时间：2023-07-31 17:25:05
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇电影发展背景，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
中图分类号：K825.4 文献标志码：A 文章编号：1002-2589（2013）16-0172-02
在经济全球化和科技革命不断深化的国际环境中，文化软实力成为国家竞争的重要组成部分。党的十七大报告明确提出将提高国家文化软实力作为当前我国文化建设的战略重心，“要坚持社会主义先进文化前进方向，兴起社会主义文化建设新，激发全民族文化创造活力，提高国家文化软实力。”具体来说，文化软实力是指由思想理论、价值观念、道德品行、人格、风俗习惯、科学技术、文化事业、文化产业、教育、体育、文化市场、文化资源、文化环境等狭义文化所展现出来的吸引力、感召力、创造力、凝聚力和生产力[1]。
在重视文化建设，提升文化软实力的背景下，新疆“十二五”规划提出“要充分发挥丝路文化和独具特色的少数民族文化资源优势，将新疆建设成为文化大区，提高新疆文化影响力和竞争力。”
电影是文化传播的重要载体，也是文化软实力提升的核心构成部分。本文试图通过对新疆本土电影发展现状、发展问题进行分析，找到新疆本土电影发展策略，促进新疆本土电影发展，为弘扬新疆精神，提升新疆文化软实力做出一些贡献。
一、新疆本土电影发展现状及发展意义
新疆本土电影诞生于20世纪50年代末，指由新疆本土创作人员作为主创拍摄的具有鲜明新疆地域特色和典型民族文化审美追求风格的电影。经过60多年的发展，新疆本土电影数量和质量都有显著提高。代表作品有《向导》、《不当演员的姑娘》、《买买提外传》、《钱这东西》、《良心》、《真心》、《会唱歌的石头》、《大河》、《微笑的螃蟹》、《买买提的2008》、《鲜花》等。其中，《良心》于1998年获得政府华表奖优秀故事片奖和“五个一工程”奖；《微笑的螃蟹》于2001年获得中国电影童牛奖；《大河》、《买买提的2008》于2008年分别获得优秀影片奖和优秀儿童影片奖等。
大力发展新疆本土电影对于塑造新疆形象，让世界了解新疆，提升新疆文化软实力具有重要意义。新疆地处偏远，对很多内地人来说是一个陌生的地方，他们在对新疆生活充满兴趣的同时也持有很多误解。除此之外，国际上仍有少数别有用心的国家刻意扭曲新疆形象，妄图挑起民族情绪，制造社会混乱，这对新疆的社会政治稳定造成极大的威胁。电影是实现跨文化传播的重要载体，通过优秀电影塑造的新疆形象，观众在欣赏新疆美丽风光之余，可以充分了解新疆的风土人情、社会生活，对新疆有一个全面的认识。
二、新疆本土电影发展中遇到的问题
新疆本土电影虽然进步比较大，但是，与内地的电影发展相比，仍然存在较大的差距，主要表现为电影创作题材单一，电影产业功能发挥不足。
（一）电影创作题材较单一，缺乏反映现代都市生活的电影作品
新疆本土电影创作题材较为单一，主要以农村和儿童为主要创作题材，缺少反映现代都市生活的电影作品。如以新疆电影制片厂近年生产的电影作品为例，《美丽家园》讲述的是普通哈萨克牧民家庭变化的故事；《微笑的螃蟹》和《会唱歌的土豆》是儿童题材的电影；《吐鲁番情歌》通过轻喜剧和音乐舞蹈相结合的形式，真实再现了新疆少数民族地区的农村生活；《鲜花》以哈萨克族“阿依特斯”文化和草原牧区生活为背景，讲述了一位女阿肯（草原诗人和歌手）“鲜花”的生活、情感和奋斗的故事。在新疆本土电影代表作品中基本见不到反映现代都市生活的电影作品。
（二）电影产业功能发挥不足
我们知道传媒具有两重性和两种功能，即经济属性和政治属性，产业功能和宣传功能。电影作为传媒的一种也不例外。新疆电影制片厂是新疆优秀本土电影的主要生产者，其经历了由企业到事业单位的发展过程。自1993年广电部的《关于当前深化电影行业机制改革的若干意见》开始，中国电影业逐步走上了市场化改革之路。新疆电影制片厂也进行了改革，但是，由于电影市场竞争激烈，体制不顺、投资渠道不畅等原因，新疆电影制片厂面临生存困难的问题。在制片厂有关领导的再三请示之下，从2002年开始，天山电影制片厂又恢复到全额拨款的事业单位。转制后的天山电影制片厂，肩负着“宣传党的民族政策，弘扬优秀少数民族文化，让全国乃至全世界了解新疆的文化使命和责任”，生产方向相应做出大幅调整[2]。
新疆电影自此开启了以主旋律创作为主的电影时代。任何事情都是一把双刃剑，在新疆电影政治功能受到高度关注的同时，电影的产业功能严重不足，缺乏市场竞争能力，经济效益差。
三、新疆本土电影发展策略
针对新疆本土电影在发展中遇到的主要问题，本文提出本土化、民族化、品牌化、市场化、平台合作化等发展策略。
（一）本土化、民族化是新疆本土电影发展的前提条件
在全球化发展的时代，本土化和民族化受到了全球化的挑战，“全球化为电影文化的广泛流通，甚至为创造世界性的文化空间提供了背景，但另一方面也对维护各个民族的文化传统、保持多元的文化趣味和思想价值提出了挑战，潜在的媒介帝国主义垄断在一定程度上影响着文化的开放性、丰富性以及创造活力的保持。”[3]具体表现在电影方面，是指以好莱坞电影为代表的美国电影占据了大多数国家电影银幕，将美国文化和意识形态传输到了世界各个角落。
对于新疆本土电影来说，想要在全球化传播时代具有市场竞争力，一定要走本土化和民族化的发展道路。
（二）品牌化是新疆本土电影发展的方向
品牌是用以识别某个销售者或某群消费者的产品或服务，电影品牌的建立对于电影的发展非常重要，“在艺术与娱乐业（例如电影、电视、音乐和图书），品牌的作用尤为突出。这些经验类商品都有很多例子。购买者无法通过直接观察来判断质量，而必须借助于其他线索，比如，有关联的人，项目所包含的概念或基本原理、口碑、重要的评价等。”[4]好莱坞电影就是重视品牌建设的经典案例，从宣传、制作到营销，电影品牌战略贯穿好莱坞电影产业的始终，好莱坞电影成为美国电影的代名词，是电影品质的保证。
新疆美丽的自然风光和浓郁民族风情使得新疆本土电影具有别具一格的风格。首先，新疆本土电影拍摄拥有丰富的自然资源，既有一泻千里的河流、万顷碧波的草原，又有光怪陆离的戈壁幻境，神秘莫测的沙漠奇观。在新疆本土电影中处处都能见到美丽的自然风光，如《买买提的2008》中广袤无边的塔克拉玛干沙漠，《鲜花》中的绚丽草原和冰雪世界。此外，新疆本土电影具有浓郁的民族风情。新疆自古就是一个多民族居住的地区，不同的民族、不同的文化相互交融，形成了独特的新疆文化，电影中维吾尔族的歌舞、花帽、大巴扎、烤肉，哈萨克的毡房、奶茶、冬不拉，回族的“清真寺”、小吃、“花儿”给电影观众带来了异域风情的视觉享受。
新疆本土电影的独特风格为新疆电影品牌的建立提供了基础条件。但是，仅仅依靠丰富的自然资源和浓郁的民族风情还是远远不够的，新疆本土电影品牌建立还需要在找到自身优势的前提基础之上，做好品牌定位、品牌设计、品牌传播、品牌组合、品牌更新、品牌扩展、品牌保护、品牌管理等系列工作。
（三）市场化是新疆本土电影发展的关键
电影是艺术，还是商品？曾经在很长一段时间都是人们争论的话题，通过不断发展，人们逐渐认识到电影要发展既要关注电影的艺术属性也要关注电影的商业属性，“电影是一种艺术，电影也是一种生意，或者说，电影艺术是依赖电影的商业性而存在、发展的；同时，电影生意也是依赖电影的艺术性存在和发展的。因而，电影是一种艺术的商品，同时也是一种商业的艺术。而这正是好莱坞电影的本质，也是电影商业美学的基础。”[5]
无论是主旋律电影还是艺术电影，要想取得好的票房成绩，一定要走市场化的发展道路，《建国大业》的成功，证明了主旋律电影走商业化道路的可行性。新疆本土电影要走市场化发展道路，就要在电影筹拍初期做好市场调研，调查观众的观影需求及审美取向，聘请有市场号召力的导演和演员，做好市场营销的工作，注重电影后产品的开发等工作。
（四）平台合作化是新疆本土电影发展的趋势
中国电影产业发展速度惊人，电影产量逐年增加，2011年国产电影为791部，2012年为893部。中国电影上映受到档期的约束，由于电影档期资源稀缺，再加上电影银幕数量有限，大多数中小成本电影没有机会在影院上映，很多电影的片名甚至都不为人所知。
与电影银幕发展缓慢不同的是，以播放影视剧为主的视频网站发展迅速。视频网站具有储量大，观众选择余地大的特点，如风行网平台目前收录有3.1万部电影、10万集电视剧、1 500部综艺动漫，每日更新超过120部。除此之外，视频网站满足了观众随时随地随便观看的观影需求，受到观众的喜爱，越来越多的人选择在视频网站上观看影视作品，观影的时间也越来越长，如风行网单日人均浏览时长达3900.5秒。
视频网站的发展为新疆本土电影的播放提供了更多的选择，尝试走多平台合作发展是新疆本土电影今后的发展趋势。新疆本土电影不仅可以选择在电影院上映，也可以选择与风行、爱奇艺、优酷土豆、PPStream、Pplive、乐视网、腾讯、搜狐、中国网络电视台、迅雷视频等网站合作，将电影版权卖给这些网站。这不仅可以提高电影的经济效益，而且可以扩大电影文化传播范围，为提高新疆知名度、影响力做出积极贡献。
此外，新疆本土电影在发展中还应该重视电影创作人才培养，建设电影产业链，开发电影后产品等问题。相信在新疆本土电影工作者的努力之下，新疆本土电影一定会发展得越来越好。
参考文献：
[1]涂可国.试论中国文化软实力发展的现状、问题及其对策[J].山东经济，2008，（6）.
[2]张华.“之”字道路：天山电影制片厂的30春秋[J].北方民族大学学报，2012，（4）.
[3]尹鸿.全球化、好莱坞与民族电影[J].文艺研究，2000，（6）.
