时间：2023-07-12 17:07:10
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇艺术美学特征，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
滕固作为近代艺术史学研究的奠基者[1],将艺术研究的重心移向了艺术品自身,强调艺术自身发展的逻辑性和历史性,形成了立足于作品自身的“风格分析”的研究路径,强调艺术发展的自律性和研究方法的科学性。余时英先生在阐释“大学者”时曾言,大学者不仅是在自己的专业领域有突出的贡献,更重要的是能够承前启后,在此领域内开辟一片新的天地,成为此领域发展史上的中心人物[2]。滕固堪称这样的能人巨匠。他在近代艺术史学的研究中,受到德国艺术史学研究方法的影响,强调田野考察和实物考证的研究方法,由此形成了其艺术美学研究中以史代论的美学特征;同时,由于其特有的“士人”情怀,其思想中充斥着民族主义的美学旨趣。二者共同构筑了其艺术美学思想的独特表征。
一、民族主义的美学旨趣
滕固出生于清朝末期,自幼受过良好的传统文化教育,拥有深厚的国学涵养。其不仅酷爱古诗文和书画艺术,而且具有传统文化“士人”的情怀。与此同时,其又身处“借思想文化以解决社会问题”的社会语境下。那个时代,有志之士纷纷希求通过西方的思想文化以解救中国于水火之中,滕固也不例外。滕固希求以艺术为切入点,通过引入西方的研究视角来重新整合中国的艺术资源,实现中国艺术研究的现代转型,以此为中国艺术研究的现代转型奠定思想根基。换而言之,不论其艺术研究,还是艺术研究方法和价值评价标准的选择,其出发点都是立足民族的需要和振兴。这种民族主义的美学旨趣渗透到滕固的艺术史研究及其艺术思想中,具体地表现为以下几点:1.体现在其艺术研究的出发点和立脚点上滕固生活的年代正处于传统中国向近现代中国转型的古今交替之际。期间,“天朝大国”的昔日荣耀转变为“国破家亡”的今日危局,国家何去何从成为摆在有志之士面前亟待解决的问题。在“技术学习”(推崇师夷长技以制夷)和“制度学习”(学习西方的政治制度)相继失败之后,中国学人意识到唯有思想的转变才能够救中国。因此,纷纷希求通过学习西方的先进思想来塑造新的国民性,构建现代思想文化体系,以实现国家救亡的目的。滕固作为其中的一份子,亦然如此。其希求通过艺术学学科的建立,构建基于艺术自身系统的研究体系,为中国的现代转型提供文化保障。中国传统文化的内容几乎被划定在“经史子集”四部中。这种传统的文化归类模式已经不能适应时代的发展,急需构建与现代文化相适应的现代学科门类。基于传统文化分类体系的模糊性,为了寻求现代社会转型的文化保障,建立起中国自己的艺术学、艺术史学、文学、美学等学科,实现中国古代学术发展的现代转型,中国学人就不得不学习、引进西方的先进思想和理论来改造中国传统的思想文化,以此建立起中国的现代化的学术科目。滕固艺术研究的出发点就是这样,就是意欲建立起中国自己的现代艺术学、艺术史学。在我国,传统文化体系中没有“美术”一科,更不用说“艺术”或“艺术史”这样的科目,只有“画工”一科。而且,“画工”一科不只包括我们现在说的“艺术”,还包括“技术”。另外,艺术也主要是指书、画两方面,它们被看作是闲暇时的一种娱乐方式。传统的艺术理论研究也仅限于技巧的记述以及作品的品评、作者的传记这样片断式的记录,而不探究艺术发展的前因后果;仅仅以作者兴趣或朝代分期来叙述作品,为艺术发展分期,而不探究艺术发展的独特规律及艺术自身所具有的分期标准;仅仅关注艺术的外在因素,而不关注艺术作品本身的研究。这种艺术研究的方式不具有现代意义上的“艺术学”含义,对艺术发展的研究也不包含现代意义上“史”的观念。所以,为了适应中国由传统向现代转型的现实需要,需要建立现代意义上的艺术学、艺术史学。滕固的出发点是建立起中国自己的现代艺术学、艺术史学。所以,其立足点自然就是中国传统的学术资源了。否定了中国传统,之后,中国大量引进国外的思想文化。无根引进的西方思想文化在中国显得生硬而飘摇,中国在建立现代艺术学、艺术史学的道路上仍找不到出路。滕固以被否定的中国传统思想文化为基础,引进西方先进的思想和理论,在中西思想融合的基础上建立起中国自己的现代艺术学、艺术史学。2.体现在其艺术研究的取材上滕固的艺术研究主要在其艺术史和艺术考古学研究。滕固在留学日本回来后写成了《中国美术小史》。之所以写这本小书,一方面是受梁启超的教示,更重要的一方面是由于滕固“一年来承乏上海美专教席,同学中殷殷以中国美术史相质难”[4]。所以,《中国美术小史》的完成,事实上是应对中国美术史发展的现实困境完成的一部真正由中国人自己撰写的现代美术史著作。同时,其是第一部中国现代意义上的美术史著作,有人将其称为“民族精神的风格史”[3]。在继《中国美术小史》之后,滕固将着重点放在了断代史的研究上。其断代史研究的取材则大多来自汉唐时期,如他写了《唐宋绘画史》《唐代史壁画考略》《唐代艺术的特征》《南阳汉画像石刻之历史的及风格的考察》《霍去病墓上石迹及汉代雕刻之考察》等。其对断代史的研究取材较倾向于唐代,主要基于两点:(1)在滕固看来,这个时期是中国艺术发展的鼎盛时期,可以与意大利的文艺复兴时期相媲美。这段时期,不仅各艺术门类都取得了辉煌的成就,而且国民的民族自信和文化融合共同促生了民族的坚强意志,彰扬了一种积极向上的生命力量,实现了人性的启蒙。唐代的这种气象恰如滕固所言:“绝不产生于偶然,而孕育于绵延增长的诸要素之间,承受新颖的滋养和刺激,从而自己选择,自己锻炼,至适当程度蜕化而为一种特异的坚强的生命。”[4]它是斗争的结果,是经历痛苦历练后的生命焕发。(2)唐代也是政治经济文化一片繁荣的时期,因此,滕固对唐代艺术的研究影射着他对唐代繁荣时期的缅怀,以及他对唐代艺术发展的高度评价。他要通过唐代的艺术研究,使人们看到唐代中国的繁荣,从而激起人们的信心,使人民坚信中国还会出现唐时代的辉煌,中国会走出低谷,走向光明。所以,滕固对唐代艺术的研究隐含着他的苦心孤诣,他借艺术史发展的高峰时期来影射救国家于危亡时刻的强烈的民族主义愿望及爱国情怀。3.体现在其艺术研究的发展动力上艺术的发展有其自身的规律,但仅仅从艺术形式风格方面的变化来探究,并不能说明艺术发展的深层原因。故,滕固采取了内向观与外向观相结合的方式来阐释艺术的发展,并且将文化视为一个十分重要的外部因素,且尤其注重民族文化的核心民族精神。在滕固看来,艺术的发展变化虽然离不开外来文化的影响和滋养,但舍本逐末,否弃自身文化根基的做法只能是徒劳。其细数了后十几年的的文化现状,指出:“西学东渐的潮流,日涨一日;艺术上也开始容纳外来思想、外来情调,揆诸历史的原理,应该有一转机了。”[4]然而,忽视了民族精神,外来思想只能是无根的浮萍,缺乏稳定性和根基性,终究化为泡影。只有在民族精神的激发下,外来文化才能焕发其活力,才能共同促进中国近现代艺术的构建和发展。因为“民族精神是国民艺术的血肉,外来艺术是国民艺术的滋补品;徒恃滋补品而不加自己锻炼,欲求自发,是不可能的事!所以旋转历史的机运,开拓中国艺术的新局势,有待于国民艺术的复兴运动。”[4]基于此种观点和认知,滕固在谈到造成中国艺术的发展进入到混交时期和鼎盛时期的原因时,认为其是外来文化的影响而非民族精神的渗透,传递出了一种蔑视的态度。比如,在谈论印度与中亚西亚的佛像艺术对中国佛像艺术的影响这个论题时,滕固肯定了其对中国佛像艺术的影响,认可中国佛像艺术在孕育时期受其启发,但是否认其为决定性因素。在滕固看来,中国佛像艺术的产生和成熟乃是基于本民族,其精神指向和根本价值都根植于中国文化。即使使用陋拙的方法,同堀多朝系和犍陀罗的艺术相比较,中国佛像艺术也有其独特的民族精神蕴含其中。而且,这才是其存在和立于世上的根本因素和原初动力[4]。在谈到昌盛时期的艺术发展时,滕固亦秉持上述观点。他认为:“中国艺术,在魏、晋、南北朝时,被外来思想与外来的式样引诱了以后,中国艺术的本身,得了一种极健全、极充实的进展力。自隋、唐、五代,至宋,一直进展,混血艺术的运命,渐渐转变了而成独特的国民艺术。所以这个时代,可以说是中国美术史上的黄金时代。”[4]从滕固这些具有民族主义倾向的言论中,可以明显地看出,在滕固的心目中,只有纯中国的艺术才是艺术发展的高峰时期,才是艺术史发展的昌盛时代。外来文化的影响和混血艺术的产生只是独特的国民艺术产生的基础和垫脚石,而不是艺术发展的高峰。在这里,滕固的民族主义审美倾向一目了然。综上所述,在滕固的艺术研究中,民族主义的美学旨趣是很明显的,且在其艺术研究中间接地决定着其艺术研究发展的方向及其所想要达到的目的。
二、以史代论的美学特征
在滕固的艺术研究中,民族主义的美学旨趣显而易见。这种民族主义的美学旨趣不是简单的理论空谈,滕固在具体的实证研究中都有贯彻和体现。除了艺术研究中民族主义的美学旨趣外,滕固的艺术研究还有另外一个明显而独特的特征,那就是滕固艺术研究中体现出来的以史代论的美学特征。与同期的艺术研究者相比,“史”的观念是滕固不同于他人的一个显著的特征。滕固的艺术研究不仅运用了现代的艺术史观、史的观念,还运用了现代的艺术研究方法。他从艺术作品本身出发,注重第一手资料的运用。尤其在其艺术研究后期,滕固甚至直接转向了艺术考古学的研究。他注重实地考察,讲求田野式的考察方式,用自己的亲历亲见来研究艺术,主张从对扎实的历史材料及资源的梳理与研究中得出艺术研究的结论。换句话说,艺术研究的结论是在对史的分析过程中一步一步揭示出来的,有着扎实的根基和深刻的内涵,而不是空中楼阁似的理论逻辑推演。滕固的这种以史代论、注重实证的美学特征,在其后期的论文著作中都有体现,如《唐关于院体画和文人画之史的考察》《唐代式壁画考略》《唐代艺术的特征》《汉代北方艺术西间的小考察》《圆明园欧式宫殿残迹》《征途访古述记》《燕下都班规瓦当上的兽形纹饰》等文章,以及《中国美术小史》和《唐宋绘画史》。具体来讲,滕固艺术研究中注重“史”的观念的美学特征主要表现在以下几个方面:1.表现在其艺术研究的态度上滕固对艺术研究所采取的研究态度,在其文章中有明确的表述,那就是对艺术的研究要以艺术作品本身为出发点,从真实可见的艺术作品出发来对艺术展开研究,而不是照前人的描述或品评来研究艺术及艺术的发展状况。也就是说,对艺术的研究不是要兜售旧时艺术研究者的研究方法,通过研究者的文字记录或描述品评来研究艺术,而是要尽量采用第一手资料,从现实存在的艺术作品出发研究艺术。滕固在其艺术史研究当中曾表现出他对所处特殊时代实物资料缺乏的担心,以及由此带来的研究上不完美的遗憾。其还多次明言对实物资料缺乏的遗憾和惋惜。就实物资料的缺乏对其研究造成的不便,他曾在《唐宋绘画史》的牟言中有过清晰的表述。在滕固看来,中国古代绘画史研究多是人物和作品的品藻类评述,缺乏将众多艺术品展示出来用以比较和研究。一方面是由于中国尚缺少可以将中国的艺术品一一展示、陈列的宏大博物馆;另一方面是由于珍藏字画等艺术品属于个人爱好,完全用于私人间的交流,属于私藏品,众多时候珍藏人有秘而不宣的心态。这样就导致了绘画史研究深受“资料”缺乏的困扰。不得已,其在艺术研究中只能继续依仗于冰冷的文字记录,只能在可能的范围内尽量地使用真迹或图谱。这种遗憾之情我们也可以从其语言表述中清晰感知。如:“现在的讲述,仍不免要兜旧时绘画史作者的路径靠那些冰冷的记录来说明;当然在可能的范围内,可以引用真迹或图谱的地方尽量引用。”[4]滕固不仅在艺术研究中表现出注重艺术作品的实证性的态度,而且在艺术研究方法上同样也表现出了注重实证的科学主义精神。2.表现在其艺术研究的方法上一方面,滕固深受以沃尔夫林为代表的艺术科学学派的影响,主张对艺术进行科学的研究,以探究艺术自身发展的规律。