时间：2023-06-21 08:58:17
关键词 数字传媒艺术 项目课程 工作室制教学
中图分类号：64 文献标识码：A
一、引言
数字传媒艺术专业作为高等职业院校近年来新开设的艺术设计类专业，具有跨媒体设计的特质，开设有摄影摄像、视频剪辑与合成制作、栏目片头设计与影视后期特效、数字插画设计和流媒体交互设计等项目课程。数字传媒艺术专业培养学生具有：较强的新闻媒体采编工作能力；独立短片制作创意能力；影像数字前后期拍摄制作能力；具有较强的网络制作、管理服务工作能力，印刷行业前期编辑和输出工作能力，具有较强的从事与流媒体相关制作能力，有从事与本专业相关的职业能力培训工作的能力。数字传媒艺术专业作为高等职业教育中艺术设计教育的后起之秀，更应该结合我国职业教育的特色，将艺术设计服务于区域经济社会的特质展现出来，以发挥其巨大的经济效益与社会效益。
武汉职业技术学院艺术设计学院遵循高等职业教育的发展规律，率先在高职院校提出与实施了项目课程教学。其目标在于培养学生既有较强的动手操作能力，又要掌握一定的理论知识。有较强的动手操作能力才能适应企业用人的需要。在专业课程中导入实体项目或虚拟项目，以激发学生艺术创作灵感与创意思维。项目课程中的“项目”是指“以生产一件具体的、具有实际应用价值的产品为目的的工作任务” 。高等职业院校教学课程中的“项目”，是指具有相对独立性的工作任务模块。在这一工作任务中，要求制作符合特定标准的产品。所谓项目课程，是以工作任务为中心来组织课堂教学。项目课程教学的核心就是将艺术设计职业领域的项目式管理的工作模式，按照教育教学规律，转换成学习领域的一种典型教学模式。其特点是教学内容项目化、教学情景职业化、学习成果社会化；其本质是学生主体、能力本位，做中学、做中教；其培养目标是素质与能力协同推进。
二、数字传媒艺术与数字传媒艺术专业
数字传媒艺术概念的提出是较为宽泛和整合的定义，在狭义上可以理解为基于网络流媒体发展形式――这是一种抽象设计思维与具象描绘的有机结合，也是与录像艺术、实验片等媒体艺术形式有所区分，但作为数字传媒艺术中重要的录像视频艺术早在我国上世纪九十年代就发展成熟，如今已作为本专业中一个重要的基础性的项目课程来设置，也将之与更新的网络媒体、移动终端媒体和交互式或非交互式的多媒体等艺术形式结合在一起，构建成充满“跨界”特色的新专业。正是由于这样的创新想法，我校的高等职业艺术设计教育不但要彰显艺术设计类专业的特殊性、跨界性、创造性思维等多重特质，而且更要体现出高职艺术教育能服务当地经济社会的实践特性。
（一）数字传媒艺术专业项目课程的教学实施。
在项目教学中，以合二为一的课程教学管理模式，也就是：目前项目课程教学的艺术性与实践性，实现高职艺术设计教育的最终目的――必须依托项目课程教学，以改革我国目前高等职业院校艺术设计专业课程的教学模式，也就是改革以往以学科为中心的本科压缩型课程。其弊端在于：第一，重理论、轻实践，不能有效地培养学生的职业能力；第二，重知识的系统性，忽视了知识与具体工作任务的联系；第三，传统学科课程的排列顺序即增加了理论学习的难度，也不利于理论与实践的掌握。因此传统的学科型教学模式与高职艺术设计教育的本质是背道而驰的，注重高职艺术类院校学生的创新精神和实践能力的培养，在教学过程中提倡学生的主动参与、乐于探究职业技能、勤于动手，项目课程教学创设与企业实践联系紧密的情境，引导学生在项目课程中“学中做，做中学”。专业理论学习，是“学”的集中体现，是学习理论知识、学原理。专业实践中，学生从“做”的经历中积累感性认识，收集问题，也为了“学”作准备，由理论上升到实践相互之间结合与渗透，这一点正是项目课程的特质所在――做中学，学中做。这样的项目式教学模式以项目驱动教学进程。借鉴行业的项目管理和项目制作流程来进行课程管理、课程计划、课程评价。能有效的推动高职艺术设计教学的改革。我们的学生学习专业时更认真也更能认识到理论知识的重要性。学习时更主动，更努力。数字传媒艺术专业学生的自主性、主动性、创造性、团队协作能力与交流沟通能力等都得到充分的锻炼与提升。
数字传媒艺术专业教学内容项目化，其含义具有着若干限定条件、明确的目标和具体专业设计与操作标准的课程载体。项目类别：虚拟项目、虚题实做项目、实题虚做、实题实做项目等。数字传媒艺术专业项目课程教学的能力阶段划分：一年级以自主研发项目为主，即第一学期为新闻纪实摄影项目，第二学期为视频设计与制作项目；二年级以真题仿做项目为主，即第三学期为栏目包装设计项目，第四学期为网络流媒体设计项目；三年级以真题真做项目，即第五学期为主专题片制作项目，和顶岗实习内容。项目要求具有：典型性、适应性、先进性、前瞻性。教师教学紧紧围绕着项目进行，一个项目若干个教师，实行每个子项目课程多单元进行的授课方式。其中，教师的角色定位为项目负责人老板，学生为项目成员员工，这样职业角色之间的预演，为毕业后直接就业做好充分的准备。项目教学中的课堂组织形式为：小组团队协作式，以培养学生的团队意识、沟通能力和工作状态训练等职业素质能力。项目课程教学的管理上，责任标准、目标设定，管理具体实施为由团队小组长到团队成员的责任管理。项目课程考评为：目标、能力、知识、职业态度；最后的项目成绩评价方式为：阶段性项目过程评价和项目最终结果评价。
（二）工作室制的教学架构探索。
项目课程教学的实施对数字传媒专业实训室式的教学构架提出了更高的要求――工作室制的教学场所，而不是传统的教室，以新式的白板与工作台取代了传统的黑板与课桌椅。使得学生尽可能的在这真实程度较高的情境中学习专业技能。工作室教学根据学生的自身水平以及今后发展目标的不同情况，专业课程设置中划分了分阶段培养目标。一年级教学面向该专业所有学生，即第一、二学期重点强调学生的专业基础的培养与人文素质教育。二年级上下学期，即第三、四学期，此阶段重点培养学生初级虚拟项目的学习，与专业技能知识的熟练掌握。到第四学期学生以多元的工作室教学为主，进行以实际项目为驱动的项目式教学。此时的项目课程可分为项目一（流媒体交互设计）、项目二（专题片设计与制作），学生可根据自身的专业细分方向来进行有选择的学习，教师也可根据学生的需要，进行有针对性的教学安排。工作室制教学环境中的，学生“岗位职责”的体现，在制定每个项目课程进程执行表上有着具体的记载并粘贴在工作室中。这样，专业教师对一个项目中的子项目课程的进行情况与整体项目规划设计――专业能力的培养、教学内容、教学方法、教学条件、评价标准都有清晰的认识，项目负责人也可监督工作室其他教师的教学质量。学生们更能随时察觉到自身的专业学习进展。数字传媒专业项目教学的探索形态。项目教学的考核方式：学生自评、互评；指导教师、教学团队评价；行业、企业指导教师的评价与反馈。
三、结语
随着流媒体时代的到来，新媒体设计行业给学生提供了许多创新能力的培养和机会。其中，“校企合作、工学结合”的理念是数字传媒艺术专业项目课程教学模式一次有益的实践与探索。它将专业理论学习和实践学习结合于一体的先进的办学模式，为学生提供了有利的实践条件，不仅提高了人才的培养质量与学生今后的就业率，更重要的是，使数字传媒艺术专业的人才培养计划与企业岗位用人的要求更趋一致，数字传媒艺术专业学生毕业后能迅速适应媒体工作岗位的需求。同时，学院也形成了完善的艺术设计教学体系，专业教师从中不仅有更加扎实的艺术理论功底，也对自己的专业技能的得到进一步提升。总的来说，在项目课程教学实践之中我们教学内容始终与企业同步、与时代同步，项目课程的内容也不断保持着新鲜的活力。
（作者：武汉职业技术学院艺术设计学院助教，研究方向：新媒体艺术研究）
注释：
马必学.高等职业院校发展基本问题研究[M] 天津大学出版社，2011：176-177.
[关键词]艺术批评；媒介；媒介批评
随着当代传媒技术的迅猛发展，媒介技术已经全面渗透到艺术活动的全部过程中，无论在艺术作品的创作、艺术传播，还是在艺术欣赏过程中，技术因素与艺术元素始终交织在一起，二者之间已经形成一种“互化”的关系，即艺术被技术化，技术被艺术化。尤其在新媒体艺术蓬勃兴起以后，媒介不仅为艺术提供技术支撑，而且显示出支配性地位。可见，技术性已经逐渐演化为艺术的本质特征之一。艺术与媒介的高度融合对艺术作品的内容、形式和风格产生的影响，引起了艺术批评家们广泛关注。评论新的艺术形态，要采用与之相适应的批评模式，因为“只有当研究对象与具体理论模式相统一时，才会获得其他理论模式所不能取代的意义解释效果。”从而揭示出艺术现象中蕴含的普遍规律。批评家们深谙此道，他们自觉从媒介视角进行艺术批评实践，媒介批评应运而生，并在网络媒介时代迅速发展为一种被频频使用的艺术批评方法。媒介批评，以其对新的艺术形式解释评价的可操作性和有效性，取得了传统艺术批评方法不能取代的地位。
一
媒介(单数medium，复数media，也被译为媒质、媒体)，最初用于传播学，后来逐渐广泛用于其他学科。在美学和艺术学中，“媒介”主要在技术层面被使用，组成审美媒介、媒介文化、媒介批评、新媒介／媒体艺术等专业术语。通常，“媒介包含两方面的要素：一是包容媒质所携带信息或内容的容器，如书(甲骨、竹简、帛书、纸书)、相片、录音磁带、电影胶片、录像带、影音光盘等；二是用以传播信息的技术设备、组织形式或社会机制，包括通讯类(电报、电话、传真、电子邮件、可视电话、移动电话等)、广播类(布告、报纸、杂志、无线电、电视等)和网络类(如国际互联网、vod随选视讯)三大类。”其中，与艺术有关的主要是第一方面和第二方面的广播类和网络类等媒介要素，我们在这里姑且称之为审美媒介。当媒介与艺术发生关联后，这时的媒介便是审美媒介了。
本文中所谓的媒介批评，即从艺术符码的存储和传达的技术和传播视角，对艺术作品进行的分析和评价。媒介批评的对象除艺术作品外，还包括大众文化，因为大众文化涵盖的“通俗诗、报刊连载小说、畅销书、流行音乐、电视剧、电影和广告等”都属于艺术范畴。
但是，作为艺术批评方法的媒介批评与传播学中的“媒介批评”不同，传播学的媒介批评是指对新闻传播媒介活动的批评，与社会学家们指责利用控制媒体形成的话语霸权去操纵民意，以此限制公共民主性政治活动的批判也存在差别(如布迪厄的媒体批评)。作为一种艺术批评新方法，如同精神分析批评把精神分析学和心理学理论运用于文艺研究一样，媒介批评从技术的层面，将传播理论运用于艺术批评，从其他学科吸收理论资源，带有明显的跨学科性质。
在漫长的媒介与艺术结合的演变过程中，从原始社会的工艺媒介、口头语言，到奴隶社会的书面文字、再到近现代的报刊杂志、影视广播，直至今天的互联网，每一种新媒介的发明，都标志着人类文明的一次革命性剧变。在媒介发展史上，每个时期都有占主导地位的媒介形态和运用该种媒介创作的艺术形式。如工艺媒介时代，彩陶、青铜器、衣饰和器物等在原始社会各个部落间都起到了文化思想的传播与交流的作用。工艺媒介时代的“艺术品”是为实用制作的，与今天为艺术而艺术的艺术家创作和为满足大众精神需求批量生产的艺术产品不同。那时，“艺术品”的制作目的主要是为了生存，只是附带起到了交流思想和传播信息的作用。
口语媒介时代，歌谣、神话和史诗是这个时代的主要艺术形态。最初的言语艺术作品，就是依靠口耳相接流传下来的。口语的诞生，是人类自然进化的结果，不需要科技的力量，口语媒介的存储性和传播性都很低，很多口头文学作品因此而失传。
文字媒介时代，带来了语言艺术如诗歌、散文以及传奇的兴盛。文字媒介的传播性较之前两种媒介形态有所增强。用刀笔刻录在石头、兽骨、纸张、绢帛上的文字利于长期留存，文学作品在时间流逝中依靠人力或驿马的携带传播开来，因此，这个时期的文字在更大程度上起到的是媒质的作用。
手工印刷媒介时代的主要艺术形式是白话小说。文字和图画的一次制版，可以被反复印刷多次。手工印刷与刀笔刻写相比，大大加快了文学的传播速度，也促使该时期的文学作品的代表性体裁发生了相应的变化，在篇幅和数字上有显著增加。手工印刷媒介的发明，开创了媒介技术的新纪元。它向我们预示：下一次媒介技术革命不会遥远。
大众媒介的时代到来显示出媒介的强大威力。在大众传媒时代，电影以先天的传播优势和巨大的媒介商业利润，宣告了文学传播霸主地位的终结。手工印刷时代结束，机械印刷，如报纸、杂志、书籍等机械印刷媒介形态和电影、广播、电视等电子媒介成为主流传媒。从这个时代开始，人类认识到媒介对人类进步的巨大意义。
