服装设计论文3篇

服装设计论文篇1

1服装设计中视觉传达图形创意内涵

服装图形装饰能以最直接的方式修饰身体外观，也是人类追求美感的常用方法。视觉传达图形创意设计主要以服装图形装饰为核心，根据该类图形范围及类别，可将其分为单件丝网印及面料设计等类图形，常会涉及花边镂空装饰、抽纱以及棉、麻、毛丝等类织物。也可以根据各类几何形式的设计结构及贴布图形等工艺形式进行合理化的分类。服装图形设计的历史悠久，从原始人的植物染料到不同时期的彩画，无一不在印证着人类对图形装饰艺术美感的追求。随着人类思想认知及人类水平的持续进步，造型艺术已经成为服装图形的一种独特属性。优质服装设计通常会在精准把握服装功能尺度的同时，从不同的审美角度对服装进行各类创意设计。也就是说将服装装饰结构与其功能融为一体，才能充分体现其视觉艺术效果及实用性[1]。

2服装设计及其创新设计的视觉语言及图形创意方法

2.1视觉语言

在服装设计中，建立视觉语言主要依赖于材料、色彩及空间等基本型服装设计要素，运用主次、变化等类美学原理，恰到好处地传达设计师情感，使图形视觉效果达到最佳状态。建立视觉语言的过程极为复杂，设计师应保持个人主见，有效提高自身掌控全局能力。因为设计环节拥有多种在结构、质感等层面表现力颇丰的诱惑性元素，所以设计人员应充分了解各个元素之间的内在联系，并精准地表达设计主题，赋予整体创作过程应有的艺术价值及设计美感。在充分理解服装视觉语言构造的同时，提高自身对视觉传达图形设计的思想认知，从而创作出更完美的服装设计成品。服装创意设计的视觉效果，不应局限于人们对常规形象的认知，比如20世纪的某个阶段流行内衣外穿，解锁了女性新型穿衣模式，缔造了与众不同的风格，如今，一直在影响着新型服装形象的流行。步入网络时代，服装创意设计旨在强调内容与形式的深度融合。在此期间，应精准把握各要素之间的协调关系，使新型服装视觉形象及设计情感可以淋漓尽致地展现，只有如此才能充分发挥其自身创意价值[2]。

2.2常见图形创意方法

平衡法：图形创意中的平衡法旨在充分利用画面里的元素保持一定的平衡关系（如点、线、面等元素），若一个作品缺乏一定的协调性就会产生较为强烈的对比，高调显示作品设计，则无法确保作品趋于完美。可以通过设计中触觉、视觉以及听觉等元素使整体画面保持平衡，并适时利用点、线、面等来进行过渡，使图形面积对比、节奏变化以及形状聚散等可以达到和谐效果。借鉴创意法：设计者可通过各种生活体验及细节观察，并将自身创作思路融入其中，是一种新型创意设计方法。既能帮助设计人员积累各方面知识，也能丰富其自身创意。可以嫁接东西方文化，为设计作品增添活力。也可以通过古典与现代混搭的方式表达作者的想法及独特视角，从而赋予作品极强的生命力。夸张法：图形创意夸张手法与人们日常生活密切关联，图形设计中多以夸张、抽象的表现形式为主，既能增强图形立体感，又能有效提高作品层次。由于每个人的性格、行为以及生活经历等都存在一定的差异。所以每位设计师都有自身独特的创造力，而且他们的设计风格也是不同的，不能盲目对其进行模仿或复制。比如在刀具图形设计中使用夸张创意手法，能充分体验刀具锋利及耐用效果，从而令人记忆深刻。联想法：所谓联想创意法就是重新组合旧的元素，或找到两种完全不相干事物的共同点，使其重新组建为新型事物。要求设计者在拓展延伸设计元素的同时融入自身想象力，除了个人联想之外，还可以利用团队的形式吸纳各类不同意见，激发创作灵感，比如可以将大牌手提袋设计图案与人体部位相结合，让人体验设计之精妙。逆向思维法：步入图形创意环节，根据既定事实充分考虑与其对立的一面，用反常规思维获取让人意料之外的效果，能吸引人们去关注与深思。比如将内衣设置成手的模样，用两只漂亮的双手连在一起保持托起的姿势，从而能第一时间反映出女性内衣的舒适感，进而体现出设计者的逆向思维表现形式，让人印象深刻而又无限遐想。

