时间：2023-12-19 10:30:49
【关键词】家具卖场设计与管理；艺术素质教育；课程体系；教学模式；素质能力
家具卖场设计与管理专业是以我国家具终端销售的行业需求为目标，培养卖场设计、销售管理的高素质、高技能人才。家具卖场设计与管理专业的设置，以“重能力、讲素质、求实用”为指导思想，以现代社会人才市场职业技能需求为导向，以为家具企业提供人才服务为主体目标。高等职业教育强调的是以德，智、体、美全面发展为目标的全面性，以实际应用为重点的实践性，以熟悉掌握先进知识和实用技能为标准的先进性，以适应市场经济的需要，即强调人才培养的综合素质和能力。该专业要求学生除了要具备基本技能之外还需具有一定艺术素养，以适应本专业的发展要求。
目前，高职院校的艺术素质教育基本上是与专业教育脱节状态，没有真正融注在各种教育内容与教育形式之中的。该专业的艺术教育目标、内容、途径、方法、管理、评价等内容只有与专业整体培养目标融为一个邮寄的整体，相互关联、相互作用才能达到最佳的教育效果。
一、结合专业需求，构建新的课程体系，拓展专业素质
家具卖场设计与管理专业是一个新兴专业，综合学科，除了要掌握家具以及室内艺术的历史之外，还需把握社会发展的趋势，站在市场之上，以此为根据制定专业的教学计划，从基础课程开始，涵盖专业基础课、专业核心课三个阶段，彼此联系、沟通。将美术、设计艺术、文化艺术等结合起来，贯穿教育始终，强调联系性、共通性、连贯性的原则，是单门课程不在培养单一能力，逐步提高学生的综合素养。
艺术素质培养不是技能教育更不是培养专业的艺术家，而是通过这种技能、知识和修养，提高审美境界，培养学生健康的审美情趣和审美能力，陶冶情操。逐步做到从不懂欣赏到会欣赏到渴望欣赏的高度。如果偏离了这个轨道，那么所谓的启发心智、促进形象思维、培养审美情趣和能力、激发创造力的艺术素质教育也就失去了正确的方向，课程设置形同虚设了。虽然站在职业教育的角度上进行融会贯通非常困难，但是终归有一些内容和方式可以在这种全面行为中起最突出和最直接的作用，是最为适宜的和最为有效的。
二、实行多元化教学模式，提高学习兴趣
在传统的艺术教育模式中，教师和学生大部分都是在画室等类的教室中完成教学的。授课过程简单，教师只能通过一些传统教学上使用的静物模型、石膏人像形式上的物品去努力让学生掌握如何勾线、如何上色调，这样的后果就是学生被动地去学习，达不到好的教学效果。
要想适应专业的发展，提高学生的综合素质，培养合格的应用型、技能型人才，就要实现教学模式多元化。艺术素质的培养方式需要创新，与专业紧密结合。创意性的教学方法对艺术设计专业的教育尤为重要，它能够缩短学生与教师之间的距离，能够激发师生互动交流的设计热情，也能够充分激发出学生的创作热情。比如：经常让学生去接触专业，了解行业。这样既能充分发挥学生的主动性又能够锻炼学生在专业、社会中的个人适应能力。学习素描的时候可以直接使用家具专业产品作为静物绘画，并根据职业技能的需要，增加设计速写的课时量，利用一体化教室和实训基地锻炼学生的快速绘画能力。还可以经常组织学生参加一些国际国内的设计比赛，请一些学者专家到学校进行讲座，引导师生共同创办实践工作室等，为学生创造一个开放式的具有浓厚设计氛围的教学环境。
艺术素质教育的稳定性和传承性特别强。除了老师的直接传授外，为了彻底掌握这门技艺，就要不断地去回顾、观摩这一门技艺曾经具有的高度和面貌。在这种追寻和追问中，渐渐养成了一种艺术学习者对历史的尊重态度和使他们对艺术更加深入的了解。
三、联系专业教育与艺术教育，培养专业职业素质能力
家具行业具有其一定的特殊性，各国艺术设计的发展历程在家具行业的发展中均占有重要地位，可以说家具的发展历史就是世界的艺术发展史。掌握世界艺术的发展历程对现阶段的大部分高职院校学生来说具有一定的困难，必须循序渐进。从艺术的角度，增加实践环节，或就以实践为主进行素质培养。
首先，改变学生在接受教育过程中处于被接受者、被塑者的地位，培养学生的主体意识、保证学生的艺术独立性、全面性。发展学生的主体地位，从而确立学生在艺术教育中的主体地位，真正调动起他们作为自身审美发展主题的自主性、创造性和独特性。比如：将《家具发展史》课程根据培养目标分解，将其拆分为《古典家具风格辨析》与《现代家具赏析》两门课程，融合色彩、雕刻、文学艺术、绘画艺术、建筑艺术等学科，培养学生辨析、赏析家居艺术的素质。其次，教师必须运用新职教理念指导教学，与学生平等交往，以探索的模式教学，积极互动，共同发展。再次，教师的综合艺术素质必须加强，才能胜任融合了艺术技能的新型专业课程的教学工作。
四、大力加强校园艺术教育，开展特色文化艺术活动
艺术素质教育需要营造一个大环境。学院可成立各类艺术社团，开展特色文化艺术活动，丰富校园文化生活。开展特色文化艺术活动，有针对性的参加艺术展，将专业知识学习和艺术教育有机地融合起来。学院不断拓展艺术活动的载体，深化艺术活动的内容，扩大学生团体受众面，使校园艺术氛围越来越浓厚，有利于学生整体艺术素质的培养。
家具卖场设计与管理专业的学生可以有针对性的参加一些文艺活动、艺术讲座或展览。比如：演讲赛、书画展、文学作品赏析会、文物展、古典文学赏析会等活动，有利于增强自身的专业艺术素养。
艺术素质培养的最终指向是艺术表达能力的发展和作品的产生。在学习的过程中，学习者在老师的指导下，不断地去观察、比较、分析、认识，选择和放弃，不断地回答自己应当怎样做和下一步应当怎样做。在听取老师的介绍和接受舆论的影响时，自己内心本能地或不断地斟酌、试想、否定和尝试，这些都极大地刺激和依赖于独立思考，锻炼和发展着一个人的独立思考能力和习惯。
关键词：装潢设计；艺术风格；民族文化
由于中国传统装饰元素中蕴含的文化寓意赋予情感，一般在室内设计过程中，设计师们会对中国传统装饰元素中的借喻、比拟、双关、象征及谐音等传统文化理念进行创造和借鉴，因而创造出富有独特的格调和浓烈的民族色彩，这对室内设计的表现和装饰手法产生重要的影响。室内设计与文化背景是分不开的设计师要完成创造具有民族的地域文化特色的现代室内设计就要对传统文化有深入的研究结合历史文化和时代文化扬长避短。中国的传统文化中有非常丰富的朴素平淡自然真实、返璞归真以质为美的简约的审美思想和审美情趣。重朴素、简洁之美，反对奢华和铺装堆砌，注重事物的本质之美重视设计实用功能，强调实用与形式的完美结合反对为了形式而形式。
1．家具艺术风格的作用分析
每个人对审美都有心理要求，家具带来的艺术气息和美感会给人们带来视觉的享受。由于家具本身的造型和艺术特点的不同，所形成的风格也各不相同。不同的风格对于不同的空间也有不同的装饰作用。家具的艺术风格之所以重要，是因为，它不仅为整个空间的装潢设计起到修饰作用，它还让整个装潢设计更加完整。有时好的家具所散发的艺术气息甚至是整个装潢的焦点，能提升整个装潢设计的艺术美感。所以家具的艺术风格在现代装潢设计中必不可少。家具的艺术风格不仅仅是为了满足现代人对装潢设计的审美要求，也是人们生活品质提高的重要表现。对于室内空间而言，家具不仅能发挥其本身的功能性，使空间的划分便完美，而且家具本身的艺术风格，也能为空间营造出其独有的气氛。屏风就是一个典型的将功能性和艺术性有效结合的家具。家具本身的艺术风格在很多方面都有所体现，如一只古老柜子，其本身就像一段文化，它也许承载一段美丽的故事。一张红色的布衣沙发也许就代表着主人热情奔放的性格。印有水墨画的衣柜散发着浓郁艺术气息。
2．家具艺术风格与装潢设计关系
2.1?艺术风格是装潢设计前提
室内的装潢设计是通过色彩、材料、陈设、灯光以界面等来展现它的风格和主题，而家具则是通过造型、材质、色彩、功能等来表现它的艺术风格和特点。家具的艺术风格必须和其所在的室内装潢设计相匹配。有什么样的装潢设计风格就要用什么样的家具风格，如果两者不谐调，就会给人不伦不类的感觉，使整体的设计风格变成一个笑话。比如设计简约时尚的空间里却全部摆放着老式的红木家具，虽然分开来看都很典雅大气，但放在一起就会让整个空间给人杂乱矛盾的感觉。整体的不谐调让整个装潢设计成为败笔。一个好的，成功的装潢设计会让整个空间自然流畅，给人带来视觉上的美感，精神上的愉悦感和触觉上的舒适感。所以室内设计风格和家具风格的匹配是整个装潢设计的基础。
2.2?艺术风格是装潢设计补充
一个好的装潢设计，家具是其中必不可少的元素。家具在满足了人们对它功能上的要求的同时，对室内的装潢设计也起到了画龙点睛的作用。就像一个设计豪华、大气的酒店大厅里面，几张舒适华贵的沙发必不可少。两者的同时存在才是一幅完美的画卷。同时室内装潢的整体色彩也是家具色彩风格选择的标准。家具的艺术风格和色彩风格必须与室内的主色统一，它必须服从于室内装潢设计的主色调，或淡雅或活泼，或素洁或醒目。色调统一才是完美。
3．家具艺术中色彩与造型的风格趋势
现代装潢设计中的家具设计风格，在不断地发展的同时，也在不断的革新。家具的艺术风格和装潢设计的风格也在此随着人们思想品味的变化而变化。但无论潮流的风向如何改变，家具的艺术风格都必须与装潢设计相匹配。两者的有机结合是家装事业的前提条件，也是人们审美的永恒主题。
3.1?色彩趋于平淡自然
随着人们对装潢设计要求的不断提高，优美的艺术风格在家具设计中也必不可少。家具的色彩也趋于平淡自然。香槟色，银灰色，大地色系等都是未来色彩的趋势所在，还有清雅的水墨画，自然的材质纹理都是家具艺术风格趋于自然平淡的积极表现，如初出芙蓉般清新雅致，简约而不简单。简约的色彩结构，是将色彩简化到最少且合理的程度，色彩注重单一却不缺乏美感。比如黑白的、气质高贵的沙发搭配浅色背景的电视墙，就能体现装潢设计简洁主题。家具艺术色彩风格的简化往往能达到以少胜多、以简胜繁的效果。