网络媒介时代，代表艺术是数字艺术或新媒体艺术。由电脑、因特网、网站三部分构成的网络媒介是基于数字化技术的媒介，它们将人类艺术的传播推进到网络传播时代。在这个时代，网络与传统媒介进一步融合，从而改变了传统的艺术传播方式。例如：新型恶搞作品要借助电脑先进技术——融导演、编剧、音响配置、图像处理于一身的多种制作手段。在网络时代，与技术息息相关的艺术种类越来越繁复，如音乐、舞蹈、文学、电影、电视、新媒体艺术都需要用媒介制作、负载和传播。网络媒介时代的技术，不仅生产使用价值，也生产着精神价值，是美的技术。
总之，技术与艺术由初期的结合到对立再返归统一，技术与艺术的发展经历了合——分——合的历史演变过程。远古时代的艺术是精湛的手工技艺，是通过经验获得的熟练操作技巧。手艺人或者说工匠就是所谓的艺术家。从文字媒介时代到手工印刷媒介时代，艺术与技术分流，在工业革命时期，它们仿佛势不两立。从大众媒介时代开始，技术与艺术又交融在一起难分难解。尤其进入“网络时代”以后，掌握媒介技术的使用方法，成为艺术创作的前提。在这两个时代，艺术是技术与艺术的结合，是科学性和人文性的结合，技术理性中包含了感性因素。尤其是新媒体艺术，打破了艺术与技术的界限、生活与艺术的界限、创作者和欣赏者的界限。各种新兴的电子媒介技术，形成了复杂的媒介环境，媒 介技术对艺术的审美效果产生显著影响。
有何种媒介，就有何种艺术，一种艺术形态还会形成不同的艺术思潮和流派，这时，批评家们建立的批评理论不仅仅是一种，而是针对各种电影思潮和流派创立不同的批评话语。比如：针对电影这种艺术形式，形成了德国表现主义、俄国形式主义、法国印象主义等电影流派。绘画上的立体派、超现实主义、抽象主义等艺术流派。文学上如象征主义、表现主义、超现实主义、意识流文学、荒诞派戏剧等流派。新的艺术批评理论如象征主义、表现主义、直觉主义与意识流、存在主义和荒诞派等等。无论如何，艺术批评家至少要建构一种针对某一类艺术形式有解说力的艺术批评方法。
二
当代西方艺术批评发生了两次历史性转移，第一次是从重点研究艺术家转移到重点研究作品；第二次是从重点研究作品转向重点研究欣赏者的接受。后一次转移，不能不说与大众传媒的发达，艺术作品走进千家万户有关。解释和接受美学家们认为，艺术作品的意蕴不是作者设定的，也不是唯一的。艺术作品只有通过观者的解读，才能成为艺术品。但是，理论家们忽略了达成从艺术家到作品再到读者接受的两个转向之间的中介，即艺术家是利用媒介(从大众传媒时代起是利用媒介及其技术)创作艺术作品，再利用媒介把他们的作品传播给读者。如作家的构思和生命体验用文字媒介的形式物化为艺术作品，存储在书中，然后利用印刷媒介把艺术品传达给读者。这个完整的过程用图示意，即：艺术家媒介及其技术艺术作品媒介及其技术读者接受。媒介是艺术创作的原材料，是存储艺术信息的容器；也是传播作品的通道。毋庸置疑，在媒介时代，艺术批评的第三个转移则为“重点从研究读者和接受转移到重点研究作者——读者、传播者和数码化技术。”这是一次媒介技术带来的艺术批评的转移，这条与新闻传播学平行发展的艺术批评的媒介研究路径，被传播学研究者称为“界外批评。”而后者，叫作“界内批评”。其实，媒介批评是从西方艺术理论的语言论转向之后的文化研究中分离出来的一种新的批评范式。
媒介批评从发端至今已将近一个世纪，随着科技的进步，艺术作品中媒介成分含量增加，媒介已贯穿艺术活动的全过程中，如时下热映的电影《阿凡达》运用3d合成摄像机(3d fusion camera)、虚拟呈像摄像机(virtual camera)和传统摄像机(traditional camera)同时拍摄，通过网络传输影像数据，在远离拍摄现场的城市里由计算机完成影片的后期制作。《阿凡达》是利用计算机媒介技术制作的一个范例。如果没有今天高端的媒介技术，我们就看不到这部充满立体感的超现实场景和人物的精彩绝伦影片。对于这部影片，如果艺术批评家不从媒介技术的视角评论它，他们又能对这部影片言说什么呢?在媒介主宰艺术的时代，以往的艺术批评方法对当代丰富复杂的研究对象已丧失了描述、解释和评价的能力。作为一个批评者，如果要真正地理解和介入作品，就必须从媒介楔人作品。如果批评家在媒介时代仍固守着传统的艺术批评方法，用旧方法去解决新问题，他们过时的钥匙打不开新造的锁。批评的原则要遵守，批评的技巧要训练，批评的范式要随着科技的发展而更新。
从媒介的视角评论艺术作品，必须打破以往仅仅从作品的形式和内容或者作者的经历以及读者的接受方面对作品所作的优劣程度鉴别，给作品的制作技巧以应有的评价。艺术理论工作者不应对新出现的艺术形式保持沉默与束手无策，理论应跟上艺术创作的步伐，及时对艺术家的创作给予指导和评断，从而推动艺术创作的发展和完善。
艺术批评家还担负着提高欣赏者的理解能力和认识水平的职责，要达到这一目标，艺术批评就必须发生媒介转向，这是在当代科技背景下，艺术批评发展的必然。批评家不仅要结合作者的学识修养和艺术经历把作品纳入具体的历史语境中，还要依托作品产生时代的媒介语境鉴赏作品，“恰如克拉克在《观画》一书的献词中所言，正是弗莱教导了整整一代人如何观赏绘画作品。”难道我们当代的批评家不该象弗莱那样教导读者们如何欣赏新媒体艺术吗?
三
从20世纪初期至今这个科学技术发展最快的百年间，涌现出了许多从媒介角度评论艺术作品的批评家。他们的批评实践是不约而同的，在批评家们生活的时代，还没有“媒介批评”这种艺术批评维度，但无人能否定他们的批评不是媒介批评。在西方艺术批评史上影响较大的媒介批评理论主要有：洛文塔尔(leolowenthal，1900－1993)的文艺传播批判理论、本雅明(walter benjamin，1892－1940)的机械复制时代的艺术论和麦克卢汉(herbert marshall mcluhan，1911－1980)的媒介美学等。
洛文塔尔是最早从媒介传播的视角研究艺术的艺术传播理论家，他“从传播角度出发进行文艺研究，同时又从文艺角度出发进行传播研究。”他把文艺与传播结合起来，作为主要研究对象，试图从媒介人手，考察大众传播时代的艺术特征，寻找大众传媒时代的艺术与媒介的关联，从而揭示艺术转型的奥秘。洛尔塔尔敏锐地发现：只有“从传播的角度，把对文艺本质的探讨放在传播这一基点上，把文艺传播作为文艺自身的存在方式、作为本体存在的范畴来研究，才能深刻认识文艺的本质。”艺术作品在传播中被欣赏和消费，在鉴赏主体的一次次解读中作品的内涵被领悟，“传播”已成为艺术的一种存在方式。
一种理论体系的建立，创造的不仅是它的内容，而且包括它的形式。一种理论要具有创新性，除了内容上的新意外，还必须用新的概念和范畴表达这些内容。洛文塔尔为了增加其艺术传播理论的有效性和说服力，他提出了两个具有原创性的范畴：“‘传播力场，和‘理解力场”，并赋予其独特的内涵。洛文塔尔的艺术传播理论，不仅仅是内容上的创新，而且具有方法论意义上的可操作性。他在20世纪20年代前即着手从媒介传播的角度研究艺术，科技和艺术的发展证明了他的艺术传播理论的前瞻性和开拓性。
本雅明在其《机械复制时代的艺术作品》中论述了印刷术和照相术的复制功能取消了艺术作品的原本，艺术作品唯一性消失。复制技术也取消了传统绘画和雕塑艺术的神圣性和唯一原本的珍贵性，笼罩在传统艺术作品上的“光晕(aura)”熄灭了。但是，作为新马克思主义者，本雅明的美学和艺术理论一方面直接指向对资本主义发达工业社会的批判，历数印刷技术和摄影技术的诸种“罪状”，惋惜传统艺术“光晕”的消失；另一方面，他接受了马克思的艺术生产理论，把艺术创作看作和物质生产具有相同规律的特殊的精神生产，认识到复制技术对艺术生产力的推动作用。他推崇建立在现代技术之上的“第七艺术”——电影艺术，给予摄影和电影等现代艺术带来的“惊颤”效果以高度评价。这两种观点统一于本雅明的艺术理论中，从表面看来似乎是矛盾的，其实，这正体现了本雅明以辩证和发展的眼光看待媒介技 术的进步对不同艺术形式产生的影响。
实际上，复制技术并不能宣告所谓“原本”的不复存在。电影、电视、照片的复本与原本是完全相同的，可以说，每一个复件都是原本。复制不仅没有导致原本的丧失，相反，倒是有利于艺术的普及。本雅明或许认为艺术欣赏只是少数社会精英们的专利。艺术需要进入民间，满足广大民众的精神享受。复制技术、传播媒介担负着开辟艺术通向世俗化之路的重任。
在工业革命稍后的一个时期内，技术化的艺术意味着美学上的失败，因为那个时代的媒介技术不像当代这样发达和强大并取得了在审美活动中无可替代的作用。如果说艺术具有一种特殊的调解功能，那么，在现代主义艺术发展阶段，艺术尚不能调和人与自然、人与社会和人与科技之间的对立。现代主义科技发展只能满足人们的物质需要，科学尚未发展到在满足人们的物质需求的同时也满足人们的精神需求阶段。
一、广播电视艺术学学科的发展情况
（一）广播电视艺术专业的发展概况
20世纪中叶，广播和电视在人们的生活中占有一定的位置，影响着人们的生活方式。随着人们对广播和电视关注度的提高，广播电视行业的发展呈现出上升的趋势。直到20世纪末，广播电视媒体已经成为了当时的主流媒体。为了进一步促进广播电视行业的发展，我国教育部门对各大高校进行了改革，在全国各省区建立了广播电视大学，并在很多综合性的大学中开设了广播电视专业，对广播电视人才进行专业和系统的培养，从而为广播电视行业储备了大量的人才，极大地促进了广播电视行业的发展。我国十分重视广播电视行业的重要作用，为了加强广播电视专业人才的培养，在1997年颁布的《授予博士、硕士学位和培养研究生的学科、专业目录》中，将电影学、戏曲学和广播电视艺术学并列为二级学科，统属于文学门类艺术学，这为增设广播电视专业提供了学科依据，对于我国广播电视专业的发展有着重要的推动作用。此后很多高校都开设了广播电视艺术学科。大量优秀人才经过专业的学习，投入到一线的广播电视工作中，加快了广播电视业的发展。
（二）广播电视艺术学学科地位的变化
《学位授予和人才培养学科目录（2011年）》中将学科分为学科门类和一级学科。艺术学成为学科门类，在艺术学学科门类下设戏剧与影视学一级学科。可以看出2011年的学科目录与1997年的目录有一定的区别，并未规定广播电视专业的学科级别，在规定中只提到了一级学科，这是根据十多年来，艺术和传统媒体发展的实际情况做出的正确决断。②时代在不断地发展和进步，如何确定广播电视学科在各学科中的定位，需要根据目前的发展情况和未来的发展趋势来决定，要留有回旋的余地。这个规定也在一定程度上给各大高校的教学改革留出了较大的发挥空间。在特定的历史背景下，广播电视艺术以二级学科的形式产生，经过多年的发展，整个学科的教学模式和教学体系日益成熟。随着信息时代的来临，网络媒体逐渐走入人们的生活，且发展十分迅速。我国已经进入了大众媒体融合发展阶段。广播电视行业的发展受到很多新兴行业的冲击，使学科发展受到技术创新的牵制，如果再继续保留其二级学科的地位，则有失当之嫌。因此，根据目前时代的发展情况，重新确立广播电视艺术学科的地位十分重要。
二、广播电视艺术学学科的分解与重组
学科是以科学知识体系为标准进行划分的，学科是某方面的科学知识系统化的体现。而专业则需要建立在学科及组成学科的知识体系之上，学科的范围远大于专业的范围，一门学科可以包含着与学科相关的很多专业，并且包括一些跨学科的专业。所以，学科的划分既需要确定科学的研究方向，也要具有与之相关联的专业课。随着以信息技术为主体的科学技术的发展，很多新媒体技术与新兴艺术兴起，使戏剧和影视艺术形态发生了变化。为了使广播电视艺术学科在大众传媒业的新背景下获得进一步发展，应明确广播电视艺术学科的学科特点，并结合学科特点和目前的教学实际情况，有效梳理学科发展的主要方向。戏剧与影视学包含戏剧、电影、电视三个部分，每个部分又包括众多研究方向。其中电视艺术包括电视剧方向和记录片方向，而随着新兴网络媒体的发展，又增加了微电影方向和网络剧方向，这是适应时展需要而增设的专业方向。广播艺术主要有广播剧、广播评书、广播朗诵等方向。这些学科方向同时也可以在戏剧与影视艺术学之下设立，这些学科发展方向的交叉会影响学科的进一步发展。因此，广播电视艺术可以根据情况进行适当的拆解，这样更加有利于学科的专业化发展。研究生学科的研究方向十分灵活。与本科生的专业研究方向相比，研究生具有更多的自，可以根据自己的意愿选取适合自己的研究方向，这十分有利于学术研究的发展。为此，教育部门正在准备撤销本科生的研究方向，使其选择更加灵活，这是我国高等教育改革的重要举措，值得期待。学科的划分并不是随意的划分，会受到社会、经济、文化等发展情况的影响，社会各个领域发生的变化都会影响到学科设置。广播电视艺术专业改革会受到技术、体制、观念变化的影响。学科的划分要根据社会各个方面的实际变化情况进行改革，以培养出社会需要的专业人才。③
