时间：2023-07-18 17:32:52
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇动画电影场景分析，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
[关键词]动画电影；美术造型；动画角色；启示
由于动画电影在我国的发展历程还不算太长，因而我国动画电影人是在不断吸收国外优秀动画电影制作经验的基础上进行学习与探索，尤其是在动画电影美术造型方面颇受益于日美动画电影的影响，这在一定程度上有助于促进我国动画电影的发展。对于我国动画电影美术造型设计者而言，日美动画造型设计的样式及风格给予他们非常多的启示，在学习与模仿基础上我国动画电影美术造型设计者坚持创新的设计意识，因而我国动画电影作品便具有明显的民族风格以及原创性，同时还逐渐形成了自身独有的动画电影美术造型语言。由此可见，立足于我国优秀的民族传统文化是我国动画电影在世界动画电影市场上保持有利竞争优势的保障，而世界优秀的动画电影美术造型则是我国动画电影发展中充足的养分。我国动画电影在世界各国动画电影美术造型的启示下，将民族特色与时代审美相结合，进而设计出既具有鲜明中国特色的动画电影造型，又满足了不同国家观众的审美情趣，因而我国动画电影能够实现稳定、可持续的发展目标。
一、动画电影美术造型及其特征
（一）动画电影美术造型
顾名思义，动画电影美术造型即指所有动画元素的美术设计，包括动画角色、动画场景、动画色彩等，完成这些动画元素的美术设计时，一部动画电影作品的基本构造才初步告成，这样才能进一步开展后面动画制作的工作。如此可见，动画电影美术造型在整部动画电影制作中发挥着不可替代的重要作用，在动画电影美术造型设计中融入了导演的创作构思、故事的核心思想以及美术设计者的创新，因此每一部动画电影作品才会那样的与众不同。而动画电影美术造型能否赢得观众的喜爱，很大程度上取决于美术造型设计的艺术风格，而这种艺术风格的体现又受制于动画电影美术造型形态特征的影响，特别是动画角色这个重要元素的形态特征发挥着关键功效。于是乎，我国动画电影美术造型设计者应深入分析与研究国外优秀动画电影作品中美术造型的形态特征，进而启迪我国动画电影美术造型设计的进步与成熟。
（二）动画电影美术造型的形态特征
1.以个体角色为本
在一部动画电影作品中，动画角色是主要的构成元素，动画电影美术造型的设计都需要以个体角色为本，进而来设计出与动画角色相匹配的美术造型，如动画角色的外形、性格、服饰、场景、道具等设计。在早期，我国动画电影美术造型设计者在设计动画角色形态时运用二维平面技术，遵循着一定的线条勾勒原则与色彩运用原则，因而个体角色的造型塑造往往过于粗略及模式化。因此，“单线平涂”是当时我国动画电影美术造型设计的通用法则，具体表现在线条与色彩的使用上，角色外形的设计是通过不同线条的组合来实现胖瘦、高矮的造型塑造，由于当时主张使用柔和线条来勾勒角色外形的原则，所以早期的中国动画角色造型棱角凹凸并不十分明显。此外，在动画个体角色造型的色彩上，我国动画电影美术造型设计者严格遵循着传统美术中五色元素的组合形式，以不同颜色的组合来实现对动画个体角色的色彩搭配，从而展现出我国动画电影美术造型的民族艺术风格。以《大闹天宫》这部动画电影作品为例，在孙悟空这个动画角色美术造型设计中设计者利用柔和线条模拟了真实猴子的外形，在色彩上也采用五色搭配的色彩处理。
2.其他外在因素为辅
成功的动画电影美术造型设计还需要其他外在因素的辅助与烘托，其中故事题材、故事内容是否极具吸引力也会影响动画电影美术造型的设计效果。因为动画角色的造型设计、动画场景的造型设计等都是依托故事题材与内容来决定整体的设计风格，故事题材与故事内容影响着动画电影美术造型的形态特征。一般来说，我国动画电影作品中的故事题材与故事内容都是创作者根植本土文化与生活的产物，许多神话故事、民间传奇故事、寓言故事、文学作品等都可以成为动画电影的故事题材，此外现实生活的点点滴滴也是创作者提取故事题材的资源。这些本土化的故事题材为我国动画电影披上了明显的民族特色外衣，同时也丰富了我国动画电影美术的造型设计语言。现今，为了增强我国动画电影作品的竞争力，我国动画创作者正努力扩宽动画电影的故事题材，以丰富我国动画电影的类型，尝试不同的动画电影美术造型设计风格。其次，为了加强我国动画电影作品的看点，我国动画创作者注重在故事内容上下工夫，跳脱模式化的故事情节与人物关系设置，以设疑、交叉的创作思路来设置动画电影中的故事情节与人物关系，从而辅助我国动画电影美术造型设计实现全新的突破。
二、我国动画电影美术造型的发展启示
一、动画影片分镜头的含义及重要性
（一）动画影片分镜头的含义
动画影片分镜头，它根据文学剧本或者拍摄大纲的内容和导演的意图，按照蒙太奇原理和动画艺术的要求，经过选择和调配，运用剪辑手段将若干镜头组合起来，形成生动流畅的镜头语言，进而完成动画电影的创作。
（二）动画影片分镜头的重要性
1.体现叙事性
电影创作者都需要重视形象的表达技巧，以及在信息中展示深刻的时代内涵，将一些媒介形象的时代内涵有效的应用，把握各种结构方式和叙事方式，从而创造性地发挥形象的造型功能和艺术魅力。
2.体现创作意识
单一的景在画面构成上并不具备很多意义。一个好的电影是离不开角色塑造的，在这个皮克斯动画电影中有着众多形象深刻的人物。?@些深刻而又形象的人物将皮克斯动画电影的主题和思想传递给了观众，可以说正是这些成功形象的塑造促使了皮克斯动画电影的成功。形象的思想传递作用，就是通过媒介形象的时代内涵来实现，形象媒介的时代内涵，就是创皮克斯动画电影创作者利用信息、背景、人物等元素的呈现，来实现自己的创作意图和思想，通过不同的信息表现手段以及主观信息来实现用信息表达情意的作用。情感是永远不退的潮流，也是皮克斯动画电影向往和追求的，这种情感也给作品带来了新方向，这种生生不息的力量也能给皮克斯动画电影传达一种精神。
二、动画影片剪辑与镜头语言的运用
（一）镜头剪接点的准确性
镜头的剪接点准确地把握是实现动画影片剪辑和镜头语言之间最基础的手段。在做好镜头剪辑的精准性定位时候，主要是需要从画面和声音两个主要的版块来实现。
1.画面剪辑点的准确性
第一，表情是一个重要的参照点，由于在电影的节奏和情节推进过程中，主人公的神态表情是其内在心理活动的外在呈现，是人情绪的外延，是结合其外部动作一起推动剧情发展，控制影片节奏的要素。例如：皮克斯善于用精准的镜头语言进行叙事和描绘人物心理，带有戏谑和夸张特征的动画表演，快速、流畅却大众化的镜头剪辑，这是皮克斯电影既迎合大众口味又保持自身风格的基础。
第二，人物的主体动作是重要的剪辑点参照。人物的活动是推动剧情发展的关键，在影片是叙事中，行为动作发挥了重要作用，一些特定的生活情境以及日常行为动作都是固定的，根据这些具体的行为动作，控制剪辑要点。在一些没有对白的场景设计中，要更加重视人物的动作在画面引导上的作用。发挥人物主体动作和整体剧情的结合以及主题的表达来进行剪辑点的控制也是关键的。
2.声音的剪辑点的准确性
第一，对白剪辑点
从皮克斯动画电影的出现到现代形形的影片，已有了近百年的历史，在随着时代不断变化发展的过程中，皮克斯的电影也在不断地发生变化，无论是从其音乐的形式和旋律，种类都逐渐地增多。人物对白作为动画电影中最重要的一个组成部分，在推动影片的剧情发展以及整体的叙事方面都发挥着重要的作用。
第二，音乐剪接点
电影是一种艺术的表现形式，它的发展和运用都离不开声音、影像、文学的运用。声音和电影关系密切，不可分割。声音对电影的直接影响和作用是不可否认的。而电影的主题的呈现和渲染、环境的渲染、人物形象的塑造都是需要声音的辅助，才能实现。影片把童话故事情节和音乐结合在一起，使人们被美好的童话故事吸引的同时，也沉醉于美妙的音乐之中，音乐的魅力在影片中展露无遗。每一次有新的角色出现，歌声给了同伴们力量，同时也深深地感染了观众。在影片中，歌曲不仅深化了故事情节，同样有感染众人的特点。
第三，音响剪接点
音响作为电影的一种重要组成形式，在电影的艺术中扮演着一个重要的角色。而要较好的表现电影作品就离不开重要的影片音响运用表达方式就能有效地实现感情发呈现。声音和电影关系密切，不可分割。声音对电影的直接影响和作用是不可否认的。而电影的主题的呈现和渲染、环境的渲染、人物形象的塑造都是需要声音的辅助，才能实现。例如：《机器人瓦力》中，片瓦力和EVE初次见面后，瓦力尾随EVE观察她及被发现后的一系列出丑场景。远景镜头由上到下，瓦力站在远处注视着EVE的搜查活动《It Only Takes a Moment》的前奏开始响起镜头切换到EVE用光线检查工作，远处瓦力 偷偷露头，EVE回头发现，瓦力惊慌失措，一系列音乐将画面有效的连接起来。从这部经典的皮克斯动画电影中我们可以看到皮克斯动画电影中音乐特点的一个缩影，那就是皮克斯动画电影中的音乐都非常具有喜剧性和时代性。
（二）镜头组接时空观的准确性
每一个时代的皮克斯动画电影都非常符合时代大背景，真实地反映了皮克斯动画电影产生的那个时代的人们的精神状况和音乐水平。
1.时间顺序
在时间顺序上主要包括了时间顺序、倒叙式时空结构、从过去事到现实事、交叉式时空结构、多情节的交叉等几个重要的模式；还包括了有限时空和无限时空，无限自由的时间和空间局限，影片放映时间和银幕屏幕空间，无限叙述故事方面；有限表现故事方面。
2.空间顺序
在镜头组接过程中，必须把握空间距离、环境气氛、时间速度以及人物动作、语言、情绪等等，使时间和空间的变化符合艺术的真实，充分保证时空观的合理性。
（二）镜头组接性的逻辑性
1.镜头转换的逻辑性
镜头转换的逻辑性主要是要遵循几种要逻辑关系，包括：动画电影的整体的故事的情节以及主题的表达，这也是最主要的逻辑关系，关系到整体电影的发展和推进；动画电影中各种人物线索以及类别的逻辑关系，人物是推动剧情发展的关键，他们的逻辑关系也需要重视；时间和空间的正常逻辑，一般电影在推进的过程中都是遵循一定的时间和空间的顺序，尊重这些因素才能保证动画电影在表撒上不会出现问题。例如：非《飞屋环游记》开头的蒙太奇短片莫属了。执子之手，与子偕老。傻小子和疯丫头从相识到相恋、成婚，一起成长老去，描绘蓝图，经历快乐、悲伤、病痛、生离死别。
2.场景变化的逻辑性
场景是比镜头设计的元素更多的一种表达，要实现场景变化的逻辑表达，就主要是遵循一些客观的表达规律：符合生活逻辑，由于动画影片也是源于生活的艺术创造，遵循生活逻辑是最基础的；符合人们的视觉逻辑，电影是视觉艺术，要保证场景变化有逻辑性，就需要从视觉原理出发，根据人们具体的观影心理做出调整；保证叙事的连贯性以及情感的延续性也是场景转换需要重视的逻辑因素。
3.片段的逻辑构成
线性的表达是一般的动画影片在剪辑时遵循的原则，电影的主题叙述表达是电影的核心。片段以怎样的方式来呈现，都是以服务电影的中心思想和主题来服务的，越配合主题的表现，越发人深省才越具有价值。