所谓科学,“是构成的一种概念,据某种方法改造它的对象,而入于主观,即概念的构成;那么通常一般文化的方法,而入于主观,也是概念的构成,这是同样的。”[4]也就是说,用文化的方法来改造它的对象,虽入于主观,但同样是科学。它是采用“价值关系法以决定一次所生的事实”[4],对这仅存在一次的事实展开研究,从而对其有一个科学的分析与掌握,以确定其独特的价值。因此,滕固认为,艺术学首先是一门科学,要对艺术作品进行客观科学的分析研究,即滕固所主张的从艺术作品的形式风格上进行一层一层的分析,这种分析可以由客观标准来衡量。其次,是一门文化科学。它寻求的不是如自然科学中存在的普遍规律,而是在对艺术的研究中除去同质的东西,艺术学收集有价值的异质的东西,用个别化的方法在特殊的法则上下功夫,寻求仅出现一次的艺术现象的独特的价值。另一方面,表现在滕固具体采用的研究方法上,“大胆假设、小心求证”。他提出一个结论,不是单纯地从逻辑上进行推演,而是通过众多具体的实物资料,一步一步地对其所提出的结论进行论证,进行修正补充,即采用“自下而上”的实证主义研究方法,而不是“自上而下”地进行抽象的逻辑推演。在《唐代式壁画考略》一文中,滕固通过对他在文虚舟先生和顾荫亭先生那里看到的一批前代壁画的仔细观察,从“线势”“色彩”“人物表现中尚肌的风格”和“妇人乘骑”这四个方面来分析断定这批壁画“含有唐代的多分性很强”[4]。滕固的这种注重从实际的艺术作品出发,并通过对其形式和风格的考察来研究艺术的方法,在其艺术研究中比比皆是,如《中国绘画史》《唐代式壁画考略》《南阳汉画像石刻之历史的及风格的考察》等。在其后期的艺术考古学研究当中,这种实证性的研究方法显得更为突出。3.表现在其思想的“史学情结”中无论是民族主义的审美旨趣,还是以史代论的美学特征,都不是按照从理论到理论这样抽象的逻辑推演演化而来的,而是在其整个研究过程中都渗透着一种“史”的观念。滕固对艺术的研究以“史”为出发点,也以“史”为归宿点。以史为出发点,是说滕固的艺术研究都是从具体现实的艺术作品出发的,而不是从理论出发;以史为归宿点,是说要阐明艺术发展的前后因果关系,即探明艺术发展的规律。所以,滕固意义上的“史”,不是仅仅对历史事件的记载,而是要探明其中的因果关系。故,他反对中国从前的绘画史及其写作方法。在滕固看来,中国古代的绘画史要么是某一朝代的断代史性质的书写模式,要么是分门别类的某一艺术门类的研究模式。呈现出来的整体样貌是一种“随笔札记”的样态,缺乏艺术发展间的关联性,甚至是艺术发展的动力性因素,即所谓的“有果而无因”。而现代意义上的美术史则应探究艺术发展的深层原因,要求“在这些贫乏的材料里琢磨一下,找出些‘发生的’(Genetisch)那种痕迹。”[4]这种“痕迹”就是所谓的“因果关系”。在滕固的艺术研究中,他取得突出成就的地方就是关于艺术史的研究,即注重事件发展的历史过程。滕固的艺术研究突破了从抽象理论出发的研究理路,而认为艺术研究应当以“史”为出发点,一切以史为依据,在艺术的发展历史过程中对其中的艺术事件进行考察。在《对院体画与文人画之史的考察》《汉代北方艺术西渐的小考察》等文章中有明显的体现。另外,滕固在艺术研究中,还是通过对具体历史的考察来得出结论的,即艺术中的结论都要放回到艺术史的发展过程中去考察,寓论于史,以史代论。他在艺术思想的研究中注重史实,追求在具体的环境下对事物或艺术的发展作出客观评价,注重事物或艺术的发展过程,在发展过程的基础上进行客观评价。换句话说,就是注重艺术或事物在历史中的具体评价,而不是脱离史实,单纯地凭借现时流行的或抽象的理论来对艺术或事实进行抽象评价,如对于长期以来受贬斥的院体画价值的评价等。总之,在当代,滕固的思想及研究作风没有成为过去,他的“史”的观念与“民族性”的立场仍是我们今天艺术研究、美学研究的重要基点。他的治学长处,尤其是对风格发展的精道分析,从内向观出发与外向观研究相结合的方法,以及为了深入研究而保持与文物、博物馆界的密切联系和通力合作,充分重视实物资料的作用等主张,同样也是我们今天艺术研究、美学研究的努力方向。
参考文献:
[1]陈平.读滕固[J].新美术,2002(4).
[2]陈平原.有思想的学问家[J].文学自由谈,1992(2).
[3]杨振宇.滕固和中国美术史的现作模式[J].新美术,2005(3).
关键词：民族声乐;美学特征;分析
随着现代社会对于民族传统文化越来越重视，在音乐教育教学中民族声乐教学也被越来越重视，合理有效开展民族声乐教学也就越来越重要。为能够更好地进行民族声乐的学习，必须要对民族声乐艺术全面了解及掌握，而民族声乐的美学特征就是必须要了解的一个方面，这对于民族声乐的学习十分有利。本文主要就中国民族声乐艺术的美学特征进行分析，从而为更好开展民族声乐教学提供较好的支持及依据。
一、中国民族声乐艺术的情感美学特征
对于声乐艺术而言，其属于音乐及诗词结合的一种艺术形式，因而不但具备较强音乐性，也具备较强诗歌艺术性，其中艺术情感所指的就是音乐及诗词之间互通的显著特征。就某种程度上而言，艺术情感属于人们所追求的一种层次比较高的情感表现，这种情感主要是由艺术创作人员在进行艺术创作过程中融入情感，并且将这一情感向观众传达，使其能够转变成为观众个人的艺术感受。声乐艺术所表现出的独特魅力是由多个方面不同因素共同得以实现的，然而在这些因素中最关键的就是声与情，其中声所指的就是发声，也就是说能够使音乐艺术魅力得以充分体现，需要演唱者能够对发声技巧熟练自如地掌握；情所指的就是在作品中所体现的情感内涵，这一点要求演唱者能够将音乐作品中的情感内涵充分表达。另外，相比较古代音乐美学思想，在我国现代音乐美学思想中融入西方美学思想，在西方情感思想中将音乐表达方面的情感作为核心价值，在西方美学思想的影响下，我国声乐思想在各个方面均表现出独特情感思想，这一点与声乐审美标准可保持一致。首先，在声乐艺术创作过程中，词情属于需要表达的最终情感目标，其来源就是词曲作者通过认知客观事物而得到的真实情感，在此基础上创作人员通过词语的方式表达内心感受，使内心情感变化得以展示，而歌词中声调变化可使内心感情得以进一步传达。其次，曲情在声乐艺术创造中属于创作者所使用的一种辅助手段，比如在节奏、复调及和声等方式结合过程中将情感变化融入。实际上，曲调创作就是音乐作品创作，音乐属于其中流动的一种艺术形式，并且能够和人们感情变化保持相通，在人们情感表达方面属于比较有效的一种方式。同时，音乐由于包含情感及生活，并且能够通过音符表达出内心情感及生命的意义，也就能够使音乐具有更加丰富的意义。另外，由于声乐艺术属于综合艺术表现形式，在音乐创作时应当使音调及语言实现密切结合，从而使音乐作品中情感价值得以更集中表达。此外，对于声情而言，其是在词情及曲情的基础上得以形成的，属于两者共同作用下而形成的一种情感。通常而言，声乐艺术作品要通过演唱及表演才能够得以较好的表现，才能够使文本内容转变成为情感，并且与受众对其中所包含的情感及表演艺术共同感受，实现情感传递[1]。
二、中国民族声乐艺术的创造性美学特征
对于民族声乐艺术而言，其属于具有较强综合性的一种艺术形式，其不但融合我国多种艺术元素，还融入西方的艺术元素，并且将其作为完善自我的一种有力支持，在此基础上将个体存在形式确定，在这一过程中可使声乐艺术创造精神得以充分体现。就当前我国声乐艺术发展实际情况而言，其创造性的体现主要就是在演唱方式及审美形式方面，使中国声乐艺术及西方声乐艺术实现有效融合，从而使其独特性得以充分体现，并且积极发展具有中国特色的各种声乐学派。因此，对于这两种具有创造性声乐艺术而言，也就成为以多元文化发展为基础而表现出的现代化声乐艺术。在现代声乐艺术中，在演唱方式、创作过程及审美标准方面，均能够使创造性审美特征得以充分体现。对于现代民族声乐艺术而言，其是在吸收传统声乐艺术精华的基础上发展而来的，其表现主要就是在声乐创作、演唱及审美等因素之间的内在联系方面。在我国传统民族声乐艺术中，通常都比较注重腔调纯正及具备韵味，这一点也是其独特的艺术特点，同时在现代声乐艺术中仍具有较明显的表现，在这一时期美学特征中也成为突出因素。另外，在我国民族声乐艺术发展过程中，传统民族声乐艺术属于根本，并且在当前仍在不断延续，同时在现代民族声乐艺术发展过程中也在不断吸收其独特思想内涵。在现代民族声乐艺术发展过程中，对于西方美学思想的借用也体现出中西方艺术之间相互借鉴及相互吸收，将我国声乐艺术及西方审美思想进行有效融合，对于声乐艺术创作者提升水平十分有利，在演唱形式方面可更加符合国际标准及要求。上世纪初期，在我国艺术领域内开始引进西洋美声，对于西洋声乐艺术与我国声乐艺术相融合的形式在当前有很多争议产生，这些争议出现的主要原因就是当时人们思想仍比较封闭，而在社会不断发展及进步的形势下，人们思想也逐渐得以解放，同时世界上各个国家之间了解也越来越频繁，在接受外来艺术形式方面也就有着越来越缓和的态度。在中西方融合艺术表现方面，我国声乐艺术在实际发展中对西方声乐艺术中的精华积极吸收，比如在演唱方面，对于发声位置多吸收及借鉴西方演唱方式，从而在听觉上得到良好的效果[2]。
三、中国民族声乐艺术的现代性美学特征
在当前我国声乐艺术实际发展过程中，其所体现出的时代特征为具有较广泛的文化领域，其不但属于历史方面的，同时也是逻辑意义方面的一个概念。然而，值得注意的一点就是，随着现代社会全球化发展进程不断加快，在现代人们思想中现代美学思想已经成为共识，只不过在表现形式方面存在差异。在对当代声乐艺术进行研究的过程中，不可与社会角度相脱离，应当以历史发展进程角度看待问题。在人类历史发展过程中，艺术属于无法替代的一项内容，其与人们生活之间存在十分密切的联系，因而声乐艺术也就具有一定的社会性特点。另外，就社会性而言，艺术作品，尤其是脱离概念性的一些艺术作品，其能够在一定程度上使社会发展情况得以反映，因而民族声乐具有较强表现力，就能够使社会属性得以深刻反映。在当前时代不断发展的形势下，民族声乐艺术也在不断发展，并且逐渐积极突破传统限制，然而又无法完全消除传统影响，在与社会相联系的基础上，才能够对民族声乐丰富内涵不断进行挖掘，才能够促使其得以更好发展。上世纪末期，在各方面思潮的影响下，全球范围内经济及文化均得到较快发展，并且在艺术领域内各个国家之间的交流及合作也在不断加强，在这种形势下中国声乐艺术开始向国际化发展。为能够适应时展需求，我国声乐艺术正在向多元化方向不断发展，就当前我国声乐艺术而言，在音乐内容及音乐形式方面均具备传统艺术风格，同时也能够符合时展趋势。就现代声乐艺术主要特征而言，在民族声乐艺术中包括很多方面艺术内容，不但融合了具有多样化艺术风格的相关演唱方式，也具有十分明显的时代因素。在民族声乐表演中使美学价值及时尚价值得以充分体现。对于现代声乐艺术中所表现出的传统风格而言，其所指的主要就是在艺术表现方面仍存在民族音乐风格特点，这一点也是民族声乐和其它艺术形式之间存在的最显著差异。在表演方面现代声乐艺术所体现的时代感主要表现在社会特征及时代特征方面，并且民族声乐艺术自身所具备的时代因素和创作背景密切联系，这种传承性会随着时代变化而不断发生变化，然而其中有些内容可能会成为永久主题，对于这一点应当加强注意[3]。
四、结语
民族声乐艺术作为一种音乐艺术在现代艺术领域内逐渐占据越来越重要的地位，并且逐渐得到较好发展，同时表现出十分明显的特点。在当前民族声乐艺术发展过程中，其表现出十分明显的美学特征，也是民族声乐艺术的一个重要特点。作为民族声乐艺术学习者，应当对民族声乐艺术特点加强了解，以便能够更好地学习及掌握民族声乐艺术，推动民族声乐艺术的进一步发展。
参考文献：
[1]吕琳.中国民族声乐艺术的美学特征[J].戏剧之家,2017,(18):71.