三、促进广播电视艺术学学科建设的策略
为了促进在大众传媒业背景下广播电视艺术学科的发展，在了解学科和专业的发展情况之后，需要明确广播电视艺术学科的走向，以明确学科的发展目标，使专业改革更具目的性，以更好地培养人才，服务社会，促进社会主义现代化的建设。
（一）加强教师队伍建设
为了培养出高素质的人才，需要一批有专业能力、教学素质和创新思维的教师组成新型的教师队伍。在教师队伍的构成上，要改变以前单一的全职教师进行教学的师资结构，实行以全职教师为教学骨干力量、兼职教师作为后备力量的方式，充分调动各方面具有较高教学能力的教师。专业教师必须具备较强的专业能力，不仅要具备教育教学能力，还要具备科学研究能力和艺术创作能力。
（二）加强学生能力的培养
人才的培养是学科教育的重点，为了促进学科的发展，必须明确不同阶段的学生需要具备的能力。对于本科学科来说，要求学生具有较强的专业理论知识和专业实践能力，做到手脑并用；对于硕士研究生来说，要注意引导学生对学科理论进行深入挖掘，运用多方面知识，做到在学习和研究的基础上有所创新。对于博士研究生来说，需要注意理论研究和创新精神的培养。为了培养出高素质的人才，无论哪个层次的人才培养都要首先确立培养目标，根据目标制定具有学校特色的人才培养模式，才能培养出社会需要的人才。
四、大众传媒业新背景下广播电视艺术学学科的研究内容
第一，科学研究。科学研究是对目前新形势下的学科研究和专业建设进行深入的研究和讨论。为了很好地促进学科的发展，需要正视老问题和新问题，并提出解决方式。第二，渠道研究。在信息时代的背景下，新媒体发展十分迅速，影响了传统的报纸、电视、广播的发展。很多传统媒体不得不改变传播渠道，除了以一些传统的形式存在之外，也在寻找其他渠道，为这些传统媒体提供了新的发展机会。④为了更好地促进广播电视艺术学学科的发展，需要深入研究这些新的渠道，以掌握实际情况。第三，内容研究。广播电视艺术是通过音频、视频的形式进行信息的传播。观众对于电视广播的认识都是从这些音频和视频中获得的，所以对于内容的把控十分重要。广播电视艺术学学科应研究传播内容的趣味性、思想性、艺术性、观赏性，以引领人们积极地思考生活、感悟人生，获得良好的审美体验。第四，作者研究。传统媒体中的文章都是由专业工作人员和作者撰写与编辑的，对于文章内容有着严格的审核程序和发行标准。随着互联网的发展，很多广播、电视媒体不断地拓宽作者的渠道，也开始选用业余作者的文章，这使我国广播和电视的内容更加丰富多彩，在内容上更贴近观众的品位，从而有助于吸引观众。第五，受众研究。近些年来随着互联网的普及，互联网已成为人们获取信息的主要方式，以互联网为平台的新媒体也已经成为人们生活的一部分，改变了人们的生活方式。这种变化使人们对于艺术的欣赏方式也发生了很大的变化。如何通过有效的引导实现对于观众艺术欣赏方式和欣赏内容的控制，促进精神文明的建设，是接下来需要研究的话题。⑤第六，管理研究。广播电视艺术的传播是一个十分复杂的过程。在这个传播过程中，要把握传播者、传播内容、接受者等几方面的要素。传播者是信息传播过程中的主体，发挥着重要的作用。传播者要有效把握传播过程中的各个因素，使广播电视艺术创作方式更加多元化。
五、结语
在大众传媒业的新背景下，各媒体都面临着发展的机遇和挑战，各媒体为了自身的生存和发展都积极地进行了一系列改革。广播电视艺术学学科的发展是广播电视行业发展的基础。广播电视艺术学学科要想取得较好的发展，需要在深入了解大众传媒的大背景下，明确广播电视艺术学学科的特点，结合学科特点和学科教育的实际情况，有效地梳理学科发展的主要方向，从而正确把握广播与电视艺术学学科的走向，明确学科的发展目标，以更好地培养人才、服务社会、促进社会主义现代化的建设。
作者:赵磊 单位:哈尔滨师范大学传媒学院
注释：
①赵正阳，郭晓.广播电视艺术学学科体系建设新论[J].现代传播（中国传媒大学学报），2013（10）：131-136.
②庚钟银.大众传媒业新背景下广播电视艺术学学科走向[J].艺术教育，2015（4）：18-21.
③郭晓，高薪茹，张斐然.艺术传媒、融合互通——中国广播电视艺术学科建设扫描[J].艺术教育，2015（4）：6-17.
论文摘要：相信新媒体艺术正在逐渐成为艺术发展的趋势，成为这个时代最流行的艺术字眼，成为艺术与技术结合的最直接表现。新媒体艺术给我们带来的不仅是一种新的实践方式，更多的是一种重新审视定位艺术的观念，它是西方现代艺术的延伸和扩展，是在充分咀嚼了西方现代艺术的内容、形式和背后的理论的基础上产生的。本文试图从新媒体艺术在展示、流通、典藏、评价等方面给传统美术界带来的影响入手，进而理解新媒体艺术。
当新媒体艺术(new media art)越来越成为艺术界谈论的话题、越来越多地出现在各类展览上、越来越多地被所谓的前卫艺术家所实践时，我们不仅要问：究竟什么是新媒体艺术?它给我们带来了和即将带来什么?
其实新媒体艺术并不是一个新生事物，也并不是无本之木，早在上个世纪60年代，受杜尚影响颇深的观念艺术(concept art)、早期未来主义宣言(futurism menifesto)、达达式行为(da—da)以及由稍后出现的偶发艺术(happenning arI)脱胎转变而成的70年代表演艺术就已经带上了今天我们称之为新媒体艺术的种种特征。实际上，在50～60年代的前卫艺术实验中也已出现结合技术的动力艺术(kinetic art)和最早的艺术作品。那么从这些新媒体艺术的源头艺术来看，他们都有这样一些特征：沟通与合作、强调艺术发生过程、重视技术与艺术的结合、互动。在这些相对新的艺术形式中，艺术家们开始探索新的行为模式和新的媒材，以此来发掘创造新的思维和人类经验甚至是新的世界的可能性，让观众参与到一件艺术品中成为艺术家们的兴趣所在。艺术品本身的定义也不再决定于它的形式，而更多的在于它的形成过程，也就是概念。整个20世纪对于新科学的隐喻与模式的着迷，尤其是世纪初的量子和世纪末的神经科学与生物学更是大大激发了艺术家的想象力。
但是由于新媒体艺术空前地结合了物、生物学、电子科学等各个领域的科学知识，将之用于艺术创造中，使得新媒体艺术作品也传递出空前庞杂的信息量，让观众在目不暇接的同时也不能完全领会和了解它，在某种程度上给观众带来误解：这到底是艺术还是科技?在国内观众普遍缺乏视觉修养和科技知识的现状下，要求大众理解现代艺术就已经勉为其难了，对于新媒体艺术，大多数人还是处于“外行看热闹”的状态的。
对于新媒体艺术，我们好奇，在没有完全了解的情况下就急于尝试，而理论界，也没有太多的关注现状，引领发展方向。
当艺术史发展到21世纪，在我看来，给任何形式的艺术下定义都是可笑的和多余的，对于新媒体艺术自然也是这样。但是从各所大学争先恐后地设立与媒体有关的各类系科(这其中有很多是理工类大学)和各现代美术馆相继展出所谓新媒体艺术展来看，就知道对于新媒体艺术，我们的认识有多么的混乱。你很难说谁是绝对正确的，但是这种不确定性本身也许就是新媒体艺术的特点吧!
新的艺术形式的出现给我们的艺术界相应带来了什么变化?这首先表现在艺术展示场馆设计上。传统的美术馆和博物馆已经完全不能够承担新媒体艺术展了。新媒体艺术展从电路铺设、墙面设计、灯光设计、封闭性设计、计算机配置、投影仪和音响设施方面对展示场所提出了严峻的考验，所以包括北京世纪坛艺术馆在内的新艺术场馆都在对原场地进行改造，使之适应新媒体艺术发展的需要。世纪坛艺术馆用了半年将其地下一层改造成一个适合展示新媒体艺术的场地，接着就在去年五月底展出了北京首届新媒体艺术展，实际上展馆的改造还是略嫌粗糙了点，没有跳出传统展示场所的设计思路。相比之下，上海多伦美术馆在设计上更显专业了一些，感觉是为艺术量身定做的，在的细节上设计得很有特点，但又不失传统美术馆的优点，不论是空间还是相对封闭的展示场所，都错落有致，迎合了现当代艺术对于观者产生的影响。新媒体艺术讲求连结性和互动性，这也就更加表明他们的作品需要各自独立，不能相互干扰，不像传统绘画和设计作品的展览，我们可以把作品都按照一定的间距挂在墙上，或者是摆放在地上，观众只需要移步换景，作品与作品之间不会有太大的表面上的干扰，充其量只会对观众的视觉神经和心理有所影响。但作为更加强调互动性的新媒体艺术来说，干扰本身也是他们作品设计的一个关键环节，所以以往那种大开场式的老式展厅是完全不适合它的了。另外，在光线设计上，老式展馆很可能喜欢采用天光来展示绘画作品，这个是不太能用到新媒体的展示的。
新媒体艺术给我们带来的另一个影响，就是对于艺术品观照方式的转变。前面说过，新媒体艺术最大的特点是连结性和互动性，这就注定了新媒体艺术的展示本身就需要观众的参与，如果缺少了这个环节，一件作品就很有可能无法展示。这也就将展览的观照方式从单纯的“神交”转变成为较为直接的甚至是关键性的参与性的互动，有时候是对于作品形式和意义的改变。因为要了解新媒体艺术，你首先必须将全身融入其中，而并不是在远距离观看。这样与系统和他人产生互动，由此使观者的意识也发生转化，最后出现全新的影像、关系、思维与经验。观者通过键盘、鼠标、灯光和声音感应器或者是其他更加精密的仪器与作品发生关系，这就是新媒体艺术给我们带来的一种全新的交流和观照方式。这种观照方式的改变说明艺术家的艺术理想表达水平和责任感的提高。在以往的艺术作品中，艺术家是通过作品表达自己的感受，然而观众能否接受，这是对他们视觉修养的考验。在新媒体艺术中，艺术家不但要表现自己，还要尽力将表现的东西为人所懂，让观众从视觉、听觉和触觉上接受。在这里，艺术的功能得到了最大限度的表达，这也是新媒体艺术这个名称中“媒体”二字功能的体现。[1]
观照方式的改变必然促成品评价、流通和典藏方式的改变。在对一件新媒体艺术作品进行评价的时候，我们应该考虑的是，这件作品具有何种特质的连结性和互动性，它是否让观者参与了新影像、新经验以及新思维的创造。而在艺术品流通和典藏方面，传统意义上的印刷品已经不能够满足新媒体艺术的要求，由于他们运用了声音、音像和网络等等高科技含量较高的三维空间的媒介，我们就需要制作光盘来保存它们，并且附以一定的文字说明。以往的有关艺术史的书籍都是通过图片的形式来记载资料的，在课堂教学中，我们也可以通过大屏幕投影来实现的重现，可是新媒体艺术的出现，将会使我们以后的艺术史类书籍不能够仅仅再用传统印刷品，而必须得配上一定的声音和影像。就像很多人收藏一样，新媒体艺术史可能就是一段音像艺术史。
所有上述这些改变，都会引起对艺术史研究方法的改变。其实在目前，不管是馆策展人、艺评家或是赞助商，都是很希望能够了解新媒体艺术的，但是情况并不乐观。他们希望能够通过对过去艺术发展过程中所建立的一系列业已成熟的机制进行借鉴，再来对新媒体艺术进行研究，但是事实上，只有打破以前艺术史研究的窠臼，建立起一个新的研究方式才能够承受新媒体对于我们的冲击，才能够驾驭这种改变并迅速成为新媒体艺术实践的理论。
英国当代艺术史家巴克森德尔(M．Baxandal1)在谈到西方艺术史研究的现状时特别指出了三点不足：一是艺术史教学和研究未能够针对视觉媒介和视知觉的复杂性，至少没有做到像研究那样来对待其特殊的媒介；二是由于未能对自身媒体做出积极的关注和缺乏适合本体研究的技术手段，艺术史不得不从其他学科借用阐释方法，并以此作为主要的工具，这样艺术史学科本身并没有得到真正的发展；三是艺术史教学和研究过分关注知识而忽视学科技巧。也就是说，对于艺术史方法论的开发是非常迫切的。
那么我们就不免要问这样一个问题，在研究新媒体艺术史的时候我们应该运用什么样的研究方法呢?