三、动画影片分镜头剪辑与节奏原则
各个国家的电影业也在蓬勃发展，皮克斯的知名度是众所周知的，本文就迪斯尼动画电影的音乐的特点进行分析，以期获得一个系统的总结，为皮克斯动画电影后续研究的发展尽一份微薄之力。皮克斯动画电影发展的繁荣期均伴?S着美国发展的低潮，由于其特殊的历史背景，其在很大程度上鼓舞了人心，给人们面对困难的勇气和力量。
（一）掌握动画影片节奏的重要意义
1.掌握动画影片节奏促进情感功能发挥
因此可见电影作品节奏运用对于发挥电影作品起着画龙点睛的作用。每部动画片，皮克斯一般选择一个内容为主体，围绕主题展开讲述。动画电影主要讲述的是“爱”的主题，每一种故事场景的设定，故事情节的安排都围绕“爱”展开，向观众展现了在“爱”的世界里，人们强大与无畏。皮克斯其他作品也都有这样的表现，这是每个观众都可以深刻感受到的。艺术作品的价值在于它的灵魂，而皮克斯动画中每个人物的心理活动就是他的动画灵魂所在。专心研究一只失去超能力的狗狗在面对生活中的变化，面为未知的未来的时候所表现出来的行为习惯，进而，作者将自己感受到的情感心里运用到动画中，而且在皮克斯的动画中，正面人物与反面角色在性格特点上反差很大，每个人都有自己的突出特点，我们很难从皮克斯的动画中找到性格相同的两个人物，这些百态的性格反映出来的是人类的广泛性格，所以，也会更容易让观众角色代入，深刻体会。
2.掌握动画影片节奏有利于叙事功能发挥
影片节奏运用越符合人民所想，越配合主题的表现，越发人深省才越具有价值。画面感与一般电影不同。一般来说，我们看到的电影都是真实拍摄的，以自然场景为基础，即使是剧组自己搭建场地，也要受到自然因素的影响，而因为皮克斯的电影是动画电影，所以他可以随意构想自己需要的色彩，自己喜欢的物品形式，在遵循一般规律的基础上可以任意发挥。我们可以看到清澈的溪水，一望无际的草地，这样比任何的现实电影更美，更体现出人们对自然的向往。因此，乌黑的石油，湛蓝的天空，青青的草地都是皮克斯笔下创作出来的独具特点的景色，另外，在他的动画中，我们也可以看到生活中看不到的场景，人物，画面，这些元素不同于好莱坞大片中的特技制作，它在给人视觉冲击的同时，更重要的是表现出一种真实的温和的感觉，比单纯用技术做出来的画面更能打动观众。
（二）决定动画影片节奏的主要因素
1.客观因素
动画影片节奏的呈现就是需要用电影语言来表达。电影语言包括音乐、情节、镜头等多种因素的配合使用。美国主题电影具有大众化的特点，不拘一格、表达自由，贴近人们生活，这是美国电影主题日益吸引观众的主要原因，而这刚好是国内电影主题的弱点所在。国内电影主题正在以势不可挡的趋势速勐发展，到今天已走向世界，勃勃生机。但是电影主题这一领域的整体水平还是有待提高的，国外大片的长驱直入对国产影片片有很大的冲击，所以国产电影片必须以观众的需求为主导，加快创作步伐，使电影主题道路的发展会更加辉煌。
2.主观因素
决定动画影片节奏的主要因素包括编导、摄像和后期制作的制作好和创作思路，运用一种或者多种表现手法，以服务动画影片主题表达为目的，选择好的故事、采用引人注目的故事化叙事手段，进行合理的悬念设置和兴奋点设置；对需要故事重现的情节进行人物扮演、补拍、摆拍等手法，来叙述真实的故事。
（三）营造动画影片节奏的剪辑手段
1.叙事节奏的把握
叙事节奏在引导观众的情绪上有重要的作用，由于动画影片的视觉呈现中，观众的注意力和感受都是通过画面形成的，镜头的张力就自然会给受众的观看带来重要影响。
2.画面元素处理
动画影片是视觉的呈现，在观众面前呈现出的视觉美感会直接影响到电影主题的表达。画面感强，色彩清晰，它在给人视觉冲击的同时，更重要的是表现出一种真实的温和的感觉，比单纯用技术做出来的画面更能打动观众。
关键词：中国动画电影;商业化;发展优势
一、《宝莲灯》动画片介绍
这部动画电影的故事取材于中国民间神话《劈山救母》，是上海美术电影制片厂1999年拍摄制作的。这是中国电影制片厂继《大闹天宫》、《哪咤闹海》、《天书奇谭》、《金猴降妖》之后又一部动画长片。影片讲述的是小沉香劈山救母的传奇故事，在各个环节上都采取了与国际接轨的动画片制作方式，尤其在音乐制作上，邀请了中文歌坛的巨星级人物来演唱片中的三首歌曲，将精美的电影画面氛围营造得更加婉转动人。成为近年来中国平面动画电影的代表之作。
二、《宝莲灯》的成功
2.1商业化运作的成功
电影的故事从中国家喻户晓的神话故事中来取材。该片由国家一级动画设计师、导演常光希执导，著名电影导演吴贻弓担任本片艺术指导，著名作曲家金复载任音乐总监。该片总投资1200万，历时四年后才露面。全片前后共有超过300位工作人员参加制作。总共绘制逾150000幅动画画面、2000余幅背景，镜头2000多个，全片人物近50个。这部耗巨资精心打造出的中国美术电影精品，一经推出，就受到疯狂追捧，创下上亿元票房。堪称中国动画电影之最。《宝莲灯》动画人物的配音与音乐的配置是促成影片成功的一个重要因素，独特、有创意。整部影片音乐旋律十分讲究，配合上高科技的动画场景制作，留给了音乐十足的展示空间，体现出了不同以往的精良制作的趋势。给观众带来了优美、深厚、婉转的视听氛围。
2.2动画场景制作精良
全面学习好莱坞动画场景的制作的同时也保留了民族文化内核，全片对动画制作的每一道工序都进行了细化分工，在人物形象和场景的转化切合上，都下足了功夫。为了让影片的场景更具有艺术性和形象化，主创人员在西双版纳、敦煌、宁夏、西安、华山等地区取景和进行素材收集，比以往的动画片更加给人带来赏心悦目的效果。在场景与实景的结合制作上，一幕幕经典片段给观众带来了视觉上的享受：沉香与母亲泛舟湖上、顽皮的沉香与母亲坐在船头，小舟划过满满的莲花，这一幕使观众体会到了美好的母子情，也是沉香心中温馨的回忆。影片中人与景的处理也十分讲究，沉香寻母道路上的酷暑骄阳、激流险滩；又如跋涉在金色的沙漠上的沉香，随着镜头推移逐渐化为地平线上的一个点，这是写实与写意的一种巧妙结合，使影片达到了情景交融的境界。影片开头时三圣母与刘彦昌的爱情故事被低沉的男画外音娓娓道来，但是转眼就是一阵阴霾狂风，一段凄美的爱情就被这样巧妙地形式带过了，画面上的视觉反差与剧情的快速进展形成同步，抓紧了观众的心，观众自然担忧起了沉香的命运，不由自主被带进了《宝莲灯》的故事。
2.3对传统神话故事的继承和发扬
这部动画电影根据动画美术片特定对象群体的审美需要，对原本的神话故事进行了适当的增加和删减。影片突出了主人公沉香的曲折经历，着重描述沉香寻母、救母的曲折经历，突出了沉香历经磨难之后的成长过程。观众在观影后领会了美好的亲情、少年的勇敢、孝子的智慧。影片主题揭示了永恒的爱与真诚、勇敢智慧与美德。运用勇气和智慧才能使宝莲灯人灯合一，铲除邪恶、维护正义、救出至亲。也教会了大家只要精诚所至，金石就能为之而开。影片在民间传说的基础上增添了小猴、嘎妹等人物，通过叙述他们相互依靠，共患难的友好情节，来向观众传递友情珍贵这一观点。还增加了经典人物孙悟空，使得沉香劈山救母的过程更加曲折、动人。
三、对中国动画电影发展的建议
3.1新颖的故事与创意性
商业电影一般会设置几条互相交替的线索，情节上急切推进，在紧张的氛围下叙述完精彩的故事。从一系列优秀的中国动画影片可以看出：明确的故事主旨可以牢牢把握住观众的心。同时配合上精彩的创意段落：电影中安插许多线索使观众对接下来的情节会更加期待。如《宝莲灯》中沉香走过桥头，镜头一转，桥栏上的石柱变为了一只小猴，在原有故事的基础上增添的人物使得剧情更加丰满，这令人惊喜的一幕充满了创意性。到了影片中间段，没有母亲陪伴的沉香却有了小猴和嘎妹的陪伴，虽然路途艰辛却拥有忠实陪伴的朋友。在传统的故事上适当融入现代的元素，充满了创意性的同时又不会使传统的故事主旨单一。
3.2加强角色的刻画
丰富多样的人物类型也是我们动画电影创作的优势之一。对角色的刻画是影响故事艺术性的一个重要因素，目前我国动画电影中的部分人物刻画单薄，除了孙悟空、哪吒等人物外，缺少了一些深入人心的动画形象。从《宝莲灯》中反派人物的创作来进行借鉴。在影片的一开始，二郎神看似被简单塑造成了一个只是听命于天庭的冷酷的大将，完全看不到心理变化与情绪波动，但是其脸部冷色调的配色，试图靠近沉香时的语气，配合上背景音乐的节奏，都代表着二郎神心中的挣扎与无奈。二郎神因其是充满矛盾的特性有别于一般传统的反面人物，压在山下的是自己的亲妹妹，而他自己也有过劈开桃山救母的传说，面对着和自己拥有相同命运的沉香，但是代表天庭的他又必须亲自动手来对付自己的外甥，他的心中一定充满了非常矛盾的情感。神仙也应该是拥有感情和内心活动的。影片中没有将所有罪责都安排在了二郎神身上，避免了人物刻画显得过于脸谱化。将二郎神这个角色刻画的饱满鲜活，这便是角色塑造的成功之处。《哪吒闹海》中的冷酷的龙王则也是以冷色调为主题，刻画出一个狠毒的反派形象。国外经典动画片《狮子王》中，也可以看到各式饱满鲜活的角色：如主角辛巴，或者是作为反派角色的刀疤等等。反派角色都是起着推动故事的关键作用。反观国外动画电影中的反派角色，《狮子王》中的刀疤，一开始屈服于穆法沙，接着诱导辛巴陷害穆法沙企图夺取王位，最后与成长了的辛巴决斗，一幕幕将他的虚伪、卑鄙、奸诈、狡猾表现的淋漓尽致。对人物的造型和性格上进行更深入的研究，将传统和现代结合起来，如孙悟空的紧箍咒、红裤子与金箍棒的标志性外形特点结合塑造了这个鲜活的角色。色彩和传统元素的搭配有助于更好地发扬中国民间故事中的人物的艺术性和独特的魅力，争取创造出更多深入人心的动画角色。
3.3呈现更加丰富的传统文化
在经典的中国动画电影中能感受到中国丰富的传统文化内涵。深厚的传统文化底蕴代表着我们拥有巨大的动画创作空间，在这得天独厚的优势下，我们应该好好把握，用丰富的素材来谱写动人的故事。取材于传统民间故事的影片中出现的一些场景如宫殿建筑、母子在荷塘泛舟、民间艺人街头表演等，这些古代场景都能够很好地传递我们丰富的传统文化。带有中国风的色彩也对意境表达起到了非常大的作用，《大闹天宫》、《哪吒闹海》等影片中的色彩对传统艺术的表现力都是值得我们深入研究与探讨的。中国的水墨画、民族乐器所演奏的音乐都可以融入使用到动画电影中，为电影赋予更多的民族风韵。中国还有很多值得我们去挖掘的丰富民间文化和素材，将它们收集运用起来，动画的整体意境与色调都可以呈现出更加丰富的艺术表现性。
3.4创作手法的与时俱进
在中国传统动画精品如《大闹天宫》、《哪吒闹海》中表现出十分完备的空灵流畅的动画运动之美，《大闹天宫》中孙悟空的动作中体现了中国国画追求的行云流水、衣带当风的审美效果和古典戏曲对动作韵律感以及韵味的追求，设计这样的运动形式，更形象地传达出孙悟空这个角色的横空出世、洒脱不羁的精神特点。但部分动画电影中的人物还存在着动作僵硬，不能流畅地融入剧情的不足。因此，只有更好地将动画电影艺术特性灌注于动画中人物运动形式的创造上，结合上与时俱进的创作手法来叙述完整精彩的传统故事，从而抓紧观众的视线发挥动画电影的艺术特色与魅力，有助于对画电影的创作质量进行全面的提升。