[关键词]视觉角度；《赵氏孤儿》；空间背景；设计
一部电影的好与坏很重要的是从观众的视觉享受中展示出来的，电影中的空间背景设计要满足观众的视觉享受，完善电影的表现主题，展现电影的风格色彩。从电影的视觉效果来看，电影空间背景的设计是电影场景设计和电影综合元素的表现手段，从视觉角度进行分析电影的空间背景的设计主要是为了能够烘托电影场景的气氛、让电影的环境更加真实，同时也是为了能够满足电影故事情节的需要，从视觉角度分析《赵氏孤儿》电影中的空间背景设计，有利于电影观众能够更好地了解电影中导演的表现意图，更好地理解电影故事中所表现出来的内容意义。
一、空间背景设计在电影中的重要性
电影的空间背景设计是电影导演对电影人物活动的场景的重现和表达，是导演根据电影的剧本以及通过自身的要求进行的影视艺术的空间美学的表现场所。电影背景设计在电影场景的设计过程中的作用可想而知。由于电影是一门空间艺术，电影需要通过导演设想的一个理想的空间背景，在这样的一个空间背景的情况下进行电影场景的设计。首先电影场景的设计对于表现电影中的故事情节有着极其重要的作用，一般情况下导演需要一个什么样的场景，整个空间背景设计制作的团队就要根据要求进行设计和完善，尽可能达到导演的要求，只有导演满意这样的空间背景设计才能够让导演所要表现的故事情节更加完善、故事内容更加丰富。电影的空间背景往往是通过电影的镜头展现在观众的面前，电影镜头的转化构成了电影故事情节的转变，同时也为电影故事发展奠定了基础，让电影故事能够沿着电影空间背景的转变而发生着变化。《赵氏孤儿》电影作为反映现实主义的作品在故事情节和故事发展的过程中，导演充分利用了观众的视觉感受的心理作用将电影的故事的逼真性和现实性通过空间背景的设计完整表现出来。
空间背景的设计在表现电影主题和完善故事情节的过程中发挥着至关重要的作用。由于电影不像其他的艺术一样可以通过某一种手段进行表达作者内心的感受，而是通过导演对于故事情节的理解、通过故事的画面充分展现在观众的面前，首先电影展现在观众面前的是一幅接着一幅的画面，导演只能够通过画面的转变来表达电影所要表达的主要内容，画面中还不应该是平面的而应该是具有空间立体感觉的，这样对于导演来说，寻找什么样的空间背景就是非常重要的一个内容，所以说空间背景的设计是导演内心世界在电影中的真实反映，也是整个电影中主旨思想的外在表现。从某种意义上来说电影的空间背景设计得成功与否直接关系到整部电影的成败和票房。
二、视觉角度中的《赵氏孤儿》现实主义风格分析
《赵氏孤儿》电影是陈凯歌导演的一部反映现实主义风格的作品，《赵氏孤儿》从视觉的角度进行分析犹如一部撞击心灵的洪钟。产生这样的一种艺术效果的原因就是导演陈凯歌在视觉角度中使用了一种以“不演”的真实性再现了那个风云迭起、气势恢弘的战国景象，从视觉角度上来说，通过这样的艺术效果的展示很好推动了故事情节的发展。担任该片特效制作的BaseFX团队，是本次电影的空间设计的主要贡献者之一，在电影中尽管有很少的特效镜头但是其韵味十足，让观众在电影院中能够眼前一亮，这其中有特效的作用，但是更多的是特效技术在前期的准备工作，对于电影镜头中的空间背景的设计，只有好的空间背景设计才能够拍摄出影响力比较大的电影作品。《赵氏孤儿》就是这样的一种摄影的表现手法。
在电影中导演颠覆了古典戏剧的故事情节，将动作、爱情、梦幻于一身的《赵氏孤儿》通过观众的视觉欣赏达到了导演所要表现的内容。在该电影中主角程婴是一个平民医生，在机缘巧合中卷入了赵氏的灭门事件，用药箱将赵氏孤儿带出，并且用自己的亲生儿子替代赵氏孤儿被杀死，忍辱负重地把赵氏孤儿抚养成人。通过这样的一个故事从不同的角度和不同的镜头进行分析电影观众的视觉享受所在。这样的一个小的故事引出的是一个大的历史背景和历史的事实，导演陈凯歌转变了拍摄的角度，从一个小的方面折射出电影中所表现的整个大的历史事件。从整部电影来分析导演是将现实主义的风格拍摄得淋漓尽致，让观众在电影院中能够将自己的视觉享受转变成对于电影的感受，让电影观众更加充分融入电影中去。
三、《赵氏孤儿》电影中的视觉角度上的
空间背景设计中的元素在提到视觉角度上的电影空间背景设计的元素时，我们不难看出空间背景的设计元素中包含了有建筑艺术的空间设计元素，电影中的周围环境艺术的设计，还有电影中的时代空间背景的设计。首先在电影的空间背景中非常重要的一个地方就是电影中的建筑艺术的设计，由于电影作品中，对于电影观众来说如何判断该电影的年代通过建筑空间的设计就可以发现电影的魅力所在。我国在古代是建筑艺术高度发展的一个国度。电影的空间背景设计中应该说电影中的建筑是主角。这样说是符合建筑艺术的定义的，建筑不仅是艺术同样也是一种对于生命的理解并且反映出来的一种外在表现，当然建筑艺术不仅反映了现实的生活方式，同时建筑更是人们展示生活环境的舞台。在电影的空间背景设计过程中电影中的建筑艺术起到了反映人们的生活时代、生活质量以及生活的具体内容的统一。所以说建筑在电影的空间场景的设计过程中所发挥的作用是至关重要的。
其次，从视觉角度来看电影空间背景中的环境艺术设计，由于电影在表现手法的过程中，需要周围的环境作为故事情节的衬托，鉴于《赵氏孤儿》电影是现实主义风格的电影导演在进行故事情节的描述过程中，尽可能将整个的故事情节的发生和发展一览无余展示给观众，这样就需要由周围环境的衬托来完成电影中的空间背景的设计和电影故事情节的深入发展。由于电影中的空间背景是展示人的活动的背景，从人类需求的角度来说，人对于周围的环境是有要求的，特别是在战国时代，由于各国家之间的相互竞争人们的生活水平都发生了很大的变化，特别是生活在社会高层的人对于生活环境的要求也是相对较高的，所以说在电影的空间背景设计过程中应该充分考虑到周围环境元素的原因，在多变的空间背景上进行环境艺术的创造，有利于故事的真实性的表达，同时通过这样的一个视觉设计让其能够在电影中反映电影中的人物角色的活动关系。
最后，电影中的艺术造型对于电影中空间背景的设计的影响也具有深远的意义，由于艺术造型这样的一个艺术范畴所涉及的内容比较丰富，比如说在《赵氏孤儿》中关于电影中的主要人物所佩戴的器物、所使用的物品的外形、轮廓、外观等方面都渗透着艺术造型的内容。作为电影空间背景设计中的一个重要元素，陈凯歌导演将这个方面的艺术设计全部交给了BaseFX团队，尽管在这个团队中制造特效镜头是他们的重要任务，但是在其空间背景的设计过程中，BaseFX团队在充分考量了电影中的空间背景设计之后不断积累和完善了电影空间背景设计中的艺术造型的设计，使该电影的形象逼真、造型更加严谨，表达更加贴切。
四、《赵氏孤儿》电影中空间背景设计中的不足之处
电影《赵氏孤儿》中的空间背景的设计上大多数都是比较成功的背景设计，其中具有代表意义的就是“箭蠓”从竹筒中出来，导演为了将其表现出那种灵活、凶猛、暴躁，必须要通过电影空间中的别样设计表现出来。导演为了表现出这些特点，充分利用周围环境的因素和电影的空间背景来进行填补和完善。其中“马车陷落”“庄姬自杀”这两个电影中比较重要的电影场景的布置和完善上导演也下了很大一番工夫。这其中有对于空间背景的采集也有对于周围的人物内心世界的分析，将该作品的重要内容展示在观众的面前。但是我们在看到这些成熟的空间背景设计的过程时，还应该看到该作品中在空间背景设计中的不足之处，首先，导演陈凯歌为了能够从视觉角度上来抓住观众的心理，其间只注重了视觉的效果，而忽视了场景布置的合理性，这样就对于电影中的场景设计有着较大的摩擦，在进行电影空间背景的设计过程中，不应该片面将镜头放到偏离实际生活的一些背景材料，由于陈凯歌导演对于电影往往追求的是理想主义的色彩，而《赵氏孤儿》电影却是反映现实生活的内容，所以说对于导演来说有着很大的转变难度。电影真正的空间背景的设计是应该按照导演的要求进行设计和规划的，电影空间背景的设计应该是充分尊重生活现实的具体反映，同时更应该是尊重电影故事发展走向的。《赵氏孤儿》电影中在展示人物的行为性格的时候，有很多地方没有能够将空间背景的设计和当时人物的行为性格相一致，
五、结语
总之，从视觉角度来看《赵氏孤儿》电影中的空间背景，我们可以从电影中的故事情节的变化过程中，导演对于周围环境的变化来看。在一定程度上来说，电影空间背景设计的好坏与否直接关系到的是电影的成败。《赵氏孤儿》电影的导演陈凯歌抓住了观众的心理和视觉的要求，从现实主义的角度出发改变了他对于电影拍摄过程中过度理想化的心理。通过电影中空间背景设计的要求的多样性，从电影中的建筑艺术的空间背景设计环境艺术的背景设计、以及造型艺术的空间背景设计，将电影中的人物角色、故事情节活灵活现展现到了观众的面前，让电影观众在欣赏电影中优美的景色的时候，更加深入和细致了解电影中的故事情节。空间背景的设计是电影拍摄过程中的一门艺术，导演只有充分重视空间背景的设计才能够将电影的主旨思想通过镜头表达给观众。对于观众来说，从感性上面来分析导演首先要吸引住观众的就是要使用视觉效果和一些特效动作来将观众很快引入到电影中来，但是当观众真正进入到电影欣赏的过程中的时候，往往被吸引的却不是电影的视觉效果，而是电影中的故事情节，电影中的故事情节往往又是通过空间背景设计来表现在观众面前的，从一定意义上来说，视觉角度下的空间背景设计是一个相辅相成的关系。
[参考文献]
[1] 唐晋，周永兴.《赵氏孤儿》中的色彩传播功能分析[J].电影文学，2012（05）.
[2] 莎日娜.《赵氏孤儿》跨文化传播现象考察[J].国际关系学院学报，2011（02）.
[3] 姜毓星.电影《赵氏孤儿》的解构式解读[J].安徽文学（下半月），2011（04）.
关键词：电影音乐 创作功能 主体性
电影音乐是指在影片中配合电影故事情节进行表现的音乐。音乐是我们人类的文明史当中产生的最早的一种艺术方式。音乐展现的艺术内涵尽管没画面的具体和明了。可是音乐在感情以及情绪的渲染与概括方面。可以说是其他所有艺术方式无法比拟的。
一、电影音乐的创作作用
电影身为一种视听和时空综合性艺术。电影音乐同别的影片艺术组成元素进行对比，听觉因素使用的更加广泛、运用的历史也更悠久，电影音乐有其他元素所无法替代的作用。尽管电影音乐传达出来的思想没有可观性与具象性。但是它可以在情感以及电影场景中有着概括能力和感染能力。电影音用它独有的魅力在影片中占有重要地位。生动有感召力的音乐和影片图像相融合，成就了两者今日的辉煌。
影片中的背景音乐能够扑捉与警示影片故事中的地点与时间。我们可以通过对音乐的运用来渲染特定的气氛。给影片中的故事情节提供一定的背景，达到增强视觉感受，激发渲染观众的感情等。例如就影片《与狼共舞》而言，该部电影中讲的是美国在19世纪60年代，南北战争结束后，一位美军士兵和印第安苏族的故事。这一部影片的背景音乐曾经让贝瑞在1990年荣获奥斯卡最佳电影配乐奖，里面的背景音乐选择的是交响乐团的团体演奏来实施表现的。在其的背景音乐中描绘了在那一个年代的大背景以及地点特征，在影片中配有的狼叫声都恰如其分地衬托出了当时黎明中的清冷与凄凉。
电影音乐能够很好的深化和加强影片的宗旨，提升影片的涵义，吸引观众，促进观众对影片的理解与领悟。例如，影片《放牛班的春天》中就讲述到马修教师在面临一群状况百出的小孩时。他通过筹组合唱团的形式。培养小孩的音乐能力。让小孩在音乐中受到感染、受到教育，影片中在宣传实施爱心教育同时。还应验了音乐具有启发人类性灵的能量。
二、电影音乐的主体性
电影的背景音乐制作功能的体现，要经过制作主体进行创作。影片的导演进行编辑。电影音乐的演奏主体进行演奏录制，和别的电影视听元素互相协调、补充和作用。实现一起对影片效果产生促进的作用。促使观众更好的进行理解。引导观众的内心活动。同时通过对影片的欣赏激发观众的思维和想象能力，一起构建电影中视听新时空。最终实现最佳审美的总目标。影片背景音乐的制作和发展，还有价值是否能够得到实现都和主体密切的结合在一起。电影背景音乐的主体元素主要包括了：影片导演、影片创作人、电影背景音乐的演奏人以及广大观众等等。影片导演、影片创作者人、电影背景音乐的演奏人都是制作主体，其中观众是欣赏的主体。
音乐在一开始进入到电影中的形式是以伴音方式出现的。在19世纪的末期，法国的卢米埃尔兄弟在录制放映电影史上的第一部商业片中。就大胆的进行创新。当时他们邀请到了一名钢琴弹奏家进行现场的伴奏。从此以后“无声”电影制作模式被彻底的打破了。这是有史以来电影第一次和音乐进行合作。当时影片伴音者的任意而为、随意发挥，让当时的电影音乐作品中的风格和情绪没有很好的和影片的画面以及内容进行有机的配合与协调。当时很容易出现南辕北辙、文不对题的现象。导致电影音乐的伴奏降低了影片的最终表达效果。而到了1909年时，那个时候爱迪生专利公司特地给影片的故事情节选用了一些特定的音乐片段。并且进行了分类，例如有“快乐的”、“伤的”、“安静的”、“热闹的”等。这样一来便可以结合电影中的故事情节的发展进行具有针对性和方向性地选择和运用。伴随着社会的不断发展和进步。有一些音乐家已近逐步有意思有目的的创作一些和电影故事情节相吻合的背景音乐。以达到音乐和影片的有机结合。在1927年，华纳兄弟公司正式推出了世上第一部有声的影片《爵士歌王》，也彻底的淘汰了无声电影的时代，与此同时电影音乐和影片图像也真正意义上的实现了有机结合。正式的登上了历史的大舞台。这以后音乐变成了影片中不可缺少的一部分。而电影音乐的制作在很大的程度上得到了发展。受到许多音乐家的重视，也越来越多的音乐家参与到了电影音乐的制作中去。
要想能够让观众更好的理解到影片中的创作意图。那么创作主体一定要在做好影片画面的同时也应该注重对电影背景音乐的对位处理。还必须重视在对电影背景音乐的题材与曲式结构进行处理的时候，一定得结合相关影片的内容特征。如果不能够做到结合相关电影的图像内容。就相要让电影音乐的欣赏主体进行很好审美，那是一件异想天开的事。在电影的背景音乐中要表达的相关内容，一定要是电影画面和文字等别的元素无法进行表达的东西，音乐是一种能够快速引起人类的情感反应的东西。所以电影音乐应该很好的利用到电影的故事情节中去，并且要把握好音乐在影片中出现的时间和场景，同时要能够达到完美表现影片中人物的情绪与情感。
结语
电影音乐有着它独有的吸引力。电影的创作主体对电影背景音乐的创新、思考以及妥善编排都可以使欣赏主体更好的感受和领悟影片中的内容和主旨。可以很好的扩展电影中的想象和思维空间以及体验的层次。从而实现将电影中的艺术可体验性推向了更高的境界。
参考文献：
[1]王次照.艺术学基础知识[M].北京：中央音乐学院出版社，2006.
