时间：2023-12-07 15:44:35
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇创意绘画教学目标，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
设计素描教学方法陈旧、老套，由于对设计素描教学目标的定位不明晰，造成教师在教学方式、方法上也会存在一定的问题。诸如长期枯燥的绘画写生技能训练、理论知识的“满堂灌”、工具材料单一、课堂上师生交流与互动不够等现象。很多时候我们看到的情景是：课堂上学生都在埋头写生绘画，同学之间很少交流。过于注重技能技法的训练模式中，学生的创新思维能力培养无从谈起，这些都束缚了当今设计素描教学的发展空间。
2、对设计专业素描教学的几点看法
2.1设计素描概念的再认识
设计素描是从绘画素描蜕变而成，一方面要再现物象形态结构、肌理质感和空间关系；另一方面又注重表现创意和情感，是一种从二维、三维到多维的观察和表现方式，用作造型、思维和创意等方面的基础能力训练和专业素质培养，它与绘画素描既有区别也有联系，我们的教学活动需要造型的基本能力，更需要一种设计和创新的能力。教学过程中对形式美的研究，不能只是满足于对物象外在的把握，而要由外而内，分析物象内在的微观组合形式，对物象的组织结构进行解构与重构，从而形成新的图式。因此，按照绘画素描的训练方式和思维方式来教学是不恰当的，它需要我们重新来认识和定义教学目标、教学内容、教学方式方法以及学生的思维训练方式。
2.2设计素描教学目标的准确定位
设计素描作为许多设计专业的基础课程，我们一定将其为它所在的专业服务。例如，环境艺术专业的素描强调空间、透视、比例等关系表达；动漫设计方向的素描偏重物体的内外在结构、人物的动态把握；平面设计方向的素描注重画面的形式美感表达，视觉张力和冲击力等。设计素描课程的教学内容方向一定要与该专业课程相适应，在平时的训练中映射后期专业课程的教学内容的应用。这里需要注意的是，现实中许多高职学生的专业基础较差，绘画水平参差不齐，那么我们在制定教学目标时要考虑到适应高职学生的自身特点和职业教育的发展要求，不断完善设计素描的标高。因此，有些院校将设计素描分为三个模块，即结构素描、明暗素描、创作素描（也叫设计素描），教学过程遵循由易到难，由简到繁的原则来实施，循序渐进最终达到教学目标。
2.3设计素描的训练方法
设计素描的内涵和教学目标与绘画素描存在差异，那么也决定了它的教学方式方法的不同。首先，学生的观察方法的训练主要有以下几个方面：（1）培养整体与局部全面观察的能力，包括对象物体的整体特点、细节结构、基本构成元素等；（2）培养动态与静态主动观察的能力，其中包括时间变化、物象变化、视角变化等；（3）培养立体与平面空间观察的能力，如透视变化、光影转化、明暗肌理、内外空间等；（4）培养宏观与微观转换观察的能力，如特色提炼、细部特写、解构重组等。其次，三个模块的训练呈阶梯状。在结构素描中，主要是培养学生的观察能力和表现能力，掌握科学的观察方法，即整体与局部的关系。
在明暗素描的训练中，要求学生掌握素描的明暗关系，培养学生的造型能力。注重形体明调子的表现，使画面主体形象突出，层次分明，虚实有致，变化丰富。而在设计素描的训练中，主要培养学生对造型的记忆力、想象力，掌握设计素描的表现技法。具体训练方法有：写生训练、默写训练、想象表现的训练法。第三，高职学院学生的实际特点，在教学方式上应灵活多样。除了平时的课堂教学之外，还可以组织一些其他形式的教学活动。例如，到校企合作单位进行观摩、设计工作室的参观学习、模拟课题实战训练、鼓励学生参加省市级的设计比赛等，将设计素描的课堂向课内外延伸，让学生真正做到学以致用。
3、总结
一、科学制订目标，提高目标成效
创设有艺术氛围的环境、挖掘教师的艺术才能、培养孩子的艺术情趣是我们的目标宗旨。
我们在工作中，大胆摸索，大胆实践、勇于创新，初步确立了自己的美术创新教育思想、教学方法，形成了自己较为独特的美术教育风格。我们以“从美术教育中汲取营养，培养孩子健全的人格、促进孩子全面发展”为着眼点，以美术教育为基础，推进幼儿园各项教育教学工作的整体发展与提高。并将美术教育作为孩子全面发展的重要手段，以艺术促进孩子创新能力的稳步提高。
我们在美术教育中注重孩子自由的表达表现和创造性地表达表现，鼓励和引导孩子按照自己的兴趣、需要，自由自在地宣泄、表达自己的思想情感。
我们美术特色教学的目标确立依据是新《纲要》中的艺术目标。三条艺术目标比较笼统、抽象，在实际中教师较难把握。于是我们又把美术教学目标具体化、明确化。
1.情感目标
在幼儿的日常生活中，情感教育越来越占主导作用，幼儿美术教育是一种艺术活动，是审美教育的重要组成部分，我们以情感为抓手，激发幼儿对美术活动的浓厚兴趣，提高幼儿审美能力和绘画的表现力。运用符合幼儿年龄特征的教学方法引导幼儿积极参与美术活动，发现生活中的美，环境中的美，充分享受美的熏陶。使他们感受到生活的快乐，让幼儿身心得到自我满足，树立幼儿的自信心，健全人格，培养他们开朗的性格、善良的品质。
2.知识目标
在美术活动中根据幼儿的年龄特点，向幼儿传授一些粗浅的美术知识，同时渗透各领域知识，努力把美术知识与各科知识相互融合，使幼儿获得较为系统的，完整的新知识，促进幼儿各种能力在原有水平上有所提高。美术活动中，根据不同内容，融合其它学科的知识，不仅丰富了活动的内涵，而且更吸引了幼儿的兴趣。教师明确了教学目标之后，设计活动方案时自然而然地考虑到了各领域知识的融汇贯通。
3.技能目标
美术教学活动中，教师根据幼儿的发展需要，给予表现方式和技能技巧的指导，使幼儿较为确切地运用美术技巧表达自己的认识，充分展现自己的个性。教师的引导可以使幼儿根据需要达到目标要求，每个幼儿的选择虽然不同，但相对以前都有了较大的进步。此外，幼儿还学会通过线条、形体、色彩等要素初步感受并喜爱周围环境和美术作品中的形式美和内容美;积极投入美术活动，并通过各种造型要素自由表达自己的感受，体验美术创造的乐趣;初步尝试不同美术工具和材料的操作，并用自己喜欢的方式大胆地表现出来。用造型、色彩、构图等美术语言进行创造性的表现，具有创造的意识;体验绘画活动的乐趣，能积极投入绘画活动;初步尝试不同绘画工具和材料的用法，形成良好的绘画习惯。能大胆地塑造和制作多种平面的、立体的手工作品，用以美化周围环境和进行游戏活动;体验手工活动的乐趣，能积极投入手工活动;初步尝试不同手绘画工具和材料的基本使用方法，形成良好的手工活动习惯。
二、精心选择，创设园本课程
1.重视活动形式的多样性
美术教学过程中教师往往忽略幼儿的年龄特点，重视形式的创新。我们应把我们班或我们园幼儿的年龄特点放在首要考虑的位置，使课程中的内容技能与幼儿的心理、生理发展水平相适应。如剪纸这类型的活动课程我们反复研究，根据大班幼儿年龄特点，把剪纸目标定位在：1）剪出对称形体，难度不要过高。2）先画后剪，把连接作为知识要点。3）用各种彩纸，形象单一，色彩复杂。4）鼓励创新，大胆设计图案。正因为正确地处理了剪纸创新教学与幼儿年龄特点这一矛盾，加之活动后的不断调整，使得剪纸的创新教学活动非常成功。
为了防止美术活动形式的单一，注重可操作性，我们又进行了美术活动形式的尝试与开发。虽然绘画形式中有线描、涂色、水墨、水粉等等，但形式单调。因此为了使美术特色课程具有先进性，前瞻性。教师们开动脑筋，在全园开发了一些形式：剪纸、面贴、粘贴、撕纸、编织、泥工、印染、报纸浮雕画等等，老师们还把各种形式相互吸收，取长补短。在掌握形式开发的规律性后，运用规律自由地重新建构，使形式不断地发生变化，给人耳目一新的感觉。
2.以园为本，开发丰富的人文资源
我们根据多年来的特色教育经验，认为美术创新教学的内容选择应该多方位、多角度。可以来自于原有课程更深度的挖掘;可以从幼儿教学活动中生成;可以根据季节选择;可以从乡土文化中筛选。凡是幼儿感兴趣的，幼儿具有一定生活经验的、能用一定绘画符号表达的内容均可作为创新教学的原本材料。如“泥塑：家乡的荷藕”、“我与大运河”等案例，都来自于本土荷乡文化;“手拉手”剪纸内容生成于幼儿园组织的郊游活动;“全家福”这一课程是对主题活动的拓展……，只要我们用心去观察，就会发现周边有许多课程可以开发，只要你拥有一双发现美的眼睛，美术创新课程的开发就能渊源流长。
三、创新延伸园本教研
[论文摘要]立足于高校美术教育对当代社会人才的创新思维、创造能力、独立思想、批判精神、合作意识以及在当代文化下的应变、反映能力的多方面培养要求，对高校造型基础课程教学方法进行研究和探索。
造型基础课程是高等艺术设计院校开设的一门基础课程，多年形成的传统思维模式，许多高校一直把素描作为造型基础课程的授课内容，在当代开放多元的艺术语境下，艺术教育特别是艺术设计教育面对的是包括传统以及当代艺术在内的整个艺术史及多元化的艺术样式，造型基础课程的教学目标和教学重点将区别于传统素描教学模式。作为现代艺术设计基础教学随着时代的发展，造型基础课程教学，是引发学生的创造力，扩展思维空间的过程，从而实现从基础教学到设计教学的桥梁学科。
一、教学目标的转变——从传统素描到创意素描
高校艺术教学造型基础课程开设的教学目标与传统素描教学目标在教学观念和思维模式上有所区别。传统的素描教学目标使学生能够掌握正确的观察方法，并培养其坚实的写实造型能力，提升其造型艺术的素养。不可否认，这种方式曾为我国培养出大批优秀的艺术创作人才与艺术教育工作者，为艺术文化的繁荣做出过贡献。但随着时代的发展，艺术的面貌、样式在发生着翻天覆地的变化，这样的素描教学、课程设置已不再能满足艺术面貌的多元化的趋势逐渐形成。
创意素描的教学目标是培养学生的设计思维，设计创意；扩展创造力和想象力，丰富设计表现方法、手段和设计语言，创意素描的教学目标一方面延续了包豪斯“感知教育”的教学原则，试图建立一个与现代设计概念和方法相吻合的视知觉基础，同时以视觉思维训练的整体性和生态性为主线，发展了一套集成式的训练方法。