新媒体艺术的种种特点，要求我们在研究这段历史的时候，要比以往其他艺术更需要学、化学、、生物学以及科学理论的支持。这种需求在某种程度上也会逐渐改变艺术的一种弊病，那就是艺术院校重文轻理的学科设置。在新媒体艺术大行其道的今天，没有理科知识是很难理解和走进新媒体的。但是事实上，在中国当今，就是那些正在做新媒体艺术的艺术家本身，对于科学理论也是知之甚少的，更不要说从理论层面去分析了。总而言之，对于新媒体艺术，我们还是处在一个感性认识阶段。
我们可以来看一下在新媒体艺术中所被运用的科学门类：电路学、计算机网路、后生物学、电信学、人工智能、遗传学、仿生学等等。在这些学科的背后有一个总领性的科学理论那就是控制论，控制论又分控制论和模糊控制论，随着新媒体艺术的不断发展模糊控制论将会越来越多的影响它。
自从1965年加州大学伯克利分校电气工程系的查德(L．A．Zadeh)教授创立了模糊集合理论
以来，模糊理论便在其数学基础上建立起来了。1974年，英国的E．H．Mamdani首次运用模糊和模糊推理实现了世界上第一个实验性的蒸汽机控制，并取得了比传统的直接数字控制法更好的效果。在模糊理论被用于制造出了模糊洗衣机和空调器等模糊家电之后，模糊理论便被运用到人工智能和风吹草动技术领域，模糊推理机、模糊控制计算机、模糊语音识别系统、图形文字模糊识别系统相继出现，这就越来越接近新媒体艺术所运用的模糊控制理论了。所以，我们不妨做一个大胆的设想，艺术史研究方法将会转入一个模糊艺术史理论阶段，而且我坚信，模糊理论是一切理论学科的终极发展方向。
我们注意到在新媒体艺术中艺术家们所运用的互动传递智能技术，这正是模糊理论的创造性运用，更是艺术实践的创造性试验。对于这样的艺术作品，我们怎么再以传统的地域风格分析法去看待它呢?实际上，我们的艺术发展和评价体系早已过了那个非0即1的阶段了，我们的家们也是在有意无意地用着模糊理论的某些原理的。艺术形式的多样化、风格的不确定性，实际上就是新媒体艺术产生的前奏。在0和1之间，有着无穷无尽的奥妙。中国有句话叫做“以其人之道，还治其人之身”。新媒体艺术背后的庞大的自然科学理论体系正在指引我们走人一个新的艺术史理论系。
我们的艺术史理论家要首先研究的应该是新媒体艺术中采用的相关技术的发展史，如电气史、声音艺术史等等，而不是急于描述现状或者建立一个评价体系，这样才是正确的发展道路。
0 前言
数字插画(也称CG插画)是近十年出现的数字媒体艺术形式，伴随着数字媒体技术的发展而逐渐成熟，广泛运用于影视动画概念设计、游戏美术、插画设计等领域。大众在消费杂志和欣赏商业影视作品的同时，间接或直接欣赏插图就成为一种必然行为。作为一种文化产品，数字绘画作品营造的唯美、绚丽、奇幻的艺术氛围通过游戏、电影、动漫影响着当代人的审美观念。然而，作为新兴画种，数字插画自诞生之日起即被定位为商业美术，其艺术价值也未得到学者的足够关注，这在当今数字媒体艺术人才培养方兴未艾的大背景下不能不说是一个遗憾。
1 国内外的研究现状
1.1 国内的研究情况
在国内，对于数字插画的理论研究成果主要集中在软硬件技术、商业应用、教学研究，或者关联领域研究，如王选遥《论电影画面的灵魂——概念艺术》、赵小林《数码绘画与设计艺术专业基础教学》等;从美学角度探索数字绘画艺术理论的论文，在“中国知网”以变换关键词组合的方式进行搜索，可见数篇，包括赵忠波《浅析超现实主义绘画对现代数字绘画的影响》、许超《后现代视野下CG插画设计的美学特征探微》。这些研究成果在一定程度上代表了当前国内数字插画艺术理论研究现状，总体而言研究的成果有待进一步丰富和系统化。
1.2 欧美等国的研究情况
在美国，以出版物为服务对象现代插画的发展已经超过百年，形成了非常深厚的文化土壤。繁荣的出版业造就了一大批技法成熟、风格多元的插画大师。近20年来，作为数字技术革命的策源地，美国的数字娱乐产业异常繁荣，很多从事传统插画创作的画家成功转型为概念设计师，使用数码绘图工具，为电影、游戏和动漫业服务，数字插画由此应运而生。不过数字插画师的成就也一直不为主流艺术承认，其原因同样源自艺术界对商业美术的某种长期的“歧视”。在西方的数字艺术行业内，有关数字绘画的研究基本集中在视觉特效软硬件开发使用、表现技法、商业应用等实用性、技术性领域，鲜见数字插画艺术理论的研究成果。这一点，从历年的“ACM SIGGRAPH”会议所的主题与会议日程安排可见一斑。
2 数字插画艺术理论研究的意义
2.1 为国内新媒体艺术理论研究拓展新的视角
目前，有关新媒体艺术美学理论研究的成果多集中在新媒体自身特性带来的审美异化，如虚拟性、交互性、技术性等，以及由此产生的新媒体与创作者的关系、创作者与观众之间的关系、新媒体对创作观念的变革等一系列问题。例如，刘自力《新媒体带来的美学思考》、刘佳《新媒体艺术的交互性带来的美学思考》等等。这些研究，从宏观的角度，阐述了新媒体艺术审美在文化学、心理学、社会学乃至哲学层面的意义。这样的视角，固然能够从整体上把握新媒体艺术的基本特征，但是限于一些研究者的专业背景，仍缺少对新媒体艺术中某些具体领域的研究。此外，需要指出的是，在新媒体艺术这个大的范畴中，实验艺术、装置艺术这类的当代“纯”艺术活动与游戏动漫设计、电影美术等商业艺术仍然是有本质性的区别的，所以，针对数字插画美学理论展开研究，对于充实国内数字媒体艺术研究的美学理论体系具有十分重要的意义。
2.2 数字插画创作需要艺术理论指导
由于数字插画是商业美术，一直以来被视为流行文化，其价值得不到主流艺术界的认同。以网络相册为平台，优秀的插画作品甚至可以赢得千万次的点击率，却很难进入到画廊、艺术馆中与传统画种获得并列展出的机会。数字绘画在主流美术界的“空缺”，使其缺乏专业而系统的评价体系、科学而规范的教育方法以及艺术投资人。这些都制约着中国数字绘画艺术品质的进一步提升。因此，展开数字插画的艺术理论研究，挖掘其文化价值、厘清风格流派、完善评论体系，将数字插画研究学术化、正规化，一定程度上可提高数字插画在主流美术界的知名度和影响力，这些都能更好地激励数字插画从业者的创作热情，对于提高数字绘画的整体创作水平、挖掘艺术价值是非常必要的。
3 数字插画艺术理论研究的必要性
3.1 利于构建更加科学的数字插画人才培养体系
目前，国内大专院校的数字插画教育大多处于初创阶段，师资力量和教材建设均比较薄弱。当前人才的培养主要由企业和社会机构承担，但在培养方式上往往注重技巧训练、追求画面的外在效果，较为忽视绘画创作的文化艺术性，不利于数字插画人才的良性发展。事实上，在欧美等国，数字插画师(概念设计师)基本出自艺术设计类院校的相关专业，需要系统学习解剖、架上绘画、艺术史、数字图形图像学等课程，企业培训只是培养实践经验的手段，学院教育才是主流。构建科学的数字插画人才培养体系，需要相关的艺术理论研究成果为依托，完善教材建设、丰富理论教学内容。
3.2 利于促进动漫游戏产业的原创力提升
自从2006年国务院《关于推动我国动漫产业发展的若干意见》以来，我国的创意产业得到了长足的发展，动漫、游戏产业的原创能力不断得以加强。很多项目开始借鉴国外同行业经验，更加注重前期的概念设计的投入力度，推出了一批有分量的游戏作品。例如，腾讯游戏开发的网络游戏《斗战神》。该作的前期概念设定由国内一线的游戏美术师合力完成，人物造型夸张玄奇却不失中国神话人物的特征，场景华丽宏大，且充满东方色彩，充分展现出数字插画的视觉创造力和奇幻文化的魅力。然而，对于中国创意产业整体而言，高质量的作品和优秀的概念设计师仍然数量稀少，数字插画师的绘画水平良莠不齐。拙劣的模仿和照抄，贫弱的造型与滥俗画风依旧充斥着中国的动漫游戏市场。建立数字插画艺术理论体系，特别是文化研究和批评研究，有助于指导插画师的创作，推动当前数字绘画创作者对艺术品质的自发追求，转变成自觉的要求。
4 数字插画艺术理论研究的内容
本文的重点在于研究数字插画艺术性，因而笔者认为可参照传统绘画研究的方式构建数字插画的理论研究框架，内容包括： (1)数字插画史论、人物及作品研究。 (2)数字插画文化研究。 (3)传统绘画与数字插画比较研究。 (4)数字插画批评研究。 (5)数字插画创作研究。
5 总结
设计艺术史论家王受之先生在其所著《美国插画史》中评价了美国主流艺术界对插画艺术的态度，他指出“插图之所以不被主流艺术承认，无非是它的明确的商业性质，然而仅仅用商业属性作为口实，忽略插图的艺术性，实在是过分”。中国数字插画今天所面临的尴尬局面并不比传统插画有所改善，所以，对数字插画艺术理论的研究，无论对于中国的新媒体艺术理论研究、创意产业发展还是对于数字插画创作而言，都是有十分重要的意义的，本文的目的也在于此。
关键词：媒体类专业人才；创新能力；就业；互动机制
中图分类号：G645 文献标志码：A 文章编号：1009-4156(2011)07-100-03
一、媒体类专业及媒体类人才的“新”特征
媒体类专业可分为传统媒体类专业和数字媒体类专业，传统媒体类专业包括新闻与传播学下属的新闻学、传播学、广播电视新闻学、广播电视编导、播音等专业，数字媒体专业是基于数字化网络媒介平台而设立的数字媒体技术、数字媒体艺术等专业。与其他专业教育相比，媒体类专业具有如下三个方面的显著特征：
(一)知识结构的变易性。受媒体技术革命的影响，媒体从以印刷技术为主流的报纸媒体、以电子技术为主流的广播电视媒体、发展为以数字技术为主流的网络媒体，媒体类专业人才培养的格局也呈现为从新闻专业向广播电视专业、数字媒体技术与艺术专业的跃迁，媒体类专业人才的知识结构也相应地具有与时俱进的变易求“新”的特征。
(二)知识类型的综合性与实践性。正是由于媒体类专业的技术规定性，决定了媒体类专业由文学艺术、传播学理论向兼具技术和艺术，并向整合心理学、哲学、文化人类学、社会学等相关学科知识的综合性知识体系转移。专业人才既需要掌握宽广深厚的理论知识，又需要具有现代高科技的实践创新能力和文化创意能力，因此，媒体类专业人才的知识体系具有综合性、实践性特征。
(三)知识转化的时效性。某种意义上说，媒体类专业永远都是“新”媒体人才的培养基地，它既要求人才具有坚实的专业基础理论知识，更要求人才的知识能力迅速转化为产业创新能力。媒体类专业人才的创新能力是媒体产业的动力源，其所具备的创新能力素质对行业发展有着引领作用。其创新能力体现在与时俱进的“新”技术能力和“新”艺术创意能力上。
可见，“新”是媒体类专业人才的基本特征，“新”媒体技术应用开发与艺术创作能力、“新”媒体理论研究能力、“新”媒体文化创意能力与“新”媒体行业前瞻能力构成的综合性实践创新能力是媒体类专业人才核心素质。