第一章绪论,介绍了此篇论文的选题背景与意义、研究内容与目标、研究现状以及研究方法。
第二章营销性微电影概述
首先对营销性微电影的相关概念进行了界定;在概念界定的基础上,对营销性微电影与植入式广告、传统网络营销方式的差异进行了辨析;营销性微电影作为一种新生事物,本章通过营销性微电影的产生及其发展阶段详细分析了营销性微电影的发展过程。第三章营销性微电影的传播机制,在详细分析营销性微电影传播要素的基础上,对营销性微电影的传播模式进行了探讨。
本文认为,营销性微电影之所以能够取得良好的传播效果,得益于其裂变式传播这一基础模式。虽然,在具体的案例之中营销性微电影可能以媒介联动、线上线下互动等具体形式传播,但良好传播效果的取得都离不开裂变式传播这一基础模式。本章还对营销性微电影之所以能够实现裂变式传播的传播动力进行了详细分析。第四章营销性微电影发展态势及应对策略分析,以SWOT态势分析为模型,详细分析了营销性微电影的“机会”、“威胁”、“优势”、“劣势”;在此基础上,为营销性微电影的发展提出了些许可行性建议。
微电影广告初探
由“微博”引领的“微时代”下正孕育出一种不可阻挡的广告趋势:微电影广告。近两年微电影广告呈现出井喷式增长态势,激发不少业界和学界的人士探讨的热情也让笔者看到了研究的空间与价值。本文以传播学为主要学理背景,综合广告学、营销学、社会学和心理学等学科理论,采取定量和定性分析相结合的研究方法,通过文献研究、个案分析、问卷调查等方法对微电影广告进行探究。重点在于分析归纳微电影广告的创意方法,突出挖掘微电影广告创意中的要点,再配以受众态度调查验证微电影广告创意的实效性,最终为探讨如何强化受众态度提出若干可行建议。笔者结合了影视广告、文学写作与影视剧作的构成要素,创新地整理出微电影广告的九个创意发想点,包括:主题的提炼、价值观的唤起、题材的选择、矛盾的设计、结构的安排、人物的塑造、道具的运用、场景的设置和音乐的烘托。再根据这些发想点的性质归纳出微电影广告的三大创意要素:品牌理念生活化、品牌呈现故事化、产品使用情境化。微电影广告的创意功能在于制造内容上的差异与吸引受众关注,创意目的则是增强故事的感染力,构筑在受众的心理层面上对品牌和产品的情感认可和理念趋同,提高广告的艺术审美价值,制造品牌和产品在受众脑中的深刻印象。以益达《酸甜苦辣》广告为典型个案,笔者通过一个百人问卷调查和对广告视频的观察调查来了解受众对微电影广告的态度,以实际的数据来证明微电影广告创意的有效性,态度调查结果表明:广告创意对影响受众形成对广告正向积极的态度有效,一定程度上还能改善受众对品牌产品的原有态度。但是受众态度中的行为意愿成分相对认知和情感表现得较弱,这说明受众的态度还需要进一步强化。基于此,笔者对强化态度的对策做出几点思考,从广告创意、营销手段、媒介投放三个方面提出一些可行建议。
中国新兴微电影广告研究
中国数码科技和网络通讯技术在过去的十年间迅速发展,从而带动了以网络传播为主体的信息技术产业的革新和网络用户群体的壮大,网络文化逐渐成为新型的文化形式。近年来,中国网络广告产业异军突起,并着重打造其文化内涵,注重传统理念与现代信息技术的融合,从而成为广告产业中颇具发展潜力的新兴产业。当前,国内网络文化空前繁荣,与此同时,微博在中国的迅速普及也影响了网络广告的发展方向,许多新兴的、以微博为平台的网络广告方式被赋予了“微”的定义。网络微电影广告应运而生,并成为网络广告中最具代表性的广告形式,取得了很大的成功。微电影广告的形成与发展有着极其深刻的时代背景。微电影广告概念的提出与应用,在我国最早出现在2011年。其优势在于长于叙事,故事性强,广告植入较为含蓄自然,易于被大众接受。因此,微电影广告一出现,便在网络群体中迅速传播,具有极强的宣传性。不可否认的是,微电影广告概念的形成与微博、微电影的出现直接相关。此概念以其直观性与简洁性被大众接受,成为了网络文化背景下微时代的概念名词。
微电影广告的形成,就其产生的根源而言,是传统短片广告与现代数字信息技术融合的结果。它的兴盛与微博传播平台的建立、大众碎片化时间的增加与广告市场营销的需求三方面密切相关。当前,微电影广告已经在世界范围内掀起了传播的热潮,各种微电影广告作品层出不穷,中国的微电影广告也在这股热潮中迎头而上,既要面临发展的机遇,也要面对发展的挑战。同时,我国广告产业的多元化发展,也促使微电影广告制作模式呈现多元化发展,其他形式的网络广告也随着微电影广告的传播大量涌现,他们不仅增加了微电影广告的传播力度,也丰富了网络微电影广告的传播形式与途径,成为微电影广告市场中不可忽视的力量。综上所述,本文通过细致研究国内微电影广告的发展形态,探索中国微电影广告在未来的发展方向。本文首先对微电影广告的形成背景进行深入分析,进而对其概念进行学术的梳理,并在概念的基础上对微电影广告及其相关产业进行论述,最后通过深入分析两年多来微电影广告在发展过程中形成的优势与不足,探讨中国网络微电影广告的未来发展,以期能为其未来的发展提供一个科学合理的借鉴。
[关键词] 电影旗袍 文化视觉符号 角色 电影服装设计 创作原则
一、旗袍与电影的联姻
近年来，在国际、国内礼仪场合与电影作品中出现的旗袍，越来越以它那高雅、端庄而令世人瞩目。从2000年嘎纳电影节上身着中国经典红色旗袍礼服，浓纤合宜、风华万千的巩俐，到2010年戛纳电影节上穿着改良旗袍――“龙袍”，雍容华贵，众人惊艳的范冰冰；从电影《红玫瑰与白玫瑰》中的洋派海归娇蕊（陈冲扮演），到《花样年华》、《色•戒》中身着旗袍气质高雅的苏丽珍（张曼玉扮演）和麦太太（汤唯扮演）。亦柔、亦忧，举手投足间东方女性的婉约被淋漓展现，其间除了个人气质之外，自然不能抹煞那旗袍的魅力。时至今日，一些外国影星名媛，也开始在电影、国际活动中穿着旗袍。不难理解，这些现象都源于旗袍之美，源于旗袍所代表的中国女性着装文化之典范。她历史虽短暂，却因其散发出独具魅力的东方含蓄美态、文化内涵，从而成为中国文化元素的最佳代名词之一。
然而，近期国内影视圈也出现了旗袍过多过滥的现象，无论影片的历史背景是30、40年代的上海滩，还是现当代的都市乡村，旗袍这一经典的视觉元素都被频频使用，身着旗袍的女性屡屡出现，偏颇与追风使得个别制作者过分倚重这一文化元素。甚至在一些西方电影和西方女明星、名媛的身上，“旗袍元素”也被大量使用。其效果好坏与否，也是仁者见仁智者见智。例如出席2007年MTV超级盛典，穿着性感改良旗袍的名媛帕里斯•希尔顿；再有出席电视访谈节目，穿着墨绿色旗袍，略显暴露的红星珍妮弗•洛佩兹。一时间，旗袍似乎成了一些演艺界、时尚界人士的文化情结，觉得这一元素在国内外电影市场和文艺圈里都能吃得开，要想表现中国传统文化之“美”和女性窈窕的身形，就得穿着旗袍出来大秀特秀一番。
笔者认为，抛开时尚先不说，旗袍这个经典的中国文化视觉元素与影视的结合的确很有必要，但不可盲目追求，一味依赖。选择旗袍一定要符合剧情的需求，至少是不能影响故事情节的正常发展。一定不要为了表现美、表现中国元素而表现；而是要为了表现人物而表现。只有从人物、剧情的角度出发，电影服装设计师才能做出精准的设计。现实世界里，我们可以根据自己的喜好、天气等因素随意着装；但电影创作是有依据的创作，包括电影人物的服装，也要做到有理可依、有章可循。而旗袍之于电影，除了在剧中能体现中国经典着装文化和东方女性美态以外，一定要受到电影服装设计创作规律、原则的约束，不可滥用。
二、旗袍在电影中的文化内涵与运用原则
当今众多电影人与观众一起，集体屏蔽掉了电影服装的“表现”性。特别是很多影视观众对电影服装设计行业不了解，常常简单地认为电影中的服装只要演员穿着好看就好。下面我们就借旗袍的艺术功能来探讨一下电影服装的创作原则。
首先，笔者认为旗袍的美不仅仅是来源于东方的美，旗袍的产生是历史发展的必然产物，是中西方交流的产物。
（一）旗袍――东西方审美的双重标准
旗袍的产生并非清代，袍服的形制元素我们可以追溯到汉代。并且从现代旗袍的款式来看，与清代旗装相去甚远。笔者认同，狭义旗袍是20、30年代形成于上海，[1]因中外通商、交流日益增多而产生的“东方明珠”。
说旗袍是中西文化合璧的产物，一点也不为过。20年代末，欧美先进的剪裁技术、织布工艺都被引进上海。新时代的女性渴望解放、渴望自由。渴望展现自己健康的美。此时，女性的腿被解放出来，腰身越来越合体，衣领越来越低，衣袖越来越短……这些变化都体现出欧美服饰充分表现甚至夸张人体线条的审美标准对中国女性所产生的巨大影响。而旗袍正是在这种大环境下的产物。
值得注意的是，正是因为旗袍凸显曲线美的态势符合西方的审美观念，才使得旗袍在国际社会上得到更多的认同。也正是因为旗袍所具备的东西方双重审美标准，使得在国际环境下产生的艺术创作、合作交流更多的包含了旗袍这一东西方都认可的视觉元素。
（二）电影旗袍的艺术创作原则
对电影服装设计师而言，电影中旗袍的设计同其他电影服装一样，离不开设计的依据和约束。
首先，设计师需要依据剧本中的角色时代背景来决定在历史大环境下的着装风格。依据史实资料和角色的职业特点来设置出一个基本的服装范围。例如，民国时期30年代的电影中必定出现的旗袍，如同汉代背景下的汉服、清朝背景下的满服一样。
其次，是根据角色性格特点和角色的喜好来创造出角色独特的造型设计。比如性格特点用服装颜色来体现；好动的与宜静的性格特点会体现在服装的长短款上。好动的可能常穿裤装，宜静的可能常着裙装等等。如电影《茉莉花开》第一章中的女孩茉（章子怡扮演），茉是一个天真无邪，青涩而又怀揣明星梦想的少女。她的服装在早期全部采用嫩绿、芽黄等植物刚刚萌芽的天然颜色。既符合角色天真无邪、活泼开朗的性格特征，又很好的衬托了角色的一尘不染、年轻亮丽。再如电影《色•戒》中的王佳芝（汤唯扮演），女大学生标准的阴丹士林[2]装，蓝色的旗袍。这种阴丹士林面料的蓝色旗袍在女大学生中运用非常广泛，既是时代的印证，又表现出王佳芝平实、朴素的性格特点。
再次，伴随故事情节的发展还会产生电影服装的视觉节奏变化。随着故事情节的推进，角色在成长，再随着故事情节的发展，不断向前推进。这中间的每一个时期、每一场变故都会体现在角色服装上。从而给观众带来一种视觉上的节奏变化。帮助观众更快的融入和区分不同时期的角色，形成一定的“画语”。以电影《茉莉花开》中茉的旗袍款式花色变化为例：
电影《茉莉花开》第一章：茉的旗袍变化之寓意
时期一（做明星前）：
人物、背景描述：怀揣明星梦想；在家里的照相馆上班。
服装花色、款式变化：这一时期以嫩绿、芽黄色洋装为主，旗袍为辅。
服装变化体现出的人物性格变化与心路历程：体现出人物的天真无邪、青春亮丽。
时期二（做明星后）：
人物、背景描述：实现了明星梦想，与制片人（姜文扮演）相好，众星捧月，演艺事业如日中天。
服装花色、款式变化：嫩绿、中绿、白色，绿色花草、几何纹。以改良旗袍为主，为短袖、无袖；多闪光钻饰，没有过多搭配。多钻饰是设计舞台服装的重要元素。在光影效果下让人物显得更加闪耀。
