时间：2022-08-20 18:26:21
关键词：素描教学思考
素描在西方已经有几百年的辉煌历史，它作为一种绘画形式发展到今天，自有其独特的文化内涵和审美价值。而在中国，素描作为一种舶来文化，其发展还不到百年，且在发展的过程中，有几十年时间几乎所有院校都是在前苏联素描体系下进行训练的，这种素描教学模式会带来一定的弊端，即“世界艺术大同化”。艺术不同于科学，科学有统一的标准，允许推广和重复，而艺术则不然。艺术贵在独创，创新是艺术的生命所在。当今有些院校和有识之士已经对于高校素描课作了部分改革和调整，素描风格与形式正在逐渐走向多元化，但是问题依然存在。比如“准确再现对象”“三大面五调子”“老师摆模特，学生照着画”等问题；其次铅笔、碳笔、白纸仍旧是素描的主要表现工具和材料；最后如果教师不能正确引导，老套的素描模式也不能激发起学生的表现欲望，以至于引起广泛的“审美疲劳”。许多学生上课只是为了交作业而草草应对，缺乏主动性和绘画热情，课程结束后学生的专业素养和认识水平并没有得到真正的提高。
当传统的素描技法和观念不能满足我们的审美需求的时候，我们理应调整自己的思维模式并借用其他新型材质来改变这一现状。曾经被普遍视为单色画和造型艺术基础的素描，它的定义正是相对于“彩描”而言的。在今天，画种的界定已不再重要，而最为重要的是艺术家是否具有创造性精神。纵观西方艺术史，我们会发现“素描”最初是作为草图出现的，从文艺复兴时期达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等留下的作品中可以得到印证，后人把这种草稿草图作为基础课来训练。一种事物自有其产生、发展和消亡的过程，而素描的消亡不是物质概念的消亡，而是内涵的升华，也就是要把素描上升为一种具有审美价值的新型的艺术形式。当今艺术领域，专业细化的程度较高，每个画种应该有其独特的训练方式，素描也不例外，只有摆脱“基础课”的束缚并拓宽自身艺术表现力，素描才会更加具有生命力。以前市场上除了铅笔、碳笔之外，素描没有过多的材料可供选择，而在当今信息化、网络化、数字化的时代，科学技术日新月异，绘画材料也是丰富多彩，琳琅满目，这恰好为我们革新素描语言提供了良好的物质条件。随着时代的发展，我们没有必要再用某种固定的模式作为素描训练标准和评判依据，素描理念理应得到相应的调整和拓宽。
我们应当把素描当作一门有意味的绘画形式语言传达给学生，让学生领悟到素描可以像文字一样被阅读和理解，而对于其制造者来说是最质朴、最真诚的情感表达方式。既要让学生明确素描训练的目的就是提高造型能力，还应该让学生体会到绘画的乐趣和奥妙。造型的目的就是为了传达个人情感以及对事物的认知度，艺术作品不是自然的产品,而是基于人的活动，具有主观性。我们必须把画面的每根线条都当作是个人的独特语汇，让工具、材料自由地工作，让它们制造自己的语言符号，对不同的材质所具有的视觉效果和美感给予充分的表达，特别是新型工具和有色材质的加入，不仅可以丰富素描语言，拓展素描表现力，同时还可以提高学生的兴趣。我们要本着实验的原则，鼓励学生对新材料的关注和应用，在实验中比较，在比较后进行选择，从中寻找到适合个人主观情感的表达方式——写实、表现、具象、抽象等方式。总之，我们利用能够利用的一切形式和手段，建立起自我的审美体系及新的形式语言。
在指导思想上，要把突出素描的绘画性和创造性作为最重要的一点来加以研究与训练。素描中对形体不是被动描摹，而是主动处理和表现，培养学生具有创造性的头脑。在作画过程中，要屏气凝神，洞察所绘对象的内心世界，把自己与对象融为一体，为情而造画，而不是无病、“为赋新词强说愁”。要想达到这一教学目的，单讲理论是不够的，教师应该以直观性教学为主，以理论为辅。教师如果要让自己的理论或指导思想得到学生的认可或采纳，那他自己必须是第一实践者，即教师的现场示范质量是很重要的，他必须在具体操作中表达出来这种思想，即为情而造画，突出素描的绘画性和创造性。作为教师，可能会在某一时期只在一种艺术风格或形式里去完善和发展，如果学生的风格或形式有别于老师，老师应给予支持和鼓励。
在作业要求上，素描的画面要有鲜明的个体语言，能给画面营造出一种真实感和现代感，既要“假”得真实、可信，同时要强化一种画面结构的力量和感染力，使画面具有原创性，同时又具有可读性和欣赏性。
在艺术追求多元化的今天，任何体系都不可能成为一成不变的版本，我们应该以宽容的心态去迎接各种新形式的到来。各个院校应该创立适合自己特色的教学体系，素描也不例外，那种一统天下的教条主义应该远离我们的课堂。《石涛话语录》有这样一句话：“在墨海中立定精神，笔锋下决出生活，尺幅上换去笔骨，混沌里放出光明。纵使笔不笔，墨不墨，画不画，自有我在。”石涛针砭时弊，提出“我的精神”的论断，即强调艺术家必须重视自己的创作个性。同样，我们在素描课上也要提倡一种个性的张扬和创新意识，并鼓励学生去探索未知的领域，给老套的素描课堂赋予新的语言与活力，使其和别的画种一样成为独具特色的情感表达方式，即一种有意味的绘画形式。
参考文献：
[1]冯健亲著《素描》，江苏美术出版社，1987年2月
[2]范迪安著《国际当代素描艺术》，江西美术出版社，2003年10月
随着科技文化的发展，时代步伐的推进，各种新的艺术理念和技术材料以井喷式的强度迅速覆盖到艺术行业的各个领域。众多古老而传统的艺术学科也因此焕发出新的生命活力，其各自内涵也随着时代的变迁在发生巨大的变革。素描是最为古老的艺术传达手段之一。也是艺术教学中最为重要的组成要素。对素描理解的深度决定着艺术造型研究的层次。通常我们以单色的绘画来定义素描的含义。这种传统的——大多源于苏派的传统而非欧洲的传统——意识如今已深深的烙在了中国艺术院校基础教学的心头。它不仅限制了素描艺术的外延和拓展，更限制了学生绘画工具使用上的自由选择权利，进而导致素描训练中绘画技法与形式表现的枯燥单一。由此可见，艺术设计专业素描教学改革迫在眉睫。新的素描理念对比国内传统理念，二者的差异如下：首先，在观察方法上：贾科梅蒂说:“摆脱一切先入之见，只看那些实存的东西。”这是一种视觉上的纯化。学生在素描过程的起始阶段，将那些先入为主的条条框框，比如学院传统观察的方式，甚至当代艺术中既定创造的最新发明都加以删除，通过直面对象去体验和研究内心的真实情感，正如古人所说的“澄怀味象”。写实性的长期素描训练学生掌握自然主义的深入描绘，甚至可以达到照片般的“完美”，而对形的理解深度则决定画面审美的层次。在具体的作画过程中我们发现，描绘的对象经过人的内心体验的理解加工，所展现出来的东西比自身原型还要多，似乎经验到了一种存在的扩张，被表现的对象因此才真正具有了形象性。