成的,你们的童心不曾完全泯灭。你们应该时时召回自己的童心,亲身去看看儿童的世界,不要误解他们,虐待他们,摧残他们的美丽与幸福。”丰子恺先生对儿童心理的了解和对教师工作的要求使我们为感亲切。新世纪的儿童比以往更聪明,更具有探索精神,同时对教育的要求也就更加高了。他们生活在一个不断变化的环境中,在目前这种科技日益先进的社会生活里,美术学习有助于儿童发展自身最大的潜能。 让我们召唤社会各界人士共同关注正在成长的儿童美术教育,把精神、把传统、把最广泛意义下的文化相传下去;关怀意味着爱,用爱美化儿童心灵,缔造出具有灵性的儿童美术,还儿童一个率真的童年! 儿童美术论文:儿童美术教育管理论文 摘要:探索和建立我国社会主义21世纪的教育目标,是美术教育界共同关心的大事。有识之士认为“一个现代代的未来人,要有知识,才干,有开拓的思想和创新的精神。”这种观点反映了美术教育界对儿童人文教育的关注。儿童美术教育有利于培养儿童积极的情感及态度,发挥想象力。新世纪的儿童美术教育需要社会全方位的关怀,以人文精神为主线的美育是现代美术教育的主要特征。 一、儿童美术教育研究的背景 (一)时代所需的人才 未来社会是一个开放的、充满竞争的社会,竞争的优秀:是否拥有高素质创造型人才。探索、创新是社会发展的不竭动力。无论是在今天和明天的社会,如果不具备这样的能力,很难在充满竞争的社会里立足。进入21世纪,“以人为本,以培养综合性人才为宗旨”的现代教育思想越来越深入人心,这就迫切需要我们改革传统教育中只注重知识、技能的传递式教学,研究新时期的素质教育,注重情感、态度,注重探索、创造的开放式教育。 (二)儿童早期的艺术教育 情感源于艺术的锤炼,创新的精神源于对个性的尊重,而这些应是在儿童早期就撒播下的种子。自古以来,艺术作为生命的表现同它显著的感情效果和多样的社会机能,一直被视为有效的教育手段。孔子作为“万世师表”的大教育家,“游于艺”就是他重要的教育主张。时任中国教育会会长的蔡元培先生提出了“以美育代宗教”的著名观点,他“提倡美育,便是使人类能在音乐、雕刻、绘画、文学里找到他们遗失的情感。”古希腊著名哲学家亚里士多德在他的《教育论》中就曾提出“儿童学习艺术应该是为了发展优美的感情,不应变为手艺。” (三)儿童美术教育的功能 儿童美术教育在现代中国对于相当一部分人来说不再是一个陌生的名词。美术教育有利于培养儿童积极的情感、态度,有利于儿童想象思维、创新思维的发展,有利于培养儿童主体性品质和创新精神,特别是美术教育中注重对儿童个性和创造性潜能的开发,这是对人的发展最有价值的贡献。人的全面发展是人类努力追求的教育理想,儿童美术教育作为美育的一个重要门类始终在促进这一理想的实现。 童年的记忆使人刻骨铭心,因为个体早期生命经验的存在,组成的儿童种种涂画行为。根据陈鹤琴先生的研究发现,并断论:“没有一个儿童不喜欢涂画,儿童画是随着他的身心发展而发展的,与儿童的感觉、知觉、动作、骨骼、语言及思维等发展是密不可分的;同时也受着生活与教育实践的影响。儿童有运用符号表达情感的天赋,儿童的涂画和他们的精神世界总是相宜的。”前苏联教育家认为,美术教育的根本目的是培养“心灵”,让人自由成长,让想象自由飞翔,让心手合一,让色彩写在每一个孩子的脸上,即便是儿童美育的灵魂! (四)儿童美术教育中的现状 然而,随着科技的迅速发展,工业化程度的提高以及市场经济的深化,教育备受冲击,愈演愈烈的应试教育以及教育功利主义价值观不可避免地波及到儿童,儿童自出生的那一天就被置于一个由几千年的文化发展造成的复杂的文化社会结构中,他们还没具备抵御能力时却被成人所异化。在转型的现代社会中,成人对于生存和名利的压力无形中波及到儿童,使得本是最具人格陶冶感化作用的儿童美术教育被扭曲。有些家长和成人出于对儿童非理性期待,各种蜂拥而至,以盈利为目的的比赛,以及仅以技能技法为基础的培训等,致使儿童绘画中迎合和模仿的现象比比皆是。 曾几何时,儿童美术失去了它的情感色彩。台湾画家、作家、儿童美术教育家席幕容在她的《画出心中的色彩》一书中说:“应该让孩子在没有任何竞争压力下好好地度过一个快乐的童年。所以我不喜欢看儿童画展,更不爱看有大小奖状罗列的儿童画展……观察自然对于儿童不但是一种享受,还是一种资料的储存,一个处心积虑要先人一步的生活的开始,他已不再是儿童,或者说,他心中有一部分已不再是儿童了。”尽管席幕容此言看似偏激,但那确实是出于对儿童心理的感受与想象。鲁迅说:“杀死了今天也就杀死了明天,”一旦发生了席幕容所说的那种对儿童心理扭曲,“儿童画”也就失去了意义,也就没有所谓的鲜活的色彩。 (五)儿童美术教育与人文教育 早在文艺复兴时期,一些人文主义教育家便提出了以“人”为中心的教育指导思想,并主张重视美育,当时著名的教育家维多里诺正是因为看到了中世纪教会教育压抑人个性的那一面,才给自己创办的学校取名为“快乐之家”,并在学校的墙上饰以儿童游戏的绘画,以激发儿童的热情。 上个世纪90年代处一场有关“人文精神”的讨论在我国展开,它直截了当地触及了市场经济条件下人的生存意义与价值,涉及了社会思想、道德、精神、文化和教育的发展问题。虽然,“人文精神”是由文学界提出来的,但很快就超出了文学界,而成为众多学术界人士所关注的问题。现代教育的人文意义与价值及精神在教育中的体现是以人生为目的,人生理想、意义为优秀,继而延伸到知识、道德、审美等各个方面的。 我国儿童美术教育由于受到功利主义教育观的影响,教育的基点定位在知识和技能的层面,儿童感受到什么,有什么情感体验,他们喜欢怎么表达,这些问题往往被忽略,它的定位更多的是促进儿童心理走向成人心理的转换。当然,这种转换是需要的,但却不是唯一的。在美术活动中,感性的知识转授,人性化环境的熏陶,尊重儿童的情感体验,使之内化为稳定的人格、气质、修养等内在品格。儿童美术教育亿具有的人文性质是永恒的,它始终充满了人性化的关怀和关爱。正如近代学前教育理论的奠基人福禄贝尔所言:“探究的目的根本不在要成为一名画家,探究声音和唱歌的目的也绝不是要成为一名音乐家。”儿童的画来自于心灵的图式,这个图式凝聚了早期的生命体验,让我们暂且放下头脑中固有的对儿童绘画的非理性期待与标准,放下那些功利和条条框框,和儿童一起融入绘画。在儿童的美术世界中,给一份人文关怀,给一些宽容与理解。二、儿童美术教育需要人文教育结合 面对众多的困惑,很难说今天的儿童美术教育状况是令人满意的。谈起儿童美术教育时,很多家长和老师最关心的是“怎样教育”这一现实的问题,包括将孩子培养成什么样的人?孩子怎样才能提高画画水平等等。但是,谁都知道,不懂得心的教育就不能有好的教育主张和方法,不懂得儿童美术教育是什么,就不可能有突出的教学效果。丰子恺先生对人文精神的教育观体现了他对美术、音乐、文学的全面精通和研究,他将人文精神的塑造贯穿于整个教育中:儿童美术教育不仅涉及到美术学、教育学、社会学、美学、历史学、艺术门类等都有广泛的涉及。以人文为主线的美术文化贯穿于美术学科中,我们转达给儿童的视觉艺术应该具有一定的价值,儿童的潜在能力是通过人文文化的感召力来释放的。 (一)正确认识儿童美术教育在儿童心目中的地位 我们从来都是和孩子从同一方面看他们的画,而且是从同一视角。我们往往忘了考虑,儿童美术教育是一个承接和释放情感的载体,儿童绘画和他的身心发展一样,有一些早期的原生态净土,在这片净土上,每个孩子都在发展着自己的个性,按自己的规律成长。儿童美术教育在儿童心中具有不可替代的神圣的位置,教师和家长应该给孩子提供自由表现的机会,鼓励他们用不同的艺术形式大胆的表达自己的情感、理解和想像,尊重每一个孩子的想法和创造,肯定和接纳他们独特的审美感受和表现方式,分享他们创造的快乐。 (二)拓宽儿童美术视野,让儿童热爱美术 儿童美术教育是在多元文化影响下以多样性的面目出现的,是以多元文化思想渗透的、综合的、全面的审美文化教育,“美是生活”,生活中到处有美的事物。传统的美术课把主要的精力集中在绘画及技能的培养上,使原本应当丰富、生动活泼的美术课,变成了机械的模仿和乏味的操作训练。美术不应当局限于课堂中,课堂造成了儿童部分个性的缺失,束缚了他们的想像和创造,儿童美术教育的终点不是要儿童走向一个共同的点,这不是最终的目的。而应该注重过程,既在过程中提炼美术的精华,让每个孩子的个性不受阻碍,自由发展。 大自然是每一位儿童向往的天地,儿童的生活源于自然的观察和体验。观察是美术教育的教学优秀,是儿童绘画的源泉。孩子看的多,经历的多,留于心中的印象就越多,画画时内容就会丰富,想像即无穷。观察并不是让儿童照实描绘他们的所见,而是通过观察来培养他们对生活的一颗敏感、细嫩的心灵,丰富他们的感性认识,提高认知水平。教育者要善于抓住观察的时机,根据儿童的兴趣和适宜的环境,用积极的语言,提升儿童对绘画的兴趣。 儿童拥有稚嫩的童心,它无不被情所牵引。色彩是儿童表示情感的语言,教师要善于发掘每个孩子身上的潜能,知道他们表达的需要,选择他们所要表达的方式。心理学家发现,美术、音乐等艺术表现方式有利于人的身心健康发展,有利于心灵的平衡发展。要让孩子热爱美术,作为执教和教导者,对自身要有严格的要求,自己要热衷于生活中的美,保持对美术的热爱。用自己的热情感染每一颗渴望在白纸上“舞蹈”的心。 (三)美与情感 艺术来源于生活而又高于生活。高于生活是因为它提炼了生活中美好的东西,并融入了作者的思想感情。美术教育更是通过生活中那些直观、生动、具有美感形象的事物来进行的教育。因此,美术教育的一个重要任务就是:启迪儿童对真、善、美的认识,陶冶美的情操,激发美好的理想和追求。 罗丹曾说过:“生活并不是缺少美,而是缺少发现。”大自然的湖光山色、社会的风土人情、生活中人们的相互关爱,到处都蕴藏着美,需要我们引导幼儿去发现,并使他们知道美在哪?为什么美?使他们从小就受到美的熏陶,生活情趣高雅,积极向上。 爱因斯坦在他的《我的世界观》一文中说:“照亮我的道路,并不断给我新的勇气,去愉快地正视生活的理想,是真、善、美……”他确信“个人的生命只有当他用来使一切有生命的东西都生活的更高尚、更优美时才有意义”。爱因斯坦的精神境界造就了他的伟大,而这精神境界很重要的精神来源在于他从小对艺术的热爱。美术教育可以塑造人的灵魂,提高人的精神世界。 (四)美术教育体现人文的价值,为健全人格的塑造打基础 现代教育和教学思想非常重视“人”在教育中的地位,强调儿童为教学的主体,更注重人的品质与修养的培育,杜威提出要保存儿童的天性,……当读到这一段论述时,不由回想起尹少淳先生对儿童美术教育的一段精辟论述:“应该以一种发展的眼光看待儿童画,千万要保护儿童美术学习的重要品质:如高昂的兴趣,旺盛的想象力和主动大胆的创造精神。 福禄培尔(FriedrichFroebel,1782-1852)指出:一个孩子的主要性格,决定于个人兴趣愿望的自我活动。儿童可以从工作中学习,经由运动神经连接思想与行动,可说是发展思考过程的最佳方法。儿童把美术活动视为游戏,既有兴趣,又有参加活动的愿望。因此,美术教育很重要的一个教育功能——统整人格。 许多心理学家已经证明,自由说话或交谈,是缓和个人情感与他人之不和,以及侵蚀行动最有效的安全活塞。由于儿童语言发展的局限,他们还不善于用语言表达那些令他感到新奇或不满的事情,他们常选择绘画的方式来表达,边画边用语言来进行补充。这是因为美术活动比较开放,儿童可以不受限制自由灵活地表达自己的想法和愿望。这使他们的情绪、情感能够得到充分的渲泄,可以使儿童解脱心理压力和紧张,获得情感自由和适应能力,受到精神健康和心理治疗之效。 美术作品注重想象,提倡自由表达和创新,因而在美术创作中没有失败,不会产生挫折感,儿童的心情愉悦。在尝试操作或创作的过程中,他们可以在毫无压力的情况下,丰富自己的学习经验,体验到发现、探索的乐趣。在完成作品时,他们又充分感受到成功的喜悦,自信心油然而生。 每次美术尝试,对儿童来说是一次新的挑战,在新的挑战中他们所体验、感受的那份快乐、自信、成功,为他们今后能够勇敢面对新问题、新环境作好了准备。#P#三、全面发展的儿童美术教育 (一)把合适的美术教育还给孩子 日本的儿童美术教育重在体验与创造,他们准备了各种彩色泥土给孩子尽情玩乐,让孩子体验色彩、自由作画,鼓励个人的表达方式。而要让儿童画真正成为“儿童自己的画”,评价方面非常重要。日本公立幼儿园的教师从不对孩子的画横加评价,而是细心地把每个孩子的画悬挂张贴,由孩子们欣赏讨论。边霞博士认为我们的教师应该转换评价的方式,如可以问孩子“最喜欢哪一张”而不是“哪一张最好”,因为我们要做的是允许孩子表现和发展个人对世界的认识,允许不同评价尺度的存在,允许个性的发展。如果我们的评价还是教师一言堂,“这张画我喜欢”“这张画很干净”“这张画画得很好”“这张画乱七八糟,我不喜欢”,那么,只能说明我们还没有理解美术教育到底是为了什么,这样我们将永远不可能还给孩子真正意义上的美术教育。 (二)家庭与儿童美术教育 儿童的早期教学与家庭影响较大,在自由宽松氛围里生活的儿童,一般性格开朗,活泼好动,思维灵活,无拘无束。家庭是孩子的第一所学校,父母是他们的第一位老师。儿童是在成人的价值观里成长的,他们被家长所鼓励,赞扬的某一方面和水平,均是建立在家长的文化素养上。家长的价值观在许多方面与人文文化教育观背道而驰,但儿童天天都要和其打交道,生活在一起。在一种潜移默化的自然影响下,儿童们的身心和文化素质已开始有一定的模式,当这一模式与美术教育观念对话时,随时发生矛盾与冲突。 阿恩海姆评论说:“我想不出有什么艺术与美术创造中的基本因素是在儿童作品看不到萌芽的。”幼儿期是人的一生中最无忧无虑的阶段,没有学习任务和压力,他们可以自由尽情地去游乐,且乐此不疲地从事一切艺术活动。他们从自己的探索中不断得到反馈,得到享受。例如,儿童的绘画兴趣是这样被激发的:儿童随意涂抹,却能成为一幅作品得到成人的赞赏,这时所带给儿童的不仅是过程的愉悦,还能及时获得结果的享用。当他完成一幅来时,他会迫不及待希望成人分享他的快乐。这样,他也很容易从成人那里得到正面的反馈来加强作画的动机。 (三)教师与儿童美术教育 教师是人类文化的传递者,在现代儿童美术教育中他们所扮演的角色应是“援助者”而非“教导者”,互动中的儿童美术教育的结果是要把儿童引向一个较为完美的状态,而其中包含了人文的情怀及充满人文关怀的艺术教育。儿童美术教育是一种深层次的隐性文化教育,教师的素质和意识在美术教育中有很大的影响,一个能适应现代教育发展、胜任美术教学工作的教师,我认为需要具备以下基本素质: 1、走进童心世界 教师所耕耘的是一片净土。教师工作之所以纯洁,是因为他所面对的是一群纯洁的孩子,教育工作者不能容忍用肮脏的灵魂去玷污这圣洁的土地。做教育工作者不能没有爱心。热爱本职工作,就会自觉地去辛勤耕作,就会去认真地实践,就会时刻警告自己要跟上时代的步伐,不断更新知识,就会认真选择自己的事业,勇往直前。当好孩子的美术教师,必须要热爱生活,要有耐心,帮助孩子学会宽容和理解,使孩子能理解、尊重人、关心人,懂得如何和别人合作,能够很好地与人交流,相处与配合。 孩子是赤裸裸地来到这个世界的,他们的身上没有太多道德理论的束缚,对于孩子来说,兴趣是如此重要,教师要千方百计来保护,扶植儿童兴趣的萌芽。让我们暂且放下头脑中固有的对儿童绘画的种种期待与标准,和孩子一起,全身心地投入绘画,你不仅能发现孩子的另一个世界,也能唤醒你自己正在沉睡的另一种感悟。 2、精通本职专业,力求全面发展 作为一名教师要能解读儿童绘画,善于与儿童沟通。如果不能了解孩子就无法做好本职工作。现代儿童美术教育以人发展为中心,教育儿童的前提建立在尊重和了解儿童,一切以儿童心理发展规律为基础上。教师不仅要须知心理学知识,而且要具有理解儿童,善于和儿童建立密切融洽关系的本领。他们能随时进入儿童的天地中来,能听懂儿童的心声,知道儿童喜欢什么,需要什么,他们怎么想,怎么做;并能以平等、友善的态度与儿童做朋友。只有这样,教师才有资格去帮助和指导儿童。 美术教师还必须熟悉儿童们创造的视觉语言符号,能欣赏和正确评价儿童作品。儿童绘画反映儿童的内心世界,教师要通过儿童的作品去了解他们的爱好、性格,他们的成长状况。教师对儿童的艺术创造要充满热情,具有关爱之心,耐心地了解他们的想法,才能因势利导的做好教学工作。教师指导儿童不能以个人爱好为准则,不要对儿童轻易去批评和否定,要以友爱协商的态度,在美术活动中,至始至终,帮助儿童身心及人格的全面发展。 3、让人文教育走进儿童美术 人文教育提倡创建积极的充满人性味的师生关系和学习氛围,让每一个儿童在这种氛围中充分展现个性。《学会生存》中指出:“把一个人在体力、智力、情绪、伦理各方面的因素综合起来,使其成为一个完善的人。”换言之,人文教育强调以人为中心,注重教师所应具备的人性观。美术教师必须加强自身的知识的同时,也要加强历史感、责任感和自我感,那就是如何独立思考,发展自身,将人文科学、社会科学与自然科学相融相通。此外,也要了解外部民办及其面貌,与我们的感觉、心境、精神、情绪等所能体验到的内部世界融为一体。用这样的人文精神去开发儿童的美术素养,陶冶情操,促进个性发展。 “世间的大人们,你们是由儿童变成的,你们的童心不曾完全泯灭。你们应该时时召回自己的童心,亲身去看看儿童的世界,不要误解他们,虐待他们,摧残他们的美丽与幸福。”丰子恺先生对儿童心理的了解和对教师工作的要求使我们为感亲切。新世纪的儿童比以往更聪明,更具有探索精神,同时对教育的要求也就更加高了。他们生活在一个不断变化的环境中,在目前这种科技日益先进的社会生活里,美术学习有助于儿童发展自身最大的潜能。 让我们召唤社会各界人士共同关注正在成长的儿童美术教育,把精神、把传统、把最广泛意义下的文化相传下去;关怀意味着爱,用爱美化儿童心灵,缔造出具有灵性的儿童美术,还儿童一个率真的童年! 儿童美术论文:儿童校外美术心理教育论文 [摘要]校外美术教育是整个教育事业的重要组成部分,对儿童良好心理发展起着调适作用,具体表现在:对学习方面存在的心理问题有缓冲作用;能改善孩子们的人际交往;能使孩子树立自信心增强责任感;能帮助孩子们提高心理承受能力。 [关键词]校外美术教育儿童心理问题学习人际交往自信心责任感心理承受能力 校外美术教育是校外教育的一部分,是整个教育事业的重要组成部分。它不仅能培养学生美术兴趣,发展特长,锻炼能力,提高素质,而且能调适儿童不良心理,使儿童心理得到正常发展。下面从我个人的认识、理解出发,谈谈校外美术教育对儿童良好心理发展所起的作用。 一、对学习方面存在的心理问题有缓冲作用 由于社会竞争日趋激烈,家庭、学校对孩子的要求越来越高,而且不注意孩子自身的感受与需求,所以他们在学习中容易形成各种压力,出现一些学习方面的心理问题。具体表现为对学习没有兴趣,一提学习就心烦,考试前焦虑等心理问题。 这种心理问题在干巴、无聊的学校学习过程中难以得到缓解。良好的校外教育能够成为这种心理问题的一个缓冲器和矫正器。这是因为:校外美术学习是孩子们根据自己的爱好选择的,所以很容易引起兴趣,在学习中他们表现出热爱之情,在这里能使他们没有被完全压抑或者部门压抑的“小活力”、“小灵光”得到延展;校外美术教育,可以有专业和非专业之分,孩子可以根据自己的能力选择参加什么样的培训班,而且不用担心跟不上学习进度,完不成作业;校外美术教育不同于一般的学校教育,它不存在甄别与选拔,不存在升学的压力,不用担心考不好。由此看出,校外美术教育正是以自身独特的优势,为各种情况和各种能力的孩子提供了一个全纳性的空间。所以说通过校外美术教育可以缓冲和矫正孩子学习中出现的心理问题。 二、能改善孩子们的人际交往 中小学生在人际交往方面存在的心理问题比较明显,具体表现为交往困难、缺乏友谊、孤独。这与随着社会的发展,家长压力大,忙与工作、应酬,对孩子关注过少;独生子女增多;父母过度保护及住房独立有关。 虽然儿童在学校也可以结识伙伴,但是在学校的交往会带上学校的特点:在学校中,一个班级里已经形成了固定的人际互动模式,基本上决定了他在班里的位置,这就使他们不能够结识更多的同学,改变一些人际关系;在学校里一些孩子的学习情况也影响着他们的人际交往情况,学习好的无暇顾及交往,学习不出色的孩子自卑自责对交往也缺乏信心。由于校外美术教育机构的临时性、灵活性等特点,可以使儿童结识更多的伙伴、改变伙伴关系模式。 在学校教育中,按年龄、年级、科目严格分班,校外美术教育可以跨年龄、性别、地域等很多背景,体现出全纳性。这些校外教育的特点对他们重新认识、改善人际关系带来许多好处。 校外美术学习是一种开放性的学习,他们可以根据自己的学习情况改变座位,互相交流,互相帮助与学习,在一起讨论、评价而且不受学校教育那样严格的课堂纪律约束。这样就加强了他们之间的交往,在交往过程也学会了一些交往技巧,懂得了如何交往,改善了以往交往中存在的问题。所以,通过校外美术学习,可以让孩子们在同一种志趣爱好中体验到交朋识友带来的好处,让他们在共同话题中走出孤独的阴影。 三、能使孩子树立自信心增强责任感 不自信和没有责任感也是中小学生普遍存在的心理问题。 由于家庭和学校对孩子的要求过高,对孩子的消极评价过多;家庭对孩子又过度保护。所以一些孩子存在着不自信的心理问题,影响了孩子正常的心理发展。 让一些在学校或家庭中丢失自尊自信的孩子在校外教育的某一个空间、某一个时段找回一些自尊和自信。也是校外教育所具有的功能。尤其是美术,是没有错误的学科,它表达的是个人自身感受,是自己对世界的理解和看法,没有对错之分。所以校外美术教育对孩子的不自信心理问题能够起到调适作用,使儿童自身心理得到正常发展。 在学校教育中,学什么是学校给安排的,前程是爸爸妈妈给设计的,自身学习及远大前程似乎都不用自己考虑了,孩子对自己的学习与未来缺乏自由选择的权利。所以在生活、学习上表现出不负责任的不良心理。 在校外教育中,学习什么知识,更多的是尊重孩子自己的意愿选择的,无形中增强了他做好这件事的责任感。我看到过这么个孩子,在他强烈的要求下,父母允许他参加了一个校外美术辅导班,孩子无论刮风下雨,都按时到辅导班上课。有一次,父母等到很晚孩子还没有回家,于是父母想:“这下完了,三天的热度过去了,不知又到哪里玩去了。”处于对孩子安全的考虑,他的爸爸还是从家一路的寻找到校外美术辅导班,隔着窗户玻璃爸爸看到儿子那独自学习的身影,当时爸爸很感动,真的有点不相信自己的眼睛,进门一把把儿子搂在怀里,说道:“不知道我儿子也会这么热爱学习”。由这个例子看出,正是因为孩子有权利选择了自己的学习,所以就增强了他做好这件事的责任心。所以说校外美术教育在孩子自信心和责任感的培养中有着不可忽视的优势。 四、能帮助孩子们提高心理承受能力 台湾心理学家何永钰教授告诉我们,人的心理健康与内外压力和自我强度有关:心理健康程度与自我强度成正比;与内外压力成反比。由此看来,增强心理承受能力是解决心理健康问题的关键。可是目前我国中小学生普遍存在着心理承受能力差的问题, 他们表现为遇到困难饶着走,一点委屈、挫折也受不了,很难独立面对自己生活和学习中的各种难题。这主要与家庭的过分保护有关系。 在校外美术学习中,想使作品得到很好的表现,也不是一件容易的事,也要经过一次次地失败才能成功,也正是在这一次次地失败中孩子们提高了心理承受能力。他们的作品也会受到老师、同伴们的评价,老师同伴们会指出作品的缺点和不足,他们只有接受批评,改正不足,正视自己的优缺点才能进步。所以通过校外美术学习,他们学会了了解自我、正视自我、找出自己的缺点和不足、正确的看待别人。因此说,校外美术学习对提高心理承受能力能起到很好调节作用。 校外美术教育作为校外教育事业的一部分,与学校教育相辅相承,形成互补之势,在人的全面和谐发展中发挥着自身的优势。但是,它也存在着不足之处,如在场地建设、行政管理、教学活动、师资队伍、设备器材、科学研究等方面还要进一步走向规范化,使之真正成为培养广大少年儿童兴趣爱好场所,在充分尊重每个学生人格的基础上,使它成为学生个性得到自由充分发展的乐园。 儿童美术论文:少年儿童美术教育论文 一、美术教育在智力发展上对少儿健康成长的促进 智力是知识和能力的综合体现,是个体在认识过程中各种能力的综合产物。主要包括感受力、观察力、记忆力、思维力、想象力、创造力等,并以思维力和创造力为优秀。美育过程,实质就是发展和提高各种认知能力,形成完整智力结构的过程。美育把智力开发作为美术学习活动的优秀,对少儿智力的开发功能起着举足轻重的作用,其主要价值作用体现在以下方面。 (一)美术教育在感受力和视觉观察力中对少儿智力的发展和提高 感受力,心理学上称为感知觉能力。人的智力开发与感受能力高低密切相关。假如缺乏足够的感性材料,抽象思维活动就不能进行,也就无法认识事物的本质与规律,更难以进行科学的发明与创造。而美育则有助于人的感知能力的提高,进而扩大和深化少儿对客观世界的认识。从少年儿童认知与思维规律来讲,认识客观世界,获取文化知识,提高品味修养,不仅依赖各门理性学科,更需借助于感性的形象,将具体事物通过艺术表象生动积极地揭示出来,由具象引领走进真实的生活,再概括反映出现实社会生活的本质,实现理性思维达到升华自我。观察是一种有目的、有计划、积极思维的高级形式的视知觉过程。观察与观察力是指人们通过观察、感觉和知觉,使自己同外部世界联系起来认识客观事物的带有个性特点的能力。少儿正是通过良好的观察力获得知识、形成技能、发展智力。而美育又正是培养、发展和提高少儿观察力的最佳重要途径。比如,在绘画过程中,通过对具体事物的观察、比较、分析、描绘,使少儿较全面、准确、迅速地了解其状态、结构、色彩质感等特征,掌握其比例、明暗梯阶、空间等关系,使感性和理性在三维向度上再现,描绘事物的纵深和各个侧面,造成视觉上的时空构建和逼真效果,这就使少年儿童的观察力和敏感性得到了深入的提高,为抽象和逻辑思维奠定坚实基础,并为创造力开辟了道路。通过美育发展少儿的观察力,这本身不仅符合儿童认知规律,还使少儿在美术学习中得到审美的受益,这种感性认知思维同理性逻辑抽象是人类智力由“成长”到“成熟”的必经过程,它直接而又关键性地促进了少儿智力的进一步发展和提升。 (二)发展和提高少儿的想象力、创造力 在美育过程中,无论是让少儿领略自然美,还是欣赏艺术美,抑或理解社会美,都能够“随风潜入夜,润物细无声”地诱导和激发他们的丰富想象力,焕发出强烈的创作欲望和灵感,进而全面开发和提高他们的智力。创造的过程需要整合激活人所有的内在能力,这不仅需要人们具有创造性,还要具有社会价值性,将创造者艺术素质与科学素质相统一,将审美追求与科学追求相结合,才能使得美育成为人们独创精神的“契机”。比如达•芬奇,他是文艺复兴时期一位多才多艺的巨人,对绘画艺术、人体解剖、透视学、光影色和科技制作等方面均有精湛的研究和成果,同时他还是一位大数学家、力学家、工程师。再如大科学家爱因斯坦酷爱艺术,拉得好一手小提琴,“相对论”是伴随着美妙的琴声从心灵中飞出震撼了世界。我国世界级大数学家苏步青墨香飘逸文坛,其几何学精华同样充盈着中华书法的神韵……对于少儿来说,美育更是平衡他们智慧与情感所不可或缺的工具,是帮助他们构建具有适应客观世界和创造世界能力的平台。历史至今,无数次证明人类教育中还没有其他任何一个学科体系具有如此全面深化、启迪发掘人们全面发展的功能。由此可见,美育既开启人的智慧创造力,又铸造人的创造灵魂。 二、美术教育在感性认知(能力素养)上对少儿健康成长的促进 感性是人的本能、欲望情感的一种需求和表现,是人格的重要构成。感性认知改变着人对事物情理的感受辨认分析角度。因此,感性教育、感性意识是促进少儿健康成长的不可缺少的重要教育手段。 (一)释放压力,唤醒欲望和本能 审美教育首先是针对人的“感性”进行的教育。美育作为一种感性教育,是以少儿为对象,直接感知为基础的。美育恰恰为人的感官提供了一片广阔的感知天地以开启心扉,它能将少儿自身积蓄的压力释放,唤醒那些在无意识之中沉睡多年、积聚多年的欲望与本能,挥洒情感思潮,凝炼积淀感知,创造展示自我意向。在这片天地里,美育以最美妙、最鲜活、最生动、最形象的动态直接进入儿童的心灵,为少儿敞开了一扇充满美好与快乐的大门,打开了一只充满神奇的“宝盒”。此时,少儿带着意愿憧憬,主动探寻着愉悦地走进美育提供给他们的广阔、自由的空间中,充分抒发表现自我。 (二)辨别善与恶,提升能力素养 善与恶是在人们心中以信念的方式建立的行为规范和评价准则。真善美与假恶丑就是这种信念的美育内涵的表达,即人的价值观念,值得强调重视。儿童教育心理学研究证明,儿童在抽象思维、理性方面的概括判断,只能通过具象的感性认知实现。美作为意识的高级形态,对人有不可忽视的引导作用,而德育的善恶理性观念必须由美育教育(德育本身也是美)完成。所以美育作为德育内涵的升华,在少儿接受道德教育的同时,在儿童心中建立起美育的感受,即什么是真、什么是善、什么是美,来启蒙、构建,并以此更加形象、具体、生动地将真与假、善与恶、美与丑的表象、属性深深地介入少儿脑中,增强他们是非判断能力。美育与德育的相辅相成,更具象和强化了少儿积极向上的意识,促进了少儿健康成长。 三、结语 综上所述,在对少儿教育的诸多模式中,美术教育成了促进少儿全面发展健康成长不可替代必不可缺少的重要环节。美育对少儿的德育、智育、情育等发展全面素质教育具有重要的融洽、促进作用。这不仅仅是美育教师的职责,更是教育界乃至全社会基础性育人者的职责,需要大家共同努力。 作者:谢苗英 单位:江苏省昆山市开发区青阳港学校 儿童美术论文:儿童剧舞台美术设计论文 一、儿童剧舞美设计的趣味性和互动性 儿童剧的舞台美术设计应该从儿童心理和剧情出发,除了尽可能鲜明的色彩和可爱的形象外,更应该给孩子营造想象空间,现代社会信息量大,儿童剧的设计元素不能老停留在鲜花、蘑菇、太阳等图片的拼凑上,应当从剧情中寻找适合儿童的造型元素来进行设计,搭建一个符合儿童审美情趣的舞台空间。儿童剧舞美设计无需考虑流派、风格等问题,只要是营造了符合剧情又能引发儿童无限想象的舞台梦幻空间就是成功的儿童剧舞台美术设计。 二、儿童剧舞台美术设计的视觉吸引 儿童剧顾名思义她的观众就是儿童,儿童的好奇心强、注意力容易发生转移,这就涉及到儿童剧舞台美术的视觉吸引问题。儿童剧的舞美设计在创作过程中必须具有丰富的想象力,创作出极富视觉效果的舞台形象和舞台空间,让舞台充满神奇和幻想,才能紧紧吸引儿童的眼球, 1、儿童剧舞美设计的色彩运用 儿童剧舞美设计在色彩运用上要充分考虑儿童的心理,他们是相对简单的、感性的、活泼的。所以我们在色彩上要尽量丰富、尽量鲜艳,这样才能符合儿童的心理并为他们所接受。如果在色彩运用上过于灰暗、过于单一就会给小孩一种压抑的感受,引不起孩子的兴奋,小孩不兴奋在剧场就会坐不住。所以一部儿童剧给小孩的第一印象是非常重要的,而这个第一印象就来自视觉、来自舞美效果。 2、儿童剧舞美设计构图的饱满性 舞台美术设计构图不是绘画概念上的平面构图,而是立体的、三维的构图,要充分考虑舞台的立体空间,作为儿童剧的舞美设计不能等同于其他人戏的舞美设计,他们的观众群体不一样,成人戏剧的舞美可以简约、抽象,像京剧一桌两椅也可以把整台戏演下来。而儿童剧则不同,应该尽量饱满、夸张,这个可以参考儿童画,儿童画一般都是构图饱满,造型夸张,充满童趣,而不会像国画那样大量留白,所以我们做儿童剧舞美设计的时候在考虑剧情的情况下尽量做到构图饱满,造型夸张、具有童趣。 3、儿童剧舞美设计和灯光的关系 舞台美术设计和舞台灯光有着密不可分的关系,随着科技的进步,舞台灯光种类越来越多,科技含量也越来越高,比起传统的舞台灯光已经有了质的变化,能带给观众更好的视觉享受。我们在做舞美设计的时候一定要考虑灯光,舞美是灯光的载体,没有载体再好的灯光也没有办法发挥,儿童剧舞美的造型既要夸张、有童趣也要考虑受光后的效果。同时随着科技的发展,用于舞美制作的材料越来越多,我们在选材上也要考虑灯光,因为有的材料吸光,有的反光,这些都是要有机结合的,舞美和灯光结合好了就能让整剧增色不少。 三、总结 儿童剧的舞台美术设计是创作儿童剧不可分割的部分,它服务于整个剧目而又独具特色,儿童剧的舞美设计人员只有具备足够的想象力和创造力,才能创作出形式多样、被孩子们接受的、具有极强感染力的作品,也只有成功的舞台美术作品才能为舞台增添绚丽的色彩,才能彰显出舞台艺术的魅力。 作者:谭青松 单位:湖南省木偶皮影艺术保护传承中心 儿童美术论文:学前教育儿童美术教育论文 一、中韩学前儿童美术教育课程性质比较 中韩两国学前教育专业儿童美术课程性质大同小异,都是要求从理论和实践两个方面展开教学的。稍有不同的是,韩国儿童美术课程更侧重实践部分,而中国儿童美术课程在理论课时安排上更显优势。幼儿美术教育课程教材的编写,要根据幼儿各年龄阶段的不同表现能力,了解现实的课堂教学情况和教育机构对教师的要求等。美国儿童美术教育家艾斯纳提出,既要重视儿童美术学习的过程,也要重视儿童美术学习的结果,以学科为基础的美术教育主张,对我国儿童美术教育的发展产生了深远的影响。中国儿童美术教育过度关注美术作品本身和美术活动结果,从而忽视儿童创作过程的问题。作为中国儿童美术教育工作者有责任、有义务解决好这一问题,应了解儿童在不同时期有不同的艺术表达需求。例如,处于涂鸦期、前图式期的幼儿,可以侧重于保护幼儿艺术天性,提高幼儿创作的兴趣,尊重幼儿大胆想象、情感释放以及自我表达的本能;处于图式期、写实萌芽期的儿童,过度让儿童自由散漫、无基本技能支撑的创作,显然是不可取的。作为教育机构,幼儿创作结果失真的展示与宣传,也不利于儿童在美术教育方面的自然发展。因此我国学前儿童美术教育加强了课程价值取向;韩国学前儿童美术教育课程性质的研究,主要侧重于儿童发展取向。韩国在美术与儿童的两者之间,注重培养具有健全人格和艺术素养的人作为最终目标,将儿童的发展放在首要位置。韩国儿童美术教育在理念上强调通过儿童创作来发展他们的个性和创造力,把艺术作为一种达到目标的方法,而不作为一个目标。韩国重视儿童美术发展的价值,尤其在幼儿涂鸦期得到体现,但随着儿童年龄的增长,由前图式期向图式期的过渡,长期处于无技能指导和支撑的自发状态,对其发展也是不利的。 二、中韩学前儿童美术教育课程内容的比较 儿童美术教育是学前教育专业学生的一门专业必修课程,其目的是使学生初步掌握幼儿美术教育的理论知识、正确的教育方法和多样化的教学方法,具备一定的幼儿园美术教学的实际操作能力。中韩两国学前儿童美术教育课程内容都具有各自的特点: (1)中国学前儿童教育以学科取向形式呈现课程内容 中国学前儿童美术课程在活动内容设计上是偏重于技能训练的,以美术学科的基础知识、技能为主要依据来设计该课程。其优点是:能够使幼儿相对系统地学习美术知识和技能,能够使教育者有序地组织教学活动,使幼儿作品得到一定标准的评价。其缺点是:可能会导致幼儿创作兴趣大跌,导致幼儿脱离自己的生活和经验,过度技能的训练还导致幼儿逐渐丧失艺术创造力。学科取向的不足现象已经被多数教育者所知晓,从而积极采取相应、有效的方法加以弥补。混合取向的美术教学活动是目前我国幼儿园美术教学活动中采用较多的一种取向,能够取长补短。 (2)韩国学前儿童美术教育以儿童发展取向形式呈现课程内容 韩国学前儿童美术课程在内容设计上充分满足幼儿创作的兴趣,让儿童成为创作的真正主人,主张把一定学科的知识转化为儿童当下的生活经验,使儿童获得全方面的发展。但过分注重美术活动中的偶发创作,过分放纵幼儿,让美术活动极具游戏性,其实会丧失儿童应有发展机会,造成有效资源的浪费。笔者在韩国走访了多所幼儿园,跟韩国相关的教育者也进行了相应的研讨,探究韩国学前儿童美术教育具有以下几个方面特点:突出专业性质,专业课程集中细致;了解多元化教育的理念,强调授者的功能;强调学生制作手工作品,定期进行手工作品展示活动;课程设置突出心理教育,如美术欣赏与心理教育、游戏与心理指导。中韩两国学前儿童美术课程内容上也有着诸多的相同点:一是儿童美术教育课程内容都具有理论和实践两大部分,在理论课程设置上都要求学生初步掌握基本理论与基本知识包括。如儿童美术及其教育、儿童美术的发展、教师与儿童美术教育、幼儿园美术活动的设计和实施、幼儿园美术教育评价等。二是在实践课程设置上都包括作品欣赏和实践操作两个方面,实践操作又分为绘画和手工两大类。中韩两国在实践课程方面是有很大区别的。首先,我国学前教育专业学生儿童美术实践课程内容,主要以技能训练形式呈现课程内容,对教材的大量临摹和再现,刻板的涂色等成为教学的主要内容,偏重于技能专业化教学。绘画内容一般包括简笔画、水粉画、版画、国画、装饰画等,手工包括泥工和纸工等。其中简笔画教学被称作学前教育专业学生基本功,是学生必须掌握的,学生经过反复训练,基本能够达到应物象形,却失去了美术的创造力;水粉画教学,能够使学生了解水粉基本的表现技法,但不能转化到实际的幼儿美术教学中;版画教学过于重视传统知识和技能,没能与幼儿实际能力相联系;儿童水墨画教学,注重本民族绘画的传播与训练,这是值得肯定的,具有一定的现实意义;装饰画教学,过于注重临摹和再现,儿童创作力得不到体现。其次,韩国儿童美术实践课程内容一般以主题的形式呈现课程内容。以贴近幼儿生活经验和兴趣爱好的主题呈现课程内容,把幼儿对美术活动的喜爱、对美好事物的初步感受和欣赏、对各种基本操作方法和表现技能的探索学习等方面的内容,根据课题的需要,自然地渗透到每一次具体的活动当中。手工操作的类型很多,如撕贴、剪贴、染纸、折纸、厚纸制作等纸工,以及泥工、综合材料制作等手工类型。这样,每一次美术活动都与他们的生活和兴趣紧密相连,同时包含一定的美术技能。这些操作类型以及其中涉及的技能技巧按照由简单到复杂、由易到难的顺序,作循序渐进式安排。同时,根据主题活动的需要,同一类绘画或手工类型的操作又可以在不同学期反复出现。幼儿在这种感受、创作的过程中,可以慢慢地积累相关知识,获得有关技能,得到艺术感受和表达能力的提高。生活化和情感性贯穿于每一个主题中,激发儿童的创作欲望,保持儿童对美术活动的兴趣。 三、中韩两国学前儿童美术课程组织与实施比较 中韩两国学前儿童美术课程都非常注重课程的组织与实施。在课程组织中都针对学生的实际水平,安排多样的操作实践,如加强儿童美术课程教案的编写,安排学生去幼儿园熟悉幼儿园美术教学的过程,参观幼儿园室内外环境布置等。首先中韩两国幼儿园教育教学都非常重视教学计划的制定。中国的《幼儿园教育指导纲要(试行)》和韩国《幼儿教育法》等都有所体现,各自结合本地的实际情况、幼儿园的实际水平、教师的条件,制定出具体的行之有效的教学计划。韩国学前儿童美术课程教学计划分为半年计划和课时计划,有效保证了教师有计划、有目的、有步骤地对幼儿进行美术教学,克服了美术教学工作的盲目性、随意性和偶然性。其次,韩国非常重视儿童美术课程教案的编写。课前教学设计的好坏,对一节课的成败起到关键的作用。教案是教学活动设计的体现,是重要的教学准备。教案因人而异,但都应写得明确、具体、实用。教案包括课程名称、教学纲要、教学准备、教学过程这几个方面。除此之外,韩国在儿童美术课程教学过程和课程评价方式上也有自己的特色,如在教学过程中组织学生到幼儿园参观,了解幼儿园的节日装饰和日常环境布置,熟悉幼儿园美术教学过程,增加学生对美术运用的感性认识。从而把课堂学习过程直接与就业上岗工作、学校课堂教育教学与幼儿园实际工作紧密联系起来。在课程评价上采用多种评价形式,如学生自评、师生共评、作品展评、作业批改等,在这一点上与中国类似。 四、结语 总结中韩两国学前儿童美术课程教育异同,其主要目的就是为了扬长避短,借鉴韩国学前儿童美术教育的优点,克服自己的缺点。从中韩两国学前儿童美术教育课程比较,受到以下几点的启示意义:把课堂教学权还给老师,鼓励教师选择教育模式、教学内容的创编和课程教学方法;幼儿是课程生成的主体,要及时关注幼儿生成的课程,有利于幼儿探索精神和创造力的发展;学会发现有价值的东西,学会尊重,学会支持;培养儿童丰富的情感和完美的个性,提高儿童美术教育的质量;理论与实践相结合,积极提高儿童美术教师的综合文化素养和教学水平。 作者:江丽亚单位:南京特殊教育师范学院 儿童美术论文:儿童美术教育论文 一、目前儿童美术教育存在的问题 1.教育价值观 背离人文精神由于教师在迅速转型的现代社会中生活和工作压力与日俱增,其往往重视应试教育,导致美术教育陶冶情操的目的渐渐淡化,这使得一些学生在一段时间的学习后,美术技艺越来越高,但纯真稚嫩的天性渐渐消失。本应该拥有人文性和情感性的美术教育被理性化和机械化的艺术规则取代,这些都会对学生以后的性格和情感产生一定的影响。笔者并不是反对美术技能教育,而是更想让学生通过美术学习并懂得一些人生的道理,让他们学会如何分辨美与丑,从而更好地指导他们以后的人生方向。 2.内容枯燥 形式单一在功利性教育背景下,教师往往只注重教材知识的讲授,不注重教材的研发,而且常常从成人的角度讲授知识,忽视了学生的思维特性与成人的差异,这就造成了美术教学与学生思维和情感体验方式的背离。原本生活是所有艺术创造的根源,但是现代社会急功近利的态度加剧了儿童美术教育中美术欣赏部分的缺失,现在的一些学校并不注重引导学生到自然界和生活中发现美,忽视了艺术来源于生活这一本质。学生不去欣赏美,就无法创造美。可见教师应该注重学生想象力和潜力的开发,让他们快乐地学习美术课程。3.评价标准以教师的思想为主当前部分学校的教师单纯地认为儿童美术教育仍然以教师教和学生学为主,因而只是把自己对作品的感受和体验告诉学生,而没有让学生通过美术学习自己探索获得审美经验和提升自己的审美情感,更为严重的是教师扼杀了学生潜在的想象力和创造精神。 二、儿童美术教育实现人文精神培养的对策 1.以儿童的视角重新审视美术教育的地位教师 要依据学生的不同个性因材施教,从不同的角度看待儿童绘画,儿童绘画与学生的身心发展相同,存在一片净土,在这片净土上,所有的学生都按照自己的个性成长着,而且在学生的心目中儿童美术教育具有不可取代的神圣地位。因此,教师应该为学生创造一个自由想象和创作的空间,对他们的创作成果给予积极评价和鼓励,尊重他们的审美感受,分享他们在创作中的快乐。 2.引导儿童了解和尊重多元的文化教师 通过对美术与文化之间关系的分析,可以对不同地域文化背景加以了解,从而让学生尊重多元文化。由于我们接触的一些美术作品都具有一定的象征意义,这就要求教师引导学生通过欣赏美术作品感受其中的文化内涵,以及美术作品的内容、形式和自然美。教师可以带领学生走进博物馆和美术馆等地方,让学生了解其中的民族文化和艺术等方面的知识,从而使学生了解各国文化和艺术的差异。教师还可以和学生一道访问艺术家工作室,让学生了解更多的艺术及其流派,结合一些资料让学生了解各国的人文和地理环境。 3.教师注重对学生人文性和情感性的培养 美术教师不仅要提高自身专业知识,更重要的是对儿童绘画进行解读,并且善于与学生进行交流沟通,加强对学生心理的探索,了解他们的所思所想,为更好地进行人文性和情感性的培养做好铺垫。教师可以让学生用语言表达自己的想法,然后进行创作,这样可以提高他们的语言表达能力和对环境的适应能力,可以让他们的情感得到充分的释放,从而更好地激发他们的想象力和创造力。 三、结语 根据以上的论述可以看出,教师在儿童美术教育中,应该注意对学生人文精神的培养。人文精神是美术教育的关键,它应该贯穿于儿童美术教育的始终。只有这样才能使美术教学课堂变得生机勃勃,才能激发学生学习美术的兴趣。教师应该树立以人为本的理念,建立平等、自由、和谐的师生关系,让每位学生都能得到全面、个性化的发展。 作者:侯瑞单位:内蒙古呼伦贝尔市满洲里市湖西小学 儿童美术论文:现代儿童美术教育论文 一、尊重儿童的率真天性 每个儿童都具有创造的潜能和天赋。弗兰兹•西泽克认为“:既然儿童的绘画与成人的不一样,甚至比成人的更纯真、更富创造性,对现代儿童的美术教育就不能简单化地按照成人的意志,以成人的标准教给儿童成人的画法,儿童美术教育应以儿童的自由表现为主,重在发展儿童与生俱来的创造本能与创造热情。”①对待儿童绘画作品时候,应该善于发现其独到之处。儿童看世界的角度不同于成人的角度,儿童更多的发现了我们成人忽视的细节,所以儿童绘画中更多地体现出孩子的率真不羁、敏锐的直觉表现。就这一点而言,作为家长和教师更应该尊重儿童,不要以成人的技法、标准去衡量一个孩子的作品,要把他们作为一个主体的人,要透过他们的特殊表现去理解其本质意义,释放孩子的想象力,为儿童的创作提供一个自由、宽阔的空间。 二、感知儿童内心世界 现代儿童感知这个世界的时候,对于情绪、思想、感受有着强烈的表达欲望,由于年龄限制,语言不能完全表达内心感受,所以孩子选择涂画的方式,用绘画的“语言”表达他们对于所见世界的认识和感受,孩子的绘画作品成为我们走进他们内心世界的一扇门。心理学家认为,儿童的绘画有着独特的特点和很强的内在逻辑性,绘画是儿童表达自己情绪情感和对事物理解的一种方式。如线条的表现形式可以解读出孩子的情绪:线条清晰、稳定表明孩子的情绪稳定,线条模糊表明孩子胆小、自我压抑;色彩表现的冷暖可以看出孩子的性格是活泼还是安静内向等。研究表明儿童画作为一种符号形式与儿童的认知发展、性格、心理、情绪有着千丝万缕的联系,反映着儿童对于周围世界的认知程度。作为教师、家长关注、学会这种与孩子之间特有的沟通“语言”,在此基础上给孩子的成长做出正确的引导。 三、建架儿童创作的桥梁 在当今这个数字化多媒体时代,人与人之间少了一份面对面的沟通,特别是21世纪的现代儿童被家长呵护的如温室里的花朵,普遍缺乏亲身体验和直观感受的环境,1899年第一所儿童博物馆在美国布鲁克林出现,1907年有了现代儿童博物馆,1927年又诞生了世界上最大的印第安纳波利斯儿童博物馆。正如西方著名的艺术史学家李斯托威尔曾提出:“每一种创造性的想象都必须有感情的动机作为先行的条件,这就是一种需要、一种欲求、一种愿望,一种没有得到满足的冲动,或者一种这样那样的情绪。”②美国视觉艺术教育专家伊莱恩和鲁斯极为重视在美术活动中的交流过程,他们认为在交流中“能帮助儿童了解自己,学会思考,观察和认识情感,整个教育过程将从这些理解力中获益”。儿童博物馆成为家长、老师与儿童的一种情感思想层面交流的媒介,在观察和触觉作品的时候,拓宽儿童的创作动机,提高儿童的审美意识,起到积极的互动作用。 四、教师“扮演好”在儿童天地中的角色 儿童要比成人更加敏感一些,在成长过程中,需要给予肯定和鼓励,美国的心理学家曾经说过,“人最本质的需要是渴望被肯定。”每一个人都是从儿童时期走过来的,回忆小时候,教师的肯定与鼓励,都会让我们信心倍增,成为前进的动力,所以教师在教课的时候要付出更多的耐心与爱心,没有爱的教育就是一种失败的教育,所以教师需要及时和孩子交流思想。同时教师要具备一定的艺术修养和心理学、教育学理论基础,因为绘画不仅仅是儿童的一种技能练习,它更是儿童情感表达的一种方式,是儿童的一种语言。现代儿童绘画教育,应该是无规矩才成方圆,培养儿童的创造力要比教授儿童绘画技法更加重要。教师需要在了解儿童思想的前提下,激发儿童的创造热情,正确引导孩子在绘画过程中表达自己的感受。 我国儿童美术教育的质量需要与时俱进,应该针对我国国情与现状制定出一套适合儿童的教学方法。这样才能形成一个良性循环,更好地发展我国的儿童美术教育。 作者:王媛单位:东北师范大学美术学院 儿童美术论文:儿童人格培养美术教育论文 一、小学美术教育培养儿童的基本能力 用视觉形式冲击学生感官的美术教育,是儿童加深对世界的认识的有效途径,其中的绘画课程不但能够有效地提升儿童的动手能力,而且能积极推动儿童观察能力的提高。在好奇心的推动下,儿童能够通过细心的观察来找出事物之间的细微差别,积极地自我观察能够让儿童逐渐养成细心观察的习惯,这是培养儿童健全人格的主要途径。同时,小学美术教育可以帮助儿童完成记忆力训练。小学美术教育的写生教学可以帮助学生对身边比较常见的事物进行更全面的了解,并借助自我记忆来完成特定形象的记忆。这不但能锻炼儿童的观察力,而且能训练儿童的记忆力,从而推动儿童健全人格的形成。想象力是小学美术教育的主要培养目标,在儿童观察力和记忆力不断提升的基础上,不断培养儿童的实践技能和创新意识。比如小学生在画鱼的过程中可以联想到海底怪兽或者美人鱼,这样的联想锻炼将会对儿童想象力进行有效地锻炼。最后,小学美术教育不但包含必要的美术绘画和手工制作,还包含相应的美术成品欣赏和美术作品创作,这对小学生审美形态的形成具有长远的影响。早期美术教育在引领小学生认识美和发现美的过程中,逐渐提升小学生的审美情趣,培养小学生的艺术素养,推动小学生形成相对健全的人格。 二、小学美术教育可以推动儿童全面素质的发展 首先,作为一门重要的艺术教育形式,小学美术教育可以促进儿童个性塑造。作为陶冶儿童情操的有效方式,美术教育课程的开设将会从理论和实践两个层面推动儿童完整个性的形成。美术作品是最能体现儿童内心的艺术形式,从美术作品的绘制过程中小学美术教师能够体验到儿童内心主动、敏感和独立的性格特点。合理的安排美术作品,可以激发儿童内在的实践意识和创新能力,能够推动健全人格的形成。小学美术教育的开展促进儿童个性教育的发展,需要以儿童的兴趣为出发点,按照儿童身心发展的规律,丰富儿童绘画课程的内容和表现形式,促进儿童思维和智力的双向延伸。其次,小学美术教育可以促进儿童智力的发展。儿童智力的开发需要从左脑训练和右脑开发结合在一起。但是,现阶段小学教育的内容不是文字就是数字,这给儿童的左脑造成了极大的压力,但是其右脑的开发却几乎处于荒废的状态,这对儿童的开发是非常不利的。早期美术教育课程的开展,可以引导儿童在观察和感知事物的过程中明确某一特定事物的外在特性——外形、结构和颜色等,锻炼儿童的抽象思维能力,推动儿童智力的发展。再次,小学美术教育可以培养儿童的创新意识。作为目前素质教育中培养儿童创造意识的有效途径,小学美术教育课程的开展把儿童文化讲述和实践能力培养放置在同样重要的地位,是个性教育在小学教育阶段的集中体现。小学美术教育的开展,将会引领儿童在勇于实践和创新的过程中形成丰富的想象力和表现力,从而提升自我艺术修养,实现健全自我人格发展的目的。小学美术教育在培养儿童创新意识的过程中,小学美术教师应该积极引导学生进入最佳学习状态,激励儿童进行大胆的想象和合理实践,用美术教育的重要性合理培养儿童的创新意识,推动儿童人格的发展。 三、总结 在小学过程中开展美术教学,能够在一定程度上推动儿童基本能力和全面素质的提升。作为一种刺激儿童视觉的艺术形式,它不但让儿童具有更加敏锐的观察力和强劲的记忆力,而且可以帮助小学生完成个性塑造,推动儿童智力和创新意识的发展,这些都是儿童人格健全的一个方面,小学美术教育能够从这些角度促进儿童人格的完善。 作者:何代君 单位:江苏省金湖县育才小学 儿童美术论文:美术教育儿童美术论文 一、我国儿童美术教育中存在的问题 一些儿童在学习中出现了抵触心理,觉得美术学习枯燥无味,主要原因是教师在教学中过多强调理论知识的传授和技法的训练。一些教师总想着向儿童传授专业技巧,提高其美术功底,因此在教学中多采用以教师为中心的灌输式教育方法,儿童多处于被动接受、模仿的状态。如果儿童长久处在这种教学模式下,其想象力、灵感、天赋将被压抑,对艺术的直觉也将受到制约。很多学者的实验发现,儿童在不同的状态下,对同样事物所画出来的图画是截然不同的。教育对儿童的心理影响较大,教育的目的是促进儿童健康成长,因此改革儿童美术教育势在必行。还儿童一个多姿多彩的童年,摒弃灌输教育势在必行。 二、依靠直觉进行造型训练的原则与方法 1.依靠直觉进行造型训练应遵循如下教学原则 直觉是人类思维的本能,是人类思考的结果,是人最真实的思维,更是人类灵感的源泉,依靠直觉对儿童进行造型训练,能够有效提高儿童美术教育的有效性,锻炼儿童思维,开发儿童智力。美术教学应形成以儿童为主体的教育模式,教师仅进行适当的引导,而不是成为课堂的中心,应为儿童创造自由表达、自由探索、自由创作的空间和条件。另外,在教学内容选择上,教师应根据儿童的心理特征及认知特点进行选择,避免将知识理论强加给儿童,让儿童依靠直觉进行发挥,进而培养儿童的美学意识,激发其创作兴趣和创造力。 2.依靠直觉进行造型训练的教学方法 (1)以视觉训练为中心,培养儿童的观察力、记忆力、想象力和创造力儿童对事物的描绘规律为由简单到复杂、由意象到再现。儿童对事物的写实能力会随着他们对事物认知的提升而慢慢提高。他们对物象的自然属性、比例、结构、体积和色彩的认识与表现,随着感知的变化不断发生变化。实践证明,儿童美术教学中,儿童造型能力的形成不是靠传授技法,而是靠直觉的发挥。因此,教师应形成以视觉训练为中心的教学方式,强化儿童对事物的观察力、记忆力、想象力,强化儿童的直觉,从而刺激儿童的灵感。 (2)儿童作为独立的人,有着自己的想法,教师应尊重儿童的精神,正视儿童创造的作品,杜绝在教学中对儿童设置硬性标准,强制要求儿童要画出与真实事物一模一样的绘画。儿童本身好动不好静,其身体正处在成长期,这个时期的儿童还没有发展到“坐下来学习”的阶段。因此,教师没有必要过早对儿童灌输美术技法、知识,而应该遵循儿童的成长规律。很多成年人看到儿童的绘画后往往会挑出错误,指出其不足,这是不对的。每个人看到的东西不一样,儿童看到的东西,成年人往往并不能看到、感受到。成年人应学会理解儿童眼中的世界,对儿童的绘画辅导应顺其自然、因材施教,给予儿童最大的鼓励,从而调动其积极性,促进儿童美术教育的发展。 作者:朱素静 单位:广东深圳市宝安区沙井街道万丰小学 儿童美术论文:儿童早期美术教育论文 1儿童早期美术教育重要性分析 加强对儿童早期美术教育重要性的分析,对于后续教学工作的开展有着重大且积极地影响,所以应当引起高度的重视。一个成年人眼中做不到的事,儿童眼里就能做得到,因为他们的思想处于原生态,没有束缚。而成年人,受到各种教育、宗教、政治等社会上的各种干扰与困惑,禁锢在各式各样的牢笼里。孩子的心底宽阔,天马行空,只有了解孩子的这些天性,才可以和孩子一起学习美术,必须有和孩子平等甚至低下的思维方式尚可谈及幼儿教育。孩子眼里美的人和物便是人间最美的东西,和孩子探讨这些美好东西将是成年人永远的美好的回忆。成年人和孩子学习的内容应该是绘画,了解合作对象又不能以自己为师,只有乞求孩子接受你,方能进入到孩子们万花筒般的思想世界。 2儿童早期美术教育对儿童成长的影响 根据上文针对我国当前儿童早期美术教育的重大意义和深远的价值等进行综合性的分析,可以明确到工作的内涵所在。下文将针对儿童早期美术教育对于儿童所产生的重大影响等进行深层次的研究,旨在更好地促进教学思想和教学方式理念的改进。对于儿童早期美术教育,应当从颜色的层面着手,由于不同年龄阶段的儿童对于事物的认知也有着一定的差别,所以应当注重教学和教育方式的差异性。在一般的情况之下,儿童对于蓝色以及绿色等颜色的反应相对而言较为平淡,而对于橙色以及红色等较为鲜艳的颜色表现则相当的强烈,对于颜色所呈现出来的物质变化等反应敏感程度也有着巨大的差别,所以在实践的儿童早期美术教育过程之中还应当重视上述的情况。但是需要注意的是,不同年龄阶段的儿童对于颜色的敏感程度不一样,处于婴儿阶段的儿童应当教导其使用嘴以及手等,感受不同物体的形状,另外,颜色对于婴儿所产生的刺激可谓是相当强烈,所以,对于此阶段的儿童采取恰当的儿童早期美术教育,有着重大的意义。在实践的教育过程之中监护人还抱着孩子,仰望天空,引导其对天空之中的蝴蝶、鸟等进行观察,同时引导幼儿观察身边的花草和植物等等,在这样多重颜色的刺激之下,儿童对于颜色的认知也必将有着巨大的提升。在实践的教育过程之中还应当注重的是对于儿童的表扬,恰当的表扬可以全面地提升儿童的信心,这一点对于其今后的成长以及个人发展有着巨大的意义,在表扬的过程之中还应当注重对儿童积极性的提升,以增强儿童进行绘画等的兴趣。因此,早期美术教育应是不断探索、不断改变现状,因人、因地、因时灵活的教育方式,不可用成人的目光抱着功利的目的实施教育。恰当的教育方式,对于儿童的个人成长也必将起到深远且积极的影响。 3结束语 采取恰当的儿童早期美术教育方式,可以形成儿童较为高尚的道德情感,且实现对儿童思维方式的提升,为其今后的成长奠定基础,正如上文所分析到的,儿童的思维方式对于美术教育的发展也有着一定的影响,儿童的一些天真并且简单的思想,可以采用美术教育来进行塑造,同时由于儿童有着较为丰富的想象力,所以采取恰当的儿童早期美术教育,对于其后期的发展以及个人成长也有着关键性的影响。综上所述,根据对当前儿童早期美术教育教学过程之中需要注意的问题以及教育工作开展的重难点等进行集中性的分析,从实际的角度出发,深入且细致的对教学工作的开展方式以及开展的相关优秀理念等进行了综合性的探讨,旨在以此为基础,为相关教育教学工作的发展奠定坚实的基础,同时为更好地促进儿童的健康成长而做出积极贡献。从本质上进行分析,开展科学化的儿童早期美术教育对于儿童的成长必然有着关键性的影响,所以应当对相关教育工作产生深刻的重视,且不断地完善教学的理念和教育工作的思想,为后期儿童的健康成长奠定坚实的基础条件。 作者:毕瀚书 单位:北华大学师范分院 儿童美术论文:儿童美术教育论文 一、鼓励儿童独特的审美与表现 1.营造课堂氛围,调动儿童兴趣在上每节课之前,教师都需要利用一些工具,如投影仪、电脑、幻灯片或启发式的语言,抓住儿童的兴趣点,让儿童在顺其自然的状态下走入课堂,进而开始教学。若不做前期工作,避免不了生硬的授课方式,儿童的积极性就会受到相应的影响。兴趣是最好的老师,教师的课前准备是必需的。 2.尊重绘画原创,倾听儿童心声毕加索曾说过,他一辈子都在追求像孩子一样画画。儿童所创作的作品有他自己的想法与情感,是纯粹的、天真的,和他们的心灵一样。他们接受美术教育并不是为了追求某种技法,更多的是有其情感上的体验,与其精神相结合,是他们对现实生活的理解,是他们自身思想的表达。虽然教师授课的主题相对固定,但是不同的学生有不同的思考,有其个性的一面。教师应当尊重儿童绘画的原创部分,保留其独特的绘画表现,鼓励儿童发挥创造力和想象力。 二、多采用手工与绘画相结合的教学方式 美术课堂材料的多样性是深受儿童喜爱的,儿童的好奇心驱使他们产生学习动力。在课堂教学过程中,笔者发现儿童更愿意接受手工与绘画相结合的授课方式,纯粹的图画已经不能满足儿童的需求,他们渴望创作出更加丰富多彩的作品,而尝试使用剪刀、胶水等工具会让他们兴奋不已。有些儿童对于单纯的绘画有较好的控制力,但在操作工具时还是显得有些生疏。儿童的兴趣不会因为这点小挫折被磨灭,他们会在自己的作品创作中更加投入,专注地做自己的事。有时候,虽然作画的材料是一样的,但可以制作出不一样的作品。以纸盘为例,白色的纸盘可以让儿童在上面涂色作画,也方便剪裁。在课堂上,教师可以将纸盘作为儿童的手工材料,将纸盘一裁为二,一种是以纸盘作为小鸟的身体,另一种是以纸盘作为水母的身体。同种材料不同的做法带给儿童极大的乐趣,他们对纸盘也有了自己的想法,如作为小乌龟的壳、小狮子的脑袋(周围加上碎纸条)或是对折成西瓜等,儿童新奇的想法不断涌现,这些都可以作为课后内容去实践、探索。 三、重视儿童在美术活动中的成果 1.儿童相互欣赏,提高审美能力每次课程结束时,笔者都会要求儿童将作品贴在黑板上,大家互相欣赏、评价。在这一过程中笔者会问他们:“你们觉得哪个小朋友的作品好?哪里好?”这时候儿童会自己思考并说出他们的想法,这也是一个重要的学习过程,让儿童学会欣赏他人的优秀之处,相互之间的赞赏让儿童更加有自信、有激情。 2.教师恰当评价,激发创造动力美国儿童教育专家吉拉德•培特森在《观念改变行为:与孩子一同成长》一书中谈到:“我们小的时候想象非常丰富,长大以后就没了。这是怎么回事?”在他看来,首要原因是儿童的幻想没有得到家长的鼓励,而对儿童最有力的鼓励,是父母亲对他的爱、兴趣和注意。同样,教师对儿童的评价也是至关重要的。在学生互评结束后,教师往往作出补充,在对儿童作品进行表扬之后,可以用“你这里……画会更好”这样的方式激励儿童改进,而不是用否定的语气与儿童交流,教师要学会用正确的交流方式和儿童相处。 儿童美术教育是对于儿童创造意识的培养,是一种启蒙教育,并非一笔一画的呆板的教育,儿童的感官能力在美术活动中能得到充分的开发,这对于他们其他方面的教育也有促进作用。通过儿童美术教育,儿童的视野扩大了,他们会以欣赏美的角度看待生活、看待学习,也会变得更加积极、乐观,日常生活也会变得更加丰富而充实。教育者和家长应当试着站在儿童的角度理解其在儿童时期生理和心理上的需求,切忌把教育内容当作一项任务去完成。多和儿童交流,用心体会,像朋友一样与儿童相处,你会发现儿童的世界简单、平凡而美丽。 作者:许菁单位:南京师范大学美术学院 儿童美术论文:现代儿童观与儿童美术教育论文 一、儿童美术教育对现代儿童观的背离 在中国,由于现代人文思想和自然科学的影响,现代儿童观受到了普遍的欢迎和接受;但我们的儿童观在与现代儿童观逐渐同步的过程中也出现了一些偏差和背反,主要表现为对儿童溺爱的同时,却不尊重他们的兴趣爱好,甚至强制性地改变他们的兴趣和行为取向,将儿童当作实现成人的愿望和理想的工具或是当做成人社会相互竞争的牺牲品。当下的儿童美术教育也存在严重的背离现代儿童观的现象。如今的儿童美术带有明显的伪成人化特征,脱离了儿童的真实认知与情感状态,如学习中国花鸟画时,并没有引导儿童实际观察真实的花鸟,画牡丹没有见过牡丹,画老鹰没有见过老鹰,只是从成人美术中照搬样式。有的老师将自己喜好的样式和风格强加给儿童,令其模仿和学习,从而造成用儿童的手画成人画的现象。更有甚者,一些老师为了谋取虚荣,让儿童摹画自己画好的作品,送去参展或比赛;还有的老师干脆捉刀。究其原因,可以概括为:其一,突然加速发展的儿童美术教育,引发了浮躁和虚妄的现象。儿童美术教育迅速发展,原本应该是值得夸赞的现象,因为这表明整个社会越来越重视儿童艺术素养的形成与提高,然而对应这种突如其来的加速发展的却是我们从教者心理和学习上的准备不足。目前,除了公办儿童中心和少年宫的儿童美术教育机构之外,民办的校外美术教育机构遍及大江南北。校外美术教育机构规模不等,大的机构甚至开设连锁和加盟分支机构,学生动辄数百上千。 这些机构之间竞争激烈,故而存在许多隐患。其一,赢得家长(而不是儿童)的青睐成了竞争的焦点。为此,一些儿童美术教育机构不惜以成人化的教学效果吸引家长,因为其效果非常直观。其二,家长给予这些机构过高的期望。在当今竞争日益激烈的社会环境中,家长普遍具有望子成龙、望女成凤的心理,许多儿童被送到校外教育机构学习美术并非己愿,而是由于家长的从众心理和相互之间的攀比。而且,许多家长都渴望能在极短的时间里,看到自己孩子的“进步”和“成果”。有些家长对儿童美术比赛尤其热衷,在一些现场,家长比参赛的孩子还要紧张,似乎参加比赛的不是孩子而是自己(图1)。这种压力自然转嫁到了校外教育机构的老师身上,导致他们为满足家长的虚荣心而做出违背儿童美术教育规律的事情。其三,导向错误的儿童美术比赛泛滥。社会的需求必然导致相应活动的出现,由于家长和美术教育机构的需求,现在的儿童美术比赛非常之多。其中有些比赛会因为主办者以及所聘请评委的专业素质不高或对儿童美术理解有误,从而误导了儿童美术的自然取向。其四,一些从业教师缺乏对儿童美术的正确认识。由于儿童美术教育的迅速发展,急需大量的从业教师。这些教师来源复杂,其中一些人既没有经过就职前的专业教育,上岗后又没有得到合适的培训,因而对儿童美术教育缺乏正确的认识。他们往往用原有的“美术”和“设计”专业知识从事教学,从而导致儿童美术教育被“专业”扭曲。 上述很多做法,是在爱儿童的招牌下行害儿童的事情,实际是不尊重儿童、不遵循儿童身心发展规律的行为,违背了现代儿童观的主旨。因此,什么是儿童美术?什么是儿童美术教育的真正价值?需要我们做深入的思考。儿童美术具有独特的内涵。这一概念与儿童文学、儿童音乐、儿童舞蹈等概念的内涵并不类同。后者几个概念的内涵是“成人为儿童创作的文学、音乐和舞蹈,或供他们欣赏、体验和学习”;而儿童美术的内涵则是“儿童根据自己的观察、体验,运用美术方法的创作活动及其作品”。正因为自己创作与他人为其创作之分野,使得儿童美术具有极强的发展意义,因为毕竟儿童终归要发展为成人。作为生命属性,唯一能代表人的智力、情感和体力高峰的是成人而非儿童。同理,能代表人类美术最高成就的是成人美术而非儿童美术。如果说儿童美术代表着人类最高成就,那么试问:我们能够说出几位世界著名的儿童画家吗?我们又知道哪几件儿童美术的杰作呢?相信没有人能够回答这样的问题。而凡是初具美术知识的人却能轻而易举地列出一些著名成人美术家的名字及作品。其实,成人对儿童美术的偏爱和褒扬是因为能够从中感受到天真无邪的童趣和肆意无拘的想象。虽然一些成人艺术家也尝试以儿童的眼光看世界,模仿儿童的手法表现世界,如毕加索和米罗;却没有必要无限地夸大儿童美术的艺术本体价值。 儿童美术教育对不同的人具有不同的价值,从儿童美术中,心理学家可以发现儿童的身心状态,艺术理论家可以找到艺术发生学的证据,美术家可以借以拓展自己的创作思路和空间,一些家长可以满足自己的虚荣心。然而这些价值都是外在的,儿童美术教育的真正价值又是什么呢?儿童美术教育的价值体现为四个流向。其一,促进人的优秀素养的形成。优秀素养,指的是一个公民应该具备的基本素养或共通素养,包括思想品德、人文精神、审美品位、思维能力、认知理解、合作交流、创新意识等。儿童美术对这些优秀素养都有极大的贡献率。比如,通过美术教育对儿童进行思想品德教育就是一种普遍的现象,无论古今,无论中外。中国画论中关于绘画的功用说,最早见于《左传》,其中谈到青铜器的图案和铭文的作用是“使民知神奸”;唐代张彦远认为美术之功用是“成教化,助人伦”;鲁迅同样认为“美术可以辅翼道德”。西方的哲人柏拉图等也有类似的看法和表达。其二,贡献学科素养。每一个学科都会向儿童贡献独特的学科素养。数学能够训练人的逻辑思维能力和严谨的行为习惯;美术能够贡献观察力、感受力、想象力、创造力和动手实践能力。其三,使人形成终身的爱好。儿童学习美术,不一定将来从事与美术相关的职业,却能形成对美术的热爱,并有可能在业余或者退休之后成为一种行为取向,充实闲暇,丰富精神,提升品位,获得幸福感。其四,成为职业。虽然大多数学习美术的儿童不一定将来以美术为职业,但依然有些儿童长大后会选择美术作为自己的专业,以此谋生并获得成就感。现供职于中国美术学院的曾获得国际建筑学最高奖普利兹克奖的王澍先生小时候就曾在儿童美术教育家张桂林先生的指导下学习过美术,现在从事与美术相关的工作。其他还有一些著名画家也在童年学习过美术,后来就以美术为终身职业。这四种流向体现了儿童美术的价值,综合而言,美术教育的价值在于促进儿童的身心发展和人格形成。从这个意义上说,儿童美术教育具有未来学的意义。因此,儿童美术教育的基本原则应该是“立足当下,着眼未来”,无论家长还是学校的教师,都不要过多地纠结于眼前的一件作品是否符合成人社会的标准或者得奖,而应该关注在学习美术过程中的儿童身心发展状态以及儿童美术教育对学生未来的正面影响。 二、基于现代儿童观的儿童美术教育 社会上有人呼吁“让儿童美术教育回归本真”。所谓“本真”,在国学中和一些哲学流派中有不同的理解。在国学中,“本”指的是元气,是宇宙万物之根,属于先天的存在;“真”指的是真气,乃宇宙万物的生长,属于后天的发展。宇宙万物的衍变和发展取决于“本”和“真”的相互作用。而在德国哲学家海德格尔的“本真现象”哲学中,“本真”指的是“生存可能性的无蔽展开”,即在群体氛围和趋同心理的压力下,依然保持自身的优势基因,体现个性,拒绝异化,追求真理的精神。而在一般的解释中,“本真”含有本源、真相的意思。在我们的话题中,“本真”主要取“真实、自然”的含义,因此所谓回归本真,应该是帮助儿童美术教育回归到一种真实和自然的状态。这种状态与现代儿童观合辙。 如何让儿童美术教育回归本真呢?首先,应该全面而辩证地认识本真。尽管我们承认“本真”具有真实和自然的内涵,而且也主张儿童美术教育应该努力体现这一内涵,但应该认识到,本真不是静态和绝对的;如果将其视为静态和绝对的,没有受到任何教育影响而创作出来的儿童画应该是“纯天然”的,最为本真的。但这种“本真”只是一种短暂的存在,因为儿童是要不断发展的,他们不仅是自然人,更要成为社会人。其一生的发展不可避免地会受到一定程度的社会文化的影响,而且这种发展对于由自然人成长为社会人具有重要的价值,也对每个人所处的社会具有正面的意义。所以,教育应当努力保持特殊个体的自然本性,同时也要赋予其特殊的社会性。正如英国学者赫伯•里德所说,教育包含两个矛盾,“一方面是人应该接受教育以实现本来的他,另一方面是人应该接受教育以成为非本来的他”[2]。因此,在儿童美术教育中,我们拒绝的不是教育,而是不合适的教育。从这个意义上看,我们似乎应该让先天之“本”与后天之“真”彼此相助,从而推进儿童的发展。要使得“本”与“真”彼此相助,前提是需要充分认识儿童的身心发展规律及其体现在美术学习上的阶段性特征,并在此基础上实施合适的教育。合适的教育,指的是所选内容的难度不应超过特殊儿童发展期的认知和操作能力,选择的方法也要适合特殊儿童发展期的兴趣和需要。比如,过早地将一个低幼儿童引入成人的花鸟画样式,难免“揠苗助长”之嫌:我们在用一种外在的方式让儿童被动地接受和模仿,表面上看去似乎画得很成熟,可以博人一誉;但本质上违背了儿童的天性,逾越了儿童的自然发展,本真付之阙如。因此所谓“本真”,不是让儿童永远停留在自然状态,也不是过于主观地让儿童超越自然状态;而应该让“本”和“真”携手,迈着稳健的步伐,沿着发展的道路,以适当的步幅和步频前行。儿童美术教育的“本真”应作如是理解。其次,要智慧地平衡如何表现和表现什么两个方面。任何儿童美术教育都不可能回避这两个方面,在这两个方面都照顾得好的儿童美术教育才是高明的。 如何表现主要关乎媒材的选择、形象的组织和技法的运用。不同创作个体的差异是通过选择的恰当性、组织的审美性、运用的合适性显现出来的。儿童美术同样如此。在儿童美术中,由于自发性以及相关知识的缺乏,在“如何表现”方面的主动性和选择性的空间相对于成年美术更狭隘,需要教师给予一定的帮助。这正是我们教师的可为性所在。比如在表现时需要与学生协商,选择恰当的媒材,是平面媒材,还是立体媒材?具体而言,是纸、泥、木、金属,抑或其他?一般规律是,如果是综合性的美术创作活动,在材料的选择性方面范围会更大,因而也相对自由;如果给学生规定了具体的媒材或美术的门类,媒材的选择范围会狭小,学生创作的自由度也相对较小。在形象的组织性方面,儿童有符合其年龄特征的组织方式,但教师不能放纵他们的惯性。考虑到其发展性,也可以在协商的基础上,帮助儿童完善对形象的组织,比如运用一些形式法则或者不同的视点的画面效果,以便获得更多的审美性和独异性。不同个体在表现的品质方面获得的水平与他们的表现技法有着密切的关系,因此也是大多数教师所关注的。技法的提高依靠的是“事”(指某一次正式的表现活动)先的积累,“临时抱佛脚”的现象比较少见,体现为“你平时是什么水平,现在就是什么水平”;但针对一次正式的表现活动所进行的临时局部性技法练习仍是被允许的,而且也会收到一些较为明显的效果。表现什么,是儿童美术活动的灵魂,是“如何表现”的依归,也是儿童的美术魅力之根源。因为它直接反映出儿童经验范围、思想程度、情感状况、发展水平,是他们所感、所知和所想的直观呈现。在此方面,存在的最大问题是一般化和概念化,在一些儿童的作品中,鲜见观察的独到、思想的奇异、情感的独特、经验的偏僻。 在以一次“关怀”为主题的美术活动中,大量的作品描绘扶着盲人过马路、给妈妈洗脚、小鸟的家园等情节,这是典型的一般化、概念化。这种现象的出现是儿童自己的认识局限,还是成人的命题结果?值得深究。而针对“关怀”这一主题,有的儿童却能画出工地上农民工吃饭的情境(图2),有的儿童也能画出街头被窃井盖后的空井(图3),这样的表现才显现出独异性。如何做到表现内容的独异性呢?可以参考的建议是:唤醒儿童的体验,丰富儿童的经验。其方法可以是讲故事、讨论、进行角色扮演、观看视频、参观游览、亲为活动,通过这些活动帮助学生打开全部感官,使得他们触动情感,揭开记忆,让身心保持一种开放的状态。在这样一些状态中,努力将知识与经验内在化。知识与经验是可以通过语言和文字加以传播,并强加给儿童诉诸记忆;但此举因为不能唤起儿童的内在情感而只能成其外在的知识与经验。这种外在的知识和经验既不能长久,也不能促进儿童情感的发展,即便作为表现的内容也只能是表浅的。让儿童背诵李白的《静夜思》是轻而易举的事,但让他们产生内在的理解,最好的方式就是让他们获得体验。我设想了一个情境:中秋节的前一个月带一群儿童西行旅游。在中秋节的晚上,当大家一起坐在西部沙漠上望着空中一轮皎洁的明月、听到声情并茂地朗诵《静夜思》时,会发生什么?我问儿童,他们说:“我们会哭。”只有在这种情境中,他们才真正理解了《静夜思》表达的孤独、思念的情感。可见,体验是知识和经验内在化的重要途径。这也启发我们,给儿童的任何指导最好经过学生的心灵,并由他们有意识地、主动地发挥出来。虽然通过外在的方式也能获得一些效果,但那只能是表面的和短效的。 总之,任何教育理想都是基于人们对希望受教育者“应该是怎样”这样的问题生成的。我们对教育现状的满意与否,都是来源于我们对它们之间吻合度的判断。同样,我们对当下儿童美术教育的满意与否也是来源于不同的儿童观。根据现代儿童观,我们对儿童美术教育的现状加以判断,有满意之处,也有不满意之处。满意出处应当坚持,不满之处需要改进。基于现代儿童观的儿童美术教育事业才能在稳健前行。 作者:尹少淳单位:首都师范大学美术学院 儿童美术论文:校外儿童美术教育论文 孩子们在生活中看到的,感受到的都可以用绘画的方式来表达,绘画语言也是丰富多样的。儿童美术教育的教学目的是培养儿童用图绘、想象、动脑、动手的方式发展艺术想象力和创造力。美术教师是课程教学的设计者、实施者和评判者,而不是简单的传授技艺和方法的教育工作者。校外儿童美术教育的真正目标是引导、开发儿童对图像的感知和创造能力以及表达能力,促进少年儿童智力。因此,我设计了几套剪贴画教学,希望通过这样的教学给孩子们带来艺术上的启发与引导。我的设计思想是让孩子们运用多种材料完成一幅作品,打开思路,有创新意识。我以其中一个案例《城市中的人们在公园里》为例进行说明和讲解。 首先,准备材料剪贴画课程的材料准备的基本要求是让孩子们选择收集与画面制作相关的纸质图片、布料、线绳等多种日常生活用品,为了达到画面丰富的效果,可以使用彩色卡纸做背景,剪刀和胶棒必不可少。本类课程适合在小学二年级以上的学生中开设,并且具备一定的绘画基础,因为要用到剪刀,老师一定要强调安全意识。老师要预先给出一个创作题目,我们这节课要制作的是《城市中的人们——在公园里》,收到题目后,孩子们可以在彩色卡纸上进行背景创作。有的孩子画了一个大大的喷泉,有的画了冷饮屋,有的画了摩天轮,有的画了亭子、湖水、假山……内容丰富多样。同时,在孩子们创作的过程中,老师要给予适当的教学干预,在辅导过程中启发与引导非常重要。例如,有的孩子会向老师求助:“老师,我想画摩天轮,但是不会,你帮我画画。”这时我没有直接帮他画在纸上,而是启发他:“孩子,你坐过摩天轮吗?”“坐过!”“那你在远处看见过它吗?”“看到过!”“远看像什么形状?”“圆形,椭圆形!哦!我知道了,先画个大圆,中间有线!”经过启发式的对话,孩子的创作热情被激发,创造性地把座位画成圆的、方的、三角的,非常有想象力!接着,我们开始剪贴,孩子们可以根据自己收集到的材料加工画面,比如说废旧的杂志画报都可以。例如一位学生在喷泉边剪贴了一个人物和一条小狗,中间他用粗线连接,感觉像是在遛狗,非常有趣;还有的学生,动手能力比较强,会选择用不同材料拼贴人物,先画出人物的头部、四肢,其余的部分选择用各类布头拼贴,非常生动。有的学生使用海绵纸,由于海绵纸的质地比普通纸稍软,颜色丰富,好上色而且容易修剪黏贴,是大部分孩子的首选。在孩子们制作的过程中,老师要适当干预,启发他们创造生活当中丰富的画面。通过这样的课程设置,孩子们学会了观察和感受生活中的方方面面和角角落落。我习惯在上课前把题目布置下去,让孩子们先去实地观察,互相交流,相互提意见,这样对于他们进行再创作有很大的帮助。通过一个阶段的绘画制作,孩子们形成了独立的思考,制作风格和艺术效果多样化。最后,作业的评分也是教学的重要组成部分,作业的评判对孩子及其家长具有较强的指导作用,评判标准的确立会引导家长、孩子去建立较高的审美和鉴赏水平,因此老师对于儿童美术作品的评判环节尤为重要。儿童心理研究学者边霞博士认为:“我们的教师应该转换评价的方式,如可以问孩子最喜欢哪一张而不是哪一张最好……”我觉得这样的评判方式非常重要。 我们要做的是允许孩子用自己的认识和理解去表现和描绘这个世界,允许对艺术有不同的评价尺度和审美标准,允许儿童的个性和身心自由、快乐地成长,而不是单纯地灌输和要求。这样的教学宗旨会让儿童感觉到校外教育的乐趣,给孩子们营造一个轻松而快乐的学习环境。如果我们对孩子评价是另一个标准,如“这张画好”“这样的画儿画得不工整”“我们应该这样画”,只能说明我们没有读懂孩子的心理,没有理解儿童美术教育到底是为了什么,我们就不可能还给孩子们一堂真正意义上的美术课。我们可以努力创造一种宽松的学习氛围,让孩子们互相观摩作品,互相评判,这样可以让孩子看到别人的不同,学习和借鉴别人的优点。 作者:李欣 单位:呼和浩特市青少年活动中心 儿童美术论文:儿童美术教学感性认识论文 儿童美术咋一看好像很简单,其实,牵扯到很多学科。如教育学、心理学、生理学、美学、造型学、色彩学等。还有与此相关的文学、历史、艺术理论及绘画工具材料的运用等。有时很难用几句话就能说清楚,但也不是一点说不清楚。有关理性知识内容属逻辑思维范畴的,还是能说得清楚。比如:像结构、比例、黑白、虚实、统一、对比、疏密、冷暖、灰鲜、和谐等。当牵扯到感性知识或形象思维和抽象思维时,就很难说清楚了。如:灵气、悟性、神韵、感受、想像、意会、联想、感觉等,这些都是很难用文字或语言道明的。恰恰是这些说不清道不明的东西充当了绘画的主角。 在儿童画里,由于儿童智力发育和认知能力所限,使孩子们认不清看不明的东西比成人更多。如果儿童画像成人看连环画那样能解释的这么清楚,那肯定不是儿童画。即使是孩子的画,但孩子是按成人的意识画的,这样的画也不能称为真正的儿童画,得把它打到假冒伪劣之例。 儿童画的特点 儿童喜欢画画是觉得画画很好玩,并没想要去完成一幅什么作品。他们画画只凭满腔热血,不凭画法画理,“学画的方法”对孩子没多大用处。孩子们画画胆特大,从来都不怀疑自己的“技巧”,过高的估计自己的能力是儿童画画的突出特点。他们没有不敢画不能画的东西。再复杂的场景经过孩子们的手就会变得非常简洁单纯;再简单的事物经过孩子们一画,就会变得丰富多彩。他们的画最富有想象力和创造力。而且没有成人画画时的负担,更没有成人参展、获奖的压力,他们只图画画时能玩得高兴,孩子的画跟他们做游戏没什么两样。他们画画时的最佳精神状态就是手舞足蹈、喋喋自语,一副不认真的样子。胸有成竹是大人的事与他们无关。这也是好多小朋友只想画画,不想学画的原因所在。儿童不是为长成成人做准备的,他应有自己的存在价值,完全没有必要把成人学习的方法套在孩子身上。 儿童画画与他们的心理、生理的发育及认知能力有密切关系,比如:幼儿对人的认识,就是对面孔的认识,人的脸面成了幼儿对人认识的全部。对幼儿来说重要的就是最主要的,人的音容面貌、精神都是通过五官来展现的,四肢与此相比就显得不是那么重要了。所以,幼儿画人时主要画了人头、面部五官,人的四肢几根线就算完事。在幼儿眼里人就是这个样子,他们自己并没认为有什么不妥的地方。 孩子画画在像与不像的看法上也与成人不一样。成人眼中得像就是生活中的真实,孩子眼中得像是孩子的精神需求,不是生活中的实际反映。他们认为最重要的地方就是应该画的最大。比如:画人的头比身子大多少倍,画骑自行车的腿,看节目时的腿比身子高几倍,踢毽子的腿要比不踢毽子的腿要长,画的吃蛋糕时的嘴也比平时要大得多。孩子们画画是:画所知,不画所见,他们了解的东西很快就能画出来。比如:小鸟、房子、树、小动物等。他们老是重复的无休止的画这些东西,实际上是在向大人展示他们的“拿手好活”,以炫耀自己的成功,求得家长的表扬和肯定。幼儿的画虽然只是一些类似符号没有具体形象的笔道道,这些看上去只有孩子自己才明白的东西,就是孩子了解社会的全部。当孩子处在幼儿时期时,正是孩子充满幻想时,他们相信一切童话、神话中的故事都是真的。他们正在用自己的头脑和眼睛注视着这个还很神秘的世界。 儿童画画的特点要求我们做老师的要了解孩子的生理、心理以及孩子发育的各个阶段,要尊重他们对事物的看法及表现,要和他们玩在一起、画在一起,在和他们一起玩的过程中让孩子学到知识。 教孩子学画的难点 我在教低年级学生时就特别强调,主要的东西要画得大一些,不重要的画得小一些。先画主要的,再画次要的,几乎每次课要反复讲这些问题。但有时孩子对老师讲的“大”和“主要”在理解上的偏差,往往只有一部分孩子在画面上得到体现。我说的大是指苹果大小,孩子画的只有鸡蛋大小。但孩子却说这就够大的了,我原来画的只有葡萄那么大。也就是说画成鸡蛋这样大对他来说就已经是“史无前例”了。这里面还有个心理问题,仅从绘画单方面很难解决这个问题。 孩子因家庭教育,生活环境和个好的差别,在认识、理解一件事物时,往往会出现一些偏差,这也是很正常的,不是教师讲几次就能做到的。这需要几个“回合”的反复学习过程才能解决。如果教师讲几句,孩子就能做到,这反而不正常,至少教师有“灌输”知识的嫌疑。 既然画面上的主体物大小安排那么重要,是否可以理解,只要小朋友学会安排画面,懂得大小、前后、粗细、曲直、虚实、黑白、强弱、取舍、呼应、对称、均衡等造型因素,小朋友的画就能画好了。单从画面上看,如果上述因素,小朋友能解决得比较好,应该说就算一幅看上去不错的画了。但这只是对作品的一般认识,真正意义上的好画并不是四平八稳面面俱到看着很“顺眼”的作品。从艺术的角度上说,只有远离生活真实,才能做到艺术真实,有个性的作品才是美的。假如孩子在画面时太重视画面的完整与合理性,即使是看上去作品很舒服,但画面明显缺少“孩子气”和绘画性以及想像力、创造力和作者的个性等,作品也会失去感染力的,不能算好的作品。 教师在辅导过程中,要教给孩子一般的造型、构思、构图知识,让孩子了解一般的艺术规律,但不能墨守成规按“套路”上课,要支持鼓动孩子按自己的想法去做,这在教学实践上是比较困难的。有些知识教师只能讲一下,但不能要求孩子一定做到。讲是对的,要求必须做到是不对的。如教师在课堂上可以讲一些比例的知识,但不能要求孩子一定要画准比例。再比如上色彩课时,一般教师要讲:注意画面的黑白对比度,也就是说一幅彩画里面要有最亮的一块颜色和最暗的一块颜色。这样,画才响亮、明快。但也不是说只有画面响亮了,明快了,才是好作品。有些造型、形象似有非有很朦胧的作品一样很美。什么事都不能一概而论,艺术更不讲“统一性”。教师在课堂上只能讲一些大的东西,这就要看孩子的悟性和灵性了。课堂上经常出现这样的情况,一些个性很强的孩子不听教师的,怕教师给辅导“坏”了,画时有自己的想法,这样的画很有可能成为更为优秀的作品。 记得有这么一句话:要想教育他,就得了解他;要想了解他,就得与他沟通和交流;而要像与他沟通交流,最重要的就得尊重他。尊重他的兴趣,尊重他的爱好,尊重他的经历,更要尊重他的年龄和心理。一位来自黑白世界的成人,待着一片单一色的眼镜,怎么能欣赏儿童那心中五颜六色的世界呢?站在他人的立场和角度去看待问题和事物,不也是成人社会与人正常交流,建立良好人际关系的首要吗? 孩子是祖国的花朵,社会的未来,让孩子们健康快乐成长是所有家长和老师的共同心愿,让我们共同去培育和呵护他们。
