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音乐学专业论文:高校音乐学专业钢琴教学论文 一、教学目标要更明确 (一)注重对学生学习观、人生观的培养 每位教师在钢琴教学的初期就应该注重对学生学习观、人生观的培养。教师应该有计划的、有方向的对学生的思想进行引导,使学生不论是在生活中还是学习上都能明确自己究竟怎样做才是正确的,帮助学生树立“不积跬步,无以至千里”以及学无止境、知难而进的学习态度,从而逐渐地帮助他们树立正确的学习观、人生观。 (二)注重对学生审美能力的培养 培养高校音乐学钢琴专业学生的审美能力是十分重要的,它不仅可以让学生的音乐鉴赏能力得以提高,还可以使学生们对钢琴艺术更加热爱,更重要的是它可以使学生的心灵得到净化。因此,一方面,高校钢琴专业的教师在授课时可以适当的插入历史知识、文化知识、舞蹈知识等,拓宽学生的知识面,让学生明白钢琴艺术与其他学科是有着千丝万缕关系的,而不是单独存在的。另一方面,教师可以引导学生在课余时间阅读文学名著、参观艺术展览,鼓励学生多亲近自然,寻找灵感,使学生在知识、艺术与自然的熏陶下渐渐提高自己的审美能力。 (三)注重对学生学习兴趣的培养 兴趣可以使学生在钢琴学习过程中表现的更加积极、主动和认真,教师应该加强对学生兴趣的培养。可以从三个方面入手:第一,言传身教必不可少。教师在授课过程中要全面展示作品的内容,积极表达对钢琴音乐的热爱,以此来感染学生,让他们对钢琴艺术产生浓厚的兴趣。第二,聆听优秀的钢琴音乐很重要。为了提高学生对钢琴艺术的兴趣,教师应组织、鼓励学生多听一些优秀的钢琴音乐,多参加音乐会,多了解音乐家的人生经历。以此使提高学生对钢琴艺术的兴趣。第三,学以致用是关键。教师要合理引导学生们应用课堂所学知识来分析理解钢琴音乐作品,培养学生对音乐作品的感受力和想象力,让学生在实际应用中体会到钢琴音乐的魅力。 (四)注重对学生音乐才能的培养 学生的各项能力是建立在高超的钢琴才能的基础上的。教师在钢琴教学中要注重对学生以下几方面的培养:首先是培养学生的节奏感。节奏是组成音乐的主要部分之一,教师在教学时要引导学生细心体会节拍的律动,指导学生正确认真地弹奏乐曲。其次是培养学生的音乐感。教师在钢琴教学的过程中要充分展示作品的内容,带领学生感受作品的意境,引导学生运用想象力想象作品描述的内容,体会作品的内涵。最后是培养学生的记忆力。教师应鼓励学生注重乐曲弹奏的连贯性,鼓励他们多做练习,多弹奏、背诵一些名作,增强学生的记忆力。 二、教学内容要更完善 完善高校音乐学专业钢琴教学的教学内容是高校钢琴教学改革的重点。 (一)教学内容丰富多样 为了让学生得到全面的发展,高校的钢琴教学不能只注重教授知识,传授技术,这是十分片面,十分单一的。高校应结合社会要求以及学生特点完善教学内容,使教学内容更加丰富多样。巴洛克时期的优秀钢琴作品内容丰富,结构系统,对提高学生对钢琴作品的理解十分有帮助,高校可以多引进这一时期的作品;高校可以建立一个数据库,收藏大量与钢琴艺术有关的资料供学生们下载使用;高校还可以使用钢琴教学法,让学生了解钢琴教学,提高学生实践能力。 (二)钢琴技巧与理论相结合 首先要引导学生认真学习各种有关钢琴的知识及技巧,为学生将来的钢琴演奏技能打下夯实的基础;其次要泛弹精弹相结合,提高学生的视奏能力和实践能力。这样理论与实际相结合,让学生在理论中学会知识,在实践中理解知识。 三、教学模式要创新 高校音乐学专业钢琴教学教学模式的创新是高校钢琴教学改革的关键。 (一)钢琴教学的针对性要增强 了解学生个体的差异,针对不同的学生个体确定不同的教学内容是增强钢琴音乐教学针对性的关键。教师应在日常教学中细心观察和了解学生所存在的问题,对读谱有困难的学生应帮助其学习谱号、音符等,使其学会正确读谱;对触键有困难的学生应帮助其学习触键准则,学会触键方法;对不会指法的学生要指导其进行正确的指法练习,帮助其进步。 (二)钢琴教学的灵活性要增强 高校可以通过不定期开设讲座等方式向学生介绍钢琴音乐的最新动态;通过组织学生参加高水准音乐会的方式让学生们领略钢琴艺术的魅力;通过组织学生开展学生音乐会的方式让学生得以展示自己的才华,增强他们的信心,使他们更加热爱钢琴艺术。 (三)钢琴教学的互动性要增强 教师应充分调动学生的积极性和合作意识,引导他们参与到钢琴教学中来。一是高校钢琴专业教师在教学过程中要尽力营造和谐民主的课堂气氛,告别传统的老师讲学生听的模式,让每个学生都能在师生共同探讨中学到知识,实现师生之间的互动;二是教师可以将学生分成不同的学习小组,让学生在小组中合作学习,互相帮助,共同探讨,实现学生与学生之间的互动。 四、结语 改革创新对高校音乐学专业钢琴教学教学质量的提高具有十分重大的意义。在改革过程中明确教学目标可以使学生的审美能力、音乐技能和学习钢琴的兴趣都得到提升;完善教学内容可以使学生得到更加全面的发展,培养符合社会需求的高素质人才;创新教学模式可以提高钢琴教学的效率,增强师生间的互动。 作者:郑雅丽 单位:华中师范大学武汉传媒学院 音乐学专业论文:音乐学专业钢琴教学改革论文 钢琴教学是高校音乐学当中一门较重要的课程。对于钢琴教学的模式一直在研究和探索。努力实现完善的教学课程系统话,丰富课程内容。使这门课程具有科学性,实战性。随着新时期的到来,社会需求的日益加大。逐步反映出现在如今的钢琴教学还是按照传统的思路来学,忽视学生对钢琴技能的实战。高校音乐学专业其特殊性,使其在教学过程当中占有既特又重要的地位。由于素质教育重要组成部分是音乐教育,其专业的重要职能是向社会输送音乐教育者。这就要求合格的高校音乐学专业师资必须要有好的钢琴基础。高校音乐学钢琴改革,会影响到音乐学的前途和发展,会对今后的钢琴事业产生重大和深远的影响。钢琴教学的改革是在新的体制下的必然产物。教学应向多样化发展趋势进行。在改革的同时也要同步发展,既要有扎扎实实的基本功,还要有一定的即兴伴奏能力,同时还要学以致用,这些也是我们要从各个方面去考虑的。在这就钢琴培养的目标,钢琴教学的内容,钢琴教学的理念来浅析高校音乐学钢琴改革。 一、钢琴培养的目标 当下,学钢琴的学生越来越多。喜欢的钢琴的学生也多。原来传统的钢琴培养目标是就是单一的练好钢琴作品。随着时代不断进步,社会上需要大量的可以即兴演奏钢琴的人员。而目前培养的学生中大多数都不太会弹奏即兴这部分,这就使得大多数学生不可以积极适应社会,不能够很好的融入社会。这就使得我的钢琴培养目标该进行调整,在保证正常的钢琴作品的演奏情况下,也熟练掌握即兴的演奏.以便更好地服务社会。按照《新课程标准》的要求,音乐学专业最终目标是为了培养合格音乐教师。《新课标》要求音乐学专业的学生在钢琴上要好的演奏教学能力,同时还要有好的钢琴教学能力。而学生到今后的工作岗位上缺乏实践锻炼,心里素质差,一上台就会出现各种各样的问题和毛病。更多的希望学生在校期间大好良好的基础。音乐学的学生必须要会往实践中走,而后又返回学习当中去,不断的提高自己。我国一直都在开展素质教育,大大地增加了音乐学科的课外活动。为了符合社会发展趋势,在培养音乐学学生在钢琴方面的登台表演经历和艺术实践活动能力,那音乐学专业钢琴教学必需作出改革。改革的目标就是让每一名学生都参加艺术实践活动中,多去校外实践基地实习。 二、钢琴教学内容 传统的钢琴教学当中,大量的都是世界名家做的钢琴作品。比如有拉赫马尼洛夫音画练习曲,柴可夫斯基的四季等。更具不同人的喜好有些同学喜爱巴洛克时期的作品,有的喜好古典主义时期的作品,有的喜好浪漫主义时期的作品。那有些学生喜好拉格泰姆,爵士,布鲁斯等黑人音乐风格音乐元素的借鉴。在音乐学学生走上工作岗位之后,即兴伴奏的强与弱,对学生来说是极其重要的。在钢琴教学过程中不仅要有钢琴的课程,更开设即兴伴奏这门课程。但是这门课开设,在这些年也反应出。由于学生钢琴基础水平的高低不一样,使得教师在实践中遇到很多难题。即兴伴奏是钢琴技能,基础课程融合的一个综合性科目。在学之前应该要学生具备车尔尼599,849水平,学习内容该重点强调说有大小调音阶琶音和弦。同时还要求学生具备很好的和声基础。在钢琴教学内容中多多了解内容,情绪,风格。好的伴奏能力是通过多次的实践长期练习获得的。学生该主动多完成谢曲目,在完成老师留作业以外,还要多去找比较生疏的曲目进行练习,这样可以提高识谱能力。生选用的教材上太单一化。可以通过改革实现巨大的包括性,把钢琴基本的弹奏技能知识与即兴连起来,进行重新编写。那这样的教材也大大提升的教学效果。授课时时会对学生进行集成练习部分,有音阶,琶音,和弦以及哈农还有各种练习曲以外,可以加入伴奏音型,和弦的连接训练。这样使我们学生在刚刚开始学习内容中就得到丰富。同样要严格要求学生弹奏内容同时,更该让学生多多弹奏乐曲的伴奏部分。让学生多听旋律和声以及伴奏织体。例如学生弹拉赫马尼洛夫的作品时,就应该注意多多分手练习,多体会和领悟旋律的走向。 三、教学理念 破原有思维模式,敢于创新。音乐学的学生是要求钢琴,即兴伴奏,艺术实践活动三个大方向合成的。这三个部分是依托关系,缺一不可。虽然在学习过程当中这三课程由不同主教老师分开教学,但是为了学生能够更好的将这三门课紧密的联系在一起。这三个课程的老师应相互协商,相互探讨。如何让这三门课有机的结合在一起。这就需要突破我们教师原有的教学理念,使更多的教师参与进来,多交流,多合作。并长期教师之间形成很好的交流,大大提倡教师之间的合作交流。三门课程的教师该多多找找科目的通性,及不同的地方一并解决。在基础和的同学生身上要多多发现好的学习方法,也可以让老师和同学共同总结和完善教学方法。这样会有利于学生的学习进度。同样在每个学期中,举办组织学生进行教学观摩。根据音乐课的特点,定期开展以系部,班级为单位的教学观摩,同时也较强的促进学生之间的学习,以提高他们学习积极性。对于考核我们要多样性发展,把艺术实践的成果也计算学生的成绩之内。这样学生会更主动的学习。对于高校的音乐学钢琴的改革,必学坚持以科学为主导,主动放弃陈旧的课程观念,使钢琴这个大学科能够互相促进,这样才能使这一学科培养更多的人才高校的改革是一项系统工程,它考虑的面广,量大。应该从实际出发,克服困难,勇于突破和大胆创新。这样的音乐学钢琴教学的实质发生了改变。才可以真正推动我国高校音乐学钢琴教育事业的发展更稳,更科学,更有活力。最终使学生好老师都满意,社会高度认可的改革。 作者:方飞 单位:广西民族师范学院 音乐学专业论文:音乐学专业创业教育论文 一、音乐学专业开展创业教育的必要性 1.适应市场经济发展的需要 随着社会的发展,科学技术的不断进步,经济全球化的背景下,出现以创造力为优秀的创意文化产业。这一新兴产业,强调一种主体文化或文化因素依靠个人(团队)通过技术、创意和产业化的方式开发、营销知识产权的行业。创意经济迅速崛起,并席卷全球。中国创意文化产业在这种思潮的影响下也得到很大的发展,并以前所未有的规模和速度发展壮大。创意文化产业的快速发展,为音乐学专业毕业生的就业和创业提供了非常广阔的市场空间。学校通过积极开展广泛的创业教育,培养大学生自主创业的各方面知识,为以后学生成功创业铺平道路。 2.满足音乐学专业教育内在要求 音乐学专业教育是培养文化创意人才的重要来源,在音乐学专业教育的过程中既要重视学生对音乐基础知识、基本技能掌握,也要对学生进行创新思维、创新能力的培养。创业本身就是对现实的超越,就是一种创新。任何真正获得成功演出作品只有依靠创新,才能不断得到提升和可持续性发展。通过全方位的创业教育,让学生不仅能领悟创新对于创业的重要性,也会激发学生自身创新意识,同时还能让学生从创业者成功的事例中得到激励和启发。并结合本专业的专业知识和技能通过社会实践,不断提高自身创新能力。 3.增加就业途径、缓解就业压力 随着高校扩招,音乐学专业的招生人数也在不断递增,大学毕业生的人数远远超过传统的就业市场需求,传统的就业方向主要是基础教育。计划生育基本政策的推行多年,我国音乐基础教育的学生也逐年减少,音乐教育师资也逐年超编,传统的音乐教育人才需求趋向饱和,就业市场日渐萎缩。音乐学专业是一门专业性极强的学科,就业面相对较窄,就业压力也更大。通过开展创业教育,转变教育理念,改革音乐人才培养模式,培养和提高学生的社会适应能力,引导音乐学专业大学生积极创业,提升优秀竞争力,缓解和解决就业压力。 二、音乐学专业创业教育中亟待解决的问题 1.创业观念滞后、缺乏科学的创业理念 中国的创业教育发展较晚、基础比较薄弱,而且大部分高校对创业教育在新形势下的教育体制改革战略意义认识不够充分,缺乏对有关学生创业教育的专项课题研究,对创业教育与素质教育区分点的认识比较模糊,导致在创业教育的课程设置上培养目标不明确,在教育教学过程中势必缺乏科学的、标准化的指导思想,学生得不到真正的创业方面的培训和提高。由于受传统观念影响,绝大多数毕业生毕业之后,喜欢去一些经济发达的大中型城市,认为市场前景广阔,以期待更大的发展。现实情况不容乐观,音乐学专业人才的市场需求已接近饱和,创业业机会越来越少,这就需要音乐学专业的毕业生要转变创业观念,适应社会需求。 2.学生创业综合素质匮乏 大学生成功创业要具备科学合理的知识结构,目前高校音乐学专业的课程设置不够完善。音乐学专业的学习只要基础知识、实践技能方面的。在创业能力、创业素质方面的培养力度不够,没形成创业所需要的独有品质。毕业的音乐人才在虽然专业知识、专业技能方面学有所长,但知识结构相对单一。学生对社会、对市场、对产业、对经营都缺乏应有的了解,在创业过程中毫无头绪、到处碰壁,甚至导致创业失败。从近几年毕业生创业的反馈信息来分析,音乐学专业学生的创业素质不容乐观。受传统择业观的影响,学生大胆创业的意识不强,即使参加创业活动,往往是头脑发热、跟风创业,一旦遇到挫折,就缺乏长久坚持的创业意志。一些学生眼高手低,只到条件好的大中城市创业,不愿意到拥有广阔天地的乡镇基层创业,创业情感投入欠缺。这些充分显露出学生的创业知识层次和结构不完善,创业素养要不断加强。 3.创业教育课程设置不完善,学生创业实践缺乏 创业教育课程的合理设置是创业教育的基础,也是创业教育实施的媒介,在国外有着较为完备的创业教育课程体系,中国高校将创业教育融入专业教学体系的课程设置还不普遍。在教学内容上缺乏具有社会主义特色的市场经济接轨的统一教材。在教育方法上以以校园为中心、教师为中心,忽视社会实践环节,忽略对学生自主能力的培养。学校的人才培养模式相对来说比较封闭,势必会影响学生的个性发展,与创业教育中提倡的创新能力的培养、冒险精神的培育还相差一段距离。音乐学专业是一门实践性、技能性很强的专业,在常规教学中要理论联系实践,以实践为主的教学理念。教学实习、校外实践演出等都只是专业实践,并不能让学生全方位地了解创业者在经营管理方面的知识。创业经验的缺乏使得学生对于自主创业缺乏评估、顾虑重重,缺乏开拓市场能力,对市场潜在风险的防范不够,在创业过程中把握不了方向,创业难以成功。 4.创业教育师资队伍薄弱 高校的创业教育起步较晚,目前大多音乐学专业的创业教育由学校招生就业部门的科员及一部分音乐学专业教师担任创业教育课的工作。前者虽然直接在招生就业部门工作,了解就业市场的一些知识和信息,但毕竟也缺乏专业的创业教育学习,创业教育课也只能是就业指导课。不能把专业教育与创业教育很好地融会贯通,进行全方位的深度指导。后者由于传统学校管理中,限制在职教师开展第二职业,部分教师有一定的本专业的社会实践经验而非真正意义上的创业经验,创业教育也只是专业教育的的拓展。即具备的教学经验又有创业经验的创业师资比较缺乏,成为制约高校音乐学专业创业教育向深层次发展的瓶颈。 三、音乐学专业开展创业教育的策略 1.营造校园创业氛围,培养学生创业意识 四年的大学生活对学生性格和品质的形成具有潜移默化的作用,对学生今后的人生有着非常强大引导和激励作用。学校在常规的教育教学过程中,要千方百计营造良好的创业氛围,让学生不出校园就可以深刻地体会到浓厚的创业氛围,以培养学生的创业意识,激发创业热情。利用校园信息平台、广播站、宣传栏、展览馆等校园媒体积极宣传创业教育,使创业意识渐入人心。举办以围绕音乐学专业的模拟创业大赛,让学生通过模拟创业体验创业的酸甜苦辣。定期举办创业讲座,邀请音乐界创业的成功人士现身说法,给学生讲述创业经历和创业经验,引导和组织学生参加社会实践活动,以促进学生创业能力的提高。还可以在校园成立学生创业协会,邀请各个系部学生参加创业协会,并通过协会成员在各系部宣传创业教育,培养学生锐意进取、敢于创业的创业精神。 2.优化人才培养方案,更新教学内容 音乐教育应重视并开展创业教育,将创业教育和专业教育融合在一起。优化创业教育的人才培养方案,促进课程设置改革和实践,培养学生合理的创业知识结构。提高学生创业综合素质,增强学生自主创业能力。把培养具有创业意识、创业精神、创业技能的教学计划和培养目标纳入到音乐人才培养方案中去,把培养创业型人才定为音乐学专业人才培养目标的重要组成部分,并且落实到人才培养的全过程。同时,围绕培养音乐创业人才的目标进行创业教育课程设置改革,在创业理论教学中增加创业理念、市场营销、财务管理、文化产业法律法规等知识的教学。通过创业案例进行讨论交流提升学生的创业意识,拓宽其思想认识。在实践教学中,组织学生到文化传播公司、音乐培训学校、地方演出市场、工商、税务部门等实地了解熟悉市场导向、创业政策、和法律法规等,为学生将来创业做好充足的思想准备。 3.组建科学合理的创业教育师资队伍 培养出具有创业精神的音乐人才,需要一支专业素质高、创业知识、创业经验丰富的教学师资队伍。音乐学专业要想改变当前创业教育师资不足的现状,学校应积极创造各种条件,努力构建一支符合本校、本专业创业教育师资队伍。一方面,要加强对音乐学专业教师自身创业知识相关教育培训,选拔一批具有创业意识的青年教师到在创业教育走在前列的院校去调研学习。安排有创业潜力的青年教师到企业去兼职,鼓励专业教师直接参与到创业实践中去,并定期开展创业教育案例示范教学和研讨会。另一方面,可以从校外聘请创业成功人才作为特聘教授对创业的学生进行现场指导,现身说法,让学生熟悉创业过程中市场运作方式,从而提高创业成功率。 4.加大创业教育的资金投入,建立切实有效的运行保障机制 在校学生虽然想创业敢创业,但缺乏创业所需要的环境和资金,这就使得一部分有自主创业意识的学生对创业望而却步。音乐学专业学生在创业活动开展的过程中资金就成了他们创业最大的障碍。学校应该积极筹措资金加大对创业教育的投入,建立创业综合实训基地,更新实验实训设备,拓展校企合作框架等,为音乐学专业学生创业提供必要的创业后续保障。此外,学校制定出台相应的激励保障措施,设立创业投资基金,成立创业教育协会,出台创业资助计划等。将创业教育纳入学校教育教学总体规划,保障创业教育可持续发展。随着“十二五”规划建设的圆满完成,“十三五”规划建设时代即将到来,“中国梦”的崛起,中国将进入崭新的时代。社会经济的发展越来越需要具有创新精神的创业人才。预示着创业市场大繁荣的到来,对音乐学专业的学生的创新能力提出了严峻的挑战。创业教育是一项系统性工程,需要充分综合社会优质资源,与时俱进,锐意进取,积极开展音乐学专业创业教育,不断推动高校创业教育前进。 作者:廖星麟 单位:湖南郴州湘南学院 音乐学专业论文:音乐学专业设立意义论文 一、弁言 音乐学(musicology)是一门研究音乐的学问,来自于西方。萧友梅先生在建立上海国立音乐专科学校时,虽然引入了至今仍在延续的欧洲音乐教育体系。但是,音乐学专业课程的设置,在我国的音乐教育中是比较晚的事情。新中国建立之前几乎没有,即使在新中国建立之后,大部分专业音乐院校音乐学专业课程的设置也很晚。除了中国艺术研究院音乐研究所于1954年,中央音乐学院于1956年较早建立以外,其它音乐学院音乐学专业的建立都较晚。上海音乐学院、中国音乐学院分别于1978年和1980年设立了音乐学系,武汉音乐学院于1986年成立音乐学系。而象天津音乐学院、西安音乐学院、沈阳音乐学院、四川音乐学院、星海音乐学院等,则都是在二十世纪的九十年代之后才逐渐挂牌成立了音乐学系。几所音乐院校的音乐学专业被批准为硕士和博士学位的授予点则是更晚的事情。1982年中央音乐学院被批准为硕士学位授予点,1988年被批准为博士学位授予点。上海音乐学院硕士学位授予点是1982年获得的批准,博士学位授予点是1989年获得的批准。 在我们的西洋音乐教学、研究队伍中,有不少是在西洋文化的社会和生活环境中受过熏陶的学者。我们在西方音乐学的传播、教学、研究等方面,也的确取得了不少的成绩。但是,说音乐学在我国是一门年轻的学科,也许一点也不过分,这一点也反映在我们过去,以及今天许多人对音乐学的认识中。譬如,我们历来要求学习音乐的人,一定要“底子好”、“基础好”。所谓的好“底子”、好“基础”,在多数情况下主要指的是“音乐技术”和“音乐技能”方面。且不论表演、甚至作曲等专业方向的学生,是否仅仅只是具备了“音乐技术”和“音乐技能”方面的能力就够了这个问题。就音乐学为学习和研究方向的人而言,除了应该要求具备“音乐技术”和“音乐技能”方面的能力之外,还应该有文史修为和写作能力的“底子”、“基础”,要具有音乐理论的思考能力。也就是说,对于从事音乐学专业工作与研究的人们来说,必须掌握音乐形态、音乐技能等音乐本体的知识,以及掌握中外历史、文学、语言、宗教、风俗、文献典籍等社科文化知识,要有两个方面的基本功。对于这一点似乎大家早有共识,似乎也是一个简单的问题。但是,在我国音乐学的实际教学中却没有加以实施,至少做得很不够。而且,在我们还没有对原有西方音乐学领会得十分清楚的情况下,又有许多其它西方音乐研究理论,以及一些音乐研究新领域、新知识不断为我们所认知,使得我国这门本来就很年轻的学科,受到了不同程度的冲击。譬如,对于民族音乐学(Ethnomusicology)、世界音乐(W0rldMusic)、多元音乐文化(ManyMusicofManyCultures)等新学科、新概念的系统解读,以及与原有音乐学之间的关系;等等。 就目前国内音乐学的教学和研究现状来看,急需思考如何在借鉴西方音乐学学科体系、消化西方其它成熟音乐理论体系的同时,在所谓西方音乐学的构架中,建立符合我国音乐的发展历史、符合我国音乐文化生活存在的状况,以及符合我国音乐理论学习与研究现状的教育体系及教学体制等问题。也即,如何在我国现有音乐学的专业教育中,在音乐学专业学生的培养与训练中,无论是在教学的指导思想和培养目标方面,在学制的设定和课程的设置上,建立具有我国特色的音乐理论研究的学科。 二、音乐学专业从附中开始设立的意义 音乐学的专业方向应该从附中开始设立,至少,在附中的高中阶段一定要设立音乐学的专业。要思考符合附中音乐学专业方向的课程设置,而且,对于演奏、作曲等其它专业也要补充音乐学常识方面的课程。从近二十年来音乐学发展的情况来看,如果在附中的高中阶段开始设立音乐学的专业方向,对于我国音乐理论的学习风气、研究水平等,都会带来很重大的意义。仅仅就在附中的高中阶段开始设立音乐学专业方向的教育意义而论,将会产生以下两个方面的意义: 第一,观念上的意义。 不知什么时候开始,有了这样一个谬论:“学表演不行就改学作曲,作曲再不行就学理论。”除了可以认为人们缺少对音乐学以及音乐理论研究的认识之外,是否更应该对我们自身所存在的问题加以检讨。 这个局面的形成,一方面,应该说与音乐学系历来的要求标准有关。音乐学系历来视附中其它专业被淘汰后进入音乐学系的学生为“嫡系”,并把其作为音乐学系的后备师资。然而,关键的问题是,这些人中的大多数人并不喜欢音乐理论这门功课,不是把音乐理论视为一门专门的学问来加以钻研。甚至,其中一部分人根本就瞧不起音乐理论的教学与研究工作,其结果是可以想象的。我们不去妄断、怀疑许多人有从事教学与研究的能力,有着很高的智商。但是,遗憾的是他们确实没有什么研究成果刊布于世,没有几篇论文为同行们所知晓。我们知道,科研与教学是相互促进的,没有科研水准和研究基础的教学水平,究竟又怎样就不得而知了。历史的原因,人为的认识,瞧不起音乐学专业的人士,大有人在。这已经成为一种人所共知的事情。甚至,一些在音乐学专业方面授课多年的教师,也常常讲自己曾经是学习其它专业,而羞愧自己如今从事的音乐学教学工作。因此,从附中开始设立音乐学的专业,还有一个重要的意义就是培养学生的志向,是一个立志的大问题。“立志”音乐学的学习与研究绝对不是一句空话、大话,音乐学系不应该把其它专业被淘汰后进入音乐学系的生源作为培养的“嫡系”,不应该视有一点音乐技能,但并不喜欢音乐理论这门功课的人为“宝”。其实,表演学不好,作曲学不好,也就更不可能在音乐理论方面能够有所作为了。一些音乐学院今天在音乐理论教学与研究上出现的窘境已经作了充分的证明。如果要从根本上改变人们对音乐学以及音乐理论研究的错误认识,要改变别人的认识,那么,首先要从自己做起,应该首先使我们的学生立志音乐学学习与研究。必须在附中阶段设置音乐学的专业方向,使得我们的学生从进入音乐学院的大门之始就立志于音乐学的学习,就确立了一个大的研究方向。这样升入音乐学系的本科学生,从今天的自卑心理到立志音乐学的学习与研究,这是一个很根本的问题。 另外一方面,在当今发表的音乐理论论文里,的确有许多缺少对音乐本体进行的研究,让人们误以为音乐学的研究就是文字的工夫,认为音乐学的基本功就是背熟几本音乐史书。这也有其历史的原因,在目前音乐学的教学、研究,以及学习的队伍人员中,有许多人曾经学习的是其它专业,他们有的或是在外语,或是在历史、文学等方面受到过较长时间的训练,或在其它文化方面有较高的水平,较强的能力,等等。这部分人利用自我的优势从事了音乐学的工作,譬如,中文和中国历史专业方向的人,对中国古代音乐文献进行着辑录、校释,或从事着缺少音乐形态研究的中国音乐史的工作;而外国语专业方向或一些外语比较优秀的人,则从事着西方音乐文献的翻译,或从事着【清】毛奇龄在《竟山乐录》中所讲的“乐书不是乐,乐器不是乐”的工作。客观上讲,这类人中间的部分学者,为我国音乐理论的研究工作做出了很大的贡献,完成了许多音乐学基础性的工作。音乐学的研究需要其它文化学方面人士的加入,音乐学者也需要具备文化学方面的学识,只是不能过于偏颇。如今就有些“过”的现象,因此,使人们产生了对音乐学的错误认识。这也许是我国音乐学这门学科发展中必然要经历的一个阶段。 第二,本科生源数量和素质保障的意义。 目前,人们普遍认为音乐学的生源数量不足,学生的素质更是不尽人意。 一方面,为了扩大生源,大大降低入学标准,有的音乐院校甚至以缩短音乐学本科学习的时间来吸引生源。另一方面,许多音乐学的出题老师抱怨目前音乐学的试题过于简单,认为如今学生的素质差。试想,要让从来没有学习过音乐学理论的应届高中学生,应考音乐学院音乐学专业的试题,其效果肯定不好,其水平肯定很低。即使是那些从小就接触音乐的“琴童”、“天才”等,对音乐学理论可能也是知之甚少。没有学习过的东西,不可能考出好成绩;没有成体系的音乐学的教育机制,也就没有生源量和质的保证。所以,我认为要从根本上解决上述两方面的矛盾,必须从附中阶段开始设置音乐学的专业方向,或在普通中学中协商选择一些学校,定点开设音乐学方面的课程。由于今天的许多考生没有进行过音乐学方面的系统学习和训练,在出题老师看来再简单的试题,对于考生也是难题,老师和学生都不好把握考试试题的深浅难易程度。如果从附中阶段开始设置音乐学的专业方向,一来不仅能够使升入音乐学系本科的学生数量有所保证,使本科生源的数量具有一定的稳定性。而且,更能保障这部分学生在音乐学方面的素质和能力方面有一个较高的水平。如果学生在中学阶段已经学习了音乐学方面的常识,升本科的试题自然能够上一个台阶,自然有一个深浅难易的层次。 我们经常争论是否让音乐学本科阶段的学生进行专业方向选择的问题,然而,如果在附中阶段设置了音乐学专业,学生们经过几年音乐学方面能力的训练,在进入本科阶段之后,通过第一学年的适应阶段,在第二学年中,完全可以进行有所目标的专业方向的选择。这样以来,音乐学专业学生的整体素质和能力就会得到很大的提高,使得我国音乐学的教育、学习与研究水平获得一个真正的提高与发展。同时,这也给从事音乐学教学工作的教师也提出了一个比较高的要求。音乐理论的教学与研究,本身应该具有前瞻性,教学上落后,会使我们在音乐理论的研究方面更加置后。我们要按照上述标准来检验今天音乐学学人的知识结构和学术经验,要求提高从事音乐学工作和研究的队伍人员的专业能力和素质。以前我们对于这一学科的认识不全面,对音乐学这门学科建设的思考也不多,特别是对音乐学专业方向的课程设置更没有做深入研究。今后当尽快补上,不能让这种现象继续存在下去。 三、附中、本科课程的合理衔接与音乐学专业的层次教育 如果能够在音乐学院附中,甚至其它普通中学开设音乐学专业的课程,那么,这些课程要与本科招考的内容基本衔接。音乐学专业本科阶段设置的一些课程,在一定程度上一定应该是附中及普通中学音乐学专业课程的延续。因此,课程的设置就十分的重要了。目前,在音乐学院的音乐学专业所开设的所谓专业课程,被认为就是音乐学的学习科目。它让本专业的学生一进入这门专业的学习后,就以为这些课程就是音乐学学科的学习内容。但是,这些音乐学学习的科目,是否真正体现了音乐学这个学科所应该包含的内容,这就很有讨论的必要了。仅从对中国传统音乐的学习与研究来看,今天音乐学课程中的中国传统音乐课程这个科目,就需要添加许多的内容进去。譬如,中国传统音乐理论体系的重构和建立,缺少的是文献学的基础,中国传统音乐文献学是中国传统音乐理论的一个组成部分,是中国传统音乐理论能否建立的基础性工作。就音乐学专业的学生而言,对于音乐文献的掌握是十分重要的,音乐文献和书籍的了解是学习的前提,是基础的基础。目前的课程设置中就很是欠缺这方面的内容。即或是以西方音乐为研究方向的人,可能也首先应该去了解“西方的文献学”,或“西方文献批评”类似的“学问入门”课程。目前的音乐学专业教育中这些课程也没有开设。而从中学阶段开始就开设音乐学的课程,则更加应该注意课程设置的系统性、科学性和层次性。除了中学阶段的音乐和文化的诸多课程有其自身的特点之外,还要顾及音乐学专业本科课程设置的系统性。需要一个系统、合理的,符合我国音乐理论教育的课程设置体系。重要的是我们要把这个体系延续到本科音乐学教育与教学的系统中去,要注意音乐专业与文化等各门课程的衔接。就是说,学生一旦在中学学习期间选定了音乐学的学习方向,那么,就应该学习在本科招考、录取时的一些基本课程和内容。譬如,现在每个音乐学院的音乐学系都开设有:音乐学概论、中国音乐史、西方音乐史、中国传统音乐、音乐美学、和声、复调、作品分析、钢琴等课程。这些课程肯定不可能全部都从中学阶段开始开设,即使那些能够开设的课程,其内容的数量和程度也必须有所限定。具体的课程设置、教学内容,要广泛征求意见,还应该进行理论上的研讨工作。而且,这里一定要考虑本门学科所存在着的层次教育问题。长期以来,我国的音乐学专业缺少层次教育。目前,我国在音乐学的升学考试中,仅就专业而言,所出考题的标准,在本科与研究生,甚至博士生考试之间的差别不是太大。这与我国音乐学的课程设置和教育内容缺少层次有关?N颐敲挥醒刑殖鲆惶子泄乇究啤⒀芯可⒉┦可际钥颇俊⒛谌菁八蕉ㄎ坏牟馐员曜肌SΩ盟担杂谝衾盅ёㄒ档目纬躺柚谩⒉煌愦嗡降难芯浚唤瞿芄槐阌谥贫ㄒ衾盅ёㄒ笛难翱颇俊⒎较颉⒛谌莸龋遥苑且衾盅ёㄒ等嗣堑囊衾盅У难耙簿哂屑匾囊庖濉K裕颐鞘紫纫饩龅氖且衾盅ёㄒ档牟愦谓逃侍狻9赜谝衾盅ёㄒ档牟愦谓逃欠窨梢宰饕韵录父霾愦危?nbsp;一、音乐基础层次 二、专业知识、技能层次 三、文化修养层次 四、方法论层次 而不同的层次又必须要有不同的几个阶段,不同的阶段中要解决不同学科的课程、不同音乐学内容。因此,层次教育是与阶段性教育结合在一起的。 譬如,初级阶段:也许应该进行的是中西音乐概论性与感性知识的基础教育;中西音乐理论基础知识及音乐技能、技巧的基础教育;中西文史、文化、语言基础教育等。在第二个中级阶段则应该进行音乐学概论课程;其它音乐学各门学科概论性的课程。到了第三个高级阶段就应该进入所谓专业论题方面的研究,和专攻方向的研究,以及音乐学专业论文的写作阶段了。在这些不同的学习阶段中,哪些课程、哪些内容,以怎样的程度,针对哪些层次的学生又是很重要的问题了。譬如,强调音乐本体技能与音乐学基础能力并行、音乐专业课程与文化基础课程并重的中学阶段音乐学专业课程学习的同时,还必须把这些课程的初级性质考虑进去。也就是说,在对音乐学专业的学生进行音乐基础知识能力和基本音乐技术、技能训练的同时,还要加强要中外历史、文化知识、语言能力等方面的培养。我个人以为音乐学专业,毕竟首先是一门以音乐技术、技能,以及音乐文化为基础性质的特殊学科,因此,如果不是在音乐学院附中一直专门学习音乐的普通中学的音乐学基础教育,还是应该放在对音乐本体理论所进行的学习上。就音乐学专业方向的学生而言,首先应该具备音乐本体技术、技能、音乐学基础的基本功。对于音乐形态本身的不了解,今后很难深入进行音乐学的研究。今天,有许多没有经过音乐学院音乐学系系统学习的学生,可能在音乐基础知识和基础技能上就要欠缺一些。譬如,今天,我们都承认那些毕业于师范大学音乐系,和其它艺术院校音乐系非音乐学专业的学生,在综合文化知识和能力方面要强于音乐学院的学生。同时,也指出这些学生对于音乐本体了解的欠缺,音乐技能水平的低下,这的确也是事实。而且,这种情况也许还会在今后相当长的时间里存在下去。这正是我国音乐学发展所要解决的关键问题。这种情况下,就要求在进入硕士的研究生阶段要弥补这方面的不足。在课程的设置上就要与音乐学本ㄒ当弦档难鹂础U庖卜稀耙虿氖┙獭钡慕逃枷搿S捎诶返脑颍写笈且衾盅ёㄒ档难芯可乇鹗欠且衾盅г旱难芯可蛐枰股细有枰衾旨寄芊矫娴目纬獭8荼究扑ёㄒ担凳虑笫堑恼攵匝芯可那榭鲋贫ㄑ凹苹C运车募忧恳衾旨寄艿牟钩溲啊6遥捎谀芄唤胙芯可锥窝暗难壤⒉淮螅裕衾盅У闹饕纬毯湍谌萦Ω迷诒究平锥瓮瓿伞L乇鹗且衾旨寄芎图际蹩纬谈Ω迷诒究平锥瓮瓿桑蛭杂谝衾中翁旧淼牟涣私猓苣焉钊虢幸衾盅У难芯俊R环矫妫绻衾掷砺鄣难芯柯畚模皇谴罅科桌亩鸦挥械览砜山玻蚪驳亩际谴蟮览怼⒕傻览淼龋鞘遣恍械摹5牵硪环矫妫绻皇谴永砺凵稀⑽幕辖擦诵矶嘁衾值牡览恚荒芤砸衾值氖导世又髌涞览淼目蒲浴⒑侠硇裕踔谅畚闹辛芯俚囊衾掷踊蚯灼桌肫淅砺鄄幌辔呛希蚋尚ΑR虼耍⒁桓龌境商逑档摹⒂胁愦蔚囊衾盅Ы萄Э纬碳匾R韵钟械囊衾盅У慕萄Э纬躺柚媒械髡⒉钩洹F┤纾肥涤幸恍┦粲谝衾盅У目纬棠谌荩怯值娜防胍衾直咎灞冉显叮衾治南籽У木褪鞘粲谡庋囊桓隹纬獭R严低车囊衾治南籽У慕萄谌莘旁诟呒兜牟愦谓逃腥淌凇F涫担夜澄幕难芯恐校丫幸徽壮商逑档姆椒ǎ凶懦墒斓奈南籽啾冉希颐强吹皆谝衾掷砺鄣难芯恐校;咕啦谘芯康亩韵蟆⒎较虻任侍獾奶致壑惺呛苡字傻摹T谌鲜读宋南籽У幕痉椒ㄖ螅颐蔷筒坏貌凰伎既绾伟颜庵址椒ㄔ擞糜谝衾盅У难芯恐校绾谓⒁衾治南籽У任侍狻N南籽欠椒郏跹颜庵址椒ㄔ擞糜谝衾掷砺鄣难坝胙芯恐兄档盟伎肌?nbsp;即使在音乐的本体教学上,今天的音乐学专业的教学内容也缺少一些重要的门类。譬如,不可缺少直接接触民间音乐的教学内容就应该放在相应的层次里。在新的音乐研究思想和观念的指导下,以新的理念和手段开展民间音乐的采风工作。什么是新的音乐研究思想?什么是民间音乐采风工作的新理念和手段?那就是民族音乐学的思想和方法。今天社会音乐文化生活中的民间音乐,不仅仅指的是山野之曲,同时也包括了城市中的音乐文化。而且,在课程的设置中,还要有意识地注重中国音乐理论课程的设置。 四、结语 在西方音乐学构架中的我国音乐学的专业教育及课程设置、教学内容等等都不完善, 如果能够在附中或普通中学设立音乐学的专业,并使其系统化、体系化,以及具有层次和阶段性,相信其作用及影响会更为明显和深远。 音乐学专业论文:音乐学专业声乐教育的缺失 一、知识性方面 知识性方面指的是音乐的一般基础训练,包括音乐操作技能的训练,音乐的综合感觉,从拍子到节奏以及节奏的变化,从五线谱、音程到各个唱名、音名、调号、以及调式等等;同时包括音乐的理论部分,如曲式分析、音乐术语以及对各种乐器的了解,音乐的相关常识及各个乐派的音乐史及风格的掌握。世界各民族歌曲一般都是经过岁月洗礼而流传至今的艺术瑰宝,因具有朗朗上口的歌词,鲜明的节奏,旋律充满民族生活特色的风格,所以,演唱民歌时是最能直接感受到音乐性的特征。 二、审美教育 对于音乐的审美包含了对音乐审美的美学范畴,也就是激发学生对音乐“美”的感受力与敏感度,对于音乐的审美能力的培养需要时间和经验的积累,民歌的创作主题一般是描写大自然与人类的爱情、以及劳动人民生活劳动场景,演唱者在演唱当中会很快的和自己的一些生活经历联系在一起,也就是心理学家通常称之为的“联觉”,通过这样的过程,学习者往往会很直接的体验到音乐的“美”,从而不断提高学生对于音乐美的感受力。 三、品格修养方面 高等教育中的“德育”是放在首位的,将培养学生的人生观和价值观放在重要位置,而树立良好的人格品行首先是培养学生的民族性,因为有了民族性学生才具有爱国情操,由于民族歌曲本身具备强烈的民族性特征,所以,在学习的同时就培养了他们的爱国主义情操。现结合我国高等音乐学声乐教学的课程设置和教学内容,分析存在的若干问题。我国高校中的音乐学专业在课程设置上分为以下几种情况:一是主修声乐专业的学生,另外一种是辅修声乐的学生,上课的过程一般是“一对一”,上课的主要内容是解决演唱中的一些发声的基本技术问题以及学习演唱一些经典的美声教学曲目;除此之外,学校设有“民族民间音乐”的公共课,上课的内容一般是我国各地方的一些民族民间歌曲,本人认为主要存在以下几方面的不足: 1、对声乐学习的重要性认识不够,总觉得学习声乐应该是声乐专业的学生的事情,辅修声乐只是走个过场,考试要个成绩,这完全违背了柯达伊音乐教育理论的思想。 2、声乐教材资源的缺乏,无论是音乐学声乐专业的教学,还是辅修声乐的教学,所选教材应区别于声乐表演,但实际上没有任何区别,也没有可选性。 3、对民族歌曲的演唱曲目选择过于单一,学校即使设置了民族民间音乐的公共课,但是老师一般所教授的都是我国各个地方民歌,没有把学习范围放到全世界,更没有将世界的各民族歌曲拿过来转化为本民族的音乐资源加以利用。民族的繁荣,国家的富强,不仅仅体现在经济方面,更重要的是文化的繁荣,世界各民族的民歌学习给学生打开一扇了解世界的窗户,如果高校的音乐学专业的声乐教育在课程设置与教学内容还是走传统道路的话,就势必将这扇窗户关闭,这样的后果不仅仅影响到学生,更加严重影响到我国音乐基础教育。 作者:尹辉单位:西北民族大学音乐学院 音乐学专业论文:专业音乐学院教学管理现状分析 摘要:对音乐学院教学管理现状进行分析,结合实际情况提出合理化建议。实现教学质量的提高及音乐学院的长远健康发展。 关键词:专业音乐学院;教学管理;现在;对策 在社会与经济不断发展的情况下先人们的物质生活得到充分满足,人们对精神生活的需求也逐渐提高,在此种趋势与背景之下人们对文化艺术活动提出越来越高的要求,这也可在一定程度上实现对强大社会需求的直观体现。音乐在艺术领域受到人民群众的广泛喜爱,经过长期的实践与发展,我国音乐事业已经取得显著成就,在专业音乐学院在实际进行管理时还是存在诸多问题,必须提高重视程度。 1专业音乐学院的教学管理现状 1.1教学管理机制不完善 我国的专业音乐学院的院校管理工作存在起步较晚的现象,在实际经营与管理中会受到各方面客观因素的影响,教学管理机制对教学质量有直接影响,也就是说管理机制不健全会导致教学质量下降现象的出现。现阶段专业音乐学院不仅缺乏专职的教学管理人才,同时不能实现对教学管理机构的科学设置。部分学院存在管理人员不是专业管理专业毕业的现象,部分任课教师需要兼任管理人员,甚至部分学院存在教学管理与学生管理混在一起的现象,这对音乐学院教学管理工作的顺利开展有极大的阻碍作用。 1.2课程设置不合理 丰富多样是现代大学生对知识的主要要求。传统的课设置模式已经不能实现对社会发展与学生需求的有效满足,为实现对上述现象的有效改善,必须结合实际情况与先进的科学技术对其进行合理的改革与创新,这不仅对教学质量的提高有促进作用,同时对学生管理工作的顺利进行有积极意义。为实现对社会需求与发展的不断满足,我国教育事业在结合实际情况的基础上不断进行课程改革。部分学院并不能实现对课程改革的贯彻与落实,在实际开展教育教学活动时依旧采用陈旧的教学模式,这对学生音乐潜力以及综合素质的发展有极大的阻碍作用。部分学院在实际对课程进行设置时还存在照搬照抄的现象,不能实现对自身实际情况的有机结合。这是导致学科建设不完备以及课程设置不科学现象出现的主要原因,在此种情况下不能实现对良好学习效果的获取。学院以及相关领导人员必须提高对上述工作的重视程度,在借助先进技术与结合自身情况的基础上实现对上述现象的有效改善。 1.3教学与实际脱节 在做任何事之前都必须实现与实际情况的有机结合,艺术更是来源于生活。艺术在精神产品的涵盖范围之内,但现实生活仍是其主要来源,音乐教学必须实现与现实生活的紧密结合,防止音乐出现失去灵性的现象出现。首先从专业学院教学角度对其进行分析后发现,学院的教学放方法多数普遍存在生搬硬套的现象,在引进国外先进教学方法的同时没有实现对民族音乐之间融合性的充分考虑,这就是课堂教学没有实现与情景教学有机结合的直观体现,最终对教学效果造成不利影响。 2解决措施 2.1完善教学管理机制 为在真正意义上实现对音乐学院教学问题的有效解决,首先需要满足的条件就是对教学管理机制进行完善,这可从根本上保障音乐教学实现可持续发展,人员的合理配置对管理机制的配置有直接影响,管理结构设置的完备性与管理制度的实用性也在上述范围涵盖之内,因此在实际对管理机制进行设置时必须实现对上述因素的充分考虑。一个专业的音乐学院必须实现对学科专业建设的高度重视,教学管理人员要在遵循音乐教育规律的基础上实现对教学管理制度的严格执行,这不仅对教学管理工作的顺利进行有极大的促进作用,同时可在一定程度上促使教学质量得到有效的提高。增强服务意识,为教学服务、为师生服务,有计划、有步骤地组织专业教师进行学术交流,开展研讨会议,为教师提供良好的学术交流和研究平台;鼓励教师大胆创新,充分利用多媒体教学,熟练使用网络媒体等现代教学手段进行教学传播工作,不断完善专业音乐学院教学管理机制。 2.2有效调整课程结构 有效调整课程结构,必须重视音乐教学学科设置,抓住重点专业,联系学生实际,从具有社会影响力和老百姓乐于接受的专业做起。一方面,为了满足学生知识面的扩展,可以开设与专业密切相关的选修课和知识讲座,除了音乐表演专业和音乐教育专业必修的专业课、音乐理论课和史学课程,其他课程都可以调整为选修课程,并且在不同学期设置电脑音乐制作、舞蹈创编、弹唱等课程,以供学生选修。另一方面,可以适当的增加社会艺术实践类课程,为学生创造更多的接触社会、适应社会的机会,使他们更多的展示自己并从中提高业务水平和专业素养,为今后走向社会、增强就业竞争力奠定坚实的基础。尽管当前我国对音乐教育的重视程度在不断上升,但是我国专业音乐学院的教学管理工作尚存在许多问题,只有及时解决这些问题,才能更进一步提高专业音乐学院的教学水平。 2.3引导教师更新教学观念 为了有效解决当前专业音乐学院教学管理存在的问题,还应当提高教师的教学改革意识,不断引导教师更新教学观念。在教学过程中,教师必须积极向上,大胆尝试,不断完善教学大纲、教学计划,完善教学方案,最大限度地做到“传道、授业、解惑”的育人准则。在满足这些条件的情况下,教学管理人员可以帮助任课教师结合课堂实际的教学情况,及时更新教学观念,接受学院定期开展的教师培训和教师考核活动,及时学习先进的教学方法,促进学生主自学习,同时采用微信、微博、校讯通等多媒体教学管理手段与学生互动,加强沟通与交流,努力实现专业音乐学院教学管理水平的大幅度提高。 3结论 通过分析专业音乐学院教学管理现状,提出了几点解决措施,尤其是多媒体教学管理方法运用于教学已是大势所趋,也是中国当前高校教学管理改革的重要方向。当然,在新的时代背景下,人们也一定要从切合教学的实际出发,逐步完善专业教学管理体系,不断培养综合素质较高的音乐人才,满足社会和时代对于新型音乐人才的需求。 作者:范田佳 单位:沈阳音乐学院 音乐学专业论文:音乐学专业器乐课程教学探讨 器乐是一门融知识性、技能性、专业性、实践性为一体的高校音乐学专业课程,对提高学生的音乐综合素养和能力、适应社会对音乐教育人才知识和实践的要求,认识和理解多元化音乐教育,具有十分重要的意义。随着高校音乐教育理念和方法的不断改革进步,在音乐学教育中,器乐课程的教学比例逐渐得到提升,取得了不错的成效。然而,不容忽视和否认的是,在我国,大部分高校器乐课程设置以选修课为主,片面强调器乐演奏的技术高难度、专业性,忽视了学生综合能力的提高。此外,在教学理念、课程设置、教学方法、教学质量等方面与培养适应基础音乐教育的、社会需求的、专业化的器乐人才相比还存在很多不合理的地方。因此,新形势下,高校必须从音乐教育改革发展的需求出发,对音乐学专业器乐课程进行多元化的改革和实践探讨。 一、高校音乐学专业器乐课程的现状 器乐课程作为高校音乐学专业中的一门重要课程,对提高学生的音乐素养以及学生学习音乐的主动性和积极性,起着十分重要的作用。但是,目前,在高校音乐学专业器乐课程的教学中,存在很多亟待解决的问题。主要表现为以下几个方面: (一)专业培养目标不明确 高校音乐学专业是培养掌握音乐学科基础知识理论和基本技能,具备在中、小学以及其他中等职业学校从事教学、教学研究的合格的音乐教师。换句话说,其专业培养目标在于为基础音乐教育而服务。而专业的音乐院校的培养目标是培养具有较高音乐素养的高级专门音乐艺术人才。长期以来,大部分高校的专业培养目标并不明确,导致器乐课程设置及其不合理,只片面强调提高学生的专业演奏水平,而忽视了学生基础知识以及综合能力的训练和培养;只注重器乐演奏的技术难度,而忽视了学生所应具备包括对音乐的审美、鉴赏能力在内的音乐素养以及人文情怀的培养。 (二)课程设置不合理 受传统教学观念的影响,对器乐教学的重要性认识存在偏颇。认为高校音乐专业应重点突出声乐、钢琴、舞蹈课程的教学,器乐课程的设置可有可无,而事实上,器乐课程在高校音乐学专业中只是选修课程,课时十分有限,器乐学习难度大,教师不重视,学生没兴趣是十分普遍的现象。