四、中国动画的发展前景
从《宝莲灯》在平面动画中的成功试水后不难看出，中国的动画电影正走在一条光明大道上，因其商业化运作的成功，成为了国产现代化商业动画电影的领军之作，这是一个好的势头。虽然一些中国动画目前还没能很好地把握住发展方向，但是我们的学习能力很强，可以慢慢克服技术上以及表现上的问题，并且在电影的故事性和节奏上进行更好的把握。纵观其它各国发展较好的动画：美国的动画电影具有其特有的商业娱乐性和领先的高科技和创意，动漫形象令人震撼且深入人心；欧洲动画电影致力于动画艺术的表现；日本动画电影则致力于对风景对人物对内心世界极其细腻的刻画和升华。各个国家都有值得中国动画思考学习之处。动画发展的历史不同也就会导致不同的动画风格，中国动画电影应该立足当下，努力找寻到自己的风格。如何将我们的动画电影做出自己独特的风格：是继续从丰厚的传统题材中寻求新意，还是创作出符合时展的为大众所接受的现代动画？在提高故事的艺术性的同时也能用好的技术形式将故事更好地呈现出来，我们要从打下一个好的基础开始，我们的动画之路还有很长的过程等待着我们。
五、结论
[关键词] 虚拟技术；动画电影语言；动画；发展；突破
生活中，人们认为看到的影像与生活相似，具有同样的运动节奏和模式。事实并非如此，几百年前科学研究证实电影是一种视觉上的“幻象”，是些跳跃的动作定格。这种现象的产生是人类眼睛的一种特殊功能——物理学称之为“视觉暂留”。根据这种特性，艺术家们通过逐格拍摄、连续放映等方法将原本分离的画面制作成了影像，这就有了电影这种艺术表现形式。
从本质来讲，动画和电影同本同根。电影语言研究大师周传基认为：“电影是运动的艺术，是记录运动。”①动画相比实拍电影，又有其特殊的存在意义。艺术家诺曼·麦克拉伦认为：“动画不是‘会动的画’的艺术，而是‘画出来的运动’的艺术，每一格画面与下一格画面之间结合所产生出来的效果，比每一格画面本身的效果更为重要。”②记录运动是二者的相同本质，所不同的是电影研究现实中存在的运动；而动画是设计师对现实进行分析理解并加以想象力进行再创造过程。动画艺术集大众通俗文化与潮流、创新精神于一体，带有强烈形式特性，汲取了绘画的感染力、艺术设计无边的展现空间，并运用大众最容易接受的漫画卡通表现形式，动画有着电影本身无法比拟的创作和表现空间。21世纪随着大众对视听效果的要求日益增强，越来越多的视听艺术形式都采用动画手段提升视觉效果，特别是非常规性镜头语言的设计与运用，动画艺术都有着很强操控能力与表现可能。这种可能性的实现一方面由于动画二次创作的性质，另一方面也依赖三维虚拟技术日新月异的发展与突破。
一般说来动画由多种技术和表现手法完成，分为二维手绘动画、三维电脑动画和定格动画等。伴随着电脑软、硬件等方面的飞速发展和推进，无论哪种形式的动画创作甚至实拍电影都引入了三维虚拟技术，并逐渐占据了商业市场的主流；如迪斯尼、皮克斯等动画制作帝国也将三维动画制作视为目前动画电影创作的主要方向，动画电影语言在这种大环境下开辟了极其广阔的发挥空间。
动画电影的电影语言方面三维虚拟技术的发展使动画电影语言实现了大致以下几方面的革新与突破（为了直观效果，这里将传统二维手绘动画和实拍电影作为对比对象）。
一、镜头运动的丰富性和无限制性
超越了二维手绘动画和实拍电影 在电影语言特别是镜头运动方面传统二维手绘动画使用方式与实拍电影类似，都是采用“推、拉、摇、移、升、降”几种方法混搭的常规性设计，原因有几点：一是二维动画的制作过程和手绘技术的限制，特别是大运动量或全方位镜头，流畅度很难掌控。二是实拍电影受时空对应和场景布局等限制；如多角度或连续镜头表现个别情节或全景场面时很难达到预期效果。这些问题在三维动画虚拟技术中迎刃而解，其电影语言不仅实现无限制追踪目标，而且虚拟摄影机可以在任何视角、方位和时间随意的放置，运动轨道也随心所欲设计。提供了角色运动的空间性和可能性，多个角色间或角色和场景间的互动具有超高的切合度，这样可以完整地将各类影像所需要的镜头不受时间、空间以及任何自然条件的影响由一个团队制作完成。
另外，三维虚拟技术发展让动画师逐渐了摆脱实际摄影的限制。目前被广泛应用的建筑场景漫游展示，就是运用三维动画虚拟技术全景模拟大型建筑物，利用镜头跟踪技术，展示建筑物的内外环境、建筑模式以及独特细节等；甚至可以用一个长镜头从头至尾地展示所有内容。不仅让观众有置身其中的参与感，而且可以全方位、多角度、纵身感地展示整个环境和空间，这是任何实拍电影和手绘效果图都无法呈现的带有预知性的一种视觉冲击力。
二、实现二维手绘动画难以表现的
全景立体空间场景及超现实的角色运动 二维手绘动画的创作方法是背景与角色分层绘制，由于制作空间是平面的纸张，需要通过角色穿插走位和多个方向的运动来营造空间的立体感，而大场景中多角度灵动的运动效果就需要动画师具有较高的技术和表现能力，造成了制作成本的大幅增加，因此相当多的二维动画影片会弱化人物和景物交错的镜头调度。典型代表是日本动画影片，多使用具有动感的停格镜头的切换来表现运动过程；可这种方法已不太适应目前大众对视觉效果的要求。三维动画技术在这方面可以说优势明显，虚拟技术搭建的场景是立体的三维空间，人物和景物是立体存在，可以在整个空间随意运动；镜头调度和设计更加自由，视觉享受不受任何限制。这种优势下，三维虚拟动画技术中的角色与场景的互动性明显增强，镜头语言更丰富、更繁复与炫目。如史克威尔公司出品的十几部系列游戏和电影产品《最终幻想》里多种类镜头的综合使用不仅是对动画电影语言的极大丰富，也是对其发展的极大促进；无论是二维手绘动画还是实拍电影都是难以企及的。
目前，很多二维动画和实拍影片将三维场景结合到制作当中，实现丰富的视觉效果。如二维绘制的角色动作通过后期制作融入到三维场景中，也有实拍电影通过在蓝屏背景下拍摄角色打斗等激烈动作镜头，后期通过三维技术来虚拟各种场景，达到完美的立体视觉效果。特别是影视广告，大多都是通过这种方法来拍摄的，一是能够达到更加逼真的视觉效果，二是节省制作费用最有效的途径。
三、创造了实拍电影和二维手绘动画电影
无法想象的完美光影和绚丽色彩 在二维手绘动画里，光影变化和色彩表现是手绘的，与现实生活中有一定差距，难以表现实际光影的逼真细腻；操作的可复制性要将影片使用的颜色控制到最少种类。③因此二维手绘动画给人的视觉感观是轮廓线条简练、明确清晰；颜色较少且光影简单。而这两个因素是三维动画技术中最具表现力和影响力的，其营造的影像视觉能达到超写实的逼真性和多层次附加效果。虚拟的灯光比现实空间中的灯光更加自由和灵活，做到“不见灯只见光”。三维技术的色彩是通过各种不同材质和色彩做基底，再用属性不同的灯光照射，最后渲染输出足以媲美现实甚至表现想象力所能达到的极致的绚丽色彩；实拍电影中也难以实现这种丰富的效果。因此，迷人炫目的光影变化也成了三维虚拟动画与手绘动画最显著的差别。有些动画师夸张地说：目前的三维技术，只有想不到的，没有做不到的。皮克斯公司制作的《海底总动员》和《赛车总动员》中让人难以置信的逼真的光影效果对影片画面和气氛起到了画龙点睛作用。
电影《阿凡达》的上映从视觉上给全世界带来了无比的震撼，全虚拟技术制作的影片其画面语言的丰富、角色肤质、动作的逼真，特别是光影和色彩的绚烂都可称为巅峰之作。导演卡梅隆说为了实现这个绚丽的光影世界，为了虚拟技术的发展，为了能够完美的展现“潘多拉星球”的无可复制性，他等待了15年。这部影片的制作不仅达到甚至超越了实拍电影的真实性，也实现了三维虚拟技术质的飞跃，不仅带给动画电影语言以突破，更是其未来发展的主要方向和空间。④
四、表现特定环境的镜头语言
及效果特效可能性的突破 二维手绘动画和实拍电影在表现大自然各种现象方面是弱项，欠缺临场效果、直观而真实的视觉冲击力。以前只是通过图片定格再现这些极具危险性和真实环境中难以拍摄到的景致，现在三维虚拟技术完全可以随心所欲的设计和表现，如风、雨、雷、电、云朵、烟雾、彩霞，甚至彩虹与流星、极光等效果；又如再现地震场景、模拟海啸或洪水、龙卷风等。⑤《天地大冲撞》《龙卷风》《明天过后》《2012》等灾难电影不仅延伸了动画家的创作力，也达到了撼动观众心理的视觉效果。以至不单动画，现今的许多实拍电影、广告或影视MV都出现了三维特效创造的令人难辨真假的种种景象。另外，在实拍电影中融入虚拟的不可能实拍到的角色也为观众所喜欢，比如《侏罗纪公园》中的恐龙、《变形金刚》中的机器人、《精灵鼠小弟》里的小老鼠等。
相较二维手绘动画极具绘制艺术性的画面而言，三维虚拟动画营造出的视觉特效更具真实感，这是电影语言的发展的例证；所以现在二维手绘动画中，很多镜头语言也需借助三维虚拟技术来制作。比如迪斯尼出品的动画影片《花木兰》中百万匈奴大军以及梦工厂的《埃及王子》中的两辆马车在狮身人面像的阶梯飞奔、成千上万的奴隶过红海等镜头。
可以说三维虚拟技术在动画电影语言方面已经实现了大幅度的发展和突破，但仍有不尽如人意的地方，如全三维虚拟动画过于追求技术性和逼真性，在镜头语言方面少了些许的质朴性、亲和力以及绘画意境。三维模拟技术虽然能够输出手绘效果，但是手绘作品的痕迹感和临场的创作灵感与表现是无法虚拟的。所以很多艺术动画影片还用二维手绘作为主要表现方式，只是在后期或个别镜头中加入三维虚拟技术做补充，以保持原汁原味的风格化。比如日本影片《千与千寻》和法国影片《美丽城三重奏》等，迪斯尼在不久前推出的回归传统二维手绘动画片《青蛙公主》也获得了好评。
21世纪的脚步节奏快，面对琳琅满目的大众娱乐项目，视觉影像类作品的任务是要在观众第一次接触就抓住其心理和眼球。现今的人们相比动画电影的内涵来说更容易被其外在美所吸引，所以大多数动画电影已经将强烈的视听效果和感官刺激作为第一要求进行市场运作。面对要求越来越高的观众，动画电影的发展必须集合最强的设计团队和各方面的优势资源，才能打造出更多的优秀作品。随着三维虚拟技术的发展，促使电影语言一次又一次的革新和飞跃，实现了超炫的色彩效果、逼真炫目的灯光幻影、强烈刺激的动作变化以及丰富变化的镜头语言，特别是三维虚拟特效技术在实拍电影、广告、影视MV等影像领域的广泛应用，相信大众将会在以后的生活中领略到更加生动的视听饕餮盛宴。
注释：
①②曹小卉、黄颖：《现代动画概论》，海洋出版社，2008年版。
③严定宪、林文肖：《动画技法》，中国电影出版社，2001年版。
④《2011火星课堂》，人民邮电出版社，2011年版。
⑤《世界动画电影大师》，中国传媒大学出版社，2010年版。
[参考文献]
[1]贾否，路盛章.动画概论[M].北京：中国传媒大学出版社，2005.
[2][美]温迪·特米勒罗.分镜头脚本设计[M].北京：中国青年出版社，2006.
[3][美]克里斯·韦伯斯特.动画——角色的运动和动作[M].北京：人民邮电出版社，2009.