高职院校美术教育研究:高职院校美术教育专业学生能力培养 摘要:美术专业对学生实践能力的培养一直以来都是整个学科的重要组成部分。对于高职院校美术专业学生来说,实践能力的培养是一项系统的、长期的工程,所以美术专业必须将实践教学作为重点,注重培养学生的艺术感知能力、分析能力和观察能力等,进而培养出可以满足社会具体需求的美术专业实践型人才。 关键词:高职院校;美术教育专业;实践能力;培养研究 近年来,随着“艺考热”的兴起,美术专业学生在就业方面的压力不断增加。只懂得理论知识而没有实践能力的美术专业学生在毕业之后大多陷入困境。所以,高校强化美术专业学生实践能力的培养,将社会实践切实融入美术专业教育,具有重要的、长远的现实意义。 一、提升美术专业学生实践能力对于学生自身的作用 能够影响学生综合素质的相关因素有很多,实践能力就是学生综合素质的一个重要组成部分。对于美术专业学生来说,只有经过实践的检验,其才能知道在校学习所收获的专业知识具体的掌握情况,可以说实践就是使美术专业知识得到延伸的最佳方式,也是提高学生实践能力的有效途径。因此,帮助美术专业学生提升实践能力,不但能够促使学生更为熟练地掌握相关的技能知识,而且能够帮助学生以一种正确的方式融入社会,用主观意识进行观察,并将观察所得合理地转化成个人的素质修养。 二、提升美术专业学生实践能力的方法和途径 1.改进与完善高职院校美术专业的教学体系 如果想快速提升美术专业学生的实践能力,高职院校就一定要合理地转变相关的教学理念。固有的教学理念尽管具有一定优点,但是随着社会的发展和教育环境的改变,其已不能满足现代教学的具体需求。因此,高职院校一定要强化将实践作为主导的相关教学体系建设,从而使实践教学成为整个美术教学的优秀,并以此对相关的教学方式、课程设置和教学计划等进行重新设置。在实际教学的过程中,教师应摒弃重理论、轻实践的教学思想,合理地协调实践课程和理论课程,提高实践课程在总体课程中所占的比例;与此同时,还要主动地将实践教学贯穿在整个教学中,进而形成一个更加系统的、更具有特色的实践教学体系。 2.促进教师队伍的建设 教师队伍的质量影响学生实践能力的高低,假如教师只重视理论知识方面的教学,学生自然也不会认识到实践能力的重要性。所以,提升美术专业学生的实践能力需要切实强化整个教师队伍建设,从而建立一支更加高效、更重视实践教学的优秀教师队伍。对于这个问题,可以从教师的个人进修与集中培训两个方面展开。教师通过个人进修,能够提升自身的专业知识,凭借集中培训又能稳步提高实践能力和实践意识。高职院校进而可以妥善地构建一支具有双师素质的教师队伍,为培养学生的实践能力提供有力保障。 3.加强建设实践教学基地 实践教学基地的建设是学生实践能力得到稳步提升的重要保障。利用实践基地开展实践活动,可以让学生自由地交流和汇报参加实践活动的情况,这样能够使实际操作和课堂理论知识有效地结合在一起。在实践教学基地的建设问题上,高职院校必须切实考虑到当地具体的民俗、风景、人文、历史等有关因素,可以建立一个具有经营性和生产性的小规模的艺术公司,或者实习实训室、美术培训学校等,如手工制作教室、工具和材料教室等,进而为学生创建优良的实践场所。 4.强化校企之间的合作关系 实习是促使学生的实践能力得到长足进步的关键因素。通常来讲,学生的实习期一般是在相关企业中度过的,所以高职院校应该积极地和相关企业保持沟通与合作,互利互惠、共同进步,最终达到共赢的目的。值得注意的是,高职院校一定要切实认识到当地企业所具有的特点和未来的发展形势,并且了解到其具体的生产流程和用人要求。高职院校只有妥善地做到这几点,才能有针对性地实施教学改革和专业课程设置。对于高职院校和企业双方来说,进行校企合作不但能够帮助高职院校提升学生的实践能力,同时还能够帮助企业提高并完善人才方面的储备,从而实现双赢。 结语 如今,我国高职院校美术专业学生所具有的实践能力还不够高,高职院校具体的教学改革仍然任重而道远。因此,高职院校一定要加大对于美术专业教学的研究力度,并努力实现教学改革的目的,进而为我国的市场经济建设提供更多能力更强的实践型人才。 作者:徐军 高职院校美术教育研究:高职院校美术教育基础素描教学 摘要:随着职业教育的迅速发展,高校艺术专业的扩招,而高职院校招生逐年紧缩,学生美术基础比较薄弱而且程度参差不齐,甚至没有什么基础和基本功底,他们并不是通过正式的艺术培训,只有对自己有点兴趣和兴趣,在选择这一专业的艺术,从而导致了高职院校的素描教学,有很多问题。因此,笔者在教学中结合高职学生的基础、理解程度和认知水平等,围绕如何提高职学生的美术教育的素描基本技能,进而要求教师要适应学生在教学中的实际情况,在教学内容和教学方法上进行改进和完善。 关键词:基础素描 思维 理解 技能提高 1前言 在美术教育教学中,素描基础训练,是造型艺术学习的基础。在我们的高职美术教学的开始阶段,学生在素描训练时都会感到茫然不知所措,他们很着急老师也会感到困惑。这就是高职生在素描基础训练开始阶段会产生一些俗称的“瓶颈”问题,原因是由于个人的基础、观察和理解的差异,呈现出各种各样的问题。此时教师必须帮助学生度过这段“瓶颈”时光,并找到行之有效的解决问题的办法,帮助学生尽快地解决困难至关重要。下面从高职学生的基础素描教学实践出发,探讨一些科学的行这有效的教学方法,并应用在课堂教学中,从而帮助学生更好地更快地掌握素描造型基础和专业基本技能。 2引导学生学会观察,培养正确的认识方法和敏锐的观察能力 观察的是,人们认识世界,了解的窗口,是获得所有的知识的门户网站,只有通过敏锐,细致,准确,深入观察,才能充分调动和发挥形象思维的作用。在美术教学中培养和提高学生的观察能力是一项重要的任务。学生的观察能力愈强,他们感受美、欣赏美、表现美和创造美的能力也就愈强。如何培养学生的观察能力呢?提高造型的“观察与比较”方法能力。 2.1观察任务要明确 高职学生由于缺乏关注,然后观察目的的事情时的目的是不明确的,往往只在细节和忽略的整体,不能把握主次,这是初始学生学习绘画的一个普遍问题。因此,在美术课上,笔者要明确提出任务的观察,使学生的视力盲目选择成为一种有目的的选择。 2.2观察方法要正确 不管什么事情,在观察中不能盲目地去看,它应该是正确的观察的目的。如在教画《正方体》时,笔者要引导学生在课堂上让他们看一看真实生活的立方体,并且什么对象都是从肯定的形式,最后展现出这些种类,让学生观察到的效果会有明显的改善,不仅提高了他们的观察力,而且提高了他们观察到的能力。阅读后,学生对绘画感兴趣很强,由于加强了艺术活动的学习目的,学生对美术绘画的兴趣也随之产生,能力得到了提高。2.3学会比较地观察在美术绘画中,提高造型的“观察与比较”方法能力是基础。首先要求我们不但要学会整体地观察造型,还要学会分析比较造型的比例特征,这是学习素描写生的关键的第一步,只有在准确的观察和分析比较基础上才能得到充分认识和提高,同时要求学生在素描写生绘画中的方法也要正确。对实物写生时,看一眼画一笔观察得不整体。绘画当中的认识的提高是随着自己的鉴赏能力的提高而提高的。因此在我们学习素描的过程中经常要看看优秀的素描范例或大师作品。这样才能使我们成熟得更快,进步的更快些。平时在我们的观察学习过程中要养成良好的观察习惯,“先整体、后局部”做到“四多”多分析、多比较、多研究、多体会,只有这样才能够更清楚地认识到作品的“精髓”之处,时间长了看得多了,我们的眼界就会高了。因此说提高“观察与比较”的造型能力是美术教育中素描写生教学的首要方法。,在素描写生过程中,只有不断地、反复地进步观察与比较,发现问题、找出问题,并能不断地解决它,进而不断完善,这个只有做到越细致、越深入,得出的画面就会越完美。 3引导学生学会分析,提高正确的“判断与理解”造型的方法能力 在传统的素描理论学习中,学习素描绘画写生关键的第二步就是判断与理解造型的能力,在我们的教学当中,不是所有的理论和规则都能被学生理解和掌握。例如,在研究对象的比例与眼睛和判断对象,除了直观和判断的对象的测量,但也可以用在其他方式,是一个铅笔测量线和线段之间的距离来区分。用铅笔测量距离的方法是最常用的方法,测量草图的草图。这是一个比较对象的各个部分的长度的方法。由于手动测量的精度,使线的长度可以判断不可能实现准确的比例。因此,学生使用这种方法在图像中显示物体的形象有很大的不同,因为在形象思维活动过程中,学生的理解能力是非常有限的,这些差距只能在平时的实践中逐步积累经验,有能力观察和理解的提高会不断提高。 4培养学生绘画的整体意识,提高学生绘画的基本技能 第一,一个良好的整体意识的建立是学生未来发展的一个非常重要的因素。整体是相对于局部的,局部的是依赖于整体的,局部服从于整体,而整个的局部只能通过局部的充分体现。对于初学者来说,一方面是加强对整体意识的认识,另一方面是把重点放在整体关系上的观察与表现,来克服和避免在一个点上注意坏习惯。培养全意识可以从观察事物,更从整体的观察和部分比较,从而明确各事物之间的关系,以保持整体的团结与协调,才能更好地把握整体。从整体到局部,再从局部到整体,这个过程必须贯穿于绘画,因此,培养学生的能力,对局部和整体的关系,有良好的整体意识第二,建立形体的体积意识和表现体积感和空间感的能力,是基础素描另外一个重要因素,不但要明确物体的形状、比例、大小,同时还要对形体透视关系的要有理解和掌握。没有体积空间意识,更不能表现好空间关系。对空间的表现是绘画的基本能力。建立了整体意识和体积空间意识,要实现这些还需要具有充分表现的能力。素描是表现或再现对象的最基本的绘画形式。因此素描作为学习绘画的方法和手段,必须掌握形体构成因素和结构,理解光影色调。用理性指导观察,用观察丰富理性,用理性指导实践。以上就素描教学中的一些较为突出的要点进行分析理解。绘画是一门技巧课,必须从实践中获得飞跃。所以动手实践是非常重要的,有了量的积累,才能得到质的飞跃。打好坚实的素描基础才能考出理想的成绩。 作者:朱晓华 高职院校美术教育研究:高职院校美术教育教学内容与方法 摘要:教师要不断丰富高职院校美术教育的教学内容,探讨高职院校美术教学的总体思路,改变以往的美术教育教学模式。教师要创新高职院校美术教育教学的方式,研究具体的教学内容和教学模式,采取相应的创新举措,推动高职院校美术教育的发展。 关键词:教学模式;美术教师;高职院校 一、确定高职院校美术教育对教师业务能力的要求 在美术教学中,教师针对不同学生的学习水平和学习情况开展不同层次的教学,这要求教师的技能水平过硬。不同的院校对于学生未来发展的定位不同,再加上美术教师的差异,所以不同的院校在培养美术教师的过程中会区别要求。美术教师不仅需要掌握熟练的艺术实践技能,还要具备丰富的美术知识,在讲课过程中自觉将理论知识和实践技能相结合。不同的美术教师对于美术知识的诠释方式不同,所以学生要在学习中结合自身的特点有选择性地吸收。为了更好地推动美术教育的长远发展,需要对美术教学内容和方式进行深入研究,分析最适合高职院校学生的课程,进而对美术教育课程进行整体调整。 二、高职院校的美术教育如何更好地满足学生的需求 1.美术鉴赏课的教学内容与方法 美术教师在进行理论讲授时,可以根据不同的学习要求对授课内容进行调整。美术专业的学生和其他专业的学生对于美术的兴趣方向不同,教师在对美术专业学生讲课时应该注重史论的系统性,而对其他专业学生授课时应将重点放在对经典美术作品的讲解上,这些学生对于经典美术作品充满好奇,他们急于知道经典传承于世的原因。在授课过程中,教师应先充分了解学生的学习需求,然后结合美术教学的特点授课。在给学生讲解外国美术作品时,大多数学生会对《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》《向日葵》等经典作品感兴趣,因此,教师在讲解的过程中应该着重对这些作品进行深入解读。在讲解中国经典艺术作品时,学生比较感兴趣的是《奔马图》《洛神赋图》《清明上河图》等,对于这些作品,教师要进行重点解释。在讲解了学生感兴趣的美术知识之后,教师要结合美术的学科特点增加一些学术性知识。如,介绍这些作品创作者的生平、艺术经历和成长过程,最好能够针对某位大师开设专题讲座,这样可以充分调动学生学习美术的积极性和主动性,从而使学生更系统地了解美术作品。 2.结合当地美术馆开展美术教育 以往的美术教学场所局限于教室,容易引发学生对于美术学习的厌烦心理。为了有效改变这种枯燥的教学模式,教师可以结合当地的美术馆开展美术教学。国家免费开放了很多博物馆和美术馆,学生可以直观地接触这些美术作品,这为美术教学提供了可行性。结合教学内容参观与之相关的美术作品,可以培养学生对于美术作品的欣赏能力,学生也可以在参观过程中积累自己的历史文化底蕴。在美术馆中学习美术经典文化,可以带给学生不一样的学习感触。艺术作品的原作具有特殊的视觉冲击力,给学生带来和教室里播放幻灯片时不一样的感受。学生通过参观美术馆,可以提高艺术欣赏能力,久而久之,学生就会养成参观美术馆的习惯,提高精神生活方面的追求。 3.通过服装设计的原理引导着装 现代大学生更加崇尚人格自由和个性化发展,以往的教育方式难以满足现代大学生的发展需要,必须创新教育模式。美术教育课程培养学生的审美能力,如何培养学生的审美水平是一个问题。这里可以从小处着眼,如平日里的着装。当代大学生的衣着装扮往往突出自己的个性,但是,有些装扮色彩过于艳丽,色彩搭配不合理,忽视了美感。所以,教师在日常授课的过程中,可以讲解相应的服饰色彩搭配、饰品搭配以及样式组合,逐渐引导学生对于美的感触。教师应结合美术教育的教学特点,设置相应的课程内容,一切从实际出发,不断开设创新型艺术实践课程,丰富美术教育的内容,逐渐引进室内设计、广告设计和服装设计。通过这些课程,学生可以提高对于艺术的审美水平。通过对服装的整体搭配和设计,学生可以提高对于美术的审美诉求,循序渐进地成为具有较高审美水平的艺术学习者。 结语 为了推动高职院校教育稳定、可持续发展,必须创新美术教育的教学模式,适应新的教育发展形势。对美术教育的具体内容要进行全面分析,对教学方法要进行适当创新和改革,强调美术教学内容和方法的针对性。通过美术教学提升学生的审美水平,培养学生对于高雅艺术作品的审美能力,推动学生在学习艺术的过程中稳定发展。改变以往的美术教育教学模式,推动高职院校美术教育的长远发展。 作者:程琦 高职院校美术教育研究:高职院校素质教学美术教育论文 一、美术教育在高职院校学生素质教育的养成过程中所起的作用 1.美术教育具备其他教育形式所不具备的得天独厚的优势 美术是把物质材料作为媒介,塑造可以看见的、恒久静止的、在一定平面的或立体的空间里完成特定的艺术形象的艺术。它是通过塑造艺术形象反映人的精神和社会生活,表现作者思想感情的一种社会意识形态。美术与其他艺术的根本区别是,美术这一物质存在方式是空间性,它主要表现出静态性和可视性这两大特点。 (1)静态性。美术以其物质媒介静态地呈现于空间之中,也就是美术作品的艺术形象、内容、、情绪表达等,都是以物质媒介静态性地实现的。无论是风和日丽的景象还是狂风暴雨等自然现象,无论是静坐沉思的少女还是激烈运动的人物等,一切对象的动态和心理活动的表现都如同摄影抓拍式地将其瞬间凝固于静止状态。作品本身是静止的,作品中的形象是凝固不动的。龙门、云冈石窟中的大佛在洞窟中静坐了千年.画中的菩萨、仙女对我们微笑了千年,他们在美术家的手下诞生之后,就静止地亮相于那里,人不搬动,他们就不会主动地离开。建筑艺术,即使经历多年风化雨蚀,依然植根于原地.观者在欣赏之中会产生联想,于是作品从物理世界转移为心理世界。 (2)可视性。人对美术作品的感知方式是用眼观看,即美术作品的可视性。可视性有两层意思:其一,区别于戏剧、电影的可视性,是它的一目了然的直观性,无需借助于听觉。其二,美术作品有引起视觉审美注意的性质,或是悦目的,给人以美的享受,如《蒙娜丽莎》、《虾》等,更有千古夺目、屹立不倒的,如埃及金字塔和中国的万里长城等艺术作品。美术以其独特的美感和厚重而深刻的内涵,时刻在影响着周围的人。美术教育则为学生提供了美的陶冶环境与平台,它以美术形态为载体,以审美为特征,以创造美味目的,以美术精品的欣赏为教学活动,把学生带人一个真善美的艺术殿堂,使学生直接地、有意识地接受美的熏陶,进一步了解美的真谛,从而去一个美的人格,达到人格的完善和整体素质的提高。 2.现代美术教育的根本目的是培养学生的基本素质 美术教育从根本上讲是一种人文教育,只是在精神上去塑造人、改变人,从而达到教育人的目的,进而提高人文素质,优化人性,树立高尚的人格思想和道德标准,使学生在高校里完成自己的人格教育。良好的艺术修养在人的基本素质养成过程中有着重要的作用,美术教育有着强烈的社会德育功能,在人全方面的成长过程中是不可缺少的,因为美术家们倾注心血完成的作品,本身就是一个人格塑造的过程,他们的作品对于欣赏者来说就是一次素质的养成教育。因此高职院校美术教师必须注重学生美术学习中技能学习与基本素质和个性品质及思想情操的同步发展,担当起塑造其人格的责任,培养出符合国家需要的人才,这也是高职院校美术教育的最终目的。 二、运用美术教育对学生进行素质教育的途径 1.注重发挥美术课堂教学的主渠道作用,在教学中注重学生的情感体验 美术课堂不仅是美术知识与美术技能的传授,更是学生人品教育的殿堂。美术教学,主要以完美的艺术形象和高超的艺术技巧打动观者的心弦,使人产生思想上的共鸣,从而产生强烈的教育效果。高职院校的学生生源主要是处于学习成绩偏低,思想领域还没有被开发,所以高校教师应该抓住美术课堂教学中的点滴事宜来启发学生。如在欣赏课中,罗中立的作品《父亲》这一画面中对父亲饱经风霜的脸孔和手的刻画,就深深打动了许多学生,他们低下头想起了自己的老父亲,想起了自己从没有对辛苦培养自己的父亲说过一句温暖的话,更是让自己的父母亲为自己操碎了心。这时拨动学生心弦的并不是教师的说教,而是艺术作品无声的语言。马蒂斯曾说,美术创造是人对人的精神所把握的世界观增加了一种新形式。高职院校的美术课堂是对进行素质教育的主渠道和主要阵地。目前由于小学和中学的教育中过于强调学生分数和成绩,忽视了对学生的基本素质培养,特别是品德修养教育,一些学生在功利主义思潮的影响下,形成了只注重经济利益,而忽略了思想道德上的进步。这样的学生即使美术技巧再高,也不符合社会发展的需求。在美术课堂上通过审美教育,使得学生获得树立正确的审美情趣和高尚的道德观念,懂得人生的意义价值,培养学生具有坚强、自信、善良、有爱心、有责任心、追求真善美的好品质。 2.高职院校开办的美术第二课堂活动 通过开展科技文化活动的艺术实践,可以使大学生们充分发挥特长,提高美术素质,进而培养了大学生的创造力和社会服务意识,以及团结协作的互助精神。正如著名教育家罗恩菲德所说:"在艺术教育里,艺术只是一种达到目标的方法,而不是一个目标,艺术教育的目的是使人在创造的过程中变得更富于创造力,而不管这种创造力将施用于何处。”这就要求美术的教学内容要具有灵活性和生动性。而美术第二活动的内容因为不用受教学大纲和教学计划的限制与约束,实施时无论是在内容上,还是在形式上都是可以根据天时地利,甚至是成员的不同而进行调整变化的。美术第二课堂的这一特点,给了大学生们充分发挥想象的空间,更给了他们创造美的自由,使学生突破了传统思维习惯和模式,开始有意识进行多方位、多角度的思维,培养和发展了学生发散思维的能力。由于参加美术第二课堂活动的同学多样化,比如学生的年龄、性格、修养、阅历、专业、生活环境、作画能力等方面的不同,造成了学生思维方式和作业面貌的复杂性和丰富性。在共同的活动中,学生在相互的学习与艺术作业中,互相取长补短,学会了团结合作,走出了狭小的个人圈子,这也促进了学生的素质养成。 3.高等职院里的人文环境对学生的素质培养也有一定的作用 高职院校的人文环境通常包括以下几个层面的内容:一是指校园物化环境,也是通常所说的硬环境,包括校园建筑群落、景观、设施等等。二是通过学生行为所形成的行为环境,即精神文化环境。而美术教育对学生所能起的教育作用在学校的硬环境也是有所体现的,这也是美术教育的隐性作用。在校园建设中设置较高艺术水准的学生喜闻乐见的人文景观、作品,会使学生感受到艺术的无穷魅力,从而提高学生的艺术素养,强化学生的美感,充分发挥隐性美术教育的作用,隐性教育是针对于显性教育而言的“环境育人”。高职院校所营造的文化氛围中最为重要的内容之一,就是通过不同场合悬挂、装饰、设置一些高雅、励志、哲理的视觉艺术作品,提高学生的审美品位,激发其热爱生活、热爱生命、热爱自然的意识。 总之,学生的创造性思维能力和社会认知能力的发展,是美术教育的重要任务,学生基本素质的形成更加离不开高职院校的美术教育。美术教育工作者应立足现实,展望未来,更新观念,与时俱进,以培养学生素质为前提,不断探索加强学生基本素质的途径,把高职院校美术教育水平提高到一个新的高度,塑造新世纪的大学生形象,以适应新世纪社会发展的要求。 作者:张晓韬 单位:营口职业技术学院 高职院校美术教育研究:高职院校美术教育述评 一、加强提升学生艺术表现能力的技巧训练 高职院校的美术教育是以培养美术技术人才为目的的普通高等职业院校,相比其他高校美术教育注重艺术性的特点,高职院校更看重的是美术教育教学的实践性和社会性特点。因此,高职院校的美术教育要尽量压缩美术基础训练课程,对素描、色彩等基础训练的课程教学要有所压缩,而是要加强学生在速写、素描、水彩等方面快速训练和领悟能力。加强学生快速设计、反映的能力训练。在美术实践教学的过程中,最重要的就是要加强学生对对象的快速感知和反应能力,让学生学会从多角度、多方面去对事物进行分析和快速造型。开阔学生的视野,提升学生在艺术设计方面的思维能力,使学生在学习阶段就能提早体验到社会实践中的行业竞争和发展模式,改变过去那种单纯为追求艺术而学习的定式思维。要实现教学模式的转变,教师除了要加强自身的学习和认识,积极转变自身的教学思维之外,还要在教学方法上有所改变和创新,在日常的课堂教学中,要尽可能灵活地采用各种教学手段。如在课堂作品训练上,可以设定一些特定的结构和设计模式,有意识地引入市场或行业的需求,市场上对人物作品的一般需求、对艺术设计的组合需求等,都可以体现在课堂作业的布置中,加强各种形式的造型训练,还要在这些训练中加入特定的功能性和实用性要求。在这些实践性的课堂教学训练中,除了要加强学生的技能训练之外,还要有意识地对学生进行引导,让学生注意将创作目标意识、创作心理等情感因素引入到作品的创意和设计之中,进一步激发学生的创作思维和意识,逐步增强学生的表现意识和创造能力的开发和拓展。 二、美术教育的内容要密切联系市场需求 随着知识经济的发展,社会的发展越来越需要拥有创造力和表现力的复合型高技术人才。高职院校的美术教育很好地弥补了普通高等院校美术教育在社会实践教学方面的空缺。以实践性为主要特点的高职美术教育教学活动,要彻底改变那种重视艺术展现、不重视实践需求的教学模式。在平常的课堂实践教学中,要将美术基础知识与社会实践需求紧密地结合起来,引导学生树立以解决实际问题为目的的艺术创作思维。积极扩展教学内容,将课堂作为小型的社会实践课堂,教师要有意识地引导学生以职业思维来解决在实践中遇到的问题,让学生独立、自主地去面对实践中遇到的困难,逐步提升学生解决实际问题的能力。当然,教师在这个过程中,要注意引导,同学生一起思考和分析,共同探寻解决问题的各种途径和方式,并通过独立思考或小组讨论等方式来深刻地剖析案例,找到解决问题的最优方案。或者通过小组竞争等方式,来加强学生自主学习、钻研的主观能动性。加强竞争,锻炼学生的抗压能力,并增强学生实践经验的累计。此外,为了方便学生的实践学习,学校要加强硬件方面的支持和投入,按照美术教学的需求,建立各种试验教室,设计室、制作教室、机械加工教室等,还要为学生提供一定的画材和工具等。为学生学习提供一个良好的实践学习的环境和氛围,让学生以更加主动的姿态投入到实践学习过程中去。 三、学校要把产、学、研有机地结合起来 高职院校的美术教育除了要加强学校实践教育之外,还要积极创造多种条件,让学生真正投入到社会实践中去,将自己的专业理论知识运用到社会生产中。学校要将“产、学、研”单个环节有机地结合起来。让学生能接触社会生产、接触不断发展着的市场。学生只有真实地经历过行业的生产发展,才能真正起到检验自身能力的作用,从自身的检验中去发现问题,再将问题带回到学习中,探寻解决问题的方法,取长补短,不断地提升自己的能力。高职院校的美术教育要将产、学、研密切地结合起来,就需要将学校教学与社会企业的生产实践紧密地结合起来,学校要选择一些适合的企业,为学生提供实践锻炼的平台和岗位,让学生在企业这个生产实践平台上,充分地发挥出自己的专业技能。这是学校、学生和企业之间达成的某一种平衡,三者都能从中获益,可谓一举多得。此外,高职院校如果能够设立自己的美术研发产业,让美术专业的教师和学生能够充分地参与其中,通过特定的项目来锻炼学生动手、动脑能力,同时又能增加学校美术产业的经济效益。此外,学校还能根据美术产业的发展和学生的实践学习,及时地调整课堂教学模式和内容,让学生在学习过程中可以更轻松、更有针对性地学习。这样一来,更加方便高职院校培养更符合标准的美术专业人才。 作者:张斌 单位:苏州旅游与财经高等职业技术学校
美术教育毕业论文:浅谈职业技术学校美术教育的几点思考 各门学科的设立,都经历了长时间的考验,具有科学性、合理性,都能体现学科独特的存在价值,美术学科也不例外。但现今的职业技术学校美术,还是作为一门副科而存在的。有时校方抱着应付的态度,认为只要把自己的课时量上足,形式上存在美术课就可以了,他们全然不顾课的质量怎么样,学生的掌握程度如何。虽然教材中的美术作品很精美,但往往距离学生的生活经验比较远。教学内容是学生学习和认识的对象,书本中的一些作品和案例与学生学习生活实际有较大距离,学生操作起来跟实际水平还有很大的差距。在教学中也有很多的问题出现:如课时量缺少、硬件设施的缺乏等,这样的情况下我们美术老师只有"不怨天尤人,不妄自菲薄,努力工作,积极探索",为职业技术学校美术教育事业贡献自己的一份力量。 1.职业技术学校美术教育的现状 1.1 传统观念的存在和专职老师的匮乏。职业技术学校在很长的一段时间里被认为是职业技术学校教育中的副课,处于一种"弃之不能,食之无味"的地位。部分学生有"学画画是不务正业,比不上学文化课有出息"的想法,所以这给我们在职业技术学校美术的普及和课时安排上出了难题。这时教师要改变学生的观念,对学生进行正确的人才观教育,改变其对美术的看法。 师资力量的不足导致上课的局限性。经过一项调查表明,我国中小学符合专职美术专业毕业的老师极少,因此对美术教学工作的开展极其困难。某些学生由于对提出的美术问题得不到满意的回答,渐渐失去了对美术的兴趣。美术课上课内容枯燥,教学活动了无情趣、索然无味,不能激发学生的学习兴趣,没有让学生感受到相应的审美满足。我们应该切实从自己的实际出发,解决实际问题,去为职业技术学校美术更好的明天而努力。 1.2 教学手段的陈旧。其实一堂好的课,往往是看老师能否真正地把学生学习兴趣调动起来,让学生保持注意力,这就要求教师在教学方法上下工夫。在美术教学时,有些教师就是单调的知识传授和简单的技能训练课,在教学中并没有把学生的潜在意识和创新思维真正挖掘出来,而是把它当作一种教学任务去对待。 2.职业技术学校美术教育解决的手段 2.1 教师要转变观念,带领学生欣赏作品中的"诗情画意"。让学生欣赏我国古代绘画作品时,如果仅从绘画的材料、题材内容来赏析是远远不够的。我觉得可以从古诗词的意境入手让学生去体会中国画的意境。对于职业技术学校学生来说,他们在小学、中学阶段的语文课中已学过大量的古诗词,所以对古诗词的意境理解要比理解山水画的意境容易。而且中国画与古诗之间的确有着很密切的联系,正所谓"诗中有画、画中有诗"。中国古代绘画本身就是由文人、士大夫所作,有着浓郁的文化背景。比如,在欣赏中国古代山水画时,最主要的问题和难度最大的问题是让学生去领略中国古代山水画中情景交融的意境。而不同时期及不同地区的山水画面貌和意境都各不相同,其中,面貌的不同之处比较容易感受,而意境的不同,相对来说是难以理解和体会的。例如,北宋画家范宽的作品《溪山行旅图》展现了北方山水雄壮的自然风光,可以让学生体会它的意境美和陶渊明的诗句"采菊东篱下,悠然见南山,山气日夕佳,飞鸟相与还"的意境美有什么相通之处,进一步让学生感悟作者都以客观地描写自然景色为主,诗人和画家对自然风光的热爱之情没有直接表露出来,而是隐藏在所描写的景色之中,所以称为"无我之境"。通过诗与画之间的对比与联系,学生的学习兴趣提高了,也淡化了以学科为中心,兼顾了课程的综合性和多样性,收到了良好的学习效果。 2.2 采用多样化的教学手段。社会在进步,人类在发展,我们在美术教学中也要与时俱进,积极采取各种生动有趣的教学手段,如影视、多媒体、范画、参观、访问、故事、音乐等方式,让学生更多地接触实际事物和具体环境,增强对形象的感受能力和想象能力,不断给学生提供大量的信息,增加他们的审美体验,激发学生学习和探究美术的兴趣。在教学《探幽》时,我先放一段关于苏州园林的影片,因为影片是流动的,能给学生更生动、直观的感受,自然地调动了他们的探究兴趣。在教学《做一回蔡伦》时,如果先直接带学生到附近的造纸厂参观一下,让学生直接到生活中去观察、感受一番,再回到教室里,让他们自己动手实践,他们的探究热情就会高涨起来。目前,随着国家对教育事业的大量投入,我们的教学条件越来越好,但不需要动不动就用电教媒体,有时传统的动手演示效果可能会更直接、更有效,在上《多变的颜色》时,老师可以直接用水彩或水粉颜色在白纸上调配出各种色相,学生会感到很好奇,参与的欲望会更强烈,兴趣也会随之高涨起来。 2.3 关注学生的生活经验。关注学生的生活经验,能诱发出学生主动参与的热情。课堂上处处联系学生的日常生活的情景,以学生所熟悉的人和物为依据展开对问题的探究。比如,评析达・芬奇的《蒙娜丽莎》时,大多数学生会觉得很美,这真实地体现了学生的审美经验,教师应该通过学生的生活经验因势利导,通过探究来领悟到东西方不同的人物特征和不同的审美经验。美术的学习内容直接贯穿于学生实际生活中的衣、食、住、行各方面,教师要善于把探究的问题巧妙地和学生的实际生活联系在一起,就能够激发学生主动参与表现生活美和美化生活的探究热情。比如,对色彩知识方面的教学可以和交通信号灯、服装、居室的色彩配置等与学生生活最贴近方面的联系。设计和应用方面的教学和本校的标志设计、校服的设计相联系。在线造型的教学中,可以让学生把父母、邻居、身边的物品以及自己家的小动物做模特,由于学生对这些很了解并有一定的情感,因此能够更认真地去观察、表现。 只有充分认识了当今职业技术学校美术课的特性和它所处的地位,我们就可以通过对教学手段改变、扩展学生艺术视野来培养未来的美术人才,从而有效地解决职业技术学校美术课存在的几个问题。 美术教育毕业论文:中学美术教育方法浅谈 1.掌握美术基础知识,练好基本技能 只有学生充分理解和掌握了美术的基础知识和基本技能后,才能为学生美术的创新能力提供宽阔的思路。因此,美术教学要系统地循序渐进地使学生掌握绘画、工艺和美术欣赏的基础知识。教师要注意知识的深度和广度,这才有利于学生今后知识的扩展。基本技能包括智力技能和操作技能。教师要教给学生观察、想象、思维、着色等的基本方法和步骤,绘画造型、布局及简单的工艺操作的基本技能和方法。学生在掌握知识和技能的前提下,教师要组织学生多练脑和练笔,如经常根据一幅作品让学生思考构思、布局、设色等,经常画一些简单的物体,这些物体或重在立意,或重在构思,或重在设色,或重在布局等。以强化和提高熟练程度,为创新作好铺垫。现代教育给每位教师提出了更高的要求,在教育教学实践中,教师要不断创新,发扬创新精神,提高创新能力,掌握创新思维和创新方法,并善于向学生学习,学生身上潜藏着巨大的创造力,破除惟我独尊、师道尊严的传统观念,在教育教学中,对学生日积月累地进行创新教育,一定会能培养出具有创新意识和能力的人才。注重创设宽松、民主、富于创新精神的教学氛围,尊重学生的选择,张扬学生的个性,热爱和关注学生,注意抓住一切时机激发学生创作的欲望。 2.教材中美术与音乐融合 美术课和音乐课是各属一家的,而现在中学的美术教材中却将美术和音乐融合为一体构成了我们现在的艺术课。教材里面,美术和音乐分别以一个个小单元互相交叠穿插出现,让学生得到视、听觉美的全面感受,这不能不说是一个伟大的尝试,开辟了艺术教学在新世纪新课程中的新的天地。让学生内在思想与感情得以表现,进而发展他们的个性。学生在追求美好事物的同时,也能洞察音乐的韵律和调和,从中又感受到情感的线条和协调色彩,动感地带。而在动感和美妙的音乐氛围中挖掘美的内涵,真的是一个伟大的创举。说实话,音、美本一家,将它们割裂开来本身就是一个很大的错误。你说美妙的音乐、动人的舞蹈、感人的戏剧中没有透漏出美的含义吗?而精彩的绘画中,强烈的色彩、振奋人心的设计中没有音乐的动感在里面吗?一个好的网站,精彩的图片、完美的排版、优美的文字、动听的音乐,都是构成一个成功网站中不可缺少的因素。所以将美术、音乐的融合作为艺术课向学生传导,不仅锻炼了学生,也给老师提出了新的标准和要求,给教学增加了一定的难度和深度。 3.转变教学观念,提高审美意识 因为农村教学条件的限制和教师水平的差异,使农村的美术教育参差不齐,美术教师的个人意识也有差异。我们的美术课并不是把学生培养成画家、美术家,也不是为了应付一节课或者认为是简单地哄孩子玩。学生眼中的世界,描绘的水平绝对不可能和成年人一样,因为他们所表现的视觉形象多半是直觉与想象的综合,只有随着年龄的增长、知识的积累、技巧的提高,才能渐渐使其变为直觉与理解的再现,才有可能变为主动的再创作。要在学习过程中陶冶情操,培养学生的各种能力,提高审美意识。因此在课堂教学当中,不能以太高的准则来评价学生,而是看在画中是否真实反映了学生的内心感受,是否有独特性、新颖的表现。要多给予肯定的表扬,少用居高临下的指责。观念的转变是教学的指导思想,首先教师不能有副科意识、美术是不重要的课程等意识。美术联系其他各学科,渗透各学科,体现在生活的衣食住行中。教师要转变观念,也要不断提高自身的审美能力,才能培养学生的美术兴趣,提高学生的审美知识和意识,才能达到美育的目的。 4.灵活运用教学方法 过去有些人把课堂教学当成只传授知识的场所,没有真正做到教书育人、培养才干、开发智力,而是教法简单化,教师讲,学生听,墨守常规,老一套,不变样,致使学生思想僵化不开窍,以致失去兴趣,这样就限制了学生思维能力和创造能力的发展。所以,课堂教学方法必须改革。比如七年级《校园环境标识设计》这一课,我们就可以组织学生对校园进行实地观察,对我们学校的标识进行梳理,小结出哪些地方还需要标识、用什么内容比较好。通过这些活动,既能把美术和生活实际结合起来,又能丰富课堂教学模式。这样让学生在兴趣中吸取知识和掌握技能,就能收到最佳学习效果,同时又培养了学生的观察能力、思维能力、想象能力。 美术教育毕业论文:论新课改中端正美术教育思想 摘 要:课程的改革不仅仅只是教材的改革,教育思想的改革才是重中之重,决定着改革成功与否,美术改革也如此,本文对新课改中端正美术教育思想进行浅析。 关键词:美术 教育 改革 美术新课程的改革是新课改内容中的一部分,美术的教育具有人文性质和特点,《美术课程标准》中指出要在广泛文化情境之中来认识美术,培养一种创新的精神和解决问题能力,促进学生发展。美术的课程应该理解为一种文化学习,新课程的改革也不能只是穿着新鞋走老路,要从设计到制作再到市场的流程中做一次深刻的学科变革,使得教育思想与先进方向接轨。 一九五零年提出培养儿童的学习和绘画能力,增强美术爱好兴趣开始逐步至一九五六年强调美术是全面培养学生能力的必修课,再到一九七九年提出美术是促进智力发展的手段,是培养德智体全面发展的组成部分,充分强调了美术对学生的重要意义,这与传统的教育方式和观念已经发生了翻天覆地的转变,越来越多的家长和孩子意识到了美术的重要意义,也不断端正了旧有的认为美术是无关学科的看法,在新课改的不断纠正和促进下打破传统观念认为美术是无关学科的偏见。将美术的意义拓展为包含绘画、工艺、摄影、雕塑、广告、艺术和建筑等更广阔的领域,在时代不断发展的过程中运用现代的美学重新理解和定义美术学科,使得原本狭义的美术得到了升华,走进了更多人的生活。 旧有的美术思想教育中强调技能和知识的讲授,以技能作为评价的标准,新的课程改革中更多的注重作品的欣赏、眼界的开阔、情操的陶冶和审美情趣的培养,让学生在文化修养和审美能力上得到一种整体的提升,例如分为欣赏与评述、造型与表现、设计与应用和综合与探索四个部分,这样更加丰富了美术的概念和内涵。 美术教育思想的改革赋予了教育学科一视同仁的先进思想,给予教育者更多灵活多样的空间和教育方式,增加了学生的求知兴趣和探索欲望,在求知欲驱使下主动学习成果大于被动灌输式获取,美术教育思想的端正牵一发动全身,在整个新课改中引领着教育事业更加欣欣向荣。 结束语:不论时代如何发展,教育业都是立国之本,未来之星,端正美术的教育思想不止是对美术发展的一个契机,更是带动整个教育思想迈向先进的导航。 美术教育毕业论文:中职美术教育的几点尝试 多年来,我一直从事中等职业学校美术课程的教学工作,在教育教学实践中,我发现我们的中职美术生生源质量越来越差,美术基础浅,底子薄,行为习惯有问题,引发学生学习兴趣受挫,学习效果差,由此产生学生厌学、逃学现象。为解决这种不良现象,提高教育教学质量,改善育人环境。我在教育教学过程中,进行了几点探索和尝试: 一、更新教育理念,坚持以生为本 "生本"教育是当代知名教育家,华南师范大学教授郭思乐创立的一种教育思想和方式,生本教育是以"一切为了学生,高度尊重学生,全面依靠学生"为宗旨的教育,是真正做到以学生为学习的主人,为学生好学而设计的教育。其特点就是突出学生,突出教得少,学得多,突出合作,突出探究。我在教育教学中立足生本教学理念,根据中职学校的教学特点、教学内容、美术课程设置和新课程标准,以及学生的个性差异。改变过去过于注重知识传授和技术训练的模式,强调在教学中鼓励学生个性的健康发展,充分发挥学生的主观能力性,强调自主学习,强调以学生的"学"为本,强调学生的探索精神。比如,在教学中国画《荷花》,我先组织学生到荷花池塘观察荷花的形态、结构、生长规律等,形成感性认识;再结合欣赏古今画家的荷花作品,介绍中国画的构图、墨色变化、笔法等知识,帮助学生加深理解;然后进行分组讨论,个别发言,阐述观点,探索表现方法。在此基础上,引导学生发挥想象,不拘一格用中国画的绘画语言表现荷花,创作自已理想中的作品。整个课堂氛围比较活跃,充分发挥了学生的主体作用,调动了学生的学习积极性,激发了学生的学习兴趣。学生学得轻松、快乐,并能获得良好的高品质的学习效果和情感上的满足体验。 二、优化课程设置,形成模块教学 我校美术专业的课程体系基本上还是传统的学科课程体系,学科课程的优点是使相同或相近学科领域的基础知识连贯起来,有利于人类文化的传递,所授知识和技能完整、系统和严密;便于老师教学和发挥老师的主导作用。但是它所带来的局限性是忽略学生的兴趣及学生全面发展的价值;有可能压抑学生的主动性和积极性,对于中职美术生这些局限性的影响尤为明显。为此,我在教学中充分考虑所授教学内容、学生素质能力,结合学生就业岗位要求的基础上,对课程设置进行了改革:一是增加活动课程,我从学生的兴趣和需求出发开展了不同形式的活动课程,比如广告制作、木雕艺术、陶艺、中国画等,培养了学生的学习兴趣、学习自主性和主动性,训练了学生的综合能力及个性养成;二是实施模块式教学,模块式教学是适应目前职业教育的一种新的教学方法。它以就业为导向,以素质培养为优秀,注重实践动手能力,重视知识和技能的灵活运用。比如,在任教工艺美术基础的课时,我根据原有的工艺美术基础教程结合本校实际编写了校本教材。将整个的教学课程划分为四大模块,即工艺美术鉴赏模块、设计基础模块、设计理论模块、实训模块。采用模块式教学,学生目的明确,主动性增强,知识水平和动手能力明显提高,教师也避免讲授知识的重复性,对学生的成绩考核也变得更加易于操作。其中在教学实训模块时,我把整个模块分成若干个小单元,每个小单元都是一件工艺品的制作全过程。例如,我县舜文化和儒文化底蕴深厚,根据这地域文化我在实训模块中编写了楹联制作一个小单元,通过讲授、实操,学生能完全学会楹联的制作,包括选材、打磨、刻字、刷漆、上光等流程。又如,设计基础模块首先是绘画基础训练,在教学这部分内容时,我选择了教材上易掌握、易表现、易拓宽的结构素描,由浅入深,学生自信力明显增强,学生学习兴趣更浓,学生求知欲高涨。 三、灵活采用教法,重视因材施教 "教学有法而无定法",教学方法是教学实践、教学实验中创造出来的。"传统"的不说,仅冠之以"现代"教学方法就有数十种之多。我在教法选择上,立足实现"服务于每个学生"。通过个别交流和师生对话,发掘每位学生的喜好、特长和自主学习的要求,并进行教学上的指导和艺术上的引导。实行因材施教,做到"四不同"即针对不同的教学内容,不同特征的学生,运用不同的教学方法,采取不同的教学措施。从而提高学生学习专业知识和技能的兴趣,帮助学生有效提高技能水平,达到学习目标。 四、立足就业岗位,激发学习兴趣 爱因斯坦说过:"兴趣是最好的老师"。"俄国教育家乌申斯也说:没有丝毫兴趣的强制学习,只会扼杀学生探索真理的欲望"。凡有成绩者无不对自己所从事的事业有着浓厚的兴趣,兴趣推动着他们孜孜不倦的追求而取得成功。针对中职学生而言,绝大部分学生选择就读中职学校其出发点和落脚点就是找一份称心如意的工作。帮助他们实现自己的理想和目标,是激发学生学习兴趣的关键。因此,我在教学过程中,每一堂课、每一次活动或者每一个单元都把它建立成一个学生走向工作岗位的小目标。学生每完成一个小目标就可以达到成功感,持之以恒的努力,一个一个小目标的实现,就是实现大目标的开始。例如,在上图案设计的例子,我编制了设计校标模块。以学校的校标为题,让学生为我们学校设计一个校标。要求学生设计多幅图案,融汇不同的艺术语言。学生非常涌跃收集大量的素材,并进行构思、构图、描绘,充分去表现自己的创作形式和创作技巧。学生在创造中,得到喜悦,收获成就,升发学习激情,提高了学习兴趣。 美术教育毕业论文:在美术教育中,如何让幼儿运用色彩 美术教育活动是适应素质教育的要求,面向全体学生,以学生发展为本,培养学生的人文精神和审美能力,为促进学生健全人格的形成,促进他们全面发展奠定良好的基础而设置的活动。它不仅能培养幼儿对周围现实和美术作品中美的感受力、欣赏力、表现力,还能发展幼儿的观察力、想象力、创造力。而色彩恰恰又是美术教育的优秀,是表现空间距离以及表达思想感情的重要手段,没有了色彩,美术就毫无色彩,毫无意义,由此可见,色彩对美术教育起着十分重要的作用。那么,幼儿应怎样运用色彩呢?以下将谈谈我的几点小看法: 一、让幼儿感知色彩 1.在观察中认知色彩 幼儿能否较好地对事物进行绘画、涂色、表现等都取决于幼儿是否拥有相关经验。所以我们教师要经常指导幼儿观察大自然、大社会中的景象和颜色。如:有次绘画课,画的是《太阳》,结果全班的幼儿都画成红色的,我问他们:“太阳就一种颜色吗?还有其他的颜色吗?”说完,我就带着孩子们观察了上午的的太阳;到中午和下午的时候,我也带孩子们出来观察太阳的不同时期的不同颜色。在第二次的绘画中,孩子们画的太阳有红色、金黄色,还有玫瑰色和紫色。所以经常引导幼儿观察,会使幼儿关注周围的事物和现象,既培养观察兴趣,又丰富绘画、手工等素材。在观察的同时,要学会引导有目的地、有规律、有顺序的观察,要从亮颜色到暗颜色,从深颜色到浅颜色的观察色彩,还要注意观察整体和局部。 2.在生活中感受色彩 生活中,到处都有色彩,到处都是色彩,所以,教师要适时的引导幼儿感受生活中的色彩。如:春天来了,我带孩子们到田野里、树林中感受各种菜、树的颜色和味道,一个孩子就说:“我以为所有的菜都是绿色的,原来菜有红色、黄色、紫色的”,另一个孩子也说:“我也以为所有的树叶都是绿色的,原来新长出来的是草绿,快要死掉的树叶是褐色的。”结果回来后,孩子们画了各种各样不同颜色的菜和树,让我觉得非常欣慰。这让我更坚定了一个观点:要想孩子们懂得更多的色彩,一定要多带孩子们感受生活中的色彩。 3.在欣赏中想象色彩 美术欣赏,极其重要,教师可提供优秀的图片、录像,也可带幼儿参观博物馆等欣赏其中的美丽色彩,因为不同的色彩给人不同的意象,当然想象也就不同。在幼儿欣赏的同时,要让幼儿想象,“你好像在干什么?是什么样的天空?你穿着什么颜色的衣服”等引导语。但是,欣赏的作品最好选择一些色彩鲜艳明快,与幼儿生活较为接近,易懂的名画、图片、作品进行欣赏,并引导幼儿讨论:这幅画的主色是什么?是用什么颜色衬托的?看到画中颜色你心里有什么感觉等,以此来丰富幼儿的色彩语言,提高他们运用色彩的想象力。 二、让幼儿体验色彩 当幼儿感知、认知完色彩时,一定要给他们体验色彩的空间,让幼儿在最直接的色彩冲击中再次感知色彩。 1.要创造一个充满色彩美的环境 给幼儿创造一个充满色彩美的环境,让幼儿强烈地感受到色彩的冲击,积极参与以色彩为主的美术活动。我们可以根据色彩来开展相关的主题,如:《彩色世界》、《奇妙的颜色》《七彩的世界》等,就如我们本学期开展的主题――《彩色世界》,首先我们就给幼儿创设了一个充满童话、非常温馨、和谐、彩色世界的大环境,而后又分为“颜色小精灵”“颜色在哪里” “谁的颜色最漂亮”等小环境,让幼儿在这样的环境里绘画、手工等,让他们成为色彩世界的探求者,能主动发现哪里有颜色,并尝试如何“创造颜色”等展开幼儿视觉与感觉的色彩之旅。 2.要创设让孩子玩颜色的空间 很多老师都会去创设很漂亮、温馨的环境,但是,真正会让孩子们自己去动手玩颜色的老师是很少的,可以说,没有让孩子们自己去玩一玩颜色,那么,之前他们所认识的颜色不会记得很久或会忘记。当然,我们可以提供不同的材料让幼儿认色、配色、调色、涂色。如:“认色”活动中,我们通过拟人的词汇来认识颜色:三原色(本领最大);三间色(好朋友);类似色(好邻居);对比色(敌人)。在“调色”活动中,我们鼓励幼儿用橙色加黄色得出橙黄色,橙色加红色得出橙红色,孩子掌握得很好。所以,我们应该创设一个孩子可以玩颜色的空间,让他们自己去探索、去发现、去总结颜色的规律。 三、让幼儿表现色彩 引导幼儿用色彩来表现自己的生活,表达对人、社会、自然的看法和愿望,画出自己对生活中色彩的独特感觉,这是对他们进行色彩训练的一个目的,也是开发他们艺术潜能的需要。 1.我们要尊重幼儿对色彩的选择 幼儿的年龄比较小,他们的知识、经验都比较缺乏,所以运用色彩的能力就比较差。活动中,他们所选择的颜色和色彩不一定会使我们满意,但是我们要尊重幼儿对色彩的选择,不能去打击他,从而剥削他们的想象力和创造力,我们还应该鼓励幼儿尽可能多的使用色彩,引导他们发现新的色彩并运用到自己的作品中,不断提高他们造色、配色和运用色彩的能力。 2.我们要尊重幼儿的作品 我们常常会遇到这样的问题:当作品一展示出来时,能力强的幼儿都在笑能力弱的幼儿,老师会冷眼嘲讽他,导致那些能力不怎么好或跟其他的作品有很大不同的幼儿再也不喜欢美术活动,从而抹杀了他们强大的创造力。其实,这样做是错误的,能力比较弱的孩子他并不是没有想法、创造力,只是他对颜色、色彩的认识比别人晚些或理解不一样,我们要充分尊重每一个幼儿的作品,尊重他们的选择和想法,尊重他们所表现出来的作品,不要使美术教学偏离了开发潜能、提高素质的方向。 最后,我想用美国当代美术教育家维克・罗恩菲尔的话来为本文结尾。“在艺术教育里,艺术只是达到目标的方法,而不是目标,艺术教育的目标是使人在创造的过程中变得更富创造力。而不管这种创造力将施于何处。假如孩子长大了,而由他的美感经验获得了较高的创造力,并将之应用于生活和职业,那么艺术教育的目标即已达成”。 美术教育毕业论文:浅谈幼儿美术教育及家长误区 幼儿美术是幼儿利用美术材料和工具,通过手工和绘画活动表达幼儿对周围事物的认知及情感。幼儿美术教育属于普通艺术范畴,是对幼儿实施全面发展教育的一个有机组成部分。幼儿美术教育在幼儿心理发展过程中具有不可替代的作用,是幼儿交流和释放情感的载体。 在幼儿2~3岁牙牙学语时,就有通过涂鸦来表达自己感情的需要。心理学家皮亚杰著名的“三山实验”结果表明,6岁以下的幼儿是以自我为中心的,不能从他人的立场出发考虑对方的观点,而以自己的感受和想法取代他人的感受和想法。幼儿思维发展的最初推理是转导推理,即从一些特殊的事例到另一些特殊的事例的推理。这是从表象性象征向逻辑概念过渡的推理形式。如,妈妈告诉孩子喝凉水肚子痛,于是孩子往鱼缸里倒开水,并且说:“小鱼喝凉水会肚子痛。”这些让成人觉得可笑的稚气行为正是幼儿认知和思维发展的客观规律,也是孩子认知和思维的独特性。孩子会把自己的想法和感情投射到他身边的物体上,使得这些物体具有了和孩子一样的“想法和感情”而变得鲜活,富有生命的气息。在孩子心中,小溪流水的声音是小溪在唱歌,小石头被踩后会疼……在孩子的画中,太阳带着笑脸,星星会睁着眼睛……这是幼儿对事物的表达方式。 绘画是孩子最初表达自己对周围世界认识的一种方法,尽管有时在成人看来根本不知所云的东西,幼儿却指着自己画出的各种长长短短的线条、大小形状各异的圈圈之类的东西念念有词,说着不相关的东西。幼儿通过这种符号形式,自由地表达着自己的想法和感受,任由想象的翅膀翱翔,抒发自己内心的真情实感,感受用美术这种方式与别人交流的喜悦,获得精神上的极大满足。 幼儿的好奇心和丰富的想象力会打破成人在美术创作方面的规矩而呈现出超自然的画面内容,那是幼儿已经在头脑中对原有事物通过想象、重组进行加工后呈现出来的自创事物,这样神奇的创造力是成人无法企及的。教师和家长要鼓励儿童想象力和创造力的发挥,赏识幼儿稚拙的、独特的作品。在赏识中,幼儿独特的创造力得到认可,幼儿会因自我肯定而感到心灵愉悦,这种愉悦感极大地增强幼儿的自信心,幼儿对美术创作的兴趣大增,调动视觉、听觉、触觉等知觉感官对周围事物的敏感观察、感知,获得更多的信息,经大脑处理加工,手下流淌出的美术作品也随之增加。幼儿的这种手、眼、耳、脑的协调活动过程也是幼儿的认知、情绪情感、思维、意识的协调统一发展,促进幼儿生理和心理的全面健康发展。 随着经济和科技的迅猛发展,社会竞争越来越激烈,众多的家长担心孩子输在起跑线上,在幼儿园里美术、舞蹈等各种特长班纷纷涌现。谈起幼儿美术教育,很多家长关注的是如何提高孩子的画画水平,以画得像不像为标准为孩子的画打分,并以此判断孩子有无画画特长。家长对幼儿美术教育存在这些误解,有的家长认为孩子画什么像什么才是一幅好作品、强调孩子的画面整洁、涂色不要越线等。家长忽略了幼儿生理和心理的客观发展规律,幼儿画画是情感的表达,是早期的生命体验。涂色越线是因为幼儿稚嫩的小手肌肉还不能作出精准的动作,手、眼、脑还不能很好地协调。其实,孩子画得像不像并不重要,重要的是作画过程中的情感表达,家长应该试着走进孩子的情感世界,去尊重和理解孩子,多一些宽容,不要拿成人的标准框定孩子。家长应该鼓励幼儿用他们自己特有的形式大胆地表达自己的情感和想法,尊重孩子的创作,接纳和赞赏他们独特的审美感受与表现方式,分享他们成长的快乐。绘画教学中也存在教师做示范画,幼儿临摹的教学形式,注重画面效果,追求绘画技能的提高,压抑了幼儿的想象力和创造力。幼儿美术教育的目的不是培养画家,只是作为一种教育的载体,教学中应该注重对幼儿绘画兴趣的激发,引导幼儿感受美和表达美,丰富幼儿的情感世界,促进幼儿身心健康的全面发展。 美术教育毕业论文:高校公共美术教育课程中学生兴趣的培养 摘 要:当前高校的公共美术教育中存在着不少问题,归结起来主要是由于学生缺乏学习热情。如何在高校美术教学中,有效的激发学生的学习兴趣,从而形成基本的美术素养,陶冶学生的审美情操,发展学生的美术实践能力,培养兴趣无疑在美术课堂中起着无可替代的作用。 关键词:高校;美术教育;兴趣 球化一同而来的教育以及意识形态全球化的日益加剧,如何在公共基础教育中借鉴外国发达国家的课堂教学经验,制定出符合我国国情的本土化教学策略,是中国教育的必由之路。 艺术教育的终极目标是通过艺术的手段刺激受众创造性的直觉思维,从而培养受教育者的创新能力。作为艺术教育中很重要的组成部分,美术教育的目的是创新,而不是一味简单的模仿和复古。在高校的美术课堂教学中,学生是教学的主体,教师适时的引导学生,充分调动学生的积极性、能动性,激活他们的创造思维,这对于培养学生创造力和创造思维能力的作用不容否认。一旦这种创造意识在受教育者的行动中形成了固定的心理定式,就很容易渗透到受教育者生活的各个方面,这也就达到了我们实施新型美术教育的最终目的。 如何引起学生对于美术课程的兴趣和好奇心,是美术教育成功的基础。兴趣是人的心理对客观世界未知领域的指向性关注。对客观世界全然不知是茫然,全然所知是圣人。在美术教学过程中能引起兴趣的诱因有很多,比如艳丽的色彩、独特的构图、多变的风格、迷人的肌理,以及作品背后动人的故事等等,但归根结底,这些诱因都是来自一个地方――作品。因而在公共美术教学中充分发挥美术作品的经典魅力,是引起学生兴趣的关键所在。教师和学生是课堂教学活动的组织者和接受者,这两者对于兴趣的产生都起着关键的作用。以下从师生二元论的角度来分析教师和学生对于实施高校美术兴趣课堂教学的策略。 对于学生来讲:通过观察和欣赏激起学生兴趣,唤起学生对美术课学习的兴趣和爱好,唤起创造美的欲望。要在课堂教学中吸引学生,首先要使所选择的美术作品能形象地吸引学生,并在情感上打动学生,引起学生的兴趣。 《米洛斯的阿芙洛狄忒》许多学生熟悉这尊世界闻名的塑像,有时大家更愿意称她为《断臂维纳斯》。这件从古代残迹中留下的艺术精品虽不完整,但在艺术上却又被看成是完美的典范,维纳斯究竟美在什么地方?这些知识学生似懂非懂。因此,面对这既熟悉又陌生的女神,学生从审美上会产生一种迫切想了解的心理。关于女神的介绍,内容是十分丰富的,但最重要的是教师应从审美角度向学生分析讲述维纳斯女神之美的具体表现。维纳斯脸部呈现的是宁静美,亭亭玉立的身材呈现的是普拉克西特列斯的曲线美,失去双臂而产生的又是一种残缺美。如果维纳斯呈现在我们面前的是完好无损的形象,她仍然拿着一只表示荣誉的苹果(据说发现时有一只拿苹果的手,后来不知去向),那么她就不会像现在这样支配着人的精神。在人们眼里,她不再是美的普遍典型,而仅仅是一个简单的女神。女神失去双臂,失去了金苹果,等于失去了女神的身份,使她变成了一个抽象身份的女人。她的神话性被减弱了,距离感没有了,而审美性和象征性却被加强了。在她身上人们看到的不再是女神的威仪,而是一种女性的魅力,一种更为内在的东西――人性的美。 《最后的晚餐》这是文艺复兴时期大师达・芬奇的名作,学生大多知道犹大出卖耶酥的故事,画面中13个神态各异的形象吸引了学生,谁是叛徒犹大?这是学生最关切的。教师可以引导学生观察作品,耶酥处于画面中央光线最亮的位置,犹大则放在人群中,背景灰暗。在这里画家用了三角形的构图,把门徒分成4组,4个三角形平分在耶酥左右,并用12人的不同手势与姿态将各组联系起来,最终集中于中央,形成一个对称的有变化的统一体。把抨击伪美颂扬善美的主题,通过构图的形式美表现了出来。除此以外,有学者指出在西方文化中十分忌讳的数字“13”,同达・芬奇《最后的晚餐》也有或多或少的联系,因为这幅画中恰好有13个人物,而其中一个便是出卖耶稣的叛徒犹大,永远遭人唾弃。正因为如此,“13”在西方国家一直被看做是一个不吉利的数字。如果教师再辅以介绍画家创作过程有趣的情节,会更吸引学生,激起他们欣赏的极大兴趣。 有的美术作品画面没有特有的情节性,比如静物、风景,或是山水、花鸟,加之学生不太熟悉作品和作者,因而学生并不十分感兴趣。教师如果仅从构图、色彩、线条等形式美因素去分析,显然他们是不太愿听的。教师应从美术作品特有的“情节”入手,即从介绍有关作品的逸闻趣事入手,激发学生的兴趣。学生一旦被带入特定情节,情节过程会引起他们的关注,从而被情节中冲突所吸引,并占有整个心灵。例如后印象主义画派梵高的作品《向日葵》,画面中没有吸引人的情节,几棵金黄色的向日葵,不能一下激起学生兴趣,但若从艺术价值去分析作品内容:1987年在英国伦敦苏富比拍卖行,日本安田火空海上保险公司用4000万美元抢购了梵高的《向日葵》!竞拍时间仅4分30秒。而另一幅作品《加歇医生》在纪念梵高逝世100周年的热潮中,美国纽约克里斯蒂拍卖行,以8250万美元的价格被日本纸业大王斋藤英高所抢购。同样可以引起对作品的关注和兴趣,此时教师再介绍作家作品,学生会更乐意接受。向日葵是梵高的崇拜物,他曾作过多幅。梵高之所以不倦地画向日葵,那是因为在他眼里向日葵不是寻常花卉,而是太阳之光,是光和热的象征,是他内心翻腾感情的烈火写照,是他苦难生命的缩影。对于梵高来说,向日葵是表现他思想感情的最佳题材。夏季短暂,向日葵的花期更是不长,梵高亦如向日葵般结束了自己短暂的一生,称他为向日葵画家应该是恰如其分了。 对于教师来讲,如何在教学实践中引起学生学习的兴趣,要做到以下几个方面: 一、要优化教学内容,即对教材的优化。教师要善于灵活地运用教材,创造性地使用教材,把教材中一些多余的或深浅度不适合的内容进行删减或补充,把自己的经验和见解结合进来,进而转变成一套带有自己教学风格的“个人化教材”,提高学生学习的兴趣和热情。 二、优化教学结构。以往的教学模式都是教师先讲,学生后画,比较枯燥。若采取边讲解、边示范、边练习、边辅导的分段教学法,这样有利于教师及时发现问题并解决纠正,增强了师生互动,提高学生的兴趣。 三、优化教学方法。美术教学要尽量避免枯燥,这就要求教师必须潜下心来认真研究教材。根据不同专业、不同年级学生的特点,用新颖、实用和科学的教学手段来授课。比如利用学生争强好胜的性格,可引进竞争机制;利用学生喜欢形象思维的特点,可以采用多示范、多对比直观教学法;利用学生兴趣易转移的特点,可以采用少练、精练、勤练的方法巩固学生的兴趣。 四、优化教具。教学手段的丰富利用,必然会导致教具的多样化。美术教具除了笔墨纸、石膏教具等必备之外,幻灯、录像等多媒体影音视听手段的运用,以形式新颖,清楚直观的效果,能够很好地吸引学生,有着其他教具不可替代的作用。恰当运用音乐艺术,选择一些适合学生的轻松愉快的音乐,让学生得以感染,在音乐声中想象,在无形中受以启发,使之在绘画过程中视觉、听觉和谐活动,更好更高的提高作画水平。画起来更有劲,有利于技能表现和创造性发挥。 总之,激发学生的好奇心,培养受教育者的创新性思维是美术教育成功的基础。这就要求教师在课堂上以多种有趣的事物吸引受教育者去观察,使他们不断的对多种事物感兴趣,克服对一两种事物感兴趣的习惯,打破原有的思维模式,使他们产生强烈的、广泛的好奇心。多看才能多想,多看多想才能促使创造性思维的大发展,而且是任何伟大的艺术创造所必须的。 美术教育毕业论文:新形势下的社区美术教育改进策略 摘 要:社区美术教育作为一种投入较少、切实可行的社区文化建设形式,有必要在当今社区文化建设不断受到群众关注及政府重视的背景下大力推广,从而为我国的社区文化建设的完善奠定基础,文章从分析社区美术教育的基础入手,多方面总结社区美术教育的改进策略。 关键词:社区文化;美术教育;改进 一、社区美术教育概述 美术教育的自身性质决定了社区美术成为社区文化建设的重要手段。美术是通过一定的工具和物质材料,运用一定的造型手段,创造出视觉形象来掌握世界、反映社会、抒发感情的艺术。美术不仅是一种审美媒介,更是历史与文化的一种载体,因此它具有文化传递和教育认识的功能。美术也是一种视觉语言,有其特殊的感知、思维和表达的方式,在当下这个视觉文化时代,不失为一种重要和有效的学习和接受方式。因此,美术的特性使它能够很好地承担起社区文化建设的任务。 二、对如何改进社区美术教育的初步思考 现在美术教育界提倡“大美术教育”的艺术理念,所谓的大美术教育是指将现有的专业学院美术教育与普通学校美术教育、师范美术教育以及公共美术教育整体确立一个全民族的整体美术教育体系。终身教育理念和大美术教育理念的提出,社区美术教育显得尤为重要,社区美术教育是正规学校教育的补充和延伸,美术教育的主体将由少数专业型转向社会广泛参与型;受教育的对象将由学生转向社会全体成员;接受教育的时间将由阶段教育型转向终身学习型。社区美术教育的内容从社区居民的需要出发,体现当地居民的需要。 (一)加强居民对社区美术认识,提高社区居民参与意识 社区美术教育的目标不仅是要在提高社区成员的审美品位,还要使全体社区成员参与和互动,增进对社区的认同感和归属感,共同建设新社区。目前社区在组织开展社区美术活动时,依靠的对象、参与的对象和服务的对象多是老年群体,少儿,他们多属于社会的弱势群体。而社区中的强势群中却参与不多,在现有的社区美术活动中,老人和孩子是主要的参与者,我们要采取有效措施尽可能地把老人、小孩以外的社区中青年居民吸纳到社区文化活动中来。为了提高社区成员的参与度,要针对社区成员的美术活动的需求,开展多种形式的美术交流活动,摄影,绘画等等各种形式,要通过问卷调查、访谈等形式对社区成员的闲暇时间、兴趣爱好作广泛了解分析。 (二)打造社区美术品牌文化,丰富社区的文化层次 打造社区美术的品牌文化,传承和丰富城市社区的文化层次。为了打造社区美术品牌文化,应当努力做到:(1)发挥社区美术品牌文化的宣传优势;(2)发展社区民间文化习俗。挖掘、保护和发展社区民间文化习俗,保存和加强居民精神生活的丰富性和多样性。(3)发挥社区美术教育的教育优势。社区美术教育就是给社区内不同年龄、不同层次和不同职业的居民群体提供尽可能优质的美术教育资源和多样化的美术教育服务,满足他们的学习需求。社区美术教育是正规学校教育的补充和延伸,美术教育的主体将由少数专业型转向社会广泛参与型:受教育的对象将由学生转向社会全体成员;接受教育的时间将由阶段教育型转向终身学习型。这些转变将极大地改善社区居民的人际关系,建立新的学习秩序,提高整体素质,实现人的相互协调和发展。 (三)改善管理机制,引进美术人才 要重视美术人才队伍建设和管理,应重视抓好专业和业余两支社区美术工作者队伍,做到力量互补。在专业队伍建设方面,对社区美术工作者队伍应实行稳定队伍,提高素质的方针。首先,应及时解决原来社区工作人员的编制问题,同时创造条件对基本符合标准的人员评定职称,其次,要不断提高社区管理人员的素质,可采取“输血”的办法,向社会招聘有志于社区美术文化建设,年纪较轻的人员加入,同时,可安排大专院校美术专业毕业生到社区工作,社区还应当创造各种机会对现有社区美术工作者进行业务方面的培训,以使他们更好地承担社区美术建设工作。在业余队伍建设方面,要以社区美术工作积极分子为优秀,建立一支社区美术志愿者队伍,加强管理,制定激励等机制,充分发挥他们的才能,使社区美术教育建设更具有生气和活力。 三、结语 社区美术教育在我国还是一个新生事物,其理论及实践还处于不断的发展之中,加上作者认识的局限性,对社区美术教育研究的深度有待提高,对于它的研究还有更多的角度和方法,以上所谈的几点只是对如何改进社区美术教育的几点建议,有一些讲的不够到位,还需要以后再继续思考,研究。国内有部分社区美术教育己经发展到一定的程度,广大居民对社区美术教育这一事物的认识已经从陌生到熟悉。但是社区美术教育不是一朝一夕完成的,所以社区美术教育的发展任重而道远,需要我们大家,特别是艺术工作者共同地发挥能量,改善现有的社区美术教育现状。 美术教育毕业论文:开展动漫美术教育,促进学生心灵的健康成长 “美术以视觉形象承载和表达人的思想观念、情感态度和审美趣味,丰富人类的精神和物质世界”,美术课程具有人文性质。2011年,国家教育部颁布的新《义务教育美术课程标准》指出:美术教育要使“学生在美术学习中自由抒发情感,表达个性和创意,增强自信心,养成健康人格”,将促进学生心灵世界的健康发展作为美术课程的基本特性和美术教育所要达到的终极目标之一。反观过去传统的美术教育,我们一直比较偏重对技能技巧的培养,虽然技能技巧的形成同样也可以成为培养学生良好个性的过程,但在实际的美术教学中,我们却往往过于重视技能的训练,而忽略了对学生心灵世界的关照,这样的教学造成很多学生埋头于“手艺”的磨练,对生活失去了真切的感受,美术作品也往往缺乏真情实感,局限于固有思维模式的阴影中,缺乏自己的体验和“童趣”。 鲁迅先生曾经指出,“美育可以辅翼道德。美术之目的虽与道德不尽符,然其力足以渊邃人之性情,崇高人之好尚,亦可辅道德以为治。”由此可见,美术教育对净化人的心灵,陶冶人的情操,培养人高尚的品德和审美能力,进而树立正确的人生观和价值取向具有不可替代的作用。我们的美术课程要“注重美术课程与学生生活经验紧密关联,使学生在积极的情感体验中发展观察能力、想象能力和创造能力,提高审美品位和审美能力,增强对自然和人类社会的热爱及责任感,形成创造美好生活的愿望和能力”;我们要在实现学生美术技能发展的同时,重视如何进一步启迪学生心灵成长,让学生学会用自己的心去感受、欣赏和表现美,涵养人文精神。这对于我们每一位美术教育工作者来说,无疑都是一个值得深思和探索的重要课题。 动漫艺术是一种新兴的综合美术形式,深受广大青少年的喜爱,正广泛影响着“读图时代”成长起来的我们的。现在的学生几乎都是动漫艺术爱好者,对动漫有着浓厚的兴趣和很大的热情,这对于学生而言,就具有了开展教学与自主学习的优势。1996年,美国克里夫兰州立大学的贝克威兹就在其硕士论文《在美术课堂中把漫画书作为形成动机的工具》中设计的一个研究得出结论:“漫画、卡通可以作为美术教育的手段,而且很有效。”动漫艺术形式多样、幽默、造型简单,技法容易掌握。在美术教学中引入动漫,符合时展和学生自身的需要,学生学习的热情高,思维活跃,创意丰富,借助各种材料、工具和美术技巧,就可以创造出很多别具特色的形象,用来表达自己的想法和感受。学生积极地参与到教学活动中,主动学习,形成了良好学习习惯,也为其“终身学习”打下了基础。 著名漫画家缪印堂先生说“漫画让你明辨是非,成为正直正派的的人;漫画让你思维敏捷,成为聪明机智的人;漫画让你风趣幽默,成为开朗乐观的人。”健康良好的心理是一个人成长的关键因素。以动漫作为美术教育的载体开展教学活动,通过精心选择的教学内容和设计的课堂教学,就能“使课程内容内容与不同年龄阶段的学生的情意和认知特征相适应,以灵活多样的教学方法激发学生的学习兴趣,并使这种兴趣转化为持久的情感态度”, 使动漫教学真正成为促进学生心灵发展的课程,。 ⒈动漫教育使学生成为明辨是非的人 动漫艺术生动有趣,可以给欣赏者带来很大的快乐,同时,优秀的动漫作品也往往蕴含着深刻的哲思。正如鲁迅先生所说:“里面有严肃的人生批评,而外表却装扮这笑。”动漫艺术所具有的思想内涵,为教育功能的实现提供了可能。将动漫巧妙地纳入美术教育实施过程中,发挥动漫艺术独特的艺术感染力和思想感召力,往往能很好地唤醒学生真善美的意识,使他们成为一个明辨是非的人。 我国目前的动漫事业虽然已经取得了一定的发展,但市场上日本、欧美动漫仍然占有很大的比例,这些流行于广大学生群体的动漫作品中虽不乏优秀之作,但也难免良莠不齐、泥沙俱下,一些宣扬迷信、暴力、色情等不健康思想的作品也屡见不鲜。 中小学生正从思想品德的形成期向确定期发展,思想活泼,好奇心和模仿性强,但认识肤浅,生活经验不足,鉴别力低,面对日美动漫的冲击,他们往往凭着一时的兴趣和冲动,盲目地跟着潮流走,不分美丑、善恶,对不健康的动漫不加鉴别,更谈不上抵制,相反往往会越迷越深,外国动漫的“文化侵蚀”,直接的后果除了经济利益的损失,更为深远的影响却是民族文化的丢失、民族精神的弱化。现在我们有的儿童对人对事都缺乏热情、真情实感,对有些非常感人的事也无动于衷,这不得不引起我们的警醒。 从学生的特点看,制止不良动漫的泛滥,既不能靠简单空洞的说教,也不能用简单粗暴的手段加以制止。我们既应该正确认识我国动漫发展的现实,又不能因噎废食,将动漫拒于美术课堂之外,而应善加引导,通过将动漫引入我们的美术教学,在培养学生美术技巧的同时,使其学会欣赏和识别什么才是优秀的动漫艺术,能正视各种文化潮流,珍视我们的民族文化艺术,让学生拥有更多的认识美、创造美、表现美的机会。我在动漫教学实施中,经常拿一些有代表性的经典动漫作品让学生欣赏,发挥动漫独特的激趣功能,让学生充分发表意见。通过开放式的教学活动,学生的思维相互交锋,相互影响,在不知不觉中明辨了什么是真、善、美,什么是假、恶、丑,在轻松幽默间明辨了是非荣辱,擦亮了自己的眼睛,在不知不觉中养成了仔细观察、认真思考的习惯,创造性思维也得到锻炼,逐步形成了正确的世界观、人生观、价值观。如学生的环保漫画创作,虽然只是纸上谈兵,但通过作品传达了小作者心中的绿色生态概念,必将对学生长大成人后成为环保实践者产生积极的影响。 ⒉动漫教育使学生成为聪明机智的人 美术教育是培养创新人才的重要途径之一,新课程改革要求我们的美术教学,不能仅停留在简单的勾勾描描式的技法训练上,而要通过创造性活动的开展,培养学生的创新能力,树立和发展创造志向。创新离不开创造性思维的运用,动漫教学对培养学生的思维品质,发展他们的创新思维能力有很好的成效,能极大地挖掘学生的创造思维潜能,使学生成为聪明机智的人。 动漫艺术包含着创造、审美、科学技术、行为习惯等丰富内涵,寓意深刻和富于哲理的动漫作品能启迪思想,拓宽视野。以动漫为教学载体,学生在美术教学活动中关注和把握的因素众多,文化、环保、教育、时事等内容,通过流畅、变通、独特的创造性思维流程,在动漫欣赏和创作中逐步为学生了解、认识,多种知识得以学习运用,实现了知识、技巧、审美的协调发展,提高了学生运用知识分析问题能力并解决问题的能力。 美术教育毕业论文:小学美术教育中的独创性培养 (曲靖市第二小学 云南 曲靖 655000) 摘要:当下我国正如火如荼的实施素质教育模式,对学生德智体美等全要发展有着重要的意义,其中小学美术的教育就是其中非常重要的一节,并且被越来越重视。美术其实是艺术的一种表现,它能提高人们的视野和想象力。对小学生美术思想的培养,能够增强学生的创造性思维能力,是提高学生综合素质的一个非常重要的部分。但是固有的美术教学模式已经不适应素质教育下的需要,必须进行改革,重点强调的应该是对学生独创性的培养。 关键词:美术教育;独创性;小学培养 【中图分类号】G623.7 小学是未来学生培养的基础,也是非常重要的一个阶段,小学教育做的好不好直接决定了国家素质教育的成败,同时,小学教育也是改造、构造社会个体的基础性阶段,只有在一个宽松、活跃的环境下才能培养出最优秀的人才。 一、小学美术教育培养学生独创性的意义 美术教育是增强学生思维性、审美力的重要一环,能提高学生对世界外物的认识和解读能力。同时,美术教育不应当是一味固定的模式,应当追求创新,培养学生的独创性,这是具有重要意义的工程。 1.能够培养学生观察外物的能力 任何事物只有先通过观察才能理解,只有进过外象的观察才能了解其本质的内容,所以观察是很重要的2。在美术学习中要求学生能够从不同的角度观察外物并从自己所看到的角度在纸面上表达出来,这样的教学能够使学生们集中注意力去观察和描述自己所看到的,能够提高学生们的兴趣,有耐心去观察,从而养成一种细心观察事物的习惯和准确描述事物的能力。 2.可以增强学生对事物的记忆 通过对学生观察的理解可以知道观察就是为了更好的总结其本质和特征,对所有问题的认识就是在不断的观察、理解、再观察中积累的。美术教育就是教给学生去运用色彩整理出其所看到的外物并绘画出来3。通过绘画可以使学生们更深刻的认识到各类不同事物的区别,增强辨别能力,提高其对事物的记忆力。每一个动作,每一个姿态都会给绘画者留下深刻的印象,这种印象一旦形成可能就是永久性的。 3.能够提高学生对外界事物的想象力 想象是人类自觉或者不自觉的活动,是观察者通过表象的观察,在其脑海中进过加工形成的新的事物形象或者对事物更深次的理解,如看到树叶变黄,知道秋天临近。具有一定的想象能力对生活或者工作都有巨大的帮助。在小学生的学习中要从小培养其对外界事物的想象力,最好的方式就是通过绘画教育,让学生们在空白纸上绘画出其能想到的东西,在漫长的教学中不断增强其主观的思考和理解能力。