时间：2023-08-23 17:00:14
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇艺术作品的内容，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
关键词：艺术作品；构成；统一
中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）12-0015-02
艺术作品的内容，作为艺术作品的重要构成因素之一，它是指经过艺术家体验、加工和创造的人类生活。具体来说，是通过艺术形象反映在作品中的社会生活及其显示的思想意义，是客观的现实生活和作家的审美评价的统一体。内容因素在这里包含了两个方面的内容，即生活内容和思想内容，前者是作品内容的客观方面，后者是内容的主观方面，这两方面内容在特定的作品中总是融合、统一为一体的。越是优秀的文艺作品，它的内容的两个方面就越是高度有机的统一在一起，两个方面相游离的作品不可能是优秀的作品。
艺术反映人类生活，它从社会现实生活中获取艺术创作的源泉和基础。艺术家生活在人类社会中，现实生活的是非善恶、矛盾冲突总是要影响着艺术家的喜怒哀乐，形成艺术家对客观世界的思考、判断及对人生的追求，体现在作品中便有了对客体世界的某一或某些方面的反映。艺术作品的内容，不仅包含着对客体世界的反映，它还凝聚着艺术家主体的审美理想和审美情感，有着艺术家个人不可忽视的主观因素在内，是艺术家的知、情、意的物态化显现。因为，艺术是高于生活的，不是对社会生活的简单实录或拷贝，艺术家在进行艺术创作时总是要将个人对社会生活的主观感受融入作品之中。艺术作品的内容，体现在具体作品中，主要是指题材（人物、环境、情节）和主题等诸多要素的总和。
艺术作品的形式与内容一样，也是构成艺术作品的重要因素之一，如果说内容是艺术作品的“灵魂”，那么形式就应是“灵魂”赖以生存的“躯壳”。也就是说，当作品的内容还没有获得一定的艺术表现的时候，它作为一部文艺作品就还没有形成；只有当艺术家依据作品内容的内在逻辑对它加以组织结构，并予以一定的物质表现的时候，一部艺术作品才算最终形成。艺术作品的形式指艺术作品内容的具体存在方式。亦即作品的内部联系和外部表现形态。其内部联系表现为内部形式，包括内容诸要素之间的相互联系和组织方式，主要指艺术结构；其外部表现形态呈现为外部形式，即表现内容的方式和手段，包括艺术语言、艺术手法、类型体裁等。在具体的艺术作品中，其内部联系和外部表现形态的形式因素是紧密相联，不可分离的。
如果说，艺术作品的内容是“灵魂”，那么作品的形式就是承载内容的“躯壳”。内容与形式之间是不可分割的有机体，它们构成了辩证统一的相互关系。内容存身于形式之中，离开了形式，便无所谓内容，而只有形式没有内容的艺术作品又是根本不可能存在的，即使有人一定要制造出这样的“作品”来，它对于人类也没有任何意义。可见，在艺术创作中，一方面，内容具有主导作用，它决定和制约着形式，形式的选择应以是否适应内容的需要为原则；但另一方面，形式又呈现相对的独立性，它不仅可以具有独立的审美价值，而且由于形式的变幻，可以直接影响和制约内容的审美价值的实现。我们是从理论上来探讨艺术作品的内容、形式，但是事实上任何内容、任何形式都不是能够单纯拿出来的，必须在相互关系中去认识二者。一件优秀的艺术作品，必须同时具备进步的思想内容与尽可能完美的艺术形式，只有二者达到有机统一，才能呈现出恒久的艺术魅力。
在艺术作品中，感性更多地是指蕴含于作品之中的情感因素，以及寄寓在形式之中的感性特色。所谓情感因素，是创作主体在艺术作品中的主观情感的移人和投放。艺术家进行艺术创造，常常就是以情感为主动力的。人的情感都是丰富的，只要是生活中能够让人怦然心动的情思，都能够进入艺术家的视野，经过一段时间的孕育，以最恰当的艺术形式喷薄而出。所谓感性特色，就是艺术作品中那些具体可感的艺术形象的一种属性，是指任何艺术门类的艺术作品所共同具有的生动感人的审美特征。
与艺术作品中的感性因素相对，我们在阅读作品时总是能从作品当中获得一定的理性内涵，它或者呈现为一种理趣，或者呈现为一种事理。在哲学范畴中，理性是指与感性、知性并列的一组概念中的一个。在艺术作品的范畴里，所谓理性，是指与作品的情感因素、感性形式相对而言的概念，也就是指通过作品的形象、情境及意境所凸现出的理性的意义内涵。
感性与理性的辩证统一，包含着两重含义：一方面是艺术作品的感性形式与理性内容的统一；另一方面是艺术作品的情感因素与理性精神的统一。首先，感性形式与理性内容的统一。艺术作品必然是以情动人的，但同时又在感性形式中渗透着理性的因素。感性形式离不开理性的内容，而理性的内容也必然要物化为有血有肉的感性形象，只有这样，才是达到了感性与理性的辩证统一。其次，情感因素与理性精神的统一。艺术家在进行艺术创造时，是饱含着情感的，而情感并不能任意泛滥，它常常是要受理性的规约的，在情感中包孕着理性的精神，达到情理交融，形成理趣。
所谓再现，是指在艺术创造中将客体世界及人物真实地呈现于作品之中。再现的对象不仅是指艺术家以外的客观社会生活，也包括对艺术家本人的亲身经历和生活阅历的再现。所谓表现，是指在艺术创造中艺术家对客观社会生活的思考和评价及愿望与情感。它侧重于表达主观层面的思想感情及对社会生活的认识判断。
艺术家作为从事艺术创造的专门人才，他面对社会生活中存在的各种现象都会有自己的独到的主观见解及情感态度，有自己的分析认识事物的能力，因此，他们在对社会生活进行艺术的反映时，绝对不可能是照相式的复制，死板机械地照搬照抄。纯自然主义的反映，决不为艺术家所取。而且这种情感的表现，也决不限于个人情感范围之内、它应是更深层的情感表现，包含了社会、时代、民族的情感层面，乃至全人类的普遍情感。当然，这种普遍的情感也与艺术家的人生观、立场、境遇有直接关系。除情感的表现外，我们前面说过艺术作品的表现还包含对社会生活的思考、评价与理想的表达。对此我们以两幅绘画作品为例来加以阐释。
艺术作品的再现与表现只是出于对生活的摄取与呈现的角度不同以及为了理解的方便才加以区分的。表现作家的主观心灵与再现客观现实生活，它们同为文艺创造艺术形象世界时不可或缺的方面，二者绝不是互不相干、截然隔裂的，它们共同体现艺术审美活动的本质。在具体的艺术创作中，再现与表现是紧密联系的，艺术家只是会对再现与表现的侧重有所不同，而不会将两者截然分开。因为，在任何一种情况下，再现与表现都是相互依存的。
从主观的角度来看，离开了再现，表现就失去了依托。如果不以某种方式再现出艺术家的观念、情感、意愿所由以发生的社会环境背景和氛围，不将客体世界的人与事物真实地呈现出来，艺术家复杂的内心世界与主观精神就不可能得到准确、明晰、生动的表现，艺术作品就不可能造成感性的审美效应，因而也就无法激起读者的审美情感。客观现实是主观情感得以表现的基础和支撑。反之，从客观角度来讲，离开了表现，艺术作品的再现也将失去思想及审美的意义。艺术创造要求对客观现实生活中的人与事物真实地呈现出来，但是这种呈现又不能脱离艺术家主观精神的支配。作为再现对象的客观生活现象本身，固然有一种自然形态的美，但是只有经过艺术家主观心灵的，才能形成具有审美价值和意义的艺术形象。因此，完全排除了艺术家主观表现因素的“纯客观”的再现，是无意义的，事实上任何艺术家都无法创造出纯以客观为内容的艺术作品来，主观精神总是要不同程度地在作品中得以表现。甚至是以冷静、客观自居者，也一样是要在作品中有自己的主观情思的流露的。
艺术作品的再现与表现是相互依存、紧密联系的，同时，在一定条件下，二者又能相互转化。因为作为表现对象的艺术家的主观心灵是社会存在的产物，艺术家的内心波澜是他置身于其中的客观现实生活矛盾的反映。当艺术作品的表现揭示出了艺术家主观心灵与现实生活的深刻联系时，尤其是当表现的心灵内容具有普遍的社会意义时，表现也就成为了一种特殊的再现。另外，再现转化为表现的条件，则是主观的意象与客观的物象完全融为一体。
2012年7月，澳大利亚国家课程评估和报告委员会公布《澳大利亚课程标准：艺术（幼儿园至十年级）》（以下简称《标准》），向社会征求意见。这是澳大利亚有史以来第一套幼儿园至中学的全国统一艺术课程标准。《标准》包括舞蹈、戏剧、媒体艺术、音乐、视觉艺术等五个艺术门类的课程。在幼儿园和小学阶段，学校必须提供以上所有门类的课程，使学生能较全面地接触和认识艺术。中学阶段七、八年级开始，学生可以根据兴趣和爱好在这五个艺术门类中自由选择其中一个或数个门类。幼儿园至小学二年级的课时必须达到120小时，小学三至六年级为100小时，中学七至十年级是160小时，学校可以自行决定教学安排。
《标准》认为，艺术教育的总目标是发展学生的以下多种能力：
·创造力、想象力和各种技术，以及审美和批判性思维与实践，通过参与创作和回应艺术作品提高自信心。
·好奇心和各种技能，研究和运用创新的艺术手法和可用的技术表达各种想法，通过多种观点发展移情能力。
·美学知识和沟通能力：通过有意义的方式重视和分享经验，表达、表现和交流有关个人和他人的想法。
·通过接触各国艺术家、艺术形式、艺术活动和业界人士，洞察与了解当地、地区和全球的文化、历史和艺术传统。
《标准》将每门艺术学科的学习内容划分为两大部分——创作(making)与回应(responding)。所谓创作，即运用过程、技术、知识与技能创作艺术作品。其目的是发展学生“想象与即兴创作（表演）”、“探索艺术元素、材料、技术和过程，并形成自己的艺术作品”、“实践技能与技巧”、“通过艺术作品交流各种想法”以及“将所学的艺术与其他艺术学科和学习领域相联系”。而所谓回应，即探索、回应、分析和阐释艺术作品。其目的是发展学生“反思自己的艺术作品”、“回应他人的艺术作品”以及“从社会、文化和历史的情境来看待艺术作品”。这两大部分，既独立又有相互之间的联系。
2010年，澳大利亚国家课程评估和报告委员会还制定了包括听说读写、计算能力、信息交流技术、批判和创造性思维、个人和社会的能力、伦理行为、跨文化理解等七项综合能力，以及包括土著人历史和文化、亚洲及澳大利亚与亚洲的关系、可持续发展这三个跨课程主题，并要求各门学科的教学都要融入这“七大综合能力”的培养和“三大主题”的学习。