因此，经过素描表现的对象不再被简单的看作是它的物性本身，而是由以下三者组成：（1）作为客观物象本身。（2）素描者面对对象所体验的对象的形象。（3）主观意识中所产生的对象。由此可见，传统的苏派素描体系所维系的基本理论，只停留在了第一种——客观物象本身之上。其次，在表现方法上：艺术院校的传统素描教学，其目的在于培养学生描绘的准确能力、结构的分析能力、线条与明暗的表现能力。其不足之处在于，缺乏对学生抽象分析能力和思维想象能力的培养。正因如此，素描的现代含义及其技巧表现的导入则显得刻不容缓。相比之下，传统与现代两种素描的共同点体现在：对造型基本规律的研究。它包括外形轮廓、空间塑造、解剖结构和调子明暗等。其中最为重要，也是对形象最具制约力的则是解剖结构，它在古代与现代绘画的两岸架起一座桥梁，唯一的变化体现在现代主义者用画面的结构再造替代了自然结构的原型。变形也由此而产生。绘画的变形是对解剖结构规律性的偏离，而后以创新的形式再造形体的结构。这里的结构不仅仅指的是解剖学和几何学意义上的结构，更包括艺术家思维中所生成之假想物的物化再现，以及形体在空间中的结构关系。可见现代主义者从观察自然到表现自然，其方式、方法从起始就与传统素描分道扬镳了。他们的任务就是将人们的眼睛从自然主义者那里拯救出来，并借此重新审视自然。素描则是推动事物形象转化为抽象构成关系的原动力。
二、素描材料的多样化
孔子在《论语》中说：“工欲善其事，必先利其器”。强调的便是工具的重要性。素描使用的材料不应仅限于铅笔、钢笔、木炭、水墨等常见的工具，一般被认为是色彩工具的水彩、蜡笔、色粉笔、油彩等也可适当引入画面以丰富视觉效果。在西方现代主义者看来，任何可以在纸张、木板、墙壁或其他表面上以颜色、墨水或染料画出痕迹的物质都可用作素描的绘画材料。材料本身并不重要，重要的是如何去对待它们，这将对画者的绘画方法有着深远的影响。而无法顺应材料的人，材料则成为一种限制因素。如果发挥不出材料本身固有的巨大潜力，材料就将在画者与纸张之间筑起一道屏障。
三、现代素描教学方法
1.轮廓素描的含义及训练方法。
轮廓素描是通过对物象的形体进行“触感”式的观察，从轮廓外形入手，由局部推出整体，再由整体完善细节的以线条为主的素描。轮廓素描的基本练习方法如下：
1.1盲画轮廓：以线条作画，画笔移动时不看画面，直至明确这一笔与前一笔的关系才能看上一眼，如此完成画作。这是一种培养眼手合一的练习。变形在这里是不可避免的，而这随机的变形却往往产生画面的趣味感，变形也随作画的的次数增加，从无意向有意转化，最终画出富于表现力的素描。
1.2左手作画：此法对惯用右手的人难度很大。只有集中精力才能从中获得乐趣，其意在培养”触摸“形体的意识。左手作画将产生更为夸张的造型扭曲，而这失控的夸张却常常产生极富表现力的素描。
1.3多角度作画：运用非常规的观察视角——如以昆虫的视角（仰视）或鸟瞰的方式（俯视）——来描绘形体。通过此法可以体验极端透视下所带来的形变的张力，从而丰富塑造形体的造型经验。
1.4复杂的形体：画复杂的形体（如机器或树根等）需要有足够的耐心和敏锐的观察力。这些细节将带来绘画的乐趣。尽量画出这些形体的全部细节，对于某些有较多重复形体的造型（如打字机等），则以有意识的变形来避免形体的机械单一，画出形体的变化，以产生统一而丰富的效果，直至生动的造型在画面上生成。
2.动态素描的含义及训练方法。
动态素描是一种研究人体运动本质的素描形式。其主张用简约甚至潦草的线条表现模特躯干与四肢的运动，人体重心的变化以及绘画的语言。与涂鸦的自发性、无目的性不同，动态素描旨在表现人体姿态在时间中运动的轨迹。具体训练中应注意以下几点：
2.1动作的夸张：只有加倍的夸张人体的动态效果，才能获得更加贴近其姿态的运动本质。
2.2动静的转化：在经过一段动态素描的训练后，再转向静态主题的描绘。所选主题可以是常见的静物题材或动物题材。此阶段的意义在于，要保持之前训练中积累起来的无拘无束的自信与手感。
2.3工具的转换：要经常转换习惯使用的工具。例如用小号笔（一般指毛笔或水粉笔）描绘细腻的运动变化，大笔则表现更为粗犷的效果。二者结合使用则会丰富画面的表现力。
3.主观素描的含义及训练方法。
主观素描是一种完全凭借主观纯视觉感受而创作的绘画。这种纯视觉感受与客观物象并无外在的联系。作画的形式不再受制于主题或形象，而是专注于线条本体所带来的自觉的表现和造型的创新。创作时并不按事先构思的结果而发展，而是让意识漫无目的的自由移动，把不可见之物表现为可见之物。主观素描的训练形式如下：
3.1信笔涂鸦：相信并依从自己的直觉，主观处于下意识状态，使形象在不知不觉中产生并成熟。不要将形象强加于画面，而让它自然生成。犹如胚胎的孕育，独立的个体随时间的推移生长、发展、成熟，直至新生。
3.2撕碎重组：将事先画好的作品随机的撕碎，再将其重新排列组合成新的造型。各碎片仍保有之前画面的某些共性特征，而拼接后的新形象却切断了造型与过去的连续性，使之成为变化的统一。
四、结语
［关键词］写意；素描；教学
写意性是中国画凸显的美学主张，中国写意画多画在生宣上，纵笔挥洒，墨彩飞扬，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接抒发作者的感情，写意画主张神似。东晋画家顾恺之提出以形写神，迁想妙得。唐王维诗、画俱佳，后人称他的画为“画中有诗，诗中有画”。宋人尚意，其绘画富有诗情画意和文人情趣，元夏文彦《图画宝鉴》卷三：“仲仁以墨晕作梅，如花影然，别成一家，所谓写意者也。”写意是中国绘画精神之所在，写意与写实相对，是通过简练放纵的用笔着重表现对象的意韵神态的一种画法。写意不求工细形似，只求以精练之笔勾勒景物的神态。写意是抒写胸中逸气，抒发作者的情趣，写意之法，亦是写心之法。写意素描教学要弘扬写意精神，体现中国的人文关怀和对自由的追求，笔者在写意素描教学中尝试从以下四点加强对写意精神的理解与表现。
一、强调用意第一
夫写意者，无意而写何为？写意的实质就是自由表现，抒写心意。观八大山人、黄宾虹、扬州八怪、石涛等写意大师的作品，其笔断意连，意断神连，无不体现大师们在用心写意，“心即是法”“意即是得”。素描教学中，引导学生“观山则情满于山，观海则意溢于海”，言心声，书心画，抓住心灵的感悟，表现作品的“精、气、神、情、意”。有感而发，才能创造出有情感的作品。素描教学中，不能为了素描而素描，而是通过心灵的感悟让学生得到修养的提升和人格的升华。
二、凸显人文内涵
