时间：2023-08-21 17:23:23
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇传统艺术的特征，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
关键词： 中国传统色彩 表意性 程式化 象征性 装饰性
从整个艺术形式看，西方艺术自发生之日起，就一直致力于对自然物象再现的研究，从古希腊的雕塑到文艺复兴时期的绘画，其主旨表现为准确地再现自然。而与之不同的是，中国艺术是从社会意识形态、文化心理结构出发，把握事物的本质，表述主观的感受，“多所自得，至抒发胸臆”。从绘画色彩艺术方面看，中国传统绘画色彩理论明显不同于西方，西方注重的是对客观对象的视觉真实表达，而中国则把色彩作为表达自己的手段，以更好地体现自己或某一阶层的理想与情感。总的来说，中国传统色彩与西方色彩理论相比较之下具有以下不同特征，即色彩运用的表意性，色彩处理的程式化，色彩表达的象征性，色彩形式的装饰性。
色彩运用上的表意性。中国古代对色彩的运用极其注重其象征性意义的表达，并逐渐形成一种观念形态。被赋予某种意义的色彩，带有强烈的表意性，其本身由具体的存在变成超现实的观念意义，而观念形式就获得一种普遍存在的价值。可以这样说，在色彩运用过程中，色彩具有的表意大于其审美功能，更常常被人们接受，反之，产生某种意义的色彩又能够深化和促进其本身审美意义而被人们接受。事实上较强的表意性从一开始就对中国传统色彩有支配作用。春秋时期的《周礼・冬官考工记》写道：“画缋之事，杂五色。东方谓之青，南方谓之赤，西方谓之白，北方谓之黑，天谓之玄，地谓之黄……土以黄，其象方天时变，火以圜，山以章，水以龙，鸟兽蛇，杂四时五色之位以章之，谓之巧。凡画缋之事后素功。”色彩的表意性在这里更具有观念意识内涵，出现纳入五行哲学轨道的“五色观”，将宇宙万物归纳为五种行，各以一正色为代表：土―黄，金一白，木一青，火一赤，水一黑，这五种颜色属纯正之色，并赋予它们丰富的社会意识形态与物质内容，与五方、五行、五德、五神等联系起来，构成复杂的观念色彩体系。到了东汉时期，统治阶级确立了“土居中央”的观点，将黄色的地位提到最显著位置，经历代统治者的发展演化，黄色为皇室专用色彩。后来，在中国封建社会中色彩作为等级区别的重要标志之一，鲜美的正色只准上层社会使用，而下层平民只能用白黑等颜色，如唐代以袍衫颜色区分官员等级，这应该是中国传统色彩表意的重要特征。随着宗教的发展，色彩“五色”带有越来越多的理性的神学观念，对中国古代的色彩理论始终有制约作用。色彩的运用几乎完全被其表意性左右，在色彩运用中存在某种装饰效果，但其并不具备太多的色彩的形式法则，更多的是社会功能使然。因此千百年来，人们不能像西方艺术那样依照自然客观规律对色彩进行研究与分析，但是从另一个角度看，传统的“五色”有其科学合理的一面，五色即为三原色红黄蓝，加上两极色黑与白，也可以代表大千世界的一切色彩，其中更包含有色与无色的辩证认识，体现了中国艺术对色彩规律把握的独特性与准确性。
由于千百年来中国传统色彩表意性的制约，其象征意义的神圣，人们对于色彩的选择与使用必须在有限的条件下谨慎地进行，几种简单的色相在复杂的历史文化变迁中得到审美沉淀，并经过一代代继承与发扬。色彩的运用远远超出“艺术”的范围。它的发展过程是独特的，而它的内涵又是极深刻的，在审美上因历史的积淀而极富感染力。
色彩处理方式的程式化。由于中国传统色彩具有强烈的表意，必将导致色彩在运用方面十分规范但并不宽范。在漫长的历史过程中，色彩的运用并没有发生实质性的变化，只是强化了它的表意功能，导致中国传统色彩在运用上的显著特征：程式化。在中国古人对绘画艺术论述中，南朝谢赫的《六法论》在美术史中意义非凡，他说：“先韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写。”其中“随类赋彩”的论述是对古代用色经验的一个总结，又是对整个封建社会后期的色彩艺术起到全面的指导作用，并为中国历代画家所推崇备至。但在这里我们要理解“随类赋彩”的真实意义，这里所讲的“随类”不是对某一事物的客观表象，而是对某一观念、某一物象或某一色彩的类型化的表达，即主体性追求下的本质性表达。这里所讲的类，不是某一特定时期物象的再现，而是多种类似物象的综合提炼，譬如中国画中山水，画家所描述的不是某一地点某一时间的某山某水，而是在画家心目中的某一地域山与水的综合性概述。这种“随类”的法则成为中国古人感受生活的经典参照，从而引发传统绘画中对色彩使用的程式化。这一点中国古代的许多“画诀”可以验证，比如宋代郭熙曾这样总结描述山水的色彩：“水色：春绿，夏碧，秋青，冬黑。”这样的例子还有很多，可以看出，中国传统色彩就是人们心理审美感知的主观色彩。中国传统绘画中的水墨画提倡“墨分五色”，通过墨色变化达到渲染气氛的要求，对世间万物皆以不同的墨色描绘，这难道不是中国传统色彩运用程式化的最佳体现吗？
色彩表达上的象征性。经过千百年的积累，色彩的象征性成为中国传统艺术的重要特征之一。在中国传统艺术中，色彩更是被作为一种特定符号用来表达某种观念或事物，无论地域或民族如何不同，色彩所表达的都是象征与观念，往往具有很强的指向性。比如传统京剧中的戏剧脸谱，其色彩丰富多样，脸谱中不同的色彩代表人物不同的角色、不同的性格特征、不同的社会地位。红色是忠义与正直的象征，而白色则大多代表奸诈与反面，黑色表示无私与刚直不阿，绿色表示剽悍或残暴，蓝色表示刚强或有心计，这种象征性的色彩在曹操、关羽、包拯、程咬金等许多历史人物的脸谱中具有典型性地表达出来。同样西北陕西社火脸谱也有这样的用色口诀：“红色忠勇白为奸，黑为刚直青勇敢;黄色猛烈草莽蓝，绿是侠野粉老年，金银二泽亮，专画妖魔鬼神判。”诸如此类的千百年口口相传的用色原则充分展现了脸谱用色上的象征性。由此不难看出，中国传统美术色彩具有明显的象征性，这种色彩上的象征性正是中国传统色彩艺术一个不可或缺的重要特质，值得我们学习与借鉴。
色彩形式上的装饰性。前面我们说的表意性和程式化的特征，在根本程度上促进了色彩的装饰性。色彩的程式化特征使人们渐渐排除物象原有的色彩，自然就产生一些装饰性的色彩面貌，在这种条件下与民族习惯结合就自然形成了色彩的装饰风格。纵观中国传统艺术发展的历史长河，在色彩表现上呈现出明显的装饰风格。原始社会的彩陶艺术首先向世人展示了色彩的装饰性，如在甘肃出土的半山形的陶罐上，彩色的花纹运用墨色和红色绘制，红与黑单纯的对比关系使陶器纹样极具装饰感。再有描金的汉代彩绘漆器，色釉鲜艳、斑驳淋漓的唐三彩雕塑，敦煌莫高窟中明快、浓重、热烈的重彩壁画，秀丽工整的宋人花鸟，也在向世人展示装饰色彩的丰富多样和无穷魅力。最值得一提的是中国民族、民间文化艺术，年画、剪纸、皮影、刺绣、蜡染、泥人，还有风筝、脸谱、面具等夸张而强烈的色彩，更是构成应有尽有的装饰色彩的画廊。
“五色”说在中国古代根深蒂固，传统用色在遵循五色原则的基础上，诉诸视觉愉悦的美感。如在汉马王堆汉墓中出土的帛画中，对天上人间、冥界各种景物形象予以朱红、紫、黑、白等不同颜色，但注重面积、呼应、穿插、点缀，使画面的色彩效果丰富无比。在中国传统的配色方法中，高艳度，强对比是常用的配色方法。在中国传统民间美术作品中，我们就常可以看到红和绿、黄和紫等强烈的颜色对比。唐代宫女中流行由红、绿相间条纹的长裙，而明代正绿色为“大红官绿”，是常与红色相配而得名的。在著名的年画之乡山东潍坊有这样的说法：“紫是骨头，绿是筋，配上红黄色更新。”然而色彩的装饰效果，并不完全是对比强烈的原色之间的对比，直接在生产实践中使用色彩的劳动者，在大自然的启示下运用微妙而丰富多变的色彩装饰自己的生活，又是那么富有诗意。人们在实践中总结出许多装饰色彩的运用规律。民间木版年画中有许多画诀可以了解其装饰用色的原理与方法：“红靠黄亮堂堂”，红黄相间显得明耀华丽;“要想俏，带点孝”，是指在五颜六色的聚闹中，加一些微妙的灰色，在强烈色彩对比中达到反衬效果。这些用色法则的灵活运用，使同样的色彩可以有不同的装饰处理手法与效果。如山东木版年画中“门神”粗犷威武的形象配以红、黄、绿、紫等间隔起事的色块，形成喜庆热烈的气氛又有驱邪镇恶的表述;而苏州桃花坞木版年画中的同样题材，则用大块中间夹套小块对比色的办法，显示出江南水乡的明快秀丽，富有吉祥的气氛。
综上所述，中国传统色彩艺术告诉我们其运用上的表意性和象征性特征，在处理法则上程式化的理念，又向世人展示了强烈的装饰性风格，这些内在的结构共同形成了中国色彩艺术浩瀚精深的特点。我们研究它，分析它，让它更好地指导我们的艺术创作。
参考文献：
[1]富金壁.儒学十三经[M].北方文艺出版社，1997，5.