关键词：场景设计；动画电影；应用
当人们为一部动画影片的精彩内容而赞美喝彩时，却往往忽略了构成动画电影最重要的场景设计，它包含了剧情中除角色之外一切在画面中出现背景，道具，设置等事物。是创作一部动画电影成功的关键。
一、场景设计基本要求
（一）理清剧本思路
一部电影的灵魂便是剧本，所以在排演一部电影时首先要搞清楚理透彻的也是剧本，对于场景设计来说，它不仅仅是简单地综合民族，艺术和思想等各方面的设计理念而进行的，而是需要场景设计者对剧本经过详细阅读透彻的理解把握之后再进行完整的综合思路创作。因为对于一部动画电影来说，他表现的时代背景，教育意义以及烘托人物形象的目的都是有一定的区别的，因此掌握剧本内容对于设计者来说在创作动画场景时可以更好的创作出符合剧本内容的作品，另外因为设计师需要从各种渠道获得适合剧本布景的相关材料，然后根据剧本整理规划将可用部分添加到设计创作中去，这样才可以使得剧情，角色，意境等达到完美融合。
（二）明确影片风格
每部影片表现的中心思想都只有一个，而设计师在进行场景时需要根据这个中心来展开思路创作，既要是整个电影的整体思路达成一致协调配合，还要体现出该剧本独有的风格特点。所以，在每一部动画影片中都包含着设计师自己对剧本独到的理解和个人设计风格，这样通过对作品的良好掌控力和把握方向感，设计出一部部经典的影视作品。
二、场景设计在影视动画中的重要性
当一部动画影视在剧情已经敲定的情况下，其中的角色和场景设计就成了设计内容的主体。而由上述所说，我们在影片中所看到的除了角色之外所有的画面事物都是属于场景设计的范畴。和角色设计不同的是，场景设计是为了更加完整的展现给观众一个合理的情节，因为人们的思维很广阔，单纯的只靠角色来填补会很枯燥单调，只有通过一系列的场景设计来丰富画面色彩空间，将原本虚构的动画效果慢慢变得清晰实化起来，这样就可以使观众在欣赏影片时剩下遗留的空间部分补充起来，使得剧情中的人物形象和主体更加的鲜明立体。就比如说在《猫和老鼠》中，讲述的是一只猫和一只老鼠在一块斗智斗勇的喜剧情节，整个影片都是采用无声的效果来展现的，这就要设计师在设计过程中更加得把握好全局，整个画面都是在家里发生，只是简单地配上建筑，景物和道具等，就让人忍俊不禁。
三、场景设计的误区
（一）非环境艺术设计
环境艺术设计和动画电影场景设计确实有很多的相似之处，不过二者差异也同样明显。对于环境艺术设计来说，它在表现设计者思维概念时是按人的标准去要求创作的，更注重的是表现其人性化的艺术特点；而动画影视场景设计的关注点却是与剧情和角色的融合，在整个故事为准则的依托下创作的，它的视觉效果更加的丰富，色彩更加的鲜明和多样化。再对比二者的发展方向，前者主要是以人所生活的现实空间为基础，更讲究实用性，而后者则主要是为了融合整个故事情节而进行设计，对带给观众的视觉审美更为关注。
（二）缺乏合理性的设计
每个人都有自己独立的风格个性，但这种自己独有的特性需要用到合适的场合展现才行，在场景创作中也一样，很多时候，设计师往往在表达自己独立的创作思维的同时就忽略了整个作品的协调性，作为一名设计师，自己独特的创作思维很重要，只有一个可以不断创新，给予观众新的感受新的冲击力的设计人才才能不断创作出成功的影视作品，不过当一名设计师一味的追求新鲜的视觉感官冲击性，贪求表达自己的作品概念而将剧本所要表现的剧情和角色都置之不顾，那么只会让整个作品充满突兀感，有时甚至会让观众不知所云，这样的设计在创作中时万万不可的。所以一名真正优秀的设计师是在创作设计时不仅将自己独特思路引入剧情，给观众带来不一样的新奇感，而且还可以让整个情节完美和谐，给人以别样的美感。
（三）创作思路不完整
所谓动画影视作品，就是将剧本、角色、场景等各方面因素融合在一起而创作出非现实世界的构想作品，而为了使得画面效果及人物形象更加的丰满，设计师需要在角色和剧情的基础上补充场景设计，这样才能形成一部完整的动画电影。而对于一名好的场景设计师来说可以在全面掌控整个画面感的同时假如自己独特的设计风格，这样设计出来的作品都是相当成功的，而对于很大一部分设计者来说，盲目追求模仿一些优秀的作品而不考虑自身所要设计的作品是否适合，这样就导致设计出的作品空洞多余，毫无新意。所以作为一名场景设计师，看到好的作品应该取其精华，将它很好的内化吸收，然后再将他合理的运用到自己的作品中，这样才能不断提高自己的设计水平，切不可一味借鉴模仿，这样只能是邯郸学步，一无所成。
四、结语
作为一名优秀的场景设计师，在创作设计前一定要对剧本深入的了解研究总结，做出自己对剧本独到的评价与见解，对整个剧情有着合理的把控，做出适合剧情与角色特点的场景风格设计，使得给予观众的整个视觉感受更加的具体化，完善化，创作出有自己个人独特魅力的优秀的动画影视作品。
【参考文献】
【关键词】欧美；日本；动画电影；异同
进入21世纪后，世界动画电影的发展越发迅猛，尤其是3D技术的欧美动画和2D技术的日本动画，成为了动画电影界的佼佼者。两者在动画电影快速发展的潮流中，形成了自己鲜明的特色。下面笔者将会对二者的异同进行比较分析，为动画电影的发展提供借鉴。
一、欧美与日本动画电影的发展概况
欧美动画自2000年来，以迪斯尼为首的各大动画公司，出品了大量优秀的3D动画电影作品。欧美动画电影作为世界上发展最早、发展最快也是发展最好的动漫大军，经过不断的磨练，已经成为世界动画电影中一支最具影响力，也最具独特性的队伍。欧美动画不仅推动了3D、云储存等高端技术的发展，更是对全球动漫的发展产生了重大的影响。日本动画电影一直深入人心的不是技术上的突破，而是清新的内容和深刻的哲学思想。进入21世纪后，以“国民级动画片”为发展主旨的日本动画，更是赢得了世界动画电影界的认同和赞誉。其中最具有代表性的便是动画电影制作大师宫崎骏，其作品以立意新颖、思想深邃、主题充满哲学意味的特征在全球范围内产生了强烈反应。《千与千寻》更是赢得了奥斯卡最佳动画长片这一殊荣，更是为日本动画电影创造了先河，打下了基础。日本动画电影也成为了世界动画电影界中不可小觑的一股力量。
二、欧美动画电影与日本动画电影的相同点
1.动画电影产业化，高投入高回报
欧美和日本的动画市场非常成熟，拥有系统详细的商业动画的运作模式，在日本，动漫产业更是成为了日本三大经济支柱之一，更是成立了规模庞大的制作公司，拥有高端的技术手段和一大批优秀的技术人才。欧美的迪斯尼公司、梦工厂，日本的吉卜力动画工作室、东映动画公司，都是享誉世界的动画制作航母，不仅创造了高额的经济利润更带来了无价的文化艺术。欧美动画电影在前期制作方面，不仅仅投入巨额的经济支持，更是会配备顶级的设备支持，数百位顶尖的技术人才夜以继日地工作，才能完成一部精美华丽的动画电影。例如《里约大冒险2》里有一幕是布鲁飞到基督雕像上的情景，福斯公司更是实际飞到雕像上考察了一番，可见制作过程的高投入。日本虽没有欧美财力雄厚，但是像宫崎骏等动画大师制作的动画电影，还是会投资数十亿元，耗时经年来进行制作。《悬崖上的金鱼姬》更是画了超过17万张的手稿，这在动画电影的制作历史上绝对是史无前例的。高投入的动画电影也不负众望，屡屡打破真人电影的票房，《冰雪奇缘》更是成为了迪斯尼第七部全球票房超过10亿的电影。《千与千寻》更是以2亿5千万的票房保持在日本影史票房的总冠军。
2.动画电影渲染的手法相同
提到欧美和日本的动画电影，不得不提的就是电影中的视听渲染的表现手法。视觉上，欧美和日本都追求色彩的亮丽，使人沉醉在动画的绚烂上，久久不能忘怀。《马达加斯加3》中在马戏团表演的情节，将CG色彩技术更是发挥到了极致，绚烂的烟火、华丽的服装，强烈的视觉冲击震撼着心灵。《千与千寻》中宫崎骏用手绘和CG技术为人们完美地呈现了一个虚幻又充满生活情调的“汤屋”。用视觉展现了气魄的宏大，想象的华丽，将玄幻童话推上了高峰。听觉上，豪华的配音阵容，强大的原创音乐，让动画电影不仅满足于视觉，更是在听觉上也让观众进行一次饕餮盛宴。欧美动画电影通常会请来好莱坞巨星的加盟，为动画角色进行“神形兼备”的配音工作，使动画角色更加立体化、形象化，为影片增色不少。影片中的插曲更是将本土文化融入其中，使每首歌每段音乐都十分动听，并且将动画角色想要表达的心理也融入唱词中，使观众对动画角色的记忆入木三分。日本的动画电影在配音上更是有国内顶级声优的加盟，让一个个动画角色都鲜活起来，代表着各自的立场，使一句句看似简单的话语，都充满了深长地意味。电影中的背景音乐多为轻柔缓慢的纯音乐，配合以电影中清新自然的画面，带给人完美的听觉享受。以同样在2013年上映的《冰雪奇缘》和《起风了》为例，《冰》中的“letitgo”不仅旋律欢快，令人印象深刻，更将艾莎当时的心理变化展现使得淋漓尽致，推动了剧情的发展，这首歌更是被韩国、中国等多个国家翻唱。《起风了》中宫崎骏与久石让的合作更是达到了顶峰，伴随着相呼应的乐章，沉醉在宫崎骏打造的梦境中。影片中飞机螺旋桨、蒸汽机车、大地震等各种音效全部通过真人拟声完成。主题曲《飞机云》更是在iTunes配信排行榜上排名第一位。宫崎骏再一次给观众带来了一次视听盛宴。
三、欧美动画电影与日本动画电影的不同点
1.动画形象的差别
因为受到东西方历史和文化差异的影响，致使欧美动画电影和日本动画电影中动画角色在性格上、形象上，都有着极大的区别。欧美人民性格直率纯正，开放大胆，崇尚自由主义和个人英雄主义，具有热情勇敢的冒险精神。这种文化造就了很多幽默风趣、自由张扬、充满正义感的经典动画形象，例如蜘蛛侠、绿巨人等极具个人英雄主义的动画形象深入人心。与欧美动画电影这种个性鲜明的形象相反，日本的动画形象没有个性上的张狂，没有对细节或表情的夸张特写，没有崇尚个人英雄主义的特质。日本动画电影更加注意动画形象的整体意境的创造与描绘。叙事节奏舒缓,更多的是东方文化中的内敛和隐忍，情感表达含蓄细腻,比起语言的直观表达，更愿意用无声的眼神反映内心世界。整体画面协调唯美,形象和色彩平淡宁静。这种角色形象是追求一种意境,一种感觉。比起个人英雄主义，日本更愿意突显团结就是力量这一主旨。例如火影忍者、柯南的少年侦探队，都是将团队力量发挥到极致的优秀动画形象。
2.动画制作技法的差别
受到民族传统和文化心理以及电脑技术的影响，在进入21世纪后，欧美和日本的动画电影之路，逐渐走上了两条相反的方向，在制作技法上大相径庭，这便是3D和2D的区别。世界上第一部3D动画是由迪斯尼公司出品的《玩具总动员》，这部动画电影一经播放，便引起了巨大反响，令观众认识到原来动画人物也是可以像人一样有立体感，活跃在屏幕之上。以三维立体形象为主角的电影，在细节刻画、画面流动、色彩处理、环境设置等方面，都进行了全面的升级和设置。甚至一些人难以相信这些电脑技术创造出来的动物是真实的。欧美动画电影不仅擅长表现大场景和各种复杂的镜头变化，更是从人物形象到分镜头设计，从表情到动作,利用推、拉、摇、移、升降等拍摄技法，保证了动画镜头的流畅，因此哪怕是在细节的特写场景，都是无可挑剔的精美。例如，迪斯尼2001年制作的影片《怪兽公司》中的主角毛怪。皮克斯动画公司在设计“毛怪”这一主角时所采取的是全球最先进的3D技术，毛怪身上的绒毛多达300万根以上，为了详细表现出每根绒毛，也为了动作上同时表现出重力感与灵巧度,皮克斯花了近两年的时间专门开发了一种用于建模设计的电脑软件。在日本二维动画仍是市场的主流，其中以宫崎骏为代表的手绘电影更是赢得了全世界的赞誉，在《悬崖上的金鱼姬》这部动画电影中，宫崎骏只用了铅笔作画，整个影片采用手绘制作，手稿达17万张之多。但这并不意味着日本并没有掌握3D技术，最近刚刚上映的《哆啦A梦:伴我同行》便采用了3DCG技术，为了追求质感，所有场景用微缩模型搭建，角色造型耗时一年多，角色的动作、表情都力图接近现实。其实早在2001年出品的《千与千寻》中，宫崎骏在制作眼泪时，为了体现眼泪的3D质感，也采用了CG技术。
四、结语
一、 世界观在《魁拔》中的体现及主题分析
《魁拔》是我国第一部以打破世界观为基准、以青少年热血版为原型的玄幻动画巨作。“魁拔”在电影当中被定义为一种怪兽，是天地之间发生错误及宇宙漏洞的产生物，消灭魁拔是天地两界所要首要解决的问题，也是他们无上荣耀的具体表现。