绘画要注重文以载道。素描教学不单是技巧的教学，更是在教学中融入文化内涵，促进学生的认知，培养学生的感知能力和理解能力。写意是中国传统审美精神，写意素描是建立在主客体关系之上，托物言志，创造心中意象。一方面艺术创造的过程是艺术家个人情感的流露，需要艺术家将眼前之竹物化为手中之竹，其物态化过程离不开画家的文化修养和独特的审美体验，文化修养深厚的艺术家才能创造出震撼人心的作品。教学中让学生反复体悟艺术家的创作经验与审美思想，把自己想象成艺术家，体验艺术家的所想所思，领悟作品蕴含的意蕴哲理。另一方面在写意素描教学中，加强对表现题材、内容的文化挖掘，通过反复推敲、取舍、升华，增强作品的人文内涵，有助于学生由感性认知上升到理性认知。
三、追求个性品质
艺术有其自身的发展规律，各民族的审美观念也不尽相同，越是民族的越是世界的，正是有不同的艺术审美观，才产生了多元的文化艺术。艺术之间相互融合渗透，艺术观念也在不断碰撞，在渗透与碰撞中不断发展演变。我们在学习汲取其他艺术的同时一定要保持自身的特色，如果丢了写意的精神，中国绘画艺术将黯然失色。因此，在写意素描教学中，强调学生个性的发挥，重视对写意精神的理解与表现显得尤为重要。让学生摒弃循规蹈矩的思维方式，力求画面生动有韵味。可以尝试从不同角度观察事物，甚至表现夸张的、梦境的、荒诞的形象，来开阔学生的视野，使他们更加关注内心的情感。此外，让学生通过想象、联想，激发学生的创造力。
四、表现笔情墨趣
写意素描不同于写实素描，两者在内容、形式上有着本质的区别。写实素描侧重造型的具象逼真，强调比例、结构、透视、质感等造型要素，是再现自然的一种表现形式。写意素描侧重表现，强调画者内心主观情感的表达，其表现手法多样，能体现作品的笔情墨趣。以线形写意素描为例，以粗细不同，刚柔相间、曲直有别、疏密相对、虚实相衬的线条来刻画形象，抓住对象的形神、动势等，会塑造出更生动的形象来。中国书法艺术就是线的艺术，书法的笔意通过富有张力的线条得以显现，同时也蕴含了书法家的修养和秉性。在线形素描中加强线的表现，融入书法的艺术审美，能够丰富写意素描的表现形式，提升作品的审美意蕴。在写意素描教学中，找到中国文化的写意精神，在技术意识和精神意识上，更加侧重精神意识的熏陶。拓宽学生视野，从哲学、宗教、美学中吸收营养，体验中华文化的博大精深。同时不仅注重个性心理和情感的表达，又能具备一定的文化内涵，形成独特的审美意识。写意素描教学任重而道远。
参考文献：
［1］王克举.对话写意［M］.天津人民美术出版社，2016.
关键词：素描教学多样性造型本质
今天的造型艺术，以其多元的视觉形态冲击着我们的眼睛，令我们的视觉神经得不到片刻的休息。绘画、摄影、多媒体、电影、建筑、雕塑、装置、服装、表演、行为艺术等使造型艺术世界不断扩大蔓延，甚至无法定义。
艺术永远是社会现实的反映。不可否认西方艺术的发展离不开那里的政治、经济、科技、文化与历史，我们这个时代的艺术就是我们这个时代精神观念的反映，有什么样的思想观念就会产生什么样的艺术形式。所以，观念的转变是最重要的!
一、素描是时代精神的体现
我们从艺术史的角度来看，古典艺术是在封建制度下形成的，艺术家是为皇帝或上帝服务的，那时的艺术家一定有宗教情感，几代人为表达一种情感锤炼一种样式，虔诚得并不认为自己所做就是艺术。而进入资本主义时代，文艺复兴以来，人文主义精神得到广泛传播。人对客观世界及对人自身的不断认识，人，作为生命的主体得到了应有的尊重。艺术家发现了潜藏在生命里自由的欲望以及发现与创造的欢乐，造型艺术再也不仅仅是宗教的图解和宫廷的装饰了，要求艺术和科学并列，造型艺术和音乐、文学是同样崇高的艺术形式。进入现代社会，艺术家要通过艺术表现自我，艺术的精神在于创造，而当“人人都是艺术家”的口号进入我们的生活时，当代西方艺术形式的丰富让长期饱受封建意识压抑的人们就不能完全理解了。
素描的多样性是在人的认识不断发现不断创造的过程中形成的，可以说，是在尊重个体人的创造才使素描的多样性成为可能。
我们的教学，是以培养健康的人为前提的。尊重每一个人，发现每一个人的创造潜能，是教育者的责任。其实“人人都是艺术家”就是尊重每个人的存在，我认为仍然是人本主义精神的体现。
由此看来，素描可以有多种表现形式，素描教学的内容应更宽泛些，素描不仅是技巧与方法的训练，也应是思想与观念培养。
二、基础教学素描的作用
素描是思想方法，是一种思维方式。克利说：用一根线条去散步。就说明了这样一个涵义。我们看到历史上中外艺术家的素描杰作，无一不反映了大师的思想及独特的看法。达芬奇、米开朗基罗、丢勒、鲁本斯、伦勃朗直至印象派之前的古典艺术家，在创作之前大都要先画素描草图进行构思，即使现代艺术家塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索也同样是利用素描的方式在思考。因为素描是如此的简便而直接。
造型艺术的基础是由艺术形式决定的，单一的素描方法不可能解决“一切造型艺术”的基础问题。而且，不同的思想观念产生不同的素描形式，达芬奇、米开朗基罗、塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索、齐白石、徐悲鸿各有不同。
素描是要解决造型问题，但更重要的是解决观念认识问题。如在一些新的媒体造型艺术中素描仅是一些辅助手段而已，并不一定需要有很强的素描“造型”能力。
各类造型艺术对素描的要求也是不一样的。建筑设计艺术与纯绘画艺术对素描训练的要求就不同。建筑设计需要理性的介入，尊重科学技术手段，侧重人的心理与生理的社会性视觉需求及实用功能的合理性。在素描训练上更注重理解与分析，对形体的比例、透视、空间尤其是对比例、对数的概念的理解似乎更重要。比如包浩斯的基础课程设置：约翰·伊顿与莫霍利的基础教学就是一个重内在精神冥想，另一个则重实用技术的规范与秩序的代表。由于艺术观念的不同也决定了素描形式的不一样。中国古代论画有“得意忘形”“以形写神”之说，东坡云：“论画与形似，见于儿童邻”；而西方古典艺术家们为了“形似”却发现了解剖与透视原理。具象写实的画家与抽象表现的画家其素描的表现如此不同，都是因为观念影响了他的表达方式。
素描是一种思维方式，音乐是一种思维方式，区别文学与哲学是因为她们不是用文字语言去思考，而是用独特的语言方式——视觉的或听觉的图像和声音去思考。
素描是视觉的，是看法，也是技术方法。有什么看法就有什么样的技术方法，传统的中国山水画没有焦点透视，中国画家在画一幅画时不必站在固定的一点对景写生，所谓“搜尽奇峰打腹稿”，采用的是散点透视“三远法”；而西方的风景画一定是固定的视点、固定的光线，即使不是对景写生也要运用严格的焦点透视法则和具体的光线效果。最初西方艺术的透视法、光影法传入我国是不被接受的，因为人们的习惯看法被改变了。