美术教学其实就是要求学生们有自己的空间,自己的一片天空,在这里可以随意描画,想到什么就画出什么,无拘无束的自由 二、在美术教育中提高学生创新性的建议 美术教育具有巨大的优势,做好美术教育是关系到个人成长、未来建设的大事,应当将其作为一项重要的工程来抓,本文以下将对如何实现提高学生创新性思维这一目的提出几点建议: 1.改变学生被动学习的方式 对学生的小学教育目的就是为以后让其更好的接受知识和各种挑战打下基础,小学教育做的好不好直接关系到学生的个人成长,为了让孩子能够在复杂且日新月异的社会中适应学习、生活节奏,就要做到提高学生的主动性,让其学会主动去学习,发挥自身的创造性。在小学教育阶段,要培养学生的创新意识。不能再以直接灌输理论而应特别注重实践。比如带领同学们在春天的田野里去写生,让他们在贴近生活的同时进行学习,可能每个人都有自己不同的观察,有人会描绘出绿油油的麦田,有人则会绘画出悠闲的白云等。由此可知,美术教学只有让学生自己去观察,去思考才能有不同但丰富多彩的效果。这才符合教育的目的。 2.注重学生学习的情景构造 一个良好的环境是开展一切工作的重要外部因素,试想在一个混乱的环境中是很难创作出优秀作品的。对小学生的教育也是如此,在美术教育中也要特别注意对教学环境的改进。如果要是在课堂上富有激情的讲解,学生肯定也会被带入其中,达到身临其境、事半功倍的效果,相反则会事倍功半甚至前功尽弃。要在美术课堂上渲染一种愉悦、轻松的气氛。另一方面,老师对学生的作品要多鼓励,增长其对该课的兴趣,而不能一味的否定,最终造成学生对美术的放弃心理。要让学生轻松学习,去享受美术课程。 3.加强教师队伍自身建设,提高教学水平 老师是学生的指导者,一名优秀的教师可能能带动一大批优秀的学生。在新课改的要求下,教师在教学中的地位逐渐发生变化,不在是课堂的决定者。所以要培养一批适合现代教育的队伍,只有这样才能在学生的培养上起到良好的引导作用。同时还要做好教师的考核机制和讲课表达能力以及对课堂的控制能力,及时能够掌握学生的心理变化,适时且有针对性的做好工作6。怎么样才是优秀的教师那?首先就是老师必须具有自己的独立性,能够独立思考,具有创新思维能力,在学生中间具有感召力和影响力。这样的教师也是符合新课改下教学的优秀教师,是一名合格的能够带动学生们学习的引导者。 美术教育毕业论文:幼儿美术教育中创造力的培养策略与方法 摘要:当今社会要求人才具有创造力和创新力,儿童时期是培养一个人创造力和创新力的最佳阶段,美术教育本身强烈的色彩性、画面的丰富性可以直观地引导孩子创造力的发挥,幼儿美术教育是培养孩子创造力的有力途径,因此,找到有效培养孩子创新能力的美术教育策略至关重要。 关键字:幼儿美术教育;创造力培养;方法和策略 一、 传统幼儿美术教育存在的缺陷 传统的幼儿美术教育过度的重视技巧性的培养,而忽视了美术教育给幼儿带来的美的感受和创造力的激发,幼儿的想象力被扼杀,孩子过早地被条条框框约束起来。总结起来,传统美术教育具有以下缺陷: 首先,传统幼儿美术教育习惯采取灌输的方式进行教学。这种现象在幼儿园之中普遍存在,幼儿园教师已经在长期的幼儿教学中形成一套规范式的教学方法,幼儿美术教育流程化倾向非常严重。幼儿都具有尊重权威的心理和习惯,教师采取这样的美术教学方式会给幼儿造成这样的认知:只有老师教的才是对的,凡是和老师教的不一致的都是错误的,这对儿童的创造力和想象力是一种极大的伤害。习惯灌输方法教学的幼儿一旦离开教师的指导和规范就显得束手无策,不知所措,幼儿长期接受这样的教育,自主能力和创新能力都难以得到发展。 其次,我国的幼儿美术教育过分重视美术技巧的培训。幼儿美术教育定位在对孩子美术技巧的培养上,教师在教学上的侧重点是对基本功的联系。很多老师衡量幼儿美术作品的好坏时采取与范本的相似度作为标准,这使得幼儿绘画作品没有生机,死气沉沉。处在幼年期的孩子心理还不成熟,对大多事物保有好奇心和探索心,教师过早将孩子这种爱玩的个性扼杀在枯燥的美术教学中,对幼儿想象力的发挥是一大阻碍。 最后,很多幼儿教师对孩子的辅导力度不够,导致幼儿在课后处于完全放任状态,大多数美术教师注重课堂自主绘画能力的培养却忽视了对学生的辅导,这使得很多孩子的构思能力和整体布局能力相比于自主绘画能力来说根基薄弱,幼儿发挥想象力和创造力天马行空地进行创作是一件好事,但是幼儿美术教师也要根据孩子的生理和心理特征适时地引导幼儿在绘画的过程中把握主题,传递思想,真正地通过美术的学习陶冶情操、锻炼品格。放任式教学只能培养出一些空有技巧、没有灵魂和思想的画作,这样美术教学的本义就丧失了。 二、 幼儿美术教育中培养创造力的途径和方法 针对我国幼儿美术教育表现出的问题,我们应该总结原因,找到有效进行幼儿美术教育的方法和策略: 首先,教师应该创设良好的教学环境,让孩子对美术学习产生兴趣,让孩子对美术创作产生激情。儿童在十岁之前,绘画是其表达情感、休闲娱乐的一种重要方式,我们不难发现很多孩子愿意拿着彩色画笔在纸上和墙上进行涂鸦,很多父母看到这种情况会急于阻止孩子进行这种行为,以防他们将家里弄得脏乱,但是孩子这种涂鸦行为正是其创造力的直接体现,孩子将其脑中丰富的想象通过彩色笔表现出来,父母不宜阻止孩子这种近乎本能的行为,否则会影响孩子创造力和想象力的发展。父母应该给孩子创造一个绘画的空间,让孩子可以自由地将其脑中的想象通过绘画表现出来,这种看似毫无章法、杂乱不堪的绘画正是孩子想象力和创造力的体现。 其次,在绘画教学中应该引导孩子去感受自然风光,幼儿教师可以组织孩子春游、参观、参加有益的社会活动,让孩子感受到生活的点滴和自然风光的美丽,这可以使孩子脑中形成很多立体、丰富的形象,为孩子想象力和创造力的发挥创造平台,如果孩子不能和自然亲近,仅仅靠想象力进行美术创作显然是不行的。现在大城市的孩子每天生活在钢筋水泥堆砌的城市文明中,完全感受不到自然的美好,幼儿美术教师应该想办法弥补孩子这方面的缺失,在现实生活中经常有城市的孩子去农村之后觉得什么都是新鲜的,地里的大豆、玉米他们觉得神奇,植物上的毛毛虫他们觉得新奇,因为他们以前从来都没有见过,这种情况着实让人啼笑皆非。 另外,美术教师应该对幼儿美术教育的目的进行深度的剖析。了解了幼儿美术教育的宗旨和目标,美术教师才能采取得当的措施开展幼儿美术教学,提高幼儿的创造力和绘画能力,为幼儿综合素质的形成打好基础是幼儿美术教育的目的,让幼儿在健康、和谐的环境中成长和发展是幼儿美术教学的宗旨。所以,教师不能一味注重美术技巧的教学,还应该帮助学生去发现美术学习的乐趣,如果孩子整个美术学习过程都是模仿别人的画作,那么孩子学习积极性肯定逐渐消失,在综合考虑幼儿的身心状况的基础上,教师应该让美术教学充满乐趣和兴趣,让学生的想象力和创造力得以发挥。幼儿美术教育最重要的是让学生感受到快乐,教师不应该给他们设置过多的束缚和压力,天性的解放才是创造力的源头。 最后,幼儿美术教育应该实现技巧培养和启发式教学的有机结合,技巧培养可以保证幼儿绘画水平得到提高,但是枯燥单一的技巧教学方式又会让幼儿产生厌烦、逆反心理,更重要的是对创造力的发展毫无好处,因此,启发式教学在美术教学中就显得尤为重要。启发式教学前提是掌握幼儿的实际状况,在此基础上进行多种教学方法的综合,对幼儿的思维能力和创造能力进行启发。比如,将美术教学寄托在游戏的形式上展开具有事半功倍的效果,能帮助幼儿掌握美术知识和美术技巧,教师可以在黑板上画上一棵小树,然后启发幼儿将自己想到的果实的样子画在树上,他们可以根据自己的想象和生活经验去画,然后教师可以对小朋友所画的鱼进行技巧的辅导和改进,这样在这种热烈和快乐的氛围中,既能够使幼儿掌握了一定的绘画技巧,又启发了学生的想象力和创造力。 美术教育毕业论文:农村小学美术教育的现状与对策分析 摘要:农村小学美术对于完善学生性格,培养学生审美意识都具有非常重要的意义。由于种种原因,目前农村、山区小学美术教育是基础教育中最为薄弱的环节,并突出地表现为师资短缺,师资队伍的素质状况不能适应当前素质教育的需要,不能适应当前美术教育的发展。本文,首先论述了农村小学美术教育的重要性,然后分析了当前农村小学美术教育的现状,然后提出了相应的策略,希望能够提升小学美术教育的质量。 关键词:农村小学;美术教育;现状;对策 1农村小学美术教育的重要性 美术作为人类的一大社会精神行为,其本质从来就是以审美与实用共存共荣的一门艺术。美术教育也就必须适应时代的要求,必须在为现代化的需求和国家精神文明建设服务的同时,为物质文明建设做出应有的贡献。当前农村基础教育阶段中的美术教育,是提高整个国民文化素养的重要组成部分。 上美术课是孩子们深感快乐的事,小学生学习美术,有利于开发智力,提高其审美能力和想象力,促进其综合素质的全面发展。当然,美术教育的育人是潜移默化的,不可能会有立竿见影的功效。因此,抓好小学美术课,发挥美术课在小学美育中的重要作用,就显得尤为重要。 2农村小学美术教育现状分析 2.1教育部门和校领导意识淡薄,尚未认识到美术教育的重要性 一些地方各级教育行政领导和学校领导是美盲,不了解美术知识和技能与社会生活、工作的密切关系;认识不到美术教育是对创造性思维和创造力培养最具成效的学科之一。由于实际认识不足,致使一些农村小学的领导认为美术课是“调剂课”,美术课在实际工作中被随便缩减,随时被其他基础学科挤占,甚至停开。 2.2教学理念陈旧,缺乏学生自主探索过程 农村教师因信息闭塞、教学设施等条件的限制,传统的教学观念仍强于新课程的理念。因此,在教学观念上仍旧是:美术教学就是传统知识与技能,教室是唯一的教学场所,教材是唯一的教学内容;教学还是重视知识与技能的传授、忽视了学生自主学习的必要性。 2.3教学目标片面,无法达到美术教育应有的目的 学生往往只通过一些简单方式参加美术活动,使学生掌握一定的知识与技能和所需的最基础的“美感”,而忽略了发展学生的实践创新能力,培养他们正确的情感、态度和价值观等方面的目标。 2.4师资的缺乏,严重影响小学美术教育的质量 农村小学美术教育落后的根本点在于师资缺乏,绝大多数的农村小学都没有专业的美术老师,美术课都是其他科目老师越俎代庖,似乎人人都可以是美术老师,他们对于这样的专业课更是无从下手,于是大多都是敷衍、应付了事。 3改善农村小学美术教育现状的对策 3.1转变教育理念,让美术教育从封闭走向开放 我们应汲取传统教学的精华,剔除有悖于新课改理念的糟粕。我们意识到富有人文性的美术课堂要义不容辞地为学生打开通向生活的大门,让学生的美术学习从封闭走向开放,把生活嫁接到绘画中,把绘画融入生活中,用生活来解读课本。因此,美术教师应努力走出课堂,让学生开拓视野,体验生活,引导学生共同完成整合资源的学习过程,让学生在开放的情境中去体验美术的趣味,体验美术带给生活的魅力,体验成功学习的喜悦。 3.2消除应试教育的影响,让美术显活力 我们应当吸取其精华用于新课改,在思想上进行改革,要打破传统观念,确立新的“教育观”,使农村小学生全面发展,再是我国社会主义新时期教育模式,才适合经济发展。小学生美术是提高国民素质的重要组成部分,我们要意识到它的重要性,让美术教育为学生创造美好的心灵,让小学生走向开放,把生活融入到美术中来,真正培养出德、智、体、美、劳的全方面的人才。 3.3改变教学模式,让课堂充满活力 目前,农村教学模式由于受到教师自身水平的影响,教学方式较为落后。很大程度上还是以讲授为主,课堂没有活力。加上美术课都是其他科目老师兼任,更谈不上活力的体现。现在,农村小学美术教育课堂上,教师应当引导学生去自由发挥。让美术课堂充满活力,真正做到把课堂交给学生,改变了教师以往的以讲授为主的角色,让小学生自由的感受周围的美,从而培养学生美好的道德品质。 3.4改善条件,加强师资队伍素质建设 首先,应当加大对现有的美术教师进行培训,鼓励教师终身学习,不断提高自己的能力;此外,可以定期举行美术竞赛让美术教师学有所用,不断巩固提高自己的业务水平。其次,应当强化学校设施,增添教具,配备专职美术教师强化校园文化建设,培养特长生。让一部分学生“富”起来,让学校的教育教学向更高水平迈进。同时,可以研究乡土美术,把乡土文化引进课堂,发展独具特色的乡土教学。 3.5因地制宜,做好农村小学美术教育工作 在农村,要让学生配齐所有的美术用品不太可能的,但可以让一部分学生先“富”起来。有些学生的家长对孩子的培养很重视,教育投资意义比较强,抓住家长这个心理,就可以向家长做思想工作,为孩子买好一点美术学习用品以此来带动班里其他同学的进步。当然,教学内容不能面面俱到,就该因地制宜作些调整,发挥农村自身的资源优势。比如,绘画以农村为题材进行写生或创作,不仅形成特色,还从中给学生进行了爱家乡的思想教育。 4结语 农村小学教育应当受到社会各界更多的重视和关爱。农村小学美术教育就更要转变观念,以全面提高全民族素质、培养创新人才的高度来抓好。各级教育部门的领导与学校的领导应自觉地把学校美术教育纳入素质教育的轨道,保证农村小学美术教育的投入,完善美术课程教学,努力改变农村中小学美术教育的落后面貌,促进美术教学质量的不断提高,全面推进素质教育的实施。 美术教育毕业论文:后现代艺术观念对中国高等师范美术教育的影响 【摘 要】 西方后现代艺术观念影响着世界美术教育的改革,无论从培养目标还是从教学观念、教学环境、教学过程方面,它都对我国的高等师范美术教育产生着巨大的影响,在后现代艺术观念促使全球美术教育进行改革的环境下,我国的美术教育更是世界美术教育中非常重要的一部分。后现代艺术观念也影响着我国的美术教育,尤其是高等师范类美术教育,因为高等师范类美术院校是培养美术教育者的教育机构,研究高等师范美术教育所受的影响就显得更加重要。 【关键词】 后现代艺术;后现代艺术观念;中国高等师范美术教育 二十世纪八十年代,随着西方社会政治经济的发展,思想意识的变革,杜尚一件似乎是随手拈出的“现成品”把西方艺术带入一个全新的时代,后现代艺术替代了现代艺术。后现代艺术改变了现代艺术的以创作者为中心的艺术创作理念,提倡艺术贴近生活,走向社会,更多强调艺术的社会功能,从而打破不同艺术之间的界限,达到世界文化的多元融合,形成一定的全球语境。后现代艺术的主要特征是虚拟性,事件性,观念性,拼贴性,流行性等。相应地表现为:突破传统审美标准,打破艺术与生活的界限,从传统艺术的形态学范畴转向方法论,用艺术表达多种思维方式,改变对个性和风格的标榜和追求,从强调主观感情转向强调客观世界,主张艺术大众化,提倡艺术不局限于视觉形式,广泛运用多种媒介,与声、光、电和环境相结合等。 美术教育作为提高人们对美的感受和理解,培养人对艺术的表现力和创造力的重要手段,必然被艺术的发展变化所影响。后现代艺术观念成为影响现代世界美术教育的重要因素。在它的影响下,“学校美术教育更注重美术与文化及社会的联系,设计一种更开放的、既能容纳又能扩展的美术课程成为世界各国美术教育改革的焦点”。在后现代艺术观念促使全球美术教育进行改革的环境下,我国的美术教育更是世界美术教育中非常重要的一部分。后现代艺术观念也影响着我国的美术教育,尤其是高等师范类美术教育,因为高等师范类美术院校是培养美术教育者的教育机构,研究高等师范美术教育所受的影响就显得更加重要。 1 对培养目标的影响 高等师范类美术院校的培养目标主要是从事基础美术教育的美术教师,基础美术教育的改革会是对高师美术教育最大的影响。二十世纪末,后现代艺术的多元化特征,使得人们广泛关注文化的差异性和丰富性。强调建构多元文化背景下的多元教育环境,使美术教育也呈现出多元化的格局。西方后现代艺术观念打破了不同文化之间的壁垒,消解了文化的中心论,文化观念多元并存,学生只有认知和理解多元文化之间的差异,才能解读带有不同文化元素的视觉图像,这成为在多元教育环境下学生学习的基础和前提。这种理念影响着我国的基础美术教育改革。2000年6月,教育部启动了基础教育改革项目,包括普通学校美术课程标准,2001年7月,教育部颁布了《全日制义务教育美术课程标准(实验稿)》,2004年初,美术课程标准研制组对“美术课程资源的开发利用的条例”进行了修订,其中指出美术教育要引导学生进行综合性、探究性的学习,在课改中“不以单纯掌握知识技能为目的,试图改变艺术教育中学生机械模仿与枯燥训练技能的方式,把艺术知识、技能的学习还原到一种完整的艺术情境中,或把一定的知识技能渗透到某个人文主题中,让学生围绕该人文主题展开轻松愉快的学习”,使学生在对人文主题的学习过程中完成美术技巧与知识的掌握和人文主义关爱精神及审美价值感的提升,最终实现人格的培养。后现代主义虽然思想庞杂,“但其实质还是追求一种更完美的现代性,期望人的行为更具合理性”,这种观念影响着美术教育观念。“以人为本”成为现代基础美术教育思想的主导思想,基础美术教育改变了过去的以传授知识和技能为主的教育思想,提倡以培养人的个性,达到培养全面发展的人的教育理念。基础美术教育培养目标的改变影响着高等师范美术教育改革,高等师范美术学校必须培养出适合基础美术教育要求的教师来顺应时代的发展。 2 对教学观念的影响 在传统高等师范美术教育情境下,教学观念主要是传授技法和知识,知识是预先设定好的,教学过程是教与学固定好的程序,而后现代主义课程观最大的特点就是知识结构的不确定性和模糊性。传统的审美标准被打破,过去的权威的文本课程,确凿可信的知识结构也都有被颠覆的可能。另外,现在高等师范类美术教育学科设置和课程设立多效仿专业的美术教育体系,但是高等师范院校美术专业与专业美术相比具有以下几个特殊性:首先,培养目标的根本区别,传统美术院校的培养目标主要是培养从事艺术创作的艺术家,而师范院校美术教育专业主要是培养在教育系统中从事美术教育的教师;其次,培养目标上的区别决定了两者的培养内容和方式的区别,在现在多元文化背景和开放的教学情境下,师范院校美术教育与专业院校美术教育相比,其美术专业不但要求研究的程度上要有深度而且在涉及研究的范围上更要有广度;最后,由于现阶段的教学需求研究的范围比较广泛而且种类多样,传统的专业课程设置很多时候并不能够紧跟时代的变化,这就要求在专业课程设置上具有一定的灵活性,既要满足培养目标,同时又要尽可能的扩大学生的知识范围,强调各专业类型之间的融会贯通,与社会实际紧密结合,促进学生将来的全面发展。 3 对教学环境的影响 传统高等师范美术教育的教学活动大都围绕画室和教室进行,教师的“教”与学生的“学”都在这个封闭的环境中进行,而后现代的教学情境下要求教学紧随时代脉搏和贴近社会生活,要求有以媒体、网络为基础的现代信息的教学环境。多媒体教学体系,课程选择体系,教学评价体系等在后现代教学情境下都可以依靠媒体、网络这一便捷环境顺利进行,大大拓展教学的空间,教师与学生互动交流在时间和空间中形成的立体教学环境里。美术教学模式也发生着改变,由“人―人”(man-to-man)转化为“人―环境”(man-to-enviroment)。美国教育家杜威提出“教育即生活”“教育即生长”,强调教学活动与社会生活的紧密结合,要求教学活动不能依赖画室、教室这一单一环境,而必须与生活,与环境,与社会相联系。美术教学活动在完成技术传授、技能实践等课程的同时,更要注重外部环境所带来的知识积累,在构建学校教学环境的同时,更要积极努力建立美术教育的社会环境,在更广阔的立体教学环境中提高学生的综合能力。 4 对教学过程的影响 传统高等师范美术教育的教学活动大都围绕知识和技能的传授过程,教师永远占据主动角色,学生的情感因素被忽略,被动地成为接受信息的容器。而后现代艺术中最为突出的特点即是去主体性,“艺术展览的参观者也是艺术作品的参与者”,这种思想也影响着后现代主义课程观。杜威的教育思想进一步强调教学过程的重要性,强调教学过程中学生的主体性。教科书“是过去的学问和智慧的主要代表”,而“教师是使学生和教材有效地联系起来的机体”。“传统教学的计划实质上是来自上面的和外部的灌输……尽管优秀的教师想运用艺术的技巧来掩饰这种强制性,以减轻那种显然粗暴的性质,它们还是必须灌输给学生的。”在后现代课程观的影响下,学生的情感,兴趣,价值取向得到重视,教学的过程更注重学生的主观能动性和兴趣体验,让学生真正成为学习的主体,教学过程从注重知识技能的传授转向人的综合素质的培养,转向学生的身心全面发展和个体潜能挖掘,从被动接受教学模式向主动学习探究模式转变,从注重理性知识向注重综合人文素养转变。 总之,后现代艺术观念对世界的美术教育产生影响的同时,对我们国家的美术教育同样产生着重大影响,推动着我国的高等师范美术教育必须顺应时代的发展步伐。然而,我们国家在历史背景上、经济基础上、文化形态上等诸多方面与西方国家都有着根本的区别,后现代艺术观念并非根植于我国文化土壤,而是产生在西方文化背景下的观念,而我国的艺术观念有着五千年的文化基奠和人文传统,这两种文化艺术观念有着根本的差异。我国的高师美术教育在这中西方文化艺术观念碰撞之下,应该在继承我国传统文化精髓的基础上,找到适应我国美术教育发展的理念,合理地吸收其有利的一面,以指导我国高师美术教育改革。因此,必须处理好文化艺术观念之间的矛盾、社会因素及群众基础对后现代艺术观念的制约等问题,既继承传统,又与未来、与时代相联系,既秉承中华民族的优良文化传统,又吸收西方先进的教育教学理念,使两者有机的融合并合理的应用于教学实践,这样,才能建构有中国特色的中国高等师范美术教育体系,从而全面提高高师美术教育质量,促进我国素质教育的全面发展。 美术教育毕业论文:美术教育中包含的人文精神 [摘 要] 在美术的课堂教育方面应高度重视美术传承出来的社会功效,而不仅仅是微观的审美功效,这就需要在美术教育过程中融合进一个社会的人文精神,使一个社会的美也具有民族特色。 [关键词] 美术教育;审美;人文精神 一、培养学生的人文美育思想 使学生能够认识和追求真、善、美,并且把生活中最真、真善、最美的一面表达出来,是美术教育的目的。 在美术课堂教育中努力提高受教育者的审美素质,打造他的审美观念,是教学取得成功的重要前提。每一件艺术作品都能体现出个人独一无二的视角、奇妙的想象和构思、高超淋漓的表达技巧,是审美感受能力和艺术表达能力的最好体现。在授课过程中,教师应该首先稳固学生的审美观念和提升审美能力,使他们逐渐形成一套系统化的包括本国人文精神在内的审美能力,并具备对中西美学的创造能力和批判能力。人文美育如果成功了,则会为未来社会培养创造性、高素质人才。 二、当代艺术品人文价值的缺失 随着当前经济社会的发展,市场上包括艺术绘画在内的艺术品无不是为了市场的需求而应运产生,既使是古代大家的绘画作品,当它被摆在市面上时就是为了满足一部分人收藏古玩字画为显高雅或是期待升值的心理,同时一大批赝品立刻随之出现,以假乱真,扰乱了真正艺术品所体现出的价值。古代字画固然有古典美,可是它却被赝品所淹没,也就是高科技淹没了古代的至真和至美。这使艺术世界中的真正的古典艺术所传承出的古典文化遭到了排挤。很多人却甘愿接受仿制品,无形中抛弃了真正的人文精神。同时人们的审美也出现了问题,因为审美包括真、善、美,真与善都被抛却了,美便没有了依靠和标准,最直接的结果就是对艺术作品的审美标准产生了动摇,艺术品便缺少了人文价值的传承。其实,艺术产品和受众之间的种种标准的倒错,涉及到了很多复杂的社会因素和整体艺术框架的发展,它们之间相互影响和转化。它们之间影响和转化的领域包括社会的、伦理的、经济的、传统的和当代的等等,更有哲学上的论证。人文价值缺失主要还是取决于人们在市场上的需求,自有附庸风雅的人在不遗余力地卖弄着赝品,甚至新、奇、特的艺术品,这使商品化的艺术品大量泛滥,代表人文精神的艺术品自然没有地位。吹糖人的手法在当代快要失传,可是它带给人们几分钟的艺术造型的兴奋远不及一只水晶艺术品的地位高。西方社会所传递过来的货币观念、实用主义观念等都对民族文化造成了冲击。这些都使人类包括人文精神在内的生存价值观正在面临着严重的危机。 三、美术教学与人文精神的渗透 美术课程实施的过程要依靠学生的生活经验为教育沿线来带领学生进行学习。自古就有生活是艺术的源泉之说。教学过程中多种情景模拟和创想引起学生养成观察身边的生活、自然生态、景观等,由点线面,色彩、空间、维度、质感这些绘画元素来解读世界,用绘画元素来表达自己的想法和感受。把自己的生活经验和美感进行串坠相连,将对世界的认识、感受与艺术形式的灵感触发联结在一起。让学生学会通过自己喜欢的描绘方式传达出自己的思想。 美术课程安排要结合学生各个年级心理、生理发展的连续性和阶段性,同时不可缺少对学生心理的可接受性进行考究,方能设计出适合学生成长贴近生活的教学内容,与学生经验相联系。教学手段要多样化和丰富性同时具备让学生亲自参与、体验教学过程,描绘美好,疏导受教育者顺势表达自己的情感。多设计活动性主导的课堂,使大家共同参与目标学习增进他人共处的技巧和社会相处能力。课堂中学生通过交流、体验,从被动学习转变为主动积极学习,由生活激发兴趣,带着岁月静好和阳光明媚的心情去创作。引导学生用手中的画笔抒怀自己的情感,使学生的不良情绪得以释放,创建平和心态和健康的心理,从而获得创造、表现的能力,达到现代教育目的健全人格,陶冶高尚情操。美学规律在教学中需充分尊重才能获得学生对美学的认同感和喜爱,教学上人文气息无形渗透能够很好的拓宽学生视野,懂得解读丰富的人类发展历史和文化遗产,理解艺术创造与社会、文化、生产、以的关系。多加给学生感悟艺术的契机以打开思想维度和眼界,配以立体解读方式增加学生心理感受直观感。 创建良好的艺术来熏陶整个社会、净化人们的心灵可以从学生做起。要使学生懂得欣赏质朴无暇、去掉伪装的美,这样,学生自身乃至于整个社会才会平心静气审视真实的自己,制定现实的目标,才能来调整的精神追求和人生目标,摆脱世俗物质利益束缚,具有时代感。这是人文艺术精神教育在美术课堂中积极运用孜孜不倦的追求。培养受教育者人文观念,提高人文素养以塑造可持续发展完善的个人以及整个社会,是新时代教育的最终目标。教育者须在教学活动中精心设计,朝着人全面发展具有人文关爱之心的完美人格之路探索。 作者简介:鲍春兰(1992―),女,满族,黑龙江省宝清人,哈尔滨师范大学美术学院2012级美术教育专业本科生。
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水墨元素在平面设计中的应用:水墨元素在平面设计中的应用 水墨元素在平面设计之中有着相当重要的应用,在实践操作和应用的过程当中不仅需要加强对元素本质的分析,同时还需要提升整个元素应用的审美意象。文章将针对这一方面的内容展开论述,详细的分析了水墨元素在平面设计之中的应用,同时对应用过程之中审美意象的体现、现代文化的深层诠释等进行了综合性的研究,旨在不断促进水墨元素应用的水准和技术,为现代化的平面设计工作稳步发展奠定基础。 引言 我国的水墨有着相当悠久的历史传统,同时我国的水墨经历了长时间的发展和改良,已经逐步形成了自己独有的艺术语言,在我国的绘画领域之中发挥着重要的作用,并且对我国现代的艺术家思想及创作思维等均产生了重大的影响。在现代化的平面设计之中,需要更多的引入一些传统的思想观念,并且真正意义上以现代化的文化背景为支撑,更好的增强信息与现代化社会之间的交流,满足各方面的需求。在平面设计工作之中,需要加强本土文化的宣传,在保持了平面设计独特性和设计的艺术性基础上,更加侧重意境和思想文化的表达,通过水墨元素的运用,则可以使得平面设计作品展现出更加深层次的内涵,为平面设计发展奠定基础。 水墨元素在平面设计之中的审美意象 水墨元素的运用可以展现出一种全新的审美意象,由于水墨是我国的传统文化精髓之一,在我国的艺术发展历史之中有着相当悠久的历史传统,另外,水墨元素在理论创新和技术工艺方面,也有着相当强大的发展水平。水墨的艺术特征体现在其简洁的艺术语言形式以及简约的艺术风格之上,其可谓是简约而不简单,通过对形象的创新、对寓意和表达的丰富描述,使得元素可以展现出更多的文化和信息,表达出深层次的内涵。在平面设计之中,水墨的运用应当更加注重内容,在很好的结合了形式设计研究的基础之上,全面的追求一种简约的特征,使得整个画面可以集中在一点之上。通过水墨元素的使用,可以使得画面之中的各种元素组合更加简约和明了,诸如水墨的嫩叶、水墨的枝条等等,通过一种书法的线条运用,使得整个平面设计的画面感得到增强,体现出独特的水墨效果,给人以诗一样的已经,并且很好的展现出独特的人文情怀和文化品位。 水墨设计艺术思想是我国传统思想文化的重要体现,水墨更加注重运用人格化以及灵活性的线条,通过具有艺术表现力的手法和独特的线条,勾勒出抑扬顿挫的意境,展现出独特的人文思乡情怀。通过水墨元素的应用,可以使得创作者的思想情感以及审美等得到集中体现,通过线条展现出主观的思想感情,而水墨所独有的严谨、扼要、简洁、明快的特征,都使得整个平面设计作品的意境得到提升,形成一个全新的、含有更多丰富信息内涵的作品。通过水墨艺术元素的使用,可以使得平面设计的意境更加深远,体现出了对美学的崇高 追求。 平面设计中的现代文化诠释 同样的,现代化的水墨艺术在平面设计的现代文化诠释之中也有着重要的体现。水墨艺术通过对文化的积淀以及对精神物质的崇高追求,使得民族的文化得到集中展现,这一点是水墨元素艺术发展的重要道路。平面设计作为一种富有思想情感并且具有极强弹性的大众艺术作品,在应用的设计和纯粹艺术等方面,存在有交叉点,并且很好的将设计的特征和绘画的艺术性相互结合,具有高度的浓缩型和象征性,是可以充分展现出我国传统民族文化思想情怀、崭新出我国浓厚人文思想底蕴的重要艺术表现形式,同时也是今后的重要视觉形态表达方式之一。 所有平面设计设计者都力求通过对本土文化的表达,形成一种独特的风格,而一味的对国外作品进行模仿,其本质上难以体现出独特的艺术思想。在平面设计之中合理的融入水墨艺术文化,使得现代化的艺术思想可以与传统的情怀相互结合,形成简约之美,形成意境之美。由于水墨具有相当浓厚并且鲜明的韵味,其对于虚实相生的关系、对于空间的运用等,都可以展现出崇高的思想境界。在平面设计之中融入水墨元素,可以使得我国传统文化之中的色彩、肌理造型等得到集中体现,在展现出了独特节奏和气韵的同时,还可以提升设计的艺术性,形成全新的艺术语言。当代平面设计已经从中国传统绘画中汲取了丰富的营养,然而水墨画的随意笔触和虚实关系更为现代设计所普遍借鉴,它的不规则性和渗透性与商业设计的严谨性巧妙而又奇特地结合在一起,显示出一种非凡的视觉力量。随着人们审美的不断改变,将传统的文化融入至平面设计之中,已经是当前艺术设计的重要发展趋势之一,只有更好的运用传统文化设计的相关理念,将传统的元素融入至现代化艺术之中,使得艺术的发展全面进步,才能够真正意义上开拓本土的文化,促进艺术事业的发展。在今后不论是对传统文化的继承还是对国外文化的借鉴,都应当加强创造工作,加强创造性的转换工作,以促进艺术视觉效果的提升。 结束语 综上所述,根据对平面设计之中水墨元素的运用进行综合性的研究,从实际角度出发深入的论述了水墨元素与现代化平面设计文化的完美融合,同时对应用过程之中审美意象的体现、现代文化的深层诠释等进行了综合性的研究,旨在不断促进水墨元素应用的水准和技术,为现代化的平面设计工作稳步发展奠定基础。 (作者单位:吉林艺术学院动漫学院) 水墨元素在平面设计中的应用:现代平面设计中水墨元素的创新运用 【摘要】传统水墨画历史悠久,经过长期的发展已经形成了自己独特的绘画艺术语言,平面设计通过与传统水墨艺术元素相结合,能够形成简约之美、空间之美、意境之美等审美特征。现代平面设计可从中国水墨画元素中得到许多有益的启发和借鉴,使平面设计既具有强烈的现代性,又具有鲜明的民族特色。对水墨元素的借鉴不应仅仅是形式的模仿,更需要发掘其深层次的内涵,理解水墨文化的深层意蕴,将这些元素转化为设计师自身独特的设计语言,唯此才能扩大借鉴的广度和深度,为中国当代的平面设计带来更新的设计纬度。 【关键词】水墨元素;平面设计 ;创新;本土化 水墨画在中国传统艺术中的地位很重要。它的水平与内涵是超时代的,对于古人和现代人而言,水墨画在历史上存有我们都能理解的共通的内涵,深刻影响了中国当代设计师的创作思维。现代平面设计需要多元文化背景的支撑,以适应现代社会信息交流和沟通的需要,立足于本土文化,保持本土平面设计的特性,则具有重要的意义。 一、水墨元素概述 (一)水墨与水墨绘画 水墨即水和墨,是具有中国民族特色的元素,在中国书法及绘画领域里产生着深远的影响,也是中国传统书法与传统绘画中不可缺少的材料。 "水墨绘画"则指用水和墨所作之画。一般由墨色的焦、浓、重、淡、清产生丰富的变化,表现物象,有独到的艺术效果。是以纸、绢、毛笔为主要工具,色彩为辅,将水墨流动的特性和丰富的墨色层次充分发挥与表现意境的一种绘画。 (二)中国绘画中水墨元素的特点及其作用 相比西方其它绘画形式,水墨画是有其独特之处的,与一般的元素不同,水墨没有轮廓线,水墨在宣纸上自然渲染,浑然天成,一个个场景就是一幅幅出色的水墨画。水墨画动态丰富,所以现代图形设计者可以借鉴书法的黑白效果,创造出具有现代感的动感图形。在这种视觉张力的引导下,平面传达的效果颇为显著。同时,水墨画质感丰富,墨意味的图形在视觉上也极具质感,传达出一种拙扑的意韵。同时还强调笔、墨、水的关系,并籍此表现一种丰富和谐的精神,那么具备这种笔墨效果的现代图形便能传达出一种生动的人情味。水墨画还具有文化品位,中国书法在漫长的发展历程中已经成为一种具有高度文化个性、文化品位的艺术形式。那么当现代的视觉图形借鉴这种形式时,它所具有文化品位也容易获得人们的认同。水墨元素体现了中国画似与不似之间的美学,意境深远。水墨画已有非常长的发展历程,相传始于唐代,宋、元、明、清是中国水墨画的巅峰。水墨画强调自然、天趣、不拘形,讲究写意,越来越受到设计师的欢迎。 二、水墨元素与现代平面设计的关系 (一)水墨元素的绘画性特征符合平面设计的特点要求 现代平面设计中大量运用水墨艺术元素符号大体有以下两种原因:一方面设计师追求艺术表现的自由创新;另一方面是一些有责任的艺术家对传统文化存有深厚感情,对传统文化传承的一种责任。这就需要现代设计师立足传统,挥运水墨,加之于西方设计理念的借用,把水墨元素的传统性与时代性、个性与共性整合为一个富于生机的新图式,抒写出富有中国气派的设计理念。在传统文化传承方面卓有成绩的是著名设计师靳埭强先生,靳先生作品的和谐之美,是他以中国人文精神观照宇宙,获得"人与自然在精神上同享生命无穷的喜悦与美妙。其墨与色、黑与白、拙与巧、实与虚等的交融与和谐,使观者感受到他艺术精神与心灵的浸润。水墨艺术元素已成为他海报创作的最为重要的表现形式和文化内涵。 水墨画作为中国传统艺术瑰宝之一,其表现形式已被许多平面设计师所成功采用。作为中国绘画艺术发展的主要形式,水墨画讲求神韵,水和墨的多少使画面的笔触呈现浓淡和润枯的变化,通过笔触的变化来表达物体的结构和肌理等。我国著名国画大师齐白石说过:"太似为媚俗,不似为欺世,妙在似与不似之间也",形象地说明了中国水墨画的意境和追求。我们可以把这种理念,应用到现代平面设计中去。中国2008年申办奥运会标志,大家都不陌生,是运用水墨画的表现形式创作出的具有中国特色的申奥标志。中国结的形象结合中国绘画的表达技法,把奥运五环体现出来,用一个正在打太极的形象来突出中国的文明和对奥运会的热望,表达得非常生动。其中把中国传统的水墨画的用笔技巧和我们的创意结合得天衣无缝,充分体现了中国水墨画独特的韵味。 (二)水墨元素的民族化特点有助于现代平面设计的本土化发展 其实无论是对于古人或是现代人,水墨在历史上一定有我们都能理解的共通内涵,这也是水墨一直在设计中追求的永恒的韵味。对空间的运用,虚实相生的关系,阴阳的关系,都非常值得设计师去好好思考。水墨设计时可以考虑大面积留白,如同中国画以白当黑的美学境界,这也是中国文化的表现形式之一。中国画的色彩、题款、印章、笔墨肌理等造型元素以及书法的气韵、节奏都丰富了水墨平面设计的造型语言。 (三)水墨元素的亲和力有助于平面设计中对信息的传达 水墨意象主要是以灵活性、人格化的线为造型,笔法的抑扬顿挫,表现出水墨的意态情趣。行笔滞慢者则有苦涩之感,行笔流畅者则有轻趣之感。创作者的思想、审美好恶等内蕴性的修养都是通过线得以体现和表达的,线已经成为创作者主观情感与创造的外化形式。水墨的扼要,水墨的旖旎,水墨的严谨,水墨的雄奇与恣肆,都不事小巧地营造出一种交泰的意象,构成一个凝聚的图示。 (四)有利于对传统文化的发扬 平面设计艺术是作为一种极富弹性的大众媒体,是由审美与非审美交融渗透构成的,它由审美动机与非审美动机所引起,并由审美能力与非审美能力所实现。平面设计处在纯粹艺术和应用设计的交叉点上,兼有绘画和设计的特点,具有高度的象征性、浓缩性和自然性,是最能透射出深厚民族文化底蕴的视觉效果。 三、现代平面设计中水墨元素运用的方法创新 (一)表现形式上的创新 中国传统元素和中国人的情感是一脉相承的,在平面设计中运用这些元素可以使平面设计作品与受众产生情感共鸣,有利于广告宣传。然而"中国传统元素"不应该仅仅将其视为是与国人之间的情感纽带,而应该作为一种新鲜的血液与现代设计风格相结合,使中国的平面设计能够成为世界的焦点。 (二)表现技法上的创新 在水墨风格的画面上,除了水墨痕迹以外,画面上还需要有图、文字以及线条的组织运用,综合给主体服务。一般来说,如果想把画面做的比较传统的话,字体的选择一般是宋体、隶书、楷书以及篆书,和古代现代的书法名家的手书体等,但是由于篆书比较难于识别,在使用的时候应慎重。在主体画面处理的时候,可以综合考虑到画面的效果,对图片做加减法处理,把画面中影响主题表现的地方虚化,并且可以嫁接别副画面中你认为比较欣赏的部分。画面的色彩是为更好的衬托主题而服务,并不是图片越美观越好,对于喧宾夺主的图片,有时候甚至可以做单色处理(如图一、图二)。 水墨铸民族魂魄,意象绘时代风采。颂扬水墨,缘情水墨,依意选形,依理炼形,用心创造出富有民族意味形式的平面设计,这是民族设计的源头与母体,是根基性、稳固性和原生创造性的视觉展现,更是民族设计本质、全面、自由、发展的强大驱动力。只有这样"寻根"设计,才能在世界设计的艺苑中展示出应有的民族魅力。去奢从俭、弃繁华而近朴素,以柔克刚的含蓄力量,悲喜有度的处世思想,以器明道的高雅情趣,衔古接今的水墨技艺,融会东西的现代思潮,使我们要重新梳理艺术的精神,树立起民族文化的自尊,超越形式和文化的根性,把意蕴丰厚、编排张扬的平面设计,推向世界设计的大舞台,这是一种义务,一种本领,一种民族艺术展现的责任。 现在房地产广告做得很火热,楼书的设计有的是相当不错,只能用好水墨的"形", 在水墨的"神"的表现上不是做得很好,这和我们的知识结构是有着很大的关系的。由于我们对中国文人水墨画的了解和学习多停留在对画家生平、作品、画派等方面,这些知识对于提高设计师的知识修养无疑很重要;但是除了了解这些知识之外,还需要加深对中国文人水墨画的研究,从不同的角度来研究、挖掘、应用它,丰富我们的本土化平面设计语言(如图三、图四)。 很多设计师都希望能创造出具有本民族文化风格,同时又具有个人特点。能为他人认可的平面设计作品,而不仅仅只是一味模仿国外作品的各种外表形式,这样中国设计师文化上的那种归属感逐渐被唤醒,开始注意到本土文化中的平面设计元素,并把目光转向本土文化,希望在本土文化中找到合适的平面设计语汇,中国文人水墨画是其中的一个方面 四、结语 综上所述,无论是对传统的继承还是对外国文化的借鉴,都要重视做好创造性转换工作,做到"古为今用,洋为中用"。继承传统,不是食古不化;讲设计的民族特色、中国气派,决不是要将中国符号生搬硬套到现代设计作品中,而是着力于对民族的审美意识和审美心理的把握,站在时代的高度进行综合创造,这样设计出来的作品才能自然而不做作的流露出东方文化气韵,从而既是民族的,又是世界的。 水墨元素在平面设计中的应用:浅析传统水墨与平面设计元素间的联系性 摘 要:中国水墨是具有中国传统艺术韵味及特色的民族文化符号,是中国传统哲学与艺术的的智慧和结晶。水墨文化讲究构图,骨法,用笔等。随着现在化进程的加快,时代的进步,艺术交流越来越广泛,艺术发展呈现出一种多元化的趋势。西方艺术对中国传统艺术的影响也渐渐凸显出来。其中设计是指以“视觉”作为沟通和表现的方式。透过多种手法将符号、图片、和文字进行创造和结合,借此作出用来传达想法或讯息的视觉表现。将中国传统水墨与现代平面设计元素进行比较,归纳总结两者的联系性,为传统水墨在当代的延续与发展寻求方向。 关键词:传统水墨 平面设计 联系 中国水墨画这一艺术形式具有悠久的历史,自出现到现在已有千年之久。随着时代的变迁,各种文化的融合,不但使传统水墨画的技法越来越丰富,更拓展了传统水墨画的表变现力,使传统水墨画在继承中得到发展。当我们以现代的眼光来看传统水墨文化时不得不感慨我们的先辈们对艺术的深刻认识,在基本的构成关系上,画面处理上与现代的设计理念都有相似之处。正是这些相似与联系使得传统水墨与现代文化融合的更为妥帖,对传统水墨在当代的继承与发展具有重要启示。 一、从构成要素上来看 平面设计中三大构成要素是点、线、面。而传统水墨画中往往有点睛之笔,以线为骨面为肉之说。 1、点。在数学概念中点是空间中只有位置,没有大小的图形。而在设计中,点作为设计要素之一起了重大的作用,首先它是无处不在的,再次它的大小是相对的,要根据实际的环境和观察角度来讲。点在设计中可以集中、聚合用以吸引视线或产生新的视觉形象。在设计构成中离不开点的存在。而在传统的水墨艺术中自古就有点睛之笔之说。 2、线。线是点的定点移动轨迹,当点在一定方向上足够密集的时候就形成了线。线的分类繁多有直线、弧线、曲线等等,设计中不同的线带给人的情感特征也不相同,其中垂直的线会给人以生命力,力度感,伸展感等。而水平线就会给人以稳定感但略显呆板。设计中可以用线来表现轮廓,可以用线来表现图像等,可见设计中线的不可或缺性。在中国的传统水墨中线即时骨,“谢赫六法”中提到骨法用笔,骨法是指人物的外形特点,后来泛指一切描绘对象的轮廓。用笔就是中国画特有的笔墨技法。骨法用笔总的来说就是指如何用笔墨技法恰当的把对象的形状画出来,而这轮廓就是由线勾勒的。 3、面。在几何意义中,面是线的移动轨迹,具有长度、宽度而无厚度。面的形态十分丰富有偶然形、几何形、不规则形等。设计中不同的形也是具有不同特点的,偶然性顾名思义是偶然产生的具有不可重复性,富有个性、怪异、新奇的特点;几何形是明快、理性、秩序的;不规则形式指有意识,有目的的人为创造的形具有不受限制,不具规律的造型。面在传统水墨画中的直观体现就是墨法的应用,团墨为面,虽然墨为黑色,但中国画古代有墨分五彩之说,即黑、白、浓、淡、干、湿六种效果,墨法可以说是一种用水的方法,水分的多少来体现绘画的丰富变化,“笔为骨,墨为肉”。 终上所述,无论是中国传统水墨画还是现代平面设计构成都以点线面为构成要素。中国传统水墨画是不同于西方传统绘画的,西方传统绘画是以明暗关系、调子来体现空间关系的,而传统的中国水墨画室运用线条的对比,墨色的变化以及线条与面之间的穿插来体现前后、主次关系的,而这就要要求创作者具有较强的空间概括能力,设计也是如此,因为设计是将商业的信息通过艺术的形式表现出来显然这两者都是理性与感性的结合。由此构成上不难看出中国传统水墨与现代平面设计存在着联系性。 二、从意境营造上看 如果说在构成上来看中国水墨与平面设计的联系是表面的,那中国水墨画中的意境营造与现代平面设计的设计理念则有千丝万缕的联系。意境是中国传统水墨的灵魂是艺术创作的最高追求。中国传统水墨画受传统哲学的影响注重空间的营造,讲究阴阳互补,虚实相生。 1、空间 中国传统水墨画的空间表现以黑白为主。中国传统水墨画受阴阳学说影响十分注重黑白的整体布置和运用。留白是中国传统绘画里边常见的一种形式。南宋画家“马一角,夏半边”就是运用留白的最好实例。张氏《画潭》中也提到:“空白,非空纸。空白即画也”在中国传统水墨画中,空白是画面的重要组成部分,是形的延续是意的延伸。在设计中,用简单的寥寥数笔勾勒塑造空间韵味的楼盘广告也不少见。 2、虚实 “我们画面的空间感也凭借一虚一实、一明一暗的流动节奏表达出来。虚(空间)同实(实物)连成一片波流,如决流之推波。明同暗也连成一片波动,如行云之推月。”(宗白华《中国诗画中所表现的空间意识》)虚与实的变化可以形成一种生命感、节奏感与律动感。化实为虚、化虚为实、虚实相生与中国传统哲学中的阴阳学相辅相成。 现代平面设计中的“意向”就是体现中国特有的文化特征,中国文化博大精深,在几前年的历史长河中源远流长,逐渐形成独特的审美与认知。在平面设计中充分展示中国传统艺术的魅力与文化内涵是十分重要的一部分。 中国水墨人物画是具有中国文化符号特征与哲学智慧的优秀民族艺术,水墨的简约、空灵、的空间营造意念等方面与设计理念有着异曲同工之妙。中国水墨人物画要更好的在国际文化层面交流就要吸收多元化的元素,设计中的构图、构成等元素就是其中的一部分。本文就是将中国传统水墨画与现代设计元素进行联系与比较从而为中国传统水墨的继承与发展寻求新的方向。 作者简介:赵燕静(1988.05-),女,山东汶上人,曲阜师范大学美术学院2011级艺术学国画专业研究生。 水墨元素在平面设计中的应用:水墨元素在平面设计中的视觉表现 摘 要:水墨元素作为中国文化最具代表性的符号之一,其特有的黑白视觉效果在世界视觉艺术长廊中堪称经典。水墨元素被大量的运用在平面设计中,独到的视觉表现力极具东方审美意蕴,本文从水墨元素的应用优势出发,探讨水墨元素在平面设计中的视觉表现。 关键词:水墨元素;平面设计;视觉表现 由古至今,水墨画以其独特的绘画艺术语言、深厚的文化底蕴以及艺术气息感染了历代的中国文人艺术家。虽然在角度、着重点之间不完全一致,但浓浓的水墨情结,影响着艺术家的设计理念和实践。水墨画对平面设计的影响是必然的,在现代平面设计“全球化”成为不可逆袭的趋势下,“民族性”设计成为所有艺术工作者的热门话题[1]。平面设计从中国水墨元素中得到启发和借鉴,二者完美结合,将“民族性”设计表现的淋漓尽致。 1 水墨元素的在平面设计中的应用优势 在人们精神追求不断提升的今天,平面设计作品的目标不应只停留在介绍和宣传产品信息。而应该是满足信息传播功能的同时,给人们带来视觉审美的享受。良好的视觉效果必然在信息传播时能发挥更高的效率。要达到这样的要求就必须不断增加作品的视觉冲击力[2]。水墨元素作为中国传统艺术文化的最高代表之一,在平面设计中的应用优势主要表现在:水墨元素能唤起人们对优秀传统文化的自豪感;给平面设计带来了独特的视觉感受。 1.1 水墨元素唤起了人们对优秀传统文化的自豪感 水墨元素在中国古代平面设计中早有应用,载体形式包括早期的彩陶、岩画、青铜器等,并逐渐形成了早期装饰艺术。纸以及印刷术被发明出来之后,书籍、广告、标志等等便开始一步一步的融入人们的生活。如宋朝时期的“认门前白兔儿为记”,目前是我国发现的最早的一种广告形式。水墨绘画及书法在人们心中有着举足轻重的作用,中国早期的平面设计大多离不开水墨艺术。20世纪90年代后,中国平面设计开始进入成熟时期。设计工作者们开始不断的开拓创新,力求与国际接轨的同时,在设计中大量融入中国的传统元素,逐渐形成了中国特色的视觉风格。因此,水墨元素在平面设计中运用,唤起了人们对灿烂的传统文化的自豪感,不仅因为水墨艺术与平面设计相结合的悠久历史,更是因为水墨艺术本身的灿烂文化给人们带来独特的视觉感受和视觉冲击力。 1.2 水墨元素给平面设计带来了独特的视觉感受 水墨元素在信息传播时,就其独特的黑白视觉效果便足以吸引人的眼球,再加上水墨元素本身所具有的视觉张力的意蕴美——水墨的形式美及艺术精神美,将平面设计作品由视觉形式上升至精神气质层面[3]。如图1是靳埭强为08年奥运会设计的海报招贴,采用动态构图及大量留白,水墨笔触构成流畅、简洁的人物造型,舞动的人物姿态。给我们最深刻的印象便是充满无限生机,正如奥运会的主题,“运动、阳光与健康”,水墨元素彰显北京奥运的人文气息与民族精神。正是这样的“空处不空”,“以虚代实”的处理方法,显示出中国人道家式的哲学思想,通过水墨艺术精神内涵与大众产生共鸣。 将水墨元素接运用于现代平面设计的例子比比皆是,图2为贺卡内页设计,将中国传统的龙纹与水墨结合,以墨为主,以色为辅,在笔墨与空白中形成图案的明暗虚实。其共同点是,都是巧妙地运用水墨元素来增加视觉冲击力[4],以水墨元素独有的黑白视觉效果及本身蕴含的文化底蕴来凸显设计作品的主题及思想。 2 水墨元素在平面设计中的视觉张力表现 视觉张力一般是指一种能吸引人们的目光从而使人们在其面前驻足的力量,正如物理中常说的内力与外力[5]。而水墨元素中的内力和外力通常可以被理解为是水墨元素的艺术精神文化的熏陶和水墨元素的视觉形式表现。 2.1 水墨元素的视觉表现形式 作为外力存在的水墨元素的表现形式分为两个部分:传统水墨绘画及书法和水墨符号及行迹。 2.1.1 传统水墨绘画及书法的运用 传统水墨绘画及书法是水墨元素最常见的呈现形式及载体,将水墨画及书法直接运用于平面设计是众多设计工作者偏爱的一种方式,此方式的最大优势便是将水墨蕴含的精神文化跃然纸上,使人一目了然。图3为茶叶包装设计,背景中的水墨绘画意境深远,仿佛能净化心灵,修身养性;将广告语以优美的书法形式表现于茶叶包装上,形成独特的韵味,勾画出一幅恬淡闲适的意境,东方艺术的风格情调,仿佛让大众在欣赏美的同时体会设计者的思想和观念。 2.1.2 水墨符号及行迹的运用 与前者相比,水墨符号及行迹的运用在海报设计,标志设计中屡见不鲜。水墨符号、笔墨行迹则是指水墨画中的墨点、墨迹、甚至是一根线、一支毛笔或是一块极小的局部,如一个圈、一根草、一片花辨……经平面工作者的精心设计布置,通过强化、组合、编排、呼应及利用“飞白”、“墨痕”所形成的肌理效果来呈现的一种新的视觉效果[6]。如图4,成都城市识别标志,以中国笔墨的一笔构成chengdu的c,以成都的特色——熊猫为视觉中心,熊猫整体的黑白色调恰如水墨笔触的延伸,与水墨的黑白视觉体系相呼应。图5,为靳埭强设计的《中国国际海报双年展》招贴和《水墨的年代》招贴,同样以水墨墨点墨迹所形成的肌理效果来表现主题。如《中国国际海报双年展》中,利用水墨相溶所形成的墨点来增加视觉感,看似排列整齐的点,本身就形成了一种视觉冲击力,却又因为水墨相溶的比例位置不同,墨点呈现出不同的形态,正符合传统美学中的统一与差别的对比。 《水墨的年代》广告招贴 2.2 水墨元素的文化内涵及意境营造 水墨元素的文化内涵体现,是指在平面设计实践中巧妙地运用水墨的哲学思想、美学观念、审美取向。设计工作者可以在这些思想、思维、观念的基础上再设计,不断创新,这不仅大大的扩宽了设计空间[7],还营造出新的视觉气氛,且赋予了这些作品浓厚的文化氛围。 将水墨元素的气韵应用于平面设计,增加其审美意境,是水墨融于设计的最高境界。而意境是从静态的、毫不含糊的视觉画面中呈现的,这也是水墨艺术的独特性。意境实际上是中国文化中那些最深刻的内涵及精神在设计中的再现,通常与水墨中的笔、墨、空白、色、构图、手法等等可见因素相关[8]。如图6,“武当山灵”广告招贴设计,值得一说的是,招贴使用水墨笔触勾勒出“太极”、“古鼎”等代表性较强的元素,渲染出武当山气势雄浑、香火永盛的视觉效果,无形中完美的营造出了“武当山——第一名山”的气韵与灵性,其采用的上下组合构图形式与视觉平衡方式充满了强烈的道家中庸哲学思想。而右下角的“武当山灵”的“灵”字采用红色,恰好与水墨中的“治印”的手法相呼应,且赋予了画面一丝生机及意蕴。如图7,《符号古都》——鸟巢、国家体育场。设计者齐鹏以一个新的视角及手法来展现我们国家的标志性建筑,将水墨元素完美的融入现代设计,画面中既有中国传统元素的变形与重组,又利用西方光影效果的处理手法。似乎所有与中国地域文化或者文化底蕴相关的作品都毫不例外的选用传统水墨来加强视觉表现。设计者采用水墨笔触的叠加与重组,重视笔墨的干、湿、浓、淡,合理的利用“飞白”、“浓墨”形成的黑、白、灰,正如西方的阴影、高光、灰调的处理手法,异曲同工之妙来重现光影效果。线条是构成画面的灵魂,线条组合看似随意实则为设计者精心布置设计而出的,线条的长短、粗细组成了画面的整体节奏与气势,整体画面大气磅礴,古典意蕴呼之欲出。整幅作品无论从时间还是空间,达到了动与静、虚与实的统一,意境与气韵的完美结合。 3 总结 水墨元素与现代平面设计相结合,对于确立平面设计的中国风格以及其自身的发展都具有长远的意义。在中国平面设计“国际化”的前提下,如何运用宝贵的传统文化及保存水墨元素质朴的传统美,如何在平面设计中巧妙融合水墨 ,从而在国际舞台上展示本土文化,这将是我们面对的一个永恒话题。 作者简介:季荣(1979—),男,江苏南通人,研究生,盐城工学院设计艺术学院讲师,研究方向:视觉传达。
美术是一门涉及广泛的学科,从物料来看,包括了颜色、纸张、画布等;从塑造形式来看,包括绘画、建筑、工艺和雕塑等;从表现内涵来看,它体现了创作者对生活、对社会、对情感乃至人生哲理的感悟与感触;从整体效果来看,它既是视觉艺术也是造型艺术。美术教育可以培养人对“美”的感知,从欣赏美到感知美,从外化地欣赏到内化地感受,美术给人以精神洗礼和美的熏陶。对美的认知与感受需要从小培养,尤其是中小学时期,美术可以培养学生的艺术情操,激发学生的感性思维,并将其发扬下去,为日后艺术思维发展奠定基础,也为挖掘学生身上的艺术潜力提供了重要的方式方法。特别是中学阶段,初中生已经具备了初步的艺术欣赏水平,具有自己对美的特殊感受,因此在与美术教学中可以激发学生的联想力和学习兴趣,培养学生的美术情操和审美能力。 一、引导学生发现生活之“美” 一幅精美的画固然是美的,但照猫画虎,也仅仅是感受到了画中之美,而并非真正感受到“美”。而对于初中生来讲,审美水平还有待提升,特别是对于绘画这样亟需专业技巧的艺术形式,在鉴赏与领悟上存在一定欠缺是必然的。可以说,在教学过程中,引导学生欣赏一幅名画的效果远不如欣赏真实风景的效果。真正的美来源于大自然、来源于日常生活的点滴,而并非一幅娇艳卓绝的画。在实际教学中可以发现,照着教材绘画的效果,虽然学生能够中规中矩地完成绘画练习的作业,但总是感觉绘画内容少了神韵,或者说仅仅完成了照猫画虎的作品,而并没有领会到美术应当挖掘生活的真谛。另外,中学生最为熟悉的、触手可及的环境也正是生活场景,包括旅游过程中眼见为实的风景。它们蕴藏于学生的记忆中,在课堂教学中,有效引导学生回忆,可以帮助学生迅速进入绘画的联想之境。除此之外,美术教学对于课堂教学氛围的要求极高。不一定受物理条件的限制,根据教学需要可以适当安排学生到户外进行实地写生练习,这样也便于学生一边观察一边绘画,有一种身临其境之感,更便于初中生下笔. 二、激发学生产生联想之“美” 美术是一门集观察力、空间想象力、联想力和创造力于一体的综合性艺术课程。它对学生的审美能力是一种全面性的培养,尤其对于素质教育培养重要时期的初中生,美术教学有助于培养学生的多方面能力,而最为重要的就是联想力。这是学生在成长过程中,敢于突破思维局限、敢于创新的基本素质,也是学生在未来道路上不可或缺的重要品质。那么,如何在课堂教学中激发学生的联想力呢?首先,需要引导学生学会观察,充分地观察是激发联想力的前提,也是绘画创作的前提。对于景物的观察,主要引导学生先从宏观即整体布局上进行观察,选择适合的绘画角度,同时对画布进行布局设计。准备工作越充分,则绘画创作也会越顺利。当然,在观察中更为重要的一步是细节观察,尤其对于绘画人物来讲,细节观察包括人物的动作、动作比例等等,这样做有助于学生体会绘画模特的动作与特点,甚至揣摩模特的心理变化,从而使动作观察更加贴近模特的特点,也就是抓住形体之余更要抓住神韵,才能将模特描绘得栩栩如生。其次,再合理激发学生的联想力。在充分观察的基础上,绘画内容的形象、特征已经映入学生脑中,接下来所要做的是将这些观察到的形象或特征用自己的笔法表现出来。而联想力也在其中完成了从外在到内在的转变。另外,联想力更多地用于创造性绘画中,比如引导学生回忆自己身边的熟人,并通过绘画技法来突出熟人的形象特征,这种情况多见于简笔画或是人物画创作中,也是最能激发学生创造性思维的练习。 三、互动练习引发兴趣之“美” 无论哪一门课程,互动永远是师生之间、生生之间沟通的必备方式,也是营造教学氛围的最佳途径。互动的方式方法有很多,而语言互动仅仅是其中一项内容,还包括情感互动、思想交流等等。对于美术教学而言,课堂互动的方式很多。首先,美术教学是边学边练的形式为主,在绘画作品欣赏中,通过语言与学生进行交流,是一种最为常见的教学方式。而在绘画动笔练习中,思想情感与语言的交流方式多为交叉进行。对于绘画内容的背景资料、绘画中注意事项及绘画步骤的讲解,需要师生之间进行语言交流,而在学生观察模特过程中,不仅师生之间、生生之间也需要多多交流,才能更全面具体地观察到事物的细节。而在绘画过程中,则主要是生生之间的交流,以及学生与绘画模特或事物之间的思想交流与情感交流,这样才能通过互动练习引发学生的美术学习兴趣。可见,初中美术教育的目的并不局限于教会学生如何绘制一幅画,而是引导学生学会发现生活之“美”,学会从大自然中、从生活日常中找寻绘画灵感,而并非照猫画虎地只为完成教学任务。实际上,初中美术教学更高层次的教学目标是教会学生在挖掘生活之“美”的同时学会激发自己的联想,使美术融入日常生活的点滴之中,形成一种习惯。当然,要做到这一点前提是加强课堂教学的互动性,通过课堂绘画,加强师生、生生互动,营造美术学习氛围,在激发学生美术兴趣的同时,真正提升初中美术课堂教学的有效性。 参考文献: [1]樊丹.浅析情感教育在初中美术教学中的渗透[J].中国校外教育,2016(11):155. [2]汪益红.兴趣教学法在初中美术教学中的应用[J].才智,2016(24):55. [3]李鹏.初中美术课堂个性化教学研究[J].教育科学:引文版,2017(4):65. 作者简介:刘阿燕,福建省泉州市,福建省永春延清中学。
美术教育专业论文:美术专业美术教育论文 一、高师美术课程设置现存问题分析 1.开设的美术教育类课程偏少 培养目标模糊高师美教院校发展长期受到美术院校的影响,虽然在20世纪80年代高师美教走上了全面开课的轨道,但课程设置几乎套用美术院校的课程模式,所开设的美术专业课程占有相当大的比重,美术教育类理论及教学实践课程量较少,不能突现出高师美教的师范性特点,这也导致了高师美教培养目标的不明确,以至于出现有些教师是以培养艺术家而不是培养艺术教育家为主要培养目标的偏差。 2.美术专业课程内容与学校美术教育改革发展需要 缺少对接现在高师美教课程设置普遍由美术教育类课程和美术专业类课程两大模块组成,其中的美术专业类课程内容基本套用美术院校的模式,与当前我国学校美术教育改革发展缺少应有的对接,加上执教美术专业类课程的教师大都是由美院毕业的,他们对中小学美术教育改革了解不多,这使得他们在教学过程中,很难形成将美术专业教学与中小学美术教学需要联系起来的学术自觉,这带来了师范生在大学所学的某些美术专业知识在基层学校美术教学中难以施展的困境。 3.最终评价课程缺失了高师美术教育应有的综合评价 机制“毕业创作”“毕业论文”课程是高师学生在大学四年所学知识的最终总结与呈现,因此,我们可以称这些课程为最终评价课程。长期以来,高师的“毕业创作”都是以美术创作作品展览的形式进行,完全照搬美术院校“毕业创作”的做法,这导致高师学生很自然地将自己的毕业创作与美术院校学生的毕业创作相比拼,教师和学生会投入更多的精力到毕业创作中,多少影响了高师学生在“毕业论文”写作的精力投入和对美术教育理论及实践的总结与反思,此外,“毕业创作”与“毕业论文”各自侧重在美术专业和美术教育两大块,缺失了课程之间的内在联系和高师美术教育将二者综合评价的机制。 二、高师美术课程设置策略 1.增设美术教育理论及教学实践课程 突出美术教育专业特点众所周知,一名中小学美术教师的基础知识结构应包涵美术教育和美术学科两大体系。美术教育理论及教学实践课程是高校美术教育专业课程的重要组成部分。近些年来,学院依据国家教育部的发展要求,在原有基础上增设了美术课程标准解读、各类美术课教学方法研究、微格教学、多媒体教学课件设计与制作、教育见习、第一次美术教育实习、第二次美术教育实习等课程,使美术教育理论及教学实践课程占有相当比重,突显出美术教育专业的特点。这些课程有效地提高了学生对美术教育专业的认识及其教学技能,尤其是学院将美术教育实习由原来实习一次调整为实习两次,收到很好的教学效果。第一次教育实习时间安排在大三上学期,实习时间为三周,均有带队指导教师带领,这样能随时给予学生指导。第二次教育实习安排在大四上学期,实习时间为四周,可让学生自由选择联系实习学校或组成一到二个实习小组,选派实习指导教师带领。前后两次教育实习给学生教学反思和回炉的过程,第一次教育实习返校后,教师针对学生们实习中遇到的问题给予深入的分析指导,帮助学生进行教学反思,从实践中认识教育理论的指导作用,引导学生从教学理论中寻找解决问题的方法,提高理论认识,以便指导其第二次的教学实践;有了第一次教育实习的基础,学生在第二次教育实习中更显从容和自信,教学更规范化,并在教学中有目标性地观察分析教学中遇到的问题,积极思考,寻找解决问题的方法,学生在两次实习中感受深刻,在一次次的教学实践中提高了他们的教学技能和专业认同感。合理安排每个学期的美术教育理论与教学实践课程,一方面确保学生每一学期至少有一门以上的美术教育理论或教学实践课程的学习,另一方面又将各课程相互串联,形成体系,充分发挥其职能作用,比如美术教学论、美术课程标准解读等优秀课程被有意识地安排在教育实践课程之前,旨在引导学生掌握美术教育理论的同时,形成正确的教学理念,以发挥理论指导实践的作用;微格教学、教育实习等实践性课程旨在培养学生的教学技能;各类美术课教学方法研究等课程旨在指导学生在一定教学实践基础上寻找课堂教学的理论依据,形成研究教学的思考。同时还可结合举办师范生教学技能比赛、说课比赛等活动促进学生的教学评价与反思,使教学更有成效。 2.科学整合美术专业课程内容 彰显美术教育专业特色学院在对中小学一线教学调研中发现,因教学条件、学生兴趣等原因,那些偏难和较复杂的美术学科内容在学校难以展开,如油画人体、石版画等,因此,结合基础学校实际需要,科学整合美术学科课程显得尤为重要。以“双基+创造力培养”来整合美术学科课程的思路是基于中小学“双基”教学的特点提出的,即在大学低年级阶段着重于美术学科基础理论与基础技能的学习,在大学高年级阶段着重于美术表现及创作学习,并采用选修的形式,让学生自主选择美术学科发展方向,在侧重研究某门美术学科的同时,又在相互交流中触类旁通地了解其他画种的表现手法,形成“一专多能”的美术能力。此外,在原本单纯的美术专业课程中整合美术教育教学内容,有意识地将美术学科与教育专业学习相结合,更能明确美术教育专业的本质,如《艺术考察》通常是带学生们深入乡村写生及收集美术创作素材的课程。经过整合,可将这门课程改革为《艺术考察与中小学教学调研》,教师带学生下乡写生、收集素材等活动之余,带领他们深入到乡村学校进行教学考察,了解地方办学条件和状况,并让学生提交中小学教学调研报告,思考开发利用地方美术教学资源等课题,这种一举两得的教学活动收到极好的教学效果,一方面,引导学生在美术学习的同时,思考美术与美术教学的关系,另一方面,创造了更多的机会让学生参观基层乡村学校,增进其对美术教育的责任感。再如,《民族民间美术》课程旨在引导学生了解民族民间文化的同时,让学生形成开发利用民族民间美术资源于学校美术教学的思考,如将该课程改革为《民族民间美术与校本课程开发》会更能明确其课程本质。 3.调整最终评价课程结构 明确美术教育专业本质目前,美术教育专业中有许多重要课程与美术专业课程极为相似,特别是“毕业创作”课程多以学生美术作品展示为主,不能全面体现出美术教育专业学生大学四年所学。只有合理调整最终评价课程的组织结构,才能进一步明确这类课程的实质。经过多年的教学实践,学院的美术教育专业“毕业创作”课程改革为“毕业综合展示”。“毕业综合展示”主要侧重于美术教育教学展示和美术学科技能展示两个方面,旨在全面展示学生的综合能力。在美术教育教学展示方面,包括有教学活动展板、教学实物和多媒体教学实录等形式。教学活动展板是在150cm×90cm的展板上呈现学生的教学实践成果,整个设计制作过程也是学生对教学实践进行整理、反思和总结的过程,指导教师组织学生整理充实教育实习中的教案、教学示范图、学生作品、教学录像、教学现场照片等资料,并有序地将教案、教学示范图、学生作品布置在展板上,这也是对学生设计能力的考验。教学实物展示包括学生教育实习的教案、示范图等,还通过多媒体展示学生的执教录像、教学课件等内容。人们在参观学生的美术教育教学展示内容时,都投以极大兴趣和充分肯定,并感受到学生们扎实的教学能力。在美术学科技能展示方面,美术教育专业学生在大学四年学习的美术技术门类较多,学生们的兴趣也十分广泛,这就需要给予学生提供更大的选择空间,可选择进行新作品创作,可选择整理完善自己认为平时画得较好的作品进行再创作,还可选择自己最感兴趣的某类美术内容进行表现;多元选择带来了丰富多彩的创作面貌,有油画、国画、版画、水彩、素描外,还有手工、剪纸、摄影、电脑绘画、设计等内容,这些作品都真实地记录了学生的专业技能及其创作能力,切实展现了美术教育专业学生的美术综合能力。每次的“毕业综合展示”都收到极好的效果,有观众戏称:看美术专业“毕业创作”就像逛“艺术精品店”,看美术教育专业“毕业综合展示”就像逛“艺术精品超市”。“毕业论文”也是美术教育专业的重要课程之一,过去,教师们在指导“毕业论文”时发现许多学生写的毕业论文往往照搬照套,缺乏自己对美术教育的真情实感,而他们对亲身经历的教育实习却有着许多体会和想法。学院将“毕业论文”改革为“毕业实习综述”,让学生从深有感触的教学实践中进行理论性梳理和分析,从中感悟实践上升到理论、理论指导实践的研究性方法。同时,我们还将原来在教室进行论文答辩的场所改在“毕业综合展示”展厅进行,将“毕业实习综述”答辩与“毕业综合展示”密切联系,学生们在相对开放的环境中由感而发,教师们也能从学生的答辩及其美术教学展示、美术创作中对学生形成全面综合的认识。 三、结语 目前,学院成立的美术教育学院为研究美术教育专业课程方案提供了更好的平台,并着力于研究在美术教育的基础上综合音乐、舞蹈等艺术形式和表现手段,形成整合创新、开拓贯通和跨域转换的方法,从而全面培养学生的综合能力,为研究创新型美术教师的培养积累实践经验。 作者:文海红单位:广西艺术学院 美术教育专业论文:教育专业美术教育论文 一、高师美术课程设置现存问题分析 1.开设的美术教育类课程偏少,培养目标模糊高师美教院校发展长期受到美术院校的影响,虽然在20世纪80年代高师美教走上了全面开课的轨道,但课程设置几乎套用美术院校的课程模式,所开设的美术专业课程占有相当大的比重,美术教育类理论及教学实践课程量较少,不能突现出高师美教的师范性特点,这也导致了高师美教培养目标的不明确,以至于出现有些教师是以培养艺术家而不是培养艺术教育家为主要培养目标的偏差。 2.美术专业课程内容与学校美术教育改革发展需要缺少对接现在高师美教课程设置普遍由美术教育类课程和美术专业类课程两大模块组成,其中的美术专业类课程内容基本套用美术院校的模式,与当前我国学校美术教育改革发展缺少应有的对接,加上执教美术专业类课程的教师大都是由美院毕业的,他们对中小学美术教育改革了解不多,这使得他们在教学过程中,很难形成将美术专业教学与中小学美术教学需要联系起来的学术自觉,这带来了师范生在大学所学的某些美术专业知识在基层学校美术教学中难以施展的困境。 3.最终评价课程缺失了高师美术教育应有的综合评价机制“毕业创作”“毕业论文”课程是高师学生在大学四年所学知识的最终总结与呈现,因此,我们可以称这些课程为最终评价课程。长期以来,高师的“毕业创作”都是以美术创作作品展览的形式进行,完全照搬美术院校“毕业创作”的做法,这导致高师学生很自然地将自己的毕业创作与美术院校学生的毕业创作相比拼,教师和学生会投入更多的精力到毕业创作中,多少影响了高师学生在“毕业论文”写作的精力投入和对美术教育理论及实践的总结与反思,此外,“毕业创作”与“毕业论文”各自侧重在美术专业和美术教育两大块,缺失了课程之间的内在联系和高师美术教育将二者综合评价的机制。 二、高师美术课程设置策略 1.增设美术教育理论及教学实践课程,突出美术教育专业特点众所周知,一名中小学美术教师的基础知识结构应包涵美术教育和美术学科两大体系。美术教育理论及教学实践课程是高校美术教育专业课程的重要组成部分。近些年来,学院依据国家教育部的发展要求,在原有基础上增设了美术课程标准解读、各类美术课教学方法研究、微格教学、多媒体教学课件设计与制作、教育见习、第一次美术教育实习、第二次美术教育实习等课程,使美术教育理论及教学实践课程占有相当比重,突显出美术教育专业的特点。这些课程有效地提高了学生对美术教育专业的认识及其教学技能,尤其是学院将美术教育实习由原来实习一次调整为实习两次,收到很好的教学效果。第一次教育实习时间安排在大三上学期,实习时间为三周,均有带队指导教师带领,这样能随时给予学生指导。第二次教育实习安排在大四上学期,实习时间为四周,可让学生自由选择联系实习学校或组成一到二个实习小组,选派实习指导教师带领。前后两次教育实习给学生教学反思和回炉的过程,第一次教育实习返校后,教师针对学生们实习中遇到的问题给予深入的分析指导,帮助学生进行教学反思,从实践中认识教育理论的指导作用,引导学生从教学理论中寻找解决问题的方法,提高理论认识,以便指导其第二次的教学实践;有了第一次教育实习的基础,学生在第二次教育实习中更显从容和自信,教学更规范化,并在教学中有目标性地观察分析教学中遇到的问题,积极思考,寻找解决问题的方法,学生在两次实习中感受深刻,在一次次的教学实践中提高了他们的教学技能和专业认同感。合理安排每个学期的美术教育理论与教学实践课程,一方面确保学生每一学期至少有一门以上的美术教育理论或教学实践课程的学习,另一方面又将各课程相互串联,形成体系,充分发挥其职能作用,比如美术教学论、美术课程标准解读等优秀课程被有意识地安排在教育实践课程之前,旨在引导学生掌握美术教育理论的同时,形成正确的教学理念,以发挥理论指导实践的作用;微格教学、教育实习等实践性课程旨在培养学生的教学技能;各类美术课教学方法研究等课程旨在指导学生在一定教学实践基础上寻找课堂教学的理论依据,形成研究教学的思考。同时还可结合举办师范生教学技能比赛、说课比赛等活动促进学生的教学评价与反思,使教学更有成效。 2.科学整合美术专业课程内容,彰显美术教育专业特色学院在对中小学一线教学调研中发现,因教学条件、学生兴趣等原因,那些偏难和较复杂的美术学科内容在学校难以展开,如油画人体、石版画等,因此,结合基础学校实际需要,科学整合美术学科课程显得尤为重要。以“双基+创造力培养”来整合美术学科课程的思路是基于中小学“双基”教学的特点提出的,即在大学低年级阶段着重于美术学科基础理论与基础技能的学习,在大学高年级阶段着重于美术表现及创作学习,并采用选修的形式,让学生自主选择美术学科发展方向,在侧重研究某门美术学科的同时,又在相互交流中触类旁通地了解其他画种的表现手法,形成“一专多能”的美术能力。此外,在原本单纯的美术专业课程中整合美术教育教学内容,有意识地将美术学科与教育专业学习相结合,更能明确美术教育专业的本质,如《艺术考察》通常是带学生们深入乡村写生及收集美术创作素材的课程。经过整合,可将这门课程改革为《艺术考察与中小学教学调研》,教师带学生下乡写生、收集素材等活动之余,带领他们深入到乡村学校进行教学考察,了解地方办学条件和状况,并让学生提交中小学教学调研报告,思考开发利用地方美术教学资源等课题,这种一举两得的教学活动收到极好的教学效果,一方面,引导学生在美术学习的同时,思考美术与美术教学的关系,另一方面,创造了更多的机会让学生参观基层乡村学校,增进其对美术教育的责任感。再如,《民族民间美术》课程旨在引导学生了解民族民间文化的同时,让学生形成开发利用民族民间美术资源于学校美术教学的思考,如将该课程改革为《民族民间美术与校本课程开发》会更能明确其课程本质。 3.调整最终评价课程结构,明确美术教育专业本质目前,美术教育专业中有许多重要课程与美术专业课程极为相似,特别是“毕业创作”课程多以学生美术作品展示为主,不能全面体现出美术教育专业学生大学四年所学。只有合理调整最终评价课程的组织结构,才能进一步明确这类课程的实质。经过多年的教学实践,学院的美术教育专业“毕业创作”课程改革为“毕业综合展示”。“毕业综合展示”主要侧重于美术教育教学展示和美术学科技能展示两个方面,旨在全面展示学生的综合能力。在美术教育教学展示方面,包括有教学活动展板、教学实物和多媒体教学实录等形式。教学活动展板是在150cm×90cm的展板上呈现学生的教学实践成果,整个设计制作过程也是学生对教学实践进行整理、反思和总结的过程,指导教师组织学生整理充实教育实习中的教案、教学示范图、学生作品、教学录像、教学现场照片等资料,并有序地将教案、教学示范图、学生作品布置在展板上,这也是对学生设计能力的考验。教学实物展示包括学生教育实习的教案、示范图等,还通过多媒体展示学生的执教录像、教学课件等内容。人们在参观学生的美术教育教学展示内容时,都投以极大兴趣和充分肯定,并感受到学生们扎实的教学能力。在美术学科技能展示方面,美术教育专业学生在大学四年学习的美术技术门类较多,学生们的兴趣也十分广泛,这就需要给予学生提供更大的选择空间,可选择进行新作品创作,可选择整理完善自己认为平时画得较好的作品进行再创作,还可选择自己最感兴趣的某类美术内容进行表现;多元选择带来了丰富多彩的创作面貌,有油画、国画、版画、水彩、素描外,还有手工、剪纸、摄影、电脑绘画、设计等内容,这些作品都真实地记录了学生的专业技能及其创作能力,切实展现了美术教育专业学生的美术综合能力。每次的“毕业综合展示”都收到极好的效果,有观众戏称:看美术专业“毕业创作”就像逛“艺术精品店”,看美术教育专业“毕业综合展示”就像逛“艺术精品超市”。“毕业论文”也是美术教育专业的重要课程之一,过去,教师们在指导“毕业论文”时发现许多学生写的毕业论文往往照搬照套,缺乏自己对美术教育的真情实感,而他们对亲身经历的教育实习却有着许多体会和想法。学院将“毕业论文”改革为“毕业实习综述”,让学生从深有感触的教学实践中进行理论性梳理和分析,从中感悟实践上升到理论、理论指导实践的研究性方法。同时,我们还将原来在教室进行论文答辩的场所改在“毕业综合展示”展厅进行,将“毕业实习综述”答辩与“毕业综合展示”密切联系,学生们在相对开放的环境中由感而发,教师们也能从学生的答辩及其美术教学展示、美术创作中对学生形成全面综合的认识。 三、结语 目前,学院成立的美术教育学院为研究美术教育专业课程方案提供了更好的平台,并着力于研究在美术教育的基础上综合音乐、舞蹈等艺术形式和表现手段,形成整合创新、开拓贯通和跨域转换的方法,从而全面培养学生的综合能力,为研究创新型美术教师的培养积累实践经验。 作者:文海红单位:广西艺术学院 美术教育专业论文:浅谈高校建筑专业美术教育的作用 【摘要】素描教学作为造型艺术的基础部分,其训练的一开始就应介入到艺术的本质,不应仅仅停留在技术训练的层面上。应将素描训练看作是人的知觉训练、情感训练、社会人的精神表达式。 【关键词】素描教学 多样性 造型 本质 今天的造型艺术,以其多元的视觉形态冲击着我们的眼睛,令我们的视觉神经得不到片刻的休息。绘画、摄影、多媒体、电影、建筑、雕塑、装置、服装、表演、行为艺术等使造型艺术世界不断扩大蔓延,甚至无法定义。 艺术永远是社会现实的反映。不可否认西方艺术的发展离不开那里的政治、经济、科技、文化与历史,我们这个时代的艺术就是我们这个时代精神观念的反映,有什么样的思想观念就会产生什么样的艺术形式。所以,观念的转变是最重要的! 一、素描是时代精神的体现 我们从艺术史的角度来看,古典艺术是在封建制度下形成的,艺术家是为皇帝或上帝服务的,那时的艺术家一定有宗教情感,几代人为表达一种情感锤炼一种样式,虔诚得并不认为自己所做就是艺术。而进入资本主义时代,文艺复兴以来,人文主义精神得到广泛传播。人对客观世界及对人自身的不断认识,人,作为生命的主体得到了应有的尊重。艺术家发现了潜藏在生命里自由的欲望以及发现与创造的欢乐,造型艺术再也不仅仅是宗教的图解和宫廷的装饰了,要求艺术和科学并列,造型艺术和音乐、文学是同样崇高的艺术形式。进入现代社会,艺术家要通过艺术表现自我,艺术的精神在于创造,而当“人人都是艺术家”的口号进入我们的生活时,当代西方艺术形式的丰富让长期饱受封建意识压抑的人们就不能完全理解了。 素描的多样性是在人的认识不断发现不断创造的过程中形成的,可以说,是在尊重个体人的创造才使素描的多样性成为可能。 我们的教学,是以培养健康的人为前提的。尊重每一个人,发现每一个人的创造潜能,是教育者的责任。其实“人人都是艺术家”就是尊重每个人的存在,我认为仍然是人本主义精神的体现。 由此看来,素描可以有多种表现形式,素描教学的内容应更宽泛些,素描不仅是技巧与方法的训练,也应是思想与观念培养。 二、基础教学素描的作用 素描是思想方法,是一种思维方式。克利说:用一根线条去散步。就说明了这样一个涵义。我们看到历史上中外艺术家的素描杰作,无一不反映了大师的思想及独特的看法。达芬奇、米开朗基罗、丢勒、鲁本斯、伦勃朗直至印象派之前的古典艺术家,在创作之前大都要先画素描草图进行构思,即使现代艺术家塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索也同样是利用素描的方式在思考。因为素描是如此的简便而直接。 造型艺术的基础是由艺术形式决定的,单一的素描方法不可能解决“一切造型艺术”的基础问题。而且,不同的思想观念产生不同的素描形式,达芬奇、米开朗基罗、塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索、齐白石、徐悲鸿各有不同。 