3.2?造型设计趋于自然可爱
简约流畅、赏心悦目、实用便利的设计规则和美学原则是当今家具艺术风格趋势，它包涵一些永恒的价值观，如对材料的尊重，细节的精准，繁杂设计的简化等。简单的板材、个性化设计，功能简洁实用又不失主人家的风格展现，满足了现代消费者的需求。但也不乏一些受到后现代思潮影响的设计师们，在家具艺术的造型风格中增添了些微另类的元素。它们打破了传统，看似不可思议，但却有着一定的依据。还有一些传统的具有中国风的元素也在家具艺术风格中得到体现。比如中国红、中国结等都在现代的家具风格中得以体现。中国元素也将永远存在于家具设计及装潢设计界。传统文化和现代文化的巧妙结合往往给人带来耳目一新的感觉。家具风格的多元化发展，使得家具设计将现代造型、色彩、选材与现代艺术融为一体。不过无论哪种趋势原材料的纯天然是它们统一的标准。
4．结束语
家具是室内装潢设计的重要组成部分，家具的风格与装潢设计的和谐搭配是室内装潢设计成功的前提。家具是人们生活的一部分，家具的存在，是为了满足人们生活的需要。它的功能性和装饰性使它成为装潢设计的第一要素。家具的艺术风格也成为一种文化产物，在现代文明中扮演着重要的角色。随着人们对生活品质要求的越来越高，现代装潢中的家具艺术风格也不再是高端生活的专利。它正在被广泛的认识和普及。让人们在享受家具实用功能的同时也享受了它带来的美观与舒适。所以怎样让家具的艺术风格和装潢设计完美结合是我们所要探讨和研究的具体问题。
参考文献：
英国工艺美术运动的领导者莫里斯倡导用中世纪哥特式风格和自然主义风格来解决维多利亚风格的繁复和大工业生产下产品丑陋的问题，而作为设计实践，不管是他的“红屋”住宅的设计还是家具、地毯、书籍、纺织品的纹样设计都体现了他的设计风格和对自然主义的推崇。工艺美术运动的主要思想恰与东方艺术中“天人合一”的思想不谋而合，自然主义使得东方装饰和东方艺术元素得到借鉴和运用（图1、图2）。“大量的装饰都有东方式的、特别是日本式的平面装饰特征，采用大量卷草、花卉、鸟类等等为装饰动机”[1]，设计作品所呈现出的清新、自然和朴实无华受到了大众的欢迎。除此之外，他还受到了日本木版印刷的影响，采用线条和色彩使装饰图案平面化和风格化，具有浓郁的浪漫色彩。无独有偶，在工艺美术运动影响下形成的各设计行会和很多设计师都从东方艺术中吸取养料，如设计师爱德华•威廉•戈德温，他在各种印刷品上看到了日本风格的家具，并对日本式的风格产生了兴趣，于是将其与英国的文化结合，仿制了许多具有日本家具的直线风格的英国家具。英国工艺美术运动不仅仅在英国本国展开，并且对其他国家也产生了影响。在美国的“工艺美术”运动中，设计师也在设计中采用了东方艺术元素，这些元素不仅仅是平面的具有自然主义风格的纹饰图案，而且具有更细致、更深刻的内容（图3）。美国设计师格林兄弟从结构上采用了日本民间传统建筑的结构特点和模数体系，设计了根堡住宅，从中国明代家具风格中寻找设计灵感，设计出大量具有东方特质的家具。与格林兄弟相同的还有美国著名设计师赖特和古斯塔夫•斯提格利，他们将东方艺术的典雅、朴实、自然和简洁大方运用到建筑、家具和平面设计中，得到世人的认可。在东方艺术中，陶瓷拥有着悠久的历史和重要的地位，“东方各国，特别是陶瓷的故乡中国和陶瓷发展非常突出的日本，对于英国的陶瓷带来了非常大的影响。从当时英国的陶瓷设计上看，可以看出东方陶瓷设计的明显影响，特别是图案、釉色的运用、器型上，东方的影响特别明显” 。[2]
二、 新艺术运动时期的东方艺术元素
在工艺美术运动之后蓬勃兴起的新艺术运动，不受中世纪哥特式风格的局限，热衷于传统装饰风格，更加崇尚自然，热衷于自然曲线的运用。在这样的宗旨下，新艺术运动并未形成统一的设计风格，而其影响力却波及到十几个国家。东方艺术形式特别是日本和中国的工艺美术在新艺术运动中更加明显，“对日本等东方艺术的借鉴、对矫揉造作风格的反对，对于手工业的爱好，对于大工业化的强烈反感，都成为新艺术的基本特征” [3]。法国是新艺术运动的发源地，定居法国巴黎的德国人萨穆尔•宾成立了“新艺术之家”，他个人对日本美术和日本传统手工艺非常入迷，不但专程去日本考察，收购日本工艺美术品，还出版了杂志《日本艺术》专门用于宣传日本艺术和工艺美术。萨穆尔•宾作为一名出版商、贸易商，为东方艺术走入欧洲，影响欧洲的现代设计做好了基垫。这样的情况不仅仅发生在法国，在比利时的新艺术运动中，设计师博维不但设计家具还经营日本进口的陶瓷和工艺品商店“日本之家”，而英国人阿瑟•里柏提在伦敦开设了日本工艺品店，这都为艺术在欧洲的传播起到了重要作用。日本的版画可以说对新艺术运动有着非常大的影响，设计师们从日本版画中学会了平涂的手法，学会了运用留白的设计形式和提炼抽象的纹样。在新艺术运动中，陶瓷作为东方艺术的瑰宝仍影响着新艺术运动，不管是装饰风格还是加工工艺都成为他们学习的内容。日本陶瓷的粗犷和中国陶瓷手工绘制的精细、色彩明快都丰富了设计师的设计实践（图4）。再次，东方艺术在建筑方面也得到体现，比利时的设计师霍塔将东方艺术中植物纹卷曲回旋的形式自由并流畅地运用到室内设计和建筑设计中，既浪漫又具生命力，装饰性强。
更值得一提的是，曾为英国工艺美术运动成员的设计师麦金托什，新艺术运动时期成立了“格拉斯哥四人派”。他对日本浮世绘的绘画方式非常感兴趣，特别是那些简单的直线，经过对这些简单直线的理解和运用，他排列和设计出不同的装饰效果，这使得他对直线有了了解，接受了新艺术运动中所没有的直线表达方式，不但追求横竖直线的构图，还以黑白为主，设计风格不同寻常（图5）。在产品设计上也体现了他的设计风格，采用直线和简单的几何造型，在细节处稍加自然纹饰，这影响了很多后来的设计师，形式上与在德国开展的名为青年派的新艺术运动有着联系，为现代主义的规整几何形式的出现打下了铺垫。
三、 装饰运动时期的东方艺术元素
装饰艺术运动是在新艺术运动之后在法国等国家开展的设计运动，它与欧洲的现代主义运动并行发展。在这场运动中，东方艺术仍然散发着浓郁的香气，各国的运动中当然少不了对陶瓷设计、家具设计以及装饰图案等东方艺术的借鉴和学习（图6、图7）。比如，法国的陶瓷在釉彩方面就深受中国陶瓷的影响。装饰艺术运动时期，中国的漆器工艺也被运用到室内设计和家具设计中，借此传达出华丽、尊贵的效果，“装饰艺术运动对于东方装饰的迷恋，自然导致了对于东方装饰重要手段之一的漆器的模仿和发展”[4]。除此之外，东方艺术元素还被运用在首饰设计、灯具设计等其他方面，“东方人实际上在教西方人如何设计，直接把他们的知识传播给西方世界。”[5]在传统美术和工艺上有着优势地位的东方艺术，在现代设计初期被西方各国家很好地借鉴、运用和融合到设计运动和思潮中，促进了各国现代设计面貌的形成和腾飞。
结语
在现代设计思潮跌宕起伏中，各国总是在当时具备的社会背景下学习和借鉴先进文化及其艺术形式。古代的东方艺术以其美的形式、优良的功能性、良好的质地影响了很多国家的器物设计和平面设计。其实，现代设计中还有很多深受东方艺术影响，运用和融汇东方艺术元素的实例，如后起之秀北欧的现代家具设计等。这说明了深厚的文化底蕴能为现代设计提供养料。而在目前的环境下，西方的工业化及设计理论和实践有着明显的优势，我们一方面要像他们当时运用和吸收东方艺术一样吸取现代设计的成功经验，融合到中国现代设计的发展中，实现“洋为中用”，另一方面，要挖掘自身文化中的精华和特质融入现代设计中，实现“古为今用”，融会贯通下的中国现代设计才能迎头赶上、独树一帜。
注释：
[1]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第56 页。
[2]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第60页。
[3]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第65页。
[4]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第94页。
艺术设计专业主要课程
《西方现代设计史》、《艺术传播学》、《艺术管埋学》、《艺术市场简史》、《中国工艺美学史》、《中国现代美术理论与思潮》、《中国现当代艺术》、《西方古代美术史》、《设计批评》、《软件设计基础》。
部分高校按以下专业方向培养：空间环境设计。
艺术设计学主要研究艺术学、设计学、艺术设计史、软件设计等方面的基本知识和技能，进行平面设计、环境艺术设计、装饰设计、服装设计等。
艺术设计专业就业方向
本专业学生毕业后可在装饰公司、房地产公司、建筑公司、软件公司、设计院、电子集团从事设计工作，也有部分进入高校从事教育研究工作。
从事行业：
毕业后主要在家具、建筑、互联网等行业工作，大致如下：
1、家居/室内设计/装潢;
2、建筑/建材/工程;
3、互联网/电子商务;
4、广告;
5、新能源;
6、房地产;
7、服装/纺织/皮革;
8、公关/市场推广/会展。
从事岗位：
毕业后主要从事平面设计师、ui设计师、平面设计等工作，大致如下：
1、平面设计师;
2、ui设计师;
3、平面设计;
4、室内设计师;
5、软装设计师;
6、美工;
7、设计师;
8、设计师助理。
艺术设计专业培养能力
1.具备对新知识、新技能的学习能力和创新创业能力;
