时间：2023-05-29 17:44:23
关键词：舞台服装文化；舞台服装的设计；艺术审美；创新
中国历代文艺表演形式不断发展，以人物造型为主要手段的舞台艺术仍然是舞台中的传统形式。传统的中国舞台服装的特点在于它的装饰性、夸张性和可舞性。20世纪30年代以来，受欧美戏剧的影响，产生了现代话剧，舞台美术的设计思想经历的很大的变化。写实主义与非写实主义戏剧在服装领域开创了多样化的结局。服装强调生活的真实性、具体性、服装成为舞台上再现生活的一部分。
1舞台装设计的意义
舞台服装是舞台艺术中不可或缺的部分，是对舞台人物的包装，与生活装不同，它具有鲜明的戏剧代表性。区别于生活装的不同点是它的多元化。需要借助舞台空间来展示，是典型性视觉艺术创作。服装是表演艺术一个必不可少的部分。观众在看剧的同时，对美丽别致的舞台服装会有一种赏心悦目的感受。同时，舞台服装又通过色彩和质感表现出剧中人物的心理，而且因剧内容的暗示等手段使舞台服装更加细腻。因为舞台服装设计是舞台艺术创作中一个独立的专业领域，是解释整个作品，表现人物、创造戏剧风格设计工作中的一个重要组成部分。舞台装随着艺术与时代的发展，已经成为一门具有创造性的艺术。
2舞台装研究现状
随着舞台艺术的迅速发展，芭蕾舞剧、音乐剧、歌舞晚会等新的舞台表演形式不断出现，使舞台服饰得到了极大的发展和创新。并随时代的发展不断变化其设计理念进入21世纪，中西文化交流频繁，影视技术的革新发展，多媒体，计算机等高科技的出现，加之艺术表现手段的丰富，舞台服装的社会价值和艺术价值被广泛认可。舞台服装的市场价值也不断被挖掘，舞台服产业也迅猛发展起来。
2.1舞台服装的款式研究
范雪梅《试论舞台服装造型艺术的特点》中阐述，舞台服装造型受时间,空间,剧情,人物等诸多因素的制约。舞台服装艺术包含着其他诸艺术的特点,甚至其他诸艺术的美学原理。如:比例,节奏,平衡,对比,调和,统一,变化等都在服装上有独特的运用,它用一种自己独特的艺术语言传递给观众。在造型手段上,它直接受“人”“舞台”这个框框的限制,作为服装构成要素,它受材料,色彩,造型样式,制作工艺,环境条件,舞美设计风格,灯光,化装等的变化而变化。舞台服装造型艺术是以剧中人物,及表演者为主体。舞台服装的美源于各个方面，款式、结构、面料、结构等，在保持固有的特点外加入时尚流行元素和自己的创作思维，使设计的服装达到与众不同的个性美。它是塑造角色外部形象，表现演出风格的重要手段之一。舞台服装源于生活服装，但有别于生活服装，它和化妆师演出活动中最早出现的造型元素。
2.2舞台服装色彩研究
从赵伟月的《舞台服装色彩》中我学到了，在服装三要素(式样、色彩与质料)中,色彩占据着最重要的地位。当一个或一群人出现在我们面前时,最先传递到我们大脑的服装信息是服装的色彩,然后才是它的式样与面料。时装是这样,包括戏剧在内的表演服装更是如此。这是因为:(1)表演是在一定距离下欣赏的,观众对服装式样的细节与质料很可能一时并未察觉,而对色彩却能立刻感受到;(2)因为时装与表演服装虽然都是服装,但它们所属的范畴与存在的目的是完全不一样的。舞台服装却属精神生活范畴,是以审美为存在的第一目的。舞台服装色彩设计必须“因人而异”、因款式而异。服装是造型、色彩、材质三者的综合体，其中色彩作为服装的载体，在整个舞台服装设计发展过程中起到了不可忽视的作用。
2.3舞台服装的整体风格
凡舞台表演艺术所使用的衣着服饰统称为“舞台服装”。艺术来源于生活，造的平台。郭志清在《谈舞台服装设计》说到“舞台服装设计有着自身的创作规律,设计者结合导演规定的戏剧风格,演员自身的条件特点,发挥主观想象,通过服装制作完成舞台服装的设计。”舞台服装设计的原意是指“针对一个特定的目标，在计划的过程中求得一种问题的解决和策略，进而满足人们的某种需求”。舞台服装设计所涉及的范围广泛，目标体现了人类文化演进的机制，是创造审美的重要手段。不同类型的舞台服装设计侧重的思维类型往往有所差异。需要运用形象思维的因素，在舞台服装设计方面则更注重“美感”等等。
2.4舞台服装的面料研究
刘伟伟的《服装设计中面料的语境表达》说，面料是服装的基础,服装面料悄然传递着着装主体的时代意识、文化背景以及个人爱好、生活情趣和个性气质,是着装主体仪表与内涵的承载物。服装面料同时也是服装设计师诠释流行主题和体现服装风格的主要载体。面料作为服装的载体,也以各种全新的面貌出现。现代舞台服装对面料的要求也非常严格，不同的面料能体现出不同的舞蹈风格和静态与动态的转变，舞台服装设计的发展速度日新月异，作为现代设计也要把国际流行因素融入到作品中。我们要借助舞台这个平台达到精神文明的一种更高的境界。
2.5舞台服装的手工工艺及配饰
在刘媛的《高级时装中的常见装饰手法在舞台服装中的应用》中指出“舞台服装设计离不开各种装饰手法的运用,适当的装饰不但使舞台服装显得雅致秀美,花团锦簇,而且还能提高身价。发展到今天的高级时装在装饰手法上可以说是百花齐放,最常用的装饰手法有:刺绣,褶皱,钉珠,立体造型装饰……这些装饰手法通常都是几种综合使用,这样服装才会更加的丰富多彩”。舞台服装设计的任务不仅仅的满足个人需求，它同时需要兼顾社会的、经济的、技术的、情感的、审美的需要。现代的舞台服装设计理念在更新中，也要遵循舞台服装设计的规范，要考虑众多的“需要”。
3我国舞台服装市场存在的问题
孙强,孙金颖《中国服装市场的前景展望》中指出，“面对中国市场之门的敞开,各行业都面临着新的机遇与更大的挑战”。经济全球化的形势下，服装行业竞争日益加剧，这对我国服装行业既是新的机遇也是挑战，同时也是中国从服装大国建设强国的关键。目前我国舞台服装设计市场存在的问题有：市场体制不完整，舞台服装的规范性较弱。缺少品牌，自主服装品牌的开发比较少。不仅对品牌的建设和运营机制还不完善，而且对市场的经营也不规范。缺少政府的协调与管理，无序竞争、用次面料、低价格谋求生存等商贩屡见不鲜。
4关于我国舞台服装产业的建议及前景
舞台空间的立体化和多维化等多种新颖的技术与舞台表现力相互作用，成为了冲击观众视线，激发观众共鸣中必不可少的手段和途径，随着社会的发展，人们精神文化的提高，对各行各业的要求也随之提高。参考孙强,孙金颖《中国服装市场的前景展望》“衣着消费在不断满足物质功能的同时,应该向多层次的审美时尚和个性表现需求转变,这就需要我们投入市场的服装具有“新奇”性,能够牵动消费者的心,激发其购买欲望,为拉动国民经济的增长而献力。关于舞台服装行业问题的建议：重视中传统文化，加强中西方文化交流；加强舞台服装的宣传，提高人们的精神文化追求；规范舞台装的市场，提高对面料质量的要求要在提高人们视觉享受的同时，提高舞台表演艺术人的品质质量；舞台设计是以“舞台”为标的物的设计，更细的说以舞台设备、灯光、布幕、音响、演出道具、悬吊与更换支架系统、戏服、戏妆为目标的设计。关于我国舞台服装设计行业发展前景：随着人们认知的增加与变化，设计会更加多元化；随着世界经济文化的进一步交流,服饰文化的交流也将在更深层次上展开，中西方的元素会互相融合。将会在颜色、款式和结构上的变化上表现出来。
5结语
当今舞台服装正以一种国际化的理念并很好的结合中国特色，以一种全新的方式逐步深入到每一场演出中，这种伴随着高科技元素的舞台美设计，经过一定的积累，拓展和创新，正在蓬勃的发展，舞台服装设计的发展对服装起到了积极的推动作用并持续延续着。随着舞台服装设计理念不断的革新，舞台装的内涵已不仅仅是为了满足人们视觉感官的一种享受，它的美好追求与愿望，是一个时代的审美标准、经济发展、社会制度的综合体现。理论的形成有助于实践的创新，这需要我们不断完善我们中国民族特色的现代舞台服装设计理论体系，为欣欣向荣的中国舞台艺术事业做出努力。
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【关键词】舞台；服装；设计；构思
中图分类号：J816 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）07-0052-01