3服装视觉传达图形基本设计元素的创新思路

服装视觉基本设计元素大体涵盖了造型、图案、辅料、细节、工艺等元素，所以设计师应深度挖掘适合表达设计创意的相关元素，使其他元素起到一定的烘托作用。因此在选择创意元素过程中，首先应研究设计对象的功能特性，使服装设计种类及风格更加清晰明确。然后根据创意风格选择合适的元素进行组合变化，有利于在降低设计难度的同时，理清设计思路，并确保设计元素应用更加规范。设计元素可根据自身性质、量感及形态分为三级，以性质为根本是为一级，然后是设计元素的外观表现，即形态，即为第二级；第三级就是设计元素规格、尺寸等方面的数值，即为量感。比如色彩元素中的红色，单纯地说红色并不具体，也不容易想象其状态，但对其进行元素分级，即可根据红色纯度及明度充分了解红色的基本性质，进而翔实的界定它到底是浅红色还是深红色。不同性质的红色给人的感官的想象也存在较大差异，毕竟不同性质的红色存在的审美意义也不尽相同。而红色服装款式中对红色的应用是局部还是整体，其面积大小及位置亦有所不同，这便是设计元素中的量感设计。因此，只有这三个方面的创意足够有深度，才能极致发挥服装整体造型的视觉传达表现力[3]。服装视觉语言在内容方面的美感主要体现在服装设计主题思想所表达出来的美感，是一种融入作者感悟的综合型服装设计，具有较强的抽象性。视觉传达设计中的形式美则体现在面料及色彩等元素，具体体现的视觉美感。在构建服装形象过程中，心是美主要是用来平衡各类设计与元素之间的关系，并利用不同形式美学原则，丰富设计在服装视觉图案中的具体表现，使其能将新型设计元素与各类形式美原则融为一体，从而形成主题鲜明且均衡统一的服装视觉形象。视觉传达图形设计创意作品不仅具有语义生动完整的视觉语言，还能充分地体现服装创意设计的艺术感染力及审美价值。

4解析服装设计中视觉传达图形创意设计

4.1图形创意在服装设计中的应用要点及表现形式

现代服装图形设计中充分蕴含传统韵味及审美情趣，细致考究不同文化背景中的传统图形文化及其在现代服装视觉传达设计领域中的发展情况，深度了解这种传承与发展对现代服饰图形审美所起到的积极作用，有利于设计者充分挖掘古今服装图形审美取向的变化趋势，从而更好地保护传统图形文化[4]。服装除了能遮体御寒之外还具备一定的象征性元素，能通过图形创意以最新奇的方式彰显服装的艺术特性，在充分满足人们个性化需求的同时，赋予服装丰富的文化内涵。服装设计中应用图形创意能深层次普及各类艺术文化，有利于传统艺术的传承与发展。在使用图形创意时，应结合服装受众群体及使用场合等层面内容，全面分析图形设计所要使用的设计元素并遵循一定设计原则，让人们能充分感知创意作品的艺术美感。根据服装的设计需求及其立体形态，精准布局图形位置。因为图形是一种用来装饰服装的修饰符号，能巧妙传达各类创作意图，深化服装设计内涵。图形创意表现形式主要是根据各类服装设计主题及服装整体风格，协调相应色彩关系的终极效果。不能完全依照个人喜好，随意进行色彩搭配与设计。比如T恤衫设计，通常会将图形创意中所选的色彩搭配设计，放在较为显眼的位置，使具象（抽象）图形创意能完美诠释设计主题。因此，只有色彩搭配合理，才能确保人们以最直观的方式分辨图形及文字装饰的形状及内涵所在。一般情况下，具象图形创意主要侧重于图形排列组合之后的新型表现形式。而抽象图形创意则比较注重服装设计的装饰效果。

4.2图形创意在服装视觉传达设计中的应用原则

服装图形视觉传达设计至少应遵循市场发展原则、创新原则以及品牌建设等原则，因为市场能集中体现消费者对服装设计成果的认可程度。洞悉市场发展动态，才能精准把握消费者的喜好及个性化需求，整合一切因素有针对性地进行设计，才能确保视觉传达设计能充分满足不同受众群体。因此设计者应根据市场发展态势，深挖各领域图形创意元素特性并从中获取更多设计灵感，在尊重市场的情况下设计更多优秀作品。虽然不同图形在不同设计产品中应用，能充分表达设计情感，但不代表原本图形元素可被随意照搬。比如国内部分民间艺术图形元素，产生于特定时期，凝聚着先人辈们的智慧并拥有独特的文化底蕴，是一种时代标志。如今人们的审美意识持续变化着，图形运用也应得到合理创新。所以，设计师可遵循创新原则深挖特定图形的艺术元素，融合现代审美理念进行融会贯通，如此才能确保不同图形设计元素富有时代感并为大众所接受。此外，还应打造相应品牌，在传统文化元素中渗透现代设计理念，弘扬图形艺术的文化内涵，确保设计作品在充分彰显现代设计手法的同时，使古今融合的艺术功能淋漓尽致地呈现，赋予服装图形视觉传达创意设计无限可能。