限于篇幅，现将《标准》中有关视觉艺术课程标准中的课程定位、课程目标、课程内容说明、各年级段的学习内容与成就标准等翻译、介绍如下，与同行分享和共同学习。
一、视觉艺术课程定位
在视觉艺术学习过程中，学生接触到美术、工艺和设计等多种艺术形式。通过对传统和新兴的视觉艺术创作和批评的实践，学生相互之间探索和交流各自内心的意图和信息。如同所有的艺术形式一样，视觉艺术也能够引起、鼓舞和丰富学生的各种能力，激发学生的想象力，并促进学生创意和表现能力的提高。
视觉艺术为学生提供各种机会，去探讨视觉艺术领域中各种复杂和丰富的手段。通过各种探讨、实践的机会，使学生提高创意和表达能力，并能够完善他们所创作的作品。
视觉艺术的学习能够让学生从视觉艺术的创作者和观众的角度，去探索他们所处的社会，并拓展知识、认知和各种技能技巧。视觉艺术作为一种艺术形式，已存在了数百年，并仍在继续发展着。视觉艺术鼓励学生进行各种视觉形式的交流，视觉语言的探讨，以及了解自己和他人的社会、文化和技术，并对个人或与他人共同完成的艺术作品所反映的各种想法作出回应。
通过视觉艺术的学习，学生既对世界文化有所了解，又形成了批判性思维和创新性思维的能力，并具有想象力。通过在视觉艺术中探索不同历史、文化和社会，学生学会了表达对世界的各种看法及用视觉进行思维以及与他人合作的工作方法。
二、视觉艺术课程目标
视觉艺术课程目标是培养学生：
·通过视觉艺术创作和交流等手段，提高自信心、好奇心、想象力和乐于表达的能力。
·运用视觉艺术的技能、语言、材料、工艺和技术，通过视觉艺术知识、理解力、制作过程和创新思维，形成各种观念。
·通过视觉艺术的实践和认识，成为具有批判性思维和创新能力的人，学会尊重和理解传统的、历史的和各种文化的视觉艺术与艺术家。
三、视觉艺术课程内容说明
《标准》要求学生在视觉艺术学习中探索了解不同艺术形式及其相关的制作方法。这些形式既包括二维形式，如素描、色彩画等；又包括三维形式，如陶艺、雕塑、装置艺术等；还包括四维形式，如基于时间的装置艺术作品、行为艺术作品、数字动漫、视频等。
其次，《标准》要求，学生应当在视觉艺术学习中，学会运用视觉语言中的“元素”和“原则”，进行视觉艺术作品创作。所谓“元素”，包括线条、形状、形体、空间与时间、色彩、肌理、明暗等。所谓“原则”，包括重复、节奏、对比、变化、强调、比例、平衡、统一、和谐、运动等。
第三，《标准》将视觉艺术课程学习分为“创作”与“回应”两大部分。其中，“创作”包括学生尝试和体验视觉艺术中传统的和新的技术，个人或集体共同进行艺术品创作。这些艺术作品，反映学生探索视觉语言，以及对自己和他人的社会、文化和创作技术认识的各种想法。“回应”包括学生在学习视觉艺术语言、技能和技术时，对概念和空间的探索，学会从不同视角探索视觉艺术作品，并进而产生自己的看法，同时也学会理解他人的各种看法。《标准》提出，这两部分都应注重培养学生具有如同艺术家、设计师、工艺师、评论家、历史学家和观众一样的知识、理解力和技能。
第四，《标准》要求，在视觉艺术课程中，要融入“七大综合能力”和“三大主题”的学习。
第五，《标准》反复强调，学生在艺术创作时，要学会安全地使用工具和材料；在使用他人的图像和作品时，应征得别人的许可，不能抄袭他人的作品；等等。
四、各年级学习内容与成就标准
（一）幼儿园至二年级学习内容与成就标准
在幼儿园至二年级阶段学习中，要求学生与同伴、老师—起，学会独立地创作和回应视觉艺术作品。通过创作视觉艺术作品，来反映自己家庭、社区以及周围所发生的事情；学习使用一系列的材料、媒介和技术，来创作素描、色彩画、版画、雕塑、摄影和多媒体等视觉艺术作品；学习对自己和同伴的作品作出回应，谈论自己的经历与视觉艺术作品之间的影响关系。
1．幼儿园至二年级学习内容说明
创 作
(1)观察和想象各种图像、物体、图形和形式
·认识到素描、绘画、物体、空间可以用来代表和表达想象与各种情感。
·利用天然物和人造物中的各种图像和物体来进行观察和玩耍。
·结合各种图像、形状、图形和空间进行玩耍。
综合能力
批判性和创造性思维、个人与社会能力、信息交流技术、跨文化理解
(2)探索并玩耍一系列图像、材料、物体外表、空间、技术、图形和形式
·发现和描述自然物与人造物中各种材质的特性，例如黏土、硬纸板、油画布、各种模型、水彩颜料、木制品、塑料制品以及多媒体。
·使用一系列传统的和当代的数字媒介、材料和工艺流程，用富有想象力的方式探索艺术、工艺与设计的各种元素。
·使用、储存和清洁各种材料、工具和设备时，例如，当使用剪刀、铅笔、蜡笔、记号笔、胶水、颜料、画笔、黏土等工具和材料时，要养成安全、随机应变和可持续利用的意识。
综合能力
批判性和创造性思维、信息交流技术、听说读写
跨课程主题学习
土著历史和文化、亚洲、澳大利亚与亚洲的关系
(3)创作各种图像、立体物、形状和空间时，谈论自己的想法和材料
·谈论自己创作的视觉艺术作品，描述其主题、想法以及作品名称的命名等特征。
·在扮演艺术家的角色创作艺术作品时，要考虑自己的创作意图。
·描述所选择的媒介、创作过程以及工具是如何影响艺术作品的。
综合能力
个人与社会能力
跨课程主题学习
可持续发展
(4)制作熟悉的或是想象、记忆中的各种人物、事物和经历的视觉艺术作品
·创作原创的艺术作品，描述作品中所体现的主题、想法和特征。
·创作描绘日常生活中有关自己、家人、朋友、宠物、家庭、学校和社区情景的视觉艺术作品。
·利用自然或人造环境中的图像、事物以及可利用的再生材料，创作视觉艺术作品。
综合能力
个人与社会能力
(5)认识到视觉和空间的观念是以不同方式形成和被理解的
·根据周边世界的生活经验设想一个主题，用二维、三维或四维等形式进行探讨。
·发现视觉和空间元素可以通过不同媒介、材料和制作过程得到延伸，进而改变意图。
·考虑到家庭、场所或社区需要，用视觉和空间的观念创作新的图像和立体物。
综合能力
批判性和创造性思维、跨文化理解、计算能力
(6)视觉艺术与艺术和其他学科领域的联系
·使用现有的数字技术浏览、复制、分享各种图像和观念。遵守不能抄袭他人作品的规则。
·尝试在课堂上根据交通、水、植物、动物之类的主题，从色彩和肌理元素方面进行分析研究。
·通过学维的绘画、素描形式，以及三维和四维的形式，了解艺术和其他学科领域之间的联系，如绘制正方形图形或塑造锥状物体都与数学学科有联系。
综合能力
信息交流技术、听说读写、伦理行为
与艺术和其他学科领域的联系
音乐、戏剧、地理、数学
回 应
(7)在视觉艺术作品中使用视觉艺术术语来分享思想、观念和情感
·描述视觉艺术作品中的视觉艺术术语。
·谈论视觉艺术作品中能吸引注意力的方面。
·分享并比较自己和同伴之间对视觉艺术作品存在的各自不同的看法。
综合能力
批判性和创造性思维、听说读写、个人与社会能力
(8)谈论他人创作的视觉艺术作品时，顾及不同的观点
·从不同的视角对自己的视觉艺术作品中的特点或内容进行描述。
·比较各种视觉艺术作品，谈谈对其印象或想法。
·观看各种视觉艺术作品，探讨不同时代或不同地区的人是如何进行诠释的。
综合能力
听说读写、跨文化理解、批判性和创造性思维
跨课程主题学习
可持续发展
(9)认识在各种视觉艺术中体现不同环境、社会、文化和时代
·讨论视觉艺术如何告诉我们有关生活或往日生活的变化。
·根据自己的视觉艺术作品，描述其中所反映的自身生活和文化经历。
·讨论来自不同社会和文化背景的视觉艺术作品，包括土著和托雷斯海峡岛民的艺术作品中所反映出的各种符号、故事和传统。
综合能力
跨文化理解
跨课程主题学习
土著历史和文化、亚洲、澳大利亚与亚洲的关系
2．幼儿园至二年级的成就标准
到二年级阶段学习结束，学生会利用各种方法、技能、材料和工艺来创作视觉艺术作品，用以表达自己的各种想法。
学生会分享和描述自己或他人创作的视觉艺术作品。会把创作视觉艺术作品看成是自己的一种经历。
（二）三至四年级学习内容与成就标准
在三至四年级学习阶段中，学生与同学、老师、学习共同体—起，学习独立地制作和回应视觉艺术作品。学生通过个性化的视觉艺术作品，发展艺术性的各种想法。学习使用各种材料、媒介以及方法，制作不同形式的视觉艺术作品。学习有特色的艺术传统，包括素描、色彩画、雕塑、版画和数字作品。学生学会对自己、同伴和艺术家的作品作出回应。学习描述如何运用不同材料激励各种想法，进行艺术作品创作。
1．三至四年级学习内容说明
创 作
(1)探索如何表达自己所看到或想象到的各种图像、形式、事物和空间
·尝试二维、三维和四维的创作方法和形式，启发个人的经历。
·探索自己和他人代表不同情境的图像、立体物、观念和空间。
·在自然和人造环境中学会从不同视角观察各种空间和事物。
综合能力
批判性和创造性思维、信息交流技术、个人与社会能力、计算能力
(2)调查与尝试不同媒介和技术的特性，发展预期的效果
·结合各种媒介和材料的特性，探索不同的效果，例如用再生材料制作拼贴画，显示材料的不同肌理和对比。
·调查自然的、人造的和数字化的环境和材料，用来创作出不同效果的艺术作品。
·调查不同材料特性对环境造成的影响。选择材料时要考虑其用途以及回收和再利用的可能。
综合能力
批判性和创造性思维、信息交流技术、听说读写、个人与社会能力
跨课程主题学习
可持续发展
(3)通过利用各种媒介、视觉艺术的实践和各种观念，发展艺术创作的技巧
·分析自己的视觉艺术作品中有关主题、材料和制作方法的特点。
·探索能代表他人的生活、文化和居住地的各种艺术创作技巧和方法。
·选择最能代表其作品主题特点的形式和技巧。
综合能力
跨文化理解、个人与社会能力、伦理行为
跨课程主题学习
可持续发展
(4)尝试各种技术、工具和形式，以发展他们的技能，并完善其艺术创作
·使用不同的技术和形式，创作有关个人、文化和社会观念的艺术作品。
·运用传统的和现有的数字艺术工具、材料和技术，创作各种视觉艺术作品，探讨其不同的效果和意义。
·认识到艺术家在艺术创作中为了所创作的视觉艺术作品给别人和自己观赏，有着不断完善和提高他们技能的要求。
综合能力