舞台服装设计是根据剧本或演出策划者的要求，结合服装造型艺术法则，采用相匹配的面（材）料，经过成衣过程来实现与角色贴切的装束。舞台服装设计与其他造型艺术一样，包含着相同的美学因素，不同点在对象与手段方面。舞台服装设计受人体与戏剧两大方面的制约，它是一项需考虑剧本内容、导演流派、舞台形式、演员条件等方面的设计艺术，它是角色及舞台构成的一个部分。
一、研读剧本
接到设计任务的第一步就是接触剧本，需反复地阅读分析，了解剧本的主题、题材与风格，敏锐地找出剧中发生了什么事，有哪些人物，划出有关角色形象的外观或心理活动的描写，这些描述是设计师阅读剧本时必须记住的内容。对剧本的阅读，仅了解什么角色、多少角色、换几次服装、表达了一个什么事件是远远不够的，应通过这些事态与人物洞察出剧本的深层功能。
研读剧本之后转入分析剧本的进程，分析剧本部分之间的关系（幕、场次方面），局部与整体的关系（角色与角色之间）。在分析过程中能发现许多对角色形象有用的成分，如有帽子的细节描写、花边的图案介绍等等。
二、风格的确立
构思过程的风格倾向首先来自剧本的揭示及导演的提示，在导演的提示之后，设计师需依据提示和组合服装的规律来确立风格样式。风格的内容包括剧目的精神及设计师个性与崇尚（或擅长），风格追求首先需找到自身的位置，正确估价自己对剧目精神的理解及形式构造的能量，是外观上大刀阔斧还是精心于细节，是浓墨重彩还是清淡虚幻；其次⑺选定的风格确立下来，再做固定或添删，如设计风格上追求时代轮廓的象征与简洁化，就必须增加该时代服装形象的典型特色而略去细节刻画。在舞台服装的构思与创造中，风格化具有极大意义，能对剧目或演出样式的鲜明性、独特性起强化作用，反之常常显得乏味平俗。
三、形象理解与形象意蕴的结合
在构思阶段，通过形象的考据及素材的收集，基本轮廓与色彩类别大致可以确立下来。这时，对角色服装款式与色彩的安排不可忽视款式与色彩应该产生或必然产生的隐喻作用，即形象的意味内蕴。如《雷雨》中繁漪的“旗袍”是基本衣式，为了体现她忧郁绝望的心境而选用紫色，而且随场次的发展一件更比一件深暗，使她的绝望更为强烈，这里旗袍、紫色与绝望有机地融合在一起。台湾上演的《胭脂扣》（30年代爱情题材）中，女主角梅艳芳以深底色带有殷红飞蝶图案的中式服装，设计师把汤显祖“生不同欢，死也化蝶”的凄美词句写在痴情女如花的角色身上，目的是引导观众在不自觉中进入一个沉重的悲情境界，说明设计师需将对形象的理解及要素的安排与角色意蕴汇合联通。
四、划分角色层次
任何剧目均有角色来充当，而角色总有力量上、方位上、强弱上的主次之分，设计师在构思中需明确地划分出角色层次差异，找出角色之间的重心，也就是需浓墨刻画之处，再以重心来带动角色间的连环。如《哈姆雷特》，王子与国王是第一层面（也可称作主角层），王后与情人是第二层面，大臣与兵士、百姓是第三层面。只有将剧本中角色的层次分清列出，才能在处理款式与色彩上主次分明。
即使有些剧目是非叙事性的，如歌舞性、庆典性表演，也有层次关系，这种关系较多地表现在相互间的平衡。如音乐会表演服装需在歌唱者与伴唱者、乐队之间划定式样与色彩的层次，舞蹈有领舞与伴舞之分。在有层次的前提下考虑设计语言的处理，或调和或对比，或浓烈或优雅。
五、与舞台各部门的协调
舞台服装设计的构思活动不像生活装那样，拿出方案及设计稿交给制作部门即可，舞台服装毕竟是舞台诸要素的一个部分，在研读剧本、交流、确立风格等一系列自身行动之后，需留心并审视一下布景、灯光、化妆的进程，了解他们的方案，倾听他们的意见，目的在于使自己的构思与他们趋向一致，否则，舞台服装的设计构思将受到致命的打击。如服装方案是求整体、求温和而用轻淡的色彩，想让服装随色光的变化而变化，而灯光设计的构思却是素描光（白光），这种局面如果不去事先了解，必然会使服装在演出中惨淡黯然；再如服装方案是高度写实、细节真实，而化妆设计师方案是夸张变形，这二者最终效果如何则可想而知。只有双方经商议后趋向语言处理的一致，才能产生舞台的整体效果而使风格更鲜明。
六、结语
总之，舞台服装设计是戏剧要求与服装要素结合的产物，设计过程从形象创意到成衣制作，直至舞台呈现，均是根据预先考虑而进行的表现戏剧人物外在形象意图的行为，是设计师心象与服装物质的综合体现。
参考文献：
关键词：舞台；服装设计；服装面料；重要性；浅谈
舞台服装，既属于舞美范畴，又属于服装范畴，因此它具有舞美与服装的双重属性，属于这二者的交叉艺术和边缘艺术，其本体特征不仅同时具有这二者的共性，而且具有自身的独特性。就服装艺术来讲，舞台服装设计款式新颖、颜色优雅、面料精良、穿着合体、整体美观等。因而舞台服装设计中的服装面料极其重要，笔者现浅谈如下：
一、有效辅助演员表演
由于舞台灯光的炫彩靓丽，舞台服装的面料常常都是以尽量吸光的材料为主，比如：丝、棉、麻、缎类等，并要依据舞台表演的艺术形式选取材质不同的服装面料进行不同风格的设计，达到在视觉上给观众以美妙、丰富等的感觉。服装的面料要为演员的表演充分服务，一定要有效地辅助演员的表演，所在要考虑面料的致密程度，有的要薄，有的要厚，有的要密，有的要透，有的要挺直，有的要飘垂，有的要柔软，有的要硬质……这直接关系到演员在舞台表演时的人物形象，通过服装的差别和特点来提升舞台人物形象。例如舞蹈作品中的动作具有较强的技艺性，舞蹈演员要随时进行高难度动作，比如：劈跨、大幅度跳跃、翻腾等一些技巧动作，从而表现人物的思想情感，突出表现剧中人物的个性等，因此在舞台服装的面料设计上要注意它的质量、材质、性能，一定要选用致密、弹性等的面料，才能符合舞台演员表演的需要，使舞蹈演员有的放矢的、轻松自如地施展自己的舞蹈动作技巧，不用担心服装会影响艺术效果。科技在飞速发展，现代舞台服装设计的材料有了突飞猛进的提高和丰富，不限制材料，只要舞台演员需要的，基本上都能满足，真是无所不用、无所不能。但是通常情况下都依据演员的舞台表现形式来选取适合的舞台服装面料。比如说：舞蹈服装的面料常常注意服装的韧性、强度，大多考虑以轻薄面料为主，要求面料具有一定程度的悬垂感和飘逸度；但是话剧的服装就要符合实际生活，贴近百姓生活的面料，更能体现实际生活中的个性人物形象的表现。给人以真实、沉稳、踏实的感觉，达到逼真生动的舞台艺术效果。
二、明显增强舞台立体感
舞台服装时刻为舞台表演服务，因此优秀的服装设计师们常常要在服装上下很多的功夫，使舞台艺术效果达到最佳。他们一般要将粗制面料和细腻面料相互融合，柔软质料的和硬质材质的相互搭配，薄面料和厚面料协调统一处理等，为了明显增强舞台服装的立体感，服装设计师还会在舞台服装上加一些装饰的抽纱、堆褶、压褶等面料处理，使服装产生较强的立体表现力。莎士比亚戏剧《仲夏夜之梦》中的精灵造型，选择轻盈的纱质面料进行披挂，一种破碎和半透明的效果，带来虚幻和飘渺的心理感受；舞者的紧身衣采用网状面料，表现树藤缠绕，也进一步用虚实相间的效果展现梦幻般的精灵。配合舞者的动态，或者是缠绕紧身的藤蔓，或者是飞舞通透的披风，不但增加了服装形式的美感，也成功地对观众进行了暗示，使观众在一种审美的心态中联想自己心目中的森林精灵形象。在舞台的服装设计上，尽量要迎合观众的心理需求，设计师以面料这一语言符号突出表现舞台的艺术美观，突出展现舞台人物的思想性格以及作品的主题。面料带给观众的联想和想象并非是直接的，它是要求以设计师和观众都明白的符号作为媒介，在日常生活中，我们以此为目的使用单词、手势、表情和态度，而服装设计师则以色彩和图案对面料进行设计，使观众情绪和面料形式之间产生一种对应，创造另一种语言，唤起观众心灵中的反映。
三、充分调动观众情绪