5服装设计中视觉传达图形创意设计的具体应用方法

众所周知，服装图形设计有具象与抽象两种类型，设计师应系统化考虑怎样把自然物体的视觉图像印制在服装上；怎样做到布局图形纹饰以及如何充分掌握各类几何图形的变化规律等。从统一与变化之间的整体关系入手，多个角度考虑图形设计的基本变化规律，在充分了解其相关注意事项的前提下，深度挖掘具象自然物中的各类抽象图形，使其可以符合人们的常规审美习惯。逐步探析该项事物转化成抽象图形的变化过程（如具体图像→变化图像→抽象化→变异等），因此要求设计师精准把握物态特征并具备较强的创新能力。如此才能根据图形组成结构与法则，有效地融入服装视觉基本设计元素，并按要求完成相关图形设计制作。为了更好地体现密集画面抽象图形，可从作品力量、强度及气势等层面进行合理把控。比如将抽象元素融入图形的骨架结构之后，可按照现代审美法则将其组成适合服装款式风格的视觉图形。设计师应充分掌握视觉传达设计中的统一与变化规律，在此基础上进行服装图形创作。深层次了解服装图形装饰创新设计要点，毕竟服装图形设计所涉及的图形变化在某种意义上是由自然形或几何形演变而来的。在实际创作中一个形转变为多个形，也可以直接从自然物品中提取所需的形态元素，使之成为各类形态图形构成的主要素材，并在重构图形内元素形态的同时，赋予图形全新的生命及创意创作意图。因此设计者应充分感知“变化”是图形生命力的核心力量，精准把握统一与变化之间的制衡点，确保最终设计出来的服装图形能符合图形形式美的相关法则[5]。视觉传达艺术创意除了体现在图形渲染设计层面，还可以融合一些古老服装制作工艺，制作更具现代美感的新型图形作品，使其能深度融合到服装面料的生产活动当中。除了这些印制类等的图形设计绘制在外，还可以聚焦于扎染、蜡染等类服装工艺，使服装视觉传达艺术的表达形式更为丰富，从而切实提高人们对视觉传达艺术在服装图形装饰设计领域的认知。扎染在民族服饰中的应用较为广泛，是最为常见的生产工艺，对现代服装视觉传达图形设计发展具有一定启发作用。古人管扎染叫做绞缬，该类染色技法是将植物提取液作为古代服装等的重要染料，并按照具体印染要求，用细绳捆扎相关布料的局部，使其经过一定时间之后风干，可直接加工成人们所需的服装图形。因此，扎染技法在传承过程中，一直都是一项重要技能。除此之外，各类染色技法也不容忽视（如单色染法等）。对于蜡染、刺绣等类与服装图形视觉传达设计密切相关的工艺来说，他们既能有效体现服装图形创作的总体风貌，又能助推服装设计艺术的长效发展。这些工艺既是古代先民传承至今的非物质遗产，又是利用当代科技支撑下的服装图形创意设计的重要元素，为国内服装图形装饰设计走向带来不同程度的影响。

6结语

视觉传达设计与当代服装设计艺术密切相关，服装装饰创意设计意图及其价值所在，都需要相关的图形效果将其传播出去，这对人们日常生产生活来说十分重要。因此，应持续拓展视觉传达图形创意设计思维，并不断创新服装图形视觉的基本设计元素，同步提高图形创意逻辑感及视觉传达设计的能力。