素描不仅是思想，还是一种技术。因为艺术的“术”字就不能回避技术问题。中国画讲笔墨技巧，近千年的锤炼已形成了一整套独特的表现技术：勾、勒、皴、擦、染、点……在国门被打开之前，人们觉得画就应该是这个样子。而后的观念变化是看到了世界的模样，是“科学”影响了我们的看法。这时的我们想画一张看上去“正确”的素描，还需要学习相应的解剖与透视知识以及光影变化的规律等技术手段。
素描教学技术训练是基础课教学的重要组成部分，只是这个技术训练要有相应的思想观念作指导。
艺术院校设置造型艺术基础课由三部分组成。即素描、色彩及工具材料的应用。这三部分既有分工也有联系，是一个整体的三个方面不可或缺。素描训练离不开工具材料及对色彩的感觉；同样色彩训练也离不开工具材料及对素描的认识；而工具材料就是一切艺术创造的物质基础，这一点是应该明确的。选择工具材料是观念的问题，而熟悉工具材料就是个技术性问题。素描训练在对“造型”的把握过程中，技术问题就摆到了前面。
论文摘要：素描课程的教学改革要注意基础素描教学理念的探索：在素描基础教育中，在强调学生实践技术训练的同时，还要着力培养学生的艺术观念；在课程开始阶段就应通过鉴赏、研究、分析优秀素描作品等手段强化基础理论知识的教学，决不可重实践而轻理论；要提倡个性的张扬和创新意识，对学生的艺术个性要进行精心引导，决不能机械地为学生制定“依样画葫芦”的标准．
素描是造型艺术的基础.素描练习有利于学生认识和理解客观对象，培养正确的观察方法和表现方法，锤炼艺术语言，提高造型能力.对于每个学生来讲，无论毕业后从事什么工作，素描练习都是必不可少的.意大利文艺复兴时期的艺术巨匠米开朗基罗曾指出:“素描是绘画、雕刻、建筑的最高点，素描是所有绘画种类的渊源和灵魂.”19世纪俄国著名的艺术教育家契斯卡柯夫曾说:“素描是一切的基础，是根基，谁要是不懂得或者不承认这一点，谁就没有立足之地.”
素描既有基础性的一面，也具有单独作为一种绘画方式的另一面，自成它独特的审美价值和文化内涵.在学院美术教育中，素描因为其基础性而占有举足轻重的地位，但是现存的教学模式存在着许多弊端和不足:在教学过程中一味地强调基础，不利于学生创作意识的培养，学生的学习兴趣明显不足甚至认为素描枯燥乏味，教学效果总体上呈下降趋势.造成这种局面的原因主要在于:社会对各个层次、不同专业的美术人才的需求激增，美术教育急速扩张，从而人校新生的总体专业水平有所下降;基础素描课程的课时量有所缩减，教师在学生个体上花费的教学时间明显减少.面对这样的困境，当务之急是对素描课程的教学理念进行调整，拓宽现代基础素描教学的思路，给乏味的基础教学增添活力，使素描能和别的画种一样成为独具特色的情感表达方式，从而使学生通过学习基础素描架构起良好的知识体系.这是构建现代素描教学模式的根本.
1、从艺术素养入手强化学生的艺术观念
在素描基础教育中，在强调学生实践技术训练的同时，还要着力培养学生的艺术观念.传统的素描教育偏重实践而轻理论，只注重学生专业技能的掌握而忽视了学生艺术素质的培养，学生也往往把技术水平作为衡量自身素质的标准，非常漠视理论水平和艺术素养的提高，甚至以为“技术”与“理论”之间是相悖的.过分专注学生的技巧性训练，不利于开阔他们的眼界，容易使他们对一些艺术产生成见甚至抵触和排斥不同类型的绘画形式，导致他们以自己所学到的具象写实和传统理性思维来衡量各种绘画流派从而产生错误.
随着我国教育规模的不断扩大和教育理念的不断更新，技能的获得不再是高等教育的唯一目标，强调培养学生合理知识结构的素质教育成为主流.为了强化学生的艺术观念，教师可以打破教学常规，从源头文化开始，把学生原本需要在素描学习中获得的对审美思想、美学思潮、艺术发展规律、艺术创造的特点的认识，提前到学习的初始阶段或与学习过程并进，使学生一开始就对即将要学习的内容有较为全面的认识，从而能目的明确地进行学习和研究.艺术作为人文学科的一部分，其底部应该由人文学科来支撑.学生在艺术道路上的成长很大程度上需要眼界的开阔，基础课教师应该引导学生在宽广的美术层面上找到一个可以依托的“点”.在素描教学中，教师应该向学生强调艺术理想的实现不能只依靠技能，还需要艺术理论的支撑，更需要文化素养的深厚积淀.
2强化基础理论教学，变“技入道转”为“由理入道”
绘画是一件需要动手的事情，因而很多教师都喜欢在画室里摆静物上课.但是，一些教师极少向学生讲明应怎样观察和表现物体，只是简单地讲一讲“三大面五大调子”，就要学生开始实践.这样，学生由于不知道应该怎样处理画面，往往无所适从，只好迷失于画面中，依葫芦画瓢，照抄对象;由于丧失了自己的主动性，对画面没有控制力，学生对自己的作品也感到茫然，很容易产生学习上的厌倦心理.这种重实践轻理论的教学方式导致学生对于素描的认识就只能停留在感性上.如果在课程开始阶段就通过鉴赏、研究、分析名家和优秀学生的素描作品，把素描的基础理论知识给学生讲解清楚，不但有利于学生加深对作品的理解，而且能使学生对素描逐渐由感性认识上升到理性认识，从而能从更高的角度思考自己的作品，主动地把握画面.边分析作品边讲解理论的教学过程是极有活力的，这种教学有利于培养学生的画面意识、创造性思维能力、形式美的想象感悟能力和创造性地处理视觉信息的能力.
3、注重学生的艺术个性发展
长期以来，基础素描都遵循以写实为主的固定教学模式，整个素描教学偏重于技术技能的训练，忽略了创造性思维和个性发展的因素，从而学生在整个高等教育阶段的素描学习中只知道机械地再现客观事物，无法在画面中加上个人的感受和想象.
个性培养是艺术教育应该达到的目标之一，而艺术个性来源于真实的个人感受，来源于个体对社会、生活、自然的感受和敏锐的洞察力.在素描教学中，学生的作品中常常会不自觉地流露出个性萌芽，尽管这些个性表现得不够稳定，但教师应该及时地把握住学生这种偶发的闪光点，不应该忽视或者是放任自流.在教学过程中，教师应该对学生的艺术个性进行精心引导，决不能机械地为学生制定“依样画葫芦”的标准，否则，就会扼杀学生的艺术个性，学生的素描作品只能成为客观世界的复制品，只能是千人一面、万物一形，而不可能是独具匠心的创作.在高校美术基础教育阶段，学生在练习基本功的同时，还应该自主地对每一种绘画基本要素进行研究，以确立哪些要素能够成为自己的绘画语言，并能将绘画对象转化成为艺术符号，即根据内在需要去描述对象.没有内在的触动，素描习作只能是简单的图像练习，只能是一个模仿对象的过程.