二、把创意素描作为造型基础课程教学重点的优势
1.创意素描是使学生的观察、感受和视觉化的一种特有的表达方式和技巧，它意味着可以使用任何媒介在一个可以绘画的表面上做一些定形的视觉形象来表达内容。
2.从设计的观点出发，将素描训练引入其造型训练之中，结合设计教育的整体特征，利用其中原理部分，如视觉传达的原理与规律，形式法则等。
3.以视觉思维训练为目的，以视觉思维的整体性作为出发点，以现代艺术实践作为教学的源泉，打破了一般训练分门别类，以及先基础后综合，先简单后复杂、先技能后运用的单一教学方法，特别是为现代设计态度和方法相适应的问题提出了一种可能性。
4.强调整体性、科学性、研究性的一面，又注意其表现性、生动性、完整性的一面，是设计创意表达的重要手段之一。
三、造型基础课程创意素描的教学方法
谈到创意思维的开发和培养，很多高校艺术设计教师在激发学生的创造能力的同时，都把灵感最为创意思维开发的教学方法，在实际的教学中我发现把灵感作为创意开发的教学方法有一定的局限性，灵感因人的天赋特性不同而强弱不同，可遇而不可求，无法当做创意素描教学的主要方法。以下两种方法是我在实际的教学工作中摸索出的具体教学方法。
1.等价变换教学方法
设计是一种创造性的劳动。在设计过程中，设计者思绪万千。设计者要善于将自己的构思及时地记录下来，表达自己的思路，把这种记录构思的形式我们通常称之为画小稿，从若干小稿中进行选择、综合反复推敲、定稿、再绘制成效果图。
然而，在教学中，我们常常发现这样的现象：许多学生在画传统素描时画得头头是道，可谓“栩栩如生”，十分到位。而一到上专业设计课就暴露了问题，叫他画草图却动不了手；心里想得出却表达不出来；本来很简单的形体，弄了半天还是不对劲儿，要么比例失调，要么透视不准。究其原因，以前画的素描是“有口无心”依葫芦画瓢式地摹出来的，多归功于时间和橡皮功夫，只注意不厌其烦地刻划细部和“浮光掠影”地涂明暗调子，而不注意去理解、分析、研究对象的形体结构与透视关系；没有在大形的把握上和本质刻划上下功夫。所以，一旦离开了对象便束手无策。这是素描教学的失败。
等价变化法是通过对不同事物的一方或双方经过适当的思考，找出原来五官的两个事物的共同点，把两者的等价关系体系化。该法的创立者市川龟久指出：“创造性开发的生物模式存在于凤蝶的成长过程中。”他认为，在由幼虫变成蛹进而变成漂亮的蝴蝶的变态过程中，存在着创造性开发的最完美的基本模式，并以此作为等价变换理论提出来。即在事物发展过程中，初期的外形被舍弃了，但是内容却进入了高级阶段，走进了新秩序之中，终于选择了新形态。创意、创造过程也完全相同，此时“新阶段的外形”等价变换为“新的形态”。在创意素描教学中等价变换方法的运用是使学生养成先思考、先创意后动手的行之有效的教学方法。
2.为设计而素描的教学方法
我们的素描教学中，以环艺方向的造型基础课教学为例，引导学生“单刀直入”重透视、重理解、重默写、重速写、重创意，以线为主的素描训练方法正是我们艺术设计专业基础训练应采取的方法；那种直接而快速、生动而活泼的素描才是未来设计工作者的“童子功”。
因此，在素描课程教学中，在教学中尽量避免长期作业，加强默写、速写的练习。让学生根据推测，想象表现出多种不同。同时，鼓励学生把创意和开发素描表现的无限可能性作为研究目标，充分调动学生的学习主动性，加强学生的理解能力；要求学生不仅要表现出眼前所见的形象，还要能表现出眼前所见不到的形象角度的形体来，以培养学生的想象能力。加强线描训练，培养学生快速表达对象，把握对象本质的能力。这样的训练将大大提高素描教学的效果，真正为专业学习与设计打下良好的基础，为在环境艺术设计工作中构思草图和效果图表达服务，取得了很好的效果。
以创意培养为主线，为设计而素描的教学思路和方法是我在实际的造型基础课教学中的一种体会，同时也是在开放多元语境下探索当代艺术教学的尝试。就像艺术发展具有无限可能性一样，面对当代艺术教育的现状，多元是语境，同时也是一种鞭策和提醒。
参考文献
在当今艺术多元化的影响下，素描的形式语言也被赋予了时代精神和现实意义，素描的内涵在不断扩大，以往的素描教学已经不能完全满足现今社会对艺术教育的需求。作为大学美术教育组成部分的素描教学，其教学目标应是使学生能适应现代社会发展对艺术专业的需求，同时要具有艺术家所必需的审美能力。艺术教学应该注重情感的投入、思维的训练和创造力的培养。素描教学是造型的教学，造型训练的应该是思维，而不仅仅是技术。造型能力是在画面上表现出图形的能力。素描教学的目的在于培养学生对于事物敏锐的美感反应，通过建立学生对画面的设计意识，培养艺术创造性思维，丰富学生的造型语言，并且通过艺术想象力的训练，逐步提高学生造型艺术的综合能力。这就需要创新素描基础教学。
一、高校素描教学形式的发展和创新
高校艺术专业的素描教学改革，是探讨素描的绘画形式、绘画要素及训练计划、素描课程结构。随着国内各个高校与世界的交流，中国的美术教育出现了多样的探索样式。随着人们的时空观念、造型意识、观察方法的变化，素描已经形成多元化的格局，形式上也已经不再局限于对自然忠实模仿与再现的传统。当今的素描教学的目的，是把素描视为一种有丰富审美特征的艺术形式。素描教学只有摆脱了基础的束缚，并加强自身的艺术表现力，才会更加具有生命力。社会的进步、绘画材料的丰富为素描的绘画语言提供了丰富的物质基础。随着社会的进步和时代的变迁，素描教学的观念也得到了适当的调整和改变。在这种新的教学观念的要求之下，教师应当把素描教学当成一门绘画的形式和语言，让学生领悟素描的表现力和艺术价值。学生既要明确学习素描就是为了传达情感以及对事物的感受，与个人的社会知识、文化素养也密切相关；也要懂得艺术作品不是自然的产品，而是基于人的活动，具有主观性，画面的每根线条都是个人独特的语汇。素描作为造型艺术的一部分，一开始就应介入艺术的本质，应作为知觉训练、情感训练，是艺术表达方式的一种，不能仅仅停留在绘画技术的层面。缺乏艺术的感知能力就不可能进行艺术创造，丰富而敏锐的艺术感觉才是艺术的生命。因此，素描教学应以开发学生的艺术特质为目标，只有这样才能体现素描基础教学在艺术教育中的重要作用。艺术是人们以情感、想象力和创造力为特征把握和反映世界的一种方式。而个性化的素描语言是在不同形式的艺术共鸣中逐步培养和显现出来的，每位学生的艺术思维和创造能力在素描艺术的学习中逐渐得到提升。艺术是人们现实和精神世界的形象反映，是艺术家知识、情感、理想的综合产物。美术教育是对学生思维、认识及自我的引导，是一种人性化的教育，素描教学是美术教育的基础。现代意义上的素描教学应该使学生通过课程学习形成艺术特征，掌握造型技巧，最后用独特的艺术语言表现自己的情感，发挥艺术想象力，实现自己的艺术目标。
二、高校素描教学中创造性思维的培养
随着社会的发展，艺术设计的多元化趋势要求对艺术教学方式进行革新。作为基础教学的素描课程，加强对学生创造性思维的培养就显得尤为重要。创意素描教学是一种新的素描教学形式，这种素描教学形式能使学生从多种视觉角度认识素描造型的内涵，激发学生对素描课程的兴趣，调动学生学习素描的积极性。学生通过创意素描课程的学习，开拓了创作思路，开发了个性的创意，传达独特的思想和理念，展现出新颖的素描形式。艺术教育只有培养学生的创造性思维才能真正提高教学质量。在素描教学中，学生可以用多维的方法对表现元素进行重构，使画面表现出丰富的艺术效果。教师应创新素描教学方法，教学模式不能停留在具象的、单一的形式上，不能只是教师重复罗列石膏、水果、器皿等常规物品，学生被动描摹。在素描训练中，学生可以找寻不同的表现题材，发挥主观能动性。每一张作业都是一件艺术作品，每一张作品都有自身独特的气质和审美取向。素描教学不应是单纯的技法训练，而是一种主动的参与与表现。师生在教学过程中应积极进行教与学的互动，师生之间是一种思想的交流和艺术风格的影响。在教学过程中，教师可以穿插介绍和分析不同的艺术作品，提高学生的艺术审美能力和鉴赏水平。创意素描的教学注重对学生整体艺术思维的引导，注重对学生的最初创意进行鼓励，帮助学生实现自己的创意，最后对学生的作品进行展览和讲评，利于学生相互学习、共同提高。素描基础教学的价值应该是培养学生的创造性思维，让学生既掌握素描基本理论和技法，又鼓励学生尝试新的绘画材料、技法和语言，开发学生的创作潜力，充分发挥学生的独特艺术气质，培养学生的创造能力，为今后的艺术创作打好基础。只有具备抽象思维和艺术创作能力，才能真正理解了艺术，才能学会本质地看待问题。在这种素描教学的要求下，教师的专业教学能力应该进一步提高，只有不断提升自身的专业技能和意识观念，才能够在素描教学中进行知识的拓展和更新。与此同时，教师通过素描教学模式的改革，使学生从被动地接受绘画知识转为主动将独特创意和专业知识相结合，积极地感受自然、理解艺术、表达自我。在社会快速发展的今天，艺术教育要求在素描教学中注重对学生创造力和思维能力的培养，因此素描教学应随着时代的发展不断丰富和变化。高校素描教学应该顺应时代潮流，在教学观念、教学方法、培养目标上有所创新，才能培养出满足社会需要的人才，这才是高校艺术教育的最终目标。
作者：李培裕
广告设计与制作专业设计素描课程教学改革主要以改变传统设计素描教学观念以及教学模式为基础，以开拓学生创造性思维、刺激学生的设计灵感、增强学生动手能力、加强学生学习兴趣、体验学生设计成果为模式，构建适合于广告设计与制作专业发展的设计素描课程教学体系。注重对学生设计观念和思维的培养，为设计专业其他课程做铺垫。从设计素描课程的教学目标、教学内容、教学方法、教学手段等方面进行创新突破，最终形成比较完整合理的更加符合广告设计专业要求和就业形势的素描教学体系。
关键词：
广告设计与制作；素描教学；创新意识；教学改革
0引言