二、国内外基于就业导向的媒体类人才创新能力培养模式分析
(一)国内高校媒体类专业人才创新能力培养与就业关系分析。自1996年清华大学开设了新媒体研究专业和“新媒体研究”课程，特别是2004年，浙江大学在国内最早开设数字媒体技术专业以来，以清华大学、中国传媒大学和浙江大学等高校为代表形成了相对具有特色的媒体类专业人才创新能力培养模式：
1.清华大学美术学院信息艺术设计系：开设信息艺术概论、信息图表设计、动态表达基础、数字动态设计表达、互动媒体设计、脚本语言基础、数字影音设计、信息设计方法、信息结构设计、界面设计、人因工程与可用性评测、新媒体艺术、信息设计、交互技术、设计社会学等课程。人才流向国家重点发展的信息产业、动、漫与游戏产业及其相关领域(影视动画、数字娱乐、网络游戏)、交互界面设计、移动通信应用服务、多媒体应用与内容制作、公共信息设施设计、新闻和娱乐媒体、数字博物馆、数字图书馆、媒体艺术机构等。其人才培养创新性体现在超前的理念和前沿的课程，如人因工程与可用性评测等特色课程。
2.中国传媒大学动画与数字艺术学院数字媒体艺术专业：该校国内首创数字媒体艺术专业，填补了中国高等教育相关领域的空白。该专业下设三个方向：数字影视制作方向、网络多媒体方向、游戏设计方向。教育目标是培养出在影视特效艺术以及网络多媒体艺术领域中进行创作实践、科学研究和教学的高级专门人才。偏重艺术实践，就业导向型，注重实践创新能力的培养。
3.浙江大学计算机学院数字媒体技术专业：培养计划是，使学生学习和运用数字媒体技术基本理论及专业知识，接受数字媒体的软件开发与设计制作的基本训练，具有新媒体艺术创作能力以及面向网络的、新型的数字媒体研究与开发的综合知识和技能。就业方向包括影视、动漫制作和电子游戏企业，出版、图书、新闻等文化媒体行业，国家机关、高等学校、电视台以及其他数字媒体软件开发和产品设计制作企业。该专业科研实力雄厚，有一个CAD&CG国家重点实验室，注重IT技术创新能力的培养。
以上三所高校的媒体类专业培养方式各有特色，对于创新能力的理解也各不相同。清华大学美术学院重视媒体设计思想及视觉传达的创新，中国传媒大学则偏重实务及从实践中创新，作为科研型的浙江大学则重视技术工具的创新运用能力。三种培养方案对于媒体类人才创新能力的培养都有重要的启示：一是艺术主导型的院校通过艺术创意培养推动了媒体设计理念及其艺术化表达的创新；二是应用主导型的院校通过实务训练达到熟能生巧后推动了媒体技能创新；三是科研主导型的院校通过基础研究推动了媒体领域的技术革新。
(二)国外高校媒体类专业人才创新能力培养与就业关系分析。比较而言，国外高校“新”媒体类专业人才培养的历史长，形成了较为成熟的培养体系。我们选取麻省理工学院、普渡大学、包豪斯大学等著名高校相关专业为例：
1.麻省理工学院传媒艺术与科学系：该系属于建筑设计学院的一部分，它分博士、硕士和本科公共课三个层次来进行数字艺术教育，强调科研和实践。所有研究生都参与媒体实验室工作和获得资助。培养高端的媒体人才，为科研院所及尖端领域提供数字艺术人才。以麻省理工学院媒体实验室闻名于世。独特的实验室模式，使科研和实践创新能力并重。
2.普渡大学计算机图形技术系：该系将专业分为四个方向：互动多媒体、动画技术、工业设计和建筑设计，可分别授予理学士和硕士等学位。目标是将学生培养成为全美最好的电脑图形业界的参与者、管理者和领头人。毕业生因过硬的技术本领，深得就业市场的青睐。重视计算机技术在图形图像领域的深度创新运用。
3.包豪斯大学媒体学院：该学院有三个专业，即媒体(经济)文化、媒体(艺术)设计与媒体(技术)系统。媒体文化、设计与技术一体三面，构筑媒体人才全面的知识结构。文化、设计与科学三位一体的媒体学科架构，是媒体学科上的创新之举。设置众多的项目课程。文化素质与科学技能并重，以项目提高实践创新能力。培养学生精湛的技术与大师思维。
以上可见，麻省理工学院和普渡大学为理工科院校提供了一个媒体类人才创新能力培养很好的借鉴，前者的实验室模式以及后者在电脑图形领域的特色研究，都为学生的就业打下了坚实的基础；包豪斯大学的课程安排注重对学生项目
设计能力的培养，“项目课程”的分量非常重，学分也非常大，是包豪斯大学媒体学院的重要教学计划内容，强调在“做”中学习的“项目课程”对增进就业助益颇大。
三、媒体类人才创新能力培养模式与就业互动机制的个案分析
在国内高校新媒体类专业中，哈尔滨工业大学媒体技术，与艺术系(以下简称“媒体系”)自2000年建系以来，历经十余年的发展，完成了由“传播学”向“媒体技术与艺术”专业的转型，初步形成了具有特色的媒体类人才创新能力的培养与增进就业的良性互动机制。这个机制包括两个方面：一是动态的创新性人才培养计划结构，二是创新型项目带动人才培养机制。
(一)建立面向就业的动态培养计划体系。2004年媒体系对培养计划进行了较大的调整：在2004年广播电视编导专业本科生培养方案中，影视制作类课程下降了2个百分点，而计算机类课程提高了3个百分点，其他综合类和基础理论课程都有所增加，其中类似《C＋＋与面向对象程序设计》的课程体现了技术实践能力培养的教学目标。
这一次培养计划的调整，对学生的就业导向和增进就业产生了重要的影响。我们运用统计学的相关分析和回归分析等方法，对媒体系对毕业生就业情况的统计资料进行了分析，通过对SPSS统计软件频率分析所取得的图形化数据进行研究可以得出如下结论：第一，从培养计划的角度来看，IT业、广播电影电视业、教育机构(考研、在高校任职或任教)这三大类型基本上是培养目标所指向的范围，最近几年七成左右的毕业生流向了这三种类型。第二，从2004年广播电视编导专业本科生从事IT业者为零，到所占比重有逐年增加的趋势，吻合了媒体系培养目标从传统媒体逐渐向数字媒体转变的思路，也可以看出课程调整提供给学生的知识结构对学生就业有较大的影响。第三，硕士毕业生IT业从业者呈波动上升趋势，2008年(占总毕业生数的1／3)和2009年(占总毕业生数约1／4)明显高于2006年和2007年所占比重。显示了数字媒体行业渐次成为媒体系的主要毕业去向，这与媒体系的培养目标吻合。第四，广播电影电视业就业人数近年基本上呈收缩的态势，而广告业历年所占比重都不大，并非媒体系毕业生的首选行业。一方面，由于偏重技术的数字媒体广告职业被划归到IT业；另一方面，传统广告业所要求的设计和策划技能并非媒体系教学计划所专注的目标。第五，商业、服务业以及其他职业类型所占比重较轻，这从一定程度上说明了，经过本科或研究生阶段的专业培养，学生的就业被纳入到既定轨道，培养计划对初次就业流向产生了显著的影响。
运用回归分析方法，对媒体系广播电视编导专业2004届至2008届从事IT业的本科毕业生的数据资料进行分析，其中x轴为时间轴，y轴为IT业就业者占当年总就业人数的百分比。为了简化回归系数，将年份自变量x转换为1-5的等差数列，最后得到如下回归曲线。可以看出前五年的IT就业基本拟合三次方程模型，在这五年内媒体系的IT业就业学生增速呈先慢后快的增长趋势。
从图1可见，由传统媒体向新媒体人才培养计划的调整与学生的就业之间存在互动关系：一方面，创新的内容对学生就业有导向作用；另一方面，学生就业的流向指导着培养计划的调整。
2010年媒体系针对三网融合的就业市场进行了第二次大的调整，实行以数字媒体技术与数字媒体艺术为主要内容的媒体类人才培养计划：第一，在2010年广播电视编导专业本科生培养方案中，其中计算机类占比29％，比重明显加大(增加10个百分点)，而影视制作类占18％，压缩了9个百分点。这些变化是系教学委员会根据数字媒体技术就业市场反馈调整的结果。第二，除了计算机类和影视制作类的变化较大，其他四种类型保持相对稳定，增减在5个百分点以内，但是课程安排有了一定的变动。为了适应数字艺术发展的需要，美术类课程在2010年的培养方案中增添了“数字表现技法”课程，艺术理论类课程新增“心理学与接受美学”、“网络虚拟艺术”课程，补充了从传统艺术向数字媒体艺术转变过程中需要掌握的基本理论。第三，为了区别于计算机系、艺术系的培养方向，媒体系在加大计算机类课程比重的同时，却没有削减艺术方面的课程比重，这是保持媒体类专业艺术特色的举措。2004年艺术理论类与美术类课程的总占比为20％，2010年这两门课程的总占比为21％，艺术理论类10％，美术类11％，增加了一个百分点，说明重视计算机技术的同时也重视学生艺术素质的养成。
(二)建立以项目带动实践创新能力培养增进就业机制。技术开发能力和艺术创意能力的培养，还需要一种前沿的视野，以项目带动实践创新能力培养是增进就业的途径之一。媒体系以部级、国家部委及省各级科研项目、校企合作项目带动学生创新能力培养。学生在校期间参与2010上海世博会黑龙江省网上虚拟体验馆、非接触式人机交互界面设计、基于数字仿真模型的网络舆论引导规律研究、古代孔庙祭祀的数字化复原研究、虚拟博物馆藏品数字化三维展示系统、基于动作感应技术的虚拟现实空间交互研究、与黑龙江晨报合作成立新媒体形态设计联合实验室等项目，为学生技术创新与创意设计能力的培养提供了高平台，可以使学生的创新研究站在研究的前沿，这些项目对学生的创新能力培养具有战略意义。具有良好创新素质的优秀毕业生先后进入到百度、华为、中兴、腾讯、奇虎、新浪、盛大、水晶石等新媒体领域，在手机、数字电视、网络媒体三网合一的时代，站在了行业最前沿。
四、结论
媒体类专业人才创新能力培养与就业之间是一个互动的机制，这主要体现在如下四个方面：其一，由于媒体专业的特殊性，面向就业的媒体类创新人才培养计划应该是一个动态的结构，随着就业市场的需求即时调整创新课程的教学内容。其二，面向就业市场的创新性教学内容设计，不仅增进就业率，还能提高学生就业的平台。高平台的就业去向又增强了在校学生实践创新学习的热情。其三，正确预见就业市场的动向，是制订科学合理的培养计划的关键。其四，以前沿性实践创新项目、校企合作项目带动学生创新能力的培养，既增强了学生就业竞争能力，又培养了学生的先进理念和创意能力，使之不仅具备专业技能，还可以成为行业先锋。诚然，在探讨媒体类人才创新能力培养和促进就业问题中，还有许多更复杂的因素需要考虑，但营构动态的创新型人才培养计划与就业之间的良性互动机制，是媒体类专业人才创新能力培养最重要的一环。
参考文献：
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[5]浙江大学计算机科学与技术学院[EB／OL].http:／／cs.zju.省略.