舞台服装设计中的面料则体现一种视觉，就是一种符号，恰当运用各异的色彩和不同的图案实现它的价值。色彩是艺术和科学的产物，色彩现象本身是一种物理光学现象，但是通过人的生理和心理感知，就产生了不同的价值。在面料设计中，色彩的种类繁多，颜色的效果会直接影响到演员和观众的心情，比如纯洁的白色就会使人感到清新透亮、心情愉悦之感；绚丽的红色就会给人喜悦祥和的感觉，充满幸福和喜庆；紫色则是充满神秘，让人觉得变幻莫测；而深绿就会给人感觉压抑之感等等。舞台服装面料颜色直接影响到舞台的艺术效果，具有不可估量的艺术价值。其次是图案，面料上的图案设计遵循形式美的法则，如平衡、节奏、强调、呼应等，图案制作还包含多种平面和立体的技法，如染色、印花、手绘、刺绣、镂空等。
现代社会中，演员和服装设计师们对服装的要求越来越高，尤其是不同表演形式舞台服装面料的选择更是放在第一位，他们要求对面料的精心挑选，不仅仅是展现舞台的服装美感，更是展现一种思维、一种创新、一种影响、一种亘久不变的思想魅力、一种艺术长青的生命力。它更是一种隐喻、一种境界、一种情感、一种艺术……
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通过利用款式优美的舞台服装，能够更好的塑造演员所扮演角色的形象美感。借助服装色彩，可以营造出良好舞台氛围，而艺术美感更要通面料与精湛的工艺来表现。因此，研究并探讨舞台服装设计中的美学艺术，有利于进一步促进舞台服装设计的创新与发展。
一、塑造角色的形象美感
演员在塑造舞台角色过程中，外部形象有着重要影响，合适的服装能够增强表演者自信，观众也更认可角色，因此要根据舞台人物形象要求来设计服装款式。在舞台服务设计中结构与款式较为重要，可采取松紧对比、宽窄对比、长短对比等多种对比方式。而在服装结构上则有长短、松紧等不同方式，服装风格有写实与写意、古代与现代等多种表现手法，这样能够让角色不同特点展现出来。身为服装设计者，在开始设计舞台服装时，对款式认识程度要高，包括导演对塑造人物的认知，要站在不同角度加以分析。如导演指导风格、音乐元素所涵盖的情绪、人物角色基本特征等。所以，在设计舞台服装过程中，要对人物特征是否鲜明、与剧情是否相符、现代与传统划分是否明确等，只有明确掌握了这些主题设计元素，所设计的服装才能满足舞台效果。
二、营造舞台氛围
舞台服装在舞台表演中十分重要，在进行服装设计时，要重点掌控服装的着色。人们情感与心理是不同的，能够借助色彩展现出来，利用色彩的合理搭配，对人们的修养与情感展现出来。对于舞台服装而言，在展现人物情感与性格的同时，还要赋予时代背景色彩，这样才可以更加侧重表演主旨。所以，舞台服装着色要根据角色的不同，对主要、次要任务色彩加以区分，保证角色性格与环境相匹配。在舞台中决定色彩的是灯光与布景，服装是细节，服装是舞台色彩的基础，能够表现主体、体现舞台色彩风格。针对以舞台为特色的表现手法，要根据主题的不同变化搭配颜色，这主要取决于导演的演绎手法，舞台服装要与舞台主题契合。
三、恰当地选择面料材质
舞台服装要讲究面料的选择，在舞台灯光照射下，选择的面料要能吸收光源，主要使用材料为缎、棉、麻、丝等，选择不同的艺术形式，对材料进行二度制作表现其材质肌理，以此取得较好视觉效果。目前厚、薄、软、硬、透、密、重、轻等都让舞台服装材料选择方向更加宽广，塑料制品、金属制品、丝织品等都能够成为舞台服装材料，主要根据表演形式进行选择。比如，强度与质感是舞台服装材料首要考虑因素，尽量选择较轻的材料，面料要选择飘逸高、悬垂感强的材料。对现实主义话剧而言，主要反应现实生活，服装要偏向于真实，主材要选择较为厚重的面料，主要体现沉稳、现实生活。而展示性服装主要是更好的服务于舞台。现代很多展演服装设计人员都重视面料质感，要求创新度要高，采用多种手法加以设计，或者采取压褶、堆褶、抽纱等处理方式，让服装立体展现力更强。
四、精湛的工艺手法是审美的基础
裁剪与制作是主要两种服装工艺，其中对裁剪而言，合体服装能够更加自如的展现形体之美。服装能够辅助舞台艺术表现的更好，舞台角色可以借助语言表达、肢体动作、音乐歌唱等各种艺术表现形式对角色特征加以塑造。服装设计与裁剪时要重视舒适感与美观度，为保证服装裁剪更加漂亮，就要从分割线与结构线入手，为让服装穿着更为舒适，就要筹划运动与表演两个方面，尤其是舞蹈艺术为主要表现形式时，服装更要重视舒适度。舞剧演员为将不同角色特征展现出来，一般要借助夸大的肢体动作，细腻的表现出人物的内心精神世界，这些特征能够在演出服装中获取。服装设计人员的艺术理想与审美情感，能够反映在角色的舞台展现效果。立体裁剪法、平面裁剪法是两种不同的舞台服装裁剪方式，对于展示性、实用性服装来说，在裁剪过程中，要将人体结构放在收付，裁剪要贴近人的身体，根据颈、肩、臀、腰、胸等不同角度，将尺寸大小量好，把握好其结构，控制各部位的松紧程度，最大限度做到准确与精细，达到动作伸展自如的要求。而在使用服装裁剪过程中，缝制工艺手法与结构设计较为固定，标准比较统一，但是这种统一的模式化设计思路是与舞台服装设计不相符的，无法满足舞台夸张的表现手法。所以，舞台服装设计要有一定独特性，不能以普通服装设计思想进行设计。服装设计为满足舞台需求，契合演员气质，要讲究缝制工艺、结构设计与裁剪手法，并不断进行创新。
一、舞台服装色彩可营造舞台的气氛
舞台服装是舞台表演者重要的语言表达符号,舞台演员可借助繁杂的服装张显不同角色的表演,设计师应对重点掌控服装的颜色。在日常的生活中进行服装设计,可以采用不同的色彩来展现舞台演员的喜好、性格以及审美情趣,可进一步依靠色彩不同的搭配来展现人们的修养与情感。另外,还应和人物性格所处环境匹配,而且还应兼顾美观和舞台功能的需要,舞台的色彩其决定性作用的是灯光和布景,服饰是细节,舞台主题、色彩风格都可通过服装来体现,服装作为一种流动式色彩板块,能很好的营造气氛。以舞台作为特色的表现手法,颜色搭配应根据不同的主题变化来决定,如冷色调的赈灾晚会;暖色调的国庆晚会,两种主题采用的基调和风格是完全不同的,舞台服装色彩的饱和度以及明暗度都是为了舞台画面背景而服务的。
二、舞台服装应选择合适的面料
舞台服装面料在选择上也较为讲究,一般选择吸收光源能力较强的面料,一般以棉、麻、丝、缎为面料。并要求结合不同的工艺来进行选择,也可以把材料进行二度的制作,以达到展现更多材质肌理的目的。为了满足舞台的演员角色表演的目的需求,面料选材具有相当高的要求,材料的厚薄、轻重、密透、光亚、垂挺、软硬以及弹性的高低等都是面料选择时应考虑的因素,它们必须依靠服装来展现效果、表演方式以及角色动作。随着科学技术的不断发展,舞台负责的材料也有了更多的选择,例如金属、塑料制品以及丝织品等都可以用来制作材料。
三、审美基础是精湛的工艺技巧
服装工艺的划分主要包括制作和裁剪,精湛的裁剪手法能创造出合身的服装进而展现出更加自如的形体美。每一种舞台艺术的表现过程都无法离开服装的辅助表现,舞台人物可以通过语言表达、肢体动作、音乐唱歌等的不相同的艺术表现的形式来塑造主角特征。另外,角色的性格和特色是通过把舞台服装当成是一种外表的符号来展示的,这起到有效塑造人物的作用。设计师在设计时应把握好分割线与结构设计,舞蹈服装增加舒适感必须兼顾运动和表演两个方面,舞蹈艺术作为重要表现形式的舞台上,对服装的舒适度显得更加注重。舞剧是集时间、空间以及综合因素为一体具有动态性的艺术的表演,舞剧演员一般通过夸大肢体的动作来展现任务的特征。
在舞台上服装设计中用得较多的还有立体裁剪方法和平面裁剪方法,设计师在裁剪时都是将人体结构排在第一位的,需贴近人体的不同部位进行裁剪,并尽量做到准确和细致。实用性较强的服装一般缝制工艺的手法和结构设计都是固定的,舞台服装应打破这种束缚,为设计出与演员气质和身体相协调且符合舞台需要的服装,应注重裁剪手法,缝制工艺以及结构设计等方面,以求不断创新,推动舞台服装艺术的快速发展。
四、结语
现代的舞台服装设计更加关注美学艺术,它是一个交叉性和综合性都较强的学科,从一定程度上继承传统风奠基现代的服装设计。舞台的服装设计涵盖了不同时期的精神意境以及文化背景,舞台艺术的表现力为服装设计提供了辅助展现作用,这一环节是为了剧情需要、气氛营造以及角色塑造而服务的,能进一步展现舞台服装的艺术美感。
一、舞台美术设计在服装表演中的作用