广告设计已经成为当今社会与经济发展的重要组成部分，当今社会对广告设计越来越表现出个性化、多元化的苛求，这就要求我们必须对设计素描课程进行适当的改革，从学生的观察能力、分析能力、表现能力、设计思维能力上入手，将教学与就业接轨，从课堂走向市场，创造出符合社会需求的人才。
1原有教学模式分析
多年来，广告设计与制作专业设计素描教学课程一直沿袭传统绘画素描教学的内容和训练模式，即从石膏几何体写生、静物写生、石膏像写生、人物肖像写生到人体写生。其课程内容基本沿袭这样一步一顿地思路，时间过程沉闷冗长，部分学生失去了绘画的激情，设计素描成了机械模式的型与体、空间与关系表现的简单运动，设计失去了本来的趣味，素描变成了复制印刷版。在大学虽然设计素描课程作为造型艺术的重要基础，在广告设计与制作专业造型训练之前不断地进行石膏几何体、石膏像、人像写生练习，具有特定的价值和意义，但大部分学生在参加高考之前已经熟练掌握了素描的基本技法，现在再重复训练虽然课程教学从目标到要求有所不同，但是大部分学生只是熟练技法表现，不去思考、不去探索，最终导致浪费了大部分的时间。
2课程内容改革和措施
2.1教学目标的改革
创意思维的表现是我们教学改革的重要尝试。针对广告设计方向的人才，艺术创作、设计夸张、变形和构图等需在设计素描课程中占有主导地位，只有这样才能为后续所有设计课程提供基础并供给养分。广告创意人才对结构的认识，对物体进行归纳、剖析、置换是必需的能力，从设计画面到注入全新的创作理念，再进行加工以物向型表达出来是必学的技能。选择画面主导形象和自由驾驭画面密切相关，只有训练学生的创造性思维，才能使其在艺术创作、广告设计造型等方面的能力得以提高，才能将画面达到一种具有节奏、韵律合理的使人留下深刻印象的效果。所以设计素描课程的教学目标应该是培养学生创造性的思维。
2.2教学内容的实施
首先，作画内容功能性的强调是我们教学内容上的第一个突破。原有的素描教学注重表象，而设计素描注重表意，因此本次改革在“创意素描”教学部分设计了这样一个课题，要求学生以暖瓶为出发点，用素描的方式方法创作出一幅手机宣传画，即绘制创意草图，这就要求学生不能一味地简单写实与照搬，学生必须在保证暖瓶造型准确、质感到位的基础上，对画面进行有思想性和目的性地创意绘画，即突出暖水瓶的性能、功能为前提，同时使画面更加具有广告草图的效果。让学生在素描中意识到设计草图的重要性，并逐步掌握设计思想该如何通过草图来表现。其次，快速记忆表现的强调。设计素描强调快速记忆表现，我们通过对设计素描教学内容设置的改变，培养学生将设计思想用最快速、准确的方式表达在纸上的能力。因此“，短、平、快”是设计素描在速度上的一大特点，也是我们在教学中需要培养学生的一项技能。经过本次教学改革，在“人造物写生”部分改变介质要求学生除纸张外，表现在其他媒介上，如衬衫、茶杯、镜子等等。换成学生自己身边感兴趣的小玩具或寝室里面的小物件。作画方式上，要求学生以速写的方式，从简单的结构入手，力求创新多元。
2.3教学方法的创新
个性化教学，任务驱动模式。我们把一个学期的教学内容设置成多个任务，通过具体任务的完成使学生掌握教学内容，激发学生的学习兴趣。以任务为主线，教师为主导，学生为主体的方式培养学生的创新能力，独立完成画面的能力和应变能力。运用此种方法提高了学生技能的同时，使其对相关理论知识记忆更加深刻，教师思路清晰，学生学习目标明确，取得了良好的教学效果。
3课程改革的启示
理论与实践相结合，注重学生专业理论知识传授的同时必须注重学生动手能力的培养和发散性思维的引导。寻找学生观察和思考的一切可能，破坏他们理性临摹意识，使学生在遵循自然规律的基础上按照形式美法则，通过创造意识、审美情趣和思维模式等宏观的处理画面。产学结合，让社会走进教室，让学生走出课堂。学生学习最终是为了就业为了回报社会，只有让学生多接触多看才能多学。在本次课程改革实施过程中，我们邀请多位专家学者莅临学校参观指导，学生参加社会举办的各项展览13项，其中获得全国大学生艺术展国家级奖励5项，省级奖励12项，得到了学校老师和社会各界人士的一致好评，学生的学习兴趣也大幅提升。现我们的大学生创业基地已经通过审批，学生的作品有了转换成商品的途径和渠道，充分尊重学生的学习成果并体现出了学生的作品价值。设计是一门艺术，更是生活的一部分。设计素描是设计的基础更是设计的起点，是学生主动观察设计事物的第一步，所以必须培养学生独立的思考习惯和创新意识。通过课程改革，学生的创新意识和学习兴趣有了明显的提升，充分验证了广告设计与制作专业设计素描课程教学改革势在必行。
作者：周竞 刘立涛 单位：黑龙江农业经济职业学院
参考文献：
［1］牛勇.艺术设计专业素描课程教学改革探析［J］.美术教育研究.
［2］李美月.广告学专业《设计素描》课程教学模式改革的探索［J］.南北桥，2012（1）.
关键词： 高职院校 绘画课程 现状 改进策略
1.高职院校绘画课程
美术指占据一定平面或空间、具有可视形象以供欣赏的艺术，也叫造型艺术、视觉艺术。按照目的分为两大类，即纯美术和工艺美术两类。高职院校绘画课程具有重要作用，具体表现为：第一，高职院校绘画课程可以培养学生的观察能力；第二，高职院校绘画课程可以培养学生的记忆能力；第三，高职院校绘画课程可以培养学生的想象力和创造力；第四，高职院校绘画课程可以促进学生思维能力的发展。高职院校绘画课程成为学校德育工作和素质教育的重要构成部分。
2.高职院校绘画课程现状
2.1高职院校绘画课程面向对象
当前，高职院校绘画课程面向对象多数是文化成绩较低的学生，学生的综合素质存在一定缺陷。
2.2高职院校绘画课程培养目标
高职院校绘画课程培养目标存在一定问题，需要进一步完善。具体表现为：第一，高职院校绘画课程培养目标与其周围的多个艺术类院校的培养目标非常相似，毫无特色。第二，高职院校绘画课程培养目标未能和社会发展的人才需求相联系，不能满足当前社会发展的需要。
2.3高职院校绘画课程教学条件
高职院校绘画课程教学条件非常差。具体表现在，进行高职院校绘画课程教学的一线教师教学能力与专业能力存在一定缺陷，有待进一步提高。
2.4高职院校绘画课程教学管理
在高职院校绘画课程教学管理方面存在许多问题，具体表现为：第一，高职院校绘画课程教学的规章制度不完善。第二，高职院校绘画课程教学评价更注重结果评价，而忽视过程评价。第三，高职院校绘画课程评价未形成完整的评价体系。
2.5高职院校绘画课程教学效果
高职院校绘画课程教学效果相对较差具体表现在：学生掌握的基本的绘画技能与绘画理论非常薄弱；学生对于绘画理论方面的知识没有兴趣，学习动机不明显。
3.改进高职院校绘画课程教学
3.1改善高职院校绘画课程教学面向对象
高职院校绘画课程教学改进需要改善高职院校绘画课程教学面向对象。例如，在最初的招生过程中避免盲目招生现象出现，严格控制综合素质较低的学生入学。
3.2注重高职院校绘画课程教学特色
高职院校绘画课程教学改进需要注重高职院校绘画课程教学特色，实现高职院校绘画课程教学的特色化。
3.3完善职院校绘画课程教学条件
高职院校绘画课程教学改进需要完善职院校绘画课程教学条件。一方面，加强现有师资力量，促进总体能力的提高，如定期召开一些教师交流与研讨活动，推荐教师参与国家级培训或省级培训活动等。另一方面，学校在师资结构上引入双轨制度，将一些行业专家或学术专家引进学校，成为兼职教师的一部分，更好地拓展高职院校绘画的实践课程。
3.4优化高职院校绘画课程体系
优化高职院校绘画课程体系，具体包括：高职院校绘画课程包括基础理论课程、基础绘画课程、专业绘画课程三个重要部分，并且基础设计课程占有巨大比例，由各部分由必修部分与选修部分两部分构成。其中第一学年主要为基础理论课程，包括基本的形态观察与思维训练、写生与速写。第二学年主要为基础绘画课程，包括绘画原理、绘画方法等。第三学年主要为基础绘画课程，包括绘画工艺、绘画创意等。第四学年主要为专业绘画课程，包括绘画策略、绘画评价与批评等。
3.5改革高职院校绘画课程教学方法
高职院校绘画课程使用的传统的教学方法很多，比较常见的有讲授法、问答法、练习法、讨论法、演示法等。改进高职院校绘画课程教学，需要改革高职院校绘画课程教学方法，例如，引进参观教学法、以探究为主的教学法、以体验为主的教学法等创新性的教学方法。其中，参观教学法强调学生深入教学环境的具体实践中，通过对具体情景的直观感受，使学生全身心投入学习实践的过程，将复杂抽象的景观直观化；以探究为主的教学法是日常生活中所说的“发现法”，特点在于将学生学习过程置于教学主导位置，要求教师引导学生积极主动地参与到知识获得的过程中，使学生的能力在积极的探索实践中，不断得以提高；以体验为主的教学法强调让学生融入教师所创设的情境中，在情景中丰富知识，实现自身的知识水平提升。这三种教学方法是在新课程改革的背景下，改进教学方法和创新形成的新的教学方法，具有不可替代的先进性。
3.6重视高职院校绘画课程教学评价
高职教师绘画课程的教学评价主要包括五个方面。第一，教学目标的评价。即教学目标是否是在充分分析绘画课程标准、学生学习行为、学生学习需要、学生在学习中存在的问题等因素的基础上提出的，是否符合知识与能力、过程与方法、情感态度与价值观三个维度目标的要求等。第二，教学内容的评价。即教学的重点与难点突出且合理，具体教学细节条理清晰、语言丰富。第三，教学手段评价。即采用的教学手段能否很好地辅助教学，培养学生各方面能力。第四，学生表现与教师表现的评价。即学生能否独立、自主、探究性地学习，能否充分发挥主动性与积极性；教师能否充分发挥主导作用，采用积极有效的教学方法与教学理念，促进学生发展。第五，教学效果评价。即教学活动能否实现教学的三维目标。通过五大方面评价，教师能够循序渐进地改善备课与教学，从而更好地指导绘画课程教学实践。
参考文献：
[1]黄玲.对高校美术史课程教学改革的思考[J].学理论，2013（17）.