高校音乐专业的学生入学时器乐知识和技能水平存在很大的差异,这对到器乐课程的设置有着十分重要的影响。一般来说,学生的器乐水平可以分为完全没有基础、有一定的基础、有着较高的水平等三种。对于不同水平的学生,如果套用相同的教学大纲和教学计划、教学侧重点,教学效果不佳也就在情理之中。 (三)教学方法单一 高校音乐学专业器乐课程教学方法普遍单一,普遍采用音乐学院的教学模式和方法,不注重对教学方法的创新,缺乏对其他教学方法的研究与实践,无法建立起符合高校学生发展的、具备自身高校特色的教学方法。 (四)缺乏对实践教学的重视 正如前面所说的那样,高校器乐是一门对实践性要求很强的课程。要想使高校音乐专业学生毕业之后能够顺利从事音乐教育工作,就必须加强实践训练,将理论知识及时转化为专业技能,在不断的实践过程中巩固所学知识、积累经验、提高自身的实践能力。而现实情况恰恰相反,学生往往毕业了,在实践中还是无法灵活自如的演奏。 二、高校音乐学专业器乐课程的多元化改革与实践探讨 高校音乐学专业器乐课程的改革是具有创新性的、实践性的,也是势在必行的,改革的内容也是多元化的。在新时期,高校应当充分利用教学资源,结合本校实际情况,积极探索适合本学校的教学培养目标、教学方法、教学模式,提高器乐教学的质量,培养出更多基础知识扎实、具有实践能力和音乐素养的复合型音乐教育人才。 (一)明确课程目标 高校的器乐课程需要明确培养的目标,即不是为了培养高级的艺术人才,而是以基础知识和基本技能为优秀,不仅要注重学生专业技能的提升,也要让学生牢固掌握基础的理论知识;不仅要强调器乐的演奏,更要通过器乐课程来培养学生对音乐的兴趣和积极性,提高艺术审美和鉴赏能力,陶冶情操,丰富情感体验,最终提高学生的综合能力和音乐素养,更好的成为一名适应社会需求的基础音乐教育或教育研究者。 (二)合理设置课程体系 在高校开展器乐课程教学,必须首先对器乐课程的重要性有足够的认识。器乐课程的艺术性、实践性特点本身就决定了其对音乐教育的重要性,器乐课程和声乐、钢琴课程并不矛盾,音乐课程之间是相通的,将器乐课程与其他音乐课程相结合,有助于让学生涉猎更多的范围,更多的理解多元音乐文化的魅力,提高学生的音乐素养和音乐造诣,成为一名全面发展的音乐教育人才。因此,在高校音乐学专业中,器乐并不是一门可有可无的课程,而是必须设置的一门课程。其次,高校器乐课程必须从学生的实际情况出发,制定不同的教学大纲和教学计划,同时调整相应的教学方法和教学重点。比如,以笛子为例子:对于完全没有器乐基础的学生设置“笛子必修课程”,设置在本科一、二年级,以2-3人为单位,每周安排一次课程,侧重于基础知识的讲授,加强演奏、欣赏等教学内容。这最大程度的满足了学生的实际需求,因材施教,让这些基础较差的学生经过一到两年的学习,初步掌握了器乐的相关知识和演奏技能。 (三)采取多元化的教学方法 在高校器乐课程的教学过程中要让教学效果得到迅速提升,关键在于创新教学方法。教师要在“口头心授”等传统教学方法基础上,灵活的运用多元化的教学方法,充分借鉴国外先进的音乐教学方法和手段,比如奥尔夫教学法,重视培养学生在音乐学习中的主体性、主动性、个性和创造性,通过激发学生本能的唱、凑来让学生得到不同程度的满足,教师在这样的教学过程中,必然成为了学生的引导者、诱导者和参与者,帮助学生达到学习各种音乐技巧和能力的最佳状态。总而言之,高校音乐学专业器乐课程的多元化改革和实践有助于实现各种技能全面的音乐教育人才的培养目标,有助于充分凸显高校音乐学科的特色。新形势下,我们将进一步与时俱进,以新课程改革的先进的教学理念和教学方法为指引,促进高校器乐教育事业的健康持续发展。 作者:刘园园 单位:河南许昌学院 音乐学专业论文:提高音乐学专业舞蹈教学成效途径 一、音乐学专业舞蹈教学的目的与意义 课堂教学都是为人才培养目标所服务。音乐学专业的学生就业方向大致分为两个方向———在中小学担任音乐教师并组织各项校内文体活动或在事业单位、文化产业从事与音乐相关的各项工作。面对市场需求,普通高校音乐学专业人才培养的目标是具备良好的人文素养与知识素养,掌握音乐学科的基本理论与技能,具备与表演、教学、创作相关的综合素质人才。舞蹈作为一种专业技能,在音乐学课程设置中起着不可忽视的重要作用。首先,舞台表演具有直观动态性,要求表演者在舞台上具备优美的体态和良好的气质。舞蹈可以塑造人的外在形体,使学习者拥有良好的体态,从而达到提升个人气质的目的。其次,舞蹈教育能够加强学生艺术鉴赏能力从而激发丰富的艺术想象力和创造力。舞蹈是一门综合的舞台艺术,由音乐、灯光、舞美、服饰等多种艺术成分组成。舞蹈鉴赏课将引导学生从不同角度对舞蹈艺术作品进行客观分析与评价,不仅强化了学生的艺术鉴赏能力,同时在思考与评价中激发了学生丰富的艺术联想。心理学上认为“肢体动作是大脑思维的基础,动作逻辑是思维逻辑的前身”,在有关舞蹈编导的课程内容中,教师鼓励学生大胆参与创作,从舞蹈的选材、结构与编排等方面引导学生完成创编过程,这种脑力与体力相结合的学习方式,是激发学生个性化思维与艺术创造能力的最佳方式。 二、音乐学专业舞蹈教学的内容与特点 在当前普通高校音乐学专业的本科教学中,舞蹈课程为基础必修课,大多只开设一个学年。由于课时量少,学生基础薄弱,同时没有针对音乐学专业舞蹈教学的统一规范教材。在教学过程中,很多教材大多照搬专业舞蹈教学的模本,内容涉及舞蹈理论和舞蹈技能两个部分。理论教学通常以舞蹈鉴赏为主要内容。通过众多舞蹈作品的鉴赏,使学生对舞蹈艺术有了直观地感受,同时也为进一步的舞蹈技能学习奠定基础。技能课包含了形体训练、民族民间舞、舞蹈创编、艺术实践等四个部分的内容。从内容上看音乐学专业舞蹈教学与专业舞蹈教学无异,但却有着自身的特点。 (一)非专业性 由于音乐学专业的生源特点以及课程设置等因素,音乐学专业的舞蹈教学不能与专业舞蹈院校看齐,将各种训练和考核要求等同于专业的舞蹈生是不现实的。首先,在内容安排上不需要也不可能将各舞蹈种类的学习进行细致分类;其次,在学习的深度和精度上也要根据学生的程度适当调整,教师要在短时间内使一批批“舞盲”爱上舞蹈,并具备舞蹈表演与舞蹈创编的基本技能,在某种意义上教学难度比专业的艺术院校更高。 (二)课程交叉性 音乐、舞蹈自古以来就是密不可分的姊妹艺术。舞蹈在创作与表演中,始终离不开舞者对音乐的理解。音乐的旋律性、节奏感、情感的表达,无不对舞蹈有着极大的启示与衬托作用。对音乐专业的学生开展舞蹈教学,教学对象无疑有着学科上的优势,音乐学专业的音乐鉴赏、视唱练耳、和声等相关课程使音乐学专业学生对舞蹈音乐的旋律、节奏、感知能力以及对音乐情感的把握等诸多方面事半功倍。 (三)理论与实践的统一性 对于音乐学专业的同学来说,走上舞台的机会很多。不管是校内外的文化活动还是本专业的艺术实践晚会,都是将课堂所学运用到实践的最直接的表现。学生在实践中不仅能体会到理论与技能学习的重要性,也能意识到自身各方面的不足。例如,舞蹈课的形体训练没有过关,体现在舞台上的一举手一投足就不能自如流畅。没有学习舞蹈创编基础,就不能进行简单的歌舞节目编排。二者相辅相成。因此,音乐专业的舞蹈教学有着理论学习与实践的统一性[1]。 三、提高音乐学专业舞蹈教学成效的途径 人才市场的激烈竞争促使相关的教育工作者必须对当下学科教学体系中的不合理、不科学因素进行反思与改革。通过完善教学管理提高教学成效,将能更好地满足社会对音乐学专业毕业生的人才需求。 (一)制定科学的教学计划和合理安排教学内容 长期以来,舞蹈虽然作为专业必修课纳入音乐学专业课程体系,但对于大多数学生甚至教育者来说,系统的舞蹈教学应该只针对专业的舞蹈学习者,对于非专业的学生,舞蹈只是附属课程,不具备较高的学习价值。造成这一个观点形成的因素有两个。第一,舞蹈技能并未纳入音乐类招生艺考的基本内容。生源特性决定了音乐学专业学生入校时大多不具备舞蹈表演所要求的身体柔韧性、肢体协调性与舞台表现力。入学后接触系统的舞蹈训练,学生常常因达不到课堂要求而对舞蹈训练产生畏难情绪,久而久之便敷衍了事或是干脆放弃,最终舞蹈课程在专业学习中形如虚设;第二,在音乐学专业的课程设置中,舞蹈课程只开设一个学年,每周两个课时。舞蹈不是一蹴而就的艺术,短时间的学习很难达到效果。一年的短暂学习,有的学生刚建立起舞感或对舞蹈产生兴趣,课程却已经结束。基于这一点,也挫伤了师生的教与学的积极性,最终使舞蹈课程流于形式。 从以上因素可以得出,认识舞蹈教育本体价值,加强音乐专业学科对舞蹈课程的重视程度是提高舞蹈教学成效的基础。音乐专业的课程设置,应该在现有课程基础上,加强舞蹈教育比重,在注重基础教学的基础上加强学生对舞蹈基础创编能力的培养。首先体现在课时的增加,任何艺术的学习都有着循序渐进,由浅入深的规律。课时的不足将严重影响到舞蹈训练的完整性与连续性。舞蹈课程应该在第一、第二学年贯穿始终。学生到了三、四年级,艺术实践的活动增加,虽然没有再开设舞蹈课,但学生可以在实践中得到学习与锻炼;其次,科学制定教学大纲安排教学内容,避免生搬硬套。目前,大多数音乐专业的舞蹈教学内容同样取自专业舞蹈院校的教材。在组合内容的编排上没有顾及到音乐专业学生特点,是造成了教学成效不理想的主要因素。 笔者认为,一年级的舞蹈课程应当以基础训练为主,避免涉及到技巧练习,以强调动作的基础性与规范性为目的展开教学。课堂组合的编排上,不能拘泥于单一的芭蕾基训或古典舞基训,可以采用把上芭蕾基训与把下身韵组合相结合的原则,使学生的柔韧性、协调性以及肢体表现力在一节课中都能得到训练,同时难度的降低可以使学生更容易接受;二年级的教学内容可汇聚理论教学、民族民间舞、剧目排练、舞蹈基础编导等相关内容。四者可相辅相成,融会贯通。以蒙古族民间舞蹈教学为例。第一堂课教师可以先讲解蒙古族人民的性格特征、蒙古族的音乐特点以及舞蹈的风格与特征,并给学生欣赏极具代表性的蒙古族经典剧目。这是学生在技能学习前的理论基础;通过对蒙古族舞蹈的上肢动作与典型步伐的课堂练习,使学生掌握蒙古族民间舞蹈的基本体态与动作风格;排练具有代表性同时难度适中的蒙古族舞蹈作品,加强学生的舞蹈表现力;布置蒙古族民间舞蹈的创编作业。教师可以通过为学生做编创示范以及对学生完成作业后评价等方式使学生掌握一些基本的编创技巧[2]。 (二)利用互联网延伸课堂教学 一方面,随着科技进步,互联网为人们开创了一个有别于现实社会的公共空间———网络世界,它使人们足不出户便晓知天下之事。互联网为传统的教学模式带来了拓展与延伸,同样,也为高校音乐学专业舞蹈教学带来诸多便利。首先,随着各类舞蹈网站的兴建,对舞蹈的接触与参与,不再局限于高精尖的专业人才。网站中不断更新的文字、图片、信息等各种形式的舞蹈信息,缩短了非专业人才与舞蹈之间的距离,使学生在虚拟空间中与舞蹈有了不同程度的交流。对学生在互联网学习中的引导,将使音乐学专业的舞蹈教学在课外得到延伸。其次,教师可通过互联网为学生传输与课堂相关的教学资料与视频。音乐专业学生在舞蹈课堂中的理解与接受能力大多表现得差强人意,由于还未达到自主学习舞蹈的能力,没有教师的适时指导,课后的练习与巩固就成了一大难题,互联网使这个问题迎刃而解。学生在课后可以根据老师传送的教学视频加以巩固与练习。同时可以将课堂教学视频作为课堂笔记加以保存。由此可见,互联网是音乐专业舞蹈教学中不可或缺的辅助工具[3]。 另一方面,发挥互联网教学的优势要求学习者合理规避互联网所带来的信息大爆炸以及其它弊端。互联网让人们真正进入大众传媒时代,网络的自由性导致人人都是信息制造者和传播者。音乐学专业舞蹈学习者通过互联网能获取众多舞蹈信息,海量信息让学习者应接不暇,其中包括民众上传的各类舞蹈视频与文字信息。由于信息量庞大与复杂,容易使学生一叶障目或只见树木不见森林。不规范或水平较低的舞蹈视频容易给学生造成误导,产生负面的教学影响。例如:为了完成课后布置的创编作业或艺术实践的演出需要,学生往往会在互联网上搜索相关视频进行参考,但专业水平的薄弱使学生不能对互联网信息准确地判断与筛选,接收了不规的舞蹈信息,导致互联网教学成效的失败。对此,发挥互联网教学优势要求教师引导学生对互联网的舞蹈相关信息进行正确筛选,例如提供专业的舞蹈门户网站或提供准确有效的舞蹈关键词让学生在互联网进行搜索。总之,互联网教学方式应当因势利导,使之成为新时期舞蹈教学模式的新手段。 (三)实践性教学是提高音乐学专业舞蹈教学成效的重要手段 实践性教学在舞蹈教学中有着不可或缺的重要作用,它不仅实现了舞蹈课堂的教学目的,同时也使学生在实践中不断提高自己的舞蹈能力,其中包括舞台表演、舞蹈教学、舞蹈编创等方面。例如,摒弃以往音乐学专业的学生钟爱展示声乐与器乐能力,通过每年的艺术实践要求学生必须展示一定数量的舞蹈作品,通过舞台表演的实践,让学生明白舞蹈表演在一场综合演出中的重要性,了解舞蹈与舞美、灯光、道具、服装等方面的相互关系与作用,同时学会运用综合的艺术手段完成舞蹈的舞台呈现;音乐学专业的学生是综合性大学校园文化活动的骨干成员,承担着院系间的艺术交流以及校内各项文艺演出的任务,为其它院系的活动排练舞蹈或为了某个校内活动编排节目都是实践中音乐学专业学生所面临舞蹈能力的考验。 在这个过程中,学生从挑选音乐、确定主题、构思作品、排练演出,都是对舞蹈技能更深层次的思考与学习,其舞蹈编创能力、教学能力、以及自身的艺术表现力都在实践中得以提高[4];加强实践性教学还应当鼓励音乐学专业学生根据自身的兴趣爱好与特长积极参与社会实践、自主实践,例如到艺术培训机构兼任舞蹈助教、积极参与社会公益演出、参加各类舞蹈比赛等,通过多样化实践形式,达到提升学生综合实践水平与舞蹈能力的目的。音乐学专业舞蹈由于本身的特殊性,既不能像舞蹈专业教学那样深入与系统化,但也不能完全脱离舞蹈的基本理论与实践。加强音乐学专业舞蹈教学是培养高素质音乐人才的重要环节,教学者要注意拿捏分寸,扬长避短,为音乐学专业的舞蹈教学总结出更多的方法与途径,以达到人才培养的最终目的。 作者:吴红叶 单位:闽江学院 音乐学院 音乐学专业论文:音乐学专业学生的计算机软件操作能力 一、课件制作能力 一名合格的中小学音乐教师所应具备的最主要能力是能够胜任音乐课的常规课堂教学。作为一名教师,应具有扎实的语言表达能力和板书水平。随着时代的进步,信息量更加丰富、相对粉笔板书更为直观,且集视、听效果为一体的多媒体教学课件出现。多媒体教学课件是指在教学过程中,通过教学设计,利用多媒体综合处理文字、声音、图像、影像等多种信息的一种教学手段。音乐艺术以声音为载体进行传播。音乐课教学应充分遵循这一特性,把声音的输出作为音乐课最为重要的教学手段。因此,精心设计、制作多媒体课件,并能在课堂上娴熟操作,是每一名音乐学(教师教育)专业学生应掌握的技能。目前,多媒体课件制作的主流软件是美国微软公司出品的MicrosoftOfficePowerPoint(以下简称PPT),这是一个“演示文稿”功能的课件制作软件。在制作音乐课课件时,该软件可以导入文字、课件背景、图片(包括乐谱图片)、音频、视频等素材,且能使其按照设计好的顺序出现,以动画的方式展现每一张幻灯片中的视听素材。它能很好地满足中小学音乐课教学中唱歌、音乐欣赏等几种常见课型对多媒体课件的需要。 二、乐谱制作能力 音乐教师在常规音乐课教学、音乐节目排练活动中,经常要和乐谱打交道。因此,音乐教师的乐谱制作能力也非常重要。在利用多媒体课件辅助的常规音乐课堂教学中,有时需要在课件中向学生展示音乐作品的乐谱,以便教师做示范,这就需要在课件中插入乐谱。在PPT中可以以图片的形式很方便地插入乐谱,但乐谱需要用专业打谱软件制作,才能以图片的形式导入PPT中。中小学音乐教师经常会负责组织学校的合唱队、乐队排练及重大节日演出的任务。在这种活动中,乐队总谱不可缺少。或许有些经典作品的乐谱可以从专业乐谱网站下载,但更多情况是教师根据歌曲乐谱自行编配小型乐队总谱。因此,为了使学生在排练时能有乐队总谱方便视奏,用专业制谱软件制谱就显得至关重要。目前,国内通行的制谱软件根据乐谱类型分为简谱和五线谱两大类。在简谱绘制方面比较出色的有作曲大师、雅乐简谱等;五线谱绘制软件相对来说比较多,初级阶段的有Overture,高级阶段的有Sibelius和Finale。以上这些制谱软件都可以对乐曲的调式、节拍、声部、速度等进行设置,完成乐曲音高、节奏型、歌词的输入,以及对乐谱布局的排版和调整。因此,能够使用制谱软件绘制乐谱对于中小学音乐教师来说非常重要,是一项基本职业技能。 中小学音乐教师在日常教学中必然会涉及音频编辑方面的工作。在音乐欣赏课的教学中,很重要的教学理念是向学生阐述乐曲的曲式结构,然后进行分段欣赏。切忌采取从头播放到尾,囫囵吞枣式的听赏,特别是像交响曲、奏鸣曲等较大型曲式结构的音乐作品,重复播放会使学生产生倦怠心理。正确的做法是欣赏多段体音乐作品时,如A—B—A结构,用音频编辑软件将作品按顺序依次截开,让学生分而听之,去感受前后两段与中间段落的对比。或者在欣赏奏鸣曲式时,把主部主题和副部主题的段落分割,让学生分段感受奏鸣曲式的优秀内容,然后让学生单独聆听连接部和结束部,通晓奏鸣曲式各个乐章的段落进程,最后全乐章合而听之。以上做法可以加深音乐欣赏课中,学生对大型曲式作品的理解和感悟。中小学音乐教师一般要担任学校节日文艺汇演的组织工作,晚会演出也需要音频处理方面的工作。在制作歌曲联唱类节目的伴奏带时,需要从网上下载每一首歌曲的伴奏音乐,再利用音频制作软件将其串联起来,完成音响制作。这些工作都需要音乐教师具备一定的音频编辑能力。目前常用的音频编辑类软件有AdobeAudition、SoundForge等,大多都支持对WAV、MP3、MPEG、AVI、WMA等多种音频格式的转换和播放,支持剪贴、复制、粘贴、多文件合并和混音等常规处理,支持对音频数据进行扩音、衰弱、淡入、淡出、压限、延迟等特效处理。四、网络音乐信息收集能力进入21世纪,互联网成为人们生活中不可或缺的信息工具。作为音乐学(教师教育)专业的学生,应具备在互联网上搜索音乐信息的能力,包括在一些音乐类网站上检索音乐专业知识,从酷狗音乐、百度音乐等音乐搜索引擎上下载音乐作品,或是在优酷和土豆等视频网站上搜索中外音乐名作的演出录像等。通过以上信息的收集,学生一方面可以加深自身音乐文化知识修养,另一方面,这些从网上搜索到的内容可以成为音乐教学课件中的丰富素材。 结语 综上所述,作为音乐学(教师教育)专业的学生,应该对自己的专业发展方向有长远的规划,认清信息化高速发展的今天,电脑技术在中小学音乐教学领域所带来的革新和运用。音乐学(教师教育)专业学生应该从在校阶段就熟练掌握一名合格的中小学音乐教师所应具备的基本计算机软件操作技能,为将来从事音乐教育工作打下良好的基础。 作者:徐杰 陈瑶 音乐学专业论文:高师音乐学专业舞蹈教学改革 一、素质教育与美育、舞蹈教育之间的内在联系 (一)素质教育是推动人才发展的重要手段 素质教育的目的是使受教育者的身心得到全面发展。大学生是我国社会发展的主要动力和后备军,他们将成为推动社会发展的中坚力量。对大学生实施素质教育即重视培养学生的创新、实践和创业的能力,其实质是促进学生的全面、综合发展。因此,以素质教育作为人才发展的教育手段有利于学生综合素质协调发展,有利于学生适应未来社会的需要。 (二)美育是素质教育不可缺少的重要环节 美育即审美教育,是一种按照美的标准培养人才的形象化情感教育。在素质教育中,美育可帮助学生体验审美,从而达到对美的感受力、创造力和自我完善能力的提升。艺术教育是美育的最佳途径,通过艺术教育可以达到净化心灵、陶冶情操的目的。学生从艺术的角度体验审美,能够提高自身的素质和审美情趣。 (三)舞蹈教学是开展艺术教育的必备形式 随着社会的不断发展,非专业性的舞蹈教育逐渐演变成一种有特色、有体系、有目的的艺术教育形式,舞蹈艺术作为人体的动态文化有助于对学生的审美能力、想象力和创造力的开发,不但锻炼了形体,也丰富了他们的课余生活。发挥舞蹈教育独特的艺术魅力,能够对当代大学生综合素质的培养起到积极的促进作用。 二、高师音乐学专业舞蹈艺术教育的特征 高师音乐学专业的舞蹈课程属于非专业的舞蹈素质教育,主要以提高学生的整体艺术素养为目的,学生将通过舞蹈课堂认知舞蹈、融入舞蹈、热爱舞蹈乃至传播舞蹈艺术。高师音乐教育舞蹈教学具有以下两点特征: (一)音乐学专业广泛的教育对象决定了舞蹈课程形式的非专业性 舞蹈课程面向全体音乐专业学生,通过舞蹈课程的形式和舞台实践提高受教育者的艺术鉴赏与审美能力,达到综合素质全面发展的目的。因此,作为一种普及型舞蹈教育,在课程设置和教学内容上应相应有所调整,如授课形式的多样化,增强教学内容的生动性和趣味性,开展舞蹈知识讲座、校园舞蹈比赛等形式会让更多的学生积极主动的参与其中。 (二)舞蹈教育的特殊性决定理论传授与艺术实践相结合的统一性 音乐学专业的舞蹈教育包括舞蹈艺术理论知识和艺术实践活动两个方面。舞蹈基础理论的学习是对学生进行艺术教育的主要途径之一,其目的是奠定学生欣赏和实践舞蹈艺术的基础,提高艺术修养。艺术实践则注重增强学生的参与力度,让学生积极地投入到舞蹈实践中,获得更多的艺术体验与审美经验。在教学中,理论和实践相辅相成、缺一不可。 三、高师音乐学专业中舞蹈艺术教育的功用 (一)音乐学专业的舞蹈教育在素质教育中的作用 舞蹈艺术教育,是人类最早的文化艺术教育活动之一。舞蹈可以使人体各个器官变得灵活敏锐,有助于受教育者的体貌匀称发展。舞蹈在帮助学生增进思维、发展智力的同时,使其养成优雅的举止和正确的体态习惯,以及形成良好的审美观和价值观。随着现代审美多元化的发展,观赏性与娱乐性的舞蹈作品增多,舞蹈艺术与社会道德情操、现代生活产生了更为密切的关系,因此成为高校素质教育中不可或缺的教育形式。 (二)音乐学专业舞蹈教学的美育功能 舞蹈艺术是一种民族文化的呈现,影响着人们的道德情操以及文化素养。它通过肢体动作的形象美和艺术作品的内容美来展现对现实生活与理想的追求,达到情感抒发和精神追求的协调统一。通过学习舞蹈,学生不仅有了美感体验,还在潜移默化中受到美的熏陶,进而使道德情操和思想情感得以升华,艺术修养得以提高,这是舞蹈美育的重要作用。 四、高师音乐学专业舞蹈教育发展的改革与探索 (一)把握时代脉搏,更新音乐学专业舞蹈课程的教学理念 社会在发展,高师音乐学专业的舞蹈教育模式也在不断完善,唯有教学理念的突破才能带动教学改革的创新。提倡以“人”为本的教育思想是指:根据学生的具体情况因材施教,从强调专业对口转向适应社会需求。注重综合性、跨学科教育的发展,将推动教学改革的探索与更新,舞蹈课程的教学理念应具备以下几点转变 1.以学生为主体开展教学 “兴趣”是学生探索求知、自主学习的内在动力。能否上好舞蹈课与学生自身的主观能动性有着直接联系。在学习过程中,学生潜意识的选择有助于学好感兴趣的学习内容,兴趣不足则会出现各种学习障碍。舞蹈教师在教学中要注重观察学生的心理变化,主动激发学生的主观能动性,引导学生不断增强对舞蹈课程的学习兴趣。如在开展教学活动时主动营造良好的学习氛围,运用精彩、新颖而富有启发性的语言等,引导学生变被动为主动,顺利开展课堂训练与艺术实践。 2.充分锻炼和发掘学生的潜在能力 随着舞蹈教育在高校的普及,更多的学生有机会接触到舞蹈艺术。面对大多数没有舞蹈基础的音乐专业学生,教师需要以鼓励为主,无论学生能力大小都要平等对待,给学生充分的空间与时间去领会和感悟舞蹈艺术。舞蹈教育对学生潜在能力的开发离不开教师恰当的教学方法,从实际出发给予学生参与的动力和实践的机会,创造相对宽松的环境让学生去感受舞蹈艺术,由此必然会帮助他们达到健美体魄、提升气质、增强审美、丰富感知能力等目的。 3.引导和鼓励学生主动参与创新和实践 在舞蹈课程的教学过程中,学生之间存在着个体差异,教师应保持宽容的心态让学生各展所长,充分给予他们成功的体验。学生在学习过程一旦拥有了自信,将会乐于尝试和自愿追求下一个学习目标,这对他们的身心发展至关重要。在舞蹈创作中既要保持训练的规范性,也不能忽略相关文化理论的修养筑造,加强师生间的合作,互相启发、取长补短,对舞蹈进行原始创作或二度创新将有助于师生共同进步。 (二)完善音乐学专业舞蹈课程的教学内容、明确培养目标 1.高师音乐学专业舞蹈教学内容的设置 舞蹈教学内容应遵循“形体基础训练”“民族民间舞蹈文化传承”“舞蹈艺术名作赏析”“中小学舞蹈编创与教法”相结合的原则。没有优美的体态,舞蹈艺术就失去了基本的载体,所以开展舞蹈教学时首先要进行形体基础训练。其次,民族民间舞蹈训练的介入,不但可以帮助学生感受各民族舞蹈艺术的特点,还可以通过不同的体态特征、运动规律以及优美的民间音乐等给学生带来更为生动直观的审美体验。再次,学生在积累了一定量的舞蹈理论和形体训练后加入舞蹈名作的赏析,可以更加充分的感受舞蹈艺术,顺利从感性认识上升至理性认识。最后,通过舞蹈艺术实践与教学法规范学生对舞蹈普及教育的正确认知,在学生懂得和喜爱舞蹈文化的基础上激发他们的想象力,开展基础的舞蹈创作,为今后步入社会和进行中小学艺术素质教育打下良好的基础。 2.高师音乐学专业学生舞蹈教学的培养要求 培养音乐学专业学生具备基本的舞蹈普及教育能力,不必苛求学生的外在条件,只需具备一定的软开度和准确的舞蹈基础动作示范能力即可。任课教师需要着重培养学生拥有良好的道德修养和无私的奉献精神,且忠诚于艺术教育事业。在教学实习中可引导学生从事舞蹈普及工作的热情,帮助他们了解教学对象,懂得如何培养学习兴趣,营造良好的学习氛围。同时完善学生的人文知识,让他们懂得欣赏和理解舞蹈艺术作品,具备一定的舞蹈表演、舞蹈创作、舞蹈理论的基本能力,便于毕业后开展与舞蹈艺术相关的普及教育工作。 (三)改革和探索音乐学专业舞蹈课堂的教学模式 1.丰富音乐学专业舞蹈课堂教学的教育途径 从素质教育的观点出发,在音乐学专业舞蹈教学中努力开发学生的潜能,改变过去单一的口传身教和学生被动学习的教学方法,充分发挥学生的积极性和创造性。一方面,教授舞蹈的基础知识可以从单一的动作组合入手,使学生掌握基本的舞蹈动作与运动规律。另一方面,广泛使用舞蹈术语,鼓励学生在学习舞蹈的过程中学会运用专业性语言和科学的练习方法,加强对舞蹈训练的系统认知,以便形成正确的运动记忆,并提高自身的感知能力。 2.拓宽音乐学专业学生的视野提高舞蹈艺术素养 随着教育体制改革的不断深化,高等院校开始注重学科间的交叉运用,在教育过程中融入了很多新的思想观念。相关学科与舞蹈艺术的有机结合,既丰富了舞蹈的内涵又扩展了学生的知识结构。通过生动的形象,多维角度开阔视野,学生可以更广泛地参与到舞蹈实践中去,达到既能歌善舞又能投身于舞蹈普及教学与艺术创作的目标,真正成为具备一定艺术修养,适合中小学需要的艺术教育人才。 3.加强少儿舞蹈元素的渗透 音乐学专业的毕业生将来大多会从事中小学的艺术基础教育工作,因此教师在日常教学应有针对性的实施教学构想,注重加强少儿舞蹈方面的知识技能普及,为学生以后就业打下良好的基础。教师可以组织学生观摩中小学校举办的各类文艺汇演,让他们更为直观的了解少儿舞蹈的特点和规律,区别成人舞蹈与少儿舞蹈的不同,突出青少年的身心特点。学校可以利用艺术实践组织学生设计活动方案参与少儿舞蹈编创,从编排简单的少儿舞蹈组合开始,加强对学生舞蹈艺术创作能力的培养。 4.注重基础教育中舞蹈教学实践操作能力的培养 在日常的教学活动中应注重学生教学能力方面的培养,从教学设计、教学组织、教学指导等多方面出发,要求学生根据青少年不同年龄阶段的舞蹈动作特点编排舞段,锻炼学生组织舞蹈活动的能力,并在相关的艺术活动中予以实践,指导学生自主设计节日演出方案、组织毕业晚会排演,加强理论与实践相结合的能力。以课堂听课的方式让学生走进中小学舞蹈课堂,让学生进一步了解儿童舞蹈活动的基本要求与内容,积累有效的教学方式与方法。综上所述,通过舞蹈艺术特有的手段与途径对学生进行全方位的整合教育,是现代音乐学专业舞蹈课堂教学的责任与使命,它不局限于传授学生基础的舞蹈知识与技能,而是致力于从多方位培养适应中小学需求的艺术教育综合型人才。 作者:盛慧 单位:郑州师范学院音乐与舞蹈学院 音乐学专业论文:音乐学专业学习目标研究 一、音乐学专业现状 虽然频频设立,但是对“音乐学”的学习内容,课程安排往往并不清晰,不仅是学生不太明白所学专业究竟学些什么,教师们对此概念也是相当模糊。很多人将“音乐学”看做是学习音乐中的理论方向,当音乐作曲或者表演不能很好的学习时就选择“音乐学”理论加上实践的方式,似乎这样就可以为专业的音乐或者表演的缺失找寻弥补的方法。在录取上,“音乐学”专业的同学有时就是从表演专业或者其它专业调剂过来的。这些同学通过“音乐学”专业继续深造。同样的情况也发生在“美术学”、“舞蹈学”、“戏剧学”等学科上。油画家、文化学者陈丹青曾经在清华大学美术学院“美术学”任教,后来主动公开辞去职务,当时,他就公开申明表示不理解什么是“美术学”,又为何要完成科研任务,以论文作为科研成果。这种情况不单是在一人身上发生,就连一些专门从海外聘请的人才专门担任“音乐学”教授、博导的老师也不能完全明白“音乐学”究竟是什么学,什么人才能胜任“音乐学”教授、博导,心中也不太有数。 二、音乐学学习目标 “音乐学”的学习内容学习目标是什么,其实在很多著述中早有论述,例如,中央音乐学院教授俞人豪先生在《音乐学概论》中已经将这个概念的来源和学科内容讲述的十分清晰:“‘音乐学’这个词在欧洲最早见于米茨勒1738年在德国成立的团体名称“音乐学协会”(SocictactdermusikalischenWissenschaft),这个德文字的意思为‘音乐的科学’。”俞先生还说明,后来有加提(A.Gathy)的《科学手册》,把当时的音乐学(Musikwissenschaft)作为一个门类排列在其科学分类体系中。被后人认为是这门学科确立者的德国音乐学家克里桑德(F.Chrysander),1863年编撰《音乐学年鉴》不仅使用了音乐学这个名称,还指出“音乐的研究,特别是历史的研究,应该提高到自然科学和人文科学中长期采用的那种严肃而精确的标准上来”,他还主张“音乐学应该与当时呈上升趋势的‘实证科学’相联系,应成为受到尊重的、完全意义上的科学”。俞先生指出,在西方,“音乐”这一概念包括音乐实践和音乐理论的研究,后来逐步则分化为既有联系又有分工的“两个领域”:“音乐本身逐渐向艺术化的方向发展,而音乐研究则向人文科学或精神科学的方向发展,因此,不能简单地把音乐学或音乐研究看做是音乐艺术的附属品。现在西方的学术体系通常是把音乐学看做是人文科学的一个部门。”当前,音乐学专业的学生在校期间都必须撰写论文,通过答辩才能毕业,这种情况不只是硕士和博士,本科生也是同样的制度。这样的教学制度显然不同于一般的表演专业的学生,以音乐演奏会或者音乐作品的创作作为毕业任务。音乐学就其对象和主要方法而言,属于人文科学或精神科学的范畴,所以,在西方“音乐学系被设在综合大学的人文科学学院之中”。在我国,音乐学系(或专业),大多设在音乐学院或艺术院校音乐系中,把音乐学放置在这样的院系中致使这一学科不同于音乐(或艺术)的独特性质即科学性质,不易显现。因此,很容易产生对此学科的模糊看法,甚至是误解、偏见。音乐学的主要研究对象是音乐,音乐学的学习目标和内容自然是接触音乐、了解音乐、分析研究音乐,也就是要对音乐进行感知,尽可能深刻的懂得音乐。包括音乐概论,音乐的起源学说,音乐史。但音乐学基本性质是科学,归属艺术科学领域,将其再引申一步,它还属于人文学科和精神科学范畴,与人类学、文化学、心理学、美学、哲学等等诸多学科。由于音乐的载体是声音,声音是一种物理现象,所以,音乐学也要相应的了解一些物理声学和其它一些相关的自然学科。除此以外音乐学还与生活息息相关,因此音乐学还要学习民族学、传播学、社会学、政治经济学等等。 作者:吴梦萍 音乐学专业论文:高校音乐学特色专业建设探索 《黑龙江高教研究杂志》2015年第六期 当前,我国地方高校音乐学专业学科建设出现长足稳健发展的良好局面。但不可忽视的是,绝大多数高校存在办学模式趋同、专业方向一致、教学思路单一、缺乏特色等问题,既影响音乐学专业学科建设水平进一步提升的进程,又影响民族艺术资源的保护、传承与挖掘,还影响学生就业。在经济与社会转型时期,地方高校音乐学专业特色化建设迫在眉睫。因而,从保护、传承、挖掘我国民族艺术资源的角度,深入进行地方高校音乐学专业教学改革,探索构建特色专业理论与路径,具有重要理论价值与现实意义。 一、保护民族艺术资源与建设特色音乐学科的互动效应 广义地讲,特色是一个事物显著区别于其他事物的风格,是其所属事物独有的品行。特色音乐学科,是高校在特定的办学思想指导下,在长期的音乐理论探索与反复的教学实践中,逐步在教学目标、师资队伍、课程体系、教学条件、教学方法等方面形成的具有鲜明特色,高水准、高质量、高标准,并产生良好效应的人无我有、人有我精、人优我特的专业。形成自身特色的路径有很多,如依托优势研究成果设立特色专业;依托优势师资队伍设立特色专业;依托地缘音乐艺术资源设立特色专业等。新中国成立后,我国的高校大致可分为综合与多科性大学、单科学院和应用性高等专科学校等三种类型。自20世纪80年代以来,高等教育发展迅速,至2014年7月我国高等学校总数已达2540多所,其中地方高校2240余所。而设置音乐学专业的就有400多所。研究发现,众多的地方高校音乐学专业普遍存在培养目标、学科设置、教材选用及教学方法雷同、办学方向不够明确,学科及专业设置特色不够突出等问题。音乐学学科设置与办学方式基本上仍沿袭以欧洲音乐为中心,民间音乐在学校教育中处于附属地位的体制。导致学生对我国民族音乐文化了解甚少、民族音乐传承遭遇困境、学校办学特色不鲜明、生源竞争激烈,学生出口窄小、就业难、专业不对口、学无所用的问题凸显。大学音乐学专业设置不应当雷同,不同学校应有所区别,就如同企业和人一样,要有自己的特色和个性。事实上,大量的普通高校特别是地方高校,在音乐学专业设置、办学特色等方面都有一定的地缘优势及特色潜力。 以琼州学院为例,该校扎根于少数民族地区,常年致力于民族教育,少数民族音乐文化特别是黎族音乐文化对其影响深远,其音乐学专业教师中有一部分是省内知名的黎族音乐编创、演唱与演奏人士。该校坚持开展民族文化研究,在研究与教授黎族文化理论和黎族民歌、乐器方面有着天时、地利的优势。但是长期以来,该校音乐学专业定位仿照学术型、专业型大学,其结果是教学成果泛泛,理论研究平平。这也是众多地方普通高校多数专业发展面临的困境。高等教育大众化的前提是教育的多样化,只有以教育的多样化才能适应社会需求的多样化。民族音乐文化的传承与高校音乐学特色专业设置是一个良性互动的关系。定位于教学型的地方普通高校应以应用型教育为主,应根据社会需要和地缘及自身优势,把民族音乐教育引进课堂,改革音乐学专业的人才培养模式和课程体系,以创建音乐学专业的地方民族特色。立足于地缘优势的应用型高等教育既可以培育本学校的专业特色,又可以构建适应人才培养需求的课程体系,避免了普通高校专业课程的雷同,有利于实现办学特色化目标。蔡元培先生指出,欲知明日之社会,看今日之校园。高校既肩负着教书育人为国家输送人才的使命,也肩负着促进民族音乐艺术文化传承、保护与发掘的历史使命和社会责任。将民族音乐文化,融入高校音乐学专业课程体系建设之中,有利于发掘、研究、保护和传承民族文化资源,溢出良好的社会效益与文化效应。 二、优化配置民族音乐资源,构建特色音乐学专业 海南是黎族的聚居地和黎族文化的发源地,其特殊的文化环境、地理环境、生活习惯等,锻造了黎族传统音乐具有的独特文化与民族性。黎族民歌曲调有近30种,黎族民间歌曲从其反映的题材与内容角度来看大致可分为六类:劳动歌、生活歌、情歌、时政歌、仪式歌、儿歌。黎族有5个方言区,各方言区因居住的地域不同又形成不同的土语,而每个土语的民歌所唱出来的曲调和唱腔风格也略有差异,形成若干支系。黎族特色的民族乐器主要有独木鼓、叮咚、口弓、唎咧、哔哒、口拜、鼻箫、灼吧等八大件,制作原料多是就地取材,手工制作。黎族民间存在大量的音乐人才,著名黎族歌手符其贤曾在全国20多个省市演唱100多首黎族民歌;黎族乐手卢玉昌1980年参加全国少数民族文艺会演,吹奏的“口拜”乐器连续20多分钟不换气,博得满场喝彩;乐手黄会基吹奏的唎咧乐曲《相会在山兰园》,从1984年至1992年先后应邀到新加坡、法国、西班牙、意大利等国家演出,享誉国内外,这些都印证了海南黎族音乐文化的精深和鲜明的民族个性及其特色。 近年来,为振兴地方民族音乐文化,推进黎族音乐可持续传承发展,海南省政府和有关部门做了大量工作,组织力量收集、挖掘、整理了大量黎族民歌、器乐资料以及民间传承人的影音资料;发现、培养了部分黎族音乐艺术人才;2002年、2007年分别出版了《中国民间歌曲集成•海南卷》、《中国民族民间器乐曲集成•海南卷》。而且多年来海南省省内高校对于黎族音乐的研究一直没有停止过,且有规模化、系统化趋势,但遗憾的是多限于理论研究而鲜于教学实践。毋庸置疑,学校教育是文化普及与创新的重要途径,它可以通过选择文化、传授文化、创造文化,进而促进文化的传承与发展。普通高校顺应市场经济和高校办学及专业竞争的趋势,创建教学特色、打造专业品牌、提升办学层次,是应对时代变革的必要选择。通过系统、深入的民族音乐艺术的挖掘,让黎族音乐文化在海南地方高校音乐学专业课程中占有一定比例,就能形成新的课程体系、教材体系和教学特色,从而使黎族音乐文化在较高的层次上得以提升和发展;地方高校在实施多元文化教育的同时又可彰显专业特色建设的创新力,实现专业课程设置人无我有、人有我优、人优我新的教学特色,增进专业教学活力。 三、在发掘民族艺术资源视域下地方高校音乐学特色学科建设的路径 只有把学科的特点、特长拓展成特色,才会有生命力和吸引力。而这种特色不仅体现在目标确立上,还体现在教育者、教育对象、教学资源、教学过程、教学成果等诸方面,是一个系统工程。 (一)激发学生学习兴趣长期以来,我国高校的音乐学教育基本是一个模式,教材选择、教学方法、教学成果考核等基本大同小异。注入新的教学内容后,这一切都将出现根本性改观,要让师生认同这种改变,特别是要学生理解和认知。“知之者不如好知者,好知者不如乐知者”,也就是说,兴趣是学习民族音乐的基本动力。确立民族音乐教育为专业特色的学校,在招生方面可适当向少数民族考生和有意民族音乐学习的考生倾斜。在教授民族音乐时,要首先启迪学生的认同感,要让学生对民族音乐产生兴趣,获得音乐经验。要重视环境对人的影响,鼓励学生参加社会实践,实行开放式教育。可以通过“听赏—体验—兴趣”这一流程来操作,听赏就是组织学生观摩专业民族音乐艺人的演唱、演奏及音像作品,从音乐欣赏教学入手,把民族音乐融入到音乐教学中去;体验就是教师示范及学生自己操作练习;兴趣则是听赏、体验所要求达到的效果。通过这些措施激发学生学习热情,让学生做自己想做的事情,在灌输民族音乐知识的同时,努力提高学生民族音乐素质,进而达到教学目的。 (二)选订或编创优秀民族音乐教材音乐教材是进行音乐教学的载体和保证,是音乐教学中最重要的资源。目前,民族音乐教材资源并不平衡,一些边缘民族的音乐教材较少,有些器乐教材基本难觅踪影。音乐教材的选择应坚持突出民族音乐的教育特色,体现特色的民族音乐观。民族音乐教材的选订不一定局限于出版部门,也可邀请专家学者或民族音乐表演家协助编写教材。理论教材要注重与民族知识教育相结合,在相关的民族文化背景中,民族音乐更容易感染学生,为广大学生所接受。专业教材要去粗取精,立足素材挖掘,搜集整理民间资料和乡土教材,提炼精华。也可采用田野调查法,让师生深入民间,通过采风、调研、访谈等拓展发现、发掘范围,让散落和湮灭在民间的民族音乐资源成为新教材的宝贵素材。通过这些活动让学生明白民族音乐是一切音乐创作源泉的道理,使学生从心理上崇拜民族音乐,提高对民族音乐的感情,为进一步实施民族音乐教育打下浓厚的情感基础。提倡高校教师教学、科研并重,鼓励专任教师编撰本专业民族音乐教材。 (三)提升教师自身的民族音乐文化底蕴目前,普通高校音乐教育课程基本仿照专业艺术院校,课程设置都是以西方音乐理论、西方音乐辅以民族音乐作为学习基础。多数教师没有系统地学习过民族音乐的相关知识和相关技能,这在一定程度上制约了民族音乐教育的全面开展。提升教师素质和教学能力首当其冲,教师要在教学实践中加强学习提高,使自己具备三种素养,即基本音乐素养、民族音乐素养和民族音乐教育素养。对于一些由于教师原因影响开展民族音乐教育的学校,必要时可以外聘专业教师。对于确立开展民族音乐特色教育的学校,要及时对教师进行业务培训,必要时可选派教师到国内专业音乐院校、地方文化艺术团体和民间教育机构进修、学习、深造,以适应教学需要。 (四)通过开门办学巩固办学成果提升特色民族音乐教育要坚持以服务区域经济社会发展需求为导向,优化应用型人才的培养,力求使学生达到适应需求、通专结合、创新自立。教学过程循序渐进,在注重音乐理论学习的同时更要注重实践能力,要加强基础训练,要给学生更多自学和实践的机会。这里不一定需要增加这类课程的课堂教学时间,但有必要拉长它们的学习期限,从而腾出足够的课外时间来开展采风、调研、演出等实践活动。通过这种方式改变过去只有通过教师教才能学到知识和技艺的传统教学模式,让学生在实践中使用学习到的东西,再通过自学获取新的东西,进而创造新知识。专业教育要和开门办学相结合,改变现存的音乐教育与社会需求不相适应的局面:一是与地方文化部门及民间教育演艺机构合作,建立文化艺术基地,共同开展民族音乐艺术教育,共同培养民族音乐艺术的领军人、传承人。现代教育手段使民族音乐文化的书面传承获得了更大的可能,如果能与以传承民族音乐文化为目的地方文化部门及民间教育演艺机构结合起来,将会收到更好的效果。二是与企业界合作,建立实习基地,共同进行专业建设。校企合作既可以及时反馈、检验教学结果,又可以了解人才需求动向,增强专业建设与人才培养的契合度。高等学校的专业特色教学除了一般性的校企合作还可以有更深层次的合作,如以企业命名或出资设立专业或建立独立学院,这对普通高等学校探索教学改革、解决办学经费不足、增加学生就业都是一个新路子。三是加强横向联系,通过与省内外高校文化艺术教育的合作交流,实现优质教育文化资源共享,交流开展民族音乐专业特色教育经验。 普通地方高校专业特色应该是一种独特的文化。通过挖掘地缘民族音乐艺术资源,创立高校的音乐学专业教学特色,使其具有独特性、优质性、稳定性和发展性,增强学校和专业教学的竞争力以及学生的知识实力,从而推进普通地方高校的教育创新和彰显办学特色。 作者:唐宁 单位:琼州学院 艺术学院 音乐学专业论文:音乐学专业从附中开始设立的含义 【摘要】音乐学是一门研究音乐的学问,只有具备了较好音乐知识和技能、具备了较高中外文化知识和驾御中外语言及写作能力的人才能胜任。对于西方音乐学构架中的我国音乐理论教育要加以改革。音乐学的专业教育要从附中开始设置。音乐学的课程设置要具有中国特色的系统性,要求不同阶段的学习和教学有不同的内容。不同的培养方向要有不同层次的教学内容与训练手段。 【关键词】音乐学音乐教育音乐理论教育音乐学课程设置 一、音乐学 音乐学(musicology)是一门研究音乐的学问,来自于西方。萧友梅先生在建立上海国立音乐专科学校时,虽然引入了至今仍在延续的欧洲音乐教育体系。但是,音乐学专业课程的设置,在我国的音乐教育中是比较晚的事情。新中国建立之前几乎没有,即使在新中国建立之后,大部分专业音乐院校音乐学专业课程的设置也很晚。除了中国艺术研究院音乐研究所于1954年,中央音乐学院于1956年较早建立以外,其它音乐学院音乐学专业的建立都较晚。上海音乐学院、中国音乐学院分别于1978年和1980年设立了音乐学系,武汉音乐学院于1986年成立音乐学系。而象天津音乐学院、西安音乐学院、沈阳音乐学院、四川音乐学院、星海音乐学院等,则都是在二十世纪的九十年代之后才逐渐挂牌成立了音乐学系。几所音乐院校的音乐学专业被批准为硕士和博士学位的授予点则是更晚的事情。1982年中央音乐学院被批准为硕士学位授予点,1988年被批准为博士学位授予点。上海音乐学院硕士学位授予点是1982年获得的批准,博士学位授予点是1989年获得的批准。 在我们的西洋音乐教学、研究队伍中,有不少是在西洋文化的社会和生活环境中受过熏陶的学者。我们在西方音乐学的传播、教学、研究等方面,也的确取得了不少的成绩。但是,说音乐学在我国是一门年轻的学科,也许一点也不过分,这一点也反映在我们过去,以及今天许多人对音乐学的认识中。譬如,我们历来要求学习音乐的人,一定要“底子好”、“基础好”。所谓的好“底子”、好“基础”,在多数情况下主要指的是“音乐技术”和“音乐技能”方面。且不论表演、甚至作曲等专业方向的学生,是否仅仅只是具备了“音乐技术”和“音乐技能”方面的能力就够了这个问题。就音乐学为学习和研究方向的人而言,除了应该要求具备“音乐技术”和“音乐技能”方面的能力之外,还应该有文史修为和写作能力的“底子”、“基础”,要具有音乐理论的思考能力。也就是说,对于从事音乐学专业工作与研究的人们来说,必须掌握音乐形态、音乐技能等音乐本体的知识,以及掌握中外历史、文学、语言、宗教、风俗、文献典籍等社科文化知识,要有两个方面的基本功。对于这一点似乎大家早有共识,似乎也是一个简单的问题。但是,在我国音乐学的实际教学中却没有加以实施,至少做得很不够。而且,在我们还没有对原有西方音乐学领会得十分清楚的情况下,又有许多其它西方音乐研究理论,以及一些音乐研究新领域、新知识不断为我们所认知,使得我国这门本来就很年轻的学科,受到了不同程度的冲击。譬如,对于民族音乐学(Ethnomusicology)、世界音乐(W0rldMusic)、多元音乐文化(ManyMusicofManyCultures)等新学科、新概念的系统解读,以及与原有音乐学之间的关系;等等。 就目前国内音乐学的教学和研究现状来看,急需思考如何在借鉴西方音乐学学科体系、消化西方其它成熟音乐理论体系的同时,在所谓西方音乐学的构架中,建立符合我国音乐的发展历史、符合我国音乐文化生活存在的状况,以及符合我国音乐理论学习与研究现状的教育体系及教学体制等问题。