服装变化体现出的人物性格变化与心路历程：茉最快乐的时期。身着多钻饰的贴身改良旗袍，性感又时尚。人物内心膨胀。
时期三（怀孕被遗弃）：
人物、背景描述：怀了制片人的孩子，被要求去堕胎未遂，后被抛弃。感情遭到欺骗，身心受到巨大打击。
服装花色、款式变化：中绿、深绿、褐色为主，缠绕的草叶纹。旗袍配呢子外衣，这样的搭配在30、40年代的上海非常流行。茉选择宽大呢子外套，遮挡住怀孕的身躯。
服装变化体现出的人物性格变化与心路历程：服装色彩的变化体现出茉内心的成长，从芽黄、嫩绿到中绿，到服装上出现泥土、植物枝干的褐色。也是植物接近枯萎的颜色。体现出人物从梦境跌回到现实的残酷经历。内心炽热的情感几近枯竭，而服装上缠绕的草叶纹也体现了人物内心的矛盾纠结。
时期四（母亲自杀后）：
人物、背景描述：母亲（陈冲扮演）的相好娘舅轻薄茉，被母亲发现，母亲伤心欲绝，跳河自尽。茉悲痛万分，愤怒之余去找娘舅要回被他偷去的母亲的金表与戒指。
服装花色、款式变化：深褐色；血红色的圆点几何图案。长于明星时期的短袖，与当时普通妇女的款式接近。
服装变化体现出的人物性格变化与心路历程：褐色取代了绿色成为旗袍的主体色调。也是表现人物内心的完全毁灭。爱人的背叛，母亲的自杀都使得茉对男人痛恨到极点。内心的愤怒和伤痛体现在血红色圆点的服装图案上。款式的回归体现出她从感性到理性的情感回归；虚幻梦想的彻底破灭。
此外，导演设定的影片总体基调、特别要求也是关键性的设计导向。比如，导演确定影片写实的风格，一切都要重现某一特定的历史时期，例如李安导演的电影《色•戒》，导演要求要完完全全的表现1942年的上海。所以影片的美术指导朴若木先生有别于他以往唯美奢华的设计风格，完成了这次朴素、典雅、力求越真实越好的设计工作。影片中的旗袍更是不抢功，相当的内敛。
综上所述，我们在以电影旗袍为例进行的设计分析中，可以把电影服装的创作原则和影响因素简单概括为以下几点：
1． 依据剧本中的角色时代背景、角色性格特点、角色的喜好、职业；伴随故事情节的发展而产生变化的电影服装节奏；
2． 设计师自身的审美特点、创作习惯；
3． 演员自身条件的制约，根据演员独特条件的发挥；
4． 导演设定的影片总体基调、特别要求；以及其他主创人员的参与决策；
5． 观众的审美期待的影响力（特别是经典名著改编，或者已经获得广泛群众基础的老版本电影。）
6． 实拍时的其他因素。
三、当代电影中旗袍创作的发展方向
一部成功的电影作品是由多个创作部门和大量演艺工作人员共同辛勤劳动的结果。一个失败的影视人物服装设计可能会是一部影片中最醒目的败笔。作为一名电影服装设计师，一定要掌握创作中需要遵循的主旨、需要恪守的原则，从根本上弄清楚时装与影视服装的区别。
笔者认为其最大的区别就在于：电影服装设计师们的工作绝不是为了使演员更加好看而存在，而是为了帮助演员成为角色而存在。而设计中，单纯的感官上的美感应该排在较为次要的位置。例如旗袍出现在电影中，的确是作为电影中的视觉元素符号出现的，但其第一目的仍然是服务于角色的。如何更加真实的体现时代背景、人物性格、职业、情感发展曲线，才是目的；然后才是设计的美感、设计的独特性等等。不仅电影中的旗袍服饰设计应该遵循这一原则，电影中其他年代和款式类型的服装设计都应该遵循这一原则。
如今，涉及到中国题材的电影创作中，旗袍情结还有在疯涨的趋势。作为电影服装设计行业的一份子，笔者希望通过对电影中旗袍服饰设计的某些现象的归纳和思考，为电影旗袍设计和电影服装设计行业的规范、繁荣尽一份绵薄之力。
注释
[1]卞向阳：论旗袍的流行起源 [J]，装饰，2003年11期。
[2]阴丹士林布，德文Indanthrene的音译。由德国人德恩于20世纪20年代在上海创办的德孚洋行所生产的服装面料。阴丹士林是一种还原染料名称，用这种染料染的布不仅色泽光鲜，而且经久不褪色。深受30、40年代上海女性的亲睐。
参考文献
1，卞向阳 著，《论旗袍的流行起源》， [J]，装饰，2003年11期；
2，周登富 著，《电影美术概论》，中国电影出版社，1999年5月版；
参考影片：
1，侯咏 导，电影《茉莉花开》，Festive Films 发行，2004；
2，李安 导，电影《色•戒》，焦点电影公司 发行，2007；
3，关锦鹏 导，电影《红玫瑰与白玫瑰》，第一出版香港有限公司 发行，1994；
4，王家卫 导，电影《花样年华》，Océan Films 发行，2000；
一、钢琴音乐的发展及美学特征
作为一门独立艺术学科存在的音乐，有着区别于其他学科的特殊性和综合性，它在电影艺术的动态构成中，将故事内在的含义同现实生活中的人生哲理合二为一，呈现出审美情趣和视听上的美感。中国音乐有着几千年的发展历史和优良传统，其价值在很大程度上在于其是否具有丰富的感情内容和审美趣味，如果没有表现内心情绪的手法只是纯粹的声响，那么音乐便没有生命和内涵。钢琴音乐的历史是漫长曲折的，钢琴音乐能够主观自如地唤起人们对似真非真的现实美景的想象。钢琴音乐的表现力极为丰富，主要特征与演奏者所表现出的艺术魅力不可分割，钢琴音乐一生追求落在以情感人的角度上，不分国界种族，在钢琴音乐发展和演变的过程中，不仅在描述主人公情感历程上有所发挥，而且在描述自然现实主义的方向上也堪称为最好的乐器。总而言之，钢琴音乐作为电影中的一种新体裁形式存在，在表现主人公的个人情感和创作意图，引发欣赏者的感情共振和艺术想象等方面具有不可替代的位置和作用。最终以抒发主人公的内心世界，从而引起观众在情感和心理上的共鸣，也正因为如此钢琴音乐这种特殊的美学特征被广泛应用于电影作品的各个环节之中。
二、电影中钢琴音乐的具体美学表现
随着电影中音乐的出现，以钢琴音乐为主要题材的电影越来越多，在这些影片中钢琴音乐的美学体现被发挥得淋漓尽致。在钢琴音乐美学因素的基础上，从三个方面分析它在电影作品中的具体美学表现，即起着抒发故事情感、营造背景氛围和提升电影艺术品位的作用。
1．抒情作用是音乐本身都具备的一种功能，特别是在电影中的钢琴音乐可以起到很好的抒情作用，提升电影的审美感受，钢琴音乐类型根据不同的背景有明确的限定，如紧张的情节应配以急促的音乐，惊悚的场合大多配以高低起伏的音乐等。但是，在任何场景下的钢琴音乐所抒发的情感都是清晰具体的、有所突出指向的，它特定的抒情功能被十分明显地体现出来，并极大程度地融入电影本身中去。在当今很多电影作品中，比如电影《立春》和《音乐之声》中，前者女主角演奏的钢琴音乐反映出她对于艺术的无上追求和崇敬，以及对于爱情的渴望和骄傲，而后者中的钢琴音乐完全展示出女主角积极的人生观念和性格特征，随着钢琴音乐的不同旋律也突出了她对于爱情的心理变化。
2．同时，钢琴音乐对于营造电影的背景氛围具有十分重要的作用，一部优秀的电影，如果没有了声音元素的加入，电影也就失去了鲜活的生命，比如《钢琴家》中钢琴音乐在营造背景气氛方面也发挥很好的功能，电影中四处躲藏的钢琴家最终能够逃生，发现他的德国军官并没有表现出纳粹刽子手的模样，当男主角躲进阁楼时，楼下传来了德国军官弹奏的《月光奏鸣曲》，琴声清冷悲伤充满了人情味，在此钢琴音乐努力营造出一种悲伤的氛围，钢琴的运用为后面的电影很好地做了铺垫。又如电影《海上钢琴师》中的斗琴片段，主人公与爵士乐大师片中的三次钢琴较量让人为之惊叹不已，也体现出影片中的部分。此刻钢琴演奏的美学意义被非常明显地体现出来，主人公的倾情演奏，钢琴曲时而舒缓低沉，时而急促高亢，钢琴唯美的曲调让观众进入到跌宕起伏的音乐中，而剧中的主人公也已经完全陷入到音乐的海洋，完全忽略了蓄意挑衅他的演奏大师。最重要的是观众在钢琴营造的氛围当中体会到主人公的内心孤独世界和美妙绝伦的音乐技巧，前两首钢琴曲子使观众在剧情中提出问题并想象结果，直至第三首钢琴曲完成，使观众放下紧张情绪而豁然开朗。此片中钢琴音乐同人物画面结合得淋漓尽致，声音在此贯穿到每个细节，让人不免感叹。
3．除了在营造背景和抒情之外，钢琴音乐在提升电影的艺术品位方面也占有十分重要的地位，从更深层的意义上讲，在诸多的音乐中钢琴音乐是最具有高贵特质的音乐，也最为被观众所接受和熟悉。在电影中注入钢琴音乐，可以有效提升电影作品的艺术品位，在很多作品比如《钢琴课》《海上钢琴师》《天使爱美丽》等以音乐作为主题的电影中，钢琴在其中的取材比例相比其他乐器多出很多，因为电影中钢琴音乐本身就是一种对艺术上的享受盛宴。此外，钢琴音乐作为背景音乐被运用在很多电影中使电影增色不少，而且影片中选择的钢琴音乐也多以肖邦、贝多芬、德彪西的钢琴名曲为主。钢琴自由的曲调可以让演奏者跟随自己心声完美展现出，使内心得到缓解和释放，电影中行云流水般的音符在释放无尽的浪漫同时给观众带来优美的音乐享受，随着钢琴音乐的深刻演绎，电影的艺术品位也随之提升。比如在电影《钢琴师》中，非犹太裔大提琴演奏家的钢琴演奏片断，在她演奏巴赫的《G大调前奏曲》时，表情庄重内心却是十分悲痛，钢琴音乐让观众更加体会到主人公对纳粹的痛恨，而与她内心对美好生活的向往又形成深沉对比，这种深邃耐人寻味的艺术感觉直达观众内心，从很大程度上提升了电影的艺术品位。
三、分析钢琴音乐在电影作品中的美学作用
在当今很多电影作品中，影片的内在之美是现实生活中许多审美的主体所追求向往的一种美，观众从感官的接触、情感的共鸣逐步到达对电影深层内涵审美的理解，从而揭示出电影作用在审美主体的感官上、感情上以及心理上不同层次的美感效应。此外，钢琴音乐的魅力就在它特殊的声音，钢琴演奏比其他乐器更富于浪漫感，从美学的观点出发，电影中的钢琴音乐可以使观众更好地把握剧情和洞悉人物的内心情感，最后使两者达成思想上的共识，这也是电影中钢琴音乐的真正内涵。在《阿甘正传》一片中，影片开头一片缓缓飘落的白色羽毛和着背景音乐出现，随着悠扬缓慢的钢琴音乐，影片中的白色羽毛随同音乐起伏跌宕，最后羽毛落在主人公的脚下，故事开始。而故事结尾同样是悠扬的钢琴音乐，影片结尾主人公把儿子送上了校车，从他的书中落下了一根羽毛，又开始随风飞舞。钢琴音乐同整个故事完美融合为一体，不仅吸引观众的眼球，同时深刻体现了人物内心的情感波动，给人以美的视觉感受和心灵感受。电影作为一种视听结合的现代影视艺术，其中电影音乐的创作在如今越来越被艺术工作者所重视，一部电影的成功与否和其中的音乐有着莫大的关联。钢琴音乐以其独到的艺术功效和美学价值受到人们的高度评价和重视，因为电影音乐直接影响观众在观看影片时的情绪与心理活动，钢琴音乐既能主导环境背景的艺术美感，给观众以艺术感染力和渲染力，而且在很大程度上又能与电影有机相结合，达到“乐中有景，乐中有情”的效果，使观众得到“以情动情”的最佳艺术认知。在《海上钢琴师》中，从影片的开始部分一段欢快的钢琴曲开始，使观众感受到主人公心中的悲伤与孤独，直到在一次船房录音的时候看到窗外出现的女孩，使主人公真正感受到爱的真谛和潜藏的温柔，他的眼睛跟随她的脸，同时弹奏了一曲即兴的以爱为由的曲子，让录音师哗然。这时的钢琴音乐音调舒缓、清新欢愉，整个片段中钢琴音乐的曲调随着女孩的行为而变化，电影中钢琴音乐真实和细致地塑造出主人公的情感内心，不仅使电影画面感变得生动鲜活，也让欣赏这部影片的观众达到了情感上的共鸣，体现出美学上的真正价值所在。随着我国影视行业的快速发展与不断变革，钢琴音乐的特殊美学效力在电影中被发挥得淋漓尽致，并且揭示出它在电影美学中的效能是通过从审美感官过渡到审美感情再转化为审美理解这样一个逐渐深入的审美过程，它的流程随着社会的发展反映了审美的动态性，成为当今社会越来越普遍的一种审美现象。钢琴因素的运用表明了“美”永远是人们所追求的精神方向，而电影中表现出的意境美态仍然是许多审美主体在心底追寻的美好。因此，钢琴因素的融入将电影作品中的内在主旨与观众的内心紧密结合起来，达到深化电影作品文化内涵和抒发电影美学的现实意义，也正因为钢琴音乐的美学意义，钢琴音乐才会被广泛运用于电影中，以从根本上达到引起观众共鸣和使观众获得审美趣味的目的。