论文摘要：郭昭第《审美形态学》将现实美、感觉美和艺术美作为审美形态分别置于人类审美活动的前审美、审美和后审美三个阶段，并对其审美性质。类型特征、创造法则和基本范式进行了全面、深入和系统的阐述，成功修正、整合和超越了传统美学本质论、学科论和形态论乃至审美形态学理论构想，创造性的构建了真正具有全方位视野和完整体系的审美形态学理论。
郭昭第《审美形态学》(人民文学出版社2003年版)将人类审美活动划分为前审美、审美和后审美三个阶段，并将现实美、感觉美和艺术美作为审美形态分别置于相应审美阶段进行研究，对传统美学数千年来看似无法统一的或强调现实美、或重视感觉美、或关注艺术美的片面本质论、学科论、形态论，乃至审美形态学理论构想进行了成功修正、整合和超越，并在此基础上创造性地建构了审美形态学的完整理论体系。
一、对传统美学本质论的修正、整合与超越
古今中外的许多思想家和美学家关于美的本质论仅强调审美活动某一阶段的审美形态，却忽略了其他审美形态，明显存在片面性。或如毕达哥拉斯、亚里士多德、车尔尼雪夫斯基、蔡仪等仅关注前审美阶段的现实美，认为美是事物的客观属性;或如伊壁鸿鲁学派、休漠、柏克、康德、杜威、桑塔亚那，乃至吕荧等仅关注审美阶段的感觉美，基本上主张美是心灵活动，是愉快;或如狄德罗、黑格尔、朱光潜等仅关注后审美阶段的艺术美，强调美是主观与客观的统一尤其主观的客观化。所谓美的本质的界定，必须涵盖前审美阶段的现实美、审美阶段的感觉美和后审美阶段的艺术美等所有审美形态，否则就是不全面的。但是任何一种针对某阶段审美形态，却忽略其历史发展的界定，同样是不科学的。而且，任何对具有普遍意义的本质属性和规律的抽象和界定其实都不可能是毫无遗漏的，甚至往往以漏失更具有真理意义的本质规律为代价。因为人们总是对已经引起注意的因素进行了概括，却不可避免地忽略了同样有理由成为本质规律但是没有被人们注意到的那些因素。所谓对具有普遍意义的一般规律的抽象常常很大程度上是以牺牲对具体、鲜活和复杂的形态特征的描述为代价的，而对形态特征的牺牲同样很大程度上制约了其作为真理存在的可能。对最具有普遍意义的美的本质的抽象几乎是不可能的，或者是空洞而没有意义的。因为事实上不存在可以涵盖所有审美形态的概念，任何概念所能涵盖的只能是具体的暂时的审美形态，而不是具有普遍性和永恒性的审美形态乃至审美本质。
郭昭第《审美形态学》对传统美学本质论所进行的修正和整合，不是从最普遍意义上重新获得一定貌似新颖实则仍然不免偏颇和肤浅的本质论，而是创造性地将审美活动划分为三个阶段，将各个不同审美阶段的审美形态都作为界定对象，使传统美学数千年来看似无法统一的片面本质论在具体审美形态的描述中获得真理性地位。这就是该著作超越传统美学的一个主要体现。正如他所说:“坚持概念性与非概念性的有机统一，放弃对具有普遍性和永恒性的审美形态乃至审美本质的界定而寻求对具有具体性和暂时性的审美形态的描述，是我们所谓审美形态学的一个基本思路。”虽然这种具体描述也非无所遗漏，但相对于最为普遍意义的抽象来说毕竟漏失得少些。
二、对传统美学学科论的修正、整合与超越
传统美学学科论，或如柏拉图、蔡仪和洪毅然强调对美本身尤其现实美的研究，认为美学是研究美的性质和规律的科学，是美的哲学。或如鲍姆嘉通、桑塔亚那、高尔泰，甚至李泽厚等强调对审美心理、审美经验和审美意识等感觉美的研究，认为美学是研究审美的性质和规律的科学。或如谢林、黑格尔、朱光潜等强调对艺术美的研究，认为美学是研究艺术美的性质和规律的科学。以上三种学科论由于强调某一审美形态而忽略其他，明显存在片面性，但最受忽略的是现实美中的自然美。因休漠、鲍姆嘉通、黑格尔和桑塔亚那等对感觉美和艺术美的片面强调，最终使现实美尤其自然美逐渐被贬斥或遗忘。虽然西方现代美学尤其是英美肯定美学已经对黑格尔等否定自然美的学科论有一定程度反拨，但在我国仍有许多人将美学限定为美感学或艺术学。近年来兴起的生态美学虽有所反拨，却因忽视和贬抑感觉美和艺术美而陷人另一片面性之中。
真正全面、完整的美学体系应该对包括现实美、感觉美和艺术美在内的人类审美活动各个阶段的一切审美形态进行整体观照、动态把握和历时性研究。有些著作或教材虽然注意到整体观照，但多停留在基于逻辑关系的共时性研究和静态阐述层面。郭昭第《审美形态学》将人类审美活动划分为前审美、审美和后审美三个阶段，并将三种审美形态分别放置于人类审美活动的相应阶段中进行历时性研究和动态描述，不仅成功修正和整合了传统美学学科论的片面性，而且超越了传统美学的共时性研究和静态阐述的理论模式，在重视历时性研究与动态描述的基础上，达到了宏观的历时性研究和动态描述与微观的共时性研究和静态描述的有机统一，实现了审美形态学体系宏观结构与微观结构的历时性与共时性、动态性与静态性、历史性与逻辑性的统一。 三、对传统美学形态论尤其审美形态学的修正、整合与超越
传统美学形态论比较集中地体现于审美形态学理论构想之中，只是这一构想明显存在片面性。在国外，虽然雷蒙德《艺术形式的起源》(1892年)、帕克《艺术分析》(1926年)和门罗《走向科学的美学》(1956年)早已提出了审美形态学的学科概念，但是他们明显受到艺术核心论的影响，如门罗主张根据研究范围将美学分为审美形态学、审美心理学和审美价值学，仅仅将“对形式和风格进行的描述性分析被称为‘艺术形态学’或‘审美形态学，”他所谓审美形态学其实仅是艺术形态学:在国内，叶朗虽然不满门罗的界定，将审美形态学与审美艺术学、审美心理学、审美社会学等平列，将诸如优美、崇高、悲剧、滑稽和喜剧、荒诞、中和等审美范畴作为审美形态，但是他所谓“审美形态学是考察人类审美活动在不同历史阶段和不同文化圈中，如何凝结成代表文化大风格的审美范畴形态，它们如何影响人们的审美观念与艺术创造，以及它们自身又如何发展演变的一门美学分支学科”的阐述，仍未彻底摆脱艺术范畴的制约，充其量不过是审美范畴学或文化风格学。至于李泽厚界定为“审美能力(趣味、观念、理想)的形态学”，将审美形态分为“悦耳悦目”、“悦心悦意”和“悦志悦神”闭，其所谓审美形态学只是审美能力形态学或审美感觉形态学。这些美学家力图在更大视野对审美形态学研究对象和学科性质进行界定的理论构想，无一例外地暴露出缺乏整体把握审美形态和彻底整合传统美学片面形态论的能力的缺憾。
关键词武术套路美学特征形式美技击美艺术美
武术套路是一项表现攻防技击的艺术体育，是对攻防技击的超越、美化和想象，其不但能够以“技击”收健身之效，同时也能够以“技击”取审美之趣。因此，武术套路运动与其他体育运动项目相比较而言，美学特征是非常明显，也是非常独特的。然而，由于长期以来武术技击本质论束缚了人们对武术套路运动美学特征的认识与探索，以至于影响了武术套路运动的艺术化发展进程，使得武术套路运动至今仍然没有被视为一项“艺术”而进行传承与创新。针对这种情况，为了挖掘武术套路运动的艺术创新动力，促进武术套路运动的艺术化发展进程。本文就从武术套路运动的形式美、技击美、艺术美等三个方面入手，探讨了武术套路运动的美学特征。
一、武术套路运动的形式美
武术套路的形式美，简单来说，实际上指的就是武术套路运动的审美客体对武术套路运动的参与者，在演练武术套路的过程中所表现出的身体动作姿态和精神神韵等所进行的审美。具体而言武术套路运动的形式美，通常体现为形体美和造型美等两种具体的形式：
首先是，形体美。形体美，也就是通常所谓的人体之美，其主要是由身体美和姿态美构成的。其中，身体美，主要产生于一眼就能够全面看到的身体各部位协调统一的结果，由于武术套路运动本身就是武术套路演练者身体各部位的动作协调统一的综合体，因此，武术套路运动的身体美是显而易见的。而姿态美，指的则是人体在空间的活动、变化的样式等所表现出来的美。武术套路运动对演练者的手、眼以及步法等均有着非常严格的要求，例如：长拳就要求演练者不但要做到站如松、立如钟，与此同时在动作演练的过程中，还必须要做到舒展大方，要能够展现出优美的、赏心悦目的姿态，而这恰恰是姿态美的具体呈现。