作者:蔡仰风 单位:江西服装学院

服装设计论文篇2

1点彩画法在服装设计中的呈现

点彩画法中最关键的概念便是“点”，点是组成视觉文化作品最基础的元素，点不仅仅是视觉艺术的永恒元素，在服饰作品设计中更是无法忽略的存在。与此同时，点的色彩表达也同样不能忽略，色彩创作中利用丰满、自然、微妙的颜色关系表达其中的作者情感，创作者通过丰富多彩的画面效果所给予观众的视觉效果冲击的差异性，将画面所包含的思想感情传达给观众。总而言之，不管是从外在还是从内心出发，把点彩画法迁移到服装设计中，都无疑地会为服装设计提供更强烈的视觉效果与丰富多彩的画面情感表达。在2010年的早春服装产品中就出现了以点彩画法为主要设计创意的礼服，设计师以点彩画法，采用高低错落、疏密有致、颜色相间的方式，将点彩画法与连衣裙设计充分结合。在丰富服装整体设计感的基础上融入油画肌理，使服装造型更具有艺术感和时尚感。在迪奥2016年秋冬高定系列服装中，迪奥的服装设计总监拉夫西蒙在罗丹博物馆内，向观众展示了宛若印象派画面的秀场。拉夫西蒙不仅将点彩画法与服装设计相结合，同时整个秀场的主题也是以点彩画为主，拉夫西蒙将色彩各异的点状装饰覆盖在透明的膜片上，在灯光下形成五彩斑斓的点状光斑。拉夫西蒙从点彩画中汲取艺术灵感，并结合了高超的高端制作工艺，设计出美学和技艺相互融合的服装作品，从而让点彩画在迪奥的花园中闪耀魅力。本季的服装系列取得极佳的展示效果，服装既有活泼、轻盈的造型，又无时无刻不彰显独特的个性，还能展现出一丝奢华与矜持，服装色彩搭配整体上以表现忧郁气息为主，局部也不乏明亮的色彩。点彩画派的梦幻的色点也让人印象深刻，而大量使用的色点则营造出静谧和神秘的气氛，这些色点如宝石般依附在迪奥的裙摆上，伴随着模特的台步在T台上轻盈地摇摆，熠熠生辉。拉夫西蒙最擅长设计蓬松而平滑的高端礼服，而衣裙上的色点也跟随着模特的步伐不断折射出光芒，如耀眼的星河。另一个将点彩画法与服装设计完美结合的设计师是日本的草间弥生，她在点彩中总结了重复和延伸的特色，并将之视为对自己的个性符号无限再现，提升了设计作品的视觉冲击力，这也是将理性和非理性完美融合的典范，正是这种简单明了的艺术表现形式增强了标识的整体效果，因此获得了许多著名服装品牌的合作[1]。点状元素凭借其尺寸、形态和疏密程度等因素可以彻底改变观者的主观感觉，正是这些变化透过编排形态把点状当作视觉艺术符号形式附着到设计主题上，从而使点由二维空间出发逐步延伸至三维，拓展了点彩技法在服装设计中的发展形式。

2直接画法在服装设计中的呈现

十九世纪初期，照相术的问世给重现性艺术造成了极大的危机，重现性美术与直接绘画性美术之间的冲突，导致了后印象派的出现。以莫奈为代表的印象派艺术家开始普遍采用直接绘画方式进行创作，之后直接绘画也逐步代替了间接绘画。所谓直接绘画，也就是在绘画的过程中运用色彩本身的不透明性进行覆盖，画家们可以在绘画过程中加以不断地改变和调动，并利用大量的颜色变化直接地刻画物象的形状与色彩[2]。所以，直接绘画艺术也可以说是一门感性的绘画艺术，因为艺术家可运用自然产生的行笔笔触、绘画肌理和颜色交织等，直接地表现绘画时的内在情感。后印象主义者画家虽基本采取了直接画法，但并无对透明色彩进行罩染，而使得色彩更趋向浑厚深邃，这也就为画面增添了浓郁的肌理质地。其中，梵高的作品采用了最单一的直接绘画方式，他在大部分时间选择采用的都是带有粗纹的亚麻布，色彩上也是以不透明色彩为主，笔法豪放，肌理丰富，表达出梵高心中对艺术的狂热，同时表达出自我抑制状态的矛盾心理，因此梵高作品拥有强烈视觉冲击力与丰富情感含义且笔触肌理丰富，不但在美术界受到了青睐，而且在服装设计领域中也获得了许多设计者的认可。2015年是梵高去世的125周年纪念，在这年前后的很多国际时装品牌都通过将服装设计作品和梵高绘画作品结合的方法致敬梵高。其中，最经典的还是要数法国巴黎知名奢侈服装品牌YvesSaintLaurent在1988年春夏系列中推出的一款女式上衣，灵感源自于梵高的作品《向日葵》，如图1所示。这个设计作品的特别之处在于，设计者通过运用亮片、管珠、法绣等工艺手段，把向日葵鲜艳的颜色、丰富的肌理和服装充分融合。在这幅画中，梵高只是在向日葵种子的部分上采取了点彩技法，其余部分均采取了直接绘画。而梵高在描绘向日葵花卉部分内容时，则采取了湿画的画风，概括地说来就是在色彩还未干时就画了向上一笔，色彩丰富而且笔法上扬，呈现了怒张上扬的视觉效果。画面背景也是使用了垂直交错的笔法，但相比于垂直平涂的绘画，这会让背景的颜色有微妙的色彩变化，也打破了单调的表现。而品牌方则是找到了这种特点，并运用特殊的设计手法将其表现了出来，从衣服的细部上就能够看出，在做工中向日葵花部分的亮片比背景亮片更大，并且同时有管珠和丝带，从而完全复原了花卉肌理的立体效应，给人的视觉体验就如同原画肌理一般丰富。服装方面，在制作的背景部分采用的是相同大小但也有微小色彩差异的亮片，高度地还原了梵高所采用的交叉画法的视觉效果。