素描是要解决造型问题,但更重要的是解决观念认识问题。如在一些新的媒体造型艺术中素描仅是一些辅助手段而已,并不一定需要有很强的素描“造型”能力。 各类造型艺术对素描的要求也是不一样的。建筑设计艺术与纯绘画艺术对素描训练的要求就不同。建筑设计需要理性的介入,尊重科学技术手段,侧重人的心理与生理的社会性视觉需求及实用功能的合理性。在素描训练上更注重理解与分析,对形体的比例、透视、空间尤其是对比例、对数的概念的理解似乎更重要。比如包浩斯的基础课程设置:约翰·伊顿与莫霍利的基础教学就是一个重内在精神冥想,另一个则重实用技术的规范与秩序的代表。 由于艺术观念的不同也决定了素描形式的不一样。中国古代论画有“得意忘形”“以形写神”之说,东坡云:“论画与形似,见于儿童邻”;而西方古典艺术家们为了“形似”却发现了解剖与透视原理。具象写实的画家与抽象表现的画家其素描的表现如此不同,都是因为观念影响了他的表达方式。 素描是一种思维方式,音乐是一种思维方式,区别文学与哲学是因为她们不是用文字语言去思考,而是用独特的语言方式——视觉的或听觉的图像和声音去思考。 素描是视觉的,是看法,也是技术方法。有什么看法就有什么样的技术方法,传统的中国山水画没有焦点透视,中国画家在画一幅画时不必站在固定的一点对景写生,所谓“搜尽奇峰打腹稿”,采用的是散点透视“三远法”;而西方的风景画一定是固定的视点、固定的光线,即使不是对景写生也要运用严格的焦点透视法则和具体的光线效果。最初西方艺术的透视法、光影法传入我国是不被接受的,因为人们的习惯看法被改变了。 素描不仅是思想,还是一种技术。因为艺术的“术”字就不能回避技术问题。中国画讲笔墨技巧,近千年的锤炼已形成了一整套独特的表现技术:勾、勒、皴、擦、染、点……在国门被打开之前,人们觉得画就应该是这个样子。而后的观念变化是看到了世界的模样,是“科学”影响了我们的看法。这时的我们想画一张看上去“正确”的素描,还需要学习相应的解剖与透视知识以及光影变化的规律等技术手段。 素描教学技术训练是基础课教学的重要组成部分,只是这个技术训练要有相应的思想观念作指导。 艺术院校设置造型艺术基础课由三部分组成。即素描、色彩及工具材料的应用。这三部分既有分工也有联系,是一个整体的三个方面不可或缺。素描训练离不开工具材料及对色彩的感觉;同样色彩训练也离不开工具材料及对素描的认识;而工具材料就是一切艺术创造的物质基础,这一点是应该明确的。选择工具材料是观念的问题,而熟悉工具材料就是个技术性问题。素描训练在对“造型”的把握过程中,技术问题就摆到了前面。 任何一种形式观念的素描都离不开可视的媒介载体——材料与图形。材料是平面的或立体的,有色或无色的纸或其它质地的基底,图形是铅笔、粉笔或墨水的痕迹等等,这些材料组合本身就有技术含量。想画得有立体感和空间感,相应的技术和知识是必备的。构图、形体与空间、画面整体感的控制,点、线、面、影调与黑、白、灰的处理,解剖知识、透视规律的运用等等。由于专业的不同所需技术手段亦有所侧重,但在传达对形体的感觉过程中具体的技术手段是丰富的,需要我们去感受去发现。不能否认,有时对技术的探求也会带来观念的变化。 即便如此,素描教学作为造型艺术的基础部分,其训练的一开始就应介入到艺术的本质,不应仅仅停留在技术训练的层面上。将素描训练看作是人的知觉训练、情感训练、社会人的精神表达式。我们知道没有感觉就没有艺术,丰富而敏锐的感觉才是艺术的生命所在。因此,作为造型艺术基础的素描教学应以开启发掘学生天性为己任,发现学生不同的视知觉感受能力及独特的个性化的表达方式,同时辅以相应的造型技术语言以建立起公共勾通能力,这才是素描教学应起的作用。也只有如此才能充分体现出素描教学在基础教学中的重要意义。 美术教育专业论文:高职美术教育专业人才培养方案革新思考 【摘要】高校美术教育专业人才的培养,是基础教育中提高学生审美意识、人文素质的重要环节,在现代素质教育改革中发挥着极其重要的作用。随着新一轮教育改革的不断深入和完善,对美术教育的从业人员,无论是校内的还是校外的,都有了新的要求。论文主要就笔者自身的教学实践和学习探索,提出了关于高职美术教育人才培养培养方案改革的几点思考。 【关键词】高职院校;美术教育;人才培养;方案 1高职美术教育专业现状 在新一轮的教育改革背景下,高职美术教育成为现代素质教育不可或缺的重要环节———提供合格的基础美术教育师资。然而,当前高职美术教育的状况与社会的需求还有很大的一段差距。随着社会的全面改革,特别是教育改革的不断深化,基础美术教育的形式与方式已经发生重大改变,虽然当前高职美术教育的相应改革也在不断扩展和深化,但仍然远远不能满足岗位需要的人才要求。通过研究发现,当下高职美术教育主要存在以下两个问题: 1.1重理论轻技能 当前高职美术教育专业的体系架构,大多沿袭或参照本科专业的体系架构:过于偏重人才对学术的研究培养。然而高职人才培养应该更多地考虑培养毕业生对岗位技能的熟悉度和提高人才的职业素养。 1.2重整体轻个性 目前大多高职院校深陷就业率的泥潭,这一条体制内对院校的评价标准,导致了高职院校面对人才的培养时,更多地考虑“量产化”:针对单一的中小学教师岗位“量身定制”人才培养方案,偏离“因材施教、以人为本”的教育指导方针。因此,当前高职美术教育更多的应该考虑如何培养富含创造力的时代教育工作者。 2高职美术教育专业人才培养方案制定时的前提思考 笔者从自身多年的教育工作经历中发现,我国在校美术专业学生普遍存在着一些难以弄清的疑问,诸如应该重点掌握哪些知识和技能?毕业后假如不当美术老师我还能干什么等;同样的,毕业生也存在着这类问题的后续问题:比如,为什么明明我的就业和专业对口了,却感觉学过的知识对工作上的很多问题帮助不大甚至是感到没学过这类知识?因此,笔者提出:高职美术教育专业人才培养方案制定时的前提思考,应当从岗位能力需求与职业生涯素养两方面出发。让学生在大学学习阶段,就清楚如何才能更好地就业和就业之后如何才能拥有更精彩的人生。 3高职美术教育人才培养方案一专多能的制定纲领 一专多能,就是指人才在多方面都有一定能力,而且在某一具体的方面能做到出类拔萃。随着社会的发展,各领域岗位都出现了学科交叉,知识融合,技术集成的新特征。这一特征决定了每个人都要提高自身的综合素质,既要拓展知识面又要不断深化自己的专业技能[1]。当今社会,一方面中小学的美术教育人才需求逐渐趋于饱和,导致本专业毕业生对口就业压力不断提高,专一能力的人才往往难以找到和专业对口的工作岗位;同时另一方面,现代企业又面临着行业竞争激烈、用人成本不断高涨的时代问题,它们对于一专多长的复合型人才需求变得更为迫切。 4高职美术教育人才培养方案专业知识、岗位能力与职业素养并重的设定方针 笔者认为,高职学生应当在大学阶段,完成以下三方面的学习任务,才能从容面对当今社会对人才的挑战。 4.1掌握足够的专业知识技能 知识,于社会来说就是生产力,于个人来讲,就是成功的基础,知识的重要性已经无需赘言。 4.2具备一定的岗位工作能力 社会工作岗位总是相对有限的,对以就业或创业为目标的大学生来说,自然是僧多而粥少。一个相对满意的工作岗位,它必定是通过毕业生自己的努力争来的。那么,对于一个在企业面前毫无工作经验的大学生来说,于岗位的竞争力是十分欠缺的。因此,具备一定的岗位工作能力,是毕业生面对就业时提升自我竞争力的十分重要的因素。 4.3打下良好的职业素养基础 新中国基础教育发展至今,已经经历了五次重大的教育改革,而改革的优秀一直都是围绕着“素质”一词来展开,其目的主要是让学生在掌握知识文化的同时树立正确的世界观、价值观、人生观等。我国大学生在经历了十二年的基础教育之后,在社会素质方面,已经有了一定的成效,但却仍然存在着许多概而不全的缺陷。特别是对于未曾经历过的职场生涯的学生来说,如何才能把成长过程中养成的素质转化成为有利于往后职业生涯的职业素养,从而使得今后面对社会生活时更加从容,却缺乏足够清晰的认知。 5课程体系架构 关于高职美术教育专业的课程体系,目前国内普遍采用的架构方式,都借鉴于传统高职专业课程的普遍架构方式,即:课程总体结构=基本素质能力课程+职业能力课程+实践教学课程=思想政治素质、人文和科学素质及身心素质课程+职业通用能力、职业专门能力和职业拓展能力课程+基础实训、专业实训与顶岗实训课程。笔者基于自身教学实践体会,在此对职业能力课程和实践教学课程两个模块展开描述。 5.1职业能力课程 目前国内经济的区域性是比较明显的,因此,架构职业能力课程必须针对毕业生的人才市场流向进行分析研究。各地方的人才需求不同,对职业能力的侧重点就应当从有利于服务地方经济发展进行选择。同时,因为当前毕业生就业岗位的多样性特点,所以还需要从一专多能这点来思考课程架构,力求毕业生在专“美术教育”的基础上,还具备能胜任两到三个其他的工作岗位的能力。总结以上分析,职业能力课程可从职业通用能力、职业专门能力和职业拓展能力三个层面进行课程架构:第一,职业通用能力课程:本类型课程是美术教育专业类学生必须学习的专业基础理论和专业基本技能课程。第二,职业专门能力课程:本类型课程直接对应岗位工作任务和职业能力的需求,是形成本专业特有优秀能力的关键课程。第三,职业拓展能力课程:本类型课程是根据学生就业方向和行业应用领域需求设置的模块化课程,是职业专门能力课程的拓展和深化。 5.2实践教学课程 在职业通用能力、职业专门能力和职业拓展能力课程体系中,实践教学课程分三种类型,即基础实训、专业实训与顶岗实训,三者实现层次化的实践教学过程:一体化课程:理论教学与实践操作一体化,这类课程都在实训室或者机房中完成教学工作,主要实践任务是验证性实践教学和校内生产性实训。实际项目课程:这类课程包括教育见习、实习、专业综合实训、毕业设计等,力求达到学用结合的目的。顶岗实习和假期社会实践:假期社会实践活动是短期的体验式顶岗实习,毕业顶岗实习是最后的教学环节,学生以准员工身份到企业顶岗工作。 6教学进程整体设计 在教学进程设计时,应注重考虑课程与课程之间关联性。美术教育专业的课程和其他艺术类课程一样,课程与课程之间往往具有很强的承前启后的递进式特征。传统的整体设计方法一般采用5+1的模式,即前面五学期在校学习理论和技能,最后一学期则安排单位企业实习等实践教学。在这里,笔者有鉴于职业技能学习的实操性为重的特点,提出一个新的模式:2+0.5+2+0.5模式,即入学两学期学习基础理论和技能+第三学期用半学期参加岗位见习+接下来两学期的专业理论和技能+最后的半学期顶岗实习。这一模式的优点是两个“0.5”的安排:第一个0.5学期的见习,更有利于学生对岗位有了一定的了解后,能对接下来的学习重点和学习方向有更清晰的认知;第二个0.5,即毕业前的顶岗实习,可更有利于毕业生从校园走向企业的过渡。职业教育是一个与时俱进,满足社会职业岗位需求的教育体系,其人才培养方案制定往往受到社会人才需求的映射,因此只有不断革新人才培养方案,才能真正实现职业教育的社会服务功能。 作者:庄福鹏 单位:阳江职业技术学院 美术教育专业论文:幼师专业美术教育工作研究 一、当前幼师专业学生现状 中专生和普通高中学生的文化课相比基础知识明显不扎实,存在很大差距。尤其是数学、物理、外语这些科目。而美术不等同于绘画,尤其是幼师专业,学生要学习的内容繁多,这就在一定程度上影响了学生的学习效果。 二、如何做好幼师专业美术教育工作 教师的职责是教书育生,而作为美术教育工作者,我们不但要育生,还要感染学生,培养学生审美、鉴赏美、创造美的能力。那么,我们应该如何做到这些呢? (一)营造轻松、愉悦的学习氛围 美术课与其他文化课一样,教学中教师也应尽可能地让学生感到轻松、愉快,即营造轻松、愉悦的学习氛围。首先,教师的教学语言要尽量生动化、通俗化、口语化。在讲解美术理论知识时,教师要避免太专业化的术语,而应把复杂的知识简单化,这样会收到很好的教学效果。其次,美术教师可以采取现代化的教学手段,利用多媒体播放一些与作品内容相关的乐曲,以活跃课堂氛围,充分调动学生的视觉、听觉,让他们轻松掌握美术知识,提升审美能力。 (二)教师要提高自身综合素质 随着幼师教育的改革与发展,社会对幼师教育提出了新的要求。幼师专业教师要想适应新时代的新要求,就必须不断学习,丰富专业知识,提高自身业务能力。除此之外,教师的能力也不能单单局限于美术自身,还应广泛涉猎美学、哲学、心理学等学科,以提高自身综合素质,更好地开展幼师专业美术教育工作。 (三)将课堂还给学生 幼师专业美术教学中,教师应将课堂交给学生,除了传授基本的美术技能外,其他方面都应让学生去自由发挥,让他们自己去思考,展开想象,大胆创作,这样有助于提高学生的想象力和创造力。 (四)加强美术欣赏教学 教师要重视美术欣赏教学,它有利于培养学生发现美、鉴赏美的能力。美术欣赏教学中,教师要先引导学生了解所欣赏作品的创作背景和作者思想,再通过讨论、比较谈谈自己对作品的看法、见解和认识,从而让学生从感性认识慢慢上升到理性认识,通过表象渐渐探究其事物的本质及其内在美,提升审美能力。 三、总结 总之,幼师专业学生的美术教育工作并不简单,我们只有更新教育理念,调整教学目标,从学生实际情况出发,灵活运用各种有效的教学方法,发展学生的创新思维,才能培养出适应幼儿美术教育发展的高素质的幼儿教师。 作者:郭屹梅 单位:石家庄市学前教育中等专业学校 美术教育专业论文:美术教育之展示设计专业 从我院的学生方面来看,他们对美术课不重视,艺术感觉迟钝,尤其网络等一些思想对学生的影响,比如在服装的标新立异等审美让他们没有一个美与丑的标准,没有对色彩的理性认知。这些学生进入学校后,面对美术课就产生了困惑与茫然。同时由于学生的年龄在十八、九岁,心理发展处于不稳定阶段,学习中经常出现情绪的反复波动。因此,深入了解学生的实际情况有利于美术教学。 一、解决美术教学中存在的问题 针对以上的问题,通过在教学的不断摸索中,我认为可以从这几方面入手来解决这些问题。第一,要对本专业学生的基本情况进行分析,针对问题,采取相应的教学方法和措施。由于大多数学生没有绘画基础,因对专业的不明确或择业需要才选择本专业,面对美术课,他们有的新奇、有的不知所措。作为教师首先要向学生讲清楚学习目的:美术课是设计课的基础以及二者的密切关系。激活学生的学习兴趣,这点应在课前首先提出并提供详实的举证。第二,美术学习的关键在于把握造型与色彩的基本规律,并通过动手操作来掌握这些技能。因我们的学生没有美术基础,美术课时较少,所以要调整课程内容。在教学上,要简化教学内容,突出重点,以点带面,少而精。让学生掌握关键技法并对学生强化练习,以加深熟练掌握技法的程度。第三,长期以来处于应试教育的学生,创造力普遍不足,尤其对展示设计专业的学生影响更为重大。应试教育的最大弱点,大部分学生只能在框架内进行死记硬背地学习,比较呆板,就是限制了学生的想象能力。想象力是创造力的前提,展示设计专业需要人的创造力,如何提高学生的想象力与创造力也就成了职业学校展示设计专业应该解决的重要问题,而这个任务又落在了美术课中。美术课不仅要学习绘画的表现技法,还要激发想象力,为设计打基础。这就需要知识面的拓宽,需要触类旁通的比较,可以通过一些知识讲座,将音乐、舞蹈、建筑等赏析特点介绍给学生,形成艺术形式的互比,提供想象的实例,为设计奠定必要的基础。这样,想象———归纳———创作设计,这条学习脉络就显现出来了。通过艺术专题的讲座,提高学生的鉴赏力,是强化美术教学的一种方式。教师也可以通过课堂实践,诱导学生的想象能力,如把几样独立的物体进行组合,指导学生如何视其为一个整体,这就是美术课中想象能力培养的具体体现,也是归纳的一种方式。 二、增加实践教学,改进职业美术教育的教学方法 我院展示设计专业在美术教学中增加实践教学,其主要目标是要改变以教师为中心的传统教学模式,构建一种既能发挥教师“教”的主导作用又能充分体现学生“学”的认知主体作用的新型教学模式,在此基础上实现教学内容、教学手段和教学方法的全面革新,为学生创新能力和信息能力的培养,营造最理想的教学环境。我院的展示设计教研室,既有擅于应用的教师,参与企业一线的生产活动;又有从事理论研究的高素质教师,结合起来,就是一个很好的“双师型”团队。展示设计领域瞬息万变,教师的艺术观点和艺术思想都会在课堂中逐步渗透给学生。因此,不断提高教师修养和业务能力是培养教师业务能力并提高层次的大事。此外,本专业的实践能力也相当重要。展示设计是一个商业化的行动,必须与社会企业的需求紧密结合,并要根据对方的实际需求,设计出切实可行,符合生产、推广或传播要求的作品。专业教师必须参与社会上的设计活动,甚至在设计公司兼任一定的工作职务,这样才会不被瞬息万变的时代所淘汰。理论与实践结合是职业类学校培养技术应用性人才的基本途径,有了实践,才会避免不切实际的纸上谈兵。随着计算机在设计领域的广泛应用,尤其是计算机应用图像、应用设计、应用教学等软件的开发利用,也给美术教学带来了从教学方式到教学内容上实现新突破的契机。我认为实践教学应该在教学计划中占有较大比例,实践教学的主要目的是培养学生的技术应用能力。我院展示设计专业现在拥有写生画室、喷绘室、电脑机房、制作室等一系列专业方面的工作室,增添省时省力的机械设备,使教师和学生从耗时耗力的手工体力劳动中解脱出来,有更多的时间用于思维和创造,还可以成立广告公司和装饰公司,直接参与激烈的市场竞争,使教学更好的服务于社会。在实践教学中,我积极把握每个细小环节、过程解惑给学生,更好的教书育人。根据职业技术院校的教学要求,我们培养的学生要“一专多能”具有实用性。能够让学生学以致用,学有所用,学以适用,有重点性、针对性的教学,以实践为基础,以教学理论为依据,充分发挥职业教育的特点。所以在教学中我特别注重培养学生的实践动手能力、创造能力和创新思维能力,利用现代化的教学手段积极引导学生学用结合、学以致用,提高专业实践技能,理论结合实践教学。 作者:王丽 单位:哈尔滨技师学院 美术教育专业论文:美术教育专业素描教学思路 【摘要】素描课程是高校美术专业的必修课程,也是一门重要的课程。从目前的现状来看,素描的教学思路存在着一定的问题和弊端,在新课标的要求下,各大高校要对素描教学思路进行改革,给学生提供更好的学习环境和掌握绘画的技巧。本文就美术教育专业素描教学思路和改革进行分析和探讨。 【关键词】美术教育专业素描教学思路改革 素描是造型艺术的基础,也是美术学科的根基,是美术专业生最先学习的画种之一,从古至今,素描教学都是美术专业教育中不可缺少的部分,起到了建设性作用。素描教学不仅仅包括技能性学习,同时还包括学生通过绘画各种石膏像对事物的态度和认识,更能够培养学生的基本专业素养和审美感知度。 一、美术教育专业素描教学所存在的问题 1.受到经验的限制 从目前高校传授素描知识及技能的角度来看,受到了传统经验的限制和束缚,在讲课的过程中不能够加进新时期的元素,不能在讲授知识的基础上进行创新。素描教学中有一些专业术语,例如:明暗交界线,反光等,需要学生在清楚地了解涵义基础上进行绘画,其次在教学中还存在着结构,虚实等规律和概念是常用语,其余的都靠教师讲解,不同的教师所传授的知识是不同的,培养出的学生也是不同的。一些客观的词语虽然有助于掌握素描知识,但缺少了吸引力和趣味性,导致学生的参与性较少,限制了学生的思维。 2.课堂不够规范 部分教师为了打破原有的课堂氛围,实行大胆的尝试,摆着为学生创造自主学习的空间为原由,以培养学生的真实感受和体验为主,经常组织学生到户外观察生活,这使得教学目标变得盲目。导致了学生对素描的学习不重视,使得素描教学变得机械化和程序化。 3.缺乏好教材和专业性教师 随着教学大纲的不断深入,素描教学也在不断地向前发展。高校请了许多优秀的素描教师,同时也出版了许多精品教材。但是教师的授课水平不够精,对于每部分的内容都只是“蜻蜓点水”,没有系统的传授出素描知识和技能。许多美术教材也都是只提到了美术绘画中的素描技巧,并没有针对美术教育专业着手研究素描教学。 二、美术教育专业素描教学的教学思路 美术教育专业的素描教学构建的是师生共同探讨完成素描作品,素描教师所培养的学生未来从事的工作与自己一样也是美术教育,在传授专业技能的同时更要学会怎样去做人,要综合考虑学生的实际专业情况和专业特征,能够在传授素描知识的同时,满足学生的专业发展需求,努力去完善素描教学体制,使教学内容展现现代化的教学特征。 三、美术教育专业素描改革的措施 1.改变现有的教学模式 美术教育的素描教学上应当以基础为主,主要让学生懂得理论知识,其次理论与实践相结合。所以,在传授素描知识的过程中,必须要转变以往的教学模式,在教学中适当加入学生的能力培养,素描教学中的能力培养主要表现在学生对外界事物的感知能力,对客观事物的分析能力和理解能力以及表达能力和创新能力。 2.以培养学生的兴趣为主 在新课标的要求下,美术教育专业的素描教学要以学生作为课堂的主体。在教学的过程中,要以吸引学生的兴趣为根本,在课下可以让学生关注一些近期素描教学的热点问题,激发学生对素描知识产生兴趣。另外,在教学内容的选择上,要尽量选择学生喜爱和感兴趣的课程内容进行讲解,对知识点要注意概括,将较难的学术问题化成简单的语言进行描绘。总之,在进行素描教学的时候,要以激发学生的学习兴趣为主,其次要掌握素描知识必备的内容,为今后的美术教育研究之路打下良好的基础。 3.选用合适教材 美术教育专业是所有美术专业中知识内容较多,学业较大的一个专业。因此,在教材的选择上也要区别于其他美术专业,在素描教学内容的讲解上既要涵盖丰富的知识内容,又要结合实际进行教学研究,优秀的教材对学生的素描学习以及专业的发展方向都有着至关重要的作用。另外,在美术教育专业的教师选择上也要下功夫,要选择专业能力和职业素养综合能力较强的教师,这关系到素描教学的质量提高,也关系着整个美术教育专业的发展前景。本文通过三大方面对美术教育专业素描教学思路和改革进行分析和探讨,提出了目前我国美术教育专业素描教学中存在的问题,同时分析了教学思路和改进措施,起到了良好作用。美术教育专业区别于其他的美术专业,它是项综合学科,既要求有理论知识的储备量,又要求有动手绘画的能力。要考虑到学生的接受能力和创新能力,转变原有的素描教学的观念,让学生深入体会素描知识和素描技能,希望不久的将来,美术教育专业的素描教学能有更大的突破和发展,为更多的学生创造更美好的课堂。 作者:孙奥 单位:江西师范大学美术学院 美术教育专业论文:小学完善专业美术教育思考 【摘要】小学美术教育专业是以培养高素质小学美术教师为目标的综合型专业。文章就如何培养小学美术教育专业学生的知识结构和能力结构等问题进行了探讨。 【关键词】小学美术教育专业;知识结构;能力结构 小学美术教育专业是以培养高素质小学美术教师为目标的综合型专业。其专业特征一是职业导向明显,二是带有很大的综合性。[1]对小学美术教育专业学生的知识与能力结构的培养,一方面要合理把握美术专业内涵和美术课程结构,另一方面要充分兼顾到学科类课程和小学美术教师职业技能培训的特点。 一、小学美术教育专业的知识结构 信息社会的发展,需要培养具有良好的科学文化素养、综合的创造性思维方法和熟练掌握本专业技能的艺术教育人才。小学美术教育专业学生的知识结构包括以下三个方面:(1)教育科学方面的理论知识;(2)美术专业知识和技能;(3)各学科的基础知识。围绕这三个方面从以下几点来思考,可以更好地对学生进行知识结构的培养。 (一)良好的人文素养 无论是美术专业知识还是美术专业技能都只能存在于一定的社会文化环境中,是以人文素养为基础的。人文素养是指个体掌握的历史、哲学、文学、宗教、艺术、审美等学科知识以及在此基础上形成的对人类生存充满深情关怀的意识,人文素养就其优秀来说,主要是指人的世界观与人生观,以及人文科学中体现出来的以人为本的精神。它包含两方面的内容:人文学科知识和人文精神。良好的人文素养是由历史文化和传统精神熏陶而成的修养和气质,是融进了自已理解和悟性的认知结构,是对人格心理及人生定位有着巨大影响的“遗传基因”。[2] 人文知识不等于人文素养,人文知识是指史学、哲学、文学、法学等人文类学科的知识。 (二)较强的创新思维 知识经济的灵魂是创新,而教育是知识创新、传播和应用的主要基地,也是培养创新精神和创新人才的摇篮。我国教育的现状,还是偏重知识传授而轻过程分析的应试教育,教学方法多是科学主义的理性分析法,受教育者的创新能力还没有得到较好的开发和培养。 艺术教育具有开发创造性思维能力和培养创造性人格的价值,培养小学美术教育专业学生的创新精神,提高他们的创造性思维能力,形成其创造性人格,这与高校培养人才的目标是相一致的。 创新教育的优秀内容是教学方法的运用,它要求教育者在教学中注重创新教育观,即以培养创新人才为己任的教育观,它是人本教育观、素质教育观和健全的人格教育观。它不仅要求教育者倡导民主的教学作风,轻松愉快的教学情景,不轻易否定受教育者的思维结果,而且还要注重在校园范围内营造有利于师生催生创新灵感、激发创新潜能、保持创新活力、涵养创新素质、取得创新成果的文化环境,以及注重激发受教育者的思维为关键,注意激发、培养求同思维和求异思维,尤其是批判性思维。 (三)厚实的可持续发展的知识修养 可持续发展是当代社会的新理论和新战略。创新教育的结果是科技的进步和劳动者素质的提高,而科技的进步和劳动者素质的提高又有利于促进创新,有利于可持续发展。[3]知识经济是以智力资源的占有、配置为基础,以科学技术的知识生产、分配、传播和使用为支柱,以创造性的人力资源为依托的经济形态。自然知识和人文知识还要与人文素养和自身能力诸方面和谐发展,才能确保其主体行为符合可持续发展的宗旨,并创造出可持续发展的社会价值。 对小学美术教育专业学生进行可持续发展的知识修养的教育是以可持续发展价值观为优秀的教育,旨在使每个受教育者形成可持续发展需要的价值观念、行为和生活方式,进而促进社会的可持续发展。在科学发展观指导下广泛实施可持续发展教育,将会逐步提高教育质量,把我国教育改革与发展推进到新的历史阶段。(四)丰富的现代教育知识与技术 面对信息社会的挑战,教育改革速度加快以及新型的教学方式,要求小学美术教育专业学生适应新的教学环境而不断提高自己的教育技术素质。现代教育技术,一个支点是教育,一个支点是现代技术,它是先进教育思想与先进科学技术密切结合的产物,并且现代教育技术随着科学技术和教育思想的发展而不断充实和丰富新的内容,增加新的内涵。 现代教育技术就是以现代教育思想、理论和方法为基础,以系统论的观点为指导,运用现代化教育技术进行教学,由于具有直观性、形象性,给人强烈的活动感、立体感等特点,所以能极大地引起受教育者探求知识的热情和兴趣,减少教学过程中的枯燥无味感,充分调动受教育者视觉听觉等多种感官的综合参与,对提高教学效率和教学质量,起着十分重要的作用。 二、小学美术教育专业的能力结构 根据小学美术教育专业的特点,学生的能力结构包括以下五个方面:(1)审美教育能力;(2)组织教学能力;(3)专业活动能力;(4)美术科研能力;(5)获取信息能力。根据以上五个方面,教师培养他们的能力结构应注意以下几点: (一)把审美教育能力的培养放在第一位 席勒说:“若把感性的人变为理性的人,惟一的路径是使他们成为审美的人。”[4]面对小学美术教育的预备军,要想他们将来成为审美教育的工作者,必须先使他们成为审美的人。对学生审美教育能力培养的基本任务是:1.敏锐的审美感受能力;2.全面的审美鉴赏能力;3.初步的审美创造能力。而这三种能力的培养是在相应知识建立的基础上发展而来的,教师在教学过程中,应把审美知识的传授与审美能力的培养具体体现在教学活动的各个环节上。 (二)组织教学能力和专业活动能力的培养是关键 组织教学能力的培养不仅仅是教育教学理论和方法的培养,而且还要把儿童心理和生理与儿童美术教学有机结合起来,在如何科学地对儿童进行美术教育,综合提高儿童素质上下功夫。 专业活动能力是组织教学能力的前提和基础,它包含两个方面:1.了解小学美术教学大纲,研究小学美术知识和技能,具备给儿童传授知识和指导学习方法的活动能力;2.具备美术专业创造能力。这要求教师在美术必修课、选修课、教育实践环节中,融入专业活动能力的培养,使学生具备全面的科学教育知识和广泛的各科基础知识,具备丰富的美术知识和基本表现技能,并培养学生在教育实践活动中运用这些知识和技能。 (三)美术科研能力和获取信息能力的培养是发展的要求 小学美术教育专业培养的学生是将来推动素质教育和时代进步的基础教育工作者,它必须适应社会发展的步伐,符合时代的要求。由此,小学美术教育专业必须培养具有时代开拓精神和一定科研能力的高素质的小学美术师资。 对学生的美术科研能力的培养要注意两点:1.对小学美术教育的课程设置、教学内容和教学方法等科研能力的培养,推动学生将来深化教学各方面的改革;2.对美术学科的科研能力的培养,促进学生艺术创造和艺术思维的提高。 对学生能力结构的培养,也是学生将来从事小学美术教育的需要,同时也是培养学生良好的思想道德和合理知识结构的重要途径。 总之,对小学美术教育专业学生的知识与能力结构的培养应以培养高素质小学美术教师为目标,以培养他们具有良好的人文素养、较强的创新思维、厚实的可持续发展的知识修养和丰富的现代教育知识与技术,以及熟练掌握本专业技能和科研活动能力为任务,使小学美术教育专业学生的知识结构与能力结构能更快更好地适应21世纪基础教育改革和发展需要。 美术教育专业论文:高等院校美术教育专业的思考构建 摘要:近些年,随着社会经济的深入发展,构建一个开放的、科学发展的美术教育观念是社会发展中需要关注的问题。高等院校美术教育专业要与学校的美术教育、社会公共美术教育模式形成相互促进的发展群体,美术教育专业应该追求创新模式,打破传统的教育教学观念,对我们的美术教育有一个新的认识和拓展,让我们的美术教育完成它特殊的教育教学职能以及独特的社会角色。 关键词:构建;高等院校;美术教育 美术教育的实现和推广自然离不开学校对美术教育的诠释与开展。美术教育的开展要明确美育的内涵和作用,然而从高等院校美术教育专业的发展情况来看,与其他的美术教育相一致,在培养的过程中始终离不开传统的绘画教育形式,忽视了文学在美术教育中对人们审美的影响和培养学生的个人修养。专业的艺术高等院校在美术教育中显示的是一种脱节现象,始终在自己的领域里发展。随着目前美术教育思想观念的不断变化与完善,美术教育不仅仅要在学科建设中满足社会发展的对人才培养的需要,还要在教育过程中体现出自身专业的优势与学科建设。美术教育首先要从内涵概念入手研究,对其有着一定的认识与了解,再进行美术教育的发展定位,最终完成具体的学科建设工程。 一、关于美术教育概论内涵的认识与理解 1.美术教育的基本内涵 高等院校的美术教育专业,因为受到艺术院系大环境的影响,对于目前美术教育优秀思想的理解与认识严重不足,缺乏系统和整体性的教学方式,在绘画教学中的惯性思维,导致在借鉴与应用一些美术教育思想时出现极大的偏差现象,很多学校美术教育中认为绘画就是美术教育。美术教育不是简单的绘画教学,要给学生们添加适当的理论基础课,理论学科是学习所以知识的入门与根基,没有理论知识的绘画美术是没有任何意义上的美术教育。构建完整的美术教育思想体系和课程安排,是我们在美术教育中需要思考的重要问题。缺乏思想的美术教育是无法体现现代美术教育的精神与内涵。各级高校的美术教育专业要培养适应现代经济发展的精英美术人才,要对美术教育的内涵进行全新的分析与鉴定,重新认识与理解美术教育的内容和精神涵养。 2.美术教育的定义与发展历程 美术教育在教育教学中通常被理解为造型艺术教育,其中包括绘画艺术、雕塑艺术、工艺美术与建筑设计四个大的门类,对它们的基础知识以及技法进行学习,侧重学习造型元素、设计方式和组合技巧,加强学生们对美术在实际生活中应用的理解。随着社会的不断发展,每个时期美术的教育有着不一样的教育目的与教育思想,其中的内涵也是在不断的变化。生活水平的不断提高,以至于人们追求高品质的艺术生活,人们对自己的生存状态、文化修养不断的重视,美术教育已经渐渐超出了传统的绘画雕塑等美术门类的学习,它的思想理论延伸到对当代社会文化的学习以及视觉艺术的欣赏。美术教育强调教育和社会的互动交流,以及视觉表达和对学生们交流能力的培养。从上个世纪六十年代以来,美术教育的理论就开始形成一种以建设学科为基础的美术教育思想。主张美术教育不仅仅是专业课的修养,更要注重培养学生对基本学科的认识以及美术史学、美术创作。这一思想理论的提出对美术教育的课程产生了很大变动,把我们的美术教育作为一个学科门类,通过严谨的课程学习来培养学生们对艺术的理解,从而实现高校开展美术教育的教学价值。随着20世纪后半叶的发展,文化以及经济的全球化,美术教育在世界范围内又出现了新的思想潮流,美术教育开始主张多元化的教育思想。这些理论渐渐丰富和完善美术教育的课程与思想。 二、现代美术教育中高校美术教育专业的思考 高等院校实施新课标的同时,也就对传统的美术教育提出了新的教学观念,美术学院作为培养美术型人才的基地,不能坚守传统的教学模式,要跟随在改革发展的步伐,形式适合自己院校学生的美术教育课程教育模式。因此,作为高校美术教育者,我们必须研究美术教学改革措施:一、关注学生知识的储备,调整课程结构;二、美术教师不是专业工作者,而是教育工作者;三、重视教育实习,培养学生教学实践能力。当代美术教育面向的不仅仅是在校学生,同时也针对社会上的广大人民群众,它是一个综合性概念。目前而言,从许多艺术高校的美术教育专业来分析,教育教学中首先是培养专业美术人才,确定美术教育专业教育教学的目标。其次,与其他普通艺术教育的师范类院校相比较,美术教育中的教学目标以至于教学方法都有着很大的相似性。因此,在现代美术教育中要确定学科发展定位是十分重要的,符合社会的发展需要是美术教育的前提。我国城市化建设规模在不断扩大,配套的公共领域也得到了发展,美术教育体现在公共美术领域发挥着极大的作用,伴随着美术教育发展的内容,其所体现的社会价值越来越得到关注,在这一背景下,艺术院校的美术教育迎来机遇与挑战,要结合公共美术教育形式统一的整体进行教育教学活动,并且承担我们公共领域的美术教育功能。高校美术教育应该借助公共美术教育这一平台培养更多的综合型美术人才,并且普及公共群众美术知识,体现美术教育对社会发展进步的重要推动作用。高校美术教育的发展也就至关重要,构建完善的美术教育体系也是我们需要探讨的问题。 三、高等艺术院校的美术教育专业教育教学的构建 近年来,我国高等院校在美术教育方面飞速发展,报考美术专业的考试也渐渐增多。传统的艺术教育类美术学院以外,各种师范类、综合类高等院校也建立起了美术教育。美术学院的美术专业也在逐渐增多,像艺术设计与动漫专业的产生。这些美术教育专业的发展体现了我国经济的快速发展,文化底蕴的不断加深,人民群众的自身素质也得到提升,对综合型的美术型人才需要越来越大,给我们高校的美术教育带来了巨大的挑战。1.建立开放式的课程结构为适应公共美术教育在艺术院校的发展,针对培养社会型人才需要,更好的发挥美术教育专业发展的优势与推动作用,在构建开放式的课程结构方面就显得尤为重要了。第一,我们要对原来的美术教育课程进行调整,更多的开展以研究性为主体的课程体系;第二,要对社会发展面临的新的形势、性质进行相关性的了解和研究,构建适应新的社会环境的多元化课程结构,同时将公共美术教育需求应用到现代美术教育专业课程的建设之中,填补学校与社会教育中缺乏联系的空档,建立出以公共美术教育为发展目的的课程教学结构。2.加强实践教学与教学资源的利用美术教育中要加强对实践课程的建设,其中包含这对美术实践以及社会实践的课程建设,在实践教学中强调出美术教育的重要性。美术教育专业的发展需要依靠学院整体的资源进行推动,利用学院的教学资源共享,对实践类美术教育进行学习,即完成了美术教育中的整体教学与互动,也达到了培养艺术绘画学习以及美术教育内涵的培养。教育教学中可以引用社会话题参与美术教育的讨论中,同时还可以将美术教育与社会实践相联系,在互动中学习美术知识,从而让美术教育以及社会美术教育的发展得到紧密联系,相互促进。高等院校的美术教育是一种通过对美术史学的综合学习来培养群众们的审美观念。3.传统的绘画教育是美术教育的基础美术教育应该追溯到传统的绘画教育,以传统的绘画优势重新设立课程目标以及相关的学习方法,让同学们重新来认识绘画在美术教育中的重要作用与意义。在高等院校的绘画教学中,绘画的技法与所需要的专业知识将不是我们学习的重点,学习的关键在于通过对课程的学习了解美术的发展历史、学派风格以及作用等内容的综合性学习。美术教育中的绘画不仅仅是画好一幅画、拥有娴熟的绘画技巧那么简单,而是用心体会学习绘画的过程,深刻了解其背景与思想,展现当代美术教育的意义,从而加深人们对绘画乃至美术教育行业的认识。构建一个严谨的、科学的美术教育课程是美术教育专业的必然结果,也是学院美术教育的一大特色,专业知识的硬性体现。 四、高等艺术院校的美术教育专业发展的意义 构建高等院校的美术教育体系不同于其他类型的美术教育,首先,高等院校的课程领导人要明确教学的方向,深刻认识培养学生综合能力;其次,在美术专业的课程编排中,要避免对专业无限制的细分,要注重学生美术基础知识的培养,合理的对专业进行划分;在设立课程是要明确专业课与基础课的比例,专业课的学习认知离不开扎实的基础知识学习,加强美术教育学科与其他学科的联系,更全面的接触各方面的知识体系学习。最后,教师在教学方面,应该不仅仅重视专业技能的传授,掌握一项专业的技能,更要注重学生的个人素质以及创新精神的培养专业院校的美术教育的传统与气质随着时间的发展不断的累积与沉淀,学院美术教育会有着自己独特的美术教育魅力,在时代的发展中,美术教育会继续秉承着传统的底蕴,树立明确的专业定位和文化涵养,也体现了在时代变迁中美术专业的人文精神和人类发展的创新意义。 结语 纵览全局,当代院校美术教育的发展是在“大美术教育”的前提下,推陈出新,随着社会文明进步的不断发展学会创新,与时俱进,走出原有的美术教育模式,结合现代美术教育思想观念和不断进步的审美要求,遵守科学的合理的美术专业知识,最大程度发挥学院美术教育在大美术教育中的重要意义,推动整个学术教育行业的不断发展与进步。现代美术教育教学的方式相对而言是比较传统的,我们在教育教学中要渐渐完善教育体制,吸取国外优秀的教学模式,而不是照搬应用,结合自身美术教育特点,形成一条特色的、适合我国院校发展的创新美术教育之路。 作者:陈权 单位:镇江高等专科学校艺术设计学院 美术教育专业论文:谈高校美术教育专业学生教学能力培养 摘要:高校美术教育是培养优秀美术教师的重要手段,通过完善高校美术教学,加强对美术专业学生的教学能力培养可以为未来的美术事业培养更多的优秀人才。在高校美术教育的实际教学过程中,教师要不断更新教学观念,采取恰当的教学手段,针对美术专业学生的实际发展状况,完善教育教学方法,营造良好的教学环境,切实培养学生的实际教学能力。本文采用文献分析、综合研究等方法,对高校美术教育中的实践应用不强、专业市场定位不清、学生教学基本功薄弱等问题进行了细致的研究与探索,并提出了具体的培养策略。 关键词:高校美术教育;学生教学;能力培养 随着素质教育的深入改革与发展,美术教师在我国素质教育的进程中发挥着越来越重要的作用。同时,也为我国高校美术教育专业的发展开辟了更加广阔的前进道路,提出了更加严格的发展要求。在具体发展的过程中,随着社会对艺术专业关注度的普遍提高,这些日常的建设问题也慢慢凸显出来。因此,怎样提高高校美术专业学生的实际教学能力,加强学生自身的美术基础知识,使他们经得起时代的考验并适应不断变化的教育教学要求,是目前面临的关键问题所在。本文从高校美术专业学生教学能力培养的全新发展趋势、发展问题,以及具体的发展措施进行了初步的分析与探索。 一新课标对学生教学能力培养的新要求 (一)专业课程教学变化 随着新课程标准的不断发展与改革,在我国高等院校中,越来越多的专业要改革以往的教育发展模式,充分考虑新课程改革的建设要求。高校美术专业的课程标准体系对高校美术提出了严格的教育教学要求,强调美术课程教育要具有艺术性、文化性、专业性与创造性,强调学生要具有综合的审美能力,培养学生进行美术教育时要注重教育的文化性倾向,要跟日常的教育教学科目区别开来。 (二)对教师的要求 对于美术专业课程的教师而言,现代美术教学模式改变了传统的教师教育角色,教师由原来的灌输者、讲授者变成了现在的交流者与合作者,教师与学生之间的联系更加紧密,充分体现了现代化教学中“以学生为中心”的教学理念。另外,针对目前高校培养专业化综合型人才的发展要求,高校美术专业的教师不但要有扎实的基础知识,还要不断转变教育教学理念,掌握时刻变化的美术语言,切实提高自身的表达能力和理解能力,最重要的是,要具备创新能力和具体的实践能力,这样才能带领学生更好地进行实践操作,切实提高学生的教学水平。 二当前高校美术专业学生教学能力培养的主要问题 (一)美术专业学生的培养方向出现偏差 随着我国经济的不断发展以及新课程改革的逐渐深入演化,社会各界对我国的美术事业产生了更加深入的了解与认识,人们逐渐认识到现代美术产业不仅是一门单纯的美学课程,它更是一门艺术和一种文化。这种认识的改变也在一定程度上提高了社会各界对美术教师的教学要求,现代美术教师不但要有扎实的美术功底,更要在绘画的基础上引导学生学习绘画教学。但在日常的学习过程中,教师往往只注重学生个人能力的提高,而忽略了学生实际教学能力的培养,因此,造成了学生不懂教学规律,专业性太强,教学方法不得当等普遍现象的产生。 (二)学生的教学实践能力差 近年来,美术专业的毕业生总体岗位建设情况呈现逐年下滑趋势,他们的总体教学水平低下,教学实践能力不足,甚至有的毕业生面对讲台、面对学生会产生明显的恐惧心理,严重影响实际教学质量以及优秀美术人才的成长发展。另外,有的毕业生个人美术基础深厚,自身拥有极强的美术建设能力,但是却不能将自身的美术理念、美术建设方法以及整体发展思路很好的教授给广大学生,因此,便容易造成教师授课压力大,学生学习困扰多等不良现象的产生。 (三)学生的职业技能训练流于表面 目前,大多数高校的美术专业设置仍然注重基础专业课程的建设与发展,对于美术欣赏类课程、人文类课程缺乏总体的规划与安排,对于高等美术作品欣赏类课程的开设更是少之又少。这就造成了部分学生表面美术功底深厚,而真正符合实际教学需要,集知识与能力于一身的专业人才缺乏的实质现象。另外,由于学校片面强调学生的专业技能培养,学生没有良好的美术作品鉴赏功底,缺乏教育教学的积极性,也导致了学生毕业后不愿意从事相关的美术教学工作,从而使学校的美术教学人才培养目标得不到很好的实现。 (四)课程实践性不足 实践是人才培养的必备环节,并不是为了装饰教学的一种华丽手段。近年来,部分高校美术专业的授课模式依然采用传统的理论性教学方式,即教师讲授理论知识,学生进行记忆并且实际操作的过程,而学生走出校门进行具体实践的机会很少,造成这种现象的原因不只是因为学校的职业教育理念落后,还与学校、教师的实践认知错误存在莫大的关系。目前,我国美术事业建设发展需要的是拥有较高专业技能的综合性教育教学人才,而高校优秀的美术教学人才需要大量的学习时间和具体的专业实践才能真正上岗,因此,更加需要学校增加学生的实践性课程,让学生获得更多的实践机会。 三造成学生教学能力培养问题出现的原因 (一)高校缺乏体统的课程培养体系 高校美术教学人才的建设是一个完善的系统工程,但目前高校美术专业开设的教育课程大多集中在专业课学习上,具体包括绘画临摹、人物写生、艺术创作与观察等,对于选修课没有投入太多的研究精力,课程内容与必修课程存在重复现象,课程建设注重美术的专业性,忽视了美术教学鉴赏能力的培养以及学生教学能力的提高,并且学生美术课程呈现零星分布状态,专业课程与选修课程之间缺乏必要的联系,每门课程独立发展,而课程之间的内容关联性较差,不利于学生理论与实践的具体结合。综合看来,美术课程主要以绘画性课程为发展主线,教学方法以“授讲、临摹”等实际性操作为主,这种课程体系建设虽然稳固了学生的基础知识,但学生基本的教育教学能力却得不到有效的提升。 (二)美术教育职业理念落后 高校的美术教学建设理念是影响美术课程学习目标、拓展基本教学方法、充实教学内容的根本所在。目前,部分高校已经具备了长足建设的发展条件,在国家的大力支持以及社会各界的充分肯定下,学校的办学条件、师资力量、硬件设施、学生水平等都得到了大幅度的提升,学校的横向发展速度不断加快。但依然存在纵深发展节奏不稳的现象,归根结底是学校的职业教育理念出现了问题,部分学校依然固守传统的发展模式,重视美术教学的规模与速度,强调学生基本美术能力的培养,而忽视了美术专业建设教学人才的切实目标,因而导致了学校美术专业学生的培养方向出现偏差。 (三)学校不注重实践课程建设,缺乏建设经费 近年来,部分高校的美术教学模式依然采用传统的理论性授讲方式,而走出校门进行具体实践的机会很少,造成这种现象的原因不只是因为学校的职业教育理念落后,还与实践基地缺乏存在莫大的联系。美术专业的学生需要经过长时间的实地训练以及多次的模拟授讲才能真正上岗,但由于专门的美术学校以及美术机构数量稀缺,加之政府在美术实践基地开发与建设上的经费投入不足,学校便没有能力建立专门的实践教学基地,学生进行具体实践的机会很少,这就使得高校美术专业学生真正的教学能力培养存在一定的发展难度。 (四)专业教学模式设置不合理 1、教学方式目前,高校美术专业学生依然沿用传统的教学模式,即:教师授课,学生听讲;教师布置任务,学生完成任务;教师提出要求,学生达成目标的机械化教学模式,不仅浪费了大量的教学资源,也造成了课堂效率不高,学生兴趣不大,上课注意力不集中的普遍问题,对于美术专业学生的实际教学能力培养很难起到切实的推动作用。2、教学基础教学基础建设主要分为学校的硬件基础设施建设和学校发展软实力建设。目前,绝大多数高校已经达到了现代化的教学发展标准,学校配备了专门的教学设备,例如:多媒体、投影仪、推拉式黑板以及电脑等,但目前存在的最大问题应该属于实际教学能力薄弱的急迫状况。综上分析,虽然部分高校的硬件设施已经日渐完备,但学校发展的软实力仍然存在莫大的发展空间。3、教学内容重视课本知识的学习,忽视实践教学的重要作用是我国惯有的传统教育教学方式,这种教学模式会造成理论与实践的分离,使得教师教学失去实际的作用,学生也难以学到真正的课程精髓。美术是一门应用性很强的实践性学科,在进行具体的课堂教学时,要注重学生培养的“实践性”以及实际的教育教学能力,目前,引入更多的课堂实践活动是课堂学习的大势所趋,也是教学质量提高的根本所在。4、教学考核手段学期结束时,高校普遍采用单一的笔试考核方法对学生进行综合性评估,要想切实实现专业性教学人才培养的最终目标,必须拓展美术课程考核与评估方式,现存笔试为主的试卷考核并不是最为有效的教学考核手段。单纯的笔试考核方式只会助长学生的懒惰心理,降低学生的学习积极性,导致部分学生在日常的学习过程中轻视教师教授的实际美术要点以及绘画操作技巧,认为笔试考核只要临时抱佛脚就可以顺利过关,从而忽视日常的教学实践以及日常的基础知识学习。 四当前高校美术专业学生教学能力培养的重要策略 (一)完善高校美术专业课程建设体系 1.加强学生的基本美术教学理论所谓加强学生的基本美术教学理论,就是在日常的学习过程中,加强理论性教学,把培养高校美术专业学生教学能力所需的专业科学知识以及专业理论知识学习放在优先发展的位置。要求学生不仅要学习美术学、教育学、教学方法等方面的专业知识,还要不断增加人文学、教育哲学、美工学以及人体美学解剖等课程的学习时间,引导学生在学习专业课程的基础上,了解更多的美术知识,从而为教学实践奠定良好的发展基础。2.充分考虑学生的全面发展要求现代高等教育注重学生“德、智、体、美、劳”的全面发展,当然,美术教学人才的培养也不例外。美术专业课程安排更多偏向于专业的美术课程建设,而对于哲学、文学、语言学以及历史类课程的学习甚少,学校要在安排美术专业课程的学习过程中,将更多的相关学科贯穿其中,使高校美术专业的学生具备全面的文化素养,便于在今后的具体教学过程中,能够更好地将美术教育与其他相关学科的教育教学有机结合起来。3.调整美术课程结构目前,高校的美术课程一般分为必修课和选修课两大课程类型,必修课是根据学校的教育建设目标,在考虑学生实际发展水平的基础上统一规定的学习课程,是高校美术专业学生提高学习能力的基础课程,也是学生学习专业知识的重要保障。近年来,学校开设了素描、山水、油彩、中国画、实用美术等相关的美术课程,除了一系列的必修课程,还应该增设美术设计等具体的实践性课程,切实提高学生的动手操作能力,从而更好地将美术基本理念与具体的课程实践结合起来,不断拓宽学生的美术知识层面。 (二)合理调整学生的基础课程学习力度 在专业的美术课程学习中,素描和色彩是美术专业学生必须掌握的两项基本能力,素描是一门实践性较强的专业课程,需要学生在学习的基础上进行大量的练习才能达到相应的教学要求,因此,在日常的教学过程中,要着重加强学生素描课和色彩课的学习力度,强调对物体结构、空间、色彩等的整体表现,注重不同美术作品的色彩运用,力求将理论知识恰当的应用于具体的教学实践过程中。 (三)注重学生创新能力的培养 创新是一个民族前进发展的主要推动力,随着素质教育的逐渐深入演化,教学创新在整个教育进程中发挥着越来越重要的作用。传统的“灌输式、填鸭式”教育发展模式已经不能适应当今的教育教学要求,现代教育强调因材施教,合理引导学生进行思考与创新,切实培养学生的创造性思维。在具体的美术教学中,要重视创作型课程的建设,切实将学生的美术理论知识与创作技能应用于具体的实践教学过程中,运用自身良好的创作技能,引导学生的创新思维,促进学生色彩、构图、赏析等美术能力的稳定形成,从而为今后的美术创作指导正确的发展方向。 (四)增加学生的教学实习机会,注重实习过程建设 教学实习是提高学生教学能力的一个重要手段,是保证学生更好地适应教学工作的有效途径。为了使学生更好地进行教学实践,在实习过程中,要注重学生基本美术知识的运用,不断完善学生的实际教学方法,使学生在具体的实践过程中合理调整自身的教学风格与教学手段,使学生具备教师教学的基本素质,在教学实习过程中,要注重培养学生的语言表达能力。另外,学校可以通过“校企合作”、“联合人才培养”等方式与企业建立长久的合作伙伴关系,努力为学生争取更多的实习机会。 五结束语 教师是人才培养的建设者与推动者,只有拥有一支高水平、高质量的教师队伍才能推动人才培养进程的快速发展。高校美术专业的学生要想成为一名合格的美术教师,必须拥有良好的基础知识储备,不断更新的教育教学理念,合理先进的教育教学手段以及卓越的教学能力,只有具备以上基本技能,才能为成为一名合格的优秀美术教师提供最有力的教学保证。 作者:赵建设 单位:连云港师范高等专科学校初等教育学院 美术教育专业论文:高职院校美术教育专业学生能力培养 摘要:美术专业对学生实践能力的培养一直以来都是整个学科的重要组成部分。对于高职院校美术专业学生来说,实践能力的培养是一项系统的、长期的工程,所以美术专业必须将实践教学作为重点,注重培养学生的艺术感知能力、分析能力和观察能力等,进而培养出可以满足社会具体需求的美术专业实践型人才。 关键词:高职院校;美术教育专业;实践能力;培养研究 近年来,随着“艺考热”的兴起,美术专业学生在就业方面的压力不断增加。只懂得理论知识而没有实践能力的美术专业学生在毕业之后大多陷入困境。所以,高校强化美术专业学生实践能力的培养,将社会实践切实融入美术专业教育,具有重要的、长远的现实意义。 一、提升美术专业学生实践能力对于学生自身的作用 能够影响学生综合素质的相关因素有很多,实践能力就是学生综合素质的一个重要组成部分。对于美术专业学生来说,只有经过实践的检验,其才能知道在校学习所收获的专业知识具体的掌握情况,可以说实践就是使美术专业知识得到延伸的最佳方式,也是提高学生实践能力的有效途径。因此,帮助美术专业学生提升实践能力,不但能够促使学生更为熟练地掌握相关的技能知识,而且能够帮助学生以一种正确的方式融入社会,用主观意识进行观察,并将观察所得合理地转化成个人的素质修养。 二、提升美术专业学生实践能力的方法和途径 1.改进与完善高职院校美术专业的教学体系 如果想快速提升美术专业学生的实践能力,高职院校就一定要合理地转变相关的教学理念。固有的教学理念尽管具有一定优点,但是随着社会的发展和教育环境的改变,其已不能满足现代教学的具体需求。因此,高职院校一定要强化将实践作为主导的相关教学体系建设,从而使实践教学成为整个美术教学的优秀,并以此对相关的教学方式、课程设置和教学计划等进行重新设置。在实际教学的过程中,教师应摒弃重理论、轻实践的教学思想,合理地协调实践课程和理论课程,提高实践课程在总体课程中所占的比例;与此同时,还要主动地将实践教学贯穿在整个教学中,进而形成一个更加系统的、更具有特色的实践教学体系。 2.促进教师队伍的建设 教师队伍的质量影响学生实践能力的高低,假如教师只重视理论知识方面的教学,学生自然也不会认识到实践能力的重要性。所以,提升美术专业学生的实践能力需要切实强化整个教师队伍建设,从而建立一支更加高效、更重视实践教学的优秀教师队伍。对于这个问题,可以从教师的个人进修与集中培训两个方面展开。教师通过个人进修,能够提升自身的专业知识,凭借集中培训又能稳步提高实践能力和实践意识。高职院校进而可以妥善地构建一支具有双师素质的教师队伍,为培养学生的实践能力提供有力保障。 3.加强建设实践教学基地 实践教学基地的建设是学生实践能力得到稳步提升的重要保障。利用实践基地开展实践活动,可以让学生自由地交流和汇报参加实践活动的情况,这样能够使实际操作和课堂理论知识有效地结合在一起。在实践教学基地的建设问题上,高职院校必须切实考虑到当地具体的民俗、风景、人文、历史等有关因素,可以建立一个具有经营性和生产性的小规模的艺术公司,或者实习实训室、美术培训学校等,如手工制作教室、工具和材料教室等,进而为学生创建优良的实践场所。 4.强化校企之间的合作关系 实习是促使学生的实践能力得到长足进步的关键因素。通常来讲,学生的实习期一般是在相关企业中度过的,所以高职院校应该积极地和相关企业保持沟通与合作,互利互惠、共同进步,最终达到共赢的目的。值得注意的是,高职院校一定要切实认识到当地企业所具有的特点和未来的发展形势,并且了解到其具体的生产流程和用人要求。高职院校只有妥善地做到这几点,才能有针对性地实施教学改革和专业课程设置。对于高职院校和企业双方来说,进行校企合作不但能够帮助高职院校提升学生的实践能力,同时还能够帮助企业提高并完善人才方面的储备,从而实现双赢。 结语 如今,我国高职院校美术专业学生所具有的实践能力还不够高,高职院校具体的教学改革仍然任重而道远。因此,高职院校一定要加大对于美术专业教学的研究力度,并努力实现教学改革的目的,进而为我国的市场经济建设提供更多能力更强的实践型人才。 作者:徐军 美术教育专业论文:高校美术教育专业创意性水彩画教学 摘要:高校美术教育专业水彩画教学应改变过去传统造型写生方法下的水彩画教学模式,改进教学过程及观念,在水彩基础技法学习中加强水彩材料、水色变化、光色变化的创意性学习,并在教学中实现东西绘画间的相互融合,培养学生富于个性的艺术语言与表现力。 关键词:水彩画;创意性学习;水彩教学 水彩有着丰富的表现力和创造力,在高校美术教育专业教学中,水彩画教学是对色彩基础教学的进一步提高与深入。随着水彩应用范围的不断拓宽,传统造型写生方法下的水彩画教学已经不能满足时代的需要。从教学过程以及教学观念上进行创新尝试,而不仅囿于传统水彩技法的沿袭,这是高校美术教育专业创意性水彩画教学的新途径与方法。 一、在基础色彩训练中培养创意观念 在入校之前,学生们就有了色彩初级理论基础。科学而严谨的研究光色,进行光的分析,感受空间带来的冷暖对比,寻找形体结构与色彩的关系,追求画面色彩的整体统一等等,这些成为评价学生进行色彩练习质量高低的标准。学生们依靠艺考培训以来的作画惯性画下来,进入到专业美术训练中,也仅仅是把作品尺幅增大,将表现对象复杂化,色调要求更整体而已,却忽略了在学习阶段应亟待建立的色彩创作观念以及表现方法。色彩理论不仅包括色彩基础知识,也应包括色彩的创作规律及好的色彩创意,即专业的色彩理论教学应将学生从写实色彩转到观念色彩上来,并贯穿于学生色彩学习的始终,一直延续到毕业创作的进行。创意观念建立重要在于传统写生模式的转变。在过去的教学中,教师常常强调写生必须准确观察记录色彩、研究形体结构变化、营造立体空间气氛及提高画面意境美等视觉形式,追求画面与实体色彩高度统一,这样标准模式出来的学生因逐渐失去想象的经验而导致想象能力与创意的匮乏。在观念色彩中实体色仅仅是参照和感受的对象,教学应给予学生充分的空间想象,如感觉上强化对比,可以鼓励学生拉大暗部色与固有色的对比关系,以增强不调和感;或者围绕学生所臆想的情境而有意弱化对比,大胆用灰色,减弱甚至抛弃实体的固有色;抑或强调瞬间的感知而跳跃性排列纯色或不调和色,采用点彩法或色彩构成等等。在观念色彩创意性练习中,固有的模式被打破了,但这不意味着丢掉色彩造型的基本理论和能力,而是教师在基本技能训练过程中阶段性地安排观念色彩课程,让学生逐渐锻炼思考和创意的能力,培养他们的色彩创意观念。 二、水彩基础技法的创意性学习 具备一定的色彩基本技能后,学生选择性进入到水彩画技法的学习,并开始利用西画语言独立表达艺术观念。水彩画的技法表现多种多样,如水彩画干湿画法所形成的喷洒法(撒盐、洒水、撒色)、拓印法、吸色法、刮画法等等。这些本易于激发学生的创造力和想象力的课程,却常常因为枯燥的讲授和单调的训练而失去了其应有的活力。教学中创作作品与技法练习割裂开来,甚至在毕业创作时,学生们常有因大画难以控制而不敢在画面上进行技法表现的畏惧心理。在技法学习阶段就培养创意观念是非常必要的。学生对水彩技法的探索与教师对水彩基本技能的传授是并行的两条主线,只有经历对水彩技法进行反复琢磨、不断研究、倾注精力和感情的学习过程,才能形成好的技法创意,才能够产生创作的设想,并在实践中不断修正设想,提出问题和解决问题,最终产生成熟的创作作品来。对水彩基础技法的创意性学习主要包括材料的创意、水色的创意和光色的创意。 1.对水彩材料的创意性学习 水彩画对于材料的要求非常特殊,比如水彩纸的厚度、承水性能以及着色程度高低,水彩笔的吸水性与弹性、深入笔触的能力,水彩颜料在干湿状态的变化大小、色彩的鲜明度与颜料溶于水后的颗粒沉淀多少等等,这些都是决定水彩画作品好坏的重要因素。在水彩画教学中,应该重视材料的探索与尝试,发挥水彩语言的优势,在追求效果的过程中熟悉一切可能的材料,比如比较水彩纸表面肌理变化带来的画面效果,或者尝试玻璃卡纸、油画布、夹板等多种不同于画纸的材料,体会在不同画面环境下底板的粗与细、光与滑、吸水多与少等情况产生的水分与笔触变化。 2.对水色变化的创意性学习 水彩画中水色的变化是其体现的特殊效果之一,运用水之无形产生色的渲染与层次,在透明的水中追求一气呵成畅快淋漓的效果,这都需要娴熟的水色技艺。掌握水与色的变化,即是深入研究水彩画的基本技法,形成水彩语言独立艺术个性的重要渠道。创意性的水色学习,应该先研究自然物象中色彩的虚实、远近、空间关系,将水中潮湿、变化、透明的效果融入到气氛的感受当中去,比如说研究雨景带来的趣味:小雨的朦胧、中雨的清净与大雨的弥漫;或是观察水面的浮波、水中的倒影;或是分析柔软的边界、天际的云霞。在有了自然真实的感受之后,将这种感受转化为水彩意境,并反复训练技法语言以追求画面意境的实现,这才能形成具有个性语言的水彩画创作来。 3.对光色变化的创意性学习 水彩作为西画的一种,在教学中注重对光的分析与研究是非常重要的。如在不同光源作用下产生的不同色彩倾向、不同时间中景物色彩的相应变化、婆娑树影下形成的大小光斑、透光大小影响到的画面氛围等等。在水彩画教学中,应鼓励学生在真实记录光色变化的同时,扑捉寻找最能打动内心的光色瞬间,并利用技法语言尝试绘画表现,如光影中对光斑虚实、大小、疏密的安排,对色彩以及色调的把握,对干湿技法的控制等等。在完成技法训练后增加创意练习,如改变实景色调、抽象或夸大色彩关系、添加光色趣味等等。这些创意性学习能够增强学生对水彩中光色的理解力,提高他们的造型能力和对水彩技法语言的驾驭能力。 三、写生的创意性 面对水彩画的多种技法,传统水彩课程的开设相似于色彩基础粉画课程的训练,从静物写生、人物写生到风景写生,教学的大部分时间都在写生中度过了。虽然写生在水彩画学习中的重要性不可替代,无论从光的科学分析还是对于色的研究感受,写生都是认知自然和技法训练的直接途径。然而过于依赖写生或者机械的照搬自然,其结果只能导致水彩作品失去生命力和创造力。在写生中应培养学生的创意思维,每个学生对画面的处理与感受都有差别,重点表现也不尽相同,如画质感、画光线、画体块,或者画抽象、画水色等等,这些对形象的处理变化、构图的裁剪取舍、色调的设计与意境的传达,都是学生们独特的创意所在,写生的过程其实是实现创意并提高水彩表现能力的过程,水彩画写生教学应尊重这种差异和感受,鼓励学生画出创意性的写生作品。而并非像在传统的水彩写生教学中出现的那样,教师摆放静物或者模特,提出课程目标组织课堂讨论,学生在这一过程中仅仅是被动思考者和传达者。学生画教师的兴趣,追求教师的感受,甚至有的连表现形式和方法都雷同,教师教学仅致力独立的艺术研究,而使学生成为教师追求艺术道路上的翻版。在另一方面,美术教育专业的水彩写生课程开设,直接影响着未来美术教育中学生色彩意象思维的培养。美术教育专业的水彩教学应立足于大中专院校以及基础中高级美术教育课程的特点展开,注重色彩教学中色彩以及造型的创意,而不拘泥与描绘对象的外形及真实颜色,这为基础美术教学的创意性培养建立了良好的前提。 四、教学方式和内容的创意性选择 随着现代社会信息量的迅猛增长,水彩画教学方式也发展变化着。除了手绘示范以外,搜索网络图片和名家视频、制作PPT课件,或者查找水彩画印刷品、作品拍照、摄影等等各种先进的手段都可以辅助教学,学生们也可以更加直观的在博物馆展览馆中鉴赏原作,甚至能够轻松查阅到国外水彩名家的作品。高校美术教育专业的水彩课程在方式方法上应突出师范教学的特点,注重水彩在师范教学中的应用性研究,在学时和内容中对水彩课程的安排不与美院水彩专业教学相雷同,这在具体教学中体现为水彩画写生和创作课程开设的同时,也可以为学生们提供一些设计类水彩课程,比如服装设计、室内及环艺设计、工业造型设计等效果图的绘制,或者插图、装帧设计等应用型水彩画法训练等等。这些课程的开设能够丰富学生们的表现语言,拓宽他们的思维和视野,为培养优质的师范教师和适应社会需求的复合型人才奠定基础。 五、中西画法的创意性融合 西画语言体系下的水彩画不追求用笔变化,在水彩表现过程中,即使有精彩的用笔也会随着逐渐深入的画面而被掩盖;除此之外,水彩画中水渍的晕染、色与水冲撞形成的巧妙效果以及画面东方审美下的传神意境等,这些水彩画命题在过去的西画正统教学中曾被忽视。“水彩的用笔和水色变化与中国绘画的笔墨有许多相通之处”1,作为本民族绘画语言的重要传承者,美术教育专业的水彩画教学中应该融入中国画的表现元素,比如借用中国画中的用笔用墨以及用色的变化,在水彩画中结合国画的色墨互撞创造性研究色与水变化;或者在意境以及用笔中追求中国画的神韵,创造疏朗隽逸的画面效果;或者在画面评价中借用中国画的评价标准,注重画面的品格及精神境界的传达等等。在水彩画教学中对中西画法的创意性融合,这并非改变或者削弱了水彩画教学的西画特点,反而,这种东西结合的教学方式会更加彰显水彩画种在西画体系中的表现优势。无论对于艺术传承还是艺术创新来说,只有秉持中国独有的民族绘画语言,才能够破除艺术间的隔阂,增强绘画作品中的民族认同感,并将独有的东方绘画推向世界的艺术之林。 作者:王亚杰 单位:长沙师范学院美术动画系 美术教育专业论文:美术教育专业素描教学思路和改革 摘要: 素描课程是高校美术专业学生的必修课程,是一门专业性很强的课程。笔者从高校美术教育专业素描课程教学中存在的一些问题入手,提出了几点关于素描课程的教学思路和改革措施,希望能为美术专业素描教学提供参考。 关键词:高校 素描课程 改革 措施 素描是一切造型的基础,是美术学习者最先学习的画种之一。素描教学一直以来都是美术教育重要的组成部分之一。素描教学不仅是技能教学,还包括了美术学习者对事物的认知的教学,更是培养艺术创造与审美感受的教学。 一、美术教育专业素描教学所存在的一些问题 以往的素描课程由于缺乏一个整体性的教学计划和教学体系,使得美术教育专业素描课程只注重技巧性而忽略了教育性。与此同时,受既定的经验、少量的实践与不完善的教学队伍等因素的影响,美术教育专业素描教学的发展受到了制约,其具体问题主要表现在以下几方面: 1.既定经验的限制 从目前高校素描教学的现状来看,素描教学在长期的教学实践中,逐渐形成了一种既定经验和固有规律。在素描教学中,结构、虚实和比例等规律和概念形成了一些教学常用语,用以表现一些固有的规律,而学生的描绘多是对这些既定经验和固有规律的重复。虽然将这些既定经验应用在素描教学中,有助于掌握和吸收素描知识,但是这种教学方法缺乏学生的主体性参与,缺少学生的实践体验,只是对以往知识的重复或验证,枯燥乏味,限制了学生对知识的理解和探索。 2.课堂缺乏规范 一些教师为了打破素描教学的枯燥氛围,大胆尝试新的教学方法,为学生创造自主学习的空间,注重培养学生的真实感受和体验,但是尝试新的教学方法缺少科学合理的规范,从而使教学变得盲目。因此,学生在教学中容易变得迷茫,缺乏真实的感受和体验,机械化的模仿造成素描教学流于形式化和程序化。 3.缺乏针对性教材和专业教师 随着教育改革的不断深入,美术教育在也不断发展。素描教材发行了很多版本,其中有很多精品教材。但是,其中缺乏针对美术教育专业的教材,很多教材教学内容没能针对美术教育专业的特点。此外,现在担任素描教学的教师大多有自己的专业研究方向,主要是绘画和设计这两大方面,因而在素描教学中,学生更偏向于绘画和设计方面的学习。由此可见,没有专业的素描教师,对素描教学质量的提高影响颇大。 二、美术教育专业素描教学应以和谐作为主要教学思路 美术教育专业素描教学的思路是构建一种学生与教师、课程和教学和谐统一的有机关系,综合考虑学生的实际情况和专业特点,让教师、课程和教材满足学生的专业发展要求,努力完善素描教学体系,使教学满足学生和现代教学的要求。 三、美术教育专业素描教学改革的措施 1.改革现有的教学模式,培养学生的基础能力 美术教育专业在素描教学的内容选择上,应当以基础教学内容为主,以提高能力为最终目的。因此,必须转变以往传授型的教学方法,以能力培养为目标。素描教学对美术教育专业学生能力的培养主要表现在对外界的感知能力、对客观世界的分析和理解能力、创新能力、表达和表现能力等四个方面的培养。因此,创新美术教育专业素描教学理念应该以培养学生的四种能力为重心,这样在规范的教学理念下创新教学方法定然会事半功倍。 2.以培养学生兴趣为主,合理安排教学内容 如今,教育教学应该以学生为主体,激发学生的学习兴趣才是关键。因此,美术教育专业素描教学也是如此,教学中要以学生关注的一些热点为教学题材,吸引学生的注意,激发学生对素描知识学习的兴趣。此外,在教学内容的选取和安排上,一是要选择学生普遍感兴趣的教学内容,二是要注重知识点的综合和概括。在教学过程中,对知识点的讲解应该科学、合理,做到通俗易懂。总而言之,教学应该以激发学生的兴趣为主要目的,使学生在有限的时间里充分、有效地理解和掌握知识点,为今后进一步研修绘画和设计打下扎实的基础。 3.选用最合适的教材,加强教师队伍建设 美术教育专业不同于其他的美术专业,因此在素描教学教材的选用上也不同于别的美术专业,所以,编写适合美术教育专业素描教学的教材是开展教学改革的重要前提。尤其是优秀的教材,对学生的学习起着至关重要的作用。建设一支专业能力过硬、职业素养良好的专业素描教师队伍,不仅关系到素描教学质量的提高,更关系着整个美术教育专业的发展、进步。 结语 美术教育专业素描教学的改革应该以人为本,充分考虑学生的实际情况和专业特点,转变固有的素描教学观念,创新教学方法,构建一个教师、课程和教材与学生相和谐的有机体系。 作者:巴哈提·卡下旦别克 单位:新疆应用职业技术学院 美术教育专业论文:高师美术教育专业油画课程设置 一、课程设置概述 一般来说,课程设置是指学校或是其他机构关于课程安排的方案,主要包括开设哪些课程,在哪一学习阶段开设,以及开设的具体时间等方面,从而使学校或是有关机构能够顺利开展教育教学活动[1]。课程设置作为教学工作的关键环节,是课程内容与课程体系的集中体现,是教学内容的重要依据,关系到人才培养的方向。同时,课程设置反映了决策者对国家教育方针的理解,对教学目标的把握[2]。相对来说,师范院校的课程设置必须体现出“高素质”的要求。高师院校油画课程是高师美术教育的重要组成部分,对提高学生素养、培养学生审美能力,以及提升学生人文素质具有非常重要的作用。 二、高师院校美术教育专业油画课程设置存在问题 目前,我国各大院校都在积极进行新课程改革,就高师院校美术专业的课程改革情况而言,美术教育专业的课程设置与美术教育目标不吻合,其中,油画作为美术教育专业的基础课程,其课程设置出现了一系列问题。 (一)忽视学生艺术性培养 目前,我国大多数高师院校美术教育专业油画课程设置并没有突破性变革,在某种程度上忽视了对学生艺术欣赏能力的培养,主要表现在以下两方面。首先,教师在评判学生油画作品时以是否真实再现客观事物作为评价标准。由于油画最先由苏联传入我国,受当时苏联创作价值观的影响,我国的油画创作在表现手法上主要以写实为主,因此,画者是否高度还原所描画的客观事物成为衡量一幅画好坏的重要标准,这种标准对当代的油画创作依然有不小影响。因此,高师院校教师在培养学生时,往往会以培养学生写实技巧作为课程教学的主要任务,在课程安排上以能够进行写实的事物作为训练学生写实技巧的主要对象,比如,高师院校油画课程中主要有风景写生、人物写生等课程,这些课程看重学生对客观事物还原的能力。其次,学校认为油画学习以实用性为归宿。学生由于受写实手法的限制,在学习油画时更多是以对客观事物的描画为主,因此,画得“像”便成为他们追求的目标。于是,油画的作用就像照片一样,以记录发生的事情、看到的美景或是遇到的人物为最终目的。从以上两点可以看出,在油画课程设置上,由于学校与教师都将写实技巧作为培养学生的重点,而忽视了学生审美能力、艺术品位等综合素养的培养。 (二)忽视学生师范性的培养 目前,我国许多师范类院校的油画课程设置与美术专业院校的课程安排基本一致。学校按照培养专业画家的方式培养训练学生,忽视了师范性在学生学习中的主导地位,主要表现在以下几方面:首先,学校在安排课程时,忽视学生油画专业理论知识、户外风景写生等学习内容,忽略心理学、教育学等理论学习;其次,教师在教学设计上不重视学生对教师岗位的认识,没有适时训练学生的讲课能力,更没有让他们在实践中体验教师这一职业;最后,教师在教学过程中不注重培养学生运用教学技巧的能力,导致大多数师范生毕业后授课能力差,不能运用有效的教学手段讲授课程。 三、高师院校油画课程设置的改革方向 高师院校在培养学生时,应以师范性为指导思想,在课程设置上以培养学生绘画技巧为基础,同时,适当安排一些有关油画的基础理论知识及教育学、心理学等课程,整体提升学生的综合素质能力。 (一)以师范性为指导的油画课程设置 油画课程是高师院校美术教育专业课程的一个分支,其设置应区别于专业院校的美术课程设置,充分体现高师院校的师范性。针对这点可以从以下两方面入手:第一,作为高师院校领导,应将师范性作为培养高师院校美术教育专业学生的指导思想,使学生在日常课程学习中意识到教师能力培养的重要性[3];第二,作为高师院校油画教学的实施者,教师不仅要掌握扎实的专业知识,拥有高尚的职业道德,还要对美术学科的教育科学、教育规律等有所了解,并将这些知识作为教学实践的指导,应用于课堂教学设计中,不断创新教学模式,让学生在教学过程中能够对教师这一职位有所领悟。 (二)以教育性为基础的油画课程设置 高师院校的美术教育专业在教学内容上过于强调学生的绘画技能训练,忽视对学生艺术鉴赏能力的培养。因此,可以从以下几个方面进行改革。第一,从学校角度来讲,可以适当增加一些相关的油画作品鉴赏、油画艺术大师介绍以及油画美学理论等课程,这样不仅可以丰富学生的油画理论知识,还能使学生广泛了解各个时代代表画家的绘画特色,比如,提香在绘画色彩上的运用、米开朗基罗作品中表现出的力量美等。第二,从教师角度来讲,在进行课程教学时,首先,要认真进行课前课程设计;其次,要注重活跃课堂气氛,采用有效教学手段,使学生积极参与课堂活动,激发学生课堂学习的主动性,形成良好的师生互动;最后,适当安排学生讲课,提高他们的教学实践能力。这样的教学方式不仅有利于学生学习基础理论,还有利于发掘学生的学习潜能。 (三)以艺术性为目标的油画课程设置 学校教学的目标不仅仅是向学生传递知识,更重要的是培养学生的审美能力。为了更好地实现这一目标,可以从以下两方面进行努力:其一,学校在油画课程设置时要努力突显人文精神这一要素,只有提升学生的人文素养,他们才能更深入地理解油画作品的内涵。其二,学校油画课程设置应该将提升学生艺术审美能力作为最终追求[4]。要达到这一目的,教师可以从三个层次对学生进行训练。首先,组织学生观察大自然,让学生在真切的、充满活力的氛围中感知外界事物,全面把握事物的形态、结构。其次,对学生进行美感教育。在学生观察事物时,教师引导学生调动感官,触、嗅、味觉全面结合,在感知基础上,借助想象力,深入理解观察到的事物,做到“物我合一”,从而培养他们发现美的能力。最后,教师要对学生进行情操教育。讲解一幅画时,除介绍画家生平外,还可以补充画家生活的时代背景,让学生准确理解画家的意图,并从作品中有所领悟,以画家的品质熏陶学生情操,从而丰富学生文化内涵,提高学生精神层次,完善学生品格[5]。 四、结语 学校课程设置直接影响学生所学内容,直接体现学校教育目标。因此,学校要特别重视课程设置。高师院校美术教育专业油画课程设置应有别于专业美术院校的课程设置,要将学生作为未来的教师培养,而不是力求学生成为艺术大师。高师院校在安排课程时,应以师范性作为培养学生的主导方向,为学生安排一些教育学、心理学等理论课程,使学生对这方面的知识有一个宏观了解,而高师院校教师在教学过程中,不仅要注重学生绘画技能的训练,还要注重学生审美能力的培养,全面提升美术教育专业学生的综合能力。 作者:张赢 单位:吉林师范大学 美术教育专业论文:高师美术教育专业教学改革研究 摘要:随着新升本科院校的增多和美术教育专业的扩大招生,美术教育专业中不适应中小学美术教学、实习监控不到位、课程缺乏特色、人才培养目标定位不准确等弊端慢慢显现。模仿美术学院按专业分工作室的教学模式与高师美术教育专业的师范性背道而驰。笔者通过对该专业现状进行分析提出应对策略与建议。 关键词:高师;人才培养;美术教育;现状;思考 自高校扩招以来,各院校的美术专业迅速发展,为社会培养了大量的美术专业人才。近几年,随着一些高校由专科升格为本科、美术教育专业的扩大招生,美术教育专业中一些弊端慢慢显现。模仿美术学院按专业分工作室的教学模式与高师美术教育专业的师范性背道而驰。高校为学子提供了高等教育的机会,现在面临一些亟须解决的现实问题。 一、存在问题分析 1.招生要求降低 近年来,广西美术术科统考对文化课成绩要求有降低趋势,高校录取的美术教育专业学生中不少都是学画时间2年左右的,初中开始学画的几乎没有。很多学生学画的原因是文化课成绩不佳。甚至有少数学生仅靠“突击”几个月学画就考进高校,美术基础较差,因此,提高学生的学习积极性是首要任务。 2.人才培养目标定位不明晰 新升本科院校属于应用型高校,旨在为地方经济和教育服务。当前,部分高师美术教育专业往往照搬美术学院按专业分工作室的模式,学生经一年基础训练后被分成国画、油画、水彩、版画等方向进行小班教学。美术学院的定位是研究型高校,宗旨是为社会培养技能和创作能力强的艺术家型专业人才。而高师美术教育专业的培养目标是合格的一专多能的中小学美术教师。高师美术教育专业在定位属性上必须明确师范性特征,这明确了人才培养的目标是了解中小学教育学和心理学、掌握美术和各学科知识、综合素质强的教育人才。目前,部分高校对高师美术教育专业定位有偏差,生硬模仿美术学院的模式,忽视了自身的师范性特征。 3.课程模式化、办学无特色 当前的高师美术教育专业课程设置基本沿用了苏联的契斯恰科夫教学模式,该教学模式过于强调对描绘对象进行全方位的客观描绘,导致学生缺乏创造力和创新思维。画得像不像不是检验绘画的唯一标准。“素描是一切造型艺术的基础”的教育理念盛行,一些教师把素描等同于石膏像、静物、人头像的客观写实训练。现有的课程设置提倡写实素描,忽视了创造性思维的训练。让各种形式的教学方式融入课堂才能让课堂活起来,如白描、创意素描、创意默写、写意素描等。写实素描仅仅是素描的一种形式而已,中国传统的佛像、青铜像、兵马俑等同样是优秀的绘画素材。 4.实习监控不到位 高师美术教育专业存在见习时间短、实习课程设置少等问题。实习相关的课程仅有教学技能、班主任技能,实习也仅有1周时间,这制约了实习的教学效果。现有的教学督导制度缺乏校外实习的督导评价,无专任实习指导教师,实习成绩评定不完善,无实习质量监控报告,无实习情况统计分析。 二、思考与对策 1.完善教学理念,明确师范性 美术教育专业的培养目标是一专多能的中小学美术教师,教学中不能忽视师范性。高师美术教育专业培养具备广博的美术知识和娴熟的绘画技能,具备美术鉴赏、艺术批评素质,以及各种教育理论知识的综合人才。中小学美术课程的目的在于通过绘画创作实践训练学生手与脑的配合,培养他们独立思考的能力,使其更聪明、更自信、更富有想象力与创造意识。通过绘画培训可以提高学生对色彩和立体的认知能力,拓宽他们的视野和知识面,为他们将来的全面发展打下良好的基础。要改变只重视绘画技能训练的局面,增加相关知识型课程的课时量。其一,加强普通话、书写技能、教学设计与策划等技能训练。其二,增加实用软件课程,如Photoshop、CorelDRAW等课程,让学生具备一定的设计技能。其三,开设艺术批评课程,提高鉴赏能力。其四,加大教育见习实习力度,提高教师技能和实践能力。其五,注重教育学、心理学、社会学、教学法等相关学科选修课的开设。 2.注重办学特色,开设民族美术课程 课程设置的西化让我们忽视了民族传统美术。当代性和国际化并非与传统割裂,东西方文化融合是内在精神的融合。中小学美术教育有责任改变现状,必须从教育抓起,让学生了解和学习身边的本土特色民间美术。现有的中小学美术教材中也有很多民间美术课程。因此,高师美术教育专业开设民间美术课程也是很有必要的。广西是多民族聚居地区,有绚丽多彩、独具特色的民族美术元素,如左江岩画、铜鼓、程阳风雨桥等。广西科技师范学院所处的桂中地区,也有独具特色的金秀瑶族文化,广西科技师范学院应该充分利用已经建成的金秀瑶族文化研究基地,将相关的民族特色美术引入课堂,通过设置相关课程,办出特色。3.加强实习监控体系建设教育实习是高师美术教育专业的重要教学实践环节,是对学生综合能力的实践检验。加强实习监控体系建设,改变不重视教育见习实习的现状,可以从以下几方面入手:其一,构建完善的教育实习管理制度;其二,密切与各中小学的关系;其三,培养专任实习指导教师;其四,优化实习教学质量评价体系。高师美术教育专业应紧跟时代步伐,适应新时期社会发展的需求,才能更好地为地方中小美术教育服务。 作者:玉云山