其次是，造型美。武术套路运动的造型美，也就是武术套路运动中的动力定型美，其主要是由静态美和动态美组成的。其中，在武术套路运动中，不同技术动作之间的配合和不同技战术之间的变化都属于武术套路运动中的动态造型，而在这些技术动作配合的过程中和不同技战术变化的过程中所呈现出来的美就是武术套路运动造型美之中的动态美。由于在武术套路运动中，非常重视动作之间的精妙配合和微妙变化，所以，在武术套路运动中动态美表现的是非常充分的；除了动态美之外，在武术套路运动中，还要求要做到有动有静，其中的静，是一种相对的静态定势，静态定势的存在能够让武术套路运动动静兼备，呈现出静态之美。
二、武术套路运动的技击美
武术套路运动是以武术运动中的踢、打、摔、拿等基本技击动作和技击法则为基础的，这些内容是构成武术套路运动的核心要素，而与此相对应的，武术套路运动也因此呈现出了技击之美。具体来说，武术套路运动的技击之美，主要体现为劲力美、节奏美和动作美三种主要的形式：
首先是劲力美。武术套路运动中的劲力美指的就是武术套路运动中丰富的劲法和力度给人带来的审美感受。在武术套路运动中，无论是“发劲”，还是“招式”都蕴藏着劲力之美，所以，劲力美是武术套路运动中技击美的重要表现形式之一。
其次是节奏美。武术套路运动中的节奏美指的是套路中有规律的反复、连续以及动作和形态的转换等带给人的审美感受。中国武术源远流长，在发展的过程中，形成了风格各异的众多流派。与此相对应的，在武术基础上发展演变而来的武术套路运动，其动作在表现的过程中，同样也是快慢相间、抑扬顿挫的，并会由此带给人赏心悦目的感受，让人体会到武术套路运动的节奏之美。
最后是动作美。动作美是武术套路运动最为突出的美学特征之一。武术套路运动中的动作不但准确、干净、敏捷协调，同时还是连贯而舒展的，再加上在武术套路编排的过程中，非常讲究动作美的多样化统一，所以，常常会带给人极高的审美享受。
三、武g套路运动的艺术美
武术套路运动中的艺术美，指的就是武术套路演练者在演练武术套路的过程中，将成套的动作用艺术化的形式展现出来，并将自己的精神情感融入其中以创造出情技交融的艺术境界，并由此所带给人的审美感受。具体到武术套路运动而言，武术套路运动的艺术美主要表现为服饰美、礼仪美、音乐美和意境美等几种具体的形式。其中，武术套路运动中的服饰美是以武术套路演练者自身为内容的造型艺术之美，在武术套路运动中演练者的服饰之美能够大幅提升演练者的美学价值，因此，在武术套路运动中一定要注意根据不同的项目有针对性地进行服饰设计，如，服饰的色彩、样式等，以尽可能的带给审美客体良好的心理感受；其次是礼仪美。礼仪美也是武术套路运动的审美要素，是美学特征的重要体现，例如：武术套路运动中的徒手礼、持械礼以及递械礼和接械礼等均体现了武术套路运动的礼仪之美；再次是音乐美。在武术套路运动中音乐的魅力不但有助于营造良好的现场氛围，而且还能够带给人无限的遐想，从而带个人美的享受。因此，音乐之美同样也是武术套路运动艺术美的具体表现，是武术套路运动的美学特征之一。
四、结语
综上所述，可知，武术套路运动具备独特的美学特征。武术套路运动之所以能够在历史的长河中，历经千年而长久不衰，与其美学特征之间存在着密切的关系。因此，在现代社会中要实现武术套路运动的创新与艺术化发展，同样也必须重视其美学特征，深入的探讨和研究其所具备的美学气质与美学神韵。
参考文献：
一、“道法自然，自然崇德”的要义所在
何为“道法自然，自然崇德”，“道法自然”意义是道生万物的天和人的活动过程是“自然无为”的，但这并不意味着“道”之上还有自然。庄子继承了老子“天道自然”的思想，其主张的人生目的是：任其自然或是顺其自然，而道教吸收其“自然”的观念后，即认为“道”的本性是自然，而道之自然的法则不仅仅是天所效法的，也是地所效法的。人生没有任何固定的模式，它生于万物，万物也都按其各自的本性生长，不存在任何强加的因素，从而体现出自然界一切生命的特征，维护自然界的和谐与自然，知足、知常、以及心平气和，从而得到精神的升华。
所谓“法”，即学习、效法。这里解释为人应该效法大地，大地则依法于天，天则效法道。所以，“道”，即自然规律。“自”便是自在本身，“然”则是当然如此。同时，“道”依附于自然的规律是不可变更的，老子所说的“自然”，是告诉我们：道的本身就是绝对性的，道是自然如此，自然也就是道。它不需要效法于谁，道是本来如是，也就是为人处世的法则。
二、道家美学思想与艺术
艺术，本质源自于“自然”，艺术，是艺术创作的灵魂，和艺术美的最好诠释。道家美学思想启示我们要以自然作为艺术创作最高境界的美，从而使客观事物保持它的本然状态，也就是最理想的艺术美。艺术创作应回归自然，体现淳朴与天真的人的本性，用发自内心的真情实感来进行艺术创作。在道家思想的影响下，坚定艺术创作中的天然自成，成为了我们艺术创作的价值取向。
中国传统主张的是“自然”。就是以道家思想为宗旨，而道家的核心思想是道其自身，就是作为自然的道。道是先天地而再生的本源，其根本含义是：“人法地，地法天，天法道，道法自然”。所以在人、天、道、自然等几个序列中，人是天地所规定的人，道定天地，自然定道，而道不仅规定其自身，且对天地之人具有根本的规定性。除此之外，在“自然”的影响下，也有其特殊的美学主张。老子作为中国道家学说的主要创始者，他的美学思想“道法自然”从多角度、多侧面地论证和阐述了“道”的“自然”的本质特征，也就是在人的意识的基础上，以自然而然为本质的道，以事物的本来方式显示出来。老子所说的道，就是事物本身的存在。于是，在中国美学中，也出现了关于“什么是美”等问题，也就有了一种主要源于老子的观点
美在自然。
国人以自然为美的审美，大概也是从道家崇尚的自然开始的。中国的书法、诗词、绘画、以及山水园林中简淡自然的美，都贯穿着中国人崇尚自然、人与自然和谐统一的审美观念。这种崇尚自然的观念，正是道家的美学思想在不同领域中的影响。
基于此，我们可以得到三种重要的美学思想：
(1)提倡真情实感的艺术美;
(2)提倡淳真朴实的艺术美;
(3)以自然作为艺术的最高本质。
三、对于“道法自然，自然崇德”在艺术创作领域中的作用
“自然”，就是一种本然状态。这种状态充分体现出，本然状态下的美，也就是艺术创作风格的美。这种美不受外物的影响，不为名誉所拘，这充分展现了它的天真与本色，从而使得作品具有无限的感染力。道家美学中的优秀思想，启迪我们去亲近身边的事物，不可沉溺于功利和物欲，在艺术创作的过程中，我们更应倾向事物本然的状态，也就使得万物都保持了它的本然，那么这就是最理想、最美的自然。崇尚自然、以自然为美，这些都意味着人们用审美观念对世界和万物产生的爱。如，在中国文化的范畴中，自然是道家美学思想的最高原则，也就是审美理想。是主体精神的自由;是精神空间的无穷;是心境的澄明;是自在的逍遥，和无往不适的境界;是求真与审美观时的自然。
我们在将自然作为艺术创作的最高境界美的同时，我们还要在绘画中体现自然造化之功。崇尚自然，反对雕饰，可以准确地表现我们的意思，真实的世界是充满美感的。“崇德”，也就是在进行艺术创作的同时，不仅要遵循自然规律，还要有德行。艺术有无限种可能，作为一位进行艺术创作的人，品德是尤其重要的一点。在老子的思想下，标举艺术的天然白成与巧夺天工，已经成为我们共同的创作价值取向。
故此，艺术的本质即为“自然”与“德行”并重，二者因而统一，得而发展，它是内在性情的真实自然与外在的技巧表现进行的天人合一的境地。它们是创作的灵魂，也是艺术美的极致所在。
结语：综上所述，艺所表现出来的本质则是“自然而然”，艺术的重点在于“德与行”，它们不仅是艺术所创作出来的的灵魂，也是表现艺术美的一种极致。艺术创作需要回归自然，从而使人们的心境得以自然流露，返璞归真，体现淳朴的人性与自然，追求性情的真诚与和谐。
劳动创造了美，而美究竟是什么?在艺术美学中认为：美是能引起非功利性的主体自我确证的对象，美学则是一门既属于人文学科，又从属于哲学的分支学科，主要研究审美现象、审美活动及审美价值等与美有关的概念。艺术美学是一门典型的综合性学科，单从字面上看就决定了两个与它密不可分的概念：艺术与美。简单地理解，这种美是在艺术审美活动中体现出来的。艺术美学是站在美学的视角上研究艺术，在艺术的框架中审视美。在艺术美学中美有四层本质：第一层是基础本质，是指人为性的感性对象第二层为中介本质，特指想象中的形象系统第三层为核心本质，揭示自我确证性的虚拟世界第四层为超越本质，暗示终极性存在和价值的意义世界。而在艺术美学的范畴里，《清明上河图》又是如何作为物质载体导致欣赏者们自我确证的呢?