也即,如何在我国现有音乐学的专业教育中,在音乐学专业学生的培养与训练中,无论是在教学的指导思想和培养目标方面,在学制的设定和课程的设置上,建立具有我国特色的音乐理论研究的学科。 二、音乐学专业从附中开始设立的意义 音乐学的专业方向应该从附中开始设立,至少,在附中的高中阶段一定要设立音乐学的专业。要思考符合附中音乐学专业方向的课程设置,而且,对于演奏、作曲等其它专业也要补充音乐学常识方面的课程。从近二十年来音乐学发展的情况来看,如果在附中的高中阶段开始设立音乐学的专业方向,对于我国音乐理论的学习风气、研究水平等,都会带来很重大的意义。仅仅就在附中的高中阶段开始设立音乐学专业方向的教育意义而论,将会产生以下两个方面的意义: 第一,观念上的意义。 不知什么时候开始,有了这样一个谬论:“学表演不行就改学作曲,作曲再不行就学理论。”除了可以认为人们缺少对音乐学以及音乐理论研究的认识之外,是否更应该对我们自身所存在的问题加以检讨。 这个局面的形成,一方面,应该说与音乐学系历来的要求标准有关。音乐学系历来视附中其它专业被淘汰后进入音乐学系的学生为“嫡系”,并把其作为音乐学系的后备师资。然而,关键的问题是,这些人中的大多数人并不喜欢音乐理论这门功课,不是把音乐理论视为一门专门的学问来加以钻研。甚至,其中一部分人根本就瞧不起音乐理论的教学与研究工作,其结果是可以想象的。我们不去妄断、怀疑许多人有从事教学与研究的能力,有着很高的智商。但是,遗憾的是他们确实没有什么研究成果刊布于世,没有几篇论文为同行们所知晓。我们知道,科研与教学是相互促进的,没有科研水准和研究基础的教学水平,究竟又怎样就不得而知了。历史的原因,人为的认识,瞧不起音乐学专业的人士,大有人在。这已经成为一种人所共知的事情。甚至,一些在音乐学专业方面授课多年的教师,也常常讲自己曾经是学习其它专业,而羞愧自己如今从事的音乐学教学工作。因此,从附中开始设立音乐学的专业,还有一个重要的意义就是培养学生的志向,是一个立志的大问题。“立志”音乐学的学习与研究绝对不是一句空话、大话,音乐学系不应该把其它专业被淘汰后进入音乐学系的生源作为培养的“嫡系”,不应该视有一点音乐技能,但并不喜欢音乐理论这门功课的人为“宝”。其实,表演学不好,作曲学不好,也就更不可能在音乐理论方面能够有所作为了。一些音乐学院今天在音乐理论教学与研究上出现的窘境已经作了充分的证明。如果要从根本上改变人们对音乐学以及音乐理论研究的错误认识,要改变别人的认识,那么,首先要从自己做起,应该首先使我们的学生立志音乐学学习与研究。必须在附中阶段设置音乐学的专业方向,使得我们的学生从进入音乐学院的大门之始就立志于音乐学的学习,就确立了一个大的研究方向。这样升入音乐学系的本科学生,从今天的自卑心理到立志音乐学的学习与研究,这是一个很根本的问题。 另外一方面,在当今发表的音乐理论论文里,的确有许多缺少对音乐本体进行的研究,让人们误以为音乐学的研究就是文字的工夫,认为音乐学的基本功就是背熟几本音乐史书。这也有其历史的原因,在目前音乐学的教学、研究,以及学习的队伍人员中,有许多人曾经学习的是其它专业,他们有的或是在外语,或是在历史、文学等方面受到过较长时间的训练,或在其它文化方面有较高的水平,较强的能力,等等。这部分人利用自我的优势从事了音乐学的工作,譬如,中文和中国历史专业方向的人,对中国古代音乐文献进行着辑录、校释,或从事着缺少音乐形态研究的中国音乐史的工作;而外国语专业方向或一些外语比较优秀的人,则从事着西方音乐文献的翻译,或从事着【清】毛奇龄在《竟山乐录》中所讲的“乐书不是乐,乐器不是乐”的工作。客观上讲,这类人中间的部分学者,为我国音乐理论的研究工作做出了很大的贡献,完成了许多音乐学基础性的工作。音乐学的研究需要其它文化学方面人士的加入,音乐学者也需要具备文化学方面的学识,只是不能过于偏颇。如今就有些“过”的现象,因此,使人们产生了对音乐学的错误认识。这也许是我国音乐学这门学科发展中必然要经历的一个阶段。 第二,本科生源数量和素质保障的意义。 目前,人们普遍认为音乐学的生源数量不足,学生的素质更是不尽人意。 一方面,为了扩大生源,大大降低入学标准,有的音乐院校甚至以缩短音乐学本科学习的时间来吸引生源。另一方面,许多音乐学的出题老师抱怨目前音乐学的试题过于简单,认为如今学生的素质差。试想,要让从来没有学习过音乐学理论的应届高中学生,应考音乐学院音乐学专业的试题,其效果肯定不好,其水平肯定很低。即使是那些从小就接触音乐的“琴童”、“天才”等,对音乐学理论可能也是知之甚少。没有学习过的东西,不可能考出好成绩;没有成体系的音乐学的教育机制,也就没有生源量和质的保证。所以,我认为要从根本上解决上述两方面的矛盾,必须从附中阶段开始设置音乐学的专业方向,或在普通中学中协商选择一些学校,定点开设音乐学方面的课程。由于今天的许多考生没有进行过音乐学方面的系统学习和训练,在出题老师看来再简单的试题,对于考生也是难题,老师和学生都不好把握考试试题的深浅难易程度。如果从附中阶段开始设置音乐学的专业方向,一来不仅能够使升入音乐学系本科的学生数量有所保证,使本科生源的数量具有一定的稳定性。而且,更能保障这部分学生在音乐学方面的素质和能力方面有一个较高的水平。如果学生在中学阶段已经学习了音乐学方面的常识,升本科的试题自然能够上一个台阶,自然有一个深浅难易的层次。 我们经常争论是否让音乐学本科阶段的学生进行专业方向选择的问题,然而,如果在附中阶段设置了音乐学专业,学生们经过几年音乐学方面能力的训练,在进入本科阶段之后,通过第一学年的适应阶段,在第二学年中,完全可以进行有所目标的专业方向的选择。这样以来,音乐学专业学生的整体素质和能力就会得到很大的提高,使得我国音乐学的教育、学习与研究水平获得一个真正的提高与发展。同时,这也给从事音乐学教学工作的教师也提出了一个比较高的要求。音乐理论的教学与研究,本身应该具有前瞻性,教学上落后,会使我们在音乐理论的研究方面更加置后。我们要按照上述标准来检验今天音乐学学人的知识结构和学术经验,要求提高从事音乐学工作和研究的队伍人员的专业能力和素质。以前我们对于这一学科的认识不全面,对音乐学这门学科建设的思考也不多,特别是对音乐学专业方向的课程设置更没有做深入研究。今后当尽快补上,不能让这种现象继续存在下去。 三、附中、本科课程的合理衔接与音乐学专业的层次教育 如果能够在音乐学院附中,甚至其它普通中学开设音乐学专业的课程,那么,这些课程要与本科招考的内容基本衔接。音乐学专业本科阶段设置的一些课程,在一定程度上一定应该是附中及普通中学音乐学专业课程的延续。因此,课程的设置就十分的重要了。目前,在音乐学院的音乐学专业所开设的所谓专业课程,被认为就是音乐学的学习科目。它让本专业的学生一进入这门专业的学习后,就以为这些课程就是音乐学学科的学习内容。但是,这些音乐学学习的科目,是否真正体现了音乐学这个学科所应该包含的内容,这就很有讨论的必要了。仅从对中国传统音乐的学习与研究来看,今天音乐学课程中的中国传统音乐课程这个科目,就需要添加许多的内容进去。譬如,中国传统音乐理论体系的重构和建立,缺少的是文献学的基础,中国传统音乐文献学是中国传统音乐理论的一个组成部分,是中国传统音乐理论能否建立的基础性工作。就音乐学专业的学生而言,对于音乐文献的掌握是十分重要的,音乐文献和书籍的了解是学习的前提,是基础的基础。目前的课程设置中就很是欠缺这方面的内容。即或是以西方音乐为研究方向的人,可能也首先应该去了解“西方的文献学”,或“西方文献批评”类似的“学问入门”课程。目前的音乐学专业教育中这些课程也没有开设。而从中学阶段开始就开设音乐学的课程,则更加应该注意课程设置的系统性、科学性和层次性。除了中学阶段的音乐和文化的诸多课程有其自身的特点之外,还要顾及音乐学专业本科课程设置的系统性。需要一个系统、合理的,符合我国音乐理论教育的课程设置体系。重要的是我们要把这个体系延续到本科音乐学教育与教学的系统中去,要注意音乐专业与文化等各门课程的衔接。就是说,学生一旦在中学学习期间选定了音乐学的学习方向,那么,就应该学习在本科招考、录取时的一些基本课程和内容。譬如,现在每个音乐学院的音乐学系都开设有:音乐学概论、中国音乐史、西方音乐史、中国传统音乐、音乐美学、和声、复调、作品分析、钢琴等课程。这些课程肯定不可能全部都从中学阶段开始开设,即使那些能够开设的课程,其内容的数量和程度也必须有所限定。具体的课程设置、教学内容,要广泛征求意见,还应该进行理论上的研讨工作。而且,这里一定要考虑本门学科所存在着的层次教育问题。长期以来,我国的音乐学专业缺少层次教育。目前,我国在音乐学的升学考试中,仅就专业而言,所出考题的标准,在本科与研究生,甚至博士生考试之间的差别不是太大。这与我国音乐学的课程设置和教育内容缺少层次有关。我们没有研讨出一套有关本科、研究生、博士生考试科目、内容及水平定位的测试标准。应该说,对于音乐学专业的课程设置、不同层次水平的研究,不仅能够便于制定音乐学专业学生的学习科目、方向、内容等,而且,对非音乐学专业人们的音乐学的学习也具有极为重要的意义。所以,我们首先要解决的是音乐学专业的层次教育问题。关于音乐学专业的层次教育,是否可以作以下几个层次: 一、音乐基础层次 二、专业知识、技能层次 三、文化修养层次 四、方法论层次 而不同的层次又必须要有不同的几个阶段,不同的阶段中要解决不同学科的课程、不同音乐学内容。因此,层次教育是与阶段性教育结合在一起的。 譬如,初级阶段:也许应该进行的是中西音乐概论性与感性知识的基础教育;中西音乐理论基础知识及音乐技能、技巧的基础教育;中西文史、文化、语言基础教育等。在第二个中级阶段则应该进行音乐学概论课程;其它音乐学各门学科概论性的课程。到了第三个高级阶段就应该进入所谓专业论题方面的研究,和专攻方向的研究,以及音乐学专业论文的写作阶段了。在这些不同的学习阶段中,哪些课程、哪些内容,以怎样的程度,针对哪些层次的学生又是很重要的问题了。譬如,强调音乐本体技能与音乐学基础能力并行、音乐专业课程与文化基础课程并重的中学阶段音乐学专业课程学习的同时,还必须把这些课程的初级性质考虑进去。也就是说,在对音乐学专业的学生进行音乐基础知识能力和基本音乐技术、技能训练的同时,还要加强要中外历史、文化知识、语言能力等方面的培养。我个人以为音乐学专业,毕竟首先是一门以音乐技术、技能,以及音乐文化为基础性质的特殊学科,因此,如果不是在音乐学院附中一直专门学习音乐的普通中学的音乐学基础教育,还是应该放在对音乐本体理论所进行的学习上。就音乐学专业方向的学生而言,首先应该具备音乐本体技术、技能、音乐学基础的基本功。对于音乐形态本身的不了解,今后很难深入进行音乐学的研究。今天,有许多没有经过音乐学院音乐学系系统学习的学生,可能在音乐基础知识和基础技能上就要欠缺一些。譬如,今天,我们都承认那些毕业于师范大学音乐系,和其它艺术院校音乐系非音乐学专业的学生,在综合文化知识和能力方面要强于音乐学院的学生。同时,也指出这些学生对于音乐本体了解的欠缺,音乐技能水平的低下,这的确也是事实。而且,这种情况也许还会在今后相当长的时间里存在下去。这正是我国音乐学发展所要解决的关键问题。这种情况下,就要求在进入硕士的研究生阶段要弥补这方面的不足。在课程的设置上就要与音乐学本专业毕业的学生区别开来。这也符合“因材施教”的教育思想。由于历史的原因,有大批非音乐学专业的研究生,特别是非音乐学院的研究生则需要补上更加需要音乐技能方面的课程。根据本科所学专业,实事求是的针对研究生的情况制定学习计划。名正言顺的加强音乐技能的补充学习。而且,由于能够进入研究生阶段学习的学生比例并不大,所以,音乐学的主要课程和内容应该在本科阶段完成。特别是音乐技能和技术课程更应该在本科阶段完成,因为,对于音乐形态本身的不了解,很难深入进行音乐学的研究。一方面,如果音乐理论的研究论文,只是大量谱例的堆积,而没有道理可讲,或讲的都是大道理、旧道理等,那是不行的。但是,另一方面,如果只是从理论上、文化上讲了许多音乐的道理,而不能以音乐的实际例子证明其道理的科学性、合理性,甚至论文中列举的音乐例子或曲谱谱例与其理论不相吻合,则更为可笑。因此,建立一个基本成体系的、有层次的音乐学教学课程极为重要。要对现有的音乐学的教学课程设置进行调整、补充。譬如,确实有一些属于音乐学的课程内容,但是又的确离音乐本体比较远,音乐文献学的就是属于这样的一个课程。要把系统的音乐文献学的教学内容放在高级的层次教育中去教授。其实,同我国传统文化的研究中,已经有一整套成体系的方法,有着成熟的文献学相比较,我们看到在音乐理论的研究中,经常还纠缠于研究的对象、方向等问题的讨论之中是很幼稚的。在认识了文献学的基本方法之后,我们就不得不思考如何把这种方法运用于音乐学的研究之中,如何建立音乐文献学等问题。文献学是方法论,怎样把这种方法运用于音乐理论的学习与研究之中值得思考。即使在音乐的本体教学上,今天的音乐学专业的教学内容也缺少一些重要的门类。譬如,不可缺少直接接触民间音乐的教学内容就应该放在相应的层次里。在新的音乐研究思想和观念的指导下,以新的理念和手段开展民间音乐的采风工作。什么是新的音乐研究思想?什么是民间音乐采风工作的新理念和手段?那就是民族音乐学的思想和方法。今天社会音乐文化生活中的民间音乐,不仅仅指的是山野之曲,同时也包括了城市中的音乐文化。而且,在课程的设置中,还要有意识地注重中国音乐理论课程的设置。 音乐学专业论文:白俄罗斯国立音乐学院钢琴专业教学体系构置 笔者于2004年9月至2006年7月由学校公派,赴白俄罗斯国立音乐学院留学,就读该院钢琴系,师从钢琴家H.C.格罗玛娃攻读硕士学位。在两年的学习过程中,对该院的钢琴教学有了较全面的认识;并且就教学工作中感兴趣的话题走访了该钢琴系主任沙斯基、明斯克国际钢琴比赛评委会主席阿罗夫里阔夫和其他几位教授。本文从该院钢琴系的主课教学及相关专业课程的课程设置、上课形式、上课要求、各年级专业考试的内容和形式等几个方面分析总结其教学特点。 白俄罗斯国立音乐学院创建于1932年,至今已有七十余年历史。该校是白俄罗斯共和国文化部直属的一所历史悠久、师资雄厚、人才济济的高等学府,设有钢琴、管弦乐器演奏、作曲、指挥、民族乐器演奏、声乐、合唱等系,为白俄罗斯培养出大量优秀的音乐人才,现有在校生一千一百多人。本科学制为五年,在五年时间里,学生们除了学习共同的公共课和音乐基础课之外,还要根据不同学科系部的特点,学习不同的专业课程。下面就除公共课和音乐基础课之外的钢琴系的专业教学进行介绍说明。 一、钢琴系的主科教学① 白俄罗斯国立音乐学院钢琴系有着实力雄厚的师资队伍,每个老师都有着极强的演奏能力,许多老师本来就是职业演奏家,在音乐学院任教的同时在国家音乐厅和室内乐团任职,经常在世界各地举行各种形式的音乐会,像我的导师H.C.格罗玛娃就是白俄罗斯国家音乐厅的专职演奏家,几乎每个星期都有不同的演出任务,仅在我就读的两年中就观看了她9场曲目和风格完全不同的钢琴作品专场音乐会;其中包括了和乐队一起演出的巴赫协奏曲专场音乐会;法国作品专场音乐会;俄罗斯作品专场音乐会;拉赫玛尼诺夫作品专场音乐会;德国作品专场音乐会;改编作品专场音乐会;舞曲专场音乐会等等。 钢琴演奏课的教学授课多为一对一的形式,学校安排每个学生一周有2次课,上课时间一般为1个小时,所有的教室均设有2台音乐会使用的大三角钢琴;教师要求学生上课时要能够熟练完整地背谱演奏,许多老师对于学生即使是第一次上课的新作品也是同样的要求。 根据学生的具体情况和自己的习惯,每个老师在具体上课的时候有所不同: 在上课方式上,有的教授喜欢在上课的时候听学生演奏完全部上课的作品才进行讲解,并且有意识的安排自己其他的学生在一旁听课,有点类似小型的观摩音乐会或者大师班;有的教授则喜欢在上课的时候边听学生演奏边讲课,并且不允许有其他人在旁听课。 在上课的内容上,有的教授给学生上课时会针对学生的演奏或作品中出现的一些问题,在课堂上进行详细的讲解和讨论.并引用相关的例子加以说明解释,使每个学生都参与到上课的过程中;有些教授上课则比较侧重培养学生自己演奏的音乐个性.只针对一些原则性的问题进行纠正和提出要求。 白俄罗斯音乐学院钢琴教学的形式和方法是多种多样的,各有所长,老师会根据每个学生的个人能力。在完成钢琴系规定的各种考试曲目要求的基础上,再学习不同数量的其他作品。音乐学院每学期进行两次专业考试,但期中考试不计成绩,学生必须完成钢琴系规定的相应年级的考试曲目,考试一般在学校的音乐厅公开举行。 毕业的国家考试――包含巴罗克、古典、浪漫、现代四个不同时期的作品,体裁也不能相同,整套曲目中要求有复调作品、一套完整的大型作品或协奏曲、一首现代作品或白俄罗斯民族作品,其中一首允许重复过去几年考试里使用过的作品。规定整套曲目演奏的时间在50分钟左右。 以上是钢琴主科专业教学的课程设置和教学安排。虽然有许多教学特点无法仅从教学课程设置和考试要求中体现出来,仅仅从表面上看待这些课程及教学安排也是十分有局限性的,因为一些专业课程授课的具体内容。完全是由教师个人决定的,不仅仅拘泥于教学计划或教学大纲,有一定的临时性或机动性,在这里无法具体说明。但是笔者通过在该院学习的两年,还是深刻感受到了其钢琴专业教学的一些突出特点: 1.所有的上课都要求能背谱演奏。这样的要求不仅使学生在上课的时候能够最大限度的投入到音乐演奏风格的学习中,更重要的是最大限度地激发了学生练琴时的主动性,让学生在练琴中主动去寻找乐谱上的各种规律,充分的调动了自己的听觉、视觉、触觉来强化记忆,从而大大地提高了学习效率。 2.教学中准确出色的示范。在教学过程中,在针对某个难以用语言表述的问题时,老师都会进行准确出色的示范,让学生对演奏所需要的不同的触键感觉、踏板的灵活运用、丰富多变的音色、弹性速度等要求一目了然。 3.严格规范、因人而异的教学内容。严格规范是指教师严格按照教学大纲的要求实施、安排教学,所有的教学曲目、训练规格绝不降低;因人而异是指在不受到学生个人的音乐偏好的影响下,针对学生的个人特点调整教学内容,扬长的同时绝不避短。 4.强调音乐风格的学习。在注意学生钢琴演奏技术发展的同时,将音乐的表现力、音乐风格的准确性放在首位,力求技术、音乐的协调发展,使技术为音乐服务。 5.注重学习俄罗斯和白俄罗斯作曲家的 作品。白俄罗斯音乐学院不仅是前苏联最好的音乐学院之一,也是白俄罗斯民族音乐发展的摇篮,学院不仅开设了大量俄罗斯与白俄罗斯音乐相关的课程,例如俄罗斯音乐史、白俄罗斯音乐史,而且在教学实践中一直有所侧重,例如在钢琴的主科教学中、室内乐和钢琴伴奏等课程里,老师就坚持使用许多俄罗斯作曲家和白俄罗斯作曲家的作品来进行教学,如肖斯塔科维奇的《24首前奏曲与赋格》就经常出现在复调音乐的训练曲目当中;而拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾、普罗科菲耶夫等人的练习曲、前奏曲、奏鸣曲、协奏曲和各种乐曲更是课堂和音乐会上的常见曲目。 二、钢琴系的专业必修课的教学② 钢琴艺术发展史:上课形式为集体课,课程设置是2年,主要介绍钢琴艺术的形成与发展进程以及各历史时期主要的音乐风格特点、代表人物及其代表作品;不同的钢琴演奏流派及一些著名的钢琴演奏家。主要由教师结合音响资料进行系统授课,要求学生在课后查阅相关的文字和音响资料。考试是以师生一对一的问答形式进行的,老师就平时上课中学习过的知识点提出相关的问题。学生则需要运用自己平时学习积累的相关知识.临时组织材料,条理清晰的回答。 钢琴伴奏课:上课多是以一对一的形式进行,课程设置为4至5年,部分学生可以在第4年的考试后申请免修。专门学习钢琴作为伴奏乐器,如何为声乐的不同声部进行伴奏,以演奏为主,结合部分声乐理论知识,由浅入深的系统的学量不同作曲家、不同风格、不同声乐声部的作品;其中看谱转调的训练贯穿于全部的教学过程。考试是以音乐会的形式在音乐厅进行,由主考老师现场指定曲目和转调。毕业时需要参加统一的国家考试,要在近百首的歌曲中演奏由评委指定的作品。 室内乐课:上课是以一对一的形式进行,课程设置为4年。目的是培养和锻炼学生和其他乐器的合作能力,需要学习与单簧管、小号、长笛、小提琴、大提琴等管弦乐器合作,也同时涉及到和俄罗斯民间乐器的合作学习;学习内容多是一些代表性的经典乐曲、奏鸣曲或室内乐重奏作品。平时的考试是以音乐会的形式在音乐厅进行,毕业时需要参加统一的国家考试。 钢琴合奏课:上课是由两个学生一起进行,课程设置为1年。主要是学习钢琴历史上各个时期的四手联弹和双钢琴作品。考试是以音乐会的形式在音乐厅进行。 钢琴教学法:上课形式为集体课,课程设置为1年。教师系统的传授钢琴启蒙时可能遇到的一些问题与解决办法;基础的教学方法;科学的练琴方法以及老师与学生的沟通等内容。这些内容涵盖了教育学、心理学和各个其他方面的东西,目的是要让学生学会怎么去教钢琴,但重点是在如何和学生进行效果良好的沟通与合作上。考试也多是以师生一对一的问答形式进行。 钢琴教育学:上课形式为集体课,课程设置为1年,这门课主要是学习如何教授那些已经有一定专业基础和技能的学生,如何准确的理解音乐.有分寸的处理音乐;用什么样的手段来表现音乐,并介绍一些前人已总结出的优秀教学经验和教学方法。与钢琴教学法不同的是,这门课重点是从老师这个角度来学习作为一个钢琴老师应该学习和知道的东西,重点在老师自己身上。 钢琴教育学实践课:上课是以一对一的形式进行,课程设置为1年。主要是培养学生实际的钢琴教学能力。上课有两种形式,一是由老师亲自示范怎么给学生上课,学生在旁边学习怎么样安排、组织和进行教学;二是由学生自己给学生上课,老师在旁边给予指导、及时的纠正学生在教学过程中存在的问题。这两种上课形式相互结合,是由授课老师自己安排的。被钢琴系学生授课的小朋友,是由指导教师根据学生的教学能力、学习程度的深浅白行安排,有可能是音乐小学的学生、也可能是业余初学钢琴的小孩。考试不仅要看学生自己的学习情况,还要看学生上课的教学成果。 当然,这些仅仅是和钢琴专业的演奏特性紧密相关的一些课程,学院还安排有许多让学生学习的一些阶段性、综合性、基础性的课程,例如学生不仅要学量的基础音乐理论课程,还需要学习世界、俄罗斯、还有白俄罗斯的音乐历史;以及与音乐相关的不同历史时期的美学观点、艺术观点等课程。这些课程目的是让学生透彻的了解音乐的本质,正确理解不同时期、不同风格的音乐,逐步树立正确的音乐观,这里不做详细说明。 通过对白俄罗斯国立音乐学院钢琴系专业必修课的教学课程设置及教学安排的了解,可以发现一些值得我们借鉴的突出特点――课程的设置不论在深度还是在广度方面,都体现了钢琴教育体系系统、科学、完善的特点③: 1.全面系统的教学体系。在课程设置上安排了许多对教学和演奏起到积极作用的关联性课程。学生除了学习钢琴主课之外,还要学习室内乐、钢琴伴奏、双钢琴演奏、钢琴教学实践等与钢琴演奏和教学紧密相关的课程,这些课程不仅大大地丰富了学生们的音乐视野,提高了他们的演奏及合作的能力,还对钢琴主科教学起到了良好的辅助作用。 2.理论与实践科学的结合。学生在学习钢琴的教学方法时,设置了钢琴教学、钢琴教育学、钢琴教育学实践课三门相关的课程,虽然都是关于如何教学生学习钢琴和教学法的课程,但在学习过程中有先有后并相互关联,课程设置上有着一定的连续性,既有理论课程又有教学实践,将理论结合实践的原则很好地运用在具体教学中,使学生学有所用,既能够学习到相关的理论知识,又能够在实践中运用和检验。 以上对白俄罗斯国立音乐学院钢琴专业的主课教学和专业必修课的课程设置和教学安排进行了介绍,并且从两个方面分析总结了其特点,当然,只从表面上看待这些特点是十分有局限性的,还有许多钢琴专业的教学特点无法从中体现出来,尤其是一些细致的音乐处理、具体的训练方法、音乐会曲目的安排等等,更无法在这里具体说明。本人在学习期间通过观摩学生考试、欣赏音乐会、多方面的访问、收集整理出的这些相关资料,是想能够对国内的各所音乐学院和艺术院校的钢琴专业教学提供有益的教学参考。 音乐学专业论文:德国音乐学院钢琴专业的培养模式 德国专业音乐教育,由于音乐史上德奥音乐大师辈出及其深厚的音乐人文底蕴,一直在世界范围内享有盛誉,使得德国成了世界音乐学子的朝圣之地――德国各地音乐学院已经有越来越多的外国留学生,中国留学生的数量也在飞速增长。2001年至2005年笔者获得德国学术交流中心(DAAD)奖学金在法兰克福音乐与表演艺术学院攻读音乐教育学博士学位(钢琴教育方向),对德国音乐学院的钢琴专业培养模式有亲身经历,并怀着浓厚的兴趣收集相关文件资料进行了研究。本文谨以法兰克福音乐与表演艺术学院钢琴专业为例,介绍其三种不同的培养模式――它们在德国其他音乐学院都大同小异。或许能够给有志于到德国深造的钢琴学子一些信息,以及能够为我国音乐学院的钢琴专业建设提供一些启示。 德国很多音乐学院专业齐全,但不像我们设置很多的系,而是按照其共同性质划分几大专业范围(Fachbereich),例如法兰克福音乐与表演艺术学院所有专业分别归属于三个专业范围:(1)音乐表演;(2)作曲与音乐教育、音乐学;(3)舞蹈与戏剧。钢琴专业有三种不同的培养模式,全部设在第一专业范围“音乐表演”之内。它们在入学要求、课程设置以及就业出路等方面都各不相同,下面分别介绍。 1.钢琴演奏专业(Klavier) 主要培养职业钢琴家。高中毕业,年龄在25周岁以下者,通过专门的入学专业测试即可申请入学。标准学制为10个学期①,整个学习过程分为基础学习(Grundstudium)和主科学习(Hauptstudium)两个阶段:一般4个学期之后举行一次学习中期考试(Vordiplomortifung)。通过后进入主科学习,在第10个学期进行毕业考试(DiplomprÜfung),获得硕士文凭。主科毕业成绩特别优秀的,可以申请继续学习(Aufbaustudium)4个学期,毕业获得“音乐会考试文凭”(Konzertexamen)②。 入学考试要求:(1)钢琴演奏:4首不同风格的高难度的乐曲,要求完整地(包括奏鸣曲和组曲)背谱演奏,总演奏时间不低于40分钟;视奏总成绩在25分的总分内至少必须超过13;(2)视唱练耳:包括45分钟的听音笔试(听记一条单声部、一条两声部旋律、和弦听写)和10分钟的口试(音程、和弦的听辨,旋律听唱、视唱,节奏听辨模仿与视奏);(3)基本乐理:包括60分钟的笔试(音程、和弦、音阶,为旋律配多声部等)和10分钟的面试(和弦功能与曲式分析)。 学习内容:课程设置见下面表1。第2栏“学习学期范围”是推荐的一个大致的学习时间范围,学生实际上可以根据自己的时间和学习能力自主选择在哪一个学期学习该门课程。第3栏是必须总共参加几个学期的课程学习。所有课程中,只有钢琴演奏、作曲学、曲式学、作品分析、音乐史、视唱练耳等课程需要有考试成绩,作为通过中期考试和毕业考试的证明,其他课程只需要按规定的学期数参加听课,认可教师出具参加证明即可,而不规定必须考试。其中钢琴演奏作为主科不在每一个学期考试,而只在学习中期考试和毕业考试中进行。代替学期考试的是,每一个学生必须在学习期间至少在校内各种音乐会中公开登台钢琴独奏演出两次。 学习中期钢琴考试:1首高级练习曲,3首不同风格的高难度乐曲,总时间至少40分钟,要求全部完整地背谱演奏;钢琴视奏。 毕业钢琴考试:首先向考试委员会提供一份演奏曲目单,其中包括至少1套巴赫平均律中的前奏曲与赋格和另外1部巴罗克时期的大型作品(后者也可以用另外的两套巴赫平均律或一些斯卡拉蒂奏鸣曲代替)、2首练习曲(至少1首是肖邦练习曲)、古典奏鸣曲、浪漫派作品、印象派或新古典主义作品、1950年以后的现代作品、钢琴协奏曲、较大型的钢琴室内乐各1首/部。所有曲目必须是在本院未参加过考试的(招生入学考试除外)。曲目审查获得通过后将分两次考试:1场公开的钢琴演奏音乐会,曲目从所报演奏曲目单中自选,总时间50至80分钟;1场不公开的考试演奏,包括30分钟的钢琴演奏(曲目由考试委员会从未参加公开音乐会演奏的其他曲目中现场挑选指定)、1首现场学习演奏的新曲目(有3小时的准备时间)和视奏。 2.钢琴教育专业(Klavierpadagogik) 该培养方向归属于“器乐与声乐教育学”专业(Instrumental―und Gesangspädagogik,简称IGP),主要培养钢琴教师。高中毕业,年龄在25周岁以下者,通过专门的入学专业测试即可申请入学。标准学制8个学期,也分为基础学习和主科学习两个阶段(4+4),需要通过中期考试和毕业考试,获得硕士文凭(Diplom)。 入学考试内容包括三个方面:(1)钢琴演奏:4首风格不同的、具有相当程度的曲目,总演奏时间至少20分钟,加视奏;(2)选修乐器:原则上要求选修一种管弦乐器,演奏3首不同风格的简单乐曲,总时间10分钟内;(3)基本乐理和视唱练耳:基本与上述“钢琴演奏”专业相同。 表2中是从IGP整体培养计划中提炼出来的钢琴教育专业培养方案。“课程名称”栏目里列出的只是课程方向,例如“演奏实践”课程,包括歌曲即兴伴奏、即兴演奏、爵士和流行音乐、改编弹奏等;“作曲学”为分析并掌握各种典型音乐风格作品的特点;可能以风格流派或者作曲大师为单元逐步学习,所以有些课程要学习好几个学期。“学习证明”栏目的“考试证明”(Leistungsschein)表示该课程需要参加考试,“参加证明”(Teilnahmesschein)则可以只参加课程学习而选择不考试,教师出具参加学习证明即可。该栏目的两项之和等于“必修学期数”栏目的数字,代表该门课程总共必须修几个学期。其中“视唱练耳”课未规定学期数,但总共必须通过四个级别的考试,学生可以根据自己的实力选择上课或者直接参加考试。 学习中期钢琴考试:至少3首不同风格的高难度曲目,大型作品可以是其中的一个乐章,总演奏时间不低于25分钟;视奏。中期考试最迟必须在第4学期完成,以显示学生具备继续深入学习该专业的能力。申请参加中期考试必须出具参加了以下课程学习的证明:钢琴和选修器乐每学期一份证明,室内乐、演奏实践、音乐学、教学法各1学期,音乐与器乐教育学4学期,曲式学和音乐史各2学期,视唱练耳和作曲学各1学期。中期考试未通过者可以在1学期之后补考一次,补考仍不合格必须退学。 学生按照要求修完全部课程后,即可申请毕业考试,毕业考试可以申请按科目分期分批进行,或者申请在一个学期内全部完成。毕业考试钢琴演奏为4首完整的、不同风格的乐曲,其中1首必须是协奏曲或室内乐合 奏曲目,总演奏时间约50分钟,另加1首现场抽签指定的新曲目,有60分钟准备时间,然后是10分钟视奏。此外,递交一份毕业论文,论文的选题由考试委员会和学生谈话商定,从开题到完稿提交时间为6个月。 与“钢琴演奏”专业相比,钢琴教育专业在钢琴演奏要求上稍低,但增加了音乐教育学、钢琴教学法以及教学实践等课程,而且全部要求考试成绩,作为毕业条件之一。 3.钢琴室内乐、钢琴伴奏(艺术指导)专业(Aufbaustudiengang Klavierkammermusik und/oder Liedbegleitung) 主要培养音乐会合作演奏人才。报考者必须已经获得音乐学院钢琴演奏专业毕业文凭,所以称之为深造学习(Aufbaustudium)。标准学制为6个学期。学习者可以在第四个学期之后选择到底将钢琴室内乐、还是钢琴伴奏、或者两者都要作为毕业考试重点。毕业获得硕士文凭(Diplom)③。 入学考试:分为钢琴独奏和钢琴室内乐/钢琴伴奏两部分。前者包括3首不同风格的、高难度的作品,1首练习曲,总时间不少于40分钟,加钢琴视奏;后者包括与本院师生合作演奏1部钢琴室内乐的一个乐章,2首歌曲伴奏,曲目在考试前四周公布。 学习内容:表3是具体课程设置。由于这是深造学习,所以要求的必修课全部是演奏实践性的课程,而没有其他音乐理论课程。当然学生如果有兴趣,所有课程都是敞开可供学习的。此外,钢琴室内乐方向学生必须参加乐器演奏主科学生的课堂伴奏,钢琴艺术指导方向学生必须参加声乐主科的课堂伴奏以及学院合唱排练伴奏。 在一些其他音乐学院,该专业方向也如同钢琴演奏、钢琴教育一样作为常规硕士专业设置。例如莱比锡音乐学院称之为合奏专业,培养音乐会演奏的职业音乐家,标准学制为10个学期(4+6)。分为不同的重点方向,其课程设置也稍有不同:(1)钢琴室内乐方向,除主科外,学习古钢琴(Cembalo)、歌曲伴奏、即兴演奏、视奏、总谱弹奏、指挥、为其他乐器主科的课堂伴奏等;(2)钢琴艺术指导方向,除主科外,学习古钢琴(Cembalo)、室内乐合奏、即兴演奏、视奏、总谱弹奏、指挥、为声乐主科的课堂伴奏、嗓音训练、意大利语音、法语语音等,在主科学习阶段要参加一次戏剧排练演出实习。其他音乐基础课程为共同课程,例如作曲学、视唱练耳、音乐史、乐器学、曲式学、音乐分析等。在学习阶段学生可以申请双主科或者另外一门副科学习。 以上简要介绍了德国音乐学院钢琴专业的三个培养方向的基本情况。这些方向在我国音乐学院中实际上已基本存在,入学、毕业考试要求也大致相同,在课程设置上由于各学院师资力量的不同而有变化。其不同主要体现在: (1)课程考试的灵活性。不是所有的课程都必须要考试,一些课程可以选择只参加学习而不考试,这样可大量节省学生的时间和精力,使其能够毫无畏惧地、尽可能地多听课,或钻研感兴趣的课程。尤其是主科钢琴演奏,在整个学习过程只有中期考试和毕业考试两次。而我们是每一个学期都要考试,学生常常为了准备考试曲日而花费几个月的时间,有的人甚至整个学期就为了准备考试的几首曲目,导致无暇、也无心学习其他乐曲,严重阻碍了学生广泛涉猎各种风格的作品、扩展音乐视野。 (2)学生学习的自主性。学生对自己的学习具有充分的自主选择权利,包括学习时间、学习内容都可以根据自己的需要而“量身定做”。这在某种程度上可以更好地因材施教,主要得益于其全学分弹性学制。而我国的现行模式是固定的四年制,所有课程按照教学计划固定在某一学期,学生必须按照规定的时间表来学习。 (3)课程内容的灵活性。一些重要课程要求学习多个学期,但并不一定非得具有连续性,而可以选择在不同的学期参加不同专题或由不同的教师主讲的课程的学习。例如“钢琴教学法”课程,至少有两位教师同时开课,都没有固定统一的教材,而只推荐参考文献,教师根据自己的研究成果和实践经验以专题的形式授课,其内容可能在各个学期轮流开设或不断补充,学生可以根据兴趣试听,然后选择听谁的课程和听哪一个专题。这样的好处,对于教师而言,体现了一种竞争性,可以形成以教学促进研究和以研究促进教学的良性循环;对于学生而言,不必硬去听自己不喜欢的某位教师的课程,由于教学内容常换常新。能够不停地接触到新的成果和观点,而不会局限于某一位教师、某一本固定教材的“一家之言”。 笔者认为,这些不同之处正是我们在学科建设和教学改革中值得学习和借鉴的。在当前越来越多的中国钢琴人才获得国际比赛奖项,显示了中国钢琴教育的丰硕成果的同时,愿我国的钢琴学科建设更加完善发达! 音乐学专业论文:音乐学专业传统和声学“深入浅出”的教学策略 音乐学(教师教育)专业的和声课究竟应该怎样上,关于这一问题的讨论与探索从未停止过,至今虽仍未形成一个普遍认同的原则,但各方也都达成了一个基本的共识,那就是传统和声学已越来越不能适应音乐学(教师教育)专业的教学需要了。 多年来,学界以不同的方式进行过许多有益的探索,试图建立一套有别于传统和声学、而更符合音乐学(教师教育)专业特点的教学模式。无论是2007年在教育部音乐学(教师教育)专业课程改革试点工作中,由王安国教授倡导的《多声部音乐分析与写作》课程,还是2009年在北京中国音乐学院召开的“全国和声复调教学研讨会”,都对传统和声学的教学提出了大胆而深入的改革设想与实践。 那么,传统和声学真的已经不合时宜了吗?它真的在音乐学(教师教育)专业中毫无作用吗?其实,如果能够正确地认识传统和声学的价值,并能针对音乐学(教师教育)专业的专业特点,采用行之有效的教学方法,传统和声学对音乐学(教师教育)专业还是有着积极的意义与作用的。 一、传统和声学的价值 对于音乐学(教师教育)专业而言,传统和声学的价值至少体现在两个方面: 其一,自1772年拉莫发表《和声学教程》以来,传统和声学已经历了两百多年的发展,已形成一个完整而成熟的理论体系,在整个音乐发展的过程中,有着极为重要的历史地位和价值,它是对过去数百年音乐发展过程中的各种和声现象的高度提炼,无论是功能的进行原则,还是和弦的连接方式,其中都蕴含着深刻的哲学思想与严谨的理论逻辑,无论从事作曲还是演奏、研究还是教育,传统和声学都是重要的基础。对于音乐学(教师教育)专业而言,对于传统和声学的掌握或许无需达到作曲专业那样的学术高度和专业深度,但作为音乐学科中的一部分,也不可避免地受到传统和声学理论的深刻影响,若完全脱离传统和声学的理论与原则,也就难免会使教学偏离专业课程的严谨性与科学性。 其二,作为一名合格的专业人才,必须具备多种能力,其中理论概念与逻辑思维是其中必不可少的重要部分。但在音乐学(教师教育)专业,一个不能否认的事实是,由于其专业特点和性质的限定,在课程设置上,突出的是表演技能与教育实践,学生普遍缺乏对理论的敏感认知,更缺乏基本的逻辑思维。而传统和声学恰恰注重的就是对学生理论概念与逻辑思维的培养,通过教学,能较好地解决学生这方面的不足,从而更广泛地引起对理论的兴趣与重视。传统和声学可以说是音乐学(教师教育)专业最为基础与重要的理论课程,如果完全放弃其教学模式,而取而代之的改革课程又不够成熟和完善的话,就会使学生失去培养理论概念与训练逻辑思维的机会,这对于整个专业教学而言不能不说是一大缺憾。 二、传统和声学的尴尬现状 既然传统和声学对于音乐学(教师教育)专业有着重要的价值和意义,那为什么又越来越不适应专业教学了呢?以至于要求改革的呼声越来越高。事实上,这是因为传统和声学在教学模式上的僵化与刻板,已使得课程教学陷入了一个艰难的瓶颈之中。 迄今为止,音乐学(教师教育)专业的和声教学基本都是以音乐院校作曲专业的“四部和声”为规范、以前苏联斯波索宾等四人经典的《和声学教程》为模本进行教学的,在讲授功能进行原则与和弦连接方法同时,还要遵守一系列复杂琐碎的繁文缛节,如考虑到和弦原位与转位的排列,和弦的重复音,和弦连接的平稳与跳进,七和弦的解决方法,避免横向连接中的增音程,避免四部同向,禁止平行与反向五、八度,禁止隐伏五、八度、禁止声部交错与超越、禁止声部对斜等等,这样的教学模式,对于音乐学(教师教育)专业而言,有三大不足是较为明显的: 其一,课程内容既深奥晦涩,又枯燥抽象,与专业的实际需要脱节,即便艰辛地学了下来,也是除了能刻板地做一些和声连接习题外,基本都无法有效地运用于专业实践之中;其二,教学上仅仅是“为了配和弦而配和弦”,常纠缠于和弦连接的各种原则,小心翼翼地遵守着那些清规戒律,如同做数学题一般地进行演算,而对和弦与整个旋律的关系、和弦功能在旋律中的作用却无法做到有效地认识和理解;其三,教学过程中,往往注重于单个音的和弦配置和单个和弦的连接,却不能从完整和流畅的音乐中直观地把握和弦的意义与作用,因此在实践运用中基本无用武之地,与学生专业学习的进一步需求相距遥远。 由于这样的弊端,使得传统和声学的教学越来越体现出僵化的教条主义倾向,与音乐学(教师教育)专业的实践需要也脱离甚远,使得“和声学”这门重要的专业基础课,既难教又难学,且没有在学生整个专业音乐学习的积累、提高和成长的过程中起到应有的作用。 三、“深入浅出”的教学策略 鉴于此,音乐学(教师教育)专业的传统和声学教学就有必要实行一套既能保持其课程体系,又能直观高效的教学策略。实际上,对于音乐学(教师教育)专业,大可不必按照作曲专业的教学模式,那样高深精密,以“深入浅出”的方式进行教学,则是较为理想的策略。 所谓“深入”,就是要坚持传统和声学的课程体系,贯彻其基本理论与原则;所谓“浅出”,则是要抓大放小,去繁就简,以最简洁直观的方法,最大程度地直观体现和声在音乐中的作用与意义。 1、构建清晰明确的理论逻辑 传统和声学的体系复杂,理论深厚,作为作曲专业的学习与研究,在具备扎实理论功底的前提下,尚需一个较为长期的过程;而在音乐学(教师教育)专业有限的学习时间里,面对的是普遍理论基础薄弱的学生,则不可能如此面面俱到了。所以,对于音乐学(教师教育)专业来说,传统和声学的教学,首要的就是要根据本专业的特点,从整体到局部,逐一理清和声的理论逻辑,以简明通俗的理论,构建清晰明确的理论逻辑。 将传统和声学复杂的理论简而化之,可以得出一个较为清晰的理论逻辑,即以和声功能为框架、以正三和弦(含属七和弦)为优秀、以副三和弦(含副七和弦)为补充、以重属与副属和弦(含重属与副属七和弦)为色彩、以转调为新动力。其整体关系如图1所示: 这个理论逻辑基本上清晰地概括了音乐学(教师教育)专业的传统和声教学所需的内容。在此理论逻辑的指导下,便可按部就班地进行教学了,对于音乐学(教师教育)专业的学生,既简明扼要,又通俗实用。 2、以首调唱法贯穿始终 人们对音乐的听觉感受大多是以首调为基准的,而传统和声学的教学,却多强调固定调思维。这对于音乐学(教师教育)专业的学生而言,就显得十分抽象了,因而很难产生对旋律的完整流畅的概念,只能一音一和弦地进行机械地和弦连接,无法有效地把握旋律与和弦的直接对应关系。 所以,在整个教学过程中,贯穿首调唱法,让学生形成对完整旋律的感性认识,使旋律成为和声编配的直接依据。然后再用固定调概念进行谱面写作。这样既可使编配直观简洁,又能锻炼学生对首调与固定调对应关系的熟练与敏捷。 在首调概念中,所有大小调的调式音阶与和弦的首调唱法见图2表: 3、和声编配的四个步骤 有了和声理论逻辑的指导,结合首调唱法的帮助,在进行和声编配时,以简单的四个步骤,便可较为轻松地完成了。第一步,反复吟唱旋律,在明确调性的同时,充分感受流畅的旋律中对和声的某些暗示;第二步,为旋律标记相应的和弦级数。同时,要尽量事先预计到低音声部的流畅性,以及与高音声部尽可能地反向进行;第三步,根据所标配的和弦,写出相应的低音声部;至此,四部和声中已具备了高低两个声部,已完成了和声编配中最重要的步骤,余下的工作,仅需填充中间声部即可。第四步,根据已有的外声部,填充中间声部。中间声部的填充,是非常清晰明了的,只需按照和弦排列与重复音的要求,根据已有的两个声部,看还差什么音就填充什么音,其横向进行的原则就是以平稳连接为主,跳进连接为辅;而在同和弦转换时,则无需连接,只需根据需要转换一个合适的排列即可。 以斯波索宾等四人经典的《和声学教程》中“正三和弦的六和弦”一章中的习题为例,将四个步骤展示如图3: 由图所示,和弦编配的过程清晰流畅,易于操作。至于为低音配和弦,无需作为主要内容。如需涉及,也可照此步骤,举一反三地进行操作。由于低音题已经给出了和弦级数,只需在第三步根据已有和弦,写出相应的高音旋律即可。 总而言之,只要能针对音乐学(教师教育)专业的特点,正确地认识传统和声学的价值,并着眼于准确的理论概念与清晰的连接逻辑,而不受诸多教条的约束,那么传统和声学的教学对于音乐学(教师教育)专业仍有着重要的作用和积极的意义。当然,同时还应该结合实例作品进行必要的和声分析,以此作为和声运用的有力支持,那教学的效果就更能事半功倍了。 张力:湛江师范学院音乐学院