2.具备艺术设计的沟通与合作能力;
3.具备基本的艺术设计构思与造型能力;
4.具备艺术设计形象的表现与应用能力;
5.具备艺术设计形象的制作能力;
6.具备艺术设计的综合应用能力;
7.具备艺术设计的规划能力;
关键词：室内设计 金属艺术陈设品 艺术理念
随着社会经济发展和民众生活水平的提高，人们对居住环境的质量要求也越来越高，室内设计行业也得到了空前的发展。陈设品在室内设计中具有审美环境塑造和知性彰显等积极作用，它可以缓解家居空间的单调乏味感。陈设品的材质众多，其中，金属因为装饰性超强、功能齐全而深受人们喜爱。这就要求设计师准确把握金属陈设品的用途和艺术理念，通过金属陈设品传达时代审美趣味，营造宜居的生活环境，进而推动室内陈设艺术的创新性发展。
1金属艺术陈设品在室内设计中的应用历史
我国金属艺术陈设品的应用历史可以追溯到夏商周奴隶社会时期，这一时期常见的金属艺术陈设品以青铜器为主，当时在贵族阶层盛行的铜鼎、铜尊、铜编钟都属于金属艺术陈设品的范畴。在封建社会时期尤其是宋、明、清时期，我国金属艺术陈设品的风格、造型和种类不断发展变化，金属艺术陈设品也达到了发展高峰。不过，在封建社会前期和中期，我国金属艺术陈设品大都以实用性陈设品为主，且金属艺术陈设品较为难得，只在达官权贵阶层流行。这是由金属的材质、价格和当时的社会环境所决定的。如在宋代，金属的主要用途是铸币，加上制瓷业比价发达，寻常百姓多以瓷器做生活和摆设之用。不过，这并不妨碍宋代金属工艺的发展，宋代的铜镜，无论是挂镜还是柄镜，都具有较高的艺术性。明清时期，随着采矿业的发展，金属艺术陈设品开始进入寻常百姓家。
2金属艺术陈设品在室内设计中的应用
作为一种重要的室内陈设品，金属艺术陈设品的应用范围是非常广泛的，但从用途来看，金属艺术陈设品主要分两大类，一是单纯做装饰之用的工艺品，如金属雕塑（金佛）、金属摆件（马踏飞燕）和金属壁饰等，这些陈设品只具有单纯的观赏价值、装饰作用或文化意义，却没有使用功能。一是实用性金属艺术陈设品，如家具、食具、洁具等。古代金属材料品种众多，有金、银、钢、铁、铜、铝等，这些金属材料具有轻盈、耐久、易加工、表现力强等金属共性，还具有各自独特的金属特性，如铁厚实沉静，青铜沧桑厚重，黄金雍容华贵，白银色泽亮丽，用它们制成的金属艺术陈设品也深受人们喜爱。后来，随着社会发展，人们利用金属材料的特性，又制作出了许多兼具实用性和观赏价值的物品，这就赋予金属艺术陈设品以较高的实用价值和观赏功能，金属艺术陈设品的艺术感染力也受到社会各界的高度肯定，金属艺术陈设品也越来越多地被用到室内设计、装饰中来。
3现代室内金属艺术陈设品的艺术理念
随着社会发展，现代室内设计已经成为一门热门行业，民众也不再满足于具有其所的基本需求，在“住的舒适，有品质的生活”理念的驱使下，室内设计和装饰也成为大众消费热点。室内陈设是随着室内设计发展起来的一门专业学科，陈设设计的领域非常广，单从陈设品来讲，现代室内陈设品从功能上来看主要分为两大类，分别是功能性陈设品和装饰性陈设品，陈设品的材质又可分为金属、木质、陶瓷、玻璃、树脂、纤维等几大类。现代金属艺术陈设品的材料和技术都较之前有了飞跃性的进步，金属陈设品作为陈设品大军中的一员，也受到了更多的关注。公众在选择金属艺术陈设品的时候，口味、需求和眼光都更加多样。在诸多内外因素的作用下，金属艺术陈设品的艺术理念也出现了新的变化。就目前来说，我国金属艺术陈设品的艺术理念主要集中在以下几点：
3.1实用性和艺术性相结合
虽说艺术类金属陈设品的种类越来越多，风格也更加多样，但是，在现代室内设计中，绝大多数金属艺术陈设品都兼具实用和艺术双重属性，如一些灯具、果盘、钟表、烛台，既可做摆设又有实用价值比。因此，如何创造出更多兼具实用和艺术功能的金属陈设品，也成为许多艺术家、设计师努力的方向。欧美国家自19世纪下半叶的工艺美术运动开始，就开始了“实用与艺术相结合”艺术实践与探索，设计师们在设计过程中，非常看重美术、技术与实用功能的结合，如家居设计家斯各特以及阿什比、格林兄弟设计的金属器皿都兼具实用和艺术摆设功能。至包豪斯时期，功能主义已经成为室内陈设品设计中的一个重要指导理念，并逐渐演变成为家具材料设计的美学原则。那个时期的艺术家、设计师在制作咖啡壶、桌椅、灯具、楼梯、镜架等日用品时，都会遵从功能主义原则，尽可能多地摈弃一切“无用”的装饰，力求突出物品的功能性、简约性。与此同时，受现代设计理念的影响，设计师在陈设品设计中，常常会运用简单的直线、几何造型来彰显金属艺术陈设品的艺术感，即便是在对传统产品进行外观改造时，他们也会从艺术和科学的双重角度对产品形态进行重新认识和开发。今天，这一艺术理念也被更多的设计师所接受并运用到现代金属艺术陈设品设计中去，如鬼才设计师菲利普.斯塔克设计的柠檬榨汁机、WW椅，就在充分考虑这些物品的功能需求的基础上，赋予其雕塑艺术的品质，从而颠覆了人们对于榨汁机、椅子的想象。
3.2崇尚视觉上的愉悦感
金属艺术陈设品是现代室内常用装饰用品之一，金属材质与其他材质相比，有着更加丰富的材质语言，如金银可以给人以典雅、富丽堂皇的感觉，铝合金可以精致柔美，也可以坚固豪放。金属材料的这一特性，赋予了金属艺术陈设品极强的艺术表现力，也决定了它必然会有极其广泛的用途。如今，随着经济的发展，普通消费者已经成为金属艺术陈设品的主要服务对象，在现代金属艺术陈设品设计过程中，设计师也不得不迎合大众审美需求，去设计更多符合现代人审美趣味、反映大众价值取向的作品。受此影响，更多的艺术家和设计师都倾向于通过自己的努力、运用与时展步伐一致的艺术设计语言，设计出更多舒适、美观的金属艺术陈设品。
在工业社会，以功能性为主的金属艺术陈设品早已实现了大批量生产，并且，为了适合批量生产，绝大多数功能性金属艺术陈设品都造型简洁，风格朴素。现代功能性金属艺术陈设品在生产和设计方面都深受理性主义和现实主义思想影响，酷爱用几何形体和简约的色彩来概括客观对象，这正好与工业社会大机器批量生产的标准化、机械化要求不谋而合。其次，许多金属艺术陈设品在设计中还从人的角度出发，迎合消费者的心理和感观需求，有目的地突出了陈设品的装饰性存在。
美化生活，提高环境品位，是以人的生活审美需要为本的金属艺术陈设品设计和生产的目的，这类陈设品都非常关注物品本身的装饰意义和创新功能。虽然这类装饰性金属艺术陈设品古已有之，但是，当代金属艺术陈设品无论是在造型、风格和品位上都较之前有了较大的进步，许多金属艺术陈设品都紧跟时代艺术潮流，吸收了现代美术、绘画、雕塑艺术的精华。此外，一些设计师还大胆创新，或赋予坚硬的金属以生机和活力，或将自然元素融入到金属刚性之中，试着通过有趣味的创意营造轻松愉悦的艺术环境，满足人们追求返璞归真的思想需求。运用现代工艺处理手法，许多经过处理的金属材质不仅色彩柔和，并且质感更细腻、现代感更强，如高级工艺美术师方学斌创作的《汴河客舟》，采用的虽是传统金银工艺，但是其中也用到了许多运用现代手法处理过的铜材，因此，制作好后的成品色泽和视觉效果也更好。
3.3鲜明的艺术观念
因为时代的发展和现代艺术家的参与，现代金属艺术陈设品呈现出与以往不同的艺术面貌，也有了更加丰富的艺术理念。现代艺术家、设计师大大改变了金属艺术陈设品的价值观，使其成为鲜明的艺术观念的直接载体，使其在内涵、风格和表现力上不同于一般的陈设品，使其功能又不同于一般的装饰品。就金属艺术陈设品的艺术风格来说，与其说现代金属艺术陈设品是为了美而被创造出来的，不如说它们是为了体现和传达艺术家的思想观念而被创造出来的。进一步来说，不论其表现手法如何，现代金属艺术陈设品的艺术风格、表现手法都是为其价值理念而服务的。虽说许多为了传达理念而创造的金属艺术陈设品，都保留着鲜明的器皿使用功能，但是，也有许多金属艺术陈设品直接摈弃了陈设品的功能性概念，以2009当代国际金属艺术作品展中的参赛作品《胸针》（作者唐绪祥）为例，这里的胸针根本没有任何实用价值，它纯粹展示的就是集材料、色彩和肌理和谐之美于一体的人文艺术。
3.4艺术理念的多样化
社会与艺术对多样化的认可和包容，为金属艺术陈设品的自由发展提供了广阔的空间。在现代艺术环境中，设计师们可以立足于传统，对异质文化进行吸收、移植、借鉴和加工，也可以借助异质文化打开本民族封闭发展的文化大门，赋予金属艺术陈设品全新的面貌和气质。在金属艺术陈设品设计领域，人们都非常认同这一说法，个体的行为固然不能代表时代趋势，但是个体的思想和作品，无不是时代艺术的反映。受此影响，金属艺术陈设品的创作思维也更加独立和多样化，从个体需求出发，现代金属艺术陈设品已经无法保持原先固有的固定的面貌，它只好顺从社会发展潮流走上综合社会、心理、经济、技术、艺术等多种因素的艺术发展道路，并以丰富多彩的面貌改变着不同文化群体的生活。如今，随着现代大众追求个性、崇尚原创心理趋向的日益明显，许多艺术家都走上了文明大融合的道路，一些人在金属艺术陈设品设计中，一方面吸收了传统工艺的创作手法，一方面着力挖掘金属艺术陈设品身上所蕴含的那种被非人格化的技术所摈弃的自然情感，从而有效丰富了金属艺术陈设品的存在方式。
总之，随着社会发展，现代室内金属艺术陈设品的设计水平也会不断提高，与此同时，民众的金属艺术陈设品需求量也会不断加大。鉴于此，我国现代金属艺术设计是和艺术家要积极吸收世界艺术文化的营养成分，努力提高设计水平，以创作出更多优秀的金属艺术陈设品，促进民族艺术的繁荣发展。
参考文献：
[1]崔新路.现代室内金属艺术陈设品的艺术理念[J].装饰，2005，06：79-80.