艺术设计论文范文:数字媒体环境下的艺术设计论文 一、数字媒体环境下的艺术设计 (一)数字媒体环境下,艺术设计的一个重要特征是互动性 互动指的一种相互使彼此发生作用或者变化的过程。传统艺术设计互动指的是艺术设计者和制造者以及使用者之间的互动,媒体主要是两者互动的一个中介,只是传输信息,所以制造者或者使用者被动接受艺术设计作品,此种互动带来的相互作用和变化很小。可是在数字媒体环境下,数字技术以及数字媒体自身就具备交互性,拓展了人与人之间的互动,发展成为人-机-人、人-物-人等不同形式的互动。多种互动方式突破了传统媒体下的互动方式,促使艺术设计者和制造者或者使用者之间的互动转变为“艺术设计者-作品-制造者或者使用者“之间的互动,制造者和使用者不再被动的接受艺术作品,而是主动参与到艺术作品创作中,主要是通过反馈的形式参与作品的创作。此种互动转变了制造者或者使用者的角色,他们的参与也增加了艺术设计者的灵感,促使艺术作品更加完美,更具实用性和艺术性。 (二)数字媒体环境下视觉传达的艺术设计形式和内容更加广泛 视觉传达设计是利用视觉媒体表现并传达给观众的设计,在艺术设计中占有重要位置。因为视觉传达主要是传达信息,因此媒体和视觉传达设计之间是互动的,媒体可以体现出设计,也限制了设计;设计受限于媒体,也推动了新媒体的产生。数字媒体和传统媒体是不同的,转变了传统媒体的视觉传达形式,拓展了视觉传达设计的内容,由单一媒体的视觉传达转变为多媒体的视觉传达,由静态化的视觉传达转变为动态化的视觉传达,由二维平面的视觉传达转变为三位视觉传达,甚至四维视觉传达,由印刷设计产品转变为虚拟平台的产品。数字媒体和传统媒体相比获得了很大的发展,促使艺术设计发展到超越时空的创作思考领域,新媒体的数字化特点可以简便改写或者决定新的表达方式。此外,多样性的数字媒体更加完整的传达和呈现了创作者的观念想法以及情感。 (三)数字媒体环境下,多样化的艺术设计手段提供了新的艺术设计思维 艺术设计的出发点是艺术,可是艺术设计也会接触到技术问题。传统艺术设计主要以手工书写或者绘制的方式完成艺术设计,此项工程是巨大的,需要长期完成。在进行设计时,各种设计工具和繁琐的创作程序,此外手工书写速度较慢等都会限制艺术设计者的创作思维。可是在数字媒体环境下,各种新技术不断出现,例如虚拟技术等,这些技术都广泛应用于艺术设计,促使艺术设计得到了跨越式发展,也解放了艺术设计者的思维。”所见即所得”的方式促使艺术设计人员的思维任意游历于各种和创作主题有关的虚拟情景中,然后找准创作点进行创作,创作出具有创新性和个性的艺术作品。数字媒体大大提高了艺术设计的手段,也为艺术设计人员提供了新的创作思维。 二、数字媒体环境下艺术设计的思考 在没有出现数字媒体时,艺术设计是高高在上的,只有专业人员才能完成艺术设计。可是在出现数字媒体之后,这种状况发生了改变,没有经过专业训练的普通大众也能利用数字技术表达出自己在某一方面的设想,所以数字媒体被广泛应用和传播。当前,人们对同一种想法也会有不同的设计理念,在当前技术不断发展的时代,多元化的表达和互动形式增加了艺术设计者的灵感,进而更加具体和生动的诠释了艺术设计的内涵。可是,在艺术设计中应用数字媒体有优势,也有劣势。数字媒体依赖数字技术,不是说掌握了数字技术就能进行艺术设计,这种错误的观点促使一些艺术设计人员重视技术,忽视艺术内涵,对艺术设计的创新发展产生了不良影响。数字媒体环境下的艺术设计要不断探索,充分利用数字技术,创新艺术设计的形式和手法。此外,艺术设计具有创造性,研究数字媒体环境下的艺术设计的创新和变化是很有必要的。 作者:易朝永 单位:昭通学院艺术学院 创新教育视角下高校艺术设计论文 一、高校艺术设计专业实行创新教育的必要性 (一)市场需求艺术设计专业创新性人才 目前艺术设计专业市场上的各类企业对于设计人才提出的要求不尽相同,但其中共同要求的有以下三个条件:(1)扎实的专业知识与技能(这包括对于各类设计工具的熟练使用);扎实的专业技术知识以及丰富的设计工作经验等;(2)求职者要富有创意,拥有独特的自己的设计理念;(3)对于自己所在行业以及市场情况有一定的了解。这些要求也许听起来并不十分苛刻,但是要想招募一个各方面都满足的创新性人才却是十分困难的。我国的艺术设计教育从80年代起步,发展至今也有30多年了,我国的现代艺术设计已逐步从幼稚走向成熟。改革开放30多年来,我国设计产业发展迅猛,设计从业人员队伍不断壮大。设计教育的发展、设计观念的更新、艺术水准的提高得到了空前的认可。但是不可否认我国的艺术设计教育仍存在弊端,创新教育得不到实施,人才的艺术设计创新能力严重滞后,市场对艺术设计人才的要求不断提高,供需矛盾不断加大。 (二)当前艺术设计专业学生的现状 大学生经过四年高等教育的培养,在毕业后要离开学校步入社会,投身与设计相关的各行各业,将四年所学将在实践中进行检验,从而实现自身价值。但是,当前高校艺术设计专业的现状却不尽人意。其中存在的问题有: 1.艺术与专业分开过早,专业面过窄 在高校艺术课程中,刚上大学时通常只是一些综合课程的学习,让学生接受浅显的入门知识,找到自己的兴趣所在,然后选择适合自己的专业。但是目前的现状却是专业的细化过早,并且专业课课程的内容出现重叠、雷同现象,艺术与专业分开过早,专业面过窄,这一系列问题对于高校艺术设计专业学生的学习都造成了很大的障碍。 2.基本功薄弱,艺术文化素质很低 目前,一些高校艺术专业的学生通常不是凭借艺术方面的突出成就而被高校所选拔,而是凭借的文化课的知识,甚至文化课也很一般,这就在一定程度上导致了高校艺术设计专业的学生在艺术专业基本理论课程上的薄弱性。另外艺术文化素质也很低,功底浅薄,难有创新性的发挥。 3.专业课学时结构设置不合理 高校中各个学期的时长是固定不变的,这样为了完成固定量的课程内容,就必须缩短课时,这其中就涉及到了课程各部分的比例分配、前后顺序的排列等等问题,在总时间缩短的情况下很难达到合情合理,学生在接受、消化知识的路途之中就有增加了一重障碍。 4.缺乏社会实践 上面提到了高校必须采取压缩课时的方法来达到预定的教学目标,那么一定的社会实践便更是压缩再压缩了。于是学生在进行艺术设计学习时,仅仅以机械的临摹为主,缺少自我的现实生活创作。而找工作时,用人单位对于实践经验又比较看重,这就造成了毕业前夕高校毕业生慌忙寻找实习单位从而荒废学业的现象,恶性循环,得不偿失。 二、对接市场,开展创新教育,强化创新性人才培养 艺术设计市场对于高校艺术设计教育的改革创新提出了要求,因此高校必须转变教育观念、与市场对接、在教育过程中植入创新元素。在这一过程中,我们既要总结近年来高校艺术设计专业对于学生创新精神与实践能力培养的经验、继承和发扬其中的精华部分,反思失败的教训,又要积极借鉴世界各国的成功做法和经验,并结合各高校的实际情况,大胆的进行探索和实践。对于高校培养创新性人才、开展创新教育的思路如下: (一)转变观念,精简课程内容,着重以培养学生创新、创造为主 传统教育观以知识的传授为中心,在有限的学期总时长下,内容不变,按比例压缩学时,导致学生对所有知识都不能有效地掌握,并且一味的传授课本知识,对学生创新能力的发展产生阻碍。《中共中央国务院关于深化教育改革全面推进素质教育的决定》指出,“要转变教育观念,激发学生独立思想和创新的意识,切实提高教学质量。要让学生感受、理解知识产生和发展的过程,培养学生的科学精神和创新思维能力。要重视培养学生处理信息的能力,获取新知识的能力,分析和解决问题的能力,语言文字表达能力及团结协作和社会活动的能力。”因此,高校的艺术设计教育观念应该由单纯的压缩学时,变为精简课程内容,将课程中的一些繁冗不必要的内容删除,给学生更多的创造设计空间,在减少总课时的情况下让学生自身得到充分的锻炼,由单纯的填鸭式的接受大篇幅的知识为自我的创新与实践锻炼。 (二)建立有利于创新性人才培养的学校环境 创新性人才的培养需要一个相对自由、安全的环境,以及必要设施装备的配置。这就需要学校采取一系列的措施,例如建立一个供学生们学习和交流的信息资料室、兴趣实验室以及网络交流平台等。另外,应该将学分制进一步完善,通过设立“创新学分”这一新模块,对学生的创新意识进一步激发,推进理论知识、实践技巧、创新意识培养、综合创新能力发挥的分层次教学。 (三)强化创新性教师的培养 教师是学生学习的引导者,只有具备创新意识的教师才能培养出创新性的学生。所谓的创新性教师就是指那些时刻关注最新教育科研成果,并且在实际教学中有效运用,有着自己独到的见解,通过实践教学能够不断总结发明出行之有效的新教学方法。创新性的教师一般都有一定的创造能力;强烈的求知欲;敬业乐业的精神;并且时刻设法形成高创新性的班级。创新性教师所在班级的氛围应该是民主、宽容、温暖的,并能够与学生共同学习,通过评价学生来促进其创新能力的发展。高校要有意识的对教师进行创新性的培养。并且在教师的业务考核与职称评聘上,要加入含有创新因素的指标,使教师自觉进行创新性的科研活动。只有高校拥有了大批创新性的教师,才能将创新性人才的培养落到实处。 (四)课程设置及教学方法改革,采取有利于创新性人才培养的课堂教学模式 对于学生创新性的培养,课堂教学模式也极其重要。一套完整的有明确教学方向的课程设置所起的作用不可忽视。对于高校艺术设计专业的学生来说,如何学会观察与认识身边的事物;如何表现自己的设计思维;能否提出有价值的问题,进而想出解决问题的办法;并且如何在课程中与他人合作等,这些都是作为设计师的最基本素质。在进行课堂教学模式选择时,如何通过采取有效地方式手段来对学生进行启发引导,培养学生进行设计时的创新意识、表现技巧与合作意识等都应该引起足够的重视。 作者:陈宏 单位:湖北职业技术学院艺术与传媒学院 艺术设计论文范文:色彩教学体系下艺术设计论文 一、现状分析 1、高校目前艺术设计类专业基础课面临很多问题:课时量锐减,教学信息量大,教学任务多,教学质量要求高等问题。学生进校以前是在应试教育的指导下过渡的艺术生,基础薄弱,基础课教学要针对这一教育现实,通过教师的教和学生的学,在有限的时间内把学生培养成能适应和接受艺术设计类专业要求的学生。 2、传统的教育现象是“讲得多、练得少”或“讲得少、练得多”或“讲得少、导得少”,而且很多基础教师重画技轻理论。有些老师经过一段时间教学之后容易形成固定的教学模式,不会主动反思和怀疑自己的教学中是否存在不合理或需要改进的地方,导致基础课教学发展进展缓慢。 3、过去的教育思想主要是传授知识,认为学校教学就是把知识传授给学生,教育质量的好与坏,主要看学生自己积累知识的多少,这种传统的教育观念仍在做怪。 二、加强教师自身修养 教书育人是老师的责任,老师是知识的传授者,必须拥有丰富的知识储备,以应对不断变化的教育环境和教育对象。博学多知,画技精湛,通过经常的研究和学习,开阔自身的视野,具有高效的认识知识层次和分析问题的方法,来提高自己的观察、分析能力和艺术表现力。教师要主动地学习,苦练基本功,不断提升创新思维能力和教学质量。只有努力专研,了解艺术设计教育专业的发展脉络,才能站在教育改革的前沿。 1、具有批判反思的思维意识和创新精神 艺术设计教师必须要主动思考,不断总结,经常回顾教学细节,做好教学反思,才能不断促进美术教学的发展。特别是艺术设计基础课的教师担负着培养学生能适应和接受艺术设计类专业要求的责任和义务。批判和反思的思维意识是要抱着怀疑的态度,敢于怀疑。无论是教案反思,教学反思,还是教学细节回顾,这都是一个教师的基本要求。当代艺术设计教师应不断进行教学反思。教育家普遍认为,具有批判和反思的思维意识是一种促进教师专业发展,提高教师素质的重要理论。艺术设计教师不仅仅是储存他人观念的容器,也要对传统教学所带来的不良后果,对当前课堂教学中存在的问题、进行自我观察、自我评价、自我反省、并能提出解决问题的方法。艺术设计教师应努力成为一名研究型的教师,要不断加强现代教育理论学习,要具备批判精神、反思精神、要不断提高创新意识和问题意识的能力,运用科学的研究方法,进行美术教学规律的研究和教学方法的改革与探索。 2、具有丰富的学识和精湛的专业技能 艺术设计教师不断发现身边的新材料运用于艺术设计教学之中,是通过讲解形式美的基本原理和形式法则进行形象创造。通过教学,打开学生已有的思维模式,开阔学生的知识储备,培养学生的创新思维能力和创造能力。艺术设计教师不但应具备各种画种的专业技能,还要不断的深入实践,向民间艺术去学习,学校应该给艺术设计教师提供更多的学习机会,不断提高教师的专业技能。专业教师要“一专多能”,无论是现场作画,还是示范教学。另外,艺术设计教师要学习新的技能技法,才能不断提高教学能力。 3、艺术设计教师要具有科研能力 作为当代高校艺术设计教师必须是:师德高尚,永不满足、追求卓越的美术学习态度,并且具有发现问题、提出问题、解决问题的能力;拥有研究精神,具备研究能力,完成各种课题或项目设计、作品的设计与制作的能力。美术教师不只是一名教书者,更是学习的引导者和创新者。艺术设计教学是讲授理论知识和传授专业技能的特殊的教学活动,科学研究则是进一步探究事物的性质和规律,以便发现新事物获取新知识的一种活动。加强艺术设计科研活动意义重大,它能提升自身专业素质,提高教学质量,加快教学发展。美术科研主要包括专业技能的方面的参加各项艺术赛事,教学改革和艺术设计学术论文的撰写。当代美术教师应不断地提高自身的创造力。美术教师由于专业特点,不能同其他专业一样整日地坐在办公室内备课,他们要到生活中寻找创作灵感和素材。不走出去创作,不去参加各种美术技能比赛,他们的艺术生命就会慢慢枯竭,美术教学就会滞后。因此,学校应该给美术教师更广阔的学习空间,不断提升他们的专业水平,以适应教育改革发展的需要。 三、改变传统色彩教学理念 要对传统色彩教学有新的看法:绘画的色彩,是作品的生命力。现在真实再现物象的色彩,表达物象的质感,已不是艺术表现的最高境界,色彩本身要具有充分的表现力和相对的个性。从早期文艺复兴开始,色彩的表现方法极其丰富,历代艺术家辛勤耕耘,给后后人留下了无数的艺术宝库。传统色彩在体现物体固有色方面形成了艺术特殊。在准确的造型基础上,赋以固有色的色彩表现。固有颜色,通过含糊与鲜明、明丽与暗淡的调子,创造出了身临其境的空间。怎样在色彩基础教学中吸取传统绘画的营养,启发学生的色彩感应力,成为一个新的研究问题。色彩绘画艺术在它发展的过程中,规则是不断变化的,在设计色彩教学中对色彩基础教训有一个深刻的、全面的认识。在平时课堂写生中,从一开始就要学生重视对色彩的感觉,不要受太多的色彩理论束缚住学生的思维。打破传统的色彩理论依靠色彩的空间关系去表达。现在,要求学生根椐自己对世界的认识和感应,重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系应理解为色彩结构上的位置关系,色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。在教学中要求学生根据自己的主观精神,使自己的画面中创作更多的抽象因素。要求学生将自己的主观感受运用到色彩画面中,将会创造出更多的具有个性的艺术作品。 四、改革措施向设计方向转移 设计色彩的基本训练包括构图、构形、构色及形式构成。与绘画色彩不同,设计色彩教学在绘画色彩的基础上把重心向设计实践方面转移。教学中不能用绘画色彩的教材和教学模式进行,而是向设计方向转移。 1、着眼点的转移 由绘画创作的自由性向设计创作的受限性转移。在教学中借助设计色彩优秀作品与学生共同欣赏,一起寻找作品中美之所在以及与绘画色彩的异同,使学生加深对设计色彩表现的特点及其倾向性的认识。 2、写生观察,由写实向写意转移 绘画重写实,设计重写意。在教学基本训练中,不要只局限于面对景物写生,应自由想象,让学生的思维天马行空似的驰骋,去寻找美的表现。写生重感悟,想象寓求新,合乎设计基础的重点要求。 3、在技法上向“色的分解”转移 将变化万千的自然色彩概括为几套色的归纳色彩写生方法,旨在培养学生用极简练的艺术语言去表现自然界中对象的丰富变化,使学生从自然结构中归纳出艺术形象与概括的色彩秩序,强调写生时将自然形态转化为艺术形态的有序步骤与造型特征以及形式美法则的具体运用,从而顺利进入到色彩诸关系对比元素联系的整体系统中去。在形态上重视轮廓影像效果,省略繁琐细节,以形成特征强烈的视觉效果。4、在色彩的选择上和使用上向红、黄、蓝三原色转移将画面各种色彩分解为基本色块红、黄、蓝的组合。间色和复色分解为原色的空间混色,灰色可分解为任意一对互补色块。色味则有色相和色块多少来控制。使画面增加色彩丰富、响亮、闪烁、强烈的艺术性。 5、在表现技法方向,向装饰性画面转移 从静物到风景再到人物,都以色点、色块、色阶来表现。利用点、线、面以及相结合的装饰手法进行画面刻画。采取色相推移、明度推移、纯度推移、冷暖推移、面积分割的色彩装饰手法;也可采用中国画勾线、勾边的装饰手法。 6、把创作思想和实践的重心转移到创新思维、理性认识和象征意义上来 创造性是评判装饰艺术作品的优劣的重要标准。以往的教学经验告诉我们,在设计色彩教学中只重视求同思维,而忽视求异思维,只强调逻辑思维,而轻视想象思维的种种弊病,会导致学生创作思维的思路闭塞,想象力贫乏。所以,在设计色彩课中培养创造性思维,课程目标首先是进行命题性色彩创作练习,创作出符合命题题意的设计性突出的作品。着重培养创造性的思维观念,主观表达的能力和综合设计的能力。把握主题、强化装饰造型、构图、色彩和表现手段。然后是进行设计性装饰画创作练习,模拟客观环境、空间进行假设设计、运用象征等手法创作出符合环境空间整体,和谐新颖的设计色彩作品。 五、结语 总之,教育大计,教师为本。高校艺术设计专业设计色彩课的教师担负着在有限的时间内把入学新生培养成能适应和接受艺术设计类专业要求的学生的重大职责。所以,在新的目的,新的理念,新的设计,新的内容,新的环境下,对教师提出了更高的要求。教师要不断学习修炼自己,提高自身素质,应该成为具有先进的理念和不断探索研究精神的教师,应该既是教学活动的组织者、实施者,同时也是课程的研究者、开发者和设计者。尤其是色彩专业教师不但要有丰富的艺术学养和精湛的绘画专业技能,还要了解学科前沿,成为“可持续发展的教师”,向着更专业化的道路发展。教学中不能用绘画色彩的教材和教学模式进行,而是向设计方向转移。艺术设计的创新,主要表现于形式美的创新:色彩的表现力求新颖而有创意,创造出本来不存在的形态。教学中首先是注意写生的同时,进行创作实践,启动他们求新、求异思维。然后从学习专业理论知识入手培养学生的艺术素质,向国内外优秀作品汲取营养,温故而知新,推陈出新。 作者:邱凤香 张桂可 单位:长春工业大学 艺术设计论文范文:高职环境艺术设计论文 一、高职环艺专业培养现状 (一)高职环艺专业学生培养存在的问题 高等职业教育是我国教育发展的有机组成部分。其培养目标是“为国家和地方经济发展培养适应市场、生产、建设、管理、服务等一线需要的应用型高素质人才”。高职教育的特色是办学方式灵活,课程设置和社会、市场需求对接。然而,从我们对浙江省6所开设环艺专业的高职院校调查来看,情况不容乐观。2012年,为了解社会对高职环艺专业学生的需求及评价情况,我们分别在杭州、宁波、湖州选择了有代表性的高职院校毕业生共80人进行了问卷调查。调查对象选择的是近3年6所高职院校从事本专业工作的毕业生,其中男性占77.5%,女性占22.5%。从社会对环艺专业毕业的人才结构情况来看,需要技术性人才的数量最大,占63.8%;其次是业务型人才,占25.6%;再次是管理型人才,占9.5%,其他的占2.1%。在调查中反映出的最突出问题是:虽然社会对高职环艺专业毕业生需求量较大,但由于培养方向、总体素质等问题,短期内毕业生整体素质与社会需求不匹配。在关于对学校开设课程与社会需求的问题调查中,有46.5%的受调查者认为现有高职环艺专业开设的课程与社会需求不太符合;有20.2%的学生认为不符合;15.6%的学生认为符合;17.7%的毕业生认为一般。在对高职环艺专业课程设置进行调查时,有46.2%的毕业生提出要注重教学内容知识结构上的总体交叉和整合,有必要在高职环艺专业课程设置中拓展专业基础知识。有53.8%的受调查者提出:课程设置要与时俱进,结合社会需要不断更新教学内容,并在专业知识教育中增强实践技能培养方面的内容。调查发现,目前高职环艺专业课程设置中主要存在以下问题:首先,由于高职设立环艺专业的时间不长,其课程基本上都是以本科院校的课程设置为蓝本,教学内容、计划缺乏社会需要的时代性和针对性,不符合高职教育培养人才的目标。其次,由于对“环艺专业”学生的定位和理解不同,各高职院校的专业建设和课程设置差异较大,造成环艺专业与室内设计专业没有区别、缺乏特色。再次,课程设置上没有突出职业教育特点,造成专业理论知识没有本科院校学生扎实,动手能力、实践技能又不比本科生强,毕业生在社会上没有竞争力。 (二)高职环艺专业课程设置现状 教育部[2000]2号文件“《教育部关于加强高职高专教育人才培养工作的意见》通知中规定,高等职业院校学制三年,课内总学时一般以1600-1800学时为宜。三年制专业的实践教学一般不低于教学活动总学时的40%”。目前浙江省调查的6所高职院校总学时都在2500左右。与教育部的要求基本一致。课程设置分必修课、选修课两大类。其中必修课2350学时左右,选修课150学时左右,选修课比例明显偏低,影响学生培养的灵活性和适应性。必修课又分为四大模块,其中公共课模块550学时左右,开设政治思想、英语、体育、国防教育、计算机基础、就业指导等课程。专业基础课模块350学时左右,开设素描与色彩、设计构成、设计速写、设计制图、计算机辅助设计等课程。专业课程模块约350学时,开设快图设计、材料与构造、住宅空间设计、公共空间设计、电脑效果图、景观设计等课程。专业实践课模块1000学时,包括专业认知、户外写生、专业实践、毕业设计答辩、顶岗实习等。高职环艺专业培养的是服务于环境艺术设计第一线的应用型高素质人才,环艺设计包含了艺术与技术,科学与社会人文等多方面、多学科交叉的综合性内容。社会上对环艺专业毕业生的知识、技术、技能和素质有较全面的要求。所以“环境艺术专业学生的培养必须提倡厚基础、宽口径、专业化的模式”。据此,可以看出,目前浙江省高职环艺专业的课程设置与培养目标是有较大差距的。主要表现在公共基础课、选修课模块的设置口径不够宽;专业基础课模块没有体现基础厚的培养目标。同时专业课模块的专业化教育也有待调整,特别是专业实践课的课时安排必须加强。 二、高职环艺专业课程设置现状的改革 高职环艺专业学生在校时间只有3年,由于受目前国家高考体制制约,高职环艺专业所招的学生基本上有以下两个类型:第一类是以前学过美术,有一定美术基础,但在文史或数理方面基础较差;第二类是文化素质还可以,但原来没有学习过绘画技能,美术基础欠缺。因此,在短短三年时间内,完成高职环艺专业学生教育培养目标,必须对课程设置进行改革。 (一)创新高职环艺专业课程设置基本原则 1.预见性原则 这是面向21世纪,培养适应社会需要的高职环艺专业人才的前提,也是高职环艺专业发展的基本动力,只有对社会、市场需求进行认真研究,准确预测,课程设置才能有的放矢。 2.适应性原则 环艺专业是一门综合性很强的交叉学科,它所涉及的学科范围广、内容多。而高职学生在校时间短、实践任务重,总学时不可能增加太多,因此必须对教学内容和实践项目进行符合社会和专业需求的取舍。力求避免教学资源的损失和浪费,做到人尽其才、物尽其用,使教学工作在有限的课时内收到最合理、最经济、最有效的教学成果,达成培养目标。 3.特色性原则 要紧紧围绕环艺专业培养目标,办出高职环艺专业特色,即要突出高素质、应用型,这是由高职的培养目标、生源和社会需求所决定的。在改革高职环艺专业课程设置时必须牢牢掌握这一原则。 4.创新性原则 创新是设计的灵魂,环艺专业集艺术与工艺于一体,创新是它的主要特征,也是生命活力之所在。树立以培养学生创新思维,提高创新能力为主的课程设置理念。 (二)改革高职环艺专业课程设置的思路 高职环艺专业的课程设置要体现高职教育特色,努力培养学生的创新思维和能力,紧紧围绕“厚基础、宽口径、专业化、应用型、高素质的培养目标”。教学内容强调基础知识扎实,专业面宽泛,改变目前围绕室内设计为中心构建课程体系的思路。 1.必修课的公共课模块 总学时按原课程设置550学时基本不变,在原有的8门课基础上增加“当代中国经济与政治”“大学语文”和“文献检索”三门课程。同时调整各课程的学分数和课时数。“思想和中国特色理论”由60学时调整为36学时;“高职英语”由180学时调整为144学时;“就业指导”由40学时调整为18学时,以体现高职教育宽口径、厚基础的教育目标,改变浙江省高职环艺专业公共基础课程设置口径不够宽的缺点。 2.专业基础课模块 适当增加课时数,专业基础课由原来360学时增加到414学时。专业基础课在保持原有的五门课基础上增加:“艺术概论”“设计史”“建筑概论”三门课程。同时调整各门课程的课时数与学分,素描与色彩由120学时调整为108学时,学分也由8学分调为6学分。构成、计算机辅助设计、设计与速写三门课程由60学时调整为54学时,学分由4学分调整为3学分。 3.专业课的设置总课时基本不变,较大幅度调整课程设置 保持原设置的6门课程外,增加“设计程序”“景观设计”两门课程,同时大幅度调整教学内容,对现有教学大纲和教学内容进行改革和创新。积极吸纳近几年专业领域内的新知识、新技术。力求体现环艺专业研究最新成果,体现高职环艺专业学生高素质的要求。 4.提高学生专业实践课的学习效果 积极引入项目教学法等先进的实践课教学手段,选择企业实践设计的典型案例作为教学载体引导专业实践课教学,提高学生兴趣,发挥学生的主观能动性,启发学生学习的自觉性,提高学习效果。 5.选修课的设置总课时基本不变,大幅度增加选修课的课程设置门数 由原来的9门增加至15门,增幅达60%,以增加学生选课的余地和兴趣。同时,提高选修课的学分数量,以提高学生对选修课的重视程度。并以学科发展与社会需求为导向,积极开设符合高职环艺专业发展需要的特色课程,以提高学生的社会适应性,使学生就业竞争力提高。 三、结语 高职院校环境艺术设计专业课程设置的改革与创新是一个系统工程,也是一项极其复杂的工作。它直接影响学校人才培养与社会需求的对接,关系到专业的生存与发展。必须要在保持总课时基本不变的情况下,增加专业基础课,扩大选修课的学分和内容,以适应“厚基础、宽口径、专业化、应用型、高素质”的培养目标。 作者:吴思 单位:湖州职业技术学院建工分院 艺术设计论文范文:我国城市环境艺术设计论文 1城市环境设计应以城市环境为依托 城市环境从广义角度分析,城市环境包含以下内容:城市所在地的地域空间、物质要素以及城市发展变迁过程中所承载的一切同城市发展相关的要素。城市环境不单单指的是物质层面的环境,还包括同城市文明相关的人文环境及文化环境等。总而言之城市环境包含的内容丰富,概念比较宽泛。在城市环境艺术设计前有关的设计人员应认清城市环境的概念,明确设计的目标。进而以城市现有环境条件为依托和载体对城市环境进行艺术设计,使城市环境具有艺术风格和魅力,进而提升城市的艺术价值和品位。只有将城市环境作为城市环境艺术设计的载体和依托,以城市环境为设计的基础,才能设计出符合城市居民审美观及满足城市居民高品质生活环境的要求的城市环境艺术工程作品。如果在城市环境艺术设计中脱离城市环境为依托,完全采用脱离城市环境为依托和载体的设计理念,那么即使城市环境艺术设计作品完成,投入到城市环境规划及改造工程中也很难体现出其艺术价值。因此,作为城市环境艺术设计工作者,应深刻滴认识到城市环境艺术设计和城市环境之间的关系,即城市环境决定和主导城市环境艺术设计,城市环境艺术设计必须要以城市环境为依托,在具体的城市环境艺术设计中,应根据不同城市所在地的不同环境特征采取不同的设计思路,使城市环境艺术设计思路同城市环境艺术要求相统一、相协调。只有城市环境艺术设计者透彻地分析城市环境,才能通过艺术手段创作出高品质、高品位的城市环境艺术作品,使城市变得更加美丽。 2城市环境艺术设计能够提升城市环境质量水平及艺术气质 城市环境艺术设计工作的开展的前提是必须要有城市环境物质条件、人文风貌及其他相关的条件为基础。城市环境艺术设计者通过采用艺术手段对城市环境进行美化的同时,还需保证城市环境能够满足城市居民生活、生产高质量环境的需求。换句话讲,城市环境艺术设计的主要目的是在保持现有城市环境条件的基础下,对城市环境进行改进和美化,赋予城市环境艺术气质,改变城市环境固有的面貌,以崭新的面貌出现在市民的视野中,通过城市环境艺术设计可有效提高城市环境质量,给城市居民创造良好的生存发展空间,从某种意义上将城市环境艺术设计水平的高低标志着城市文明发展水平的高低。此外,以城市环境为载体和平台进行城市环境艺术设计,还能够改善城市环境气质及艺术魅力。比如我国的一些比较闻名的旅游城市就是通过城市环境艺术设计手段来改善城市环境质量和环境气质,使城市具有鲜活的生命感和活力。诚然,一旦旅游城市的环境质量水平及艺术气质提升了,将会吸引更多的游客前来观光旅游,对促进城市商业经济发展以及城市影响力都有着积极作用。基于上述原因,我国目前的许多城市在城市建设化过程中逐渐将城市环境艺术设计作为城市规划设计的重点内容,以通过在改变城市环境质量及赋予城市环境艺术气质的基础上促进城市经济的和谐发展。加强城市环境艺术设计研究,将艺术的元素融入到城市环境中进而提升城市的整体“素质”是实现现代城市可持续发展的重要战略手段。 3城市环境艺术设计与城市环境存在相互依存,不可分割的关系 对于城市环境艺术设计者而言,必须要遵循以城市环境为依托的原则,透彻了解城市环境和城市环境艺术设计二者之间的关系的条件下进行城市环境艺术设计,如果没有透彻了解二者之间的关系,甚至是在城市环境艺术设计过程中完全脱离城市环境本体,闭门造车,那么设计出来的作品将毫无意义。因此,城市环境艺术设计工作者必须要在设计前认真地了解及掌握城市环境的内涵,透彻地分析城市所在地的环境情况,如城市的人文风貌、风俗习惯、地质条件、地理位置等,在综合考虑城市环境的基础上运用有关城市环境艺术设计知识及手段赋予城市环境艺术气质及内涵,进而提升城市环境质量。相应地城市环境质量一旦提升将会带动城市经济的发展,使城市在一个良性循环轨道上健康发展。所以在城市环境艺术设计过程中应重视城市环境及城市环境艺术设计的关系,其二者之间是相互联系,不可分割的关系,只有准确定位二者之间关系,城市环境艺术设计作品才能体现出其价值,才能为城市环境建设增光添彩。 4结语 综上所述,城市环境和城市环境艺术设计二者是相互联系、相互依存的关系,脱离城市环境本体进行城市环境艺术设计是没有意义的,只有透彻认清二者之间的关系,才能使城市环境艺术设计作品具有意义和价值。 作者:李璐 单位:扬州大学美术与设计学院 艺术设计论文范文:基于语料库的艺术设计论文 1语料库的艺术设计英语研究的意义 语料库的艺术设计对英语的研究具有非常重要的意义,作为语言学研究的一门新兴学科,语料库语言学起源于20世纪60年代的英美国家。随着英语作为国际交流的通用语各行各业都在学习英语。据统计,当今世界的文字出版物和音像出版物大约85%使用英文。英语的能力表现在听、说、读、写、译等方面。在世界上,先进的思想和高深的技术,以及大多数知识分子间的交流都将用英语进行,这就需要我们拥有较强的英语能力。英语学习可以不断丰富人们的文化背景知识,扩展知识面等。所以我们对语料库的艺术设计英语研究,就具有非常大的意义,不但关系着一个人的学习发展,也关系到一个国家的英语学习水平,所以对语料库的艺术设计和英语研究具有必要性和重要性,我们必须要对其进行一定的研究分析。 2语料库的艺术设计的不足之处 虽然我国的英语教育等环节都得到了实质性的提升,且我国也越来越重视对英语语料库的发展和完善。但是在实际应用中,语料库的艺术设计仍然存在很多的不足之处,具体来说,主要表现为以下几点。 (1)语料库的主题索引范围过大 从目前来看,语料库的主题索引范围过大,给搜索造成了一定的影响,不利于提升索引的效率。在语料库进行搜索的时候,我们往往会遇到一些在搜索时出现搜索结果范围过大的现象,这样就对学习者搜索到相应的准确资料造成很大的影响,极大地浪费了时间。这样长期下去对于学习者来说是非常不利的。例如,在英语中,job和work表达两个不同的语义概念,但中国学生却往往把二者当作同义词交换使用。相似的失误还有,用select、choose表达对工作的选择,而英语本族人则一般在job前使用lookfor或take。所以我们必须要对语料库进行一定的改进,以此来促进英语语言的学习。学习英语的过程中,能对学习效果产生重要影响的通常都是学习者情感方面的因素,如学习者对学习的热情度高,便可产生学习者对学习的内驱力,相反如果学生对学习没有投入足够的情感,也就很难拥有良好的学习潜力和积极性。因此,在英语学习中情感因素是很重要的一项,所以我们必须要做到有效提高学习者学习的兴趣和积极性。 (2)语料库的翻译的文化差异性 受到语言间的差异性特点的影响,在语料库进行翻译的时候,会出现一些翻译不准确的现象,而且掌握了一定的词汇还要提高语法能力。语法包括词汇和句法,语法能力是指语法知识的能力以及对构词法和标点符号等方面的掌握和运用。英语不光是词汇和语法这两方面,还涉及到其它方面,各地的文化差异,某些词语概念基本相同,意义其实是表达当地的文化特色。内容一般涉及社会和文化、环境保护、科普常识、教育制度、历史人物等。所以语料库进行翻译的时候,会出现一些翻译不准确的现象,这就需要我们进行一定的研究,进行相应的改进。 (3)单词构词法的练习设计缺乏科学性 从目前来看,一些学习者对单词构词法的练习设计缺乏科学性。对于一些学习者来说,由于受到母语语言的限制,这就需要我们对单词构词法以及语法进行学习,但是语料库在这一方面却是明显比较缺乏,但是正确的应该是将汉语的名词结构转换为英语的动词结构,不显累赘。“在哲学艺术方面的表现都反映出”应译为“Thephilosophical,literaryandartisticworksallreflectthat…”,但是语料库却不能提供给我们相应的训练,所以在这一方面,就需要我们进行一定的研究,进行相应的改进,提高语料库的利用效率。 3如何促进语料库的艺术设计的进一步完善 为了有效提升语料库的艺术设计水平,现提出以下几点建议,希望有所帮助。 (1)扩大词汇量的录入 提高英语阅读水平的关键要素就是掌握足够的词汇量。所以要求语料库的艺术设计在词汇的录入方面,较多地吸收具有文化特色的词汇,这样可以促进我们对文化的了解,提高我们英语学习的文化背景。而在英语学习中要多阅读,在阅读中积累词汇的同时还可以扩大知识面。对于很多死记硬背的学生要学一些构词规则,也要在平时生活中多看报纸、杂志、新闻等,经常记录添加词汇,养成边阅读边记住词汇的好习惯,扩大词汇量。也可以随身携带一本字典,使它来查找生词并记牢。还要适当阅读一些小故事、生活常识和关于社会科学等方面的文章来扩大知识面。所以资料库在设计时,可以增加一些时事新闻方面的内容,便于我们学习英语的积极性和时效性。 (2)提高在线翻译水平,提高语法能力 提高在线翻译水平,提高语法能力,就需要我们在对语料库进行设计的时候,要进行合理化翻译,就是要注意句子的翻译语境,以及句子所处的文化背景,只有这样才能真正加深对句子的理解。每一篇文章都是由一个个句子组成,每一段都有不同的含义,彼此之间有紧密的关联,包括逻辑关系。因此在阅读一篇文章的时候,要想快速知道文章想表达的内容和作者想表达的观点,就要求学习者在平常的时候多多阅读,锻炼自己的逻辑思维能力,边阅读,边思考,读完了文章的内容也大概明白了。否则的话,不能正确理解文章表达的含义,在做阅读理解题的时候就会选错答案。因为语言是逻辑思维的连接点,所以每次练习阅读也是一次思维的练习,不要为了阅读而阅读,要去加强训练自己在阅读同时的逻辑思维,才能提高阅读的正确性和连贯性,最后做出正确的选择。 (3)增加相应的单词句法练习 学习者应该进一步增加对相应的单词和句法的练习,以此来有效提升自己的英语水平。例如基于单词意义的练习设计,在单词学习的过程中,词义无疑是一个应该重点对待的部分。在word一栏输入单词后就可以得到该词的英文释义,搭配、近义词以及语境共现索引行。以facilitates一词为例,与其最常搭配的名词按照出现频率高低则依次为Process、student、development、learning,近义词则包含enable、assist、ease,根据以上信息可以设计题型。只有这样合理的设计,才能使学生学习英语有信心,这是做任何事成功的基础。其次,学习英语要一步一步脚踏实地慢慢来,由简单到困难。建立学习成功的经验,对求知好学的期待有很大帮助,鼓励自己坚持学习英语的热情。最后,必须要清楚学习是一个迎难而上的过程,所以学习者要渐渐加大做题的难度,让自己逐渐适应困难的程度,进而让自己开始有信心,更加自信地去掌握英语内容。 4结语 英语是当今社会最重要的沟通工具,在未来的几十年里,随着社会科技的不断发展国际之间的交往更加频繁,用于外贸、对外交流以及国际性会议等都将于英语进行。英语的学习是中关重要的,通过本文的分析研究,可以进一步促进语料库的改进和完善,促进英语学习者英语技能的提高和发展。 作者:刘昌利 单位:苏州工艺美术职业技术学院公共基础部 艺术设计论文范文:专业实践性教学艺术设计论文 一、艺术设计专业进性实践性教学的重要性及其环节介绍 (一)艺术设计专业进性实践性教学的重要性。 艺术设计专业是一整个比较特殊的专业,教师需要着重培养学生的艺术设计于创新能力,而非是大量的专业知识,这就需要学生能够在实践中欣赏艺术设计、感受艺术设计,从而获得足够的艺术素养,进而真正的学会艺术设计。然而,长期以来,由于教学条件和教学理论的限制,艺术设计专业还是以理论的教学为主,空洞的教学方案使得艺术设计专业的教育理论与实践分离、教育与产业脱节。长此以往,学生缺少对美的欣赏,很难获得足够的艺术灵感,更是难以将艺术设计运用到实践当中。 (二)艺术设计专业进性实践性教学——专业考察。 在艺术设计专业的本科第一年,要以基础技能培训为主,着重培养学生的理论知识与专业素质。从这时开始,就要将专业考察相关的信息传递给学生,学院应该组织实地调研、现场观摩、专题考察、专家现场讲解等与专业息息相关的课余活动,让学生能够真正的了解艺术设计专业,要做到让学生了解今后他们发展的方向。初步的实践性教学可以让学生明确目标,让学生明白艺术设计专业在社会上的工作方向。同样的,学生若能基本掌握艺术设计专业的全部程序和技能,这样既有利于提高设计质量,也能减轻教师毕业设计辅导时的工作量。 (三)艺术设计专业进性实践性教学——技能实习。 在学生对于艺术设计专业有着一定的了解,并掌握一定的专业基础知识之后,就需要展开实习和实训教学,我们将之称为“技能实习”,具体来说是组织学生深入现场从事一定的实际工作,让学生进行独立操作,解决实际问题的教学形式,以提高学生的实践能力,强化学生的专业意识,提高学生对理论知识的应用、发现问题、独立思考的能力。技能实习的重点是让学生真正的将所学知识运用到艺术设计当中,通过让学生提前接触到今后工作可能接触到的内容,来加强学生对于艺术设计的认知与了解。技能实习的内容包括课程实习、生产实习、专业考察、社会调查实践;综合实习包括创新能力训练、现场实习、毕业设计等。 二、进行实践性教学的控制管理要点 (一)提前做好实践性教学的教学安排。 由于开展实践性教学的案例比较少,教师很难直接的获取教学资料,这就需要教师发挥主观能动性,根据现有的资料制定全新的教学方案。在制定教学方案的时候,教师可以通过教务管理部门利用校园网建立健全的教学计划、教学资源、学生学籍与课表编排等电子系统,直接获取与实践教学有关的原始数据,结合实践教学承担单位的具体安排,从而简便、快捷、完整、准确地制定出学期实践教学任务。另外,还要采取互补、协调与一致等原则,安排出科学、合理的实践教学课表,保证教学计划具有良好的执行性和制度的可持续性。 (二)设置合理的实践性教学考核方案。 凡是教学,必要有一个教学考核的过程,艺术设计专业的实践性教学也不例外。而实践性教学不同于其它的教学,它的考核方式不应该局限于笔试,而应该扩展开来,即“实践性考试”。学生通过实践性的学习所学得的内容繁杂,可以通过结业设计来进行考核,要求学生根据实践性学习过程中所学到的东西自行创作作品。这种“实践性考试”方案可以最大程度的发挥学生的自主创造性,也避免了目的性的考核。实践性学习不同于其它的教学方案,它有很强的灵活性,但随之而来的还有着不可控性。在该教学方案下,学生收教师监管的程度较低,因此,应该设立规范的学生考勤、考核制度,避免让实践性教学沦为“实践性娱乐”。参与实践性教学的教师应该建立严格的考勤考核方案,做到每次实践性教学都进行签到和签退,学生请假、缺勤、旷课、不及格的处理,参照学籍管理办法,根据专业课程有关规定执行。每次实践性教学完成之后都进行一次小规模的考核,并将成绩编辑入册,评语归档,与推优评奖挂钩。通过这种考核制度可以有效的避免学生忽视实践性教学的重要性。相信通过合理的考核制度,定能使得实践性教学取得良好的成果。 (三)完善实践性教学资料,做好成果汇报工作。 由于我国艺术设计专业的实践性教学尚处于起步的阶段,还在进行“摸石头过河”的探索过程,相关的教学资料少之又少,因此,每一次实践性教学的资料都使珍贵的资料,教师在完成实践性教学之后,不能放手了事,而要将实践性教学的教学大纲、课程安排、学生作品、教师的教学心得等资料详细整理,并做好资料的归档工作。另外,如果实际条件允许,学院还应该组织参与实践性教学的教师进行教学汇报,分享自己的教学心得,做到资源共享。实践性教学是一个新型的教学方案,教师应该在进行实践性教学之后对学生的整体水平做一个评估,并与之前的数据进行对比,综合研究开展实践性教学的得与失,并在下次实践性教学中对于存在的漏洞进行修正。 三、结语 本文对艺术设计专业的实践性教学方案进行了简单的分析,讨论了该教学方案的具体步骤以及开展实践性教学过程中需要注意的一些问题。实践性教学使教育改革的重要步骤,我国在此方面的参考资料比较少,这就需要各教师要有大胆创新的精神,又要对教学方案进行仔细的斟酌。希望广大教育研究人员对实践性教学加大研究力度,为我国的教育改革作出更大的贡献。 作者:李俊 单位:广西民族大学艺术学院 艺术设计论文范文:课程教学模式下的艺术设计论文 1普通高校艺术设计基础课程教学的现状分析 (1)教学方式强调教师的主导性。 当前艺术设计教育正面临着一个机遇与挑战并存的时代,但由于受多种因素的影响,我国艺术设计教育的发展及其改革的步伐一直滞后于艺术设计自身的发展速度和社会对艺术设计发展的需求程度。高等艺术设计教育必须根据自己的实际情况,培养适应社会发展需求的高素质设计人才。我国艺术设计教育一直沿用传统教学方式,在教学模式过分强调统一,强调正规化;强调课堂教育为主和教师的主导作用,注重基础技法的训练,而忽视学生艺术素养,艺术积淀的训练;注重学生严格按教学大纲要求,按老师的要求完成作业,而忽视了开发学生灵活运用基础知识,主动思维进行艺术创作的能力;注重学生校内课堂的练习,忽视了学生的艺术实践活动,注重继承现有的一成不变的艺术观念,忽视艺术发展的创新。 (2)具体的实践应用的教学模式比较少。 我国现阶段高校艺术设计专业课程设置的研究还比较浅显,大多只是停留在某一个方面,而且注重的是理论层面的探讨、课程结构体系的整合、培养目标和评价体系的研究,并未考虑到我国高校基础课程设置的现状及存在的问题,关于具体的实践应用层面的研究比较少,而从根据地方市场的实际需求出发的教学模式研究就少之又少。从而,制约了地方高校设计基础课程体系的改革与发展。通过对国外艺术设计教育的研究发现,国外更加注重课程开发以及课程实施与社会各界的广泛合作,注重实践课程的实施,以及课程设置的多样化和弹性化,有很多方面是值得我们借鉴与学习的。以期为我国地方高校艺术设计基础课程设置和教学模式的改革提供有益参考,为我校艺术设计教育跟市场经济接轨,能更好地位地方经济服务。 2针对社会需求的艺术设计基础课程教学模式的改革策略 随着教学改革的深入,多媒体教学的应用,使得一些新的、有特色的教学方式融入艺术设计教学中,一些老师进行了大胆而有益的尝试,如让学生成为主体、注重学生健康的审美个性以及在教学环境中营造平等氛围等,这些教学方式的更新取得了一定效果。笔者认为艺术设计学科的教学,应打破传统思维模式,通过创新的教学方法充分发挥学生创造力,激发学生学习兴趣。笔者根据自身的教学实践以及其他方面的调查,发现目前我校艺术设计专业基础课程的教学实践中,还存在很多问题,这些问题会潜移默化地影响我们的教学效果,希望通过对这些问题的分析,能够使艺术设计教学方面取得良好效果。一是忽视学生审美能力和创造性思维的培养,二是忽视学生的实际操作能力,不切实际地照搬央美的课程内容。三是重视理论的学习,课程项目设计都是虚构的,实际上是教学模式与市场需求脱节。针对这些问题,提出几点建议: (1)设计基础课程的设置首先考虑的是提高学生的审美能力 通过领导学生到当地的中大型企业考察时尚造型、色彩潮流等,使得学生的审美能力提高了并且与市场需求相吻合。艺术设计基础课程的内容设置以学生的兴趣为出发点,注重对学生实践能力的培养和发挥学生自主学习的能动性。每年都会邀请知名艺术家、设计家来院系作各种讲座和报告,让学生更多地了解和学习现代艺术的发展动态和趋势。美国几乎所有的艺术设计学院都非常重视动手能力的培养,教室就是工作室,里面大部分是操作间和工作台,很少有课桌。通过实际的操作,学生能感受和体会到实际设计中动手的细节,有效提高了自身的实践动手操作能力。姚小刚在《比较视野中的中国艺术设计教育》文章中提到美国克兰布鲁克学院的教学模式的特点是“工作室”教学,办学机制是产学研一体化。 (2)设计基础课程内容的设置邀请本地企业用人单位参与 课程结束后,学生就能完成相关的工作,有较强的实践能力和创造力,向社会输入高级应用型人才。党的十八大报告对教育工作做出了重要部署,特别强调“加快发展现代职业教育”,进一步明确指出今后教育事业的发展目标定位和战略选择。本人认为发展人的创造能力与创新精神是当前中国艺术设计教育的目标。而艺术设计教育的目的是通过学生对艺术设计方法、技能以及思维能力的训练,培养出符合人们需要、满足社会需求、具备扎实的实践能力与较高的创新精神,能够适应教学、设计等综合型的设计人才,重点在于对学生实践能力的培养与创新思维能力的培养。对于艺术设计的学生绝不能仅仅只是传授一些基本的理论知识和制作技能,还必须培养学生关注市场、提高实践能力、培养学生的创新能力。因此,必须分析我校目前设计基础课程设置内容和教学方式不足的方方面面,针对问题召开座谈会,向设计公司负责人了解当前艺术设计毕业生的工作能力和创造力,市场需求信息,进行统计、分析和整理。确立艺术设计基础课程内容和“培训包”课程的设置,学生走出校门就能顺利就业,实现和世界市场接轨。 (3)创建职业“培训包”课程与部级职业资格证书考试直接挂钩 培养高级技能型人才,从容地实现为地方经济服务的高等级教育目标。德国包豪斯学院为现代设计教学奠定了基本的理论框架,并为世界各国所借鉴,同时,德国的“乌尔姆设计学院”构建了一整套完备的理性主义的现代设计方法。其最大的特点是,把艺术设计教育与现代科学技术相结合起来,把艺术设计教育转移到科学技术的基础上来。德国的艺术设计院校还特别注重教学和实践的衔接,设置各种实习车间,如模型车间、木工、金工、陶瓷、塑料成型、染织、石版车间和书籍装订车间等等一应俱全。另外,积极地与企业进行合作,培养学生实际动手操作能力。召开小型座谈会向设计公司负责人了解当前艺术设计毕业生的工作能力和创造力,课题所需要的信息,进行统计、分析和整理。确立艺术设计基础课程内容和“培训包”课程的设置,学生走出校门就能顺利就业,实现和世界市场接轨。 (4)创新性教学模式的探索。 例如,命题式教学、工作室式教学、模拟公司式教学、参与比赛式教学、实习基地式教学、课程支援式教学等等。就目前来看高校艺术设计教育最薄弱的环节恰恰就是实践教学与对学生创新能力培养这样两个环节,学生制作的作品基本都是假设出的课题,使专业学习与企业需求不合,很难使学生了解市场的真正需求,学生在课堂得不到真正的锻炼,致使学生在实际中很难应对。在高速发展的现代社会中,商品经济十分繁荣,市场竞争日趋激烈,经济的发展必然将艺术设计推向一个重要位置。同样,艺术设计的发展也将给经济的发展带了一个更加广泛的市场。一方面,艺术设计的发展促进了经济的发展;另一方面,经济的高速发展也为艺术设计人才的培养提出一系列的要求。社会经济的发展离不开人才的培养,艺术设计人才的数量与规格,可反映一个国家和地区的科学与文化发展的进程,同时也可从中看出该国家和地区的经济实力。所以它必须培养学生关注市场、提高实践能力、培养学生的创新能力。 作者:胡美芳 单位:湘南学院美术与设计学院 艺术设计论文范文:现代绘画作品中艺术设计论文 一、现代绘画的发展阶段及设计理念 20世纪初期,法国野兽主义绘画和德国表现主义绘画出现,这两种绘画流派的艺术形象均极度夸张甚至趋于变形,色彩明暗对比强烈,笔触豪迈粗犷、潇洒不羁,标志着现代绘画的正式诞生。1907年,法国立体主义绘画兴起,以抽象的块面进行构图,完全打破了传统绘画中画面的完整性,现代绘画由此进入独立的逻辑创作阶段。1909年,在现代科学技术的启发之下,意大利未来主义艺术家尝试通过对线、形、色、光的重叠排列来表现物体的运动感、速度感乃至光感和声音。同时期出现的德国青骑士社将表现主义推向新的高度,在造型设计上无限夸张、强烈扭曲、极度变形,在色彩运用上强弱突出、对比鲜明,在创作技巧上则采取富于哲理意蕴的抽象或半抽象手法,直接促成了抽象主义绘画的产生。抽象主义绘画不再强调形象的象征意义,而是主张使用点、线、面和色彩等基本的绘画语言来传达艺术家的主观情感和态度。第一次世界大战期间,达达主义流派在瑞士形成,并迅速流行于欧洲各国。它完全否定了以往的艺术规范,采用彻底的虚无主义,将拼贴手法、偶然机遇等融合于美术创作之中,个体主观性色彩极强。二三十年代,超现实主义出现,它以精神分析学的潜意识学说为艺术创作的优秀理念,主张从梦境、潜意识和臆想中获取灵感,创造出完全摆脱现实束缚的超现实画面。二战后,现代绘画在美国获得进一步发展,分化出抽象表现主义,这种绘画风格集抽象主义、表现主义和超现实主义于一体,彰显出极高程度的自由和个性,构图设计与色彩安排的独到性将现代绘画推向又一个高峰。 二、以抽象变形为构成原则的艺术设计 俄国画家康定斯基是德国青骑士社的重要代表,也是投身抽象主义艺术创作的领军人物。他指出,“点、线、面是造型艺术最基本的单位和语言,它具有符号和图形功能,可以表达不同的性格和丰富的内涵,它具有抽象的形式、艺术的内在本质和非凡的精神”。点是相对于所存在的空间而言面积和体积都非常小的空间占有实体,形状对它来说无关紧要,这就赋予了点以实质的抽象性。线既可以是任何物体的运动轨迹,也可是视为任何形态细长之物的简约存在,在形式上具有高度的概括性、简化性和普遍性,因而也是一种典型的抽象元素。面同样如此,任何一个二维空间,无论形状如何、尺寸如何,均可归为此类,相对于点和线而言,是更为直观的抽象存在。基于其自身的抽象特质,点、线、面的艺术性结合也是抽象的。在现代绘画中,艺术家不再囿于自然事物的本来面貌,而是经过自身情感的加工与个性的灌注,通过剖析内力的运动变化,对事物的外在形态进行抽象变形,着力刻画物质的内在本质,而这种内力的运动变化则被艺术家们视为自然物质的生命活力。因此可以认为,现代绘画是通过点、线、面三种艺术元素的运动组合来表现形态的抽象变化,包括形态的节奏、韵律、方向和位置等,继而展示形态之下饱满的生命活力。例如蒙特里安的作品《树》,通过纵向与横向的线条来表现树木的生长规律与生命特性,位于中心位置的模糊可见的主干,则展示出树木生长运动的主要脉络。由此可见,以抽象变形为优秀的构成原则所强调的是事物内部的气势、节奏和生命力这些共性的存在,而不再是外形这种个性因素。这就说明,尽管抽象变形之后,事物的原本形态在现代绘画中不复存在,但其本质的、共性的内涵却清晰可现。又如,在米罗的《绘画》中,观者可以发现其中的很多形象都是由单纯的点构成,并且这些点是富于思想、蕴含表情的,它们艺术性地连成线、结成面,令整个画面充满动态美、节奏感与灵活性,让观者产生无限联想。 三、以分解组合为形态要素的艺术设计 现代绘画以分解组合为形态要素的艺术设计主要体现为三个方面,分别是打散构成、立体解析和意义合成。打散构成是指,在现代绘画中,艺术家往往以局部为形态要素,把单一的自然形或其变形自由分解为部件,这些切断后的部件可以不再具有自然形,也可以不再具有原本的功能,随后,艺术家把这些部件作为绘画的构成要素,使用全部或其中的一部分来构成新的形象或画面。打散构成是一种自由的分解组合,具有同一性的部件经过重复组合,便可创造出一定的节奏和韵律,进而产生和谐统一的整体美感。例如,在康定斯基的《几个圆形,第323号》中,重复出现了众多大小各异、颜色不同的圆形色块,它们在暗夜之中静静流淌,相互重叠而又彼此分离,整个画面展示出一种强烈的节奏感和运动感,还体现出强烈的和谐美和韵律美。立体解析是一种有规律的分解和组合模式。在这种模式之下,艺术家把单一的形体分解成为多个立体投影图,再通过诸多艺术手段,将这些投影图组合成为崭新的画面形态。这种分解模式能够让画面产生一种支离破碎的美感,并能营造出一种传统美术所不具备的多维空间感受。西方现代立体主义大师毕加索就是立体解析的典型代表,他将爱因斯坦的相对论与绘画完美融合,把所要描绘的对象分解为多个形态各异的部分,创造出与众不同的视觉美感和空间概念。例如,在《拉提琴的人》中,毕加索为观者提供了多个观察角度,观者可以通过不同的视角看到同一对象的不同侧面。美国画家希勒继承和发展了毕加索的立体主义,他的《震教徒的农舍》在画面中同时呈现出正面和侧面效果,左侧似乎是蓝天,但上面点缀着三扇窗户,又像是农舍侧面的墙壁。整个画面呈现出复杂的几何式构造,构图严谨稳固,视觉效果丰富,既体现出极强的秩序性,又彰显出透视重叠的效果,源于现实而又超越现实,艺术色彩浓厚,令观者产生耳目一新之感。意义合成是指对多个形态进行分解,从中挑选出一部分意象进行组合与重构,对意象的意义进行叠加,继而扩大形象的内涵。不过,融为一体的意义相互之间并不能保证是完全肯定和包容的关系,它们往往与现实不符,是一种偶然的、随机的结合,呈现出超自然和超现实的特征。通过这种艺术设计方式所构画的图像能够带给观者强烈的内心冲击,让他们产生丰富的联想,感受到图像背后艺术家深刻的思想与充沛的情感。意义合成方法的运用主体是超现实主义画派。超现实主义艺术家强调远离或超越现实,潜入人的内心世界,其创作灵感大多来自人的潜意识及幻觉。他们结合弗洛伊德的精神分析学说,运用夸张、变形、分解、种族、错位、叠印、倒置等艺术手段,将一些毫不相干的形象拼凑在一起,塑造出近乎荒诞的心理幻境,借此表现人类复杂多变的精神世界。例如,西班牙超现实主义画家萨尔瓦多•达利的《记忆的永恒》,画面中三块停止行走的时钟几乎完全脱离了现实的形态,它们像柔软的面饼一样,一个软绵绵地挂在树枝上,一个呈九十度直角耷拉在像是长着婴儿脸的怪里怪气的生物上,还有一个搭在生物旁边的平台边沿上,仿佛就要融化一般。在空洞荒凉的海湾背景之下,三个超越现实的时钟向观者呈现出一个时间已经绝对停止的绝对安静的世界。在这幅图画中,各个形象细节精准,除却三个钟表以外呈现出高度的写实性,但整个画面在视觉上却带给观者一种荒诞怪异、不合逻辑、同时又似梦似幻的感受。 四、结语 总之,现代绘画作品追求的是一种纯粹艺术化的设计形式,通过具有高度抽象性和普遍性的描绘手法,去表现事物的内在本质,传达艺术家的深刻情感与丰富哲思。它的兴起催生了一系列崭新的艺术形式,极大地促进了绘画艺术的进步,也推动了艺术设计理念的变革。它那以抽象变形为优秀的构成原则和以分解组合为形态要素的艺术设计引发了设计理念的变革,使现代艺术设计朝着更具生命力与感染力的方向不断迈进。 作者:倪明 单位:宿迁学院五系 艺术设计论文范文:环境艺术设计中城镇形象设计论文 1环境艺术设计中生态理念的特点 1.1持续性 现代社会物质和能量的开发要有一定的节制,在满足当代需求的同时还要考虑到后代的需求,要在不危及后代人的正常生产生活需求的基础上进行合理的开发,体现了生态理念的持续性。要实现持续发展,就要合理的规划设计的构思、布局结构以及设施设置等,有效地利用可再生自然资源,实现可再生自然资源的优化配置,同时采取措施不断地减少对不可再生资源的浪费,发挥其最大的生产效应,为人们的生活创造更加舒适的环境。 1.2循环性 实现对生产生活所需要的物质和能量的有效利用,使得使用过的废料可以继续通过科学的加工利用到生活当中,最后得到自行分解,尽量减少对周边环境的污染,体现生态理念的循环性。生态理念的循环性使得能量利用、物质消耗以及信息分解等形成一个循环的体系,在自然中,物质和能量的流动是一个闭合的循环流,而生活中的物质和能量的使用是单向的,人们在生产生活中产生的垃圾和废弃物会对周边环境造成大量的污染,因此在环境艺术设计中要考虑到环境的承载力,合理科学的利用和处理资源。 1.3高效性 在现代的生产生活中依然存在着严重的浪费现象,资源得不到有效地利用,加大了资源的投入成本,而生态理念下的生产生活要求最大限度地利用可再生资源和不可再生资源,以最低的成本投入来获得最高的资源利用率,改善资源利用和发展模式,努力实现资源的合理配置。 1.4多样性 随着人们的生活水平的不断地提高,对于环境设计产品的需求也越来越多,逐渐呈现出多样化和复杂化的特点,因此要提供更多选择的环境设计产品,促进多样化的消费,降低因为无节制的扩大消费而造成的环境压力,转变人们被动的消费选择方式,提供有利于人类和自然环境和谐相处的多样化产品,使得环境艺术设计具有更大的实际意义。 1.5舒适性 环境艺术设计生态理念要满足居民的物质和精神需求,既有益于人们的身心健康,又能够体现设计的审美价值和激发人们的生活情趣,体现生态理念的舒适性。 2环境艺术设计中生态理念下的城镇形象设计 城镇的形象设计与环境艺术设计密切相关,对乡镇进行合理的规划建设是当代促进乡镇发展的重要内容,环境艺术设计生态理念体现了生态与人文的统一、现代与历史的统一、艺术与科学的统一,运用科学的设计方式,进行大胆的创新,树立良好的城镇形象,推动城镇建设与自然环境的和谐发展,努力提升居民的生活质量和水平。环境艺术设计中生态理念对城镇形象设计的具体启示。 2.1城镇形象设计的原则和范围 生态理念影响的城镇形象设计要充分地考虑到居民的听觉、嗅觉以及其他的感官感受,营造和谐的艺术氛围。城镇当中包含着人文要素、人工要素和自然要素,要做到三者的和谐统一并不容易,既要考虑到整个城镇的形象,又要注意环境艺术设计的每一个环节。城镇环境艺术不仅仅是建筑建设,更重要的是设计理念的价值体现,要不断地加强环境艺术意识,体现生态环保的设计理念,更要受到建筑设计和规划的限制。不仅要完成城镇规划中的各种策划,而且还要弥补建筑设计中存在的缺陷,提高城镇形象的设计水平。 2.2在城镇形象设计中的生态理念要体现以人为本 城镇的形象设计要对居民的综合感受进行全面的考虑,可以通过丰富的想象对居民的感官进行刺激,对居民的生理和心理产生良好的影响,使得居民能够保持轻松愉悦的心情。环境艺术设计和城镇形象设计主要是在视觉艺术的基础上来发掘触觉艺术、味觉艺术等感官艺术,从而创造出具有民情特色、地域特色的城镇形象。城镇形象设计将审美需求、材料选择以及功能进行协调统一,促进城镇的可持续发展,改善居民的生活条件和居住环境。 2.3城镇形象设计中的设计要素和设计结构 城镇环境艺术是从不同的时空、层面、角度进行综合分析,体现城镇形象的审美价值和艺术价值。城镇的设计结构是按照从整体到部分、从小到大、从具体到抽象的顺序进行的,要体现生态理念中整体与局部、要素与系统之间的协调统一。 3结论 环境艺术设计成为当今城镇形象设计中所关注的焦点,因为城镇的发展没有考虑到对生态环境的保护,只是片面的追求先进的设计风格,而缩短了建筑的使用寿命,导致大量的建筑损坏,制造更多的建筑垃圾,极大地影响了人们的身心健康。污染物的随意排放和扩散极大地污染了生态环境,所以要把环境艺术设计与生态理念相结合,为城镇的形象设计做贡献,提升城镇的环境质量,促进其长远发展。 作者:欧阳尚海 单位:长江大学艺术学院 艺术设计论文范文:创意产业视野下的艺术设计论文 1提高教师的专业水平 创意产业视野下的艺术设计实践教学课程,老师是站在第一位的,是学生在实践教学中的引导者。而如今老师的专业水平明显不高,老师的艺术设计素质不高会造成学生掌握的知识面相对少,对艺术设计实践教学课程产生影响。教师学位的高低情况也会对艺术设计实践教学课程有阻碍,采取有效的教学方式来提高,对提高教师的师资水平应采用有实践意义的教学模式,且要对教师的教学质量也提出高要求。在实践教学中教师不仅要具备良好的教学质量,同时具备高艺术设计水平,阅历很多社会实践经验,教师在实践教学中要具有调解能力与交流能力,这样教师的专业艺术水平明显提高,从而提高学生艺术设计水平。实践教育这个关键环节更需要培育一批具有专业性较强的教师团体,如何发挥好教师这个队伍的主导作用成为学生们的引领者,教师的主导作用会对实现实践环节的教学有相对的影响。所以支持教师和鼓励教师在工作中要做到深入发展学位、积极参加科学研究活动,并且在国内外高知名度、高水平的研究基地中研修学习,开展与其他学者交流学习以及专业艺术能力培养的专题,让教师在交流的过程中自己的专业水平有很大的进步,且创新能力也会随着教学的交流得到提高,组织协调能力有所改观,构建出具有高素质教师队伍,可以提高实践教学的重要作用。在我国各所艺术院学校正在采用多个渠道来提升艺术设计教师们整体水平。例如,要求制定教师队伍研修制度以及构建终身学习制度,同时要求教师与其他学校的教师队伍交流学习经验,从学校的角度出发,邀请具有较高的知名度和高水平的专业人员参与到日常的教学中进行探讨,运用聘请相结合与采用学院的培养的这两种方式,采用高资历、高素质、高专业水平的人才到我校进行研讨与实践教学,让学者们组成对艺术设计实践教学课程提建议的讨论组合,教师在该讨论中也能把新的创新思维传递给每个学者,也让教师的得到锻炼,且提高教师的专业水平。 2实践教学要重视学生的创新意识培养 当前的艺术设计的课程中,要重视培育学子们的创新思路,艺术设计的专业领域里对教学实践这个环节应该侧重讲明设计运作中的过程,根据设计目的的要求,从前期调研工作、设计推敲、小组讨论、环境分析等方面进一步分析实践教学。要求的是要对学生们实践思维与创新的思维的进行培养与锻炼。要更好地进行艺术设计实践教学,促进艺术设计实践教学得到明显的提升,要依靠丰富学科知识。而对艺术设计普及的知识层次来看其中的多元性就代替了艺术设计实践教育的因素,所以对艺术设计教学内容要求涉及有关知识的领域是与多个方面相结合的,艺术设计教育的课程与实践课程框架应该是与多个方面相结合,将专业理论课、基础课、专业基础课进行合理的规划,建立与艺术设计专业方向有关的自然科学和人文科学,以两者合二为一的方式交叉进行实践教学,通过采风、讲座、参观等方式来展现,让学生了解更多的相关的领域的知识,且广泛接触相关知识,通过运用特殊的教学方式,确保学生创造性思维得到有效培养。 3合理的规划出一套实习方案可以有效地提高实践教学 每个艺术类的学院办学都有自己的教学特色,办学特色可以根据学校的优良传统与教学优势,建立有效的教学方案,体现出自己的专业特色。如今来讲,艺术设计在社会经济发展中有相对的效益,这就需要以消费者的角度来定夺,让消费者带动发展,更好的实践艺术教育要与市场相结合,如何让艺术设计专业教学得到有效性的发展,在实践中不能光说不练,思考问题要结合市场。艺术设计专业性开展的平台有很多,有学校的艺术设计实践教学园地、艺术设计实验室创、意产业下的艺术教学研究地以及与社会相关的实践基地。合理的规划出好的实习方案从而有效提高实践教学,学生的艺术设计水平也会提升。 4很多国家对就业水平重视 学校就业宣传教育的开展工作,不仅是以我国时展的需求作为基础,同时还应该符合市场的发展现状,要培养出有创新型的人才,建立创新的人才是根据国家的需要而不断创新,就业教育在艺术设计的实践过程中被确立为主要的目标。我国的就业教育明显比其他能力强的国家相差一大截,且起步跟不上发达国家的脚步,与西方发达的国家的就业教育相比较的话,我国在艺术设计领域明显过于短暂,且我国的艺术设计也存在许多的不足之处,艺术生实践课程需要靠学校自身的努力。在政府的推动下,各学校积极在课堂上对学生们进行就业教育活动,单单在课堂上对学生讲解就业教育问题,从实际上看不能根本的解决问题的关键,把实践教学课程与社会的资源相结合,发展学校与企业的合作,艺术类专业与创意产业相结合,成为艺术设计实践教学与就业教育共同发展的结合体,从而让学生普及自己的知识面,丰富学生社会实践经验,让学校在开展就业教育有很大的发展空间,就业教育的发展与进行将体现出国家的进步与发展有相关的联系。往届的毕业生在就业时候要考虑从事艺术类的工作,与在学校所学的艺术设计实践教学有相关的联系,学校对学生专业的普及,要重视把艺术设计专业与就业教育课程相结合,让各自都有明显的发展与进步。 5结语 进入21世纪以来,我国设计艺术教育成为社会经济建设的主导者并占有一席之地,在创意产业视野下对高素质的艺术设计人才持有较高的重视。现今的社会越来越信息化,信息技术也在不断的改革与进步,文化创意产业得到良好的发展与艺术设计的水平有相关的作用。实践教学中要确保艺术设计被采纳就应该提高教学的水平改正自己的不足,从而,构建好的教学模式,建立好的实践教学课程体系,让教师的学位有明显的提升,开展实践活动鼓励学生参加。 作者:朱笛青 单位:湖南科技职业学院艺术设计分院 艺术设计论文范文:博物馆陈列艺术设计论文 一、充分发挥场景直观生动的特性 传统陈展中往往是文物或其它展品的机械罗列,很少运用场景展示,因而显得单调呆板,缺少生气。场景展示是改变这种状况的一个有效方法。场景展示这种形式因其形象逼真、直观生动而成为当今博物馆的陈列和多种主题的大型展览普遍采用的表现形式。场景可以是典型人物、事件的情景再现。如中国文字博物馆第一展厅中,有一组商王问卜的场景,解释商朝时期甲骨的用途--占卜。表现商王问卜的瞬间,大臣以跪姿出现,并等待商王宣读占卜结果,中间有红色火堆,祭祀的人正在操作,周围有两个红色纹样装饰的柱子,所围合的环境,所有的操作只是在一块巨大的龟甲上面完成,背景利用动画剪影的手法,来介绍内容,串联文物陈列。景场也可以是以某主题为线索贯穿起来的文物集合。 二、注重人性化和观众的参与性 陈展工作创新的一个重要目的就是要克服传统陈展模式冰冷呆板的弊病,树立服务大众的意识,坚持以人为本的理念,重视观众心理需求,坚持人性化方针,调动观众参与热情,充分发挥博物馆的服务功能。注重人性化应该体现在陈展工作的各个方面。应多替观众着想,在陈展布局及服务设施方面,突出以人为本的特点。在形式设计中突出以人为本,切实考虑群众的认知特性及心理特征,办出符合观众需要的展览。 在参观通道、展板高度、展板大小、色彩、灯光等方面注重人性化设置,运用心理学和工程的方法,使陈列形式适应观众的感觉系统特性,并使用声音、气味、暖通等辅助手段,可充分激发观众感觉系统的功能和诱发观众良性的心理效应,从而加深对内容的理解和记忆。中国文字博物馆在前期设计准备阶段,就对展板高度,展板大小、色彩、灯光等方面做出了严格的论证工作,充分考虑参观群众的需求,并制作模型样板,审核设计效果。中国文字博物馆在基本陈列的六大展厅中,都设计有互动项目,从动手识甲骨、金文图形选择、汉字计算机输入等来体会汉字从古到今的发展演变历程。能够吸引观众亲身参与,动手动脑,体验展品的丰富内涵和独特魅力,这样的展览一定是成功的。观众参与程度高的展览,其展出效果一定比较理想,反之,效果则必然不如人意。 三、利用现代科技手段突出个性特点 利用现代科技手段,狠抓个性特点,是陈展工作发展的基础。如何设计体现博物馆的个性特点,营造出奇光异彩的具有自己特色的陈列展览,已经越来越受到博物馆工作者的重视。追求个性化的陈列展览是当代博物馆发展的必然趋势,只有充分发挥自身优势,运用现代科技手段,以创新的理念为指导,不断探索适合自己的发展模式,才能实现陈展工作的突破和飞跃,才能创造出更多更好的、观众们喜闻乐见的、具有个性化的陈列展览精品。 《文字过大年》展览,运用生动活泼的文字演变模型演示汉字起源,用欢乐喜庆的对联、年画、剪纸、灯谜展示文字风采,在用色方面,选用大红及大黄传统色调,突出节日的喜庆氛围,并增加红灯笼、中国结、组字拍照等辅助手段,营造年味氛围。此次“文字过大年”展览可以说是文字与春节的完美结合,是一次非常有个性的展览。个性化特征应立足于本馆的实际展示内容,充分发挥本馆的科技技术优势,运用新颖个性的展示手段,营造个性化的陈列展览。 四、总结 随着科技的进步,高新技术的发展,许多博物馆根据陈列需要引进声光电、4D、计算机等现代先进的科学技术。声光电技术以其强大的视觉冲击力和新颖独特的个性受到普遍好评和广泛应用,使展览增加了的诠释手段,增强了展览的震撼力和视觉效果。中国文字博物馆《甲骨纪事》展览单元内的甲骨整治声像系统,短短60秒,把甲骨的整治过程阐述清楚,时间短内容强,可谓静态实物展览的有益补充。博物馆陈展艺术设计不只是我们论及的这些方面。同时,陈展创新也是一个动态的、长期的任务,不可能一蹴而就,应该坚持不断实践,长期探索,使陈展工作与时俱进,常办常新。 作者:贺春辉 黄冬冬 单位:中国文字博物馆 保定职业技术学院 艺术设计论文范文:现代高等艺术设计论文 在现代高等艺术设计教育中,所谓的“传统艺术设计教育”是传统的艺术学院教育传承下来的,主要是通过艺术基础训练培养有一定艺术素质和艺术创造能力的人才的教育方式。一般传统艺术设计教育在入学时就注重基础美术,大部分生源来自我们所说的“艺术生”,都有一定美术基础的训练,但要通过更专业的设计训练才能成为社会需求的人才。而现代艺术设计教育更强调现代电脑软件的运用和设计,就是现代高等艺术设计教育中常讲的技能的教育,且有大部分学生并没有美术和艺术基础,而高等院校艺术设计教育,因为要考虑现代设计方面的问题,所以在传统艺术设计教育方面还有很多不足,如基础课程开设时间太短,素描、色彩等开设的时间一般是一个学期,而许多没有艺术基础的学生在一个学期的学习中,基础课程只能是“过眼云烟”!而一个艺术设计的学生没有扎实的艺术基础,就像一栋大厦的建设没有基础一样,其它的学得再好,终造就不了一栋艺术的大厦。当然,如果只注重对艺术基础的训练,不注重电脑信息和各种软件处理的学习,以及社会实践,也是和现代社会脱轨的。因此我认为现代高等艺术设计教育,应从处理好上述所言的现代艺术设计和传统艺术设计两种教育模式的相互关系入手。 在实践的现代高等艺术设计教育中,只有先按照现代社会的需求,从人才培训计划入手,先抓好各艺术设计专业的较为扎实的艺术素质教育,又有合理的技能教育,合理安排理论和实践时间,有针对性地对待各艺术专业的基础课程与专业课程。 在现代高等艺术设计教育中,首先应该确定传统和现代两种教育模式应该是并存的,缺一不可的。高等艺术设计教育培养的学生,应该是具有比较高的艺术素质功底和艺术创造能力,又有很强的信息处理和软件操作能力,以及社会实践的能力的。通过对我国高等艺术设计教育现状的分析,我认为加强传统艺术设计的教育是当务之急。高等教育中艺术设计的教育,不仅是一种技能的教育,更是一种社会行为和文化行为,这就要求职业院校的艺术设计教育不能庸俗化、简单化和遵从简单的实用主义。 理解“学以致用”要从精神之用和物质之用、间接之用和直接之用、即时之用和长期之用多角度去思考艺术设计教育和教学工作。加强传统艺术设计的教育就是强调艺术设计是一种社会行为和文化行为,从根本解决简单化、庸俗化去对待艺术设计教育,提高学生艺术素质的同时,开创学生的艺术创造能力,艺术设计不能只讲究实用,更应从精神方面去满足人们对美的需求,作为一个合格的高等院校的艺术设计系,教育教学的目的就必须使学生达到艺术和实用相结合,符合社会的需求和发展。 我们应该知道,有很强艺术功底的人,学习信息处理和软件操作技术是很快就能掌握的,但一个计算机信息处理和软件操作人才,要想很快地提高艺术创造水平,那是很难做到的。因此,高等艺术设计专业教育教学的思路应该先重点加强传统艺术基础课的训练和提高艺术素质,再施以现代艺术设计中的信息化处理和软件课程,两者相结合,才能造就适应社会的人才。 社会在发展,教育也会随着社会的发展而不断变化,作为艺术设计教育的一份子,更希望和大家一起研讨艺术设计教育的方式方法,为高等艺术设计教育添砖加瓦。 作者:张琦 单位:广州南洋理工职业学院 艺术设计论文范文:现代纺织艺术设计论文 一、纺织产品中敦煌艺术元素的应用 (一)卷草纹在纺织艺术设计中的应用 卷草纹的设计多取忍冬、荷花、兰花、牡丹等花草,它的造型是经过处理后,呈现出一种S形波曲状排列构成二方连续图案。因为花草的造型大多呈现出卷曲圆润的特点,所以就被称之为卷草纹。早在汉代的时候就出现了卷草纹,到了唐朝以后,卷草纹达到了鼎盛时期,逐渐的摆脱了传统中忍冬花的造型设计,不是仅仅停留在对于线条的追逐,更加讲求丰满的肉质。卷草纹作为敦煌装饰艺术中具有特色的纹样,主要的设计是在卷草纹的藤蔓上配置牡丹花、茶花、莲花、石榴等形象,并且与连绵不断的枝茎相组合,再加上一些叶、花、果实的搭配,将飞禽立于枝头,表现出的景象就是一派生机盎然。在这种设计之下,卷草纹姿态就会有一种流动感,体现出一种婉转自如,似是而非,别具特色的花枝叶蔓。卷草纹在纺织艺术的设计之中的应用,就应该选取一些适当的图案,将其镶嵌到纺织品之中。在设计的过程中,应该借鉴卷草纹的那种流动感,体现出它的婉转自如。对于纺织艺术的设计来说,应该学习的是卷草纹中对于肉质丰满的追求,不要仅仅停留在对线的追求。这样才能更好地进行设计工作,创造出更加完美的纺织品。 (二)莲花在纺织艺术设计中的应用 莲花是佛教的四大古花之一,同时也是八宝之一,也是佛教的九大象征之一,在佛教中占着非常重要的地位,甚至被称为圣花。莲花所表现出的是圣洁与吉祥,是出淤泥而不染的代表,因此可以作为一个主要的佛教象征。从古至今,人们对于莲花的喜爱就没有停止过,最看重的当属其洁身自好不同流合污的高尚品质。因此,如果将敦煌艺术中关于莲花的因素设计进去,就可以提升纺织品的品味,提升其艺术性。 二、应用时应注意的问题 首先,应该慎重地选取设计的元素。敦煌艺术中涉及到的种类繁多,其意义也各不相同。因此在进行纺织艺术的设计之中,应该慎重取材,选择合适的元素设计到纺织艺术之中,这样才能更好的体现出纺织艺术中的敦煌色彩。比如。荷花,在印度就是坚贞纯洁的象征,而在日本则是祭奠亡者的意思。因此,对于纺织艺术的设计,应该根据当地的文化,结合敦煌文化,更好的促进纺织业的发展。其次,应该有准确的市场定位。纺织艺术的设计,最主要的是为了让纺织品更具艺术性,取得更好地销售业绩。因此,要注意市场的消费对象,这样才能更好地将纺织品销售出去。敦煌艺术可以说是佛、道、儒的共同产物,所以在纺织艺术设计的过程中要兼顾文化与市场,实现纺织业的更好发展。最后,要注重传承与发展。在进行纺织艺术设计之中,不应该仅仅局限于原有的敦煌艺术之中,不仅要对敦煌文化进行传承,还要进行适当的发展。只有在继承了传统的文化基础上,再进行一些适当的创新,这样才能实现纺织艺术设计的更好发展。 三、结语 将敦煌艺术的元素应用到纺织艺术设计中,可以极大地提升纺织产品的艺术性。而敦煌艺术作为多元化艺术相互包容与融合的典范,敦煌图案中的典型元素不仅包含着佛教的标识性意义,最重要的是兼具本土气息、异域情调以及中西合璧等特色。将其融入到纺织艺术设计中以后,可以提升纺织产品的艺术性,更好地促进纺织业的发展。 作者:李惠 单位:南通市三威家纺科技有限公司 艺术设计论文范文:广告艺术设计论文 一、广告设计中图形创意的作用分析 1.打造更好的视觉效果 好的图形设计是通过最简单、清晰的方法表达出来的。在这个充满视觉冲击的时代,人们对新颖的、视觉冲击鲜明的图片更加地喜爱和关注。在图片创意设计的时候,要尽可能地用简洁准确的图形设计来表达创作思路,并能够体现设计者的设计理念和产品的信息。在广告设计中,要突出图形本身与产品的联系,以及图形在推广中所产生的效应,因而,优秀的广告设计中的图形在注重文字语言和视觉形象有机结合的同时,更重要的是要具有强烈的视觉感染力,这也是文字广告所不能达到的效果。 2.独特的表现力和优越性 随着消费需求的个性化发展,人们已经对传统的视觉感知麻木,在追求新鲜的好奇心驱使下,更加关注与众不同、表现独特的广告,独特的视角、新颖的设计理念和表现手法都是营造视觉新鲜感的方式,同时,图形本身就具有直观生动性,在设计人员的加工处理下更加突出其趣味性和幽默感,这也迎合了大众的心理需求,从而能够在最短时间内让消费者了解到设计者的设计理念和产品信息。除此之外,图形还具有国际性的特点,它突破了语言文字所带来的地域障碍,能让更多人了解和关注,从而达到更有深度、更为广阔的传播目的。 3.准确传达信息 广告设计的基本要求就是要在有限的时间内让大众能够对其内容和所传达的产品信息有一个准确清晰的认识。相比较而言,图片所传达的信息更为准确直观,让人一目了然,并且能够轻松接受,代替了人们对文字的研究和理解。由此可见,图像传达的信息一目了然,准确直观,更直观地宣传产品,在传达广告的主题中占有直接有力的优势,有助于人们最直接地接受和理解广告的意图从而达到销售的目的。 4.具有较强的艺术性 所谓的艺术性,就是对美有独特的解读,具有一定的审美价值,并能够带领大众通过读取作品而感知其中的美感。优秀的图形设计,从创意到构图,到整个画面的协调及所处的视角,都是紧紧围绕图形创意本身展开的。用艺术表现的手法将图形的创意表现出来,而且还能够巧妙、艺术地将图形所传递的信息表达出来,吸引大众,从而实现信息传递。 二、图形创意在广告设计中的新应用要求 1.首先图形创意要具备丰富的想象力和灵活的思维方式 想象力是创意的基础,人们的形象思维活动是创意的优秀所在,同时也是人类的本能,先想象才能有创造,同样在广告艺术设计中首先要具有形象的思维模式。从想象是创造的基础这一角度来说没有图形的创造也就没有图形的创意,图形的创造是产生创意的基础。因此培养想象力就成为图形创意人员的必修课程。能够充分发挥想象并创造出新鲜的东西,打破现实常规,大胆想象,并灵活地发挥是整个创意过程的优秀所在,正如常说的一句话“没有做不到,只有想不到”。由此可见,想象在整个广告图形创意设计中起着关键性的作用。 2.要有简单而突出的形式表现 大众对于事物的视觉感就是图形创意中要做到的视觉感,在创意中成功的图形创意在表达这种视觉感中具有较强的感染力。对于视觉感不仅能够激发人们对于图片所传递信息的联想效应,而且图片所能体现出的艺术效果也能给大众留下深刻的印象。在这个信息化时代,如何确保人们能在很短的时间里接受最有价值的一部分信息,是目前广告设计人员所面临的重要课题。 3.图形应当具备视觉的吸引力和冲击力 图形创意首先应当个性鲜明,独树一帜,个性是特色的具体表现。人的个性往往是心理面貌的外在反映,个性会具体在人的日常生活和工作中体现出来,而这种独特的行为和思维方式也影响着他的创作思路,作为一名优秀的图像创意设计人员,所设计的产品能够把自己的个性和产品的信息完美结合,其效果明显,对大众具有很强的吸引力,并带给观者视觉的新鲜感和冲击力。 4.图形在广告作品中的表现 图形在广告中首先应当能够做到简单并且完整。图形运用的数量是影响广告作品的一个重要因素,同样也影响着作品的传播效果。一组优秀的图片设计,其形象应当特别鲜明突出,主题表达也应当清晰、完整并具有吸引力。除此之外,图形面积的大小也会影响广告作品的质量和传播效果,众所周知,图形的重要性与图形面积的大小呈正相关。在渲染气氛方面面积较大的图形往往吸引力更大。尤其是对室外广告而言,特别需要形象生动的图片来抓住读者的眼球,从而实现瞬间传递的目的。另外,在加深读者印象中小面积的图片发挥着重要作用。例如邮寄广告、报纸广告等读者在阅读中有一定的时间准备,能够在对信息阅读时给予更加细致和精深的研究。 5.在创意图形的使用上应当注重打造精品 在现代商业社会中,竞争日趋激烈,只有优秀的作品才能生存下来,尤其目前,偶像崇拜年代,人们对广告已日趋麻木,人们面前并不缺乏各种作品,而是缺少创意,缺乏亮点。创意图形的传播效果与作品的质量和新颖性有着较强的联系。形象鲜明突出的一幅图形,在表达广告主题方面具有无可替代的作用。随着现代消费大众在知识结构和理念上的不断更新,人们对作品的思想性已经和以往发生了明显的改变。为此广告设计中的图片创意必须做到打造精品方能不断满足人们的需求,从而达到传递信息和吸引消费的效果。 6.合理选择和使用创意图形的面积 正如以上所提到的,图形的面积不同也会影响图片的传播效果。相对于室外宣传,面积大的创意图形更加适合去投放,它具有强烈的视觉感染力和冲击力,室外广告主要是面对大批流动人群,如果没有独特的创意和强烈的视觉感受,就很难发挥广告的效应,因而大型的室外广告特别需要新颖的图片创意的支撑,能够第一时间吸引人们的视觉,提高广告艺术设计的影响力。 7.重视消费大众的视觉惯性和感情因素 视觉惯性和感情因素现已成为图片创意中的重要关注因素。这也是现代创意所提出的新的具体要求。设计者首先要站在大众的角度,去领会和遵守人们的习惯和情感规律,在此前提下运用所掌握的知识发挥自己的创意才能更好地实现图片创意的价值,只有这样人们才有可能欣然接受这种创意。 三、结语 就目前而言,广告中图形创意不仅仅能够吸引消费者、引导其消费理念和刺激消费,而且它也成为当今社会的一道靓丽的风景线,更是作为一种艺术设计展现给大众的。所以在重视图片创意功能性的同时还要重视它们的艺术性和大众性,从而打造出更完美的广告。 作者:田珂 单位:河南财政税务高等专科学校