音乐学毕业论文:音乐学专业创业教育论文 一、音乐学专业开展创业教育的必要性 1.适应市场经济发展的需要 随着社会的发展,科学技术的不断进步,经济全球化的背景下,出现以创造力为优秀的创意文化产业。这一新兴产业,强调一种主体文化或文化因素依靠个人(团队)通过技术、创意和产业化的方式开发、营销知识产权的行业。创意经济迅速崛起,并席卷全球。中国创意文化产业在这种思潮的影响下也得到很大的发展,并以前所未有的规模和速度发展壮大。创意文化产业的快速发展,为音乐学专业毕业生的就业和创业提供了非常广阔的市场空间。学校通过积极开展广泛的创业教育,培养大学生自主创业的各方面知识,为以后学生成功创业铺平道路。 2.满足音乐学专业教育内在要求 音乐学专业教育是培养文化创意人才的重要来源,在音乐学专业教育的过程中既要重视学生对音乐基础知识、基本技能掌握,也要对学生进行创新思维、创新能力的培养。创业本身就是对现实的超越,就是一种创新。任何真正获得成功演出作品只有依靠创新,才能不断得到提升和可持续性发展。通过全方位的创业教育,让学生不仅能领悟创新对于创业的重要性,也会激发学生自身创新意识,同时还能让学生从创业者成功的事例中得到激励和启发。并结合本专业的专业知识和技能通过社会实践,不断提高自身创新能力。 3.增加就业途径、缓解就业压力 随着高校扩招,音乐学专业的招生人数也在不断递增,大学毕业生的人数远远超过传统的就业市场需求,传统的就业方向主要是基础教育。计划生育基本政策的推行多年,我国音乐基础教育的学生也逐年减少,音乐教育师资也逐年超编,传统的音乐教育人才需求趋向饱和,就业市场日渐萎缩。音乐学专业是一门专业性极强的学科,就业面相对较窄,就业压力也更大。通过开展创业教育,转变教育理念,改革音乐人才培养模式,培养和提高学生的社会适应能力,引导音乐学专业大学生积极创业,提升优秀竞争力,缓解和解决就业压力。 二、音乐学专业创业教育中亟待解决的问题 1.创业观念滞后、缺乏科学的创业理念 中国的创业教育发展较晚、基础比较薄弱,而且大部分高校对创业教育在新形势下的教育体制改革战略意义认识不够充分,缺乏对有关学生创业教育的专项课题研究,对创业教育与素质教育区分点的认识比较模糊,导致在创业教育的课程设置上培养目标不明确,在教育教学过程中势必缺乏科学的、标准化的指导思想,学生得不到真正的创业方面的培训和提高。由于受传统观念影响,绝大多数毕业生毕业之后,喜欢去一些经济发达的大中型城市,认为市场前景广阔,以期待更大的发展。现实情况不容乐观,音乐学专业人才的市场需求已接近饱和,创业业机会越来越少,这就需要音乐学专业的毕业生要转变创业观念,适应社会需求。 2.学生创业综合素质匮乏 大学生成功创业要具备科学合理的知识结构,目前高校音乐学专业的课程设置不够完善。音乐学专业的学习只要基础知识、实践技能方面的。在创业能力、创业素质方面的培养力度不够,没形成创业所需要的独有品质。毕业的音乐人才在虽然专业知识、专业技能方面学有所长,但知识结构相对单一。学生对社会、对市场、对产业、对经营都缺乏应有的了解,在创业过程中毫无头绪、到处碰壁,甚至导致创业失败。从近几年毕业生创业的反馈信息来分析,音乐学专业学生的创业素质不容乐观。受传统择业观的影响,学生大胆创业的意识不强,即使参加创业活动,往往是头脑发热、跟风创业,一旦遇到挫折,就缺乏长久坚持的创业意志。一些学生眼高手低,只到条件好的大中城市创业,不愿意到拥有广阔天地的乡镇基层创业,创业情感投入欠缺。这些充分显露出学生的创业知识层次和结构不完善,创业素养要不断加强。 3.创业教育课程设置不完善,学生创业实践缺乏 创业教育课程的合理设置是创业教育的基础,也是创业教育实施的媒介,在国外有着较为完备的创业教育课程体系,中国高校将创业教育融入专业教学体系的课程设置还不普遍。在教学内容上缺乏具有社会主义特色的市场经济接轨的统一教材。在教育方法上以以校园为中心、教师为中心,忽视社会实践环节,忽略对学生自主能力的培养。学校的人才培养模式相对来说比较封闭,势必会影响学生的个性发展,与创业教育中提倡的创新能力的培养、冒险精神的培育还相差一段距离。音乐学专业是一门实践性、技能性很强的专业,在常规教学中要理论联系实践,以实践为主的教学理念。教学实习、校外实践演出等都只是专业实践,并不能让学生全方位地了解创业者在经营管理方面的知识。创业经验的缺乏使得学生对于自主创业缺乏评估、顾虑重重,缺乏开拓市场能力,对市场潜在风险的防范不够,在创业过程中把握不了方向,创业难以成功。 4.创业教育师资队伍薄弱 高校的创业教育起步较晚,目前大多音乐学专业的创业教育由学校招生就业部门的科员及一部分音乐学专业教师担任创业教育课的工作。前者虽然直接在招生就业部门工作,了解就业市场的一些知识和信息,但毕竟也缺乏专业的创业教育学习,创业教育课也只能是就业指导课。不能把专业教育与创业教育很好地融会贯通,进行全方位的深度指导。后者由于传统学校管理中,限制在职教师开展第二职业,部分教师有一定的本专业的社会实践经验而非真正意义上的创业经验,创业教育也只是专业教育的的拓展。即具备的教学经验又有创业经验的创业师资比较缺乏,成为制约高校音乐学专业创业教育向深层次发展的瓶颈。 三、音乐学专业开展创业教育的策略 1.营造校园创业氛围,培养学生创业意识 四年的大学生活对学生性格和品质的形成具有潜移默化的作用,对学生今后的人生有着非常强大引导和激励作用。学校在常规的教育教学过程中,要千方百计营造良好的创业氛围,让学生不出校园就可以深刻地体会到浓厚的创业氛围,以培养学生的创业意识,激发创业热情。利用校园信息平台、广播站、宣传栏、展览馆等校园媒体积极宣传创业教育,使创业意识渐入人心。举办以围绕音乐学专业的模拟创业大赛,让学生通过模拟创业体验创业的酸甜苦辣。定期举办创业讲座,邀请音乐界创业的成功人士现身说法,给学生讲述创业经历和创业经验,引导和组织学生参加社会实践活动,以促进学生创业能力的提高。还可以在校园成立学生创业协会,邀请各个系部学生参加创业协会,并通过协会成员在各系部宣传创业教育,培养学生锐意进取、敢于创业的创业精神。 2.优化人才培养方案,更新教学内容 音乐教育应重视并开展创业教育,将创业教育和专业教育融合在一起。优化创业教育的人才培养方案,促进课程设置改革和实践,培养学生合理的创业知识结构。提高学生创业综合素质,增强学生自主创业能力。把培养具有创业意识、创业精神、创业技能的教学计划和培养目标纳入到音乐人才培养方案中去,把培养创业型人才定为音乐学专业人才培养目标的重要组成部分,并且落实到人才培养的全过程。同时,围绕培养音乐创业人才的目标进行创业教育课程设置改革,在创业理论教学中增加创业理念、市场营销、财务管理、文化产业法律法规等知识的教学。通过创业案例进行讨论交流提升学生的创业意识,拓宽其思想认识。在实践教学中,组织学生到文化传播公司、音乐培训学校、地方演出市场、工商、税务部门等实地了解熟悉市场导向、创业政策、和法律法规等,为学生将来创业做好充足的思想准备。 3.组建科学合理的创业教育师资队伍 培养出具有创业精神的音乐人才,需要一支专业素质高、创业知识、创业经验丰富的教学师资队伍。音乐学专业要想改变当前创业教育师资不足的现状,学校应积极创造各种条件,努力构建一支符合本校、本专业创业教育师资队伍。一方面,要加强对音乐学专业教师自身创业知识相关教育培训,选拔一批具有创业意识的青年教师到在创业教育走在前列的院校去调研学习。安排有创业潜力的青年教师到企业去兼职,鼓励专业教师直接参与到创业实践中去,并定期开展创业教育案例示范教学和研讨会。另一方面,可以从校外聘请创业成功人才作为特聘教授对创业的学生进行现场指导,现身说法,让学生熟悉创业过程中市场运作方式,从而提高创业成功率。 4.加大创业教育的资金投入,建立切实有效的运行保障机制 在校学生虽然想创业敢创业,但缺乏创业所需要的环境和资金,这就使得一部分有自主创业意识的学生对创业望而却步。音乐学专业学生在创业活动开展的过程中资金就成了他们创业最大的障碍。学校应该积极筹措资金加大对创业教育的投入,建立创业综合实训基地,更新实验实训设备,拓展校企合作框架等,为音乐学专业学生创业提供必要的创业后续保障。此外,学校制定出台相应的激励保障措施,设立创业投资基金,成立创业教育协会,出台创业资助计划等。将创业教育纳入学校教育教学总体规划,保障创业教育可持续发展。随着“十二五”规划建设的圆满完成,“十三五”规划建设时代即将到来,“中国梦”的崛起,中国将进入崭新的时代。社会经济的发展越来越需要具有创新精神的创业人才。预示着创业市场大繁荣的到来,对音乐学专业的学生的创新能力提出了严峻的挑战。创业教育是一项系统性工程,需要充分综合社会优质资源,与时俱进,锐意进取,积极开展音乐学专业创业教育,不断推动高校创业教育前进。 作者:廖星麟 单位:湖南郴州湘南学院 音乐学毕业论文:现代教育技术下音乐学院学校管理论文 一、现代教育技术在音乐学院学校管理中应用的科学内涵 实际上学校管理中将涉及大量信息,如学校的基本要素:教师、学生、财务、设施、信息等等。如果不能对这些要素进行科学、有效的管理,学校运营就将变得混乱,如果学校本身混乱,教学质量就根本无法得到保障。但实际上仅一项要素就会产生大量信息数据,如仅靠人力进行管理十分困难,且极易出现失误。现代教育技术的应用有效优化了管理环境,为学校管理创造了有利条件,学校中的各项要素信息通过现代教育技术的信息处理功能便可实时、快捷、准确的进行处理,现代教育技术已经逐渐成为了现代学校管理中的重要管理手段。随着教育水平的不断提高,学校管理信息量猛增的今天,学校管理信息处理复杂程度越来越高。只有加强对现代教育技术的应用才能保障学校的可持续发展目标的实现,现代教育技术对音乐学院学校管理必不可少。 二、现代教育技术在音乐学院学校管理中的应用 (一)教学管理中的应用 现代教育技术在音乐学院教学管理中的应用包括:课程编排、课表调度、选课、教学档案管理等等。现代教育技术实现了通过软件将学校所有的教学信息建立教学信息数系统。教学信息系统实时、精准收集教学信息,分析学生成绩,查询学生在校期间各科目学习成绩,通过教学信息系统可以直观了解教学质量和学习质量,教学计划可随时根据教学信息系统反馈进行有针对性的教学调整,从而提高教学质量和教学有效性。 (二)学生管理中的应用 对于学校来说,学生就是发展的基础,学校对学生的管理是学校管理中的重中之重。学生管理中从招生、教学、升学都会产生大量信息,学校管理信息中,学生信息量是最大的。现代教育技术的学生信息管理系统对:招收信息、学生基本信息、毕业去向信息、学习成绩信息等都进行了处理,大大提高了学校管理中对学生管理的效率。 (三)教职工管理中的应用 学校管理的另一个重心就是对教职工的管理,教职工是学校的基本组成部分,没有教师,学校无从谈起,保障学校的发展必须做好教职工管理。现代教育技术中的教职工信息系统,大大提高了教师信息管理效率和水平。此系统由基本档案信息系统和业务信息系统两部分组成。基本档案系统包含着教师本人基本情况及家庭情况等信息。业务信息系统中包含着任教时间、教学能力、科研成果等信息。教职工信息系统的分类、索引功能可精准调取教师信息。 (四)财务管理中的应用 传统学校财务管理都由人工进行统计和核对,但由于学校的特殊性,财务中不仅要涉及到学校自身财务、物资、开销等等,还要涉及到学费及其他各项费用,所以学校财务信息不仅量大并且既散又杂,人工处理十分容易出现错误,传统人工处理效率也十分不理想,且具有一定的滞后性。现代教育技术在学校财务管理中的应用,利用电子技术进行财务管理,不仅提高了财务管理水平和效率,更提高了财务管理信息的真实性和准确性,实现了学校资产、财务的有效管理,避免了人工核对中的财务风险问题。 (五)图书资料管理中的应用 学校物资中书籍资料最多,并且种类繁多,在借阅和调度时都会产生大量的信息,人工处理具有一定的难度。通过现代教育技术中图书资料管理信息系统的采编管理、流通管理系统来辅助学校图书馆及资料室的管理工作,实现了对书籍资料的实时管理,通过查询功能便可清楚了解到图书使用和调度情况,省去了繁重的人工查找作业。 三、结论 音乐学院是培养音乐人才的中心,为了保障音乐学院的健康发展,加强学校管理至关重要。通过对现代教育技术的应用,能够大大提升音乐学院学校管理有效性,提高了学校管理水平,保障了教学质量。现代教育技术在学校管理中的应用已经成为了现代化学校管理中必然趋势。 作者:刘春园单位:沈阳音乐学院 音乐学毕业论文:高校音乐学钢琴教学论文 一、普通高校音乐学与社会钢琴普及教学现状 早在新中国建立之初教育部颁发的高师教学大纲就明确规定:“以培养中等学校合格的音乐师资为主要的办学方向。”改革开放以来,全社会对于各种形式的文化艺术活动,尤其是音乐文化的要求有了天翻地覆的变化,社会对于音乐教育者产生了巨大的需求。以往单纯以培养中小学音乐教师为目地的师范音乐教育系统,既要满足学校教育体系的需求,又要满足整个社会音乐普及教学的需求,显现出力不从心的状态。针对这种情况,教育部1999年3月《关于师范院校布局结构调整的几点意见》,提出“我国师范教育的发展趋势是:以师范院校为主体,其他高等学校积极参与…。”在此之前,部分专业音乐学院、艺术学院就已开始设置音乐教育类课程,《意见》以后,各类综合大学纷纷进入这一领域,当前已形成了普通高等师范院校、专业音乐学院和艺术学院、各类文理科综合大学共同参与的多元化态势。随着从事这一专业的师生数量大幅度增加,社会人群中能够提供音乐普及教育服务的群体总量大幅上升,缓解了人才资源的供需矛盾。但是,随着各高校招生规模连年扩大,也带来了相当多的问题,其主要表现为以下几个方面:其一是办学单位不断增加,招生数量膨胀,生源质量和教学质量均受影响。办学单位的增加,大幅扩招已常态化。“2011年,山西师范大学现代文理学院音乐学专业本科招生110人;西安音乐学院音乐学专业本科招生(外省计划)280人…一些本来不以音乐教育见长的理工院校或综合类院校,招生人数也不少:山东农业大学音乐学专业本科招生80人……而除了本科扩招,研究生层次也有扩招趋势。音乐学专业在校学生呈几何数增长。”争抢生源造成招生门槛放低,生源质量随之下降,教学质量的滑坡难以避免;其二是教学目的混淆。师范类音乐院校和专业音乐学院虽同属艺术教育系统,但究其本源在教学目的和方法上是有着显著区别的,是“上讲台与上舞台”的差异。专业音乐学院和师范院校在培养音乐教育人才这一大的前提下,应多加考虑如何发挥各自固有的教学特点和优势,而不是简单地相互模仿和复制。在师范院校中当前普遍存在“教育系的学生在校期间,学习目标更倾向于单一专业的发展”。在音乐学院中,则多模仿和复制了师范教学的一般模式,没有发扬在表演和创作等专业领域形成的教学传统,更多地进行着“通才教育”,事实上抛弃了“专才教学”的优势。其三,学校教育与社会实际要求脱节,培养模式相悖于市场需求,学生就业形势不容乐观。随着就读本专业学生的增多,毕业生就业压力越来越大。“部分高校音乐学专业实际就业率连10%都达不到,少数高校出现零就业率现象也并非只是个传说。”以培养中小学音乐教师为单一目地,已无法适应当前社会多元化的音乐教育需求,学生的就业角色早已不是单纯的中小学音乐教师,成为少年宫、文化馆、私立音乐学校等社会音乐培训部门的专职教师,已成为众多毕业生的首选。其四,音乐学(教师教育)专业的钢琴教学,长期以来受到两个方面的制约,专业本身课程系统庞大,仅与教育学相关的理论课程就多达十余种,钢琴虽然是主干课程,其教学比重也只是略高于其他公共课程,在学程和课时上都受到限制。学生的钢琴基础条件有限。如果按照钢琴艺术固有的艺术规范要求衡量,对于多数人,在本科阶段能够真正掌握中级(相当于车尔尼练习曲Op740)要求都非常困难。虽然本专业的钢琴教学不以培养演奏人才为目的,也并不要求很高的钢琴水平,但是,钢琴教学作为一个传承了300多年的艺术学科,其艺术规范不容颠覆,教学要求也不容人为降低。笔者认为,在本科阶段与其让学生泛泛了解钢琴艺术,不如把钢琴基础教材使用、基本奏法要求、教学法等方面内容予以强化,将钢琴教学系统中的基础性部分实在地掌握好。自上世纪80年代“学琴热”兴起后,历经30余年的发展,当前社会钢琴普及教育有了较大的变化。首先,社会钢琴普及教育师生供求比例逐步转变。在对全国教育群体结构分析中可以看到:当前“教师的供求关系发生了两方面的重大变化:一是实质性变化,二是结构性变化。教师供求关系由过去的绝对的卖方市场开始转变为买方市场……”。这种态势对于普及性钢琴教学影响非常明显。在“学琴热”初期,由于能够承担教学的从业者较少,求教者众多,在较长时期内“一师难求”,是典型的“卖方市场”。如今,大批接受过较正规钢琴教育的毕业生开始从业,钢琴教师已不再稀缺。加之多年的计划生育政策使整体人口数量得到控制,钢琴学习的主体—儿童大为减少。如今对于相当多的从业者来说,寻找生源成了较大的问题,钢琴普及教育已由原来的“卖方市场”向“买方市场”转化。其次,学习者开始趋于理性,选择学习音乐的方式逐步多元化,学习钢琴的规格要求大为提高。 1.随着社会音乐生活的越发丰富,音乐学习的内容变得多样,对于许多人来说,钢琴已不是第一选择,近年的社会音乐考级就直接地反映了这种现象。“上音管弦乐系主任孙铭红教授说,上海的管乐考级目前每年按增加千余人报名的速度在增加…现在,不但音乐类考级涉及到各种乐器,还出现了舞蹈考级、美术考级等,钢琴考级‘一枝独秀’的局面已不复存在。” 2.钢琴学习者的学习规格开始提高。早年“学琴热”的琴童们已长大成人,这一群体,基于自身的学习经历,已具备相当的分辨能力,对于自己下一代的学习会有高于自身的要求,这种要求同时还影响着身边大范围的人群,对于钢琴教师的选择也自然由过去的“盲选”变成了今日的“精选”。 3“.新手”现象亟待改变。钢琴启蒙阶段的学习,其重要性不言而喻。但当前,从事钢琴启蒙的大多是教学上的“新手”,他们虽具备一定的钢琴弹奏能力,但在教学上基本没有相应的从教训练。在这些“初教者”和“初学者”的教学过程中,很少有相关的教学监督和指导,几乎完全依靠“新手”们自己探索来解决教学过程中面临的诸多问题,当他们真正能够驾轻就熟,难以想象要付出多少学习者的失败为代价。在这些“新手”当中,音乐学(教师教育)专业的学生占据着相当大的比例。这样的窘境对于钢琴事业的发展是一种较为严重的“负能量”。 二、培养基础教学能力为目的的钢琴教学系统 教师教育专业注重于各个音乐学科从事基础教育人才的培养,从根源上将各种艺术规范在社会上加以推广和应用。综前所述,原本以培养中小学音乐教师为单一教学目标,难以适应当前的社会需求。就钢琴教学而言,探寻一种既适应多元化社会需求,又能够让毕业生快速融入其中的教学系统,显得尤为重要。笔者认为,本专业的钢琴教学,要适当调整教学思路,在提升学生基本演奏能力的同时,侧重钢琴基础教育的实用性教学,尤其是启蒙阶段的内容,诸如钢琴音乐基本知识、教材选择与搭配以及如何使用、奏法架构和运用规则等等,同时通过实践教学培养实际应用的能力,构建一个以培养普及性钢琴基础教学人才为目的的教学系统,这不仅能够促进钢琴教学本身,同时更具社会意义。首先,在当前高校师资和生源两方面,已经为这一教学系统奠定了良好的基础。师资方面:当前在高校从事钢琴教学的教师,绝大多数接受过钢琴表演专业的系统教育,能够在教学上系统化地传承钢琴艺术较高的规格和要求,是教学质量重要的保证,同时也是重要的教学优势。生源方面: 1.入学教师教育专业的多为全日制普通高中的学生,知识体系比较健全,理论学习能力较强,他们能较快地理解和掌握钢琴教学的理论知识体系。 2.这些学生要经历艺术联考,部分院校还要进行自主招生的业务考核,有相对较好的钢琴基础。 3.当前许多高校采取的专业必修课和主修课两段制教学流程,能够筛选出更为适合钢琴学习的学生。因此生源质量有较好的保证。其次,就如何按照这一目标进行教学,在此借用黄瑞科先生提出的一些基本观念,即“系统地学到一些钢琴演奏理论与钢琴教学法知识。这些知识包括钢琴及钢琴学科的历史渊源及其发展;钢琴演奏的基本规律与一般性法则;钢琴技巧训练的基本要领与方法步骤;各类作品弹奏的技术运用与艺术处理原则,以及教学中‘常见病’、‘多发病’的纠正处理,特殊技巧与疑难间题的研究;教材的选择与教材教法;心理素质培养与心理操作机能锻炼等”。以上这些都为教学系统的构建形成了较为扎实的基础。这一教学系统整体架构由三部分组成:一是教育专业基本教学要求;二是钢琴学习初始阶段基础教材及教学法;三是教学实践。 就教育专业基本教学要求而言,有以下三个方面: 1.学时的要求、基本教学内容和教材使用。在2006年教育部印发的《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业课程教学指导纲要》中,对于钢琴课教学目标和基本内容均有表述,在此不加赘述。关于教材使用,自1985年上海音乐出版社出版了第一套针对普通高等院校音乐学(教师教育)专业的钢琴教程后,国内陆续出现了多套类似教材,如《高师钢琴教程》(上下册,华中师范大学出版社2001年版);《21世纪高师音乐系列教材钢琴教程》(西南师范大学出版社2007年版)等。在本系统中推荐使用的主体教材是《普通高等院校音乐学(教师教育)本科钢琴必修课教材》(西南师范大学出版社2011年版)。通过这部分内容的学习,让学生熟悉钢琴教学系统的基本内容;钢琴演奏的基本规律;尽可能多地接触不同的音乐风格,提高音乐的审美能力,提高技术运用和艺术处理的能力等等。力求在提高学生们原有钢琴弹奏水平的同时提高其对于钢琴艺术理解和表达的综合能力。 2.钢琴学习初始阶段基础教材及教学法。以当代钢琴专业的教学法理论为指导,按照钢琴艺术规范化教学的基本要求,将钢琴学习初始阶段的常规教材引入日常教学,通过对教材的梳理,明确钢琴基础教学系统的内容和要求,逐步掌握钢琴基础教学的整体流程。基本构想是,从新生入学后第二学期开始,以《钢琴全面训练基础教程》(中央音乐学院出版社2013年版)为主干教材,遵从“立体化全面训练”的教学理念,搭配汤普森、沃特曼等常用教材。争取在两年的钢琴必修课时间内,让学生们了解从钢琴入门到车尔尼Op.849阶段的主要内容,如基本奏法、识谱与读谱理解、作品的搭配使用等。通过这种对基础知识系统化的学习和梳理,可以使学生更加明确“如何学”,同时为将来“如何教”进行准备。经过两年的学习,在三年级钢琴主修课阶段开始进行教学实践。 3.教学实践。是帮助学生进入社会自主教学前做好准备,将理论与实践有机互溶,形成整体教学系统良性循环的重要组成,实施方式可采取校内实践与校外实践相结合的方式进行。校内实践可采用:在主教教师的监督下,进行如声乐、民乐等其他专业的钢琴副科课教学;小组教学观摩等多种形式进行内部教学演练。校外实践则是要有效地利用社会资源。当前钢琴普及教学单位林立,通过建立校外实践基地,可以为此类学校提供专业化的教学标准,又为学生找到实践平台,也在根本上保证社会业余教学与专业教学标准的一致。这一系统的构建,希望形成理论学习—实践教学—成效反馈—专业督导的有机架构,使本专业的学生既能接受完整的系统教育,又能为将来走向社会进行充足的从业准备,从而培养出合格的钢琴基础教师,继而成为承担推进和提升社会人群整体音乐修养的新一代教育者。 作者:束谦单位:沈阳音乐学院 音乐学毕业论文:音乐学习方式的转变论文 音乐新标准在课程目标的设置上,专门对教学过程与方法提出了明确要求,倡导体验、模仿、探究、合作及综合式的学习,强调学生在教学活动中的主体地位,创设便于师生交流的教学环境,建立平等互助的师生关系。这一切,旨在改变过去单向灌输式的教学模式,启发学生在亲身体验或实际模仿的过程中,怀着探究的兴趣,主动学习。 那么究竟如何在音乐教学活动中转变旧方式?新的方式会给音乐课堂带来什么样的变化?下面,就以三个教学片段为例,评析音乐学习方式的转变所带来的变化。 《一年级的起始课》案例背景说明:这是一堂一年级的音乐起始课。对象是刚刚离开幼儿园,不满7周岁的核子。他们对什么都感到好奇,表现的欲望强,但自我约束力差,再加上我们学校音乐教室的特殊性(在舞蹈房上课),没有桌子、椅子,却有镜子、把杆。如果不教给学生正确的走、坐、站等常规知识,那么就不能保证以后的音乐课能顺利进行。但是如果单纯的讲述音乐课的常规,要求学生这样、那样,学生对音乐课就会失去兴趣。失去了音乐学习的兴趣,音乐课程就有可能成为虚设,因为兴趣是学习的巨大动力,是学生主动学习和研究的精神力量。从学生的年龄、生理等特点出发,从这堂课的重要性出发,我给这节起始课制订了以下的教学目标和教学内容: 教学目的:通过音乐游戏的形式来初步建立课堂常规,缩短与学生的距离,使学生集中精力主动投入教学中,喜欢上老师和音乐课。教学内容:1.了解进出音乐教室及如何就坐的常规。2.学唱音乐问好曲。3.学习坐、站、走的正确姿势。4.初步养成听、唱的好习惯。为了体现音乐课程标准中所提的“三维一体的教学目标”,顺利完成教学任务,我进行了以下的教学设计。 案例实景:1.带孩子去音乐教室:目的:让学生在排队、行走时做到快、静、齐,养成良好的习惯。师:告诉小朋友一个小秘密-老师最喜欢的动物是小猫咪,因为小猫咪走起路来没有声音,很乖啊。你们想不想学学小猫咪的走?做一回老师喜欢的小猫咪,好吗?我要带上最乖的小猫咪去参观一个好玩的地方。准备好了吗?生:安排排队-按教室座位,排成四队,一队跟着一队轻轻走到音乐教室。2.学小鸟的动作走队形,并能找到自己坐的地方。目的:通过“小鸟找家”的游戏来熟悉学生在音乐课中坐的位置。师:带领学生,学小鸟的动作在教室绕圈后到座位(由四个竖排绕圈后呈四个横排,坐地上。)师:我看第一排和第三排的小鸟表现很好,现在让你们在音乐中自由的飞舞,尽情地玩耍,不过,等音乐停了,你们可要马上找到自己的家哦!生:单行学生在音乐的伴奏下,在教室里自由飞翔,音乐结束时迅速回到原位。(接着双行的小朋友做小鸟飞。)师:现在所有的小鸟要一起飞出去了。大家要当心相互不能碰撞,这样尽的小鸟,才飞得最高、最远、最安全,回来时可别忘了自己的家。(音乐声中全班学生飞出,飞回。)3.学习坐的正确姿势目的:通过有节奏、有律动地朗读练习,掌握正确的坐姿,并培养学生的韵律感。出示:台钟图片师:看!这是什么?(小闹钟)小闹钟请你们闭上眼睛,听听它说些什么,并照着做,比谁做得紧棒!小屁股坐稳了;小胸脯挺起来了;两只小手放膝盖;小眼睛快睁开;看看谁更像小闹钟。生:根据小闹钟的要求学坐的姿势,并跟着老师边念边做动作。动作-拍手两下,双手拍小屁股三下;拍手两下,双手拍膝盖三下;拍手两下,双手拍胸脯三下;拍手两下,双手拍膝盖三下;双手在眼睛旁做闪烁状两下;拍手两下,摆正坐姿。4.学习站的正确姿势;目的:掌握正确的站立姿势,并通过听辨高音与低音,来形象地练习坐和站,并为下一课“音的高低”做铺垫,让学生初步懂得音有高低。出示一颗笔直的松树师:谁能像这松树一样站立?(请几个同学来示范)师:大家都站得不错哦,听听和小松树说的要求是不是一样了?谁站得最像小松树就能获得一棵小松树。(纸做的)①脚跟脚跟找朋友脚脚并拢。②左手右手快回家五指并拢贴近大腿两侧。③小小皮球藏起来双手捧住腹部。老师说:"小皮球出来了,"学生挺腹。老师说:"小皮球藏起来,"学生收腹。不断反复练习。④两只肩膀往下压-老师先让学生:"做怪人"肩耸起,说"压下去",学生双肩下压。不断练:"做怪人","压下去"……¨⑤挺起胸膛要开门-老师请小朋友把双肩往前关,像关门一样。老师说:"笃笃笃!"生问:"谁呀?"师:"是我"生:"请进请进!"把肩往后打开。⑥头要放平看前方-眼光有神。师老师弹一个高音区的三和弦。你们就说:"站像一棵松",边按刚才的要求直立;老师弹一个中音区的三和弦,你们就说:"坐像一台钟",边正确地坐下。通过反复练习,奖励做得好的学生。5、结合第一课欣赏《玩具兵进行曲》,让学生学会正确的走。 对一年级的核子来说,音乐学习的最好的方式就是"游戏"。只有当孩子在音乐游戏过程中获得快乐,才能唤起他们对学门的那种缘自心底的热爱,并成为他们终身学习的不竭动力。因此,本课的设计将走、坐、站、唱等各种音乐课的常规与"知识与技能"的训练均溶入游戏之中,让学生在游戏中掌握各项音乐课常规、在游戏中聆听、在游戏中自出想象、在游戏中积极表现、在游戏中大胆创造。游戏中,学生有个体的独立活动,更有充分的师生、学生合作活动(如;小组合作听辩高音与低音,学小闹钟和小松树进行比赛、分角色扮演玩具兵练习走等),在这些合作的游戏活动中,学生不仅学会了相关的本领,体会到了音乐活动的快乐,更为重要的是:在合作学习中,学生学会了与人交流,与人对话,锻炼了胆识,增强了自信心。在这样的学习方式中,"知识与技能"的目标达到了,"过程与方法"、"情感态度与价值观"的目标也达到了。真是"一举三得"。这"得"全受益于采取了"游戏、合作"的学习方式,方式的改变也让老师教得轻松愉快,学生学得快乐有效,并使音乐课堂充满了生命的活力,散发着浓浓的人文气息。 音乐学毕业论文:音乐学习兴趣培养论文 音乐是声音的艺术,它通过声音来打动人的心灵,使人们在“音”的行进中得到情绪的抒发和心灵的感受。从而提高人的身心素质。 在音乐教学中一般是通过学生的“听”.“看”“悟”来增强教学的效果。而这些必须以激发学生的兴趣为前提,否则是难以完成的。因此摆在我们教师面前的现实问题就是“激发兴趣”。若教音乐仅仅让学生依赖于课本上的文字、符号、乐谱等内容的学习,那只能把学生带入枯燥无味的文字怪圈当中,使学生逐渐失去想象中音乐对他们心灵的启迪和感情的抒发。随之就会产生乏味、厌烦、注意力不集中,学习态度涣散的可悲现象,而教科书只能记述文字、符号、乐谱这类可看、读的内容;而不能表现出这些文字、符号、乐谱所代表“音”的实质性东西,也就是“听”的内容,我们只有解决好“看”和“听”这两方面的问题,使“看”和“听”有机的结合起来,让学生经常处于一种声、韵、义融为一体的兴奋状态,加强对乐音的感受,曲艺的理解,乐境的体验,以乐激情,动情生悟,才能达到增强教学效果的目的。那么,怎样才能把二者结合呢? 前人已在实践中尝试过各种辅助方法,运用了如,幻灯机、投影仪、CD、VCD等各种手段来为教学提供帮助,并且取得了很多有益的经验,为我们的教育事业作出了很大贡献。随着高科技的发展,电脑已成为我们社会各领域主要运用工具,它也毫不例外的成为我们音乐教学中的“得力助手”,它能包容大量的信息,对教师的教学和学生的学习起到很好的桥梁作用。 诸如此类的教学工具和教学设备,我们都概括为“多媒体”,怎样更好的把多媒体运用到教学实践中,成为我们音乐教学中一个值得研究的课题。 了解多媒体的特殊功能,对运用这些功能为音乐教学更好的服务十分有益。 一、幻灯机、投影仪的运用。 在经常的教学中,要引入大量文字、歌曲、乐谱、图片和相关的辅助资料,仅仅依靠板书,需要耗费大量的时间和精力,会直接影响到教学的进度和接受的效果。 如果我们在课前把需要板书的内容以幻灯片的形式精心设计制作出来,在课堂上适当时机用幻灯机、投影仪放出来,那么,在课堂上就能节省更多时间去讲授更丰富的相关内容。 另外,由于“新、奇”可以有效提高学生学习的兴趣,利用幻灯机、投影仪可以将鲜艳的图片,新颖的谱面、重点突出的文字说明,引入学生的视野,这将给学生在视觉上产生大的刺激,从而把“教”与“学”推向一个较高的境界。 二、CD、VCD的运用。 教学中经常会遇到这样情况,我们在对一首乐曲进行情绪方面的讲解和调动时,教师在讲台前讲得精精乐道,而学生则可能听得无精打彩,并没有和老师达成共识,这就是“教”与“学”的脱钩,学生经常处于旁观者的位置,没有积极,主动参与。教师只是“讲”,学生只是“听”,讲与听不能融为一体,这就不能产生很好的教学效果。为了解决这种脱钩现象,我们必须设法调动学生的积极性、主动性。实践证明,让他们参与其中,如采用CD、VCD配合教学,就会让学生在听课的同时,更能在音乐的情绪、节奏上受到深刻的感染和教育,例如:我在给学生分析《二泉映月》这首乐曲时,便采用了CD、VCD辅助教学。一边让学生了解阿炳《华彦钧》坎坷遭遇和当时历史背景的同时,一边让学生聆听乐曲的演奏,努力使学生体会乐曲表现出的那种痛苦、忧伤、呻吟、愤恨的情绪,使学生被作者在乐曲内所表现出的对封建统治的反抗和对光明的追求所打动,并能积极主动的参与到对作品的分析探讨中,这样,长此以往,学生就会不断提高对乐曲的感受和理解,提高音乐鉴赏力,为学生更加深入的学习打下良好的基础。 另外,CD、VCD与磁带、录像带相比,在音质、音色、画面上更有优势,在选曲方面采用数码编辑系统,灵活快速,十分方便。快进、快退、定格、慢速播放,可随心所欲,大大方便教师的操作。 三、电脑的运用。 当今电脑已运用到社会的各个领域,都为其强大的功能所叹服,同样,在音乐领域也毫不例外的运用到它。现在有很多关于音乐制作的软件,如《世界乐器大百科》就较全面的介绍了乐器外型、音响效果,代表的文化习俗,《震撼2001》大量的记载了各国作曲家及其作品和生平介绍,这就大大方便了我们的教学。另外《Encore》为我们作曲、写谱、制卷提供帮助,它可显示多种谱表,可随意改动,点动音符的同时,实际的音高也会随之发出。能和《Cakewalk》配合使用那就再好不过了,它具有丰富的音色储备和方便的制作程序,能使作曲家的想象充分得以发挥,原来由几十人演奏的曲子,现在只需要一个人坐在电脑前独自完成,节约了大量的人力、物力。 在曲式教学中,我采用了多种软件共同使用的方法,取得了较好的成绩,如:在分析舒曼的《梦幻曲》时,运用《震撼2001》调出作家的肖像,生平以及创作初衷和历史背景,利用预设的MP3进行乐曲音响的播放,采用《Encore》打出不同格式的谱面和各乐段,乐句的曲式划分,这样整个乐曲的分析就很容易的在电脑前完成大半,同时采用这些手段、方法又能给学生在视觉、听觉上造成更强烈地刺激,对提高学习的兴趣大有益处。 多媒体在教学中的运用,可以极大的提高学生的学习积极性和主动性。给音乐教学中教学方法的多样性提供了可能的广润空间,为最大限度激发学生的兴趣创造了条件。不仅如此,长期坚持,对促进学生想象力和创造力的发展也是十分有益的。 音乐学毕业论文:民族音乐学研究论文 2000年5月,中国音乐学院举办民族音乐学论坛,学科定位问题成为争论的焦点之一,说明这一问题在我国尚未彻底解决。定位是一个学科的基本问题,若不明确,该学科便不能得到很好的发展。因此,笔者认为有必要结合历史对此问题再进行一些探讨。不当之处,希望大家批评指正。 民族音乐学是英文Ethnomusicology的意译,Ethnology在英文中是民族学,Musicology是音乐学,Ethnomusicology这个英文字就是由Ethnology和Musicology复合而成的。从字面上看,民族音乐学应当是从民族学的角度研究音乐的学问。 民族学是主要采用实地调查法(又称田野工作法)研究民族发展演化规律的一门社会科学。它期望通过对一个个民族进行实地考察,研究它们各自的起源、分布、社会、经济、文化、生活方式以及各民族之间的历史、文化关系。民族学的研究目的是通过梳理上述这些方面在历史上发展、演变的情况揭示世界诸民族发展的共同规律或某一个民族发展的特殊规律。民族学在欧美一些国家里又称文化人类学。文化人类学是一种研究人的文化属性的、属于社会科学的范畴的学科,它和研究人类自然属性的、属于自然科学的体质人类学一起构成了人类学学科。因为人的文化属性及其民族性不可能分开,所以文化人类学和民族学没有实质性的差别。民族学源于欧洲,它在相当长的一个历史时期内主要研究非欧、非西方民族的人类共同体,不涉及西方民族。随着时代的变迁和学科本身的发展,目前民族学研究的范围已不限于非西方民族,世界上各种人类共同体,包括西方民族和西方社会中的移民社区,都已经成为它的研究对象。因为民族音乐学是民族学和音乐学的一个交叉学科,所以它一直受到民族学的发展及其各个学派的深刻影响。 民族音乐学早先称为比较音乐学(ComparativeMusicology),荷兰音乐学家孔斯特(JaapKunst,1891—1960)首先提出“民族音乐学”这一名称,并主张用它来代替以往人们习惯称呼的“比较音乐学”。[1]后,“民族音乐学”便作为标准的学科名称而固定下来。 关于这门学科的调研对象以及它同音乐学中其他学科的关系,曾经有过许多争论。由于ethno这个词最早是指非基督教、非犹太教的异教徒,加之为了和比较音乐学研究的主要对象相联系,有人认为它的主要调研对象是所谓“原始民族”或曰“自然民族”的音乐。如美国民族音乐学家内特尔(tl)就曾经指出:“就民族音乐学的实际发展过程及其最具特色的研究来说”这门学科是研究“无文字社会的音乐”,而“‘无文字社会’系指现存的、尚未发展出一套可阅读和书写的文字体系的社会。”[2]也有人建议以非欧洲音乐为主,如施奈德(M.Schneider)在1957年指出:“民族音乐学的首要目的,不论其正常与否,就是对非欧洲地区的音乐特征进行比较研究。”内特尔在1956年也曾经说过:“民族音乐学就是研究具有西洋文明以外的文明民族音乐的科学。”[3]还有人说研究西方艺术音乐和通俗音乐以外的音乐就是民族音乐学。如提出这一学科名称的孔斯特(J.Kunst)就明确地指出过:“这门学科研究一切种族的、民族的音乐”,但他紧接着就又说:民族音乐学“研究所有类别的非西方音乐”,“西洋的艺术音乐以及通俗音乐不包括在这个领域之内”。[4]以提出民族音乐学就是“对文化中的音乐的研究”口号而著称的美国民族音乐学家梅里亚姆(A.Merriam)在论述到田野工作的时候说:“就民族音乐学而言,它一般意味着在欧洲和美国以外的地区进行实地调查。”[5]民族音乐学的研究是以田野调查为其基础的,在欧洲和美国以外进行实地调查实际上就意味着只研究非欧音乐。欧美学者们一方面要研究“一切种族的、民族的音乐”,另一方面又要把研究的范围局限在欧洲音乐之外,本身就是自相矛盾的。这一矛盾之所以产生,一方面受到民族学功能学派的影响,另一方面又受到“欧洲文化中心论”的影响。 民族学中的功能学派,为英国学者马利诺夫斯基和布朗所创立。此学派强调民族学是一种实用的科学,主张民族学应服务于殖民地治理的实际需要。出于这一目的,他们只研究殖民地、半殖民地被压迫民族的文化,而不研究西方文化。布朗在其著作《人类研究之现状》中就明确地说过:“吾大英帝国有非、亚、澳、美各洲殖民土著,若欲执行吾人对彼等之责任,则有两种急切需要呈现,第一为对各土著系统的研究,欲求殖民地行政之健全必须对土著文化系统之认识。第二为应用人类学之知识于土著之治理及教育。”[6] “欧洲文化中心论”是在前几个世纪中滋长起来的一种普遍的学术观点,认为欧洲文化是世界文化发展的颠峰,而其他文化都只相当于欧洲文化发展过程中的某一个发展阶段。受这种思想的影响,许多欧美学者不愿意将其本民族的音乐文化,特别是专业音乐创作,和非欧民族的音乐文化放在一起相提并论。在他们看来,欧洲诸民族,特别是西欧诸民族的音乐,乃是人类音乐文化发展的高峰,不能和所谓无文字书写传统的“自然民族”的音乐文化平起平坐。比较音乐学带有强烈的殖民主义色彩,在其基础上产生的民族音乐学也带有殖民主义色彩。虽然几十年来,西方的民族音乐学家们一直在为清除这种色彩而努力,但是直至目前,西方的民族音乐学和其前身比较音乐学的研究范围并没有多大的区别,仍以非欧音乐为其主要研究对象。也就是说在西方,这门学科仍然带有殖民主义的尾巴。 以上三种对学科调研范围不同的界定虽然不完全相同,但都主张把非欧洲音乐当作主要研究对象,这类学术主张受到诸多东方学者的强烈批判。日本学者岸边成雄先生便大声疾呼:“我认为应把古今东西的音乐全部复原成白纸,以相同的重点作为出发点去进行比较”,“必须要持这样一种根本态度,把一切音乐都还原成白纸,否则将是自相矛盾的”。[7]上述观点亦受到一些西方学者的批判,美国社会学家霍华德·S·贝克尔便指出:民族音乐学作为一个学术领域,“在某种程度上把自己置入了一个冷僻的角落”,他说:“正如我们可以研究美拉尼西亚一个社会群体类似的音乐事象,我们是否同样应该研究美国本土上《生日快乐》每一次演唱或其中的一个样品?如果说否,那是为什么呢?”“我们希望民族音乐学能够包容一切音乐,因为这同这门学科的界定是相适应的,它们都应成为严肃的研究对象。”[8] 随着东方音乐学界的崛起和第三世界人民的觉醒,当前新的倾向是把欧洲音乐(包括古典音乐、民间音乐、现代音乐和流行音乐等)也看成是民族音乐中的一类。因为不具民族属性的音乐目前在世界上还不存在,这样,民族音乐学就不是以特定的区域和范围与音乐学的其他学科分界,而是以一种特殊的角度,或者叫立足点、着重点为其主要标志了。按照这种观点,根据在对某一民族文化或地区性文化进行的田野工作,从该文化的历史、地理、人种、语言、社会制度、生产方式和生活方式、民俗、心理等方面的情况,来看它们如何影响该民族、该地区的音乐,又怎样产生出独特的音乐审美标准,即从音乐的文化背景和生成环境入手进一步观察它的特征、探索它的规律,这就是民族音乐学。换言之,民族音乐学是通过田野工作研究音乐及其所处文化环境共生关系的科学。它的研究目的首先是要阐明各民族、各地区音乐发展的规律(包括一般规律和特殊规律),从各民族、各地区的现实音乐状况出发探索它的起源、形成、发展、繁荣、演变等问题,从而达到对人类音乐文化发展规律的认知。 然而,但直至目前,西方国家乃至全世界的音乐学研究还是分为音乐学(musicology)和民族音乐学(ethnomusicology)两大类。前者的研究对象是西方从古到今的艺术音乐,后者则几乎包括了它以外一切音乐,如世界各民族的民间音乐、西方的流行音乐、东方的传统音乐以及亚非拉各国的专业创作音乐。由于民族音乐学的研究范围如此广泛,又涉及到音乐理论和实践两个不同的方面,所以在近二十年来,它一方面分化为城市民族音乐学(Urbanethnomusicol-ogy),历史民族音乐学(Historicalethnomusicology)、应用民族音乐学(Appliedethnomusicology)等不同的分支学科,另一方面又演化出一个称为“世界音乐”的课程。在这个课程中所教授的是除了欧美艺术音乐以外的其他种种音乐,欧美艺术音乐则不包括在内。看来在西方,民族音乐学的学科定位问题已经解决,但是真正要把民族音乐学的研究和实践扩大到一切音乐,割掉它的殖民主义尾巴还要花一些时间。 在汉语中,“民族”这一词汇有三种不同的涵义:其一是指人们在历史上形成的具有共同语言、共同地域、共同经济生活以及表现在共同文化上的共同心理素质的稳定的共同体,如“古代民族”、“全世界各民族”、“民族学”中的“民族”;其二是“中华民族”的简称,如“发展民族文化”、“振奋民族精神”中的“民族”;其三是指除汉族以外的55个少数民族,如“国家民族事务委员会”、“民族区域自治法”中的“民族”。因为“民族”有不同的含义,“民族音乐”这一词组也就有三种不同的解释:其一是指一切音乐;因为目前在世界上,任何一个音乐作品,都是由属于一定民族的人创作的,所以都可以称为民族音乐。如贝多芬的音乐是德意志民族的音乐,柴可夫斯基的音乐是俄罗斯民族的音乐,阿炳的音乐是汉族音乐等。其二是指中国音乐,特别是中国传统音乐。因为中华民族可以简称为“民族”,“民族音乐”自然就是“中华民族音乐”即中国音乐的简称。在这个意义上的“民族音乐”大多是指中华民族的传统音乐,而不是指五四以来新音乐。其三是指少数民族的音乐,这一用法在新疆、内蒙等边疆地区特别常见。在这些地区,少数民族的同志被称为“民族同志”,少数民族的干部被称为“民族干部”,少数民族的音乐也就很自然的被称为“民族音乐”了。由于对“民族音乐”这一词组有三种不同的理解,在民族音乐学被介绍到我国来之后,这一学科名称也就引起很自然地引起了争论:有人以为它是指以中国传统音乐为调研对象而进行的分属于不同学科领域的研究;还有人以为它是指对中国少数民族的传统音乐文化进行的各种各样的探讨,这两种解释,与英文中这个词的含义完全不同。我国对民族音乐学学科定位的争论的关键就在这里。 20世纪20年代,民族音乐学的前身比较音乐学在我国虽经王光祈先生和肖友梅先生的大力倡导,但是当时在中国并没有得到推广。王光祈先生的《东方民族之音乐》于1929年7月在上海出版,两年又两个月之后,“九一八”事变暴发,随着日本帝国主义的入侵,中华民族面临亡国灭种的危险,几乎所有的中国音乐家都投入了抗日救亡运动。在这一运动和其后的抗日战争、解放战争期间,中国几乎一直处在战争状态之中,中国音乐学家当然也不可能去研究世界音乐,或从世界的宏观角度研究中国音乐,而只能在“救亡图存”的大前提下对中国传统音乐进行研究,希望通过“本土音乐”的复兴,达到振奋民族精神和为战争服务的目的。虽然在这一时期中国音乐学家对中国音乐,特别是中国传统音乐中民间音乐的研究方面取得了很大的进展和伟大的成绩,但从严格的意义上讲,这些研究并不属于比较音乐学的范围。当时,音乐学界把这种研究称为“民间音乐研究”或“民族音乐研究”,后来又被叫做“民族民间音乐理论研究”,无论其研究的目的、方法,还是其研究的范围和对象都与当时国外流行的比较音乐学有很大的不同。 抗日战争和解放战争时期的“民族民间音乐研究”是其第一时期,专家们通过对中国民间音乐的搜集、整理、宣传和对音乐自身特点和规律的研究,希望达到为音乐创作和为政治服务的目的。1949年新中国成立到1966年暴发是“民族民间音乐研究”的第二个时期。这一时期,中国和西方几乎处于隔绝的状态,刚刚兴起的民族音乐学便没有能够及时地传入中国。中国的音乐学家几乎是在与世隔绝的情况下仅仅依靠自己的力量,发展了“民族民间音乐理论研究”。他们在大量搜集整理我国民间音乐作品的基础上,用西方音乐理论对这些作品进行了形态学的分析,从而达到了为音乐创作服务和为政治服务的目的。 20世纪70年代末,上海音乐学院音乐研究所翻译了一批国外文献,向音乐学界介绍了这一学科,但是,这一学科真正在我国发展起来,则是从1980年6月在南京召开“全国民族音乐学学术讨论会”之后。 南京会议提出了民族音乐学的口号,并希望它成为可以涵盖和容纳“民族民间音乐研究”、“民族音乐理论”等内容的音乐学学科,从而使民族音乐学在中国逐渐地确立自身的地位。然而从1980年起,中国音乐学界便开始就民族音乐学这一学科的界定进行争论,其优秀问题是新近从国外引进的“民族音乐学”和过去我国固有的“民族民间音乐研究”之间的关系问题。分歧主要集中在对“民族音乐学”一词的解释上,应当把它看作是一个从国外引进新的学科还是把它当作原有的“民族民间音乐研究”的别名,从一开始,不同的学者就有不同的意见。 意见的不同在南京会议上就有反映,高厚永教授在这次会议的中心发言中提到:“中国民族音乐学”“已有50—60年的历史”,“王光祈先生是研究这门科学的先驱”;同时他又把从30年代末到60年代中期发展起来的“民族音乐理论”看作是“民族音乐学的研究”[9]。沈洽当时实际上不同意高厚永的意见,在由他执笔的开幕词中说:“以往的‘民族音乐理论’”,“虽在很多方面实际上是属于民族音乐学范畴的”,“但就这门学科的完整性来说,我们国内的研究还处在初创阶段”。[10]吕骥没有参加那次讨论会的整个过程,但出席了闭幕式,在他为这次会议所作的总结报告中指出:“民族音乐学”就是“研究民族音乐的学问”,“从汉族到各少数民族”“都应当包括在内”。[11]吕骥在这里所说的“民族音乐”是指中华民族的传统音乐,所以这里的“民族音乐学”就是原有的“民族民间音乐研究”,完全没有把会议的发起者们所提倡的Ethnomusicology这门新的学科包含在内。 从1980年到1988年,关于“民族音乐学”的定义一直有争论,争论的优秀即是“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”的关系问题,实质是能否用“民族音乐学”取代过去的“民族民间音乐研究”。一种主张是用“民族音乐学”的名称取代过去的“民族民间音乐研究”,而将Ethnomusicology改译为“音乐民族学”;也有人认为可以把原有的“民族民间音乐研究”改称“民族音乐形态学”。后来又有人认为“民族音乐形态学”不能囊括“民族民间音乐研究”的全部内容,故又提出了“乐种学”的主张。沈洽原来不同意高厚永将“民族民间音乐研究”和“民族音乐学”相联系,但后来又赞同高厚永的意见,认为“民族民间音乐研究”是“民族音乐学”在中国发展的两个阶段,是“民族音乐学”“中国化”的结果,并对不同意此种观点的人提出了批评。[12] 从民族音乐学论坛发生的争论来看,直至目前民族音乐学和中国人以往的“民族民间音乐研究”的关系并没有真正解决。音乐学界对“民族民间音乐研究”是不是“民族音乐学”在中国发展的一个阶段,尚有不同的认识。对中国人怎样结合本国的情况来发展民族音乐学,也有不同的看法。 笔者认为,既然国际上有关这一学科的定位问题已经基本解决,为了与国际接轨,我国民族音乐学亦应当依次对此学科进行定位,而不要另搞一套,以免引起概念的混乱。我国的“民族民间音乐研究”和“民族音乐学”虽然在研究对象方面有相近之处,但其方法、研究的目的与“民族音乐学”亦有不少差别,“民族民间音乐研究”已有半个多世纪的历史,我们在这一方面也积累了许多十分可贵的经验,它的研究也不可能完全为“民族音乐学”所取代。因此最好不要再把“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”混为一谈。