音乐生活论文:幼儿园音乐教育生活化的意义 一、幼儿园音乐教育生活化的意义 (一)幼儿园音乐教育生活化的背景。儿童音乐生活化的思想早在九十世纪就已被德国教育学家福禄贝尔提出,意大利瑞吉欧教育的教学方案以及华德福教育都强调了音乐教育生活化这一理念。由于这一教育理念的先进性和可行性,其后在世界各国得到了不断的普及和推广。进入21世纪,儿童音乐教育生活化的实践及研究也在我国掀起新的热潮。2006年全国幼儿园音乐教育研讨会上,在“回归本位的早期儿童音乐教育”论题下,南京师范大学的教授就已经明确表达了幼儿音乐教育应该生活化的观点。若在中国知网以“音乐教育生活化”为关键词检索,共有三万多条检索结果;以“幼儿园”及“音乐教育生活化”进行检索,则共有4509条结果,这足以表明幼儿园音乐教育生活化的理念已经深受各界人士的关注。 (二)幼儿园音乐教育生活化的涵义。幼儿园音乐教育生活化,是指根据幼儿在幼儿园一天的不同生活内容,包括入园、吃饭、午睡、游戏和课间操等,加入与之紧密结合的歌曲或乐曲,尤其是少儿歌曲和童谣,让孩子们能够在音乐的审美愉悦中轻松快乐的开展各种活动,达成各项教学目标。 (三)幼儿园音乐教育生活化的意义。第一,音乐教育生活化对幼儿今后的发展有着深远的影响。幼儿期孩子的大脑还未发育完全,在此期间将音乐教育生活化,不仅能够激发幼儿的生活情趣还能增强幼儿的生活经验。第二,音乐教育生活化能够加强幼儿的生活技能。将音乐贯穿于孩子一天的幼儿园生活中,能够使孩子在轻松的氛围中学会各种生活技巧,完成各种教学任务。第三,音乐教育生活化的实施,巧妙的将相关的歌曲乐曲融入幼儿所熟悉的生活情景中,拉近了他们对音乐的距离感,更有利于激发他们对音乐的兴趣,提高他们的音乐素养。 二、幼儿园音乐教育生活化的现状 虽然音乐教育生活化已经在很多幼儿园得到实施推广,但因种种条件的限制,在当前仍存在诸多亟待解决的问题。 (一)以教师主导代替学童主导。幼儿音乐教育生活化,要求教师要从儿童的生活特点和心理特点出发,选择与设计符合这一特点的教学模式—学童主导模式。但在实际的教学活动中,不少教师教仍沿袭传统的教师主导模式和方法,先教孩子读歌词,再教孩子和旋律,没有和孩子交流沟通,让他们挑选自己喜爱的歌曲和教学方式,没能充分调动孩童的学习兴趣,最终不能实现教学设想。 (二)音乐内容与生活环节游离。孩子在幼儿园学习、生活的一整天时间包括很多环节,比如入园、课间、吃饭、午休等,在幼儿园中,教师在音乐教学中所选择的教学内容往往与实际生活无关,很少使音乐能够融入这些日常的生活环节,没有能够充分利用音乐的价值,使得孩子一天的生活单调乏味。 (三)教学体制和评估机制尚未完善。我国对幼儿园音乐教育生活化缺乏完善的体制,幼儿园音乐课本的音乐题材也较少加入生活元素,导致教师在实际的教学环节中难以找到与生活环节相匹配的音乐作品而出现偏差。同时,对教师的音乐教育生活化也缺少评估体制。 三、幼儿园音乐教育生活化的策略 鉴于幼儿园音乐教育生活化的现状,根据已有的教学经验和成果,我们需要在以下三个方面做进一步的探索和改进: (一)编选合适的音乐教材。在幼儿学习生活的各个环节,选择合适的生活化的音乐素材,都能更快的将他们带进特定的情景中,达成师生互动的良好氛围。然而目前还没有这样配套的教材。这就要求老师要积极主动的去收集和选择适合自己的教学对象和教学主题的音乐作品,同时也要精心组织,通力合作,尽快的做好音乐教育生活化教材的编订工作。 (二)设置富于情景感的游戏。生活化的音乐,是模拟的情景化的;而游戏,是最能调动幼儿兴趣和热情的,巧妙地将二者结合起来,使生活化更为生动有趣。有些歌曲,例如丢手绢、找朋友等,本就是游戏化的。教师可以创设更多情景化的游戏,例如设想一个为爸爸妈妈送雨伞的游戏,同时播放模仿风声、雨声及雷声等的音乐或歌曲,就能使孩子们有身临其境的感受。 (三)分类播放功能性乐曲。幼儿在幼儿园的生活都有较规范的作息时间,在不同的时段内播放相关的音乐,既借助音乐建立了良好的秩序感,又很好的把音乐教育贯穿在每一天教学活动的始终。例如早晨入园时播放早上好、上学歌等,给孩子们营造一个快乐的上学气氛。午睡时可以播放固定的催眠曲、小夜曲等,以提高孩子的睡眠质量;午睡后洗漱时可以播放小毛巾等,使得孩子们能够轻松的完成洗漱过程。 四、结语 综上所述,幼儿园音乐教育生活化是当今幼儿教育一个很有现实意义的课题,已经取得了很多成功的经验与成果。但在教学体系的科学完备,优秀教材的编选和评价机制的确立等方面,还有更多的课题需要我们去实践和探索。 作者:王蓓蓓 单位:常熟理工学院 音乐生活论文:高中音乐教学与生活的联系 摘要:音乐艺术来源于生活,又高于生活。在高中音乐教学中,教师应认识到音乐教学与生活的关系,从而采取有效的教学策略,将高中音乐教学与学生的生活进行紧密的联系,以充分的调动学生学习音乐的积极性,提高学生音乐学习的效率,促进学生音乐学习上不断的进步。因此,本文主要针对于高中音乐教学应与生活进行紧密联系进行了详细的分析和研究。 关键词:高中音乐教学;生活;紧密联系 前言 学生在生活中每天都会接触音乐,例如,学生每天会听相应的音乐缓解学习压力,在运动的过程中会听音乐等等,因此,教师只有将高中音乐教学与学生的生活进行紧密的联系,学生才能够充分的认识到音乐学习的重要性及意义,从而才能主动的学习音乐,并且获得良好的学习效果,进一步提高学生的音乐学习水平,促进学生长远学习及长远发展。 1鼓励学生在生活中搜集感兴趣的音乐 在高中音乐教学中,教师要想将高中音乐与学生实际的生活进行紧密的联系,首先教师应鼓励学生在生活中搜集自己感兴趣的音乐。由于很多学生在课下有听音乐的习惯,并且对很多音乐有着自己独到的见解,学生可以将自己感兴趣的音乐带入到课堂上,并且向教师和全班同学进行讲解,将自己对音乐的理解、感受全部讲述出来,实际上,学生在讲述的过程,也是在学习和理解的过程,学生对于音乐会有更深的理解,从而提高了学生音乐学习的质量,学生在音乐课堂上学习也更加积极[1]。在学生对自己所喜爱的音乐讲解完毕之后,教师可以鼓励学生积极的发表对音乐的见解,进而形成“百家争鸣”,学生在积极的发表自己对音乐的见解过程中,一方面激发了学生的学习情绪,使学生处于良好的学习状态,另外一方面学生的学习积极性更高,进而获得的学习效果也更好,有助于提高学生的课堂学习效率,促进学生音乐学习上不断的进步[2]。 2教师应将音乐课堂教学知识与学生的实际生活进行紧密的联系 在高中音乐教学中,教师在讲授相关的课堂知识的时候,教师应将相关的课堂知识与学生的生活进行紧密的联系。例如,在讲授相关民族音乐知识的过程中,教师可以向学生提问,问学生在生活中都听哪些民族音乐,喜欢哪些民族歌手。通过此种方式,学生不再认为音乐课堂枯燥乏味,而是积极的投入到学习当中,学生也会争相踊跃的回答教师的问题,学生会将自己喜爱的民族歌手及其相关的音乐作品一一的罗列,同时也能发表自己独到的观点,从而提高了学生课堂学习的效率[3]。此外,教师还应该鼓励学生对于自己感兴趣的民族歌手进行深入了解,在平时的课余时间,通过查找资料等方式对其进行深入研究,并且将研究的结果有效的整理出来,这样才能够提高高中音乐教学的质量,促进学生音乐学习水平的大幅度提高,并且学生在音乐的学习上不再是被动的接受知识,而是主动学习、主动探索,充分的激发了学生的创造力,有助于学生音乐学习水平的大幅度提高[4]。 3鼓励学生将课堂上学习到的知识应用到实际的生活当中 学生只有将课堂上学习到的音乐知识有效的应用于实际的生活当中,才能够真正的实现学以致用。因此,教师应鼓励学生将学习到的音乐知识进行有效的应用,从而实现最佳的音乐学习效果,促进学生音乐学习上不断的进步。例如,学生在课堂上学习到音乐鉴赏方法之后,学生可以在课下针对于自己感兴趣的歌曲进行鉴赏,利用课堂上教师教授的鉴赏方法,对相应的歌曲进行鉴赏,能使学生获得更深的鉴赏感受,进而实现最佳的音乐学习效果[5]。可见,在高中音乐教学中,教师将音乐教学与学生的生活进行紧密的联系,使学生能够获得更多的学习感受,同时也能够降低高中音乐教学的难度,提高高中音乐教学的质量,使学生在教师科学的教学下,快速的掌握音乐知识,提高音乐学习能力,确保了学生音乐学习的质量,对学生的长远发展非常有利。 4结论 实际上,音乐与学生的生活有着紧密的联系,学生在生活中处处会接触音乐,同时很多学生也在充分的利用音乐陶冶自身的艺术情操,缓解学习压力。因此,在高中音乐教学中,教师应将生活中的音乐元素有效的应用于实际的教学中,使学生能够感受到音乐的强大魅力,从而能够充分的调动学生音乐学习的积极性,提高学生音乐学习的质量和水平,并且很多学生也会将音乐作为终身的爱好进行学习,有助于实现学生长远发展。 作者:郭珊珊 单位:辽宁省盘锦市辽河油田第三高级中学 音乐生活论文:幼儿园音乐教育生活化的有效途径 【摘要】在幼儿教育活动中,音乐教育是其重要构成部分,能够促进幼儿和谐、全面发展。不少幼儿音乐教师采用生活化教育模式,将幼儿的实际生活与音乐教育有机结合,将音乐课堂教学变得生活化,以此提升教学效果。本文针对幼儿园音乐教育生活化的实施途径进行着重分析与探讨,同时提出部分有效教育途径,帮助广大教师运用到教学实践中。 【关键词】幼儿园;音乐教育;生活化 艺术源自生活而又高于生活,在幼儿园教育活动中,由于教育对象年龄较小,其身心发展不够成熟,生活化教学已是迫切需求。因此,幼儿教师在音乐教育中,采用生活化教学途径,符合幼儿的身心特点与学习需求,在音乐教学中融入生活化元素,将音乐教育与孩子的日常生活相互融合,对幼儿的全面发展与音乐发展具有积极作用。 一、幼儿园音乐教育生活化存在的主要问题 首先,音乐教学内容偏离幼儿生活,在幼儿音乐教育活动中,不少教师选择的内容一般都局限与教材,极少考虑到幼儿的爱好兴趣与学习需求,对于他们的日常生活关注度也不够,导致教学内容与幼儿的实际生活是相分离的,联系不够密切,影响其学习兴趣。其次,音乐教学方式偏离幼儿生活,目前,在幼儿园音乐教育过程中,部分教师的教学方式比较传统落后,将幼儿当做学习与接受音乐知识的储存器,很少站在他们的角度思考问题,教学方式机械生硬,课堂氛围枯燥乏味,与幼儿天真烂漫的性格不协调。再次,生活环节难以挖掘音乐教育元素,幼儿园音乐教育实现生活化,需要教师在幼儿的日常生活中发现和挖掘音乐元素,然后再运用到教育活动中。但是,一些教师则极易忽视生活中的音乐元素,并难以挖掘其教育价值,从而影响幼儿学习音乐知识的动力与热情。 二、实现幼儿园音乐教育生活化的有效途径 1.幼儿音乐教学内容生活化。在幼儿园音乐教育活动中,教师要想更好的实现生活化教学,首先应选择生活化教学内容,贴近幼儿的实际生活。因此,幼儿音乐教师可将自然生活融入到教学实践中,广阔无垠的自然界能够给人们的审美带来灵感,并蕴含着丰富的音乐元素,诸如风声、雨声、蛙鸣、流水和鸟叫等,这些原生态的自然声像,不仅悦耳动听,还是幼儿比较喜欢模仿的对象。自然生活中的音乐元素,能够给幼儿带来愉悦的音乐审美情趣,与课堂学习唱歌相比,无疑更具优势。同时,教师也可将日常生活内容融入到幼儿音乐教育中,音乐是以现实生活为基础产生的感想,是一种以声音形式的艺术。幼儿具有较强的模仿力,对生活中的各种声音都比较感敏锐,比如,风吹树叶声、水龙头淌水声、电话铃声等,这些声音的节奏和频率各不相同,教师可将其灵活运用到音乐教学中,实现生活化教学。2.幼儿音乐教学形式生活化。针对幼儿园音乐教育形式生活化,教师可借助游戏、情境和绘画等方式实现,特别是游戏对于幼儿来说具有较强的吸引力,并具有假定性、自发性和愉悦性等特点,可以有效调动他们学习音乐的兴趣,真正实现寓教于乐。幼儿园音乐教育形式生活化可以有效改善乏味、僵硬的课堂形式,促使幼儿回归本性,保护他们学习音乐的渴望。幼儿音乐教师可采用谜语游戏教学法,帮助幼儿学习音乐知识,并锻炼开发其想象能力与思维能力。谜语具有较强的形象性与生动性,可有效触动幼儿的好奇心,并训练他们的音乐节奏感。比如,教师在引导幼儿感悟生活中雨水的音乐知识时,可采用谜语“千条线,万条线,落到河里看不见”,不仅能够激发他们学习音乐知识的兴趣,还能够联系到幼儿的实际生活,并培养其音、意、形的审美感知,从而实现教学形式的生活化。3.幼儿音乐教学过程生活化。音乐指的并不是纯粹的声音,而是声音和语言、舞蹈和动作等有机结合在一起,具有较强的实践性,生活化的幼儿园音乐教育更是如此。只有将教学过程变得生活化,在音乐教育活动中,让幼儿亲自用身体、双手和嘴巴等进行练习和实践,才能让他们对音乐学习内容产生最直接和有效的体验与感知,真正体会到音乐知识的艺术魅力。因此,幼儿音乐教师在教学过程中,应尽量为幼儿提供更多参与实践的机会,将更多的学习内容让其动手操作,而不是教师的讲解。教师可将一些生活化内容改编为音乐,比如,《扫地歌》:小笤帚,单手拿,大笤帚,双手抓,扫了星星扫月亮,乐坏小草和小花,屋子扫得净,才是好娃娃。由于歌词内容与幼儿的实际生活比较贴近,学习起来容易掌握,还能够让他们的双手和身体得以解放,从而全身心的投入到音乐知识学习中来。 三、总结 在幼儿园音乐教育活动中实施生活化教学,不仅符合幼儿音乐教育的需要,还符合幼儿的学习需求,是提升音乐教学效果和质量的有效途径。因此,幼儿音乐教师应运用科学合理教学模式与途径,保证生活化教学的有效实施。 作者:张晶伟 音乐生活论文:小学音乐教学生活化实践分析 众所周知,艺术来自于生活,音乐作为艺术的一部分自然是人们日常生活中不可或缺的一部分。音乐具有明显的影响力与感染力,不但对不同地区人民的生活有着写实的记录,还能够抒发人们的喜怒哀乐。近几年,由于儿童审美与智力水平都得到了提升,因此,将小学阶段的音乐教育与生活实际紧密联系在一起能够更好地适应新课改的需要。 一、小学音乐教学生活化的意义 小学阶段在基础教育中是十分关键的一部分,学生在小学培养出的习惯可能会陪伴他们终身。因而,在小学阶段做好音乐教育工作就是十分重要的。小学生仍然处在儿童期,对任何事物都有着浓烈的好奇心,因此在小学音乐教育中要注意将学生的兴趣吸引到课程内容中来。音乐可以带给人美的享受,能够陶冶学生的情操。在进行教学时,要在课堂上融入学生生活中的故事,这不但能够提升学生发现美的能力,还能够增加他们学习音乐的热情,享受音乐带来的美感。 二、小学音乐教学生活化的策略 1.改进教学手段 小学生都喜欢自己动手进行探索,而不太喜欢学习纯理论性的知识。因此,在进行音乐教学时,要与学生的实际生活相结合,不断改善教学的方法及手段,根据不同的教学内容创设不同的教学情境,增加课堂上的师生互动,达到加深学生对音乐的理解的目的。在实际的课堂教学中,教师主要应创设情境,促进音乐更为生动、形象。以《歌唱二小放牛郎》(苏教版音乐二年级下册)为例,首先,教师可以让学生观看关于王二小的资料,让学生先对王二小有一个了解,理解故事发生的背景;接下来,对学生进行歌曲教学,并鼓励学生将歌曲编成音乐剧表演,让学生在表演中明白歌曲的内涵,体会歌曲寄托的感情,从旁观者的角度对王二小进行歌颂。 2.丰富音乐鉴赏形式 教师要着重使用学生的生活经验及积累,让学生带着自己真实的感情学习音乐,增强各方面能力。同时,可以进行舞蹈、音乐剧等形式让学生理解歌曲的内容,激发学生对学习歌曲的兴趣。在教授乐曲时,可以依据小学生在这一阶段的心理特点,结合具体的内容,促使学生真正理解乐曲中体现的美。 3.加强学科融合 在艺术教学中,音乐教学是十分重要的一个内容。同时,音乐与其他学科间的联系十分密切,特别是近几年,伴随着新课改的不断深入,教学理念也发生了很大的改变,倡导学科之间相互融合。因而,在实际的教学中,教师要重视帮助学生建立一个完善的知识体系。想要实现音乐教学生活化的目标,教师可以充分发挥自身的能力,加深音乐与其他学科之间的联系。例如:加深美术与音乐的联系,可以让学生带着画笔,画出自己认为的歌声中描绘的画面,让学生真正理解到乐曲中的感情。此外,还可以将音乐课不断延伸至整个校园中来,比如:加深音乐教育与课外教育的联系,通过音乐来丰富学生的课外活动。 4.增进师生交流 在进行音乐教学中,要注意给学生营造一个科学的心理健康教育的气氛。学生心理健康教育的基础是物质环境,例如:家庭环境、社会环境及学校环境。在布置这些环境时,首先要保证其安全性及舒适性,其次要注意通过多种形式吸引学生注意力。除了物质环境,最重要的就是对学生的心理环境进行设计。教师在进行音乐教学时,需要带给学生一个平等的心理暗示,创设一个适当的心理健康教育气氛。在一些教学活动中,教师能够使用表情、动作等媒介调整学生的心理。依据不同的身份与学生交流,模仿不同的角色,通过尽量真实的表演引导学生主动探索乐曲,增加学生的鉴赏能力。 5.培养学生听觉能力 在进行音乐教学的过程中,教师要着重培养学生的听觉能力,让他们多接触音乐,通过多样化的措施提升学生音乐听觉能力,以吸引学生学习音乐的积极性,培养他们听音乐的爱好,学生就会在潜移默化中辨别出音乐中不同节奏的差异。例如:在教授一首乐曲时,教师可以给不同的片段配上图案,激发学生的想象力,让他们自己编童话故事,提升他们的想象力及创造力。 6.完善教学评价 想要科学合理地评价学生的成绩,除了要注意学生唱歌唱得怎样之外,还要对学生鉴赏乐曲的能力进行评价,注意多元化、人性化,与学生的生活实际相结合,并依据乐曲的不同难度对学生进行评价。一些民族歌曲,由于学生并未在该地区生活过,所以很可能会产生陌生感,因此在教学时,要尽可能多地讲一些与当地风土人情相适应的内容,激励学生承担起传播本土文化的任务,激发学生的兴趣,提高学生的素养。总之,音乐作品来源于人们的日常生活,每一首乐曲都包含着创作者对生活的理解及感情。在新课改的要求中,生活化的教学方式已成为一种必然的趋势,因此,教师要通过改进教学手段等措施培养学生对学习音乐的积极性,提升学生各方面的能力,给学生享受音乐之美及对音乐的终身学习打下良好的基础。 作者:徐雯雯 单位:江苏省滨海县第二实验小学 音乐生活论文:优秀音乐教师四年来的生活汇报演讲 教师演讲稿 优秀音乐教师四年来的工作生活汇报演讲 敬爱的领导,亲爱的同事们,大家晚上好: 我回忆了一下自己几年的教学工作,但说实在的,心里有点难为情,因为从踏上工作岗位到如今已经四年了,虽然薄校长关于我们对待教学工作要全情投入要积极主动的讲话一直都萦绕在我耳边,也一直在指导着自己的日常工作,但感觉自己还是没有做出什么令大家满意也让自己满意的成绩来。很多的老师都比我付出的更多,做得更好。如果说真要我说一点什么的话,那么在我这短短的几年教学生涯中,还是有一些让我感动的点点滴滴,在我的记忆中定格成一幅幅弥足珍贵的回忆片段,现在我把他奉献出来与大家一起分享一下。 记得在刚刚踏上教师岗位时,我曾担任过一学期的班主任工作,那时我家就住在学校附近,每天几乎是最早进校最晚离校,把全部的爱与精力都给了这群孩子,把所有的时间都用在了和孩子们在一起,慢慢的,在课间活动的时候,孩子们都开始叫我妈妈,我很别扭,觉得孩子怎么能这样叫还如此年轻的我。后来有一次因为一点误会,一位学生家长狠狠地批评了我,把我委屈得跑到舞蹈房大哭了一场,班上的学生知道后,竟然都跟着哭了起来,而且比我哭得还伤心。孩子这一哭让我突然明白:原来在他们心中,我已不仅是一位老师,他们已经把我当成了心目中至亲的人----妈妈,我的幸福感油然而生:我付出了一滴水,但却收获了整个海洋;我本来想要一片红叶,他们却给了我整个枫林。能得到孩子们这样的一片心,我再多受点委屈算什么呢?! 第二年,学校成立了铜管乐队,我作为一名负责老师被安排在了小号这一组中。可是没过多久,我就慢慢发现,其他小组的老师都因有事而逐一离开了铜管乐队,最后的结果就是,所有的小组都归我负责了。我起初还想:反正是管理学生,一组是管,两组也是管,也就欣然接受了。可等到学期结束时,学校忽然通知:暑假期间每天都要进行铜管乐队训练。由于来培训的老师每周只来一次,其他的时间就让我带着学生练,我一听当时就傻了眼,这铜管乐器我可是一窍不通啊?后来又转念一想,学校这样看得起我,我怎么样也要把这支乐队带好了,反正有专业的老师来教,我仅是带着他们复习复习而已,应该没有多大问题。但让我始料不及的是,每周培训一次的老师也有事不来了,所有的培训任务就这样全部落在我身上!我当时就晕了,乐队中有小号、长号、圆号、中音号、低音号,还有小鼓,成员还以男生居多,单单管理学生就已是很痛苦了,却还要承担训练任务!我再也乐观不起来了,每天我都哭丧着脸对颜教导喊救命,强烈要求派来几个老师帮帮我,在教导的努力下,两位老师加入了进来,教导本人也每天都在六点半左右赶到学校参加学生的训练。 现在回想起来,真不知那段时间是怎么度过的,每天一大早我就得起床,跑步到学校,然后煞有介事地帮他们训练。说实话,最初的时候,我对这些东西真的不是很懂,只能是听听音准,至于其他的,就什么也帮不上了。后来我想,这样也不是办法,就专程跑到苏州买了相关的书籍,自己也拿起乐器,一边自学一边就凑和着教。就这样,我与这群孩子在一起经历的春夏秋冬中建立了深厚的感情,每次看到他们早早地起床,睡眼惺忪地来训练,我心里总是特别地感动。我常常告诉自己:即使哪天我生病了,我也要坚持不懈地陪他们训练,我不能让他们白白浪费掉本应是睡觉的时间!不知不觉,两年过去了,市里要举行一个中小学铜管乐队比赛,这批学生已是六年级了,我们非常辛苦地说服了他们的班主任和家长,让他们在每天放学后进行队形训练!当最终他们取得了一等奖第一名的好成绩时,学生们沸腾了,我也激动了许久许久。当我在领奖台上举起奖杯时,我的眼眶湿润了,我深深地感觉到,这个奖杯里容纳的东西太多了,致使我的双臂已不堪它的沉重。在合影的时候,一个平素最调皮被我批评最多的学生真诚地说:"王老师,我们永远记得你,你虽然很凶,但你是我们最可珍爱的人!"我的泪水再也控制不住了,面对这么可爱的孩子,再多的委屈再多的不满又算什么呢? 记得去年我校承办省里教海探航的会议时,我们艺术办的老师需要安排一台节目,在我开始构思英语剧的时候我刚刚怀孕,等到暑假排练时已经大腹便便了,很多动作我根本就无法示范到位。可是孩子们却给了我最大的安慰,只要我说清楚了要求,他们都能把最优美的动作展示给我。有个在剧中扮演小鱼的女孩,去年才一年级,个子很小却很可爱。在我教她一个动作时,她总是不能准确到位。其他的小朋友在旁着急地说,王老师大着肚子在教你,你怎么老学不会啊?谁知她哇的一声就哭了,把我们大家都吓坏了。我于是就把她拉到身边,笑着对她说,小鱼儿别着急,我们大家一起帮你学好这个动作好吗?听我这样一说,几个大点的孩子就根据我刚才所讲的主动去教她,剩下的小朋友则在旁边认真地练着自己的动作,我反倒成了一个最空闲的人。最后演出的时候,很多老师都称赞这些孩子的动作优美到位,我听后心里美滋滋的:多优秀的孩子啊,我仅是给了他们一点小小的光芒,他们却给我呈现出一个灿烂的星空! 回首四年来的工作生活,我付出了很多,也得到了很多,我很满足;我学到了很多,也还有很多不足的地方,我又决不能满足。倦了、累了,有时我就想静得像千年不动的老树,淡得像随风缥缈的云烟,不再去栉风沐雨,不再去披星戴月,相夫教子,淡泊终老。可是,薄校长语重心长的话又萦绕在我耳边,要做一名对学生负责的教师,要做一个对社会有贡献的人。因此,我要在今后的工作中,鼓足干劲,增强信心,更加努力,更加奋进,充分发掘自身潜力,在人生的漫漫长路上倾我全力,努力做家长最放心、学生最开心的优秀园丁。而那师生间一份份弥足珍贵的回忆,也将陪伴我渡过整个人生。我工作,我快乐。 我的汇报到此结束,谢谢大家! 音乐生活论文:小学音乐教学生活化艺术 [摘要]在音乐教学中,启发学生联系已有的生活经验和知识背景,运用多种充满生活气息的教学手法进行教学,可以极大地激发学生的学习兴趣,培养学生的想像力和创造性,对于实现音乐教学目标具有极为重要的意义。 音乐源于生活、表现生活。从儿童心理发展的认知特点看,他们对与生活有关的事物感知得较为清晰。音乐课堂教学生活化,即在音乐教学中启发学生联系已有的生活经验和知识背景,运用多种充满生活气息的教学手法进行教学,通过师生之间平等互动与交流,把生活经验音乐化,音乐问题生活化,在生活与音乐之间架起一座兴趣之桥,以此来激发学生学习音乐的兴趣,培养学生的想像力和创造性,逐步获得感受与鉴赏、表现与创造以及音乐与相关文化等多方面的艺术能力和素养,现让音乐课堂教学充满生命活力的目标,达到育人的目的。 一、结合生活感受聆听 新课标指出:良好的音乐感受能力与鉴赏能力的形成,对于丰富学生的情感、提高审美情趣、塑造美的心灵具有重要的意义。教学中,教师应从学生生活中感兴趣的事情出发,激发学生欣赏音乐的兴趣,养成聆听音乐的良好习惯,逐步积累鉴赏音乐的经验,采用多种形式引导学生 积极参与音乐体验,鉴赏音乐,鼓励学生对所听音乐有独特的感受与见解,调动多个感知通道,交流互动,升华情感,发展学生的音乐感受力、表现力、创造力,为学生终身学习和享受音乐奠定基础。1.生活融入课堂,激发感受与鉴赏的兴趣兴趣是学习音乐的基本动力,是学生与音乐保持密切联系、享受音乐、用音乐美化人生的前提。培养学生的音乐兴趣是中小学音乐教育的主要目的之一。教师只有调动起学生的生活积累,把生活融入课堂,让学生带着一份真情和一种兴趣去体验音乐,感悟人生,才会使他们享受鉴赏音乐的无穷乐趣。在教学实践中,我们可以尝试以下方法进行“激趣”。(1)用讲故事、猜迷语等方法激趣:如欣赏课程标准教材人音版第三册第三课《小天鹅舞曲》时,可根据学生在生活中喜欢听故事的心理,先向学生讲述天鹅 湖的故事;在欣赏《小青蛙》前则可让学生猜猜有关青蛙的谜语。(2)用贴近学生生活的话题激趣。如在人音版小学教材第三册乐曲《在钟表店里》首先是激发他们,假如你是作曲家,你怎样描述《在钟表店里》,你会让人听到什么呢?学生畅所欲言,在学生描述后教师及时鼓励,再引导学生聆听奥尔特的《在钟表店里》。学生始终以饱满的热情参与这一课的学习,并感受到了音乐表现的基本手法,收到了事半功倍的效果。(3)用学生生活中喜闻乐见的表演形式激趣:如小学一年级学生欣赏《小拜年》时,可将这课内容放在寒假开学的第一节课来上。首先播放过年的热闹情景,然后让学生说说自己的感受,最后带学生领略东北过年的喜庆场面。由于学生有了亲身体验,所以在欣赏时能很投入的进行感受,达到了教学目的。2.用画、舞、颂、奏等多种形式交流互动,升华情感教育心理学认为:学习者能同时开放多个感知通道,比只开放一个感知通道(如听)能更准确有效地掌握学习对象。感受与鉴赏音乐时,教师可根据小学生年龄小、注意力集中时间短、好动、愿意自我表现的心理特征,边听边引导学生参与活动,进行想像、绘画、讨论发言、表演等,使他们好动的心理得到满足,同时各显其能:能画者则画、能舞者则舞、能说者则说、能奏者则奏,扬长避短,充分表现自己。然后再让学生完整地复听一遍音乐,使学生对乐曲有更深刻、更全面的理解。 二、结合生活表现音乐 “表现”是实践性很强的音乐学习领域,是学习音乐的基础内容,是培养学生音乐表现能力和审美能力的重要途径。特别是其中的“演唱”这一教学内容,它是中小学生最易接受和乐于参与的表现形式。在演唱歌曲的教学过程第12卷第1期2008年3月岱宗学刊JOURNALOFDAIZONGVo,教师如能从学生的生活经验和已有的知识背景出发,站在孩子的角度去设计教案,将歌曲中的音乐知识转化成学生能理解的生活情境,师生共创欢乐瞬间,在演唱中共享快乐,定能使学生自信地演唱,并能发展学生的表演潜能及创造性潜能,在音乐实践活动中使学生享受到美的愉悦,受到情感的陶冶。 1.用游戏引入,在游戏过程中解决歌曲难点。 2.游戏是孩子们生活中最喜欢玩的活动之一。用游戏引入新课能激发学生学唱新歌的兴趣。让学生在游戏过程中获取知识,解决歌曲中的难点,充分体现了“教学生活化”的理 念。如一年级第一册《跳绳》,由于学生小,唱歌喜欢拖长音,体现不出跳绳的轻巧灵活。为此,学会歌曲后,可把体育课中的跳绳游戏引进来,选拔出跳的好的同学,大家说说她为什么跳的好?随后边击掌边配上《跳绳》给她助兴,跳多快唱多快,学生在不自觉中提上了速度,表现出歌曲的轻盈活泼。 2.将歌曲中的音乐知识转化成学生能理解的生活情境。 让书本知识呈现出鲜活的生命状态,是课堂教学生活化的重要标志。在教学过程中,教师如能将歌曲中的音乐知识转化成学生能理解的生活情境,使抽象的音乐知识与现实生活、学生经验世界和知识的形成过程联系起来,便能唤起学生歌唱的信心,提升他们主动学唱的欲望,促进他们自觉形成表现音乐的能力。例如小学教材第一册歌曲《动物说话》中的节奏教学,就可结合学生的生活体验,把学生对动物叫声的感受巧妙地迁移到歌曲节奏中去。让学生用生活中熟悉并喜爱的各种小动物的叫声读节奏,在快乐的小动物叫声中把生活经验音乐化,音乐问题生活化,使学生轻轻松松地在游戏般的生活情境中完成了整首歌曲的节奏教学,既保持了学生的学习兴趣,又很好地完成了教学任务。 3.设置“小音乐家擂台赛”,师生共创欢乐瞬间。 4.小学生的知识面和联想虽不很丰富,但对音乐情绪的直接感受能力却较强,而且自我表现欲望和竞争意识很强,他们常常会情不自禁地跟着音乐手舞足蹈起来,当他们学会了一首歌曲后,总希望老师能让他(她)上台演唱。在歌曲演唱的教学过程中,教师可充分利用学生的这些特点,设制一个让学生充分表现自我的“小音乐家擂台赛”。根据歌曲适合的演唱形式或师生竞赛、或小组竞赛、或男女生竞赛、或个人竞赛,并由师生共同讨论评出三个奖项:金百灵、银百灵、铜百灵。比赛时或老师唱一个声部学生唱一个声部;或老师指挥分声部合唱、学生伴奏;或歌、舞、乐同台表演。每种比赛均有评委和观众。擂台赛既极大地调动了每一个同学参与演唱的积极性,活跃了课堂气氛,又熟悉巩固了歌曲,加强了对音乐的表现力,同时还发展了学生的表演潜能和创造性潜能。 三、结合生活进行创造教学新课标指出 :创造是发挥学生想像力和思维潜能的音乐学习领域,是学生积累音乐创作经验和发掘创造思维能力的过程和手段。美国的科尔曼经过进行“儿童创造性音乐教学”实验,设计了一套以儿童自我创造活动为目的和方法的音乐课程方案,让儿童返回原始的自然音乐环境之中去,从最原始的音乐活动起步来体验音乐,表现音乐。如何有效地运用生活化手段把音乐创造活动付诸于教学实践?我们可借用科尔曼的儿童创造性音乐教学经验,采取以下几点做法: 1.为歌曲创设情境。 2.情景剧表演是小学生喜爱的 一种教学形式,特别是低年级学生更想用动作、故事来表达情感。如在教唱二年级《小红帽》这一课时,可启发学生结合自身的生活体验进行想像,创编出优美的舞蹈动作。随后教师可以提问:假如你是小红帽你该怎么做?能表现出来吗?激发了学生创造表演的欲望。在教师启发下,学生将《小红帽》歌表演溶入到情景剧中,一人表演的大灰狼狡猾诡计多端,扮小红帽的同学更是灵活机动的跟它周旋,表现了遇事不慌,随机应变的品质。虽表演不成熟,但学生能结合实际受到启发和教育。 3.为歌曲改编歌词。 4.在教学中,启发学生联系自己的生活实际和已有的知识,给熟悉的歌曲创编新的歌词或 改编部分歌词,既能培养学生的创造能力,又能提高学生演唱新歌的兴趣,同时还能发展学生的语言表达能力。如在教唱《小麻雀》时,当学生唱会了歌曲后,可启发学生联系自己的生活实际,根据《小麻雀》的曲调创编歌词。经过小组讨论后,有的同学将歌名改为《小花猫》:小花猫喵喵叫,走起路来静悄悄,见了妈妈打个滚儿呀,见了小朋友蹦蹦跳。还有的同学创作了《小花狗》、《我的同位》、《小妹》等等。学生唱着自己改编的歌曲,创造力顿时被激发出 来。一个同学唱完自编歌词的歌曲后,其他同学都争先恐后地要把自己创编的歌词唱给老师和同学们听。为什么能创编出这么形象的歌词,用他的话说:“我家就有只可爱的小花猫,我很喜欢它。” 5.自制乐器为歌曲编配伴奏。 当一首歌曲学会后,教师可鼓励和引导学生在生活中细心观察、开动脑筋,结合自己的生活经验和已有知识,拓展思维空间,自己设计、自己动手,尝试用生活中的废旧物品制作打击乐器。如在教《过新年》这首歌时,当学生学会了歌曲后,可布置他们在课余寻找能发声的物品,自制打击乐器,下节音乐课带进教室为歌曲《过新年》伴奏。学生自制的打击乐器有:用易拉罐装进少许沙子做成的“沙槌”、用多个啤酒瓶装进不同份量的水吊起做成的“云锣”或“碰铃”、将穿孔的啤酒瓶盖用铁丝串起做成的“串铃”、小铁桶蒙上吹破的气球做成的“鼓”等等。当同学们采用各种演奏形式创造性地即兴为歌曲伴奏时,神态是那样的认真,气氛是那样的热烈。自制简易乐器,不仅可以培养学生的创造性思维能力,还能培养学生的动手能力,提升创造兴趣,从而发展学生的创新精神和创造能力,有效地把音乐创造活动付诸于教学实践。 总之,面对新课程,我们在教学内容中必须尽可能地注入生活的新鲜血液、新鲜内涵,让我们的音乐课堂教学理念从生命教育的高度关注学生的生活经验,关注学生的生命价值。 音乐生活论文:生活资源对音乐兴趣培训影响 音乐是人类文化的一种重要形态和载体,蕴含着丰富的文化和历史内涵,并以其独特的艺术魅力,伴随着人类历史的发展,满足人们精神文化需求。音乐课是人文学科的一个重要的领域,是实施美育的重要途径之一。 (音乐课程标准》(实验稿)中提出:“音乐课应以兴趣、爱好为动力”的基本理念。兴趣是最好的老师,是人们与音乐保持密切联系,享受音乐并美化人生的巨大动力。因此,激发学生学习兴趣,逐步形成对音乐的学习兴趣,是促使学生学习音乐的重要保证。而音乐又溶人我们的学习和生活之中,我们身边有着美的韵律,美的声响,在这样的氛围中,学生能潜移狱化受到熏陶,激起他们学习音乐的兴趣。 一、聆听生活中的声响,激发听赏兴趣 听赏是音乐活动的基础,是培养学生音乐审美能力的有效途径。通过听赏,可以使学生养成聆听音乐的好习惯,逐步积累鉴赏音乐的经验,而从聆听生活中的声响做起,是帮助学生建起音乐与生活的密切联系,为终身学习和享受音乐莫定基础。 1、享受自然界的声响,养成聆听习惯。 大自然的声音是最原始,不加修饰的声音。而这些声音的组合也是一首优美的歌曲。比如让孩子聆听静静夏夜里的蛙鸣声,小溪流淌时的哗哗声,风儿吹柳叶飘的声音等等,培养学生发现生活声响、聆听生活声响的习惯。 2、感受生活中的音乐,比较音乐情绪。 随着科学技术的发展,我们随时可以从广播、电视上聆听到各种优美的歌曲和乐曲,教师要引导学生用心去发现音乐,体验音乐带来的美的享受,带来的不同情绪。如:孩子们在做眼保健操时,音乐带来的是舒展、恬静的感受,在做广播体操时,音乐带来的是欢快、坚定的感受。又如:在观看电视时,音乐也会给剧情增添色彩,在展现幽深夜晚的画面时,音乐非常紧张,在展现早晨优美田园风光时,音乐非常优美,教师应让学生在生活中聆听,比较音乐情绪的变化,了解音乐在生活中作用。 3、感受民间音乐,拓殿音乐视野。 我国是一个多民族国家,各民族都有着多元的音乐文化,这些音乐向人们展示各民族的风俗人情。我们生活中有许多优秀的民歌、民乐,教师在要引导学生多听、多记、多学,不断积累音乐知识,拓展音乐视野。 二、感受生活节奏,激发表现兴趣 表现是实践性很强的音乐学习领域,通过表现教学,能发展学生表演潜能及创造潜能,使学生用音乐形式表达个人情感和与他人交流沟通、融洽情感。 1、体验生活节奏,激发律动兴趣。 我们生活中处处都有节奏。如:汽车的喇叭声“又xx义”,火车鸣笛声“x一”,另外,孩子们走路的节奏也是多变化的,平时走路:“火x}又火”;高兴时走路:“义义xx}义又火x”等,教师可让学生随着步伐节奏、踏脚、拍手,培养稳定的节奏感,激发律动兴趣。 2、“分离”歌曲节奏,激发表演兴趣。 优美的歌曲离不开节奏的支撑,节奏更是歌曲的灵魂。教师要引导学生从歌曲中分离节奏,并有律动方式展现节奏,并在聆听优美旋律的基础上,用体态动作抒发内心的感受,表达音乐情绪,激发他们表演兴趣。 三、搜集生活素材,激发创造兴趣 创造是发挥学生想象力和思维潜能的领域,是学生积累音乐创作经验和创造思维能力的过程和手段,对于培养具有实践能力的创新人才具有重要意义。 1、修改歌曲,体验创作乐趣。 在过去的教学中,学生感到创编歌词很难,其实,我们可引导孩子从生活中去找语言。如有些孩子的作文写的非常好,教师可启发学生找出间短的整齐的句子改编歌词。 若表现景色的语言,可精选优美舒展的旋律,把词与音整齐对应,也就成了优美的歌词;若表现欢快的事件可以精选节奏欢快的旋律,这样既降低了创编的难度,又联系学生生活。另外,学生从其它学科的学习中,积累很多优秀的儿歌,诗歌等内容健康的素材,教师应引导他们创出简短的旋律,把儿歌、诗歌用歌声再现出来。 2、动手操作,体验实践乐趣。 教师要鼓励学生充分利用身边材料,实践操作,制作打击乐器来表现歌曲情绪,感知节奏变化。如:用竹料制作响板、双音筒;用塑料小瓶装少许沙粒制作沙球等。在歌曲演唱中,可启发孩子拿出自己的打击乐器边唱边拍,调动他们参与歌曲的演唱活动中,其次可让学生大胆尝试,自制乐器,并尝试用简易乐器表演。 总之,生活中有着丰富的音乐资源,教师要不断引导,积极鼓励,让孩子们充分发掘生活资源,用心去聆听生活中的声响,用心去体验音乐,用心用创造音乐,让音乐溶人孩子的生活,让音乐伴随孩子健康成长。 音乐生活论文:小学音乐生活味教学浅析 一、让课堂教学设计充满生活味 “表现”是音乐学习的基础内容,是学生非常希望参与的表现形式之一。教学中,我们要从学生的认知水平出发,站在学生的立场去开展教学设计,创设学生容易理解的生活情境帮助学生去理解歌曲中的音乐知识,师生互动同乐,在演唱中享受快乐,不断激发学生的音乐学习潜能,使学生享受到美的愉快,引发情感的共鸣。 1.游戏引入 有趣的游戏、小故事能调动学生们的思维,也能唤起学生们的好奇心。儿童的本性是爱玩好动,对单调的音乐知识,他们会觉得呆板、遥远而疲于接受,那么,简单有趣的游戏不但能创造一种有节奏、有形象、生动活泼的气氛,而且会使学生们觉得音乐并不陌生,就在自己的身边。学生在游戏中学习知识,攻克歌曲学习的难点,充分体现“教学生活化”的新理念。 2.设置“艺术擂台赛” 小学生的音乐知识面比较狭窄,但对音乐感受能力很强,自我表现欲特强,他们常常会不由自主地跟着音乐节奏翩翩起舞。在演唱歌曲的教学之中,教师可利用小学生的这一特点,创设一个“演唱擂台赛”:根据歌曲内容和演唱形式分为多个小组进行PK,并由师生共同评选出三个奖项:优、良、差。充分调动每一个学生参与歌曲演唱的热情、活跃气氛,又轻松地巩固了歌曲演唱,增强了学生的音乐表现力,激发学生的表演潜质。 二、让学生走进生活中的音乐 在中外美学界流行着这样一句话:“趣味无争辨。”这就是说,一个人喜爱什么音乐,不喜爱什么音乐,是因人而异的。我们应该尊重每个学生的兴趣爱好,但这并不意味着我们要放弃对他们的教育引导。低年级儿童由于受多方面因素的制约,审美趣味是狭窄的。2011版音乐新课标倡导小学音乐教学中要扩大学生音乐审美的视野,要让学生不仅喜欢当代音乐,还能对古代、近现代一些优秀音乐作品具备一定的鉴赏能力。在欣赏马斯涅的小提琴独奏曲《沉思》一课时,我先安排了学生欣赏跨越古典、摇滚及流行音乐掀起乐坛美炫风暴的另类小提琴演奏家陈美的演奏曲《风暴》,激起学生对小提琴演奏的兴趣,再引导学生对比聆听《沉思》,通过学生喜爱的音乐拉近了他们与古典音乐的距离。在教学实践中,教师不仅要通过各种课内外教学活动,开阔学生的音乐视野,更要注意培养学生关注生活中的各种音乐的能力,使学生逐步了解音乐与生活的关系,使学生更加热爱音乐,热爱生活。 三、总结 综上所述,我们的小学音乐教学要注重从平时的音乐教学实践中总结、提炼,扬长避短。让“感受与欣赏”教学充满生活味,让课堂教学设计充满生活味,让学生走进生活中的音乐。让我们的音乐教学更加精彩,更加贴近生活! 作者:陆小青 单位:江苏省大丰市第二小学 音乐生活论文:学前幼儿音乐教育生活化之见 一、音乐教育生活化在学前幼儿音乐课堂开展的必要性 音乐课堂生活化也是符合幼儿身心发展特点的。现阶段我们渐渐地发现,孩子学习兴趣有了,知识面和动手能力都有所增强,但是属于孩子们的生活歌声少了,其原因之一是教师单一的教学方式不能足够吸引孩子们的注意力,他们更多地是尝试唱耳濡目染的流行歌曲。音乐教育生活化是尊重幼儿的心理、智力发展特点的,它能将音乐的内容与生活联系起来,给予幼儿足够的感谢认识和直接经验,通过让音乐回归孩子们的生活中,极大增强幼儿对音乐的主动探究,并形成自由音乐表达的习惯。 二、音乐教育生活化在学前幼儿音乐课堂具体实践 1.音乐教育内容生活化意识 人们都说“音乐源于生活却高于生活”。其中,音乐源于生活,指的是音乐内容取材于生活,每一部音乐作品都是对生活的再创造,音乐也为此而成为生活的事实。在学前幼儿音乐教育中,教师的音乐教学内容也应该贴近生活,寻找音乐与幼儿生活的闪亮结合点。具体来说,教师应该以幼儿兴趣为导向,发现并选择一些与自然生活、日常生活、地域文化生活等有关的音乐内容。例如,一些虫鸣鸟叫声、雷雨声、风声,等等,都是生动、有趣的自然声音,教师在教一些如《小鸭子》等歌曲时,完全可以用播放器将不加修饰的鸭子声展现给幼儿,增强他们对音乐的熟悉感。除此之外,教师还可以引导幼儿在日常生活中去主动发现和聆听并模仿一些声音,如在学《小汽车》这首儿歌时,就可以让孩子们模仿汽车的喇叭声,让他们课后倾听并模仿汽车音响,这也是让幼儿进行节奏练习的良好的教学资源,可以丰富幼儿对音乐的感性认识。另外,笔者印象深刻的是在《春天在哪里》的教学中,在初步教会歌曲后,我就利用多媒体为孩子们展现了很多春天的图片,以此加深对歌曲的再认识。再如,教师除了采用教材上的一些歌曲外,还可选用一些热播的、深受幼儿喜爱如《熊出没》《喜羊羊与灰太狼》等动画片插曲,使其成为课堂上的教学资源,教师要善于将孩子们对动画片的爱迁移到对音乐的爱,让他们感受到音乐无时不在,才能最大限度地增强音乐学习的实践意识。 2.课堂教学方式生活化 音乐教育生活化,不仅仅要求教师的教学内容有所改变和创新,在课堂教学方式也要“生活化”。目前,很多幼儿音乐教师主要采用“教一句唱一句”这种极其枯燥的教学方式,实践证明,对于注意力集中短、活泼好动的幼儿是非常不适用的,因此教师要讲究灵活的音乐教育方法,构建生活化的教学模式,还幼儿一个真实的音乐生活,才能力求音乐教育的有效性。例如,游戏教学就是富有浓厚生活化气息的教学方式,它使幼儿在轻松自由活泼的氛围中,以一种嬉戏、贴近生活的方式,自由、自发地感知和学习音乐,很好地打破了学科为本的教育思想,并且也是幼儿的音乐创作的重要形式。因此,教师要重视游戏教育方式,尊重游戏中的幼儿。在实践中,幼儿音乐教师可以创编歌词接龙、角色扮演等符合学生心理、生理特点的游戏,弥补他们平衡能力、控制能力、节奏能力都比较差的弱点,如在《幸福拍手歌》的教学中,教师就可以让幼儿边唱歌边做游戏,教师对歌词进行演唱,让几个幼儿进行动作表演,随着音乐的律动各自作出相应的舞蹈动作,让做错的小朋友继续进行节目表演,等等。另外,教师还可以将具有童话或科学幻想的游戏形式引入课堂,立足幼儿生活,才能更好地发挥音乐教化功能。人们都说“音乐源于生活却高于生活”。其中,音乐源于生活,指的是音乐内容取材于生活,每一部音乐作品都是对生活的再创造,音乐也为此而成为生活的事实。在学前幼儿音乐教育中,教师的音乐教学内容也应该贴近生活,寻找音乐与幼儿生活的闪亮结合点。 具体来说,教师应该以幼儿兴趣为导向,发现并选择一些与自然生活、日常生活、地域文化生活等有关的音乐内容。例如,一些虫鸣鸟叫声、雷雨声、风声,等等,都是生动、有趣的自然声音,教师在教一些如《小鸭子》等歌曲时,完全可以用播放器将不加修饰的鸭子声展现给幼儿,增强他们对音乐的熟悉感。除此之外,教师还可以引导幼儿在日常生活中去主动发现和聆听并模仿一些声音,如在学《小汽车》这首儿歌时,就可以让孩子们模仿汽车的喇叭声,让他们课后倾听并模仿汽车音响,这也是让幼儿进行节奏练习的良好的教学资源,可以丰富幼儿对音乐的感性认识。另外,笔者印象深刻的是在《春天在哪里》的教学中,在初步教会歌曲后,我就利用多媒体为孩子们展现了很多春天的图片,以此加深对歌曲的再认识。再如,教师除了采用教材上的一些歌曲外,还可选用一些热播的、深受幼儿喜爱如《熊出没》《喜羊羊与灰太狼》等动画片插曲,使其成为课堂上的教学资源,教师要善于将孩子们对动画片的爱迁移到对音乐的爱,让他们感受到音乐无时不在,才能最大限度地增强音乐学习的实当然,除了游戏,教师还可以在课堂上开展猜谜语、编故事、演唱比赛等丰富多彩的生活化教学活动,如在《大海啊故乡》的音乐教学中,笔者可以将幼儿分成小组,通过美术、朗诵等各种形式对这首歌进行二次创作,既能加强幼儿对歌曲的印象,又能补充教材,提高幼儿综合能力的培养。除了课堂教学方式的转变,在为小朋友布置音乐任务时,教师可以鼓励孩子们将熟悉的歌曲结合自身的生活,让他们自编一些歌曲,如对《小兔子乖乖》改编成《小朋友乖乖》《春天在哪里》改编为《夏天在哪里》,等等,通过这些任务让孩子们感受到音乐是和生活相互融合的,也是善于表现和抒发情感的艺术形式。 三、结语 综上所述,音乐源于生活,音乐教学更是要贴近生活,这也是目前整个音乐教育改革趋势之一。在学前幼儿音乐课堂开展音乐教育生活化的教学模式,这是与幼儿音乐教学的特性和幼儿身心发展特点是相符的。具体来说,幼儿音乐教师可以将音乐教育内容、课堂教学方式生活化,实现幼儿音乐教育与生活接轨,让生活化的音乐走进幼儿的世界,才能使音乐教育的“美育”功能在学前幼儿音乐课堂得到更大的发挥。 作者:唐炯华 单位:苏州市实验小学附属幼儿园
在新课改的过程中,音乐教学已成为小学教育不可或缺的一部分。与其他学科相比,音乐课不需要学生付出太多的时间,而能够增强学生的音乐认识,形成他们的艺术观。在新课改中,合唱教学的重要性明确提升,合唱教学在音乐教材中的比重很大,但是在实际的学习过程中,音乐课中的合唱教学仍然还有许多需要改善的地方,如许多小学生认为音乐课是一种放松,合唱学习时态度敷衍,配合度不高。在这种的学习情景下,合唱教学开展受到限制,合唱教学效率不高。本文就怎样提高音乐合唱教学的有效性提出了几点改进策略。 一、音乐教学中合唱教学的重要性 (一)有利于学生歌唱习惯的养成 唱歌是情感表达最直接的方式,新课标中要求培养学生自信、自然地演唱,使用正确的歌唱方法有表情地歌唱。为了培养学生唱好歌,我们需要用专业的知识,灵活多变的教法来帮助学生,让学生学会用正确的姿势,科学的呼吸,有共鸣的声音来演唱。在歌曲的演唱中如果使用的方法不正确,很容易影响学生的咽部健康。在教学中,常见的情况就是学生还没有开声准备就直接演唱,这样不利于培养学生良好的唱歌习惯和演唱技巧,尤其是在合唱训练中,负责高音的学生经常犯大喊的错误。教师需要教授学生正确的唱歌方法,引导学生认识到两种方法之间的差异,找出他们在唱歌方面存在问题的地方,教会他们使用正确的方法发声,提高其合唱能力。例如,在排练合唱《唱支山歌给党听》时,高声部的旋律高音到了小字二组G,在演唱时很多学生的声音已经不受控制,发出了破音、尖音,声部的均衡完全被打破,失去了和声的美感。这时,教师要及时指导学生从气息、发声位置、咬字口型、混声共鸣等方面进行纠错,养成学生正确的歌唱状态,建立唱高音时合理的唱法概念,让学生知道喊叫唱高音是错误的,不科学的。 (二)有利于培养学生团队协作能力 合唱以集体的方式展开,不仅是多人声音的简单结合,而且是以多声部、分角色的形式进行集体配合演唱。合唱的结果好坏,不仅受制于学生的个人能力,同时还与指挥以及各声部团员的默契度息息相关。在合唱教学中,教师要引导学生以音乐为纽带进行合作学习,培养学生的集体观念,以更好地形成相互尊重、合作的精神。不同学段不同班级学生的音色不同、对乐曲的感受能力有差异等多方面因素,是合唱教学中需要解决的重点。在合唱学习中,学生需要学会彼此包容,相互倾听各个声部的旋律,把握乐曲的音准、节奏、音乐处理等;能识别指挥的手势,乐曲的前奏,准确而恰当地做出反应,注意发声的位置的统一。在合唱教学过程中,音乐教师还要了解每个学生的歌唱特点,并有针对性地采取教学方法,让学生在合唱过程中发挥出自身的优势,积极参与合唱学习排练,养成良好的团结协作的品质。例如,在进行阿卡贝拉《蜗牛》的教学时,教师先让学生欣赏不同的声部的演唱,引导学生自愿组成不同的小组,对乐曲中的旋律声部、人声模拟乐器声部、人声模拟节奏声部进行发言,然后鼓励学生认真欣赏并踊跃发言,说出在阿卡贝拉演唱时乐器声部、节奏声部的功能重要性,以及和旋律声部的相辅相成的关系。而不了解乐器声部、节奏声部的学生或者是不自信的学生在小组的学习氛围中会被集体的力量所感染,逐渐提高演唱能力。另外,阿卡贝拉的演唱没有教师的指挥,学生通常只要依靠眼神交流或者点头、挥手等肢体语言来调整歌曲的情绪、速度、节奏。通过练习,学生在合作中找到默契,最终体会合作在乐曲演唱中的重要性。同时学习合唱对学生的未来发展也具有积极意义,随着社会的进步,人与人之间的合作将变得更为关键,在合唱的训练中学生潜移默化地知道了团结协作的重要性,培养了自身的合作意识,了解到合作是成功的基石。 (三)有助于培养学生核心素养和综合能力 合唱作品的学习,不仅是让学生学习音乐基础知识和演唱技能,还能帮助学生认识音乐与姊妹艺术的联系。学生通过合唱作品的学习,了解学习各种综合的知识,例如文学、美术、舞蹈、历史、影视等。相关知识的融合,可以帮助学生直观地理解音乐作品的内容、题材、风格等,以及音乐作品中表达的思想情感。学生通过对合唱作品的有效感知和评价,在不知不觉中完成学科核心素养的培养。不同国家、民族、不同风格的合唱作品,也将对学生的思想产生影响,并且对拓展学生的知识面产生很好的效果,提升了学生的综合素养。如在合唱《四季的问候》时,学生了解了日本音乐的创作手法,欣赏了作曲家的其他代表作品;在合唱《卡林卡》时,学生了解了俄罗斯民歌的样式,从歌曲的速度变化感受了俄罗斯人热情奔放的风格,歌曲节奏非常感染人,舞蹈性很强;在合唱VoisSurTonChemin时,了解到法国电影《放牛班的春天》,感受到音乐与人物水乳交融,感受了法语合唱发音的美感等。合唱训练可以使学生的思维更加生动,有利于发展他们的想象力,增强他们创造意识。 二、小学音乐合唱教学中的问题 (一)学生对合唱认知少,缺乏兴趣 合唱教学在小学阶段的音乐课中,对学生的吸引力远远不如独唱、表演唱来得更有兴趣。学生在音乐课中表现欲望强烈,喜欢展示自己,对合唱的表现形式不认同。同时小学生本身对音乐知识认知积累较少,在合唱过程中进行合作时会存在声部不均衡,个别的难点节奏、音准跟随其他声部等问题。这样就要求教师和学生反复磨合,花费大量的时间排练,多次枯燥的排练会让学生感觉没有成功感,从而产生消极情绪,降低了学生的学习兴趣和热情,导致合唱教学效果不好。 (二)音乐教师对合唱教学没有足够重视 在小学音乐教学中,多数教师对合唱教学的重要性认识比较肤浅,不够深入,对于合唱教学的认知,停留在齐唱和分声部一起唱的阶段。在教学中浮于表面的形式,只是对学生进行一些基本合唱知识的灌输,合唱教学开展比重小、形式单一,内容枯燥,没有深入挖掘合唱教学的精髓;训练方法不科学,合唱教学水平较低。 (三)教师的教学方法有待提升 合唱教学是可以提高学生音乐素养的重要途径,但是在小学音乐教学中教师和学生的磨合难以达到理想的水平。部分教师不注重科学的训练方法,学生的声音训练不够,也没有探索相关的教学手段,激发学生对合唱训练的学习兴趣。在合唱作品训练中,不能关注到学生的情感体验,挖掘合唱作品中丰富的情感内涵,很多学生不能对合唱歌曲进行深刻的了解,导致在演唱时缺乏情感,影响合唱的效果。 三、小学音乐课堂合唱教学的优化措施 (一)以兴趣为动力,提升学生学习合唱的效果 对于小学阶段的学生来说,兴趣是学习音乐的基本动力。如果学生对合唱学习有很浓厚的兴趣,他们就会端正态度,更积极地参与到教学活动中。在教学过程中,教师应该让学生感到快乐、有趣。合唱作品是经过音乐加工的艺术语言,富有感染力,我们要让学生乐于欣赏优秀的合唱作品,要注重学生对音乐的体验和感受,激发学生对作品的学习兴趣,让学生学得既轻松又愉快。在合唱课上,教师要创新课堂,丰富课堂的表现形式,引导学生与教师合作执行各种教学任务。同时教师要和学生一起讨论合唱技巧,让学生在模仿的基础上自发地开展合唱训练。在提高学生兴趣的过程中,教师还要根据学生在舞台上的表现情况,用诙谐、生动的语言启发他们,使学生唱出生动感人的作品,真正感受到学习合唱的快乐。例如,合唱《唱脸谱》时,乐曲是吸取了京戏中花脸的唱腔精华而创作的一首作品,乐曲生动有趣,这样的作品有利于学生对合唱歌曲产生积极主动的学习兴趣。教师在授课中,要站在学生的角度去进行教学。首先,播放歌曲给学生“磨耳朵”,《唱脸谱》以鲜明的乐句,生动的语气,抑扬顿挫的旋律,恰到好处地把张飞、关公、曹操的不同形象、气质演绎得惟妙惟肖。有些学生听一次就能和着节奏模仿音乐形象表现歌曲。其次,带领学生唱歌,并带领学生欣赏各式不同的脸谱,了解传统戏曲中独特的化妆艺术,激发学生的学习兴趣。最后,要让学生可以自己唱出来。当学生学会用自己的声音去表达这首歌的感情时,可以加强学生合唱的信心与气势。另外,教师也要时刻关注学生的合唱状况,学生在呈现作品时的状态对合唱结构的组成具有重要意义。 (二)以学生为主体,优化合唱教学的方式 小学音乐课程不是为了培养音乐的专门人才,而应面向全体学生,以学生为主体,将学生对音乐的感受和音乐活动的参与放在重要位置。在合唱教学中,教师要看歌曲内容是否贴近学生的生活,是否能让学生喜欢和理解。教师应带着学生的眼光,站在学生的角度选择一些符合儿童特点的合唱作品,如《让我们荡起双桨》《我们的田野》《听妈妈讲那过去的事情》等,这样可以减少乏味的学习经验,使他们在一个更好的氛围中学习。从这个角度来看,小学音乐教师还要提高对合唱的认识,在声乐艺术中合唱是容量最大、表现力最丰富的。就演唱形式而言,在一首合唱作品里可以根据歌曲的表现需要,选择多种演唱形式,如领唱、轮唱、对唱等。在合唱教学中,合理地使用不同演唱形式,可以增强歌曲的艺术感染力和表现力。在教学工作中,教师要鼓励学生参加各种合唱实践活动,增强学生音乐表现的自信心。同时,学校也要更加重视音乐合唱教学团队的建设,以提高小学音乐合唱教学的有效性为重点,采用不同的方法来改善合唱效果,为提高学生的实际能力提供基础。学校还要从教学活动入手,积极开展各种培训活动和教学活动。例如,在学习《农场的早晨》课题中,这部作品由于是一种综合性的表演,要求学生建立初步的合唱意识。因此,教师可以将学生分出具体的角色,来融入该歌曲的情境内容中,并结合实际的音乐器材来进行演奏,如口琴或者电子琴等,模仿出农场中一些动物的声音,如小鸡、小鸟等。在教师的引导下,学生可以感受到不同乐器所带来的魅力,掌握不同声部的音准和音高,进而促进合唱训练水平的提升。 (三)以实践为基石,注重学生声音的训练 合唱教学的过程就是音乐实践的过程,我们只要重视实践,必然能获得好的结果。在教学过程中,为了进一步提高合唱教学效果,教师有必要从声乐训练的角度对学生进行辅导,使所有学生都具有较强的歌唱技巧。在教学过程中,教师需要按照科学地呼吸、发声、咬字,逐步教导学生,对学生进行有计划、有步骤的训练,提高他们的歌唱能力。教师还可以对学生分声部、分小组进行训练,让学生在彼此的对照下纠正自己的发声,为更好地进行合唱训练做好准备。一般来说,小学阶段好的童声应当是通畅、明亮的声音。强化发声训练的目的就是使学生更快地获得这种声音。当然不同阶段学生的声音情况也不同,特别是处于变声期的学生,教师要尽力用科学的方法帮助学生安全、顺利地度过这个阶段。有的学生认为只要是明亮的声音就是好的,一味地模仿高位置、明亮的声音,这样发声往往会出现气息不通畅,共鸣不好、挤压喉头的情况。这就需要教师从学生的实际情况入手,用生动形象的语言启发学生,引导学生想象、感知。如为了让学生体会并做到有气息地支持发声,教师可以启发学生“声音缓缓地从头顶飘出,飘到了天花板上”等,让学生在练唱时多用轻声进行歌唱,或暂用低八度来唱,在个别练习时,可降调演唱。教师还要提醒学生,让他们控制饮食,避免进食刺激性食物,保持咽部健康。此外,在实际的教学排练工作中,教师要及时调整各声部声音,让学生合理运用声音技巧,唱出感情,唱出个性和风格。 (四)以审美为核心,注重学生的情感体验 音乐是情感表达的优秀载体,作曲家通过音乐作品表达自己的个人感情。根据小学生的心理发展特点,在合唱教学中教师应该将情感体验,作为合唱作品训练的前提,不能仅仅停留在要求学生声音统一、声部的和谐均衡这种层次,还要学会运用合唱作品来激发学生独特的情感体验。教师要对不同国家、不同民族、不同风格的作品进行深入分析,根据学生的特点和优势,引导学生深刻体会合唱作品中所蕴涵的情感,并且将情感体验作为基础,充分激发学生的想象力,有效加强学生对歌曲的理解,使其在演唱作品的同时,能够带着美好的情感完美地演绎歌曲。还可以让有能力的学生在合唱排练中进行二度创作,让学生在合唱的演绎中能够自行表达,升华自己的情感。例如,在《山童》的合唱教学中,教师可以让学生欣赏歌曲后进行讨论交流,有情感地朗读歌词,引导学生说出歌曲是通过第一人称的耳闻目睹,展示了缤纷多彩的山间美景,歌曲中充满了诙谐生动的童趣,让每个学生都能身临其境。这个过程有利于学生进行角色带入,深化学生的情感体验,使学生演唱出充满情感的声音。这样在排练作品时,学生就能准确把握歌曲所表现的内容。 教师在排练时可以反复强调《山童》抒发了自己的心声——童年多美好,刺激学生的想象和联想,促进学生的情感得到升华,激发学生热爱大自然,热爱生活,热爱自己童年时代。有能力的学生还可以进行二度创作,从而使合唱作品的情感更加丰满,富有感染力。综上所述,为了使小学音乐课堂的合唱教学更加有效,教师必须提高自身的音乐素养,加强合唱专业知识的学习,用更有效的方法解决课堂教学中的问题。同时从合唱训练的角度对存在的不足进行调研和分析,通过合唱的学习,养成学生健康向上的审美情趣,培养学生的音乐审美能力,使音乐教育更加有效。 作者:李现 单位:徐州市公园巷小学
两声部合唱教学是小学音乐教育中的重要内容,其不仅能够对学生音乐兴趣的培养起到促进作用,同时还能够帮助学生树立团队合作精神、竞争意识,进而实现创新能力、沟通能力等多方面综合能力的提升,因此,小学音乐两声部合唱教学问题与教学实践的研究是非常具有现实意义的。 一、两声部合唱概述 两声部合唱简单来说就是有两个声部共同演唱同一首歌曲,并保证两个声部间声音的和谐,给人以同一人演唱的感觉,这种合唱方式不仅能够将歌曲中的思想、情感充分的表达出来,同时还具有着可塑性强、力度变化大、团队表现力强、音响层次丰富等特点,十分适合儿童进行演唱,而将这种合唱方式应用于小学音乐合唱教学之中,也能够取得很好的效果。 二、小学音乐两声部合唱教学存在的问题 (一)学生基础问题 小学音乐的合唱教学一般是从一二年级齐唱教学开始的,但由于音乐课的课时安排较少,小学生的知识掌握能力又比较差,因而在进行两声部合唱教学时,学生的合唱基础大多是非常薄弱的,不仅缺乏基本的合唱意识,同时在沟通能力、音准、团队合作精神、听觉培养等方面也都比较差,这就给教师的两声部合唱教学工作增添了很多麻烦。例如在进行合唱训练时,很多学生由于缺乏集体意识,常常不顾和声效果,不愿倾听其他声部,而是自顾自的“喊歌”,这样一来,合唱训练就很容易陷入混乱,而训练效果自然也就微乎其微。但如果教师从这些基础教起,又需要浪费很多时间,从而使原本就比较少的课堂教学时间变得更加紧张[1]。 (二)个体差异问题 在歌唱教学中,部分学生良好的生理条件往往会给其音乐学习带来很大的帮助,然而对于合唱教学来说,学生在生理条件或是歌唱习惯、音乐基础、能力水平等方面的差异却是十分麻烦的,这不仅容易使学生在合唱时容易出现声部、声音上的不和谐,同时还容易产生学习进度的差异,进而对学生的兴趣造成影响,这些对于两声部合唱教学来说都是非常不利的。例如在学习进度方面,如果某些基础较好的学生能够很快掌握学习技巧,那么其他基础差的学生就可能会出现沮丧、自卑等情绪或心理,而其音乐兴趣自然也会因此而受到很大的打击。 (三)训练安排问题 两声部合唱教学虽然在多声部合唱中难度并不高,但对于小学生来说却具有着较高的难度,因而两声部合唱教学实际上是一个长期性的教学工作与教学任务,必须要随着学生在歌唱习惯、团队意识等方面的不断完善与成长才能够达成最终的教学目标。然而从当前的小学音乐教材上来看,一二三年级教材与四五年级的教材相比在合唱方面的跳跃性比较大,这就使得学生往往会在前期合唱训练相对较少的情况下直接接触较为复杂的两声部合唱,从而导致学生在学习过程中问题过多或是感到学习难度过大,最终影响到音乐兴趣与学习效果。 三、小学音乐两声部合唱教学的有效策略 (一)强化基础训练 两声部合唱连续需要建立在学生良好的合唱基础上,如良好的团队合作意识、正确的歌唱习惯等,因此基础训练对于两声部合唱教学来说是必不可少的,而教师也必须要在低年级加强学生的基础训练。但需要注意的是,由于基础训练常常比较枯燥,对于活泼好动的小学生来说很容易失去兴趣、注意力分散,因此教师一方面要提高训练的趣味性,将一些游戏的形式融入到训练之中,以激发学生的训练热情,另一方面则要让学生学会倾听,通过合唱作品的鉴赏来加深其对于合唱的理解[2]。 (二)实践训练层次化 两声部的合唱训练是一项长期性的教学任务,为避免学生因教材跳跃性过大而在学习中出现各种问题,教师需要注意将训练任务、训练难度、训练内容细化,同时按照循序渐进的原则对学生各年段、各学期的实践训练进行安排,以保证训练的实际效果。例如对于刚接触音乐课程的一年级学生来说,教师可以先带领其进行动物声音的辨别与模仿,使学生能够直观的认识到声音的不同,并逐渐形成多生思维,为之后的合唱训练打下基础[3]。而在三年级的合唱教学中,一般为齐唱向合唱的过度阶段,因而教师可以通过轮唱训练来自逐渐改变学生的思维习惯与演唱方式,从而使学生能够初步了解两声部合唱的规则。 (三)巧用乐器辅助 在合唱训练中,很多学生都会受到其他声部声音的影响,进而出现“找不到调”的情况,因此学生在掌握单声部的演唱后,想要顺利过渡到两声部演唱是比较困难的。对此教师可以选择用乐器进行辅助训练,让学生在进行单声部演唱的同时由教师使用乐器按照另一声部进行伴奏,这样学生就能够逐渐适应两声部的合唱练习。 四、结语 总而言之,两声部合唱教学在小学音乐教学中虽然难度相对较大,在实际教学中也很容易出现学生基础薄弱等问题,但只要能够采取有效的教学策略,就必然能够让两声部合唱教学的作用充分发挥出来。 [参考文献] [1]高伏音.小学中年级班级合唱的教学模式探究[D].首都师范大学,2014. [2]孙静.小学课堂合唱教学的有效性研究[D].曲阜师范大学,2014. [3]杨嫏.论小学班级合唱训练与教学[D].湖南师范大学,2009. 作者:李轩 单位:上海市嘉定区实验小学
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高职高专声乐课程是音乐教育专业学生的专业优秀课程,它不仅可以提高学生的歌唱技能,培养学生的演唱能力,同时,也对学生未来的职业发展产生了一定的影响。因此,高职高专院校应该着重强调提高学生的声乐水平,发展和完善好高等音乐教育。 一、高职高专声乐教学现状中存在的问题 随着教育的不断改革,很多高职高专院校在教学方面也更侧重于培养和提高学生的专业技能。声乐课程作为高职高专音乐教育专业的技能课程,被列为高职高专院校的重点教育课程。笔者通过对一些高职高专院校声乐教学相关文献的研究调查,发现了各高职高专院校音乐教育专业声乐教学现状中存在的一些问题。 (一)高职高专院校生源质量的不断下降 随着教育改革的不断推进,高职院校的生源质量也面临着严重的挑战,很多学校在招生的时候都会感觉到有压力,学校领导不仅担心招不到学生,更担心招到的学生声乐基础差,这给声乐教师的教学造成了很大压力。 (二)没有建立良好的师资团队 很多高职高专院校音乐教师力量不够平衡,有些发展时间比较长的院校,师资力量相对会比较强,但是也有许多新升格的院校,因为学校发展的时间短,导致师资团队之间没有得到充分的完善和磨合,所以师资力量就会较弱。 (三)声乐专业教学模式不够完善 许多高职高专院校都是采取一对一上课、小组课以及集体大课的教学模式,大都忽略了声乐专业的学生进校的基础,采用一名教师对多名学生进行声乐教学授课方式,不能兼顾到每一个学生,导致学生学习声乐的积极性不高。 二、高职高专声乐课程内容的安排与改革 (一)高职高专声乐课程内容的安排 高职高专声乐课内容的安排决定了声乐课程的教学效果。发声技巧和歌曲演唱是高职高专声乐课教学的重要内容,发声技巧主要是为了培养学生歌唱中的艺术嗓音,包括了歌唱的气息、位置、语言等。歌曲演唱则是提高学生声乐专业素养的重要保障。在学习声乐发声技巧的过程中,教师应该给学生传授一些发声技巧的基础理论知识,让实际练习与基础理论相结合,学生在掌握技巧的同时,也可以对理论知识有所了解。并且教师在一边讲解理论的时候可以一边引导学生们进行练习。教师也可以多创设一些可以帮助学生提高音乐发声技巧的课堂活动。这样,不仅有助于提高学生的发声技能,也可以提高学生学习声乐发声技巧的积极性。对于音乐教育专业的学生来说是否掌握了正确的发声技巧,在未来的职业发展中起到了决定性作用。小学的音乐课堂教学是以唱歌为主,所以教师的范唱能力很重要,好的范唱能够激发学生学习的兴趣,要使范唱具有感染力,就要求音乐教师具有一定的声乐水平。同时,小学生的嗓音还没有完全的发育好,只有正确的歌唱方法才能保护其在变声后仍然拥有健康的嗓音。所以,高职高专院校的声乐教师应该更侧重于培养学生的发声技巧训练,有助于保证高职高专音乐教育专业毕业生的未来职业发展。 (二)高职高专声乐课程内容的改革 传统的声乐教学只注重声乐的演唱技巧的训练,通过研究调查我们发现这种教学方式是不能在真正意义上满足音乐教育专业学生的未来发展需求的。因此我们可以通过以下几点对声乐课程的内容进行改革:1.增加声乐理论课。教师在理论大课上给学生讲声乐艺术的呼吸原理、通道原理、演唱器官运动原理以及发声与咬字原则等基础理论知识,比如歌唱的呼吸是不同于生活的呼吸的,它是带有意识的、有目的性和技巧性的。教师可以让学生在平躺时感受歌唱呼吸的正确运动途径和感觉,从而帮助学生加深对理论知识的记忆。2.加强对学生声乐教学能力的培养。成功的教学方式不是通过强制性的手段来对学生进行施教的。在声乐演唱中,咬字吐字是否清晰,也直接影响着音乐演唱的成败。有些同学在唱高音的时候经常会吐字不清,教师就通过让口腔“打哈欠”的方式帮助学生抬起上颚,然后依照这种方法对演唱的歌曲进行了反复的训练,学生经过不断的练习和总结,发现了在演唱歌曲的高音部分,应该注重打开口腔,使口腔和胸腔产生共鸣,从而提高咬字的准确率[2]。通过“打哈欠”的方法,不仅可以提高学生在声乐演唱中咬字的准确性,还可以培养学生的声乐教学能力。 三、高职高专声乐课程教学模式的改革 (一)转变声乐课堂的教学模式,锻炼学生的实践能力 新课改要求各学科教师在教学过程中都应该把学生作为课堂教学的主体。首先,着眼于当前的社会就业岗位,根据音乐教学专业的岗位需求,教师应该制定出有针对性的的教学目标,同时,也要积极的创新和改变课堂的教学模式。传统的教学模式让声乐教师们在教学过程中往往采用一对一的教学形式,这种单一的教学形式让学生觉得声乐学习乏味枯燥,降低了对声乐的学习兴趣。教师可以通过开展课堂教学活动来激发学生的学习兴趣,比如教师可以按照学生的声乐学习基础,将学生分成若干个声乐小组,进行分组教学。声乐小组课作为声乐个别课的延伸和扩展,在声乐教学中也占据重要的位置。声乐小组课的教学方式包括以下两种:1.传统的教学方式。教师在教学过程中会让同一个小组的学生一起练声,然后再逐个演唱教师布置的曲目,学生依次演唱过后,进行互相评议,比如“他刚才演唱的这首《北国之春》,不仅旋律舒缓,同时情感的表达也很抒情,让我不禁思念起了我的家乡”等。通过这种教学方式不仅可以提高学生的声乐水平,同时也可以培养学生的音乐素养。2.以排练、观摩、实践教学的方式为主。声乐教师应该把学生作为课堂教学的主体,培养学生的声乐表演、组织和创编能力。比如聂耳的《铁蹄下的歌女》,学生在进行二次创作时,一定正确的安排气口,把在个别课中学习的声乐演唱技巧进行二度创作。同时,教师也要将重唱、小组唱、歌表演等表演形式带入课堂,把课堂搬上舞台,通过对学生每一次在众人面前的表演,每一次的舞台演出,锻炼学生的胆量,这样既能提高学生调控自我情绪的能力,也能克服学生怯场的心理。在声乐小组课中教师要引导学生对其他同学的节目进行观摩,取长补短,并学会自己编排节目。比如说教师可以阶段性地让学生自己策划、筹备、编排一场小汇报演出,教师在进行辅导的过程中,要做到以学生为主体,深入挖掘学生的潜力,让他们有机会自编自导自演,锻炼学生的实践能力。 (二)合理的制定声乐教学的方案,提高学生的音乐素养 课堂教学是声乐课的基础。在教学中,我们应该改变原有的课堂教学模式,加大学生声乐组合的合唱教学,同时也要适当的保留原有的声乐独唱技巧。教师也可以根据音乐体裁的需求,灵活的组织和调整声乐曲目的内容以及编排。以声乐组合唱排练的方式培养学生的团队合作能力。教师应该根据学生的个体音乐素养制定课堂教学方案,比如说可以选择一对一上课,当然,这部分学生要不就是声音条件好的,要不就是音乐素养特别高的,再者就是能发挥出其独唱能力的学生。还有一种就是选择以5人为一组的可以二节连上的小组课,这部分的学生大多数都属于中等生,在形象以及音准方面还有发展的空间。第三种就是大概在15人左右的二节连上小组课,但是这部分学生整体的音乐基础都比较薄弱。学校也应该为学生提供声乐练习的场地,并且在练习过程中,学生的穿着一定要大方得体,尤其是女同学,更要注重自身的体态形象。上课时,教师应该引导学生学习舞台步,从登上舞台的一刻就要做到按照舞台步走到自己的位置。久而久之,便会帮助学生提高声乐的素养以及舞台的肢体语言能力。 四、结语 综上所述,高职高专音乐教育专业声乐课程教学内容以及教学模式的改革,对高职高专音乐教育专业学生的发展有着决定性的影响。教师应该从实际出发,从声乐发声技巧入手,培养和提高学生的音乐素养和职业能力。高职高专院校应该加强创新声乐课程的教学模式,不断丰富声乐课堂的教学内容,为社会培养出符合市场经济需求的音乐人才。 参考文献: [1]王贝莉.创新方法改革形式———论高职高专的声乐教学[J].艺海,2017,(10):130-131. [2]刘明华.基于能力培养的高专学前教育专业声乐教学改革探讨[J].文艺生活•文海艺苑,2013,(01):211-213. 作者:黄钰洁 单位:川南幼儿师范高等专科学校
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处于高原环境状态下的体育生,在体能运动方面的训练必不可少,而地处高原这一特殊环境,相比于大部分的体育生来说,对于综合体能、身体素质的要求也就有了一个更高的标准,茶饮料的推出在此时便起到了很为关键的作用。茶饮料中的主含成份是茶多酚,对于体育生的体质改善会有很大的帮助,更加有针对性地增强了体育生在高原环境中的适应能力。对体育生的综合体质加强研究,补充了原有只局限在茶的医药方面的不足。 1茶饮料的内涵 茶饮料是时代的产物,由此名字便可以看出,茶饮料就是把茶叶中对于人们身体有益的成分提取出来,再加入适量的营养元素等等进行再加工推出的一款健康类饮品。它不仅仅只是拥有一定的改善身体素质的作用,采用较适宜各类人群的饮用口味更是吸引了大众的味蕾,同时它基本继承茶叶中具备的优点,一经推出,就以“多功能饮料”引领饮品时尚。从茶饮料中的成分而言,其内部含有从茶叶中提取出来的茶多酚对于体育运动来说影响作用更加明显。专业研究小组发现,茶饮料中的茶多酚在缓解疲劳方面有显著效果,适宜于体育运动员身体的成长训练。经过调查发现,茶多酚在受到高温或高酸性环境的影响时,会导致内部结构的稳定性破坏,出现茶叶的变质情况等。而茶饮料是多种健康元素的提取、再加工,适合体育运动员在运动前后的饮用,会在一定程度上降低其剧烈运动所带来的消耗。茶多酚的适宜承受温度约是240益,其中超过半数的成分含量是儿茶素。该元素的健康摄入,会减少人体中自由基的总体含量,加快新陈代谢,增强体能的提升和恢复。 2高原环境对体育生体能的变化影响 高原环境对于大部分人来说都是非常恶劣的,环境的特异性(氧气稀薄、气压环境恶劣以及温度的昼夜差异),对于体育生的体能调节的影响很是巨大。而通过探讨茶饮料在高原环境下对体育生体能调节研究,不仅仅可以把茶饮料合理利用,而且对高原环境中的体育生体能调节以及身体的基础素质提高会有更好的帮助。体育生在相关的体育运动训练之后,通常都会产生呼吸困难、不足,以及身体肌肉酸痛的情况,这属于正常表现范围,而在高压环境下,海拔的提升会直接影响氧气含量,导致低氧血症的时常出现。而同时引起的神经组织变化,会很大程度上的造成脑损伤,若不能在一定时间内得到积极地治疗,会直接影响人体的思维意识状态。而从体育生角度来说,相关的体育训练是长时间、持续性的运动,在高原环境下,身体素质和体能也会随之产生一些变化,很有可能造成训练成绩下滑的趋势。所以对于运动量的把控也会相比平原地区更为关键,很有可能因为训练过度导致出现相关的运动脱水,更为严重的还会造成一定的生命危险,这不仅仅会导致其体能的调节能力下滑,还会影响到体育生身体的健康成长。经过相关的调查发现,高原环境通常都是大气压强低、氧气缺乏、大气温度低等等,而且紫外线的辐射也是很严重,当海拔达到四千米以上时,会直接影响视觉效果,损伤体育生在夜晚的视力状态。当海拔达到五千米以上时,也会造成听觉状态的下降。总之,体育生在长期处于高原环境的视觉、听力会产生认知性失误现象。而大脑在客观条件上对充足氧气的依赖性,海马胆碱能系统受到影响,记忆能力造成很大程度上的损伤。总之,高原缺氧会在客观上限制了人们的思维意识状态,利用依赖性的吸氧方式不能积极改善体育生的综合素质,结合物质元素的有效摄入,才能确保体育生更好地适应高原状况,维护身心健康。体育生的教学实践工作,必须以自身的综合素质为基础,建立一整套系统性的培训计划,减少慢性病、“亚健康”学生的出现率。而高原环境中,学生在身心素质方面有了更高层次的标准,所有教学实践的开展必须以体育生实际的素质状况为基础,保障学生们能够更好、更快地融入到高原环境中,将具体的训练计划和日常习惯都能切合这种特别性环境。 3茶多酚元素在高原环境中对体育生体能调节的影响作用 客观上,高原环境在学生身心方面具有较明显的特殊性要求,必须投入更多的关注,对每一名体育生的具体身心状况有更全面的调查关注,确立一套适合于高原环境的特殊性认知体系,融入运用更多元素,培养出更多符合教学目标的体育生。伴随茶产业的成熟发展,茶产品也有了更深入的认知,拓宽了茶多酚的应用范围。客观上来说,茶多酚不是应对高原环境的直接性解决元素,体育生必须运用更好地训练方式,结合一定量必须的锻炼方法和健身计划,改善体育生的整体身心状态,提升每个人对高原的适应能力。而茶多酚的合理摄入,也必须立足于体育生的实际身心状况,将他们的每一份变化都能做到及时有效的监测和把握,做到该元素的摄入量与体育生的完全匹配。茶饮料属于功能性饮料,其中包含的水、氨基酸、电解质成分和一定量的维生素含量,能够保障身体内的新陈代谢,避免出现缺水性紊乱和免疫系统的功能下降,同时转化产生更多的葡萄糖,补充体育生在运动中所需的血糖含量。而体育生在锻炼中活跃了神经系统,增多了维生素的需求量,茶饮料的饮用对体育生的体能恢复有较为显著的效果。社会人群中在深处高原环境出现的常见病症、突发情况是有一定资料统计的,也会针对性地提出解决方案,这些档案信息会成为这类患者出现时实行医疗或药物治疗的重要依据,也使体育生在应对高原环境时能有更适宜的借鉴。茶多酚从功能效用方面来看,具有较明显的服用价值。只是现阶段,茶产品的认知还有很大的局限性,在应对突发情况时,过重的依赖茶多酚元素、忽视体育生的实际身心状况,成为很多人对茶产品的一种误区。依据调查数据,体育生在应对高原环境时,借助合理的系统性培训和科学摄入茶多酚元素这两种的有效结合,是保障他们实现身体素质标准、增强心理素养的重要途径,满足了学生的整体性目标需求。 4体育生正确饮用茶饮料的方法 第一,体育生的锻炼培训,必须保障身体内有充足的水含量。大量水分在摄入后,不会立即就产生效用,是持续性消化、吸收的作用过程。茶饮料的合理饮用,就是对体育生在水分摄入量的一种有效控制,保障体力的同时保障训练的顺利开展,提升身体的肠胃消化能力,将超出的体液量排出,提升新陈代谢效率,增多运动的整体热量消耗。第二,针对运动过程中经常出现的异常口渴、身体虚脱不支状况,标志着身体在运动中处于脱水的临界边缘,必须引起一定的重视。茶饮料的合理饮用,在缓解这种状况方面有很大作用,能够更大程度地将糖分、盐分的消耗量得到有效补充,使体育生在运动过程中保障整体机能的平衡、促进正常新陈代谢的平稳运行。 5结语 体育生对训练量有较高的训练要求,整个过程很是辛苦,而高原环境更是增高了训练难度,不恰当的训练很容易造成身体上的损伤。茶饮料的应用,能够一定程度的缓解运动中产生的脱水状况,增强运动功能。目前,茶产品已经实现了体系化生产,而健康养生理念的有效融入,对高原环境下茶多酚元素在体育生的体能调节研究有很好的研究意义。体育生的实际身心状况和他们的群体性目标诉求,结合创新性的培养计划,才能更好地确立一整套全面、系统的训练机制。而茶多酚元素的规范性使用,必须建立在茶产业的客观发展状态上,从而为高原环境中的体育生体能调节提供更多的健康性保障。 作者:裴成禹 单位:四川工商学院
一、钢琴伴奏能力在当今高等师范生中存在的问题 1、钢琴基础演奏能力不足。钢琴的演奏能力是钢琴伴奏能力的基础,也是必备条件。可以说钢琴演奏能力的高低直接影响演奏者的演奏水平以及这首作品的伴奏效果。扎实的钢琴演奏技巧包括较好的协调能力,踏板的运用能力,平稳的速度节奏的控制能力,以及清晰的演奏柱式和弦、分解和弦的能力。当然,大小调音阶,半音阶等钢琴基本功更是必不可少。 2、音乐基础理论的驾驭能力不足。曲式结构划分不明确会直接对伴奏风格的正确把握和处理产生重要的影响。如果一个钢琴演奏者连一首作品的曲式结构的不清楚,就不知道什么时候在哪里改运用什么样的情感表达,什么时候该渐慢,在什么时候该提速。但是现在的很多师范生拿到一首作品的时候,不仅不分析曲式结构,而且根本就没有这种意识,所以在情感的把握上就会有所欠缺。另外,钢琴伴奏虽然在实际运用中是起到衬托的作用,但是也必须要有好的和声色彩才能起到陪衬的作用。才能准确的表达每一个音所的情感。现在的很多学生无论拿到什么样的作品都是用I IV V来进行伴奏,要不然就是右手弹什么音左手就用什么样的和弦。而往往用这样过于简单的和声来进行伴奏,不仅没有起到很好的衬托作用,反而会使音这首音乐作品的风格和原有的意境都遭到极大地破坏。 3、创作实践能力不足。创作实践能力对于钢琴伴奏来说十分的重要,包括风格的把握,二度创作等等这些方面。拥有一个良好的实践创作能力,对于高等师范生来说无论是教学,还是在舞台上都具有重要的意义。 二、如何提高钢琴伴奏能力 1、在作品演奏技巧方面的提高。演奏钢琴的伴奏,最需要掌握的就是钢琴演奏的快速识谱能力。对于一名优秀的钢琴伴奏者来说,钢琴技能的高低往往不能够决定他的伴奏水平的好坏。当我们在拿到一首琴谱时,不要急于立马在钢琴上演奏,而是应该纵观全谱,要对这首作品的伴奏音型进行大致的分析,这样就对整首作品有了总体上的把握和大致的了解。但是切记,在练习时千万不要求快,而是要放慢速度,通过初步的练习,对整首曲子有更加深刻的了解,分辨出重难点。我们在读谱时要做到以下几点,首先是要:眼不离谱。在视奏时眼睛要尽量做到不离开谱面,这就需要我们对钢琴上键与键之间的距离较为熟悉,这样也防止了错音的产生。当然在读谱时我们的手指也要快速的反出音的位置,在对键盘的熟练程度加强后,弹奏时尽量眼睛不要看手,只看谱面,除非跨度很大的音可以用你的余光来看一看键盘,然后又迅速的回到谱面上。其次要做到眼比手快,要做到眼睛比手的速度要快一倍,这样才能够使你的思维具有连贯性这样的练习这样的能力是通过平常的练习来加强的是脑眼熟耳的高度集中配合才能提高的。 2、钢琴伴奏能力的提高,除了在技巧方面要进行提高之外,还要对作品的风格,情感结构和体裁的内容有所了解。也就是说,当我们拿到一首作品时,为了更好的把握作品的结构,以及风格,关键的一点就是要在演奏前要对作品进行具体的分析,也就是考验我们的作品分析能力。在日常的训练当中,我们可以通过对曲式结构知识的掌握和对乐曲曲式结构规律的分析来强化。除此之外,我认为伴奏者还应该对不同时代,以及不同类别的作曲家的风格特点进行了解。只有清楚的认识到这些,才能够让索伴奏的音乐,具有它自己特有的风格性质。 3、调整好演奏时的心态。在实际的钢琴伴奏当中,如果一名钢琴伴奏者运用十分平静的心态去演奏一首作品,那么往往就会缺乏激情和感染力,所要表达的效果也就十分的平淡。如果心情过于激动而到达不可自控的地步,就会出现极度兴奋和紧张的状态。这两种状态都不是我们在伴奏时的最佳状态。这就要求我们要对自身能力,以及自身的情感进行正确的评估,克服恐惧。错误,是每个人都不可避免的,更何况在演奏当中。所以当我们出现错误时,要学会冷静的对待,演奏时更应该冷静地将作品继续演奏下去,跳过已经发生的事实,而绝不能将思想缠绕在已经发生的和可能还会发生的错误上,否则会造成更多的错误。从而影响到整体的效果。钢琴的伴奏是一件非常难的事情,我们需要真正的付出时间与精力进行研究、学习和练习。要多弹奏多分析,多积累。钢琴伴奏者参加大大小小的演奏活动时,认真对待是必须的。 [参考文献] [1]刘聪,韩东.钢琴即兴伴奏教程[M].人民音乐出版社,1999. [2]许新华.中学音乐教材歌曲钢琴伴奏[M].广东教育出版社,2006. [3]龚耀年.全国新课程标准音乐教材歌曲钢琴伴奏[M].湖南文艺出版社,2007. [4]张丽君,陆志成.钢琴即兴伴奏教程[M].河南大学出版社,1997. 作者:程钰 单位:安徽师范大学音乐学院
期刊收录:CSCD 中国科学引文数据库来源期刊(含扩展版) 知网收录(中) 维普收录(中) 万方收录(中) SCI 科学引文索引(美) CA 化学文摘(美) JST 日本科学技术振兴机构数据库(日) Pж(AJ) 文摘杂志(俄) 国家图书馆馆藏 上海图书馆馆藏 哥白尼索引(波兰)
美育的主要内容就是对学生创造美、鉴赏美和感受美的能力进行培养,使之形成正确的审美观点,而这也是美育的一项重要任务所在。美育有利于人们艺术修养和审美情趣的提高,教育如果缺少美育就不能称之为完整的教育,美育的缺少势必会对人身心的自由发展造成影响。作为人内心情感体验最直接的表达方式,音乐能够直接、有效的对人的审美能力进行培养。正是基于它的这一特点,音乐教育在审美教育中的作用是其他艺术学科所不能相比的,是对人的审美能力进行培养的最为有利的方式。 一、我国初中音乐教学学生审美能力培养中存在的问题 (一)当前初中不重视音乐教育 现阶段我国初中学生不断提高了对音乐教学的重视程度,但是仍不能满足现阶段学生以及社会对音乐的需求,比如当前除了专门的培养音乐学生的学校之外,基本上所有的中学都没有制定严格的大纲。同时大多数学校的音乐教师人数较为缺乏,部分学校的音乐教师都尚未取得教师资格证。还有就是大多数的学校都将音乐当作为次要科目,没有制定与之相应的考核程序,在课堂上只是教师随意的教授,而学生到底掌握没有并不重要,一学期结束之后也没有进行考核,顶多就是教师随堂测试一下,成绩不会计入学分中。所以致使教师和学生都不够重视音乐课。 (二)学生对音乐缺乏兴趣 因为我国在实施教育的时候会存在的一定的偏差,致使大多数家长和教师都认为音乐教育可有可无。在这样的形势下,家长不支持孩子学习音乐,学生受音乐熏陶的机会教师,对音乐的认识不足,致使学生音乐方面的能力得不到较好的开发[1]。由于从小对音乐就没有兴趣,所以当学生升入初中后,因为教师不重视音乐,从而使学生更加无视音乐。因此,初中阶段的音乐课程就成了学生在学习主课之后的一种打发时间的方式。 (三)学生学习压力大,音乐课时不足 现阶段,我国初中阶段的文化课都排得十分紧凑,几乎每天都有语、数、外、英课程,而对于美术和音乐等课程,一周都只安排了一节或根本没有安排,有时还被语、数、外、英等课程所占用。此外,就算完成了每周一节的课程,也很难保证教学质量。因为课堂教学时间是极为有限的,教师智能简单地传授一些音乐基础知识,而和美育有关的教育是很难讲授全面的。并且要想培养学生的审美能力需要足够的艺术熏陶,在美好的音乐中对美好的事物进行鉴赏,这就需要大量的精力和实践,而现阶段大部分初中音乐课程都采用的是粗放型的教学方式,在这样的环境中,教师难以借助音乐课程对学生的审美能力进行培养。 二、培养中学生音乐审美能力的策略 (一)创设情境,感受音乐美 流畅优美的音乐让人心悦神怡;跳跃欢快的音乐让人无比愉悦;低沉缓慢的旋律通常让人感到悲伤。不一样的音乐情境所带给人的心情感受是不同的[2]。而在音乐课堂教学中教师富于艺术化额渲染以及美好的音乐,会让学生对音乐的美有更加深刻的认识,达到净化心灵的目的,从而使情感体验和审美主体得以实现,有了体验之后,学生才会对音乐作品产生浓厚的兴趣,才能立足于其它要素,对音乐进行理性地感知。反之,如果学生在课堂上学习或对曲子进行欣赏前,没有理解到这段音乐,或者教师所创设的情境缺乏合理性,那么势必会降低教学效果。 例如,在对古筝独奏曲《渔舟唱晚》进行欣赏的时候,教师可以以情感为着手点,引导学生欣赏音乐,要求学生将眼睛闭上,教师用极具感染力的语调和缓慢的语速向学生描绘这样一幅画面:“明月高高地挂在夜空中,宁静的江面上,渔民们因为获得了好的收成而感到十分高兴,荡桨归舟,渔舟飞扬……”在这样的描述中,一幅动态的“渔舟唱晚”的画面仿佛出现在学生的眼前,而教师所创设的情境恰好补充了《渔舟唱晚》中的旋律,使之一会儿平静、一会儿激荡的画面更为生动,让学生在较短的时间内全身心的参与到音乐活动中,进而为之后的教学奠定了情感基础。又如在欣赏《松花江上》的时候,若是学生在进行欣赏前就对祖国抗战时期东北人民有仇不能报、有家不能回的亡国历史有所了解,然后再对其进行欣赏,那么学生就可以对悲愤交加的爱国情感有更加深刻地感受,因此,教师在进行教学的过程中,应有意识地位学生创设这一段的历史背景,让学生更加容易的感受到此歌曲表达的情感。因此,创设情境,对学生感受音乐美极为有利。 (二)运用多种形式的教学方法和手段,促进学生的审美发展 从艺术角度来说,音乐主要是艺术方面的,而要对音乐有更好地理解,第一步就是要学会聆听,须知任何东西均不能取代在聆听音乐中获得的感受。高中生在平时生活中经常都会参与丰富多彩的社会音乐生活,对参与音乐生活他们充满期望,而除了听,唱、跳、表演等也不得少,因此音乐欣赏课在聆听后应采用多样化的教学手段组织多种音乐实践活动,而活动需按照要求与条件的不同而有所区别,以将学生的求知欲与表现欲给激发出来,使之才能在自主学习中展现出来。在教学中辅以现代化多媒体手段,可快捷、方便的展示意境,且也可超越时空。通过形象生动的电化多媒体展示,学生可快速的对音乐语言进行理解,能够轻松的营造出美的氛围对学生进行感染,在发展学生的审美上起到积极作用。 比如,在借助多媒体课件进行瑶族舞曲欣赏的教学时,节奏明快、旋律质朴的民族管弦乐曲不断传入学生耳中,而他们更看到身着节日盛装的瑶族人民在皎洁的月光下载歌载舞,乐曲的情绪感染了所有学生。乘此机会,教师就可鼓励学生跳起来,使他们在欢庆场面中对音乐的内在美有更深刻的感受,更深层次的发展学生的审美,让其一边享受欢乐,一边体验乐曲中的音乐主题。 (三)在创作改编中感受魅力 为了对学生的创造能力进行培养,当前,音乐创编教学已经在一些有条件的中小学开展,其不但可发展学生的音乐思维,也可对他们的音乐思维水平进行验证。从另一个角度说,要使学生和音乐之间的距离缩短,第一步就是将音乐的神秘感消除[3]。通过老师的引导,学生将所学音乐语言与音乐表现手段给利用起来进行创编,插上想象的翅膀,酣畅淋漓的进行情感表达。比如,在完成一首作品的学习后,请学生结合自己所理解的音乐,利用其它乐器重新设计乐曲的伴奏,并进行即兴演奏,使学生对创编的乐趣有更深刻的感受。演绎时,可以通俗流行的音乐伴奏方式呈现传统的民族音乐,也可用中国风格的方式来混搭处理国外的作品,同时也将当下备受年轻人追捧的打碟引入进来,对金属和电子音乐的魅力予以感受。学生的主动性、创造性、灵活性通过他们的积极参与而被激发出来,也较好的锻炼了学生的协作能力,并对音乐的魅力感受至深。 结语: 总之,教师需在音乐课堂上有意识的培养学生的审美能力,通过科学的合理的教学方式引导学生对音乐进行欣赏。并为学生创设一个良好的音乐情境,使之在这一情境中对音乐之美的感受加深。与此同时,教师还在教学过程中对学生直观能动性的发挥和主体地位予以充分尊重,充分联系起音乐和生活实际,帮助学生将生活中的美给找出来,促进学生审美能力的提高。 参考文献: [1]苏园.浅谈初中音乐欣赏教育中审美能力的培养[J].中外交流,2017(25). [2]郑启娜.论述初中音乐教学中学生审美能力的培养[J].戏剧之家,2017(9):256-256. [3]吴婷.音乐欣赏教学中学生审美能力的培养研究[J].成才之路,2016(17):32-32.
一、音乐理论课上提高学生积极性的方法分析 (一)提高教师的语言修辞能力 音乐教师在进行授课的时候,要注重语言的科学性,这样才能够体现出语言的艺术与魅力,语言的修辞能力是提高学习兴趣的关键所在,教师的语言能力在一定程度上决定着学生以后的发展,利用形象、生动的语言,就能够将复杂的问题变得更加简单,还能够巧设悬念,注意语言的简练准确,能够确保学习的效果。当然作为音乐教师首先要做的就是提高自身的素质与水平,不断地学习更多先进的知识,多参与到教学培训中去,只有提高了自己的能力才能够教好学生。 (二)启发学生的学习兴趣 以《非洲的灵感》为例,在这节课的学习过程中,学生对非洲音乐也不够了解,也不够感兴趣,因此在课前的时候作为教师应该利用多媒体给学生播放此类的歌曲,因为很多学生都对足球世界杯感兴趣,所以可以播放世界杯的主题曲《非洲时刻》,如果学生对这些歌曲熟悉,那么就能够准确地掌握这些音乐的特点,从而激发对非洲音乐的求知欲。或者教师也可以利用小组比赛的方式来调动学生的积极性,将所有的学生分为几个小组,每一个小组选一名学生作为组长,当播放完一首歌曲的时候,教师就可以让学生自由地去讨论这首歌曲的名字,然后由每一个小组的小组长进行发言,这样以小组竞赛的方式会让学习变得更加的有趣,学习音乐的时候也会更加的容易。 (三)课堂上的教学内容丰富 让课堂教学的内容更加丰富也是提高学生积极性的主要方法之一,教师在进行备课的时候,要多搜集更多的素材,能够从不同的角度来了解非洲的地方特色,主要是了解非洲的音乐,还要给学生展示更多的非洲乐器的图片,很多学生对这样的音乐或者乐器有所了解,能够从多个方面来了解作用,在他们欣赏非洲音乐的时候能够找一些比较熟悉的音乐,例如,学生都看过成龙的《我是谁》这部电影,在电影中就有很多的非洲音乐,教师可以截取一些片段来让学生欣赏,或者可以让学生一起学一学非洲舞蹈,亲身体会非洲音乐的魅力。 (四)提高学生的参与积极性 首先在进行音乐课教学的时候要面向全体的学生,多鼓励学生进行个性化的发展,在教学中要处处体现以学生为主体,进行师生之间的互动,如果将音乐课能够面向全部的学生,那么学生的个性就得到了发展,也能够让学生更加喜欢音乐课。其次,音乐课堂的教学应该保证民主性,教师在上课的时候应该转变以前的教学模式,在传统的教学模式中都是将教师作为课堂的主体部分,教师传授知识,学生只是被动地去听,这样的效果并不好,教师在教学的过程中应该时刻体现对孩子的关注,确保在人格关系上的平等,这样才能够改善学生在音乐课上的参与意识,提高学生学习的积极性。同时,作为音乐教师也要有一定的进步精神,要求教师不断地学习各种业务,注意钻研教学的具体方法,能够在教学的过程中体现出双向互动的特点,音乐教师不仅要具备坚实的业务功底,也要能够不断地拓宽自己的视野,具有勇于创新的精神。最后作为教师要能够掌控课堂,科学合理地设计课堂教学的每一个环节,能够利用有效的教学方法提高教学效率。 (五)教师评价的重要性 教师的课堂评价对于学生的发展来说,也有很大的帮助。教师在进行评价的时候要注重每一个学生的感受,主要以激励的方式为主,能够多发现学生身上的闪光点,并给予一定的表扬与赞同,因为在每一个教学环节中教师与学生之间的关系都是最关键的,人们都说好孩子是夸出来的,想要让学生的课堂积极性提高,就要让他们变得更加的自信,给予他们更多的是肯定与支持,同时教师要做到在课堂评价的四个多一点:多一点幽默、多一点鼓励、多一点探讨、多一点理解。在这样鼓励方式下学生的积极思维才能够获得更大的发展,从而促进学生的发展。总之,能够调动学生积极性的方法是很多的,只要能够努力的探索,就能够让学生更加的喜爱音乐课堂,那么学习效果也会更好。 二、结束语 综上所述,主要对音乐理论课上提高学生积极性的方法进行分析,可以看出,音乐教师的责任不是将所有的学生都培养成音乐家,而是让学生更加的热爱音乐,并且鼓励学生能够有更新的认识,为学生创造出更多的音乐空间,充分发掘出学生的内在潜力,让学生得到更好的发展。 参考文献: [1]王沥沥.综合音乐感教学法在中国传统音乐理论课教学中的实践与意义[J].星海音乐学院学报,2017(2):124-129. [2]江雪,郭松.浅谈音乐理论课程中多媒体教学的应用[J].北方音乐,2017,37(1):130. 作者简介:邵美崎,内蒙古自治区乌兰察布市,乌兰察布职业学院。
现如今,在一些倡导自主学习的小学体育课堂上,细心观察就会发现有这样一种现象:很多教师错误地理解了自主学习,认为布置任务让学生自由练习就是自主学习,这就导致大部分学生都是在操场上自由玩耍,更甚者有些学生在从事一些与体育课堂无关的活动,还有一些就是在旁观或无所事事。显然这样的体育课堂是没有丝毫教学效果可言的。这样的课堂学生固然是活跃的、自主的,但是学生真的能学到体育技能并得到很好的锻炼吗?显然不能。这是因为很多体育教师没有认真研究课标要求和课标的规范,错误理解了“学生自主学习”这一概念,导致体育课堂的教学效果越来越差。因此,如何让体育教师理解课堂上的学生自主学习显得尤为重要。 一、优化教学策略,强化学习效果 (一)加强对学生自主学习概念的理解 自主学习就是教师在课堂上为达到一定的教学效果而设计的教学环节,在自主学习中需要更注重学生主观能动性的培养,让学生的自主学习过程为课堂的教学目标达成做好铺垫。在学生的自主学习中,教师要转变角色,由传授者变为参与者,并且与学生一起进行探究、研讨,通过与学生的交流,了解学生在学习中的所需,并针对学生的需要进行再次补充,扩充教学内容。学生通过自主学习,要真正了解到自身所缺,并能得到“良方”。对学生在体育课堂中的自主学习过程,教师也需进行及时评价和总结,让学生乐于参与到自主学习中,并体会自主学习带来的快乐和收获。 (二)充分发挥学习兴趣,提高自主学习能力 小学体育教学,有很多项目的运动技能学习,但在每个项目的学习中,学生总会有些非常感兴趣,有些则丝毫不感兴趣。针对此类现象,如何才能做到让学生喜欢上自己不感兴趣的运动项目呢?为此,笔者总结了一些经验,可以根据学生的不同兴趣和爱好分成不同的小组进行合作教学。比如,将喜欢篮球和足球的学生分一组,同伴之间互相展示技能,互相激励对方,让原本不喜欢篮球的学生觉得打篮球也很有趣,让原本不喜欢足球的学生觉得足球也很有魅力,学生之间相互交换技能,进行同伴间的自主学习尝试。又如,在立定跳远学习中,将爱好篮球的学生和不大爱运动的学生分成一组。喜爱篮球的学生弹跳力很好,在学习中轻易就掌握了立定跳远的动作,而不爱运动的学生则学习得较慢,笔者让每个小组10分钟自主学习后进行比赛,合计跳得最远的组获胜。笔者话音一落,各小组就忙碌起来,跳得远的教不爱运动的同学,俨然一个个严肃认真的小教师。最终在各组的积极自主学练后,每个学生都学会了立定跳远,个个脸上都洋溢着自信的笑容。 (三)充分利用资源,创设自主学习的氛围 在学校体育工作中,教师可以利用新开发的不同类别课程提升学生运动的参与度,让学生自主选择参与,比如,学校的啦啦操俱乐部、乒乓球俱乐部、羽毛球俱乐部、篮球俱乐部等。学生可以根据自己的兴趣爱好,选择喜欢的俱乐部参与,在自己喜欢的俱乐部中能学到更多的运动技能,同时提高自己的身体素养。俱乐部的设立,给了学生更多选择的空间,学生能在俱乐部中结识志趣相投的同学,这样更大大增强了他们自主学习的能力。学生在俱乐部会相互学习、相互竞争,逐步增强了自己自主学习的能力,同时也提高了自身的沟通能力,培养了团队意识,更为学生的终身体育打下了坚实的基础。另外,学校还可以联合社区、街道等多开展一些如“小小运动员”“亲子运动会”等体育活动,让学生向社会展现所学技能,从而增强运动自信,同时也会为学生在校能够更好地参与体育学习打下坚实的基础。 二、创设自主学习平台,增强自主学习意识 (一)特色实践,让学生乐于参加 教师要让学生喜欢一个项目,就必须要做到对学生的喜好有所了解,需要先通过调查研究了解学生的喜好,再根据学生喜好的项目创编多种特色课程。因此,了解学生的喜好及项目的创设必须纳入学校体育工作的整体规划。如学校的体育校编课程“乒乓球”,全校学生参与度很高,为此我们规划了乒乓球操表演、乒乓球特技表演、乒乓球联赛等活动。学生在学习的过程中,大胆创新、大胆尝试,创新出乒乓球的多种玩法,这给他们带来了巨大的自主学习的空间,也充分发挥了他们自主学习的想象力、创造性,让学生的自主学习通过学校搭建的平台落地生根。 (二)打破传统束缚,让学生一起学习 如果让一个人去运动,其可能只能坚持一段时间;如果让一群固定的人和一群爱好相同的人一起运动,他们一定会快乐地并坚持参加。在学校的俱乐部课程中,笔者通过跑班了解,招募了一群志同道合的学生,他们不分年级、不分班级、不分性别,只为一个共同的爱好聚在俱乐部学习。这就打破了传统体育课堂的教学,在俱乐部中,不同水平段的学生相互学习、相互借鉴。俱乐部的体育教师则是利用这样一个场合,为这些学生创造出更多的自主学习的机会和时间,让俱乐部里的每一个学生都能充分体会自主学习所带来的乐趣及自信。 (三)开展体育竞赛,让自主学习开花结果 体育教师利用课堂教学为学生创造了很多自主学习机会,同时在俱乐部活动中,学生也得到了很多自主学习的时间,加上课后的一些培训学习,学生在自主学习中得到了充分发展。此时则需要创设一些比赛项目,检验一下学生自主学习的成果。为此,学校开展了每月一次小型竞赛、每学期一次大型运动会、冬季开展“冬锻三项”等比赛,为学生提供了许许多多的展现平台,再加上班级之间的友谊赛,可以说学生展示自我的舞台无处不在。学生通过这些比赛,充分展现了自己的自主学习成果,对自主学习更加充满信心。 三、多元化评价提高学生自主学习的积极性 检查是督促学生自主锻炼的基础。如何让自主学习的成果落到实处,这就需要对此进行全方位的客观评价。在学生的自主学习中,如何做到对学生的学习成果进行更有力、更公平的评价,这就需要我们采用多元化的评价方式。 (一)学生自评 学生自评,顾名思义就是学生的自我评价。学生在教师的指导下进行自主学习,此时学生就要学会自我评价。比如,在立定跳远的教学中,学生通过自主学习,在课堂结束前可以通过跳的远近来检验自己学习的成果。学生通过自评来了解自己在课堂中自主学习的效果,从而察觉自身需要改善的地方,最后自我设立目标,争取更大的进步。 (二)学生互评 学生相互评价则是以小组为单位,在自主学习过程中,通过同学对自己的观察和表现进行评价。这种评价模式可以让自己更清楚地了解自己在同学眼中的表现,同时根据不同同学提出的评价与建议不断完善自己。学生通过互评,不仅能及时了解到自己的学习成果,还能够与同学之间更好地沟通,寻求更多的突破。 (三)教师评价 在不断完善的评价体系下,教师的评价也由单纯的成绩论逐步转变成对学生的自主学习过程及学习效果进行综合评价。教师通过与学生进行交谈和询问,采取定性与定量相结合的方式进行评价,如自主学习中学生的学习效果、测试成绩。教师的评价相对来说更全面、更具体,能够给学生带来更加具体的指导意见,也可以为学生的下一步发展规划好蓝图。 四、结语 在小学体育课堂教学中,教师要想做到让学生自主学习,就必须把学生放在主体地位,这样学生自主学习才会变得可能。同时,教师要依据学生的身心发展规律和技能形成规律,为学生创设有利的学习条件,营造积极的自主学习氛围,不断激发学生学习的兴趣和学习动机,为学生的自主学习创造条件。学生通过自主学习,学会不断探索和思考,从而真正把自主学习对促进学生体育知识的获得和技能的形成落到实处。 【参考文献】 [1]鲍卫民.在体育教学中如何提高学生的自主学习能力[J].科普童话(新课堂),2013(5). [2]宛宏元.儿童运动喜好与小学体育课程教学探讨[J].小学时代(教育研究),2013(2). [3]何胜强.小学体育教学中合作学习教学模式的研究[J].新课程(小学),2013. 作者:赵凯 单位:江苏省南京市夫子庙小学
随着我国社会主义事业的不断发展,教育工作成为当前社会各界都十分重视的工作。进入新的历史时期,对于学生教育已经不仅仅停留在只重视成绩的方面,更重要的是全面素质的提升。在很多中学在对于学生的教育中,将音乐对于学生的素质教育放在了重要的地位。 一、中学生音乐教育的现状 我国对于中学生的音乐教育在学校的教育中一直设有相关的课程,但是在不同的历史时期对于音乐教育的重视程度不一样。改革开放以后,人们无论从经济水平还是从教育水平都得到了很大的提升,对于音乐教育也更加重视。通过引进国外先进的教育思想,结合我国中学生音乐教育的实际水平,探究出适宜的教学模式,音乐教育取得了不少的成就,对于素质教育起到了很好的促进作用[1]。但是,就当前的音乐教育而言,仍然存在着不少的问题。首先是中学生的音乐基础比较薄弱。在对中学生的音乐教育中发现,很多学生的音乐基础较差,对当前年龄阶段应该了解的音乐知识不能够很好的掌握,使得学校的音乐教育产生了很多阻碍。而且,对于中学生的音乐教育不能够结合其自身的特点,造成了整个的教学效果较差。其次是学校教师的认识不够。在当前学校的音乐教育中,很多老师仍然把音乐教育当作是无足轻重的课程,认为最重要的还是要提高学生的文化课成绩,甚至有些老师会占用学生的音乐课程上其他的文化课,这也阻碍了音乐教育的发展[2]。再者,由于学校的重视程度不够,很多音乐老师的教学水平不高,教学设备比较陈旧,这些客观因素也给中学生的音乐教育产生了很大的影响。 二、中学生素质教育中音乐教育的特点 我国在教育事业的不断发展中,逐渐认识到音乐教育的重要性,在中学生的全面素质教育中也产生了十分重要的作用。音乐教育不仅仅是通过音符和旋律来传达出要表现的内容,相对于文化课程而言,它本身比较抽象,对于学生的思想意识会产生一定的影响。音乐不仅是一门课程,它可以渗入到生活的方方面面,对人们的思维和生活产生一定的影响。在我国当前的音乐教育中,要通过多种多样的教育方法提高学生对于音乐的兴趣,同时鼓励学生有发散性的思维,体会音乐的内涵和情感,提升自身的内在素质。这样,也更能凸显音乐教育在我国素质教育中的重要性。 三、音乐教育对中学生素质形成的重要性 针对音乐教育对中学生素质形成的重要性来说,可以分成以下几方面进行分析和讨论: (一)提升道德水平 音乐教育在对于中学生思想的影响是潜移默化的,在一点一滴中会进入学生的生活、情感,从而能够让他们感受到另一个世界,形成坚毅的品格。一直以来,音乐教育对于学生道德思想形成就收到音乐家的普遍认可。曾有音乐家表示,音乐有很强的社会作用,可以唤醒中华人民的精神。音乐是一种世界共通的语言,具有穿透灵魂的力量,能够改善人们的心灵活动,因而,音乐教育对于提升中学生的道德水平具有重要的意义[3]。 (二)促进智力发展 通过各种研究,心理学家霍华德所提出的多元智力理论,其中就包括了音乐智能理论。该项理论是指每个人都有对音乐的感受,然后通过作曲、歌唱等不同的艺术创作的形式来表现出自己的感受的能力,被称为音乐智能。这种智能对于智力的发展具有重要的意义。现在的中学生通过感受音乐,能够发展自身的抽象思维能力。处在中学阶段的他们,思维水平处在一个形象向抽象的过渡阶段,通过对音乐的学习,提高他们的抽象思维能力,提高了他们对于学习的兴趣,同时也促进了智力的发展。 (三)促进身心健康 当前的社会发展迅速,对于学生而言,来自学习、生活的压力影响着他们学习和生活。在这样的环境之下,健康的身心能够帮助他们更好地适应学校高强度的学习。音乐可以调节中学生的心理活动,调节他们的情绪,有效的缓解他们在学校当中遇到的各种压力。有的学校甚至设立了“音乐治疗室”,来帮助学生解决在学校中遇到的各种压力。 四、结语 音乐教育是一门十分重要的学科,对于培养学生的道德,促进智力的发展,促进学生身心教育的发展具有重要的意义。通过音乐教育,能够让学生感受到不同的世界和情感,对于中学生世界观、价值观、人生观的形成都有很大的促进作用。在音乐教育中进行素质教育的融合能够对今后中学生的发展有进一步的推进与教育方面的提升,以便全面促进今后教育的发展。 [参考文献] [1]张寒梅.中学生素质教育的现状以及对策研究[M].西南大学,2012:34-39. [2]刘毅飞.我国中小学音乐教育存在的问题及改革构想[J].文教资料,2014,12:16-20. [3]吕琪慧.浅谈音乐教育在素质教育中的作用[J].黑龙江高校研究,2012,09:98-99. 作者简介:石登祥(1969-),男,贵州普定县人,大专,贵州省安顺市普定县第二中学,中学音乐一级教师,主要研究方向:中学音乐教育教学。
自我国高校扩招政策实施以来,我国多数高校录取的学生数量不断上升,学生的学习水平以及能力之间的差异十分明显,虽然部分大学生出现学业不良问题是由其自身因素造成,但也有很多学生是由于一些外部原因的影响。近年来,国内高校出现退学、留级、无法毕业、未被授学位等情况比比皆是,这引起了人们对高校教育的深入思考,也有不少研究者对学业不良大学生的成因进行了深入分析,但在实践的教育中,还需要进一步的改善,以促进我国高校教育的教学质量得到进一步提升。笔者综合自己的教育经验以及相关研究者的文献研究,对学业不良大学生的成因及教育转化策略进行探讨,希望为我国高校教育质量的提升尽绵薄之力。 1大学生学业不良的成因分析 1.1学生本身因素 首先,大学生对所修专业的理解与认同因素。大学生选错专业是普遍存在的问题,这是由于大学生在选择学校与专业时,对所报专业没有认真理解和研究,未结合自己的兴趣与学习能力来评价专业与自己的适应性,从而导致选择的专业与自身能力不符合,进入大学后没兴趣或不具备学习专业知识的基本知识水平,从而使得学业问题频发。其次,大学生的学习动机问题。大学生在经过了一番学习苦战后才通过了高考,进入大学后却无法找到一个奋斗的目标,对学习和理想存在茫然的状态,长此以往,学生的学业问题便会爆发。此外,部分大学生定的学习目标太大,但是自身的学习能力有限,在无法达到目标时常常产生焦虑和失落等心理,从而严重影响其认知能力,学习潜能也难以被发挥。[1]再次,大学生基础水平以及学习方法因素。大学学习阶段,学生的学习具有很强的自主性、目的性以及选择性,其学习目的多数是为了未来的发展或兴趣。部分学生没有正确认识大学学习的特点,从而一直采取高中所用的学习方法,在课堂接受知识与课后巩固知识、拓展知识等方面存在很大的困难,部分学生还存在严重的偏科现象,在理解知识方面的困难增大。还有部分学生的学习能力较差,其阅读、分析、理解、推理以及应用知识的能力较差,也使得其出现学业问题。[2]最后,学生的心理因素。心理因素对一个人的成长与发展具有很大的影响,心理素质更是人才培养的优秀素质,从相关的大学生心理健康的研究来看,我国大学生的心理健康状况还存在较大的问题。学业不良大学生的心理因素主要体现为:(1)心理素质较差,对大学环境的适应能力较差。部分大学生在进入大学后,由于无法较好地适应新的环境、相互比较产生的心理失落、集体生活适应困难以及人际关系等等,均使得其学习积极性降低,从而不能发挥学习潜力。[3](2)不良心理情绪的影响。出现学业不良使得学生的自卑心理比较严重,还常常出现自我怀疑,优柔寡断,做事缺乏意志力等,不良的心理情绪使得学生的学习积极性受到严重的打击和限制。(3)自我约束和管理能力较低。部分大学生来自比较偏远的地方或在高中及以下学习阶段时受到家里的灌输较多,在进入大学后会对网络感到充分的好奇和迷恋,将大量时间花费在网络游戏以及娱乐中,逐渐失去学习的动力与信心;还有部分学生将大量时间用于兼职等,学习时间减少,学习成绩不断下降。 1.2外部因素 大部分学者将学业不良大学生的外部因素分成三个方面:第一,家庭原因。家庭环境对一个人个性与心理素质的影响很大,部分家长对孩子的教育方式过于宠溺,常常是放任其自由发展,没有较严格的管控方式,使得小孩出现严重叛逆及依赖心理;部分家庭没有和谐的交际交流氛围,家庭和谐状况较差,学生的负面情绪及压力较多;还有部分家庭中,家长对学生价值观的培养方式不当,出现经济困难时,学生的自卑心理变得十分严重。第二,教学因素。部分高校的教育教学存在很大的问题,在人才培养方面与社会实践需求不符,使得学生的社会适应能力较差,学习的积极性降低;有的教师专业理论水平或实践教育水平较低,教学方法与模式单一枯燥,不能认真关心学生的发展与心理,了解学生的理解能力与学习能力,教学方式无法满足学生对知识的需求,学生的课堂参与较降低;还有一些教师将大量的时间与精力用于科研,而对于教学工作的关心较少;部分学校的学习氛围较差,学生的学习没有紧迫感,影响学生的学习积极性。第三,社会环境的影响。当前,社会文化与经济环境纷繁复杂,大学生在“拜金主义”“就业困难”“读书无用”“知识比不上经验”等不良的社会价值观的影响下,逐渐失去了学习的信心。另外,随着网络信息的快速传递,如果学生无法用正确的思想与观念来看待网络信息,容易受到网络信息的误导,对社会产生极端式的理解与认识,无端产生重大的压力。[4] 2学业不良大学生的教育转化策略 2.1解决学生本身因素对学生的影响问题 首先,重视培养学生的情商。学业不良大学生的不良情绪较严重,想要较好地控制不良情绪,缓解不良情绪导致的压力,学生需要学会如何进行自我疏导、教育、评价和调节,不断降低不良情绪带来的影响。在教育中,需要注意对学生挫折方面的引导教育,帮助学生形成强大的心理承受能力;重视乐观教育,培养学生良好的心境,在此过程中,需要了解不同的心理状况的教育方法,运用各种具有针对性的教育方式,增强学生的心理素质。[5]另外,学校的教育不能仅仅停留在校园层面,应重视家庭教育的渗透,并争取更多学生的广泛参与,加强改善校园学习环境与生活环境,营造良好的校园文化氛围,缓解学生的焦虑与孤独感,逐渐排除心理障碍得,让学生在学习兴趣、学习意志、人际关系以及学习信心与能力等方面均得到改善。其次,加强学生的心理辅导。不良情绪以及心理问题与学生的不良学业有很大的关系,高校教育中应加大学生心理辅导,及时解决学生存在的心理问题。教师应对学生的学习动机以及学习方法进行培养,转变学生的认知方式,让学生应用新的方式面对大学的学业。再次,建立心理辅导和支持系统。针对目前高校学生心理问题比较严重的现象,学校应建立和完善心理辅导和支持系统,让学生能够通过该系统获得帮助,缓解其心理负担。部分学校的心理辅导采取的是面对面辅导方式,在学生遇到心理问题时,想要进行心理咨询,需要通过电话等方式与心理辅导老师预约,然后再到教师的办公室开展心理辅导,但是部分学生的不良心理状态较为严重,既不希望教师知道自己是谁,又希望得到教师的帮助。基于此,学校可开通“隔空传话”的心理辅导方式,建立网络体系,让学生通过匿名的方式向教师求助,从而得到教师的帮助。 2.2解决外部因素对学生影响的问题 2.2.1完善教学方式 高校应积极改善教学模式,积极采取主体教育的方式,强化教育有效性。在教学中,应充分重视学生的主体地位,尊重学生的“主角”位置,促进学生积极参与到课堂教学中,教师需要以辅导和引导的方式来调动学生的学习主动性与积极性,激发学生的创造能力。[6] 2.2.2教学模式的个性化 高校教育应避免单一、枯燥的教学模式,积极探索和应用多样性的教学方法。在教学内容的设置上,应充分满足多数学生的知识需求与个性化发展需求。课程安排上,减少教师的讲解时间,增加学生讨论、探索的时间;减少必修课程的安排,增加选修课程,促进学生发展自己的兴趣,从而提高学习效率。教学实施中,积极应用导入式、启发式、讨论式等先进的教学方法,合理利用多媒体教学手段,为学生提供更多的实践机会,使学生具备学以致用的能力,也能促进学生认清自己未来的发展道路。 2.2.3转变学校考核与评价方法 目前,还有不少高校对学生的学习成绩评价采取单一的终结式评价办法,为了应付“密卷”考试,学生整个学期的学习内容就停留在考试的部分,严重挫伤了学生的学习积极性。所以,高校需要积极转变教学考核与评价办法,积极实施过程性评价与终结式评价的结合,提高过程性评价在学生成绩评价中的比例,完善过程性评价方法,对学生的学习成绩作出全面、合理、科学的评价,激发学生的学习兴趣与学习参与性。 参考文献: [1]王宁,张琰.基于班级心理主题活动的大学生学业不良预防策略[J].盐城师范学院学报(人文社会科学版),2017(4):109-111. [2]姚家军.大学生学业不良的成因和教育策略:基于对福建某工科学校的分析[J].开封教育学院学报,2017(3):149-150. [3]张琰,王宁.学业不良大学生的个案辅导策略:基于人本主义心理治疗的视角[J].太原城市职业技术学院学报,2017(2):94-95. [4]张琰,王宁.国内大学生学业不良研究现状与展望[J].科教文汇(下旬刊),2015(10):38-40. [5]曾媛,刘敏岚.学业不良大学生的心理特点、成因及对策研究[J].江西理工大学学报,2015(4):46-49. [6]吉明明.学业不良大学生的学习动机激发[J].江苏高教,2015(2):89-90. 作者:臧楠 朱爱辉 单位:辽宁师范大学
随着我国高等教育改革快速发展,高校招生规模进一步扩大,招生生源也呈现多样性特点,其中,民族学生人数也显著增加。民族学生作为高校大学生的重要组成部分,是民族地区经济发展和高校和谐校园建设的重要力量。在社会意识形态多元化和民族文化多样性的今天,了解民族学生思想政治引领在和谐校园建设中的作用,分析民族学生思想政治引领存在的问题,探索加强民族学生思想政治引领的有效途径,对构建和谐校园、促进民族学生全面发展以及维护国家安全稳定具有十分重要的意义。 一、民族学生思想政治引领在和谐校园建设中的作用 (一)构建和谐校园建设的需要 科学有效对民族学生进行思想政治引领是高校构建和谐校园的前提和有效手段。通过加强大学生思想政治引领,可以有效实施“和谐校园”构建的新教育价值取向和教育理念,可以确保和谐校园建设的方向和实施,扎实推进社会主义和谐社会建设,帮助民族学生建立正确的“三观”教育,引导民族学生树立和谐发展和与人和谐相处的理念,进而促进和谐校园精神的创造、促进制度体系的阐释、分析和普及推广及受教育者的素质塑造。 (二)实现民族文化多样性发展的需要 民族文化多样性的和谐发展是民族关系和谐的源泉,在高校和谐校园建设中有着不可替代的作用。加强民族学生思想政治引领,尊重民族文化的多样性,可以让学生更好了解和认识文化内涵,保护和发展各民族的优秀传统文化,同时又能够让民族学生在文化交融中增强自我认同感,培养自信心,激发学习热情,促进各民族间多渠道、多层次的文化交流学习,提高其在就业和择业过程中优秀竞争力,为进一步提高民族学生综合能力和素质打下坚实基础。 (三)高素质人才培养的需要 培养高素质的人才是高校和谐校园建设的重要任务。民族学生作为高校中的一个特殊群体,他们的成长环境更加复杂多样,学以致用更加艰难,因此,在构建和谐校园的视阈下,树立“以人为本”的教育理念,加强对民族学生思想教育的引领作用,突出重点,将工作做实、做牢、做细,唤醒民族学生“三个”意识,培养民族学生“三自”能力,促进他们全面、健康、和谐发展,将他们培养为担当民族复兴大任的时代新人,从而推动和谐校园的构建。 二、民族学生思想政治引领存在的问题 (一)工作重视程度不够,缺乏分类指导 在党的报告中指出:“要以培养担当民族复兴大任的时代新人为着眼点,强化教育引导、实践养成、制度保障。”但是许多高校没有把思想政治引领工作放在贯彻党的意识和主张,自觉服从服务党和国家的工作大局来落实,对思想政治引领工作肩负起培养民族复兴大任的时代新人的认识不够,在人、物、力等资源没有给予充分保证,不能有效地将校内外资源的合理整合并形成思想政治工作的合力。同时没有考虑和重视到民族学生思想政治引领的普遍性和特殊性,没有找准工作着力点和结合点,没有聚焦突出问题,缺乏分类指导,导致引领的效果不理想。 (二)引导教育把握不够,缺乏自觉性 首先,高校共青团干部由于人员少,日常活动多,缺乏和民族学生的有效沟通和交流,对民族学生的实际困难、自身压力以及真实的思想状况了解不够,未能把民族学生思想引领工作做实、做牢、做细,工作缺乏自觉性;其次,高校共青团干部多数都是刚毕业就进入共青团系统,在知识认知、工作经验、理念信念等方面比较欠缺,同时缺乏系统化培训和学习,无法准确把握思想政治引领的内涵,导致开展思想政治引领的吸引力和说服力不足。此外,由于社会环境复杂多变性和民族文化、心理特质、民族历史等特殊原因的影响,民族学生的理想信念不够坚定,国家认同感不强、宗教信仰盲目、价值观偏差、心理素质偏低、学习能力下降,兴趣缺乏和进取心缺失,导致开展民族学生思想政治引领效果不理想。 (三)教育观念手段落后,缺乏创新性 现今许多高校在民族学生思想政治引领过程中,教育观念落后,缺乏针对性、灵活性的个性化指导,在“两课”课程设置上也没有民族学生的思想政治引领相对应的教育内容,对民族学生思想政治引领缺乏实效性。同时对多媒体技术、新媒体等媒介以及民族学生所喜欢的文体活动特点掌握不够深入,教育手段缺乏创新,不能有效地对民族学生思想进行的教育引导。 三、加强民族学生思想政治引领的有效途径 (一)构建具有民族特色的工作机制 民族学生思想政治引领具有普遍性,也有特殊性,要充分理解和尊重民族学生的生活方式、习俗以及民族情感,通过建立民族学生管理体制、管理责任制、预警机制等构建具有民族特色的工作机制,进一步完善民族学生的思想政治引领的工作机制,学会分类引导,统筹规划,重视民族学生个性差异,关注民族学生思想动态,掌握其发展变化规律,因材施教,营造一个和谐健康的育人环境。 (二)创新教育理念和方式 针对民族学生思想政治引领现状和制约因素,从民族学生思想政治引领特点出发,对民族思想政治引领教育理念和方式进行创新,坚持“以人为本”的教育理念,关心和帮助民族学生,对经济有困难、心理有障碍的学生要在学习、就业上给予引导和关怀,使民族学生尽快适应大学生活,理解和掌握科学学习方法,学会获取信息来源的方式,提高获取知识信息的能力,提高自身综合素质和能力,从而使民族学生对中华民族文化和中国特色社会主义发展道路高度认同。同时要发挥网络思想政治引领资源优势,将思想政治引领与网络学习紧密结合,加强网络资源的使用、建设和有效监管,积极用主流、健康文明、积极向上的思想和信息占领网络阵地,不断扩宽思想政治引领的新途径,不断推动思想政治引领更加广泛深入到民族学生学习和生活。 (三)强化共青团组织作用 共青团组织是高校开展思想政治引领的重要平台和有效载体。因此要把握好形势发展需要和实际情况,坚持以理想信念教育为优秀,爱国主义教育为重点,紧扣时代主题,丰富教育内容,积极探索有效形式,努力引领民族学生与时代同步伐、与祖国共奋进,与学校齐发展,形成团委主导、骨干带动、支部落实,青年学生参与的思想引领工作立体化工作格局,构建依托党团重大会议,深入学习相关路线、方针、政策;依托重大纪念日,开展贯穿全年的爱国主义教育活动;依托重大历史事件,开展内容丰富的主题教育实践活动机制。同时围绕“三个依托”,通过组织举办报告会、“中国梦”、“一学一做”、“我与祖国共奋进”“三观三热爱”等主题教育活动、“践行新思想,拥抱新时代”组织生活会、“不忘初心,牢记使命”主题团日活动、“研读报告,首府青年话使命”主题演讲比赛等丰富多彩的教育实践活动,发挥共青团组织的组织优势和政治优势,使民族学生进一步坚定信仰、树立信心、理性思考、明确目标、提高素质,积极投身到建设社会主义现代化建设中,为实现中华民族伟大复兴的中国梦不懈努力。 (四)营造多民族文化融合的校园文化氛围 尊重和理解各民族间的文化是促进民族文化融合的重要手段,是民族学生思想政治引领的基础。将不同民族文化融入到整个校园文化的视野当中,才能让校园文化的内容更加丰富和充实。因此,我们要积极搭建开展民族文化的活动平台,结合民族文化的特色和风俗,通过开展“民族特色文化”主题讲座和座谈会、民族传统体育竞技、民族文化嘉年华系列活动、民族歌舞表演等民族文化活动进一步弘扬民族文化教育,促进民族团结,彰显对民族学生的重视和对民族文化的尊重,满足民族学生多样化、多层次的精神文化需求,陶冶了学生的道德情操,提高了学生的艺术素养,培养了学生的个性,营造良好的民族文化氛围。因此,在社会意识形态多元化和民族文化多样性的今天,民族学生的思想政治引领要基于民族学生的特殊性,充分利用各种教育资源,构建具有民族特色的工作机制和内容,创新教育理念和方式,拓宽教育途径,使民族学生思想政治引领获得生机和活力,从而推动和谐校园建设。 【作者简介】曾扬阳(1984-),男,讲师,广西外国语学院团委书记,研究方向为思想政治教育研究 【参考文献】 [1]郑元.大学生思想政治教育与构建和谐校园的关系[J].劳动保障世界,2013(9):10. [2]孙璐洁.大学生思想政治教育与和谐校园构建的相关性研究[D].南昌:江西理工大学,2009. [3]朱雯云.大学生思想政治教育在和谐校园构建中的意义与功能[J].湘潭师范学院学报,2008(2):96. [4]鲁提普拉夏尔皮丁.高校少数民族学生思想政治教育研究[D].大连:大连海事大学,2012. [5]张永军.构建和谐校园背景下大学生思想政治教育有效性研究[D].黑龙江:齐齐哈尔大学,2013. [6]陈龙涛.民族文化融入视域下高校少数民族学生培养机制构建研究[J].西安建筑科技大学学报,2016(4):52. [7]徐卿.和谐校园理念引领下的民族学生思想政治教育[J].江苏经贸职业技术学院学报,2014(6):69.