[2]罗黔军.浅谈高校美术基础课堂教学的有效策略[J].南昌教育学院学报，2013（06）.
[3]王猛.版画教学在高校美术教育中的现状与对策[J].数位时尚（新视觉艺术），2013（03）.
关键词：中职学校;美术教学;创造性思维;培养策略
在中职美术教学活动中，部分专业教师缺乏创新的意识，导致美术教学的教学质量和教学效率不高。教学实践表明，在美术教学中融入创新型教学理念，能够有效激发中职学生的主观能动性和学习积极性，切实让每名学生参与素描教学，通过在课堂上与其他学生的交流、互动和合作，达到提高学生综合美术素养的目的。这符合现阶段中职美术课程教学改革的目标。
一、创造性思维的含义
创造性思维是一种具有创造性和预见性的思维，其能让人们在提出全新设想和建设性意见的过程中揭示事物的本质，拥有独特的全局效果、创新性方向等特征。文章对于创造性思维采用教育界中给出的定义，即“在客观需要的推动下，以新获得的信息和以储存的知识为基础，综合地运用各种思维形态和思维方式，克服思维定式，经过对各种信息与知识的匹配、组合，或者从中选出解决问题的最佳方案，或者系统地加以综合，或者借助直觉、类比等创造出新办法、新概念、新形象、新观点，从而使认识或实践取得突破性进展的思维活动”[1]。同时，创造性思维是一种创新、拓展的行为能力，它以直觉、记忆、想象等为基础。创造性思维也是一项独特的思维活动，需要人们具备大量的知识储备和较强的实践能力。
二、现阶段中职美术教学中存在的问题
1.课程安排背离了教学规律部分中职院校在美术教学课程设置上，忽视了中职学生对于美术学习的需要，违背了教学规律，导致美术教学的教学质量和教学效率不高。在这样的背景下，部分中职学生对于美术课程的兴趣不高，学习主动性不强，这不利于培养中职学生的创造性思维[2]。2.美术相关课程缺乏创新中职学校的教学目标是培养一专多能的人才，但是部分教师在教学中片面追求“多”，忽视了“专”的重要性。这样的教学理念可能会导致学生在美术学习过程中出现杂而不专的问题。现阶段，部分中职学校没有基于实际学情设置课程内容和教学模式，课程教学缺乏创新，影响了美术教学的教学质量和教学效率。3.部分中职学生的文化素养不高现阶段，部分中职院校实行免试入学的方式，这种入学方式在一定程度上导致不同的中职学生在文化素养上存在差异。由于学生的学习基础不同，个别教师往往难以较好地把控教学难度。另外，不同的中职学生对知识的接受能力、学习方法等都不相同，而部分美术专业课教师为了追求教学效率、完成教学任务，在美术教学中不求质量，没有较好地开展有针对性的教学，忽视了对中职学生的文化素养和美术综合素养的培养。这导致部分中职学生审美意识不高，进而对于美术课程学习的积极性不强，不利于培养学生的创造性思维[3]。4.美术教学缺乏创意课程与专业实践环节创意课程是培养中职学生创造性思维的重要途径，对于中职学生学习专业课、创作美术作品、构建创造性思维和培养独立个性都具有重要的作用。创意课程与中职美术教学的教育理念较为符合，但是在现阶段中职学校的美术教学活动中，由于创意课程需要大量的教育资源和人力资源，其较少被中职院校和美术专业课教师采用。另外，部分中职学校美术教学专业实践环节不足，实践平台建设不够完善。一些教师在美术教学活动中较少有针对性地指导中职学生开展实践活动，导致学生缺乏写生实践的机会，影响了学生对美术课程的学习积极性，不利于培养中职学生的创造性思维。5.师资力量薄弱，教学模式缺乏创新现阶段，部分中职学校的师资力量较为薄弱。导致这种现象产生的原因主要有以下三点。首先，中职学校的美术专业课教师大多毕业于艺术类院校，部分教师缺乏足够的实践教学能力，难以抓住美术教学的重点和核心，教学能力不足，导致课堂气氛沉闷、枯燥。其次，部分美术专业课教师在课堂教学中往往按照自己以往的教学经验开展教学活动，过于依靠以往的经验可能会导致美术专业课教师安于现状，不愿花费精力深入研究如何改革、创新教学模式和教学内容。最后，在美术教学中，部分教师与其他教师缺乏有效沟通，导致美术课程教学缺乏足够的连续性，教学内容之间难以较好地衔接[4]。
三、中职美术教学中学生创造性思维的培养策略
1.调整美术专业课程结构以往的美术教学体系包含文化基础课、专业基础课和专业课三大部分，课程之间分工明确，但缺乏密切的联系，导致专业基础课的学习难以为学生的专业课学习奠定良好的基础，这不利于培养中职学生的创造性思维。因此，要想有效改革课程设置模式，就要打破原有的选修课、专业基础课和专业课之间缺乏联系的局面，让美术课程的专业理论知识教学与对学生实践能力的培养有效结合。中职学校可将改革后的美术专业课程分为文化基础课、美术设计课、专业课，并增加选修课课时。2.增设图形创意课程中职美术专业课教师在美术教学中，需要在培养中职学生创造性思维的过程中注重激发中职学生的主观思维意识，引导学生巧妙地将创造性思维运用于美术专业课程的学习，进而培养中职学生的发散性思维和自主设计创造意识。基于此，中职学校可增设与美术专业课程相关的图形创意课程。图形创意课程能够通过对图形创意设计的应用，培养中职学生立体运用创造性思维的能力。图形创意课教学侧重于关注学生的思维表达能力，教师在教学中需要以图形为依托，与学生有效沟通，以更准确地传达知识。这有助于学生更好地理解美术专业课程的理论知识[5]。3.强化绘画基础教学在中职学生学习美术专业课程的过程中，扎实的素描功底一直是中职学生开展艺术创作的基础和前提，但现阶段部分中职学校的基础素描课程缺乏科学性训练。想要有效强化绘画基础教学，教师就要充分结合学生对美术知识的把握程度，分层次、有针对性地对学生开展强化训练。如，部分教师在美术专业课程的教学过程中，侧重于传授美术结构方面的理论知识，忽视了学生在艺术创作中的绘画基本功，这影响了对学生创造性思维培养的效果。中职学校美术绘画基础课程教学分为设计素描、结构素描和创意素描三部分。中职美术专业课教师要加强对这三部分知识的教学。这有利于开阔学生的视野，拓展学生的想象力，丰富学生对于美术设计的审美感知，增强学生的艺术创作能力，进而培养学生的创造性思维，为其日后美术专业课程的学习奠定良好的基础。4.更新教师与学生的观念中职美术专业教师具备创造力是使学生具有创造性思维的前提。教师要善于吸收最新的教育理论科研成果，并且将这些成果科学、有效地运用于自己的教学实践，在教学实践中树立正确的教育观念。在教育思维的层面上，教师应以学生为课堂的主体，努力发挥学生的主观能动性；在教学方法的层面上，教师应该摒弃固有的教学方式，积极采用信息化教学、多媒体教学、课外实践教学等教学方法；在教学目标的层面上，教师要针对学生的个体差异有针对性、分层次地进行教学，做到因材施教。这样，教师才能更好地培养学生的创造性思维。此外，教师应积极帮助中职学生更新对美术专业课程的观念。中职学生对美术专业课程的全面理解有助于激发他们的学习主动性。要想充分激发中职学生对美术专业课程的学习主动性，教师就要充分尊重学生在美术专业课堂上的主体地位，这是培养学生创造性思维的前提。中职美术专业课教师要给予学生尽可能多的时间和空间，引导学生发挥自身的主观能动性，进而有效促进学生的创造性思维提升。5.探索中职美术教学培养创造性思维的教学方法中职美术教学培养创造性思维的教学方法大致分为信息化多媒体教学和以引导探究为主的教学方法。信息化多媒体教学是一种新兴的教学方法，这种教学方法摆脱了教学空间的限制，使中职学生可以不用依靠教材内容学习美术专业课程。信息化多媒体教学能够开阔学生的眼界，拓展学生的美术思维，帮助学生形成立体的知识结构。这为中职美术教学的发展注入了新的生机，也有利于促进学生的创造性思维发展。以引导探究为主的教学方法指美术专业课教师引导学生开展独立探究的教学活动，从教学活动中不断获取知识、技能。这样可使学生将被动学习变为主动学习，把理解、接受知识变为发现和探究问题，有利于促进学生的创造性思维发展。综上所述，营造良好的中职美术教学氛围、构建健全的中职美术课程体系能有效培养中职学生的创造性思维，更好地体现美术教学的现实意义和价值，进而发挥出美术教学培养学生创造性思维的优势，为社会源源不断地输送具有较高的专业水平的综合性人才。
参考文献
[1]王骢颖.让图形悦动起来――中职美术教学中创造性思维的培养[J].时代教育，2018 （8 ）：77.
[2]陈迪菲.运用多媒体美术教育手段培养中职学生创造性思维[J].现代职业教育，2018 （6 ）：234.
[3]于蛟.高中美术教学中创造性思维培养探微[J].信息记录材料，2018 ，19 （1 ）：146-147.