(一)水墨元素
水墨画源于自然，具有独特的视觉效果，画作外在的表现方式和内在所蕴涵的文化涵养浑然天成，得到了越来越多人的支持，最近几年来，我们常常可以在影视作品中看到变幻多样的水墨元素，水墨元素是从水墨画的形状、色彩、质感和留白所展现出来的艺术美中提取出来的，运用现代高科技的设计方式对其进行重新创作，已成为电影和电视艺术创作中的一种强有力的表现手段。
(二)数字视角下的水墨元素
数字媒体就是通过二进制的方式记录、解决、传播和获得过程的信息载体，文字、形状、声音、影像等感官媒介都属于这些载体。本文主要通过对水墨动画和数码水墨画两个方面的例子详细的分析来解释中国水墨元素在数字媒体中是如何表现出来的。
1．水墨动画
水墨动画不仅是中国也是全人类文化的结晶，是由中国伟大的艺术家们创作出来的一种新型动画片，它的基础是拥有深厚的文化底蕴和内涵的中国水墨画。水墨动画打破了传统动画片单线平面的绘制结构的旧形式，采用传统的创作水墨画的艺术技巧绘制人物和空间环境。这是水墨作品在艺术中的一次科技创新，而正是由于这种创新，水墨元素才能够被应用到数字艺术中去。
2．现代数码水墨画
数码水墨画和传统的水墨画创作有很大的不同，传统水墨画主要依靠笔墨纸砚进行创作，而数码水墨画则主要是依靠电脑和数位板这类数字介质进行创作。先进的数字技术和传统的水墨艺术相结合就产生了现在的数码水墨画，它的重点还是在绘图上，数字技术主要是起到改良创作工具和更新创作形式的作用，水墨画的意蕴依旧是数字水墨画追求的重心，所以，我个人认为，现代数字技术和传统水墨艺术相结合的数字水墨画也是水墨画中的一种形式，具有潜在的艺术价值和商业价值。
二、水墨元素与影视艺术的互动
(一)水墨元素与影视艺术之间的关系
我国传统的水墨画是一种特殊的艺术形式，它具有丰富的文化内涵，尤其是在影视作品创作中的使用使其显得更为真实，因此，它渐渐成为越来越多的影视创作人关注的元素。在现代，我国独特的水墨元素越来越广泛地运用到了电影创作过程中，这样的电影最具中国特色，同时也更符合我国人民的传统的审美心理。电影创作者通过水墨元素的运用使得电影中的人物、背景和画面更具美感和真实感，进而向世人展现出了我国电影中所表现出的人性美。因此，将我国传统的水墨元素应用于电影创作之中，对我国影视业的发展有着很重要的作用，与此同时，这也对中国传统文化的传播和发展有着重要的意义。传统的艺术形式对中国影视业发展有重要的影响，而作为我国重要传统文化之一的水墨元素在影视作品的创作中起着不可或缺的作用。电影作品中的水墨艺术不仅能将东方国家的神秘感完美地呈现在人们的面前，还可以使中国的传统文化和艺术得到更好的传播和发展。
(二)数字时代下推动水墨元素与影视艺术互动的必要性
在我国漫长的历史中，传统的艺术形式经历一代又一代的变迁和发展，最终深刻地融入了现代影视作品的创作之中，作为一种单独存在的审美形式，它一方面以现实中人们的生活状态作为载体，另一方面，在很大程度上又高于现实生活。近几年来，中国电影行业开始越来越追求中国传统特色，发展和开拓具有中国传统意义的影视作品已成为电影产业追求的重点，传统的艺术形式对中国影视业发展有重要的意义，而作为我国重要传统文化之一的水墨元素在影视作品中的创作中起着越来越重要的作用和影响。电影作品中的水墨艺术不仅能将东方国家的神秘感完美地呈现在人们的面前，也可以使中国的传统文化和艺术走出中国，走向世界。随着我国影视业的迅速发展发展，传统水墨画中的众多元素在影视业发展中的作用越来越明显，婉转流动的线条以及神秘朦胧的韵味是其他电影元素永远替代不了的。水墨元素的采用使电影的内涵得到了很大程度的提升，尤其是对我国国产的电影和动画片的创作起到了十分重要的作用，好的电影是创作者艺术的灵感和他长期累积的生活实例的完美结合。随着水墨画中的越来越多的元素在被运用到电影创作中，电影作品在选择材料、故事背景、角色以及故事情节上都在很大程度上展现了我国传统厚重的文化概念。所以，水墨元素对于我国电影的创作发展起到了很大的推动作用，能否更加充分地发挥水墨元素在影市作品中所呈现的效果对我国电影业以后的发展有着至关重要的作用。
三、数字视角下水墨元素在影视艺术中的运用
(一)水墨元素在影视角色设计与创作中的运用
随着电影制作的发展进步，水墨元素也逐渐演变成一种新型的电影形态。在电影制作中，角色制作指的是一个角色在影片中的构成方式，即电影角色的性格塑造。一般情况下，电影制作者的构想和灵感决定着角色的设计与塑造，然而，水墨元素的使用为角色的塑造带来了新鲜的血液，赋予了其新的生命力。它不仅有利于展现影片中的人物构成，满足电影制作者丰富的想象力，还可以使传统的中国绘画发扬光大。一部优秀的电影作品中一定包含着一个成功的角色塑造，他或许是影片的主角，或许是影片的配角，也或许只是一个名不见经传的小角色，但是他会深深地留在观众的脑海中，甚至会演变成中国传统人物塑造的典型。以熟知故事背景和掌握情节发展为依托，创作者在进行角色塑造时不再采用传统的人物刻画模式，而是将水墨元素应用到角色设计与创作中，根据特定角色做出独具特色的描绘方式，这不仅使观众对水墨电影有了更深层次的了解与认识，还可以使影片中角色的定位得到更好的诠释。例如，水墨电影《大闹天宫》，水墨元素在其中的装饰性应用上一直让人赞不绝口，堪称我国动画电影的经典之作。水墨元素应用于我国的传统动画电影便是从这一影片中孙悟空的角色开始的，这是我国电影发展史上的一个重要里程碑。在中国传统电影的发展过程中，水墨元素的应用可谓锦上添花，也正是因为水墨元素在角色设计和创作中的应用，影片中的人物造型才会活灵活现、形象逼真，中国动画电影才能上升到新的高度。
(二)水墨元素在影视场景设计中的运用
一部优秀的动画电影不仅要包括鲜活的人物塑造，还要包括优秀的场景设计，这两者是相辅相成、相互配合的。水墨元素不仅在角色设计与创作中起着至关重要的作用，其在影片的场景设计与画面衬托上的作用也不容小觑。场景设计是一部影片必不可少的要素之一，水墨元素的应用为影片制作者带来了新的灵感，他们可以利用不同的水墨色彩来勾勒不同的故事背景，从而塑造出更鲜活、更深入人心的人物形象。例如，水墨电影《小蝌蚪找妈妈》，影片背景主要以黑白色单色调为主，轻柔细腻，圆润质朴，使人遐想无限，电影中的小蝌蚪在层层流动的背景衬托下栩栩如生，水墨元素的重要作用不言而喻。与此同时，水墨元素也反复应用于电影中的山水背景，使得青山更青，绿水更绿，宫殿宝塔更加宏伟壮观、金碧辉煌。现今，水墨元素已应用到电影创作的每个环节之中，带动了中国传统动画电影的发展变化，通过不同传统元素的对比与应用，将影片中的人物塑造、视觉享受和场景设计有机结合起来，共同服务于电影主题。
(三)水墨元素在影视视觉传达中的作用
关键词：中国贺岁电影；植入式广告；传播特征；存在问题
中图分类号：J943 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）21-0102-03
贺岁电影，就其初衷来看，能带给观众心灵极大的娱乐与满足感，为观众提供极为震撼和精彩的视觉盛宴。随着贺岁电影日新月异地发展，在贺岁电影中植入广告实现与广告商家的合作，获得商家的资金支持已成为一种趋势和潮流。运用或显性、或隐性的艺术手段在贺岁电影中植入一定量的商业广告，能使电影制作者和广告商同样获取利润，一举双得。电影植入式广告，旨在将渗透着某种产品与服务色彩的视听品牌因素通过一系列直观或隐性的途径实现与影视或舞台产品巧妙结合的一种广告植入形式，并通过观众对影视的深刻印象实现产品营销的最终目的。
一、中国贺岁电影植入式广告的一般表现手法
随着贺岁电影的飞速发展以及其商业性色彩的日渐浓厚，在贺岁电影中植入隐性广告的具体表现形式也日趋多样化，由单纯的背景植入、细节植入等逐渐丰富为道具、台词、情节、音效、文化等的植入，使贺岁电影植入式广告更具有生机与活力，传播效果更加突出和明显。
（一）背景植入与情节植入
背景植入是中国贺岁电影植入式广告最经典与最常见的表现手法之一，这里笔者以贺岁电影《非诚勿扰》、《叶问》与《海角七号》为例来进行系统说明。经过以上三部电影的播出，旅游景点北海道、广州佛山，文化名城台湾恒春小镇等的名气越来越大，三地在游客的心中产生了空前绝后的积极影响，电影的传播效果为不仅诠释了三地独特、完美的形象，同时也产生巨大的消费效应，游客接踵而至的状况持续出现。这些都可以定义为贺岁电影植入式广告的背景植入，电影没有刻意去渲染与展现这些所谓“商品”的魅力，而是将其放在电影播出的大背景、大环境中，使其一点点渗入观众的内心世界，在观众心灵中留下不可磨灭的影响，品牌形象便逐渐树立，产品的销售效果定然十分明显。
情节植入相对于以上几种广告植入方式更具有直观、高效的传播效果。情节植入即产品或品牌植入到整个电影发展的重要情境之中，实现产品与演员、产品与剧情的巧妙融合，使观众在感受震撼剧情的同时对产品留下非凡的印象。情节植入较其它植入手法更为自然，观众的接受性更大。例如，贺岁影片《手机》和《非诚勿扰》中的情节植入更为经典与广泛。在影片《手机》中，全篇围绕摩托罗拉手机进行情节设置，整个电影如若少了手机便无从谈起，这就使手机的情节植入成为一种自然而必须的行为，给观众留下深刻的印象。在《非诚勿扰》中开头，秦奋向笑笑求婚的场景中，拿出蒂卡钻戒；影片中，廖凡为舒淇佩戴蒂卡珠宝；最后，秦奋给笑笑戴蒂卡钻戒。以上情节设置将蒂卡钻戒巧妙植入到电影情节发展中，前后持续时间很长，蒂卡珠宝逐渐深入人心。
（二）道具植入与台词植入
道具植入作为细节植入的重要内容，在贺岁电影广告植入中发挥着不可替代的作用。所谓道具植入，就是将产品以贺岁电影道具的形式呈现在电影播放中来加深受众印象，毋庸置疑，道具在电影中可以名正言顺地多次出现，这也使广告植入达到良好的传播效果。例如，在贺岁电影《非诚勿扰》中，男主角秦奋和女主角笑笑经历过相亲之后，为了加深彼此印象便找了个饭店喝酒吃饭，在喝酒的场景中，蓝色瓶装酒“剑南春多次呈现在荧幕上。再如，在冯小刚贺岁影片《私人订制》中“mini”轿车更是无节制、毫不避讳地呈现在观众眼帘中，将该影片中其它道具植入广告拍在沙滩上，成为最受人瞩目的广告植入。