近年来,政府越来越重视企业安全生产,陆续颁布相关政策法规。2017年颁布《安全生产标准“十三五”发展规划》。2018年3月,十三届全国人大一次会议批准设立国家应急管理部;另一方面,近几年互联网高速发展,致使一旦发生安全生产突发事故,以微博为首的网络环境下就会迅速形成网络舆情,甚至政府及相关媒体对其走向没有正确引导的话,很可能演变为网络舆论,对企业安全生产造成重大影响。本文以此为背景,结合行为者网络理论对泉港碳九泄露事件进行分析,识别提炼企业主体、政府、社会网络媒体等方面影响企业安全生产行为的因素,对规范企业安全生产行为提出针对性意见,为企业安全生产提供借鉴和启示。 一、国内外研究现状 (一)企业主体对企业安全生产行为的影响。Curcuruto Griffin(2017)研究发现企业主对于本企业内部安全风险的认知、控制及重视程度对于安全生产行为具有决定性作用。Shi Teng(2015)依据社会认知理论和人类嵌入性理论分析了安全个体行为对企业安全生产管理的跃迁影响。靳晓华等(2018)研究了领导行为对企业安全文化建设中对企业员工安全意识的提高、企业安全环境的构建、企业安全信息的收集与处理和企业安全业绩考核等方面的影响作用。 (二)政府对企业安全生产行为的影响。Huang(2013)通过实证研究或跟踪调查等方式研究,并得出结论,政府管制是控制风险、减少非理性行为的主要手段,对提升企业安全绩效具有积极作用。企业通过被动地接受和执行政府制定的各项规章制度、管理办法及政府监管,并在此基础上构成自身的安全生产管理体系,即“被动反应型”行为模式。陈吉(2014)通过分析监管、政府监管、安全生产监管、安全生产行业监管、安全生产综合监管等概念,对我国目前的政府安全生产监督管理模式做了定性分析和研究,为我国的安全生产监管提出了完善法制建设、政府监管人员专业化发展、加强部门间政策协调、充分利用安全科学技术、对企业分类监管以及补充安全生产基层力量等建议措施。 (三)社会网络媒体对企业安全生产行为的影响。当今社会环境中,公众舆论和媒体是社会监督的重要力量,有利于社会安全生产氛围的构建,有助于企业安全绩效的提升。翁立伟等(2015)提出安全生产网络舆情对于安全生产工作大局乃至整个社会系统都有重要影响,并立足于安全生产工作实际,总结了安全生产网络舆情的监测分析与应对经验技巧,初步提出了适应安全生产行业领域信息特点的网络舆情管理模式。政府部门也一再强调安全生产治理中主流媒体、社会组织、公众的作用,致力于在全社会形成良好的安全生产舆论环境氛围。综上所述,从国内外研究成果可以看出,企业安全生产行为受多方面因素的影响,与企业自身安全生产意识、政府安全生产管制、社会舆论监督都密切相关,由于其固有的品牌和社会影响力,社会舆论对其影响更大。但是目前针对企业安全生产的研究侧重于安全生产主体责任和安全生产监管,在网络舆情方面研究企业安全生产的成果较少。因此,本文基于网络舆情背景下研究企业安全生产影响因素,对研究企业安全生产具有重要的理论意义与实践价值。 二、相关理论与技术 (一)行动者网络理论。行动者网络理论(ANT)广义的定义是指一项社会活动由不同角色的“行动者”共同参与来完成,各类行动者为实现在参与该活动所赋予的利益而发挥不同的作用或功能,从而形成一个密不可分的网络。在驱动企业参与安全生产治理过程中,政府部门作为关键行动者,需要充分调动各行动者(例如制造企业、社会公众等)参与到治理过程中。行动者网络理论认为,企业安全生产治理活动是所有行动者(包括政府部门、优秀企业、中小制造企业、社会公众等机构及人员;影响治理活动的观念、技术、政策等非人因素)共同作用的结果。借鉴行动者网络理论,在规划企业安全生产治理政策时,政府部门作为关键行动者建立驱动企业参与安全生产治理的网络,提出企业安全生产治理的行动“脚本”,定义和协调政府部门、行业协会、社会公众等相关行动者在企业参与安全生产治理中的角色和地位,招募、动员各成员参与到该网络活动中。 (二)文本挖掘。文本挖掘是指从大量的非结构化文本信息中利用数据挖掘技术,找到其潜在的内在联系、规律、数据模式和发展趋势。文本挖掘包括各种学科,涵盖各种技术、概率论、自然语言处理、统计数据分析、线性几何、计算语言学,甚至图论都是结合在一起的。它能够实现提取文本文档中有价值的知识,并通过这些知识来更好地组织信息。 三、网络舆情环境影响企业安全生产行为模型的构建 本文采用行动者网络理论研究网络舆情环境中影响企业安全生产行为的因素,该研究以泉港碳九泄露事件为例,由于该事件的网络舆情大多集中在微博,因此,本文获取的数据源为该事件微博相关报道下的网民评论文本。 (一)数据收集与预处理。本文利用GooSeeker(集搜客)进行数据采集,该软件可以对数据爬取规则进行自定义,能够短时间内获得满足自己需求的标准化数据,该平台提供可视化操作界面,采集过程中遍历的链接信息、抓取结果信息、错误信息等都会及时地反映在软件界面中,降低了数据获取的时间和空间成本,提高了数据获取效率。本文选取2018年11月4日泉港碳九泄露事件为例,以隐瞒碳九实际泄漏量一事的评论为研究对象。该事件事发当天并没有引起特别大的关注,且事发3天后媒体报道泉港各项大气指标已恢复正常,真正引起网民热烈讨论与广泛关注是在人民日报的一则泉港碳九泄露量瞒报新闻后。因此,本文选取该条微博下的评论为数据源,通过集搜客爬虫软件爬取了该微博下的20,000多条评论,实际爬取的评论量为9,000多条评论。图2为部分网友评论数据截图。 (二)数据分析。本文使用Python对收集的数据进行分析,该过程中主要应用python库中强大的jie-ba分词库,jieba作为python的第三方库能够对中文文本进行分词、关键词提取、词性标注等一系列处理。1、数据清洗。微博网民评论中存在广告、表情图片等无用数据,对该类数据采用人工过滤方法进行剔除,筛选出有用的数据作为数据分析的数据源。2、分词。基于Python语言,通过编写代码实现。该代码中运用了jieba分词工具,运用jieba.cut函数进行分词,例如,评论“仅仅是企业瞒报吗”利用jieba.cut分词后结果为“仅仅/是/企业/瞒报/吗”。3、去除停用词。该过程用到了停用词表,本文中应用的是哈工大停用词表,针对该事件,为使结果更具有针对性,在该词表的基础上进行了部分补充修正。如“!”、“#”、“……”等特殊符号,以及“不能”、“与”、“于是”等对结果作用不大但出现频率很高易干扰结果的词语都包含在该停用词表内。 (三)词云图。本文通过ROSTCM6工具的词频统计功能统计出上述数据分词后各词语出现的词频,进而根据词频绘制出词云图,直观清晰地展示出该事件评论的关键词。图3为微博评论数据生成的词云图。(图3)由该词云图可以看出,公众对碳九泄漏量瞒报事件的关注点及情感态度,“企业”、“瞒报”、“可怕”、“报道”、“政府”、“处理”、“良心”、“严惩”、“责任”等关键词表明了公众对企业瞒报的愤怒、担心,以及希望政府能够对该事件严肃处理相关责任人。 (四)影响因素识别。为识别网络舆情中企业安全生产影响因素,本文对词云进行了进一步的分析总结,从而为指标体系的构建提供一定的依据。从上述词云可以看出,网民的关注点在三方主体上,第一方“企业”,词云图上针对企业这一主体的关键词主要是“瞒报”、“责任”等,总结来看影响安全生产在企业这一方主要是企业责任缺失,安全生产意识不到位;第二方“政府”,词云图上针对政府这一主体的关键词主要是“处理”、“监管”、“严查”、“部门”等,总的来看影响安全生产在政府这一方主要是政府监管不力,处理不及时;第三方“社会网络媒体”,包括公众和媒体,针对该主体词云图上的关键词主要是“报道”、“曝光”、“数据”、“可怕”等,总结来看影响安全生产在社会网络媒体这一方主要是媒体报道新闻数量和曝光信息量以及公众表达意见的态度,如果媒体报道的数量不多、披露的信息不够真实、网民关注不高则无法引起企业对安全生产的重视。通过上述分析,识别出四个重要的影响企业安全生产的主体,并针对不同主体提炼出网络舆情环境下不同主体对企业安全生产的影响因素。第一,是企业的社会责任感、安全激励制度的管理、企业安全生产文化。企业社会责任缺失、安全激励制度建设实施不当、安全生产文化氛围匮乏均会对企业安全生产行为产生重要影响;第二,是政府安全监管力度、政府相关部门处理此类突发事件的效率。政府监管不到位、相关部门处理问题不及时均会影响企业安全生产行为;第三,是媒体对安全生产事故的报道数量和信息曝光程度,报道的新闻量越多,信息曝光程度越大,越容易引起社会各界关注,对企业安全生产产生警醒作用;第四,是网民对安全生产的安全敏感程度、对安全生产事件的知情程度以及意见领袖对安全生产事件的网上意见表达程度,均会对企业安全生产行为规范起到一定的推动作用。 四、结论及建议 本文以“泉港碳九泄露”事件为例,基于行动者网络理论,通过文本挖掘的方法研究网络舆情环境下企业安全生产的影响因素,在文本挖掘的过程中运用了Python语言、jieba分词、词云技术等,并在文本挖掘的基础上识别影响因素,最终构建了一个较为全面的指标体系。研究发现:(1)网民对该事件最关注的主体是企业,对企业瞒报碳九泄露反映强烈,可见最为影响企业安全生产行为的要归结为企业自身责任缺失等因素;(2)网民对该事件的第二大关注主体是政府,政府在这一事件中监管不力,处理不及时,导致网络舆情不断壮大甚至有可能演变为网络舆论,对此有关部门应加以正确引导;(3)该事件中媒体的报道量多,且报道渠道纸质媒体、电视媒体、网络媒体均有相关报道,引起公众的关注,进而促使企业被动规范安全生产;(4)由于媒体的报道导致公众的关注,进而引发网民对此热议,而在这一过程中意见领袖(如微博大V用户等)也发挥重要作用,因此网民公众这一主体对企业安全生产行为也起到一定的推动作用。根据研究结果,为促使网络舆情环境下企业能进行安全生产,本文针对相关主体提出以下建议: (一)企业自身要提升社会责任感。处于供应链中的优秀企业应该起到带头作用,规范自身安全生产行为,提升社会责任感,进而带动其下游中小企业提升社会责任感,健全安全生产制度,增强企业安全生产的文化氛围。 (二)政府应加大安全生产监管力度。首先,政府的监管对企业安全生产起到很大的制约作用,加大政府监管力度会使企业重视安全生产,影响企业对安全生产的态度,进而产生安全生产的行为意向,最终实施安全生产行为;其次,政府内部应遏制权力寻租行为,防止官商勾结的行为。此外,一旦产生安全生产事故,政府有关部门应及时处理,并对网络舆情正确引导,以防其演变为网络舆论。 (三)加强社会监督。媒体属于第三方,在加强企业安全生产行为中应自觉做好社会监督工作。有关媒体应对企业安全生产事件进行如实报道、披露信息,对企业安全生产做到时刻警醒,有助于企业在媒体压力环境下提高安全生产意识,改变对安全生产的态度,实施进行安全生产的行为。 (四)网民自觉发挥自身监督作用。在监督企业安全生产行为方面,网民同媒体一样都属于第三方,网络公众应自发自觉地积极参与讨论,促使引起企业对安全生产的重视,从而被动实施安全生产行为。 主要参考文献: [3]靳晓华,李晓艳.领导行为对企业安全文化的影响研究[J].领导科学,2018(20). [5]叶俊宇,梅强.舆论环境影响中小企业社会责任行为的探索性研究———以安全生产为例[J].经济管理,2018(2). [6]陈吉.政府的安全生产监督管理研究[D].苏州大学,2014. [7]韩欣玲.我国煤炭企业安全生产的政府监管研究[D].河南大学,2012. [8]叶贵,段帅亮,汪红霞.建筑业安全投入行为决策影响因素研究[J].2014(11). 作者:刘亚飞 单位:江苏大学管理学院
企业整合营销传播研究:整合营销传播在房地产企业中的应用 摘要:房地产市场营销是房地产企业获得最佳经济效益的重要手段。在今天竞争激烈的房地产市场上,成功的房地产经营者必须在正确的营销观念的指导下,确立科学的营销战略和策略,这样才能使企业经营永远充满生机和活力。本文针对目前房地产市场营销的现状,探讨房地产整合营销实施的举措,为企业的营销活动提供一定的理论依据。 关键词:整合营销;房地产;企业 整合营销强调顾客、成本、便利、沟通诸要素的有序整合。我国房地产企业应走整合营销之路,树立以人为本的经营理念,研究不同客户的不同需求及其可以接受的成本,加强与客户的双向沟通,强化服务意识,致力于品牌的塑造与提升。 房地产在我国作为产业出现仅仅有十几年的历史,而在国外发达国家的成熟的房地产企业已有了百余年的历史。30年前左右,我国的住房多以政府福利的方式进行低价销售或者直接分配,而如今房地产企业的兴起使得房地产成为了一门新兴产业。而这门产业随着时间的推移也越来越热门拓展性也越来越大,所以在房地产企业中存在的竞争也越来越多。这就使得企业如果想在竞争中立于不败之地就必须有自身的特点,尤其是在营销手段上必须下足功夫。在笔者看来,单纯的价值营销只停留在销售价值和技巧上,这种方式过于普遍往往已经达不到非常好的效果了,这就使得整合营销这种新型营销方式应运而生。 一、整合营销是我国房地产企业的必要选择 整合营销是有别于传统营销的营销方式。与传统营销相比,整合营销更强调顾客、成本、便利性、沟通,其优秀是从消费者的角度出发进行逆向思考,通过研究消费者的需要与欲求及他们愿意为此付出的成本,进行多角度、全方位的策划,以达到双向沟通并提供购买方便性,进而使企业实现良好的经济效益。具体而言,整合营销的内容包括: 1顾客:指研究顾客需求与欲求,涉及到市场调研、市场定位、规划、户型、环 境、配套、智能化、环保及功能创意等方面; 2成本:指研究满足顾客需求与欲求以及顾客所愿付出的成本,涉及到工程成本、质量、工期及价格等; 3便利性:指如何让顾客方便地了解和购买房产,涉及到营销策划、广告等; 4沟通:指与客户的双向沟通,涉及到售前、售中、售后沟通以及设立客户俱乐部、售中服务及售后物业管理服务等。 可以看出,整合营销相比于普通营销更注重了团队意识的作用以及我们队客户的双向沟通,而整合营销对于其中的工作者的个人素质以及业务能力也提出了更高的要求,而且观点也需要从我要卖房为主观变成客户要买房为主观,一切从客户实际出发是整合营销的首要条件。 二、房地产企业整合营销的实施 建立房产消费者数据库 整合营销的起点是建立房产消费者和潜在房产消费者的数据库。房地产宏观调控政策中有关户型结构供应“90/70”的限制以及对购房者提高第二套房首付比例的规定,会使购房需求得到一定程度的遏制,投机需求减少,而自住需求比例上升。因此,消费者构成会有所变化,企业应及时更新消费者数据库,以免对房地产开发做出错误决策。根据这些数据库信息,开发商可以量身定做,为消费者提供各种便利,激发其购买欲求。 树立“以人为本”的理念,进行产品和服务创新 “以人为本”是整合营销的优秀。房地产业作为服务型企业,必须以客户为中心,强调与客户的沟通与交流,切实做好物业管理和售后服务,积极参与社区文化建设。如设立客户俱乐部,系统、持续地了解和掌握客户需求,接受客户监督,促使企业不断超越自我,创造性地开发出满足客户需求的产品,提高产品品质,提升企业品牌,赢得市场认同。 树立全程营销观念 全程营销观念的树立是有效实施整合营销的保证。由于房地产项目产品在前期市场调研、市场定位、规划设计阶段已基本定型,若在销售阶段不能满足客户需求就很难进行功能调整,其产品被淘汰、成为“烂尾”楼盘的可能性极大。因此,房地产企业要树立全过程销售观念,在项目开发前期的市场调研、市场定位及规划设计阶段就充分了解和研究客户需求,从源头把关,使最终生产出来的产品满足客户需求,适销对路。实施成本领先战略。 成本优势是实施整合营销的关键。首先,要研究不同客户对住宅功能的不同需求,规划设计中应充分考虑满足客户需求的必要功能,削减不必要功能,以期降低成本;其次,房地产开发企业应建立成本控制体系,从征地、拆迁安置、建筑安装等各个环节控制成本,以低成本进入市场,增加产品的价格优势,抢占销售先机。 整合资源,提高优秀竞争力。 资源整合是整合营销的重要手段。房地产开发涉及规划、建筑、建材、机电、装饰、IT、商业、教育、服务等诸多行业,企业应实施开放带动战略,整合各种资源,提高产品的专业化水准、满足客户需求。品牌的本质是指建立在在客户信任和忠诚基础上的企业与顾客之间的关系,品牌信誉度高的产品能给企业带来好的社会声誉和巨大的经济效益。房地产企业也必然要通过实施品牌战略提升自身产品的品牌形象,以增强竞争力。房地产市场已经进入了品牌化阶段,应做到:准确到位的市场定位、人性化的规划设计、卓越的质量体系、无可挑剔的售后服务和整合、互动的品牌传播。 (六)建立良好的企业文化 企业文化是实施整合营销的人文基础。房地产企业是服务型企业,企业员工无论是从事拆迁、工程、销售工作,还是承担物业管理工作,其工作态度、工作质量的好坏最终都将通过产品品质体现出来。只有建立良好的企业文化,使全体企业员工建立起共同的奋斗目标,形成共同的价值观、行为规范,树立起全员服务的思想,形成团队精神,才能确保产品质量,做到满足客户要求。 三、结语 整合营销是相对于普通营销的一种进步,是一种更加人性化的销售方式,尤其在房地产的销售中,整合营销的策略可以使客户能更加清晰的认识自身的需要,分析购买的合理性,真正达到自主选房,也可以使销售人员在更加专业的系统下提高自己的销售技巧,增强业务素质。但整合营销的策略即使再好,我们首先要追求的都是房源的质量,一流的产品配上一流的理念规划才能达到一流的效果,所以整合营销不是一剂万能药如果把残次品通过整合营销的包装来销售,那只是一种炒作,是欺骗客户的行为,我们要树立起要树立起全程营销、全员营销的观念,在营销中发现新的市场机会,寻求新的利润增长点,开启营销的新局面。 企业整合营销传播研究:企业后向整合营销传播业务的三种方式 按照哈佛大学商学院教授、竞争战略大师迈克尔・波特的观点,纵向一体化是指企业往供应链上下游延伸整合,将外部交易内部化的过程。企业向上游供应方的整合为后向整合,向下游需求方的整合为前向整合。例如,企业将以前交给外部营销智业公司做的业务内部化,就是企业后向整合的一种重要方式。 企业纵向一体化的利弊需要仔细权衡。纵向一体化可以带来合并作业流程的经济性,便于内部控制与协调。信启、资源也可在供应链的多个环节共享。由于将外部交易转变为内部采购,纵向一体化一定程度上也可以回避市场交易的波动性,降低交易谈判成本,稳定的内部关系也有利于建立更专业、更有效率的沟通方式与程序。以上种种也就可以为企业带来差异性竞争的能力。比方说,外部营销智业公司服务竞争对手的经验从另一个角度看可能是企业差异化营销传播的障碍,而企业与内部营销传播公司沟通总比外部沟通来得更有效率,相互问配合更加默契,服务更加到位,彼此知根知底,也易于保守商业秘密,这正是企业内部开设营销传播公司的好处所在。假设一个企业将营销传播业务内部化后获得了竞争上的益处,那么对其所在行业的竞争对手而言会是个挑战,后者也必须一体化,否则会在竞争中处于被动地位。 然而,企业纵向一体化的弊端也显而易见,它增加了企业的经营杠杆,降低了改换合作伙伴的灵活性,提高了企业的退出壁垒,可能切断来自供应商及顾客端的技术信息流动,为企业上下游生产的协调管理提出了更高的要求,弱化了市场竞争激励。例如。企业开设广告公司(In-house),有可能就会将外部优秀广告公司的经验、知识和服务能力拒之门外,In-house公司也可能因为太依赖从母公司及兄弟单位那里获取业务而失去市场竞争力,这样无形中会增加企业一体化运营的风险,如果In-house成了企业一体化链条上的“坏苹果”,影响的就不只是它自己的活力,有可能是整个企业集团的整体竞争力。 企业是否开办内部营销智业公司,这取决于后者的性价比与企业将营销传播业务外包给市场上的营销智业公司相比,哪个更划算。同时,企业资金有个机会成本,是用来开个营销智业公司,还是投向其他更有利可图的领域,这也是个问题。企业的纵向一体化必须获得大于或等于资本机会成本的投资回报,否则企业就缺少一体化的动力。 国内广告业是个进入与退出门槛甚低的行业,类似这样的行业的投资回报低,但比较稳定。或许正是这方面的原因,同内大多数大型企业过去缺少进入营销传播智业领域的动力。然而,企业是否要执行纵向一体化战略,不仅要考虑眼前,还要看到未来。这是个剧烈波动的世界。企业及其品牌无时无刻都需要与消费者打交道,新技术也为这种直接对话提供了条件。如果企业找到了洞察消费者的直接出口与管道,它也可能在竞争中谋得主动。新的生存环境给了企业将营销传播业务内部化的压力。 企业如在营销传播方面进行后向整合,可以有三个选项,即完全一体化(所有营销传播业务都由In-house负责打理)、部分一体化(In-house负责部分营销传播业务,剩余业务外包给市场上的营销智业公司)和准一体化(利用债务、股权投资等方式,整合外部营销智业公司)。在新传播环境下,企业部分一体化、准一体化营销传播业务,如能执行得力,既可规避完全一体化的弊端,也可获取纵向一体化的益处。 企业整合营销传播研究:基于整合营销传播理论的企业形象声音管理 [摘要] 如何通过传播塑造和维护企业形象是一项重要课题,本文结合整合营销传播理论对企业形象声音管理问题进行阐述,提出切实可行的对策和建议。 [关键词] 整合营销传播 企业形象 整合声音管理 企业声音传播是塑造企业形象的重要形式。企业形象的声音管理,是指企业利用各种媒介和载体,与公众进行有效地传播和沟通,围绕企业形象传播企业的声音,形成或维护公众对企业的正面的态度与评价,从而创造企业在市场发展中良好的社会环境。企业形象声音管理本质是以市场为导向、以公众认同为灵魂,是企业与公众的一种互动双赢的行为。企业借助声音管理与公众进行有效的沟通,准确地将企业讯息传达给公众,期望所传达的讯息得到公众的回应、认同,塑造和维护企业形象。如何开展有效的企业形象的声音管理,笔者结合整合营销传播理论对此展开论述。 整合营销传播理论(IMC)由美国西北大学教授舒尔兹等人提出。它是指企业在经营活动过程中,以由外而内战略观点为基础,为了与利害关系者(Stakeholders InterestGroups)进行有效的沟通,以营销传播管理者为主体所展开的传播战略,强调以公众为中心,强调全方位和公众沟通,强调营销成本的节约和营销效果的提升。整合营销传播整合企业的一切营销和传播活动围绕主题概念进行最佳组合,让人们从不同信息渠道获得一致信息,发挥最大的传播效果,为企业与产品建立起一种认知价值,使企业和产品在公众心中与竞争者及其产品产生区隔,使公众对企业萌生信任,并长期维持这个信任在心中,进一步使公众对企业保持忠诚。整合营销传播理论为企业形象的声音管理提供了恰当的理论基础,企业形象的声音管理最重要的如何传播企业形象的个性和定位并保持企业形象的统一性。借助整合营销传播的理论来指导企业形象的声音管理,我们可以提出整合声音管理的概念,是指企业以利害关系者为优秀,重组企业行为和市场行为,综合协调使用各种传播方式,传递一致的企业信息,实现与利害关系者的双向沟通,树立企业在利害关系者心目中的地位,建立企业与利害关系者长期密切的关系,更有效地实现企业经济目标和社会目标。简言之,整合声音管理以整合传播战略观点为基础,与公众和关系利益人进行有效的沟通,以“一个声音,一个形象”对内外进行的声音管理。 一、企业整合声音管理基本问题分析 1.企业传统声音管理与整合声音管理的区别是 2.企业整合声音管理的对象 根据在企业营销中的地位和其产生的作用不同把公众分为优秀目标公众、相关目标公众、影响目标公众。优秀目标公众是指企业市场行为的根本目标公众,就是企业利润的最终来源公众――客户。相关目标公众是指在企业市场行为中构成企业内外整体价值链,为客户提供服务的相关公众。影响目标公众是指对企业及优秀目标公众、相关目标公众构成社会舆论和环境影响的公众。关系如图: 3.企业整合声音管理的模式 (1)传媒模式。传媒模式把声音管理的主要目标定位在使企业在大众传媒上获得良好的宣传,通过宣传,传播企业形象,这一模式在提高企业知名度、宣传推广品牌和产品中十分常见。传媒模式是一个商业化、单向的传播模式。 (2)舆论模式。舆论模式是指企业利用新闻报道、宣传册和直接邮件等媒介向公众传播企业与产品信息,引导社会舆论倾向于企业发展,但往往只提供企业所选择的愿意让公众知道的事实。舆论模式是一种渗透力强、可信度高的声音管理模式。 (3)代言模式。代言模式是指企业根据企业形象的内涵,选择恰当的企业形象的代言人,集中体现和代表企业和产品的形象,对代言人能够影响的社会相关群体进行号召和引导,从而树立企业形象的模式。代言模式是比较直观和具有强大号召力的声音管理模式。 (4)互动模式。互动模式是建立在调查研究的基础上,运用沟通来处理与公众的冲突,与公众保持相互理解与合作的态度,使声音管理建立在协商和妥协的基础之上,通过对话和协商解决问题,达到与公众和解。互动模式有利于促进企业与公众相互了解、减少误会和摩擦。 4.企业整合声音管理的声音形式 (1)言语式声音:企业运用有声语言与公众进行信息交流,通常发生在直接面对面的场合,包括宣传性声音和协调性声音两类。宣传性声音是指企业利用言语媒介作为交流方式,宣传介绍企业的情况,包括新闻会等活动;协调性声音是指企业为了解决矛盾或纠纷,对公众进行专门的劝说和协商,包括商务谈判、游说等活动。 (2)文字式声音:企业采用书面语言与公众进行信息交流,例如新闻稿、公关广告、工作报告、展览、企业报刊等。 (3)实像式声音:企业利用活动事件开展的声音活动。实像式声音包括:助销性活动。企业营销部门开展的促进销售的活动,如售后服务、消费指导、样品展示、示范表演等。赞助性活动。企业组织或出资赞助的社会活动,如赞助体育竞赛、文化事业、教育事业、社会福利事业,设立奖励基金和慈善捐赠等。利用社会活动提高企业的知名度和美誉度;标识设计活动。企业通过直观、简明的外显标识给公众留下具体、深刻的印象,包括橱窗设计、门面招牌等。 (4)社交式声音:企业借助于社交场合与形式开展的企业声音活动。包括宴请、茶话会、舞会、招待会、座谈会、节日活动等等。通过在特定场合下人与人的交流,企业直接传递和获取所需信息,随着交往频率、交往时间、交往方式和交往深度的不断发展,企业将建立起牢固的社会关系网络。 二、企业整合声音管理的策略 根据整合声音管理所采用的手段不同,将整合声音管理策略划分为以下五种类型: 1.宣传型策略 宣传型策略是指运用大众传媒、印刷媒介、电子媒介等宣传性手段,传递企业形象的信息,影响公众舆论,迅速扩大企业的社会影响。宣传策略主导性强,时效性强,传播面广,有利于提高企业和产品的知名度。 2.交际型策略 交际型策略是指运用各种交际方法和沟通艺术、广交朋友,协调关系,缓和矛盾,化解冲突,为企业创造“人和”的社会环境。交际策略特点是直接沟通,形式灵活,信息反馈快,富有人情味,在加强感情联络方面效果突出。其方式包括人员推销、展示形象、会议营销、回访、顾客追踪、接待顾客等等。 3.服务型策略 服务型策略是指以实际的服务行为作为特殊媒介,吸引公众,感化人心,获取好评,争取认同,使企业与公众之间关系更加融洽、和谐,为企业提高社会信誉。服务策略特点是以完善、超值的服务行动作为最有力的语言,实在实惠,最容易被公众所接受,特别有利于提高企业的美誉度。 4.社会型策略 社会型策略是指以企业的名义发起或参与社会性的活动,在公益、慈善、环保、文化、体育、教育等社会活动中充当主角或热心参与者,扩大企业的整体影响。社会策略特点是社会参与面广,与公众接触面大,社会影响力强,声音管理投资费用也高,能同时较有效地提高知名度和美誉度。其形式有:赞助或者冠名文化、教育、体育、卫生等事业,支持社区福利事业、慈善事业,利用企业的庆典活动和传统节日为公众提供有益的康乐活动等。 5.征询型策略 征询型策略是指运用收集信息、社会调查、民意测验、舆论分析等信息反馈手段,了解舆情民意,把握时势动态,监测企业舆论环境,为形象决策提供咨询。征询策略特点是以输入信息为主,有较强的研究性、参谋性,是声音管理双向沟通中不可缺少的重要机制。其形式有:开办各种咨询活动;建立来信、来电和来访制度和合理化建议制度;制作调查问卷;设立热线电话;分析新闻舆论;广泛开展社会调查;进行有奖测验活动;聘请兼职信息人员;举办信息交流会等。 企业整合营销传播研究:从整合营销传播视角诠释央视标王企业的沉浮 一、企业产品需要好广告的传播 1.好广告的作用 广告既是一种商业营销的手段,也是大众文化艺术形式的一种体现。广告主投放广告,最关心的内容之一莫过于提高商品销量,这既可以是因为广告引发了消费者的实际购买行为,也可以是企业促销使然。本文在讨论中把促销等因素排除,将好广告的“好”限定在对企业销售或形象塑造有正面影响的方面上。 此时,起主要作用的就是广告投放和播出问题,也就是“做好”广告。从大众传播的特点看,它与企业的品牌因素和广告播出频率又密不可分。而其中的重要载体就是大众传媒,具体关系,如图所示: 2.图例分析广告营销与消费者购买行为与的关系 传播效果阶梯模式 (拉维奇、斯坦钠建立) 按照上述传播效果模式,对于消费者来说,要由知晓一种产品的信息到实际购买行为的发生,需经过感性认知到情感上的接受,最后形成意愿表达,这是一个完整的由心理层面到行为实现的过程。在这一过程中,广告对于产品销售的重要性自然备受广告主重视。 如上所述,大众传媒在企业广告运作中不可或缺。对于大众消费品来说,最为消费者熟悉和普遍接触的传媒就是电视广告。其宣传企业产品,塑造品牌,激发企业为自身成长而努力于产品品质,是种良性循环模式。无疑,好的产品需要好的广告。 二、从央视标王的沉浮看“好广告”对企业的双重影响 1.好广告仅仅消灭坏产品吗? (1)好的开始=成功的一半? 作为中国最具竞争力的主流媒体之一,以及特殊的市场地位,中央电视台的广告招标活动一向倍受关注。从1994年开始至今,它的标王竞标活动在广告传播和营销领域影响巨大。 ①1994年首届中央电视台广告竞标中,孔府宴酒以3079万元夺得1995年“标王”桂冠,当年即实现销售收入9.18亿元,利税3.8亿元,成为国内知名品牌。 ②第二年,秦池竞标成功,于1996年实现销售额9.5亿元,利税2.2亿元。1996年底,秦池又以3.2亿报价再度中标。 ③1997年,爱多公司成为“标王”。到1997年春节,该公司日产20000台VCD仍供不应求,企业正蒸蒸日上。 从中可以看到,“做好”广告给企业带来的销售上的巨大成功和丰厚利润。相当多企业不惜血本地投入资金追逐具有优势的广告投放媒体(如此处的央视),将之视为企业获利的重要途径。但好广告的影响力真的如此非凡吗? (2)看到了好的开头≠猜到结果 ①孔府宴酒厂巨资竞标成功后,品牌提升,利益丰厚。但片面追求产量,兼并小酒厂,最终经济指标下滑,酒厂易主。 ②秦池则因广告费用投入巨大而难以实现产业结构调整,同时被披露出勾兑白酒出售。到2002年,秦池销售额为1996年的三十分之一。 ③98年的标王爱多为争做行业老大,投入巨资却无相应回报;VCD行业发生转折时,缺应对之策;拖欠材料供应商款项;再后来多元化战略失败,高层人才流失,最终走上绝境。 可见,巨额的广告投入,良好的传播渠道会给企业带来繁荣,但企业持续健康发展是有条件的。像孔府宴酒厂终因结构调整不力,从产品品质下滑到整个企业灭亡。好广告不仅消灭了它的坏产品,更进一步将其推出市场竞争大局。秦池则在标王光环下盲目扩张,忽视品质及管理失误,最终也输掉了企业。 上述各家企业尽管走向末路的具体原因不同,导火索却都可归为标王的竞标成功。竞标广告标王不是不可以,关键是企业要依据自身情况并按企业发展的长远规划来参与竞标。否则,一味在广告投入巨资,即使有暂时的繁荣,要想保持也是不易。 2.标王宝洁――整合营销的成功范例 (1)一个与前不同的标王案例: 当有“品牌教父”之称的宝洁公司以3.85亿成为2005年度新标王后,又以3.94亿元投标总额蝉联2006年央视广告标王宝座。作为全球最大的日用消费品公司之一,这家创始于1837年的美国企业也可称为历史上最优秀的营销组织。 ①广告做得好 自1988年在中国成立第一家合资企业以来,宝洁的形象在短短20年里迅速深入人心,离不开其长期以来成功的广告运作。 宝洁广告通过如列举数字获得消费者的信任;将自身产品与竞争者的相比,凸显宝洁产品优越性;用专家提出并解决问题的方式令消费者信服;以描述使用产品前后的改变来强化效果等,即有人总结的“数证法、对比法、专家法、人证法”四大原则来达到广告目的,效果显著。 ②广告投入大 宝洁自始就对广告十分重视,公司“每年在广告上的投入超过30亿美元其中的90投入电视网的广告以使得美国人牢记像……这些品牌”。 “无论在中国还是美国,宝洁都是各大电视台绝对的广告大客户。在美国,宝洁是去年广告投放量最大的公司,光是电视广告一项投入就达到25亿美元。” 由此可见,在好广告与高销量的良性循环里,宝洁做得很成功。 ③竞争标王――不仅仅意在广告 按照宝洁大中华区媒介策略总监庞志毅先生的说法,竞标的“初衷是争取我们想要的资源。……宝洁参与央视2005年招标并且获得了最大的中标额,完全是取决于我们品牌营销的市场策略需要。” 宝洁公司全球市场运营官史丹格(Jim Stengel)认为,“做最大的广告投放商并不是我们的根本目的,我们的目的是在消费者之间建立对产品的忠诚度,建立亲和度,告诉消费者这个品牌是怎么样的。” 与上述中国企业的标王例子相比,宝洁的竞标理念显然更加成熟和目的明确。 二、雄厚实力+正确营销战略的成功 宝洁从竞标到企业的实际运作,与前述三个标王例子的最显著差异还应归于其企业实力和营销战略。 宝洁公司是全球著名日化企业,美国构成道琼斯指数30个大公司之一,在全球80多个国家和地区拥有雇员近140,000人。强大的实力使其完全可以在无损公司正常运营的情况下承受标王巨资,并进而强化标王价值的带来的益处。 除了媒体广告投入,宝洁还通过一系列公益活动塑造自身形象,如,在中国为希望工程捐款、建希望小学、围绕消费者权益日主题承办相关研讨会、热心残疾人事业等等。 宝洁经由各种途径来实现企业的营销战略,力求最终达到经济和社会效益的成功,这是值得在追求好广告达到高利润的企业在衡量和努力提高自身的同时认真借鉴的。 三、由整合营销传播建构广告+产品+企业+市场的四维联动战略 从上述宝洁公司的成功例子,具体分析整合营销中广告的地位和作用。 1.整合营销理念 整合营销传播理论(即integrated marketing communication,简称IMC)兴起于美国。全美广告业协会(AAAA)给出其的定义为:“IMC是一个营销传播计划概念,它注重以下综合计划的增加值,即通过评价广告、直接邮寄、人员推销和公共关系等传播手段的战略作用,以提供明确、一致和最有效的传播影响力。……” 它把与企业营销有关的一切传播活动,广告、公关、包装、促销等进行整体组合,使相关群体从不同渠道得到对产品或品牌的相对一致的信息,整合运用信息资源。作为一种综合性很强的营销行为,它对企业营销能力的要求是全方位的。在我国市场经济发展逐步深化和扩展的今天,恰当运用整合营销,通过各种传播和营销手段是塑造企业品牌形象的重要途径。而现实是,当不少企业在广告上投入极大热情时,对于企业应该全方位考虑到的整合营销问题却未给予足够重视。 2.企业营销传播成功的关键――重在整合 (1)广告一枝独秀――难以全胜 如前所述,广告作用的重要性毋庸置疑。尽管其成本不菲,效果难测,但总的来说,它应该作为企业长期投资的一部分,而不仅仅是企业的一种费用。但如果因其重要就夸大其功用,显然也不足取。 对于企业来说,理想的状态是,其因广告投入所带来的收益增长超过广告费用,这时的投入就利润而言是适当和合理的。要达到这一目的,先期的广告制作和合适的媒介投放环境都应被考虑到。因此,在前述案例中,企业对于央视标王的热衷是有一定道理的。而标王的身份也确实或多或少给了它们相应的回报。问题在于,这种良性广告效应的获得和持续需要企业各方面要素的配套支持,否则,一枝独秀的广告自身根本不能独撑整个企业大厦。 如央视早期三家标王企业的最终陨落,就是因为企业本身实力不足、参与标王竞争的非理性和战略决策失误,同时缺乏相应的预警机制和应对之策等造成的。因此,尽管有了标王广告的正效应,却因企业自身的负面因素使然,最终结局并不理想。 (2)合理预算――企业营销制胜的重要条件之一 一个企业如何实现自己的营销计划,很大程度上不仅需要主观心态上的重视,还会受到客观条件的限制,一个现实且重要的问题就是资金限制。所以,做好整合营销战略的预算问题也是其成功与否的关键。 IMC战略中的传播活动应该根据企业自身实力做出事前的预测,包括收集利害关系者相关信息的费用,监测企业生存环境、竞争态势等要素和服务的费用,以及企业投入产出计划、收支等资金流通情况,还有企业的宣传推广等。可见广告仅仅是IMC战略媒体计划的一部分,其所占比例决不应挤兑掉本应完成企业产业升级或结构调整的资金份额。 (3)成功的市场营销传播――不可或缺的诸要素整合 李本乾、张国良的研究揭示了“就媒介议程与真正现实对受众议程的影响而言,两者都可能对受众议程产生影响,为此,大众媒介的议程设置功能,将或多或少地会受到真正现实这一因素的制约”。由此可见,对于企业营销而言,不仅涉及到广告传播效果,而且受到产品质量这个真正现实的影响。因此对于任何一个企业来说,营销传播的每一要素,如广告、促销、企业公关,乃至产品、受众心理等,都不应互相独立,而应该相辅相成,共同服务于实现企业的目标。当然,这还都应基于企业所提供产品和服务的优质。 各要素整合对于企业的市场成功十分必要。具体到一个企业,无论其产品、服务或品牌塑造,涉及传播要素和内容都是多方面且复杂的。而要完整传递出符合企业利益的信息,就必须给出受众一致的信息内容。 营销形式的日益多元和传播渠道的增加,使企业传达一致信息的难度加大。为做到企业“声音”的一致,各营销传播要素只有在协同作用下才能最大限度发挥功能。像宝洁公司,其综合运用各传播要素的结果是,品牌和企业形象的良好树立以及产品销售量的实现和利润增长。 好的产品离不开广告宣传和推广。在大众传播时代,广告给企业的影响应该也是一个“成也广告,败也广告”的例子,尤其是对于本身就已存在或具潜在缺陷的企业而言。广告可以宣传企业,提高产品销量,也可以凸显暴露出资金、管理等诸多问题。 同样是运用广告策略,同样是标王企业,不一样的发展结局背后是一个企业内在实力、市场竞争力和管理运作能力的综合体现和较量。好广告只有依托好产品,并与合理有成效的企业经营运作相加才能更好地为企业在市场上保有优势发挥效用。它们依存共生,四维一体。否则,毁灭的也就不仅仅只是企业的不良产品了。 企业整合营销传播研究:中小食品企业整合营销传播策略研究 [摘要] 知识经济时代,企业之间的激烈竞争,驱使营销与传播结合,从而催化了整合营销传播理论的诞生。这是营销的最新发展,国际营销界与学术界对此也有共识。本文以武汉豆香聚食品有限公司为例,从产品与质量的整合、销售渠道的整合和传播渠道的整合三方面分析了整合营销传播策略,以期为中小食品企业营销手段与策略方面提供思路和方法。 [关键词] 中小食品企业 整合营销 “豆香聚” 知识经济时代,企业之间的激烈竞争,驱使营销与传播结合,从而催化了整合营销传播理论的诞生。这是营销的最新发展,国际营销界与学术界对此也有共识。 一、整合营销传播(IMC)的内涵 整合营销传播(IMC,Integrated Marketing Communications)的理论起始于上世纪80年代中期。1993年,美国西北大学教授唐・舒尔茨(Don E. Schultz)正式提出整合营销传播的概念,他认为整合营销传播是一种长期对顾客及潜在顾客制定、执行不同形式的说服传播计划的过程,是将所有与产品或服务有关的信息来源加以管理的过程,使顾客及潜在顾客接触整合的信息,并且产生购买行为以维持消费忠诚度。美国卡莱纳大学教授特伦希・希姆普(Terence A.Shimp)指出:整合营销传播开始于顾客或未来顾客,然后反馈,以期明确规定说服性传播计划的形式与方法。美国学者彼得・德鲁克则以明确的措辞,突出消费者在整合营销传播中的地位。按照德鲁克的分析:公司的建立,以满足消费者的需要为目的。 整合营销传播理论诞生后,营销实践在量变基础上产生了质变:一是营销优秀概念发生了变化,从变换转向传播;二是营销组合组合发生了变化,从4Ps(即product,price/distribution,place,promtion)转向4Cs(即consumer,cost,convenience,communication);三是营销功能的扩充,由告知、说服与影响或直接影响消费者的购物行为三方面组成;四是营销中企业与消费者关系发生了变化,企业与消费者建立双方的合作伙伴关系;五是营销逐渐强调整合。 整合营销传播理论的关键是灵活运用以广告、销售促进、公共关系、人员推销和直接销售为主的各种渠道,通过妥善安排各次传播的渠道、预算、内容和启动时间,使其相辅相成,以获得最佳效果。 二、武汉豆香聚食品有限公司概述 武汉豆香聚食品有限公司是采用中国的“豆腐之乡”-湖北省钟祥市石牌镇传统的工艺和现代科技相结合的以生产、销售豆制品为主的股份制民营企业,公司固定资产800多万,从业人员538人,2004年实际销售收入达1400万元,2005年完成销售收入2500万元,2006年截止10月底已完成销售3290万元,全年有望突破4000万元。在省内及重庆、兰州、天津均开有连锁分店,并以其优质产品备受当地消费者的推崇和喜爱。2004年湖北省商务厅授予农副产品“四大王”,其中“豆腐大王”鄢维斌排名第二位。湖北电视台、湖北日报、楚天都市报、中国青年等媒体先后对其进行过采访报道。2002年荣获“质量万里行优秀单位”,2003年荣获“湖北省质量信的过品牌”称号。2005年,公司通过ISO9001国际质量管理体系认证,2006年,荣获“全国食品安全示范单位”称号。2006年8月,公司老总鄢维斌被授予湖北省“农村致富带头人”称号。 三、武汉豆香聚食品有限公司整合营销策略分析 1.产品与质量的整合:不断推陈出新和加强质量控制 产品质量和创新是企业的生命线,企业只有不断的提高自己产品的质量和创新自己的产品,才能在市场中立于不败之地。这一点上,武汉豆香聚食品有限公司做得非常成功,为了打开武汉市场,公司老总鄢维斌针对武汉人只会将黄豆磨成豆浆,再制成白豆腐,并没什么花样的状况,经过学习和多次的试验,推出了六个豆制品新品种:麻辣香丝、油皮千张、五香豆糕、湖南熏干子等,各有特色,这在武汉市场绝无仅有。新产品推出一个星期后,就供不应求,获得首战告捷。在入驻超市成功后,又推出了六个新品种。 在一次性顺利通过了ISO9001全面质量管理认证后,武汉豆香聚食品有限公司先后投入20多万进行产品开发,研制出的蔬菜豆腐、果味豆腐、黑芝麻豆腐迅速成为市场的“香饽饽”,至今,公司已经拥有农家柴火系列、花色营养系列两个特色品种系列和100多个品种。目前,鄢维斌准备将公司搬进凯旋门广场写字楼,实行现代公司化运作,并打算在武汉阳逻建设豆制品工业园,搜罗全国最新最好的豆制品,生产出来献给消费者。 2.销售渠道的整合:实现网下与网上多渠道销售 武汉豆香聚食品有限公司为迎合市场的发展,在销售渠道上实现了网下网上的多渠道销售的整合:(1)传统市场营销。公司首先立足的是传统的销售市场即武汉三镇集贸市场,在赢得市场和信誉,豆制品新品种在武汉三镇集贸市场名声雀起。(2)连锁超市营销。1998年9月,有位客人闻名找到鄢维斌,邀请他加盟中百超市。鄢维斌敏锐的洞察到超市销售潜力,在交入场费的前提下,把市场扩展到了超市,成为了江城第一家开在超市里的豆腐店。为了在超市站稳脚跟,鄢维斌紧急向工商部门申请商标注册,不到一年又推出六个新产品,并斥资30万元在中百仓储开辟了“豆香聚”豆制品销售专店,“豆腐香四季,回味聚知己”,又被市民热捧。随后三年时间,中百仓储在武汉先后开了20多家分店,随着中百仓储的分店越开越多,鄢维斌公司的销售额从每月3万元直线上升为每月近70万元,“豆香聚”随之延伸,鄢维斌的公司迅速壮大,建起了厂房,职工发展到近200人,总资产近500万元。武汉华联等四家连锁超市纷纷登门邀请鄢维斌加盟。至2004年,公司实际销售收入达1400万元。(3)社区深度营销。随着业务的发展,公司得到了武汉多家超市的信任和支持,凭借优质的产品、超市的平台和品牌的影响,公司成功地进入了武汉大学、华中科技大学、武汉理工大学等30多所大专院校,与高校社区合作进行深度分销,有力推动了公司业务实现更好、更快的发展。(4)网络营销。在武汉市场逐渐稳定和成熟之时,公司采用了网络营销手段,设立了武汉“豆香聚”专门的网站(www.省略),实行网络招商加盟。目前,已经在湖北省内的红安、仙桃、天门、随洲、汉川、荆州等20多个县级以上城市建有分店,在重庆、兰州等5个省会城市发展了20多个分店连锁分店。至2005年,公司完成销售收入2500万元。 3.传播渠道的整合:实现文化、媒体和口碑营销三结合 顾客接纳品牌适宜的模式是认知、尝试、重复购买。第一步是认知,目的是使顾客对新品牌有所认识,对其产品和服务基本了解。第二步是推动顾客尝试购买产品,让顾客能了解该产品与服务的质量和特点。第三步是运用各种营销传播手段并加以整合,促使顾客反复购买自己的产品。武汉豆香聚食品有限公司就是成功运用适宜的模式使顾客接纳了“豆香聚”这一品牌:(1)文化营销。公司将豆腐卖出了文化味儿:一是给豆制品注册品牌“豆香聚”,在消费者心中形成品牌意识;二是到卖场生鲜区建造豆腐坊,装潢成古香古色的别致建筑,顾客可从刻在墙上的文字里,了解豆腐的历史渊源、营养成分;三是现场制作,在这里,消费者不仅可以亲眼目睹豆腐制作的全过程,放心购买,四是在全省豆制品行业中首开“现场制作现场销售”的先河,在中百仓储开办首家豆腐博物馆,在这里传统的农耕文化和现代文明得到融合,实现在文化营销效果。(2)媒体营销。近年来取得的成绩,吸引了许多媒体的关注,湖北日报、湖北电视台、楚天都市报、长江日报、楚天金报、今日湖北、中国青年、辽宁青年、大众投资指南等20多家媒体报道了武汉豆香聚食品有限公司诚信、智慧的创业历程,媒体的正面宣传其实也为武汉豆香聚食品有限公司品牌的传播与塑造取得了良好的效果。(3)口碑营销。“好口碑才是最好的有效力的广告形式”,武汉豆香聚食品有限公司有过硬的产品质量,2002年荣获“质量万里行优秀单位”,2003年荣获“湖北省质量信的过品牌”称号。2005年,公司通过ISO9001国际质量管理体系认证,2006年,荣获“全国食品安全示范单位”称号,公司老总鄢维斌本人也被湖北省商业厅和媒体联袂授予“豆腐大王”荣誉称号,湖北省“农村致富带头人”称号。这样,公司在消费者之中有良好的口碑效应。文化营销、媒体营销和口碑营销都取得了消费者和超市的信任,使公司与消费者和超市建立了良好的合作关系,达到了关系营销的效果。至2006年10月底已完成销售3290万元。公司老总鄢维斌豪情满怀地表示:两三年内,将年销售额做到5000万元。他打算投资1000万元在武汉市阳逻经济开发区建设豆制品工业园,实现全现代化制作。
声乐教学论文:发音基本功视角下声乐教学论文 一、咬清字是声乐教学的重要要求 我们在歌唱时,一定要借歌曲来传情达意,或通过歌曲创造出一定的意境,或优美或深邃,而这样的意境表达除了凭借旋律之外,就属歌词了。可见歌词能否入耳,能否传情,就要看歌唱者是否能表达清晰。一些初学者,也许受方言的影响,有些声母在平时就发不清晰,导致发声时发不准声母的音。例如b的发音,有的学生会很短促,有的就会狭长些,导致发音不清。这时就需要教师仔细指导,例如声母的发音部位和发音的气息等方面,教师都要反复地为学生作出示范,尤其针对一些吐字不清的发音动作,更要反复进行强调,有意识地矫正学生发音,以使其发音慢慢趋向于准、平、稳,并且可根据学生发音情况,制定出相应的训练计划和步骤,使学生对发音的控制力不断加强,然后再督促学生把声母和韵母结合起来,进行音阶练习。实践证明,这种方法对于咬字不清的学生来说,是十分有效的。 二、抓好学生的基本功训练 中专学生音乐知识和音乐水平参差不齐,这就需要教师在声乐教学中,一定要抓好学生的基本功训练,并采取相应的措施来加强学生的基本功练习,为学生将来继续深造打下坚实的基础。因此,教师在教学生练声前,应先给学生讲清各个发音部位,并且要强调指出发音时的要领:喉咙放稳,舌根和下巴都要呈放松状态,类似打哈欠,使声音上下通达自如。练声时,一般从C′练起,所练曲目应按照由易到难的顺序,母音练习时应以a、o、i、u、mi、ma、ye为主。待在中低音区练习熟练之后,再开始练习高音区。只有遵循这样的练习步骤,学生的发音器官才能得到很好的锻炼,不至于会出现难度突然提升而造成嗓子的负担过重。另外,因为每个学生个体情况存在着差异,其发声器官也有所不同,唱歌时,发出的声音也会存在着差别,有的声音较清脆,有的却不够圆润。针对这样的情况,教师要根据学生的发音情况,采用不同的教学方式和策略。例如,对那些发音较清脆却又缺少集中的声音,教师要使用o、u音来加强学生的练习,使学生的发音渐渐圆润起来;相反对那些发音低缓,不够流畅的声音,教师要进行集中训练,如可让学生反复练习d、t、n的发音,还可以通过使用录音机,来查找自己的不足,直至发音到位、顺畅。教师在抓学生的基本功训练时,要从一般到特殊来筛查,针对个别学生,再进行辅导,努力使学生的音准、音色有一个大的提高。 三、声乐教学要注意方式方法 声乐教学不单单是为了处理音高、节奏等问题,更重要的是让学生对音乐有更充分的认识,对歌曲有完全的理解,能借助音律反映歌曲的意境,准确地诠释作品的情感和含义。教师给学生讲清楚音乐的无穷魅力,让学生懂得音乐是有生命的,它充满了朝气,充满了阳光,富有激情和感染力。不能仅仅把“动听”作为音乐单纯的目的,这样学生就会渐渐重视发音的练习,并会做到坚持不懈。在声乐教学中,教师往往会遇到这样的现象,觉得讲得非常明白了,可总会有学生不理解、做不到位。这时教师要注意讲课的方式和方法。比如学生急于求成,对教师所讲的发音器官貌似听懂了,其实对一些发音部位或器官的专业术语还是很糊涂。如在做发音训练时,教师可以先让学生把发音器官的位置弄明白,再通过自己的示范发音,让学生领悟发音规律,或教师也可以先进行生动讲解,再由学生试着来发音,教师根据学生的发音进行及时的纠正。还可以借助多媒体来播放一些发声视频,让学生自己感悟正确发音和发音不准的内在区别,以增强学生的学习兴趣,提高声乐教学效果。 四、结语 总之,声乐教学中,教师若想让学生掌握科学发音的发声方法,就必须严格地要求声音频率的稳定度,发音不能做作,要有自然的、顺畅的波动,这样的声音才会产生共鸣,才会有感染力。俗话说得好,“台上一分钟,台下十年功”,要想发音准,音色美,声音圆润清亮,离不开学生刻苦的练习,在练习的同时,要提醒学生多感悟、多体会、多请教,才会有大的改进和提高。另外,声乐教学中,还需要学生对声乐产生高度的热情,拥有良好的心态和美好的情绪。这样反复练习,学生才不会感到乏味,才会真正地投入到声乐课堂中来,领悟到音乐的乐趣。 作者:侯琳 单位:河北省石家庄铁路运输学校 声乐教学论文:艺术学校声乐教学论文 一、声乐教学理念的革新 文化艺术不断发展的今天,声乐教学也应该顺应时展的潮流进行改革。为适应时展的要求,中等艺术学校声乐教学有必要改变旧的教学理念,要用发展的眼光看待新生事物,探索新的教学理念。一方面,从我国博大的声乐文化中摄取精髓。我国很早就展开了声乐理论研究工作,研究成果颇丰,如唐代《乐府杂录》中就有“善歌者,必先调其气,氤氲自脐间出,至喉及噫其词,即分抗坠之音,既得其术,既可致遏云响谷之妙也”。我国声乐理论中自古就有“气为声之本,气乃音之帅”的说法。我们应当潜心研究并继承和发展丰富多彩的民族声乐文化,吸收其精华,才能推动我国声乐教育事业的发展;另一方面,借鉴国外先进的声乐教学理念。“对于声乐训练的本身,科学唱法和技巧是共性,是中外各种唱法共有的。在中国传统民族唱法中有科学性,在外国声乐中也有科学性。”因此,我们改进声乐教学理念,仅仅继承民族声乐文化还不够,更应吸取国外各种风格声乐学派先进、科学的演唱方法和艺术表现手段,丰富和发展教学理念,这样才能更好地发展我们的声乐教学。 二、声乐教学模式的改革 目前我国中等艺术学校声乐教学课沿用“一对一”的小课教学模式,教师对每位声乐专业的学生一周安排两节小课。这种教学模式的优点是针对性强、因材施教,但是也有弊端,如费时费力、学生之间缺乏探讨、束缚学生的视野等。时代在发展,我们面对的授课对象与过去不同,如果仍沿用传统的教学模式,势必制约中等艺术学校声乐教学的发展。因此,笔者认为我们应根据授课对象的年龄、学习程度等实际情况,对现有的教学模式进行必要的、适当的调整和改革。 1.对刚入学的一年级学生应采取“一对二”的教学模式。 如今,中等艺术学校声乐专业学生的入学年龄为14~16岁,比以往学生的入学年龄小很多。学生正处于变声期,如果一节课之内对他们进行连续的声乐训练,他们的嗓子容易疲劳、沙哑,影响其发声器官的健康发育。因此,我们对他们应采取“一对二”的教学模式。这种教学模式在训练当中不仅使学生的发声器官得到休息,而且能使两位学生互相观摩,有利于他们对技巧的掌握。 2.对二年级的学生要采取“一对一”的教学模式。 通过前一年的学习,二年级学生掌握了一些声乐技术技巧,有了较好的基本功,发声器官的承受能力也随着年龄的增长而提升。我们对他们应该采取“一对一”的教学模式,加大声乐训练力度,适当地拓展音域,为三年级的高考冲刺打好基础。 3.对三年级的学生应采取“一周三节课”的教学模式。 对三年级的学生来说,绝大多数要参加艺术类高考,他们的学习任务非常重,需要加强专业和文化课的学习。因此,对他们的声乐课应从“一周两节课”增加到“一周三节课”,使他们的声乐水平得到提升,在激烈的竞争中能够脱颖而出。 4.对演唱方面有问题的学生老师们要采取共同“会诊”的教学模式。 在教学当中,教师会遇到演唱方面具有不良习惯的、有问题的学生,这类学生教起来非常困难。一个人的能力是有限的。像我国著名声乐教育家沈湘教授那样辅导男女各声部的学生,而且还能够让他们在国内外声乐大赛上屡次获奖的人,在声乐界是罕见的。教学当中,有些教师善于解决男生提喉头的问题,有些则善于解决女生真假声不合的问题。因此,当声乐教师遇到难教的学生时,声乐教研室的老师们就会及时“会诊”,各显其能,彼此交换意见,指出解决问题的途径及方法,使学生受益匪浅。 三、声乐教材的改革 教材是教学的一个重要内容,是教学的一个重要环节。但当前我国中等艺术学校还没有统一规范的声乐教材。我们使用的教材基本照搬高等师范院校或高等音乐学院的声乐教材。由于中等艺术学校与高等音乐学府在声乐技能技巧要求、培养目标等多方面有着很大差别,二者在教学内容上有所不同。“声乐教学内容决定于不同教育层次的培养目标。”声乐教学内容的选择是有针对性的。然而在教材的选择上,有些教师喜欢按照自己的意愿为学生布置练声曲或声乐作品,随意性很大,缺乏明确统一标准和依据;有些声乐教师甚至列出一张声乐作品名单给每位学生一份,根本没有考虑学生的具体情况,缺乏针对性;有些教师布置声乐作品时范围狭窄,局限在旧作品上,不主动积极地布置新作品,曲目缺乏横向突破,不能充分调动学生的学习积极性。由此可见,没有统一规范的声乐教材就会影响声乐课的实际运用和操作,进而影响教学质量。教育部门应组织教学经验丰富的声乐教师编撰一套适合中等艺术学校的声乐专业教材。在教材内容的选择上可以参考高等音乐学府教材,对它进行提炼、简化并在内容上进行适当的增补。教材要明确体现出中等艺术学校声乐专业学生的培养目标,要强调教材的针对性、通俗性和趣味性,使学生能够“寓学于乐”、易于理解和接受,为学生在专业学习道路上的良好发展奠定基础。教师在教材的选择上应考虑到以下方面的问题: 1.教材必须有针对性。 在教学当中,有些教师不论是男生还是女生都用同一个练声曲;不论舌根紧的还是提喉结的都用i母音练声;无论一年级学生还是二年级学生都用同一个声乐作品进行训练,缺乏针对性,严重影响学生的进步。每个学生的具体情况不一样,学习程度也不一样,因此,教师选择教材内容时必须有针对性,要考虑到学生的训练程度、存在的问题以及哪些练习适合,避免盲目性。如对提喉结演唱的学生多用下行的u母音练习;舌根紧的学生多唱a母音的跳音练习;初学者唱《月之故乡》《大海啊!故乡》《花非花》等简短易唱的作品;具备一定演唱能力的学生唱《长城永在我心上》《妮娜》《草原之夜》等难度稍大的作品。针对性的原则就是从实际出发,实事求是,教师只有有针对性地选择教材,才能使每位学生扬长补短,收到教学效果。 2.教材内容要丰富多彩。 在教学当中,我们基本上一直沿用那些旧作品,学生很少接触新作品。当然有些旧作品是经典曲目、经典教材,诸如《红豆词》《叫我如何不想他》《我的太阳》《祖国慈祥的母亲》等。然而艺术本身是发展的,人们的审美标准也是随着时代的变化而发展的,新时代涌现出了一批被声乐专业学生和广大群众喜爱的具有艺术性、思想性的新作品,如《往日时光》《跟你走》《呼伦贝尔大草原》等。这些作品不仅在声乐技巧运用方面有较大的发展和提高,作品风格上也多样化,深受学生们的喜欢,易于调动他们的学习积极性。因此,教师在教材内容的选择上不仅要选择旧的经典作品还要敢于开发新作品。把这些新作品充实到教材内容中不仅起到丰富教材内容的作用,还有利于提高教学效率。 四、结语 总之,要发展就要改革。中等艺术学校的声乐教学改革不是一朝一夕之事,而是一个漫长的过程。我们还要积极探索先进的教学理念,寻求有效的教学模式,丰富完善教材内容才能促进声乐教学可持续发展。 作者:刘胜 单位:内蒙古大学艺术学院附属中学 声乐教学论文:民族声乐教育教学论文 一、在秉承传统与民族的基础上贯彻多元化的教育思想与理念。 当前,在绝大多数人的概念和意识中,多元化的艺术教育理念和思想是一种标准的外来文化,但正如前文已经提及的,我国的现代民族声乐艺术,民族声乐教育从诞生、发展之初就具有鲜明的多元化特质,可以说多元化是我国现代民族声乐艺术与教育发展的肇端,但因为种种原因,我们在新的世纪,新的时期将这种思想和理念一直坚持继续秉承和发扬。总体来讲,我国现代民族声乐的发展与形成主要分为四个主要阶段:第一阶段是20世纪四五十年代。这一时期中华人民共和国刚刚成立,我国的民族声乐学科教育与建设还没有完全走上正轨,这时的民族声乐无论在教学和演唱上都受到传统民族声乐的深入影响,无论是在演唱方法还是作品艺术风格层面,如郭兰英演唱的《一条大河》、郭松演唱的《乌苏里船歌》、王昆演唱的《秋收》《南泥湾》等等。这时的民族声乐作品或改编自少数民族或地方性民歌,或源自戏曲曲艺的曲调,在演唱的处理与表现上也带有鲜明的传统民族声乐的唱腔和韵味。第二阶段是20世纪六十年代至七十年代末,这一时期对于我国的民族声乐艺术来讲是一个较为特殊的时期。这一时期因为很多特殊的原因我国的社会十分封闭,动荡不断,一切艺术都陷入停滞甚至倒退,但我国的民族声乐艺术却仍在夹缝中取得了一定的进步和发展。由于极端的思想影响,在我们的学术界出现了一种否定外来文化的思想,武断的否认一切外来文化的作用和价值,而一批早年有过欧美留学经验的声乐教育家则坚决的抵制这种思想,并与其进行针锋相对的斗争。主张我国现代民族声乐的发展必须走一条“土洋结合”的道路,这便是我国现代民族声乐发展史中非常著名的“土洋之争”。而随着我国社会动荡的结束,改革开放的开始,我国开始再次走上正常发展的轨道,而争论的结果自然是“土洋结合”道路的胜利。而这次争论的积极意义则在于从此明确了我国现代民族声乐的发展理念与发展防线,使我国的民族声乐艺术和教育重新走上了正常发展的轨道。第三个阶段是改革开放开始至20世纪末。这一时期我国各项事业蓬勃发展,我国的高等教育体系也重新开始发展和完善,民族声乐也正式作为一种艺术学科进入了我国高等教育体系。因为我国的高等音乐教育一直完整的沿用西方音乐教育体制,因此,这时“土样结合”的音乐教育理念与思想在我国的民族声乐教育教学过程中得到了进一步的贯彻和发展。通过以中国音乐学院、沈阳音乐学院为代表的一批声乐教育家不懈探索和努力,我国的民族声乐艺术在科学性、系统性。规范性上都取得了长足的发展和进步。培养出了大量优秀的具有较高艺术水准和演唱水平的民族声乐教育家与歌唱家,如、阎维文、宋祖英、等等,我国的民族声乐艺术也取得了空前的成功和繁荣。而大量具有新时代气息的专业化声乐作品也大批的出现,这些作品同这时的民族声乐演唱方法和风格一样,鲜明的带有欧洲古典音乐的艺术特征,无论是在音乐形式还是在音乐风格上。可以说这一时期堪称是我国民族声乐艺术发展的黄金时期,无论是在演出市场的繁荣程度还是在教育教学的学科建设上。而当我们回顾这段历史,我们不难发现,这时我国民族声乐艺术的成功并不是偶然的,而是必然的。这时我国的高等民族声乐教育完全起到了民族声乐艺术进步发动机的作用,在借鉴和吸收外来声乐文化,尤其是欧洲美声唱法上完全做到了多元化的理念和思维,在坚持本民族艺术特征与审美特质的前提和基础上最大限度的做到了开放性与包容性,兼收并蓄,才使得我国现代民族声乐的艺术形态最终确立。第四个阶段是21世纪初至今。这一时期我国的社会的各个层面都进步、发展和转型。伴随着社会的进步和人们实际需求的变化,我国的民族声乐艺术演出市场和舞台上出现了很多新鲜的元素。 “原生态”的抬头“,跨界风”的盛行“,学院派”的坚守,等等。一批新生代民族歌手也相应而出,如融“民声”与“美声”为一体的吴碧霞,“民声”与“通俗”无痕跨界的谭晶,“神曲制造者”龚琳娜等等。多种多样的声乐演唱方式、表演方式、声音理念、审美理念纷至沓来,对我们高等民族声乐教育提出了严峻和现实的拷问和鞭策。我们的高等民族声乐教育在教育理念与思想、学科建设、课程设置等等层面上何去何从,是当前我们民族声乐教育工作者们必须要正视和重视的一个重要课题。前文已有所提及,我国的现代民族声乐艺术是在我国传统民族声乐的基础上创立和发展的,民族性是其发展的前提和基础,因此,要想使其在新时期进一步发展和进步,我们在实际的教育和教学过程中就一定不能忽视对于传统的秉承和发扬。而民族性的保持本身就是多元化音乐教育理念与思想重要部分与明显特质。重视传统民族声乐,更加全面和深入的从传统民族声乐中发掘和提取艺术养分本身也是多元化思想更加全面和彻底的贯彻。“事实上如果我们对我国的戏曲艺术有一个较为全面深入的理解的话就会发现,几乎我国每个地方和民族戏曲艺术都有着自己明确、鲜明的发声理念和规范系统的发声方法。例如我国的最大地方戏曲剧种京剧,其演唱发声方法就极具系统性、规范性和科学性。与美声唱法相比甚至在很多方面更为具体,要求更为严格,有很多专用的声乐演唱学术名词,如:真嗓、假嗓、左嗓、调嗓、喊嗓、丹田音、云遮月、塌中、脑后音、黄腔、冒调、走板、不搭调、气口、换气、偷气、嘎调、长吭、杂夯等。每一个名词都是一种十分具体的声乐演唱要求或声乐演唱标准,并且这些声乐演唱术语与西洋美声唱法中的学术名词相比更加易于国人的理解和掌握,如果能够在声乐教学中适当的运用和融入诸如此类的一些声乐名词和声乐演唱概念和要求对我们的民族声乐演唱与教学都是大有裨益的。”诚然,科学性的声音理念与意识对于我国民族声乐发展的作用、价值和意义是不容否定的,这是高水准声乐演唱声音质量的最基本保证,但如果在演唱中一味片面的强调科学性,而忽视或者忽略了民族性的概念和意识,或者对民族声乐作品本身没有一个清晰全面的认知,那么无论如何完美的声音也不能引起我国听众的情感与思想共鸣。因此,在我们的民族声乐实际的教学过程中一定要将传统民族民间音乐和声乐艺术作为必修科目系统的纳入我们的教学计划,并有效的开展和实施,这样才能使学生对我国民族声乐艺术的艺术本质与内涵有一个更加全面和深入的认知和理解,也只有这样才能使学生在学习过程中逐渐建立起牢固的民族意识,才能最终在演唱中完美的表现出来。另外,加强对于各地方,各民族的原生态民歌的学习、理解和掌握也是十分必要的,对于原生态民歌的概念,价值和意义我们已经有过很多研究,了解也比较详细,无需过多赘言,但需要之处和强调的是,当前,从民族声乐的实际教育教学过程中,对于原生态民歌一定要避免矫枉过正的态度。我国原生态民歌众多,类型多样,举不胜举,每种原生态民歌的自身性质、类型、状态也都不尽相同,我们在实际的教学过程中我们必须要认识到,我们学习原生态民歌,最重要的是要从其中理解和掌握更多的优秀审美特质,并将这些潜移默化的应用于我们的民族声乐演唱,而不是浅显的学习某些特殊的发音方式、民族语言、方言或曲调,或是将其生硬的套装于课堂教学或者实践舞台、这样才是实事求是,从实际出发,尊重艺术发展的科学规律,切不要形而上学。只有这样,才是真正符合了多元化的艺术发展精神与思想,也只有这样才能真正促进我们民族声乐教育教学的有效开展、进步与完善。 二、在坚持民族与传统的基础上进行创新性多元实践探索与尝试。 近年来,谭晶、龚琳娜、吴碧霞等“跨界民族歌手”的不断出现,以宋祖英为代表的学院派歌手与其他类型歌手“混搭”取得成功效果,都不停的冲击着人们的视听感受,同时也在极大程度逐渐突破了人们以往对于民族声乐概念的认知和理解。但从严格的声乐学科种类划分的角度来看,这些看似不同类型的歌手都属于民族声乐的范畴,但又各自具有鲜明的特色,吴碧霞本身具有深厚的传统民族声乐功底,她在艺校期间学习的是湖南花鼓,进入大学后正式开始学习民族声乐专业,而在研究生阶段却转而攻读美声专业,这种中西合璧的学习经历极大的拓展了她的艺术道路,展现出更强的艺术感染力与表现力。但如果我们对整体声乐艺术或者声乐理论有一个较高的认知水平就不难发现,如果单单从演唱的专业性与规范性来讲,吴碧霞的美声演唱只具其形,不具其实,是较为业余的,其根本性质上是一名非常标准的民族歌手,但即使她的美声演唱较为业余,只表现出一些皮毛,但这也极大的丰富了她的歌唱艺术层次,增强了她的艺术规格。再比如“民俗”唱法为代表的民族歌手谭晶,虽然她的民族与通俗唱法结合只是简单用民族声乐的演唱方法演唱流行性质的歌曲,在声音的运用于表现层面上并没有突破民族声乐的范畴,但至少为我们实际的教育教学和演出实践上拓展和丰富了曲目的选择。再比如凭一首神曲《忐忑》,以奇葩形象出现在人们视线里的龚琳娜,则以民族声乐为基点,开创了一条极为独特的蹊径,树立起自己鲜明的风格。如果我们深入的分析它的演唱风格,不难发现其实她无论从声音的运用还是表现的方式上人属于民族声乐的范围,首先,她的声音具有明显的非常正统和规范学院派特征,但在具体的艺术处理和表现上融入了非常多元的艺术风格。比如《忐忑》、《金箍棒》因为编曲和配器上完全由她的德国音乐家丈夫操刀,所以表面上带有一定的后现代风格,但究其实质,她此类型的声乐作品则运用了我国传统戏曲音乐的元素,也正是这种民族与现代结合所产生的非常独特的,甚至有些怪异的、令人啼笑皆非的艺术效果才给人耳目一新的视听冲击,使人们在最短的时间内认识了这位其实成名已久的民族唱法的歌手。同时,无论你对她的这种演唱风格是喜爱还是厌恶,认同或者唾弃,我们都无法否认其对于我国民族声乐演唱风格丰富和多元化产生的积极作用和意义。上述事例说明,首先,我国民族声乐艺术的多元化的基点是民族性为基础与科学唱法相结合,而民族声乐多元化的方向一方面是继续深入挖掘传统民族民间音乐中的艺术元素、精神与气质,同时要继续秉承包容性与开放性,兼收并蓄的吸收外来音乐的艺术元素,从艺术处理与表现上不断的丰富和拓展自己,而现有的成功经验也为我们的民族声乐教育教学提供了新的思路和方向。因此,在实际的教育教学工作中要进一步更加彻底和完善的贯彻多元化的理念和思想,我们主要应从两个方面入手,一方面在坚持民族性的基础上继续加强学生声乐演唱的科学性、专业性与规范性,紧跟国际上美声声乐艺术发展的潮流,吸收先进的声乐演唱理念,另一方面还要在演唱的艺术处理、曲目选择、演唱实施上大胆的探索、创新和尝试,鼓励学生在合理的艺术范畴内,在教师的指导下最大限度的发挥主观能动性,展开多元的声乐演唱实践。我国民族声乐艺术与美声唱法的借鉴和融合对我们来说已经是一个非常熟悉的概念和课题,这本身也是我国民族声乐发展多元化的最根本体现,但需要指出的是,美声唱法本身也是多元化的,也是在不断发展的。 中华人民共和国建立初期,受到意识形态的影响,我国对于美声唱法的概念、意识都源自俄罗斯,改革开放以后,我国对于美声唱法的理解和认知才真正与国际接轨,20世纪八九十年代,可以说意大利的声音理念占据主流,而21世纪初,随着世界经济形势的变化,意大利的美声艺术发展逐渐陷入停滞,但在德奥地区美声声乐艺术则得到了更好的保护和发展,这时德奥的美声声乐理念与风格独占鳌头,而近年来,随着我国与法国之间交流的广泛和深入,我们发现法国的美声声乐艺术风格与我们的亦有很多契合和相融之处,所以,可以说,我们对于美声声乐艺术的借鉴与应用要具有发展性和国际性的眼光和视角,这样才能使我国的民族声乐艺术更具普世性,才能更好地走向国际声乐舞台。同时,我们要在实际的教育教学过程中加强学生的市场意识。作为新时期的民族声乐教育工作者,我们必须对当前社会的艺术发展形势与艺术市场需求有一个清晰、全面的了解与认知,并从社会实际需求的角度出发,在教学中不断加强培养学生的社会实践能力,增强学生的社会适应能力。我们必须明白这样一个道理,我们的高等教育不是空中楼阁,我们的学生在大学期间除了学习“高大上”的基本声乐演唱技能以外更要面对毕业后残酷的职业竞争,因此,在大学期间仅仅具有专业的歌唱技能是远远不够的,我们应该在保证学生专业演唱的基础上最大限度的拓展学生的艺术表现力。首先要不断的拓展教学曲目,传统的教学曲目固然很多是必须要学习的,但音乐是社会生活的实际表现,必须要积极鼓励学生演唱更多的新创作的曲目,而在选择类型上也不应拘泥于固有思维,无论是传统的民族声乐曲目还是新创作的曲目,无论是流行歌曲还是音乐剧选曲,只要是符合民族声乐演唱的风格与特质就可以为我所选,为我所用。而在演唱的表演形式上也要尽量的拓展,鼓励学生在课堂、考试和实践演出中选用对唱、重唱,甚至可以与流行唱法、美声唱法、民族乐器、西洋管弦乐器进行组合,然后教师要对其进行规范和指导,这样不但能够极大的拓展学生的艺术表现能力,同时更为重要的是能够培养学生多元化的、富有创造力的艺术思维和意识,在“授人以鱼”的同时“授人以渔”,使学生在走进社会后真正适应多元文化为主导的社会实际需要,成为具有较高实践能力、适应能力和社会竞争力的民族声乐专业人才,同时这也能够最大限度的杜绝教育资源的浪费。 三、结语 总之,多元文化是21世纪世界文化发展的主导潮流,作为我国民族声乐艺术发展和前进发动机的高等民族声乐教育教学要想真正取得实际性的发展就必须具有全球化的视角,开拓思维,锐意进取,实事求是,从实际的角度出发,摆脱形而上学的束缚,将多元化的意识和思想在我们的教学工作中更加全面深入的贯彻和实施,也只有这样才能培养出更多符合社会文化发展实际需要的专业人才,才能使我国的民族声乐艺术真正健康的、可持续性的发展,并最终在国际的声乐艺术之林占有一席之地,向世界展现出中华民族艺术之真正魅力。 作者:李抒丹 单位:沈阳音乐学院 声乐教学论文:朗诵歌词专业声乐教学论文 一、朗诵在声乐教学中的地位 我国的声乐教学历史非常悠久,在这悠久的声乐教学实践历史中,朗诵一直都是歌唱语言训练的主要方式,而且训练效果一直很明显。从语言上讲,朗诵和歌唱都有共同的语言基础,在发声方法和运气方法上,朗诵和歌唱也能够互相借鉴。我国传统的歌唱理论中很多的理论都是以口语朗诵为基础,如明代魏良辅的《曲律》中说:“曲有三绝,字清为一绝。”这表明了古代歌唱家对字、声的重视。在西方的声乐理论中对这一方面也有着独特而又专业的阐述,例如意大利的歌唱家卡鲁索在《卡鲁索的发声方法》一书中认为“歌唱者读字比起歌唱者的声音更为重要,在歌唱中扎实的读字是正确发音的重要基础。”这也是在说明在歌唱中字正腔圆的重要性。字音不正确,歌唱就会难听,或者有歧义,影响了歌唱的效果。要想提高对字音的掌握,朗诵是最为直接的训练方法。所以在学习声乐的过程中,必须要不断地进行朗诵的训练才能够更好地掌握和提高声乐技巧。 二、在声乐教学中朗诵歌词的重要性 (一)有利于规范歌词的语音 歌唱和歌词朗诵都有一定的语音要求,只有标准而又清晰的发音才能够让朗诵和歌曲更加悦耳。在歌唱时,不正确、不清晰的歌词发音往往会被歌曲的旋律所掩盖,这样一来,通过单纯的歌唱训练就不能够提高自己对字、声的掌握水平,很难在歌唱时纠正自己的咬字、吐字问题。所以,在朗诵训练中,对歌词的发音练习在规范语音的作用上要比声乐练习更大。 (二)有利于歌唱者对歌曲情感的体会 每一篇文章和每一曲音乐都有着自己的情感,所以歌唱和朗诵都是以情感的表现为主的艺术。要想提高自己的朗诵水平和歌唱水平,就要对作品的情感有一个深刻的把握,了解作者的思想内涵,将自己的情感融入到自己的声音中去,这样自己的朗诵和歌唱才能更加具有感染力。只有对作品有了很深刻的体会,再加上歌唱时的歌曲旋律,歌曲中蕴含的思想感情才会完全的爆发出来,效果也会更好。提高对歌曲感情的理解,最直接的方法就是提高对歌词含义的体会,朗诵歌词有利于更好地体会歌曲蕴含的情感。 (三)有利于提高歌唱的艺术表现力 声乐是一种非常有技巧性的艺术。歌唱技巧训练的过程,就是对歌曲进行艺术加工的过程,朗诵歌词的目的就是更好地对歌曲进行加工。朗诵对纠正学习者在日常生活中的各种不正确发音有着非常重要的作用。在唱歌中融入朗诵技巧训练可以让学生更好地处理音乐作品,将歌曲的内容和形式、感情和技巧、体验和方法完全的结合起来,让歌唱声情并茂,从而提高歌唱的艺术表现能力。 三、歌词朗诵的几个关键点 (一)对歌词的分析和理解 歌词往往语言精美,感情丰富,灵动而又朗朗上口。学生不能仅仅满足于歌词的表面意义,还要对歌词的深刻含义有所掌握,这样才能够对作品产生更加深刻的理解。对歌词的逻辑感受和形象感受要不断地调和,从而提高自己的感情抒发度和词语的准确度,让自己的声音更加起伏。在训练中也要特别注意各种语言的区分,注意语言的规范和准确。 (二)以朗诵增加对歌词的体会 书读百遍,其义自见。从歌词的朗诵出发能够更好地体会歌词的语气和歌曲的韵律。对歌词进行反复的朗诵非常有利于增强学生对歌词的理解和体会。朗诵要格外注意重点、基调、语气和韵律,做到把歌词的每一个部分的思想感情都完整地渲染出来,对全篇的情感变化也要体现出来,用不同的声音来让语气更加灵活生动,加强对歌词的理解,更好地抒发激情和美感,让作品更加鲜明、鲜活。 四、结语 21世纪以来,我国的幼儿教育改革不断深入,教育水平不断发展,对幼儿教师的要求也越来越严格。声乐教学是提高幼儿园教师专业素质的一个重要教学课程,在学前教育专业中,声乐教学有着非常重要的地位。朗诵歌词不仅仅能够让学生避免吐字不够清晰、不够标准的问题,还能够加强学生对音乐作品的理解和体会,全面地提高学生的声乐学习效果,提高学生的歌唱水平,有利于培养出教学能力过硬、基础理论扎实的优秀幼儿教育人才。 作者:陈永海 单位:江门职业技术学院 声乐教学论文:高校民族音乐声乐教学论文 一、 现代高校声乐教学中民族音乐融合的现状 自上世纪50年代中期,我国各高校的声乐教育中就融入了民族音乐的教育形式,短短五十多年的发展使得各高校声乐教学取得了丰硕的成果。中央音乐学院就先后走出了一大批深受广大人民群众喜爱的著名歌唱家,、张也、阎维文、德德玛、吴雁泽等各具民族特色与个人风格的国内外知名的音乐艺术家。上世纪80年代,我国各高校的声乐教育师资力量雄厚、教学专业化较强、教学设备不断更新、教学曲目更是具有较强的可选性,这些优势带动了我国高校声乐教学的专业化、现代化发展。但是,发展的道路总是那么艰辛、那么曲折,我们在看到各高校声乐教学不断进步的同时,不能不认真审视一下在声乐教学中存在的明显缺陷与不足。虽然学术界对我国声乐教学的研究从未停止,但是其中存在的问题仍不容忽视。众多的歌手在接受了多年来形成的统一的、固有的声乐教学模式后,从高校走出了一大批唱法统一的歌手。这一点我们可以从国内较为权威的全国青年歌手大奖赛中看出其统一的特性,很多观众都反映在民族唱法中歌手几乎是千人一声。面对广大观众的质疑与指责我们不得不反思,我们的高校声乐教学究竟怎么了?我们在借鉴西洋唱法的同时,中国民族传统韵味如何体现?多年的教学经验让我深思,如何才能突破中国传统音乐文化发展的瓶颈问题? 1.盲目崇拜西洋唱法 改革开放三十多年来,中国人看到了西方科技的发展与进步,面对新鲜事物,中国人为了不断追求经济与科技的发展,将传承了几千年的中国传统文化抛之脑后,转身去迎接这些来自西方的新鲜事物。虽然中国历史上也曾经辉煌过,在某些朝代我国确实走在了世界的前列,但是由于上个世纪初我们中华民族遭受的屈辱史与血泪史使得我们中华民族产生了强烈的自卑感,带着对西方文化、科学技术的盲目崇拜心理,中国人开始学习西洋唱法。虽然大部分声乐教育家只想借鉴西洋唱法来发扬并传承与改进中国民族唱法,但是,声乐教学发展到今天,很多人仍旧认为中国民族唱法缺乏科学性、规范性、是一种落后的唱法。随着人们思想观念的在不断变化的社会经济环境中的转变,很多人发现中国的民族音乐逐渐走向一个极端的空间,在青年歌手大奖赛中,很多歌手的参赛曲目越来越难、越来越大,但是风格却趋于统一。因此,在高校声乐教学中我们教育者应该以一种平和的心态重新审视我们民族音乐的优美韵味,以公平的态度与心理对待中西方唱法的不同与融合,在高校声乐教学中注重学生多元化、个性化的发展方向与培养模式。 2.缺乏对我国民族音乐的学习 目前,我国的高等音乐教育还无法脱离学校这一有形的载体,一般而言,高校音乐专业基本采取的都是“一对一”、“一对多”的教学模式,而从事声乐教学的教师也基本是从这一模式中走出来的,由于受西方音乐教学与西洋唱法的影响,基本上所有学习声乐的学生都是先学习西方的演唱方法、音乐基础知识,然后再学习中国的传统歌唱艺术,在这种体制怪圈的影响下,已经形成一种不断重复的、固有的教学模式。而一部分声乐教师在高校就读期间也没有系统的接触过民族音乐,于是在高校的声乐教学中就形成了一种“老师教什么,学生学什么”的被动局面。这主要是由于教师与学生在西洋美声唱法的影响下并未走出校园、没有走进民间、没有深入群众、没有到各民族中去采风、感悟、体验,并且他们对传统民族音乐的风格与声乐理论并不了解,这种没有想法、没有体验的方式就形成了高校声乐教育与民族音乐相对隔离的状态。王昆、郭兰英等老一辈艺术家们大多数人曾经是曲剧、戏曲的演员,经历了长期的传统艺术、民族音乐的熏陶,他们已经探索出了一套适合人民群众需要的、备受人民群众喜欢的民族唱法,这一时期的民族音乐已经深深植入了这些优秀声乐教师的心中,他们培养出的声乐歌手都是十分优秀的。上世纪80年代末,以为代表的学院派新生民族唱法中不仅蕴含了西洋唱法的圆润与通畅,更继承了传统民族音乐唱法中的明亮与细腻。这种新兴的唱法很快就取得了巨大的成功。但是,也正是这种成功的唱法使中国高校声乐教育逐渐失去了民族音乐的唯美韵味。 3.严重忽视了因材施教的特点 造成我国高校声乐教育中教学模式统一的一个主要原因,是由于高校的声乐教师在授课过程中,长期以来将教学的重点放在了对学生发声技巧的训练上,这就导致一些学生总是将学习的注意力集中在那些高难度的乐曲作品上,并对其进行模仿演唱。而教师在教学过程中也忽视了对学生进行作品的情感处理的正确引导。虽然有的学生也对作品进行了一些感情上的处理,但是这也仅仅局限在对歌唱名家、艺术家的声调、语音、润腔的简单模仿。大学学习四年后并没有形成自己独特的处理能力。 4.课程设置存在一定的缺陷 声乐课是一门结合了心理学、生理学、教育学等多门学科在内的综合类的艺术。但是,目前我国各高校中并没有开设生理课。作为学习声乐的学生,必须对人体的发声器官的性能、构造等有个全方位的了解与认识,这样才能真正了解呼吸器官、共鸣器官、发声器官的主要功能,才能够有目的的掌握与运用这些器官的技能并促进自己歌唱的进步。民族音乐中的很多乐曲具有一定的艺术性,有的还是根据小说改变而成的,因此,学习声乐的学生还必须了解一定的文学知识,具有一定的文学功底才能更好的在歌唱中诠释作品的真正内涵。但是,在很多高校中,从未开设过语文或文学欣赏这门课程。如果连演唱者自己都不能真正了解歌曲的内涵,又如何使观众真正了解呢? 二、 高校声乐教育中民族音乐融合的创新 我国是一个多民族国家,不同民族具有不同的人文背景、地域环境,因此也就孕育了异彩纷呈、绚丽多姿的多民族风格的民族音乐文化。几千年的发展为我国民族音乐的传承奠定了基础。作为声乐教育者,我们应该承担起培养与传承中国民族音乐的重大责任,为建设与发展我国民族音乐提供良好的环境。 1.不断优化高校声乐教学师资队伍 声乐教学改革的创新与发展需要一支专业素质高、精通声乐、熟悉民族音乐的教师队伍,这是基本条件。一个优秀的声乐教师必须具有过硬的专业技术与知识技能,并已经在中国民族音乐方面积淀了自己独具特色的演唱技巧,深入了解我国各民族的传统文化,在一些特殊的民族民间音乐的演唱技巧上能够充分的、深刻的进行运用与研究。否则,一切都是纸上谈兵。这就要求高校声乐教师必须静下心来潜心钻研并不断探索民族音乐的精髓。充分利用多媒体教学手段,不断改革教学方法,努力使自己成长为一名德才兼备、技艺兼通、教研相融的优秀声乐教师。 2.积极组织学生到各民族采风 声乐学科具有较强的实践性。因此,为了更好的使民族音乐融合到高校声乐教学中,各高校可以根据学校的实际情况每学期定期组织教师、学生深入到各民族聚居地采风,深刻体会并理解当地民俗文化的特点,为今后的歌唱事业积累资料。只有充分了解并积极参与和感受才能真正了解各种艺术形态带给人们的震撼。 3.努力构建特色课程体系 教材是实现教育目的的重要工具,也是提高学校教学质量的关键因素。建设具有本校、本地区特色的课程体系是培养高水平人才的基本保障。各高校的声乐课程应该根据本校的实际情况或本校所处地区的少数民族的特点,在充分考虑毕业生将来的就业压力的前提下,加强基础建设、加快整体优化步伐、突出本校特色,优化课程特色,努力探索出多样化的人才培养模式,为本校的发展与我国声乐事业的发展积极构建具有特色的课程体系。 4.不断创新教学方法的研究 探索民族音乐在声乐教育中的渗透与融合的关键环节就是进行教学方法的改革与创新。对于声乐教师而言,必须掌握新的声乐教学方法,突破传统声乐教学方法中存在的框架与局限。在平时的声乐教学中,教师可以根据教学内容的不同、根据学情的不同,积极引导学生进行独立的创新思维,激励学生以主动探索的态度进行学习。理论与实践的脱节是声乐教学中的一个瓶颈问题,在高校声乐教学中,可以采取多种方式来帮助学生实践民族音乐的魅力。 三、结语 总之,随着我国声乐教学改革的不断深入,民族音乐应该成为我国高等高校中声乐教育的重要组成部分,努力建设具有中国特色的民族音乐教学体系是声乐课程面临的重要课题。我们必须在借鉴与吸收西方音乐教学风格与唱法的基础上,勇于探索,将我国民族音乐作品渗透、融入到声乐教学中,使民族作品更具有系统性、特殊性、专业性。全国各地的高校应根据本地区特色与民族民间音乐、文化特色在声乐教育中进行渗透与融合,使中国民族音乐立足东方走向世界,在世界音乐中绽放出美丽的中华民族音乐之花。我们坚信,在所有声乐艺术工作者的共同努力下,中国的音乐教育一定能够开创出一片崭新的天地,一定会为中国声乐教育的发展再创辉煌。 作者:魏菲 单位:黑龙江省齐齐哈尔市高等师范专科学校 声乐教学论文:文化视角下声乐教学论文 一、国内研究述评 从文化的宏观角度对声乐教育教学的思考和研究可以归纳为三个方面:学术论文、专著及学术会议。经本人收集和整理,可供借鉴的论文有郭克俭《传统声乐文化特质及其当下意义》,文章从声乐背后的文化语境谈到我国的民族声乐应该在智慧地吸收西方科学声音技术的基础上发扬具备本民族文化特色的民族声乐,而没有提到具体解决措施。张晓农《人文传统背景与中西声乐文化差异之比较》,文章从历史文化的角度从图腾意识、宗教观念、学者主体、审美传统、理论基础五个方面比较中西方声乐文化之差异,而笔者是从我国文化的视角谈到我国声乐教学的现状,并提出了解决对策。李泉《中国声乐教育的回顾与展望》,文章以声乐不是技术是文化这一声乐教育观念的转变为线索,论证了专业技术与音乐文化相依相伴的关系,提出了声乐教育要走上科学、规范的轨道,要从教育体系的健全和基础理论建设做起。笔者则从沉淀声乐文化、提升综合素质、提倡创新氛围三方面谈到的解决对策。专著有郭建民著《声乐文化学》,本书是迄今为止国内唯一一本声乐文化理论研究的专著,文化的视角则是贯穿《声乐文化学》研究的第一要素,本书具备宽泛的学术视野,主要涉及声乐文化理论概述。邢延青著《民族声乐艺术的文化研究》,作者运用边缘学科类比的研究方法,有比较地将传播学、语言学、心理学等相关部分纳入对民族声乐的研究之中。学术会议则仅有辽宁师范大学于2005年9月举办的首届《全国高师音乐学院办学特色与声乐文化学学术研讨会》,王耀华先生、余笃刚教授、郭建民教授肯定了从大文化的角度审视声乐文化的积极作用。 二、文化与声乐教学的关系 1.文化是声乐教学的底蕴和基础 一定时期的声乐艺术现象与当时社会文化背景息息相关,联系紧密。从历史上看,“五四”运动时期,民主、科学、进步的思想和强烈的爱国精神,其文化启蒙作用极大地促使了中华民族的觉醒,也辐射到了我国的声乐教学领域,留美的黄自,留德的青主、赵元任等,这批留学回国的音乐志士,不再满足于填词的学堂乐歌或单旋律的歌曲创作,开始运用和声及作曲技法,并将中国文人的浪漫气质融入到艺术歌曲的创作之中。40年代末到新中国解放后,我国的声乐教育领域,开始思索如何继承和发扬民族文化遗产,探索具备本民族声乐特点的声乐教学,采集和改编了大量优秀的民间歌曲,如丁善德的《玛依拉》、黎英海的《嘎俄丽泰》;根据民族音调创作的《草原上升起不落的太阳》等,都是我国民族风格歌曲中的佳作,这些歌曲至今仍然广泛使用在我国的声乐教学中。在“”的特殊年代里,“样板戏”代替了歌唱艺术,衡量声乐艺术的标准不再是优美和抒情,“宽、厚、亮”是唯一的强制性的审美标准。这种违背科学的标准扼杀了许多优秀的声乐人才,使我国刚刚有所成就的声乐艺术教育惨遭摧残,也使开始繁荣的民族声乐艺术事业落入深渊低谷。 2.文化与声乐作品 纵观我国古代史、近代史,一定时期的声乐知名作品无不是当时文化的综合体现。以《秦王破阵乐》为例,此作品反映的就是初唐时期,秦王李世民率军击败叛将刘武周使得唐朝政权转危为安后,人们在凯旋庆功时演唱的歌曲。《松花江上》,产生于上世纪30年代,九•一八事变使国内政局发生了急剧的变化,军阀割据的局面暂告段落,国难当头,民族矛盾迅速激化,抗日救亡的呼声响彻大地,《松花江上》就是在这样的社会历史文化背景下诞生的一首脍炙人口的抒情歌曲。而《乡恋》则是改革开放之初,经过“主张墨守成规”和“提倡解放思想”两种思想的激烈碰撞下,后者最终战胜了前者的历史条件下诞生的,深刻反映了当时的社会文化背景。 三、从文化角度审视我国声乐教学现状 1.文化整体环境浮躁、校园学习氛围淡薄 目前,各类声乐比赛、选秀活动充斥着各大媒体,诚然,这种形式给年轻人提供了展示才能的舞台,但很多青少年正处在人生观、价值观的成型期,容易抱有急功近利、一夜成名的心态;并且即使因天时地利的原因一时成名,但是由于缺乏扎实的音乐技能功底和深厚的文化底蕴,很难在艺术道路上走稳、走远。而由于社会快速的经济发展,社会上流行着权钱至上的价值理念,有象牙塔之称的学校,同样也受其一定的影响,艺术院校的声乐学生耳濡目染社会及身边的各种观念和事物,很难端正学习态度,扎实掌握知识,苦练声乐基本功。 2.声乐学生重技术轻文化、重文凭轻学习 由于长期以来社会对于音乐的偏见以及目前一切向经济和短期时效看的人文氛围,声乐教学领域普遍存在重技术、轻文化;重高音、轻基本功;重演唱、轻理论;重短期效应、轻长远发展的问题,声乐学生因为招生考试文化门槛低,导致没有全面的文化素质,声乐学习过程中浮躁,有的光想在演唱技术上一步登天、有的抱有速成成名的功利心态,缺乏踏实治学的态度、有的因文凭和未来出路学习声乐、殊不知提高声乐水平需要耐得住寂寞,苦练声乐基本功,加强文化修养,去除内心的浮躁,慢慢积累生活感悟,循序渐进才能得到厚积薄发。 3.声乐创新环境欠缺、成果凤毛麟角 2005年,钱学森先生曾对前去看望他的总理说:“现在中国没有完全发展起来,一个重要原因是没有一个大学能够按照培养科学技术发明创造人才的模式去办学,没有自己独特的创新的东西,老是‘冒’不出杰出人才。”在声乐教学领域,存在着师生缺乏独立思考能力的现象,因两千多年的封建制度对社会的长期影响,人们的创造力和活力受到了一定的遏制,声乐领域里,师生普遍缺乏把习得知识和时代结合再创造的能力,教师往往习惯了照本宣科,而学生总是习惯了被动接受知识,加上长期以来教师为主导权威地位的教育模式,学生的独立创造能力自然不高,“自己独特的创新的东西”在目前的中国大学和中国社会很难成为主流的、被鼓励与提倡的对象。 四、找到文化定位,提高声乐教育教学质量 1.沉淀文化底蕴,优化学习氛围 我国目前文化环境浮躁、各大媒体为了收视率,制作各类声乐娱乐选秀节目,快节奏的生活方式,导致人们生活方式以快速、便捷为主,读报刊、看书这种传统的精神熏陶方式被用手机浏览新闻、听歌、看视频替代,一味地追求速度、效率、数量导致声乐文化成果质量不高。在声乐教育领域,应该大力提倡中国传统文化的精华价值观,在宣传教育方面重塑人们的精神家园,倡导读书、读报,多弘扬声乐领域的正能量人物和事物,创造起优良的声乐学习氛围,激发声乐学生的学习兴趣,使其树立正确的学习观和事业观。 2.提高学生文化修养,提升其综合素质 声乐教师要抓好声乐学生思想教育,引导学生具有一个正确的声乐是非观、声乐学习观、声乐事业观,逐渐改善学生对声乐学科的不全面认识,在提高声音技术的同时,加强文化修养,摈弃浮躁的求艺心态,教育部门要提高声乐学生文化课入学门槛,提升艺术院校的文化氛围,创造优良的声乐学习环境,多和人文院校沟通合作,加强和人文学科生的相互影响和交叉,加强学生的声乐实践能力和理论修养,开设声乐文化史、声乐赏析课,声乐论文写作等,注重声乐学生的兴趣,增添声乐理论课的趣味性。 3.提倡声乐创新,重视社会实践 1988年9月,邓小平同志根据当代科学技术发展的趋势和现状,提出了“科学技术是第一生产力”的论断。国家、社会、学校、和家庭应当创造重视知识,鼓励创新的氛围,声乐教师应多鼓励学生进行独立思考,鼓励其创新并参加社会实践,再看我国的声乐作品及其表演:例如李玉刚的《新贵妃醉酒》,就是在京剧的基础上所做的独特创新;被大家称为神曲的《忐忑》,也是龚琳娜借助扎实的民族声乐专业基础和技巧,整合、重构中国传统文化元素进行创作、创新的作品;而流行音乐界的代表作品,诸如陶喆的《苏三说》、周杰伦的《菊花台》、小虫的《龙文》,均是带有浓厚中国传统意境美并在演唱方式及作曲技法上有创新的作品。同时,我国的声乐教育应该多建立成人教育、在职培训、社会教育中心等机构,给社会各行各业人员提供再学习、再深造的平台,大学教师通过教授社会声乐课程,了解社会需要,社会人员通过学习高校声乐课程,能提高音乐修养,掌握发声技巧,提高声乐鉴赏能力,同时声乐教师应当端正观念,多进行社会实践和舞台实践,这样才能给学生带来更新鲜的知识,而高校,应定期请社会名人多回校讲学、讲课,激发学生的学习热情! 五、结论 声乐教学和文化息息相关、密不可分,文化是声乐教学的基础,声乐教育又综合体现着我国文化的广度和高度。从当前文化大环境看我国声乐教育教学现状,我们声乐教育工作者应当重视起祖国的传统文化,并跟紧时代脉搏,重视提高自身的文化素质、提高创新意识,提升创新能力,加强与社会实践的联系,为我国的声乐教学领域做出自己的贡献。 作者:解伟 单位:沈阳音乐学院艺术学院 声乐教学论文:高校声乐启发式教学论文 一、高校声乐教学的优势及其问题分析 在音乐欣赏课当中学生在深刻理解音乐情感的基础上也促进课堂文化氛围的形成。作为一项较为特殊的高校音乐课程,声乐教学的过程除了需要涉及声乐相关理论知识的传授之外,还应当针对学生的特点实施个性化歌唱技巧辅导,这对于学生审美能力的提高极为重要。相较于其他高校课程而言,高校声乐教学在课堂组织方面表现为大班集体授课与一对一授课的相互结合,然而考虑到学生的性格差异和能力差异,现阶段高校声乐教学中的问题不可忽视,这对于声乐教师的教学技巧与教学能力也提出了更高的要求。 二、启发式教学法在高校声乐教学中的应用路径 (一)歌唱气息启发 高校声乐教学过程中教师可借助学生熟悉的案例来营造特定的教学环境,可以是卖菜声,也可以是吆喝声,引导学生在特定的环境中感知声音的发出过程,感受最自然的声音应当采取怎样的方式发出。在情境训练的过程中学生能够加深对高位置声音的理解,掌握深呼吸的技巧。除此之外,针对跳音的训练也可对声音和气息的处理把握得更加准确。演唱跳音时,可借助叹气放松的方式保证腹部位置的放松状态,通过跳音练习可让学生腹部肌肉在有效锻炼的过程中变得更加具有弹性,这对于气息控制力的把握极为重要。 (二)歌唱吐字启发 对于高校声乐教学而言,关于歌唱吐字练习与学生普通话掌握程度有着密切联系,当然这其中不包括方言类歌曲。作为单音节语言体系的重要组成部分,中国汉字讲究吐字清晰,这同时也是高校声乐教学在歌唱吐字方面首要解决的问题。通过对汉字发音的划分,笔者认为汉字发音中的首尾及腹部位置极为重要,它是衔接字与字之间关系的优秀支撑。因此,在正式的声乐演唱过程中,启发式教学法的应用在于字与字之间的转换和衔接方面,通过启发发音的方式指导学生感受字与字之间的变化,通过处理好字与字之间的衔接关系尽可能保证吐字与声音之间的和谐与统一。发音的过程中,无论字呈现出何种变化,咽喉的打开状态都应当是稳定不发生变化的,保持舌根的放松状态,于共鸣点位置寻找发音的正确处理方式。针对不同的字点变化,可从声点的统一性方面突出不同发音之间的相互转换与衔接,其直观表达效果显然更加丰富。 (三)歌唱表演启发 启发式教学法在歌唱表演中的应用突出表现在课堂气氛的营造方面,在和谐有序的教学氛围下开启学生的发声练习,借助有效的心理调整方法提高音乐表达的情感效果。这一过程中,教师的肯定和鼓励是不可缺少的,这对于学生情感抒发与表达至关重要。从学生个体的差异性角度分析,启发式教学的应用显然与学生艺术素养的形成休戚相关,因此在作品演绎方面也表现出一定的异同。这就需要在声乐演唱之前,引导学生对作品创作背景和作者生平进行详细介绍,明确作品的感情基调,并以此作为基础借助启发式教学的方式促进音乐情感的表达。 三、结语 综上所述,相较于传统高校声乐教学中的填鸭式教学法而言,声乐教学中启发式教学法的运用在激发学生主观能动性方面有着更加显著的优势,能够从学生声音的时间性和多变性特征着手,切实提高学生的声乐演唱技巧。在自我分析的过程中学生在音乐情感表达方面也势必将有所进步,这对于高校音乐教学效果是重要的保障。高校声乐教学课堂是丰富多彩的,对应的教学方法也应体现出必要的层次性,通过启发式教学法与声乐教学的相结合能够极大地提升高校声乐教学的实施效果。 作者:王静 单位:曲阜师范大学音乐学院 声乐教学论文:校外少儿声乐教学论文 一、声乐教材的新旧结合 校外教育不同于校内教育,校内音乐课上总有一套固定不变的教材和培养目标。而校外教育在遵循最终的培养目标不变的条件下,要发展与校内教育不同的教学模式。现如今有关校外声乐教育的教材比较单一,多为一些流传多年的经典儿歌。经典固然是好的,但是随着社会的发展与进步,这些歌曲已完全满足不了少儿的求知欲与对外来事物的新鲜感。对于这些从小已经听到滚瓜烂熟的音乐,孩子们已失去了对它们的学习兴趣。 在每年的教材编写中,笔者都尽可能的去发掘更多更新的少儿歌曲,这些最新的歌曲创编很容易就会调动孩子的学习积极性。而对于那些经典曲目,笔者亦不会舍弃,而是采用其他的教学方法来抓住孩子们的学习兴趣。比如经典儿歌《小红帽》,很多小朋友在幼儿园里就已经学会唱了,那么在曲调已经熟记的情况下,笔者会设计故事情境请学生表演。将学员们分角色表演,小红帽、大灰狼、邀请家长表演、加入诗朗诵、配合舞蹈等等,经过“包装”的经典儿歌同样能让课堂上充满欢声笑语。 二、声乐教学环节的生动有趣 有人说小孩子学唱歌不就是扯着嗓子大声喊吗?有什么学习的?其实不然,在少儿阶段,孩子的发声器官还十分稚嫩,如果一味的蛮唱会造成声带甚至其他身体机能的永久损伤。但对于理解接受能力远不及成人的孩子来说,枯燥的声乐理论知识、技能练习有时又会成为斩断孩子兴趣的刽子手。如何用简单、通俗、生动、有趣的方法来传授这些基础知识又成为了声乐教学中一个重难点。 笔者在教学中不断总结经验教训,将教学中的几个重要环节归纳出了以下几点方法:首先,基础的乐理知识是必不可少的,有些孩子在学习唱歌几年后还无法自己识谱,基本乐理知识的缺失对于学员以后的发展产生了很多不良的影响,作为老师,不仅要授之以鱼,更要授之以渔。对于基本乐理的教学,教师们可以采用图片法、童谣法进行教学。将“1、2、3、4、5、6、7”这七个音配合形象的图片,比如“2”就像只鸭子,“5”像挂钩等等,联系生活中最易想到的事物,配合简单的童谣———“1”是老大像铅笔”、2“是老二像鸭子……直观又形象的教学将会把这些枯燥的理论学习变得有趣味,学生们学习起来也不会感到生涩难懂。其次,对于少儿来说,爱动爱玩是天性,在教学过程中,教师如果一味压抑孩子的这种天性反而会适得其反,但是过度纵容又会打乱课堂秩序。在这里,掌握好一个“度”非常重要。 当教师发现课堂气氛不够活跃,学生热情不够高涨时,一个小游戏就会解决这个窘境。比如简单易学的绕口令、你来比划我来猜、歌词接龙等等都会成为调动孩子兴趣的不二法宝。最后,要鼓励孩子们对所学歌曲进行“二度创作”,给学生发散思维的空间。可以尝试给歌曲配上简单的诗朗诵,加上表情动作,甚至是对歌词的改编等等。教师对创编活动中好的部分给予鼓励,不好的部分引导大家一起再改编,让孩子们在动脑动手的活动中得到自我价值的肯定,提升荣誉感。此外,尽可能多的给学生提供表演舞台、多与家长进行沟通、对特殊情况的孩子给予更多的关怀等都是提高学生学习兴趣的有效方法。 三、总结 综上所述,“兴趣是最好的老师”、“兴趣是能力提升的源泉”,兴趣是声乐教学获得成功的前提条件,作为一名教师,良好的职业修养、风趣幽默的语言表达能迅速建立学生对声乐学习的直观感受。笔者也将在今后的教学中不断完善自己的教学方法、提升自己的专业素质,做好一名“兴趣”的引导者和培训师。 作者:高莉莉 单位:重庆市少年宫文艺部 声乐教学论文:高校民族声乐教学论文 在实现高校民族声乐多元化教学的过程中,必须要形成相应的多元化教学模式,这就要求对民族音乐文化进行深入的理解和探索,转变学生对民族声乐的态度和观念,将多元化教学理念渗透到实际教学过程中的所有阶段,在学习和借鉴国外先进文化的基础上,塑造学生的多元文化价值观念,只有这样才能培育出优秀的民族声乐人才。 一、对传统的民族声乐教材进行改革,优化课程设置 传统文化精神和文化的继承、声乐基本技能两方面是高校民族声乐教学的优秀。在高校多元化教学改革过程中,一方面要应用传统的课堂教学方式,让学生掌握基础的声乐技能、理念;另一方面,还要注重多样艺术形式、表现手法的代表性曲目,将典型曲目同教学内容有机结合起来,丰富教学内容,激发学生的学习兴趣,提高多元化教学的质量。 1.合理调整民族声乐教学的课程设置。应在保证基础教学效果的基础上,适当增加民族音乐的比重,让学生尽可能多的接触不同形态的民族声乐。要把握世界民族声乐的发展趋势,遵循民族声乐的本质特征,开设专项的民族声乐课,深化对东方民族声乐的探索和分析。民族声乐教师作为教学主体,对多元化教学工作的开展起着关键性的作用,高校应加强对教师专业素质和技能的培训和教育,督促教师强化自身学习,并涉猎心理学、教育学、历史学等多方面的知识,提高自己的综合素质,提高教学效率。 2.对民族声乐教学内容及教材进行改革。根据我国当前高校声乐教学现状来看,很多高校仍存在仅将曲谱作为教材的现象,忽视了音像材料、音响材料的重要性,使这些教学材料的作用得不到充分的发挥,影响多元化教学效果。高校应丰富教学内容,选取其他形式、内容的教材,通过图像、音像等多种方式让学生更加直观、全面地理解声乐知识,透彻地分析演唱技巧及作品的风格特色,提升自身的审美观。 二、提高对原生态民歌的重视 在实际教学过程中,可以扩大对原生态民歌能力较强的学生的招收,由于这些学生所生活的环境各不相同,所以多带有本地民族声乐基础,对这部分学生进行针对性的教育和改造,能够使学生自身的优势得以充分的发挥。此外,高校也要提高对以原生态歌手出身的教师的重视,教师在民族声乐多元化教学中发挥着主导作用,可以更好地带动学生们了解民族地域特点,透彻地掌握民族声乐专业的内涵,将民族特色更鲜活、强烈地表达出来。 三、构建完善的音乐学知识结构 在多元化教学的过程中,不仅要提高学生对声乐基础知识和技能的掌握程度,还要加强对音乐学知识结构的完善,构建一套促进学生发展的知识结构体系,将民族生活渗透到教学内容中,将声乐教育生活化,让学生深刻体会当地民族文化和习俗,提升情感认知。 四、结语 高校民族声乐的多元化教学改革是一项长期而艰巨的任务,对民族声乐专业学生未来的发展有极大的影响,是提高民族声乐教学质量的关键措施,只有坚持将这项教育改革落到实处,转变教学理念,更新教学方法,才能培养出综合素质较高的民族声乐人才,践行高校的教育职能,为我国民族声乐教育事业的发展做贡献。 作者:孟娟 单位:焦作师范高等专科学校音乐学院 声乐教学论文:高职院校非音乐专业声乐教学论文 一、高职声乐教学对于学生综合素质培养的意义 (一)学习声乐有利于扩大学生知识面 声乐的学习离不开音乐基础知识的掌握和运用。学生在学习声乐的过程中,首先需要掌握音乐的基础知识。同时每首歌曲的创作年代及创作背景不同,在学习和演唱的过程中,学生能够投身到作者创作的时代,结合歌词来理解歌曲表达的故事和思想感情。增长了学生的历史知识、文化知识以及民族风俗等。 (二)掌握声乐的演唱技巧,提升学生的自信心 随着人们生活水平的不断提高,科技的创新也越来越多的运用到我们的日常生活中来。近年来,卡拉OK的兴起,促进了KTV行业的发展。走进KTV,拿起麦克风已经成为许多人日常消闲娱乐的方式之一,“麦霸”也成了大家耳熟能详的词汇。大学生的业余生活同样离不开KTV。但是仍有许多人由于不自信而采取只听不唱,或者没有经过专业的声乐训练,导致“声嘶力竭”以及“带同伴去旅游”(跑调、走音)的现象。大学生活中也会经常组织一下文娱活动,能够站在舞台上一展歌喉,甚至拥有大批的“粉丝”无疑会给学生增添无比的自信心。 (三)培养学生的音乐素养、艺术审美能力,激发大学生的创造潜力 声乐演唱是作品的二度创作。在演唱声乐作品的过程中,歌者往往会根据自己对歌曲的理解来演绎作品,这种做法对于培养学生的艺术表现力,激发大学生的创作潜力都有非常积极的意义。同时,随着声乐学习的不断深入,在掌握了乐理的基础知识和歌曲创作的基本手法,一些有思想的年轻人也会将自己内心的感情世界通过歌曲创作的形式表达出来。 (四)促进高职院校大学生综合素质的提高 声乐教学能以健康向上的内容、优美动听的旋律,在潜移默化的过程中陶冶学生的情操,使学生的心灵得到净化。同时,通过学习和演唱不同题材的声乐作品,体会作者的意境,扩大了文化视野,提升文化修养,促进大学生综合素质的提高。 二、高职院校针对非音乐专业学生声乐教学的现状及原因分析 (一)声乐开设的条件缺失 声乐课是教师示范和学生演唱相结合的授课方式,需要专业的一体化的音乐教室,其中,最重要的是钢琴。同时,为了避免在上课的过程中对他人造成打扰,一般要求音乐教室的隔音效果较好。但是目前在许多非音乐专业的高职院校中,还不具备这样的条件,导致声乐教学成了虚设,只能通过多媒体来开设音乐欣赏、影视作品欣赏等课程。 (二)声乐教学的不延续性 高职院校音乐课一般采用公共选修课的方式开设,公选课的授课范围要覆盖整个学院,因此班级人数都比较多。而声乐课的教学和学习存在着特殊性,每个人的声音特点都是不同的,而对于同样一段曲目的演唱,不同的学生存在不同的问题,这就需要老师与学生进行一对一的交流和指导。另外,高职院校的公共选修课一般是一学期选择一次,在选课的过程中,由于选课人数较多,可能导致想要继续选修声乐课的学生由于人数过多而选不上声乐课。有些院校甚至规定学生不能重复选修公共选修课,导致每一学期的声乐课都是从头开始。而每个学期的课时也很少,这根本不能满足学生学习声乐的兴趣和实际需要,也会影响老师教学的积极性。 (三)学生的音乐基础知识缺乏 通过两个学期的声乐公选课的教学发现,学生喜欢唱歌的非常多,但是对于音乐的基础知识十分匮乏。大部分同学都不会识五线谱和简谱,也不会视唱。唱歌只是跟着MP3学习。对于节奏、节拍等知识更是知之甚少。导致授课老师每次都要在有限的课时分出一部分普及音乐的基础知识,既耽误了学习的进度,也影响学习的效果。另外,学生对音高和调的了解非常少,甚至不能准确地唱出钢琴上的某一音高。在教学过程中需要教师多次带唱才能到正确的音高上。 (四)选课学生人数要求多,教师没得选 高职院校音乐课一般采用公共选修课的方式开设,公选课的授课范围要覆盖整个学院,因此班级人数一般都要求多少人以上才开班。而声乐课的教学和学习存在着特殊性,每个人的声音特点都是不同的,而对于同样一段曲目的演唱,不同的学生存在不同的问题,这就需要老师与学生进行一对一的交流和指导。高职院校学生在学期初通过选课平台来选择声乐课,选课的人数有限,但是老师不能选择学生,只能随机选到哪些就是哪些,也许错过了基础条件好的同学,这也是声乐教学的缺失。 三、江苏食品药品职业技术学院声乐公选课的开展 (一)学院重视声乐课的教学音乐教育对于塑造学生的人格,提高学生综合素质具有重要意义。江苏食品药品职业技术学院为了推进学生素质教育的发展,开设了音乐欣赏、声乐等公选课,同时根据课程开设的需求,提供必要的硬件设施,主要表现在以下几个方面。 1.完备教学设施,鼓励教师开设声乐课 学院在原有的多媒体教学设施的基础上,购置了钢琴等硬件设施,尽量满足声乐课上课的需求,更好地促进声乐课的开展。同时,成立组织音乐专业毕业的老师成立艺术教育教研室,鼓励老师开展各种类型的音乐专业课程教学。如:音乐基础、音乐欣赏、声乐入门、声乐提高班、节奏与打鼓等。 2.开设不同级别的声乐公选课,师生双向选择 由于公选课的延续性不强,声乐公选课在以往总是重复带新生的情况。既挫伤了教师的积极性,对学生的专业学习和水平提高也起不到好的作用。为了改变这种情况,江苏食品药品职业技术学院特地从学生大一上学期就开设了声乐基础课,授课内容主要是基础乐理知识以及声乐的入门。选课人数控制在50—100人,教师在上课的过程中,逐渐了解每一个学生。学生也通过10次课的时间了解声乐课的知识点和上课的形式。在学期末师生根据对对方的满意度进行双向选择,进入下一学期的声乐提高班。为了进一步提高教学效果,保证每位学生的有效学习时间,第二学期的声乐提高班在人数上会有大幅度删减。 3.教师灵活组班,选课学生梯队式排列 针对声乐课的授课特点,改革传统的教学模式,以分组的形式进行小班式教学。采用小组一起练声和个人单独练声相结合的方式。小组一起练声或演唱时学生可以听老师整体地讲解或指导,单独指导时可以有针对性的对某一错误发声提出指正。小班制教学使学生学唱与听唱相结合,即使学生在听老师单独指导别的同学,也能体会到别的同学的发声方式是否正确,发声位置是否科学,与自己的发声有哪些区别,自己存在类似的问题以及如何改正等。通常第二学期选修声乐课的同学已经熟悉了这种教学模式,极大地促进他们的学习热情,也使学生的演唱水平有显著提高。 (二)加强学生音乐基础知识普及 大学生对音乐普遍存很高的学习兴趣,渴望更多地了解音乐作品和知识,提高自己的演唱水平,是自己能自如地进行声乐表演。针对大学生音乐基础知识匮乏的问题,江苏食品药品职业技术学院艺术教育教研室经过讨论,提出解决方案。在学生入学的第一学期开设《音乐基础》公选课,课程采用大班授课的方式,主要是向学生介绍音符、旋律、节奏、节拍、音程、和弦、调与调式等基础乐理,让学生对音乐的学习有一定的了解。为学生后续的选择音乐专业的公选课打好基础。同时请几位教授不同科目的老师轮流授课,展示声乐、器乐、舞蹈、健美操、音乐欣赏等课程,让学生在了解的基础上有目的、有计划的选修。 (三)声乐教师加强自身专业学习,不断提高个人的教学水平 作为教授声乐课的教师,首先要具备基本的理论和教学能力。其次还应具备较高的艺术修养和教育科学修养,良好的钢琴即兴伴奏的能力。最后为了提高声音的教学质量、提高学生的声乐演唱能力,专业教师必须保持持续学习的能力,基本功扎实。在教学过程中,思想集中,在教学中与学生做好配合,并能准确发现问题,解决问题。改进教学方法,因材施教,在教学中不断融入新鲜的元素,使学生更容易、更愿意接受。 (四)选择学生喜欢的曲目教学,卡拉OK进课堂 针对学生对传统声乐曲目和近代流行通俗曲目的好恶,组织校内音乐专业的老师根据学生的爱好,结合传统声乐的教学方式,选择学生熟悉的部分传统曲目和喜爱的通俗歌曲,编写校本教材,组织实施。在教学中重复利用多媒体等教学设备,将KTV接入课堂,让学生在课上练习KTV里的曲目,指导学生如何更好更轻松地演绎歌曲,使学生在K歌中体验到声乐学习的乐趣。同时鼓励学生积极参加校内外组织的声乐表演活动,极大地促进了学习学习声乐的积极性。 (五)鼓励学生参加校内外的声乐表演机会,促进学生学习兴趣 随着人们精神生活水平的不断提高,各类选秀节目也是风靡校园内外。传统的声乐演唱一般是选取美声或民族唱法的作品,但是如今的选修走的都是通俗嘻哈的路线。声乐选曲的施行以及卡拉OK进课堂,使学生平时就是在演唱、在表演。遇到活动鼓励学生勇敢地走上舞台展示自己的才艺,让学生体会到强烈的成就感。声乐公选课在传统声乐演唱与通俗歌曲表演之间架起一座桥梁。 作者:董秀芳 单位:江苏食品药品职业技术学院
钢琴学习论文:学习迁移理论下钢琴教学论文 一、学习迁移与迁移理论 一项学习对另一项学习的作用,即是迁移。从本质上来说,学习就是通过对学习过的知识的利用,对新的学习知识加以掌握,促进实质性良好的学习结构的创建,在心理学方面这种理论被定义为学习迁移理论。学习迁移理论的作用有正、负之分,一项学习如果对另一项学习有积极的促进作用,这种迁移就是正迁移;一项学习对另一项学习作用的发挥如果有抑制性,则这种迁移就属于负迁移。美国知名的心理学家莫里斯•比格曾指出,教学效果一般都是立足学生对教材的迁移数量的掌握而决定的,学习迁移对教学来讲是重要基石。迁移理论是一种已经掌握的技能向另一种新技能的倾斜,帮助学生对新内容有更深入的了解和掌握。迁移是学习过程中的一种普遍情况,教师可以对此加以利用,促进学生正迁移的形成,同时有利于原有教学结构的拓宽和完善,给学生将来的学习及工作打下坚实基础。在钢琴教学阶段,形成迁移的知识块很多,教师要做的是引导学生在相应环境下形成正迁移,促进自身教学质量的提高。 二、当前钢琴教育中存在的问题 (一)教学目标不够清晰 我国高校音乐教育中,普遍存在教学目标不太明确的现象,导致学生缺乏明确的学习目标,影响学习能力的提高。要实现教学目标,首先必须明确教学目标的具体要求,而在实际教学过程中,很多教师讲课时只针对某一作品的技术难点进行大致的技术要求讲解,这种教学的盲目性比较大,不利于学生更加深入地掌握其技能技巧。 (二)对学生的了解不够深入 教师在教学时往往只注重自身教学的方式,而忽略了学生的接受能力。教师对每位学生的具体学习情况了解不深入,很难进行因材施教的教学。这种方式往往会导致教学内容不适合每位学生的学习,使学生的音乐学习产生两极分化的情况。 (三)忽略钢琴教学的系统性教育 音乐课程是一种系统性很强的学科,教学时必须循序渐进,慢慢渗透。但是在实际钢琴教学过程中,教师授课时比较随意,解决问题时不注重问题的系统性联系,致使学生在音乐演奏中时常出现技术性的问题,影响学生音乐学习的提高与音乐素养的培养。 (四)缺乏与其他课程的联系 在钢琴教学中,各课程之间是相互联系的,但教师往往忽略各课程间的联系,致使学生在学习过程中对音乐知识的积累及学习比较散乱,没有将各音乐课程建立相互联系的意识,不利于学生音乐素质的全面培养,也不利于学生音乐认知结构的建立。 三、将学习迁移理论引入钢琴教学中的意义 面对钢琴教育中存在的诸多问题,高校钢琴教学应该在吸取传统优秀教学方式的基础上,引入新的教育方式,利用现代教育理念中的美学、心理学、运动学等方面的理论,进行教学改革,提高学生学习钢琴的综合能力。其中学习迁移理论就是现代教育心理学中的一个概念,它是指在学习过程中,各个学科与技能之间存在彼此相互影响的现象,也就是学生已有知识、技能对新知识与技能所产生的影响。 (一)有利于培养学生自主学习能力 教育的最高境界不是教给学生多少知识和技能,而是让学生掌握学习的技巧与方法,培养学生的自主学习能力,使学生从主观方面积极主动地学习,而不是被动地接受知识。学习迁移理论的运用,就是一种授人以渔的学习方式,其注重培养学生的自学能力,让学生学会学习。从这方面来说,一个学生学习能力的高低与其学习迁移能力的强弱有着非常重要的关系。学习迁移不仅能有效提高学生的自学能力,而且能提高学生的学习兴趣和学习效率。 (二)为实现高校教育目标提供条件 教师在教育过程中是否教会学生学习的迁移能力,是教学质量提高的关键。因为只有让学生拥有了学习迁移能力,才能够使其拥有自我学习能力以及可持续发展能力,使其积极主动地积累知识和技能,从而更好地构建知识与认知结构,以便于在钢琴学习中全面发展,提高学生知识技能的综合运用能力,推动高校钢琴教学中教育目标的实现。 (三)有利于教学改革的实施与教学质量的提高 把学习迁移理论引入高校钢琴教育中,不仅为高校的钢琴教育提供一种有效的教学方式,而且通过各个课程之间的相互联系与相互影响,可以很好地提高高校钢琴教学效率和教学质量。从而为社会培养更加优秀的钢琴师资人才。 (四)为高校钢琴教育提供系统化指导 高校钢琴教育是一种系统化要求很高的课程教育活动,在教学过程中必须有几个相互联系的步骤组成,而学习迁移理论运用到钢琴教育中,可以贯穿于教学的每一个环节,使各钢琴课程以及同一课程不同单元之间建立相互联系的有机统一体,使高校钢琴教育在统一的整体下进行相互之间关联性的学习。利用系统化的教学方式,使学生的钢琴认知能力及钢琴素养得以提升。学习迁移理论不仅能提高学生的学习效率,而且能够有效地促进教学方法的改变。高校钢琴学科领域知识丰富、文献众多,学生不可能在短短的几年内掌握全部内容,教师在教学中利用学习迁移理论,积极创造学习迁移条件,使学生在原有知识上,进行新知识的学习,以达到事半功倍的效果,同时提高学生积极主动学习能力,为他们以后的工作和学习奠定坚实的基础。 四、有效实施迁移教学的措施 钢琴演奏是一种技能,而技能是一种心智活动方式,通过练习获得钢琴技能动作,这种技能主要指手指、手腕、前臂、后臂以及整个身体之间的协调能力,同时也需要学生有很高的理论知识与艺术表现力。在此基础上利用迁移学习方式,可促进其技能的提高与素养的修炼。 (一)新旧知识的相互影响与联系 学习迁移是一种通过新旧知识相互联系形成一定的影响,而促进学习的一种教学方式。从这方面来讲,教师在进行教学时要注意新旧知识之间的联系,在新知识讲解之前,首先对旧知识进行复习,做到温故而知新,并根据教学中可能出现的迁移点,引导学生发现实际迁移点,从而结合已有的知识,实现知识的迁移。在教学过程中进行示范演练,演练时注意提醒学生感受演奏中的异同点,帮助学生学会运用比较法进行新知识的学习,通过详细的比较可以发现二者之间的联系和区别,找到其异同,以便促进共同点的迁移。对于学科的基本概念及原理等一些具有广泛迁移价值的内容,应多提倡自主学习,要求学生对所学的内容进行理解式记忆,然后对知识进行归纳、总结,再把总结好的知识引入原有知识的积累中,以旧知识促进新知识的掌握。从而促使学生更好地把握学习的方向,打破思维定式,培养创造性思维,提升学生钢琴练习的效率和水平,以及学生的学习技巧与学习能力,促进学生的全面发展。 (二)注重创造迁移条件 在教学过程中,教师要时刻注意迁移条件的创造,注重学习对象之间的共同因素。学习内容之间的相同原理越多,迁移现象就越明显,也就越有利于学生的学习。比如在训练八度弹奏技术时,教师可以将游戏的动作机理迁移到弹奏方法的动作要领上,能起到事半功倍的效果。教师可以举些例子,比如我们在玩拍皮球时,需要放松手腕和小臂,利用手腕的弹性来拍动皮球,动作自然、轻柔、缓和,顺势而为等,弹奏八度时手腕与排皮球时手腕的状态有异曲同工之处。C.H.贾德在概括化理论中指出,学习中产生迁移的必要前提是,两个学习活动中存在的共同成分,而在学习活动中概括出两个学习活动之间的共同原理是产生迁移的关键,对于原有知识经验概括水平的高低直接影响着迁移的可能性。因此,在教学过程中,教师应注重对学生已有经验泛化水平的提高,为迁移创造条件,如音阶的弹法与五指训练、琶音的训练在训练要领上有很多共同之处。因此,在教学过程中,三者的训练方式可以相互借鉴,通过学习一种技能前、后对另外两种技能的训练,引导学生概括三者的共同成分,从而实现学习的迁移。 (三)保持良好心理状态 学生的心理状态对学习的迁移也有着很大的影响,心理状态不佳,如过度紧张、注意力不集中、没有兴趣、没有迁移的愿望等,都会对学习迁移造成障碍。因此,在教学过程中,除了要积极为学生创造迁移条件外,还应关注学生的心理状态。在教学的过程中,可采取谈话法、观摩鉴赏法、练习法等多样化的教学方法,营造良好的课堂氛围,使学生保持轻松、良好的心理状态,从而更好地使学生的思维处于活跃状态,有效地实现学习迁移。在钢琴练习中,可采取分阶段练习,练习的时间不宜过长,容易造成身心疲劳,在休息的过程中可以对练习中遇到的问题进行研究和探讨,从而使钢琴练习能够顺利进行,同时摆脱消极情绪,达到更好的学习状态。 (四)注重每位学生的特长 钢琴乐器的演奏看似与其他乐器之间存在很大的差异,但是从音乐方面来说,在一定程度上,不同乐器间的动作技能也是可以迁移的,如小提琴右手运弓时对手臂的要求与钢琴基本上是相同的,都是要在放松的基础上稍微控制力道;而且左手的按琴与钢琴中的触键也有相似之处。笔者根据相关调查了解到,以前学过音乐知识的人,钢琴的学习要比没有接受过乐器教育的人快得多。所以说学生的经验对新知识的学习有一定的促进作用。教师在教授课程的过程中,要根据每位学生学习的基本功情况进行讲授,做到具体问题具体分析,为不同的学生制定不同的学习目标和计划,做到因材施教,使每位学生都能够在自己原有知识的基础上,有计划、有目的地进行迁移学习,从而提高学习效率,促进自身综合素质的提高。然后再根据学生的特长,选择有针对性的教材,同时尽可能地从学生较为熟悉的音乐风格开始,教师可以选取大家耳熟能详的经典之作进行迁移教学的实施,然后通过对比的方法,在学生熟悉的音乐风格的基础上,促进学生对风格把握能力的迁移。 作者:贺伟 单位:广西师范大学漓江学院 钢琴学习论文:学生自主学习能力钢琴教学论文 在当今社会中,越来越多的人们意识到音乐对于身心健康的发展是非常有益的。无论是从陶冶性情、综合素质的提升,还是智力开发等方面,都会产生积极的促进作用。这也造就了现今社会掀起了学习音乐的热潮。本文将结合教学实践,对如何培养学生具备良好的自主学琴能力,进行阐述。 一、教师要始终保持学生的学习兴趣 1.根据学生的年龄、性格及手指特点,因材施教。 教师应积极鼓励、引导学生在课上多发表自己对于曲目的看法,让学生全身心地参与到教学活动中,从而达到良好的教学目的。学习新曲目时,教师应运用生动、形象的语言介绍作曲家生平、作曲风格、创作背景及主要思想感情。学生对曲目内容有了初步的理解后,教师再进行有表情的、准确的范奏。通过感受音乐,学生在接下来的弹奏中会更容易抓住曲目特点,演绎出富有感情的音乐。 2.教师可以根据学生的喜好,布置适合他们程度的课外曲目。 也可以让具备预习能力的学生,课下通过网络去搜索影音资料,或相关书籍查阅曲目资料。通过这一自主预习的过程,可以使学生产生寻找答案的乐趣。在接下来上课时,学生就可以将预习的内容,跟教师进行交流。对于正确的,尤其是具有学生自己独到见解的思想,教师要给予极大的肯定以及诚恳的鼓励。学生课下做足了功课,那么课上会更容易、轻松地学习曲目。 二、教师应培养学生建立良好的读谱习惯以及掌握高效的练琴方法 1.读谱方面。 首先,弹奏每一首曲目前,教师都要提醒学生看好谱号、调号、拍号。而有些曲目的开始以及曲目进行中关于以上三点会做改变,这一点教师要提醒学生时刻注意。关于曲目中的临时变化音记号以及重升、重降记号,教师应确保学生已明确这些记号的用法,以便正确地弹奏出来。对于加线较多的音,教师要提醒学生仔细识谱。其次,节拍、节奏、时值方面,要严格遵照曲谱来演奏,比如同样是三拍子,不要将四三拍和八三拍速度演奏成一样。对于较复杂的节奏,教师应带领学生多加练习,直到学生能读准节奏,进而弹准节奏。音符的时值不要弹的过长或过短,休止符也不要忽略。最后,乐谱中出现的表情记号、表现符号、音乐术语和指法,教师应向学生逐一讲解这些符号、术语的含义。乐谱中标记的指法是长期实践得来的,教师应让学生通过弹奏去感受指法的合理性、科学性。当然,有的学生手小,不适合使用乐谱中的指法,那就将合适的指法重新标记在乐谱上。 2.练琴方面。 每一首曲目都应分手、分乐句、分声部练习,而且最开始一定要慢速去弹奏,这样眼看谱、脑分析、口唱谱、手弹奏、耳听音,就有充足时间反应。慢速能够较从容、细致地将表情、语气弹奏出来后,就可以一点点将速度调整到曲目规定的速度。关于重点、难点,教师要确保学生在课上已经掌握了如何弹奏,才能保证课下的练习可以顺利进行。练琴过程中,学生如遇到了易错、易停顿的地方,应拿笔标记上,将这个地方慢速反复练习,直到非常连贯,和前后乐句衔接顺畅。关于以上读谱及练琴的要点,教师要做到长期、有条理的教授学生,及时了解学生课下的练琴情况,直到学生养成良好的习惯,形成主动意识,这样才能起到事半功倍的效果,易于让学生拥有成就感,使学生对于钢琴学习容易产生自信心。 三、教师应帮助学生建立自我评价意识 在整个教学活动中,如想达到良好的教学目的,学生在课下练习时能够进行自我评价也非常重要。教师应要求学生每次练琴前做到回忆课上的要求、重点、难点后再开始练琴。练习的过程中要动脑,多听,勤反思、多总结,要及时发现问题并改之。也可以将练习的曲目录下来,学生听录音的同时一定要看谱,再结合教师课堂中的范奏,对没完成预期目标的地方要在乐谱上标记出来,并有条理的分析没有弹奏好的原因,进而运用正确的方法加强练习。教师在课堂中可以进行多次模拟自我评价的演示过程,直到学生课下可以很好地将反思和练琴结合起来。综上所述,学生只有具备了良好的自主学习能力,才能推动钢琴教学顺利进行。教师应做到以学生为主体,充分发挥他们的主观能动性,激发他们的学习热情,并引导,教授科学、有效的方法,才能让学生快乐学琴,感受钢琴艺术的魅力,享受音乐。 作者:刘轲 单位:辽宁省沈阳市艾诺音乐学校 钢琴学习论文:激发幼儿学习钢琴兴趣分析论文 内容摘要:初学钢琴的幼儿,大部分还不能自觉主动地练琴,如果用强制手段使他们练琴,只能适得其反,甚至扼杀了他们学琴学音乐的兴趣。只有循循善诱、耐心启发,让他们在快乐中学习、在游戏中领悟音乐,逐步培养他们学习钢琴的兴趣和热情。 幼儿学钢琴是一件很困难的事,因为学钢琴既要用脑又要用手,既要学艺术又要学技术。所以对幼儿来说,首先要培养他们学钢琴的兴趣。因为兴趣是最好的老师,如果孩子对什么感兴趣,他就会学得很快;如果不感兴趣,怎么教也收效甚微。那么,如何培养幼儿学习钢琴的兴趣呢? 一、把握幼儿教学特点,以激发兴趣为首要任务 前苏联教育家阿尔托波列夫斯卡雅说:“激发感染孩子们掌握音乐语言的愿望,这是教师最初任务中的最重要的任务。”一位好的钢琴老师,除了要有诸多方面的知识,还要把握好幼儿教学的特殊性,把引导孩子喜欢音乐、喜欢钢琴、激发他们的学习热情作为教学的首要任务。每个孩子的先天素质不同,有的孩子很小就显露出音乐才能,而多数孩子需要家长和老师的引导和培养。尤其是教师在上课时,不仅要教孩子弹奏钢琴的技巧,还要善于和他们沟通,只有热爱孩子才能教好孩子。对多数孩子来说,在见教师之前,总是把教师想成一副严肃而令人害怕的样子,这对孩子的学琴动机是不利的。有些家长认为自己的孩子调皮,因此希望教师在上课时对孩子严厉些。但事实上,再调皮的孩子在上课时也会表现得很老实,虽然不排除教师的威严有让孩子精力集中的作用,但教师更应该让孩子喜欢自己。比如,上课时的语调对孩子的影响就很大。当孩子出错时,教师不应该责备,应该耐心地讲解,找出错误的原因并找到解决的方法。教师应该使孩子产生一种愿意和这个老师学习的愿望,进而使孩子愿意学琴。 二、运用恰当的比喻和游戏,培养孩子的学习兴趣 那种认为初学阶段简单、谁都能教、怎么教都行的想法是不正确的。教师应针对孩子的特点,设计好每节课要达到的目的,一定要用生动的语言去启发他们,使孩子对钢琴课感兴趣。在初学钢琴的幼儿中,大多是不识字的小朋友,为了让孩子能记住老师的要求或理解乐曲的内容,教师可以用形象的比喻来说明教学要求。比如,教初学的孩子学手型时,可以把手比作美观的石拱桥。二指、三指、四指、五指各为一道“拱梁”,都要自然弯曲,呈“拱”型。大拇指是“一条船”,要能从桥下开过来、开过去。如果掌关节塌下去,“船”就不能通过;如果小指倾斜了,“桥”就造歪了,“船”就开不过去。通过这个比喻,学生就能做到关于手型的基本要求了。所以在教学中,恰当的比喻不仅能生动地说明问题,而且能激发幼儿的学习兴趣,并留下深刻的印象。 尤其给年龄小的孩子上课,一定要设法创造一种愉快的课堂气氛,让他们在玩中学习,在不知不觉中感受音乐的熏陶。比如,教初级的孩子断奏,有的孩子一教就会,有的孩子弹的声音却很硬,找不到手臂的自然重量,这时可以先和他一起做大象甩鼻子的游戏,站到地上弯腰90度,手臂放松垂直,手臂像大象的鼻子一样甩来甩去。然后再站直了甩手臂,接着再教两只手臂画圈,并告诉他这游戏叫荷兰大风车。不久,孩子就完全明白了什么是手臂重量。这时再教他把手臂重量完全放松,掉在大腿上,掉在钢琴上,这样学起来,孩子会觉得又好玩又容易。又比如,教孩子一只手弹歌唱的连奏,另一只手却要弹富有弹性的跳音时,可以先教他玩锤子和抹布的游戏。在这个游戏里锤子代表跳音,用左手捶左腿,抹布代表连音,用右手摸右腿。随着动作的熟练动作加快、难度提高,双手的动作能转换准确,以后在弹琴中遇到这种情况就不成问题了。另外教师的演奏示范也很关键,听了教师优美动听的示范,孩子们会更想练琴。偶尔也可以让他们用钢琴模仿大象走路、模仿小鸟的叫声……总之,教师要使每堂课都生动有趣、有说有笑、有弹有唱,让孩子们高高兴兴地去上每节课。 三、合理选用教材,调动孩子的学习兴趣 教材选用是否恰当,将对孩子的学习兴趣产生很大影响。钢琴教材的选用要在循序渐进原则的基础上,注意音乐内容的多样性和生动性,要符合孩子们的心理特征。如果总是选用练习曲和技巧偏难的乐曲,将使孩子很快失去学习兴趣。如选用较为系统全面且带有插图和标题的成套教材入门,使孩子既在短时期内学习多种内容,又始终在一种愉快活泼的想象中学习;多选一些世界名曲,注重培养孩子的音乐欣赏能力;教师也可以给孩子们讲讲作曲家的故事和作品内容,这样既能提高弹奏兴趣又能加深对乐曲的理解;还可选择一些孩子们喜爱的歌曲并教他们配弹简单的伴奏,既调动了学习兴趣又锻炼了即兴伴奏的能力。超级秘书网 四、多参加音乐活动,提高孩子的音乐欣赏水平 教师要创造条件,经常让孩子们练习齐奏、重奏等,还要搞孩子们自己的音乐会或比赛,来激发他们的学习兴趣和热情。教师还应让家长多给孩子听音乐,多看各种音乐演出。随着钢琴水平的不断提高,不少家长对孩子练琴抓得很紧,只要一有时间就让孩子坐在琴边用功。这种分秒必争的精神是好的,然而对音乐欣赏这部分也是不能忽略的。有些家长认为孩子听音乐会是浪费时间,又听不懂,还不如在家练琴,这是极其错误的。音乐语言和文学语言一样,大家都懂得,学习文学不单纯是识字、造句,还要通过阅读、欣赏等各种渠道来提高文学水平。如果孩子没读过好文章,自然就缺乏鉴赏能力,也不会写出好文章,音乐欣赏的重要性就不言而喻了。钢琴文献是极其丰富的,一个人一生所要学习的作品是有限的,欣赏却是弥补这一缺陷的重要手段。还有些孩子很有音乐才能,但弹出来的东西却是乏味的,即使老师再三启发强调也无济于事。原因何在呢?很大程度上是孩子听得太少,见得太少。对音乐的理解也太少,缺乏对音乐的认识和理解,更谈不上对音乐的鉴赏能力,自然也就弹不出好的音乐来。怎样解决?就是要加强孩子们的音乐欣赏,多听音乐会、多听好的演奏。没有条件的可以多听录音。另外,如果我们有指导地去引导孩子欣赏音乐会,那么,听一场音乐会比闷头练几个小时的琴收获大得多。有条件的话要让孩子经常接触与音乐相关的艺术,拓宽孩子的视野,提高他们的审美能力。让他们在生活中很自然地受到音乐的熏陶,感受音乐的魅力,从而更积极主动地学习钢琴和音乐艺术。 铃木镇一博士曾说:“有三分钟的热情都值得去练琴。”对于初学钢琴的幼儿,如果每天能有十次三分钟那就更好。教师和家长一定要尽最大努力鼓励孩子热爱钢琴,使孩子每天都保持练琴的兴趣,因为“兴趣是一种魔力,他可以创造人间奇迹”。 钢琴学习论文:浅谈幼儿学习钢琴的兴趣论文 摘要:幼儿时期的年龄特征就是对任何事物都具有强烈的好奇心与求知欲,而现实当中很多孩子学习钢琴都是在父母强迫的情况下学习的。文章结合奥苏贝尔的学习动机论,对如何利用这种好奇心与求知欲来激发、保持幼儿学习钢琴的兴趣作一些浅显的探讨。 关键词:认知内驱力自我——增强驱力附属内驱力钢琴教育 音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、提高美感促进其心理品质的发展,而且有助于儿童思维的发展。然而现实中的钢琴教育,并不一定像我们所想象的那样。因此,如何激发幼儿学习钢琴的兴趣,成为每一个钢琴教育者最为关心的问题。论文百事通美国著名教育家奥苏贝尔认为:“动机与学习之间的关系是典型的相辅相成的关系,绝非一种单向性的关系。具体地说,动机是学习的先决条件。成就动机主要由三方面的驱力组成:认知内驱力,自我——增强驱力,附属内驱力。”这一思想对我们研究、指导钢琴教学,引导学生积极主动地学习钢琴有一定的借鉴意义。 一、认知内驱力在钢琴教学中的作用 所谓认知内驱力,就是指学生渴望认知、理解和掌握知识,以及陈述和解决问题的倾向。简言之,就是一种求知的需要,它主要发自学生好奇的倾向,以及探究、操作、理解和应付环境的心理倾向。学生的这些倾向或心理需要开始时只是潜在的,这种潜在的动机只有在不断取得成功时才能表现出来。 幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子。这个年龄阶段的特征体现为认知内驱力较强,对任何事物都充满了好奇与渴望,具有好学的态度。在钢琴教学中,教师可以充分利用幼儿对钢琴的好奇心来教授知识。儿童在接触、学习钢琴之前,可以先让他聆听一些优美的钢琴曲,当他观察到弹奏钢琴的美妙之处,产生强烈的弹奏欲望时,再让他接触、学习钢琴。 二、自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用 成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力。自我——增强内驱力反映了一个要求凭自己的才能和成就获得相应的社会地位的愿望。随着学生年龄的增长,这种需求日益加剧,这与社会文化的影响是密不可分的,这是一种外部动机。它与认知内驱力的不同在于,并不是直接指向学习任务本身,而是把成就看作赢得地位及自尊心的根源。 尽管这种内驱力具有随着年龄的增长而增长的特征,但并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力。在同孩子进行交流的过程中,孩子有时会问老师一些问题,如“我现在学习钢琴,等长大后我也可以像老师一样教学生吗?”或“长大后,我也能像郎朗(国际著名的钢琴家)那样弹得那么好吗?”这恰恰说明在孩子的心中也是具有这种自我——增强内驱力的。尽管这种内驱力会带有一定的功利性,但如果能够适当地加以利用,可以取得很好的学习效果。 三、附属内驱力在钢琴教学中的作用 附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可,而表现出来的把工作做好的一种需要。一般说来,这种附属内驱力在成就动机中的比重成分,是随着年龄的增长而逐渐减少的。但不是说随着年龄的增长,它的作用会越来越小。在教师与学生交流的过程中,教师一个关爱的眼神或一句鼓励的话都会给学生很大的影响。尤其对初学钢琴的幼儿来说,不论是音乐知识还是弹奏方法对他们来说都是较难理解的,因此在幼儿的学习过程中,教师和家长的态度要以鼓励或赞扬为主。但是,学生的情况千差万别,教师应掌握批评与表扬的分寸。上钢琴课时,如果学生弹奏得质量不够好,但听得出是努力练习过的,这种情况下,就不要轻易地批评,最好先予以肯定,之后再指出缺点,并帮助学生改正。如果学生弹奏的质量还不错,但没用功,只是依赖个人音乐素质,这种情况就不能盲目表扬,而应当指出其缺点,加以改正。 四、有效引导学生积极主动地学习钢琴 1.教师的教育观念 一个学习钢琴的孩子,他将来有可能在艺术的道路上发展下去,成为一名钢琴家,也可能成为一名数学家,但不管怎样都不能偏离钢琴教育修身养性、陶冶情操的目的。教师的教育观念首先要认真地尽心尽力地去教育孩子;其次,不能把钢琴教育当作无休止的对技能、技巧的学习。当然技术是要为演奏准备的,但最终目的还是要去弹奏曲子。要让孩子多接触优秀的乐曲,真正让他们体会到弹琴的乐趣,而不要给他们一种弹钢琴就是“痛苦的练习技巧”这样的认识。 “人是情感的动物”,情感是我们与生俱来的。心理学研究也表明:情感是影响教学质量的一个重要因素。积极丰富的情感能促进认识过程,使学生个性品质得到全面发展,对于学生的学习,尤其是钢琴的学习具有极其重要的作用。德国教育家第斯多惠说:“谁要是自己还没有发展培养自己的情感,他就不能发展和培养好别人的情感。”因此,教师应当真正去爱、去关心每一个学生的成长、学习,给学生以亲切感、信任感。因此,教师要用自己的人格魅力来吸引学生,在潜移默化中影响学生。 2.教学方法要灵活贴切 教师的教学方法不要枯燥、单一,要让学生在娱乐中学习,在学习中娱乐。例如,儿童具有爱玩的天性,我们要尊重儿童这种爱玩的天性。在上课的过程中可适当地与他们做些游戏,但做游戏也不是漫无目的。我们可以在钢琴上弹出不同的音,然后让孩子来猜出音高的音名,目的是锻炼孩子听音的准确性,让他们记住音高,或者,在琴键的上方用张纸挡住孩子的视线不让他看到琴键,然后让他在钢琴上找出do、re、mi的位置,目的是让他们能够熟悉钢琴键盘及每个音的位置,为以后视奏打基础等等。这些方法能给孩子们带来新鲜感,让他们在快乐中学习。此外,还可以找一些简易的钢琴四手联弹曲目,让孩子增加对钢琴的了解,体会与人合作的乐趣。 钢琴学习论文:奥苏贝尔学习动机论引导幼儿钢琴学习论文 编者按:本文主要从认知内驱力在钢琴教学中的作用;自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用;附属内驱力在钢琴教学中的作用;有效引导学生积极主动地学习钢琴进行论述。其中,主要包括:音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、如何激发幼儿学习钢琴的兴趣,成为每一个钢琴教育者最为关心的问题、幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子、成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力、并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力、附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可、教师的教育观念、情感是我们与生俱来的、教学方法要灵活贴切、教师的教学方法不要枯燥、单一,要让学生在娱乐中学习,在学习中娱乐等,具体请详见。 摘要:幼儿时期的年龄特征就是对任何事物都具有强烈的好奇心与求知欲,而现实当中很多孩子学习钢琴都是在父母强迫的情况下学习的。文章结合奥苏贝尔的学习动机论,对如何利用这种好奇心与求知欲来激发、保持幼儿学习钢琴的兴趣作一些浅显的探讨。 关键词:认知内驱力自我——增强驱力附属内驱力钢琴教育 音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、提高美感促进其心理品质的发展,而且有助于儿童思维的发展。然而现实中的钢琴教育,并不一定像我们所想象的那样。因此,如何激发幼儿学习钢琴的兴趣,成为每一个钢琴教育者最为关心的问题。美国著名教育家奥苏贝尔认为:“动机与学习之间的关系是典型的相辅相成的关系,绝非一种单向性的关系。具体地说,动机是学习的先决条件。成就动机主要由三方面的驱力组成:认知内驱力,自我——增强驱力,附属内驱力。”这一思想对我们研究、指导钢琴教学,引导学生积极主动地学习钢琴有一定的借鉴意义。 一、认知内驱力在钢琴教学中的作用 所谓认知内驱力,就是指学生渴望认知、理解和掌握知识,以及陈述和解决问题的倾向。简言之,就是一种求知的需要,它主要发自学生好奇的倾向,以及探究、操作、理解和应付环境的心理倾向。学生的这些倾向或心理需要开始时只是潜在的,这种潜在的动机只有在不断取得成功时才能表现出来。 幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子。这个年龄阶段的特征体现为认知内驱力较强,对任何事物都充满了好奇与渴望,具有好学的态度。在钢琴教学中,教师可以充分利用幼儿对钢琴的好奇心来教授知识。儿童在接触、学习钢琴之前,可以先让他聆听一些优美的钢琴曲,当他观察到弹奏钢琴的美妙之处,产生强烈的弹奏欲望时,再让他接触、学习钢琴。 二、自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用 成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力。