关键词：多元文化;民族声乐艺术;审美内涵
我国的民族声乐艺术是中国传统音乐文化的重要组成部分，在社会不断发展，时代不断革新的背景下，中国民族声乐艺术也随之改革，融入了多元文化，实现了民族声乐艺术的可持续发展。民族声乐艺术代表了整个民族的精神气质，是国家文化形式的充分体现，具备了独特的审美内涵。在多元文化的冲击和融合下，我国的民族声乐艺术顺应时展的潮流，与不同的文化艺术相互借鉴和吸收，呈现出多样化的发展模式。为推动民族声乐艺术的创新发展，需要充分了解其具备的审美内涵。本文对多元文化视域下民族声乐艺术的审美内涵展开探讨，旨在为同行提供参考。
一、民族声乐艺术的概述
民族声乐艺术在发展过程中受历史、经济、文化等因素的影响，不同于其他的艺术表现形式，呈现出独特的艺术魅力。民族声乐艺术来源于民间，深受广大民众的喜爱，其中最具特色的民族声乐艺术是民间歌曲、曲艺说唱、歌剧唱法等。随着时代的推移，历代的民族声乐艺术工作者逐渐探索出一套相对完整的民族声乐体系。民族声乐主要体现为受当下时代文化内涵的影响，对传统音乐形式的进行革新，使其满足民众的审美价值观的一种艺术形式。民族声乐唱法实际上是现代民族声乐唱法，在传统音乐基础上吸收了民歌特色，结合西洋唱腔所创造出的具有中国特色的艺术表现形式。民族声乐艺术融合了丰富的音乐形式，具备多重音乐元素，是中国审美文化的重要体现。民族声乐艺术具备的独特内涵为听众带来了别样的听觉享受。
二、多元文化视域下民族声乐的艺术特征
多元文化视域下民族声乐具有民族性、多样性和创新性的艺术特征。其中民族性主要表现为在历史的长河中，中国各民族的文化艺术交流频繁，相互之间借鉴吸收，促使我国民族的声乐艺术具备民族性的艺术特征。在多元文化视域下，相互融合的民族声乐艺术具备统一的情感美学标准，在吐字、润腔等方面具有“字正腔圆”的特点，因此，民族性是民族声乐所具备的鲜明艺术特征。中国历史悠久，各民族所处的地理环境和产生的文化内涵具有较大的差异性，这为多样化的民族声乐艺术特征做了铺垫。多元文化视域下，民族声乐中的江南小调、蒙古长调、青海花儿等艺术表现形式共存，充分展现了民族声乐多样化的艺术特征。在多元文化视域下，中国民族声乐基于传统的声乐艺术，吸收了西洋唱法的精髓，立足于本民族艺术的发展规律下，进行了大胆的革新，使得传统民族声乐曲目更加丰富，突显创新性的特质。
三、多元文化视域下民族声乐艺术的审美内涵
1.融合多元文化，实现艺术创新通过多元文化的融合，我国的民族声乐艺术与西方音乐进行了交流借鉴，实现了艺术的创新，彰显出民族声乐艺术多样化的审美内涵。中国民族声乐艺术在发展的过程中，受西洋声乐唱腔的影响较早，也出现过“土洋之争”的情况。随着时代的进步和社会的发展，民族声乐通过融合多元的文化，实现了艺术形式的创新，主要体现在声乐方法和技巧方面。中国民族声乐艺术立足于传统的声乐形式，重视吐字咬字、行腔润腔、真假声转换等曲艺唱法，通过正确认识西方艺术与东方艺术之间的差异，吸收和学习西洋声乐唱法的演唱技巧，取其精华，，在创新和发展的过程中形成具有中国特色的民族声乐艺术，也充分彰显出具有多元特征的中国民族声乐艺术。当前我国的民族声乐艺术面临着机遇和挑战，挑战在于民族声乐在演唱时具备浓厚的中国地域特征，吸收外来声乐文化具有一定难度，机遇在于社会经济和文化实现全球化的发展，在多元文化的交融过程中，中国民族声乐艺术具有走出国门的机会，因此，为促进我国民族声乐艺术的全面发展，需要把握住机会，勇于接受西方声乐艺术的冲击，逐渐吸取西洋唱法中的精髓内容，创新民族声乐的演唱模式，打造出具有民族性、时代性和创新性的民族声乐艺术。在多元文化视域下，通过融合多元文化，实现艺术创新，继承和发扬传统的声乐演唱形式，通过结合新的时代审美取向，不断探索出巧妙的演唱技巧，丰富表演形式，促使民族声乐艺术朝时代化、艺术化、群众化的方向发展。在统一民族声乐艺术风格的基础上，实现多元文化的相互包容，不断挖掘出多元文化的审美内涵。通过观察我国民族声乐艺术的发展阶段可知，我国的民族声乐在历史的长河中，通过不断的实践创造和内涵创新，展现出具有中国民族特色的声乐艺术作品。例如：《夫妻识字》、《白毛女》、《江姐》等。中国民族声乐艺术在不断融合多元文化并进行实践创新的基础下，发现了咬字不清、喉头不稳等声乐演唱技巧的问题，并结合西洋唱法的发声技巧，有效解决传统民族声乐唱法中的问题。民族声乐表演艺术家们在探索和创新的过程中，不断融入多元文化，有效的拓宽了中国声乐艺术的发展道路。2.时代主题鲜明，突显艺术个性在多元文化视域下，民族声乐艺术被赋予了时代的烙印，并且具有鲜明时代主题的审美内涵。艺术作品充分反映了当代社会的真实情境，是民众表达内心想法的一种形式。因此，中国民族声乐艺术在时代的变迁中通过时代主题突显出艺术的个性。随着社会的发展，我国的民族声乐艺术也不断创新发展，在演唱方式和语言特点中展现出了鲜明的时代主题。根据中国民族声乐的时展背景来看，时期的《我住长江头》，时期的《延安颂》，之后的《草原上升起不落的太阳》，改革开放后的《走进新时代》等民族声乐艺术作品充分反映了当时的时代特征。民族声乐作品的创造体现了鲜明的时代主题的同时还突显了艺术的个性，基于当时民众的真实需求，在声乐作品的创作过程中包含了不同时期的曲式特点、声乐词汇和色彩。随着时代的进步，我国的民族声乐艺术融合了多样化的文化，在声乐艺术的演唱方法上做出了较大的个性。基于中国传统的民族声乐艺术，融入鲜明的时代特征，在多元文化视域下，实现了我国民族声乐艺术的繁荣发展。时代主题鲜明表现为民族声乐艺术家在进行作品创作时明确人民群众的生活需求，展现人民群众的真实生活，在当时的时代背景下，创作出具有强烈民族艺术的声乐艺术作品。为突显民族声乐艺术的个性，在传统声乐语言元素的基础上，融入多元化的艺术表现形式，结合当时的时代背景进行声乐艺术创新。多年来，中国民族声乐艺术在多元文化的融合下，依然根植于传统的民族文化，在时代的不断变迁下，展现具有中国特色的艺术个性，突显具有民族特征的审美内涵。在多元文化视域下，中国民族声乐艺术结合当时的时代背景，丰富艺术元素，实现民族声乐艺术的传承和发扬。在多元文化视域下，中国民族声乐艺术的表现形式逐渐丰富多彩，随着西方国家摇滚乐、乡村音乐等声乐演唱风格和形式的融入中国，在相互交流和借鉴的情况下，形成了具有独特审美内涵的新民族声乐作品。3.民族特色浓郁，展现本源文化中国是一个多民族国家，随着文化艺术的不断传承和融合，形成了独特的民族声乐艺术，并具备浓郁民族特色和展现本源文化的审美内涵。民族声乐艺术在近百年的发展历程中，立足于本民族的民间音乐，吸取民间音乐的特点，并将口头性的民歌改变为民族声乐艺术作品，突显浓厚的中华民族特色。民族声乐艺术作品在演唱风格上重视民族性特色，通过民族声乐艺术家的传承和创新，向世界展现出具有本源文化的声乐艺术。例如：《小白菜》改编自河北民歌的旋律和调式；《走西口》改编自山西民歌。将民族曲调作为基础改编的声乐艺术作品，充分展现了中华民族的文化内涵，将民族精神传递给广大听众。中国民族声乐艺术在发展过程中根植于民族文化艺术的沃土，从多元文化视域出发，民族声乐艺术仍然体现了强烈的民族色彩，基于本源文化，在继承和弘扬传统民族声乐艺术的过程中借鉴了我国的戏曲音乐文化，吸收传统戏曲的音乐元素，在节奏、韵律等方面相互交融，逐渐展现民族声乐演唱的独特审美内涵。本源文化是文化的源头，当文化经过时间的变革和创新时，通过本源文化仍能找到其发展的起始和脉络。艺术是文化的一种表现形式，艺术的融合发展离不开文化。民族声乐艺术根植于本源文化，通过本源文化对声乐艺术的形式、内容产生深远的影响。在多元文化视域下，中国民族声乐艺术具有展现本源文化的审美内涵，并将中国传统音乐文化作为本源文化，融合多元化的艺术特征，借鉴西方唱法的演唱技巧，逐渐创新民族声乐艺术，体现最具中国特色的民族声乐艺术。不同时期的民族声乐艺术呈现出不同的多元特质，在多元文化的基础上，中国民族声乐艺术重视本源文化，结合民族特色，不断把握民族声乐艺术的发展脉络。通过近百年的探索，民族声乐艺术得到了快速的发展。中国民族声乐艺术在多元文化视域下，扎根于本源文化，将浓郁的民族特色发扬光大。
四、结语
在历史的长河中，各类文化艺术不断的涌现和发展，民族声乐艺术作为其中的重要组成部分浓缩了中国特色的民族文化，展现出深厚的审美内涵。随着时代的进步，社会的发展，多元文化融入中国民族声乐艺术中，为迎合现代审美需求，在发展过程中立足于传统的音乐艺术，勇于接纳多元文化，将民族声乐艺术独特的审美意识延续下去。
参考文献：
[1]李优.浅谈多元文化视域下中国民族声乐的文化内涵与审美取向[J].乐府新声（沈阳音乐学院学报）,2015(4).
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[3]杨杰.当代我国民族声乐艺术主要美学特征探析[J].华章,2011(6).