批判性和创造性思维、听说读写、计算能力
(5)分享和展示视觉艺术作品，重点关注各种细节、创作意图和所使用的技术
·谈论或用文字描述他们创作的视觉艺术作品，重点在各种细节、创作意图和所使用的技术上。
·选择视觉艺术作品，在学校、社区或网络上举办展览进行展示。
·设计和筹划有效展示艺术作品的各种方法，例如选择画框、装画框或展厅空间的安排等。
综合能力
批判性和创造性思维、个人与社会能力、计算能力、信息交流技术
跨课程主题学习
可持续发展
(6)视觉艺术创作与舞蹈、戏剧、媒体艺术、音乐和其他学科领域相结合
·尝试采用现有的数字技术与艺术或其他学科领域组成视觉艺术作品。遵守不能抄袭他人作品的规则。
·结合艺术或其他学科领域，创作静态或动态的图像，例如根据一次短途旅行的照片，创作一组反映视觉经历的艺术作品。
·根据课堂中所研究的课题，例如生物、行星等，探讨色彩和肌理的元素。
综合能力
信息交流技术
与艺术和其他学科领域的联系
【关键词】高校教育 艺术赏析课程 能力培养
高校艺术赏析课程是高校课程教育发展起来之后在艺术领域形成的新学科。高校艺术赏析课程教育的内容直接来源于艺术作品，以直接将专业艺术知识与艺术情感相结合为课程建设与教学的根本目的。因此，教师应充分发挥艺术教育感性形式的优势，联系实际作品，做到以情切入和以理指导的结合，从大量的精品艺术作品中筛选出代表性作品，在综合加工和系统集成的基础上，给予细致的准备和科学的组织，加深学生对艺术作品的理解，继而从更深的层次激发学生的艺术创造力。
一、高校艺术赏析课程存在的问题
艺术欣赏是人们的感官接触到艺术作品时产生的审美愉悦，是对艺术作品的感知、体验、理解、想象、再创造等综合心理活动。近年来，艺术作品赏析在我国高校艺术教学中得到广泛应用，经过长期的授课实践，出现了一些问题，如授课教师如何应对艺术赏析条件的不足；艺术教育让学生和家长投入了大量时间和经济成本，如何使教育成本获得更高的回报；在艺术类学生数量增长的背景下，如何提高优质艺术作品的利用率；如何解决艺术赏析教学中学生对国外艺术作品的理解偏差；如何保证授课中教师对所授艺术作品的充分讲解；如何改进完善艺术赏析课程教学过程中艺术作品的应用等问题。
二、高校艺术赏析课程作品的选择
艺术作品赏析要选择具有代表性的艺术作品，以此为载体讲解艺术课程的核心理念。代表性艺术作品的引进不仅会带动教学方法和教学模式的革新，还会为传统艺术教学理念带来革新。
首先，赏析课程所提供的艺术作品要有明确的教学目的，艺术传授要与中国社会发展和学生需求相结合。目前很多教师本着向西方学习的心态，选取的艺术作品以外国艺术家的作品居多。笔者认为，在作品的选择上应注重民族特色的作品的引入，引导学生更多的关注中国传统的艺术精神，使学生在了解本民族艺术的基础上，再去了解世界各民族、各地区的艺术。
其次，艺术作品选择要与生活实际相融合，作品的描述能与学生的感悟相得益彰。苏联著名教育实践家和教育理论家苏霍姆林斯基认为：“如果你指望靠表面看得见的刺激来激发学生对学习的兴趣，那就永远也培养不出学生对脑力劳动的真正热爱。”这说明艺术赏析不应该仅仅停留在欣赏内容的表征上，只有当学生的兴趣指向事物本质属性，方能转换为一种求知欲。艺术赏析不是知识的灌输，艺术赏析课程只有与实际生活相融合，才能够更好地加深学生对艺术的认识和理解，进而启迪智慧，发展思维，增加想象力和创造力。
最后，艺术赏析已经成为一门全球化的学科，它所包含的课程理念能够反映不同国家的不同的价值观。教师在选取赏析作品时可以有意选取多元价值观下有争议的作品，引入互动式教学，引导、启发学生从多角度看问题，建立学生跨文化的思维。
综上所述，高校艺术作品赏析课程教学所用的艺术作品的特点应有：建立在本国经济、文化基础之上；注重被赏析艺术作品的背景；强调互动和主动学习；评价方式多元化；注重学生对艺术的理解能力的培养。
三、高校艺术作品赏析课程设计的理念与思路
高校艺术赏析课程的授课教师应充分利用已有的赏析课程的方法将艺术作品与生活实际紧密相连。好的艺术作品赏析教学需要完备、科学的课程组织流程，做到实用性强、互动性强等特点。在选取合适作品的基础上，分别从课外准备、课内组织和课后组织三个方面探讨高校艺术作品赏析课程教学的理念与思路（表1）。
结语
艺术赏析对于培养学生的创造能力具有独特的作用。本文以高校艺术作品赏析教学为研究对象，在对高校艺术作品赏析教学深入考察的基础上，得出对我国高校艺术作品赏析教学应注重加入具有民族特色的艺术作品赏析教学理念，确保高校艺术作品赏析课程教学能植根于本国的土壤并发展繁荣，与中国的艺术与文化息息相关，成为中国特有艺术文化作用在教育领域上的产物。同时提出改革高校艺术作品赏析课堂教学方式、建立配套的艺术教学制度、建设科学型艺术作品赏析课程模式，通过艺术欣赏的途径，促进学生艺术修养的提高和创造能力的提升。
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关键词：摄影 艺术学 艺术作品构成
一、摄影作品的内容
艺术是社会生活的反映,是特殊的意识形态。而艺术作品是艺术家运用艺术语言和物质媒介,将审美意象物态化的成果。艺术作品是“艺术”的现实存在,也是艺术家艺术创造的结果。它包含“内容”和“形式”两个主要的构成要素。而一件艺术作品的内容由题材和主题两个因素构成。
1.摄影作品的题材
题材,就是艺术家按照一定的创作意图对社会生活进行取舍、提炼、创造而在艺术作品中所表达的部分。摄影题材来自于客观存在,这是摄影的纪实性所决定的。它决定了摄影作品的艺术形象以及摄影作品反映的内容必然是客观实体。
而对于摄影艺术,纪实性是摄影不可更改的本质,所以在创造过程中摄影主体性和纪实性的统一是必要的。也就是,摄影的艺术形象以及反映的内容与它的原型在一定意义上具有同一性。因此摄影的题材与其创作的原型有着密切的关系。换言之摄影的题材与其被拍摄的主体关系密切。不同题材的摄影也会有不同的艺术创作过程,所以摄影的类型也与题材有关。摄影的题材、类型分为:新闻摄影、人文摄影、风光摄影、人像摄影、体育摄影、商业广告摄影等。
2.摄影作品的主题
艺术作品的主题是艺术家对社会生活反映的认知与改造,是对题材的认识与评价。它主要是通过艺术形象表达出的思想、观念乃至情感。
前面提到过,由于摄影的纪实性导致其艺术创作中的艺术形象与客观原型的同一性。这种纪实性在摄影一书中占据了最重要的地位,无论是何种形式的摄影随时都可以从中反映出来。当然,单纯记录现实的摄影不一定称之为“艺术”,他们只是实际存在的简单物化,并不具备艺术素质。而真正的摄影艺术作品在于摄影艺术家主体性的有效发挥,往往具有鲜明的主题或者充沛的情感。
可以看出摄影作品的主题是摄影家对摄影纪实性的充分利用,借现实主体来表达的思想、观念和情感。在主题塑造的过程中,摄影家不是被动的摄取眼前的现实,而是对现实深入观察体验和认识,并精心摘取具有典型性的画面、形态借以揭示出思想观念或宣泄某种情感。所以摄影是现实的艺术,他无法脱离客观对象去完成创作。
二、摄影作品的表现形式
1.摄影作品的表现形式
艺术作品的形式是指作品内容的组织结构和表现手段。摄影造型艺术同绘画相同之处,是将艺术形象诉之于视觉,在一个平面空间内展示出来。在摄影作品的表现形式中,摄影家也是通过构图的方式将其主题鲜明的表达出来。
构图是对摄影作品中内容的组织结构,其主要作用是更有效的突出艺术作品内容。摄影师利用美学规律主动的对客观现实进行截取,简洁且直观的表达艺术形象、表现作品内容是摄影作品构图的要务。
2.摄影作品的表现手段
摄影的艺术表达手段也可以称之为摄影的艺术语言,与摄影技术的发展有着密切的联系。自摄影术诞生那天起,摄影的局限性就对摄影作品的艺术语言表达就有着不同程度的限制。
摄影的发展与科学技术息息相关。科学技术具有一定的时代局限性,从而也导致了摄影技术的局限。摄影设备从巨型银版相机到小巧的数字相机的更迭历史,也是摄影技术从复杂且高端的工艺到便捷大众化的技术的演变过程。在这个过程中,摄影作品的表现手段也在不断的演变。从黑白到色彩,从胶片到数字,从模糊到清晰等等这些特点都如实的反映在摄影作品上面,也就形成了不同的摄影艺术语言。随着科学技术的不断发展、摄影技术的发达,致使摄影作品的艺术语言也趋于多样化。
三、摄影作品的内容与形式的关系
1.内容决定形式
在摄影作品中内容决定形式的产生。摄影作品的产生首先是由摄影师雇主的某种需求或者是摄影艺术家受社会生活的事物的某种激发,而产生了创作欲望,确定作品内容,然后根据内容需要去寻找恰当的表现形式。
比如新闻摄影师是出于反映和报道现实生活中的重要事件为根本出发点,其内容要求摄影作品确切、直观、形象的反映事件,所以其表现形式就要用最直观、形象、清晰明确的语言表达事件。再比如商业广告摄影,他的创作目的是推销商品,其内容需要突出产品的特点,强化产品的形象使之具有较强的吸引力,从而激发消费者的购买欲望,那么这就要求这类摄影作品的艺术语言要具有很高的清晰度,并且能够突出和强化甚至夸张的表现商品的特点。
由此看来,一幅摄影作品的内容对其表现形式起着决定性的作用。同样,在一幅优秀的摄影作品中形式常常也起到积极地、能动地作用。
2.形式反作用于内容
当形式与内容相适合时,就能深刻的、充分的表现作品内容;而当形式不适合内容时就会造成摄影艺术作品的平庸乃至失败。比方说我们要表现花的艳丽,就不能用黑白的表达语言。艺术作品的形式表现内容,有的形式把内容表现的充分、感人,有的则不然。往往也会出现同表现一内容的多幅作品有的极具冲击力、震人心魄,有的却表现平庸;也往往会产生同一内容甚至同一现实主题,由不同摄影家去表现其作品也各不同,原因就出在形式的差别。而这种差别是源自摄影师的自身修养不同、风格不同和对事物的观察、理解的角度不同。
3.内容形式相互统一
任何一个艺术作品都是内容与形式的统一。任何形式都渗透着内容,任何内容都是通过形式而存在的。内容与形式是艺术作品中不可分割的,他们不能相互脱离而地理存在。摄影也是如此。只有完美的艺术形式与有深度的内容有机结合统一,我们才能称之为优秀的摄影作品。
参考文献:
[1]杨思璞.摄影美学基础.辽宁美术出版社.