《魁拔》与传统的国产动画相比，其取材完全是新鲜原创并且没有任何的参照模板。《魁拔》电影的诞生开创了一个全新的玄幻世界观，其认为宇宙万物都是有根源的，一切物质都是由不同频率的脉构成的，并且脉之间的循环转换构成了各个物质之间的平衡，脉就是整个世界的核心和力量之源。如果振脉频率比较稳定的空间就称为界，而界的划分有天界、地界和暗界。如果振脉频率翘曲的话就形成了境，境的划分有：曲境、幻境和灵境等。故事中元泱境界主要是由脉的要素构成的，其主要存在于天、地灵三界之间。天界的使命就是保护元点，在电影当中他们认为那是宇宙的源泉，而在地界当中生活着是一个形态、风俗等各不相同的种族，以纹耀制度为他们遵守的法则，还不断进行着蜕变和演化，他们结合成一个神圣联盟共同掌握着地界。虽然天、地两界通过曲境保持着连接，但是他们之间没有往来过，当他们共同的敌人“魁拔”的出现后，二者就会不断沟通，寻找消灭魁拔的方法。
在电影中尽管世界观是假设的，但这也是《魁拔》之所以受欢迎的关键所在。该片有效改变了传统动画电影缺乏想象力的问题，这也是动画电影爱好者所迫切需要的，因为中国太需要富有想象力的原创作品。无论是动画或者真人电影，只要在故事为主线，然后配上情节，就能够较好地建立需要的世界观，从中也应该注意到，尽管世界观以及原创性在动画电影当中起到重要作用，但是关键环节还是要把这些东西放到合适的位置当中去，才能发挥其应有的作用，而不能简单的从“为了世界观而世界观”的角度来考虑问题及拼凑故事，还要注重整个故事的逻辑关系及思维样式，这也是电影《魁拔》所应该借鉴的方面。
二、 故事角色的设定
《魁拔》根据人物性格、身份特征以及故事中各种人物关系的有机结合，构建青少年主观心理的真实意境。在影片中，每个人物特征的设置都是以符合中小学生心理特征为基本要求和出发点来进行的，虽然在人物的设定上具有普遍成分，但是在运用效果上证明其是正确的。由于设计人员在人物特征的设计以及故事情节的编排上考虑的要素过多，因此，一些重要东西有可能出现疏漏甚至被冲淡。比如：从14岁左右的少年的心理特点来分析，如何较好的吸引他们的眼球，这才是最关键的地方。在影片当中，蛮吉等主要角色个性特征鲜明，语言对白新颖，给观众留下了较深的印象。
形象在动画片中具有十分重要的作用，那些个性特征鲜明的角色不仅使观众印象深刻，而且还可以加深观众对其的喜爱程度，比如：米老鼠、孙悟空等。在电影《魁拔》中，其在角色的设定上从总体上看还算是比较成功的，比如：蛮吉、谷鸡泰等，但是其中有些角色在设定上有类似的地方，比如雪伦和卡拉肖克，二者在外形上都是穿着长袍和飘着长发，如果不仔细观察，很容易把二者的身份搞混，电影中的蛮小满的角色，其在造型上有点日本武士的感觉，在外形的设计上缺乏中国元素。在影片当中，有些人物形象相似、个别角色是对日本动漫画的模仿以及角色之间的视觉统一感较乱，这些是影片《魁拔》需要改正的地方。
三、 从《魁拔》整体效果的分析看发展方向
（一）画面安排
《魁拔》在画面上给人的感觉是鲜亮，从刚开始的激烈的战争场面以及蛮吉学武艺时的漂亮的动作，都给人留下了比较深刻的印象，作为国产电影当中的2D效果的《魁拔》，影片当中有很多让人圈点的地方，这也是一个比较好的契机，能够让国内的动画爱好者对此表示赞扬。
无论在电影还是动画当中，其画面效果都必须以台词为基础，台词在其中的作用都应该紧紧围绕剧情，在电影中的台词不能只因角色的不同而去刻意填台词，要结合画面以及剧情的需要来体现其内容。动画效果的发挥主要是靠其画面和肢体语言的诠释来实现的，而在《魁拔》中，其大部分的剧情发展都是通过角色之间的对话来实现的，这也是该片不足的地方。动画电影要以故事剧情为基础，通过居中人物的塑造来实现电影效果的最大发挥，故事情节的选择上最好是能够有助于角色的塑造，从这部动画电影的针对对象来看，其主要是针对14岁左右的青少年，而处在这个阶段的青少年不能运用传统的“说教式”的方法来灌输，因为处在这种年龄阶段的青少年正好是叛逆期，对传统的“说教式”方法有反感情绪，因此，他们只能在比较有“热血”的剧情当中才能找到内心的共鸣。
在《魁拔》的剧情中还是有很多可圈点的地方的，比如：在蛮吉去接木质文耀和蛮吉放弃“协脉术”的保护的剧情当中，从画面效果上来看容易让观众认为这是整部动画电影的关键环节，并且看这部电影能得到不少收获。与中国其他动画电影相比，《魁拔》推动了国产动画电影的发展，无论是在画面制作还是在剧情的安排上，都能体现出国产电影的长足进步，在有些场景的设计上，其它国产动画电影都不能达到这种效果。
（二）剪辑分析
《魁拔》剪辑效果与其他国产电影相比显得更加流畅，画面动作效果上也充分并且有力道，但是由于过度重视打斗效果的发挥，导致影片当中打斗特写的镜头过多，以至于在影片的后期都是运用打斗特写和慢镜头进行描述，也使影片剪辑的手法显得格外生疏。在画面转化中也显得很突然，给人一种前重尾轻的感觉。从中可以看出《魁拔》在画面节奏的把握中也是存在不足的，因此，国产动画电影在画面节奏的把握上也需要不断进行研究和推敲。
（三）声音效果分析
《魁拔》在声音的选择上，运用了具有浓郁的表现主义的环境声音以及抒发剧情的背景音乐，对影片剧情效果的最大发挥起到了推动作用。在音乐的制作上，根据剧情需要采用灵活的背景音乐进行切换，符合玄幻音乐的内在气质要求。《魁拔》在具有中国元素的同时，还摆脱了传统陈旧的“国产腔”风格，其中还蕴含着丰富的流行元素，因此，《魁拔》中的声音效果的运用不仅较好的烘托主题，而且对整部电影气氛的烘托也起到重要的推动作用，从而使电影的效果得到最大程度的发挥。
在该电影的配音上和其他国产动画电影也存在一定差异，《魁拔》在配音对象的选择上较少采用明星配音，选用具有专业配音经验的配音演员对其进行配音，其中具有中国化风格的配音效果，给人一种发自内心的亲切感。这也为整部影片效果的发挥增添了不少色彩，也为中国动画电影配音职业化发展指明了方向。
四、 从制作技术分析中国动画电影发展方向
《魁拔》作为一部二维和三维电影相结合的动画作品，电影无论在人物造型、场景设计以及画面比例等方面都给人一种非常严谨的感觉，因此，这部电影可以说是国产动画电影的典范，也是国产电影当中制作水平最好的一部电影，能够和日本动画电影相媲美。虽然其在人物表情的设计上有些不够生动，有些人物动作上还存在拘谨的状况，但是，这些问题在日后的动画制作中如果得到克服，对我国动画电影的发展将是跨越式的。从《魁拔》的技术层级来分析，其在画面的设计以及动作的制作上都是十分精良的，因此，其对中国动画电影事业的发展指明了方向。
在电影设计过程中，为了使影片中不同人物的面部表情及动作要求得到最好发挥，对这些内容采用数据控制的方式进行严格规定，这也是这部电影画面效果上看起来比其他国产动画电影要精良得多的原因，虽然这种较为标准化的制作方式不能完全解决制作中的所有问题，但随着我国作画人员技术能力的不断积累，这些问题在不久的将来也将不再是问题。在作画的过程中采用3D建模和2D描红的方式才进行具体工艺的制作，在画面制作中还采用了3D高准确度和2D的高表现力的方式，使整个画面不仅保证高品质的同时，而且在效率方面也提高了数百倍。《魁拔》在有些技术的运用上还是比较成功的，但是，在对观众喜好心理上的把握还需进一步提高，要根据市场需求以及不同层级人群的需求心理，来制作符合社会需要的动画电影，从而实现以市场为导向、以需求为动力的模式推动国产动画电影的发展。
关键词：宫崎骏动画；文化景观；森林思想
中图分类号：TU984.18 文献标识码：A doi：10．3969/j．issn．1665－2272．2016．07．020
引言
日本的宫崎骏无论是在商业上还是艺术上，其作品都获得了广泛的认可与喜爱，并擅长将诸多日本的特色文化巧妙且天然地渗透在作品之中。“文化景观”成为了宫崎骏动画电影的重要元素，其动画电影汲取了悠久的日本文化与民间信仰的要素，从1982年至今的几十余年时间里，宫崎骏先后创作了《风之谷》（1984年），《天空之城》（1986年），《龙猫》（1988），《幽灵公主》（1997年），《千与千寻的神隐》（2002年）等诸多作品，在这些作品中，由于丰富的日本传统文化作用于自然景观，从而产生了鲜明的文化景观，这些文化的渗透无疑造就了宫崎骏动画电影浓厚的日本风格。宫崎骏是日本动漫产业的佼佼者，在动画电影里融合的日本文化表现突出。而文化作为动画的基础，并以文化景观的形式呈现，这正是其动画电影的特征，宫崎骏动画电影表现了日本自然景色的美。故事背景设置在近代日本乡村的《龙猫》再现了日本优良的自然景观，没有惊人的奇观，却充满了日本质朴，原味的自然之美———清澈的小河、森林、田地，住在村里的人、鸟、兽、昆虫，夏天的闷热、大雨，突起的疾风、幽静的黑夜———这些事物呈现出日本乡村的美态。“那些风景绝不是书中看来的，而是存封在记忆中的真实影像，从房屋、土地，水面到一草一木都是”。将现实的场景融入动画中，才会使如此质朴的风景格外生动。“日本到处都有很多昆虫，再狭窄的地方也会长出树木和杂草———这就是我心目中的自然”。宫崎骏对日本的自然有着真切且细腻的认识与体会。然而这只是宫崎骏描绘日本文化的诸多方面之一，其动画电影中的森林思想，万物有灵的信仰等都再现了日本的传统文化，从而形成了影片中独有的日本文化景观。
1宫崎骏动画电影中的文化现象
1．1森林思想的重现
日本与其他国家相比，最大的特点是其茂盛的森林。日本著名的古神话中的天之御柱，也是关于树的信仰，指的是天神从天上降临人间的柱子。日本学者梅原猛认为，日本在岛国的自然地理环境中形成了一种森林文化。日本人的信仰就是森林信仰，树木崇拜则是这一信仰的形式。在原始民族看来，庄严伟大的树木常被视为有神圣的性质。森林中的居民以林木与他们的生活有密切的关系尤常以树木为崇拜的对象。树木崇拜也是古代日本人的一种仪式，指的是对树木生命力的信仰和崇拜。在宫崎骏的创作中，从初期到后期，森林意象是始终贯穿在动画电影中的文化情结，森林在动画电影中有着丰富的寓意。在《风之谷》中，故事的背景便设置在一个由于过渡的工业污染而产生的“腐海”，“腐海”中长满了会释放毒气的袍子，然而在“腐海”底下竟是一片暗自过滤毒素，净化环境的巨大森林。在这里，森林因自然遭到过渡工业化发展的破坏与腐蚀后，却又在发挥森林自身的净化的功能。在电影《天空之城》中，男女主角最终找到了悬浮在天空之上的“拉普达”，这个迷宫般的浮城的中心被盘根错节的树枝所包裹，而使整个拉普达悬浮，并且支撑其超能力的巨石也是被枝繁叶茂的巨型树围绕着的。这与日本原始信仰暗自吻合，日本原始信仰最初是以山，巨木，巨岩等自然物为对象的。在《千与千寻的神隐》中千寻与父母驾车误入了一条偏僻的森林小径，穿过沿途的神龛和古建筑的隧道，走进了一座古老的城镇的遗址，从而在这个与世隔绝的奇异世界展开了一段奇妙的历险。中途脱险后，走出树林。在电影首尾的森林景象的呼应中，暗示着人性的迷失与回归。在《幽灵公主》中的森林意象极为丰富，且具有代表性：森林是禁忌，由于森林中大量神灵的存在，是森林成为了人类难以涉足的区域；森林同样也是融合，在片尾，大地融合了山兽神所具有的全部的力量，万物再次重生萌芽。在《龙猫》中，有一个拜祭巨树的场景，父亲与小梅，小月三人感激地仰望眼前的大树，父亲对姐妹说：“很旧以前，树木跟人类的感情非常好”。然后三人对大树说：“请多关照”，并对大树鞠躬。另外，父亲仍保持着对大树神圣力量的信仰。得知小梅在大树树洞与森林主人龙猫愉快相处时，父亲心中充满谢意。
1．2万物有灵的信仰
在宫崎骏所创作的动画形象中，有一种既非人类，也非纯粹的动植物的形象，如龙猫，灰尘精灵，山兽神，无脸怪，阿莉埃蒂等，对于人类世界而言，它们是异族，这是宫崎骏结合日本传统文化所设计出的一系列神灵，精灵与妖怪。宫崎骏的动画电影中，所有的精灵们极具日本文化特征，体现着日本人的思维与信仰，这也是日本文化的表现。日本是有着多种信仰的国家，神道教，佛教等都被日本人接纳。代表日本文化原始信仰的是神道教。从《古事记》与《日本书纪》所记载的传说中可以看出：开始时，由于人们慑服于自然力，感到它具有无比的恐怖性与神圣性，将其尊为神。并将它们中具有灵力，感情意志的东西，作为主要的尊崇对象。宫崎骏在《天空之城》中，女主人公对具有超能力的飞行石感知也体现着万物的灵性，在这石头被赋予了神秘的生命力。以日本近代的室町时代为背景的《幽灵公主》，呈现了一个丰富的诸多神灵存在的世界，白色的树精、犬神、猪神、山兽神，猩神等动物和植物神灵，它们是自然自我守护的力量，这无疑是日本古老神话的重现。《千与千寻的神隐》更是展现了具有浓厚民族风格的文化景观，除了极具日式建筑特征的古刹，埋在森林小径两旁的神龛，还有融合了日本神话传说的妖怪。
1．3人与自然和谐共存