关键词：产品设计；剪纸艺术；传承；创新
近年来我国传统文化和艺术形式以独特的艺术魅力和丰富的人文底蕴吸引了国内外众多艺术家、设计师以及普通民众的关注，并在全球范围内掀起了“中国风”热潮。这股热潮对于加快我国从“中国制造”到“中国设计”的转型无疑是难得的契机，而如何将我国传统文化与艺术形式有机融入产品设计，形成富有民族个性的设计风格则是把握这一契机的关键。剪纸艺术是我国典型的传统艺术形式，具有独特的艺术个性和醇厚的民俗文化气息，它在产品设计中应用、创新的方式、方法具有较高的借鉴意义。
1 剪纸的艺术与文化特征
剪纸又称刻纸、窗花等，是一种镂空艺术，因材料低廉、制作简便以及具备较强的装饰性、适应性等原因，在我国民间尤其是农村地区广泛流传且经久不衰。剪纸的主要创作群体是农村家庭妇女，她们以群体特有的方式表达了处于社会底层的人们对现实生活的感悟和对美好生活的憧憬等。剪纸作品的题材贴近生活，表现形式随心所欲但又通俗易懂，朴实之中透射出群众的智慧，形成了与传统宫廷、文人艺术截然不同的艺术个性与文化特征。
1.1 剪纸的艺术特征
剪纸在我国分布很广，大致可以分为南北两种风格，两者在差异之外又表现出较大的共性，具有诸多相似的艺术特征。
（1）色彩特征。由于材料、制作工艺等方面原因，剪纸艺术难以运用色彩渐变、明暗对比等表现手法，所以剪纸作品以单色为主，同时剪纸作品以寓意美好、喜庆吉祥的题材为主，所以在色彩上偏爱红、黄等暖色系。部分彩色剪纸则大胆地选用对比色，通过冷、暖色系在视觉上与心理上的强烈刺激营造或增强喜庆、热闹的氛围，具有民间艺术的典型配色特征。
（2）构图特征。因剪纸不善于表现多层次的色彩、明暗，对物象的体积、场景的纵深等空间感的体现也比较困难。所以创作者往往打破时间、空间以及比例关系的限制，依据各人的生活经历、创作经验和艺术天性将真实世界的复杂形体以抽象、夸张的形态放置到二维平面上，通过形象的主次、虚实、疏密、聚散以及对称、均衡等形式法则构建美妙的节奏和韵律，增强形象的感染力，形成了独特的构图形式。
（3）造型特征。与西方传统追求写实的艺术风格相反，我国传统艺术在造型上往往不求形似但求神似，所谓“意到笔不到”，注重对物象神韵的传达。剪纸艺术因不善于写实性地表现创作对象，所以更为注重对其神韵的传达。为了实现这一目的，剪纸艺术往往会对素材进行由表及里的抽象化处理，以轮廓作为基本造型骨架，以装饰化的点、线、面作为基本造型语言，以夸张、变形、抽象等作为基本造型手段，形成独特的造型手法。
概括而言，传统剪纸色彩靓丽、喜庆，构图看似随意却符合对比、均衡、平衡等形式法则，造型抽象、夸张却善于表现物象神韵和美好寓意，是一种单纯质朴的民间艺术。
1.2 剪纸的文化特征
剪纸在历史发展过程中并非单纯地以艺术形式存在。剪纸产生于物资匮乏、科技落后的农耕社会，当时的民众遭遇天灾、人祸以及病痛等无法理解或解决的问题时往往求助于神灵，剪纸就是占卜、祭祀、祈福甚至诅咒活动中的重要道具之一。因此从起源来看剪纸兼备一定的社会功能和实用功能，是我国古代神秘文化的组成部分。随着社会的发展，剪纸的神秘意味逐渐褪去，实用性增强，装饰性、艺术性不断提升，题材类型、表现形式、造型语言以及制作技艺等日渐成熟，在人们生活中的应用也越来越广泛和频繁。剪纸在用于祭祀、祈福或装点生活的同时，也承载了创作者本人或他人的沉重情感和美好愿景，使得不同时期、不同地区和不同民族的剪纸呈现出不同的精神状态和社会风貌。总体而言，剪纸以表现幸福生活或期待美好未来的纳吉祝福、惩恶扬善等题材为主，以象征、谐音、暗喻等方式创作出寓意美好的作品，在我国的吉祥文化中独树一帜。简而言之，从文化角度来看剪纸艺术是我国古代神秘文化和吉祥文化的组成部分，也是一种与民间习俗关系密切、具有浓厚乡土气息的民俗文化。
2 剪纸艺术在产品设计中的应用
产品设计对剪纸艺术的应用必须在理解和尊重的基础上，结合当前社会的经济、文化、科技以及设计理念和表现手法等，从传承和创新两个层面应用其艺术特征和文化内涵，使产品既能满足人们的多元化需求，同时也成为延续和发展剪纸艺术的媒介之一。
2.1 传承性应用――以符号化的形式语言、表现手法以及制作技艺等传承剪纸的艺术和文化特征
剪纸艺术的色彩、构图、造型等是现代设计的重要素材，但对它们的应用不能停留在简单的复制、沿用层面，而必须将剪纸独有的艺术、文化特征转化为具有代表性和典型性的符号化元素，比如形式语言、表现手法以及制作技艺等加以应用，才能传达出剪纸特有的艺术韵味和文化内涵。图1 展示的书立设计就较为综合地运用了剪纸的符号化元素：在色彩上采用了传统剪纸作品最具代表性的喜庆色――红色；在构图上主要以虚实、大小、高矮对比以及对称、均衡等剪纸最常用的构图形式；在造型上则采用夸张和变形等典型手法，虽然在细节和比例上并未完全忠实于原建筑，但由于突出强化了原型建筑最具个性的造型特征，因此很容易辨认。这一系列书立的设计者并非简单地使用剪纸的某种色彩、图案或造型，而是将剪纸艺术的配色、构图和造型一般规律转化为符号化视觉语言，较好地体现剪纸的独特艺术魅力，其不足之处在于未能表现剪纸的文化特征。
图1 剪纸风格的书立设计传统剪纸是一种民俗文化意味浓厚的民间艺术，其创作题材大都是老百姓耳熟能详或喜闻乐见的人、物、事以及乡野传说、神怪形象等，剪纸艺术天然的乡土气息有相当一部分源于题材本身，设计师同样可以采取类似的方式将剪纸的文化特征符号化。知名设计师刘传凯“城市・微风”系列作品中的“上海”就以剪纸艺术为媒介，将外滩、黄埔江以及浦东标志性建筑等人们所熟悉的上海景观微缩于一把小小的折扇当中（如图2）。历经沧桑的外滩、黄埔江与意气风发的现代高楼相映成辉，传统与现代交错，历史与未来穿梭，令人产生恍若隔世的心理体验，也赋予了作品浓厚的人文情怀，体现了上海独特的城市文脉。这一设计是对剪纸艺术和文化特征符号化运用较为成功的案例。
图2 刘传凯“城市・微风”系列作品――“上海”2.2 创新性应用――基于现代社会创新剪纸的艺术、文化特征、应用领域以及表现手法等
新旧更替是历史发展的必然趋势，传统艺术只有与先进经济、文化、科技、理念等因素相互融合才有可能在现代社会中传承下去，产品设计对剪纸艺术的应用也必须结合这些因素不断创新。
（1）创新剪纸的艺术、文化特征
图3 创意团队THEN
的U盘设计剪纸作为主要流传于民间的艺术形式，往往给人乡土气息浓厚但雅致不足的感觉。在设计应用中，可以利用现代表现形式或通过更换材质、融入现代设计理念等方式来转变这一固有印象，赋予其时尚、雅致的新风貌。如上海创意团队THEN将窗花造型特征融入U盘设计（如图3），借以表达对春天、对希望的期盼，也体现了对传统艺术的敬意。但他们在设计表现上并不拘泥于传统样式，同样是点、线、面等造型元素的运用，THEN团队显然更倾向于现代西化的表现形式，使产品具备剪纸传统艺术韵味的同时更富现代感和设计感。此外，该产品选用紫光檀红木作为主体材料，利用红木的尊贵地位提升产品的品质感和附加价值，满足消费者体现个人身份、生活品味的内在需求。该设计中还引入了现代绿色设计理念，第一期的产品计划利用红木家具厂废弃的边角材料进行生产，减少对这一稀有材料的浪费。该设计利用现代设计表现形式充分体现了剪纸的传统艺术特征，并融入现代科技、设计理念等元素，为剪纸艺术增添了典雅的气质和时尚的色彩。
（2）创新剪纸艺术的应用领域
对于剪纸艺术的应用还必须打破惯性思维的壁垒，拓宽应用领域。由于剪纸的主要材料是平面纸张，所以对剪纸的设计应用往往也习惯性地局限在二维平面之中，即使在产品设计也同样如此。但事实上剪纸艺术完全能够以各种方式运用到三维空间中去，比如设计师Yoann Henry Yvon的一组名为“SIMPLE”的创意家具（如图4）通过巧妙的剪切将平面材料转换为家具，其灵感就来源于剪纸艺术中图与底的对应关系以及剪纸的制作技艺。而2010年上海世博会中的波兰馆则将剪纸艺术拓展到建筑设计领域，不但馆体大量使用了剪纸造型，而且利用不同色调、不同角度的光线营造出梦幻般的场景，给人留下了深刻印象。
图4 设计师Yoann Yenry Yvon
的“SIMPLE” 系列创意家具
图5 时尚产品星空投影灯
（3）发掘剪纸艺术中被忽视的元素
剪纸艺术中尚有不少具有较高应用价值的表现手段、文化内涵以及题材内容等未受重视，需要进一步发掘并加以应用。比如人们欣赏剪纸艺术时往往停留于作品本身，却忽视了作品在光线照射下所产生的投影效果。事实上光影投射也是剪纸艺术的表现手段之一，甚至能够产生比剪纸作品本身更富吸引力的奇妙影像，传统走马灯就很好地利用了这一点。现代高度发达的灯光技术足以令投影效果更加绚丽、玄妙，能够营造出不同的氛围或意境，运用得当将会成为设计中的神来之笔。近年来出现的时尚产品星空投影灯就借鉴了这一方式，将星星、月亮以及其他图案投射到室内空间，通过旋转、变换灯光色彩、明暗等方式营造出奇幻、浪漫的氛围，深受儿童及年轻人的喜爱（如图5）；而投影钟则将时间投射到建筑或物体表面，消除了普通时钟的体积感，产生与众不同的时空感。这些产品不仅将剪纸艺术的设计应用从二维平面拓展到三维空间，而且发掘出剪纸艺术中未受重视的表现手法，结合现代科技进行创新性应用，丰富了剪纸艺术在产品设计中的应用方式。
3 传统艺术应用于产品设计的方式
综上所述剪纸艺术应用于产品设计的方式、方法很多，直观地利用图案、造型等固然可以给产品加上剪纸艺术的某些外在形式特征，但未必能够体现其内在艺术韵味和文化底蕴。要做到这一点就必须深入了解剪纸艺术，把握其艺术个性、文化特征以及创作技巧、制作工艺等，为传承性或创新性的设计应用创造条件。在设计应用过程中则应根据不同的侧重点采取不同的方式、方法：传承性应用需将剪纸的艺术、文化特征等凝练为具有代表性和典型性的符号化形式语言、表现手法以及制作技艺等加以应用，以体现剪纸的传统艺术、文化特征为主；创新性应用则需结合当前经济、文化、科技以及设计理念、表现手法等现代因素，打破惯性思维的壁垒，不断发掘、创新剪纸的艺术个性、文化内涵以及应用领域等，赋予剪纸现代、时尚、高雅等新的时代特征和人文内涵，以创新发展剪纸艺术为重心。
我国的传统艺术丰富多彩，其艺术特征、文化底蕴等各具特色，应用于产品设计的具体方式、方法也不尽相同，但基本思路是相通的：即在深入了解传统艺术的基础上，根据传承和创新的不同侧重点采取不同的方式、方法加以应用，提升产品的文化内涵和设计品质，进而形成具有民族特色的“中国设计”。
参考文献：
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[3]许之敏.民间剪纸[M].北京：中国轻工业出版社，2005.