自我——增强内驱力反映了一个要求凭自己的才能和成就获得相应的社会地位的愿望。随着学生年龄的增长,这种需求日益加剧,这与社会文化的影响是密不可分的,这是一种外部动机。它与认知内驱力的不同在于,并不是直接指向学习任务本身,而是把成就看作赢得地位及自尊心的根源。 尽管这种内驱力具有随着年龄的增长而增长的特征,但并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力。在同孩子进行交流的过程中,孩子有时会问老师一些问题,如“我现在学习钢琴,等长大后我也可以像老师一样教学生吗?”或“长大后,我也能像郎朗(国际著名的钢琴家)那样弹得那么好吗?”这恰恰说明在孩子的心中也是具有这种自我——增强内驱力的。尽管这种内驱力会带有一定的功利性,但如果能够适当地加以利用,可以取得很好的学习效果。 三、附属内驱力在钢琴教学中的作用 附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可,而表现出来的把工作做好的一种需要。一般说来,这种附属内驱力在成就动机中的比重成分,是随着年龄的增长而逐渐减少的。但不是说随着年龄的增长,它的作用会越来越小。 在教师与学生交流的过程中,教师一个关爱的眼神或一句鼓励的话都会给学生很大的影响。尤其对初学钢琴的幼儿来说,不论是音乐知识还是弹奏方法对他们来说都是较难理解的,因此在幼儿的学习过程中,教师和家长的态度要以鼓励或赞扬为主。但是,学生的情况千差万别,教师应掌握批评与表扬的分寸。上钢琴课时,如果学生弹奏得质量不够好,但听得出是努力练习过的,这种情况下,就不要轻易地批评,最好先予以肯定,之后再指出缺点,并帮助学生改正。如果学生弹奏的质量还不错,但没用功,只是依赖个人音乐素质,这种情况就不能盲目表扬,而应当指出其缺点,加以改正。 四、有效引导学生积极主动地学习钢琴 1.教师的教育观念 一个学习钢琴的孩子,他将来有可能在艺术的道路上发展下去,成为一名钢琴家,也可能成为一名数学家,但不管怎样都不能偏离钢琴教育修身养性、陶冶情操的目的。教师的教育观念首先要认真地尽心尽力地去教育孩子;其次,不能把钢琴教育当作无休止的对技能、技巧的学习。当然技术是要为演奏准备的,但最终目的还是要去弹奏曲子。要让孩子多接触优秀的乐曲,真正让他们体会到弹琴的乐趣,而不要给他们一种弹钢琴就是“痛苦的练习技巧”这样的认识。 “人是情感的动物”,情感是我们与生俱来的。心理学研究也表明:情感是影响教学质量的一个重要因素。积极丰富的情感能促进认识过程,使学生个性品质得到全面发展,对于学生的学习,尤其是钢琴的学习具有极其重要的作用。德国教育家第斯多惠说:“谁要是自己还没有发展培养自己的情感,他就不能发展和培养好别人的情感。”因此,教师应当真正去爱、去关心每一个学生的成长、学习,给学生以亲切感、信任感。因此,教师要用自己的人格魅力来吸引学生,在潜移默化中影响学生。 2.教学方法要灵活贴切 教师的教学方法不要枯燥、单一,要让学生在娱乐中学习,在学习中娱乐。例如,儿童具有爱玩的天性,我们要尊重儿童这种爱玩的天性。在上课的过程中可适当地与他们做些游戏,但做游戏也不是漫无目的。我们可以在钢琴上弹出不同的音,然后让孩子来猜出音高的音名,目的是锻炼孩子听音的准确性,让他们记住音高,或者,在琴键的上方用张纸挡住孩子的视线不让他看到琴键,然后让他在钢琴上找出do、re、mi的位置,目的是让他们能够熟悉钢琴键盘及每个音的位置,为以后视奏打基础等等。这些方法能给孩子们带来新鲜感,让他们在快乐中学习。此外,还可以找一些简易的钢琴四手联弹曲目,让孩子增加对钢琴的了解,体会与人合作的乐趣。 钢琴学习论文:成年人学习钢琴研究论文 一、走神 在生活中做事情容易走神的成年人,弹琴时也容易走神,因为走神已经成了习惯。在上钢琴课时,笔者经常发现他们走神,手在弹,心却在想别的事情,而且是不知不觉的。上课时尚且要时刻提醒他们集中精神,何况平时他们自己练习的时候,往往五分钟、十分钟可以练好的东西,他们要花上一个小时甚至更多时间,这样练琴的效率就比较低。本来就少得可怜的练习时间怎么经得起这么浪费。走神的习惯会妨碍视谱、读谱、背谱以及手指训练、声音训练等,甚至上台的演奏也会因为走神而无法完整,从而错漏百出。 所以,我们就要培养“集中精神的习惯”,取代“走神的习惯”。集中精神的习惯虽然很重要,但并不难养成,可以在日常生活中进行培养。一方面是平时做事情的时候多提醒自己,并且专心地去做每一件事情;另一方面可以有意识地进行训练,积少成多的道理成年人是明白的。同样的道理,集中精神可以从短时间的集中到长时间的集中,开始训练时可根据个人的情况来定时,一般五分钟是没有问题的,慢慢地加到十分钟,十五分钟……在增加这个时间的同时,习惯慢慢养成,看书、写字、读谱都可以用来做训练。集中精神能够提高练琴的效率,为学琴带来许多好处,也是培养其他好习惯的先决条件。 二、坐姿 弹琴时,对坐姿是有一定要求的。日常生活中再怎么随意、懒散地坐着,也无须受到指责。“翘着二郎腿”“双脚交叉”或“弯腰驼背”等坐姿都是常见的。很多人都习惯这些坐姿,习惯如自然,弹琴时也是这些坐姿,然而诸类坐姿都是弹琴时的大忌。许多书上都曾告诉我们正确的弹奏坐姿是怎样的,作为成年人自然也能分辨对错,怎奈平时已养成习惯,自然成为学琴时的问题之一。 “翘着二郎腿”以及“双脚交叉”这两种习惯在弹奏时其实并不怎么舒服,只要每次坐到琴边先提醒自己把脚放好,假以时日便可养成“弹奏时腿脚不翘不交叉的习惯”。最普遍的坐姿要算“弯腰驼背”了,在台上这样坐也是常见的,这个习惯比前两种难改,因为它不只是平时坐姿的习惯,还有乐器条件的影响,立式钢琴谱台较低,看谱要低着头,眼睛无法平视,老低头看脖子累,尤其是视谱阶段,那就干脆弯弯腰。前辈们说弹奏时要直腰挺胸,医生告诉我们弯腰驼背会对脊椎和肺部造成伤害。教学实践告诉我们,直腰挺胸的坐姿一旦养成习惯就比弯腰驼背要舒服,所以一定要下决心养成弹奏时直腰挺胸的习惯。方法:1.在日常生活中要做到直腰挺胸。2.光线要充足(减少眼睛看谱时的负担)。3.练琴时多提醒自己。4.劳逸结合,注意脖子的活动和休息,这些都是行之有效的方法。另外当然还要有毅力,持之以恒,每次坐到琴边就强迫自己按照弹琴的标准坐姿坐好。在很短的时间内,直腰挺胸的好习惯便可养成。 三、手指触觉 手指虽然时常与物件接触,但需要它仔细地去感受这些物件的时候不多,所以手指指尖、指腹就养成了反应迟钝的习惯。然而弹钢琴时对手指触觉的灵敏度要求是很高的,琴键是否到底、重量是否集中等都与它息息相关。一部分人手指的触觉是很敏感的,但大部分人手指触觉是迟钝的。笔者曾经做过试验,把一个湿的杯子递给学生拿着,然后拿回来,问:“什么感觉?”学生回答:“你把杯子给我,然后又拿回去了。”重复一次,回答依然如此。然后笔者又说:“你不觉得杯子是湿的吗?”“哦!你不说我还真没注意!”笔者认为这就是触觉迟钝的表现,然而人天性中手指的感觉应该是很灵敏的。 在练琴的同时,训练手指的触觉对于成人来说是比较难的,除了每天用于练琴的时间很有限之外,练琴时认谱、数拍、手型、放松等要求已经让他们透不过气、顾不过来了,所以笔者也把这个训练放在生活中进行,随时可以练习,在其他工作进行时也可以练习。训练方法也是十分简单的,只要平时多用心去触摸东西,或者任何东西到手上都用手指尖、指腹仔细地感受这些东西的质地。并不是要求他们真能做到像盲人一样能摸出字来,不需要说出触摸的具体感受,只要去注意,去感觉就可以,目的是让手指尖敏感起来,直至养成习惯,就是手指什么时候触摸到东西,都会马上有知觉。以后练琴时注意指尖,指尖集中这一环节就很容易做到了。 四、僵硬 一个人立正的时候,开始都能做到放松,立正并保持姿势一段时间,而后有人提醒:放松点,此时就会发现身体在不知不觉中僵硬了。又比如写字,很多人的右手三指指关节左侧都有个(转第75页)(接第86页)突起的小包——茧,这就是写字时没有注意放松,笔抓得太紧,手指僵硬,长年累月,茧就长起来了。类似的事例在生活中比比皆是,不胜枚举。人的一举一动或是静止不动都有可能使身体局部或全部出现僵硬,如果你仔细些,就会发现自己身体的各部分在一天的大部分时间里都会僵硬,只是僵硬的程度不一样而已。如此频繁地出现僵硬,为什么不被发现呢?因为我们的身体已经习惯了。只有僵到一定的程度,身体出现不适或是阻碍了某事情继续进行的时候,我们才去理会,让自己放松。 僵硬的习惯对于成年人来说要比儿童更加根深蒂固。一个五六岁的小孩子开始学琴的时候即便有僵硬的习惯,也不过是五六年,但一个成年人学琴,僵硬的这种习惯已经是养了十几年了,改之不易。如果留意自己一天当中的身体状况,不难发现,僵硬几乎存在你生活中的任何时候,因此它也会随时出现在你弹琴的时候,主要是身体(包括腰、手臂、肩膀、手腕、手掌)在不知不觉中僵硬,演奏中出现手臂酸疼、手腕刺痛、大拇指扣紧、手指跑不动等等,对学琴造成的障碍就不言而喻了。既然僵硬是一种习惯,那么与之相对立的放松同样也可以养成习惯。笔者认为,有必要在学琴之前花点时间来培养放松的习惯,如果能花一个月或更长的时间有意的培养放松的习惯,那么开始学琴的时候就会发现,手臂、肩膀很容易就放松了,至少对放松有了较强的意识和控制力,稍微提醒一下就可以做到。成年人一旦养成了放松的习惯,学琴时就能去掉一个大障碍了。 培养的方法:留意生活中任何时候自己的身体状况(特别是当手里拿着东西的时候),如发现身体任何部分僵硬,就要有意的让它放松,尤其是肩膀、手臂、手腕,让脑子对身体的僵硬敏感起来并对其作出放松的指令,最后形成条件反射。一有僵硬就自然的会放松,慢慢的把放松养成习惯。笔者不主张成年人初学钢琴的时候在琴上一边学弹,一边学放松。一是这样的放松学得慢;二是在要注意手型、留意乐谱的情况下,放松很难做得好。 总之,习惯对于成人学钢琴是很重要的,有利于弹奏的习惯在学琴之初或之前就应该开始培养,各种习惯的养新替旧都会有一定的难度。一方面新习惯的培养会因旧的习惯存在而受到干扰,产生一定的困难,但是成年人依靠自身的毅力和自控能力,加上一些正确的方法,还是可以做得到的。另一方面,成人能用于练琴的时间不多,因为他们还有其他工作要做,在音乐院校里学习的成人,他们要学习许多的文化课,应付各种考试,练琴的时间也是很有限的,但要培养的习惯很多,光靠练琴时那微不足道的一点时间是绝对不够用的。并非所有的习惯培养都要有钢琴才能进行,既然妨碍学琴的习惯是在生活中养成的,那么有利于学琴的习惯也可以在生活中去培养。既然练琴的时间不够用,那么我们可以利用在日常生活中做其他事情的时间、工作的时间,或是休息的时间,训练一些与钢琴演奏相关的感觉和动作,把它们养成习惯。培养各种有利于钢琴演奏的习惯,不但可以提高练琴的效率,更彻底地解决学琴时出现的问题,还可以在生活中起到积极的作用。 内容摘要:成年人学习钢琴所出现的大部分问题是由生活中的一些习惯造成的,应该在生活中培养好的习惯,使学习钢琴出现的问题得到有效的解决。 关键词:习惯集中精神坐姿 钢琴学习论文:幼儿钢琴学习兴趣研究论文 内容摘要:初学钢琴的幼儿,大部分还不能自觉主动地练琴,如果用强制手段使他们练琴,只能适得其反,甚至扼杀了他们学琴学音乐的兴趣。只有循循善诱、耐心启发,让他们在快乐中学习、在游戏中领悟音乐,逐步培养他们学习钢琴的兴趣和热情。 关键词:兴趣比喻游戏教材音乐欣赏 幼儿学钢琴是一件很困难的事,因为学钢琴既要用脑又要用手,既要学艺术又要学技术。所以对幼儿来说,首先要培养他们学钢琴的兴趣。因为兴趣是最好的老师,如果孩子对什么感兴趣,他就会学得很快;如果不感兴趣,怎么教也收效甚微。那么,如何培养幼儿学习钢琴的兴趣呢? 一、把握幼儿教学特点,以激发兴趣为首要任务 前苏联教育家阿尔托波列夫斯卡雅说:“激发感染孩子们掌握音乐语言的愿望,这是教师最初任务中的最重要的任务。”一位好的钢琴老师,除了要有诸多方面的知识,还要把握好幼儿教学的特殊性,把引导孩子喜欢音乐、喜欢钢琴、激发他们的学习热情作为教学的首要任务。每个孩子的先天素质不同,有的孩子很小就显露出音乐才能,而多数孩子需要家长和老师的引导和培养。尤其是教师在上课时,不仅要教孩子弹奏钢琴的技巧,还要善于和他们沟通,只有热爱孩子才能教好孩子。对多数孩子来说,在见教师之前,总是把教师想成一副严肃而令人害怕的样子,这对孩子的学琴动机是不利的。有些家长认为自己的孩子调皮,因此希望教师在上课时对孩子严厉些。但事实上,再调皮的孩子在上课时也会表现得很老实,虽然不排除教师的威严有让孩子精力集中的作用,但教师更应该让孩子喜欢自己。比如,上课时的语调对孩子的影响就很大。当孩子出错时,教师不应该责备,应该耐心地讲解,找出错误的原因并找到解决的方法。教师应该使孩子产生一种愿意和这个老师学习的愿望,进而使孩子愿意学琴。 二、运用恰当的比喻和游戏,培养孩子的学习兴趣 那种认为初学阶段简单、谁都能教、怎么教都行的想法是不正确的。教师应针对孩子的特点,设计好每节课要达到的目的,一定要用生动的语言去启发他们,使孩子对钢琴课感兴趣。在初学钢琴的幼儿中,大多是不识字的小朋友,为了让孩子能记住老师的要求或理解乐曲的内容,教师可以用形象的比喻来说明教学要求。比如,教初学的孩子学手型时,可以把手比作美观的石拱桥。二指、三指、四指、五指各为一道“拱梁”,都要自然弯曲,呈“拱”型。大拇指是“一条船”,要能从桥下开过来、开过去。如果掌关节塌下去,“船”就不能通过;如果小指倾斜了,“桥”就造歪了,“船”就开不过去。通过这个比喻,学生就能做到关于手型的基本要求了。所以在教学中,恰当的比喻不仅能生动地说明问题,而且能激发幼儿的学习兴趣,并留下深刻的印象。 尤其给年龄小的孩子上课,一定要设法创造一种愉快的课堂气氛,让他们在玩中学习,在不知不觉中感受音乐的熏陶。比如,教初级的孩子断奏,有的孩子一教就会,有的孩子弹的声音却很硬,找不到手臂的自然重量,这时可以先和他一起做大象甩鼻子的游戏,站到地上弯腰90度,手臂放松垂直,手臂像大象的鼻子一样甩来甩去。然后再站直了甩手臂,接着再教两只手臂画圈,并告诉他这游戏叫荷兰大风车。不久,孩子就完全明白了什么是手臂重量。这时再教他把手臂重量完全放松,掉在大腿上,掉在钢琴上,这样学起来,孩子会觉得又好玩又容易。又比如,教孩子一只手弹歌唱的连奏,另一只手却要弹富有弹性的跳音时,可以先教他玩锤子和抹布的游戏。在这个游戏里锤子代表跳音,用左手捶左腿,抹布代表连音,用右手摸右腿。随着动作的熟练动作加快、难度提高,双手的动作能转换准确,以后在弹琴中遇到这种情况就不成问题了。另外教师的演奏示范也很关键,听了教师优美动听的示范,孩子们会更想练琴。偶尔也可以让他们用钢琴模仿大象走路、模仿小鸟的叫声……总之,教师要使每堂课都生动有趣、有说有笑、有弹有唱,让孩子们高高兴兴地去上每节课。 三、合理选用教材,调动孩子的学习兴趣 教材选用是否恰当,将对孩子的学习兴趣产生很大影响。钢琴教材的选用要在循序渐进原则的基础上,注意音乐内容的多样性和生动性,要符合孩子们的心理特征。如果总是选用练习曲和技巧偏难的乐曲,将使孩子很快失去学习兴趣。如选用较为系统全面且带有插图和标题的成套教材入门,使孩子既在短时期内学习多种内容,又始终在一种愉快活泼的想象中学习;多选一些世界名曲,注重培养孩子的音乐欣赏能力;教师也可以给孩子们讲讲作曲家的故事和作品内容,这样既能提高弹奏兴趣又能加深对乐曲的理解;还可选择一些孩子们喜爱的歌曲并教他们配弹简单的伴奏,既调动了学习兴趣又锻炼了即兴伴奏的能力。 四、多参加音乐活动,提高孩子的音乐欣赏水平 教师要创造条件,经常让孩子们练习齐奏、重奏等,还要搞孩子们自己的音乐会或比赛,来激发他们的学习兴趣和热情。教师还应让家长多给孩子听音乐,多看各种音乐演出。随着钢琴水平的不断提高,不少家长对孩子练琴抓得很紧,只要一有时间就让孩子坐在琴边用功。这种分秒必争的精神是好的,然而对音乐欣赏这部分也是不能忽略的。有些家长认为孩子听音乐会是浪费时间,又听不懂,还不如在家练琴,这是极其错误的。音乐语言和文学语言一样,大家都懂得,学习文学不单纯是识字、造句,还要通过阅读、欣赏等各种渠道来提高文学水平。如果孩子没读过好文章,自然就缺乏鉴赏能力,也不会写出好文章,音乐欣赏的重要性就不言而喻了。钢琴文献是极其丰富的,一个人一生所要学习的作品是有限的,欣赏却是弥补这一缺陷的重要手段。还有些孩子很有音乐才能,但弹出来的东西却是乏味的,即使老师再三启发强调也无济于事。原因何在呢?很大程度上是孩子听得太少,见得太少。对音乐的理解也太少,缺乏对音乐的认识和理解,更谈不上对音乐的鉴赏能力,自然也就弹不出好的音乐来。怎样解决?就是要加强孩子们的音乐欣赏,多听音乐会、多听好的演奏。没有条件的可以多听录音。另外,如果我们有指导地去引导孩子欣赏音乐会,那么,听一场音乐会比闷头练几个小时的琴收获大得多。有条件的话要让孩子经常接触与音乐相关的艺术,拓宽孩子的视野,提高他们的审美能力。让他们在生活中很自然地受到音乐的熏陶,感受音乐的魅力,从而更积极主动地学习钢琴和音乐艺术。 铃木镇一博士曾说:“有三分钟的热情都值得去练琴。”对于初学钢琴的幼儿,如果每天能有十次三分钟那就更好。教师和家长一定要尽最大努力鼓励孩子热爱钢琴,使孩子每天都保持练琴的兴趣,因为“兴趣是一种魔力,他可以创造人间奇迹”。 钢琴学习论文:幼儿钢琴学习兴趣研究论文 音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、提高美感促进其心理品质的发展,而且有助于儿童思维的发展。然而现实中的钢琴教育,并不一定像我们所想象的那样。因此,如何激发幼儿学习钢琴的兴趣,成为每一个钢琴教育者最为关心的问题。美国著名教育家奥苏贝尔认为:“动机与学习之间的关系是典型的相辅相成的关系,绝非一种单向性的关系。具体地说,动机是学习的先决条件。成就动机主要由三方面的驱力组成:认知内驱力,自我——增强驱力,附属内驱力。”这一思想对我们研究、指导钢琴教学,引导学生积极主动地学习钢琴有一定的借鉴意义。 一、认知内驱力在钢琴教学中的作用 所谓认知内驱力,就是指学生渴望认知、理解和掌握知识,以及陈述和解决问题的倾向。简言之,就是一种求知的需要,它主要发自学生好奇的倾向,以及探究、操作、理解和应付环境的心理倾向。学生的这些倾向或心理需要开始时只是潜在的,这种潜在的动机只有在不断取得成功时才能表现出来。 幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子。这个年龄阶段的特征体现为认知内驱力较强,对任何事物都充满了好奇与渴望,具有好学的态度。在钢琴教学中,教师可以充分利用幼儿对钢琴的好奇心来教授知识。儿童在接触、学习钢琴之前,可以先让他聆听一些优美的钢琴曲,当他观察到弹奏钢琴的美妙之处,产生强烈的弹奏欲望时,再让他接触、学习钢琴。 二、自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用 成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力。自我——增强内驱力反映了一个要求凭自己的才能和成就获得相应的社会地位的愿望。随着学生年龄的增长,这种需求日益加剧,这与社会文化的影响是密不可分的,这是一种外部动机。它与认知内驱力的不同在于,并不是直接指向学习任务本身,而是把成就看作赢得地位及自尊心的根源。 尽管这种内驱力具有随着年龄的增长而增长的特征,但并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力。在同孩子进行交流的过程中,孩子有时会问老师一些问题,如“我现在学习钢琴,等长大后我也可以像老师一样教学生吗?”或“长大后,我也能像郎朗(国际著名的钢琴家)那样弹得那么好吗?”这恰恰说明在孩子的心中也是具有这种自我——增强内驱力的。尽管这种内驱力会带有一定的功利性,但如果能够适当地加以利用,可以取得很好的学习效果。 三、附属内驱力在钢琴教学中的作用 附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可,而表现出来的把工作做好的一种需要。一般说来,这种附属内驱力在成就动机中的比重成分,是随着年龄的增长而逐渐减少的。但不是说随着年龄的增长,它的作用会越来越小。在教师与学生交流的过程中,教师一个关爱的眼神或一句鼓励的话都会给学生很大的影响。尤其对初学钢琴的幼儿来说,不论是音乐知识还是弹奏方法对他们来说都是较难理解的,因此在幼儿的学习过程中,教师和家长的态度要以鼓励或赞扬为主。但是,学生的情况千差万别,教师应掌握批评与表扬的分寸。上钢琴课时,如果学生弹奏得质量不够好,但听得出是努力练习过的,这种情况下,就不要轻易地批评,最好先予以肯定,之后再指出缺点,并帮助学生改正。如果学生弹奏的质量还不错,但没用功,只是依赖个人音乐素质,这种情况就不能盲目表扬,而应当指出其缺点,加以改正。 四、有效引导学生积极主动地学习钢琴 1.教师的教育观念 一个学习钢琴的孩子,他将来有可能在艺术的道路上发展下去,成为一名钢琴家,也可能成为一名数学家,但不管怎样都不能偏离钢琴教育修身养性、陶冶情操的目的。教师的教育观念首先要认真地尽心尽力地去教育孩子;其次,不能把钢琴教育当作无休止的对技能、技巧的学习。当然技术是要为演奏准备的,但最终目的还是要去弹奏曲子。要让孩子多接触优秀的乐曲,真正让他们体会到弹琴的乐趣,而不要给他们一种弹钢琴就是“痛苦的练习技巧”这样的认识。 “人是情感的动物”,情感是我们与生俱来的。心理学研究也表明:情感是影响教学质量的一个重要因素。积极丰富的情感能促进认识过程,使学生个性品质得到全面发展,对于学生的学习,尤其是钢琴的学习具有极其重要的作用。德国教育家第斯多惠说:“谁要是自己还没有发展培养自己的情感,他就不能发展和培养好别人的情感。”因此,教师应当真正去爱、去关心每一个学生的成长、学习,给学生以亲切感、信任感。因此,教师要用自己的人格魅力来吸引学生,在潜移默化中影响学生。 2.教学方法要灵活贴切 教师的教学方法不要枯燥、单一,要让学生在娱乐中学习,在学习中娱乐。例如,儿童具有爱玩的天性,我们要尊重儿童这种爱玩的天性。在上课的过程中可适当地与他们做些游戏,但做游戏也不是漫无目的。我们可以在钢琴上弹出不同的音,然后让孩子来猜出音高的音名,目的是锻炼孩子听音的准确性,让他们记住音高,或者,在琴键的上方用张纸挡住孩子的视线不让他看到琴键,然后让他在钢琴上找出do、re、mi的位置,目的是让他们能够熟悉钢琴键盘及每个音的位置,为以后视奏打基础等等。这些方法能给孩子们带来新鲜感,让他们在快乐中学习。此外,还可以找一些简易的钢琴四手联弹曲目,让孩子增加对钢琴的了解,体会与人合作的乐趣。 钢琴学习论文:幼儿钢琴游戏学习法研究论文 有些钢琴教师不愿接收五、六岁的孩子学钢琴。因为,这一年龄段的孩子不易集中注意力,所以进步不大,然而,年龄稍大的孩子又有许多其它活动,因而也难有许多的时间全身心地投入到音乐学习中去。而当笔者的两个孩子一个六岁,一个七岁时,我就把他们带到练琴室,想拜一位很有天赋、受人爱戴的钢琴老师为师。他酷爱音乐而且是一位出色的钢琴教师,可他扫了一眼孩子,说出了一句令人惊讶的话,“请别给我带这么小的孩子来,不能小于十二岁。” 这就是受人爱戴和尊敬的大师的建议,他解释道,年幼儿童较难控制自己,所以不易进步,而且不会识谱就更行不通。但我依然想试试,就决定通过游戏与练习相结合的方式来试教自己的两个孩子。 我体会到,让学生一边弹一边指出这个键的音名,这样的游戏是很见效的。如,弹“爬上山”的音阶练习,就是让学生从最低的A音弹到最高的C音,并在教师的指导下,辨认每个白键的音级名称。起初,学生们无需考虑指法是否正确,可用任意一个手指来弹,但最终仍然必用传统的指法技巧弹奏方妥。 练习弹奏“滑下山”难度较大,因为学生要倒序说出这些音名。孩子们喜爱的另一个游戏是“降落伞”练习。让学生闭上双眼,手自然向下降落,落至某一白键上,并说出其唱名,再从键盘上找出与其相同唱名的键。当学生们练熟了,老师再给学生加码。有了进步后,便以资鼓励。如奖个红五星或粘贴画等。教孩子识别黑键时,要有进一步的要求,告诉他们弹上行键使用升号,下行使用降号。待他们能熟练地说出这些键后,再让他们说出两种音名。 对于初学儿童的教学内容应包括练习手型、指法并把每课所学的简短乐曲背熟为好。给学生介绍七个基本音级名称时,要让学生边弹边唱A、B、C、D和E,然后再反过来弹这些音符,弹到A音再顺弹。这样来回反复练习,边练边唱。用同样的方法练习C、D、E、F、G,学生们便开始听出大调和小调在键盘上的区别。边重复五声调式练习,边唱。歌词可随季节的变化而改写,但学生们首先当唱音名来进行练习,如此施教,收益更大。 学生们熟悉音名后,就可介绍一些有上、下行三度的音程和重复音的歌曲。这首曲子是可从C音开始到D或F音进行弹唱,使孩子们了解不同的键,给他们解释墨键帮助他们唱得更准确。鼓励学生课上、家中练习弹唱音名的同时也要练习弹唱歌词。 从一开始学琴,就让孩子们背谱,使他们有一种必须完成任务的感觉,这种教学方法对于他们学识谱以后也很有裨益。如果学生能在不同的音符上起奏旋律,预先又练习了平行音阶或进行了五指练习,背谱的学习方法就更有价值了。要尽早把指法练习,音阶和分解和弦介绍给学生,并注意观察手指在键盘上的位置,使一指和其余四指穿越自如。待他们能流畅地弹奏,再对手指、手腕和手臂进一步地严格要求,但对于每一正确指法和技能要及时给予鼓励表扬。 可采用各种方法来帮助孩子们识谱。比方,让学生边弹边说出音名,要求他们每首弹三遍并说出音名,然后大声数拍子,大声唱歌词。要把每个二分音符、附点音符及全音符弄清,仔细数够拍子。 为了帮助孩子们判断高音和低音音符,可让他们在课上、家中以尽可能快的速度将音符写在五线谱纸上。儿童喜爱用音名来做拼单词的游戏,并在不同的八度音中找出同样的音符。然而,要找出五个G音或五个F音,学生们就必须能判断出五个C音,而且还要知道他们之间的所有音符。教师可使用这样的指法练习册。但是,许多五线谱的间隔太密,孩子们不便写记音符,这个问题可由老师解决。画张放大间隔的五线谱,然后将其复印在音乐纸上即可。 开始读谱时,伴随着的歌词帮助眼睛从左向右移动,同时还增添了感情色彩。配有歌词的曲子强调这样一个事实,音乐与词意之间有着密切的联系。应鼓励学生自己填词配乐或改写新歌词。 钢琴学生往往阅读低音谱号不如阅读高音谱号那么流畅。如果是右撇子,左手比右手弹得更差些。为了解决这个问题,用左手在低音区练习弹奏,而且要加强从低音到高音读谱的能力。右手主旋律相对于左手易于弹奏些,左手主旋律也应同样如此。练习双手一起弹奏前,在低音区先进行右手弹奏练习,不但有助于读谱能力的提高,而且也增进手指力度。 初学者还应掌握好节奏。弹奏时,学习数拍子的好方法是二重奏,为了使学生专心数拍子,让学生用一只手弹并要求学生大声数拍子的同时老师弹奏其余的音符。 视谱弹奏,也是入门教程的一项内容。可边弹边数拍子。把这些练习补充到钢琴入门教材里,使孩子们更易接受,更能提高他们的视谱能力。 显而易见,第一年钢琴入门的学习是十分重要的。当学生们达到扎实的基础技能和对音乐理解能力,同时明确这一学习目的,以后学起来就容易多了,并且更易激发他们学习钢琴的兴趣。 钢琴学习论文:钢琴学习中听觉重要性论文 摘要:本文从外部听觉和内心听觉两方面入手,论述了在钢琴学习中,通过对音高、音值、音量、主调音乐、复调音乐和音质的倾听以及内心听觉的三个阶段来辨别、改进钢琴演奏的实际效果,从而说明听觉在钢琴学习的整个过程中所起的至关重要的作用。 关键词:外部听觉内心听觉主调 音乐是听觉的艺术。钢琴是通过手的触键而发声的,但以手触键只是机械性的动作,它不能直接感受音乐,那么,如何能弹出我们需要的音?全靠用听觉来鉴别,鉴别力越高,要求自己弹奏技术和表现音乐的能力就越高。可以说,耳朵的倾听是钢琴学习过程中至关重要的中介环节,它关系到演奏者对音乐的理解、布局、设计、演奏效果如何改进以及用力、指触与钢琴发出的实际音响之间如何协调等问题。因此,听觉的敏感对学好钢琴具有决定性意义。 音乐中的听觉分为外部听觉和内心听觉,这两个方面贯穿在钢琴学习的始终。 一、外部听觉验证是否弹奏了所“设计”的钢琴音乐 一首钢琴曲子,用音响的形式呈现出来的仅是谱面音响,我们用耳朵听到的是外部音响,这就是外部听觉。 在外部听觉中,耳朵的任务是辨别所听到的乐音与谱面是否完全吻合,并不断以听到的效果来帮助大脑对手指发出调整的指令。听觉在这个过程中要辨别五个方面的内容: 1.准确无误的音高,即音的高低。 2.纹丝不差的音值,即音的长短。 3.恰如其分的音量,即音的强弱。 这三个方面是组成音乐的最基本因素。 4.主调音乐,即以一条旋律为主要乐思,而其他部分通常作为和声因素处于服从、陪衬、协作的地位,一般情况下,它们的音量都不会超出要突出的那一条旋律。这一方面涉及到横向的旋律进行和纵向的和声进行,与前三个方面相比,就更复杂。 (1)从横向的旋律上来讲,首先要将旋律线条理清。在练琴过程中,要注意三点:一是不断感受旋律的轮廓,即旋律进行中由级进、小跳、大跳组成的上行、下行、拱形、波形;二是感受旋律中的乐句,乐句的划分很重要,就像说话要断句,音乐中的语言也需要断句,这样才能清晰准确地表达我们所要表达的音乐内容;三是感受旋律感情的刻画,不同的感情内容需要不同的演奏方法和手段去表现。 (2)从纵向的和声上来讲,在弹奏中必须倾听和声的进行、和声的倾向性、和声的调性、和声的色彩、和声的立体感。 不同时代不同作曲家对和声的运用是不同的,基本有两种情况:一种是把旋律当作一组和声的表层来对待,和弦的最高音就是旋律音。在这种情况下,弹奏时特别要倾听和声进行中的旋律线条,而不能仅仅强调和弦的纵向对位。另一种就是在20世纪的印象主义作品中,作曲家受当时的文学与绘画中印象主义和象征主义的影响,将十分独特的和声与音乐结合在一起,制造出了音乐色彩的变化,给听者一种视觉上的感受。 5.复调音乐,即两个或两个以上各具相对独立意义旋律的同时进行,换句话说,也就是由几条不同的旋律线编织成的一个纵向、立体结构的横向运动。 在复调音乐中,复调乐曲中同时出现两个、三个甚至四个声部的旋律,它们以对位的手法构成多声部的进行,同时各个声部又是独立进行的,在节奏上互不倚靠。这在演奏上是非常困难的,有时需要用一只手弹两个声部,有时则需要用两只手交替来弹一个声部。演奏这类作品时,听觉主要针对容易出现的三种倾向发挥其作用: (1)当弹奏几个声部时,尤其是一只手弹两个声部时,几个声部的旋律容易互相干扰,以致声部混淆不清。在这种情况下,只有靠听觉来对手指控制能力进行调整,从而使各个声部的旋律线条逐渐清晰。 (2)强调每个声部中主题的突出,从而忽略其他声部的对称,致使声部之间缺乏平衡。在这种情况下,只有靠听觉来对手指的力度进行调整,从而使声部之间相得益彰。 (3)对各个声部的进行都强调,从而缺少旋律的层次感,致使主题不鲜明。在这种情况下,只有靠听觉来对手指的触键力度以及控制能力进行调整,从而使声部之间主次交替的层次、力度强弱对比的层次逐渐清晰。 二、内心听觉能引导我们正确地诠释钢琴音乐 当我们看到音符时,不借助钢琴的声音也不哼唱,在全然的寂静中,在内心想象出并“听见”音符的高度、长度、力度,这就是内心听觉,它是人对音响的感受和对声音的想象力。德国音乐家贝多芬,26岁时出现了耳聋迹象后,依然没有停止创作,写出了《第三英雄交响曲》《第五命运交响曲》和《第九合唱交响曲》等杰出的作品。其中的原因就是他凭借自己高度发达的内心听觉,他在创作的时候,内心听觉使他在头脑中想象并听到了作品的音响效果。在实际的钢琴学习过程中,内心听觉要求对音质进行鉴别,主要有以下三个方面的内容: 1.声音要通,切忌声音硬、散、虚。 我们所要求的“通”就是指声音要通畅、通顺、动听。通的声音混入的噪音少,振动状态好,无论强弱,都会共鸣好,传得远,延续长。声音硬多半是由手腕僵硬而造成的。如果弱而又散,则是虚,感觉音浮在琴键上。要解决这个问题,我们就要建立不硬、不散、不虚、集中的声音听觉观念,并在这种听觉观念的引导下进行弹奏,同时聚精会神地倾听所弹音的“品质”,从中感受以便及时改进并弹奏出正确的声音。 2.双音与和弦的弹奏。 双音,指任何两个音的同时弹奏。和弦,指三个及三个以上不同音按一定规则结合起来,同时发音。二者有一个共同点,就是同时发音,这就要求两个或两个以上的音在弹下时要整齐如一。我们可先在内心听觉里凭记忆想象一下两个或两个以上的音同时弹奏出的效果,然后在听觉的监督下仔细聆听弹奏的实际效果,将它与内心听觉的音响效果相比较,再进行改进,直到满意为止。在弹双音与和弦连奏时,几个手指的同时起落也需要听觉来检验。听觉要仔细地监督,保证前后两个音之间没有一丝间断也没有一毫重叠。同时由于每一个手指的长短和粗细不一样,又很容易出现音色、力度不统一的状况,避免这些问题的唯一办法就是,在听觉的高度专注下,细心控制好乐音弹下的力度与时间。 3.踏板的运用。 俄罗斯钢琴家鲁宾斯坦说过:“踏板是钢琴的灵魂。”正确使用踏板,可以使音乐充满活力、富有生气。如果使用不当,则会导致旋律模糊、乐句不明、和声混浊、节奏韵律紊乱等。在踏板的学习中,耳朵起到了关键作用。正如有人说“踏板是不能教的,只能靠耳朵”,这句话虽有失偏颇,但在一定程度上说明了听觉在踏板学习中的重要作用。踏板以什么速度踩下和抬起,踩下多深,抬起多高,都会因乐曲和弹奏者的不同而有差异。因此,想从老师那里学习到踏板运用的每一细节,或同老师一模一样地踩踏板,这些都是不可能的。唯一的、永远的老师,只能是自己的耳朵。要很好地使用踏板,就必须使自己的耳朵能敏锐地觉察到,踩在踏板上的脚或大或小的任何动作所引起的声音的任何变化。听觉既要检验已经弹出的声音是否符合要求,又要想象出将要弹奏的预期的音响效果,并指示脚做出相应的动作,以实现它希望的音响效果。 在实际的钢琴学习过程中,内心听觉发挥其重要作用,主要是通过三个阶段来实现的: 内心听觉的第一阶段,就是要事先“储存”杰出的音响信息。通过听音乐会、唱片录音等,把钢琴家对作品的具体处理进行研究并牢记他们的声音,这些最具表现力又最完美无缺的声音,为我们提供了一个声音追求的目标。 内心听觉的第二阶段,就是通过对这些美好声音的储存和研究,想象自己所演奏曲目的音响效果。要在心里首先听到自己的演奏,然后将自己的演奏与想象中所“听”到的音响相比较,逐步缩短二者之间的距离。这对提高演奏质量具有决定性作用。 内心听觉的第三阶段,就是想象从未听到过的声音,这是钢琴学习和演奏的最高阶段。在钢琴风格的演变史上,正是因为有一些杰出的富有创造性的演奏大师们敢于想象、敢于尝试,以常人不可想象的弹奏法,创造出崭新的音响,从而促进钢琴艺术的发展。任何新的演奏方法的产生都是由对新的声音的追求而引发的,只有丰富的想象才能引发对新音色、新声音的追求。内心听觉正是基于对声音的想象,先“听”到,才能后做到。 简言之,内心听觉在钢琴学习中就是通过“树立声音标准”“模仿杰出声音”“创造新的声音”来提高演奏水平的。 结语 本文对听觉训练在钢琴学习和练习中的重要性作了分析,通过从外部听觉到内心听觉,从听觉的内容到它的实际过程的分析,得出耳朵的倾听,确实是钢琴学习中至关重要的中介环节。音乐通过声音而实现的全部实际音响效果,只有通过耳朵的倾听来鉴别、来协调才能弹奏出更美妙的音乐。 钢琴学习论文:幼儿学习钢琴分析论文 摘要:幼儿时期的年龄特征就是对任何事物都具有强烈的好奇心与求知欲,而现实当中很多孩子学习钢琴都是在父母强迫的情况下学习的。文章结合奥苏贝尔的学习动机论,对如何利用这种好奇心与求知欲来激发、保持幼儿学习钢琴的兴趣作一些浅显的探讨。 关键词:认知内驱力自我——增强驱力附属内驱力钢琴教育 音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、提高美感促进其心理品质的发展,而且有助于儿童思维的发展。然而现实中的钢琴教育,并不一定像我们所想象的那样。因此,如何激发幼儿学习钢琴的兴趣,成为每一个钢琴教育者最为关心的问题。美国著名教育家奥苏贝尔认为:“动机与学习之间的关系是典型的相辅相成的关系,绝非一种单向性的关系。具体地说,动机是学习的先决条件。成就动机主要由三方面的驱力组成:认知内驱力,自我——增强驱力,附属内驱力。”这一思想对我们研究、指导钢琴教学,引导学生积极主动地学习钢琴有一定的借鉴意义。 一、认知内驱力在钢琴教学中的作用 所谓认知内驱力,就是指学生渴望认知、理解和掌握知识,以及陈述和解决问题的倾向。简言之,就是一种求知的需要,它主要发自学生好奇的倾向,以及探究、操作、理解和应付环境的心理倾向。学生的这些倾向或心理需要开始时只是潜在的,这种潜在的动机只有在不断取得成功时才能表现出来。 幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子。这个年龄阶段的特征体现为认知内驱力较强,对任何事物都充满了好奇与渴望,具有好学的态度。在钢琴教学中,教师可以充分利用幼儿对钢琴的好奇心来教授知识。儿童在接触、学习钢琴之前,可以先让他聆听一些优美的钢琴曲,当他观察到弹奏钢琴的美妙之处,产生强烈的弹奏欲望时,再让他接触、学习钢琴。 二、自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用 成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力。自我——增强内驱力反映了一个要求凭自己的才能和成就获得相应的社会地位的愿望。随着学生年龄的增长,这种需求日益加剧,这与社会文化的影响是密不可分的,这是一种外部动机。它与认知内驱力的不同在于,并不是直接指向学习任务本身,而是把成就看作赢得地位及自尊心的根源。 尽管这种内驱力具有随着年龄的增长而增长的特征,但并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力。在同孩子进行交流的过程中,孩子有时会问老师一些问题,如“我现在学习钢琴,等长大后我也可以像老师一样教学生吗?”或“长大后,我也能像郎朗(国际著名的钢琴家)那样弹得那么好吗?”这恰恰说明在孩子的心中也是具有这种自我——增强内驱力的。尽管这种内驱力会带有一定的功利性,但如果能够适当地加以利用,可以取得很好的学习效果。 三、附属内驱力在钢琴教学中的作用 附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可,而表现出来的把工作做好的一种需要。一般说来,这种附属内驱力在成就动机中的比重成分,是随着年龄的增长而逐渐减少的。但不是说随着年龄的增长,它的作用会越来越小。在教师与学生交流的过程中,教师一个关爱的眼神或一句鼓励的话都会给学生很大的影响。尤其对初学钢琴的幼儿来说,不论是音乐知识还是弹奏方法对他们来说都是较难理解的,因此在幼儿的学习过程中,教师和家长的态度要以鼓励或赞扬为主。但是,学生的情况千差万别,教师应掌握批评与表扬的分寸。上钢琴课时,如果学生弹奏得质量不够好,但听得出是努力练习过的,这种情况下,就不要轻易地批评,最好先予以肯定,之后再指出缺点,并帮助学生改正。如果学生弹奏的质量还不错,但没用功,只是依赖个人音乐素质,这种情况就不能盲目表扬,而应当指出其缺点,加以改正。 四、有效引导学生积极主动地学习钢琴 1.教师的教育观念 一个学习钢琴的孩子,他将来有可能在艺术的道路上发展下去,成为一名钢琴家,也可能成为一名数学家,但不管怎样都不能偏离钢琴教育修身养性、陶冶情操的目的。教师的教育观念首先要认真地尽心尽力地去教育孩子;其次,不能把钢琴教育当作无休止的对技能、技巧的学习。当然技术是要为演奏准备的,但最终目的还是要去弹奏曲子。要让孩子多接触优秀的乐曲,真正让他们体会到弹琴的乐趣,而不要给他们一种弹钢琴就是“痛苦的练习技巧”这样的认识。 “人是情感的动物”,情感是我们与生俱来的。心理学研究也表明:情感是影响教学质量的一个重要因素。积极丰富的情感能促进认识过程,使学生个性品质得到全面发展,对于学生的学习,尤其是钢琴的学习具有极其重要的作用。德国教育家第斯多惠说:“谁要是自己还没有发展培养自己的情感,他就不能发展和培养好别人的情感。”因此,教师应当真正去爱、去关心每一个学生的成长、学习,给学生以亲切感、信任感。因此,教师要用自己的人格魅力来吸引学生,在潜移默化中影响学生。 2.教学方法要灵活贴切 教师的教学方法不要枯燥、单一,要让学生在娱乐中学习,在学习中娱乐。例如,儿童具有爱玩的天性,我们要尊重儿童这种爱玩的天性。在上课的过程中可适当地与他们做些游戏,但做游戏也不是漫无目的。我们可以在钢琴上弹出不同的音,然后让孩子来猜出音高的音名,目的是锻炼孩子听音的准确性,让他们记住音高,或者,在琴键的上方用张纸挡住孩子的视线不让他看到琴键,然后让他在钢琴上找出do、re、mi的位置,目的是让他们能够熟悉钢琴键盘及每个音的位置,为以后视奏打基础等等。这些方法能给孩子们带来新鲜感,让他们在快乐中学习。此外,还可以找一些简易的钢琴四手联弹曲目,让孩子增加对钢琴的了解,体会与人合作的乐趣。 钢琴学习论文:儿童学习钢琴心理教育论文 内容摘要:经过大量的社会调查发现,大多数学习钢琴的儿童是在众多的压力之下,同时又是在缺少愉快心理的过程中度过的。为什么听起来美妙无比的音乐,学起来却痛苦不堪呢?本文从四个方面对儿童学习钢琴的负重心理进行了分析,从而进一步提出了在钢琴教学中减轻儿童负重心理的主要途径。 关键词:儿童钢琴教学负重心理 经过大量的社会调查发现,大多数学习钢琴的儿童是在缺少愉快的心理过程中度过的。由于儿童的心理承受能力较低,这种负重心理在学习的过程中不断重复,到达一定程度就会出现崩溃,以致终止学习。为什么听起来美妙无比的音乐,学起来却痛苦不堪呢?究其原因,除了教学体制、教学方法外,还有社会、家庭以及儿童自身的心理问题等等。 一、儿童学习钢琴的负重心理分析 学习钢琴虽然对培养儿童的想象力、创造力以及正确的审美观大有裨益,但是,我们又必须要用科学的态度来审视这一教育功能,找出其自身的规律,避免其盲目性。 第一,儿童自身的心理问题。准确分析儿童的心理活动,是掌握儿童学琴规律的最好方法。心理研究发现3-7岁的儿童,他们最根本的心理特征就是缺乏自我意识。这个年龄阶段的孩子不易分清质与量、因与果、主体与客体、现象与本质等关系,他们绝大多数的主观意识及认识世界的方法是靠家长及教师传授的。所以这个时期的儿童对直接感性认识接受得较为积极,而对间接理性认识接受得较为被动。虽然钢琴发出的美妙声音感性因素居多,但是,在技巧训练的过程中的确是理性因素居多。所以儿童们在欣赏钢琴音乐时常常表现得较为主动,而学习钢琴理论与技能时却表现得较为被动。 第二,教学体制。目前高等师范院校音乐专业的钢琴教学体系,绝大多数采用的是音乐学院钢琴专业的教学体系,在教学的过程中往往过多地强调技能的训练,而长时间的艰苦训练会使人产生疲倦感,疲倦感的不断反复又会给人的心理造成沉重的压力。高等师范音乐专业的学生很多都是在这样一个艰苦的过程中度过的,这种教学体制的模式已在他们的头脑中打上了深深的烙印。所以,在他们的教学中,对学生实施的也会是同样的教学模式。 第三,教学方法。儿童天真活泼,同时也十分脏弱,心理承受能力较低。机械的反复、长时间的注意,都会使儿童难以承受。在学习钢琴的过程中,由于多数钢琴教师在教学中会重复自己在学校里的学习过程,即更多地强调与注重学生的共性发展,而忽视了个性的存在(忽视以人为本的教学原则)。例如:过分强调技术的训练,很少注重儿童的心理,在教学过程中,急于求成、拔苗助长。儿童由于教学方法上的不正确所带来的厌倦心理,也会转嫁到钢琴学习上。 第四,家庭和社会。当今社会,对孩子的教育投资越来越大,教育备受关注已是一个很重要的社会现象。多数家长在选择孩子接受教育的内容和方式上,都不同程度地存在着不切实际的盲目心理与从众心理。但是,并不是所有的孩子都具有学习音乐的天赋。只有提供给学习钢琴的孩子一个良好的学习环境,才能使我们的钢琴教育事业有一个健康的发展。 二、减轻儿童负重心理的基本途径 针对儿童学习钢琴的负重心理,我们在钢琴教学中应该注重保护儿童的学习积极性,减轻他们的学琴压力。下面,谈谈在钢琴教学中如何减轻儿童的心理负荷。 (一)动机、兴趣、情绪 动机、兴趣、情绪是减轻儿童负重心理的内部动因,在学琴过程中,需要越迫切,兴趣越浓厚,情绪越稳定,儿童的学习热情就越高涨,学琴的状态就越积极。 第一,良好的动机。动机是驱使人们活动的一种力量,钢琴学习也直接受到一定的动机支配。有些孩子来上第一节课时,常常会带着一种恐惧加被动的服从。通过询问,我们可以发现原因是家长在学钢琴前对孩子进行了一些不良动机的诱导。例如,“你平时太调皮了,学琴是为了让你收心;学琴可苦了,你要好好练。”这些有害的暗示会使孩子觉得钢琴学习是一种“可怕”的事,从而增加了他们的心理负荷,失去了学习的积极性。其实,从激发学习动机出发,应该让孩子觉得钢琴音乐很好听,弹钢琴并不是一件特别困难的事;父母能从孩子的琴声中得到快乐,小伙伴也会因为有一个会弹琴的朋友而自豪等等。良好的动机是减轻儿童学琴负重的原动力。 第二,浓厚的兴趣。心理学研究表明,个体一旦对某种活动产生了兴趣,就能提高这种活动的效率,对学琴也是如此。教育家孔子说过:“知之者,不如好之者;好之者,不如乐之者。”对钢琴有浓厚兴趣的孩子在学习中表现出来的积极性跟一般孩子是不一样的。儿童的兴趣特点是易于变化,优美的音乐,有趣的图片,动人的故事,好玩的游戏都能引起他们的兴趣。所以,在钢琴学习中,培养并保持孩子学琴的兴趣是减轻他们负重心理的有效途径。教师优美动听的范奏、生动形象的讲解、灵活多变的教法、和蔼可亲的态度,都能提高儿童学琴的兴趣。 第三,愉快的情绪。在钢琴学习中保持愉快的情绪是必须具备的心理状态。任何斥责、强迫都会影响孩子学琴的积极性。如果一个孩子在上课之前刚好被父母骂了一顿,那么他在上课过程中一定是情绪消沉,学习的热情也会受到很大的影响。对儿童来说,他们的情绪很容易真实地暴露出来,所以,教师和家长要及时洞察孩子的情绪变化,调整相应的教学策略。鼓励是使儿童保持愉快情绪的最好办法,它可以使儿童在精神上获得很大的满足,增强自信,在获得愉快心理体验的同时对钢琴的学习将投以更大的热情。 (二)良好的学琴环境 儿童钢琴学习的心理当然也极易受外部环境的影响。所以,我们在教学中要创造良好的学琴环境来减轻儿童的负重心理。 第一,家庭环境。对一个琴童来说,能为他(她)创造一个良好的家庭环境是至关重要的。在生活中,父母自身对音乐的爱好,会吸引孩子。例如,早晨,轻松愉快的音乐、会使孩子精神振奋;晚上,悠扬动听的旋律,会使孩子带着微笑进入梦乡……让孩子多参加音乐会,多听钢琴演奏,会建立起对钢琴的亲切感。此外,家长对琴童的影响也不可低估,因为对大多数孩子来说,学钢琴绝非是一件容易的事,对自己能力的无法肯定,使他们感到不可抗拒的压力。孩子需要一种感情上的安全感和自我认同感,如果家长的态度是“叫你练琴就练琴,没什么条件好谈,”这对孩子来说无疑是一种极大的心理摧残。 第二,教学环境。钢琴教师不但有让儿童会弹琴、弹好琴的责任,还应该培养儿童爱弹琴、乐弹琴。在教学环境中,老师过于严肃的面孔,不耐烦的情绪,都会给孩子造成心理负荷。所以,教师要鼓励孩子,在轻松的气氛中进行教学,只有让儿童时时感受到一种心理上的愉悦和满足,才能使他们消除学琴时的紧张感和负重感。此外,由于钢琴学习的整个进程比较缓慢,在教学中往往会造成拔程度现象。其实,高度复杂的作业,必然会引起儿童紧张、恐惧加厌烦的情绪。因而,教师在安排教学内容时,除了要选择一些生动、有趣的作品外,也应掌握教材的难易,在儿童的能力范围内,选择适合于他们弹奏的作品。 马克吐温说过:“人的一生只有一个童年。”对于每一位琴童来说,无论他们将来从事专业工作还是增加音乐修养,学习钢琴都应该是一件愉快的事情。如何减轻他们学琴过程中的负重心理,需要我们不断探索。只有发挥儿童自身的创造力、想象力,给他们展示自己的空间和自由,才能真正使“要我学琴”变为“我要学琴”。 钢琴学习论文:浅谈背谱在钢琴学习中的重要性 摘要:本文着重从背谱这方面进行分析,使得大家了解在我们的学习、演奏的过程中,一定会接触到一个问题:背谱。无论是小小琴童还是钢琴家,都需要背谱演奏。背谱可以影响我们的演奏效果,背谱也可以帮助我们有更多的精力表现音乐。因此,只有不断提高自己的背谱能力才能很好的去演奏出不同时期的作品。 关键词:乐段;触觉;记忆能力;听觉;音符;音乐术语;技巧 绪论 钢琴表演采用背谱形式直到浪漫主义时期才逐渐形成,“钢琴之王”弗朗茨?李斯特首先倡导背谱演奏,著名女钢琴家克拉拉?舒曼也极力推崇这种表演形式并赞其富有浪漫气息。随后钢琴家们纷纷效仿,音乐会上背谱演奏渐成风尚。到20世纪20年代时,已很少有钢琴家上台独奏时还要看谱了。背谱演奏的形式保留下来,公开场合的钢琴表演一般都要背谱,背谱训练就成为钢琴学习中的一项必要内容。 背谱,对于一个学钢琴的人来说是一件非常重要的事,一场成功的音乐会,除了平时有计划的耐心的练习之外,最后一关,就是背谱,把谱子背好,以便在正式演出时或是考试时能完整的、完美的表达乐意,否则,便等于将自己平时苦练,前功尽弃了。有些朋友说,“ 谱子还用背吗?弹熟了自然就记得了。”这里的记得和背可是两回事,每天因为不断的练习弹奏,由于手指的触觉和对键盘的熟悉反复再反复,直到练得非常的熟,而自然会背着弹奏出来,这种盲目的练习,到万一有某种外来的因素影响而突然停下来时,就没有办法接下去弹奏,也讲不出自己在弹奏些什么,不知其所以然。这种靠熟练触觉的背谱方法,不但得花很长时间,而且收到的效果不是很好,所以,建议还在用这种方法的朋友,这种方法只能够配合在背谱的时候运用而已,不可作为唯一的好的背谱方法使用!建议有时间把谱子拿到书桌上好好看看,使音符及各种记号,因为视觉的反复练习,而背熟谱子,由大脑直接想出音符来,是很好的一种背谱的方法。舒曼说过:“你必须练习,看到纸上的乐谱,就懂得音乐的进行,以及每个音在键盘上的位置。”这种背谱的方法是非常重要的一种背谱方法,我们称之为视觉背谱法!还有一种方法,就是在乐曲中,对作曲家的作品号码、调性、和声、音程、指法、曲式的变化及作曲家的风格、环境等等,做最起码的分析,使自己(演奏者),真正确实的了解曲意。比如:肖邦练习曲op25。no3,全曲共有72个小节,有f大调转b大调,再回到f大调的三段体。练习时,只要将前面16小节练熟就可以了,有人问:“为什么?”你可以发现这16个小节中,可分为两段,前8小节与后8小节是一样的,只不过多了一点变奏而已,而这8小节中第5 、6小节又和第1、2小节完全一样,所以,等于只练6个小节就可以了解这16个小节的全段了,了解了这一段,也就对全曲都有了了解。 总之,背谱一定要先分段落,分乐句,有计划有系统的背,然后再将整个曲子统一起来。背好谱子以后,可以默写(这是征对专业的有一定程度的朋友而言的)这是一个好方法,能够使曲子确实而有把握的记下,是保持记忆的好方法。当然,默写必须由少而多,开始默2个小节,慢慢的就可以是4小节一小段,2小段逐渐就是整首曲子。 一、让我们的背谱变得有效的方法 1.动脑不动手地看谱,靠视觉记住调号、旋律的进行,低音的进行,基本节奏音型,曲子的结构等。 2.靠手指的触觉和内心的听觉,不出声音地在琴上背奏,记住手指的键盘位置。 3.用弱音慢速在琴上弹。这需要高度思想集中才可能进行到底。 4.把曲子分成几段,编上号码,学会从任何一个号码开始弹,这样万一背断了,仍有办法接着弹,不至于手足无措。 5. 买些五线谱,让孩子把简易的曲调写在谱上,这是非常可靠的背谱法,有时孩子弹烦了,家长可叫他在谱纸上划音符;他会觉得像做游戏一样有趣。通过写,他会十分明确他弹的是什么音。 6.分手背。背谱时,问题经常出在左手和慢乐段,因为一般右手有旋律容易记住,而左手低音及和声的进行平日不注意。快的乐段需要一定的弹奏技巧。为了解决技巧问题,练习的次数多,速度又快,没有时间去怀疑音符的正确与否;而慢段平时常被忽视。以为没技巧问题就可以少练,结果背谱时就会产生犹豫,出现意外事故,因此针对性地分手背有极大好处。 二、背谱在钢琴教学中应用的必要性 (一)有利于提高视奏能力。 对于钢琴学习者而言,视奏能力的培养不容忽视。同样一个作品,有的人很快就能拿下,而有的人练了很久还弹得断断续续,这在很大程度上源于两人视奏能力的差异。在普通高校钢琴教学中,视奏能力很少被单列开来进行培养,而是由学生自行锻炼提高。这样一来,有些学生可能不知道如何提高这种能力,加上老师通常只注重回课的质量如何,对于视奏能力是否得到提高往往不加询问。而回课质量的提高是可以通过加量练习做到的,事实也是如此。布置新的曲目后,老师通常会让学生回去自行练习,当然也就不知道学生回课快是因为视奏能力有了提高还是由于加时练习所致。长期如此,视奏能力的培养肯定会被忽视,尤其是对于那些习惯于慢工出细活的学生而言。 (二)有利于形成良好的节奏感。 节奏是音乐中非常重要的表现手段,它能给曲调带来鲜明的特点,有助于音乐形象的树立。一首音乐作品的曲调,常由于具有特征的节奏而使它如浮雕般突出于其他伴奏声部之上而成为主要曲调即所谓的“主旋律”。对于一个钢琴学习者而言,面对一个全新的作品,如果采取“手感背谱”的传统方法,往往在对整个作品缺乏整体了解和全局把握的情况下,就从第一小节开始练习。其全部注意力可能会放在指法上,很少一开始就考虑作品的节奏,更别提作品的音乐表现了。而通过读谱,就可以对作品事先有个较为准确的了解,在弹奏时,不至于偏离这个方向。虽然事先熟悉曲谱并不意味着在第一次弹奏时就能把握好作品所要求的节奏,但至少比那种茫然弹奏的方法更胜一筹。对于学习者而言,由于不要一边看谱一边弹奏,自然可以将更多的注意力放在准确触键和节奏把握上来。当然,学习者也可以在此基础上借助于节拍器来进行弹奏,因为在音乐作品中,节奏和节拍密切联系并受节拍的约束。对于学生而言,最好是养成这样一种注意时值和节奏的好习惯,如果是不熟悉的曲谱,可以在开始将节拍放慢点,在进一步熟悉后再调到正常的速度上去。 (三)有利于增强对音准的把握。 在学生的钢琴演奏中,节奏混乱和错音往往是两个顽症。石叔城先生曾说:“在钢琴弹奏过程中,碰错音可以原谅,但将谱面上的音符弹错则不可原谅。”在钢琴演奏中,错音是影响弹奏效果的重要因素。不出现一个错音,这也是对音准把握的最高要求。在钢琴教学中,笔者发现一些学生对同一个作品,看谱弹时非常流畅,而一旦背谱弹就错音不断。为了避免这些错误,很多学生反复练习以便达到熟极而流。但由于借助的是一种机械性的记忆,稍微一紧张,就可能又出现断音、错音。通过“解剖背谱法”的训练则有助于治疗这个顽疾。“解剖背谱法”所带来的效果往往是,弹奏者在没有上琴之前,曲谱就可能已经印入脑海,在上琴时,弹奏者可以把所有注意力集中在琴键上,而不分心。 结论 当然,背谱方法因人而异,以上的方法也不一定适合于一切人与一切钢琴作品。笔者提倡这种方法,也并不意味着要否定上琴的重要性,通过练琴来背谱对于许多复杂的曲目来说,仍然是必要的。只是,笔者认为,如果能将这种方法很好地引入普通高校的钢琴教学中,并加以改进和完善,充分发挥它的特点与作用,势必给钢琴教育带来一定的惊喜。 钢琴学习论文:试论钢琴艺术学习品质 内容摘要:钢琴艺术的学习品质主要是由心理上的一些非智力因素构成的,诸如动机、态度、兴趣、意志、情感、意识等等。良好的钢琴学习品质包括:正确的学习动机、学习目的、兴趣的培养等。 关键词:钢琴艺术学习品质 动机 兴趣 注意 意志 学习品质是伴随人的学习活动而产生的一种能动的心理现象,是心理上的非智力因素在学习上的体现,是人的思想品质在学习上的反映,是学习的内在动力。它决定着人的学习行为的目的性、倾向性和独特性,其外在表现就是人们在学习过程中的精神状态。 钢琴艺术学习品质,主要是由心理上的一些非智力因素构成的,诸如动机、态度、兴趣、意志、情感、意识等等。心理学研究表明,学习者在学习过程中既有智力的直接参与,又有学习品质的间接参与。 一、正确的学习动机 心理学认为,动机是某种需要引起的有意识或无意识的但可以实现的行为倾向,它是激励或推动人去行动以达到一定目的的内在动因。对于钢琴艺术学习者来说,学习动机便是钢琴学习的原动力,要获得钢琴学习的成功,就必须具备这种原动力才行。 钢琴艺术学习动机产生于个人取得成功与进步的欲望,要了解和掌握有关知识和解决某种问题的要求,提高自己的能力以得到相应地位或胜任某项工作的愿望,以及为了获得表扬和赞许等等。正确的钢琴学习动机能把钢琴学习变成一种自觉的行动,使你努力去完成各项学习任务,产生克服困难的勇气和毅力,并能在学习中发挥主动性和创造精神,提高学习效果。 钢琴艺术学习动机的优秀就是一个为什么而学的问题,这涉及到理想和抱负,也涉及到对钢琴学习的认识和兴趣等问题。因此,确立正确的钢琴学习动机要解决以下几个方面的问题: 首先,确立正确的钢琴学习动机应树立崇高的理想和远大的抱负,具有明确的学习目的。古人云:“志不立,天下无可成之事。”强调了“志”对事业的重要性。所谓“志”,就是理想和抱负,对青少年学生来说,就是学习目的。一个学生如果有了明确的学习目的,就会产生强大的学习动力、百折不挠的勇气和决心。正确的学习目的,就是把人类的命运、祖国的前途、人民的需要,同个人的学习有机地结合起来。 其次,确立正确的钢琴学习动机,还要正确地对待成绩,正确地对待批评和奖励。正确对待成绩的主要表现是正确对待分数,“分,分,学生的命根”的说法是错误的,不能单纯为了追求高分而学习。不然的话,得了高分就会忘乎所以,满足现状;得了低分就会垂头丧气,怨天尤人。另外,还有许多分数以外的东西,如唱、奏的能力、钢琴自学能力、钢琴学习态度和习惯等,在目前的评分中还都没有反映出来,但它们也都是钢琴学习的重要内容。批评和奖励同样是一种手段而不是目的。因此,得到奖励时要把它作为鞭策自己的动力,而不能骄傲自满、自以为是;没得到奖励要找差距,不能埋怨嫉妒;受到批评不要懊丧,要虚心听取意见,努力改进,争取好的成绩。 另外,学习动机与学习兴趣密切相关,浓厚的学习兴趣也会变成巨大的学习动力。因此,确立正确的钢琴学习动机,还要注意培养钢琴学习的兴趣。 二、 积极的钢琴学习兴趣 每个人都会有被某种事物吸引而入迷的时候,有的人甚至可以达到着魔的地步。有的学生看小说入了迷,连家人喊吃饭都听不见了;有的学生玩电子游戏入了迷,一坐到游戏机前甚至连睡觉也忘了,这都是对该事物产生了浓厚兴趣的结果。凡是有浓厚兴趣的事情,都可以使人废寝忘食,专心致志。 从心理学的角度看,兴趣是人的一种个性心理特征,它是在一定的情感体验影响下产生的一种积极探究某种事物或从事某种活动的意识倾向。如对书法感兴趣的人,就会关注各种碑帖字画、文房四宝,以及各种书法方面的活动。这种积极倾向在具体事物上的体验便是爱好。兴趣和爱好又是引起并维持注意的一个重要的内部因素。从生理学方面看,一个人如果对某种事物产生浓厚兴趣时,往往在生理上伴随着血液循环的亢进,大脑皮层得到较充分的营养,能充分调动注意、记忆、想象等心理因素,使之进入活跃状态。所以,兴趣是推动人去寻求知识和从事工作的一种内驱力。那些有成就的人的一个共同点,就是对其所从事的事业无比热爱并有着极大的兴趣,甚至到了如痴如醉的地步。譬如王羲之练字,常会到了拿馒头蘸墨汁吃的地步。这样的笑话,在一些名人身上简直是不胜枚举。所以古人说:“书痴者文必工,艺痴者技必良。”由此也可以看出,兴趣就是人对事物或活动的一种关注,甚至是一种迷恋,并由此而产生的一种精神力量,它是人们在事业上取得成功的重要因素之一。 首先,兴趣可以使人专心致志地学习。兴趣是积极探究某种事物的意识倾向。钢琴艺术学习兴趣就是对钢琴演奏进行积极探究的意识倾向。所谓“意识倾向”,就是人的思想、精神的一种集中指向。所以人一旦对钢琴学习发生兴趣,也就必然会把思想和精神集中到钢琴学习方面来,而置其他于不顾。由于兴趣能够使人集中精力去学习,所以有人说兴趣是学习入门的向导,爱因斯坦说:“兴趣是最好的老师。” 其次,兴趣可以把艰苦的学习变成快乐的享受,从而取得良好的学习效果。学习钢琴艺术并不是一件轻松的事情,需要付出艰巨的劳动,要下一番苦功夫。但是如果对学习产生了兴趣,有了一种获取知识的强烈欲望,就不会把辛苦和困难放在眼里,甚至还会把它变成一种嗜好和享受。古代有个“汉书下酒”的故事,也说明了兴趣的作用。北宋诗人苏舜钦,住在岳父家时每晚都要喝下一斗酒。他岳父很奇怪,后来发现他每晚读《汉书》读得津津有味,每读到精彩处就痛饮一杯。他岳父见了笑道:“有如此下酒物,一斗不为多也。”如果对学习钢琴艺术有了兴趣,就可以形成一种巨大的动力。在付出辛苦的同时也会从中体会到学习的乐趣;情操受到陶冶,智慧受到启迪,能力得到发展。 三、培养对钢琴艺术的兴趣 兴趣不是天生的,是主观和客观相结合的产物,因此需要后天环境的激发和耐心的培养。学习钢琴艺术的兴趣也是如此,学习钢琴的兴趣不能全靠自然形成,也不能光靠钢琴课本身的吸引力,而要靠自觉的培养才行。实践证明,兴趣是完全可以培养的,对于那些本不感兴趣的事物,经过耐心有效的培养,也可以产生兴趣,甚至还可以形成较为强烈的兴趣。譬如在进行哈农弹奏练习时可以改变节奏,模仿动物、行军、野营等,练习《狮王进行曲》就是一个很好的例子。 布鲁纳说:“要使学生对一个学科有兴趣的最好办法,是使他感到这个学科值得学习。”因此,作为一名钢琴艺术学习者来说,认清学习钢琴的重要的社会作用和其在国家建设中的意义,从而对学习钢琴产生一种迫切需要之感,这有助于培养学习钢琴的间接兴趣。 培养广泛的好奇心也是兴趣培养的一部分。好奇心是指对于没听见过、没看见过的事物的一种新奇感和探究精神。它显然是一种自发的、短暂的心理倾向,但它却是兴趣的开始。好奇心可以促使人积极思考、大胆探究,从而使人产生兴趣。对于具有好奇心的人,未知世界处处都是一种精神挑战,会诱使你去追究、去创造,所以有人说好奇心是“科学家的第一美德”。利用广泛的好奇心就可以从多方面引起对钢琴学习的注意和探究,从而形成对钢琴学习的兴趣。 四、采用一些具体方法也可以激发学生学习钢琴的兴趣 1.加强新旧学习内容之间的联系。完全生疏的东西很难引起兴趣,而特别熟悉的内容又容易使人厌烦,只有那些与已知的知识有联系又能使人获得新知识的内容才容易引起人的兴趣。 2.学习富于变化,不断赋予学习以新意。如果学习的内容、形式和方法总是那样单调、呆板,就容易使人感到乏味,也易使人疲劳,从而失去兴趣。因此,学习时在内容的安排上、学习方式和方法的选择上,要适当调节,使之相互穿插,富于变化,有新意,这样就容易培养起学习的兴趣来。 3.注意发现自己学习上的进步,捕捉兴趣的效果。 4.在钢琴学习中增添一点竞赛性,也可以培养兴趣。 5.给钢琴学习增添一点娱乐性,改变总是把钢琴学习当成是苦差事的状况。在钢琴学习中可以进行娱乐的活动是很多的,如讲四手联弹、乐句接龙等等,这些活动都能寓教于乐。如果在学习中能够得到一定的欢乐,在欢乐中学到知识,形成钢琴学习动力,就可以大大提高钢琴学习的兴趣。 总之,在钢琴艺术的学习过程中,不但要有智力的参与,而且还必须有良好的学习品质的协调与配合。例如钢琴学习中的注意、记忆、想象、思维等智力活动,往往都要有学习者的情感体验在其中起推动或抑制的作用,并且这种推动或抑制作用有时往往会成为学习的决定性因素。因此,良好的钢琴艺术学习品质的培养是非常重要的,必须引起高度重视。 钢琴学习论文:音乐听觉在钢琴学习中的作用 音乐艺术创作的目的是要获得它的艺术审美价值和社会意义,这种目的的获得是以人类听觉为基础的。钢琴艺术是表现人类情感的听觉艺术。对于钢琴演奏者来说,运用广博的文艺修养,深入研究并理解作品,使用科学合理的练琴方法,弹奏出美妙音色、感人的旋律,使欣赏者和演奏者本身从中感受到愉悦,并引发有关生活经验产生音乐想象,从而感悟到作曲家在音乐中蕴含的世界观和人生哲理,达到净化心灵、陶:台情操、启迪智慧的目的。 音乐的创作实践过程由三个阶段组成,即:一度创作,作曲家把对现实生活的情感转化为内心歌唱的旋律并通过音符形式记录下来;二度创作,演奏家通过倾听谱面把音符变为个人的内心听觉,然后又把个人内心听觉转化为实际音响;三度创作,欣赏者对演奏家演奏的实际音响的体验感受。在这些过程中,都依赖于人的听觉和声音。因此笔者认为,人类听觉既是作曲家创作的基础,又是钢琴演奏的基础,更是音乐审美的基础。 一、听觉的概念与钢琴发音的原理、特性 所谓听觉是声波物理特征的反映。发音体的振动产生声波称为声音。发音体振动发出的能量通过物质媒介的逐层传递以纵波的形式传到人耳而产生听觉。声波的物理特性有频率、振幅、波形和持续时间。这种特性与人类听觉感受声音的特性音高、音强、音色和时值相对应。 钢琴的发音体是琴弦,它是利用键盘的杠杆,作用于击弦机通过毛毡裹制的小槌敲击琴弦,使之振动而发音的。弦的振动通过音板的谐振产生共鸣来扩大音量。钢琴琴弦振动的频率决定音的高低,由弦的长度、直径、张力三方面决定,弦的长度和直径与振动频率、音的高低成反比,即弦越长,直径越大,振动频率越小,音越低。钢琴是乐器之王,是音域最宽的乐器。它的音域从大至二组a到小至五组c,共88个音。钢琴的音量取决于琴弦的质量、击弦力的大小和音板的质量与性能。在钢琴上音乐要求音量可以从最弱ppp或pppp到最强fff或ffff。钢琴的音色取决于击弦的方式和击弦点的选择。钢琴发音的持续性取决于弦的质量、弦的张力、音板的共振的好坏等因素。值得注意的是,钢琴的音量音色是可以由钢琴演奏者的指触来发生变化的。 二、音乐听觉概念 音高、音强、音色和时值,在音乐作品中表现为横向的旋律、节奏,纵向的和声、织体,音强和音色是增强音乐表现力的重要手段。例如在钢琴作品中,音色的丰富多彩如德彪西《月光》中“朦胧如纱”,中国曲目《百鸟朝凤》中用钢琴模仿“光棍好苦”、鸡叫、八哥、布谷鸟、群乌争斗等音色,丰富了钢琴表现力,再现了人与大自然的和谐统一,可谓是天籁之音。 所谓音乐外部听觉,外部是指音响对人耳的听觉器官的刺激。这种外界的音响刺激作用于人的听觉器官,经人脑信息加工而产生对音乐作品的个别属性的反映,称为音乐感觉。在钢琴学习过程中,初次倾听某乐曲,对其音乐节奏缓急、音乐旋律线曲折、音色明暗等产生感动、伤心、高兴、抑郁等生理上的反映,这种感觉就是音乐感觉。就像玛克恩·德索在《美学与艺术理论》一书第三章“审美经验”中曾恰当地把这种生理感受称之为“审美反射”,他说:“当倾听某种歌声时,我们还没有听清其歌词与旋律,便觉得已深受感动了。有些音色会使人立即兴奋或松弛,有时会使人狂怒,有时会像微风一样轻拂我们,它们作为通向生动性情感的美感的激发,只在几秒钟对我们起作用。”①音乐外部听觉是产生音乐感觉的基础。音乐外部听觉灵敏、持久,对于钢琴学习者来说,是一种基本的能力。 所谓音乐知觉是在音乐感觉的基础上对音乐作品的综合的、整体性的把握。音乐知觉是更为积极的音乐审美心理活动。感觉和知觉合称为感知,在音乐审美活动中二者共同发挥作用。例如,听肖邦降e大调夜曲作品9之2,肖邦采用如歌的曲调并加以装饰的手法,单一的伴奏织体贯穿全曲,和声色彩丰富,曲速较慢,让人感受到肖邦凝神的沉思和略带悲歌色彩,好象是明朗、幽静的田园风;肖邦降d大调前奏曲,作品25之15,全曲运用均匀的八分音符,始终重复着降a(在中间部分以等音形式转为升g),让人感到就像阴沉天空中,从房檐下滴答滴答落下的雨点声,这首曲子因此被称为有节奏的雨滴声的描绘练习;再如里姆斯基·科萨科夫《野蜂飞舞》,运用十六分音符半音阶快速上行、下行、重复,使人感到好似野蜂飞舞时扇动翅膀发出的嗡嗡声响,类似这样的例子很多。 音乐内心听觉是指在内心听到音乐节奏、力度、旋律,联想到音乐形象,并通过认真研究作品的背景材料,体会到音乐的主题思想,也就是在无声的状态下,人的内心对音乐作品的感知、想象、理解和形成音乐思维,并以此为目的来指导演奏。对于钢琴学习者来说,钢琴学习的过程是音乐外部听觉与内心听觉同时作用的过程。音乐外部听觉是视奏研究谱面,并将谱面熟练的过程,利用音乐外部听觉来判定演奏者弹奏的音符是否正确,曲调是否流畅,速度是否合理,表现手法是否得当,它是钢琴演奏和音乐感知的基础。音乐内心听觉是对钢琴作品的理解、是演奏者对音乐作品的内化。通过查阅各种资料,对作品深入分析,走进和感受作曲家的生活,用心与作曲家的作品交流,理解感悟作品的意义,然后用心来演奏作品的过程。 三、音乐听觉与钢琴学习 钢琴较之其他乐器特点,它有88个键,因此有88个固定音高。在弹奏的过程中,手指落下就能有固定的音高发音。它不像小提琴必须靠演奏者手的把位、内心敏锐的听觉来奏出准确音高。可能正是这个原因,有些钢琴学习者虽然很用功,很刻苦,但是他们不善于主动用听觉分辨自己弹出的音色、乐句,导致音色、力度没有对比,音乐层次性差,乐句不清晰,踏板不干净,使音乐失去了音乐情趣,削减了应有的表现力,影响表现效果。如果连续练琴数小时,而不集中注意力去聆听和思考,这无异于浪费时间!只有经过训练的耳朵才能察觉到细微的不准确性,以及不纯净的音色。要避免这些问题只有真正地提高演奏技巧,同样,只有通过自我检验(聆听),才能培养出良好的听觉能力。通过听觉琢磨优美的音色以及细微的声音层次。”② 在钢琴练习以及演出的过程中,音乐外部听觉相当于观测器,不时地把练习或演奏输出的音乐反馈给大脑并和音乐内心听觉进行比较,并以指令的形式指挥大脑调整演奏。当音乐内心听觉指令正确无误时,练习将会提高效率,对于演出,一定会成功。所以在练琴一开始,要用心去倾听,一方面可以提高练琴效率,另一方面可以培养良好的音乐听觉习惯,提高音乐听觉的能力。 四、在钢琴学习过程中如何培养良好的音乐听觉 (1)由基本练习入手提高练习者的音乐外部听觉的敏锐性。基本练习是钢琴学习者每日必备的功课。有些钢琴学习者,没有任何自我要求、约束,认为只要顺着下来弹两遍就行。这样的练习,无目的、无方法,只是为了练琴而练琴,日积月累,就会使钢琴基本练习成为枯燥的技术练习,让练习者生厌。针对上述问题,通过明确基本练习的目的,例如变换音色、力度和层次,来练习触键、触键方式和下键速度等;还可根据练习者的手指能力情况,通过变换节奏、速度,提高其弱指的弹奏能力等。例如,练习降e大调音阶。目的:练习手指力度由p至f的表现能力。基本原理:手指下键速度决定着弹出的音力度。手指下键速度快,触键面积小,音自然就强;反之,手指下键速度慢,触键面积大,音就弱。练习遍数:共五遍。速度:由慢逐渐快。具体方法:在第一遍时,让练琴者用p力度,慢速弹两个八度,在弹的过程中,注意细心倾听每个音的音量是否统一在一条线上,并及时调整手指的指触。在第二遍时,让练琴者用比前一遍稍强的力度mp,慢速弹三个八度,要求同上。依次在第四遍时,用f力度,较快速度,要在变换速度时,锻炼手指下键的感觉,以及耳朵听辨的能力,每个音要像大小一样的珍珠依次洒落在玉盘发出清脆悦耳的声音。当学生掌握了四个层次(p mp mff)的力度,第五遍,上行由p-f,下行由f-p,快速,四个八度。当然,进度可根据学生能力来适度调整。内心有了对基本练习的要求,利用音乐外部听觉监督,获取好的声音。这样练习,使钢琴演奏者练习有了兴趣,既提高了音乐表现的技巧,又锻炼了音乐的外部听觉,更进一步培养了良好的音乐内心听觉的习惯。 (2)认真研读谱面,通过分析作品创作手法并利用唱旋律、听和声和打节奏等方法熟悉乐谱,加强对音乐作品的感知,来破译作曲家内心的音乐密码,提高练习者的音乐表现技能,提高音乐外部听觉判断性,逐渐养成音乐内心听觉习惯。谱面是作曲家通过对现实生活的感悟以音符的形式记录他的思想。弹奏者在摸谱之前,应先读谱,不放过作曲家标示在谱面的任何记号,并掌握清晰乐曲的曲式结构、旋律和声、调式调性、速度力度、句法奏法等。在练习的过程中,可用唱旋律方法体会旋律线条的曲折,感知旋律的变化。要注意倾听旋律线条的起落,旋律与伴奏之间的声部是否平衡,和声色彩明暗紧张度,节奏表现的是否准确到位等等。在熟练时,也要读谱,更要注重音乐的感知,抓住音乐的基本情绪。例如,练习中国曲目《绣金匾》,王建中老师在改编此曲时,保持了原民歌朴素而优美的旋律,加以钢琴的织体,并运用古筝拨奏手法,使音色明亮,流畅,轻快。全曲共分三部分,其为再现的两段体,a+b+a、。第一部分,是亲切、流畅的奏出旋律。第二部分,旋律移高五度,并且情绪欢快,跳跃。第三部分,是前一段的变化再现。全曲旋律运用加花的创作手法,在弹奏时,要抓住旋律的主要音,要有层次变化,手指要控制,耳朵要辨别。在速度方面,a段亲切的歌唱,不易太快,中段是热情的、跳跃的,速度有所变化,a’段是颂扬的段落,可拉宽。只有通过具体的分析,内心明确曲目要表达的意境,有目的去练琴,这样才能收到既锻炼音乐外部听觉的判断能力,又提高了钢琴演奏的表现能力。 (3)通过对作曲家音乐背景材料的分析,使演奏者心态接近作曲家的心态,领悟到音乐作品的真谛,并用恰当的方式表达其音乐思想,丰富音乐内心听觉,增强演奏者表现作品的欲望。钢琴教育家赵晓生在《钢琴演奏之道》一书中,强调:“演奏者必须研究作曲家与社会的联系;作曲家的总的音乐风格及风格演变——作品在音乐史、钢琴史、作曲家本人作品、同类作品中的地位”,只有通过这一系列的问题才能深刻体会音乐蕴含的内容。从这些文史资料中汲取表现音乐的能力,使演奏者更具感染力、震撼力。在了解作曲家的同时,增强了科学、历史、文学等知识,使钢琴学习变为一种文化的学习。 (4)运用灵活多变的练琴方法,如有琴出声、看谱想声和无琴无声,充分利用音乐记忆想象能力,提高音乐内心听觉,使音乐融入演奏者的潜意识中,形成音乐思维和音乐语言,并运用这些语言打动人心。所谓有琴出声练习是指在钢琴上视奏、背奏的练习。这种练习在大脑注意力不集中的状态下,会偏重手指肌肉的动作记忆。当练习者遇到紧张、心情不佳时,只凭手指动作记忆,会使演奏者记忆中断,大脑一片空白。钢琴大师阿牢曾说:“有分析的记忆才是最可贵的”。所谓看谱想声与无琴无声,是在没有任何音响刺激的状态下,利用音乐内心听觉锻炼大脑对手指的控制支配能力,对音乐作品的记忆想象能力,增强谱面理解与识记。特别是无琴无声练习,不受时间、地点的限制,可在睡觉前,闭上双眼,眼前回忆谱面,想象左右手每个音在琴键上的位置,明确左右手的指法和指触,想象左右手弹奏的节奏、速度和表情,想象音乐内容和音乐形象。经过一段时间的练习,乐曲将融入到练习者的潜意识中,形成音乐思维。当练习者再次坐到钢琴前演奏此曲时,弹奏就像说话一样流畅自如,富有表情与感染力。运用多种练习方法结合,把乐谱上死板的音符通过音乐内心听觉内化为自身的音乐思维,使具有个性化的音乐语言在钢琴上表现出来。 音乐教育在本质上是审美教育,学习钢琴是接受审美教育的一种手段。钢琴学习的过程也是不断地重复提高的过程,只有学生形成良好的音乐听觉习惯,才能培养、保持其学习钢琴的兴趣与热情,并增强其在学习钢琴中不断克服种种困难的毅力,激发学生表现美、创造美的欲望,使钢琴学习的过程成为追求美的过程,使钢琴弹奏者成为音乐美的创造者。 钢琴学习论文:听觉在钢琴学习中的重要性 内容摘要:本文从外部听觉和内心听觉两方面入手,论述了在钢琴学习中,通过对音高、音值、音量、主调音乐、复调音乐和音质的倾听以及内心听觉的三个阶段来辨别、改进钢琴演奏的实际效果,从而说明听觉在钢琴学习的整个过程中所起的至关重要的作用。 关 键 词:外部听觉 内心听觉 主调 音乐是听觉的艺术。钢琴是通过手的触键而发声的,但以手触键只是机械性的动作,它不能直接感受音乐,那么,如何能弹出我们需要的音?全靠用听觉来鉴别,鉴别力越高,要求自己弹奏技术和表现音乐的能力就越高。可以说,耳朵的倾听是钢琴学习过程中至关重要的中介环节,它关系到演奏者对音乐的理解、布局、设计、演奏效果如何改进以及用力、指触与钢琴发出的实际音响之间如何协调等问题。因此,听觉的敏感对学好钢琴具有决定性意义。 音乐中的听觉分为外部听觉和内心听觉,这两个方面贯穿在钢琴学习的始终。 一、外部听觉验证是否弹奏了所“设计”的钢琴音乐 一首钢琴曲子,用音响的形式呈现出来的仅是谱面音响,我们用耳朵听到的是外部音响,这就是外部听觉。 在外部听觉中,耳朵的任务是辨别所听到的乐音与谱面是否完全吻合,并不断以听到的效果来帮助大脑对手指发出调整的指令。听觉在这个过程中要辨别五个方面的内容: 1.准确无误的音高,即音的高低。 2.纹丝不差的音值,即音的长短。 3.恰如其分的音量,即音的强弱。 这三个方面是组成音乐的最基本因素。 4.主调音乐,即以一条旋律为主要乐思,而其他部分通常作为和声因素处于服从、陪衬、协作的地位,一般情况下,它们的音量都不会超出要突出的那一条旋律。这一方面涉及到横向的旋律进行和纵向的和声进行,与前三个方面相比,就更复杂。 (1)从横向的旋律上来讲,首先要将旋律线条理清。在练琴过程中,要注意三点:一是不断感受旋律的轮廓,即旋律进行中由级进、小跳、大跳组成的上行、下行、拱形、波形;二是感受旋律中的乐句,乐句的划分很重要,就像说话要断句,音乐中的语言也需要断句,这样才能清晰准确地表达我们所要表达的音乐内容;三是感受旋律感情的刻画,不同的感情内容需要不同的演奏方法和手段去表现。 (2)从纵向的和声上来讲,在弹奏中必须倾听和声的进行、和声的倾向性、和声的调性、和声的色彩、和声的立体感。 不同时代不同作曲家对和声的运用是不同的,基本有两种情况:一种是把旋律当作一组和声的表层来对待,和弦的最高音就是旋律音。在这种情况下,弹奏时特别要倾听和声进行中的旋律线条,而不能仅仅强调和弦的纵向对位。另一种就是在20世纪的印象主义作品中,作曲家受当时的文学与绘画中印象主义和象征主义的影响,将十分独特的和声与音乐结合在一起,制造出了音乐色彩的变化,给听者一种视觉上的感受。 5.复调音乐,即两个或两个以上各具相对独立意义旋律的同时进行,换句话说,也就是由几条不同的旋律线编织成的一个纵向、立体结构的横向运动。 在复调音乐中,复调乐曲中同时出现两个、三个甚至四个声部的旋律,它们以对位的手法构成多声部的进行,同时各个声部又是独立进行的,在节奏上互不倚靠。这在演奏上是非常困难的,有时需要用一只手弹两个声部,有时则需要用两只手交替来弹一个声部。演奏这类作品时,听觉主要针对容易出现的三种倾向发挥其作用: (1)当弹奏几个声部时,尤其是一只手弹两个声部时,几个声部的旋律容易互相干扰,以致声部混淆不清。在这种情况下,只有靠听觉来对手指控制能力进行调整,从而使各个声部的旋律线条逐渐清晰。 (2)强调每个声部中主题的突出,从而忽略其他声部的对称,致使声部之间缺乏平衡。在这种情况下,只有靠听觉来对手指的力度进行调整,从而使声部之间相得益彰。 (3)对各个声部的进行都强调,从而缺少旋律的层次感,致使主题不鲜明。在这种情况下,只有靠听觉来对手指的触键力度以及控制能力进行调整,从而使声部之间主次交替的层次、力度强弱对比的层次逐渐清晰。 二、内心听觉能引导我们正确地诠释钢琴音乐 当我们看到音符时,不借助钢琴的声音也不哼唱,在全然的寂静中,在内心想象出并“听见”音符的高度、长度、力度,这就是内心听觉,它是人对音响的感受和对声音的想象力。德国音乐家贝多芬,26岁时出现了耳聋迹象后,依然没有停止创作,写出了《第三英雄交响曲》《第五命运交响曲》和《第九合唱交响曲》等杰出的作品。其中的原因就是他凭借自己高度发达的内心听觉,他在创作的时候,内心听觉使他在头脑中想象并听到了作品的音响效果。 在实际的钢琴学习过程中,内心听觉要求对音质进行鉴别,主要有以下三个方面的内容: 1.声音要通,切忌声音硬、散、虚。 我们所要求的“通”就是指声音要通畅、通顺、动听。通的声音混入的噪音少,振动状态好,无论强弱,都会共鸣好,传得远,延续长。声音硬多半是由手腕僵硬而造成的。如果弱而又散,则是虚,感觉音浮在琴键上。要解决这个问题,我们就要建立不硬、不散、不虚、集中的声音听觉观念,并在这种听觉观念的引导下进行弹奏,同时聚精会神地倾听所弹音的“品质”,从中感受以便及时改进并弹奏出正确的声音。 2.双音与和弦的弹奏。 双音,指任何两个音的同时弹奏。和弦,指三个及三个以上不同音按一定规则结合起来,同时发音。二者有一个共同点,就是同时发音,这就要求两个或两个以上的音在弹下时要整齐如一。我们可先在内心听觉里凭记忆想象一下两个或两个以上的音同时弹奏出的效果,然后在听觉的监督下仔细聆听弹奏的实际效果,将它与内心听觉的音响效果相比较,再进行改进,直到满意为止。在弹双音与和弦连奏时,几个手指的同时起落也需要听觉来检验。听觉要仔细地监督,保证前后两个音之间没有一丝间断也没有一毫重叠。同时由于每一个手指的长短和粗细不一样,又很容易出现音色、力度不统一的状况,避免这些问题的唯一办法就是,在听觉的高度专注下,细心控制好乐音弹下的力度与时间。 3.踏板的运用。 俄罗斯钢琴家鲁宾斯坦说过:“踏板是钢琴的灵魂。”正确使用踏板,可以使音乐充满活力、富有生气。如果使用不当,则会导致旋律模糊、乐句不明、和声混浊、节奏韵律紊乱等。在踏板的学习中,耳朵起到了关键作用。正如有人说“踏板是不能教的,只能靠耳朵”,这句话虽有失偏颇,但在一定程度上说明了听觉在踏板学习中的重要作用。踏板以什么速度踩下和抬起,踩下多深,抬起多高,都会因乐曲和弹奏者的不同而有差异。因此,想从老师那里学习到踏板运用的每一细节,或同老师一模一样地踩踏板,这些都是不可能的。唯一的、永远的老师,只能是自己的耳朵。要很好地使用踏板,就必须使自己的耳朵能敏锐地觉察到,踩在踏板上的脚或大或小的任何动作所引起的声音的任何变化。听觉既要检验已经弹出的声音是否符合要求,又要想象出将要弹奏的预期的音响效果,并指示脚做出相应的动作,以实现它希望的音响效果。 在实际的钢琴学习过程中,内心听觉发挥其重要作用,主要是通过三个阶段来实现的: 内心听觉的第一阶段,就是要事先“储存”杰出的音响信息。通过听音乐会、唱片录音等,把钢琴家对作品的具体处理进行研究并牢记他们的声音,这些最具表现力又最完美无缺的声音,为我们提供了一个声音追求的目标。 内心听觉的第二阶段,就是通过对这些美好声音的储存和研究,想象自己所演奏曲目的音响效果。要在心里首先听到自己的演奏,然后将自己的演奏与想象中所“听”到的音响相比较,逐步缩短二者之间的距离。这对提高演奏质量具有决定性作用。 内心听觉的第三阶段,就是想象从未听到过的声音,这是钢琴学习和演奏的最高阶段。在钢琴风格的演变史上,正是因为有一些杰出的富有创造性的演奏大师们敢于想象、敢于尝试,以常人不可想象的弹奏法,创造出崭新的音响,从而促进钢琴艺术的发展。任何新的演奏方法的产生都是由对新的声音的追求而引发的,只有丰富的想象才能引发对新音色、新声音的追求。内心听觉正是基于对声音的想象,先“听”到,才能后做到。 简言之,内心听觉在钢琴学习中就是通过“树立声音标准”“模仿杰出声音”“创造新的声音”来提高演奏水平的。 结语 本文对听觉训练在钢琴学习和练习中的重要性作了分析,通过从外部听觉到内心听觉,从听觉的内容到它的实际过程的分析,得出耳朵的倾听,确实是钢琴学习中至关重要的中介环节。音乐通过声音而实现的全部实际音响效果,只有通过耳朵的倾听来鉴别、来协调才能弹奏出更美妙的音乐。 钢琴学习论文:浅谈背谱在钢琴学习中的重要性 摘要:本文着重从背谱这方面进行分析,使得大家了解在我们的学习、演奏的过程中,一定会接触到一个问题:背谱。无论是小小琴童还是钢琴家,都需要背谱演奏。背谱可以影响我们的演奏效果,背谱也可以帮助我们有更多的精力表现音乐。因此,只有不断提高自己的背谱能力才能很好的去演奏出不同时期的作品。 关键词:乐段;触觉;记忆能力;听觉;音符;音乐术语;技巧 绪论 钢琴表演采用背谱形式直到浪漫主义时期才逐渐形成,“钢琴之王”弗朗茨?李斯特首先倡导背谱演奏,著名女钢琴家克拉拉?舒曼也极力推崇这种表演形式并赞其富有浪漫气息。随后钢琴家们纷纷效仿,音乐会上背谱演奏渐成风尚。到20世纪20年代时,已很少有钢琴家上台独奏时还要看谱了。背谱演奏的形式保留下来,公开场合的钢琴表演一般都要背谱,背谱训练就成为钢琴学习中的一项必要内容。 背谱,对于一个学钢琴的人来说是一件非常重要的事,一场成功的音乐会,除了平时有计划的耐心的练习之外,最后一关,就是背谱,把谱子背好,以便在正式演出时或是考试时能完整的、完美的表达乐意,否则,便等于将自己平时苦练,前功尽弃了。有些朋友说,“ 谱子还用背吗?弹熟了自然就记得了。”这里的记得和背可是两回事,每天因为不断的练习弹奏,由于手指的触觉和对键盘的熟悉反复再反复,直到练得非常的熟,而自然会背着弹奏出来,这种盲目的练习,到万一有某种外来的因素影响而突然停下来时,就没有办法接下去弹奏,也讲不出自己在弹奏些什么,不知其所以然。这种靠熟练触觉的背谱方法,不但得花很长时间,而且收到的效果不是很好,所以,建议还在用这种方法的朋友,这种方法只能够配合在背谱的时候运用而已,不可作为唯一的好的背谱方法使用!建议有时间把谱子拿到书桌上好好看看,使音符及各种记号,因为视觉的反复练习,而背熟谱子,由大脑直接想出音符来,是很好的一种背谱的方法。舒曼说过:“你必须练习,看到纸上的乐谱,就懂得音乐的进行,以及每个音在键盘上的位置。”这种背谱的方法是非常重要的一种背谱方法,我们称之为视觉背谱法!还有一种方法,就是在乐曲中,对作曲家的作品号码、调性、和声、音程、指法、曲式的变化及作曲家的风格、环境等等,做最起码的分析,使自己(演奏者),真正确实的了解曲意。比如:肖邦练习曲op25。no3,全曲共有72个小节,有f大调转b大调,再回到f大调的三段体。练习时,只要将前面16小节练熟就可以了,有人问:“为什么?”你可以发现这16个小节中,可分为两段,前8小节与后8小节是一样的,只不过多了一点变奏而已,而这8小节中第5 、6小节又和第1、2小节完全一样,所以,等于只练6个小节就可以了解这16个小节的全段了,了解了这一段,也就对全曲都有了了解。 总之,背谱一定要先分段落,分乐句,有计划有系统的背,然后再将整个曲子统一起来。背好谱子以后,可以默写(这是征对专业的有一定程度的朋友而言的)这是一个好方法,能够使曲子确实而有把握的记下,是保持记忆的好方法。当然,默写必须由少而多,开始默2个小节,慢慢的就可以是4小节一小段,2小段逐渐就是整首曲子。 一、让我们的背谱变得有效的方法 1.动脑不动手地看谱,靠视觉记住调号、旋律的进行,低音的进行,基本节奏音型,曲子的结构等。 2.靠手指的触觉和内心的听觉,不出声音地在琴上背奏,记住手指的键盘位置。 3.用弱音慢速在琴上弹。这需要高度思想集中才可能进行到底。 4.把曲子分成几段,编上号码,学会从任何一个号码开始弹,这样万一背断了,仍有办法接着弹,不至于手足无措。 5. 买些五线谱,让孩子把简易的曲调写在谱上,这是非常可靠的背谱法,有时孩子弹烦了,家长可叫他在谱纸上划音符;他会觉得像做游戏一样有趣。通过写,他会十分明确他弹的是什么音。 6.分手背。背谱时,问题经常出在左手和慢乐段,因为一般右手有旋律容易记住,而左手低音及和声的进行平日不注意。快的乐段需要一定的弹奏技巧。为了解决技巧问题,练习的次数多,速度又快,没有时间去怀疑音符的正确与否;而慢段平时常被忽视。以为没技巧问题就可以少练,结果背谱时就会产生犹豫,出现意外事故,因此针对性地分手背有极大好处。 二、背谱在钢琴教学中应用的必要性 (一)有利于提高视奏能力。 对于钢琴学习者而言,视奏能力的培养不容忽视。同样一个作品,有的人很快就能拿下,而有的人练了很久还弹得断断续续,这在很大程度上源于两人视奏能力的差异。在普通高校钢琴教学中,视奏能力很少被单列开来进行培养,而是由学生自行锻炼提高。这样一来,有些学生可能不知道如何提高这种能力,加上老师通常只注重回课的质量如何,对于视奏能力是否得到提高往往不加询问。而回课质量的提高是可以通过加量练习做到的,事实也是如此。布置新的曲目后,老师通常会让学生回去自行练习,当然也就不知道学生回课快是因为视奏能力有了提高还是由于加时练习所致。长期如此,视奏能力的培养肯定会被忽视,尤其是对于那些习惯于慢工出细活的学生而言。 (二)有利于形成良好的节奏感。 节奏是音乐中非常重要的表现手段,它能给曲调带来鲜明的特点,有助于音乐形象的树立。一首音乐作品的曲调,常由于具有特征的节奏而使它如浮雕般突出于其他伴奏声部之上而成为主要曲调即所谓的“主旋律”。对于一个钢琴学习者而言,面对一个全新的作品,如果采取“手感背谱”的传统方法,往往在对整个作品缺乏整体了解和全局把握的情况下,就从第一小节开始练习。其全部注意力可能会放在指法上,很少一开始就考虑作品的节奏,更别提作品的音乐表现了。而通过读谱,就可以对作品事先有个较为准确的了解,在弹奏时,不至于偏离这个方向。虽然事先熟悉曲谱并不意味着在第一次弹奏时就能把握好作品所要求的节奏,但至少比那种茫然弹奏的方法更胜一筹。对于学习者而言,由于不要一边看谱一边弹奏,自然可以将更多的注意力放在准确触键和节奏把握上来。当然,学习者也可以在此基础上借助于节拍器来进行弹奏,因为在音乐作品中,节奏和节拍密切联系并受节拍的约束。对于学生而言,最好是养成这样一种注意时值和节奏的好习惯,如果是不熟悉的曲谱,可以在开始将节拍放慢点,在进一步熟悉后再调到正常的速度上去。 (三)有利于增强对音准的把握。 在学生的钢琴演奏中,节奏混乱和错音往往是两个顽症。石叔城先生曾说:“在钢琴弹奏过程中,碰错音可以原谅,但将谱面上的音符弹错则不可原谅。”在钢琴演奏中,错音是影响弹奏效果的重要因素。不出现一个错音,这也是对音准把握的最高要求。在钢琴教学中,笔者发现一些学生对同一个作品,看谱弹时非常流畅,而一旦背谱弹就错音不断。为了避免这些错误,很多学生反复练习以便达到熟极而流。但由于借助的是一种机械性的记忆,稍微一紧张,就可能又出现断音、错音。通过“解剖背谱法”的训练则有助于治疗这个顽疾。“解剖背谱法”所带来的效果往往是,弹奏者在没有上琴之前,曲谱就可能已经印入脑海,在上琴时,弹奏者可以把所有注意力集中在琴键上,而不分心。 结论 当然,背谱方法因人而异,以上的方法也不一定适合于一切人与一切钢琴作品。笔者提倡这种方法,也并不意味着要否定上琴的重要性,通过练琴来背谱对于许多复杂的曲目来说,仍然是必要的。只是,笔者认为,如果能将这种方法很好地引入普通高校的钢琴教学中,并加以改进和完善,充分发挥它的特点与作用,势必给钢琴教育带来一定的惊喜。
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钢琴教学初级论文:初级阶段钢琴教学应用 摘要: 笔者认为,学习严谨深刻的钢琴艺术,能使儿童潜移默化地接受真、善、美的文明熏陶。那么,学好钢琴要具备哪些基本条件呢?本文从以下几个方面讨论钢琴的初级阶段教学:扎实的基本功、音乐表现力的培养以及科学高效的练琴方法。 关键词: 钢琴教学;儿童初级阶段;弹奏 我国是一个拥有13亿人口,具有五千年文明史的泱泱大国,提高全民素质需关注少年儿童。在钢琴教学方面首先必须具备优秀的教师,优秀的钢琴教师要有良好的专业素养、丰富的知识储备。其次是琴童的音乐天分,节奏感与听力的天分是最基本的,手指长、指距宽是手型条件。最后是家长的密切配合。三方面做到统一和谐,琴童学琴的道路才会越走越宽。本文重点探讨教师的钢琴教学。 一、扎实的基本功 首先,基本功的首选“材料”便是《哈农钢琴练指法》(以下简称哈农)。法国钢琴教育家哈农编著的钢琴练指法是一套专门的手指练习方法。在《小汤普森钢琴初级教程》之后可以练习本教程。全书分为三个部分,第一部分的1~20条是全书的基础,主要是手指灵活性、力度、用力均匀以及动作平稳的练习。要求身、肩、臂、腕放松、无拘束,可做重点练习。第二部分的21~31条是巩固第一部分的练习的,可将其首尾相接,连续弹奏,专攻耐力的训练。第三部分的32~37条是针对拇指的专项训练,是为弹奏音阶和琶音做准备的。要求拇指始终处于最放松的状态,手腕要稳。音阶和琶音可集中学习,也可分散学习。建议学生先单手练一个八度,熟悉音位,固定指法,再进行双手合练或单手两个八度,最后双手四个八度的练习。第三部分是全书的精华,根据其难度,每首可练习2~3周,注意练习的要求并以慢练为主。针对初学的琴童,弹奏哈农第一部分时可与其他教材同时进行。可以先提腕抬手,断奏。然后做高抬指练习,手指垂直抬起,集中力量下键,连奏。其次是音阶。当学生已具有基础时,便可以加入音阶的练习。要点是穿、跨指的技巧。穿指:拇指从2、3、4指下穿过。跨指:2、3、4指从拇指上跨过。以拇指为支点,随拇指移动,所跨指要提前到位。强化穿、跨指的技巧训练,便可进入音阶的练习。练习音阶要求双手快速整齐跑动;双腕放松,可有轻微颠腕;指关节、掌关节不能塌陷;音符、指法要求精准;力度要扎实;力度上要求上行渐强,下行渐弱。最后是练习曲。初级阶段以《车尔尼599钢琴练习曲教程》(以下简称599)为主,搭配巴赫的《简易钢琴曲集》。599乐理知识浅显易懂,音符节奏较简单,速度适中,很适合初级阶段的学生弹奏。但599风格、体裁、练习形式较为单一,缺乏左手训练,可搭配巴赫的钢琴小品《简易钢琴曲集》,作为复调的启蒙。在作品中,有针对性地训练双手都控制旋律时的节奏、力度、连线的协调,为今后更复杂的二部创意曲、三部创意曲、法国组曲、英国组曲以及更为深奥的平均律及赋格打下基础。同时,这些作品还可以发挥我们的听觉功能,探究不同声部之间的层次。正是这样的训练,充分开发了我们大脑中不常用的那一部分,培养了周密的思维方式。 二、从小培养表现力,感受音乐的美 乐曲的弹奏,除了演奏技巧,还要培养学生的音乐表现力。结合力度、速度、表情记号以及音色的把握,表现音乐之美;力度上,拍号中的强弱关系、旋律线条的起伏、乐谱标注的力度记号等都是力度变化的依据;速度上,曲首提示的速度、乐谱中标注的rit和atempo以及约定俗成的曲终渐慢等都是速度的依据;在表情记号上,主要依据旋律的感觉以及乐曲中的标记,例如,express等;音色上,强而不噪、弱而不浮的控制能力也是要经常向琴童灌输的要点。结合这四项内容,相信可以给琴童播撒音乐美的种子,使其开出理想的花朵。 三、科学的习琴方法是保护琴童兴趣的关键 练琴的过程可谓是艰难的,这就需要科学方法,讲究高效率的练琴,既保护习琴兴趣,也达到了练习目的。怎样高效率练琴?哪里不会练哪里、哪里不熟练哪里、哪里有错练哪里。在孩子练琴的过程中,有些家长一味地追求乐句的连贯而忽视了孩子的年龄以及能力,从头到尾只能是熟练的地方熟练,不熟练甚至有错的地方依然不熟练,依然错。科学高效的练琴显得尤为重要。此外,家长陪练的作用不容小觑。学习钢琴毕竟是一件需要付出努力、忍受寂寞之事,孩子年龄尚小,缺乏自制能力,在新鲜感逐渐淡去之后,坚持变得尤为艰难。这就需要家长与老师密切配合,拿出各种“大招”积极、正面地引导孩子完成学习任务。可采取以下措施,为孩子播放音乐小品、欣赏音乐会、参加演出或比赛等。避免强迫、惩罚甚至打骂。家长还需合理安排孩子练琴时间,化整为零、化零为整,让孩子频繁地参与音乐活动可以增长孩子的见识,在生活中很自然地受到音乐的熏陶,感受音乐的魅力,从而积极主动地学习钢琴。通过长时间的教学,我发现习琴的好处已不仅仅是陶冶情操,还可以培养孩子坚持原则、严谨细致、吃苦耐劳、脚踏实地等一系列优秀的品质,为其今后的人生打下人格基础。 作者:徐靓 单位:呼和浩特市第二中学 钢琴教学初级论文:初级钢琴教学论文 一、运用联觉刺激听觉敏感 联觉又叫做通感,本文中的联觉是指运用视觉和动觉的相互联动来促进听觉的敏感性。音乐本身就具有同视觉和动觉的对应关系。例如频率越高的声音给人的感觉就越明亮,频率越低的声音给人的感觉就越暗淡;欢快的音乐会给人手舞足蹈的感觉,而缓慢的音乐会让人进入冥想、陷入沉思。而对于初学初级钢琴的孩子们来说,这种联觉反应并不够敏感,所以需要教师给予适当的指导,将看不到摸不着的抽象音响形象,通过视觉形象和动觉形态来外化听觉感知,利用视觉和动觉和听觉的对应关系,让他们更加直观的感受到音响带来的刺激。例如当学生开始学弹奏八分附点节奏时,教师可让学生在教室中用“跑跳步”来感受附点节奏的律动,通过身体运动来感受节奏中的动力性和倾向性。 二、创设情境开发听觉想象 音乐是情感的艺术,只有亲身实践才能体验到音乐中的情感。而对于初学初级钢琴的学生来说,音乐中很多深刻的情感内涵并不容易体验到,而通过创设情境的目的就是运用各种策略让孩子们在亲身实践中进行丰富的情感体验,培养听觉想象的能力。同时,也因为很多乐曲本身的体裁和表现内容也都具备情境性,为情境的创设提供了依据。我们以小步舞曲为例,这一体裁起源于西欧民间的三拍子舞曲,流行于法国宫廷中,中庸速度,音乐能描绘许多礼仪上的动态,因其舞蹈的步子较小而得名。在实际教学中教师可以根据小步舞曲的体裁特征来创设情境,将音乐教室想象成宫廷,让学生模仿几个简单的舞步,仿佛将他们带回19世纪的欧洲宫廷,使学生们在情境中体会小步舞曲的音乐风格,体验音乐情感。当学生在情境中感受到小步舞曲的情绪和律动之后再去用手指来表现音乐,他们便会发自内心的来还原音乐原本的面貌。 三、重视示范积累听觉样本 此处的“示范”并不仅仅是指老师的示范,同时更重要的是指钢琴家的录音、录像以及现场的音乐会。虽然有一些初级钢琴教师认为听示范会让学生产生依赖感,时间久之后只学会了被动弹琴,却不会主动思考自主练琴。但笔者认为,如果内心没有积累过足够的音响材料是无法进行内心听觉想象的。正如优秀的作家一定是在积累过丰富的生活经验基础上去写作的,凭空想象的情节必然空洞无味。但是,教师在给学生做示范或者引导学生听音响、音乐会时要做适当的指导。 首先,要指引学生去聆听不同版本的同一首音乐,详细分辨出每一版本的区别在何处,并选出自己喜欢的版本。其次,教师需要向学生介绍音响的一些基本信息。如作曲家的简介、作品的创作背景以及演奏家的表演风格等等。第三,在学生仔细聆听之后,要对学生进行提问。例如让学生去思考,为什么演奏家以这样的情绪来演奏、为什么要用这样的方式来处理细节?是演奏者自己的想法还是根据作曲家的意图还是谱面上的提示?这样的演奏给你带来了什么样的感觉?示范中的弹奏和你的弹奏区别在哪里?等等问题。因此,一首作品必须要反复聆听数遍才能做到以上三点要求,而当这位学生能够学会独立自主的反复聆听音乐时,他的听觉能力一定得到了提升。 四、总结 一位合格的初级钢琴老师首先要了解自己学生的听觉特点然后才能对症下药。以上是笔者的个人经验总结,仅仅起到抛砖引玉的作用,还望广大钢琴教育工作者能够共同关注并研究此论题。 作者:陈昊男 单位:星海音乐学院附属中等音乐学校 钢琴教学初级论文:儿童初级钢琴教学的思考 1通过教学实践把握教学现状,指导教材编写 实践是人们改造客观世界的一切活动,是主观见于客观的活动,实践过程是主观认识同客观事物联系的桥梁。《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴教程》等国外优秀教材的编写都是经过其编著者多年教学实践经验的总结与归纳、去粗取精并对教育相关学科领域充分研究之后的结晶,因此要把钢琴教学实践活动看作为我国钢琴教育者及教材编撰者的必经环节,首先通过教学实践发现当前我国儿童钢琴教学的不足,了解当前我国学琴儿童及家长的总体需求。业余钢琴考级制度在我国实行已有20余年,这一度造成中国钢琴的“考级热”,许多钢琴教师及教材出版商受到功利化影响在教学与教材出版上急功近利,因而导致严重偏离了业余钢琴考级制度为了使业余钢琴教育科学化规范化的初衷。近年来随着考级问题的日益显现,众多钢琴教育者及琴童家长开始重新审视教学目的,不再盲目跟风考级而更注重教师教学及教材的全面性、趣味性及科学性等方面,促使我国钢琴教材编写开始良性发展。与此同时,教育者积极开展儿童钢琴多样化教学模式如钢琴集体课实践,及时更新教学思维并指导教材编写的发展方向。总之,钢琴教材作为钢琴教育体系中的重要组成部分,应该是钢琴教育者在进行教学实践过程中不断总结经验、兼容并蓄并结合其他相关学科领域如心理学、教育学、音乐美学等理论知识所编写出来的集合。 2注重学习兴趣培养及教材的趣味性导向 儿童心理学认为儿童的兴趣具有广泛性、个体差异性、浮潜易变性等特点,并且以直接兴趣为主。教育心理学指出“学习兴趣”是一个人倾向于认识、研究获得某种知识的心理特征,是可以推动人们求知的一种内在力量。《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴教程》等国外优秀儿童钢琴初级教材均将学习趣味性与培养学习兴趣放在首位,以“快乐”学琴为教材编写出发点,并利用儿童阶段对外界事物视敏度及颜色视觉的感知特点从教材印刷排版等直观上引起儿童注意力与学习兴趣。相较之下,目前我国的钢琴基础教育模式更注重弹奏技术的训练,教材形式较为呆板,学生通常采用机械性的模仿与不断练习的学习方式而缺乏主动思考,导致其学习兴趣在学琴初级阶段便急速下滑。因此,我国在钢琴教材编写方面应首先将教学思维从培养“钢琴匠”向培养具有活跃思维能力的“钢琴演奏者”转变,如在初级教材的编写上增加教师引导学生自我探索与发现的教学环节,使儿童在学习过程中发现更多的自我价值并获得更多的自我肯定,从而激发儿童学习钢琴的兴趣。其次,针对儿童阶段主要以感性认识与直接兴趣为主的特点,教材排版可以更加色彩化与卡通化以符合儿童审美观,吸引其注意力;在曲目选择上,除了熟悉的儿歌以外,还可以将儿童喜爱的卡通片主题曲等纳入其中,从而保持儿童对于钢琴学习的热情;在教学语言上,尽量使用儿童容易接受与记忆的语言,避免语言表述上过强的理论性。再次,一些儿童在学琴过程中会出现注意力不够集中、好动、稳定性不够等现象,在教材编写与教学活动进行中可以设立一些具有奖励机制的教学模块,以此达到规范学生学习态度并激励学生学习热情的目的。 3注重教材教学进度与知识结构的循序渐进 近年来我国儿童钢琴学习方兴未艾,中国俨然成为了世界钢琴教材的最大市场之一,国外经典优秀教材的不断引进占领了钢琴初级教材的主流市场,与此同时我国钢琴教育者和一些出版商也争相出版各类打着“自主编写”旗号的儿童钢琴初级教材,但通过对市面各种本土儿童初级钢琴教材的考察发现,相较国外成熟的钢琴教学体系及教材编写模式,本土儿童钢琴初级教材在教学进度安排方面普遍不够科学且呈现出两极化趋势:一类是受到各类钢琴考级制度的影响,以训练手的弹奏技术为纲,在教材进度安排上一味急于提高儿童的弹奏技术,忽略了儿童在此年龄阶段的接受能力与认知能力拔苗助长;另一类教材则空有其表,华而不实,过分追求教材的纸质、排版等教材外在层面,忽略了其作为传授知识媒介的内在本质,教学内容空洞且过于拖沓,导致教师在教学实践中由于难以达到预期教学目的逐渐丧失对于自主教材的信任度,不得不转而选择经过各国教学实践验证较为成熟的外国教材,最终导致我国在自主教材编写发展道路上的恶性循环。当前我国儿童开始学习钢琴的年龄段集中于4~7岁,此年龄阶段的儿童其认知能力尚处于“前运算阶段”①①,其生理条件处于骨骼发育阶段,手掌大小以及手指力度都远不及成年人,不能承受过度的钢琴弹奏技巧训练。因此,我国钢琴教育者在自主编写儿童初级教材时应充分考虑教材的循序渐进性,借鉴国外优秀教材在教材进度安排上的优点并结合我国当代儿童身心发育特点加以考量。 4加强对于钢琴民族性的教学 上下五千年丰厚历史底蕴积淀下,形成了博大精深的中国传统音乐文化,在传统民族乐器百花齐放的同时,还形成了以宫、商、角、徵、羽为主的民族音乐调式,使得中国传统音乐独具魅力。但随着与世界文化交流的愈来愈密切,中国传统音乐文化的传承逐渐受到外来音乐文化的制约,促使众多音乐教育者在中国传统民族音乐发展与外来音乐文化交流共融上达成了共识。1995年召开的第六届国民音乐研讨会中“以中华文化为母语的音乐教育”的论题被提出,加强音乐教育的民族化成为了众多音乐教育者更加关心的问题。在笔者看来,这个论题的内涵不仅包涵了对于我国传统器乐、声乐等本土传统音乐文化传承的民族化教育,还包涵了另一层面即对于诸如钢琴等外来器乐的民族化教育问题。钢琴作为“舶来品”在进入中国的百余年历史中,《二泉映月》(储望华改编)、《粤曲“双飞蝴蝶”主题变奏曲》(陈培勋)等民乐改编成了钢琴曲,《春思曲》(黄自)、《牧童短笛》(贺绿汀)等用西方作曲技法来表达中国音乐魅力的钢琴曲等,都很好地体现了中国音乐家们将钢琴“洋为中用”的意识。但中国钢琴教育尤其是中国儿童初级钢琴教育中,对于中国民族化音乐思想的教学却始终发展缓慢,我国现行自编的儿童钢琴教材在编写定位上较为模糊:有以西方七声音阶等教学模式写作的基础教程,如《儿童钢琴初步教程》(上海音乐出版社);也有以综合类曲目形式出现的教材,如《钢琴基础教程》(上海音乐出版社)。众多音乐教育者尚未对中国化的儿童教材风格有明确把握,我国仍缺乏较为完善且具有中国音乐民族性教育思想的儿童钢琴初级教程及教学体系。诚然,编写一套符合中国民族化需要的儿童钢琴初级教材是我国钢琴教育界迫切需要解决的问题,但西方社会经过300余年的发展才逐渐形成了其较为完善的钢琴教育体系与教材编写体系,说明建立一套具有中国民族特性的钢琴教育体系及教材体系也绝非是一件一蹴而就的事情,需有步骤地逐步建立。首先,在各方面鼓励我国作曲家创作出更多既符合我国儿童身心特点又能引导其了解中国民族调式及民族意识音乐思维的基础钢琴作品,使中国儿童能在钢琴学习的初级阶段便奠定一些具有民族意识及乐感的音乐基础;其次,在教材民族化编写中除了乐曲经典性、地域性有机合理选择以外,中国钢琴作品基本演奏技法的教学在教材中也应有所体现。 5重视教学法在钢琴教材编写中的运用 教学法指在教学过程中所运用的方式与手段,是提升教学效果与教学质量的关键因素。我国现阶段的儿童钢琴初级教学仍以一对一为主的小课方式进行,通过一周一次的上课,老师对上一周作业进行回课检查、指出问题并布置新的作业,以此循环往复,单调乏味,缺乏对儿童的吸引力。在我国自主出版的儿童钢琴教材中,也体现为老师“讲”为主、学生跟着做的传统讲授法与练习法。儿童对于音乐其本身尚处于不了解不熟悉的阶段,在初学阶段一味地为提高某种演奏技巧进行一对一“精细教学”对于培养儿童钢琴学习兴趣及真正理解学习内容帮助甚微,在教材编写与教师教学中更关注教学法的多样性势在必行,国外音乐教育领域已有铃木教学法、奥尔夫教学法、柯达伊教学法、达尔克罗兹教学法等从音乐行为习惯、节奏旋律与基本动作形态、音乐素质、情感表达等不同方面培养儿童对于音乐学习的综合能力。教材内容对于教师的教学有引导及指向作用,在教材编写过程中结合适当的教学法,可以使课堂氛围变得更加轻松与活跃。另外,通过定期组织小型音乐沙龙加强学生的相互交流与相互促进,也有利于相互学习、共同进步的良好学风的形成。总而言之,儿童钢琴初级教学与教材编写这一问题看似简单,但通过不断的教学实践与理论探索发现,这其中不仅包括单一钢琴演奏技巧的传授,还包涵了教师对于儿童心理学的学习与研究、对本民族音乐的融会贯通、对先进教育理念的及时掌握等各个方面。通过更多深入的研究与教学实践,在日后我国自主编写儿童钢琴初级教程的道路上,应从培养儿童音乐素养全面发展为出发点,以编写符合中国儿童特点的初级教材为目标,不断提高儿童初级钢琴自主教材的编写质量与教学水平。 作者:邓璞 单位:湖南师范大学 音乐学院 钢琴教学初级论文:初级阶段钢琴教学研究 摘要:笔者认为,学习严谨深刻的钢琴艺术,能使儿童潜移默化地接受真、善、美的文明熏陶。那么,学好钢琴要具备哪些基本条件呢?本文从以下几个方面讨论钢琴的初级阶段教学:扎实的基本功、音乐表现力的培养以及科学高效的练琴方法。 关键词:钢琴教学;儿童初级阶段;弹奏 我国是一个拥有13亿人口,具有五千年文明史的泱泱大国,提高全民素质需关注少年儿童。在钢琴教学方面首先必须具备优秀的教师,优秀的钢琴教师要有良好的专业素养、丰富的知识储备。其次是琴童的音乐天分,节奏感与听力的天分是最基本的,手指长、指距宽是手型条件。最后是家长的密切配合。三方面做到统一和谐,琴童学琴的道路才会越走越宽。本文重点探讨教师的钢琴教学。 一、扎实的基本功 首先,基本功的首选“材料”便是《哈农钢琴练指法》(以下简称哈农)。法国钢琴教育家哈农编著的钢琴练指法是一套专门的手指练习方法。在《小汤普森钢琴初级教程》之后可以练习本教程。全书分为三个部分,第一部分的1~20条是全书的基础,主要是手指灵活性、力度、用力均匀以及动作平稳的练习。要求身、肩、臂、腕放松、无拘束,可做重点练习。第二部分的21~31条是巩固第一部分的练习的,可将其首尾相接,连续弹奏,专攻耐力的训练。第三部分的32~37条是针对拇指的专项训练,是为弹奏音阶和琶音做准备的。要求拇指始终处于最放松的状态,手腕要稳。音阶和琶音可集中学习,也可分散学习。建议学生先单手练一个八度,熟悉音位,固定指法,再进行双手合练或单手两个八度,最后双手四个八度的练习。第三部分是全书的精华,根据其难度,每首可练习2~3周,注意练习的要求并以慢练为主。针对初学的琴童,弹奏哈农第一部分时可与其他教材同时进行。可以先提腕抬手,断奏。然后做高抬指练习,手指垂直抬起,集中力量下键,连奏。其次是音阶。当学生已具有基础时,便可以加入音阶的练习。要点是穿、跨指的技巧。穿指:拇指从2、3、4指下穿过。跨指:2、3、4指从拇指上跨过。以拇指为支点,随拇指移动,所跨指要提前到位。强化穿、跨指的技巧训练,便可进入音阶的练习。练习音阶要求双手快速整齐跑动;双腕放松,可有轻微颠腕;指关节、掌关节不能塌陷;音符、指法要求精准;力度要扎实;力度上要求上行渐强,下行渐弱。最后是练习曲。初级阶段以《车尔尼599钢琴练习曲教程》(以下简称599)为主,搭配巴赫的《简易钢琴曲集》。599乐理知识浅显易懂,音符节奏较简单,速度适中,很适合初级阶段的学生弹奏。但599风格、体裁、练习形式较为单一,缺乏左手训练,可搭配巴赫的钢琴小品《简易钢琴曲集》,作为复调的启蒙。在作品中,有针对性地训练双手都控制旋律时的节奏、力度、连线的协调,为今后更复杂的二部创意曲、三部创意曲、法国组曲、英国组曲以及更为深奥的平均律及赋格打下基础。同时,这些作品还可以发挥我们的听觉功能,探究不同声部之间的层次。正是这样的训练,充分开发了我们大脑中不常用的那一部分,培养了周密的思维方式。 二、从小培养表现力,感受音乐的美 乐曲的弹奏,除了演奏技巧,还要培养学生的音乐表现力。结合力度、速度、表情记号以及音色的把握,表现音乐之美;力度上,拍号中的强弱关系、旋律线条的起伏、乐谱标注的力度记号等都是力度变化的依据;速度上,曲首提示的速度、乐谱中标注的rit和atempo以及约定俗成的曲终渐慢等都是速度的依据;在表情记号上,主要依据旋律的感觉以及乐曲中的标记,例如,express等;音色上,强而不噪、弱而不浮的控制能力也是要经常向琴童灌输的要点。结合这四项内容,相信可以给琴童播撒音乐美的种子,使其开出理想的花朵。 三、科学的习琴方法是保护琴童兴趣的关键 练琴的过程可谓是艰难的,这就需要科学方法,讲究高效率的练琴,既保护习琴兴趣,也达到了练习目的。怎样高效率练琴?哪里不会练哪里、哪里不熟练哪里、哪里有错练哪里。在孩子练琴的过程中,有些家长一味地追求乐句的连贯而忽视了孩子的年龄以及能力,从头到尾只能是熟练的地方熟练,不熟练甚至有错的地方依然不熟练,依然错。科学高效的练琴显得尤为重要。此外,家长陪练的作用不容小觑。学习钢琴毕竟是一件需要付出努力、忍受寂寞之事,孩子年龄尚小,缺乏自制能力,在新鲜感逐渐淡去之后,坚持变得尤为艰难。这就需要家长与老师密切配合,拿出各种“大招”积极、正面地引导孩子完成学习任务。可采取以下措施,为孩子播放音乐小品、欣赏音乐会、参加演出或比赛等。避免强迫、惩罚甚至打骂。家长还需合理安排孩子练琴时间,化整为零、化零为整,让孩子频繁地参与音乐活动可以增长孩子的见识,在生活中很自然地受到音乐的熏陶,感受音乐的魅力,从而积极主动地学习钢琴。通过长时间的教学,我发现习琴的好处已不仅仅是陶冶情操,还可以培养孩子坚持原则、严谨细致、吃苦耐劳、脚踏实地等一系列优秀的品质,为其今后的人生打下人格基础。 作者:徐靓 单位:呼和浩特市第二中学 钢琴教学初级论文:少年钢琴初级教学研究 【摘要】少年钢琴教学的对象有其自身的特点和生理、心理上的优劣势。在钢琴教学中要结合少年教育的特点,根据他们的不同学习目的、不同条件和不同需要有针对性地实施教学。这是当前社会音乐教育和普及钢琴教学的迫切需要,也是落实科学发展观,构建和谐社会方面的一个有意义的探索和实践。 【关键词】 少年教育 钢琴教育 钢琴是一门高雅艺术,她无穷的魅力,吸引了不同阶层、不同年龄的人们对她的青睐和喜好。 少年时期,又称学龄中期,一般指11―15岁的儿童。在钢琴初级阶段的学习者中11、12岁正值小学四、五年级,这个年龄段是钢琴初学者的高发群体。少年时期学生骨骼组织里含水成分仍旧很多,含钙、盐、磷成分少。骨骼系统中还有许多软组织如:脊椎、骨盆区和四肢的骨骼还没有完全骨化,同时腕骨和指骨也正处于生长的过程中。因此,要注意指导少年时期学生养成良好弹琴演奏的姿势。这个时期的学生腕骨和指骨正处于生长的过程中,指挥小肌肉的神经系统的机能尚未成熟。这时学习演奏钢琴有助于小肌肉群的发育和大脑神经系统的成长。少年时期的学生生理发展处于一个相对平稳的时期,而心理发展则处于一个重大的转折时期。在逐渐走向成熟的过程中,学习钢琴对少年脑的发育是极为有利的。 一、少年钢琴教学目的 这一时期是全方位的钢琴教育活动。学生希望通过钢琴的学习,掌握一定的技能和提高自身素质,得到教师和家长的表扬,这是学生的目的。家长不仅希望学习钢琴可以开发智力提高素质,而且还能拓宽孩子日后的发展方向。对钢琴教师而言,则是根据不同学生的个体差异,选择有针对性的教育手段与教学方法,因人施教,解决学生学习过程中的不同困难,培养学生钢琴演奏的能力。所有以上这些目的都是这一时期钢琴教学的目的。 二、少年钢琴初级教学内容与教学方法 在钢琴初级教学中,要考虑到学生的知识、心理发展水平以及审美鉴赏力水平。教学中应善于设计精巧的提问,启发学生音乐上的思考和灵感,具体来讲就是培养学生的注意力和观察力,培养学生学习钢琴的兴趣及学习方法。 教学中的教材使用可以从车尔尼作品第599号开始。教授钢琴的基本弹奏方法(断奏与连奏)可以根据教学需要和学生的具体情况将车尔尼作品第599号中各课的连线、跳音加以改动。 在钢琴课堂上所使用的教学方法和手段应有别于幼儿时期。在教授断奏时应明确指出一断奏是一切演奏的基础。首先,钢琴教师通过范奏让学生明确断奏的声音效果。因为音乐是看不见摸不着的,是时间和声音的艺术,只能用耳朵听,用心灵感受和体验。声音是检验弹奏动作是否正确的唯一标准。非连音弹奏的声音是清脆结实、明亮集中、富于弹性的。启发学生学会分辨声音的优劣好坏。当学生对声音效果明确了。再进一步要求弹奏动作,就会便于掌握。少年时期比幼儿时期在思维方式上有了很大的发展。因此,在钢琴教学上要注意结合学生思维特点,使用学生能理解的语言,运用直观形象化的语言来解释弹奏动作。非连音弹奏动作应体会重量落下。先将手臂慢慢提起,手放松下垂,手指自然弯曲,略高于键盘后自然落下。要注意的是,掌关节的支撑和指关节的巩固以及其它手指的放松。所有这一系列动作的目的是发出好的声音。 跳音的声音是短促、清脆明亮、集中富有弹性的,它与非连音的不同在于跳音比非连音在时间上要短得多。让学生想象成一只皮球在键盘上跳动,在教学上让学生明确弹奏断奏的关键是指尖要站牢,触键和离键要快。 连奏的声音是圆润丰满、柔和如歌的。演奏连音关键是重心的移动。这种移动是指整个手臂手掌的重量在不同指尖上的平稳移动。手指要降低触键高度,用平稳贴键的方式缓慢触键。奏出歌唱性的连贯声音注意两音之间的连接。如果在第二个音下键之前第一个音过早的放开,声音就会不连贯,如果第一个音的手指不及时离开,声音则混浊不清晰。 当遇到某个具体作品时,教师可以提提问题如:有几个升降号?是什么拍子的?对以前学习过的同类技能、乐理知识,让学生在具体作品中实际掌握并充分理解。每首新作品教师应先进行讲解示范,让学生在演奏中注意这些问题。这样学生就会逐步合理地组织自己的知觉和观察能力。 在钢琴教学中,不仅要求学生将连音、跳音的时值、节奏弹正确,还要求学生了解作品的时代背景、作曲家的创作特点,掌握作品的演奏风格。并细致处理每一个乐句的音乐,且力求学生达到作品的演奏速度。教师对作品的示范应正确、清晰。启发学生的积极思维,注意培养学生独立思考和对作品的个性处理能力。教学中,可采用平等讨论的方式,不要轻易的否定学生对音乐的理解。少年时期的学生已经具有一定独立评价的能力。所以,尊重学生是提高学生的学习兴趣,提高教学质量的前提。 少年时期的学生有一定的能力去理解乐曲,教材的选择要多彩多样。在教授基本奏法的过程中,多穿插使用一些中外乐曲。如果学生练琴时间较充裕,可让他们弹奏大量的乐曲来提高弹奏技能,培养音乐上的感受。如采用鲍蕙养老师编的《新思路钢琴系列教程》和但昭义老师编的《新编钢琴入门与进阶》。这些教材不仅可以使学生在钢琴学习的初级阶段巩固基本奏法,还可以广泛浏览古今中外的作品,扩充知识和作品的积累。 三、少年钢琴初级教学进度 少年时期孩子具有学习目的明确,主动性强,掌握、完成教学内容较快的特点,且独立思考能力与幼儿时期相比有很大提高。因此,少年时期初级钢琴教学进度比幼儿时期快得多。在教学进度进行较快的同时,特别注意基本技术训练要扎实稳定。要给学生留有思考、理解的时间。进度过快,学生会感到学习吃力。进度过慢,学生缺少一定的压力。从而导致学习兴趣下降。钢琴教师还应根据学生文化课的强度来适当安排钢琴教学的进度,使二者互为补充。在钢琴学习上,让孩子吃饱吃好。 钢琴教师应掌握少年钢琴学生的生理、心理特点,根据他们的不同学习目的、不同条件和不同需要有针对性地实施教学。这是当前社会音乐教育和普及钢琴教学的迫切需要,也是落实科学发展观,构建和谐社会方面的一个有意义的探索和实践。 钢琴教学初级论文:刍议乐理在钢琴初级教学中的作用 【摘 要】钢琴初级教育是任何一个钢琴学习者需要经历的过程,许多钢琴初学者对基本乐理知识掌握得不够,对比较难以理解的、具有客观性理性主义的乐理知识不感兴趣,但是基本乐理掌握不足会影响他们未来钢琴技术技巧的学习。因此,笔者以自身教学经验,浅谈怎样把基本乐理知识落到实处,怎样在钢琴初级教学中体现乐理知识。 【关键词】乐理;钢琴;初级教育 目前,素质教育是人们热议的话题,学校与教师逐渐把素质教育的目光放在钢琴音乐教育上。那么,怎样使学生对钢琴音乐教育产生浓厚兴趣,是每一位一线音乐教师需要考虑的问题。笔者从业多年,发现许多钢琴初学者的学习态度是积极的,不过他们对基本乐理知识的学习还不够,更有甚者,认为看明白乐谱就可以了,关于理论知识的认知持不在乎、不予理睬的态度。这些人通常喜欢具有情感意义、现实的钢琴演奏,对比较难以理解的、具有客观性理性主义的乐理知识不感兴趣,但是基本乐理掌握不足会影响到他们未来钢琴技术技巧的学习。那么,怎样为钢琴初学者普及乐理知识?本文将以笔者的自身经验进行浅析。 一、乐理 乐理是钢琴初学者首先接触的、必须掌握的知识,学会基础的乐理知识,才能把握乐谱上各种演奏记号,学会看谱弹奏。笔者在教学过程中发现,在学习钢琴之前能熟练把握五线谱的学生,学习钢琴之后一边进行基础练习,一边学习音乐基本知识,这样会达到事半功倍的效果,并且对学习钢琴的兴趣也会增加。这些人对作品的理解程度、把握技巧、展现力都会远远高于一般学生。 二、钢琴初级教学中引入乐理知识的重要性 乐理是最基本的音乐知识,从宏观上讲,其包含音乐技术理论与音乐学理论;从微观上讲,包含所有的基本理论知识。学习乐理知识是表演艺术及理论课程的首要前提,它为未来学习钢琴技术技巧打下坚实基础。大多数钢琴初学者并未认识到乐理知识和钢琴演奏的关联性。事实上,乐理理论与钢琴的演奏是不可分割的,倘若乐理理论没有充分掌握,学习者很难进行下一步学习。首先,无法预知作品的旋律走向,对句法了解不通透;其次,一些专业术语无法理解,对作品的寓意理解出现错误;最后,对五线谱感到陌生,ψ髌返慕峁共愦尾磺宄。这些因素无形中影响了学生对钢琴的练习。因此,对于钢琴学习者来说,不仅要掌握音乐基础知识,还要能熟练运用。尽管乐理理论晦涩难以理解,不过对于钢琴初学者来说也不是无法掌控的。第一,钢琴初学者基本是少年儿童以及青年,这一阶段的人群思维运转的相对较快,能够熟练运用与记忆。第二,钢琴之所以能引起初学者的注意,得益于钢琴演奏能表达出多种多样的音色。面对如此精彩绝伦的音乐器具,初学者对其产生浓厚兴趣,从而激发对钢琴的热爱,努力认真学习。第三,社会的发展为我们带来极其便利的物质条件,钢琴课上出现了多样的教学器具,如果老师改变教学方法,丰富教学手段,激发学生的能动性,就会实现理论与实践相结合的教学理论,钢琴演奏与乐理理论完美演绎钢琴音乐的韵律美感。 三、钢琴初级教学中引入乐理知识的方法 (一)把握好乐理教学原则 初级钢琴学习者大都是幼儿与青年,他们的思维跳跃快,富有创造性,所以在教学中要尽最大努力把钢琴乐理理论以游戏的形式教授给他们,不能一味地灌输,要形成“学中学,学中玩”的教学方法。如在练习听辨音时值的长短时,把四拍的节奏比作慢慢前行的外公外婆,二拍的节奏比作成熟稳健的父母,一拍的节奏比作蓬勃向上的兄弟,而半拍的节奏则比作活蹦乱跳的小孩子。另外,乐理理论还可以和其他形式的歌唱、舞蹈结合在一起学习。 (二)在钢琴演奏技巧练习中穿插乐理 钢琴集中授课形式是与“一对一”的授课形式相对立的,在理论的传播中要注意乐理知识与钢琴实际操作相结合,使用现代先进教学设备,能够有效的提升学生的音乐素养。如在教授学生乐理理论与重点时,我们可以用幻灯片展示乐理知识,加以动态的效果,这样学生能够拥有直观的感受,激发学生学习兴趣,挖掘学生的潜在能力,在听音乐、思考、说音乐的各种环节中细细体会乐感,使学生真正喜欢上音乐,感受到乐理也有其有意思的一面。通过一系列学习,学生学习兴趣提升,不再恐惧反复练习的枯燥感,加深记忆力,也能在技术技巧的训练中把乐理理论熟练运用。这样,在钢琴演奏技巧练习中穿插乐理知识,使学习者理论与实践综合运用。 (三)乐理教学方式的多样化 在传统的乐理理论教授中,教师是学习活动的中心,而学生只是接收知识的“容器”。事实上,真正意义上的学习应该是教师引导学生自己学习,学生具有一定的主动性。老师在组织活动中也要以朋友的身份积极参与进来,教师与学生是亲密友好的伙伴关系。例如,在演奏需要双手相互配合的作品时,首先要带领学生弹奏,让学生体会音节与音节之间的联系,理解其关系后再用语言表达出来,从而能够引导学生对乐理理论的学习,使学生能够独立思考,具有主观能动性。另外,老师与学生之间进行互动,使学生能够欣赏老师的示范,学会画折线图,也就是让学生在一张用硬纸壳做成的空白五线谱上,把刚刚听到的音用笔在其相应的线、间位置上画成一副线条走向的折线图,这些都可以增强学生的参与性,能集中初学者的注意力,取得不错的教学效果。再如,播放一些学生喜欢的流行作品让其倾听,启发他们在演奏中剖析乐理。教师可以从学生的角度来设计教学方案,将有关联的乐理理论和音乐作品联系起来,更好地激发学生学习兴趣。为了打破乐理理论学习的乏味性,教师可以采取合作与竞争的手段来提升学生学习兴趣,把学生积极向上的心态和知识联系起来,激发学生主动学习能力;还可以在钢琴教学中采取问答、抢答的教学方法,阐述答案、解释答案的根据,依据学生回答问题的准确率决出第一名,在班级予以激励表扬。经过一系列比赛游戏的方法使学生投身于钢琴学习中,师生有效互动,在无形中培养学生独立自主的学习习惯,增强学习能动性,实现乐理教学方式的多样化。 (四)用感悟促进技巧的掌握 学生对音乐产生浓厚兴趣、深入理解后,就会产生真正的依赖与热爱,这可以使学生拥有更加迫切的想要了解音乐的动机。拥有寻求知识的欲望与持续的动机后,接下来培养学生情感的感召力与感知能力,主要是指感,基本乐理的理会、领会和独自处置音乐作品的能力。每个人对作品的理解程度都是不同的,这与生活经验、音乐感悟力息息相关。钢琴基础技术技巧的练习是为了深入表达作品的内容与感情。从学习音乐开始就要注意引导学生对每部作品的感知能力。比如练习拜耳等作品时,就要求学生依据谱子上的表情记号进行演奏,并且注意手臂、手腕、手指的密切合作,将强与弱的力度细致地表达出来。在反复练习时,要认真听、品、说,认真弹奏好所有的小节亦或是音符。由此对作品的掌控力就水到渠成,随意的变换节奏、强弱,达到天人合一,融于音乐殿堂之中。 (五)乐理知识学习必须坚持长效性 音乐理论因为表象性不强,本质比较晦涩,所以多数学生短时间内不能学会,并且遗忘速度非常快。在教学中,教师教授的知识是有限的,并不能把全部技术讲授出来,这就需要学生养成良好的学琴习惯,把音乐理论与实际演奏相结合。例如,旋律与和声、三和弦等可以分配到练习作品中,每天坚持练习,渐进学习。而且,在训练过程中不仅是单纯的手指运动,还要形成带着问题弹奏的习惯,要善于发现问题,才能不断进步。钢琴音乐理论知识的学习不是死记硬背,而是应该活学活用,只有能够熟练运用了,才能辅助钢琴演奏,例如,在能够熟练演奏一首作品后,要做到能够依据自身的知识,自然改变旋律、节奏,学生可以增加一些辅助音来充实作品的韵律。经过一系列风格的弹奏,使学生能够自己创造曲目,把钢琴演奏加上个人色彩和个性特征。 上述提到,大多数钢琴初学者都是幼儿与青年,他们拥有一颗单纯、善良的心,他们的内心希望得到夸赞与鼓励。如果教师能关注他们的内心,对待他们渴望的目光,积极予以赞扬鼓励,使他们感受到尊重与关注,那么学习钢琴理论知识的效果就会提高,更有甚者对音乐理论知识产生极度偏爱,为未来钢琴学习之路打下坚实的基础。与之相反,如果教师采取强制管理、粗暴语言的评价方式,有可能伤害学生的自信心与自尊心,学生对乐理知识产生消极的心理,甚至对其成长与未来发展产生消极影响。当学生能够熟练弹奏后,老师应该有目的、有层次地提出一些问题,不过要掌控好问题的范围与难度,不要超过学生的认知维度。比如“你弹奏得非常好,那你能给老师讲一讲这句话是什么意思,什么节奏吗?”,用求知的语气与巧妙的方式提问,会增强学隆的自信心,他们会认真思考,组织语言来为你解疑。 (六)在乐理掌握中加深感悟 儿童天生就会对一切美好的事物感兴趣,他们对音防砺鄣恼瓶厥欠⑾忠衾置赖母源。儿童对音乐作品的内容与情感更敏感、执着,他们会在享受听觉盛宴与自身演奏中产生丰富的情感,释放自己的情绪。这些情感的领会,会使儿童与音乐之间的情感能够密切联系,建立丰厚的实质感情。 综上所述,在我国实际教学中,钢琴教学一直注重弹奏技术技巧的练习,而忽略了与之密切联系的基本音乐理论知识,这直接影响到中国钢琴教学健康发展。实现钢琴初级教育中的乐理普及是一项系统且耗时的课题,它不仅要求理论充足完善,还要求具体实践的检验。音乐教师依据学生的具体情况,制定一套完善的系统音乐课堂教学方法,充分调动和培养学生对钢琴的学习兴趣。 钢琴教学初级论文:幼儿初级钢琴教学应予以重视的几个问题 【摘要】在“学琴热”的推动下,越来越多的幼儿开始学习钢琴。幼儿有着年龄小,身体处于成长阶段,心理发展不成熟等特点,因此在钢琴教学中也有着一定的代表性。本文就幼儿初级钢琴教学应予以重视的坐姿和手型、读谱习惯、弹奏法、音乐表现和音乐情感这几个问题逐一展开论述。 【关键词】幼儿 初级钢琴教学 弹奏法 情感表现 在当代中国社会里,已经形成了一个十分广泛的钢琴学习热潮。这股热潮,不再局限于大中城市,而是向着更广的范围辐射开来。习琴者的年龄层也由幼儿、学生、成人扩大到中年和老年人。其中,幼儿习琴者占据相当大的比例。因此,在钢琴教育教学中也有着一定的代表性。为了他们在钢琴演奏中有长久的发展,引导幼儿进入规范的钢琴学习尤其重要。本文分四个部分阐述了钢琴学习中幼儿习琴者应该重视的几个问题。 一、良好的坐姿和手型 1、坐姿 坐的位置要与钢琴距离远近合适,坐位本身的高低适度,良好的坐姿能使演奏者更好的对琴键全面控制和驾驭,同时也为身体,特别是双手,双臂在键盘上的活动提供最大限度的方便。它是发展、发挥正确技术的前提之一。 正确的坐姿应当注意三个部分:(1)脚部及腿部。双脚踏实着地,置于踏板前。幼儿习琴者由于身高局限,脚够不到地面,可在脚底放置一个板凳。要注意板凳的高度,一般的使大腿与小腿的角度略大于直角为好。脚部要刚进入键盘下面为适中,不能太过往前或往后。(2)臀部。臀部坐在琴凳靠近钢琴一侧的半部或前三分之一处,不要坐满琴凳。幼儿在初学时为了调整高度,可在琴凳上放置坐垫,但坐垫不可太软。它的目的是为了更好的配合手指移动。(3)大臂小臂。大臂和小臂是钢琴演奏中的重要环节,不可忽视。“大臂自然下垂,小臂与键盘基本保持水平,手腕平稳,不可过高或过低,以免防碍手指正常活动。”[1] 2、手型 良好的手型是钢琴演奏者的重要因素,它可以帮助演奏者成功的将大臂小臂的力量传递到手指上来,使声音听起来流畅而有力。幼儿习琴者可用“握苹果”、“握鸡蛋”、“握球”等方法强调手心的空心感,以及手指的弧度问题。具体到每个手指,二、三、四指处于手部的中心位置、力量稳定,因此比一指和五指容易训练。弹奏时要注意指尖立于键面,第一、 关节要稳定,像拱桥一样,不要塌陷。大指应用指尖的外侧触键,指型应呈现向掌心之外的弧线,掌关节突出来,与二指握在一起像一个鸡头的形状。大指因其天生不灵活,训练时应多在独立性与灵活性方面下手,幼儿习琴者初学时就要强调掌关节的突出,使其养成良好的习惯,为以后大指的运用打下基础。小指位于手的最外侧,是五个手指中最细最小的一个,因此在训练上也有自己的难度。小指的触键点和二、三、四指一样,都是指尖部位。不应用指头的外侧弹奏,这样会引起手部的重心不稳定,影响弹奏的效果,幼儿习琴者应明确五指的触键位置,切勿养成用指的外侧触键的不良习惯,因为这会在一定程度上阻碍手指的发育,造成手指向内侧长弯的结果。 二、培养正确的读谱习惯 读谱是初学者通向钢琴弹奏的必经之路。初学者往往都是先接触乐谱再接触琴键。教师往往先从中央C教起,先让学生记住几个不同音区的C。再根据五线谱识谱规律一线一间的让学生读谱。与此同时,写音符也是一种很好的辅助方法,幼儿应强调其动手能力,往往他们对自己写过的东西印象比较深刻,这样也会引起他们足够的兴趣。不要把训练只集中在读谱上,使他们不会感到学习的枯燥。 1、音高和音准 音高和音准是习琴者音乐素质的反应,是学习钢琴的初级阶段应该注意的问题。初学者,特别是幼儿可能对音高没有形成意识,教师在授课过程中应给以逐步的训练。首先,先训练其听的能力,使其学会全神贯注的听声音、听音乐。其次,可以运用钢琴模仿一些自然界的声音,让学生识别,可高可低。最后,让学生模唱教师弹奏出的单音甚至双音,看学生是否能摸唱出来。音准方面,教师可先让幼儿习琴者唱一首儿歌,看其对音准的把握,其余的工作要放在他们演奏的过程中,教会他们以听自己弹奏的声音为主,不要只顾看谱,会辨别自己所弹奏的音符中有没有错音,培养其判断音准的能力。 2、节奏、节拍 (1)节奏 “音的长短关系,叫做节奏。节奏以音的长短关系组织音乐,节奏是曲调的骨架,是构成音乐的重要要素之一。”[2]人类最初的音乐就是只有节奏或以节奏为主的。在现存的民间音乐里,甚至还保留着只用打击乐器创造出来的音乐。这说明,节奏本身就存在着美感,它可以独立成形,在大多数的乐曲里,作曲家往往是通过变化多端的节奏来展现乐曲的情绪、风格、情趣的。节奏对一个接触音乐的人来说是非常重要的,对幼儿习琴者来说也是如此。它反映着他们先天的音乐素质、节奏能力。那么,节奏能力应怎样培养呢?其一,让幼儿习琴者明白节奏的普遍性,像是心跳的声音、海浪的声音、蟋蟀的叫声、下雨的声音等等,养成他们观察身边节奏的习惯,使节奏的抽象性变得具体而又容易理解。其二,可以运用击掌的办法,从慢到快,然后再慢,让他们体验节奏的变化,激发起他们的兴趣。其三,进一步加强练习,可引入不均匀的节拍,让他们体验节奏的不平衡,然后说出感受。节奏的能力是强化练习的过程,要坚持训练,不能够操之过急。 (2)节拍 “乐曲中强(重音)弱(非重音)音有规律的反复,叫做节拍。节拍中的每个单位,叫做节拍单位。有重音的单位叫做强拍,非重音的单位叫做弱拍。”[3]在每首具体的乐曲里,拍子与拍子之间的时间距离,或者说每拍的时间值都是相等的,但各拍的轻重并不相同。节拍用记号表示出来,就是我们常见的2/4、3/4、4/4这类标记。教师为幼儿习琴者讲授节拍时,先要使其明确节拍的定义,告之节拍标记的意义,如2/4拍,表示以四分音符为一拍,一小节有2拍,并让他们学会自己解释。在这里要强调的是休止符的时值。休止符和音符在钢琴音乐中同样重要,莫扎特说过:“静默在音乐里有莫大的效果。”这些大音乐家能用音乐使广大的听众心旷神怡,是由于他们明了音乐休止的高度重要性,有时休止符可以达到比音符更高的效果,它能引起听者的注意,并给以思想上的准备。所以一定要使幼儿习琴者认识到休止符的重要性,在训练的初期,可以让他们大声读出空拍,以达到给他们提醒的目的。 三、培养良好的用力方法――重量弹奏法 力量是困扰幼儿习琴者的一大难题。对他们来说,刚刚接触钢琴学习,在弹奏的过程中往往不清楚哪些地方应该用力,下面就分三点说明一下。 1、肩、大臂、小臂 肩膀,大臂小臂在钢琴演奏过程中是放松的三个部分,它们的放松可以使力量流通到手指上,弹出流畅的声音。肩膀,在演奏过程中应该保持自如,随意感,还应有下沉的感觉。在幼儿习琴者的初学期可能会出现歪肩膀、架肩膀问题,这都是由于不放松而产生的。要克服肩膀的紧张、用力感。弹奏前先活动一下肩部,再保持这种状态到弹奏中,这一问题就会得到改善。 大臂小臂在钢琴演奏中也是疏通力量的环节,力量应该是自然下沉的。幼儿习琴者往往感受不到下沉的感觉而出现架高肘部或小臂紧张的现象。教师可让学生把手臂高高举起,教师用手托住学生的手臂,待其完全放松,松开手,使学生的手臂自然落在钢琴的键面上,然后告知学生,这就是放松的状态,弹奏时就要保持这样的状态,用“垂下来”“落下来”的力量弹。 2、手腕 手腕是力量疏通和辅助钢琴演奏的重要环节,也是最容易出现问题的环节。首先,先要让学生了解手腕的能力。(1)手腕可以指导手指从高于手腕的空中随心所欲向下触键的能力。(2)手腕本身具有主动、自如的向上,向下,向左,向右移动的能力。(3)手腕具有弹性。我们通常会用手腕完成一些跳音的演奏。(4)手腕具有一定的支撑能力。如果我们在钢琴演奏中要完成一些强有力的重音,这就要求我们的手腕具有支持手部的能力。在初学阶段,常会出现“颠手腕”的不良习惯。这种现象的出现往往是由于手腕的僵硬造成。手腕的僵硬,不仅使手腕本身失去灵活性,还会使手指头失去灵活能力,使前臂的筋肉也跟着紧张起来。幼儿习琴者出现这样的现象,多半是手指不主动而又要弹出较大音量所致。在调整时,一方面要强调手指的积极主动。另一方面,不要强调力度,用较小而均匀的力度做基本练习即可。 3、手指 在钢琴演奏活动中,手指是唯一应该具有力量的环节,手指是演奏的工具,也是表达思想的灵魂,手指要具备独立性和灵活性,要也具备支撑手部的能力,独立性和灵活性是要在平时的练习中一点一滴的积累的,不是短时期的训练可以达到的,因而在训练中也不易形成难以改掉的坏习惯。但手指的支撑能力是初学时期就开始强调的,它需要坚固的指形做基础。在这一时期出现的缺点是不容易改掉的。许多幼儿习琴者也因为第三关节支撑不住困扰,我们常称这种现象叫“折指”。产生折指的原因大致有两点,一是手指下落时的指尖方向没有垂直于琴键,造成指尖以向前倾斜的角度触键。二是座位较低,虽然手指垂直落键,但手的力量和重量方向不是垂直的,而是向身体的方向倾斜,造成落键的瞬间是站住的,当重量与力量放下来时手指就站不住了。解决此问题时要注意收回手指,使手指以垂直于琴键的方向下落,同时要调高座位,将手指放在琴键上自然垂下手臂时,手臂的肘关节水平方向不低于钢琴的白键。 四、培养幼儿习琴者的音乐表现和音乐情感 1、音乐表现 “所谓音乐表现,就是指我们手指弹出的音符之外,我们还给自己和听者带来的‘东西’。这个‘东西’存在于乐音之间、乐音之中、乐音背后。”[4]在教授幼儿习琴者时,教师就应当鼓励他们大胆表现,培养其自我表现的欲望,同时也要养成他们弹奏曲子时翻查音乐词典的习惯,了解并积累一些音乐词汇,这会对他们的音乐表现能力大有帮助。此外,教师还应该让学生加强语言训练,音乐是一种语言,而语气就相当于乐感。语气的训练就是要让学生把弹琴变得跟说话一样,要有明确的说话对象,每一个音符都要说的很清楚,很明确,这样,弹奏的曲子才会有抑扬顿挫,才会给人美的感受。 2、音乐情感 情感,笼统说就是喜、怒、哀、乐之类的心情。作曲家将各种各样的感情经过集中、提炼、升华并凝聚到乐曲之中,就成为了音乐的情感。我们想要了解一首作品表达的音乐情感,首先要了解它的作者和写作背景。这就要求教师要耐心的讲解给学生听。而剩余的感受工作,就必须靠学生自己了。学生的感受必须从心里在发出,只有心里感受到,才能够真正的表达出来。对于幼儿习琴者来说,音乐情感是要慢慢培养的,要让他们尽可能多的聆听优秀的钢琴演奏,从中得到启发;要让他们进行情感训练,比如讲一段故事,听完让他们叙述心中的感受;要多让他们接触其它音乐表演艺术和其它艺术形式,锻炼他们对音乐情感的多种认识。 幼儿时期学习钢琴,存在着多种利与弊,这就要求教师给予引导和把握。要说明的是儿童都有活泼好动的天分,不要茫目的让孩子“死弹琴”,给他们规定过多的弹琴时间。要科学的克服“坐不住”的问题,家长应该配合老师共同培养幼儿的兴趣,让他们每天自觉自愿的坐到琴凳上去。引导他们集中精力,在最短时间内达到最大的练习效果。同时,家长还应该具有耐心,在孩子练不好琴,或者是产生厌烦情绪时应当给予鼓励,而不是责骂或打退堂鼓。此外,家长还应与老师保持联系,在孩子练习过程中,遇到技术难题或儿童心理问题时,及时得到教师的帮助,使他们少走弯路,成功的引导幼儿习琴者走进规范的钢琴学习之路。 (作者单位:陕西师范大学音乐学院) 钢琴教学初级论文:儿童初级钢琴教材与教学的思考 摘要:越来越多的家长意识到音乐的学习对于儿童气质的培养、情操的陶冶具有举足轻重的作用。同时,曾经学习钢琴是为了将儿童培养成专门的音乐人才,但是如今钢琴教育已经成为提高儿童素质教育的一个重要方面而得到强调。面对这样一个庞大的钢琴教育需求,儿童钢琴初级教材的选择问题也日益突出,本文将通过对比分析市场上的许多教材,阐述笔者对于这些教材的思考。 关键词:儿童钢琴教育 钢琴教材 思考研究 目前我国儿童主要集中在5-7岁阶段开始学习钢琴,此阶段为学习钢琴的黄金时期,但是由于此年龄阶段的儿童在生理、心理、认知等方面的影响,使得学习钢琴收到限制。