21世纪的艺术摆脱不了科技的影响。计算机艺术就是一门科技和艺术完美结合的艺术形式。近十年来，科学技术的高速发展带动了计算机产业的发展。电脑告别了昂贵的时代，开始步入寻常百姓家，成为我们日常生活的一种重要的工具。计算机技术在现代设计中的应用广泛，尤其是新媒体艺术和数码艺术的应用，使现代设计与计算机技术密切相连，计算机成为现代艺术必须的手段和工具。
计算机艺术不仅是现代设计艺术的方式和手段，还改变着现代设计的内容和理念，建立在计算机技术和艺术基础上的现代艺术与传统艺术相比，有着更多的“技术要素”“技术美感”。计算机艺术是对“美”“美感”的技术性表现。
计算机技术在现代设计艺术中的应用历史
科技的革新带动着艺术的发展，近二十年来，现代艺术设计的发展始终追随着科技发展的脚步。从计算机基础设计到网络虚拟现实设计、再到数码影像设计，科技的发展使艺术设计的主体、客体都发生了很大的变化。计算机技术在现代艺术中的应用，不仅是对艺术材料和形式的改变，更是对设计思维、设计心理的改变。计算机技术的发展经历了一个短暂的迅猛的过程。上世纪五十年代，美国麻省理工学院的科学家研制出了计算机，这种新型的高科技工具具有强大高效的运算能力，还具有复制、储存、修改、重塑等丰富的功能。将这种功能与绘画、绘图艺术相结合，产生了最初的计算机艺术。后来，有科学家利用计算机绘制出抽象的图像和图形，实现了用计算机创作彩色影像的功能。上世纪末，网络的盛行，将现实的时空复杂化，人类的时空认知模式也得到了极大的改变，计算机网络为我们提供了极为丰富的创作素材，使我们的想象空间具有了无限广阔的可能性。
对于计算机技术的认同，使艺术家们具有了重塑世界的自信。思维活跃的艺术家用计算机进行艺术创作。早期的计算机艺术家们利用计算机技术对字母、图形、图像进行叠加性的创作，成功的创作出了计算机平面艺术作品。后来，艺术家们又利用计算机科技创作出了计算机动画艺术作品。现在计算机艺术已涉及艺术的各个领域，改变着艺术的形式和内涵。
计算机艺术在平面艺术设计中的应用
在平面艺术设计等二维的艺术设计领域中，计算机艺术主要被应用于图形、图像、文字处理等方面。一系列成熟的二维设计软件使设计师从初步构思、整体控制、细节刻画都能够顺利完成。可以说，计算机艺术给平面设计领域带来了一场翻天覆地的革命。计算机艺术使设计的对象更为丰富，设计不仅可以表现现实存在的客观事物，还可以表现幻境与幻想。计算机技术在二维艺术设计中的应用能够使图像更富美感和意境之美。计算机设计具有传统艺术的表现方式，比如绘画、雕塑、摄影
等所不具备的表达优势。在平面设计中，计算机艺术目前被广泛的应用，计算机设计能够为平面设计增
加新的创意，增加新的表现维度。总之，计算机设计现在成为二维设计的主流，极大的提高了平面设计师的工作效率，降低了设计成本，取代了传统的二维设计模式。
计算机艺术在工业造型艺术设计中的应用
工业造型设计领域的计算机艺术的应用，更趋向于对科学的技术性要求。工业造型中的艺术设计主要集中在产品造型和产品造型与产品标识设计相结合等方面。计算机艺术在工业造型艺术设计中的应用目的是创造出新的、具有市场效用的产品形象，这是对“科技美”的追求，可以吸引、引领受众的眼光，使受众在心理上产生愉悦感的同时，认同某种工业造型商品。
特别是在一些汽车外观设计领域，计算机技术的应用能够设计出时尚的外观，完美的造型，动感流畅的线条、诱人的外部光泽。汽车的外观造型设计成为评价汽车品级质量的一个重要标准。
计算机艺术在动漫、游戏艺术设计中的应用
计算机艺术在动漫、游戏艺术设计等领域，主要是对于手绘作品的后期处理，这是一种锦上添花的设计艺术形式。三维技术软件的开发和应用为动漫艺术带来了极为丰富的视觉表现空间。3D技术和三维动画软件能够使动漫艺术作品具有丰富的表现形式，产生令人震撼的视觉冲击力。 目前在游戏设计领域，计算机艺术也已经得到广泛得应用。这种应用集中在计算机人物与道具造型设计、场景设计、后期制作及特效处理等方面。凭借功能强大的计算机技术软件，在游戏艺术作品中，设计者可以充分的发挥想象力，完美的发挥作品的创意。虚拟现实技术的应用还使游戏作品产生实时、交互式效果。
摘要：艺术风格是艺术设计的时代风格和民族风格。艺术设计的风格,一般是指艺术设计家在艺术作品中所表现出来的创作个性与艺术个性,它是人们社会生活的审美观念、素质层次、民族文化的总体需求与反映。融合性是指对设计风格的复合,有古今融合,东西融合,新旧融合等等。
关键词：艺术设计;艺术风格;融合性
艺术设计的风格,一般是指艺术设计家在艺术作品中所表现出来的创作个性与艺术个性。它是人们社会生活的审美观念、素质层次、民族文化的总体需求与反映。对于艺术设计风格,涉及艺术家主观方面,诸如思想感情、性格气质、生活经历、文化修养和审美理想的特殊性。而所有这些,又受到国家民族的物质、精神文明在历史发展中形成的特殊性影响,受政治、哲学、宗教和美学思想的影响。艺术设计风格的多样性,也来自审美需求的多样化。由于欣赏主体存在着不同的社会层次、文化层次、年龄层次,属于不同的民族、不同的地区,造成审美需要的千差万别,反过来刺激和推动着形成不同的艺术风格。
艺术设计风格的形成有着多方面的原因,首先,艺术设计作为一种特殊的精神生产,必然要在艺术作品上留下艺术家个人的印记。艺术家作为艺术设计中的创作主体,他的性格、气质、禀赋、才能、心理等各方面的种种特点,都很自然地会投射和熔铸到他所创作的艺术品之中,通过创造性劳动使主体对象物化到精神产品之中,艺术家在艺术设计过程中或创作完成后的作品中都物化了艺术家的个性特点和认知原则。艺术风格是设计的时代风格和民族风格。
一.时代风格
艺术的时代风格,是反映某一时期、某一时代的科技、文化、审美意识的写照,艺术设计时代风格,是一个时代的文化观念、审美意识和价值取向在设计上的物化表现。商周前期青铜器装饰性较强,幻想的成分较浓,形象也更为怪异,颇具凝重森严,威猛逼人的气势。中国古代的青铜器从总体上讲,都具有造型生动、纹饰精细、铭文清晰、装饰华丽等特点,但如果仔细区分,仍然可以从青铜器的风格中发现鲜明的时代特色。商周时代,是我国奴隶社会的鼎盛时期,青铜艺术也随之达到了极盛的阶段,尤其是商代晚期和西周早期的青铜器,一般体积庞大厚重,尤其流行一种“饕餮”兽面纹,它既像牛头,又像虎头,既像某种凶猛的野兽,又像令人恐怖的妖魔鬼怪,它显出一种神秘的威力,一种狰狞的美,它带有明显的奴隶社会的印记,象征着奴隶主阶级统治的权威和秩序,这是时代精神的体现,正是在这种文化氛围中,才出现了“鼎”这样整齐、规范、条理、秩序的造型形式。
例如在中国虽然商代和周代同属奴隶制,但商代与周代的文化特征还有所不同。商代的文化更突出地表现在祭祀方面,它的生活内容、物质文化和精神文化,主要是围绕着祭祀来进行的。因此,殷商的青铜器,其造型的体积感和力度大大加强,以此适应祭祀的需要。而周代的“礼”,尽管也有祭祀,但它不同于殷商的“先鬼而后礼”,而是“敬鬼神而远之”,成为一种比较理性的、有着丰富伦理意识和严格的等级观念的礼仪活动。
又如中国明式家具在设计风格和审美特色上的迥异,也是由于不同文化的影响所造成。明式家具产生于明代私家园林这样一个特定的文化氛围和环境氛围里,而许多私家园林的园主,本身就是能书善画的文人墨客。他们以文人的审美要求和标准,对园林建筑内的家具设计风格进行整体规划,有的还亲自参与家具式样的设计。这就不仅使明式家具散发出浓浓的文人趣味和书卷气息,而且注入了更多的文人士大夫文化的内涵。明式家具是明代江南文人文化的一种物化。明代椅子由于造型所产生的比例尺度,以及素雅朴质的美,使家具工艺达到了很高的水平。家具整体的长、宽和高,整体与局部的权衡比例都非常适宜。明式家具为封建统治阶级所占有使用,例如有的椅子座面和扶手都比较高宽,这是和封建统治阶级要求“正襟危坐”,以表示他们的威严分不开的。 因此,每一个时代设计风格的形成,都与当时的文化发展有密切的联系,一个时代的文化氛围,是那个时代设计发展的土壤,一个时代的艺术设计,又反映出那个时代文化的面貌和特征。