台词植入，即在电影情节发展过程中，通过演员有意无意的台词将影片赞助商产品与品牌名称直接说出来，使其成为演员台词的一部分，这样既能保证电影对话的完整与连贯性，同时也烘托了商业产品的特点，一举两得。例如，冯小刚导演曾做过“剑南春”酒的广告，这在其执导的两部贺岁作品中都有体现，而且都是以台词植入的表现手法呈现的。如，在电影《私人订制》中，白百合问范伟：“领导喝什么酒”？范伟只用了简单的一句台词“剑南春吧，柔”就将剑南春酒的特点巧妙烘托出来，使剑南春酒的优秀品质完美展现在观众内心，使更多人倾心于剑南春。同样，《非诚勿扰》中葛优的台词中也有体现。
（三）特写植入与音效植入
［关键词］动画电影；色彩；音乐
电影是综合视觉和听觉等众多因素的视听艺术。动画电影的色彩语言和音乐语言的选择与运用与影片题材、创作时代和创作者等有密切关系，本文综合这些因素，纵观中国当代动画电影的创作历程，探析色彩与音乐语言的运用及变化。
中国当代动画电影色彩语言运用的特点与变化
自从电影从黑白默片发展到彩色有声电影，甚至是三维电影，色彩元素在电影中的作用就更加重要，色彩真正成为电影的一种语言，传达出特有的情感、思想和理念，标示着一种价值选择和审美诉求。因为动画电影的非实拍性，色彩在动画电影中的表现性更强，对刻画角色的情感、营造场景环境的氛围更重要，色彩语言本身就是动画电影的欣赏价值的一部分，也提升了动画电影的审美价值。
本文认为中国当代动画电影色彩语言的运用有以下几个特点：
(一)民族化与民间性的强化
色彩在不同的文化背景下有着不同的内涵，民族特色是一种文化最显明的特征。像《铁扇公主》《大闹天宫》《金猴降妖》《哪吒闹海》《天书奇谭》《宝莲灯》《梁山伯与祝英台》等动画电影在色彩语言的运用上突出了民族化与民间性，并且呈现为一浓一淡两种风格。
先来看“浓”。这种浓表现为色彩本身的鲜艳和作品的生气，比如《大闹天宫》《金猴降妖》《哪吒闹海》以及《宝莲灯》等。这些作品，在人物的造型上，用大红、明黄或亮蓝等鲜艳、热烈、明快的颜色，传达给观众一种强烈的色彩冲击。
在中国的传统文化中，红色符合大众审美理想，一方面它代表了生之热烈，给人激奋、热情、有活力的感觉，同时红色具有繁荣、喜庆、顺利和成功的意义。另一方面红色寓含着冲动、愤怒的情绪。在我国的传统文化中，黄色也具有象征意义，一直以来被视为王者的象征，是帝王之色，代表高贵、威严、荣耀，因此有“黄袍加身”、飞黄腾达之说。对于中国民间来说，黄色的明度最高，是太阳的颜色，温暖，明快，具有快乐、希望、智慧的个性。
《大闹天宫》中孙悟空面部造型借鉴了京剧脸谱与民间剪纸艺术，脸部对于红色的火眼金睛的突出，服饰和背景上大面积明黄色的运用，使这个人化的猴子形象充满生命的活力，既突出了他性格中的反抗精神和乐观自信，又让人觉得亲切、有趣。《哪吒闹海》中的哪吒造型中鲜红、飘扬的混天绫，红红的枪穗儿，彰显着人物的活泼和力量感，也烘托出一种斗争、向上、反抗权暴的精神。在更具民间艺术特征的剪纸动画影片中，《猪八戒吃西瓜》《渔童》《金色的海螺》《猎人与狼》等作品堪称浓烈、“挥色如土”了。其色彩运用具有中国传统民间色彩艳丽、冷暖对比丰富强烈的特征，场景色彩、人物色彩设计既丰富又热烈。这类动画电影色彩偏浓，饱满、热烈，但绝不杂乱，展示了我国民族、民间色彩的特色。
如果说上述影片色彩运用上“挥色如土”，那么《牧笛》《山水情》《蓝花花》《小蝌蚪找妈妈》等水墨电影就是“惜墨如金”，代表了中国民族特色的另一方面，即色彩运用上的水墨画特征。这种水墨画特征在色彩选择和审美上呈现出“淡”的审美趋向。《小蝌蚪找妈妈》中的青蛙很像齐白石画的青蛙，在墨色和笔触的运用上受齐白石等国画大师的启发，比如有的电影具有李可染先生的笔法特色。这些动画影片摆脱了前苏联特征，具有中国特色。色彩以黑白墨色为基调，只在某些段落、局部加入一些较为鲜艳的色彩，但绝不是浓墨重彩，而是浅绿色、淡黄色、粉红色、淡蓝色等轻淡雅致的颜色；营造整体上的中国画写意的色彩风格，简洁，单纯。色彩和故事本身浓郁的中国乡土特色和江南水乡的韵味相得益彰，表现了人与动物、人与大自然的和谐共存。
(二)写实性与再现
色彩选择、表达具有民族化和民间性的动画电影的题材基本上都来源于中国古代神话与传说，或者是流传已久的民间故事，而绘画者多是具有成就的大师级画家。而当代中国动画电影发展到21世纪初，有一批影片来源于系列动画电视剧、儿童网络游戏，例如曾经创下亿元以上票房纪录的《喜羊羊与灰太狼》以及今年集中“震撼”上映的《赛尔号之寻找凤凰神兽》《摩尔庄园冰世纪》等动画影片。欣赏这类动画电影，带给人的视觉体验就是强烈、刺激，甚至刺目。
色彩作为一种艺术表达，也具有写实和写意、再现与表现的功能和差异。它可以是写实的，也可以是虚拟的。虽然《喜羊羊与灰太狼》《赛尔号之寻找凤凰神兽》《摩尔庄园冰世纪》等作品并不是对现实生活与人生的真实描摹，甚至披上了科幻的外衣，但是它们大都情节简单、主题单纯，过分追求“儿童情趣”，非常外在地植入大量道德说教和“人生智慧”，这使这类作品与《大闹天宫》《哪吒闹海》等影片浓郁的浪漫情怀和《牧笛》《山水情》等的唯美、静穆的审美定位上拉开了很大的距离。这类作品在创作方式上是写实性的。如果我们单单选取它们的色彩语言来分析也会发现这种写实性与再现艺术特征，特别是《赛尔号之寻找凤凰神兽》《摩尔庄园冰世纪》这类三维动画电影。
首先在背景颜色上形成冷色与暖色在色性上与面积上的强烈对比，带给观赏者强烈的视觉冲击与心理刺激：兴奋、喜悦、恐惧、紧张。其次是画面色彩过于浓重、纷乱，有的浓得使人眼花目眩。动画片的观众群也是决定色调运用的一个重要因素，是否《赛尔号之寻找凤凰神兽》《摩尔庄园冰世纪》的色彩使用会有极其夸张、超常的色彩与此有关。对于上一类动画电影来说，色彩的选择与表达不论浓淡带给人的视觉感受是“和颜悦色”、审美感受是“和谐统一”，因为电影色彩本身是运动着的，但在运动中讲求和谐、统一，这是电影所特有的色彩形式。如果色彩失去这个标准和尺度，对所有观看者都有不同程度的多种负面影响。
(三)象征性与个性化
相对于实拍电影，动画片是非实拍片种的代表，带有强烈主观性。它的色彩语言也追求象征性。色彩的象征意义是在一定的社会活动、历史情况、民族习俗以及文化传统中逐渐形成的。
动画电影《功夫熊猫》系列涵盖了多种中国元素，比如食物(面条)、色彩(红色)、功夫、道德观、伦理观和中国人喜爱的动物，这些中国元素都被选择和调动起来，形成了一种文化背景。本文选取其中的色彩具体分析一下。
首先，它成功运用了中国的国宝大熊猫这个元素，他的黑白为主的色彩既符合熊猫的真实，同时也是对中国易经、道家、功夫的一种象征和隐喻。其次，影片背景色彩的有意统一、固定和强化。比如中餐馆和喜庆场面都有红色，红色成为影片中一个特点，也是极具象征意味的大背景——文化背景。中国传统的建筑被用水墨画的形式表现出来，也成为一种文化象征和价值选择。这种色彩语言不再是像《大闹天宫》《哪吒闹海》等作品那样在人物的外貌特征上运用红色等以突出民族化、民间性，而是用大面积的红色或水墨背景重复、固化一种意义，从而使颜色的运用具有有意的象征性，也使作品的色彩语言呈现出个性化特征。这无疑是中国当代动画电影色彩语言的发展和有益尝试。
中国当代动画电影音乐语言的运用特点与变化
音乐语言不像色彩语言那样直接生成动画电影的画面，但是它直接影响画面的表现力和影片的整体艺术品质。
中国动画电影从万氏兄弟的轰动亚洲的《铁扇公主》开始，到近期的《功夫熊猫II》已经有六十余年的历史。音乐既然是一种语言，就带有时代和文化的印记，从音乐风格上来说，这六十年间中国动画电影的音乐风格从中国民族风到逐渐时代化和多元化。
中国当代动画电影最初的成功之作几乎就是民族文化和艺术的成功。《大闹天宫》完美地表达了中国的传统艺术风格。不仅在色彩的运用上《大闹天宫》是民族化的，在音乐元素的运用上，它更是把民族风格的完成推向极致。《大闹天宫》的音乐极具民间色彩，锣鼓等民间打击乐的运用，欢快、活跃、热烈，呈现出浓郁的民族风味。人物动作的依据来自于中国戏曲国粹——京剧，举手投足伴随全套京腔京韵的音乐和鼓点。《大闹天宫》的音乐风格，大气、浓重、华美，就像中国民间的喜庆乐曲一样，狂欢、热闹。它的音乐达到前所未有的成就。《大闹天宫》电影音乐开创的这种浓郁的民族风一直延续到上个世纪90年代，比如《小鲤鱼跳龙门》《哪吒闹海》《金猴降妖》《三个和尚》等。随着中国动画电影的发展，电影的音乐语言也渐渐丰富起来，到了《宝莲灯》时期，电影音乐中既融入了流行音乐的元素，同时体现出一种高雅的气质。特别是主题曲和插曲中。优美深情的音乐旋律与精美的电影画面得到了最佳结合。在配器上小提琴、钢琴等西洋乐器的加入使得背景音乐和主题曲、插曲典雅、优美,曲风荡气回肠，极具时空感，将沉香与母亲等人物的心理刻画得细致入微、动人心弦。使《宝莲灯》的画面既充满温情又饱含忧郁。
《喜羊羊与灰太狼之虎虎生威》的电影音乐有了新的变化，在音乐主题创作、配器上，加入流行的电子乐和电脑特效音乐，管弦乐和鼓点的结合令音乐气氛欢快、明朗。影片的主题曲就给人一种蓬勃向上的走势，明快的音乐和开阔的画面给人一种清朗、积极的视觉和心理感受，表现出羊羊们乐观、积极、活泼开朗的性格。《喜羊羊与灰太狼之虎虎生威》所代表的这种电影音乐风格富有时尚感，现代电子乐的使用增加了音乐中的现代流行元素，非常符合它的观众群的审美需要。《赛尔号之寻找凤凰神兽》《摩尔庄园冰世纪》的电影音乐沿袭了这种欢快和时尚感。
中国当代动画电影起步的时候是没有主题曲或者插曲的，只是有背景音乐。比如《铁扇公主》是中国第一部动画电影，它的音乐语言仅限于背景音乐对于人物心理、动作或者情节、画面的渲染、烘托，《大闹天宫》亦然。后来，随着电影音乐的发展，中国的动画电影也开始有了主题曲，音乐语言进一步丰富，表现力更强，音乐对于动画电影的诠释方式也更多样化了。1999年，动画电影《宝莲灯》掀开了中国动画产业的新篇章。这部由上海美术电影制片厂制作的影片有了两首主题曲和一首插曲，这对中国动画电影来说是第一次，而且音乐的艺术水准很高，是制作者们根据故事情节发展的需要而特制的，质量极高，流传极广。我国的动画电影从此摆脱了单一主题曲的模式。电影音乐不是纯音乐，其创作目的及存在必须与视觉语言完美融合，并且应该与电影人物内心的情感自然发展一致。我们应该承认，我国动画电影音乐制作团队的专业性、动画电影音乐艺术水平和独特性有待提升，中国动画电影音乐的制作水准需要再上一个层次。
［参考文献］
［1］ 李朝阳.论国产动画片传统文化元素的开发［J］.电影文学，2010(06).