面对中国主流市场上的三套优秀的儿童初级钢琴教材――《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴教程》,这些教材在使用过程中注重循序渐进的教学进度。儿童初学钢琴主要的问题是音乐理论知识的理解以及基本钢琴演奏技术的掌握,尤其是学龄前儿童的生长发育受限,记忆力思维力都处于发育的阶段,因为决不能在儿童学习钢琴的初级阶段使用技术性强的钢琴教材,必须从浅到深,从易到难的过程进行引导。另外,钢琴学习不只是练习手指弹奏,还需要教师重点培养视觉、听觉、感觉、想象力等方面的认知,这样儿童才能够摆脱枯燥的技术练习,逐渐获得多方面的均衡发展。再者,钢琴演奏的基本功训练是每一位钢琴学习者的必经之路,是教学的主要内容,但是不能机械的高强度练习,需要科学系统的练习才能够获得真正的提高。如《巴斯蒂安钢琴教程》与《菲伯尔钢琴教程》,采用一级多本的形式,将技巧练习与乐曲演奏同步搭配学习,在练习曲中强化技术训练,在乐曲中灵活运用演奏技术可以达到学以致用的目的。同时,学龄前儿童充满玩心,因而教材的趣味性便显得尤为重要,如《汤普森简易钢琴教程》中与老师四手联弹的模式、《巴斯蒂安钢琴教程》中为旋律配伴奏的模式都深得儿童的喜爱,这些趣味性是的儿童在学习新知识的过程中不断产生创造力,并且能够一直保持儿童的专注力。 纵观中国学龄前儿童的钢琴教育,几十年来中国儿童初级钢琴教育阶段都是采用国外教材,这主要是由于:钢琴学习是一种“口口相传、手手相传”模式,由于老师曾经使用外国教材教授,因而当学生变为老师之日,也自然沿用外国教材。并且钢琴是一种外来乐器,在钢琴刚进入中国时,教师们便是使用国外教材进行教学活动,代代相传便形成现在的局面。这种模式便形成中国在钢琴初级教学阶段逐渐形成了以国外钢琴教材为主要形式的教学。再者,外国儿童初级钢琴教材在趣味性与系统性方面更加科学,因而不论是教师亦或是家长均会选择《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》这类教材。《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴基础教程》等国外优秀教材的编写都是其编著者经过多年教学实践经验的总结与归纳的结晶。但是面对我国目前很多家长让孩子学习钢琴的功利心,这些教材在使用上便显得急功近利了,当前我国学琴儿童及家长的多数需求都是业余钢琴考级制度,这个制度在我国实行已有二十余年,偏离学习钢琴的主要目的而一味追求“考级热”的现象使教学难易规范,更使得好的教材难以实行,因而,钢琴教育者及家长应该重新思考学习钢琴的目的,不盲目、不跟风,才能使儿童获得更好的发展。 《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴基础教程》这些优秀的国外初级钢琴教材有效的突出学习的趣味性,这是完全从儿童心理出发,并直接以兴趣为主,从而使儿童获得认识,推动儿童求知欲。摆脱高强度的弹奏技术训练,摆脱教材形式的呆板,摆脱机械性的模仿练习,这样才能增加儿童的主动性。再者这些教材在排版上更加色彩化与卡通化以符合儿童审美观,吸引儿童的注意力,曲目选择儿童熟悉的歌曲等,将儿童的感性认识、直接兴趣充分激发。同时,在教学语言上尽量使用儿童容易接受的,通俗易懂的语言,避免过强的理论性。目前,中国已经成为世界钢琴教材的最大市场之一,除了国外经典优秀的钢琴教材被不断的引进,例如英皇的教材与考级,我国钢琴教育者也出版了各类“自主编写”的儿童钢琴初级教材。面对如此纷繁复杂的教材,作为良心职业的钢琴教师一定要首先熟读教材才能给儿童一个好的指导。其次,家长也应该通过网络了解各类教材的优缺点,选择适合自己孩子的教材,达到因材施教的目的。但笔者浏览了市面上的一些本土儿童初级钢琴教材,发现国内出版的自主教材由于受到各类钢琴考级制度的影响,非常突出钢琴演奏技术以达到训练手指的目的,有些教材的进度安排一味急于提高手指技术,而忽略幼儿心理与胜利的接受能力,这写教材的编写必将会导致一种恶性循环。 我国现阶段不论是儿童钢琴教学抑或是青少年乃至成人的钢琴教学均是以一对一的小课形式进行,学生通过一周一次的回课完成每一阶段的目标,教师通过一周一次的回课检查学生的问题并布置新的作业。这种模式自钢琴教学之初便一直延续至今,但是这种教学形式对儿童的生理及心里认知而言单调乏味。笔者认为,教师可以在自己的教学中关注多样的教学法,在国外音乐教育领域较为突出的有铃木教学法、奥尔夫教学法、柯达伊教学法、达尔克罗兹教学法等等,教师均可以通过多种方式使儿童更加喜欢上钢琴课,更加期待上钢琴课。笔者翻阅了血多世界著名的音乐教学法,浏览了许多优秀儿童钢琴教材,研究了诸多钢琴家的成功,发现他们的成功均以通过某种乐器的学习来启发兴趣,抛弃功利心。因为儿童对于音乐本身是非常模糊的,在初学阶段补课一味的提高演奏技巧,并且一对一的“精细教学”并不太适用于培养儿童钢琴学习的兴趣,并不适用于让儿童真正音乐。这也是笔者将在本人以后的教学活动中认真思考的地方,教学思路应该转变,将课堂氛围塑造的轻松活泼有趣。 钢琴由于其多方位、多角度的独特优势而被冠以西方的乐器之王的美誉,其宽广的音域、多层次的音乐表现力,能够使演奏者充分锻炼身体与大脑的协调性而受到许多家长的追逐。面对中国钢琴学习的逐渐低龄化、普及化,钢琴教师要不断提高自身的素养,要参透钢琴教材的本真,要在钢琴教学中及时更新教学观念,选择适合每一个个体的教学方法,选择适合儿童身心特显的教材进行试教。笔者通过对美国音乐教育家编写的《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴教程》三套儿童初级钢琴教程的阅读逐渐领悟三套教材的各自优势与不足:最早在中国使用的儿童钢琴初级教材是《汤普森简易钢琴教程》,这套教材出版的年代久远,它开辟了中国儿童钢琴兴趣培养的先河,但这套教材强调音符记忆,并且知识点分布零散,在儿童钢琴学习兴趣方面较弱。《巴斯蒂安》与《菲伯尔》这两套教材总用了大量的英文歌词与英文游戏的练习,这种方式让中国儿童在教材使用中具有一定局限性,但对儿童心理的研究弥补了《汤普森》的不足。所有的儿童钢琴教材中没有万能教材,学龄前儿童的注意力容易分散,个性鲜明,所以家长与老师应将钢琴考级、比赛等看作建立儿童自信心与自我检测的一种途径,避免教学中急功近利的思想。 面对如此庞大的儿童钢琴教育市场,钢琴教育家们,音乐理论家们,一线的钢琴教师们任重而道远,适合中国儿童的教材还在不断探索的道路上进行,这篇论文是笔者自己教学经验的一个简短思考,难免有一定偏颇与不足之处。本人也会在儿童钢琴教育这条路上不断前进,探索出适合儿童的教材,多种教材互补进行。 作者简介: [1]依健:渤海大学艺术学院音乐系,副教授。 钢琴教学初级论文:关于少儿初级钢琴教学的几点思考 摘要:本文针对少儿钢琴初学者的学琴道路不能坚持走下去而不得不终止这一怪现象进行阐述分析,根据笔者多年来的钢琴教学经验,总结出如何解决这一怪现象的建议和方法。 关键词:少儿钢琴初学者 钢琴基础 手指训练 近年来,随着国家对教育事业的重视,越来越多的家长开始注重对孩子全方面素质的培养,钢琴作为乐器之王成为家长首选的乐器。但是在孩子学习钢琴的道路上总是出现一种怪现象,有很多少儿钢琴初学者往往学习钢琴不超过三年,钢琴水平就会停滞不前,甚至出现厌恶、反感、抵触的情绪,最终学习钢琴的道路不得不终止。对于这个问题,笔者在平时的钢琴教学中不断的观察、思考、实践,做出如下总结: 一、少儿钢琴初学者钢琴道路终止的原因 (一)教师忽视对少儿初学者钢琴基础的培养 这里所说的钢琴基础主要包括两个方面:一个是音准,另一个是节奏。少儿初学者刚开始所学的曲子篇幅比较小、音域跨度不大、旋律比较简单等等,孩子往往弹几遍之后就能很轻松的熟背下来,表面上看孩子弹的很不错,其实却隐藏了很大的隐患,因为孩子只是把曲子背了下来,至于谱面上的音符和节奏,孩子能不能真正的认识和明白,这个问题如果教师不仔细观察考验的话,是很难看出来的。而恰恰有很多教师在少儿学习钢琴的这个阶段被孩子流畅的演奏假象所迷惑,为以后的孩子学琴过程埋下了深深的隐患。随着学琴时间的推进,谱子的容量越来越大,音符越来越多,节奏越来越复杂,这个时候孩子会很难应付,曲子弹的不熟练、不流畅、甚至不对就会得到老师的批评,长期的批评必然会导致孩子对钢琴失去兴趣,最终钢琴的学习道路不得不终止。 (二)教师忽视对少儿初学者手指训练的重视 少儿初学者所要解决的重要问题之一就是手指,能让手指有力、灵活、自如地在琴键上演奏。教师对少儿初学者的教学过程中,并不是没有指出手指如何正确的演奏,问题是教师能不能对手指的训练达到非常的重视,有很多教师在平时的教学中只注重孩子演奏曲子是否流畅,对于手指出现的问题只是说说而已,并没有拿出一定的时间进行修改训练,而且少儿初学者的年龄非常小,自控能力是比较弱的,如果长时间教师不对手指进行纠正,孩子一旦养成不良的触键习惯就会很难改得过来。随着曲子难度的增加,孩子的手指无法完成谱面上的要求,这时教师再开始纠正为时已晚。因为这个阶段,孩子不光要注意手指,还有上述所说的音准、节奏等等的问题,这么多问题需要面对,对于一个不到十岁的孩子来说是很难完全顾忌到的,孩子总是练却练不好,自然会越来越不自信,越来越讨厌弹琴,最终走上了对钢琴失去兴趣而终止的结局。 二、如何让少儿钢琴初学者的钢琴道路持续下去 (一)教师重视对少儿初学者钢琴基础的培养 笔者在这里所说的钢琴基础指的是两方面,即音准和节奏。其实钢琴基础中包括很多方面,但笔者认为音准和节奏是基础中的基础,一首曲子如果音准和节奏都是错的,其他的如乐曲的结构逻辑、乐曲的声音、乐曲的情感就无从谈起,正如一个人,血液是生命的根本,没有了血液就没有了生命。笔者在平时的教学中针对音准和节奏方面积累了一些经验,总结如下: 1.音准的训练 首先,拿来一首曲子时,笔者会让学生进行读谱训练,对读错的音符进行强化记忆。在演奏时,一定要求学生边弹边唱。其次,选择一些稍微简单的试唱曲子进行音准的强化训练,教师每堂课抽出十分钟左右的时间进行抽检,及时纠正认错的音符并强化记忆。最后,笔者在音准方面用两个方法进行训练:第一种是教师弹出音符,学生在五线谱本上写上对应的位置。第二种是教师在五线谱本上写出音符,学生在琴键上弹出相应的音符。其实这些方法很简单,很多教师在平时的教学中都用过,但缺少的是坚持,只有在平时的教学和练习的过程中将这些看似简单的方法长时间的反复的训练,学生才能真正熟记每一个音符,毕竟少儿初学者年龄还小,对于知识只有反复的磨练才能记得扎实,教师如果把孩子当成成人,学会了就能记住了,那就大错特错了。 2.节奏的训练 首先,拿来一首曲子时,笔者会要求学生在读准音符之后,进行打节奏式的读谱,也就是咱们平时所说的手打节拍,嘴读节奏,同时将音符准确地插入进去,教师在这个过程当中一定要耐心,对打错的节奏进行反复的纠正巩固训练。其次,仍然选择试唱教材,只不过针对每一个节奏型,试唱教材中的曲目要进行筛检,不能按顺序依次训练,要具有针对性。最后,笔者在每堂课中都创编六小节共四组的节奏训练,刚开始训练时可以让学生用手打节拍来辅助,逐渐要求学生将手去掉,让学生学会在心中体会节拍感,因为当演奏钢琴时,没有第三只手来打节拍,很多学生用手打节拍很准,一旦弹奏时没有手打节拍仍然会弹错。 (二)教师坚持对少儿初学者手指训练的重视 笔者这里强调的是坚持,教师在平时的教学中都会强调手指的训练方法,但缺少的就是坚持,甚至是耐心,当学生触键方法不对时,教师会马上指出并纠正,可强调完之后就没有后续了。少儿初学者年龄还小,自我约束力和控制力非常差,单单只靠强调是不够的,学生回家很少会主动按老师要求进行纠正训练。因此这就要求教师要有耐心,在课堂中按谱面上音符的顺序耐心的指导学生如何进行触键,学生只有感官上的认识后,经过反复的磨练,大脑才能形成对手指触键的惯性思维,同时笔者还认为这种惯性思维也是短暂的,还需要教师在每堂课中提醒学生。 钢琴教学初级论文:试论初级钢琴教学中的听觉能力训练 摘要:在初级钢琴教学中,听觉能力训练是非常重要的内容。对于初级钢琴学习者而言,能够以正确的态度看待听觉训练,选择正确的听觉训练方法显得尤为重要。本文主要介绍了听觉能力训练需要的基本要求,并介绍了几种有效的听觉能力训练方法,以期提高钢琴教学质量,提高学生的音乐听觉能力。 关键词:初级 钢琴教学 听觉能力训练 钢琴被称为“乐器之王”,其结构复杂,音域宽广,要想演奏出理想的音响效果,不仅要依靠高超的演奏技巧,还要将听觉意识贯穿在演奏过程中,演奏者需要通过听觉来检验弹奏出的音响效果。因此,在钢琴练习中,学习者不仅要掌握弹奏技巧,还要加强听觉训练,这样才有可能成为优秀的钢琴家。音乐是一项听觉艺术,在学习音乐的过程中加强学生的听觉能力训练显得尤为重要。对于钢琴表演而言,它给人们带来强烈的震撼,主要是通过聆听表现出来的。钢琴演奏者可以演奏出如此优美而又动听的钢琴曲,主要依赖于钢琴演奏者的演奏技能,而表演者的演奏技能主要和听觉有关。在钢琴课程学习的过程中,学生必须训练一种挑剔、敏感的听觉能力,只有这样才可以完全体会到立体式音响的效果,真切体验到音乐中的情感。钢琴教学中的每一个教学任务都需要学生的听觉能力,想要增强学生对音乐的表现力以及感受力,首先应该对学生进行针对性的练耳教学,从而增强学生对于音程、力度、节奏、音高、音色、节拍、速度等各方面的听辨能力。下面是笔者对初级钢琴教学听觉能力训练的几点思考: 一、听觉能力要求 钢琴学习者首先应该能够清楚的分辨基本音乐元素,同时,应该具备感受基本音乐情绪的能力,其中主要包括音乐风格、和声、音高、节拍、节奏等等基本要素。所谓基本音乐情绪主要是指乐曲中存在的怨、哀、怒、喜等各种不同情绪特征。学生学习音乐主要是为了培养他们的感性音乐思维,不断提高他们的审美修养,如果基于这个角度分析,对于每一个钢琴学习者而言,感受基本音乐情绪是终极目标。实际上,基本分辨能力以及感知能力两者之间是相辅相成的关系,如果学生在分辨基本音乐元素时越来越敏感,这样学生也会越来越准确地把握音乐情绪。因此,在训练学生的音乐听觉能力的过程中,教师应该明确听觉能力训练的最高目标是培养并提高学生的对于音乐情绪的基本感受能力,但是需要注意的是,在训练时应该始终围绕基本音乐元素展开训练,按照循序渐进的原则一个层次、一个层次进行训练。 二、钢琴听觉能力训练方法 (一)以通感刺激听觉敏感 所谓通感也被称之为“联觉”,主要是指相互联动人的动觉以及视觉从而刺激人的听觉敏感性。音乐实际上自身存在和动觉、视觉相对应的关系。比如,声音频率越高的话,往往会给人更加明亮的感觉,声音频率越低的话,往往会给人一种暗淡的感觉。舒缓的音乐容易使人陷入冥想,自己一个人陷入沉思;如果是欢快的音乐,很容易带动人的动觉,产生手舞足蹈的感觉。初级钢琴学习者,对于联觉反应的敏感度并不高,因此教师应该适时给予相应的指导,尽可能通过动觉形态以及视觉形象将一些看不到或者摸不着的抽象音响形象将外化听觉感知进行外化,借助听觉和动觉、视觉之间的相互对应关系使学生可以更加直观的体验到音响的刺激。比如,在学习弹奏八分附点节奏的过程中,刚开始教师可以指导学生只是在教室里“跑跳步”,尝试着体验附点节奏的律动,让学生经过身体运动体验节奏的倾向性以及动力性。 (二)积极创设情境,激发学生的听觉想象 音乐不仅是一种听觉艺术,也是一种情感艺术,只有学生亲身实践后才可以深入体会到音乐的内在情感。初级钢琴学习者可能并不能很好的体验音乐中包含的诸多深刻情感内涵,教师设计情境,可以使学生在自己的亲身实践中更好的体验这些丰富的情感,从而培养并且提高学生的听觉想象能力。很多乐曲自身的表现内容以及体裁都有一定的情境性,这样也为情境设计提供了科学、合理的依据。比如,小步舞曲,这是一个三拍子舞曲,最早是源自于西欧民间,在法国宫廷中比较流行,速度不快不慢,比较适中,这种音乐可以描绘出一些礼仪动态,但是舞蹈步子相对比较小,因此被称为小步舞曲。教师在实际教学过程中可以结合这种舞曲的体裁特点设计相应的情境,引导学生把音乐教师幻想成一个法国宫廷,尽可能让学生在真切的情境中了解、体会这种小步舞曲内在的音乐风格以及音乐情感。一旦学生真切的体会到其中的律动以及情绪后,让学生们试图通过手指表达出来。 在触及钢琴教学中听觉训练是至关重要的,首先要培养学生聆听的习惯,并从音准训练、节奏训练、准确理解乐句以及听觉的综合训练等方面逐渐培养学生良好的音乐听觉,通过音乐听觉能力去感受音乐、理解音乐,激发学生对音乐学习的兴趣,有了良好的音乐听觉,学生才能在弹奏过程中表达准确,使音乐形象完整无误,更富有感染力,从而达到在学习中不断提高的目的。总而言之,听觉能力训练是钢琴教学中的重要内容,而且听觉能力训练是一个综合、系统、长期、复杂的项目,教师应该从基本的分辨能力以及感受能力开始,按照循序渐进的原则指导学生训练,在训练过程中,教师应该全面了解学生的听觉特点,然后再采用适合的听觉能力训练方法指导学生练习,这样才可以确保听觉训练效果,提高学生的听觉能力。 钢琴教学初级论文:少儿钢琴初级教学浅谈 摘要:孩子在幼儿园里学习唱歌、舞蹈、游戏等活动,一般都能产生浓烈的兴趣。这是少儿受到环境气氛和伙伴们的情绪影响,激发了自己的学习兴趣。然而,钢琴学习是孩子在家独自坐在钢琴前识谱、弹奏以及熟记乐谱和掌握各种技术要求的个体学习和训练过程。在这个过程中,少儿需要有很大的毅力去完成。本文从如何培养少儿对钢琴的兴趣入手,分析少儿钢琴教学的各个关键细节。 关键词:练琴;训练;兴趣;审美愉悦 无论是从一位教育工作者的角度还是从一名音乐工作者的角度来看,以音乐等艺术形式为载体来激发幼儿去学习、训练弹钢琴(包括对节奏的训练、识谱的训练、唱歌的训练),其关键因素之一就是“兴趣”二字。可以说,兴趣是最好的“老师”,是少儿学习钢琴的动力。 一、学习钢琴兴趣的培养 少儿对学习钢琴的兴趣,刚开始是很浓烈的。可是随着时间的增长,原本高涨的兴趣与情绪“温度”就会陡然而下。那么,在教学中我们怎样去培养孩子的兴趣呢?首先,给孩子创造一个学习音乐的氛围,要从孩子很小的时候开始,家长可以经常播放一些节奏感很强且旋律优美的音乐及一些钢琴曲,让孩子感受到音乐的美。有条件的家庭父母可以经常弹钢琴,或边弹边唱,让孩子感到这个大的“玩具”发出的声音那么美,从而让孩子潜移默化地对将要学习的钢琴产生好奇心,使其想学习钢琴的欲望更高。每个孩子学习钢琴一段时间后兴趣会慢慢降低,但这时候家长和老师不能过于着急,更不能打骂孩子,而应慢慢引导。只有把钢琴当成一个大玩具来和孩子一起玩,这样才能让他们将“玩”钢琴的兴趣延续下去。 所谓兴趣,就是将给我们终身的追求激起无悔无恨的永恒动力。要培养这样伟大的精神力量,需要做很多努力。最根本的就是应当使孩子们的注意力集中到音乐本身,让我们认识到,这是一种用音响符号组合变化以表现自己情绪的语言。现在,许多父母往往迫不及待地教学龄前的幼儿能读会写,可他们未必把认真听取别人说话的态度和正确说话的方法教给孩子。正因为如此,从一开始,就要教给学生一种正确的态度。端正的态度会使学习进行得更顺利。教师最好每一首乐曲,甚至包括近期内学生未必会弹的乐曲,都作有趣的示范,使幼儿体验音乐的美,并养成认真听的习惯。 如果见到孩子摇头晃脑唱歌的模样,你就立刻明白,唱歌在启发少儿无拘束地表达内心情绪方面有着何等奇妙的功效。在这个基础上让他们有兴趣地玩一条旋律,让他们在琴上做各种变化,在各个音区弹奏让他们从直觉上细腻地体验一个特定的音响符号在不同的时间和空间变化中所产生的奇妙效果,从而领悟作为抽象艺术的音乐最基本的思维法则。 如果有可能,甚至还可启发他们发明一些不同节奏音形,让他们出主意制定变化组合的程序等。切勿让孩子漫无目标地一次又一次反复练习,这种方式对于一个注意力最多持续二十分钟的少儿是非常残酷的折磨,就算是成人也不会愿意让人逼着重复几十遍去做一件他既不明白有什么意义,也不明白有什么要求的动作。 二、引导少儿练琴需讲技巧 练琴是练技巧、练脑子、而不是磨时间。有些家长每天硬逼着孩子练一、两个小时,但效果并不显著。根据儿童注意力时间较短的特点,在练琴时,应先练他不喜欢的,或是难度较大的,最后再练容易的或他乐于练习的曲子。教师在课堂上运用语言时应尽量用孩子们觉得生动有趣的语言,比如,抬手时,手腕像蝴蝶的翅膀一样飞起来,上下扑动;弹琴时掌关节要抬起来,像个小锤子,抬起来再垂下去,手臂放松的练习就像大象甩鼻子;手臂用力的练习,就像小猴子荡秋千一样越摆越大,越甩越高……这样的比喻更有助于少儿的理解。 在教材的选用上,要充分利用教材谱面色彩辅助方法,用丰富鲜艳的美术形象把视觉和听觉结合起来,进而增加孩子弹琴的兴趣。此外,要减少识谱、认键、用指三者相互配合的难度,使其注意力更多的集中在对音乐的感受、表现与创造上。还可以把弹琴和少儿喜爱的歌唱活动结合起来,先教他们唱会歌曲,然后教他们把歌曲弹出来,这样能增加他们的兴趣,还可以把弹琴和适合少儿特点的节奏和律动绘画、朗读等结合起来,充分体现少儿是在快乐和游戏中学习的教育理念,标题音乐类少儿钢琴如:《汤普森浅易钢琴教程》,《每日十二首钢琴技术练习》,《儿童钢琴初步教程》等。由于里面每首曲子都有图画,很容易激发少儿的想象力,加上其颜色鲜艳,音符比较大,使得阅读起来较容易,少儿对这一类的教材都很喜欢。而少儿对所弹的曲子非常感兴趣的话,学习也就事半功倍了。 三、对少儿音乐能力的培养 歌唱能力的培养。歌唱是音乐教育的主要手段,歌唱是最容易表达思想感情的音乐形式。热爱歌唱是儿童的天性,歌唱是他们的身体和心灵共同的活动,发出歌声的不是喉咙,嗓子,而是歌唱的孩子本人,是他们的整个身心。只要少儿“有表情的歌唱”,就能用声音表现音乐的能力。比如,《我们的田野》中可以感受到歌曲是旋律和富有诗意的歌词完美结合而形成的具有感染力的整体,从而能够引导少儿从整体中探讨歌词的题材,意境和意义、旋律的魅力、歌曲的高潮、力度,速度的变化、特定的节奏、独特有趣的地方以及困难之处等。 四、节奏能力的培养 节奏感的培养是少儿音乐教育的主要领域。节奏在音乐中具有重要的表现意义,也是最容易引发少儿兴趣和感受音乐的音乐要素。少儿时期节奏感的培养应紧密结合歌唱语言和动作进行,如培养少儿的稳定拍感、理解节拍与节奏、二拍子、三拍子、有声和无声(休止符)、锻炼节奏记忆、尝试最初始的两个声部的配合、教师和学生在钢琴上的配合等。以上这些方面都涉及知识概念和符号的认识与书写,重在儿童的体验,即通过游戏活动在歌唱和弹钢琴中配合动作,加强儿童对节奏运动的感觉。 初学阶段不进行“四分音符、八分音符、全音符”等名称概念的讲述,而是通过音节的声音让儿童首先从感性上体验和识别,可通过丰富多样的练习方式进行学习,这样儿童不但不会觉得节奏练习枯燥乏味,反而会极有兴趣,进而在愉快的情绪中加深了对节奏的感觉和理解。我在教学中一般采用口读、拍手和在钢琴上弹奏等方法来进行教学。四分音符读作“ta”,八分音符读作“ti ti”,二分音符读作“ta―a”。用手拍击时,常常采用双手合拢,从左侧移动向右侧,延长示音保持时值的方法。还可以根据我国的语言特点进行有创意的设计和选择,如“走,跑跑”或“咚咚,锵”等。还可以让孩子念“苹果、梨、西红柿”来区分和念准八分音符、四分音符及三连音。也可用游戏的方法等。 五、识谱能力的培养 少儿不必事先学好五线谱再学弹琴,我们靠的是条件反射,即使是认高音谱表和低音谱表,也是先从认识高音谱表开始。教师可通过练习八度齐奏的哈农或什密特之类的手指练习,让学生慢慢地把高音谱表熟悉起来。因为两手的运动是一样的,不同谱表上的音符运动也会是一样的,这就可以帮助学生熟悉谱面上高低谱表的距离与双手运动之间的关系,也可通过已经会弹的左手,反过来去教眼睛怎样熟悉低音谱表,这样能够使学生在日后转入低音谱表时,不至于有陌生感。此外,还要培养学生养成这样的习惯:看到音符往上或往下运动,手就往右或往左移动。音符在五线谱上的距离,也应当立即换成钢琴上各键之间的距离。例如,谱上印着“多”和“米”,它们之间空了一间,他们在琴上的距离就是空了一键。无论“间”或“线”。都会表示琴上的一个键。连奏、断奏、手臂的呼吸、手指的触键要求、踏板的正确运用等记号在识谱视奏中不能忽视,否则在基本熟悉了再去做纠正就很难了。另外,教学中还应向学生传递读谱的“超前”意识。要有手弹上一个小节时眼睛提前看下一小节的意识。从音型形状,旋律走向选择弹奏动作的意识,使弹奏尽力流畅和精确。采用动感的教学方式不但符合音响节奏的运动特点,使孩子的体验先于符号,而且适应了少儿好动的天性,使少儿有兴趣主动去感知、发现、创造节奏、理解音乐的精髓并对提高识谱能力、激发音乐兴趣有很好的诱导作用。 六、总结 钢琴的教学中,歌唱、节奏的教学,应“顺带进行”识谱教学,这种“顺带进行”必须是循序渐进的,而不是蜻蜓点水似的顺带学习。无论是歌唱能力的培养和节奏能力的培养,还是识谱能力的培养,就如何培养他们对钢琴学习有“乐趣”的兴趣心理形成,并非可依赖平时的某个一招一式,也不可能三两天就可以达到。这需要教师在教学实践中要设计一些符合少儿心理需要的“有趣”的教学方法以及较科学的“对策”内容,并要将其贯穿在少儿的钢琴的教学中。只有这样才能使少儿在轻松愉快的心态下学到东西,从而达到我们的教学目的。 钢琴教学初级论文:儿童钢琴教学的初级阶段浅析 摘要:儿童钢琴教学属于初级阶段的钢琴教学,本文从坐姿、手型、读谱以及基本弹奏技术等方面入手,以准确为标准,为学琴儿童打下良好基础作准备。 关键词:儿童;钢琴教学 随着社会的发展,生活水平的日益提高,人民对精神生活的需求越来越丰富。从儿童培养的角度看,许多家长希望自己的孩子进行一些必要的艺术熏陶。在这样的社会背景下,一批低龄儿童学习钢琴的现象蔚然成风,儿童钢琴教育掀起了波澜。 音乐教育包括审美教育理论及技能教育实践,儿童的钢琴教育亦是一种音乐审美教育,而音乐技术是实现审美目标的手段与途径。技术是对儿童进行审美教育的“桥梁”,是儿童进入音乐殿堂的“钥匙”,也是体现艺术教育学科不同于其他学科的个性特征之一,音乐教育中的技术的学习和训练是非常必要的。教师不能把儿童的钢琴学习推向纯技术的死胡同,而要把技术放在与艺术同等的地位。对于儿童钢琴教育,最重要的是要采取有效的措施把儿童短暂的钢琴学习动力转化为永久的学习热情,充分提高他们的学习积极性和学习效率。 儿童钢琴教学属于初级阶段的钢琴教学,这一阶段是儿童只是学习最初级的弹奏动作和技术的阶段,它包括:正确的坐姿、手型、手指的基本弹奏动作等;基本弹奏技术包括非连奏、连奏和跳奏的弹奏技术等弹奏技术。 一、坐姿 儿童在开始学琴的时候,教师要讲坐姿。 首先,当个子小的儿童踩不到地时,不能让脚悬空着,须配备适当的小凳子。稳定重心是坐姿的关键,弹奏钢琴时身体的重心要依靠臀部和脚来支撑,凳子只能坐三分之一左右,不能把座位坐满或者把身子靠在椅背上,上身要直立,可略向前倾,重心向前有利于将力量传递至手指。 其次,儿童的高矮决定座位的高低,还要使儿童肘、前臂、手腕、手与键盘保持一个水平高度或略高键盘一点;座位的远近应按照儿童胳膊的长短决定,弹奏时胳膊可以自如的移动;脚的位置一般是放在踏板附近,通常右脚在前,左脚在后,这个位置适合演奏时使用踏板,双脚略向前伸、膝盖弯曲的角度要略大于90°。 儿童在坐姿方面有很多常见的毛病:有弓腰驼背、僵硬直立、跷腿、摇晃等等,这些毛病都是由于坐姿不正确引起的,会使演奏失去美感也影响正常弹奏。因此,儿童学琴时,教师就要提出明确的要求,并使之养成习惯。只有正确的坐姿,身体保持放松,才能有一个正确的弹奏基础。 二、手型 手型是弹琴时产生的适合弹奏的姿势,从根本意义来说,适应音乐表现需要的任何演奏手型都是正确的。但是对于初学钢琴的儿童来说,教师应特别重视基本手型培养,手型特点:手指自然弯曲,同手掌一起构成空握球状,掌关节凸起;手指自然分开,原则上一指对一琴键;整只手应以水平位置置于琴键上,手指摆正,与键排列平行;手指触键应处于白键与黑键距离约二分之一处,触黑键时整只手应向黑键位置前移,弹黑键时应弹在键前端位置。基本手型是一种非常自然的姿势,它有利于发挥手指的张力和支撑力。 儿童错误的手型通常表现在两个方面:一是手指第一关节和掌关节塌陷,这影响手指力量的集中,还会影响手指快速跑动;二是4指和5指是弱指,容易造成弹奏不均匀、僵硬的感觉。为解决上述问题,教师应重视训练儿童手指的独立性,特别是训练手指第一关节的自然站立能力和第1、5指指关节的站稳。 三、读谱的教学策略 从儿童接触钢琴的第一天起,教师就应该引导并培养其正确的读谱习惯: 一是辩认音。辩认音就是对在五线谱所标记的音的唱名、音名、音高及其在琴键上位置的确认,让儿童找准五线谱上的线、间。分析谱号、调号、临时变音记号和高低八度记号等对音高的定义。 二是节奏、节拍、时值。在这些方面儿童常犯的错误有:1.不把时值弹足;2.时值过长;3.不注意休止符;4.节奏组合错误;5.看错节拍号等。对于儿童忽视休止符的现象,教师应严肃对待,休止符是没有声音的音符,在音乐中有特殊的作用。 三是表现记号和表情术语。它包括连线、跳音、重音、顿音等,教师应注意培儿童严格按乐曲指示演奏的习惯,读谱问题是音乐风格与表现的需要,对于作品中的表情术语同样需要作出鲜明生动的诠释,因为它们是刻画形象和表现风格的重要手段。 四是指法。科学的指法能节省时间、精力和提高效率,只要手指接触键盘、发出音响就包含一定的指法,而指法的选用又与手指和手的特性分不开,所有的基本练习如音阶、琶音、和弦等都有它规律性的指法。 总之,在培养儿童正确的读谱习惯方面,教师要对他们提出明确要求,既要以准确为标准,又要使儿童掌握科学的方法如离琴看谱、慢速识谱、分句及分段法等,最重要的是要培养儿童认真对待乐谱的习惯,随着学习程度的加深,教师要积极引导他们在弄清谱面要求的基础上,努力探索乐谱背后深层次的内在的东西,以此来不断提高儿童的读谱能力。 四、在钢琴演奏中最基本的弹奏方法是非连音奏法(即断奏)、连音奏法和跳音奏法 1.非连音奏法―断奏 学生学习的第一阶段通常都是非连音奏法,这种奏法有利于让儿童体会和学会用重量弹奏,对手指本身没有独立活动的要求。弹奏非连音奏法要领:可让学生先将手臂慢慢提起略高于键盘,手自然下垂、手指自然弯曲,然后手臂迅速而自然落下,弹奏的手指按在琴键上,指尖站立好,掌关节不塌陷,触键时手指只要支撑着就可以了,不要用过多的外力,手要保持基本手型。在手指按到琴键的同时,要让学生认真倾听钢琴发出的声音,等声音发出后,手指只是放在键上,不再用力,然后再由手腕带动将整个手臂提起,这样就完成了弹奏一个非连音的全部过程。非连奏的触键要点是触键指尖要牢固并使之具备一定坚硬度,抬起手指使指尖与琴键有一定的距离,下键快且触键有爆发力,指尖触键力量集中。非连奏的训练可在左右手五个手指上分别进行训练,先从单音开始,然后训练双音及和弦。非连奏训练时教师要引导儿童聆听弹出的声音的音质,要追求结实、明亮、集中而富有颗粒性的声音和重量自然送下去的感觉,注意手腕的弹性、灵活,同时要引导儿童倾听旋律线条和单音的起伏与倾向。 2.连音奏法 儿童基本掌握了非连音的奏法后,教师就可以开始教他们学习连音奏法了。连音奏法的关键是力量的转移,弹奏完每一个音,要使手臂放下重量从一个手指转移到另一个手指上,要感觉到音进行的倾向,训练时可从两音连奏开始,两音连奏时,第一音与非连奏法弹法相同,从容地按下键,手和手腕放松,弹第二个音时就把第一音时送下来的力量移过去,按到琴键发音后再用手臂带动手指轻轻提起,动作不要急促。在弹好两音连奏的基础上就可以进行三音和五音连奏的练习,要求与两音连奏相同。教师应引导儿童使手指缓慢触键,触键高度要小并采用水平方向用力,将键弹到底但不要压键,声音要求圆润连贯,特别要重视重力弹奏和力量转移,一个连奏一个力量,要防止在每个键上过分用力造成对旋律流畅性的破坏。 3.跳音奏法 非连音奏法与跳音奏法有相同之处,所不同的是跳音要更多地去感觉从键盘上反弹起来的力量,而且触键要敏捷。从弹奏部位上来分跳音有手指跳音、手腕跳音和手臂跳音几种。在非连音奏法比较巩固以后再开始学习跳音是明智之举,跳音训练可先从手臂跳音开始,因为这种跳音奏法比较接近非连音奏法,三种跳音奏法单独练习后还可将它们混合起来放在一首乐曲或一个练习中去,这种混合练习可以使儿童对它们的相同点和不同点更加明确,更有利于掌握每一种奏法。教师在训练儿童弹奏跳音时应注意如下要点:1.触键快、离键快,触键时间短促;2.指尖特别牢靠、极富弹性;3.手指触键面小,获得清脆、明亮、集中、富于弹性的声音效果是跳音训练的目的。 除上述基本动作与技巧训练外,儿童的基本技能训练要尽量体现音乐性和趣味性,并从儿童的实际出发采用少量多餐和循序渐进的方式来进行,训练时要特别强调听觉的参与与鉴别,为儿童学琴打下良好基础。
基础钢琴教学论文:幼儿钢琴基础教学探究 提要:钢琴教学是一门十分专业的学问,它是一门技艺性、实践性、独立性要求非常强的课程,它要求每一位学习者有严谨和踏实的学习态度以及自觉和刻苦的学习能力。尤其是幼儿钢琴教学更有其特殊性,对钢琴教师也提出了更高的要求。 关键词:钢琴 幼儿 教学 钢琴向来被人们誉为音乐皇冠上的明珠,它以音域宽广,气势磅礴,富于色彩变化,表现力极为丰富的特点,被人们誉为乐器之王。幼儿钢琴教师不但要有过硬的专业知识还必须熟悉儿童心理学与教育学,只有这样,才能根据幼儿心理特点搞好钢琴教学,作为钢琴教师应该用怎样的方法去教育学生,这将是钢琴教师一生都做不完的课题! 近年来,学习钢琴的幼儿越来越多,分析他们的学琴动机,不外乎这几种情况:1、家长喜欢钢琴,想让孩子实现自己的梦想而强迫孩子学琴;2、看到邻居孩子在学,带着攀比的心理去学琴;3、媒体的过分炒作,诱导孩子去学琴;4、赶时髦、在别人面前炫耀而去学习钢琴;5、为钢琴考级证书而学习;6、孩子有一定的音乐天赋家长有意将孩子向音乐专业方向发展而学琴。但不管出发点如何,学琴的最终目的应该是使孩子学会体验生活的美,丰富人生,提高生命的境界。家长培养孩子的社会竞争力的目的是让孩子未来生活得更幸福。但当前激烈的竞争,使人们忘了幸福人生的来源不仅仅是社会竞争的胜利,还在于能够享受人类创造的文明与艺术的美,还在于人生体验的丰富性。学琴正可以帮助孩子体验人生、丰富生活、以及从生存竞争的疲惫中解脱出来。让幼儿从小学习钢琴,不仅能使他们提高音乐素养和艺术修养,而且对幼儿智力早期开发和培养严谨而踏实的学习态度、自觉刻苦的学习能力具有重要意义。 然而因为幼儿时期有其特殊的心理表现,所以对于幼儿来说,兴趣的培养则显得更为重要。因为幼儿时期心理发育尚不完全,缺乏意志力与责任感。虽然他们的好奇心很强,但如果不能将好奇心转化为对音乐的浓厚兴趣,久而久之必然对枯燥的指法练习产生厌烦情绪,随后对音乐也就会变得麻木不仁,只是手指的机械运动而已。那么,如何让孩子快乐地学弹钢琴呢? 一、应培养幼儿的钢琴学习兴趣 在钢琴教学中,如果一开始幼儿就对钢琴教学缺乏兴趣,势必会影响幼儿对钢琴学习的认同,甚至对钢琴学习产生厌恶感。因此,在钢琴教学中,教师的首要问题就是如何使幼儿对钢琴学习产生初步的直接兴趣,而不认为这种学习是负担,是累赘。作为教师,我们必须认识到,幼儿们对钢琴的学习并没有一个深刻的认识,他们只有认为钢琴学习可以给他们带来快乐,他们才会去学。儿童最容易接受生动活泼、感染力强和富有情趣的事物。为了开启幼儿学习音乐的兴趣大门,教学中应采取启发、诱导、激励的方法,培养和加深幼儿对音乐的兴趣。因此,在学琴前可以先多让他们听听优美的乐曲,进行想象;或者让他们注意自己爱看的动画片中的钢琴音乐与角色和场景的关系(如《猫和老鼠》);也可以去观看一下学琴孩子的表演。这样,他们就会通过注意慢慢转化为学琴的初步兴趣。比如幼儿喜欢形象思维,无论教识谱,还是教演奏,最好多用一些比喻方法。在弹奏标意性乐曲时,教师在范奏前最好用形象的语言或用童话故事的形式,将乐曲的内容、情境讲给孩子。另外家长也可有意识地多给孩子听磁带、唱片、或多让他们看一些有关钢琴方面的音乐会录像、观看实际演出等。幼儿多具爱表现、喜欢得到赞扬的特点。家长、教师平日可采用打分、贴小红旗的方式鼓励他们练琴。对于他们的点滴进步,也要充分肯定。经常举办一些小型音乐会,让孩子们互相观摩、互相找差距,既锻炼了表演能力,又能产生竞争意识。通过以上方法,幼儿会逐渐对学习音乐产生浓厚兴趣,并能自觉地完成教师布置的练习任务,成绩会明显提高。随着成绩的提高同时还会产生较强的自信心,会更加努力地学琴。 二、幼儿对钢琴的兴趣需要在教学过程中培养 在钢琴的教学上,我们就必须让这些孩子对钢琴的学习觉得有意思、好玩,在一开始就要有一个游戏的气氛,让孩子有学有玩。有一位老师曾说过“快乐学钢琴,越学越聪明”。 1.教材的选用 幼儿初学钢琴,教材选用很重要。幼儿教育强调快乐学习,游戏化教学,钢琴的教材也需要注重这一点,我们可以选用富于童趣、形象生动的教材,这样幼儿会更加喜欢。例如小汤这套教材,由简到难,循序渐进。里面的旋律简单生动,插图与乐谱相结合,很容易让幼儿理解,并产生兴趣。其中火车一课,就是模仿火车开动时的声音;老麦克唐纳一课中模仿鸭子的叫声等等。 2.语言的运用 幼儿的心理发展尚在初级阶段,心理发展水平较低,针对他们理解力较弱,逻辑思维能力较差的问题,要以启发他们的想象力为手段,以一些生动形象的比喻来解释一些技术性较强的问题,如手腕的断奏可以比喻成小鸡啄米,手指是小鸡嘴不能动,手腕是小鸡的脖子,很灵活等等;并且可以在乐理知识的解释中运用比喻的手法,如四分音符可以解释为小蝌蚪或棒棒糖;二分音符可以解释为气球或勺子;全音符可以解释为大鸡蛋等等。还可以编一些口诀帮助记忆,如对全音符的记忆“我是一个大鸡蛋,肚子空空没吃饭,小朋友们见到我,要唱四拍才算完。”对于音高的记忆可以将五根手指比做五线谱的五条线,也可以用其他的物品帮助记忆,如一线上面卧猫眯,一间上面坐沙发等等。 3.游戏的运用 我曾做过这样一个游戏,我把孩子学过的曲子编成1、2、3、4号做成签,如学生抽到1是弹《小步舞曲》、抽到2是弹《练习曲》、抽到3是弹乐曲、抽到4是让老师表演。这样,孩子每次都希望抽到老师,可抽到自己也很乐意去演奏,并尽可能的弹好。这个方法能够非常有效地调动孩子们的学习积极性。还有一次学生弹的是《布谷鸟》,为了让她多弹几遍而又不厌烦,我就说:“我们现在来把这首曲子填上歌词唱,你来伴奏好不好?”“好啊”她一听高兴的说,于是我在学生的琴声中即兴地唱道:桔子、桔子、红红的桔子,桔子、桔子、圆圆的脸,我要吃桔子,你要吃桔子,桔子、桔子、我很爱你。这下学生可来劲了,一口气我们把能看到的、想到的东西都唱了一遍,至少我们也弹了二十几遍了吧。不仅锻炼了演奏水平,还丰富了她的想象力。 三、如何使幼儿对钢琴产生持久的兴趣 1.竞争意识的运用 幼儿的心智虽然尚未成熟,但是他们已经有了自我意识,他们强烈的要求表现自己,希望自己是突出的。因此,在幼儿学习兴趣减退时,可以让他们多观摩其他幼儿的演奏,来激发他们,从而产生竞争心理,再次回到钢琴的学习上来。 2.表扬的功用 对于大部分幼儿而言,适当的表扬是促进他们学习,增强学习兴趣的好办法。老师在幼儿每次上课时多对幼儿的进行表扬,肯定幼儿每一点理解的正确和对于所学内容的创造性想法,都会增强幼儿的自信心,使之对钢琴学习更有兴趣。 四、在幼儿钢琴启蒙教学中应注意几点问题 1.因材施教、循序渐进 幼儿正处于生理与心理上的发育期,各年龄段及同年龄段每个幼儿之间都存在着很大的个性差异。一律用同一模式进行教学,很难收到理想的教学效果。另外,由于每个幼儿在家庭环境、生活习惯、兴趣爱好及性格特征方面都有一定的差异。因此幼儿钢琴教师有必要了解每个幼儿的不同特点,这样才能作到“对症下药”、因势利导。比如有的男孩子脑子很聪明,但特别好动,上课时常不能集中注意力,有的女孩子自尊心特别强,非常敏感。教师略微批评她一下,便会哭闹不止。很显然对这样的孩子不能过分批评,然而也不能对其错误置之不理。每堂课对他们的点滴进步都要给予充分肯定,同时有计划地指出他们弹奏中的错误,且用非常温和的语气讲。有的家长看到比自己孩子后学的都已赶在前面,非常着急,不时训斥,甚至打骂和强制幼儿练琴。有些教师也往往缺乏耐心,动辄对孩子严加训斥,甚至拿根小棍敲击孩子的小手。久而久之许多孩子不仅产生了逆反心理,厌恶学琴,更有甚者一听要上钢琴课,就会产生恐惧心理。这样的心理状态还怎能学好琴呢?对这样孩子只有耐心地启发和培养他们对音乐的兴趣,让他们轻轻松松地上好每一堂课,并能轻轻松松地完成布置的练习任务,增强他们的自信心。这样做同样也能使孩子们在学习钢琴中得到良好的艺术熏陶。 2.注意启发儿童的创造性思维 孩子学习音乐的目的不仅仅在于学习音乐本身,更重要的是通过学习音乐开发智力。教育心理学认为,培养创造性思维能力是发展智力的优秀。在钢琴教学中有意识地去启发儿童的创造性思维,不仅可以提高儿童对音乐的理解力,同时对儿童智力的发展十分有益。德国著名音乐教育家奥尔夫所创立的奥尔夫教学法,应用音乐教育心理学的原理充分培养人的创造性的一种充满活力的教学法。它充分调动了一个人的一切感觉器官来接触音乐,也就是充分感受,在此基础上再让学生充分进行表达。只有充分启发创造性思维,才能通过丰富的想象充分理解音乐内涵,才能提高音乐感、节奏感等音乐素质。为了充分发挥幼儿的创造性思维,提高对音乐的理解力以及音乐感和节律感,作为教师本身也应充分发挥创造性思维,用一些直观、生动、形象的手段,充分调动学生的感官,激发他们的创造性。例如可以制作一些形象的教具,以游戏的形式让学生自己去认识各种节奏谱。另外也可以通过一些人的画面介绍音乐内容,使学生通过视觉配合听觉来感受音乐形象。反过来通过听音乐产生联想,让学生以音乐形象产生联想,让学生将其感受到的音乐形象画出来,也是启发学生创造性思维的好办法。总之,让学生充分感受音乐再充分表现音乐,激发学生用创造性思维方法学习音乐,可以起到事半功倍的作用。 3.要注意建立良好的师生感情,让孩子在轻松愉快的气氛中学习 孩子第一次上钢琴课都是带着既好奇又紧张的情绪。因此,作为孩子的启蒙教师,不仅要授予他们知识更重要的是建立师生之间良好的感情,要培养好这种感情,教师的表情就很重要,教师的表情是一种无声的语言,因为你的喜怒哀乐都会写在脸上,天真无邪的儿童,对教师的表情是很敏感的,教师亲切和善的表情会使儿童一下子和你缩短距离。每个孩子都有着不同的性格,有着不同的喜好、智力条件和身体情况,所以作为教师应该全面地了解学生。例如对于一些性格内向接受能力慢的学生,一旦这些学生突破了某些难点,教师应称赞他,使他们得到鼓励、产生自信,千万不能急躁发火,更不能说一些打击孩子自尊心的话。这样只会使孩子过于紧张而不能很好地发挥真实水平。有的学生虽聪明伶俐,但易浮躁和骄傲,一旦他们弹奏的较成功,而沾沾自喜时,教师要能做到喜而不形于色,在表示赞许的同时指出不足之处,使他体会到学海无涯。对于一贯表现好的学生,一旦发现他们有放松的苗头,教师应以较严肃认真的态度引起学生重视。总之针对不同的孩子我们要有不同的方法,但是最终的目的只有一个,那就是让孩子在健康愉悦的心情下学习,让他们的身心得到健康的发展。我们不仅要做他们尊敬的老师,还要做他们永远的朋友。 总之,我们作为钢琴教师就必须认识到掌握正确弹奏法的重要性,只有基础打好了,楼房才能牢固。其次,我们要不断地充电,更新自己的知识,不仅要练琴,还要多听课,要对学生负责,对音乐教育事业负责。同时在幼儿的钢琴教育中,一定要针对儿童年龄,生理、心理的特点,结合儿童的日常生活,站在儿童的角度去进行教育,采用适合儿童特点的方法进行教学,使孩子学习时感到愉快而有趣,把钢琴作为一个玩具,弹奏美妙的音乐。如果采用教条式方法,或者采用教成人的方法去教孩子,就将事倍功半。那样的学习容易在孩子幼小的心灵里埋下讨厌弹奏的种子,更不要说爱好音乐、献身音乐了。我们要融各家之长,不断丰富和改进自己的教学方法和手段,使我们的教学更具有科学性、艺术性! 作者单位: 山西太原师范学院音乐系 基础钢琴教学论文:浅谈钢琴基础教学中引导演奏者放松的重要性 摘要:钢琴基础教学研究从钢琴诞生之初到现在一直飞速发展,而钢琴教学者在从事钢琴教学的过程中除了注意学生的钢琴演奏技术外,还应更多的关注钢琴初学者的身心健康问题。演奏中长久的身心极度紧张不仅会对演奏出的乐曲质量有所影响,同时也会对演奏者身心造成一定的伤害。本文将试从实验角度对钢琴基础教学中引导演奏者放松的重要性进行验证。 关键词:钢琴教学;放松练习;人体负荷实验 钢琴教学研究自18世纪开始随着钢琴结构变化、演奏技术更新、钢琴演奏风格变迁一直飞速发展着。近些年来,随着人们生活条件的变化,越来越多的国家开始关注钢琴演奏者的健康问题,特别是一些发达国家甚至有专门针对钢琴演奏伤害的治疗机构。[1] 笔者发现,对钢琴演奏者造成伤害的一部分重要原因在于演奏者无法做到在演奏过程中身心的放松。生理学大量研究表明,肌肉长期处于紧张收缩状态会对身体的肌肉骨骼造成负担。[2]人因工程学也有证据证明不自然的身体姿势如果在较长的时间里得不到恢复同样会对肌肉造成损伤。[3]因此,身心紧张下演奏出的乐曲不仅表现力不佳,且会因身体肌肉骨骼损伤造成无法长期练习钢琴,严重者甚至会出现身体上病变,致使放弃钢琴演奏。而且,身体紧张也同样会进一步造成演奏者的心理损伤,产生惧怕演奏钢琴、自卑等情绪。 实际上,钢琴教学者对演奏姿势的重视程度、对学生的教学态度以及家长的行为都是影响演奏者身心放松的重要因素。针对钢琴教学中引导演奏者放松的重要性,笔者专门设计了钢琴演奏人体负荷实验。根据人因工程大量研究表明,绩效指标、生理指标可用于测量人的身体与脑力的负荷程度,而主观感受往往是直观的参考。[4]因此本实验从演奏内容失误率、练习效率、心率、血压、呼吸数和主观感等受角度来进行观测。 演奏内容失误率计算方法为:演奏错误小节数÷演奏总小结数。 练习效率为估算值,主要参考一定时间内练好曲子的时间快慢和练习时间内总共练习的小节数。 为追求实验结果更加准确,曲目在对实验者进行放松练习调整后以固定5天为一个周期进行更换。 实验者小雪年龄7周岁,学琴1年半,性格偏内向,家长对孩子的期盼亦很高,一般练琴时间为每天2小时。学琴1年后出现厌恶练琴的情况,上课效果也有所下降。笔者在大致了解小雪的情况后,对小雪进行了5个课时的观察,并对小雪的一些情况进行记录。(表1) 根据观测,小雪本身的学习能力可以,失误率会随着乐曲熟练程度的提高而下降,练习效率也会随着熟练程度而有所提高但小雪的演奏姿势“漂亮”却不自然,在练习钢琴过程中也会不同程度的感到身体疲惫、肩膀及腰部酸痛,且这种情况不会随着乐曲熟练程度的提高而减弱。 针对小雪的问题,笔者首先让其随笔者一起做手臂环绕、活动肩周、深呼吸等一系列放松动作。随后调节其手臂与前臂呈120°并自然平放在琴键上,手臂自然不加紧,手腕平稳,手指按键支撑保持2分钟,随后恢复自然坐姿3分钟,与其自然沟通后再重复上述动作3次,让其找到放松状。训练重复7天后,笔者让小雪不要刻意身体前倾,放松稳定坐姿即可,并举例说明放松演奏的好处。在调整过程中,小雪渐渐的对笔者产生信赖感。另外笔者劝导小雪的父母可以稍微多给小雪一些自己学习的空间,减轻小雪心理上压力。在调整后,笔者再此对小雪进行观测。(表2) 在调整后的第一周期里,小雪并没有完全适应调整,演奏过程中仍存在感觉肩膀酸痛的情况,但酸痛情况有逐渐减弱的趋势。练习效率已经明显高于调整前,失误率也同比有所下降,可见调整后对钢琴的演奏效率和效果的是有所提高的。从身体指标(心率、血压、呼吸数)上看,练习1小时30分仍对身体负荷有一定影响,但比调整前要稍低。而在调整后的第二周期里,小雪基本上适应了调整,从第三天开始已经在演奏过程中感觉不到身体上的不适,同比之前的练习,演奏效率明显提高,失误率明显下降。身体指标变化也不明显了。此外,笔者也发现小雪演奏曲目时不再给人以僵硬不自然的感觉,演奏熟练性、流畅性都有所提高,小雪的父母也反映小雪_始不再排斥练习钢琴。 类似小雪问题的钢琴初学者有很多,有一些初学者疼痛的部位与小雪也不完全相同,笔者针对5位身体出现问题的学生进行了相同实验,实验结果与小雪的改变基本一致,可以说明引导钢琴演奏者放松对钢琴练习效果、钢琴练琴效率是有一定积极影响的。这也充分说明了从事钢琴教学研究的工作者不仅要潜心研究演奏技术方面的问题,还应重视学生的身心健康,力求保证学生用健康的演奏方式去学习钢琴。只有关注基础,关注学生的根本需求,以学生为本教学才能使钢琴教学进行的更加顺利。 基础钢琴教学论文:高职高专音乐教育专业钢琴基础课程教学改革探讨 【摘 要】本文阐述钢琴基础课程作为高职高专音乐教育专业的优秀课程,其教学改革应在有效借鉴传统钢琴课程实践的基础上,融入自身特色课程资源,优化配置,在课程目标、教学形式与方法、教学评价等方面加以改革,逐渐建成并完善其教学体系。 【关键词】音乐教育专业 高职高专 钢琴基础课程 教学改革 一、问题的提出 钢琴基础课程在高职高专音乐教育专业课程体系中占据重要的地位,其既是基础课程,又是优秀课程,教学实施偏重于学生的技能习得,体现实践性、应用性。同时它更是在高职高专音乐教育专业课程知识体系中与乐理、和声、曲式等课程相互联系、相互作用的基础环节与中间环节。因此,钢琴基础课程在科学、有效构建音乐教育专业课程体系的过程中占据重要的地位。 相对于本科音乐艺术院校而言,高职高专音乐教育专业的钢琴课程定位体现出很大的不同。高职高专音乐教育专业的钢琴课程作为整个课程的基础与优秀,在充分体现实用性的同时,更要与地方就业市场很好地结合起来,以使培养出来的人才能够与地方社会经济、文化建设进行快速、有效的对接,服务于地方经济文化的发展。因此,高职高专音乐教育专业的钢琴课程并不以培养专门从事专业钢琴教育、钢琴演奏、钢琴伴奏的人才作为目标,而以培养出能够掌握钢琴基本弹奏要领,能充分发挥钢琴功能特性并运用于各种相关实践的专科层次人才为目标。在教学中则要求,在保留传统钢琴课程中演奏、伴奏的知识结构的前提下,降低演奏、伴奏的难度要求,使其作为基本知识储备,着重于以之为基础优秀的即兴编配、创作的能力培养,突出人才培养的技能型、应用型特征。然而,传统钢琴基础课程教学却未能体现这样的要求,而是沿用培养专门从事钢琴演奏、伴奏人才的教学模式,不适宜高职高专人才培养要求,亟须改革。笔者拟以广西幼儿师范高等专科学校(以下简称广西幼专)音乐教育专业为例,探讨高职高专钢琴基础课程教学改革的基本方向。 二、钢琴基础课程教学改革的基础 钢琴课程教学体系经过几十年的实践发展,在培养专门从事钢琴演奏、伴奏人才方面已经形成一套科学、合理、可靠的系统,其对于钢琴演奏技术、风格的体现也已十分成熟。因此,不论是对本科层次还是对专科层次的学生而言,传统钢琴课程教学模式及内容在训练学生较好、较快地掌握基本弹奏要领上具有相当有益的借鉴意义。 作为专科层次院校的音乐教育专业,在实践与发展过程中,如何在紧密结合就业市场、以就业为导向的基础环境下,优化课程设置,整合教学资源,真正体现出学以致用,是广西幼专音乐教育专业面临的新课题。钢琴基础课作为音乐教育专业的基础优秀课程,更应与时俱进进行改革。广西幼专作为广西专科层次人才培养的龙头,率先创立艺术系,并成功申报音乐教育专业,一直以来,秉承“以幼教专业为龙头,以艺术专业为特色”的办学方针,致力于为社会培养应用型、技能型人才的实践与研究。自音乐教育专业申报成功以来,广西幼专艺术系充分重视钢琴课程的教学实施、反馈,分析成熟的音乐艺术院校钢琴课程教学的发展状态及特点,借鉴本科层次(师范类)音乐教育专业钢琴课程实施的相关经验,逐渐建立起能够适应专科层次音乐人才培养的钢琴课程教学模式。 三、钢琴基础课程教学改革的策略 作为钢琴基础课程教学改革实践最重要一环的创新知识体系应立足于传统钢琴课程教学,从中汲取并分化出有益于相关课程优化配置的知识点,整合在一起,进而形成科学、有效的知识系统。广西幼专音乐教育专业旨在培养符合地方发展要求的基础音乐教育教师(面向小学音乐教育、幼儿音乐教育),即主要培养面向小学基础教育、幼儿基础教育的专科人才,其音乐课程的配置特点突出,侧重于与学龄前后(6-13岁)儿童音乐能力发展培养相关的课程体系建设,因此,以钢琴基础课程为先导的各课程的相互融合是关键。 (一)合理设定教学目标 传统钢琴基础课程教学中,在中小型乐曲演奏的技能习得上,目标是使学生初步构建以钢琴为中心的旋律线条、节奏组合、表现织体等音乐知识体系的基础,但传统钢琴基础课程的教学目标并不能够有效适应并体现高职高专人才培养层次与目标的最终要求――其倾向于使学生将技能习得中内化的音乐知识用于更好地演奏或伴奏不同时期风格与流派的钢琴与声乐作品――“为表现乐曲本身而练习”。从根本上说,并没有有效利用传统钢琴课程中技能习得的丰富内容,加以强调并提炼,从而准确作用于以钢琴为先导的相关课程,这也是导致传统教学知识体系相互割裂与片面的根源。 因此,在课程标准的制订中要细化教学目标,并切实要求在教学过程中得以充分体现、在教学评价中得以准确评估。广西幼专钢琴基础课程开设于大一、大二两个学年,共四个学期,由浅入深,主要培养学生掌握钢琴基本弹奏要领,使学生能够较熟练地演奏中小型中外钢琴及声乐作品,并表现出特定的情感倾向及音乐风格。这是学生掌握钢琴键盘特性、功能特性、音响特性的基础。从课程配置的层次性来说,广西幼专充分利用钢琴基础课程开设的四个学期,注重真正实现每个学期不同导向的n程教学目标并加以检验。其意义在于:能够将细化的学期教学目标在以钢琴基础课程为导引的各课程的渗透与融合中体现出来,发挥传统钢琴教学模式在知识技能进阶中的支点作用,为下一学期相关课程的衔接与融合做好铺垫,这既是对现有知识学习的巩固,又是对知识衍生与发展的有效准备。 (二)改善教学形式与教学方法 如上所述,在高职高专三年的教学实施过程中,广西幼专音乐教育专业钢琴基础课程贯穿于大三实习实训之前的整个课程体系中,在其不断深入的教学实践过程中,以其为优秀与基础逐渐引入与幼专人才培养目标相适应的相关课程――乐理与视唱练耳课程、声乐课程、奥尔夫教学法课程、儿童歌曲即兴创作与编配课程等。依据每个学期课程设置的特点,钢琴基础课程在教法与学法上具有针对性。 首先是教学形式上的应变。长期以来,结合学生实际基础,广西幼专音乐教育专业的钢琴基础课程教学主要采取传统的“小组课”的形式。“小组课”通常4人一组,每组每周一个课时,其内容主要体现为“知识技能导入、技能回课、技能新课、布置作业”四个教学环节的循环,授课具有针对性,是有效的训练学生进阶演奏技法与掌握特定音乐风格的教学形式。但这种形式对于广西幼专其他优势课程,尤其是音乐教学法、儿童音乐创编等在钢琴基础课程中的综合与渗透具有一定的局限性。因此,广西幼专音乐教育专业改进了“小组课”的授课形式,规划创建新的钢琴实训室,将4人一组的“小组课”改设为“8人小组课”,在优化四个教学环节的基础上,引入“合作学习、角色参与、情境创设”的教学环节:在不改变钢琴课程总学时的前提下,“8人小组课”为每周两个课时,连堂授课。这样,每个学生每周参与课程学习的时间由一个课时增加到两个课时,其中第一节课主要是四个基础的教学环节,第二节课是以钢琴为导的综合课程知识实践教学环节,并采取“合作学习”等新模式。需要强调的是,四个基础教学环节中的回课周期为两周,即每周四人回课,其他四人进行观摩,轮流进行,以此有效保证以往有效的教学实践经验,充分利用教学时间。 考虑到课程设置的特点与课程实施的效率问题,广西幼专钢琴基础课程教学主要采取“分解知识点”式教学方法。比如,对于一首基础钢琴乐曲,依据知识结构的基本特点,将乐曲分为单独的节奏片段、旋律片段、声响片段等,强调特定技巧与情感表现下的“元素性”。以节奏为例,在指导学生练习时,依据学生实际,截取基本节奏片段、较复杂的节奏片段,要求以符合儿童心理特点、感知能力的语言、动作等方法,将节奏练习单独强调,并体现出一定的形象。如此,既掌握了乐曲节奏上的重难点,更使学生在潜移默化中深入地认识并掌握节奏的本质。而在教与学的过程中,对与节奏、节拍、旋律等特点相符合的音乐形象的准确把握是难点,这种能力的培养过程本身即是对钢琴音乐技巧、音乐表现的回归。同时,在教学中,充分发挥钢琴作为基础乐器的特性,使学生在具备一定的乐曲基本元素分解与组合能力后,进一步将乐曲所涵盖的知识技能内化吸收,从而在充分认识与把握声响、旋律线条、节奏控制的基础上进行即兴编配与创作,综合运用各课程知识点,体现出学生以演奏为基础、创编为优秀的实际运用钢琴的能力。 (三)改革教学评价方式 广西幼专钢琴基础课程的教学评价以人才培养目标、课程教学目标为依据,着重于对钢琴实际运用能力的考查。相比传统只考查“基本音阶、琶音+乐曲+练习曲”内容的评价方式,更强调具有规范而生动的音乐表现能力与能够体现综合音乐素养的弹唱、即兴编配能力的考试内容,如“情景模拟”“形象塑造”“钢琴素描”,传统考查方式与“以赛代考”“小组合作”等相结合,形式多样而统一。 四、结语 高职高专教育的职业化倾向是高职高专教育改革中被普遍认同的整体趋势,其人才培养目标以就业市场为导向,以应用型、技能型的人才输出为宗旨,呈现职业化模式培养的特点。高职高专音乐教育专业课程教学体系建设应与本科层次相区别,应充分结合社会需求,从对生源特点的全面分析入手,在实践中发展,以体现重点、突出特色。钢琴基础课程作为高职高专音乐教育专业的优秀课程,其实践改革应在有效借鉴传统钢琴课程实践的基础上,融入自身特色课程资源,优化整合配置,在课程目标、教学形式与方法、教学评价等方面加以改革,体现亮点,逐渐建成并完善其教学体系,最终形成能与就业市场无缝对接的优秀竞争力。 V西幼专音乐教育专业的钢琴基础课程教学改革目前已初见成效,其在以钢琴基础课程为优秀的课程综合教学改革下,培养出的音乐教育专业人才在民族地方基础音乐教育、学前音乐教育中发挥着重要作用,广受好评,在一定程度上,为广西高职高专音乐教育专业的课程教学改革提供有力的例证。 【作者简介】刘晓莉(1983― ),女,北海合浦人,广西幼儿师范高等专科学校讲师,研究方向:钢琴演奏与教学、儿童音乐教学法。 基础钢琴教学论文:论师范类高校钢琴基础教学与简易即兴伴奏的结合 摘要:即兴伴奏是音乐教师在实际教学中需要掌握的必要技能,在当前的课堂教学中必不可少,是当前课堂教学的关键工具,也是艺术实践以及课外活动的重要构成部分。即兴伴奏是一个幼儿教师的综合教育能力的体现,同时也是对其综合素养的考验,是当前钢琴教学中的关键内容。本文探讨了钢琴教学和即兴伴奏教学的融合,目的是让学生在学习钢琴知识的过程中,更好的掌握即兴伴奏技巧,并且良好的应用在实际的伴奏中。 关键词:示范;高校钢琴;即兴伴奏 在学习即兴伴奏的过程中,学生需要了解和声的弹奏技术以及相应的和声理论,了解钢琴弹奏的具体结构,并且明确相应的伴奏层次关系,了解不同的歌曲音乐语言和不同的题材类型,关注钢琴伴奏和歌曲曲式的具体关系,进而提升自身的钢琴伴奏能力水平。本文对相关问题进行探究,希望为实际的教学提供必要的理论支持。 一、当前学生在即兴伴奏能力方面的问题 高等示范院校是培养中小学音乐教师的重要院校,根据笔者的教学实践,学生因为自身的钢琴基本功的差别,他们的即兴伴奏能力存在一定的不同。主要包括以下几个方面:第一,没有扎实的钢琴弹奏基础,没有接受系统的钢琴训练。有的学生在学习多年的钢琴之后,虽然有弹奏复杂钢琴练习曲以及车尔尼钢琴中的相关钢琴曲的能力,但是却无法为十分简单的歌曲进行伴奏,所以不具备较强的伴奏能力,他们在毕业后难以当好小学的音乐教师。第二,学生的和声基础以及音乐理论基础较差,没有掌握良好的理论基础,所以难以进行实践。学生在实际的学习中,往往忽视了对音乐理论的了解和掌握,所以没有把音乐理论和和声、键盘相结合,所以难以达到事半功倍的效果。第三,学生掌握的伴奏音型比较少,无法良好的运用。学生对于不同体裁和风格的歌曲伴奏了解不多。所以他们的毕业的时候往往会发现,他们不但没有弹好钢琴,在钢琴即兴伴奏方面也是一知半解。怎样把简单的即兴伴奏和钢琴基础教学相结合并且运用到实际的教学中,提升教学效果,是当前值得研究的重要问题。 二、在钢琴教学中融入即兴伴奏和相关的理论知识 在钢琴教学中,教师可以在分析曲子的过程中融入即兴伴奏内容。对于钢琴教师来说,需要明确自己的教学目标以及教学内容。在钢琴教学的整个过程中,需要利用循序渐进的策略,实施针对性的教学。在布置相应的曲目时,需要提升教学对策的针对性,让学生有限的时间里掌握特定的钢琴基本技巧,并且利用这些实用的技巧进行即兴伴奏。比如,在讲解车尔尼钢琴教程中,其中包含许多重要的即兴伴奏内容,相应的音型变化较为丰富,而且左手基本都是功能和声连接,教师通过分析和改进可以当作伴奏教学的辅助教材来使用。比如其中的这个谱例: 技术分析:这一段属于右手双音训练练习曲,其中的新内容是双音连线的谈法。相应的双音连线和双音跳音构成了本曲的旋律部分,其中的双音连线包括了两个四分音符相连以及两个二分音符相连接的状况。对于左手来说,则是负责分解和弦的弹奏。在车尔尼前半部分的练习曲中,并没有出现这种伴奏类型,所以在具体的教学中可以着重讲解这些内容。利用这个练习曲进行教学,学生不仅要了解双音连线以及双音跳音的弹法,还需要掌握左手负责的分解和弦的弹奏技巧。上述的就是一个普通的钢琴课教学内容。但是,如何在其中延伸和融入更多的关于伴奏的内容呢?其实教师可以在其中加入即兴伴奏的内容,并且融入一定的音乐理论的知识内容。从这部分的左手来分析,这是一个较为基本的伴奏织体。比如:在活泼而且速度较快的儿歌曲目中比较适合使用1/5/3/5这种伴奏的音型。相应的歌曲有划船以及小星星等等。这些都是4/4或者4/2拍。车尔尼教程中,后面的NO23以及NO21都是三拍子,可以使用到小白船以及平安夜的曲子中。如果学生的能力水平有所提升,那么就可以融入比较复杂的伴奏音型,比如:可以通过小小竹排和蝴蝶这两个曲子来练习琶音音型,可以使用圆舞曲来练习柱式和弦的分类。这些都是难度不高而且具有教学价值的曲目,学生可以在伴奏学习以及基础钢琴学习中进行有机融合,这样可以达到相应的学习目的。 从理论的层面进行分析,教师还可以融入这几个方面的基本和声知识:第一,正三和弦的概念。在大小调式音节的Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ音级上组成的3个自然音三和弦,分别被叫做主和弦、下属和弦以及属和弦。第二,合成功能的概念。在调式音级中,一个调式音级的各级和弦的特征和地位,也就是不稳定以及稳定的作用。具体的和声功能一共有三种,包括下属功能、属功能以及主功能,相应的代表属和弦、下属和弦以及主和弦。第三,属七和弦的概念。也叫做大小七和弦,也就是在大三和弦的基础上增加了一个小三度的音程,也就是指从根音到七音的音程。对于这种和弦来说,基本都是根音建立在属音上,所以也被叫做属七和弦。这种和弦具有一定的不和谐性,在一定程度上加强了属音,所以带有较为紧张的气氛,能够创建换了和活泼的气氛,具有不稳定、不协和的色彩。 通过了这样的学习和讲解,学生一方面掌握了和了解了钢琴中的曲目知识和技巧,而且也明确了即兴伴奏以及钢琴曲目之间的关系,在理论知识方面也有了一定的拓展。在真实的教学中,教师可以把这些实例加入到教学内容中,并且为学生展示实际的创编过程,这样学生可以指导怎么通过学习一个钢琴作品来丰富自己的弹奏技巧,并且加入到即兴伴奏中。通过这种方法,可以有效的创建教学氛围,并且让学生在较短的实践中,掌握一定的理论知识以及音乐知识[1]。 三、制定针对性的教学计划以及教学大纲 师范类学校具有一定的特点,学生在有限的实践中,面对着较为繁重的学习压力和任务,他们在有限的时间里难以进行大量钢琴作品即兴伴奏以及弹奏的学习。所以,基于培养实践型人才的先进教育思想,并且遵循当前的教学大纲要求和师范类学生的学习年限,学校需要制定针对性的钢琴能力达标标准,并且规范当前的钢琴教学流程和内容[2]。 在大一第一学期的教学中,教学内容包括:视奏+钢琴基础演奏。在大一第二学期的教学中,教学内容包括:伴奏基础知识+视奏+钢琴演奏。在大二第一学期的教学中,教W内容包括:即兴伴奏+视奏+钢琴演奏。在大二第二学期的教学中,教学内容包括:键盘实践+即兴伴奏+视奏+钢琴演奏。对于钢琴主修生来说,大三的教学内容包括:正谱伴奏、曲式和声、键盘实践、即兴伴奏、视奏以及钢琴演奏。大四的教学内容包括:正谱伴奏、曲式和声、键盘实践、即兴伴奏、视奏以及钢琴演奏[3]。 四、改革教学评价的对策 目前,我国许多高校当时应用较为落后的考试评价方式。相应的考试内容包括练习曲、琶音以及音阶的考核,教师进行现场评分。利用这种考试可以检验出学生对于特定演奏技术的掌握程度,但是无法证明学生具备为实际的教学服务的能力。因为相应的考试内容和目标比较单一,所以难以全方面的检查学生的技能和知识水平。对于师范类钢琴教学来说,其最终目的是良好的培养学生使用钢琴来服务社会,而不是简单的掌握具体的演奏技巧。所以相应的教学评价需要具备多元化的实用化的特点。对于师范类钢琴教学评价来说,需要包括对学生各方面能力的评测,不能只是包括单一弹奏曲目[4]。可以结合以下的内容来评定最终的考试成绩:第一,视奏考试以及钢琴演奏考试。在以往的考试中包括复调作品、练习曲以及音节琶音等,而后考察学生的视奏能力,教师进行现场评分。通过这种考试形式,可以检查学生对相应钢琴演奏技术的掌握和了解情况,并且让学生在有限的时间中,展示相应的作品和声、曲式以及风格的理解,对相关的技术进行综合的运用。第二,考察即兴伴奏的能力。学生需要在钢琴教师的指导下为相应的曲子伴奏,由特定的声乐和钢琴教师共同评定相应的分数。通过这种方法,可以解决在声乐考试中没有机会合奏以及难找伴奏的问题,并且创造了检验学生伴奏水平和实践的良好机会,是对学生综合钢琴水平的考察[6]。 五、结语 在以往的师范音乐教学中,往往把即兴伴奏教学和基础钢琴技巧教学分割,课程之间的脱节比较严重,所以学生在钢琴技巧方面的进步比较小,相应的伴奏能力也比较差。在实际的教学中,教师需要确保教学方式的多元化以及多样化,全面融合即兴伴奏课程以及钢琴基础课程,这样才能获得良好的效果。 作者介:苏志灵(1971.08-),女,河南开封人,研究生学历,郑州师范学院副教授。研究方向:音乐教育。 基础钢琴教学论文:有关高职艺术院校钢琴基础课程的教学探讨 【摘 要】钢琴基础课程是高职艺术院校基础课程。它有着自身独具的课程特色与教学要求,笔者结合十多年的高职教学经验,谈谈钢琴基础课程的教学重点,希望能抛砖引玉,对读者有借鉴作用。 【关键词】读谱;规范;调性;教材 近年来,高职院校成为我国高等教育的重要组成部分。作为高职艺术院校的钢琴基础课程,是根据教学的发展和需要针对非钢琴演奏R刀开设的一门课程,这门课有着自身独具的课程特色与教学要求。笔者结合十多年的高职钢琴基础课程教学经验,谈谈钢琴基础课程的教学重点,希望能对读者有一点借鉴作用。 一、快速读谱能力的培养 读谱包含着某种研读、辨识、认识之意。读谱能力强,可以大大缩短熟悉乐谱的过程,及早将精力用到乐曲的技术、艺术问题方面去,从而加快学习的速度。读谱训练可以从准确的键盘位置感、音键距离的对应关系、音与音的关系这几方面加强训练,更要加强内心听觉能力的训练和理论知识的修养。读谱中最大的敌人是快和急。在弹奏中“慢”字当头,宁慢勿断。读谱时心理状态上要精神集中、反应敏捷而又沉着冷静,从易到难、从简到繁、从慢速到应有的速度。 二、基本技术训练的规范性 高职学生群体来源各不相同,其音乐学习的背景差异大,绝大部分未经系统、连贯性的学习。无论何种情况,只有规范性的基本技术训练才是获得正确的、一定程度的技术技巧的基本保证。但基本技术训练内容枯燥,学生对这部分常常没有兴趣。从某种意义上讲,越是能投身于不喜欢的东西的练习,而又能从中产生一定乐趣的学生,越是有可能达到较高的水平。五指练习、二十四个大小调的音阶、和弦、琶音的练习每堂课必不可少。只有在基本技术有了一定的基础之后,则可以在选曲时适当考虑学生的兴趣。 三、音乐表现与弹奏技术的关系 若要音乐表现好,首先内心要有对音乐的感受和理解,其次要具备相应的钢琴弹奏技术。有的学生,音乐感受能力强,但技术不够用,表现受限制;有的学生,弹什么都不大费力,但内心缺乏感受、无从表现。只有在音乐感受和弹奏技术两方面一齐努力,才能表达出好的音乐。针对具体作品的弹奏来说,“对比的原则”是最重要的。有力度的对比、速度的对比、音色的对比、情绪的对比等等,只要恰如其分地做到了应有的对比,就会有较好的音乐表现。最理想的是,音乐表现与弹奏技术相辅相成、相得益彰。 四、有针对性的教材选择 选取精良的教材无疑是我们教师不可推卸的责任。教材选择要根据学生不同层次的基础以及喜好来量身定制;要充分运用教育学、心理学的知识和经验,去挖掘有意思的学习内容,建设一套具有开放思路的教学方法,在教材、教程方面多加专研。如:当我们面对的是少儿音舞专业的学生,完全可以挑选一些国内外民间舞曲作为他们平时练习的课业内容之一;而当面对的是声乐学生时,则可以选择带一些歌曲伴奏的乐谱进行练习;面对作曲专业的学生,巴洛克时期的复调作品学习必不可少。这样既照顾了学生的钢琴练习,又有了灵活运用的基础。除了教学计划以外,老师也可以适度进行粗线条教学,每学期布置几首浏览性曲目。通过自学,学生可以借助钢琴认识众多的音乐作品,将钢琴当成“浏览器”去阅读音乐。在这个过程中,教师就已经将理论教学与实践教学渗透到专业教学中去,使知识逐步转化为能力,全面提升学生的综合素质。 五、关于调性的练习 转调练习在钢琴基础课程中是一种特别需要具备的能力,需要专门学习、着力加强。移调弹奏练习能培养学生在弹奏中对音乐旋律的注意力和记忆力,对不同音乐调性的理解和感悟,对钢琴键盘位置的注意和记忆。在钢琴弹奏中,达到视觉、触觉、听觉与心脑感官的全面感悟。在教学中让学生除了达到《哈农》一般的练习目的之后,还要尽可能移至其他调上进行练习,通过移调练习,不但使学生的手指在黑键上得到锻炼,而且让学生对于变调有听觉上、手感上的认识。这对于学习作曲和声乐主课的学生来说,是相当必要的,能够为将来学习了解钢琴即兴伴奏课程作好充分的准备。 六、关于一对多的钢琴小组课 非钢琴专业主课的钢琴基础课程有时会以一对多的小组课的形式出现。在小组课上,我们面对的都是具有独立思维意识的大学生,上课时可以集体辅导与个别讲解相结合,先对演奏曲目以及演奏中的一些常见问题进行讲解,然后通过学生的轮流弹奏表演,教师进行纠错讲评,这样还能够形成你追我赶、互相学习的氛围。 钢琴基础课的教学除了依据学科本身的特点进行专业授课,也要结合高职院校的办学理念和广大学生的总体需求进行不断探索和实践。我们要把学生的进步和使音乐变得更美当作教学生活目标,使这门课的专业特色与魅力在社会人文交融的土壤中发挥更大作用,培养出真正的“高素质技能型”人才来。 基础钢琴教学论文:钢琴基础教学浅析 摘 要:钢琴被称为“乐器之王”,已然成为学习乐器者的首选,钢琴教学也成了很多专业音乐工作者的必备技能。钢琴演奏是一门讲究科学、讲究系统性的技术,钢琴教学必然更需要讲究科学、讲究系统性。本文从钢琴基础教学的角度,浅略谈谈个人经验。 关键词:钢琴基础;教学 钢琴具有优美的音色、丰富的和声、高雅的织体,当仁不让地成为乐器之王。无论是专业的音乐学习者,还是业余的爱好者,对钢琴都钟爱有加。钢琴学习不断升温,钢琴教学骤然成潮。然而,钢琴演奏是一门讲究科学、讲究系统性的技术,钢琴教学必然更需要讲究科学、讲究系统性。特别是规范的钢琴基础,对于钢琴学习来讲,是基础也是根本。下面,从四个方面谈谈钢琴基础教学的体会。 1 姿势要正、稳而松 钢琴弹奏首先讲究的是坐在琴凳上的姿势,这既是外在形象上的主观要求,也是内在演奏上的客观需要。姿势的正确、规范与否,直接影响演奏的舒适、流畅。用三个字来概括具体要求:正、稳、松。 首先,要坐正。从身体上讲,上身要坐直,弯腰驼背既没有形象,也没有气质,更不利于演奏过程中身体的活动。从位置上讲要,要坐在钢琴的正中央C或G,偏向哪一边都将影响演奏的技术发挥。 其次,要坐稳。钢琴琴凳的高低、远近位置,要根据个人身高、身形进行适当调整,一般只坐琴凳的一半位置,甚至更少些,要保证双脚踩地且能支撑身体重心为宜。坐稳是为了演奏技术更好的发挥提供保障。 第三,要坐松。坐在琴凳上身体不能僵硬,特别是双肩、双臂要自然下垂,不能夹、紧。重心要落在臀部和两脚之间,不能完全在臀部,甚至两脚处于悬或半悬状态。要是小孩子身高有限,双脚不能着地,应该在脚下加个小凳子垫着,踩在小凳子上。松弛的坐姿能为钢琴演奏提供不受约束的动力和力量,要特别注意身体既要松,还不能垮。 2 手指要弯、抬而击 手指是钢琴演奏的主要部位,也是钢琴技术技巧的具体实施者,钢琴学习过程主要目的和任务,就是提高手指的独立性、灵活度、力量感。因此,手指的状态及训练是钢琴学习的关键。也用三个字来概括技术要点:弯、抬、击。 首先,手指要弯。这里的“弯”主要是指手型保持自然弯曲状态,手指触键不能塌指、塌掌,特别是第一关节不能塌,因为它起到力量的支撑作用,整个手臂的重量要落在腕关节至指尖上。手指的弯曲状态才能确保是指尖触键,而不是指肚触键。手指在键盘上的规范站立,是演奏力量能否贯穿到键底的关键。 其次,手指要抬。抬手指主要指第三关节(掌关节)抬起,只有抬起,才有击的力量。抬是弹奏的发力点,弹奏时抬起后把力量集中到指尖,并迅速地击下去,是弹奏过程的触键关键动作。 第三,手指要击。这里的击是指手指抬高后的击键,要使力量从肩部一直通到指尖,是击,二不是砸、按、推,要保证击键发出的声音集中、清晰、圆润。抬和击是手指独立性能的关键所在,是确保音色的颗粒感的关键所在,两个动作要一气呵成,不能只有抬没有击,当然没有抬更不谈击。 3 识谱要细、快而准 识谱是任何音乐学习的基础和基本能力,识谱的能力高低直接决定学习效率和效果。钢琴演奏对于识谱能力要求更高,由于钢琴谱是双行谱,并且钢琴音乐的织体非常丰富和复杂,所以钢琴视奏既考验识谱水平,又考验演奏能力高低。 首先,识谱要细。要将乐谱上的信息应看尽看,眼到还要心到,心到还要手到,这是视奏的整个过程。要熟悉高音谱号和低音谱号与琴键的对应位置关系,识别谱面上所有内容。具体讲,首先要看清谱号、调号、拍号、表情术语;其次要看清楚音符、休止符及时值,这是记录音乐的关键要素;还要对谱面上的每一个演奏记号、标记、术语、指法看清楚,这些要素是决定乐曲性质的重要内容;最后还要看清分句、呼吸位置等。一首钢琴作品的准确、成功演绎,识谱是否仔细是起决定性作用的。 其次,识谱要快。识谱的速度要快,看乐谱要像看文字样的熟练,要有“一目十行”的功夫,识谱的速度直接决定视奏的效率。要想快速识谱,除了想尽办法记住音的位置,还要结合音乐理论识谱。比如,通过五线谱线与间之间的音程关系识谱,通过和弦的原位与转位的位置与形状识谱,还可通过织体等比较有代表性的音型识谱等。快速识谱还离不开大量的视奏练习,还包括视唱训练。 第三,识谱要准。这里的准是指要准确无误,不能看漏,更不能看错。首先谱号、调号不能看错、看漏了,这是能否正确识谱的第一关,要是谱号、调号都看错了,后面的识谱就没有意义了。识谱的准确性最主要的是音符不能看错,特别是加了临时升降记号或调号发生改变的音符,很容易因马虎弄错。还要注意指法不能看错,指法是钢琴演奏的基本规则,错误的指法会严重影响演奏技巧的发挥。总的来说,漏看、错看谱面任何一个信息,对于钢琴演奏都是致命的。 4 声音要亮、匀而圆 钢琴最迷人之处就在于其优美的音色,特别是丰富的和声与织体共同呈现出的整体音响效果,细若丝丝细雨、动若万马奔腾。要想能弹奏出变化莫测的音色,从开始学琴起,就要严格重视每一个音符的音色控制,具体来讲,还是用三个字来概括:亮、匀、圆。 首先,声音要亮。这里的亮主要指弹奏力量要贯穿到键底,出来声音要明亮,集中。但是,还要亮而不裂,亮而不燥,亮而不破。这就需要平时练习时,注意倾听自己弹奏的声音效果,要不断尝试演奏出最合适、恰当的声音。只有对每个音都讲究质量,最后才能演奏出动人的整体效果。 其次,声音要匀。在钢琴学习初期,由于手指力量的不均衡,演奏技巧的不到位,整体控制的不协调,都会导致声音的不均匀、不统一。在钢琴音色的控制方面,首要的就是能控制声音的均匀,只有先均匀,才能有变化,最后到自如的表现各种音色。钢琴声音的匀,主要现在三个方面:一是同样时值的音符的声音长短要均匀;二是声音的力度要均匀;三是声音的音质要均匀。这三个方面都是要求手指的控键要到位,特别是每个手指的灵活、灵敏要一致,由于人的手指天生长短不一、粗细不一、力量不一、灵活不一,还有左右手的差别等,这需要大量的基本功练习才能提高。 第三,声音要圆。这里的圆是指声音要圆润,不能尖、刺耳。由于钢琴是打击乐器,其发声的原理是榔头敲击琴弦发声,所以控制声音的圆润很难,需要触键的高度灵敏,特别是力量的恰如其分。不同的钢琴有不同的机械性能,也给演奏者控制音色带来了挑战。声音的圆润是音乐表现的基础,弱而不虚,强而不烈是声音控制的关键。 总的来说,钢琴演奏最终目标是演奏出的声音要尽可能明亮、均颉⒃踩螅还要饱满有力,变化细腻。科普兰说:音乐最有效的途径是聆听。钢琴声音的控制的练习也需要仔细聆听,只有不断舍弃不好听的声音,不断最求更好听的声音,最后才能演奏出美妙的声音。 钢琴的学习是一个漫长的过程,也是练习者不断挑战、战胜自己的过程,也是体验钢琴苦于乐的过程。俗话说,台上一分钟、台下十年功,用这句话形容钢琴一点不为过。只要严格规范的习惯,加上勤奋、刻苦的练习,钢琴的任何技术技巧困难都会不攻自破。常言道,宝剑锋从磨砺出,梅花香自苦寒来。钢琴的学习是考验耐力与毅力的过程,从基础开始,扎实走稳、走好每一步,完成每一个技巧的练习,只要坚持到最后,就一定能演奏出动人的乐章。 基础钢琴教学论文:论四手联弹在高校钢琴基础课教学中的重要性 【摘 要】近年来,随着高校教学改革,钢琴教学也相应发生了改变。四手联弹是钢琴二重奏的重要形式之一,而作为钢琴基础课教学内容却是近年来才逐渐开始的。将四手联弹引入课堂教学,能够增强学生的合作意识、培养学生的综合能力,有效提高高校钢琴基础课教学的效率,推动高校钢琴教学的改革发展。 【关键词】四手联弹;高校钢琴教学;钢琴基础课 四手联弹的表演形式自16世纪开始,当我们翻看当前高校钢琴教学的教材时会发现,适合四手联弹的歌曲只有一小部分。究其原因,我国传统“一对一”的钢琴教学形式限制了四手联弹的发展,这对于钢琴教学无疑是一种损失。本文针对四手联弹的历史发展及特征进行简单介绍,进而探究其对于高校钢琴基础课教学的意义所在。 一、高校钢琴教学的发展状况 当前高校钢琴基础教学正处于逐步完善的阶段。作为高校艺术专业的基础课程,钢琴基础课的设立已经成为必须。随着高校的扩招,学生人数增加,对于钢琴教学而言,尽管各高校仍然竭力保持着“一对一”教学的传统,但面对大量的生源压力,也不得不一步步做出调整,逐渐向集体授课模式转变。这些转变,看似顺应时展,但其中隐藏的弊端也逐渐暴露出来。 因此,在钢琴基础课教学中,如何避免大班授课的弊端,是目前亟待解决的问题。在这种情况下,将四手联弹的演奏形式引入课堂,能够为课堂带来新的生机。四手联弹在注重个性化的同时也追求合作精神,能为教学带来更多转变。 二、四手联弹的发展及特点 四手联弹开始于16世纪,略早于双钢琴,却与双钢琴的发展有着不可分割的关系。如果说双钢琴的发展归功于莫扎特,那么莫扎特为四手联弹特意谱写的六首曲子也顺理成章地成为推动四手联弹发展的动力。随着双钢琴被观众接受及认可,众多二重奏乐曲相继出现,贝多芬、博拉姆、舒曼等都投入其中,创作出一批精彩的钢琴二重奏曲。19世纪是钢琴二重奏发展的鼎盛时期,已经与协奏、独奏形成鼎足之势,成为钢琴演奏的重要形式。本文所要探索的,是如何将四手联弹运用于现代钢琴教学中,使这一古老的演奏形式散发出别样光彩。 论及四手联弹的特点,最为突出的就是合作性。这不仅体现于两者的合作,还更多体现于深层次的配合。钢琴演奏并不是单纯弹出乐曲,而是要投入感情,实现演奏者与欣赏者心灵的共鸣。要想四手联弹达到完美的演奏效果,就需要演奏者之间形成默契,并深切投入感情。 四手联弹的另一特点是对听觉的高要求。在演奏过程中,只有敏锐捕捉到每一个音节的变化,才能进行弹奏,尤其是当一首曲子是由两个人共同完成的时候,每一处细微的变化,都有可能会影响整体效果。当一个人的演奏出现了细小变化时,正常情况下另外一个人就要马上进行弥补,因此对听觉有了更高的要求。 三、四手联弹运用于高校钢琴基础课的意义 (一)缓解教学压力。随着高校学生人数的增多,“一对一”钢琴教学模式很难实现,并且教师与学生之间的距离逐渐拉伸。在教学改革过程中,尽管技术上的教学与指导可以通过大班授课以及小组合作学习的形式实现,但教师的指导环节却无法进行。将四手联弹引入钢琴教学中,能够使教师同时对两名学生进行指导,在一定程度上缓解了“一对一”模式带来的教学压力,教师的指导变得更为轻松,学生在合作过程中也能相互取长补短,共同进步。 (二)提高学生的钢琴学习兴趣。在高校钢琴基础课教学中,针对的是器乐演奏、声乐演唱的学生,这些学生学习钢琴的目的,更多是为了增强自身技能、提高演唱技巧,在此之前并不一定具备钢琴基础。这也就意味着,一个班的学生可能会有几种情况,如喜欢钢琴的、不喜欢钢琴的、有一定钢琴基础的、没有钢琴基础的,等等。这些学生在一个班级学习钢琴弹奏,能力总是会有强弱之分。通过四手联弹,学生能够借助相互之间的配合给予鼓励、激励,乃至于提高兴趣。学生之间没有年龄差别和交流障碍,共同的配合,也能使他们为了完成某首曲子的弹奏而努力加强个人练习,这些都是自主学习很难达到的效果。 (三)丰富了教学内容。将四手联弹引入高校钢琴基础课教学,能够扩充学生的学习内容。在当前教学过程中,教材中适合四手联弹的乐曲少之又少,仅有几个篇章。如果在教学中引入四手联弹,就需要教师为学生补充四手联弹的曲目,在不自X中丰富了教学内容,开阔了学生的视野。尤其是一些大家的作品,无论是莫扎特、贝多芬等的经典曲目,还是一些现代作曲家编著的现代四手联弹曲目,成功地学习其中的奥妙,能够极大地提升学生的音乐品味,为学生的音乐学习带来意想不到的收获。[1] (四)综合提高学生的音乐能力。在学习钢琴演奏过程中,学生的音乐能力也是不容忽视的。通过四手联弹教学,能够提高学生综合音乐能力,这种综合能力不仅限于演出技巧的提高。首先,在日后的演出过程中,学生接触更多的可能就是与他人的合作,钢琴伴奏、合奏的机会远较独奏、协奏多,通过四手联弹可以提高学生的合作能力,这种合作不仅是配合,还有迎合,对日后从事相关行业有很大帮助。除此之外,四手联弹能够锻炼学生对弹奏的感知力,促成旋律弹奏训练。[2] (五)能够实现对学生听力的训练。良好的听力在重奏中是非常重要的。在弹奏过程中,如果进入到减弱音阶段,两个人中的其中一个稍有松懈或者减弱时漏掉,就会使整个曲子的减弱部分做得“过度”了,那么曲子的弹奏也就失败了。四手联弹要求学生具有较强的听力能力,能够准确捕捉到整首曲子弹奏过程中哪怕一个呼吸的变化。因此,实现四手联弹不仅仅对技术水平有更高的要求,对于学生的听力也是一个提升的过程。经过这方面的尝试与练习,学生对于音乐的敏感度也会相应增加。[3] (六)全面提高学生的综合能力。四手联弹所能提高的不仅仅是学生音乐方面的能力,还有学生的个人能力。例如,在演奏过程中的合作,能够使学生感受到团队的力量,并且能够为了团队而逐渐收敛自身的一些特点,努力去配合。这在传统教学中是很难体现的。除此之外,还在于学生对于音乐的把握,能够更好地“伪装”自己了。音乐之所以成为一门艺术,就是因为它能引起听众的共鸣,这种共鸣无关年代甚至感情,只因为当时的曲子符合当时的心情。在这个过程中,需要演奏者先将自己的感情投入其中,在独奏过程中,演奏者一个人的喜怒哀乐会直接带入乐曲中,而在四手联弹中这样的情况很难发生。四手联弹的引入,能够使学生在学习过程中更好地塑造自我。[4] 四、结语 四手联弹是钢琴二重奏的重要形式之一。如果将钢琴演奏形式进行细分,可以分为伴奏、协奏、重奏、独奏,其中伴奏与重奏作为合奏的形式,不仅考查演奏者对音乐、钢琴艺术的把握,还考查其合作能力――这对于当前钢琴的运用是极为重要的。本文探索了四手联弹运用于高校钢琴教学基础课中的意义,有许多问题及展开策略,仍然需要在教学实践中进行探索。 作者简介: 杨晓琴(1977-),女,四川合川人,副教授,大学本科,研究方向:音乐学。 基础钢琴教学论文:谈中职“钢琴基础训练”教学新思路 【摘要】中等职业学校音乐专业的“钢琴基础训练”课程是一门专业基础平台课程,是一门实践性较强的优秀课程,“钢琴基础训练”课程标准明确了课程的性质,规范了教学目标、教学内容与要求,提出了科学合理的教学实施与评价建议,对提高一线教师的教学质量起到了有效的指导作用。 【关键词】“钢琴基础训练”课程标准;新思路;教学质量 【作者简介】黄璐,江苏省戏剧学校(南京,210002)教师,高级讲师,主要研究方向为钢琴基础课教学。 中等职业学校音乐专业的“钢琴基础训练”课程标准明确了课程的性质,规范了教学目标、教学内容与要求,提出了科学合理的教学实施与评价建议,为中等职业学校音乐专业“钢琴基础训练”课的教学提出了基本要求,对音乐专业“钢琴基础训练”教师来说具有重要意义。 一、课程性质的确定 关于“钢琴基础训练”的课程性质,课标中指出“它是一门专业基础平台课程,是一门实践性较强的优秀课程,其任务是培养学生具有基本的钢琴演奏能力和音乐审美能力,为后续声乐表演、器乐表演课程的学习奠定基础”。既然是基础平台课程,那么教学的目的就是使学生学习弹奏钢琴的基本知识与基础技能,同时将其他基础课程中学习到的内容(如“乐理”与“视唱”中的“音乐理论基础知识、节奏与音准的训练”)在钢琴弹奏中进行实际操作和训练。在中等职业学校里,钢琴基础课开设的时间各有不同,有一年的,也有两年或两年半的。同时,课标中明确规定了本课程开设两学年,共66个学时,这一规定有助于教师在制订具体的授课计划时,能进行更加合理的安排。 二、课程设计思路的明确 如何提高教学效率和拓展教学内容是教学的关注点,课标为我们写明了课程设计思路,使教师可以根据这样的思路来调整教学方法,扩充教学内容。课标主要从“知识与技能、过程与方法、情感态度与价值观”三个维度来确定课程目标,要求针对各自的教学对象,从这三个维度来因材施教。 教学过程中,笔者从前较多地关注学生在知识与技能方面的学习与掌握。上课时,反复讲解与指导学生训练技能。而学生形成一种技能的过程是因人而异的,时间上有长有短,效果上有好有差,如果过多强调技能,就可能使技能失去生命,变成一种机械的运动。在教学中,笔者逐渐意识到这个问题,开始考虑怎样将技能训练与情感表现相结合,使学生从枯燥的技能练习中获得乐趣,进而提高技能训练的效果。教授技能的同时,通过乐曲的训练,让学生理解技能是如何使用的,能达到什么样的演奏效果,这样的效果是否是音乐要表达的情感。将这些因素结合起来进行教学,使得枯燥的技能练习变得生动起来,同时也能激发学生对音乐的想象力,调动学生主动去表现音乐,从而意识到技能是表现的基础。 三、具体的课程目标的分析 对于中职学生来说,在“钢琴基础训练”课上究竟要学什么?换句话说,具体的课程目标是什么?从课标上,笔者看到了一个关键句子,即“掌握演奏的基础技术技巧,会弹奏初级钢琴作品,具有简易作品的伴奏能力,能适应音乐文化活动的需要”。以往有些教师认为学生在有限的时间达到比较高的水平是一件非常了不起的事情,这样的思想存在着“拔苗助长”的危险。新课标降低了标准,符合学生的学习发展规律,避免了教学中“浮夸”的风气,学生在两年的时间里踏踏实实地学习基础知识和技能,抓住了培养良好的音乐审美意识这一关键。有了课标的规定,教师的教学规划变得更实际、更科学,教学也随之顺畅和规范起来。 四、课程内容与要求的具体实施办法 音乐课程的教学是不容易统一和标准化的,课标中给出的“课程内容与要求”是最基础的,在具体的教学中要以课标中设定的内容为基础,根据学生的个体差异与整体特征补充和调整教学内容。在课标“课程内容与要求”的明确指导下,笔者将教学内容做出不同程度、不同方向的补充与调整,从拓展教学内容、引进与时代同步和适应学生年龄特点的曲目,到注重音乐相关课程知识与钢琴演奏的关系,从而将艺术修养的培养和演奏技能的训练相结合,不仅提高了学生的学习兴趣,还让学生有了更多自主学习的空间,将感性的艺术表现力与理性的弹奏技巧有机融合,使学生得到全面的训练。课标中,按照传统的钢琴技能训练步骤制定了曲目,沿用了钢琴练习曲以车尔尼钢琴练习曲作品599为主,同时吸收了当代钢琴作品的内容,将流行音乐的元素补充进来,符合学生的年龄特点和爱好。通过了解当代钢琴演奏的新趋势、新技术、新作品,笔者在教学内容的设定上,增加了学生喜爱、社会流行的动漫音乐改编的钢琴小品、通俗歌曲的钢琴版本以及爵士钢琴小品。这样一方面增强了学生的演奏兴趣,另一方面也扩充了教学曲目,使得钢琴基础训练更具时代气息。在学习此类作品时,还注意引导学生分析作品的结构,了解伴奏音型的种类和作用,并让学生在课后对自己喜爱的流行歌曲进行简单的伴奏编配。这样一来,学生就能运用课堂上学习到的技能与技巧进行实际训练,巩固了技能的掌握。 五、以教学理念确定“小组课”教学形式的要求 课标明确了这门课程的教学理念是“以学生为主体,教师发挥主导作用,以小组课为主要授课形式,发挥出小组课教学的优势”。中职的“钢琴基础训练”基本上是以“小组课”为主要教学形式。根据课标的要求,如何发挥“小组课”的特点和优势,需要一线教师在具体实施过程中不断研究和思考。笔者以往理解的“小组课”是缩短了时间的“个别课”,这样一来,“小组课”其实形同虚设。通过对课标的学习,笔者认识到要在教学中利用中职学生的年龄特点,小组课应体现出学生的参与性。学生除了演奏外还要参与到评价与思考的活动中,让学生与教师、学生与学生之间通过互相评价取长补短。这既让学生形象地学习与理解了弹奏的技术和技巧,提高了学生的理性思维能力,同时又让学生在课后能正确指导自己的练习,学生主观能动性在钢琴小组课上有了突出体现。在“小组课”的课堂设计上,笔者认为教师要在课前构思整节课的组织程序和要求,课上善于调动学生的思维,启发学生对课堂讲授的技能与知识的理解。小组课课堂教学的构架可以运用现代信息化教学的方式,让课堂教学形式呈现出多样化。同时,笔者还在小组课上将学生组合起来,训练学生演奏钢琴重奏作品,既丰富了教学形式与内容,又训练了学生的合作能力。 六、多元评价方式的应用 对于音乐作品演奏的评价,向来是见仁见智,对于如何评价学生的学习成果,一直以来都是一个需要完善的课题。以往“钢琴基础训练”课程的评价方式主要是采取集体评分制,由多位教师根据学生的现场演奏取综合值来评价学生,这样的评价机制有一定的片面性。课标在评价机制上体现了多元化的要求,其关键是“结果、过程、定量、定性”相结合。在这个评价机制的基础上,笔者对学生的学习评价做出了调整。在教学中关注学生每一次课上的进步,联系学生个体的因素,给出平时的综合评价。每一学期分出几个阶段,在每个阶段对学生提出相应的要求,通过教学,组织阶段考查,分层对学生的学习做出评价,及时让学生了解自己的水平处在哪一个阶段。每学期的教学内容安排不能只以考试曲目为主,每位学生每学期必须学会弹奏一定数量的曲目,以期通过量化要求拓展教学曲目的广度。期末考试考场上考试曲目的完成情况,需要从多个角度去评价,需要通过教研组的教研,从曲目的难易程度、弹奏速度、情感表现、技术技巧程度等方面综合制定出标准。考试后,及时对学生的演奏进行反馈,让学生了解自己演奏上的优缺点,便于学生对下一阶段的学习进行规划。 总之,中等职业学校音乐专业“钢琴基础训练”课程标准让笔者在教学中拓宽了思路,并通过教学实践找到了合理科学的教学方法,在一定程度上提高了教学质量。 基础钢琴教学论文:音乐教育专业钢琴零基础学生的教学 【摘要】音乐教育专业的钢琴课作为必修课面向全体学生,这无疑使得钢琴课的教学任务十分艰巨。如何让学生尤其是钢琴零基础的学生在校学习期间,能够正确的掌握钢琴弹奏的基本方法,加快学习进度和提高钢琴程度,使之能具有相应的工作能力是非常重要的。本文将从钢琴的基本功练习、练习曲、复调、奏鸣曲及中外乐曲的教材选择方面来论述对零基础学生教学过程中所作的计划与安排。 【关键词】零基础;教材选择;因材施教 音乐教育专业的钢琴教学自其诞生之日起至今,几经曲折不断发展,已逐步形成了自己的教学规律、教材体系与教学方法。然而,在一些条件较差的地区依然不够平衡,特别是音乐教育专业的钢琴课作为必修课面向全体学生,这无疑使得钢琴课的教学任务十分艰巨。特别是对于钢琴零基础学生的教学,首先遇到的就是教材的选择问题。基础教材大都是为琴童而设计的,对于成年初学者显然是不实用的。如果按此进度教学,对于大学生而言,既不实际也不可能。因此,教材的选择与应用、教学进度的计划与安排、教学内容的把握与实施、培养目标的确定与实践等方面,都需在要教学管理部门的统一要求和指导下,教师根据学生的具体情况因材施教,针对学生两年的学习时间制定相应而合理的教学计划。 1、基本功练习 基本功练习可以用哈农所著的《钢琴练指法》,前20课笔者认为不需要逐课练习,最好以解决学生的某方面问题为目的有针对性和有选择的练习。比如,要训练学生3、4指的独立性和灵活性就可以练习第二课;要提高5指的独立性就可以练习第6课。在练习的过程中可以给学生添加一些趣味性的训练,让学生告别单一枯燥的基本功练习,提高练琴的效率和效果。 21课至43课可作为“专门的弹奏技巧”做准备的手指练习、比如断奏、各大小调音阶、琶音等弹奏技术都是学生必须掌握的,学生应逐一练习。比如断奏,可以用四课时的时间来学习并加以练习。从21课开始练习上臂断奏,接着22课练习前臂断奏、23课练习手腕断奏(跳音)、24课练习手指断奏(跳音)。要学生掌握各种断奏的基本弹奏方法。 44课至60课属于为解决“重大技术难点”而设置的专门训练,比如平行八度音阶、平行三度音阶技术上对于学生来说非常难的,在两年的学习时间里,涉及到这些技术的作品不多,根据个别学生的需要练习即可。 2、练习曲 练习曲可选的范围非常大,主要选择经典教材。从拜厄的《钢琴基础教程》开始学习,在学生掌握断奏进入连奏之后可以从40课左右开始往后练习,学习期间学生应严格按照指法练习,养成良好的认真识谱的习惯,切勿让学生背谱弹奏,应在短时间内解决学生的识谱能力以及键盘熟悉程度。每周可以根据学生的能力有选择性的布置作业,比如66课和74课都是练习三连音的练习,选其中一课进行练习即可。 之后可进入车尔尼《钢琴初步教程》作品599,从40课左右练习即可。73课之前是比较容易练习的,与上本教材相比只是弹奏的音区范围有所扩大,学生要对键盘更熟悉才可以。73课之后出现了装饰音以及颤音,装饰音、颤音的弹奏用处非常多,学生必须掌握它们各种弹奏方法,比如装饰音什么情况在拍子上弹、什么情况在拍子前弹。由于本教材偏重练习右手,所以最好同时加进莱蒙《钢琴练习曲》的练习,莱蒙有许多非常有针对性、有价值的左手练习曲,正好与前者互补,并且对以后的钢琴应用更能打下相应的基础。同样需要有选择的练习,用10至12课时完成本教材程度的练习。 接着进入车尔尼《流畅练习曲》作品849,本教材是培养钢琴演奏高技术的预备练习,练习手指动作迅速、准确、发音均衡,同时培养学生音乐的基本感觉。在练习时应适当的加快速度,按照表情记号弹奏,弹奏出音乐的流动起伏。同时车尔尼《24首钢琴左手练习曲》作品718应一同练习,根据音乐教育专业学生的特点、性质及培养目标,在加强基本功练习的同时,更多是以应用练习为主。 3、复调 复调的训练在钢琴学习过程中是极为重要,以学习巴赫的《初级钢琴曲集》、《小前奏曲与赋格》、《创意曲集》为主。复调最好在练习曲达到车尔尼作品599程度时进入,学生在刚接触复调时会感觉有些困难,可以让学生先接触他们熟悉的中国复调作品,比如一级考级曲目中的《沂蒙山小调》,再学习巴赫的《初级钢琴曲最集》,好从易到难学习,不需要挨课练,第一课的后半部分对于初学者来说是有较大难度的,第三课琶音旋律的歌唱性对于初学者来说也很难做到。因此,建议从第六课开始学习。这一课无论从指法、手位还是旋律来说,较其他课都简单一些。在练习中增强学生学习复调的兴趣,根据学生程度的提高逐渐进入《小前奏曲与赋格》、《创意曲集》中一些重点曲目的学习。 4、奏鸣曲及中外乐曲 奏鸣曲及中外乐曲方面主要以克勒的《小奏鸣曲集》、莫扎特、海顿奏鸣曲里面简单一些的乐章、汤普森的《现代钢琴教程》、上海音乐出版社的《钢琴基本教程》等教材为主。在此基础上,也可将考级教材上的曲目作为参照并纳入教材。中外乐曲的弹奏对于学生来说非常的重要,可以让学生了解多种风格和不同时代的作品,教师可以根据学生弹奏风格、个人喜好布置曲目,格里格的抒情小品、柴科夫斯基的《四季》中的《船歌》《松雪草》等作品都可以选择,这些作品如果只能完成部分片段也是可以的。另外,在教学过程中可加入四手联弹以及钢琴原谱伴奏的练习。使学生对音乐形象的理解力、表现力以及钢琴弹奏技巧三方面紧密结合起来,使钢琴水平得到充实、全面的提高。上海音乐出版社出版的《钢琴四手练弹名曲集》这套教材非常适合学生,钢琴伴奏谱则可以从各声乐作品集中选择。 5结语 以上为本人在教学实践中,对“音乐教育专业钢琴零基础学生的教学”时的教材选择与标准,通过对这些钢琴教学中常用的经典教材的精简与搭配,目的是使学生在短时间内掌握钢琴弹奏的基本方法,加快学习进度。除此之外,教师还要注意对学生进行情感方面的教育与引导,使学生在思想上和行动上的积极配合教学,充分调动学生学习的主动性、积极性,激发学生潜在的能力。 基础钢琴教学论文:试论新形势下的基础钢琴教学 摘要:近年来基础钢琴教学面临新情况,出现了新的教学观念。在这种新形势下,我们可以从以下几个方面入手,进行基础钢琴教学。一是基本教学手段:教师不但要注重直观的教学艺术,也要在教学中训练孩子“听”与“想”相结合的能力,同时还要注重歌唱性的培养。除此之外,教师还应该根据不同孩子的特点因材施教以及采取正确的教学态度。二是具体训练方法,包括基本功训练、放松的弹奏方法、慢练的弹奏方法和良好的读谱习惯。三要培养上台演奏的能力。 关键词:新形式;教学手段;训练方法 近年来,随着人们生活水平的提高,对精神文化的需求也越来越多。钢琴音域宽广、和声丰富、富于色彩变化。通过学习钢琴,可以开发孩子的智力,陶冶情操;通过左右手的协调运动,可以使孩子左右脑获得平衡发展,尤其是开发右脑;弹奏钢琴时眼、耳、手、脚等多种感觉器官的协调并用也对孩子智力的早期开发有着十分积极的意义。钢琴作为一门高雅艺术也越来越受到人们的喜爱。因此钢琴教育不断普及化,而且学琴者的年龄明显比之过去提前了许多。首先是传统的“模仿式”教学方法越来越不适应当今基础钢琴教学的需求。这种传统的教学法让学生在音乐的处理上直接模仿老师,在整个教学过程中使学生往往“知其然而不知其所以然”。通过这种方式虽然能继承一些正确的演奏方法,但是学生缺乏自己独立思考的能力,而且这种传统的教学法缺乏系统性和科学性,不能满足新世纪的钢琴教学需求。因此,人们开始从教材的改革入手,打破过去单纯从五指练习起步的旧模式,出现了大量内容新颖,丰富有趣,通俗易懂的少儿钢琴教材。这些教材注重培养儿童对音乐的兴趣和音乐素质的培养,并对他们传授了基本的乐理知识。同时人们也清楚的意识到,教师的教学手段比之教材更为重要,而教师的教学观念又决定了何种教学手段的采用。教师的教学观念中,最重要的是让孩子能够发挥其天性,培养其兴趣,在音乐的海洋里尽情徜徉,让他们用头脑去思考,用耳朵去聆听,用心灵去感知,帮助他们达到脑、耳、身、心的协调。 在这种新形式下产生的新的教学观念指导下,我们可以从以下几个方面入手,进行基础钢琴教学。 一、基本教学手段 (一)直观的教学艺术 在钢琴教学中,教师要重视直观的教学艺术。儿童年龄小,理解力有限,而音乐又具有抽象性,看不见,摸不着,要让年龄很小的孩子理解抽象的音乐语言很困难。这就要求教师把抽象化为具体,尽量使用形象的语言来解释抽象的音乐语言,便于儿童理解音乐。比如:在复调作品中,对于不同声部划分的讲解,可以告诉他这是“男孩女孩在一起唱歌”;也可以把不同声部的层次讲解为不同的颜色,如:红、粉、白;在弹奏欢快的乐曲时,可以引导孩子回忆过去发生的有趣的情景;又如孩子在弹奏具有颗粒性的音符时,可以告诉他们想象手指尖就像针尖一样落在琴键上。这样,不但能让孩子达到这首乐曲训练的目的,同时也使孩子对曲子有了形象的认识,使孩子的接受程度大大增加,也使教学在一种轻松有趣的环境中达到目的。 (二)“听”与“想”的结合 在教学过程中,要非常重视培养孩子“听”与“想”的能力。这两种能力是紧密结合在一起的,应该贯穿于教学的全过程。“听”就是用耳朵去聆听,“想”就是用大脑去思考。在教学中一定要培养和发展孩子的“听”、“想”能力。因为只有拥有能够倾听音乐的耳朵和思考音乐的大脑,才能使孩子真正体会音乐的美感,而不是机械地死练。鉴于此,教师应从小的问题开始启发孩子多听、多想、多动脑子。例如:孩子弹错了音,不要立即纠正,而要让他自己去听,去找,然后还要他自己分析出错的原因;在弹奏某些慢板抒情乐章时,可以让孩子通过聆听音乐展开丰富的想象,想象那些音符犹如空中飞舞的萤火虫,大海中美人鱼对幸福的渴望。通过这样的训练,学生的独立思考能力和理解力不断提升,对音色和音乐的理解就会逐渐有自己的想法。有些想法可能还不够成熟,但有想法就说明他用耳,用脑了。教师应该加以鼓励,循循善诱,让孩子大胆的去思考和探讨,这样才能使孩子真正做到摆脱单纯的模仿,拥有自己独特的艺术个性。 (三)歌唱性的培养 “在钢琴弹奏中是否具有歌唱性,演奏者能否把内心感情充分表达出来,是钢琴教学中的一个重点。教师要培养孩子尽可能多的赏听不同类型音乐作品的良好习惯,让孩子有意无意地接受音乐的熏陶,从而逐渐对音乐语言、形象气质、气氛、音色等有感性认识。这种音乐环境的作用虽不能立竿见影,却能潜移默化的影响学生,使学生的音乐感觉逐步提高”。在第二点中提到的关于“听”与“想”的培养也可以作为歌唱性培养的有效手段。音乐是听觉的艺术。有了聆听音乐的耳朵,有了思考音乐的大脑,就有了感受音乐的心灵。培养“边弹边唱”的习惯,即在弹奏音乐时,在心里唱出音乐的起伏感觉,甚至可以用嘴唱出旋律。而对音乐的感受又要指导弹奏,做到“心中有歌”,这样才能使音乐具有歌唱性,避免只是毫无表情的弹奏出干巴巴的音符。教师在培养孩子歌唱性时还要让孩子学会歌唱性的触键方法,要求孩子运用不同的触键方法来得到不同的音色。例如:弹奏欢快的儿歌,就要求手指触键要有弹性;弹奏优美抒情的音乐,手指就要慢触键。另外正确划分乐句也是很重要的。人讲话,要一句一句地讲;唱歌,要一句一句地唱,钢琴演奏也是一样的,要像唱歌一样连贯、流畅。那么教师就应该引导孩子划分出正确的乐句,再做出呼吸,使音乐具有线条感,这样的音乐自然就具有歌唱性了。 除了以上三点,教师也应该根据不同孩子的特点因材施教。“世界上没有两片完全相同的树叶”,每个孩子的天赋不同,不是人人都能成为钢琴家的,我们作为教师就要尽可能大的挖掘孩子的潜力,使大多数孩子都能通过学习钢琴陶冶情操,获得快乐。使少数有天赋的孩子发挥其特长,为以后的音乐道路奠定坚实的基础。而作为一名钢琴教师,其演奏技术和教学水平固然重要,教学的态度也起着至关重要的作用。由于现在钢琴教学大多采用的是“一对一”的形式,孩子在单独面对老师时,或多或少会有些紧张。而教师的表情是一种无声的语言,亲切和善的表情会使孩子消除紧张感,缩短距离感,更有利于教学的顺利进行。在他的弹奏有所进步时,也应给予一定的奖励。比如在他的乐谱上画一个五角星,或给他一朵小红花。这些必要的精神激励可以使他们很快地树立起自信心,取得更大的进步。有的学生虽然聪明伶俐,但比较浮躁和骄傲,当他们演奏的比较成功而自得其乐时,教师要能作到“喜不形于色”。在表示赞许的同时,指出不足之处,使他冷静的体会到学海无崖。 二、具体训练方法 (一)基本功训练 一定要注重基本功的训练。基本功犹如建造音乐高楼的基石,要想弹奏出优美动听的音乐,没有基本功做支撑是枉然的。基本功的训练中尤其要重视音阶、琶音的训练。音阶、半音阶、琶音、属七和减七和弦琶音在钢琴教学中占有重要地位。有些人认为多弹练习曲或乐曲也能有效的提高技术。练习曲或乐曲当然不容忽视,但练音阶琶音有其不可取代的作用,它能比练习曲或乐曲获得更大的练习量。如何能使各手指弹奏的更均匀、圆滑,也是练习的一个重要内容。均匀弹奏的最大障碍是大指,因为音阶琶音都必须通过大指的转弯动作来连贯。如果大指动作做不到位,就会使人听起来不够连贯,有一种磕磕绊绊的感觉。如何解决这个问题呢?就是弹音阶琶音时,大指要作好准备工作,即在大指前面的音弹奏的同时,大指就要迅速的弯到手掌下面,做好下一次弹奏的准备。另外,训练基本功时,把练习曲和乐曲里的各种技术片段抽出来集中练,也是很好的方法。如用车尔尼740的第49课来练习八度,用莫扎特的《小奏鸣曲》来当手指练习,增强手指触键的颗粒性。 (二)放松的弹奏方法 在教学实践中教会学生理解和体会放松,并进行规范化的训练,是基础钢琴教学中一个重要环节。现在一些学生在弹奏时,只会动手指,手腕和胳膊都是紧绷僵硬的。弹奏一些快速或力度大的曲子时,就极易感到疲劳。如果教师不予以纠正,加以正确的引导,轻则曲子弹奏吃力,重则会造成手腕及手臂的损伤。因此,教师应当让学生明确放松的重要性,并讲解正确的放松的弹奏方法。这种弹奏方法中最关键的就是体会手腕、手臂的放松。有些教师在教学生做手指练习时,太过强调手指的独立性,而忽视手腕乃至手臂的运动,这样弹奏出来的音是生硬的,紧张的。正确的弹奏方法是:不要孤立的动手指,应运用手臂带动手腕,手腕带动手指运动,以最为自然的状态弹奏。而正在触键的手指尖关节才需要用力,当这个手指弹奏完毕时也要立即放松,轮到另一个手指弹奏时,另一个手指的指尖关节在触键的瞬间再用力。总之,要使整个手臂,手腕,乃至身体都“协调”起来演奏,达到声音的贯通。 (三)慢练的弹奏方法 “慢练”是弹奏钢琴通用的方法,因为通过慢练可以使动作分解开来,大大简化技术上的困难。慢练弹好了,再弹奏原速就没有那么困难了。但是也不能盲目的慢练,并不是所有曲子的所有章节都需要慢练。教师应当指导孩子在练习前,研究曲目中哪些地方在快速演奏时可能会出现困难,以便有的放矢的进行慢练。在慢练时,可以运用数拍子的方法,先4拍一个音,再2拍,再1拍一个音,然后1拍两音,1拍三音,1拍四音。也可应用变节奏的方法,变节奏的方法可以使重拍发生变化,这样使各个手指都得到锻炼。或把一个长句子分开来练,比如有一长句手指快速跑动的句子,可先分成一组一组的练,每组都练好了,再连在一起练就容易了。 (四)良好的读谱习惯 练习一个新曲目之前,很多学生没有良好的读谱习惯,面对陌生的谱子,立即迫不及待上琴摸谱。对作品的背景,所反映的内涵一无所知的情况下,将自己沉溺于大量的音符与节奏中,忽略了那些真正能体现作曲家精神的东西。要想让孩子能够准确的理解作品的内涵,教师就要教会他们认真读谱,理解所有符号的含义,进行曲式结构、和声、调式的分析。因为作曲家往往会把他的作曲意图通过谱面传达给演奏者,每一处力度的变化,表情的处理,甚至旋律的起伏,都能反映出作品要表达的思想;另外,还要让学生熟悉作曲家的创作风格,及创作这首作品的时代背景。可以要求孩子在练习一首新作品前,阅读一些有关作曲家创作风格的资料,这对把握乐曲整体的风格起决定性的作用。例如,肖邦的《革命练习曲》,虽然是一首练习曲,却体现着肖邦伟大的爱国主义和民族精神。只有抓住肖邦灵魂深处的爱国主义精神,才能真正演奏好这首乐曲。 三、培养上台演奏的能力 钢琴是表演的艺术。在实际的教学中常常会遇到这样的情况,就是学生在经过长期刻苦的练习之后,已经能够很完整地弹奏了,但一旦到了台上却弹奏得支离破碎,不知所云,甚至出现大脑一片空白的情况。究其原因,通常是因为紧张情绪造成的。克服上台演奏中的紧张情绪,可以有以下三点办法:第一是背谱。演奏中出现失败的情况,很大一部分原因是在背谱环节中出现了问题。因为有些学生仅仅依靠手指的下意识动作来背谱,认为弹熟了自然就背下来了,孰不知这样做是很危险的。在台上由于环境的陌生,心理的紧张,非常容易造成手指失控而使记忆中断。因此,在学习一首乐曲时,应该运用多种记忆方法相结合,尽早把乐谱背诵下来。进行分点背诵的训练是一个行之有效的方法,也就是在每一乐段的开头设一个点,把每一个点的音符都熟记于心,台上万一出现忘谱问题,也可直接跳到下一个点,最大程度上保证了作品演奏的完整性。第二是要多进行模拟上台演奏的训练。教师可以让学生之间互相观摩演奏,让孩子适应给人表演的紧张感。多举办一些小型师生音乐会也是很好的锻炼方法,可以让孩子得到更多上台演奏的机会,这样既可以交流情谊,又可以提高孩子的演奏水平,还可以锻炼孩子的心理素质,这样上台演奏的能力也就增强了。 最后再补充一点,在基础钢琴教学中,家长的辅导也很重要。“可怜天下父母心”,在孩子漫长的学琴生涯中,家长付出了巨大的心力。但是目前相当一部分家长过于急躁,不管孩子的兴趣、素质如何,抱着“望子成龙”的心态,拼命加码。其实,现在学琴的孩子那么多,而真正能成为钢琴家的却是极少数。对此,家长一定要有实事求是的态度,同孩子一起分享音乐。音乐的“乐”本身就是快乐的“乐”。家长要同孩子一起感受音乐的快乐,以培养素质,开发智力,陶冶情操,锻炼意志为大目标来学习音乐,学习钢琴。 在新形势下,钢琴的基础教学对于孩子来说至关重要,可以培养他们丰富的想象能力,严谨的思维能力,大胆的表现能力,深刻的理解能力,优秀的记忆能力,良好的协调能力,沉稳的控制能力,杰出的组织能力。它是孩子步入音乐殿堂的第一步,也是他们音乐成长道路过程中极其重要的一环,是孩子们的一双翅膀,只有借助这双翅膀,他们才能在音乐的天空中自由翱翔。 基础钢琴教学论文:钢琴基础教学中结构感的培养 我们经常会看到一些演奏者拥有超高的技巧、令人眼花缭乱的华丽弹奏,却总觉其演奏平铺直叙、前后缺乏联系、没有逻辑性、缺乏层次感。就像“傻瓜机”照出的照片一样平淡无味,实在令人惋惜。笔者认为其重要原因之一就是对音乐作品的结构缺乏一个宏观的全面的把握。 所谓结构是指各个组成部分的搭配和排列。如文章的结构、语言的结构等。音乐作品同样需要结构。关于音乐结构的描述,让我们来看看赵晓生教授在他的《钢琴演奏之道》一书中是如何诠释的: “结构是音乐的骨骼,是音乐的框架,是音乐的内在伟力所在。” “有些作曲家以旋律著称,有些以色调为佳,有些以和声出众,然而,最伟大的音乐巨匠们却以缜密的、复杂的、宏伟的、精巧的音乐结构以无以伦比的从一简单、微小、凝聚的基因一般的音乐原组织,发展成雄浑的湟湟巨制的能力而建筑起他们内心中的广袤音乐宇宙。” …… 从中可见结构在音乐作品中的重要位置。笔者认为构成音乐的各个组成部分只有通过科学的搭配与排列才能形成完美的音乐结构,才能创造出完美无暇的惊世之作,体现作品的完整美。如同一座宏伟的建筑需要力学、电学、声学、结构学、美学等诸多因素的完美协作一样,钢琴演奏也是如此。 日常的教学活动中我们容易发现许多老师在基础阶段更侧重于演奏技术的训练很少涉及层次等结构上的知识,以至在弹奏鸣曲的学生不知奏鸣曲的结构的现象比比皆是。笔者以为应从钢琴基础教学抓起,从一开始就树立层次意识、培养演奏中的结构感: 一、首先应让学生系统掌握一定的音乐理论知识,为演奏奠定坚实的理论基础 (一)掌握音乐的基本表现手段。内容包括曲调的音高关系、调式、和声、调性、节奏、节拍、速度、音区、音强、音色、演奏法、织体等。 (二)在学习的不同阶段了解基本的曲式结构知识,明白音乐作品是由简单的动机发展成乐句,再由若干乐句组成乐段进而构成乐章以至鸿篇巨制;明确乐音之间、乐句之间、乐段之间、乐章之间的前后联系;掌握一部曲式、单二部曲式、单三部曲式、复三部曲式、回旋曲式、变奏曲式、奏鸣曲式等; 二、了解钢琴的演奏法从技术角度来说要表现一个音乐作品必须通过一定的媒介来得以实现 如帕瓦罗蒂演唱的《我的太阳》就是通过帕瓦罗蒂独特的音色及其高超的演唱技巧对音乐作品进行独到的诠释,才使这首乐曲家喻户晓,让人们从中得到美的享受。再如贝多芬的《月光奏鸣曲》是通过钢琴这一乐器的演奏才让我们感受到贝多芬的魅力。帕瓦罗蒂只用他那迷人的嗓音是不能使《我的太阳》魅力四射的,还必须加上高超的演唱技巧。要用钢琴表现《月光奏鸣曲》自然要牵涉到钢琴演奏法。因此,我们还应让学生系统掌握一定的钢琴演奏法知识,了解如何通过钢琴这件乐器来表现音乐。如《月光奏鸣曲》第一乐章就是通过钢琴“低音八度进行、圣咏式的和弦平稳进行、三连音连贯的和声音型,使乐章结合成一个和谐的整体,形成了一个不断的、生动的朗诵性线条,充满灵感、朦胧、寂静的气氛。”(郑兴三《贝多芬钢琴奏鸣曲研究》第247页第三段)来实现的。 三、有的放矢的训练钢琴演奏光靠理论是行不通的必须进行实例训练才能确实取得实际效果 我们可从以下几个方面着手进行训练: (一)音乐的表现手段方面 1、断连音对比如《玩具》(李重光曲)分为ABA三段,A段为跳音B段为连音简短的一首乐曲通过断连音的对比非常形象地玩具的不同神态。 2、力度对比如《河水》乐曲很简单,但是经过不同乐句间的力度对比乐曲的层次分明给初学者一个非常强烈的层次感。 3、音色对比如《拜厄钢琴基本教程》第九十一首前后两段皆为小调,弹奏时用较柔的音色,而中段转成大调则要用较亮的音色演奏以获得层次对比。 4、速度对比如《吉普赛的营地》前段为柔板后段为快板尾声则用急板。通过速度的变化来表现吉普赛人的不同生活场景。 5、调式对比如《拜厄钢琴基本教程》第六十首前后两段都是小调中段是大调,练习时可将大调段奏得强些小调段奏得弱些以获得层次感。 6、调性对比如库劳《小奏鸣曲》Op.55No1第二乐章第一段为C大调中段转为F大调第三段又回到C大调,通过调性的对比乐曲层次分明。 7、织体对比如库劳《小奏鸣曲》Op.20No1第三乐章是通过乐段间的左手织体变化来获得层次感。 8、节奏对比如贝多芬的《土耳其进行曲》首段为八分音符开始,第二段则变为以后十六分音符为主的节奏也能给人以清晰的段落感觉。 (二)曲式结构方面 音与音之间:两个音之间的关系是构成音乐的最小单位。训练最简单最容易出效果,从一开始就可进行训练。练习时一般遵循上行渐强下行渐弱处理。同音重复一般容易被忽视,要作为重点进行练习,一般看其前后音的进行方向上行即作渐强处理,反之渐弱。如《游伴》(《儿童钢琴初步教程》上海音乐出版社第二册)第一、三句为上行应弹成渐强,第二、四为下行应弹成渐弱。音与音之间的关系还可以延伸至音块之间,如车尔尼流畅练习曲(849)第十六首前四小节应奏成渐强后四小节应奏成渐弱。音块之间除了存在与两个音之间相同的关系外还存在前一音块上行渐强后一音块下行渐弱呈现波浪式前进的现象。如比起前者音乐变化自然丰富多了。 句与句之间:与音块相比,句与句之间的关系就更为丰富了。常见的结构是四句构成一个乐段,音乐呈起承转合之势,演奏钢琴时应注意高低起伏变化表现抑扬顿挫之气。如《木鞋舞》(荷兰民歌)。 乐段之间:乐段之间的关系可以最常见的三段体作为例子。如《拜厄钢琴基本教程》第六十首教学过程中还可选择其它类型乐曲进行练习。如《玩具》(李重光曲)是通过断连音的对比、《太阳出来》是通过高八度的音区变化对比、《小奏鸣曲》Op.55No1第二乐章是通过乐段间的织体变化等。通过不同类型、不同的表现方法的练习以获得层次感从而全面地表现乐曲的音乐内涵。 乐章之间:有了前面的训练基础处理乐章之间的对比就容易多了。许多小奏鸣曲都可以练习。小奏鸣曲本身各乐章的排列基本就是按快慢快的速度安排的,有很明显的层次结构。到了这个程度一般的学生都已经具备相当的能力了。 (三)乐曲风格方面在平时的练习过程中还可有针对性地选择不同风格(包括不同时期、不同作曲家、不同国家、不同民族、不同区域)的作品进行练习。不同风格的乐曲不论从作曲手法、演奏法、音响感受等各个方面都存在着较明显的差异,通过练习对于演奏能力的拓宽、音乐表现力的加强等都是很好的锻炼。 (作者单位:福建儿童发展职业学院学前教育系) 基础钢琴教学论文:钢琴基础教学中的识谱训练 【摘要】识谱训练是钢琴基础教学中的重要环节。学生识谱能力的培养直接影响着钢琴学习的进度以及个人演奏水平的提高。钢琴教师要根据学生的年龄、心理发展特征和个性差异, 充分调动他们对识谱的积极性,切实提高他们的视奏能力。本文针对钢琴基础教学中的识谱环节,探讨教师应掌握的训练方法,以期引起同行的关注和指教。 【关键词】钢琴基础教学 识谱 训练 当演奏者学习一首新的乐曲时,首先要解决的就是识谱问题。只有正确的表现乐谱上的所有标记,才能深刻地领会作曲家所传达的乐思。识谱训练应该贯穿于钢琴教学的全过程,在基础教学中显得尤为重要。倘若忽视了这一点,那么学生在练习一首新曲子时,光是识谱就花费了大量的时间。而随着曲子程度的不断加深,识谱的越来越困难,进度也越来越慢,让学生感到吃力,逐渐失去学习的兴趣和信心。所以做为钢琴教师,首要的责任就在于引导学生在学琴的初级阶段发现乐谱上的所有标记,培养他们科学、全面地了解乐谱的意义,提高学习能力和效率。 钢琴基础教学中的识谱训练应从以下几个方面入手: 一、音符的认知与训练 在钢琴初学阶段帮助学生建立对音符的基本认知是非常重要的。一般来说,小孩子刚接触五线谱时都会有些困难。所以在识别音符教学中,就要充分考虑到儿童形象思维强的特点,设计易被儿童接受的方式。国内在钢琴启蒙教学阶段普遍采用《拜厄钢琴基础教程》、《小汤普森钢琴教程》,这类传统教材在建立儿童对音符认知方面有一些特有的思路和优势,如“汤普森”中每次学习一个新的音符,就有相关的练习曲和读谱、手写作业,使学生眼、耳、手三者统一练习,从而增强对音符的识别与记忆。但传统教材在识谱的方式、版面的色彩、视觉的形象以及乐曲的童趣等方面存在一定的缺失,有时会使儿童感到沉闷、枯燥,所以教师在使用传统教材的同时,应大胆借鉴一些新编教材。例如我们可以借鉴《我和我的钢琴》教材中,引入的“音乐彩虹”这一概念,七个音乐字母对应彩虹的七种颜色,加深孩子对音符的记忆。或者借鉴《巴斯蒂安钢琴基础教程》中的“音程式读谱法”,使孩子关注五线谱上音与音的距离,快速地识别音型和线条的方向,从而提高孩子的视谱演奏效率。其次要把音符与钢琴键盘对应起来,对一些基础音高的位置熟记于心,教师可建议学生多唱多写。例如让孩子将画在“线”上的音用红色,“间”上的音用绿色,再分别进行视唱,这样可有效提升孩子的注意力。另外对加线音的记忆需要反复强调,寻找规律,达到眼看手弹的水平。 二、谱号、拍号、调号的认知与训练 在钢琴基础教学中,教师要反复强调三个号,即谱号、拍号和调号,帮助学生养成弹奏前先关注谱号、调号和拍号的好习惯。在日常学习中可以采用反复提示、提问的方式,让孩子不仅看到低音谱号和高音谱号的转换,更要看准调号中所包含的升、降记号。例如大部分孩子在弹奏中经常无视调号,造成整个乐曲调性及风格的改变。针对这种情况,教师应有步骤地对孩子进行训练。首先要求他们用红色的笔将乐谱中的调号音标记出来,避免识谱中低级错误的发生;其次可以针对乐曲的调号,进行相应的音阶、琶音的训练,以加深孩子的记忆。 三、节拍、节奏的认知与训练 针对孩子对节奏的敏锐感知,在基础教学中应尽快进入节拍、节奏的认识和训练。首先要为他们讲解节拍与节奏的关系,引导他们感受乐谱中节奏的律动感。孩子对节拍、节奏的理解不能只停留在数学或倍数关系上,而应该根据钢琴学习的进度和本课的内容有目的地选择适合孩子年龄特点的游戏,让孩子积极参与到体验节奏的快乐中来。例如在教授类似舞曲风格的钢琴音乐时,教师先讲讲三拍子的特点,然后伴随音乐和孩子共同跳一支舞曲,帮助他们找到强 弱 弱|强弱 弱的节奏脉动感。 对于特殊的节奏型的讲解,教师可采用联想生活中的音响让孩子们易于接受。如XXX类似于“咚咚咚”的敲门声;X.X X.X想象成士兵行进时坚定的步伐等。另外教师也可以借鉴奥尔夫音乐教学法中关于节奏的训练方式,采用人体的动作,如拍手、拍腿、踏脚、捻指、跳跃等游戏,使孩子通过整个肌体的运动去感受乐曲中节拍和节奏的特点。笔者认为,教师在教学中应站在孩子的思维角度来解读音乐,这样才能寻找出适于孩子理解又能激发兴趣的有效方法。 同时,教师也可选择有合奏形式的教材来训练学生的节奏感。如《新世纪儿童钢琴启蒙教程》中大部分乐曲都有教师伴奏声部的配合,这种合奏形式不仅让孩子感受到丰富的和声色彩,也能很好地训练他们的节奏感和韵律感。 值得注意的是,初学的儿童在演奏中经常忽略休止符,使音乐失去了原有的美感。这主要是因为他们通常认为音乐只是从音符里产生的,休止符可有可无,所以在识谱环节中忽略了休止符的存在。显然,这种认识是不正确的。教师在教学中可先让孩子唱唱曲调,了解到作品中休止符的意义。同时通过大量的例证引导孩子认识到休止符的重要性,帮助孩子准确识谱。 四、旋律特征的认知与训练 在钢琴基础教学中,适合孩子演奏的作品大多数是具有歌唱性的。所以在识谱中把握旋律的特征是有必要的。日常教学中教师应首先教会学生认识旋律中上行与下行、级进与跳进、连音与跳音等基本特征;其次要引导学生正确地划分乐句,让学生懂得弹琴和说话、唱歌一样,有呼吸、语气、语调,即使是简单的几个音也表达一定的意思;最后教师可以和孩子共同演唱作品的主旋律,有意识地引导孩子体会作品中的情感要求和语气要求,继而通过演奏将这些要求表现出来。例如在《我和我的钢琴》等一些新编启蒙教材中就注重纳入孩子们熟悉的民歌童谣,并配有歌词,教师可以鼓励学生多唱这些作品,使他们的演奏自然生动。 值得注意的是,谱面上标出的旋律指法也必须加以强调。指法运用的是否得当直接影响到演奏的流畅与音乐的表现。所以在开始学习新乐曲时教师可要求学生先读读指法,并尝试边读边动动手指。同时要引导学生关注每一首作品指法的走向,思考指法的合理性,找到其中的规律。通过循序渐进的训练,使学生即使接触到没有指法标记的乐谱,也可以根据自身情况来制定比较科学、合理指法。 五、音乐术语的认知与训练 当学生能够从容地视奏简单的乐曲时,识谱训练的重点就要从音符、节奏、旋律等基本方面进行拓宽,教师要有意识地引导学生注意谱面上的音乐术语。通常钢琴作品中的音乐术语主要包含速度术语、力度术语、表情术语三大类。掌握这些音乐术语可以帮助学生准确地表达作品的情感。笔者在教学中发现,大多数学生对于速度术语和表情术语较难理解和记忆。这也与术语多是意大利文有关。教师如能够准确地读出这些术语,并找出标记之间的特征和差别,在一定程度上会加深学生的理解。例如速度术语中的Allegro(快板)和 Allegretto(小快板)字母组合相似,而另外两个常用的术语Moderato(中速)和Presto(急板)则是以M和P打头,从而和前两种标记做以区分。除此之外,教师还应引导学生深入的比较以上这些术语在速度上的差别,认识到不同的速度可以表现不同情绪风格的作品。 对于更为复杂的表情术语,可要求学生查阅《音乐术语词典》,将中文翻译标写在谱面上。在掌握了基本的术语之后,让学生尝试在弹奏中充分地表现它们,倾听各种有变化的音响效果。如《汤普森》第二册《跳舞的雨滴》一曲中运用不同的力度标记来生动地表现了雨滴落下时所发出的不同声响。通过反复的练习,使学生体会到音乐色彩的变化,感受到音乐表情的细腻转换。 另外,教师在教材的选用上也要考虑到常用音乐术语的学习。例如《我和我的钢琴》这套教材就值得首选。编者将各种常用标记融入到每节钢琴课的学习中。新标记的出现都会配有一首乐曲来练习。乐谱上醒目的标记和简易的文字说明适合孩子和家长的理解。 需要提醒的是,踏板标记也应引起足够的重视。教师尽早让初学者接触踏板,了解它的功能并正确地使用之。 六、乐谱深层次内容的认知与理解 不少教师认为,在钢琴基础教学中不必对孩子讲解作曲家的生平和乐曲的创作背景。笔者认为这种做法是不可取的。教学实践证明,简要的介绍作曲家的生平和创作背景,或加入一些生动的小故事,更能激发学生的求知热情。如《新世纪儿童钢琴启蒙教程》中就编入了一些古典作品的改编曲,诸如维瓦尔第的《四季》、莫扎特的《小夜曲》、海顿的《惊愕交响曲》、贝多芬的《欢乐颂》等等。在弹奏前,教师如能简要讲述有关这些作品的创作背景、作曲家与风格的相关信息,就会加深学生对作品的理解。用心的教师也可以借助图片、小故事引导学生了解乐曲与作者或某种场景的联系,使他们将自身对乐曲的理解融入到演奏当中。另外教师也可以根据学习的内容有意识的布置一些问题,引导学生课后查找相关资料,并大量听赏经典作品。长期坚持这种做法,能帮助学生形成自主学习的好习惯,达到事半功倍的教学效果。 总而言之,识谱训练在钢琴基础教学中是至关重要的,它关系到学生自主学习、全面学习、持续学习的能力和毅力。这将是一个复杂而漫长的过程。它必须依靠教师耐心的引导和深入浅出的教学以及学生持之以恒的努力,充分地调动起学生的求知热情,从而有效的提高学生演奏和理解音乐的能力。 (作者单位:运城学院音乐系) 基础钢琴教学论文:论幼师钢琴基础课的分层教学 摘要:在幼师学校钢琴基础课教学中,基于各方面的原因,传统的集体课教学不能满足社会、学生的需要,逐渐被钢琴分层教学所取代,因此通过实践探索分层教学的理论架构和操作方式成为幼师学校钢琴教学的优秀。 关键词:幼儿师范;钢琴分层教学;实操性 长期以来,音乐教育作为基本素质培养的一种教育手段,在学前教育中发挥着举足轻重的作用。随着时代的发展以及学前教育师资培训工作的日益进步,幼儿园教师的音乐修养也日益提高,大多数幼儿园教师掌握了更多的音乐知识和技能。同时,近年来迅速发展壮大的社会音乐教育使得更为专业化的音乐课程如乐理、视唱、练耳以及各种各样的乐器演奏学习都已悄悄地进入了学前儿童的音乐生活,对专业教育师资提出了更高的要求。 钢琴作为学前教育音乐课堂及课外音乐活动的主要工具,不仅在现代幼儿园及小学教育中发挥了越来越重要的作用,同时钢琴作为一门表演性、专业性、实操性很强的艺术,无论是在歌曲伴奏还是技能技巧展示中,都有了更高、更精的要求。但是,由于培养目标、专业方向、课程设置以及教学大纲的差异,传统的幼师钢琴集体课教学使得学生技能水平低、运用能力差,远远不能适应当今时代的要求,因此,我们必须面对这些由于发展所带来的新情况,必须在努力协调社会发展、音乐发展、儿童发展的基础上,合理地调整幼儿师范钢琴教学模式,有效运用分层教学方法,建立适应时代要求的理论及实操模式。 一、因材施教,确定分层教学内容 由于学生受音乐教育程度不同,以及个体音乐素质的差异,教师必须在兼顾普遍性的基础上,做到有的放矢、因材施教。以长沙师范学校钢琴教学为例,学生一般均具有一定的音乐基础和特长,但钢琴基础技能和水平的个体差异很大,有的从未接受过基础的、正规的钢琴训练,有的仅是在高考专业前突击学过一两首曲目,而有的已经进行了系统、规范的长期学习。在这样的实际情况下,如果仍采用传统的钢琴分组教学,“大锅饭”的弊端必然逐渐显现。因此,自2008年9月起,我校钢琴教研室开始进行近百人次的实验对比教学,将一年级各班新生40人分两组,一组(20人)按传统的教法及教材上课,另一组在第一年着重钢琴基础训练,使每位学生掌握钢琴弹奏的基本技能,第二、三学年按照学生的个人综合素质和弹奏能力进行分层,分为以钢琴弹奏与儿歌伴奏为主攻方向的A层、以钢琴演奏为主攻方向兼顾大中型艺术歌曲伴奏能力的B层两个不同层次。实验表明,这种因材施教的方法能够促使学生找到个人最佳适应状态,充分调动学习积极性,使其能力得到最大化的发掘。 在教学内容上,与传统教材拘泥于基础练习、练习曲及乐曲三大块不同,分层教学以良好的钢琴技能训练为支撑,在学习基本练习、练习曲与乐曲的基础上,努力拓展音乐理论、史论知识及钢琴伴奏训练等应用性内容的实施,其目的是使学生不仅能够正确地弹奏曲谱,更具有良好的音乐感受能力和广阔的音乐视野,得心应手地完成不同歌曲的即兴伴奏。当然,在分层教学中,每一个层次的教学内容必定有不同的侧重点和难度的选择,以我校三年级学生实验情况为例,A层学生必须掌握三升三降范围内的音阶、琶音基本练习,练习曲完成车尔尼599的弹奏,乐曲难度达到中级程度(4-5级)并且能够胜任三升三降范围内的儿歌伴奏;B层学生要熟练完成各调式的基本练习,练习曲达到299及以上难度,胜任较高层级的乐曲(6级以上)的弹奏,同时具备良好的艺术歌曲伴奏能力。 二、教学模式革新发展,综合运用 在我国幼教钢琴的教学发展中,无论是“一对一”的精英教学模式,还是“一对多”的基础教育都发挥了及其重要的作用,两者要合理结合,才能达到教学质量和教学效率同步提高的目的。以长沙师范学校音乐教育专业钢琴教学为例,一年级新生在开学前,需进行一次钢琴弹奏考试,教师将通过此次摸底了解学生的整体程度及个体的差异,进而确定相适应的教学模式。没有任何钢琴基础的学生进入分组集体课的普修教程,每组人数保持在12-18人左右,每周2课时,每学期不少于4次的集体回课及2次个人辅导。而程度中上的同学则在每周2课时的小组课(6-7人)中接受教师针对性的“一对一”指导。这样既让学生掌握了正确、规范的钢琴基础教学内容,又能根据学生个体差异做到因材施教,发展个性,有效解决了学生“吃不了”和“吃不饱”的矛盾。 三、确立严格的钢琴课程考核与选拔机制 传统的集体课考核普遍采取的是学生演奏两首中外作品,教师据其弹奏的正确性、技术性、表现性等评定成绩。水平的高低仅仅是分数的差异,没有带来实质性的奖罚激励,导致学生逐渐产生无所谓的想法,学习热忱度大大降低。而实施钢琴分层教学后,教学内容与教学模式的转变,极大地促进了学生的学习热情,相应的课程考核方法也必须严谨制定,进而在年度分层选拔中优胜劣汰。在我校钢琴课程的考核中包含了平时测验,基本技能测试和演奏测试三部分,其中平时测验占60%,基本技能测试占10%,演奏测试占30%。平时测验主要考查学生每单元曲目掌握情况,因此每单元教学完成后均会进行检查;基本技能测试主要检查学生音阶,琶音这一基本技能的掌握情况,在每学期期末教学完成后进行测试;演奏测试考查两首乐曲,一首为学生在本期课堂上已学过的乐曲中自选(教师先划定范围),重点考察学生的演奏实践能力;另一首在教师另外所指定的新的考试曲目中自选,经过个人练习后弹奏,重点考察学生对已学过的技巧和知识的运用能力。两首曲目中必须包含一首练习曲,一首乐曲。教师根据附表一上的标准对学生进行打分。 伴随着我国钢琴教学的改革与发展,幼师钢琴基础课经过系列的实践与探索,逐渐走出了一条适合多层次的教学对象、构架钢琴学习者全方位的能力结构、满足学习者多元化音乐风格需求的教学模式。当然,在实际的教学开展中,必然会遇到各种困难,但只要我们立足实践,以教学研究带动教学改革,就一定能够与日俱进,更好地为教学服务。 作者简介: 俞婕,湖南师范大学音乐学院硕士研究生,主要研究方向为钢琴艺术理论,现担任长沙师范学校音乐舞蹈系钢琴教师。 基础钢琴教学论文:普通高校舞蹈学基础钢琴教学现状与目的研究 摘要:针对普通高校舞蹈专业的培养目标、手段、以及教学目的等情况,许多普通高校舞蹈专业增加了钢琴集体课这一基础课程。但是,就目前的教学情况来看,基础钢琴教学仍然未能引起师生的高度重视,在舞蹈专业的钢琴学习时间、学习计划、教学目的等各个方面都存在着进一步改善的问题。 关键词:舞蹈学专业;基础钢琴教学;现状;目的 自古以来舞蹈与音乐就是密不可分的,即使是没有任何音乐音响的舞蹈也有着内在的节奏感和韵律感,音乐可以说是舞蹈的灵魂。随着时代的不断发展,社会需要更多的高素质复合型人才,对于普通高校舞蹈专业的学生们来说,未来更多的会从事中小学的音乐舞蹈教育工作,这时钢琴就是一门必须掌握的技术技能,掌握好钢琴基本演奏技能是可以为他们以后顺利走上工作岗位而保驾护航的。出于这种考虑,在提高舞蹈专业学生的音乐综合素养的同时。舞蹈专业学生的钢琴学习显得越来越重要了,同时这也是长期舞蹈教学活动中对于舞蹈课堂训练与钢琴音乐教学上的经验积累。钢琴演奏是训练演奏者头、眼、心与整个手动作密切协调配合的过程,要求做到手弹、眼观、意会,用心去体会、追求作品所包含的丰富的音乐内涵,这其实和舞蹈训练有着异曲同工之处。而大学阶段的钢琴学习对于舞蹈学生来说不应该仅仅处于附属地位,应使学生认识到钢琴基础课程并不止步于单纯学习弹奏技术、音乐技巧和基本乐理,更重要的是要培养舞蹈专业学生的节奏感和韵律感,提高对各种类型舞蹈音乐风格表现的掌控能力。这不仅提高了他们的音乐综合素养,还能帮助他们在舞蹈训练课堂上更好的将音乐与舞蹈联系起来,从而达到舞蹈课堂训练的目的。近几年来,许多高校通过数码钢琴进行的钢琴课程教学对舞蹈专业学生来说还是有一些收获,但同时也出现了一些现象和问题。 (一)现阶段舞蹈学专业基础钢琴教学的现状 普通高校培养的舞蹈专业学生大多数还是会从事舞蹈教育事业,这其中一大部分将会工作在中小学校里。而在这些中小学校里需要的不仅仅是单纯舞蹈专业的老师,更需要的是“一专多能”的复合型人才,这与正规的舞蹈学院培养出的“高、精、尖”舞蹈生应该是有所区别的。这个“一专多能”是指需要舞蹈生既有舞蹈专业的技术技能,又有一定的音乐教学能力,也就是我们常说的“能弹、能跳、能唱”。但是就拿笔者所在学院舞蹈招生情况来看,有很大一部分的舞蹈学生高考前没有受到较系统的音乐方向相关教育,只有一小部分学生学过乐理、视唱练耳等等相关的音乐学科,因此集体表现出音乐基础理论差、音乐综合素养不够等等的不好现象。拿笔者接触的很多舞蹈专业学生为例,他们中的一部分人刚进入学校时对于课堂上的钢琴伴奏音乐是非常陌生的,有的同学甚至分辨不出2/4、3/4、4/4等节拍的区别,导致舞蹈教师出现了上课进度缓慢、课堂教学效果差等情况。其次舞蹈专业学生的个人音乐基础存在着较大的差异,有同学的学过几年的钢琴,而有的同学却都没有接触过五线谱,这也导致出现了同一个老师在一个课堂上同时教出“好学生”和“坏学生”的窘况,因此舞蹈学基础钢琴课的开设对于普通高等院校完善舞蹈专业课程教学体系具有深远的影响。现在虽然很多高校已经普及了这门课,但是舞蹈专业的钢琴学习时间、学习计划、教学目的等等各个方面与音乐教育专业钢琴课程相比是需要区别对待的,舞蹈专业的钢琴教学不仅要学习钢琴演奏技巧,也需要将这一课程学习服务于舞蹈课堂教学内容,应该更多的从舞蹈音乐类型、舞蹈风格这些地方去把握钢琴教学内容,这样既学到钢琴技巧又兼顾了舞蹈课堂的音乐训练目的,也才能为提升舞蹈专业学生的综合艺术素养而做出努力。 (二)舞蹈学专业钢琴基础教学目的 随着普通高校教学大纲内容的不断完善,很多钢琴教师意识到普通高校里的钢琴基础课教学不是培养钢琴专业人才,而是培养从事各种类型、层次的音乐教育工作者以及企业文化生活组织者等等的音乐人才。作为舞蹈学教学课程之一的基础钢琴课程是建立在普通高校舞蹈教学体系下的,那么相对来说其教学内容要与音乐学的基础钢琴教学内容是有所区别的,不能依葫芦画瓢的仿照音乐学的教学模式来进行授课。因此,要求我们根据舞蹈专业教学目的等等实际情况,详细规划舞蹈专业钢琴教学应达到的演奏曲目水平、演奏技巧的能力、乐理知识等相应的程度。 在明确了教学目标后就应该按照教学大纲的要求结合舞蹈学生的专业基础特点及钢琴教学的规律制定教学计划,确定具有舞蹈专业特色钢琴教学的课程内容,依据循序渐进的原则逐步提高学生的钢琴演奏水平和对乐曲整体风格的把握。同时作为课程内容之一的课程组织方式、教学手段也要相应的进行改革。比如有的高校把舞蹈学基础钢琴课的学习放在了大二期间,并且仅仅只是学习一个学期,这就很难达到开设钢琴基础课程的目的。 优美的钢琴音乐可以帮助舞蹈专业学生培养敏锐的音乐感、掌握灵活多变地节奏、感受轻重缓急的节拍变化,有助于他们把各个舞蹈元素、组合短句,以及各大舞蹈语汇与音乐完美的连接起来,让他们跳出优美的舞蹈,使舞蹈富有无限的魅力和高度的艺术性,带给人美的享受。而在普通高校进行的舞蹈专业钢琴课程改革,是为达到培养基础扎实、技能全面、具有开拓创新精神的综合型人才这一目的的,它必将完善舞蹈专业教学体系,改善舞蹈课程教学质量,为培养出合格的“一专多能”的舞蹈人才保驾护航,也使这些来自普通高校的舞蹈专业毕业生今后能够尽快独立地适应工作需要而打好坚实的基础,为社会尽一份自己的力量。 基础钢琴教学论文:高校基础钢琴课教学中多媒体技术的应用探索 摘 要:基础钢琴是音乐专业学生的一门必修学科,该学科的教学水平直接影响到音乐专业学生的专业素质,因此,对于该学科的教学质量尤其需要给予足够的重视。但是随着各大音乐学校在不断扩大招生,教师的工作量也在不断加大,其教学质量也有所降低。为了提高教学质量,多媒体需要引入到基础钢琴的教学之中,以求提高教学水平。 关键词:高校基础钢琴;多媒体技术;应用探索 近年来,随着我国科技的飞速发展,多媒体技术的应用范围越来越广,高校教育也不例外。在钢琴教学过程中应用多媒体技术可以不断提高基础钢琴的教学质量,促进基础钢琴课程教学模式的发展,笔者认为进行这一课题研究具有重要意义。本文首先对基础钢琴应用多媒体技术过程中存在的问题进行探索,接着结合我国现阶段基础钢琴多媒体技术应用的现状,从而提出相应的策略。 一、基础钢琴应用多媒体技术过程中存在的问题 随着多媒体在基础钢琴教学中的广泛使用,其中也存在一些问题,这些问题如下。 1.教学方式单一 通过实地调查发现,学生对钢琴学习的积极性还是很高的,但是部分学生认为老师在使用多媒体技术进行教学时,教学方法较为单一,与传统的教学方法完全脱节,从而导致学生十分不适应这一教学模式,降低了学生对钢琴学习的兴趣。 2.互动少 部分学生还反映一个问题就是老师在使用幻灯片进行基础钢琴相关知识教学的过程中,由于老师急于将教学内容进行讲述,从而导致师生之间的交流与互动少,甚至有学生认为老师的任务就是将幻灯片上的教学内容读一遍,这在一定程度上也降低了学生对钢琴学习的兴趣。 3.内容不丰富 部分高中老师为了节省时间,在进行幻灯片制作的过程中,就直接将书本上的知识全部移到幻灯片上,在讲课时就对着幻灯片进行讲解,教学内容不丰富,从而提不起学生对钢琴学习的兴趣。 二、多媒体辅助教学手段在基础钢琴教学中应用相应的对策 通过以上对多媒体技术在基础钢琴教学应用过程中存在的问题的深入分析,笔者提出以下建议。 1.坚持以学生为本的教学手段 虽然多媒体技术在钢琴教学中起到了十分显著的作用,但是,多媒体技术只是一种辅助教学手段,因此,在进行基础钢琴教学的过程中,老师应该坚持使用以学生为本的教学手段。在运用幻灯片的过程中,要注重学生对基础钢琴的需求。同时,笔者认为多媒体技术的教学不能取代教师的作用,老师的个人教学魅力还是不可忽略的,因此,在教学过程中,老师一定要发挥自身的教学魅力,从而促进基础钢琴教学质量的提高。 2.结合传统教学方法 笔者认为,老师在采用多媒体技术进行辅助教学时,应该结合钢琴的传统教学方法,不断减少教学内容中的无用信息,从而精简教学内容,提高学生对钢琴学习的兴趣。 3.加强师生互动,促进师生交流 笔者认为,老师可以根据教学的内容制定有趣的教学课件。例如,在进行相关教学内容时,我们可以播放相关钢琴教学的视频,将相关钢琴知识形象化、生动化,同时加强师生互动,促进师生交流,从而提高学生的学习兴趣。 通过以上对高校基础钢琴课教学中多媒体技术的应用进行分析我们可以发现多媒体技术应用的重要性,因此,我们要重视这一技术的应用。本文结合我国现阶段基础钢琴多媒体技术应用的现状,从而提出以上相应的策略,希望能不断促进基础钢琴教学质量的提高,促进学生全面发展。