——美术课堂教学方法的实效探索
摘 要：针对初中美术教学现状，笔者对课堂进行一些教学方法的实效探索，将课堂的一些环节变通。本着让每个学生都能够让好美术课、完成完整、优秀的美术作业为目标，进行探索改革。
关键词：探索 有效 美术课堂 课堂作业
美术教学有其自身的特点、规律和理论体系。对于初中的教学现状来说，美术课堂是“小课堂” ，即没有中考的压力，也在某种程度上不受到学生的重视，只是部分美术爱好者的施展天地。如何将“小课堂”做到精彩，我想是应该更好的将教学对象的范围最大化，让所有学生都参与到课堂中，通过课堂设计的一些小环节，从最小最基础的点来实践与体验，让课堂变得实效。我想这也是所有初中美术老师的共同愿望。起初这个想法的出现，与我个人对教学的要求有关，我希望在我的课堂上，每一个学生都能够很好的完成我的教学目标，交上较为理想的美术作业，让美术学科成为学生成长道路的一丝亮丽的风景线。这个目标，也是我教学的终极目标，正在艰难地探索之中。下面我从几个方面来说一说我在课堂上的一些颇为有效的做法。
一、课堂中的小练习
这个案例是《扬起想象的风帆》。这节课我将作业练习设定为科幻绘画。一般我不会在长篇讲完之后再让学生进行绘画，而是在中间部分穿插一个练习。这个练习是很有目的性的。在本节课，这个练习安排的时间是在提到想象力的时候，先以激发的语言暗示学生自己充满想象力，然后提到开启学生的想象力之门，这个时候一定不要提到“看看你有没有想象力之类的话语“，因为在课堂上，教师的语言艺术起着很大的作用。教师要肯定的告诉学生，你是有想象力的，是要通过我来把它引出来，给学生以强大的暗示。就一棵树来说，你可以把它变成一棵不一样的树，你想象中的树，无论是卡通树、变异树、树人都可以。这个练习时间是五到八分钟。学生果然创作了许多不同种类的树（图1）。在练习过程中，时间设定也是很重要的：因为画得越完整，这棵树即将得到的发挥就就越受局限。做完这个练习后，我再对一些作品进行讲解，从多方面启发你所画的树可以联想一些实际的功能。最后让学生通过刚才想象的树或完善或拓展。例如这个《自由旅行树》的作业（图2），学生通过他的树根、树干与树枝像管道一样的特征，构思了一个时间地点的管道，最后又联系了多拉A梦的任意门，完成了这个科幻绘画的设计草稿。其实，在我们学生接到老师指令后去完成作业时，由于作业范围太大，大都会感到很茫然，无处下手。我们在布置作业时圈定一定的范围，学生反而觉得比较容易去实施了。很明显，画一只想象的鞋子比画未来宇宙对学生来说更容易下手。
图1：树的练习 图2：《自由旅行树》
课程中间的练习，我认为有几点好处：第一可以将一些走神的学生拉回来，让他们及时的跟进教师的目标。第二，作业一步步的递进，可以让学生在心理觉得由浅入深难度降低。第三，学生在老师的指导下更好的找到切入点，创作的范围具体化，而不是茫然的创作。第四，老师可以根据这个班完成的作业情况及时调整自己最终的教学目标。在课堂中间穿插小练习的方法，我在很多课程中都运用过，例如画漫画卡通画是穿插人物的表情，在《新伙伴》中穿插衣褶的描绘等等。
二、缩小的课堂作业
在前几年的教学过程中，我对学生完成作业的水平一直处于理想状态。但是一学期下来，我发现我错了。翻开学生的图画本，虽然该教的课程教完了，但是作业基本一片狼藉，惨不忍睹。我认为美术课的教学应该重视美术作业的呈现，我想我是否该换个思路呢？即让学生在有限的时间内完成作业，又让学生在保持兴趣的状态下完成作业，于是我想到了缩小课堂作业的方法。在《海风海潮渔歌》这节课，我将课堂练习目标定得很小：画种：纸版画。这是因为我校学生数量太多，木刻、胶版这些方法都不太适合。内容：海洋鱼类。工具：美工刀（学校配备），彩色卡纸（学生自备）。作业尺寸是：10*10厘米。课堂中讲解简单要领，将步骤事先拍好照片做成课件（图3），我的教学课件非常详细，包括卡纸裁的多大、怎样起稿、如何用刀、用刀时的手势。并在练习时分小组示范指导。作业效果很明显（图4），下课时收刀子，很多学生都说老师，我马上就刻完了，不想交刀子。学生在马上见到曙光的时候，那种坚持做完的态度是很难拒绝的。
图3：演示步骤课件
图4：《海风海潮渔歌》课堂作业
三、课堂中的“小资料”
两年前我承担了学校的对外公开课任务。在课程选择时，我尝试上一节欣赏课。上好一节美术欣赏课，需要让学生课前搜集很多资料。但是在课下能认真搜集资料的学生却非常少，资料的准确性也很难保证。在选定上《千姿百态的圆雕》这一课时，我考虑了很多：我怎样做才能让初中学生在欣赏课程中真正学习到知识，运用正确的语言概括表述自己对作品的感受，并且能做到自主的欣赏、分析、评价美术作品，有独到的见解。通过知识的层层深入，引导学生，让学生主动探究，运用导学资料，生成发展性的课堂，完成教学目标。我仿照其他的学科，例如语数英等学科，设计了这个导学资料（图5）。我的导学资料分为这样几个内容：雕塑的功能：纪念性雕塑、主题性雕塑、装饰性雕塑、功能性雕塑、陈列性雕塑，他们各自的分类特点，几件雕塑作品的简介、形容雕塑作品的词汇、材料说明。这里面得到最大争议的是形容雕塑作品的词汇，很多听过我的课的老师对这个做法有不同意见，因为这样会让学生的知识受到限制。我的这个做法是学来的，不是我的原创。在我大学时有一位教中国美术史的老师，在他的课堂上，经常会让我们赏析一些国画精品。作为大学生，知识积累已经超过十年，按理说应该是非常丰富的。但是面对一幅画作是，我们还是觉得自己的语言那么苍白无力。于是这名老师就将一些变现中国画的词汇写在黑板上，供我们参考。现在我还能记起一些词汇，是我们在课本和生活中不常见到的，我想这就是学科中的专项词汇吧。这么多年过去了，我依然觉得这名老师的做法可圈可点，因为，他让我实实在在学到了有用的东西。如今，我也延续了他的教学方 法。我不否认学生自己有一些词汇积累，但是我想利用这种方法来充实他们固有的知识，使他们在欣赏美术作品时有一定的基底。
图5：《千姿百态的圆雕》导学参考
除了为学生准备词汇以外，导学资料中没有直接体现问题答案，而是通过知识的概括，引导让学生进行思考，作出判断，从而达到较深的记忆，解决课堂所涉及到的问题。我觉得导学资料有这样的好处。理论上讲，它实现了课堂的三个“转变”：由课堂的被动性转变为课堂的主动性；由课堂的静态性转变为课堂的动态性；由课堂的接受性转变为课堂的体验性。实践上来说，学生面对问题可以有所依据，积极主动的寻找答案，学生之间比速度，比准确性，增强了其学习的积极性，将教学环节缩小化，不需要太多的准备时间，只需一问一答，就轻松解决了很多烦恼。当然他也有一定的弊端：例如老师设置的导学案知识是否精准，是否会因为导学参考而限定了学生的思考范围，会让学生变得很懒等等。这就需要我们进一步去考证和提升了。
（四）教学的“小”目标
在初中第十五册教材上，《奇妙的水墨世界》占据了一个单元的内容。中国国画艺术博大精深，想通过几节课教学生画好国画应该不太可能。所以，我将自己的教学目标定的“小一点”，让学生站在基础的层面上，扎实学习。这节我是通过四个课时来完成的（图6）。对于学生来说，四个课时上同一个内容真的很烦。但是对于老师来说，让学生准备一大堆画具，只画一节半节课，又似乎不忍。所以这部分内容我坚持上4节课。通过以往的教学经验，我觉得我的症结是：为了教而教，忽略了学生的学。教学目标定的太大，学生画不出来，最基础的东西把握不到，以致渐渐失去画画的信心。于是，我在课堂中省去了很多的环节，改小目标。第一节课，认识中国画，中国画的分类、工具材料，以讲解为主。第二节课，笔墨练习：用笔、用墨的方法。每一个知识点讲解完，我都给学生练习的时间，三个练习结束，本节课的任务就完成了。第三课，画荷花。荷花的作品只进行少量的欣赏几张，重点放在讲解绘画过程与方法，学生在本节课完成一张荷花作业。到了第四节课，大多数的学生开始产生厌倦。我将这节课称为：玩水墨。讲解简单的几个水墨制作技巧，让学生大胆的体验水墨的特性。在这节课中，才感觉到学习的内容到了部分，学生一直都便显得很兴奋。这节课除去讲解与示范和最后清理的时间，学生真正的练习时间只有十几分钟，但这十几分钟是最锻炼学生创造力的时间。而且在这节课我有一个自己的课外延伸，叫作业小展示。我利用废弃的书法纸和卡纸等材料，将学生一些比较好的水墨探索作业装裱一下，做成书签，很吸引学生的眼球。
图6：《奇妙的水墨世界》课堂掠影
（五）突出的“小”元素
在美术课堂的训练中，线条练习始终贯穿我的课堂。我认为线条是绘画的基础。在画线时，我强调粗边缘线增加清晰度和空间感，这样能更明确地定义出一幅作品中的各种形状。好的线条使物体更突出，更增强了他们的修饰中心。因此，我专门的进行了线条的训练，让学生的绘画表达能力从基础抓起。在初一年级，我安排了适合初中生特点的线描练习作业《线描花瓶》(图7)。在这练习中我综合了一些动漫绘画的先天训练方法，对一些基础好的学生要求会更高一些，例如：线条的徒手训练。开始可以先在作业本上，用铅笔勾画各种线条。如：直线、弧线、圆线等等，反复练习铅笔线条的粗细匀称、挺直、流畅、逐步做到挥笔自如。还有线条的衔接训练。在一根直线、弧线或圆线的末端，再衔接一根延续的线条，尽量使线条与线条的衔接处的不露痕迹。前后线条要用笔一致，有一气呵成之感。在初二年级上学期，一部分学生的线条使用已经不错了。在《图形联想创意》这一课中，学生的作业能做到准、挺、匀、活。我对这样的优秀作业有一个小奖励。我会给每一个在创意和用线表现突出的学生发一张彩色的纸，让他们将自己的作业画下来，作为期末考试的作业（图8），给予高分。对此学生的积极性还是很高的。到了初二下学期，大多数学生已经对线条能够自如的控制并表现出来，画面感得到很大的提升（图9）。
图7：《线描花瓶》学生作业
图8：《鞋子的联想》学生课堂作业
图9：《点与线的魅力》学生课堂作业
关键词：美术教育；形式；当代；人文素养；创新型人才
中图分类号：G64 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）11-96-2
当代艺术的教育，是以提高人文素养，培养创新人才为目标，这就要求在教学过程中艺术教育应加强艺术教育的理念，特别要注意和课程结构的优化调整。课程结构往往直接反映人才培养规格，人才的知识结构、能力结构和素质结构，是提高人才质量的关键。在过去，我们存在一些注重的专业技能，人文，轻理论，细致的专业分工太窄的现象，不利于学生的全面发展。根据现代科学的整体化发展及综合的趋势，教育应积极调整课程，重视和内部结构的调整优化，进一步促进教学，帮助学生发挥积极的艺术创造力。