舞台美术设计是一门艺术，它融汇了诸多艺术因素，并要求这些因素协调一致，虽然在演出中它不独立存在，但它的造型因素也可以具有象征和暗示的意义。随着历史的不断发展，舞台美术也受到绘画、建筑、雕塑等其他造型艺术的影响，因而其造型形式也越来越丰富，使各种因素的作用可以最大化。在表演艺术中，舞台美术设计的作用也愈来愈重要，它不仅为演出营造了很好的情境氛围，与演员的情感思想相一致，同时也使视觉形象和观者的思绪、联想相融会贯通，更加深化演出的主题。舞台美术造型设计作为服装演出的一个要素，始终是以服装表演为核心，其各元素的组织与安排追求视觉趣味，注重与服装表演主题的交融，突显出舞台艺术中诸因素所体现的神韵，带动观者融入整个意境之中，真正的体味服装的内涵，带观者进入思考的空间，观者不仅仅是观看演出的形式，而是透过演出中的情调气氛和模特的展演来真正体会服装设计者的设计理念，体验演出所带来的美的旅程。舞台造型的美与服装表演的美达到合二为一时，可以准确地传达出服装设计中的审美意蕴，同时也会带观者进入广阔的想象空间，充分发挥想象力，赋予服装表演以更多的审美价值和意义，使服装表演变更加绚丽夺目。
二、本土文化与服装表演
本土文化是各民族的习惯和思维方式在历史的不断演进中所形成的一种文化方式。随着社会的不断演进，地域界限的模糊，这种文化方式也会受到相应的影响，但仍旧是保留了原有的风土人情和地域民族特色。像吉林就有一些富有地方特色的本土文化，如雾凇冰雪文化、萨满乌拉文化、长白山剪纸、高句丽民族文化等，这都是在历史的演进中所形成的与其他地域所不同的文化样态。每年在吉林省吉林市举办的吉林雾凇冰雪节，展示冰灯、彩灯，开办冰雪运动会，还有一些东北大秧歌的表演，以及一些满族、朝鲜族的民俗节等等，这些活动也蕴含着雾凇冰雪文化在其中。雾凇冰雪节的形成，也引起了人们对雾凇文化的探讨；沿着江岸，一排排的苍松翠柳，挂着一串串柔柔的雪绒花，裹着美丽的银装，在寒冬中展示其冰清玉洁的清新之美，真是美丽多姿、“分外妖娆”，大自然创造的人间美景，带有“初发芙蓉”的自然美的魅力；在这冰冷的冬天，游人可以欣赏到雾凇奇观，而雾凇的温情美丽可以驱走冬天的寒意，也能雾凇文化的悠长意味。在雾凇文化节期间还会有这样一项活动，就是雾凇形象大使的评选，模特们精心准备，通过对雾凇文化内涵的了解和体会，模特们尽全力演绎出可以代表吉林雾凇文化特色的形象，体现出吉林本土文化样态的形象，这不单纯的是一场评选活动，而是通过雾凇形象大使的评选，可以更好的宣传雾凇奇观，更重要的是使更多的人深入了解雾凇文化，传播雾凇文化，这样就达到了传播本土文化特色的目的，从而使人们正确的评价本土文化中所具有的审美价值。通过本土文化中的各种形式的传播，可以更好的宣传地域文化，同时也可以带动相关旅游产业的发展，由此也带动了地方经济的发展，为本土文化的传播提供良好的经济基础。
三、带有本土文化特色的舞台设计在服装表演中的作用
服装表演离不开舞台美术的设计，一场服装表演离不开一个核心主题，服装的设计和服装的表演无不体现出文化的内涵和意味。而一场体现本土文化的服装表演，将会给观者带来不一样的欣赏视角，会使大家更多的了解本土化所具有的特色与意义。在服装表演中，舞台美术设计要为其服务，既要着眼于演出的主题，还要调动起现场氛围。当一场服装表演遇到了本土文化特色时，舞台美术设计将会重新演绎时代风尚，立足于本土特色，利用本土文化中美的元素，打造带有本土风情韵味的舞台效果和舞台背景，烘托出带有浓重的本土文化味道的现场氛围，给观者以全新的视觉盛宴；同时也使得服装表演更具有本土风情味道，别有新意，引领本土文化的时尚审美趣味。在本土文化中包含了经典及地方和风土文化，它所拥有的美是独具品格的，其审美价值取向也呈现出多样，有高雅的审美风尚，也有乡村淳朴之美，更有民族艺术之美；在服装表演中，有造型之美、表情美、服饰美、发型和化妆美、形体美等等，因而，追求美是他们的共同点，都能体现出时代的审美风尚。在服装表演舞台美术设计中，具有舞台背景之美、灯光美、舞台造型与环境设计之美等等，服装表演在舞台设计所营造的美的氛围中完成，可以说，美在一场服装表演中无处不在。在策划一场服装表演时，根据演出的需要及其所处的环境，恰当的引入本土文化元素，如把雾凇之美景作为背景，会带人进入一个美轮美奂的雪的世界，清纯、洁白、宁静，种种画面使人浮想联翩；因而把服装表演之美与本土文化之美相融合，使二者相得益彰，更加彰显二者融汇时所产生的独特魅力。服装表演作为一门艺术，它需要不断地从其它艺术类别中吸收新鲜的血液，不断地使自己的羽翼丰满，具有文化的内涵，加深其文化之根基，增强其文化之底蕴，对于本土文化的吸收，可以在大众中脱颖而出，独具新的审美方向，这样的服装表演才更具有审美性，更经得起推敲。
四、结语
综上所述，将带有本土文化的舞台美术设计融入到服装表演中，会给服装表演带来与众不同的观赏效果；体现出本土文化特色的展演，融入本土文化的舞台美术设计，以及服装表演中模特对本土文化特色的尽情释放，将会是一种“大尺度”的创新，诠释出服装表演中的新的审美创造，这将给服装表演指引新的发展方向，在服装表演美的创造中不断的推陈出新。
作者：孙晓波 单位：东北电力大学艺术学院
摘要：服装在人类文明发展史中占有重要的地位，它不同程度地反映出当时所处的时代特征，是当时的科技水平、地理特征、风土人情、的缩影，也是民族、文化和个性的指标。随着时代的变迁和艺术的发展，服装逐渐成为一种视觉艺术出现在各种舞台上。在外来元素和时尚概念的不断冲击下，我国的舞台服装设计不能一味的创新求异，脱离本民族的艺术特点，而应该立足于民族基点，对外来元素进行“或使用，或存放，或毁灭”，形成新的艺术样式。“民族的才是世界的”，失掉民族，就等于失掉全世界。
关键词：舞台；服装设计；中国元素；创造性思维；借鉴；运用
在中国舞台服装设计领域，国外各种新思潮不断涌入，随之而来的新思想、新观念，动摇着我们固有的价值观与审美观，使舞台服装作品越来越远离民族个性。中华民族具有五千年的传承文化，祖先为我们留下了浩如烟海的文化元素。每一个传统元素都有着深厚的文化积淀，都镌刻着深深的民族烙印，这些文化所构成的美的元素是中华民族的瑰宝，是中国人民智慧的结晶,博大而精深。作为千年流传下来的中国传统元素，我们如何使它们能够很好的被继承、被利用，成为对服装设计有益的启示。
上海世博会――上海企业联合馆开幕式演出中的中国元素：
2010上海世博会以“城市，让生活更美好”为主题，向世界展示了中国经济、社会的飞速发展，也深刻的颂扬了中国悠久的文化历史以及丰富的民族特色。上海企业联合馆作为上海的代表场馆，不仅在设计建造中大胆尝试新技术、运用新材料来展现新的城市生活视点，还力求向世界充分展示中国的民族工艺及特色，立足本土，走向世界。
一、旗袍
旗袍是中国传统服饰的极品，最能体现东方女性的魅力。它默默地紧贴在身体表面，丝毫不张扬。旗袍的丝绸质地，暗示着东方女人光洁滑腻的皮肤，旗袍紧身的裁剪，则将东方女人的身体线条表现无遗。它既有独特的民族特色，又颇符合当今大众的审美情趣。设计师在延用了旗袍的款式特色之余，通过对服装面料与肌理的调整与改变，为古典旗袍注入了很多时尚创新元素，使传统元素与现代审美完美结合，既展示了民族特色，又彰显了中国服装设计师的国际化视野，成为舞台表演中一道亮丽的风景。经典相对稳定，而时尚却千变万化。最近十几年来，许多大型演出的舞台上都不断出现了旗袍风格的服装设计，更有甚者将旗袍中的中国袍服元素和西方的晚礼服元素加以融合，制作出了时尚改良的旗袍。旗袍的工艺和用料也更复杂，乔其纱、织锦缎、烂花绒、印花面料、蕾丝花边都成为了中国旗袍的组成元素。旗袍作为一款经典传统女装，面料品种将更加多样，制作工艺愈加精致，势必成为设计师难以割舍的灵感来源之一。
二、肚兜