[4]凌继尧，徐恒醇.艺术设计学[M].上海：上海人民出版社，2001.
（一）数字媒体艺术的审美体验更加大众化
在传统艺术创作中，创作者主要是具有一定艺术水准的专业人士，这些文化水平较高的创作者给普通民众带来一种神秘感和距离感，传统艺术作品不够贴近普通民众的生活，给普通民众传达了一种只有欣赏水平高的人才能欣赏艺术作品的审美体验。随着科技的进步和数字化技术的不断发展，数字媒体艺术为普通大众提供了更多欣赏艺术作品的机会，简单易操作的数字媒体技术为普通民众进行艺术创作提供了强有力的支持，大众化的创作模式和大众化的审美特点使得数字媒体艺术更加贴近人们生活，更加大众化，促进了艺术作品发展的多样化，丰富了大众的审美体验。
（二）数字媒体艺术具有开放性的美感
数字媒体艺术的创作过程与传统艺术相比具有非常大的开放性，在传统艺术中创作者所创作的作品具有完整性，创作的终结也意味着作品的完成，而数字媒体艺术可以进行复制和删改，除创作者之外的观赏者可以根据自己的喜好对艺术作品进行重新修改和再创作。数字媒体艺术作品可以根据不同作者的不同创作思路进行修改，数字媒体艺术会随着科技的发展而不断发展，不断丰富自身的艺术意蕴，满足人们更高层次的审美体验和审美需求，推动现代艺术的发展。
（三）数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征
不同于传统艺术的逻辑性审美特征，数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征，数字媒体艺术的发展改变了人们的审美逻辑。创作者可以尽情构思使用非逻辑性思维进行天马行空的创作，在创作中运用了较多倒叙、跳接、反转等技术，因此人们欣赏数字媒体艺术作品时，不能仅凭借惯有的逻辑思维进行赏析，而是应该从现代人的思维和创作者的创作意图角度进行艺术赏析，从而获得更丰富的审美体验。
（四）数字媒体艺术具有超现实的审美体验
数字媒体艺术的发展依托于数字化技术，传统艺术创作是以现实中的事物为原型进行再加工和创作，因科学技术水平有限，传统艺术创作灵感来源于现实生活，数字媒体艺术与传统艺术相比，具有超现实的审美体验。数字媒体艺术中展现的恐龙、生化危机、外星人等题材具有超现实性，数字媒体艺术可以运用多种现代技术进行声音和图像的模拟，能给观赏者带来极强的感官冲击和震撼的视听效果，丰富了人们的审美体验。
二、总结
1源于民间生活———朴素美
诞生于两千年前西汉的皮影戏，是一种用灯光照射兽皮或纸板做成的人物剪影以表演故事的民间艺术形态，主要使用红、黄、青、绿、黑等五种纯色，它是中国汉族民间的一门古老传统艺术，具有较强的中国传统特色，简洁、朴实地反映民间生活。民间艺术源于生活，所以生活美是民间艺术的基本特征，是民间艺术的审美之源。
2传统的造型———形态美
形态是艺术表现与存在的重要因素，艺术造型具有典型性和形象性的特征，造型是民间艺术形式美的基础。民间艺术作为民间文化观念和意识形态的物化形态，代表着大众的审美习性，它具有很强的装饰性，是按照民间艺术特有的形式美法则的逻辑去造型。所以民间艺术在审美形式上也表现出其特殊的形式美，这种形式美主要体现在其造型和色彩上，如年画、剪纸、泥塑、民间木雕等，它们在造型上都具有很形象的模拟性和传统性，在色彩上多运用红、黄、青、黑、白五行色，由于民间文化观念的意识形态的传承性和稳定性，所以不同品类的民间艺术遵循着共同的创作审美的一般规律，这是民间艺术形式美的基础。我国民间艺术种类繁多，在其渊源流传的过程中逐渐形成了自己的风格体系，通常采用表现我国传统审美习性，民间艺术在色彩上与造型一样受民间文化观念的影响，阴阳五行是中国特有的宇宙时空观念，因此主要以阴阳五行为基础的观念色彩体系，红、黄、青、黑、白五行色成为民间艺术的基本色彩；在造型上多采用梅花、莲花、寿桃、仙鹤、公鸡、鲤鱼、飞龙等吉祥物做造型原本，这些都成为民间文化的观念性造型符号，它蕴含着人们的内心理想与审美愿望。如作品《福寿图》是一幅典型的祝福性年画，图中老寿星手持挂着装有长寿仙丹葫芦的手杖，跟着两个捧着大寿桃的仙童，面带祥和的笑容，其艺术造型体现了民间艺术特殊的形式美。在民间艺术中多子的石榴、葫芦、南瓜、葡萄等常看作多子多孙的象征。这就是中国本原哲学观及其观物取向所决定的艺术形态，是中国民间艺术造型的基本特征，也是民间艺术特殊的形式美。
3服务于大众———实用性
民间艺术的形式虽然相对简单，但简单中又不失其实用性，实用性是民间艺术的基本特性，它也是民间艺术生存和发展的重要原因之一，因为人们创作民间艺术的初衷也正是为了更好地服务于生活，所以还是比较强调其自身的实用性的。民间艺术的实用性是大众的，它虽然具有普遍性的特征，但有些也具有一定的层次性和针对性，不同的艺术品产生于不同的生活环境，它的产生受到人们的生活习性和信仰的影响，不同的生活群体形成了形态各异的民间艺术，它自然也服务于不同的生活群体，在一定的空间内具有普遍性。民间艺术的实用性不仅体现在物质方面，它也是人们精神的需求。当时的劳动人民在进行相关物质基础上的艺术创造的时候，也是为了处于一个实用性的考虑，人民为了在劳动时能够更好地省时、省力而去对那些原本就已经存在的劳动工具进行一个相关的技术上的或者是外形上的一个改良，这不仅使它在外观上更具有美观的特征，也使这些工具在使用上更加顺手了。随着人们审美需求的发展，产生了一些脱胎于民间现实物品的纯艺术品，这是人们审美创造的创新与发展，它具有着满足人们审美心理需求的实用性。不管是什么形态下的民间艺术，它们都可以算得上是民间艺术的一种瑰宝，既有助于劳动人民更加省时省力地去完成各种农业活动，又能满足人们对其审美外观上的需要。
4精湛的技艺———工艺美
一件物品之所以能够被称为艺术品，不是因为它的材质的优劣或造型的独特，而最为重要的是在它形成中凝聚着精湛的技艺，精湛技艺是艺术存在的基础。民间艺术虽具有着朴实、简洁的美感，但它也蕴含着那些民间艺人的技艺精华，而这种技艺不仅体现在物质形态方面，也体现在精神内涵方面。今天很多民间艺术被列为国家非物质文化遗产，非物质文化遗产的评定标准并不是这些物质层面的载体和呈现形式，而是蕴藏在这些物化形式背后的精湛的技艺、独到的思维方式以及丰富的精神蕴涵等非物质形态的内容。民间艺术的物质载体是特有的民间技艺手段，如民间微型雕刻工艺———核雕，在桃核、杏核、橄榄核等果核上表现出复杂的题材，雕刻手法细致入微。如《清秘藏》记载明代宣德年间夏白眼于橄榄核上刻神态各异的十六个娃娃；明人魏学糎作《核舟记》所述明代核雕艺人所作核舟———东坡赤壁游等，栩栩如生、技艺惊人。民间艺术的工艺美体现手工制作的审美价值，它是技术性、艺术性和审美性的完美统一。由此可见工艺美是民间艺术的基本特性，也是其审美价值的重要体现，它使民间艺术充满了活力和魅力。总之，民间艺术产生于大众生活之中，有着自身独特的造型体系和审美价值，其特征因每个民族的文化与环境的差异而各有不同。中国民间艺术会随时展而发展，在当今文化相互交融的影响下所产生的新的民间艺术会以新的材料和艺术形态出现，只有根植于民族文化的民间艺术，才能体现出民族文化本色，理解民间艺术的审美渊源，使中国的民族民间文化更好地传承下去。
作者：陈平单位：枣庄市妇女儿童活动中心
一、前期意象艺术表现
闻一多的诗歌艺术表现兼多种诗风于一体,具有丰富的艺术内涵。从闻一多个人方面上来说,他本身一方面承接着“五四”时期诗歌的探索精神,在诗歌创作上力求寻找丰富的创新资源,另一方面又对“五四”时期诗歌脱离传统文化、盲目西化的现象进行深刻的反思,希望能够从西方文化中吸取新型的创作能源,促进诗歌的进一步发展。在“五四”时期,闻一多就接触过多种文艺新思潮的影响,在诗歌创作上非常重视意象艺术的表现手法,这不仅是因为意象艺术富有提示性、暗示性,且还具有丰富的含蓄性与表达性,具有“言有尽而意无穷”的表达效果,这对于诗歌的表达能力具有重要的作用。
此外,闻一多不仅在诗歌理念上重视意象艺术的表现效果,而且在诗歌创作中更具有鲜明的意象艺术体现。例如,在闻一多的《雨夜》一诗中则具有很好的说明。这首诗歌的主旨是展示作者失眠的情景,表达了作者对生存的基本态度。在诗歌的创作上,作者从多方面角度展示了意象艺术的表现效果,如诗中的“一阵狂风还喊来要捉那软弱的树枝,树枝拼命地扭来扭去,但是无法躲避风的爪子”,作者将狂风、树枝进行意象艺术的创作,从自然景物中抒发了作者的人生感受。借助自然风霜表达现实人生的感怀,这是中国古典诗歌的一种传统,闻一多通过诗歌创作在自然形象中寻找了自我生存的映照,从而赋予了诗歌丰富的寓意。再比如,闻一多的另一首较为早期的诗歌作品《孤雁》,诗歌中作者创造了一种独特的“孤雁”意象,将诗歌艺术表现的淋漓尽致,完整地表现了作者当时孤独无助的人生境遇,诗歌的总体表现都从一定程度上突出了意象艺术的象征性和含蓄性,与中国古代艺术诗歌进行了一定的沟通与联系。
二、后期意象艺术表现
“”后期,闻一多的诗歌表现效果在中国传统诗歌的基础上进行了一定的转型。随着西方文化的不断引进,闻一多希望在保持本地诗歌色彩的前提下,尽量地吸收西方文化的优势,通过采用中西结合的方式创作出更具意象艺术的诗歌。在此期间,闻一多又批评一些盲目仿照西方文化的诗歌创作,他偏重于人们应对西方文化采取“取之精华,弃其糟粕”的学习理念。同时,在学习新知识时,诗歌创作者应恢复对传统文化的信仰,重新审视传统的理性意识。在后期的诗歌意象艺术表现形式上,闻一多的理论思考不仅是其自身的诗歌创作观点的表现,也是诗歌发展的一种趋势,其中闻一多后期的诗歌创作主要是围绕一个中心店、两个本体进行展开的,他企图通过听觉和视觉上的感受来表现诗歌整体的美感。