一、从西方艺术创作和教育的现状看，多种边缘学科已经容纳进视觉艺术，对交叉学科进行融会贯通，艺术创作呈现越来越多样化的趋势，不仅吸收东方艺术的养分，还在原已引入的摄影、信息、音像、多媒体艺术的基础上，将视觉艺术与当代其他的艺术形式进行交叉研究，如文学、音乐、戏剧、舞蹈、电影，等等，此外，还有科技与艺术的交叉融合，综合材料与媒介是现代艺术变革的产物，它是从审美观念、方式、媒介和技法上都紧紧围绕对传统的变革而进行的，从而表达了一个现代人对艺术进程、现代生活的看法。俄罗斯艺术家弗拉基米尔塔特林早在20世纪20年代就提出了”材料时代的来临“材料即资讯”的名言，艺术充分地沐浴着机械技术的恩惠，以”动态”为特征的各种形态的艺术成为了人们关注的中心，成为新时代的美学。
20世纪初我国的艺术院校开始出现融合，先是中国画与西洋画的融合，一些具有新意识的艺术院校20世纪末期才开设了“综合材料”的艺术实验课程，寻求将美术课程与边缘学科相结合的新型教学模式。如中央美术学院开设了实验艺术工作室，当代艺术实验性课程也已经在四川美院和广州美院被开设了。传统的美术教学最通常的一种训练方法是拿已经创造好样式、语言和媒介的艺术进行教学，让学生充分掌握可能掌握的绘画技巧，学生学到多少技巧是主要的，但能否“创造”便是以后的事了。
这种“只传技不传艺”教学模式所造成的结果便是学生在以后长期的艺术活动中创作力低下，这是我国目前存在的一些艺术教育问题。艺术材料学课程是深圳大学艺术系根据艺术教学现状，尝试新的实验教学，其实质是一种综合课程实验创作，目的是让学生接触艺术创作形式多样，多元的物质手段的创作方法，激发学生的对外部事物艺术的感知，培养学生的艺术创造潜力，丰富多彩的选择性，使学生了解在广阔的文化语境下的艺术表现，探索和发现，使学生综合能力得到发展，并积极寻求在课程教学中新的教学方法。
二、我们“艺术材料学”课程的教学目标思路很明确：第一，它应是当代性的，与当代社会有机地结合；第二，讲究教学的科学性，而不是可以任意地无根据地教学；第三，它应以启发学生的创造性思维为主要目的；第四，它将综合各种美术门类的训练方法，强调理解艺术与绘画的本体，淡化各画种之间的区别，最终有效地突出创作者个人对艺术的理解，从而提高学习者的素质，获得独立创作的能力。
课程初期，积极引导学生在明确整体框架、结构的同时，还要在微观上将造型元素与材质进行分解和组合（如钟曦老师将纸这一创造的基本元素，根据造型的元素配合要求，分成多种感官度，培养学生对各种材料肌理纸张的充分运用与想象，培养学生对纸及其工具的直觉体验及造型空间、联想创意的表现意识与能力），打破简单的理论描述，采用解构、重构等方法，让学生沿着不同的自我直觉去体验、创造、再体验、再认识、再创造。并讲解多种艺术体系的风格，多种不同的美术文化，使课程走出传统的固有模式，鼓励学生综合运用绘画、雕塑、装置、摄影、影像类方法，用不同的材质表达独立的思想自己的欲望，既激活了他们的创造性思维，又提高了学生对文化的辨别力和批判力。”鼓励学生主动去思考知性学习与实验教学之间的关系，解决当代文化的现实问题，从而帮助他们发掘自身潜质，来达到专业的技艺指标与当代的多元视角之间的平衡。
因此，我们的教学方法主要是以如何实现自己的目标这一直觉作为基础的，在教学方面，努力创造一种吸引力，让学生对该课堂上提出的问题有充分的准备来进行观察、探讨。充满热情的教学与那种预想的、有条不紊的教学全然不同。表现最好的学生往往是那些在自己直觉的灵感激发下，标新立异、另辟蹊径的学生。
对示范稿进行表面而肤浅地模仿重复的人，则缺乏这种灵感的火花。教师成功地点燃学生内心中隐藏着的智慧之光是学生和教师关系中最有意义的时刻。当学生的想象力和创造力被释放和实践加强，实践技术要求，并考虑最终使作品所需的资金和其他因素引入到创作过程当中。建筑师柯布西耶真诚地告诉学生：建筑，它源自于特定的意识和精神价值，也取决于一个想法确保付诸实施技术因素，进一步说，这取决于工作力度，有效和持久性。意识是人生的目的。技术来源于学习，意识源自于强烈的感情。这是自我奋斗的结果。当学生的好奇心被激起，为解释神秘的事实，并希望解决问题，探索新的可能性和想象力的刺激，即使它达到了它的教学目标。从艺术材料学的教学中，教师有意识的把设计和本课程紧密联系在一起，在解释创造的过程中，强调设计的功能，使课程能充分利用电脑动画，图形创意设计，数学，和实验设备，广告，媒体的互动效应的效果。一个富有个性的学生塑造成为一个有全面和有综合能力的人，是我国教育的根本目标。
三、曾在包豪斯任教的伊顿教授认为：没有一个人类的活动领域能像教学那样，能起着如此重要的作用。只有那些具有教育天才的教师，才会尊重和保护一个孩子天赋的难以形容、奇迹般的能力。尊重人的能力应该贯穿于教学的自始至终。
教育是一种大胆的探险，特别是艺术教育更是如此，因为它涉及人的创造精神。人的智慧，尤其是人天然的直觉智慧，笔者认为对一个真正的教育工作者来讲是至关重要的财富，一个真正的教育工作者需要认识和发展他的学生的天赋、才能和气质。
由于目前教学中某些硬件、软件的限制，还无法进行大范围的实验，但提倡举一反三，并在某些学习阶段进行平面结合空间、装置的专题研讨和小型装置作品的习作，是教学中的重要环节。
在美术教学中，常会遇到”只可意会，不可言传”的现象，在此情况下，仅靠抽象的语言，容易使学生畏难而退，思维抑制，甚至会丧失学习的信心。这时需要教师以直接而感性的方式介入到学习当中，如应用现有材料，帮助学生逐步改善其作品中的问题，并引导学生从新的角度去思考作品，应用多变的思维，多角度地寻找创作的新点。
当代艺术创作中的材料语言情况较为复杂，常常出人意料，材料语言是艺术家与设计师对材料的选择性合作，这种语言产生于创作之初，也可能产生于创作的全过程。 过去，造型艺术专业的教学是建立在”写生――适当的临摹――写生――最后入创造”这一程序下的。这种教学体系和方法的优缺点现在大家都已有所认识。艺术材料学课程就不强调写生与临摹，它最主要的方法就是由”构成”入手，有平面构成、半立面构成、立面构成、色彩构成、水墨构成、影像构成。这些构成均紧紧围绕材料、媒介这两个核心进行，由材料构成的练习进入到运用综合材料创作的层面。但是，与“构成”类课程又有本质的不同，其核心是由艺术创作中最基本的造型元素入手，进行组合训练，由元素的组合启发学生的创作性思维。它们包括了形态、色彩、材料、构图和表现方法等方面的训练，是体现现代审美观念的教学手段。这种基础的练习和研究可以是最粗浅的艺术尝试，如“七巧板”；也可以直接进入高层次的研究和创作，如抽象绘画，启发学生的潜能和创造性思维。
在以构成为主的教学方法中，我们还设计了专题的训练以及针对情感表达、主题表达、形式表达等方面的训练。方法虽然多样，但突出的是对艺术本体命题的理解和掌握。材料的抽象表达是通过材料的具体视觉形态和触觉形态感觉传达给人类的，或者更准确地说，是人类通过材料的视觉形态和触觉形态，对其产生的心理反应。如木头的麻木，钢铁的坚强、冷酷等。综合材料艺术体现在多观念的艺术与多观念的设计之中，艺术的多观念与材料的多样综合，两者互为“理解”，互为支撑。在教学中我们让学生们在艺术的多观念中，体会材料如何从载体走向自我表现与观念表现。
四、总结起来，艺术材料学课程在教学方法上的改进有以下几点：第一，采用开放式的教学方法，培养学生的自主意识和创新能力，在挖潜上做文章。第二，强调突出每个学生的个人特点，强调每个人不同于其他人的地方，这是学生创造艺术的起点，也是艺术创作成功的落脚点。第三，从实际出发，从材料本身的美感与对比效果出发，寻找创作的灵感。第四，以建构主义教学观进行创造力教学更有其契合性。不管任何学科，创造力的培养与启发都是重要的教学目标；创意的思考活动原本就相当强调学习者主体性的彰显，这与建构主义者在认识论所强调的立场相符；教学者的度示范或模仿并不会充斥在整个教学活动当中，学习者本身的创造性活动一直被鼓励着。第五，建构主义所主张的分组教学、学生间讨论、作品报告与交互评论、赏析等活动，在强调创意的课程中不断进行。
综上所述，个体认知发展与创造力表现的发展性的强调，能够从另一种取向为艺术教育的创造力教学注入新的活力，使学生能够与教师在创作教学过程中平等对话，才能促成教学领域课程资源整合的创造性成果。我们希望，就一些强调创意的艺术类课程而言，艺术教育的研究或教学者或许可以进一步针对不同艺术创作的形式与内容，以本研究作为一个铺垫性的案例，进一步探讨艺术教学中的各类关系。
参考文献：
[1]陈心懋.综合绘画：材料与媒介[M].上海：上海书画出版社，2005，4.
[2]俞可.在想象中潜行[J].艺术当代，2007，（01）.
[3][法]勒・柯布西耶基金会编，牛燕芳、程超译.勒・柯布西耶与学生的对话[M].北京：中国建筑工业出版社，2003.
[4][瑞士]约翰尼斯伊顿著，朱国勤译.设计与形态[M].上海：上海人民美术出版社，1992，8.
关键词 艺术设计 素描 传统课程 创造性转化
中图分类号：J21 文献标识码：A
Creative Transformation of Design Sketch
LI Mingjing
（Beijing Technology and Business University， Beijing 100036）
Abstract As creativity industry rises globally， a brand new age of creativity economy has come. New development has unprecedented demand for multidisciplinary creativity talents， which is the biggest drive of specialty education reform in arts & design colleges. In the process of knowledge system formation in new teaching model， fundamental courses of some traditional disciplines won't play a practical role unless repositioned and developed in changes. Taking the teaching practice of design sketch courses as an example， this paper seeks to discuss and analyze.