宗教是一种复杂的文化形式,它又自己创造出一种相对独立的宗教文化,使得宗教文化成为世界文化的一种特殊形态,也是世界文化发展链上的一个环节。在宗教文化中,包含着形形色色的宗教艺术。涉及建筑、雕塑、绘画等各门艺术。在中世纪,一本圣经是统治阶级的宝典,文化的传播地是教堂,教堂的设计最能代表当时的西方文化。德国的科隆大教堂、巴黎圣母院是其中典型代表。它们都是哥特式的风格,从外观上看,它那高耸的尖塔直刺青天使人敬畏,阴冷的墙面和框架式结构使人震惊。教堂内部狭长窄高的空间,以及一排排瘦长的柱子形成一种腾空而
关键词：视觉传达设计艺术;国画艺术;影响
引言
视觉传达设计艺术作为现代社会文化创意产业的一项发展成果，受到了人们的喜爱。然而，视觉传达艺术的出生决定了它与商业有着密切的联系，即时效性和功利性比较强，因此视觉传达设计艺术要有超前的意识观念和引领时尚的手段，从而更新人们的审美观、消费观以及投资意识。而视觉传达艺术设计者在探索中认识到传统国画艺术的重要性，并且逐渐运用或者借鉴国画艺术的表现手法，从而使视觉传达设计艺术的知识性和拓展性变得更强。而另一方面，国画艺术在当代社会需要有所创新与突破，需要开拓本时代的艺术道路，在探索的过程中，国画画家发现了视觉传达设计中可利用的东西，并将它应用到国画创作中。由此可见，视觉传达设计艺术与国画艺术之间是相互影响的关系。
1.视觉传达设计艺术与国画艺术的特性
1.1视觉传达设计艺术与国画艺术之间的共性
第一，视觉传达设计艺术与国画艺术的表现形式具有共通之处。视觉传达设计是以可视的艺术形式来传达一定的信息给信息接收对象的过程，在这个过程中，点、线、面、色等要素得到合理的编排[1]。而国画则是用毛笔蘸水、墨、彩在绢或纸上作画的过程，同样注重点、线、面、色的编排。因而它们在表现形式上都属于视觉艺术体系的范畴。
第二，视觉传达设计艺术与国画艺术的作品中都带有作者的独特的审美个性。就视觉传达设计艺术而言，虽然它的创作考虑客户、市场的因素比较多，但是不可否认的是作品中表现出作者鲜明的审美个性，现代的直观“美”在作品中表现得淋漓尽致。而消费者所看中的也是作品中的独特审美表现。就国画艺术而言，国画画家在画作中表达自己的审美情趣，表现自己的情感和情操，画面、情感与美融为一体，形成画家独特的审美格调。
1.2视觉传达设计艺术与国画艺术顺应时展的特性
视觉传达设计艺术是产生于现代社会的一种艺术形式，与数字技术的产生和发展有着紧密的联系，从其整个发展过程来看，它具有顺应时展的特性。第一，视觉传达设计艺术涉及多门学科，在各个领域中都得到了有效的运用，可见其顺应时展的特性。在舞台设计和影视设计等四维设计领域，视觉传达设计艺术的运用最多，且效果很好。第二，视觉传达设计艺术具有深刻的文化与哲学内涵，能够体现出时代精神。虽然视觉传达设计艺术的商业性比较强，但是设计者必须站在比商业更高的角度上进行创作，而这个更高的角度就是对人类的思考、对人类生存环境的思考[2]。而这一点正是每个时代的人都在探索的问题，因而它是顺应时展的。
国画起源于汉代，在漫长的历史长河中经历了鼎盛也经历了衰落。而在当今新的历史时期，国画艺术焕发出新的生命力，画家积极寻求传统国画艺术与现代社会之间的联结点，并对国画艺术加以改进，使得它更符合现代人的审美，因此从其发展轨迹来看，国画也具有顺应时展的特性。具体而言，这种顺应时展的特性表现在创作过程中吸收了现代的创作手法，在国画的内容中融入了现代人的物质形态、精神形态和生活形态等。
2. 视觉传达设计艺术与国画艺术的相互影响
2.1视觉传达设计艺术对国画艺术的影响
国画艺术受视觉传达设计艺术的影响主要有以下几点。第一，国画艺术吸收视觉传达设计艺术中“空间构成”的构成手法。比如，国画画家在画某一物体时，为了隐去其主体性，而借鉴视觉传达设计的手法，只用一块颜色来赋予物体以形状，这就是国画借鉴了视觉传达设计中“空间构成”的设计方法的一种体现[3]。第二，国画艺术吸收了视觉传达设计艺术中“重叠构成”的构成手法。“重叠构成”是指利用形态之间的遮挡关系来构成空间。比如国画画家通过在画面中有规律地重叠玻璃的方式来构造空间，就是一种“重叠构成”的应用。第三，国画艺术吸收了视觉传达艺术中“分割构成”的构成手法。“分割构成”是指按照一定的比例以及秩序来进行划分或切割的构成方式[4]。国画中原本并没有这种切割构成的手法，受视觉传达设计艺术的影响之后，画家开始把这种分割构成法应用到国画创作中来。除了以上几种构成手法之外，国画艺术还吸收了“肌理构成”、“形象的群化”等构成手法。
2.2国画艺术对视觉传达设计艺术的影响
国画艺术对视觉传达设计艺术的影响主要体现在丰富视觉传达设计艺术的内涵方面。第一，视觉传达设计艺术借鉴了国画的色彩之美。国画的色彩分为两种类型，一种是黑白色，一种是彩色。彩色在表现情感方面比较强烈，视觉传达设计艺术的设计者就是认识到了这一点，而借鉴了国画丰富的色彩表现。比如黄色象征着尊贵和疆土，红色象征着喜庆、热情等。而在黑白色的运用上，则借鉴了国画中将墨色分为五种的方法，利用水的稀释作用将墨色调出浓淡。第二，视觉传达设计艺术借鉴了国画的构图之美。构图是指形象符号对空间占有的情况，国画中有散点式、鸟瞰式、边角式、布白等几种构图方法[5]。而视觉传达设计以快速抓住消费者的眼球为设计原则，所以它借鉴了国画中的布白构图手法，从而达到增强语境的目的。第三，视觉传达设计艺术借鉴了国画中的诗书画印之美。国画中的题诗、印章等使画的内容更加丰富，画面更具美感。而视觉传达设计艺术受此启发，也将诗书画印融入到作品中，从而使作品能够通过文字来表达深层的意蕴，深化作品的主题，而印章的使用则使作品增添了许多儒雅气息和中国韵味。
3.结语
视觉传达艺术与国画艺术之间的相互影响，使双方的艺术创作都走向了新的高度，各自取得了新的成果。因此，在今后的发展道路上，视觉传达设计艺术要继续吸收国画艺术的丰富内涵，从而使作品更具张力，引领时代潮流与消费风尚;而国画艺术则要在借鉴视觉传达设计艺术中的构成手法来使自己的绘画更为挥洒自如，从而在新时代焕发新的生命力。（作者单位：四川师范大学美术学院）
参考文献：
[1]况燧媛.浅谈高校视觉传达设计专业的现状与发展[J].青年作家.2014（20）
[2]仇琛.浅谈视觉传达设计与中国传统文化元素的结合[J].徐州教育学院学报.2012（04）
[3]聂森.视觉传达设计在数码时代的蜕变与革新[J].文教资料.2011（06）
关键词：工艺美术运动；简洁；实用；大众化；自然
1引言
工艺美术运动是一项综合了设计和美学的现代设计运动，由英国著名设计师威廉•莫里斯倡导并领导，该运动主张民主主义思想、大众化思想、整体化美学构架以及唯美主义思想，这些先进的思想推动了英国设计美学由传统走向了现代，继而带来了现代美学革命，并对后期的新艺术运动、装饰艺术运动、格拉斯哥学派和包豪斯流派产生了甚远的影响，因此，工艺美术运动在艺术设计美学历史长河中占据重要地位，对这一时期的美学进行深入研究，不仅具有历史意义，更对现代艺术设计具有重要的指导意义.