肚兜是传统服饰文化的精华。据说素有沉鱼落雁、闭月羞花的中国四大古代美女中的杨贵妃便是肚兜的发明者，是她第一个穿起了肚兜，使穿肚兜成为一种流行样式。“肚兜”即抹胸的俗称，是古代妇女穿在最贴身处的内衣。“肚兜”上有各类精美的刺绣，红色为“肚兜”常见的颜色。伴着几许古典的浪漫风情，现代人一听到“肚兜”总有几分奇思遐想。清朝时期的“肚兜”，一般做成菱形。穿着时把吊带套在颈间，腰部另有两条带子束在背后，下面呈倒三角形，遮过肚脐，达到小腹,材质以棉、丝绸居多。
在这个崇尚时尚和浪漫的年代，突然之间，老奶奶压箱底的肚兜，成为爱美女性最钟爱的流行服饰，也成为舞台服装中的经典样式。肚兜那塑身修形的造型理念、大俗大雅的配色处理、无限寄寓的图腾纹饰、独具创造性的技艺手段，无一不吐露出中国女性对生活价值理念、审美情趣、情爱传达等诉求的心声，也成为设计师借以发挥和创新灵感源泉。各类素材与元素都展现在小小的方寸之间，而绣、镶、贴、补、嵌等多种技法也被发挥得淋漓尽致，美不胜收。
三、刺绣
刺绣是中国优秀的民族传统工艺之一，刺绣与养蚕、缫丝分不开，所以刺绣，又称丝绣。中国是世界上发现与使用蚕丝最早的国家，人们在四五千年前就已经开始了养蚕、缫丝了。随着蚕丝的使用，丝织品的产生与发展，刺绣工艺也逐渐兴起。宋代时期崇尚刺绣服装的风气，已逐渐在民间广泛流行，这也促使了中国丝绣工艺的发展。原始刺绣本为表征地位尊卑，具有政治辅助工具的作用,后来逐渐扩充为美化生活的装饰物，并且普及民间。至于刺绣具备的艺术性，随着发展阶段变化，呈现不同的特色。
中国的刺绣源远流长，在世界服饰文化宝库中占有重要的位置，在中国传统工艺美术行业中颇有影响，是中华民族智慧的结晶，是百花园中瑰丽多姿的一朵越开越艳丽的奇葩。在舞台服装中，刺绣被广泛运用，最常见的是栩栩如生的刺绣花朵，或镂空或采用凹凸不平的刺绣方式，在面料的表面上展开花朵最妖娆的姿态，让面料充满了立体感。刺绣不仅能体现服装技艺，还能抬升服装的价值，在服装设计中成为一种重要的表现手段。
四、中国结
中国结是中国特有的民间手工编结装饰品，始于上古先民的结绳记事。它作为一种装饰艺术始于唐宋时期。东晋大画家顾恺之所绘『女史箴图卷相当真实地反映了当时的社会形态，我们可以由画中了解当时妇女的装饰。例如，在画中仕女的腰带上, 就发现有单翼的简易蝴蝶结作为实用的装饰物。另外，在唐代永泰公主墓的壁画中，有一位仕女腰带上的结，就已经是我们现在通称的蝴蝶结了。到了清代，绳结已俨然被视为一门艺术，样式既多，花样也巧，在那时绳结作为装饰的用途相当广泛，日常生活中的大小用品如轿子、窗帘、帐钩 、肩坠、笛箫 、香袋、发簪、项练、眼镜袋、烟袋等，下方常编有美观的装饰结，这些结常有吉祥的寓意。
近年来，中国结已经成为国际时尚潮流的重要元素，在舞台服装设计中更是屡屡出现，并经过新的编织技巧形成了新的样式，为服装平添一种如行云流水般的流畅之感，也辅助表现了服装的结构样式和肌理效果，增添舞台服装的表现力。
服装发展的历史与人类文明发展的历史密切相关，人们可以很容易地从服装上判别与其有关的人文历史背景。中国有渊源的历史和丰富的文化内涵，文化资源丰富，中国元素是中国文化的缩影和精髓。在提倡“民族的就是世界的”理念的今天，中国元素也越来越多的被服装设计者运用在了自己的设计中。对设计中的中国传统元素的借鉴和运用，并非生搬硬凑、搬用原形，而是以现代构成原理进行解构后的重新组合和搭配。对传统元素的再认识、再理解可以带来新的思维方式，进而提高现代设计者的设计思维和创意能力。设计创意的核心是创造性思维，它贯穿于整个设计活动的始终。“创造”的意义在于突破已有事物的束缚，以独创性、新颖性的崭新观念或形式体现人类主动地改造客观世界，开拓新的价值体系和生活方式的活动。用接纳的胸怀，对待新观念、新现象学会吸收和汲取，使设计作品与时代同步。我们深信，在中国深深的文化底蕴中成长起来的设计师们，只要在设计中握住了中国人的智慧与能力中的优势基因，凭借着对民族文化的深刻理解，在不久的将来，中国的设计一定会屹立于世界之颠。
参考资料：
关键词：舞台服装；服装色彩；色彩搭配；协调；流行性；象征意义
中图分类号：TS941.11 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2013）11-0198-02
舞台服装色彩虽然以色彩学的基本原理为基础，然而，它与美术设计中的色彩不同，与生活服装色彩的设计也不同。舞台服装在其舞台空间内受舞台布景和灯光的影响极大，这也是其重要的特征之一。不仅如此，舞台服装设计师的色彩意识还要受到所要服务的剧目年代、背景和角色身份等限定。因此，一个优秀的舞台服装设计师，不仅要具有设计灵感，还应有出色的审美能力和分析能力，不仅能给戏剧人物设计出适合演出的服装样式，还能以艺术家的眼光给它添加美丽的色彩。
既然服装色彩在舞台演出中如此重要，那么舞台服装设计师驾驭色彩的能力、把握不同色光与舞台服装色彩的关系以及舞台空间与服装色彩的协调关系就显得尤为重要。要让每一套服装自身的色彩搭配达到尽善尽美又要懂得在舞台空间内服装色彩与布景、灯光的协调。因此，设计师应注意以下几个方面：
一、服装自身的色彩搭配要协调
在一套服装中，除印花面料的颜色以外，大块面的色彩不应超过三个。搭配时要有主有次，主色面积要大、次色面积要小，次色为主色陪衬，以达到和谐的效果。使色相、明度、间距合理配合，给人以均衡感。一套服装如果使用同一色系或同类色，看起来虽然和谐统一，但却未免有些单调乏味。如果能在其中搭配一些明度、对比度较大的装饰或点缀，则能起到画龙点睛的作用。在统一中求变化，既营造了舞台气氛，又塑造出了一个个鲜活的人物形象。
二、服装的色彩要与环境搭配协调
舞台服装是流动的绘画，会随着人体的活动进入各种场所，所以与环境色的协调也是舞台服装色彩设计必须注意的。比如，在舞台演出中，道具的颜色是绿色，那么演员的服装既不应该用绿色也不宜用红色。绿色的道具在绿色的服装中有隐匿感，绿色的道具与红色的服装搭配起来又不协调（特殊人物、特殊效果要求的服装除外）。因此，最好用明亮的色彩，比如白色、淡黄色、米色等等。
三、服装的色彩要与舞台背景搭配协调
无论戏剧演出还是商业走秀，演员都在舞台这个大的空间内进行，那么，服装色彩与布景的关系也是设计师要考虑的问题。要让“景”衬托“人”，而不能让“景”吞“人”，二者协调存在，让观众在欣赏剧目的同时，受到美的熏陶。
四、主要角色的服装色彩与群众的服装色彩要协调
在人物众多的大型舞台演出中，舞台服装的色彩一定要组织有序，要让群众烘托出主要人物，而不被群众所淹没。因此，在设计时，应将主要角色和群众分别放在对比度较大的两个色调里，互相映衬，弱化群众，凸显主角。另外，暖色、明度高和纯度高的颜彩鲜明、突出，而冷色、明度低和纯度低的颜色注目性低。设计者在进行舞台服装设计时可利用色彩的此特性来突出剧中的主要人物。
五、服装色彩与舞台灯光的搭配要协调
服装色彩在演出中受灯光色彩、光位、光区的限制是设计中需考虑的重点。
不同色光对面料表面色彩的影响不同，有些色彩在某些色光的照射下所表现的颜色会给人“脏”、“闷”的感觉。因此，在设计中也要慎重考虑。
六、舞台服装色彩的设计也应注重流行性
在商业化竞争日趋激烈的今天，要想吸引观众的关注兴趣，服装设计的流行性也是舞台服装设计师应考虑的问题之一。在戏剧演出中，设计师所设计的服装应是共性与个性的统一。舞台服装设计师各不相同的创作个性以及艺术欣赏者审美需要的多样性，决定了服装设计风格的多样性；不同的舞台服装设计师之间的风格也不能不受到他们所生活的某一时代、民族、阶级的审美需要和艺术发展的制约，从而显示出风格的一致性。如果一场演出在表演后可以让观众对其角色的服装竞相效仿，带动一股模仿热、引领时尚的流行，那将是事半功倍的益事。
七、充分运用舞台服装色彩的象征意义
舞台服装来源于生活服装，但又不同于生活服装，尤其在服装色彩的象征意义上。不同的颜色给人不同的联想和感染，不同的颜色象征不同角色的性格和心理。不仅如此，色彩的象征在服装上也有一些定律，如：在欧洲，紫色是特权阶层的专用色；白色象征纯洁高雅，是婚纱的常用色。黑色给人以沉稳庄重的感觉，是西装或者绅士礼服的常用色；金色给人以华丽、辉煌的意象，在舞台服装中常被用作服装的腰带、头饰、滚边等等。