美术观察论文:大班幼儿美术活动区观察与分析 摘 要:美术活动是幼儿园的重要活动形式之一,是幼儿进行感情表达和沟通的重要平台。幼儿园设置美术活动区就是为了给幼儿创设一个充分体验感受、大胆创造的环境和空间,从而能够有效积累美术知识和技能。结合具体的案例,对幼儿大班美术活动区进行认真观察和全面分析,以便为美术区域活动的设计提供一些参考依据。 关键词:大班幼儿;美术活动区;观察分析 场景一:创设特定的教学情境 本次大班幼儿美术活动区的主要内容是“小鸡”的绘画活动。在活动开始之前,教师已经设计好了一大幅背景画,背景画的上面贴了一只伤心的母鸡,在让幼儿进行绘画之前,教师向幼儿展示背景画,并向幼儿介绍:这是一只非常伤心的鸡妈妈,它的鸡宝宝被可恶的黄鼠狼给吃掉了,现在让我们画一些可爱的小鸡送给鸡妈妈作孩子好吗?就这样,孩子们在老师创设的情境中,快速地拿出纸和笔进行绘画创作。在教师的指导下,不一会儿一幅幅栩栩如生、活泼可爱的绘画作品就完成了,最后,教师以鸡妈妈的身份对幼儿表示了感谢,幼儿非常高兴和满足。通过对绘画活动的观察发现:情境创设是幼儿大班美术活动开展的重要前提,情境就是教师为幼儿提供的一种生动具体的活动场景和氛围,能够引起幼儿的创作欲望。当幼儿处于一种生动形象的氛围中,很容易激发幼儿强烈的创作动机,使其全身心投入美术活动中,认真观察、积极思维,从而创作出许多好的绘画作品,从而实现幼儿大班美术活动区开设的目标。 场景二:养成良好的倾听习惯 本次大班幼儿美术活动区的主题是“一瓶花”的粘贴画活动。教师首先展示范例作品,幼儿都被漂亮的花和花瓶吸引住了,产生了一种动手操作的欲望,创作兴趣十分高涨。然后,教师讲解粘贴画的操作步骤,需要幼儿用剪刀剪出许多彩色的碎纸屑,用碎纸屑粘贴花瓶,花瓶粘完后在花瓶里画出自己喜欢的花朵,同时,教师强调并演示了剪出碎纸屑的快速方法。最后,教师放手让幼儿进行实际操作。但在具体操作过程中,有些幼儿并不按照教师的操作步骤进行,有些幼儿的彩色碎纸屑一片一片地剪出,并没有使用教师的快速方法,还有些幼儿的粘贴速度非常慢。通过对幼儿粘贴画操作过程的观察发现:教师对于粘贴画的操作步骤讲解得非常详细认真,并且对重要步骤进行了强调,但实际效果并不十分理想。我们可以从中看出幼儿的倾听和观察习惯不是很好,也不善于向同伴学习,这会影响到幼儿的发展。在大班幼儿的活动中,良好的倾听和观察习惯是幼儿自身不断发展的前提,幼儿的大部分知识经验是通过倾听、观察和相互学习获得的。因此,在幼儿大班美术活动中要注重培养学生良好的倾听习惯,鼓励幼儿积极向同伴学习,不断提高自身的能力。 场景三:培养小组合作意识 本次大班幼儿美术活动区的主题是“昆虫的家”的手工制作活动。教师首先为学生准备了纸杯、扭扭棒、瓶子、剪刀、双面胶等诸多材料,然后把幼儿分组,五人一组围桌进行小组合作制作,让幼儿利用材料,自主地为昆虫设计一个温暖的家。制作活动一开始,有的小组各行其是,各自选择不同的材料进行不同造型的制作活动,有的小组是一个或两个人在制作,其余成员在旁观。制作活动进行一半时,有小组出现了争抢材料的现象,教师告诉他们,材料篮子中还有同样的材料,这样就和平解决了争抢材料的问题。这时,有位幼儿在自己利用纸杯进行创作时,本来想在纸杯上扎空,经过几次尝试失败后,放弃了制作,自顾自地玩起来。最后,通过小组合作完成的制作作品寥寥无几。通过上述观察发现:在整个制作活动过程中,幼儿之间的合作意识较差,缺乏必要的同伴互动交流与合作,多数是以个人制作为主,即使是小组合作制作,也只是少数人参与,其余成员只是“看客”,缺乏参与意识。当合作同伴遇到困难时,没有人主动提供帮助,幼儿自身也没有向别人寻求帮助的意识。在幼儿实际学习和活动中,小组合作是一种有效的学习方式,教师要积极引导,鼓励幼儿参与小组合作交流,培养其合作交流意识。 场景四:放飞想象的翅膀 本次大班幼儿美术活动区的主题是“画太阳”的绘画活动。在让幼儿进行绘画活动之前,教师首先让幼儿认真观察太阳的形状,并引导幼儿想象:如果太阳公公生气或高兴时,他的脸型和表情会有什么变化?然后,让学生根据自己的想象进行“太阳”的绘画活动,结果幼儿在教师的引导下进行了大胆想象,从而画出了一些夸张的、形态各异的太阳形象,有的幼儿把太阳的形状画成了长脸,有的画成了方脸,还有的为太阳加上了各种形式的头发。对于太阳的颜色,大多数幼儿把太阳涂成红色,竟然有一位幼儿把太阳涂成绿色,其他幼儿看后都嘲笑他。这时,教师走过去,用好奇和欣赏的表情询问原因,这位幼儿小声解释:“我爸爸是建筑工人,夏天,太阳晒得爸爸受不了,我想把太阳变成绿色,让爸爸凉快些。”这时,教师对这位幼儿大胆的想象做了充分的肯定,并及时表扬。通过美术活动区观察发现:想象力是幼儿大班美术活动开展的源泉,幼儿的创造力和想象力是十分广阔的,教师要积极为幼儿自由创作提供宽松的环境,让幼儿运用自己独特的方法和思维方式表达自己的思想感情。同时,有些幼儿的思维方式与众不同,教师要善于运用幼儿的眼光看待绘画作品,维护好幼儿的自信心。 总之,大班幼儿美术活动区是幼儿进行自主探究、体验和创作的重要场所,是幼儿美术活动的有效补充和延伸。新时期,幼儿教师通过对大班幼儿美术活动区的观察和分析,积极创设情境、培养幼儿良好的倾听习惯和合作意识,不断激发幼儿的想象力,促进幼儿快乐健康地成长。 美术观察论文:中职美术基础教学中学生观察能力的培养 【摘要】中职美术基础教学是中职教学中非常重要的内容之一,是一个人表现出来的审美情趣,观察能力是其中非常重要的内容之一,对美术专业学生的重要性不言而喻。另外,观察能力也是美术学习者必须具备的能力,是艺术科目的基础,能够帮助学生更好的识别颜色。本文就对中职美术基础教学中学生的观察能力开展探究,谈谈它在学习和利用中的具体表现,从而促进我国美术教育事业的蓬勃发展。 【关键词】中职 美术基础教学 学生观察能力 培养对策 观察能力是指一个人对事物的观察和理解力,通过观察能够获取有效的信息和资讯,并经过分析处理和想象力的应用,具体体现在美术工作中。其实,我们的日常生活、工作和学习都与观察密切相关,对于美术专业的学生而言,观察力的提高更为重要。对于中职美术学习者而言,他们学习的内容越来越多,观察能力和迁移能力都在扩展之中,具有较强的观察能力就能够为学生打下良好的基础,在对物体进行鉴赏的过程中发现其中蕴含的美。 一、观察能力在中职美术基础教学中的具体表现 观察能力对于美术学习者而言是最基础的能力之一,由于教学内容的多样性,在他们的学习过程中需要观察的数据也越来越多,观察力就起到了奠基作用,是接下来绘画的前提和保障。对此,观察能力的培养必须要有针对性和目的性,结合学生的学习特点和教学课程设置观察。 (一) 艺术鉴赏对学生观察能力的培养 中职美术基础教学中重要的教学内容之一就是对艺术实施鉴赏,它对学生的观察分析具有十分重要的作用。日常生活中接触到的事物大多是动态化的,观察不能流于表面,必须找到深层次的美,才能形成别具一格的美术风格。因此,在艺术鉴赏观察能力的培养上必须提高教师的指导水平,让学生掌握观察事物的方法,能够看到别人无法发现的美,从观察过程中获取艺术信息。 (二) 整体教学对学生观察能力的培养 艺术来源生活却又高于生活,教师在实际教学过程中必须重视整体教学的重要性,通过实际课程的开展对学生的学习方法进行引导,让他们了解观察的技巧,从每一个细节入手,获取更为全面的信息,实现知识的整体迁移。 (三) 艺术写生对学生观察能力的培养 写生是美术基础教学中最重要的环节之一,也是对学生绘画能力的展现,只有具备较强的综合能力才能画出具有灵动性从写生作品。观察是写生的第一步,由于写生的内容多为山水、人物模特等真实的场景,就更需要学生具有较强的观察能力,找准所观察事物的特征。因此,教师要教会学生如何正确的观察,把握写生对象的相关规律,从整体到局部,从远及近的全面观察事物,从而为接下来的写生创作奠定坚实的基础。 二、中职美术基础教学中学生观察能力的培养 众所周知,观察能力是一个美术学生表现出来的具体的能力素养,对艺术创作具有十分重要的作用。想要更好的运用观察能力,就必须找到对学生进行培养的有效对策。 (一) 营造有助于美术学习的良好氛围 学习氛围是保证高效学习的基础,对学生热爱美术的程度都有巨大的影响。因此,教师要在新生培训阶段就激发他们对美术的喜爱之情,通过讲座、活动等方式加强教育,让学生理解专业知识的重要性。在教学过程中,教师还要调动课堂的气氛,改变刻板的教学形象,营造一个轻松活跃的学习环境,让学生在快乐中学习知识。比如在教学工作开展之前,可以播放比较流行的艺术作品,吸引学生的注意力,让他们对美术基础课程建立良好的学习积极性,无形中培养了学生的美术兴趣。 (二) 选取合适的教材,对教学内容进行调整 教材是学习的重要依据,选择与学生需求相适应的教材,能够更好的锻炼学生的观察能力,让学生对美术产生学习的兴趣。对此,教师要深入研究学生的学习特点,挑选合适的教材,并通过有效的解说培养学生的观察能力,帮助学生展开丰富的联想。另外,教师还要适当的调整教学内容,整合教学资源,改变单一的教学办法,在课堂授课中强调观察力的积极意义,组织学生对实际物体进行观察,然后让学生讨论观察到的主要内容,进而达到教学目的。 (三) 重视艺术写生活动,提高学生自我能力提升 美术写生,是中职美术基础教学过程中的重要内容,由于美术写生过程中需要学生自己去进行相关元素的捕捉,自己去抓取一定的艺术画面,自己去进行相关艺术作品的创作。因此,美术写生对于培养学生的认知能力和观察能力都有着非常重要的作用。在中职美术基础教学过程中,一定要将艺术生活与写生活动结合起来,教师也要讲解清楚观察的主要方式和办法,不放过任何一个细节,鼓励学生从多个角度观察写生的事物,从而锻炼学生的观察能力,扩展他们的思维。 (四) 通过对话教学,使学生在交流中完善自我 对话教学是一种教学的新模式,它改变了过去的单一教学方法,是一种非常实用的教学手段。师生之间通过交流和探讨,可以对观察内容进行研究,调动学生的思维,使他们灵活运用自己的大脑,加深学生对艺术的理解。在对话过程中教师还能够深入了解学生,督促学生有效观察,并增加彼此的情感。比如,在进行艺术作品鉴赏时,老师应该让学生自行进行艺术作品相关艺术信息的挖掘,然后再开展研究。当交流过程中出现一定的分歧时,就需要学生进行更加深入的了解和挖掘,进行问题的解决和处理,这在一定程度上促进了学生的观察欲望和探索欲望,提高了学生的观察能力。 结束语 综上所述,中职美术基础教学中对学生观察力的培养是搞好艺术创作的基础,对接下来的学习都具有十分重要的作用。在实际的教学环节,教师要充分调动学生的思维,通过灵活多样的方法吸引学生的学习兴趣,在观察阶段从不同的角度扩展学生的视野,按照一定的顺利进行教学。与此同时,教师要帮助学生对知识进行梳理和总结,实现知识的迁移,并重视写生观察和艺术创新,在加强与学生的对话和沟通中提高学生的基础观察力。 美术观察论文:例谈美术教学观察能力的培养 摘 要: 观察是人类获取知识的主要来源,是智力发展的基础。重视学生观察能力的培养,引导学生用正确的方法观察事物,有利于全面提高学生的视觉感受能力、审美能力、分析问题和解决问题的能力。 关键词: 美术教学 观察能力 培养方式 要提升美术教学品质,必须注重学生观察能力的培养,丰富其生活阅历,以便于学生更好地剖析美术作品的本质。在我看来,初中美术的教学品质取决于学生感受美和表达美的水平。一方面,美术是生活情景的表现,学生必须在生活中深入观察、细细品味,才能对美术作品所描绘的内容加深认识,进而由表及里、逐层深入地进行分析与理解。另一方面,美术教学中除了对作品的观察与理解之外,更重要的是对生活事物的刻画与思想情感的表达,这就要求学生对生活内容具有透彻的观察,才能更好地通过美术作品将其表现出来。由此可见,在美术教学中,教师要重视学生观察能力的培养,灵活地运用各种教学方法,引导学生循序渐进地养成善于观察生活的好习惯,不断增强学生的艺术想象力、表现力和创造力。那么,怎样培养学生的观察能力呢? 一、确立观察目的 对一个事物进行观察时,要明确观察什么?怎样观察?达到什么目的?要做到有的放矢,这样才能把观察的注意力集中到事物的主要方面,以抓住其本质特征。目的性是观察能力最显著的特点,有目的观察才会对自己的观察提出要求,获得一定深度和广度的锻炼。反之,如果东张西望,左顾右盼,对事物熟视无睹,观察力就得不到锻炼。 二、激发观察兴趣 一切教学内容的开展和教学方法的实施都要从学生的个性和认知特点出发。对初中美术教学而言,教师必须想方设法地激发学生的学习兴趣,引导其积极地参与教学。以七年级第一课《在美术世界中遨游》的教学引导为例,在教学伊始,我并没有直接向学生解释什么是美术、美术有哪些形式等问题,而是向他们展示了一系列风格迥异的图片,让他们凭借自己的生活经验判断哪些属于美术的范畴,并表达自己对美术的理解。通过这项教学活动,学生的学习积极性被显著调动起来,他们深入地观察、对比我所展示的图片,并结合自己生活中观察的内容,对美术形成一个自己的定义。在课堂上,教师要不断激发学生的观察兴趣,引导其主动学习探索。与此同时,教师要注重对学生积极鼓励,肯定他们的观察能力,进而培养并提升他们的观察意识。在现代美术教学过程中,学生只有积极深入地进行观察和探索,才能全面地认识和理解教学内容。 三、传授观察技巧 初中美术教学标准强调对学生观察能力的培养,教师也在不断地调整教学设置,帮助学生树立观察意识,提高他们的观察兴趣。但是大部分教学改进仅仅局限在丰富学生观察的“量”上,却忽视观察的“质”的提升。我认为,重视学生观察能力的培养,除了要提升他们的观察意识以外,还要传授他们高效的观察技巧,以增强他们的观察体验。一般来说,主要有三种观察方法:整体观察法、联系观察法和对比观察法。以对《江山如此多娇》这一作品的观察为例,要将局部放大到整体环境中观察,弄清构图的具体结构和由来,而不是孤立地观察局部的细节,使画面变得支离破碎。《江山如此多娇》中近景是江南青绿山川和苍松翠石,远景是白雪皑皑的北国风光,中景是连接南北的原野,而长江和黄河则贯穿整个画面,再配以一轮红日,俨然将祖国的美好风光和欣欣向荣的景象展现出来。由此可见,观察技巧的运用能够帮助学生更全面且深入地理解和把握美术作品的内涵。 四、巧设教学任务 美术教学中学生观察能力的培养,是指有目标、有计划地促进学生对美术作品或周边事物的感知,深入探索并正确理解被观察事物的内在本质。在美术教学内容中,有相当一部分需要学生自行创作。针对这些内容,我经常给予学生充分的观察时间,使其更好地将内容表达出来。初中生的自制力和主动性都还不足,教师需要通过教学任务的设置,增强他们的观察能力,丰富他们的观察实践。 五、引导自主探索 初中美术教学对学生观察能力的培养,其本质在于教会学生学会审美,使他们在日常生活中发现美、感受美。生活中到处都有丰富多彩的可观察对象,仅靠美术教材内容训练学生的观察能力是不够的,教师要引导学生在生活中自主探索,积极挖掘事物的特质,强化自身的认知和审美。学生要意识到观察能力的培养对自身审美素养和能力的提升具有重要作用。在学习和日常生活中,学生要具备一种观察意识,对周围的事物多角度、多层次地进行观察。我认为,可以选择某一事物或场景作为长期观察的对象,不断地观察、分析其变化之处,积累观察的经验。另外,教师还可以将与教学相关的美术作品展示给学生,使学生积极地观察与思考,探索作品的本质内容。 “世界上并不缺少美,而是缺少发现美的眼睛”。在初中美术教学中,教师必须抓住培养学生观察能力的主旋律,不断改进和创新教学策略,注重学生观察意识的培养与观察兴趣的激发,时刻关注他们的心理感受和个性发展,提升他们的审美认知能力,丰富他们的生活经验。 美术观察论文:浅析美术观察能力的重要性 摘 要:美术观察是落幅绘画前和贯穿于整个绘画过程的一个重要步骤,很多学生缺乏或不重视这个过程,产生了很多不良后果,所以要引导学生运用正确的观察方法,养成随时随地观察的习惯。 关键词:正确方法;时间;空间 美术观察是落幅绘画前和贯穿于整个绘画过程的一个重要步骤,即是我们对客观物象的形体特征、结构比例、透视空间、明暗色调等造型元素所做的认识和判断,以及对客观物象所呈现的包括呼应、节奏、韵律等内在的形式美感因素的感受力。 而在现实教学过程中,我发现大部分学生拿到题目就动手落笔,或整个过程中看哪儿,是哪儿,就画哪儿,缺乏一个对客观物象作出主观认识和评判的过程。因此,带来一系列的问题:比如,形体结构不准、比例不正确、动态不协调、主次不明确等问题,从而影响画面的整体效果。所以,良好观察能力的培养显得尤为重要。 一、观察方法的正确性 整体观察是科学观察方法的优秀,是对客观物象形体比例、明暗色调、主次节奏等造型要素构成部分与整体、部分与部分之间进行概括归纳,从而作出的明确判断,是再现客观物象迈出的坚实的第一步。 在教学过程中,我常常建议学生“眯眼”观察,这也是培养学生整体观察能力最方便的方法之一,学生随时随地都可“眯眼”观察,方便快捷。“眯眼”使学生观察客观物象时能略去一些干扰细节,迅速概括客观物象的比例、层次和节奏等要素间的差异。同时,将作业和客观物象并置一排,退后两米,整体比较两者间的效果差异,也是绘画过程中我引导学生常用的方法。另外,“作业倒置”法也是检查画面整体效果的方法之一。 比较观察是比较局部与局部细节之间、局部细节与整体之间的微妙变化和关系。只有在整体观察的大前提下,才能观察比较各局部之间的微妙变化,各局部细节间的比较始终与大整体联系起来。比较观察与整体观察相辅相成,贯穿于整个作画过程的始终。我们的作画顺序是整体―局部―整体,在局部的刻画过程中,最易忽视局部联系整体的比较观察。作画过程中,我时刻提醒学生:局部与整体联系起来比较观察,使学生运用整体观察和比较观察的方法塑造形体。比如在进行人物头像写生时,让学生整体观察头部形体组成部分的关系,由头、颈、胸三部分组成;头部的色调关系:发黑、颈灰、脸白;主次空间关系:鼻子最靠前,对比最强;眼睛最能反映人的精神气质,刻画最传神;耳朵处于头部两侧,空间上在五官里相对靠后,刻画在五官中相对省略一点,但与其他组成部分相比,又要详细一点。所以将细节放到整体中比较,才能协调控制好画面的整体效果。 本质观察法,也可称“结构观察”,是提醒我们无论是整体观察还是比较观察,在比较物体的明暗、色调等变化时,要始终围绕“结构与形体”这一本质不变的因素观察、分析各种关系。例如:强光照射下,对象结构往往会被明暗所蒙蔽,观察时,一定要透过明暗,分析结构,塑造对象。 二、观察方法培养的时间性和空间性 我们经常看到或听到一些学生在作业完成后开始抱怨:这儿应该那样画,那儿应该这样画,然后改得很痛苦,还达不到效果,因为有很多问题不是在最后都能改过来,是需要在落笔之前或过程中随时有先观察再落笔的观念,进而运用正确的方法把控画面。 所以,从“早”树立学生正确的观察观念,让学生在一开始就能有正确的观察方法。 我们正常在室内作画,束缚了学生的学习视野。我们要引导学生“眼睛要灵活转动,随时随地观察身边的一举一动”。比如,在课外活动场所上,在回家的路上,在和家人吃饭的餐桌上,都可以通过观察发现趣味场景,随时记录,有效培养和提高我们的艺术观察能力,拓宽我们的艺术眼界,丰富我们的艺术生活。 因此,整体、比较、本质的观察对象,从“早”认识观察观念的重要性,养成随时随地观察的方法,将会踏实走好美术之路的每一步。 美术观察论文:美术教学中如何培养学生的观察力 摘 要: 观察是人们认识世界、增长知识的主要手段,它在人的一切实践活动中具有重要作用。在学生对观察有兴趣时,教师必须趁热打铁地在观察前向他们提出观察的目的和任务。视觉不同于“照相机”,它具有选择性,因此在教学中除提出明确的观察任务外,还要教给学生正确的观察方法。 关键词: 美术教学 愉快教学 观察能力 培养方式 美术教育的目的是培养学生的审美能力和掌握绘画的基本技能,促进学生智力的发展,提高对客观规律的认识,加强创造力的培养。在美术教学中,要向学生传授美术基础知识和基本技能,培养学生的审美观念,开发学生的创新能力,逐步培养学生良好的品德、意志,增强学生的爱国主义精神。观察是人们认识世界、增长知识的主要手段,它在人的一切实践活动中具有重要的作用。人们通过观察,获得大量的感性材料,获得对事物具体而鲜明的印象。学生的审美观察力是美术教学关键的关键。观察能力是人类智力活动的门户,没有观察能力作基础,就谈不上艺术想象力、表现力,更谈不上创造力。那么,怎样培养学生的观察能力呢? 一、根据初中美术课的特点,实施愉快教学 我国古代教育家孔子在《论语・雍也》中说:“知之者不知好之者,好之者不如乐之者。”这里所说的“好”与“乐”就是一种兴趣,一种愉悦的心理,一种力求认识和创造的倾向。根据学生的年龄和心理特点,他们往往喜欢活动的、有声音的、新奇的、色彩鲜明的东西,相对不喜欢静止的、无声的、陈旧的、色调灰暗的东西,要求在无穷的乐趣中蕴入深刻的教益,以获得最佳的教育效果。现代教育心理研究表明,兴趣与学习的关系非常密切,只要有兴趣,学生就不会觉得学习是一件乏味之事。对于身边的事物,我们似乎很熟悉,但熟悉到什么程度,并不是很可靠。譬如自己的衣服经常穿,学习用品天天用,但若让你凭记忆画出来,就有一定的难度。通过教师的愉快教学,学生无需有意识地努力就能保持专注的注意力和盎然的学习兴趣,日久天长,学生就会逐渐形成对学习的“持久兴趣”。在学生对观察有兴趣时,教师必须趁热打铁地在观察前向他们提出观察的目的和任务。所谓明确目的和任务,是指学生知道观察什么,为什么观察及观察时注意些什么,使学生的观察更具有选择性和针对性。持久兴趣愈浓,学习动机就愈强,努力程度就会愈高,从而彻底消除学生在学习过程中的焦虑感和疲倦感,在愉快的感受中做学习的主人,满怀信心地进取、向上。 二、观察方法要准确,提高学生的观察能力 视觉不同于“照相机”,它具有选择性,因此,我们在教学中除提出明确的观察任务,还要教给他们正确的观察方法。观察是对具体事物和抽象事物的察看。观察能力的培养存在于每一学科的教学中,只是各有侧重,而美术学习过程中观察能力的培养,则显得尤为重要。首先,要审美地观察。无论什么事物,在观察时都不能盲目地看,应找出它们美的地方,如观察风景时要注意是宁静的美还是壮观的美,也就是说,应让学生受到美的感染,从而产生激情,这样作画时才能立意明确。因为无论是对事物的构想或表现,还是美术绘画学习过程本身,都应把观察能力的培养放在重要地位。在美术教育教学实践中,要重视学生美术观察能力的培养,在教学活动中,主要是从理论研究、绘画训练、临摹欣赏和评论教学四个方面实施的。另外,对画面的观察也要看它是否结构得当、色彩和谐。如一些学生画画时往往画面这块涂红色那块涂绿色,这样才觉得色彩斑斓,颜色用得好看了。给学生讲授整体的观察方法及对比的观察方法,使学生学会怎样正确地观察所要描绘的物体。先观察整体大关系,再深入局部细致观察,然后再回到整体关系上观察,这是被艺术家的实践证明了的正确的观察方法,即整体――局部――整体、宏观――微观――宏观地认识事物、表现事物的观察方法。只有掌握正确的观察方法,才能在绘画训练中准确地描绘各种物体。 三、以欣赏、临摹教学的实施,提高学生的观察能力 美术作品的欣赏与临摹教学对学生认知能力和观察能力的培养有非常重要的作用,尤其是对学生绘画观察能力的提高。为了让学生学会有比较地观察,教师应采取抓住美术教学各个环节进行引导的做法。如在造型训练中,教学生从长短、高低、上下、前后、左右、位置、大小、透视等各方面比较、观察。与绘画教学不同之处,临摹、欣赏教学中以作家和学者的成功创作为观察和学习的对象。在构图方面可以指引学生比较不同的基本形造成的不同的构图效果,在色彩方面和同学们一起从色调、明度、纯度、冷暖等角度比较,使学生观察、感受到更丰富的色彩美感。那么对作品欣赏和临摹过程中的观察就不能局限于这些成功作品表面,通常情况下还要考虑作者绘画时的内心世界和作品创作过程中所处的历史年代,这是欣赏作品中的常识。如《手绘线条图像――立体图像的表达》一课中,教学生进行刚柔、曲折、疏密、虚实的感受、比较,从而敏锐地感受到线造型的魅力。例如在欣赏我国著名的油画艺术家董希文创作《开国大典》时,要让学生了解作者、作品的时代背景,引导学生观察作者刻画人物的生动表情所反映的内心世界。除此之外,还可以对美术作品进行一种空间平行的观察分析,这样既可以进行微观性的比较,将同时代、同画种、同风格、同题材的作品进行比较,又可以进行同题材跨文化、跨风格、跨流派等的宏观比较。在临摹教育教学过程中,应把教学目的放在以形式美为主要出发点,以作者情感体验为辅。对于画的形式的临摹,要求学生可以选择不同的方式:一种是用坐标格作准确临摹;另一种是自由而准确的临摹。不管采取何种方法做比较,其目的都是引导学生在观察中发现美术作品在表现客观世界和主观世界时的规律、特点,促进学生对美术文化知识的掌握。比如选择一些写实范本,有利于初中学生理解和接受,也便于学生分析和把握。 总而言之,观察是人们认识世界探求知识的第一步,是进行美术活动的源泉,是学生认识世界、增长知识的重要途径,也是发展智力、创造再发明的基础。观察能很好地训练学生的观察力,拓宽他们的思维空间,创造美的天地,放飞学生的个性之梦,培养他们有正确的观察方法和能力是每一个美术教育工作者义不容辞的责任和义务。 美术观察论文:结合美术教学培养学生的观察能力 摘 要:美术是视觉的艺术,人们欣赏美术作品是通过用眼睛来观察、进而用内心来体验的。孩子画画,都离不开观察生活、观察事物、观察别人的表现手法。作为教师要为学生提供创造的机会:处处是创造之地、时时是创造之时、人人是创造之人。结合欣赏书中插图和范围来培养学生观察能力。使他们自觉地形成良好的观察习惯,使头脑中形象储存逐渐丰富,让通过观察所得到的深厚积累成为创造的源泉。 关键词:美术;观察;视觉 美术是视觉的艺术,人们欣赏美术作品是通过用眼睛来观察、进而用内心来体验的。儿童的观察能力目的性不够,随意性大,容易被事物的局部细节所吸引,把握不住观察要点,缺乏分析比较的观察能力。而且,由于兴趣的关系,学生可能注意观察某一方面而忽视其他方面。因此,学生要想能够很好地用自己的画笔展现美,就应该具有很强的观察能力,同时美术教学又是培养学生观察能力的很好载体。 一、结合欣赏书中插图培养学生观察能力 美术书中所选作品,一种是名家作品,极具欣赏价值;一种是为讲授绘画知识的配套生活场景照片;一种是带有儿童气息的学生创作画,非常贴近他们的生活实际,能够激发学生的创作欲望。在欣赏美术作品时一般根据创作要求及所学绘画知识进行观察。在讲授八册《平视的房舍》、《俯视的房舍》时,首先让学生仔细观察第八页及第十页的房舍图片,明确自己观察到的内容是:房子的门、墙和房子的顶部。其次让学生感觉自己所处的观察位置、视觉角度,从而明确自己是从平视和俯视的角度来观察事物的。然后让学生联想自己在生活实际中观察事物的形态,进一步验证这一条规律:从不同角度看事物能够看到事物的不同形态。从而培养学生的观察习惯:能够主动地有目的的从不同角度观察事物,以便全面的认识事物,从生活当中丰富自己的创作素材,在掌握一定的绘画技能后能够多角度的表现事物。学生在根据本课题内容创作作品时就能不拘一格地想象和绘画。 二、结合范画培养学生观察能力 范画是教师用来讲解美术知识、指导学生习作。必不可少的直观教具。因此,对于范画的观察是教学过程中最常用的手段,也是不可缺少的一个重要的环节。在这个环节中,观察应该极具目的性。 1、结合讲解构图培养学生观察能力。学生在作画过程中,构图安排是否合理是衡量作品成功与否的主要因素。所谓构图,即根据题材和主体思想的要求,把要描绘的形象适当地组织起来,构成一个协调、完整的画面。把物象在画面上的方位、主次、大小、比例、疏密、远近以及明暗、色彩等加以适当组织,就能使画面具有较好的形式美感,增加作品的艺术感染力。在讲授十册《绘画中的构图》时,出示两幅色彩静物画(一幅画构图合理,一幅画有缺陷);然后让学生自由对比观察,因为分析与比较使观察与记忆进一步深化,只有通过分析与比较,才能观察得深入。观察后谈谈感觉如何。教师在学生自由谈后,再提出问题要求学生有序观察,引导学生思考:1.瓶花、茶杯、书和桌布分别处于什么位置?2.这几样静物的大小比例如何?3.这几样静物的色彩有什么变化?在学生进一步观察、体会、思考的基础上师生共同归纳出一幅好作品的构图要求:物象最好置于画面靠中心的位置,但又不能画在正中心,否则将给人以呆板的感觉,物象又不能画得太大或太小,太小使人感到空虚,太大则使人感觉到闷;物象的四边要留有空余,而且下方所留的空白应稍多于上方,否则画面形象便给人以下沉与不稳定的感觉。画面主体物像应突出,一切陪衬与次要的景物都要向主体集中,主宾相互照应,不然就给人以零乱和分散的感觉。由于物体受光线不同方向的照射,各个块面的受光程度不同,因此出现深浅不同的明暗层次,我们应该尽可能的表现出这些层次。在此基础上,学生在创作自己的作品时,会根据自己所要表现的物体或心境去自由设计。再依据这些要求观察自己创作的每一部是否合理,是否达到最理想的结果。 2、结合讲解着色培养学生观察能力。美术教学是学生欣赏美、感受美、创造美的过程。教师的范画要尽可能的把事物的美展现出来,以达到激发学生兴趣及指导作用。这就要求一方面从构图上体现,一方面是明暗、色彩上体现。教师在处理范画时对于颜色的观察要求也要明确。让学生在看到作品时感觉舒服、漂亮、美,进而进一步观察这种良好感觉的来源是什么?在讲授八册《水族箱》时,教师出示教具:一个用方便面盒作的水族箱,盒子里的背景是湖蓝色的,盒子里吊着各式各样的鱼,底面上粘着一些水草、珊瑚、石子等。学生在惊叹水族箱的美丽之后,思考教师提出的问题,引导学生从鱼的不同形状、鱼身上设计的不同花纹、鱼的不同颜色、鱼和鱼之间的遮挡关系、鱼的颜色与水族箱背景的对比关系等找答案。尤其是花纹设计、涂色方面,让学生进一步感知用各种不同颜色来装饰鱼,进而来展现五彩斑斓的海底世界。这样细致的观察使学生从表面化上升到深层次的思考。在讲授十册《绘画中的静物》时,观察重点则放在颜色的冷暖、颜色的过渡、物象的明暗关系,看其黑、白、灰明度与层次的关系等等。而这些方面的观察要求学生必须做到细致、认真,边观察、边思考、边对比。比如表现静物中苹果的颜色,着光点部分要浅、亮一些,背光点要深、暗一些,在表现暖色的物象时要用黄、粉、红等颜色,要表现冷静的、厚重的物象时要用棕、蓝、黑等颜色。学生在观察中懂得自己在创作过程中不能简单地只用纯的色彩来涂,既要考虑如何搭配色彩好看,又要考虑怎样使画面色彩对比鲜明又协调,同时还要考虑如何才能把物象的层次关系表现清楚。当然,学生在创作之前,首先需要在认真观察事物色彩的基础上进行,然后结合课上所学有关色彩表现的方法和知识,才能真实的再现生活中美好的场景。学生在有深度的观察基础上才能更好地做到有深度的思考。 孩子画画,没有任何功利的观点,他们把画画看作是有趣的游戏,在不自觉之中却倾注了他们自己的情感,携带着对事物不同程度的观察、认识和理解,并在绘画过程中透视出年龄、性格,以及对色彩的喜爱。而这一切,都离不开观察生活、观察事物、观察别人的表现手法。作为教师要为学生提供创造的机会:处处是创造之地、时时是创造之时、人人是创造之人,那么就要紧密结合自己所教授的美术学科培养学生的观察能力,使他们自觉地形成良好的观察习惯,使头脑中形象储存逐渐丰富,让通过观察所得到的深厚积累成为创造的源泉。 美术观察论文:儿童美术教育中观察能力的培养 贾克梅第说:“绘画是一种观察的方法”。所以教给学生如何观察是相当重要的。无论对人基本素养、对美术教学来说,正确培养孩子的视觉,科学的观察方法,相当必要,我认为,应该做好下面这几点。 1.我们习惯带着各种先入为主的主观经验,这种主观经验带上消极作用。自然不知不觉中丢失了对事物本身的观察本身的感知认识。我们不必一定要引导学生观察形体构成的关系和结构方式,整体与局部的关系,光色的变化,空间存在状态,物象与环境的关系,从而深层次理解物象内在关系。我们要带领学生到大自然中去感受:看天是怎样的,云在干吗?小鸟们又在唱歌,小草怎样从土里钻出来,路旁绿树长得怎样,汽车怎样奔驰……各种奇妙原始的视觉感受会在孩子们心中留下深刻的影像,都是孩子创作的优秀素材。必须强调:客观性的观察是观察者能如实地、正确地反映被观察者本身,即对所要表现的绘画对象的本身。 2.观察在教学中通常称为直观在训练中,要引导学生有目的、深入地观察,获得鲜明的印象。例如小狗小猫是孩子熟悉而喜欢的动物,绘画前可以放幻灯、最好是视频,对小动物进行观察,更有效的是对实物,三五个以至一群小动物的观察比较,把握小动物的神态,体态的特征,观察毛的颜色,动作等。在绘画中,通过实物直观或电化教学达到观察的全面性。但是教材上并没有太多的直观教学材料,教师就要根据本班孩子的现状有目的选择,不能“为观察而观察”,变成走马观花。每一次有组织的观察都应有目的性。这时教师的引导是举足轻重的,有必要学习些被观察对象的理论知识,并能按照“整体――部分――整体”的顺序进行。 3.生活是艺术创作的源泉,生活又是艺术家从实际的观察中得到。假如观察的本身就具有创造性的岂不是更好。所谓创造性的观察是指用自己的眼睛去发现或寻找别人习以为常的现象中的新观看角度。也可以说是质疑,即问自己:“我观察到的只是这些吗? 可以从别的角度看到什么不同呢?”这样可以引导学生每次观察到的都将有所不同,它能让观察成为一种多变的有趣的事。在日常的教学中,创造更多观察的机会,教会学生利用多种感官去观察,甚至运用讨论式和小组式去观察。这样不仅符合儿童生理心理的特征,更重要的是提供创造性观察的可能和空间,因为只有在和同学的讨论中学生才真正成为主动性的观察,并且通过观察提出自己独创性见解。 教学生观察往往更容易被重视,而观察学生的创作能反映学生观察的方式的差异。何况教学生是过程的一部分,其目的是引导学生进行创作活动,而观察学生的作品是创作过程的结束,但又是下一次“观察”的开始。 4.从观察的主体来说,这环节的主体不是别人,而是教师。应该具有权威性,因为老师在学生心中的形象应该是高大的,像一盏明灯。所以教师观察的方式是相当慎重的,甚至一个眼神都可能影响一个学生对学科的理解和喜好。所以教师应该站在一定的高度去观察事物。观察是通过对学生作品的评价得以反映。笔者认为表扬可以是点名,而批评就不妥了,可以对某一个小组提出建议。通常可以采用鼓励的口吻,用假设的方法进行就更好了。比如在上到《卷筒动物》一课中,一组同学做了一只孔雀,虽说不怎么成功,但笔者却说:“你们的作品与众不同,并且孔雀在制作上是相当有难度的,假设在孔雀的身体与尾巴的连接上改变一种思路,或……或……这样是不是更好了。课后老师和大家一起来完成吧!”从该组同学的眼神中可以证明教师这样的点评是成功的。说鼓励性的批评难,其实表扬更难,教师必须说出美在什么地方,而不是你好我好大家都好,这样的点评对学生不但无益可言,相反,助长他们的傲气。所以教师本身观察的方式是相当重要的,它影响整个教学过程。 5.笔者前面讲到肯定儿童的创作价值,那么学生对作品的评价也值得肯定。教师观察的过程只是孤立而被学生观察在眼里。这违背教学中学生是主体,况且儿童本身是很喜欢去评价别人的作品。所以教师可以顺水推舟,邀请学生评价自己同学的作品,提出自己的想法,最好对教师的评价提出不同建议。这样使“观察”的方式从教师观察学生作品转变为教师“观察”学生观察自己的作品。由被动接受成为主动参与。而且在无意中又调动了学生的积极性,让“观察”的方式更加彻底深入到学生中去。 在绘画课堂教学中,“观察”的两个方面,其实是一个整体。教给的目的是为了观察到学生的创作;而教师观察的方式又推进更好地教给,教师应努力使两者向良性循环的方向发展。让观察的方式在实践中更具有艺术性,培养学生正确的观察能力。 (作者单位:江苏省吴江实验小学) 美术观察论文:《指南》背景下的儿童美术活动观察案例与分析 摘 要: 《指南》艺术领域的前言部分指出幼儿对事物的感受和理解不同于成人,他们表达自己认识和情感的方式有别于成人。幼儿在绘画过程中用自己独特的方式表达对外部世界的认识和理解,表达自己的情感和意愿,同伴和老师经常会看不懂孩子的作品,嫌孩子的作品画得乱糟糟的,一点儿都不像。 3~6岁的幼儿正处于象征期,他们只是通过图形符号表征世界,就像角色游戏中幼儿用一根木棒表征一匹马一样,尽管不像,但满足了幼儿自由表达的愿望。当孩子的绘画作品被同伴看不懂时,教师要根据《指南》的教育理念,深入观察幼儿的绘画过程,分析幼儿之间的对话内容,采用有效的观察应对进行教育策略跟进,真正尊重幼儿的艺术创造与表现。 关键词: 指南背景 案例分析 美术活动 一、观察案例 今天美术活动的绘画主题是快乐的春游,孩子们纷纷讨论上周去春游的情景,都在认真地画着春游的景色和人物。 多多:用黑笔在画纸上画了许多短粗线条,一圈圈黑黑的蝌蚪人,还有歪歪扭扭的很多数字,并喃喃自语:“我的作品完成了!哈哈哈……” 荣荣:“多多,你画的是什么呀?乱糟糟的。” 多多:“我画的是妈妈带我去玩时坐的161路公交车,从侧面看有两个轮子,车子是双层的,有两层座位,这是发动机,这是前门,这是后门,前面是驾驶员座位,上面是时间表,首班车6:59,末班车是1:04,还写了个学号3,是我的学号……” 珂珂:“你画得一点都不像,反正乱糟糟的。” 多多:“我觉得很像。” 荣荣:“应该涂上颜色就好看了。” 多多:“那我来涂上颜色吧。” 二、观察解释 1.从幼儿的绘画兴趣来看:多多对“快乐的春游”的绘画主题比较感兴趣,能调动生活中妈妈带他出去游玩时乘坐公交车的生活经验,迁移到此次绘画活动中,在绘画创作中有自己的独特想法,对绘画活动兴趣浓厚。 2.从幼儿能力发展的个体差异来看:多多小朋友小班时由于右手臂摔伤骨折,导致绘画中的线条控制能力较他人存在很大的个体差异,手部小肌肉群精细动作的发育与同年龄段的中班幼儿相比,也缓慢了许多。《3-6岁儿童学习与发展指南》强调:尊重幼儿发展的个体差异,幼儿的学习方式和发展速度各有不同,在不同学习与发展领域的表现存在明显差异。孩子年龄越小,个体差异越明显,成人不应要求孩子在统一时间内达到相同水平,应允许幼儿按照自身速度和方式达到《指南》呈现的发展“阶梯”,不用一把“尺子”衡量所有幼儿。因此,对于多多的作品,我们更多的是要关注他在绘画中的艺术表现和感受。 3.从幼儿绘画自主表达意图来看:多多观察公交车时,选择了特殊的观察角度:侧面,画出了两个轮子,并画出公交车的结构是双层的,造型有两节,前门和后门,还有车上的时间表首班车、末班车,他都能画出来。可以看出生活中多多是个善于用心观察的孩子,能有意识地把自己观察到的生活中的细节用稚嫩的笔触表达表现出来。 4.从幼儿的互动水平来看:荣荣和珂珂两位小朋友不太能理解多多的创作意图,珂珂只能用“像不像”,荣荣只能用“好不好看”评价多多的作品,但这两位小朋友对多多作品的评价并没有影响到多多对自己作品的自信:“我觉得很像。”荣荣的建议:“涂上颜色就好看了。”多多采纳了荣荣的建议,给作品涂上了颜色,说明在同伴互动交往过程中,多多能不被同伴思想左右,但对于合理意见是能够听从和改进的。 5.从幼儿的绘画互动需求来看:多多对自己创作的作品生成了新的需求,期望得到老师和同伴的肯定,当同伴说他画的作品乱糟糟时,他急于解释自己画的是双层公交车,生怕同伴看不懂,又耐心地向同伴介绍自己绘画的过程,甚至愿意接受同伴的建议,给作品涂色。这说明:4~5岁中班年龄段的幼儿,在完成绘画作品后,有得到表扬、鼓励和支持的心理需求,从而延续对绘画的创作兴趣。 6.从幼儿的绘画能力年龄特点来看,1~4岁的幼儿处于涂鸦期,他们从无控制地乱线涂鸦到有控制地命名涂鸦;3~6岁的幼儿处于象征期,开始用线条和简单图形的组合表征自己感知的事物,这时受限于幼儿手部精细动作水平和对事物的认知水平;5~7岁的幼儿进入写实性早期,画的画有点像了。不同年龄特点具有不同绘画特征,我们要根据幼儿的不同年龄绘画特点进行把握和分析。 三、观察的应对:教育策略的跟进 1.组织作品评价和讨论:让多多介绍自己的作品,分享自己绘画的成就感,肯定多多作品的优点。教师用表达自己感受的方式引导其提高:“多多画了从侧面看到的161路车,还是双层的呢,画了这么多乘客乘坐161路车,这辆车真热闹,连时间表都画出来了,观察得真仔细,你的画用了这么多红颜色,感觉像过年一样喜庆,要是线条更流畅些,不断断续续的就更好了。” 2.尊重幼儿的创作意图:评价幼儿绘画作品时,教师要学习《指南》精神,理解并倾听幼儿艺术表现的想法和感受,尊重幼儿的创作意图,不简单使用“像不像”、“好不好”的标准评价幼儿绘画作品,在班级中营造一种幼儿敢于并乐于表达表现的心理氛围,支持幼儿的想象与创造。 3.家园沟通促发展:引导家长在家支持多多进行线条练习,促进多多手部小肌肉群发育,并且为多多提供自主绘画材料和环境,保护多多想象力与创造力的萌芽。 美术观察论文:在美术活动中如何提高孩子的观察力 每个家长都有望子成龙、望女成凤的心愿,也越来越注重对孩子智力的开发。观察力是智力构成的重要组成部分。实验证明,大脑信息的百分之八十来源于视觉,它是孩子获取知识的主要渠道,观察力的强弱直接影响孩子智力水平的高低。那么,如何提高孩子的观察力呢?作为视觉艺术的美术在培养孩子的观察力方面有着独特的优势,因为观察是进行各种美术活动的基础。那么,在美术活动中,如何提高孩子的观察能力呢?我认为可以采取以下作法。 一、明确观察的目的 受认知水平的影响,孩子们在观察事物中缺乏目的性,容易受环境影响,因此在活动前就要明确观察任务,而且年龄越小观察任务就要越具体。在观察中孩子们的注意力不能持久,教师要经常以提问的方式引导他们回到观察任务上。 二、培养孩子的观察兴趣 1.据孩子的年龄特点选择恰当的观察对象 在观察过程中,可以选择多种多样的物品,如,实物、模型、图片、视频等。确定观察对象一定要了解孩子的欣赏喜好。孩子的欣赏习惯不同于成人,他们比较喜欢色彩艳丽、对比鲜明、形状清晰的物品。同为孩子不同年龄认知水平也不同,要根据年龄特点选择观察对象。如,二、三岁的孩子感知水平低,他们只能感知物体的大概轮廓,能注意到面积大的单个物体和主要部分,因此可选择气球、布娃娃、饼干等孩子熟悉喜欢的物品。四、五岁的孩子观察水平有所提高,有意观察发展起来,能按一定的顺序观察,可以选择稍复杂一些的物品,如,汽车、刺猬、蜗牛等。除了观察物体的正面以外,还要引导观察物体的侧面。六、七岁的孩子观察能力发展的较全面,观察也较细致,能注意到事物之间的关系,目测力提高很快。观察对象可以选择由多个部分组成的复杂物体和多个物体,如,猴子、海洋世界中的各种各样的鱼等。在观察时教师还要引导孩子注意到前后遮挡的关系。 2.采取有趣的观察形式 说到观察人们往往只停留在视觉活动上,对于幼儿来说,如果仅仅停留在“看”上很容易使孩子失去兴趣。如何使观察能够细致持久地进行呢?可以调动孩子的多种感官参与,让孩子看一看、摸一摸、闻一闻,尝一尝。“看”,孩子可以知道物体的形状和颜色;“摸”,孩子能够体验到物体的凹凸与质感;“闻”,孩子感知到了物体的气味;“尝”,孩子品尝到了物体的味道,这种全方位的感官体验可以帮助孩子深入地认识事物,内心得到的感受也是新鲜和深刻的。这一切都为接下来的美术活动奠定了基础,这种多感官参与的方式也增加了观察的趣味性,适合孩子的年龄特点。如,在画西瓜时,先让孩子们看一看、摸一摸,然后教师以问题的方式引导孩子说出西瓜的外部特征,“圆圆的,绿绿的,上面还有波纹状图案”,在获得物体外部特征的基础上,再让孩子每人尝一块西瓜并说出感受,“甜甜的、脆脆的”。在绘画中有的孩子会把这种感觉通过色彩、表情或其他的方式表达出来,丰富了他们的艺术感受。 除了以上感官触及以外,还可以利用模仿的方式,例如在画青蛙时,先组织孩子学青蛙的儿歌,讲故事,看青蛙活动的视频,在了解青蛙的习性和动作规律后,组织孩子以游戏的方式模仿青蛙,于是各种姿态的青蛙出现了,蹲着的、游泳的、跳跃的、跳舞的……请小朋友们评价谁模仿得像,并说出理由。在游戏的过程中,孩子们都把自己当成了青蛙,模拟青蛙的姿势使他们熟悉了青蛙的动态特征,关注到了细小的动作变化,寻找到了动作规律,同时也使孩子体验到了观察的乐趣。 三、培养孩子整体观察的能力 幼儿阶段的观察经常是杂乱无章的,如何使孩子的观察有顺序地进行呢?还要教给孩子整体观察的方法。在美术活动中,经常采用整体观察法,即注意部分与整体的关系,将部分与整体进行比较,部分与部分进行比较,在关注整体时不忘部分,关注部分时不忘整体。培养整体观察的能力对于孩子的美术活动有重要的作用。在培养的最初阶段可以选择外形简单的物品,如,黄瓜,梨等。当孩子能概括物体的基本特征后,再选择外形复杂的物品,如,汽车、人物等。在观察的过程中,可以将物品分解成几部分,分别概括出特征,再通过比较的方法,观察各部分的大小长短,每一部分与整体的比例关系。如,在画卡车时,可以先引导孩子观察汽车的整体特征,再观察卡车由几部分组成。期间可以利用拼贴画的方式,将车子分成几个部分,由孩子玩拼贴游戏,目的在于掌握结构。再采用设疑的方法引导幼儿观看,车头的形状像什么?车厢像什么?车轮像什么?车头与车厢的大小,车轮与车头的大小,在整个车身中哪部分最大?哪部分最小?这种观察方法的培养应是长期的、经常的,只有这样才能形成幼儿整体的观察习惯。 另外,在观察中应展示物体的多个角度,使孩子得到完整的认识,为美术创作积累更多的素材。 四、教师的语言引导 在孩子观察的过程中,教师的语言引导非常重要。教师的语言一定要简洁、生动。为了使观察更加全面,还可以配合故事、儿歌、谜语等。观察中可以将观察对象特征用孩子熟悉的物品进行比喻,可以使他们更快地抓住特征。如,将小猪的身体比喻成大冬瓜,大象的耳朵比喻成扇子等。观察过程中教师不要急于讲解,要多以提问的方式引导孩子进行思考观察评论,孩子们的看法会互相促进、互相启发,教师要将他们的观点进行整理归纳、总结,强调重点和特征。观察的过程中如有遗漏疏忽的地方,可以提问的方式引起孩子的注意。 以上做法是我在教学中的一点感悟,在此提出与大家交流,希望对教学有所帮助。 美术观察论文:略谈初中美术教学中学生观察能力的培养 摘 要:在人们发展自我以及认识世界的过程中,观察具备着非常重要的意义及作用,初中美术教学也不例外。只有培养学生的科学观察能力,让学生熟练地掌握有效的观察方法,才能够促进学生美术学习水平的提高,才能够促进学生创新能力、审美素养的提升,进而实现全面发展。 关键词:初中美术教学;观察能力;培养 美术教学离不开观察,没有观察,便没有视觉感知。在美术教学中,使学生享受学习,体验成功,学会观察,是培养学生创造力的行之有效的途径。而对于初中美术教学,观察同样起着不可忽视的作用。美术教育就是要通过培养与提高学生敏锐的感知力、丰富的想象力、审美的理解力、独特的创造力来获得文化素质的全面提高。学生只有养成科学的观察方法,才能不断提高自己的观察能力,从而促进审美能力、创新能力等其他各方面能力的健康发展,为我们能够具有很高的美术素养奠定坚持的基础。那么,在初中美术教学中,如何培养学生的观察能力呢? 一、提高学生的观察意识 在初中美术教学过程中,相当一部分的学生往往在尚未看清事物之前便盲目地下笔,这便使得所画出的东西与事物的实际形态之间有着非常大的差异,而要想将美术作品很好地完成,就需要经过一次又一次地修改。出现此类情况的原因就是学生没有将观察意识树立起来,在作画上存在严重的盲目性。因此,要想提高美术教学质量,那么就必须帮助学生提高观察意识,在潜移默化中促使学生逐步养成良好的观察习惯。具体而言,教师要让学生切实地认识到在美术学习中观察的重要性,教师可以利用学生感兴趣的故事来予以阐明,还可以借助于学生的切身参与来使学生感悟,举例而言,教师可以画一组画,并且讲盲人摸象的故事给学生,让学生将其中的不同点与相同点分别找出,以此使学生认识到,只有认真观察,才能够完整、准确、透彻而又全面地看清事物本质,这样学生的观察意识便会得以提升。 二、教给学生科学的观察方法 (1)整体观察法。这是美术教学中最基本的观察方法,也称第一观察法。所谓整体观察法,就是对待一个事物,首先要观察它的整体关系,然后再分别观察这个事物的各分部,最后再回到事物的整体进行系统观察。先进行整体观察使为了从全局看物质本身,局部是为了更深入地把握事物的个性特征,再回到整体是为了正确处理个性和总体的关系。这种观察方法是艺术家们经过无数次的实践得出的科学的观察方法。 (2)对比观察法。事物之间只有进行比较,才能发现二者之间的相同点和不同点,也才能发现各自所具有的特性,所以,在教学中,我们要引导学生运用对比观察法。比如,在教学透视关系、明暗关系时,可以让学生们画两个规格完全相同的长方体,我们把其中一个长方体的位置进行改变或者是作为画者的学生改变自己所处的位置,这样就会产生不同的效果。因此,在教学中,教师要指导学生运动对比观察法。 (3)形体观察法。有些学生的作品会出现形体支离破碎的问题,线条勾勒死板或者物体呈现不具有立体感等缺陷,出现这些情况的主要原因就是学生没有掌握形体观察法。因此,形体观察法对表现对象具有重要的作用。作为教师,要想让学生掌握形体规律,学会观察事物的形状、比例以及体和面的关系,必须要教会学生运用直线法去观察认识事物的形体特征。 (4)结构观察法。任何事物都具有自身的外部形态和独有的内部结构,而事物所展现出来的外部形态主要是由其自身的内部结构所决定的。只有对事物的内部结构有足够深刻的理解和认识,才能更加全面而准确地把握事物的外部神态。因此,在美术教学时,学生在观察事物时,教师要对学生进行结构观察法的充分指导,不仅让学生仔细观察事物的外在,而且要让学生仔细观察事物的内在本质。只有这样,学生才能更加具体地刻画出自己的作品形象。 三、运用多媒体,实现多角度的观察 多媒体教学设施目前已经广泛地应用到了课堂教学中,其形象性、直观性、生动性及立体性等特征,不仅极大地丰富了课堂教学内容,而且激发出了学生的学习兴趣,对学生观察能力的培养发挥着积极的促进作用,美术教师应当予以高度重视。比如,在讲解花朵的画法时,在生活中学生往往不会留意各种花的花蕊、花瓣、枝干等,而仅仅依靠教师空洞的讲解无法得到良好的教学成效。所以,教师可以制作多媒体教学课件,向学生展示各种各样花的姿态,让学生们全面细致地进行观察,并且多角度地进行观察,对重点部分加以特写,这样学生便能够更好地抓住绘画的特征,在绘画时做到心中有数,再加上教师精细的画法讲解,课堂教学效率便会得以提高。另外,课堂提供的时间与空间毕竟是有限的,为了将更大的创作空间提供给学生,教师还应当将所有可利用的资源充分利用起来,带领学生深入社会生活,深入大自然,让学生观察及欣赏更多生动的场景,开阔学生的眼界,进而使学生更加仔细认真地观察事物。 四、让学生形成习惯,定势观察 乌申斯基曾经说过:“好习惯是人在神经系统中存放的资本,这个资本会不断增长,一个人毕生都可以享用到它的利息。而坏习惯是道德上无法偿清的债务,这种债务能以不断增长的利息折磨人,使他最好的创举失败,并把他引到人生破产的地步。”观察是一种有目的、有计划的视知觉活动。因此,人们在观察事物的时候,若是没有明确观察的目的,他们就会一味地去认真研究观察细节的东西而却忽视了全局的问题,这样就会导致不能把握主次。这样就要求我们广大美术教师在教学中,要认真去指导学生进行有目的的观察,防止学生那种盲目地走马观花,将问题融进观察之中,这样才会带着所思考的问题进行探究,从而学生就会寻找出事物的规律性,掌握其特征,更加懂得观察事物的重要意义。也要引导他们知道只有勤于观察、善于观察才能能够发现新的问题,并且有所提高和收获,以激励学生观察的积极性与主动性,养成良好的观察习惯。在教学中,我们要认真去研究和引导学生观察的方法,真正打开学生观察的慧眼,提高学生观察能力,就会使学生注意留心那些所要观察的事物,长此以往,就会培养学生观察的习惯。同时,还要引领学生进行课外实践观察,对周围的一切事物都要进行观察后的描绘记录,形成对素材的积累和创造,他们也会潜移默化地形成观察习惯。 在美术教学中,教师要积极地抓住培养学生观察能力这个主旋律,要认真研究这一方面的教学方法和手段,积极引导学生注意观察思考,注重学生的心理感受和个性发展,就能够使学生的观察方法、审美观不断地得到提高。 美术观察论文:观察教学法在中学美术课堂中的应用 摘 要:在美术课堂中,注重观察能力培养,让学生能依据教师的课堂教学,从视觉记忆入手,用自己的眼睛观察,形成自己的独特思维。这种有意义的发现,能够更好地形成学生的视觉记忆能力。 关键词:中学美术;课堂教学;观察方法;视觉记忆 我们平时所说的教学,是教与学的双边活动。如果教不得法,会影响教学质量的提高,而如果学不得法,即便你有再先进的教学方法,也很难达到提高教学质量的目的。中学美术学科包括临摹课、写生课,还有欣赏课、手工课。为了更好地进行美术教学,要在已有的教学方法上,探寻独特的教学形式和教学方法。这其中,视觉记忆的培养和观察方法的教学就显得至关重要。 一、视觉记忆的培养 美术视觉的记忆是表象的记忆,换句话说,视觉记忆中占重要地位的是表象。所谓表象,是对过去事物形象的印象。其具有两个特征,第一是形象性,第二是概括性,这两个特征决定培养学生视觉记忆的重要性。一般来说,我们可以从以下两个方面培养学生的视觉记忆能力。(1)注重学生美术兴趣的培养。这一点,在写生教学中尤为重要,要让学生有意去观察自然和接触社会,形成自己的独特思维。这种有意义的发现,会使学生的记忆加深,形成良好的视觉记忆能力。(2)提倡学生手脑并用,让学生画速写和默写。对学生视觉记忆能力的培养,不能单凭兴趣,还应该在绘画上进行巩固。画速写和默写就是最好的方法,它不但能把当时的注意事物记录下来,而且能通过自己的笔,用速写和默写的形式再现。速写和默写在于勤,头脑中记忆表象和速写默写的资料内容充分交融,对培养学生的想象力、创造力有很大的益处。 二、观察教学法的应用 教育家乌申斯基曾经说过:“没有观察就没有明确的观念,没有明了清楚的观念,也就没有了绘画。”这就告诉我们,人们的认识首先是通过感官获得的,观察是人类知识的主要来源,是智力开发的基础。既然观察在美术课教学中是如此重要,那么如何在教学中应用观察法呢?下面就谈一谈几种常用的观察方法。 1. 整体观察 整体观察即总体、全面、完整地观察。就是引导学生把所画的事物,无论是个体还是组合物体,都看成一个整体。组合物体是一个相互关联的总体。在一幅图里,应该先构图,即思考如何把整体放在最适当的位置。表现整体的方法是:应该从整体出发,先勾出整体造型,再局部深入,认真雕刻,最后再回到整体。 2. 比较观察 比较观察的方法很多,有形状的比较:长、方、圆、扁等,有距离透视的比较:远近、前后、左右、大小、高低、宽窄、粗细、疏密、清楚与模糊等,有色相的比较:红黄蓝三原色和红橙黄绿青蓝紫光谱等,还有色明度的比较:色的明暗、浓淡等。观察比较的方法,多数是学生练习时才用得上。教师的教学方法是:在学生练习中发现共性问题,启发学生面对事物进行仔细观察、比较。对于有问题的学生,要让他们通过观察发现自己的错误,从而自觉地改正自己的错误。 3. 形体观察 美术老师指导学生观察形体,主要是让学生了解一些物体的基本形体结构。所谓的形体,是指用点、线、面,通过长、宽、高这种空间结构树立起物体的基本结构。通常在教学中用到的石膏几何形体长方体、正方体、圆柱、圆锥、球,在美术绘画课堂上起着很大的作用。例如,在画粉笔盒、篮球、课桌等类似几何形体时,我们就可以完全借助于这些几何形体的原型。当然,我们在教学时,更应该把多种物体的基本形体,归纳为这几种常见的几何形体,或者是这几种几何形体的多种组合。例如,可以把人的头部看成一个近似的圆形或者一个卵形;一间房子,我们可以把它看作是三角体和长方体的组合。有了这种形体观察的认识,就可以比较容易掌握物体的基本形状,以及表现这种物体的基本形状所应有的立体感、空间感以及相应的透视变化。 4. 结构观察 物体除了形体,也就是基本形状外,还应该有一种由表及里、内外呼应的结构关系。比如,头部的五官比例――眼睛、耳朵、鼻子、口腔、眉毛的结构。在笔者多年教学中发现,部分学生不善于画细部结构,他们画出的东西容易概念化。其实,没有细节的雕刻就没有情态,所画出的画面,也就没有生机活力。这就要求美术教师在课堂教学中,要让学生在掌握物体的基本形体基础上,注重对物体细节的刻画。另外一个常见错误是:学生往往不能把物体内外形体的结构呼应起来。以头部五官比例来说,我们平视时,耳朵的长度应该是等于眉毛至鼻底的位置;仰视的时候,耳位明显偏下;俯视的时候,耳朵的位置明显偏高。但是,大多数学生不善于用这种方法观察、比较。再如,让学生写一幅街景写生画,大多数学生观察到了楼房、树、水池、人、汽车、商铺、超市,等等。这些都是一个一个孤立地存在,大部分学生也是一个一个孤立地画出来。不善于观察比较,造成画面比例失调,显得呆板没有生机活力。 美术作品必须注重作品画面内容和精神内容的感染力。因而我们作画时,要通过自己的观察,依据自己的记忆,把物体的形态,神态充分展露出来,让人们从作品中感知你所表现的内容。因此,在美术教学中,教师要通过各种观察方法的渗透,培养学生的视觉记忆能力,从而达到更好的教学效果。 美术观察论文:试论小学美术教学中如何培养学生的观察能力 【摘要】在新课改的不断推进的过程中,对于学生的能力培养已经成为越来越多的教育工作者所关注的热点问题。针对于小学美术教学来讲,引导学生进行美的创造与表现是小学美术教育中一项不可缺少的重要实践活动,如何培养学生的观察能力则成为了取得目标教学效果过程中的重要一环。本文总结笔者在教学实践中的经验,讨论了在小学美术教学中如何培养学生观察能力。 【关键词】小学美术;教学;观察能力 一、在观察方法上采用整体观察与细致观察相结合 美术作为一门极有创造性的与想象力的学科,在课堂教育中要注意基本观察方法的正确与系统的培养,这样才能为之后的自我创作打下基础,避免“有口难言”。可以说教会学生观察一幅范画或作品,是完成教学目标、提高教学质量的关键。视觉是有选择性的,所以教师不但要向学生提出明确的观察任务,而且要教给学生正确的观察顺序和观察方法,并且将不同的方法加以结合,才能达到较好的观察效果。 (一)从整体上进行观察 第一,用审美的观点对美点进行观察。教师在出示范画或学生作品时,要引导学生观察物象的美点。如,观察一幅范画,要注意体会画面构图相互搭配简繁有度的美;观察一处静物,要使学生感受线条与光线所构成的画面之美;观察一处静景,色彩的美感,要让学生看到各种颜色相互映衬配合所体现的美。 第二,先形状后色彩地观察。形状是人类识别物体的基础,也是造型或者造型艺术的基础,无论是观察还是表现,是工艺还是绘画,首先是形状然后才是色彩。儿童对色彩的偏爱选择性,使其在观察物象时往往首先被色彩吸引,而忽略形状。因此,笔者在指导学生观察时,首先要求学生观察物象的形状,在画出或制作出形状之后,再考虑色彩。小学生的观察能力是随着其年龄的增长逐渐提高的。从总体要求上,要由低到高、由浅入深、从简单到复杂,只要教师重视培养、认真教学,定能激发学生的学习兴趣,使之获得丰富的感性知识,从而提高观察能力。 (二)从局部上进行观察 第一,用比较的方法进行观察。包括物象的大小、比例、位置与相互关系的比较,形象特征的比较,还有各种色彩的比较。区分各种色彩的不同,区分色度、彩度与明度的不同,区分色彩冷暖倾向及冷暖程度,“笔有润枯”、“墨分五色”的韵味,这些都是通过比较观察进行的。 第二,用持续的方法进行观察。例如:同样一处景色,它在中午和傍晚两个不同时间的阳光照射下,呈现出两种完全不同的景象;同样一处静物,环境不同,所呈现的内容也有所差异。教师要充分利用这样的例子,培养学生细致观察的习惯。 (三)两种观察方法相结合 在实际的美术教学中,由于学生的年龄特点,很多时候会对所要观察的事物有偏好性的观察,例如某种特殊的色彩,或者特殊的形状,有的时候就会局部性的影响学生的观察。而另一方面的情况,就是由于学生在观察时至看到了整体效果,而对细节一带而过,导致作品的粗糙和不完善。这个时候,整体观察与局部观察相结合,就成为了在方法上提高教学质量的关键。笔者认为,例如默画,就是一种有效的提高学生观察能力、促使学生整体观察与局部观察相结合的方法。 二、在教育方法上采取课堂学习与室外写生相结合的方法 课堂教育是美术教育的基础环节,也是学生基本功的学习与基本素质的养成阶段,其重要性不言而喻。户外写生是走出画室到大自然中学习美术的一种特有方式,在美术学习中也具有不可替代的重要意义,它是锻炼绘画造型能力的基本方法,也是美术创作的源泉。“外师造化,中得心源”是中国绘画史上的不朽名句,“搜尽奇峰打草稿”更是画家坚持写生获得灵感的写照。 小学阶段的美术教学虽然有别于专业的美术学习,但也需要通过对美术的学习使学生形成基本的美术素养,发展学生的美术知识和技能。户外写生让学生感受美术学习的特有乐趣,使学生的观察能力得以发展,让学生的绘画构图能力得到提高,提高学生对绘画空间的处理能力,营造出轻松和谐的学习氛围。然而户外写生绝不是要将学生放任,任他们自我发挥,而是要将户外写生与课堂所教授的方法内容结合起来,在完成有意义的写生活动的同时,完成有巩固与应用的课堂延伸。户外写生是对学生构图的考验,首先会遇到画什么,从哪个角度画等问题,此时教师可以作适当的示范讲解,指导学生取景时选择自己认为景物中最美最动人的部分。可以用取景框来选择景物,应该让学生明确构图中要有一个吸引观众最大注意力的视觉中心。但自然景物并非如静物写生可以自行摆设,景物中往往有不尽如人意的地方,这就要求学生可以根据自己的感受和构思进行一定的取舍,突出画面的主题,直到自己满意为止。取景的过程是一个观察能力的探索锻炼过程,在学生的实践过程中教师有意识的渗透对观察能力的引导,如色彩、线条、形状、布局、细节等基本要素,从而不断提高学生的观察能力。 三、在课外与其他学科教育相结合 美术教育是一项极具人文特质的教学,表面看起来与其他学科没有什么过多的关联,随着学生年级的升高以及传统课业压力的增加,美术课在很多学校的日常教学中所占比例越来越少,甚至美术课常常被用来充当自习课,以便学生完成其他应考科目的学习。在这种情况下,对学生观察能力的培养更是困难重重。然而学科间整合或统整,是现代教育理念,亦是美术课程改革的内容之一。美术学习的范围不能仅仅局限于美术领域中。我们可以尝试在美术学科与其它学科之间架起桥梁,通过结合其它学科部分内容的学习,引导学生在新情景中探究、发现与美术有关的问题。例如在低年级《自然科学》教材中要求学生进行实验,并观察和记录种子发芽、芽长成苗的各种变化情况的课程设置。这样的例子就充分展示了与其他学科相结合来培养学生观察能力的可能性。在我们的教学方法与办学思维上,真切认识到美术教学对于学生未来发展的重要作用,才能让美术教学走出困境,才能使小学美术教学中对学生观察能力的培养获得长期有效的发展。 四、结语 观察能力是一种有意识、有目的、有组织的知觉能力,是当儿童心理活动的有意性达到一定水平时产生的高级知觉活动能力。它不只是单纯知觉问题,而是包含着理解、思考,有目的、有计划的知觉。在美术课的教学中,教育者要以培养学生观察、想象、创造等形象思维能力为主要任务进行教学,并且在教学中培养学生的观察能力尤为重要,值得在教学中推广。 美术观察论文:观察在美术教学中尤为重要 美术课是以视觉为主的教学活动,巧妙灵活地启发引导学生学会观察、有效观察对教学任务的完成将会起到事半功倍的效果,所以说,观察在教学中尤为重要。 观察,顾名思义,就是仔细地看。观,由“又”和“见”字组合而成,又见,再一次看见,所以,观察得需要反复地看,寻找出规律,归纳出方法,进而构思创作,才能从独特的视角,发现与众不同的美,创作出具有个性特色的作品。 一、观察角度要因地制宜 美术课堂教学中,面对同一事物,如静物写生课中的静物教具,要想创作出独具特色的作品,首先就要启发学生学会选择独特的视角来观察,这样,才能避免千人一面的雷同,所以,要想有效观察,先要有一个独特视角,这就需要教师在创设主题方面灵活多样,摆放布置教具,要为学生留有足够多的空间,使学生能够充分发挥自己的主动性,选择自己喜欢的角度来观察,这样才能激发其学习创作的热情和兴趣,为写生、创作做好准备和铺垫。在美术教室上课的教师可以在教师中摆放几组教具,把学生分成几个小组,选择自己喜欢的静物,选择自己喜欢的角度来观察、构思和创作。不具备条件,只能在普通教室上怎么办,教师就要灵活使用教材,不必照本宣科地死搬教材内容,可以变通一下,让学生自带喜欢的玩具、模型等小型教具,既可自己独立观察创作,也可同桌间合作,把教具摆在课桌中间,再分左右从各自角度来观察研究,选择各自合适的视角来操作。 二、观察方法要灵活多变 不同课型要采用不同的观察方法,切忌死搬硬套,墨守成规,要灵活多变地采用各种手段,调动学生观察的积极性,在师生互动中总结规律与方法,从而提高学习质量,高效地完成作业任务。 1.探究式有目标观察法。教师提出具有启发性的命题目标,引导学生集中精力,仔细认真地观察、探究、思考,开动脑筋,寻找答案。应用于导入环节,一般通过演示多媒体课件出示范例引导观察,或者出示实物教具分析观察。以人美版一年级欣赏评述课《花狮子》为例,教师先用课件展示农民画《花狮子》的大幅彩图,引导启发学生带目标观察:这幅画中的花狮子身上有哪些图形?有哪些颜色?什么颜色多?一次问题不可超过三个,否则学生记不住,还容易分散精力,达不到应有的效果。接下来,教师因势利导,问学生这么夸张的造型与色彩有什么象征意义?联想生活中在哪些地方见过这样类似的造型与色彩?学生通过仔细观察和联想,能够回答出造型和色彩方面的知识,并且通过联想又将生活中观察到的形象在脑海中重现,与以前学过的知识产生联系,以旧连新,对本课的知识点从上课导入阶段就迅速切入与展开,为新授环节做好铺垫。 2.递进式分层次观察法,适合于新授环节,教师示范演示时应用。 3.对比式找异同观察法,适用于对真实事物与相对应艺术作品之间进行对比观察、探究,找出异同,分析作者的匠心,借鉴其思路。也可以在展示评议作业阶段对同一主题的不同作品进行对比观察,找出各自不同的优点,供自己学习借鉴,尽量不要找缺点,避免伤害同学的情感和学习积极性。例如,国画《秋天的果实》一课,教师引导学生观察画白菜萝卜的方法步骤,首先引导学生观察用笔方法,分别注意教师示范演示作画时是中锋还是侧锋?是淡墨还是浓墨?先画什么后画什么?怎样用浓墨、淡墨?这样分层次完成观察目标,为总结方法和下一步动笔操作打好基础。再比如,《线描画鸟》一课,教师出示一幅教学挂图,图上用粗线条画鸟的主体结构外形:头、身、翅膀、尾巴、腿爪,用细线具体刻画细节局部,用另一种颜色线条画环境树木,启发学生观察,老师这张画用不同线条画出了不同部位,仔细观察一下,看谁能总结出这张画的作画步骤?这样引导,学生就会自主探究,寻找规律和方法,日积月累,就会掌握一套切实可行的作画方法,形成较强的绘画能力。 4.默写式强记忆观察法,适用于强化训练,能锤炼出真功夫。看一段视频或者教师现场简单扼要的作画,事前让学生用心观察记忆,老师是怎样操作的,然后有学生汇报观察记忆所得,长此以往,能训练出学生认真仔细观察的速记能力,能够快速储存形象资料,默写默画出具体形象,这是锤炼形象思维、形象记忆的好手段。 三、观察习惯要逐步养成 教师不应只要教会学生在美术课堂教学中的具体观察方法,还要传授在大自然中写生时应用的观察方法,怎样由远及近或由近及远地观察风景,怎样由表及里、由整体到局部地观察动植物等等,通过不同层面的观察分析与探究,来机动灵活地采取相应的教学方法,逐步养成好的观察习惯,这样长期坚持,日积月累,循序渐进,学生的美术能力就会逐步增强,终身受益,在今后的工作生活中,体会无穷的乐趣,成长成为具有审美能力的全面发展的有用人才。 美术观察论文:在美术活动中如何培养幼儿的观察能力 幼儿园的教育是全面的,启蒙的。美术教育是幼儿园整体教育中的一个环节,它的重要性正在被人们日益深刻认识。尤其是在发展幼儿观察力方面,更是具有不可替代的独特的作用。观察是一种有目的、有计划、比较持久的知觉过程,而人在观察过程中表现出的稳定的品质和能力就是我们通常所说的观察力。人们通过接触、感受整个世界获得知识,现代的科学手段更是证明了人的绝大部分知识来源于视知觉,可见培养幼儿的观察能力的重要性。一个人具有健康的视觉器官并不意味着它同时具有卓越的观察能力,因为观察能力是生理和心理的综合能力,它是随着人的成长日渐成熟,并且在不同的个体之间存在着强弱的差别,所以观察能力是可以通过学习得到有效的发展的。幼儿园的教育分为五大领域,各领域都在不同的角度培养幼儿的观察能力,而美术作为一门视觉艺术,对于培养幼儿的观察能力更为直接有效。幼儿园的美术活动应源于生活,指导幼儿学会观察,积累素材,具有丰富的感知经验才能创造出富有个性的作品。下面我结合自己的经验,谈谈如何在美术活动中培养幼儿的观察能力。 一、培养幼儿的观察兴趣 好奇心是激起幼儿观察的动力,也是培养幼儿观察兴趣非常有利的条件。我在组织幼儿美术活动的时候,特别注意引导并启发幼儿主动去观察事物,并且根据他们喜欢游戏的特点,在游戏中培养他们的观察兴趣。在教学中我发现,画面丰富而富有感情的作品大多出自观察能力比较强的幼儿,而写生是培养幼儿观察能力的很好的手段。如我设计了《显微镜下的世界》这样一系列的写生课。孩子们在“大大显微镜”的游戏中,学会了观察身边事物的细节。在游戏中他们仿佛进入另一个世界,原来鞋底有那么多奇怪的纹路,原来叶子身上不都是规则的也不都是绿色的,有的叶子大,有的叶子小,有的有点黄,有的有点绿,有的被小虫子咬了洞,叶子身上还有无数条蜿蜒曲折象树枝一样的叶脉等等。这让孩子们惊喜万分,因为他们发现了很多以前从没有发现过的生活中的细节,兴趣更浓了,展现在画面上的内容也就更丰富有趣了,并逐步学会了自觉的、主动的观察周围的事物。 二、引导幼儿学习正确的观察方法 低年龄的幼儿还不会专注的观察,因为他们的有意注意还没有得到有效的发展,但是经过准确的指导,它们的观察力会逐步变得有目的和专注。 向幼儿提出明确的观察任务,任务越具体,幼儿的观察目的就越明确,观察的效果也就越好。比如在引导幼儿辨别冷暖色的时候我设计了一堂课《白天和夜晚》,首先向幼儿出示两幅构图完全一样的画。一幅是暗冷色调的,一幅是亮暖色调的,两幅画中都没有太阳,月亮等明显反映时间的标记,我告诉小朋友张老师的两幅画都有名字,分别是《白天》和《 夜晚》,请他们注意观察画面色调然后猜猜哪一幅是白天,哪一幅是夜晚?几乎所有的孩子都能准确地辨别。“为什么你觉得这幅画的色彩看起来是白天?”,“因为我觉得这幅画颜色很漂亮,有红色,黄色,橙色,粉色……好像太阳公公照在它们身上,暖洋洋的,所以应该是白天。”……明确观察的重点是颜色,所以孩子们自然而然的说出了对暖色和冷色的不同的感觉,这样孩子就不会偏移重点去看画面中有几颗树,几朵花,抓不住要领,得不到收获。 小的孩子还不会系统的观察,因此在它们的观察中,往往只能得到一些零碎的、孤立的印象,只能以个别的形态、色彩作为自己观察的结果,引起他注意的东西会显得比较大,所以在孩子的画里才会出现大头人,蝌蚪人,伸手拿东西的胳膊会比身体长几倍等等……孩子的画因此稚趣可爱,我尊重孩子童心的表达,但同时也通过一些活动,比如《一张纸的游戏》,《会变的杯子》等,引导幼儿去发现从不同的角度去观察,一张纸看起来可以象个长方形,可以象一条横线,可以象一条竖线;杯子口有时看起来是圆的,有时看起来是椭圆的,有时变成一条线等。通过这些游戏有目的、有计划的引导幼儿进行正确的观察,发展幼儿整体有序的观察能力,由此及彼的观察能力,形象的记忆能力等等,以促进幼儿整体观察能力的发展。 三、丰富幼儿的生活经验,拓展观察面 幼儿的求知欲是无比旺盛的,对于我们身边的世界,孩子充满着好奇和探索的欲望,我们幼儿园为幼儿的健康成长,提供了很多丰富多彩的活动。比如六一欢乐周、亲子运动会、参观消防队、参观蔬菜大棚,体验自种自收亲子种植、户外写生等等……在参观消防队的活动中,孩子们了解了消防队员是如何救火的;在外出写生的活动中,孩子们看到了大自然的季节变化给环境带来的影响;在亲子运动会上体验到了跟父母同场竞技的刺激;在参观蔬菜大棚的活动中,孩子们看到了运用高科技的手段培育的各种新奇的蔬菜,水果,开阔了视野;在自种自收亲子种植活动中看到了农民伯伯耕种的辛苦,也体验到了去收获自己种的萝卜的那种自豪和快乐。每次活动之后我都会跟孩子一起回忆活动中自己最开心的,最难忘的故事,并通过绘画等美术形式表达自己的感受。这些活动丰富了幼儿的感知经验,更是拓展了幼儿的观察面,这从一幅幅具有丰富的内容并富有感情的美术作品中体现的淋漓尽致。 总之,观察力是人认识世界的重要手段,有意识的培养幼儿的观察力是十分重要的。观察能力的发展和其他能力的发展也是有着密切的关系,这对幼儿综合素质的提高更是有着非常重要的意义。所以我们在指导幼儿美术活动中,应该重视观察能力的培养,发挥美术教学对培养幼儿观察能力的特殊作用。 美术观察论文:美术教学中培养学生观察能力摭谈 摘 要:美术教育为学生提供美的熏陶、创造性思维及高雅的情操,重要性不可忽视。但当前美术课中存在诸多问题,比如孩子盲目下笔、把美术课当休息课、老师自身应付等。如何把美术课的意义还给美术课,笔者从引发儿童兴趣、教会学生学会观察、留机会给学生观察等方面努力,让学生从小学会观察、懂得审美。 关键词:美术; 兴趣; 观察; 情操 在小学美术课中,我时常发现不少学生往往忽视对图画的认真仔细的观察。他们往往还没有看仔细,看完整所要画的物体,就盲目下笔,结果所画的物体外形很不正确。因此,要提高美术教学质量,必须重视培养学生的观察能力。 那么,怎样才能提高学生的观察能力呢?对此,我做了初步的探索。 一、引发儿童的观察兴趣 兴趣是创造的动力,深厚的兴趣与强烈的好奇心,能够最佳地接受外界的信息,有效地激发学习动机与求知欲,促使学生从事创造性活动。 例如在三年级《分解构成》教学中,根据儿童的心理特点和已有的知识,我考虑到他们对既无美丽的色彩,又较抽象的分解构成作品不会一下子感兴趣,便设计了《小白兔和七巧板》的画面,让学生进行观察分析。生动的画面,再加上有趣的故事,吸引了不少的小朋友,由此导入的构成知识,儿童会感到与自己非常贴近,在老师的激励下他们会想:“小白兔能玩七巧板,我也能!”继而产生想进一步了解分解构成的愿望。 为了培养学生的观察能力,我还十分注意教育学生让他们充分认识观察的重要性,我向学生讲述了一个故事:“有四个盲人一起摸一头象。摸到腿的瞎子说像柱子;摸到耳朵的说像扇子;摸到肚的说像堵墙;摸到尾巴的说像绳子。”并提问:“那么,为什么四个盲人说出的结果各不相同呢?”学生会说:“因为他们都没有摸到大象的全貌,只是说出了大象的一部分的形象。”于是,就趁机引导他们,让他们懂得在美术学习中也是这样的。如果对物体不全面观察,盲目下笔,就会和盲人摸象一样,不全面,会出错误。 为了进一步加强同学们对观察作用的认识,我在黑板上挂了两幅有关猫的画,让学生进行仔细观察,了解到猫虽是同一只,但因作画的时间不同,猫的眼睛也不相同。这样不仅让学生知道了观察的作用,也培养了他们爱动脑、爱学习美术的好习惯。 二、教给学生观察的方法 对于同一事物,观察者的所处位置不同得到的效果也就不同,观察的方法不同,结果往往不同。因此,教给学生正确的观察方法是十分必要的。 在教学过程中,我总是首先指导学生选择最佳观察角度。其次,指导学生掌握观察的一般顺序――先整体、后局部。例如学生在对人物形体进行描述时,我首先让学生选择好观察的角度,再指导学生进行观察。首先让学生对人物的外形予以观察分析,使学生掌握各部分的比例。如对一个人物的身高、个头的长度,上肢是3个头的长度;下肢是4-3个头的长度;肩宽是2个头的长度,总的形体比例掌握后,再分析细微之处,如脸部的比例,就要分析脸的设计与宽度,即三庭五眼。这些细微之处掌握了,学生再作业时,就不困难了。 三、给学生观察的机会 如果在教学中,老是遵循老办法,教师讲解作画步骤,学生再作业,那么就会限制学生的观察能力的提高。我们教师所上的每一节美术课(包括欣赏课),都必须给学生观察的机会和任务,都要有观察的环节。学生只有通过细致的观察分析,才会掌握老师所讲的内容。对于高年级的学生可增添写生课,多给他们观察的机会。 如我在教学生写生茶杯时,不是先讲,而是先提出问题让学生观察,这个茶杯由几部分组成的?各部分是什么形状?各部分的比例怎样?这样,带着这几个问题,学生进行了仔细的观察和认真的分析,很快地找出答案。这样进行教学,既培养了学生的观察能力,又发展了学生的思维。在此基础上,再让学生作画,就会很快画出茶杯的形象了。 上面的几点,是我在美术教学中进行的初步探索。实践证明,只要让学生多留神,多看,多想,日积月累,观察能力就自然提高了。美术课的教学质量也会大幅度地得到提高。并且,可以加强学生发现美,欣赏美,创造美的能力,使之具有高尚的审美情操。