合唱这门艺术比较严谨,要求合唱者的声部是和谐的、音色是统一的,音量也是均衡的,只有通过严格认真的训练,才能够获得好的效果。在小学音乐教学中,合唱是重要的教学内容,小学童声合唱训练教学能够很好的提高学生的审美情趣以及能力,也是新课程教学的重点内容。 一、气息训练 在合唱中,气息是动力支持,为训练学生的气息,需要先让学生感受教师的气息,静止时的气息、歌唱时的气息,从而使学生了解日常的气息训练以及歌唱时气息的运用。学生感受之后需要进行锻炼,教师逐个对其进行监督辅导。做好学生的气息锻炼,花式吸气:5秒钟保持气息,5秒钟吐气,并逐步延长时间。让学生手叉腰,嘴上喊着数字一、二、一、二[1],并对腰上振动的幅度进行感受。然后拿出一张纸,教师一边撕纸,让学生一边慢慢的将气息向外“撕”出来,教师控制学生的速度、节奏,学生对这一方法十分感兴趣,能够积极的参与到锻炼中,在这种方法下不断地坚持,气息训练必然会达到理想的效果。 二、声音技巧训练 发声训练通常是单纯的声韵母,但是这种方法比较枯燥,为满足小学生的年龄、心理特点,可以通过带词的模声唱法进行教学。小学生年龄增长,其音乐感、鉴赏能力以及发声技巧等都得到了一定的提升,但是由于小学生班级人数比较多,他们的发声、音色等是不同的,因此在合唱中也很难达到声音的统一,所以在歌曲学习前,需要让学生先从闭口音“lu”开始,然后练到开口“la”音[2],跟着琴声对旋律进行哼唱,让学生找到发音的位置以及共鸣。唱歌技巧中,是从一字一音到一字多音的,从连贯的唱法到断音的唱法,从换气到有气息控制唱好渐强渐弱,逐步的提高。为使歌唱的语言更加生动连贯,声音需要做到统一,就需要做到轻声高位,轻声就是不能生硬的喊唱,高位就是发出有头腔的声音,即使唱到较低音,也需要有相同的头声共鸣,放松下巴,保持喉头的稳定,实现声音的统一。此外,演唱过程中要做到从一个位置上发出自然的声音,保持前一个字位置,字要连贯,句要均匀,做到位置统一,表情自如,使声音更加明亮,使演唱的声音更加动听。 三、音准训练 在合唱中,音准是最为基础的,也决定着合唱的效果。学生刚接触到歌曲时,对自己的声部旋律是比较关心的,因此在音准上需要让学生有立体感的印象,形成良好的音准概念,并训练音准。首先可以进行听音训练,通过“柯尔文七种手势唱名法”进行音准的训练,左手表示高声部唱名,右手表示低声部唱名,使各声部分别唱出不同的唱名,从简单到难,力度从弱到强。其次,对于旋律关于小学童声合唱训练的教学思考音程需要有逻辑性,从级进音程到小跳,再到大跳音程,学生一边听一边演唱和拍击,让学生在听觉、动觉上感受旋律音符的时值长短、力度以及音高低等变化。最后,对于和声音程,这是同时出现两个音,有和谐性,使学生感受横、纵音程间的关系,多听辨,让学生唱出自己声部的音,同时听另一声部的声音,实现理想的和声效果。 四、真假声训练 在小学童声合唱训练中,真假声的训练是极为重要的,通过真假声的演唱能够使音色更加丰满,音质更加清晰,发声轻快,自如的进行强弱变化,声音更加明亮、柔和,协调统一。如在合唱《街头少年合唱》时[3],通过深气息、高位置的方法进行发声训练,并通过说话的方法在高位置进行歌词的朗读,放开声音,音量出现后在高音区通过假声带头声的方法,让学生打开牙关,保持放松,找到打哈欠的感觉进行练习,再进行歌曲训练,提高歌唱的音量。 五、多声部和声训练 合唱声乐能够使音乐更美、更具色彩,让学生进入到音乐中。和声训练过程中,要让学生多听两声部以上的合唱曲,对比多声部、单声部歌曲的反应,使学生形成立体的概念,强化学生的和声意识。不能直接进行多声部的训练,通过一两个音、一两句在发声曲逐步的进行多声训练,然后进入到和声功能连接合唱训练,学生在演唱自己声部时,同时要训练学生听其他声部,让自己的演唱不会受到其他声部的影响,使学生的和声意识、和声能力等得到潜移默化的提升。 六、结语 总而言之,在小学音乐教学中,童声合唱训练是非常重要的教学内容,为提高合唱训练教学的效果,在教学过程中需要提高对合唱训练的重视程度,并且从多个方面入手强化学生的合唱能力,提高学生的合唱兴趣,逐步提高学生的演唱能力、表演能力,使学生的音乐素质水平不断得到提升和强化。 [参考文献] [1]曹群.柯达伊教学法与童声合唱训练的融通[J].盐城师范学院学报(人文社会科学版),2015,35(03):114-117. [2]马庆华.合唱训练融入音乐课堂教学中—谈童声合唱训练的有效途径[J].教育教学论坛,2011,31:105. [3]宗艳丽.浅析童声合唱训练中应注意的瓶颈问题[J].黄河之声,2011,11:98-99. 作者:汪亚萍 单位:江苏省盐城市建湖县育红实验小学
钢琴教学论文:连奏钢琴教学论文 一、断奏 1.关于手臂的放松练习与教学。 学生在练习的过程中常常出现手臂甚至是全身力量都很紧绷的现象,这种紧张的状态则是断奏最为忌讳的。在教学的过程中,教师可以针对此现象适当地采用一些辅助练习,以帮助学生尽快掌握正确的自然重量下的断奏。如学生在弯腰的状态下比较容易找到手臂自然放松的状态,因此教师可以利用“大象甩鼻子”的练习方法来让学生感受到手臂的松弛,同时也可以借机找到手臂的重量,然后再以这样的状态投入到钢琴的演奏过程中。再如,经过手臂放松的准备练习之后,教师要引导学生用耳朵来倾听,感受依靠手臂自然重量弹出的声音,然后通过倾听自己弹奏出的声音音色来检查自己的手臂动作是否正确。一般而言,放松状态下弹奏出的声音如同敲钟般的清脆悦耳,能够引起大家的共鸣;而通过僵硬的手臂弹出的声音则生硬、刺耳。经过这样一步步、坚持不懈的练习,学生能够很快掌握正确的手臂动作。 2.,关于手指支撑的练习与教学。 在练习断奏的过程中,手指需要承受住手臂自然落下的重量,这就要求手指要具有强有力的支撑力,每一个手指都要能够单独站立,且手指的关节要保持微凸,不能发软。但我们每个人的每一个手指都有所差异,且所要求的触键位置不同,所以手指的支撑可分为“2、3、4、5指的支撑”和“拇指的支撑”。其中2、3、4、5指除了长短不一,都是有三个关节,所以它们的支撑要求以及练习则是大同小异的,在此不做重点说明。而拇指则只有两个关节,它的支撑教学则是比较特殊的,教师要对此予以高度重视。比如,在大拇指的支撑练习中,大拇指的触键位置主要集中在指甲侧边,但有的学生拇指关节在受到重力的情况下就会塌陷进去。针对这种情况,教师要采用外力帮助学生矫正姿势、完成支撑。这样,经过一段时间的练习,学生的手指肌肉就会变得紧实有力,手指就可以获得良好的支撑能力。 二、连奏 1.小连奏。 小连奏即为两个音的连奏,它的第一个音是和断奏法相同的,弹奏的时候手臂要自然地抬起放下,并让手腕充分地落下,同时手指也要牢牢地站立在琴键上。在弹奏第二个音的时候,手臂要带动手肘以及手腕的运动,然后再以手腕为中心轻轻带动即将要触键的第二个音,同时手腕在提起的过程中要轻轻松开第一个音。在这一过程中,弹奏者要确保手腕动作的柔和,这样弹奏出来的旋律才会如同呼吸一般的静谧怡人。由此得知,小连奏教学的重点就是要学生掌握手腕的动作,在弹奏第一个音的时候手腕落下,在弹奏第二个音的时候手腕又轻提,因此教师也常常将其称之为“落—提”或是“落—滚”。此外,这种“落—提”式的弹奏方法不仅仅常常被应用到钢琴的初级教学中,我们在一些古典钢琴作品中也可以寻觅到其踪影,如海顿的《D大调奏鸣曲第一乐章》就大量运用了“落—提”的弹奏技法,从而表现出一种轻巧、优美的音乐境界。 2.三个或三个以上音的连奏。 它是建立在小连奏的基础之上的,其中的第一个音和最后一个音是和小连奏的音一样的,是在“落—提”之间完成的,唯一的不同则在于中间的音的处理上。这种多音连奏法的中间音是需要借助手指的独立动作而完成的。在刚一开始学习的时候,教师就要严格明确这一音节中手指的弹奏动作,要告诫学生不应该依靠手腕或是手臂来进行发力,而是要积极借助掌关节(即第三关节)来进行弹奏,同时手指的第一关节也要积极配合第三关节的运动,以达到手指“站稳”“支撑”的要求。例如,当学生在练习3、4、5指的三连音连奏时,中间第二个音是由4指完成的,但是由于4指本身的力量较弱,所以学生在练习的时候经常借用腕部的力量来实现大音量。久而久之,学生就会形成“抖手腕”的坏习惯,其无论是对平稳连线的构建,还是连奏性歌曲的表现都会产生不利的影响。因此,教师要加强学生这方面的练习,以确保中间音的独立性和完整性。而针对这种三个或三个以上连奏音的练习,教师可以采用指法组合练习法对学生进行训练,指引学生依次进行不同指的上下行连奏练习,如“1、2、3指连奏”“2、3、4指连奏”“3、4、5指连奏”等。此外,教师还可以采用一些具体的钢琴练习曲,如布格缪勒的《钢琴进阶25曲》《鹡鸰鸟》、约翰•汤普森的《影子舞》等。这些曲子旋律优美、形象鲜明,与上述纯粹的连奏练习法比起来更能够激发学生的学习兴趣,能促使他们尽快地掌握钢琴的多音连奏技法。 三、结语 总之,钢琴的弹奏方法是千变万化、多种多样的,但是所有的变形都源于断奏以及连奏这两种最基本的弹奏方法,学生只有掌握了这两种基本的弹奏方法,才能为日后的钢琴演奏奠定坚实的基础。因此,教师在钢琴教学中要以充分的耐心和科学的教学手段指引学生掌握正确的弹奏技巧和基本的弹奏动作,并通过长期的实践练习来帮助学生形成科学的弹奏习惯,切不可因为它的简单而忽略了其重要性,以免产生事倍功半的效果。 作者:李娜 单位:绵阳师范学院音乐与表演艺术学院 钢琴教学论文:示范演奏钢琴教学论文 一、示范演奏的重要性 钢琴教学课中,钢琴技能的学习是属于操作性极强的技能课,其专业理论是为了指导实践,而音乐又是“看不见摸不着”抽象的听觉艺术。在课堂上光是口头上讲理论,由于语义具有非确定性,再贴切的形容词有时也显的单薄无力,再多的形容词有时还不如教师直接示范演奏更一目了然。音乐的意境和声音的控制是很难用语言来表达清楚的,当学生无法找到适当的触键方式来表达音乐的意境情感,这时候只用理论教学是很难从根本上帮学生解决问题的,只有教师用自己的表达方式(触键方式),从音乐句法,线条,明暗,情感变化、层次对比等层面去做出处理示范演奏,才能使学生更准确找到通向音乐的路径(触键方式)。因此从某种角度上讲,钢琴的学习是无法“自学成材”的,没有一位钢琴家能够不通过教师而走向钢琴音乐的世界里。现代科技多媒体技术在钢琴教学中的运用,给传统课堂带来了冲击和变化,同时也为教师开辟了一条新的教学途径。多媒体图像主要是声音、图像、视频等多种技术手段,包括了各种钢琴考级示范、钢琴家音乐会、专家教学视频等等,无可否认,科技的发展把原来无法感受到的音乐音响送到我们的身边,强大的网络媒体是钢琴学习的重要参考资料,但“过多依赖视觉体验是不能从根本上提升学生的钢琴技能的,而实际上传统音乐教学中的听觉体验对学生的影响和形成也具有重要的推动作用。因此在当前的教学中,现代科技因素大行其道的趋势下,我们不得不进一步探究人文因素在现代教学中的充分运用。”毕竟音乐是一门人文性较强的学科艺术,脱离了人的因素,那听到的将是机器的声音,这也是当代无人自动演奏钢琴无法取代的。“示范演奏反映出教师的专业水平,艺术修养,体现出教师个人的气质和号召力。”[2]教师如能通过精彩的示范将音乐的完美性呈现出来,无疑能够给学生带来生动的形象感知并激发起学习的兴趣,使学生进入求知的振奋状态,进而转化为学习的动力,促进教学的顺利进行。因此,教师在平时除了教学还要不断提升自身的演奏水平,适当的参加舞台表演,积累演奏和舞台经验,才能为教学提供源源不断的“养料”。 二、示范演奏要注意哪些问题 在教学示范要做到有的放矢,明确示范的目的,有些教师没有明确目的,虽然具备良好的演奏技巧,但没能科学合理的运用示范演奏,最后使得教学的效果大打折扣,甚至适得其反。 (一)明确示范演奏的目的。 钢琴教学课程中的示范,不同于音乐会的演奏,不必完整的演奏整首作品,在几十分钟的课堂上,音乐作品有些长达几十分钟,完整示范演奏全曲也是不现实的。课堂上的示范演奏不但可以片段性的,还可以分声部,单乐句甚至单音的示范。不仅要示范美的声音,正确的声音,还要会模范学生错误的声音,以便学生学会对比,辨别正确的声音。有些教师在做示范没有明确目的,只是将乐曲流畅的整首弹奏下来,未能针对提出的问题进行针对性的师范和讲解,达不到预想教学效果。例如,当学生弹奏乐曲总出现中断,这时要分析中断的原因,如若是技术问题导致接不下去,这时教师可以在中断的地方进行示范,(而不是整首乐曲示范),并加以剖析讲解,逐一解决“衔接”的问题。这样才能更有效解决弹奏中断不流畅的问题。 (二)动作的规范性和可模仿性。 教师的示范将是学生模仿的版本,从弹奏的动作到音乐的起伏变化,细节的处理,甚至教师下意识的一个动作,都将成为学生的模范对象。因此,在示范时教师一定要根据学生(教学对象)的情况进行合理的安排。例如在给初级阶段的学生示范弹奏音阶琶音,教师就要用慢的速度进行示范,不能自我炫技,否则,会导致学生模仿快速弹奏,即使教师不断的强调学生要慢练,但由于在示范时教师的“炫技”给学生“印象深刻”,学生就是总要做不到慢弹,而快速弹奏是初级阶段的学生没办法达到的,最后导致弹不清楚。因此,示范演奏重在于运用恰当,在于“精”而不在于“滥”。这也是有些教师虽然具备良好的演奏技巧,但没能科学合理的运用示范演奏,最后使得教学的效果大打折扣的主要原因。 三、结语 示范弹奏是钢琴教学中最具有灵活性、直接性和有效性的教学方法,在教学的各个阶段都有其不同的要求和变化,教师的示范弹奏只有结合教学目的、语言讲解等其他的教学手段,才能发挥其固有的潜能,进而达到促进良好教学效果的目的。 作者:李红智 单位:广州艺术学校 钢琴教学论文:体验教学视角下钢琴教学论文 一、体验式教学法 所谓体验式教学法,主要是指结合学生的认知水平和教学内容,通过观摩或者直接使教学活动再现等方式,为学生创设相应的教学情境,使学生能够在一种身临其境的情境中学习、体验、感悟,从而形成合理的知识结构,促进个人能力的提高。与传统的教学模式相比,体验式教学法是一种以学生为本的教学方法,更加注重对学生的尊重与关爱,更加注重培养学生的健全人格和实践经验。音乐艺术隶属于审美艺术的范畴,由于钢琴作品艺术形象比较抽象,学生理解起来比较困难。体验式教学法通过创设贴合钢琴作品意境的情境,让学生产生移情体验,有一种身临其境的感觉,这样才能真正理解作者创作时候的心态和作品表达的情感,在自己练习时才能更好地理解和诠释作品。 二、当前钢琴教学情况 1.教学内容安排不合理。 当前,大部分钢琴教学内容中都缺少对钢琴音乐史历时时间段的描述,也缺少对不同风格、不同流派的钢琴作品的全面介绍,导致学生难以对钢琴音乐历史进行整体把握,对我国钢琴音乐作品的介绍比较少。同时,也缺少对钢琴艺术史及赏析课程的开发及研究工作,难以提高学生的体验能力。 2.教学方法不合适。 当前,在钢琴教学中,大部分教师仍然采用传统的由学生弹奏、老师讲授弹奏方法的教学模式,缺少教师与学生之间的互动学习,这种教学方式已经不适应当今社会对钢琴人才的需要。同时,教师大多强调钢琴传教技巧,缺少对学生心理需求的体验。此外,在教学评价方面也不够柔性灵活,不能达到激励学生学习的目的。 3.学习方式轻体验。 由于传统的钢琴教学活动大多侧重于教师的“讲”,缺少对于学生“听”的能力训练,尽管教师讲解水平高,钢琴作为一种听觉艺术,单纯的讲解并不能使学生深入领会教师讲解的内涵,教学形式上就缺少互动环节,从而难以达到“体验教学”的目的。只有真正做到让学生切实去体验,才能形成学生的审美体验。 4.师生关系不平等。 当前,在钢琴教学中,大部分教师仍然以教师为主体向学生讲授钢琴的演奏法,在教学过程中往往没有去倾听学生的想法,教学活动没有处在一个平等的关系上去开展,没有充分尊重学生的个体意识,在一定程度上挫伤了学生学习的积极性。高中和大学的学生大多具有较强的主体意识,他们渴望得到教师的尊重,这样才能积极配合教师的教学。 三、体验教学法在钢琴教学中的应用 1.说、唱、弹等教学方法的体验性。 在钢琴教学中,说、唱、弹是最主要的三种教学方法,它们在教学活动中是相辅相成的,教师应该结合教学内容,灵活把握三者的条件和实践,教师和学生双边的活动,不能把课堂只当成是教师的舞台,从而使教学效果得到最优化。在进行“说”的时候,教师应该尽量少用结论性词语,多用启发性、诱导性语言,要善于描述感情微妙的变化,使学生能产生“移情体验”。“唱”在理解音乐情感方面具有一定优势,教师可以引导学生随着琴声深情演唱。在“弹”的指导中,教师应该注意避免学生一味地模仿,多与学生交流和讨论,让他们在倾听与体验中逐渐形成自己的风格。 2.在音乐表现中学习钢琴技术。 钢琴技术的学习既是钢琴学习的重点,也是钢琴学习的难点,钢琴的作品表现手段离不开技术,要做好对钢琴的技术教学,也应该重视对学生的体验生成。在讲解钢琴常用的基本技术,如五指练习、音阶等方面,教师不能只是单纯讲解,而要与音乐形象和音乐表现联系在一起。比如在练习音阶时,教师可以启发学生表现各种不同的情绪。在表现气势磅礴的音乐形象时,教师可以引导学生想象大海的浩瀚、海水的奔涌等景象,学生比较容易放松,更容易表现作品需要的情感。 3.改变传统的学习方式。 在钢琴教学中,教师应该改变传统的教学观念,从教学活动的主导者变成学生学习的激发者和促进者,让学生自己去思考、判断、选择,有意识地锻炼和鼓励他们自主地学习。如在练习某部钢琴作品时,教师可以先用多媒体播放该作品的相关历史背景、作者经历等,使学生融入到作品所表现的意境当中。当学生在选择钢琴学习作品时,教师可以首先和学生讨论,让他们自己对想要联系的作品、想表达的心情、想练习的技术等方面进行思考和取舍。选择完作品后,学生自己查找与钢琴作品有关的资料,在这个阶段,学生对钢琴作品的内容、技巧、情感等方面都会有一个初步的体验,练习效果也会更好。 4.建立和谐的师生关系。 体验教学中建构的师生关系,是基于对话的、体验的和交往的师生关系。只有在这种师生关系中,教师的情感体验与学生的情感体验才能形成一致,容易唤起学生的共鸣,进而在双方的交流与讨论中形成技巧,建构知识。为此,教师应该把学生放在与自己平等的位置上,在班级中形成一种民主、平等、信任的氛围,利用多种教学方式,引导学生发扬合作精神,共享经验知识;制定科学合理的教学方法和教学计划,多用鼓励性的评价语言,让学生在学习的过程中不仅掌握知识,还体验到学习的快乐和价值。 作者:郝光 单位:辽宁省沈阳市艺术幼儿师范学校 钢琴教学论文:节奏训练视角下钢琴教学论文 1节奏 1.1时值 时值指的是乐音之间长与短的比例关系。在乐谱中乐音之间的长短比例,需要依靠乐谱中的音符与休止符来表达。而这些符号需要以有组织性的节拍与律动来将时值体现出来。在实际的音乐演奏过程中,时值也是必不可少的,不同的音乐类型、音乐结构以及音乐情绪,便拥有不同的时值组合法。 1.2重音 重音在乐曲中可以起到画龙点睛的作用,一首乐曲的感情表达不是平铺直叙的,时刻变化的感情内容主要是由重音体现出来的,通过重音将重点与非重点区别开来,有助于演奏者抓住重点融入感情,体会乐曲内涵。乐曲一般的重音是节奏重音,它可以突出乐曲的节奏,使一首乐曲立体化。 2节奏与节拍的区别 节奏与节拍有着本质的区别,节拍可以说是节奏的局部表现,是机械性的,也是匀称的。有时音乐的脉动与节拍并不吻合,有了基本的节拍都会存在音乐的脉动。每一部音乐作品中的节奏,都是演奏者对作品理解之后的表达,所以只有有情感的、有逻辑性的以及有依据的节奏才是真正完美的演奏。如果将节奏视作节拍,那么表达出的作品只能是机械性的,必然会单调而缺乏情感。 3提高节奏感 节奏感是要求学生在掌握了准确节拍、精准节奏型之后要进行培养的。节奏感是要把对节奏的理性分析和认识具体到感性认知。要求学生在对每一首乐曲进行练习时都要做到,首先按照节拍出声数拍子,或用节拍器打拍子。然后当节拍已经能够弹奏准确后,就可在心里默数拍子。最后通过对作品的进一步理解掌握乐曲应有的速度,及一些速度的临时变化和情绪的变化,从而达到对乐曲节奏的感性理解,这就有了节奏感。节奏感的练习是漫长的,要建立十足的信心,相信坚持认真的练习一定会取得成绩。准确地掌握乐曲节奏,是学习钢琴和音乐的关键,应引起师生的足够重视。 4节奏的训练方法 在经过一定的节奏感培养之后,学生基本上会具备了良好的节奏感。这时便可训练学生如何正确掌握钢琴乐谱中的节奏。 4.1弹奏之前先了解作品 音乐作品是人为创作出来的,在作品中一定会有作曲家的个人意识。乐曲的弹奏最高境界是达到共鸣,即弹奏着与听众达到感情同步。这就要求学生在学习新曲前首先需要熟悉音乐作品。这里的熟悉不是单指熟悉曲谱,是要熟悉作品的一切相关信息,即曲目诞生的时代背景,及作曲家的生平事迹等。只有尽量还原作品创作时的感情才能体会曲子的内涵,了解作曲家赋予曲子的感情基调,从而更深入理解作品,把握好乐曲节奏。 4.2做好拍子的处理 在进行钢琴弹奏练习时,教师还应该指导学生对各种常用拍子进行全面掌握与熟悉,并保持稳定的速度来数拍子,然后按照正确的节拍进行训练。教师应教会学生不同节拍的节奏特点。比如6/8拍是以八分音符为一拍,每小节有六拍,重音在第一、第四拍,节奏为强弱弱次强弱弱。在进行节拍训练时,教师要避免学生出现对节拍的基本特征不了解,缺乏平衡感的问题,还要避免学生出现过分强调每小节的重音,从而忽视了乐句的完整性与流畅性的问题。另外,还注重学生对切分的处理,不仅要将切分强调出来,还要显得不突出,自然流畅,从而保持音乐的协调性。 4.3完整的处理好乐句与乐段 想要让乐曲弹奏得更有感染力,就要赋予乐曲以生命力。对待乐曲的每个乐句乐段就像与人交流,要有停顿,要有重点,在弹奏中就表现为对节奏的掌握。人在说话时要有始有终,尤其在进行一段话的陈述时,往往最后一句话是强调语句,要重点提出。音乐的弹奏也是如此,很多学生在音乐的弹奏中,往往忽略了每个乐句与乐段的末位部分,习惯一笔带过,这样在整首音乐弹奏时就会让音乐的节奏感不明显,从而产生虎头蛇尾之感。所以教师在对学生进行节奏的训练时要强调学生对每个乐句,乐段的处理完整性,让学生认真倾听完整的乐段,乐句与不完整的乐段,乐句区别,感受完整的重要性,提高学生的弹奏水平。 4.4做好节奏与速度的训练 学生在钢琴弹奏时,非常容易出现节奏不稳、速度不均匀的问题。有些学生在弹奏时,遇到较难部分速度会不自觉的慢下来,而遇到容易部分弹奏的速度又会突然提高。这种时快时慢、时强时弱的弹奏表现如果养成习惯,将严重影响学生钢琴演奏水平的提高。在钢琴教学过程中,我们应该让学生充分认识到节奏与速度的重要性,学生练习乐曲时如果出现难度较高的部分,应该提醒其不要过分紧张,慢练的好处在于,能够减少学生错键敲击率,减少学生弹奏失误的出现。而且,慢练也有助于缓解学生的紧张情绪。训练学生掌握速度与节奏的准确性,就应该让学生养成良好的习惯。在弹奏之前对乐曲进行全面认识是必不可少的一个环节,这样能够帮助学生对较难的部分有个初步了解,然后将其记在心里。学生还应该培养起心理哼唱的习惯,以便对手指的速度能力进行衡量,并与正常的速度进行比较,这样学生便能够快速找到整个乐曲的节奏与速度,并在合理的范围内进行变化,从而完整、流畅的将乐曲呈现出来。 4.5做好复合节奏的训练 在两手弹不同的节奏时,很容易失去节奏感,使音乐毫无美感可言。学生要想两手同时弹奏好两个不相同的节奏,就必须先进行分手练习,直到分别弹奏的非常准确后,再进行合手弹奏,弹奏时不要考虑任何一手的节奏,只要考虑两手的汇合点,进行下意识的动作,同时进行反复的倾听,这样便可以弹奏好两手不同的节奏。进行这种训练时,教师应该要求学生弹奏时对拍子与节奏都判断准确。 5结语 节奏对钢琴乐曲的整体弹奏效果有很重要的影响,把握好节奏是一首曲子的弹奏的前提。节奏的掌握可以在训练中得到提高,这不仅需要学生加强自主练习,也需要教师对学生的指导训练,格局不同的学生理解情况及曲子特点有目的地进指导,从而稳步提高学生的演奏水平。 作者:赵宇 单位:哈尔滨幼儿师范高等专科学校 钢琴教学论文:内心听觉钢琴教学论文 一、钢琴教学中内心听觉的培养策略 (一)重视培养学生的音乐专业素质 音乐专业素质的提高能够加深学生对乐曲的内心听觉感受。钢琴的教学,如果仅仅是简单的弹奏技巧的教授,而不向学生讲解作品创作的背景等相关理论知识,那么即使学生熟练的掌握了演奏方法,也不能演奏出符合音乐原创内涵的曲子,更不能让听者正确理解作品的创作意图和情感。作为情感寄托的音乐作品,不同的国家、民族及流派的创作者对其诠释各具特色,所以一定的音乐理论知识对学生欣赏不同乐曲的素养的提高是十分必要的。此外,仅仅喜欢某一类乐器和音乐是不够的,应培养学生对各类不同乐器和乐曲进行广泛且有意识地学习和鉴赏,例如可以指导学生自主学习与乐器发展、乐曲创作相关的书籍,通过播放一些经典的乐器演奏作品以及名家专业讲座等,让学生从乐器和音乐的文化根源出发,不断拓宽音乐专业知识,提升自身的音乐修养。在此基础上建立起来的乐曲内心听觉对学生钢琴演奏的技巧的提升也起到了非常积极地作用。 (二)坚持引导学生聆听钢琴乐曲 钢琴弹奏的听众不仅仅是台下的观众,演奏者本身也是一名聆听者,聆听乐曲过程对演奏者显得更为重要。在钢琴教学中,引导学生聆听乐曲,一方面可以让学生感受到听觉的刺激,提高他们对音乐的理解。另一方面有利于学生对乐曲进行内在听觉记忆。长期反复地进行乐曲听觉积累,学生对乐曲记忆不断加深,同时其内心听觉中所形成的多种色彩效果为提升乐曲感知能力奠定了基础,多次的聆听,使得学生能更好地把握音乐,甚至能触发学生对音乐进行有意义地模仿和创作的灵感。很多优秀音乐作品的创作,都是在聆听了大量其他音乐素材的基础上的有所感悟,从而形成内心听觉,结合自己的情感以及创作意图而完美地呈现在大家面前的。所以,在钢琴教学中,坚持引导学生养成聆听音乐的习惯,是内心听觉养成的前提,更是进行钢琴深入教学的必备条件。 (三)给予学生正确的钢琴读谱指导 读谱是钢琴教学中内心听觉训练的基础,正确有效读谱方法有助于钢琴学习快速入门。在教学过程中,读谱想象有助于内心听觉水平的提升。在没有外界音效的情况下,学生拿到乐谱后,应指导学生先进行一段时间乐谱和旋律结构的视觉观察并通过低声哼唱等方式,让学生对乐曲有一个全面分析和认识,然后引导学生在视觉记忆的基础上在脑中对乐谱音响和情感进行新的思考,加强学生对乐谱以及对所要表演的音乐深入理解,并形成自己的内心听觉。通过这样一个内心思考和歌唱的过程,学生读谱和内心听觉能力在潜移默化中得到了提升。此外,对学生听觉意象的培养也是提升钢琴教学中内心听觉的有效方法。钢琴演奏者对和声和旋律间的关系处理不当常常造成其对乐曲的旋律表达不当,从而不能给听者带来悦耳的听觉盛宴。听觉意象有助于改善钢琴和声及旋律间的不和谐,这有利于学生在演奏过程中为听着呈现出清晰分明的音乐旋律以及引人入胜的音乐氛围。 (四)训练和提升学生背谱弹奏能力 背谱演奏已经成为一场合格钢琴音乐会的最基本的要求。在演奏过程,通过听觉记忆的反馈,演奏者能够自如地将音乐的旋律、情感融入到自己的肢体动作中去,从而呈现出人与音乐和谐一体的演奏画面。可见钢琴背谱中所建立的内心听觉是演奏者出色地把握音乐的前提。在钢琴的学习中错误的背谱方法将影响学生学习的兴趣和积极性。内心听觉记忆是一种有利于学生背谱能力的提高的方法,但是内心听觉记忆的培养是一个漫长的过程,视觉上的形象感知、听觉上的想象领会及后期反复弹奏在其形成中都起到了关键的作用。拿到一个乐谱,首先应指导学生在视觉上熟悉乐谱的结构、旋律走向、强弱标记等要点,并举例帮助学生进行形象化记忆。然后通过多媒体等教学方式播放CD,反复多次的让学生置身于乐曲钢琴弹奏,培养学生内心对音乐作品描绘和想象能力并逐渐建立乐曲的内心听觉。通过这样一个乐曲听觉感知的训练,学生能将脑中牢固的乐曲弹奏要点灵活地运用到手指弹奏练习中去,在经过一段时间的重复练习,学生不仅能正确离谱弹奏出符合音乐作品内涵的曲子,而且其内心听觉的能力也得到了很好的锻炼。 二、结语 学生内心听觉能力的培养是钢琴教学中必不可少的任务之一。这就要求钢琴教师在教学过程中从音乐素养、乐曲聆听,读谱及背谱等多方面探索对策,并对学生进行正确有方的教授和指导,逐渐培养学生良好的内心听觉素养,从而增强其对钢琴乐曲的感知能力。同时结合必要的弹奏技巧的训练,最终达到钢琴教学的效果。 作者:周丽青 单位:集宁师范学院 钢琴教学论文:奥尔夫音乐教育与钢琴教学论文 1奥尔夫音乐教育法在高职钢琴教育中存在的问题 1.1对奥尔夫音乐教育法有错误认识 很多高职院校在钢琴教学中并没有采用奥尔夫音乐教育法,分析其原因,很多教师认为奥尔夫教育法更加适合学龄前儿童的钢琴学习,对于高职学生来说,其不可能产生很大的帮助,促进学生钢琴水平的提高。因此,很多老师不愿意采取奥尔夫音乐教育法来开展高职学生的钢琴教育。这是对奥尔夫音乐教育法的错误认识,奥尔夫教学法重视的是人的创造力的培养,和个性的舒展,并不区分幼儿和成人。很多老师并没有认识到奥尔夫音乐教育法的这一优势,导致奥尔夫音乐教育法在高职钢琴教学过程中并不普及。 1.2教材不匹配 除了上述认识的不足,在高职钢琴教学过程中,教材的缺失也是阻碍学生钢琴技术进步的原因。时代在不断发展,教育的方法也应当不断更新,在高职钢琴教学过程中,很多院校并没有为学生准备一套系统的教材,很多学生在学习钢琴的过程中并不理解奥尔夫音乐教育法究竟是一种什么样的教学方法,其能够起到怎样的作用,因此,也更谈不上很好地运用该教学方法。因此教材的不匹配也是阻碍学生钢琴学习的原因。 2奥尔夫音乐教育的具体应用对策 2.1增强学生对教育模式的认识 要想使得奥尔夫音乐教育方法在高职学生的钢琴教育工作中充分发挥其作用,首先要做到的就是使高职学生对该教学方法有一个全面的认识,理解该教育思想的优秀内容和开展方式。使其抛开原先对奥尔夫音域教育的错误认识,即该教育思想并不仅是一种思想或者方法,而是一个完整的体系。在教学过程中,要使得该体系能够完整地被应用到钢琴教学当中,使得高职学生能够对钢琴有一个更具体、更全面的认识,使其在学习中不断熟练动作,掌握弹奏的技巧。 2.2教师自身素质提高,教材的完备 除了使学生对奥尔夫音乐教育有一个正确的认识,对于老师也要提出较高的要求。在钢琴的教育过程中,老师发挥很大的作用,其要针对学生的自身素质、个性追求、心理等各方面来开展教学工作,同时其教学的内容要能够给学生今后的工作带来帮助,这些都需要教师自身素质的不断提高,学校可以定期举行教师培训,使教师能够更好的了解奥尔夫音乐教育方法和具体的应用。同时,学校也需要为学生安排一套较高水准的教材,使学生能够通过书本的学习提高自己对该教育体系的认识。 3高职钢琴教学中奥尔夫体音乐教育思想的具体应用 对于高职学生来说,因为其入学时候的钢琴水平有高有低,只有在日后的教学中引入奥尔夫教育法才能够使其不断趋于一致,一起提高。该教育体系具体有如下几个方面的应用: 3.1琴谱的学习 在演奏钢琴之前,首先要学会读钢琴谱。这对于基础好的学生来说是一件非常容易的事情,而对于基础差的同学来说就显得十分枯燥无聊。同时,在钢琴谱的学习过程中,传统的教学方式是灌输式教学法,学生通过死记硬背将琴谱背诵下来,严重打击了学生学习钢琴的兴趣。但如果老师运用奥尔夫的音乐教育思想,在琴谱学习过程中仔细观察学生心理的变化,通过游戏的开展使学生在玩耍中学到知识。 3.2节奏的掌握 钢琴的弹奏离不开节奏,因此运用奥尔夫音乐教学思想能够加强学生掌握最基本的节奏,以有效地开展下一步的教学活动。在节奏的学习过程中,学生可以通过拍手的方式,跟着老师的钢琴节奏一起完成对一首乐曲节奏的学习,加强了老师和学生的互动,学生能够充分地参与到课堂当中,强化了其对节奏的认识。 3.3技能的提高 在钢琴学习中,技能的学习是最重要的一部分,同时也是最枯燥的一部分,如何将枯燥的技能教学有趣化,是钢琴教学过程中的难点所在。奥尔夫音乐教学体系将抽象的教学内容形象化,在师生之间开展律动游戏,比如在开展“跳音”技能的学习时,可以让学生将篮球当做钢琴,通过拍打篮球感受手部和手腕的力量,并且将自己的这种感觉应用到钢琴的弹奏当中,使得抽象的技能教学更加生动形象。 4结语 随着我国文化艺术事业的不断发展,人们对艺术的追求也在不断增加,于此同时,艺术教育水平也要有相应的提高。在高职钢琴教学中,需要加大对奥尔夫音乐体系的应用范围,全面认识该种教育思想,并且结合高职学生的心理需求、个性培养、审美能力、日后的工作等各方面因素,来开展教学工作。 作者:陈旭 单位:内蒙古科尔沁艺术职业学院 钢琴教学论文:学前教育与钢琴教学论文 1钢琴教学中互动教学的意义 1.1学生成为学习的主体 成就感是学习动力。学前教育专业的学生很多都是在进入职业学校后才开始接触钢琴的,对他们来说,能够自如弹奏乐曲并不是一件容易的事,而一旦通过自己的努力解决了钢琴学习中的问题,他们就会由此认可自己,从而增强了学习钢琴的信心,也为以后的学习奠定了心理基础。 1.2形成融洽的师生关系 学生在学习钢琴时,由于起点较低,本身就存在很强的不自信,如果钢琴教师又是以自我为中心的,对学生形成一种威慑,学生往往会产生很强的胆怯心理,最终导致其不敢放手去弹琴,有想法也不敢与教师交流。而在互动教学中,能够形成轻松的学习氛围和融洽的师生关系,能够更快地消除师生隔膜,使学生以放松的心态去学习,在弹奏乐曲时,其身体和手指才能够不紧张,才能够弹奏出优美的曲调。 1.3实现教学相长 在钢琴教学中,通过互动,教师给学生以更多的思想和行为上的自由,其结果是,一方面学生可以取得理想的学习效果,另一方面,教师也常常会被学生激发出更大的教学热情和授课的灵感。学生成绩提高,教师则能够体验到教书育人的成就感;学生对乐曲某一处的处理,对乐曲的某种选择等都可能触发教师教学的灵感,教师再将这种灵感转化为教学改革的行动,从而最终促进教学,形成良性循环。 2钢琴教学中的互动方式 2.1学生与教师一起参与到学习内容的选择中 在传统的教学中,学什么内容已经在教材中被规定出来了,教师也往往以教材为蓝本,按部就班地进行授课,却很少考虑学生的个体差异和教材编排的合理性。而在互动教学中,对于学习内容学生也有了自主的权利。如,我在教学中,会根据教学大纲、教材内容和学生的能力水平为学生选取大量的不同风格的乐曲,包括练习曲、复调曲、奏鸣曲、中外乐曲等供学生选择。之后,让学生浏览我所提供的曲目,并让他们选择自己喜欢的曲子,以激发其的学习兴趣和学习动力。最后,我会和学生一起探讨哪些乐曲既符合教学大纲、学生未来从业需求,又适合学生自身能力和兴趣,并最终达成共识,确定学习内容。这样做,既调动了学生学习的积极性,也使得学习的内容的更加趋于合理化,为培养合格的幼儿教师奠定了基础。 2.2师生平等,共同完成学习任务 钢琴弹奏是一门技能,他受先天的遗传条件和后天教育环境的影响较大。进入学前教育专业的学生,他们之间存在很大的个体差异,他们的音乐素养和对音乐的兴趣都有不同。因而,在学习钢琴知识与技能上,不同学生进步的程度与速度都是不同的,对音乐的感受能力、理解能力与表现能力上也是有区别的。作为钢琴教师,在教学中,应该尊重学生的个性特点和潜能差异,与学生建立起平等、互动的关系,不仅能够做良好的示范,更要学会与学生多交流,了解学生当前水平和个性特点,调整学习进度和内容,把学生的参与和发展不同个性有机结合起来,因材施教,让每一个学生都能够享受到钢琴学习的乐趣。 2.3小组竞技,学生互评 在钢琴教学中,为检验学生学习效果、增强学生学习的动力,除了期末考试的一次终结性评价外,我还采用了平时的定期测试。在定期测试中,以5人为一小组,小组的综合水平决定每位同学的成绩。在测试时,其他小组成员为被测试组打分,教师做最终评定,以避免由于学生水平和主观因素导致成绩的不合理。这样规定后,每位学生为了不拉本组后退,都会努力练习;同时,水平较好的同学也会帮助组内水平稍差的同学,共同进步。此外,在为其他组打分的过程中,学生聆听音乐的能力也得到了很大的提高。 2.4创造机会,合作中共同进步 钢琴是一件独奏性很强的乐器。因此在钢琴教学过程中,学生合作演奏能力的训练和培养常常得不到教师应有的重视。而对学前教育专业的学生来说,良好的合作能力恰恰是其日后工作所必备的。为了弥补教学中的这一不足,我在钢琴教学中适度地增加了一些合奏性的内容,如:钢琴四手联弹作品,钢琴与其他乐器的重奏作品,钢琴协奏曲等等。同时,培养学生良好的钢琴伴奏能力,尤其是儿歌的伴奏能力,我认为这是学前教育专业学生钢琴课程最为实际的教学目标之一。 3结语 钢琴教学是一种由教师和学生共同完成的活动。这种活动的最终目标是促进学生的发展,使学生掌握一定的钢琴知识和弹奏技能,得到一定的情感熏陶、思想成长。因此,在钢琴教学中,教师不能忽略学生的主体存在性,而要充分调动他们学习的积极性,让其参与到整个学习过程中来,从其个性特点出发设计教学,这样,学生才能够有兴趣、有能力完成学习内容,取得理想成绩。 作者:许妍彬 单位:佳木斯师范学校 钢琴教学论文:元认知高校钢琴教学论文 一、元认知在高校钢琴教学中的作用 (一)转变教师的教学观念 在钢琴教学的过程中,教师能够引导学生领会监控、策略监控,使学生能够懂得用什么方法学习钢琴是最有效的,把教师的指导和学生的参与融合到一起,建立一个和谐的学习环境,体现了教师教学观念的转变。 (二)提高学生的自主学习能力 所谓自主学习能力就是自己做主进行学习,其特点在于学生能够制定学习计划、运用学习策略处理问题、在学习的过程中获得情感体验。运用元认知进行钢琴的教学,学生能够对认知活动进行主动的调节,提高了学生的自主学习能力。 (三)促进教师和学生之间的互动 在钢琴教学的过程中,教师和学生的合作、互动是一种非常有效的教学方法,一方面能够使教师和学生之间的距离缩小,另一方面还能激发学生主动学习的意识。 二、元认知在高校钢琴教学中的实践 (一)实践方式 1.研究方法 元认知理论在钢琴教育教学上的研究方法,关于元认知知识的学习情况主要是采用问卷调查方法、写日志的方法进行,而元认知的体验和监控是对个体认知行为进行分析得出的。在高校钢琴教学中采用元认知进行学习的方法是对学生的情况进行观察、教师同学生的谈话以及分析学习成绩来掌握的。 2.教学途径 元认知的主要作用在于监控个体的认知,共包括四种学习的途径。首先是自己进行领悟,在学习中不断提高学习能力和自我意识,科学的调整学习策略;其次是教师的简单点拨,循序渐进的发展元认知技能;再次是专门的元认知培训,以此锻炼元认知;最后是教师计划的元认知培养。由于很多学生并没有具备应用元认知的能力,所以通常都是采用最后一种方法。 (二)训练内容 1.掌握元认知知识 从元认知的理论能够看出,在学习钢琴时,学生要掌握的元认知知识就是学习钢琴的任务和目标,教师要让学生了解要学习的内容,在教师的引导之下能够制定相关的计划,明确学习的目标。首先学生要了解自己的能力和优势,例如学习一段时间之后要知道学会了什么指法,要提高哪部分的训练,具备什么特点等。其次要了解目标因素,教师可以依照教程的进度为学生制定学习任务,例如指法练习、双手交替练习、弹奏装饰音等,要求学生以学习任务为优秀制定适合自己的学习计划,如练习的时间的长短和时间的安排等。最后在学习钢琴时教师要指导学习的策略和方法,例如不同的音色其触键的使用是不同的,不同的作品要用不同的音色弹奏等,又如学生要依照演奏时的心理活动规律判断使用什么练习方法。 2.提高元认知体验 元认知体验分为两种,分别为积极和消极,能够直接体验情绪变化的就是考试成绩,通过调查发现,惧怕考试同元认知有着直接的关系,并且影响比较大。为了提高学生的元认知体验,教师可以调整考试方式,一个月开展一次小考,考试的内容就是前段时间学习的内容,这样学生能够对自身的情况进行总结,降低考试引起的焦虑,还可以让学生自己大份,一方面能够充分对了解自己的学习情况,另一方面还能了解他人的认知过程。 3.提高元认知监控 元认知监控能够使学生发现自身在认知方面存在的问题,并能够加以改正。在高校钢琴教学过程中,教师可以经常性的对学生进行调查,让学生对自己在学习钢琴过程中的思维进行梳理,思考自己的思维模式。还可以采取出声思考的形式,让学生把自己的思考模式展现出来,发现学习中出现的问题,在教师的引导之下能够不断进行自我反省,做到自我监控。 4.增强元认知动力 学习的动力是提高学生学习能力的优秀,使学生保持热情的学习状态,学生在学习的过程中会依照学习的知识对外部行为进行分析和解释,任何归因到会对学生的动力产生影响。在心理学中,归因过程分为四种,分别是能力、努力、任务强度和运气,这些都会对元认知产生影响。因此在钢琴教学的过程中教师要进行归因辅导,激发学生学习的兴趣和信息,找出学习中出现问题的原因,增强学生学习的动力。 三、结语 综上所述,在高校钢琴教学中应用元认知理论的效果是非常好的,学生在学习钢琴的过程中不断通过元认知进行反省和自我补救,不仅能够提高学生的成绩,还能提升学生的自我监控能力和自主学习能力,使学生能够更好的运用学习策略能力,增强了教师和学生之间的互动,极大地提高了学习钢琴的质量和效率,具有非常重大的意义。 作者:汪婧一 单位:黄淮学院音乐表演系 钢琴教学论文:弹性教学大学钢琴教学论文 一、教学模块的设计 目前我国关于钢琴教学模式的研究还没有形成统一的论点,主要分为三种模式:教学模式与教学程序基本统一、教学模式与方法结构、教学模式教学内容与过程的设计,本文主要以第三个观点来采取的重组设计,在从教学方法的设计中强调教学结构的设计,主要分为钢琴基础教学理论和钢琴教学技能实践,从动态进行分析,课程方法的设计中还必须根据教学目标、教学对象和教学资源进行设计。教学内容模块可以分为A类模块、B类模块、C类模块,A类教学模块主要包括钢琴艺术史、钢琴文献作品赏析、钢琴基本弹奏法与教学法,是此教学方法的基本内容,面向全体学生,重在提升学生的钢琴艺术修养。B类教学模块包括钢琴艺术史的教学、钢琴文献做品尚西教学、钢琴基本弹奏法、弹奏技术的教学,是A类模块主体内容的初级拓展,教学内容比较侧重于钢琴初级阶段,面向的主要是副修钢琴的学生。C类模块式钢琴教学心理训练,与B类模块比较类似,逐渐拓展学生使用技能,深化钢琴教学实践技能,重点锻炼学生的能力适应社会的发展,侧重于培养学生的钢琴教学使用技能,此模式的设计主要面对的是主修钢琴的学生。此设计的教学方法比较明显的展示出知识结构与教学法之间的有机组合,能够在教学内容上体现出动态与静态结合的特点,把主体内容作为整个教学的支出,依照发展特点形成动态组合。在此教学模式中,学生的知识结构和教师的教学法都呈现出一种动态的特点,教师在传授知识的过程中采用启发式、开放式以及讨论式的教学理念,学生的知识结构也从开始的静态钢琴文化赏析逐渐转变为能力结构拓展转移,符合我国教育理念的要求。 二、程序的操作过程 我国传统教学主要采用钢琴技术作为教学中心内容,本研究所涉及的教学方法与此不太相同,但是也存在很多相同的地方,本设计的教学方法超越了个性化教学模式,更加合理地对学生进行分组,使学生能够在钢琴文化认知、情感以及技能上得到全面的发展。在具体的操作中要求,针对A模块的学习要求全体学生参与其中,学生在完成A类模块的学习后,可以自行选择B类模块和C类模块的教学,针对主修钢琴学生,要求继续学习B类模块和C类模块,副修钢琴学生可继续学习B类模块。弹性教学理论与个性化教学理论部分相似,重点针对学生的个体差异,目的在于使学生的个性得到自由发展,采取多维活动进行多维表征,深入而全面地获取知识,在教学方式中包括弹性上课教学、弹性作业及弹性评价。所谓弹性上课在前文已经提高使学生自由选择模块的学习,在学习的过程中通过同质分组、异质分组的方法来进行教学,体现出教学的多维互动性和灵活性。所谓弹性作业就是在布置作业的过程中综合考虑到学生之间的个体差异,依照学生的能力和水平来为学生布置合理的作业,体现出学生个体差异间的尊重。所谓弹性评价,就是在考试的过程中,并不是采用统一闭卷考试的方式,而是采取合理教学、研讨、发言或者是辩论的方式进行评价,在此过程中体现出多角度、多层次及多途径的特点,充分发挥出教学评价的激励功能。采用弹性教学方法,把学生、教师、教材和媒体连接在一起,更加具有可操作性,而且学生在教学活动中强调了学生的主体地位,在教学中能够得到情感和认知的互动。在建构主义理论中,认识和学习之间的关系能够看出在教学活动中,教师需要为学生提供良好的钢琴教学环境,,如可以采用钢琴音乐情景与教学法结合充分体现出情景认知理论,为钢琴音乐学习环境提供理论支撑,保证教学方法的合理性和可操作性,教师在教学的过程中只有创造合理的钢琴音乐环境才能得到提高教学效果的目的。采用钢琴教学法与多媒体教学结合,在钢琴教学中以多媒体技术和网络通信技术等作为教学媒介,充分利用钢琴教学中所包含的音响、文本的材料扩大教学空间,也可以采用案例教学法,在教学中鼓励学生积极地参与到典型案例的分析中,使学生进行分析、研究和讨论,准确掌握教学内容。钢琴案例教学法发展到现在已是一种比较成熟的教学方法,教师在课堂的教学中通过讲解一些钢琴的典型案例,来使学生进行研究等,重新分析和组合案例进而得到新的见解。教师还可以重新整理已经分析过的案例让学生进行创造,达到优化教学的效果,在渐进式的教学中构建新的知识,学生的思维模式能够得到进一步拓展,这种教学方法能够使教学更加具有趣味性,极大地增强了学生的学习兴趣。在弹性教学和个性教学在钢琴教学的重组中,教师还可以充分采用微格教学方法,这种教学方法与一般的教学理念相比,更加多元化,能够为钢琴教学带来新的活力,教师在设定好基础钢琴教学内容后,请学生来进行教学,形成一种较互式的教学环境,这种教学方法以学生作为中心,重点研究学习方式,充分利用了师生合作的优势,能够充分提高学生的积极性,这种方法是提高学生钢琴知识和技能的有效方法。 三、结语 高校音乐专业钢琴教学课程性质本身具有理论性、交叉性和实用性的特点,在教学模式的构建中需要立足于学科知识的最优化组合,贴近钢琴教学的需求,在本课程教学的设计中采用了更加先进的教学模式理论,能够提升学生对钢琴的认识和钢琴文化素养,随着社会的不断发展,以后还会有新的教学理念提出,这些还需要更多的人去研究。 作者:孙丹青 单位:兰州城市学院音乐学院 钢琴教学论文:地方师院民间音乐钢琴教学论文 一、湖北民间音乐传承的机遇 (一)传承民间音乐是地方师院办学特色的体现。 办学特色,即在办学过程中形成的,体现一所学校办学优势和特性的总和。个性化是当代高校办学的一个特点。所谓“个性”,《现代汉语词典》解释为“在一定的社会条件和教育影响下形成的一个人比较固定的特性。”一所大学的比较固定的特性(个性)主要由“物质形态、组织形态、观念(精神)形态三部分构成。观念形态的部分主要指大学的办学理念、目标、校园精神(文化)氛围等。 (二)传承民间音乐在钢琴教学中的优势。 地处湖北地方师院的学生们,从小受环境、家庭的影响,对方言十分熟悉,对歌词及民间音乐语言语调更为亲切,更容易学习和掌握湖北民间音乐。《钢琴》是音乐教师教育专业中的一门重要课程,是受众最广的课程之一。 二、地方师院师钢琴教学中的传承规划 民间音乐的传承就是民间音乐的应用实践活动,即把民间音乐应用在某个平台或某个载体上,通过此平台或载体使其存活、延续和发展。笔者大胆设想,湖北民间音乐的传承,需要一个全面的平台,向外界广泛的传播。 (一)湖北民间音乐钢琴作品创作的传承。 就笔者目前收集的资料来看,湖北钢琴音乐的创作不是很多,仅有民歌改编曲《崔咚崔》、崔维的《洪湖赤卫队幻想曲》、叶露生的《三峡素描》、韩民秀《洪湖水》、王建中《洪湖水浪打浪》,何思润《武汉组曲》,韩民秀《洪湖水》、邱刚强《龙船调》、孙以强《洪湖水浪打浪》等。 (二)湖北钢琴教学的传承。 在教学中,要加重对湖北音乐钢琴作品的布置与教授。选择有代表性的曲目作为对象,使学生在钢琴作品中,通过哼唱、弹奏,学习不同演奏手法、技巧、将风格、调式、演奏技巧凸显鲜明的湖北特色。 (三)湖北钢琴音乐的传播。 纵观人类社会的发展,传播这种行为方式是人类社会得以生存和发展必不可少的一个重要环节。“传播就是一个把信息从信源传递给受者的过程。”如今,网络传播在中国是一种大众传媒的重要方式,笔者从调查中发现,湖北民间音乐在网络上运用非常少,仅有一些简单的文字介绍和图片,连相关的器乐音频、视频文件资源都稀少。 三、结语 综上所述,地方师院作为教育平台,在传承民间音乐文化有着不可推卸的责任,也有着特别的优势,要调整钢琴课程设置,加强湖北民间音乐在高师课堂中的比重,将湖北民间音乐艺术发扬光大。 作者:刘月芳 单位:湖北第二师范学院艺术学院 钢琴教学论文:高职院校钢琴教学论文 一、高职院校钢琴教学现状中存在的问题及不足 (一)教学目标模糊不明 作为一个以教育教学为目的的高职院校,影响其学校发展及师生成就的首要因素就是教学目标的确立。教学目标的明确与否,正确与否是直接影响高职院校的发展前景的导向性因素。高职院校的学习年限一般为三年,而学生在校学习的时间则基本上缩短到了两年时间。学校考核学生是否完成学业,钢琴知识与技能是否足以达到毕业要求的标准就是能否演奏一定数目的钢琴作品和具备一定的伴奏能力。从理论上来说,钢琴教学的重点应该是对学生钢琴技巧和艺术能力的培养,但是现实状况却并非如此。目前,大多数的高职钢琴教育都只是单纯地模仿借鉴普通本科院校钢琴专业的教育教学模式,这与高职教育的目标是不相吻合甚至相矛盾的。同时,因为教学目标的模糊不确定,所以教学的内容和训练都比较随意松散,这也严重影响了教学质量的提高。 (二)教学手段与方法的滞后 在信息化技术高速发展的今天,各类院校及专业的教育教学手段都在快速更新,方便、快捷、直观、高效的教学手段和方法在不断的发明和普及。但是,在高职院校的钢琴教学中,新型的教育技术似乎并没有得到创新和普及,大多数的高职院校的钢琴教育仍然施行这口传心授的古老方式,学生的感知能力和学习能力没有得到很好地开发与释放,实际操作能力也相对较弱,教学效果令人担忧。 (三)学科体系系统性不强 在目前的高职院校钢琴教学实践中,有很多钢琴教师对所教学科的教学目标缺乏一个清晰的认识,教育管理部门也没有制定出标准规范的大纲要求和教材使用规范,也没有严格依照大纲要求,再结合不同学习阶段的技术问题和学生学习进度的实际情况因时制宜地拟定行之有效的解决方案。在实际的教学进程中也没有保持对教学对象学习进展状况地及时准确把握,随意性、松散性较强,科学完整的教学体系亟待建成,这于学生的发展和提高是非常不利的。 二、高职院校钢琴教学中常见问题的解决办法及优化策略 (一)确立明确的教学目标 从事高职院校钢琴教学的工作人员首先应该明确:钢琴教学的目标是要培养出高素质的音乐人才。因此,在音乐的教学活动中,教师要先树立明确的教学目标,并且将其体现在制定的教学计划时当中,同时,这些教学目标还应是分阶段的,将整体目标和阶段目标统一于教学始终。在甄选教学内容时,教师要根据教学大纲有针对性的进行,有效控制好影响教学质量的每一关,严格要求学生的同时也要严于要求自己,让学生的演奏技能和操作技能得到切实的提升,也让教师自身教学能力不断提高,努力与时展和学科发展同步。 (二)进行教育教学模式的创新 在传统的高职院校教学中,钢琴专业的教学模式是单一而且枯燥乏味的,不管是在课堂内还是在课堂外,老师都很难用合适的方法调动学生的积极性和创造性。小班教学可以让教师的精力更集中的放到每一位学生身上,但是高职院校的资源和资金都是有限的,很难实现小班的教学。但是,在大班上课的基础上开展小组指导、个人独立训练、老师独立指导和一对一互帮互助等各种形式相结合的新型教学模式却是可以尝试和推广的,只有调动学生的参与性,培养其参与者意识及主人公意识才能打破现状、突破瓶颈。这样,老师可以更加轻松有效的达到教学目的,学生的自主学习能力、学习交流能力也能获得提高。 (三)更新考核方式 考试,是衡量学生学习成果,评定能否升级、毕业及奖学金、荣誉评定的首要依据,是教师和学生最为关注、最为看重的一项指标,与切身利益有着紧密的联系。改革更新钢琴教学的考核方式可以有效地促进学生的学习,起到导向性的作用。要提高学生综合能力,应打破以往单一的考试方法和制度,增加对学生实践技能的考核,也要将平时表现与自主创新能力等记入,培养有个性、有热情、不平庸的学生,使他们克服惰性,勤勉成长。 三、结语 综合而言,目前高职院校的钢琴教学面临着许多的问题与困难,这要求着每一个教育工作者努力创新、打破陈规,为适应新时代对人才的更高需求而培养出更加优秀卓越的人才,使得他们的就业前景与高职院校的发展前景以及国家的教育前景共同进步。当然,钢琴教学中存在的问题远不止文中例举出的这些,优化的策略也还可以更多、更好。因此,高职院校钢琴教育的发展还需要持续不断的摸索与前进,需要更多科研工作者的关注与思考。 作者:刘宇 单位:新疆教育学院音乐学院 钢琴教学论文:简谱配奏儿童钢琴教学论文 一、儿童练习简谱配奏对学琴兴趣提高的重要性 (一)在游戏中学习简谱。 为了加强学琴的记忆,有效提升他们的想象力,钢琴老师可以在简谱编配的过程中穿插各种游戏,比如听老师弹奏同一首简谱的不同的编配效果,即兴舞蹈,从而感受不同的编配带来的不同感知,或者听老师弹奏同一首简谱的不同的编配,然后回答所想象到的不同的音乐效果,或者老师弹右手,学生弹左手,合作编配一首简谱,用游戏来带动教学,将教学内容融入到游戏当中,这样也能够加深记忆。从游戏中获得音乐学习与成长是儿童钢琴教育中非常重要的一个环节,老师在游戏化音乐教学中扮演什么角色,做出什么样的指导都是相当重要的。老师应该是一个具有非常敏锐视觉的观察者,能够根据不同的目标以及需要在合适的时间介入到游戏当中给学生指导和教育,能够让孩子们在游戏的过程中学习到更多的简谱配奏的内容,识别更多的伴奏织体形象,打开眼界,获得成长。 (二)培养良好的听觉能力。 不同的和声配置和织体选择会带来不同的声音效果,因此,在配奏练习中学会倾听自己的弹奏至关重要,良好的听觉审美是长期训练出来的,如果对声音的表现力没有辨别,也就谈不上对声音的设计和追求,那么配奏水平也很难有提高,因此,学会倾听,训练听觉,也是为了运用听觉来指导自己的配奏,让自己的弹奏更有目的性,从而提高对和声和伴奏织体音响的审美,进而提高配奏水平,而不是盲目、机械的低水平重复。对于听觉能力的培养需要从多个方面努力,最好也是能够贯穿在游戏化的教学过程中,借助自身想象去进行听觉训练,体验倾听声音所传达出的不同情感和意境。 二、简谱配奏在儿童钢琴学习中的难点 (一)和声基础教学。 简谱配奏中最难的教学点在于和声的选择。儿童比较难理解和声基础知识,如果不掌握他们的心理特点,就很难被接受。所以,在进行和声教学的过程中会遇到诸多困难。目前大部分教师采取的办法是配置较为简单的模式,按照简谱里面每一小节出现的音频率最多的音来选择和弦,虽然这样有弊端,但能够在短时间内起到一定的作用,随着年龄的增加,逐步进行正规的、简单的和声基础知识的学习,才能解决长期面临的和声教学难的问题。 (二)伴奏音型如何选择。 许多学生在学习简谱配奏的过程中都会遇到如下问题:例如,很难选择合适的伴奏音型,但我们还是可以大致简化成三种类型:第一:节奏明快、力度较强类型的歌曲使用柱式和弦,选择与旋律相对应的和弦音按三个或三个以上的音同时弹奏出来,这样的声音饱满而厚实;第二:比较抒情类的,节奏舒缓的可以选择分解和弦,将与旋律调性一致的和弦音按顺序依次弹出,这种织体的运用,声音效果更连贯,第三:综合性音型,指的是将分解和弦和柱式和弦结合运用,这样就避免了单一的音型,可以更全面地表达歌曲情绪。 三、简谱配奏对儿童学钢琴兴趣的积极作用 (一)赋简谱配奏教学以感性,以情促教。 简谱配奏兴趣能够充分调动儿童学习钢琴的探究以及思维,激发他们的内在驱动力,促使其不断产生兴趣进行学习。创建具有创造性的简谱配奏能够充分调动学生的积极性以及主动性,能够激发他们对钢琴弹奏充满强烈的兴趣。没有唯一答案的简谱配奏能够激发和强化音乐学习的内在驱动力,有了兴趣,就能够真正控制自己的注意力,并且还能够产生出一种快乐的情绪,但是这种兴趣也并不是天生就有的,而是需要在后天不断培养形成的,老师要及时的发现和引导,比如随时关注学生近期有没有喜欢的动画片、电影或者什么歌曲,可以把动画片、电影里面的插曲用简谱记录下来进行编配和弹唱,多增加接触音乐的机会。用音乐游戏形式去带动学生,因为对于儿童钢琴教育来说并不是简单的进行理性传达,要让自己的情感去丰富他们的内心,否则这种兴趣往往是短暂的,因此,保持学琴的长久兴趣是教师需要长期做的功课。在教学过程中,能够用游戏的办法,把编配的难点转化为兴趣点,不断激发他们的探索兴趣,进而通过穿插学习简谱配奏同时结合五线谱的学习,不断用音乐的氛围感染他们的内心,做到以情促教。 (二)赋简谱配奏教学以创造性和自主性。 创建富有游戏性和教育性的物理环境,对于钢琴学习的空间创设,可以和一些游戏设备在一起,相互发挥作用,旨在促进学生们的内心世界发展。为培养学生学习简谱配奏,可以在钢琴室内创建一个完整的感知环境,为他们能够在钢琴学习还有日常的活动过程中形成一种直观的、形象的感官刺激。物理环境的创设实质就是指硬件设施的建设工作,硬件设备主要包括多媒体设备、计算机设备、游戏器材、常用教学设备等。通过各种设备的组合,可将和声的内容或者伴奏织体以丰富的形式呈现在学生的面前,比如不同的和声都分别代表一个视频、图像或音频,增强了学生的感官刺激,激发他们的想象力,提高他们认识和声的趣味性。在音乐教学游戏化发展的过程中。创建富有游戏化的人文环境主要需要从钢琴教师的信念以及价值、习惯,还有行为等方面出发。从外在显示看来,人文环境主要体现在教师以及学生的所作所为所想方面,但是从内在看来,还包含了教师和学生之间的关系融洽程度,比如说学生是否具有能够自行倡导游戏化音乐教学的权利,为了学生的发展相互协作、沟通和支持,这样才能够真正做到赋予简谱配奏教学以创造性和自主性。 (三)发挥简谱的实用性。 第一,简谱中以1、2、3、4、5、6、7七个人人都认识的阿拉伯数字作为乐谱符号,易懂、易学、易记,简单明了,通俗易懂,学习新乐曲的速度快,可以使学生在短时期内大量的接触到新作品,认识很多好听的音乐,在视觉上也很清晰,可以迅速提高儿童学钢琴的兴趣,它把高深莫测的五线谱简化了,无论是什么调号的乐谱,只要用1、2、3、4、5、6、7这七个音就能够表达出来。从识读乐谱的难易程度上看,简谱的音高虽然有时要上、下加“点”但是无论怎样加“点”音符的唱名都不变,有利于视唱、收效快,有利于音高概念的培养。第二,在书写方面,对于学生来说,简谱的音符是用数字表示的,数字是学生接触最多、最熟悉的符号,在实际记录乐谱中简谱的误差率很小;对于老师来说,简谱更有利于书写。第三,从学习时间上来看,学习简谱只需花学五线谱几分之一的时间与精力,这将大大提高教学效率减轻了学生的负担,这种教师乐教、学生乐学的好事我们为什么何乐而不为呢?有个别学生弹钢琴就是觉得记忆五线谱很繁琐,所以很抵触五线谱,这时简谱就可以暂时缓和这个难关。第四,有利于做各种练习、如:听音、记谱、创作旋律等。第五,具有普遍的实用性、通俗性,如今社会上的各种音乐出版物也多以简谱作为传播音乐信息的载体,小学校园里的音乐教材也使用简谱,它使音乐真正成为了一种大众化的东西,使音乐变得易懂易学易入门。第六,简谱有利于转调。但是,由于简谱没有五线谱那样记谱更全面、更专业,所以我们最终还是必须结合着五线谱的学习,力图愉快地过渡到五线谱的学习。 四、结语 注重儿童在简谱配奏方面的培养,让儿童创造性地学习钢琴弹奏,才能够全面调动视觉、听觉以及感知,增加对音乐的敏感程度。在简谱配奏学习中进行游戏化教学的时候,激发了他们对和声以及各种伴奏织体的想象力和学习兴趣,增强了音乐的表现能力,使儿童除了五线谱以外又多了一种学习钢琴的方式,从而给学琴带来新的生机。 作者:邓莉 张茂林 单位:四川音乐学院声乐二系 四川音乐学院声乐一系 钢琴教学论文:民间音乐钢琴教学论文 一、中国民间音乐在高校钢琴教学中的应用策略 (一)强化民族意识,提高民族修养 高校钢琴教师直接对学生进行钢琴教育,担任着钢琴教学的重要工作,其自身行为举止对学生有十分重大的影响。因此,高校钢琴教师要以身作则,强化自身的民族意识,提高民族修养水平。在实际的教学过程中,教师要吸收西方钢琴音乐的精华以及中国钢琴音乐的先进部分,来强化自身的民族意识,同时,还要求高校钢琴教师在教育钢琴学习好坏程度不同的学生时,都要能够激发他们的学习兴趣,提高他们的音乐节奏感,帮助他们强化民族意识,从而加强他们对民间感情音乐的热爱。 (二)丰富教学内容,完善教材结构 相较于外国的钢琴音乐教材,中国钢琴音乐教材数量十分稀少,教材结构也不完备。中国钢琴音乐教材的短缺,在很大程度上影响了钢琴音乐教学民族化的进程。所以,在笔者看来,当前的首要任务就是要根据不同的音乐内容、分类形式、等级制度来分配中国现有的钢琴音乐作品,使中国的钢琴音乐教材趋于系统化、一体化,从而能够更好的应用到高校的钢琴教学课程中去。并以此为基础,积极鼓励中国的钢琴作曲家进行关于民间音乐的创作,创作出更多的民间钢琴音乐作品,从而不断完善高校钢琴音乐教材体系。 (三)改变传统的教学体系 传统的教学体系使得中国钢琴音乐作品不能得到应有的重视。事实上,传统的高校钢琴教学,大多是参照西方的钢琴音乐作品。而如果要体现中国钢琴音乐作品的作用,就要在教材的选取中体现出来,增加中国钢琴音乐作品在教材中的比例,使其成为重要的教学材料。例如,可以多开设一些关于中国钢琴音乐作品的课程,让学生在欣赏作品的同时,感受到民间钢琴音乐作品的魅力;还可以向学生介绍作曲家的创造过程,加深学生对作品的理解。在钢琴演奏时,还可以要求学生每一学习都必须要演奏出固定量的中国钢琴音乐作品,并作为期末考试的一部分成绩。同时,要注意中国钢琴音乐作品的质量,教师可以强化对学生的教学力度,最大限度上帮助学生了解作品的深层含义,让学生能够理解透彻作品创作的意义所在。只有改变传统的教学体系,才能够使民间音乐在高校钢琴教学中更好的应用。 (四)充分激发学生学习兴趣 学生的学习兴趣对中国钢琴音乐作品也存在很积极的作用。学生缺乏对中国钢琴作品的理解,没有理解作为前提条件,学生自然不能产生学习兴趣。因此,教师采用合适的教学方式,充分激发学生的学习兴趣,为学生日后的学习提供有利的条件。例如,中国现有的钢琴音乐作品,有很多是以民间音乐为题材进行改编得来,教师通过向学生展示原音乐作品,让学生了解原音乐作品的创作背景和创作历程,激发学生对改编后的钢琴作品的好奇心;或是选取一些模仿民族音乐器材的钢琴歌曲,教师向学生们展示不同音乐器材的演奏效果,引导学生如何用感情进行模仿,从而有效激发学生的学习兴趣。 二、结语 综上所述,高校钢琴音乐教学不仅是传授学生演奏的技巧,更要求对学生进行文化教育和音乐教育。因此,在学习中国高校钢琴音乐教学,还要能体现民间音乐的作用,帮助高校学生提高文化素质和艺术修养。利用高校钢琴音乐教学,让学生在学习过程中了解到中国传统的民间音乐,激发钢琴学习的兴趣,提高学生的学习效率。只有这样,才能真正发挥出中国钢琴音乐教学的作用,让中国民间音乐能够得到更好的继承与发展。 作者:陆晨曦 单位:中北大学艺术学院 心理调控能力培养下的钢琴教学论文 一、钢琴演奏中心理调控能力的不足 客观因素。除了主观因素之外,一些难以为演奏者自身所左右的客观因素,也起着重要的影响。如舞台实践的频率、演奏的具体环境等。比如舞台实践频率方面。舞台表演的经验越充足,出现心理问题的概率就越小。但是在当下的教学实际中,学生的舞台表演机会少之又少,仅在一年两次考试中能够登台演奏,这就使学生对舞台环境十分陌生,增大了出现心理问题的机率。又比如在演出环境方面。舞台演奏是一种公开的表演活动,钢琴的变化、台下观众的行为等,都有可能导致演奏者的精力不集中。而当出现这种状况时,又因为缺少相关的处理经验,所以导致了失误的产生。 二、高校钢琴教学中学生心理调控能力的培养 (一)培养扎实的演奏基本功 前文中提到,之所以会出现很多心理问题,从根本上来说就基本功不扎实的问题。或者说,公开演奏正是检验一个演奏者基本功是否扎实的唯一标准。所以教师在教学中,首先引导学生认识到其中的重要性,然后多种方式和方法并用,将基本功训练贯穿于教学的始终,使学生的基本演奏技能始终处于一个稳中有升的状态中。比如可以定期进行对基本功的考核,并制定相应的奖惩标准。也可以将基本功列为钢琴考核中的重要内容,并占有一定的比例,以此来引起学生的充分重视等。这种对基本功的夯实,除了能够使演奏得到直接的保障之外,更重要的在于,能够让学生逐渐建立起一种自信,相信自己的演奏技术没有问题,不但能够从容的驾驭作品,而且还能灵活有效的处理一些突发问题。这种从技术到心理的双提高,正是夯实演奏基本功的意义所在。 (二)提供更多的舞台表演机会 自上个世纪初末的高校扩招后,音乐专业的学生数量一直居高不下,这种数量上的庞大,也给教学带来了一定的影响。比如在舞台实践方面,很多学生在一个学年中,只有在寒暑假的两次考试中才能够登台演奏。这显然是不符合实际要求的,于是学生在演奏过程中出现各种心理问题,也就不足为奇了。所以多给学生以舞台演奏的机会,正是提升他们心理调控能力的直接渠道。具体而言,作为学校来说,要认识到提升学生实践能力的意义,积极完善各种实践设施、建立实践基地等,使舞台实践尽可能的常态化。作为教师来说,一方面要和学校形成积极的配合,比如积极参加学校组织的各种文艺活动,尽可能的为学生争取到上台表演的机会等;另一方面则是要在教学中带领学生进行实践。比如每一个钢琴教师都会带多个学生,所以完全可以定期举办一些演奏会,每一个学生都要登台演出,并接受教师和其它学生的评价。作为学生来说,也应该真正认识到提升舞台实践能力对自身发展的重要意义,除了和学校、教师形成良好的配合之外,也要积极主动的进行自我实践,在实践中发现和解决问题。所以说,多给学生提供舞台实践的机会,让他们在实践中完善和成长,正是有效避免心理问题出现的重要途径。 (三)进行心理知识的学习 长期以来,高校钢琴教学中,都将对学生钢琴技能的培养视为了教学的重点所在,这无疑是一种片面的认识,没有认识到钢琴学习的本质目标。为什么要学习钢琴演奏技能?是为了让学生能够更好的演奏钢琴。而良好的演奏发挥,绝不是仅仅是靠技能的熟练就能获得的,心理就是另一个十分关键的因素。所以从这个角度来说,凡是有利于学生演奏质量提升的,都应该体现在钢琴教学中。所以引入相关的心理学知识,开设心理学课程也已经是刻不容缓。具体来说,通过对心理知识的学习,能够让学生从本质上了解心理因素在整个钢琴演奏中的重要作用,以及心理因素是怎样发挥能动作用,运用不当又会产生怎样的后果等。通过这方面知识的学习,能够让学生真正做到知其然并知其所以然,既能够有效避免一些问题的出现,同时也能够根据自身情况更好的予以把握和运用。 (四)培养学生的自信心 自信是成功的开端。很多学生之所以在演奏实践中出现心理问题,一个重要的原因就是缺乏自信,在演奏中患得患失,从而影响到了正常的发挥。所以帮助学生形成一个自信的心态,乃是提升学生心理调控能力的关键。首先是帮助学生获得更多的成功体验。成功的体验是自信心的一个重要来源,成功的经历越多,对自己就越肯定,自信心也就越强烈。所以在教学中,教师要帮助学生不断获得成功的体验。比如在教学中经常鼓励和肯定学生,让他们感受到自身的进步。也可以适当提升一下曲目的难度,让学生通过付出一定的努力后才能有所收获等。其次是让学生学会自我鼓励。除了他人的肯定之外,自我肯定和鼓励,也是自信心形成的一个重要方面。在做好充分的准备之后,要肯定自己的能力。比如在登台之前对自己说:“你是最棒的”,“你一定能够圆满的完成演出”等自我暗示和鼓励的话语,只有具备了自信,才能让自己的心安静和沉稳下来,所演奏出的声音才是高质量的。 (五)提升舞台演奏的应变能力 台上一分钟,台下十年功。一语道出了舞台表演的难度。很多表演者都在台下付出了巨大的艰辛,但是仍有可能对一些突发状况而措手不及,这时候演奏者的应变能力就显得十分重要。对此,一方面要对尽可能的增加自己对舞台的熟悉程度,在条件允许的情况下,多走台、多预演、多观摩,这将使自己的紧张情绪得到很大幅度的缓解。另一方面,也要根据作品的实际情况,制定出一些预案。比如如果弹错了音该如何处理,客观环境出现了变化如何处理等。而且关键在于,要树立起一个正确的心态。失误的出现是在所难免的,当出现失误后,正确的处理方式是将失误的影响降至最小化,而不是出现消极心理,甚至是破罐子破摔,要沉着冷静地掩饰小失误,尽量将失误降到最低,并能以饱满的热情不受影响地继续下面的演奏,听众们同样会被演奏者的沉稳吸引而忽略这样的小瑕疵。 三、结语 综上所述,钢琴演奏是一门综合性的艺术,对于演奏者技能、心理、素养等多个方面都有着较高的要求,所以在高校钢琴教学中,不能仅关注对学生技能方面的培养,而是要采用多种方式方法,切实提升学生的心理素质,使学生能够根据实际情况的需要,灵活的进行心理调控,从而为获得高质量的演奏打下一个坚实的基础。本文也正是本着这一目的,对此进行了具体的分析,希望能够起到抛砖引玉之用,给更多的教师以启示和借鉴。 作者:陈东 单位:河南艺术职业学院 钢琴教学论文:儿童钢琴教学论文 一、在儿童钢琴教学的现状及解决策略 (一)现状 1.从社会方面看,培养人才趋于利益性,许多商家利用儿童学琴的热潮在社会上设立多种教育机构,许多钢琴老师没有过硬的专业基础知识却戴上了钢琴老师的头衔。现阶段的钢琴老师主要是来自各音乐学院或者艺术院派的学生,他们朝气蓬勃,充满了对工作的热情,但由于经验的不足导致教学过程中存在一定的误区。如今学琴孩子的能力增长速度远大于培养一个专业老师所需的时间。那么所出现的问题就是儿童钢琴的发展在一定程度上受到了限制。儿童学琴过程中家长太过拔苗助长,欠缺正确的引导方式。在国外,钢琴专业的学生需要学习钢琴文献、教学方法、伴奏和第二乐器等,但是我国却没有这方面的硬性规定。传统一对一模式让一些学习钢琴的孩子感到孤独和乏味,缺乏一个良好的氛围进行交流,对儿童的创造性思维发展有一定束缚。 2.家长给孩子们学习钢琴带来的误区:音乐从稚嫩的手指流淌,是爸妈心中最动听的旋律。他们梦想孩子如闪耀的明星在耀眼的舞台上弹奏钢琴得到雷鸣般的掌声。一些家长为满足自己的虚荣心或者因为儿时未完成学琴的心愿便客观地把这种思想强加到孩子身上。作为审美艺术的钢琴教育,大多数儿童不是在快乐的氛围中接受美的熏陶,只为互相的攀比去扼制住孩子对钢琴的兴趣。他们只是希望孩子能以最快的时间达到十级,级数的限定也给孩子造成了一定的压力。因此他们让孩子不断地盲目练习考级曲目,给孩子的学习造成一定的误区,孩子难以体会学琴的真正快乐是修身养性。这样带来的弊端是让孩子们学琴的根基不扎实而且对钢琴的兴趣减弱,最后导致厌烦钢琴不愿再踏实学琴。有些苛刻的家长总吝惜自己对孩子表扬的话语,因为他们觉得轻微的表扬会给孩子带来盲目的自信和自负的情绪。这样会削弱孩子对任何事情的积极性并且让他们大减自信心。 3.老师带来的影响:由于我国对文化教育的重视程度较深,学校的老师们给学生布置了沉重的作业,导致学生有很大的负担,外加上思想压力,便使孩子没有精神上的体验。他们认为学习好文化课才是重中之重,只有考上好的大学才能有美好的前途。其实,作为老师应该懂得艺术对大脑的开发是很有影响的。课堂中为缓解课堂的紧张气氛可采用一些娱乐的方式,比如可以让有才艺的同学们表演,从而提高他们的修养。近年来,由于学习钢琴的孩子越来越多,在孩子整个学琴的方向上没有一个整体明确的把握。对于孩子手型和基本功的练习要求不够,他们只单纯的完成家长交代的任务去弹考级的曲目以此给家长一个交代。在教学方法上也过于死板,让孩子没有足够的动力去体会钢琴学习的趣味。 (二)解决策略 1.针对社会中出现的问题,应举办更多钢琴比赛从而引起社会的重视,让孩子在比赛中相互交流和认识更多学习钢琴的孩子,孩子的成绩也能影响到自身的发展,让他们在比赛中更加融入社会,不会让他们感到孤独。也可以举办钢琴交流会,让各个省区学习钢琴的孩子能交流自身的练习方法,使孩子的经验和演奏更加丰富,只有在同龄人身上才能让他们对自己有更深刻的认识。对于从事儿童钢琴教育的老师应该充分重视经验和教学能力的提高而不单纯是举行演奏比赛。比如讲解《听妈妈讲那过去的故事》时,让学生随着老师一起唱一段旋律,然后讲诉妈妈在旧社会中受到的不公平的待遇,告诉孩子们要懂得妈妈的辛苦,珍惜与妈妈在一起的时光。课堂的丰富和趣味会让孩子们感受乐曲中所表达的深刻含义。 2.学校里应该有广阔的艺术气息而不是沉重的学习氛围。作为老师应该有意识去培养孩子对艺术的理解,因为艺术创造力的想象需要后天不断地培养和开发,让他们注重各科功课学习的同时懂得全面获取知识的营养。每个孩子应懂得握住自己人生彩色画笔的命运,拥有浓厚的浪漫气息并且富有创造力和想象力。在课堂上可以让孩子展示自己的才艺来活跃课堂气氛,对于增长学生的自信心有极大促进作用,他们会在相互的学习中懂得自身的不足并取长补短去发掘自己,开发自己的强项。作为一名优秀的钢琴老师要有很好的专业技术,拥有到位的技巧还要有打开儿童心灵窗户的能力,拥有自己自由的想法去通透所弹奏的乐曲,找到自己的闪光点而不要死板地按照谱面教学,反思和积累经验需要下苦功,钢琴是需要插上想象的翅膀的,对音乐的理解和技术层面的灌输传送需要老师强大的感染力和影响力。 3.家长是儿童成长的重要导师,当他们下定决心要为孩子开启一条艺术道路的同时就应该拥有一颗平和的心态去看待孩子学琴,家长应经常鼓励孩子们在亲朋好友面前展示自己的特长,这样可以激发调动孩子的积极性,让他们从内心渴望展示自己。作为家长要懂得孩子学琴过程中切勿拔苗助长,如果把考级当作学琴的终极目标只会适得其反,学琴之路是漫长和艰辛的,家长可时常陪同孩子一起练琴去体会,不能因孩子对音乐有某种“突出”表现就确认自己孩子音乐天赋很高,望子成龙心切,不顾仅三四岁幼童的生理、心理特点,强施以苛严的“训练”,动辄怒骂、体罚。反过来,只要弹好了琴又百般宠爱迁就,给予过分的物质奖励刺激,这种做法同我们期望把孩子培养成才的大目标是背道而驰的。这样只会让孩子厌恶钢琴甚至是学习本身。 二、发展前景 (一)观念提升 现代教育理论更多主张学生主动学习。学生是教育和知识的载体,所以让学生要主动的提出对钢琴学习的建议,对教学程度有自己的掌握,老师也不能按以前的自我教学方式为中心,应该按孩子提出的建议和接受的程度进行辅导,这样孩子对自己的知识接受程度才有更好的把握。老师在教学过程中可以创设情景使学生对于技巧的掌握更娴熟,充分打开孩子自身的思维模式,老师要以协作教学为原则,与孩子交流,构成一个良好的学习环境。引导学生对演奏技巧的深刻感悟和思索。 (二)方法革新 肖邦曾说过他最遗憾的两件事是他的长鼻子和软弱的四指。他的谦卑告诉我们技术的薄弱需要后天勤奋的练习且用有效的方法去磨练支撑,哪怕一个业余钢琴家也要掌握手掌的控制、大臂小臂的协调、手腕的放松、全身需要极其放松才能漫不经心的演奏,这种随心所欲是需要基本功的支撑的。技术训练的重要课题是要把每只手的五个长短不同、粗细不一的手指训练得力量均匀,各自都能很能好地发挥作用,奥尔夫音乐教学体系是德国著名音乐教育家卡尔•奥尔夫在1924年创造的,这是世界上极其著名的教育法。20世纪80年代时候才将这种先进思想引进我国。这种学习法是将舞蹈、语言和动作完美结合。这种方式让孩子的全身动起来无疑是适合儿童天性的教学方法。把语言引入到音乐教学是伟大的贡献,将姓名或词组朗诵进行节奏的训练。学生将汉字和节奏结合,音乐的节拍就更具体和形象了。多让儿童接触中国的传统钢琴作品可让他们更领会其中的丰富情感,中国钢琴充满的神韵气息推崇自然与人声的结合,其内涵之美耐人寻味。节奏上多变、旋律以五声民族调式为主,也包含六声、七声和偏音,还有添加的装饰音修饰创作,强烈的和声色彩和声部的不同层次的完美结合把明亮与黯淡的感情加以创新,让孩子更好的聆听钢琴演奏中出现的和声音响,以此提高自身的听觉能力,有一双好耳朵。 (三)内容变更 “养兵千日,用兵一时”,学习成果的升华应当是表现在“用”上面。而且怎么“用”,如何“用”是极其重要的。学钢琴的孩子更应具有独立思考能力不应该局限在钢琴独奏上。而对于其他的演奏形式比如:重奏、伴奏、合奏、四手联弹都应该有一定的提升。其次可通过自弹自唱可挖掘孩子内心的情感,加上一些合适的舞蹈更能增添神韵。重奏的演奏是钢琴演奏的另一种表达方式,合奏中两个孩子需极强的默契,整齐的协调是基础,流畅且完整并带有音乐本身的情感才能将乐曲演绎得更完美。重奏比独奏更显趣味性和丰富性,增加学生的团队精神的同时也让他们更有学琴的热情和信心,艺术感染力的培养在合奏中能得到极大发挥。四手联弹也是很好的激发兴趣的方法,二人同时弹一架钢琴能让他们很好的配合对方,相互倾听彼此演奏的旋律能让乐感提升,使得作品鉴赏能力和审美能力在潜移默化中也有提高,美妙的旋律给他们本身也是一种享受,让观众能够投入你所弹得美妙乐章中。 作者:吴艾娜 单位:长江师范学院
声乐教学法论文:大学声乐情景教学法论文 一、情景教学的重要作用 在教学中运用情景教学,能够为学生创造一个轻松、愉快的学习氛围,并在教学的指导下,逐渐的使学生走向正确的学习道路,更加积极、主动的参与到教学活动中。在大学的声乐教学中运用情景教学能有效的培养学生对声乐艺术的兴趣,提高对声乐的表达能力和创造能力,最终使学生的声乐整体能力有所提高。因此,在大学的声乐课中运用情景教学法有着重大的意义。 二、大学声乐教学中存在的问题 我国的大学声乐教学中,长久以来一直采用传统的教学方式,以教师为主体进行教授这种教学方式,常常使学生处于被动的地位,对教学效果有着一定的不良影响。在教学中教师无法正确的认识到学生的个体差异,与现代教学原则有所悖逆,同时也是限制了学生的综合发展。此外,在大学的声乐教学中,传统教学只是重视对学生发生技巧和音质上的培养,而对学生的情感培养有所忽略。要知道在声乐教学中,虽然技巧和方法身重要,但更重要的是学生的个性以及自身独特的演唱风格。传统的声乐教学在这方面对学生的个性发展产生了极大程度上的限制,对学生的未来发展起到了阻碍作用。社会在不断的发展,当今社会对人才的要求已经不再是单单的专业人才,更对人才的创新能力和思维能力提出了新的要求,这就需要我们对教学进行不断的改革,只有这样才能更好的适应社会的发展。 三、大学声乐情景教学法应用策略 (一)营造动态的教学氛围 在进行声乐教学的过程中,教师需要对音乐教材进行更深刻的挖掘,对音乐当中所包含的背景和文化进行更深刻的了解。为了使学生能够在课堂中对音乐文化感受的更加深刻,教师可以利用当节课中的文化内容来创设出相关的情景,例如对作者的人物背景和艺术风格等来进行讲解,通过这些来感染学生的心灵,让学生受到更多的艺术熏陶。在这个过程中学生能够感受到强烈的艺术氛围,除了在听和看上受到更多的启迪,同时在心灵上也更深刻的受到影响,这在日后的教学目标实现中无疑打下了坚实的基础。 (二)将情感贯穿于音乐当中 歌曲创造的重要优秀就是情感,只有创作者对音乐富有丰富的情感,才能创作出好的曲目,而声音是对音乐的一种表现形式,如果音乐没有情感,那么声乐也就失去了它本身的意义。每个人都有着自己不同的情感,在不同时间和情况下,情感也会发生改变,这些情感都能通过声音来进行传递。在教学中为了能够使学生演唱的状态保持最佳,教师可以尽量的让学生通过感情来表达出自己的对音乐的理解,同时将自身的情感与歌曲进行融合,做到合二为一。也就是说,在进行教学的过程中,为了能够达到较好的教学效果,教师一定要充分的利用情感,这样才能创造出更好的声乐情景,帮助学生提升音乐素养。 (三)创设多元化情境 大学的声乐教学中,要对声乐艺术的多元化有一定的把握。大学的声乐教学不仅仅是对技能上进行传授的过程,更重要的是学生在教学中的情感体验,这在一定程度上能够影响学生的发声。要让学生认识到发生的技能与情感之间是密切相关的,而声乐能够完全的体现出内心的情感。此外,在进行情景教学的过程中,教师要重视起创作者的所要表达的情感,而不是单纯的只重视曲目的作曲手法和技巧等。在教学中,教师应根据声乐存在的本身特点,来充分的尊重学生的个性和个体差异,不能对学生进行统一的教学,而是根据他们的特点来结合各种不同的情景,创造适合他们的学习氛围。只有保证了学习氛围,才能进一步的培养学生的创造性思维和能力,并有效的提升师生之间的互动和情感。 (四)创设文化情境 在声乐教学中,为了能够使学生了解到更多的文化内涵和意义,教师需要积极的进行设计,保证能够将作品引入到课堂中。此外,教师应对声乐作品包含的内涵和艺术等向学生进行全面的讲解,提升学生的文化品位,同时使学生的文化修养得到提升,最终达到提升学生审美能力及综合能力的目的。在日常的教学中,教师要考虑到学生的个性差异,并关注声乐作品对学生产生的影响,尊重学生的审美,维护学生在教学中的主体地位,真正的促进声乐教学质量提升。 四、结语 现代教育中,声乐教学不再是单单的技巧传授,更是学生的情感体验过程。在大学的声乐教学中,利用情景教学法,创设出良好的学习氛围,并科学的对学生进行指导,能够使学生养成主动学习的习惯,并对声乐产生浓厚的兴趣,达到自主学习的目的。此外,情感教学的应用能够提升学生的情感表达能力和创造能力,真正的促进声乐不断发展。 作者:赛欢欢 单位:郑州幼儿师范高等专科学校 声乐教学法论文:启发式教学法声乐教学论文 一、高校声乐教学课堂存在的不足 随着新课程改革的不断深化,对高校教育质量提出了更高的要求。声乐教学是音乐专业的一门基础性课程,声乐的学习质量对于其他相关课程的学习效率有着重要的影响。从当前高校声乐课堂教学的情况来看,并不乐观:大多采用以往教师讲、学生听的单方向灌输方式,学生只能被动的接受,缺乏积极主动探索的兴趣;同时,很多声乐知识的理解难度都较大,仅仅依靠教师的讲解和示范学生很难深入理解乐理知识,所以很多学生的学习效果只停留在理论阶段,无法将理论知识应用到实践中。 二、高校声乐教学中应用启发式教学的意义 1.有利于启发学生的学习兴趣 兴趣是最好的老师,只有对声乐学习充满兴趣,才能有效的提高课堂教学效率。应用启发式教学法,可以使以往沉闷的课堂变得生动有趣,使学生在课堂上畅所欲言,实现教师与学生之间的有效沟通,让学生感受到学习的乐趣,自然就积极的参与到课堂中。 2.有利于培养学生的创造性思维 与传统的课堂教学模式相比,启发式教学改变了学生被动听课的现象,而是通过提问、抢答以及自由讨论等不同的方式,提高学生的积极性。在提问与回答的过程中,就可以有效的激发学生的想象力,并且帮助他们形成善于思考和创新的思维习惯,有利于培养学生的创造性思维,促进学生实践能力的增强。 3.有利于帮助学生更好的掌握乐理知识 声乐教学中包含很多抽象的乐理知识,如果仅仅依靠教师的讲解,学生理解和记忆的难度较大,而应用启发式教学法,就可以将抽象的知识变得生动和形象,可以消除声乐课堂枯燥的教学氛围,帮助学生更有效的掌握学习的难点和重点知识,显著提高课堂教学效果。 三、启发式教学法在高校声乐教学中的应用 1.歌唱气息训练中的应用 气息调整声乐教学中的基础内容,在气息歌唱中,重点在于掌握调整气息的方法,为了达到更好的气息训练效果,教师可以将启发式教学法应用到教学活动中。根据课堂教学的目标和教学内容的要求,将学生熟悉的情境引入到课堂中,使学生在情境下想象应当如何发音、如何调整气息,也可以让学生在训练气息的过程中开展其他跳跃运动,使学生可以更真切的感受到气息的变化,这样才能在不断的训练中找到自然的、正确的气息调整方式。比如在场跳音时,让学生完全放松腹部,这时气息处在呼出的状态,伴随着发声将小腹轻轻收起,这时就形成一个吸气的状态,在反复训练的过程中,就可以让学生将腹部运动与气息调整有效的融合,可以提高学生对跳音技能的掌握程度,所以,对学生的启发要循序渐进,才能取得良好的效果。 2.声音训练中的应用 声音训练的目标在于强化学生的发声技巧,所以教师可以选择旋律复杂的歌曲作为练声的素材,一方面可以使练习活动变得有趣,不会使学生由于单个旋律的反复练习而影响学习兴趣;另一方面则可以通过乐曲中旋律的变化启发学生在不同旋律下如何发声的技巧,可以激发学生学习的兴趣,也有利于帮助学生掌握扎实的发声技巧。 3.在音乐情感启发中的应用 音乐作品中往往饱含创作者和演唱者的很多情感,而学生在学习的过程中,如果不能掌握情感和思想的表达,就无法演绎出优美、动人的音乐作品,所以教师在声乐教学中要注重对学生音乐情感的启发。高校学生的人生阅历相对较少,而且知识面也不够宽广,所以对于很多音乐作品的创作主题并不了解,这就需要教师将启发式教学法应用到课堂学习中,比如在讲解历史题材的音乐时,可以引入当时的社会背景以及音乐创作的社会环境等,使学生对作品有更多的了解,才能激发学生的情感,更好的演绎音乐作品所要表达的内涵。 四、结束语 综上所述,在高校声乐教学中运用启发式教学法,可以改变以往单一的课堂教学方式,可以针对学生气息、声音、情感等方面采取相应的启发策略,能够有效提高学生在声乐技法方面的掌握能力,有利于促进声乐教学效率的提升。 作者:王涛 单位:山东艺术学院 声乐教学法论文:运动教学法声乐教学论文 一、声乐学习困难的原因 有些学生本身已经系统地学过几年声乐,懂得基本的发声技巧,知道唱歌是要用上腰腹部力量,不能光靠声带去喊,但是他们在学声乐的过程中还是会碰到瓶颈,例如觉得气息不够用,声带有时闭合不紧,出现漏气现象,遇到高音就躲,唱不上去,咬字不清晰等等问题。其实造成这种局面主要有两个原因:一方面是心理的问题,另一方面是生理的问题。 (一)心理问题 声乐是一门需要长期反复规范的练习才能一点点进步的,并且是循环性的进步,也就是说有一段时间感觉声音进步了但是隔一段时间又好像不会唱歌了然后重新找正确的声音,并且声乐几乎天天都必须练习,一天不练就会退步很明显,所以有些学生认为自己声音条件不错,就疏于练习,在课上教师已经解决的声音问题自己到课后不去巩固,以至于一唱到没有把握的地方就胆怯、紧张,出现各种失误。紧张是学习声乐的大敌,人一紧张就会心跳加快,呼吸急促,更厉害的会短暂性胃痉挛,在这样的情况下学生当然是没有办法把气息沉下来,用胸腹式呼吸和协调身体各个共鸣腔了。 (二)生理问题 歌唱中声带只是发声器官,要达到良好的歌唱状态需要全身其他器官的协调配合,分别要用到呼吸器官、发声器官、共鸣器官和咬字器官。呼吸器官包括口、鼻、咽喉、气管、肺部、横膈膜等;发声器官包括声带、喉头、会厌和咽壁等;共鸣器官包括口腔共鸣、头腔共鸣和胸腔共鸣;咬字器官包括侧牙(坐牙)、舌头、硬腭和软腭等,其他需要合作的还有后腰的支撑力以及腿部肌肉的用力之类。可见,要完美地完成一首歌曲的演唱是多么复杂的一件事,需要以上各器官的协调配合。这些器官要通力合作需要先一个个单独训练,累积感性认识,然后变成歌唱者的记忆认识,才能把看不见摸不着的各个器官控制住为歌唱服务。综上所述,学生学声乐困难的主要问题是心里容易紧张,练习时间不够,身体各个器官不协调。 二、运动教学法 (一)运动教学法的内涵 以上说的心理问题和生理问题其实是互相影响的,生理问题会引起心理问题,心理问题也会造成生理问题。很多学生在唱的过程中不自觉的有很多怪动作:抬肩、锁眉、嘴歪等,这说明他身体不协调,这就会引起他心理紧张,演唱水平得不到体现,同样有些学生上台之前心里怯场,也会出现心悸、胸闷、气浮、咬字不清楚等。发声状态不好是因为身体各个器官不协调,那么逆向思维我们让身体协调,不就能发出正确的声音了么。本人研究发现要达到学生声带和肌肉在歌唱的时候相对的放松状态,可以让学生通过与旋律走向相对应的特殊运动来起到让学生放松的目的,学生身体放松了,发声器官和肌肉自然也放松了,这样就能达到理想歌唱状态了。 (二)运动教学法在发声训练中的运用 从人的生理结构来看,身为中线,上肢两臂,下肢两腿,都是一一对应关系,人的中心在中线,任何运动的重心都在丹田处(肚脐下三指)。运动教学法的宗旨是对称运动,意守丹田,并且与旋律节奏一致。目前,主要是在发声训练中实践,以下是本人在教学中常用的几条结合运动教学法的发声练习。 1.跳音练习: 此练习所训练的是气息和横膈膜的对抗问题,很多学生在刚学的时候体会不到横膈膜如何支持,单凭声带唱出音色单薄、尖锐、没有共鸣的声音,所以用运动,让学生配合跳音的字母和旋律的节奏蹲马步出拳,唱一个跳音出一次拳。要求蹲马步时意守丹田,小腿扎入地面,后腰支撑,臀部绷紧,出拳必须与演唱的字母节奏一致,在出拳的时候要快、狠、猛,把全身的力量都集中在拳头上,用后腰和丹田的力量甩出去。声音跳动要有弹性,气息随着声音的跳动向外扩张,声音集中,喉器稳定,注意音色大统一。我通过多位学生长达几年的训练证明了这个方法确实有效,于是迅速让学生掌握了横膈膜的支持。原因在于:第一,运动能使学生大部分的注意力转移;第二,运动的节奏和演唱的节奏一致可以协调身体各器官;第三,运动的强度可以不知不觉的用上丹田,让初学者不知道怎么用横膈膜和丹田力量的学生能够迅速受益;第四:学生不自然的声音和动作往往是因为想把声音唱响而多用了声带和力量,运动可以消耗掉多余的力量,从而让学生用刚刚好的气息和力量达到自然漂亮的歌唱状态。 2.连音练习: 同样结合运动教学法,学生单腿站立,另一条腿绷直抬起快速先曲腿再踢腿,节奏以三个音一组踢一次,出腿的时候用丹田的力量,后腰和重心腿强有力地稳固支持,踢腿的时候脚尖绷直且速度要快,把丹田的力量踢到脚尖,这样学生整个身体与唱歌的器官都得到了协调。注意声音的连贯,气息均匀的送出来,喉咙充分、自然、适度的打开,保持高位置,舌头平放,舌根和后咽壁形成一个圆状空间,喉头处在深吸气位置上,吸好气唱出所练习的母音,然后用旋律把声音连起来。 三、运动教学法在声乐教学中的价值与作用 运动教学法对声乐教学有辅助作用,即通过肢体动作的可视效果和心理暗示,将声乐这门抽象的艺术变得直观化和具体化。 (一)运动教学法可以缓解学生的紧张情绪 学生心理上的紧张往往是因为身体肌肉的紧张传给大脑信号。在一对一的声乐课堂上,学生一般站在钢琴旁边,面对老师,有时候还眼睛盯着钢琴练声,当老师弹到稍微高一点的音域时不自觉的紧张就提高喉位,造成声音卡和紧了,那是因为学生全部注意力都在音高上而且站着不动唱让他有时间想得太多,想的多了声音的问题就来了,其实让身体解放,随着音乐节奏动起来,声音自然也就自然了,没有了肌肉的不协调,学生当然不紧张了,练声就会变得非常轻松。 (二)运动教学法可以让学生快速掌握发声技巧 由于声乐的抽象性和不可直观性,老师在教课中经常用到形象性的比喻,比如像闻花一样吸气,气吸到丹田,用横膈膜保持住,小腹像气球一样有弹性等,这些一定程度上有助于学生去模仿式学习,但是学生要花太长一段时间去掌握这些技巧,而运动教学法可以让学生在不知不觉中运用到最佳的发声技巧,比如蹲马步打拳,蹲马步首先就要丹田用力,伴随出拳,出拳时腰部和横膈膜都要用劲,加上和唱的节奏一致,这样能让学生在放松的情况下不自觉地用上丹田和横膈膜,事半功倍,并且离开老师在课下学生仍然可以用这种程式化练习,进一步巩固发声技巧。 (三)运动教学法可以将学生对良好歌唱状态的瞬时记 忆转化为长时记忆有的学生课堂上在老师的指引下能唱得很好,但是下了课,或者到下一节课又找不到好的歌唱状态了,这就是因为学生是依靠瞬时记忆,短时间内能达到好的水平,但是没能转化成长时记忆。运动教学法是一种程式化的练习,具有直观性、规范性,一支练声曲搭配一项特殊的运动,学生觉得又有乐趣又容易掌握,同时也锻炼了体力和耐力。在课下,学生自己练习时就能用程式化的运动很快找到良好的歌唱状态,这样更能效合理地支配时间,十分钟练声比以前练一小时更能快速打开发声通道,长期积累后,瞬时记忆就会转化为长时记忆,形成了固定式的长时记忆之后,学生每次唱歌都能找到所谓的良好的发声感觉。声乐教学是一门科学,也是一门艺术,由于人声带的差异和各个发声共鸣器官的构造不同,教学方法也是需要不断研究和创新的,我们可以以万变应万变,也可以以不变应万变。运动教学法本身具有它的科学性,它可以说是不变也可以是说是万变,有待广大音乐工作者去挖掘和探索。 作者:陈音池 单位:郑州大学西亚斯国际 声乐教学法论文:民歌PBL情境声乐教学法论文 一、民歌教学 (一)关于民歌教学 简单地说,民歌,人民之歌。从古至今,无论东西南北,每一时代、地域、民族、国家;在不同的地理、气候、语言、文化、宗教的影响下,都会产生一种人类自娱、文化留传或生活实质的宣泄。他们会以不同的形色传递他们的历史、文明及热爱,而歌谣亦是其重要之一环,而社会学或大众俗称之为民歌(谣)。它和人民的社会生活有着最直接最紧密的联系,民歌是经过广泛的群众即兴编作、口头传唱而逐渐形成和发展起来的。它是无数人智慧的结晶,音乐形式具有简明朴实、平易近人、生动灵活的特点。民歌教学是一门理论与实践结合非常紧密的课程,需要学生在不断实践中去体验感受,准确地说,这是一种基于体验,从而提升演唱水平的过程。在教学过程中,往往是通过基本的技能训练,要求学生在课堂上,或是在课后不断练习中,意会民歌学习所必须的理论基础,而后依据自己的理解,指导声乐自我训练,并通过不断实践重新架构自己的知识体系。民歌教学,是一种培养学生的民族审美观,加强对学生民族意识和民族精神的教育,对于了解、继承和发展祖国传统音乐文化,有利于提高学生的民族音乐素质。我国是个多民族的国家,民歌的种类也很多,如陕北民歌、蒙古族歌曲、藏族歌曲,有些民歌是来源于少数民族语言的唱法,具有原生态的特点;有些民歌则是基于普通话的基础上,借用地方方言的语言特点来进行演唱的。 (二)民族音乐教学法 民族音乐教学几乎都是围绕着解决开喉咙、呼吸、喉头等技术问题来进行的,这种传统的教学方法,对于技术化的训练,目标很明确,步骤很清晰。整个过程,就是教师描述自己的演唱体会,然后把这种感受传授给自己的学生。应当说,在民歌语言的韵味和把握上,原始的民歌传授方法,实际上是民间艺人口头创作,口耳相传,是一种口传心授式的传承方式。而在现代的民歌教学中,这种方式有着明显的制约性,口传心授已经无法满足现代民歌教学的要求,那么在现代的民歌教学中,如何利用新的教学方法,利用新媒体来寻求帮助,寻找所演唱民歌发源地的地道的语气和语感,有助于当前民歌教学。同时,教师也应当要掌握各地民歌语言的规律和特点。 (三)PBL情境声乐教学法 PBL最早的应用是20世纪50年代中期起源于美国的精神病学教授Bar-rows1969年他在加拿大MCMaster医科大学首创,之后经过不断精炼与实践探求,在解剖学、药理学、生理学等得到广泛应用,PBL模式也应用于其他教育领域,如商业教育、建筑教育、工程教育等。应该说,PBL的优秀思想是一个以学生为中心利用知识和技能解决实际问题,从而达到熟练掌握一门领域的学习过程。PBL情境声乐教学法,实际上正是借用了PBL的优秀思想,针对每个学生的特点进行服务,在理论学习和日常训练声乐技巧的条件下,通过情境训练引导,提升学生歌唱技巧,同时规避了学生“千人一面”的态势,尽可能使学生形成自己的歌唱风格。总的说来,PBL情境声乐教学法就是在传统教学过程的基础上,注重塑造学生的民歌语言个性,并强化学生对歌曲风格的表现力,引导学生在音乐意识中的觉醒,依靠声乐技能的语言训练,加深情感投入,并强化学生对于舞台表现力的自我感受。教师通过营造各类音乐语言情境教学,与学生展开互动,从而使学生直接感知音乐,借由多层次反馈,逐步实现从自然状态转换到训练状态并再次回归到自然状态的转换,并在实践中剥离教师强烈个人风格对学生的影响。 二、PBL情境声乐教学法在学习民歌语言中的辅助作用 (一)PBL情境民歌语言教学法的特点 PBL情境民歌语言教学法,实际上并非独立存在的,而是基于传统民歌教学方法之上的创新方法。实际上,在民歌教学中,地方语言韵味和方言的问题,一直是难以解决的,汉族教师很难能够教授少数民族歌曲,对于各地域风格特征的把握也有一定的困难,仅仅在普通话教学和非方言创作型现代民歌中有教学优势。当今民族歌曲内容包括汉族传统民歌、古曲类民歌,少数民族歌曲,以及近现代创作型民歌。每个类别的演唱方式都有自己的特点,如古曲类偏重于吟诵式的,少数民族歌曲需要了解地域性方言,与传统的民歌教学方法相比,PBL情境民歌语言教学方法为学生打开更多的渠道去了解各类民歌的语言。PBL民歌教学更加注重学生的自我发展,也更加重视对学生个性的塑造。 (二)PBL情境民歌教学法对学习民歌语言的辅助作用 1.地方民歌语言教学 民歌语言具有鲜明的地域性特点,以陕北民歌为例。陕北民歌具有强烈的语音修饰特点,借用衬字、叠字,运用和谐韵脚,自然地运用洪音和细音。所选取的词语念起来顺口,听起来悦耳,记起来也容易,在形式为内容服务的原则下,讲求歌词的韵律美是十分必要的。歌词的声音和意义是不能强制分开的,有时候意义在声音上见出,要比习惯上的联想见出更加微妙,讲究声律是行文最重要的功夫。在陕北民歌中,有大量的衬字使用,如对坝坝,白脸脸,如圆个溜溜、蓝个英英、那个,等等。这些文字的使用增强了民歌的地域性特点和艺术感染力。在江南民歌中,比如《茉莉花》,其中的一段唱词“好一朵茉莉花,满园花开香也香不过它,我有心采一朵戴,又怕看花的人儿将我骂”,其中,“满园花开”就要唱做“满YU花KEI”,“香也香不过它”就要唱作“香也香不GE它”,“我有心采一朵戴”就要唱作“MUYUXICEI一朵DEI”,这里包含了平卷舌的运用,以及江浙地方语言的韵味和特点。在进行民族唱法的学习时,特别是针对一些地方色彩浓厚,地域性特点强烈的歌曲,如《想亲亲》、《下四川》等类型的歌曲,要求演唱者要用地道的语言去演绎表达作品。 2.古曲类民歌教学 在民歌教学中,有一部分古曲的教学,汉乐府民歌、唐诗及宋词改变的民歌,例如李煜的《虞美人》、汉乐府的《长相知》等等。在这些歌曲的演唱中,要以诗词歌赋的吟诵为主,按照不同的韵律、韵脚进行朗诵,进而在旋律中进行二度创作,并演唱。在教学中,要求学生对作品进行去旋律诵读,并引入名家诗词朗诵作品,使学生在诵读中感受韵律,感受字词的重音和韵脚,并通过学习了解作品情感。在加入旋律后,学生就能够充分展示作品的韵律美,正确表达作品情感。然而,要做到地方性语言的纯正发音和表达,单独靠模仿是远远不够的。在教学中,引用PBL情境声乐教学法,运用以下的教学思路,即:学习一首民族歌曲之前,教师会在课前进行提问,比如经典四川民歌《采花》,这首作品的创作背景如何,这首歌最主要的特点是什么。教师应当引导学生查询相关的资料,做好课前准备。教师可以要求学生观看地方电视台的新闻和电视节目,听不同风格的歌手对同一首歌曲的不同演绎。随后在分组讨论中,要求学生描述自己的体会,并针对自身特点做出分析,找出能够更好完成民歌作品演唱的方式,同学间也可以指出适合对方的演唱风格。最后进入教师总结阶段,在总结中,首先听到学生在自我感悟后的演唱,而后,依据学生特点加以指导,最终完成一首民歌的教学。总归,PBL情境民歌教学法在学习民歌语言中的辅助作用,有利于学生更深入地了解演唱的作品,深入地把握歌曲中所呈现的情感,对教导学生更好地演绎民族歌曲起到了积极的作用。 作者:赵薇单位:哈尔滨学院 声乐教学法论文:大学声乐教学的特点以及主观教学法的必要性和局限性 摘要:本文首先论述了高校声乐教学的特点,高校声乐教学有主观性、因材施教、实践性、师生互动等特点。在高校声乐教学中应该充分认识到主观教学法的重要性,同时也应该认识到主管教学法的局限性,在重视应用主管教学法的同时,还应该重视应用客观教学法,达到主客观相结合,趋利避害,扬长避短。 关键词:大学声乐;教学;主观教学法;局限 文艺是为大众服务的,声乐作为艺术的一种也是为大众服务的,声乐艺术的审美应以听众的审美为标准。歌者自己喜爱的声音不一定是好声音,歌者也往往不容易分辨出自己的声音正确与否。声乐作为一门表演艺术对歌唱主题而言,是歌者自己内心的认识、感情,以歌唱为载体的一种表达。 一、大学声乐教学的特点 (一)主观性。声乐是人体自身歌唱的音乐,它的乐器就是人体本身,演奏者也是歌者自身。人的主要感受功能在于触觉、视觉、听觉、嗅觉、味觉。真正演唱时,很难通过自身感受功能对自己歌声进行正确的判断。在声乐教学中,学生的学习具有极强的主观性。“声乐”的表演主体是人,歌者不是一个“留声机”,歌者都有自己的风格以及对声乐和艺术的理解,教师也有自己的风格和方式,所以大学声乐教学有鲜明的主观性,声乐教学也体现了教师的个人风格以及教师对声乐和艺术的个人理解。 (二)实践性。声乐教学好坏的检验标准之一就是“表演”,大学里的实践主要是考试和比赛,通过表演可以发现声乐教学的不足,而表演的检验就是观众的体验,如果“声乐表演”歌者自认为很优秀,但是却不为广大听众认可,那么他也是不足的。所以声乐教学有很重要的实践性,在实践中可以让声乐教学不断开创新思路和新方法,增强听众的体验。声乐教学应该不断在实践中积累经验和技巧,声乐教学的实践性可以从声乐技能、技巧训练和声乐舞台实践几个方面来进行理解。声乐教学中,学生基本技能的掌握,是教师根据学科教学内容或歌唱技术要求的需要指导学生进行的不断巩固的技术训练。 (三)因材施教。每个学生都有其自身的特点,每个学生对声乐的理解不同、个人素养不同、对声乐的理解不同,所以教师在教学过程中应该坚持因材施教原则,根据不同学生的不同特点,采取相应的教学策略。教学过程中的因材施教,就是教师根据不同条件和素质的教学对象而采用的教学内容,并实施行之有效的教学方法和教学手段。也可以说是声乐教师根据教学对象的实际情况而进行的一种有的放矢的教学措施。 (四)师生互动。在大学声乐教学过程中,一个重要的特点就是“师生互动”,师生互动的过程是一个师生交流的过程,通过师生之间的互动,可以密切师生之间的关系,提高教学效率,同时,通过师生互动还可以让教师充分了解学生的潜能,学生也能够进一步了解教师的教学意图。教学双方相互信任,进行积极有效的教学合作。声乐教学中教师与学生的合作性与其他的学科相比,显得尤为重要和突出。如果教学双方或某一方背离了师生互动的原则,教学活动的性质就有所改变,使教学演变成纯粹的“应付”。 二、主观教学法的必要性 “有时在一些只能意会、不好言传的情况下,凭感觉就会有一个基本理解。例如;‘声音位置感觉’‘声音共鸣感觉’‘气息控制感觉’‘读字感觉’‘情绪和情感的感觉’等等。①”由于声乐教学的特殊性,主观教学有其存在的必要性。与学习音乐理论或器乐门类明显不同的是,在学习声乐过程中存在更多的主观因素,这些主观因素有其存在的有用性和必要性。这由人的发声原理和歌者同时兼做自身声音倾听者的双重身份所决定,并由诸多因素影响结果。人在歌唱时对有关器官的活动,不能进行明确无误的人体解剖,不能把发声器官的活动规律弄得一清二楚,更不能在歌唱的同时看到各器官的活动状态。我们赖以发声的声带等器官和气息存在的重要场所――肺、气管、包括发声所需参与的肌肉运动,用肉眼难以观察得到,甚至根本就看不见、摸不着。在这种情况下,教师只有通过自身的主观感受或形象比喻等主观表达方式使学生接受声乐知识。 有些声乐学生,不理解横隔膜呼吸法,教师可以用想像自来水钢笔胶囊吸水的道理去启发学生,使学生有一个小腹自然地进行收缩和放松的循环动作的想像。我们在演唱时,特别是在发声训练时,往往“谈感觉”“找感觉”。“感觉”对声乐教学有一定的意义,感觉在歌唱与发声中无处不在。例如情绪的感觉、音乐感觉、声音音响感觉、声音位置的感觉、声音运动感觉、声音共鸣感觉、咬字与吐字感觉、呼吸感觉等等。感觉的产生是运动着的物质作用于我们感觉器官而引起的。感觉依赖人的大脑、神经,依赖于感官的正常机能,甚至人的机体状态也对歌声感觉发生明显的影响。感觉有先天反应和后天反应两重性。感觉的先天反应有饥饿感觉、恐惧感觉、舒适感觉、疼痛感觉等等。感觉的后天反应意义广泛,这种感觉的后天反应主要是在生活实践和艺术社会实践中产生的。生活中我们睡觉时、婴儿哭叫时的呼吸就是歌唱时的呼吸感觉等等。在声乐教学过程中,师生之间感觉上的交流,认识上的统一,是主观教学法能否成功应用的基础。 三、主观教学法的局限性 很多初学者印象中美声的歌唱就是要求大音量、大力度、吐字含糊、气息沉重。在这种思想的支配下,他们的演唱状态通常是咽壁松弛、舌面高抬、大量鼻音、甚至压喉咙等,会造成有害的肌肉紧张。这样的学生很难通过主观教学与教师沟通,在声乐演唱的技术方面难以进步。对于这种大量存在的问题和主观教学法表现出来的局限性,我们不能仅仅依靠主观教学法来解决声乐教学中遇到的问题。主观教学法有一定的局限性,在大学声乐教学过程中应该注重把主观教学与客观教学结合起来,这些局限性包括:第一,教师的主观认识与学生的主观认识不一致。教师往往有自己对声乐的理解,教师的声乐知识也往往比学生多,而学生作为学习者,往往对声乐艺术的理解还比较稚嫩,有时候学生不一定能理解教师的意图。第二,有些教师的主观认识有很严重的不足,作为教学者如果在教学理念上发生了偏差就会影响到学生的进步。第三,学生的主观认识参差不齐,很多学生往往在主观上没有自己的风格,没有领会声乐艺术的实质,所以在主观上就不能充分调动学习的积极性。第四,主观教学法往往是“坐而论道”,缺乏实践的检验,这种教学法往往会导致我们“自认为很美”,变成了自己的孤芳自赏。 总之,在高校声乐教学中应该充分认识到主观教学法的重要性,同时也应该认识到主管教学法的局限性,在重视应用主管教学法的同时,还应该重视应用客观教学法,达到主客观相结合,趋利避害,扬长避短。歌唱的客观状态决定了歌者的主观状态,只有使学生掌握了理论基础,才能发出正确的音色。 作者简介 宁大光,中共党员,2000年本科毕业于星海音乐学院声乐系,现硕士就读于湖南师大,任教于湖南涉外经济学院,讲师职称,2004年获得“全国十佳歌手奖”,2010年代表空军政治部天籁合唱团,获青歌赛团体金奖,还多次在省级歌手比赛中获奖。 声乐教学法论文:职业学校声乐教学法的探索 职业学校的音乐专业主要是为高一级的音乐院校培养有着规范专业技能的学生,而其中的声乐教学以“一对一”单兵训练为主要授课形式,如何指导学生几年内声乐达到高等音乐院校的招生标准,则需要探索科学的声乐教学法。 1 职业学校声乐课的教学特点: 1.1 专业性 职业学校的声乐教学从本质上与音乐院校是一致的,都必须寻求嗓音科学。 1.2 拓荒性与阶段性 职业学校学生嗓音条件和歌唱起点低,尚未建立一个基本的发声状态和歌唱心理。 1.3 包容性和艰巨性 声乐课的内容不是单一的,它包容了各方面素质的培养,教师需要过硬的全面素质,应变地解决各种问题,胜任对各种学生的教学。 2 职校声乐教学法的改革 2.1 因材施教 (1) 掌握学生原始材料、承认学生起点、素质的差异,对学生做到心中有数。 (2) 制定较长远计划。 在原始材料的基础上,分析和判断出学生的可塑性、承受力,划定学生基本声音类型和规格上可能达到的最高线,定出各个学期的作品档次及数量。 2.2 兼顾嗓音与课时并重的课时布局 职校声乐教学的拓荒性,使基本发声方式的建立大约需一年时间。学生有了独立的歌唱能力一般在二年级,可根据学生个性特点在技术要求上更精一些。在进入三、四年级声乐生主修阶段,技能训练可逐渐加强。例如,多半课时练音,给较难的音阶练习、琶音练习、八度、十度、快速华彩、跳音等等。给学生技术上突破的可能性,为他们拿下较大作品打下扎实基础。 2.3 提高小课授课效率 (1) 全方位教学法 职校声乐教学包容性和艰巨性的特点决定了声乐教材教法必须注重综合性。采用兴趣培养、歌唱心理培养、音乐艺术审美及技术训练等各个方面兼顾的全方位教学方法 (2) 把好基本功这一关 常言道,始慎成丰。初学歌唱基础打得好,不仅可以决定在学习期间是否顺利,甚至影响一生的艺术生涯。低年级基本功扎实,高年级出现飞跃的例子不乏多见,而建立良好的起音是打基础的优秀问题。声音“空”、“紧”、“卡”现象的根源,都可以归结为一个问题――起音不准确,表现形式因人而异。气过多过猛冲开声门造成“空”;气过僵对声门发声供不应求造成“卡”;气支点过高喉位上提声门负担过大造成“紧”等,也有其他情况――不正确的听觉指导发声等。总之可归结为气与声搭配不协调。 根据发声时气息通过声门产生的“侧向收缩力”发声的物理原理,气息与声门搭配合理决定起音准确。发声练习可用五度音阶和变换母音的方法。例如①五度音阶下行,呼吸因自上而下的发生而似叹息,声门供气舒适自如,注意第一个音头果断和发声时与呼吸支点的搭配,起音则纯净、简捷。②五度音阶上行,自低向高,从平稳、安定的状态下获得扎实的音头,克服声音空虚的毛病。③琶音跳音练习,加深起音一刹那的准确、果断,获得干净的音质。母音形象也有不同的功能,“依”母音利于声音集中,“呜”母音利于喉位下放,腔体打开。“a”母音使起音平稳、自然。起音的概念要同时体现在音乐作品中。声乐入门时起音的观念要简明可行,不断提高学生的听辨力、分析力。练习时切忌似是而非的观念。古典美学的原则之一是讲声音的质,有了质量自然会来,花心血和时间,取得精良的“乐器”,会少走弯路,是值得的。 (3) 带、跟、推交替的授课方 声乐小课的传统授课方法为前半部练声开嗓,后半部歌唱。课堂活动以教师为中心,教师“带”学生,学生处于被动服从地位。对于传授知识学习本领这无疑是必要的。但仅以此为唯一形式,形成教师满堂灌、主观填鸭式的教学,效率不高。学生依赖老师,不能培养自学能力,指望在短期内学有所成则很艰难。采用以“带”为主,带、跟、推交替的授课方式。改灌输填鸭式为诱导启发式,调动学生主观能动性,提高课堂效率。 初学以教师“带”为主,课堂实践活动要有条有理,有计划有目的给学生必须的基本知识,发声的美学标准,起音的要领以及示范演唱等。在教师带领下,帮助学生获得良好的实践体验。在一个小单元后,为了检验教与学的情况,要改变“带”采用“跟”,让学生首先回课,包括发声练习,声乐作品都让学生将自己掌握的展示给教师,教师仔细观察学生,允许学生反复和疑问,教师和学生共同发现问题出在哪里,区别哪些是机能上的问题,哪些是观念的问题,用学生能够接受的方法解决问题。有些较为严重的问题,如不良的发声习惯,可以变化方式方法,以举一反三、触类旁通等方法去解决,这种“跟”积极而非消极,以加强理解巩固学业的作用。在“跟”的过程中,给学生发现自我、开发自我的机会。在“带”和“跟”的教学基础上,给教师“推”动学生上一个台阶创造条件。“推”的教学阶段,是“带”和“跟”产生飞跃和质变的阶段,教师在质和量方面尝试给学生更高的要求,曲目技法和风格的难度可加大,对学生造成一定的学习压力,激发学生创造精神和主动性,推动学生向更高层次迈进。 总之,职校的声乐课是脑体并用,集声音、音乐、美学、心理学、文学修养等一系列知识为一体的创造性的劳动。教学法的探索是提高授课质量和效率的重要步骤,机械套用一成不变的教学模式是难以完成的。 声乐教学法论文:声乐教学法课程微格教学研究 摘要:微格教学是一种培训方法,它能有效地培养师范生的教学技能。我们从提高音乐专业学生的教学技能入手,运用微格教学理论和方法,对声乐教学法课程进行微格教学设计,制定了学生教学技能训练程序和评价指标体系,划分了微格教学阶段,对教学班进行了教学实验,教学效果好。 关键词:声乐教学法课程;微格教学;学生教学技能 随着《教师法》、《教育法》和《教师资格条例》的颁布,对承担提高劳动者素质任务的教师提出了更高的要求。师范院校是培养教师的摇篮,高师音乐教育专业是培养音乐教师的基地,它以培养合格的中学音乐教师为目标,为了真正实现其培养目标和规格,音乐教育专业必须重视对学生进行严格的教学技能训练,声乐教学技能又是中学音乐教师重要的教学技能之一。然而,从对我国师范院校音乐教育专业毕业生的社会调查情况来看,普遍存在的问题是:学生的专业基础知识掌握较好,演唱能力较强,而学生的教学技能却很差,普遍反映为学生参加工作后,对中学的音乐教学工作不适应。其主要原因是,高等学校音乐教学与中学音乐教学严重脱轨,教学内容和教学方法陈旧,教学手段落后。实践证明,目前那种只重视传授专业知识和演唱技术,忽视对学生教学技能培养和训练的教学模式,已不适应现代音乐教育发展的需要,严重影响了音乐教学改革的深入和发展。在音乐教育专业教学中引入微格教学,不仅对教师授课行为进行全面的分析和研究,而且对每种教学技能的训练内容、范围、效果和质量更趋于科学化、规范化、程序化,使教学技能的培训和评价更具有可观察性、可记录性、可操作性。更加突出了教学技能的训练,化了教学技能训练。因此,对声乐教法课程进行微格教学研究,对音乐教育专业声乐教学法课程进行深化改革,对培养一批具有现代化、高质量、高水平的音乐教师队伍具有深远的意义。 一、声乐教学法课程微格教学设计 (一)微格教学的概念 微格教学是一个有控制的实践系统,它使师范生和在职教师有可能集中解决某一特定的教学行为,或在有控制的条件下学习,它是建筑在教育理论、视听技术的基础上,系统训练教师教学技能的方法。 (二)微格教学设计的基本原理 1、目标控制原理。微格教学的教学设计必须明确教学目标和技能训练目标,教学目标是教学活动的导向,是在实施教学过程中,使学生在思维情感和行为上从无知到知,从少知到多知发生改变的明确阐述。教学技能则是为达到上述目标而采取的方法、措施和技巧。在微格教学训练时,训练任何一项教学技能,针对任何一项简短的教学内容都必须受到教学目标的控制,为达到预定的教学目标,师范生又必须熟悉掌握和灵活运用教学技能,明确技能训练的目标,微格教学的教学设计必须以教学目标和技能训练目标控制教者的教学活动,控制媒体的选择和组合,控制教学过程的结构模式,控制学生的学习活动,规范学生学习评价的标准。 2、要素分析原理。微格教学的设计把教学传播过程作为一个整体,对构成这一整体的各要素(教师、教学内容、教学媒体、学生、教学评价等)及其复杂的制约因素和它们之间的本质联系进行分析,用系统的方法对教学传播效果的动态过程进行探索,从而确定富有成效的设计教学方案。 3、优选决策原理。教学策略是对完成特定的教学目标而采用的教学活动的程序、方法、形式和媒体等因素的总体考虑。对教学而言,没有任何单一的策略能够适用于所有的教学情况,有效的教学需要有可供选择的各种策略来达到不同的教学目标,最好的教学策略是在一定的情况下达到特定教学目标的最有效的方法。为了达到特定教学目标,必须充分考虑多种不同的教学策略,优选出根据实际情况所制定的教学方案,力争使用最佳的教学策略于特殊的教学情境。 4、反馈评价原理。教学过程是教学信息的传递与交流过程,它不仅有信息的单向传递,也有信息的双向交流。教育传播理论认为,反馈是教育传播过程中的重要因素,它可以使教育传播过程成为双向交流系统,使教者了解到信息的传递结果,对学生的学习状况作出及时准确的评价,对自己的传播行为作出改进。在微格教学的教学设计时,必须重视反馈信息的收集,设计学习评价的指标体系,利用反馈信息来控制和调整教学过程。 (三)微格教学设计的基本要素 1、教学目标:在声乐教学法课程教学中,期望学生在完成学习任务后达到的程度。 2、教学过程:为达到特定的教学目标,针对学生特点,教学媒体条件,教师应采取的教学策略和教学步骤。 3:教学评价。在学习过程中及学习结束时,如何获得反馈信息,以评价教学效果。 (四)微格教学的设计依据 1、教学目标。教学目标是预期的教学成果,是组织、设计、评价微格教学的基本出发点和依据。微格教学时应依据声乐教学法课程的总的教学目标,结合微格教学训练的特点,制定出相应的微型课教学目标,通过微格教学逐一实现微型课教学目标,从而逼近和实现教学的总目标。 2、教学内容:微格教学技能训练时,虽然只是通过某一特定的教学内容,对教师的教学技能进行训练,但是,这一特定的教学内容必须以教材内容为主要依据,教师应认真分析和研究教材的科学性、系统性、思想性,分析教材体现出的教学内容的重点和难点以及突出重点、突破难点的关键,使教师掌握分析、研究教材的方法。 3、教学对象:通过对学生特征的分析,获得学生集体及个体有关知识基础、认知特点、智力水平、演唱技能水平等各种背景资料,作为微格教学设计安排的依据。 4、教学媒体:在教学过程中传递教学信息以及记录、储存、再现信息的各种资源的媒介。教学媒体的选择不但依赖于每种媒体的特性和功能,也有赖于教学系统中其他因素之间的关系。在教学媒体的选择上,教学内容是媒体选择的重要依据,对比较抽象的教学内容,教师要尽量选择直观的媒体。对比较直观的教学内容要选择更能引起学生兴趣的媒体。同时还要根据学生的兴趣爱好、性格、认知水平来选择媒体。 (五)微格教学程序设计 根据微格教学的教学设计原理、微格教学的设计依据,结合音乐教育专业师范生的特点和声乐教学法课程教学的具体情况,设计出声乐教学法课程微格教学程序(流程图1)。 图1声乐教学法课程微格教学流程 二、声乐教学法课程微格教学的实施 (一)微格教学的实施程序 为了更好的对声乐教学法课程微格教学进行控制,根据微格教学的设计程序,结合声乐教学法课程教学的实际情况,制定了声乐教学法课程微格教学步骤流程(流程图2)。 (二)声乐教学法课程微格教学阶段划分 为了更好地对声乐教学法课程微格教学各个环节进行控制,我们把声乐教学法课程微格教学分成四个阶段,每个微格教学阶段都确立了明确的教学目标,微格教学前指导教师对微格教学的教学目标进行讲解,使学生了解该项微格教学阶段应达到的预期教学效果,并对该阶段微格教学的作用、方法及注意事项提出要求。通过微格训练有95%的学生达到教学目标才能进入下一阶段的微格教学。指教者(学生)严格按照微格教学程序和教学阶段,认真准备每次的微格教案。 第一阶段、教师讲解技能训练阶段:该阶段又分成两部分,第一部分为教学语言技能训练。教师制定出语音、语调、语气、音量、语速、节奏等教学语言技能培养目标。训练时采用朗诵歌词、讲解演唱作品、分析曲目、讲解演唱技法的形式,提高学生语言技能能力。第二部分为教师讲解技能训练。教师制定出讲解的结构、语言清晰流畅、使用例证、形成连续、进行强调、反馈等讲解技能培养目标。训练时采用讲解演唱作品、分析曲目、讲解演唱技法的形式,运用演唱法、述说法、谈话法、论说法来提高学生讲解技能能力。 图2声乐教学法课程微格教学步骤流程 第二阶段、声乐专业技能训练阶段:该阶段又分成三部分,第一部分为范唱技能训练。教师制定出正确范唱、错误范唱、夸张范唱等培养目标。第二部分为伴奏技能训练。教师制定出即兴伴奏、固定伴奏培养目标。第三部分为声音辨析技能训练。教师制定出共鸣腔体使用、声音运动方向、发声状态、气息的运用、咬字吐字、歌曲情感、演唱歌曲整体性培养目标。训练方式:采用小组课微格训练的形式,从生活中各种感觉提炼出歌唱感觉、正误对比、自我感觉、形象比喻、模仿、讲解与范唱进行声乐专业技能微格训练,运用比较法、演唱法、伴奏法、例证法、述说法、谈话法、演示法、示范法,采用迁移式指导法、点拨式指导法、矫正式指导法、对比式指导法、兴趣式指导法进行微格训练,提高学生范唱技能、伴奏技能、声音辨析技能的指导能力。 第三阶段、教学控制技能训练阶段:教师制定出教学组织、教学容量、教学时间、教学节奏等控制技能培养目标。训练方式:采用小组课、个别课微格训练的形式,提高学生教学控制技能能力。 第四阶段、说课技能训练阶段:教师制定出说教材、说教学方法、说教学过程的“说课”能力的培养目标。采用分组“说课”微格训练的形式,运用述说法、谈话法、论说法进行“说课”能力的训练,提高学生“说课”能力。 (三)声乐教学法课程微格教学与评价 1、成立微型课教学班:对温州师范学院音乐教育专业2002级80名学生进行微格教学分班,教师讲解技能训练、教学控制技能训练、说课技能训练微型班由5-7人组成,声乐专业技能训练由个别课、小组课的形式进行微格教学,学生在技能训练的不同阶段,根据该阶段技能的训练目标,学生轮流扮演教师讲课。 表1声乐教学法课程微格教学技能评价一览 表2实验班与对照班学生教学技能综合评价得分检验一览 三、结论 声乐教学法课程采用微格教学,更加突出和重视“学生教学技能”的训练,化了学生声乐教学技能和指导组织能力。加了师生间的沟通,形成和谐课堂教学气氛,有效地提高教学质量。开发学生的智力,提高学生分析和解决问题的能力。化音乐专业师范生教学综合能力训练,培养复合型音乐人才。(责任编辑:陈娟娟) 声乐教学法论文:奥尔夫教学法在学前教育专业声乐课的应用研究 (平顶山学院 河南 平顶山 467000) 摘要:基于“弱化技能训练,加强音乐综合实践教学,培养符合幼儿园教学工作的应用型人才”的理念,本笔者尝试将奥尔夫教学法运用于学前教育专业的声乐课教学,提出在声乐技能训练的基础上,融入乐理视唱等学科基础知识,加强体态律动、打击乐演奏等贴合幼儿园音乐活动的实践教学部分,期望为学前专业音乐教学的进一步改革深化以及该教学法在我国的本土化发展进行合理化探索。 关键词:奥尔夫教学法;学前教育专业声乐课;音乐教育 基金项目:河南省教育厅2017年度教师教育课程改革研究项目(2017-JSJYYB-197):基于卓越幼儿教师“一体化”培养的高师教师教育课程体系优化研究。 【中图分类号】J60-4 【文献标识码】B 【文章编号】2095-3089(2016)34-0174-02 一、学前教育专业声乐课教学现状 学前教育专业声乐课的目标不是培养优秀的歌唱演员,而是培养具备一定演唱能力、能够胜任幼儿园音乐教学活动的幼儿教师。它不仅要求学生掌握音乐基础知识和一定的演唱技能,而且具备较强的综合音乐能力,为将来从事幼儿园音乐教学活动提供必需的专业理论知识和实践能力。然而,长期以来我国学前教育专业声乐课教学在很大程度上存在着“专业化”、“技能化”倾向,同时,教学方法较为单一,传统的以教师示范学生模仿为主的单纯教唱仍成为课堂教学的主导模式,忽略了综合音乐能力的培养和学生学习自主性的发挥,导致所学知识与幼儿园实际教学需要不相适应,与本专业培养目标背道而驰。 根据幼儿园实际教学需要和学前教育专业音乐教学的特点,基于“弱化技能训练,加强音乐综合实践教学,培养符合幼儿园教学工作的应用型人才”的理念,笔者将国外优秀音乐教学之一的奥尔夫教学法引入学前教育专业声乐课,期望为学前教育专业音乐教学的进一步改革深化以及该教学法在我国的本土化发展做合理化探索。 二、奥尔夫教学法在学前教育专业声乐课教学中的应用 (一)教学法简介 当今世界三大音乐教学法之一的奥尔夫教学法由德国作曲家、音乐教育家卡尔・奥尔夫先生于20世纪20年代中期创立。奥尔夫认为,音乐教育首先是人的教育,应顺应儿童的天性。他提倡一种“原本性音乐”(Elementar Music)的教育观念,所谓“原本性”,“Elementar”一词在德文中包含原始的、基础的、初级的、元素的、自然的等多种含义。因此,音乐课不应是单纯的唱歌课或是器乐课,而是接近自然的、能被每个人体验和接受的、适合儿童的,融动作、说、唱、奏为一体的综合性音乐课程。 奥尔夫音乐教学活动由嗓音训练、动作训练和器乐训练等三部分构成,三者之间既可以相互独立,又能够有机结合、相互渗透。其中,嗓音训练包括歌唱和节奏朗诵活动;动作训练可以分为体态律动、舞蹈、蚓绫硌荨⒅富雍蜕势活动;器乐训练主要是指乐器演奏活动。能将语言、动作、音乐融在一起的最基本的要素是节奏,所以节奏成为奥尔夫教学法进行音乐训练的优秀要素。 (二)学情分析 学前教育专业学生在入校之前大多没有接受过系统的音乐学习,因此他们的音乐基础几乎为零。入校后开始学习《基本乐理》、《视唱练耳》、《声乐》等课程,掌握一定的乐理知识、具备初级的识谱视唱能力,但是基础薄弱,仍有相当一部分学生在识谱方面存在困难。实际上学生往往连一首歌曲的节拍、重拍、节奏都分辨不清,更何谈准确、连贯地演唱整首作品。在这种情况下,假如果过于强调演唱技能的训练,忽略基本乐理、视唱练耳等音乐基础知识的巩固与融合,那么学生在学习过程中必然会感觉到吃力,这在很大程度上打击了他们的学习积极性,教学效果也不理想。 (三)教学法应用 本文以歌曲教学《乡间的小路》为例,将奥尔夫教学法融合运用于学前教育专业声乐课教学。 歌曲《乡间的小路》[1]选自复旦大学出版社出版、杨丽华主编的学前教育专业十二五规划教材――声乐(一)。它是校园歌曲的经典之作,旋律清新优美,歌词朗朗上口的,兼具艺术性和通俗性,同时作为一首儿童歌曲被选入少儿声乐教材。作品的结构是带有再现的但单三部曲式,可以用 ABA表示。A段轻快、活泼,B段抒情连贯,尾段是A段的重复再现。 在发声训练、新课导入环节之后,本文分以下三个层次将奥尔夫教学法融入歌唱教学: 1.提取节奏要素,巩固乐理知识 第一,视唱乐谱。学生全面地认识和读唱歌曲中所有的音乐要素,找出各自难以掌握的旋律片段和节奏音型。 第二,温故知新。教师针对以上难点进行乐理知识的讲授,帮助学生回顾、巩固已学的音乐基础理论,同时利用钢琴、多媒体等教学设备更为直观地突破学习难点。 第三,分析音乐骨架,提取节奏要素。学生再次读唱乐谱,在教师的指导下分析音乐的骨架――节奏,采集歌曲的两到三种节奏要素,例如节拍、重拍、节奏型等。歌曲《乡间的小路》的拍子是2/4拍,那么所采集到的节奏要素分别可以是:节拍│x x│、重拍│x 0│、节奏型│x xx│(仅为歌曲A部分的节奏型,B 部分暂无)。学前教育专业的学生音乐基础通常相对较弱,对于音乐中一些重要的节奏要素常常混淆不清,因此,选取几种较为典型的要素作为课堂训练的重点是十分必要的。 2.创编声势活动,激发学习兴趣 声势是用身体作为乐器,通过身体动作发出声响的一种手段[2],它是奥尔夫教学法中极具特色的部分。这一通过简单的身体动作发出各种有节奏声音的活动,常常又被形象地称作“身体打击乐”。拍手、拍腿、跺脚和捻指构成了古典声势的四种基本形式。 以歌曲《乡间的小路》A部分为例,将全班学生分成三组,分别对应三种不同的节奏要素:节拍│x x│、重拍│x 0│、节奏型│x xx│。鼓励学生为各自小组的节奏要素设计创编声势动作,以“身体打击乐”的形式为歌唱伴奏。例如,节奏要素和声势动作可以做如下对照: 节奏要素 声势动作 节拍 │x x│ 拍手 重拍 │x 0│ 跺脚 节奏型│xxx│ 拍手一下+拍腿两下 以感性的肢体动作体验理性的节奏概念――这样的奥尔夫教学手段能够帮助学生轻松愉快地理解音乐要素,培养节奏感。学生能够准确、连贯地运用肢体动作配合歌唱时,意味着教学活动可以向更深层次推进。 3.以打击乐演奏取代声势,提升综合音乐能力 奥尔夫曾说:“我不想用高度发展了的艺术性器乐来训练,而用一种以节奏性为主,并比较容易学会的原始乐器,和(人的)机体相近的乐器”[3]。作为奥尔夫乐器的重要一类,打击乐器是儿童最容易掌握的,特别对幼儿来说,这是他们除了歌唱之外最自然的音乐表达工具,也非常容易从中获得快乐。因此,打击乐活动是幼儿感受音乐、表现音乐的重要形式之一。以下是幼儿园常见的打击乐器类型、代表及其音色特点: 当学生能够准确、连贯地运用声势配合歌唱时,歌曲教学《乡间的小路》可向更深层次推进――以真实的打击乐取代“身体打击乐”为歌唱伴奏。 教师首先将若干不同类型的打击乐器向学生展示,分别介绍每种乐器的声音特点和具体的演奏方式;其次,每组学生根据歌曲的情绪风格、节奏的强弱特点,结合乐器的音色类型选择其中一种乐器来表现自己的节奏要素。例如,可进行如下选择: 节奏要素 打击乐器 选择原因(声音特点) 上述2、3两环节的活动内容既可以是每小组的单独展示,也可以是小组之间的同步配合。具体的活动展开形式依据教师对上述设计思路的多元理解而进行调整变化。 三、结语 基于“弱化技能训练,加强音乐综合实践教学,培养符合幼儿园教学工作的应用型人才”的教育理念,本文对奥尔夫教学法应用于学前教育专业的声乐课教学做了本土化探索的尝试。在声乐技能训练的基础上,融入乐理视唱等学科基础知识,加强体态律动、打击乐演奏等贴合幼儿园音乐活动的实践技能教学,取代了相对单一的以教师为主导、学生被动接受的教学模式。一方面帮助学生巩固、内化乐理知识,另一方面,使演唱技能得到深化综合,同时,发展学生的综合音乐能力,提高了学习自主性和创造意识,增强了课堂教学的兴奋点。