1984年推出的《风之谷》虽然是关于人类纷争的故事，但电影并不主要描绘战争，而是重点放在自然与人类的关联性上———即人类与自然之间的相互依存的关系。从农业社会到工业社会，从农村到城市，这是人类社会进步的大方向。而宫崎骏的创作则是反方向探究人类文明发展进程中的弊端，这弊端的历史根源正是人类与自然的二分化。创作《风之谷》的时候，日本正面临泡沫经济时期，包括环境问题的一系列社会问题都很严重。宫崎骏说：“我们的社会，不论是家庭或个人的生存方式，都是在自然界的光合作用的支持下才得以延续”影片中在腐海森林里四处都长着散发毒气的植物，空气中随处都飘散着袍子。为了保护自然，腐海中，有攻击性极强的王虫以及其它的各种生物。但当女主人公娜乌西卡掉入腐海深处的流沙中，落到地下后，发现原来腐海的树木吸收了污染，并净化成沙子，而王虫则是守护森林使之能净化环境。娜乌西卡才领悟到看似凶狠恐怖的森林是与人类站在统一阵营的，其目的都是恢复自然，唯一的区别在于：前者是通过修复的方式，而后者是用摧毁重建的方式。宫崎骏在《风之谷》始于灭绝的观点，终结于一种人与自然共存的观点。在主题的阐释方面，这种文化景观隐形于电影的脉络之中的。正是由于这种“和万物”的思维的贯穿，观者才会在情节起伏的牵引下，深度的思考，体会电影所阐释的主题，在结尾所有的起伏被调合，从而自然地引出“人与自然和谐共存”的立意。事实上，在场景的设置与主角的设计上也渗透着“调和”。在《风之谷》中，存在散发毒气并栖息着具攻击性的王虫的森林“腐海”，却也有与之并存的“风之谷”，由于海风吹走了腐海散发的毒气，使之得以存在，使居民能够宁静的生活。而对腐海本身而言，腐海的表面所呈现的是一种阴森，对人类具有危害性的面貌，但腐海的地下所显示的是人类的污染被森林净化后所形成的净土，这种“和”正是同一事物的外在与本质的调和。女主人公娜乌西卡成为了人类与自然和谐共存的象征，她既是人类，又具有亲近大自然的力量，能平抚虫类的怒气并与之交流。因此，她成为了保持腐海与人类共存的中介力量。
2文化景观再现式的创作
宫崎骏的动画电影是日本文化的缩影，这些都是文化景观的艺术化的再现。从宫崎骏的动画电影中，可以感受到日本文化的精髓。其作品的成功无疑带给动画创作者对于动画电影在景观设计的思考。所述的景观不可以被简单的认为是某个观察者看到的某个地方景象。景观包含自然景观与文化景观。文化景观是由一组文化作用于自然景观而产生的，文化是动力，自然景观是媒介，文化景观是结果。当然，自然景观与文化景观并不是二元化的存在，宫崎骏的动画电影之所以可以浑然天成的将其主题渗入观者的内心，因为巧妙的将自然景观与文化景观相融合，电影中渗透着文化，而文化又使电影更为生动，使主题更为深刻的呈现。宫崎骏的动画电影因其鲜明的文化特质而有价值，取得了成功。宫崎骏说：“我想民族性才可能是国际性的”。越是民族的就越是世界的。宫崎骏动画电影正是从本民族，本地区汲取文化营养。“越是民族的就越是世界的”。动画电影的创作离不开文化，换言之，文化是动画电影的根基。缺乏文化的动画电影作品犹如无水之源，最终也无法成为价值丰厚与主题深刻的动画电影作品。成功的动画作品源于对文化的理解，升华文化内涵，并载于动画作品之中。
3动画电影作品的文化传承
宫崎骏曾说过：“我相信孩子的灵魂承载了上一代的历史记忆。当他们逐渐成长，记忆才逐渐失落。如果我能拍一部电影，触及那些记忆的底线，那就死而无憾”。对于国家民族文化，宫崎骏有一种使命感，他说自己禁不住会去思考动画电影所负担着的文化重任。上一代的历史记忆对于宫崎骏而言，更多的是关于森林思想下的日本文化，依旧存在于现代人的心中，但随着社会不断工业化及现代化的发展，这些文化观念将逐渐被人们遗落。而这些却是民族的根基。宫崎骏所做的，就是将这些记忆拾起，再现在他的动画电影中，使文化得以重现于人们的心中。从某个角度看，动画电影承载着文化，在再现文化的同时，它也试图以艺术化的形式去传播这些古老的文化，使民族的根基在人们心中得以生长。动画电影的品质无疑是与文化相辅相成的，动画电影创作是一个呈现文化的舞台，动画电影作品也因有文化的润色，才更显得丰富，主题也呈现得更为深远。
参考文献
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关键词：国产动漫电影市场；受众；营销；品牌化
我国国产动画电影市场还处于起步阶段，发展的过程中暴露了众多的问题，国产动画电影市场是连接国产动画电影制作与观众之间的桥梁，从市场的角度来研究国产动画市场的发展能够促进国产动画电影企业的发展，能够提升我国国产动画电影的整体制作水平，让观众获得更好的情感体验、文艺熏陶及视听感受，对于促进国产动画电影的可持续发展有着重要的意义.基于以上，本文简要研究了国产动画电影市场的发展现状和对策.
1国产动画电影市场发展中存在的问题分析
1.1动画企业市场化发展不足
1.1.1动画企业并不重视市场需求近年来，国产动画电影的生产数量和上映数量日渐上涨，制作技术和水平也不断提升，2009年，我国第一部三维动画电影《麋鹿王》上映，标志着国产三维动画电影正式进入市场，在此之后，在市场化的磨练下，国产动画电影在制作、模型及动作捕捉方面都有着长足的进步，2015年上映的《大圣归来》的反响更是空前.但需要注意的是，这种成功的例子只是凤毛麟角，国产动画电影市场仍处于起步阶段，制作质量参差不齐的问题一直存在，与观众期待的标准还有距离，具体来说主要有以下两方面原因：首先，在国产动画电影初级市场化阶段，许多机构都是刚刚进入市场，专业水平和管理水平不足，难以实现专业化操作[1]；第二，是许多动画企业并不重视市场需求，从制作伊始就没有考虑到市场定位，创作观念、营销手段等难以满足市场化需求，难以满足消费者需求，这就大大弱化了国产动画电影的市场价值，难以实现客观的经济效益.以《长江七号爱地球》为例，《长江七号》电影虽然大获成功，但《长江七号爱地球》这部动画电影却盲目延续电影内容，缺乏创新，电影虽然定位与科幻题材，但却使用传统的二维技术制作，在画面效果上落了下乘，票房惨淡，未能获得市场效果的现实也属情理之中.1.1.2动画品牌化发展滞后2014年以来，IP成为了动漫领域中的热门词汇，这标志着动画电影行业的成熟化发展，但需要注意的是，购买IP的人并一定稳赚不赔，IP的市场转化有着众多条件，在授权范围内，如果用的好，即使未受重视、投资较少也可以取得良好的市场价值，如果用的不好，即使知名的、投入重金也可能赔的血本无归.从实质上来讲，IP就是一个品牌，是创意的开始，以作品来展示品牌，以电影院、互联网等媒体渠道来树立品牌、延伸品牌，只有保证良好的作品影响力才能够称之为IP[2].品牌化是动漫IP的开发核心，也是国产动漫电影市场的发展核心，但就目前来看，我国动漫品牌化发展还严重滞后，具体来说体现在以下两个方面：首先，许多国产动画电影仍将少年儿童作为受众群，动画电影创作存在严重的低龄化问题，本来“动画是给小孩子看的”这种思想就在许多人心中根深蒂固，而国产动画电影的低龄化制作方式又加固了这种思维定式，这就使得国产动画电影失去了众多市场机会，在市场中往往寸步难行；第二，是许多国产动画电影过于急功近利，导致制作不精良，市场价值低，美国好莱坞动画电影工程打造一部动画电影作品需要3到4年甚至更长的时间，通过精良的质量来实现品牌化效应，例如《冰河世纪》、《冰雪奇缘》、《疯狂动物城》以及《动物总动员》等，反观我国动画电影作品，从策划到上映大多在一年半之内，所谓“慢工出细活”，在如此短的时间之内，国产动画电影是难以设计出严谨的场景、富有文化内涵的故事情节和精致的形象的，制作的粗糙是难以促进动画品牌化发展的，这就大大弱化了国产动画电影的市场价值.
1.2受众定位单一化
在2008年以前，我国动画电影市场还不够成熟，不仅影片数量较少，且票房成绩不高.2009年，《喜羊羊与灰太狼之牛气冲天》上映之后一路高歌猛进，最终取得了9000万票房的佳绩，至此之后，动画电影真正步入了新时代.虽然国产动漫电影市场发展取得了重度可喜成绩，但需要注意的是，国产动画电影受众单一的问题一直存在，动画电影与电视动画片在消费方式上有着一定的差异性，电视动画片的消费主体是低龄儿童，而动画电影的消费主体则是成年人，国产动漫电影将受众群体定位于儿童，如果电影故事过于低龄化，则家长可能失去兴趣，在现代城市中，家长完全可以选择与孩子参与其他的娱乐活动，因此，从长远角度来看，国产动画电影定位的单一是不利于国产动画电影市场可持续发展的[3].此外，定位和题材单一的问题会使得国产动画电影多在“六一”、寒暑假扎堆上映，这就无形中形成了一种市场局限，使得票房分流.
1.3三维技术不成熟
三维技术的应用是动画电影市场发展的重要趋势，我国虽然积极注重三维技术的应用，但应用水平不够成熟，自主研发实例不足，大多三维动画电影作品质量较差.制作方单纯的将三维制作技术当成动画电影产品的一个重要卖点，往往忽视了制作质量和画面效果.此外，我国动画企业大多处于起步阶段，没有足够的时间和精力去孵化技术，制作的动画电影产品大多质量粗糙.
1.4缺乏系统性营销
首先，是上文提到的，我国国产动画电影档期安排比较混乱，大多集中在“六一档”和寒暑假，缺乏市场调研和市场跟踪，不能合理的选择上映时机，市场推广和影片推行往往力不从心.第二，是国产动画电影宣传不力，宣传和发行是保证动画电影产品获得成功的而关键，但我国国产动画电影发行方往往存在宣传不力的问题.以《魁拔之十万火急》为例，其定位是十九岁左右的青少年，但宣传方却按照儿童动画电影的形式进行宣传，从而影响了影片的排片量和排片时间，宣传效果不良.
2国产动画电影市场发展对策探讨
2.1促进品牌化发展
首先，是动画产品系列化，美国和日本动画电影市场发展实践证明，开发系列化的动画电影作品是促进动画电影品牌化发展的重要方式，同时有着拓展观众群体的作用，例如梦工厂的《功夫熊猫》系列、迪斯尼的《玩具总动员》系列等.我国在系列化动画电影开发方面也进行了积极探索，例如前文中提到的《喜羊羊与灰太狼》系列动画电影就成绩不俗.需要注意的是，在进行系列化动画电影开发的过程中不要一味沿用第一部作品的故事和风格，要从内容上和形式上积极创新，在文化上形成积淀，在内容与形式上不断革新，以此来保证吸引力，促进品牌化发展.第二，是注重内容创新，品牌化发展实质上就是文化的发展，我国动画电影市场需要展现出民族化、特色化的内容.首先，应当积极关注新人类的审美，现代儿童从小就接触纷繁的世界，信息时代下，能够观看到世界各地的动画，审美标准十分前卫，为了满足现代儿童审美需求，需要进行积极创新，迎合现代儿童的审美要求[4]；第二，应当积极关注现代人的心灵需求，社会生活节奏不断加快，纷繁的世界与落寞的内心形成鲜明对比，现代青少年面对着沉重的学业压力和工作压力，更加青睐于荡气回肠、直指心灵的动画电影作品，因此，国产动漫电影在内容制作上应当考虑与青少年的共鸣；第三，是内容的民族化，国产动漫电影一直受到欧美和日本动画冲击，2016年，我国依据世界贸易组织协定将会开发动画电影市场，国产动画电影将会面临更加严峻的挑战，在这样的背景下，国产动画电影应当积极发展民族化的内容，搭载民族文化底蕴，展现国产动画电影的东方神韵，例如《大圣归来》就凭借着浓郁的东方特色俘获了众多观众与粉丝.
2.2推进全龄化观影市场
首先，应当注重青少年及成人对动画电影的消费力，国产动画电影应当打破传统观念的束缚，拓展受众群体，将影片定位于青少年甚至是成人，例如2014年上映的《秦时明月之龙腾万里》的受众定位就十分广泛[5].第二，注重“合家欢”题材，“合家欢”题材动画电影作品指的是老少皆宜、能够增进融洽亲情的动画电影作品，让家长和孩子能够大手拉小手一同快乐的观看动画电影，打破国产动画电影低龄化的限制，例如2012年上映的《大闹天宫》，不仅吸引力儿童，同时也能够给青少年、孩子家长带来怀旧情绪，口碑不俗.总的来说，国产动画电影应当摒弃“动画电影就是给孩子看的”的观念，要在作品中搭载丰富的文化内涵，满足各个年龄层次观众的审美需求，只有这样才能够积极拓展市场，促进发展.
2.3系统性的营销策略
就我国国产动漫电影市场发展现状来看，“档期效应”是客观存在的，随着电影市场的繁荣，这种淡旺季档期会逐渐被市场淡忘，因此，应当将丰富的电影资源分散开来，提供给观众更多的观看影片机会，也给众多国产动画电影提供更多的发展机会[6].此外，应当积极注重国产动画电影的宣传和营销，例如可以借助优酷视频、腾讯视频等网络媒体来播放预告片，吸引观众，也可以利用海报等进行宣传，在宣传的过程中，应当准确把握影片内容和观众定位，针对性的进行宣传和推广.此外，在宣传的过程中，应当积极与影院和院线沟通，尽可能提升排片量，抓住黄金播映时间段.