舞台服装设计师不仅要具备以上几个方面的才识，更要具备多方面的艺术修养，才能更好地为舞台演出服务，与其他舞台工作者一起，共同推动艺术创造活动的发展与创新。
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关键词：舞台剧；服装；管理
一、舞台剧服装的基本概念
舞台服装是一个统称，它一般是指演出人员在演出过程中用到的衣服，也专指在某些固定的场所演出时，有关人员对演员进行形象设计从而选择的衣服、鞋子、帽子以及相应饰品等。舞台服装有重要作用，它不仅能帮助演员展现角色的外形，同时也有助于构建演出风格。舞台服装通常来源于日常生活的服装，但又有一定的不同之处。舞_服装是演员表演过程中不可缺少的一部分，有助于塑造角色形象，所以舞台服装是表演过程中尤其重要的组成成份。
通过舞台表演对舞台服饰的协调性要求比较高。服装搭配可以表现出演员的独特性，主角与配角之间的服饰既要搭配合理又要突出重点。每一次舞台服装饰都要有一致的特色，使特色串联整场演出。通过电视荧屏等虚构的媒介，给大众视觉上的享受，发挥大众们丰富的想象力。重要的大型舞台剧的服饰搭配更是会让观众眼前一亮，留下难以忘怀的回忆。
在舞台剧表演中，舞台上演员的服饰是一个非常重要的组成元素。大众通过直觉欣赏演出时，第一时间内呈现出的是演员的整体姿态。究其原因，都是服饰与化妆之后的造型所传达出来的，在演出整个过程中占有一定的地位，树立起优雅的形态。
二、舞台剧服装的特点
（一）全方位、多视角。应该把舞台所处空间的大小给观众带来的距离感考虑在内；在大舞台上演出时，为了给观看人员带来强大的视觉冲击效果，一般在选择舞台服装时会选用颜色鲜亮、对比性强的衣服。
（二）远近结合。在一些大型舞台剧演出时，通常表现形式多样，所以一定要注意在场观众和通过媒体观看的观众观看演出时有不同的感觉。因此，演出时要选择一些近看远看效果一样的舞台服装。
（三）舞台服装要能塑造角色形象，能引起观众的审美欲望。一场舞台剧演出结束后，使观众印象最深的就是它的舞台样式，也就是外部形象，所以舞台服装不仅要体现角色性格，还要给观众留下深刻印象。
怎样实现舞台服装的舞台适应性与艺术体现性的结完美合是制作舞台服装的最终目标。要制作舞台服装首先要从日常服装的设计入手，要熟悉日常服装中人体的各种部位的尺寸设计，尤其是胸围、腰围、臀围、肩宽和脖颈部分的尺寸，牢牢地把握其中关键的细节，把不太重要的部分暂时放下，要注意对细节的处理，要求服装合体舒适，样式变化灵活，和身形完美贴合。设计舞台服装时通常会把两种极端的材质进行混搭，比如柔软的布料和比较粗硬的布料相搭配，这种搭配方式可以增加服饰的存在感，然后还可以辅助以各种不同的花纹图案或者用布块打造自然的补丁，从而更加突出舞台服装的中心设计。
三、舞台剧服装的构成要素
舞台服装的造型设计受到很多方面的因素的影响，例如节目的剧情和人物性格、舞台演出的时空限制等，这些方方面面都体现了很多美学的原理和艺术上的特征。就比方说搭配比例、节奏掌控、颜色对比、色彩平衡等等各种变化都在演出服的设计上有特殊的应用，舞台服装在通过自己特有的那种方法向人们传递自己想要表达的艺术。舞台上的演出者的塑造是来自方方面面的，比如人物的形象和行为动作，他的音容相貌以及衣着打扮等等，所以服装只是其中的一个组成部分，它的存在条件相对特殊，大多只会出现在舞台上，利用引人注目的设计来烘托想要表达的主题内容。
如何在舞台服装的制作过程中实现“适合舞台表演”与“体现艺术含量”的统一是舞台服装的最终指向。舞台服装的制作方法是以实用服装制作为基础的，首先掌握服装在人体结构中胸、腰、臀、肩、颈这几个主要部位的形状尺寸，紧紧抓住事关合体的关键部分，把松散和次要的部分放开，讲究精细处理、合体准确、随机应变、舒展自然的完美结合。但是实用服装的制作技艺，在裁剪方法上要灵活贯通。舞台服装的材料可以说没有任何限制，从丝织品到金属无所不用，但一般以轻薄面料为主。舞台服装的材料更多的是关注面料的表面质感和强度，并且对面料的垂感和飘逸有较高的要求。一般会将软和硬、薄和厚、粗和细搭配使用，这样会使服装具有较强的立体感。还有各种花边图案和贴补材料也是舞台服装最常用的辅助面料。
四、舞台剧服装管理特征
舞台剧中使用的舞台服装在管理方式上和传统服装有很大的不同。因为舞台服装需要多次重复使用，所以就会多次反复储藏，为了保证舞台舞台服装的质量，尽可能的减少对服装的磨损，在保管舞台舞台服装的时候有一些需要注意的地方，如下：
（一）舞台服装的储存区域必须空气流通畅通，不潮湿，防止服装的霉变和吸水变形。要尽量减少阳光晒到舞台服装的次数，在保证阳光不直接射到服装的情况下开窗通风除去存储室的湿气。
（二）对舞台服装装进行分类，分类的方法并无统一要求，但一定要保证分类后对服装管理的便捷性。
（三）舞台服装在经过信息记录之后就可以入库进行保存了，所以这就要求必须保证登记程序的安全性和完备性，针对各种节目所需要的服装的款型和数量都有很大的不同这一问题，在登记这一环节需要视情况而定，制定相关的规则条例，力求达到最好的效果。
总而言之，舞台剧中的各种舞台服装，不单是一种让人单纯的欣赏的物件，具有一定的可穿着性，它最主要的目的是在演出时借助这一平台来传达自身特有的一种艺术效果。所以舞台服装装既是它所在的这一类艺术门类和舞台艺术当中必不可少的组成部分，也是一种能保持自己特点的独特的艺术。它在对服装视觉效果上的要求细致入微、对服装对演员气质的烘托、以及服装设计中大胆的用色和裁剪方式等方面都有所体现。而在制作时又着重强调服装的舒适度和剪裁的合身度，而且还需要各种比较特比的制作工艺，作为演出使用的服装，它甚至会有很多特殊的功能要求。
如今我们国家的经济迅速发展人们的生活水平也随之有了很明显的提高，所以，人们对舞台剧这方面的艺术性要求也变得越来越专业化，欣赏的水平越来越高。所以，舞台剧以能够符合大众对审美方面日益增多的需求为目标，不断地研究和探索创新更多更新的有关舞台服饰方面的艺术。
【参考文献】
[1]张文鹏.服装设计对服装管理的影响 [J].吉林丝绸.2013（04）：32-33
【关键词】剧场感 舞台服装 造型 舞台布景 融合
一、引言
自从戏剧诞生在舞台上,表演舞台就是它的载体。虽然对于戏剧的本质,“观众”说里面的“二要素”认为戏剧就是演员和观众,但我觉得在文明社会所表现的艺术,演员的穿衣装扮很重要。并且不仅要穿,还要穿好,穿出戏。戏剧发展到现在正在一步步的前进和不断的升级,戏剧人物服装造型和戏剧场景就是舞台美术中的主体中不可或缺的部分,早期戏剧就是这样。现在又加上了灯光、音响以及电脑特技等等,使戏剧更加丰富多彩。
服装是表演艺术一个必不可少的部分。观众在观看戏剧的时候,对美丽别致的舞台服装会有一种赏心悦目的感受。同时,舞台服装又通过色彩和质感表现出对戏中人物的心理,而且因戏剧内容的暗示等手段使舞台服装更加细腻。因此舞台服装设计是舞台艺术创作中一个独立的专业领域,是解释整个作品、表现人物、创造戏剧风格设计工作中的一个重要组成部分。
舞台服装随着戏剧学和时代的逐渐发展,发展至今,已成为一门具有创造性的艺术。
二、舞台服装的发展
所谓的舞台服装是指演员在特定的场合进行演出表演时所穿的经过艺术设计装饰和选择后的服装,鞋帽及配饰等。它是塑造角色外部形象,体现演出风格的重要手段之一。舞台服装源于生活服装,但有别于生活服装,它和化妆是演出活动中最早出现的造型元素。
戏剧最早起源于古希腊,虽然那个时候只有悲剧和喜剧之分,但是我们在古希腊剧作家埃斯库罗斯的剧作中,还能找到演员穿着各色的袍子,头戴面具,蹬着高底靴,以夸大演员的身材来使观众能远距离的辨认角色。到了索福克勒斯、欧里庇得斯时期,剧中人物则以悲剧色彩的黑色为主,中世纪后期,各大行会开始资助演出工作,他们用服装来炫耀财富,攀比气质,此时,演员们的服饰非常华丽,幻想式与象征性舞台服装争相出现。可见,在戏剧史上,服装的作用是给有那远穿衣逐渐向创造人物改变。