3色块拼接画法在服装设计中的呈现

色块拼接画法是直接绘画的一个基本方法，就是画家利用沾满颜料的画笔在画面上摆出块状笔触，从而形成具有视觉形象的整体画面[3]。法国艺术家保罗·塞尚就较为善于运用这一艺术技巧，塞尚以他厚实的美术功底和敏锐的艺术感觉，以及运用鲜艳颜色和丰富几何形态轮廓的艺术特点，给后人留下了许多经典作品。在现代服装设计中，运用色块拼接法是近年来时装设计中较为常见的设计手段，而恰当地运用色块拼接法作为现代服装设计的亮点所在，既是当下的潮流发展趋势，也同样符合了消费者崇尚个性和重视时装品质的需要。塞尚通过直线强化了形体刻画，使整体画面更趋向于简练色块的形成，按照这种绘制技巧画面会显得平稳的同时也富有动感。塞尚在油画创作中运用笔触的虚与实、强与弱、厚与薄之间的反差，使画面整体更有深度，从而增加了画面肌理的美。在迪尼姆的2017年秋冬牛仔装潮流趋势时尚会上，设计师陈闻以《致塞尚》为题材，设计了这一系列服饰。该服装设计作品所采用的图样，是设计师陈闻在塞尚的家乡南法普罗旺斯当地旅游时期的写生创作，他采用了最原生态的丹宁布料，这种布料大多不会进行后期的水洗等加工处理，而是直接和绘画创作结合（如图2所示）。在产品设计过程中，主要通过相互交错的拼接分割，并运用蓝色丹宁织物的明暗差异来表现节奏的改变，同样硬挺的丹宁织物所形成的廓形极富立体感，与绘画创作中的立体感概念不谋而合，形成了相互呼应的效果。设计师陈闻并不崇尚复杂的款式设计与繁琐的细部处理，而只是通过面料的色彩肌理和质地，结合同样富有颜色、肌理、质地的绘画作品，将隽永的古典文化和瞬息万变的时代潮流连在一起，给观众提供美的视觉盛宴。

4多层覆盖画法在服装设计中的呈现

多层覆盖画法并不同于古典主义时代的多层透明罩染画法。通常在直接绘画中也并没有真正实现一笔到位，而是必须重复好几次涂抹、调整才能取得理想的效果。梵高于1889年创作的《星空》就是这种画风的重要体现，他用了沉重的颜色在画布上纵横交错扭曲旋转，经过多层次叠加，所产生的肌理更加坚硬沉重，颜料停留在画布上呈现出雕塑般的立体感。而每一次涂抹又恰到好处地保持着前几次留下的笔触和颜色，层层精做，色层变化极其丰富，梵高用刮刀、硬笔所堆砌出的深厚肌理，营造出了两股针锋相对的力量。2012年春夏的系列服饰由凯特·穆里维和劳拉·穆里维以梵高画为创意加以设计。如图3所示，设计师们选用了水印花和刺绣的形式将星空图案和服饰融合，最为独特的地方是设计者还对部分图案采用了高度像素化的摸糊处理。同时，设计者也提供了《星空》这幅作品中的最独特的漩涡形肌理，通过变形处理和服饰造型有机地结合，获得了广泛的赞誉和肯定。《星空》这幅作品给人最明显的感受便是优雅和壮美的视觉体验，而穆里维姐妹则将这两点表现得淋漓尽致。从唯美的方面出发，设计师们采用了轻薄细腻的纱质布料并结合自然褶皱的设计方式，而纱质布料自带的朦胧质感再加上经过像素化处理的朦胧质感，充分地展示了作品中星云的神秘感。与此同时，梵高运用大量小笔画和多层覆盖画法时所达到的流动状态，也将被设计师们运用于纱质织物上展现得淋漓尽致，而梵高在此幅画中所追求的短暂的宁静也将和服装融合。褶皱的加工手段也使平面的织物更加立体化，表达出了肌理的立体感，进而将梵高深藏于肌理中的强烈情感，也融合在了衣服之中。油画肌理为什么能够在现代服装设计中进行完全过渡，一是绘画技术是诸多现代美术先驱和名师绘画技巧与艺术理想的结晶，对现代服装设计的灵感源泉是一个全新的启迪，对现代服装设计的审美理想也是正确的指引；二是绘画技术中包含着大量丰富的艺术表达方法与视觉艺术语言，无论是在整体画面中理性的图像画面结构，又或是充满情感的图像画面感染力上，都能够与现代服装设计充分过渡。