我们如果把后者等同与前者,国外学者会感到不可理解。如英国学者施祥生(JonathanP.J.Stock)在沈洽发表《民族音乐学在中国》一文之后便提出了许多问题。[13]在此次民族音乐学论坛上,对《中国民间音乐集成》的争论也是因此而引起的。《中国民间音乐集成》是按“民族民间音乐研究”的路子进行的,它当然不符合民族音乐学的规范,也没有必要符合此种规范。然而,因为中国音乐学界有人将“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”混同起来,所以国外的学者便用民族音乐学的研究范围、角度,以至方法来衡量它,并对它提出种种非难。笔者以为,一方面国外的学者应尊重我国学者的学术成果,另一方面,我们也应当把“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”加以区别,这样就有可能消除误解,也避免发生更多的误会。 实际上,“民族民间音乐研究”这一词组作为学科名称并不合适。民族音乐和民间音乐并不是一个概念,前者包括后者,如中国民族音乐包括了我国的传统音乐和新音乐,而传统音乐又可按照流行的层面分为宫廷音乐、文人音乐、宗教音乐和民间音乐几个不同的类别,采用这一名称将前者和后者混为一谈,使学科的研究范围不清。人们之所以用“民族音乐学”这一名称来取代它,恐怕与此有关。另外,从“民族民间音乐研究”的研究范围来看,主要是中国各民族的传统音乐,而不包括中国的新音乐,将其改为“中国传统音乐研究”可能更为合适。过去采用“民族民间音乐研究”这一学科名称,和左倾思潮有关,因为在20世纪50至60年代,宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐被视为封建主义的糟粕,在学术上几乎成为禁区,所以对传统音乐的研究便由研究民间音乐所取代。这种错误的倾向,今天已经扭转,故用“中国传统音乐研究”取代“民族民间音乐研究”也应是理所当然的事。 目前民族音乐学在我国还处于草创阶段,从文化背景出发,对我国某一地区、某一民族的传统音乐或我国新音乐进行深入研究的文章并不很多;用民族音乐学的方法对外国音乐进行研究还没有得到普遍的重视,在这方面也还缺少必要的条件。中国音乐学家虽然已经参加了国际民族音乐学界的交流,但交流的规模不大,涉及的研究领域也不广。努力发展我国在民族音乐学领域的研究在是摆在我们面前的一个非常重要的课题。 中国传统音乐研究不同于音乐美学等思辩性学科,是一门实践性很强的学问,它的理论和方法都是前辈音乐学家们在大量的田野工作和案头工作中逐渐总结起来的。相信我国音乐学家通过学习民族音乐学的理论与方法,联系我国的实际,也一定能把中国传统音乐的研究推进到一个新的发展阶段。 音乐学毕业论文:民族音乐学学科定位论文 2000年5月,中国音乐学院举办民族音乐学论坛,学科定位问题成为争论的焦点之一,说明这一问题在我国尚未彻底解决。定位是一个学科的基本问题,若不明确,该学科便不能得到很好的发展。因此,笔者认为有必要结合历史对此问题再进行一些探讨。不当之处,希望大家批评指正。 民族音乐学是英文Ethnomusicology的意译,Ethnology在英文中是民族学,Musicology是音乐学,Ethnomusicology这个英文字就是由Ethnology和Musicology复合而成的。从字面上看,民族音乐学应当是从民族学的角度研究音乐的学问。 民族学是主要采用实地调查法(又称田野工作法)研究民族发展演化规律的一门社会科学。它期望通过对一个个民族进行实地考察,研究它们各自的起源、分布、社会、经济、文化、生活方式以及各民族之间的历史、文化关系。民族学的研究目的是通过梳理上述这些方面在历史上发展、演变的情况揭示世界诸民族发展的共同规律或某一个民族发展的特殊规律。民族学在欧美一些国家里又称文化人类学。文化人类学是一种研究人的文化属性的、属于社会科学的范畴的学科,它和研究人类自然属性的、属于自然科学的体质人类学一起构成了人类学学科。因为人的文化属性及其民族性不可能分开,所以文化人类学和民族学没有实质性的差别。民族学源于欧洲,它在相当长的一个历史时期内主要研究非欧、非西方民族的人类共同体,不涉及西方民族。随着时代的变迁和学科本身的发展,目前民族学研究的范围已不限于非西方民族,世界上各种人类共同体,包括西方民族和西方社会中的移民社区,都已经成为它的研究对象。因为民族音乐学是民族学和音乐学的一个交叉学科,所以它一直受到民族学的发展及其各个学派的深刻影响。 民族音乐学早先称为比较音乐学(ComparativeMusicology),荷兰音乐学家孔斯特(JaapKunst,1891—1960)首先提出“民族音乐学”这一名称,并主张用它来代替以往人们习惯称呼的“比较音乐学”。[1]后,“民族音乐学”便作为标准的学科名称而固定下来。 关于这门学科的调研对象以及它同音乐学中其他学科的关系,曾经有过许多争论。由于ethno这个词最早是指非基督教、非犹太教的异教徒,加之为了和比较音乐学研究的主要对象相联系,有人认为它的主要调研对象是所谓“原始民族”或曰“自然民族”的音乐。如美国民族音乐学家内特尔(tl)就曾经指出:“就民族音乐学的实际发展过程及其最具特色的研究来说”这门学科是研究“无文字社会的音乐”,而“‘无文字社会’系指现存的、尚未发展出一套可阅读和书写的文字体系的社会。”[2]也有人建议以非欧洲音乐为主,如施奈德(M.Schneider)在1957年指出:“民族音乐学的首要目的,不论其正常与否,就是对非欧洲地区的音乐特征进行比较研究。”内特尔在1956年也曾经说过:“民族音乐学就是研究具有西洋文明以外的文明民族音乐的科学。”[3]还有人说研究西方艺术音乐和通俗音乐以外的音乐就是民族音乐学。如提出这一学科名称的孔斯特(J.Kunst)就明确地指出过:“这门学科研究一切种族的、民族的音乐”,但他紧接着就又说:民族音乐学“研究所有类别的非西方音乐”,“西洋的艺术音乐以及通俗音乐不包括在这个领域之内”。[4]以提出民族音乐学就是“对文化中的音乐的研究”口号而著称的美国民族音乐学家梅里亚姆(A.Merriam)在论述到田野工作的时候说:“就民族音乐学而言,它一般意味着在欧洲和美国以外的地区进行实地调查。”[5]民族音乐学的研究是以田野调查为其基础的,在欧洲和美国以外进行实地调查实际上就意味着只研究非欧音乐。欧美学者们一方面要研究“一切种族的、民族的音乐”,另一方面又要把研究的范围局限在欧洲音乐之外,本身就是自相矛盾的。这一矛盾之所以产生,一方面受到民族学功能学派的影响,另一方面又受到“欧洲文化中心论”的影响。 民族学中的功能学派,为英国学者马利诺夫斯基和布朗所创立。此学派强调民族学是一种实用的科学,主张民族学应服务于殖民地治理的实际需要。出于这一目的,他们只研究殖民地、半殖民地被压迫民族的文化,而不研究西方文化。布朗在其著作《人类研究之现状》中就明确地说过:“吾大英帝国有非、亚、澳、美各洲殖民土著,若欲执行吾人对彼等之责任,则有两种急切需要呈现,第一为对各土著系统的研究,欲求殖民地行政之健全必须对土著文化系统之认识。第二为应用人类学之知识于土著之治理及教育。”[6] “欧洲文化中心论”是在前几个世纪中滋长起来的一种普遍的学术观点,认为欧洲文化是世界文化发展的颠峰,而其他文化都只相当于欧洲文化发展过程中的某一个发展阶段。受这种思想的影响,许多欧美学者不愿意将其本民族的音乐文化,特别是专业音乐创作,和非欧民族的音乐文化放在一起相提并论。在他们看来,欧洲诸民族,特别是西欧诸民族的音乐,乃是人类音乐文化发展的高峰,不能和所谓无文字书写传统的“自然民族”的音乐文化平起平坐。比较音乐学带有强烈的殖民主义色彩,在其基础上产生的民族音乐学也带有殖民主义色彩。虽然几十年来,西方的民族音乐学家们一直在为清除这种色彩而努力,但是直至目前,西方的民族音乐学和其前身比较音乐学的研究范围并没有多大的区别,仍以非欧音乐为其主要研究对象。也就是说在西方,这门学科仍然带有殖民主义的尾巴。 以上三种对学科调研范围不同的界定虽然不完全相同,但都主张把非欧洲音乐当作主要研究对象,这类学术主张受到诸多东方学者的强烈批判。日本学者岸边成雄先生便大声疾呼:“我认为应把古今东西的音乐全部复原成白纸,以相同的重点作为出发点去进行比较”,“必须要持这样一种根本态度,把一切音乐都还原成白纸,否则将是自相矛盾的”。[7]上述观点亦受到一些西方学者的批判,美国社会学家霍华德·S·贝克尔便指出:民族音乐学作为一个学术领域,“在某种程度上把自己置入了一个冷僻的角落”,他说:“正如我们可以研究美拉尼西亚一个社会群体类似的音乐事象,我们是否同样应该研究美国本土上《生日快乐》每一次演唱或其中的一个样品?如果说否,那是为什么呢?”“我们希望民族音乐学能够包容一切音乐,因为这同这门学科的界定是相适应的,它们都应成为严肃的研究对象。”[8] 随着东方音乐学界的崛起和第三世界人民的觉醒,当前新的倾向是把欧洲音乐(包括古典音乐、民间音乐、现代音乐和流行音乐等)也看成是民族音乐中的一类。因为不具民族属性的音乐目前在世界上还不存在,这样,民族音乐学就不是以特定的区域和范围与音乐学的其他学科分界,而是以一种特殊的角度,或者叫立足点、着重点为其主要标志了。按照这种观点,根据在对某一民族文化或地区性文化进行的田野工作,从该文化的历史、地理、人种、语言、社会制度、生产方式和生活方式、民俗、心理等方面的情况,来看它们如何影响该民族、该地区的音乐,又怎样产生出独特的音乐审美标准,即从音乐的文化背景和生成环境入手进一步观察它的特征、探索它的规律,这就是民族音乐学。换言之,民族音乐学是通过田野工作研究音乐及其所处文化环境共生关系的科学。它的研究目的首先是要阐明各民族、各地区音乐发展的规律(包括一般规律和特殊规律),从各民族、各地区的现实音乐状况出发探索它的起源、形成、发展、繁荣、演变等问题,从而达到对人类音乐文化发展规律的认知。 然而,但直至目前,西方国家乃至全世界的音乐学研究还是分为音乐学(musicology)和民族音乐学(ethnomusicology)两大类。前者的研究对象是西方从古到今的艺术音乐,后者则几乎包括了它以外一切音乐,如世界各民族的民间音乐、西方的流行音乐、东方的传统音乐以及亚非拉各国的专业创作音乐。由于民族音乐学的研究范围如此广泛,又涉及到音乐理论和实践两个不同的方面,所以在近二十年来,它一方面分化为城市民族音乐学(Urbanethnomusicol-ogy),历史民族音乐学(Historicalethnomusicology)、应用民族音乐学(Appliedethnomusicology)等不同的分支学科,另一方面又演化出一个称为“世界音乐”的课程。在这个课程中所教授的是除了欧美艺术音乐以外的其他种种音乐,欧美艺术音乐则不包括在内。看来在西方,民族音乐学的学科定位问题已经解决,但是真正要把民族音乐学的研究和实践扩大到一切音乐,割掉它的殖民主义尾巴还要花一些时间。 在汉语中,“民族”这一词汇有三种不同的涵义:其一是指人们在历史上形成的具有共同语言、共同地域、共同经济生活以及表现在共同文化上的共同心理素质的稳定的共同体,如“古代民族”、“全世界各民族”、“民族学”中的“民族”;其二是“中华民族”的简称,如“发展民族文化”、“振奋民族精神”中的“民族”;其三是指除汉族以外的55个少数民族,如“国家民族事务委员会”、“民族区域自治法”中的“民族”。因为“民族”有不同的含义,“民族音乐”这一词组也就有三种不同的解释:其一是指一切音乐;因为目前在世界上,任何一个音乐作品,都是由属于一定民族的人创作的,所以都可以称为民族音乐。如贝多芬的音乐是德意志民族的音乐,柴可夫斯基的音乐是俄罗斯民族的音乐,阿炳的音乐是汉族音乐等。其二是指中国音乐,特别是中国传统音乐。因为中华民族可以简称为“民族”,“民族音乐”自然就是“中华民族音乐”即中国音乐的简称。在这个意义上的“民族音乐”大多是指中华民族的传统音乐,而不是指五四以来新音乐。其三是指少数民族的音乐,这一用法在新疆、内蒙等边疆地区特别常见。在这些地区,少数民族的同志被称为“民族同志”,少数民族的干部被称为“民族干部”,少数民族的音乐也就很自然的被称为“民族音乐”了。由于对“民族音乐”这一词组有三种不同的理解,在民族音乐学被介绍到我国来之后,这一学科名称也就引起很自然地引起了争论:有人以为它是指以中国传统音乐为调研对象而进行的分属于不同学科领域的研究;还有人以为它是指对中国少数民族的传统音乐文化进行的各种各样的探讨,这两种解释,与英文中这个词的含义完全不同。我国对民族音乐学学科定位的争论的关键就在这里。 20世纪20年代,民族音乐学的前身比较音乐学在我国虽经王光祈先生和肖友梅先生的大力倡导,但是当时在中国并没有得到推广。王光祈先生的《东方民族之音乐》于1929年7月在上海出版,两年又两个月之后,“九一八”事变暴发,随着日本帝国主义的入侵,中华民族面临亡国灭种的危险,几乎所有的中国音乐家都投入了抗日救亡运动。在这一运动和其后的抗日战争、解放战争期间,中国几乎一直处在战争状态之中,中国音乐学家当然也不可能去研究世界音乐,或从世界的宏观角度研究中国音乐,而只能在“救亡图存”的大前提下对中国传统音乐进行研究,希望通过“本土音乐”的复兴,达到振奋民族精神和为战争服务的目的。虽然在这一时期中国音乐学家对中国音乐,特别是中国传统音乐中民间音乐的研究方面取得了很大的进展和伟大的成绩,但从严格的意义上讲,这些研究并不属于比较音乐学的范围。当时,音乐学界把这种研究称为“民间音乐研究”或“民族音乐研究”,后来又被叫做“民族民间音乐理论研究”,无论其研究的目的、方法,还是其研究的范围和对象都与当时国外流行的比较音乐学有很大的不同。 抗日战争和解放战争时期的“民族民间音乐研究”是其第一时期,专家们通过对中国民间音乐的搜集、整理、宣传和对音乐自身特点和规律的研究,希望达到为音乐创作和为政治服务的目的。1949年新中国成立到1966年暴发是“民族民间音乐研究”的第二个时期。这一时期,中国和西方几乎处于隔绝的状态,刚刚兴起的民族音乐学便没有能够及时地传入中国。中国的音乐学家几乎是在与世隔绝的情况下仅仅依靠自己的力量,发展了“民族民间音乐理论研究”。他们在大量搜集整理我国民间音乐作品的基础上,用西方音乐理论对这些作品进行了形态学的分析,从而达到了为音乐创作服务和为政治服务的目的。 20世纪70年代末,上海音乐学院音乐研究所翻译了一批国外文献,向音乐学界介绍了这一学科,但是,这一学科真正在我国发展起来,则是从1980年6月在南京召开“全国民族音乐学学术讨论会”之后。 南京会议提出了民族音乐学的口号,并希望它成为可以涵盖和容纳“民族民间音乐研究”、“民族音乐理论”等内容的音乐学学科,从而使民族音乐学在中国逐渐地确立自身的地位。然而从1980年起,中国音乐学界便开始就民族音乐学这一学科的界定进行争论,其优秀问题是新近从国外引进的“民族音乐学”和过去我国固有的“民族民间音乐研究”之间的关系问题。分歧主要集中在对“民族音乐学”一词的解释上,应当把它看作是一个从国外引进新的学科还是把它当作原有的“民族民间音乐研究”的别名,从一开始,不同的学者就有不同的意见。 意见的不同在南京会议上就有反映,高厚永教授在这次会议的中心发言中提到:“中国民族音乐学”“已有50—60年的历史”,“王光祈先生是研究这门科学的先驱”;同时他又把从30年代末到60年代中期发展起来的“民族音乐理论”看作是“民族音乐学的研究”[9]。沈洽当时实际上不同意高厚永的意见,在由他执笔的开幕词中说:“以往的‘民族音乐理论’”,“虽在很多方面实际上是属于民族音乐学范畴的”,“但就这门学科的完整性来说,我们国内的研究还处在初创阶段”。[10]吕骥没有参加那次讨论会的整个过程,但出席了闭幕式,在他为这次会议所作的总结报告中指出:“民族音乐学”就是“研究民族音乐的学问”,“从汉族到各少数民族”“都应当包括在内”。[11]吕骥在这里所说的“民族音乐”是指中华民族的传统音乐,所以这里的“民族音乐学”就是原有的“民族民间音乐研究”,完全没有把会议的发起者们所提倡的Ethnomusicology这门新的学科包含在内。 从1980年到1988年,关于“民族音乐学”的定义一直有争论,争论的优秀即是“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”的关系问题,实质是能否用“民族音乐学”取代过去的“民族民间音乐研究”。一种主张是用“民族音乐学”的名称取代过去的“民族民间音乐研究”,而将Ethnomusicology改译为“音乐民族学”;也有人认为可以把原有的“民族民间音乐研究”改称“民族音乐形态学”。后来又有人认为“民族音乐形态学”不能囊括“民族民间音乐研究”的全部内容,故又提出了“乐种学”的主张。沈洽原来不同意高厚永将“民族民间音乐研究”和“民族音乐学”相联系,但后来又赞同高厚永的意见,认为“民族民间音乐研究”是“民族音乐学”在中国发展的两个阶段,是“民族音乐学”“中国化”的结果,并对不同意此种观点的人提出了批评。[12] 从民族音乐学论坛发生的争论来看,直至目前民族音乐学和中国人以往的“民族民间音乐研究”的关系并没有真正解决。音乐学界对“民族民间音乐研究”是不是“民族音乐学”在中国发展的一个阶段,尚有不同的认识。对中国人怎样结合本国的情况来发展民族音乐学,也有不同的看法。 笔者认为,既然国际上有关这一学科的定位问题已经基本解决,为了与国际接轨,我国民族音乐学亦应当依次对此学科进行定位,而不要另搞一套,以免引起概念的混乱。我国的“民族民间音乐研究”和“民族音乐学”虽然在研究对象方面有相近之处,但其方法、研究的目的与“民族音乐学”亦有不少差别,“民族民间音乐研究”已有半个多世纪的历史,我们在这一方面也积累了许多十分可贵的经验,它的研究也不可能完全为“民族音乐学”所取代。因此最好不要再把“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”混为一谈。我们如果把后者等同与前者,国外学者会感到不可理解。如英国学者施祥生(JonathanP.J.Stock)在沈洽发表《民族音乐学在中国》一文之后便提出了许多问题。[13]在此次民族音乐学论坛上,对《中国民间音乐集成》的争论也是因此而引起的。《中国民间音乐集成》是按“民族民间音乐研究”的路子进行的,它当然不符合民族音乐学的规范,也没有必要符合此种规范。然而,因为中国音乐学界有人将“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”混同起来,所以国外的学者便用民族音乐学的研究范围、角度,以至方法来衡量它,并对它提出种种非难。笔者以为,一方面国外的学者应尊重我国学者的学术成果,另一方面,我们也应当把“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”加以区别,这样就有可能消除误解,也避免发生更多的误会。 实际上,“民族民间音乐研究”这一词组作为学科名称并不合适。民族音乐和民间音乐并不是一个概念,前者包括后者,如中国民族音乐包括了我国的传统音乐和新音乐,而传统音乐又可按照流行的层面分为宫廷音乐、文人音乐、宗教音乐和民间音乐几个不同的类别,采用这一名称将前者和后者混为一谈,使学科的研究范围不清。人们之所以用“民族音乐学”这一名称来取代它,恐怕与此有关。另外,从“民族民间音乐研究”的研究范围来看,主要是中国各民族的传统音乐,而不包括中国的新音乐,将其改为“中国传统音乐研究”可能更为合适。过去采用“民族民间音乐研究”这一学科名称,和左倾思潮有关,因为在20世纪50至60年代,宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐被视为封建主义的糟粕,在学术上几乎成为禁区,所以对传统音乐的研究便由研究民间音乐所取代。这种错误的倾向,今天已经扭转,故用“中国传统音乐研究”取代“民族民间音乐研究”也应是理所当然的事。 目前民族音乐学在我国还处于草创阶段,从文化背景出发,对我国某一地区、某一民族的传统音乐或我国新音乐进行深入研究的文章并不很多;用民族音乐学的方法对外国音乐进行研究还没有得到普遍的重视,在这方面也还缺少必要的条件。中国音乐学家虽然已经参加了国际民族音乐学界的交流,但交流的规模不大,涉及的研究领域也不广。努力发展我国在民族音乐学领域的研究在是摆在我们面前的一个非常重要的课题。 中国传统音乐研究不同于音乐美学等思辩性学科,是一门实践性很强的学问,它的理论和方法都是前辈音乐学家们在大量的田野工作和案头工作中逐渐总结起来的。相信我国音乐学家通过学习民族音乐学的理论与方法,联系我国的实际,也一定能把中国传统音乐的研究推进到一个新的发展阶段。 音乐学毕业论文:音乐学产生与研究对象论文 在给民族音乐学下定义时,常常是从划定其研究对象和方法着手,无论是起初的比较音乐学还是后来的民族音乐学,及今天的“Enthnomusicology”一词译成民族音乐学或音乐民族学,或者干脆叫音乐学、音乐文化人类学等争论,都是与这一学科自始至今研究对象的不断变化拓展有着密切的关系。因此,本文仅对民族音乐学研究对象的演变作历史性的回顾和思考。 比较音乐学的产生与研究对象 民族音乐学最初被称为比较音乐学。比较音乐学的名称是进入20世纪后首先在德国开始使用的,英文为“ComparativeMusicology”,其实比较研究的方法用于非欧洲音乐研究最早在17世纪就开始了,但是这一学科的建立是以1885年阿德勒的《音乐学的范畴、方法和目的》和亚历山大约翰·艾利斯的《各民族的音阶》为标志的。其研究对象是欧洲以外的种族、民族的音乐文化,正如萨克斯所定义的异国文化的音乐。这一学科的建立和研究对象的确立是与当时的历史背景和研究者的立场有着密切关系的。首先,比较音乐学的产生和发展与欧洲殖民主义的兴起和扩张有密切的联系。以18世纪为开端,欧洲发达资本主义国家相继跨入亚洲、非洲和拉丁美洲,进入这些地区的西方人类学家、历史学家和文化学家首先向外部世界开启了这些非欧国家民族的传统文化之门。他们用西方学者的观点和方法试图了解、认识和把握这些国家和民族所具有的令他们新奇的特殊文化,想将这些相异于欧洲文化,不被欧洲人所知的文化公诸于众,加之古典进化论学派和马克思、恩克斯对于人类进化和原始社会经济的科学认识,至19世纪60—70年代,民族学作为一门科学在欧洲和美国产生并兴起,Enthnology一词1830年首先由法国人让·雅克·昂佩勒提出,30-70年代民族学、人类学学会先后在法、美、英、德和意大利建立起来。比较音乐学则是在民族音乐学进入80—90年代的一个新的发展阶段时应运而生的。这一时期的欧美出现了一支受过专业训练的民族学队伍,开展了世界范围的、有目的的民族学田野调查工作,异国的民间艺术引起了学者们的关注。与此同时,欧美的许多城市建立起了人类学和民族学的博物馆,收藏了许多非欧洲的乐器和有关的音乐文物与手稿,记录亚洲、非洲、美洲民族音乐的材料大量增加,使人们对于非欧洲地区音乐文化的注意力进一步增加,加之1877年爱迪生发明了留声机,对无文字非欧民族音乐的研究产生了无法估量的推动作用。在这些基础上,比较音乐学这门学科在民族学诸多研究的影响下,应强烈而广泛的社会和时代需求产生了。英国语言学家兼物理学家和数学家艾利斯和阿德勒、艾斯比塔等欧洲学者为比较音乐学的建立和发展作出了贡献。 由此可见,比较音乐学研究的异国音乐文化是相对于当时殖民者的主体文化而言的,也是相对于起初参与比较音乐学研究的这些欧洲学者自身的文化体系而言的。相对于其原本欧洲音乐文化知识体系的未知领域就成了比较音乐学研究的对象,在这种情况下,异国音乐文化=非欧洲音乐文化,即形成了欧洲文化特别是欧洲城市艺术音乐文化相对于非欧洲音乐文化的比较研究。实质上是一种以欧洲整体作为一个中心以欧洲大民族为立场而进行的研究。 随着学科的不断发展,整个人类文化研究的进步和不同种族的非欧洲国家的学者对比较音乐学研究的参与,比较音乐学的研究环境和立场出现了变化和拓展,其研究方向和对象也出现了扩大和性质的变化,最初的比较音乐学的名称被民族音乐学所代替。 比较音乐学到民族音乐学的确立 我们不得不承认,音乐的发展往往是在别的学科带动下进行的,在创作方面,西方城市艺术音乐的派别经常是步文学、美术之后尘,如古典派、浪漫派、印象派的产生,在学术研究方面,史学、比较学、民族学的发展都深深地影响和引导着其对应的音乐学的学科发展。比较音乐学的建立受到民族学研究的影响,并在民族学发展的影响下最终成为了民族音乐学。 进入20世纪后,民族学产生了众多学派,提出了不少新观点。传播学派是20世纪40年代在欧洲民族学界影响较大的一个学派,这一学派的先驱——德国学者拉策尔提出了把文化研究置于具体的地理环境中,同时重视各民族自身的历史条件的研究方法;功能主义的代表人物马列诺夫斯基认为每种文化都是不可分割的整体,要重视当前生活与现状的研究,反对殖民者对土著居民文化的粗暴干涉;美国波阿斯学派又称文化相对主义学派提出了文化标准是相对的,各民族文化珍品不能进行比较等观点和理论思想。这些立场、观点和理论我们都可以在比较音乐学的研究中找到其对应的影子。特别是波阿斯为代表的美国学派的兴起,使得二战后的比较音乐学有了较大的发展,即在重视非欧洲民族音乐研究的同时,开始重视对本民族音乐的研究。波阿斯提出的各种文化价值平等、文化不可比较、反对欧洲中心主义的观点使得比较音乐学研究的对象的相对基础,即欧洲整体作为一个大的中心民族的基础动摇了,突破了比较音乐学研究的非欧洲音乐的局限,对文化是否要相互比较提出了质疑。 同时,美国人类学家开始认为人类学的种种研究方法不但可以研究非母系文化,而且应该更多地用来探究其自身所属的文化,从而使美国人类学家开始以更多的精力研究美国的自身文化。与此同时,其中一部分人类学家开始带着这种思想积极地参与民族音乐的田野采录工作,而这在欧洲比较音乐学领域是不多见的。美国人类学家的参与虽由于本身音乐能力的限制,无法将其深入,只形成了一种思想趋向,但这种思想趋向却使比较音乐学的研究发生了很大变化。它使得美国的一些音乐家从音乐界转入人类学界,一些人类学家去研究音乐行为(并从技术上分析),同时还带动了这一思想趋向在欧洲研究机构的出现。 这一切的结果是,二战以后几乎所有的比较音乐学者都开始把注意力转向现存的自然民族音乐的人类学研究方向。于是,比较音乐学的研究范围和立场发生了质的变化,从地理性民族和欧洲中心看世界的角度转向了文化相对论,即站在全世界民族音乐文化平等的立场全面考查研究各民族(包括本民族)的音乐文化。于是,比较音乐学在研究对象和立场发生巨大变化和没有进行更多比较的情况下引退,取而代之的是民族音乐学这一名称。 另外,值得注意的是,20世纪前叶,中国、日本和东欧学者对比较音乐学研究的参与,对于这一学科的转型也起到了比较大的作用。他们在美国开始重视研究自身民族文化之前就开始了对其本民族音乐文化的研究。实事求是地说,最初美国学者对本土音乐文化的研究还不如这些国家学者来得纯正,毕竟美国的学者也大都是英、德等欧洲国家的移民或后裔,他们的文化体系和观点和欧洲同出一辙,而他们对于本土文化的研究起初是热衷于北美大陆印第安民族音乐的探根溯源,从某种角度上说,属于一种异民族音乐文化的研究,但其提出的对本土文化的研究观点及其后来的发展,对突破欧洲中心论是极为重要的。而在这之前,的确有不少学者真正作了对本土音乐文化的研究。在东方比较音乐学研究中,中国的王光祈早在1926年就著有《东西乐制之研究》,其后又有1929年的《东方民族之音乐》和1934年的《中国音乐史》,日本的田边尚雄于1936年创立了东洋音乐学会,1948年著《东方的乐器及其历史》;匈牙利作曲家、音乐家巴托克和音乐学家柯达依分别于1906年和1905年开始对匈牙利的民歌进行收集研究,并分别出版了《匈牙利民歌》和《论匈牙利民间音乐》。虽然他们仍是用比较音乐学的观点和方法对本土音乐文化进行研究,力图从东、西方音乐的比较中得到某些结论,尚属比较音乐学的范畴,但是他们参与研究的这一行为本身,和他们自身的非欧洲特质和立场已经使比较音乐学的研究发生了立场上的变化,虽然和美国学者的指导思想不同,却起到了异曲同工的作用,打破了比较音乐学研究的异国文化的框框,促使了民族音乐学的建立。二战后,荷兰人普·肯斯特提出了用Enthno-musicology这个术语代替ComparativeMusicology,首先被美国人所接受并固定下来。1959年,孔斯特的《民族音乐学》问世,这一学科正式成立。 民族音乐学研究对象各家学说的分析及思考 自从比较音乐学因研究对象的变化而更名为民族音乐学以来,学术界就如何划界才属民族音乐学领域进行了不少讨论,有趣的是,这种讨论尚未终结而社会的发展却使民族音乐学的研究对象不断在拓展,民俗音乐和伴随着产业化社会而迅猛发展的大众音乐已无可争议地成为了民族音乐学研究的对象。所以,如何来划定民族音乐学研究的领域更加成为一个值得人们思考的问题。 首先我们来看看各家各派的观点。孔斯特在他的《民族音乐学》的开头就阐明了自己的观点: 这门学科的研究对象包括从所谓未开化的人一直到文化民族的一切种族、民族的音乐,研究所有类别的非西洋艺术音乐。民族音乐还把外来音乐的传入现象,即不同性质的音乐要素相结合而产生的影响这类社会学方面的问题也作为自己的研究对象,西洋的艺术音乐以及通俗音乐不包括在这个领域之内。[1] 梅里亚姆在他的《民族音乐学的研究》中认为,“民族音乐学的目的和着眼点与其他学科的目的和着眼点并没有什么明显不同”,“它的特殊之处就是使用的特殊的方法,尤其在认为有必要使人类学与音乐学这两类资料相结合这一点上”,并强调“民族音乐学通常是由音乐和民族学这两个不同的部分组成,可以认为它的主要任务并不是强调任何一方,而是采用双方都考虑进去这种特征性的方法,使其融为一体”,提出“对文化中的音乐的研究”[2]。有人便据此认为民族音乐学就是研究所有的音乐文化,可以替代音乐学成为一个没有边缘的音乐学科。笔者认为这是不正确的。梅里亚姆在谈到民族音乐学者的工作的第一个阶段时阐明:“资料的收集,一般意味着对欧洲美国以外的地区进行实地调查。”[2]这句话应代表着他对民族音乐学研究对象或者说是着眼点的看法。 涅特尔在《什么叫民族音乐学》中对民族音乐学的研究对象进行了分类,他认为这门学科“主要探讨三类音乐,第一类有关无文字社会的音乐(musicofnonliterate),第二类亚洲及非洲北部文化中的种种音乐,即中国、日本、爪哇、巴厘岛、西南亚、印度、伊朗以及阿拉伯语系诸国家(和地区)的音乐文化,第三类是民俗音乐(folkmusic)可定义为,在上述亚洲高级文化和西方文明中,以口述方式来传承的音乐。”[3] 美国学者胡德在他的《民族音乐学导论》中则就美国的具体情况对民族音乐学的研究对象作了较为具体的阐述,他不仅提到了对美国以外的异国文化的研究、美国本土土著音乐的研究、民俗音乐的研究,还涉猎了新兴的电子音乐的研究——著名的甲克虫乐队[4],但同样回避了欧洲城市艺术音乐。 以上是欧洲和美国学者的看法,20世纪中后期兴起的以日本学者为代表的东方民族音乐学家们以他们不同的文化历史背景和视角逐渐为世界民族音乐学界所注目,他们对这一问题也提出了自己的看法。日本学者岸边成雄先生认为:“比较音乐学成为民族音乐学主要是学者们对自然民族的研究,后来又加入了东方高文化民族的艺术音乐。”[5]山口修先生则认为“民族音乐学就是认识民族音乐的各种方法中的一种,即学术性的认识法”[6],也就是说民族音乐学的认识研究对象是民族音乐,他对民族音乐加以定义:“民族音乐则是作为各个民族集体所拥有的庞大文化事项中的一个项目而在其中占有一定地位。民族音乐是主要以‘音’作为表现媒介体的象征性行为的产物之一种。”[6]在中国,从1979年民族音乐学这一学科引进以来,就开始了对这一学科研究对象的争论。基于中国音乐学的特殊情况,这种争议也有其特殊性。从1980年到1988年,争议的优秀是“民族音乐学”是不是就是研究“民族民间音乐”的问题。后来,王耀华先生、杜亚雄先生将中国传统音乐加以梳理,得出结论:传统音乐包括民间音乐、宫廷音乐、文人音乐、宗教音乐[7]。中国民族音乐包括我国的传统音乐和新音乐[8]。而赵宋光先生和赵fēng@①先生则提出用Sinology-misicology来表达中国民族音乐研究,即汉民族与中国境内的各民族的华夏音乐。黄翔鹏先生认为“这一学科就是中国传统音乐研究”,并强调“用民族学、人类学、地理学、民俗学来讨论问题,不可避免涉及到音乐形态的差异”[9]。 近来,很多学者又认为没有音乐不是民族的,所以民族音乐学要与音乐学整合,研究所有的音乐和音乐有关系的东西。有人则提出民族音乐学只特殊在其研究方法上,用文化的、人类学的方法研究所有的音乐就是民族音乐学,并且应该更名为音乐文化人类学。同时,人们在对研究对象进行争议的过程中,也不断提出新的研究立场和方法,如70年代开始的文化视野看待音乐研究、重视人文性,90年代开始的全球视野,都对这一学科的范畴和定义作了相应的讨论。 综上所述,我们首先可以认定民族音乐学作为一门学科无论在世界上,还是中国都是已经确立并真实存在的。而作为一门完善学科一定有其确定的、与其他学科不同的研究目的、研究对象和研究方法。其中方法和对象是相辅相成的,特殊的研究对象需要特殊的研究方法,特殊的研究方法有其适应的研究对象,它们同时决定着一个学科的特殊性、独立性,如同哲学、美学、历史学、人类学各有其独特的研究方法和与之相应的研究领域。民族音乐学是一门民族学和音乐学相结合的学科,也正如梅里亚姆所强调的“民族音乐学通常是由音乐和民族学这两个不同的部分组成,可以认为它的主要任务并不是强调任何一方,而是采用双方都考虑进去这种特征性的方法,使其融为一体”[10]。所以,要用文化的视角、人类学的方法来研究民族音乐学,用文化视野、全球视野进行民族音乐学的研究,民族音乐学有其特殊的研究方法,这些认识都是正确的,也正是由于民族音乐学有这样的特殊的方法,才定义了它的研究领域和对象,即适合用这些方法去研究的对象和领域。所以,民族音乐学研究对象不是无限宽泛的,而是可以而且是有必要划定的。 无论民族音乐学的学者们怎样争论,最终都要落实到民族音乐学家们究竟研究了些什么。我们看到在中国和日本等非欧国家,很多学者致力于本民族音乐的研究,也有很多学者涉猎到自己本土以外的音乐文化的研究,如日本的拓植元一先生对西亚音乐的研究、中国的杜亚雄先生对匈牙利音乐的研究、王耀华先生对日本琉球音乐的研究、罗艺峰先生对东南亚音乐的研究、陈自明先生对南亚音乐文化的研究等等。由此来看,用国别、洲别甚至民族之别来划定民族音乐学研究的对象并不可取,仅研究本国的传统音乐更是不可能囊括民族音乐学的研究领域。 既然学者们早已开始用一种全球化的视野进行着全球性的民族音乐文化的研究,那么我们就应该把所有民族的音乐文化平等的摆在我们面前进行研究概括。笔者很认同山口修先生对于民族音乐的定义,即:民族音乐是主要以“音”作为表现媒介体的象征性行为的产物之一种。也就是说民族音乐学研究的对象应该是以音为特征存在的文化。这里有两个要点,一是“音”,无论要研究它是什么样,还是为什么是这个样,无论它是一样乐器还是一个仪式,无论是强调文化背景、群体还是个体,都要首先有音乐这个最基本的定位,一切都是与之有关进行衍展的。二是存在,无论你要追根溯源还是要展望未来,无论用历时性方法还是共时性方法,都要有一种音乐文化活生生的在你面前,然后将它呈现出来,再进行挖掘。当然也有用历时性的方法从前往后进行梳理,但在今天找到与之有关的对应的音乐现象是必不可少的。其实,这一总结是和这一学科的方法密不可分的。人类学的田野调查的方法可以说是这一学科必不可少的、并使之独立于其他音乐学学科的方法,田野工作是每一个民族音乐工作者的必由之路,没有一个民族音乐学学者可以在图书馆里完成他的课题。那么,可以并适合进行田野工作的音乐文化,即以音为特征的存在的文化就成了民族音乐学的研究对象。 明确了这一点有利于更好地运用民族音乐学的研究方法,有针对性的进行民族音乐学的研究。这一点尤其值得亚洲、非洲等非欧民族的民族音乐学学者注意。因为,这些国家的民族音乐学研究属于引进学科,与西方接轨时不免要遇到视角立场的变化和不同文化背景的冲击,如,西方把对非本土音乐的研究都归为民族音乐学类,而在非西方国家则不能这样做,中国的欧洲音乐史研究学者肯定不同意将自己的研究对象划归民族音乐学研究范畴,而且也不适合这样做。还有,这些国家有着悠久的音乐历史,但是大多记谱法不发达,成为表现于文字的哑音乐史,而这些哑音乐史由于多文字少曲谱,使其包含的领域与西方的音乐史很不相同——不是音乐家、作品的历史,对于它的研究与西方的方法、成果也有所不同,因此在涉及到这个领域时,这些国家的民族音乐学工作者们不应一味照搬西方民族音乐学学者对西方音乐史的研究理念。由于西方记谱法的普及运用较早、较成熟,大部分艺术音乐史上的作品都可以还原为音,并且很多至今流传,符合民族音乐学研究的对象条件,只要从民族学的新角度,运用民族学的新方法进行再研究,就可以得到不同于以前历史学研究的结果,如对贝多芬的民族音乐学研究。但很难想象中国民族音乐学者对万宝常、李延年的研究会达到如此效果。民族音乐学家眼里西方的音乐文化无非是有乐谱记录的音乐文化和无乐谱记录的音乐文化——被归为口传心授的民俗文化,大都适合民族音乐学的研究方法,因此那些认为民族音乐学就是研究一切音乐文化的论调也不足为奇。但是很多象中国一样具有丰富的哑音乐文化的国家的学者,要对这一论调有清醒的认识,在对本国音乐文化进行研究时应更好地认识民族音乐学研究对象的特殊性,这是非常重要的。 音乐学毕业论文:音乐学研究宏观总体分析论文 会议由南京艺术学院副院长邹建平教授主持;江苏省政协副主席、南京艺术学院院长冯健亲教授、党委书记文晓明教授先后在开幕式、闭幕式致词。随着我国音乐学学科研究的不断拓展与深化,各门学科之间的相互渗透、吸收和借鉴,在当代音乐学的研究中,显得尤其重要。也正是在这种共识的学术氛围下,与会的代表就音乐学的整体构架及未来发展、音乐学的学科建设、音乐学研究可持续发展、学术创新、学术规范等方面展开了讨论。 一、从音乐学研究的宏观总体视角出发,于润洋说:“一个国家和民族的发展,如果只重视自然科学的研究,从长远来看,是要付出代价的。研究音乐的理论,中国有几千年的历史传统,但作为近代意义上的学科发展,其时间并不长。严格地按照近代音乐学学科体系的发展来算,应该是从建国以后音乐学系的建立,突出的发展是改革开放的20多年,我们已经初步建立起音乐学的学科体系,中国音乐学的总体学科框架已经形成。音乐学学科是属于理论思维的范畴,如果一个民族的音乐文化要发展,缺少了音乐学的理论也是很难达到高峰的。”赵宋光认为:“任何学术科目的建设,都需要有社会分工,由群体协作。像音乐学这样一个相关领域异常多样的艺术学学科,更是如此。经过漫长的历史发展,无论在东方还是西方,音乐学研究事实上已经形成细密的分工。但是,分工的细密却又往往使研究者视野狭窄,渐渐远离了对于研究对象的完整理解,各种见解彼此隔阂,乃至互相贬低,无谓争吵。这就迫切需要在被分工划开的群体之间加强沟通,寻找共同话语,开展群体协作。”张前认为:“我们需要诚实的态度,老老实实,一步一个脚印,认真翻译、介绍和研究人家的第一手资料,把西方一百五十多年来最具代表性、影响最大的学术著作翻译过来,认真地加以研究,这样才会学到人家的真东西,也才会发现他们的问题在哪里。”并提出:“扩展音乐学研究的范围,开拓新的研究方法,把单科的研究,与多学科交叉的综合研究结合起来,把静态的封闭的局部研究,拓展为动态的开放的跨文化研究。”“我们对世界音乐学的最大贡献应在于,我们如何研究好自己的东西,从各个角度把中国音乐(其中也包括极其丰富的各少数民族音乐)的特点和规律研究深,研究透,把它写成有分量的论文和专著,介绍到国外去。”周海宏说:“音乐学的研究要落实到切实需要落实的问题上去。要注意1.发现问题;2.问题明确化;3.分析问题;4.构成问题的实质是什么?学术研究,不应该把简单的问题复杂化。综合思维,应该是把每一个要素搞清楚,要素关系才需要综合。天人合一,为什么?是生活态度,还是科学方法。方法是工具,仍然是问题和目的。问题意识应该得到加强,而不应该将方法论抬到无限高的地步。现象,要用实证的方式;概念的关系就应该用思辨的方法。其次,为人类知识的大厦提供一种切实的建设,而不是似是而非的个人看法。” 二、从当代音乐学学科建设和各分支学科的研究与发展的层面,许多专家发表了自己的观点。于润洋就音乐学的学科建设问题发表了三点意见:“1.扩大学科的学术研究视野:这是一个世界性的问题,西方也存在此问题。我们的状况不令人满意的是,学科之间相互沟通与交融不够。我们的学科是从西方来的,西方的思维是一个分析的思维,它自然地形成各个分支;中国的思维是普遍联系的、综合的思维,这一点我们特别要加深认识。我理解音乐学的学科本身具有很强的边缘性,它的子学科本身也具有边缘性。我们要吸取其它各学科的东西,一个学科的发展,常常是出现在交叉点上。我主张要关注人文学科的发展,包括自然科学的发展。2.方法论上,要加强理论与历史的融合;应该有一个基本的立足点,我的经验及通过我接触过的理论,我觉得是历史唯物论与历史辩证法。当然还要关注当代哲学的发展,重要的是吸收,吸收非马克思主义的东西,这也是推动和发展马克思主义的基础。3.加强对音乐本体的认识和阐释的能力:我们的音乐学有时比较忽视音乐本体的研究。搞作曲的觉得你们脱离实际。目前中央音乐学院音乐学系的课程在加强作曲技术理论,加强他们感受音乐、理解音乐和分析音乐的能力。另外,音乐本体的研究也有问题。本体研究缺少理论与历史的参照。音乐文章常常是枯燥乏味,不知道其研究的目的是什么。”王次zhào@①认为:“建设一流大学的标志是:一流的学术成果、一流的人才、大师级的学术带头人。”所谓大师级的学术带头人应具备的条件是:“1.对自己学科的历史与现状很精通——有广博的知识和宽广的知识结构;2.对学科前沿的把握;对学科前瞻性的思考——要有开阔的视野,对学术研究的最一般的原则要把握。”赵宋光在谈到音乐学的学科建设问题时,提出了音乐学的“七大分支”的规划构想“历史的音乐学这一大块,仍保持为一大分支;体系的音乐学这一大块,划分成三大分支:音乐学元理论、音乐文化人类学、中国传统音乐理论;应用的音乐学这一大块,划分成三个分支:音乐教育学、音乐学技法理论、为音乐实践服务的科学技术理论。每一个大分支内,可有若干小分支归属其下。”茅原将音乐学学科划分为十二个小的分支:1.声学;2.音乐美学;3.音乐史学;4.作曲技术理论;5.民族音乐学;6.文本评论;7.乐器学;8.词典学与术语学;9.图书档案研究;10.音乐图解学;11.大众媒介;12.边缘学科。而每一个分支又可划分出若干子分支。谢嘉幸认为:“从音乐学院的学科分类,我分成两个层面,九个独立的研究领域。两个层面:1.理论层面(音乐美学、音乐史学、民族音乐学、音乐心理学)。2.实践层面(音乐教育学、音乐表演理论、作曲技术理论、音乐科技)。”庄元认为音乐学学科的构架应是:“1.音乐学的基础理论研究。2.音乐的应用理论研究。3.音乐的开发性研究。”俞人豪说:“从音乐学的历史发展和学科分类来看,它有历史音乐学、体系音乐学和音乐民族学组成,虽然每一部分的下属分支学科越来越多,研究的范围越来越广,但它的基础性学科依然是音乐史学、音乐音响学、音乐美学和音乐民族学。我认为现在对此特别需要肯定和强调。因为近年来音乐学外延的无限扩张和各种冠以音乐什么什么学的学科已经几乎淹没了它的基础和主体,使音乐学变成了一个似乎无所不包的大框,什么内容都可以往里装。”伍国栋认为:“民族音乐学之所以能够成为一个学科,其条件是什么。我觉得其它音乐学的学科成立有四个条件:1.本学科有相对独立的,与它学科有区别的学术视野及研究对象、研究方法和研究目的,但要与其它学科有联系;2.有一定的发展历史;3.此学科应有一批突出的学者;4.此学科应有一批比较有影响的代表著作、经典性的著作。”刘承华认为:“音乐文化学学科建设的着力点是:1.开展音乐文化学的学科建设。2.加强音乐文化学在民族音乐学研究中的比重。3.加强音乐文化学对相关音乐学科的渗透。” 三、取当代音乐学的分支学科的视角,许多代表发表了自己的意见。戴嘉仿从中国近现代音乐史的研究与教学角度,认为:“1.如何看待我们的历史?这个问题好像很简单。但是,由于每个人看问题的角度不一样,其最后的结果就不能不带有主观性。如何更宽宏地看待中国近现代音乐的历史。香港音乐家刘靖之对上世纪西方音乐传入后中国音乐的发展基本是全面否定。有人认为:中国近现代音乐史的发生是新音乐史,是有些片面。我认为,对待中国近现代音乐史的研究,应该用宽容的态度。2.对中国近现代音乐史的研究,要加强专题史与断代史的研究。对音乐学系的学生,以后不要开通史,要从专题史与断代史入手,使学生多接触一些研究方法。不同的系要求不一样。对表演专业等等,音乐史的教学主要是知识性的;对音乐学系的学生可以看书掌握知识。在专题史与断代史的研究中,则对研究方法有比较深入的研究。”伍国栋针对“民族音乐学的实践层面”从“1.音乐行为直接观察和介入的田野作业实践层面。2.音乐对象特定技能操作的工艺掌握实践层面。3.音乐综合考察材料的描述解释实践层面。”三方面进行了探讨。王安国在《我国基础音乐教育实践中的若干问题》发表了为国家制定中小学音乐教育课程标准意见。着重谈了以下六个问题“1.关于音乐审美的价值。2.音乐审美对人的创造力的发展。3.音乐审美能力与音乐知识、技能的关系。4.母语文化与世界文化。5.综合理念与综合学科。6.乐谱价值与谱式的选择”。谢嘉幸在《建设兼有音乐学与教育学双重品格的音乐教育学》中指出:音乐教育学的学科发展还存在着许多问题:1.首先是学科的性质与定位问题。2.其次是音乐教育学的学科建设问题。3.音乐教育学在专业音乐院校中的功能和价值是什么。等等。