小学美术教学论文:小学美术课情境教学论文 多媒体集形、声、光、色、动、静为一体,突破时空限制,可以大大调动学生的学习积极性,使学生积极主动愉快地参与教学活动。教学实践证明,在小学美术课中引入多媒体教学,可创造生动、活泼、愉悦、高效地课堂学习氛围,优化教学过程,提高教育、教学效果和质量,促进教学改革向一个更科学、与日俱增先进的方向发展。 一、运用多媒体教学,创设情境,使学生积极、主动探求新知。 “良好的开端,是成功的一半”,一节课的开始是教师谱写一首优美的教学乐章的前奏,是师生情感共鸣的第一音符。精心设计好这个“开端”,使学生从新课开始就产生强烈的求知欲望,对于学生学习新知是至关重要的。因此,在美术课教学过程中,教师可根据教学内容特点和学生的心理特征,遵循趣味性和针对性的原则,根据新课内容和学生的学习实际巧妙运用电教媒体,促使学生产生强烈的求知欲,从而进入最佳学习状态。如:我在教学《海底世界》一课伊始,演示一段展现海底世界的视频影像进行欣赏,绚丽的色彩,变化无穷的神秘海底,以及优美的音乐,给学生的视觉、听觉以美的享受,使课堂教学进入轻松、愉悦的氛围,这样创设情境,导入新课,激发了学生的学习兴趣,于是探究新知识奥秘的心情由然而生,他们带着强烈地好奇心和浓厚的学习兴趣,积极主动地开始了新课的学习,为完成教学目标奠定了良好的基础,达到了“课伊始,趣即生”的良好教学效果。 二、运用多媒体教学,再现情境,促进学生积极、主动掌握新知。 美术教材的重点、难点部分,教师可借助电教媒体,根据教学内容的不同,再现情境,把教材、教师所讲和学生思维融在一起,帮助学生开阔视野,积累素材,进而突出重点,突破难点,完成教学目标。如:在教学《森林王国》一课时,我依据本教材中的知识点和重点、难点,用电脑制成的动画情景:四季的森林以及大量的动物图片欣赏,学生沉浸在对森林的无限遐想和神往中,情感处于最佳状态,加入娓娓动听的语言启迪,从而解决了本课重点,突破了难点,并使学生在得到美的熏陶和情愫的滋润的同时,积极、主动地掌握了新知,开扩了视野,提高了他们的认识能力,为学生的绘画创作奠定了坚实的基础,更为学生素质的提高创设了有利的条件。 三、运用多媒体教学,演绎情境,使学生积极主动地巩固新知。 学生的创作热情源于美的启迪,也是通过绘画的形式达到巩固新知、发展思维、反馈信息的目的的一种训练过程,更是反映教学效果的主要环节。因此,在美术教学过程中,教师要从实际出发,利用学生的好奇、爱动、争强、乐胜的心理,运用电教媒体,演绎情境,进行启迪诱导,激起学生强烈创作欲,巩固所学知识、技能,因材施教,提高美术课堂教学效果。 四、运用多媒体教学,升华情境,使学生积极、主动地强化新知。 作业展评、课堂小结,是巩固和强化新旧知识内在联系的重要过程,也是一节课教学过程的最后一个环节。因此,教师依据不同的教学内容和学生实际差异,遵循计划性、针对性、趣味性原则精心设计一个新颖有趣的作业展评区和课堂小结,让学生以主人翁的态度出现,使他们有展示自己才华的机会,让他们在完成创作后,将自己的作品放在自己的桌上或黑板上,予以展示,并结合电教媒体——实物投影仪的运用,对典型问题予以指出、分析、更正;对突出作品进行分析、点评、鼓励、表扬,提高学生的审美能力,升华情境。最后,小结本课所学内容,让学生统摄知识纲目,使整节课在学生探索求知的积极地欢声笑语中结束教学内容。 总之,在美术教学过程中,只要我们不断地优化电教媒体的组合,充分发挥其作用,并符合教材体系,就能优化课堂教学,突破教学难点,解决教学重点,并有效提高了教学效果,又丰富了学生的感性认识,开拓了视野,激发了兴趣更重要的是促进了学生素质的全面发展,从而更好地推进了现代化教育和素质教育的长足发展。 小学美术教学论文:新课程小学美术教学论文 一、巧用多媒体技术手段展示美术素材,培养学生对美术知识的认知能力,提高美术教学效率 心理学告诉我们:“小学生由于年龄特点和心理特点,喜欢接受动态的、变化的知识信息。教师在教学过程中,应结合学生的实际特点科学选择教学方法,通过多媒体等技术手段优化教学方式,提高学生对所学知识的认知能力。”这就告诉我们,教学要符合学生的认知规律,从学生的实际出发,给学生看得见、摸得到的美术知识,这要比单纯的讲解、记忆效果好得多。利用多媒体技术就可以实现美术知识的动态化呈现,通过色彩的变化、多种素材的展示培养学生对美术知识的认知能力,调动学生对美术学习的主动性,提高课堂教学效率。比如,在进行“多变的大自然”的教学时,教师利用多媒体课件为学生出示自然变化图片,如油画作品南海的太阳。尤其是夕阳西下时的晚霞满天图片,吸引学生的注意力,很多学生不时发出啧啧的赞叹声,被这美丽的自然风景吸引了。又如,有松花江畔的雾凇图片,满眼的玉树琼花让学生目不暇接,有种身临其境之感。还有愤怒的火山图片,爆发的岩浆让学生对大自然的神奇惊叹不已。这些奇特的自然景观令学生着迷,很快使学生进入了学习状态,调动学习美术的积极性,提高教学效率。 二、充分利用网络资源辅助课堂教学,拓展学生的知识视野,提高学生自主学习能力 随着经济与科技的进步,当今社会已进入了网络时代。网络已走进了千家万户,走进校园的每个角落,利用网络学习已成为人们的一种习惯。小学生更喜欢利用网络接触外部世界。尤其是美术教学,利用网络知识可以使课堂更充实,让学生了解了更丰富的美术知识,拓展了美术视野。利用网络学习不受时间、空间限制,让学生自由自在的学习,落实教学的主体性原则,从而提高学生自主学习的能力。比如,在进行“多彩的民族服饰”的教学时,教师让学生利用网络了解中国五十六个民族的民族服饰,并将自己浏览到的图片保存下来,课上利用多媒体进行交流。很多学生搜集到了苗族的服饰,从花色、选材、工艺、图案等层面进行了详细的展示。还有的学生展示了藏族的服饰,这种服饰厚重保暖,大襟束腰,前边有一个突出的空隙可以留作存放物品之用。学生展示的民族服饰都突出体现了各民族的民族特点,体现了不同民族的文化传统、生活及精神风貌,极大地丰富了学生的知识视野,丰富课堂信息量,既给学生一种美的享受,又提高学生自主学习能力。 三、科学整合优质课程资源,培养学生动手、动脑、创作等能力,综合提高学生的美术素养 《小学美术课程标准》提出:“培养学生动手、动脑、创作等能力是小学美术教学的重要目标之一。美术教师必须科学整合优质课程资源,为学生搭建动手、动脑、创作的平台,让学生在合作探究中提高美术实践技能,综合提升学生的美术素养。”我们小学美术教师应在这一课程理念的指导下,选择学生容易接受的、贴近学生生活的课程资源,让学生通过这些课程资源进行实践操作,让学生在知识的体验中感知美术的魅力和价值,从而提高学生对美术的鉴赏和创作等能力,综合提高学生的美术素养。比如,在进行“巧手穿编”的教学时,教师可让学生自己从家里带来麦草、不同颜色的纸条,上课时按照教材内容进行编织。学生兴趣很浓,积极动手操作,有的学生用麦草编织菠萝罐,有的学生用纸条编织向日葵、茶杯垫、帽子等。学生在编织过程中,教师要巡回指导,提醒学生注意编制安全,指导编织思路和技巧等。通过这样的教学方式,使学生感悟到经纬概念的含义,既培养了学生的动手、动脑、创新思维等能力,使学生感悟到美术在生活中的价值,又综合提高了学生的美术素养。 四、结语 总之,为有效提高小学美术教学效果,陶冶学生的美术情感,提升美术素养,我们美术专业教师应在新课程理念的指导下,科学选择教学媒体手段,优化教学方法,整合优质课程资源,丰富课堂信息量,通过美术实践活动落实学生主体地位。只有这样,我们的美术教学才能全面落实三维教学目标,实实在在地提高教学效果,为学生的终身发展奠基。 作者:魏志君 单位:河北省迁安市第五实验小学 小学美术教学论文:分组合作学习小学美术教学论文 一、合理分组 合理分组是分组合作学习的重要环节,与小组合作学习的效果有着紧密的联系,也关系到美术教学的整体质量。分组的主要目的是强化学生的合作意识,使之形成协作精神。教师应利用科学的方式将学生分为不同的类型,综合考虑其性格、接受能力、学习态度、成绩等,分为A、B、C三类,充分尊重学生的意见进行分组搭配,并保障各组中均有该三类学生,使其能够相互扶持,互相学习,共同进步。教师对小组进行分析,根据小组成员的特点及长处进行相应的指导。小组成员可以相互讨论,发表自己的意见,充分表现自己的个性,并了解其他成员的想法,这有利于细化成员的各项分工,保障小组合作学习的效果及质量。教师可以任命手工能力较强或者组织能力良好的学生担任组长,其能够带动小组成员积极参与合作学习,或者很好地组织小组的各项活动。但是组长也需要轮换,才能使得小组成员学习积极性更高,更有责任感,且不会出现内部矛盾。 二、小组竞争 在各小组之间设置合理的竞争,是构建小组评比激励制度的重要方法,能够有效提高小组学习的效果。在该方法的实践过程中需要避免出现个人主义,而重视团体的综合实力能够让学生各方面均有所提升,如语言表达、自律性、色彩表现、创新设计、对学习内容的安排等。各小组成员应具有较强的集体意识和荣誉感,更积极地参加小组学习的各项活动,与其他成员积极讨论,充分表达自己的意见,为小组合作活动积极思考对策,更好地完成学习任务。在学习《蔬果的剖面》一课时,学生均需要参与该课题的小组学习,对各类蔬菜进行观察与分析,包括颜色、形状、造型等,每位小组成员可以在条件允许的情况下,任意选择蔬菜进行绘画,或者发挥想象力,采用夸张的方式表现自己想象的蔬菜。成员将完成的作品交给组长,由组长将其贴到指定的位置进行展示,构成了丰富多彩的蔬菜世界。最后进行小组之间的评比,利用这种竞争方式,能够提高小组成员的团结程度,也使得美术课程充满了乐趣,提高了学生学习的积极性。 三、课题选择 每位学生的性格、接受能力、美术基础、兴趣等差异较大,且各个学校的条件也不同,美术教学的课堂效率及质量也会存在较大差异。因此,在分组合作学习的过程中,教师应根据学生及学校的实际情况科学选择课题,合理安排课程内容,这样不仅能够顺利完成教学任务,也能获得良好的教学效果。如,《元宵节里挂彩灯》一课的教学,就可以运用分组合作的学习方法。教师先将学生分为若干小组,小组成员对教材内容进行探讨,并根据各自的优势与特长进行细致的分工,包括研究彩灯的形状、结构、色彩,利用各种工具进行制作、结构拼装等,最后制作成品。在该过程中,教师需要给学生充分的自主权,在关键环节则需要进行一定的点拨、引导,如彩灯的拼装,教师可以教授一些技巧等。学生在分组合作学习的过程中,充分体会到操作的乐趣,提高了学习热情,积极参与活动。教师需要做好活动的组织及指导工作,适当调节课堂气氛,并及时巡查各组的活动情况及学习效果,鼓励学生,及时帮助其克服困难,解答疑问,指点方向,以提高学生的学习效率。 四、科学评价 科学评价分组学习的效果,能让学生充分认识到前一阶段的学习情况,总结经验,分析和反思不足,对于自身小组及其他小组的优势、缺点等有更多的了解,在今后的活动中弥补不足,充分发挥优势。对于小组的评价,需要先制定评价标准,学生美术作品创作的速度、质量、数量、色彩搭配、创新情况,学生对于作品内涵的理解,各小组的合作情况,等等,均可纳入评价机制。对学生的评价要公平、公证、客观,教师不仅需要适当指出其不足之处,更应对于其特点及优势进行说明、鼓励,使其不骄傲、不气馁,在今后的学习中扬长避短,优化学习效率,使教学效果更加显著。 五、结语 教育者不断尝试新的方法及模式,分组合作学习方法是其中极为重要的内容之一。将该方法应用于小学美术教学,通过合理分组,采用合作学习的方法,学生在小组中互相帮助,互相协作,不仅能够有效提高学习效率,也能够培养团结意识及协作精神。文章分析了分组合作学习方法在小学美术教学中的应用,在教学实践中还需要教师全面分析学生的基本情况及学校的条件,制订相应的教学方案并彻底落实,提高教学水平及质量,强化学生的艺术修养,促进其长远发展。 作者:刘洁 单位:江苏连云港市灌南县实验小学 小学美术教学论文:学生互动下小学美术教学论文 一、教师要关注生生之间的互动 教师在教学的过程中要把握学生的基本能力的形成。教师要引导学生进行生生互动,让学生在同伴的评价以及自我评价中认识到自己的不足,发展自己的美术能力。在小学美术教学过程中,教师要改变过去传统教学中教师一言堂的行为,要让学生真正成为教学的主体,让学生之间建立一种相互尊重,相互理解的更加平等民主的生生关系,让学生在这样一种师生互动、生生互动的新型互动方式中更好地完成美术学习。如教师在学生完成美术习作之后,就可以引导学生在小组之内相互传阅,引导学生进行相应的点评。学生在其他同学悦纳的眼光中强化自己成功的喜悦,并在同学的指点下了解自己美术作品的不足进行修改。生生之间的互动,让学生从同学的眼中更好地发现了自己。 二、运用多种教学方式引导学生进行美术学习的互动 (一)巧用多媒体课件,实现人机互动。 在美术教学中,教师要巧用多媒体课件辅助教学,完成人机互动。在人机互动的基础上,教师要加强对学生美术能力途径的引导,让学生从不同的角度完成美术能力的提升。教师在这个过程中要引导学生进行美术知识的学习,运用新型的教育学理论,注意使儿童乐意学习,教师要引导学生通过多媒体课件鲜艳的色彩让学生形成画面的感知,尊重学生的内心体验,让学生在互动关习中形成自主、积极、有效的学习活动。如在人教版小学美术教材第一册《让大家认识我》的教学中,教师运用多媒体课件出示创作工具,认识常用颜色以及不同风格线条的表现,学生在与多媒体进行人机互动的基础上,体会到不同的笔触,不同的画布所产生的不同的画面效果。 (二)运用小组合作学习,完成生生互动。 在小学美术学习的过程中,教师要努力在课堂教学中,建立良好的人际关系。教师可以采用小组合作学习的方式引导学生建小学美术教学中学生互动的重要性马宗平(河北省秦皇岛市抚宁县榆关学区大刘庄小学,河北秦皇岛066303)摘要:在小学美术教学中的互动式是非常重要的。教师要关注小学美术教学过程中的师生互动,运用多种教学方式引导学生进行美术学习的互动,并努力强化评价方式,引导学生在评价中真正提升自己。关键词:小学美术;互动;重要性中图分类号:G613.6文献标识码:A文章编号:1671-6035(2015)03-0175-01立生生互动。在小学阶段,每个班的班容量不同,教师可以结合不同的班容量选择适合学生的教学策略。教师可以按照班容量的大小以每组四至六人的形式组成合作小组,让学生在小组合作中进行生生互动。教师要根据同组异质的原则实现学生之间的小组互动,让不同层次的学生能够在相同的教学环境中都能够获得教学活动的开展。当学生完成绘画的时候,教师引导学生进行组内交流以及组外交流,让学生在不同的学生互动中获得美术能力的提升。 三、强化评价方式,引导学生在评价中真正提升自己 在美术学习的过程中,教师不但要引导学生进行师生互动、生生互动,而且要引导学生进行自我评价以及生生评价,在这个基础上教师要对学生互动的方式进行评价,让学生在评价的过程中认识自己的美术能力,获取美术能力的提升。教师要创建评价机制,让学生在教师的评价中发展自己的不足,了解自己已经具备的美术能力,懂得自己应该从哪个角度进一步学习美术,如在人教版四年级美术上册《色彩的冷与暖》的教学中,教师以直观的图片引导学生观察色彩的冷暖带给人的不同感受,体会色彩的情绪,并激发学生在色彩创作中有意识的运用冷色和暖色创造不同的画面效果。当学生完成色彩创作的时候,教师可以引导学生认识冷色与暖色,了解色彩的基础知识,体验色彩给人的不同感受,并在学生对同学的作品的评价中体会冷暖色调的不同,在师生互动评价以及生生互动评价中进一步感知颜色的不同,激发学生热爱美术学习兴趣。 四、结语 总之,在小学美术学习的过程中,教师要关注学生互动方式的重要性,并在互动中激发学生的美术学习的兴趣,在教学中努力形成师生互动、生生互动,并用不同的互动方式强化学生在美术学习中的自我认知,让不同层次的学生努力提升美术能力。 作者:马宗平 单位:河北省秦皇岛市抚宁县榆关学区大刘庄小学 小学美术教学论文:小学美术课堂素描教学论文 一、素描练习与“苦练”态度 初学者总有一个“懒”字,只是喜欢欣赏别人的作品,也爱看别人作画,就是不爱自己动手,总觉得自己太“笨”,画得太“丑”,或害怕别人讥笑而不敢提笔。事实上,从古至今,许多有成就的画家,在初学阶段都有过踉跄趔趄的经历。这里就存在着一个“苦练”的问题,技法虽然弄懂了,并且背得滚瓜烂熟,提起笔来也未必画得了画,这就必须要刻苦地坚持素描写生练习。 二、基础训练与基本要求 西洋素描比我国传统技巧更加完备和先进,是具有科学性的,它能如实地反映客观现实。但是我们学习他们的素描教学千万不能生搬硬套。无论哪个时代、哪个国家的素描教学法,我们都要遵循著名画家徐悲鸿先生提出的“古法之佳者守之,垂绝者继之,未足者增之,不佳者改之,西方绘画可采入者融之”的原则进行素描训练。 素描的基础,主要是在培养学生正确地观察、分析、综合对象和生动地表现对象的能力。素描与色彩要求结合得完美,首先要抓住素描造型。譬如中国的人物画,是以线描为主要造型手段,加强白描的基本功训练,准确掌握人体比例、透视及运动规律,这就要认真分析和认识对象,打好素描基础。 在素描教学中,必须注意简练、准确、生动的特点。对于初学者,应从循序渐进入手,先画石膏和静物,但死的模型也不必画得太多。人体造型的难度是大的,随着人体的运动,当中细微变化更难掌握,因此我们要求对人体结构要有所研究,重视解剖基础训练。 素描的练习,起初可用硬笔(铅笔、碳铅或钢笔等)勾画,时间不用长,画面不用大,用小幅纸张素描,扼要地把对象的大关系概括出来即可,成为初步形体动态的印象。头脑中有了这个印象之后,即可进行第二次素描,更能准确地调整好对象的位置、比例、明暗、轻重、动态、传神等等造型因素,有程序地由浅入深地加以表现。课堂时间是有限的,在第三次素描训练时,要求同学们在课外时间进行,背离对象用心默记着去画。记忆素描结束后,还要去对着物体和画面仔细检查一番,把默记错误的地方和不准确的地方纠正过来。如果觉得不满意或有多余的时间,最好再默记一幅,或变换角度再画几张。这样的素描教学法,一定会使学生学得活、记得深、收效大。 三、提高素质与鉴赏能力 学生在素描教学中建立了一定的基础,作业就能层层深入地进行。达到这个阶段,教师要特别提醒学生注意整体关系,不忘取舍,削弱次要部分,强化主要部分,在深入的基础上进行艺术提炼,以适时提高学生的艺术素养。这就需要在素描教学中经常开展名作欣赏、习作评比活动,与学生自己的作业相互对照,找出较好的地方和不足的地方,并找到不足的原因。最后,教师可集中针对大家普遍存在的问题加以研究,分析解决,并提醒学生在今后的实践中对客观事物要作出细致的观察和认真的剖析,牢记作画要领。素描习作可以灵活多样,在日常生活中注意培养快速捕捉有生命形象的造型能力,能将写生、记忆、默写、夸张有机地融为一体。 四、总结 素描教学是绘画课程的基础,课堂作业只是基础训练的一个方面。若要表现鲜活的对象,仅凭课堂训练是远远不够的。必须要走出教室,深入生活,到校园里、到大自然中去探寻更加丰富的形象,这是基础训练的第二个方面。只要养成细心观察的习惯,生活中到处都有可发现的题材,皆是惟妙惟肖、栩栩如生,并且赋予各自鲜明的个性,甚至可以“不施粉黛而光彩动人”。只需自觉地运用相关的造型规律,学生的造型基本功完全可以在课外得到长足的发展。 作者:苏凤光 单位:吉林省东辽县教师进修学校 小学美术教学论文:电脑绘画小学美术教学论文 一、培养兴趣,调动电脑绘画情感 大家都知道学习任何一种技能首先需要培养兴趣,电脑绘画作为新生事物走进教室需要有一个适应过程。小学生电脑操作技术不高,信息课学习的只是基本的文字输入法、简单的网络搜索,对比较专业的电脑绘画接触并不多。部分不愿意迎接挑战的学生在电脑绘画时总是说“我不会做!”,分小组绘画活动时总喜欢置身事外,不愿主动实践操作。不愿意学习的结果是对软件功能不了解,畏惧情绪越来越强烈,从而形成恶性循环。老师针对这部分学生的心理,首先要排除他们的畏难心理,跨出实践操作的第一步。老师要让学生通过软件操作,创作绘画作品,看得见自己的成功,从而激发学生电脑绘画的积极情感。在学生刚刚接触电脑绘画时,老师要给学生选择有趣的、容易操作的绘图软件,让学生在操作时可以直接运用模板,用鼠标在模板上点击时就可以长出草,开出花,给学生带来足够的新鲜感,让学生对电脑绘画产生兴趣。老师要给学生演示电脑绘画的撤销功能,消除学生的胆怯心理,让学生明确画错了也没有关系,可以重新操作。学生操作绘画时,老师要给予鼓励和表扬,增强学生的自信,调动学生电脑绘图的欲望。 二、注重基础,训练信息操作技能 电脑绘画与手工绘画有很大区别,需要学生熟练运用鼠标。老师在进行电脑绘画教学时可让学生先感觉鼠标,控制鼠标的灵敏度,能够准确点开绘画软件的界面,并能准确找到绘画工具。熟悉绘画软件中各种工具的位置,可以“单一”操作练习,在选择与撤销之间熟练操作。所画的作品可以是模板中的花草树木,学会简单的绘画与配色,为以后绘画创作打好基础。老师要教给学生基本的电脑操作快捷键,如复制:Ctrl+C;粘贴:Ctrl+V;保存:Ctrl+S;剪切:Ctrl+X;撤销:Ctrl+Z等。基本技能的操作老师可以集体教学,在实际操作时,老师要及时跟进,巡回观察学生在操作中出现的问题。电脑绘画灵敏度较高,学生在操作时要仔细认真,如果遇到错误操作要知道如何撤销和修正。如五年级教材中《有趣的重复》一课,老师要教给学生运用大量的绘图工具和编辑命令,先自行设计一个简单的图形,然后用复制、粘贴就可以完成重复构图,简单快捷。学生从中可以感受到电脑绘图与手工相比的优势。老师先演示一遍,然后让学生进行操作练习,巩固操作技能。老师还可以引导学生利用软件中的美术字库,在图片中插入,并对字形进行拉伸、缩放和位移,进行立体化编辑处理。学生可以随心所欲选择美术字的字形格式,根据自己图片的需要进行横向或竖向插入自己编辑好的美术字,并运用软件简单的色彩编辑命令进行色彩构成。学生在自主操作中会有更多的发现,只要学生明确撤销命令,就可以大胆尝试,体现了电脑绘画的优势。 三、引导创新,体验电脑绘画乐趣 学生掌握电脑绘画技巧后,要进行绘画创作。学生在绘画时会从自己的角度审视题目的要求,然后展开联想和想象,大胆构思。学生的作品在成人眼里也许很幼稚或者毫无逻辑,但是里面包含着学生的童真。小学生语言表达能力还不够,在表达内心世界时通常喜欢用图画的方式。老师教给学生电脑绘图的技法后,学生便可以用软件中丰富的绘图工具以及各种各样的颜色表达自己的感受。像Photoshop软件中的滤镜,可以为色彩的处理增加特效,给人一种真实而玄幻的感觉。如在《快乐的圣诞夜》的绘画创作中,学生为了表现飞速奔跑的圣诞老人的雪橇,运用了滤镜菜单功能。学生还可以运用软件工具把图片按比例进行缩放,然后运用复制粘贴工具,把图片排列起来,像是搭成的一串桥。在以“世界杯”为主题的绘画创作中,有学生的作品为《足球将世界连在一起》,其中就运用了这种方式,画面为一名足球运动健将在天安门前一脚踢飞一个足球,足球一直飞往大洋彼岸。图画就是运用了复制粘贴的方式表示连续的足球飞走的动作。滤镜中还有发光效果,在《我的魔法小天使》的图画创作中,就可以用滤镜表现魔法棒的闪闪发光。学生不断挖掘电脑软件的工具,在尝试与创新中体验电脑绘画的乐趣。电脑绘画可以存储对比,学生可以随时看到自己绘画技能的提高、绘画作品的完善。电脑绘画可以为学生的个性张扬提供更多的工具和材料。软件中的绘图工具应有尽有,平面图片的绘画之后是动感立体画的创作,这是手工绘画没有的功能。电脑绘画给学生带来广阔的想象空间,实现了美术教育的创新目标,为美术教育增光添彩。 作者:殷红霞 单位:江苏省常州武进清英外国语学校 小学美术教学论文:合作学习小学美术教学论文 一、把握学生特点,科学合理分组 在开展合作学习前,教师首先要把握好学生特点,根据一定的原则,科学合理地对学生进行有效分组。一般而言,依照“组间同质,组内异质”原则来合理分组,让学生互帮互助,共同促进。“异质分组”,即按照学生个性特征、兴趣爱好、学习成绩、知识水平、思维能力等方面的差异性进行分组,以引导学生相互帮助,相互提高,促进优势互补。“同质分组”,即让上述因素相同的学生组成小组,使组内竞争向组间交流与组间竞争转化。在实际教学过程中,教师需要结合具体教学内容和班级学情,充分考虑学生兴趣、认知水平、学习能力等情况,灵活有效地选择分组方式。比如,对于一些思考性、探究性强的教学活动,教师可以通过“同质分组”方式,加强组内合作交流,促进组内互助协作。对于一些操作性、实践性强的教学活动,则可进行“异质分组”,以确保小组成员的差异性与互补性,实现小组之间合作竞争的公平性。 二、明确学习任务,引导合作探索 明确学习任务,引导合作探索是合作学习中的关键环节。在小学美术合作学习,教师要结合学生认知规律及心理因素,围绕教学目标,精心设计学习任务,激发学生的合作兴趣,引导学生合作探索,体验成功的喜悦感。一方面,教师要注意学习任务的生活性和趣味性,以学生的生活经验和兴趣为出发点,注意联系生活实际,精心设计真实而趣味的学习任务,让学生轻松、愉悦的合作学习,主动探究。比如,学习苏少版小学美术教材第六册第14课《会说话的手》时,笔者首先借助多媒体课件出示手势图片,欣赏手影片段,引导小组合作,组合手形模仿,培养学生的探究和合作意识。然后,指导学生摆出有趣的手形,用勾线笔描下手形,根据手形特点进行想象添画,画出有创意的联想画。接着,要求学生以小组为单位,设计“巧手剧场”,进行自编手形画故事表演,如龟兔赛跑、小猫钓鱼、丑小鸭等,并评选出:最佳创意奖、最佳配合奖、最佳表演奖等。另一方面,教师要注意学习任务的挑战性和探索性,精心设计一些富有探索、挑战性的学习任务,引导学生勇于参与、乐于合作,从而激发学生强烈的好奇心和浓厚的求知欲,引导学生积极主动地投入到探索知识的学习活动当中。例如,教授苏少版小学美术教材第8册第4课《穿穿编编》时,笔者将全班以4人一小组的形式组织学生开展拆编游戏活动。活动要求:拆前仔细观察穿编物由哪几个部分组成,小组成员明确分工,仔细揣摩各式各样的穿编方式,并做好记录,组装时要细心谨慎,小组成员配合协调,比一比哪个小组拆编得又快又好。 三、课外拓展迁移,注重有效评价 课堂教学时间是十分有限的,在小学美术合作学习中,教师注意除了加强课内合作学习外,还需注重课外合作,以课内学习为优秀,引导学生从课内向课外拓展和延伸,使课堂学习与课外训练有序、有趣、有力、有效的结合起来,从而拓宽学生的学习与合作空间,提高学生的参与意识和合作精神,增强学生合作能力。譬如,教学苏少版小学美术教材第8册第1课《节日》时,教师可以指导学生以小组为单位,课外收集一些有关节日活动的照片、诗词、故事,并尝试介绍与这些节日相关的风俗活动,让学生在体验中了解中国传统节日,引导学生热爱中国传统文化。此外,在合作学习中,有效评价也是不可或缺的环节。在教学评价过程中,教师应打破传统单一的评价方式,注重多元化评价,将结果性评价和过程性评价有效结合起来。同时,要注意整合激励个体竞争与小组合作达标的评价形式,通过组内成员自评、互评、组际间互评,引导学生在与同伴的磨合中,不断反省自我、完善自我,同时培养学生对事物、对他人做出公正客观的评价,增强学生集体责任感和荣誉感。当各组评价之后,教师要进行总评,在肯定各组学习成效的基础上,恰如其分地指出其缺陷,并帮助学生及时改正,以提高学生的学习能力。 作者:周红梅单位:江苏省盐城市毓龙路实验学校 小学美术教学论文:信息技术小学美术教学论文 一、注重任务驱动教学法的应用 信息技术以其独特的应用优势正在改变着学生的学习方法,以多样化的手段激发学生的学习兴趣,特别是就美术教学来说,小学生通过对其他优秀作品的欣赏,更容易激发自己的创作热情,这种任务的驱使与传统的说教教学方法不同,小学生在教师为其创设的愉悦情境中可以积极、快乐地进行探索与学习,以任务驱动式教学为前提的这种整合顺应了小学生的学习习惯,利用课程的性质积极进行情境的创设,为小学生充分营造了良好的创作空间。例如欣赏《各民族朋友》时,如若只看课本中的图片,很可能会影响到小学生对美术作品的鉴赏,如若将信息技术利用进来,多下载一些关于我国各个民族有代表性的图片、视频,引导学生进行观察,使学生感受到多民族的生活差异,让自己的情感融入于其中,帮助小学生深入理解教学内容,总结各个民族的代表性,使其在自己的创作作品中展现出来。另外,教师再通过收集一些成功之作与失败之笔,通过举一反三说明成败的因素,使小学生继而掌握其绘画的深层内涵。 二、注重自主学习与合作探究 小学美术教学与信息技术的有效整合必须要注重对小学生自主学习与合作探究能力的培养,在此过程中教师需要尊重学生个体差异的表现,因人而异地进行教学活动,引导小学生在实现自主学习的基础上,与其他学生进行合作探究,继而通过美术教学与信息技术的整合培养学生的创造及团队协作能力,提高学生的美术素养。想方设法实现学生在教学活动中主观能动性的发挥,同时在合作学习中,形成学生之间的良性竞争,形成较好的学习习惯。例如,在进行《来画虫》这一节课程的教学时,教师先利用计算机收集相关虫的图片与资料,再引导学生通过信息技术来查找这些虫虫的绘画方法,并收集相应的资料,可以通过视频或者图片分组教学的方法指导学生进行绘画,引导学生进行合理地分组,通过协作来完成虫的绘制,并实现学生之间的相互评价,增强学生的绘画能力。 三、注重信息技术的平台作用 实现小学美术教学与信息技术的有效整合,其中强调的就是将信息技术手段作为服务于教学的工具性能。将信息技术作为美术的认知平台,通过这个平台,学生可以实现对美术信息的获取,探究美术的神奇之处,将美术课堂拓展到网络信息平台中,给学生带来美的享受。变小学生的“要我画”为“我要画”,在以培养学生的认知基础上,利用动画或者是电子画的制作,使学生能够熟练应用信息技术,以此来增强学生的美术素养,培养学生的动手能力。总而言之,将信息技术与小学美术教学有效地整合起来,随着整合实践的深入,美术教学的质量也会得到极大地提升。实现信息技术与美术教学的有效整合,能够进一步发掘学生的思维能力,变枯燥的知识为生动、有趣的教学,激发学生思维想象力的发挥,进一步促进学生的智力发展,最终提高美术教学质量。 作者:钱云单位:江苏省扬中市新坝中心小学 小学美术教学论文:小学美术课堂教学论文 在《美术课程新标准》中指出:“尽可能运用自然环境资源(如自然景观、自然材料等)以及校园和社会生活中的环境,(如活动、事件和环境等)进行美术教学,使学生养成关注社会、学会欣赏的习惯。”从这里可以看出,国家对于乡村的人文、地理、自然资源等其他资源的重视。因此,我们美术教师必须充分的对乡村的人文、地理、自然资源等资源进行挖掘,开展具有浓厚的乡土气息、具有生活情趣和地方特色的小学美术教学是当前新课标的重要要求。然而现行的小学美术课本以及教材,基本都没有包含这些资源,让我们在开展活动的时候会有诸多的限制。所以我们的当务之急是在美术教育中研究和开发农村自然资源,丰富小学美术教学内容。 一、转变美术教学观念,深化美育内涵 因为各种各种各样的缘故,高考制度依然存在,应试教育根深蒂固并深入人心,所以现在很多学校的美术教育仍然在遭受着传统教育观念的荼毒,美术学科总是难逃边缘化的命运。这些主要集中表现在教育管理人员的美术教育意识不强,美术教学设施不足,没有充足的师资力量。 小学美术教育在培养孩子的创新能力和提高综合素质上都有着着非同寻常的意义,它是新课标下实施素质教育的重要构成部分。美育是培养学生认识美、爱好美和创造美的能力的教育,它的全称是“审美教育”,也叫“感性教育”,它关注的是人自身的存在发展,美育重在追求人生存的生活化及情感性、具体性、过程性,因此也称“个性教育”。美育要通过各种艺术以及自然界和社会生活中美好的事物来进行。美育是为建设社会主义精神文明和培育学生心灵美、行为美服务的。它用现实生活中的美好事物和反映在艺术形象中的先进人物的思想感情和活动来感染受教育者。它广泛而深入地影响着学生的情感、想象、思想、意志和性格。它能丰富学校的文化精神生活,激起学生的情绪体验,有助于培养高尚情操,提高社会主义觉悟,鼓舞学生为实现共产主义理想和创造一切美好的事物而奋发向上。大量实践证明,美术教育对提高审美能力,形成良好的思维能力和培养敏锐的观察能力,促进智力发展,有着独具一格的功效。所以,我们要转变观念,深化美育内涵,重视美术教育,用长远的眼光和全面科学的观点来育人。在美术教育中特别要注意克服两种观念倾向。一方面不能由于它课时少,学生少,于考试和升学率没有多大影响,或因为某些学校管理者的不重视,就无所谓地采取放任的心态。另一方面也不能本末倒置,为了强调美术课的重要作用,就挤占其它课时或占用学生的课外业余时间。正确的方法应该是更新教学观念,利用农村的自然资源,在美术教育中把审美能力和创新能力的培养带进课堂,与其它学科纵向联系,促进其它学科的学习。同时学校管理者也应该因地制宜,挖掘人才,重视人才的培养,包括美术人才的培养。 二、美术教学选材上要就地取材,扬长避短 由于家境不同的原因,有的孩子的家庭经济条件相对比较拮据,绘画时要配齐美术用品不太可能,我们作为美术教师要依据课标,必须因地制宜,扬长避短,就地取材。有目的性地对一些教学内容进行选择和取舍,把那些孩子们容易寻找且容易制作的素材用作教学内容巧妙地穿插其中,通过这样的方式引导孩子去观察、发现、想象、创造,尽量让孩子在财力有限的情况下,畅通地进行经济实用的美术学习,放飞他们想象的翅膀,发挥能力,表现个性。比如在教授绘画时,可以选择节材的方式,以线描和素描为主,这样做能起到提高孩子们的构图技巧和培养写生能力和再造丰富想象力的两全其美作用。在教学色彩知识时,可以演示为主,并结合一些生活实例,如服装的色彩搭配等。再如纸塑,我们可以采用废纸和旧报纸为材料进行教学。这样做不仅仅能够对学生进行教育,同时还能够让学生学会废物利用。而雕刻,利用家里的蔬果制成果雕,也是一个不错的创意。树叶和野花在郊外与乡村里处处可见,可以用各色各样的树叶和野花作画,孩子们不仅仅会产生出浓厚的兴趣,同时还能够接触到外面更为广阔的天空。在上美术欣赏课时,除了让学生欣赏书本上的作品外,还可以带着学生们走出户外,去与大自然接触,尽情去拥抱美丽的大自然,看那日落与日出,欣赏早春红艳的桃花,观清明金黄的油菜花,览夏天畦田碧绿的稻田,读中秋挂满红果的柿树。在乡村只要细心观察,就能够发现处处都是丰富多彩的美术素材。还可以让孩子们欣赏家乡的美景和乡村那些新盖的楼房,观察乡村的变化,培养热爱家乡,激发为家乡建设发光发热的思想感情。斗换星移,四季交替,乡村与城郊有着广阔的田野、多样的植物、丰富的自然环境,这些都是可以使得美术教育变得更加生动的课程资源,能够为丰富和美化美术教育活动提供取之不尽用之不绝的素材。不仅仅能够让孩子体会到美术课的生动有趣,也能够有效地孩子就地取材的动手能力和创新意识,养成积极健康乐观的生活态度。从而培养了孩子感受美、表现美、创造美的情趣和能力,为他们的终身发展奠定良好基础。 三、走进乡村生活,活跃让美术课堂气氛 古希腊著名雕塑家罗丹说过:“生活中不是缺少美,而是缺少发现美的眼睛。”这句话中指出生活中处处都是美,关键是要我们去发现。教育方针明确的指出我们的教育、教学活动要同生产劳动、社会生活相结合,美术教育活动也不例外。多年的美术实践教学让笔者领悟到,当孩子们贴近生活中的各种美术内容的时候最能让他们产生心灵上的共鸣,同时也最能活跃课堂气氛和激发出孩子们的学习热情。我们知道,乡村地大物博,有着丰富的劳动生活和历史悠久的文化和各种民间风俗,这些都是对孩子们进行美术教学的最好题材,例如秋高气爽庄稼成熟的时候,可引导孩子们对美丽的景色及丰收的场面进行布贴画学习,开展《种子粘贴》一课,让孩子们去观察玉米、稻谷、瓜子类、豆子类等种子,然后选择喜欢的种子进行粘贴,稻谷、麦杆、布、瓜类、豆类等都可以信手拈来作素材,这样不仅增加了孩子们对美术的兴趣,也能取的比较好的教学效果。在乡村,流传着很多具有生活气息和特色民间风俗,教师们可以借此进一步增加孩子们对美术的兴趣。鼓励孩子把这些风俗带到教室里,如:过新年的喜气,正月的家人团聚,娶亲时的热闹,端午节吃粽子,重阳节爬山等孩子们熟知和喜欢的民俗,比那些生日Party、圣诞节生动得多。先让孩子们扮演,再试着用笔画下,这样一幅幅带着生活气息,充满喜气而又颇具民间特色的作品就产生了:“吃青团”、“风筝飞得高”、“我给奶奶做重阳糕伙”、“贴春联”,“拜年”、“放鞭炮”。让孩子们能够在无拘无束中全身心投入学习,轻松且有所得,何乐而不为呢。 四、美术作业评价上注重鼓励,多元拓展 开展美术评价主要是为了帮助孩子了解自己的学习水平,提高学习美术的兴趣和能力,促进自身的发展,同时还能够帮助教师总结出儿童美术发展的规律以及一般的特征。在进行评价时需要在认知、操作、情感三个方面实施综合评价,并注意发展学生的个性特点。综合看孩子在美术课堂上是否能积极地动脑筋参与,在活动中表现出一定的创意,是否能与同伴进行良好的合作等方面多元拓展。及时检查教学效果,对于学生作业中有独创性,有创意思维的要给以及时表扬和肯定,多鼓励孩子在色彩、构图、形象等某方面的独到之处。平时要结合学校课程建设和拓展型美术教材使用,鼓励学生特长发展,允许学生在绘画、速写、儿童画、书法、陶艺等选择中一项技能进行训练。同时也要注意指导孩子有意识地观察、拓展延伸课内所学的知识,培养创新意识。比如可以在五一、六一、中秋、国庆、元旦等年度节日庆祝活动中增加时令性的美术教学内容,像制作贺卡、剪纸、拉花等。同时要重视名人名画对孩子美育的影响,可在走廊上和教室内墙壁上张贴一些古今中外的伟人画像、励志格言。给孩子以美的熏陶,让学生在愉悦的感受中感悟,拓展思路,丰富美术创作题材。 “海阔凭鱼跃,天高任鸟飞”。知识的世界无比广阔,美术世界无比璀璨。教学实践证明,辽阔的乡村大地,有千姿百态的自然景物和植物,有多彩的农村生活,有丰富的人文资源,有传统的民间艺术,他们为孩子们提供了取之不尽用之不竭的美术素材。这对培养孩子们热爱家乡、热爱劳动、热爱生活的感情,发展观察力、想像力、创造力和提高动手实践能力都发挥着相当重要的作用。作为美术教师,我们应该根据农村实际,因地制宜,挖掘潜力,创造性执行美术新课标的总体要求。 小学美术教学论文:小学美术多媒体教学论文 一、多媒体教学技术能够帮助教师组织学生欣赏作品 借助多媒体技术辅助美术欣赏课,就能够改善以往教学效率低下的状况。教师可以把提供给学生欣赏的图片用多媒体展示出来,还可以设计成动画的形式来播放这些作品,并配备上与之相适应的声音,所有的感觉器官就会被充分调动起来,教师通过掌控小小的鼠标便能够将每一幅作品的作者、详情以及背景资料全部都呈现在学生的眼前,这样学生就可以打破时空的界限,跨越古今驰骋,在美术艺术的长廊中饱尽眼福,展开自己想象的翅膀,不断在美好的意境中提升自己的美术素养。尤其是对那些建筑作品的欣赏,利用多媒体技术不但可以使学生观察到建筑物整体的美感和视觉冲击,还能通过一定的技术来欣赏建筑物的静态形态和内部结构。因此教师可以为学生做相应的动画展示,让建筑作品变得立体化,进而有助于学生全面地、多角度地欣赏作品。 二、利用多媒体技术,能够快捷方便地进行工艺设计教学 小学美术是培养学生审美能力的主要途径。为此,教育改革之后,美术课堂中减少了绘画技术训练的课程,增多了欣赏课程、工艺设计等能够提高学生审美素质和能力的内容。在工艺设计基础教育过程中,我们教师要通过大量的示范来激发学生的思维和能力,促使学生通过大量的练习来完成自己的设计,这就对教师的展示水平有十分严格的要求,而且仅靠教师的口头讲解和亲自示范不仅费时费力,还不保证能够取得良好的效果。而运用计算机中的绘画软件和编辑功能,便会十分轻松地达到示范的要求,学生也可以通过观察电脑中的各种操作来进行全面深入的理解,能够有效帮助他们掌握其中结构和原理。无论是图片的设计还是文字的美化,多媒体技术都能够帮助教师轻松地示范和展示,大大节省了教学时间,还提高了教师示范的质量和效果,提高了美术课堂的教学效率。而且计算机营造的良好的学习氛围会激发学生浓厚的学习兴趣,促使他们产生强烈的创造欲望。学生通过直观的观察、欣赏和想象会逐渐提高自己的创造能力,进而不断提高他们的综合素质。 三、多媒体能够实现绘画教学的多样化,激发学生的绘画兴趣 多媒体技术除了在欣赏和艺术设计课程中拥有良好的效果之外,还能够在绘画领域为教师做出更好的服务。在美术课堂中,教师可以将手工绘画和计算机绘画相结合,创新出一种更加有效和新颖的教学模式。教学改革之后,新课程标准要求小学美术教学要面向全体学生,侧重学生综合素质和能力的提高,而在传统的绘画技能训练中,多强调的是让学生掌握绘画技巧,训练单调枯燥,教学效果不太理想。而电脑绘图能够将游戏与绘画技能相结合,适应小学生学习的年龄和心理特点,学生在玩的过程中体验、理解和学习绘画技术,激发了他们的学习乐趣,并让学生把美术知识看作是一种享受,而不是学习负担,从而把美术教育推向了愉悦教学的轨道。总之,小学美术教学过程中教师要充分利用多媒体教学技术,充分发挥其优势,同时与传统教学中的优秀教学方式相结合,创新出符合完成教材内容的教学体系,不断优化美术教学课堂,帮助学生顺利地克服学习障碍,在有效提高美术教学效果的同时丰富学生对美术的感知能力,促使他们在美术课堂中能够得到良好的发展。 作者:施娅 单位:河北省青龙满族自治县七道河乡中心小学 小学美术教学论文:小学美术教育色彩教学论文 小学时期是一个孩子的重要发展阶段,学校的教育承担着除家长之外对孩子教育的重要部分,有助于培养孩子的人生观、价值观和世界观,而孩子小学时期处于刚刚认识世界时期,对色彩具有天生的好奇心,这就要求小学美术课堂以课本基本知识为基础,激发孩子好奇心,提高孩子的审美情趣,以此有效促进孩子智力发展,发展个性,促进孩子综合素质提高。 一、色彩的概述 如今音乐和美术作为艺术表现的两大主要模块,我国教育改革中也渐渐加强了对这两门课程的重视。美术主要是由点、线、面、造型和色彩组成,从生活实际出发,运用丰富的联想,对艺术进行再创造的形式。色彩在我们生活中无处不在,它已经渗透到我们的生活中甚至延伸到我们的精神世界中,比如我们运用简单、明亮的色彩装点城市,使其更具现代化气息,我们运用运用复古色装点教堂等欧式建筑,比如蓝色的海,蓝色的天空和绿色的草原给我们一种舒适的心情,比如用冷色系装点快餐店有利于提高营业额,在对美术和心理学的结合研究中,人们学会重视色彩,也逐渐学会运用色彩。 二、小学美术色彩教育教学研究 (1)视觉与色彩 人们获取信息主要靠视觉,而实际生活中我们获得的信息都充满了色彩,这些色彩也赋予了极强的情感色彩。即使世界上各个国家的语言不同,但是人们对美术色彩的感知都是一样的,比如说红色,它是我国国旗的主要色彩,它赋予着生机与活力,代表热情奔放,当人们消极时,能有效激发人们的进取心,给人莫大的勇气。比如说黄色,它是我国古代皇朝中用色的主要基调,象征着高贵,黄色是太阳和向日葵的颜色,它属于暖色,是明度最高的颜色,我们经常用一抹亮黄,光芒四照等词语来形容黄色,它本身明朗而引人注目。比如说绿色,绿色是植物的颜色,象征着大自然,因此绿色给我们一种平静、祥和的心理感觉,它象征了新生和生命,经科学研究表明绿色也是对我们眼睛最有益的色彩了,近年来世界上更加强调保护自然的重要性,提倡和谐,久在城市中操劳的我们也越来越想要回到大自然中得以休憩。 (2)色彩与知觉 视觉是我们通过眼睛在光的作用下感知到了物体,而色觉是我们对于色彩的感知能力。是在光的作用下,我们的眼睛能检测到物体的形状和颜色,将物体的这一系列特征映入脑海中进行检验,大脑感知到的色彩便是色彩知觉。大脑能有效保存我们对于色彩的记忆,比如看到蓝色我们的第一反应是广阔,这是大海给我们留下的印象,想到绿色便心情舒畅这便是自然给我们留下的感官印象,这些色彩在我们的脑海中留下印记使我们对色彩拥有了感情和知觉。 三、小学美术教育中对色彩的教学研究方法 (1)小学国画的色彩教学 中国画作为我国一项优秀的传统文化,近来被引进到小学美术课堂中,它作为我国的国画,带有强烈的民族性,在小学课程中宣讲中国画的历史演变过程和绘画方式,不仅能使孩子提高绘画潜能,又能培养他们的民族自信心和自豪感,培养他们的爱国主义精神,从小便能感受到我国国画的艺术魅力。中国画不像西洋画中色彩艳丽,相反它色彩十分的少,通常以墨色为主,通过下笔的轻重,勾画的整体线条,再加以渲染,最后缀以简单的朱色画龙点睛,只求神像,不求形像。我国传统文化绵延五千年,国画的历史也发展悠久,若按传统方式中单是给孩子教授知识,加上小学生的自制力不高,注意力容易不集中,就造成上课效果差,这就要求老师改革上课方式,以故事的形式将某段绘画历史,让孩子在美术课堂以动手为主,教授基本的调墨方法和绘画方法后便让孩子自行动手画,让他们大胆的实践,充分发挥他们的动手能力,可以从临摹最简单的竹子等静物开始,在绘制过程中,教师走入孩子中间及时改正他们的错误,鼓励他们发展自己的个性。 (2)小学水彩的色彩教学 水彩因拥有鲜明、艳丽的色彩作为小学美术教育中色彩教学的重要课程,顾名思义,水彩是由颜料和水勾兑而成,不但具备水的清澈、透明和灵动,而且具有五彩斑斓的色彩,它能通过色彩强烈的给人视觉冲击,传达强烈的情感。水彩画由于是水和颜料的勾兑,勾兑比例不同或颜料之间调和的比例不同都会导致颜色不同,比如单是一个蓝色就可分上百种,比如一副远景画,远处海天相连,主色调都是蓝色,这就要求孩子对其辨认,提高他们的色彩感,并培养他们能自行调出不同颜色的能力,而孩子天生对色彩比较敏锐,这就要求加强小学课程中水彩画的教学,提高他们的水彩感和对色彩的认知能力,培养他们的美术素养和艺术情操。 四、小学美术教育中色彩教学的发展趋势 如今随信息网络技术的发展和城市化,跳房子、过家家、玩泥巴等传统儿童游戏也一去不复返,不管是青少年还是儿童都变成了受网络游戏和手机极大影响的一代,网络技术的发展是时代进步的象征,但与此同时孩子的交际能力、基本能力的培养都会受到莫大的影响,再加上如今大部分父母都忙于工作,与孩子缺乏沟通,导致孩子的精神世界匮乏。小学课堂中也受到了中考和高考的压力,单纯的注重分数只会让孩子从小产生压力和等级观念,忽视了孩子的素质培养和个性的发展。不管是家长还是小学课堂中,都要将“色彩”的观念灌输到生活中,家长需要言传身教,从自身做起,注重孩子的思维培养,鼓励孩子尝试不同的东西,授予孩子基本的道德理念,养成正确的世界观、人生观和价值观。在课堂中,教师不仅仅需要教授孩子基本的课堂知识,还要优化班级氛围,给孩子造就和谐的成长环境。 五、小学美术教育中色彩教学的优化建议 小学美术课堂中应从理念上进行革新,注重孩子的素质教育,注重孩子的心理教育,不仅仅是落实课本上的基础知识,而且还要将孩子作为课堂的主要对象,注重教学环境,营造良好的教学氛围,注重个体的差异,因材施教。在美术课堂中,从国画和水彩画两大课程注重对孩子色彩的教育,课堂上开展趣味性教学,鼓励孩子自行动手,不仅培养他们的艺术素养,而且注重孩子心理的色彩,给他们营造良好的成长环境。 作者:王安宇 单位:霍林郭勒市沙尔呼热镇中心校 小学美术教学论文:小学美术多媒体教学论文 1多媒体对小学美术教学的重要性 多媒体教学概念多媒体教学是以多媒体为优秀的教学方式,可以通过多媒体构建立体化、层次化教学内容,将静态教学转变为动态教学,给学生视觉、听觉上不同的课堂享受。多媒体教学设计的过程中教师要依照教学目标和教学对象特点对教学体系进行合理编制,依托多媒体技术对教学结构进行改善,依托多媒体资源对教学内容进行拓展,从而为学生构建良好的学习环境,激发学生学习主观能动性。多媒体教学过程中学生能够与教师积极交流,与教师共同进行课堂内容的教与学,完成教学结构的全面调整,达到教学体系的优化,实现教学效益的最大化。多媒体教学的重要性多媒体教学可以激发学生学习的主观能动性。多媒体教学可以通过多媒体技术为学生提供良好的学习环境,创造生动、形象的知识体系,将小学美术学习变成简单、有趣的事,对学生学习积极性的改善和学习热情的提升具有至关重要的意义。小学美术教学过程中多媒体技术将静态的教学画面转变为动态的教学体系,通过动态图画、视频等直观、清晰地为学生展现了小学美术教学内容,让学生与美术能够近距离接触,从本质上激发学生的主观能动性。多媒体教学可以提升学生美术欣赏水平。多媒体教学过程中利用多媒体资料对小学美术内容进行展现,在课堂教学基础上实现教学内容拓展,开阔学生视野。在该教学过程中学生可以通过大量的多媒体资料充分了解美术,对美术的奥秘进行挖掘,从而全面改善自身的审美水平,提升审美观念培养效果。尤其是在不同流派画作对比的过程中,学生可以自然感受到美术的魅力,在不同流派的对比过程中充分了解不同美术流派知识,提升学生对美术的认知,改善学生审美水平。多媒体教学可以拓展学生美术认识。传统小学美术教学过程中只是对学生进行知识性教学,只是单纯进行课本知识教学,这在很大程度上限制了学生对美术知识的认知,影响了小学美术的发展。而多媒体技术可以从多媒体资源出发,对小学美术教学体系进行丰富,信息量非常庞大,可以让学生在美术知识的海洋中自由翱翔,扩大学生知识容量,给学生提供良好的知识学习氛围和环境,让学生在潜移默化中形成知识认知,这对小学美术教学效益的提升具有非常好的促进作用。 2小学美术多媒体教学体系的构建 定位教学地位,优化多媒体教学关系传统小学美术教学过程中主要以教师为优秀开展小学美术教学,在教师引导下进行各项知识学习,这在很大程度上影响了学生学习积极性和主动性。新时期小学美术多媒体教学体系构建的过程中,教师要构建以学生为优秀的多媒体教学体系,在学生需求上合理设置多媒体教学内容,确保多媒体教学能够更好地服务于学生。教师要对多媒体技术进行把握,通过多媒体技术全面展现多媒体内容,对多媒体教学体系进行完善,从而形成和谐、自由的学习氛围,为学生小学美术学习奠定良好的学习环境。该过程中教师要主动与学生进行沟通,了解学生学习状况并及时依照学生学习状况对多媒体教学内容进行调整。合理筛选材料,改善多媒体教学氛围多媒体教学的过程中,教师要对多媒体材料进行合理筛选,依照小学美术教学需求对网络资源进行合理运用,将网络资源与小学美术教学融合在一起,全面拓展小学美术教学内容。笔者在“建筑艺术欣赏”教学过程中,就在课本图片欣赏的基础上进行拓展,在网络上搜集多样图片资源,通过多媒体对上述图片进行展现,让学生对上述建筑内容进行分析。这种课堂资源的拓展让学生加深了对建筑艺术的印象,从不同方面提升了学生对建筑艺术的认知,对学生小学美术学习效益的改善具有非常重要的意义。与此同时,在小学美术教学过程中,教师还可以利用多媒体的动态环境对教学内容进行拓展,通过多媒体对小学美术资料进行对比,让学生在该对比过程中了解美术作品之间的差异,提升学生对小学美术的认知。丰富教学设备,提升多媒体教学效益在小学美术多媒体教学过程中,教师要对多媒体设备进行完善,要适当拓展投影仪和摄影器材,对多媒体教学体系进行丰富,从而全面提升多媒体教学质量,改善多媒体教学效益。教师要善于利用投影仪进行示范,通过投影仪对小学美术中的剪切画、图片等进行展示,让学生能够快速、清晰地看到示例样本,大大降低课堂中因为示例样本观赏导致的时间浪费。教师要善于利用摄影设备,通过摄影设备对学生课堂学习及美术教学中的画面进行展现,给学生身临其境之感,让学生能够在立体的空间中感受小学美术教学的美妙,提升小学美术教学效益,为学生创建良好的学习氛围。笔者在对基础色彩知识进行教学的过程中,就通过投影仪对“红、黄、蓝”色光三元素进行展现,让学生通过投影仪观察上述三原色组合后的色彩效果,通过观察效果直接进行记忆,这在很大程度上提升了学生对色光三原色组合后各种色彩的认知,提升了学生对色光三原色的学习效益。完善教学设计,改善多媒体教学质量在小学美术多媒体教学设计的过程中,教师要对设计结构进行合理把握,要依照教学要求对教学层次进行完善,为小学美术教学创建良好基础。教师要在多媒体教学中适当融入其他教学方法,在多媒体中设置探究式教学内容,让学生通过多媒体情境进行小学美术探究,充分拓展学生的视野和思维,让学生对小学美术学习过程中的相关内容进行把握,从而全面提升学生学习质量,改善小学美术学习效益。教师要设置实时交互环节,及时了解学生学习过程中存在的问题,对学生的问题及时解决,从而让学生能够紧跟教学进度。除此之外,教师还要设置小学美术评价内容,让学生指出美术教学过程中的不足之处,与学生就上述问题实施交流,及时修改和调整,从本质上提升小学美术多媒体教学质量,达到小学美术多媒体教学的全面优化和提升。 3总结 小学美术教学过程中教师要对多媒体技术进行全面把握,对多媒体内容进行全面分析,在该基础上构建系统化、层次化教学内容,达到教学效益的全面改善。教师要对多媒体教学关系进行调整,在教学需求上合理安排教学内容,设置教学方法,优化教学设备,为教学工作的开展创建良好的环境和条件,从而保证小学美术多媒体教学能够全面落实到日常教学中,从根本上加速小学美术发展进程。 作者:史凤奎单位:长春汽车经济技术开发区长沈路学校 小学美术教学论文:回归生活与小学美术教学论文 一、回归生活,在生活中寻找素材 雕塑家罗丹说过:“生活中不缺少美,缺少的只是一双发现美的眼睛。”“回归生活世界”是现阶段教育界的热切呼声,现在的小学美术教育以美育为目的,作为教育工作者,要培养学生从生活中发现美的能力,首先让学生在生活中寻找素材。工作中我发现,学生对美术课的兴趣非常浓厚,他们能从美术创作中获得审美的愉悦。但乡村学校的学生、特别是低年级学生,相对城市的学生而言,动手能力及审美能力稍弱,这与他们生活的环境相关,但我们可以利用乡村生活更贴近大自然的优势,在乡村生活中寻找素材,让学生走进大自然,在生活中发现美。例如在人教版小学一年级美术第一册第一课《让大家认识我》中,要求学生利用彩纸制作一片树叶名片,我将学生带到教室外,让学生亲身体验大自然,让他们观察,感受生活当中不同树木叶子的形状,更利于自己的制作。在这个环节中,我将学生带入真实的大自然世界中,让他们感受不同叶子的形状,而不是在教室中,用几张图片让学生认识。回归生活,在生活中寻找素材,培养学生创作能力。 二、回归生活,将生活化教学情境引入教学 教育家乌申斯基说过:“儿童是形象、声音、色彩、感觉和思维的。”将生活化教学情境引入到课堂中,是学生最感兴趣的,能更好地激发学生的学习兴趣,提高学习效率。作为一名小学教师,我们要将生活化的教学情境引入到小学课堂当中去,让学生对美术课堂更有兴趣。在人教版小学美术一年级第三课《圆的世界》的教学过程中,我准备了饼干、闹钟、盘子、地球仪等等各种各样生活中圆形的东西以及其他形状的东西作为教具,将这些东西布置在教室当中,并结合当地乡村特色,将当地特产大闸蟹也带到课堂当中,让他们找找在这些事物中哪些是圆形的,在课堂中创设“圆的世界”的教学情境,激发学生学习兴趣,提高学生学习效率。对一些外地学生也可让他们在美术课堂当中了解当地文化。 三、回归生活,让课外活动与生活链接 小学美术与生活的链接,除了到生活中寻找素材,将生活化的教学情境移入课堂之外,学生的课外活动也应与实际生活相联系,让学生在课堂之外感受生活中的美。我认为小学美术课外活动不应过分注重活动的形式性,而是要将美术活动融入进生活中去,通过生活化的美术课外活动,让学生感受丰富多彩的生活世界,在生活化的课外活动中获得愉悦。美术课外活动可以与当地特色结合,课外活动不仅仅可以在教室中进行,户外操场、田间、悠久的老街等都可以成为美术课外活动的场所。生活化的课外活动培养学生的人文情怀,在活动中得到教育。 1.美术课外活动融入人文元素 美术课外活动可结合当地特色,将有人文特色的事物展现给孩子们,让孩子们在贴近生活的课外活动中了解当地文化,让孩子们热爱生活,在生活中发现美。巴城是一个有着2500多年历史的美丽小镇,拥有悠久的历史与文化,它的蟹文化举世闻名。所以,在组织美术课外活动时,我们可以结合实际情况,将这种文化融入进课外活动中。带领学生走入当地文化馆,让学生参观了解本地特色文化,走进生活,带学生实地参观一次蟹养殖基地,让学生在真实的生活中感受到美,培养学生热爱生活的情感,将人文元素融入课外活动。 2.美术课外活动融入教育元素 美术课外活动除了让学生感受生活中的美外,还应具有教育功能。我们要给学生提供健康而丰富多彩的课外活动,让学生在课外活动中同样受到教育。美术新课标指出:“指导学生利用身边物品或废旧材料,制作玩具,手工艺品来美化自己的生活。”我们可以组织一次课外活动,让农村的学生利用自己身边的物品或废旧的材料,如废旧纸盒、瓶子、破布等等制作出一件有创意的作品。小学生对于动手制作是非常感兴趣的,组织这样的活动,一方面锻炼了学生的动手制作能力,另一方面通过将废旧物品经过自己的思考制作,将废旧物变成具有创意的作品,促进学生养成将废旧物品变成创意作品的习惯,提高学生在生活中发现美的能力。艺术源于生活,小学美术教学要回归到生活中去,让学生从窄小的课堂中走出来,走进丰富的生活,从生活中寻找素材,将生活化的教学情境带进课堂,将人文元素,教育元素融入课外活动中,在生活里寻找美、发现美、创造美,让美术教学回归生活,寻找美术之花。 作者:沈雅纯单位:昆山市巴城中心小学校 小学美术教学论文:多媒体小学美术教学论文 一、运用多媒体教学,营造美术课堂的梦幻美感 由于小学生的认知能力和欣赏水平有限,在小学美术课堂教学中,由于教学工具的欠缺,美术老师往往会感觉不知道如何开讲,很难将课堂教学中的内容做到认真描述,而美术课堂的所特有的色彩美感也不能与学生充分分享,对于学生的课堂教学大打折扣。而运用多媒体技术辅助小学美术教学,教师可以将事先挑选的图像、声音、视频和背景知识整理成为课件,在课堂教学的同时,多媒体课件所传达的教学内容可以同时调动学生的眼睛和耳朵,刺激其视觉和听觉,充分渲染美术课堂的课堂教学氛围,打造亦真亦幻的课堂教学氛围。比如,在进行模型结构分析和色彩搭配教学过程中,就可以充分发挥多媒体课件的优势,可以通过多媒体课件动态演示模型内部结构和外观设计,而且可以通过模型的旋转来充分体会到建筑之美,感受到建筑物的3D立体之美,整个课程教学可以立体生动,比教师简单的宣导要有效的多。而在色彩搭配教学方面,可以通过多媒体课件将三原色的之间色彩原理直观呈现在学生面前,而通过教师的引导,学生的动手操作,就可以通过三原色的搭配模拟出自然界任何一种颜色,这种教学模式就可以让学生直观了解到色彩的原理,充分感受到自然界的色彩之美。 二、运用多媒体教学,拓展美术课堂的创新视野 小学阶段作为学生脱离家庭环境,步入社会的第一个阶段,他们的创新思维和逻辑思维具有很大的可塑性,而通过课堂知识的宣导,学生可以继承过去创新思维的结晶,也可以为将来的创新思维打下良好的基础。因此,在小学课堂教学中,努力拓展学生的创新视野也是广大美术老师的教学重点之一。在传统的小学美术课堂教学中,学生往往因为没有必要的辅助学习资料和自身的年龄限制,对于创作感觉无从下手。通过多媒体技术,可以极大地拓展学生的创作思路,提高学生的信息吸收能力,挖掘学生的创新潜能。比如,在进行相关的设计课教学的时候,教师就可以将课堂搬入到多媒体教室,教师通过多媒体电脑给学生们播放相关的光盘资源或者相关的音频资料,引导学生通过不同的途径和不同的手段来表现设计元素,这样可以开拓学生的视野,提高学生的认知能力和创新能力。 三、运用多媒体教学,加强美术课堂的德育渗透 在我国九年义务教育过程中,进行适当的德育教育是教学目的之一,也是教学的手段。美术教育作为小学课堂教学的重要组成部分,在德育培养方面也肩负着非常重要的作用。在传统的美术课堂教学中,德育渗透大多停留在教师的课堂宣导和课下温习巩固上,德育渗透或者流于续表,或者成效甚微。多媒体技术作为最强的信息技术,它可以充分结合小学课堂的审美教育,充分挖掘和展示教学课本中的德育内涵,从而能够达到提高学生的思想道德水平,培养小学生良好的道德情操。比如,在美术欣赏课中,可以通过多媒体课件播放我们国画大师的山水画精品,带领学生们感受我们国画所特有的氛围,也感受到我们国家独有的文化魅力和国家的大好河山,通过多媒体课件,就可以将爱国心和民族情自然而然地融入到了美术课堂教学中来,使得学生,们油然而生一种民族自豪感。而在《我爱劳动》、《美丽家乡》等主题创作过程中,也可以通过多媒体课件播放相关的创作素材和创作背景,激发学生对于劳动的热爱和对家乡的憧憬,培养他们的爱国主义情操。 四、总结 多媒体技术作为当前炙手可热的课堂辅助教学工具,能够真正有效地将趣味性、实用性和开拓性融入到传统的美术课堂教学中,极大地减轻老师的教学工作量,又能很好地提高课堂教学效率,我们的小学美术老师一定要积极努力地掌握这门技术,将它真正融入到课堂教学中来,不断地将小学美术教育推向纵深发展。 作者:李霞单位:河北省昌黎县杏树园小学 小学美术教学论文:加强小学美术教学论文 一、加强小学美术教学质量的措施分析 教育体制改革的目的就是更加重视并促进学生的全面发展。目前,小学美术教育存在不少问题,教学内容枯燥,教学方法、教学手段单一,教学秩序混乱等。美术作为一门美育的特殊学科,其内容的丰富性、教学方式的趣味性和有效性等将直接影响到教学质量。因此,小学美术教师要跟上时展的脚步,树立现代化教学理念,采用各种手段帮助学生学好美术课。为了加强小学美术教学质量,应采取如下具体措施: (一)提高教师自身的素质,发挥主导作用师资力量是保证教学质量的前提,目前很多小学在美术方面的教师资源力量还比较薄弱,专业水平也不高,有的美术老师还是语数英老师兼任的。此外,教师的自身素质也会对教学质量产生极大的影响。在倡导自主学习的新课标改革的要求下,美术老师必须不断加强自身素质,改进教学方法。因此,小学美术教师首先要转变教学观念,树立现代素质教育理念。其次要加强自身专业水平。学生由于年龄和知识水平的限制,还不能完全理解教材插图的造型与艺术表现背后的含义,对美术作品的内涵、艺术风格等也没有掌握,达不到审美的要求。因此,美术老师必须加强自身素质,不仅仅要具备美术专业知识,还要善于将自己对美术的见解与经验,以积极的情感体验为基础,用学生喜闻乐见并积极主动参与的形式,提高自身美术教学水平。 (二)利用多样化教学手段,丰富课堂教学小学生比较好动,容易被别的东西吸引注意力。要想保证课堂教学规范,提高美术教学的质量,要求教师发挥教学热情,采取多样的形式,传授美术的基础知识技能,丰富课堂教学。采用现代化的多媒体技术进行美术教学就是很好的教学手段。从网上获取教学资源,结合美术课程的特点,拓展、丰富教材内容。创设生动有趣的教学情境,营造活跃的课堂氛围。创造自由互动的课堂也是非常有效地手段之一。综合使用讲授、游戏、讨论、演示等教学方法,采取合作互助的方式,让学生积极开展自主学习、合作交流,学会自己判断美丑、感悟绘画作品的内涵,并进行自己的绘画构思。使用正确的教学方法才能有效地丰富课堂,加强小学美术教学的质量。 (三)注重学生的兴趣培养,培养审美意识兴趣是最好的老师,兴趣是最强的动力。小学生的思维跳跃非常快,总是乐于对自己感兴趣的事物展开一些思考和研究。因此,美术教学要注意开发学生的兴趣资源,吸引学生主动去认识美,发现美,集中注意力在美术课堂上,学习效率必将有所提高,从而教学质量也得到了保证。探究性、综合性美术写生活动的开展就是培养学生兴趣的一种手段。让学生走出课堂,走进自然,从具有不同形态、结构、比例和色彩等的世间万物中挖掘自己感兴趣的,有特别感悟的绘画素材,不但能拓展学生的课外知识,开拓视野,还能培养学生的审美意识,通过亲身体验,从教材、从周边的人事物中发现美、领悟美,享受美术学习的快乐。 (四)实现多样化教学评价,启发审美创造不同的人对事物的欣赏角度不同,发现的美也不同,因此,对小学生美术课的评价不应该限定在分值上,教师必须多角度全方位的评价学生的学习成果。从实际从发,针对小学生的不同性格特征和不同感悟能力,制定出层次分明的适合不同程度学生的学习任务和学习目标;教师要站在与学生平等的角度,在尊重学生的艺术欣赏的同时给予客观指导,善于发现学生身上的闪光点。从构图或调色能力,从临摹相似度或创新性等多方面引导学生自由发挥,展开丰富的想象,培养学生的观察能力,锻炼学生的艺术表现力和审美创造力。 二、结束语 为了加强教学质量,作为小学生美育的启蒙者,美术教师要改变教育观念,不断改进教学手段,培养学生的艺术欣赏和审美创造能力;规范美术课堂,不断创新欣赏教学绘画的方法,让学生不仅学会欣赏美,还要学会创造美,更要学会感悟美,培养学生的健康人格和审美情操,促进学生全面发展。这才是最高教学目标,这才是教学质量得以提高的表现。 作者:钱晶单位:石家庄市友谊大街小学 小学美术教学论文:有效提高小学美术教学论文 一、小学美术教学的现状 以往的美术教学以精讲多练为主要特点,精讲与多练是教学的重要部分,但是在美术教学中直接、简单地传授知识是不够的,教师在课堂上对着课本讲解,布置学生对着课本画画,而有些只有用自己的眼睛才能看到的知识,学生就难以掌握了。更多的学生开始依赖教师的眼睛学习知识,感受能力与审美能力得不到有效培养。如果美术课只是靠教师的口头讲述,就会失去应有的形象化,使学生无法感受到观赏艺术作品时的视觉活动,难以从优秀的美术作品中获取知识。根据美术课的特点,在练习中学习知识在专业美术学校是可以被应用的,但是要在小学教学中进行就较为困难。我们经常可以发现部分高年级学生无法完成一份令自己满意的美术作业,渐渐失去对美术的兴趣。关于美术课作业的评价一般都是由教师拿几份作业进行讲解,指出哪里不好、需要怎样改进。进行作业评讲本身是没有错的,但是教师评讲的内容大同小异,有些教师为了调动学生的积极性而进行优秀作业评选,结果往往违背了美术教学的规律。学生会根据教师的评价标准创作自己的作品,久而久之就失去了创造性,为了迎合“优秀”的标准而改变自己的个性,进而封闭了创造意识。 二、提高小学美术教学实效性的措施 1.在适当的情境中激发学生的创作意识 以往的教学以教师的课堂教学为主导,这种教学方式是难以有效提升学生的自主学习能力的。随着我国美术教育的改革,教师在教学过程中要创造一定的情境,针对学生的自主创新意识,进一步强化学生的创造性思维,把以往教学中学生被动接受知识转变为主动进行学习,把教育的重点放到学生的创造过程中。小学美术教师要在教学过程中给学生提供探讨的机会,让学生可以在美术学习中获得快乐,从而充分发挥创造力。 2.鼓励学生积极参与是提高教学实效性的重点 在美术教学中要把学生放在主体的地位,以教师的引导为辅,如果教学过程中学生没有积极参与进来,就会极大地影响整个教学的实效性。由于小学生的心智尚未成熟,所以他们选择积极参与的动力主要是来自自身的兴趣以及教师的鼓励等,所以教师要很好地利用这一点鼓励学生积极参与。教师在整个教学过程要不断总结反思,要从固有的教学模式中走出来,增加课堂教学的趣味性。 3.给学生提供一定的探究活动,突出学生的主体地位 在如今的小学美术教学中,教师要转变学生的学习方式,使其由被动的接受学习变为自主的探究式学习,最大限度地提高学生的学习积极性,让学生在美术学习中根据自身具备的知识独立思考,找出解决问题的办法,从而培养学生的创新能力,突出学生在教学中的主体地位。 4.教师自身要具备教学实效性的意识 教师要具备教学实效性的意识,在开展教学活动之前预想整个活动实施后产生的效应,以此规划在整个教学过程中的行为,提高教学的实效性。而教师在教学中具备一定的实效意识是促进学生自主学习的重要因素,也是提高学生自主创新能力的关键所在。所以,要想提高小学美术教学的实效性,教师必须具有一定的实效意识。 5.提倡学生的个性展示,培养学生的综合能力 在小学美术教学中,想提高学生的创新能力,教师就要尊重学生的个性发展,让学生得到一定的自我展示的机会,鼓励学生大胆说出自己的观点,对他们的美术作品从不同的角度进行赞美,提高学生创作的积极性,对表现欠佳的学生不能严厉批评,而要耐心、适当地引导,让他们始终处于一种放松的学习环境中,鼓励他们大胆发挥自己的创作才能和想象力。 三、结语 在小学美术教学中教师要走出以往的教学模式,为学生创造好的学习环境,鼓励学生展示个性创造,培养学生的自主学习能力,激发学生的创造性思维,让学生在实践过程中学会独立思考,找寻问题的答案,从而通过自己的眼睛发现美术真正的内涵与乐趣。这样才可以真正提高小学美术教学的实效性。 作者:洪晓艳工作单位:福州教育学院附属第三小学