一.通过指导学生多思考
多观察，多试验各种表现手法，提高学生的素描表现技法。画作是反映作者作画时思维活动、心理活动和艺术认识的窗口，从画中能够发现绘画者综合表现力的提高过程。紧扣这些过程的每个环节指导绘画，是学生艺术水平提升的关键。在学生素描课程过程中，经常发现学生画画过程中，调子越来越多，观察和思考越来越少。学生不自觉地陷入用已有的思维方法和经验完成画面，不考虑每一张画的独特因素，根据学过的素描理论和经验表现描绘对象，并麻木地进行完成画面的反复操作。这种为了完成画面而完成画面的根结在哪里呢？其根本原因就是在画画之初就没有对描绘对象进行整体的认识、分析与把握，只是凭经验、机械地臆造或复制表现对象。对此问题，教师不能采用简单指出不当、直接指示学生修改画面的方法，而应让机械描绘的工作暂停，再次引导学生再次观察描绘对象，再述自己的绘画过程中的思维方法和表现手法，通过有目的的引导带动学生自省达到教学目的。当发现学生的型不准或者光影与实际不符时，不是直接指出，而是和学生谈谈作画前观察时怎么想、怎么看和计划怎么画，想通过画面表现什么，而现在画面上有什么，与预期效果有什么不同？引导学生回顾作画过程中的每一个思维环节。针对画面问题出现的原因，指导学生掌握正确的观察和思考方法。
二.在夯实基础的前提下拓展学生思路
利用多种艺术表现手法，发展学生艺术探索能力，拓展设计思路。第一阶段：夯实基础，用素描因素分析法进行教学。首先，针对学生在素描训练之初会遇到的各种问题如形体、结构、透视、构图等，教师必须先将基本概念逐一梳理和讲解，使学生了解理论知识，认识到各种因素的主次地位，理解因素间不可割裂的紧密关系。第二阶段：空间换位、多次组合教学法。这一阶段是对前一阶段的拔高与提炼，也是建立学生设计思维的主要阶段。通过一些设计手段改变物象的基本性状，如打破物体的正常摆放规律、重新设计物象色彩、切割现有物体、改变物体造型、突破物体空间规律做悬空或失重动态等，使学生对物象做全方位的再观察、再剖析，再次获取直观感受，拓展视野空间和思维空间。空间换位、多次组合教学法的素描教学中，我们采用随意布置的石膏几何模型和随机堆放的水果静物，让学生自由选择座位，在想象中对眼前的静物等进行重新移位组合，运用学过的构图的形式规律，利用现有的物象，自己设计构图、形体、光线、明暗等因素，在画面上表达出通过设计而体现出的艺术情趣，目的是培养学生的设计思考能力。学生根据思考和草图中形成的有自我设计意识参与的意象，运用具体的、传统的方法进行表现。学生在这种具有设计思维的练习中更好地保持学习素描的兴趣的同时，让设计思维参与到绘画中，进而为日后的设计学习奠定基础。
三.利用多种评价方法
巩固学生学习成就感，锻炼学生阐述和表达作品思想的能力，学会虚心与探讨，激励学生进一步学习与思考。
（1）教师的鼓励与评价
学生需要一个观点独特而不偏颇、修养深厚而不卖弄，既有独到见解、技法高超，又兼容并蓄的教师对他们进行及时有效的激励性评价。从这个角度来说，教师更应该像是一个年长的朋友，给予他们诚恳、中肯的评价，告诉他们“这样做会更好”而不是一个只会挑出毛病，告诉他们“你要这样做才行”的监视者。
（2）学生对自我的认识与评价
学生对自我的认识与评价过程是艺术认识和艺术设计思维形成的过程。这种进步的过程在素描过程中多次地、随机地、不定期地产生，每一都会使学生对自己和对素描艺术乃至对艺术本质的了解不断深化。最终在了解和进步的基础上生成有个人鲜明烙印的表现手法和艺术观。素描教学的重大意义在于培养学生的表现力和鉴赏力，培养学生的设计意识和设计思维。素描教学必须采用科学的指导方法，循序渐进，因材施教，按照由浅入深、由表及里的原则开发每一个学生的潜在能力，引导学生开阔眼界，丰富艺术底蕴，促进学生的想象力、创造力、表达能力得到发展。
作者：杨晓苗单位：江苏省淮海技师学院
一、简笔画的分析
随着当前高职院校教学目标对学生素描教学认知的提升，学生已经开始意识到艺术与生活之间的关系，开始通过不同方法展现自身真实感受及艺术感觉。在上述发展的过程中，简笔画逐渐成为了高职院校素描教学的重要内容，成为了素描教学中的“五大”核心要素之一。简笔画能够通过简单的线条表达真实感官世界，通过一种独立的视角让学生在线条中认识艺术、了解艺术，油然而生一种“眼见为实”的效果。美术教学的过程中，教师不应该将教学重点放在专业油画、国画中，让学生在上述艺术环境中成长，发展。高职院校美术教学是面向职业的教学，教师在实施素描内容落实的过程中要将职业需求作为主要构建方向。简笔画作为美术职业生涯中的重中之重，能够培养学生对自身创意的速记、综合，可以有效提升创意“记忆效果”。教师要让学生认识到简笔画的上述特性，确保学生积极学习简笔画，配合各项教学操作。课堂教学可以在室外环境中，让学生速写，随时进行创作，表达自身想要表达的各项内容。教师需要对学生的感知表达内容进行肯定，鼓励学生继续简笔画练习、创作，从内心爱上绘画、爱上素描。
二、审美的培养
审美可以让学生形成正确的艺术认识，让学生能够充分认识到艺术的魅力和艺术的价值，在艺术之路上不断完善、提升，改善自身艺术学习成效。教师要在素描教学中贯穿审美，从临摹、写生、简笔画等内容中提升对艺术的感知，确保高职院校学生能够具有独特的审美标准，形成与自身职业相符合的审美观念。审美培养的过程中，教师可以：（1）进行审美教育：在课堂中进行艺术鉴赏，从多角度、多方面对艺术品进行品析，学生自由交流，从自身审美中分析艺术品价值，在交流中深化、提升；（2）进行审美训练：审美训练要依照职业需求，从职业对学生的各项要求出发，要包括高职对接职业中的艺术美分析、艺术美展现等着手，确保学生符合岗位标准，顺利就业。
三、美术馆的利用
高职院校素描教学不仅是为了提升学生的素描技术，培养学生艺术技能，更是为了让学生与职业接轨，让学生能够更好地认识艺术，将艺术与生活结合在一起。因此，教师要将教学与实际结合在一起，让学生从艺术品中感知各项艺术价值。教师可以充分利用免费开放的美术馆，让学生能够全方面、全层次欣赏各种风格的艺术作品，让学生能够在美术馆中认识素描艺术，陶冶情操，提升对素描学习的积极性。教师要让学生欣赏各种艺术原创作品，与作品“面对面”，让学生在素描艺术的海洋中徜徉，在艺术家作品的感染下主动参与到高职素描教学过程中。
四、总结