关键词：要素；魅力；修养
艺术作品之所以有魅力，主要是因为具备了以下三个条件：
一是作品中艺术要素的作用；二是作品内容和形式的作用；三是欣赏者的艺术修养和欣赏水平的作用。三者合一，才能使“听觉艺术（耳朵）”和“视觉艺术（眼睛）”更具实际意义。
一、艺术作品魅力之一――艺术要素
所谓艺术要素即是艺术创作的原始符号，是构成形式美的基本因素，如美术中的形线、明暗和色彩，音乐中的音响、节奏和旋律，文学中的语言、体裁和结构。艺术要素的功能，在于给欣赏者提供以艺术欣赏的原始启发。
(一)美术的要素：形线、明暗、色彩
美术是通过可认知的形状、线条、结构、色彩（即，点、线、面、形、色）等组合穿插诉诸人的感官，是直接面向外在世界的艺术。美术也称作“造型艺术”。造型艺术艺术最小的形态语汇，是美术创作表现物象和组织造型的重要手段，是最基本的造型语言。
不论是平面构成、色彩构成还是立体构成，上述所有要素在整个造型艺术创作中，密切而有意味地结合在一起，并由艺术家赋予了它们以生命的内涵，当人们再去欣赏的时候，心灵深处不知不觉会受其感染，最终才能使艺术作品产生震撼力。
古典的达芬奇的《蒙娜丽莎》“神秘的微笑”里谜人的线条、抽象的凡高的《向日葵》强烈的色彩、现代的齐白石的《群虾图》我有我法的笔墨……无不神奇而精巧地运用了这些原始的形态语汇，创造出了艺术奇迹。美术的潜在的精神启示，就是通过关注这些造型艺术中所显现出来的各种符号，才使人受其激发感染，愉悦共鸣，并在其中接受教育。
（二）音乐的要素：音响
比之其它艺术，音乐总是以音响取胜，音乐没有音响，就等于美术没有了点线面形色，艺术作品将无以创作产生，再高明的艺术家也束手无策。因此，音乐艺术的本质就是 “音响”。比如音响中欢乐的、奔放的、悲怆的、撕杀的等等情绪对感官的冲击诱发，总会给人造成一定的心理效应。其魔性靠的就是音乐中或高或低、或长或短、或强或弱；或高亢低沉的、或急促悠长的、或轻柔微弱的发声，并且由艺术家赋予有意味的形式的组合穿插，以其不可言状的魅力令人陶醉，甚至被扰得心神不得安静。
音乐的旋律，前面的稍纵即逝，后面的立即跟来；音乐中前面提出的问题――乐思，只有通过后面的旋律才能得以解决。音乐欣赏需要等待，因为等待是有时间的，所以音乐也被称为“时间艺术”。
（三）文学的要素：语言、体裁、结构
（1）语言。语言是人类用来表达意思、交流思想的工具。文学语言具有美感性、褒贬性和达意性。文学是语言的艺术，是语言的最高表现形式。（2）体裁。体裁即样式，是文学作品的表现形式，如，抒情文学、叙事文学；诗歌、散文、小说等。（3）结构。结构则体现了艺术作品的规范意义，是指根据题材内容对作品实施的组织安排等，包括叙述描写的先后顺序。比如，诗歌中的层段；小说中的章、节；剧本中的幕和场。
文学，无论是大部头的宏观巨著，还是短小精悍的诗词歌赋，均不能离开它们最终成为艺术作品的最小原始载体，即艺术要素。按前后左右顺序排列，应当说语言在先文字在后，潜词在左文章在右。
我们不仅被美术作品中斑斓的色块所打动，也能被音乐作品中流动的音响所震撼；更能被文学作品中语言的表述而感染。艺术作品只有依附于各自的要素，才能引起欣赏者对艺术之美的感知，才得以显现其强大的魅力，并召唤着人们以无穷的想象力，实现其欣赏的目的。
二、艺术作品魅力之二――内容、形式
（一）内容
再坚固实用的大厦不可能只是一个空架，它应该有很多美观漂亮的装饰，这样才好看；再悦耳动听的音乐不可能只有一些简单的音符，它应该有变化丰富的旋律节奏，这样才好听；再美妙可读的作文不可能只是排列无味的字码，它应该有不少起伏跌荡故事情节，这样才好读。我们已经知道，题材和主题是内容构成的重要因素。那么这些好看的、好听的和好读的题材和主题，就是艺术作品的内容。没有内容的艺术作品是苍白无力的，因为没有看点及韵味，也就没有感染力。
（二）形式
歌德说：题材人人看得见，内容只有费过一番功夫的人才可以寻得到；而形式对于大多数人来说是一个秘密，比较内容它更难于消化掉。歌德的意思是，内容难寻但必竟找得到；而形式的难度在于其优劣程度影响着内容的表达和艺术感染力的强弱。
因此，艺术作品必须具有形式美的因素才有说服力和感染力。比如：美术中的线条、形状、明暗、色彩的有意味的穿插，会产生一定的均衡、对称、照应、重复等双比；音乐中的七音阶的有意味的交织，会产生一定的旋律、节奏、强弱、速度等变化；文学中的语言、体裁、结构等有意味的组合，会产生一定的起伏、发展、冲突、褒贬等不同。这些不一样的变化对比才是艺术作品的形式美感所在。艺术作品只有具备了形式美感才有意味、有灵性，才畅神达意。
音美、形美、色美、意美……诸多形式美感因素与庞杂宏博的内容巧妙结合，渗透其中，珠联璧合，达到完美。
（三）艺术作品的生命魅力
不论哪一个门类的艺术，它们的共同性质就是，具有鼓舞人、打动人、激励人和煽动人的特性。以下是笔者对音乐的理解，并以此来证明艺术作品中的生命活力。其间包涵着艺术作品魅力（艺术要素、内容形式、修养水平）所在的三个方面的功能及相互关系：
竖琴家乔吉娅・吉丽说：“音乐使人神游物外，仿佛置身一个没有痛苦的异乡。”贝多芬认为，音乐具有比一切智慧及哲学还崇高的启示。叔本华把音乐看作是唯一能直接表现心灵的艺术。最伟大的音乐建筑师柴可夫斯基说：“音乐是心灵的真诚的流露，犹如一个诗人用诗句来表达感情一样。”
人的思想意念可以通过文学明确地表达，绘画、电影、戏剧的视觉形象也十分鲜明，而音乐则有它自已的语言形态――音响（要素）。
音乐，只可意会，无法言传。音乐的这种“模糊”性，恰好给欣赏者提供并展示了带有暗示色彩的想象空间。欣赏者的喜、怒、哀、乐，千情百绪，被音乐中的情绪拽进来又推出去，任其摆布。
托尔斯泰为什么对《如歌的行板》这样动情，泪珠挂满了双颊；列宁为什么被《热情奏鸣曲》所倾倒；为什么偏偏喜欢《英雄交响曲》？没有半句诗词，这里音乐和诗词的区分显而易见。音乐的旋律和节奏直接表现用语言难以言传和宣泄的情感，而诗词则利用直观的文字，仅仅表达出抽象的思想和概念。音乐的情感内容，已经通过它的要素和欣赏者的自身修养，转化为心灵的共振。诗与乐的语言形态与成分不同，独具特色，但对音乐而言，其魅力不需要文学来诠释，此刻，任何诗词的介入都显得多余！
孔传：“谓诗言志以导之。歌，咏其义以长其言。”是古代诗与歌的区别。诗歌，只有配上音响才称为歌曲，并放异彩。以致于有人承认：一些名歌所以受到欢迎，得以传唱，主要是安上了音乐的翅膀。
纯粹的音乐应该是无诗词的音响。
海涅说：“语言停止的地方，才是音乐的开始。”歌德对贝多芬说：“我文学不能表达的，请你用音乐来表达吧！”莫扎特更干脆：“如果用文字可以表达的，那我何必还写音乐呢？”
这就是音乐的特定功能，即音乐的魅力所在。
三、艺术作品魅力之三――艺术修养
马克思说“对于没有音乐感耳朵的人来说，再美的音乐也毫无意义。”意思是说，你能看懂艺术作品并获得美的享受，你首先必须有艺术修养，彼此之间方可产生共鸣。相反，对于艺术作品的麻木和对于艺术本身的无知，再伟大的艺术作品摆在面前，大概也是对牛弹琴。
（一）有文化不等于有修养
文化是一种修养。但是，有文化不等于有修养；没有修养就等于没有品味。
曾经身边有一位机关干部问笔者，你整天总是画那玩意干啥呢（指艺术创作）？弄得我哭笑不得，怔视半天，无言以对。还有一位具有本科学历，而且在文化部门数年的工作人员干脆对笔者说：你就别搞创作了。再有我的邻居，一次看见一幅写实风格的油画，让其发表一下评介，竟说“看不懂。”
前后三个人，笔者亲历。他们的文化程度也许很高，他们也许能跟同事和邻居们和平友好地相处，他们在家也许是一位贤妻良母或模范丈夫，但却不能欣赏和读懂艺术，实在令人遗憾。这些看似不经易而普通的小事，足以说明其个人的欣赏水平岌岌可危，亟待提高。
这不仅是文化问题，也是修养问题，实际上就是对艺术的贫瘠。关键是，这种素质水平的影响不仅局限于本人，甚至会波及周围的相关人员，比如对其子女的教育。后果令人深思。
（二）艺术修养的形成
修养的内涵包括方方面面，它表现在个体的政治、思想、道德，包括对知识技能的掌握和待人处事等方面的正确态度。前面已经介绍过，这些不能足以表明个体的综合素质程度，而且这些本来都与艺术修养不是一回事，笔者认为，加强国民的素质教育既要有文化技能方面的教育，和思想政治等方面的教育，同时也需要艺术知识方面的学习。文化只给了人以知识技能的传授；在艺术方面，因为不感兴趣，或者干脆无知，听也听不懂，看也看不明白，所以就谈不上主观欣赏了。
显然，一个不懂得审美、没有审美知识的人，是明显缺乏教养的人。没有教养，谈何修养。
前国务院副总理李岚清曾说：“只有专业知识，而不懂得审美，包括音乐在内的某种艺术修养，还不算是高素质的知识分子。”社会的文化水准高低，就看艺术的参与程度；个体修养的高低，就看对艺术了解的多少。个体修养或者说是综合素质的形成，唯有通过艺术教育才能获得，这是其它任何方面的教育无法替代的。
因此，只强调对国民的文化素质教育还不够，还要特别关注对他们在艺术方面的教育，以提高对艺术的欣赏水平，这样人格才能得以健全的发展。
（三）城市的文明标志
一个城市，高层建筑、店铺栉比、霓虹耀眼、车水马龙、古籍名人不胜枚举……那又会怎么样？火辣辣的表面现象不能说明一切。因为能在这里看一看书画艺术展览，结果那是有时；去欣赏欣赏高雅音乐，比如交响乐、歌剧和舞剧，结果几乎为零。在这座城市里，欣赏高雅艺术成为有时和不可能，不知文明在哪里。
一个健康的现代城市不仅要有多种形式的群众文化活动广场，更要有多种功能的图书馆、科技馆、博物馆和体育馆，还必须拥有相当规模的展览馆、音乐厅，包括大剧院。因为它不仅是文明城市最有力的说明，而且也是城市管理者们的文化艺术修养即文明程度的显示。
结束语
艺术创作离不开原始的形态语汇，不论是瞬间的、时间的还是综合性的艺术；艺术作品中的原始形态语汇，都是为艺术创作而服务的，艺术作品只有依附于这些要素才得以展现，并给予欣赏者以心理暗示，最终上升为情感的激发。欣赏者只有将这些要素与自身的修养和作品内容融为一体，才能达到欣赏的目的。
参考文献：
[1]张道森编著.《中国美术欣赏》.浙江大学出版社
鉴赏书法艺术作品的方法有很多，我国近代著名书法家康有为先生曾经在自己的著作《广艺双楫·十六宗》中提出了鉴赏书法艺术作品的“十美”标准，即：“一曰魄力雄强，二曰气象辉穆，三曰笔法跳越，四曰点画峻厚，五曰意态奇逸，六曰精神飞动，七曰兴趣酣足，八曰骨发洞达，九曰结构天成，十曰血肉丰美。”可见，书法不仅是一门艺术，更是一门严苛的艺术，书法家对书法艺术作品艺术价值的追求和所有艺术家对艺术造诣的追求一样，永无止境。
从现代书法艺术鉴赏的观点来看，简单地说，书法艺术作品的鉴赏应当主要从两个方面入手：第一，是书法作品的内容，即所谓“四平八稳，卷面工整”；第二，是书法作品的意境，即所谓“笔随心走，意由心生”。具体地说，对书法艺术作品的鉴赏应当从以下方面入手：
字体优美，浓淡适宜