《清明上河图》主要描绘了农村以及市集两大部分，共同展现了北宋京城清明时节的热闹景象以及当时各阶层人民赖以生存的家园。画面中约有814人，他们穿着各式的服饰，表情生动、惟妙惟肖;其中还有牲畜家禽、往来船只、房屋楼阁、车子、轿子、树木等物质，众多的人为物质载体构成了艺术，产生了美。虽然画面热闹非凡，但都以有规律的形式组合，井然有序，容易让人产生秩序感，因而让人们产生美感。画中的人们沉浸在各自的生活中，栩栩如生且富于变化，笔墨章法都很巧妙，颇见功底，其形式符号让欣赏者赏心悦目，就其艺术美的基础层次而言，这些便是美学中所指的人为性的感性对象了，并自然而然将我们带入艺术美的第二个中介本质：想象中的形象系统。
在观赏《清明上河图》时，看着画面中高大的城楼、屋宇、茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨，各行各业，应有尽有，样样俱全。这些都很容易引起我们的联想，看着当时人们生活的场景，很自然会想象是不是在我们的生活中也有出现过，是不是也想回到那个时候，住在那样的街巷建筑中;又或许想象自己是画面中的某一个人，自己或自己所知晓的某个亲人也有过同样的经历，让我们忆起往事;或想象他们之间的对话，想象着他们之间究竟发生着怎样的故事，有着什么样的趣闻由此，一个具有自我确证价值的虚拟形象世界就逐渐形成了，它拉近了我们与艺术品之间的距离，并将我们带入艺术美的核心本质层次。
艺术家用一件作品感动了自己的同时，也将欣赏者感动，这便达到了艺术的目的。引起欣赏者自我确证的对应点是由欣赏者自我创造、自我发现的，从相同的对应点上产生了共鸣，欣赏者便能从中获得审美享受。《清明上河图》采用了散点透视的构图法，将繁荣和舒适的城市生活景象纳入富于变化的长卷画面中，展现在欣赏者眼前，想必这是任何一个时代的人都不忍拒绝的。每一个观赏者从这幅画面中所激发的自我确证的点或许不会完全一致：有的欣赏者从《清明上河图》欣欣向荣的场景中获得对美好生活向往的自我确证;有的从作者营造的自然风光联想到，它有可能就是我们生活中见过的一处景，生活中走过的类似的一座桥，让欣赏者感觉到亲切;有的会感慨于作者对于情节的布局，疏密有致的构图，或者其笔墨章法;还有的则是感动于古代劳动人民的智慧。
二、《清明上河图》之艺术美的特征
《清明上河图》没有按照传统的界画画法，而是采用了兼工带写的笔法，在设色方面也十分淡雅，所以众人评价其别成家数。得益于鸟瞰式的全景式构图方法，画面长而不冗，如一气呵成，将汴京东南城角这一典型真实而又集中概括地展现在我们眼前。画中所摄取的景物，大到辽阔寂静的田野，河流中悠然的流水，高耸屹立的城郭;小到小船小车里的人物，小摊商店里的陈设货物，门市店招上的文字丝毫不失。在多达800 余人物的画面中，组织有条不紊，繁而不乱，严密紧凑，同时又具有情趣，完全符合艺术美的几个特征。
1.形象性
艺术形象是艺术美最基础的存在形态，艺术美以感知形象为基础，以想象形象为中介，以自我的形象化为核心。《清明上河图》中将各种创作素材进行艺术加工，将行动性与精神性相结合，通幅刻画了人们熟知的场景，面对如此丰富的画面，基于人们不同的生活体验，融入这样一个繁荣的虚拟艺术世界里，欣赏者又将以自我的形象化为核心，得到各自不同的审美感受，任其自由地确证自己的存在，从这个角度出发很容易能体会到艺术之美。而如此宏伟的画作本身的独特性也足以使观赏者过目难忘，加之其中鲜明的创作个性、人物形象、自然物象情景交融，共同促成形象性的稳固。
2.情感性
艺术美的情感性体现在艺术美与生活经验息息相关，它是一种完全自由的情感。生活情感来源于生活经验，而艺术本身亦来源于生活，《清明上河图》中对于生活如此细致生动的刻画就已经透露出作者对生活和这片土地的热爱之情。各行各业欣欣向荣的场景，体现了作者对广大劳动者的崇敬之情。设想，只有景没有人，或者只有人物没有景色，这幅画作绝对不会达到今天的成就。因为有了人物，才使画面更加生动;因为有了景，更凸显了生活的美好。正是因为多方面因素的结合，共同构成了我们熟悉的生活状态，让我们产生亲切感，拉近了欣赏者和作品之间的距离，让欣赏者进入画作中，和作者一同悲喜，审美活动在其中自由地展开。
三、《清明上河图》之艺术美的规律
1.和谐
我们总能在每种和谐的状态中找到事物间存在的某些规律，这样的和谐同样存在于艺术品内部、艺术品与创作者之间、艺术品与欣赏者之间以及艺术家与欣赏者之间。《清明上河图》中所表现的每个人物、每处景象，甚至每一点细节，都安排得合情合理，疏密得当，繁简相宜，动静互补，聚散有序，都让人感觉恰到好处，繁而不乱。这幅作品充分体现出画家对生活的洞察力和画面组织能力，是形式美与内容美充分结合的典型，不仅达到艺术作品的内容和谐，形式和谐，在艺术作品的内容与形式也达到了和谐。我想这便是所谓的文情相谐、声情并茂和形神兼备。欣赏者们也很容易从中找到自我确证，达到欣赏者与艺术品之间的和谐，并通过艺术作品这样一个中介达到艺术家与欣赏者间的和谐。
2.生命
关键词：室内景观；设计；艺术
随着“绿色生活”“绿色建筑”等名词的出现，人们对生活环境的要求也在不断提高，并愈发注重室内景观设计的艺术性。而目前我国室内景观设计多流于表面的装饰美，其中蕴含的艺术思想、艺术意境、艺术价值等相对较少，因此，还需要设计人员能够加强对这一方面的研究，将室内景观设计与艺术充分结合，进一步满足人们的艺术追求。
一、室内景观设计艺术相关概述
室内景观设计就是设计师在室内空间加入自然景观的设计过程。在这一过程中，不仅需要保证室内空间环境的舒适性和生态效应，更应注重其中蕴含的艺术性。艺术美学特征的体现是室内景观设计中的最显著特征。无论是室内景观中的植物还是山石，都能够形成独特的艺术形象，并产生与众不同的艺术意境，例如在室内设置一弯壁上涌泉，再配上翠竹两三枝，便能营造出一种“明月松间照，清泉石上流”的艺术意境。在室内景观设计中，要求设计人员尽可能的实现设计与艺术的有机融合，以增加室内空间的趣味性，充分展现房屋主人的艺术品位。
二、室内景观设计艺术表现形式
（一）室内植物景观设计艺术表现形式
不同的植物具有不同的艺术气质，植物在室内景观设计中，不仅是改善室内生态环境的重要材料，同时也是设计艺术表现的重要组成部分。植物具有特殊的自然形态和颜色，能够与室内的生硬线条和所运用的工业色彩形成显著对比，起到柔和室内景观、丰富室内视觉形象艺术等作用。同时，植物往往都具有自身的文化象征，室内景观设计中的植物景观设计，能够运用植物将主人的艺术品位和文化涵养充分展现出来。如竹子的文化象征是气节，运用竹子布置室内景观，能够使参观者体会到主人礼让、虚心等高尚的品格。
植物景观设计的方法按照艺术美学构成原理可以分为四种。第一种是孤植，也就是在植物景观设计中仅运用单株植物，这种方式有助于植物自身艺术魅力的展现，一般会选用形态独特、色彩艳丽的植物，并将其设置于视觉中心或是突然出现空间转换的位置。第二种为列植，是将相同的植物整齐排列的设计方法，能够起引导、空间分隔等作用，这种景观中主要展现了秩序、韵律等艺术美感。第三种是群植，是设计师根据艺术美学原理，将不同种类的植物进行组合，以形成独具艺术美感的“丛林”
“花园”的设计方法，主要适用于室内园林庭院的景观设计。第四种是附植，就是运用攀爬类植物形成室内景观的设计方法，如“植物幕墙”等。
（二）室内山石景观设计艺术表现形式
景观中的山石源于自然，是典型化了的艺术形象。我国自古便将赏石作为一种雅趣，自然中的山石千奇百怪、形态各异，无一不是对自然艺术的总结和精炼，室内景观设计中的石头已经不再仅仅是一种物件，更是蕴含着特殊精神内涵和人格象征的艺术形象。
在室内山石景观的设计，不应仅仅是对大自然中山石形态的复制，更应充分发挥设计师的艺术创造能力，赋予山石景观“小中见大”
“寸石生情”的艺术意境，运用山石的特殊纹理、质地、色泽，将设计师想要表达的情感充分展现出来。如在置石时，设计师可以选择具有独特艺术形态的山石，使观赏者能够从山石本身，品读出其内在所凝练的艺术，充分展现设计师想要表达的宁静深远的意境。吴冠中先生认为，山石或玲珑、或奇特，无非在向人们昭示着自己的抽象艺术美，因此，设计师应通过山石形态，体会其艺术美感，使人们在观赏室内山石景观时，能够如同观赏西方抽象派雕塑一样，领悟其精神内涵。
（三）室内水体景观设计艺术表现形式
水体是室内景观构成的重要部分。中国传统文化中认为水可聚财纳福，水色为淡雅之色，中国传统园林的设计中也以淡雅为主，设置泉、池、溪等多种水景景观。室内水体景观设计可以分为动、静两种，动水景观主要包括溪、瀑、泉等，流动的水所发出的清脆响声能够营造轻松愉悦的气氛，具有独特的动态、韵律艺术美感，静水景观主要包括池、潭等，一汪静水配上三四片青莲浮萍、七八尾金鱼，微风人室时水波微涟，净水灵动，将静谧、雅致的艺术情趣体现得淋漓尽致，能够充分展现水体景观设计艺术之美。
关键词新媒体艺术；中国艺术；艺术审美；民族化
新媒体艺术创造出了一种彰显人文关怀与艺术反思的艺术新样式，在学习、模仿西方新媒体艺术的创作与研究的同时，创作界和理论界也开始关注中国新媒体艺术发展的自身特点，并努力探索这些特点与中国艺术美学之间的内在联系。现代与传统艺术审美关系的思考中，本文试图在新媒体艺术的全息性审美方式与中国艺术美学的整体观照意识之间进行互动性思维，以建立现代艺术与传统艺术在审美意识上的内在关系，对中国新媒体艺术的民族化发展作出贡献。
1.新媒体艺术的理论基础
新媒体艺术是在总结提升传统艺术经验的基础上，随着媒体技术和媒体理论的逐步完善而发展起来的。20世纪以来，数字技术、信息技术、计算机与网络技术、生物科技等新技术的快速发展，为现代艺术提供了全新的传播媒体和表现形式。而20世纪下半叶兴起的各种社会思潮则为新媒体艺术理论提供了观念来源。特别是马歇尔 ・麦克卢汉在20世纪60年代提出的“泛媒介论”，为新媒体艺术理论的产生和发展打下了理论基础。“泛媒介论”为认识新媒体、整合新媒体为艺术创作所用产生了启迪的作用。此后，层出不穷的新媒体和新媒体理论不断冲击着原有的艺术思维和表现方式。新媒体艺术在建立了媒体可以是艺术的载体，也可以是艺术内容的理念基础上，走上了一条不断发现新媒体和融合多种媒体为我所用之路，并最终创造了新媒体艺术这一有别与传统艺术且不断进化中的艺术形式。
2.新媒体艺术全息性审美概念
新媒体艺术的一个显著特征，是将多媒体技术可能形成艺术表达的元素进行有机性与整合性的链接，产生一种单一媒体所不具有的新的传播功能与技术意义。多媒体的相互融合是新媒体艺术的核心表现手段和主要艺术语汇，并由此产生了审美体验的综合性、审美过程的交互性、审美情境的虚拟性等区别于传统艺术的全息性审美方式。多媒融合是艺术自身发展的要求。它反映了艺术的人性本质和自然本质。首先，人类的感官本身就是“多媒”的，人类不仅以五官感觉，而且以全部的思维感受着外部物质世界和内心心灵空间，多媒融合符合艺术表现人性的要求。同时，自然界本身就是有声有色、“多媒”合一的，多媒融合也符合艺术表现自然的要求。所以，人类对于艺术信息的多媒融合，不但是技术发展的必然趋势，更是人类审美意识与人性自身完善的必然要求。