影视后期制作毕业论文:数字技术对影视广告后期制作的运用 摘要:随着现代信息技术的蓬勃发展,数字技术也取得了长足的进步,并且应用到诸多的社会生产生活领域。依靠着数字技术传输速度快、存储方便、编辑功能强大等优势,将之应用在影视媒体领域,不仅能够实现艺术表现形式的优化创新,而且能够提高观众的艺术审美效果。文章就数字技术在影视广告后期制作中的有效运用进行深入的分析探讨,以期能够为相关读者提供应用参考。 关键词:数字技术;影视广告;后期制作;应用探究 作为影视艺术的一种特殊艺术表现形式,影视广告在延续传统影视艺术的同时也显示出自身的艺术魅力。在计算机技术不断发展的时代,影视广告制作也实现了传统制作方式的革新,从以前的线性编辑逐渐发展成了数字化制作,特别是在影视广告后期制作中,采用数字化技术能够有效地增加整个影视艺术的艺术效果,最大限度的满足观众的审美体验,而且对于影视广告制作来讲也是紧跟时展步伐的必然之举。 1关键概念 1.1数字技术 数字技术是一种借助计算机技术对各种信息数据包括图像、文字、声音等进行加工处理进而实现信息转换,以使计算机能够识别转换后的二进制编码的现代科学技术。具有存储容易、精度高、抗干扰能力强、保密性好、适用性强的技术优点。在关系国民经济的诸多领域及行业,数字技术的应用都越来越广泛[1]。 1.2影视广告及后期制作 影视广告是一种覆盖面极广、宣传效果极佳的广告传播方式,包括视觉要素和听觉要素两部分,通常指电影和电视广告影片。通过多种多样的表现形式实现广告的有效宣传,广泛用于企业形象的宣传和企业产品的推广,基于良好的宣传效应和艺术感染力强、信息传递容量大、形式新颖等诸多优点,其具有极为广泛的社会接受度,为企业形象宣传和产品推广产生了十分积极的影响。在制作流程上主要包括:前期制作、线性编辑以及后期制作[2]。作为影视广告制作的重要组成部分和成型的关键,后期制作扮演着非常重要的角色,主要就是通过将前期拍摄搜集的影视素材依据创作需要进行特技镜头的剪辑和其他数据的信息合成,从而形成完整的影视广告作品。 非线性编辑相对传统的线性编辑而言的,优秀理念是通过计算机技术实现数字化制作。将所有的制作程序都置于计算机系统内部进行作业,实现各种素材调用的瞬间实现,打破传统编辑的时间顺序,依据各种逻辑序列进行排列编辑,具有简便快捷、制作效果好的优势。在影视广告后期制作中运用非线性编辑技术十分必要。 2数字技术对影视广告后期制作的影响 随着信息技术的发展完善和人们审美能力的提高,对于影视艺术提出了更高的要求,而影视广告作为企业形象宣传和产品推广的平台就更加需要实现贴近观众实际的模式创新。在影视广告后期制作中引入数字技术能够让编辑技术人员基于多维度编辑进行影视素材的艺术加工和优化,在减少了技术人员工作量的基础上有效增加影视广告作品的艺术魅力,从而保证作品的艺术感染力和号召力,更好地实现影视广告的社会效益[3]。由于传统的影视广告后期制作常采用线性编辑进行影视素材的美化修饰,艺术效果通常达不到要求,而且有时需要花费巨大的精力和物力去进行作品完善,采用数字化技术,利用线性编辑系统进行影视素材的艺术加工和处理,能够有效提高工作效率和作品的艺术效果。而且借助数字化技术常常能够产生常规制作方式达不到的影视镜头创作,实现影视广告的内容和形式的创新,提升作品完整度和艺术表现力[4]。 2.1数字技术在影视广告后期制作中的应用分析 影视广告需要在短时间内快速地传达出大量的视听信息,而且要能够抓住观众的注意力实现良好的宣传效果,所以这就需要影视广告在后期制作上坚持“新奇特”的创作原则,数字技术的应用能够通过现代技术手段实现这一目标。 2.2数字技术在动画制作中的应用 动画制作是影视广告作品必不可少的部分,通常需要借助动画实现对艺术表现力的最大限度展示,力求给观众带来独特的视觉感受,利用数字技术进行画面效果的丰富是最有效的手段。通过Shake、Motions等技术软件对在前期拍摄制作过程中无法实现的动态影像进行三维或者是多维处理,用三维或者多维动画片段进行动态画面的模拟和表现。数字技术的出现极大地改变了动画制作模式,能够通过技术手段进行更多动态画面的表现。例如“脉动”饮料的广告制作,通过实拍和3D动画模拟实现良好的产品效果展示,达到了良好的产品宣传目的。动画制作是广告作品的一个基本组成部分,而且动画效果的好坏直接关系到广告内容的表现,因此,采用数字技术能够就影视广告作品的外在形式进行更加完美的优化处理[5]。 2.3数字技术在镜头组接中的应用 在制作影视广告作品时常常需要分步骤进行所需素材的拍摄,以达到最好的艺术表现效果,但是传统的线性编辑模式对此有巨大的局限。在完成前期拍摄和相关的影视素材积累的基础上,引入非线性编辑技术进行多个拍摄镜头与影视素材的拼接处理。根据广告作品的创作理念对一些镜头和素材进行非线性编辑的入点和出点设计,并将这些素材内容通过FinalCutPro音视频编辑软件进行某种逻辑序列的编排,之后根据时间顺序将各种不同的拍摄镜头和影视素材进行拼接组合,最后利用蒙太奇手法完成整个镜头和素材的组接,实现完整的广告内容的展示[6]。利用非线性编辑技术能够对镜头的拼接处理实现更加艺术化的处理,避免了传统的只以时间线性进行安排的生硬模式,使作品的表现力大大增加。例如,汽车巨头奥迪公司曾经拍摄了一组奥迪A1的广告,通过将各个机车零件的拍摄镜头进行意识流的拼接和组合,向观众传达出奥迪A1的唯美与舒适,最大限度地表现了产品的性能,能够紧紧抓住观众的想象思维,无形中提升消费者的购买需求。 2.4数字技术在特技制作中的应用 特效技术也是常见的影视广告制作技术,为了达到某种艺术表现效果,满足观众的视觉体验,但是基于实际拍摄镜头具有高昂的拍摄成本的限制,常常需要借助数字技术进行特效合成来进行这一问题的解决。通常来讲FinalCutPro等制作软件都自带有特效处理功能,能够实现淡入淡出、叠化、化变等各种转场特效的制作。此外也可以采用专门的后期特效处理软件进行特效处理,例如AfterEffects,通过在影片中增加三维或者多维技术实现特效表现。一般而言特效技术的运用都是利用抠像技术进行合成叠加,以模拟真实的场景,通过对各种抠像软件的综合运用,将需要处理的画面从前期拍摄的背景中分离出来,在此基础上利用合成、跟踪、三维等辅助软件对从背景中分离出来的画面进行拼接合成,并依据创作需要和作品内容进行特效的增加优化[7]。例如,华为集团在“华为P8”的广告设计上,就充分利用了特效技术,将品牌手机的独特的手机功能进行形象化的处理,让观众能够直接感受到手机的相关运行功能。此外“恒大冰泉”的广告设计也因为特效技术的加入使得产品迅速占领广大的纯净水消费市场。 2.5数字技术在声音、色彩处理中的应用 影视广告作品不仅需要动画图像,还需要声音,两者实现完美配合能够有效增加作品的表现力和感染力。通常依据广告的内容需要对画面的声音进行特殊的处理,以实现声音和画面的相匹配,实现观众良好的视听体验。采用数字化技术诸如Premiere软件等能够实现对声音的特殊处理,在这些设备中常常自带有声音采集、多路音频混合处理、添加声音等功能,往往能够实现对声音的快捷处理,同时也能够依据作品需要进行部分配音的增加和处理,保证画面和声音的同步匹配和内容表现的完美呈现。随着计算机技术的发展,各种声音处理软件被开发出来,并且应用到各种声音处理领域,例如CoolEditPro软件等[8]。对广告作品进行色彩调整是后期制作的一个画面优化环节,作为作品形式的外在表现,良好的色彩展示能够有效提高作品形式的艺术内涵,满足观众对色彩感受的生理要求。采用数字化技术色彩控制软件进行画面的各种滤镜效果的处理,并对换面的色彩色调进行合乎常理的调整,力求做到不仅满足观众的生理感受,而且要能够通过色彩进行内涵展示。一个良好的画面色彩常常能迅速地增加观众对其的注意力,是作品产生引人入胜的艺术效果和艺术境界,有效增加作品的影响力。例如,做关于“水”的广告,色彩基调就要以蓝色为主,而运动品牌的产品广告就应该以多色彩的融合为主以展现青春运动活力等等。 3结语 现代信息技术的不断发展完善,数字化技术的日渐成熟,使得更多行业领域运用这些高新科技成为可能。在影视广告后期制作中应用数字技术不仅能够大大提高技术工作人员的工作效率,而且能够最大限度地拓展作品的艺术魅力,有效提升作品的宣传效果和观众的审美体验。尽管在当前的影视广告后期制作中应用数字技术还面临许多技术难题和问题,但是我们也看到行业的技术人员正在进行积极的探索和创新,因此,笔者希望更多的专业人士能投入到该课题研究中,针对文中存在的不足,提出指正建议,为实现数字技术在影视广告后期制作中的有效运用作出重要的贡献。 作者:周俊平 单位:内蒙古乌兰察布职业学院 影视后期制作毕业论文:数字视频技术AE对影视后期制作的运用 摘要:随着当下计算机技术的不断发展和创新,很多领域中开始运用数字技术,计算机技术对各个领域的影响也越来越深远,尤其是对影视后期制作过程产生了非常重要的影响。AE软件属于基础的图形视频处理软件,它的出现在很大程度上改变了传统的影视制作方法。文章先简单阐述影视的发展和数字视频技术AE,在此基础上分析数字视频技术AE在影视后期制作中的运用,希望能够为我国影视发展提供一定的帮助和参考。 关键词:影视;后期制作;AE软件 数字视频技术中蕴含了诸多软件,其中,AE软件是使用较为普遍的一种。AE是AdobeAfterEffects的简称,在众多软件中,其难度较为适中,且具有较多类型的特技效果插件,因此成为当下视频后期制作中运用得最为广泛的软件之一。AE是一款图形视频处理软件,由Adobe公司研制,属于层类型后期软件,适用于动画制作公司、多媒体工作室、电视台和个人后期制作工作室等单位的设计和视频特技制作。 一、影视后期制作中的数字视频技术和主要事项 近几年来,动画、影视制作、计算机游戏等领域逐渐运用视频后期制作技术。影视后期制作的专业性较强,其中最为重要的一项工作就是软件的运用。AE属于一种视频后期编辑和合成软件,具有较强的专业性,能够有效促进整个后期制作工作,相关剪辑人员可以运用这种软件更快、更精准地向观众展现各种特效和运动图像。作为视频设计和剪辑的重要软件,AE在网页、电视、电影和广告等后期制作过程中运用得非常广泛。如,将AE应用到影视广告的后期制作中,能够让影视广告相对于平面广告具有更多的优势,能够更容易让观众对广告产生兴趣,也能够较好地展现影视广告较为独特的效果和较为新颖的表现形式,还能够将广告商品的特点在最短的时间内展现出来。因此,将数字视频技术AE应用到影视广告后期制作中,能够让影视广告的呈现效果得到有效提升。 二、数字视频技术AE在影视后期制作中的运用 其一,AE在“层”中的运用。所谓的“层”,主要是指图像合成的组成部分,任何素材如果是通过合成图像窗口增加的,则都可以用作“层”。在项目窗口添加的素材中加入合成图像,从而让合成图像的素材层得以实现,是AE软件最为基础的工作形式之一。在时间布局窗口,可以借助拖动对“层”的出、入点进行直接切换。由于在时间布局窗口所显示的素材名都不一样,在多次进行拷贝之后,为了对各个“层”进行有效区分和更加方便使用,可以点击键盘上的确定按钮,输入新名字,再按确定按钮,这样在时间布局窗口就能够对“层”的叠加顺序进行拖动改变,同时也能够直接设置图层的尺寸大小。用这种方法可以实现素材剪辑工作。PS(Photoshop的简称)可以与AE结合使用。在AE中导入PS的分层文件,PS中制作好的特效及图层顺序将完整地被导入AE图层,使得技术和艺术更好地融合,为创作提供了更大的空间。其二,AE在动画制作中的运用。关键帧是借助计算机对视频进行设定而创建的。一般情况下,创作关键帧动画时,对“层”进行动画设置,只需要打开关键帧的记录开关,并将关键帧创建出来就可以完成。关键帧的设置主要有位置、旋转、不透明、轴心点一级比例设置四种方法,设置过程较为简单、快捷,可以使用快捷键加快制作的速度。此外,在具有方向性的移动上,AE软件具有更加突出的作用。如,在操作过程中如果选择自动定向,事物的运动就会逐渐沿着路径进行,动画制作者可以随时对路径进行修改。其三,AE在视频的预览和生成过程中的运用。在整个视频后期制作过程中,最为复杂的一项工作就是视频的预览和生成。在动画制作到达某个阶段的时候,可以运用视频预览观察效果,这样能够对视频中一些不足之处做到及时修改和完善,从而让视频呈现出最好的状态。一般可以同时按住0键和shift键,每隔一帧进行一次预览,这样能够降低内存,而且可以按住0键对内存进行预览,按住空格键就能结束预览状态。在保存项目文件时,依照渲染检查各个条目,将需要进行渲染的合成图像从项目窗口中拉入渲染窗口,设置缺省值,同时在log菜单中选出需要进行登记的类型,更改或重新设置缺省的输出模块,最后点击render键完成。只有充分认识和理解AE软件的作用,并在具体工作中灵活运用,才能充分发挥其作用,推动影视后期制作工作的开展。综上所述,数字视频技术的普及,能够很大程度地减少传统影视后期制作繁重的编辑工作量,而且能有效优化后期的编辑程序,在减少工作量的同时,大幅度提升特效特技的编辑技术和效率。因此,在影视后期工作中,AE的应用已逐渐成为影视后期制作的重要组成部分。随着AE软件技术越来越普及,其必定会为影视后期制作的长远发展作出重大贡献,对当今社会影视后期制作甚至更多领域的发展起到有效的推动作用。 作者:刘茸 白金鑫 影视后期制作毕业论文:影视后期制作在影视作品中的应用 1配音 配音全称声音配置,在影视后期制作中占有一席之地。影视作品的声音录制有两种,一种是传统的同期录音,还有一种是后期的配音。这两种配音方式是有所不同的。同期录音相对于后期配音,挑战较大,难度较大。同期录音在后期剪辑中必须考虑到故事情节完整、甚至台词的对白和声音的衔接。后期插入的特效声音必须与画面、与故事情节发展保持一致。如果在大婚场景里出现哀乐奏响,那就会引起播放事故了。那么,是不是采用后期配音就万事大吉了呢?答案是否定的。配音演员的选择也是很重要的。如果让一个声线粗犷的配音演员来为《红楼梦》中的林黛玉配音,会让观众产生强烈的不真实感,这部影片也就不会有机会闻名于世了。 2影视后期制作在影视作品中的应用 从电影业发展以来就有了影视的后期制作,自此后,多种多样的影视特效持续的出现在观众们的眼前。早年的电影作品由于科技水平的限制无法达到剧本效果。比如早期优秀影视作品《八仙过海》、《钟馗捉鬼》所呈现出的乘风破浪、神仙术法等特技都是经过后期修改的,对比今日的特技水平可以说是非常简陋。而当今科技的发展为后期制作提供了强有力的技术保障。许多的影视剧后期制作都能够用电脑制作出一些人的力量所无法达到的效果,特效是经常运用在以虚拟拍摄对象、画面共现和移动追踪动态影像为主的三类制作中。 2.1虚拟拍摄对象 艺术来源于生活但高于生活。作品中的人物形象确是他们自己想象中的现实中不存在的人物形象,在影视剧的拍摄中,人们有很多都无法用人的力量达到作品所呈现出的效果工作。那么此时,为了达到预期的效果就必须用后期制作来填补人力无法拍摄的空白。像:远古传说里的多种多样的神兽、妖魔鬼怪种动物化形成人类和超人中的特殊能力,像这样的影视剧必须用后期制作来达到文字所描绘的场景。 2.2后期制作填补 画面共现在拍摄视频中,那些震撼的场景,像是腾云驾雾、山崩地裂等画面是不可能用人力去达到效果的,于是,就通过后期制作填补。在拍摄的场景中,许多的形象都是在生活中客观存在的,在这种情况下就需要高科技的后期制作进行汇合。将不存在的事物与现实中应该出现的结合起来达到文字所描述的画面。可是,在真正的实践中,这些不能在一起拍摄,必须要用后期制作,用以达到预期的效果。比如,《ET》中的外星人,小主人公能正常拍摄,但是外星人ET就要通过后期制作来实现,最后,主人公与外星人ET在同一画面中的效果也要后期制作来完成。 2.3移动追踪动态影像 在当今科技发展阶段,影响跟踪和修整是利用数字合成技术的新型后期制作的巨大成就。早年因为技术问题,影视后期制作一直无法与三维数字技术相结合。但是Mokey软件的合成问世为这一技术难题提供了一种创世纪的解决办法。这就可以从根本上解决影视作品的动态抠像难题。这一难题解决后,影片效果也就达到了又一个新高度。在《哈利波特》系列魔幻电影中,各种绚丽夺目的特效效果便是此种后期制作成功的示例。 3结语 当今世界影视剧的成功影视后期制作功不可没,它至真至美的将影视剧提到一个更高的平台。从世界的角度而言,影视后期制作拥有无限的潜力,能过带动经济产业的发展超过任何推动经济的产业。如我们想让作品完整的出现在观众的眼前,那么就要关注影视剧的后期修改。现在许多的投资方和导演都应经意识到它的重要,并全力支持其发展。在这种情况下,我么能体会:影视后期制作拥有无限的发展空间,它们的作用也将愈加多样化。 作者:屈鹏 于艳婷 单位:辽宁科技大学 影视后期制作毕业论文:后期制作下影视作品论文 1对影片实施后期加工的三项要点 拍摄影视剧的导演利用脚本能够把全部通过分镜摄制而成的影片整理成材料。在编辑影片时,从事视像后期的人员需要承担的工作就是把这些整理好的片段材料利用电脑软件组合起来,形成一个完整的剧情影片。电影或电视剧最终成效除了取决于演员的表现和导演的表演指导、摄录方式之外,还需要控制最后的合成及加工环节。作品的情节是否紧凑、时间安排是否合理都受后期加工剪接的影响。所以间接的要点就是在将情节完全呈现、时间控制在计划之内,同时还要传达一定的审美美感。 1.2利用特效对原片进行加工 合理利用软件给原片制作一些特效能够突出剧情,提升视觉层面的冲击,但是过度使用特效会弱化剧情,导致影片欠缺情致。所以参与后期制作的团队应妥善运用特效科技,并将适合的效果应用到对应的场面和情节中,这样才能为影片锦上添花。再过去国内视像加工技术尚未成熟、电脑设备还没有得到普及时,后期人员只能对原片进行合成以及简单的镜头分切,但是目前已经能够利用3D软件为剧作制作水、火、雷电特效,还能制作逼真的植物、动物、山水画面以及房屋、宫殿等建筑。在电脑设备通过建模软件对影片进行特效加工及润色能够提升剧情的连贯特点,突出影视作品的欣赏价值。 对于一部影视剧作来说,适宜的后期配乐以及音效加工能够突出剧情性,对情节和画面进行渲染。某一些视像剧作使用的声音和音乐是同期收录的声音,在处理这些声音时,后期人员可以直接通过软件把影片中的杂音消除突出音效,再对原片素材进行简单编辑就能令影片情节前后贯通、顺畅连接。在剪接是除了需要维持情节的完整以及流畅之外,还要注意画面以及音效、背景音乐的是否融合,如果声音过于突兀或情感基调和正在演绎的情节不符,就会影响观众的情绪,降低影片的质量,所以在剪接之前要先准备好素材,在剪接时需要多次审查,务求让音效能够和情节画面协调。例如,当画面正在上演悲情桥段时,音乐就应该低沉、婉转、悲戚,不能加入节奏过快或基调活跃、欢快的音乐。如果可用的音效素材有所限制,编辑音效的技术人员需要对音频进行变奏,将音轨调节到与情节相符的情况。又如,在编制声音后期时,如果画面是浪花拍打海岸、燃放焰火或者打雷下雨就要加入对应的音频材料,音频的时间线需要和影片对应,音量从小到大,在切换镜头时需要逐渐减小音量再跳到下一个场景,防止声音变化过于突兀。 在制作一些魔幻影片时,剧本会涉及许多珍禽异兽、奇异花卉或空中楼阁等虚无飘渺的事物,这些物品可能无法在现实中看到,或者剧组无法去到对应的场地拍摄。为了保障最终成片的效果,就需要通过软件对这些虚拟的元素进行仿真制作,令这些事物能够出现在影片中。要实现这些效果,就要求后期人员掌握3D技术并拥有一定的艺术构想及联想能力,同时还需要多与导演沟通,这样才能制作出符合情节、富有美感与真实性的虚拟事物。在通过电脑利用3D画面编辑软件对虚拟的有生命物体进行制作时,除了要做出该生物的外观,令外观能符合剧本的描述之外,还需要突出生物的思想与情绪。为此,后期人员要重点刻画生物的面部,令其表情生动、鲜活。比如,影片《阿凡达》以及《金刚》中就有仿真的3D生物,这些影片中的动物、外星人都十分逼真,并且情感特点鲜明。 2.2利用后期合成虚拟场景 由于剧情需要,在影片中需要有一些特定场面,比如宫殿失火、大水漫灌、白雪飘飘或者万马奔腾,这些场面都难以在实际拍摄中得以实现。但为了保证影片的情节得到完整呈现,后期团队就需要的通过模拟技术,通过3D科技把场景制作出来。比如,在《泰坦尼克号》有大量海水翻涌、船体撞击、冰山崩裂的场面,这些场面都需要通过软件进行模拟和修饰才能达到逼真效果。 3结束语 总之,一部杰出的电影大片或收视长虹的电视剧作往往在后期方面同样十分出色。后期处理需要前期的拍摄、表演相互配合,才可以令作品呈现出审美方面的美感,并使故事情节得到适宜的渲染,从而凸显剧情的特色,令情节更富有欣赏性。在上面的叙述中,作者依照个人参加电视剧后期加工的经历,重点提出后期制作涉及的关键点。必须对这些要点进行思考,并提升镜头剪接、特效编辑以及音乐配置方面的技能,才能彻底提升的后期编辑的整体水平。 作者:陈美旭 单位:吉林艺术学院 影视后期制作毕业论文:计算机多媒体技术在影视后期制作的运用 科技的迅猛发展促使大量计算机技术的产生并逐渐渗透到人们日常工作、生活中。计算机多媒体技术以及先进的剪辑软件都对影视制作技术人员的思想起到重要影响,并改变其工作方式。计算机多媒体技术的优势就是能够为大量优秀的影视作品的诞生起到一定促进作用,并且让影视制作者拥有更广阔的创作空间,进而为人们创作出大量优秀的影视作品,打造出良好的企业形象。本文将对计算机多媒体技术在影视后期制作中的实际应用进行研究,分别从:计算机多媒体技术论述、计算机多媒体技术存在的必要性、计算机多媒体技术对影视后期制作产生的重要影响、计算机多媒体技术在影视后期制作中的实际应用、计算机多媒体技术在影视后期制作中的未来发展趋势、五个部分来进行阐述。笔者希望通过研究,能够为影视后期的制作提供良好的经验。 1计算机多媒体技术论述 关于计算机多媒体技术,我们可以追溯到上世纪80年代,这种技术的发展是建立在数字化技术发展基础之上的。随着时间的推进,最近几年,计算机技术、存储技术、通信技术的快速发展,使计算机多媒体技术发展逐渐成熟起来,它结合了数字帧合技术与动画技术,从根本上改变了影视制作人员的工作方式,同时还创造出更加优质的影视作品。因此,我们可以看出计算机多媒体技术对影视后期制作的影响非常大。在整个计算机领域当中,多媒体技术是最热门的一种技术,它是人们日常生活、工作的重要组成部分,网络技术的发展,将它与人们之间的联系拉得更为紧密了。 2在影视后期制作中计算机多媒体技术存在的必要性 纵观我国以往影视作品后期制作过程,可以看出由于我国传统影视后期制作由于受到科技水平的限制,不能够充分满足后期制作要求,从而出现各种各样的问题亟待解决。在我国传统影视后期制作中,我们主要依赖于剪辑人员的个人水平,然而剪辑人员的水平通常是有限的,这就导致一些工作不能得到顺利开展,有时可能会造成剪拼不合理、镜头不连贯都问题。传统后期制作过程中,一旦发现问题,通常采取的方法是将有关演员召集回来重新拍摄,这样不仅浪费了时间,同时还消耗了大量人力物力。传统影视作品一般是采用磁带进行拍摄,这种方式无法改变作品长度,从而修改起来充满困难,经过多次修改还会大大降低声乐与画面质量,这些问题都为剪辑人员的工作带来很多不便。因此,为了解决传统影视后期制作存在的问题,我们必须采取一定措施,将计算机多媒体技术运用到影视后期制作中来,这是现代解决影视后期制作中存在的问题的重要手段。 3影视后期制作的内涵及其重要性分析 影视后期制作就是利用已经拍摄好的素材,通过三维动画和进行合成,制作出相应的特技镜头,把所有的镜头都合理的剪辑在一起,形成比较完整和唯美的影片,同时还要为影片添加制作相应的声音。简而言之,影视后期制作是融文字、声音、画面等多种视听手段于一体的高度综合创作,是影视节目生产的最后一道工序,制作水平的高低直接关系到节目的质量。影视后期制作在影视中的作用非常的大,可以说整个影视作品的主要技术支撑都是后期制作所提供的。在影视作品创作过程中,影视后期制作起了决定性的作用,如果在影视中没有后期影视制作的加入,那么拍摄的无论有多么好的影片都不能拿出来播放,如果在影视过程中后期制作的不完善那也将会是一个非常不好的影视作品,所以在影视过程中,后期制作非常的重要。随着数字技术的发展,目前市场上的绝大多数影视作品都运用了高科技元素,计算机技术的快速发展和科技水平的提高,也促使影视制作的方法发生了巨大变化,最为明显的体现就是计算机多媒体技术的应用。本文以下就针对多媒体技术对影视作品后期制作所产生的影响,进行简单的分析。 4计算机多媒体技术对影视后期制作产生的重要影响 多媒体技术对影视制作的影响已经涵盖了影视作品的方方面面,对传统影视制作技术的缺陷进行了重要弥补。利用多媒体技术,保证了影视作品在制作过程不会产生损耗,加强了质量保证。多媒体技术对影视制作技术的影响是非常深刻的。尤其是在影视后期制作过程中,多媒体技术很好地解决了传统影视制作技术所不能解决的问题,因此,相关技术人员利用好多媒体技术,为影视作品的质量提供技术支撑和保障。 4.1多媒体技术的运用保证了影视节目质量 计算机多媒体技术与传统制作方式相比具有一定优势。它能够很好地解决传统影视剧后期制作中存在的缺陷,不仅可以及时避免存储时的损耗,还能突破单一的时间顺序编辑限制,使影片的完整性更易保持,有利于保证影视节目的质量。 4.2多媒体技术的运用提高了影视剧制作效率 计算机多媒体技术由于是借助计算机相关技术,具有一定灵活性,这就使得编辑人员在对影片进行剪切与编辑时更加方便自如,也更容易对其进行修复,不仅大大节省了剪辑时间,还充分提高了影视后期制作效率。 4.3提供了更多的影视创作手段,丰富了影视表现力 现代数字制作技术是非常先进,它能将我们拍摄现场所有信息转化为计算机所能识别的信息流,通过计算机相关软件的整合,方便编辑人员对其进行任意添加、修改,利用影视数字制作技术能够大大丰富影视作品的表现力。 4.4减少了彩视后期制作设备投资,保证了影视作品质量 计算机多媒体技术采用的是灵活有效的非线性编辑方式,大量后期制作工作可以通过一台计算机完成,这种方式大大减少了后期制作设备成本,同时也节约了一定的人力资源,对影视作品质量也起到一定的保障作用。从以上可以看出计算机多媒体技术对影视后期制作的影响是非常深刻的。因此,为了创作出高质量的影视作品,在影视制作各个周期,相关技术人员要利用好多媒体技术,为影视作品的质量提供技术支撑和保障。 5计算机多媒体技术在影视后期制作中的实际应用 随着计算机技术的发展,尤其是影视后期制作进入到数字时代后,后期制作中所使用的相关技术发生了巨大的变化。现阶段,多媒体技术在影视作品后期制作中,已经渗透到影视制作的各个方面,掌握和利用好这些先进技术,对影视作品的创作将产生重大意义。我们就目前应用来看,影视后期制作中所使用到的计算机相关技术主要集中在如下几个方面: 5.1数字制作技术 我们知道由于目前国内影视制作水平十分有限,有些影片当中的特效镜头相对较少,虽然也有大量先进设备但是很少有人会使用,技术研发水平相对落后。计算机多媒体技术能够不断提升数字制作技术能力,将数字技术与故事情节完美融合起来,使影视作品的主题更加鲜明逼真。 5.2绘制图像与视频 2D、3D技术创设出来的多种虚拟化影像可以充分满足人类的预想,同时还能节省大量成本,为影视后期制作的修改与剪贴带来便利,能一定程度上改善影视制作者工作现状,对影视后期制作的视频制作及绘制图像的意义相当重大。 5.3移除与跟踪动态影像 数字合成领域取得的巨大成绩就是影像跟踪与修整,这种技术与Mokey软件结合后能从根本上解决影视作品动态抠像功能。 计算机多媒体技术的运用,使影视编辑与剪辑变得更加简洁便利。制作者可以随意拖动鼠标来改变画面的整体位置及长度,对于画面的色调予以修改,为观众带来一定的视觉冲击。此外在声乐制作方面,借助计算机多媒体技术能够迅速完成各种常规性、特效性处理,使音乐创作与画面编辑保持一致性。 5.5影视出版与发行 计算机多媒体技术的发展改变了影视作品的出版、发行方式。影视后期制作设备大多为数字化处理设备,充分改善了影视制作者的工作方式,而在影视作品的传输上,主要是通过卫星来接收,在一定程度上提高升了影视制作的效率与质量,提升了影视节目的交互性。从以上我们可以了解,计算机多媒体技术已经应用到影视后期制作的各个方面,并发挥了巨大的作用。随着社会的发展和人们欣赏水平的日益改善,对影视作品的要求会更为严格。因此,我们要以发展的眼光,不断探索影视作品后期制作技术,从而创作出更好地影视作品。 6计算机多媒体技术在影视后期制作中的未来发展趋势 由于我国当前所制作的影视作品大多数都未达到预期结果。我国在数字影片制作发展道路上还存在着很多的不足,因此,为了制作出更好的影视作品,满足人民日益增长的精神文化需求,我们必须进一步加强对计算机多媒体技术确保计算机多媒体技术在今后影视后期制作中获得更长远的发展。 6.1硬件方面的发展趋势 近年来,计算机多媒体技术的发展使影视后期制作的硬件虽然得到了一定的完善,却始终无法满足创作人员的工作需求。由于在影视后期制作中通常需要处理大量图像及图片信息,这些工作的处理需要功能更加强大,运行更快的计算机。因此为了满足影视作品创作、存储的需要,发展存储能力更强、处理效果更佳的硬件成为未来主要发展趋势。 6.2软件方面的发展趋势 伴随着计算机技术的发展,计算机多媒体技术的发展使影视后期制作的软件也得到了一定发展与完善。软件的协作性与开放性要适度扩展,针对软件兼容性研究应该逐渐增多,开放性与协作性的研究力度也必须逐渐增强。此外软件要向集成化发展,以实现更佳的处理效果,为观众提供更加可靠的视觉盛宴,同时为影视制作人员进行相应的操作提供了便利,在未来影视制作中,可以将原来彼此独立的相关软件重新整合为一个比较完整的软件制作包。这些都是计算机多媒体技术在影视后期制作中的未来发展趋势。 7结束语 随着计算机多媒体技术的出现,我国在影视后期制作方面得到很大的改善,计算机多媒体技术很好地解决了传统技术运用中出现的问题,它在影视后期制作工作中发挥了重要作用。尽管如此,我们依然不能创新发展的脚步,必须清晰地找出该技术在影视后期制作当中运用的不足,然后采取行之有效的措施来解决,以此收获更好的应用效果,更好地推动我国影视作品的发展。发展措施的采取必须具有科学性、合理性,必须要从我国自身实际情况出发,探索出一条符合我国基本国情的、先进的数字化发展的新道路,促进我国计算机多媒体技术的发展。 作者:从继成 单位:河南省驻马店市 影视后期制作毕业论文:影视后期制作中particleIllusion运用 particleIllusion(简称pIllusion)是wondertouch公司推出的一套快速、方便、有趣、多样化的粒子特效系统及合成影像工具,笔者结合影视后期制作中的经验,将pIllusion的特点与影视后期中遇到的一些问题相结合,巧妙的解决了生产实践中的一些难题。 1pIllusion基础知识 实际制作中常有粒子跟随路径的动画,一般来说都是先用直线代替曲线,然后将直线调节成曲线。这个曲线我们称为Bezier曲线,每个顶点由两个控制手柄控制,如果按住Alt键不放继续单击Bezier点将转化为普通的角点,Bezier曲线由P.Bezier[1]开发而来,用于在汽车设计中进行计算机建模,Photoshop、3dsmax、Flash等等很多的软件都有Bezier曲线。在实际使用中,利用以下几个技巧可以提高工作效率。Shift+Click:选中选择工具,按住Shift和鼠标左键在“舞台视窗”中左右拖动可以控制播放倒退。Ctrl+shift+s:显示隐藏安全框,用于电视合成很重要,电视机上只能看到安全框内的图像。Alt+a:可以看到Alpha通道[2]效果。Ctrl+t:可以记录一个当前画面到项目文件中,下次打这个项目文件时可以看到这个预览画面。键盘的上下箭头可以控制“属性调节”视窗中“时间线”在关键帧之间跳转,左右键头控制单帧进退播放,Ctrl+左右键头控制5帧进退播放。Shift+键盘的上下箭头,精确控制选中的粒子发射器的位置。Alt+Click“:属性调节”视窗中按住Alt在关键帧上单击鼠标左键,将关键帧转换为Bezier点(与路径控制类似)。在粒子制作中Alpha通道也是一个十分重要的概念。Alpha是出现在32位图像文件中的一类数据,用于向图像中的像素指定透明度。简单的说一张真彩色的图像包含红、绿、蓝三个颜色信息通道,由这三个颜色信息通道构成了我们的彩色图像。但如果涉及到合成,比如想将图片中水的部分换成草地或者其它,就事先在Photoshop之类的图像软件中制作出Alpha通道,白色表示不透明黑色表示透明,灰色表示半透明。这样将图片保存为PSD、TGA、TIFF一类的图像格式时会在除红、绿、蓝三个颜色通道外加一个Alpha通道,当pIllusion之类的合成软件导入这种图像时就会按照Al-pha通道的黑白信息将部分图像显示为透明。 2实例制作燃烧的房子 2.1合成原理分析(图1)是这个合成项目的原理图,整个项目由四个图层构成新建一个项目。将当前帧设置为1,开始帧为1、结束帧为300。在“图层视窗”中右键单击,从弹出的菜单中选择BackgroundImage(背景图片),打开的“天空”文件,作为particleIllusion在影视后期制作中的应用①王丽莎万璞(昭通师专云南昭通657000)摘要:相信大家都对影视中那些超酷眩目的粒子特效再熟悉不过了,然而在动作片中的爆炸的场面,武侠片中内力推出的火光,神化片中神奇的光粒子等等一直都是影视制作中比较困难的制作技术,本文巧妙的利用particleIllusion特性解决了实际影视后期中的很多难题。关键词:particleIllusion粒子合成中图分类号:TP31文献标识码:A文章编号:1672-3791(2012)04(b)-0010-01这个实例的背景。在“图层视窗”中右键单击,从弹出的菜单中选择Rename(重命名),在弹出的重命名对话框中输入“烟火和天空”。 2.2创建背景中的烟火在“粒子库视窗”中展开Group2选择Flames粒子发射器,在“粒子库视窗”中展开Group2(组2)选择ShootSmoke(喷射的烟)发射器,在Flames(火)粒子发射器上创建四个ShootSmoke(喷射的烟)粒子发射器。为了烟雾能从“房子”层后升起,所以要让烟雾升得高一些。展开粒子发射器的属性,选中life(生命)属性,在“属性调节视窗”中将第一个关键帧点向上拖动,此时“舞台视窗”中ShootSmoke1的烟雾升高了。相同的方法调节其它ShootSmoke的life属性,将几个发射器的烟雾高度调高。对于“舞台视窗”,使用鼠标的滚轮可以放大缩小显示,按住鼠标中键拖动可以平移显示画面。没有鼠标滚轮可以在“舞台视窗”单击右键,从弹出菜单中选择Zoom(缩放),按住鼠标左键左右拖动即可。确定Flames0的Life属性处于选中,拖动“属性调节视窗”下方的滑钮将时间线处在合适的位置。在红色的“时间线”与纵坐标数值为100相交点处单击产生关键帧1,这样我们称Flames0在150帧处有Life(生命)属性的关键帧,其属性值为100。然后分别在180帧、250帧、300帧处建立值为170、25、120的三个关键帧。点击播放可以看到火焰燃烧有了忽大忽小的变化,同样的方法可以对发射器的Size(大小)Visibility(可见性)等属性设置动画,使效果更加真实。 3结语 在实际生产应用中,我们能利用particleIllusion的条形粒子可以制作激光剑效果、利用破碎粒子来制作物体散乱,破碎等效果。充分利用particleIllusion特性,可以快速制作出粒子效果,提高影视广告中粒子效果制作的效率。 影视后期制作毕业论文:浅谈影视后期制作的创作方法 摘要:翻开历史,每一次技术的进步都为艺术的表现提供了新的可能和新的条件。没有影视技术,就没有影视艺术。如何快速经济高效的将它普及开来,如何运用制作技巧,成为行内炙手可热的话题。本文也正是主要就影视作品后期制作的创作技巧和方法展开了一个小小的探究。 关键词:创作技巧;影视文化;科学技术;影视剪辑;影视后期制作 中图分类号:J932 文献标识码:A文章编号:1007-9599 (2010) 01-0000-01 影视文化是科学技术与艺术创造的结晶。它是一种由声画结合通过屏幕传送的活动影像所构成的文化形态,是兼有科学、艺术属性的审美文化。在当今世界上,既有“科学的艺术”,又有“艺术的科学”。它既是一种多门类、多层次、最现代化的人类文化形态,又是一种以高度发展的视听技术为基础的大众传播文化。它既是社会整体文化的体现,有着民族的和地域的心理结构、审美趣味、精神意识等传统的稳态结构和富于朝气的呈现出变迁的历时性特征的时代精神,同时,它又具有专门化文化的身份,有鲜明的个性与自身规律。 一、我国影视后期制作方面还有些许不足 我国的影视后期特效虽然在近十年内有了很大程度的发展,但是同国外的很多作品相比仍然存在差距。后期制作容易出现的问题表现在以下几个方面: 1.后期制作人员只是单纯的技术工,在剪辑时完全没有自己的思想。 2.后期制作人员不能完全理会导演的意图,导致影片效果和预期相距甚远。 3.后期制作人员仅仅是模仿或者是临摹别人的成功范例,不进行创意,没有突破。 二、后期制作阶段的创作技巧 1.观看素材 观看素材是后期制作的的必要过程。观看素材一般是导演和剪辑人员一起进行,在观看素材的同时,应该针对有意义的镜头或段落作一些必要的书面记录,以备剪辑之用。 在观看影片的同时,还应该把前期拍摄过程中的场记表作一次仔细的整理。把本来按照拍摄日程安排的场次顺序和镜头顺序重新按照分镜头稿本的顺序整理出来,方便接下来剪辑影片时寻找画面用。 2.影片剪辑 (1)影像作为视觉语言的一种表意元素有着独特的意义。 画面中的具体形象作为一个信息的整体,这种具体的形象由多种影像记号组成,传达着一种立体的信息。由于在一个没有特定情境和上下文联系的画面中,影像可以只是一个记号,所以它并不单纯地表示被拍摄的那个具体的实物,而可以使该物在一个社会性语境中起特定的记号作用。作为记号的影像与影像本身是有区别的。如屏幕上的一个人,作为记号不等于就是“这个人”,而由这个人的有关特征来代表“人”的意义,这时被指示者不再是个体,而是由个体组成的“类”概念。创作者在很多时候,正是利用这种“类概念”所创造的心理意象,来进行形象性思维。 (2)镜头转换的最基本要求,就是要在转换过程中使的人视觉注意力感到自然、流畅,使人的注意力从这一镜头自然地转到下一镜头,也就是说,不要产生视觉间断感和跳跃感。 (3)所谓剪接中匹配原则,就是两幅画面在连接时要具有一种和谐!对应的关系,这种对应关系影响着观众的视觉和心理。在剪接中"主要的匹配原则有以下几个方面: 位置的匹配:所谓位置的匹配主要指两幅画面中的主体在剪接到一起时,要相互协调,处于一种和谐的关系之中。由于画框的存在,主体在画面中的位置不是固定不变的,随着画框的移动,主体可以被放置在画面任意一个部位$根据一般的构图规则,主体在画面中应处于视觉中心的位置,这样容易使人的视觉注意力集中在主体上$对于电视画面尤其如此。因为电视画面处于流动之中,不容人的注意力去寻找主体,所以它必须处于一个醒目的位置上,让人一眼看去便被主体所吸引。 视线的匹配:指剪接时要注意画面中人物的视线方向要合乎一定的逻辑关系$由于画框对空间的分割作用,物体和人物在屏幕上表现出明显的方向性。为了保持正常的逻辑关系,画面中视线的方向应符合人的心理感受$如表现人物朝气蓬勃的交流关系――对话、对视等――应使两幅画面中人物的视线保持相对的方向,如表现视线的方向一致,应使画面中人物的视线向同一方向看。 运动的匹配:所谓运动的匹配,指运动方向性的和谐关系。画面中运动的方向性,也是由于画框的存在而出现的。屏幕上主体的运动方向与实际运动并不一样,具有一定的假定性。向一个方向直线运动的物体,由于拍摄时摄影机放置的角度不同,在屏幕上可显出平行运动、垂直运动、对角线运动等不同的运动形态。 三、影片包装 影片包装包括包装影片的片头和片尾,如果有条件的话,还可以制作一个短小的宣传片花。这个片花通常可以包括影片的“动作主题”,即讲述了怎样一个故事,以及编导摄录人员出镜。片头通常用于叠加演职人员的字幕,值得注意的是,片头不是要做得越花哨越好,因为片头相当重要的作用是交代一个具有悬念的片段,吸引观众的注意;片尾则可以是影片的精彩片段、演职人员现场工作实况,甚至主题歌的MTV。 影视的后期制作,分工是非常详细的,同样完成一个案子,效率就有高低之分。制作广告片科学的方法,一般分为3D,粗剪,精剪等部分,一般胶片转好磁回来,粗剪和3D同时进行,粗剪其实不是剪辑画面,而是剪辑时间码,所以对画质和机器要求也低,粗剪是看感觉,可以说整个片子的感觉在粗剪里就决定了。得到导演认可后,通过时间码转到精剪设备里去,然后是做画面和特技了,一定要1比1完全无压缩的画质,这对机器的要求就非常高了。最后,一部广告片就出来了。 随着目前电影艺术的发展,影视模式正在不断展现出它独特的魅力和不可估量的前景,电影电视也正以全新的观念和最新科技的不断出新,日益重视高新技术与艺术的完美结合,不断震撼着人们的视听。这股强风的汹猛之势使得影视从业人员不得不去思考影视后期制作应走出怎么样的一条道路,也使得影视制作人员不得不进行深层次的研究,只有更细致深入的了解这一技术,才能在日后的使用中游刃有余,才能真正做到应时而需、物尽其用。 影视后期制作毕业论文:浅谈影视后期制作与编辑 摘要:在影视制作发展中,影视的后期制作同前期制作一样重要。要注意正确运用线性编辑和非线性编辑,要想做好影视节目的后期编辑,必须根据影视节目的制作要求和两种编辑方式的特点,选用合适的编辑方式。 关键词:影视;后期制作;编辑 影视后期制作是融文字、画面、声音等多种视听手段于一体的高度综合创作,是影视节目生产的最后一道工序,影视制作水平的高低直接关系到节目的质量,以下就影视后期发展的历程、特点、来谈谈影视后期制作。 20世纪90年代初,美国、加拿大等发达国家利用计算机、多媒体技术与影视制作相结合,推出了桌面编辑演播室,即今天的音视频非线性编辑工作站。非线性编辑是传统设备同计算机技术结合的产物,它利用计算机数字化记录所有存储的数字化文件反复更新。使得任何片断都可以立即观看并随时任意修改,用这种方法可以尽可能高效率地完成“原始编辑”,如剪辑、切换、镜头特技转换等,再由计算机完成数字视频的编辑,并将生成的完整视频回放到视频监视设备或转移到录像带上,这种技术提供了一种方便、快捷、高效的电视编辑方法。 线性编辑,即通过录像机一对一或者二队一的台式编辑,录像机将母带上的素材通过电―――电复制在另一台录像机上完成第二版复制,这中间完成的诸如出入点设置、转场等都是模拟信号转模拟信号,由于一旦转换完成就记录成为了磁迹,无法随意修改,一旦需要中间插入新的素材或改变某个镜头的长度,整个后面的内容就必须重新制作。 非线性编辑则是应用计算机图像技术,在计算机中对各种原始素材进行各种编辑操作,并将最终结果输出到计算机硬盘、磁带、录像带等记录设备上这一系列完整的工艺过程。由于原始素材被数字化存储在计算机硬盘上,信息存储的位置是并列平行的,与原始素材输入到计算机时的先后顺序无关。这样,我们便可以对存储在硬盘上的数字化音视频素材进行随意的排列组合,并可进行方便的修改,非线性编辑的优势即体现在此,其效率是非常高的。 在非线性编辑没有出现以前,线性编辑在影视制作后期编辑中起着绝对重要的作用,而现在形成了两者共同在影视制作后期编辑中交相辉映,它们两者有着各自的特点和优势。线性编辑和非线性编辑之间有着非常密切的关系,在基本观念和艺术理念上,线性编辑和非线性编辑是一模一样的,而这正是后期制作的优秀所在。 经过几十年的发展,线性编辑技术已非常成熟,其使用编录机、编放机、控制器直接对录像带素材进行操作,操作直观、简洁、使用组合编辑、插入编辑,图像和声音可分别进行编辑,再配上特技器、字幕机、时基校正器等,就能充分满足节目制作的需要,完成镜头、技巧的组接、出入点设置、字幕和图形的叠加、音响效果和音乐配加等后期制作。 线性编辑系统是以磁带为记录载体,节目信号按时间线性排列,在寻找素材时录像机需进行卷带搜索,只能在一维的时间轴上按照镜头的顺序一段一段地搜索,不能跳跃进行,素材的选择很费时间。 节目制作中一个重要的问题就是母带的翻版磨损,线性编辑方式的实质是将原素材复制到另一盘磁带上的过程,由于线性编辑系统中的信号主要是模拟视频,当我们在进行编辑及多带复制时,信号在传输和编辑过程中容易受到外部干扰,造成信号的损失。在前一版的基础上,每编辑一版都会引起图像质量下降,或每做一次特技就会有一次信号损失。 通常编辑一部几十分钟的电视片,要选择几百个甚至上千个镜头,录像机来回搜索反复编辑,使录像机机械磨损严重,录像机操作强度大,寿命减短。另外记录磁带的缺点也不断暴露出来,例如拉伸变形、扭曲、变脆、掉磁以及划伤等都会影响磁带质量,而非线性编辑的优点就显现出来了。 线性编辑和非线性编辑各有特点,在影视节目的后期编辑中两者缺一不可,为了做好影视节目的后期编辑,需根据节目的制作要求,结合两种编辑方式的特点,选用合适的编辑方式。 (一)在影视节目片头、广告片及专题片、纪录片头的制作中,选用非线性编辑比较合适。因为在影视节目片头和广告片中,大量使用多层画面的运动、叠加、透明、画面的快慢动作、三维动画、颜色的特殊处理、字幕的特殊处理等。专题片和纪录片头中,除了应用特技效果以外,还大量使用长于5秒的镜头,这些采用非线性编辑系统实现起来非常容易。 (二)在新闻片的制作中,因为电视新闻要求每个镜头的长度一般小于5秒,以增加信息量,且在新闻片中较少使用特技效果,大部分为镜头的直接组接,大都采用后期配音或同期声和后期配音混合,因此使用传统的线性编辑比较合适。 (三)在现场直播、现场直录的娱乐节目、访谈节目、直播课堂等场合,一般使用线性编辑设备为主;现场直播、直录的主要特点是:要求录制设备的响应速度实时,特别是直播,一旦开始就不能停下来,只能一次成功,不能失败,在这种情况下,用传统的线性编辑系统是合适的;但在体育比赛的直播中,由于需要重复某些特殊的、精彩的镜头,应以线性设备为主配合使用非线性设备,才能够很好地满足某些特殊需求。 总之,在影视节目的后期编辑中,线性编辑和非线性编辑手段都发挥着非常重要的作用,但同时我们也要看到两者在某些方面的不足之处。因此,只有使两者有机地结合起来,取长补短,才能把影视节目制作得更加完美 影视后期制作毕业论文:现代影视后期制作技术 摘要:随着现代科技的发展,影视后期制作技术也迎来了数字时代。所谓的影片后期制作过程,就是这种在影片拍摄结束后才进行的编辑操作。无论是动画作品还是影视素材在最初制作完毕后,都是以单一片段的形式分别独立存在的,各个片段经过剪接或者特效处理等许多工作后,才能制作出一部完整的作品。 关键词:影视;后期;制作 1 影视节目后期制作的内涵 简单的来说,影视节目的制作可以分为前期准备、实际拍摄和后期制作三个阶段。前期准备是策划和准备阶段。拍摄阶段是利用摄影机或摄像机记录画面的过程。后期制作就是利用实际拍摄到的素材,通过三维动画和合成手段制作特技镜头,然后把镜头剪辑到一起,形成完整的影片,并且为影片制作声音等[1]。传统的电影剪辑是真正的剪接。拍摄到的底片经过冲洗,要制作一套工作样片,利用这套样片进行剪辑。剪辑师从大量的样片中挑选需要的镜头,用剪刀将胶片剪开,再用胶条或胶水粘连,然后在剪辑台上观看效果。这种剪接是“真正非线性”的,但这种方式对于很多技巧的制作是无能为力的。剪接师无法在两个镜头之间制作一个叠画,也无法调整画面的色彩,所有这些技巧只能在洗印过程中完成,同时剪刀加浆糊式的手工操作效率也很低。传统的电视编辑是在编辑机上进行的。编辑机通常由一台放像机和一台录像机组成。编辑通过放像机选择一段合适的素材,把它记录到录像机中的磁带上,然后再寻找下一个镜头。基于计算机的数字非线性编辑技术使剪辑手段得到很大的发展,将素材采集到计算机中,利用计算机进行编辑。它不但可以提供各种编辑机所有的特技功能,还可以通过软件和硬件的扩展,提供编辑机也无能为力的复杂特技效果。 2 影视后期制作技术简述 随着计算机技术的不断发展,影视后期制作技术也迎来了数字时代。数字影视后期制作技术主要包括数字合成技术和非线性编辑技术[2]。所谓数字合成技术,相对于传统合成技术而言,主要是运用先进计算机图像学原理和方法,将多种源素材(源素材数字化) 采集到计算机里面,并用计算机将其合成单一复合图像,然后输出到磁带或胶片上这一系统完整的处理过程。非线性编辑技术是指应用计算机图像技术,在计算机中对各种原始素材进行各种编辑操作,将最终结果输出到计算机硬盘,磁带等记录设备上这一系统完整的工艺过程。非线性编辑技术特别是以PC为优秀的多媒体非线性制作方式的逐步成熟,使得电视后期制作变得更加多样,且有着诸多优点。首先,可以不考虑镜头的先后次序,先把素材录入到阵列硬盘中,建立素材库。其次,挑选每一个镜头,决定镜头的长短,挑选后的镜头只需要在时间线上排列先后次序,一条电视片就基本剪接完毕。第三,镜头与镜头之间制作特技效果,叠加字幕,效果声、音乐和语言在声音轨上合成。最后,生成特技效果,输出节目。素材节目的存储方式,应根据阵列硬盘容量选择有损压缩或是无损压缩,来存储视音频信号。 3 目前流行的影视后期制作技术分析 所谓非线性编辑,就是指将各种模拟量素材进行A/D(模/数)转换,并存储于硬盘中,再通过如AfterEfects、Premiere 等软件来进行后期的视频 /音频编辑、特技及声像合成,并将最终结果输出到计算机硬盘、磁带、录相带等记录设备上这一系统完整的工艺过程。现在所说的非线性编辑系统主要是指以计算机为优秀构成的视频、音频工作站。 未使用过非线性编辑系统的人可能会认为它有些神秘而高深。实际上,对于熟悉传统线性编辑而又具备一定电脑知识的人来说,掌握非线性编辑系统并不难。在传统的线性编辑方式下,我们一般使用两台放机、一台录机及切换台、特技台、调音台、字幕机等共同完成编辑过程。如果使用非线性编辑系统,我们一般只需一台视频工作站和一台录放机就可以了。 1) 节省费用,降低成本。使用一套非线性编辑系统,其设备价格只相当于同等功用的几条传统设备的二分之一到三分之一,用于维护的费用则只有十几分之一。由于非线性编辑系统只需一台录放机,而且编辑过程中录放机启动次数较少,因此可以大大延长录放机寿命。据技术部门统计,目前最常见的BVUBetacam 机使用的磁鼓,实际寿命仅为500小时,在传统编辑方式下,以每天工作5小时计算,每一百天就需要更换一次磁鼓! 2) 提高视、音频质量。使用非线性编辑系统是通过录像带(或互连网)将素材采集(引入)到硬盘中,形成一个或多个视音频文件。输入时由硬件自动对各种参数进行调整,确保所采集的效果是我们所希望达到的。有些重播片段甚至可以一直存在系统内,每次输出时都是第2版,特技、字幕、配音等处理都是同步实时完成,视音频信号不会损失。传统的编辑设备每转录一次,就会有一次信号损失,每做一次特技,上一遍字幕,插入一段,都必须重新转录一版,到播出时,已“惨不忍睹”。在非线性编辑中,这些问题统统不存在了。 3.2 Premiere模板在影视后期制作中的运用 Premiere[4] 是一款功能强大、高效、先进的视频编辑工具,专业的影视工作者利用它能够制作精彩的影视节目。Premiere模板其实就是别人制作好的项目文件和视频、音频、图片素材的集合,只要把模板项目文件中的某些剪辑片段替换成自己所需要的,就能够制作出精美的作品。运用 Premiere 模板制作进行后期制作需要有一个或多个已经制作好的Premiere 模板,在运用Premiere 模板进行工作之前,有必要对Premiere的基本操作过程,包括对如何创建项目、导入素材、添加素材到时间轴,对剪辑进行编辑等进行了解,同时在创建项目时要明确具体的项目参数。为进入Premiere 神秘殿堂做好准备。拍摄的视频素材当然必不可少,我们可以利用Premiere 的采集功能将拍摄的素材采集到电脑中。运用Premiere 模板制作婚庆录像片主要用于制作精彩片头,片头一般具有时间短,但画面丰富、活泼,能给人以视觉的美感。用模板制作片头,我们一般需要先对模板进行定位,然后替换模板中的文件或剪辑片段。 3.3 遮罩技术的应用 遮罩技术在影视编辑、课件制作、片头片尾制作中应用比较广泛。运用Premiere 中的遮罩技术进行视频的后期制作与合成,可避免画面效果的单一。特别是动态遮罩,通过不同的创意,改变遮罩的大小、形状、角度和运动路径,做出动态相融的丰富的画中画效果,使作品画面更加丰富,具有令人耳目一新、出神入化的特殊效果。其关键就是要用好 Premiere 7.0 的静态遮罩(Image Mate) 和动态遮罩(TrackMate) 技术。 影视后期制作毕业论文:浅谈影视后期制作中的软件 [摘要]电子计算机进入电影行业,导致了电影制作技术的革命,电脑特技所显示出的近乎无所不能的威力,特别是好莱坞大片,如《星球大战》、《指环王》、《黑客帝国》等。而这些特技的背后又是什么创造的呢?其实他们真正的“幕后指使者”是软件。是这些软件在创造着一个个的奇迹。本文主要是借助后期制作中常用的几个软件,分析影视后期技术的发展历程及后期软件特点。 [关键词] 后期制作 三维软件 合成软件 好莱坞的《星球大战》、《指环王》、《黑客帝国》这些电影大片想必大家都看过了吧。当人们为影片中异常逼真的武士、形象各异的怪兽、整齐的舰队穿越时空的情景等令人惊叹的特技镜头所打动时,可曾想到是什么创造了这些令人难以置信的视觉效果?除了电影,还有电视、网络、互动媒体、游戏中大量华丽壮观、令人叹为观止的特效镜头,将人们引入了一个又一个缤纷的数字世界。那就让我们一起来揭开影视数字后期技术的神秘面纱吧。 影视后期软件发展概论 电子计算机进入电影行业,导致了电影制作技术的革命,电脑特技所显示出的近乎无所不能的威力,使电影可以展示出人类梦想中的世界。早在1962年,计算机便有了自己的图形学理论基础。20世纪70年代初,人们开始探索电脑这一新型的绘画工具。70年代后期,微型计算机的诞生,才使得计算机图形学逐步的渗透到多种领域并开创了许多崭新的行业,比如平面设计、工业产品设计、服装设计、建筑装潢设计。到了80年代,随着电脑图形技术的成熟和个人电脑的普及,电脑图形处理技术的应用得到了空前的发展。90年代,几乎每部重要的的好莱坞影片中都包含了一些经过计算机处理过的场景。有些影片不仅场景是虚拟的,演员也是虚拟的:这些都是计算机三维动画的贡献。有了三维动画技术,我们不仅能看到史前生物,宇宙星辰,还能看到经过数字化合成之后的人与其他生物之间的交流。电影科技工作者们由此预言未来的电影恐怕再也离不开电脑特技了。PC平台的应用程序越来越多,如何选择?这一问题一直困扰这我们。其实,每种应用程序都有自身的制作思想和流程,在制作方面也有其独特的优势。好不好用,因人而异,下面就对各种软件进行介绍,使大家对它有一个全新的认识。 三维软件功能简介 1.SOhimage 3D/Softimage l XSI Softimage3D是Softimage公司出品的三维动画软件,是一个综合运行于SGl32作站和WindowsNT平台上的高端三维动画创作系统。在电脑动画兴起和发展的十多年历史中,Softimage 3D一直都是那些在世界上处于主导地位的影视数字工作室用于制作电影特技、电视系列片、广告和视频游戏的主要工具。Softimage 3D使艺术家能够快速地开发自己的创作思维并在有限的时间里制作出独特的效果。在1998年获得奥斯卡视觉效果成就奖提名的三部影片――《失落的世界》中非常逼真的令人恐惧又喜爱的恐龙形象、《星际战队》中的未来昆虫形象和《泰坦尼尼克号》几百个数字动画里的船上乘客,都应用了Softimage 3D技术,1998年,另外四部影片――《蝙蝠侠和罗宾》、《接触》、《第五元素》和《黑衣人》,也全部利用Softimage 3D技术创建了令人惊奇的视觉效果和角色。由于Softimage3D所提供的工具和环境为制作人员带来了最快的制作速度和高质量的动画图像,使它在获得了诸多荣誉的同时成为世界公认的最具革新的专业三维动画制作软件。Softimage 3D的另一个重要特点就是超强的动画能力,它支持各种制作动画的方法,可以产生非常逼真的运动,它所独有的FunctionCurve功能可以轻松地调整动画,而且具有良好的实时反馈能力,使创作人员可以快速地看到将要产生的结果。 Avid公司于1998年并购了Softimage以后,于1999年年底推出了全新一代三维动画软件XSI,由于其非线性动画的特色及大量的技术改进,使业界再次刮目相看。最近,国际最著名的影视特技制作公司“工业光魔”(ILM,Industrial Liclhtand MagiC)作为XSI的用户创作的三部新件《侏罗纪公园|||》、《木乃伊归来》和《人工智能》受到了业界的关注与好评,也使业界再次聚焦XSI。三维动画的发展经历了简单图形到复杂场景,再到角色动画的三个发展阶段。XSI被业界称为代表未来走向的第三代三维动画软件,不仅因为其强大的非线性动画角色制作能力,也源于它近年来的不断推陈出新,使其在创建模型、渲染、粒子效果、流体、刚体、柔体动力学效果、毛发、布科仿真等方面的综合实力优于其他第二代软件;此外,XSI创造性地推出许多前所未有的新概念,有基于Intemet的内置网络浏览器Net-View,可快速通过网络与远程交换创作资料;有动画合成一体化的内置合成器,从而解决了多年来困扰制作的多动画特技层精确对位问题,以及动画、拍摄色调、光线、景深匹配等问题,被誉为影视动画创作的一次革命。 2.Maya Maya是AliaslWavefront公司出品的最新三维动画制作软件,发展的步伐有超过Sofiimage 3D的势头。Maya目前最新版是6.0版。1998年,AliaslWavefront公司正式推出Maya,短短的三年时间,Maya因其强大的功能在3D动画业产生巨大的影响,已经渗入到电影、广播电视、公司演示、游戏可视化等各个领域,且成为三维动画软件中的佼佼者。《星球大战前传》、《透明人》、《角斗士》、《完美风暴》、《恐龙》以及最近的《黑客帝国》、《魔戒》等很多大片中的电脑特技镜头都是应用Maya完成的。逼真的角色动画、丰富的画笔,接近完美的毛发、衣服效果,不仅令影视广告公司对Maya情有独钟,而且许多喜爱三维动画制作、并有志向影视电脑特技方向发展的制作人员也为Maya的强大功能所吸引。 Maya可在Windows NT/2000/XP与SGIIRIX操作系统上运行。在目前市场上用来进行数字和三维动画制作的工具中,Maya是首选解决方案。它是新一代具有全新架构的动画软件。在Maya中最具震撼力的新功能可算是Artisan了。它使得制作人员可以随意地雕刻NURBS面,从而生成各种复杂的形象。如果配有数字化的输入设备(如数字笔),那更是可以随心所欲地制作各种复杂的模型。其巨大的灵活性和实力允许对场景中任意节点的任意属性设置动画,甚至允许用户加入自己定制的属性。集成编程语言(MEL)允许用户自行扩充Maya的功能,把内嵌行为或控制作用于角色,以产生高水准的动力学效果,抑或执行程序化的建模和动画。 3.3ds max 3dsmax是当今销量最大的三维建模、动画及渲染软件。由Autodesk公司推出的、应用于PC平台的三维动画软件3dsmax,从1996年开始就一直在三维动画领域叱咤风云,至今,3dsmax获得了65个以上的业界奖项。它的前身就是3D Studio,依靠3D Studio在PC平台中的优势,3dsmax一经推出就受到了众人瞩目、它支持WindowsNT/2000/XP,具有优良的多线程运算能力、丰富的建模和动画能力、出色的材质编辑系统、支持多处理器的并行运算,这些优秀的特点吸引了大批三维动画制作者和公司。目前,国内3dsmax的用户人数大大超过了其他三维软件的用户人数,成为一枝独秀。 3dsmax从1.0版发展到现在的8.0版,可以说是经历了一个由不成熟到成熟的过程。2.5版已经具有了各种专业的建模和动画功能,如NURBS、DispaceModify、CamerTraker、MotionCapture等。从电视到电影,你都可以找到3dsmax的身影。3dsmax的成功在很大程度上要归功于它的插件。全世界有许多专业技术公司在为3dsmiX设计各种插件,他们都有自己的专长,所以各种插件也非常专业。例如增强的粒子系统Sandblaster,设计火、烟、云的Afterburn,制作肌肉的Metareyes,制作人面部动画的Jetareyes。有了这些插件,可以轻松设计出惊人的效果。虽然3ds max在建模、精确度、粒子动力、材质贴图等方面还和Maya等高级软件有一定的差距,但依托数量众多的插件,对一般特效制作来说绰绰有余。在室内装饰、楼房设计等领域,3dsmax有明显的优势,对于普通使用者来说,3dsmax还是对游戏类显卡支持得最好的三维软件。 4.UahtWave3D 由美国NewTek公司推出的LightWave3D是一款高性价比的三维动画制作软件,它的功能非常强大,是业界为数不多的几款重量级三维动画软件之一。LightWave 3D从AMIGA开始,发展到今天的8.1版本,已经成为一款功能非常强大的三维动画软件,支持WindowsNT/2000/XP、MacOS 9/X,被广泛应用在电影、电视、游戏、网页、广告、印刷、动画等各领域。LightWave 3D操作简便、易学易用,在生物建模和角色动画方面的功能异常强大;基于光线跟踪、光能传递等技术的渲染模块,令它的渲染品质几尽完美。它以低廉的价格、优异的性能倍受影视特效制作公司和游戏开发商的青睐。火爆一时的好莱坞大片《泰坦尼克号》中细致逼真的船体模型、((RED PLANET))中的电影特效以及《恐龙危机2》、《生化危机一代号维洛尼卡》等许多经典游戏均是由LightWave 3D开发制作完成的。 LightWave 3D是全球惟一支持大多数工作平台的3D系统。在Intel(WindowsNT/2000/XP)、SGl、SunMicroSystem、PowerMac、DECAIpha等平台上都有一致的操作界面。无论使用高端的工作站系统还是使用PC,lightWave 3D都能胜任。最新推出的LightWave 3D包含了动画制作者所需要的各种先进功能,如光线追踪(Raytracing)、动态模糊(Motion Blur)、镜头光斑特效(LensFlares)、反向运动学(1nverse Kinematics,1K)、NURBS建模(MetaNurbs)、合成(Compositing)、骨骼系统(Bones)等。 合成软件简介 加拿大的DiscreetLogic公司面向高端的Inferno*/F1ame*/Fliht*软件系列。Inferno,运行在多CPU的超级图形工作站Onyx上,既可以制作35mm电影特技,也可以满足从高清晰度电视(HDTV)到普通视频等多种节目的制作需求;Flame*运行在Octane、02、Impact等多种类型的工作站上,主要用于电视节目的制作,是目前国内电视广告制作的主力。 Discreet Logic公司面向低端的基于PC平台的系列软件Edit/Effect/Paint。其中,Edit是专业的非线性编辑软件。Effect则是基于层的合成软件,它有点类似于Inferno/Flame/Flint中的Action模块,用户可以为各层画面设置运动,进行校色、抠像、跟踪等操作,也可以设置灯光。Effect的一大优点是可以直接利用为AdobeAfterEffect设计的各类滤镜,大大地补充了Effect的功能,而且还特别强调与3dsmax的协作。不过作为合成软件,与Inferno/Flame/Flint和MayaFusion相比还存在差距。Paint是一款绘图软件,相当于Inferno/Flame/Flint软件中的绘图模块。利用这个软件,用户可以方便地对活动画面进行修饰,有人把它称为“活动画面上的Photoshop”,是PC平台上优秀的绘图软件,也是其他合成软件必备的补充工具。Discreet Logic公司通过让这三款软件相互配合,比如从Edit中可以很方便地调用Effect和Paint,对镜头进行绘制和合成,大大提高了工作效率,这也是此系列软件成为PC平台上最具竞争力的后期制作解决方案之一。 影视后期制作毕业论文:影视后期制作中遮罩技术的实现 [摘要]视频遮罩技术在影视后期制作中有着较为广泛的应用。主要介绍了Premiere 6.5在影视后期制作中实现遮罩技术的方法和技巧。 [关键词]遮罩 静态遮罩 动态遮罩 所谓遮罩,就是一个由黑白两色组成一定形状画面的素材,它可以是一张图片。也可以是一段黑白的视频素材。通过设置使遮罩素材中的白色部分显示一个素材的画面,而黑色部分显示另一个素材的画面,从而达到形成两个素材的画面组合成一个新画面的效果。我们可以根据具有遮罩效果的素材是否运动,将遮罩分为静态遮罩和动态遮罩两类。 本文以Premiere 6.5视频制作软件为例。分别阐述影视后期制作中静态遮罩和动态遮罩的实现。在premiere 6.5中有Image Matte、Track Matte。Image Matte只能实现静态遮罩,Track Matte则可以实现画面叠加部分的位置和大小的变化。所以我们在实现动态遮罩的时候常使用Track Matte来实现,同时Track Matte也可以实现静态遮罩。 一、准备工作 1、素材准备:准备一张用于实现遮罩的黑白图片,黑白图片可以用图片处理软件实现。也可在Premiere 6.5中用字幕功能实现,并且可以将图片制作成自己所需要的形状。另外准备两段视频素材,一段素材作为背景,另一段素材作为被遮罩对象。 2、软件使用准备:用Premiere 6.5制作遮罩之前。有必要对Premiere 6.5的基本操作过程,包括对如何创建项目、导入素材、添加素材到时间轴等进行了解。同时在创建项目时要明确具体的项目参数。 二、静态遮罩的实现 静态遮罩,遮罩层位置、大小和角度固定不变,处于静止状态,不随被遮罩视频片段的运动而变化。静态遮罩的实现相对比较简单,Premiere 6.5中的Image Matte功能就能轻松实现。此外,用Track Matte功能也能够实现。 1、使用Image Matte功能实现静态遮罩: Image Matte功能实现静态遮罩是通过一张黑白图片来实现素材的叠加透明效果,虽然操作不复杂。但它在影视制作中的作用却是很大的,不过这种素材的叠加部分的位置和大小是固定的。将已经准备好到两段视频素材导入到工程文件中,并将其拖入到时间线上。分别将作为背景的视频素材放到视频轨道Video 1A或Video 1B上,将运用遮罩的视频素材放置到视频轨道Video 2上,并使两段视频素材的时间长度保持一致。然后鼠标右击Video 2轨道上面的视频素材,选择Video Options-Transparency Setting。弹出如下对话框(图一): 然后在Kye Type下拉菜单中选择Image Matte,并点击Matte栏中的Choose按钮。按罩存放路径选择准备好的作为遮罩用的图片(如图二),点击OK按钮确定。最后在时间线上预览。可以看到已经实现好的静态遮罩效果。 2、使用Track Matte功能实现静态遮罩: (1)将准备备好的黑白图片和视频素材(包括背景素材和运用遮罩的素材)导人工程文件,并将其拖入到时间线上(Timeline),对视频素材的操作与使用Image Matte功能实现静态遮罩时相同,最后将遮罩图片放置到视频轨道Video 3上。 (2)使视频素材的延时长度同遮罩图片在时间线上的长度保持一致并对齐。如下图(图四): (3)选择Transparency Settings对话框Kye Type下拉菜单中的Track Matte选项(如图五)。点击确定。在时间线上预览,实现了与Image Matte所实现的一样的静态遮罩效果(如图三)。 三、动态遮罩的实现 动态遮罩,遮罩层的位置、大小或是角度随视频片段的运动不断发生变化,处于运动状态,随被遮罩视频片段的运动而变化。Premiere 6.5中运用Track Matte功能来实现动态遮罩。其具体实现方法如下: (1)在Video 1A或Video 1B轨道上放置作为背景的视频素材,将运用遮罩的视频素材放置到Video 2轨道上,作为遮罩的图片放置到Video 3轨道上。并使Video 2轨道上的素材延时长度同Video 3轨道上遮罩图片的延时长度在时间线上保持一致并对齐(如图四)。 (2)给Video 3轨道上的遮罩图片添加移动效果。此处需要注意的是,在添加移动效果时,一定要在Motion Settings对话框左下角的Fill Color中将鼠标移动到遮罩图上吸取遮罩周围的颜色,即黑色(如图六),这样才能避免遮罩在移动过程中出现只有画面局部被遮的情况。 四、遮罩技术的应用 遮罩技术在影视编辑、课件制作、片头片尾制作中应用比较广泛。运用Premiere中的遮罩技术进行视频的后期制作与合成,可避免画面效果的单一。特别是动态遮罩,通过不同的创意,改变遮罩的大小、形状、角度和运动路径,做出动态相融的丰富的画中画效果,使作品画面更加丰富,具有令人耳目一新、出神入化的特殊效果。其关键就是要用好Premiere 6.5的静态遮罩(Image Matte)和动态遮罩(Track Matte)技术。 影视后期制作毕业论文:影视后期制作教育的“中和美”理念 [摘要] 数字化技术为影视艺术带来了新的生命力和美学价值,也带来了新的后期制作手段。在中国的文化背景下,影视后期制作教育应当秉持民族化的美的形态、美学精神与民族性格,以“中和美”的追求为教育理念。 [关键词] 影视后期制作 教育理念 中和美 数字化高科技的发展给影视艺术带来了新的创作手段。二十世纪后期。数字化特技广泛地运用到影视艺术的创作中,《星球大战》、《侏罗纪公园》等一系列影片都成功地使电脑特技与真人表演自然协调地合成。进入新世纪后,数字特技在影视制作中的应用更加广泛,站在数字影视技术最前沿的美国影视界陆续推出了《角斗士》、《珍珠港》等影片。而这一时期《最终幻想》的上映更是使影视数字化走向新的境界。影片中的人物竟然都是由电脑创造的虚拟演员来演出。现在我们一般将这种以数字化技术为基础的影视制作手段称为影视后期制作。影视后期制作的一般流程为:利用实际拍摄所用的素材。通过三维动画和合成手段制作特技镜头,然后把镜头剪辑到一起,加入为影片制作的声音后形成完整的影片。这种方法比传统的影视剪辑方法更有效,而且能够自由的加入影片需要的过渡和效果。 目前。国内各高校在与影视制作相关的广播电视编导、动画、数字媒体艺术等专业的教学中。陆续加入了影视后期制作的教学与实验内容。这些专业在影视后期制作教育中一般采用美国等西方国家设计的应用软件。或是采用为某一种工作站及非线编系统设计的专用软件。从使用角度讲,这些软件基本道理相通,技术手段不同,除了部分的特殊高端产品,学生通过系统学习一般能够做到触类旁通、举一反三:但是在教学的理念中,由于我们接触了大量的以美国好莱坞为代表的高科技影视带来的视觉震撼,或多或少的会以此为目标与追求:而从中国的文化传统、哲学背景与美学理想看,在影视后期制作教学中更应该秉持民族化的美的形态、美学精神与民族性格,以“中和美”的追求为教育理念。 中国“中和美”的哲学内涵是“致中和”的美学思想。先秦典籍《礼记・中庸》指出:“喜怒哀乐之未发,谓之中:发而皆中节。谓之和。中也者天下之大本也,和也者,天下之达道也。致中和,天地位焉,万物育焉。”这里所说的“致中和”包含着丰富深厚的文化内涵:“情感的含蓄性,喜怒哀乐情感含蓄未发:情感的适度性,情感表现而又有节度:‘致中和’是天下之大本与达道,反映了天地万物的根本规律”。因而“致中和”美学思想与中国传统的“天人合一”思想是一致的,它包含了天与人、内容与形式、主观与客观、感性与理性、自然与人文的和谐统一等的精神追求,也即中国的“中和美”的思想主张人类对自然和社会持一种亲和态度。而西方的美学追求与中国大为不同,自古希腊的“和谐美”便主张人类对自然与社会持一种二元对立的态度,即主体与客体、感性与理性的分离,而且这种观念一直影响到当前西方的文化与美学观念,因此在西方文艺作品特别是以好莱坞为代表的以高技术手段为影视后期制作基础的影视作品中,场景的物质性、情感的对立性、视觉的刺激性体现得极为明显。 因而从文化角度看,中国与西方对于影视艺术的本身认识就有很大不同。首先,中国人的审美心理具有怀旧、保守、内敛的特点。如怀旧的心理影响着中国影视艺术创作很少从想象未来的科幻片或充满现代感的枪战片入手,而是在刀光剑影的武侠片中生发灵感,虽然这些武侠片有时会披着怀旧的外衣而传播现代意识:“相对地,西方的审美趣味则相对更加好奇,超验和想象”。且具有相当强的科技幻想力以及对自然的思考。其次,中国人的审美态度是理想与现实统一,即以和谐为美,主张“发乎情。止乎礼”,文艺中很少有极度的狂欢与痛楚,而是情感与矛盾中止在一定的程度并互反转化:这与西方文艺的骇人惊心、荡气回肠形成了鲜明的对比。再次,中国长时间以来注重影视“文以载道”的宣传与教化功能,在叙事中传播民族的精神理念,所以数字化的高科技手段只能带来视觉的享受,只能成为加强教化动能的辅助工具,而不会成为影片本身。 从数字化技术在影视中的应用状况看,中国与西方在应用范围与创作理念上也有很大的不同。高科技手段表现力的优势更多的是在再现现实环境中或当前条件下难以创造的场景,并使之虚拟化,如飞机爆炸、科幻战争等。这比较符合西方的审美追求,像好莱坞警匪大片一样,以相似的故事情节与结构反复叙述。只要能变换新技术的运用,创造新的奇观场景,一般都可以获得可观的票房。美国大片数字化高科技运用的美学追求、故事编排、人物刻画以及技术运用与影片叙事的相辅与互动是与西方文化相契合的。而中国对于数字化技术的应用却主要是作为影片叙事的辅助工具。或是根据创作需要以现实或历史场景为基础制作虚拟空间。前者如《紧急迫降》中的飞机空难。后者如《圆明园》中的古建筑复原等。但总体来讲,中国的高技术应用表现不温不火。较之西方影片的效果少有惊人的视觉震撼,这种特征更为符合中国人的审美文化心理。 所以。在中国的影视后期制作教育中,虽然采用了与西方几近相同的制作设备和技术手段。但是教学理念仍应当是中国传统的“中和美”。当然,中国的“中和美”思想也同时包含着先进的理念和落后的因素,当然需要对其进行批判改造与继承发扬。另外,世界全球化与中国国际化的不断深入,也要求西方美学传统与美学追求与中国的“中和美”交流互补,要求东方与西方在人文与科学、宏观与微观多个层面的比较对话。从而使得东西方都得以继承发扬其各自悠久深远的美学精神精髓,并在此的基础上形成各有特色又各具时代内容的崭新的美学观念。因此。“中和美”也是在不断发展的,其内涵也在不断深化,但其精髓一定是始终如一的中国人的思想观念。 中国传统文化追求的“礼乐教化”,最终落实在人的培养上:传统美学中的“中和美”理念也应该贯穿于影视后期制作的教学中。 影视后期制作毕业论文:中职“影视后期制作”课程教学改革探索 摘 要:文章探讨中职影视后期制作课程的教学方法,以期培养符合市场需求的影视制作人才。方法包括:结合课程特色,设计具有可行性的教学目标;强化基础练习,妥善处理技术与艺术的关系;突显学生主体,构建示范性课堂。 关键词:中职;影视后期制作课程;应用能力;教学改革;课堂教学 随着社会经济和文化的发展,影视产业日渐繁荣,业界对影视后期制作人才的需求越来越多。为了适应人才市场的需求,新兴的影视后期制作课程成为中职计算机应用专业的主干课程之一。出色的影视作品离不开技术与艺术的有机结合,因而对影视制作教学的要求非常高。教师既要引导学生从艺术的视野和高度去观察影视技术,又要将艺术性的理念渗透到实践应用环节,这样才能培养出既懂影视制作技术、又具有艺术创新能力的复合型人才。因此,在影视后期制作课程教学中,教师应清晰地规划教学时间和任务,采用高效的教学方法,提升教学实用性。 一、结合课程特色,设计具有可行性的教学目标 中职学生普遍存在抽象思维能力偏弱的问题,且逻辑分析能力也不强。因此,教师应转变教学模式,以能力培养为主线,把必需的相关知识融入到项目的实践过程之中。要突出职业能力培养,避免理论和实践脱节,要与就业实际要求相联系,以帮助学生顺利就业。 作为计算机应用专业的必修课程之一,影视后期制作课程应结合课程特色,根据就业岗位群与职业能力设置课程内容,制定具有可行性的教学目标。1)知识目标方面:第一阶段内容,学会使用摄像机、录像机等设备,并到外景进行实地拍摄,学习Adobe PR、Adobe AE等软件操作方法;第二阶段内容,掌握AE、PR、AU等Adobe系列软件,熟知遮罩、蒙版、片头、片尾、字幕、特效、转场等技术处理方法;第三阶段内容,进一步学习视频编辑技术,能够综合运用AE、PR、AU等影视后期软件技术完成特定的学习任务。2)能力目标方面:结合企业提出的实际要求,熟练运用软件技术尝试制作一些综合片,如企业宣传片、校庆宣传片、婚礼MV等。3)素质目标方面:注重培养学生独立思考、团队合作精神和创新意识,提高学生的学习能力、审美能力和动手实践能力。 二、强化基础练习,妥善处理技术与艺术的关系 在影视后期制作中,技能的学习和掌握是基础,也是保证。教师应重视学生对相关概念的理解,强化基础练习,让学生熟练掌握和运用影视后期各项制作软件。要以多样化的教学形式调动学生参与学习与训练的积极性,变被动为主动,熟练掌握相关图像处理、动画制作、音频制作等技能,这是成功制作出一部精美的视频作品的必要基础。同时需要强调的是,艺术是影视后期制作的灵魂和先导,与技术相得益彰。在教学过程中,需要妥善处理好技术与艺术之间相辅相成的关系。例如,在表现陈年旧事时,一般的做法是将画面设置成泛黄色调,突显“陈旧”之感;在表现历史资料时,可以黑白色调衬托画面,突出“历史”的感觉。这些制作技巧的运用充满艺术性,能够增加影视作品对观众的冲击力,加深观众的印象。 在影视后期制作教学过程中,教师应在强化基础练习的同时注意技术与艺术的相互渗透。影视作品艺术力的表现离不开技术的支持,也离不开艺术的渗透和表达,两者有机结合,才能达到完美的境界。 三、突显学生主体,构建示范性课堂 重视学生的主体地位,目的在于提高学生的学习积极性,促使学生更好地掌握影视后期制作技术,增强创新能力。教师应养成平时留心观察电视散文、电视专题片、电视剧、电影等影视作品的习惯,并从中挑选出有代表性的作品,建立并丰富教学案例库。这不仅能让学生从中学到一些文化知识,同时也能对影视后期制作起到示范作用。例如《舌尖上的中国》第二季,这部纪录片的每一集都好评如潮。此片的制作技术手法多种多样,将中国传统美食的制作手艺表现得淋漓尽致。比如制作人员通过快镜头来表现霉菌发酵的缓慢变化,给观众呈现出用肉眼无法看到的奇幻景象;在表现竹笋、蘑菇等食材的生长周期时,将时间的飞速流逝和食材的悄然变化灵动地表现出来,使画面看起来充满艺术性,更具观赏性。富有趣味性的典型案例,活跃了课堂教学氛围,师生双向交流,共同探讨作品的节奏、风格和意蕴,激发了学生的创作兴趣。 在教学过程中,教师应把自己当成一个引导者,不急于告诉学生方法和答案,要为学生留下一定的思考和想象空间,鼓励学生对一些细节进行创新。这样,不仅能激发学生对影视后期制作课程的学习兴趣,还能增强学生对生活的感悟能力。 四、结束语 总之,中职影视后期制作是一门顺应时展的新兴课程。教师应及时更新教学理念,用艺术的理念教育学生,注重提高学生的应用能力,引导学生用先进的技术去塑造艺术,从而培养出既懂影视制作技术、又具有艺术创新能力的复合型人才。 影视后期制作毕业论文:“互联网+”下建立影视后期制作工作室研究 0 引言 团队根据目前各赛事的影视制作需求,和团队自有的过硬的后期影视制作技术,打造自己的影视后期制作工作室,主要负责影视后期制作,包括剪辑、特效、调色、配音、配乐、字幕、渲染等专业设计流程,不仅能迎合广大师生社团群体班集体的需求,锻炼团队的影视制作技术,更为团队发展带来资金支持,能保证工作室的持续发展。 1 工作室发展过程中所存在的问题 1.1 技术问题 团队中有专门负责影视后期制作的人员,但是成员多是出于个人爱好而自学的,仅有1名学生是专业出身,虽然参与过视频的制作,但对于大型的视频工程的设计和制作还缺少相关的实战经验。有差距就有成长的空间、有发展的动力,团队有信心在短时间内掌握必备的知识,保证团队拥有的技术紧跟时代,甚至超越时代。 1.2 营销问题 产品的市场是影视后期制作工作室得以发展的根本,产品的宣传、微课教师的认可以及各种赛事宣传的需求是团队发展的关键,因此做好宣传、开拓市场是工作室发展的关键问题。 1.3 场地问题 团队作业时工作复杂繁多,设备较多,团队需要一个集中的工作场所;同时为了确保作品质量,非常需要一个良好完善且安静的工作环境。希望学校能在创业孵化中心给予一片工作场所。 2 工作室的推广对策 工作室提供产品:企业宣传片、大赛宣传片、产品会视频、影视特效、动画视频特效、婚庆MV、片头片尾、电子相册、海报、照片修饰、喷绘设计及制作。 工作室面向西安翻译学院全校师生及周边企业、个人等提供合适的视频产品。客户在全院范围内对本工作室进行宣传,提高本工作室的关注人气,面向西安翻译学院的师生以及西安市内的各大中小型企业,对工作室内部的不足作不断的修补与完善,建立完善的服务体系和应有的工作室企业制度;发展阶段将走向陕西省各大高校更大范围内的公司企业,正式成为一家大规模的正规具有影响力的企业。 提供服盏睦程:进行前期沟通,然后提供资料,买家付款、开始制作、返回修改,发送样片、提出修改、确认好评、发送成品。直到视频制作完美。通过互联网,节省注册场地空间,方面随时沟通、面向受众广,客户群多。制作技术好。原创设计、品质非凡、制作迅捷、现场拍摄。 能熟练的使用Photoshop、ai等软件制作技术。能制作各种大小尺寸的喷绘图片。价格根据买家的要求的难易程度而定,双方沟通后定价。 主要产品: (1)海报、照片修饰、喷绘设计。能熟练的使用Photoshop、ai等软件设计制作平面海报、喷绘等。在放大多倍的情况下,画面美观、字体清晰。从视觉上给人一种逼真的感觉和美的享受。图1、图2是为齐峰果业制作的展会布置海报。得到公司的好评。 (3)企业宣传片、大赛宣传片、产品会视频、ppt制作、舞蹈配乐等。为学校的社团大赛制作大赛 (2)影视特效、动画视频特效。使用专业软件,制作做各种形象生动的画面,能用各种软件新行修饰。在与客户的反复磋商中,达到满意的效果。 相信一流的影视制作水平、一流的服务精神、一流的团队,一定能让客户满意,达到与客户互利共赢,永久合作的状态。 3 总结 本文对工作室的发展过程中的一些问题做了详细的分析,并对部分问题做出了对策研究,但本人的专业程度不够,使得本文有一定的局限性。希望后来的学者可以对影视制作进行更深层次的研究。 本论文是2016年校级大创项目《“互联网+”下建立影视后期制作工作室策方案研究》的阶段成果之一。项目编号:Y201612714030 作者简介 彭弘:1997年生,男,国际经济与贸易专业,籍贯:广东省 影视后期制作毕业论文:影视动画后期制作的发展 摘 要:影视动画在当前影视文化中占据了重要的比例,随着其深入的发展,所带来的影响力和引起的P注度也越来越高,被越来越多的群体重新认识和喜爱。当然在这种环境下,影视动画制作技术和影视动画制作专业性人才培养方面也取得了长足的进步。基于此,下文就以影视动画制作中的后期制作为例,针对其含义、发展现状以及影视动画后期制作的主要技术进行分析,希望对正确的认识影视动画后期制作的发展,进一步的发挥其在影视动画制作的功能和价值提供帮助。 关键词:影视动画;后期制作;发展 引言 当前,影视动画制作正处于一个飞速发展的阶段,随着影视动画后期制作软件的普及和制作技术的推广,影视动画后期制作正朝大众化的方向发展,其应用领域越来越广阔,在影视动画制作中所占据的比例也越来越重,直接关系和影响到整个影视动画作品整体的质量和所呈现的效果。从客观上来看影视动画后期制作是一门技术,从宏观上来看影视动画后期制作更是一门艺术,是影视动画作品价值和艺术感的体现。下面就从影视动画后期制作的发展进行具体的分析和说明。 1影视动画后期的发展现状 我国的影视动画产业正处于一个快速发展的阶段,在社会的影响力和所引发的关注度越来越高,特别是近年来,影视动画更是逐渐摆脱“幼稚”、“外来文化”等标签,在年轻群体中站稳脚跟,开始出现代表我国特色的影视动画作品。如:《齐天大圣》、《大鱼海棠》、《晴时明月》、《中国惊奇先生》等,都引发了不小的影视动画热。国家对动画产业的支持和扶植、影视动画制作技术的不断进步、影视动画人才培养的发展、影视动画市场的日趋成熟,高校、动画企业、制作公司、国家有关部门、社会相关群体等推动了我国影视动画产业链的形成,进一步的带动了影视动画的发展。1.教育的改革。在对影视动画制作人才培养方面,各个院校积极的开设动画系或动画专业,加强对动画制作人才的培养,为动画制作提供人才技术支持。2.国家的重视。影视动画已经成为了很多地区的经济增长点。每年的“动漫展”、“动漫节”的开展,吸引越来越多的人的关注。3.动画产业链的形成。科技的进步、信息化的发展,为影视动画产业的发展提供了更广阔的市场和发展空间。总之,在当前环境下,影视动画产业具有明显的发展优势,尽管与日本、美国等一些国家相比,还存在着不小的距离,但相信在未来的发展中,随着制作技术差距的不断缩小,高端科技实用人才培养增加,创新意识的提升,我国的影视动画将会得到更多的认可,取得更显著的发展。 2影视动画后期制作的概念与作用 影视后期制作是利用后期制作技术将通过拍摄得到的素材进行合成、剪辑、加工以形成一个完整的影视动画作品。近年来,我国的影视动画后期制作技术不断成熟,后期制作在整个影视动画作品中所展示的意义也越来越明显,除了将所拍摄的素材进行完美的融合、合成、处理,对声音和画面进行艺术把控以外,还能进一步的体现影视动画导演的意图,使作品更加丰满、立体,在整体上提高作品的质感和艺术感,给受众呈现最好的影视效果。 影视动画后期制作作为影视动画制作最关键的一个环节,决定了整个影视作品的最终效果。目前,我国的影视动画后期制作主要采用的是数字非线性编辑对影视动画进行剪辑,并且在市场需求和影视动画发展下,影视动画后期制作除了对实际拍摄视频、画面的加工、处理、剪辑、合成以外更多的是利用三维技术、合成手段对特技镜头的制作,在将传统电影和电视编辑的有点进行综合的同时满足了影视动画作品对更高标准的需求,将导演意图,想象力和创造力得以实现,一方面能有效的提升影视动画后期制作的质量,使影视动画作品更好的表现其思想和主旨,实现影视动画作品价值。另一方面,数字非线性编辑的应用和对特效技术的追求也是当前影视动画发展的的一个重要的体现,是对影视动画艺术性、表现力和感染力的宣扬,当然也是技术进步和社会文明发展的一个标志。 3影视动画后期制作的大众化发展 随着社会的信息化,网络的普及和人们物质生活水平的不断提高,对业务爱好的追求也进一步的深入,特别是在影视动画后期制作软件逐渐普及的背景下,影视动画、视频制作等都成为人们展示自身意图、表现自身想法、弘扬态度、提升自身价值的一个重要的表达方式,这种方式的流行带动了影视动画后期制作大众化的发展。 影视后期制作作为影视制作的最后一个环境,当然也是最为关键和重要的环节,通过将拍摄的镜头进行衔接、合成、加工、剪辑,将声音、场景、、画面、情景等各方面进行完美的融合使影视动画作品成为一个完整的整体。基于此,我们可以理解为影视动画后期制作是影视动画最终效果呈现、作品整体价值和艺术感体现的一个必不可少的部分。简单来说,影视后期制作直接关系到作品的好坏,借助影视后期制作技术、特效制作技术,构建影视动画作品中各种类型的宏观世界和丰富多彩的故事情节,赏心悦目的画面感、声画结合的冲击感,引发观众情感的共鸣,通过作品传递更多的价值观和展示影视动画的艺术感。 影视动画后期制作大众化发展也是影视动画制作深入发展,被大众所接受和认同的一种标志。一方面,有效推动了影视动画的发展,让影视动画越来越普及。另一方面,技术的不断推广,也加强技术的改进,使影视动画后期制作越来越成熟化。但同样也带来一些缺陷,大众化的发展,使影视动画作品参差不齐,影视动画作品种类越来越多,更新速度越来越快,但抄袭现象、雷同化现象严重,真正具有创意性、新颖性、独特性和艺术性的影视动画作品少之又少,成为制约和影响影视动画发展的一个重要的因素。 4影视动画后期制作技术 当前影视动画后期制作技术不断进步,日趋成熟。一般而言,在影视动画后期制作中所应用的技术主要有以下的几种。 4.1对白制作技术。随着现代技术的发展,对影视动画制作的要求也进一步的提噶啊哦,传统的电影录音已经不能满足当前对影视动画对白的要求,更加注重对白的艺术感。借助对白制作技术实现声音所传递的各种情感和信息。如:空间感、艺术感等,让观众通过对白融入作品的背景中,体会作品所要表达的思想和意图,使整个作品表达更为立体,给观众更加强烈、直观的视听感受。常用的技术手段有:控制直达声与反射声的比例的技术、利用混响造成不同的声音表达效果、音量、音色的调控,使声音更具有张力和表现力,更能表达场景所需要营造的氛围,从而达到艺术的表达效果。 4.2动效制作技术。在影视动画后期制作中欧冠,动效制作技术是除对白、音乐以外各种声音的总和,满足画面、情节、场景的需求,将声画有效的统一结合,使整个动画更加饱满、立体、生动、有趣,以实现影视动画最终想要呈现的效果。在采用动效制作技术的过程中我们需要综合考虑整个影视动画的基调、画面的布局、影视效果、动画内容等各个方面,合理的构思和处理,以达到传递作品意图,展示作品的内涵和主旨的目的。除此之外,动效制作作为对场景、内容、画面等方面的结合,要保障其画面感、层次感和真实感,以提升整个作品所表达的艺术感。 4.3非线性编辑制作技术。非线性编辑制作技术在我国是在近几年来被推广的,是计算机技术与编辑手段的有效结合,改变了传统的线性编辑方法的局限性和不适性,利用先进的计算机技术和计算机软完成对影视动画的编辑,在剪辑、合成、制作方面更为自动化、智能化,能更为高效和准确的完成任务要求,这样不仅有效的节约了时间,减少了制作成本,也降低了人为制作造成的失误,从整体上提升了制作技术、质量和制作的效果。 4.4数字合成制作技术。数字合成制作技术也是影视动画后期制作中应用比较常见的一种技术,是影视动画后期制作中的整合技术,利用计算机软件实现对画面的美化、对镜头的剪辑,使整个作品更为流畅、自然、和谐、统一,最终达到作品需要呈现的效果。 5结束语 在信息化技术不断发展的背景下,影视动画后期制作技术也进一步得到发展和突破,一方面能有效的提高影视动画后期制作的效率,提高制作的稳定性。另一方面,技术的进步也标志着影视动画行业的发展,技术手段越来越丰富,影视动画后期制作越碓酱笾诨,范围不断扩大,制作成本不断降低,都推动了整个影视动画的发展。本文从影视动画后期制作的基本概念和作用出发,阐述影视动画的发展现状,并通过对影视动画后期制作的相关技术进行阐述,希望对大众更好的认识影视动画这一行业,进一步重视其发展,带动影视动画后期制作技术的不断革新创新,促进影视动画的发展提供帮助。
钢琴,音域范围极广,几乎囊括了乐音体系中的全部乐音。演奏者通过按下键盘上的琴键,牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌,继而敲击钢丝弦发出声音,音乐强弱变化由触键力度大小所决定。优美的旋律、富有变化的声音色彩、丰富多变的和声织体,共同构建了钢琴音乐丰满的表现力,因此钢琴普遍用于独奏、重奏、声乐独唱合唱的伴奏、交响乐协奏曲、舞蹈伴奏等音乐表演活动。随着现代音乐教育事业的蓬勃发展,钢琴音乐在各领域的功能作用逐步细化,钢琴伴奏被广泛运用到声乐教学和舞蹈教学中。 一、钢琴艺术指导与舞蹈教学 舞蹈和音乐密不可分,音乐是舞蹈的精髓,舞蹈是肢体语言的艺术,但舞蹈基训课往往是枯燥乏味的,最初只是需要音乐伴奏增强趣味性,舞者根据音乐的节拍来练习相应的动作技术类型。故钢琴艺术指导需要具备很强的技能技巧和音乐天赋,他会指导学生如何更好地与音乐融合,更好地把握音乐的旋律、节奏、风格,进一步提高学生学习舞蹈基训的积极性。其对舞蹈教学的水平起着关键作用,可以增强学习效果。随着现代音乐教育事业的蓬勃发展,钢琴伴奏在舞蹈基训练习中增加了前奏、间奏、收尾等独奏的音乐片段,此举使钢琴伴奏在伴奏过程中增加了表现的比重,确立了钢琴艺术指导与舞蹈基训课教师之间的平等性,大大提高了钢琴伴奏者最初的辅助地位。1999年,钢琴伴奏者在我国首次被正名为“钢琴艺术指导”。 二、钢琴艺术指导在舞蹈教学中的作用 (一)激发舞者的乐感。在舞蹈教学中,钢琴艺术指导起着不可或缺的重要作用,钢琴伴奏以优美的旋律、鲜明的节奏、多变的音色来激发学生对于舞蹈基训动作的练习积极性,通过指导舞者把握音乐的节奏、旋律的呼吸、音乐的风格来达到更完美的合作。 (二)增强舞者的自信心和舞蹈动作的表现力。钢琴伴奏要想和舞蹈动作配合得天衣无缝、相得益彰,这就对钢琴艺术指导的钢琴弹奏技能提出了较高的要求,需要通过音乐的配合来表现舞蹈动作的形象,选取适合的音乐曲目可以增强舞者的自信心和舞蹈动作的表现力。 (三)提升舞者的音乐素养。钢琴艺术指导要在钢琴伴奏的前奏中,把音乐的基本节奏和风格传达给舞者,因此,钢琴艺术指导提高了舞者对音乐的感知能力,进而提高了舞者的音乐素养。 三、钢琴艺术指导需具备的能力 (一)扎实的钢琴演奏技巧。人们往往对钢琴艺术指导存在误解,认为他们是配角,无足轻重,远远不如钢琴独奏表演来得重要。其实这个观点大错特错。钢琴艺术指导不仅要求钢琴弹奏者具有钢琴独奏表演般的技术技巧,甚至在某些方面还要有超越对独奏表演的要求。比如,钢琴艺术指导不是一个人在表演,而是在和舞者合作,在演奏的精准度上有极高的要求,杜绝错音现象,因为错音会对舞者的心理和舞蹈动作的表现力产生不可估量的影响。 (二)海量舞蹈伴奏曲目的练习。舞蹈基训课的教学中,每一个技术类型动作的练习,都需要匹配不同风格不同类型的伴奏音乐,这就要求钢琴艺术指导必须掌握海量的舞蹈伴奏曲目,以便在课堂教学需要时迅速找到合适的曲目并完整流畅地演奏出来。 (三)学习舞蹈学相关知识。为使舞蹈与音乐更好地融合起来,钢琴艺术指导必须具备相关的舞蹈学知识,这样才能更好地做好选曲工作,根据动作技巧的要求来决定最适合音乐的风格、节奏等。在演奏乐曲时,也能更好地体现伴奏音乐的特色。 (四)创作能力和即兴伴奏的能力。舞蹈的风格和动作多种多样,这就要求钢琴艺术指导还应具有即兴伴奏的能力。在舞蹈基训课堂上,根据动作的特点及对音乐的要求,采用适当的和声伴奏音型,即兴演奏乐曲来作为舞蹈动作的伴奏。钢琴艺术指导的即兴伴奏能力,对舞蹈基训课程的教学质量起着很大的影响作用。 (五)敏锐的思维和快速反应能力。在舞蹈基训课堂或考试中,与舞者配合演奏中,要有极强的应变能力,及时发现和舞者配合的节奏是否有不符现象,及时作出相应的调整。 四、结语 钢琴艺术指导是一门较年轻的音乐专业,发展前景很大,目前担任钢琴艺术指导的多是钢琴专业教师,未受过钢琴艺术指导相关系统的学习和训练,而恰巧钢琴艺术指导对演奏者的综合素质和能力要求极高,这就要求钢琴艺术指导根据需求积极努力提升自己,更好地适应舞蹈基训课堂的需求,使音乐和舞蹈达到水乳交融的完美效果。 参考文献: [1]卫英.关于舞蹈基训课钢琴伴奏的几点思考[J].西藏艺术研究,2009(3). [2]张晶.论舞蹈基训课教学中钢琴伴奏教师应具备的能力[J].黄河之声,2015(21). 作者信息:卫华(1984-),女,汉族,山西运城稷山人,硕士,晋中学院音乐学院,讲师,研究方向:民间音乐研究。
声乐毕业论文:气质因素对声乐学习的影响 作为一名声乐学习者,怎样才能找到最有效提高专业的方法?是努力学好自己专业的演唱技巧、表演技巧?还是通过一系列诸如:乐理、视唱、音乐史、曲式等的基础训练来进行辅助?其实俗话说得好,治标先治本,声乐作为一门学科,它的主体是单位的人,如果能从心理学的角度着手,把每一位声乐学习者的特性分析清楚,做到有目的性的学习,这对声乐的学习将会是一个极大的帮助。 1 气质一词的由来及分类 气质是一个古老的心理学问题,早在公元前5世纪,古希腊着名医生希波拉特就提出了四种体液的气质学说。他认为人体内有四种体液:血液(来自拉丁语——nguis)、粘液(来自希腊语——phlegma)、黄胆汁(来自希腊语——chole)和黑胆汁(来自希腊语——melanoschole)。四种体液协调,人就健康,四种体液失调,人就会生病。几世纪以后,罗马医生盖伦用拉丁语temperament一词来表示这个概念,这就是“气质”概念的来源。到二十世纪,俄国生理学家巴普洛夫从对动物和人的高级神经活动研究中,对你人体的反应程度、均衡与灵活度的不同,将气质分为强而不均灵活型、强而均灵活型、强而均不灵活型、弱而不均不灵活型四种类型,这种分类,恰恰与希波拉特的四类型一一对应,综合他们的研究,人们一般把气质分为:胆汁质、多血质、粘液质、抑郁质。下面先分别简单介绍。 胆汁质:比较强烈,冲动、莽撞、易怒而难以自制,但在比较短的时间内就能平静下来,有很高的灵活性,比较热情、有魄力,此种类型以精力旺盛、表里如一、刚强、容易感情用事为特征。心理活动笼罩着迅速而突发的色彩。 多血质:比较敏感,情绪容易外露,思维、反应比较灵活,对一切都充满热情。遇事热情很高,但是不能持久,容易适应新事物、新环境。此种气质类型以动作敏捷、朝气蓬勃、粗枝大叶、情绪不稳定为特点。 粘液质:性格偏向安静,兴奋性比较微弱,心情平稳、变化缓慢。往往心平气和,很难出现情绪波动状态,做任何事情之前都会好好规划,有计划地从容完成工作,此类气质类型以稳定为主,踏实、沉着冷静,但是灵活性不够,有时候稍嫌死板,缺乏生气。 抑郁质:敏感、害羞,很少表露自己的感情,自责心理比较强,对事物观察很细致,能体会到生活中一般人所觉察不到的东西。害怕表现自己,不太喜欢抛头露面的活动,不善于与人交往,给人造成一种冷漠感,此类型以敏锐、体验深刻、外表怯弱、害羞、孤独、行动缓慢为基本特征。 2 气质类型对演唱的影响 通过对这四种气质类型的了解,可以推断出不同的心理指标在表演者身上也会有着不同的表现,这也是为什么每个歌唱者的演唱都会具有个人独特色彩的原因,气质特点不以其个人参加的声乐活动内容而转移,而是表现出稳定性和天赋性。 胆汁质气质的歌唱者最大的特点是很高的兴奋性和较弱的自我控制能力,他们热情、豪迈、精力旺盛,有种狂热的歌唱气质,这就使得他们善于表现大气、粗犷、热情奔放的声乐作品,但同时处理作品就比较粗糙,对细节部分不在意,在作品表现中自我控制力弱,对于作品表现不够深刻。比如歌剧女王卡拉斯,她就具有明显的胆汁质气质,书评里记载她争强好胜,不甘心屈居别人之下,自己和别人的交往基础就是自己要高出别人一头,这也成为她以后工作生活的原则,所以她敢于演唱别人不敢涉及的曲目,并获得了巨大的成功,在舞台上,她的表演能感染台下任何一位听众,但她的这种不甘屈居人下的性格也给自己带来了太大压力,最终因演唱过度、减肥、社交频繁等原因,导致嗓音早衰,不得不过早地结束声乐演唱生涯。 多血质的歌唱者活泼、热情、反应快、容易适应环境,容易接受新事物,这一类型特点的人从事歌唱事业的最多,世界着名三大男高音之一的帕瓦罗蒂就属于这一气质类型,很适合演绎正义、热心、比较淳朴的角色,他自己也说:“我喜欢《爱的甘醇》是因为我认同剧中男高音角色尼莫里诺,他和我一样是单纯的乡村孩子,举止非常天真。”他的这种淳朴使得他极具舞台亲和力,大大拉近了歌剧与观众的距离,他本身独特的气质类型给予的种种以及后天教育和环境的影响造就了他富有金属光泽、极有表现张力,使人心旷神怡的嗓音,经过他演唱的很多意大利民歌,后人几乎无人能超越,像他演唱过的《我的太阳》,每次都能让人感受到阳光般的温暖,每当他带着白色手帕憨态可掬的走上舞台,我们明白整个世界都将被他征服。 粘液质的歌唱者一般都属于理智的表演者,他们大都有着沉着、冷静的意志品质,意大利歌唱家卡尔诺·贝尔贡齐就是最为典型的粘液质气质的歌唱家。他演唱时都严格按照曲谱的标示来走,分寸感极强,不温不火,在生活作风上也表现出那种不愿争风头的倾向,在如今演唱商业化趋势下,依旧保持古典歌唱家的严谨作风和品质,被评论为“传统歌唱艺术的最后一位代表。” 而说到抑郁质类型的演唱家就非凯雷拉斯莫属了,他的表演风格稳重、体验深刻、感情真挚动人,带着孩童般的羞涩气质,他的音色秀美、句法准确,给人感觉内敛、忧郁的感受。 需要指出的一点是,虽然这四类气质类型的划分被许多心理学者接受并沿袭到现在,但从实际上来看,人得气质类型都是带有多面性的,往往会在一个人的身上找到几种不同气质类型的特征,大多数人都是混合了几种气质类型的,做这样的划分也仅仅是一种典型的划分。所以针对不同的人时,应该具体问题具体分析,这样才能更好地剖析每个声乐学习者的内在气质。 3 针对不同气质类型,在演唱中扬长避短 如果属于胆汁质偏多类型的学习者,就发挥好热情、积极这一类的气质优势,使自己的音乐极具舞台感染力,能打动听众的心,这样塑造的形象必然深动、传情,这一类型演唱者对大线条、大手笔的声乐作品表现得得心应手,他们缺乏的是细致处理作品的耐心,对于抒情悠扬的作品往往领悟不到其中的意境,表现不够深刻,基于这些问题,可以经常联系一些节奏缓慢的、变化音、装饰音偏多的、抒情较强的作品,这些作品能帮助抑制急躁、火爆的性子,让人逐渐平静下来,器乐作品中肖邦的《夜曲》系列,声乐作品中各种《摇篮曲》都会对调节这一类型气质弱点起到弥补的作用。 多血质的学习者具有灵活、反应敏捷、开朗、容易接受新事物等一些特点,在声乐学习中会怀着满腔热情,具有很高的积极性,对于声乐教师在上课教授的内容也能较快地接收,面对各种各样的声乐作品都表现出浓厚的兴趣,但这一类学习者的弱点就是脾气品行跟毛猴相似,有些自以为是的小聪明,投机取巧的心理会严重一些,觉得自己不用付出太多努力就能收获到跟别人一样的学习效果,在艺术道路上不肯踏踏实实下功夫,没有足够的毅力,应对具有一定难度、需要花功夫去琢磨的作品浅尝 辄止,以至于使得表现作品时稍嫌肤浅,没有深度。这一气质类型的学习者在学习中一定要做到严格要求自己,培养自己的恒心毅力,用心去诠释音乐所要传达的内容,完全投入到音乐中,这样塑造的音乐形象才会真正打动人心。 粘液质的声乐演唱者具有沉着冷静的意志品质,这样在学习中就会很有自觉性,自我控制力较强,常会自我反省,对自己进行规划;但也正是由于这几点因素的影响,使得他们太过一本正经,缺少演唱激情,在表现激烈、具争议、活泼题材的音乐作品时,总让人感觉欠一把火候,这类人性格也往往比较固执,容易产生挫败感,久久走不出心理上的阴影,针对这些,建议这类演唱者尝试改变一下自认为的冷静,对周围事物表现得热情一些,怀着一颗轻松、愉快的心情面对这个世界,到时你将发现自有一片开阔的天地等着你。 抑郁质类型的演唱者对事物的感受性会比较强,非常敏感,这一型的人都很害羞,性格柔弱孤僻,不太善于与人交往,基于这些因素在演唱歌曲是往往太过平静,缺乏高潮部分需要的爆发力,没有征服观众的感染力,缺乏表现,在练习时,应该多辅助一些热情奔放、风格明朗、节奏明快的作品,在心理上也要积极暗示自己自信,敢于表现一些,防止朝向怯弱、孤僻的方向发展。 无论哪一类办法,我们都要明确一个观点,所有这些都是为了让不同气质类型的声乐演唱者全面挖掘出自身气质中的积极因素,同时削弱气质中的消极因素,做到扬长避短,更好地为我们的歌唱事业服务。 4 结束语 声乐作为一门集文学、音乐、戏剧于一体的综合表演艺术,要求演唱者既要具备高超的技巧,又要有丰富的表现力和艺术修养,而作为从心理学角度出发的气质因素,他能帮助我们深刻认识歌唱与发声的内在规律,要知道一切声乐技巧与技能都是靠自己的意识来统治发声器官,按照意识预定要求进行动作的结果,作为一名声乐学习者,只有在充分了解自身气质类型特点后,才能知道自己缺什么需要什么,发挥气质特点中的积极因素,避免气质特点中的消极因素,更有效地提高声乐演唱质量,使歌唱按照自己的需要不断地改变现状,不断地趋于科学性,本文通过对一些着名歌唱家的气质对照得出:先天的气质因素会给每一类人的声乐演唱蒙上不同的个性色彩,正是由于这些气质类型的不同和后天教育、环境等因素才造就了每个演唱家不同的表演风格,我们要找出天性中所赋予每个人的个性特征,针对每一类型对症下药,找到适合每一型演唱者的学习办法,才能有意识、有目的地去指导自己的演唱,最终形成自己独特的个性演唱风格。 声乐毕业论文:声乐学习中歌唱技巧训练探索 一、气息 气息,顾名思义,是呼吸时进出的气。日常讲话的清晰与否需要依靠气息来调节,声乐演唱时音色的完美发挥也需要气息的调节和控制。平时我们都会遇到这样一些现象,如部分学生在唱歌时旋律把握不准确、中长音处理不均衡等,这些都与气息有着直接的关系。从生理角度而言,呼吸是通过口、鼻、喉、胸腔、腹肌等器官的协调作用而形成的人类的本能运动。而从声乐学角度来讲,我们所讲的呼吸则是指在本能的呼吸作用上加上歌者有意识的安排、控制而产生的气流运动。声乐的气息控制能力并非天生,而是需要通过后天专业的训练才能获得。在进行歌曲演绎时有意识地控制呼吸,均匀地调整吸进和呼出的气息,是每一个合格歌者的必备能力。在声乐学习中,气息的训练按照呼吸的频率不同可以分为急吸急呼、急吸慢呼、慢吸急呼、慢吸慢呼四种形式。常用的气息训练方式主要有两种:第一种是惊讶抽泣练习,这种方式往往难度较高,在练习时一般要求练习者保持自然放松的状态,同时进行夸张而又迅速的吸气动作,此时两肋迅速扩张,横隔稍微下沉,气息迅速上下游走。这种气息练习往往要坚持一段时间方能有效;另外一种是“狗喘气”式训练,这一种训练方式难度相对较低,其训练的重点在于“吸”。其要求练习者身体呈放松状态,在胸廓吸满空气的同时利用腹肌和横隔肌匀速短促地呼气。在进行这种方法的训练时,歌唱者要特别注意气息的稳定和弹性,吸时有力,呼时自然,这样方能收到理想的效果。以上介绍的两种方法对气息的锻炼均十分有效,但也都相对枯燥,需要训练者具备一定的耐力和毅力。总而言之,歌曲的演绎需要气息这个强健的根基做支撑,所以歌者必须学会熟练地控制气息。 二、语言 声乐艺术是对语言要求较高的美学形式,在我国传统文化背景和语言习惯下,声乐艺术逐渐形成了字正腔圆的语言标准。尤其是在西洋美声唱法传入中国后,民族声乐艺术家更是创造性地将我国传统戏曲、曲艺的语言特色融入到声乐教育及实践中,这就使得我国声乐艺术语言呈现出集“科学性、民族性、艺术性、时代性”于一身的风格特点。由于我国是一个多民族国家,地区方言与民族语言千差万别,这就使得构建统一合理的声乐语言标准变得十分困难,同样也给声乐教学与学习带来了不便。若是声乐演唱中混入了不应有的地方口音,则会异化作品的风格,影响作品的原本表达,甚至会使声乐演出效果大打折扣。笔者通过对自身实践经验的总结,发现了以下几点影响声乐表现的不良语言习惯:一是字头不准,即不能正确找准声母,造成发音不清晰。字头决定了声乐语言的准确性,正确的声母发音是引导词语发音的基础,在声乐学习中,很多同学就是因为忽视了这一点而造成了声乐艺术传情达意障碍,影响了歌唱效果。二是面部过于放松,造成咬字不清。在声乐训练中,教师为了让学生放开声带发声,会提醒他们放松面部肌肉,当面部肌肉过于松弛时,咬字就会出现乏力、语音失准的现象。三是受到方言及个人习惯的影响,语音语调不正规。我国南北语调差异很大,在进行声乐学习时各地学生很容易将地方语调带入到歌唱中,从而影响了声乐作品的韵味。针对以上对声乐语言情况的分析,笔者提出以下几点改进措施:一是细化声母练习,将南北地区最易混淆的h、f等声母加入到唱声中去,反复矫正不良发音;二是强化韵母练习,韵母是实现汉语发音字正腔圆的关键,因此教师要对学生进行韵母发音时的口腔状态进行指导,从而确保学生能够发出饱满、圆润的字腹。 三、共鸣 科学上的共鸣是指物体震动或摩擦时频率接近产生共振,进而发出声音的声学现象。声学共鸣效果取决于发声物体的具体状况。同理,在声乐艺术中,能否塑造良好的共鸣也取决于歌唱者自身发声器官的客观条件及主观掌控能力。共鸣在声乐演唱中具有十分重要的作用,具体来讲体现在以下两个方面:一是扩大人声的音量,创造出音响效果。二是放大音色优势,美化歌者的声音。在歌唱时,共鸣将人声聚拢而后释放,从而令声乐艺术呈现出更加立体的效果。我们可以说,共鸣的好坏直接决定着歌者的演唱水平。正因如此,我们才应努力将共鸣练习好,寻找营造良好共鸣的方法与技巧。在教学和实践中,我们常会遇到这样的情况,有的歌唱者很努力地发声,但仍出现“声音较小、不连贯、松散”等情况,这就是不能合理运用共鸣器官所致。由此可见,只有建立好的共鸣,歌者声乐演唱的声音效果才会更加圆润且具有穿透力。那么如果才能实现好的共鸣呢,笔者认为需要注意以下两个方面:一是注意腔体打开程度,腔体的开合程度直接关系到共鸣效果,一般来说美声唱法腔体多呈竖形打开,而民族声乐的共鸣腔体则稍向两边扩大。声乐学习者要把握住共鸣腔体的形态,塑造风格适当的共鸣。二是维持良好的情绪,众所周知,情绪对声乐表现有着重要的影响,尤其是共鸣过程中,情绪是否稳定关乎到能否发出持续稳定、声区统一的声音。歌唱者要多进行公开演唱、多尝试不同情感表现的声乐作品,逐渐培养自己控制情绪、稳定情绪的能力,防止因情绪不稳定而出现的共鸣破音,从而最大限度地发挥共鸣的效用。除了以上两点注意事项外,为了达到更好的共鸣效果,歌者在发音前还要注意对自身音色进行加工,在调整气息、稳定喉结后,再打开口腔,同时把发音区调高到头腔共鸣点上,这样发出的声音音量更大,音色更美,音域也更宽。 四、结语 声乐学习细节繁多,分支较大且环环相扣,这就要求声乐学习者要注意学习的全面性和系统性,不可学有偏颇。除此之外,还要注重加强声乐基础技巧的学习与训练,不能好高骛远。声乐作为从西方传入我国的音乐形式,要想使其持续焕发艺术魅力,就需要广大教师与莘莘学子坚持不懈地学习和实践。声乐学习虽然艰难,但笔者相信只要我们敢于坚持、不言放弃,就一定能学好声乐,将动听的旋律带给大家。 声乐毕业论文:论民族声乐渐进性教学的思考 民族声乐是运用民族语言和民族审美来表现民族的音乐风格,是表达风格各异、流派众多的民族情感的一种艺术形式,是在我国民间歌曲、地方戏、曲艺说唱等传流唱法的基础上发展起来的。本文就民族声乐歌唱艺术观念、声乐教学心理规律、教学方法以及训练手段等规律进行探讨。 一、初始:从声乐的基本功入手,进行基础训练 声乐的基本功主要包括发声原理的掌握、共鸣腔的运用,以及咬字吐字等。发声原理是声带在气流的冲击下产生震动,声带震动所发出声音经过胸腔、咽腔、口腔、鼻腔、头腔的共鸣,便发出响亮和动听的声音。 正确的发声训练方法有:第一,用闻花式吸气、数拍或吹蜡烛的方法,或者用“打哈欠”时气息回流的感觉来引导学生,还要注意观察学生在吸气时是否过僵、过满。气息的支点越低音色就会越圆润,“竖着唱”和“靠后唱”实际上就是引导学生往后支点上靠,这样音色更加富有立体感和金属性。第二,稳定喉头。人体的发音器官——喉,像一个小匣子,装着两条发声的音弦——声带,喉结稳定地降低在低喉位置,使声带始终处于拉紧的状态下工作,这种状态即声带拉紧闭合状态。应该让学生体会“贴着咽壁吸着唱”的感觉。还要注意观察学生是否抠下巴、紧牙关等问题。第三,歌唱的共鸣训练。发声共鸣是一个整体的系统的过程,完全孤立地使用某个共鸣腔是不可能获得最佳音色的。要教会学生将日常生活中耳濡目染的一些动作或感觉在歌唱中加以恰当、合理的运用。胸腔共鸣包括气管、支气管。在歌唱时用手抚摸胸部会有明显的振动感。打开喉咙歌唱很多人都知道,但具体怎么打,打多大?教师必须具体引导学生去做。可以让学生去体验“闭着嘴巴打哈欠”的训练方法,这样鼻腔与咽腔就不会打得过大,避免口腔过缰,声音发虚,暗淡。 咬字吐字是民歌中的一大重点内容。所谓“字正腔圆”,字正:欲使字正须正五音,准回呼,宜四声;腔圆:声音圆润动听、腔调婉转优美。概括为字头咬要重,字腹吐音要圆,字尾收韵要轻。在教学训练最初阶段,常发现一些学员有“吸不进气”的现象,原因可能是由于局部肌肉过份用力,呼气肌肉壁在歌唱时过份紧张造成的。针对性的练习曲不必使用过繁过多:(1)13 51 53 1 连续两遍用“0”母音和“i”母音来带,主要是为了气息连贯。大扩度的练习容易使每个音区的位置统一;(2)跳音练习13 53 1,小腹肌肉收缩,增强弹跳力;(3)长音练习5.4 32 1,这条练声曲要求气息流畅,到达位置后迅速爆发,在腔体内延长。除了掌握运用咬字发声器官使语音准确之外,还要学会对语调、语态的变化控制。一般可以从学习诗词朗诵入手,掌握诗词的语言重音和逻辑重音,把握好作品的情感基调和内容格调等,这是达到以字引气、以字带声的最佳途径。 二、过渡:引导学生尽快跳出“不自然”阶段 声乐的学习一般分为三个阶段,即从“自然”到“不自然”再到“自然”。初学者在“不自然”阶段状态下,教师一旦指出不足之处,学生唱起来就会觉得别扭,原来感觉唱得很顺的似乎反而变得吃力,真假声“打架”,声音“里进外出”,连一首小歌曲都难于胜任。这时教师要胸有成竹、满怀信心,让学生尽可能在短时间内走出这种“不自然”阶段。在民歌学习过程中,有些学生在通过听光碟和媒体的形式学习声乐的过程中,认为民族唱法就是细嗓子,声音很尖、很亮,以为只有这种声音才能表达民族风格和特色。这是一种极大的误解。教师要善于发现学生是否进入这一误区,并及时给予正确的指导。我国古代唱论中有言:“歌者不期于利声而贵在中节”。如果我们一味地追求亮嗓音,只能使声乐教学走上期求“利声”而忽略“中节”的歧途,易犯喉头过紧、过于用力、下巴紧张、单纯用口腔等毛病,造成声音“扁”、“咧”、“紧”。这样,既不利于民族声乐的发展,也不利于歌唱艺术的普及与传播。有经验的教师对存在的问题看得准,采取的解决方法正确,很快就能得到提高。不过,人们常言“师傅领进门,修行在个人”,如果有的学生长期处于不自然阶段,问题无法得到解决,就得考虑是否教法过于单一、机械,或是双方配合不好的问题了。另外,为了达到歌唱“音出自然”,教师从一开始就要强调风格、韵味、统一等因素的作用,如果只顾埋头于发声技术,演唱起来就会失去声乐应有的风格、神韵和灵魂。 三、发现:挖掘学生特点并尝试实现个性化演唱 民歌教学中,每位老师都有自己独特的教学经验与方法。“仁者乐山,智者乐水”,无论采取什么方法,只要在演唱实践中能得到观众的接受和认可,能经得起时间的考验,就证明其教学方法是对的。我国着名民族音乐家田青曾严正指出:“现代化对民间歌曲的冲击比十年浩劫还要大,中华民族文化从没有像今天这样面临着危险。”笔者素来提倡演唱风格、音色个性化,反对冠以“科学发声”而变成“千人一腔”的模仿、克隆的教学方法;主张采用多样化启发式教学,力求做到因材施教,将日常生活中耳濡目染的一些动作或感觉在声音练习中加以恰当、合理的运用,根据不同的嗓音条件来演绎不同风格的歌曲。作为一名声乐教师,应当具备良好的听觉和善于辨别声音好坏的能力,对好的声音要及时给予肯定和鼓励,千万不能“全盘否定”或者“朝令夕改”,没有准确而系统的理论依据只会造成学生思维的被打乱。对初学者,应当循序渐进,要让他们充满自信,取消顾虑,克服在学习中的不良情绪。另外,要让学生学会自主学习,方法是抽象的,感觉是具体的。没有老师的情况下,也能辨别自己的声音是否正确,运用自己的“内听觉”去监听,调整歌唱器官的发声动作向平衡状态完善。歌唱家李双江在一次“青歌赛”仼评委时看到一个少数民族原生态组合演唱后,感慨地对她们说:“我们对不起你们啊!”这一画面让我感到非常震憾:一方面是权威的名家如此襟怀博大,为一直被埋没的优秀民族声乐(原生态)至今才“露脸”感到惭愧与自咎;另一方面是“青歌赛”的组织者包括某些有良知的音乐家及音乐工作者,如果不及时发现、挖掘甚至抢救,全国观众怎能知晓世上还有这么美妙的天籁之音竟然流传在我们的华夏大地上呢?可见,民族声乐艺术的多样化多么重要,而这个“多样化”的实现,也包括依靠我们广大的民族声乐教育者的努力与付出。 四、提升:在具体歌曲演唱中实现民族性和艺术性的统一 由于我国地域宽广、民族众多,各地各民族的风土人情、演唱内容均不相同,形成了绚丽多彩的演唱风格,有的热情奔放,有的委婉深情。北方的歌高亢明快,如《牧歌》、《沂蒙山,我的娘亲亲》;南方曲调委婉甜美,如《芦花》、《又唱浏阳河》等。歌曲艺术是歌唱家把自己对歌词和音乐的理解用优美的嗓音表达出来的。所谓“情”美,就是演唱者要做到深情、有真挚感。“情”是一切的基本出发点。在具体的演唱过程中,很多学生只顾着想声音的位置而忽略了要表达的情感。教师要注意提示“以情带声”、“声情并茂”。比如,演唱《二月里见罢到如今》,歌曲风格是委婉深情的。首先,演唱者眼前要闪出流动的画面,要流露出对情哥哥那种强烈的依恋情感。接着第二乐段转调,这时眼前的画面是:仿佛看见“远处”有一个人,想象中就是那个日夜思念的人。这时情绪上要稍微有变化,既激动又祈盼,既焦急又无奈。第三乐段反复再现 (即回到原来),其表情是:还是没有见到情哥哥,但必须依旧耐心地等待。演唱时要从眼神、肢体语言中透出一种“心病”的情结,才能更好地带动声音达到声情并茂的效果。 我国民族声乐艺术提高的方向就是技术和艺术的结合,就是深刻的思想性与尽善尽美的形式相结合,就是发声技术的不断科学化和充分表达我们精神的时代相结合。引导学生歌唱,不能只简单地教会发音或学会一首歌曲,更要重视在科学的整体方法上进行渐进性引导和训练。嗓音的运用也是多种多样的,教师要善于引导学生理解作品的背景、风格、特色、情感及民族的审美习惯等,还要结合其他课程如文史、美术等的学习,还要深入实际生活,才能不断提高对音乐作品的理解能力和情感的表现力。教与学是一个整体配合的过程,我们应当对各种教法中的优点兼收并蓄,相得益彰,以求得教学水平的不断提高,造就出更多、更好的深受听众喜爱的歌唱新人。 声乐毕业论文:分析声乐艺术美的本质 一、独特的创作规律显现出歌词的意境美 声乐作品的创作是以唱为表现形式的语言形态出现的。它与很文学作品不同,不是重在看而是重在听。很多诗句可以从字面上理解,还可以诵读的,通过读者的看和读触发人们的心灵。而声乐作品的诗化了的歌词就要通过“唱”才能体现。它既要形象生动,又要词语简练意境深远。然而最关键的是歌词要适于歌唱。通过歌唱把歌词所要反映的生活内容、情景形象和思想情感体现出来。很多歌词的创作啷啷上口,读起来都感觉到让人感动,口齿轻快。这都是因为创作者在创作过程中注意对音韵处理恰当,让歌词压韵,歌词本身就有了歌唱性。虽然歌词和诗很像,但歌词区别于诗歌。它们是两种文体,诗注重在文辞上的美,而歌词注重不仅是文辞,还要与人们生活紧密相连保证词句朗朗上口、通俗易懂有声性,使歌词与音乐完美结合的声音美。如果不注意这一规律,按照写诗的手法来创作歌词,就缺乏歌唱性,唱起了也不上口。如果硬是把歌词写成像讲故事一样采用白话形式,就会显得歌词平淡乏味,缺少雕琢。歌词的美就在于有它自己特有的创作模式和自身的特点,所以一首好听的歌才能唱很久很久。 二、能充分发挥演唱者主观能动作用的声音美 人声的特点不同于乐器,他能直抒胸怀袒露心声。特别是声乐作品大多有词意清晰、朗朗上口的歌词作为旋律创作的依据,能体现声乐表演实践过程中的美。 歌唱作为听觉艺术,它是通过演唱来体现其艺术感染力的。歌唱者把一首作曲家创作在纸上的作品变成声音,需要歌唱者的艺术再创造,即“二度创作”。在这个“二度创作”过程中虽然有技巧是声乐艺术表现的基础条件,但不是顺利完成“二度创作”的唯一条件。歌唱者根据歌词提供的情感内涵,加上自己的认识和理解,把情感融入到歌曲的演唱中。一首歌经作曲家创作出来只是停留在纸上的东西。通过歌唱者的再创作,把它用声音表现出来才能使听众充分感受。而在“二度创作”过程中不同的素质和生活阅历,表现的作品效果就不同。就此原因,很多演唱者在努力实现“艺无止境”境界。不断地丰富自己的阅历,提高自己的声乐技巧,用广泛的社会生活来丰富自己的能力,提高自己的文化艺术素质,脚踏实地地进行艰苦的艺术再创造活动。用以实现在演唱作品时,采用恰当的声音去与完成作品的思想内容和情感表达。 声乐艺术是以歌词为主要依据创作的声乐作品,不仅体现了音调和节奏,还为演唱者提供了情感抒发的旋律基础。一首歌词在经过作曲家谱出旋律过程中,歌词的语言和意境是旋律创作的主要依据。而歌曲是以人的声音区域为目标来编写旋律,再把歌词中提供的情绪变化配上符合情感要求的音调,一首旋律优美的声乐作品就创作出来了。一首歌旋律的发展是遵守以人声为基准来创作的,而旋律美还必须含着音调美,音调是依据歌词提供的语言、情感来确定的。音调的变化因为采用了模进、扩展、反复、等创作手法,才使音调展现出不同的艺术风格,从而创作出动听的旋律。为歌唱者提供了自由发挥的空间。 三、不断丰富歌唱者梦想的表演美 声乐艺术为演唱者提供了广阔的创作和想象空间。一首好的歌曲首先能激发歌唱者抒发情感的欲望,会启发音乐的想象力。丰富的想象力能为歌曲内容创造出独有的音乐形象。并在演唱者的头脑中形成一幅幅的画面,把听众带进歌唱者创造的音乐空间。同时能让歌唱者成为画面中的主人公,有身临其境的感觉。正是这种想象让歌唱者把歌曲的主题思想表现出来,让作曲家的创作意图与演唱者的歌声完美的统一在一起。 声乐艺术还以他作品的多样性和风格的丰富多彩在乐坛上占有突出位置,激发了歌唱者的创作和表现欲望。 声乐作品中有很多来自世界各地,反映世界许多民族的生活,各个民族的生活习惯和语言习惯决定了他们的音乐风格。而这些风格正是歌唱者追求和创作的动力。掌握声乐作品各种风格,不仅拓宽了歌唱者的艺术道路,还扩大了歌唱者的表演曲目。声乐艺术还能体现出歌唱者在演唱中的具有个性的韵味体现。这是因为一首歌曲在创作完成后,作曲家是无法在作品中为歌曲提供韵味,很多具有特色的演唱和好听的演唱,需要歌唱者根据作曲家提供的曲谱进行“二度创作”,加进去自己对作品的理解和体会,把对社会生活感受用到歌曲的演唱中,并在歌曲的旋律中加进了自己的东西,就为歌曲提供了新的韵味,让这个作品具有了鲜明的个性。有了韵味的歌唱听起来就会更加亲切动人,自然清新。让歌曲更具味道和美感。 声乐艺术还因为演唱者对歌曲的真情实感,对歌曲做速度、力度、音量、音色等方面的处理,让歌曲层次分明,跌宕起伏,更加生动感人。能展开演唱者梦想的翅膀,尽情发挥。有些时候,同样的作品不同演唱者演唱,就会收到不同的效果。这说明声乐艺术的表现力主要依赖演唱者。 声乐艺术还能实现歌唱者在兴奋而又激动的歌唱状态下演唱。能把想象的画面通过声音刻画出来。能把假的演变成了真的。本来很多声乐作品的创作大多是人们对美好生活的向往和期望,有很多不是现实。这就是“假”的东西,这种“假”目的是为了实现真。而歌唱者通过 “忘我的演唱”,旁无杂念地进入“角色”既充满激情而又放松自如,情感得到了解放,把人们带进了本来不存在的境地,让演唱发挥最大的艺术感染力,让听众得到了精神享受。 声乐艺术还要求在歌唱者的技巧与艺术,声音与情感的完美统一。它是歌唱者长期坚持的原则。既然歌唱是以人身的整体作为乐器来完成的,不是仅靠嗓子、气息、共鸣能实现的,歌唱者就要全身心地投入到歌唱中去,要有丰富的心理活动和心理准备。充分利用想象、假设、体验等心理活动,完成了扣人心弦的表演。用以实现声情并茂技艺合一的艺术境地。 声乐毕业论文:分析声乐演唱中的音准问题 “青歌赛”的余热已经慢慢的褪去,然而,就在比赛期间,吉林电视台选送的歌手喻越越在比赛时因音准出现问题,结果得了个很不理想的分数,一时被推到风口浪尖,激起了很大的反响,最后由几位专家对录音重新做了鉴定后才稍稍平息了此次风波,事件不是我们要关注的重点,音准问题才是我们要讨论的关键所在。无独有偶,在2012年的暑期,由江西卫视举办的“中国红歌会”,一些已经闯关到45强、30强、甚至是15强、10强的选手,也会频频出现音准问题,评委们在对选手进行点评时,说的最多的几乎就是音准问题,这不由得我们不深思,在舞台上演唱水平已经初步成形,并且日趋完善的歌手,还会出现音不准的现象,到底是怎么回事,又该如何避免? 一般来说,演唱中音不准存在两种情况:一是先天的音不准,耳朵不够灵敏,即所谓的“五音不全”;二是后天由于种种原因造成的,如心理素质问题、专业基础不扎实、甚至跟身体素质也有关系,本文主要探讨的是后者,前者忽略不虑。 一、心理素质与音准问题 有些演唱者在台下或者课堂上演唱都没有问题,能够正常的发挥应有的水平,唯独上台后,演唱水准大打折扣,有时还会出现音不准的现象,严重影响舞台上的演出效果,究其原因,还是与心理素质有关。心理学上说,人的性格分为四种类型,分别是胆汁质、多血质、黏液质和抑郁质。“一般来说,前两者为外向型,后两者属于内向型。外向型的人开朗、活泼,不容易怯场,内向型的人缺乏自信,容易羞怯。”[1]当演唱者在舞台上胆怯时,没自信不敢唱,此时,音准就会受到影响,可能音会偏低,因为,由于畏首畏尾的演唱状态不够积极,达不到应有发声的状态,音高就会差那么一点,很容易就唱到琴缝里,就是我们说的“琴缝音”,而不在准确的音位上。所以,演唱者在上台之前应调整好自己的心态,保持一种平和的演唱状态,让自己的情绪稳定,尽量想怎样更好的表达作品,让自己投入进去,剔除杂念,以减轻紧张带来的不良情绪。事实上,紧张不仅会使演唱者怯场、不敢唱,从而导致音准偏低,有时紧张还会使演唱者过度兴奋,从而导致音准偏高也是有的。演唱者由于紧张,而导致过度兴奋,在演唱中,尤其遇到高音部分,加上情绪的激动,很容易把音唱高。对于此种情况,演唱者依然是要稳定自己的演唱状态,调整自己的情绪,在张嘴演唱之前认真的将自己演唱的作品在心里过一遍,整理好演唱思路,确保刚张嘴时平稳的进入演唱状态,接下来,就会越唱越顺。总之,对自己整体的演唱状态进行维稳是很重要的,它将决定着演唱的质量,也能规避演唱中出现的不利因素,如音准问题。 二、专业基础的不扎实是造成音准问题的本质原因 俗话说:“艺高人胆大”。其实不管是歌唱家还是普通的声乐演唱者,上台演唱都会出现紧张的情绪,只是对应的态度不一样。紧张会使演唱的水平大打折扣,但也不是绝对的,适度的紧张也可以帮助演唱者更好的对待演唱,它会使演唱者在演唱时更加的集中精力去关注自己的演唱,从而慢慢的进入到作品中去,越唱越好。一个专业技术过硬、舞台实践丰富、对专业的态度一丝不苟的声乐演唱者,即使先天的心理素质不够好,在台上也应该不会出现音准问题。因为他(她)们已经从专业的技术性层面走出来了,他(她)们对演唱的要求是精益求精,追求完美,摆脱演唱技巧的束缚,带给人们声乐本有的艺术性、审美性,从而使人们更加的喜欢声乐这门艺术,但是声乐演唱者像拥有这种成就及情怀的人当然是不多的。大部分的演唱者依然为演唱技巧所累,远达不到在舞台上对演唱过程进行游刃有余的驾驭,演唱技巧有局限,声音就会有局限,表现出来的不足其中一项就会有音不准。 演唱过程中气息不足可能会导致音不准,具体表现在音高会偏低。“呼吸因素造成的音准问题也屡见不鲜。不当的呼吸方式会导致声音不稳定,憋气、漏气、屏气等错误的呼吸方式更容易引起音准的变化。”[2]。呼吸是声乐演唱的灵魂,良好的呼吸可以很好的支撑声音,使声音悠扬有穿透力,而不当的呼吸除了可能会引起音不准外,还会引起声音干涩,使声音听起来不够悦耳,难免会给人以味同嚼蜡之感。咬字吐字也是声乐演唱中的关键因素,咬字吐字位置的不准确或者演唱时不能够很好的控制住咬字吐字的位置(由于技术上的欠缺,演唱时,咬字吐字易变动,位置乱换等),也会引起音高的不准确。声乐演唱技巧的提高是一个相对漫长的过程,它要求演唱者除了有天赋的条件之外,还需要长期坚持不懈的刻苦努力的练习,才能在舞台上达到演唱时从心所欲、游刃有余。如果是因为声乐技术问题而引起的音准问题,自然在提高声乐技巧之后,音准问题就迎刃而解。笔者以为,在声乐技术的问题解决后,声乐水平就进入了表现音乐、诠释作品的层面,即使演唱者本身的心理素质欠佳,在舞台上演唱时,由于有前期的有大量的实践、锻炼、学习,形下的问题都解决了,此时的演唱者应该会很自信的去表现自己音乐,就不太可能会出现音准这样的问题。 由此可以看出,影响音准问题的原因是多方面的,除去先天的“五音不全”以外,还有其它许多方面的原因,它们相互交叉、彼此制约,总之科学的发声方法加上勤奋的练习和大量的舞台实践,并针对自己在演唱中出现的音准问题进行思考、实践、钻研,相信音准问题总会得到解决的,声乐水平也会因之大有长进。 三、综合因素分析音准问题 此外,音准问题除了上述的原因之外还与音乐的基本知识有关,它包括在大学期间学习的视唱练耳、钢琴演奏和乐理知识等。学音乐的人都知道视唱练耳对音准的影响是巨大的,一个视唱练耳好的演唱者,在演唱时出现音不准的可能性很小。视唱练耳,顾名思义,它包括视唱和练耳,在课堂上还有听记节奏这一项,目的就是要培养学生耳朵的敏感度和对音乐的记忆力。在一些专业的音乐院校,对视唱练耳的要求是很高的,在国内一些顶尖音乐学院的附中,如上海音乐学院、中央音乐学院,在附中有的专业的学生练耳已经听到了转调、离调,一般的音程、和弦、旋律就更不用说了,如果,演唱专业的学生练耳的训练达到此种程度,那么,在演唱中出现音不准的情况几乎就不太可能,即便训练达不到转调离调的程度,正常高等音乐院校视唱练耳水平较好者,音准也是不会有问题的,因为耳朵好的同学,对音高有绝对的敏感度,张嘴唱时不会犹豫就会在正确的音高上,即便由于声乐技术上的原因,偶尔导致音准会偏低或偏高,自己也会立刻觉察到,做到音准上即时的调整或调整自己演唱的状态。那么对于耳朵不够灵敏的同学,在视唱练耳课堂上学习的不够好的同学,对音高的固定感不强、含糊,当其在演唱中出现音准问题时,可能自己会听不出来,即便能听出来,也不能够立即回到正确的音高上去,只是觉得音高不对,只会从演唱状态中去找原因,自我调整的能力相较于耳朵对音高灵敏的同学还是差许多的。此外,钢琴的演奏水平也是提高音准来源的关键。钢琴是十二平均律,是西方的大小调体系,演唱者在演唱中离不开钢琴伴奏,如今声乐作品也大多是大小调体系,尤其是新近的创作型歌曲(当然也不排除还有很多民族调式的歌曲),那么,如果演唱者钢琴水平足够好的话,固定的音高概念就应该也不错,再加上可以自弹自唱,将自己演唱的作品用正谱弹出来,平时多跟着钢琴练习,无论是对声音的修养,还是对声音音准的修饰与提高都是非常有帮助的。 四、结语 综上所述,造成演唱者音不准的因素是多方面的,除了有主观因素之外,还有客观因素,笔者以为,主观因素占的比重更大一些。演唱者在出 现音准问题之后要刻苦训练,若是因为声乐技巧的原因导致的音准问题,则要刻苦练习,多下工夫去揣摩、观摩,以便在再一次的演唱中避免掉音不准的问题.如果是因为心理素质问题,怯场之类的原因而导致音不准,则要多上台去锻炼、去实践,以克服掉自己怯场的不良情绪,此外,还要从自身的专业水平上下工夫,还是“艺高人胆大”,如果一个演唱水平公认的好的演唱者,即便天生的有些内向,在台上也不至于会发挥失常到音不准的程度。总之,专业技术与心理素质的提高都是克服与避免音不准的有效途径,尤其是前者,几乎是必经的途径,只有如此,才能彻底的解决掉音不准的问题。 声乐毕业论文:戏曲道白在声乐中的实用性 一、戏曲道白可以培养学生的心理素质 (一)目前大多数学生的心理现状 声乐是一门表演艺术,我们学习歌唱,从某种意义上来说,就是为了能站在舞台上为众多的观众表演,所以歌唱时我们就需要有一个健康的心理状态,有强烈的歌唱欲望与表现欲望,这样才能唱好一首歌。刚开始学生学习声乐时,学生对歌唱的信心有很大一部分来自对歌唱技能的掌握,如果学生觉得歌唱技能掌握的一般,就无形中给自己的演唱带来一定的心理压力,在歌唱时就会出现节奏不稳,气息上提等不良的歌唱现象。还有一部分人是性格因素造成的,性格因素是指性格内向的学生不善于与人接触,天生胆小,当着众人的面张不开口,特别是陌生人面前更张不开口。恐惧的心理能引起学生呼吸紧张,记忆中断,听觉混乱,情感失控等等,最终导致歌唱状态的紊乱和失调,这就直接影响到歌者正常歌唱水平的发挥。恐惧是歌唱的大敌,是歌唱艺术道路上的障碍。学习歌唱就必须要克服恐惧心理,建立良好的歌唱信心,这是成功的基础。 (二)戏曲道白可以促进学生有一个健康的心理状态 学习歌唱最好的方法是自然,越自然就越容易。一个好的歌者在演唱时,他身上的器官该放松的放松,该积极的积极,同时排除那些阻碍干扰歌唱器官的活动,这就需要歌者有一个健康的歌唱心理。戏曲的道白是介于说与唱之间的一种艺术形式,更接近于说,戏曲的道白要求演员严格遵循语言戏曲化的一切艺术规律,把它作为自己的审美理想,一句话一句话地,一个字一个字地静心琢磨,刻苦锤炼,并把它作为自己得天独厚的艺术手段,以吐字行韵的“千斤”之力和抑扬顿挫的特种技巧,去刻画人物,宣叙情感,从而把动人心魄的感染力,赋予字字珠矶,掷地化作金石声,耐人寻味的高度的道白艺术修养之中。在近几年的声乐教学中,学生以戏曲道白的形式来做自我介绍,介绍自己名字、介绍自己演唱的声乐作品,并以戏曲道白的形式吟诵声乐作品的容。学生在戏曲道白完进行练声时,声音更自然了,气息也不提了,演唱支点也自然而然的找着了。另外,性格内向的学生通过戏曲道白的练习,他们会大方地、自然地、有韵有味地做自我介绍,这样他们不但性格逐渐开朗,而且能较好的掌握歌唱技能。因此,学生必须每天坚持戏曲道白的[!]练习,并且要逐字逐句地、认认真真地练习,结果这些学生不管是心理素质还是在歌唱技能上,都取得了良好的效果,这样一来,不管是上课、考试还是演出,他们都会意气风发、圆满地完成演唱任务。 二、戏曲道白对歌唱表演有很大的帮助 声乐是通过歌唱来塑造音乐形象,进行感情表达的一种艺术形式。这就要求演唱者不但要具有科学的发声技巧,还要有一定的歌唱表演能力,因为表演可以拓展演唱者的艺术想象空间。表演不是作秀,是演唱者对演唱作品深刻理解的基础上,情感的升华,最终表情语言和肢体语言促进演唱能力的升华。早在一千多年前,中国人民就根据自己的民族性格和美学思想,把舞蹈美和音乐美的种子,同时撒在形成自己民族戏曲的舞台上。在戏曲舞台上不管是演唱还是道白,演员的一招一式都绝不是完全孤立的和绝对静止的。戏曲演员脚下一站,手上一指,眼神一望,以致一羞、一怒、一进、一退……手、眼、身、法、步,全身都要有机地配合,整个外部动作,从头到脚都要洋溢着节奏韵律的美。有时他们把独舞、背工和念结合起来,尽情地加以描绘、夸张来生动形象地展现人物的“潜台词”和人物的内心活动,这些对歌唱表演有着很大的帮助。在近几年的声乐教学中,通过对学生带动作、带表情的戏曲道白的练习,学生在歌唱表演时能力得到了很大的提高。可见戏曲道白对于歌唱表演来说有很大的帮助,能促使演唱者积极地、自然地、有感而发的表演,唱出歌曲的意境和塑造出鲜明的艺术形象等。中国戏曲表演历史悠久,源远流长,着名的歌唱家王昆老师说:“唱中国歌曲要接民族的地气,要从传统的民族声乐中学习。”我国老一辈优秀的民族歌唱家郭兰英、王昆、李谷一等都有着深厚的戏曲功底,再加上科学的演唱方法,行腔委婉动听,舞台表演深切感人,为中国民族声乐的发展做出了巨大贡献,并开创了一代歌风。年轻一代的歌唱家张也、孙丽英、陈俊华等都有着非常扎实的戏曲功底,扎实的戏曲功底再加上科学的演唱方法,就形成了歌唱家个性化的演唱理念,具有他们各自独特的艺术魅力。就通俗唱法的优秀歌手李娜、屠洪纲、李玲玉等也都接触过并受过戏曲专业的训练,其个性化的演唱以及很强的感染力,与他们深厚的戏曲表演功底分不开的。就连我国着名的男高音歌唱家戴玉强也曾接触过京剧“黑头”的训练,使他的歌唱技术更加娴熟和轻松,中国戏曲表演是唱、念、做、打的结合艺术,念功是戏曲表演四功之一,排第二位,足见其分量之重,是塑造人物的重要手段之一。戏曲道白具有戏曲语言的诗美,它鲜明个性就在于它是“戏曲化”了的,即好像演员不是用语言在说,而是用歌喉在说。但并不是所有的戏曲道白都可以运用到歌唱表演训练当中,我们要选择具有高度艺术性的戏曲道白。学习歌唱表演者应当重视戏曲道白在歌唱表演训练中的重要性,这将对其演唱风格的形成、健康的歌唱心理、掌握科学的娴熟的演唱技能以及演唱表演上都会有很大的帮助。歌者作为美的创造者,必须不断加强艺术修养,紧跟时代的步伐,并为之毕生努力。我们要紧抓民族传统声乐技法的基础训练,只有这样,中国民族声乐事业才能健康的发展,更多的中国年轻歌唱家才能扎实的立足于国际舞台。 声乐毕业论文:声乐艺术中声乐美学刍议 声乐美学的具体特征 1.声乐美学的综合性声乐美学的综合性体现于创作和演唱过程之中,一首声乐作品的诞生集众多的美学因素组成,声乐美学将各种艺术美综合起来,进而展现其各种美的同时,又系统地梳理声乐艺术美的规律,丰富其美的表现力,使之能更好地满足人们对声乐艺术的审美要求。声乐美学将歌词的语言文学之美、歌曲的旋律音乐之美、演唱的情感之美等因素综合起来,使得演唱者演唱过程中能够更好地呈现出声乐艺术的独特魅力。2.声乐美学的时空性声乐美学具有其时间性。只有经过时间的沉淀,演唱者才能表达出声音的美感,同时欣赏者才能感知到声音的美。演唱者需要经过不断地训练和对歌曲内容的感知,随着时间的推移进而发出更准确的声音,认识到声音的内涵之美,才能将歌曲的艺术情感充分地表达出来。欣赏者不是一开始欣赏就能够体验到声乐艺术的美,而是逐渐深入其中感知音乐的魅力。声乐美学又具有空间性。演唱者在不同的地区、不同的阶段演唱歌曲,将会使得作品呈现出不同的美感。而欣赏者在欣赏一首声乐作品时,会依据自身的生活经历,产生不同的音乐想象空间,进而获得不同的美感。3.声乐美学的创造性声乐作品同文学作品一样,也具有其音乐形象,这些音乐形象是由创作者结合生活实践而创造出来的,每一首歌曲都具有其鲜明的音乐形象,这些音乐形象是通过歌曲的优美语言和婉转的旋律结合而成。声乐艺术需要有创造性,演唱者需要准确把握音乐作品内容和情感,并将自己的表演方式加进来,使声乐艺术具有新的美学意蕴。声乐美学随着人们欣赏水平的不断提高,不断被创造出新的声乐美。 声乐艺术中声乐美学的构成 艺术源于人们对美的追求,无论是古典音乐、流行歌曲、歌剧等都要首先考虑到声乐的美学问题。因此,只有正确地理解声乐美学才能成功地进行声乐艺术活动。声乐美学对声乐艺术具有积极的作用,本文对声乐艺术中所要具备的基本美学条件和声乐美学几点要素进行了分析。1.声乐艺术中构成声乐美的基本条件(1)呼吸呼吸是所有的演唱者都要具备的基本条件,无论是美声唱法中的胸腹式呼吸,还是我国民族唱法的“气沉丹田”都突出了呼吸的重要性。从声乐美学的角度来说,美的最高本质就是自然,呼吸要遵循这一原则,气息要均匀、自然,从而使歌唱时的音色自如顺畅。只有这样连贯的、柔美的声音,才能满足欣赏者的要求,才称得上是美的声音。(2)共鸣共鸣主要是指声音的位置,气息带动声音进而产生共鸣。声乐美学认为声音的共鸣应具有自然美,演唱者要在完全自然放松的状态中,产生比如口腔共鸣、胸腔共鸣等各个腔体的共振,进而能够更好地修饰、美化声乐艺术。共鸣能够使演唱者的声音流畅自如、丰满圆润,任何声乐艺术美妙的歌声都需要以此为基础。(3)吐字吐字是指在演唱过程中演唱者的歌唱语言要准确,演唱过程就是语言艺术化的过程,是体现声乐作品的语言美过程,无论表演何种声乐作品,都需要吐字清晰、字正腔圆。声乐美学讲究声、字、情三者有机融合为一体,进而才能展现声乐艺术美的内涵,这就需要演唱每一字发音都要清晰,使字音在自然状态下吐出,能够理解歌词所有表达的主题思想,依据每个字、词所蕴含的情感来准确地处理语调,进而将声乐作品的内在美呈现给欣赏者。2.语言任何声乐作品都是语言与音乐结合而产生的,音乐旋律对于声乐作品固然重要,但好的音乐语言、词汇也能为声乐艺术锦上添花,将声乐作品的歌词诗化,表现出歌词中的美好意境,进而体现出其独立的艺术价值,给人们以美的享受。语言美要求声乐作品的歌词要具备鲜明的节奏、感人的音调、耐人寻味的声韵,同时也要体现出一个民族的语言语调美,使得演唱者在演唱过程中,带给欣赏者内心一种强烈的共鸣。旋律声乐艺术的诸多因素中,旋律是贯穿于其中的轴线,在构成声乐的艺术美中起着重要的作用,是声乐艺术的优秀部分。从声乐美学角度来看,旋律能表达出声乐作品的内涵、体现出各个地区的不同音乐艺术风格,长短、强弱不同的旋律节奏进行不同的排列组合,创造表现多种美的旋律序列,以其独特的动感来强化旋律的艺术美表现,不同的因素相互作用使得声乐艺术的美更具有形象性和表现力。情感声乐是人们表达情感的一门艺术,对“情”的表达是声乐艺术的目的所在,要展现声乐艺术的美就要首先以情为基础,以情带声、由乐起情,“情”是声乐美学的灵魂,出色的声音技巧与完美的情感艺术表现力构成了声乐艺术的基本要素,要将声乐艺术的美近乎完美地呈现出来,就要做到声中有情、情中有声。声乐艺术中所谓的“情”就是要准确地表达出作品的意蕴,使得潜在的静态信息转变为演唱者的演唱状态,最终传递给欣赏者,使其感受和体验到声乐艺术的情感美。演唱者在演唱过程中,还需要从内而外地表现美,用心去表达出真切、流畅的感情和优美的姿态。当极具技巧性的声乐表现艺术与实践性的声乐表演艺术相互交融,其就产生了艺术美学的因素,这些美学因素的组合构成了声乐艺术的独特美。声乐美学从美学的角度,指导演唱者理解作品、演绎自身、声情并茂,进而宏观地把握声乐作品的音乐风格与艺术内涵,使得欣赏者也能深受艺术美的感染并享受美。 声乐毕业论文:声乐艺术的2度创作 在我们的所接触的表演艺术中,除了即兴表演以外的所有表演艺术都存在着一个共同特点。即它的的出炉需要两道工序。一是创作,二是表演。搞表演艺术的人都知道创作的重要性。二度创作在声乐表演艺术中是占有极其重要的位置的。作为声乐演唱者一定要好好学习和积累各方面的知识来为作品的二度创作服务,这样我们的演唱才能打动听中,声乐演唱的艺术道路才会越走越宽。 关键字:二度创作 创作能力 创作效果 前言 在我们的所接触的表演艺术中,除了即兴表演以外的所有表演艺术都存在着一个共同特点。即它的的出炉需要两道工序。一是创作,二是表演。搞表演艺术的人都知道创作的重要性。在选择剧本、脚本、乐谱的时候都很用心。因为创作质量的高低对于演出成功与否起到前提的作用。同样文艺创作者也明白在演出时演员的重要性。因此他们在选择演员的时候也是很用心的。如果演员的水平不错且又适合这个作品,那么就能使作品的内涵、潜力得到充分的发挥。假如作品一般演员水平非常高,临场发挥很不错。结果演出非常成功。作者就会认为:比我想象的好多了。因此很多的事实告诉我们:艺术的表演环节太重要了。对于声乐艺术同样如此。 不仅把乐谱上的记载和基本情绪相对,而且在演唱中揭示出了作品深层内涵,显示了自己与他人不同的艺术个性,从而使作品因其演唱而增色的声乐表演就称作“二度创组”或者叫做再创作。二度创作决不是任意、自由和无限制的,它有一个原则和范围。这个原则和范围也就是一度创作和二度创作之间维系的一种辩证统一关系的纽带。因此,二度创作的首要原则就是:必须在一度创作规定内容主体的范围内活动,即不能离弦走板,歪曲内容和作者的基调,违背作者当初创作的初衷。二度创作是沿着一度创作主旨方向上的创作,是因演唱而加强一度创作主体的感染力,而不是削弱或改变主题。其次,二度创作应该尊重一度创作的时代背景和民族、地域风格。再者,就是二度创组方案一定要在自己的技术能力许可的范围之内。如果你在一个高音上向做到弱音的效果,但还没成熟的掌握这一技巧。很可能会出现破音或者虚弱的声音。要对作品进行二度创作可以试着从以下方面入手: 1. 速度 每首歌曲都有特定的速度标记,但每一种标记都有一个灵活的幅度。如Largo(广板)每分钟46拍,但这也是一个参考的标准,可以根据自己处理上下浮动。此外,还可以在个别地方处理成稍快或者稍慢。如《教我如何不想她》(刘半农词。赵元任曲)中的“为风吹动了我头发”,为了唱出动感,我们可以把前六个字速度加快,唱的紧迫一点,最后“头发”两个字再适度放慢拉宽,这样唱出了动感也唱出了被风吹动的头发的形象。 2.音色 音色的调节和声门的状态、喉位高低、气息力度、共鸣腔的使用有关,是演唱者进行二度创作的重要手段。如《黄河怨》中的“哭诉我的愁和怨”这几个字音可以用哭泣抽咽的音色来唱。更能表达女主角伤痛欲绝的心情。