在伊拉沙白一世时代,演员剧团频繁向皇家贵族们讨论他们不同的服饰,所以那时的舞台服装明显地带有一种皇家礼仪的味道,英国戏剧因为他的服装的杰出而扬名整个欧洲,此时的舞台服装仅仅来源于生活服装,利用皇家贵族的华丽服饰来满足舞台的薄弱。
在文艺复兴时期的意大利,假面戏剧(即兴戏剧)独挡一面,剧中的每个类型角色都穿着特有的服装,且定型化角色必须戴假面具上台,观众一看就能立刻认出他们的年龄与性情。
在18和19世纪间,某些现实主义的理念逐渐主导西方戏剧,这两个世纪见证了许多基本的社会变化,详细而准确的科学方法被接受。欧洲以及美国出现了一系列以历史真实为指导原则的戏剧演出,这是戏剧史上第一次有了这样的做法,要求用不厌其烦的努力来保证每一场戏中的每件服装的设计,还有每个道具和每个布景,都要符合那个时代的可靠资料,强调历史真实的运用和追求准确性的敬业精神带来了戏剧服装设计的观念性的广泛变化,其影响一直留存至今。
进入了20世纪80年代后期,后现代主义的风气在中国时装设计师身上逐渐体现出来了,信息技术的飞跃与网络时代的普遍,概念化的服装已深入了人们的脑海中,夸张的服饰已成为当今宣扬个性,展现自我的一种手段,舞台化的元素逐渐走入了大街小巷。我们再看看着名服装设计师John Galliano,他自始至终都将他那戏剧性的设计风格贯穿于他设计之中,各种夸张的、怪诞的造型,被John Galliano描绘的极具声色。桀骜不驯的表情,华丽的外表,丰富的细节,和富于想象的色彩搭配,我们惊叹于John Galliano疯狂而出色的想象力。这就是设计师在设计概念上的运用,也将他的品牌以及设计理念深深的烙在了观众的心中。京剧元素也是一个亮点,京剧的脸谱属于一种面具艺术,鲜明地表现了每个人物的性格特征,他以图案化的脸谱揭示出了人物的类型、性格、品质、年龄等综合特征,是我国国粹中仅有的艺术手法,一般都出现在舞台中,可现代生活中,以脸谱图案作为服装纹饰频频出现,而已成为新潮款式和纹饰主题。“衫国演义”就是一家原创T—SHIRT的品牌,他的T—SHIRT图案包括了后现代、pop、新古典、唯美和CHINA几个系列,尤其CHINA系列中很多采用了京剧脸谱图案,有写实的,也有抽象的,但其目的已不在于人物性格的刻画,而只是在服装上单纯取其装饰性。
随着时代的开放,在90年代内衣外穿也逐渐成为一种时尚。所谓的内衣外穿是只以内衣特征设计为外衣的穿着风貌,胸衣,花边内裤被用于外衣组合中,或者直接作为外衣的构成元素。在电影《蓝天使》中玛琳黛特丽一身超短装给她戴上了“内衣外穿鼻祖”的头衔。千禧年之际时,在GUCCL秋冬服装会上,TOMFORO采用闪烁光泽的段料制成了多款胸衣,外搭透明罩衫或西装外套,此后,不少好莱坞明星在出席各大场合时都演绎出了内衣外穿的不同版本。然而凭借好莱坞明星林赛——罗寒的一张狗仔队偷拍的照片“紧身袜装”近两年来一跃成为最火的时装,从而取代了裤子。而各大时尚品牌在黑色或灰色的裤袜上又纷纷推出了灰白色,花纹和今年盛行的格子裤袜等不同产品以满足消费者的需求。如今,内衣和外衣之间的区别已经迷糊不清了,“内衣文化”“内衣时尚”已成为时髦的字眼,他不仅影响和改变这人们对日常着装的审美,而且内衣文化同样影响着舞台剧。在2004年,欧迪芬内衣公司赞助出品了中国第一部以女性内衣为创作题材的原创多媒体舞台剧《寻衣记》,通过对《寻衣记》的打造唤起了人们对悠久的中华历史和内衣文化的热情,更把内衣文化在舞台上发扬光大。
三、舞台服装的剧场感
舞台服装作为戏剧的一个重要因素,无论是过去的还是今天的服装,都要满足最基本的一个原则——剧场感,就像欧尼.艾尔爵基谈到《群舞演员》设计的服装时说,他们必须看起来很真是,但又必须有点像戏剧服装,能让观众看到他们说:“噢,我是在剧院里看戏。”那么,剧场感要满足以下几个条件:
1.与化妆的关系
作为人物造型,舞台服装与化妆同属于一个部分,是不可分割的一个整体,他们同样影响着角色的外部形象,以直观的方式来揭示角色的身份和性格,例如30年代的女性服装以旗袍作为一种时尚,因此他们的妆饰也与只配套,长长的珍珠项链成为了上海许多名媛太太们的最爱,耳环也被大量的采用,“柳叶吊梢眉”是当时与服装相匹配的一种新眉式,当时的形象如今还能在就日历与月份牌中看到。服装与化妆作为一个整体,他们共同为角色外貌服务的性质决定。服装的样式和色彩直接影响化妆的设计风格和体现,尤其在写实风格的戏剧作品中,服装和化妆都是根据剧本所描述的和设计者对人物的理解后的再创作。因此,两者都整体的表现。在《茶馆》一剧中,演员在每个历史时期的服装都具有那个时期的时代特征,在而化妆上要与服装整体配合,第一幕是清代末年,长长的辫子给观众了一个信号,第二幕已经进入了军阀混乱期间,我们可以看到演员的发型都是民国时期的,辫子不见了。当然写意的戏剧作品中也不例外,在《罗慕路斯大帝》一戏中,采用了符号化的服装设计,同样在化妆上也采用了比较夸张手打来刻画人物,甚至有点荒诞的味道了。再如《芸香》中用了一个大披肩在不用位置来反应年龄的不同,而在化妆手法上运用额头上一片叶子的颜色来表示。
但舞台服装与化妆在塑造角色的形象的手法上有一定的差异,舞台服装是以包装演员的形体为条件,而化妆造型主要是以演员的面部为主要范围,从人物造型的整体角度来看,服装偏重于角色身份的标识,化妆造型偏重于角色表情与神态的刻画。舞台服装可以根据剧本的需要对演员服装进行不同形态的改变,就像之前提到过的通过服装工艺上的进行改变,比如裙撑、塑身内衣、灯笼裤等,只要不影响演员的行动即可,矮子可以穿高跟鞋,胖人可以利用直线来改善,不仅要考虑到正面形态的美观性,还要顾全到侧面、后面甚至坐下、躺下、蹲下时的形态,而化妆造型所服务的是演员的五官部分及发型,相比之下比较稳定,眼睛、鼻子、嘴的刻画都比较平面化。舞台服装主要通过纺织面料和装饰辅料通过成衣工艺来完成的,贯穿了戏剧知识、服装材料、服装工艺、服装史和服装人体工学等。而化妆造型的工具是粉底、眼影、腮红或油彩等化妆品以及一些毛发材料,在戏剧的一整套工作程序中,化妆必须现场操作,且每个环节可以根据导演或者演员或者观众等反馈意见而进行合理的修改。而服装必须在演出前完成基本任务,在试装后稍作修改即可。
2.与灯光的关系
在舞台美术的范畴中,服装造型与灯光的关系甚为密切,没有光的配合,整个演出将会黯然失色,服装造型也将变得平淡而无味。舞台布景需要灯光来渲染气氛,服装造型同样也需要灯光的点缀与配合,在舞台灯光中与服装造型关系最为密切的要属光的颜色与角度了。舞台灯光是靠色纸来改变光源的颜色,一般黑色的服装在红光下会显紫黑色,在绿光下会呈现深橄榄绿,而黄色的服装若是在紫光下,会完全失真,颜色会变成暗红色。紫色系的服装是最难配合灯光的,在红光下是红棕色,黄光下又变成红褐色,绿光下显成熟褐色了。
在舞台演出中,为了激发演员的角色情绪,尽快进入规定情境,会利用灯光与服装相配合的效果,例如,灯光的金黄与服装的红色、橙色、金色共同营造血与火的场面来刺激演员的视觉。同样,舞台服装需要舞台美术各部门的配合,互补下才能更完美的体现服装效果。例如,一套白色带有羽毛装饰的礼服裙,需依靠冷暖来塑造形象的体积,并且随演出需要来变化色光。如果灯光只给予照明,就会使羽毛平和、惨淡。灯光是依靠光来创造空间、分割空间、渲染空间气氛和情绪。
舞台服装有演员体型的制约,只有与舞台美术各部门的相配合下才能如虎添翼。为了避免舞台服装与舞台美术各部门的不匹配,舞台服装设计师需与各部门加强沟通,积极关注各部门的进度,即使调整服装与各部门不匹配的部分,保证舞台形象的完美与整体。
关键词：戏曲服装；中国传统元素
舞台美术属于美术创作，关于舞台表演者的服装设计也属于美术创造，在进行戏曲服装设计的时候，设计人员不仅要加强对戏曲服装样式的研究，还要加强对服装色彩的研究，进而有效地突出人物性格，渲染舞台气氛，提高舞台表演效果。
一、戏曲服装的样式设计