3.中国艺术美学视角下新媒体艺术的特征
中国艺术美学，带有明显民族传统性特征，新媒体艺术充分吸收民族性并有机整合多媒体技术，建立了互动与互为的新艺术形式，使审美活动具有全息性与广泛性的审美特征。多媒融合下的审美思维是整体的、有机的、全息性的审美思维方式。它不仅综合性地调动了人们的视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉等各种感觉器官，还交互性地激发人们的思想、情感、性灵与精神等理性活动。在这种全息性的审美活动中，人们的主观与客观互动、感性和理性互融、技术与艺术相通，达到了一种审美意识上的辩证与统一，给人们带来了全息性的审美体验。
3.1审美体验的综合性
新媒体艺术将不同媒体及其造型及传播机制的应用功能有机整合，大大丰富了艺术的表现形式，多重艺术语汇的综合带给人们韵味体验以及张力震撼。我们知道，审美体验意味着主体部分或者完全进入到对象当中去，对对象发出的信号进行回应。当代的新媒体艺术不仅需要融合眼、耳、鼻、舌、身等多种感官参与审美体验，而且随着现代神经学等科学技术的发展，新媒体技术可以绕开复杂的身体感觉器官，直接刺激神经，从而让人摆脱感觉器官而感知栩栩如生的世界。新媒体技术的发展给新媒体艺术带来了极大的发展空间，也让人们的审美体验产生无与伦比的综合性和丰富性。
3.2审美过程的交互性
新媒体艺术多媒融合的表现方式促使审美过程发生相应的变化。交互式审美成为新媒体艺术区别于以往艺术形式的一个重要特征。在新媒体艺术传播过程中，创作者 、传播者和接受者是交互合一的，创作、传播和接受的过程是实时同步的。这赋与主客体对作品内容、过程、表现、结果进行创造性阐释和能动性建构的权利，艺术审美也成为主客双方互动地、深度地参与和体验的过程。这种积极的交流和互动使得作品意义的阐释变得多元而丰富，创作和欣赏的过程充满着审美的愉悦。同时，新媒体艺术审美过程的交互性使人的主体意识得以凸显，主体性得到充分发挥，体现了艺术审美追求 自觉自由的本质要求。
3.3审美情境的虚拟性
新媒体技术的融合、生成功能使其可以任意地依据人们的直觉意象创造出物质现实中并不存在的事物。在新媒体艺术中，现实生活中发生过但不可再现的事物或事件场景可以随时再现，现实生活中可能发生但并未发生的事物或事件也具备了被展现出来的可能，甚至根本不可能在现实中发生的事物或事件也能被人类知觉所感知。新媒体艺术的这一特性突破了传统的审美准则，形成了虚拟领域的审美范畴。在这个虚幻的时空里，意识的直觉成为了物质的现实，假定性的体验被赋予了极强的真实感，艺术的表现和审美体验都获得了空前的自由。
参考文献：
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[5][美]F・卡普拉：《物理学之“道”》，朱润生译 ，北京出版社1999年第1版 。
[6]石鲁：《生活章》，《文艺研究》1981年第 1期。
体育美学是研究人与体育运动的审美关系的科学。由于体育美的本质与体育的本质关系密切并受其制约，所以，在界定体育美的本质之前，应该对体育的本质作出科学的断定。
关于体育的本质归属问题，历来是我国体育界辩论的一个焦点，并形成了几种不同的认识流派，一直没能达成共识。随着体育科学的发展和我国“全民健身计划纲要”的实施，大家对体育本质的研究与认识正逐步趋于统一。体育是一种“增强体质，健全人体的教育活动”的本质界定已被广大体育工作者所接受。
体育的本质特点规定着体育美的本质特点和内容，也决定着体育美的欣赏和创造的方向。由于体育是以人为对象，以人体运动为表现形式的健身教育过程，那么，体育美的本质应该是人的本质力量在体育运动实践中的感性体现，它反映的是人与体育运动的审美关系。它不仅是一种抽象的概括，同时具有丰富可感的形式。它是体育运动实践的产物，既是审美主体，又是审美对象，离开了人，离开了人体运动，体育美也就不复存在了。
艺术美则是艺术家在社会生活中感受现实美的基础上，融人审美情感和审美理想，按照美的规律创造出来的，是美的理想化的形态。
艺术形象是主观和客观高度融和统一的产物，是感性的东西经过心灵化了的结果，是再现和表现的统一。从主观上看，艺术美是按照本人的审美理想，对已感受到的现实社会生活进行筛选和加工，再把个人的情感融人进去，从而使艺术美带主观性和表现性的特点。从客观上看，艺术美来源于人类的社会生活，是对现实中各种美的事物的真实反映和再现。因此，笔者认为，艺术美是艺术家在感受现实美的基础上，经过审美理想的过滤和情感融化，按照美的规律创造出来的，它集中体现在艺术作品的艺术形式中，反映着一定社会生活的某些本质方面，包含着一定的客观真理。因此，艺术美的本质应该是:人的审美意识的集中化了的物态化形态，是艺术家对现实生活的审美理解的感性体现.也是人的自由在艺术作品中的形象体现。
2体育美与艺术美的特征体现
事物的本质必然会由现象表现出来，从而构成审美属性，成为审美对象。体育美和艺术美的基本特征就明显反映出了各自本质现象的特征。
创造性是体育美与艺术美所共有的一种特征，但它与体育美有着更加特殊的意义。因为体育运动的创造是实践的直接产物，而不像艺术作品那样带有艺术家主观精神的外射。体育美一旦创造出来，就能与社会的进步和体育运动的发展相适应，反映出一种积极、进步和肯定的趋势。另外，体育的创造主体即是创造者，又是审美对象;即主体、客体都是运动者本人。这与艺术美的创造特征有明显区别。
形象性是体育美的又一特征。虽然艺术美也讲究形象性，但体育美的形象性主要是由人体表现出来的。在体育实践中，人体通过不同形式的运动，以匀称的体型、健美的肌肉，正确的姿态充分展示出体育美深厚的内涵。如:一套刚劲有力的健美操;一套优美双逸的自由体操;足球守门员一次飞身跃起扑球的空间造型;跳高运动员腾身过杆的英姿，这些具体生活并富有感染力的形象充分显示了人的本质力量。
体育美具有变易性和易逝性的特点。它受时空的局限，它始终处在不同的时空中，不可能被人们自由地观赏。如跳水运动员一连串高难动作转眼即逝，留给人们的是瞬间之美和极大的振奋。艺术美则能把现实美和人们的审美意识凝固在艺术作品中，使不同年代和不同地域的人都能够欣赏它。如:许多古代的优秀绘画和音乐及雕刻艺术作品，至今仍能带给我们艺术上的享受，它们并没有因时代的变迁而失去其审美价值，这反映出了艺术美具有永久魅力的特征。
艺术美的另一个特征是典型化，也就是说，艺术美是艺术家审美创造的产物，虽来源于现实美，但高于现实美;它集中和概括了现实美，从而表现出更加深刻的思想内容和感人的力量。
另外，艺术家在创造艺术美的时候.不仅真实地再现了现实中的美，并在集中现实美的基础上进行加工和改造，融人了个人的审美情趣和审美理想，所以，理想化是艺术美的又一主要特征，这与体育美有着根本的区别。
3体育美与艺术美的关系确认
3.1同出一源，相互联系
无论体育美或艺术美，探索其根源，都离不开人类社会实践和物质生产劳动。美学观认为，美既不是人的主观精神意识的产物，也不是纯自然进化的结果，美是人类社会实践改造客观世界的产物。从摆脱自然生产开始，人类社会就朝着物质生产实践和精神生产实践两个方向发展，并具有审美属性。在古代宗教礼仪中形成的原始艺术和体育萌芽，二者之间是没有区分的，甚至在很长一段时间里，劳动与体育、舞蹈、音乐之间没有界限。随着人类社会实践活动的发展和劳动生产的发展，体育和艺术才随着社会分工而分离，并逐步发展成为相对独立的社会活动形式。
纵观历史，体育与艺术有过密切的联系和结合。古希腊奥运会的竞技场，为艺术家的创美活动提供了源泉，并由此创作出了许多流传百世的艺术珍品，如:《掷铁饼者》、(短跑者》等力与美、雄与健、韵与律融合的英雄形象。而艺术发展的规律，艺术的技巧、风格的演变，又为体育美的创造和欣赏提供了丰富的营养，从而进一步发展了体育审美的价值。今天，在现代体育运动中，许多项目对艺术性的要求越来越高，如:竞技体操、艺术体操、健美操、跳水、花样游泳、花样滑冰、技巧、武术等。所以，正确地借鉴艺术，深人了解艺术，不断加强艺术修养，对现代体育创美活动意义重大。
3.2本质迥然，不可替代
体育美是现实美，存在于现实生活领域，是现实生活的一部分。艺术美则是艺术家对生活的审美情感、理想与生活美丑特性在艺术形象中的融合，存在于艺术领域。体育美是人的全面本质的感性显现，是内体和精神，体力和脑力的全部功能的外显和确证。这与艺术美的审美意识物态化、精神本质对象化截然不同。
[关键词]数字媒体 艺术美学 特征
中图分类号：R02 文献标识码：A 文章编号：1009-914X（2015）19-0358-02
1、概述
在这个信息时代，数字科技已经深度介入到了艺术与文化领域之中。现在更多的艺术家、设计师及数码爱好者们都在数码的“工具箱”里找寻新的创作灵感，拾取更加得心应手的创作工具与手段，不同程度的通过其他的形式实现着自己的艺术梦想。不管是艺术家、艺术对象、材料、方法和手段，还是艺术理念等都到了数字化集成和整合的底部，这也很大程度上的促成和实现了艺术元素间的有机互动，产生出和传统艺术特征，风格完全不同的新审美特质。
伴随着数字媒体艺术的不断发展，给人们带来的是各种不同艺术的有机结合，进而真正的实现各种艺术的辩证统一，同时也把语言和艺术的统一性进行了更加有效的整合，在广义的数字媒体艺术中，在进行数字媒体艺术的构架时，其涉及的领域包括很多，比如：科学技术、媒体等多个方面，同时也包罗了更为广阔和深邃的文化理念。一方面，我们可以从数字媒体艺术的表现形态中可以看出，其大量的介入了数字和多媒体技术，其中也包括网络技术和现代通讯技术等，进一步通过这些技术的有机结合来形成数码的图像或者是音频，包括诸如动画等一系列的艺术形式，从另一个角度来说，不同领域的艺术创作形式的完美结合，把之前传统并且简单的表现形式和创作空间进行了进行了一定的扩展，使之变的更加的多样和多元化，这其中要求的不仅仅是一种艺术的充分运用，而同时也是多个领域和学科的团结与写作，这也可以说是一种对艺术的认知和造型进行的一种全新的理解和认识，使艺术家的综合素养得到较大幅度的提高，但是艺术的对象，也不仅仅局限在以往的艺术的美感和视觉的享受，而是对众多的艺术的长处进行完美的结合，并且同时也借助于现代数字技术和多媒体技术，将图文和音频进行有效互动，从而实现多媒体和多艺术的有效结合。
2、数字媒体艺术的简介