[关键词] “第五代”电影人；电影创作；色彩；运用；价值；实例；分析
简单来说，色彩就是在光线照射于物体的过程当中，色彩欣赏受众自身视觉神经会产生与之相对应的视觉感受，进而感知有色的状态，其从本质上来说就是我们俗称的颜色。在对色彩进行运用的过程当中，艺术创作者的某种特定情调或是思想倾向能够得到充分的体现与满足。更为深入来讲：色彩可以说是整个视觉世界当中象征生命与活力的基本所在，其相对于电影艺术的发展而言起到了极为深远的促进与推动作用。我们从电影艺术的研究及发展历程角度上来说，在电影艺术表现形式自“黑白”式画面逐步向“色彩”式画面所过渡的发展进程当中，电影画面无疑出现了质的变化与腾飞。对于电影艺术这一整体而言，色彩毫无疑问成为电影创作构成要素的重中之重。在这一过程当中，电影艺术创作者对于色彩的理解也更为深入，其在电影空间构成体系中的主体地位得到了充分彰显，在对电影对象客观面貌进行还原与再现的基础之上，更为多元地传递了电影艺术创作者的主观性情感趋向。本文试针对以上问题做详细分析与说明。
一、电影创作中色彩的运用价值分析
电影艺术将多门艺术综合为一体，继承并延续了这些艺术的特点与优势，从而实现了电影艺术视觉感染力与听觉感染力的发展及优化。本文已对色彩的应用在视觉艺术中的主体性地位做出了详细分析，由此也可以明确色彩的应用在电影艺术作品创作中的主体性地位。在新时期的电影艺术告别传统意义上的“黑白”式画面之后，色彩的运用成为电影创作者在赋予电影艺术作品新的内涵与灵魂过程中最直接也是最有效的途径。合理的色彩运用能够将人的情绪及情感波动充分激发出来，从而在电影作品欣赏过程当中寻求情感共鸣。
很明显，对于电影创作而言，色彩的运用不仅仅能够充分激发电影欣赏受众的情绪及心理波动，同时也能够赋予电影艺术作品本身以更为完美的表现。在实际研究工作当中我们不难发现：高质量的色彩运用能够在电影作品展现的过程当中发挥反衬或是烘托等关键职能，进而转变为电影创作作品的语言信息，以此种方式将电影创作者的创作思想意识通过电影语言信息的传递最大限度地营造出来。在丰富的色彩运用过程当中，电影艺术作品故事情节表述将逐渐深入，以或丰富或浓厚的色彩将电影故事情节推至一个全新的环境当中。相关研究人员明确提出一点：电影创作中色彩的运用不仅能够刻画电影作品故事情节中的人物形象，同时也能够将相关人物角色的内在情感与心理变化特征展现出来。从这一角度上来说，色彩的综合运用实现了电影作品灵魂的深化与升华。
二、“第五代”电影人基本特征分析
何谓“第五代”电影人呢？我国20世纪80年代自电影学院相关专业毕业并从事导演行业的年青一代导演称之为“第五代”电影人。那么，“第五代”电影人有着怎样的特点呢？从“第五代”电影人自身的发展角度上来说，他们均在年轻时期被卷入了极为动荡的社会变革中，或参军或上山下乡，“第五代”电影人走过了一段极为特殊的历史社会时期。在现代社会主义建设发展的新时期，“第五代”电影人接受过比较专业的专业性培训，对于电影艺术作品创作有着极为饱满的热情。从“第五代”电影人电影创作的角度上来说，“第五代”电影人对于新的电影作品创作思想、创作手法以及创作技术均有着极为敏锐的观察力，能够在整个电影艺术作品的创作过程当中找寻到最为关键的艺术拓展角度，以独特且艺术性的视角将民族文化发展历史与民族心理结构变化趋势通过电影艺术作品这一载体完善地呈现出来。包括张军钊、陈凯歌、田壮壮、张艺谋、张建亚以及黄建新等在内的电影人均属于“第五代”电影人。从“第五代”电影创作作品的特点角度上来说，“第五代”电影人力求从电影作品题材的选取、故事情节的叙述、电影镜头的应用以及电影画面的处理等多个方面入手，赋予这一时期电影创作作品鲜明的时代特性。总的来说，“第五代”电影人是电影艺术发展进程当中最为特殊的主体分值，其所创作的电影作品表现出了极为显著的主观性、象征性、独特性、艺术性以及寓意性特点，在电影创作体系当中占据着极为关键的地位。
三、“第五代”电影人在电影创作中色彩的运用实例分析
1.色彩在“第五代”电影人电影创作背景中的应用分析：正是由于“第五代”电影人在电影创作过程当中对色彩运用的重视程度极高，高质量的色彩应用也成为“第五代”电影人电影创作的一大关键特点。张艺谋作为“第五代”电影人中的先驱与代表，其代表作《红高粱》最为有效体现了色彩在电影创作背景中的运用价值。《红高粱》以红为色彩基调，将鲜绿色调的高亮、黄褐色的龟裂土地、红白相间的衣裤融合在同一个画面当中，赋予了整个电影创作作品以鲜明的原调对比，在电影创作过程当中深入体现了我国西部地区农村自然景观的特殊性欣赏价值。红调背景贯穿整个电影作品，与主人公有关“我爷爷”与“我奶奶”回忆的故事情节发展主流相适应。故事的结尾是天、地、人在红调空间中的统一，将人性与人生命力与生俱来的蓬勃旺盛完全体现了出来，以红色把生命源源不尽、蓬蓬勃勃的生机充分展现了出来。电影作品欣赏受众能够在大红色的电影背景当中感悟影片旨在传递的那种“豁豁亮亮，张张扬扬”人性特征与气质，以此实现电影作品欣赏价值的深化与升华。
2.色彩在“第五代”电影人电影创作服装及道具中的应用分析：电影作品创作过程当中的服装及道具同样是色彩运用的载体。通过对电影创作服装与道具色彩的综合性运用，整个电影作品画面色彩表现力与叙事性也能够得到进一步提升。“第五代”电影人在电影创作过程当中对此问题予以了特别关注，从而也赋予了整个作品深厚的文化内涵。例如“第五代”电影人王家卫改编自小说《对倒》的代表作《花样年华》，女主人公苏丽珍丰富多彩的内心世界变化趋势通过色彩对比鲜明的旗袍服装充分体现出来，女主人公服饰颜色与心理变化特征的契合性带给影片欣赏受众极为突出的视觉冲击，从而更易引起强烈的情感共鸣。又例如“第五代”电影人李少红执导电影《雷雨》，女主人公虽然全片穿着旗袍，但随着女主人公心灵中绝望越来越多，旗袍中的紫调也更为浓厚与沉重，这与女主人公绝望性心理变化特征密切相关，在沉重的色调选取作用之下引导影片欣赏受众融入故事情节当中，体验女主人公所处社会的无奈与枷锁，并达到对影片进行反思的关键目的。
3.色彩在“第五代”电影人电影创作画面中的应用分析：通过对色彩的运用，电影创作作品画面的艺术张力得到了充分彰显与体现，“第五代”电影人通过对造型手段的分析将电影主旨融于色彩当中。例如“第五代”电影人陈凯歌执导作品《黄土地》，陈凯歌导演有选择性地对黄土地背景中的各种黄调进行了综合运用，以外景光线的柔和黄与土地沉重黄的配合，将影片故事发生画面――我国陕北地区黄河边缘黄土地独特的景观构造充分融入影片角色的塑造当中，通过黄调在电影创作画面中的综合运用，将陈凯歌导演旨在于营造的正面形象与积极情绪充分体现出来。又好比由“第五代”电影人冯小刚所执导的电影作品《夜宴》，整个创作画面在无形当中带有一种浓厚的灰色朦胧视觉冲击与感受。这种朦胧式的电影创作画面与电影影片旨在于烘托的人望潜能的蔓延与膨胀是完全吻合的。在主人公欲望不断膨胀的过程当中，周围灰暗环境的限制更加突出，黑调与暗红调开始与整个灰色朦胧的创作画面相交会，这三种色彩相互作用之下也营造出了主人公企图主宰一切的欲望顶点，然而影片故事的结尾却是意指共同毁灭的白调与绿调，这两种代表单纯与寂寞的色调在灰色朦胧的电影创作画面整体中试图冲破视觉阻碍，但未能成功，这就好比主人公试图主宰一切，但最终仍旧走向被毁灭的历史宿命。可以说，色彩的成功运用将电影人希望通过电影影片传递给影片欣赏受众的艺术与情感感召提前以一种视觉化的方式呈现在了电影影片欣赏受众面前。
四、结 语
在电影艺术发展过程中，色彩的运用无疑极大丰富了电影作品的艺术表现形式，整个电影作品的艺术展现空间也得到了极为显著的扩展。可以说，在电影创作过程当中，色彩的综合运用能够使电影艺术作品欣赏受众更为清醒认识到自身所处的现实世界与社会实际。然而要想将色彩高效应用于电影创作过程当中并非易事，色彩在电影创作中的应用也并非单纯利用色彩表现形式对客观环境予以还原，而是应当着重关注对现实生活的还原。“第五代”电影人电影创作对色彩运用的关注无疑是最为具体与完善的，这种关注也使得色彩在对现实生活进行还原的同时，也赋予了现实生活更为深厚的精神内涵与艺术底蕴。总而言之，本文针对有关“第五代”电影人电影创作中色彩运用的相关问题做出了简要分析与说明，希望能够为今后相关研究与实践工作的开展提供一定的参考与帮助。
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(一)钢琴音乐营造背景气氛声音的元素
在影片中具有至关重要的作用，而钢琴在营造影片背景气氛时又有其独到的作用。钢琴音乐在《钢琴家》中作为电影背景的运用，使其艺术美学得到极致透彻的发挥。影片中被迫到处隐藏的主人公斯皮尔曼终于得以逃生，德国军官发现斯皮尔曼的时候，并没有呈现出纳粹凶残的本性，这并不让观众出乎意料，因为在这之前，《钢琴家》通过一段钢琴音乐，非常巧妙地营造出了十分忧伤的氛围，表达了德国军官的内心状态。当斯皮尔曼躲到阁楼的时候，在楼下传出由德国军官演奏的贝多芬的《月光奏鸣曲》，这首曲子孤寂清冷、伤感凄怆，弹出了德国军官的人情味。《钢琴家》采用了这种背景渲染的手法来展现德国军官异乎寻常的一面，而避免了德国军官因为放走斯皮尔曼而显得不合乎情理。之后，当德国军官发现了斯皮尔曼的身份时，斯皮尔曼弹奏了一曲肖邦的《g小调第一叙事曲》，以这首曲作为这部分的背景音乐，代表了斯皮尔曼在反抗，预示着德国军官将会遭受惩罚，为影片后面的部分做了一个完美的铺垫。
(二)钢琴音乐推动故事情节发展
音乐可以推动影片的故事情节，尤其是在惊心动魄、一波三折的影片中，同时也是大部分电影的特征，音乐可以呈现出跌宕起伏的与平缓的电影节奏，起着推动故事情节的作用。钢琴音乐在推动故事情节这部分有也有着独特的作用。钢琴有时会不仅仅以音乐的形式出现，其本身就是影片中的一部分。在《钢琴家》中，当斯皮尔曼与德国军官共同演奏钢琴时，这就是电影的一部分，在电影片头部分、斯皮尔曼参加比赛的部分等，出现了多段的演奏。其次，钢琴音乐本身推动着故事情节的发展。在影片开头部分，并没有出现战争的场面，而是反映出当地比较平静和平的社会生活风貌，然而当画面切换到电台录音棚时，之前所有表面的现象完全被德国军队的硝烟所破坏，以此故事情节得以发展。
(三)钢琴音乐的抒情功能
电影的故事情节与画面限定了钢琴音乐的类型，紧凑的场合需要紧凑的音乐，朦胧的场合需要舒缓的音乐。不管在哪种场合，钢琴音乐所表达的情感都是有所指的，或指向影片中的主人公，或指向画面出现的人物，或指向具体的事物，也可以是故事情节的需要，钢琴音乐必须要与电影相互融合。当德国军官要求斯皮尔曼演奏的时候，两年多没有弹琴的斯皮尔曼在紧张的气氛中弹奏了一曲肖邦的《g小调叙事曲》，宣泄出自己内心的苦闷与，这种不仅是因为德国军官要他弹奏钢琴，更多的是抒发了其内心对战争的不满。德国军官在这首曲中听到的不只有音乐，还有犹太人民的呐喊，斯皮尔曼通过弹钢琴换来了自己生命的延续。
(四)钢琴音乐贯穿主题
在这部影片中，钢琴音贯穿了影片的主题和发展，使影片的前后发展得到呼应。《c小调夜曲》可以说是影片的核心，不仅表达了影片的主题思想，也概括了影片的基本情绪。在影片的开头部分，斯皮尔曼在电台的录音棚里演奏《c小调夜曲》，突然德国军队的炮火开始袭击，但是斯皮尔曼却没有停止乐曲的演奏，最终录音棚被炸，斯皮乐曼受伤才停止演奏。在影片进入结尾的时候，战争停止，宣布波兰获得解放，斯皮尔曼再次来到了电台录音棚，将那这首曾经被硝烟打断的《c小调夜曲》延续。这是他在整部影片中的期盼，同时也正是这种期盼的存在支撑着斯皮尔曼走过了这段不堪回首的时期。
(五)钢琴音乐升华艺术品位