幼儿音乐教育游戏化探讨:幼儿音乐教育游戏化的研究 通过分析幼儿音乐教育游戏化的育人目标,分别对游戏化设计与实践中的相关问题进行探讨,以期通过本文的阐述激发幼儿的探索兴趣。使幼儿在游戏快乐中学,不断地增强音乐的学习兴趣,逐渐奠定幼儿可持续学习和终身学习的基础。 幼儿 音乐教育 游戏化 一、幼儿音乐教育游戏化的育人目标 游戏精神是自由的愉悦状态的追求,“对于儿童来说,游戏往往是艺术,艺术往往是游戏”。艺术教育必须激发幼儿的游戏精神,使其把艺术活动作为一种轻松、愉快、自由的事,全身心地投入其中,以乐观向上的心态对待生活和学习,使生活变得更充实、更有活力。音乐游戏教育是教师与幼儿共同参与的课程建构过程,最明显的优势就在于师幼平等互动, 以充分尊重、以相信幼儿的艺术潜能和艺术直觉能力为前提, 强化了学生的主体位置,创造了一个宽松、自由的环境。其教育目标,是通过游戏化的方法培养幼儿的音乐素养(音乐听觉、审美、立美等)和非音乐的素养(专注力、观察力、自信心、表现力、情感发展、坚持力、合作能力、纪律意识等),促进幼儿形成完整意义上的人格,个性,真正促进幼儿的全面发展。依据游戏中的幼儿生理心理规律,选择、创设游戏和安排好游戏的难易和先后,教师将教育意图客体化,将教学目标隐含在为幼儿提供的环境中。在游戏教学中所开展的探究式教学和交往性教学,促进了儿童的审美能力、感受力、表现力和想像力, 以及集体游戏也是给予幼儿早期社会性行为的重要契机。 二、幼儿音乐教育游戏化的设计 1.音乐游戏的组织设计方式 (1)从音乐感受导入。从音乐的某一要素(如节奏、旋律)开始。如“摇篮曲”就是以感受歌词和节奏导入的,教师引导幼儿多通道地感受歌词,进而轻松愉快地学会歌曲。 从音乐的某一要素(如乐段、乐句)开始。如“植树歌”从感受乐句人手,引导幼儿表现植树时的情景。 (2)以动作学习为主体。动作是音乐游戏的“血肉”。音乐游戏往往采用动作学习的方法,以符合幼儿艺术感受、想象和体验的特点。 观察法。这一方法不仅是观察教师的示范,而且要观察实物、教具、动画作品中表现的各种动作。如“植树歌”中,教师通过种树的动作。让幼儿观察并了解植树的过程和要领,和让幼儿欣赏挂图上小朋友植树的情景。 探索法。这一方法通常从提问开始,教师的任务是鼓励幼儿尝试,反馈幼儿的尝试,组织幼儿交流,帮助幼儿分析、整理动作探索的规律。如“忙碌的工地”中,教师通过提问工人叔叔们是怎么盖房子的,过程是怎么样的,教师通过幼儿的回答为幼儿总结出盖房子的规律。 创编法。动作创编与动作探索略有不同,探索活动给幼儿更多的自由探索的时间和空间,而创编活动则强调幼儿在探索的同时学习知识技能,掌握动作表达的语汇,以便更好地进行表现。如在美工操作袋“小动物的表情”卡中,要求幼儿根据小兔子的表情进行故事创编,教师要根据在幼儿已掌握的语言词汇的基础上用提问的方式引导幼儿注意创编故事时的动物的表情变化。在这种环境中,教师巧妙地在幼儿自由尝试探索的基础上,引入一条具体的创造线索,引导幼儿按顺序根据表情创编故事。这一创造技能的学习,不仅丰富了幼儿模仿动物表情的动作语汇。而且也感受到动作学习过程中的审美情趣。 2.教师在音乐游戏中的语言特点 与其它活动相比,幼儿在音乐游戏中大部分时间都会处在比较不稳定的状态之中,那么,在这种比较特殊的活动中,教师应该运用怎么样的语言来吸引幼儿的兴趣和带动幼儿的积极性呢? (1)有声语言。幼儿教师面对的是―个特殊群体,语言要做到艺术性“趣”化,就是要求教师的浯言要形象、生动,富有趣味性;“激”化,就是要求教师语言应具有激励陛;“诗”化,就是要求教师的语言富有诗意、具有韵律美、节奏明快;“简”化,幼儿年龄小,理解能力较弱,这就要求教师的语言应当避繁求简。 (2)体态语言。人的喜、怒、哀、乐等情绪与情感,可以通过脸部、身体的表隋显现出来,人们把这种表隋叫做体态语。在音乐游戏中,教师的体态语言格外重要。不仅可以起到示范的作用还可以避免有声语言在有些时候带来的影响。 3.教师在设计和组织音乐游戏时,应注意以下几对关系 (1)学习与娱乐。音乐游戏不应该仅仅让幼儿满足于娱乐,而应该让他们在娱乐的同时增长知识和经验,促进各种能力的发展。 (2)规则与自由。音乐游戏中的宽松、自由必须建立在一定规则的基础上。 (3)实际与创造。在音乐游戏中,教师要鼓励幼儿在现实的基础上发挥想象力和创造力,提高幼儿的审美情趣。 (4)自主与引导。教师在鼓励幼儿自主尝试、探索的前提下,给幼儿适当的帮助是非常重要的,它能让幼儿在尝试的过程中获得成功感和自信。 我国著名的幼儿教育家左淑东曾这样说过:“音乐游戏是儿童学习音乐的最好形式,是萌发儿童艺术情趣的有效方法,是实施儿童全面发展教育,促进身心和谐发展的重要途径。”我国《幼儿园工作规程》也明确指出:“游戏活动是幼儿最喜欢的一项活动,为进一步提高幼儿的参与性和表现力,整个音乐活动以游戏贯穿。环节自然紧扣、激起了幼儿强烈的兴趣。” 三、幼儿音乐教育游戏化的实践 唱歌是幼儿园音乐教育的主要内容,在音乐教学中占有重要地位。唱歌也是表现情意的好工具,但对于大多数幼儿来说,通常却只是一种机械性的背唱。因此,听起来总觉得干巴巴的,没有感情色彩如何培养幼儿对歌曲的表达力呢? 1.多种方式,引发兴趣 歌词,是音乐的一种文学形式,虽词语不多、篇幅短小,但却是幼儿与歌曲接触的第一步,歌词中所描绘的人物、情节、语言、动作对幼儿有着直接的影响。但幼儿园的孩子还不具备独立朗读和理解词义的能力,此时若采用传统的条文式的灌输,对他们来讲则会由于抽象而失去吸引力。因此,在教学中要把歌词变化为孩子们爱听的小故事,作为教授新歌的导语,或者以故事情节贯穿整堂课,用生动的语言向他们讲解。如《大雨小雨》就用一个传统的谜语:千条线,万条线――幼儿的关注点一下子都集中到歌曲上来。这是“言语互动”。 2.简单线条,辅助提高 唱,是一项重要的音乐实践活动,是一首歌曲最重要的表达方式,通过唱可以使幼儿在音准、吐字、唱词、节奏等方面得训练和提高。由于孩子尚未具备一定的视唱的能力,不能独立处理关于音准的高低、节奏的快慢等方面的问题,所以他们只能采用模仿演唱的方法来学唱歌曲。在幼儿初步了解歌曲的基础上,通过日常活动渗透,让幼儿多倾听,多哼唱,多模仿。在不知不觉中体会歌曲的情感。 综上所述,我们可以说音乐游戏形式新颖、形象生动、有一定的情景性,可以很好地促进幼儿语言能力的发展。 幼儿音乐教育游戏化探讨:幼儿音乐教育的游戏化策略探讨 摘要:幼儿音乐教育是现在的教育体育中不可或缺的一个部分,运用游戏化的模式吸引幼儿,加强幼儿在音乐学习中的兴趣是进行音乐教育的良好模式。这种模式符合幼儿的心理特征以及生理特征,运用快乐学习的方式实施整个教学过程。本文通过音乐教育游戏化设计的方式,为幼儿的音乐教育提供了策略化的意见。 关键词:幼儿;音乐教育;游戏化;策略 中图分类号: G61 文献标识码: A 文章编号: 幼儿音乐游戏化是指运用游戏的设计方法以及参与模式进行音乐教学,这种教学方法符合幼儿感观的心理体征以及生理特征,以丰富多彩的游戏形式感染幼儿。使儿童在快乐的玩耍过程中进行音乐的学习,实现全过程自由化,玩乐化的教育。 一、幼儿音乐教育的目标 幼儿的身心发展特点对于音乐教育的选择方式以及运用手法提出了更高的要求,儿童思维能力弱下,采取自己的眼光看待这个世界的发展,以感觉,触觉,嗅觉,视觉等形式形成对世界的认识。针对儿童的好奇心的特点,设计相应的游戏模式,加强在游戏过程中的主动性,以及积极性,以开心快乐的方式接受教育。音乐游戏在设立的过程中,充分尊重了儿童的游戏意识,学中玩,玩中学,通过游戏的模式理解音乐的概念,激发他们的学习兴趣。培养儿童的音乐素养,包括对于音乐节拍的认识,对于音乐审美的建立。也培养了儿童非音乐素养,包括儿童的观察能力,专注能力,纪律意识,表现能力等综合条件。根据儿童在成长过程中的心理设计,设置色彩鲜艳的音乐游戏材料,在游戏的过程中满足儿童天生的表演欲,提高他们的自信心以及自尊心。 二、游戏策略的设计 儿童音乐教育的游戏策略设计以儿童心理为基础,运用丰富多彩的色彩学理念进行整个儿童游戏的设计,包括对于音乐基础知识的掌握,音乐乐感的培养等简单的内容,符合儿童的理解能力。我们一位有名的儿童教育学家曾对儿童游戏教育发表过自己的见解,“音乐游戏是儿童学习音乐的最好形式,是萌发儿童艺术情趣的有效方法,是实施儿童全面发展教育,促进身心和谐发展的重要途径。”同时,关于《幼儿园工作规程》给出游戏活动的定义:“游戏活动是幼儿最喜欢的一项活动,为进一步提高幼儿的参与性和表现力,整个音乐活动以游戏贯穿。环节自然紧扣、激起了幼儿强烈的兴趣。”游戏的设计好坏影响了儿童的成长能力以及思维能力的提升。 1、组织方式 在教学过程中,明确每一阶段幼儿进行的音乐感知内容,花费较长的时间段进行儿童知识教学。根据不同的音乐素材进行游戏活动的设计,采取角色扮演,才艺展示,心灵冲击等方式加深儿童对于音乐的感知力以及对客观社会的认知度。比如在进行《两只老虎》这首音乐的教学时,以游戏的方式进行角色扮演。老师在进行教学的过程中,准备小老虎的服装道具,邀请有表演欲望的小朋友进行整个音乐过程的表演,让游戏化的表演形式深入儿童的内心,掌握音乐的节拍以及韵律。《两只老虎》也是一首表演题材以及节奏感非常强烈的歌曲,幼儿在进行学习的过程中,通过对于眼耳口鼻的遮挡动作深刻地理解歌曲表达的精髓。老师可通过启发示教育的模式引导幼儿进行不同角度的表演,明确具体的动物形象在生活中的表现,了解大自然的组成方式以及特点。此类动物性质的歌曲可以让幼儿理解人与自然的关系以及意义。 2、内容题材 儿童音乐游戏在内容设计方式上符合儿童的心理发展,以儿童可以理解的事物作为素材蓝本进行教学。浅显易懂的歌曲内容能使幼儿充分地理解老师教学的观念,采取生活中常见的事物进行教学。具体的事物以及感观性比抽象的歌曲表达效果要好。比如,在《丢手绢》这支歌曲的教学过程中,设计丢手绢的游戏环节,将小朋友围成一个圈,另一个小朋友在圈外进行丢手绢的形式。当歌声停止时,拿手绢的小朋友将自己的手绢丢弃在另一个小朋友面前,另一个小朋友进行追赶,如果追赶失败,则进行音乐舞蹈的表演。这种游戏方式符合幼儿的身心发展特点,使幼儿对音乐有一个良好的理解。手绢道具的使用是幼儿日常生活中常见的事物之一,运用熟悉的事物进行教学,符合幼儿的对于歌曲的共鸣。同时,也可以在放学之后,与熟悉的小朋友在小区内进行玩耍,使音乐教育不受时间以及空间的限制,随时都可进行。 3、教育意识 教育意识的培养是进行音乐教育的另一目的,每一首经典的幼儿歌曲包含了对精神素养的培养以及深刻的认识。引导儿童对于歌曲深层意识的理解,是培养儿童从小树立正确的人生观以及价值观的重要因素。加强对于社会规律的概念使得儿童从小就以一个守法公民的形象出现。例如,在《世上只有妈妈好》这首歌曲中,描绘的是母亲对于孩子的关爱,以及日常生活的点点滴滴的照顾。这个儿歌教育幼儿从小建立起一种孝敬父母的概念,培养对于父母的关爱意识,珍惜父母对自己的爱护,建立一种感恩精神。帮助幼儿进行事物的理解以及信息的反馈。类似的歌曲还有很多,在《学习雷锋好榜样》一歌中,通过对于雷锋精神的描述,引导儿童从小学习雷锋的乐于助人的精神,建立儿童完整的价值观念。这首歌曲的抽象意识较多,帮助儿童理解雷锋的生平事迹,以及拥护党,热爱人民,帮助他人的观念。在与小朋友相处的过程中,进行玩具的分享以及关爱他人的教育,形成良好的形为习惯与品质教育。在进行教学的过程之中,不能局限于音乐乐理以及音乐节奏的培养之上,同时,也必须对儿童的价值品质进行长期的熏陶。 三、结论 幼儿音乐教育游戏化的出现打破的音乐教育模式,以玩中学,学中玩的形式带动儿童的学习兴趣。使儿童在轻松自由的环境下进行知识的学习,真正热爱这门课程,理解老师在教学过程中传授的音乐乐理,音乐节奏以及良好的思想品质教育模式。老师在进行幼儿音乐教育的游戏策划时,应该明确以下教育内容以及教学形式关系,帮助儿童形成良好的音乐节奏感,提升对美的认识。同时,也应根据音乐的内容进行儿童的思想教育,提升儿童对于社会的认知度以及关爱他人的品质形成。 作者简介:何嘉明(1978.12- ),女,大专,现任职于广州市文化局幼儿园,研究方向:幼儿音乐。 幼儿音乐教育游戏化探讨:幼儿音乐教育游戏化刍议 摘要:游戏化不仅体现在音乐游戏这样的特殊成分,而且体现在它的一切活动形式方法都比较自由、灵活多采、具有游戏化和类似游戏的特征,使幼儿体验到和"玩"一样的感觉,自觉自愿地,不知不觉地,快乐地,不知疲倦地,投身于活动之中,在唱唱、跳跳、玩玩、敲敲打打的过程中去感知音乐。 关键词:音乐;教育;游戏化 音乐游戏是在歌曲或乐曲伴奏下进行的游戏。游戏中的动作要符合音乐的内容、性质、节拍、曲式并有一定的规则。蹦蹦跳跳是幼儿的天性,对于幼儿来说游戏化教学是非常重要的,幼儿在玩中学习音乐是很快乐的。为了稳定幼儿情绪,培养幼儿合作互动、创造性生活,结合幼儿爱模仿,爱游戏的特点,我选择了"音乐游戏"为切入点在幼儿在快乐的音乐游戏中进行音乐教育。音乐游戏最容易被幼儿接受,喜爱,是幼儿感兴趣的,能让幼儿在悦耳、动听的音乐中游戏,在游戏中培养幼儿合作交往能力,创造力,表现力及音乐感受力,有助于幼儿良好品德的形成,在挖掘幼儿潜能的基础上塑造幼儿健康活泼的个性,促进幼儿全面和谐的发展。 1.让幼儿在游戏中去体验音乐 音乐是一门听觉艺术,需要用心去感受。学前幼儿身心好动、思维具体,因此在音乐活动中我注重把音乐和游戏融合在一起,让幼儿在游戏中、表演中去感受音乐,在玩中获得对音乐更深层次的理解。如学习歌曲《小小鸡》,其歌曲的力度、速度、情绪变化是一个重难点。我用游戏找小鸡的方法,让幼儿轻松、自然地掌握、体现音乐。A段音乐活泼、欢快,我引导幼儿做了各种小鸡的动作,尽情的舞蹈;B段音乐悲伤、缓慢。我引导幼儿用鸡妈妈找小鸡、小鸡躲在椅子后面、鸡妈妈伤心地到处找小鸡的游戏方法,幼儿很自然地用了低缓的、悲伤的声音来演唱;C段音乐愉悦、活泼。游戏情节是小鸡们听到了妈妈的呼唤,从椅子背后跑回妈妈的身边。孩子们全身心地投入到了游戏中,自然地掌握了其中力度、速度、情绪的变化,并在其他歌曲的学习中也能及时迁移,做到了学以致用。为了学习听辨不同的打击乐的不同音色,我用游戏《什么乐器在唱歌》让幼儿在玩中学会听辨声音的高低、长短、强弱、音色,体会音乐所表达的情绪。 2.将音乐游戏的音乐故事情景化,加强幼儿对音乐理解的趣味性 幼儿音乐游戏具有一定的艺术性、趣味性,然而对于小班孩子而言让他们理解音乐确实很难,怎样在难的音乐与幼稚的孩子之间架起一座桥梁,怎样将音乐和孩子沟通起来呢?笔者认为将音乐游戏中的音乐故事情景化,添加角色与情节,能够加强音乐游戏的趣味性,使他们能够在愉快的情绪中轻松、自然、饶有兴趣地去表演感受,从而取得最佳的教育效果。如《摇啊摇》的音乐教学中,笔者是将音乐故事分出角色"妈妈、娃娃",创设妈妈抱娃娃的情节,在活动区创设了一定的情境:蓝色星空下,窗户上透出妈妈抱娃娃的身影。在音乐的带动下,幼儿戴着头巾抱着娃娃边唱边演"摇啊摇,摇啊摇,我的娃娃要睡觉",孩子边拍娃娃边和着音乐节奏体验做妈妈的快乐。在创设故事情景的同时还以不同的身份与幼儿进行情感交流,在音乐游戏中,我不仅仅是老师,还可以是其他角色,如在《袋鼠妈妈》的游戏中做袋鼠妈妈轮流抱孩子;在《找小猫》的游戏中做猫妈妈瞪着眼睛寻找调皮的小猫;在《猫和老鼠》的游戏中做大花猫凶凶的抓小老鼠;在《捕鱼歌》的游戏中做渔夫勤劳的捕鱼等。逼真的表演把幼儿带入到音乐特定的意境之中,一个简单的游戏就有了丰富的情感的体现,变得耐人寻味了。加上笔者在扮演角色中潜移默化教育影响着孩子,孩子们玩起来就具有了丰富的面部表情,轻重快慢的肢体动作,从而使音乐游戏具有了生命力 ,孩子也在游戏的过程中实现了交往合作,表现创造等全方面的能力也提高了。 窗体顶端。 3.让教学方法具有游戏性 3.1 在玩中学。在玩中学,主要利用幼儿的好奇,在玩游戏的过程中出现了一个一个规则,使幼儿自始至终保持着极高的兴趣,对游戏规则进行探究。 3.2 灵活、正确地使用示范方法:示范法对老师来说是示范,对幼儿来说是模仿。幼儿有好模仿的天性和本能,因此在音乐教学中提供正确的、熟练、富有表情、能正确地体现作品音乐形象的示范,供幼儿模仿,在音乐教学中是一个很重要的教学方法,但不能只让幼儿单纯机械和模仿,排除幼儿的想象力和创造性。因为每一个幼儿都是具有与众不同的天资,都有创造的需求,更不能排除幼儿对主体对元素的能动发现以及不同于他人的独特的组合能力。 因此教师在教学中也要使幼儿善于模仿并且发现儿童的创造表现 ,要用满腔热情鼓励和指导儿童。 音乐游戏课是一种以人为本的音乐教育方式,使孩子自发主动地学习,它的所有表现形式都能为孩子喜爱并接受,它推崇主动学习音乐,注重创造力的培养和想象力的开发,还能使孩子在集体活动和配合中学会与他人合作及分享 ,所有这些可以使孩子更快更好地掌握音乐知识,培养音乐感和音乐的创造力,达到综合素质的提高。与传统教学法相比,师生互动,老师高兴,孩子有成就感,并以培养多方面发展潜力为目标,在这种情况下,真正给了孩子一个自由快乐的童年,尽享艺术的真善美。把音乐推向本性,提高幼儿音乐兴趣,使幼儿喜欢上音乐课并愉快的投身于活动中,从中得到发展。也使教师在组织活动时,更得心应手,效率更高。并且使幼儿喜欢音乐,更喜欢上音乐课。同时也会使幼儿的音乐从小就有着扎实的基础,较高的悟性。 幼儿音乐教育游戏化探讨:浅谈幼儿音乐教育的游戏化 在游戏中进行音乐教育,这种方式实际上在著名的奥尔夫音乐教学体系中早已得到了应用。来自德国的奥尔夫音乐教学体系,是世界上最著名、影响最广泛的音乐教学方法之一,他追求的是在游戏中将动作、音乐、语言等紧密结合,适用于儿童,让他们在游戏中了解音乐中的旋律与节奏,获得了很大成功。 所以说游戏化不仅体现在音乐游戏这样的特殊成分,而且体现在它的一切形式方法都比较自由、灵活多采、具有游戏化和类似游戏的特征,使体验到和“玩”一样的感觉,自觉自愿地,不知不觉地,快乐地,不知疲倦地,投身于之中,在唱唱、跳跳、玩玩、敲敲打打的过程中去感知音乐。音乐的游戏化体现在: 一、内容的游戏性。 1、 内容上,我们会多样一些。音乐教学中的音乐都有各种音乐素质和能力训练的小游戏,比如在《音乐波浪》课程教学中教师在内容上要设计游戏性。在小朋友细听音乐的基础上,请小朋友围在布的四周。在音乐开始前奏开始时,用手捉住布边随音乐节奏摆动身体,使布跟着产生海浪般的波浪。这样简单而且易使用。幼儿的兴趣也会提高。课堂气氛活跃。 2、的内容设计情节化,趣味化,这点很重要。记得有一次上中班音乐课《买菜》第一堂课没使用游戏教学法,孩子就觉得缺乏兴趣。可我第二堂给另一个中班上时,就加上情节化教学。画出太阳,蔬菜,奶奶,小孩子,并请小朋友来扮演各种觉色时。顿时整堂课的气氛马上活跃起来。并且非常融洽,幼儿对每个音乐的角色都感兴趣,不自觉地被吸引到其中,得到训练。 3、发声练习也要做到游戏化。每节教育唱歌之前用各种小游戏做简短的模式发生声练习,训练用自然好听的声音唱歌。如看动作发声;或看图片内容发声;或由老师即兴用歌声问,发挥想象即兴创编歌词回答;也可让幼儿模仿各种车辆或小动物的声音。 二、教学形式的游戏探索性 1、音乐玩具游戏中培养幼儿的音乐兴趣 音乐玩具可培养儿童对音乐的兴趣。可以为儿童准备广泛的发声器材,如盆、筒、罐、锅、瓶、铃铛、金属杯、匙、碗、筷子、尺、铅笔、橡皮、纸、塑料制品等;让儿童有机会随意玩耍这些器材(当然这些东西不能一下全给儿童,可以分期分批出现),利用它们发出的各种不同声音,认识声的属性,知道声音可轻可重、可长可短、有高有低,有的声音清脆悦耳、明亮动听,而有的声音则沉闷、粗糙等等。儿童在动用这些发音器材时,还能自然地掌握最基本的节拍感,他们敲打这些器材,无形中形成各种简单的节奏型,进一步发展到几种节奏型的组合。 名种敲打玩具如小锣、小鼓、小木琴等,因其声音清脆响亮也非常受孩子的喜欢,开始可让孩子随意敲打,亲身感受。比如沙锤是用来打节奏的,孩子可以在任意敲打中用自己的方式体验音乐中的节奏,去想象音乐中的世界。手铃是用来发出声音的,通过孩子手臂的晃动发出声音,节奏与旋律由此产生。有了亲身的感受后,可以让孩子进一步学会正确的有节奏的敲打,如在老师弹琴或唱歌跳舞时让孩子伴奏敲打,这样更增加孩子的兴趣。 2、用特殊的符号游戏帮助孩子了解音乐 可以尝试让孩子用一些常见的符号来表现音乐。比如老师在黑板上画了些符号,让孩子借助这些符号来欣赏玩具进行曲。随着音乐的播放,老师在前面用小棍演绎着这些符号,孩子越来越深入地了解这上首乐曲的节奏、结构和风格,如临其境地体会到玩具士兵们由远及近再走远的整齐而有节奏的步伐,由此更使他们清晰地记住这首曲子。 还可以让孩子自创符号和图形来帮助孩子们理解并记录音乐,因为对孩子来说,可爱有趣的图形比空洞的说教更容易使他们接受。 幼儿在多样游戏地感受活动过程中,不知不觉地感受了音乐,培养幼儿一直高兴的在用心地听、看、并情不自禁地跟着学唱,自觉地投入到活动中去,在这种热闹愉快的环境中,将音乐学习与幼儿的活动融为一体,使幼儿能自觉地去听,去唱,去动,不仅提高了学习的效果,使学习过程轻松愉快,而且具有培养高层次审美意识和审美能力的长时效应 三、教学方法的游戏性。 1: 在玩中学。 在音乐游戏《袋鼠》中,幼儿在玩中学会了音乐游戏,这种边玩边学的教学方法,使幼儿玩的高兴,对游戏规则记得特别劳。 因为:⑴在玩中学,主要利用幼儿的好奇,在玩游戏的过程中出现了一个一个规则,使幼儿自始至终保持着极高的兴趣,对游戏规则进行探究。 ⑵在这种玩中学的过程中,利用“顿悟说”的一种认识理论:猎人打枪,狼倒下后,时有所领悟,对情境的直觉结构豁然改变,领悟到:“猎人开枪,狼倒下后我们不能动,因为还不知道狼死了没有,一定要等猎人检查后,说大灰狼被猎人打死了以后才能动。”所以对这个游戏规则记得特别劳。 2、灵活,正确地使用示范方法:示范法对老师来说是示范,对幼儿来说是模仿。 幼儿有好模仿的天性和本能,因此在音乐教学中提供正确的、熟练、富有表情、能正确地体现作品音乐形象的示范,供幼儿模仿,在音乐教学中是一个很重要的教学方法,但不能只让幼儿单纯机械和模仿,排除幼儿的想象力和创造性。因为每一个幼儿都是具有与众不同的天资,都有创造的需求,更不能排除幼儿对主体对元素的能动发现以及不同于他人的独特的组合能力。 因此教师在教学中也要使幼儿善于模仿并且发现儿童的创造表现,要用满腔热情鼓励和指导儿童。 音乐游戏课是一种以人为本的音乐教育方式,使孩子自发主动地学习,它的所有表现形式都能为孩子喜爱并接受,它推崇主动学习音乐,注重创造力的培养和想象力的开发,还能使孩子在集体活动和配合中学会与他人合作及分享,所有这些可以使孩子更快更好地掌握音乐知识,培养音乐感和音乐的创造力,达到综合素质的提高。与传统教学法相比,师生互动,老师高兴,孩子有成就感,并以培养多方面发展潜力为目标,在这种情况下,真正给了孩子一个自由快乐的童年,尽享艺术的真善美。把音乐推向本性,提高幼儿音乐兴趣,使幼儿喜欢上音乐课并愉快的投身于活动中,从中得到发展。也使教师在组织活动时,更得心应手,效率更高。并且使幼儿喜欢音乐,更喜欢上音乐课。同时也会使幼儿的音乐从小就有着扎实的基础,较高的悟性。 (作者单位:吉林市昌邑区第三幼儿园) 幼儿音乐教育游戏化探讨:如何更好地实现幼儿音乐教育游戏化 摘 要:幼儿音乐教育游戏化就是用游戏化、活动化的方法对幼儿进行音乐教育。目标是对幼儿进行音乐素质和能力及非音乐素质和能力的培养,以音乐教育为手段,发挥音乐教育的整体功能,促进幼儿身心和谐的发展。本文结合实际和笔者教学经验,简述如何更好地实现幼儿音乐教育游戏化,以期为教学实践提供参考依据。 关键词:幼儿;音乐教育;游戏化 幼儿音乐教育是美育的重要组成部分,是促进幼儿全面发展的重要手段。幼儿具有好动、好奇心强、好玩等特点,因此,要对幼儿进行音乐教育,就要想法设法实现音乐教育游戏化。实践提示,实现幼儿音乐教育游戏化,有助于使幼儿不知不觉地参加到音乐活动之中,有助于幼儿在轻松、愉快的氛围中感知音乐、欣赏音乐,有助于培养幼儿对音乐的兴趣,发展幼儿的审美能力。那么,幼儿教师如何才能更好地实现幼儿音乐教育游戏化,使幼儿在游戏化的音乐活动中获得音乐感受,发挥音乐教育的实效呢?笔者认为,幼儿教师应当做到如下几点: 一、幼儿教师要关注幼儿的自主成长,让幼儿成为自己学习与发展的主人,体现音乐游戏化的内涵 实践提示,当前音乐教学游戏化的追求是让幼儿自主成长,体验成长的快乐。这也就是说游戏化的优秀价值就是变“要我学”为“我要学”,或是“将教师预设的教学目标”转变为“幼儿现实的努力学习目标”。因此,幼儿教师需要根据马斯洛的“人的需要层次理论”来设计音乐教学活动具体操作,即基本满足缺失性需要(生理和身心安全需要);激发并鼓励幼儿通过自己的努力去满足发展性需要(认知、审美、自我实现)。只有不断让幼儿体验到这种主体能动性的增长,他们才有可能真正成长为自己学习和发展的主人。 二、在实现音乐教育游戏化的过程中,幼儿教师要增强整体意识,关注所有幼儿的发展 幼儿音乐教育是美育的重要内容,是幼儿全面发展教育的重要组成部分,幼儿音乐教育是为整体目标服务的,单科是总体的一部分,促进幼儿全面发展的活动很多,如有游戏活动、体育活动、生活活动、教育活动、自由活动等等,而音乐教育活动又是教育活动的一个很少部分,所以在对幼儿实施音乐教育时,头脑中一定要有整体意识。幼儿音乐教育不是目的,不是培养音乐家、舞蹈家,而是对幼儿实施全面发展的重要手段,是为促进幼儿身体的、社会的、认知的、道德、情感、整体全面的和谐、平衡的发展,为培养完整的儿童服务的。教师有了整体意识,就不会单纯进行单项音乐技术的拔高,自觉地贯彻幼儿园的保教结合的原则,并和其他学科做到自然渗透,有机结合。树立正确的儿童观、发展观、教育观,会把幼儿看成一个整体,看成一个完整的儿童,每一个孩子是一个独立的个体,个性、能力都不一样,就会意识到幼儿的个体差异,就能面向全体幼儿,注意每个幼儿在原有的水平上的提高,注意到育人的根本目的。 三、幼儿教师要注重培养幼儿对音乐活动的兴趣 兴趣是一种积极地认识倾向和情绪状态,是调动幼儿思维、探究、认识的内动力,分直接兴趣(由事物或活动本身引起的兴趣)、间接兴趣(由活动的目的、任务或活动的结果而引起的兴趣)、短暂兴趣(产生于某种活动中,随着活动的结束而消失的兴趣)和稳定兴趣(不会因某种活动的结束而消失的兴趣)。创造性音乐教育的优秀是调动幼儿主体的积极性、自主性,即激发幼儿对音乐活动的浓厚兴趣及热烈的情感。由于幼儿的兴趣不是天生的,而是在活动中培养的,因此音乐教师要培养幼儿对音乐活动的兴趣,就要先发现幼儿的兴趣,并在活动中激发幼儿的兴趣,并使之保持,并进一步再激发,要引趣、激趣、增趣,使幼儿在活动中始终保持良好的情绪,积极的兴趣。 四、幼儿教师要树立以审美为优秀的音乐教育观 幼儿期是人生奠基时期,也是情感迅速发展的时期,正确实施美育,对幼儿个性的全面发展有着极其重要的意义。没有美育,教育是不完全的,对幼儿尤其是这样。所以在实施幼儿音乐教育游戏化,组织音乐活动时,幼儿教师一定要以审美教育为优秀,树立以审美为优秀的音乐教育观,建立起以艺术创造为优秀的审美心理结构,萌发幼儿感受美、表现美(旋律美、节奏美、和声美、音色美、内容美)的情趣,充分挖掘教材的情感因素,采用多种方法,激发幼儿的情感。 五、幼儿教师要注意把握音乐教育游戏化操作各项内容之间的关系 幼儿音乐教育游戏化操作应以听辨为基础。听辨是注意地听、有思考地听,不仅是倾听,还要能有所区别。幼儿只有积极主动地去捕捉周围的声音,才能掌握听辨的技能,提高听辨的能力。在听辨的基础上,有序地、由浅入深地引导幼儿去探索发现音乐之美,然后在歌唱活动、韵律活动、节奏乐活动、欣赏活动中扩展内容,使幼儿获得经验,提高各方面的能力。 六、幼儿教师要遵循幼儿音乐教育游戏化的组织要领 根据幼儿好动的特点,游戏活动要注意律动性,用活动激发幼儿的形体动作,让幼儿在活动中自然地动起来,让肢体和思维相应地活跃起来;根据幼儿好玩的特点,游戏活动要注意情趣性,音乐、动作、活动要能激发幼儿有兴趣,并产生审美的体验和审美的情感。此外,在游戏中要不断提供新的刺激,激发幼儿的好奇心,进而产生浓厚的兴趣,促进幼儿对未知因素的探究,在活动过程中教师要鼓励幼儿独立思考,大胆探索,培养幼儿勤于、乐于、善于观察的习惯。 总之,幼儿教师要凭借音乐游戏的趣味性对幼儿进行音乐教育,将游戏渗透在音乐教育活动中。同时,幼儿教师在音乐教育游戏化过程中,要增强整体意识,关注幼儿的自主发展,注重培养幼儿的音乐兴趣,把握好音乐教育游戏化操作各项内容之间的关系,遵循幼儿音乐教育游戏化的组织要领。只有这样,才能更好地实现幼儿音乐教育游戏化,发挥音乐教育的实效。
影视后期论文:影视后期制作中计算机多媒体技术论文 一、传统影视后期制作存在的问题 (1)在传统的影视拍摄过程中由于受到技术的限制传统影视制作通常采用磁带进行拍摄纪录,磁带的不易携带,在搬运的过程中容易受到损坏。在影视制作的后期进行影视的剪辑工作中,由于技术和工作方式受到传统模式的限制导致影视作品在后期的剪辑工作中主要是进行线性剪辑,就是沿着影视作品拍摄的前后顺序开展剪辑工作,主要使用的组合剪辑的方法将拍摄的内容进行剪辑后形成连续的画面,在根据影视表达效果的不同进行画面的切换,由于技术有限画面只能进行删减修改而无法加长。 (2)传统的影视后期制作工作主要是对拍摄的影视作品进行剪辑,将拍摄的材料剪辑成画面。传统的影视剪辑工作主要依靠的是人工进行,剪辑的质量受到人员因素的影响较大。剪辑人员的水平决定了影视作品的质量。如果出现问题那就是严重的一般会影响影视画面的连贯性。 (3)传统影视后期制作过程中,进行影片的剪辑工作就是单一的将送来的拍摄材料进行剪辑同时对拍摄的材料不能进行增加,在剪辑的过程中一旦出现问题除了将演员召集起来重新拍摄外没有其他更好的办法。这就会导致影片的成本加大,同时也给广大的演员带来不便。 二、现阶段计算机多媒体技术在影视后期制作中的应用 2.1计算机多媒体技术在影视后期制作中的作用 影视作品在发展的过程中不断的引进计算机多媒体技术,并得到充分的肯定。现代技术同影视后期的制作工作的完美结合解决了影视作品在后期制作过程中存在的问题和缺陷。计算机多媒体技术在影视作品的后期制作中充当重要的作用。 2.2多媒体技术的运用充分的保证了影视节目质量 利用计算机多媒体技术进行影片的后期制作剪辑工作可以很好的发挥该技术的特点和优势。首先,利用计算机多媒体技术可以避免拍摄完成的材料在搬运的过程中受到的损坏。能够更好的保证信号的强度。其次利用计算机多媒体技术能够将剪辑的工作进行不同的分工,可以不按照传统的剪辑时间顺序,拍摄顺序进行剪辑工作,这就大大的提高了剪辑工作的效率,方便了剪辑人员进行剪辑工作。再次,数字信号同传统的磁带信号相比具有较强的抗干扰性,即便是进行多次的传输复制都能保证信号的质量,影片的完整性。 2.3多媒体技术的运用提高了影视剧的制作效率 传统的制作为线性编辑方式,而现在更加灵活有效的非线性编辑方式正在广泛应用于影视后期制作。这就使得影视在后期制作时抛弃了以往的方法,可以更加方便灵活的对影片进行剪切和编辑。即使剪切和编辑发生错误,也可以很容易地进行修复。 2.4提供更多的影视创作手段,丰富了影视的表现力 传统的拍摄方法更多的是对拍摄现场的记录和完全复现。现代的数字制作技术是将拍摄现场的所有信息转换为计算机能够识别的信息流,并记录在相应的存储设备之中,这就使得对这些信息流的更改成为了可能。运用计算机的相关软件,我们可以任意添加、删除和更改影视剧作品中的信息,利用影视数字制作技术的强大功能丰富影视作品的表现力,获得超凡的视听盛宴。 三、我国影视后期制作计算机多媒体技术应用策略 从我国当前所制作的影视作品来看,大多数都未达到预期结果。在我国数字影片制作道路中,还存在着很多的不足,因此,必须进一步加强对计算机多媒体技术的改革,确保计算机多媒体技术在今后影视后期制作中获得更长远的发展。 3.1不断提升数字制作技术能力 针对我国自行生产的影视作品分析,国内的影视制作水平是十分有限的。尽管已经取得了巨大进步,创造出一个又一个我们“看不见”的镜头,但在有些影片当中的特效镜头还是非常少的。目前国内影视制作技术依然比较落后,依然有大量先进设备不会应用。 3.2把握好数字制作技术的应用方向 通常情况下,影视作品都是利用图像与声音来叙事的,从而准确传达出创作者的内心情感思想。尽管数字技术可不断提升影视作品的表现力,却不能替代人思想与感情。而从对诸多美国所创所的影视作品我们不难发现,创作出良好的影视作品,并不只是因数字技术能够为人更神奇的视觉效果,更重要的是数字技术和故事情节的完美结合,这样才会使影视作品的主题十分逼真。 四、结语 总而言之,在影视制作的过程中利用计算机多媒体技术进行影视后期的剪辑制作工作不仅能够提高效率同时也可以将影视作品的质量进行很好的保存。事物的两面性告诉我们在看到计算机多媒体技术在影视制作过成中发挥的作用外还应该对其进行更深的了解以便更好的利用该项技术。而不是盲目利用此项技术。以保证影视作品的质量。 作者:王佳音 单位:哈尔滨铁道职业技术学院 影视后期论文:后期制作下影视作品论文 1对影片实施后期加工的三项要点 拍摄影视剧的导演利用脚本能够把全部通过分镜摄制而成的影片整理成材料。在编辑影片时,从事视像后期的人员需要承担的工作就是把这些整理好的片段材料利用电脑软件组合起来,形成一个完整的剧情影片。电影或电视剧最终成效除了取决于演员的表现和导演的表演指导、摄录方式之外,还需要控制最后的合成及加工环节。作品的情节是否紧凑、时间安排是否合理都受后期加工剪接的影响。所以间接的要点就是在将情节完全呈现、时间控制在计划之内,同时还要传达一定的审美美感。 1.2利用特效对原片进行加工 合理利用软件给原片制作一些特效能够突出剧情,提升视觉层面的冲击,但是过度使用特效会弱化剧情,导致影片欠缺情致。所以参与后期制作的团队应妥善运用特效科技,并将适合的效果应用到对应的场面和情节中,这样才能为影片锦上添花。再过去国内视像加工技术尚未成熟、电脑设备还没有得到普及时,后期人员只能对原片进行合成以及简单的镜头分切,但是目前已经能够利用3D软件为剧作制作水、火、雷电特效,还能制作逼真的植物、动物、山水画面以及房屋、宫殿等建筑。在电脑设备通过建模软件对影片进行特效加工及润色能够提升剧情的连贯特点,突出影视作品的欣赏价值。 对于一部影视剧作来说,适宜的后期配乐以及音效加工能够突出剧情性,对情节和画面进行渲染。某一些视像剧作使用的声音和音乐是同期收录的声音,在处理这些声音时,后期人员可以直接通过软件把影片中的杂音消除突出音效,再对原片素材进行简单编辑就能令影片情节前后贯通、顺畅连接。在剪接是除了需要维持情节的完整以及流畅之外,还要注意画面以及音效、背景音乐的是否融合,如果声音过于突兀或情感基调和正在演绎的情节不符,就会影响观众的情绪,降低影片的质量,所以在剪接之前要先准备好素材,在剪接时需要多次审查,务求让音效能够和情节画面协调。例如,当画面正在上演悲情桥段时,音乐就应该低沉、婉转、悲戚,不能加入节奏过快或基调活跃、欢快的音乐。如果可用的音效素材有所限制,编辑音效的技术人员需要对音频进行变奏,将音轨调节到与情节相符的情况。又如,在编制声音后期时,如果画面是浪花拍打海岸、燃放焰火或者打雷下雨就要加入对应的音频材料,音频的时间线需要和影片对应,音量从小到大,在切换镜头时需要逐渐减小音量再跳到下一个场景,防止声音变化过于突兀。 在制作一些魔幻影片时,剧本会涉及许多珍禽异兽、奇异花卉或空中楼阁等虚无飘渺的事物,这些物品可能无法在现实中看到,或者剧组无法去到对应的场地拍摄。为了保障最终成片的效果,就需要通过软件对这些虚拟的元素进行仿真制作,令这些事物能够出现在影片中。要实现这些效果,就要求后期人员掌握3D技术并拥有一定的艺术构想及联想能力,同时还需要多与导演沟通,这样才能制作出符合情节、富有美感与真实性的虚拟事物。在通过电脑利用3D画面编辑软件对虚拟的有生命物体进行制作时,除了要做出该生物的外观,令外观能符合剧本的描述之外,还需要突出生物的思想与情绪。为此,后期人员要重点刻画生物的面部,令其表情生动、鲜活。比如,影片《阿凡达》以及《金刚》中就有仿真的3D生物,这些影片中的动物、外星人都十分逼真,并且情感特点鲜明。 2.2利用后期合成虚拟场景 由于剧情需要,在影片中需要有一些特定场面,比如宫殿失火、大水漫灌、白雪飘飘或者万马奔腾,这些场面都难以在实际拍摄中得以实现。但为了保证影片的情节得到完整呈现,后期团队就需要的通过模拟技术,通过3D科技把场景制作出来。比如,在《泰坦尼克号》有大量海水翻涌、船体撞击、冰山崩裂的场面,这些场面都需要通过软件进行模拟和修饰才能达到逼真效果。 3结束语 总之,一部杰出的电影大片或收视长虹的电视剧作往往在后期方面同样十分出色。后期处理需要前期的拍摄、表演相互配合,才可以令作品呈现出审美方面的美感,并使故事情节得到适宜的渲染,从而凸显剧情的特色,令情节更富有欣赏性。在上面的叙述中,作者依照个人参加电视剧后期加工的经历,重点提出后期制作涉及的关键点。必须对这些要点进行思考,并提升镜头剪接、特效编辑以及音乐配置方面的技能,才能彻底提升的后期编辑的整体水平。 作者:陈美旭 单位:吉林艺术学院 影视后期论文:数字技术在影视广告后期制作的运用 [摘要]计算机信息技术的高速发展,使得数字技术被广泛应用于各个领域。随着多媒体行业的发展,人们对影视广告的视觉效果要求越来越高,传统媒体技术受到挑战。数字信息化技术具有传输效率高、存储空间大、展现效果好等优势,将影视广告的表现手法和展现效果提升到一个新高度。 [关键词]数字技术;影视广告;后期制作 计算机多媒体技术的高速发展,为影视广告行业创造了更大的发展空间,尤其是在影视广告后期制作上,数字技术的应用和推广能提高影视广告的展现效果。我国影视广告行业在不断发展,人们对影视广告的展示效果要求越来越高,绝大多数影视和商业广告都需要进行后期制作。数字技术的应用,可以将影视素材与数字相结合,简化影视广告后期制作难度,提高影视广告画面感,增加影视广告的特效处理。许多优秀影视作品和广告都进行过数字技术的后期处理,比如增加画面的特效感、进行大容量存储等,数字技术有着广泛的发展前景,对多媒体行业的发展有着重要作用。 影视广告现状解析 随着社会经济的发展,多媒体已经成为人们获取信息的主要渠道,影视广告也已经成为商业活动和人们生活的主要组成部分,人们通过影视广告可以获取大批量的信息,商家通过影视广告可以进行产品介绍、图片展示、效果模拟等,由于影视广告具有良好的艺术展示效果,且传播速度快、人们接受程度高,已经成为商业活动中主要的广告形式,深受商家喜爱。 1.影视广告的优势 影视广告不同于传统报纸、广播等广告方式,相对而言,影视广告的可持续性更强,它通过可视化的影视作为载体,不仅有声效传播,还包括影像展示,影视广告传播效果更好,视觉感受更加直观生动,能给人们带来强有力的冲击感,人们接受程度更高。对于企业而言,通过影视广告的传播方式和展现手法,可以更加形象生动地展示企业产品的效果,更具传播性。如今,影视广告已经具有一定规模,并取得了一定的成效。 2.影视广告后期制作 由于在拍摄过程中会受到诸多因素的限制,使得影视广告的初始素材在产品感官和声效上难以达到良好的效果,需要经过后期制作来完善,一般影视广告的后期制作包括素材的剪切、编辑、特效处理等。通过后期制作可以提高影视广告的创意感和视觉冲击力。相对于西方发达国家,影视广告在我国发展的时间较短,相关技术研究较为落后,设备也较陈旧,在后期制作和特效展示方面还存在许多问题。提高影视广告的后期制作效果,能够更加全面细致地描述产品,给消费者带来更好的体验。数字技术对影视广告后期制作的意义随着社会的发展,影视广告已经成为艺术展示的主要形式,影视广告后期制作对影视广告作品起着二次创作和升华的作用。传统的影视广告后期制作技术陈旧,需要投入大量的时间和人力,通过线性剪切和素材修饰来完成影视广告后期制作的方式较为生硬,而且艺术展示效果较差。数字技术的应用可以结合拍摄素材和广告创意进行二次创作,提高展示效果,满足人们需求,为影视广告提供良好的技术支撑。数字技术采用非线性编辑方式,对影视广告进行后期编辑、整合和特效处理。相对于传统的影视制作方式,数字技术的处理方式更简单、易操作,可以达到传统影视广告无法达到的视听效果。影视广告后期制作中,数字技术的推广和应用不仅可以提升影视素材的艺术效果,还可以提高影视广告后期制作的工作效率,对影视广告的发展起着重要作用。 影视广告后期制作中数字技术的应用 数字技术在影视广告的后期制作中起到重要作用,数字技术是通过数字化处理,对影视广告进行三维影像呈现和特效处理,提高影视广告的艺术效果。通过应用数字技术,可以提高影视广告的展示形式和展现技巧,在短时间内体现商品特质,提高人们的关注度。本文通过以下几个维度介绍数字技术在影视广告后期制作中的应用。 1.片头和字幕的处理 片头和字幕的处理是影视广告后期制作的基础,片头和字幕是展现商品特性的基础文字方式,人们通过文字介绍可以直观了解到产品的相关信息。后期制作人员在进行字幕和片头处理时,首先需要了解产品特性,然后通过数字技术对文字进行编辑、设计,提高产品内涵,赋予产品生命。 2.广告内容多维度呈现 由于在拍摄过程中会受到天气、技术、人员等因素的影响,影视广告最终展示效果很难达到预期。在影视广告中,图像、文字、动态效果的展示需要契合影视广告的整体效果来体现。通过数字化技术,可以对表格和图形进行绘制,提高影视素材的展现效果,弥补由于受到拍摄天气、摄影技术等影响造成的不足。通过影视广告后期制作中的数字化处理,可以提高作品的表现形式,优化图形和表格形式,提高用户观看体验。 3.广告动画制作 在影视广告中加入动画效果,除了能提高广告效应、吸引人们注意力外,还能丰富产品的表现形式。在实际拍摄环境的限制下,一些优秀的广告创意难以有较好的表现效果,传统的后期制作方式对创意效果的提高不明显。影视广告后期制作人员可以通过数字技术设备,制造出逼真生动的动画效果,提高影视广告的吸引力,突破传统影视广告制作的局限性。数字技术的发展和运用,不仅能提高广告动画的制作效果和效率,同时对广告展现形式起到至关重要的作用。 4.广告特效处理 影视广告是通过生动的视听效果向人们传输产品信息,一般影视广告的时间较短,需要强有力的视听效果才能吸引人们的眼球。通过实际的影视广告拍摄,难以表现一些恢弘的场面。通过数字化技术处理,可以在影视广告的后期制作中对素材进行抠图、剪切、合成等处理,对实际场景进行虚拟化,将广告创意体现得淋漓尽致。数字技术的应用,突破了传统的表现形式,制造出逼真的动画效果,使影视广告后期制作效率得到提高。 5.镜头剪切和声效处理 一个成功的影视广告作品需要良好的视听效果,也就是说在视觉感官和声音效果上,都要进行修饰和处理。根据广告创意,首先需要进行初期的素材采集,然后按照创意要求进行后期制作。通过数字技术可以对素材进行剪切、整合、编辑、重组等非线性编辑,使影视广告画面感更强、连贯性更好。通过计算机软件,对影视广告的音频特效进行处理,实现音频和声音同步,使广告的视听效果达到最佳。在影视广告中,所有的特殊处理方式都需要通过数字技术来实现,数字技术为影视广告带来的不仅是便捷,更是对广告视听效果的升华。 6.数字化存储 胶片和磁带是传统影视广告存储的主要载体,存储空间有限,容易受到人为的损坏,而且不易保存。数字化存储技术相对于传统存储方式而言,更加便捷、保存时间更长、存储空间更大、不易受损。随着计算机科学的不断发展,数字化存储技术也越来越先进。数字化存储依托计算机系统,通过视频压缩技术、云存储技术对影视广告材料进行存储。数字化存储是一种虚拟空间的存储,不仅可以提升存储空间,而且不易丢失或损坏,具有良好的稳定性。数字化存储对影视广告素材的保存起到重要作用。 结语 随着高科技的不断发展,影视广告行业发生了深刻变化,影视广告的灵魂在于广告的创意,传统的影视广告后期制作模式的局限性,无法达到二次创作的效果,不能满足人们对广告视听效果的要求。数字技术的应用和推广,可以提高影视广告后期制作的效率,突破传统模式的局限,对广告素材进行二次升华创作,达到广告创意的效果。 作者:王廷强 赵枫 影视后期论文:影视后期制作对影视作品的应用 【摘要】影视作品的后期制作包括镜头剪辑、特效合成、声音剪辑,经过这些步骤,能够使得前期拍摄的影视素材完美衔接在一起,组成一个丰富饱满、情节紧凑的作品。应用影视后期制作技术,技术人员能够对影视画面进行处理,营造良好的影视氛围,再通过影视特效的加入,尽量还原故事场景,塑造一些无法拍摄出来的虚拟场景,为观众献上一场视觉盛宴。 【关键词】影视后期制作;影视作品;应用 一、影视后期制作流程 (一)镜头剪辑。影视作品的拍摄方式为分镜头角本拍摄,在后期需要通过镜头剪辑,将这些破碎的分镜头组合排列在一起,将所有影视素材连接起来,组成一个剧情连贯、场景衔接良好的作品。良好的镜头剪辑能够营造出符合作品主旨的氛围,是整个影视作品艺术审美的体现。镜头剪辑考验后期制作人员对于影视作品的理解,以及对于镜头表达能力的诠释。一部好的影视作品,能够在有限的时间内完整地传达出所有的信息,并且采用留白的艺术表达形式,让观众发挥想象,为作品增色添彩。(二)特效合成。目前,以3D电影为代表的高科技影视作品在市场上广泛流传,受到消费者的青睐。这些科幻、动画作品就是后期制作技术发展的产物。特效合成就是利用现代化计算机技术,合成现实拍摄无法完成的影像的方式。比如说《变形金刚》系列作品,就应用特效合成了主人公形象——变形金刚,赋予了主人公与人一样的神态和感情,同时又还原了变形金刚拥有的神奇变形技能和格斗能力,将一些只存在与人们想象中的景象甚至人物还原了出来。(三)声音剪辑。声音是影视作品中的一个重要构成要素,在进行后期制作时,需要对画面进行剪辑,同时还需要对声音进行处理,比如说配音、配乐等。影视作品的配音有两种形式,一种是同期录音,在后期进行声音剪辑时,要根据画面的剪切进行声音的剪辑,确保配音的完整性,能够与故事情节、画面相契合;另一种是后期配音,这样的配音形式对于声音剪辑的需求不大,因为一般是配音演员根据剪切好的画面按照台词配音,在后期只要对音量等进行简单调节即可。好的影视作品,其配乐往往也是比较精彩的,能够与故事主题契合,起到渲染氛围、辅助创设情境的作用。 二、影视后期制作在影视作品中的应用价值 (一)对影视画面进行处理。前期拍摄的画面,还需要通过后期制作对其进行整体加工,对色彩饱和度、亮度、对比度等进行细微调整,以保证最契合主题的画面效果,带给观众震撼感动的感官体验。影视画面的明暗对于呈现场景的氛围具有重要作用,一般情况下,在悬疑片中会采用较为暗沉的色调,比如说《恐怖游轮》中大部分在邮轮内的场景,其色调都是较暗的;而一些明亮的暖色调通常都会用于爱情片、喜剧片中,比如说韩国影片《喜欢你》及英国影片《赤足》,整体色调轻松明快,营造出浪漫而愉悦的氛围。(二)影视特效的加入。现在的一些大制作影片,都利用了高新科技做出逼真的影视特效,尤其是在一些科幻电影和仙侠电视剧中,最近大热的一些国产IP电视剧《花千骨》《诛仙》《择天记》等,这些剧中主人公飞檐走壁、御剑凌空,其实都是依靠后期,需要加入影视特效才能够呈现出这样的场景。后期制作技术的发展,对于国产电视剧的发展具有较大的推动作用。中国是一个具有武侠、仙侠情节的国家,特效合成技术的落后,制约了这些文字作品的影视化。当年大热的电视剧《西游记》,就应用了一定的特效合成技术,虽然相对落后,但可谓是中国仙侠剧的开山鼻祖。(三)影视场景的塑造。有些影视场景是无法呈现出来的,比如说行星撞地球,而有些场景,其拍摄成本比较高,比如说《泰坦尼克号》中游轮沉入海底,为了尽量还原出剧情中的真实场景,同时降低拍摄成本,影视制作者通常会通过后期制作来完成上述场景。在拍摄时,先用虚拟场景,再通过后期的特效合成,与剪辑组合,将一些震撼性的场景还原出来,这样一来,不仅能使整部作品的情节连接紧密,而且能够有效提高作品的技术含量与创作质量。 三、结语 目前,影视作品创作市场竞争激烈,并不是所有的作品都能够得到观众的青睐,创下收视新高。通过影视后期制作,能够让整部作品变得更加完整,情节衔接变得更为紧凑,对于提高影视作品质量具有积极作用。如今,一些大制作电影都喜欢通过特效合成及影视场景塑造来创造震撼人心的画面,而事实也证明了影视后期制作的价值,比如说《速度与激情7》轿车飞跃楼层的场景,在震撼观众心灵的同时,也满足了观众的猎奇心理。 作者:宋超 单位:河北传媒学院 影视后期论文:计算机多媒体技术对影视后期制作的应用 摘要:随着数据时代的快速发展,计算机多媒体技术不断地融入各行各业,其中,影视制作尤其需要运用到大量的多媒体技术,来对影像作品进行修饰。文章简要阐明了影视后期制作过程中存在的不足,并针对多媒体技术在后期制作中的应用作简要探讨。 关键词:多媒体;影视后期制作;应用 引言 计算机多媒体技术在影视后期制作中的应用普及,对影视后期制作人员的综合素质要求越来越高,影视行业需要高素质的后期制作团队,来为更多经典的影视作品服务。如今全球的影视力量越来越雄厚,不同国家的文化底蕴也给大家带来风格各异的影视作品,但影视后期制作中的编辑流程和特效审美是大同小异的。 1老式影视后期制作的缺点 在原来还不具备数字电影摄影机时,人们都是采用磁带进行录制的,采用线性编辑,编辑人员必须对相关镜头的组接做出准确的判断,在编辑之前就要对影片的前后顺序做好构思,一旦编辑完成之后,镜头的组接顺序就不能轻易改变了,后期也不便于修改。由于编辑人员个人水平参差不齐,不能过分地依赖剪辑人员,可能会造成影片镜头衔接不顺畅,如果造成实在无法挽回的剪辑失误,不但要把影片相关人员(服装、化妆、道具)召回重新进行拍摄,还必须承担额外的拍摄成本,耗费了大量的人力物力。 2多媒体技术在21世纪影视后期制作中的应用 2.1多媒体技术的作用 计算机多媒体技术越来越多地被运用到影视后期制作中,其中又涉及许多软件与硬件之间的配合使用,正好弥补了传统影视的缺点。2.1.1保证了影视节目质量数字电影机不断发展,和传统磁带摄影机相比,画质有了很大提升,从原来720P到如今4K,6K分辨率[1]。更为便捷的画面存储方式,以SD,CF卡为代表的存储介质,更方便快捷的、读写拍摄的镜头画面,由于数字信号有较强的抗干扰能力,使得影片画面在传输过程中更稳定。2.1.2提高了影视作品制作效率和以前线性编辑方式不同,如今广大后期制作人员普遍都使用了非线性编辑软件来制作影片。如果制作人员有备份的剪辑文件,就再也不用担心剪辑发生错误。制作人员可以随意替换到之前保存的剪辑状态,可以很容易地进行修改,还可以整体预览剪辑好的影片片段。2.1.3更丰富的制作技术支持,强化了影视作品的表现力值得一提的是如今各类大片容易见到的“抠像”技术,随着人们对影视作品的要求越来越高,复刻真实的生活画面已满足不了观众的审美。借助于3D视觉后期特效的成功运用,越来越多的摄制团队热衷于室内“绿幕”拍摄[2]。2.1.4降低了制作的成本如今主流的影视后期制作采用的是非线性编辑模式,这一方式的出现大大降低了制作的成本,很好地控制了制作过程的准确度。从原来多台设备才能完成制作完善到如今一台电脑就能统筹所有。在计算机安装专业的编辑和特效制作软件后,能体验功能完善的编辑过程,完成特效合成处理。 2.2计算机多媒体技术对影视制作带来的改变 2.2.1后期特效制作的改变依赖于计算机多媒体技术的飞速发展,后期特效功能越来越强大,制作人员可以通过在指定的一个场景建完模型、动画、材质贴图等全套工作,还能对光线强度、形态进行设定,利于这些技术来完成影视作品的特殊效果,并最终获得更生动、形象的三维动画[3]。更关键的是,计算机多媒体技术可以创造出许多现实生活中不存在的场景或者人物,可以将无法拍摄的场景和真实的人物恰到好处地融合在一起,使观众体验到日常无法想象的真实感。2.2.2后期剪辑的改变计算机多媒体技术对影视作品的后期剪辑有很大的影响,它能够使影视编辑与剪辑变得更加方便高效。在制作软件中可以随意调动每个画面的时长以及镜头组表达的前后逻辑性,可按照要求添加画面转场,对单个或多个画面进行调色处理,更贴切地表达画面语音,使观众有身临其境的感觉。此外,在音乐制作方面,计算机多媒体技术也可以对音乐进行特效处理,来达到人们所需要的效果。 2.3计算机多媒体针对影视后期制作的提升 2.3.1计算机整体硬件配置的提升近年来,虽然为了达到影视后期制作特效与剪辑完成度而对计算机配套硬件性能做了很大改良,但是却始终无法满足创作人员的工作需求。例如在影视后期3D场景特效制作中,三维软件已经提供了4个默认的摄像机位,分为顶视图、正视图、侧视图和透视图。而每个面都要做不同的处理,才能符合逻辑思维。不仅要考虑空间存在感,还要兼顾光源的衰减、环境雾、景深等效果。通过渲染数以万计的图像,最终才能得到想要的画面,这就需要对计算机硬件有一个较大的提升。2.3.2影视制作配套软件的提升伴随着多媒体硬件性能的提升,致力于影视后期制作的特效软件也有了长足的发展。软件自身功能的不断完善,其协作性和开放性也不断提升。原来软件不兼容的问题得到了很好的解决。随之越来越多的插件并入,使新版本软件具有更高的集成化。一套完整的软件制作包也是影视后期制作未来的发展趋势,为制作人员带来更丰富的效果处理选择,更利于创作出观众喜爱的影视作品。 2.4具体应用举例 2.4.1绘制图像与视频绘制图像在影视专业有一个专业的名字叫作数字绘景。数字绘景是影视行业发展下的产物,它是因为在影视拍摄过程中,很多实景无法满足导演、剧情的需要,但是又为了不影响影视的表达效果,或者能够达到导演理想中的场景,从而形成了数字绘景。现在都是通过电脑数码来绘制数字绘景。数字绘景既可以用来对已有场景进行扩充,也可以用来创建一个完整的场景,同时还为导演和剧组节约不少搭建场地的费用。2.4.2跟踪动态影像影视作品为了表达某种特定效果时,制作人员会遇到要求某一特效素材层始终跟随另外一个素材中的指定画面内容进行空间、角度和比例上的变换,这时就要采用“跟踪”特效的合成方法来解决问题了。例如好莱坞电影中电影拍摄基础提到的汽车摄影,利用动态跟踪影像技术,可以达到拍摄两台车辆之间的相对静止。 3我国影视后期制作发展方向 和全球知名影视制作团队相比,我国目前影视制作行业存在一定的差距。影视后期制作作为一个新型的专业,其发展必须要与国际接轨,建设具有中国特色的影视后期制作行业也是在不断摸索中前进的。欧美、日韩的制作方法不能全部生搬硬套,必须进一步加强对计算机多媒体技术的改良,开创一条符合自身国情的影视后期制作之路。 3.1提升影视后期制作综合能力 虽然我国影视作品内容较为丰富,但就影视后期制作水平来说,其技术和外国顶尖后期制作团队还有很大差距。国内影视作品中对特效的运用普遍较少。因此,必须重点培养一批优秀且艺术价值观高的人才,提高我国影视后期制作的综合水平,并配备国际先进的后期制作设备和相关软件。 3.2正确认识后期制作应用方向 一般情况下,一部影视作品离不开画面和声音,由声音和画面共同作用来表达作者传达给观众的思想。虽然数字技术可不断提升影视作品的表现力,来达到更加完美的表达效果,但是数字技术却不能替代人的思想与感情。观摩众多好莱坞的影视作品,我们可以知道,想要拍摄出好的影视作品,并不仅仅是后期特效做得多么逼真和震撼,最重要的还是特效技术和叙事主题的完美融合,只有将后期制作技术与拍摄内容无缝对接,才会使影视作品的主题更加鲜活。 3.3开拓后期制作新道路 从目前我国影视作品暴露的问题来看,很多影视作品不仅仅是缺少摄制的经费和先进的后期特效技术,更缺乏丰富的想象力与创造力。要想我国的影视作品更上一个新的台阶,还需要影视行业不断探索,结合我国的实际情况,探索出一条符合我国影视行业发展的数字化道路。 4结语 综上所述,在竞争如此激烈的今天,计算机多媒体技术正如一股清泉,解决了影视后期制作的燃眉之急,为影视行业带来更广阔的发展空间。但我们不能仅仅满足于现状,还需更清晰地找出更多的可运用空间,弥补其中的不足,以此获得更适合自己的应用效果,共同推动我国影视行业健康持续地向前发展。 作者:钱力航 单位:安徽职业技术学院 影视后期论文:计算机多媒体技术影视后期制作研究 【摘要】计算机多媒体技术,多用于影视后期制作,其可以为影片带来特殊的视觉效果。本文针对计算机多媒体技术下的影视后期制作进行研究,论述了计算机多媒体技术下影视后期制作的范围,计算机多媒体技术下影视后期制作面对的问题。我国的计算机多媒体技术相对落后,对于影视的后期处理,多采用于国外的技术,导致我国对于计算机多媒体技术,自主研发意识不强,计算机多媒体技术无法从根本上提高。 【关键词】计算机;多媒体技术;制作;影视 前言: 影视行业的发展,推动着中国经济的发展,随着中国影视也的快速发展,对于影片的后期制作要求,也越来越高。计算机多媒体技术对于影视后期制作,起到十分重要的作用。计算机技术对于视频图像的处理,为影视后期制作带来便利,减少人工成本,节省财力,提高影片效果。计算机多媒体技术,对于影片的场景,人物形象进行加工,进行特效渲染,制造出科技玄幻的场景。计算机多媒体技术对于视频图像的处理,是计算机科学重要组成部分,它的出现为影视行业做出巨大贡献。 一、计算机多媒体技术下影视后期制作的范围 1.1计算机多媒体技术对于视频图像的处理 计算机多媒体技术是多媒体编码、多媒体采集技术、编辑技术的组成体,其可以提高作品的画面感,提升作品的质量,带给观众更加炫酷的效果。计算机视频图像处理技术,是计算机多媒体对影视作品,进行后期的加工处理,对影片进行剪辑,对环境、画面进行特殊处理,添加各种特效的技术。视频图像处理技术,加快影视后期制作的速度,为影视后期制作带来便利,减少人工成本,节省财力,提高影片效果。视频图像后期制作,为小成本电影提供机会,促进独立电影的发展。计算机多媒体技术对于视频图像的处理,是计算机科学重要组成部分,它的出现为影视行业做出巨大贡献[1]。 1.2计算机多媒体技术对于动态影像的加工 动态影像加工对电影行业的进步,具有重大意义。在计算机技术未被应用之前,影视后期制作技术落后,操作手法受限,影视作品仅靠简单的剪辑与拼接进行后续处理。计算机媒体技术的动态影像加工,可以为影视作品添加特效,进行人物动态处理,添加柔和的光影,设计气势磅礴的场景。动态影像加工多用于玄幻、科幻类影片,此类影片需要展现出玄幻科技的场景,是现实环境中没有的,而动态影像处理技术,正好可以构建影片所需的环境,整体提高了影响效果。优质的动态影像处理,能够造就一部出色的电影,影片中美轮美奂的场景,人物的特技,都是动态影像处理完成的。计算机多媒体技术动态影像加工,为电影业带来便捷,为影片添加更真实的玄幻效果[2]。 二、计算机多媒体技术的影视后期制作面对的问题 2.1计算机多媒体技术水平落后 电影行业是我国经济发展的重点行业,国家给与大力支持。虽然我国在影视后期制作上取的一些成绩,但是与国外技术相比,我国扔处于落后阶段。我国的影视行业,后期制作技术水平落后,影片的制作效果、场景描绘,很大程度上不逼真,效果生硬。影片的处理手段劣质,明显存在处理痕迹,与美国的影片相比,3D效果、场景设置、人物特技,都存在较大差别。国外的计算机多媒体技术,在影片处理上十分自然,与实际场景融为一体,带给观众良好的观影感受。对于我国计算机多媒体技术水平低的问题,应该根据自身特点,吸取国外的技术,进行自主研发,从而提高计算机多媒体技术水平[3]。 2.2制作速度慢抄袭率高 基于我国的计算机多媒体水平落后,影片的后期制作,多采用国外的技术进行处理。虽然采用国外的技术,但仍与原创技术有所差别,经常模仿国外技术,导致国内对计算机技术缺乏自主研发意识,使得我国在计算机领域技术薄弱。在发达国家,具有专门的团队与充足的资金,进行计算机多媒体研发。其后期影视制作具有较大的规模,展现出丰富多彩的视觉效果。我国的影视后期制作中,技术水平落后,资金存在不足,导致制作速度较慢,制作规模较小。制作速度慢抄袭率高,是我国影视后期制作的基本特点。 三、结论 综上所述,本文通过对计算机多媒体技术下影视后期制作的范围,计算机多媒体技术下影视后期制作面对问题的论述,表明了计算机多媒体技术对于影视行业的重要性。现今我国的计算机多媒体技术比较落后,我国应该大力开展计算机技术自主研发,提高我国计算机科学技术,为影视行业的发展提供便利。 作者:杨桂娟 单位:内蒙古电子信息职业技术学院 影视后期论文:数字影视后期编辑与特效合成制作探索 摘要:对于数字影视而言,其后期编辑与特效合成都离不开计算机技术的支持。目前,我国在这一领域的研究越来越成熟,使得影视作品的后期制作与特效合成拥有无限的可能。本文在对数字影视后期编辑进行分析的基础上,提出特效合成技术,希望对今后的数字影视后期编辑与制作有一定借鉴意义。 关键词:数字影视;后期编辑;特效合成 从20世纪60年代开始,影视作品就将新颖的计算机技术运用到后期制作中,以此来加强画面感。从这一个时代开始,影视业就进入了全新的发展阶段,而数字影视后期的编辑与制作将计算机技术运用得越来越纯熟,使得图形处理更加美轮美奂。例如,科幻电影就可以通过后期制作展现现实生活中无法实现的场景以及音效,这也是现代电影最吸引观众的一点。所以,本文就数字影视后期编辑与特效合成制作进行了具体的分析。 一般来说,制作影视作品包含三方面的工作:前期准备、实际拍摄以及后期制作。前期准备主要是策略与准备,实际拍摄则是利用摄像机或者摄影机来记录画面,后期制作则是整理记录的画面信息与声音信息,然后根据规划和情节的实际要求来制作特效镜头,并且按照一定的逻辑来整合并剪辑所有的素材,最后完成影视作品。传统的剪辑,也就是纯手工的剪辑。传统的剪辑,人们都要先冲洗拍摄阶段的拍摄底片,然后制作成工作样片,最后再剪辑工作样片。具体来说,也就是在剪辑样片之前,剪辑师需要挑选出符合要求的镜头,然后根据胶片剪开的先后顺序,使用胶水将其粘在一起,然后在剪辑台上观看其组合的效果。可以看出,原本的影视后期剪辑属于非线性的方式,但是这一种剪辑无法制作特殊的场景,如无法实现两个镜头之间的叠画制作,并且画面的颜色也很难调整,这样的纯手工后期剪辑会消耗大量的人力和时间。[1]另外,人们还可以通过编辑机来完成影视编辑。对于编辑机而言,放像机和录像机是主要的构件,编制人员通过放像机就可以选择出合适的素材,然后记录到录像机磁带上,进而循环往复。如果编辑机的配置达到一定的要求,也可以完成特效制作,如制作叠化和划像、调整画面色彩等,这就是编辑机比人工先进的地方。但是在磁带中画面的排序是一定的,无法随意添加或者删减镜头,除非重新记录修改点之后的所有画面,所以这一种编辑方式也可以将其称之为线性编辑。对于数字影视后期编辑,主要是通过计算机来完成影视作品的剪辑。基于计算机技术的影视编辑属于非线性编辑,主要是根据具体的要求,对于已经排列好的镜头进行添加和删减的操作,确保能够满足特效镜头的高质量要求。如果进一步拓展软硬件,还可以完成更为复杂的特效制作的任务。利用计算机技术来实现数字影视后期动画与特效的编辑,就是利用数字合成技术来组合素材,进而呈现出完整的影视节目。[2]对于影视业而言,后期的数字影视编辑是一大进步,不但可以减轻人们的工作负担,同时又能提升工作效率。 二、数字影视后期特效合成制作技术 数字影视的后期特效合成制作,主要是利用计算机本身的图像处理技术(在数字合成的时候,就需要硬件与软件的配合使用,一般来说,常用的软件包含AdobePremiere、Paint、AfterEffect等,并且随着软件功能越来越强大,几乎可以满足人们任何的特效镜头的要求[3]),然后将一些无法利用拍摄来呈现的场面添加到影视作品之中,如影视作品中出现的火山喷发、大爆炸或者洪水等,都可以通过特效制作完成;另外,也有部分利用摄像机无法拍摄的,但又是影视作品需要的画面,如八大行星的转动、日食等画面,都是利用后期的特效制作完成的。当然,通过特效处理,也可以让我们的拍摄环境变得更加简单,为已经完成拍摄的画面添彩。例如,前一段时间热播的影视剧《花千骨》当中就有很多御剑飞行的画面(如图1),其拍摄都是在绿色幕布的环境下完成的,然后在后期增加特效,而观众看到的就是经过特效制作之后呈现出来的画面。当然,利用后期特效处理,也可以将原本不属于同一个空间的场景组合起来。例如,电视剧中,男主角和女主角都分别在自己家里,但是从电视画面中看,似乎两个人就只隔了一堵墙。但是我们需要注意,这里所使用的特效并非是画面的简单拼接,而是在播放之前,需要单独处理每一个画面,然后再将其合并。随着3D技术的日益成熟,其被广泛地应用到了影视作品的后期特效合成制作当中。例如,《阿凡达》在拍摄过程中就是利用的3D摄像系统,给观众呈现了一场视觉盛宴。利用数字影视作品后期的特效制作,就可以让整个作品呈现出层次感和饱满感,甚至可以让观众产生一种身临其境的感觉。 三、结语 现阶段,数字影视后期制作与特效合成已拥有一定的规模与体系,并且其发展速度也越来越快,对于今后影视业的发展起到了巨大的推动作用。当然,配合使用国外的先进技术,也可以进一步完善我国的后期制作与特效合成方法。 作者:陈凤启 单位:北京信息职业技术学院 影视后期论文:影视后期制作在影视作品的应用 摘要:随着社会的发展,人们的物质需求基本得到了满足,但在社会文化需求方面提出了新的要求。如今,影视作品越来越受到大众的喜爱,所以大家对电影的镜头和画面有了更高的要求,而这对于导演和剪辑师来说,也是一项巨大的挑战。本文从影视作品后期制作的概念出发,研究影视后期制作的具体方法,并通过分析指出电影后期制作中的特效制作技术,希望对实际的电影后期制作的发展有所启发。 关键词:影视制作;后期制作;应用分析 在电影的制作过程中,影视后期制作技术越来越重要,为了更加全面地了解影视后期制作技术,本文通过研究分析,从影视后期制作的概念出发,具体得出后期制作技术主要包括对拍摄画面的剪辑、对拍摄时产生的声音的剪辑以及针对特效的制作。在特效的制作方面主要表现为两种,即虚拟的场景制作和画面的共现制作,希望能够为观众带来更好的观影体验,为实际的电影制作带来启发。 一、影视后期制作的概念 影视后期制作,就是指利用在拍摄中得到的素材,运用现代的科学技术,主要通过三维动画和其他合成手段制作特殊镜头,通过把镜头剪辑到一起,并为影视作品加上声音,最终形成一部完整的影片。后期制作对于影视作品的意义十分重大,会产生重要的影响。一个完整的后期制作主要包括三个方面:对影视画面镜头的剪辑、对画面进行特效的制作、对镜头画面中声音的剪辑。 (一)镜头的剪辑 在影视作品的后期制作之中,镜头剪辑是最基础的部分。这个部分主要是通过对影视作品拍摄的镜头画面进行剪辑和重组,对影视作品中的镜头作出大概的排列。主要方式:是在电影或制作人的意见指导下,对影视作品中的镜头进行有计划的剪辑,然后进行重新排列组合,使之前杂乱无章或顺序错乱的镜头变为一个有条理、有顺序性、逻辑性的故事镜头。当然,剪辑方法是多种多样的,不止一种。[1]从另一个角度来说,一部影视作品的好坏和导演的思维方式有很大的关系,同时,和剪辑师的剪辑技术也有重要的关系。在具体的剪辑过程中,后期制作技术优秀与否也会影响影视作品的成品优劣。 (二)声音的剪辑 在影视作品的后期制作之中,针对声音的剪辑也是非常重要的一部分。声音剪辑主要是针对镜头画面中录取到的画面音和画外音进行处理,最终达到使声音服务于镜头画面的效果。声音剪辑的方法有很多,一方面,可以采取后期录音的方式,这是一种较为简便的方法,通过对已知镜头的了解,然后以按部就班的方法来录音,大大方便了剪辑师的工作。另一方面,可以针对在拍摄过程中收集到声音进行插入式的方法来使镜头画面和声音达到一致,这主要考验的是剪辑师的声音敏感度,因为这不仅要对画面的镜头有所掌握,还对声音的敏感度有较高的要求,同时还要注意到背景声音的添加等因素。[2]举个例子来说,在一个欢乐的场景之中,要注重对背景音乐的把握,剪辑师要选取比较欢快和充满积极的音乐添加到背景音乐之中,同时,还要注意对具体的画面音的把握,防止出现两者相冲突的情况。 (三)特效的合成 在影视作品的后期制作之中,针对特效的制作也是非常重要的一个部分。特效的发展有着悠久的历史,应用越来越广泛,其已经发展成为更为丰富和高端的技术制作。在具体的制作中,越来越多的出现3D技术。在各种的影视作品中,3D技术越来越多地被应用,其能在一定程度上丰富镜头的画面,提高观众的观看体验。特效的制作技术会为影视作品的发展提供动力。[3] 二、影视后期制作的应用 在具体的影视后期制作之中,后期制作的技术为影视作品的画面表达提供了更为宽广的空间,同时丰富了影视画面的内容,为观众带来了更加丰富的观影体验。影视的后期制作能够为影视作品增添很多绚丽的画面内容,渲染背景,在具体的画面展现过程中,更能体现出影视作品的丰富和绚烂。尤其是对一些在实际拍摄过程中没有拍摄到的画面,可以通过具体的后期制作来进行补充。例如,在拍摄场景不允许的情况下想要达到雪花飞舞的效果,可以通过后期制作来实现,防止出现画面空洞的情况。随着各种技术的发展,在影视作品的制作中,会出现越来越多的后期制作的痕迹,后期制作的趋势越来越明显,所应用的范围也越来越广。[4]比如在针对大型建筑的拍摄中,会出现难以拍摄的情况,但应用后期制作就能够满足这一需求,同时丰富镜头画面。另外,后期制作也能够实现百花齐放的画面效果,给观众带来一种新奇和赏心悦目的感官体验。在影视作品的后期制作中,特效制作是影视制作的优秀内容,特效应用主要体现在两个方面,即虚拟拍摄的画面和画面的同时出现。 (一)虚拟拍摄对象 在实际拍摄过程中,会遇到在实际的场景中难以取景的情况。所以这个时候,应用后期制作中的特效制作就显得尤为重要。目前也只有利用后期的特效制作才能够完成这一任务。比如在电影《金刚》中,影片采用了动画、模型、幕布技术等多种手段的完美结合,为观众呈现了金刚行走在原始森林、攀爬到帝国大厦顶端的奇幻场景,这部电影所展现的神奇场景令观众震撼。《金刚》中运用了定格动画和幕布技术的拍摄技巧,即使是到了90年代依然被电影人所借鉴,足见其影响力之深远,可谓开创了一代特效电影之先河。还有在《星球大战》中的特效应用也十分广泛,如给西斯大帝领导的帝国军队披上纳粹的外衣,影片运用了微缩模型拍摄、幕布技巧、特效化妆、给人穿上机器外壳等特效,使传统手段和现代化科技相结合,最终耗资1100万美金将影片制作完成。 (二)画面的共现 在针对影视作品的拍摄场景之中,有的场面不可能在短时间内进行拍摄,但又必须在影视作品中展示这个画面,所以,这个时候就必须应用后期制作技术来完成。比如在电影《ET》中的外星人,小主人公能正常拍摄,但是外星人ET必须通过后期制作来实现,最后,主人公与外星人ET在同一画面中的效果也需要后期制作来完成。[5]而在夺得了票房冠军的《捉妖记》中的萌娃胡巴,在前期无法进行拍摄,就是应用后期制作技术使剧中人物同时出现的。所以,后期制作中的画面共现是一种不可缺少的制作技术。 三、结语 通过上文的研究和分析能够看得出,在影视作品中后期制作有多么重要,对作品呈现的视觉效果影响深远。在电影的后期制作中,主要考验的就是剪辑师的技术和导演的思维方式,因为后期制作技术主要包括对拍摄画面的剪辑、对拍摄时产生的声音的剪辑以及针对特效的制作。特效制作主要表现在两个方面,即虚拟的场景制作和画面的共现制作。只有在全面了解后期制作技术的基础上,才能让影视作品的研究登上一个新台阶。 作者:李景娴 单位:四川省卫生和计划生育宣传教育中心 影视后期论文:影视后期制作在影视艺术的运用 摘要:自21世纪以来,计算机技术高速进步和发展,对于影视作品的制作也起到了十分重要的影响,大大改变了传统的影视制作方法,进一步改善了影视作品的质量。由于现在的影视作品中有许多视觉特效的画面是演员无法完成的,这就需要通过影视后期制作来完善。影视后期制作不仅可以使影片满足观众高标准的视觉要求,同时也大大节省了影视拍摄成本和时间,对提升影视作品的经济效益大有帮助。 关键词:影视后期制作;视觉效果;经济效益 一、引言 在早些年间,影视作品中很少应用影视后期制作技术,但近几年信息技术的快速进步,其对影视作品的影响也越来越大,它在影视作品中的应用大大提高了作品的表达效果。目前,随着我国经济的进步和发展,影视作品的市场需求量不断扩大,影视后期制作有良好的发展前景。 二、什么是影视后期制作 影视后期制作,是指通过计算机技术将已经拍摄好的影视资料进行特效加工和剪辑处理后,做成一段完整影视作品的技术方式。一般情况下,影视后期制作分别由特效合成、镜头剪辑和声音剪辑三个方面组成。 (一)特效合成 特效合成在影视后期制作中是必不可少的。传统的特效合成技术仅仅是镜头的转换等,近几年由于计算机技术的提升,特效合成技术也随之提高,合成效果更加优质,这对提升影视作品的水平大有裨益。 (二)镜头剪辑 影视作品的拍摄完成后,一般都是一段一段的镜头,没有连贯性,我们需要通过镜头剪辑将每一个拍摄的片段连接起来,使其成为一个完整的影视作品。由此看来,影视后期制作中的镜头剪辑对影视作品的水平有着直接影响。 (三)声音剪辑 影视后期制作的过程中,由于拍摄镜头均是片段式的,所以在最终形成电影作品后也需要重新加工剪辑声音,尤其要注意的是声音的前后连接是否流畅以及声音与电影场景是否匹配等。其中,有部分镜头可能会有加入声音特效的需要,以使电影情节更加完善。 三、影视后期制作在影视艺术中的运用 影视后期制作的历史也是比较悠久的,在早期的一些影视作品中也存在一些影视特效等,虽然在现在看来其画面相对比较粗糙,但就当时的技术水平而言,已经足以很好地展现影视作品了。在影视拍摄的过程中,由于条件限制等因素,一些场景无法完成预期的拍摄,通过后期制作可以弥补拍摄中的不足,对已经拍摄好的画面也可以进行进一步加工,使其视觉效果更加突出,画面质量和画面效果都能变得更加优质。 (一)完善影视画面 对影视作品的画面进行调色或者调光等,使得画面达到最佳效果,使得影视作品的场景和人物更加深入人心,更容易将影视作品的观赏者带到影视作品中去,这对提升影视作品的表现力大有帮助。 (二)影视特效融入影视作品 由于电影题材不同,其需要的场景也各不相同。例如,在一些虚拟科幻电影中许多画面是不符合实际情况的,这就需要影视特效来完成。还有一些动作电影里的打斗场面也需要在拍摄之后加入特效,使得画面更加精彩,使作品更加有表现力和感染力。 (三)完善影视场景 在现实中一些影视作品中的场景可能很难实现,所以我们就要通过影视后期制作来完善场景的塑造。例如,在经典影视作品《泰坦尼克号》中有一幕沉船的场景。如果要真实地再现这一场景需要耗费大量的人力、物力并且要实现这一场景的成本实在太高,所以导演就通过特效处理将特效镜头及后期处理共同结合拍摄这一场景,完美展现了当时惊心动魄的画面,满足了观众的视觉需求,同时还大大节约了拍摄成本,对提高影视作品的经济收益起到了重要作用。 四、影视后期制作在影视作品应用过程中的注意事项 (一)确保影片构成严谨合理 在影视作品拍摄完成之后还需要修改和调整影片结构,由于拍摄的影视资料比较多,所以在后期制作过程中要对所有资料进行总结,提炼出严谨合理的故事情节,确保影片结构及人物的完整性及故事的连贯性。 (二)保证影片的连贯流畅 影视作品初期是由一个个镜头组成的,所以在后期制作中要尤其注意各个镜头的衔接是否合理流畅,尤其是动作电影对于流畅的动作画面有着更高的要求。只有影片连贯合理才能符合大众的思维逻辑方式,才能得到观众的认可。 (三)在恰当的时机插入背景音乐 影视作品不能缺少背景音乐,然而插入背景音乐也要根据故事发生的背景选择恰当的时机。只有把握好背景音乐插入的时间,才能将电影画面和背景音乐更好地结合在一起,使得电影情节更加具有感染力。五、结语近几年,我国经济持续健康发展,人们对影视作品的需求也随之增加。这就对当今的影视行业提出了更高的要求。随着计算机技术的不断更新发展,我国的影视作品质量也会不断提升,这将极大地带动影视行业的发展。 作者:郭励 单位:河南电视台 影视后期论文:数字技术对影视广告后期制作的运用 摘要:随着现代信息技术的蓬勃发展,数字技术也取得了长足的进步,并且应用到诸多的社会生产生活领域。依靠着数字技术传输速度快、存储方便、编辑功能强大等优势,将之应用在影视媒体领域,不仅能够实现艺术表现形式的优化创新,而且能够提高观众的艺术审美效果。文章就数字技术在影视广告后期制作中的有效运用进行深入的分析探讨,以期能够为相关读者提供应用参考。 关键词:数字技术;影视广告;后期制作;应用探究 作为影视艺术的一种特殊艺术表现形式,影视广告在延续传统影视艺术的同时也显示出自身的艺术魅力。在计算机技术不断发展的时代,影视广告制作也实现了传统制作方式的革新,从以前的线性编辑逐渐发展成了数字化制作,特别是在影视广告后期制作中,采用数字化技术能够有效地增加整个影视艺术的艺术效果,最大限度的满足观众的审美体验,而且对于影视广告制作来讲也是紧跟时展步伐的必然之举。 1关键概念 1.1数字技术 数字技术是一种借助计算机技术对各种信息数据包括图像、文字、声音等进行加工处理进而实现信息转换,以使计算机能够识别转换后的二进制编码的现代科学技术。具有存储容易、精度高、抗干扰能力强、保密性好、适用性强的技术优点。在关系国民经济的诸多领域及行业,数字技术的应用都越来越广泛[1]。 1.2影视广告及后期制作 影视广告是一种覆盖面极广、宣传效果极佳的广告传播方式,包括视觉要素和听觉要素两部分,通常指电影和电视广告影片。通过多种多样的表现形式实现广告的有效宣传,广泛用于企业形象的宣传和企业产品的推广,基于良好的宣传效应和艺术感染力强、信息传递容量大、形式新颖等诸多优点,其具有极为广泛的社会接受度,为企业形象宣传和产品推广产生了十分积极的影响。在制作流程上主要包括:前期制作、线性编辑以及后期制作[2]。作为影视广告制作的重要组成部分和成型的关键,后期制作扮演着非常重要的角色,主要就是通过将前期拍摄搜集的影视素材依据创作需要进行特技镜头的剪辑和其他数据的信息合成,从而形成完整的影视广告作品。 非线性编辑相对传统的线性编辑而言的,优秀理念是通过计算机技术实现数字化制作。将所有的制作程序都置于计算机系统内部进行作业,实现各种素材调用的瞬间实现,打破传统编辑的时间顺序,依据各种逻辑序列进行排列编辑,具有简便快捷、制作效果好的优势。在影视广告后期制作中运用非线性编辑技术十分必要。 2数字技术对影视广告后期制作的影响 随着信息技术的发展完善和人们审美能力的提高,对于影视艺术提出了更高的要求,而影视广告作为企业形象宣传和产品推广的平台就更加需要实现贴近观众实际的模式创新。在影视广告后期制作中引入数字技术能够让编辑技术人员基于多维度编辑进行影视素材的艺术加工和优化,在减少了技术人员工作量的基础上有效增加影视广告作品的艺术魅力,从而保证作品的艺术感染力和号召力,更好地实现影视广告的社会效益[3]。由于传统的影视广告后期制作常采用线性编辑进行影视素材的美化修饰,艺术效果通常达不到要求,而且有时需要花费巨大的精力和物力去进行作品完善,采用数字化技术,利用线性编辑系统进行影视素材的艺术加工和处理,能够有效提高工作效率和作品的艺术效果。而且借助数字化技术常常能够产生常规制作方式达不到的影视镜头创作,实现影视广告的内容和形式的创新,提升作品完整度和艺术表现力[4]。 2.1数字技术在影视广告后期制作中的应用分析 影视广告需要在短时间内快速地传达出大量的视听信息,而且要能够抓住观众的注意力实现良好的宣传效果,所以这就需要影视广告在后期制作上坚持“新奇特”的创作原则,数字技术的应用能够通过现代技术手段实现这一目标。 2.2数字技术在动画制作中的应用 动画制作是影视广告作品必不可少的部分,通常需要借助动画实现对艺术表现力的最大限度展示,力求给观众带来独特的视觉感受,利用数字技术进行画面效果的丰富是最有效的手段。通过Shake、Motions等技术软件对在前期拍摄制作过程中无法实现的动态影像进行三维或者是多维处理,用三维或者多维动画片段进行动态画面的模拟和表现。数字技术的出现极大地改变了动画制作模式,能够通过技术手段进行更多动态画面的表现。例如“脉动”饮料的广告制作,通过实拍和3D动画模拟实现良好的产品效果展示,达到了良好的产品宣传目的。动画制作是广告作品的一个基本组成部分,而且动画效果的好坏直接关系到广告内容的表现,因此,采用数字技术能够就影视广告作品的外在形式进行更加完美的优化处理[5]。 2.3数字技术在镜头组接中的应用 在制作影视广告作品时常常需要分步骤进行所需素材的拍摄,以达到最好的艺术表现效果,但是传统的线性编辑模式对此有巨大的局限。在完成前期拍摄和相关的影视素材积累的基础上,引入非线性编辑技术进行多个拍摄镜头与影视素材的拼接处理。根据广告作品的创作理念对一些镜头和素材进行非线性编辑的入点和出点设计,并将这些素材内容通过FinalCutPro音视频编辑软件进行某种逻辑序列的编排,之后根据时间顺序将各种不同的拍摄镜头和影视素材进行拼接组合,最后利用蒙太奇手法完成整个镜头和素材的组接,实现完整的广告内容的展示[6]。利用非线性编辑技术能够对镜头的拼接处理实现更加艺术化的处理,避免了传统的只以时间线性进行安排的生硬模式,使作品的表现力大大增加。例如,汽车巨头奥迪公司曾经拍摄了一组奥迪A1的广告,通过将各个机车零件的拍摄镜头进行意识流的拼接和组合,向观众传达出奥迪A1的唯美与舒适,最大限度地表现了产品的性能,能够紧紧抓住观众的想象思维,无形中提升消费者的购买需求。 2.4数字技术在特技制作中的应用 特效技术也是常见的影视广告制作技术,为了达到某种艺术表现效果,满足观众的视觉体验,但是基于实际拍摄镜头具有高昂的拍摄成本的限制,常常需要借助数字技术进行特效合成来进行这一问题的解决。通常来讲FinalCutPro等制作软件都自带有特效处理功能,能够实现淡入淡出、叠化、化变等各种转场特效的制作。此外也可以采用专门的后期特效处理软件进行特效处理,例如AfterEffects,通过在影片中增加三维或者多维技术实现特效表现。一般而言特效技术的运用都是利用抠像技术进行合成叠加,以模拟真实的场景,通过对各种抠像软件的综合运用,将需要处理的画面从前期拍摄的背景中分离出来,在此基础上利用合成、跟踪、三维等辅助软件对从背景中分离出来的画面进行拼接合成,并依据创作需要和作品内容进行特效的增加优化[7]。例如,华为集团在“华为P8”的广告设计上,就充分利用了特效技术,将品牌手机的独特的手机功能进行形象化的处理,让观众能够直接感受到手机的相关运行功能。此外“恒大冰泉”的广告设计也因为特效技术的加入使得产品迅速占领广大的纯净水消费市场。 2.5数字技术在声音、色彩处理中的应用 影视广告作品不仅需要动画图像,还需要声音,两者实现完美配合能够有效增加作品的表现力和感染力。通常依据广告的内容需要对画面的声音进行特殊的处理,以实现声音和画面的相匹配,实现观众良好的视听体验。采用数字化技术诸如Premiere软件等能够实现对声音的特殊处理,在这些设备中常常自带有声音采集、多路音频混合处理、添加声音等功能,往往能够实现对声音的快捷处理,同时也能够依据作品需要进行部分配音的增加和处理,保证画面和声音的同步匹配和内容表现的完美呈现。随着计算机技术的发展,各种声音处理软件被开发出来,并且应用到各种声音处理领域,例如CoolEditPro软件等[8]。对广告作品进行色彩调整是后期制作的一个画面优化环节,作为作品形式的外在表现,良好的色彩展示能够有效提高作品形式的艺术内涵,满足观众对色彩感受的生理要求。采用数字化技术色彩控制软件进行画面的各种滤镜效果的处理,并对换面的色彩色调进行合乎常理的调整,力求做到不仅满足观众的生理感受,而且要能够通过色彩进行内涵展示。一个良好的画面色彩常常能迅速地增加观众对其的注意力,是作品产生引人入胜的艺术效果和艺术境界,有效增加作品的影响力。例如,做关于“水”的广告,色彩基调就要以蓝色为主,而运动品牌的产品广告就应该以多色彩的融合为主以展现青春运动活力等等。 3结语 现代信息技术的不断发展完善,数字化技术的日渐成熟,使得更多行业领域运用这些高新科技成为可能。在影视广告后期制作中应用数字技术不仅能够大大提高技术工作人员的工作效率,而且能够最大限度地拓展作品的艺术魅力,有效提升作品的宣传效果和观众的审美体验。尽管在当前的影视广告后期制作中应用数字技术还面临许多技术难题和问题,但是我们也看到行业的技术人员正在进行积极的探索和创新,因此,笔者希望更多的专业人士能投入到该课题研究中,针对文中存在的不足,提出指正建议,为实现数字技术在影视广告后期制作中的有效运用作出重要的贡献。 作者:周俊平 单位:内蒙古乌兰察布职业学院 影视后期论文:数字视频技术AE对影视后期制作的运用 摘要:随着当下计算机技术的不断发展和创新,很多领域中开始运用数字技术,计算机技术对各个领域的影响也越来越深远,尤其是对影视后期制作过程产生了非常重要的影响。AE软件属于基础的图形视频处理软件,它的出现在很大程度上改变了传统的影视制作方法。文章先简单阐述影视的发展和数字视频技术AE,在此基础上分析数字视频技术AE在影视后期制作中的运用,希望能够为我国影视发展提供一定的帮助和参考。 关键词:影视;后期制作;AE软件 数字视频技术中蕴含了诸多软件,其中,AE软件是使用较为普遍的一种。AE是AdobeAfterEffects的简称,在众多软件中,其难度较为适中,且具有较多类型的特技效果插件,因此成为当下视频后期制作中运用得最为广泛的软件之一。AE是一款图形视频处理软件,由Adobe公司研制,属于层类型后期软件,适用于动画制作公司、多媒体工作室、电视台和个人后期制作工作室等单位的设计和视频特技制作。 一、影视后期制作中的数字视频技术和主要事项 近几年来,动画、影视制作、计算机游戏等领域逐渐运用视频后期制作技术。影视后期制作的专业性较强,其中最为重要的一项工作就是软件的运用。AE属于一种视频后期编辑和合成软件,具有较强的专业性,能够有效促进整个后期制作工作,相关剪辑人员可以运用这种软件更快、更精准地向观众展现各种特效和运动图像。作为视频设计和剪辑的重要软件,AE在网页、电视、电影和广告等后期制作过程中运用得非常广泛。如,将AE应用到影视广告的后期制作中,能够让影视广告相对于平面广告具有更多的优势,能够更容易让观众对广告产生兴趣,也能够较好地展现影视广告较为独特的效果和较为新颖的表现形式,还能够将广告商品的特点在最短的时间内展现出来。因此,将数字视频技术AE应用到影视广告后期制作中,能够让影视广告的呈现效果得到有效提升。 二、数字视频技术AE在影视后期制作中的运用 其一,AE在“层”中的运用。所谓的“层”,主要是指图像合成的组成部分,任何素材如果是通过合成图像窗口增加的,则都可以用作“层”。在项目窗口添加的素材中加入合成图像,从而让合成图像的素材层得以实现,是AE软件最为基础的工作形式之一。在时间布局窗口,可以借助拖动对“层”的出、入点进行直接切换。由于在时间布局窗口所显示的素材名都不一样,在多次进行拷贝之后,为了对各个“层”进行有效区分和更加方便使用,可以点击键盘上的确定按钮,输入新名字,再按确定按钮,这样在时间布局窗口就能够对“层”的叠加顺序进行拖动改变,同时也能够直接设置图层的尺寸大小。用这种方法可以实现素材剪辑工作。PS(Photoshop的简称)可以与AE结合使用。在AE中导入PS的分层文件,PS中制作好的特效及图层顺序将完整地被导入AE图层,使得技术和艺术更好地融合,为创作提供了更大的空间。其二,AE在动画制作中的运用。关键帧是借助计算机对视频进行设定而创建的。一般情况下,创作关键帧动画时,对“层”进行动画设置,只需要打开关键帧的记录开关,并将关键帧创建出来就可以完成。关键帧的设置主要有位置、旋转、不透明、轴心点一级比例设置四种方法,设置过程较为简单、快捷,可以使用快捷键加快制作的速度。此外,在具有方向性的移动上,AE软件具有更加突出的作用。如,在操作过程中如果选择自动定向,事物的运动就会逐渐沿着路径进行,动画制作者可以随时对路径进行修改。其三,AE在视频的预览和生成过程中的运用。在整个视频后期制作过程中,最为复杂的一项工作就是视频的预览和生成。在动画制作到达某个阶段的时候,可以运用视频预览观察效果,这样能够对视频中一些不足之处做到及时修改和完善,从而让视频呈现出最好的状态。一般可以同时按住0键和shift键,每隔一帧进行一次预览,这样能够降低内存,而且可以按住0键对内存进行预览,按住空格键就能结束预览状态。在保存项目文件时,依照渲染检查各个条目,将需要进行渲染的合成图像从项目窗口中拉入渲染窗口,设置缺省值,同时在log菜单中选出需要进行登记的类型,更改或重新设置缺省的输出模块,最后点击render键完成。只有充分认识和理解AE软件的作用,并在具体工作中灵活运用,才能充分发挥其作用,推动影视后期制作工作的开展。综上所述,数字视频技术的普及,能够很大程度地减少传统影视后期制作繁重的编辑工作量,而且能有效优化后期的编辑程序,在减少工作量的同时,大幅度提升特效特技的编辑技术和效率。因此,在影视后期工作中,AE的应用已逐渐成为影视后期制作的重要组成部分。随着AE软件技术越来越普及,其必定会为影视后期制作的长远发展作出重大贡献,对当今社会影视后期制作甚至更多领域的发展起到有效的推动作用。 作者:刘茸 白金鑫 影视后期论文:中职影视后期课程设计探究 第一,对作内容分析后,我们可以这样来分:影视后期行业的工作基本分为剪辑类和特效类两种类型。剪辑操作员要求具有选取素材形成完整意义的影片。特效操作员要求具有将剪辑出的画面按要求修改、完善、添加效果的能力。比如:半小时的时事新闻,就是从3小时左右的拍摄素材中经过粗剪、细剪得到的。当然,如果节目中需要出现马赛克、遮挡、变色等需求,特效操作员也能利用软件去实现。对岗位和部门的组织结构调查了解后,我们对影视后期涉及到的工作岗位、内容、技能要求一一进行了分析。由于技术发展快,公司人员有限,划分不会那么绝对,影视后期工作人员的工作往往还包括基本三维(Maya)、二维(Flash)的相关制作。“全能型”的操作人员还是比较受欢迎的。也就是说目前影视后期工作包括:三维动画制作、影视剪辑特效制作,二维动画制作、影视剪辑特效制作。 第二,通过行业企业调查,得到的是典型工作任务的框架和大致内容,经过分类整理基础材料,并通过实践研讨会,分析材料,对影视后期工作内容、专业知识、职业技能进行了详尽的分析讨论论,最终确定相关典型工作任务。以影视剪辑为例,职业行动领域(典型工作任务)描述如下:(影视剪辑)非线性编辑岗位在影视及动画制作工作过程中属于后期制作阶段,该岗位主要负责节目的粗、精剪、音频、动画演示、合成以及输出及光盘刻录制作。非线性编辑需要能够理解影视片拍摄制作整体流程并掌握一定制作及音乐音效字幕技术与特效;需要使用相关的非线性编辑软件及相关设备硬件,懂得相关音、视频标准及制式内容和知识。非线性编辑岗位主要完成的任务有:素材的导入与整理,制作字幕,音频调整,添加特效,视频输出。 第三,学习领域名称与典型工作任务名称基本是一致的,这是为了和实际工作相对应。学生在学习时知道的学习任务,和其以后在工作时需要完成的工作任务名称一致,有助于顺利实现从学生到工作人员的转换。通常情况下,工作与学习内容(简称学习内容)要说明工作对象是谁,具体工作要求是什么,是采用什么工具和工作方法,工作是如何组织展开的。 第五,学习情境设计包括:具体的学习任务是什么,教学的时间怎样安排,教学环境要求,具体教学环节设计:方法、过程等。学习情境设计包括内容较多,设计到教学的方方面面,是课程设计的重点,学习情境的“物质化”产品即课业。课业文本方案主要体现情境设计的内容,主要包括:课程的学习任务、学习目标、学习内容、与其他学习情境关系、教学条件、教学流程、教学评价等。基于工学结合的课程设计的课业文本不一定拘泥于某种格式,完全可以自己根据情况设定,把学习情境描述清楚即可。以下课业文本设计以影视后期课程“数字动画、键控、跟踪技术的应用”为例。1)工作情境描述:动画、键控、跟踪技术属于影视特效的高级应用,处理各种素材有一定的难度,需要在已经有过一定AE学习基础上去调整实现,去综合应用。2)学习任务描述:关键帧动画的制作;对象特效属性的动画制作;典型的键控类型及工具使用;跟踪操作;画面稳定应用;工作原理建模;跟踪工具应用实例;合成案例。3)学习目标描述:能对添加的特效制作关键帧动画;能知道数字键控的工作原理及前期准备的注意事项;能选择合适的工具,考虑使用键控工具处理前景素材;能根据素材辨别键控的工具并采用溢出等调整方法;能根据合成结果要求熟练进行跟踪操作,使用四点跟踪法实现指定图像跟踪;能对画面不稳定的素材进行稳定的基本操作;综合运用所学完成有关层的动画的应用实例;综合运用所学完成键控特技应用实例;综合运用所学完成音频特技应用实例;综合运用所学完成视频特技应用实例。4)学业评价描述:是否掌握了本任务基本知识?是否能在规定时间内完成本操作任务?完成本任务的质量;学习积极性、小组合作表现、认识能力水平。实践证明,只有基于工学结合的课程设计培养出的学生,才能在进入影视后期行业后站住脚,也真正实现了我们人才培养的目标。 作者:柯楠 单位:陕西银行学校 影视后期论文:影视后期制作在影视作品中的应用 1配音 配音全称声音配置,在影视后期制作中占有一席之地。影视作品的声音录制有两种,一种是传统的同期录音,还有一种是后期的配音。这两种配音方式是有所不同的。同期录音相对于后期配音,挑战较大,难度较大。同期录音在后期剪辑中必须考虑到故事情节完整、甚至台词的对白和声音的衔接。后期插入的特效声音必须与画面、与故事情节发展保持一致。如果在大婚场景里出现哀乐奏响,那就会引起播放事故了。那么,是不是采用后期配音就万事大吉了呢?答案是否定的。配音演员的选择也是很重要的。如果让一个声线粗犷的配音演员来为《红楼梦》中的林黛玉配音,会让观众产生强烈的不真实感,这部影片也就不会有机会闻名于世了。 2影视后期制作在影视作品中的应用 从电影业发展以来就有了影视的后期制作,自此后,多种多样的影视特效持续的出现在观众们的眼前。早年的电影作品由于科技水平的限制无法达到剧本效果。比如早期优秀影视作品《八仙过海》、《钟馗捉鬼》所呈现出的乘风破浪、神仙术法等特技都是经过后期修改的,对比今日的特技水平可以说是非常简陋。而当今科技的发展为后期制作提供了强有力的技术保障。许多的影视剧后期制作都能够用电脑制作出一些人的力量所无法达到的效果,特效是经常运用在以虚拟拍摄对象、画面共现和移动追踪动态影像为主的三类制作中。 2.1虚拟拍摄对象 艺术来源于生活但高于生活。作品中的人物形象确是他们自己想象中的现实中不存在的人物形象,在影视剧的拍摄中,人们有很多都无法用人的力量达到作品所呈现出的效果工作。那么此时,为了达到预期的效果就必须用后期制作来填补人力无法拍摄的空白。像:远古传说里的多种多样的神兽、妖魔鬼怪种动物化形成人类和超人中的特殊能力,像这样的影视剧必须用后期制作来达到文字所描绘的场景。 2.2后期制作填补 画面共现在拍摄视频中,那些震撼的场景,像是腾云驾雾、山崩地裂等画面是不可能用人力去达到效果的,于是,就通过后期制作填补。在拍摄的场景中,许多的形象都是在生活中客观存在的,在这种情况下就需要高科技的后期制作进行汇合。将不存在的事物与现实中应该出现的结合起来达到文字所描述的画面。可是,在真正的实践中,这些不能在一起拍摄,必须要用后期制作,用以达到预期的效果。比如,《ET》中的外星人,小主人公能正常拍摄,但是外星人ET就要通过后期制作来实现,最后,主人公与外星人ET在同一画面中的效果也要后期制作来完成。 2.3移动追踪动态影像 在当今科技发展阶段,影响跟踪和修整是利用数字合成技术的新型后期制作的巨大成就。早年因为技术问题,影视后期制作一直无法与三维数字技术相结合。但是Mokey软件的合成问世为这一技术难题提供了一种创世纪的解决办法。这就可以从根本上解决影视作品的动态抠像难题。这一难题解决后,影片效果也就达到了又一个新高度。在《哈利波特》系列魔幻电影中,各种绚丽夺目的特效效果便是此种后期制作成功的示例。 3结语 当今世界影视剧的成功影视后期制作功不可没,它至真至美的将影视剧提到一个更高的平台。从世界的角度而言,影视后期制作拥有无限的潜力,能过带动经济产业的发展超过任何推动经济的产业。如我们想让作品完整的出现在观众的眼前,那么就要关注影视剧的后期修改。现在许多的投资方和导演都应经意识到它的重要,并全力支持其发展。在这种情况下,我么能体会:影视后期制作拥有无限的发展空间,它们的作用也将愈加多样化。 作者:屈鹏 于艳婷 单位:辽宁科技大学 影视后期论文:影视后期的声音制作概述 脚步拟音的几种常见技巧 在影片中,人物是不可能处于一种不停地走动的状态下的。所以,除了基础的走动中的脚步拟音之外,拟音员需要对其他一些常见技巧做一个基本的了解。(1)起身与坐下的脚步拟音拟音员应该清楚地知道,制作出来的声音是以传达信息为目的的。抓住了这个要点,我们便可以很轻松地完成一些基本动作的拟音。在通常的情况下,人物起身脚步的模拟,是以一个正常步作为第一要素的。拟音员走出正常步的同时,在脚步下落之后,连贯性地加进一些鞋与地面摩擦的声音,然后第二步接正常走路脚步,这就完成了起身的脚步声模拟,即所谓的起势。在拟音的同时,传达给听者一个人物起身的感觉,相对减轻了听者对其他因素的要求。人物起身的脚步,是以正常步加摩擦声作为开始,而人物坐下的脚步,是以同样的方式作为结束。不同在于,起势是在起身之后,接正常脚步的脚步声;落势是在正常的脚步声之后,接坐下。(2)上下台阶的脚步拟音以平时走路的状态为例,在上楼梯的时候,人们总是习惯性地将重心先移动到支撑腿上,然后将另一条腿迈上台阶;接着,移动重心到迈上台阶的这条腿;然后将支撑腿抬起来,重复之前的一系列动作。在水平的地面上,我们为了模拟上台阶的脚步声,可以充分利用重心移动的特点。在演员迈出非支撑腿的时候,特意加重脚步下落时的声音力度,接着相对地加一些摩擦声,表现出重心移动的感觉,然后再承接之后的动作。上台阶的脚步拟音中,拟音员需要突出正常走路时的脚步与上台阶时的脚步的不同,在将对比的感觉突出之后,信息就会很直接地传达给听者。在下楼梯的时候,我们总是习惯性地用脚尖先去试探台阶的高度,然后再将重心从支撑腿移动到非支撑腿上。运用这样的方式,我们在拟音的过程中,重点表现出的还是重心移动的感觉。在脚尖发出接触地面的第一声之后,相对加重脚跟落地的声音,将两声音形成对比,给听者以演员重心已经移动了的感觉,之后,再连接别的动作。通过对技巧的解说不难发现,拟音员最重要的还是对生活中一些小细节的观察。有了细节的启发,才能相对轻松地模拟出许多看似复杂的声音。 如何抓住脚步的落脚点 对于拟音员来说,能看到演员的双腿,对着演员的脚步拟音,就可以准确地抓住落脚的时间。但是在实际工作中,影片大多数的镜头只是拍摄到演员的上半身,不知道脚步的准确落点就会成为一个比较普遍的问题。有些时候,我们习惯性地把注意力集中在演员的肩膀上。人在走路的时候,重心也会跟着有所偏移,这种情况下,最明显的参照点就是通过肩膀的晃动来抓住重心的改变。拟音员在模拟脚步声时,最重要的并不是看到演员脚动之后,我们才做反应,那样会让整体的声音都慢了很多拍,影响到后面所要连接的动作。拟音员需要在感觉到演员有了变化的动势条件下,做出相应的动作,或是起身,或是坐下,或是突然跳起来,或是一个急停等等。只有这样,才可以保证动作的准确性,才可以保证工作有一个较高的效率。这里还要提到的是,在拟音过程中,并不存在什么第一选择或者第二选择,之前我提到了通过观察肩膀这个部位来抓落脚时间。在正常的工作中,我们也会选择观察头部的晃动或手臂的摇摆等等,来确定真正应该落脚的点是在哪里。 根据人物特性选择 脚步拟音用鞋在一个项目的制作之初,我们首先要做的是通过观看影片,分析出每个人物的人物性格。在为人物定性之后,我们就可以按照人物性格,选择比较有代表性的鞋,模拟这个人物的脚步声。电影《让子弹飞》是2010年上映的一部由姜文导演的影片,该片以西部、喜剧、传奇为三大要素,用幽默的方式,讲述了发生在北洋军阀时期,土匪和骗子之间的一段传奇故事。这部影片在后期制作之初,由导演决定了声音的整体风格。麻匪头目张牧之身材魁梧、作风彪悍、头脑冷静、足智多谋,昔日跟随蔡锷将军走南闯北,年纪不大就有所作为,当上了手枪队长。后因群雄纷争,落草为寇,他深知战争时期百姓们最为痛苦,便惩恶扬善、劫富济贫。这个人物贯穿始终所穿的都是一双大皮靴子。靴子固有的特点在于它本身的靴筒声,但在突出了靴筒声的同时,我们发现,脚步本身落地的感觉少了很多。这之后,我们便又叠加了一条普通小靴子的脚步声。最后合成了整条声音之后,张牧之的脚步声听起来显得非常厚实、有力度。黄四郎这个人物,阴险狠毒、作恶多端,在鹅城只手遮天,凭一己之力,控制了整个民国大半的烟土买卖。从外表看来,更像是一个绅士,但内心的狡猾无人能知。在制作之初,我们选择了声音相对透亮的皮鞋,突出了人物作为地主的身份,并且听起来让人物显得不那么安分。每次工作之初,我们都习惯性地对一些选择出来的鞋做基本的声音测试,这就是所说的“定音色”。磨刀不误砍柴功,制定基本音色虽要花一些时间,但为后期工作节省了寻找与选择鞋的时间,并且保证了录音过程的流畅性。 如何运用地面增加脚步的自然性 我们在日常的工作中发现,如果脚步过于单调,就会让声音显得非常突兀,有一种脱离现实的感受。单纯的干净的脚步声给人一种明显的后期拟音制作出来的感觉。为了消除这样的感觉,我们采用一些特殊的方法,将脚步声音尽可能揉在整体的声音里面,这就显得真实自然。比如在《让子弹飞》的影片中,马邦德在很多时候穿的都是布鞋。当他走在土地上时,我们会相对增加一些土地上的沙粒以凸显地面质感,还可以弥补一些脚步声音死板的缺陷。再比如《歌舞青春》这部影片中,很多时候演员们是走在水泥地面上,为了增加一些脚步的活性,我们在地面上少量地加一些沙子。添加一些细微的东西,不但可以让声音听起来不那么单调,同时还表现出更加自然的特性,并且让脚步有了一种连贯性。当然,在很多时候,我们需要注意一些特殊的问题,比如远景的情况下,如果增加过多的细节,会让这段声音显得距离话筒很近。再比如,很多鞋都会因为增加了一些土,就不那么好听,并且容易出一些过于严重的摩擦声。平时点滴的经验积累,可以节约更多的工作时间。 不同的景别运用不同的话筒距离 随着景别的改变,话筒距离也应该有相应的变化。在《危险关系》这部影片中,章子怡所扮演的杜芬玉这个角色有一个在花园中奔跑的场景,这个场景采用远近镜头对切的方式,表现出了杜芬玉这个人物当时很急切的心情。因为景别的改变,话筒距离就要随着景别有不同的摆放方式。镜头从远景接到近景的时候,脚步声听起来应该更加有力量,并且每一步细节的声音要更突出。这样就可以在切镜头的时候,由声音配合画面,带来一种冲击力。如果远近景的脚步没有变化的话,那么在镜头切到近景的时候,会让听者感觉很泄力,很别扭。总结起来,一般情况下,在拍摄演员运动中的特写镜头的时候,后期都是希望这一段的声音能给听者以一种压迫或者急切的感觉。比如《杀生》中,黄渤饰演的角色去寻仇的一段脚步;再比如《笔仙》中,郭京飞饰演的角色在房间内寻找小男孩的一段脚步等等。在模拟这样的脚步时,所需要注意的首先就是话筒的摆放方式,虽然应该近,但不要近得离谱。其次要注意的是,脚步声应该突出鞋的厚度,比如一双皮鞋,如果声音太薄的话,也会让人觉得不太舒服。最后,要突出地面的质感,如果所走的位置是木板地,就要尽量表现出木板的共振声;如果是水泥地,就应该尽量加一些细节的声音在里面,这样就可以让脚步声整体听起来非常饱满。 特殊情况如何控制脚步的力度与自然度 对于一般情况来说,以正常站立的姿态模拟影片脚步声是没有问题的。但总会有一些特殊的情况,需要我们去面对。比如《让子弹飞》或者《硬汉》这种影片,整体风格就需要强调出力量的感觉,这个时候,普通的脚步拟音方式就不够用了。我们知道,在正常站立的状态下,人体的重心是在肚脐偏下部分。而如果将腿部弯曲,保持上半身直立,形成一个类似蹲马步的姿势,重心会相对向下移动,但效果并不明显。如果此时再让腰部弯曲,身体上半身前倾,那么重心将会明显有所偏移。运用这样的姿势,双腿就将承受来自身体更大的压力,而腿部力量增加,脚步声就会相应地更加有力度。这里有一个问题需要说明。增加腿部力量的方法有很多,比如我们不用之前的姿势,单纯以正常站立的姿势,也可以通过双腿使劲来增加力量,但这样就会让模拟出来的脚步声听起来跟跺脚一样死板,而且声音没有稳定性和连贯性。当然,还有一些电影需要我们尽量减少力量,保持脚步的自然性。比如《非诚勿扰》这样的电影,影片本身就贯穿了轻松幽默的气氛。在后期的工作中,我们统一淡化了脚步的存在感,相对地减少力度,并不是每一步都那么丰满,走路的途中,或许会有声,或许就是一种感觉而已。总之是与其他的声响更加融合,给人以一种身处周围环境的感觉。随着影视业的发展,后期的脚步拟音技术也相应地有所提高。如今,我们更希望模拟出的脚步声音是由两个连续声组成的。形象地说,就好像是后脚跟在着地之时,发出了第一个声音,然后前脚掌着地,发出了第二个声音。对比之前的脚步拟音制作,会有很多影片习惯性地将脚步声模拟成一个点的声音。虽然在正常的生活中,脚步声并不会那么刻意地由两个连续声组成,但一个点的声音,会让听者听起来更像是在敲打什么东西,而不是这个人物在走路。尤其是在木板上模拟高跟鞋的脚步声时,这样的情况就更加明显。为了制作出一种比较自然的走路的感觉,我们会在拟音工作时,相对刻意地模拟出连续声的脚步拟音,或者是在编辑的时候,用错位叠加的方式来处理之前录制的脚步声,使之组成一个由两个连续声形成的脚步。这样的方式不会给人一种死板的感觉,而是让听者感觉出来人物是在走动的,而不是原地踏步。 脚步拟音中的常见问题 虽然脚步拟音在整体的拟音工作中,占据了非常重要的地位,但它并不是特殊的一种工作形态。脚步拟音对于有较长时间工作经验的拟音员来说,只是在习惯性地做着一些基本的工作而已。(1)坐姿模拟脚步声在工作交流中,我们会遇到采用坐姿模拟脚步声的拟音员。采用这样的姿势虽然可以有效地节约体力,但问题也会比较突出。我们知道,脚步声如果细分起来,应该由这样的几方面组成:鞋与地面的接触声,鞋本身的自身音色,脚步的重量感和地面的质感等等。这几个方面的音色需要相互协调,最终才能达到一个良好的拟音效果。采用坐姿模拟的脚步声,会缺少一定的重量感,让听者感觉这样的脚步不是演员走在地上形成的,更像是漂浮在地上。而在缺少了重量感的同时,其他几方面的音色会相应有所提高,会让声音听起来不那么舒服。虽然有时需要拟音员将脚步声尽量弱化,但其中要掌握好一个度。比如,在《非诚勿扰2》这部影片中,姚晨扮演的芒果这个角色要在一个极为干净的酒店大厅里穿过。这部影片虽然整体的脚步风格都偏向于自然,但如果采用坐姿来模拟脚步声,高跟鞋与地面敲击的声音就会被相应提高,鞋的质感与地面的质感占据了整个脚步声的绝大部分位置,听起来,并没有一种脚步的流动性在里面。(2)对于话筒距离和细节的把握我们知道,话筒距离越远细节的体现就会相对减少。在工作中,常常因为过大的细节声,使脚步声显得非常近。但在一些特殊的时候,我们会相应的加一些细节的东西,让脚步声听起来更加的丰满。比如,在《建党伟业》中,有一个空旷的大殿里关门的镜头(中远景)。相对于其他鞋种而言,布鞋在中远景的表现力上会吃一些亏。拟音员为了增加脚步的存在感,特意稍加了一些鞋与地面的摩擦声,虽然每一步的落脚点并不那么突出,但依然能够表现出演员走路的感觉。不过,这样的方法需要注意的是,摩擦声的增加有一个非常重要的先决条件,那就是必须要保证地面的绝对干净。我们要增加的是一些艺术的感觉,而不是声音的硬伤。(3)把握好声音的重点在日常的工作中,一定要抓住重点。不是所有的脚步声都需要特殊的模拟出来,如《危险关系》这部影片中,有那么多的场面戏,如果需要模拟出来每个人的脚步声,对于拟音员和动效编辑来说,也是一个不小的工作量。在开始每个项目的时候,我们首先应该去跟混录师做好交流,了解到重点的部分,然后尽量将精力集中在重点的场景中,要做到有条理、有针对性地完成工作,达到事半功倍的作用。 结束语 动效拟音是一个需要不断熟悉、不断摸索的工作。而对脚步的拟音来说,总结并且习惯一种工作状态是平日里工作的基础。在形成了自己的工作方式之后,就要不断强化自己的一套方法。如何在工作中既能保持灵活性,又不缺失脚步声本身的特质,将成为每个拟音员工作的中心问题。值得我们注意的是,在声音的后期制作中,我们应该清楚地知道自己所处的位置,自己在影片整体声音中所占的比重。应该首先明确贯彻导演的意图,要知道我们所做的拟音效果,是为影片风格服务的。确定我们在影片制作的大多数时间内,只是为了配合其它部门,起到一个陪衬的作用,不要喧宾夺主。认清动效拟音工作的性质,将会让以后的工作轻松很多。 作者:刘磊 单位:国家中影数字制作基地 影视后期论文:剪辑在影视动画后期的重要性 一、画面组接的剪接 剪接点选择的适当与否对影视片的动作连续性、形象刻画的逼真性以及镜头转换的流畅性有着深刻的影响,使得影片的故事内容以及情节非常自然符合生活的逻辑,又不失艺术节奏性。 (一)画面剪接点以画面内容的起、承、转、合以及根据镜头内容的节奏来选择剪接点。剪接点选择对整个影片人物动作的连接、镜头转换的流畅、镜头画面的故事情节符合现实的逻辑和观众欣赏的习惯有着非常重要的影响。画面剪接点可分为:动作、情绪和节奏剪接点三类。 1.动作剪接点以镜头画面中人物动物的动作为基础,以动作的一连贯活动作为剪接点。影片一开始的拍摄利用多个机摄录制或者是一个机器多次重复拍摄人物动作的方法,在后期的剪辑中要专门把拍好的人物多次重复、连续的动作来细分和重组。电视节目、新闻节目一般都是用一个机器一次性拍摄的方法,对人物动作的反复拍摄不是特别重视。动作剪接点选择的要求是:筛选所拍动作的整个过程,又或者是相对而言比较完整的一部分。 2.情绪剪接点以剧情需要的心理情绪为基础,以主角的情绪为依据,根据剧情需要来选择剪接点。情绪剪接点的选择,一般比较注重人物情绪的夸张,选择情绪剪接点时宁可长一些也不要短。情绪剪接点的选择与确定和动作的剪接点不一样,它选择的余地比较大,主要是以描写人物的心理感情、来营造气氛为主。情绪剪接点的确定,和剪辑人员的艺术素养有很大关系,要深刻体会剧本以及导演的意图来把握对剧中人物的塑造。 3.节奏剪接点使用的镜头人物基本是没有旁白的,主要是以剧情内容的线索为基础,根据剧情需要所表达的情绪和氛围以及一些对影片有深刻影响的画面来处理一些镜头的长度与剪接。节奏剪接点的作用,是运用镜头的不同长度,来使画面产生各种情绪。在过场戏、群众场面与战斗场面中,节奏剪接点起着至关重要的作用。要注意把镜头的画面造型特点、镜头的长短与音乐、影片整体风格紧密地结合起来,来完成画面与声音的完美统一。 (二)声音剪接点以声音因素为基础,根据画面中解说词的主要内容以及声音的出现结合故事情节以及人物的情绪来选择剪接点。声音剪接点可区分为对话剪接点、音乐和音响剪接点。 1.对话剪接点以根据画面中人物语言内容为基础,根据语言在剧情内容中的需要来选择剪接点。对话剪接点又可分为两种形式和五种处理方法:对话的平行剪辑,它有三种剪接方法。对话的交错剪辑,它有两种剪接方法。对话的平行剪辑:是以声音和画面镜头一块出现,一块切换。平行剪辑又有三种剪辑方法:上个镜头声音结束与下个镜头切换之间画面镜头与声音之间都有一定的时空。上个镜头的声音结束和画面切出接下个镜头时,下一个镜头的声音和画面之间也都有一定的时空。上个镜头的声音画面结束切出时,下一个镜头的声音与画面要立即切入。对话的平行剪辑1镜头之间切换时,画面和声音之间要有一定的时空。两个镜头切换时要根据剧情需要和人物情绪来选择剪接点。上下镜头切换时,要注意说明下个镜头中人物的反应。对话的平行剪辑2上个镜头声音结束,下个镜头的声音要根据剧情需要来选择剪接点。这种方法在人物对话中也比较常用,上下镜头切换时,应注意说明下个镜头中人物的反应。对话的平行剪辑3上一个镜头结束时,下个镜头的声音和画面要立马切入。此方法在一般不常用,只有在双方发生矛盾进行争论时才合适,因为它有争辩的氛围和有力的节奏感。 2.音乐剪接点1第一种音乐剪接点是指歌曲、戏曲等比较偏向音乐性节目来选择剪接点。如影片中需要单独演奏的要将镜头切换到那个乐器,通常在近景、特写中用得比较多,合奏时通常在全景中较为常用。音乐剪接点2第二种音乐剪接点是给画面镜头做点缀的画外音乐,需要注意音乐与故事内容和演员情绪相结合进行选择剪点。一般画面与音乐的穿插要特别和谐,这也说明了音乐与画面是相辅相成的。 3.音响剪接点含义:主要以剧情画面的内容为依据,在效果音响的第一句和最后一句中来选择进行剪接。通常在前期拍摄过程中,效果音响与所拍画面内容都容易出现误差或缺失,而且在出现一些小问题时没有办法补救,这就需要剪辑师在后期剪辑中根据剧情需要,选择适当的音响效果进行补救使画面与音响能够和谐统一。音响剪接的准确与否对画面视听效果至关重要,甚至决定一部片子的好坏。 二、字幕形式和镜头组接 1.镜头的组接对观众的思维方式和影视表现规律起着重要影响。镜头的组接不能随意创造,一般要符合生活和思维的的逻辑。如果不符合逻辑观众就没办法理解剧情。影片要表达的主题思想要非常明确,在此基础上我们才能剪辑出符合逻辑让观众能理解的剧情,即剪辑者才会明白该如何选取各种镜头。 2.景别的变化要采用“循序渐进”的方法一般情况下,拍摄的场面不应该很剧烈,否则在后期制作中就很难连接起来。反之,所拍场面和拍摄角度变换都不大,在后期制作中也很难连接起来。所以我们在拍摄的时候要采取循序渐进的方法。 3.镜头组接要遵循“动动相接”“、静静相接”的规律如果画面中出现不同主体但动作是连贯的,就可以把他们的动作接动作,让画面更加顺畅,我们称之为“动动相接”。如果两个画面中的主体运动是不顺畅的,或它们之间有停顿时,那么这两个镜头就等前个动作完整停下后,再接一个从静止到运动的镜头,我们称之为“静静相接”。 4.镜头组接的时间长度首先要符合大部分观众的接受和理解能力,以及故事所要表达内容的困难有否,最后还要考虑整个镜头画面的构图。 作者:杨晓丽 单位:西北大学 影视后期论文:计算机多媒体技术在影视后期制作的运用 科技的迅猛发展促使大量计算机技术的产生并逐渐渗透到人们日常工作、生活中。计算机多媒体技术以及先进的剪辑软件都对影视制作技术人员的思想起到重要影响,并改变其工作方式。计算机多媒体技术的优势就是能够为大量优秀的影视作品的诞生起到一定促进作用,并且让影视制作者拥有更广阔的创作空间,进而为人们创作出大量优秀的影视作品,打造出良好的企业形象。本文将对计算机多媒体技术在影视后期制作中的实际应用进行研究,分别从:计算机多媒体技术论述、计算机多媒体技术存在的必要性、计算机多媒体技术对影视后期制作产生的重要影响、计算机多媒体技术在影视后期制作中的实际应用、计算机多媒体技术在影视后期制作中的未来发展趋势、五个部分来进行阐述。笔者希望通过研究,能够为影视后期的制作提供良好的经验。 1计算机多媒体技术论述 关于计算机多媒体技术,我们可以追溯到上世纪80年代,这种技术的发展是建立在数字化技术发展基础之上的。随着时间的推进,最近几年,计算机技术、存储技术、通信技术的快速发展,使计算机多媒体技术发展逐渐成熟起来,它结合了数字帧合技术与动画技术,从根本上改变了影视制作人员的工作方式,同时还创造出更加优质的影视作品。因此,我们可以看出计算机多媒体技术对影视后期制作的影响非常大。在整个计算机领域当中,多媒体技术是最热门的一种技术,它是人们日常生活、工作的重要组成部分,网络技术的发展,将它与人们之间的联系拉得更为紧密了。 2在影视后期制作中计算机多媒体技术存在的必要性 纵观我国以往影视作品后期制作过程,可以看出由于我国传统影视后期制作由于受到科技水平的限制,不能够充分满足后期制作要求,从而出现各种各样的问题亟待解决。在我国传统影视后期制作中,我们主要依赖于剪辑人员的个人水平,然而剪辑人员的水平通常是有限的,这就导致一些工作不能得到顺利开展,有时可能会造成剪拼不合理、镜头不连贯都问题。传统后期制作过程中,一旦发现问题,通常采取的方法是将有关演员召集回来重新拍摄,这样不仅浪费了时间,同时还消耗了大量人力物力。传统影视作品一般是采用磁带进行拍摄,这种方式无法改变作品长度,从而修改起来充满困难,经过多次修改还会大大降低声乐与画面质量,这些问题都为剪辑人员的工作带来很多不便。因此,为了解决传统影视后期制作存在的问题,我们必须采取一定措施,将计算机多媒体技术运用到影视后期制作中来,这是现代解决影视后期制作中存在的问题的重要手段。 3影视后期制作的内涵及其重要性分析 影视后期制作就是利用已经拍摄好的素材,通过三维动画和进行合成,制作出相应的特技镜头,把所有的镜头都合理的剪辑在一起,形成比较完整和唯美的影片,同时还要为影片添加制作相应的声音。简而言之,影视后期制作是融文字、声音、画面等多种视听手段于一体的高度综合创作,是影视节目生产的最后一道工序,制作水平的高低直接关系到节目的质量。影视后期制作在影视中的作用非常的大,可以说整个影视作品的主要技术支撑都是后期制作所提供的。在影视作品创作过程中,影视后期制作起了决定性的作用,如果在影视中没有后期影视制作的加入,那么拍摄的无论有多么好的影片都不能拿出来播放,如果在影视过程中后期制作的不完善那也将会是一个非常不好的影视作品,所以在影视过程中,后期制作非常的重要。随着数字技术的发展,目前市场上的绝大多数影视作品都运用了高科技元素,计算机技术的快速发展和科技水平的提高,也促使影视制作的方法发生了巨大变化,最为明显的体现就是计算机多媒体技术的应用。本文以下就针对多媒体技术对影视作品后期制作所产生的影响,进行简单的分析。 4计算机多媒体技术对影视后期制作产生的重要影响 多媒体技术对影视制作的影响已经涵盖了影视作品的方方面面,对传统影视制作技术的缺陷进行了重要弥补。利用多媒体技术,保证了影视作品在制作过程不会产生损耗,加强了质量保证。多媒体技术对影视制作技术的影响是非常深刻的。尤其是在影视后期制作过程中,多媒体技术很好地解决了传统影视制作技术所不能解决的问题,因此,相关技术人员利用好多媒体技术,为影视作品的质量提供技术支撑和保障。 4.1多媒体技术的运用保证了影视节目质量 计算机多媒体技术与传统制作方式相比具有一定优势。它能够很好地解决传统影视剧后期制作中存在的缺陷,不仅可以及时避免存储时的损耗,还能突破单一的时间顺序编辑限制,使影片的完整性更易保持,有利于保证影视节目的质量。 4.2多媒体技术的运用提高了影视剧制作效率 计算机多媒体技术由于是借助计算机相关技术,具有一定灵活性,这就使得编辑人员在对影片进行剪切与编辑时更加方便自如,也更容易对其进行修复,不仅大大节省了剪辑时间,还充分提高了影视后期制作效率。 4.3提供了更多的影视创作手段,丰富了影视表现力 现代数字制作技术是非常先进,它能将我们拍摄现场所有信息转化为计算机所能识别的信息流,通过计算机相关软件的整合,方便编辑人员对其进行任意添加、修改,利用影视数字制作技术能够大大丰富影视作品的表现力。 4.4减少了彩视后期制作设备投资,保证了影视作品质量 计算机多媒体技术采用的是灵活有效的非线性编辑方式,大量后期制作工作可以通过一台计算机完成,这种方式大大减少了后期制作设备成本,同时也节约了一定的人力资源,对影视作品质量也起到一定的保障作用。从以上可以看出计算机多媒体技术对影视后期制作的影响是非常深刻的。因此,为了创作出高质量的影视作品,在影视制作各个周期,相关技术人员要利用好多媒体技术,为影视作品的质量提供技术支撑和保障。 5计算机多媒体技术在影视后期制作中的实际应用 随着计算机技术的发展,尤其是影视后期制作进入到数字时代后,后期制作中所使用的相关技术发生了巨大的变化。现阶段,多媒体技术在影视作品后期制作中,已经渗透到影视制作的各个方面,掌握和利用好这些先进技术,对影视作品的创作将产生重大意义。我们就目前应用来看,影视后期制作中所使用到的计算机相关技术主要集中在如下几个方面: 5.1数字制作技术 我们知道由于目前国内影视制作水平十分有限,有些影片当中的特效镜头相对较少,虽然也有大量先进设备但是很少有人会使用,技术研发水平相对落后。计算机多媒体技术能够不断提升数字制作技术能力,将数字技术与故事情节完美融合起来,使影视作品的主题更加鲜明逼真。 5.2绘制图像与视频 2D、3D技术创设出来的多种虚拟化影像可以充分满足人类的预想,同时还能节省大量成本,为影视后期制作的修改与剪贴带来便利,能一定程度上改善影视制作者工作现状,对影视后期制作的视频制作及绘制图像的意义相当重大。 5.3移除与跟踪动态影像 数字合成领域取得的巨大成绩就是影像跟踪与修整,这种技术与Mokey软件结合后能从根本上解决影视作品动态抠像功能。 计算机多媒体技术的运用,使影视编辑与剪辑变得更加简洁便利。制作者可以随意拖动鼠标来改变画面的整体位置及长度,对于画面的色调予以修改,为观众带来一定的视觉冲击。此外在声乐制作方面,借助计算机多媒体技术能够迅速完成各种常规性、特效性处理,使音乐创作与画面编辑保持一致性。 5.5影视出版与发行 计算机多媒体技术的发展改变了影视作品的出版、发行方式。影视后期制作设备大多为数字化处理设备,充分改善了影视制作者的工作方式,而在影视作品的传输上,主要是通过卫星来接收,在一定程度上提高升了影视制作的效率与质量,提升了影视节目的交互性。从以上我们可以了解,计算机多媒体技术已经应用到影视后期制作的各个方面,并发挥了巨大的作用。随着社会的发展和人们欣赏水平的日益改善,对影视作品的要求会更为严格。因此,我们要以发展的眼光,不断探索影视作品后期制作技术,从而创作出更好地影视作品。 6计算机多媒体技术在影视后期制作中的未来发展趋势 由于我国当前所制作的影视作品大多数都未达到预期结果。我国在数字影片制作发展道路上还存在着很多的不足,因此,为了制作出更好的影视作品,满足人民日益增长的精神文化需求,我们必须进一步加强对计算机多媒体技术确保计算机多媒体技术在今后影视后期制作中获得更长远的发展。 6.1硬件方面的发展趋势 近年来,计算机多媒体技术的发展使影视后期制作的硬件虽然得到了一定的完善,却始终无法满足创作人员的工作需求。由于在影视后期制作中通常需要处理大量图像及图片信息,这些工作的处理需要功能更加强大,运行更快的计算机。因此为了满足影视作品创作、存储的需要,发展存储能力更强、处理效果更佳的硬件成为未来主要发展趋势。 6.2软件方面的发展趋势 伴随着计算机技术的发展,计算机多媒体技术的发展使影视后期制作的软件也得到了一定发展与完善。软件的协作性与开放性要适度扩展,针对软件兼容性研究应该逐渐增多,开放性与协作性的研究力度也必须逐渐增强。此外软件要向集成化发展,以实现更佳的处理效果,为观众提供更加可靠的视觉盛宴,同时为影视制作人员进行相应的操作提供了便利,在未来影视制作中,可以将原来彼此独立的相关软件重新整合为一个比较完整的软件制作包。这些都是计算机多媒体技术在影视后期制作中的未来发展趋势。 7结束语 随着计算机多媒体技术的出现,我国在影视后期制作方面得到很大的改善,计算机多媒体技术很好地解决了传统技术运用中出现的问题,它在影视后期制作工作中发挥了重要作用。尽管如此,我们依然不能创新发展的脚步,必须清晰地找出该技术在影视后期制作当中运用的不足,然后采取行之有效的措施来解决,以此收获更好的应用效果,更好地推动我国影视作品的发展。发展措施的采取必须具有科学性、合理性,必须要从我国自身实际情况出发,探索出一条符合我国基本国情的、先进的数字化发展的新道路,促进我国计算机多媒体技术的发展。 作者:从继成 单位:河南省驻马店市