闻一多的诗歌创作道路,从一定程度上反映了他从传统的中国古典诗歌文化出发,并且逐步走向现代化的艺术创作道路的过程。从闻一多诗歌意象艺术的嬗变过程来看,我们可以发现闻一多的诗歌创作特征是从意象传统出发,再逐步突破意象传统的创作理念,用西方文化的意象艺术手法加强中国传统诗歌的表现效果,最终构建意象艺术的诗歌体系。闻一多的《死水》中的诗篇正好反映了作者创作思维、理念的变化,可以从该诗篇中明显地看出诗歌意象艺术以及色彩的变化,此外作者将诗集命名为《死水》也正是用这部诗集来表现作者的情感态度。从资料上可以看出,闻一多是1925年7月从美国留学回国的,而收集在《死水》中的诗篇除了几首诗歌以外,其余的都是作者回国后创作的作品。留学回国后,作者的心境发生了一定的变化,通过对外国文化的接触与认识,作者对传统文化有了深刻的理解。此外,除了学习文化知识,作者在异国他乡也时常会受到他人的压迫与歧视,亲身经历的生活体验加强了作者的民族屈辱感,从而使作者对于西方文化有了双重的矛盾态度,这种复杂的心理造成作者在不同时期有着不同的思想感受,从而孕育出不同的创作灵感,而《死水》正是作者在回国后的现实生活中创作出来的艺术作品,对意象的表现效果进行了系统的联系,其中包含了诗人复杂的情感,是作者创作诗歌理念的一大转变。 三、对近代诗歌发展的影响
闻一多意象艺术特征的转变,对于中国现代诗歌也有着一定的影响与意义。首先,闻一多在很早的时期就将意象艺术的表现手法引进我国诗歌的创作发展历程中,扩大了我国诗歌的创作领域,对我国诗歌的发展产生了至关重要的作用。例如,在我国诗歌发展的初期阶段,诗歌创作主要以写实为主,呈现出了一种直白、浅显的诗歌效果,使诗歌失去了足够的诗寓,抑制了我国诗歌的发展,而那时期的闻一多则凭借自己的诗歌艺术直觉较早地将意象艺术引进诗歌创作领域,突破了初期诗歌写实的困惑,增强了诗歌的审美价值,在一定程度上提升了诗歌的艺术品位。
其次,闻一多在诗歌的创作历程中,汲取多方面的文化艺术理念,并且借鉴优秀的文化思想,融合西方文化艺术,为我国诗歌的发展提供了一定的创作空间。例如,闻一多摒弃西方诗歌文化的感伤、颓废的艺术内涵,而从艺术的表现效果上对西方文化的意象艺术进行一定的改造,实现了对现代诗歌的契合,创造了具有特色的诗歌道路。
此外,充分认识闻一多诗歌意象艺术的嬗变特征,也有利于现代诗歌创作者突破传统的闻一多诗歌创作理念。通过对闻一多的诗歌进行深层次的研究与评价,人们可以发现具传统文化与西方文化的艺术作品,有利于现代人更好地把握闻一多诗歌艺术的丰富内涵,,加深对艺术诗歌的认识与理解。
关键词： 造像风格；形式特征；社会属性；文化内涵
中图分类号：TU998 文献标识码：A文章编号：1006-4311（2012）16-0067-02
0引言
道教活动及其思想造型化的建筑、雕塑、绘画、书法和工艺美术产生和发展于中国。道教渊源于中国原始社会的巫术、战国至秦汉时代的神仙方术和黄老学说，形成于东汉张陵时，以后与儒学、佛教长期斗争和融汇而发展，在中国思想史和宗教史上有着重要的地位。道教美术主要是将道、气、虚、实、天、地、阴、阳等道教观念引入和渗透于世俗美术中，以世俗美术中的道教因素为特征。
1道教雕塑造像艺术所形成的历史渊源
道教美术是体现道教教义，反映神鬼思想和道士修道生活内容的美术作品，一般分为道家思想的壁画、墓室石刻，道教庙宇中的道教始祖、神仙鬼怪的石刻造像、道祖故事画，举行道教仪式悬挂的水陆画以及道教修道生活画等。道教美术史是宗教、历史与艺术的交叉点，它所关注的直接对象是道教活动中固态的视觉材料，包括绘画、雕塑、工艺器物、服饰、建筑、书法等形式。透过这些材料所链接的自然是与道教紧密的历史文化，包括人物的活动与精神方面，如事件、教义、制度、时尚、思潮与观念等等。古时正是百姓对于神仙的崇拜，才产生了道教的造像文化艺术形式。道教认为在宫观中供奉神像是对神明形象的具体感知，所以用丹青金碧等塑造其形像。对神仙的祀奉不仅可以“至诚供养，随心获福，果报差。”魏晋南北朝时期开始有道教造像形式，在技法上和风格特征上或多或少的受到佛教艺术形式的影响，有些甚至是两者艺术形式结合在一起的。在表现形式上，道教造像也采用圆拱龛、莲花座，身后还有舟形背光和头光等等。道教造像艺术在唐代逐步拥有了自己的艺术风格形式。人物造像形式体态饱满圆润，常运用流畅的线条表现，衣纹舒展自如，整体造像形式优美，技法表现娴熟流畅。
道教的造像艺术形式与传统哲学思想有着密不可分的关系，并形成了具有其民族和社会属性的特征。其造型形式有强烈的夸张、抽象和写意感觉。强调精神领域，重视情感上是道教的造像艺术的创作主旨，并突出美善和谐。强调寓意于形，神形兼备，追求对于人物内在精神风貌的意象表现，体现人物本身的精神世界。
道教所传承的宗教艺术造像形式充分体现了我国传统文化的美学思想。它主张追求独特的人物个性和精神解脱，体现顺其自然、无为而治的世界观，主张顺应自然。它认为“天地有大美而不言”，外在形式只是一种启示而已，是表象象征，充分展现一定的哲理和道德关系。道教的造像艺术要反映神明的属性，也要表达教义的宗旨和信仰，除了表达造像作为神的尊严以外，同时还要使其具有道德的内在美，并让道教的造像具有人格化的道德标准。在具体的造像艺术表现上，就是让神明形态多姿多彩，形象传神，内在思想丰富，使道教造像艺术形式能够表现出一定的区域性特征。
2道教雕塑造像艺术形式特征
道教造像由于神灵的地位、作用不同，所以其形象制作要求也不同。一般多指庙堂和石窟等供奉的道教神像。在中除了把神像作为神明供奉外，同时还把神像的塑造过程和信仰结合起来。道教神仙种类繁多，这就决定了其形式多样性的特点，比如雍容华贵的玉皇大帝，温厚而憨态可掬的土地公，造型威严的张天师，神态可掬的财神赵公明等等。又是早期道教人物装束、祭祀仪式和神仙故事的生动写照。后世道教美术作品中仙人的持剑、羽衣、留须、云气等，都是由此演化而来。自唐代开始，道教美术作品又吸收佛家表现佛、菩萨的方法，用圆光来表现仙人。早期道教并无神像，祭祀时仅供神主。道教神灵塑像或画像的出现，曾经受到佛教艺术一定的影响。道教美术中制作神像，形式多样。道教造像艺术的特征是，配以金银珠玉色彩，用绣画形式织成，刻本范泥造型，在凿龛雕刻或雕版图画等形式均可，造像形式庄严朴素。但具体制作方法，皆有一定的模式。
3道教雕塑造像艺术的文化价值
道教历史悠久，内容极其丰富，道教美术风格迥异，而其价值又显得多元，又透着几分神奇，使她对于人们具有很强的吸引力。具有西北地区人文生态与自然生态的特点及其文化的多样性和多民族的客观状况，其核心意义在于首先就是为了让更多的人了解道教，其次也是想通过探讨，去挖掘道教文化的多元价值，特别是中国本土宗教与人们的审美观念和思想性。对于道教，一方面，是希望用当代人的眼光对其历史与现实予以评价；另一方面，也希望在她的历史深处，发现出在现代仍有价值的因素，找到古老与新生、传统与现代之间的文化桥梁。当然，我们说的创新与发展，含义非常宽泛，既包括对于现代人、现代社会可能有用的生存智慧，也包括可以供现代人参考的理论经验，以及可以为现代人的审美活动提供素材。
在一定意义上，道教造像艺术代表了汉民族造像艺术的发展历史，是汉民族造像艺术的精华所在。道教造像艺术在发展过程中广泛地吸收了传统造型艺术的精髓，并起到了弘扬道教文化的目的。随着道教文化的广泛传播，人们从对道教神仙的崇拜中完善和丰富了宗教造像艺术创作题材的范畴，促进了传统造像艺术的发展。道教艺术与我国文化发展紧密相连，道教造像艺术塑造形式从早期的粗犷到之后的细腻，并逐渐世俗化，反映了传统文化的历程。研究道教造像艺术的发展历史和造型特征是了解我国传统造型艺术的重要方向，其文化艺术价值远不仅在于道教本身。
4道教雕塑造像艺术在城市景观中的应用
着力营造西安文化特色。为了避免“同质化”或“文化趋同性”，丰富和活化具有典型识别性、文化性的公共艺术形态,将公共艺术的功能语言进行转型与重构，向文化语言自然过渡,从现代文化的角度注重城市文化遗产的运用。在设计中合理思索—理性创新，以景观规划为主导，关注文化的精品设计和精神理念。
如道教雕塑在西安赵公明财神庙景观设计中的应用，打破了传统以建筑为基础的单一表现形式，在广场中陈设具有主题性的雕塑能够树立准确的文化内涵价值。对于保护西安优秀历史文化资源的传承，提升西安优秀传统文化的质量有重要的理论价值和现实意义。赵公明财神庙规划布局以泗水归堂、五路财神为概念，以三进财神殿为核心建筑院落，又以偏殿和雕塑构成了景观体系，形成了民俗吉祥福神的综合展示。整个财神庙景区陈设了近百位各路财神及招财八宝等道教雕塑作品，合理的区域设置与雕塑设计，全方位展示了财神文化，也呈现了具有传统文化内涵的地域性特色。
在对道教雕塑文化的研究中，以更加客观的眼界，站在新的高度，开拓更多的研究领域，加强在环境景观设计研究之间的相互交流、学习、借鉴，使传统文化艺术能够更好地应用于社会实践。
参考文献：
[1]汪小洋.中国道教造像研究.上海:上海大学出版社,2011.