字体优美是指字形，浓淡适宜是指用墨。汉字是由若干的点和线条组合而成的，这些点和线条根据一定的结构比例组合在一起，或长或短，或大或小，或胖或瘦。这些在汉字中被称作“笔画”的汉字组成部分应当粗细相当，结构合理。笔画与笔画之间根据字体不同，有所连，有所不连。该连的部分密不可分，行墨流畅，该断的部分干净利落绝不拖泥带水。除了注意这些，这些点和线条的浓淡、粗细都会影响汉字整体的美观效果。汉字书法艺术作品是由书法家手写而成的，在艺术创作的过程中，书法家可以利用组成汉字的点和线条的变化来表达自己的思想和情绪，因此，从这个角度出发，不论鉴赏的书法艺术作品的内容是任何一种字体，内容或长或短，文字的结构或繁或简，工整的书法艺术作品的字体都应当是优美稳重的，每一个字的写就之后体现出的都应当是浓淡适宜、浑然一体的效果。
下笔稳重，成字稳定
在创作书法艺术作品的过程中，除了要注意在写就笔画的过程中保持字体线条的优美和连贯一致的用墨浓淡，还应当注意对写字力度的把握，归纳起来也就是“下笔稳重，成字稳定”这八个字。我国著名书法家王羲之曾用“如孤舟之横江诸”和“若春笋之抽寒谷”两句来比喻书法艺术作品中的“横”与“竖”，足见他对汉字书写意境之领悟已经达到画境。而事实上，书法家不同的握笔姿势，不同的发力关节，不同的下笔力度，不同的写字习惯都可以将同一个字打造成不同的样子。有些时候，书法家可以利用这些技巧上的不同来表现不同的艺术效果，但正所谓“万变不离其宗”，不管书法艺术作品采用的是何种字体，任何一种创作技巧下完成的汉字都是结构合理重心稳定的，让人能在基本的稳定之上看出艺术家运用不同的创作技巧创作作品的用心。但如果不是刻意为之体现出能与全文汉字风格一致的艺术变化，那么，这些不同的技巧被混乱使用的结果就是书法汉字结构松散，重心不稳，既可能左右歪倒，也可能顷刻颠覆，给人一种压抑毛躁的感觉。
行笔连贯，运笔流畅
用墨创作，是汉字书法艺术作品最常见的创作方式。由于墨汁本身就具有与空气中的水分相结合会被冲淡、稀释的特点，因此，为了保证书法艺术作品整体的艺术效果，书法家们常常会利用研磨好的墨汁被稀释变淡之前的时间，一气呵成，创作书法艺术作品。也同样是因为这难得的一气呵成，书法家对汉字艺术作品的理解和对人生与社会的感悟才能在创作的过程中一股脑的倾泻而出，毫不掩饰地表现在宣纸之上。所以，书法艺术作品的鉴赏中少不了对作品整体“行笔连贯，用笔流畅”的要求。鉴赏书法艺术作品，除了对字体本身的点评，对埋藏在在字里行间的作者的心情感想的品评研读也是重要的环节。如果一幅书法艺术作品表现出来的是一个写字下笔断断续续难以连贯的效果，那么不但书法艺术作品本身的价值会大打折扣，其鉴赏价值也会由于行笔的断断续续消失殆尽。
人字合一，形神兼备
书法家郭绍虞曾在《怎样欣赏书法》中提出鉴赏书法艺术作品应当观其“气象”，呈现“挥朴安详”者为佳的观点。正所谓“字如其人”，书法艺术作品恰恰能体现书法家本人的性格。例如著名书法家颜真卿曾在心平气和之中写就《多宝塔碑》一文，全文字势端重，浑厚有力。但他晚期在心情极度悲愤状态之下写就的《祭侄文稿》却表现出了他对侄儿早逝的极度悲伤，让所有鉴赏者对书法家的悲伤唏嘘不已。书法艺术作品中的人字合一，形神兼备，不是要求书法家将自己的样貌体现在字形上，而是要求书法家将自己的灵魂与自己创作的汉字融为一体。要求的不是书法家对单个汉字的过分雕琢，而是书法家对书法艺术作品的用心。鉴赏书法艺术作品时品评的，除了字体、卷面，最重要的恰恰正是这份心。
关键词：民间文学艺术作品 著作权法 法律保护
一、民间文学艺术作品的内涵分析
我国现行的《著作权法》第6条规定：“民间文学艺术作品的著作权保护办法由国务院另行规定”。我国《著作权法实施条例》第2条规定：“著作权法所称作品，指文学、艺术和科学领域内，具有独创性并能以某种有形形式复制的智力创作成果。”我们发现作品的定义是要求“以某种有形形式复制的”，这些要求显然对民间文学艺术作品进行界定有很大的难度。
我们知道大部分知识都是一代一代传下来的，但其不断地发展和创新出新的知识。以民间文学艺术的历史题材创造出来的民间文学艺术作品，和原先的素材是分开的，具有确定的创作主体和特定的表达形式，但是这两者之间有时重叠性比较大，界限模糊，难以区分。这是我们探讨民间文学艺术作品需要解决的重大问题，也是我们进一步对民间文学艺术进行规制必须首先解决的问题。
刘春田认为民间文学艺术作品是指由某社会群体（而非个人）创作的流传于民间的歌谣、音乐、戏剧、故事、舞蹈、建筑、立体艺术、装饰艺术的文学艺术形式[1]。笔者认为，民间文学艺术作品是指特定民族或区域的社会群体集体创作，通过口传心授、模仿等方式，在本区域内世代流传的、反映本地域的传统文化、风俗习惯、群体特征、自然环境等特有成分，又不断的为群体发展的文学艺术作品。列举式规定可吸收和借鉴《示范法条》的典型表现形式，具体表述为：1）故事、诗歌、谜语、谣谚、传说、寓言、神话以及其他口头或书面民间文学作品；2）民歌、戏曲、器乐以及其他以音乐形式表达的民间艺术作品；3）舞蹈、游戏、民俗活动以及其他以活动形式表达的民间艺术作品；4）皮影、剪纸、绘画、书法、服饰、器具、代表性建筑以及其他以有形形式表达的民间艺术作品。
二、民间文学艺术作品保护中存在的问题
（一）不确定的权利主张主体
民间文学艺术体现的智力创造成果是一个群体的，而不是任何特定的个体，它“最原始的创作者可能是某个人或某几个人，但是随着历史的推移，它逐步变成了某一地区、某一民族整体的作品，其作品所有权和著作权应该属于产生这些作品的群体，而不是任何特定的个体”[2]，这会导致谁是真正的权利主张者的问题。民间文学艺术作品是整个民族或地区的文化财富，“有些民族或群体认为属于本民族的作品或宗教仪式是神圣的，不愿为外人所知，若随意发表，不论其赢利与否都会严重损害该群体的精神利益”[3]。
（二）保护时间不易确定
现在各国是对于一定的知识产权予以一定年限的限制，但是民间文学艺术由于其自身价值形成的特殊性，简单地规定一个期限非但不能给予保护，这样会使相关的权利合法地被免费使用，原因就在于其在时间上的续展性和主体的不确定性。我们知道民间文学艺术是世代相传的，民间文学艺术所形成的价值是一个集体在漫长的时间跨度内形成的，每一历史单元都是文化的传播时期，也是再创作时期，因此很难认定它的保护期的起始点和终结点。
(三)保护存在很大局限性
首先，民间文学艺术就是一个民族的人创造出来并在发展中不断完善的，它存在和发展的根基就是它的广泛性、开放性，民间文学艺术更多所体现的是其群体的文化特征，注重这种文化能否得到持续存在并受到他人的尊重和认可，不被歪曲和随便利用。另外，运用知识产权来保护民间文学艺术的核心就在于经济权利的确立、合理的商业利用及市场价值。民间文学艺术作为特定群体的非物质文化遗产而又无法行使专有权是令人遗憾的，特别是与发展中国家和不发达国家所提出的保护民间文学艺术，乃至于传统知识和遗传基因等传统资源的初始意图不同。
（四）新作品与原作品的差别性
第一，民间文学艺术作品有集体性质，创作主体具有不特定性，但是运用民间文学艺术作品进行再创作的作品其权利主体是明确特定的，他们根据其对民间文学艺术的理解，经过改编整理，创作出的作品在表现形式上区别于民间文学艺术作品，体现出创作者的个性特征。第二，民间文学艺术作品形成于民间，具有长期性，而再创作作品是“作者在运用已有的民间文学艺术的基础上产生的，它的产生必须依赖于民间文学艺术作品”[4]，它们是源与流的关系。第三，民间文学艺术作品在经历几代人的发展完善过程中，不断地注入新的内容，虽有创新，但还保留着原有风格特色，而再创作作品想要受《著作权法》保护，必须具备一定的独创性。因此，民间文学艺术作品与根据其进行再创作的作品的区分把握也是需要解决处理的一个问题。
三、民间文学艺术作品的法律保护建议
（一）明确著作权的主体
针对主体不确定的问题，我们可以在民族聚居地或地方设置例如××民族理事会、研究会、××地区会所等形式，来研究整理本民族本地区的民族文学艺术作品，从而使民间文学艺术作品得以保护并发扬光大。民间文学艺术作品内容广泛、博大精深，根据其内容、表达形式、体现的特色等可以明确属于某个民族的传统文化的，如某个民族特有的民间习俗、故事传说，像属于全体赫哲族群众的《想情郎》等，可以由该民族的理事会、研究会来代为行使整个民族对此项民间文学艺术作品的著作权等权利，国家可以规定文化行政部门主管该项工作，各民族理事会可以将本民族特有的文化遗产—民间文学艺术作品等经过整理，报经文化行政部门登记备案。
（二）明确改编者的权益
我们可以由国家文化行政部门负责保护民间文学艺术作品不受任何人的歪曲、篡改和丑化，鼓励改编整理民间文学艺术作品，但是改编者和整理者对其改编整理后形成的新作品必须注明来源出处，并且要向一定的部门支付一定的许可使用费。任何人都不得将民间文学艺术作品据为己有，也不得反对他人对其重新进行改编和在民间文学艺术作品基础上进行再创作的个人或组织，应尊重产生该作品的民族或群体的风俗习惯、宗教信仰等，不得歪曲原作品，不得给产生该作品的群体造成精神伤害。民间文学艺术作品或经改编创作而形成的作品不得向外国人卖断著作权。同时私人、集体所有的非常重要的民族民间文化资料和实物，坚决禁止出售或转让赠于给外国人。
（三）无期限保护
《著作权法》第2章第3节“权利的保护期”中规定了权利保护期为作者生前及死后50年，合作作品到最后死亡的作者的死后第50年的12月31日，这都有明确的期限。而民间文学艺术作品它在历史长河中不断的经人们改进，再创作流传数年，认定它的起始与终结不易，以至无法从事实上来确定它的最后一个创作者，来确定它的保护期限了。而且，民间文学艺术作品是一个民族、是中华民族宝贵的文化遗产，我们不能抛弃丢失它，更不能确定一个期限来保护它而其他时间任由他人任意践踏它。因此，民间文学艺术作品从事实上和民族感情上来说，它的保护期限都应该是无期限，无期限保护我们丰富多彩、宝贵的文化遗产。
（四）使用上采取许可使用和收费制度
让文化行政部门实行行政许可制度，它也可以将其部分权利下放由各民族理事会、研究会来许可，但是要向有关部门备案登记。另外，还应根据不同情况进行收费。明确属于某民族的民间文学艺术作品，使用费用由该民族理事会收取，提取其中少量部分上交国家文化行政部门，该许可使用费除支持理事会的基本运作外，主要用于宣传和弘扬民族民间文化，组织专业人士对民间文学艺术作品进行整理和研究，采取各种方式进行传播，使更多的人知道了解它，还可以与地方政府等联手搞项目，像建旅游基地、度假村，让游人身临其境感受某个民族的民族风情等。
面对保护传统的民间文化这一公众性课题，一方面，要利用现行知识产权制度，在传统知识和知识产权相结合方面作出应有的贡献。另一方面，应积极地在知识产权制度以外，运用多种法律诸如文物保护、旅游管理等国家立法和地方立法，以及公共政策的扶持如少数民族民俗文化、民间传统文化资料的收集、整理、保存等项措施，更重要的，保护民间文学艺术不仅是商业上的开发和利用的，而是以保持、尊重与弘扬为直接目的。
参考文献：
[1]刘春田.知识产权法[m].北京：高等教育出版社,2003：57.