5结语

本文从肌理与服饰设计的转换入手，从肌理的外在表现特征、表现形式，分析论证设计转换的可行性，并运用现有的设计案例分析、数字抽取、仿生设计、设计实践等相关的研究方法，归纳并掌握其变化的规律。肌理带来的设计变化，不仅是一种创意与表达，更是一种更深层的精神意蕴，而对肌理的外在与内部特征的掌握，则能为服饰的创意设计提供参考和指引。

作者:车顺花 单位:潍坊市经济学校

服装设计论文篇3

1高等艺术院校服装设计专业教学现状分析

1.1教学课程缺乏理论实践与创新目前我国各高等艺术院校关于服装设计专业的课程设置偏重于理论教育，对于服装专业实践方面教学较为薄弱。高校老师在教学过程中往往按照固定有的教学模式进行教学，其教学内容与当下的市场需求不相符合。在传统的“灌输式教育”中学生都按照老师所教授的固定版型“依葫芦画瓢”，一旦脱离了固定的数据和款式，就无法进行创新性的实践。高等艺术院校服装专业的硬件设施也是一大问题，理论的学习是为了更好地实践，解决在实践中遇到的问题，现各高校的硬件设施满足不了学生展现自身的需求，最终导致学生的在止步于中期的实践探索。在传统的教学过程中，学生总是被动接受的角色，老师要结合当下的流行趋势和学生现阶段感兴趣的内容去激发学生的能动性，让学生在实践中去应用所学的理论，在实践中巩固所学的理论知识。

1.2教学内容缺乏设计专业实用性设计专业最终目的就是最大限度地挖掘学生的设计潜能，将学生的设计潜能转化为产品，更好地解决目前产品的问题，优化产品的性能，促进产品更新迭代。现阶段教师在设计课程教学中更多的是培养学生的创新意识，但学生对于创新点的产品化和市场化的转换还不够到位，致使很多优秀的作品无法为大众服务。同时，学生在课程中的设计以系列服装为主，学习过程中设计方法和思路逐渐固化，其设计方法和公司所需的成衣设计不太匹配，无法满足大批量生产的经济原则。在教学模式中，如何让教学内容既能激发学生的创新点，又能将设计方法应用于具有实用性，是教学任务设置所考虑的问题。

1.3教学实践脱离服装产业需求近年来随着电商的发展，服装行业进入更加激烈的竞争阶段，服装产业对于服装行业的人才要求也更加趋于综合型，但长期以来，我国服装设计专业过于重于校内的理论实践，缺乏对服装产业和客户需求的深度探索，忽视了与服装产业和市场的需求相结合，形成一个“闭门造车”的局面，导致大部分毕业生无法与服装市场有效衔接。在校学生接触的服装产业的实践项目较少，对于服装产业链中的设计、生产、销售等一系列运作模式不熟悉，导致学生在毕业后进入设计岗位后设计的服装与服装产业链脱节，在前期需要大量的精力去重新学习服装产业的运用模式。为了让学生在实践中能够更好地与服装产业相衔接，高校企业联动构建市场实战基地，构建良好的实践环境，同时在教学课程中充分调动学生学习的积极性。