在进行戏曲服装设计的时候，服装的样式设计是非常重要的，一个人的穿衣风格能够展示出该人的性格，同样的，戏曲服装的特点也能展示出该人物的人物性格特点。在进行戏曲服装设计的时候，设计人员不仅要体现出服装的美观性和艺术型，还要确保服装的舒适性，确保演员在进行戏曲表演的时候能够自如地伸展四肢。因此，在进行戏曲服装设计的时候，设计人员首先要加强对该戏曲所在的年代以及人物的了解和认识，然后结合该年代的服装特点以及该人物的性格特色来进行服装的设计。如果所设计出来的服装没有结合人物的性格特点，所设计出来的服装是非常失败的，无法有效地展现出人物特色，从而给戏曲表演团队造成巨大的经济损失。其次，在进行戏曲服装设计的时候，设计人员还应该听取导演对于舞台灯光效果的要求以及舞台动作的设计，然后再结合这些要求进行服装的设计。最后，为了确保戏曲服装的舒适度和合身，设计人员应该结合演出人员的身材来进行服装的设计，从而在突出表演人物特点的同时还能确保表演人员充分的动作舒展。
二、戏曲服装的色彩设计
色彩设计也是戏曲服装设计中重要的因素，加强对戏曲服装的色彩设计，能够更加直接和直观地展示出人物的特色，提高表演者的表演效果。而且，在戏曲表演中，鲜明的颜色能够有效地吸引观众的眼光，提高观众的关注度。在进行戏曲服装色彩设计的时候，一定要注重和以下几个因素相结合，这样才能有效地提高舞台效果，增强表演效果。
首先，在进行服装色彩设计的时候要加强与舞台灯光的结合。表演人员的服装颜色与舞台灯光的颜色之间的协调，能够展示出不同的美丽的色调，通过服装颜色与舞台灯光颜色的交替，可以展示出舞台表演更加优美的旋律，提高舞台效果，让观众更好地享受舞台表演。
其次，在进行服装色彩设计的时候，设计人员首先要了解不同色彩所代表的意义，要意识到服装色彩不仅能够有效地强化表演效果，还能有效地修饰表演者的身材。
三、中国传统元素在戏曲服装样式设计中的应用
中国传统元素包括很多内容，其中包括颜色、吉祥图案、符号等等，这些都构成服装设计人员在进行戏曲服装设计过程中所参考的中国传统文化元素。在加强中国传统元素在戏曲服装设计中的应用，首先要加强对中国传统元素的了解，清楚地认识到不同中国传统元素所代表的朝代、意义，然后再结合戏曲的内容来选择恰当的中国传统元素来进行戏曲服装的设计。比如，在进行《梁祝》戏曲表演的时候，设计人员可以结合不同的戏曲内容来应用不同的传统元素来进行服装设计，如，在化蝶的场景中，设计人员可以在男女主角的服装上添加蝴蝶的元素，在男女主角衣服的衣袖上绣上蝴蝶，从而让表演者在表演的过程中更加生动形象地将化蝶的画面展现出来，提高舞台的表演效果。例如，在进行《凤鸣岐山》戏曲表演的时候，为了更好地展现出不同人物的地位，或者同一人物在不同时期的地位，如武王，当武王还是王侯的身份时，设计人员可以按照华丽的设计来设计武王服装的样式，当武王被扣押成人质的时候，设计人员就要在武王灰色的衣服上加上黑色的秀边，从而展示出武王身份地位的变化。服装样式的设计还能有效地展示该人物的性格特点，在《凤鸣岐山》中，为了更好地展现出纣王的残暴，在进行服装设计的时候，设计人员在纣王服装上添加向上翘的待黄边的坎肩。不同的服装样式所代表的意义不同，不同的中国传统元素所代表的意义也是不一样的，因此服装设计人员应该加强对服装样式以及中国传统元素文化的研究，加强中国传统元素在戏曲服装样式设计中的应用，提高戏曲服装设计的合理性和舞台效果性。
四、中国传统元素在戏曲服装色彩设计中的应用
颜色也是中国传统元素之一，而且色彩设计在戏曲服装设计中也有着重要的地位，因此为了更好地提高戏曲表演的效果，服装设计人员应该加强中国传统色彩在戏曲服装色彩设计中的应用。不同的颜色所代表的意义是不一样的，比如红色具有吉祥喜庆的意思，黄色代表着尊贵。由于黑白两色在我国具有不祥的意思，因此在《梁祝》梁山伯病重的场景中，设计人员可以加强白色在梁山伯服装上的设计，例如，梁山伯穿着纯白色的衣袍躺在床上，白色的衣服更能展现出当时梁山伯的身体情况，从而更好地提高舞台表演效果。黑色在我国还具有凶煞的意思，因此在《梁祝》梁山伯之死中所出现的一区坏人，服装设计人员应该加强这些坏人的衣服颜色设计成黑色，因此可以将这群表演者的服装设计设计成黑色的书生袍。不同的颜色还能有效地展现出不同人物的特性，比如在《凤鸣岐山》中，为了更好地突出纣王残暴的性格，在进行纣王服装设计的时候，可以以黑团色或者是紫色作为设计的主色调。而且由于《凤鸣岐山》当时所处的背景是商朝，商朝的服装颜色是比较单调的，因此在进行《凤鸣岐山》表演者服装设计的时候，服装的颜色应该是比较单一的。所以，在运用中国传统色彩进行戏曲服装设计的时候，设计人员不仅要加强对中国传统色彩意义的了解，还要加强对戏曲内容的了解，加强对戏曲人物性格的了解，进而有效地提高服装色彩设计的合理性。
综上所述，本文分别研究了中国传统元素在戏曲服装样式设计和色彩设计中的应用，加强中国传统元素在戏曲服装设计中的创新应用，不仅是对我国传统文化的继承，也是对我国传统文化的发展，因此戏曲服装人员应该加强对我国中国传统文化的研究，加强中国传统文化在戏曲服装设计中的应用。
参考文献：
[1]董芳.浅析中国传统图案在现代服装设计中的应用[D].河北师范大学，2014.
1、舞台设计和灯光设计的合作。
舞台设计和灯光设计的合作，首先要确认这个戏的艺术风格、演出形式的特征及灯光的作用。其舞台空间构成与展现是写实的还是写意的，是给观众以浓郁的生活气息感受，还是抒情的气氛烘托，或强调心理空间的精神辐射。
对写实的布景，则在布光上要注意空间层次的远近虚实，加强透视感，创造自然的幻觉。要考虑光源的合理生活依据，体现日光、月光、灯光、火光在不同的环境、季节、时间的色相、明度和方向感。在符合生活逻辑的基础上，再根据舞台逻辑及剧情的需要，对某些局部、某些段落加以强调、突出或艺术处理。
对于非写实的舞台设计，则要以灯光强化其风格特征，或加强其形式美感，以光的色调、色相、明度、纯度给舞台空间以美的渲染；或以光的变化，使舞台展现光柱构图，产生音乐的节奏感与审美的愉悦；或在抽象的物象上投以幻象，赋予某种创作意念的象征、隐喻和启示；以至用光柱、光色、光影、幻影的闪动，构成虚幻的神奇的空间，将光作为景的一种表现形式，甚至作为一个戏的主要艺术手段，充分发挥光的艺术魅力。
在强调心理造型空间的舞台设计中，灯光可以在现实时空、想象时空、心理时空之间跳跃、交叉和闪动，在过渡、对比、组接、叠印中展示心理意识的流动，强化精神辐射的力度，使观众产生感情共鸣与心理震撼。
现代灯光的新光源、新器材与新功能，舞美与灯光设计应予十分关注，要把灯光的艺术语汇引进现代戏中来，和传统戏曲的虚拟性的表演和动态时空相结合，是有其潜在能量与广阔前景的。但首先需要在编剧、导演和舞美设计创意构思的过程中，就把它作为艺术语汇，作为舞台表现形式，作为画家笔下有光感、动感的色块和笔触，使之更有机地渗透于戏剧艺术之中，使古典戏曲焕发青春，使灯光真正起到舞台艺术的灵魂和血液的作用。
但是灯光的艺术体现，要有物质技术条件为基础，照明设备、控制设备、剧场条件以及管理操作人员的文化素质等，一般戏曲剧团都有很大的差距，有很多艺术构想在技术上无法达到，要理解灯光设计的难处不是个人能解决的，创作要建立在现实的可行的基点上。但也要呼吁各级领导逐步改善这些条件。
在戏曲灯光设计中，要注意解决照明光(白光)与气氛光(色光)的矛盾，演区光和景物光的矛盾。尤其是传统剧目的演出习惯于白光照明，满台通亮，气氛光、景物光就被冲淡、削弱；强调了气氛光和色光，有时看不清表演。如何取得平衡，在不同剧目、不同场景中有所侧重，应事先有所估计。另外，也要注意开场、转换、结束的光的处理。灯光渲染的戏剧氛围，往往是营造戏剧节奏的重要环节。
2、舞台设计和服装设计的合作。
服装是塑造人物外部造型、提示人物的时代、地区以及性格特征的重要艺术手段，它与头饰、化妆一起完成人物造型设计的任务。而人物是戏剧演出艺术的主体，景物造型与灯光都是在烘托人物中产生其审美价值的，所以，这三者在舞台形象系统中是互为联系的整体。