[2]李建国.<中华人民共和国著作权法>条文释义[m].北京：人民法院出版社，2001.
[3]刘心稳.民间文艺作品：呼唤立法保护[j].时代潮，2003，（3）.
[4]王鹤云.民间文学艺术的版权保护制度[eb/ol].sipo.gov.cn/
一、高校校园景观环境空间要素对艺术作品的影响
艺术作品塑造景观环境空间，景观环境空间中的诸要素和功能化需求也影响艺术作品的创作、设计和安置。视点、视距、空间尺度、植物、水体、道路、环境设施等这些空间要素制约着艺术作品的创作以及其在空间作用的发挥。二者协调得好，空间要素就能凸显艺术作品的独特作用和魅力，艺术作品也能很好地塑造景观环境的空间感，相得益彰；二者协调得不好，景观环境空间中的诸要素则会相互掣肘，相互抵牾，损害各自功能和美感的彰显。大体来说，影响艺术作品功能的高校景观环境空间要素有下列几种状况。第一，观者所处的视点、视距影响艺术作品的造型形式及空间布局。通常，在一个有效的景观环境空间中，设计者都会为艺术作品设置一个最佳的观赏视点、视距和视面价值，以便受众能更好地界定空间、利用空间和观赏景观，发挥艺术作品在空间中的作用。同时，这些视点、视距和视面又影响着艺术作品的位置、造型、色彩、尺度、材质以及主题的选择。比如，艺术作品要想引起较远视距人们的关注，就必须在艺术作品的材质和色彩上加以选择，或者对艺术作品的尺度进行强化。对某些空间而言，处在最佳视点的观者的双眼形成一个会聚角度，这个会聚区域就是艺术作品塑造区。设计者在这个区域中，不仅要考虑艺术作品的造型和布局方式，把握区域内整体景观布局形式，还要衡量来自主视点的艺术作品的景观视面价值。因而，在这样的空间中，其他方向的视面价值和布局方式就不是设计者重点考虑的方面。当然，对一些以圆为基本型的艺术作品而言则无须考虑视面价值问题，也较少受到视距视点的影响。而以三角形为基本型的艺术作品就必须要考虑主视点方向的视面造型，特别是那些趋向二维化的艺术作品就必须重视视点、视距的关系了。第二，空间尺度对艺术作品的影响。空间尺度主要是指景观空间的分辨度和面积的大小。景观空间的各相关因素会影响艺术作品的造型形式、尺度、材质等构造元素的选择，有时甚至决定着特定的艺术作品能否摆放在特定的景观环境空间中。因此，艺术作品的创作必须结合空间尺度加以综合考虑。通常，在大尺度空间中，艺术作品创作的自由度较大，表现的形式也多种多样。而在小尺度空间中，艺术作品受到的限定因素会更多。比如，在以趣味性为主、鼓励人们参与的小空间中，艺术作品的尺度就应以与人体工程尺度相适宜、凸显亲和力为佳。这样就可以鼓励人们进入空间活动，提高空间利用率。因而，小空间中的艺术作品在造型和材质的选择上就要考虑其安全性，造型太尖锐或多棱角、材质不环保等都会带来安全性的问题。在高校这样人流密集、行为活跃的景观环境空间中，这就显得尤为重要。第三，植物与水体对艺术作品的影响。在以艺术作品为主导的空间中，植物和水体通常作为艺术作品的背景出现，和艺术作品共同营造着高校的文化与精神氛围。它们与艺术作品是鲜明的图底关系，不仅衬托出艺术作品的主视面的景观效果，还修饰了艺术作品弱视面。因此，植物的色彩、品种、面积大小等必须贴切艺术作品的主题，有时还应考虑植物未来生长尺度对艺术作品的影响。水体则要考虑其面积和造型对艺术作品的影响，要相得益彰。当植物、水体和艺术作品共同营造空间氛围时，设计者既要考虑乔木、灌木、地被植物间的空间层次和搭配关系，还要考虑水体的大小、造型、位置，以及它们与主景观艺术作品的构图关系。植物种植不能杂乱无序，遮挡艺术作品的观赏视线，破坏其美化的整体景观效果；水体则不能喧宾夺主。所以，设计者应多角度考察植物水体和艺术作品的空间均衡关系，突出艺术作品的景观视觉效果。第四，座椅和道路对艺术作品的影响。校园户外座椅和道路在空间中的位置、朝向，与艺术作品的距离等影响着艺术作品正视面的创作及空间布局。如果一个空间中座椅和道路已经固定，那么艺术作品的正视面、尺度和观赏的距离也就固定了。同样，如果一个空间中艺术作品已经固定了，那么座椅和道路朝向、距离也要与之匹配。设计者尤其应重视那些固定的、在主视点视线上的座椅与道路对艺术作品的正视面景观效果的影响。座椅让人们轻松安静地观景，道路引导人们悠闲流动地观景。户外座椅、道路与艺术作品的合理布局才能改善人们户外逗留的条件，增强高校景观环境空间的吸引力。
二、高校主要环境景观空间中的艺术作品
高校中主要的景观环境空间包括校前区、道路、校园广场、主要建筑前以及边缘空间等。空间的位置和功能不同，对艺术作品的要求也不一样。
1.校前区空间的艺术作品校前区空间紧邻主校门，衔接校内外，是城市与校园的空间纽带，具有相对的独立性。它不仅是校内外人员流动的集散空间，也是展示高校自我特色、风采风貌、校园历史文化和进行校园礼仪活动的场所。因此，校前空间的艺术作品不仅要强化其特质，起到地标和交通导向作用，还要展现高校的文化魅力、价值观念和历史文化精神。通常在校前区空间中会有一个核心甚至唯一的艺术作品与主校门形成对景。该艺术作品与校前区空间的其他要素形成互动，引发进出校门的人流的共鸣与联想，既引导校前空间人们的行为，又使校前空间充满生机与活力。而且，由于校前区空间的艺术作品是高校文化主旨的呈现，对其在造型、材质、尺度、色彩和主题上也就有更高的要求。它要具备高度的公共性，造型富有创意，体量尺度较大，材质考究，具有较高文化艺术价值，彰显高校个性特色和人文精神，体现地域文化特色等多方面的综合功能。因此，校前区空间中的艺术作品的题材选择既要为校园人群熟知和喜爱，又要做工精细，细节刻画唯美细腻有力度，有明确的图底关系，唯有这样才能提升校前空间的价值和魅力。
2.道路空间的艺术作品校园道路是高校景观环境空间中的骨架，起到联系校园各景观环境空间的作用，具有导向性、交通流动性和线性等特点。校园道路以有序而流动的方式展现校园的精神风貌，而且道路空间中竖向的艺术作品常常是校园空间转换的标志物，是校园空间中的转动轴。它不仅能强化道路空间的景观效果，还能增强校园道路的可识别性。由于校园道路空间中的人流量大，其间的艺术作品能更有效地展现校园历史文化精神和艺术风采，也易成为道路空间的视觉焦点。道路空间中艺术作品的题材和造型受道路影响较小，但其尺度、数量受道路空间的限制。另外，由于道路的线性特点，道路空间中的艺术作品的正视面通常只能面向道路，二维性特征较强。这种二维性对艺术作品的背景要求较高。艺术作品的背景处理是否妥当直接影响着艺术作品呈现的效果，乃至整个校园道路空间的景观效果。碑石、剪纸雕塑、独立性浮雕、线性装置等艺术作品形式常成为该空间的选择。
3.校园广场上的艺术作品校园广场是校园人群进行大型集体活动的场所，是高校景观环境空间最重要的部分。它的艺术作品形式丰富、主题多样、个性突出，表达了一个高校的精神旨趣和审美品位。广场内人群活动自由，艺术作品受到空间的视向视面价值制约较小，在造型形式、空间尺度、色彩要求以及布局安排等方面也就自由得多。校园广场空间中的艺术作品多以天空为背景，形成明朗、开阔的图底关系。在以绿化为主的软质广场上，设计者较少设置大型主题艺术作品，而是多把艺术作品分散于软质广场中局部小空间中，或是布局于绿化植物之中。艺术作品多是趣味雕塑和生活人物雕塑，与周边植物、水体等空间造景元素形成明确的图底关系，增加广场各小空间的趣味性、亲切度和可参与性。在以铺地为主的硬质广场上，设计者多设置一些大型主题艺术作品，数量少，气势宏大，统摄整个空间。这类艺术作品主要呈现的是高校人文历史精神，广场名称也多以该主题艺术作品命名。
4.主体建筑物前空间中的艺术作品校园主要建筑物是指校园内那些空间尺度大、功能较多的综合性建筑物，如综合教学楼、图书馆、综合实验楼等。这些建筑物的体量大、尺度大、功能多样，其所覆盖的空间通常会设置一些专题性的艺术作品。这类艺术作品的尺度、题材应与建筑物的用途相关联。在图书馆前可设置与图书馆内容密切相关的艺术作品，通常是与学校相关的伟人、文人或捐建者雕像，或一些与校园历史文化精神相关的浮雕等。在主体教学楼前则多设置文化气息浓厚的碑石铭文，或者与该建筑物作用相关的雕塑，以启发和激励人们求知欲。在综合实验楼前应设置一些科学家的雕像，或具有科技意义的艺术作品；在艺术系楼前就会设置艺术家雕像或一些纯艺术作品；在计算机楼前则设置与计算机相关的艺术作品；在经济管理学院楼前设置与经济相关的艺术作品；等等。这些建筑物前空间的艺术作品主题鲜明，统领整个空间，与建筑物功能相互协调，相互强化，相得益彰。
5.边缘空间中的艺术作品校园中的边缘空间主要是指那些易被设计者、大众忽视和人流较少进入的空间。它们通常位于校园边缘、死角，或是校内建筑物与建筑物的夹角处，或在大型主体建筑的背后，或是校园内部空间与校园外部空间交接的边缘地带，校园人群很少光顾。这些空间虽不占据校园空间的主要位置，但它们对校园整体安全以及整个校园景观环境品位起到不可忽视的作用。艺术作品是改善这类空间景观效应和安全性的理想选择。它能活跃边缘空间的气氛，丰富空间中的景观层次，使其充满活力。一件根据边缘空间条件而专门创作的艺术作品还会成为该空间的经典景观，消灭校园景观环境空间的死角。可见，在边缘空间中，艺术作品的参与是多么重要。这类空间中的艺术作品选题自由，要有亲和力，尺度不能太大，材质经久耐用，不昂贵，色彩须强烈，如此才能使校园人群感知边缘空间的存在，徜徉其间，从而增强校园边缘的美感与安全性。
三、结语
了解艺术的本质，首先需要了解艺术本质的重要特征，特征是事物区别于外物的重要标志。对于艺术本质特征的研究，可以从其显性的外部特征和隐性的内部特征着手进行研究。
一、艺术本质的外部特征
艺术作品是人们接触艺术的重要窗口。欣赏一幅绘画作品、听一首悦耳的乐曲，都能让人感受到浓郁的艺术气息。因此，要想理解艺术的本质，首先需要理解艺术本质的外部特征。艺术本质的外部特征可以归纳为形象性、审美性和主体性。