杨和平在《当代音乐学中音乐文献史料的整理与研究》——对建立中国音乐文献学的初步构想中认为:“当代音乐学中的音乐文献学就是将历史上流传下来的、优秀的音乐作品搜集、整理起来,提供给当代音乐学研究者和后来的音乐学研究者所用,并通过对这些音乐作品的分析研究,总结出音乐艺术的发展规律,提供给今天或明天的作曲家进行创作时的借鉴、参考之用,还要将历史上传承下来的优秀的音乐文化的方方面面,发扬光大、不断丰富发展。加快中国音乐文献学学科建设,是我国音乐学研究保持可持续发展的关键所在,是我国音乐学研究保持音乐生态平衡的基础。……音乐文献学还要重视对当下健在的音乐家的研究。”庄曜在《信息时代的数字化音乐教育》中说:信息时代的数字化教育,对“1.学习资源的开发;2.学习的评价方式;3.音乐的观念变化等方面有很大的帮助。但问题是,它不能取代现实,不能只成为音乐教学模式的简单的转化。”庄元在《音乐传媒与传播》就“音乐传播与大众传媒研究的必要性和音乐传播研究的领域”谈了自己的观点。此外,冯效刚发表了《关于音乐表演艺术研究科学性问题研究》;冯文慈提交了《从事中国音乐史学的心态自述》;杨易禾提交了《音乐表演美学学科建设管见》;田耀农提交了《民族音乐学的缘起、建构、解构与重构》等论文。 四、从当代音乐学研究中的学术规范和学术创新的问题入手,居其宏在《学术规范与学术创新》中给学术创新定义为:“人的创造性思维和独创性实践在学术研究领域的具体体现。其过程和表现大概是这样的:在理解、消化既有知识体系和学术成果的基础上,在某一领域内有所开拓、有所发现、有所创造;或对前人成果有所补正、有所概括,有所提升,而提出的新论点、新见解、新材料又确实丰富或深化了学界对研究客体的认识,推进了学科的发展,如此便具有了某种创新的意义。”并将学术创新的类别分为:“1.创体系、立学派研究;2.整体系统化研究;3.开拓性研究;4.局部修正和突破性研究;5.新方法、新材料的运用及研究。”关于学术规范问题,居其宏认为:学术规范应包含三个“必须”:“其一,必须严格遵从人类理性思维活动的基本规律……思维规范有两层意思:一是概念规范,二是表述规范;其二,必须公开承认学术研究的历史积累及其传承关系……这就牵涉到治学态度和学术风气的规范问题了;其三,必须实行规范化的程序与形式……如:引文必注”等等。在对待学术规范与学术创新的关系方面,居其宏认为:“1.学术创新是目的,学术规范是方法;2.学术规范是基地,学术创新是大厦;3.学术规范是母亲,学术创新是儿女;4.学术规范是严师,学术创新是高徒……我深信,只要我们认真遵循学术规范,就能确保当代音乐学研究在学术创新的道路上不跌跟斗,少走弯路,大步迈向辉煌的未来。” 音乐学毕业论文:民族音乐学学科定位管理论文 2000年5月,中国音乐学院举办民族音乐学论坛,学科定位问题成为争论的焦点之一,说明这一问题在我国尚未彻底解决。定位是一个学科的基本问题,若不明确,该学科便不能得到很好的发展。因此,笔者认为有必要结合历史对此问题再进行一些探讨。不当之处,希望大家批评指正。 民族音乐学是英文Ethnomusicology的意译,Ethnology在英文中是民族学,Musicology是音乐学,Ethnomusicology这个英文字就是由Ethnology和Musicology复合而成的。从字面上看,民族音乐学应当是从民族学的角度研究音乐的学问。 民族学是主要采用实地调查法(又称田野工作法)研究民族发展演化规律的一门社会科学。它期望通过对一个个民族进行实地考察,研究它们各自的起源、分布、社会、经济、文化、生活方式以及各民族之间的历史、文化关系。民族学的研究目的是通过梳理上述这些方面在历史上发展、演变的情况揭示世界诸民族发展的共同规律或某一个民族发展的特殊规律。民族学在欧美一些国家里又称文化人类学。文化人类学是一种研究人的文化属性的、属于社会科学的范畴的学科,它和研究人类自然属性的、属于自然科学的体质人类学一起构成了人类学学科。因为人的文化属性及其民族性不可能分开,所以文化人类学和民族学没有实质性的差别。民族学源于欧洲,它在相当长的一个历史时期内主要研究非欧、非西方民族的人类共同体,不涉及西方民族。随着时代的变迁和学科本身的发展,目前民族学研究的范围已不限于非西方民族,世界上各种人类共同体,包括西方民族和西方社会中的移民社区,都已经成为它的研究对象。因为民族音乐学是民族学和音乐学的一个交叉学科,所以它一直受到民族学的发展及其各个学派的深刻影响。 民族音乐学早先称为比较音乐学(ComparativeMusicology),荷兰音乐学家孔斯特(JaapKunst,1891—1960)首先提出“民族音乐学”这一名称,并主张用它来代替以往人们习惯称呼的“比较音乐学”。[1]后,“民族音乐学”便作为标准的学科名称而固定下来。 关于这门学科的调研对象以及它同音乐学中其他学科的关系,曾经有过许多争论。由于ethno这个词最早是指非基督教、非犹太教的异教徒,加之为了和比较音乐学研究的主要对象相联系,有人认为它的主要调研对象是所谓“原始民族”或曰“自然民族”的音乐。如美国民族音乐学家内特尔(tl)就曾经指出:“就民族音乐学的实际发展过程及其最具特色的研究来说”这门学科是研究“无文字社会的音乐”,而“‘无文字社会’系指现存的、尚未发展出一套可阅读和书写的文字体系的社会。”[2]也有人建议以非欧洲音乐为主,如施奈德(M.Schneider)在1957年指出:“民族音乐学的首要目的,不论其正常与否,就是对非欧洲地区的音乐特征进行比较研究。”内特尔在1956年也曾经说过:“民族音乐学就是研究具有西洋文明以外的文明民族音乐的科学。”[3]还有人说研究西方艺术音乐和通俗音乐以外的音乐就是民族音乐学。如提出这一学科名称的孔斯特(J.Kunst)就明确地指出过:“这门学科研究一切种族的、民族的音乐”,但他紧接着就又说:民族音乐学“研究所有类别的非西方音乐”,“西洋的艺术音乐以及通俗音乐不包括在这个领域之内”。[4]以提出民族音乐学就是“对文化中的音乐的研究”口号而著称的美国民族音乐学家梅里亚姆(A.Merriam)在论述到田野工作的时候说:“就民族音乐学而言,它一般意味着在欧洲和美国以外的地区进行实地调查。”[5]民族音乐学的研究是以田野调查为其基础的,在欧洲和美国以外进行实地调查实际上就意味着只研究非欧音乐。欧美学者们一方面要研究“一切种族的、民族的音乐”,另一方面又要把研究的范围局限在欧洲音乐之外,本身就是自相矛盾的。这一矛盾之所以产生,一方面受到民族学功能学派的影响,另一方面又受到“欧洲文化中心论”的影响。 民族学中的功能学派,为英国学者马利诺夫斯基和布朗所创立。此学派强调民族学是一种实用的科学,主张民族学应服务于殖民地治理的实际需要。出于这一目的,他们只研究殖民地、半殖民地被压迫民族的文化,而不研究西方文化。布朗在其著作《人类研究之现状》中就明确地说过:“吾大英帝国有非、亚、澳、美各洲殖民土著,若欲执行吾人对彼等之责任,则有两种急切需要呈现,第一为对各土著系统的研究,欲求殖民地行政之健全必须对土著文化系统之认识。第二为应用人类学之知识于土著之治理及教育。”[6] “欧洲文化中心论”是在前几个世纪中滋长起来的一种普遍的学术观点,认为欧洲文化是世界文化发展的颠峰,而其他文化都只相当于欧洲文化发展过程中的某一个发展阶段。受这种思想的影响,许多欧美学者不愿意将其本民族的音乐文化,特别是专业音乐创作,和非欧民族的音乐文化放在一起相提并论。在他们看来,欧洲诸民族,特别是西欧诸民族的音乐,乃是人类音乐文化发展的高峰,不能和所谓无文字书写传统的“自然民族”的音乐文化平起平坐。比较音乐学带有强烈的殖民主义色彩,在其基础上产生的民族音乐学也带有殖民主义色彩。虽然几十年来,西方的民族音乐学家们一直在为清除这种色彩而努力,但是直至目前,西方的民族音乐学和其前身比较音乐学的研究范围并没有多大的区别,仍以非欧音乐为其主要研究对象。也就是说在西方,这门学科仍然带有殖民主义的尾巴。 以上三种对学科调研范围不同的界定虽然不完全相同,但都主张把非欧洲音乐当作主要研究对象,这类学术主张受到诸多东方学者的强烈批判。日本学者岸边成雄先生便大声疾呼:“我认为应把古今东西的音乐全部复原成白纸,以相同的重点作为出发点去进行比较”,“必须要持这样一种根本态度,把一切音乐都还原成白纸,否则将是自相矛盾的”。[7]上述观点亦受到一些西方学者的批判,美国社会学家霍华德·S·贝克尔便指出:民族音乐学作为一个学术领域,“在某种程度上把自己置入了一个冷僻的角落”,他说:“正如我们可以研究美拉尼西亚一个社会群体类似的音乐事象,我们是否同样应该研究美国本土上《生日快乐》每一次演唱或其中的一个样品?如果说否,那是为什么呢?”“我们希望民族音乐学能够包容一切音乐,因为这同这门学科的界定是相适应的,它们都应成为严肃的研究对象。”[8] 随着东方音乐学界的崛起和第三世界人民的觉醒,当前新的倾向是把欧洲音乐(包括古典音乐、民间音乐、现代音乐和流行音乐等)也看成是民族音乐中的一类。因为不具民族属性的音乐目前在世界上还不存在,这样,民族音乐学就不是以特定的区域和范围与音乐学的其他学科分界,而是以一种特殊的角度,或者叫立足点、着重点为其主要标志了。按照这种观点,根据在对某一民族文化或地区性文化进行的田野工作,从该文化的历史、地理、人种、语言、社会制度、生产方式和生活方式、民俗、心理等方面的情况,来看它们如何影响该民族、该地区的音乐,又怎样产生出独特的音乐审美标准,即从音乐的文化背景和生成环境入手进一步观察它的特征、探索它的规律,这就是民族音乐学。换言之,民族音乐学是通过田野工作研究音乐及其所处文化环境共生关系的科学。它的研究目的首先是要阐明各民族、各地区音乐发展的规律(包括一般规律和特殊规律),从各民族、各地区的现实音乐状况出发探索它的起源、形成、发展、繁荣、演变等问题,从而达到对人类音乐文化发展规律的认知。 然而,但直至目前,西方国家乃至全世界的音乐学研究还是分为音乐学(musicology)和民族音乐学(ethnomusicology)两大类。前者的研究对象是西方从古到今的艺术音乐,后者则几乎包括了它以外一切音乐,如世界各民族的民间音乐、西方的流行音乐、东方的传统音乐以及亚非拉各国的专业创作音乐。由于民族音乐学的研究范围如此广泛,又涉及到音乐理论和实践两个不同的方面,所以在近二十年来,它一方面分化为城市民族音乐学(Urbanethnomusicol-ogy),历史民族音乐学(Historicalethnomusicology)、应用民族音乐学(Appliedethnomusicology)等不同的分支学科,另一方面又演化出一个称为“世界音乐”的课程。在这个课程中所教授的是除了欧美艺术音乐以外的其他种种音乐,欧美艺术音乐则不包括在内。看来在西方,民族音乐学的学科定位问题已经解决,但是真正要把民族音乐学的研究和实践扩大到一切音乐,割掉它的殖民主义尾巴还要花一些时间。 在汉语中,“民族”这一词汇有三种不同的涵义:其一是指人们在历史上形成的具有共同语言、共同地域、共同经济生活以及表现在共同文化上的共同心理素质的稳定的共同体,如“古代民族”、“全世界各民族”、“民族学”中的“民族”;其二是“中华民族”的简称,如“发展民族文化”、“振奋民族精神”中的“民族”;其三是指除汉族以外的55个少数民族,如“国家民族事务委员会”、“民族区域自治法”中的“民族”。因为“民族”有不同的含义,“民族音乐”这一词组也就有三种不同的解释:其一是指一切音乐;因为目前在世界上,任何一个音乐作品,都是由属于一定民族的人创作的,所以都可以称为民族音乐。如贝多芬的音乐是德意志民族的音乐,柴可夫斯基的音乐是俄罗斯民族的音乐,阿炳的音乐是汉族音乐等。其二是指中国音乐,特别是中国传统音乐。因为中华民族可以简称为“民族”,“民族音乐”自然就是“中华民族音乐”即中国音乐的简称。在这个意义上的“民族音乐”大多是指中华民族的传统音乐,而不是指五四以来新音乐。其三是指少数民族的音乐,这一用法在新疆、内蒙等边疆地区特别常见。在这些地区,少数民族的同志被称为“民族同志”,少数民族的干部被称为“民族干部”,少数民族的音乐也就很自然的被称为“民族音乐”了。由于对“民族音乐”这一词组有三种不同的理解,在民族音乐学被介绍到我国来之后,这一学科名称也就引起很自然地引起了争论:有人以为它是指以中国传统音乐为调研对象而进行的分属于不同学科领域的研究;还有人以为它是指对中国少数民族的传统音乐文化进行的各种各样的探讨,这两种解释,与英文中这个词的含义完全不同。我国对民族音乐学学科定位的争论的关键就在这里。 20世纪20年代,民族音乐学的前身比较音乐学在我国虽经王光祈先生和肖友梅先生的大力倡导,但是当时在中国并没有得到推广。王光祈先生的《东方民族之音乐》于1929年7月在上海出版,两年又两个月之后,“九一八”事变暴发,随着日本帝国主义的入侵,中华民族面临亡国灭种的危险,几乎所有的中国音乐家都投入了抗日救亡运动。在这一运动和其后的抗日战争、解放战争期间,中国几乎一直处在战争状态之中,中国音乐学家当然也不可能去研究世界音乐,或从世界的宏观角度研究中国音乐,而只能在“救亡图存”的大前提下对中国传统音乐进行研究,希望通过“本土音乐”的复兴,达到振奋民族精神和为战争服务的目的。虽然在这一时期中国音乐学家对中国音乐,特别是中国传统音乐中民间音乐的研究方面取得了很大的进展和伟大的成绩,但从严格的意义上讲,这些研究并不属于比较音乐学的范围。当时,音乐学界把这种研究称为“民间音乐研究”或“民族音乐研究”,后来又被叫做“民族民间音乐理论研究”,无论其研究的目的、方法,还是其研究的范围和对象都与当时国外流行的比较音乐学有很大的不同。 抗日战争和解放战争时期的“民族民间音乐研究”是其第一时期,专家们通过对中国民间音乐的搜集、整理、宣传和对音乐自身特点和规律的研究,希望达到为音乐创作和为政治服务的目的。1949年新中国成立到1966年暴发是“民族民间音乐研究”的第二个时期。这一时期,中国和西方几乎处于隔绝的状态,刚刚兴起的民族音乐学便没有能够及时地传入中国。中国的音乐学家几乎是在与世隔绝的情况下仅仅依靠自己的力量,发展了“民族民间音乐理论研究”。他们在大量搜集整理我国民间音乐作品的基础上,用西方音乐理论对这些作品进行了形态学的分析,从而达到了为音乐创作服务和为政治服务的目的。 20世纪70年代末,上海音乐学院音乐研究所翻译了一批国外文献,向音乐学界介绍了这一学科,但是,这一学科真正在我国发展起来,则是从1980年6月在南京召开“全国民族音乐学学术讨论会”之后。 南京会议提出了民族音乐学的口号,并希望它成为可以涵盖和容纳“民族民间音乐研究”、“民族音乐理论”等内容的音乐学学科,从而使民族音乐学在中国逐渐地确立自身的地位。然而从1980年起,中国音乐学界便开始就民族音乐学这一学科的界定进行争论,其优秀问题是新近从国外引进的“民族音乐学”和过去我国固有的“民族民间音乐研究”之间的关系问题。分歧主要集中在对“民族音乐学”一词的解释上,应当把它看作是一个从国外引进新的学科还是把它当作原有的“民族民间音乐研究”的别名,从一开始,不同的学者就有不同的意见。 意见的不同在南京会议上就有反映,高厚永教授在这次会议的中心发言中提到:“中国民族音乐学”“已有50—60年的历史”,“王光祈先生是研究这门科学的先驱”;同时他又把从30年代末到60年代中期发展起来的“民族音乐理论”看作是“民族音乐学的研究”[9]。沈洽当时实际上不同意高厚永的意见,在由他执笔的开幕词中说:“以往的‘民族音乐理论’”,“虽在很多方面实际上是属于民族音乐学范畴的”,“但就这门学科的完整性来说,我们国内的研究还处在初创阶段”。[10]吕骥没有参加那次讨论会的整个过程,但出席了闭幕式,在他为这次会议所作的总结报告中指出:“民族音乐学”就是“研究民族音乐的学问”,“从汉族到各少数民族”“都应当包括在内”。[11]吕骥在这里所说的“民族音乐”是指中华民族的传统音乐,所以这里的“民族音乐学”就是原有的“民族民间音乐研究”,完全没有把会议的发起者们所提倡的Ethnomusicology这门新的学科包含在内。 从1980年到1988年,关于“民族音乐学”的定义一直有争论,争论的优秀即是“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”的关系问题,实质是能否用“民族音乐学”取代过去的“民族民间音乐研究”。一种主张是用“民族音乐学”的名称取代过去的“民族民间音乐研究”,而将Ethnomusicology改译为“音乐民族学”;也有人认为可以把原有的“民族民间音乐研究”改称“民族音乐形态学”。后来又有人认为“民族音乐形态学”不能囊括“民族民间音乐研究”的全部内容,故又提出了“乐种学”的主张。沈洽原来不同意高厚永将“民族民间音乐研究”和“民族音乐学”相联系,但后来又赞同高厚永的意见,认为“民族民间音乐研究”是“民族音乐学”在中国发展的两个阶段,是“民族音乐学”“中国化”的结果,并对不同意此种观点的人提出了批评。[12] 从民族音乐学论坛发生的争论来看,直至目前民族音乐学和中国人以往的“民族民间音乐研究”的关系并没有真正解决。音乐学界对“民族民间音乐研究”是不是“民族音乐学”在中国发展的一个阶段,尚有不同的认识。对中国人怎样结合本国的情况来发展民族音乐学,也有不同的看法。 笔者认为,既然国际上有关这一学科的定位问题已经基本解决,为了与国际接轨,我国民族音乐学亦应当依次对此学科进行定位,而不要另搞一套,以免引起概念的混乱。我国的“民族民间音乐研究”和“民族音乐学”虽然在研究对象方面有相近之处,但其方法、研究的目的与“民族音乐学”亦有不少差别,“民族民间音乐研究”已有半个多世纪的历史,我们在这一方面也积累了许多十分可贵的经验,它的研究也不可能完全为“民族音乐学”所取代。因此最好不要再把“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”混为一谈。我们如果把后者等同与前者,国外学者会感到不可理解。如英国学者施祥生(JonathanP.J.Stock)在沈洽发表《民族音乐学在中国》一文之后便提出了许多问题。[13]在此次民族音乐学论坛上,对《中国民间音乐集成》的争论也是因此而引起的。《中国民间音乐集成》是按“民族民间音乐研究”的路子进行的,它当然不符合民族音乐学的规范,也没有必要符合此种规范。然而,因为中国音乐学界有人将“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”混同起来,所以国外的学者便用民族音乐学的研究范围、角度,以至方法来衡量它,并对它提出种种非难。笔者以为,一方面国外的学者应尊重我国学者的学术成果,另一方面,我们也应当把“民族音乐学”和“民族民间音乐研究”加以区别,这样就有可能消除误解,也避免发生更多的误会。 实际上,“民族民间音乐研究”这一词组作为学科名称并不合适。民族音乐和民间音乐并不是一个概念,前者包括后者,如中国民族音乐包括了我国的传统音乐和新音乐,而传统音乐又可按照流行的层面分为宫廷音乐、文人音乐、宗教音乐和民间音乐几个不同的类别,采用这一名称将前者和后者混为一谈,使学科的研究范围不清。人们之所以用“民族音乐学”这一名称来取代它,恐怕与此有关。另外,从“民族民间音乐研究”的研究范围来看,主要是中国各民族的传统音乐,而不包括中国的新音乐,将其改为“中国传统音乐研究”可能更为合适。过去采用“民族民间音乐研究”这一学科名称,和左倾思潮有关,因为在20世纪50至60年代,宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐被视为封建主义的糟粕,在学术上几乎成为禁区,所以对传统音乐的研究便由研究民间音乐所取代。这种错误的倾向,今天已经扭转,故用“中国传统音乐研究”取代“民族民间音乐研究”也应是理所当然的事。 目前民族音乐学在我国还处于草创阶段,从文化背景出发,对我国某一地区、某一民族的传统音乐或我国新音乐进行深入研究的文章并不很多;用民族音乐学的方法对外国音乐进行研究还没有得到普遍的重视,在这方面也还缺少必要的条件。中国音乐学家虽然已经参加了国际民族音乐学界的交流,但交流的规模不大,涉及的研究领域也不广。努力发展我国在民族音乐学领域的研究在是摆在我们面前的一个非常重要的课题。 中国传统音乐研究不同于音乐美学等思辩性学科,是一门实践性很强的学问,它的理论和方法都是前辈音乐学家们在大量的田野工作和案头工作中逐渐总结起来的。相信我国音乐学家通过学习民族音乐学的理论与方法,联系我国的实际,也一定能把中国传统音乐的研究推进到一个新的发展阶段。 音乐学毕业论文:音乐学专业设立意义论文 一、弁言 音乐学(musicology)是一门研究音乐的学问,来自于西方。萧友梅先生在建立上海国立音乐专科学校时,虽然引入了至今仍在延续的欧洲音乐教育体系。但是,音乐学专业课程的设置,在我国的音乐教育中是比较晚的事情。新中国建立之前几乎没有,即使在新中国建立之后,大部分专业音乐院校音乐学专业课程的设置也很晚。除了中国艺术研究院音乐研究所于1954年,中央音乐学院于1956年较早建立以外,其它音乐学院音乐学专业的建立都较晚。上海音乐学院、中国音乐学院分别于1978年和1980年设立了音乐学系,武汉音乐学院于1986年成立音乐学系。而象天津音乐学院、西安音乐学院、沈阳音乐学院、四川音乐学院、星海音乐学院等,则都是在二十世纪的九十年代之后才逐渐挂牌成立了音乐学系。几所音乐院校的音乐学专业被批准为硕士和博士学位的授予点则是更晚的事情。1982年中央音乐学院被批准为硕士学位授予点,1988年被批准为博士学位授予点。上海音乐学院硕士学位授予点是1982年获得的批准,博士学位授予点是1989年获得的批准。 在我们的西洋音乐教学、研究队伍中,有不少是在西洋文化的社会和生活环境中受过熏陶的学者。我们在西方音乐学的传播、教学、研究等方面,也的确取得了不少的成绩。但是,说音乐学在我国是一门年轻的学科,也许一点也不过分,这一点也反映在我们过去,以及今天许多人对音乐学的认识中。譬如,我们历来要求学习音乐的人,一定要“底子好”、“基础好”。所谓的好“底子”、好“基础”,在多数情况下主要指的是“音乐技术”和“音乐技能”方面。且不论表演、甚至作曲等专业方向的学生,是否仅仅只是具备了“音乐技术”和“音乐技能”方面的能力就够了这个问题。就音乐学为学习和研究方向的人而言,除了应该要求具备“音乐技术”和“音乐技能”方面的能力之外,还应该有文史修为和写作能力的“底子”、“基础”,要具有音乐理论的思考能力。也就是说,对于从事音乐学专业工作与研究的人们来说,必须掌握音乐形态、音乐技能等音乐本体的知识,以及掌握中外历史、文学、语言、宗教、风俗、文献典籍等社科文化知识,要有两个方面的基本功。对于这一点似乎大家早有共识,似乎也是一个简单的问题。但是,在我国音乐学的实际教学中却没有加以实施,至少做得很不够。而且,在我们还没有对原有西方音乐学领会得十分清楚的情况下,又有许多其它西方音乐研究理论,以及一些音乐研究新领域、新知识不断为我们所认知,使得我国这门本来就很年轻的学科,受到了不同程度的冲击。譬如,对于民族音乐学(Ethnomusicology)、世界音乐(W0rldMusic)、多元音乐文化(ManyMusicofManyCultures)等新学科、新概念的系统解读,以及与原有音乐学之间的关系;等等。 就目前国内音乐学的教学和研究现状来看,急需思考如何在借鉴西方音乐学学科体系、消化西方其它成熟音乐理论体系的同时,在所谓西方音乐学的构架中,建立符合我国音乐的发展历史、符合我国音乐文化生活存在的状况,以及符合我国音乐理论学习与研究现状的教育体系及教学体制等问题。也即,如何在我国现有音乐学的专业教育中,在音乐学专业学生的培养与训练中,无论是在教学的指导思想和培养目标方面,在学制的设定和课程的设置上,建立具有我国特色的音乐理论研究的学科。 二、音乐学专业从附中开始设立的意义 音乐学的专业方向应该从附中开始设立,至少,在附中的高中阶段一定要设立音乐学的专业。要思考符合附中音乐学专业方向的课程设置,而且,对于演奏、作曲等其它专业也要补充音乐学常识方面的课程。从近二十年来音乐学发展的情况来看,如果在附中的高中阶段开始设立音乐学的专业方向,对于我国音乐理论的学习风气、研究水平等,都会带来很重大的意义。仅仅就在附中的高中阶段开始设立音乐学专业方向的教育意义而论,将会产生以下两个方面的意义: 第一,观念上的意义。 不知什么时候开始,有了这样一个谬论:“学表演不行就改学作曲,作曲再不行就学理论。”除了可以认为人们缺少对音乐学以及音乐理论研究的认识之外,是否更应该对我们自身所存在的问题加以检讨。 这个局面的形成,一方面,应该说与音乐学系历来的要求标准有关。音乐学系历来视附中其它专业被淘汰后进入音乐学系的学生为“嫡系”,并把其作为音乐学系的后备师资。然而,关键的问题是,这些人中的大多数人并不喜欢音乐理论这门功课,不是把音乐理论视为一门专门的学问来加以钻研。甚至,其中一部分人根本就瞧不起音乐理论的教学与研究工作,其结果是可以想象的。我们不去妄断、怀疑许多人有从事教学与研究的能力,有着很高的智商。但是,遗憾的是他们确实没有什么研究成果刊布于世,没有几篇论文为同行们所知晓。我们知道,科研与教学是相互促进的,没有科研水准和研究基础的教学水平,究竟又怎样就不得而知了。历史的原因,人为的认识,瞧不起音乐学专业的人士,大有人在。这已经成为一种人所共知的事情。甚至,一些在音乐学专业方面授课多年的教师,也常常讲自己曾经是学习其它专业,而羞愧自己如今从事的音乐学教学工作。因此,从附中开始设立音乐学的专业,还有一个重要的意义就是培养学生的志向,是一个立志的大问题。“立志”音乐学的学习与研究绝对不是一句空话、大话,音乐学系不应该把其它专业被淘汰后进入音乐学系的生源作为培养的“嫡系”,不应该视有一点音乐技能,但并不喜欢音乐理论这门功课的人为“宝”。其实,表演学不好,作曲学不好,也就更不可能在音乐理论方面能够有所作为了。一些音乐学院今天在音乐理论教学与研究上出现的窘境已经作了充分的证明。如果要从根本上改变人们对音乐学以及音乐理论研究的错误认识,要改变别人的认识,那么,首先要从自己做起,应该首先使我们的学生立志音乐学学习与研究。必须在附中阶段设置音乐学的专业方向,使得我们的学生从进入音乐学院的大门之始就立志于音乐学的学习,就确立了一个大的研究方向。这样升入音乐学系的本科学生,从今天的自卑心理到立志音乐学的学习与研究,这是一个很根本的问题。 另外一方面,在当今发表的音乐理论论文里,的确有许多缺少对音乐本体进行的研究,让人们误以为音乐学的研究就是文字的工夫,认为音乐学的基本功就是背熟几本音乐史书。这也有其历史的原因,在目前音乐学的教学、研究,以及学习的队伍人员中,有许多人曾经学习的是其它专业,他们有的或是在外语,或是在历史、文学等方面受到过较长时间的训练,或在其它文化方面有较高的水平,较强的能力,等等。这部分人利用自我的优势从事了音乐学的工作,譬如,中文和中国历史专业方向的人,对中国古代音乐文献进行着辑录、校释,或从事着缺少音乐形态研究的中国音乐史的工作;而外国语专业方向或一些外语比较优秀的人,则从事着西方音乐文献的翻译,或从事着【清】毛奇龄在《竟山乐录》中所讲的“乐书不是乐,乐器不是乐”的工作。客观上讲,这类人中间的部分学者,为我国音乐理论的研究工作做出了很大的贡献,完成了许多音乐学基础性的工作。音乐学的研究需要其它文化学方面人士的加入,音乐学者也需要具备文化学方面的学识,只是不能过于偏颇。如今就有些“过”的现象,因此,使人们产生了对音乐学的错误认识。这也许是我国音乐学这门学科发展中必然要经历的一个阶段。 第二,本科生源数量和素质保障的意义。 目前,人们普遍认为音乐学的生源数量不足,学生的素质更是不尽人意。 一方面,为了扩大生源,大大降低入学标准,有的音乐院校甚至以缩短音乐学本科学习的时间来吸引生源。另一方面,许多音乐学的出题老师抱怨目前音乐学的试题过于简单,认为如今学生的素质差。试想,要让从来没有学习过音乐学理论的应届高中学生,应考音乐学院音乐学专业的试题,其效果肯定不好,其水平肯定很低。即使是那些从小就接触音乐的“琴童”、“天才”等,对音乐学理论可能也是知之甚少。没有学习过的东西,不可能考出好成绩;没有成体系的音乐学的教育机制,也就没有生源量和质的保证。所以,我认为要从根本上解决上述两方面的矛盾,必须从附中阶段开始设置音乐学的专业方向,或在普通中学中协商选择一些学校,定点开设音乐学方面的课程。由于今天的许多考生没有进行过音乐学方面的系统学习和训练,在出题老师看来再简单的试题,对于考生也是难题,老师和学生都不好把握考试试题的深浅难易程度。如果从附中阶段开始设置音乐学的专业方向,一来不仅能够使升入音乐学系本科的学生数量有所保证,使本科生源的数量具有一定的稳定性。而且,更能保障这部分学生在音乐学方面的素质和能力方面有一个较高的水平。如果学生在中学阶段已经学习了音乐学方面的常识,升本科的试题自然能够上一个台阶,自然有一个深浅难易的层次。 我们经常争论是否让音乐学本科阶段的学生进行专业方向选择的问题,然而,如果在附中阶段设置了音乐学专业,学生们经过几年音乐学方面能力的训练,在进入本科阶段之后,通过第一学年的适应阶段,在第二学年中,完全可以进行有所目标的专业方向的选择。这样以来,音乐学专业学生的整体素质和能力就会得到很大的提高,使得我国音乐学的教育、学习与研究水平获得一个真正的提高与发展。同时,这也给从事音乐学教学工作的教师也提出了一个比较高的要求。音乐理论的教学与研究,本身应该具有前瞻性,教学上落后,会使我们在音乐理论的研究方面更加置后。我们要按照上述标准来检验今天音乐学学人的知识结构和学术经验,要求提高从事音乐学工作和研究的队伍人员的专业能力和素质。以前我们对于这一学科的认识不全面,对音乐学这门学科建设的思考也不多,特别是对音乐学专业方向的课程设置更没有做深入研究。今后当尽快补上,不能让这种现象继续存在下去。 三、附中、本科课程的合理衔接与音乐学专业的层次教育 如果能够在音乐学院附中,甚至其它普通中学开设音乐学专业的课程,那么,这些课程要与本科招考的内容基本衔接。音乐学专业本科阶段设置的一些课程,在一定程度上一定应该是附中及普通中学音乐学专业课程的延续。因此,课程的设置就十分的重要了。目前,在音乐学院的音乐学专业所开设的所谓专业课程,被认为就是音乐学的学习科目。它让本专业的学生一进入这门专业的学习后,就以为这些课程就是音乐学学科的学习内容。但是,这些音乐学学习的科目,是否真正体现了音乐学这个学科所应该包含的内容,这就很有讨论的必要了。仅从对中国传统音乐的学习与研究来看,今天音乐学课程中的中国传统音乐课程这个科目,就需要添加许多的内容进去。譬如,中国传统音乐理论体系的重构和建立,缺少的是文献学的基础,中国传统音乐文献学是中国传统音乐理论的一个组成部分,是中国传统音乐理论能否建立的基础性工作。就音乐学专业的学生而言,对于音乐文献的掌握是十分重要的,音乐文献和书籍的了解是学习的前提,是基础的基础。目前的课程设置中就很是欠缺这方面的内容。即或是以西方音乐为研究方向的人,可能也首先应该去了解“西方的文献学”,或“西方文献批评”类似的“学问入门”课程。目前的音乐学专业教育中这些课程也没有开设。而从中学阶段开始就开设音乐学的课程,则更加应该注意课程设置的系统性、科学性和层次性。除了中学阶段的音乐和文化的诸多课程有其自身的特点之外,还要顾及音乐学专业本科课程设置的系统性。需要一个系统、合理的,符合我国音乐理论教育的课程设置体系。重要的是我们要把这个体系延续到本科音乐学教育与教学的系统中去,要注意音乐专业与文化等各门课程的衔接。就是说,学生一旦在中学学习期间选定了音乐学的学习方向,那么,就应该学习在本科招考、录取时的一些基本课程和内容。譬如,现在每个音乐学院的音乐学系都开设有:音乐学概论、中国音乐史、西方音乐史、中国传统音乐、音乐美学、和声、复调、作品分析、钢琴等课程。这些课程肯定不可能全部都从中学阶段开始开设,即使那些能够开设的课程,其内容的数量和程度也必须有所限定。具体的课程设置、教学内容,要广泛征求意见,还应该进行理论上的研讨工作。而且,这里一定要考虑本门学科所存在着的层次教育问题。长期以来,我国的音乐学专业缺少层次教育。目前,我国在音乐学的升学考试中,仅就专业而言,所出考题的标准,在本科与研究生,甚至博士生考试之间的差别不是太大。这与我国音乐学的课程设置和教育内容缺少层次有关?N颐敲挥醒刑殖鲆惶子泄乇究啤⒀芯可⒉┦可际钥颇俊⒛谌菁八蕉ㄎ坏牟馐员曜肌SΩ盟担杂谝衾盅ёㄒ档目纬躺柚谩⒉煌愦嗡降难芯浚唤瞿芄槐阌谥贫ㄒ衾盅ёㄒ笛难翱颇俊⒎较颉⒛谌莸龋遥苑且衾盅ёㄒ等嗣堑囊衾盅У难耙簿哂屑匾囊庖濉K裕颐鞘紫纫饩龅氖且衾盅ёㄒ档牟愦谓逃侍狻9赜谝衾盅ёㄒ档牟愦谓逃欠窨梢宰饕韵录父霾愦危?nbsp;一、音乐基础层次 二、专业知识、技能层次 三、文化修养层次 四、方法论层次 而不同的层次又必须要有不同的几个阶段,不同的阶段中要解决不同学科的课程、不同音乐学内容。因此,层次教育是与阶段性教育结合在一起的。 譬如,初级阶段:也许应该进行的是中西音乐概论性与感性知识的基础教育;中西音乐理论基础知识及音乐技能、技巧的基础教育;中西文史、文化、语言基础教育等。在第二个中级阶段则应该进行音乐学概论课程;其它音乐学各门学科概论性的课程。到了第三个高级阶段就应该进入所谓专业论题方面的研究,和专攻方向的研究,以及音乐学专业论文的写作阶段了。在这些不同的学习阶段中,哪些课程、哪些内容,以怎样的程度,针对哪些层次的学生又是很重要的问题了。譬如,强调音乐本体技能与音乐学基础能力并行、音乐专业课程与文化基础课程并重的中学阶段音乐学专业课程学习的同时,还必须把这些课程的初级性质考虑进去。也就是说,在对音乐学专业的学生进行音乐基础知识能力和基本音乐技术、技能训练的同时,还要加强要中外历史、文化知识、语言能力等方面的培养。我个人以为音乐学专业,毕竟首先是一门以音乐技术、技能,以及音乐文化为基础性质的特殊学科,因此,如果不是在音乐学院附中一直专门学习音乐的普通中学的音乐学基础教育,还是应该放在对音乐本体理论所进行的学习上。就音乐学专业方向的学生而言,首先应该具备音乐本体技术、技能、音乐学基础的基本功。对于音乐形态本身的不了解,今后很难深入进行音乐学的研究。今天,有许多没有经过音乐学院音乐学系系统学习的学生,可能在音乐基础知识和基础技能上就要欠缺一些。譬如,今天,我们都承认那些毕业于师范大学音乐系,和其它艺术院校音乐系非音乐学专业的学生,在综合文化知识和能力方面要强于音乐学院的学生。同时,也指出这些学生对于音乐本体了解的欠缺,音乐技能水平的低下,这的确也是事实。而且,这种情况也许还会在今后相当长的时间里存在下去。这正是我国音乐学发展所要解决的关键问题。这种情况下,就要求在进入硕士的研究生阶段要弥补这方面的不足。在课程的设置上就要与音乐学本ㄒ当弦档难鹂础U庖卜稀耙虿氖┙獭钡慕逃枷搿S捎诶返脑颍写笈且衾盅ёㄒ档难芯可乇鹗欠且衾盅г旱难芯可蛐枰股细有枰衾旨寄芊矫娴目纬獭8荼究扑ёㄒ担凳虑笫堑恼攵匝芯可那榭鲋贫ㄑ凹苹C运车募忧恳衾旨寄艿牟钩溲啊6遥捎谀芄唤胙芯可锥窝暗难壤⒉淮螅裕衾盅У闹饕纬毯湍谌萦Ω迷诒究平锥瓮瓿伞L乇鹗且衾旨寄芎图际蹩纬谈Ω迷诒究平锥瓮瓿桑蛭杂谝衾中翁旧淼牟涣私猓苣焉钊虢幸衾盅У难芯俊R环矫妫绻衾掷砺鄣难芯柯畚模皇谴罅科桌亩鸦挥械览砜山玻蚪驳亩际谴蟮览怼⒕傻览淼龋鞘遣恍械摹5牵硪环矫妫绻皇谴永砺凵稀⑽幕辖擦诵矶嘁衾值牡览恚荒芤砸衾值氖导世又髌涞览淼目蒲浴⒑侠硇裕踔谅畚闹辛芯俚囊衾掷踊蚯灼桌肫淅砺鄄幌辔呛希蚋尚ΑR虼耍⒁桓龌境商逑档摹⒂胁愦蔚囊衾盅Ы萄Э纬碳匾R韵钟械囊衾盅У慕萄Э纬躺柚媒械髡⒉钩洹F┤纾肥涤幸恍┦粲谝衾盅У目纬棠谌荩怯值娜防胍衾直咎灞冉显叮衾治南籽У木褪鞘粲谡庋囊桓隹纬獭R严低车囊衾治南籽У慕萄谌莘旁诟呒兜牟愦谓逃腥淌凇F涫担夜澄幕难芯恐校丫幸徽壮商逑档姆椒ǎ凶懦墒斓奈南籽啾冉希颐强吹皆谝衾掷砺鄣难芯恐校;咕啦谘芯康亩韵蟆⒎较虻任侍獾奶致壑惺呛苡字傻摹T谌鲜读宋南籽У幕痉椒ㄖ螅颐蔷筒坏貌凰伎既绾伟颜庵址椒ㄔ擞糜谝衾盅У难芯恐校绾谓⒁衾治南籽У任侍狻N南籽欠椒郏跹颜庵址椒ㄔ擞糜谝衾掷砺鄣难坝胙芯恐兄档盟伎肌?nbsp;即使在音乐的本体教学上,今天的音乐学专业的教学内容也缺少一些重要的门类。譬如,不可缺少直接接触民间音乐的教学内容就应该放在相应的层次里。在新的音乐研究思想和观念的指导下,以新的理念和手段开展民间音乐的采风工作。什么是新的音乐研究思想?什么是民间音乐采风工作的新理念和手段?那就是民族音乐学的思想和方法。今天社会音乐文化生活中的民间音乐,不仅仅指的是山野之曲,同时也包括了城市中的音乐文化。而且,在课程的设置中,还要有意识地注重中国音乐理论课程的设置。 四、结语 在西方音乐学构架中的我国音乐学的专业教育及课程设置、教学内容等等都不完善, 如果能够在附中或普通中学设立音乐学的专业,并使其系统化、体系化,以及具有层次和阶段性,相信其作用及影响会更为明显和深远。 音乐学毕业论文:音乐学术论文为何抄袭成风? 周报评点 艺术院校与研究单位音乐专业人员职称评定,要求必须有。中级两篇、副高四篇、正高8篇,或者要一本两本专著,或者论文之中至少两篇发表在音乐专业优秀期刊,如此等等。 发不出文章评不了职称。职称上不去,工资、住房、升迁等问题接踵出现,与切身利益挂钩,与个人命运相关。可以说“箭在弦上、不得不发”。所以,写论文、发论文,写书、出书,决不是小事情!然而,音乐优秀期刊只有几家,算上所有音乐期刊只有四十几家,一家一期发10篇照顾性质的“职称文章”,也才400多篇。要满足近千个艺术院系音乐专业的讲师、教授、副教授评定职称文章发表的要求显然不可能。 如果一个单位、一所学校把论文、学术著作的发表与出版的数量作为衡量专业人员水平与成果的主要标准。那么,写不出文章,或者说写不出那么多篇文章,或者找不到关系发不到优秀期刊,或者说写了书、译了书,没有钱出版,达不到发表指标的人,恐怕只有两种选择:一些达标困难者,俯首认命,甘受惩罚并继续努力;另一些人,可能破坏学术游戏规则,靠抄袭、请人,贿赂编辑等等手段达到目的。前一部分人压抑,感觉社会不公正;后一部分人则采取不正当手段解决问题。他们的职称文章、职称著作败坏了学术空气,破坏了出版规则,把腐败之风引入学术界,引入出版界。时至今日,已造成严重后果。放眼一望,几乎没有哪家音乐刊物与出版社不遭受这种袭击。这些裹着学术外衣的论文与著作,是造成国内音乐学术期刊与著作出版质量下降的主要原因,是学术腐败的重要原因之一。 分析这帮学术作假者,大多数人并非“生而好抄,生而好剽窃”。他们本来也是孔孟之徒且“人之初性本善”。如果有自己的想法,有自己的成果,何必抄人家,何必剽窃人家呢?而且,时间充裕一些,他们不一定就是写不出东西不学无术的人。为评职称不得已,为抢时间不得已,为保住现有的职称地位不得已。抄之得法,不受惩罚;抄之不得法者,也无人惩罚。这种抄之剽之不受惩罚的结果助长此风越演越烈:大抄出大名,小抄小出名,不抄不出名,早已越过法不治众的阶段,正在向“抄袭成风”的“康庄大道”上迅走,其危害程度远远超过了善良人们的乐观估计。 治理音乐学术论文与著作发行出版的“抄袭成风”,不是几个音乐优秀期刊编辑部与音乐出版社开一两个会,发一个联合抵制的声明就能解决问题的。加上一种舆论认为,与社会上政治经济大腐败相比较,职称文章或学术著作的穷作者们抄袭与剽窃一些东西,算什么事?谈何制裁?所以,统一舆论也很困难。既然此问题是政府人事部门与科教文卫系统80年代商定出台的政策,是计划经济体制下的产物,曾经起到一些积极作用而现在消极作用更大,那么问题也只能从体制与政策上予以解决。 首先,职称评定社会化是一条路子。让专业职称的评定与专业职称的聘任两分开,单位主要根据你实际业务水平与能力和工作需要决定你的职称聘用,而不是根据你论文与著作的多少。这种评聘分离的办法已被人事部门推广采用。其次,职称评定单位化或地方化也是一条路子。北京大学或者江苏省所属高等院校,助教、讲师、教授有自己的一套标准;重庆大学与云南高校可以另一套标准。北京大学比重庆大学,江苏高校比云南高校可以制定更高的学术评定标准,不必搞全国“统一粮票”。各校生源不同,各单位工作要求不同,工资待遇不同,对聘任者水平与能力要求也有所不同。其三,减少职称评定论文、著作发表出版的数量,强调质量。一位学者穷其一生研究的一本著作,或者主要的一篇论文,其学术价值可能几十几百倍于其他平庸作品。鼓励学者与艺术家以一当十,以少胜多。同时,也解决了学术刊物少,职称文章照顾不过来的矛盾。其四,艺术表演、创作专业人员的职称文章与著作数量与质量可以再放宽标准。演唱、演奏与指挥表演水平和作曲家创作水平与教学水平同样进入教授职称评定考虑范围。声乐教授写文章不如音乐学教授,而音乐学教授唱歌也不如声乐教授。如果音乐学教授感觉不公平,也可以展示其表演与创作水平,作为职称评定和专业水平衡量的参考依据。强调声乐、器乐与作曲教学工作者的音乐学素养,与强调音乐学教学工作者的创作与表演素质具有同等重要的意义。当然,学校教书育人,教学效果与教学水平更是一个职称评定的重要标准。不能唯以“文章论英雄”。 好在体制与政策正在逐步改革,如北京地区已实行职称评定社会化,中央音乐学院外聘教授通过本校学术水平测试,星海音乐学院职称文章不以优秀刊物为准等等。这些改革举措的目的,在于消除计划经济体制下人才评定一刀切、简单化带来的诸多弊端,建立一个更为合理的专业人才评定体系。如果职称学术评定文章对参评者压力减小到能够负担的程度,如果学术评定体系公正平等,抄袭与剽窃之风仍然不能煞住,那么,唯有加大监督与惩罚力度才能解决问题。当然,静下心来,研究一下西方学术界为何情况好许多,也是一个有意思的科研课题;看来,问题的最后解决,还得中西结合,对症下药,从根子上消除病因。 音乐学毕业论文:浅论民族音乐学学术论文的特性 内容摘要:民族音乐学是音乐学研究领域的一个重要分支,作为一门音乐理论学科,民族音乐学的研究成果主要以学术论文的形式呈现。本文将民族音乐学学术论文作为关注点,浅论在民族音乐学学术论文中的几点重要特性。 关健词:民族音乐学 学术论文 特性 荷兰音乐学家孔斯特首先提出“民族音乐学”这一名称,并主张用它来代替以往人们习惯称呼的 “比较音乐学”。民族音乐学是音乐学研究领域的一个重要分支。作为一门音乐理论学科,其学术论文的写作研究,则是其理论成果展示的一个重要窗口,它将研究的最新成果用著述的形式予以展示。学术论文的最终形成则被看成为所研究课题的成果体现,无论是国内国外,学术论文在民族音乐学的研究中始终受到高度重视。 一.实地考察性 民族音乐学在研究的过程中注重民族学的内容,注重研究各个民族不同的传统音乐及发展。由此,民族音乐学在研究考察的过程中,大多数专家学者一致认同的一种搜集学科资料来源的基本方式就是田野考察法。 民族音乐学学术论文的写作中,最常见和最基本的一个特性就是实地考察性。在中国民族音乐的研究中,“采风”是民族音乐研究者研究过程中最为熟悉词语,对中国的传统民间音乐、民俗音乐进行实地的考察,是中国音乐研究的传统之一。例如,乔建中先生在其论文集汇编《土地与歌》一书中,去到了甘肃、青海等地了解“花儿会”;到达壮族聚居地探寻“三声部”民歌等。民族音乐学学术论文的实地考察性,是民族音乐学学术论文最重要的特性之一。 二.科学描述性 当我们从田野中考察得到的相关民族音乐资料整理后,将所见到的音乐事象转化为学术论文上的文字,这就需要科学的对音乐事象进行客观叙述和真实描绘。 在我们的学术论文中,科学性的描绘可以体现在以下几点:首先,在对所搜集的资料进行描绘前,需要写作者的合理构思,并在头脑中形成完整画面。其次,在对论文进行合理布局后,论文则开始了文字描述工作。一方面,写作者可以将所观察到的材料进行全面,详细性的描述和陈述;另一方面,写作者也可以将所观察到的材料,经过自己的筛选,提炼精华,将所看到的音乐事象用总结性的描述方法体现出来。最后,当搜集到的音乐资料有曲谱、器乐等声音形态或演奏时所用的乐器,写作者更应该注意声音资料和乐器资料的专业描述术语和描述方法,需要时用乐谱或照片的形式将其记录下来。 三.理性辨析性 学术论文的写作,与普通写作的一个重要区别就是从学术论文的前期准备,搜集材料到论文形成,整个过程就是一个科研过程,它需要研究者的理性辨析。在采风时,研究者可能会面对各种繁杂的音乐现象,这时理性的辨析力则起到了关键作用,它能够帮助研究者从繁乱中看到音乐事象的内在本质和形成规律。 正由于民族音乐学是一门理论型音乐学科,民族音乐学学术论文和其他学术论文一样,需要写作者对其论点进行不断的解释和论证,那么,经过理性辨析的具有实际证据的音乐资料则为这些论点和创造性的观点提供的强有力的支持。 四.创造创新性 在学术论文的写作中,一个重要的共性就是要有创造性。“民族音乐学的学术论文,只要在研究过程或结论中显示出它是一项新成果,那么它就具有科学价值和学术意义”。研究者从论文准备,写作至完成,在这期间运用的一切研究方法和理性辨析思维都是为了使其学术论文中的过程、结论或成果具有创造性。按照伍国栋先生所说,具有创造性的学术论文可以在研究过程中有新的创造,也可以在论文结论中有创新性的成果。 此外,当我们在判断一篇学术论文是否具有创新创造性时,应注意它是否符合社会和时代的发展,是否突破了固有的观点和理论,站在研究领域的前沿去发展和创造。当这些方面的某一点得到满足,一篇学术论文的创新和创造性则得到了一定的体现。 民族音乐学重点研究各民族音乐性质、规律,其学术论文是该研究成果的集中展示。用论文的方式解释具体的学术问题,需要研究者有理性辨析能力、创新创造力、坚持实事求和严谨求实的学术精神,不断开阔自己的研究视野、扎实写作功底、丰富自己的实际经验。只有这样,民族音乐学这一学科才能不断的蓬勃发展,人类的科学事业才能生机勃勃、蒸蒸日上。 音乐学毕业论文:音乐学专业钢琴教学改革论文 钢琴教学是高校音乐学当中一门较重要的课程。对于钢琴教学的模式一直在研究和探索。努力实现完善的教学课程系统话,丰富课程内容。使这门课程具有科学性,实战性。随着新时期的到来,社会需求的日益加大。逐步反映出现在如今的钢琴教学还是按照传统的思路来学,忽视学生对钢琴技能的实战。高校音乐学专业其特殊性,使其在教学过程当中占有既特又重要的地位。