一、民间艺术是当代油画创新的基础
万物皆在变化，艺术也需创新，其创新源泉取自于生活。先锋性和时代感是我国当代油画艺术的两大特征，若想中国当代油画永葆生机与活力，则必须依靠创新。我国民间艺术根植于数千年的历史长河之中，有浓厚历史文化内涵，而油画的创新无法离开中华文化而独立存在，因此，当代油画创新的前提应是尊重和吸收民间艺术，若摒弃民族特性，一味追逐西方理念，不仅无法得到国际的认可，也无法创作出经典作品。油画艺术源自于欧洲，传入国内也不过百余年，但历经我国民族文化的熏陶、整体、融入、贯通后，时至今日已成为我们民族艺术之林的一分子。现代油画经过我国早期著名油画家艰苦卓绝的民族化之路的探索，促进了油画艺术在中国土壤的生根发芽。中国当代油画创新的必由之路即是归纳、吸收、借鉴民间艺术，特别是民间美术的精髓，从言语上、形态上、思想上表达民族文化的审美逻辑、创作架构、精神内涵，真正显示出民族化的艺术。因此，我们应借助于中国民间艺术的民族特征、民族形式、民族思路等手段，增强创新的实践性与操作性，为当代油画的创新奠定基础。
二、民间艺术的寓意性在当代油画的展现
当前，我国当代油画受到了传统民间艺术显著的影响，尤其是民间艺术的想象力和艺术性在油画的展现中格外抢眼。因民间艺术多与神话相关联，故其整个框架充满了想象力与寓意性。民间艺术的基本特征可用叙志抒情、以语绘象、象物寓意加以概括。比如说在古人服饰上的仙鹤与长龟，即寓意着延年益寿的祝福，又因龟鹤图的外型特征颇有特色，故在后期又被艺术家演绎出更多的内涵。理智的光芒处处闪耀在我国的传统民间艺术上，而民间艺术的寓意性又被当今的油画创作所借鉴与吸收。众多油画大家皆采纳以上创作方式，将民间艺术的寓意性自然地融入油画的创作中去，达到了二者优化融合的奇效。当前，许多艺术大师在创作时，大量充分吸收民间艺术中传统元素的艺术内涵，借用其浓厚的想象力与寓意性，展现出独特的艺术效果。我国当代油大师曹力的不少佳作借鉴了众多民间传统元素，以抒发内心的感情和思想。例如，《牧歌》中，画家以耕牛、孩童、白云、小鸟等象征性的生物展现客观形态，向观者传递着一种动静相宜的信息，寓意着对田园生活的憧憬，也表达出作者恬静淡然的心态。油画作品中所描绘的种种生物形态，纵使暗含寓意，但亦未与客观事物原态相分离，反而是在客观事物的基础上作了艺术性的变幻与升华。中国当代油画作品巧妙地将作者的创作性思维与客观形态结合在一起，让民间艺术蕴涵的想象力与寓意性不断自然闪现，凸显了艺术创作的智慧与灵感。
三、民间艺术的多元化造型在当代油画的应用
民间艺术之所以在造型方式上呈现多样化的特征，源自于民间艺术本身即为一种特殊的思维造型，内涵丰富且表现力强大，它能够给观者带来视觉上的冲击与美的感受，这种方式也被众多当代油画创作者采纳。人们对于民间艺术所形成的视觉的美感，主要是与艺术早期的原始性、想象性造型紧密相连。现今的油画艺术作品延续发扬了民间艺术自然、生态、开放的造型方式，作品里流淌着尊重传承悠久传统文化的血液。在造型构思上，运用比喻、象征、衬托等多种手法，把现实事物演绎成抽象型与整体型的线条造型。这种创作手法看似不符合正常创作思维与逻辑，但实际上却是我国民间艺术手法的正常展现，也具有独特的创作风格。此类风格是民间艺术的二次改变、虚拟及升级，是在充分掌握民间艺术与当代油画关系的基础上，形成的一种民间艺术为标志的创新型艺术绘画风范。在艺术创作领域里，思维和视觉占有非常重要的地位。从全面性的绘意造型上看，罗中立先生的作品颇具代表性。罗先生的创作多采用意象手法来整体把握事物的特征、形态与风格，大气磅礴，不刻意求精，更无精雕细琢，他以自身想象入手，粗绘拙涂，展现出粗犷、浓厚、深刻的创作风格，他的作品依托形态传神，辅以单纯的色彩，往往给人以眼前一亮的感觉，极具艺术感染力。例如，其经典油画作品《父亲》并没有纯粹地对人物进行刻画写实，而是较为意象地进行勾勒，画中近乎夸张的皱纹与眼神，已经达到了意态传神的宗旨。除此之外，在民间艺术造型领域，我国众多油画作家在艺术造型的多样性方面进行了全面深刻的研究与探讨，并取得了丰硕的研究成果。底蕴十足的民间艺术不仅为当代油画在造型领域带来了活力与风采，而且为其取材提供了新的源泉。例如，艺术家王怀庆的《木与青铜之间》，赋予了原本简约隽永的明式家具以古代青铜器具才有的敦朴厚重之气，正是因为传统家具兼具艺术性与民族性，并给人以雕琢、细腻的感觉，因而可以在油画中展示出中华民族悠久的文化历史与古人高超的艺术技能。
四、民间艺术的阴阳五行哲学在当代油画的传承
我国传统民间艺术从诞生之日起，在承载古人的思考模式同时，也较为朴素地反映了人们对美好生活的憧憬与对生命之光的渴望。以“天人合一”为核心的中国传统哲学思想体系精炼地概况出了人与自然的辩证统一关系，被誉为中华民族五千年来的思想核心和精神实质。在“天人合一”的基础上，又衍生出以“阴阳五行”为主体的哲学理论，并深刻地影响着我国民间艺术的风格形成。于是我们可以看到，大量民间绘画、雕塑作品中出现了有关生殖、繁衍与婚姻的形象或素材，这其实是“阴阳五行”内涵的象征与反映。我国民间艺术的思想内涵、颜色选用、造型设计等基本原则的确立与发展，便是“五行”理念的影响与引申。现阶段，这类基本原则仍在我国民间艺术广为流传与使用，可见其影响意义之深远。阴阳学说作为古代道家哲学的基本观念，对国人的影响亦较为深刻，在当代油画作品中也多有展现。虽然油画大师们在创作时较少直接应用“阴阳五行”思想，而是变换方式，间接含蓄地隐喻这一思想，以达到润物细无声的目的。不过也有一批画家直接将这一思想完美地展现在作品中，张同磊便是其中代表之一。张先生艺术性地将“阴阳五行”理念自然地融合在一起，并将民间色彩的象征意义发挥得淋漓尽致，如白色、黑色两种基本色调及赤、青、黄三种辅助色调。他还将各式的物质形态进行自如变换，如阴阳对立统一与昼夜的转换，充分表达出传统民间艺术思想与现代油画风格的和谐统一，这在他的经典作品《少阴之门》与《无极之二》中得以体现。这些当代油画佳作是理念艺术和象征概念的完美表达，是民间艺术在油画领域的延伸与发挥，充分展现了中华民族的民族属性与文化溯源。民间艺术作为我们中华民族文化长廊的重要组成部分，完美地展现了我国上下五千年历史的文化风采与艺术积淀，是值得我们继承与珍惜的精神财富。我国当代油画艺术传承了民间艺术的创作理念，延续了民间艺术的独特风格，丰富民间艺术的创作思路，运用油画这一方式将我国民间艺术完美地展示在世人眼前，是弘扬文化强国战略的重要路径。因而，为了进一步弘扬我们的民间艺术，提升中国当代油画的创作水平，我们应该努力探求现代油画创作和民间艺术之间的交叉点、关联点，深入把握民间艺术与当代油画的创作规律与艺术精华，积极创作出兼具二者特色的艺术作品。
作者:冯戈 单位:西华大学艺术学院
黑白摄影作品
随着人类历史的进展，每一种艺术都有一个发生、发展、进化和消亡的过程。随着时代的发展，艺术形式也在不断地改变，面对今天的当代艺术，如何在这样一个纷繁的社会中蓬勃发展，如何以它自己的形式真正的存活于这个时代，成为当代艺术家们共同探索的一个问题。现代艺术对社会做出了不朽的贡献，自从1979年北京首届“星星美展”至今，当代艺术在中国的发展历程也已有30年时间。
一、当代艺术的存在
1.现代艺术对当代艺术的引领
谈及当代艺术，就不得不提到现代艺术，现代艺术的划分更多的成为人们对于现代艺术形式的一种说法。现代艺术引领了当代艺术的发展，现代艺术的艺术形式发展，使得在当代艺术当中被艺术家们融入自己的理念当中，发展衍生成为各艺术家独立的艺术风格。从20世纪初开始，随着西方社会进入现代时期，出现了与古典艺术和近代艺术不同面貌的现代艺术，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了许多艺术流派，一个时期以某种艺术流派为主导。现代艺术反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。在各国的现代化过程中，都出现与自身社会发展特征相关的、具有自己文化内涵的“现代艺术”，在内容上反映了社会现代化的进程，在艺术形式上体现了现代精神。无可厚非西方艺术真正影响到了我国的现代艺术，但这并不意味着各国的艺术就是西方的翻版。中国的艺术在20世纪的百年发展中，就有自己文化上的“现代性”。
“当代艺术”在时间上指的是今天的艺术，在内涵上也主要指具有现代精神和具备现代语言的艺术。当代艺术所体现的不仅有“现代性”，还有艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”，艺术家置身的是今天的文化环境，面对的是今天的现实，他们的作品就必然反映出今天的时代特征。