（一）形象性是艺术最突出的特征
艺术是人类对客观世界进行认识和反映的基本形式，艺术以具体生动的形象反映生活、体现艺术家的思想情感。人们通过感性的艺术形象表达对事物本质规律的认识。不同的艺术种类有着不同的艺术形象，从艺术作品的表现形式划分，大体可分为视觉形象、听觉形象、综合形象和文学形象四种类型。它们增添了艺术形象的审美色彩，丰富了欣赏者的审美感受。
（二）审美性是艺术特有的属性
审美性是艺术特有的属性，是人类审美价值的集中体现，也是艺术区别于其他事物的重要特征之一。
德国哲学家黑格尔强调艺术美高于自然美。艺术美是艺术家主观创造出来的，这种创造性是人类智慧和劳动的结晶，与自然美有着重要区别。艺术作品的审美性不仅表现了内容美，更表现了形式美。艺术以其特有的形式生动地表现出内容的美感，我国著名书法家王羲之就曾提出“意在笔先”的说法，强调意念产生在构思之前，艺术作品应凸显内在精神。艺术的审美性强调人的主观创造性，是内容美与形式美相结合的产物。
（三）主体性与艺术密不可分
艺术的主体性贯穿于艺术创作的整个过程。艺术创作的主体是艺术家。艺术家通过艺术媒介将自己对生活的感悟和体会物态化为可供他人欣赏的艺术作品。艺术作品是艺术家创作出来的产物，不同的艺术家创作的艺术作品会有各自独特的风格，因而艺术作品也有鲜明的主体性色彩。欣赏者是艺术欣赏的主体，不同的欣赏者在欣赏同一件艺术作品时会因为自己所处时代、环境、教育背景等因素的不同而产生不同的审美感受，这些不同的审美感受体现出艺术欣赏过程中强烈的主体性色彩。
艺术的形象性、审美性和主体性构成了艺术本质的外部特征。艺术生动的外部形象能够给人鲜明的审美感受，使人强烈地感受到艺术独特的魅力。
二、艺术本质内在规律的特征
如果把艺术的外部特征看成艺术的表现，那么其内在规律的特征就是艺术的升华。关于艺术的升华可以归结为以下三点：
（一）艺术应当具有思想性
好的艺术作品必须是一件能够引人深思、耐人寻味、使人产生共鸣的艺术作品。因此，艺术作品必须带有思想性。从一定意义上讲，艺术的思想性就是艺术作品应当具有的文化内涵和人文精神。通过研究艺术作品，人们了解了其所处时代的人文背景、文化环境以及该时代人们的思想潮流，使艺术凸显了深刻的历史意义和人文价值。
（二）艺术应当具有情感性
俄国文学家列夫·托尔斯泰曾经说过：“人们用艺术相互传达感情。”情感性是人们对于客观生活的特殊反映。在艺术创作中，艺术家带着自己对客观自然的感悟和体会进行创作。因此，情感是艺术家灵感的源泉。在艺术鉴赏活动中，欣赏者通过对艺术作品进行深入、用心的赏析，理解艺术作品所蕴含的深刻哲理，并联系自身，从而与其产生共鸣，与艺术家的情感相碰撞，产生强烈的心灵震撼。这种深刻的情感体验是艺术区别于其他事物的重要标志。
（三）艺术应当具有想象力
想象是艺术活动中不可或缺的重要心理活动。艺术创作活动以客观世界作为灵感的源泉，它并非单纯地再现客观生活，而是通过艺术家的主观想象进行加工创造，将生活中所见之物进行升华，从而创造出具有审美意义的艺术作品。艺术鉴赏活动同样与想象密不可分，如人们在欣赏音乐时，需要通过想象将一个个跳跃的音符在大脑中组合成一幅优美的画面。想象力贯穿于艺术活动的全过程。
结语
综上所述，探究艺术本质问题可以从它的特征入手。特征是本质的表象。透过现象看本质，可以得出以下的结论：艺术是由艺术家主观想象创造出来的具有深刻思想和丰富情感的审美形象。主体性、形象性、审美性以及思想性、情感性、想象力都是具有艺术魅力的艺术作品不可或缺的重要属性。
参考文献：
[1]彭吉象.艺术学概论[M].北京：北京大学出版社，2007.
[关键词] 新媒体；艺术语言；全息影像技术
中图分类号：J814 文献标识码：A 文章编号：1009-914X（2016）08-0302-01
1.全息影像技术概述
全息影像诞生于上世纪60年代末，由古德曼等人提出，从而开创了一个全新的影像技术时代。随着相关技术的不断发展以及高分辨率的CCD出现，使全息影像进入了一个新的发展阶段。采用CDD作为光敏介质，并利用计算机对影响进行优化处理，实现了全息影像数字化，极大程度上提升了影像质量。数字全息成像需要通过CDD等器件共同完成，相关元件接收到物体光及参考光后，会产生干涉条纹场[1]。然后再由图像采集卡将其导入于电脑当中，通过软件处理，对光学衍射过程进行模拟，从而以数字信息的方式将全息图展现出来。在上述基础上，利用优化算法将数字干扰排除，以此获取清晰的影像。全息影像技术可将声、光、电灯元素充分融合起来，并具备良好的交互属性，将它与媒体艺术结合，可带来更具冲击的多元化视觉元素，为观众带来更优质的体验感受。
2.基于全息影像的艺术语言特征分析
基于全息影像的优势及特征，可为艺术作品创作带来更为丰富的表现形式，并将主题内涵充分提炼出来，让作品具备的审美价值独立存在。从某个角度来看，全息影像可谓是交互设计与媒体艺术的融合产物。借助虚拟影像可满足观众潜在意识中对“梦幻”的追求，并且全息影响所带来的视觉观感是具有颠覆性、冲击性的，极大程度上满足了观众的精神需求[2]。交互设计的核心目的是让人与产品或作品更好的沟通，在某些情况下正是由于观众的加入让艺术作品有了“灵性”，为观众营造出了一种境界氛围，使其成为了作品的一部分，而全息影像便可以带来这种效果。以全息影像对艺术作品进行表达，使艺术作品进一步升华，向观众传递作者的审美情操，领悟到作品的内涵，从而诞生出了一种新的艺术语言。这种艺术语言，为观众提供了更好的感受环境，观众可更好地参与到艺术作品的交流体验中，从多个维度去思考作品。这种方式为观众带来了想象与思考的空间，充实了艺术作品的内容，将艺术作品的感性、理性、结构性、表现性发挥得淋漓尽致。随着社会的不断进步，人类的审美观也在潜移默化的发生着改变，对于艺术语言的需求变得愈来愈多元化。在这种背景下，全息影像技术将成为新的表达工具，同时也将获得巨大的应用空间。
3.全息影像技术与艺术作品融合性分析
大众化是艺术作品的发展趋势之一，并且在这种风潮下诞生了一系列大众化艺术作品。在这个过程中全息影像技术发挥了的作用，将这种艺术带进了人们的生活。例如，城市街头绚烂的色彩，部分就是由全息影像所造就出来。全息影像带给人们的逼真感受，即便是这些常见的事物也被赋予了艺术属性，大众化产物也能带来良好的艺术体验[3]。基于这种艺术点，进行二次创造，得到更深层的艺术作品。在新媒体时代下，艺术需要新的传播途径，文化也需要新的方式传递。这也就促进了全息影像技术与艺术创作相结合。全息影像通过提升色彩明快，构造出具有强烈对比度的色块来渲染环境，同时提升了整体色彩饱和度，从而为视觉带来了更大的冲击力。其他艺术语言与全息影像相比，过于单调，全息影像彰显了艺术的饱满。它突破了二维空间的束缚，为观众创造了一个立体化的三维空间。甚至与其他技术共同作用，还能让观众在嗅觉、听觉、触觉上找到全新的体验，以立体化的方式将艺术作品呈现于观众面前[4]。从心理学角度来看，全息影像满足了人的探知欲望，可以更好地抓住观众的心理需求与精神需求。利用全息影像造就的虚拟化产物虽然不是现实的，但带给了观众感官上的冲击，带来了一种虚幻的美感，满足了观众对于“梦幻”的追求[5]。通过将艺术创作与交互相融和，进一步强化了观众与艺术作品间的精神沟通，带来了一种其妙的体验。
事实上，全息影像从一定程度上颠覆了传统艺术认知，让艺术作品摆脱了现实属性。虚拟化环境可让观众化作飞鸟，翱翔于蓝天；变化为游鱼，驰骋于大海。与此同时，艺术在虚拟化技术的点缀下，变得更“平易近人”、更通俗化也更具亲和力。艺术境界的高低门槛逐渐变得模糊，这也从一定程度上促进了传统艺术向大众艺术的转变。例如，电影《阿凡达》所带来虚幻世界便让观众获取了一种全新体验。随着镜头的不断切换，观众仿佛身临其境，通过虚幻的场景与电影中的世界相互接触，犹如一场真实的梦境。全息技术的引入让艺术作品达到了新的高度，并吸引了观众的注意力，使其保持最佳的精神状态，由影像变化缩短了观众与艺术作品之间的距离，并使作品与观众产生了共鸣。
4.全息影像在新媒体中的应用
全息影像与新媒体之间产生了相互作用，新媒体环境下促进了全息影像的发展，而全息影像则为新媒体带来了崭新的交互方式。如，世界经典艺术多媒体互动展上，借助全息影像，观众便可欣赏到《蒙娜丽莎》、《维纳斯》等艺术经典著作。全息影像技术将这些艺术作品毫无保留地复刻于观众面前，并通过3D技术、语音互动技术等进一步提升观赏的质量，让这些艺术作品得到了新的生命。还有德国歌剧《Neither》也采用了全息影像技术让观众完全置身于音乐的海洋中[6]。整个演出并未真实乐队伴奏，伴奏事先录制，再通过后期优化，并利用全息技术定位与观众坐席之间，为观众带来了一种前所未有的音乐沉浸感。综合来看，全息影像造就了新的艺术领域，并为新媒体传播提供了一条崭新的路径。
5.结语
随着全息影像技术的发展与不断成熟，它所提供的影像质量愈来愈高，而应用成本却愈来愈低，这给全息影像推广与普及提供了良好的途径。全息影像丰富了艺术作品的内容，让观众可以通过观赏抓住更深层次的艺术精髓。与此同时，全息影像为观众促使艺术作品拥有了更高的自由度，为艺术创作带来了一条新的道路。全息影像所塑造的虚拟环境，使得艺术作品突破了现实的束缚，在表达上更满足于观众潜意识当中的需求。未来全息影像技术的应用范围将愈来愈广，在其不断发展的过程中，将能够为观众呈现出更优质的艺术作品。
参考文献
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[2]段似膺. 国内新媒体艺术研究综述[J]. 云梦学刊，2015，01：13-22.
[3]佟婷，魏婷. 全媒体出版环境下全息影像互动技术的应用展望[J]. 中国出版，2015，03：50-52.
[4]秦娜. 全息术与数字媒体艺术融合的探析[J]. 数位时尚（新视觉艺术），2010，01：64-65.