由于素质教育重要组成部分是音乐教育,其专业的重要职能是向社会输送音乐教育者。这就要求合格的高校音乐学专业师资必须要有好的钢琴基础。高校音乐学钢琴改革,会影响到音乐学的前途和发展,会对今后的钢琴事业产生重大和深远的影响。钢琴教学的改革是在新的体制下的必然产物。教学应向多样化发展趋势进行。在改革的同时也要同步发展,既要有扎扎实实的基本功,还要有一定的即兴伴奏能力,同时还要学以致用,这些也是我们要从各个方面去考虑的。在这就钢琴培养的目标,钢琴教学的内容,钢琴教学的理念来浅析高校音乐学钢琴改革。 一、钢琴培养的目标 当下,学钢琴的学生越来越多。喜欢的钢琴的学生也多。原来传统的钢琴培养目标是就是单一的练好钢琴作品。随着时代不断进步,社会上需要大量的可以即兴演奏钢琴的人员。而目前培养的学生中大多数都不太会弹奏即兴这部分,这就使得大多数学生不可以积极适应社会,不能够很好的融入社会。这就使得我的钢琴培养目标该进行调整,在保证正常的钢琴作品的演奏情况下,也熟练掌握即兴的演奏.以便更好地服务社会。按照《新课程标准》的要求,音乐学专业最终目标是为了培养合格音乐教师。《新课标》要求音乐学专业的学生在钢琴上要好的演奏教学能力,同时还要有好的钢琴教学能力。而学生到今后的工作岗位上缺乏实践锻炼,心里素质差,一上台就会出现各种各样的问题和毛病。更多的希望学生在校期间大好良好的基础。音乐学的学生必须要会往实践中走,而后又返回学习当中去,不断的提高自己。我国一直都在开展素质教育,大大地增加了音乐学科的课外活动。为了符合社会发展趋势,在培养音乐学学生在钢琴方面的登台表演经历和艺术实践活动能力,那音乐学专业钢琴教学必需作出改革。改革的目标就是让每一名学生都参加艺术实践活动中,多去校外实践基地实习。 二、钢琴教学内容 传统的钢琴教学当中,大量的都是世界名家做的钢琴作品。比如有拉赫马尼洛夫音画练习曲,柴可夫斯基的四季等。更具不同人的喜好有些同学喜爱巴洛克时期的作品,有的喜好古典主义时期的作品,有的喜好浪漫主义时期的作品。那有些学生喜好拉格泰姆,爵士,布鲁斯等黑人音乐风格音乐元素的借鉴。在音乐学学生走上工作岗位之后,即兴伴奏的强与弱,对学生来说是极其重要的。在钢琴教学过程中不仅要有钢琴的课程,更开设即兴伴奏这门课程。但是这门课开设,在这些年也反应出。由于学生钢琴基础水平的高低不一样,使得教师在实践中遇到很多难题。即兴伴奏是钢琴技能,基础课程融合的一个综合性科目。在学之前应该要学生具备车尔尼599,849水平,学习内容该重点强调说有大小调音阶琶音和弦。同时还要求学生具备很好的和声基础。在钢琴教学内容中多多了解内容,情绪,风格。好的伴奏能力是通过多次的实践长期练习获得的。学生该主动多完成谢曲目,在完成老师留作业以外,还要多去找比较生疏的曲目进行练习,这样可以提高识谱能力。生选用的教材上太单一化。可以通过改革实现巨大的包括性,把钢琴基本的弹奏技能知识与即兴连起来,进行重新编写。那这样的教材也大大提升的教学效果。授课时时会对学生进行集成练习部分,有音阶,琶音,和弦以及哈农还有各种练习曲以外,可以加入伴奏音型,和弦的连接训练。这样使我们学生在刚刚开始学习内容中就得到丰富。同样要严格要求学生弹奏内容同时,更该让学生多多弹奏乐曲的伴奏部分。让学生多听旋律和声以及伴奏织体。例如学生弹拉赫马尼洛夫的作品时,就应该注意多多分手练习,多体会和领悟旋律的走向。 三、教学理念 破原有思维模式,敢于创新。音乐学的学生是要求钢琴,即兴伴奏,艺术实践活动三个大方向合成的。这三个部分是依托关系,缺一不可。虽然在学习过程当中这三课程由不同主教老师分开教学,但是为了学生能够更好的将这三门课紧密的联系在一起。这三个课程的老师应相互协商,相互探讨。如何让这三门课有机的结合在一起。这就需要突破我们教师原有的教学理念,使更多的教师参与进来,多交流,多合作。并长期教师之间形成很好的交流,大大提倡教师之间的合作交流。三门课程的教师该多多找找科目的通性,及不同的地方一并解决。在基础和的同学生身上要多多发现好的学习方法,也可以让老师和同学共同总结和完善教学方法。这样会有利于学生的学习进度。同样在每个学期中,举办组织学生进行教学观摩。根据音乐课的特点,定期开展以系部,班级为单位的教学观摩,同时也较强的促进学生之间的学习,以提高他们学习积极性。对于考核我们要多样性发展,把艺术实践的成果也计算学生的成绩之内。这样学生会更主动的学习。对于高校的音乐学钢琴的改革,必学坚持以科学为主导,主动放弃陈旧的课程观念,使钢琴这个大学科能够互相促进,这样才能使这一学科培养更多的人才高校的改革是一项系统工程,它考虑的面广,量大。应该从实际出发,克服困难,勇于突破和大胆创新。这样的音乐学钢琴教学的实质发生了改变。才可以真正推动我国高校音乐学钢琴教育事业的发展更稳,更科学,更有活力。最终使学生好老师都满意,社会高度认可的改革。 作者:方飞 单位:广西民族师范学院 音乐学毕业论文:音乐学教师教育论文 一、音乐学教师教育专业课程改革具体做法 1.整合音乐基本理论与听力训练的《乐理与视唱练耳》。这种课程设置的方式在之前已有实践,很多教师在传统视唱练耳课程授课过程中其实也在不断强调两课程间的关系,是两者紧密结合。 2.将和声、曲式、复调、配器等四门作曲技术理论课程合而为一,成为《多声部音乐分析与写作》。目的旨在完成对于音乐作品创作完善过程中所需要的基本技巧的学习,而非培养一个作曲家。 3.新开设《外国民族音乐》等新型前沿课程,一方面获得对于世界各地区、各民族音乐主要体裁、形式、乐器、乐曲和音乐形态等方面的基础知识,提高学生对于音乐的分析、鉴赏能力,培养探索精神、创新意识。另一方面,扩大学生的音乐视野,明确人类音乐的多样性,人类音乐文化、音乐行为的普遍性。懂得理解和尊重多元音乐文化,明确中国音乐在世界音乐中的特点和位置。在具体教学过程中,注重将此课程与音乐理论其他课程的联系与对比,突显出音乐世界的丰富与广博,大大提升了学生对于音乐观念的认识层次。 4.根据《教育部教师教育课程教学指导纲要》要求,将中国、外国乐器演奏成为有选择的必修课程,即中外乐器必须各选择一件进行学习,目标是了解相应乐器的基本知识,赏析具有代表性的作品,掌握乐器演奏的基本方法、基本技巧。 5.将原有的《音乐教学法》拓展为《学校音乐教育导论与教材教法》,新课程属于音乐学科教育学的范畴,具有音乐教育基本理论与音乐教学实践相结合的课程特点,可以更加系统、完善地引导本科教育专业学生适应中小学教育发展的大方向与新要求。 二、音乐学教师教育专业课程改革的积极意义 1.密切了学科关联的系统综合性。以《多声部音乐分析与习作》课程为例,将以往《和声》《曲式》《复调》《配器》等作曲技术理论整合,去除过于专业培养作曲家的艰深部分,充实与实际作品相联系、实践能力相适应的使用技巧。本课程在非试点院校没有开设,传统院校仍采用专业化而非实用化的四门课程、分别授课。 2.强化了理论与实践相结合的协调统一性。以《学校音乐教育导论与教材教法》课程为例,将旧有的《音乐教育学》《音乐教学法》整合拓展为《学校音乐教育导论与教材教法》,更加系统、完善地引导学生适应中小学教育发展的大方向与新要求。本课程在非试点院校没有开设,传统院校仍采用理论与实践相割裂的教学方式。 3.体现了与国际接轨的前沿性。以《外国民族音乐》课程为例,可以获得对于世界各地区、各民族音乐主要体裁、形式、乐器、乐曲和音乐形态等方面的基础知识,提高学生对于音乐的分析、鉴赏能力,培养探索精神、创新意识。此类课程除以往在各大音乐学院、艺术学院及福建师范大学等院校全面系统开设形成了示范效应外,教育部试点院校也随之全面系统开设,除此之外的传统音乐学科学校开设尚不普遍且不够系统。 4.强调了实际工作能力的教学适应性。以《中外乐器演奏》课程为例,了解掌握相应乐器的基本知识,赏析具有代表性的作品,掌握乐器演奏的基本方法、基本技巧。适应当今中小学课外趣味活动建立军乐队、民乐队的实际能力需求。本课程在非试点院校一般只以选修课的形式开设,且只针对某一类乐器。不具备普遍教育意义。 5.拓展了从欣赏到鉴赏的广泛性与专业性。针对音乐学教师教育专业,各试点院校适时开设了《声乐名作与演唱赏析》《器乐名作与演奏赏析》两门课程,将以往《音乐名作欣赏》课程统一授课的方式打破,更具针对性与专业性,同时突出了对于学生演唱、演奏方式、状态的提升作用。这样的课程在以往有音乐学院系统有类似课程开设,如《歌剧艺术赏析》《弦乐艺术赏析》,但相较于前述的《声乐名作与演唱赏析》《器乐名作与演奏赏析》范围相对偏小,不够全面。 6.明确了专业通识体系的渗透性与交叉性。音乐学院针对与音乐相关的姊妹艺术的渗透性与交叉性开设了以下课程——《中外美术简史与名作鉴赏》《影视艺术简史与名作鉴赏》《舞蹈名作鉴赏》。这些课程目前在省内其他同类院校中都是没有开设的,这一点与国家对于人才培养的综合素质能力要求十分不协调。 综上所述,教育部正在完善的音乐学教师教育专业对于我国中小学音乐教育的良性发展是具有重要的积极促进作用的,突出体现了素质教育对于艺术综合能力培养的目标。同时应该将试点院校的经验进一步推广,引导其他未改革院校顺应教育发展改革的潮流,促进素质教育的进一步完善。 作者:延劭楠单位:兰州城市学院音乐学院 音乐学毕业论文:民间音乐学前教育论文 一、政府层面 以教育法规保障南通民间音乐在学校音乐教育中的基础地位。南通民间音乐特色鲜明,是我国民族音乐文化中不可或缺的重要组成部分。为了保护这些宝贵的非物质文化遗产,我国陆续颁布了《部级非物质文化遗产保护与管理暂行办法》(2006年)、《中华人民共和国非物质文化遗产法》(2011年)等法律法规,为保护非物质文化遗产提供了强大的法律保障,也显示了政府捍卫民族文化的决心。政策法规具有强制性,在政策法规的引导下,学校民族音乐教育工作将会事半功倍。1932年,国际著名音乐教育家柯达伊主导制定了以原始民间歌曲教学为基础的匈牙利音乐课程教学大纲⑤。从1945年起,柯达伊一直承担领导制定匈牙利音乐教育规划的任务,推行民间音乐的各种举措,从根本上保证了匈牙利学校音乐教育不断地向着更具有民族性的方面发展⑥。我国的《全日制义务教育音乐课程标准》提出了“弘扬民族音乐”的基本理念。然而,在多次访谈中,当我们问起孩子们是否会唱南通的民歌时,回答会者寥寥无几。现行的学校音乐教学体系使用的是统一教材,这样的教材更注重普遍性,难以兼顾地方民间音乐。因此,就出现了南通孩子不懂南通音乐的怪现象。如果地方教育主管部门出台一些针对性的政策法规,用教育法规的形式保障南通民间音乐在学校音乐教育中的基础地位,必将大大促进南通民间音乐的传承与发展。创新多层次的民间音乐传承机制。近年来,南通对民间文化的保护一直走在全国前列。南通市在民间文化保护工作方面提出了“保护为主,抢救第一,合理利用,加强管理”的方针,保护工作卓有成效。(1)充分展示民间文化。南通先后成立了南通非物质文化遗产馆等7个部级、省级项目的专题博物馆,每年吸引数十万人前来参观。(2)研究挖掘民间文化。2006年,南通大学创建了民间音乐研究室,致力于研究本土音乐文化,并出版了《南通民间音乐精选》等论著。(3)传承发展民间文化。自2009年以来,为了给民间文化传承人和非遗项目建立传承平台,南通市连续免费开展了24个班次的非遗传习班,累计培训3600人次⑦。这些举措为南通民间音乐的保护和传承做出了重要贡献,但是,为了顺应时代的飞速发展,实现民间文化的活态传承,需要超越“博物馆”式的传统保护方式,改革“口口相传”式的传统传承方式。因此,必须扩大南通民间音乐的普及面,尤其要重视其在少年儿童中的传承。让南通民间音乐走进幼儿园和小学的课堂不失为一种明智之举,一方面,孩子们通过传唱民间音乐能够更加了解本土文化,热爱家乡,培养乡土之情;另一方面,南通民间音乐能够在下一代的启蒙阶段播下种子。让南通民间音乐走进幼儿园、走进校园,都离不开政府教育主管部门的大力引导。如果能以政府为主导,鼓励民间的口传身授式传授,促进专家艺人的研究发展式传承,推进学校的普及式传承,创新出一种多层次的传承机制,必定能使南通民间文化得到长效发展。文化和教育部门牵头编写园本教材。目前,相关文化部门已经搜集了不少材料,如《南通地区民歌集》、《通州民间山歌集》、《中国海门山歌集》等,但是这些材料专业性较强,不适合在幼儿园使用。幼儿园民间音乐教育作为民族音乐的启蒙阶段,应该让幼儿学得轻松、快乐、有趣,切忌晦涩难懂。选好音乐素材就等于成功了一大半⑧。在政府的牵头下,教育和文化部门可以组建一支由民间音乐艺人、高校民间音乐研究者、幼儿音乐教育专家,以及幼儿教师共同参与的队伍,结合幼儿的生理、心理特征,对民间音乐素材进行筛选、加工、改编。如根据幼儿的审美特征,选择情绪鲜明、旋律优美、节奏工整的作品;根据幼儿以具象思维为主的认知特点,配上渔民撒网、农夫挑担、广场打麦等鲜明图片;根据幼儿的注意力特点,缩短歌曲长度,选唱朗朗上口的副歌部分或者主题部分。 二、幼儿园层面 由表及里,提高幼儿教师的南通音乐文化修养。教师是幼儿园民间音乐的具体实施者,提升幼儿教师的南通音乐文化修养至关重要。首先,激发幼儿教师对本土文化的认同感和强烈的责任感。教师只有自己喜爱民间音乐,才能把这种情感延续到儿童身上。其次,通过集体培训、小组传授、个别指导、组织观摩、民间采风等多种形式,提高幼儿教师的音乐知识与技能。音乐是表现的艺术,教师对民间音乐的歌唱、表演是最基本的传递方式。再次,引导幼儿教师阅读文献,仔细体味南通民间音乐的内涵文化。比如,教唱如皋民歌《担旦号子》“你不来呀让我来呀,姜太公独坐钓鱼台啊”,教师如果只是设计哼唱旋律,模仿律动,让孩子体验挑担,了解挑担的步态和身法,未免肤浅,应进一步引导幼儿看到如皋人彬彬有礼和敢于争先的风气。创新教法,打造多通道的“生态”集体活动。幼儿园的集体活动是实施南通民间音乐的主要途径,结合幼儿的心理特点,对于民间音乐的教学采用多通道教学法最为适合。从幼儿的心理审美特点上看,“学前儿童的审美知觉表现出多通道性,这种多通道性来源于幼儿的通感,表现为语言与非语言的动作、表情等身体活动的结合,以及不同感觉之间的联觉。”⑨幼儿的语言表达能力极其有限,需要用动作、表情、图画等予以辅助。由此,教师应该引导幼儿通过视、唱、赏、动、画、演、奏等多种教学方法,调动其语言、动作、想象、情感等多通道参与,投入审美体验、情感表达。例如,对于海安花鼓可以通过“赏-敲-创-演”的模式进行学习。先通过多媒体欣赏海安花鼓队在天安门前的表演视频,引导幼儿仔细观察演员们是如何敲鼓的;然后出示道具,让幼儿用自己的方式“敲”花鼓,探索花鼓的敲法,感受花鼓的音色;接着,与幼儿一起创编最基本的花鼓敲击姿势与节奏;最后,创设情境,把教室想象成天安门的广场,列队表演,模拟演出。这样,幼儿对民间音乐的感知更深刻,表达也更丰富。本土化环境布置,将民间文化渗透到幼儿园的每一个角落。幼儿园环境是隐性课程的重要组成部分,随处可见的本土文化更容易激发幼儿的欣赏、探究欲望,所以应从多角度、多方位传递文化,潜移默化地影响幼儿的认知和情感。幼儿园本土环境的创设首先包含空间环境的创设。如在主题墙上陈列民间建筑、田野生活、民俗演出等图片,通过折、剪、画、粘等展示南通音乐文化。区域里可以摆放南通的民间工艺、民间乐器、民俗道具等,引导儿童操作体验。 三、结语 音乐是音响的艺术,幼儿园环境创设还包括音响环境的创设。可以在晨间活动、午睡之后、离园时播放南通有趣的传统童谣,如金沙童谣“大(念duo)头,大头,落雨不愁,人家有伞,他有大头!”通州童谣“南通州、北通州,南北通州通南北;东大仓西大仓,东西大仓堆东西”等,还可以在春节、端午、中秋、重阳等特定节日播放相关的民间音乐。家园共育,充分利用社区资源。幼儿园民间音乐教育利用社区资源,可以扩大教育空间,丰富教育资源,使民间音乐教育立足当地,形成特色。维果斯基的社会建构理论强调,儿童的发展离不开社会,社会情境在儿童的认知发展中起着巨大的作用。社区资源指“学生家庭乃至整个社会中各种可用于教育教学活动的设施和条件,以及丰富的自然资源”⑩。幼儿园可以充分利用社区资源引进来、走出去。南通民间音乐的传承人是宝贵的人力资源,如海门山歌传承人崔立民、海安花鼓传承人杨培杰等。幼儿园可以邀请这些民间艺人到园里教孩子们唱歌跳舞,给孩子们讲述发生在祖辈身上久远的故事。还可以利用市区以及市郊的文化环境资源,定期有计划地组织幼儿参观南通市博物馆、民博园、美术馆、如皋木偶剧团、海门山歌剧团等,进剧院欣赏观看各类民间文艺演出,到乡村田间参与劳动实践,感受鲜活的民风民俗,体验多姿多彩的民间生活。“一方水土养育一方人”,我们相信:丰富的民间音乐文化教育将会在祖国未来的建设者心里,种下美好的幸福之梦、富强之梦、复兴之梦! 作者:韩恬恬 单位:南通大学教育科学学院讲师
声乐教学论文:发音基本功视角下声乐教学论文 一、咬清字是声乐教学的重要要求 我们在歌唱时,一定要借歌曲来传情达意,或通过歌曲创造出一定的意境,或优美或深邃,而这样的意境表达除了凭借旋律之外,就属歌词了。可见歌词能否入耳,能否传情,就要看歌唱者是否能表达清晰。一些初学者,也许受方言的影响,有些声母在平时就发不清晰,导致发声时发不准声母的音。例如b的发音,有的学生会很短促,有的就会狭长些,导致发音不清。这时就需要教师仔细指导,例如声母的发音部位和发音的气息等方面,教师都要反复地为学生作出示范,尤其针对一些吐字不清的发音动作,更要反复进行强调,有意识地矫正学生发音,以使其发音慢慢趋向于准、平、稳,并且可根据学生发音情况,制定出相应的训练计划和步骤,使学生对发音的控制力不断加强,然后再督促学生把声母和韵母结合起来,进行音阶练习。实践证明,这种方法对于咬字不清的学生来说,是十分有效的。 二、抓好学生的基本功训练 中专学生音乐知识和音乐水平参差不齐,这就需要教师在声乐教学中,一定要抓好学生的基本功训练,并采取相应的措施来加强学生的基本功练习,为学生将来继续深造打下坚实的基础。因此,教师在教学生练声前,应先给学生讲清各个发音部位,并且要强调指出发音时的要领:喉咙放稳,舌根和下巴都要呈放松状态,类似打哈欠,使声音上下通达自如。练声时,一般从C′练起,所练曲目应按照由易到难的顺序,母音练习时应以a、o、i、u、mi、ma、ye为主。待在中低音区练习熟练之后,再开始练习高音区。只有遵循这样的练习步骤,学生的发音器官才能得到很好的锻炼,不至于会出现难度突然提升而造成嗓子的负担过重。另外,因为每个学生个体情况存在着差异,其发声器官也有所不同,唱歌时,发出的声音也会存在着差别,有的声音较清脆,有的却不够圆润。针对这样的情况,教师要根据学生的发音情况,采用不同的教学方式和策略。例如,对那些发音较清脆却又缺少集中的声音,教师要使用o、u音来加强学生的练习,使学生的发音渐渐圆润起来;相反对那些发音低缓,不够流畅的声音,教师要进行集中训练,如可让学生反复练习d、t、n的发音,还可以通过使用录音机,来查找自己的不足,直至发音到位、顺畅。教师在抓学生的基本功训练时,要从一般到特殊来筛查,针对个别学生,再进行辅导,努力使学生的音准、音色有一个大的提高。 三、声乐教学要注意方式方法 声乐教学不单单是为了处理音高、节奏等问题,更重要的是让学生对音乐有更充分的认识,对歌曲有完全的理解,能借助音律反映歌曲的意境,准确地诠释作品的情感和含义。教师给学生讲清楚音乐的无穷魅力,让学生懂得音乐是有生命的,它充满了朝气,充满了阳光,富有激情和感染力。不能仅仅把“动听”作为音乐单纯的目的,这样学生就会渐渐重视发音的练习,并会做到坚持不懈。在声乐教学中,教师往往会遇到这样的现象,觉得讲得非常明白了,可总会有学生不理解、做不到位。这时教师要注意讲课的方式和方法。比如学生急于求成,对教师所讲的发音器官貌似听懂了,其实对一些发音部位或器官的专业术语还是很糊涂。如在做发音训练时,教师可以先让学生把发音器官的位置弄明白,再通过自己的示范发音,让学生领悟发音规律,或教师也可以先进行生动讲解,再由学生试着来发音,教师根据学生的发音进行及时的纠正。还可以借助多媒体来播放一些发声视频,让学生自己感悟正确发音和发音不准的内在区别,以增强学生的学习兴趣,提高声乐教学效果。 四、结语 总之,声乐教学中,教师若想让学生掌握科学发音的发声方法,就必须严格地要求声音频率的稳定度,发音不能做作,要有自然的、顺畅的波动,这样的声音才会产生共鸣,才会有感染力。俗话说得好,“台上一分钟,台下十年功”,要想发音准,音色美,声音圆润清亮,离不开学生刻苦的练习,在练习的同时,要提醒学生多感悟、多体会、多请教,才会有大的改进和提高。另外,声乐教学中,还需要学生对声乐产生高度的热情,拥有良好的心态和美好的情绪。这样反复练习,学生才不会感到乏味,才会真正地投入到声乐课堂中来,领悟到音乐的乐趣。 作者:侯琳 单位:河北省石家庄铁路运输学校 声乐教学论文:艺术学校声乐教学论文 一、声乐教学理念的革新 文化艺术不断发展的今天,声乐教学也应该顺应时展的潮流进行改革。为适应时展的要求,中等艺术学校声乐教学有必要改变旧的教学理念,要用发展的眼光看待新生事物,探索新的教学理念。一方面,从我国博大的声乐文化中摄取精髓。我国很早就展开了声乐理论研究工作,研究成果颇丰,如唐代《乐府杂录》中就有“善歌者,必先调其气,氤氲自脐间出,至喉及噫其词,即分抗坠之音,既得其术,既可致遏云响谷之妙也”。我国声乐理论中自古就有“气为声之本,气乃音之帅”的说法。我们应当潜心研究并继承和发展丰富多彩的民族声乐文化,吸收其精华,才能推动我国声乐教育事业的发展;另一方面,借鉴国外先进的声乐教学理念。“对于声乐训练的本身,科学唱法和技巧是共性,是中外各种唱法共有的。在中国传统民族唱法中有科学性,在外国声乐中也有科学性。”因此,我们改进声乐教学理念,仅仅继承民族声乐文化还不够,更应吸取国外各种风格声乐学派先进、科学的演唱方法和艺术表现手段,丰富和发展教学理念,这样才能更好地发展我们的声乐教学。 二、声乐教学模式的改革 目前我国中等艺术学校声乐教学课沿用“一对一”的小课教学模式,教师对每位声乐专业的学生一周安排两节小课。这种教学模式的优点是针对性强、因材施教,但是也有弊端,如费时费力、学生之间缺乏探讨、束缚学生的视野等。时代在发展,我们面对的授课对象与过去不同,如果仍沿用传统的教学模式,势必制约中等艺术学校声乐教学的发展。因此,笔者认为我们应根据授课对象的年龄、学习程度等实际情况,对现有的教学模式进行必要的、适当的调整和改革。 1.对刚入学的一年级学生应采取“一对二”的教学模式。 如今,中等艺术学校声乐专业学生的入学年龄为14~16岁,比以往学生的入学年龄小很多。学生正处于变声期,如果一节课之内对他们进行连续的声乐训练,他们的嗓子容易疲劳、沙哑,影响其发声器官的健康发育。因此,我们对他们应采取“一对二”的教学模式。这种教学模式在训练当中不仅使学生的发声器官得到休息,而且能使两位学生互相观摩,有利于他们对技巧的掌握。 2.对二年级的学生要采取“一对一”的教学模式。 通过前一年的学习,二年级学生掌握了一些声乐技术技巧,有了较好的基本功,发声器官的承受能力也随着年龄的增长而提升。我们对他们应该采取“一对一”的教学模式,加大声乐训练力度,适当地拓展音域,为三年级的高考冲刺打好基础。 3.对三年级的学生应采取“一周三节课”的教学模式。 对三年级的学生来说,绝大多数要参加艺术类高考,他们的学习任务非常重,需要加强专业和文化课的学习。因此,对他们的声乐课应从“一周两节课”增加到“一周三节课”,使他们的声乐水平得到提升,在激烈的竞争中能够脱颖而出。 4.对演唱方面有问题的学生老师们要采取共同“会诊”的教学模式。 在教学当中,教师会遇到演唱方面具有不良习惯的、有问题的学生,这类学生教起来非常困难。一个人的能力是有限的。像我国著名声乐教育家沈湘教授那样辅导男女各声部的学生,而且还能够让他们在国内外声乐大赛上屡次获奖的人,在声乐界是罕见的。教学当中,有些教师善于解决男生提喉头的问题,有些则善于解决女生真假声不合的问题。因此,当声乐教师遇到难教的学生时,声乐教研室的老师们就会及时“会诊”,各显其能,彼此交换意见,指出解决问题的途径及方法,使学生受益匪浅。 三、声乐教材的改革 教材是教学的一个重要内容,是教学的一个重要环节。但当前我国中等艺术学校还没有统一规范的声乐教材。我们使用的教材基本照搬高等师范院校或高等音乐学院的声乐教材。由于中等艺术学校与高等音乐学府在声乐技能技巧要求、培养目标等多方面有着很大差别,二者在教学内容上有所不同。“声乐教学内容决定于不同教育层次的培养目标。”声乐教学内容的选择是有针对性的。然而在教材的选择上,有些教师喜欢按照自己的意愿为学生布置练声曲或声乐作品,随意性很大,缺乏明确统一标准和依据;有些声乐教师甚至列出一张声乐作品名单给每位学生一份,根本没有考虑学生的具体情况,缺乏针对性;有些教师布置声乐作品时范围狭窄,局限在旧作品上,不主动积极地布置新作品,曲目缺乏横向突破,不能充分调动学生的学习积极性。由此可见,没有统一规范的声乐教材就会影响声乐课的实际运用和操作,进而影响教学质量。教育部门应组织教学经验丰富的声乐教师编撰一套适合中等艺术学校的声乐专业教材。在教材内容的选择上可以参考高等音乐学府教材,对它进行提炼、简化并在内容上进行适当的增补。教材要明确体现出中等艺术学校声乐专业学生的培养目标,要强调教材的针对性、通俗性和趣味性,使学生能够“寓学于乐”、易于理解和接受,为学生在专业学习道路上的良好发展奠定基础。教师在教材的选择上应考虑到以下方面的问题: 1.教材必须有针对性。 在教学当中,有些教师不论是男生还是女生都用同一个练声曲;不论舌根紧的还是提喉结的都用i母音练声;无论一年级学生还是二年级学生都用同一个声乐作品进行训练,缺乏针对性,严重影响学生的进步。每个学生的具体情况不一样,学习程度也不一样,因此,教师选择教材内容时必须有针对性,要考虑到学生的训练程度、存在的问题以及哪些练习适合,避免盲目性。如对提喉结演唱的学生多用下行的u母音练习;舌根紧的学生多唱a母音的跳音练习;初学者唱《月之故乡》《大海啊!故乡》《花非花》等简短易唱的作品;具备一定演唱能力的学生唱《长城永在我心上》《妮娜》《草原之夜》等难度稍大的作品。针对性的原则就是从实际出发,实事求是,教师只有有针对性地选择教材,才能使每位学生扬长补短,收到教学效果。 2.教材内容要丰富多彩。 在教学当中,我们基本上一直沿用那些旧作品,学生很少接触新作品。当然有些旧作品是经典曲目、经典教材,诸如《红豆词》《叫我如何不想他》《我的太阳》《祖国慈祥的母亲》等。然而艺术本身是发展的,人们的审美标准也是随着时代的变化而发展的,新时代涌现出了一批被声乐专业学生和广大群众喜爱的具有艺术性、思想性的新作品,如《往日时光》《跟你走》《呼伦贝尔大草原》等。这些作品不仅在声乐技巧运用方面有较大的发展和提高,作品风格上也多样化,深受学生们的喜欢,易于调动他们的学习积极性。因此,教师在教材内容的选择上不仅要选择旧的经典作品还要敢于开发新作品。把这些新作品充实到教材内容中不仅起到丰富教材内容的作用,还有利于提高教学效率。 四、结语 总之,要发展就要改革。中等艺术学校的声乐教学改革不是一朝一夕之事,而是一个漫长的过程。我们还要积极探索先进的教学理念,寻求有效的教学模式,丰富完善教材内容才能促进声乐教学可持续发展。 作者:刘胜 单位:内蒙古大学艺术学院附属中学 声乐教学论文:民族声乐教育教学论文 一、在秉承传统与民族的基础上贯彻多元化的教育思想与理念。 当前,在绝大多数人的概念和意识中,多元化的艺术教育理念和思想是一种标准的外来文化,但正如前文已经提及的,我国的现代民族声乐艺术,民族声乐教育从诞生、发展之初就具有鲜明的多元化特质,可以说多元化是我国现代民族声乐艺术与教育发展的肇端,但因为种种原因,我们在新的世纪,新的时期将这种思想和理念一直坚持继续秉承和发扬。总体来讲,我国现代民族声乐的发展与形成主要分为四个主要阶段:第一阶段是20世纪四五十年代。这一时期中华人民共和国刚刚成立,我国的民族声乐学科教育与建设还没有完全走上正轨,这时的民族声乐无论在教学和演唱上都受到传统民族声乐的深入影响,无论是在演唱方法还是作品艺术风格层面,如郭兰英演唱的《一条大河》、郭松演唱的《乌苏里船歌》、王昆演唱的《秋收》《南泥湾》等等。这时的民族声乐作品或改编自少数民族或地方性民歌,或源自戏曲曲艺的曲调,在演唱的处理与表现上也带有鲜明的传统民族声乐的唱腔和韵味。第二阶段是20世纪六十年代至七十年代末,这一时期对于我国的民族声乐艺术来讲是一个较为特殊的时期。这一时期因为很多特殊的原因我国的社会十分封闭,动荡不断,一切艺术都陷入停滞甚至倒退,但我国的民族声乐艺术却仍在夹缝中取得了一定的进步和发展。由于极端的思想影响,在我们的学术界出现了一种否定外来文化的思想,武断的否认一切外来文化的作用和价值,而一批早年有过欧美留学经验的声乐教育家则坚决的抵制这种思想,并与其进行针锋相对的斗争。主张我国现代民族声乐的发展必须走一条“土洋结合”的道路,这便是我国现代民族声乐发展史中非常著名的“土洋之争”。而随着我国社会动荡的结束,改革开放的开始,我国开始再次走上正常发展的轨道,而争论的结果自然是“土洋结合”道路的胜利。而这次争论的积极意义则在于从此明确了我国现代民族声乐的发展理念与发展防线,使我国的民族声乐艺术和教育重新走上了正常发展的轨道。第三个阶段是改革开放开始至20世纪末。这一时期我国各项事业蓬勃发展,我国的高等教育体系也重新开始发展和完善,民族声乐也正式作为一种艺术学科进入了我国高等教育体系。因为我国的高等音乐教育一直完整的沿用西方音乐教育体制,因此,这时“土样结合”的音乐教育理念与思想在我国的民族声乐教育教学过程中得到了进一步的贯彻和发展。通过以中国音乐学院、沈阳音乐学院为代表的一批声乐教育家不懈探索和努力,我国的民族声乐艺术在科学性、系统性。规范性上都取得了长足的发展和进步。培养出了大量优秀的具有较高艺术水准和演唱水平的民族声乐教育家与歌唱家,如、阎维文、宋祖英、等等,我国的民族声乐艺术也取得了空前的成功和繁荣。而大量具有新时代气息的专业化声乐作品也大批的出现,这些作品同这时的民族声乐演唱方法和风格一样,鲜明的带有欧洲古典音乐的艺术特征,无论是在音乐形式还是在音乐风格上。可以说这一时期堪称是我国民族声乐艺术发展的黄金时期,无论是在演出市场的繁荣程度还是在教育教学的学科建设上。而当我们回顾这段历史,我们不难发现,这时我国民族声乐艺术的成功并不是偶然的,而是必然的。这时我国的高等民族声乐教育完全起到了民族声乐艺术进步发动机的作用,在借鉴和吸收外来声乐文化,尤其是欧洲美声唱法上完全做到了多元化的理念和思维,在坚持本民族艺术特征与审美特质的前提和基础上最大限度的做到了开放性与包容性,兼收并蓄,才使得我国现代民族声乐的艺术形态最终确立。第四个阶段是21世纪初至今。这一时期我国的社会的各个层面都进步、发展和转型。伴随着社会的进步和人们实际需求的变化,我国的民族声乐艺术演出市场和舞台上出现了很多新鲜的元素。 “原生态”的抬头“,跨界风”的盛行“,学院派”的坚守,等等。一批新生代民族歌手也相应而出,如融“民声”与“美声”为一体的吴碧霞,“民声”与“通俗”无痕跨界的谭晶,“神曲制造者”龚琳娜等等。多种多样的声乐演唱方式、表演方式、声音理念、审美理念纷至沓来,对我们高等民族声乐教育提出了严峻和现实的拷问和鞭策。我们的高等民族声乐教育在教育理念与思想、学科建设、课程设置等等层面上何去何从,是当前我们民族声乐教育工作者们必须要正视和重视的一个重要课题。前文已有所提及,我国的现代民族声乐艺术是在我国传统民族声乐的基础上创立和发展的,民族性是其发展的前提和基础,因此,要想使其在新时期进一步发展和进步,我们在实际的教育和教学过程中就一定不能忽视对于传统的秉承和发扬。而民族性的保持本身就是多元化音乐教育理念与思想重要部分与明显特质。重视传统民族声乐,更加全面和深入的从传统民族声乐中发掘和提取艺术养分本身也是多元化思想更加全面和彻底的贯彻。“事实上如果我们对我国的戏曲艺术有一个较为全面深入的理解的话就会发现,几乎我国每个地方和民族戏曲艺术都有着自己明确、鲜明的发声理念和规范系统的发声方法。例如我国的最大地方戏曲剧种京剧,其演唱发声方法就极具系统性、规范性和科学性。与美声唱法相比甚至在很多方面更为具体,要求更为严格,有很多专用的声乐演唱学术名词,如:真嗓、假嗓、左嗓、调嗓、喊嗓、丹田音、云遮月、塌中、脑后音、黄腔、冒调、走板、不搭调、气口、换气、偷气、嘎调、长吭、杂夯等。每一个名词都是一种十分具体的声乐演唱要求或声乐演唱标准,并且这些声乐演唱术语与西洋美声唱法中的学术名词相比更加易于国人的理解和掌握,如果能够在声乐教学中适当的运用和融入诸如此类的一些声乐名词和声乐演唱概念和要求对我们的民族声乐演唱与教学都是大有裨益的。”诚然,科学性的声音理念与意识对于我国民族声乐发展的作用、价值和意义是不容否定的,这是高水准声乐演唱声音质量的最基本保证,但如果在演唱中一味片面的强调科学性,而忽视或者忽略了民族性的概念和意识,或者对民族声乐作品本身没有一个清晰全面的认知,那么无论如何完美的声音也不能引起我国听众的情感与思想共鸣。因此,在我们的民族声乐实际的教学过程中一定要将传统民族民间音乐和声乐艺术作为必修科目系统的纳入我们的教学计划,并有效的开展和实施,这样才能使学生对我国民族声乐艺术的艺术本质与内涵有一个更加全面和深入的认知和理解,也只有这样才能使学生在学习过程中逐渐建立起牢固的民族意识,才能最终在演唱中完美的表现出来。另外,加强对于各地方,各民族的原生态民歌的学习、理解和掌握也是十分必要的,对于原生态民歌的概念,价值和意义我们已经有过很多研究,了解也比较详细,无需过多赘言,但需要之处和强调的是,当前,从民族声乐的实际教育教学过程中,对于原生态民歌一定要避免矫枉过正的态度。我国原生态民歌众多,类型多样,举不胜举,每种原生态民歌的自身性质、类型、状态也都不尽相同,我们在实际的教学过程中我们必须要认识到,我们学习原生态民歌,最重要的是要从其中理解和掌握更多的优秀审美特质,并将这些潜移默化的应用于我们的民族声乐演唱,而不是浅显的学习某些特殊的发音方式、民族语言、方言或曲调,或是将其生硬的套装于课堂教学或者实践舞台、这样才是实事求是,从实际出发,尊重艺术发展的科学规律,切不要形而上学。只有这样,才是真正符合了多元化的艺术发展精神与思想,也只有这样才能真正促进我们民族声乐教育教学的有效开展、进步与完善。 二、在坚持民族与传统的基础上进行创新性多元实践探索与尝试。 近年来,谭晶、龚琳娜、吴碧霞等“跨界民族歌手”的不断出现,以宋祖英为代表的学院派歌手与其他类型歌手“混搭”取得成功效果,都不停的冲击着人们的视听感受,同时也在极大程度逐渐突破了人们以往对于民族声乐概念的认知和理解。但从严格的声乐学科种类划分的角度来看,这些看似不同类型的歌手都属于民族声乐的范畴,但又各自具有鲜明的特色,吴碧霞本身具有深厚的传统民族声乐功底,她在艺校期间学习的是湖南花鼓,进入大学后正式开始学习民族声乐专业,而在研究生阶段却转而攻读美声专业,这种中西合璧的学习经历极大的拓展了她的艺术道路,展现出更强的艺术感染力与表现力。但如果我们对整体声乐艺术或者声乐理论有一个较高的认知水平就不难发现,如果单单从演唱的专业性与规范性来讲,吴碧霞的美声演唱只具其形,不具其实,是较为业余的,其根本性质上是一名非常标准的民族歌手,但即使她的美声演唱较为业余,只表现出一些皮毛,但这也极大的丰富了她的歌唱艺术层次,增强了她的艺术规格。再比如“民俗”唱法为代表的民族歌手谭晶,虽然她的民族与通俗唱法结合只是简单用民族声乐的演唱方法演唱流行性质的歌曲,在声音的运用于表现层面上并没有突破民族声乐的范畴,但至少为我们实际的教育教学和演出实践上拓展和丰富了曲目的选择。再比如凭一首神曲《忐忑》,以奇葩形象出现在人们视线里的龚琳娜,则以民族声乐为基点,开创了一条极为独特的蹊径,树立起自己鲜明的风格。如果我们深入的分析它的演唱风格,不难发现其实她无论从声音的运用还是表现的方式上人属于民族声乐的范围,首先,她的声音具有明显的非常正统和规范学院派特征,但在具体的艺术处理和表现上融入了非常多元的艺术风格。比如《忐忑》、《金箍棒》因为编曲和配器上完全由她的德国音乐家丈夫操刀,所以表面上带有一定的后现代风格,但究其实质,她此类型的声乐作品则运用了我国传统戏曲音乐的元素,也正是这种民族与现代结合所产生的非常独特的,甚至有些怪异的、令人啼笑皆非的艺术效果才给人耳目一新的视听冲击,使人们在最短的时间内认识了这位其实成名已久的民族唱法的歌手。同时,无论你对她的这种演唱风格是喜爱还是厌恶,认同或者唾弃,我们都无法否认其对于我国民族声乐演唱风格丰富和多元化产生的积极作用和意义。上述事例说明,首先,我国民族声乐艺术的多元化的基点是民族性为基础与科学唱法相结合,而民族声乐多元化的方向一方面是继续深入挖掘传统民族民间音乐中的艺术元素、精神与气质,同时要继续秉承包容性与开放性,兼收并蓄的吸收外来音乐的艺术元素,从艺术处理与表现上不断的丰富和拓展自己,而现有的成功经验也为我们的民族声乐教育教学提供了新的思路和方向。因此,在实际的教育教学工作中要进一步更加彻底和完善的贯彻多元化的理念和思想,我们主要应从两个方面入手,一方面在坚持民族性的基础上继续加强学生声乐演唱的科学性、专业性与规范性,紧跟国际上美声声乐艺术发展的潮流,吸收先进的声乐演唱理念,另一方面还要在演唱的艺术处理、曲目选择、演唱实施上大胆的探索、创新和尝试,鼓励学生在合理的艺术范畴内,在教师的指导下最大限度的发挥主观能动性,展开多元的声乐演唱实践。我国民族声乐艺术与美声唱法的借鉴和融合对我们来说已经是一个非常熟悉的概念和课题,这本身也是我国民族声乐发展多元化的最根本体现,但需要指出的是,美声唱法本身也是多元化的,也是在不断发展的。 中华人民共和国建立初期,受到意识形态的影响,我国对于美声唱法的概念、意识都源自俄罗斯,改革开放以后,我国对于美声唱法的理解和认知才真正与国际接轨,20世纪八九十年代,可以说意大利的声音理念占据主流,而21世纪初,随着世界经济形势的变化,意大利的美声艺术发展逐渐陷入停滞,但在德奥地区美声声乐艺术则得到了更好的保护和发展,这时德奥的美声声乐理念与风格独占鳌头,而近年来,随着我国与法国之间交流的广泛和深入,我们发现法国的美声声乐艺术风格与我们的亦有很多契合和相融之处,所以,可以说,我们对于美声声乐艺术的借鉴与应用要具有发展性和国际性的眼光和视角,这样才能使我国的民族声乐艺术更具普世性,才能更好地走向国际声乐舞台。同时,我们要在实际的教育教学过程中加强学生的市场意识。作为新时期的民族声乐教育工作者,我们必须对当前社会的艺术发展形势与艺术市场需求有一个清晰、全面的了解与认知,并从社会实际需求的角度出发,在教学中不断加强培养学生的社会实践能力,增强学生的社会适应能力。我们必须明白这样一个道理,我们的高等教育不是空中楼阁,我们的学生在大学期间除了学习“高大上”的基本声乐演唱技能以外更要面对毕业后残酷的职业竞争,因此,在大学期间仅仅具有专业的歌唱技能是远远不够的,我们应该在保证学生专业演唱的基础上最大限度的拓展学生的艺术表现力。首先要不断的拓展教学曲目,传统的教学曲目固然很多是必须要学习的,但音乐是社会生活的实际表现,必须要积极鼓励学生演唱更多的新创作的曲目,而在选择类型上也不应拘泥于固有思维,无论是传统的民族声乐曲目还是新创作的曲目,无论是流行歌曲还是音乐剧选曲,只要是符合民族声乐演唱的风格与特质就可以为我所选,为我所用。而在演唱的表演形式上也要尽量的拓展,鼓励学生在课堂、考试和实践演出中选用对唱、重唱,甚至可以与流行唱法、美声唱法、民族乐器、西洋管弦乐器进行组合,然后教师要对其进行规范和指导,这样不但能够极大的拓展学生的艺术表现能力,同时更为重要的是能够培养学生多元化的、富有创造力的艺术思维和意识,在“授人以鱼”的同时“授人以渔”,使学生在走进社会后真正适应多元文化为主导的社会实际需要,成为具有较高实践能力、适应能力和社会竞争力的民族声乐专业人才,同时这也能够最大限度的杜绝教育资源的浪费。 三、结语 总之,多元文化是21世纪世界文化发展的主导潮流,作为我国民族声乐艺术发展和前进发动机的高等民族声乐教育教学要想真正取得实际性的发展就必须具有全球化的视角,开拓思维,锐意进取,实事求是,从实际的角度出发,摆脱形而上学的束缚,将多元化的意识和思想在我们的教学工作中更加全面深入的贯彻和实施,也只有这样才能培养出更多符合社会文化发展实际需要的专业人才,才能使我国的民族声乐艺术真正健康的、可持续性的发展,并最终在国际的声乐艺术之林占有一席之地,向世界展现出中华民族艺术之真正魅力。 作者:李抒丹 单位:沈阳音乐学院 声乐教学论文:朗诵歌词专业声乐教学论文 一、朗诵在声乐教学中的地位 我国的声乐教学历史非常悠久,在这悠久的声乐教学实践历史中,朗诵一直都是歌唱语言训练的主要方式,而且训练效果一直很明显。从语言上讲,朗诵和歌唱都有共同的语言基础,在发声方法和运气方法上,朗诵和歌唱也能够互相借鉴。我国传统的歌唱理论中很多的理论都是以口语朗诵为基础,如明代魏良辅的《曲律》中说:“曲有三绝,字清为一绝。”这表明了古代歌唱家对字、声的重视。在西方的声乐理论中对这一方面也有着独特而又专业的阐述,例如意大利的歌唱家卡鲁索在《卡鲁索的发声方法》一书中认为“歌唱者读字比起歌唱者的声音更为重要,在歌唱中扎实的读字是正确发音的重要基础。”这也是在说明在歌唱中字正腔圆的重要性。字音不正确,歌唱就会难听,或者有歧义,影响了歌唱的效果。要想提高对字音的掌握,朗诵是最为直接的训练方法。所以在学习声乐的过程中,必须要不断地进行朗诵的训练才能够更好地掌握和提高声乐技巧。 二、在声乐教学中朗诵歌词的重要性 (一)有利于规范歌词的语音 歌唱和歌词朗诵都有一定的语音要求,只有标准而又清晰的发音才能够让朗诵和歌曲更加悦耳。在歌唱时,不正确、不清晰的歌词发音往往会被歌曲的旋律所掩盖,这样一来,通过单纯的歌唱训练就不能够提高自己对字、声的掌握水平,很难在歌唱时纠正自己的咬字、吐字问题。所以,在朗诵训练中,对歌词的发音练习在规范语音的作用上要比声乐练习更大。 (二)有利于歌唱者对歌曲情感的体会 每一篇文章和每一曲音乐都有着自己的情感,所以歌唱和朗诵都是以情感的表现为主的艺术。要想提高自己的朗诵水平和歌唱水平,就要对作品的情感有一个深刻的把握,了解作者的思想内涵,将自己的情感融入到自己的声音中去,这样自己的朗诵和歌唱才能更加具有感染力。只有对作品有了很深刻的体会,再加上歌唱时的歌曲旋律,歌曲中蕴含的思想感情才会完全的爆发出来,效果也会更好。提高对歌曲感情的理解,最直接的方法就是提高对歌词含义的体会,朗诵歌词有利于更好地体会歌曲蕴含的情感。 (三)有利于提高歌唱的艺术表现力 声乐是一种非常有技巧性的艺术。歌唱技巧训练的过程,就是对歌曲进行艺术加工的过程,朗诵歌词的目的就是更好地对歌曲进行加工。朗诵对纠正学习者在日常生活中的各种不正确发音有着非常重要的作用。在唱歌中融入朗诵技巧训练可以让学生更好地处理音乐作品,将歌曲的内容和形式、感情和技巧、体验和方法完全的结合起来,让歌唱声情并茂,从而提高歌唱的艺术表现能力。 三、歌词朗诵的几个关键点 (一)对歌词的分析和理解 歌词往往语言精美,感情丰富,灵动而又朗朗上口。学生不能仅仅满足于歌词的表面意义,还要对歌词的深刻含义有所掌握,这样才能够对作品产生更加深刻的理解。对歌词的逻辑感受和形象感受要不断地调和,从而提高自己的感情抒发度和词语的准确度,让自己的声音更加起伏。在训练中也要特别注意各种语言的区分,注意语言的规范和准确。 (二)以朗诵增加对歌词的体会 书读百遍,其义自见。从歌词的朗诵出发能够更好地体会歌词的语气和歌曲的韵律。对歌词进行反复的朗诵非常有利于增强学生对歌词的理解和体会。朗诵要格外注意重点、基调、语气和韵律,做到把歌词的每一个部分的思想感情都完整地渲染出来,对全篇的情感变化也要体现出来,用不同的声音来让语气更加灵活生动,加强对歌词的理解,更好地抒发激情和美感,让作品更加鲜明、鲜活。 四、结语 21世纪以来,我国的幼儿教育改革不断深入,教育水平不断发展,对幼儿教师的要求也越来越严格。声乐教学是提高幼儿园教师专业素质的一个重要教学课程,在学前教育专业中,声乐教学有着非常重要的地位。朗诵歌词不仅仅能够让学生避免吐字不够清晰、不够标准的问题,还能够加强学生对音乐作品的理解和体会,全面地提高学生的声乐学习效果,提高学生的歌唱水平,有利于培养出教学能力过硬、基础理论扎实的优秀幼儿教育人才。 作者:陈永海 单位:江门职业技术学院 声乐教学论文:高校民族音乐声乐教学论文 一、 现代高校声乐教学中民族音乐融合的现状 自上世纪50年代中期,我国各高校的声乐教育中就融入了民族音乐的教育形式,短短五十多年的发展使得各高校声乐教学取得了丰硕的成果。中央音乐学院就先后走出了一大批深受广大人民群众喜爱的著名歌唱家,、张也、阎维文、德德玛、吴雁泽等各具民族特色与个人风格的国内外知名的音乐艺术家。上世纪80年代,我国各高校的声乐教育师资力量雄厚、教学专业化较强、教学设备不断更新、教学曲目更是具有较强的可选性,这些优势带动了我国高校声乐教学的专业化、现代化发展。但是,发展的道路总是那么艰辛、那么曲折,我们在看到各高校声乐教学不断进步的同时,不能不认真审视一下在声乐教学中存在的明显缺陷与不足。虽然学术界对我国声乐教学的研究从未停止,但是其中存在的问题仍不容忽视。众多的歌手在接受了多年来形成的统一的、固有的声乐教学模式后,从高校走出了一大批唱法统一的歌手。这一点我们可以从国内较为权威的全国青年歌手大奖赛中看出其统一的特性,很多观众都反映在民族唱法中歌手几乎是千人一声。面对广大观众的质疑与指责我们不得不反思,我们的高校声乐教学究竟怎么了?我们在借鉴西洋唱法的同时,中国民族传统韵味如何体现?多年的教学经验让我深思,如何才能突破中国传统音乐文化发展的瓶颈问题? 1.盲目崇拜西洋唱法 改革开放三十多年来,中国人看到了西方科技的发展与进步,面对新鲜事物,中国人为了不断追求经济与科技的发展,将传承了几千年的中国传统文化抛之脑后,转身去迎接这些来自西方的新鲜事物。