当前高职院校学生在进行素描教学的过程中多是学习理论知识，根本无法在上述基础上创造，提升学生造型能力。教师在实施高职院校素描教学的过程中，要从临摹、写生、简笔画三方面落实训练内容，实施审美教育，要通过利用美术馆让学生进一步感知素描艺术，提升学生艺术认识。只有通过上述“五大”核心要素，教师才能够充分提升高职学生素描学习成效，改善学生能力水平，为学生今后的就业打下坚实的基础。
作者：闫淑珍
一、巧妙选择线条，发现质感美线条是素描绘画中最重要的元素之一
学生要想画好素描，必须灵活掌握素描线条。素描中的线条类型非常多，有粗线条，也有细线条，不同形式的线条对形体的塑造有着不同的表现力，学生只有学会选择线条，才能更好地完成绘画；在进行素描形体塑造时，才能更好地将物体形体处理得更加符合实际。因此，在进行素描绘画教学时，教师应让学生学习一些线条的特点及表现技巧，使学生对形体塑造有更深入的理解，对塑造美感有更深刻的认识。首先，要让学生理解线条的分类。教师可以先让学生用铅笔打一些直线，然后再让学生练习打一些曲线，打完线条后让学生利用不同线条画同一个物体，如一个黑色的瓷瓶，当学生绘制完毕后，让学生思考不同线条画出的瓷瓶有什么区别。通过分析，学生很容易理解直线打出的线条比较坚硬，利于表现出瓷瓶的质感，而曲线打出的线条比较柔和，不利于表现瓷瓶的质感，从而总结出应结合物体本身的质感选择、运用不同的线条这一原则。这样学生在进行形体绘画时，就可以很好地理解形体质感，提升对于形体塑造的审美能力。教师还应让学生结合直线和曲线的原理，自己尝试练习打长线、短线、细线、粗线等不同组合的线条，并进行相关的形体塑造，使学生不断总结如何根据不同形体的质感进行线条的选择和运用，这样在进行一定的练习后，学生对形体塑造的审美能力自然会有一定的提升。
二、理解明暗关系，发现空间美形体之间的明暗关系
决定着物体本身的空间关系，明暗关系对比强的形体，其空间关系就比较强，在整个画面中的位置也就靠前；而明暗关系对比弱的形体，其空间关系比较弱，在整个画面中的位置也就靠后。理解了这一原理后，学生绘画时便能更好地处理空间美感，使整个画面的空间形式关系更加明确，整个画面更加具有真实美。在进行明暗对比练习时，教师先要让学生理解对比的巨大作用。所谓明暗对比，就是明与暗的对比，对比越强烈，在整个画面中的地位就越突出，相反就不会被人轻易发现。在学生理解这一原理后，教师可以引导学生思考如何正确地使用这一原理。首先，在塑造形体与背景的关系时，如果物体本身是暗部，为了让其更好地融合在背景中，可以将背景调子上得与暗部调子基本一致，这样就可使物体很好地融入背景；而对于亮部，如果想要突出它，就可以将背景调子上得深一些，从而将亮部更好地表现出来。其次，在处理物体结构转折时，如在进行明暗交界线的处理时，转折最明显的地方与周围的明暗对比应处理得较强一些，这样才能表现出其转折的坚决性；而转折较为柔和的地方可以尽量与周围的明暗对比处理得较为柔和一些，甚至获得不仔细看就看不出来它是明暗交界线的效果，这样整个形体的处理才更加真实。当学生对整个素描的明暗关系有较为清晰的认知后，学生对事物之间的空间美感就有了更深刻的认识。在看待事物时，学生就能利用明暗对比理解事物之间的关系，从而在此基础上发现事物的美。
三、总结
总之，在进行中职素描教学时，教师一定要让学生认识到，中职素描的学习不再是简单的对客观事物的描绘，而是需要在加入自身对客观事物的理解后将其表达到画面中，这样才能创作出优秀的作品。要使学生对画面有更为深入的理解，教师必须培养学生对事物的审美情感，使学生通过理解素描关系逐渐形成属于自己的审美观，这样在进行相关的素描绘画时，才能更好地将自己的主观情感表现在画面中，才能保证学生创作出更多更好的作品。在进行审美情感培养时，教师需要结合素描的基本内容，让学生从结构、线条、明暗对比关系中寻找素描创作的美感，并由此寻找切入点，将自己的主观情感植入画面，从而不断提高审美情感。
作者：肖萍艳单位：湖南省祁东县职业中等专业学校
一、素描基本意识的建构
素描中的整体观念是极为重要的，学生在绘画时往往整体意识不强，总是对细节进行大量的刻画，忽略画面中整体、主次、虚实的关系。刻画一个细节的同时要观察周边的形体是否在同一进度上，并不断调整各个形体的比例、结构、色调等关系，养成良好的对比观察习惯。如，当写生一组静物时，不要过多地关注一个形体，要注意整个画面的关系，适当地根据整体效果削弱单体。如果每个形体都刻画得极为精彩，会产生喧宾夺主的不良效果。可见，整体不仅仅是观察和表现的方法，更是一种思维模式。要想素描水平提高得快，把握整体关系是首要。当然，局部的刻画也是极为重要的，只有大的关系而没有细节的精彩，整个画面会显得空洞乏味。整体和局部两者的关系始终是从整体到局部，再从局部到整体，如此反复，相互比较，相互依托。对于整体意识的建构，可以从观察方法和表现方法着手。
1.培养“大关系”的观察方法
第一，“对比看”的方法。缩短对单个形体的观察时间，与周围形体交替进行刻画，时刻提醒自己在画单一形体时，注意与其他形体相比较，始终保持进度一致。第二，“眯眼看”的方法。当眼睛眯起来的时候，整个画面都相互统一，以强制性的方法获得整体观察的效果，无法对局部进行刻画，始终关注整体。第三，“同时看”的方法。绘画时兼顾周围形体，始终不过度刻画细节，避免导致其脱离整体关系，做到同时观察、同时调整。
2.整体表现手法的培养
第一，由大到小。大与小指的是形体间的大小比例。如一组静物，我们要从大形体着手，将整体骨架搭建起来，再配置各个小形体；又如画人物头像，整个头部是大，而鼻子、眼睛、嘴等就是小，如若过分关注小的形体会导致整体比例失调、形不准等。第二，由草到精。在绘画之初，无论是线条和色调都可以稍微放开些，以获得整体效果。在整体关系确定好的情况下，再进行刻画，过早地追求精致会使整个画面显得“碎”，如拼接起来一般，与整体失衡。第三，由直到曲。徐悲鸿说过，“宁方勿圆”。直线造型有助于对形体的归纳和总结，对形体的把握将更为准确，过度关注曲线会忽略整体形态。第四，由深到浅。每次调整都从最暗的地方开始，依次是暗—灰—亮。只有暗部的不断深入才能带动整体的进展。色调关系不明确会导致整体画面“灰”，绘画时间拖沓，更严重的是会阻碍学生提高素描水平。第五，由实到虚。虚实关系的处理是整体效果的突出表现，近实远虚的效果处理不当会直接影响整个画面的空间感。第六，由近及远。主体物的刻画需要周围形体的烘托，主次关系处理不当，会使得整个画面喧宾夺主。
二、临摹与写生的有效实施