2乡村振兴亟待解决的服装专业人才需求问题

2.1传承与创新乡村文化，提升产品的附加价值乡村文化是乡村物质财富和精神财富的总和，体现着当地的价值观和内涵，是乡镇的灵魂。乡村文化在长时间的发展中不断沉淀，形成一道道独特的风景线。在高速发展的时代下，乡村文化由于资讯不发达、居民不重视等原因导致大量的民间工艺、民俗文化没落。乡村并不缺少优秀的乡村文化，缺少的是愿意脚踏实地去传承和创新的人才，大学生作为时代的主力军，理应担任起这个任务。在非物质文化遗产难以适应现代需求的情况下，服装设计作为艺术应用类专业应该最大限度地发挥其作用，将新时代的新鲜血液与非物质文化相融合，传承和创新乡村文化，展现中国乡村文化的独特魅力。鼓励在外求学的高校毕业生积极返乡，投身乡村文化振兴事业，壮大乡村文化振兴所需的人才队伍[1]。全体人员共同努力培养和提升新生代传承人的传承创新能力将优质艺术设计资源引入传统工艺聚集区和欠发达地区。在工作站基础上，推动设立了一系列非遗扶贫工坊，带动乡村群众创新创业，共同致富。

2.2创新文旅产品，建设乡村新风尚乡村旅游是乡村振兴的重要动力，是推动乡村经济繁荣的新型产业手段，在乡村振兴战略中将发挥新引擎作用。乡村旅游能够传承乡村文化，激发乡村新活力，带动乡村经济发展，增加农民收入。乡村服饰在文化旅游产品中占据着重要地位，可称为行走的宣传牌，但乡村服饰产品落后于当代审美，品牌效应低，在众多产品中难以出圈获得消费者的喜爱。推进乡村服饰文化的创新，要以乡村优秀文化为导向，市场需求为标准，开发创新文旅产品。第一，开发新的产业链，通过当代科学技术将传统手工艺产品量化，满足现代社会消费的需求。第二，改变传统的来料加工模式，立足自身优势，以本地特色为蓝本，将优质的传统文化与市场结合，建立具有地域特色的本土的服装品牌，带动乡镇居民共同创业，同时还可以解决乡村就业问题，吸纳更多的年轻人返乡创业。第三，发挥高等艺术院校的主导作用与优势，将乡村文旅产品作为设计项目融入教学项目，结合现代流行趋势和审美，提升本土服装产品的创新力，开发新的文旅产品，增强本土产品的发展活力。

2.3挖掘民俗文化内在价值，助力乡村产业振新民俗文化作为地方社会意识形态，具有独特的地域性，是一种历史悠久的文化遗产。民俗文化无论是存在物质形态的文化还是思想文化，无论是服饰、建筑，还是传统节日和饮食习惯都为后辈留下巨大的财富[2-3]。民俗服饰作为民俗文化最具代表性之一，但由于民俗文化转化机制不合理和产业化的开发不足，民间特色服饰逐渐衰弱，传统手工艺逐渐失传，同时乡镇对于服饰产品的创新性不够重视，服装样式依旧停留在以前过时的款式，服饰产品的开发长期处于一个瓶颈期。在乡村振兴的背景下应努力发挥民俗文化的魅力，在产品开发团队中融入新鲜的血液，带动地方特色服饰的转型，提高当地的经济发展。第一，深入挖掘民俗文化的内在价值，将具有地域性的民间服装与乡村产品相结合，有效提升产品竞争力，形成具有不可替代性的服装产业带，促进经济和文化的同步发展。第二，尽可能平衡民俗文化和现代审美的关系，提高传统服装元素以及传统手工艺在现代服装产品的转化，带动乡村产品的升级与转型。将具有特色的民俗文化元素融入民俗特色产品的开发与设计中，能够避免民俗特色产品趋同化，激发消费者的消费欲望，塑造良好的景区形象，增加民俗特色产品的附加值[4]。