一、高校新媒体艺术学科建设现状透析
2011年12月20日,在由国务院学位委员会、教育部学位管理与研究生教育司在京召开的“第五届全国新媒体艺术系主任（院长）高峰论坛”上，中国美术学院传媒动画学院院长王赞这样说道：“在新媒体艺术影响越来越广泛的今天，新媒体教育的积累尚不够深厚，学术的梳理尚不够清晰，学科的发展尚缺体系。更令人担忧的是这一项传媒时展出来的新专业缺少了中国文化发展传统精神价值判断的尺度，以及它的根性特征在哪里等等问题。”本次论坛进一步从新媒体艺术的根性特征层面指出了该学科发展中仍然面临着学科建设不足与文化内涵缺失等深层问题，为本学科教育领域带来了新一轮的学术思考。纵观当前我国新媒体艺术学科建设的研究领域，我国在该领域起步较早的高校大概在2000年初开始培养新媒体人才，如中国美术学院的新媒体艺术系、中国传媒大学的新媒体研究院、北京航空航天大学的新媒体艺术与设计学院、同济大学的新媒体艺术中心等都以建设的相当成熟，而且近年来更多的综合性院校也逐步开设与新媒体相关的专业或研究中心。由于相对于艺术院校传统的学科设置，总体来说新媒体艺术作为一门新兴学科尚处于探索阶段，因此各相关院校在针对本学科的学术定位、培养目标、教学模式与评价体系之间的研究存在着较大的差异性和多样性。
其中目前学界最为普遍的探讨主要集中于该学科的教学理念与应用价值两个层面。首先，关于教学理念的研究争论源自新媒体艺术的跨学科性，即艺术与技术的结合与侧重程度，这直接关系到本学科的培养目标与具体的教学模式；其次，对于新媒体艺术的应用价值逐渐成为各高校备受关注的研究对象，如何在确保该学科学术性的同时又能实现其社会性，解决学生的就业问题势在必行。通过考察部分我国高校新媒体艺术学科建设现状发现，特别是内地部分高校的新媒体艺术学科建设整体起步较晚且发展缓慢，直接开设与新媒体艺术学科相关的院校更是寥寥无几。总体来说该学科建设在全国范围内还没有统一规范，也没有一套相应成熟且行之有效的教学方法和相应的教学评价标准，教师资源配置也不尽合理，这些情况下容易直接造成新媒体艺术学科教育的混乱和学生知识结构的不平衡，同时也是导致学生就业率偏低的重要原因之一。这些问题涉及到培养目标、教学模式、课程结构等诸多问题，需要统筹解决。因此，立足我国高校新媒体艺术学科发展现状，针对其中存在的问题与不足重新梳理该学科的学术性定位，并结合就业现实进行一定的社会性整合，构建出一套适合高校关于新媒体艺术学科建设切实可行的整改方案，不仅对新媒体艺术学科建设提供了有效的参考价值，更为高校艺术教育改革与创新营造了积极的现实指导意义。
二、构建系统全面的学科教学方案
相对于艺术院校其它传统学科的学科定位，新媒体艺术作为一门涵盖了计算机技术、艺术学、传播学等在内的多学科交学科，它的学科属性首先决定了其特有的教育培养方向。由于新媒体本身在创作手段上结合了如声、光、电等当今众多科技媒介，因此在教育过程中不仅要把引导学生对于新媒材的把握与应用作为一项长期的基础工作，更要坚持在这个过程中注入鲜活丰富的艺术创新理念，这也是新媒体教学的重点所在。因此，明确“应用创新型”的人才培养目标为高校新媒体艺术教育奠定了学术方向，顺应了当今社会新型人才培养的需要。其次，制定与培养目标相一致的专业课程体系，同时还要在教学理念、结构以及培养模式方面做出配套的调整和改进。新媒体艺术虽然在形式上利用的是一些全新的科技媒体，但在创作方法论的角度上它和传统艺术是相互关联的。任何新的技术、媒体、媒介，它们和过去本质相同的一点在于你要拿它来做什么。所谓新，只不过是媒介表现的方式、手段、效果存在差别而已，但对处理问题的看法、态度、思考等都离不开主体的观念因素。新媒体艺术不仅是解决媒体的技术问题，同样还有创意与传达的问题。有了好的技术没有巧妙地创意与合适的表达方式，或者说对于艺术的表达语言不熟悉、不了解，表达就会不充分，甚至显得粗糙简陋。因此在具体的教学实践中需要有计划、有逻辑地进行知识引导，建构系统的基础训练方式，这样才能使学生具备更好的表达能力。
三、营造以“实践创新能力”为核心的学科培养环境
在新媒体艺术教育中探索“产学研”相结合的新型教学模式成为近年来值得人们思考的问题，新媒体艺术不能仅是单纯的注重学理性的教授，如何利用它自身学科特点与产业科研科研单位等多种不同教学环境和教学资源相结合，充分发挥其在人才培养方面的各自优势，这种把既有知识和以实践能力为主的生产、科研结合的教育形式从根本上为了解决学校教育与社会需求脱节的问题，缩小学校和社会对人才培养与需求之间的差距，增强了学生的社会竞争力。为了更好的营造、凸显以“实践创新能力”为核心的新媒体艺术学科培养环境，学院还应进一步加强培养新媒体艺术专业系统的师资队伍建设，逐步建立健全本学科的实验室建设，同时搭建更为广泛的社会交流与实践平台，不断交流、总结经验，为我国高校新媒体艺术学科进一步的建设与完善探索出一套更为科学有效的教育体系。
[关键词] 计算机网络第四媒体人机交互
计算机网络以其极高的知识、技术内涵、广泛的传播范围和雄厚的传播实力,已成为如今人类发现的最具价值的传播媒体之一。1998年5月,联合国秘书长安南最早为互联网赋予了“第四媒体”的称誉:“在加强传统的文字和声像传播手段的同时,应利用最先进的第四媒体———互联网,以加强新闻传播工作”。其后,“第四媒体”作为网络媒体的代名词迅速普及。
实现快速、有效地传播信息是网络媒体的核心功能,实施信息传播的载体是基于网络的各种图形、文字、视频、动画和音频。所有这些信息载体可称之为视觉和听觉元素,但并非这些元素自动地具有传播信息的功能,其传播价值之实现有赖于对这些视觉和听觉元素进行科学化、系统化和艺术化的设计。设计中,若背离了一定的科学法则,将必然使信息传播之效率下降,甚至发生传播失误。
在互联网发展的初期,许多网络媒体艺术设计方面的理论着述主要从平面视觉传达的角度探讨版式编排、空间布局、素材的处理、色彩运用、字体设计等方面的技能和技巧。这一期间开始了对网站之构架进行研究,一些专门从事网络技术开发的研究人员对网站的可用性方法作了许多卓有成效的探索,从站点规划、调研分析、站点与客户端之间的角色分析到设计实施、测试、以及反馈与维护的整体过程都以可用性作为关注焦点。美国设计师Darren Gergle强调:“处于这样一个快节奏和激烈竞争的网站设计行业中,需要将可用性方法运用到具有成本效益和实用的方法里,并平稳地整合到设计过程中。”
随着网络科技的迅速发展和Internet资讯的日益增多,客观上推动了相关理论研究向纵深发展,使最初的基于平面视觉传达的网络媒体艺术研究更为紧密地融合认知心理学、信息学、传播学、技术美学等学科的理论成果,关注人机交互环境下的信息加工与传播,关注对受众的认知规律的研究,从而推动了对网络媒体交互性的研究。
美国Macromedia公司所开发的Flash开启了网络媒体交互艺术创作的新纪元,其使用矢量图形和流式播放技术、利用时间轴和关键帧将图形、视频、动画和音频以交互方式融合在一起,加之强大的动画编辑功能和创建交互性的编程语言Action Script使其成为创建动态交互式网络应用的行业标准。如今,在全球范围内绝大多数的计算机用户都装有Flash播放器插件,越来越多的商家愿意投入资金开发多媒体网站,以展示企业形象并推动产品行销。一些世界着名企业在开发基于html的超文本网站的同时,还致力于Flash全站的开发与设计,由此可见,网络媒体艺术设计正向新的视听感受和实时的人机交互方向发展。
Flash在全球的影响力不断扩大推动了网络媒体交互艺术创作的发展,这一发展的态势可从FWA中反映出来。FWA是一个举世闻名的Flash艺术设计的展示平台,其全称是Favourite Website Awards,于2000年5月建立,目的是展示世界上最优秀、最前沿的网络媒体艺术设计作品。2000年9月以来FWA一直被列为世界上最顶级、最具有精英意义的评价网络媒体交互艺术创作的权威机构。
近年来,国内出现了许多优秀的Flash动画设计师,他们凭借Flash的强大动画编辑功能,创作了一大批脍炙人口Flash动画短片,但这些被赞誉为“闪客”的设计师主要是从事基于二维平面的动画创作,是传统动画在新科技背景下的延伸。国内虽然也有与FWA相类似的机构和团队,也出现了一批专攻于具有人机交互与信息传播特性的网络媒体艺术设计师,设计和开发了一些颇有新意的Flash互动网站,但就其艺术格调和表现技巧方面还处于有待发展阶段,相关的理论研究更是罕见。
如果说FWA中的一行行链接文字和一幅幅图片是通往Flash交互艺术世界的航标,那么徜徉在这一艺术世界时所历经的一次次数据交互、信息反馈、鼠标行为的交互体验就是抵达“沉浸式”感受的方舟。若要实现具有“沉浸式”感受的效果,就必需在视觉设计和实现交互式数据呈现方面做到极致,需要视觉艺术设计师与计算机程序工程师进行密切配合,这一现象也就推动了对复合型人才的培养。在网络媒体艺术设计的学科教育方面,学科的分化变得愈加细致,使学生有所偏重地掌握网络媒体艺术设计的技能。
Robert Penner就是探索使用计算机程序语言来实现创意思想的奇才,他在《Flash MX编程与创意实现》中展现了独具创造力的程序设计和视觉设计理念。深入地探讨了以Action Script创建动态视觉效果的方法,内容覆盖面向对象和基于事件的程序设计、数学、物理、色彩、绘图等专题,精选的实例讲解更是体现出作者丰富的想象力。在“运动、变形和缓动”的章节中讨论了运动的概念和数学基础。探究缓动的各种方程,并开发出一个变形脚本的面向对象的方法。
随着网络科技的迅速发展和整个社会对获取信息资源的需要日益增长,国际互联网的普及速度和宽带的覆盖一直以倍数递增,以江苏省苏州市为例,在不到两年的时间里,电信宽带用户从几千发展到了1万户,今年苏州电信宽带用户增长再次“提速”,目前苏州电信宽带用户已经接近15万。数据交换带宽的拓展从客观上推动了网络媒体向更高层次、更富多媒体意义的方向发展。如今,能提供音乐、视频在线欣赏和下载的站点比比皆是,许多国际化大公司在开发产品形象展示的多媒体交互网站时大量地使用了三维动画和视频录像。带宽的拓展使得富有创意思想的网络媒体艺术设计师有了更为广阔的表现空间,许多设计师开始了将三维动画所能创造的空间变幻效果用之于网络媒体艺术设计中,Discreet公司特地为Macromedia Flash MX开发了3D效果的导出插件,Alias公司更是开发出能导出3D效果的、兼容矢量文件格式的专用模块。
关键词：设计语言；新媒体；创新；互联网
具有时代特征的设计艺术语言创新模式已现雏形，而文化的多元化、跨学科的交流与发展是其形成的主要原因。设计艺术语言作为全球文化母体上的一个分支，其表现状况必将受到所处时代文化语境的影响。符合时代要求的设计艺术语言研究注重的是多元化的共性，是关注在设计艺术领域的大背景下可以跨学科、跨文化、跨语言、跨民族的方式来研究不同生活形态下共生共荣的语言特征及其方法，其表征必然带有浓厚的文化色彩，而设计艺术语言真是这一浓缩文化的缩影，是对创造具有时代感的设计语言的一种全新演绎。
一、基于“多媒体时代”的时代背景
“君子欲善其事，必先利其器。”传达信息需要“载体”。载体便是“器”。我们称之为“媒介形式”。可见、可闻、可复制、可传播。从远古媒体到传统媒体，再到新媒体，其器物形式延绵翻新：口耳、烽火、飞鸽、甲骨、竹简、丝帛、纸宣、电波、电视、互联网。那么互联网之后呢？从《易经》“原始反终”的道理来看，又会回到“口耳相传”的采信模式。当今时代又是信息传播的盛世，大众、分众、微众的三级传播方式并存，传统模式、网络媒体、交互式媒体的三类媒体形式共谋。平面设计处在这样一个多媒介时代中，更应该不断更新和充实自己的艺术语言来引导和利用这样的媒介形式。
随着电脑在每个家庭中的普及以及互联网技术的日新月异，我们完全可以做到不出门尽知天下事，同时网络的及时性相对于传统的纸质媒体不仅更加快速方便，而且成本也更加低廉。纸媒的衰落在这样的大环境下已是必然趋势。这个时候的纸媒只有技术革新寻求与新媒体合作来寻求共赢才能保留在历史舞台中的一席之地。在当今互联网时代下，每一天都会有新的应用新的媒介出现，这在传统媒体时代几乎是不存在的事情。并且随着手机功能的强大，微博、微信的产生，不可否认的是我们现在已经从新媒体时代跨越到自媒体时代。每个人都可以为自己代言，每个人都掌握了自己的话语权，随心所欲的表达自己的情感和想法。我们的语言构架也在网络媒体时代悄无声息的发生了变化。这是纸媒根本无法企及也无法改变的事实，也是历史发展所做出的选择。
所以在网络时代的现代的艺术语言从设计创意到表现形式，进入了一个新的语言模式层面，这种变化可以说是一个时代性的变化。多元文化背景下的设计艺术语言结构创新，所涉及的文化多元化与跨学科、市场需求的多元价值取向，是构成新时期语言设计是否能真正实现融合再造的关键因素。其发展进程直接受益于这种全球化的发展，通过多元文化的视角来探索和研究我国艺术设计语言的表象特征是当今设计文化研究的趋势。多角度探索符合时代特征的艺术设计语言表现方法及其构成规律，构建多元文化背景下设计语言与全球文化共生再造的创新途径，也进一步推动了设计语言的创新。