2.当代艺术对社会的影响
自1979年开始，中国当代艺术跟随中国社会的发展，开始有了翻天覆地的变化。艺术从审美走向观念，从不入流的艺术走入国家美术馆的殿堂，从国内走向国际，在近十年中更大踏步和市场接轨，并在拍卖市场以天价成交。
艺术来源于生活，生活来源于自然。自然是变化无穷的，生活是千姿百态的，因此，艺术也是丰富多彩的。艺术对于我们每个人都是有益处的，因为它能够陶冶人的心灵，能够在表达和交流的形式和过程中，起到至关重要的作用，从而使得生活内涵逐渐丰厚。艺术还有助于我们激发多种感知和思维方式。当代艺术的发展推动了社会艺术的发展，由于现代艺术的引领，当代艺术的发展对现代社会本身都有着强大的冲击，不论在建筑、传统艺术、现代设计等方面都发挥着重要的作用，为现代社会的发展做出了巨大的贡献。
二、当代艺术的发展现状
当代艺术的发展随着世界大融合的现象，无论是中国艺术还是西方艺术，都呈现出一种相互借鉴相互推动的作用。中国的当代艺术是有着中国特色的艺术形式，但是中国的当代艺术的主流依然是借鉴了西方的艺术形式。
1.国外当代艺术的发展状况
20世纪下半叶的艺术是多样的、朦胧的、不断变化着的。它有很大的侵占性超越于美丑之上。这时候的艺术真正在揣摩生活，跟生活本身的冲突性关联上。到了今天，社会的到处都是艺术，除了传统上属于美术的建筑、绘画、雕塑与版画之外，又加上摄影、电影、设计、对新媒介的探索等等。艺术表达的手段在不断地扩大，从创造到形式，艺术虽然不再是大写、崇高的艺术，不再具有权威性的准则，有些甚至还摆出了“反艺术”的架势，却也不断增加了对世界的把握，真正回应了世界的复杂性。（《当代艺术》，[法]让―路易・普拉岱尔著，吉林美术出版社2007年版）从二战之后的艺术走到新现实主义与超现实主义，又到世纪末的艺术，各个国家不同的艺术崛起推动了西方国家的艺术走向一个巅峰。
2.国内当代艺术的发展状况
中国现、当代美术的特点是多样性和丰富性。大家熟悉的传统艺术在现在就比较多样了。中国艺术目前正处于和世界性的艺术成为一个整体的过程。不再单说中国艺术是一个特殊的，在国际艺术领域之外的特殊圈子。如今当国外的艺术界谈到当代艺术的时候必然就包括了中国艺术。就好像我们在其它领域一样，现在经济上人们习惯的说法就是抛开中国很难谈全球的经济，在艺术上面也是如此。
近十年来，全国美术空前繁荣，美术形式也很多。比如油画、国画、装置艺术 、新媒体艺术等等。原有的主流品种如国画、油画、雕塑等方面，这些东西在发扬和继承原有传统的基础上也有很多新的发展，比如中国画，它的整体格局已经和近百年的格局完全不一样了。“当代艺术”是有两方面的，一方面是它有一个时间因素在里面，它就是表现或者说是关注艺术家所处的这样一个时代的这么一种艺术；另一方面就是一般认为当代艺术在观念上、形式上、艺术语言上与传统的包括“现代艺术”有所区别。
三、中国当代艺术的发展环境
中国当代艺术的发展离不开商品市场。艺术早已成为一种商品被推上市场。没有市场的需求，那么中国艺术将很难走向一个巅峰期。由于中国经济的因素，中国人对于生活的追求大多都还停留在物质生活的追求中，而对于艺术这种精神追求，中国还很难与西方国家相媲美。研究显示，在西方和中国传统艺术中，艺术作品是传达主张、意义和道德的手段，审美的标准、规范和风潮也是一个已经被认定和认同的牵制力量。这是传统社会要求人具备的精神状态，也是传统社会的统治集团对被统治者居高临下，用权势强制维护社会等级的办法。传统艺术就是这种制度和社会结构的心理显现和社会变现。我们不能否认一个现实，中国当代艺术市场总体而言是由海外促成的，由于这种市场的渐渐产生，画家的创作态度也已经有了改变，就是增加了艺术的市场观念。这也是先前提到的商业化发展模式。为什么当代中国艺术会如此衰败，是因为它既没有建立起新的判断系统，从而拥有自己的艺术信念；也没有使艺术市场与学术研究结合起来，而导致了市场与学术的脱离。但是，中国艺术的问题只能进入中国这个大环境中才能被全面而清晰的把握。
因此，中国艺术缺乏一种本国艺术制度和学术市场的建设，艺术展览和市场都成为被动。因此，艺术市场的发展要根据中国本身艺术的真正精神为主要发展方向，而不是盲目的跟从世界市场。如果这样发展，那么中国当代艺术的发展将会走入瓶颈，难以有新的突破。
前言
安徽传统民间艺术是我国传统艺术文化的一个分支，既具有中华民族文化的共性，又具有安徽传统文化的个性。安徽传统民间艺术随着时间的发展和文化的交融，深深的打上了安徽地域浓厚色彩的烙印。本文从四个方面论述了安徽传统民间艺术的嬗变并从四个角度阐述了传统民间艺术的再现。
一、传统民间艺术的起源
第一，起源于人类对自然界的敬畏。安徽的历史文化发源较早，所以当时人们对自然、科技知识的认识层面还比较低，因此人类对于大自然有一种敬畏感，但是祖先们将自然界中人类不能解释得现象归结于神灵等。
第二，起源于安徽的民俗习惯。一方面安徽地区的民俗文化为民间艺术提供了丰富的素材和形式，促进了民间艺术的发展；另一方面，民间艺术的不断发展，丰富了人们的地域文化内容。
第三，起源于各种各样的喜庆色彩节日。在喜庆节日里，地区间流露着一种祥和、幸福的氛围，人们为了庆祝喜庆节日，会选择一些形式进行庆祝，营造或增添幸福、祥和的气氛，长此以往，传统民间艺术逐渐形成和发展。
第四，起源于人们生活中的才能。民间艺术反映了基层人民的生产方式和生产条件，也能够反映出人们的生活水平。第五，起源于人们的发明与创造。安徽地区的人民经过长时间的发明和创造，促进了许多新事物的新生，从而推动了民间艺术的产生和发展。
除了以上这些原因之外，还有许多原因，虽然不是固定的因素，但是在一定程度上也促进有安徽地域特色的传统民间艺术的产生和发展。
二、传统民间艺术的民间嬗变
安徽地区具有得天独厚的人文环境和历史，所以民间艺术在安徽的起源和发展较早，随着时间的演变，民间艺术在历史进程中逐渐发展和壮大，安徽传统民间艺术的发展经历了四个阶段。
首先，萌芽阶段。早在原始社会时期，安徽的传统民间艺术就已经有了萌芽，随着社会制度的不断变革，技术与社会的发展为民间艺术的发展提供了条件。在经过历史长河的洗礼，安徽传统民间艺术代代相传，生生不息，形成了有安徽地域特色的民间艺术。
其次，发展阶段。从秦朝起始，直到唐代结束，这段时期安徽传统民间艺术有了较好的发展，在唐代时期，民间艺术的发展一度出现了繁荣发展的局面。
再次，兴盛阶段。在北宋时期，出现了利于商品交换的纸币，从而促进了商业发展的繁荣，而安徽传统民间艺术的发展达到兴盛阶段，许多安徽地区的人们，为谋生计会发挥自身的才能和技能，制作工艺品等，这也在一定程度上促进了经济的进步和民间艺术的发展。
最后，压力时期。安徽传统民间艺术经过岁月的洗礼和无数次的融合与发展，传承至今，面临过巨大的考验和挑战。需要人们对传统文化进行深入的挖掘和整合，以促使传统文化能够迅速提升，以新的精神面貌面临现阶段的挑战。
三、传统民间艺术的艺术再现
传统民间艺术经过不同时期的考验和挑战，以顽强的生命力展现在世人面前，其艺术的再现具有四点特征。
首先，具有历史传统性。安徽传统民间艺术发展至今，虽然融入了一些现代色彩，但是仍然是以传统文化为基础的。其次，具有生活娱乐性。安徽传统民间艺术主要来源于生活实际，因此，民间艺术更彰显生活的特色。此外，民间艺术的创作体现出创作艺人的情感。再次，具有多样性。安徽地区的各地各县的多种多样艺术门类都不断融合，使安徽地区的民间艺术形式具有多样化。最后，具有独特性。随着安徽地区传统民间艺术的不断发展，徽式特征更加凸显。
关键词：数字媒体艺术；平面设计；关系
所谓数字媒体艺术，是一个宽口径的以技术为主、艺术为辅、技术与艺术相结合的新专业，旨在培养具有良好的科学素养以及美术修养、既懂技术又懂艺术、能利用计算机新的媒体设计工具进行艺术作品的设计和创作的复合型应用设计人才。在数字通信技术的高速发展与融合的今天，传统的广播、电视、电影快速地向数字音频、数字视频、数字电影方向发展，与日益普及的电脑动画、虚拟现实等构成了新一代的数字传播媒体。
数字媒体艺术作为一种新型的艺术种类，顺应了社会发展的大潮。科技与媒体的飞速发展为数字媒体艺术提供了基本保障，追求新奇和多变的社会思潮，为数字媒体艺术提供了精神支持。诚然，数字媒体艺术也有其独特的艺术属性。有学者认为，要了解一件艺术作品，必须了解它所属的时代精神和风格概况，这是艺术品最后的解释，也是决定一切的基本原因。这表明艺术本身就具有多重属性，在不同的时代、不同的地域、不同的文化背景下，艺术表现出不同的形式，体现不同的功能并满足不同的需求。