3乡村振兴背景下高等艺术院校服装设计专业实践课程的路径

3.1强化理论教学与乡村振兴实践需求的统一性在乡村振兴的背景下，服装设计培养目标需要与乡村实践紧密结合，以市场需求和应用实践为导向，构建高质量的“产学研用”的高质量平台。服装设计作为创造应用型专业，在教学过程中需要大量的实践来巩固专业知识，将乡村振兴项目与实践教学相结合，强化学生的实践能力，培养发现问题解决问题的能力。院校定期开展研讨会，分析学生学习近况，根据学生的学习情况状况制定教学计划，加强学科间的关联性，同时将理论课程和实践课程的有效衔接，引导学生在项目实践的过程中紧贴市场需求，将最终的作品转化为具有市场价值和销售路径的商品，完善转化中的程序问题。院校、乡镇协同建立服装工作室，为学生提供良好的实践交流空间，同时邀请乡镇特色手工艺人定期开展讲座和手工课程，加强院校老师和手工艺人的交流，给予学生艺术审美与技术上的帮助，引导学生了解乡镇特色文化，充分调动学生的实践能力。完善学生考核机制，加强实践课程的考核的百分比，注重学生在实践过程中的成长。将高校毕业设计项目与乡村振兴相结合，利用高校的人才资源优势，结合地方文化资源，实现产教融合与高校科技成果的转化，在提高学生实践能力的同时也将前沿的设计理念和流行趋势融入到乡村产品中。此外，高校毕业展给乡村文化和产品的宣传搭建了一个更广阔的舞台，让更多民众看到具有特色的地域文化，增强了大众的荣誉感，同时也让更多的公司看到优秀的作品，进而提供更多的经济支持。

3.2建立多项目层次化教学模式多项目层次化教学即在服装设计实践教学中根据不同学生的知识储备情况和学习特征，建立递进式、多层次、系统性的差异的教学模式，在实践中教师要引导学生在实践中根据个人兴趣自主探索，从而达到在“学中做，做中学”的效果。在项目小组中因人而异进行个性化的指导，突破传统的教学模式，能够及时点对点解决学生在实践项目中遇到的问题，降低学生的试错成本。在项目教学的后期根据乡镇特点建设不同层次的服装设计项目目标，学生根据自己的兴趣和能力进入不同的项目组，充分发挥学生的主观能动性，最大限度激发学生的创造性，提高学生分析和解决问题的能力。在项目实践中要求学生从乡村振兴视角出发，深入乡镇进行实地考察，打破书本局限，站在市场和消费者的角度去思考问题，培养学生的为人民服务的设计思维，解决实际问题，宣传乡镇文化，让产品带动乡镇经济发展。在完成乡镇企业设计项目后老师对项目的完成情况进行总结评价，引导学生总结和反思，加深对服装实践项目的理解，同时老师可根据学生的反馈对课程进行优化，教学相长，提高教学能力与水平。

3.3构建开放型的专业实践教学体系服装设计专业是一门综合性较强的学科，它覆盖了服装设计、服装制作、服装品牌策划等多个领域内容，构建开放型的实践教学体系，充分发挥各方面综合效益，提高教学质量。服装教育应该突破传统的以课堂为中心的教学模式，把实践教学贯穿于人才培养的全过程[5]。第一，建设全方位、宽领域的教师培养机制，从源头提高教师教学能力，以满足开放型教育体系的要求。第二，在教学中构建开放的教育空间，根据乡镇特色建设个性化的实训基地，建设完备的教室管理制度，优化教育资源配置，在课后尽可能为学生提供更多的学习时间和空间。各高校联合举行以发展乡镇特色文化为主的服装设计大赛，加强学校之间的交流与学习，与企业合作将得奖作品进行生产售卖，宣传乡镇特色文化，还可以将优秀的作品批量生产进行售卖，促进当地的经济发展。第三，以乡村为主体，利用数字平台建设线上学习平台，挖掘乡镇民俗文化内涵，引导学生在课堂外利用互联网学习，培养学生的知识应用、技术应用和创新能力，充分发挥学生的主观能动性，鼓励学生产出优秀的文化产品，从而带动地方经济发展。将“工匠精神”“设计责任与担当”等思政内容融入教学内容中，从而将社会主义核心价值观与民族优秀传统文化结合，融入设计教学当中，使学生的培养紧密跟随国家战略的需要[6]。同时政府应建立起具有保障的后勤机制，做好项目的引路人和凝聚人，为项目保驾护航。

4结语

在乡村振兴的推进下，服装设计在经济发展和文化传承中肩负着重要责任。服装设计专业课程的核心在于实践，围绕乡村振兴的时代主题，高等艺术院校对服装设计专业实践课程进行探索，优化课程设置，提高学生的综合实践水平，传承和创新乡镇民俗文化，提升乡镇知名度和经济收入。通过分析现阶段服装设计专业的现状，以乡镇主体，制定项目化教学和开放式型的实践体系，将乡村振兴和高校实践教学有效衔接，促进高校的人才转化，推动乡村的经济文化的振兴。

作者:马唯 余林 单位:吉林艺术学院