在整个素描学习的过程中，临摹范画不可或缺。临摹与写生二者是相辅相成的，都是快速提高绘画水平的重要手段。写生中遇到的问题可以在临摹时得到很好的解答，如结构关系，黑、白、灰关系以及点、线、面之间的关系。写生的特点是直观，临摹是参考借鉴他人的理性表达。写生到了一定阶段会有壁垒，光靠勤练会浪费太多的宝贵时间，而借鉴他人的作品会直接弥补现阶段的不足。但是，画者不能太依赖临摹，长期临摹会形成概念化和经验主义，失去善于发现的眼睛，这是得不偿失的。这就需要写生与临摹穿行，不断寻找问题、解决问题。学生专业能力相对成熟时，就可以主观地操控画面，根据层次的逐步提高配以更为精、细、准的范画。临摹不是目的，重要的是通过临摹研究其处理表现的方法，学以致用。很多学生临摹得很好，但是写生不行，其临摹只是将看到的照抄下来，而没有真正理解，到了写生时没有了参考，自己的总结归纳做得又不够，自然画不出理想的效果。这时可以将临摹与写生同时进行，在写生时找内容、构图、角度、形体、光线等相似的范画放在一边，当遇到问题时参照范画，但绝不是机械地抄袭，而是研究理解。只有将写生与临摹有机高效地结合起来，才能迅速提高素描水平。
作者：王胜太
一、石膏像教学的优势
石膏像教学有助于培养学生的整体观察能力。素描造型的关键是观察和表现，观察的方法决定表现的方法，正确的观察是画好一幅素描作品的关键。整体观察就是从大处着眼，完全感受绘画对象。石膏像是静止不动的，它不受时间和环境的制约，可以让画者用较长的时间分析、观察和表现。学生在画素描的时候往往都是在大脑里很自然地先构思一下物体，整体观察物体形象，从感性升华为理性。石膏像教学在培养学生的绘画方法上起到了正确引导的作用。在绘制一幅素描作品的时候，学生常常遵循“总—分—总”的训练方式，也就是“整体—局部—整体”的绘画过程，这样绘画的优势在于不会孤立画面的任何一个地方，使画面看起来更加完整，在绘画过程中有一种循序渐进的规律性存在，对培养良好的绘画方式具有较大的帮助作用。一幅石膏像作品的绘制，从开始的观察、定位、构形，到中间大的明暗关系，寻找明暗交界线，再到细节的刻画，最后整体调整，这一系列过程都需要学生具有良好的造型能力、观察能力、表现能力。还有很重要的一点就是背景的表现，既不能画得过实抢了主体物的地位，也不能画得草草了事破坏画面的整体效果。背景的作用在于衬托主体物，完善画面效果，不可忽视也不可过于强调。石膏像教学在提升学生的艺术表现力方面也起到了至关重要的作用。许多画家一生都醉心于素描的探索，挖掘、研究素描独特的表现魅力。为什么素描的表现可以这样让人着迷？素描以其不可替代的美学特质而独立存在于众多造型艺术形式之中，不论是美术创作还是建筑设计，抑或是舞台美术构思，有关美术表现最初的草图都要以素描的形式绘制完成。因此，学习石膏创作的过程对于今后各种艺术的表现都是无法替代的学习经历。
二、石膏像教学对素描教学的意义
石膏像教学对素描教学的帮助意义重大。石膏像的训练其实也是素描基本功的训练，基本功的训练过程就是一个从无法到有法的过程。绘制素描石膏作品，它的步骤和过程都是一样的，画得越多就越熟练，画得越多整体观察能力、整体把握能力、循序渐进的方法、艺术表现能力就越纯熟，这样画出来的素描作品才有生命力。虽然素描教学采用传统的、基础的教学模式，但素描教学观念如今发生了新的变化，所以要打破传统素描教学的格局，赋予素描教学新的内涵。学生在正确掌握基本功的同时也要融入自身的创造性思维，在达到共性的基础上寻找适合自己的语言技法，发展自身的个性特点。在素描的学习训练中，在教师的正确指导下，学生要勇于创新，大胆实践和探索，强调自我表现，取精存真。
三、结语
笔者认为，在石膏像教学中，学生应通过写生了解人物的造型规律，了解和认识整体与局部的对立统一关系，用绘画表现其精神，真正理解物体结构的空间构造。在今后的绘画学习中，学生要多进行基础素描的训练，为创作出更好的艺术作品打下坚实的基础。
作者：严婷婷
自18世纪，国外就把美术学院的基础绘画训练办法应用在建筑学设计基础教学体系之中，目前存在两种教学体系:以继承古典主义契斯恰可夫推行的传统素描和重视新思维的包豪斯的现代教学体系。两种教学体系分别采用传统写实主义及现代设计为基础，满足时展的实际需求，先后培养出大量的优秀建筑设计师，具有深远的影响意义。前者至今在建筑教学中依然占据主导位置，影响着国内建筑学美术的发展进程和方向。现阶段，因多元化文化的不断发展。国内学士针对建筑美术教学情况，推行多种改进模式，只要有采用抽象、形式分析为主旨的现代教学模式代替传统教学方法，同时也存在坚持传统古典主义路线，让建筑设计回归至美术等各种声音，无法清晰地权衡利弊。至今，建筑美术教学也没有发展成如绘画艺术那样较为成熟的教学模式，国内有关的教学改革也处在不断探索之中。对建筑教学体系进行改革的重点是深入研究和分析建筑设计时对美术的真正需求以及未来向着哪个方向发展，因此给予相对应的课程设置。素描教学是一种比较开放的教学体系，它可以满足各种设计艺术培养的需求。因此，我们进行改革的步伐不是对比传统与现代的利弊，而是应该根据各大高校培养的立足点，在建筑学这个背景下对自己的教学取向进行定位。
二、工科院校建筑学专业素描教学改革策略
(一)加强对素描的认识
素描作为一种思考形式，是以造型基础为目的的素描，其不单单指一种绘画形态，而更多的展示出思考和观察世界的方式。高校在实际的教学中，素描教学是进行造型的基础，为不同专业的发展针对性的解决遇到的问题。在进行造型基础练习时，设计类专业的学生比较重视看、思、画视觉思维方式教育，重点培养学生的整体视觉思维能力，从而设计出需要的造型，来满足各个设计专业的实际需求。根据建筑学中的造型特点，建筑专业开展的素描教学，应该以引导学生怎样思考为主旨，调动学生进行造型的积极性和主动性，对透视、结构等方面实施针对性的训练，不要局限于传统的全因素素描模式中，也不要深陷在脱离建筑设计思维方面进行训练。
(二)探究建筑学需要的素描特色
建筑素描与传统素描有所差别，但在培养学生的创造力、设计意识和构造能力等方面两者紧密连接。这些因素必须在实际的教学内容、方式、选取的素描题材等方面展现出来。例如:建筑素描内容上采用结构与调子作为主体，通过临摹和写生相互结合的办法，使用建筑经常遇到的方体造型为教材核心实施教学。上述方法不仅可以培养学生的感受能力，也有效提升了学生的理性认识能力。建筑所需的素描特色是一个比较广阔的探索空间，基于不断形成的专业特色，对建筑美术教学进行更深层次的探究。
(三)开设建筑素描专题教学