二、探索“变革与发展”的有效途径
在互联网时代的进程中随着用户的增多和高科技软件的普及，渐渐地我们的日常生活都离不开网络，也把在网络中产生的词汇和语言带到了日常生活中。网络语言的兴起得益于网络、短信这两样需要键盘来操作的信息沟通工具，键盘带来的最大影响是它通过双手或者拇指去“击打”来完成的。而笔写工具呈现的则是运用工笔一笔一划书写完成的，它是“手写文化”。由于书写工具的不同，键盘文化虽然相对便捷，不过容易产生歧义，优点是可以输出文字和图案相辅相成的表意符号，这些都改变了传统的书写方式，也间接地改变了语言结构，产生了新颖的网络语言结构。
语言不是固定不变、僵化的东西，语言与语境融合成为一个整体，随着语境的变化而被赋予新的含义。在这样的大环境下设计艺术语言的结构已经在新媒体中发生了巨大的变化，为形成具有时代特征的设计艺术语言在学术层面上寻找依据，探求新时期设计艺术语言在异园文化基础上的演变，通过研究视角、研究方法、研究概念、研究内容上的创新假设，强调该研究需站在全球文化的高度，大胆地摒弃与融合，并用动态的眼光来看待和定义设计语言在全球性和本土性的异同，不能将之简化为冲突和矛盾，而是在多远框架下的共生和互补，亦是实现新文化环境下设计艺术语言融合与再造的可行途径。为构成设计艺术语言在全球文化沟通和重建中的话语地位，建立我国设计艺术的文化责任与设计艺术语言空间的创新探索，找到可持续发展的目标平台。
三、结语
[关键词] 非物质文化；现状与危机；传播与发展
皮影，中国部级非物质文化艺术保护遗产与民间艺术珍品，千百年来深受百姓欢迎。目前。皮影这种有着悠久历史和民间基础的珍奇艺术可以说已经处于一种濒临“灭绝”的艺术状态。
一、皮影艺术传承和生存危机的主要表现
四川大学民俗学家江玉祥在《中国影戏》一书中说：“中国皮影从陕西发展，首先沿黄河流域传播……靖康元年(1126年)金兵攻破开封，靖康二年四月，金人俘钦徽二帝和后妃、皇子、皇女以及宗室贵戚等3000多人北去，其中包括‘弄影戏’等倡优伎艺150余家，影戏随金兵北传。”可见，皮影已有近千年的历史了。但是，改革开放以来，皮影艺术却在逐渐消失，出现了严重的危机。
首先，政府支持的皮影剧团难以生存并逐渐减少。《绵阳日报》报导。1991年，已是花甲之年的赵永生，以乡老年协会为主体，组织了8位川剧爱好者为成员。在周围各地演出了200多场皮影戏。赵永生在晚年收集整理的124集皮影剧本，有连场11集，70％属失传剧目。赵永生老人拿出他用心血整理的手写剧本，十分无奈地望着记者说：“哪儿才是它们的家呀?”上世纪B0年代原有的大多数省区及地县级皮影剧团到今天已经销声匿迹了，从事皮影艺术演出的人寥寥可数。目前，还存在的皮影剧团有北京皮影剧团、上海皮影剧团、湖南木偶皮影艺术剧院、四川木偶皮影艺术剧院，而真正纯粹意义上的“皮影”剧团仅存几家，还保持比较活跃的皮影剧团只有河北唐山皮影剧团。
其次，民间皮影剧团经济困顿并风雨飘摇。中国地方的皮影剧团如河北昌黎向东皮影剧团、甘肃环县道情皮影戏剧团、广东省陆丰皮影剧团实质已经属于“承包”的民间文化艺术剧团，政府的补贴非常微薄，自负盈亏，入不敷出。据《成都商报》2007年2月初报道，四川全省皮影至今只有一个年迈70岁的老师傅在继续巡回演出，几乎难以维持生计。
再次，皮影传承后继无人。一方面，皮影艺人日渐稀少，过去的皮影大师、皮影师傅和皮影艺人都已年迈，渴望把精粹的技术教授给现代的年轻人，但是，即使皮影世家的后生们也多数拒绝学习继承皮影艺术，经济收入普遍较低，一个戏班演出一场所得收入在50至100元之间，每人报酬不过一二十元，仅仅靠戏难以养家糊口，所以年轻人宁愿去打工也不愿意学戏。
第四，皮影受众和爱好者寥寥无几。由于对皮影的宣传不够和传播力度的缺乏，了解皮影的普通观众并不多，皮影的“影迷”非常有限。作为一种接近动画的艺术，应该得到少年儿童的喜欢和热爱，但我们中、小学生了解皮影的人非常少，有些人从来没听说过皮影。没有观众的艺术，即使非常优秀和经典，但随着时间的流逝而会逐渐被淘汰，皮影的存亡已经是一个非常严峻的问题。
那么，怎样去挽救日益濒临灭绝的皮影艺术呢?必须突破传统的对皮影纯粹的学术研究。传统的研究注重皮影历史研究，如一些史学家、民俗学家、博物馆文史专家、美术家和皮影艺术家根据我国古代史书典籍和出土文物如《墨经》《汉书》《史记》《韩非子》《宋书》及甘肃、山西考古文物等去考证我国古代皮影最早兴起与流传；同时要突破对皮影传统制作方法的研究，如对地方皮影艺术表现特色如场景、细节、表情、神态进行了分析研究，或者从皮影的制作和分类进行了具体的研究，如对制皮、镂刻、敷彩、缀结皮影的制作分类研究；对头茬、身段夹子、马与马斩、仙场、妖场、辅助夹子等人物造型研究。解决皮影最关键的问题是皮影现代传播问题。
拯救皮影及其他非物质文化艺术，最重要的是结合现代社会审美心理特点及文化语境。对皮影的研究突破本体性的美学研究。过去对皮影的研究仅仅局限于皮影历史发展的考证和清理，皮影剧目、曲目、地方风格及流派、皮影制作方法等表层层面的研究。在网络与媒介为主流的现代传播社会里，研究皮影及其他非物质文化艺术与传媒的关系，研究皮影的市场开发，研究皮影艺术的现代化数字化艺术创新，可以让皮影艺术和其他民间、民俗珍奇艺术品得到保护、发展、创新，并满足现代社会多元化的艺术审美需求。
首先，现代传媒可以推广皮影及其他非物质文化艺术。通过各种媒介对皮影的现代传播和宣传促使人们自觉接受皮影艺术，并增加对民族文化艺术的热爱和自豪。综观今天内地艺术的发展，凡是取得显著绩效的艺术作品都是借助现代媒介传播而赢得了自身的位置。文学、电影、电视、流行歌曲、明星、绘画、字画、古董、先锋艺术、行为艺术……在现代媒介的推动下，一些作品得到了极大的推广并因此具有了极高的艺术与商业价值。一本《论语》在“百家讲坛”后，全国掀起前所未有的研读《论语》热潮，发行量半年之内超过千万册。易中天评《三国》、刘心武谈《红楼》、张艺谋、冯小刚……都同样取得了媒体最大效应。皮影作为民间国宝级价值，如果通过现代媒介的强力传播和推广，让其价值达到最大的认同和发挥，那么，皮影及其他民间文化艺术的当代价值意义和地位就得到了足够的重视和凸显。通过电视、电影、网络及户外宣传媒体，让皮影艺术的形象无时不在、无处不在，产生强烈的视觉冲击，让人们自觉接受皮影艺术。如果将CCTV、电子网络及其他媒介对民间民俗文化艺术产品宣传作用发挥出来，在庞大的13亿人口中可以培养出无数的皮影迷、动画迷、戏曲迷……因此，现代媒介的参与是皮影和其他民俗艺术推广的最佳途径，也是拉动皮影和其他民俗文化产业的“营销”渠道。其次。通过对皮影艺术的现代传播研究，推动皮影艺术本身进行改良与创新，满足现代人的欣赏心理。
其次，加强皮影艺术产业的开发可以“艺术养艺术”。通过皮影艺术的市场运作与产业发展研究，促进皮影艺术的市场开发与皮影产业的发展勃兴。皮影艺术在中国当展中，从业人员曾经达到10万多人，制作和销售皮影企业曾非常可观。当年走街串巷都能看到表演皮影的艺人，皮影剧团之间竞争也非常厉害。但是，今天的皮影存在经济不足，无法保证皮影艺术人才的起码生存，年轻人不再愿意把皮影作为自己的艺术职业追求。因此，如果加强对皮影市场的开发，让皮影能够像动画、漫画和艺术小品一样得到市场的认可；让皮影作为古老的艺术珍品被收藏家喜欢并收藏；让皮影艺术可以在国内大、中、小学及各地剧团普及演出；让皮影剧目走向国际，得到世界各国人民的喜欢和认可；让皮影与各个地方文化文物遗产保护、地 方旅游事业结合起来，引资招商，创造出一条皮影艺术和其他民俗艺术发展的产业路子，使之完全走向市场，为皮影的发展提供经济保障。
第三，保护“原生态”与皮影艺术的内容和形式的现代创新。传统皮影是“原生态”的手工技艺产品，在今天如此发达的科技时代，如果为了“原生态”而不求进取，则背离了时展的方向。因此，要具体研究科技发展给皮影艺术及其他民间艺术带来的发展契机。特别是数字化技术给皮影艺术创作和传播带来了一场革命；网络化技术给皮影艺术的传播环境带来了质的飞跃，要顺应数字化、网络化潮流，推动皮影艺术及其他民俗文化艺术的现代创新和发展。如对皮影的皮革原料的加工、影像造型、灯光装饰及故事本身等进行现代元素的构造和补充，以使更多的人去接受皮影艺术的现代魅力。现代传播也可以促使皮影在制作技术、造型技术和色彩涂染方面更加新颖、生动和幽默，并且还可以与其他艺术形式如动漫、现代舞蹈和其他视觉艺术相互结合。皮影艺术本身的革新和改革是皮影生存和发展的内在血液循环，是皮影未来生命力的保证。皮影艺术的发展必须要以现代社会的文化背景为基础，现代传播可以促进皮影艺术的内容和形式进行创新，如在皮影剧目的内容上可以加入现代生活元素，表现现代人生活欲望、欢乐、幸福、痛苦和不幸，适合现代人欣赏口味。
第四，要培养皮影的受众和挖掘潜在受众。皮影来自于民间，曾经有千年的民间基础，其存在的土壤是广大民间群众，有着无数的观众和皮影爱好者。但是，今天的皮影观众十分稀少，由于大工业和现代工业的冲击，人们在快节奏生活中喜欢的是现代娱乐消遣方式，而皮影及其他传统民间艺术怎样适合现代观众的要求?怎样培育自己的观众和潜在观众?从什么角度去激发当代观众对传统民间艺术的热爱和自觉欣赏?怎样去把握当代观众对皮影及传统民间艺术的欣赏心理、品位情趣和审美愿望?皮影要发展，必须要对当代观众的审美趣味予以研究。今天的小学、中学甚至大学校园里，人文素质教育严重不足，少有对传统文化艺术做出必修的决定。学校流行的是通识音乐、通识美术，并且以现代流行艺术元素为主要内容，大多数学生从来没有听到或看到过皮影，所以必须加强皮影艺术及其他民间、民俗文化艺术的教育普及，加重中国传统文化教育的比重。我们必须研究皮影艺术教育的内容和形式，探索并开发出一些具体的关于皮影和其他民俗艺术的教学软件为皮影培养大量的爱好者和未来观众。
胡 楠 哈尔滨学院艺术与设计学院 150086
【文章摘要】
近年来，我国的数字媒体艺术得到了较大程度的发展，并逐渐被很多领域所应用。数字媒体艺术是建立在传统艺术基础之上并在数字科技的支持之形成的一种艺术形式。它是当今信息时代科技高度发达的产物。数字媒体艺术具有自身独特的美学特征。在本文中，将就数字媒体艺术的新美学特征构架进行一定的研究。
【关键词】
数字媒体艺术；新美学特征；构架
0 引言
数字媒体艺术是一种相对传统手工艺术来说，在借助现今计算机数字技术的基础上对艺术的一种展示方式，并通过计算机的操作在音频、传播以及图像等多个领域进行应用。目前，其在我国的很多行业中都得到了广泛应用，而这种良好的传播度以及使用情况，则同其所具有的美学特征具有着非常密切的联系。
1 数字媒体艺术的新美学特征
1.1 多媒体性
数字媒体艺术的发展使人们有机会将艺术的美学概念更加深刻化，它使艺术语言的内涵得到了极大的丰富。数字媒体艺术具有着广博的多媒体性，它在构架自身新美学的过程中必然会和众多的领域（如自然科学领域和人文科学领域）有所涉及。数字媒体艺术在此过程中具有着较为丰富的文化理念。首先，该种技术在数字技术和网络技术基础之上应用了大量的多媒体技术，在大量的高新技术的支持下最终形成了动画、图像等各种艺术形式。其次，这种不同领域方式的结合应用， 则能够在传统艺术表现形式的基础上对于作品的创作空间以及表现形式进行了更好的丰富与扩展。同以往单纯艺术形式运用相比，数字媒体艺术完全可以说是一场多个学科、多领域相互协作共同构建一个新的艺术形式的大会战，其艺术形式的新美学特征无论在造型方面还是在对其艺术本质的认知方面，都具有着一种全新角度的理解。而从艺术的形象方面而言， 其也不再仅仅局限在艺术作品视觉以及美感的享受，更是一种多种艺术、多种美感的结合，具有着更为丰富的艺术表现力。
1.2 大众性
当艺术遇到科技时，对于人们更多的是一种吸引，能够使更多的人们吸引到艺术道路之中。在其发挥自身功能时，在数字媒体艺术中所能够表现出的大众艺术氛围也将其良好的成为了一种更为平民化的艺术特征。对于每一类艺术作品来说，都需要较长时间的训练才能够形成， 而正是这种特点的存在则会使艺术在很多人眼中具有着一种高高在上的形象，而随着艺术作品依靠科技所带来的普及化发展，就使得人们在重复性操作的过程中也能够产生具有一定水平的作品。对此， 我们可以说在这种互动交流以及数字媒体作用下，能够更好的体现出数字媒体所具有的大众化特点。
1.3 虚拟时空性
在数字媒体艺术实际创作、传播的过程中，数字技术是非常重要的，且其同传统学科如理学、人体工程学等也存在着较为密切的联系，只有将传统知识同数字技术进行良好的搭配，才能够创作出更容易被人接受、具有更好视觉效果的艺术作品，并以此在现实生活中为艺术家提供了一个良好的虚拟时空创作途径，即将现实的情景放在各种不同的时间和空间的范围采用虚拟的方式加以链接，并且进行艺术整合，使得人们进入一个虚拟的世界。在这个虚拟的世界之中，人们实现了自己梦寐以求的理想。在现实生活中，处于各个地区的人们很难对不同地区的角落以及特征进行观察，但通过数字化虚拟技术的应用，则能够帮助人们实现超越时空的愿望。