2工艺美术运动背景分析
设计不是一个个体，而是在一定经济、政治、文化背景下产生的一种应用型艺术.因此，研究工艺美术运动的艺术特点，就需要对其背景进行深入分析.
2.1工艺美术运动产生时的社会状况
工艺美术运动产生于18世纪中期，这一时期恰是英国女王维多利亚继位期，我们将她在位至去世后的十三年时期称为“维多利亚时期”.这一时期英国工业革命崛起，其经济、文化、艺术都达到了前所未有的鼎盛期，尤其是工业，更是真个民族的骄傲.这一时期的制造商和消费者都没有话语权，设计师更是退居幕后，长期如此英国形成了贫富差距极大的局面，一面是贵族奢侈的庄园式生活，另一面则是农民的茅屋和草舍生活.
2.2维多利亚时期艺术风格
由于这一时期的经济发展迅速，人们生活安定，因此，对艺术的追求逐渐开始盛行.这个时期对艺术的研究和追求出现了不同的方向，一方面有折中的倾向，另一方面也有向装饰繁琐化的趋向，当然，这主要是由于人们的物质丰裕而导致的.
2.2.1折中主义表现
折中主义态度主要体现在，人们经常随机的使用不同的风格元素进行搭配，将所有样式的装饰元素进行自由组合，例如将现代元素加入到古典的艺术作品中，一定程度上完善了原有的风格.
2.2.2装饰繁琐化表现
维多利亚时代的中产阶级开始增多，这部分人开始想通过居住环境的变化和室内装饰样式的改变提升自身的地位，以标榜自己所取得的成就，显示他们的尊贵身份.因此，以装饰风格为主的“维多利亚风格”开始盛行，这种风格与中世纪的“哥特风格”具有极为相似之处，都崇尚飞檐走壁、玫瑰花窗式的建筑风格.
2.2.3维多利亚风格的形成
哥特风格与维多利亚时期的浮华性、世俗性和繁琐性相结合，逐渐形成了矫揉造作、纷繁纷杂的美学风格，这就成为了维多利亚风格.这一时期的审美对当时的文学、绘画、服装、家具、书籍设计、建筑设计都产生了重大影响，而这也引发了后期的工艺美术运动.
3工艺美术运动
3.1工艺美术运动产生原因
1851年，英国举办了世界上第一届世界博览会———伦敦世界博览会，会议的主要目的是展示英国的成就和科技实力.这次会议引发人们广泛关注的并不是展品，而是展馆本身，被人们成为“水晶宫”的一座奇特建筑.它是由英国著名建筑学家约瑟夫•帕克斯顿设计的巨大建筑，全部由玻璃和钢材建造而成，新的建筑材料和新的建筑方法显示了工业生产的力量，但同时也暴露出了工业生产与美学脱节的问题.拉斯金层这样评价这座伟大的建筑“大批深凹的洞穴和低矮的山丘，使整个建筑看起来傻傻的”.
3.2工艺美术运动的先驱和领袖
工艺美术运动的理论指导者是英国的思想家、美术评论家约翰•拉斯金；而运动的主要领导人是艺术家和世人威廉•莫里斯.
3.2.1拉斯金的理论
拉斯金深受著名设计师普金的影响，并在后来的实际行动中，将乐普金的观点进行了发扬和延伸.拉斯金的《建筑的七盏明灯》和《威尼斯的石头》是两部极具理论价值和实用价值的著作，著作对旧的艺术标准进行了供给，提出了反对工业化思想，主张美学家应该从事产品设计，将美学与技术相结合，这种观点对工艺设计和整个社会都产生了巨大影响.当然，拉斯金的理论也充满了混乱和矛盾，一方面他否定工业文明，另一方面又大力提倡适合现代人使用的美观又实用的真正艺术.但就整体而言，拉斯金的理论对现代艺术设计发展仍具有极大的借鉴意义，具体表现有：①设计要面向大众，艺术应该融入到日常生活中，全社会都应该加强道德修养，提高自身的艺术欣赏水平.②艺术设计要具有实用性，伟大的作品是要适合某一特定场合，满足某一需求的，不是那种非装饰性的作品.③设计要回归自然，要想自然学习，通过观察自然，感受自然获得构想和创造力，然后采用一定的手法将其表现出来.④消除“高级艺术”和“实用艺术”的界限.虽然拉斯金的实用主义思想与后来的功能主义并不完全一致，但他的思想和理论仍影响了当时设计家们的思想，其中，英国的设计家威廉•莫里斯就将自己的设计融入了拉斯金的理论.
3.2.2莫里斯的设计理念
莫里斯受过艺术和建筑方面的训练，在大学期间读了拉斯金著作《威尼斯的石头》后，对哥特式建筑风格极为着迷，并逐渐从建筑家、画家转为设计家和设计理论家.1857年加入拉斐尔前派兄弟会，开始对文艺复兴前期感情真挚、形象朴实的艺术风格产生认同感.于是，在这一流派的影响下，莫里斯开始将“美丽形式与表现内容合二为一”作为自己的设计理念.
3.3莫里斯与红屋
结婚事件，使莫里斯真正开始了艺术设计.莫里斯结婚需要建立新的家庭，但在采购家具和新房时，对当时或简陋或繁琐的设计很不满意，于是萌发了自己设计、建造住宅的想法.新房地址在肯特郡的内克斯利赫斯的郊外，是一片荒凉的草地，被当地人成为“肥猪圈”，但却满足了莫里斯的居住需求，视野开阔、土地肥沃、河流潺潺.建筑师菲利普•韦伯为他们设计了新房住宅，即具有舒适、悠闲的特点，适合中产阶级及以下家庭居住；同时又打破了对称、表面粉饰的常规，设计了一栋具有功能性、实用性和舒适性的建筑.“红屋”打破了原有的设计风格，无论房屋内部还是外部，都设计大胆，不受拘束，设计粗犷但均精心设计，整个室内装修风格统一，成为一种新的设计风格，这就是英国的“工艺美术运动风格”.
4工艺美术运动时期的建筑风格
4.1工艺美术运动的美学主张
莫里斯的设计风格与维多利亚风格大相径庭，开辟了设计领域的新方向.其美学主张包括：①重视手工制作，反对大机器化生产；艺术是为人民创造的，也是为人民服务的，艺术不仅是创作者的乐趣，更应该给使用者带来乐趣.②提倡诚实、诚恳的设计风格；讲究简单、朴实、重视功能性；反对华而不实，哗众取宠的设计.③崇尚自然，利用大量的卷草、花卉、鸟类为装饰动机.④重视民主思想，认为艺术应该是为大众服务的，设计是集体活动，不是个体活动.⑤实用性和美观性相结合的产品才会有市场.
4.2工艺美术运动对建筑设计的影响
工艺美术运动的设计风格是非常独特的，这种风格对当时的建设设计产生了极大的影响.本文将以“红屋”为例，对这一时期的建筑风格进行简要介绍.
4.2.1整体性
工艺美术运动时期的设计十分重视整体性，设计者在处理对象关系时，从整体感觉出发，而不是从单一效果出发.红屋建筑在设计时就非常重视整体风格，室内布置和周围的建筑环境达到了高度统一，都体现了简洁、宽敞、实用性.红屋从外部建筑到花园设计、室内的家具造型、墙纸、地毯、餐具、灯具等都体现了装饰性和功能性的统一；红屋整体户型没有受门和窗局限，更有利于通风和光线采集，提高了建筑的功能性.为红屋楼上客厅橱柜，其装饰风格充分体现出了简洁、大方、实用的风格.
4.2.2唯美性
唯美主义学者认为，艺术的使命是为人们提供愉悦，而不应受到道德的数据.工艺美术运动中的唯美性主要体现在自然主义和富有张力的线条.工业文明带来了快节奏的生活，拉开了人们与自然的距离，人们渴望回归自然、亲近自然的心理更加迫切.因此，这一时期的设计者开始将植物运用到图案设计中，形成了唯美而奢华的风格，这种风格不同与维多利亚风格的矫揉造作，也不同于现代设计的刻板精明.如莫里斯将植物的枝蔓、花卉和小鸟做为动机，将其设计在图案中，形成了浪漫的自然主义色彩.自然界的一草一木，成为设计者们取之不尽用之不竭的设计源泉，这种设计使作品保持了鲜活的生命力和清新的艺术气息.
4.3工艺美术运动评价
工艺美术运动以其简约的风格、唯美的造型、深厚的文化底蕴赢得了社会各界的广泛赞同，并且为后来的新艺术运动和装饰艺术运动奠定了风格基础.工艺美术运动提出的艺术为大众服务、美学与实用性相结合、艺术结合自然等理念，为后来的日常生活审美化美学思想开启了先河.工艺美术运动中的设计理念不仅在设计史中具有极为重要的地位，在信息化、现代化、知识化的今天仍具有一定的指导意义.
5结束语
工艺美术运动是英国设计者为反对维多利亚风格而引导的一种设计革命，运动理论领导者拉斯金和莫里斯对当时的设计风格十分抵触，受哥特式建筑风格和拉斐尔前期设计思想的影响，开启了简洁大方、实用美观的新型设计风格，受到了社会各界的广泛关注，进而引发的一项艺术设计革命运动.该运动以建筑设计开始，随后涉及到绘画、装饰、印刷等多个领域，极大的影响了整个社会的审美情趣.工艺美术运动无论是作为设计理论，还是作为专业设计资料，都具有很高的研究价值.
参考文献：
〔1〕龚婷婷.中世纪建筑艺术与工艺美术运动的家具设计[J].现代装饰(理论),2013（07）:43.