小学美术课教学论文:小学美术课教学中如何运用电教媒体 美术课教学电教媒体 一、运用电教媒体,创设情境,使学生积极、主动探求新知 在美术课教学过程中,教师可根据教学内容特点和学生的心理特征,遵循趣味性和针对性的原则,根据新课内容和学生的学习实际巧妙运用电教媒体,促使学生产生强烈的求知欲,从而进入最佳学习状态。 如:我在教学《明度推移》一课伊始,通过电脑动画,出示一组图片欣赏,每张图片的图案色彩艳丽,不同德图片变化多样,配以优美的音乐,使课堂教学进入轻松、愉悦的氛围,图片中图案色彩逐步渐变出现,使学生对课题有了很快的理解,创设了明度推移绘制的前提。这样创设情境,导入新课,学生“疑”中生趣,于是探究新知识奥秘的心情油然而生,他们带着强烈地好奇心和浓厚的学习兴趣,积极主动地开始了新课的学习,为完成教学目标奠定了良好的基础,达到了“课伊始,趣即生”的良好教学效果。 二、运用电教媒体,再现情境,促进学生积极、主动掌握新知 当美术教材中出现重点、难点,需要学生探索理解、主动掌握,而学生“启而不发”、“思维受阻”时,教师可借助电教媒体,根据教学内容的不同,再现情境,把教材、教师所讲和学生思维融在一起,帮助学生使其受阻思维顺畅发展,达成对事物深刻理解、突破学生的思维定势,进而突出重点,突破难点,增强理解效果的教学目标。 三、运用电教媒体,演绎情境,使学生积极主动地巩固新知 学生的创作热情源于美的启迪,也是通过绘画的形式达到巩固新知、发展思维、反馈信息的目的的一种训练过程,更是反映教学效果的主要环节。因此,在美术教学过程中,教师要从实际出发,利用学生的好奇、爱动、争强、乐胜的心理,运用电教媒体,演绎情境,进行启迪诱导,激起学生强烈创作欲,巩固所学知识、技能,并结合点、线、面教学,巡回辅导,因材施教,提高美术课堂教学效果。使学生创作大胆果断,充分体现了学生的个性魅力。 四、运用电教媒体,升华情境,使学生积极、主动地强化新知 作业展评、课堂小结,是巩固和强化新旧知识内在联系的重要过程,也是一节课教学过程的最后一个环节。教师可依据教学内容和学生差异,精心设计新颖有趣的作业展评区和课堂小结,让他们在完成创作后,将自己的作品予以展示,并结合电教媒体——实物投影仪的运用,对典型问题予以指出、分析、更正;对突出作品精心分析、点评、鼓励、表扬,提高学生的审美能力,升华情境。最后,小结本课所学内容,让学生统摄知识纲目,使整节课在学生探索求知的积极地欢声笑语这两个结束教学内容。 总之,在美术教学过程中,只要我们不断地优化电教媒体的组合,充分发挥其作用,有效提高教学效果,促进学生素质全面发展,从而更好的推进了现代化教育和素质教育的长足发展。 小学美术课教学论文:对小学美术课教学的几点认识 小学美术课是九年义务教育阶段一门必修的艺术文化课程,是学校实施美育的重要途径。如何利用农村现有条件丰富农村小学美术课的教学内容,完成大纲要求的教学任务,我结合自己多年的教学经验谈谈认识。 1.促使学生形成基本的美术素养 首先必须坚信每个学生都具有学习美术的能力。人与人的个性都有一定差异,每个人潜意识中都有自己衡量美的标准,对美术学习内容和方式的选择,必然受到学生个性的影响。举个简单例子,当你问学生:“你最喜欢什么颜色?”答案肯定是多种的,有的学生喜欢红色,有的喜欢绿色,有的喜欢蓝色,有的喜欢黄色……同一幅图案,如果让不同的学生着色,肯定就会产生不同的效果,哪怕是同一学生,也许随着心情的不同、年龄的不同也会表现出不同的效果。如第十二册《美术》教材第5课《色块组合画节日》的教学,引导学生对6组色块组合的联想中,就提到应尊重学生自己的色彩感觉,允许各人有不同的见解。分析9种颜色的属性,情感,自然属性是由事物内在因素所决定的,如红色与火相关,火与热不可分,即人们对红色的认识自然与热有联系。果实由青变红,味道由酸变甜,红自然使人产生甜的反应。每种颜色既有积极的一面,也有消极的一面,怎样体现它的情感表达,应根据内容而定,如红色能让人联想到热烈、幸福、欢乐,但也能让人联想到紧张、警告;蓝色能让人联想到宇宙、天空、海洋、流动、遥远、透明,还能让人联想到冷淡、冷漠。色彩通过一定的组合,能够鲜明地表达事物的情调,例如春夏秋冬,酸甜苦辣,喜怒哀乐,男女老少等。美术不像做“1+1=2”只有唯一的答案,学生也许能描绘出超出我们想象的美的图案,尊重和保护人的个性是现代社会的基本特征,美术课程是最尊重学生个性的课程之一,学习美术课程并不是要把所有学生都培养成未来的大美术家,这是不现实的,重要的是让学生能获得不同程度的发展,逐步体会美术学习的特征,形成基本的美术素养和学习能力。以学生发展为本,培养学生的人文精神和审美能力,促进学生健全人格的形成,为全面发展奠定良好的基础。 2.促使学生学会欣赏画,提高审美能力 高年级课程中有欣赏教学,在教学时,我不急于介绍作品的年代和作者,而先让学生自己欣赏,鼓励学生说说自己的看法和感觉,并说说喜欢哪几幅,为什么喜欢,有的为什么不喜欢。学生很喜欢这种让他们畅所欲言的形式,能够表达自己的想法,所以对欣赏的作品印象都比较深刻。我再简介作品的年代和作者,以及作品所表现的内容和历史背景,在此期间,并不反对学生的一些独到的见解,而是布置学生课后查阅一些图书资料,进一步了解作品,以此培养学生的创造性思维和自学能力。绘画课写生练习比较多,对学生的写生能力有了更高的要求,根据高年级学生特点,我着重传授一些透视、明暗技法,让学生能够更好地把握物象。想象画和创作画教学,需要学生在已知的物象上作进一步升华,虽然他们的作品不像低年级学生那样稚拙、充满童趣,但画面有主次、更充实,色彩运用得心应手,这是低年级学生无法比拟的。高年级的学生综合能力较强,参与社会实践较多,所以他们对于手工制作、美术字、板报设计、立体构成、浮雕制作更感兴趣。例如在学完美术字后,我发现在校园的黑板报上,就立刻出现了新的字体的变化,这对于高年级的学生来说无疑增添了生活乐趣,增加了自豪感。 3.由浅入深,循序渐进地指导 低年级的学生虽然比中高年级的学生更不受条条框框的束缚,但他们的画画还正处于“涂鸦”阶段,作品中存在着更多的随心所欲的涂鸦成分,缺乏对描绘对象的取舍和画面的安排能力,所表现的大多数是平铺直叙式的,更缺乏对形的描绘能力。如果要他们画一幅完全由自己创作的作品,则往往是左上角一个红太阳,附近是几朵均匀排列、大小一致、颜色一样的云彩,云彩下面是几只展翅飞翔的小鸟或蝴蝶,再下面就是房屋和排列均匀的花草和小白兔。不会描绘自己身边的人和事,更不用说有一定的故事情节。正因为这样,我们对他们更要耐心引导。虽然如此,但要知道,美术创作能力的培养不是一朝一夕就能做到的,需要日积月累地进行练习才有可能获得成功。虽然小学美术的培养重点是学生的美术素养和人文精神,但这里的美术素养和人文精神,理所当然地包含了画画这一基本技能。美术素养和人文精神很多时候都是由画面体现出来的。因此,我们在进行美术教学活动的整个过程中,不能因为创新而忽视了对学生基本技法的指导。这就像走路,一个人连路也还不会走,又如何奢谈跑步?美术创作也是一样。只有在掌握了基本技法后才能进行创新(创作)。在小学低年级阶段,让他们从最简单的基本形状开始进行练习,从三角形、长方形、圆形等基本形体的描绘开始,由浅入深,由易到难,逐渐过渡到比较复杂的形体的描绘。不要求画得很标准,只要有一定的样子就可以了。 4.充分发挥学生的想象力和创造力 创造力是人类智力的优秀,它是在观察与想象之后的灵感状态。以形象思维为引线,在生动有趣的作画中牵动逻辑思维、推理思维、动作思维、灵感思维的自由,引导小学生进行某些相似的改进、相似的综合而后创造,产生新颖、独特的想法,从而走进自由自在的天地和理想彼岸。培养创造力的土壤是深入生活。生活是创造取之不尽、用之不竭的源泉。培养学生对生活中的事多留心,多联想。创造力的来源是心灵,学会运用自己那颗美妙智慧的心,才会有创造性思维的闪光。让孩子灵活机动而不死板,善于联想而不僵化。例如,提供给学生手套的形状,让他们根据手套的外形用填添在手套上增加一些东西,让它变成另外一种东西,如树、楼房,表现出孩子想象的求异和创造的新意。 美术课教学以发展学生丰富的想象力和创造力为根本出发点,鼓励他们敞开理想的心扉,展开理想的翅膀。我们在教学中应当充分发挥他们的想象力,点燃他们的创造力,为每一个学生提供表现潜在探索欲、创造力的机会,激发他们的内在动力,使他们的创造力不断发展。 小学美术课教学论文:小学美术课教学五步曲 爱因斯坦说过:“想象力比知识更重要,因为知识是有限的,而想象力概括着世界上的一切,并且是知识进化的源泉。”在小学美术课中,想象画占有极其重要的地位,它不仅能够培养学生的想象力、创造力,而且对于启迪智慧,促进学生的全面发展有着重要的意义。如小学美术课《想象画—海底世界》一课中,我就是依据小学美术教学大纲要求“把记忆中想象中有趣的事物表现出来”而设计的。让学生展开想象的翅膀是我这一课的教学设计主旨,因此我设计了以下几个教学环节。 第一步曲:妙用故事,激情促趣 在教学引课阶段我利用CAI课件创设了奇妙的童话故事情境——鱼妈妈带着鱼宝宝去旅行。上课伊始我就神秘地告诉同学们:“今天鱼妈妈要带着鱼宝宝们去旅行,你们想不想一起去呀,那我们就出发吧!”“看,那漂亮的小丑鱼在草丛中嬉戏玩耍,奇特的金枪鱼在海底巡游,凶恶的大鲨鱼马上要吃掉一条小鱼当作它的美味佳肴了…… 。”同学们兴高采烈,个个睁大眼睛紧盯着屏幕,显现出强烈的探究欲望。如同电视剧的片头,以精彩性先声夺人,一开始便将学生牢牢吸引住,通过鱼宝宝的眼睛让学生们认识了各种形状、各种色彩、各种习性的鱼,让学生在欣赏的过程中感受海底世界的奇妙。学生在较短的时间内感受了梦幻一样的画面后,立刻产生了探奇觅胜的求知欲望,激发了学习的兴趣,诱发了学生想运用手中的画笔描绘美丽的海底世界的创作欲望,很自然的使学生进入到最佳的学习状态,达到了美术教学的创境、启智、激趣的目的。 第二步曲:巧设问题,拓展思维 古语云:“学起于思,思源于疑。”疑是思维的开端,是创造的基础,课堂教学如果能抓住时机设疑、质疑、解疑,就能激发学生强烈的求知欲,使学生的思维上升到一个新的高度。在新课讲授过程中我设计了几个问题:你看见过海洋吗,到过海底吗?你能讲述你的所见所闻吗?海底有山吗?有峡谷吗、、海底有声音吗?你知道哪些海洋生物?你能说出它们的形状和特征吗?你能用动作表现一下吗?再通过真实海底世界的录像资料进一步帮助学生认识海底世界。 把问题作为教学的出发点,通过问题情境的创设,让每个学生说出自己的所见所识,通过谈话交流思想,进一步激发学生的兴趣,拓宽了学生的知识面,丰富了学生的想象。在教学活动中我注意创设师生互动的学习环境,教师在教学活动中应是学生的合作伙伴,通过师生对话、生生对话促进了信息的交流,拓展了学生的思维,拓宽了学生的想象空间。 第三步曲:创设游戏,寓教于乐 在形象记忆的基础上我创设了画鱼游戏情境——我和学生进行画鱼比赛。我说老师用10秒时间能画一条大鲨鱼你们信不信,学生用猜测的目光瞅着我,有的说信有的说不信,那好你们给老师计时10秒钟,看老师能不能画出来。在学生的倒计时里我以简洁干脆的线条画出了一条非常生动的大鲨鱼,学生赞叹不已,响起了热烈的掌声。随即我用激将法:“你们敢不敢用10秒钟的时间画一条你喜欢的鱼?敢!那好!上黑板上来。”学生热情高涨,经过师生共同创作,一幅海底世界图展现在黑板上,看着自己和他人共同完成的神奇画面,学生情不自禁鼓起掌来。引导学生开展尝试性活动,通过画鱼游戏增强学生的表现欲望,师生共同展现自我,表现自我,同时相互学习、相互借鉴,从而为下面的教学做了很好的铺垫。通过这种有组织的游戏活动,创造出一个活跃中有竞争,笑声里有思考的愉快的新奇的教学情境,增强了教学的趣味性,提高了学生艺术学习的兴趣,使学生在游戏中体验艺术,展示技艺,体验合作的快乐,成功的喜悦。 第四步曲:鼓励学生,激发灵感 通过教学活动中的设问讨论让学生从其他人的发言中受到启迪,产生创作的灵感。知识幻想是创造想象的特殊形式,是人们对所希望出现的事物的一种憧憬。人类借助想象的翅膀发明了望远镜、电话、电报、宇宙飞船、航天飞机等,神话传说中的千里眼、顺风耳、嫦娥奔月等都变成了现实。幻想是可贵的,它可以成为激励学生学习的动力。在画鱼比赛的基础上,教师设疑引导学生畅想未来人们将如何探索海洋,开发海洋(如能否去海洋居住,旅游,探险等)。最后教师布置课堂作业——《未来的海底世界》或《海底探索》。 第五步曲:趣味评价,延伸课堂 学生创作作品后在黑板上展示小组内评出的优秀作品。这么多作品,究竟谁的作品你更欣赏,请你当评委,并阐述你的理由。留给全班学生偌大的表现舞台,学生们有的独立思考,有的窃窃私语交流看法,都想做一个最好的评委。如此一来,盈盈一堂,变部分师生的单向交流为全体学生的多向交流,变教师总揽全局为全体学生共掌时势。抓住学生爱表现的心理,调动全体学生,兴趣盎然间彰显了个体生命的迷人色彩,也使学生的艺术创作得以升华。 最后我将学生的作品布置成展板,让学生充分体验到成功的喜悦,增强学生的自信心,也是对学生的鼓励、鞭策。学生在教师的帮助下,获得学习上的成功后,就会有一种喜悦感和满足感,就会成为进一步学习的动力。与此同时,他们与教师的情谊又增加了一分。 教学既是科学,又是艺术,教无定法,但教学有法。以上五步教学环节我是根据《艺术课程标准》的理念而设计的,强调艺术的学习是“面向全体学生,以学生发展为本”这一基本理念。注重探究、合作、自主的学习方式,给予每一位学生平等的受教育机会。 小学美术课教学论文:小学美术课教学经验初探 实施素质教育已深入到各个学校领域,小学美术教育不同于专业的美术教育,它为发展学生整体素质服务,以学生发展为本,注重培养发展学生审美能力、感知力、想象力、表现力等方面的能力,注重培养创新精神,学生的个性发展的全面发展。而小学美术教育中,如何使学生的各种素质得到全面发展,已引起广大小学美术教师的关注和思索。教师应努力在美术教学上多下功夫,使学生享受到更好地美术教育。 具体说来,当从以下方面抓起: 一、创设情境、激发兴趣 “ 兴趣是最好的老师”,是学生探求知识、发展思维的巨大动力,也是培养学生主动参与意识的有效途径。有兴趣的学习不仅能使人全神贯注,积极思考,而会达到废寝忘食,欲罢不能的地步。游戏是儿童生活中不可缺少的组成部分,适当运用游戏于课堂教学中能活跃课堂气氛,调动学习兴趣,儿童喜欢多种形式的游戏,教师可在游戏中培养学生各方面的兴趣爱好。如我在上《魔幻的颜色》一课时,让孩子认识三原色、三间色。我感到要用一般的抽象的讲话,孩子们是很难接受的。于是我就考虑出这样一种做法:用水彩颜料调成红、黄、蓝三种原色彩水,分别盛装在三个玻璃试管内,再拿三个空试管,一齐放在试管架上。课堂上让学生认识三原色时,把三种彩水展现在学生面前,讲什么是间色和间色是哪两种原色调配成的,就拿试管做演示。当我把两种原色彩水倒入一个试管内一晃动立刻变成间色时,学生边拍手边喊出声来。做法虽然很简单,但形式较为新颖,孩子们象看魔术一样看老师演示,兴趣很浓。让学生做实验,“红色+黄色”会成为什么色,“红色+蓝色”会成为什么色,“蓝色+黄色”会成为什么色,两种原色的量的多少不同调成的间色有什么不同?这样学生记得牢,记得深,又证明了知识的科学性,同时学生又学会调色方法,效果很好,让学生在轻松,愉快的氛围中,学习绘画艺术。 二、通过美术教学、培养学生的各种能力 教学是教和学的活动的统一体。教学方法既包含教师的教法,又包含学生的学法。重视学生的学法指导是实现从教到学的关键,是实施素质教育的重要途径。在教学中,应有系统地把学法指导与学习过程联系起来,使学生有愿望也有能力参与学习,进行创造。因此,应加强学生的各种能力培养,以下从三个方面进行阐述: 1.观察能力的培养,敏锐的视觉感受和正确的观察方法是绘画中不可缺少的重要部分。很多学生认识不到这一点,因此在作画的过程中,大部分时间忙于涂抹自己的画面,画的多看的少,这时教师就应该调动全体学生的注意力,让他们有步骤,分层次地仔细观察,并说出绘画对角的结构、颜色、明暗等规律性的绘画因素,经过多次反复的训练以提高学生敏锐的感觉事物的能力。学生在绘画中观察比较自然和具体对象后,思维就有素材,接着以自身体验进行绘画就水到渠成。如《校园里的花》一课,先让学生看看校园里各式各样的花,再看看画家笔下的花,最后看看以前小朋友画的作品。进行比较,感知画面的处理、提炼,创作作品。 2.想象力、创造力的培养。“ 想象是创作的源泉” 世界上许多创造发明都是从想象开始的。绘画教学中,我们可用创设情境的方法来拓展想象空间,在教学内容与学生求知心理间创设一种“ 不协调” ,使学生在探索的乐趣中寻求知识,培养想象力。引导学生在基于绘画主体的基础上进行大胆地合理地想象,充分发挥小学生富于幻想的天性,要用儿童的语言,天真烂漫地表现他们的内心世界,尽管每个人最后得出的结果不同,作品的风格、表现手法不同,但只要是符合艺术创作的基本规律,就应该给予肯定的鼓励,以提高学生的自信心,促进学生的个性发展。如《大人国与小人国》一课,教师可有意识的讲述关于大人国与小人国的童话故事,把学生的思维越迁越宽,让他们仿佛进入了想象中的大人国与小人国的共同游戏,学生进入情境后,就会争先恐后地表达自己的见解和感受,主动参与到教学活动中来。 3.动手操作能力的培养,动手操作是小学美术学科体现得最为充分的一个方面,尤其在手工粘贴画中,它要求学生手脑并用、画、剪、粘贴缺一不可,充分调动了学生全部的注意力,使他们始终在注意、好奇、自信及对成功的期望中进行。如《灵巧的手》一课,引导学生对身边的事物进行观察,并在此基础上搜集各种可利用的材料,将各种材料运用剪、折、贴、卷、插等制作方法加工成各种画面,鼓励学生求新求异。因此,它也是训练儿童良好心理品质的一个有效手段。 三、注意渗透德育 良好的思想品德不会从天而降,需要我们去培养,绘画可以加深学生对生活的理解和热爱,培养高尚的道德情操,提高丰富的艺术修养,那么在美术教学中如何凭借教材向学生进行思想品德教育,做到绘画基础知识,技能与陶冶美好心灵和谐发展呢?充分挖掘教材中的思想教育因素,激发学生去 了解我们祖先创造的艺术文明,用审美的规律去感受和欣赏前人给我们留下的宝贵的艺术文化遗产,让我们为我们的祖先骄傲和自豪,教育德为首,在小学美术教学中把明理寓于美的形式中,借助美育的形式,来提高德育的质量,让学生在美的境界中学会做人的道理,形成高尚的思想道德观念,我在教学中曾做一番尝试,就是把美术课与思想品德课有机结合起来进行教学,如,在描绘祖国美丽的河山,家乡的名胜古迹……进行热爱大自然、热爱祖国、热爱家乡的思想感情教育。 总之,要真正推行美术素质教育,就必须引导学生自主参与学习的全过程,充分发挥他们的主体作用,使他们的各种能力与素质在主动参与中得到培养和提高。我们要有效地培养学生的艺术素质,提高他们的创作能力又不增加他们的负担,让他们学得开心、愉快,是我们老师追求的目标。 小学美术课教学论文:如何进行农村小学美术课教学 【摘要】人所共知,美术是一种艺术。事实说明,涂涂抹抹、粘、剪、做、贴是儿童的天性,尽管那些太阳画得不圆,房子画得不正,比例极不准确,但充满着天真、纯洁的美,就是说儿童画是一门纯真的艺术,儿童作品是一个神话般的天地,真实地表现了儿童自己已经认识的世界,表现了儿童幼稚的生活感受,上天、入地、下海,在儿童的想像中是那么的容易。可以这样说:世界多大童心就有多大,儿童作品的天地就有多宽广。儿童想象之丰富、构思之大胆、手法之放纵,是成人所不及的。 【关键词】农村 美术教育 想象 美术教育有利于发展学生的智力和创造才能,是对学生进行审美教育的重要手段。但农村小学条件差,农村小学美术教学一直是冷门话题,在美术课堂教学中,不少教师教学中只为完成数量任务,只搞单一的随意绘画,根本不重视基础知识的传授和技能技巧的训练,严重忽视了创造能力的培养。这些倾向必须注意克服,努力上好美术课。在实践中,我认为搞好农村小学美术教学活动可以从以下几方面入手。 一、熟悉教学大纲,刻苦钻研教材 要上好美术课首先要认真学习教学大纲,认真阅读教学参考书,把握住本教材的知识点,对教材内容进行教法上的研究,找到教材内容中适应学生创造力发展的因素。 二、细致观察事物,培养观察能力 小学美术教学中,无论是绘画课、工艺课还是创作课、欣赏课,都离不开观察,观察是一种有意识、有计划、比较持久的知觉。几年来,我在美术教学中,不断培养学生的观察力,大胆进行了一些探索、试验,积累了点滴经验。如教学美术教材第四册《画画自己》、《给老师画张像》等人物画时,由于儿童最初的观察不是系统的,在这些人物画中洋相百出,一看好笑。为了使学生将视角内事物反映到他们的意识里,我便要求学生每人准备一面小镜子,先让他们对着镜子观察自己,再同桌对脸观察,这样困难便迎刃而解了,从而进一步培养了学生认真观察的良好习惯,锻炼了学生的观察力和表现力。 三、按教材内容上课,提高学生素质 1.欣赏教学。欣赏教学主要有民间工艺品、自然景物、少儿美术作品等。重点是培养学生的审美能力,提高审美文化素质,将审美能力的培养有机的融入双基教学之中。草编是我国民间美术百花园中一朵艳丽的小花,看似平常的麦杆、玉米皮等,到了民间艺人们手里就变成一件件精美的工艺品。我国优秀的传统工艺刺绣,已有近三千年的历史。如在教学《精美的草编和刺绣》时为了提高农村孩子的感受美的能力,教学前教师可到草编艺术美术公司等处拍些样品照片或购置些真品,搜集一些刺绣品作直观教具,这样精美的茶垫、果盘、名绣上面栩栩如生的图案神话般的出现在儿童的眼前,学生个个仔细观察,尽情欣赏,这样能让孩子更好地感受民间民族艺术情趣,陶冶他们爱家乡、爱人民、爱民族、爱祖国的情感。 2.绘画教学。营造生动有趣的故事情境,留下问题启发儿童思考和创作的动力。如大象给小老鼠洗澡故事的绘画课。课堂导入,“同学们,老师先讲一个小故事,有一天,天气就像今天一样晴朗。小老鼠 ,小青蛙,小蜻蜓还有大象哥哥一块去池塘边玩耍。池塘里可真漂亮,荷叶满池,荷花姐姐都伸展着婀娜的腰肢,展开了她层层的花瓣。蝌蚪们在青蛙妈妈的带领下,在池塘里快乐游泳。小动物们玩得真高兴!不一会,大家都大汗淋漓。这时候要是能畅快地洗个澡该多好啊!小动们都那么想。可好多小动物都不会游泳,池塘水又很深。怎么办呢?这时大象想到了一个好办法。同学们,你们想到了吗?”这时,大部分学生都会回答:“想到了!就是用大象的鼻子吸漫水,给小动物们洗澡。”于是,我紧接着说,“那么,我们就来试试看,能不能把这样一幅生动有趣的画面画下来呢?”接着开始画范画。课堂一开始就通过老师生动的故事已经在孩子脑海中营造出了一幅丰富的画面,再提出问题,就可以充分调动孩子们创作的欲望。绘画是美术教学中的主要内容,农村儿童很少受到家庭的专业训练,在辅导学生作画的过程中,老师要精心进行课堂教学设计,把儿童能接受的绘画技法巧妙地揉进其中,顺其心、激其情、励其志,是提高儿童画质量的重要一环。为搞好绘画教学,可根据学生日常生活经验,从以下几方面进行教学:首先要注意培养学生的细致观察能力;其次要丰富学生的生活经验;再次要注意训练学生的色彩表现力。 3.手工教学。手工课教学不得忽视。农村小学可利用丰富的自然资源开展手工活动各种形状的叶子,到处可见的泥巴、蔬菜、水果等等可做成可爱的小动物。用棉花团可做出毛绒绒的粘贴画,像小白兔、白猫等。用鸡、鸭、鹅的蛋壳、纸等能制成老鼠、不倒翁、猪等。课本中要求用橡皮泥等综合材料进行创造,而橡皮泥就不好准备,我就换成用水坑里的石子、树叶、泥巴这些在校园里、学校周围能找到的材料进行创作。带着学生在学校附近的野外就地取材,就地创作,学生们都非常愉快,效果同样达到了美术新课程标准所要求的:“物以致用,感受各种材料的特性,合理利用多种材料和工具进行制作活动,提高动手能力。”这就是乡村小学的优势,在野外陶冶学生的情操,农村地大物博,有丰富的天然美工制作材料,材料易得,色彩天然,形态独具,学生易学易操作,而且趣味性强,易于开发儿童智力,培养学生热爱大自然、热爱家乡、热爱艺术的思想情感。 (作者单位:江苏省盱眙县淮河实验小学) 小学美术课教学论文:小学美术课教学中多媒体的运用 在美术课堂教学中,不仅要教会学生一些必要的知识和技能,更要体现学生的学习积极主动性,使课堂四十分钟有质量。为此,我尝试除了课堂范画、实物外,配以一定的电教媒体,把一些难以讲解和直接获取的知识,巧妙借助电教媒体进行表现。 一、巧用多媒体,化难为易 在教小学美术《中国优秀雕塑作品》这一课时,通过图片展示介绍古代劳动人民如何在生活中创作雕塑作品,再通过古代生活与现代生活的条件比较,得出古代劳动人民为什么要创作雕塑作品的原因及道理。这时,全班学生对古代雕塑作品有了初步了解,气氛渐活跃。再把秦始皇陵兵马俑用实物投影仪放大给学生观察,使学生似乎进入了古代的战争场面中,引起学生翩翩的想象力。这样一步步引申,既提高学生的兴趣,又降低了欣赏难度。最后,在学生讨论过程当中,我惊喜地发现,学生的欣赏能力和想象能力既全面又各有新意,整堂课取得较好成果。 二、巧用投影,优化教学 制作的投影片画面简洁、清晰,而且保存时间较长,携带也很方便。我着重在绘画类课程中自制合适的投影片。如教《动画与动漫欣赏》时,我查阅了一些插图,运用故事连环画形式,把它们化成翻阅式投影片,一张张展示了学生都熟悉的《白雪公主》这个动人的童话故事。学生们在津津有味边听故事边看画面同时,又深深被舍己救人的七个小矮人及美丽善良的白雪公主所吸引住,这时我再打一张投影片:以“抬棺”的场景用暖色描绘,然后利用复合片把七个小矮人依次展示,好像是看到了一部连续的童话故事。学生一下子拓宽了思路,投入到想象画的海洋中去。 三、巧用录像机,情景交融 有些课需要从大自然及回忆周围事中去激励启迪学生。如上《愉快的春游》这一课,我除了让学生回想所经历的郊游外,还把以前拍摄的录像放映出来。当看到自己去过的景致,学生们马上情绪高涨,争说所见所感,我再抓住进行总结,给予一定素材,孩子们画起来都感到得心应手,画面充实而富有趣味,有去郊游爬山你扶我拉的,有和小朋友围在树下唱歌跳舞玩耍的,有和爸爸妈妈去公园玩的,甚至有开怀一笑的特写…… 四、巧用录音机,陶冶情操 录音机是美术课常用的辅助电教工具,我针对不同课题不同年龄的学生,选择不同乐曲。如低年级手工课放些儿歌,让他们在轻松愉快的音乐声中寻找更好的答案;中高年级水墨画我则放悠扬的乐器演奏带,让他们在抒情的氛围中潜心揣摩笔墨韵味,创作出一幅幅优美的水墨画作品。 作者单位: 山东安丘市凌河镇朱家埠小学 小学美术课教学论文:如何做好小学美术课教学 摘 要:小学美术课,由于应试教育和专业教师的短缺。依旧停留在相对滞后的阶段,没有很好地发挥出美术课在素质教育中的作用,因此需要广大一线美术教师探究出新的教学方法和手段。 关键词:素质教育;创新精神;个性化教学 在素质教育的大背景下,小学美术教学的作用和地位日渐凸显。在这种背景下就需要我们一线美术教师及时的采取与之相对应的教学策略,进行有效的小学美术课堂教学。本人通过近几年的教学实践总结出了以下几点美术课堂教学的策略,和大家分享,希望得到广大同仁的批评和指正。 一、设计个性化教学,培养学生的创新精神 一份具有创新精神的美术教学设计必需关照到学生想象力的培养和个性认知的充分结合。这样的个性化设计在教学目标上必须明确想象力培养要求,如在空间想象力上的要求、形象思维上的要求,并加以机制干预以期达到较好的“创造”效果。培养学生创新精神的个性化教学设计一般会呈现以下几个特点:(1)注重学生观察能力的培养,以获得更为感性的经验,从而不断丰富儿童的表象;(2)注重引导学生积极思考,并能充分给予时空关照,尊重个体感知,以打开个体想象的大门;(3)引导学生关注相关材料丰富认识,以发展儿童的空间想象能力;(4)引导儿童积极参与合作、充分体验生活、积极实践不断丰富生活经验,为发展良好的想象力创设条件;(5)不刻意追求图画的完整与美观,重点关注孩子的创造力发展。 二、在美术课堂教学中引导小学生感受色彩 小学生活泼好动,游戏是他们的兴趣所在、是他们乐于参与的天堂,美术教学中利用美术教学游戏融于教学中,可以发挥兴趣的魔力,可以是小学生在美术学习中全身心的投入、提高学习效率。高尔基说过:“游戏是儿童认识世界的途径。”游戏运用在小学美术教学中,不仅可以调动起小学生的学习积极性,而且可以活跃课堂学习气氛,创设出生动有趣的学习情境。因此,将各种颜色的图片穿插出现在儿童游戏中,让学生在游戏中捕捉色彩、感受色彩,是儿童更容易接受的学习方式。教育家苏霍姆林斯基说:“任何一种教育现象,孩子们越少感到教育者的意图,教育效果越大。”小学生们喜欢使用鲜艳的颜色涂涂画画,是他们想感知这个世界的表现方式,游戏中的乐趣可以使小学生的美术天性一触即发,瞬间得到释放,学习热情高涨,教学效果事半功倍。如《形与色》一课中,在认识常用的色彩学习内容中,如:红、黄、蓝、绿等色彩可以收集各种颜色系列的水果、动物、植物等卡片,红色系列收集红苹果、红枣、西红柿、红石榴、红枫叶等形状;绿色系列收集猕猴桃、绿甘蓝蔬菜、绿色树叶、绿色葡萄、西瓜等形状;黄色系列收集橙子、木瓜、柿子、芒果、柠檬、杏、梨等形状;蓝色系列收集蓝莓、蓝色大闪蝶、浅蓝色的天空、深蓝色的大海、马兰花、蓝色金龟子等等卡片。根据收集的卡片数量混合后平均分配给全班学生。小朋友,我们今天来玩一个“找朋友”的游戏,看谁找的快又准!接下来老师每讲完一种颜色,看看谁手中的卡片和老师手中的卡片是朋友的就举手,到讲台上来在老师的卡片周围放好。于是学生们的学习兴趣一下子被调动起来,认真听完老师讲课后,都争先恐后的将自己手中的卡片放到台上准确的位置。学生们在玩中学到了知识,学习中充满了乐趣。 三、引入语文元素,凸显诗情画意 诗中有画,画中有诗,用来表述美术与文学艺术的相得益彰再好不过。如诗如画用来形容山水的美,彰显了美术与语文元素的相互促进和融合之美。语文是文字的传承,美术是造型视觉艺术,将语言文字的诗情画意融入到美术的流畅线条中,能彰显艺术的传承与发展。实施诗歌配画、日记和作文配画,或者将美术的点、线、形、色彩、明暗与空间等视觉艺术,以优美的文字语言进行表述,显示出艺术的美。如版面设计相关知识的学习,结合语文中的艺术字体、文字搭配等知识,引导学生结合小组学习模式,展开黑板报或电子版小报的设计,使得小报布局合理、颜色协调、搭配得当。在小学美术学习中融入语文艺术,彰显文字中的图案美,激发学生创新思考。 四、拓展学生想象的空间 “想象是创作的源泉”很多发明都是从创造开始的。在美术教学的过程中,让学生自己发挥想象来通过艺术的方式和手段来进行表达,让学生在乐趣探索的过程中去寻求知识,培养学生的动手能力。老师可以运用实物演示教学法:老师在进行教学的时候要对实物进行展示,学生在这个时候就能够明白任务,老师让学生联系已有的知识进行创作。如上《画一顶帽子》这课学习的时候,老师最好能够出示几个不同颜色和不同外形的帽子,学生通过观察可以发现不同的材料能够让帽子有不同形状和质地,学生可以用自己挑选的材料来制作帽子,学生不但自己做出漂亮的帽子,还在这个过程中发挥想象力来制作出雨伞帽、魔法帽等“新品种”,学生用的材料也各种各样,有的学生用塑料瓶子来制作帽子,根据材料的硬度和形状能够学生制作出很多有新意的帽子。学生还可以介绍自己帽子的功能,比如,塑料帽子能够防止淋湿。老师要灵活的运用语言,通过语言情景使知识更加形象和生动,学生在身临其境的环境中不断的大胆想象,如在彩塑课《青蛙》这课中,老师有声有色的讲述一些青蛙的童话故事,学生的思维在这个过程中会越来越宽,学生在想象中进入到青蛙王国中。学生喜欢模仿,有时候学生就会运用面部表情模仿青蛙的有趣动作,在形神兼备的动作表演的过程会增强对青蛙的认识。 小学美术课教学论文:小学美术课教学现状及对策研究 摘 要: 美术教育是提高学生审美能力和审美情趣的重要途径,小学美术课教学是学生认识美的启蒙,通过学习美术,学生得以陶冶情操,增长见识。随着素质教育的发展,美术教育受到前所未有的重视,但是在教学中美术教学依然存在一些问题。本文对小学美术教学现状及相应的教学对策进行了分析和探讨。 关键词: 小学美术课 教学现状 对策研究 小学教育在学生的成长过程中具有启蒙作用,小学教育的主要目的是培养小学生的综合能力。近年来,随着素质教育的深入推进,人们的教育观念发生深刻的变化,加强对学生综合能力的培养,如美术教育、音乐教育、体育教育等,较之以往更加重视这些科目的学习。在小学美术教学中,应当转变传统的教学观,挖掘美术教学的深层潜力,提高学生的美术鉴赏能力。 一、小学美术课教学现状 1.学校及教师教学观念陈腐 素质教育的发展,使得美术教育取得相应的发展,但是在具体的教学中,受应试教育的影响,不论是学校的领导还是教师,更重视的依然是学生的文化课成绩。尽管小学生的升学压力不像初高中生那样大,但这些学生依然要为自己以后进入中学做准备,所以在不少学校里,教师并不重视美术教育,在教学时并没有意识到美术学习对于学生个性发展的重要性,教学观念陈腐,在课堂上只会照本宣科。此外,有些学校条件差,美术教师较少,有时甚至让其他科任教师兼任美术教师,这种做法极大地影响了小学美术教学的发展。 2.学生对美术学习缺乏积极性。 在小学美术教学过程中,学校和教师对美术的不重视,对小学生产生一定影响。在教学过程中,教师的教学观念陈腐,学生在课堂上学习时感受不到美术学习的乐趣,不能通过学习美术,发现美、感受美,小学生的个性得不到发展。所以,学生在美术课堂上始终未能意识到美术学习对自己的重要性,感受不到美术学习的意义,缺乏学习积极性。 二、小学美术课教学的对策研究 1.更新美术教学的观念,以学生为本。 在传统教学观念里,教师是课堂教学的主体,学生在课堂上只需要负责听教师讲解知识就可以,这种“填鸭式”教学,能够让教师最大限度地输出知识,但是也有较大的弊端,它使得学生在学习过程中习惯被动学习,不利于调动学生的学习积极性,不利于培养学生的思维能力。美术教学与普通的文化课教学有很大的不同,它重在感受,重在理解美,小学生学习的过程如果过于被动,不能有效地发挥其主观能动性,那么对于学生的学习是极不利的。 因此,教师在教学时一定要转变自己的教学观念,以学生为本,发挥学生的主观能动性,使他们在课堂上更积极,激发他们学习美术的兴趣。比如在学习和欣赏我国传统的民间艺术“皮影戏”之后,教师可以鼓励班级里的学生自己动手,编一出简单的皮影戏,这样既能令学生体验自己动手的乐趣,又能使学生更深刻地感受中国民间艺术的瑰丽。 2.培养学生的学习兴趣。 美术世界是丰富多彩的,形态各异,美术作品也极有趣。然而,由于受应试教育及教师教学观念的影响,学生虽然对美术课程有极大的兴趣,但是在课堂上学生感受不到学习美术的趣味性,随着时间的推移,学生的学习兴趣越来越低,学习美术的兴趣不大。 因此,教师在进行美术教学时要改革美术教学的现状,就必须想办法激发学生的学习兴趣。比如教师在课堂上教学时可以采用情景教学法、课外实践教学等教学模式,使学生亲身体验,感受到学习美术的趣味性所在。 如在学习充满异域风情的“非洲雕刻艺术”之后,教师可以组织班上的学生去当地的博物馆参观,实地感受非洲雕刻艺术的绚丽多彩,培养小学生的学习兴趣。 3.加强其他美术素材应用,拓展学生的思维。 随着时代的不断发展,人们接触新鲜事物的方式变得多样化,在教学中要调动学生的主动性,就必须给学生提供丰富的教学资源,让他们选择。美术教学离不开各式各样的美术作品,教师在教学中可以利用已有的一些先进技术将丰富的资源进行整合,进行美术教学,拓宽学生的视野和思维。 比如在进行美术鉴赏教学的时候,教师无法将凡・高、莫奈、毕加索等伟大画家举世闻名的画作,真实地放到学生面前让他们学习和欣赏,但是教师可以利用多媒体技术将这些画作展现出来,提高他们的鉴赏能力。同时,教师在教学过程中可以安排班上的学生利用美术教学资源,自己动手,按照自己的想法,进行美术创作,拓展自己的思维。 总之,小学美术课是学生认识美、感知美、欣赏美的一个过程,教师在教学时应当学会结合小学生的学习特征,挖掘美术教学的深层内涵,采取灵活多变的教学方式,激发学生的学习兴趣,调动小学生的学习积极性,发散学生的思维,拓展他们的思维,为这些学生以后接触和学习更深层次的美术知识奠定良好的基础。 小学美术课教学论文:提升小学美术课教学效率浅议 摘 要:小学美术课堂教学要以新课程理念为指导,要注重基础知识、基本技巧的训练,培养小学生的创造力与思维力,从而提升教学效益。 关键词:美术;课堂教学;情境;想象;创造 小学美术课堂教学要以新课程理念为指导,既要注重基础知识、基本技巧的训练,同时也要培养小学生的创造能力与思维能力,从而提升课堂教学实效。笔者结合多年美术教学实践谈三点做法。 一、注重设计课堂导入 新课的导入是一门艺术,它能创设积极情境,引发学生兴趣,使学生快速自然地进入最佳学习状态中。小学生活泼好动,好奇心强,教学中要针对教学内容和学生实际,充分考虑学生的知识能力基础、心理、兴趣等要素进行新课引入,可采用讲故事、放视频、做游戏等方式,使学生注意力集中,有效引起学生对新知识内容的热烈探求。在教学《梦幻中的城堡》一课时,我是这样设计导入的:让学生观看《小王子》动画片,然后让学生扮演片中的角色,分别夸张地描述自己城堡的外形,同时引导学生说出自己对城堡的理解与想象,教师随机评价,激励学生打破常规,自由创作和表现。这样的导入激发了学生主动参与的热情,激发了其想象和创造力,发展了创造性思维,收到了预期的教学效果。 二、创设开放的教学情境 美术课堂教学的本质在于创造。为了让学生身心得到发展,想象力得以开发,教学活动中尽量为其创造自由、轻松、快乐的环境,让学生置身于发现和想象的世界,最大限度地放开学生的手、脑、眼。教学中我经常让学生走向自然,走进社区,让学生在广袤的自然中去观察、去捕捉美好的题材,激发学生的创作灵感,使其养成细心观察的习惯,从自身的角度去捕捉和表达周围的世界并了解周围事物的发展,让学生自己去思考,使其展开想象,大胆创作。 三、搭建学生展示的平台 课堂教学是实施素质教育和提高学生艺术修养的主阵地。教师要立根课堂,不断更新观念,挖掘教材,找准切入点,充分发挥学生的主观能动性,让学生成为美术学习的主人。课堂上要凸显学生个性,多给学生提供上台展示的机会,让学生大胆展示自己的作品,引导学生参与教学,对作品进行大胆描绘和评价。同时教师对学生的观点及认识及时鼓励并提出改进意见,来激发学生的上进心和自信心。变“要我学”为“我要学”,强化绘画的欲望。这样既增强了学生学习美术的兴趣,又提高了学生的美术素养。 小学美术课教学论文:如何在小学美术课教学中培养学生的审美能力 摘 要:在现在这个信息社会中,小学美术教师要科学地通过各种途径为学生创造用多种感官去接触外界事物的机会,从而更有效地提升学生的审美能力。我从培养学生在课堂教学中感受美、在现实生活中体验美、在实践活动中创造美这三方面入手。 关键词:小学美术;审美 对学生进行审美教育,不是一朝一夕就能够完成的,而是一个长期的潜移默化的过程。随着社会的不断发展,我们美术教师要科学地通过各种途径为学生创造用多种感官去接触外界事物的机会,从而更有效地提升学生的审美能力。处于小学阶段的学生未谙世事、天真纯朴,教学中有意识的审美导向,可以使他们从小就形成正确的审美观。因此,我们应该在平时的美术教学中,引导他们多听、多想、多看、多做,促进学生在成长的过程中欣赏美、感受美、体验美、创造美能力的发展。逐步培养学生健康、高尚的审美意识,不断提高他们在生活中发现美、鉴赏美的能力,从而激发学生对生活的热爱。因此,在平时的教学实践中,我注意从以下几方面入手,使美术教学更充分地发挥其审美效能。 一、美术老师要在实践活动中创造美来培养学生的审美能力 在美术教学中,学生审美能力的培养与提高离不开生活。我国近代美学家、教育家蔡元培先生说:“美育者,应用美学之理论于教育,以陶冶感情为目的者也。”是的,美是和情感联系在一起的,美不美就在于能不能调动人的情感、感受其中的美。只有在生活中,学生才可以真切地体验到方方面面不同的美。因此,在美术教学中我特别注重把美术创造活动与学生日常活动紧密相连,在学校范围内不定期开展主题性绘画创作比赛活动,如:创办“年俗文化展”、“感恩母亲”绘画比赛、“安全在我心中”手抄报比赛、“文明就在我身边”连环画比赛、“我为生命添色彩”剪纸比赛等等。通过这些活动引导学生利用废旧材料制作贺卡、小手工等礼物送给亲朋好友,真切体会自己的爱给身边的亲人和朋友带来的喜悦和温暖。同时,还教他们利用这些小饰品来装点生活,让学生自己在活动中用双手创造美。 二、学生审美能力的培养离不开其他学科的教学 学习是相互的,审美能力的培养也是相同的道理。我和其他学科联手举办绘画创作比赛,诸如:和语文组联合举办 “感悟经典 诗情画意”古诗配画比赛,“经典诵读”课本剧表演”;与英语组共同举行迎奥运庆六一”英语剪贴报比赛,指导学生自己绘制单词卡等等。其中,印象最深的一次是“你撰文,我配画”漫画比赛。作品中幽默诙谐的故事情节和夸张变形的人物肖像让学生大开眼界。更让人没有料到的是自从经历这次难忘的“漫画”比赛后,学生中掀起了一股“漫画热”,诞生出一批“漫画大师”。平时,他们除了根据自己的日记创作漫画以外,还义务为同学作文配漫画。学生们把这些配有插图的习作装订成册,并亲手设计出富有个性的封面,互相传阅。这不仅提高了学生的绘画水平,同时激发了学生的写作热情,对促使学生留心观察并记录身边的人和事起到了很大作用。往往是今天发生的事情,第二天就被写进作文,第三天就又变成了漫画。这一独特的学习方式,引起《威海晚报》记者的关注,《教育时空》栏目也对其进行报道。可见学生对美的创造离不开社会活动,因此,我在教学中还注重引导学生关注国家大事,适时与时事相结合进行美的创造活动。众所周知,今年是奥运年。举国上下齐心协力,以各种形式积极筹备奥运会。7月23日,奥运火炬将在我们威海进行传递。为此,我们在美术课上开展题为“传递奥运,我能做什么?”的主题讨论活动。有的说:利用周末到社区进行卫生义务大扫除,让威海变得更整洁;有的说:抓紧时间学好英语,和来自世界各国的朋友对话;有的说:以绘画、剪纸等形式表现威海美丽的风光,送给火炬手,让世界了解威海。目前,学生们都正为“奥运火炬来我家”积极准备着。 三、美术老师要让学生在课堂教学中感受美,通过感受来培养他们的审美能力 小学美术课程主要包括欣赏、绘画、工艺三大类课业,是学校进行美育的主要途径。在美术教学中,美术课堂教学是对学生进行审美教育很直观的形式之一,因此,我们要充分利用美术课进行审美教育,让学生在教学过程中感受美。 四、老师要让学生在现实生活中体验美,通过体验来培养学生的审美能力 在美术教学中,首先要对学生进行系统的感知训练,即让学生能够用自己“美”的眼光去认识和观察周围的世界。记得刚教一年级时,班上有个单亲小女孩性格内向,不愿意和其他小朋友玩。几节美术课下来,我发现这个孤僻的小姑娘很有想象力,就想:何不通过绘画来改变她的性格呢?于是就破格录取她为校绘画小组成员,她成了组内年龄最小的孩子。当时正赶上国画写意创作练习。考虑到她之前没有这方面的训练,我打算让她从基础的墨色开始练习,可她坚持要画国画,我答应了她。不一会,她就画完了。看着她那期待的眼神,我不忍心批评她,只从画的颜色上给她提出了一些建议,接着说:“这么美丽的花儿不但要给你和老师看,还应该让每一个爱花的人看,你说对吗?”她听了我的话,使劲地点了点头。我想:孩子能够将观察到的大自然、生活中的美真实、生动地画出来是最可贵的。通过一段时间的绘画训练,这个小女孩的性格开朗了许多,她的绘画中有了快乐的场景,线条变得灵动了,色彩也绚丽起来。我把她的作品展示给班级同学看,于是,同学对她刮目相看。她对绘画表现出更高的热情。现在,她已经有了自己的绘画天地,创作已成为她生活的一部分,这与我平时对她良好习惯的培养是分不开的。 总之,教师要利用各种教学途径,全方位地引导学生将生活中那些美好的记忆以艺术手法呈现出来,逐步提升学生的审美观,从而以艺术美熏陶他们日常的思想言行;并培养他们利用丰富的情感、正确的态度和良好的价值观去热爱祖国传统美术文化,去热爱世界的多元文化。我们学生只要能用心欣赏美,以美感召人,真善美就会在孩子的内心深处萌芽,艺术之花和人文之花就会争奇斗艳、美丽芬芳! 小学美术课教学论文:小学美术课教学浅析 从激发兴趣,主动学习;运用多媒体手段,优化美术课堂教学;重视对学生评价三个方面,对小学美术课教学进行探析。 小学美术课教学 兴趣 评价 蔡元培先生说过:“美育者,与智育相辅而行,以图德育之完成者也。”美术课是孩子们感情交流的重要场所,它可以提高学生的整体素质,丰富学生的思想内涵,陶冶情操,启迪智慧,培养美感,促进学生的全面发展。随着年龄的增长,孩子们渴望艺术享受的心情日益增强,培养学生感受、表现、鉴赏、创造美的能力,走出封闭、单一的课堂,帮助学生树立正确的审美观,开发学生的审美潜能,提高学生的审美素养,丰富学生的精神文化生活,陶冶学生的完美人格。 一、激发兴趣,主动学习 俗话说得好:“兴趣是最大的动力,是成功的一半。”学生的学习兴趣是学生学习的内在动机,也是推动学生探求获得能力的一种强烈欲望,兴趣的作用在孩子的身上表现得尤为明显。例如,在讲授《三原色三间色》一课时,在教学开始时,教师采用变魔术的方式,将红色水和黄色水加在一起让学生观察,水变成了橙色,学生看到这些颜色鲜艳的水产生了许许多多不同的联想,很是兴奋。然后再来告诉学生,在色彩王国里有无数的色彩都可以用红、黄、蓝三种颜色调配出来,被称为三原色,任何其它颜色都调不出这三种颜色。那么,将红色和蓝色加一起,将蓝色和黄色加一起又会变成什么样的颜色呢?然后请同学自己动手试验一下,得出结论三原色两两相配,产生了橙、绿、紫,我们叫这三种颜色为三间色。学生在玩的同时,体验颜色相互融合后的变化,了解了三原色和三间色的相关知识,把学习知识变得更有趣味的目的不仅仅是为了吸引学生的注意力,更主要的是促进学生积极主动地参与学习、参与思考。游戏教学能使学习过程变得轻松活跃,能使较难接受的内容的学习过程在玩中进行,使学生思维的流畅性、灵活性和独特性得到发展,最大限度地开发学生的创造潜能。 二、运用多媒体手段,优化美术课堂教学 随着现代教育技术的发展,信息资源的丰富性和学习的互动性,改变了传统的教学方式,为以往教学中一些难以表达清楚的内容,提供了良好的展示机会,使美术课堂教学突破了课本、教室的限制,拓宽学生获取知识的渠道。例如,在学习《森林王国》一课,在教学中利用多媒体视频将各种动物的形体特征直观再现,帮助学生进一步把握不同动物的生理特征,使学生对狮子的勇猛、强悍;大象的有力气;猴子的灵活好动;狐狸的狡猾;兔子的动作敏捷等生活方式、习性有所了解,训练学生的观察力,加强学生的记忆力,丰富学生的想象力,发掘学生的创作潜能,培养学生热爱生活、热爱大自然、热爱动物的情感。我们还可以运用多媒体手段,把无法进入课堂的巨大的或微小实物进行处理整合,使学生能形象直观地观察,解决了时间、空间的问题。 三、重视对学生评价 童年是充满幻想的时代,好奇和幻想是儿童思维的特征,也是儿童心灵纯洁天真的表现,作为老师不要吝啬我们的表扬,赞美。每个人都有要求进步的愿望,每个人都希望别人认可自己,小学生更是如此。评讲时,可以通过师生合作,让学生成为评价的主人;也可以教师先评,学生参与互评,还可以典型主评、小组讨论等多种评价方式,注意多讲优点,多肯定学生创造性的一面,要让学生知道自己的长处,从而增强学习信心,培养学习美术的兴趣。有了自信,孩子就敢画了;有了自信,孩子就可以描绘自己的生活;有了自信,想象的翅膀就可以自由飞翔,创作出精彩的一幕。让快乐无时无刻不融入美术活动,带着学生踏入快乐的美术世界。 美术教学是一门艺术,而提高课堂教学的有效性是一篇大文章,绝不是一蹴而就的事。教无定法,贵在得法,作为新时代的教师,要不断学习,与时俱进。 以上点滴体会是笔者在教学过程中的一些肤浅认识,我会用心去努力,培养学生的实践能力和创新精神,较大限度地提高教学效率和教学质量,以学生为本,还课堂给学生。我会带着孩子们一起自由飞翔在五彩缤纷的美术王国里,找到属于自己的一片湛蓝的天空。 (上接第17页)着眼于打好学生的生命底色。连云港有着悠久的历史,丰厚的地域文化,这些遗存着原汁原味的文化资源,有着的鲜明的个性、地域性和时代特征,有着丰富的文化意蕴,是我校主题文化的底色,涵载着蓬勃的精神冀望,成为我校校本课程的生生不竭的资源。我校和市文化局非遗中心密切合作,开发非遗校本教材《山海印痕》,把千百年来流布连云港地区的神话故事、民间故事、工艺美术、民谚童谣纳入其中,将“非遗”带到孩子身边,让他们与港城传统文化来个“亲密接触”。使越来越多的少年儿童主动爱上了文化,并表现出极大的学习技艺的热情。因为,有爱才能传承。使新海校园能够成为“非遗”保护的一方沃土,让留存千百年的“活态文化”保持旺盛的生命力。 3.通过活动课程来实践主题文化。学校特色,主要表现为特色项目建设,特色项目代表着学校的优秀竞争力,特色学校建设必须以此为突破口。而特色项目的建设以活动作为支撑,并通过时间和空间的延伸,由量变产生质变,最终形成学校的一种持久的文化和精神,这就产生了特色学校。活动课程通过对话 交流,实践活动,建立一种知识性、社群性与文化性沟通的文化场,体现闪耀着人性光辉的文化精神。我校建立连云港市第一家学校非遗传承人工作室和收藏非遗传承人代表作品的非遗展览室,在非遗传承人及其作品和师生零距离接触中,通过活动课程、社团活动等有效载体,悠久的非物质文化遗产历经久远浓缩成他们手中的绝活,得以传承和褒扬。 新海小学以深厚的乡土文化为底蕴,挖掘传承内涵,开发本课程,注重学科渗透,引领学生传承非遗文化;依托本地特有的民风民俗,凝炼校园文化,丰富社会体验,开展社团活动,构建有效载体,脚踏实地推动了特色学校的创建工作。 小学美术课教学论文:对小学美术课教学的几点思考 摘 要:有人认为给小学生上美术课是很轻松也很容易的事情,那是他们不懂现在的美术教学,还是用过去的老眼光看待现在的美术课。其实要真正上好一节美术课并不那么简单。 关键词:导语;观察力;师生关系 在一节创作课的课堂上,一个好的导语可以使学生在没有画画之前就产生想画画的冲动,能够让学生展开想象的翅膀去尽情遐想,并找几名学生分别让他们用语言来表达理想的画面是什么样的,再让学生来补充。通过这种形式培养学生丰富的想象力和创造力,学生画出来的东西才有活力,更生动,不拘一格。彻底地打破了过去照葫芦画瓢的美术教学方法,当然学生的绘画表现力要靠学生多练来提高,教师对此要求不要太高,要有一个磨炼的过程。 一、在绘画的过程中培养学生敏锐的观察力 在教学中,那些有趣生动的形象最能引起学生的兴趣,是促使他们形象思维发展的主要意象。学生只凭头脑中的表象作画,往往大略地看了事物对象后,有个大概的记忆,就开始作画。针对这一现象,我在日常的美术教学中特别注意引导学生有目的地进行观察,并注重在观察中指导学生运用多种感官,更好地认识客观事物。色彩方面则多凭主观印象,因此,指导学生观察事物时,首先让其观察形状,在纸面上画出形状后再考虑着色。 二、创建新型的师生双边关系 作为一名小学美术教师,我在课堂上实施了愉快教学的方法, 使学生在玩乐中学习,在快乐中上课。在美术课堂上我经常穿插一些动植物简笔画教学,为以后的教学积累素材。并针对低年级学生见异思迁、喜新厌旧、缺少韧性的心理特征和教材的不同内容,采取了适合儿童特点的一些教学方法,千方百计地为学生创造产生兴趣的条件。上课时,利用导语、直观教具和直观演示等方式,吸引学生的注意力,激发学生的兴趣和作画的欲望。 三、丰富学生的创造力和想象力 作为小学美术教师,要尽可能地给学生提供丰富的形象资源。 运用讲故事、听录音,设置情景等手段,让学生插上想象的翅膀,创作更新、更奇的绘画作品。在创作课堂上,强调每个学生都要表现自己对生活的独特感受;在构思过程中大胆放手,让学生敢于超越自我;让学生根据自己对事物的观察、图画资料等进行组合画面或添画环境,进行情节的再造想象,使画面更完美、更生动。 小学美术课教学论文:新课程改革下小学美术课教学体验性学习 摘 要 新课程基础教育课程改革的浪潮滚滚而来,新课程体系在课程功能、结构、内容等方面都较原来的课程有了重大创新和突破。这场改革给教师带来了严峻的挑战和不可多得的机遇。可以说,新一轮基础教育课程改革将使我国的中小学教师队伍发生一次历史性的变化。每一位教师都将在这场变革面前实现新的"蜕变",新的跨越。 关键词 新课程 小学美术 教学体验 实践性学习 认真学习课程改革的先进理念,以全新的视角 审视新课程,走进新课程。中小学美术新课程标准打破了传统美术教学的知识框架,从全新的角度,按学习方式把美术课程分为欣赏?评述,造型?表现,设计?应用,综合?探索四大学习领域,造型表现、设计应用两个学习领域的活动方式强调学生自由表现,大胆设计创造,外化自己的认识和情感;欣赏评述则倾向于内化为文化品位和素质品质:综合探索则强调通过综合性美术活动的体验学习,引导学生主动探求,研究创造,运用综合性知识技能去制作,表现和展示,唤起学生对未知领域的探求欲望,体验愉悦和成就感。从新课标划分的四个学习领域中,我们可以看出,不论是外化能力、内化品质,还是探索未知,体验成功与情感,新课标赋予了新教材很多体验性学习的方式。新课程强调"一切为了学生的发展",从学生的经验出发,教学要向少年儿童的生活世界回归。教学方式由被动的接受式转向探究性学习、自主合作学习。 在新课程中学年级的美术教材中,体验学习的内容占了较大的比例:如"多采的学习生活"是对校园环境、人物以及校园内各种活动的绘画表现,加深对校园丰富多采的学习生活的体验;"教室壁报的编排设计"是对校园丰富多采的学习生活的热爱,培养同学之间相互团结、密切合作的人际关系,是对共同合作获得的成功与快乐的体验;"生活用品"是对日常用品的材质、款式、造型、色彩结构、功能、气味、特性的体验;"环境艺术--雕塑"是对不同材料可塑性的体验;"校园规划","闪亮的星空","艺术欣赏","椅子设计","网页设计",是对合作学习的体验。这些课程内容从不同角度体现了学习主体对个体的体验学习,为学生提供了一个宽泛的体验学习空间,怎样在美术教学活动中实施体验性学习呢?笔者从体验性学习的主客体交融性,体验性学习的实践性,体验性学习注重教材内容的灵活性三个方面做一些浅析,以与大家共同探讨。 一、体验性学习注重主客体的交融性 学习的过程是主客体交融的过程,就是学习主体对知识客体融会整合的过程。学生作为学习的主体,具有自主性、能动性和创造性,而教材内容则是固定的、静止的,具有自闭性、被动性,甚至排他性;为学生主体增加了障碍和困难;学习主体与教材客体成了一对矛盾。开展体验性学习,教师的作用就是使固定的、自闭的、被动的教材内容活起来,就是根据学生的生理、心理特点与教材自身的功能和内涵,注入体验性学习的机制和方式方法,使教学内容成为开放的,具有趣味的,充满活力的各种学习活动。如在"人体比例"教学中,创设学生相互观察的机会,体验人体的活力与美感;通过观看人体的视觉体验,丰富了学生对人体各种站姿、坐姿、跪姿的认识;通过动手绘画人物全身姿态的写生练习,体验人体结构的和谐美和人体的动态美。使学生获得了成功的愉悦体验,口语交流的体验。有机地创设体验学习情景和体验学习气氛,体验学习的契机。使学生对认知活动产生兴趣,产生爱意,自主地参与到学习活动中去,去体验和感悟,能动地拥抱知识,认识知识,学习主体与知识学习活动融为一体,在主客体的交融体验学习中,知识融入了学生的生命之中,使学生尝试到每一次学习体验都是生命意义的升华和对生命价值的体验,而获得对学习美术的持久兴趣。 二、体验性学习注重学习主体的实践性 实践是认知的基础,实践是体验性学习的基本方式,体验性学习就是通过丰富多彩的实践活动,充分刺激学生的视觉、触觉、听觉,从而获得感知认识,完成对客体的认知。如在"光明的始者"教学中,学生在把观察、抚摸灯具的过程中,通过手的触觉,体验到灯的实体,灯的外型、质感、功能;通过造型的观察、视觉体验,不但认识了灯,而且发现不同形状的灯与不同色彩的灯的区别;通过动手绘画体验,才发现平面上的灯与生活中的灯有很大的差别,但又互相联系。开展体验性学习活动,是在感知觉体验认识的基础上,进一步调动思维和情感的体验,逐步获得对知识的感悟和认知。再通过动手实践制作的体验,检验感知觉的认识,校正和提升认知思维,再进一步获得创造与成功愉悦的体验。 三、体验性学习注重教材内容的灵活性 在美术教学中,开展体验性学习的方式多种多样。如果按人体的功能可分为感触觉体验,视觉学习体验,动手实践体验,思维想象体验,情感审美体验。按认知客体内容可分为,对物体媒材性能、特征的体验,对双基知识的认知过程体验,对作品塑造的体验。按体验性学习的类型可分为:触摸感觉体验,视听情景体验,活动参与体验,实践创造体验,情感体验,成功体验,挫折体验,评价交流体验,审美体验等等。 小学美术课教学论文:关于加强小学美术课教学的几点思考 美术课不仅能够培养学生的审美情趣,而且还可以培养学生热爱生活,热爱大自然,热爱祖国的品质,那种认为美术课不重要,是副科的思想是单纯的追求升学率的思想,与新课程改革格格不入,严重影响了学生的全面发展。有些学校领导不重视美术教学,没有美术课教师,认为美术课可上可不上,一些担任美术课的教师,不认真备课,不批改学生的美术作业,美术课有时让给其他科教师上,这种状况在全面实施素质教育的今天必须要彻底纠正。如何加强美术课的教学,我认为应该从以下几个方面着手。 一、各学校要树立促进学生全面发展的教育思想,不能偏面强调升学率,要采取多种措施促进学生全面发展,凡是教育部规定的教学课程必须全部开设,没有教学设备,缺少教师要想尽办法进行克服,可以采取聘请文化馆美术教师或社会上有美术专长的人担任美术教师。现在国家每年都要给拨公用经费,学校一定要将这笔钱用在刀刃上,从中拿出一定的比例添置美术教学设备。总而言之,只要学校领导从思想上重视美术教学,就没有克服不了的困难。 二、学校要多举办美术方面的展览和比赛。学校要有负责体音美等艺术课教学的领导,12个班级以上的学校要成立美术教研组,要有专职的美术教师。每学期至少举行一次美术作品比赛,对获奖的同学要给予精神和物质奖励。要开办美术课外兴趣小组,营造一种美术教育的大环境,使学生热爱美术,积极投身到美术学习中。要鼓励学生积极参加各级各类美术比赛,对于在各级各类美术比赛中获奖的学生,学校要给予表彰和奖励,营造一个良好的学习美术的氛围,使学生家长、班主任教师支持学生学习美术,摒弃那种认为美术是副科的思想观念。 三、教师除了要认真备好每一节课,上好每一节课,对学生的美术作业要认真进行批改外,要重视培养学生的创造能力、创造意识和创造精神。人才的本质是创造。培养具有创新型人才是现代教育的主要目的。美术课以其独有的教学内容和教学方法在培养学生的创造精神和创造力方面与其它学科有一定的差异,这一点已经被现代教育所证实,因此,教师要在美术教学中,要调动一切手法,为学生思路的展开,潜能的挖掘提供契机,在美术课上全方位地培养学生的创造力。由于受应试教育的影响,这种意识和精神在现在的学生中并不是人人都认识到的。这就需要教师有意识地通过各种课题对学生进行教育。无论是绘画中“同形不同法、同形不同格、同物不同形、同物不同色”等造型要素方面,还是从中外美术史的发展与演变过程中的各种题材、流派、风格、技法的革新中,指出“创造”那种“画龙点睛”般的作用,并通过迁移联想,使学生真正认识到“创造”在整个人生当中所具有的价值。教师要在教学过程中注意保护和存留儿童的创造性。创造性并不是一种神秘的高不可攀的品质,它内在于儿童的本性之中。 儿童的想象力在某些方面体现出的创造性,奇异性并不比成人逊色,阅世愈浅,其情愈真,因为儿童画画时,毫无拘束地表现自己对事物新鲜的认识和感受,而不会受制于先入为主的成见。加之儿童拙扑的造型之所以叫人心动,正是因为表现了他们蓬勃的生命力,洋溢着他们天真活泼的感情,展示了他们积极的创造本能。因此,教师在美术教学过程中要注意保护和存留儿童的创造性,发掘儿童的潜能,发展儿童的天性。千万不要在教学中因为教师个人的一些喜爱或某些不适当的教学方法,扼杀了学生的艺术灵性,甚至压抑了他们的个性的潜能。 四、教师选择的教学内容、教学方法、教学形式要符合学生年龄特征和认知习惯,书本上的教学内容不一定是学生最感兴趣的知识,教师完全可以根据教学需要选择能更好的完成教学任务的教学内容;教学方法的灵活性选用更是取决于教师对教学内容的理解程度和教师掌握教学技巧的多寡;打破传统的教学形式,更灵活、更实用的组织教学是现代教育发展的主流方向。同时,我们必须清楚的认识到只有符合学生年龄特征和认知习惯的东西才容易引起学生的注意,才能使学生乐于接受和认知。更多的了解学生是解决这个问题的关键之所在。所谓的因材施教就是这个道理。 五、必须以教师的人格魅力感动学生。如果美术教师的言谈举止、穿着打扮,精神面貌与常人无异,何以证明美术对人内心感悟的作用,又怎能诱得学生渴望成为象你一样的人。因此,在工作和生活中,美术教师的言谈必须幽默睿智,举止必须大方得体,装束必须高雅和谐,面貌必须饱满热情,处事必须宽容豁达;时时处处体现美术教师的不同风采,尽显自己的人格魅力,关心和爱护学生,使自己成为学生乐于亲近、乐于仿效的老师,从而使学生亲近自己所教学科。这里要强调一点,学校的美术教师尽量不要模仿社会上的艺术家,去留大胡子,长头发,还是用人民教师的标准打扮和装束自己为好。 六、要给学生以希望,让学生觉得学好美术并不太难;要坚持循序渐进的教学原则,使学生觉得只要稍加努力就会获得成功,让学生在不断获得成功的喜悦中变得更加努力,这就是教育家常说的“让学生跳一跳摘到桃子”。因为学生幼小的年龄决定了,他们不可能长时间的关注一件即使经过艰苦努力也不一定能获得成功的事情,任何太难完成的教学任务,太复杂的教学过程,都将导致学生学习兴趣的丧失。况且,在现在的学校教育中,学生也不可能有更多的时间和精力来学习一门人们还普遍不重视的学科;愉快和轻松是美术学科赢得学生喜爱的法宝。 各学校和美术教师只要重视以上几点,我想学校的美术课教学一定能够取得成绩,学生会有更多的生活乐趣,得到更全面的发展。 小学美术课教学论文:以人为本加强乡镇小学美术课教学 义务教育《美术课程标准》(2011版)在课程实施建议中就规定:“明确‘以学生为本’教学设计的指导思想,在教学过程中,通过对教学目标、教学情境、信息资源、学习评价等方面的精心谋划和设计”。因此,在教学中坚持以人为本,从学生的实际出发,充分利用有效、有限的乡镇学校自身的教育资源,发挥教师和学生的工作、学习的积极性,完成美术课程的教育目标,既是时展的要求,也是美术教师与时俱进的表现。 一、激发兴趣,面向全体 课程标准明确指出:“实施义务教育阶段的美术教育,必须坚信每个学生都具有学习美术的潜能,能在他们不同的潜质上获得不同程度的发展”。这就说明我们教育的每个学生都有美术的潜能,只是这种潜能的大小不同而已。在乡镇小学,美术课本身就不被学生重视,说起来是:“落实上是相当次要;忙起来是统统不要”。因此,乡镇小学美术教师的首要任务就是保护学生学习美术的好奇心,不能泯灭其学习兴趣,不然,就有可能会失去像梵高、达芬奇这样的美术天才。还要从学校的实际出发,从学生现有的基础和需求出发,创造性地将美术课上得生动有趣,在保护好奇心的同时,不断激发其学习兴趣,开发学生美术的心田,相信“爱美之心人皆有之”,这是以人为本的重要体现。其次,要面向全体学生。以人为本的另一个重要方面,就是面向全体学生,使每个学生的美术潜能都能得到不同的开发。因此,选择素材要符合学生的实际,要根据学生熟悉的资源进行开发与利用,并通过有效的学习方式充分关注、爱护、扶持、推进每个学生的发展,让每个学生在美术学习及潜能的发挥上,都得到不同的发展,这也是美术课程教育的要义。如,在美术“设计・应用、欣赏・评述、综合・探索”等领域就允许学生有不同的见解,学生在学习人教版美术第八册“小圆点的魅力”可让学生在纸上画小圆点,使小圆点在纸上不同的位置,给人以不同的感觉,并组合出各种有创意的作品,产生美感,给自己带来心灵的愉悦。所以,只要学生动手去画,自己感到美、愉悦就达到了目的。在低年级阶段不必苛求画的怎么美丽,规范符合什么什么原则等。这样,既保护了学生的好奇心,又激发了学习兴趣,而且兼顾了全体学生,真是一举三得。 二、利用资源,培育个性 美术课程是创造性很强的学科,在很大程度上是优越于其它学科,包括某些主科。充分发挥学生的美术天赋,使其思想、情感跃然纸上,产生视觉的欣赏效果,只要学生对自己的创作图画满意,就要在肯定的情况下给予点评与修正,保护其美术个性和创新精神。乡镇小学的学生视野有限,所画的东西大多为农村所见,又由于年龄所限,所画的作品幼稚、天真,但也要鼓励、表扬。充分开发和利用乡镇小学已有的教学资源,既是课标所允许的,也是对美术课程的尊重,还是对学生学习的尊重,更是以人为本的体现。虽然画的很少有高楼大厦、立交桥、轻轨,但乡间小路、阡陌沟渠、校园的花、草、树木、飞鸟、彩蝶等,同样能表现出学生优秀的个性,绘画的技巧,产生优秀的作品。所以,要尊重、鼓励和表扬,才能实现课标的要求,完成美术课教育教学的目的。 三、科学评价,目中有人 小学生非常重视教师的评价,尤其是低年级的学生更加看重教师的评语,一个“优秀”、“良好”都能激起学生学习美术的极大热情。正确评价学生的作品、技法、审美能力等,是教师教育教学以人为本尊重学生的表现。评价要遵循如下原则:一是激励原则。每一次学生作业,都是学生辛勤劳动与智慧的结晶,承载着学生情感,都十分期盼教师的评价。所以,评价要体现正能量,激励学生进步、激励学生改进不足,增强学生学习美术的信心。二是启发与尊重的原则。对于学生不佳的作业,教师切记不能一否到底,一棍子打死,不能讽刺、挖苦,损害学生的自尊心,这样对学生的一生都会产生对美术不良的影响,厌恶美术,讨厌美术。因此,教师在评价时要启发与尊重并举,在尊重的前提下,给予学生以点拨,使之改正错误。 以人为本,就要从学生的学情出发,从学校的实际出发,充分利用有效的教学资源。保护学生的好奇心,不泯灭学习兴趣,鼓励学生创造性的完成作业,用发展的眼光去评价学生。还要尊重美术课程,尊重自己无怨无悔的美术教育职业,严格按照课标的要求,完成教育教学任务。坚信美术课程对学生全面发展的重要和国家开设美术课程的道理,深信美术课对学生成长的作用会更加凸显。 作者简介:高雅华,女,吉林长岭人,吉林省长岭县太平川镇第一小学,小学一级。研究方向:小学美术教学。 小学美术课教学论文:浅谈小学美术课教学 摘要:小学阶段的美术教学,担负着陶冶学生情操、提高素养、增强学生美感体验,培养学生欣赏美和创造美的能力,开启儿童创造思维的重任。以往小学美术教学大多采用封闭落后的临摹式教学,以及变相临摹的模仿教学。虽然有些学生的作品能够在明暗、色彩、构图等方面达到一定的水准,但这样的美术教学结果,会使儿童思维形成定势,限制儿童创造思维的发展和想象能力的提高。 关键词:小学美术;教学方法 近年来,课程的不断更新,以我个人见解小学美术课教学应该注意以下几点: 1.创设情境,激发兴趣 兴趣是学生发展思维的巨大推动力,有兴趣的学习不仅能使人全神贯注,积极思考,而且会达到废寝忘食、欲罢不能的地步。游戏是儿童生活中不可缺少的组成部分,适当运用游戏于课堂教学中能活跃课堂气氛,调动学习兴趣,儿童喜欢多种形式的游戏,教师可在游戏中培养学生各方面的兴趣爱好,例如在辽海出版社第三册《头饰》一课中,我先作这样的启示:你们喜欢动画片中的人物吗?然后找几名同学戴着动画片中的人物头饰出场,并邀请同学们参加游戏活动,学生在这种游戏活动中展开了生动的想像,仿佛已经置身于充满笑声的游乐之中,这样学生在兴趣盎然中学习,效果很好,让学生在轻松、愉快的氛围中,学习绘画艺术。 2.通过美术教学,培养学生的各种能力 观察能力的培养,敏锐的视觉感受和正确的观察方法是绘厕中不可缺少的重要部分。很多学生认识不到这一点,因此在作画的过程中,大部分时问忙于涂抹自己的画面,画的多看的少,这时教师就应该调动全体学生的注意力,让他们有步骤、分层次地仔细观察。并说出绘画对角的结构、颜色、明暗等规律性的绘画因素,经过多次反复的训练以提高学生敏锐的感觉事物的能力。 3.指导儿童绘画刨作,很重要的是要从儿童心理特征出发,培养儿童对美的感受能力,想像能力,创造能力和表达能力 美术创作是形象思维,应通过激发儿童对于美术的兴趣,培养儿童的形象思维,开发儿童智力,培养儿童观察、记忆、想像和刨造能力。这个过程,重要的是对儿童艺术创作有利的引路人,要善于了解儿童,启发儿童对美的兴趣和感受,堵养儿童的想像力和创造力,尊重孩子神奇的幻想。 童年是充满幻想的时代。好奇和幻想是儿童思维的特征,也是儿童心灵纯洁天真的表现。他们可以"异想天开":弯弯的月亮挂在天上,孩子可以幻想在月亮上挂秋千摇荡;蝴蝶纷飞扑向孩子身上,说明我比花儿更美{不同国家的儿童可以用纸筒互相"打电话"。在成人看来似乎"荒诞不经",对儿童来说,正是奥妙所在。因此.要指导儿童画画,就要去发掘他们这种儿童审美的奥妙。 4.让孩子学会自己造型 孩子画画,开始往往是画小孩,他们总是先画一个圆圆,这是一个头,再画上嘴巴,嘴巴很重要,它能吃糖、唱歌、讲故事,作用可大呢。又点上两小点是眼睛,它不像嘴巴那样重要。再刷刷几根头发。这就是他脑子里有的印象。至于耳朵、鼻子是他们往往疏忽的。如一竖是身体,二横是手臂,手掌不清楚,但五个手指头是不会弄错的,两腿和脚就只有两竖和两个小圈儿了。 看到这里,我们首先要夸奖:"画得好"鼓励他这样画下去。千万不能说:画得一点也不像,这样会扼杀孩子的兴趣。孩子的幼小心灵总希望得到老师和家长的鼓励和支持。而儿童认识形象,不会超出自己的理解能力。孩子不能理解的东西,大人不能操之过急,强迫接受,这样就会引起儿童的厌烦,减退唾画的兴趣。在启发儿童创作热爱祖国为主题的绘画时,教师启示以爱国旗为题。这时,孩子纷纷举手,说要画国旗。一个孩子提问:"能不能画降旗?"教师问:"为什么?"原来他记忆起去年学校中曾发生的一件事:一天突然下大雨,几个红领巾看见操场上国旗还没降下来,他们冒雨降下了国旗,他想画这个场面。这是很好的设想,教师鼓励他进一步构想,这个孩子画了三个红领巾冒雨降旗,并将教学楼,操场上的篮球架、双杠、单杠等都画了进去。教师提示:这样画太复杂了,主题不突出,绘画就是要画出生活中最美的东西。像教学楼、篮球架、双单杠和降国旗爱祖国有什么关系呢?孩子接受了意见,画面只剩下三个小朋友在呼叫,奔跑,解旗杆绳索,天上正下着大雨,并题名《下雨了》。画面集中,形象单纯,主题突出。接触大自然,接触社会生活。 5.让孩子画活的东西,多观察,多写生 为了开拓孩子们的眼界,教师要求家长在休息时、假期里多带孩子外出写生,到公园、儿童游乐场、动物园、马路、风景优美的地方写生,让孩子多接触大自然,接触社会生活,丰富孩子的创作。一次我带着孩子参观盲童学校,那儿环境清静,一尘不染,绿树成荫,真如到了一座大花园,看到盲童在这里的学习生活,处处有人照料,健康愉快地成长。更使孩子们惊奇的是他们还能以手代耳,进行雕塑、刺绣等艺术创作,甚至还能学习推拿医疗技术为人民服务,充分体现在祖国的怀抱里,残废人生活幸福,使孩子们很受感动。他们回来后,立即创作了《推拿》、《勤学苦练》等作品,并获得好评。 在表现形式方面,孩子临摹画册也是一种学画的手段;但更重要的是让孩子画活的东西,多观察,多写生,自己选材自己造型。同时要培养孩子的绘画兴趣,不能单画一种画,要让孩子广泛涉猎,包括中国画、水彩画,水粉画、油画、腊笔画等等。经过多种实践,可以丰富孩子在造型、创作、色彩等多方面的表现能力。对于儿童画画的兴趣,要注意"留有余地",爱护他们的积极性,不能让他们画厌了。儿童时期要以学文化为主,每天可有一定时问画画,保持他们精力旺盛,画兴不衰,熟悉儿童的美感情趣。 儿童画指导者不仅是一位美术爱好家.也应是儿童心理学家。 新课改倡导的美术教学,要求我们既要重视学生对艺术的感受、表现和创造力的培养,还要注重美术更多地与文化、历史、生活相联系,创建多维互动的有利于学生自主学习的教学组织形式,使学生在宽松的氛围中感受美,在活动中学、在玩中学,在知识探索的过程中发现规律,达到认识、操作、情感、创造的有效整合,使学生感到学习是一种享受,一种娱乐!这是我教学美术的最高目标。 小学美术课教学论文:信息环境下农村小学美术课教学的探索和思考 摘 要:信息技术融入美术课的教学,让美术课教学发生了翻天覆地的变化,信息技术不再辅助于美术课堂,而将真正主宰美术课堂教学。小学美术与信息技术的整合是教学发展的必然,应该充分发挥其作用,让美术课教学变得有效、高效,同时也要避免信息技术带来的负面效应,采取更好的方式让学生学好美术。 关键词:小学美术;信息技术;素材 随着科技的进步,时尚美成了信息技术的必然产物。信息技术也同样融入了美术课的教学中,让美术课教学发生了翻天覆地的变化,信息技术不再辅助于美术课堂,而将真正主宰美术课堂教学。 我校地处农村,虽是农村,但我校的信息技术软硬件设施配置还是比较到位的。近几年来,我就信息环境下农村小学美术课的教学方法和教学形式进行了探索与实践,下面谈谈我在实践中的体会和思考。 一、美术与信息技术存在极为密切的联系,整合具有必然性 美术这门艺术能给人视觉上的盛宴,信息技术同样是通过图文声茂来展示自己,二者在表达是形式上有一定的相似性。信息技术完全可以成为美术创作和呈现的载体。而在省编小学信息技术与小学美术教材中,有很多学习内容是相互关联的。所以,美术与信息技术的整合具有必然性。 二、美术与信息技术结合优化了教学过程,整合具有可行性 1.资源浩如烟海,查找随心所欲 目前,小学美术教学所涉及的范围极广,包括儿童美术、绘画、卡通设计、民间艺术、雕塑等,由于教师和学生在传统的教学手段下难以获取丰富的资源,让美术赏析课变得索然无味。 通过美术课与信息技术的整合,带来了海量的资源,教师有了可供参照的样本和资源,学生的眼界也得到了扩展,学习兴趣得以激发。例如,学生可以通过网络收集资源制作一个美术海报作为作业。 2.强大的软件供你用,轻轻松松搞设计 由于手工绘制的设计方式受设计者自身技术水平的影响比较大,也比较费时间,所以学生往往难以实现预想的构思,设计会以失败告终。信息技术中有很多软件可以帮助美术课开展设计,让美术设计变得效果生动,内容丰富,如,字体的改变、图案的设计等等。这样可以让学生开展设计变得轻松,学习信心也得到增强。 3.突破难点,电子白板课件很管用 电子白板课件大多以操作互动为主,是信息技术与其他课程整合中最为常见的形式。教师可运用电子白板等多媒体制作工具,综合利用各种教学素材,编写自己的多媒体课件,用图表、动画等展示动态的变化过程,形象地演示某些难以理解的内容,用于突破难点,提高课堂教学效率。小学美术与信息技术学科整合教学中电子白板主要应用于以下几种情形: (1)分析解释 电子白板课件可以帮助学生理解美术知识,启发他们发现美术规律。比如,《千变万化的线》一课,制作一个可供教师演示和学生学习的课件。课件首先展示自然界中各种各样的线,并用闪烁的效果将这些线条突出来,然后概括出线的种类,接着通过说说、画画让学生体会线条的千变万化,最后再让他们欣赏美术作品中的线条的美。 (2)提供素材 充分发挥SMART课件的优势,给学生展示大量的图片、录像等直观信息,可以帮助学生接近生活,了解实际,解决困难,提高学习的质量。如,《欢乐的元宵节》,我们当地的风俗不太重视元宵节,学生对这一节日知之甚少,就可以通过白板展示。 (3)对比实验 通过直观的对比实验能够很好地展示不同美术作品之间的差异,进而揭示其规律。比如,认识冷色和暖色,可通过观看大量的对比图片,让学生感受色彩的冷暖差异,这比光凭教师的讲解来得直观、简单得多。 三、美术与信息技术的整合改变了学习方式,整合具有多样性 1.改变了学习的方式,引起了教学结构的改变 小学教育中存在普遍教育和个性教育的矛盾。利用信息技术可以满足学生个性学习的需要,利用网络可以让学生自主发展自己的创造能力,自主收集资料、处理信息、构建知识,引起了整个教学结构的变化。 2.改变了学生的思维方式 信息技术让学生在收集处理信息过程强化了归纳、概括能力,让思维能力得到训练,当同时面对海量资源的冲击,自身的判断能力也在变化。作为教师要引导学生在这些信息中寻找对自身有用的、正确的信息和资源。 3.整合可能会导致传统美术技法的弱化 由于美术中的某些课程的作业可以通过计算机应用软件来完成,如“封面设计”,学生可通过Word或画图等软件制作出漂亮的作品,不需要使用传统的颜料、画笔等工具,也不需要进行传统意义上的调色,那么他们对颜料的属性可能就不太了解,对颜料调配的方法和技术可能就不熟练,同样在运用时也不能弱化传统美术技法。 4.网络管理的不完善和信息的良莠不齐可能会带来某些负面影响 网络是一个开放的世界,信息来源广泛,这为我们提供了许多可供学习的资源,但其中也充斥着许多错误的、消极的、不健康的信息,这会给判断能力还不强的儿童带来负面影响,不利于他们形成正确的审美观和高尚的道德情操。因此,在教学中不仅要坚持正面教育,还要强化网络管理措施。 总之,小学美术与信息技术的整合是教学发展的必然,我们应该充分发挥其作用,让美术课教学变得有效、高效。同时也要避免信息技术带来的负面效应,采取更好的方式让学生学好美术。 小学美术课教学论文:在中小学美术课教学中如何诠释中国画 摘 要: 本文主要分析中小学美术教学中中国画教学的现状,从中国画的内涵、临摹、指导创作三个维度对中国画进行诠释。 关键词: 中小学美术教学 中国画 笔墨情趣 意境表达 中国画作为中华民族特有的艺术,以其自身魅力独步于世界艺林,无论是从思想内容还是表现形式上,都与西画有本质的区别。中国画注重意境、情感的表达,特别是以其独特的表现工具、造型手段及不拘一格的构图方式,越来越为世界其他民族所喜爱。从这个角度上说,中国画就是国学的重要组成部分。然而,在大力倡导国学的今天,并不是所有的美术教师在国画教学上都能很好地诠释中国画,进而使本来具有独特魅力的中国画教学失去应有的教化育人功能。甚至有个别学校在美术课教学上完全抛弃中国画教学。这不能不说是美术教育的悲哀。基于此,笔者呼吁,在中小学美术教学中,应倡导中国画教学,让中国画在中小学美术教学上占应有的重要地位。在中小学美术课的中国画教学上,美术教师应从如下几个方面对中国画进行诠释。 一、在欣赏课上交代好中国画的内涵 一般来说,中小学的美术欣赏课,大多是教师引导学生自己看,甚至让学生间相互交流、探讨,但值得注意的是,大部分学生并不具备审美素养,单凭学生间的交流、探讨根本毫无意义可言。对于独具特色的中国画,学生自己欣赏能领悟中国画的真谛吗?一定不能。学生如此,回过头来,再说一下我们的美术教师,大部分教师基本功尚可吗?笔者曾在一期“美术骨干教师”培训课上,和奋战在一线的教师交谈、切磋,从大多数教师的言谈中,不难听出,他们对中国画的理解也是一知半解,有的认识非常片面,基于此,他们不得不让学生自己去欣赏。这样的欣赏课学生根本无法了解中国画的内涵。所以,笔者认为,教师首先要加强基本功、提高文化理论素养,深谙民族传统文化,在美术欣赏课上才能科学地、准确地解读中国画。教师应利用欣赏课从以下几个方面交代中国画的内涵: (一)中国画是中华民族传统文化之一。中华民族历史悠久,其自身文化博大精深。在灿若星河的民族传统文化当中,中国画以其自身的特点、语言形式、文化体征区别于其他文化。从某种程度上,它可以和《四书》《五经》、四大名著、程朱理学、唐诗宋词相提并论。古往今来,涌现出众多的书画名家,他们的传世之作享誉中外,隽永长新,极大地丰富了中华民族的传统文化,并为中、西方文化艺术的交流作出了不可磨灭的贡献。从这个意义上说,中国画是中华民族传统文化之一。 (二)中国画是中华民族特有的艺术。所谓特有,是说世界上其他民族都不具备的,中国画讲究诗、书、画、印的有机结合,注重意境的表达。和西方绘画大相径庭,西方绘画注重光、影、色的科学组合及机理的处理。中国画讲究“随类赋彩”、“气韵生动”,追求“神似”,更主要的是“形神兼备”、“抒胸中意气”。从这个角度上讲,这是世界其他民族望尘莫及的。所以,中国画是中华民族特有的艺术。 (三)在表现形式上,中国画是以笔、墨、纸、绢、砚为主要表现工具的艺术。西方绘画以画布、画板、画框、油彩或其他材质为主。而中国画所使用的工具主要以本民族特有的毛笔、宣纸、绢布、石砚、墨汁,这里的工具每一件都蕴含丰富的文化,甚至有些是千年以上的历史。用这些工具所表现出来的中国画为世界绘画的繁荣写下了浓重的一笔。难怪一提起毛笔、墨汁、宣纸或绢布所表现出来的艺术作品,人们就说那一定是中国画。可见,中国画是以笔、墨、纸、绢、砚为主要表现工具的艺术。 (四)中国画是以线造型为主的艺术,是强调感性的艺术。西方绘画讲究光影、明暗、透视,是一套较为理性的、科学的并以块面造型为主(不是单一、绝对的)的艺术。一般情况下,能较真实地表现客观物象。而中国画大多不受透视法则的约束,以线造型为主,讲究线条的流畅、用笔的轻重缓急,同时强调主观感受,以小观大,追求“天人合一”、“物我两忘”的最高境界。 二、在中国画的临摹练习上,体验中国画笔墨情趣。 临摹是学习美术最基本的有效途径之一。中国画讲究“传移摹写”,临摹中国画是学习中国画所必不可缺的必修课(指专业学习)。在中小学美术课的教学上,学生通过临摹,掌握毛笔的各种运笔,知道用毛笔蘸不同的墨汁,可在宣纸上产生不同的效果,体会“墨分五色”。根据自己的实践练习,了解墨色的形成、线条抑扬顿挫,明白不同文化修养、不同境遇的画家所表现的内容各不相同,进而明晰大师们所追求的笔情墨趣,领悟中国画所说的那种超脱自我的“物我两忘”。 三、在中国画的创作上,领悟中国画注重意境的表达 中国画所谓的意境是指一幅画中所体现的思想感情的境界,即意是指主题思想、感情,境是指境界。如果教师枯燥地讲,学生不会轻易地明白,教师可通过对一两幅范画实例进行分析,让学生学会“造境”,然后按着中国画创作的一般过程进行指导,学生便会自觉不自觉地主动立意,然后构思、构图、绘制。这样学生在头脑中便会形成这样一个模式,即在“创作”中国画时,必须先考虑如何营造意境,怎样画能表现所思所想,如此经过深思熟虑后所表现出来的作品势必生动感人。 意境深远、富含生活内容,追求崇高目标的中国画不仅能感染一代代人、流芳千古,而且能激发我们的民族自豪感。所以教师在指导学生进行中国画创作时,一定要求学生注重意境的表达。 总之,中国画蕴意丰富,神圣庄严,伴随着中华民族的文明与进步已走过几千年,为世界艺术的发展作出了不可磨灭的贡献。所以,在中小学美术教育教学上有必要对其诠释,使这一灿烂的艺术代代相传,永远屹立于世界艺术之林。