数字媒体艺术是在90年代以后产生的一种全新的艺术形态，这种艺术形态很好的实现了数字媒体技术与艺术的有效融合。一般来讲，艺术创作人员必须要深入了解数字媒体艺术的形态本质，从而进一步更加充分的掌握数字技术的多样性，进一步的利用数字媒体来完成艺术创作，为人们提供更加优秀的文化作品。对于数字媒体来说，它的本质形态就是价值观的开放性，拥有不同文化内涵的艺术创作人员将会创造出不同的艺术，因而我国的文化将呈现多元化的发展趋势[3]。
在一般的情况下，数字媒体艺术也就是将计算机媒体技术应用在资讯、传播和生物科学等各个领域所创作出来的艺术作品。这其中主要包括了数字图像、只读光盘艺术、虚拟现实艺术作品、网络艺术、数字音频艺术、虚拟生物作品、综合数字艺术等，所以我们可以看出，数字媒体艺术与各个领域是息息相关的，七间存在着千丝万缕的关系，所以，要想加快数字媒体产业的发展速度，从事艺术创作的人员就必须要更加深入了解数字媒体艺术的基本内容，从而进一步加快我国艺术创作的速度。
3、数字媒体艺术美学特征的简要分析
对于数字媒体艺术来说，它主要的作用是用来实现各种艺术之间的有效结合，并且同时特完成了语言和艺术的整合工作。为了将数字媒体艺术应用于科学、技术和媒体等多个领域，艺术创作者必须首先要深入的了解数字媒体艺术的文化理念和数字媒体艺术的美学特征，以此来实现数字媒体艺术的有效应用。从字面上来看，数字媒体艺术的美学最明显的特征之一就是多媒体性，这主要体现在数字媒体艺术必须要依赖于多媒体技术来完成数码图像和音频等内容的艺术创作工作。
互动性也是数字媒体艺术美学的一个重要的特性，是数字化艺术在作者与观众之间过程与结果之间所表现出的一种角色换位，互动沟通，即共同参与，共同分享的一种艺术模式，这也是艺术同一性的一种典型的体现。例如网络艺术就是典型的互动性的数字平台，无论人们身处何处，只要条件允许，我们就可以接入到网络系统，接下来就可以参与到网络中的艺术创作中来，进而对作品进行不断的补充和再创造。同时也可以根据自己的理性认知，生活体验，个人爱好，对作品进行一定的再创作，期间可以不断注入新的题材内容。从一名艺术家和原创者角度来看，网络作品，只是原创者搭起的一个作品框架和供人们表演的舞台，目的是让更多的网友都尽情的参与并表露个自的才艺与特长，以此拓展作品、增强自信。另一方面，在网络互动中，参与者都品尝到了艺术家及艺术创作的，人的个性化的元素在作品中成为了艺术的对象，没有专门的艺术技能，凭借数字技术提供的“半成品”（网络资源），进行“来料加工”式的合成一与后期制作，这种共同参与艺术创作的互动平台与氛围，最终形成了当今人们所关注的艺术的互动性特征，即：艺术与非艺术的互动，艺术家与非艺术家的互动，它的结果，似乎人人都可以成为艺术家，艺术对象有爱无类，艺术作品走向复制时代，走向边缘与混沌[1]。但是不得不说，这都与互动性密不可分。的确是这样的，互动性的数字创作平台，充分的给予观众对作品享有更大的选择权利与修改权利，每一个观众都能从自己的角度去出发，去找寻和确定作品的样式。在观众阅读完他人的故事之后，又以“艺术家”的高度在个人意念的支配下，可以对作品做出回应和进行新的探索。主动的去参与到创作之中，在互动式的沟通中，真正可以实现艺术家与观众，艺术创作与接受的换位思考与真诚的对话。
与此同时，创作者才能够真正的将作者真正的内心心甘情愿的展现到人们的面前，通过作品让读者充分的体会到创作时的心里活动。只有这样，观众在分享作品时，才可以得到切身的精神满足与情感的陶冶。科技对艺术的挑战是不以艺术家的意志为转移的。它的结果是通过其自身的吸引力将更多的“门外汉”吸引进艺术的大门，所以才会艺术被简化成一个“工具箱”，使用者在需要时便可以拿来使用。这种艺术的技术与工具化倾向，在数字媒体艺术里，使更多的人能加人行列，使大众气息的艺术氛围，表现平民生活的数字化作品应运而生。[4]
然而，任何一种艺术，都需要长期的训练和精湛的技艺支撑，这并非是一朝一夕所能成就的，所以这就形成了艺术的神圣并且高不可攀的倾向。尽管这样，数字科技的普及趋向衍化，使的艺术日益走向纯技术的道路，现在的这种倾向九十分的明显了。因此，只要是经过一定的重复不断的操作，通过此来不断的提高熟练程度，几乎可以说是每个人都可以创作像模像样的作品了。所以现在就有一种情况不断的在发生，艺术家们不愿意再花更多的时间去在作品中“惨淡经营”，反而缺渐渐学会了去“偷懒”，在创作中走竭力的去寻找捷径的存在。
大众化也是数字媒体的艺术的新美学特征之一。在之前通俗的数字处理技术和互动的艺术创作模式的依托中，构成了数字媒体艺术的又一鲜明的美学特征[3]。当代的数字技术十分人性化的设计，我们可以进行规模化的复制，同时也可以快速传播工具与载体，这可以说是都在根本上解放了艺术的“劳动生产力”，这也就大大的消解了艺术的高难度。数字艺术作为最普及的艺术与现实关系的媒体，自始至终都在和大众媒体携手共进。从当今的“第四媒体”的网络艺术来说，其中的交互性及双向互动传播而论，比如说开设电子论坛（BBS），公布记者电子邮件，在每篇报道之后设置评论区等等手段与途径，给大众提供一个交换意见和发表评论的场所，这使的进人网络的人们能够直接参与作品和新闻报道，这不仅做到了媒体原创，网民之间的沟通，还实现了观众对观众的传播，从而真正使媒体与大众融为一体，真正实现了数字媒体成为“大众的代言人”[5]。这就像平民作曲家雪村等一代青年艺术家产生了以《东北人都是活雷锋》为领衔的一大批大众化的数字化艺术作品，这些作品平凡但是却让人感觉十分的亲切，凭着数字媒体技术的快速传播，几乎是一夜之间，独具特色的东北腔“翠花上酸菜”就热遍了网里网外，可谓家喻户晓。所以我们现在可以肯定的是，数字化艺术的互动与共享，使成千上万的人共同地创作，共同地欣赏，共同地评论，共同地开拓新的艺术天地。
结束语
数字媒体艺术中所展现出来的大量的美学特征，在现代艺术发展中起到了十分重要的作用，不仅仅为人们提供了多种多样，形形的艺术表现形式，同时也能够通过美学特征的存在，而使人类对未知的科学和人文知识进行更加深入的了解和探索，从而进一步的对现代艺术进行重新定位。现代艺术会沿着怎样的方向发展，是向着现代化的方向继续发展，还是会返回到复古典的复兴，这都是由其所具备的美学特征所决定的，所以说，数字媒体艺术的前途在于其美学特征的有机结合，才可以不断的创造出新的形式和途径。
在现代的社会，文化与传媒产业作为信息经济发展的重要综合指标，已经越来越显示出强大的核心竞争力。同时数字媒体艺术的不断兴盛和发展使得艺术文化问题已经越来越引起人们的关注。现在存在着一个不容否认的事实就是，自诞生以来，数字媒体艺术正在以它那特有的品质给我们的生活方式、思维方式、价值观念和审美趣味带来不同的影响，并且这些影响都具有十分深远的意义。以媒体技术本体化与视觉文化审美化为表征的新意识形态的不断的扩散，深刻影响着现代文化的发展。数字技术所引起的最明显的变化就是由话语文化形式向形象文化形式的转变，在摧毁传统文化等级秩序的同时，同时也消解着艺术传统对意义的深度追求。物质性存在的强势与观念性存在的低限之间的博弈，是数字艺术以及电子视觉文化无法回避的现实，数字艺术的发展函待解决唯技术主义的迷瘴与意义场的虚设等现实难题。“数字化生存”的技术和“艺术化生存”的人文相互协调，才能实现数字艺术的平衡发展。
参考文献
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[2] 李四达.数字媒体艺术的理论探讨[J].饰，2006.
[3] 王伟毅.数字媒体艺术的多种可能性[J].天津美术学院学报，2005.
关键词：杂技艺术；美学略论；美学殿堂；技巧；智慧
一、杂技是一种非凡的艺术
1.杂技是生命的律动。
中华民族经数千年繁衍融合，终于形成今天融括56个民族的大家庭，而凝聚中华民族的向心力，除古代哲学思想，就是东方人体文化。东方人体文化是追求天人合一的生命情调的，真力弥满、至大无外的无垠感和至小无内的虚灵境，也是东方人体艺术美学的重要基因，线的流动，圆的呈现中既显示了澹远意态、高逸灵境，又是以虎虎有生气的节奏，在万象天地间，超脱自在地运行着――生命的律动。
2.杂技是最古老的艺术。
只有杂技，作为一种最古老的艺术，它仿佛简单些，因此美学的殿堂里，常常找不到它的位置。然而当您阅读了它产生的文化机制和独特的历史，以及在现代文明中的特殊地位，就不能不认真研究它的美学意义了。
杂技作为一种超常的艺术，作为人类在与自然斗争中，不断升华自己的智能和体能的最古老的艺术，同时又是现代表演艺术之一，它在美学的任务是科学地回答杂技本体问题，包括杂技在各门艺术中的地位；杂技的起源；杂技本质和特征。杂技作为审美对象有特殊的美学规律，从而揭示出杂技艺术创造、欣赏、及表演者与观众之间的特殊的规律。同时指导人们正确认识、欣赏杂技和发展杂技艺术。
3.杂技是综合艺术。
迄今为止，在众多的中外美学论著中除了鲍氏的《美学》还找不到一本论叙杂技美学的著作，鲍列夫教授这部34万字的著作正式把杂技列入了神圣的美学殿堂。在该书的第八章“美学――艺术形态学”中，把杂技单独列为一节，与其它艺术门类享受平等的待遇，这确实比某些姐妹艺术的专家们大大进了一步。许多戏剧理论家和舞蹈理论家，在批评本门艺术的劣品时往往说：“那不是艺术，是杂技。”杂技成了低劣、非艺术的贬义词。鲍列夫教授坚定地认为杂技是一门综合艺术，对这个被称为“最难猜的谜语”进行了理论探讨，在其分析杂技艺术本体和追求时，很多观点是正确的，当然也有些看法值得商榷。比如说，他正确地认为：“杂技中奇异性不仅仅是形式，也是一种特殊的内容：它能显示人对于动物、对于空间、对于自己的身体、对于自己的情绪，一句话，对于整个世界的无限权威。”这涉及杂技美学特征和审美价值的主要方面。在他论述杂技作为综合艺术的特点时，说得也极有道理：“杂技演员不仅追求几个超自然的运动指标，还要塑造完成最高任务者形象，还要按照表演的节奏和内部联系，按照各动作间精心设计的衔接方法和与同伴巧妙合作方式创造某种艺术作品。”追求艺术形式的完美和表演手段多样化的协调，已经成为当今中国和世界杂技艺术的潮流，音乐、灯光、舞蹈和服饰的协调配合都从艺术的完美上统盘考虑了，鲍列夫的论断正是对杂技现状的总结。他认为杂技与体育、戏剧的不同，就在于“杂技不是创造记录，而是表现自己最高能力的人的形象”。杂技所塑造的人的形象，是最大限度展现人的力量、勇气、技巧和智慧的人，是体现人能驾驭一切、控制一切、征服一切的无限权威。
二、杂技艺术的美的表现
1.美是杂技追求的目的。
杂技艺术是如何表现美的问题，在杂技理论届已经讨论了多年至今似乎并没有一个定论。这不足为奇，因为美本身就像是一只万花筒，是一个多元的范畴，而且从审美感受和审美趣味来看，每一双眼睛、每一个角度来看感觉都不一样，很难统一。既然难以统一还不如百花齐放。