2.4在技术反思中发展三维动画
在技术浪潮中，我国国产动画电影企业不应当盲目追求高端技术，需要明确创意和艺术的精神境界，三维技术虽然能够提升画面的景深感和层次感，但“内容为王”一直是动画影视作品的立足之基，保证影片良好的故事结构、精良的画面、丰富的文化内涵才是制胜之道，在此基础上结合先进的三维技术才能够真正实现国产动画电影的市场价值.
3结论
综上所述，国产动画电影行业是我国动画产业的核心，就目前来看，国产动画电影市场还处于起步发展阶段，虽然取得了一定可喜成绩，但也暴露出来一些问题，制约着国产动画电影行业的可持续发展.在未来发展的过程中，只有促进品牌化发展、积极创新、做好市场宣传和营销、保证精良的制作，才能够保证我国国产动画电影市场的健康发展.
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【摘要】作为一支重要的荧屏力量，动漫承载着一个国家深厚的历史，更蕴含着这个国家优秀的文化，体现着民族的文明，当下，动漫的发展已经被提高到体现着本国综合国力的高度，因此，大力发展动漫产业，发展弘扬本国传统文化的动漫事业，刻不容缓。《一万年以后》的播出就在推动着中国动漫产业的发展。
关键词 国产动画电影；一万年以后；动漫产业
动漫产业作为21世纪的朝阳产业，是一个国家文化产业的重要组成部分，承担着推动国民经济发展，传承传统文化等重要功能，因此，大力发展动漫产业的重要性不言而喻，在业界，甚至有学者提出，一个国家的动漫产业的发展体现着本国的综合国力。
我国的动漫发展起步是很早的，早在二十世纪五十年代的上海美影厂就已经有了制作动画片的历史，但是发展缓慢，产业盈利状况堪忧。美国迪士尼公司在2014年的年产值就高达150亿美元，然而中国国内的整个动漫产业当年的年产值仅有100亿元人民币，其中还存在着相当一大部分的外商外包给国内所支付的劳务费。
2015年3月27日，被称作开年神作的动画电影《一万年以后》正式上线，电影讲述了一个一万年以后的故事：随着环境的恶化、资源的枯竭，人类文明在经历了一场毁灭性灾难后，地球上繁衍出了新的物种和部落，其中乌族部落首领在窃取到“上古魔法”后，妄图掌握天地生杀之大权，让地球重回邪恶的上古元年。这一行为遭到了女主角珠玛和各部落勇士的奋起反抗，在所有族群支持与努力下，正邪力量展开了终极之战。
作为2015年的开年之作，《一万年以后》的创作周期长达七年。仅剧本一项就易稿四十余次，先后经历了二十余位顶尖的剧作家、特效师、音乐师的反复打磨。在拍摄以及后期制作阶段则是集合了美国、法国、英国、德国、以色列、瑞士等多国团队联合打造完成，本片音乐音效部分的创作者则是曾主创《指环王》《霍比特人》《了不起的盖茨比》的原班人马。这些，都是《一万年以后》片方以非噱头的方式打出“”即此片只为成年人所打造概念的“大动漫”信心所在。作为华语首部“”影片，《一万年以后》片方显然是酝酿已久，专门为成年观众打造一部看起来更刺激过瘾、惊心动魄、脑洞大开又包含暴力美学的精彩影片。
从产业发展的视角去阐述，作为一个新兴的朝阳产业，作为动漫产品本身，是技术与艺术的结合，又负载着深刻的文化内涵。动漫产业有着广泛的消费群体，所生产的动漫产品生命周期长，附加值高。能够有效地拉动经济增长，同时能够从需求层面反过来刺激高新技术的开发，创造就业机会。从画面表现情况来看，《一万年以后》足以被视为国内三维动画的标杆，无论是场景设计，还是人物的面部细节、角色的发型服饰，都体现出了细腻和有质感的特点，在国产动画电影中创造了新的标准。多层建模与3D渲染的大手笔场景，峰峦叠嶂的雪山，宏伟壮观的伽罗城、色彩缤纷的田园生态、高耸入云的石巨人，阴森肃杀的魔窟，场景方面技术效果将电影的质感衬托得美轮美奂且异常大气。角色塑造方面，藏獒战功细腻的毛发纹理也体现出了很深的三维制作功力。总体来看，虽然影片整体的细腻程度距离好莱坞同类影片还有一定的差距，但是《一万年以后》却用夸张的色彩氛围弥补了差距。整个影片的色彩饱和度堪称艳丽，很多场景都在刻意追求饱满的色彩。特别是在影片结尾伽罗城保卫战段落中，多种角色并肩作战的场面在极为饱和的色彩渲染下取得了很好的视觉效果。这种技术效果是以往国产动画片所欠缺的。动画集中了绘画、漫画、电影，电视等多种媒介，同时包含了音乐、文学、美术、摄影等多种艺术元素，是集大成的文化表现形式。随着现代科技的发展，数字动画的产生使得动画的制作从二维演进到了三维，并使得动画的运营也产生了变化。三维动画是针对手工动画的一场革命，它剔除了传统手工描绘工艺的繁琐，实现了计算机独立制作，在空间透视、特技效果、逼真程度等方面占有很强大的优势。三维动画的简洁高效，逼真，以及超现实等特性得到了应用和广泛的认可。我国的三维动画起步晚，三维技术的不成熟是制约我国三维动画发展的瓶颈，所以以三维动画为代表的计算机技术是我国动画片发展必须掌握的技术基础。而三维动画在制作时省去了即时拍摄的环节，运用数字动画技术，进行全方位的CG建模，通过虚拟摄像技术完成高速摄影，通过自然场景制作系统完成自然场景的设定，并且，数字三维技术建模技术、虚拟摄像技术以及动作捕捉技术突破了物理限制，能够更有效地实现动漫剧作人员天马行空的想象，因此，CG动画很多时候能够实现真人电影所难以实现的镜头，本片就是一个案例。
从动漫的功能性去分析，动漫的一个重要的功能就是教育功能，而动漫的教育功能可以覆盖全年龄段的受众，优秀的动画片都应该是艺术性、思想性、娱乐性的完美结合，或潜在或显在地包含一定的教育意义，体现对真、善、美的追求。一般来说，针对未成年观众的动画片，其包含的教育意义越显在，教化意图越突出；针对成年观众的动画片，其包含的教育意义越潜在，教化意图越隐含。对于未成年观众来说，由于语言文字基础欠缺，思维能力较弱，未成年人在心理上更容易接受动漫产品，动漫的教育意义可能更突出，所以动漫产品的数量与质量对未成年人的心理发育有着重要的影响，只有生产出更多更好的动漫文化产品，才能满足未成年人的精神文化需要。
电影《一万年以后》讲述一个融入了科幻、惊悚、动作、暗黑等多样元素的故事，影片竭力走出以往国产动漫电影对美国和日本同类产品的模仿和复制，努力创作出带有中国思维，融入传统文化，承载中国精神的原创动画电影。故事的背景内容其实极其庞大，涉及很多学科，而且电影的立意在于讽刺当代人对环境的破坏和肆意发动的战争。整个影片就是一本巨大的百科全书，附带着创作者的注解、审视和批判，阐释了创作者独特的世界观，将一幅幅既带有人类自我陶醉、炫耀的文明画卷展开示人，又丰富地携卷出人类文明发展中自我膨胀的可恨和自我安慰的可怕。而影片众多的角色和多线并行的现实更体现出导演的功力与剧本的扎实。这种注重原创的做法对原创能力匮乏的我国动画界无疑起到一个很好的示范作用。一份有关动漫的调查显示，在中国青少年最喜爱的动漫作品中，日本、韩国动漫作品占60%，欧美动漫作品占29%，中国内地和港台地区原创动漫作品所占的比例仅有11%。中华民族有着五千年的文明史，悠久的历史伴随着灿烂的文化，优秀的传统文化的传承与发扬是国内动漫作品所必须承担的责任，更是国内动漫制作巨大的财富。中华传统文化中所蕴含的独特的气质深深影响着我国动画片的风格，几代动画人所颂扬的国产动画《大闹天官》就是中华文化动漫化的优秀典型。但是随着20世纪90年代国际市场化浪潮的涌来，国外的动画电影走进中国的同时也把外国的意识形态和文化理念带进了中国，并深刻影响着中国的受众，也影响着中国动漫发展的理念与文化立场、文化认同。以至于创作者在动漫制作中大量模仿美国、日本的动漫角色造型，嫁接美国动画电影的情节。使得动画创作长期停留在复制与模仿的困局中，失去了所拥有的民族特色。对文化根本的追求才能为动画创作提供天马行空的想象空间，只有原创的活力，才能催动国内动漫的原创作品出现佳作。
从动漫产业的角度去分析，动漫产业的兴盛关乎着国家的文化安全。早在2006年国家广电总局就颁布了《广电总局关于进一步规范电视动画片播出管理的通知》规定了每天在17时至20时的黄金时间，孩子们在所有的动画频道、少儿频道、青少年频道、儿童频道看到的将全部是国产动画片。如果要看进口动画片，只能等到20时以后。此举出于对国家文化安全的考虑。一个国家的动漫产品承载着这个国家的文化和传统，是一个国家重要的文化符号，也是一个国家的动漫形象。无论是美国还是日本，其动漫产品都负载着本国的文化精神与思维方式，随着动漫产品的传播，其所承载的文化也会传播和扩散，而此类产品传播到他国，就是一种文化的殖民与侵略。因此大力发展本国的动漫产业，制作出承载本国传统文化的动漫产品，才能构筑本国的文化长城，使历史和文化历久弥新。只是我国动漫产业链还很不健全。
一条完整的动漫产业链包含了下面各个环节：漫画制作和发现——剧本创作与角色塑造——动画制作和播出——游戏以及其他衍生品的开发与营销。美国和日本成熟的动漫产业便是以此为程序，环环相扣，分工合作，从而能快速获取巨大的利润。而在我国，由于多种因素，产业链不健全，许多动漫企业更多的是从政府的补贴和放映的票房中创收，所做的工作也只是动画片本身的制作和加工，并以播出为最终目的。从而造成我国的动漫产业链条前期的创作阶段以及后期的游戏以及衍生品的开发等环节薄弱甚至是缺少。国家动漫衍生产业课题组数据显示，目前在我国一万多家动漫企业中，有90%左右处于亏损边缘，年产值3000万元以上的企业不到30家。其中一个原因就是各动漫企业之间缺乏合作互补、赢利模式单一。更重要的一个原因在于，我国的动漫产业的观念落后，多年来，在国内动漫创作师的眼里，动画片只是给小孩子看的。其实不然，在国外，动漫早已成为了一个覆盖全年龄层面的文化产品，这一点在《一万年以后》的创作中体现得很明显。
《一万年以后》的宣传海报很简单，深邃的黑色木板，白色的“18”上面戳了一记略有血腥的禁止符号， “首部18岁以下禁止观看的院线电影”这不是一个简单的宣传噱头，儿童真的不宜观看，充斥着血腥和暴力的场景，深刻的富有教育意义内涵的剧情是专门为成年人准备的。对此导演易立称，他也明白目前国内动画电影的主体观众是少年儿童，但发展成年动画市场，就得有电影人前仆后继一个一个往前走，最终才会走出一条路来。这一思想完全契合了大动漫的概念，根据中国报告大厅的《2014-2020年中国动漫产业现状分析及发展趋势预测报告》可知，过去10年，“大动漫”的产业观念在国内从无到有。文化部部长助理、文化产业司司长刘玉珠指出， “大动漫”的产业发展观重要的一层含义就是，动漫产业的社会意义大幅度提升，动漫不仅仅是儿童生活的重要组成部分，也是大众生活的重要组成部分；动漫不再是孩子的专利，播出不再局限于少儿或卡通频道，新媒体将带领越来越多的成年人进入动漫世界。
影视语言是一种艺术语言，它直接诉诸观众的视听感官。并且以直观的、具体的、鲜明的形象传达含义，具有强烈的艺术感染力。由摄影机的运动和不同镜头的剪辑所产生的蒙太奇不仅形成了银幕形象的构成法则。也完善了影视语言的语法修辞规律。动画是一种动态的画面语言，它有自己的单词。造句措辞，语型变化和文法，影视镜头语言的加入可以使动画视觉效果更加丰富。随着科技的发展，他们的结合也越来越紧密。
关键词：动画；主观色彩；色彩心理；视觉语言
1 简述色彩语言在动画中的运用
主观色彩在动画中的运用。动画场景设计中的主观色彩意识，属于自我认知范围，跟“客观”相对应。它依据对实际事物的体验以及感知，形成自己的主观意识想法。倘若我们改变以往的观察方法，以我们自己的思维去理解色彩的自然属性，将会发现色彩具有变幻莫测的魅力，这就是我们常说的将色彩的客观属性变成自己的主观色彩呈现在动画设计之中。当主观色彩在思维中逐步升级，动画场景设计将不属于日常观察的客观物体，而是设计师经营的色彩世界。