〔2〕金鹏,田珂.工艺美术运动的影响与设计教育的反思[J].大众文艺,2011（07）:233-234.
〔3〕朱云飞.浅析工业设计之父—威廉•莫里斯的设计思想[J].新西部(下旬.理论版),2011（09）:265+267.
〔4〕程世卓.英国建筑技术美学的谱系研究[D].哈尔滨工业大学,2013.
〔5〕滕晓铂.威廉•莫里斯设计思想研究[D].清华大学,2008.
关键词:传统装饰艺术;视觉传达设计;民族文化
装饰艺术源于生活,源于传统,有着悠久的历史和深厚的民族文化底蕴,是与人们生活息息相关的一种艺术形态。早期工艺美术作品中的图案就已经具备了强烈的装饰意味,随着人们精神需求和审美意识的不断提高,传统装饰艺术更是成为了人们生活的一部分。作为一门独立的艺术形式,传统装饰艺术以其独特的视觉符号和深厚的文化内涵,重新引起了设计界的关注。特别是视觉传达设计,这门通过独特的视觉传播方式达到传达信息,与受众交流、沟通的目的地艺术学科,不仅要吸取和弘扬传统装饰艺术中的民族文化,更要挖掘传统装饰艺术中对现代设计有借鉴价值的东西。
追溯传统装饰艺术发展的渊源,它首先是人们为了生存,为了使用功能而进行的造物的主观创造性活动,到后来为了审美需求而进行装饰创作,这是一个漫长的历史过程。在人类发展史上的各个时期,传统装饰艺术作品往往成为见证该时期文化、工艺和艺术水平的代表。并且,传统装饰艺术作品不论其形式如何,都融入了原始先民为生存而激发的全部感情,都体现出了生命的本能、生活的理想和原始文化的底蕴。它虽不是纯艺术现象,但经过几千年的积淀与传承,传统装饰艺术在意识形态的转变和新技术浪潮的冲击下不断更新拓展,具有了自己鲜明的艺术特征,反映了民族文化的精髓。
在设计语言日趋国际化的今天,视觉传达设计由于本身所具有的对图形、文字等元素的高度概括和简约化特征而面临着设计风格一体化的尴尬趋势,这就对现代设计提出了更高的要求。由于不同的国家和民族有着不同的传统,其人文风俗和文化底蕴也大不相同,所以,设计家们惊讶地发现,民族的东西是一种很好地区别于其它地域作品的设计语言。于是,一股回归传统,弘扬民族文化的设计思想席卷了整个设计界。不同国度和区域的设计家都在寻找最能反映其民族精神和文化底蕴的设计符号。作为有文化积淀和传承并反映民族文化精髓的传统装饰艺术,重新引起了设计界的关注,并成为设计家们创作灵感的来源,也就不足为奇了。
传统装饰艺术在对形的处理上遵循“删繁就简”“以简代繁”的原则,也就是用简洁的线条和规整的外形来表现各种自然形象。如兴起于我国民间的皮影戏和剪纸,其造型多采用简洁单纯的线面,着重表现自然物象的基本特征,它把一些立体的东西作概括化和平面化处理,具有视觉传达设计的意味。出土于西安半坡村仰韶文化时期的人面鱼纹彩陶盆就采用了几何图形的构成手法,将人面概括成圆形,头上的发髻和人面两侧耳部的小鱼都用三角形表示,眼睛眯成一条线,这种抽象化和几何化就是“删繁就简”的具体体现。在视觉传达设计中,提倡用最简洁的图形语言传达最丰富的思想内涵,其实也就是强调对图形的高度概括、提炼和简化,而西方更是注重几何和抽象的图形表达。这些现代设计理念,与传统装饰艺术中对形的处理观念是基本一致的,并且在几千年前就已经开始运用了。所以,传统装饰艺术中对“形”的处理手法,很多都是值得我们视觉传达设计学习和借鉴的。
传统装饰艺术很注重形式美感,这种形式美感包括造型的独特性、排列的秩序感,画面空间的设计感和点、线、面等形式要素的组合关系。传统装饰艺术中,很多造型艺术本身具有很强的形式美,已经很讲究对称、均衡、比例、线条、色彩等带给人的审美情感。如陶器的造型就很讲究对称和均衡,上面的装饰纹样不仅很注重线条和块面的对比,色彩的搭配也很和谐。并且,还有很多由于机械有节奏的运动和通过重复的构成手法而创造的图案,具有强烈的秩序美。在敦煌壁画中,随处可见用于装饰的各种卷草纹样和适合图案,尤其是藻井的装饰,纹样之丰富,装饰之繁琐可谓叹为观止,然而经过艺术家的合理安排,整个画面显得井井有条。二方连续在不断重复的过程中呈现出强烈的节奏感和秩序感,适合纹样处处彰显艺术家对画面空间的把控,各种视觉元素遥相呼应,虚实相生,并且画面中点、线、面关系处理到位,整体视觉效果统一。可见,传统装饰艺术中对形式美感的追求,就如同我们进行视觉传达设计时所考虑的画面构图和版式编排,目的都是为了形成强烈的视觉美感,从而唤起人们审美心理的愉悦。所以,传统装饰艺术中对形式美感的追求为我们视觉传达设计中的版式编排提供了参考的样本,具有较高的艺术价值。
传统装饰艺术由于有漆画、陶瓷、蜡染、刺绣、剪纸等多种艺术形式,其内容比较丰富,不但处理“形”的手法各具特色,而且其中的纹样往往具有较强的象征性意义。如盘子上的暗八仙,象征延年益寿;瓷器上的莲花寓意高洁;民间工艺美术里的葡萄、石榴以及百子图等象征家族繁荣,子孙众多;还有用龙凤表示吉祥如意,用蝙蝠直接表现“遍地是福”等等。传统装饰艺术中的这种象征性与现代设计有异曲同工之处,视觉传达设计中的标识设计也常常采用象征图形来传达企业文化、发展方向或者管理理念等,海报设计中也常用具有一定象征意味的图形传达深刻的思想主题和文化内涵。传统装饰艺术所具有的博大精深的寓意性,对现代视觉传达设计来讲,具有重大意义。一方面,它为我们的设计提供了众多素材,丰富了我们的设计语言;另一方面,它为我们的设计提供了很多思考的切入点,对设计创意具有较强的指导意义;同时,它使我们在面对不同文化背景进行有针对性的设计时,能准确找到传达设计意图的最佳图形符号。所以,传统装饰艺术中的象征性是很值得我们关注的。
传统装饰艺术在造型上采用的夸张和变形,在构图上采用的重复、发射、渐变以及色彩的对比与调和等处理手法,与今天现代设计中的图形语言和形式美的法则以及构成有异曲同工之妙,可见,中国传统装饰艺术中的视觉传达设计对现代装饰艺术设计来讲,意义十分重大,有明显的传承性。
正是因为传统装饰艺术有如此多的地方与现代视觉传达设计保持一致性,才在现代社会显示出了其特有的生命力。所以我们在设计中运用传统装饰艺术宣扬民族文化,弘扬民族精神的同时,更要不断挖掘传统装饰艺术对现代视觉传达设计有借鉴价值的东西。在设计中追求东西方文化的统一,追求传统与现代的统一,才能够在设计中既表现出民族的传统精粹,又使自己的作品更具说服力。
参考文献:
[1]伍毅志.传统装饰艺术在现代社会的价值[OL].中国装饰
艺术网.
[2]E.H.贡布里希.秩序感-装饰艺术的心理学研究[M].湖南
:湖南科学 技术出版社,2003.1.
[3]倪建林.装饰之源――原始装饰艺术研究[M].重庆:重庆
大学出版社,2007.6.