一提起舞蹈，人们往往只注意它的美感，过分强调舞蹈"长于抒情，拙于叙事"从而不顾作品的思想内容，忽视了舞蹈的社会作用。其实舞蹈和其它文艺形式一样，都富有认识作用，教育作用，审美作用以及娱乐作用。
我国社会主义文艺是在党领导下的人民大众的文艺，是为人民服务，为社会主义服务的。科学的历史唯物论和辩证唯物论，使我们能够认识一切事物的本质及其发展规律。在初期，新秧歌运动的兴起，推动了我国无产阶级文艺的蓬勃发展。当时解放大军打到哪里，秧歌就扭到哪里，腰鼓就打到哪里，人们称之为翻身秧歌，进军腰鼓。可见，当艺术和时代的脉搏一起跳动，反映了社会生活，反映了人民的思想感情时，它将产生巨大的社会作用。
舞蹈是最古老的艺术之一。我国各民族古代的先民们，早就以歌舞这种形式，来传授生产知识和战斗知识，寄托本民族的理想和愿望，进行广泛的社交活动，做为团结自己，教育后代起着巨大的社会作用。它与人们的生活紧密相连，与一个民族的盛衰兴亡休戚相关。至今在我国的边远地区少数民族中，在婚丧嫁娶，治病祛邪，耕耘播种，祈求风调雨顺等活动中，还可以见到远古舞蹈的痕迹。文艺作品的社会作用及所产生的社会效果是客观存在的。做为社会主义的文艺工作者，要时时刻刻意识到自己的职责，应该创作一些什么样的艺术作品，以满足广大人民的精神生活需要。
有些人认为舞蹈只是娱乐，甚至有些舞蹈工作者自己也认为舞蹈艺术仅仅是娱乐，从而抹杀了舞蹈的其他作用，这是可怕的。"舞蹈是一种有节奏的、常合着音乐节拍的身体动作，用以表达感情、思想，表现故事情节，或仅仅为了娱乐。"这是西方不列颠百科全书对舞蹈的撰写。在这里我们并不否认舞蹈有其娱乐作用，但是我们还应该用辩证统一的观点看舞蹈的其它作用。群众看电视、电影和文艺演出，要从中得到娱乐和休息，你通过典型化的形象表演，教育寓于其中，寓于娱乐之中。这就是从事物的本质上运用辩证的观点看待文艺作品"寓教于乐"作用，娱乐和教育是不可分的。舞蹈做为艺术的一种，与其它艺术门类一样，都要反应生活，塑造鲜明的艺术形象，表现人物的思想感情，充分发挥艺术作品的审美价值和社会作用。
表现什么和怎么表现，始终是围绕艺术创作的最大核心问题。由于舞蹈艺术特点不是用语言，而是用人的形体动作来反应生活，表现人的思想感情的，这就决定了它在题材的选择和撷取生活的角度上有更多的考虑。任何艺术作品都包含了人的思想感情，不表达任何思想感情的作品很难称得上艺术。"荷花出淤泥而不染"显示了人的高洁品格。"托物言志"物与志相映才能生辉，"借景抒情"情与景交融才能照人，情是人有感于事物，才发于内而形于外。一个艺术作品首先应该让人看懂，才能引起人的共鸣，否则就成了单纯玩弄辞藻的无病，或是自我感情的陶醉与宣泄，引不起观众的任何反响。舞蹈"拙于叙事"并不是不能叙事，一些富有情节的舞蹈和舞剧，不叙事就不能将故事情节交代清楚。叙事包括对生活的高度集中高度概括和凝练，对情节的选择与结构。要去其枝蔓，留其主干，择其细节，抓住"情"处，以"舞"体现。切记平铺直叙，就事论事。我们有些富于情节的舞蹈作品，之所以不感人，往往是陷入了单纯表现事件的过程，从而形成了见事不见人，见人不见舞，，见舞不见情的结果。就这样故事情节表现清楚了舞蹈也就结束了，引不起人们的联想和深思，激不起感情的浮动，艺术作品的社会效果也难以达到。舞蹈是艺术，不是单纯的技术。任何事物都是辩证的，我们不能抛开作品的主题思想单纯的谈形式，也不能不顾形式而单纯的谈内容，艺术作品的内容和形式是不可分的。有很多优秀的舞蹈作品，都取得了很大的社会反响，起到了团结人民，教育人民，鼓舞人民的强大作用，充分发挥了舞蹈艺术的认识作用，教育作用和审美作用。
艺术作品的认识作用，教育作用是通过美感作用体现出来的。一切艺术作品都是社会生活的反映，、它总是要给人以启迪，告诉人们生活当中什么是真、善、美，什么是假、恶、丑。舞蹈艺术作为一种美的艺术，是通过鲜明的，生动的艺术形象自然的流露出美感的，从而引起人们感情上的激动和波澜。一切艺术作品都是通过艺术形象自身的美感作用来传达情意的。美感离不开形象，而艺术形象又必须揭示事物的本质，从而给人以教育，给人以惊醒，给人以鼓舞，陶冶人的情操。
一个艺术作品若缺乏思想性，又无情、无意境、无美感，就难以拨动人们感情的心弦。一个舞蹈作品如果根本不能使人产生感情上的共鸣和激动，不能使人产生美感的作品，就很难称得上是好的舞蹈作品。我们要求的好的舞蹈作品，应该是思想性和艺术性的完美统一，是内容和形式的完美统一。
【关键词】当代；中国手风琴；艺术语言；艺术形象；艺术风格；艺术意蕴
关于当代中国手风琴音乐创作的研究，笔者已通过《当代中国手风琴音乐作品创作特征探析》一文从创作特征的角度对其创作技法展开探讨。然而仅仅从创作技法认识当代中国手风琴音乐未免不够全面。任何艺术作品都要通过其外部呈现的表征，也就是通过艺术语言、艺术形象、艺术风格表现的，而艺术作品的内蕴更能体现艺术作品的深层韵味和意义。一定程度上说，只有全面把握艺术作品的表征及内蕴才能更好地理解、表现或鉴赏艺术作品。
当代中国手风琴音乐作为具有民族气息且技法新颖的现代音乐，脱离了原有的以歌曲伴奏形式或改编器乐曲形式的手风琴音乐特征，形成了风格多样、器乐化特征显著的特点。因此，笔者将从艺术语言、艺术形象、艺术风格、艺术意蕴等几个方面揭示当代中国手风琴音乐创作的全貌。
一、艺术语言
所谓艺术语言，是指艺术家在创造艺术作品时所采用的表现方式和表现手段①。任何一门艺术都有自己独特的艺术语言，例如，绘画语言包括线条、色彩、构图等，音乐语言包括旋律、和声、节奏等。狭义地说，研究当代音乐作品的作曲技法，就是研究其艺术语言。而艺术语言本身是具有审美价值的，在欣赏或表演艺术作品时，同时也在欣赏或展现艺术家对艺术语言的创造性的运用。当代中国手风琴音乐创作就是将中国民族音乐元素与现代作曲技法相融合的艺术语言巧妙运用，构成了具有中国民族风格的现代派音乐风格。
通过研究，我们发现当代中国手风琴音乐创作的外部特征是普遍使用了多种现代作曲技法，在此不再赘述②。这些现代技法的运用构成了当代中国手风琴音乐作品直观的艺术语言。
在运用西方现代技法的同时，当代中国手风琴音乐创作的艺术语言还有一大特征是擅于将中国民族音乐素材融入创作。这种融合不再单一的停留在对民族曲调的引用或改编，而是在作曲技术上增加了难度，开拓了更多现代技法，使音乐无论从音调中还是技法上都透出中国民族音乐的气息。例如，在作品《小兔子逃脱记》中运用了具有东方民族韵味的五声音阶调式――E大五声音阶与bE去四小音阶两种调式结构。两个中心音与两种调式结构形成的双调性凸显了现代作曲技法的特征。《醉京风》则是将京剧唱腔的元素与多调式、泛调式以及大量非三度叠置和声等创作技巧相融合；《沙雪，三十里》是在引用中国民歌《三十里铺》的片段的同时，通过变奏、拼贴、并用序列、裁截等创作技法进行发展。此类将民族音乐元素与现代作曲技法相融合的创作还有《京韵》、《印象》、《云南民歌主题变奏曲》等。
二、艺术形象
艺术形象和艺术语言都是艺术作品的有机构成要素，而艺术语言最主要的作用是塑造艺术形象。有了丰富生动的艺术形象，艺术家内在的心灵体验和审美意识才得以充分展示，艺术作品才能够吸引、感染和感动欣赏者，艺术语言潜在的情感内涵和价值意义才能得以有效显示。
艺术形象总是具体可感的，它是客观因素与主观因素的统一，是内容与形式的统一，也是个性与共性的统一。作为音乐作品，其艺术形象主要是指听觉形象，这也是音乐艺术区别于其他艺术门类的根本特点。同时，由于音乐是通过音响在时间上的流动，再通过乐音有规律的变化和组合，最终构成听觉感官能够直接感受到的艺术形象。因此，音乐的艺术形象具有空灵性、朦胧性、多义性、象征性等多种特点，这既为音乐艺术描摹客观物象的可能性设定了障碍，也为欣赏者和表演者的听觉联想、艺术想象和情感体验留下了更多的自由空间。
1、艺术形象是客观与主观的统一
任何艺术作品的形象都是具体的、感性的，也都体现着一定的思想感情，都是客观因素与主观因素的有机统一③。鲁迅先生曾经说过：“画家所画的，雕塑家所雕塑的，表面上是一张画，一个雕像，其实是他的思想和人格的表现”④。可以说，每一位艺术家都会将其本身对艺术的渴望全部凝聚在艺术作品当中。在当代中国手风琴音乐创作中，《青春祭》、《舞蹈的风采》等作品从标题上看仿佛是用音乐描摹青春与激情、活力与张扬，但实则传达了作者对生命中青春年华的回忆，无论欢笑与痛苦，都应保持对生活的希望与奋发的精神状态，透出了作者的积极的人生观和价值观。再比如《陕北情韵》和《沙雪，三十里》两首作品，看似对陕北等地域江川河山的音乐描述，实际上是歌颂了情真意切的爱情，表现出作者对美好生活的憧憬与赞美。
2、艺术形象是内容与形式的统一
任何作品离不开形式，但更离不开内容。真正优秀的艺术作品应该是有深刻的思想内涵和完美的形式来体现。同时，艺术的内容和形式的有机统一，是需要艺术家进行创造性的劳动。当代中国手风琴音乐作品《暴雨将至》就是一个很好的例子。曲作者运用了三种乐器（小提琴、手风琴、颤音琴）进行极具探索性的组合，充分挖掘了这三种乐器不同的音响效果和情绪对比：小提琴象征人的情感；手风琴酷似风琴音色，象征着宗教；颤音琴的音色则显得冰冷而透明，三种音响的混合加之现代作曲技法的运用使整个作品新颖而独特，但最终传达出的却是作者对生命的思考与敬畏，以及对战争的憎恶。
同样，作品《听风》中作者充分挖掘演奏乐器巴扬的发声方法，通过尝试利用下滑音、刮键、巴扬放气孔装置的运用来模仿大自然中风的各种形态，惟妙惟肖，良好的呼应了作品的主题形象，从而也展现出作者敏感的观察力，能够洞察到自然界中万物的灵性，更表现出作者对大自然的赞美以及对生活的热爱。
再比如作品《游击队歌小变奏曲》和《红梅赞》都通过对歌曲旋律的变奏加工后形成了具有自由低音手风琴特征的两首独奏曲，并充分利用抖风箱等符合手风琴演奏特征的演奏技法展现了作者对抗日革命英雄的崇敬之情和作者本身具有的正义之气节与坚贞不屈的傲骨。