2.杂技包含了众多的美。
技节目中包含有“壮美、优美、幽默、滑稽”等这些一般艺术美的品格。如众多的集体节目就含有壮美、优美，绝大部分杂技节目都把优美作为追求的目的。但是，这些美的形态不仅是杂技节目本体表现出来的东西，它们还是杂技美的外延，是审美主体对杂技美的表现深层理解的结果。作为艺术之一的杂技，虽然自有特殊性，但同样具有艺术的一般特征，正如杂技节目中惊险绝伦的高难动作，刚柔相济的肢体动作，翻腾飞旋的艺术表现，使观众同样可以获得耳目的愉悦，情感的满足，神志的荡漾一样。杂技艺术美的形态也许就在于此吧。
主体审美能力的体现，是一种从杂技的艺术美表现来体验杂技的深层意蕴。因此，一般传统美的范畴与杂技的审美形态并不是完全阻隔的，而是相互沟通、相互交流、相互兼容的。然而，从各自所具有的特殊意义上讲，它们之间又不是可以任意替代的，它们有共同的地方，但却有自己固有的品性，正如“壮美与优美”一样，它们都是美，却有自己美的不同追求，终归是不一样的。
3.学创新就是杂技艺术的生命。
[关键词]饮食荚学；研究进展；内涵界定
[中图分类号]F59
[文献标识码]A
[文章编号]1002―5006(2006)09―0046―04
饮食审美对象是特定人群在特定区域及其地理条件下，经过不同历史阶段的演变，基于长期的共同生活，共同的，使用共同的语言，具有共同的生活习惯和爱好，渗透进自然、社会、历史因素而升华形成的饮食审美倾向，其特色往往通过特异的食料、食具、食技、食品、食规、食趣和食典展示出来。因此，饮食活动的社会性与文化性使其成为旅游活动“吃、住、行、游、购、娱”六大构成要素的第一大要素，而饮食审美更是旅游审美不可或缺的组成部分，进而饮食美学也成为需要旅游美学研究深入探讨的新领域。
中国是在美食观念的悠久历史传统中形成的，具有人类先进饮食文明的国家。由《说文》中“美者，从羊从大”、“甘者，口中含一”以及“美，甘也”，可知中国人最初的审美意识，源于具有物质功利性的“肥羊味甘”的味觉感受。而在漫长的中国饮食历史进程中，随着“味”的观念不断推广与深化，“味”不仅指饮食的“五味”美感，成为中国烹饪追求的核心，还指向了更广阔的社会和艺术领域，如“韵味”、“意味”、“品味”等，而成为中国审美的最典型感受。这使得中国饮食文化发生了本质的变化，具有了超物质功利性以及感性思考的特征，也最终将中国饮食提升到了艺术的高度，使饮食的目的作用由维持生存走向了审美观照。但基于中国感性思维的民族性，自古以来的历代美食家多关注于烹饪理论和烹饪技巧的总结与介绍，而鲜有将饮食上升到哲学层面进行论述和探讨的论著。回顾中国饮食美学研究演进的轨迹，可以清楚地看到它的发展历程。
一、饮食美学的研究进展
在国内，我国饮食美学的研究起步较晚。20世纪80年初，改革开放带来了我国经济的繁荣和人民生活水平的提高，餐饮业也得到了迅速发展；此时，中国烹饪界提出了“中国烹饪是文化，是科学，是艺术”，而将以烹饪为核心的饮食提升到了新的层次。与此同时，随着社会生活实践的不断深化，在实践美学观的指引下，为适应人们饮食生活双重目标的追求，饮食美作为社会美中最重要、最普遍、最直接、最广泛的实体部分，才逐渐进入人们研究视野，成为专门研究市场经济时代饮食生活领域美、造美与审美活动的实用美学。因此，我们说中国饮食审美的历史虽然古老，但饮食美学的学术年龄却的确过于年轻。其年轻的表现，就在于从研究对象、概念范畴到基本理论体系，都尚少有定论。
1．“立足美学”的起步阶段
由于美术学者的发起和一些心理学家、烹饪大师等的多方参与，饮食(烹饪)美学研究的起步阶段在学科的界定上呈现以美学逻辑为特征，并一开始就进入了饮食美感领域的研究。
青年美术史论学者郑奇第一次公开提出了“烹饪美学”的概念，提出“烹饪美学是一门边缘学科，它是社会科学和自然科学的结合体，是文科和理科的结合体，是精神文明和物质文明的结合体，是审美价值和使用价值的结合体，是艺术和技术的结合体”，以及“烹饪美是自然美、社会美和艺术美的结合体”、“烹饪美学的重点是烹饪艺术”等系列观点，为当时的中国烹饪研究开辟了一条新路。在饮食美感研究方面，《江苏商专学报》刊登的记录郑奇与生理心理学博士朱锡侯教授关于饮食美感问题的谈话《饮食・生理心理・美学》一文，第一次提出了“饮食美学”的概念。随后，朱锡侯教授从感觉系统的发生机制论证了与美感的一致性，而确立了饮食美感这一研究方向。同时，郑奇又从“美感的生理基础”与“的心理效应”人手，论证了低级感官味觉至少可以通过统觉反映通向高级的审美感。在此基础上，陈孝信对“饮食审美的范围、饮食美感的生理基础、饮食美感与一般美感的异同、饮食美感的特殊性(综合性、实用性、个性、多样性、特殊地位)”作了系统研究，建立了饮食美感的体系雏形。此外，吴志健从审美联想的角度，论述了其在塑造菜肴形式美中的作用，以及烹饪审美过程中审美联想的特征、分类及应用，是早期对饮食审美联想的深入思考。后来，郑奇通过论述烹饪美学的研究概况，并从实用与理论两方面论述了烹饪美学学科建立的意义，进一步确立了烹饪美学的地位。在专著方面，郑奇编著的《实用美术(22)――烹饪美学知识专辑》和纪晓峰编著的《烹饪美学》将烹饪技艺上升到了美学层面来探讨。郑奇、陈孝信合著的《烹饪美学》纳入《门类美学丛书》出版，标志了从学术观念上将烹饪美学正式纳入实用美学体系。
2．“局部探索”的初级阶段
饮食(烹饪)美学研究的初级阶段，学术界着眼于饮食美学的局部研究，虽然对于某些方面的研究有了一定的突破，但由于研究者立论基础各异，而使这个阶段各研究成果在内容上既存在相互涵盖交错的区域，又存在相互割裂的真空地带。
丁应林对饮食触觉美的审美特征、触觉审美的过程及其机理，以及菜点触觉美的创造规律进行了研究，肯定了饮食美感中触觉美的地位。而吴志健首先从联系的观点，提出中国烹饪艺术作为中华传统艺术之林中的一株奇葩，当然也应是“真、善、美”的高度融合、和谐统一的观点，阐述了烹饪艺术“真”、“善”、“美”的内涵及其联系；随后，从“意境”人手，又提出了“烹饪艺术意境是由形象及食品的味道交融、化合和升华等三大部分构成”的观点，分析了烹饪意境“情”、“景”的关系，以及常用的烹饪美的意境及其塑造。
笔者曾从审美客体的角度人手，探讨了美食概念、美食的构成要素和美食的直接创造者，形成了美食构成中“三特性”(质美、感觉美和意美)的理论雏形，并初步论述了美食三要素与饮食心理的关系。在此基础上，笔者又对筵席设计与美学的关系做了深入的剖析，指出筵席设计由两大原则支撑：基本原则和特殊原则。基本原则又由自然科学基础和美学基础构成饮食美，并进一步从饮食美具体存在的方式的角度，提出了饮食美的概念、性质和构成要素，包括“三特性”、“十美”(质美、味美、触美、嗅美、色美、形美、器美、境美、序美和趣美)；特殊原则分别为筵席的主题(左右筵席的表现形式)、规格(左右筵席的档次)和礼仪(左右筵席的程序)。后来，笔者又对饮食美研究范围与性质进行了新的界定，提出了“饮食美是人们在饮食生活中的美的创造和审美，是自然美和艺术美的有机结合”的观点，并作了简要的论述，还提出了饮食美感是“高级心理活 动――精神”的观点。
此后，学者们继续从不同的角度，用不同的着眼点，阐述着自己对于饮食美的理解。万建中从“中国饮食对味的追求是产生原始审美意识的直接动因”、“古典美学中的‘和’这一美学范畴，也是建立在中国烹饪调和鼎鼐基础上”的立论，指出中国饮食文化具有浓厚的社会功利性特征，后来，又进一步提出“中国烹饪的美学原则是‘自然美与艺术美的巧妙结合’、‘食用与审美的和谐统一’以及‘实体美与意境美的有机结合’”的观点；汪悃款、张力平着眼饮食美感功利性突出的性质，论证了饮食烹饪美感的功利性存在的合理性，并以饮食烹饪文化的众多事实阐明审美活动和功利性二者之间客观、辨证的特殊性质；麦浪介绍了中国烹饪美学的综合性特征。此外，苏娜的《饮食的美学特征》、李长生的《烹饪艺术与美学》以及王迎全《试论中国菜肴的“属性”》(上、下)，实际上都是对烹饪艺术美表现形式(饮食美形态)的介绍；季鸿良联系中国古代的美食思想，说明美食和风味的关系、饮食美感的内涵，讨论了饮食文化的社会功利性，最终提出了“‘致中和’与‘大统一’观念为当代中餐的饮食审美原则”的观点。
而在论著、教材方面，杨东涛等人编著的《中国饮食美学》，从中国饮食美学思想发展史、“美性”概念、饮食美感及饮食美的创造等方面进行了论述：以通史的形式对古典文献中的饮食美学思想进行了梳理，并概括总结不同时代的相应特征，并从属于直觉感悟的一种传承认识模式――美性认识的角度，对中国人的饮食观念和饮食制度产生进行了论述，还从饮食、美感的关系，饮食美感的构成以及饮食审美能力的构成及规律三方面对饮食美感进行了较系统的论述。而顾仲义主编的《餐旅实用美学》、苏志平，王利琴编写的全国中等职业技术学校烹饪专业教材《烹饪美学》，从严格的烹饪美学的体系来说，它们仅仅涉及到了烹饪美的形式美层面。周明扬编写的全国高等教育自学考试餐饮管理专业指定教材《餐饮美学》界定了餐饮美学的概念，指出“餐饮美学是运用美学原理研究餐饮消费与餐饮服务中美的创造与美的欣赏问题，研究餐饮环境、建筑、装饰、形象、食品造型以及色彩、音响、灯光在餐饮业各个服务领域中的应用法则”的观点。从整体上看，该书虽然突破了烹饪(餐饮)美学教材的一贯研究范围――烹饪工艺美术，但还是局限于餐饮活动中形式美的层面。
综上所述，目前，在国内对于饮食美学的研究中，极少有人注目和涉足饮食美学的全面思考与系统研究，造成现有的相关成果由于集中形成于其研究的起步阶段而内容陈旧，且缺乏研究深度与广度。大多数人集中于饮食美的形态研究和美感研究。不可否认，在一些饮食美学者的努力下，对饮食美学的这两方面的研究已经有了一定的突破，如对于饮食美的形态，建立起了“三特性”、“十美”的体系构架；对于饮食美感，在《中国饮食美学》的“饮食与美感”中也有了较系统的论述。但除此以外的大多数研究成果，要么局限于烹饪工艺美术，这在相关《烹饪美学》、《餐饮美学》等教材中表现得尤为明显；要么习惯以中国古典哲学切入，仅着眼于饮食活动的意蕴进行深入探讨；要么从美学美感人手，进行饮食美感的局部研究。因此，可以说，迄今为止，由于缺乏美学体系的理论指导，国内饮食美学研究零散而不成体系，而对饮食美学全面性、系统性的把握尚未真正开始，还存在学术空白。
二、饮食美学内涵界定
鉴于以上对饮食美学研究发展历程的分析，针对其研究存在的学术空白，从核心词汇“饮食”人手，我们知道，饮食涉及到饮食制品从生产到流通到消费的全过程中发生的经济、管理、技术、科学、艺术、观念、习俗、礼仪等等方面所有的各个环节。因此，我们认为，饮食美学是一门把美学与烹饪学、服务学、心理学、管理学以及艺术理论等结合在一起，用于饮食活动领域的新兴交叉学科。