［关键词］环境艺术 设计 未来环境艺术设计师
社会经济发展需要环境艺术，人居环境的改善需要环境艺术，环境艺术作为一个新兴的行业，已经逐步形成环境艺术产业链。在城市的发展进程中，环境艺术师正逐渐扮演着越来越重要的角色。因此，2009年12月26日首批全国环境艺术师诞生。“环境艺术师”已成为了一项新的职业资格。目前，环境艺术师在我国还是一个新兴的职业，国家建设部所属的中国建设文协环境艺术委员会集合了我国环境艺术的教授、专家和企业家。在未来的道路上，环境艺术师作为独立的职业，具有广阔的发展空间，任重而道远。
一、环境艺术的定义与内涵
著名的环境艺术理论家多伯（Richard p.Dober）解释道：环境艺术“作为一种艺术，它比建筑更巨大，比规划更广泛，比工程更富有感情。这是一种爱管闲事的艺术，无所不包的艺术，早已被传统所瞩目的艺术。环境艺术的实践与人影响其周围环境的能力，赋予环境视觉次序的能力，以及提高人类居住环境质量和装饰水平的能力是紧密地联系在一起的”。多伯对环境艺术的定义是迄今为止人们所见到的、具有权威性、比较全面、比较准确的定义。他虽然是从艺术角度讲的，是“作为艺术”的环境艺术定义，但是它已经远远超出了过去门类的陈腐观念。该定义指出，环境艺术范围广泛，历史悠久，不仅具有一般视觉艺术特征，还具有科学、技术、工程等特征。
中国环境艺术设计专业的开拓者及学术带头人薛键教授对环境艺术广义的解释：“环境艺术几乎涵盖了地球表面的所有地面环境和与美化装饰有关的所有设计领域。”环境艺术设计就其狭义：围绕建筑的室内外设计上讲，叫法也算贴切。
清华大学美术学院张绮曼教授解释：“环境艺术设计，它包括了城市规划、建筑设计、园林设计、园林广场设计、雕塑与壁画等环境艺术品设计以及室内设计。”
实际上环境艺术有着宽广的内涵，除了包括为美化环境而设计的“艺术品”外，还应包括“偶发艺术”、“地景艺术”以及建筑界所称“景观艺术”等，也就是说：人们所耳闻目睹的一切事物都是环境构成的要素。如：自然界的山、水、草、木、人工创造的建筑、市政设施、招贴广告、甚至人们自身的日常行为，如服饰、购物、休闲、运动等都是环境中的景致。环境艺术是人与周围的人类居住环境相互作用的艺术；是一种场所艺术、关系艺术、对话艺术、生态艺术。环境艺术是一个新兴的、边缘的、综合艺术系统工程；是一个跨学科的综合性专业，涉及美术、雕塑、装饰文化、建筑基础知识、园林艺术、人体工程学、设计流派、材料学、心理学等多领域。无论在专业理论的广度，还是在专业技能的多样化上，都具有一定代表性。
环境艺术可以分为物质形态和意识形态两个方面：
物质形态主要是指构成环境景观的物质要素，而这些物质要素按不同材质又可分为不同类型。
意识形态主要是指影响指导人们行为的精神因素，如：、民俗习惯、审美观念、社会制度、伦理道德等。
二、未来环境艺术设计师的角色
尽管环境艺术师是一个新名词，然而在整个经济建设领域他们肩负着重要的责任。根据城乡环境建设的需要，在设计中运用艺术和美学原理，结合专业知识及技能，进行城乡环境的艺术策划。在环境艺术师的脑海里，要始终遵循着工作中综合运用艺术、美学的原理，完成对环境从空间、形态、时间、文脉、功能、色彩等一系列的整体艺术策划，进行文案企划的编制：从艺术专项角度提前介入总体规划，在总体规划确定原则下，对环境进行艺术规划，确定空间区域的审美原则，使环境达到美与和谐的境界，并进行总体艺术规划及详细艺术规划的图纸、文字说明、模型等辅助说明工具的制作与表现。对环境的空间造型、尺度关系、环境公共设施系统、环境肌理系统、环境色彩系统、环境声音系统、光环境系统、环境标识系统等做出艺术方案设计与艺术深化设计。在项目的实施过程中，配合委托方与建设方的工作，进行设计交底，施工监理、材料选择等各个环节的协调与指导，以确保项目在实施的过程中保证环境规划与设计的施工质量与美学品质，从空间、体量、色彩、自然、人文、材料、工艺、成本等各个角度去实现环境艺术化。
作为一名环境艺术设计师，在创作作品时以艺术理论和艺术方法为出发点，最终以艺术效果为归宿。其基本作用和目标，是避免城乡建设环境建设中的凌乱，不协调、低俗、缺乏文化水准，通过与其他专业人员的密切合作，共同为保护与利用自然和人文环境资源，美化环境，创建宜居城市、花园式住区、创造优美宜人的人类生存居住环境发挥积极作用。环境艺术设计师就好比一盏明灯，他指引着一个城市发展的方向，他又如一名丰富经验的船长，凭着自身的艺术涵养让城市发展得更和谐。
关键词:传统装饰艺术;视觉传达设计;民族文化
传统装饰艺术源于生活,源于传统,有着悠久的历史和深厚的民族底蕴,是与人们生活息息相关的一种艺术形态。早期工艺美术作品中的图案就已经具备了强烈的装饰意味,随着人们精神需求和审美意识的不断提高,传统装饰艺术更是成为了人们生活的一部分。作为一门独立的艺术形式,传统装饰艺术以其独特的视觉符号和深厚的文化内涵,重新引起了设计界的关注。特别是视觉传达设计,这门通过独特的视觉传播方式达到传达信息,并且与受众交流、沟通的目的的艺术学科,不仅要吸取和弘扬传统装饰艺术中的民族文化,更要挖掘传统装饰艺术中对现代设计有借鉴价值的东西。
追溯传统装饰艺术发展的渊源,它首先是人们为了生存而进行的造物的主观创造性活动,到后来为了审美需求而进行装饰创作,这是一个漫长的历史过程。在人类发展史上的各个时期,传统装饰艺术作品往往成为见证该时期文化、工艺和艺术水平的代表。并且,传统装饰艺术作品不论其形式如何,都融入了原始先民为生存而激发的全部感情,都体现出了生命的本能、生活的理想和原始文化的底蕴。[1] 它不是纯艺术现象,但经过几千年的积淀与传承,传统装饰艺术在意识形态的转变和新技术浪潮的冲击下不断更新拓展,具有了自己鲜明的艺术特征,反映了民族文化的精髓。
在设计语言日趋国际化的今天,视觉传达设计由于本身所具有的对图形、文字等元素的高度概括和简约化特征而面临着设计风格一体化的尴尬趋势,这就对现代设计家提出了更高的要求。由于不同的国家和民族有着不同的传统,其人文风俗和文化底蕴也大不相同,所以,设计家们惊讶地发现,民族的东西是一种很好地区别于其它地域作品的设计语言。于是,一股回归传统,弘扬民族文化的设计思想席卷了整个设计界。不同国度和区域的设计家都在寻找最能反映其民族精神和文化底蕴的设计符号。作为有几千年文化积淀和传承并反映民族文化精髓的传统装饰艺术,它重新引起设计界的关注,并成为设计家们创作的灵感来源,也就不足为奇了。
首先,在对形的处理上,传统装饰艺术遵循“删繁就简”、“以简代繁”的原则,也就是用简洁的线条和规整的外形来表现各种自然形象。如兴起于我国民间的皮影戏和剪纸,其造型多采用简洁单纯的线面,着重表现自然物象的基本特征,它把一些立体的东西作概括化和平面化处理,具有视觉传达设计的意味。出土于西安半坡村仰韶文化时期的人面鱼纹彩陶盆就采用了几何图形的构成手法,将人面概括成圆形,头上的发髻和人面两侧耳部的小鱼都用三角形表示,眼睛眯成一条线,这种抽象化和几何化就是“删繁就简”的具体体现。在视觉传达设计中,提倡用最简洁的图形语言传达最丰富的思想内涵,其实也就是强调对图形的高度概括、提炼和简化,而西方更是注重几何和抽象的图形表达。这些现代设计理念,与传统装饰艺术中对形的处理观念是基本一致的,并且在几千年前就已经开始运用了。另外,传统装饰艺术由于有漆画、陶瓷、蜡染、刺绣、剪纸等多种艺术形式,其内容比较丰富,处理“形”的手法也就各具特色。所以,传统装饰艺术中对“形”的处理手法,很多都是值得我们视觉传达设计学习和借鉴的。
其次,传统装饰艺术很注重形式美感,这种形式美感包括造型的独特性、排列的秩序感,画面空间的设计感和点、线、面等形式要素的组合关系。传统装饰艺术中,很多造型艺术本身具有很强的形式美,已经很讲究对称、均衡、比例、线条、色彩等带给人的审美情感。如陶器的造型就很讲究对称和均衡,上面的装饰纹样不仅很注重线条和块面的对比,色彩的搭配也很和谐。并且,还有很多由于机械有节奏的运动和通过重复的构成手法而创造的图案,具有强烈的秩序美。[2] 在敦煌壁画中,随处可见用于装饰的各种卷草纹样和适合图案,尤其是藻井的装饰,纹样之丰富,装饰之繁琐可谓叹为观止,然而经过艺术家的合理安排,整个画面显得井井有条。二方连续在不断重复的过程中呈现出强烈的节奏感和秩序感,适合纹样处处彰显艺术家对画面空间的把控,各种视觉元素遥相呼应,虚实相生,并且画面中点、线、面关系处理到位,整体视觉效果统一。可见,传统装饰艺术中对形式美感的追求,就如同我们进行视觉传达设计时所考虑的画面构图和版式编排,目的都是为了形成强烈的视觉美感,从而唤起人们审美心理的愉悦。所以,传统装饰艺术中对形式美感的追求为我们视觉传达设计中的版式编排提供了参考的样本,具有较高的艺术价值。
再次,传统装饰艺术中的纹样往往具有象征意义,如盘子上的暗八仙,象征延年益寿;瓷器上的莲花寓意高洁;民间工艺美术里的葡萄、石榴以及百子图等象征家族繁荣,子孙众多;还有用龙凤表示吉祥如意,用蝙蝠直接表现“福在眼前”等等。[3]传统装饰艺术中的这种象征性与现代设计有异曲同工之处,如视觉传达设计中的标识设计就常采用象征图形来传达企业文化、发展方向或者管理理念等,海报设计中也常用具有一定象征意味的图形传达深刻的思想主题和文化内涵。传统装饰艺术所具有的博大精深的寓意性,对现代视觉传达设计来讲,具有重大意义。一方面,它为我们的设计提供了众多素材,丰富了我们的设计语言;另一方面,它为我们的设计提供了很多思考的切入点,对设计创意具有较强的指导意义;另外,它使我们在面对不同文化背景进行有针对性的设计时,能准确找到传达设计意图的最佳图形符号。所以,传统装饰艺术中的象征性是很值得我们关注的。
另外,传统装饰艺术在造型上采用的夸张和变形,在构图上采用的重复、发射、渐变以及色彩的对比与调和等处理手法,与今天现代设计中的图形语言和形式美的法则以及构成有异曲同工之妙,可见,中国传统装饰艺术对现代视觉传达设计来讲,意义十分重大。
正是因为传统装饰艺术有如此多的地方与现代视觉传达设计保持一致性,才在现代社会显示出了其特有的生命力。所以我们在设计中运用传统装饰艺术宣扬民族文化,弘扬民族精神的同时,更要不断挖掘传统装饰艺术对现代视觉传达设计有借鉴价值的东西。在设计中追求东西方文化的统一,追求传统与现代的统一,才能够在设计中既表现出民族的传统精粹,又使自己的作品更具说服力。
参考资料:
[1] 伍毅志.传统装饰艺术在现代社会的价值[ol].中国装饰艺术网. /theoretical/showarticle.asp.articleid=772