在多种音乐类型中，钢琴音乐富有高贵感，并且为大众所了解，钢琴音乐浪漫、典雅，声音具有强大的可塑性，可比天籁，犹如小溪，犹如心声，弹奏者可以为所欲为地演奏出多种力度上的变化与对比，因此钢琴可以完美地表现演奏者的内心，而跳跃在指间的音符可以诠释出浪漫的情怀，带给观众儒雅完美的音乐享受。如果在电影中注入了钢琴音乐，那么就更深层次地升华了音乐的品质。在影片中，通过非犹太艺人来演奏钢琴，她全神贯注的弹奏《G大调前奏曲》，外忍内强，表达出他内心的悲伤和哀痛，当黎明柔和的阳光照在窗帘上时，抒发了她对幸福生活的向往，使观众更深层次地感受到对纳粹人的痛恨，这种沉重而平淡的对比也更深层次地升华整部电影的艺术品位。为了在二战中不被纳粹逮捕而到处躲藏。他饱受饥寒交迫的折磨与外界的各种羞辱，每天都走在死亡的边缘。随着科技的不断进步与人类对艺术的追求，如今的电影已经不仅仅是导演的艺术，而是更为广泛的涉及了多个领域，包括导演、编剧、美术、音乐等多个方面。音乐已经陪伴电影有百年的历史，因此可以说两者之间彼此相辅相成。不仅电影的艺术形式与音乐紧密相连，而且电影的节奏与主题思想也需要有音乐来烘托。钢琴音乐与演奏者的艺术表现紧密相连，不可分割，钢琴音乐强调以情感人，其内容蕴含丰富的个人情感与艺术魅力。钢琴音乐在体现主人公的情感状态时，同时也是描述自然现实最佳乐器，因此，钢琴音乐在电影中得到了广泛的应用。
二、钢琴音乐与主题的完美契合
在影片中，斯皮尔曼饱受着挫折，亲眼看见国人被纳粹杀害，房屋被烧毁。在这段时期，斯皮尔曼以坚强的意志生存了下来，在斯皮尔曼最困难的时候，他的双手不自觉地在空气中弹着“钢琴”，正是音乐的力量在支撑着他。斯皮尔曼缓缓地走到钢琴前，在德国军官面前，在稍微迟疑之后，音乐在气若游丝般的斯皮尔曼干枯的手指间流出，这时德国军官的内心与表情逐渐改变，这也是音乐的力量。影片只有在斯皮尔曼演奏时出现了肖邦钢琴音乐，在纳粹进行杀戮、犹太人遭受迫害、斯皮尔曼四处躲藏这些情节的时候，没有任何音乐，这种气氛让人感到压抑，让观众有如身临其境的感觉。当人们苛求生存、苛求人性回归的时候，肖邦的音乐响起，使人们的心灵得到安慰。这依然是音乐的力量。《钢琴家》巧妙适当地引用了音乐，为电影本身锦上添花，使音乐完美地达到了“电影化”，使音乐与画面不分彼此。
三、结语
[关键词]公路电影；国产；类型化；审美特征
公路电影指的是以人物所在的道路、旅途为主要背景，绝大部分的情节包括人物内心的矛盾冲突都发生在公路这一载体上的类型片。最早的公路电影诞生在20世纪60年代，工业文明和电影文化发展较早，且拥有广袤国土的美国。随后，欧洲公路电影形成了与美国公路电影不同的镜头表现方式和叙事格局。而进入到21世纪以来，公路电影这一概念也不断出现在中国观众的视野之中。一部分国产公路电影仍然迷失于对欧美公路电影的简单模仿之中，同时也有一些值得肯定的、具有中国特色的佳作，它们的出现帮助国产公路电影逐渐完成了类型化。在电影全球化，西方电影不断以科幻巨制、间谍与超级英雄大片占领市场的今天，公路电影对国产电影寻求一条突围之路的意义是不容小觑的。对于国产公路电影的审美特征以及十几年来所走过的类型化之路需要给予必要的关切。
一、国产公路电影的发展概况
国产公路电影的发展并不像欧美那样顺利，除了有物质条件和政治体制上的限制以外，中国人对于漂泊的抗拒也是重要原因之一。作为以农耕文化为基础的中华民族，对于早已告别的逐水草而迁徙的游牧或渔猎生活有着一种陌生感，相反安土重迁，恋家恋国，对于信奉“在家千日好，出门一日忧”的中国人而言，居家生活无疑以它的稳定令人留恋，而“在路上”则意味着衣食花销和孤独问题。同时国人困于“父母在不远游”的观念，对家庭生活有着强大的依附性，家庭人伦本位的传统束缚着中国人踏上别离徙移的脚步。相比之下，崇尚个人自由和独立精神，且海洋文化悠久的西方人往往更容易舍弃属于长辈的、自己熟稔的世界。
在这样的背景之下，国产公路电影中的漂泊自然也就分为两种：一种是主动地出走，因为对现状不满而出去寻找思想上的理想归宿，或暂时寻求一种精神上的栖息之地，如旅行等，甚至带有一种自我放逐的意味；一种则是被迫远徙，如逃亡避难等。国产公路电影按照发展背景可以分为内地、台湾与香港三个部分。由于地理空间的限制，香港并没有产生过真正意义上的公路电影，仅有一部由王家卫执导的《蓝莓之夜》，并且该片的背景还设置在美国。而台湾的公路电影也屈指可数，仅有李志蔷的《单车上路》、陈怀恩的《练习曲》等寥寥几部，但是在国际上都取得了值得称道的成绩，前者进入了德国汉姆影展，而后者获得了奥斯卡金像奖台湾地区作品的提名。国产公路电影的研究重点还是应该放到内地公路电影上来，2001年由施润玖执导的《走到底》开启了内地乃至中国公路电影的征途。整部电影讲述了一个跑长途的司机陪伴一个陌生的搭车女子寻找男朋友的故事，除了故事背景在路上以外，影片更像是一部带有爱情题材的传统公安片。2004年冯小刚的《天下无贼》，则以一种极具中国特色的，带有“春运”特色的“铁路电影”的方式，通过一段旅程讲述了王薄和王丽、傻根以及盗贼团伙三方面人的命运改变，在叙事中隐藏了信仰和救赎元素，激起观众对于“路不拾遗”美好世风的怀念，可以称为是国产公路电影的一大突破。2006年贾樟柯和韩杰合作拍摄的《赖小子》则开启了国产公路片中“逃亡”的模式，一举获得了鹿特丹电影节的最佳影片奖。2007年蔡尚君则凭借着《红色康拜因》讲述了一个有关于人性的寓言，一对各怀心事的父子踏上了去其他村落帮人收割麦子的路程，儿子甚至多次动过弑父的念头，麦收、大地等与生命息息相关的意念与人意欲消灭对方生命的恨意形成一种比照。该片在釜山国际电影节、希腊塞萨洛尼基电影节上均有斩获。
除此之外，章家瑞执导的《芳香之旅》、曹保平执导的《李米的猜想》、韩寒执导的《后会无期》等都是近年来较为优秀的公路电影。在公路电影的时间跨度，对中国这一发展中国家特点的展现，以及对青年人内心的苦闷方面，都做出了积极的探索。而张扬执导的《落叶归根》，冯小刚执导的《非诚勿扰》以及叶伟民执导的《人在逋尽返龋则开辟了一种喜剧型的公路电影模式，为国产公路电影提供了新的成功样本，甚至还出现了丁晟的《大兵小将》这样的“古装公路电影”。从它们所走过的道路不难发现，无论是从数量抑或类别上，国产公路电影都在呈现一个向上发展的趋势。
二、国产公路电影的审美特征
（一）模式化的情节发展样板
国产公路电影的情节基本上都沿袭着大同小异的模式，或是主人公以一个“目的”上路，随即电影介绍主人公路上所发生的一系列事件，全片有一个较为统一的线索，那就是对目的地的抵达。或是介绍主人公与其出行的同伴，介绍其一路上友情、爱情等关系的发生或改变。以电影《人在逋尽肺例，影片中李成功与挤奶工人牛耿之间经历了飞机、火车、巴士、拖拉机、轮船等种种交通工具的转换，在一路的颠簸之中，二人从原来的陌生人变为好朋友。李成功对牛耿的态度，从厌恶转变为对他真诚和乐观的感动。但是当旅途结束，两人势必要回归到原来的生活轨道，牛耿所代表的讨薪农民工与李成功所代表的大款这两种迥异的社会阶层之间，依然存在着不可回避的矛盾。尽管李成功的婚姻问题在影片中得到了解决，但是更深层次的问题则随着路途的结束而被搁置。与其说电影以两人在非常态下的友情而感动观众，不如说那种“春运”时的归家情结更能引起观众的共鸣。
（二）中庸化的处理问题模式
对于公路电影来说，人一旦进入到了公路这一与速度有关的技术型媒介之中，就意味着进入到了一个奔驰劳顿的状态之中。人所面临的环境是陌生的且不断变化的，而不同的人也会在路上的各种遭遇中做出不同的关系到人生的选择。与西方公路电影中人物往往具备极大的叛逆性、反抗性和决绝性不同（如《末路狂花》中的塞尔玛和路易斯尽管可以选择向警察自首，但两人先是选择了逃亡，最后在无路可走的情况下将车开下了悬崖，以表示宁死不愿意失去自由的决心），中国公路电影的主人公在处理重大问题时往往更倾向于一种保守、温和的中庸化处理模式，缺少极端的抗争，并且电影中往往会特别突出人物强烈的思乡情结。以《芳香之旅》为例，当主人公春芬在老式汽车上走这一段旅程之时，距当年情窦初开的年龄早已又经历了数十载的沧桑，内心已放下了对于刘奋斗以及师傅兼丈夫老崔之间的恩恩怨怨，对于时代带给她命运的残酷捉弄（失去爱人，与师傅一起过了数十年的无性婚姻生活）也早已释怀。这种处理问题、面对生活的方式，恰恰是符合中国人特有的生活哲学的。
（三）社会化与责任化的倾向
严格来说，社会化与责任化并非国产公路电影的特点，而是经典公路电影中的必备元素。但是相较于其他类型片来说，国产公路电影在叙事中反映这方面问题的密度，又使其足以成为国产公路电影的审美特征之一。同时，由于社会背景以及审查制度存在的客观区别，国产公路电影中涉及的社会问题，也与欧美经典公路电影中的吸毒、同性恋、暴力犯罪等问题存在着显而易见的区别。以根据真实事件改编的《落叶归根》为例，片中民工老赵因为一句承诺，千里迢迢地背着工友老刘的尸体回老家，一路上备尝艰辛。观众也在这条曲折的公路旅程之中，洞见了国人的落后、人群的冷漠与社会的黑暗。正是出于对法律的无知和对情义的重视，老赵才会选择千里背尸这条艰难的还乡之路，在路上成为一个渺小而卑微的移动小点，也成为一个审判他人道德的参照物。当长途汽车上的人因为老赵的故事而摆脱劫匪后，却心安理得地将老赵和老刘的尸体赶下汽车扬长而去，人性怯懦和自私的一面一览无余。而老赵在途中的奇遇，也是对中国社会中的问题进行着无情的镜像呈现，如孤苦的老人提前举行葬礼，老板给工人付假钞，大学生鄙视捡破烂供养他的母亲，等等，均旨在引起观众的反思。
三、国产公路电影的类型化之路
国产公路电影相对于其他类型片来说起步较晚，但是就其目前的发展势头来看，整个社会已经给予其应有的滋生土壤，公路等基础设施建设与汽车等交通工具的普及为公路电影的发展奠定了物质基础。而在精神上，中国人的价值观念从20世纪90年代开始发生转型，不少人进入了一个困惑、迷惘乃至需要在漂泊之中寻找出路的心理状态。在这样的情况下，公路电影逐渐成为一种成熟的艺术表现形式进入到国产电影类型片的序列之中。
（一）对本土特色的挖掘
国产公路电影不断地借鉴好莱坞和欧洲等国同类电影中的宝贵经验，同时由于中国电影人具备发展的眼光和创新意识，因此能够对中国本土的空间和人文特色进行挖掘，从而使国产公路电影获得持续的发展动力。如果说《红色康拜恩》中关于农忙与收割机的表现还不具有代表性的话，《人在逋尽分械呐┟窆ご航诜迪绱蟪保《落叶归根》中刘全友那永远回不去了的早已变为水库的三峡故乡，《赖小子》中贫穷、落后、闭塞得让人看不到未来的煤矿小镇，《芳香之旅》中因为所谓的“流氓罪”就迫使一对情侣天各一方的社会状况等，都是极具本土特色的。还有一些公路电影对真实的地名进行了隐藏，但仍然是融入了中国特色元素的。例如，在韩寒的《后会无期》中，主人公的家乡东极岛是一个虚构的地名，但是岛上所发生的原本要被强拆，随后因一本书的出名而瞬间变为了人满为患，以所谓“情怀”带动经济的旅游胜地等情况也是国人所熟悉的景象。
（二）实现类型上的创新与突破
电影的类型化并不意味着该分类下的电影都要以相同的面貌或形式出现，电影的内容随着社会生活的发展、历史的变革而不断发生变化。国产公路片在类型化的过程中也在不断地自我突破禁锢。从《落叶归根》开始，公路片就走出了《走到底》所奠定的悬疑、破案的自我禁锢。而随后的几部公路电影中，喜剧元素、古装元素的加入，更是一种对类型多元化的有益尝试。以《天下无贼》为例，影片中不仅具备了浓郁的喜剧风，还加入了武侠元素，在狭小的火车、隧道上的打斗，主人公以小偷特有的工具刀片展开生死的搏击，成为电影的一大看点。
（三）对模仿痕迹的摆脱