与数字媒体艺术有着异曲同工之妙的平面设计，则是以“视觉”作为沟通和表现的方式，透过多种方式来创造和结合符号、图片与文字，借此作出用来传达想法或信息的视觉表现。不难发现，数字媒体艺术是应设计而生的，是为培养设计人才服务的，平面设计当然也包含其中。稍有不同的是，平面设计更注重“视觉”所传达出的信息，而数字媒体艺术更注重技术与艺术的结合，但无论如何，这两门都属于艺术设计的延展学科。
综合以上的说法，数字媒体艺术和平面设计之间必然存在某种关联，我们不妨简要剖析一下。
一方面，数字媒体艺术与平面设计相互联系、密不可分。一直以来，任何艺术形式都离不开媒体，尤其是当下。从某种意义上讲，艺术史就是媒体不断进化的历史，媒体进化的同时又促成了人们观念、语言形式和视觉表现的改变。平面设计是集电脑技术、数字技术、美术知识和艺术创意于一体的综合内容，这与数字媒体艺术所包含的美术修养和艺术风格不谋而合，在学习数字媒体艺术的过程中，可以培养较好的美术鉴赏能力和一定的美术设计能力，从而培育出从事平面设计、数字化园林景观设计等方面的专业技术人才。由此可见，两者之间联系甚密。
另一方面，数字媒体艺术又与平面设计交叉融合、互相渗透。数字媒体是从视觉传达设计即平面设计中衍生出来的一个学科，它在一定程度上继承了平面设计，也发展和丰富了平面设计的内容，数字媒体艺术同时也为平面设计注入了新的特征。虽然互联网一开始不是为艺术创作而发明的技术，但它会逐渐演变为艺术家进行艺术创作的工具。数字媒体艺术是科技发展的产物，是科学技术、现代媒体与艺术的结合体，它所呈现出的互动性、虚拟性、综合性、娱乐性和商业性等特征推动了平面设计的新发展。
（一）互动性
互动性是数字媒体艺术独具的艺术特征，它表现为人的参与。如今的数字媒体艺术不再像传统艺术那样高高在上，不再是少数人的专利，而是让观众真正参与、享受、体会艺术，它无疑拉近了艺术与生活、艺术与大众的距离。数字媒体也是技术家，把以往的一切艺术形式包括绘画、文学、设计等都纳入其中，所有的艺术形式都可以用数字媒体艺术的方式得以体现。笔者认为，它所带来的互动性能够产生的原因还在于全方位地作用于我们的感官。总之，互动性作为数字媒体艺术的主要特征之一，打破了多年的传统设计模式，是人性化的最佳体现。
（二）虚拟性
数字媒体艺术在平面设计中的又一表现特征为虚拟性。在平面设计中数字媒体艺术的虚拟性将改变传统的艺术品的设计方式，即不需要笔和纸等实体工具。我们都知道，传统设计会受到诸如素材单一、缺乏视觉感染力等限制，但是在数字媒体面前这些问题不再是问题，更重要的是，可以让更多的人了解设计，走近艺术，使设计者可以更加随心所欲地去设计，这正是其艺术特征的表现。
（三）综合性
数字媒体艺术的综合性表现在两个方面，一方面表现为形式的多样化，另一方面则表现为人的感官多重性。数字媒体艺术通过数字化处理可以把声音、图像、文字、动画、电影、视频等不同的艺术形式转化为统一的数字语言，艺术家可以随意选择两种以上艺术形式进行处理，使艺术设计不仅仅停留在视觉上，还可以享受听觉、触觉等感官器官带来的丰富世界。因此，数字媒体艺术的制作和传播过程就带有了综合性的特点。
（四）娱乐性和商业性
数字媒体艺术的人人参与性质决定它具有娱乐性和商业性的特征。从传统艺术种类到电影、电视、数字媒体艺术等新兴艺术种类，艺术从少数化走向平民化。人们日常生活离不开设计，像报纸杂志、网络上面的美图是最典型的例子。这也说明了美和艺术存在我们生活和工作的各个角落。特别是随着互联网的普及，使得数字媒体艺术的平民化特征更为明显，这充分体现了数字媒体艺术所具备的人人参与、不分贵贱的民主文化艺术特征。
总的来说，数字媒体艺术在设计领域中的应用十分广泛，平面设计从诞生至今，它所具有的经济功能和文化先导的双重属性始终没有变味。不论是设计潮流的变化还是应用技术的革新，乃至社会思潮的涌现，我们总能够从平面设计的过程中看到数字媒体的影子，它的出现也让平面设计焕然一新。两者之间相互影响，共同发展，必将为新媒体和新艺术形式在人类历史文化长廊中增添新的色彩，注入新的活力。
参考文献：
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数字艺术来源于计算机技术，是计算机技术在艺术领域内的具体化。第二次世界大战结束后，人类的创作欲望经历了大战后的瞬间短路，重新回到正轨上来。随着二进制的逻辑和数字理论的萌生和论证，全球第一台电子计算机问世了，直到今天数字技术发展了近一个世纪的革命。人类社会因为数字而变得丰富多彩起来，就是一个简单“0”“1”演绎出色彩斑斓的数字艺术世界。数字艺术到目前没有一个准确的定义和范围，大家比较认同的数字艺术描述是，通过计算机技术，对二进制综合演绎、其表达的效果必须有虚拟性和互动性。目前为止，数字技术在不长的时间里面经历的几代的进化，由一开始简单的一束激光，发展成几乎无所不能的艺术创作形式。过去只有专家能做出的艺术作品，随着数字技术的深入民间，数字艺术的创作也逐渐地走向民众化。
2数字艺术脱离于技术之外的美学要素
艺术世界，数字技术与传统艺术是相辅相成的，数字艺术利用高科技手段营造绚丽效果和视觉冲击的同时，离不开传统艺术的美学概念。数字艺术的表现力高于传统美学，而数字艺术的思想却大体遵循传统美学的脉络和传统美学的特征。
2.1传统视觉艺术形象的发展走向
我国的传统艺术通常反映了一个时代一个民族的风尚、愿望、特质。具有鲜明的时代特征和民族内涵，在炎黄子孙几千年文明的徽标和智慧的结晶。人类的美感和美学是一种对自然认识的本能的取向，传统的美学在人类对自然产生认识能力之初，就相伴而生了。在传统的美学概念中，人们对美的感受和描述，始终没有离开具体的事物、事件，研究的对象的不断进化，人类的美学观念也随之而变化。历经千年形成了现代我们眼中的美学。传统美学的发展变化多端，根据历史发展阶段的不同，经历了理性、感性的认知过程。慢慢地形成了美学依托于美感，美感被美学所阐释的美学发展模式。黑格尔在美学发展的历史上居功至伟，他在继承先贤美学理论的同时，将美学概念中加入了社会和哲学的元素，构建了较完整的美学体系。
2.2数字艺术中的美学演绎要素
现下科技的发展已经到了让人难以置信的程度，地球两端的两个人。远隔万里，却依托于数字技术的存在，而可以自由的互相交流。自己的作品或者涂鸦，都可以迅速地被世界各个角落能感知到。人们对数字技术的依赖造就了现在数字艺术的创作过程。数字艺术的美学概念是可以无极限的，是可以无限延伸。现代数字艺术中的美学新特征，首先意味着自由、智慧、开放。不同于传统美学观念，数字艺术的创作之初就源于展示、源于审美感受的分享欲望、源于创作者文化理念和价值被感知被认同的需求。数字艺术出现终结了过去传统美学一家独大的格局，使得艺术流派的概念越来越趋向于模糊和共存。
2.3数字艺术在传统美学上的延续和变革
我国传统美学向数字艺术进化过程，源于二进制和计算机技术的引入。美学从萌芽初期就注定美学理论的发展是不断的革新中达到完善的。数字艺术虽然在表现形式和载体上有别于东方传统的美学艺术形式，但美学中约定俗成的通用认识不会被改变，我们祖先留给我们的美学文化遗产，在数字技术的渲染下，得到了更加详细的诠释。这就使当代数字技术在中国的发展成为必然趋势。基于多年来传统艺术对现实的表达和数字艺术对虚拟认知现实的表达，当代的数字艺术的发展，在体现生动活泼的时代精神的同时，以数字手段展示我们的传统美学的理念。
2.4数字艺术在技术与美学中的相互影响中得到了平衡
数字技术的进步速度世人瞩目，数字技术的便利让众多的创作者声名鹊起。人们在讨论数字艺术的同时，往往联想更多的是某个编程高手，某个电脑大师，而往往忽略了创作本身的艺术价值。这是一种说说上的误区。当前数字艺术展示社会各个角度生活缩影的同时，应该更加注重于技术服从于艺术规律，将特效制作更替为特效创作。开放性的数字艺术应该在传统美学基础上，使艺术和技术同时发生了质的飞跃，创作者的艺术观得到了跳跃式的升华。
3数字艺术在传统美学的助推下多元化、全方位展示美学概念的可能性
数字艺术领域的美学特征，因其表现形式的多样化，就决定了数字艺术能够涵盖大多数的艺术形式，以虚拟化的形式表达出来。传统美学形象表现语言在数字技术作用下成为多维表现语言，过去观其形，得其神艺术欣赏形式，数字艺术领域内也变成了“READ时代”。多种艺术形式的融合和互通，通过数字技术能够跨越时空，将传统美学感受表达的酣畅淋漓。也许人们现在的欣赏角度仅仅停留在对数字艺术带来的视觉盛宴的视听享受上，但随着数字技术的深入，FLASH、3D、MAYA、EFECT等数字工具的不断更新，数字艺术对传统美学的阐释必将更为确切和深远。
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