钢琴教学技巧论文:浅谈钢琴教学中的弹奏技巧 摘要:本文从影响钢琴音色若干技巧的不同角度、力度、触键、运用方式等方面分析入手,强调正确的触键对钢琴艺术表现力的重要性,同时阐述踏板是处理钢琴乐曲的不可或缺的重要工具,在钢琴音乐的表现中同样发挥着举足轻重的作用。 【关键词】钢琴;触键;音色;演奏技巧 中国分类号:J624.1 钢琴基本技术包括音阶、和弦、琶音、八度等技巧,也就是人们常说的“基本功”,是钢琴学习中最为重要的内容之一,但不少钢琴学习者都对这些内容缺乏认识或不感兴趣,没有予以高度重视,以致在钢琴学习中遇到越来越多的技术障碍。所以,只有当你正确认识学习基本技术的意义和作用,并用正确的方法进行练习,打好钢琴演奏的基本功,才能轻松愉快、得心应手地去弹奏各种高难度的艺术作品! 一、音色 好听的声音是不同力度、不同色彩、不同情感处理的结合体,各种节奏、乐句的相互结合、相互对比、相互表现。弹奏出好听的琴音除了对钢琴质量、质地、音色好坏的要求外,还和钢琴演奏者演奏技巧有着很大的关系,是受钢琴演奏者的演奏技巧改变而改变的,与节奏、力度、触键方式、情感处理有着直接的关系,我们听到的悦耳琴音都是演奏者演奏钢琴时各个方面的完美结合,恰到好处的表现。优美悦耳的音乐会让人们心情舒畅,浮想翩翩,缓解疲劳,给人以美的享受。 刺耳的琴音除了钢琴本身的质量、音色的缺陷外,主要是由于手臂手指的错误触键,用力方法不得当,一成不变的力度、速度,对作品死板生硬的理解等等方面造成的。一般都表现为演奏者弹奏钢琴时对音乐内容的不理解,不注重力度、色彩的变化,连音、断音不清晰,乐句、乐段不明朗,有的甚至把所有激昂高潮段落都一味的理解为激动、飞速,抒情缓慢的乐章理解为沉重、深沉。还有的弹奏乐曲时甚至对谱面都没有要求,节奏不稳、章节混乱,没有感情,弹奏出来的 音色尖硬、刺耳,该轻的弹不轻,该重的弹不重,速度控制不住等等。 二、触键 触键的方式多种多样,弹奏出来的音色也丰富多彩,针对不同的作品,它有不同的触键要求,怎么来进行衡量、界定,需要我们进一步的“具体问题具体分析”。为提高钢琴演奏的音色,我们可从以下几方面着手:改变手指的触键部位,从用指尖触键到用指面部位触键。改变手指的触键高度,提高手指触键对下键的速度有重要作用,如要得到明亮的颗粒性声音,常需手指的提高。而对声音柔美的连奏则不需提高手指,要求以平稳的贴键方式触键。改变手指的触键速度,缓慢的触键速度是创造柔和歌唱性声音的关键因素。 练习方法:让手处于正常的弹奏姿势,手背和腕背几乎在同一水平面上,手指贴住键盘,手腕在抬高和放下的动作中必须始终放松,手指始终贴键,手指稳固而略呈弯曲。 (1)断奏:每弹一个音符,手指都迅速按下键,并在发出声音的那一刻立即松开,这样手指就缩回到键上,手腕始终保持平稳,同时无僵硬之感。 (2)连奏:也象前面一样,每个音都要弹出,但是音必须保持住。手指所用的压力只须阻止琴键弹回即可。在向下一个音进行时,前臂略向右转动。这样当一个键松开时,另一个键正好发出声音。目前指力触键主要用来演奏精致典雅的乐段或创造纤弱的伴奏效果。一旦要求较重的音响时,指力触键就会被其他更为有力的触键方式所代替。 三、练习方法 在各类触键方式中运用最广的是“手力触键”。顾名思义,手力触键的主要特点就在于手的朝下动作。把前臂与手在你前方水平地抬起,然后迅速朝下甩,甩得尽可能远。手臂甩完后如果不受阻挡的话,会在空间自然地消耗能量。 练习方法:手放在键盘上。手腕放松,手指稳固。拇指举起离琴键约1/4英寸高,手朝键上和键里用力,使拇指击下琴键。这时手腕会立即向上拱起约1英寸高。然后立刻放松,回到原先的位置。这样就形成了断奏效果。在每一个下键动作中都要强调手腕的向上运动。也可用同样的方式来练习连奏,但手朝下面一个音的方向稍稍转动,手腕每次向上拱起后,应立即回到原先的位置。练习时须遵循下列四个要求: (1)上臂保持放松,肘部在体侧。 (2)前臂稍抬起,以使手腕活动自如。 (3)手腕保持彻底放松。 (4)手指下键要稳固,否则会变为在琴键上纯粹地拍打。 手腕放松而手指稳固是触键中最难达到的要求。造成演奏僵硬和滞重的主要原因往往就是没有做到这一点。手力触键有着广泛的用途,如演奏各种音阶、琶音以及其它复杂音型的快速乐段等等。这些乐段所要求的音量比仅靠指力触键产生的音量大。 触键方式就是突然落下前臂或全臂,以使所要弹的那个键或几个键在这个下落动作中被推下。这种触键后的最终姿势就是手和手臂都从键盘上往下垂挂着。臂落触键也是从正常的弹奏位置开始的,但这时手腕在声音发出的那一刻略微向上拱起的力量已远远无法与臂重的力量相抗衡,所以手腕只好下落而非抬起。也可用臂落触键弹出断奏效果,只要手指在声音发出后立即放松。但是“粘着力强”是这种触键方式的主要特点,所以臂落触键最好用于音的保持或连奏效果。 手腕的上下动作分成两种,一是由整个手臂协调带动下的上下动作;二是手腕独立动作的上下动作。 由整个手臂协调带动上下动作,即一般称之为“落滚”式的动作。这种落滚式动作的练习,可使手臂手腕与手指协调一致,放松自如。僵硬的手腕往往通过这种方式的活动得到改善,变得柔韧。我们一般说弹钢琴用手腕呼吸,就是指这种手腕提起,再落下的小小的间隙,与歌唱中的换气有同样的效果。 四、结语 影响钢琴音色的主要因素有很多种,大致分为:触键、手指手腕的运用、踏板三大方面,本文中笔者从自身十几年的学琴经验技巧出发,翻阅大量的文献资料,结合自身的学习技巧从弹奏钢琴时手指触键的方式、触键时力度的作用、触键时用力部位的不同运用、指力触键、手力触键、弹奏时手臂手指的运用技巧、臂落触键、全臂触键、手腕的上下动作、合理的运用踏板等方面来简单的浅析了这些问题,在弹奏作品中对力度的把握,节奏时值以及感情的处理都简单的做了说明,希望对初学者在弹奏钢琴时能弹奏出好的音色有一定的帮助。 钢琴教学技巧论文:钢琴演奏技巧与乐感的相互联系及其在教学中的应用思路刍议 摘要:钢琴的演奏技巧与乐感之间实际上是相互依存的,二者之间相辅相成,相互渗透和相互补充,乐感的培养和训练也是基于正确的演奏之上。所以我们必须正确对待钢琴演奏技巧与乐感之间的相互联系,并且将他们很好地融入到教学应用当中。本文将针对钢琴演奏技巧与乐感之间的相互联系进行简单分析,并就其在教学当中的应用思路进行探讨。 关键词:钢琴 演奏技巧 乐感 联系 教学 应用 在钢琴教学当中,教师普遍传授给学生的都是最基本的演奏技巧,例如熟悉琴谱、练习指法等等,而学生掌握了这些最基础的技巧之后,就可以更好地领悟乐曲,从而培养和形成独特的乐感,更完美地诠释音乐。学生伴随着乐感的不断提升,就可以在音乐的表现能力上显得更加游刃有余。所以不难看出,钢琴演奏的基本技巧是形成乐感的重要保障,二者之间是相互促进共同发展的。 一、钢琴的演奏技巧与乐感之间的联系 技巧与乐感是一对相互依存的关系,二者之间很难说缺少哪一部分乐曲的演奏还会成功。乐曲的表现和情感的流露是通过扎实的演奏技巧来体现的,只有技巧足够成熟,才可以更好地培养乐感,进而形成自己对乐曲独特的见解和理解,演奏出自己真实情感的乐章。 (一)正确地将乐曲进行划分是乐感培养和表现的首要因素 其实,所谓的将乐曲进行划分,就好比我们人类平时的呼吸一样,总需要有一个停顿和喘息的时间。一首很长的乐曲我们不可能没有停顿的演奏下来,每一小节与每一小节之间都有着相应时间的停顿,几个音符之间也要有恰好的停息,这些停顿在很多时候是需要我们自己去掌握的。所以能够很好的将乐曲进行划分和停顿,对于乐感的培养有着非常重要的意义。 一般而言,在音乐的演奏当中,划分的标准也就是停顿的瞬间和我们语文当中的标点符号是有异曲同工的,不同的符号有着不同的表现效果和演奏要求。所以我们大多情况下从乐曲的分句上就不难看出来演奏者的情感和意图。例如当一小节当中出现了连音符号的时候,我们必须清楚这就要求在演奏的时候表现出一种流畅、柔美、连续的感觉;而断奏符号通常是要让我们表现出一种有力、刚强的情感。所以不同的情况就要求我们有不同的表现方式,进而形成自己独特的音乐理解能力。 (二)速度和节奏要力求准确,才可以更好地保障乐感的培养 我们说乐曲的划分和停顿是乐感培养的基础和首要因素,那么节奏和速度的掌握在乐感培养当中也是非常重要的保障。对于一首乐曲而言,演奏者将它诠释不同,或许我们欣赏者就会产生完全不同的理解。无论是哪种音乐,掌握了它的节奏都是非常重要的。对于一些节奏较快的音乐,我们必须在演奏的速度上进行提升,这就会给欣赏者带来一种欢快或者是比较高亢的感觉。而一些节奏非常舒缓的音乐,我们在演奏的时候,速度必然会慢下来,这就会为我们营造出一种比较柔情的感觉。有一些教师在教学的时候,非常严格的要求学生,甚至过于死板,他们明确的要求学生按照定下来的拍子和节奏来进行演奏,笔者认为,这种方式也并不完全是正确的。我们依照乐谱的拍子进行教学和练习是没有错的,但是好的音乐往往都是融入了演奏者自己的情感和自身对于乐曲独特的理解,所以我们可以适当地对一些拍子的节奏进行改变,以便更符合自己对乐曲的诠释和理解。 实际上节奏的训练在我们的生活当中是最为普遍和容易的。举一个最为恰当的例子,在原始社会,那些原始人根本不懂得什么叫做音乐,什么叫做节奏,更没有乐器供他们演奏和使用,但是他们却可以不断的敲击石头或者是拍手打出节拍,进而跳起舞来,这实际上就是节奏。所以可见节奏在乐曲当中的重要性,也在乐感的形成和培养当中有着非常重要的作用。 (三)在演奏的过程当中力求不拘一格,这也是形成乐感的重要条件 我们都知道,每一首乐曲在进行创作的时候,都有着不同的情感和含义,同样的一首曲子,可能不同的人来演奏,就会有不同的理解和不同的情感。所以我们就是要培养学生在演奏的过程当中形成不拘一格的演奏方式,通过自己的理解对乐曲进行独特的诠释和表现。 另外我们还要清楚地看到,不同的乐曲在创作的时候都有着不同的社会背景。例如肖邦的音乐,表现的内容大多都是对祖国的热爱以及代表祖国人民的一些心声和体现。他的乐曲创作的背景就是当时波兰的社会环境,所以有着很强的社会现实色彩。我们在进行演奏的时候就必须充分对这一创作环境进行了解,进而更好的带着自己的感情融入到乐曲的演奏当中,表现出不同的情感和内涵。所以这就要求我们对学生的教学一定要融入这种思想,让他们能够将自己和别人不一样的领悟融入到学习和练习当中,从而更好地进行乐曲的演奏和表现。 二、这两者在钢琴教学当中的应用和思路分析 在钢琴的教学当中,主要培养学生具备比较扎实的基础演奏技巧和形成独特的乐感。所以笔者就简单的分析一下这二者在钢琴教学当中的实际应用。 对于一些初学者或者是年龄较小、基础比较薄弱的学生来讲,钢琴的演奏技巧对于他们而言更为重要一些的。这就要求教师在教学的过程中,注重对学生基础性知识的讲解和练习,例如:音阶、琶音、和弦、跳音、指法等方面的训练,使得学生的基本能力不断的扎实和巩固,这样才能为以后的学习奠定一个比较扎实的基础。并且教师对待不同年级的学生,也要有着不同的目标和要求。对于低年级的学生,教师的主要目标就定位成基础的指法练习,让学生可以很好的掌握正确的指法并且进行弹奏。而对于高年级的学生,教师需要培养学生的一些技巧音练习,也被我们称为装饰音。例如颤音、震音等等,都是演奏过程当中非常有必要的技巧。还可以在指法的学习当中多学一些不常用的指法,例如轮指,使得学生掌握更多的演奏技巧,进而不断地完善自我,提高演奏水平。 并且在演奏技巧方面,我们除了要教授学生最基础的演奏技巧外,还要不断为他们灌输一些与音乐相关的知识,例如音乐史和其他乐器的练习等等,以作为辅助来帮助学生更好地学习。 而对于乐感的培养,我们也要足够重视。一般而言,乐感是每个人天生都具备的,只是一些人的乐感比较强,对音乐的领悟比较高,而一些人的乐感相对较弱,对于音乐的理解较为吃力。但是不管是哪类人,他们都具备最基本乐感,所以乐感通过后天的培养还是可以发生很大的改变。 教师在进行授课的时候,除了让学生自己进行演奏,还可以定期的为学生播放一些钢琴曲,让学生闭上双眼去感受,理解乐曲的内涵和意义,进而获得自己与众不同的领悟,产生对音乐独特的理解和感受。 三、结语 钢琴的演奏技巧和乐感之间的关系,是相互促进,相互补充的关系,所以我们在进行钢琴教学的过程中,一定要充分的认识到二者之间的联系,更好地将二者的力量传递给学生。只有不断的完善自己的演奏技巧,才能更加纯熟地去诠释一首乐曲的内涵和情感,也只有这样才能够更好地将乐感培养起来,形成自己对乐曲独特的领悟和认识,在进行钢琴的演奏和未来乐曲创作的时候形成自己的风格和情感。 钢琴教学技巧论文:钢琴演奏与教学中的触键技巧问题 摘 要:钢琴是音乐中的绅士,有着他独特的魅力,随着社会的发展,钢琴的制造技术在不断进步,本文主要针对钢琴演奏与教学中的触键技巧问题进行分析,以期给相关学习研究者以有益借鉴。 关键词:钢琴;触键;技巧;演奏 伴随着手指如精灵般的跳动,创作的不仅仅是一首首优美的曲子,更是一个个情感与灵魂的表露。钢琴作为“乐器之王”与小提琴、古典吉他并称为世界三大乐器。不仅仅因为他悠久的历史,更是因为他对技巧的严格要求。只有高超灵活的技巧,才能更好的控制钢琴、融入钢琴。钢琴家只有有技巧的去演奏钢琴曲,才能赋予它真正的灵魂,钢琴演奏作为一门独特的艺术有着很强的技巧性。著名钢琴演奏家霍夫曼曾经说过这样一句话:演奏必须取得曹工钢琴的主权,这个操纵权就是技巧。自从十八世纪末,钢琴随着社会的发展,他的基本构造与性能已经基本定型,钢琴曲的优美旋律已经不像以前那样受到钢琴制造工艺的巨大限制。钢琴的触键技巧已成为钢琴演奏的决定性因素。同一首曲子、同一架钢琴不同的人弹奏却可能产生不同的风格与情感,在钢琴的演奏和学习中,触键技巧作为最基本的因素却成为了最复杂的问题。 随着社会的不断发展,钢琴的触键技巧已逐渐发展为弹奏训练中的一个基本体系,那么如何去掌握并灵活运用这种技巧呢?手指是一个钢琴演奏家的全部生命与灵魂所在,正是由于手指的灵活跳动赋予了钢琴曲灵魂与生命。也正是由于手势上的深厚功底,将一个个单调的音符组成了一首首或跌宕起伏,或优美动听,或狂风暴雨,或柔美动听的曲子。 1 力量因素在触键技巧中的“重量” 力量给予了生命足够的爆发力,但是这个看似简单的问题却是保证良好触键的基础和关键。本来手指作为身体上最灵活的部位,却成为了初学者的噩梦,手指的灵活运用对他们来说是那样的遥不可及,手指在庞大的钢琴面前却是那样的笨拙。这不仅仅是因为手指力量与身体的复杂联系,更是由于演奏家对每个音符力量的选择。一首简单的曲子,可能因为一个手指不小心用力过大或过小彻底破坏了他的美感。手指力度不是一朝一夕能够练好的,初学者在练习钢琴曲时,弹奏的声音可能听起来很虚,手指手臂也可能很容易疲劳。因此,只有脚踏实地的不断练习,才会掌握好自己的手指力度。钢琴的弹奏更加讲求力度的均匀传递,只有在弹奏时保持手指下力的均匀,和旋才会听起来更加饱满动听。力量是钢琴演奏的基础,在触键技巧中占据着不可或缺的地位。 2 从高抬指和贴键训练中看触键技巧 在世纪的钢琴弹奏中,影响弹奏的各种因素其实是相互矛盾却又相互依存的。对于钢琴演奏者来说,高抬指和贴键都是不可或缺的训练,高抬指提高了手指的独立运动性,也提高了手指力量的爆发力和耐力,更加强了手指、腕、臂和身体的协调配合。在初学阶段他有着自身无法替代的价值。可能人们在观看钢琴家演奏时会发现,很少有人去高抬手指,讲求的更多的是松弛随意,更多的是在贴键弹奏,这是因为贴键弹奏虽然和高抬指相互矛盾,但他却是高抬指的升华和发展。手指力量在满足了弹奏所需要的爆发力和独立性之后,就不再需要刻意的去高抬指。贴键演奏会使弹奏者的手指跳动更加灵活有力,圆滑流利,更节约了一些不必要的动作和力量,给人们行云流水般的感觉。只有在不同的训练中,在不同的矛盾中才能创造出完美的乐曲。 3 身体的协调配合对音乐的影响 对于钢琴演奏者来说,身体的协调配合就是手指、腕、臂以及腰部甚至整个身体的协调配合,很多钢琴家在演奏时,整个身体都会随音乐跳跃起来,以满足各种力量的需求。弹奏过程中的基本坐姿和体位都将对音乐的演奏产生巨大的影响。朗朗作为首位冲出中国的国际著名钢琴家,是所有音乐家的榜样,他的演奏想必大家一定看过不少,他的演奏不仅是音乐的表演,他的整个身体都会随着音乐去跳动,仿佛整个人已经融入了音乐。看似毫无章法的跳动,却把身体的协调运用发挥到了极致,演奏过程中无论是过度紧张还是过度放松,都会对身体的协调产生巨大的影响。“钢琴诗人”肖邦和“钢琴之王”李斯特都曾试图去解放手臂和手腕,探索一种更加完美的演奏方法,希望仅仅通过手指的灵活跳动去演绎出完美的音乐,但最终都以失败而告终。无论何种水平的钢琴演奏者,只有做到身体与钢琴的完美配合,才能创造出音乐的灵魂。 4 让触键技巧成为一种习惯 一个行为决定了一种习惯,孰能生巧,自古至今都是一个不变的真理。钢琴演奏讲求的不仅仅只有天赋,更需要的是后天你的不断努力。有哪个钢琴家的童年离开了枯燥烦闷的练习却创造出了后来的成就,又有哪个钢琴家不是凭借不断的努力创造了演奏的升华与积淀。只有让演奏成为你生活的一部分,成为你的习惯,你才能更好的融入钢琴。只有在不断练习中你才能发现自己的不足,才能有机会去创造属于自己的风格。习惯是一个看似虚无缥缈的东西,但他却决定着你的钢琴之路能走多远。 5 结语 钢琴看似简简单单的黑白双键却有着不简单的内涵,看似简简单单的触键技巧却包含了沉重的汗水,没有真正的天才,也没有完美的触键技巧,只有刻苦的学者,用自己的汗水去换取完美的演奏,用自己的人生去创造曲子的灵魂。钢琴演奏是完美的音乐升华,不是简简单单的去创作,无论学习还是演奏都离不开触键技巧,也都离不开演奏者的真正投入,离不开汗水与灵魂的交融。 钢琴教学技巧论文:谈儿童钢琴教学的小技巧 随着社会的进步,越来越多的孩子开始接触钢琴,在钢琴入门时经常遇到一些问题,音符的时值(音的长短)和识谱不仅在基础中占有很大一部分,也会直接影响到以后的弹奏。文者就此针对音符的时值和识谱问题,谈谈在儿童钢琴教学中这两个部分的小技巧。 一、音符的时值 我们在儿童钢琴教学中所经常用到的音符有全音符、二分音符、四分音符、八分音符和十六分音符、除此还有对于儿童来说相对复杂的附点音符。在儿童钢琴教学中,通常学习的顺序是全音符、二分音符、四分音符、附点二分音符、八分音符、大附点音符(前四分附点音符,后八分音符)、十六分音符等等。当然有更复杂的,但是对于钢琴基础的学习接触比较少,只要把基础音的时值掌握好,对以后学习节奏节拍来说就较为容易些。 1. 全音符、二分音符、四分音符和附点二分音符。这是孩子们接触钢琴后第一次对音的时值的认识,也是关键。如果单纯的去给孩子们叙述音的时值,有的孩子会出现根本不理解的情况。在这个时候,我们可以用一首熟悉的儿歌来告诉孩子,在音乐的世界有的音是长音,有的音是短音。这不仅可以提高孩子的兴趣,还可以加深孩子们的理解。然后我们把全音符、二分音符、四分音符画在一起来讲解,最好用联想记忆,让孩子们通过直观来看这三个音符像什么。接下来教孩子们数拍子,全音符是四拍,那么我们要用到一个小技巧,从开始的时候就不直接数一、二、三、四。我们在这个时候要数成一拍、二拍、三拍、四拍。不要看只是一个小小的差别,但是在以后学习八分音符和大附点音符时,会起到很大的作用。我们第一个弹奏的音是中央C,唱Do,以全音符为例,我们在数拍子时,唱成Do拍、二拍、三拍、四拍。唱出来不仅有利于孩子们对音加深印象,对音准方面也会起到一定的作用。二分音符和四分音符、全音符的数拍方法一样,二分音符数成Do拍、二拍,四分音符就数Do拍,附点二分音符是三拍,数成Do拍、二拍、三拍。 2. 八分音符和大附点音符。八分音符我们通常称为半拍,而大附点音符是由一拍半+半拍组成的。对于年纪比较小的孩子来说,如果对他讲述八分音符是四分音符的一半,孩子似乎很难去理解,在这个时候有的老师通常会弹奏四分音符和八分音符让孩子来听,通过听辨来区分音的长短,但是这种方法似乎总达不到理想的效果,因为孩子无法理解均分,对以后的学习可能会造成困难。还有的老师会用分饼干等形象的方法让孩子去理解,但是在弹奏时,总是会出现问题。在这个时候前面学习的四分音符的数拍的基础优势就体现了出来。我们可以很容易的教孩子,让他把以前唱的Do拍的“拍”字弹成音符。因为即使孩子是在4-5岁学钢琴,她们的语言能力也可以把“Do拍”唱的很均匀,那么也会自然的带到他的弹奏中。在弹奏大附点音符时,假设Do是四分附点音符,Re是八分音符,那么我们再弹时就唱Do拍二、Re。这对于小朋友来说就比较容易接受了,需要注意的是在数拍掌握熟练后,逐渐提醒孩子注意倾听,这样孩子们对拍子的乐感就会愈发的增强了。 下面来用一首小曲举个例子: 这首是著名的作曲家德沃夏克的作品《思故乡》,从乐谱上看,很容易理解上面所陈述的方法。 二、识谱 识谱是孩子学钢琴面对的一个基本的问题,我曾经接触过一个考5级的学生,弹曲子时老师还在手把手的教,对乐曲的感觉、节奏都很好,就是不识谱。这个问题让很多老师非常的头疼,但是从客观说,这和孩子的知识框架有很大的关系。有的孩子不用怎么教也会,有的则非常困难。我认为这个问题在开始学琴的时候就要开始打基础,第一节课无论教不教孩子认识五线谱上Do的位置,但是都要学会唱Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si这七个连贯的音,这对以后的学习有很大的帮助。对于有一些孩子学习了一段时间还不识谱,那么我认为还是要从最基本的去理解。分清线间和高低顺序,要告诉孩子,无论是高音谱号还是低音谱号第一线都在下面,就像上楼梯,无论是高楼大厦还是低层的房子都要从1楼开始往上爬。 有两个小方法提供给大家参考: 1. “走路”的方法。现在我们生活的地方一般都有地板砖,而地板砖是有接缝,横竖平行的,在横的地方贴上五条彩色的胶带,这样容易让孩子感兴趣,在娱乐中学习。让孩子先站在第一条彩色的线上,然后走一步,走到第一条彩色线和第二条彩色的线中间,再走到第二条线上,如此多重复几次。结合五线谱给孩子讲解,先把上行学会,然后把上加线和间讲解了,最后在学习下行。提前学习识谱不仅有利于培养孩子的兴趣,也不会在重复“下加一线是Do”中让孩子失去对钢琴原有的兴趣。 2. “折纸”的方法。这个方法对于年纪7岁以上的孩子比较好理解,对于长时间学习钢琴但是识谱困难的孩子也有一定的帮助。在数学中有学习对称图形部分,那么高音谱和低音谱从中间对折,每一个Do都是对称的。先用联想对称的方法记住基本的5个Do的位置,再逐渐的去熟悉其他的音位。老师对于识谱较慢的孩子要耐心去讲解,不能每一次都“放过”,等下次,这对孩子的发展是非常不利的。 在钢琴学习中基础是非常重要的,在不失兴趣的情况下,让孩子在快乐的弹奏中成长是每个家长心中的希望。钢琴的学习之路是较为漫长的,但是越学越精彩,希望喜欢音乐,喜欢钢琴的孩子可以坚持,克服困难学下去。同时也希望此文章可以帮助到一些儿童,为他们的钢琴学习提供一定的技巧。 钢琴教学技巧论文:浅谈儿童钢琴教学的技巧 摘 要:随着社会经济的发展,人们物质生活条件的日益提高,家长对子女的素质教育也越来越重视,于是钢琴走进了千家万户,学习钢琴的儿童也越来越多。但由于各方面的原因,儿童钢琴教学中还存在各种各样的问题。 关键词:儿童钢琴;教学;技巧 随着社会经济的发展与音乐素质教育的普及,学习钢琴的儿童日益增多并趋于早龄化,家长认为通过学习钢琴,孩子不仅可以掌握一技之长,还可以陶冶情操,培养踏实严谨的学习态度,丰富他们的业余生活。下面笔者谈谈对儿童钢琴教学的一些观点和看法。 一、帮助儿童养成良好的练琴习惯 培养良好的学习习惯是成功的关键。当前社会竞争激烈,孩子学习的科目众多,良好的学习习惯能够提高练琴效率。练琴时间要根据孩子的年龄和自身的性格而定,并随着年龄的增加而逐渐增加。练琴时间的长短一旦确定下来,家长就要严格要求和监督孩子,帮助孩子养成良好的练琴习惯。在每天练琴之前可以先布置好当天的练琴任务,如果孩子能够在保证质量的前提下提前完成作业,就可以提前结束练琴时间。这样可以克服孩子做事情没有计划、磨蹭的毛病,在提高练琴效率的同时,也培养孩子做事情有条理、有计划的能力。 所谓细节决定成败,作为教师和家长,在教与学的过程中,需要引导孩子养成认真读谱的好习惯,让孩子明白错音的严重性,正确理解休止符及不同奏法的含义,重视音符时值、速度标记、力度记号,养成查阅术语的好习惯,读谱要仔细全面,避免形成弹琴马虎不认真的缺点。要想成功,科学合理的练琴方法必不可少。所谓欲速则不达,正如赵晓生先生所说:“慢练是克服一切技术障碍之本。”慢练的过程,相当于让演奏者拿着放大镜把整个曲子细致研究了一遍,使演奏者有时间去倾听、比较、思考和理解。在慢练的过程中,还要注意节奏的准确和对情绪的把握、手腕手臂动作的配合、体会动作的感觉,只有一切是在以最终表演为前提下进行练习的状态,才是有意义的慢练。 此外,关于分手与合手练习的问题,笔者认为没有绝对的好坏。应当视个别情况而独立判断。如果遇到难点片段,新的技术或触键,可以分手练习;而单纯识谱,最好鼓励孩子从小养成双手识谱的好习惯,并在识谱中,把指法、奏法、句法、力度记号等细节都考虑进去。慢练、分段落练习、分手练、动脑用耳练,看上去虽然简单,却正是孩子在练习中所忽略的。因此作为教师和家长,需要时刻提醒孩子养成正确的学习习惯和态度。 二、注重基本功的训练 钢琴学习是一个漫长而艰辛的过程,作为教师,在孩子日常学习中,如果能够强调正确的弹奏方法,科学重视钢琴基本功练习,会使孩子在钢琴学习的道路上事半功倍。就像学习芭蕾舞,不重视脚尖站立的能力,则发挥不出其艺术特点与魅力。但相对于其他性质的练习,基本功练习比较枯燥,孩子在练习过程中,如果没有把教师强调的重点和要领重视起来,只是单纯地练习音符,就会事与愿违,达不到练习的真正目的。 在钢琴教学教法中,对于高抬指还是低抬指有很多争论,笔者认为要根据不同的音响效果和需要而定。但在钢琴学习的初级阶段,高抬手指练习是主要的也是必要的。在进行音阶、琶音、保持音练习和练习曲等基础训练时,运用高抬手指可以使手指和掌关节得到最大程度的锻炼,并能增强手指的力度、独立性和灵活度。当孩子能够较好地站立手指时,就需要给他们灌输其他的触键方法,使他们了解弹奏方法的多样性。 关于基本功练习,笔者认为,虽然我们不能把钢琴演奏看作是一门纯技术性的表演,但基础训练又是必不可少的。二十四个大小调音阶,琶音是孩子了解熟悉键盘的最好途径,熟练掌握它们,能够对明确各调性关系,掌握指法体系起到至关重要的作用。此外,《哈农钢琴练指法》、《什密特钢琴手指练习》以及车尔尼系列钢琴教程等都是非常有实用价值的教材。作为教师,在日常教学计划中,不能忽视对孩子的技术技巧训练,并在教学过程中注重对孩子情感的培养,因为在钢琴演奏中,技巧与音乐是相互依赖,缺一不可的。 三、加强孩子的演奏能力 钢琴教学与其他学科不同,主要以个别授课方式为主,孩子在学习过程中,除了揣摩教师的弹奏,很难与其他同龄孩子产生互动,最多只能看看前后孩子的上课情况。因此,作为教师,最好能够定期把孩子们聚在一起,互相切磋交流,让他们感受到演奏的氛围,培养孩子的表演欲,增强心理承受能力,同时激发孩子学习的兴趣。此外,还可以给弹奏水平相当的孩子布置四手联弹的曲目,促进交流和配合,这样也可以加强他们与人合作的意识,更有助于他们听觉的训练。定期举办观摩会,能成为孩子学习钢琴的动力,树立学习目标,每次观摩还可以和教师讨论自己想表演的曲目,这样既能增加对自我的了解,分析自身的优缺点,也能增加表演经验。因此,作为教师,要积极帮助学生创造这种表演的机会,这种锻炼在孩子的学琴过程中是必不可少的。 四、听觉的重要性 大多数家长和孩子都是“听”了其他孩子的演奏,引发对学习钢琴的积极性,可见“听”在学习音乐过程中是很重要的环节。但是当孩子开始接触弹奏时,就会把注意力从“听”转变成“看”,看手型、看谱子、看老师的动作等,长久下去,他们的耳朵在练琴过程中就会处于休息的状态。孩子在接触新事物时,都会有种先入为主的感觉,从他们学习第一个音符开始,教师就应该把“听”和“看”结合起来,强调两者同等重要的地位,从单音开始听音色,听触键,听控制。这样能够在学习过程中潜移默化地让孩子在听觉上建立良好的音色概念,树立正确的审美观念。练习过程中,孩子在耳朵倾听的状态下弹奏,当出现不正确的音响效果时,他们会把这种音响错误等同于错音、错节奏一样的问题。若孩子能够严格按照这种标准要求自己,那么距离成功的目标必然就会越来越近。 此外,听觉训练中还包括重要的固定音高训练,即听音训练。通过这项练习,可以帮助孩子在识谱过程中,把眼睛从琴键上解放出来,减少看谱、看手的频率,减少弹错音的几率,使视奏能力得到提高。 儿童学习钢琴是一个漫长而又复杂的过程,因为孩子的天性和其他客观因素,在这条路上成功并不容易,即便天分和勤劳两者兼备的孩子,如果缺少教师的正确引导和家长的高度配合,也很难交出出色的成绩单。从教育和文化的角度出发,作为钢琴教师,应该在日常教学中,在引起孩子学琴兴趣的前提下,对孩子进行基本功训练,培养孩子练琴的好习惯,并请家长给予积极配合,这样才能使孩子在钢琴学习的道路上,一步一个脚印地前进下去。 钢琴教学技巧论文:钢琴教学提升左手弹奏技巧研究 摘 要:本文就钢琴演奏左手技巧重要性探讨了其演奏阶段中存在的问题,并制定了钢琴教学优化提升左手弹奏技巧科学策略。对完善教学效果,全面发挥左手弹奏技能,演奏出优美的钢琴乐曲,提升艺术感染力,有重要的实践意义。 关键词:钢琴教学 左手 弹奏技巧 1 钢琴弹奏左手技巧重要性 钢琴为多声部演奏的乐器,各个曲子均包括至少两个声部。因此,演奏者想弹出优美的音乐应注重声部的良好独立与优质配合。多声部的钢琴乐曲演奏需要两只手配合完成。较多钢琴乐曲作品中,均需要演奏者用右手完成主旋律的演奏,因此,演奏者往往投入更多的精力在右手练习中,却忽略了左手声部的技巧锻炼。实际上钢琴演奏以及练习阶段中,左手弹奏技巧的训练尤为重要。左手承担着演绎伴奏声部的重要任务,虽然并非主旋律,却作为衬托主旋律的绿叶而必不可少,起到了画龙点睛的作用。因此,动人的钢琴音符需要左手运用良好的弹奏技巧合理的烘托演奏气氛。一首完美的钢琴演奏作品,不仅要将主旋律音符演绎的恰到好处,伴奏声部也应处理适当,方能令其形成良好的衬托,否则即便是再好的主旋律也会变得淡然无味,不能满足人们丰富多彩的欣赏需求。古典奏鸣曲钢琴演奏作品,其左手伴奏旋律多应用固定音型,而主旋律则多为单音,也就是说主体依靠右手进行演奏。而为了凸显主旋律,则左手伴奏的音量会较主旋律弱一些。同时,左手需负责低音、弹奏转调以及和声变化。足以见得左手弹奏钢琴音乐的重要性。钢琴演奏逐步发展为浪漫乐派时期,其伴奏声部则在和声以及织体阶段均更为丰富,进行和弦的分解、琶音流动,均形成了对右手演奏的有效充实以及衬托。例如肖邦夜曲演奏曲之中明朗且平静的Op9No2,谱例(见图1)。 左手伴奏需有效控制好适宜的音量,并需要演奏者清晰的演绎、准确的诠释,体现明了的方向性。该乐曲演奏左手弹奏需要掌握速度控制技巧,且应做到稳重、安静,方能为右手的弹奏烘托良好的气氛。由此可见,强化左手弹奏技巧的训练十分必要。 钢琴乐曲的演绎中,左手还承担着旋律声部的演奏,一旦旋律出现于左手负责的声部,钢琴演奏者便应有效的突出左手部分的弹奏,体现良好的应用技巧。例如《十一月在马车上》。 这首钢琴曲,由五十一小节,乐曲主题转入左手,需要演奏者强调左手声音,高声部应突出爽朗明快的演奏风格,而左手低声部则应形成共鸣的效应。要想达到这一演奏效果,需要掌握一定的左手演奏技巧。 钢琴乐曲中舞曲以及舞蹈性音乐,其节奏成为展现音乐题材的主体,因此应确保左手声部进行准确清晰的弹奏。例如小步舞曲,左手二拍弹奏应有效控制声音,确保第一拍稍微长,同时二三拍不应过于跳跃。圆舞曲演奏,左手二拍弹奏的第一拍为强拍,因此,应体现良好的弹性,后续两拍则应轻快,并体现一定的控制力。倘若在弹奏该类钢琴乐曲时,无法注重左手声部应有的韵律与节拍,便会影响演奏效果。 复调音乐属于重要的音乐内容之一,其并不进行主声部与辅声部的划分,也不包括旋律与伴奏。也就是说复调音乐各个声部同样重要,均具有独立存在必要性与自身线条。要想演绎好该类作品,便应弹好左右声部,其往往为演奏者应注重的难点以及重点环节。学生倘若仅注重右手训练,则无法达到良好的乐曲演奏效果。只有利用听觉、研究声部连接以及良好的配合,重视左手演奏技巧训练,克服左手演奏难点,促进左手与右手的有效配合,兼顾旋律线条的进展,方能提升演奏水平,演绎出优质、完美的复调音乐。 2 钢琴演奏左手技巧相关问题 2.1 左手欠缺灵活度 一般来讲,人们的右手手指会比左手更为灵活,主体原因在于生理与练习方面的双重影响。生理视角来看,人们的右手天生灵活,左手则较为笨拙。日常生活中,多数人则经常应用右手干活、写字、吃饭,因此令右手更易于左手接受大脑的命令,并完成的比左手好。同时,右手由于经常用力,因此,其手指与手臂体现了优于左手的力量优势。例如学生进行连奏练习,通常右手手指的抬高高于左手手指,左手则相对表现的软弱,欠缺力度。练习层面来讲,针对右手的技巧训练钢琴乐曲显著高于左手,在欠缺系统性训练的状况下,便呈现出了左手演绎技巧与能力的先天不足,较难与右手抗衡,为此如何做好双手弹奏技巧的有效平衡将成为一类难点问题。 2.2 左手演奏应进一步强化歌唱性以及独立性 较多学生进行钢琴乐曲弹奏阶段中,右手演绎主旋律往往能较好完成,然而左手弹奏则会出现旋律弹得别扭、音乐不连贯、欠缺歌唱性以及感情色彩的问题。出现该状况,则学生往往进行左手的单独训练,即便如此也较难形成同右手相媲美的演奏效果。例如弹奏时,往往左手旋律处理过于生硬、跳音转换太快或较短,欠缺生命力,学生则过于顾及右手弹奏技巧,令左手旋律则被右手技术难度所引跑,欠缺连贯性以及良好的歌唱性。左手声部基本为伴奏声部,由于学生不够重视,将注意力多放于右手旋律,认为左手只需弱弹便可,不顾及伴奏声部自身应有的旋律以及和声走向,进而影响了乐曲的感染力以及生命力。左手弹奏虽需要弱于右手主旋律,然而其自身并非单个声部以及层次,做好左手弹奏的独立敏锐训练,令其具备良好的应变技能十分必要。例如肖邦夜曲左手声部在弱于主旋律的同时,不应将整体音乐弱弹,应合理将低音同和弦的具体层次、音量大小以及色彩有效划分,科学分析探究有效的左手弹奏方法,做好主旋律的优质配合,进而良好的服务于乐曲主题思想,展现完美的钢琴乐曲演绎。 3 钢琴教学提升左手弹奏技巧科学策略 3.1 理论联系实际,注重左手技巧基础理论教学 学生练习左手弹奏技巧阶段中,应注重理论研究、联系实际,明晰如何弹、怎样弹,勤于思考锻炼。实践教学中,教师应做好弹奏原理的教学,令学生巩固理论依据,实现内涵升华。实际操作同理论学习研究均十分重要,操作可为研究理论提供具体分析对象,而理论研究则可为实践演绎、弹奏提供优质练习手段。为此,教师应做好亲身示范弹奏,深化讲解,令学生形成良好的理性认识,进而在技巧练习阶段中能够独立的思考,并举一反三、触类旁通,快速掌握左手弹奏技巧,促进实践及理论相结合。再者,教师应培养学生形成良好的主观能动性,在依据教师讲授方式进行左手技巧练习阶段中,应引导学生阅读卓越钢琴家有关弹奏技巧的著作,令其掌握丰富的技巧应用策略,进而结合自身弹奏水平,汲取丰富经验,学会良好的弹奏方式,强化左手技巧水平。学生在左手弹奏中一旦遇到困难,教师应给予必要的引导,同时,鼓励学生先进行独立思考,思索良好的应对技术难题策略,通过查阅书本寻找答案,积极和同学进行心得交流。应令学生明晰课堂并非演奏知识获取的单独途径,想丰富技能知识,应勤于思考,不应盲目训练,倘若漫无目标,再多的训练也毫无用处。因此,教师应培养学生在弹奏练习阶段中应借助自身理解,发挥逻辑优势,通过用脑练习、理论武装头脑,提升学习时效性,有效补充学生学习钢琴年限有限、手指欠缺锻炼的不足之处。 3.2 注重复调钢琴乐曲作品左手训练 复调钢琴音乐作品对于左手技巧的练习尤为重要,其中声部包含较多,音乐形象却相对单一,进而学生可专一进行手指训练,明晰主声部与辅声部具体层次,令音乐更为均匀、流畅,体现良好的横向感,避免多声部形成的混乱现象。在复调学习阶段中,还可令学生锻炼各个手指灵活度,提升操作力度以及良好的独立性。教师讲授复调作品练习阶段中,应辅助学生合理的转换思路,明晰复调同主调作品的实际区别,复调作品具备的特征与练习操作的主体要求。即不应将左手视为伴奏声部而单纯的进行弱弹处理,应令学生明晰复调音乐之中,声部并不包含主次区别,左手弹奏与右手应同等重要。弹奏练习中应正视左手的重要性,做好同右手的紧密配合、有效衔接。可引导学生多多练习巴赫二部创意乐曲,训练脑部以及手指。谱例(见图2)。 该乐曲由于两声部为更替交叉的出现,因此,可令学生在练习阶段中较易分清声部、明确主题,有目的进行训练。教学阶段中,应令学生明确双手的力量应保持一致相同,进而令两声部显现有效的呼应以及巧妙的对打。弹奏时,应引导学生良好控制各个手指弹奏力度、具体时值以及触键技巧。在学生较好的完成二声部复调音乐之后,教师可为学生设置相应的的复调作品,令其优质控制左手技巧,令各个声部强弱以及走向更加明确清晰,不应将两声部不加区分的混杂为一体,同时,不能令右手将左手声部盖过,应掌握好技巧与度。 3.3 提升左手歌唱性演奏技巧 钢琴教学中,教师应注重提升学生左手的歌唱性演奏技巧。针对左手进行旋律演奏的内容较少,且由于左手存在先天灵活性不足的状况,令其演奏水准、对音量以及音色的整体控制性弱于右手。因此教师更应有目的、合理选择针对左手训练的钢琴作品,提升其歌唱性,令学生用左手演绎出柔韧有余、深沉感性、音色醇厚的乐曲效果。为提升左手弹奏的歌唱性,教师应引导学生良好的应对左手连奏问题。可在学生应用左手弹奏旋律阶段中,详细进行连奏效用的阐释,令学生掌握科学的弹奏处理方式,明晰如何应对旋律连奏及其与伴奏连奏的既定联系与内在差异。例如,在进行平湖秋月钢琴曲的弹奏中,左手演绎第一段内容的伴奏连奏以及第二段旋律连奏存在差异性。首段左手伴奏包括两部分,即低音以及中音声部。整体左手应利用连奏处理弹奏,低音部分应弹奏的低沉,延长声音的传输距离,营造好比岩石沉入湖水之中的音效。而中音部分则应处理的更为连贯,令声音好似较为遥远同时不能含混不清,应具备良好的起伏性,好比湖面之上形成的层层涟漪。弹奏力量要由始至终低于右手。弹奏第二段的乐曲旋律则变为左手,该时期其左手为连奏弹奏,而声音则更为清晰。因此,手指应体现良好的歌唱性,同时展现感情。学生弹奏该段落时,应注重利用手指肚进行键盘的触键,令其力量逐步沉入至钢琴,营造一种厚重、结实的演奏效果。 3.4 优选训练左手弹奏技巧的教材 目前,我国钢琴教材中有关专门指导左手弹奏技巧的出版书籍相对较少,虽然如此,基本所有关于训练手指技巧的钢琴教材之中均包含一部分左手手指训练的钢琴曲目。为此,教师进行实践教学阶段中可依据学生自身特征以及缺陷,有目的为其选择一些适合的教学书籍与钢琴曲目对学生展开专项训练。例如,《哈农钢琴练指法》书籍便是针对手指弹奏技巧的钢琴书籍,通过讲解指导训练学生双手手指弹奏的灵活性、触键力量以及耐久性。同时为强化左手弹奏技巧的练习,教师在参照书籍讲解阶段中,应强调对学生的左手展开独立的讲解训练,还可在双手一同演奏时,令学生强弹左手,进而强化头脑对学生左手的有效控制。还有一本有关技巧训练的教材为《每日十二首钢琴技术练习》,其内容详实、观点独到、编写优秀,涵盖断奏、弹奏音阶、连奏、钢琴演奏双手更替交叉以及琶音等较多技能练习,同时还注重双手并重,由简单逐步加大难度、由浅入深,具有广泛良好的适用性。同时,书籍之中还配设了有关生活之中学生们熟悉的生动丰富的动作、形体插图,简单易懂,可提升学生学习兴趣,营造良好的教学效果。参照教材进行教学阶段中,教师应辅助引导学生明确左手处理的难点,实施细化练习,科学应对各个重要环节。当学生左手可全部胜任弹奏技术后则可令其进行双手合奏演练。再者,教师可优选涵盖五度以及八度音阶、六连音技巧以及分解和弦演绎技术的曲目,对学生展开专项教学训练。令其丰富左手技巧,更全面的汲取弹奏知识,提升综合演奏水平。 4 结语 总之,钢琴教学是提升学生弹奏技巧,强化音乐理解力、鉴赏力,丰富艺术内涵的重要工作。要想演绎出一首充满情感、引起共鸣、获取听众认可的优美钢琴乐曲,不仅需具备良好的音乐素养,将主旋律处理的动听、美妙,同时,还应注重左手技巧的训练。为此,教师只有明晰左手技巧练习重要性,针对左手教学训练存在的问题,制定科学有效的实践教学策略,优选教材、科学设计教学内容,提升学生左手歌唱性弹奏技巧、注重基础理论教学,科学联系实际,引入复调钢琴乐曲作品的针对性训练,方能提升教学水平,营造良好的教学效果。令学生双手形成良好的配合,正确、到位的演绎钢琴音乐作品,进而实现素养内涵、实践能力的全面提升。 钢琴教学技巧论文:浅谈如何在钢琴教学中提高学生左手的弹奏技巧 摘要:钢琴是多声部乐器,练习和演奏需要左、右两只手共同协作完成,然而,有相当一部分学生只重视右手技能训练却忽视了左手的功能。事实上,在钢琴演奏中,左手占有不容忽视的重要地位与作用。在钢琴教学中应重视培养学生的左手弹奏技巧,以达到最好的演奏效果。 关键词:钢琴教学;左手;演奏技巧 1左手技巧的重要性 随着我国艺术教育事业的不断发展,越来越多的人加入到专业钢琴学习的队伍。钢琴作为多声部的乐器,它所弹奏的每首曲子都是由两个或两个以上的声部组成。演奏者要弹好一首乐曲就一定要注意各声部的独立及配合,而多声部演奏是由左、右两只手共同承担,协作完成的。在大部分作品中,右手承担着主旋律声部,学生也往往会下大力气去练习右手技能,而往往容易忽视左手声部的存在,导致左手的跑动能力明显不如右手。事实上,在练习及演奏中,左手的弹奏是非常重要的。 左手在钢琴演奏中所承担任务主要有:一是往往担任伴奏声部的弹奏任务,一部作品如果没有好的伴奏声部来衬托,再好的旋律也会显得苍白无力、无法吸引人;二是有时担任旋律声部的弹奏任务,一般来说,旋律有时会在右手(高声部)出现,有时又会在左手声部(低声部)出现,当旋律在左手声部出现时,演奏者就要突出左手的弹奏;三是担任准确把握舞曲或舞蹈性乐曲节奏的任务,在舞曲或舞蹈性乐曲中,节奏是表现其题材的主要特征,要把握好节奏就必须把握好左手声部节奏的准确弹奏;四是在复调音乐中担当同右手一样的任务,在复调音乐中是不分主要声部和从属声部的,每个声部都有其独立存在的意义,都有自己发展的线条。由此可见左手技巧在钢琴演奏中的重要作用和加强左手技巧训练的重要性。 2提高学生左手弹奏技巧的方法 2.1注重理论知识的输入 教师在教学中不但要向学生传授演奏技巧,还要引导他们掌握相关的理论知识。教师通过示范演奏与深入讲解,使学生增强理论认识,并在练习中独立思考以求触类旁通,尽快地掌握与提高手指技巧。同时,要充分发挥学生的主观能动性,指导他们阅读著名钢琴家撰写的关于钢琴演赛技巧的书,借鉴他们的演奏方法和方式来提高自己的技术水平。当学生在左手弹奏遇到困难时,不仅要向老师请教解决办法,更重要的是独立思考,想办法解决好技术难题。既可以看书找答案,也可以和同学交流心得,总之,不能把课堂当成获取知识的唯一途径,而是要多方面获取知识,提高技巧。 2.2利用复调作品练习左手技巧 复调作品虽然声部多,但是音乐形象比较单一,这样学生就能专一地去控制每一个手指,分清主次声部的层次,并使音乐平均、流杨、有横向感,不至于因声部层次多而混乱。通过学习复调,可以锻炼每个手指的灵活性、独立性以及力度等。复调作品是练习左手技巧的重要作品。它需要左手和右手有一样好的技巧才能完成自己的声部,这就对左手的手指技巧提出了更高的有求,同时它又为左手各个手指灵活、独立、力度的训练提供了极好的机会。教师要帮助学生转换观念,强调复调音乐与主调音乐的区别,讲清楚复调音乐的特点及练习要求,让学生理解在复调作品中声部之间没有主次之分,左右手同样重要。在弹奏中不但要重视左手声部在整个音乐中的地位和独立的音乐性格,还要注意左手声部与右手声部的配合与衔接。可以要求学生分手、分声部练习,并且重点练习左手,从而将每个声部弹清楚、完整。 2.3训练大脑对左手的控制 对于大多数学生来说,左手比右手更不易受大脑控制,因此出现的问题和困难就会更多。因此教师在教学中可以有意识地训练学生用脑来控制手指的弹奏及手腕和手臂的演奏状态。可以利用巴赫的二部创意曲训练头脑对手的控制。二部创意曲由两个声部组成。一般是右手弹奏高声部,左手弹奏低声部。主题在两个声部中交替出现,学生练习时容易分清楚声部,找出主题,由于左手的声部不再是伴奏声部,而是与右手声部同样重要的声部,所以它要弹奏的曲调要富有生命力和自己的性格特征。双手的力量要“旗鼓相当”,要特别注意左手不能比右手轻,以保持两个声部模仿、呼应、对答的特点。学生在弹奏左手声部时要注意控制每一个手指的力度、时值和触键。 2.4训练左手手指的歌唱性 在教学过程中,教师应该有目的、有针对性的选用一些左手弹奏旋律的钢琴作品,训练学生左手手指的歌唱性,使其弹出深沉、柔韧、醇厚的音色。要想训练左手手指的歌唱性,就要解决好左手连奏的问题。在练习连奏时,教师可以指导学生先从两个音的连奏开始学习,手指上也可以从较好控制的二、三指练起。两个连音学好后再学三个音、四个音、五个音的连奏,同时逐渐把拇指、四指、五指包括进来。可以先练习相邻音的弹奏连接,再练习相间或远距离音程之间的弹奏连接。在练习连奏时不但要讲究手指、手腕的平稳、连贯,更重要的是讲究声音的平稳及连贯,每个手指之间动作要衔接好,每一个音的声响应该均匀,不能有的轻有的重。 2.5注重教材和曲目的选用 大部分练习手指技巧的书籍中,都会有涉及左手手指技巧的练习曲,教师在教学中可以根据学生的特点和不足,有针对性地选择一些书籍和曲目对学生进行训练。《哈农钢琴练指法》、《每日十二首钢琴技术练习》、《莱蒙钢琴练习曲》(作品37号)、卡米尔・圣桑《六首左手练习曲》、莫里茨・莫什科夫斯基《12条左手单手练习曲》、戈多夫斯基《左手音乐会曲集》等都是练习左手手指技巧的重要书籍。为了加强左手技巧的训练,教师在指导学生练习时应强调左手的单独练习,或双手齐奏时要求学生强弹左手来加强大脑对左手的控制。 钢琴教学技巧论文:谈数码钢琴教学中哈农与音阶技巧的练习 【摘 要】数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容,可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力,能够多出人才快出人才,有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。本文就数码钢琴中的哈农基本练习及音阶技巧谈了自己的看法。 【关键词】数码钢琴;教学;哈农练习;音阶 数码钢琴集体课作为一种新兴的教学模式由国外传人得到愈来愈多的重视,其原因一是由于国内高师音乐教育改革趋势的推动,同时也是受到国外先进教学经验和理论的启发。数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容,可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力,能够多出人才快出人才,有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。 在数码钢琴课中,钢琴基础教学就显得十分重要。钢琴基础教学主要包含两个方面:手指基本灵活性的弹奏和手指技术技巧的练习。针对这2个方面我们会使用到《哈农钢琴练指法》这本书,在这本钢琴书里哈农基本练习是针对手指灵活性来练习的,而音阶技巧是对于手指技术技巧的练习。 看到很多的人在讨论哈农练习重要不重要的问题,我发现赞成与否的刚好是对半。这说明国内对于哈农练习的认识还不够,我们认识的很多世界著名演奏家,到现在哈农练习也还是他们每天必做的功课,这说明什么问题?我看过很多老师上课时对哈农练习的要求,我认为都不正确,按他们这样的要求,一条一条的练习,对于学生来说的确是没有什么用处的。我的学生都要求每天做1-20或21-38条连奏的,44条以后的每条起码是反复10遍。那么在数码钢琴教学中我把哈农练习分为四个阶段,在这里我首先介绍第一阶段的练习,第一阶段的练习又分三步走: 第一步:哈农1-20条连奏 为这个练习我专门做了1-20条的省略版,这样就不会让学生在练习的过程中有翻谱的动作。我的要求是一气呵成,开始是用“高抬指快速触键”的方式慢练。在触键动作都符合要求后再加快速度,直到能够做到音色均匀、很清晰、很轻松的完成后,就变换一种触键方式继续按照从慢至快的练习,直至把基本的触键方式在哈农1-20条上都熟练的掌握好。开始练习时由于耐力问题,你可能练习到第8条至第10条会有很疲劳的感觉(我把这种情况称为耐力临界点,这个点是因人而异的),记住,不要停下来,坚持下去就会感觉又有了新的力量,直到把20首都练习完成。这种练习要求每天至少一遍,有时间的话最好是三遍,上午一遍,中午一遍,晚上一遍,每天每遍都用不同的触键方法。第一步的练习时间将会持续将近一年的时间,在这个过程中,你会收到意想不到的效果。 第二步:每条在12个调上跑完 这个练习开始时会很别扭,因为大指和小指不断的要上黑键,黑白键有高有低,一定要控制好手腕的平稳,特别要关注大指的主动性。由于调式的关系,经常会遇见要弹奏两个黑键之间夹缝的情况,记住,一定要做到准确、扎实,不要一味的图快,讲究质量是首位的,音色的均匀是这种练习的重中之重。1-20条都能够在12个调上很轻松的跑动,这时你的手指力度、弹性和耐力都已经产生了质的飞跃 第三步:1-20条双手不同触键方法 第三步的练习主要是学会快速变换触键方式的能力,开始时,你可以一遍只换两种触键方式,如前10条是“高抬指快速触键”,后10条是“低指位快速触键”,然后再逐渐加上“非连音触键”等等,最后是两条一种触键方式。我经常教学中会用上行一种触键,下行又是一种触键,然后是左手一种触键方式,右手另一种触键方式,例如:左手用“指尖跳音触键”,右手用“连音触键”。这样的练习很有意思,让你体会不同的触键而产生的不同音色带来的美感。这个时候你就可以进行第二阶段的练习了,也在这个时候,由于你触键方法的丰富,对乐曲情感的表达能力将会不可同日而语了。 接下来我们说一说音阶技巧的弹奏,音阶是钢琴作品织体中的重要组成材料,弹好音阶是掌握钢琴演奏技术的重要保证。?从技术训练的角度看,音阶弹奏要求每个音级力度均匀一致,所以弹奏音阶练习对于平衡发展手指的控制运用能力具有十分重要的价值。 第一条音阶,可以从C大调音阶开始。音阶练习可以从一个八度逐渐向两个、三个及四个八度发展,具休发展形式可采取变节奏的练习,例如:采用每分钟76-86拍的音乐速度(中等速度),按照四二拍子的音乐节拍律动要求,弹奏一个八度音阶,力求力度均匀一致的四分音符感觉;弹奏两个八度音阶,追求强位音突出的八分音符感觉(一拍内均匀地两个音),逐渐发展成三个八度音阶力求弹出强位音突出的三连音感觉(一拍内均匀地三个音);直到以后发展为四个八度音阶力求弹出强位音突出的十六分音符感觉(一拍内均匀地四个音)。 正确的顺指法、穿指法和跨指法,是弹好音阶的基本保证。手腕和手臂放松自如,是音阶弹奏平稳流畅的生理机制保证。音阶的变节奏练习,要有明确的节拍要求,切忌“盘子喝水一漫来”的“大写意”无序。强拍音或强位音在哪个手指上,就要突出哪个手指(尤其是四指)。大拇指要灵活并有所控制,不可无序地始终弹奏重音。拇指在音阶弹奏的过程中,要有提前量的任务准备,不可躺在键盘上弹奏。拇指与其他手指的交替弹奏要连贯自然,不可出现间断痕迹。 音阶的弹奏练习可以先分手后合手,练习中要正确掌握指法规律,并做到双手弹奏整齐划一。在音阶提高性的弹奏练习过程中,可采用音乐速度慢快结合、分手与合手交替的学习方法。弹奏音阶时,心中要有旋律性的歌唱,把音阶作为音乐来表现。 在正确熟练掌握C大调音阶演奏的基础上,可以进入G大调、D大调、A大调和E大调音阶的练习。这五个大调音阶的弹奏指法相同,需要特别关注的是键盘位置的变换及黑白键交替的把位手感。 关于音阶的指法、详见《拜厄》和《哈农》。切记音阶弹奏指法的正确固定,以保证弹奏的流畅连贯。音阶练习属于演奏技术材料之建设内容,需要做为日常练习持之以恒。音阶演奏质量的目标追求是运指灵活、反应敏捷并有一定的速度感及颗粒感。 在音阶弹奏质量的优化过程上,要更多地贯穿着“慢练”与快弹的有机结合,牢记速度是在正确的基础上自然地提升上来的,而不是硬逼出来。否则,势必造成弹奏中的僵硬痉挛。清晰、干净、均匀、流畅、颗粒状、歌唱性、平衡自如和节拍感,要始终记在心间并富之于长期实践。 音阶练习,对于初学钢琴者是重要的基本功训练。练习好音阶,需要注意几个方面: (1)练音阶的重要性:练习音阶很重要,一方面可以提高控制和运用手指的能力,二是可以熟悉指法,巩固记忆;三是可以熟悉键盘位置,熟悉调试及其转换,提高演奏能力。 (2)树立明确的目标:练音阶,首先解决的是一个“立”字,解决五指不立和掌关节发紧,只有苦练才能达到目标。二是学会一个“慢”字。只有会慢练,才能逐渐加强力度,增加耐力,并为以后的加速打下基础。 (3)防止一个"混"字:A大调,#f小调,g小调,C小调,这几套关系大小调,易混淆,指法易错,只有经过反复训练,直练到准确无误为止。 (4)采取分组练习法:将学过的音阶分为四组,每次练琴时先弹两组音阶,再弹乐曲,而后再弹音阶,交叉进行,每组慢练五次,快练一次,逐渐增加次数,来调动练琴的积极性。 数码钢琴教学中哈农和音阶是每一个高师学生需要去练习也是必须去掌握的,只有通过这些坚实的基础训练才能帮助学生提高自身的钢琴弹奏水平。在练习的同时也得要掌握好正确的练习习惯与方法,抓到了方法,获得了习惯,能使学生的钢琴弹奏更上一层楼。 钢琴教学技巧论文:以音阶、琶音为例探究中职学前教育专业钢琴教学中学生学习的技巧 【摘要】中职学前教育专业中钢琴是音乐科目中的一项重要的技能课程,在钢琴教学中,音阶和琶音是学习钢琴必掌握的基本技术,提高学生的演奏水平技巧将对学前教育专业学生今后发展起到至关重要的作用。笔者从音阶和琶音练习的基本技巧、常见问题及解决方法等三个方面进行探讨。在学前教育专业中,教师应该多注重理论与实际相结合的操作实践过程。 【关键词】学前教育;学习;音阶;琶音;技巧 钢琴是集音域、音色、表现力丰富于一身的乐器,同时它也对演奏技巧提出更高的要求。而音阶与琶音的练习又是每位钢琴演奏者必修内容,而且也是摸清键盘以及循序渐进地为演奏水平的提高而打下坚实有力的基本功基础的重要训练方法。在音乐领域里钢琴教学是技能课程里一门必不可少的教育。对于一个钢琴学习者尤其是对中职学校的学前教育学生而言,大部分学生只是初来乍到接触钢琴,所以在这一阶段正确掌握音阶、琶音演练方式,那就意味着钢琴演练技术的精髓将为你敞开,反之,则只能限制在钢琴艺术殿堂的人口处。由于音阶和琶音这两大基本功是学好钢琴的前提,所以音阶和琶音弹奏的好坏,既影响到学生今后在整个弹奏技巧过程中的稳定性,又关系学生钢琴弹奏技术水平的高低。现行的中职学校的学前教育的钢琴专业课程,它所教学的是怎样让学生运用这门技能能够充分有效的对幼儿园的实际音乐教学的投入。因此,在钢琴教学中要注重音阶和琶音的练习,将是我们教师把握全局的关键,而且也是考虑两者的实用性,所以在钢琴教学的两个环节中我们要注意以下练习的几个方面问题。 一、音阶的练习 (一)训练音阶的方法 音阶练习是将十个手指均衡的进行力量训练,由于所有手指在音阶上都能运用到。在训练音阶上教师教学要遵循三个原则:先分后合、先慢后快、先易后难,并进行细致、有序的多次练习。当学前教育的学生第一次接触音阶时,教师要做好教学步骤,首先要分手弹,其次在掌握指法,先重点培养左手的灵活性与独立性练习,再进行双手的合成练习。教师在教学中可以采取多种的练习方法来指导学生的音阶练习:第一种是先从双手同一方向练习着手。这便于学生巩固加深对音阶的印象,最好应该用连音的弹奏练习方法限制在一个八度内,弹的次数应逐次增多不应予以过度强加过快。第二种是从双手反方向的音阶练习入手。由于反向练习的左右手指法都一样,因此就学前教育的学生更有利于掌握其方法,当然这两种的教学方法难易度不同,因就学生的当时掌握程度进行合理安排。教师当在指导学生练习时应给予适当的口令,能够让学生快速进入状态,在教学时应先慢后快,尽可能将手指抬高进行慢速训练,使弹奏出的声音均匀顺畅,确保指法稳定的同时,再进行逐步加快弹奏的速度。当然也要注意近键弹,应保持先易后难的对调弹奏,再继续扩大到24个大调、小调以及先从简单的一个八度,渐渐过度到四个八度,从双手同向的平行八度再进行到反向的平行八度,再到同反向双手平行的三度、六度、十度音阶练习。音阶的弹奏要求均衡有力、环环相扣、连贯有序,十个手指的力量需要进行有条不紊转移,弹奏动作应顺滑连贯依次相随,用力均匀规范,再者练习时要懂得力度的自然放松,有的学生刚接触钢琴手指会硬邦邦,这将无法对力度的掌控。上移时应均匀流畅的渐强,下移时应细致地渐弱,避免弹奏出的音的力度平淡无奇,弹奏僵硬将阻碍音阶连贯流畅感。 (二)影响中专学前教育学生音阶弹奏效果的因素 大拇指灵活性较笨拙。由于大拇指受制于生理因素的影响,并且它稍短于其他四根手指,再加上左右手的五根手指力量不均衡,因此手指力量均衡性训练就将成为手指技巧的重要环节。特别是大拇指灵活性较差,动作熟练度较迟缓。所以教师必须在学生弹奏时,需要仔细认真地在旁边观察辅导,有助于学生动作规范性在一定程度上可以快速提高学生水平。由于大拇指的特殊性,其间的间隔性较大,它是以斜向为触键方向而不是跟其它四指一样纵向触键,所以灵活性与其它手指还有差别。在让学生弹奏前,教师可以教学生各种熟练手指移动的练习。笔者认为哈农《钢琴练指法》的第32-37首对学生练习的成长性最有效。其中第32首是1指从第2指下移过,第33-35首分别是1指从3指、4指、5指下移过,第37首比较特殊,需要多练习。要练好这个技巧学生必须每天勤加练习直到练到熟能生巧。穿指时,1指要有准备,手指略向内弯曲,主动向手掌内移动,大拇指在触键之前要到达该键的上方,弹奏时是向下的独立动作,不能带动手掌和手腕向下压或砸,否则会出现重音,触键点在指尖的外侧,保证弹奏音色和其它手指的统一均匀;跨指时,大拇指弹奏后,其它手指从1指上越过,此时彷佛以1指为支点,通过虎口的收缩带动手掌的移动,大拇指应在上越的手指弹下时才能离键。 手腕关节与臂关节动作的不协调。在练习中,为了避免手腕和手臂的动作出现变形,腕部稍向弹奏方向倾斜,积极有效地促使手指的移位;当进行换指时手腕幅度尽量不要太大要保持平稳,不能出现上下有抖动的动作出现,这会让流畅性大打折扣;手臂应松弛有度,手臂应与手指方向保持同步同向,在加快音阶的弹奏过程中,手臂的动作可以说是“一扫而过”。教师在教学过程要言简意赅,用最短的时间让学生牢记注意音阶的问题,应“音阶轻盈又流畅,大拇指主动最重要,穿指、跨指需腕带,避免手掌上下跳,五指均匀又有力,双手指法要牢记”的练习口诀。在此基础上,教师还应要有科学性的练习方法,练习中应将理论与实际相结合的过程,同时还要理论转化实际的重要过程。 (三)教师应从两方面对学生音阶指法进行教学 教学中教师应讲解示范让学生能够建立大致印象,培养善于动脑。首先,在教学过程中应将音阶的指法进行归类。譬如,这里以C大调为例,要区分左右手键,左边是54321 321 4321 321 4321,右边是123 1234 123 1234,只要牢记左右健位置加之练习对今后的提速练习是大有帮助。其次,半音阶的练习也需跟进补上。半音阶在音阶练习中占有重要地位。教师应给予侧重点练习就是大拇指,大拇指熟练程度应达到能够顺利流畅过度到第二、三指,这就对大拇指提出了更高的要求。现今最为常用的有两种指法:第一种是以大拇指、食指、中指的三指弹奏最为常用。第二种是“大拇指、食指、中指、无名指”和“大拇指、食指、中指”两组,这两组在浪漫曲较为常见,因大拇指的用的频率较少,而无名指运用相对较弱,第二种是在提速练习过程运用频繁,但与第一种指法相比还应加强。 二、琶音学习的技巧 在百度百科中琶音(arpeggio)的定义为:指一串和弦音从低到高或从高到低依次连续奏出,可视为分解和弦的一种。通常作为一种专门的技巧训练用于练习曲中,有时作为短小的连接句或经过句出现在乐曲旋律声部中,也有密集和弦前面加一竖着的波浪线。琶音分为主三和弦,减七和弦和属七和弦。琶音是构成音乐作品的一个基本要素,是初学者、熟练者乃至大师级人物的必修课程,是构成各种不同钢琴音乐作品的不同组合。钢琴家玛格丽特.朗说:练习音阶和琶音必须坚持不懈,这些技巧都帮助学生掌握扎实的钢琴技巧。可见,练习好琶音对将来能够全面、准确、清晰地演奏钢琴音乐作品,提高学生演奏技巧能力起着至关重要的作用。因此,在教学中学生要掌握学习琶音的方法。 (一)练习钢琴身体姿势的掌握 在弹奏、练习钢琴之前,身体保持放松姿势坐着,两脚不能并步、叠加,要前后分开,脚尖着地,腿要放在琴凳里面,两手臂放松、自然地放在琴键上,腕部的位置向琶音隐性额方向倾斜,以便带动手指能够主动、快速的完成穿跨动作。 (二)琶音触键、音色的掌握 学生初学阶段时可以先五指张开,使得掌关节处于打开状态,手指抬高,下落要快,离键也要快,重心要放在指尖,利用掌关节来支撑,转指快速,要手臂带动手腕来增加手指游动的速度。穿指时,1指要用头脑控制预先做准备,手指略微向内弯曲,积极主动地向手掌内移动。 (三)速度和力度的掌握 循序渐进的练习。这个练习技巧是指从慢到快的一个过程。先是慢的练习,这会加强学生正确的动作掌握,使练习逐步从有意识状态向无意识方向过渡。最后使得每个手指的动作,如抬起、下落、站稳和移动都能够做到位,进而使每一个声音都结实、饱满、连贯。在此基础上逐步加快手指下落和手指离键的速度。 先分后合的练习。先采用两手分开的练习,使得每只手可以得到单独的练习,特别是左手的练习,这样可以让左、右手的每一个手指得到相应的锻炼。最后两手合起来练习。跨指时在1指弹奏后,其它手指要从1指上方越过,以1指为支点,通过掌关节带动手掌的移动,手指应在完成弹奏以后迅速离开键盘,锻炼4、5指的独立性。只有这样才能让琶音的演奏水平达到均匀,避免每个音的力度没有变化。 提高自身兴趣的练习。兴趣是最好的老师,具有强大的推进力量,也能培养自身终身习练的意识。首先是寻找自身练习的各种需要,如变换速度练习、变化力度的练习、按照节拍组织方法来练习。特别是按照节拍组织方法来练习,使得琶音的练习有节拍的感觉。能让自己体会到琶音练习中音乐的节律,使琶音一样具有音乐性。这样不但消除了练习的枯燥和增加了练习的趣味性,也提高了琶音练习的控制能力。其次,适当展开竞争,积极组织合作。在练习过程只有通过不断的互相学习,纠正自身的不足,互相共享本身的练习经验,才能取得更大的进步。最后,获得更多的成就动机体验,提高钢琴琶音的掌握。 三、音阶练习常见问题及改进方法 学生在音阶练习中,拇指独立性差。在弹奏过程中常出现拇指穿越不到位,使得手腕和手臂的动作较大,拇指的动作连续性受到影响,在快速弹奏时就更难保持拇指的衔接性,会出现冲击琴健。此外,拇指横向运行主动性差,有时候用指尖的外侧触键,造成力量失控,音色生硬,声音不均匀。 弹音阶五指力度控制不稳定,指法较乱。因为五指的差异性,学生还不能灵活和正确的控制弹奏的力度和速度,在练习过程中的,弹奏的较枯燥乏味,指法容易出现混乱。一指比较灵活,但容易出现过强,声音听起来重,4,5指又比较弱,弹奏起来声音较虚,除此,4指天生能力弱,会被3指和5指连在一起带下去,导致练习时音阶旋律不均匀,弹奏不流畅。同时手指的控制能力影响了指法的协调性,出现混乱现象。所以,五指稳定有力,对弹出均匀有力的声音非常重要,要不断提高手和手指的机能,同时在大脑上建立正确的节奏,流畅的音阶来调整自己的触键动作,加于完善控制才能起到较好的练习效果。当掌握了合理的弹奏方法之后,练习的量就是关键了,并且在练习的过程中学会用心听节奏,保持音阶的流畅性。 四、琶音练习经常出现的问题和改正方法 (一)第一个音不是“落下”,而是直接“压下” 在弹后面的音时却没有提前作好触键准备.指端与键面距离过短,一个音与另一个音要达到多大,脑子里完全不知道,甚至距离感也没有,在位置的不断转移中,很容易忽略手指主动触键的积极性,于是逐音按压下去。这一压,就会带来一定的紧张感,至少要影响到弹下一个音的手指也失去些灵活感。应该注意手指的灵活性和独立性,消除心理上对琶音的某种消极情绪。先用表象训练,在听觉中想象出完整、均匀、带有美好感的“琶音形象”,再灵活、机智地调动身体的机能去实现出来;充分发挥掌关节张开指间距离的能力,同时确保腕关节在变换位置的高度积极性,在运动之中不忘手指主动积极。 (二)手腕、手臂是要跟着手指运动的方向一致 在换指的时候有时肘部动作幅度过大,会造成肘部外翻,取代了腕部的一些主动性。在弹奏过程中,是肩关节带动手臂、腕部、手掌自然协调的移动着,不是单单靠手臂来拖着手掌练习的。因此,只要掌、腕、肘三个关节有了联合协调行动、相辅相成、一气呵成的感觉,就一定能在弹奏琶音中克服困难,达到较高的水平。 【作者简介】陈晓鸣:龙岩华侨职业中专学校。 钢琴教学技巧论文:浅谈钢琴教学的技巧 摘要:教师要从长远的角度去训练学生、注重培养学生的音乐感,并根据学生的心理变化指导他们学会合理的练琴方法。 关键词:学生钢琴教学;前瞻性;音乐感 学生初学钢琴尽管浅易,但却是万丈高楼的根基,因此,当学生初次坐在钢琴前提起一只手弹奏一个乐句或两小乐句的小曲时,就已经接触到钢琴艺术的大部分原则与原理。在这个意义上,初学并不构成降低教师水平的理由。那么,应该注意哪些方法技巧才能把学生学琴的道路引向正确的方向?这是本文将要论述的重点问题。 一、培养学生学习钢琴的兴趣 (一)感受入门,萌发兴趣 作为教学的第一环节我们可采用“听为先导,感受入门”的途径,推动学生兴趣的萌发。譬如,让初学学生欣赏教师弹奏的学生律动曲、游戏曲,把“听”,抓好抓活。一开始可以用悦耳的乐曲,刺激学生的听觉,开启学生的乐感,从而训练反应的灵敏性、节奏的敏感性和对音乐的感受性。当学生内心受到音乐的刺激,并意识到这悦耳的音乐是从眼前这架神奇的钢琴中传出来的,就会产生强烈触摸琴键、模仿教师弹奏的冲动,从此学生进入学琴阶段。 (二)选好教材,引发兴趣 一个善于引发学生钢琴学习兴趣的老师,一般都比较注意教材的形象性、愉悦性和适龄性。教材大致可以分为两类:一类是必弹曲目,另一类是自选曲目。教学内容应注意循序渐进,做到由易到难、由浅入深。表现手法应由单一到复杂,太易太难的教材都不易唤起学生的兴趣,应多选择有训练价值的教材。如《哈农钢琴指法练习》、《拜厄钢琴练习曲》等。另外,还可以补充一些学生熟悉的乐曲为素材,由教师示范几首,然后让学生听后自由选择学习弹奏,这种办法将会极大诱发学生的兴趣。 (三)深入浅出,启发兴趣 学生启蒙钢琴学习是以识谱、打拍,锻炼手指为基础的过程,但如果只停留于此,学生久而久之就会对学习钢琴失去兴趣。所以,在学生启蒙钢琴教学中,教师要学会用深入浅出的教学方法,启发学生展开丰富的想象来充分理解音乐,培养学生学习钢琴的兴趣。 二、学生初学钢琴的弹奏技巧 初学钢琴必须注意几个重要的技术问题:放松、读谱、敏锐的听觉。 (一)放松 放松对于初学学生是很抽象的概念。放松是针对紧张而言的,要让学生懂得放松首先要消除心理紧张和肌体紧张。 (二)读谱 熟练地认识五线谱对学生学习钢琴是一个重要关口。在识谱训练时除了注意五线谱的线间关系,还包括谱号、调号、指法、临时升降号等,这些问题必须引起重视。 (三)敏锐的听觉 敏锐的听觉是辨别触键正确与否的导师,如何触键主要靠听觉来分别。从学琴的第一天起,就要树立一个明确的学琴原则:在学习触键技术中涉及到的触键准备动作、触键主要动作部位、各个部位的协调、重量的运作、用力与放松等动作要领方法时,都要与对声音的倾听和辨别相结合。要在学会技术动作的同时,懂得什么声音是正确的。教师要多示范、讲解,树立正确的声音听觉,培养学生拥有一双灵敏辨别旋律、节奏、和声音色的耳朵。 三、传授学生科学的弹奏方法 (一)断奏手法 在声音方面,断奏要求达到“珠落玉盘”的效果,要不噪不虚,结实通透。在如何用力方面,应在指尖集中的前提下体会和做好“手腕的呼吸”。初学断奏,要在提手腕的同时辅以小臂的配合,即弹出“大断奏”的效果;基本功逐渐巩固后,随着弹奏速度的稍稍加快,动作幅度明显变小,主要依靠手腕的呼吸弹好“小断奏”。自始至终,指尖一直是永远下垂和坚定站立的。一个完整的断奏动作的连续。“提”即提起手腕,“放”即放下手腕,“抬”即手位落到距琴键一半距离的时候适当抬起触键的手指,“落”即在准确的音位上落下和坚定地站好手指。总之,断奏要做到感觉上放松,动作上美观,用力上自然,声音上结实。 (二)连奏手法 与断奏“珠落玉盘”效果相比,连奏更像串起的珠子,主要做好指法的支撑和手腕的稳定,从而通过依靠掌关节发力的“抬指”动作,将弹奏重力从一个手指转移到另一个手指上去。连奏动作主要有两种,即“高抬指连奏法”和“重力分配法”。初学连奏,可适当放低手腕,采用“高抬指连奏法”。弹奏重力的转移动作必须肯定明确,站好前一音,再抬后一音,切勿含混不清,做到“用谁抬谁”。弹奏质量确立后,可逐渐运用快连奏即“重力分配法”,将一次手腕呼吸动作产生的重力平均分配给两个甚至多个手指等不同情况去弹奏,这才能适应和满足乐曲速度加快、难度增加和技术进步的需要。在“重力分配法”快速弹奏中,整个手的手指尖集中整齐和手腕的绝对稳定是至关重要的,一定要严格遵守。 (三)跳奏手法 跳奏的声音效果是短促、跳跃、轻快,用力的感觉一定是“抓起”而不是“砸下”。在发出声音之前的一瞬间,指尖是贴实琴键“抓”的,而不是抬离琴键“拍”的。其实只要突出两点:一是“抓起”的动作,二是“向上”的力量。在跳奏手法的学习中,首先让指尖抓实琴键一定不能有半距离,坚持指尖永远保持下垂,用迅速提起手腕瞬间产生在指尖上反作用力自琴键最底部抓出声音,真正学会“用指尖弹奏”,感觉是向上的力量弹出声音,这是跳奏手法的实质。 断奏、连奏、跳奏这3种基本奏法,前一种始终是后一种的基础;而每一种基本奏法内部又都分为两个大的阶段,前一阶段则是后一阶段的基础。在技术学习方面,一定要遵循按部就班、循序渐进的原则,切不可操之过急,粗枝大叶。这样,才可能收到良好的效果。 总之,对于学生钢琴的教学而言,教师的着眼点必须站在高处,要为长期的钢琴学习培养好的习惯,打好坚实的基础,树立正确的学琴观念,培养学生的审美能力,这些都是学生钢琴教学的关键所在。以上是我在教学过程中摸索出的一些经验,仅仅是对学生钢琴学习兴趣的激发与培养的初步探索。不可否认,钢琴教学中激发和培养学生兴趣的途径与方法是多方面的,比如,社会、家庭环境的优化,家长的协调配合,学生良好的练琴习惯的培养,训练时间的科学分配以及训练目标的设定等。所以,我们音乐教育工作者有义不容辞的责任对学生钢琴教学去不断地发掘与完善。 钢琴教学技巧论文:浅析钢琴演奏教学中演奏技巧和音乐综合素养的培养 摘要:通过钢琴的学习能够有效的提高学生的意志力水平,让学生有更加吃苦耐劳的精神,对于学习以及未来的人生发展都起到一定程度的影响作用。在钢琴学习中,演奏是最为基础也是最为关键的部分。熟练的弹奏技巧和个人音乐综合素养在钢琴演奏中是极为重要的两个部分,现代钢琴教育应正确处理好两者之间的关系,在培养基本技术的前提下,重视个人综合素质的培养。 关键词:钢琴教学 演奏 培养 钢琴学习能够增强人的耐力,提升人的气质修养,已经越来越多的家长选择让孩子进行钢琴学习,因此钢琴逐渐成为现在音乐教学中的关键部分。作为音乐教师应该正确认识到钢琴演奏教学的重要性,在传授演奏技巧的同时,也要采取合理的教育手段来培养学生的音乐综合素养。 一、技巧以及音乐素养是钢琴演奏教学的关键 1.演奏技巧是钢琴演奏能力提升的基础钢琴演奏基本方法的发展和变化经历了三百多年的历史,从单纯的手指演奏到手臂和全身重量的协作,再到20世纪的重量演奏,直至今天的手指演奏与重量演奏相结合,钢琴演奏法自成体系,钢琴演奏要求演奏者要有扎实而全面的技术功底,否则演奏就无从说起。 2.个人音乐综合素质是钢琴演奏能力提升的前提 一首音乐作品要得以完美的呈现,除了有扎实的基本功外,更重要的则需要发挥演奏者个人的音乐综合素养,依靠个人审美评价加以表现。因此对于学生音乐综合素养的提升是钢琴演奏教学中十分重要的环节。 二、增强钢琴演奏技巧与培养音乐综合素养的教学手段 1.注重学生钢琴演奏的基础教学 在钢琴演奏学习中,基础性教学是至关重要的,使学生展开钢琴学习的关键,对于之后钢琴演奏的学习以及演奏水平的提升都起到决定性的作用。只有做好基础教学,让学生拥有过硬的演奏基本功底,才能够更好的进行钢琴演奏。因此,音乐教师应该注重学生钢琴演奏的基础教学,帮助学生打好坚实的钢琴基础,确保学生未来钢琴演奏的良好效果。 2.传授给学生钢琴演奏的技巧 (一)音阶演奏的技巧 对于音阶演奏的效果一般情况下是根据演奏是否流畅、音阶彼此之间的衔接连是否良好、是否满足观众听觉需求这几个问题来评测的。优秀的音阶演奏其实是说在进行上行下行演奏的时候,音阶流畅并衔接度良好根本不会让人感觉音阶当中有任何的空隙。这对于演奏者的手指灵活度提出了很高的要求,必须保证拇指足够的灵活,能够做好各个音阶天衣无缝的衔接。在进行音阶演奏教学的时候,教师必须时刻关注学生演奏中的手指动作,随时指出学生的不足,帮助学生完成规范化的演奏,并最终养成良好的动作习惯用于之后的演奏当中。 (二)钢琴演奏基本技巧训练 钢琴基本演奏方式包括:连音、非连音以及跳音。钢琴连音奏法关键在于力量可以随意移动,演奏每个音时,要将手臂放下时力量以一个手指传到另一个手指上。可以感觉到音进行时的倾向,弹完一个音时,手指保留较小的重量在键底来作为第二个音的支点。而非连音奏法,通常钢琴初学者,在掌握好坐姿、手型后,就会练习非连音演奏。在非连音演奏过程中要注意先将手臂缓慢抬起,稍高于琴键,手指弯曲、手向下垂,手臂自然缓缓的落下。将演奏的手指轻轻按在琴上,指端需要站立好,掌关节不能有塌陷,手指的末端关节亦不能凹进去。 (三)乐感以及节奏感的培养 良好的乐感以及对节奏感是学生在钢琴学习中必须拥有的能力,音乐教师在要求学生做节拍练习的过程中,要提醒学生注重三个重点,即清楚拍子的节奏,查清楚节奏有几拍以及在保持节拍的平稳性。让学生能够在演奏中自觉的打拍,从而提升学生对节拍的把握能力,并实现对学生乐感以及节奏感的培养目的。 3.培养学生音乐综合素养 (一)帮助学生养成良好的演奏心理 这里我们所说的演奏心理其实谁说演奏者在进行钢琴演奏时的心理过程,主要由演奏目的、情感释放、画面想象等几个问题组成,所有的演奏者在进行演奏的时候都有一定的情绪波动,造成不同的心理活动过程。相较于其他乐器的演奏,钢琴对演奏者的心理素质要求标准更高。因此,钢琴老教师在演奏教学的过程中要帮助学生养成良好的演奏心理,提高学生的心理素质,鼓励学生多参加钢琴演奏活动,确保现场演奏时能够正常发挥。 (二)掌握音乐作品的创作故事与风格 每个音乐作品背后都有自己的创作故事,包含了创作者生活时代背景、生活环境与状况、作者自身经历、情感体验以及作品产生初衷。只有了解这些,才能掌握作者创作当下的情感以及作品中蕴含的深刻意义,才能在乐曲演奏中完整准确地展现出来。老师可以通过让学生欣赏不同音乐风格的作品,来锻炼学生对音乐风格的把握,最终准确抓住演奏作品的风格、情感。 (三)把握好音乐作品旋律 表现好音乐旋律,对音乐作品的演奏相当重要。要想找到旋律动向与形态,可以借助人声来做音乐旋律教学辅助手段,让作品中音乐表达更明显。从而让学生更加把握好音乐作品旋律,并根据演唱来进行不断练习,贴近演唱的动态性与感染力,才能让学生自然、顺畅表达音乐作品主旋律。 三、小结 总的来说,钢琴演奏是以演奏者精湛的演奏技术为基础,通过演奏者自身的综合素养,加之对音乐的理解,为作品进行二度创作。用各种音符表现音乐,使听者从中感受到音乐所带给我们的喜怒哀乐,因此演奏技巧和个人音乐素养在钢琴演奏中同样重要。在钢琴演奏的教学中,应该权衡两者的比重,确保学生能力的全面提升。 钢琴教学技巧论文:论钢琴教学中右踏板的使用技巧及其对演奏的积极作用 俄罗斯伟大的钢琴家鲁宾斯坦曾有过精辟的比喻:“踏板是钢琴的灵魂”,借此来形容踏板在钢琴演奏中的特殊性。在钢琴演奏中,踏板的运用是不可缺少的一个重要组成部分。也是钢琴教学中的重要内容,作为一名钢琴演奏者一定要认真学习并掌握踏板的运用技巧,若能正确、合理地安排运用踏板,就能把音乐作品表现得更加丰富多彩,富有魅力。反之,则会带来消极后果,破外音乐形象。 钢琴踏板的历史发展,是一个横跨150多年的复杂的演变过程,它最后以现代钢琴上所见的三个踏板而固定下来。现代钢琴的三个踏板,即右踏板(延音踏板)、左踏板(弱音踏板)、中踏板(持续音踏板)。 一、右踏板的功能与使用技巧 1.连音踏板。连音踏板也叫“切分”踏板,它是最常见的踏板技巧,是钢琴教学中的一个重要内容,也是每个学钢琴的人一开始就必须掌握的踏板技巧。所谓连音踏板就是把这一音(或和弦)连到那一音(或和弦),既不断开又不模糊,这种踏板加强了音乐的连贯性,使钢琴的声音具有歌唱性。其方法是:弹奏第一个音(或和弦),马上踩下踏板抓住这个音(或和弦)。当第二个音(或和弦)下键的同时要抬起踏板,当手指下键之后,听到新的音(或和弦)出来后,马上再踩下踏板。这样一来,在前面的声音消去的同时,后面的声音又接之出现了,使之两个部分的声音既连贯又不重叠。至于踩踏板的速度,基本和下键的速度相同。有的人对这一技巧掌握得不太好,容易出现两个毛病,一个是不自觉地使踏板与手的上下动作相一致,造成音与音之间的间断。再一个是习惯性地把踏板踩在重拍上,使得这一技巧变为机械的打拍子动作。这两种现象都要加以注意,因为它会对塑造音乐形象起破外作用。 还应该指出是连音踏板法中从提起到再踩下踏板之间的时间长短,要顾及种种不同的音色变化,当踏板在每次更换中松开的时间越长,周围泛音的丰富程度也就相应地逐渐减少,演奏者应根据作品的一个特定段落中对音色的要求来运用踏板。 2.和声踏板。和声踏板也是比较常用的踏板技巧,多用于琶音较多的作品,其主要作用是利用这一技巧表现出一种和声效果,从而更加完善地表现音乐作品。 在钢琴教学中多参阅一些钢琴作品,我们便会发现这样一种现象,凡是在音乐的变化,起伏和音乐情绪反复波动的地方,大都运用有琶音的织体,而琶音又绝大部分是由和弦变化而来的。这一变化尽管方式繁多,可又都具有某一和声的功能。所以,无论是哪一种琶音,我们都可以视它为和弦,并按照和弦的原理配用踏板,即换和声时更换踏板。 一般来说,琶音都是要把踏板踩满的,只有在和声有了变化的情况下才可更换踏板,一般弹奏者都知道这种方法,很多钢琴家也经常这样用。这里再介绍一种较为复杂的方法,能使这一音型变得更清楚、干净。具体运用方法是:在琶音由低向高音区进行时,踏板可以一直保持;反之,在琶音由高向低音区进行时,踏板就不能再保持了,而应该每一组音换一次踏板(如果有旋律的话,就在旋律音上换踏板)。这一道理很简单,上行时需要低音的烘托,以使每个上行音都要更加饱满,下行时则不需要把这些音埋在低音的共鸣里。当然,乐曲有不同的要求,乐器有不同的质量,演奏者在弹奏时可慎酌处理,灵活运用。 3.色彩踏板。与连音踏板和和声踏板相比较而言,色彩踏板在一般情况下用得不多,但为了达到丰富的音乐色彩要求,有些作品里还必须使用这一踏板技巧。如抖动踏板和半踏板。 抖动踏板也被称为碎踏板,它是丰富音乐色彩的一种常用踏板技巧。其踩踏板的动作应该是快速的轻巧的,让制音器碰擦琴弦,从而既不使声音完全闷住,又使琴弦不能完全的振动。所以,为了达到这一效果,避免声音中出现阻塞或砍断,断音器的动作越轻快越好。抖动踏板的作用,主要是能够产生所需要的共鸣和色彩,并且不会形成成堆的使用踏板的声音,使用抖动踏板可以减少声音亮度,使得在到达弱(p)时,整个地换踏板不至于产生力度层次的突然下降,可以制止前面保留下来的基音和泛音,产生很均匀的音响效果。 当脚把踏板有控制地踩下,使制音器轻轻地停在弦上时,出现了踏板声音的50%释放,这种更换踏板的方法便叫做“半踏板”。半踏板的主要作用是能使声音既不断开又不重叠。会使快速移动的和声不变得太模糊,又使得声音有一种朦胧气氛。半踏板还能使慢速手段的断音和弦稍微延长而不显得过分干巴,求得一种管弦乐队在大音乐厅中演奏的效果。 4.减弱踏板。减弱踏板是我们不很熟悉的一种踏板技巧,有人甚至根本就没有考虑到右踏板还具有渐弱的功能。 一般人们认为渐弱只有三种可能:一是弹奏时把声音控制得弱些,二是弹出音响后,只等声音自然减弱,三是使用右踏板即弱音踏板。由此我们看到:一个是为弱而弱,一个是消极地减弱,一个是机械地减弱。我们应该知道右踏板也具有帮助渐弱的功能,在有的谱子上强音记号与弱音记号在同一地方出现,对于这样的力度变化我们就可以用右踏板技巧来解决。方法是:先把踏板踩下,使制音器完全抬起,然后把琴键弹下(手即离键),再把踏板快速地松一下,让制音器拍打一下琴弦,但不要使声音全然止住,又立刻踩下踏板。这一动作需要一定的速度,否则是不行的。只要我们认真、反复的练习,完全可以运用右踏板来达到这种由强到弱的效果。 5.渐强踏板。渐强踏板也是一种比较少用的踏板技巧。有些人甚至根本不用它。这个踏板技巧如果掌握得好,会得到意想不到的效果,在舞台上效果可能还不太明显。但在录音里就会听到那微妙的区别。运用右踏板不仅可以帮助做出一个长的渐强,还可以使一个单音被重复时形成渐强。另外,我们也可以用一个全踏板来形成一个震音段落的渐强。 6.预备踏板和结尾踏板。预备踏板和结尾踏板往往不被人重视,如果整个音乐作品弹奏得都很动听,可第一个音处理的不好,干巴巴的,最后一个音又突然切断,这样就破坏了音乐的完整。音乐从无声到有声,而最终又要回到无声中去,这是所有作品的必须过程。我们在处理乐曲首尾时应注意在乐曲的第一音响(无论是弱起强起)发出前都要先把踏板踩下,以使其声音饱满,乐曲结束时,音乐一般用强收或弱收来处理音乐的结尾,强收时当音乐进入最强烈的最后一个和弦的下一小节的强拍上把踏板很快地收回去,以使制音器立刻把音乐制止住,从而获得强烈的音响节奏效果。弱收时,为乐曲在安静减弱中结束时,一般常在乐谱的最后一个音符或和弦上加延音记号,最后一个音响弹出后,应该缓慢抬起踏板,让制音器很慢又很柔和地把所有的乐音逐渐制止住,以产生一种很均匀又渐渐消失的音响效果。 二、右踏板在钢琴演奏艺术中的积极作用 钢琴的一个独特而又美妙的特点,是钢琴大师手下的一个最有力地感染人的手法,约瑟大・霍夫曼曾说:“通常我们对‘钢琴魅力’一词的理解,在很大程度上是有艺术地应用踏板而取得的。”右踏板在钢琴演奏艺术中的作用归纳起来,大致有如下几点: 1.色彩作用。右踏板的应用可使钢琴的音色丰富,音质优美。右踏板通过丰富的共振泛音的混响来丰富音质的作用,有的钢琴家将其视为相当于歌唱家或弦乐演奏家的颤音或揉弦,正因为使用踏板可以改变音色,那么不用踏板与用踏板的地方又可获得鲜明的色彩对比。因此,有人说踏板是钢琴家的“调色板”。 2.连接作用。利用右踏板的延音作用,可使连奏的声音更加圆滑,句法的划分更加清晰,一些远距离的音或不宜用手指保持的音能够连接保持。例如周广仁教授的《台湾同胞我的骨肉兄弟》在演奏中特别要注意根据分句来进行踏板的替换。由于音乐始终是贯穿着祖国人民对台湾同胞深深地思念之情,弹奏时情绪要饱满连贯,这种贯穿始终的感情除了手指的弹奏技巧之外,还必须要依靠巧妙地使用踏板才能烘托出来。 3.力度作用。弱音踏板与强音踏板的使用,不仅使钢琴音色的变化丰富,更使力度的层次增加,加强了力度的表现能力,使得有乐器之王美誉的钢琴拥有交响乐队的丰富的表现力成为可能。 4.节奏作用。强音踏板的使用可加强节奏的律动感,加强节奏和动力的表现能力。如在舞曲或进行曲性质的乐曲中使用踏板,强调节奏重音,可加强节奏感和音乐的旋律。例如江静的《红头绳》,第一段在每小节的重拍上加上强音踏板,可突出这种舞蹈节奏生动活泼的性格,属踏板的节奏作用,第三段加踏板使旋律更加流畅深情,属踏板的连接作用,而第二段不用踏板,快速明亮的钢琴高音区音色描绘出雪花飞舞的场景,和前后两段形成色彩的对比,属踏板的色彩作用。 艺术地运用右踏板可以表现许多美好的音色,比如飞溅的瀑布、谷粒飞舞、沙沙作响的树叶等,这些都带给人美的享受。肖邦曾说过:“使用踏板的正确方法仍是一个终身的学习。”无论踏板技巧多么复杂,只要我们认真地去对待,细心地去研究,再加上刻苦练习,是可以较好地掌握的。 (湖南省教育科学“十一五”规划课题《高职学院构建和谐校园研究与实践》研究成果(课题号XJK06CZC050)) (作者单位:永州职业技术学院) 钢琴教学技巧论文:钢琴弹奏技巧在教学实践中的运用 摘 要: 钢琴弹奏技巧是学习钢琴的关键。本文从多方面对教学实践进行了可行性研究,为了提高钢琴演奏教学效果,将钢琴教学提升到弹奏的技巧与音乐教育相融合的层面,就必须使学生熟练地掌握各种弹奏技巧,深入了解感受音乐作品的创作背景、风格,把握音乐作品的旋律,运用丰富合理的想象,同时具有较好的心理素质。本文还对钢琴技巧在教学中的运用进行了阐述。 关键词: 钢琴 弹奏技巧 音乐教学 基本功 随着我国教育事业的快速发展,钢琴这件西洋乐器已经走进学生课堂,成为音乐课一项重要的内容。同时,学习钢琴可以提高人的修养、陶冶人的情操,使思维变得灵活,长期弹钢琴能使人培养专注的精神和勤奋的学习精神,练习钢琴演奏是一个系统的、长期的、枯燥乏味的过程,技巧在钢琴教学中对于学生和音乐教师来说都具有重要的价值,钢琴教学目标不只是要让学生掌握演奏的技巧,更是要他们在弹奏的同时领略音乐的内涵,在教学中要将“弹奏”与“音乐”相融合,使钢琴教学升华到弹奏技巧与音乐教育相融合的境界。如何灵活地将钢琴技巧运用到教学中,成为摆在我们面前的重要课题。 一、让学生掌握基本的弹奏技巧是教学的硬性要求 钢琴的基本技巧在钢琴演奏中具有举足轻重的地位,过硬的钢琴技巧是高质量演奏的必备条件,要想通过钢琴演奏,充分地表达出演奏作品的音乐内涵及其情感,扎实过硬的弹奏技巧是重要的基础。在教学中要加强目的性教育,应使学生理解技巧在钢琴演奏中的地位和作用,设定符合每个学生的技巧学习目标,激励每个学生积极地自主训练,将技巧学习变为自觉、主动的学习行为。在钢琴教学中,音乐教师针对弹奏技巧应做好以下几方面工作。 (一)使学生掌握扎实基本功 首先,准备工作要充分。钢琴演奏基本功的训练应先从最基本的坐姿开始,当学生一坐到钢琴上去,音乐教师就必须注意他的坐姿,要做到重心稳定。开始弹钢琴的时候,身体的重心要靠臀部和脚来支撑,坐姿要以自然端正,手臂不能僵硬、紧张,或者过于松懈,这样才有利于弹奏。我国著名的钢琴家赵晓生在《钢琴演奏之道》里指出:“演奏者应坐在琴凳的三分之一宽度的位置上。”[1]钢琴在弹奏时一般可根据需要,身体进行左右倾斜、自动调整,而一部分人经常坐满凳子弹钢琴,并感觉这样很舒服,但这是一种不良的演奏习惯,因为弹琴是一种高度集中,脑力和体力相结合的劳动,不论是练琴或演奏,弹奏者都必须保持正确的姿势。同时,学生自从开始接触钢琴的那天,就必须注意手型的正确性。弹钢琴要求双手放松、手腕要柔软、手呈半圆形状,呈空握球状态,手指稍向内弯,手腕与琴键键面基本保持在同一水平面上。想要有一个良好的手型,指掌关节与第一、五指指关节的站立是关键。最末端的关节,即手指的第一关节,从演奏训练开始就要培养站立能力,要求自然地站好,不能让关节塌进去。如若手指第一关节站立不好,想弹出来集中、厚实和富有变化力的声音是不可能的。每个手指有不同的长度,手型要与之相匹配。音乐教师在教学中,学生在身体放松、高度协调的状态下进行演奏的同时,音乐教师要在严格要求的基础上,观察、分析学生在演奏中出现的技巧错误及其产生的原因,及时采用有效方法与措施,纠正与指导学生在演奏中出现的技巧错误,使学生形成正确、熟练的钢琴演奏的“手的正确定型”,为学生控制、操作键盘,轻松自如地表现音乐打下坚实的基础。 其次,要夯实乐理基础知识。正确的读谱是演奏一首乐曲的最基本的条件,如何连谱都读不了,就根本弹不了钢琴。[2]提到正确的读谱,很多人认为只是音高、节奏的正确与否。实际上除了这两者之外还有许多重要的标记,都直接影响着学生对乐曲的理解、表现,以及对乐曲风格的把握和概括。如:音乐术语提示了乐曲是欢快或是抒情的,是快板、行板还是慢板,这些因素都直接关系到学生对整个作品风格把握;同时,力度标记,同样关系到乐曲演奏中音乐的表现。乐曲的最终效果受到不同的速度和力度的直接影响,所以教师要指导学生在演奏作品时要把握不同的速度要求,尽可能表达出作品的本身含意。概而述之,演奏的技巧是以音乐的基本功能否扎实为基础的,二者是相辅相成、不能分割的。此外,在教学活动中,音乐教师还要经常向学生介绍一些关于音乐文化方面的广义知识。例如讲到外国的音乐作品,可以讲解一下那个国家的民族的性格特征及国家的发展历史,使他们在学习的过程中了解更全面的知识。 (二)使学生掌握演奏的基本技巧 1.音阶的演奏技巧 弹奏音阶除了五个手指的互相独立之外,最重要的是音阶的流畅、连贯、均匀、有颗粒和质感。上行与下行的弹奏过程中,要能做到听不出换指的蛛丝马迹,就像我们生有很多手指一样,拇指能上下、左右活动,而二、三、四、五指只能上下活动,而不能左右活动。所以,我们要发挥拇指左右活动的能力。依靠拇指的左右活动把大串的音连接起来,具体做法是:拇指弹完自己的音,当二指弹下一个音时,拇指尖就必须已经悄悄地钻进二指的后面,这样,拇指就很自然地不流露出任何痕迹地抵达了下一个音的位置上,音阶就能保持声音平均。终其原因,其问题的关键就是在于拇指的提前、预约工作。拇指的提前准备工作做为弹奏音阶的重有动作,在教学中,一定要让学生时刻注意到,并把这种动作培养成一个好的习惯,使学生从有意识的要求变成下意识的自然习惯,不用思考就能做得很好,我们要从一开始就要训练学生养成这种良好的习惯。 2.弹奏的基本技巧 所有的正确弹奏方法都不可能是与生俱来的,对初级阶段的学生来说,教授正确的弹奏法最为重要。钢琴最基本的弹奏方法有:连音、非连音、跳音奏法三种。其中非连音奏法,初学者在训练好坐姿与手型后,接下来就是进行非连音练习,在练习中要注意在弹非连音时是先将手臂慢慢提起,略高于键盘,手自然下垂,手指自然弯曲,然后手臂缓慢地自然落下,将弹奏的手指轻轻按在琴上,指端站立好,掌关节不能有塌陷,手指的末端关节亦不能凹进去。在进行非连音练习时,如果学生领悟不通会则会出现“砸琴”的现象,此时音乐教师应当把非连音进行时力量的出发点讲通,例如在第一个提起动作时应是大臂带动小臂,落下应是手臂慢慢的自然落下,通过这些训练达到最终目的。非连音有时类似于断奏,两者整合为同一个弹奏的概念。跳音弹奏技术,钢琴音乐除了有连音和非连音弹奏以外还可以用跳音来表达。从弹奏方法上来区分有各种不同的跳音:有用手臂力量弹奏的跳音,也有用手腕力量弹奏的跳音,更有用手指力量弹奏的跳音,用不同的奏法将发出不同音色的声音。连音奏法,连音奏法对于手指独立性的要求更高,一些学生在弹连奏时常常会造成第二个音弹下去时第一个音还没有完全放开。出现这样的情况,终其原因,一是力量没有完全掌握,二是手指的独立性还不够。连音奏法的关键是力量能够随心所欲地移动。弹奏每个音的时候,要使手臂放下的重量从一个手指转移到另外的手指上。应能感觉到音进行的倾向,每弹完一个音的同时,手指要保留微小的重量在键底,把它当作第二个音的支点。教师在教学中,要特别注重训练学生连音、非连音、跳音等基本技巧的练习,这些是学生掌握钢琴技巧的灵魂。 3.准确的节奏感和音乐感 节奏是音乐的生命,音乐的脉搏。[3]每一种音乐的进行,首先在于节奏的作用。节奏的脉动无时无刻不穿插在音乐当中。其中,节拍的训练中,对学生的基本要求是一要拍子搞清楚,二要拍子数准确,三要速度统一。在教学中,首先要培养学生数拍子,打拍子的习惯。有的时候也可以借助节拍器来帮助没有数拍子习惯的学生进行训练。当然,节拍器的使用只是借助一下外力,不能夸大它的教学作用。从本质上来讲,还是要学生拥有拍子的准确概念和感觉。而后进行的节奏的训练过程,在训练学生数准拍子之后,教师进一步要做的就是训练学生感觉节奏。有的学生只是机械地数着拍子,但他并没有去感觉节奏的分组、节奏的特性,这样的音乐学习是没有效果的。钢琴老师要使学生做到有内心的节奏感觉。 二、培养学生对音乐的深入理解 有人说“音乐感是与生俱来的”,意思是说有些人一生来就是音乐感好,有天赋,天生就是学音乐的好材料,也有的人生来就不是学音乐的,是不具备培养可能的。我认为,一个合格的音乐教师应能把一些在音乐方面天赋一般的学生引进音乐之门,使他们逐步提高对音乐理解感受和表现的能力,而逐步做到有音乐感的演奏。钢琴技巧的教学,首先就要给学生创造一个良好的音乐环境。钢琴是一种西洋乐器,钢琴背后的文化也来自于区域,教师在教学过程中,要通过对音乐文化的整体把握和理解,将其传授给学生,增强文化底蕴和自身的音乐素养,从而有利于钢琴技巧的学习。 (一)演奏心理训练 钢琴的演奏心里是指演奏者在演奏中的心理活动。这种心理活动是在演奏过程中发生的。如演奏的欲望,动机,感情、记忆、想象,应变心理,临场状态,等等。可以说每位演奏者的心理状态是十分复杂的现象。钢琴演奏和其它的表演艺术同样是时间的艺术,其特点是演奏者日常练习的效果要在演奏的刹那间完整的、有创造性地表演出来。[4]在现实的教学中,有的学生由于紧张而失去正常的演奏状态,思维混乱,不能完整的表现音乐。而有的学生记谱记得非常好,但就是从演奏中表达不出作品所要表现的内容及感情。因此,演奏前教师应指导学生必须具备几个心理条件,一是有强烈的演奏欲望和自信心。由于经常得不到预期的演奏效果,会使学生失去演奏的自信心,必须有达到演奏良好效果充分的准备。二是积累并凝聚演奏的审美完型心理结构。要注意从外部培养学生的音乐审美经验和艺术的素养,使学生的头脑储存更多的音乐的审美信息。同时还要要注意培养学生艺术创造的个性。鼓励学生去发挥心理的主观能动作用,自觉地去选择、组织、创造作品的完美“完型”。三要具有较强的应变的能力。练习感觉与竞技感觉是截然不同的,这一点在竞技性运动员和表演艺术的演奏者是有相同性的,音乐教师在教学过程中要尽可能地为学生缩小差距。每个人的个性、气质各不相同,有的学生容易紧张,有的学生在演奏中过于兴奋,有的人在演奏中又过分压抑。音乐教师针对这些问题,在平时要有针对性地对学生进行训练。 (二)了解感受音乐作品的创作背景和风格 在学习演奏音乐作品之前,一定要使学生了解音乐作品的创作背景和作品风格,准备工作做好了,在教学中才能使学生学会表现音乐。每一个音乐作品都是作曲家内心情感体验的再现,只有理解和掌握了作品内在的感情和含义,演奏出来的音乐才具有生命力和感召力。因此,在钢琴教学中,音乐教师应主动向学生讲授作者生活的年代背景、生活状况、作品产生原因等,使学生对作品的相关情况及作曲家的创作思想有一个全面的了解,使学生从理论的层面上理解音乐作品。同时,教会学生倾听是感受音乐作品风格的最佳路径。首先音乐教师在教学过程中,要经常提醒学生注意倾听自己的音乐,努力去辨析自己演奏的音乐是否优美,仔细感受声音的层次和质地的变化。其次音乐教师要引导学生聆听不同风格的音乐作品和不同演奏家的精美绝伦的演奏,使学生在听的过程中感受音乐的情感,感受音乐作品的风格;使学生在音乐作品背景把握的基础上,有一个大体的了解和感觉,为其在正式演奏的时候更准确、细致、全面地表现音乐做好准备工作。 (三)掌握音乐作品的旋律 音乐中最富有表现力的关键部分就是旋律,要表现好旋律,首先要准确地找到旋律的动向和形态。[5]人的声音是自然界所有声音中最原生态、最自然、最具感染力的声音,演唱的旋律效果会比乐器演奏的旋律效果更具动态性和感染力。因此,在钢琴演奏教学过程中应辅以演唱手段,尽量做到使演奏的呼吸适当、强弱变化自然、音色优美如真人歌唱一样,使作品中的音乐性表达更加鲜明。因为只有这样,学生演奏的音乐才会更天然、流畅,使演奏更具歌唱性,才能掌握音乐作品的主旋律。 (四)合理丰富的想象 想象,从心理学层面上看,是人头脑中对记忆、表象,分析、综合加工创造,进而形成新的表象的心理过程,它是人类思维的一种特殊形式。而钢琴演奏是再现音乐家生活场景、民族风格、思想等想象的全过程。因此,音乐教师在教学过程中,应选择一些形象化、具体化的音乐作品让学生演奏,引导并鼓励他们通过想象来表现音乐,使音乐更加形象化。这样做,有利于音乐技巧的传授的同时,又会让学生更真切地体会到钢琴演奏的美妙和音乐的魅力。 三、结语 总之,在钢琴教学中,教师应将钢琴的弹奏技巧与音乐表现完美地结合。钢琴艺术教育的实质是音乐艺术素质教育过程,而在音乐课堂中钢琴技巧的正确运用又是教师教授钢琴的基本保障。要提高钢琴演奏教学的效果,必须使学生熟练地掌握弹奏技巧,充分了解感受音乐作品的创作背景、风格,并辅以演唱等形式掌握音乐作品的旋律、节奏,而后依托丰富的想象力再现作曲家的思想形态、民族风格、生活场景等,从而全面提高钢琴演奏能力。 钢琴教学技巧论文:分析钢琴演奏技巧及教学要点 【内容摘要】在现如今的社会中,音乐已经成为人们不可缺少的一部分。而与音乐息息相关的钢琴也是人们学习的主要乐器,从非专业到专业,有很多学生选择到大学深造自己的钢琴技能。钢琴的演奏,是整个钢琴教学的一个重点,也是目标。文章分析了钢琴演奏所需要具备的技巧,以及在教学过程中需要注意的事项。 【关键词】高校 钢琴 演奏 技巧 教学 一、钢琴演奏过程当中的基础技巧 1.钢琴音阶的演奏技巧 在钢琴练习中,音阶的弹奏是一项基本功,这项基本功的程度是从是否流畅、连续,音质怎样等多种角度来判断的。①比较优秀的音阶弹奏是不管从低音到高音还是从高音到低音,一点都听不出来手指转换的停顿。这就要求学生在弹奏的过程中一定要注意手指是否灵活,之前就要把拇指练得非常熟练。教师在进行音阶教课的过程当中应该时刻提醒学生,要按照正确的指法进行练习,这样在训练的熟练了之后才可以在以后的钢琴演奏中熟练的运用。 2.钢琴演奏的基础技能练习 要学好钢琴,就要掌握正确的钢琴弹奏方式,而且这些弹奏方式都不是先天就可以掌握的,都是通过以后的学习和练习,最后才能够正确弹奏的。因此,想要提升学生的钢琴演奏水准,教师一定要保证所教授的演奏方式是正确的。对于钢琴来说,最基础的弹奏方法包含:连贯音阶、不连贯音阶和跳跃音阶的演奏。连贯的音阶对于学生的弹奏来说要有很好的独立性,大多数学生在弹钢琴时,一般会发生前一个音阶还没有全部抬起,后面的音阶已经弹下去的情况。导致这样的状况有两种可能的因素,第一个是还没有训练出手指的独立性,第二个因素是没有对力量进行很好的控制。②钢琴连续音阶的弹奏方式重点在于力量的传递,也就是说在弹每一个音阶的时候,要把手臂放到琴键上的力量从一个手指上传递到另一个手指上。在这个过程当中,能够感受到音阶有向下传递的倾向,在一个音阶弹奏完的时候,手指要留住比较微小的力量在琴键的底部来当作第二个音阶的支撑点。而非连续音阶弹奏的方式,要格外注重先把手臂慢慢地抬高,比钢琴键盘稍微高一些即可,手指回弯、手自然下落,手臂缓慢地放到琴键上。把正在弹奏的手指缓慢地按在钢琴的键盘上面,手指的顶端需要站立好,手掌和各个关节都不可以有塌下来的地方,手指的尾部的一端也不能塌陷下来。训练这种音阶弹奏的方式,一旦学生不能掌握的话,就有砸到琴键的情况发生。因此,力量的教学是非连续音阶的教学的重点。③ 3.音乐的感觉和节奏的感觉需要掌握好 节奏对于音乐来是非常重要的,节奏也被人们形容成是音乐的心脏,不一样的音乐都与不一样的节奏存在关系,不一样的节奏放在同样的音乐里面都会产生不一样的效果。教师在进行节奏练习的时候,应该对学生有着一些要求,比如说,要明白节拍、数清楚节拍、让速度一致等,在教学的初期就应该让学生养成在弹奏的过程中自然而然的进行数拍子。然后,让学生自己能够感觉到节拍是否准确和打拍子是什么样的感觉。之后,再让学生进行对于节奏的练习,让学生能够感受到节奏。因为,有些学生能因为打拍子而打拍子,像个机器一样,而不是去感受节奏的特殊的性质、分组的情况,这样的学生并不能够掌握音乐当中的节奏的感觉,也不能正确的表达出弹奏里面的技能和感情的表述。④ 二、钢琴教学中的注意事项 1.钢琴教学中要注意根据学生的特点教学 在进行钢琴的教育过程当中,教师应该首先了解学生的想法,从这方面入手,进行钢琴的教育。因为,不管是演奏钢琴的人,还是听众,都需要用心去沟通,好的音乐是不需要言语的交流的。假如在钢琴的教学过程当中,教师只是让学生像个机器一样练习技能的要点,而且还把这种练习当成了最后的训练目的,而不去要求学生做感情的投入和交流,那么弹奏出来的乐曲也是不带感情的,更不会打动人。学生只有在知道了乐曲中饱含了怎样的感情之后,才能够在心里琢磨,并且在技巧上持续的训练,最后才能够进行很好的演奏,从而让听众达到满意的效果。在这一过程当中,教师一定要监督学生的演奏的心理,在某种程度给予指导。⑤ 对于所有事物的教学都是不可以脱离需要教育的人而单独存在的,因此,教师作为种育人者应该在教育中总结出一种切实可行的教育方法,并且这种方法一定是正确的。不仅要关心学生在音乐上的需要,而且还要注意他们在音乐心理和自身特点上的进步,更要根据不同学生的不同心理和素质等特点进行教育。 2.要注意钢琴创新性素养的教学 音乐从其本质上来讲,是一种创造并且开创的新意过程。就好像这个地球上从来没有过一模一样的树叶一样,不一样的人弹奏同样的一首乐曲给人的感觉也会是不一样的,或者是同样的乐曲一样的人但是在不一样的时间弹奏的时候也会有着不一样的感觉,因为人的心态和阅历是会变化的。音乐永远吸引人的地方就在于其本身所具有的永恒和人们所赋予其新的含义。人们在写作音乐和乐曲的同时,也是对于人类自身的重新认识。 面对不一样的音乐应该进行不一样的理解,不同的人对于音乐也会有着不一样的理解。教师应该让学生大胆地进行创新,对于遇到的问题自己进行解决,这样才能通过自学的方式学好钢琴,并且对于钢琴保持着良好的兴趣。 作者单位:哈尔滨师范大学音乐学院 钢琴教学技巧论文:钢琴教学中奏鸣曲的弹奏技巧分析 摘要:在钢琴的学习中,弹奏技巧是重点也是难点。为了提升学生弹奏钢琴的技巧,本文从实践出发,使得钢琴演奏与音乐教育相连接,在理解音乐内涵的情况下出发,使学生德智体美劳得到全面发展。本文将通过实践分析钢琴教学中奏鸣曲的弹奏技巧。 关键词:钢琴 弹奏技巧 音乐教学 基本功 随着我国教育事业的发展,我们的教学理念开始发生变化,我们更加注重学生德智体美劳的全面发展,学习音乐可以陶冶情操,培养专注和勤奋学习的精神。但是在实践中钢琴是一们非常枯燥的功课,钢琴教学很难实施,因此教师如何将音乐和技巧有机结合融入到教学当中,是我们首先要考虑的难题。 一、奏鸣曲的弹奏技巧从基本功抓起 (一)音阶的演奏技巧 弹奏音阶除了五个指头相互独立外,还要考虑音阶的连贯流畅和连贯性,使人在上下衔接之时听不出蛛丝马迹,那么音阶的训练成为摆在我们面前的首要难题。具体做法是:拇指弹完了自己的音,用二指弹下一个音时,拇指尖就已经悄悄地钻进二指的后面,这样拇指就很自然地抵达了下一个音的位置上,音阶就能保持声音平稳,并且弹奏出来的音乐连贯,听不出衔接的痕迹。由此可以看出其问题的关键就是拇指的提前、预约工作。任何钢琴曲都是从音阶开始,因此我们要做好音阶的预备工作,平时要勤加练习,在教学过程中下意识培养这种动作,并且把这种动作形成一种习惯。 (二)弹奏的基本技巧 我们的弹奏能力都不是与生俱来的,都是通过平时的勤加练习得到的,正确弹奏方法是学习的前提和基础,因为我们要培养学生正确的弹奏方法。钢琴最基本的弹奏方法有:连音、非连音、跳音奏法二种。音乐教师在讲课时应当仔细认真分析这三种弹奏方法,根据学生的习惯,找出适合学生弹奏的方法,这样才能起到事半功倍的效果。这些学好音乐的基本功,我们必须掌握,只有这样我们才能接触到音乐的灵活深处,提升自己的弹奏技巧。 (三)准确的节奏感和音乐感 音乐是有节奏的,而这种节奏是我们必须要掌握的。每一首音乐都要不同的节奏,不同的旋律,节奏无时无刻不体现在音乐教学中,节奏的训练中,首先要搞清楚拍子,其次拍子数要准确,最后要速度统一。在平时的学习中我们要培养学生打拍子和数拍子的习惯。例如:我们在唱歌时,开始的前奏我们经常采用数拍子的形式,在唱歌的过程中,我们也经常采用打节拍的方式来进行互动或者加油,打拍子并不是机械的拍打,而是要融入到节奏感中,这样才能使音乐达到内心,从根本上提升弹奏音乐技巧。 二、培养学生对音乐的深入理解 我们常说天赋,这就说明有些人的音乐感是与生俱来的,是学习音乐的可造之才,肯定也有人不适合学习音乐。教师在教学的过程中要有针对性地进行,对音乐感一般的学生,我们要先做好基本功课,例如:贝多芬的《第一交响曲》,教师要讲述创作的背景、作者当时的处境、作者的生平经历,了解作者的创作基调,逐步培养学生的音乐感。 (一)演奏心理训练 演奏心理指演奏时的心里活动,每位演奏者都有不同的心理状态,有些人没有系统的音乐知识,但是有丰富的表演经验,可以自如应付突发状况和临场应变能力,甚至能够创造性地发挥。但是如果没有表演经验,在表演时就会出现紧张甚至手抖或脚抖的情况,在出错时甚至可能不知所措地停止演奏,这就是演奏心理差的表现。在现实生活中,学生常因为紧张而记不住音乐谱,有的记住了乐谱但是却因无法自如发挥,而弹奏的曲子没有感情,教师应当通过以下几个方面进行心理辅导:首先要有强烈的表现欲望和自信心,在演奏的过程中,观众难免会出现不感兴趣等现象,这时教师要进行适当的心理辅导,提升学生自信心;其次,积累并凝聚演奏的审美完型心理结构。 (二)了解作品的背景和风格 在演奏音乐之前,我们应当充分了解音乐背景以及作者在创作时的处境,只有这样我们才能更好地体会作者的思想感情,融入到音乐中。例如:《第一交响曲》是在贝多芬耳朵失聪的条件下创造的,耳朵失聪对一个音乐家来说是一个如同失去生命的打击,但是贝多芬不服输,此曲就充分表现了这两点。教师在日常的教学过程中,要带领学生多听曲子,体会曲子中不同的思想感情,日积月累我们不但可以体会出作者的思想感情,而且可以提升我们的音乐素养。 (三)掌握作品的音乐旋律 音乐中最具有感染力的应当是高潮部分了,要想充分体会音乐就要找准音乐旋律,人的声音、不同乐器的声音都是非常具有感染力,人的声音是最具有感染力的,因此在音乐的学习中,通过人的声音的高低起伏来找准作品的音乐弦律,提升音乐的演奏技巧。 (四)合理的想象 在音乐作品的学习过程中我们应当有合理的想象,当旋律轻快明亮时,我们可以想象作者特别的高兴与兴奋;当旋律悲伤沉重时,我们应当想象作者的悲伤与压抑情绪。通过合理的想象,了解作品表达的思想感情,只有这样才能吸引观众。 三、结语 新课改以后,人们越来越重视孩子的全面发展,音乐的学习不但可以陶冶情操,而且可以素质,但是音乐的学习基本功是关键,本文阐述了如何提升学生音乐学习,如何提升演奏技巧,希望对学生的音乐学习有所帮助。 作者简介: [1]邵琦惠:武威职业学院; [2]管丽丽:兰州城市学院。 钢琴教学技巧论文:基于音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用研究 【摘 要】在钢琴教学中,音乐元素是必不可少的基本乐理知识,同时也是提高钢琴教学质量的重要手段,作为钢琴基础内容,音乐要素是学生弹好钢琴的关键,对钢琴教学的顺利开展有着导向的作用。本文主要对融入了音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用进行了研究和探讨,以期为钢琴教学提供建议,进而促进学生钢琴演奏技巧的提高。 【关键词】音乐要素;演奏技巧;钢琴教学 一、引言 钢琴演奏追求的是在演奏中准确的对音乐进行诠释,这就需要学生熟练地掌握演奏技巧,分析作品中的技术手法,并且要想体现音乐的艺术,过硬的技术永远都是不可缺少的关键要素。但是在实际教学中,钢琴教学方法显得杂乱无章,学生也不容易掌握演奏技巧,而作为基础的音乐要素怎样渗入到钢琴教学中,又怎样突出演奏技巧,这些都是当前钢琴教学中值得研究和讨论的问题。 二、钢琴演奏中融入音乐要素的教学训练 在钢琴教育家卡尔・莱默尔的钢琴教学中,对钢琴的教学方法提出了很多的建议和要求,在钢琴演奏中学生需要放松,例如手指和手臂要处于自然状态,而且肌肉也应该是处于放松状态,这里强调的就是让学生用意识去控制身体状态,同时还强调了一点,就是利用一切可能的触键方式,也就是演奏技巧,同时节奏需严格,但也要自由,才能让演奏变得游刃有余。 (一)放松训练。学生只要具备了放松的状态,钢琴演奏才会更自然,因此,学生首先需要进行放松训练,在训练中要注意训练学生指尖的敏捷性,尤其是手指的第一关节。可以先让学生学习手指的站立,逐渐过渡到五个手指都能自如的交换和连接,先锻炼每个手指的独立性,然后锻炼学生五个手指的合作协调性。在实际教学中,教师可以先让学生反复练习1212 1313 2323 1414 2424 1515 2525 3535。对于颤音的练习,教师可以让学生先慢弹两个音,并弹响,熟练之后就逐渐加快速度,一直到音色均匀、清晰、快速,动作也要干净利落。双音和和弦的练习,教师则需要引导学生将手指一个个分开进行单音练习,当控制好之后再合起来练习,进而要满足清晰整齐的弹奏要求。 (二)技巧训练。钢琴演奏技巧训练是属于有针对性的技巧训练,主要是实施和推广演奏技巧,包括节奏、触键方式、力度和踏板等方面。触键方式有多种,其基本要点涉及演奏的姿势、断奏、半连奏、非连奏以及连奏等,触键技巧的应用是钢琴教学中最基本的内容之一,教师必须要严正以待。触键技巧的运用可以从不同角度帮助学生体会和感受钢琴技能,手作为人体重要的一个组成部分,在钢琴演奏中同样重要,例如当学生将手指的第一关节和琴键之间的关系了解并掌握之后,在实际演奏中就能逐渐掌握音色的好坏,所以,手指尖敏感度的训练非常重要。例如贴键技巧,无论学生对演奏技巧掌握到何种程度,我们都提倡“低指”的触键方式,也就是需要在下键发出声音之前将手指贴在键盘上,尤其是在进行和旋的演奏时,手指要有一定力度,将每一个和旋弹完以后手指都不能离开键面,用该种方法进行和旋的演奏,会让手指落键更加有把握。但是有些学生在连续弹奏和旋的时候出现缺音和漏音的情况,这主要是因为用力不均匀,采取这样的方法更容易使学生对手指进行控制。 (三)听音训练。在教学中,还需要训练学生的听力,使其听得见一切的音乐要素,这样学生才能自己判断音乐的好坏,同时也能更加容易掌握并控制自身演奏中节奏的准确性、声音的质地和色彩等。听力的训练首先要从对曲调意义的理解开始,而曲调的理解则需要先掌握好音乐的语法。因为只有了解并深刻理解句法之后,才能进行“听音”的训练,进而让学生逐渐形成乐感,为之后的演奏奠定好的基础。而听音训练应该是基于严格和自由的节奏,节奏首先是由心生,然后存在于全身,最后由指尖体现。在实际教学中,可以让学生用手拍桌子的方式来训练打节奏,或者采取指挥图形引导学生打拍子,根据具体需要选择强弱拍,也可以选择用手打大拍,用口打分拍,从一分二直至一分八的方式。 三、结语 总而言之,在钢琴基础教学中音乐要素、乐理知识是尤为重要的,两者相互依赖,相互促进,在钢琴教学中,教师需要掌握钢琴基础学科的特点及其教学客观规律,秉承着初级教学的教学规律,帮助学生掌握基础乐理知识和基本演奏技能,并形成良好的学习习惯,进而为之后深入学习钢琴演奏技巧奠定良好的基础。
声乐教育论文:美育声乐艺术教育论文 一、声乐艺术教育与美育的融通 声乐艺术教育与美育既是融通的,也是互动的。主要反映在教学目标、教学任务的一致性上。互动点之一:声乐艺术教育与美育都是为了提高学生欣赏美、鉴赏美的能力。声乐艺术教育是通过声乐艺术的专业训练,在培养学生专业技能技巧之中,融入美的教育,灌输审美观点,提高审美能力。美育则是通过艺术美、形式美、社会美、自然美等活生生的形象体系的具体展现,供人观照、感受,从中得以实现美的陶冶、培育。互动点之二:声乐艺术教育与美育都是为了提高学生的艺术修养。声乐本身就是不折不扣的一种艺术,声乐教育就是实打实的艺术教育,目的就是提高学生的艺术素质、艺术技能,它的一切活动都是围绕提高艺术修养进行的。而美育是把艺术教育作为优秀,把艺术美作为主要载体,通过艺术教育的手段,全面提高学生的艺术修养。提高艺术修养就要学习掌握艺术的基本知识、基本原理,在艺术欣赏中陶冶自己的情操,净化自己的心灵,得到美的愉悦。互动点之三:声乐艺术教育与美育都是为了提高学生的想像力、创造力。我国著名物理学家钱学森十分重视艺术教育,特别是音乐教育,他认为音乐教育不仅可以陶冶情操,还有助于启发人的创造性思维。声乐艺术教育与美育就是要展开人们想像的翅膀,感知世界的奥妙,丰富自己的精神生活。声乐美学讲“三情”,即:诗情、曲情、声情。每一首好歌,都是一首好诗,都有一个优美的旋律,都需要用真心真情去演唱;动人的歌词、动人的曲调、动人的歌声,需要人用心去感知、体味、想像。这就是声乐艺术的独特韵味,美育的独到之处。互动点之四:声乐艺术教育与美育都是为了提高学生的人格魅力。声乐艺术教育与美育都属于一种情感教育,声乐艺术讲求声音技巧,讲究专业技能,但是更注重情感,不仅要求“字正腔圆”,更注意“声情并茂”。美育是通过对审美对象的感知,激发学生情感的活动、心灵的感应,促使思想的升华。通过声乐艺术教育与美育的这种情感教育,以情感人、以情动人,从而陶冶人的情操,美化人的心灵,进而培养美好、和谐的情感和精神世界,构建完美人格,提高学生的人格魅力。美好的生活,不能没有美好的歌声,美好的歌声能充实美好的人生,这就是凝结声乐艺术教育与美育之间的内在联系和无穷魅力所在。 二、加强声乐艺术教育中的美育的途径 声乐艺术教育与美育既然是相互包浅谈声乐艺术教育中的美育张晨晨摘 要:声乐教育是音乐教育的分支,音乐教育又是艺术教育的分支,而艺术教育在美育中占有十分重要的位置,同样美育在艺术教育中也有不可忽视的地位和作用。作为声乐艺术教育工作者,对声乐艺术教育中的美育,必须要有一个清醒的思想认识,必须要有一个科学的工作态度,必须要有一个严谨的治学理念。这对全面贯彻教育方针,加强和推进美育建设与素质教育,提高声乐教学质量,都具有十分重大的意义。 (一)把美育融会贯通到声乐艺术教育的专业技能技巧 训练之中。从声乐艺术技能技巧训练的表面看,是纯技术、纯专业的,例如发声的训练,讲人体器官,讲共鸣体,讲正确的发声方法,教育学生声音是从什么地方发出来的,原理是什么,声音怎样才能好听、动听,原始的声音与艺术的声音、科学的发声有什么不同,怎样掌握正确的发声方法等。如果不融入美感,没有审美意识,那么,发声训练就不会达到应有的效果,就不会产生美妙的歌声,声乐就不能称其为艺术。 (二)把美育融会贯通到声乐艺术教育的作品处理上 声乐艺术把作品处理称之为“二度创作”,声乐的作品就是歌曲,作品处理就是演唱,没有演唱,歌曲创作就是毫无意义的纸上的符号;没有演唱,歌曲创作就没有任何社会功能;没有合格的演唱,歌曲创作就会被扭曲了形象,没有赏心悦耳的美的感受。有了出色的演唱,歌曲创作不但能够“容光焕发、神采奕奕”地走进观众、听众,还会带着它特有的智慧、灵感赢得大家的喜爱和欢迎。声乐艺术教育,就是通过声乐艺术训练,使学生学会“二度创作”,不仅把谱子上的记载和基本情绪唱对,还要通过演唱揭示作品的深刻内涵,显示自己与他人有别的艺术个性,使作品因其演唱而增色添彩,达到其教育目的、起到娱乐作用,在大众心理引起共鸣,得到美的启迪。“ (三)美育在声乐艺术教育中最突出的表现就是“情感”的无处不在 声乐艺术是以情感交流为目的,最讲求的就是“以情带声”、“声情并茂”。“以情带声”的含义可以理解为两个层次:一是,声音是歌唱的基础,不论声音是否美妙,声音总是歌唱存在的先决条件,所以情感依附于歌唱的声音基础,通过优美的声音表现丰富的情感。有声无情只能感受人声的艺术美,有情无声、有情少声,情感何以表达?二是,把“情”理解为情感表达的要求和声乐审美意识对声音质量的指令性要求。当我们在演唱某个声乐作品时,作品的思想内容、情感深度需要用相符合的声音来体现,这种声音的要求必须符合声乐艺术审美标准。为此,要引导学生多学习、多观察、多研究,增加阅历,拓展知识,善于理解和接受别人,感受和品味喜悦、悲伤、离别、思念、兴奋、悠闲、豪放等情绪和情感。一个麻木不仁的人是绝对学不好声乐艺术的,一个对美无动于衷的人或者说不容易激动和感动的人,是绝对不能唱好歌的。 作者:张晨晨 单位:连云港艺术学校 声乐教育论文:德育教育中渗透声乐教育论文 一、德育教育在声乐中的渗透意义 声乐教育中的德育教育是指在声乐教育中教育者以言传身教的方式,借助声乐作品为外在表现,对学生的思想、品德进行潜移默化的影响和教导。声乐教育并不仅仅局限于声乐技巧的传授及演唱技巧的教学,更为重要的是让学生通过声乐学习提高个人修养,提高个人人格,在声乐教育中渗透德育教育。德育教育是各类学校必须纳入教学环节中的课题,德育教育意在培养学生高尚的思想情操、正确的人生观和世界观、发现美好并且热爱生活,令学生可以以积极地与乐观的心态面对学习和生活。德育教育与声乐的融合不可死板呆滞,要充分吸引学生的兴趣,才能让他们从声乐的形式上提升到思想的高度上,严格杜绝不良思潮和不健康思想侵入学校入侵学生思想和灵魂。德育教育的开展结果尤为重要,教育机构切不可只注重形式,挂着素质教育的名头以交任务的心态来做这件事。中国的很多二线城市或农村学校,完全没有素质教育可言,以素质教育和学校建设为名来申请政府补助资金的亦不在少数。所以关于德育教育与声乐的结合这样一个新颖的教学模式,还有待更完善的监管机制来确保实施。另一方面涉外企业等管理模式下的西方管理制度渗入中国企业,大多数学生在学习过程中产生盲目崇洋心理,收入待遇等物质化的观念逐渐侵蚀学生思想,传统理想和信心发展方向过早的被社会物质化的思想取代,外国品牌也受到学生青睐,祖国意识在学生心中也逐渐淡化,这是外向型经济给学生思想带来的不良影响。随着经济飞速发展,社会主义市场经济在我国得到进一步确立,由于学生对市场经济认识不足,不能全面市场运作模式,认识上存在误区。无私奉献的雷锋精神已经不再是他们心中的价值范畴,造成学生理想的空虚。 二、网络不良信息的诱导 随着科学技术发展,信息网络已经成为人类生活中必不可少的一部分。网络是当前学生接触较多的平台,也是学生获取信息存储信息的重要环节。然而由于网络本身的便利性已成为信息传播的最大媒介。“网络是一把双刃剑”相信很多人都听过这句话,黑色、自杀、同性恋等文化都不是被社会认同的主流文化,不利于学生思想的额健康发展,因此在网络不良信息的不良诱导面前,加强学生德育教育,增强明辨是非的能力显得尤为重要。这不经让我想起另一句话“一念成佛,一念成魔”。绝大多数的邪念源自一念之间,对于在校的学生,自制力与认知都相对薄弱,一时兴起的好奇心与虚荣心理可能会将一个孩子推上歧途。所以中国的教育需要改善,中国式的教育以为学业为重,不重视甚至直接忽略素质教育的要求,很多家长和老师认为在生理和心理方面某些东西应该被隐瞒,殊不知这对于好奇的孩子来说是无形的推手。所以教育部引进外国的教育方式,以轻松的氛围和趣味的漫画来解释一些令老是难以启齿的问题。声乐与德育的结合也是一样,以声乐的穿透力去传播德育思想。当学生对一些敏感事物有了正确的认知和概念,在选择上有了自制力,能明辨是非,至少能有悬崖勒马的意识,这就是声乐教育对德育教育的有利影响。 三、德育教育面临着多方面的难题和挑战 当前青少年最大的问题就是“自我”,这一代的成长由于计划生育政策的实施和时展的必然性,这一代的孩子有着70、80年代少有的“偏执”,独生子女的孤独感已经是一个严重的社会问题,90后的孩子有着这个时代的鲜明特征,独立、坚强、孤僻、执着、勇敢、甚至是令人无法理解的堕落,其实每个年代有着每个年代的特点,而现在的青少年并不是盲目无知,他们也许懂但是他们坚定的是行比想更重要。德育教育早已经不是“口传身教”那么简单了,这一代孩子并不愿意与父母交流,因此学校便成为学生进行德育的重要场所。但在学校中学生的德育教育又面临着两方面的困难:一是学校的德育教育方式较为传统,不能满足21世纪新型人才的需求,教育方式较为古板、呆滞,学生早已经不是一批批乖宝宝了,他们的自主能力与自我个性让学校教育举步维艰。此时很多人无奈的发问“这一代孩子究竟怎么了?”也有人说“这样的下一代怎么来发展这个社会,未来怎么能交到他们手上?”其实不是学校的错也不是青少年的错,只是学校与社会都忽略了社会发展的必然性就是“冲突”,传统的教育下小白鼠式的教育方式已经不适用与青少年身上了,所谓的不良的少年就是传统教育与现在思潮的冲突产物。学校该思考的是如何应对这样一批孩子,因材施教永远是教育的主旨。另一方面来看,现在的孩子自我,不愿敞开心门与人交谈。换言之,他们缺乏安全感而激发的强烈的自我保护欲。学校的心理老师与心理咨询室形同虚设,青少年不愿谈及自己的秘密,并且对大人的关心极为反感,认为是一种无礼的窥探。如果学校和家长才去的态度强硬那么孩子的反映会更加强烈和反感,此时他们需要的不是解决问题而是感受到尊重与重视,这对于目前的德育教育是个巨大的难题,德育教育的改革充满了挑战,需要一次次不懈努力的尝试才能取得好的结果,随着社会发展教育改革的深入,不少学校的领导层和管理者已经意识到加强学生德育教育的必要性,也意识到在这一过程中遇到的极大挑战,也正努力寻找解决的策略,但不可避免的当前学校德育教育仍然存在以下弊端: 1、德育教育课没有受到学生和教师的重视随着教育改革深入和当前社会经济发展方向的引导,学校不得不把主要精力放在如何培养社会需求的专业人才上,如何提高学校升学率、就业率以及在学校竞争中脱颖而出上。尤其是随着越来越多的社会资金,企业或者个人投入学校建设,为了尽早回收成本,学校领导层或者学校管理者的重心都在资金上,忽略了德育教育建设的重要性,再加上学生以及教师普遍只重视学术和学习,德育教育工作的重视程度无论是从学校管理者还是师生来讲,都明显弱化。 2、学校德育教育缺乏执行力当前学校普遍存在的“重经济、学术次之、思想政治教育再次之”的现象,德育教育工作虽然一直被提出,但真正到了实施阶段却缺乏了强有力的执行力,往往加强德育教育只是喊喊口号,并未真正付诸行动。作为学校德育教育主体的思想德育教师,在学校中的地位相对较低,待遇和工作福利也较其他学术教师低。在实际工作中,教师的工作重心更多的放在提高自身能力,或者进行学术研究上,对学生思想动态的关心不够。许多时候学校或者国家硬性规定的德育教育任务往往只是走过场、搞形式,并且这样的形式和过场也不多,在“官本位,形而上”的高校管理模式下,对德育教育工作的额不重视自然降低了德育教育的执行力。 3、教育方法传统守旧,缺乏新意长时间的传统教育模式下,教师和学生的积极性都被扼杀,虽然随着现代化教育的提倡,不少学校已经引进了先进的现代化教学模式,但这些都仅仅局限于学术性课堂上,德育教育课堂仍旧被大家忽视。德育教育的开展采用老方法、老教材、老方式。当前的德育教育沿用了几十年的马克思主义原理、思想、邓小平理论等传统文化的精髓,不可否认这些思想具有广泛性和延续性并且是思想文化精髓的结晶,这些思想我们不能抛弃,但是在新时代的发展下,我们不能仅仅用传统的思想眼光来看世界,要从当前新的时代内含出发,从国际形式及我国国情出发,与时俱进、开拓创新。“三个代表”重要思想、“科学发展观”等内容需要在德育教育中得到贯彻,为德育教育注入新的活力和希望。另外德育教育模式和方式也不能应循守旧,要敢于突破创新,才能适应80后、90后乃至00后的价值观和思想需求。 四、声乐教育中开展德育教育的策略改变单向教育的传统教育模式,增强德育教育的双向互动。 1、德育教育模式的变革任何的改变都源于沟通,传统教育的单向模式即老师与家长的口传与要求已经不适用于现在的青少年了,德育教育的变革就是改变传统的教育方式,实现双向互动教育。这不是一段时期的坚持,而是从孩童时期家长与老师就要有的概念。孩子和大人一样需要尊重与交流,只有当家长与老师的尊重与爱心令孩子敞开心扉,及时的告知他们成长中的困惑和烦恼,才能消除他们的排斥感和孤独感。这对于给孩子一个健康完善的心理是极为重要的。双向的教育模式更倾向于“倾听”,从孩子的言语中去感受他们需要什么样的教育模式。对症下药方能见效,这样才能将德育教育灵活的渗透到学习生活的各个方面。在声乐教育一直以来受到一定程度上的忽视,为加强学生的德育教育,首先就必须加强德育教育在教育中的比重。将德育教育纳入声乐教育的教学日程上去。传统的德育教育课堂作为学校的辅助,老师普遍不会重视,这也引起学生对德育形成随意态度,这样德育工作便无法开始。所以必须要从教师的思想工作做起,带头重视起德育工作的开展与创新。 2、优化网络环境网络已经走进了每个人生活中,为大家带来了便利。对于学校的网络环境的清洁一定要重视起来,确保学生不会受到垃圾网页与不良信息的影响。网络系统的监管与控制一定要设立专门的人员和专业的设备来先行过滤,给孩子一个温馨健康的网络环境。3、声乐教育内容与德育结合当代声乐教育中的德育内涵丰富多样,包括了集体主义、理想主义、劳动、社会公德、爱国主义等精神内涵。比如《黄河颂》这样一首抒发爱国壮烈情感的歌曲,在气势磅礴中将滚滚黄河的豪壮之势呈现在学生面前,在学习音乐赏析的同时陶冶了心境,借用声乐教育的媒介对学生进行了一次德育教育。再比如《松花江上》,在进行这首歌曲的演唱训练时,教师一定要把这首歌曲的历史背景讲述给学生,展现当时东北军官兵的艰难环境,流亡关内的场景,体现了他们渴望保家卫国的强烈愿望和爱国主义情怀。声音教育的目的不是仅仅培养少数声乐上的天才,而是要在声乐教育中培养高尚的人格和精神品质。面对社会转型,学生的思想受社会环境和社会波动影响较大,因此加强当前学生德育建设尤为重要,声乐教育的德育功能随着教育改革的不断深入,其优越性也逐渐显现出来。声乐教育中贯彻德育教育是一种有效的教育模式,在声乐专业学生成才发展中发挥着举足轻重的作用,也是学校发展培养新世纪人才的重点工作。虽然当前声乐教育中的德育教育面临的挑战是多方面的,相信未来的德育教育会有更好的发展和长远的收益。 作者:马春晓单位:中原文化艺术学院 声乐教育论文:民间传统艺术声乐教育论文 1民间传统艺术资源在声乐教育系统中的体现 1.1民间传统文化资源在声乐教育中的延续民间传统艺术资源在声乐教育系统中近年来有了较为鲜明的延续,特别是众多将民族与“原生态”唱法引入比赛和教学中的各种声乐活动,充分地体现了民间声音、民间伴奏等艺术形式在现代声乐发展中的新活力和新生命。民间传统声乐和艺术资源大都以口口相传的形式传承,其传承过程由于缺少书面记录而受到一定程度的影响,在现代声乐教育的发展背景下将民间传统的声乐艺术资源通过细微音色的辨析和情感控制分析加以传承与控制是现代声乐高等教育发展的必然选择。民间传统艺术资源在传承与发展的过程中保持相对的独立性与完整性,因而在与高校声乐教育相结合的过程中需要继续扩大民间传统艺术资源的挖掘力度。 1.2民间传统艺术资源在声乐教育中的融合在我国声乐发展历史上历来存在着多元并存的发展理念,因此在加强声乐教育系统与民间传统艺术资源的结合时必须要重视互相融合,共同发展。民间声乐系统不仅包括歌唱方法和歌唱技巧,更多的是广大群众对于民间生活、历史、文化方面的情感积淀。我国高校声乐教育系统近年来越来越重视对民间传统艺术资源的借鉴与吸收,采取行之有效的手段将民间声乐系统与现代声乐教育相结合,以此实现演唱方法、历史、文化、内涵等因素的交融。在大力弘扬民族的民间的声乐系统的同时加强对民族文化、民间文化的弘扬有着积极的意义,开展高校声乐教育时重视对民间传统艺术资源的保存与发展能够为高校声乐的发展带来新的活力。 1.3民间传统艺术资源在声乐教育中的师资力量在高校声乐教育过程中对于民间传统艺术资源的借鉴与吸收还体现在民间艺术师资力量的引入与结合上。高校声乐教育工作归根结底要落实在每一名教师身上,因此教师的声乐综合素质显得异常重要,特别是对于民间传统艺术素质的与时俱进的学习上。从事高校声乐教育的教师必须要树立创新意识和自我突破意识,在加强对现代声乐教育理论与方法的学习的同时还需要加强对民间传统艺术资源的挖掘与整理,担负起传承中国声乐艺术和声乐文化的历史性重担。通过扩大对民间艺术资源和文化资源的了解与掌握,加强对学生传统声乐知识的教育,能够推动高校声乐教学与民间艺术的和谐发展。通过将民间声乐传承人引入高校课堂,让更多的学生与教师体会生活音乐的真实状态,感悟传统音乐文化在当代的生存状态。 2加强民间艺术资源对声乐教育系统作用的途径 2.1树立“和而不同”的声乐教育观民间声乐的发展长期以来都是多元共生的状态,在当代的民间艺术与高校声乐教育相结合的过程中首先要树立“和而不同”的声乐教育观,推动多种民间声乐的多元并存与和谐发展。高校声乐教育的目的是培养声乐专业人才以承担文化交流、文化传播、声乐教育等多种角色,因此必须要将专业知识教育与传承人类历史文化内涵相结合,促进学生对于学好本国、本民族传统音乐文化。“和而不同”、多元共生的民族声乐教育观是现代高等音乐教育保存本土音乐文化、促进世界各民族音乐文化的交流有着重要意义。 2.2前瞻性与预见性相结合传承民间传统声乐艺术加强声乐系统中民间传统艺术资源的借鉴与吸收必须要具备充分的前瞻性与预见性。一方面,挖掘尚存的民间声乐资源,亦即通过民间艺人和地方戏曲工作者等来实现传统艺术的传承,另一方面要加强对建国以来音乐工作者整理收集的文本资料、音像资料与影像资料等,以前瞻性与预见性相结合的意识传承民间传统声乐艺术。 作者:鲍春有单位:长春市群众艺术馆 声乐教育论文:德语艺术歌曲声乐教育论文 一、德语艺术歌曲的起源和发展 在1618-1648年的整整30年里面,德国都处在水深火热当中,人民常年受到战争的困扰,政治、经济都十分落后,偶尔有一些工匠们在工作之余会唱歌和创作,我们也称这些歌曲为工匠歌,虽然工匠歌曲并没有普及大众,但是这也是德奥艺术歌曲很重要的一个前身。在这个时期,教堂音乐还是在德国古典音中抢占着最主要的地位,人民的思想依然受到宗教因素的控制。德语艺术歌曲的雏形产生于17世纪中叶,这个时期的音乐虽然没有完全摆脱宗教的束缚,但是人民的生活得到了改善,思想也得到了进步,人们的创作热情也得到了启发。在这个时期,艺术歌曲呈现的是单声部的旋律。到了古典时代,以维也纳三杰暨海顿、莫扎特、贝多芬为代表的作曲家创作的一系列德文歌曲深入人心,这些歌曲当时都被人们当做咏叹调来演唱,但是这些歌曲的艺术水准已经和艺术歌曲很接近了。到19世纪初期,在欧洲浪漫主义文学的影响下,艺术歌曲开始作为一种声乐形式正是确立。随着舒曼、勃拉姆斯、门德尔松等一系列作曲家的发展,德国艺术歌曲进入了繁盛时期。值得注意的一点是,德语艺术歌曲的歌词并不是作曲家随手写来的,他都是出自浪漫主义诗人之手,这些优美精致的诗歌也成为了后世艺术歌曲创作的重要素材。进入20世纪以后,德语艺术歌曲也开启了新音乐时代,直到今天还是有很多优秀的德语艺术歌曲作品诞生。 二、德国艺术歌曲的演唱风格 德语艺术歌曲虽然不及咏叹调那些歌曲,篇幅庞大,情感对比强烈,但是德语艺术歌曲有着对歌唱者艺术修养更高的要求,歌唱者不仅仅是要理解作曲家的作品,更需要透彻地理解诗人创作的这首诗词的情感,只有首先在这两点上对作品有一个正确的理解,才能开启这个艺术歌曲准确的演绎。在技术层面,首先需要关注到的是气息,呼吸需要做到流畅、平稳,一句句的连贯性循环呼吸。其次,声音的通道要求统一,这样声音才会和谐、通畅。再次,德国艺术歌曲具有很强的名族音乐的风格特征,所以在音色的运用上面,不要需要过分夸张浑厚的音色,而是需要明亮、清晰的音色,音量上需要准确的把握和控制,这样才能更好地营造出德语一首歌曲的意境。在情感处理上,首先,演唱者需要把握好整首歌曲的基调,对于曲谱的各种表情符号需要一一详读,从而表现出每一首歌曲的特点。不论是演唱抒情的还是伤感的歌曲,都应当恰如其分地做到感情的抒发,符合作品的风格,切勿使用过分的夸张、或平淡冷漠的表达。 三、德国艺术歌曲的语言发音特点 完整的演绎一首艺术歌曲,还需要把握住一个灵魂———语言。相对于法语、意大利语等其它语言,德语在发音吐字上面则难度稍大一些,主要表现在元音的组合、辅音的清晰上面,以下笔者就从这两个方面谈谈德语的语言特点。首先,元音。德语的元音一共有16个单元音和7种复合元音,除了传统的元音字母外,还有3个特殊的变元音字母:a、o、ü,这三个变元音也是德语区别于其他语言的重要标志。发好这几个关键的变元音也是有一定的难度的,首先我们来分析一下a,a是在a这个字母的基础上演变而来的,发音的时候,舌尖要抵下牙齿,舌尖微微向上抬起,双唇向两边自然张开。根据不同的单词的组合,字母a的发音也分为短元音[ε]和长元音[ε:],除了发音长短时值不同以外,长元音[ε:]在发音时的开口度要比短元音[ε]稍微大一点,有点靠近发音素[a]的感觉。其次是o这个变元音,它是在o的基础上形成,也有长短音之分,音标分别为[Φ:]和[oe]。发长元音[Φ:]时,舌头的位置同长音[e:],口型类似长音[o:],双唇稍圆,发音效果介于长音[y:]和长音[o:]之间。发短元音[oe]时舌位同短音[ε],双唇拢住成圆形,做发短音[]的口型,[oe]也叫做[ε]的唇化音,在听觉效果上介于短音[y:]和[]之间。最后就是ü,这个变元音是在字母u的基础上演变形成的,发音类似汉语“煜”字,发音中的元音(ü),这个变元音的发音也分为长元音[y:]和短元音[y],长元音[y:]是[i:]的唇化音,发音时舌位与发音素[i:]相同,舌尖要抵下牙齿,舌头微微向上抬起;短元音[y]的发音与长元音大体相似,只是有音值的长短不同而已。最后,元音的发音还应该注意保持元音的纯正饱满,清晰区分长短元音的区别,切记拖长,导致长短元音区分不清楚。德语歌曲中,辅音的发音也是一个重中之重,单辅音的发音需要做到清晰,而复合辅音则要求第一个发得稍轻,突出第二个音,辅音的发音需要做到快速、清晰,声断气不断。德语的节奏感比较强,它的重音一般都在第一个音节上,只有把握好了重音才能把握好德语的语气,这样听上去才地道、纯正。 四、德语艺术歌曲在高校的现状 在我国早些年的高等音乐教育中,德语艺术歌曲的学习处于比较空缺的状态,大多数高校都把注意力放在意大利歌曲和歌剧咏叹调的学习上,即使少数人涉及到德语艺术歌曲的学习,但由于学习资源的缺乏,导致在歌词发音和演唱风格的把握等方面都存在偏差,成为高等音乐教育忽视的一个问题。近年来,国内的音乐高校对德语艺术歌曲的关注有了大大的提高,来国内进行交流德语艺术歌曲的外国专家也越来越多,使我们可以近距离的接触到“利德”,这大大方便了我们对于德语歌曲的学习。不断举办的艺术歌曲音乐会和大师班也使得国内的学术氛围变得浓厚,很多高校也在不断举办艺术歌曲的比赛和交流,这些都对“利德”在国内声乐界的发展起到了积极的推动作用。随着不断普及和研究,我们一定会更加深入地了解德语艺术歌曲的魅力,这个在西方流传了200多年的艺术瑰宝也会在中国受到更多人的关注。 作者:倪郡单位:四川音乐学院 声乐教育论文:民族高校声乐教育论文 声乐教育,一般的理解易将其简单化为以声乐为主要或单单以声乐为其内容的教育,如若这样,必将是为了声乐而声乐的教育,声乐将是其内容、手段与终极目的,无论是声乐的施教者还是受教者必将在声乐编制的一个周而复始的不见其起点与终点的“怪圈”中打转转。这种声乐教育中无论对声乐施教者还是声乐受教者而言都是将自己所谓的艺术生命机械的对等化为声乐教育的长河中,毫无质的提升与飞跃,只有量的延展,更无创造性而言,可以毫不困难地发现这种声乐教育理念及其指导下的声乐比赛的最终结果。而与此相对应的另一种声乐教育就是以声乐为路径的一种艺术教育。声乐固然是施教者与受教者达到艺术教育这一阶段性目标的手段与重要内容,但声乐本身与艺术教育本身绝不是我们追求的终极目标,如果任何教育的内容与可预期的产生“实用性的目标”是其目标,必将会偏离教育的本真。教育的本真与终极目标在于以人的健康、全面、和谐发展为要义。《礼记•大学》篇云:“大学之道,在明明德,在亲民,在止于至善,物格而后知至,知至而后意诚,意诚而后心正,心正而后身修,身修而后家齐,家齐而后国治,国治而后天下平。”对于“在亲民”,朱熹将“亲”解释为“新”,即“新民”,而“新民”必然具备“明明德”、“至善”之要义。在“以人为本”的社会中,教育仅仅是“人”的存在于发展的一种手段,“人”的逐步完善与意义的体现是教育的最终目标。声乐教育是声乐比赛的先导,正是正确的声乐教育指引着我们走出某些非良性的声乐比赛的怪圈,实现我们对“人”的意义上教育的追求与完善。“音乐是心灵的语言,是表现发生在灵魂隐秘深处的行为和经历的手段。” 声乐教育正在以单向度的“老师学生”的传播路径走向互动的“老师学生”的双向路径,从对音乐的理解转向师生共同理解与探讨对某一音乐作品或知识不断趋向一致的行进模式,老师由一个“主导的”、“垄断的”地位转向一个音乐教学与学习过程中的“先行者”及向“后来者”传递“先行者”对音乐的心得,即先行一步而学习、理解的心得体会。音乐的语言与语言的音乐是声乐教育中不可或缺的两个方面与重要的特征,两者的和谐交融方可将声乐教育推向一个更高质量的层次,教师应更多地用音乐的语言去引导学生,而学生则应更多地是用语言的音乐去感悟音乐的本真及在此基础上收获快乐与幸福。师生由此而在课堂教学活动中得到“合流”,这种“合流”为以后将课堂延展至比赛的舞台设置了极好的路径且打下了坚实的基础,因为对于作为走向舞台的比赛者而言,切磋、交流与探讨而得到的知识及对知识的理解毕竟比单纯地接受式的学习而显得深刻得多,所以在舞台上更多体现的是自己与作品的交融及在交融基础之上的创造性的发挥与升华,唯有如此,作为一个音乐比赛参与者的角色定位,与其说是一个音乐的表演者,不如说是一个音乐的创造者,因为其较好地完成了作为一个在此刻所承担的对音乐的“历史担当”。 声乐教育与声乐比赛都是展露心迹与个人情感驱动的不可或缺的双轮。声乐教育与声乐比赛的成功取决于声乐教育与声乐比赛的主体施动者对其所处语境下音乐元素与音乐本真的深刻洞彻与现实体验。思绪终止的卡点,便是音乐飞扬的起点,同时也是声乐教育与声乐比赛发挥作用的地方。声乐教育对声乐比赛起着关键性的作用,也是在声乐比赛中诠释的艺术真谛的不可或缺的重要因素。但是由于受应试教育的影响与教育者本身条件的局限,对声乐的教育往往囿于对声乐技能的传授、对声乐流行性因素与风格和内容的追逐,往往有意或无意地造成严重缺乏对声乐受教者学生自身条件与兴趣的认知,严重缺乏对声乐作品本身所处语境的关注,严重缺乏对音乐作品所传递出的文化的感知与洞彻,严重缺乏对声乐本身所承载的“以人为本”的声乐的历史担当,往往出现为了音乐而音乐,即为了功利的音乐而进行功利的音乐教学。由此从某种程度上来说,正确的声乐教育是正确的“载满”声乐比赛内容的这艘艺术帆船驶向正确彼岸的“压舱石”与“指南针”! 音乐比赛中的舞台效果绝不仅仅是局限于音乐性,而是融合了音乐性、艺术性与文化性等多种因素于一体对音乐受众者甚至对音乐表演者而言同样造成的视觉、听觉、思想、观念上的冲击与震撼。表演者的舞台应是融合了音乐的文学与音乐的要素于一体的舞台,舞台不是目的,而是通向本真音乐的方式与途径,舞台是有期限且会随着音乐比赛的完结而告一段落,而舞台上折射与反应的音乐文化与艺术影响却是永无谢幕和终结之时,且对音乐教育的反思也将是长期的。声乐教育并非单纯地以语言为主的艺术教育,而是将语言、音乐、表演三者有机融合的艺术教育,这就意味着教育者根据具体的教育语境,即教授内容的艺术元素、受教者、教授的方法而因地制宜采取不尽一致的教育过程,在这些过程中,有的语言教育的比重较大,有的则侧重于音乐教育或表演内容,不一而足。但是在声乐比赛中,其情形却与声乐比赛有不同之处,更侧重于以歌唱语言和以节奏、旋律、器乐音响等来传递音乐创造者对音乐的诠释、理解给受众者,而表演(此处仅指单纯的表情与形体上的表演)则往往退居次要位置,但这并不意味着其不重要或被加以忽视。不难看出,语言、音乐、表演等要素都对声乐教育与声乐比赛的成功实施发挥着关键性的作用,不可忽视。但由于声乐比赛与声乐教育二者的差异,也必然会导致语言、音乐、表演等这些因素的运用的技巧及程度上不尽相同,需要声乐的施教者、受教者及声乐比赛的表演者针对其作品的不同而采取不同的方法,当然,这必将是一个长期探索的艰辛历程。 总之,正确认识与处理好声乐教育与声乐比赛二者的关系,必将会在声乐教育者、声乐受教育者即声乐比赛参与者、广大的观众数者之间形成一个多方共赢的局面,也是教师、学生、观众共同努力与探讨与共进的地方! 作者:王菊单位:中南民族大学音乐舞蹈学院 声乐教育论文:原生态声乐教育论文 一、原生态音乐的文化价值 原生态音乐在民间发芽生长,以其原始的言传身教和自娱自乐的方式不断发展,结合本民族特有的音乐节奏、曲调和语言形式传递着生活、劳动情感,在生活中占据着重要部分。原生态音乐在千百年的传承中使其具有了经典性和文化性,例如,古老且经典的孤独调、欢喜调、下坡调、砍柴调、哭嫁歌、敬酒歌、哭丧调、哄娃娃调等,在悠久的文化积淀和漫长的时间累积中,锻造出渗透心底的情感思想和意识表达,激荡着无数人的心扉。例如河套地区的慢翰调、陕西的信天游、华北的剪窗花等,总是依循着原始的唱法,向人们阐述独特的地区和民族文化,不添加任何粉饰的原生态唱法,浓郁炽烈的表达着独特的风俗气息和民间文化内涵,总是能达到沁人心扉的效果。原生态音乐在文化历史的传承上,人生态度的养成上、人际关系的融合沟通上都起着重要的作用,饰演者重要角色,其中所体现的生活价值、文化韵味、研究价值、审美价值,即使在今天依旧具有重要意义,闪烁着独特的光彩。民族文化、环境、习惯、风俗等方面的不同,使得原生态音乐包含着不同风格和形式的演唱类型。例如,地狱色彩显著的山歌,婉转动听、悠扬绵长;旋律悠长舒展的藏族酒歌、蒙古长短调;还有城乡生活小调,锯大缸、卖货郎;更有庞大繁杂的叙事曲或乐曲,如傣族阿诗玛、侗族大歌等,这些音乐形式都是在人们的辛勤劳动与生活中逐渐形成的民族智慧结晶,彰显着中华文化的博大精深与丰厚的历史内涵,并且成为国家非物质文化遗产。原生态音乐的创作环境是实际的生态环境之中,演唱者对这类歌曲的神韵、演唱方法和风格总是有着原生的感觉和精准的把握。对于原生态音乐的继承者与传承人来说,要结合现代的声乐艺术,不断地发展完善,才能更好地显示其独特的艺术魅力。近些年,原生态音乐逐步走进了央视舞台,尤其是青歌赛中原生态唱法的融入,使人们感受到了原生态音乐的独特魅力。不仅使人们看到了不一样的音乐类型,更让人们逐渐领悟到了音乐的质朴与纯真,领略到了原生态音乐丰富的内涵和表现力,在音乐界引起了一致好评与强烈的反响。因此,原生态音乐的引入将为高校声乐教育的发展注入新鲜血液,增添新的内涵和发展前景。 二、引入原生态音乐对高校声乐教育的意义 高校声乐教育对于原生态音乐的传承保护而言,将起到重要的作用。原生态音乐的起源地多在偏远的民族聚居地,很多地区有自己的民族语言,但是却没有文字,因而,生长在民间的原生态音乐凭借口口相传的形式广为流传。现今的原生态音乐正以其独特的精神文化价值和艺术魅力在社会中愈加被重视,对它的保护、传承和发展是继承传扬传统民族文化和社会主义建设的需求所在。高校声乐教育所培养的是专业的音乐人才,对于原生态音乐的积极融入,可以成为高等音乐教育的创新发展背景和科研优势,依靠专业的教育环境和条件,继承和发展传统文化,丰富高校声乐教学内容的同时,更是培养多元型音乐人才的重要手段。高校声乐教育将原生态音乐引入其中,用原生态的方法和视角对音乐艺术进行理解和分析,用声乐的艺术视野对原生态文化进行体证,可以使高校声乐与原生态音乐进行有效的融合和沟通,二者相互推进,相得益彰。再者原生态音乐历史文化丰厚,内容博大精深,涵盖历史、民族、社会、宗教等相关学科的文化内容。因此,原生态文化的引入对于现代的高校声乐教育将发挥重大的作用,不仅丰富了声乐教育的学科内容,开阔了学生视野,提高了音乐素养,为高校声乐教育的人才培养增添了新的元素,使高等声乐教育更加丰富和多元,培养的人才相对素质较高,能更好地适应社会的发展趋势和需求。 三、结语 综上所述,原生态音乐的引入和发展,对于高校声乐教育的发展将起到极大的促进作用,原生态音乐的内涵和文化气息,将为整个声乐教育提供更加浓郁的文化氛围,为声乐教育增添新鲜的活力,使学生不断地开阔眼界的同时,提高学生各方面的音乐文化素养,促进高校声乐与原生态音乐的共同进步与发展。 作者:余蕾单位:湖北省医药学院学务部 声乐教育论文:我国高职声乐教育论文 一、目前我国高职声乐教育存在的主要问题 想要做好高职声乐教学,提高教学效率,做好职业化教育,就要准确找到声乐教学在现代化教学背景下存在的主要问题。第一,教学内容单一。据调查研究表明,现如今的高职声乐教学内容只是在单一的沿袭本科教学内容,教学形式枯燥,教学内容传统。此外,教学情况无法与社会实际相结合,缺乏创新性。第二,教学设置不科学。教学设置是课堂有效教学的前提,是提升教学效率的关键。目前的高职院校声乐教学在课程和科目设置上都不够完善,忽视了学科教学与专业人才培养的紧密性,教学脱离实际,无法满足社会用人标准,缺乏职业化眼光。第三,教学设备过于落后。与普通教学科学相比,声乐教学对教学设备具有更高的要求,它不仅需要专业的教学场所,还要配备与声乐有关的教学乐器、可以进行对照的大镜子等等。只有最先进的音乐设备,才能提高教学的实效性,提升学生的职业化能力。 二、如何在当前形势下做好高职声乐的职业化教学 在上述内容中,我们已经清晰直观的看到了高职声乐教学存在的主要问题。想要有效提升教学效率,就一定要找到最有效的方法开展职业化教学,培养社会需要的高素质人才。 (一)制定与职业化教学相关的声乐教育计划教学计划是教师开展教学的基础内容,是根据学生的学习实际制定的教学策略。高职声乐教学一定要根据专业特点,制定有针对性的计划。在具体教学方案制定之前必须要充分调研市场,明确各单位对声乐毕业生专业能力的需求,结合教学时间、学习能力等编制科学的教学手段,并在计划制定中融入职业化需要,培养出社会需要的高质量、高素质人才,实现职业化教学目标。 (二)教学内容和教学模式与职业化要求相契合“职业化教育”是市场经济运行下势必要推行的教学形式,它符合社会的用人新标准。为了提高高职院校声乐毕业生的就业率,各学校一定要完善教学内容,选择科学的教学模式,并将它们与职业化要求相契合。具体而言,教学内容在传统学习形式的基础上,还要不断创新,增加不同声乐的唱法。在教学模式上也要积极创新,不拘泥于一种形式,将现代化设施运用到实际教学之中,调动学生的学习积极性,倡导职业化教学。 (三)教与学都要跟随职业化教学趋势在教育教学过程中,学生是教学的主体,教师是教学的主导者,两者相辅相成,互为表里。职业化教学的实现势必要以这两方面主体为优秀,提高教学的实效性。对此,高职声乐教师要积极改变自己的教学方法,调研市场现状,根据学生的学习特点和兴趣制定职业规划,在教学中融入职业取向。学生也要明确职业化教学的发展趋势,结合社会实际提升学习效率,找到高效学习的新方法,变被动学习为主动学习,使教与学都更具针对性。 (四)强化实践教学声乐教学职业化教育的实现不仅要以职业化教学内容、教学计划的制定为基础,还要坚持完善实践教育,建立实训基地,重视社会实践。高职院校声乐教师要带领学生进行实地学习,让他们多接触社会,调整学习心态,与用人单位多加联系,关注社会需求,并进行自我完善,找到最有效的对策提升自我,提高职业素养。 总而言之,由于社会主义现代化建设水平的逐步提升以及社会经济的可持续发展,社会竞争异常激烈,就业问题已经成为了困扰毕业生的主要困难。高职院校作为培养专业人才的摇篮,其受到的关注度自然较高。在文娱艺术迅猛发展的今天,声乐教学作为最重要的教学内容,一定要坚持职业化的教学倾向。将教学计划、教学内容、教学模式与职业化要求相契合,加强实践教学,完善教学的主客体,并找到以往声乐教育存在的主要问题,根据实际改进教学,有效做到职业化教育,培养出社会需要的健全人才。 作者:高利萍单位:湖北省艺术职业学院 声乐教育论文:情感教学下的声乐教育论文 一、注意声乐演唱中情感的表达 声乐演唱是人们情感的具体表现,积极情感表达不仅是艺术表现的要求,同时也是解决语言、发声以及呼吸等技术问题的重要辅助条件。在声乐演唱中所表现出的情感是在外在与内在的共同刺激下所产生的结果,是情感变化过程的体现。在这个过程中,可以通过歌曲构成分析发展轨迹。一方面通过歌词、歌曲同旋律之间共同形成特定的情感与情景;另一方面,歌曲中音乐属性主要是利用伴奏与声的配置、节奏变化、旋律起伏来塑造形象和营造气氛。演唱者要想将歌曲特定情景充分表现出来,就需要进行情景设想,以带有饱满情绪的歌声来感染听众,达到情景交融的效果。 二、在声与气的统一中,以技巧丰富音乐情感 在声乐演唱技巧的众多关系中,声与气的关系属于优秀关系。只有处理好声与气的关系,才能表现声乐作品思想内容、构建声乐作品艺术风格。在发声的时候,气带动声带而产生振动。在声乐演唱中,如果没有气,也就没有声,无声带合理振动,气就无的放矢。高水平声乐演唱,需要统一声与气之间的关系,如果演唱技巧运用不当、声音观念错误,声与气的关系会出现不合理、不均衡等情况,破坏声气之间的依存关系。从本质上来讲,声门是声气关系中的优秀,也就是声带两游离缘间长短、松紧与远近等状态,判定声气关系重要依据为声门状态。声门状态主要是根据声气的比例进行调整、取舍与横梁。气多声少或者是气大于声,就会显得浅、粗;声多气少或者是声大于气,就会显得紧、憋。声与气之间的关系并不是孤立的,这一关系同耳朵判别感受、演唱者声音观念、体态姿势、共鸣腔体利用以及喉头位置有着紧密的联系。 但是不管演唱的技巧与技术多么复杂,首先要认识到,声乐演唱中的第一原则或者是基本原则就是建立正确声气关系。要想建立良好声气关系,需要处理好下列几个技巧技术:(1)神似与形似,如果没有形似,也就不会出现神似;(2)弱音与强音,如果没有强音,也就无法体现出弱音,无弱音也就没有所谓的强音;(3)口腔的纵向打开与横向打开,如果无纵向打开也就没有横向打开,无咽喉扩开,口唇将无法发挥与舒展;(4)声音方向靠后或靠前,没有靠前演唱也就没有所谓的靠后演唱。 三、在音乐与歌词统一中,以技巧丰富表情与表意 同其他音乐表演形式对比,声乐演唱最大的特点就是文学与音乐之间的结合。在声乐作品中,曲谱与歌词是两个重要的因素。曲与词不仅存在一致性,也存在矛盾。比如,歌声的表达,需要将文字的语气、四声等完美表达出来,就如同朗诵一般。要想实现这一目标,需要尽量将音乐抛开,摆脱音乐对于歌词所产生的文学束缚,也就是需要抛弃音乐本身。同样的,要想不受束缚地将音乐的情感内容与旋律自由地表现出来,就需要摆脱歌词的羁绊,在音乐构建过程中,实现二度创造。同时演唱如果没有歌词,从其他角度上看,属于对音乐的摒弃,所以,在声乐演唱的艺术表现形式中,音乐与歌词是主要矛盾。但也正因为存在这一矛盾,赋予声乐演唱更大的魅力,不仅超出了音乐语言方面的情感意义,也超出了文学语言方面的内容意义。从某种角度上讲,音乐的多义性与抽象性获得了语言文字的具象性指导,更加容易被人们理解与接受,进而形成特有的美感与优势。 要想将这种优势与美感充分地展现出来,就需要有高超演唱技巧作为依托。通常情况下,声乐演唱技巧包含以下三个方面:(1)运用风格性技巧技术。不同侧面所表达出的不同情感都会有不同的标准与审美观,不同的时间段、民族、地域、人会有表达情景、内容的不同需要,进而衍生出多种的标准与审美观,利用这一技术方法,将不同的标准表现出不同音乐风格。(2)肢体动作协调配合技术、呼吸控制运用技术、器官支配驾驭技术,但是优秀的技巧技术是与歌曲要求相结合,对音质、音量、音色以及音高的运用和掌握。只有充分掌握相关音色技术,才能够在不同的地域风格与时代风格的音乐作品中塑造出与实际需要相符合的音乐形象。(3)演唱技巧还包含词义与语音的准确表达。 四、结论 总而言之,声乐演唱者不仅要熟练掌握演唱相关技巧,还要在歌曲演唱中融入丰富情感,在对歌曲作品要求进行深入理解以后,塑造声音,这样才能将歌曲思想感情充分表达出来,以动人的歌声感染听众。本文通过分析声乐演唱技巧与情感表达,提出在声与气的统一中,以技巧丰富音乐情感;在音乐与歌词统一中,以技巧丰富表情与表意。 作者:陆伟单位:江苏省宿迁高等师范学校
随着社会经济的快速发展,人们对艺术的追求也越来越高。声乐艺术在大众心中的地位也越来越高,根据人们的要求,声乐教学的要求也随之增高。在声乐的教学目标中不仅要求学生可以做到声音悦耳动听,还要拥有一定的舞台表演技能,声乐艺术其实是声乐演唱和舞台表演相融合的一种综合性的艺术。声乐表演通过舞台表演是必然的,否则声乐就变成了形式教学,因此舞台表演对声乐教学是十分重要的,在声乐教学中融入舞台表演的过程可以增强学生的肢体语言表现能力,同时也可以增强学生的自信心,从而使学生在表达声乐时做到声情并茂。 一、舞台表演在声乐表演中的重要性 (一)舞台表演可以直观的反映学生的声乐学习情况 声乐表演者在舞台上表演过程中呈现的一举一动都是反映表演者声乐学习的成果,舞台表演是最直观的呈现声乐表演者声乐技巧和自身心理素质以及自我展现能力的一种形式[1]。表演者在舞台表演过程中的肢体动作是否符合表演的乐曲,可以体现表演者对乐曲的理解是否准确。想要完美的呈现一首乐曲,舞台表演是必然的,在教学中,舞台表演也是必不可缺的,舞台表演可以帮助学生对自身学习的认知也可以使教师及时直观了解学生的学习情况而更准确的对学生进行指导。 (二)舞台表演有助于帮助学生培养学生的舞台意识 声乐最初的表现是通过舞台进行表演的,在现代舞台展示也是声乐的主要表演形式之一,因此,舞台意识对于声乐学生是十分重要的[2]。传统的声乐教学中,教师侧重声乐歌唱的技巧而忽略了舞台表演技术,导致学生在舞台上进行声乐表演时缺乏一定的舞台感染力。教师在教学过程中,合理的融入舞台表演技术,可以帮助学生培养舞台展现能力,有助学生在舞台表演中可以准确的找到展现自己的舞台视角和最适合的音乐作品所呈现出的舞台肢体语言,帮助学生在舞台表演学习过程中形成自己独特的表演风格和舞台表演意识。教师也可以通过舞台表演教学过程,让学生尝试不同风格,以提高学生的表演技术和自己的自我认知能力[3]。 (三)舞台表演有助于提升学生对自己声音和肢体以及情感的展现能力 声乐学生的声音表达能力、肢体动作以及在音乐作品中的情感表现能力和其音乐表现能力的强弱是不可分割的,也是判断声乐表演者音乐能力的一种手段。在声乐教学中锻炼学生的声音、肢体、情感的展现能力是不可或缺的部分,而舞台表演可以有效的帮助教师在声乐教学中提升学生的声音、肢体、情感的展现能力。在教学过程中长时间的通过舞台表演教学可以有效的锻炼学生的舞台表现能力,使自己对自身声音的处理能力和把控能力更强,当学生在舞台上表演声乐作品时更流畅、更有感染力。 二、舞台表演在声乐教学中的应用策略 (一)声乐教学中重视舞台表演课程 在声乐教学中融入舞台表演课程对学生提升声乐表现能力和舞台表现能力有很重要的作用和影响[4]。但在大多数声乐教学的学校机构中侧重都是声乐的演唱技巧,对舞台表演的教学并不重视,使学生缺乏舞台经验和舞台表演技巧。因此,想要提升声乐教学的质量,在声乐教学课程中重视舞台表演课程是必要的,舞台表演课程可以增强学生的舞台表演能力而使学生的综合表演能力得到提升。因此,高度的重视声乐教学和舞台表演教学相融合是重要的,是促使学生找到舞台表演和声乐表演最佳契合点的重要因素。 (二)在教学中增加舞台实践内容 教师想要提升声乐的教学质量,声乐表演者想要成为优秀的声乐表演者,不仅需要足够的声乐理论知识,还需要更丰富的舞台实践,正所谓实践出真知。在教学中,增加舞台实践内容是帮助学生更好的理解声乐理论知识的内容和内涵,也可以通过实践锻炼学生的心态,丰富声乐表演者的肢体渲染力[5]。在声乐教学中,可以通过在课堂中设置一些上台表演的内筒,定期举办声乐表演比赛,不定期的组织小组声乐表演等多种形式增加声乐舞台表演的实践机会,以此提高学生对声乐的学习积极性和声乐技巧以及展现能力。 三、结语 综上所述,舞台表演融入声乐教学课程,让学生在表演中学习到更多课本上学不到的知识和能力,也是提升学生综合能力和声乐技巧的途径之一,同时,也可以提升学生的心理素质和对自身不足的认知。因此,可以看出在声乐教学中融入舞台表演课程,对提升声乐教学质量、提升学生的综合能力都有十分重要有意义的。 [参考文献] [1]亢祎凡.舞台表演在声乐教学中的重要性论析[J].齐齐哈尔师范高等专科学校学报,2018. [2]杨鹏宏.舞台表演在声乐教学中的作用分析[J].文化创新比较研究,2018. [3]刘璐.舞台表演在声乐教学中的作用[J].黄河之声,2017 [4]谢文慧.舞台实践表演课在声乐教学中的功能应用[D].河南师范大学,2013. [5]刘颖.舞台表演训练在声乐教学中的作用[J].戏剧之家,2012. 作者简介:廖猜猜(1986-),女,苗族,贵州人,硕士,安顺学院艺术学院,讲师,主要研究方向:声乐教学。