Key words arts & design； sketch； traditional courses； creative transformation
1 “素描”的前世今生
素描是人类历史上最早出现的绘画形式，它诞生于数万载前的洞穴、峭壁之中，华丽绽放于15世纪文艺复兴坚实的绘画理论体系与创作实践的中心——意大利佛罗伦萨。在近六百年的传承演变中始终被奉为绘画艺术表现形式的经典。20世纪现代设计教育体系的确立，将素描从纯粹的绘画种类中提取出来作用于艺术设计专业基础教学。经过多年实践总结，国内绝大部分艺术高等教育机构将设计类素描的教学目标设定为：训练造型基础、认识形体结构和培养空间想象力等几方面。“素描”以其深远的文化艺术背景，简明干练的技法和生动易感知的造型特质，为帮助学生在专业教育初级阶段形成设计意识、培养设计思维与表达能力打下重要的基础。
进入21世纪以来，信息技术的飞速发展促进了“工业化制造”向“艺术化创造”的转变，也将创意人才从以往“神秘、边缘化”的小众群体推上了一个更加广阔的舞台。随着“设计”外延的不断扩大，“创意”的概念，几乎渗透至人的感官所能触及的一切范畴。新型创意人才的培养与原有教学模式碰撞的“排异反应”，激发了艺术、设计类高校近年来最大规模的教学改革。而处于整个专业教学结构初级阶段的素描课程，关于它新的作用和价值、甚至“去”与“留”，也成为这场教育的变革中被多次拿来讨论的焦点之一。
2 素描在新型教学模式中创造性转化的必要性
回顾近年来围绕素描教学所引发的探讨；作为表现造型创意、交流设计方案的语言和手段， 服务于专业设计前期的手绘效果图，被Photoshop 、3D Studio Max、AutoCAD等图像制作软件所取代；无论是在平面二维或空间三维领域，电脑设计图在造型细节、成像效果、绘制效率等实际应用性的角度上优势远大于手绘。而3D打印机在产品设计领域的广泛应用，不仅大大缩短了设计品从最初构想到成果实现的整个过程，也在很大程度上激发了设计者在创作过程中的空间想象力。于高科技功能型软件面前，设计素描在原有教学模式定位中的基础作用力仿佛瞬间被“消减”了大半。
此外更为现实的问题是：应素质教育和“课上教学与课下实践相结合”的宏观教改的要求，原有课程的总量须大幅减少，“精学与精讲”成为当下“教”与“学”的和谐关系。 而翻开我们现有的素描教程和大纲不难看到：长期深入写生，中期构成练习， 短期创意训练……大量的教学内容浓缩于短短几十课时中；当“十年磨一剑”的生源在艺术类高考大量扩招后的低门槛下变得更加稀有，针对绘画基础参差不齐的学生，两至三周“长期写生训练”的意义微乎其微。即使在涉及到当下热烈讨论的关于设计类学生“创造性思维培养”的素描训练方式上，也基本局限于对前期具象形态的抽象延展，或实物造型的变形、概括和提炼的范围内。实践教学中一部分与高考应试阶段明显重合的素描教程，在依附各种相关教材为其“量身打造”的坚实理论依据存在的同时，也面临着当代设计教育新型理念的巨大质疑和冲击。小范围改良的方式在当下略显消极，一场真正意义上的创造性转化，才是这门经典基础课程切实存在和持续作用的唯一途径。
3 变革中的误区
即使改革是一切发展的原动力；但在变革的途中，我们仍无法避免误区和异议。而正确的方向，一定是在“闯出”误区和有理有据地面对异议的前提下找到的。
3.1 素描是否因手绘技法“落伍”而“下课”
在功能卓越的高科技软件横空出世的近二十年间，关于手绘技法在设计领域存在价值的讨论始终不断。就像十八世纪摄影术的产生在写实当道的古典绘画圈引起的争论一样；直到新的美学思想“裹挟着”炫目的现代艺术浪潮席卷而来的时候，我们才后知后觉：艺术的背后是深厚的哲学美学思想及人文文化，科技发展与之相互促进，但永远不可能完全对等。大学教育明确区别于任何类型的技能训练速成班，软件技能无法替代真正的专业素养。放眼北欧一些教育理念先进的国家，他们设计教育的开创性和成果远高于我国，但素描这门课程却经百年“屹立不倒”。其原因在于灵活运用素描的材料和艺术特质，不断开发和优化训练方法，从而达到与专业培养方向的良性结合。
3.2 驳：泾渭分明的《设计素描》与《艺术基础素描》
将设计素描和纯艺术类素描从概念、教学方式和教学内容明确区分是近期一些专业基础教科书及设计教育改革相关学术报告中出现频率较高的观点；它的前提是以“纯艺术”与“设计”泾渭分明的理论与实践为基础，着重强调设计的“功能性”和“服务性”。这个观念形成的根本原因，是对产生于机械化时代的现代主义设计体系中 “去除一切装饰，为标准化批量化生产服务”的核心思想在20世纪全球经济发展中，所起到的重要作用的认同。不可否认，设计直接指向经济而非文化生活是延续了很长时期的状态和趋势。但回看历史，尽管设计并非属于纯粹的艺术，但其创造和发展的历程却极力追求艺术和美学的真谛；而现代设计体系正是在现代美学思想的孕育下产生的。设计的本质，也正是“为生活创物，为精神造美”。更为重要的是：对于入校前只接受了短暂艺术应试教育的大一新生来说，“何为艺术？何为设计？”他们几乎一无所知。素描作为学科的入门基础课，教程的设置应致力于在设计学科发展前沿的高度和背景下，以更加开阔的思维，引导学生客观认知、定义和解析二者关系，以及相互之间的作用性。将当代美学独特的艺术观念与表达方式，合理运用于培养设计类学生创造性思维的素描训练中去。
4 实践中的“创造性转化”
研究“创意思维培养”是近年来设计基础教育阶段的热点，也是素描课程进行创造性转化的切实目标。针对当前专业启蒙阶段学生的创意思维训练，国内外前沿教学理念中的一些方式值得我们探讨和借鉴。
4.1 开放式的思维引导
形成创意思维的前提是大量相关知识和见闻的累积，这当中包括视觉的、听觉的、触觉的等等；新生的专业知识有限，但接受力很强。所以在手绘训练之前首先应该进行开放式的思维引导。其中包括：（1）课程内涵的“立体解读”；指除基本概念外，结合相关的人文、艺术背景，详细介绍对比素描教学在学科发展不同时期、不同阶段的定位和作用力。让学生在初始阶段细致深入了解本课程与未来专业方向的必然联系。（2）结合多媒体（图片、视频资料等）介绍国内外具有独特观念性、当代前沿的素描作品及以素描为基础发展而来的新的艺术和设计形式，培养学生审美的高品位。引导学生与传统的绘画形式和理念作对比，理解艺术中的“创意”。（3）利用新型教学模式中的课外辅导学时，带领学生走出校门，观看前沿艺术和设计展览；并组织观后讨论会，鼓励学生独立思考，针对所见所感提出自己的看法。
4.2 灵活有效的视觉训练方式
虽然传统模式中的静物写生与抽象变形也属于素描视觉训练的方式之一，但学生长时间面对同一静态场景导致思想不够集中，且单调乏味的瓶瓶罐罐也难以引起创作的兴趣。欧洲某艺术综合大学的素描教学方式给我们以启示。这是一所结合了艺术与设计多门学科的百年老校，素描课程是全部十八个不同专业大二学生的专业必修课，教学目标明确为“培养学生的创造性思维”。我们常用的静物道具在那里不见踪影，取而代之的是几组不同数量和动态的真人模特；所有学生要在规定时间内依照模特所表现出的象征性动作，将视觉感受迅速分析提炼在纸上组成画面，笔下形态允许与可视对象不同但必须建立关联。且模特是在不同时间长度中不断变化姿态，要求创作者高度集中精力去挖掘想象力。作业完成后要与老师沟通创作观念并积极讨论，逐步形成独立思考和创作意识。此外，好的视觉训练方式还有：以不同类型的视频资料（电影、短剧）或舞台表演为素材，引导学生将独特的视觉和内心感受描绘下来。允许以图形、符号的象征性组合表达形式代替复杂的具象形态；以更加直接的方式达到训练创意思维的目的。
教师在指导、讲解、与学生沟通的过程中应适当“放低姿态”，放下训教式的传统观念；充分尊重学生的思想和观点，肯定他们的独特才华和个性，为学生在创意思维体系形成的过程中真正起到良性作用。
5 结语
素描这门传统的基础课程，作为艺术类高校对创意人才培养的第一步，它的创造性转化无疑是有重要意义的。学生只有在基础阶段学得开阔、稳健、扎实，才有可能在未来专业领域的发展中成为真正的创造型人才。
参考文献
[1] 邢庆华.设计美学.东南大学出版社，2011.4.
[2] 原研哉.设计中的设计.广西师范大学出版社，2010.