1.4 互动性
互动性，就是指数字媒体艺术可以在受众与创作家之间造成某种场景艺术氛围，使受众与场景之中的典型形象进行情感互动，从而在沟通的过程中实现情感的自然流动。互动性并不意味着是双方的情感互动，它是通过多方面、多层次、多时间和多空间进行情感沟通的一个艺术过程， 在这个过程中完美地体现出了数字媒体艺术的美学特征。值得一提的是无论在何种情况下，网络存在是实现数字媒体艺术互动的重要平台。无论何时何地，人们只要接通网络，就可以与数字媒体艺术进行互动，且艺术家也能够再此过程中根据自身的认知情况对作品进行修改与加工，并在读者同作者之间建设成一道桥梁，对艺术作品所具有的含义进行充分的体现和展示，并将作品在原有基础上进行更多的拓展。同时，通过网络这种途径，也能够帮助作品的观赏者能够充分的对艺术品的独特意味进行感受，并在这个艺术作品的参与过程中同作者以及作品形成了一种良好的互动。对于这种互动方式而言，可以称之为艺术同非艺术间的一种互动，并以此获得人们艺术水平的共同进步。
1.5 非物质性
在传统的艺术中，往往都会认为在艺术作品中都会存在着一定的共同性，即形象存在这一定的可感性。而这种特征之所以存在，物质特征是非常重要的一个前提，也正是在这种情况下，艺术作品才能够较好的呈现在人的视听体验中，并获得更好的的感官效应。而在数字化艺术中， 其通过编码与数字的方式作为物化语言， 能够有效的对以往艺术作品过分依赖物材介质的情况进行了转变。而在数字媒体艺术中，电脑作为艺术创造的工具，能够将虚拟的数字化创作良好的实现为另一类艺术形态，即我们所说的非物质艺术， 其将艺术家们引领到了一个具有自动化、数字化的领域，在对传统量子化艺术创作模式进行改变的基础上使其获得了更好的发展与传播。
2 结束语
在上文中，我们对数字媒体艺术的新美学特征构架进行了一定研究，需要我们能够在对其特征进行良好把握的基础上创作出更多、更好的艺术作品。
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近些年来，国家和社会对数字媒体专业人才的需求越来越大，国内高校掀起了建设数字媒体专业的热潮，承担起为数字媒体产业培养合格的专业人才的重任。在数字媒体教育迅速发展的背景下，探索如何构建数字媒体的核心课程体系以及教材建设是目前当务之急，以促进数字媒体专业发展，为社会培养急需的、高素质的数字媒体专业人才。
对于数字媒体的理解是随着媒体与技术的发展而发展的。数字媒体，通常包括两方面的涵义：一是指信息的载体，即以不同于以往的模拟信号、而以非连续的数字形式存在的符号为载体、全方位交互传播信息的数字设备；二是指被传递的内容，即信息本身。按数字媒体的传播形式，可以将其分为网络型数字媒体和封装型数字媒体两种，网络型数字媒体一般指Internet互联网，封装型数字媒体包括软磁盘和光盘：CD系列和DVD系列。与传统的传播媒介相比，数字媒体的存在前提是必须依赖计算机技术，在这个前提下，信息的实时性、准确性、大容量、易检索和多通道传播构成数字媒体的主要特征，正是这些特征使数字媒体成为现代人类传递信息的佼佼者。
数字媒体产业，是指以数字技术、网络技术、多媒体技术、计算机图像图形等先进技术为支撑，为社会提供数字文化产品和文化服务的产业。其范围涵盖了电影、电视、广播、音乐、动画、游戏、教育、工艺、时尚设计、广告、建筑设计、视觉艺术、互动休闲、表演艺术、出版业、软件、信息服务业等。数字媒体技术已经成为媒体、影视、演出、娱乐、广告等文化产业在制造、传播、营销等方面离不开的工具。当前文化产业中发展最快的是影视动画、网络动漫、网络游戏、数字视音频、远程教育资源、数字图书馆、数字博物馆等行业，它们的共同点之一是以数字媒体技术为支撑，为社会提供数字内容产品和服务。
二、数字媒体专业建设与培养目标分析
数字媒体从学科角度来看属于典型的交叉学科，既有计算机科学的知识，也有艺术知识和人文社会科学的知识（如传播学和媒体学）。作为应用技术学科，数字媒体艺术和工业设计、信息设计有着密切的关系。例如作为人机界面设计的一个重要方面，数字媒体艺术综合了设计艺术学、认知心理学和计算机图形学的知识和技能；此外，数字媒体艺术和媒体传播技术融为一体，在表现形式、表现内容和传播形式上均依赖于数字媒体技术的发展。因此，数字媒体是基于数字媒体技术和数字媒体艺术相结合的新兴学科，是视觉艺术、设计学、计算机图形图像学和媒体技术相互交叉的学科。这是它的本质和内涵。
数字媒体技术是一项应用广泛的综合技术，主要研究图、文、声、像等数字媒体的捕获、加工、存储、传递、再现及相关技术。主要的技术范畴包括以下内容。
（1）数字媒体表示与操作，包括数字声音及处理、数字图像及处理、数字视频及处理、数字动画技术等。
（2）数字媒体压缩，包括传统压缩编码、专用压缩编码（声音、图像、视频）技术等。
（3）数字媒体存储与管理，包括光盘存储（CD技术、DVD技术等）、媒体数据管理、数字媒体版权保护等。
（4）数字媒体传输，包括流媒体技术、P2P技术等。
数字媒体的技术范畴规划了数字媒体技术的研究领域，其主要的研究方向包括以下九个方面：数字声音处理、数字图像处理、数字视频处理、数字动画设计、数字游戏设计、数字媒体压缩、数字媒体存储、数字媒体管理与保护、数字媒体传输技术等。
数字媒体艺术的核心是艺术设计和计算机科学与技术的交叉，其表现形式为电子媒体或数字媒体，其表达内容也多是数字媒体形式的美术作品或设计产品，如交互式装置艺术或多媒体网页等，特别是其媒体传播形式主要是借助于新媒体形式或数字载体（如互联网、光盘、手机或电子交互媒介）进行的。数字媒体艺术具有设计学、视觉艺术、媒体文化、计算机技术和社会服务的特征。
数字媒体学科的特点决定了高校在人才培养的时候要有较高的综合素质，数字媒体方向所需要的是典型的复合型人才，不但应掌握艺术类的专业知识和技能，还要有较为深厚的文化历史学科的功底，而且还应熟悉多媒体、计算机程序、网络技术和相关的应用软件。即培养德、智、体、美全面发展，具备较高的艺术修养，系统掌握数字媒体技术专业基本理论、掌握影视、游戏动画的设计和制作技能，具有开拓创新能力及团队协作精神的国际化视野人才。
三、数字媒体专业的核心课程体系研究与教材建设
数字媒体核心课程体系构建要结合专业教学实践，在构建课程体系的时候体现：技能训练与艺术表现相结合，传统继承与创新相结合，方法训练与教学实践相结合，课堂教学与艺术实践相结合。以培养对艺术和技能的综合运用能力和创作能力为重点，努力提高数字媒体人才的职业素质。
数字媒体专业的核心课程体系由三个模块组成：基础核心课程模块、专业核心课程模块和方向核心课程模块。
1.数字媒体基础核心课程模块
数字媒体基础核心课程主要目的是培养学习者数字媒体基本素养，也是帮助学习者在实际的工作中找到解决问题的一般方法。同时也为进一步学习后续不同专业方向的高级课程打下良好基础。
数字媒体基础核心课程模块主要依据数字媒体知识构成、数字媒体市场需求调查分析、全国数字媒体高校数字媒体基础核心课程的开设情况这几个方面的综合情况来考虑。
数字媒体是基于数字媒体技术和数字媒体艺术的相结合的新兴学科，是视觉艺术、设计学、计算机图形图像学和媒体技术相互交叉的学科。在基础核心课程设置的时候就要体现数字媒体学科知识构成的本质，基础核心课程能够反应数字媒体的学科性质并且包含数字媒体的学科知识。
数字媒体市场需求调查分析显示，无论是数字媒体的哪个方向，市场对数字媒体的创意人才需求都很大。在作品的制作中，需要专业人才有艺术基础和美术素养。公司在招聘的时候还看重毕业生是否具有产品的设计与创作思维能力，变想法为作品的能力。
目前高校基础核心课程主要包括三部分：导论性课程（如数字媒体概论、艺术概论、设计思维与方法），基本艺术素养课（绘画、色彩、造型）和基本计算机基础与应用的课（计算机基础、高级程序语言设计、数据结构）等。
数字媒体概论有助于引导学生了解数字媒体的专业领域，艺术概论可以帮助学生掌握艺术的本质、分类和艺术的创作，为数字媒体专业人才的培养奠定艺术基础。设计思维与方法可以培养学生的创作思维能力，变自己的想法为作品创作。绘画、色彩、造型是学生的基本艺术素养课，这也是基于数字媒体是基于数字媒体技术和数字媒体艺术的相结合的新兴学科的特点出发的，主要是为培养数字媒体专业人才的艺术素养打下基础。计算机基础、高级程序语言设计、数据结构是计算机类的基础课程，其出发点也是数字媒体的学科属性决定的。同时，这些课程也是全国高校在数字媒体人才培养中，开设比例最大的基础核心课程。这些基础核心课程是各个数字媒体专业方向都必须掌握的入门课程或初级课程，该类课程有助于引导学生进入数字媒体专业领域，同时也为进一步学习后续不同专业方向的高级课程打下良好基础。
2.数字媒体专业核心课程模块
专业核心课程是指在人才培养过程中，为实现培养目标，对学生掌握专业核心知识和培养专业核心能力，对提高该专业核心竞争能力起决定作用的课程。数字媒体的专业核心课程，是该专业的精华所在。如果说各高校数字媒体的基础核心课程的普遍性比较大，那么数字媒体的专业核心课程各个学校就有所差异了。专业核心课程主要有以下特点：首先是专业性特点，这是由高校的专业特点所决定的。因为专业不同，其核心课程的数量、内容及各类课程间所占的比例就不会一样。其次是一致性特点，即专业核心课程要符合学校教育教学定位的要求，必须与所确定的专业培养目标要求协调一致。再次是核心课程要体现明显的个性特色，因为核心课程不仅可以体现在各专业上有所不同，体现在学校上也要有所区别，这是由各学校或各专业特色所决定的，它也是学校核心竞争力的具体体现。
数字媒体的专业核心课程包含本专业所必须掌握的通用原理、技巧、技术和行规。基本上涵盖了数字媒体研究中的几大主要领域，使学生能够比较全面地了解数字媒体的各个领域的主要内容，为以后选修某一领域的扩展性的高级课程，或在该领域的继续深造打下了基础。鉴于本科人才培养目标得以实现的可行性，本科专业的核心课程一般应控制在10门左右为宜，例如多媒体技术基础、动画基础、数字图像处理、计算机图形学、动画运动规律、编导基础、数字媒体项目策划与管理、传播学、影视后期制作与合成、计算机网络、数字音频技术、数字媒体市场营销等。
数字媒体教育可以分为以下几类形态：以计算机图形图像为基点的技术院系，以创意艺术为目的的数字艺术院系，以及以实用工具为需求的数字应用院系。不管各学校是以哪种教育形态为主，在以下几门专业核心课程的设定上都具有较高的一致性，它们分别是计算机图形图像、数字图像处理、视觉传达设计、动画基础、多媒体技术基础、传播学、游戏设计基础、动画运动规律、编导基础、计算机网络、数字音频、非线形编辑与后期合成、项目策划与管理、数字媒体资源管理和数字媒体市场营销。
这些数字媒体的专业核心课程同时也反映了市场对不同数字媒体方向的共同的素质要求。另外，视觉传达设计、动画基础、多媒体技术基础、游戏设计基础这些课程是数字媒体研究中的几大主要领域的最重要的课程，也是学生作为数字媒体专业在宽基础培养阶段应该掌握的课程。
3.数字媒体方向核心课程模块
在数字媒体方向核心课程的设置方面，各个学校都结合本学校以及该专业的发展特点，并根据社会需要以及人才培养的规格与要求，为学生提供了大量的可供选择的方向核心课程，以满足学生的不同兴趣与需要。在课程的选修顺序方面有一定要求，通常都规定某门课程所必需的先决课程。由于数字媒体是一门具有综合性、边缘性的交叉学科，因此在方向核心课程设置方面，各个学校可以结合数字媒体有不同的发展方向和侧重点，设置相关专业的核心课程，但大体上是从计算机科学系列和艺术创意系列中选择一定数量的课程。
在数字媒体方向核心课程设置时，可以采取模块化的课程结构，就是把教育内容编排成便于进行各种组合的单元。一个模块可以是一个知识单元，也可以是操作单元，还可以是一个情境模拟单元。如动画模块、后期制作模块等，同一模块既可以供一个专业使用，也可以供几个专业共用；学生既可以根据自己的需要选学不同的模块，也可以对模块进行增减。把相互独立又有联系的教学内容按照程度分为几个层次，以教学单元的形式衔接起来。这样精确的衔接形式既可以对教学资源进行合理的配置，又可以达到节省课时的目的。
数字媒体专业的方向核心课程体系为学生提供了本学科几大主要研究领域的引导性课程，学生可以根据自己的兴趣，按照学校的要求进行选择。不同的学校根据自身学科发展的特点，为本校的数字媒体本科生开设了各具特色、内容广泛的较高级的专业方向课程，提供了比较充分的选择余地，也为学生深入了解数字媒体学科进展提供了保证和资源。学生根据学校的要求、自己的兴趣，以及指导教师的协助来选择相应的课程。
4.教材编写特色
数字媒体专业的核心课程体系的构建是满足数字媒体专业人才培养目标的根本保障。所以，进行核心课程体系研究势在必行，同时，培养适应社会发展需要的数字媒体技术人才需要一套全面的、具有特色的专业课教材。