从建筑素描教学的实际情况及特点入手，开展专题教学可以更加集中地解决某一问题，在有限的建筑美术课时中教学效果尤为明显。例如:训练学生的空间建构、创意造型、模型制作等能力，采用专题训练的办法，让学生对所学习的内容有更加清晰地了解，从而较为理性的对其规律进行归纳，随之高效的创建美术知识体系，最后应用到建筑设计中。同时，对绘画方法进行综合尝试，尽力打破传统应用铅笔排线涂调的方式。例如:对作品背景进行大面积的涂刷、合理应用不同的工具和材料，从而节省设计所需时间，加强设计作品的趣味性，尽最大可能把学生的思路专注于认识艺术规律层面。
(四)增设素描教学课时
建筑素描课程教学中，要加大学生对于结构素描和线描的训练。进行描绘的对象大多是几何静物，练习的重点是呈现物体的轮廓线、透视线和光影分布线的描绘，应该微微带有少许光影。学生对实物进行观察时，根据眼睛的观察，训练学生的感知能力和徒手表达能力。几何静物的线条通常为直线或曲线，建筑物则为几何体空间，反复练习描绘几何静物，可以为学生更好的画建筑画打下坚实的基础。室内教学除了让学生绘画几何体、建筑模型线条之外，可增加难度较大的石膏头像，这样训练可以提升学生素描表达的正确率。室外素描主要以写生建筑物为主旨，可以让学生采用钢笔或铅笔进行绘画。对建筑专业学生进行素描教学时，也要训练学生的取景、构图均衡等相关美的感受能力。可以适当缩减色彩课程的教学课时，要求该专业学生必须熟练掌握常见色调的默写能力。也可以训练学生的钢笔和铅笔淡彩绘画能力，美术底子好的学生可以练习水彩、水粉的掌握能力。
三、结束语
一、培养学生的观察方法和技能
素描教学中首先要培养学生具备一定的观察方法与技能，这对于素描教学的展开是非常重要的。写实素描是一种较高的造型技艺，需要以客观物象为依据，将物象的形态特征、艺术特性等用线条的组合表达出来。想要达到这种创作水平首先需要学生具备非常好的观察能力。只有在仔细观察的过程中抓住物象的特征以及造型上的特点，才能够在表达与创作的过程中将物象更为真实地呈现出来。培养学生具备良好的观察方法与观察技能在美术课程的教学中非常重要，小学美术课本中的许多教学素材也非常注重对学生这方面能力的培养。教师应当善用这些教学内容，让学生从小就养成对物象仔细观察的习惯，并且能够有层次、有针对性地进行系统的观察与思考，这对于学生造型能力的培养很有帮助。《装饰纹样》是培养学生具备良好观察技能的很有价值的一节教学内容。教学过程中要让学生初步了解装饰纹样的技法，以及在日常生活中的作用。装饰纹样是把生活中的自然形象经过夸张、变形、概括和修饰等手法进行艺术加工，使其造型、构图、色彩等都适合实际运用的要求。它具有上下、左右、交叉或中心对称的特点，给人以节奏和谐、稳定、整齐和庄重的美感。在我们的生活中到处都可以发现具有装饰纹样要素的事物，比如我们自身的五官、植物的叶子、蝴蝶等都包含了装饰的意义。让学生了解装饰纹样，初步学习设计简单的装饰纹样，是为了培养他们发现生活美并再创生活美的能力。这节内容的教学中我会有意识地渗透对学生观察技能的培养与训练，我会给学生们展示一些很典型的装饰纹样，让学生在仔细观察的基础上总结与归纳这些纹样的特征，并且让学生谈谈这些形态特征带给自己的感受。观察技能的深化很大程度依赖于学生们对于艺术作品有较好的感知能力，只有通过平时的观察训练提升学生们的这种敏感程度，才能够不断提升学生的审美素养，进而让学生在完成独立的作品创作时具备更好的造型能力。
二、培养学生的造型能力和整体感知力
素描教学中造型能力以及整体感知能力的具备是作品能够良好完成的基础，这些能力的培养也需要一个较为漫长的过程。教师可以在平时的课堂教学中让学生更多地进行作品的独立创作，只有在素描绘画中学生的造型能力才能够不断得到打磨与训练，学生才能够在具体的作品实践中体味造型能力的用处。此外，这个过程中也能够很好地培养学生对于作品的整体感知能力，这也是素描绘画中很重要的一项技能。《舞台美术设计》是能够很好地让学生的素描绘画能力得到锻炼的一节教学内容。教学过程中首先要让学生初步了解舞台美术设计的基本内容与方法，感受舞台美术设计所带来的综合艺术效果。要让学生尝试设计课本剧的舞台美术场景与道具、服饰，并进行排练与演出，以此提高学生将艺术设计与大胆实践创造相结合的能力。在教学的设计中，我们可以充分地利用图片、影像等资料加强学生对舞台美术设计的艺术感受，激发学生学习的兴趣，并在感受精美的舞台美术设计中，了解有关舞台美术设计的内容、方法与步骤。在进行舞台美术设计时整体感知能力非常重要，然而，对整个舞台效果有很好的整体感知能力，这在具体的设计中往往更为重要。我会让学生以素描绘画的形式来刻画他们想要呈现的舞台设计，这个过程能够充分考查学生的造型能力，同时，也能够很好地培养学生的整体感知技能。
三、培养学生写生、临摹的能力
想要深化素描教学，在过程中提升学生的造型能力，让学生更多地展开临摹、写生往往是很有效的教学模式。临摹、写生不仅对于学生的观察、体验能力有要求，在作品呈现的过程中也需要学生具备很好的造型能力与整体感知能力，这些都非常有助于素描教学的展开与推进。《中华扇子》是很富文化底蕴的一节教学内容。教学中要让学生初步了解扇子的历史、相关知识及认识扇面绘画的特点。同时，要让学生学习运用水墨画的方法创作扇面画，初步培养学生的国画创作能力。通过欣赏和创作扇面画，还能够激发学生学习中国画的兴趣，增强他们对祖国传统艺术的热爱之情。扇子虽然是我们夏季日常纳凉的用具，但却有着丰富的种类与艺术形式，特别是在我国的古代，扇子更是以其独特的造型以及与诗书画的巧妙结合而成为一种艺术品，这种把实用与艺术结合的方式也是我们中华民族的伟大创造，并具有深厚的文化内涵。在学生欣赏了大量精美的中华扇子后，大家对于扇子的造型、艺术特征等都有了一定程度的领会。随后，我会给学生呈现几把非常精美的扇子的实物，让大家来进行写生。这是对于学生的素描水平的一种直接考查。创作的过程中首先需要大家对于实物有细致的观察，随后，需要学生运用良好的造型语言将物象更为生动地呈现出来。这个过程不仅是对学生素描水平的一种锻炼，也能够很好地培养学生的造型能力。想要在素描教学中培养学生的造型能力，这首先需要培养学生的观察方法与观察技能，同时，还要有意识地深化学生的整体感知能力。此外，可以在课堂教学中让学生们更多地展开临摹写生，这个过程不仅是对于学生素描水平的一种锻炼，也能够很好地培养学生的造型能力。
作者：夏文巧单位：江苏省阜宁师范附属小学