动画设计中主观色彩意识的形成，应通过各式各样的观察及写生进行累积。从生理上讲，人眼的视网膜吸收可见光，视神经把视觉的信息输送到大脑，产生了物体的光色反映。在户外，有时客观条件不能满足画面的需要，这时主观色彩意识就会大放异彩，它运用创作人在大脑中掌握的色彩常识及生活阅历的积累，重构画面的合理性和完美性，将物体色彩进行重组和筛选，促成画面的自我风格。
动画电影的色彩在运用上非常自由，这种特点是由动画电影的特性决定的。动画电影是采用逐格拍摄的手绘画面，或是用电脑生成的逐帧影像，并将它们连续放映的非客观真实的电影。动画电影的色彩全部都是创作人员主观设计出来的，因而具有更大的变化空间和想象余地，更趋近于绘画的特性。它可以是写实的，也可以是虚拟的；可以是极其丰富的，也可以是高度概括的；可以依据剧情的需要使用极其夸张、超常的色彩，将色彩多样统一、对比变化的魅力发挥到极致，同时，它对于故事的发展具有非常巨大的作用。
色彩与人物内心情感世界的无缘：色彩是体现人的内心情感、心理、情绪和人的精神世界的外在显现，反过来，现实世界的色彩对人的内心情感、心理和情绪也有着潜在、微妙的影像。当代中国电影则过多地停留在表现事件、故事、表演、时间的报告文学式表层线索上，而较少地去表现人、精神、空间的情感的时候，不知道现实色彩（光色、形色）反映人的内心世界，只有过于激动的肢体语言来强化气氛，是事倍而功半的。只有运用好主观色彩才能使我们所做的设计发挥得更好，更精。
2 镜头语言的运用和分析
动画镜头画面设计作为动画创作中的一种，也是以艺术设计的形式而存在的，而动画本身和绘画也有着深深地渊源。回溯到远古时期，山洞中茹毛饮血的祖先们用他们那极富有创造力的双手，描绘了最早的绘画――岩画。可是聪明的祖先渐渐发现，在单独的图画中只能表现自己心中最美的一瞬间，却无法表达瞬间产生的过程，这个瞬间产生的过程就是时间差带来的影像需求。30000年前一个西班牙画家拿起了神来之笔――第一次把连续的动作画在同一作品中，可以说这是具有伟大意义的。
动画片的世界是虚拟的世界，动画片的镜头设计也是虚拟实拍摄机的镜头设计。除动画摄影机本身运动以达到某种效果外，其他的镜头设计都是画出来的。虽然动画摄影机无法拍出有些效果：如有透视变化的旋转镜头等，但是在动画片的镜头设计中，这一切都不是问题，一切实拍手法、一切摄影运动、一切场面调度都能在动画镜头中设计出来，动画片能摹拟所有的实拍手法。动画中的镜头表现力甚至要超过影视实拍，因为它缺少了真实环境中的限制。动画片的镜头画面设计包括：摄影机本身的运动而产生的画面效果和由画面变化而产生的摄影机运动效果。这些都要借助于影视镜头语言，以达到强烈而真实的镜头感。
作为镜头画面设计中的虚拟摄影机。机位当然也是虚拟的，但这虚拟的机位是十分讲究的，这与动画的起源有联系。动画和另一种艺术形态有着极为密切的联系，那就是漫画。在过去，漫画的出现只是简单的图画和生硬的对话框；后来，漫画渐渐加入电影拍摄手法以及电影化的造型手段；构图、机位、分镜、景别等等，使得漫画这一形态更加丰满。这种现代漫画被称为电影式的漫画。
动画片中的镜头画面设计所包含的元素很多，如何调节并安排设计好其中的各元素，对影片的风格、效果、叙事、烘托等都有着重要的作用。目前，中国动画正处于“”时期。国外动画发展的成功道路，都值得中国借鉴。“它山之石，可以攻玉”，国外动画片的镜头画面设计给中国带来的是一种观念，是一种动画电影性的观念。
3 影视动画的视觉语言艺术
电影是一种商品，也是一门艺术。视觉语言在电影特别是动画中相较听觉语言占有更大的分量。影视如同建筑一样，建造一座大教堂要动用大量技术手段，大量财力和人力，而这一切并没妨碍这些建筑物的艺术追求。同样，电影艺术在商业运作的同时并没有妨碍它建立了自己的美学。一百年以来，电影工业创造了许多杰出的作品，足以能使人肯定电影是一门艺术，而且为了完全独立的展现这么艺术，电影已经有了它自己的独特手段，而且彻底的拜托其他艺术的影响。一切语言都是某种既定的成规，一系列被社会承认的，每一个成员能够解释具有完整含义的符号。讲故事的人或思想家应当首先学会这些符号及其组合规律。
在视觉语言中运动乃是动画的精神所在，而运动的基本元素来自於时间架构，时间因素影响著所有的运动，不同的时间表现，产生不同的视觉效果。本研究从电脑动画设计中的时间表现形式为基础，进行动画艺术时间的理论探讨、并研究分析视觉语言运用的要点、从传统卡通动画准则、电脑绘图的时间构成原理、时间面的形式与特质、以及电影的时间结构性，分析出时间元素运用之准则，找寻角色动画动作中时间的表现方式，创造出视觉张力，以进行理论研究上的依据，并转化成动画视觉语言的建构。
4 结论与展望
动画，在经历了从黑白到彩色，从二维到三维的演变后，已经愈来愈趋向于个性化。正是这种个性化，给了动画持续而又旺盛的生命。
动画的风格是最能体现动画个性化的要素之一。本片中以色彩和镜头突出了另一种不同的风格，在制作过程中体会了艺术和创造，甚至有些对显示规律的超越。在动画中，想象在一定程度上离开了现实，如果没有想象，动画艺术也就只能拘泥于写实，这样就偏离了艺术，想象是区别于现实但却源于现实的东西。那么秉承一系列的动画风格是将现实通过自我理解之后过滤将自己异于别人的思维加之与作品之上，以提升动画的可看性和艺术性。
[关键词]动画电影 视觉与构图 色彩
动画电影创造出极强的美感效果，带有强烈主观感觉意识。能够合理地把各种位置关系融入到整体效果之中。动画电影的动态构图与透视具有多样性、复杂性、条理性的统一变化，从而形成画面张力与趋势关系，以及促成视觉中心的形成。研究动画电影的构图结构，可以使我们在动画电影作品的展示中达到更完美的视觉效果。
一、动画电影的运动视觉张力
我们知道，电影或动画片中的画面与画面之间闪动产生运动感，产生动力，也从而形成了一种张力。我们也可以从静态的绘画艺术作品或雕塑作品中看到，有运动引起的视觉形状造成运动而带来变化，在画面上形成张力。动画电影中的张力与视觉有着很密切的联系，理解这一概念能够有助于我们对构图有更强认识。运动一般是从图象的中心位置发散。普遍来讲，视觉是指眼睛对观察客观事物的感觉。我们眼里看到物体，从而引起我们的视觉活动，通过画面有序地组织的视觉导向，构成了视觉构图语言。这种有序的组织。以运动张力为基础，并通过视觉流程传达。
二、动画电影的构图平衡
研究动画电影构图平衡，要对力的现象进行分析。平衡涉及画面的视觉形状、大小、色彩等要素，有一种整体上的和谐。画面平衡一定程度上取决于力的平衡。
我们这里所谓的力是指在绘画艺术和动画设计作品中，由于视觉形体相互影响，而产生心理上的力，这种现象隐藏在画面之中，得到心理平衡。这一原理，有助于我们对动画画面平衡即构图的研究。当天平两边达到平衡时，是由于重量相等，而产生稳定平衡的结果。这是物理平衡。而当我们观看舞蹈演员翩翩起舞，当她的脚离开地面时，产生的重力聚集在一起，产生平衡，这当然是力的作用。当我们在画模特时，画到画布上的构图要完全达到平衡也不可能，通过相对应的其他方法，来产生平衡感，这属于知觉平衡。
平衡是由许多基本元素构成的，将力运用到动画电影作品整体结构中，就产生画面的平衡。力的产生成为这一基本元素。
这种现象符合人机工程学的原理，因为人习惯于从左到右的视觉习惯。把杠杆原理运用在动画构图之中，是指在画面的空间中，物体离观众越远重力越大。形状大小也影响重力的关系，物体愈大其重力就愈大。由此在构图中要周全的考虑到平衡中心的位置，及主题物与次要物体形状、大小、比例、颜色等关系，而造成心理平衡。而方向和重力一样，同样也影响到平衡，在构图中，不管任何物体，都有其方向性的吸引，如《海底总动员中》小丑鱼NIMO受到鲨鱼惊吓迅速逃跑，从画面左方迅速游向画面右方，节奏感极强，有很强的方向指引性，这就具有一定的方向性平衡，又如一只缓缓升起的气球，在这样的动画视觉中也是具有一定的方向性的。因此方向和力一样，也是动画视觉构图的基本元素之一。
三、动画电影的视觉中心与导向
视觉中心一般是指画面最受人们视觉注意的区域，把主题或信息安排在最佳的视觉流程的停留点，而起到最有视觉价值的位置，使主题更清晰，一目了然，给观众产生强烈的心理影响。由于画面的形式不同，其视觉中心的位置也不同。我们可根据画面的形状，安排视觉中心的位置。视觉位置不同，关注程度和心理感觉不同。按照人体构成学原理，视觉中心安排在画面上部，形成最佳视觉区域。这种视觉中心的比下部视觉区域更引人注目。给人一种积极向上、扬升、轻松、愉悦之感。下部具有沉重、下沉、稳定之感；视觉中心安排在左与右也有一定的规律和原理可循。左与右和人的视觉习惯有关。一般按照人体工程学的原理，左侧比右侧易吸引观众，吸引度高。重心安排在左边时，画面会产生重力的心理负担。为解决这一问题。适当的考虑右边的空间增大，一般讲左边感觉舒展、轻便、自由、富有动感。右边局限、拘谨、紧凑、稳重。视觉中心的位置，是根据主题的内容和画面运动的方向来选择。而动画电影的视觉构图和形式也应考虑视觉流程的影响，视觉流程是画面的运动形式，是一种运动内在的轨迹，根据运动的方向，利用视觉规律，诱导观众有顺序地观看画面内容。它能迅速的接受画面内容信息的全过程。我们应该深入而仔细的分析构成画面各元素的关系，将视觉流程线融入到动画创作之中。动态作品设计中，有着多种力的影响，即运动方向的力，水平，垂直。弧线形，S型。当这种力与画面里基本的形状、大小等诸多要素合力，并于视觉流程线及主轴线形成同一种趋势时，画面内在的方向运动力就形成，视觉会沿流程运动的合力方向，作用着人们的视线，也就是构图中要加强画面的趋势。
按照视觉流程的原理，其形式是千变万化，并蕴藏着无尽的魅力，动画画面构成的多种形式是以独特的艺术敏感性，依据内容与形式，创造性的将人物及形象溶入到场景之中，使构成视觉导向脉络清晰，画面整体的力运动形式有主体旋律，因此就能更好的引导读者的视觉线进行阅读。视觉导向可以从物体的形状定向，及构成关系而产生的心理效应。即感性与理性结合。水平线具有安定而平静给人以平坦，广阔之感。这种导向线在构图中是常用的一种手法，能够表现较宽广的画面，在运用别要注意形式上的变化，处理不当会单板不生动。视线会依横式的水平线左右的移动。通常这种移动是依据人们观赏一幅画面时，总是习惯于从左向右依次扫描过去，而决定这种流程的方向。当把这种习惯看画面方法作左右颠倒时，画面之中的力也就改变方向。弧线形导向比水平、垂直、倾斜流程更具有明显的节奏，与韵律之美，更微妙且复杂，在构图中运用得非常广泛适合表现柔美、高速运动或飘逸的画面。
四、动画电影的习惯性色彩视觉因素
动画电影的色彩感知同样符合人体工程学的原理，从生理上讲，人眼的视网膜吸收可见光，视神经把视觉的信息输送到大脑，产生了物体的光色反映。无论多么优美的形态，离开了光的照耀，就会荡然无存。因而人类借助干光，才感受着大千世界的美丽，获得对观察事物形体与色彩的认识，没有光便没色彩感觉。在户外训练，有时客观条件不能满足画面的需要，这时主观色彩意识就会大放异彩，它运用作者头脑中掌握的色彩知识及生活阅历的沉积，重构画面的合理性和完美性，将景物色彩进行归纳筛选，促成创作画面的尽善尽美。对色调及光源和暗面进行合理调整，使其主题突出，画面整体而有生气，形成画面的视觉趣味中心。达到传递美感享受的艺术效果。在动画设计表现中，色彩一般分为写实色彩和概念色彩，我们也同样应该考虑色彩感知对作品的影响，如我们对色彩的辨认顺序是红白绿等：以及各种颜色的混合。在写实色彩中可以适当加入一定的主观色彩因素，以增强作品对各种的感知能力。人类对色彩的体验，随着时间的推移，不断地积累和发展，逐渐形成了自己的审美情趣，渗透了诸多对色彩感受和解读的主观因素。在中国，用白色悼念亡者，用红色乞求避邪，用黄色象征权贵，这已成为人们的生活习惯。人们对色彩的这些感受和运用，既有社会文化因素，也是由其本能所决定的，是生理机能的客观反应。