1、写实性绘画专业性太强，难度大，教学课时太少，不适合初中学生的绘画学习
写实性绘画一般要求画准物象的正确比例、结构、透视、明暗、空间和色彩，难度是可想而知的。一般的学生要学好写实性绘画的技能技巧，要花费大量的时间去练习。笔者曾作过一个调查，统计了一名学生要学好写实性绘画技法所需花费的时间。一般情况下，能考进美术院校的学生都已经学了800～1000课时左右，这可以说明，如果没有长时间大量的绘画练习作保证，是很难学好写实性绘画的技能技巧。
2、初中美术绘画教学的目标是培养学生对美术的兴趣爱好、初步的审美能力和美术表达能力、观察想象和创造的能力，促进学生个性形成，它是一种普及性的公民美术文化的教育，而不是培养少数画家的教育
写实性绘画的教学只适合培养有美术特长的学生，不适合用来训练全体学生，用培养专业美术人才的方法来培养非美术特长的学生，显然是不恰当的。
在写实性绘画的教学过程中，笔者发现学生的作业在造型结构、明暗、透视等方面能达到教学目标要求的只有6％左右，而且这6％的学生大多数都在校外业余学校补习美术。另外94％的学生的学习积极性受到打击，他们常常自称“我画不好，我没有美术天赋”，在纸上乱画一气来应付教师安排的写实性绘画作业。因此，写实性绘画的教学与我国目前推行的面向全体学生教学的课改精神不一致。从前面统计的数字来看，它是一种针对少数美术尖子学生的教学，大多数学生都学不好写实性绘画技能，所以这种技能不适合初中学生的学习。
3、写实性绘画基本上是一种基于“再现”视觉真实的手法，往往要求画准比例结构、明暗透视和色彩，强调的是视觉的真实性
因此，学生在写实性绘画追求真实、准确的学习过程中，很容易失去自我的个性、创造性和想象能力。艺术的真谛在于创造性和个性。初中学生自我个性正处在萌芽状态中，需要教师去合理引导培育，并用各种教学手段去促进其生长、发育和形成，而不是用写实性画法的要求来挫伤学生的绘画兴趣和个性。
4、写实性绘画的教学还会在追求“再现真实”过程中，给人一种错误的印象，仿佛画得像不像、准确与否才是评价艺术质量高低的唯一标准，误导学生的审美评价标准
因为教师评价作业时往往会以比例正确与否、明暗关系是否正确等来评价学生作业。这样，久而久之，就会在学生欣赏美术作品时对他们产生潜移默化的误导，仿佛只有画得像的画才是美的。当然也不能说画得不像就美，只是说画的像不像不是评画的唯一标准。但是，现在有些初中学生和成人在欣赏美术作品时，往往就不自觉地是以像不像作为评画标准。这种现象的出现，可能就是由于太多地受到以写实绘画真实性为美的观念的误导和影响所产生的后果。
5、写实性绘画教学与美术其他科目，如设计、雕塑、摄影和欣赏教学未能形成一个互相促进的整体
绘画课程应是一门与设计、工艺美术、雕塑和欣赏等其他美术科目紧密相连的基础课。绘画学习对其他美术科目的学习应该起到促进作用而不是阻碍作用，这就要求绘画课程的教学目标和方法既要有绘画课的特点，又要在造形、观念、创意精神、情感表现等方面与其他美术科目有机结合起来，使它们互相渗透、互相促进，形成系统的美术教学整体，从而提高美术课堂教学的效率。
但是，在初中美术课采用写实性的绘画教学方法，其结果是绘画的写实性与设计、工艺美术和美术欣赏等课程的内容和方法完全割裂开来。因为在工艺美术和设计等课程中，往往不是以画得像为目的，而是要求学生对自然物象进行高度概括、夸张、变形，要求有新颖性和独创性；同样在绘画艺术欣赏中，除了写实的绘画欣赏，还有写意画、超现实和抽象画等不同风格流派的绘画风格的欣赏。所以，如果只注重写实性的绘画教学，对学生今后设计、工艺美术技能的学习与写意画、表现和抽象等绘画欣赏课的学习没有多少帮助。
6、目前，多媒体信息图像技术的发展和电脑喷绘技术的应用，应该已经基本上代替了手工绘画的工作。使得要花费很多时间才能学会的写实性绘画的技巧显得不那么重要了(但并不是说写实性绘画已经没有审美价值)
现在无论是制作小幅设计样稿，还是绘制巨大的户外广告，都可以用电脑绘画来完成。因此，在初中美术课有限的课时中，教授写实性绘画技巧，显然是与当今社会科学技术的飞速发展相悖的，与信息世界向我们美术教育提出的新要求不相称。电脑图像技术的发展给初中美术绘画教学带来不同以往的绘画教学新概念，必将引起绘画教学内容的巨大改变，因此初中美术课的绘画教学，应该把写实图片的制作任务让给电脑来完成，不要再学习电脑能轻易完成的绘画教学内容，而应该教那些电脑无法完成的绘画知识和技能。
传统写实性绘画作为一种表现手法，是一种很好的雅俗共赏的艺术表现手段，但把它作为初中美术绘画教学的主要技能来学习是不合适的。那么，当前绘画教学该如何进行改革和调整呢？笔者认为可以从以下几个方面去进行尝试和实践，提出来供大家一起研讨。
1、加强审美教育，培养学生对美术作品的欣赏和理解能力，改变传统的以“像不像”作为评价美术作品的标准的观念。
“要让学生知道艺术品并不是自然的产品，它是人类精神思想和感情的产物。”通过学习和了解各种绘画风格和流派的发展历史，使学生了解不同时期的美术作品的重要技法、风格、流派和思想观念，领悟美术作品的造型语言并了解它是宽泛的，有个性的，不同的画家有不同的风格，有写实的，也有写意的，更有抽象的，数不胜数。要培养学生欣赏不同风格和表现技能的美术作品的能力。只有这样，才能逐步改变学生偏爱传统写实性绘画的固有观念，建立起多元化的绘画欣赏评价标准，广泛接纳不同观念和风格流派的绘画作品，包括欣赏表现主义、立体主义和抽象绘画等艺术。学生的审美欣赏能力提高了，学生在作画过程中，才能不受传统写实观念的束缚，才能同样很自信地审视、评价和欣赏自己不那么写实的美术作品，大胆地表达出自己的情感、创意和个性，才能对自己的绘画学习有自信心。
2、加强美术造型语言的学习，培养学生对绘画形式美的理解能力
“美术语言由线条形状、颜色、纹理、图案和形式构成。它们像词汇一样共同工作，创造形象的‘句子’。”当然美术语言还包括明暗、空间和线条等要素。“在欣赏美术作品时，你所看到的是所有美术语言基本因素的组合。”美术语言是按照一定的美术形式构成原则(语法)进行组合的，如：统一、变化、对称、均衡等原则，还有各种构图的方法，美术语言和语法共同组织成一个整体的具有美感的画面，美术语言和语法是美术最基本的知识技能造型方法，是学生终身受用的美术知识。因此，强调美术语言的学习，是学习美术最核心的知识，能促进学生对绘画艺术形式美的重视，提高学生对美术语言的表现能力和欣赏能力，为设计、工艺美术和美术欣赏等其他科目的学习打好基础。
3、拓宽绘画材料的综合运用意识，培养学生在绘画材料上的创新思维和实践能力
在中学进行综合材料的绘画练习能增强学生对美术语言的肌理质感的理解和感受，提高学生学习美术的兴趣。例如用报纸、花布、颜料、金属等材料拼贴结合颜料涂色画出来的画，与一张单纯用颜色画出来的画相比较，前者所表达出的内涵、意义显然要比后者更丰富、更强烈、更明确。综合绘画材料的运用能培养学生在绘画材料选择上的创新能力和对材料的敏感性，体现材料的情趣和美感。材料的运用能使学生更关心绘画材料的美感和表现力；关心自己所用绘画材料是否是表达自己思想的最佳选择；而不去关心自己的作品画得像不像，学生的学习难度就会大大降低，学生作业的质量却会更高，教学效果也会更好。
4、利用现代图像复制技术，应用电脑进行绘画创作练习
一、高职设计色彩教学现状
近年来，高职院校在强大的招生压力下，生源普遍参差不齐，多数学生基础较差，学习自信心和动力不足。加之许多高职艺术类院校的教师教学观念陈旧、落后不能很好的适应现在的社会需求与专业发展，教学方法依然延续着自己本科学习期间的教学内容和训练方法，不断套用本科院校美术绘画专业的教育模式。教学观念的陈旧必然导致教学内容与方法的空泛，教学中各学科门类不分，职能不分，设计专业与美术专业的教育功能不分，高职教育与本科教育不分，设计色彩教学中基础知识很重要，但只是单纯的理论讲授、机械套用绘画专业的色彩训练方法和内容是高职院校设计色彩教学模式缺乏时代意识，方法、形式、内容缺乏学生主体感受的表现，更多的是在描绘既存的“经验”和“规律”。高职艺术生不同于美术高考生和本科生，大多没有扎实的美术功底，而高职教学的课时安排也是有限的，如何在短的时间内让学生掌握够用的色彩理论与技能、高职设计色彩教学画什么、怎么画、培养和中思维成为迫切需要解决的问题。
二、高职设计色彩教学模式改革与创新
1、高职设计色彩教学目标定位
高职设计色彩教学目标，就是让没有美术基础的高职艺术生在较短的时间内、掌握色彩规律、懂得配色、熟悉色彩特性使学生真正做到敢画、能画、想画，同时，还可以让学生体会到色彩世界的规律美、体会到色彩知识的实用性、重要性，能否更好的为后期专业课学习服务，还得取决于教师所采取的有针对性的色彩训练内容和方法，高职生的色彩掌握能力我认为，够用、管用就好。
2、新教学内容、方法的改革与实践
设计色彩的教学不同于传统绘画专业的色彩教学，更注重培养学生的设计思维方式，教学中教师要以引导者的身份从过去的绘画色彩训练向设计色彩训练过渡，使学生充分的认识到二者的共性与不同，运用较简单的色彩，快速地表现对象是每个设计师的愿望。那么，怎样在短时间内掌握好扎实的色彩理论技能并将其运用到今后的专业设计中，是每一位色彩教师需要思考的问题，结合多年教学实践，想让高职学生短时间内掌握好色彩理论知识与技能，色彩归纳写生与创作无疑是较为适宜的训练方法。
色彩归纳的训练内容一般包括装饰造型和装饰色彩训练，常见的题材有静物、花卉、风景、动物、人物等。训练方法采用写生、临摹、创作等方法。这里的写生、临摹训练和创作是相互贯通的。例如，教师要按主题设计静物的摆放，静物色调、配景，静物体的选择方面尽可能做到元素丰富、造型特别、色彩和谐，这是为了尽可能多的为学生提供色彩、造型、形式方面的参考，写生过程中是不能完全的描摹静物，需要按照一定的构图、构成规则重组画面；至于临摹训练并不是直接复制模仿范画，而是通过选取一些色彩较为丰富有装饰风格的的绘画性范画，让学生采集范画中的配色资源，将三维的绘画色彩改变为二维的平面装饰色彩，即弱化三维空间，强化二维空间，训练中学生必须对自然物体形和色作概括、平面化处理，运用较少的色块来诠释物象，但同时还需注意色块和整体色调是否和谐。这种训练方式在以往大师的作品中也有出现，例如，马蒂斯在其作品 《红白调和》.中将色彩简洁、概括到了极点：红色就代表苹果，橙色就代表橙子，他在舍去物体细部表现的同时创造了大的和谐的画面色彩氛围。这种平面装饰性的色彩训练方法，就是要培养学生主动设计、思考的能力；至于创作训练则是通过教师拟定的课题范围、或者指定物体、色调等，让学生展开想象、发挥创意，组构成为一幅构图合理、色调和谐、主题鲜明的色彩归纳作品。学生在创作过程中，会及时地去查找资料、其创意及设想也会主动与教师沟通，良好的师生互动交流就会顺利展开，当然教师也最好阶段性的为学生提供自我展示的机会，通过作品观摩点评，不断强化学生的自信心和成就感。
3、贴近本专业特点注重学生创新思维的培养
色彩归纳训练隶属于装饰绘画范畴，主要注重训练学生对客观物象的色彩夸张、概括，简化等创新能力，具有主观、理性的特点，它有别于绘画写生基础训练，不是单纯的形色结合，而是创造性思维与形色物象的有机结合，也是基础绘画与艺术设计连接的中间桥梁。体现在具体教学训练中就是对现实物象色彩的归纳表现和采集概括，归纳色彩训练注重的是创造性思维的训练，不同的设计专业领域，对设计色彩训练的侧重点也是不同的，染织专业注重色彩的协调和色调的统一；工业设计专业注重色彩在抽象、概括方面的表现。因此，它训练的不仅是我们的色彩感觉，也是不同设计专业学习色彩构成的前奏，学生通过有针对性的色彩训练，在未来的设计领域中才能深刻领悟色彩与设计的真谛。这也是设计色彩教学所发挥的真正切实有效的作用。
三、归纳性设计色彩训练的优势
1、技法简单；画面物象造型平面化、设色平涂化、没有复杂的笔触技法，简单的二维处理方式，对于零绘画基础的学生来说基本可以手到擒来。
2、画面效果明显；明快直接的设色、简洁稚拙的造型、丰富有趣的构图这些优势很容易就能打动并感染人，画面装饰效果直接，能够快速激发学生的自信心和成就感。
3、设计理念强；画面活泼的构成、有趣的变形与夸张包括各种元素符号、纹样的应用都需要学生打破惯有思维，不拘泥于原有物象的影响主动创意大胆想象，设计创新能力也在此潜移默化中培养起来，从而达到教学目的。