虽然中国历史上也曾经辉煌过,在某些朝代我国确实走在了世界的前列,但是由于上个世纪初我们中华民族遭受的屈辱史与血泪史使得我们中华民族产生了强烈的自卑感,带着对西方文化、科学技术的盲目崇拜心理,中国人开始学习西洋唱法。虽然大部分声乐教育家只想借鉴西洋唱法来发扬并传承与改进中国民族唱法,但是,声乐教学发展到今天,很多人仍旧认为中国民族唱法缺乏科学性、规范性、是一种落后的唱法。随着人们思想观念的在不断变化的社会经济环境中的转变,很多人发现中国的民族音乐逐渐走向一个极端的空间,在青年歌手大奖赛中,很多歌手的参赛曲目越来越难、越来越大,但是风格却趋于统一。因此,在高校声乐教学中我们教育者应该以一种平和的心态重新审视我们民族音乐的优美韵味,以公平的态度与心理对待中西方唱法的不同与融合,在高校声乐教学中注重学生多元化、个性化的发展方向与培养模式。 2.缺乏对我国民族音乐的学习 目前,我国的高等音乐教育还无法脱离学校这一有形的载体,一般而言,高校音乐专业基本采取的都是“一对一”、“一对多”的教学模式,而从事声乐教学的教师也基本是从这一模式中走出来的,由于受西方音乐教学与西洋唱法的影响,基本上所有学习声乐的学生都是先学习西方的演唱方法、音乐基础知识,然后再学习中国的传统歌唱艺术,在这种体制怪圈的影响下,已经形成一种不断重复的、固有的教学模式。而一部分声乐教师在高校就读期间也没有系统的接触过民族音乐,于是在高校的声乐教学中就形成了一种“老师教什么,学生学什么”的被动局面。这主要是由于教师与学生在西洋美声唱法的影响下并未走出校园、没有走进民间、没有深入群众、没有到各民族中去采风、感悟、体验,并且他们对传统民族音乐的风格与声乐理论并不了解,这种没有想法、没有体验的方式就形成了高校声乐教育与民族音乐相对隔离的状态。王昆、郭兰英等老一辈艺术家们大多数人曾经是曲剧、戏曲的演员,经历了长期的传统艺术、民族音乐的熏陶,他们已经探索出了一套适合人民群众需要的、备受人民群众喜欢的民族唱法,这一时期的民族音乐已经深深植入了这些优秀声乐教师的心中,他们培养出的声乐歌手都是十分优秀的。上世纪80年代末,以为代表的学院派新生民族唱法中不仅蕴含了西洋唱法的圆润与通畅,更继承了传统民族音乐唱法中的明亮与细腻。这种新兴的唱法很快就取得了巨大的成功。但是,也正是这种成功的唱法使中国高校声乐教育逐渐失去了民族音乐的唯美韵味。 3.严重忽视了因材施教的特点 造成我国高校声乐教育中教学模式统一的一个主要原因,是由于高校的声乐教师在授课过程中,长期以来将教学的重点放在了对学生发声技巧的训练上,这就导致一些学生总是将学习的注意力集中在那些高难度的乐曲作品上,并对其进行模仿演唱。而教师在教学过程中也忽视了对学生进行作品的情感处理的正确引导。虽然有的学生也对作品进行了一些感情上的处理,但是这也仅仅局限在对歌唱名家、艺术家的声调、语音、润腔的简单模仿。大学学习四年后并没有形成自己独特的处理能力。 4.课程设置存在一定的缺陷 声乐课是一门结合了心理学、生理学、教育学等多门学科在内的综合类的艺术。但是,目前我国各高校中并没有开设生理课。作为学习声乐的学生,必须对人体的发声器官的性能、构造等有个全方位的了解与认识,这样才能真正了解呼吸器官、共鸣器官、发声器官的主要功能,才能够有目的的掌握与运用这些器官的技能并促进自己歌唱的进步。民族音乐中的很多乐曲具有一定的艺术性,有的还是根据小说改变而成的,因此,学习声乐的学生还必须了解一定的文学知识,具有一定的文学功底才能更好的在歌唱中诠释作品的真正内涵。但是,在很多高校中,从未开设过语文或文学欣赏这门课程。如果连演唱者自己都不能真正了解歌曲的内涵,又如何使观众真正了解呢? 二、 高校声乐教育中民族音乐融合的创新 我国是一个多民族国家,不同民族具有不同的人文背景、地域环境,因此也就孕育了异彩纷呈、绚丽多姿的多民族风格的民族音乐文化。几千年的发展为我国民族音乐的传承奠定了基础。作为声乐教育者,我们应该承担起培养与传承中国民族音乐的重大责任,为建设与发展我国民族音乐提供良好的环境。 1.不断优化高校声乐教学师资队伍 声乐教学改革的创新与发展需要一支专业素质高、精通声乐、熟悉民族音乐的教师队伍,这是基本条件。一个优秀的声乐教师必须具有过硬的专业技术与知识技能,并已经在中国民族音乐方面积淀了自己独具特色的演唱技巧,深入了解我国各民族的传统文化,在一些特殊的民族民间音乐的演唱技巧上能够充分的、深刻的进行运用与研究。否则,一切都是纸上谈兵。这就要求高校声乐教师必须静下心来潜心钻研并不断探索民族音乐的精髓。充分利用多媒体教学手段,不断改革教学方法,努力使自己成长为一名德才兼备、技艺兼通、教研相融的优秀声乐教师。 2.积极组织学生到各民族采风 声乐学科具有较强的实践性。因此,为了更好的使民族音乐融合到高校声乐教学中,各高校可以根据学校的实际情况每学期定期组织教师、学生深入到各民族聚居地采风,深刻体会并理解当地民俗文化的特点,为今后的歌唱事业积累资料。只有充分了解并积极参与和感受才能真正了解各种艺术形态带给人们的震撼。 3.努力构建特色课程体系 教材是实现教育目的的重要工具,也是提高学校教学质量的关键因素。建设具有本校、本地区特色的课程体系是培养高水平人才的基本保障。各高校的声乐课程应该根据本校的实际情况或本校所处地区的少数民族的特点,在充分考虑毕业生将来的就业压力的前提下,加强基础建设、加快整体优化步伐、突出本校特色,优化课程特色,努力探索出多样化的人才培养模式,为本校的发展与我国声乐事业的发展积极构建具有特色的课程体系。 4.不断创新教学方法的研究 探索民族音乐在声乐教育中的渗透与融合的关键环节就是进行教学方法的改革与创新。对于声乐教师而言,必须掌握新的声乐教学方法,突破传统声乐教学方法中存在的框架与局限。在平时的声乐教学中,教师可以根据教学内容的不同、根据学情的不同,积极引导学生进行独立的创新思维,激励学生以主动探索的态度进行学习。理论与实践的脱节是声乐教学中的一个瓶颈问题,在高校声乐教学中,可以采取多种方式来帮助学生实践民族音乐的魅力。 三、结语 总之,随着我国声乐教学改革的不断深入,民族音乐应该成为我国高等高校中声乐教育的重要组成部分,努力建设具有中国特色的民族音乐教学体系是声乐课程面临的重要课题。我们必须在借鉴与吸收西方音乐教学风格与唱法的基础上,勇于探索,将我国民族音乐作品渗透、融入到声乐教学中,使民族作品更具有系统性、特殊性、专业性。全国各地的高校应根据本地区特色与民族民间音乐、文化特色在声乐教育中进行渗透与融合,使中国民族音乐立足东方走向世界,在世界音乐中绽放出美丽的中华民族音乐之花。我们坚信,在所有声乐艺术工作者的共同努力下,中国的音乐教育一定能够开创出一片崭新的天地,一定会为中国声乐教育的发展再创辉煌。 作者:魏菲 单位:黑龙江省齐齐哈尔市高等师范专科学校 声乐教学论文:文化视角下声乐教学论文 一、国内研究述评 从文化的宏观角度对声乐教育教学的思考和研究可以归纳为三个方面:学术论文、专著及学术会议。经本人收集和整理,可供借鉴的论文有郭克俭《传统声乐文化特质及其当下意义》,文章从声乐背后的文化语境谈到我国的民族声乐应该在智慧地吸收西方科学声音技术的基础上发扬具备本民族文化特色的民族声乐,而没有提到具体解决措施。张晓农《人文传统背景与中西声乐文化差异之比较》,文章从历史文化的角度从图腾意识、宗教观念、学者主体、审美传统、理论基础五个方面比较中西方声乐文化之差异,而笔者是从我国文化的视角谈到我国声乐教学的现状,并提出了解决对策。李泉《中国声乐教育的回顾与展望》,文章以声乐不是技术是文化这一声乐教育观念的转变为线索,论证了专业技术与音乐文化相依相伴的关系,提出了声乐教育要走上科学、规范的轨道,要从教育体系的健全和基础理论建设做起。笔者则从沉淀声乐文化、提升综合素质、提倡创新氛围三方面谈到的解决对策。专著有郭建民著《声乐文化学》,本书是迄今为止国内唯一一本声乐文化理论研究的专著,文化的视角则是贯穿《声乐文化学》研究的第一要素,本书具备宽泛的学术视野,主要涉及声乐文化理论概述。邢延青著《民族声乐艺术的文化研究》,作者运用边缘学科类比的研究方法,有比较地将传播学、语言学、心理学等相关部分纳入对民族声乐的研究之中。学术会议则仅有辽宁师范大学于2005年9月举办的首届《全国高师音乐学院办学特色与声乐文化学学术研讨会》,王耀华先生、余笃刚教授、郭建民教授肯定了从大文化的角度审视声乐文化的积极作用。 二、文化与声乐教学的关系 1.文化是声乐教学的底蕴和基础 一定时期的声乐艺术现象与当时社会文化背景息息相关,联系紧密。从历史上看,“五四”运动时期,民主、科学、进步的思想和强烈的爱国精神,其文化启蒙作用极大地促使了中华民族的觉醒,也辐射到了我国的声乐教学领域,留美的黄自,留德的青主、赵元任等,这批留学回国的音乐志士,不再满足于填词的学堂乐歌或单旋律的歌曲创作,开始运用和声及作曲技法,并将中国文人的浪漫气质融入到艺术歌曲的创作之中。40年代末到新中国解放后,我国的声乐教育领域,开始思索如何继承和发扬民族文化遗产,探索具备本民族声乐特点的声乐教学,采集和改编了大量优秀的民间歌曲,如丁善德的《玛依拉》、黎英海的《嘎俄丽泰》;根据民族音调创作的《草原上升起不落的太阳》等,都是我国民族风格歌曲中的佳作,这些歌曲至今仍然广泛使用在我国的声乐教学中。在“”的特殊年代里,“样板戏”代替了歌唱艺术,衡量声乐艺术的标准不再是优美和抒情,“宽、厚、亮”是唯一的强制性的审美标准。这种违背科学的标准扼杀了许多优秀的声乐人才,使我国刚刚有所成就的声乐艺术教育惨遭摧残,也使开始繁荣的民族声乐艺术事业落入深渊低谷。 2.文化与声乐作品 纵观我国古代史、近代史,一定时期的声乐知名作品无不是当时文化的综合体现。以《秦王破阵乐》为例,此作品反映的就是初唐时期,秦王李世民率军击败叛将刘武周使得唐朝政权转危为安后,人们在凯旋庆功时演唱的歌曲。《松花江上》,产生于上世纪30年代,九•一八事变使国内政局发生了急剧的变化,军阀割据的局面暂告段落,国难当头,民族矛盾迅速激化,抗日救亡的呼声响彻大地,《松花江上》就是在这样的社会历史文化背景下诞生的一首脍炙人口的抒情歌曲。而《乡恋》则是改革开放之初,经过“主张墨守成规”和“提倡解放思想”两种思想的激烈碰撞下,后者最终战胜了前者的历史条件下诞生的,深刻反映了当时的社会文化背景。 三、从文化角度审视我国声乐教学现状 1.文化整体环境浮躁、校园学习氛围淡薄 目前,各类声乐比赛、选秀活动充斥着各大媒体,诚然,这种形式给年轻人提供了展示才能的舞台,但很多青少年正处在人生观、价值观的成型期,容易抱有急功近利、一夜成名的心态;并且即使因天时地利的原因一时成名,但是由于缺乏扎实的音乐技能功底和深厚的文化底蕴,很难在艺术道路上走稳、走远。而由于社会快速的经济发展,社会上流行着权钱至上的价值理念,有象牙塔之称的学校,同样也受其一定的影响,艺术院校的声乐学生耳濡目染社会及身边的各种观念和事物,很难端正学习态度,扎实掌握知识,苦练声乐基本功。 2.声乐学生重技术轻文化、重文凭轻学习 由于长期以来社会对于音乐的偏见以及目前一切向经济和短期时效看的人文氛围,声乐教学领域普遍存在重技术、轻文化;重高音、轻基本功;重演唱、轻理论;重短期效应、轻长远发展的问题,声乐学生因为招生考试文化门槛低,导致没有全面的文化素质,声乐学习过程中浮躁,有的光想在演唱技术上一步登天、有的抱有速成成名的功利心态,缺乏踏实治学的态度、有的因文凭和未来出路学习声乐、殊不知提高声乐水平需要耐得住寂寞,苦练声乐基本功,加强文化修养,去除内心的浮躁,慢慢积累生活感悟,循序渐进才能得到厚积薄发。 3.声乐创新环境欠缺、成果凤毛麟角 2005年,钱学森先生曾对前去看望他的总理说:“现在中国没有完全发展起来,一个重要原因是没有一个大学能够按照培养科学技术发明创造人才的模式去办学,没有自己独特的创新的东西,老是‘冒’不出杰出人才。”在声乐教学领域,存在着师生缺乏独立思考能力的现象,因两千多年的封建制度对社会的长期影响,人们的创造力和活力受到了一定的遏制,声乐领域里,师生普遍缺乏把习得知识和时代结合再创造的能力,教师往往习惯了照本宣科,而学生总是习惯了被动接受知识,加上长期以来教师为主导权威地位的教育模式,学生的独立创造能力自然不高,“自己独特的创新的东西”在目前的中国大学和中国社会很难成为主流的、被鼓励与提倡的对象。 四、找到文化定位,提高声乐教育教学质量 1.沉淀文化底蕴,优化学习氛围 我国目前文化环境浮躁、各大媒体为了收视率,制作各类声乐娱乐选秀节目,快节奏的生活方式,导致人们生活方式以快速、便捷为主,读报刊、看书这种传统的精神熏陶方式被用手机浏览新闻、听歌、看视频替代,一味地追求速度、效率、数量导致声乐文化成果质量不高。在声乐教育领域,应该大力提倡中国传统文化的精华价值观,在宣传教育方面重塑人们的精神家园,倡导读书、读报,多弘扬声乐领域的正能量人物和事物,创造起优良的声乐学习氛围,激发声乐学生的学习兴趣,使其树立正确的学习观和事业观。 2.提高学生文化修养,提升其综合素质 声乐教师要抓好声乐学生思想教育,引导学生具有一个正确的声乐是非观、声乐学习观、声乐事业观,逐渐改善学生对声乐学科的不全面认识,在提高声音技术的同时,加强文化修养,摈弃浮躁的求艺心态,教育部门要提高声乐学生文化课入学门槛,提升艺术院校的文化氛围,创造优良的声乐学习环境,多和人文院校沟通合作,加强和人文学科生的相互影响和交叉,加强学生的声乐实践能力和理论修养,开设声乐文化史、声乐赏析课,声乐论文写作等,注重声乐学生的兴趣,增添声乐理论课的趣味性。 3.提倡声乐创新,重视社会实践 1988年9月,邓小平同志根据当代科学技术发展的趋势和现状,提出了“科学技术是第一生产力”的论断。国家、社会、学校、和家庭应当创造重视知识,鼓励创新的氛围,声乐教师应多鼓励学生进行独立思考,鼓励其创新并参加社会实践,再看我国的声乐作品及其表演:例如李玉刚的《新贵妃醉酒》,就是在京剧的基础上所做的独特创新;被大家称为神曲的《忐忑》,也是龚琳娜借助扎实的民族声乐专业基础和技巧,整合、重构中国传统文化元素进行创作、创新的作品;而流行音乐界的代表作品,诸如陶喆的《苏三说》、周杰伦的《菊花台》、小虫的《龙文》,均是带有浓厚中国传统意境美并在演唱方式及作曲技法上有创新的作品。同时,我国的声乐教育应该多建立成人教育、在职培训、社会教育中心等机构,给社会各行各业人员提供再学习、再深造的平台,大学教师通过教授社会声乐课程,了解社会需要,社会人员通过学习高校声乐课程,能提高音乐修养,掌握发声技巧,提高声乐鉴赏能力,同时声乐教师应当端正观念,多进行社会实践和舞台实践,这样才能给学生带来更新鲜的知识,而高校,应定期请社会名人多回校讲学、讲课,激发学生的学习热情! 五、结论 声乐教学和文化息息相关、密不可分,文化是声乐教学的基础,声乐教育又综合体现着我国文化的广度和高度。从当前文化大环境看我国声乐教育教学现状,我们声乐教育工作者应当重视起祖国的传统文化,并跟紧时代脉搏,重视提高自身的文化素质、提高创新意识,提升创新能力,加强与社会实践的联系,为我国的声乐教学领域做出自己的贡献。 作者:解伟 单位:沈阳音乐学院艺术学院 声乐教学论文:高校声乐启发式教学论文 一、高校声乐教学的优势及其问题分析 在音乐欣赏课当中学生在深刻理解音乐情感的基础上也促进课堂文化氛围的形成。作为一项较为特殊的高校音乐课程,声乐教学的过程除了需要涉及声乐相关理论知识的传授之外,还应当针对学生的特点实施个性化歌唱技巧辅导,这对于学生审美能力的提高极为重要。相较于其他高校课程而言,高校声乐教学在课堂组织方面表现为大班集体授课与一对一授课的相互结合,然而考虑到学生的性格差异和能力差异,现阶段高校声乐教学中的问题不可忽视,这对于声乐教师的教学技巧与教学能力也提出了更高的要求。 二、启发式教学法在高校声乐教学中的应用路径 (一)歌唱气息启发 高校声乐教学过程中教师可借助学生熟悉的案例来营造特定的教学环境,可以是卖菜声,也可以是吆喝声,引导学生在特定的环境中感知声音的发出过程,感受最自然的声音应当采取怎样的方式发出。在情境训练的过程中学生能够加深对高位置声音的理解,掌握深呼吸的技巧。除此之外,针对跳音的训练也可对声音和气息的处理把握得更加准确。演唱跳音时,可借助叹气放松的方式保证腹部位置的放松状态,通过跳音练习可让学生腹部肌肉在有效锻炼的过程中变得更加具有弹性,这对于气息控制力的把握极为重要。 (二)歌唱吐字启发 对于高校声乐教学而言,关于歌唱吐字练习与学生普通话掌握程度有着密切联系,当然这其中不包括方言类歌曲。作为单音节语言体系的重要组成部分,中国汉字讲究吐字清晰,这同时也是高校声乐教学在歌唱吐字方面首要解决的问题。通过对汉字发音的划分,笔者认为汉字发音中的首尾及腹部位置极为重要,它是衔接字与字之间关系的优秀支撑。因此,在正式的声乐演唱过程中,启发式教学法的应用在于字与字之间的转换和衔接方面,通过启发发音的方式指导学生感受字与字之间的变化,通过处理好字与字之间的衔接关系尽可能保证吐字与声音之间的和谐与统一。发音的过程中,无论字呈现出何种变化,咽喉的打开状态都应当是稳定不发生变化的,保持舌根的放松状态,于共鸣点位置寻找发音的正确处理方式。针对不同的字点变化,可从声点的统一性方面突出不同发音之间的相互转换与衔接,其直观表达效果显然更加丰富。 (三)歌唱表演启发 启发式教学法在歌唱表演中的应用突出表现在课堂气氛的营造方面,在和谐有序的教学氛围下开启学生的发声练习,借助有效的心理调整方法提高音乐表达的情感效果。这一过程中,教师的肯定和鼓励是不可缺少的,这对于学生情感抒发与表达至关重要。从学生个体的差异性角度分析,启发式教学的应用显然与学生艺术素养的形成休戚相关,因此在作品演绎方面也表现出一定的异同。这就需要在声乐演唱之前,引导学生对作品创作背景和作者生平进行详细介绍,明确作品的感情基调,并以此作为基础借助启发式教学的方式促进音乐情感的表达。 三、结语 综上所述,相较于传统高校声乐教学中的填鸭式教学法而言,声乐教学中启发式教学法的运用在激发学生主观能动性方面有着更加显著的优势,能够从学生声音的时间性和多变性特征着手,切实提高学生的声乐演唱技巧。在自我分析的过程中学生在音乐情感表达方面也势必将有所进步,这对于高校音乐教学效果是重要的保障。高校声乐教学课堂是丰富多彩的,对应的教学方法也应体现出必要的层次性,通过启发式教学法与声乐教学的相结合能够极大地提升高校声乐教学的实施效果。 作者:王静 单位:曲阜师范大学音乐学院 声乐教学论文:校外少儿声乐教学论文 一、声乐教材的新旧结合 校外教育不同于校内教育,校内音乐课上总有一套固定不变的教材和培养目标。而校外教育在遵循最终的培养目标不变的条件下,要发展与校内教育不同的教学模式。现如今有关校外声乐教育的教材比较单一,多为一些流传多年的经典儿歌。经典固然是好的,但是随着社会的发展与进步,这些歌曲已完全满足不了少儿的求知欲与对外来事物的新鲜感。对于这些从小已经听到滚瓜烂熟的音乐,孩子们已失去了对它们的学习兴趣。 在每年的教材编写中,笔者都尽可能的去发掘更多更新的少儿歌曲,这些最新的歌曲创编很容易就会调动孩子的学习积极性。而对于那些经典曲目,笔者亦不会舍弃,而是采用其他的教学方法来抓住孩子们的学习兴趣。比如经典儿歌《小红帽》,很多小朋友在幼儿园里就已经学会唱了,那么在曲调已经熟记的情况下,笔者会设计故事情境请学生表演。将学员们分角色表演,小红帽、大灰狼、邀请家长表演、加入诗朗诵、配合舞蹈等等,经过“包装”的经典儿歌同样能让课堂上充满欢声笑语。 二、声乐教学环节的生动有趣 有人说小孩子学唱歌不就是扯着嗓子大声喊吗?有什么学习的?其实不然,在少儿阶段,孩子的发声器官还十分稚嫩,如果一味的蛮唱会造成声带甚至其他身体机能的永久损伤。但对于理解接受能力远不及成人的孩子来说,枯燥的声乐理论知识、技能练习有时又会成为斩断孩子兴趣的刽子手。如何用简单、通俗、生动、有趣的方法来传授这些基础知识又成为了声乐教学中一个重难点。 笔者在教学中不断总结经验教训,将教学中的几个重要环节归纳出了以下几点方法:首先,基础的乐理知识是必不可少的,有些孩子在学习唱歌几年后还无法自己识谱,基本乐理知识的缺失对于学员以后的发展产生了很多不良的影响,作为老师,不仅要授之以鱼,更要授之以渔。对于基本乐理的教学,教师们可以采用图片法、童谣法进行教学。将“1、2、3、4、5、6、7”这七个音配合形象的图片,比如“2”就像只鸭子,“5”像挂钩等等,联系生活中最易想到的事物,配合简单的童谣———“1”是老大像铅笔”、2“是老二像鸭子……直观又形象的教学将会把这些枯燥的理论学习变得有趣味,学生们学习起来也不会感到生涩难懂。其次,对于少儿来说,爱动爱玩是天性,在教学过程中,教师如果一味压抑孩子的这种天性反而会适得其反,但是过度纵容又会打乱课堂秩序。在这里,掌握好一个“度”非常重要。 当教师发现课堂气氛不够活跃,学生热情不够高涨时,一个小游戏就会解决这个窘境。比如简单易学的绕口令、你来比划我来猜、歌词接龙等等都会成为调动孩子兴趣的不二法宝。最后,要鼓励孩子们对所学歌曲进行“二度创作”,给学生发散思维的空间。可以尝试给歌曲配上简单的诗朗诵,加上表情动作,甚至是对歌词的改编等等。教师对创编活动中好的部分给予鼓励,不好的部分引导大家一起再改编,让孩子们在动脑动手的活动中得到自我价值的肯定,提升荣誉感。此外,尽可能多的给学生提供表演舞台、多与家长进行沟通、对特殊情况的孩子给予更多的关怀等都是提高学生学习兴趣的有效方法。 三、总结 综上所述,“兴趣是最好的老师”、“兴趣是能力提升的源泉”,兴趣是声乐教学获得成功的前提条件,作为一名教师,良好的职业修养、风趣幽默的语言表达能迅速建立学生对声乐学习的直观感受。笔者也将在今后的教学中不断完善自己的教学方法、提升自己的专业素质,做好一名“兴趣”的引导者和培训师。 作者:高莉莉 单位:重庆市少年宫文艺部 声乐教学论文:高校民族声乐教学论文 在实现高校民族声乐多元化教学的过程中,必须要形成相应的多元化教学模式,这就要求对民族音乐文化进行深入的理解和探索,转变学生对民族声乐的态度和观念,将多元化教学理念渗透到实际教学过程中的所有阶段,在学习和借鉴国外先进文化的基础上,塑造学生的多元文化价值观念,只有这样才能培育出优秀的民族声乐人才。 一、对传统的民族声乐教材进行改革,优化课程设置 传统文化精神和文化的继承、声乐基本技能两方面是高校民族声乐教学的优秀。在高校多元化教学改革过程中,一方面要应用传统的课堂教学方式,让学生掌握基础的声乐技能、理念;另一方面,还要注重多样艺术形式、表现手法的代表性曲目,将典型曲目同教学内容有机结合起来,丰富教学内容,激发学生的学习兴趣,提高多元化教学的质量。 1.合理调整民族声乐教学的课程设置。应在保证基础教学效果的基础上,适当增加民族音乐的比重,让学生尽可能多的接触不同形态的民族声乐。要把握世界民族声乐的发展趋势,遵循民族声乐的本质特征,开设专项的民族声乐课,深化对东方民族声乐的探索和分析。民族声乐教师作为教学主体,对多元化教学工作的开展起着关键性的作用,高校应加强对教师专业素质和技能的培训和教育,督促教师强化自身学习,并涉猎心理学、教育学、历史学等多方面的知识,提高自己的综合素质,提高教学效率。 2.对民族声乐教学内容及教材进行改革。根据我国当前高校声乐教学现状来看,很多高校仍存在仅将曲谱作为教材的现象,忽视了音像材料、音响材料的重要性,使这些教学材料的作用得不到充分的发挥,影响多元化教学效果。高校应丰富教学内容,选取其他形式、内容的教材,通过图像、音像等多种方式让学生更加直观、全面地理解声乐知识,透彻地分析演唱技巧及作品的风格特色,提升自身的审美观。 二、提高对原生态民歌的重视 在实际教学过程中,可以扩大对原生态民歌能力较强的学生的招收,由于这些学生所生活的环境各不相同,所以多带有本地民族声乐基础,对这部分学生进行针对性的教育和改造,能够使学生自身的优势得以充分的发挥。此外,高校也要提高对以原生态歌手出身的教师的重视,教师在民族声乐多元化教学中发挥着主导作用,可以更好地带动学生们了解民族地域特点,透彻地掌握民族声乐专业的内涵,将民族特色更鲜活、强烈地表达出来。 三、构建完善的音乐学知识结构 在多元化教学的过程中,不仅要提高学生对声乐基础知识和技能的掌握程度,还要加强对音乐学知识结构的完善,构建一套促进学生发展的知识结构体系,将民族生活渗透到教学内容中,将声乐教育生活化,让学生深刻体会当地民族文化和习俗,提升情感认知。 四、结语 高校民族声乐的多元化教学改革是一项长期而艰巨的任务,对民族声乐专业学生未来的发展有极大的影响,是提高民族声乐教学质量的关键措施,只有坚持将这项教育改革落到实处,转变教学理念,更新教学方法,才能培养出综合素质较高的民族声乐人才,践行高校的教育职能,为我国民族声乐教育事业的发展做贡献。 作者:孟娟 单位:焦作师范高等专科学校音乐学院 声乐教学论文:高职院校非音乐专业声乐教学论文 一、高职声乐教学对于学生综合素质培养的意义 (一)学习声乐有利于扩大学生知识面 声乐的学习离不开音乐基础知识的掌握和运用。学生在学习声乐的过程中,首先需要掌握音乐的基础知识。同时每首歌曲的创作年代及创作背景不同,在学习和演唱的过程中,学生能够投身到作者创作的时代,结合歌词来理解歌曲表达的故事和思想感情。增长了学生的历史知识、文化知识以及民族风俗等。 (二)掌握声乐的演唱技巧,提升学生的自信心 随着人们生活水平的不断提高,科技的创新也越来越多的运用到我们的日常生活中来。近年来,卡拉OK的兴起,促进了KTV行业的发展。走进KTV,拿起麦克风已经成为许多人日常消闲娱乐的方式之一,“麦霸”也成了大家耳熟能详的词汇。大学生的业余生活同样离不开KTV。但是仍有许多人由于不自信而采取只听不唱,或者没有经过专业的声乐训练,导致“声嘶力竭”以及“带同伴去旅游”(跑调、走音)的现象。大学生活中也会经常组织一下文娱活动,能够站在舞台上一展歌喉,甚至拥有大批的“粉丝”无疑会给学生增添无比的自信心。 (三)培养学生的音乐素养、艺术审美能力,激发大学生的创造潜力 声乐演唱是作品的二度创作。在演唱声乐作品的过程中,歌者往往会根据自己对歌曲的理解来演绎作品,这种做法对于培养学生的艺术表现力,激发大学生的创作潜力都有非常积极的意义。同时,随着声乐学习的不断深入,在掌握了乐理的基础知识和歌曲创作的基本手法,一些有思想的年轻人也会将自己内心的感情世界通过歌曲创作的形式表达出来。 (四)促进高职院校大学生综合素质的提高 声乐教学能以健康向上的内容、优美动听的旋律,在潜移默化的过程中陶冶学生的情操,使学生的心灵得到净化。同时,通过学习和演唱不同题材的声乐作品,体会作者的意境,扩大了文化视野,提升文化修养,促进大学生综合素质的提高。 二、高职院校针对非音乐专业学生声乐教学的现状及原因分析 (一)声乐开设的条件缺失 声乐课是教师示范和学生演唱相结合的授课方式,需要专业的一体化的音乐教室,其中,最重要的是钢琴。同时,为了避免在上课的过程中对他人造成打扰,一般要求音乐教室的隔音效果较好。但是目前在许多非音乐专业的高职院校中,还不具备这样的条件,导致声乐教学成了虚设,只能通过多媒体来开设音乐欣赏、影视作品欣赏等课程。 (二)声乐教学的不延续性 高职院校音乐课一般采用公共选修课的方式开设,公选课的授课范围要覆盖整个学院,因此班级人数都比较多。而声乐课的教学和学习存在着特殊性,每个人的声音特点都是不同的,而对于同样一段曲目的演唱,不同的学生存在不同的问题,这就需要老师与学生进行一对一的交流和指导。另外,高职院校的公共选修课一般是一学期选择一次,在选课的过程中,由于选课人数较多,可能导致想要继续选修声乐课的学生由于人数过多而选不上声乐课。有些院校甚至规定学生不能重复选修公共选修课,导致每一学期的声乐课都是从头开始。而每个学期的课时也很少,这根本不能满足学生学习声乐的兴趣和实际需要,也会影响老师教学的积极性。 (三)学生的音乐基础知识缺乏 通过两个学期的声乐公选课的教学发现,学生喜欢唱歌的非常多,但是对于音乐的基础知识十分匮乏。大部分同学都不会识五线谱和简谱,也不会视唱。唱歌只是跟着MP3学习。对于节奏、节拍等知识更是知之甚少。导致授课老师每次都要在有限的课时分出一部分普及音乐的基础知识,既耽误了学习的进度,也影响学习的效果。另外,学生对音高和调的了解非常少,甚至不能准确地唱出钢琴上的某一音高。在教学过程中需要教师多次带唱才能到正确的音高上。 (四)选课学生人数要求多,教师没得选 高职院校音乐课一般采用公共选修课的方式开设,公选课的授课范围要覆盖整个学院,因此班级人数一般都要求多少人以上才开班。而声乐课的教学和学习存在着特殊性,每个人的声音特点都是不同的,而对于同样一段曲目的演唱,不同的学生存在不同的问题,这就需要老师与学生进行一对一的交流和指导。高职院校学生在学期初通过选课平台来选择声乐课,选课的人数有限,但是老师不能选择学生,只能随机选到哪些就是哪些,也许错过了基础条件好的同学,这也是声乐教学的缺失。 三、江苏食品药品职业技术学院声乐公选课的开展 (一)学院重视声乐课的教学音乐教育对于塑造学生的人格,提高学生综合素质具有重要意义。江苏食品药品职业技术学院为了推进学生素质教育的发展,开设了音乐欣赏、声乐等公选课,同时根据课程开设的需求,提供必要的硬件设施,主要表现在以下几个方面。 1.完备教学设施,鼓励教师开设声乐课 学院在原有的多媒体教学设施的基础上,购置了钢琴等硬件设施,尽量满足声乐课上课的需求,更好地促进声乐课的开展。同时,成立组织音乐专业毕业的老师成立艺术教育教研室,鼓励老师开展各种类型的音乐专业课程教学。如:音乐基础、音乐欣赏、声乐入门、声乐提高班、节奏与打鼓等。 2.开设不同级别的声乐公选课,师生双向选择 由于公选课的延续性不强,声乐公选课在以往总是重复带新生的情况。既挫伤了教师的积极性,对学生的专业学习和水平提高也起不到好的作用。为了改变这种情况,江苏食品药品职业技术学院特地从学生大一上学期就开设了声乐基础课,授课内容主要是基础乐理知识以及声乐的入门。选课人数控制在50—100人,教师在上课的过程中,逐渐了解每一个学生。学生也通过10次课的时间了解声乐课的知识点和上课的形式。在学期末师生根据对对方的满意度进行双向选择,进入下一学期的声乐提高班。为了进一步提高教学效果,保证每位学生的有效学习时间,第二学期的声乐提高班在人数上会有大幅度删减。 3.教师灵活组班,选课学生梯队式排列 针对声乐课的授课特点,改革传统的教学模式,以分组的形式进行小班式教学。采用小组一起练声和个人单独练声相结合的方式。小组一起练声或演唱时学生可以听老师整体地讲解或指导,单独指导时可以有针对性的对某一错误发声提出指正。小班制教学使学生学唱与听唱相结合,即使学生在听老师单独指导别的同学,也能体会到别的同学的发声方式是否正确,发声位置是否科学,与自己的发声有哪些区别,自己存在类似的问题以及如何改正等。通常第二学期选修声乐课的同学已经熟悉了这种教学模式,极大地促进他们的学习热情,也使学生的演唱水平有显著提高。 (二)加强学生音乐基础知识普及 大学生对音乐普遍存很高的学习兴趣,渴望更多地了解音乐作品和知识,提高自己的演唱水平,是自己能自如地进行声乐表演。针对大学生音乐基础知识匮乏的问题,江苏食品药品职业技术学院艺术教育教研室经过讨论,提出解决方案。在学生入学的第一学期开设《音乐基础》公选课,课程采用大班授课的方式,主要是向学生介绍音符、旋律、节奏、节拍、音程、和弦、调与调式等基础乐理,让学生对音乐的学习有一定的了解。为学生后续的选择音乐专业的公选课打好基础。同时请几位教授不同科目的老师轮流授课,展示声乐、器乐、舞蹈、健美操、音乐欣赏等课程,让学生在了解的基础上有目的、有计划的选修。 (三)声乐教师加强自身专业学习,不断提高个人的教学水平 作为教授声乐课的教师,首先要具备基本的理论和教学能力。其次还应具备较高的艺术修养和教育科学修养,良好的钢琴即兴伴奏的能力。最后为了提高声音的教学质量、提高学生的声乐演唱能力,专业教师必须保持持续学习的能力,基本功扎实。在教学过程中,思想集中,在教学中与学生做好配合,并能准确发现问题,解决问题。改进教学方法,因材施教,在教学中不断融入新鲜的元素,使学生更容易、更愿意接受。 (四)选择学生喜欢的曲目教学,卡拉OK进课堂 针对学生对传统声乐曲目和近代流行通俗曲目的好恶,组织校内音乐专业的老师根据学生的爱好,结合传统声乐的教学方式,选择学生熟悉的部分传统曲目和喜爱的通俗歌曲,编写校本教材,组织实施。在教学中重复利用多媒体等教学设备,将KTV接入课堂,让学生在课上练习KTV里的曲目,指导学生如何更好更轻松地演绎歌曲,使学生在K歌中体验到声乐学习的乐趣。同时鼓励学生积极参加校内外组织的声乐表演活动,极大地促进了学习学习声乐的积极性。 (五)鼓励学生参加校内外的声乐表演机会,促进学生学习兴趣 随着人们精神生活水平的不断提高,各类选秀节目也是风靡校园内外。传统的声乐演唱一般是选取美声或民族唱法的作品,但是如今的选修走的都是通俗嘻哈的路线。声乐选曲的施行以及卡拉OK进课堂,使学生平时就是在演唱、在表演。遇到活动鼓励学生勇敢地走上舞台展示自己的才艺,让学生体会到强烈的成就感。声乐公选课在传统声乐演唱与通俗歌曲表演之间架起一座桥梁。 作者:董秀芳 单位:江苏食品药品职业技术学院
音乐学论文:音乐学教师教育论文 一、音乐学教师教育专业课程改革具体做法 1.整合音乐史学与音乐名作欣赏类课程 形成《中国音乐史与名作赏析》《外国音乐史与名作赏析》等课程,在了解中国、国外音乐各个历史时期的音乐特征、成就的同时,对于中外音乐作品的美学特征、音乐表现手段进行分析理解,为更好理解音乐、表现音乐奠定基础。以往欣赏类教学不是仅停留在“讲作者、听作品”的孤立的“点”式教学层次,就是欣赏教学和音乐史教学采用同样的体例——从古到今,让学生感觉学了两遍音乐史,无法调动学习积极性。而音乐史教学由于教学内容多、课时紧张等原因,基本上停留在“重讲理论,轻与实际作品相联系”的窘境。这两种课程的整合充分体现了当今社会对于综合性人才的需求标准,有利于将理论与实际作品相联系,但随之也产生了相应的问题,如以往欣赏类课程与音乐史类课程均设置一学年的课时,而现在整合后形成了两门课程共用一学年课时的问题。再进一步分析后,我们可以从《中国音乐史与名作赏析》和《外国音乐史与名作赏析》两门课程中找到了重新组合的解决方案。即将原《音乐名作欣赏》课程中的中国部分强化,归入《中国音乐史与名作赏析》;将原《音乐名作欣赏》课程中的外国部分强化,归入《外国音乐史与名作赏析》,这样基本解决了《音乐名作欣赏》与《中外音乐史》两课程整合的弊端,突出了感性认识与理性思考的协调统一。 2.整合音乐基本理论与听力训练的《乐理与视唱练耳》。 这种课程设置的方式在之前已有实践,很多教师在传统视唱练耳课程授课过程中其实也在不断强调两课程间的关系,是两者紧密结合。 3.将和声、曲式、复调、配器等四门作曲技术理论课程合而为一 成为《多声部音乐分析与写作》。目的旨在完成对于音乐作品创作完善过程中所需要的基本技巧的学习,而非培养一个作曲家。 4.新开设《外国民族音乐》等新型前沿课程 一方面获得对于世界各地区、各民族音乐主要体裁、形式、乐器、乐曲和音乐形态等方面的基础知识,提高学生对于音乐的分析、鉴赏能力,培养探索精神、创新意识。另一方面,扩大学生的音乐视野,明确人类音乐的多样性,人类音乐文化、音乐行为的普遍性。懂得理解和尊重多元音乐文化,明确中国音乐在世界音乐中的特点和位置。在具体教学过程中,注重将此课程与音乐理论其他课程的联系与对比,突显出音乐世界的丰富与广博,大大提升了学生对于音乐观念的认识层次。 5.根据《教育部教师教育课程教学指导纲要》要求 将中国、外国乐器演奏成为有选择的必修课程,即中外乐器必须各选择一件进行学习,目标是了解相应乐器的基本知识,赏析具有代表性的作品,掌握乐器演奏的基本方法、基本技巧。 6.将原有的《音乐教学法》拓展为《学校音乐教育导论与教材教法》 新课程属于音乐学科教育学的范畴,具有音乐教育基本理论与音乐教学实践相结合的课程特点,可以更加系统、完善地引导本科教育专业学生适应中小学教育发展的大方向与新要求。 二、音乐学教师教育专业课程改革的积极意义 1.密切了学科关联的系统综合性。 以《多声部音乐分析与习作》课程为例,将以往《和声》《曲式》《复调》《配器》等作曲技术理论整合,去除过于专业培养作曲家的艰深部分,充实与实际作品相联系、实践能力相适应的使用技巧。本课程在非试点院校没有开设,传统院校仍采用专业化而非实用化的四门课程、分别授课。 2.强化了理论与实践相结合的协调统一性。 以《学校音乐教育导论与教材教法》课程为例,将旧有的《音乐教育学》《音乐教学法》整合拓展为《学校音乐教育导论与教材教法》,更加系统、完善地引导学生适应中小学教育发展的大方向与新要求。本课程在非试点院校没有开设,传统院校仍采用理论与实践相割裂的教学方式。 3.体现了与国际接轨的前沿性。 以《外国民族音乐》课程为例,可以获得对于世界各地区、各民族音乐主要体裁、形式、乐器、乐曲和音乐形态等方面的基础知识,提高学生对于音乐的分析、鉴赏能力,培养探索精神、创新意识。此类课程除以往在各大音乐学院、艺术学院及福建师范大学等院校全面系统开设形成了示范效应外,教育部试点院校也随之全面系统开设,除此之外的传统音乐学科学校开设尚不普遍且不够系统。 4.强调了实际工作能力的教学适应性。 以《中外乐器演奏》课程为例,了解掌握相应乐器的基本知识,赏析具有代表性的作品,掌握乐器演奏的基本方法、基本技巧。适应当今中小学课外趣味活动建立军乐队、民乐队的实际能力需求。本课程在非试点院校一般只以选修课的形式开设,且只针对某一类乐器。不具备普遍教育意义。 5.拓展了从欣赏到鉴赏的广泛性与专业性。 针对音乐学教师教育专业,各试点院校适时开设了《声乐名作与演唱赏析》《器乐名作与演奏赏析》两门课程,将以往《音乐名作欣赏》课程统一授课的方式打破,更具针对性与专业性,同时突出了对于学生演唱、演奏方式、状态的提升作用。这样的课程在以往有音乐学院系统有类似课程开设,如《歌剧艺术赏析》《弦乐艺术赏析》,但相较于前述的《声乐名作与演唱赏析》《器乐名作与演奏赏析》范围相对偏小,不够全面。 6.明确了专业通识体系的渗透性与交叉性。 音乐学院针对与音乐相关的姊妹艺术的渗透性与交叉性开设了以下课程——《中外美术简史与名作鉴赏》《影视艺术简史与名作鉴赏》《舞蹈名作鉴赏》。这些课程目前在省内其他同类院校中都是没有开设的,这一点与国家对于人才培养的综合素质能力要求十分不协调。 三、结语 综上所述,教育部正在完善的音乐学教师教育专业对于我国中小学音乐教育的良性发展是具有重要的积极促进作用的,突出体现了素质教育对于艺术综合能力培养的目标。同时应该将试点院校的经验进一步推广,引导其他未改革院校顺应教育发展改革的潮流,促进素质教育的进一步完善。 作者:延劭楠 单位:兰州城市学院音乐学院 音乐学论文:高校音乐学专业钢琴教学论文 一、教学目标要更明确 (一)注重对学生学习观、人生观的培养 每位教师在钢琴教学的初期就应该注重对学生学习观、人生观的培养。教师应该有计划的、有方向的对学生的思想进行引导,使学生不论是在生活中还是学习上都能明确自己究竟怎样做才是正确的,帮助学生树立“不积跬步,无以至千里”以及学无止境、知难而进的学习态度,从而逐渐地帮助他们树立正确的学习观、人生观。 (二)注重对学生审美能力的培养 培养高校音乐学钢琴专业学生的审美能力是十分重要的,它不仅可以让学生的音乐鉴赏能力得以提高,还可以使学生们对钢琴艺术更加热爱,更重要的是它可以使学生的心灵得到净化。因此,一方面,高校钢琴专业的教师在授课时可以适当的插入历史知识、文化知识、舞蹈知识等,拓宽学生的知识面,让学生明白钢琴艺术与其他学科是有着千丝万缕关系的,而不是单独存在的。另一方面,教师可以引导学生在课余时间阅读文学名著、参观艺术展览,鼓励学生多亲近自然,寻找灵感,使学生在知识、艺术与自然的熏陶下渐渐提高自己的审美能力。 (三)注重对学生学习兴趣的培养 兴趣可以使学生在钢琴学习过程中表现的更加积极、主动和认真,教师应该加强对学生兴趣的培养。可以从三个方面入手:第一,言传身教必不可少。教师在授课过程中要全面展示作品的内容,积极表达对钢琴音乐的热爱,以此来感染学生,让他们对钢琴艺术产生浓厚的兴趣。第二,聆听优秀的钢琴音乐很重要。为了提高学生对钢琴艺术的兴趣,教师应组织、鼓励学生多听一些优秀的钢琴音乐,多参加音乐会,多了解音乐家的人生经历。以此使提高学生对钢琴艺术的兴趣。第三,学以致用是关键。教师要合理引导学生们应用课堂所学知识来分析理解钢琴音乐作品,培养学生对音乐作品的感受力和想象力,让学生在实际应用中体会到钢琴音乐的魅力。 (四)注重对学生音乐才能的培养 学生的各项能力是建立在高超的钢琴才能的基础上的。教师在钢琴教学中要注重对学生以下几方面的培养:首先是培养学生的节奏感。节奏是组成音乐的主要部分之一,教师在教学时要引导学生细心体会节拍的律动,指导学生正确认真地弹奏乐曲。其次是培养学生的音乐感。教师在钢琴教学的过程中要充分展示作品的内容,带领学生感受作品的意境,引导学生运用想象力想象作品描述的内容,体会作品的内涵。最后是培养学生的记忆力。教师应鼓励学生注重乐曲弹奏的连贯性,鼓励他们多做练习,多弹奏、背诵一些名作,增强学生的记忆力。 二、教学内容要更完善 完善高校音乐学专业钢琴教学的教学内容是高校钢琴教学改革的重点。 (一)教学内容丰富多样 为了让学生得到全面的发展,高校的钢琴教学不能只注重教授知识,传授技术,这是十分片面,十分单一的。高校应结合社会要求以及学生特点完善教学内容,使教学内容更加丰富多样。巴洛克时期的优秀钢琴作品内容丰富,结构系统,对提高学生对钢琴作品的理解十分有帮助,高校可以多引进这一时期的作品;高校可以建立一个数据库,收藏大量与钢琴艺术有关的资料供学生们下载使用;高校还可以使用钢琴教学法,让学生了解钢琴教学,提高学生实践能力。 (二)钢琴技巧与理论相结合 首先要引导学生认真学习各种有关钢琴的知识及技巧,为学生将来的钢琴演奏技能打下夯实的基础;其次要泛弹精弹相结合,提高学生的视奏能力和实践能力。这样理论与实际相结合,让学生在理论中学会知识,在实践中理解知识。 三、教学模式要创新 高校音乐学专业钢琴教学教学模式的创新是高校钢琴教学改革的关键。 (一)钢琴教学的针对性要增强 了解学生个体的差异,针对不同的学生个体确定不同的教学内容是增强钢琴音乐教学针对性的关键。教师应在日常教学中细心观察和了解学生所存在的问题,对读谱有困难的学生应帮助其学习谱号、音符等,使其学会正确读谱;对触键有困难的学生应帮助其学习触键准则,学会触键方法;对不会指法的学生要指导其进行正确的指法练习,帮助其进步。 (二)钢琴教学的灵活性要增强 高校可以通过不定期开设讲座等方式向学生介绍钢琴音乐的最新动态;通过组织学生参加高水准音乐会的方式让学生们领略钢琴艺术的魅力;通过组织学生开展学生音乐会的方式让学生得以展示自己的才华,增强他们的信心,使他们更加热爱钢琴艺术。 (三)钢琴教学的互动性要增强 教师应充分调动学生的积极性和合作意识,引导他们参与到钢琴教学中来。一是高校钢琴专业教师在教学过程中要尽力营造和谐民主的课堂气氛,告别传统的老师讲学生听的模式,让每个学生都能在师生共同探讨中学到知识,实现师生之间的互动;二是教师可以将学生分成不同的学习小组,让学生在小组中合作学习,互相帮助,共同探讨,实现学生与学生之间的互动。 四、结语 改革创新对高校音乐学专业钢琴教学教学质量的提高具有十分重大的意义。在改革过程中明确教学目标可以使学生的审美能力、音乐技能和学习钢琴的兴趣都得到提升;完善教学内容可以使学生得到更加全面的发展,培养符合社会需求的高素质人才;创新教学模式可以提高钢琴教学的效率,增强师生间的互动。 作者:郑雅丽 单位:华中师范大学武汉传媒学院 音乐学论文:高职音乐学前教育论文 一、高职学前教育专业音乐课程现状 1.生源现状与课程开设目的。高职学前教育专业生源为普招中文理兼收学生,与高等师范类院校音乐学院或音乐系招收的专业考生相比,没有相关的艺术经历,专业基础薄弱,但学习热情高、职业理想高尚,对今后所要从事的工作有坚定的信念。高职学前教育专业相关音乐课程的开设目的也与音乐学院有所区别,是为了培养学生对音乐的感知能力、一定的欣赏和简单的创编能力,对这门特有的听觉艺术有一定的了解,且为胜任今后的工作打下一个较为坚实的基础。 2.课程设置现状。师范类院校在音乐课程的开设中具有课程细分化、学科专业化、培养形式多样化等特点。高职学前教育专业音乐课程的培养目标虽然与师范类音乐学院或音乐系不同,但在课程设置中有诸多相同,例如钢琴、器乐作品鉴定、即兴伴奏等课程,学科专业性很强,虽然是根据幼儿园音乐教育所需的音乐能力(如音乐技能、音乐基础知识等)进行设置,但对于毕业后教学来说,实用性体现不够,不能充分体现学前教育专业音乐教育的特色。课程的设置忽视了音乐课程内容的相通性、实用性,只注重音乐知识本身的系统性、专业性。 3.课程内容现状。首先,在声乐课中,过多注重发声位置、气息控制和咬字吐字等专业性很强的问题,虽然最终目标是让声音通过腔体共鸣更加美妙丰富,但要结合学前教育专业学生工作的实际情况,幼儿演唱需要用最自然的声音表达心中的感受和美,如何引导幼儿用心聆听、感受和实践音乐以及幼儿嗓音运用和保护等问题更加重要。目前,对幼儿唱歌中教学问题的解决和嗓音保护方面的知识,还有待进一步完善。其次,是器乐课程,钢琴和即兴伴奏对于学前教育专业的重要性已经被逐渐认识,但对即兴伴奏能力的调查结果是很不乐观的。钢琴学习是循序渐进的,从最基本的节奏、弹奏技巧到练习速度来安排课程,从学生的实际情况来看是科学的,但与社会对学前教育专业学生的基本要求不相符。即兴伴奏要求手、眼、嘴的密切配合,而弹唱脱节一直是学生到幼儿园进行音乐教学存在的问题。 二、高职学前教育专业音乐课程存在的问题 1.课程设置不合理。高职学前教育的音乐课程设置中,参照音乐院校中技能技巧的课程设置,强调对学生理论、技能、实践的严格培训。而学生所学的知识没有为毕业后音乐教学工作做好充足准备,课程设置与培养目标严重脱节。此外,音乐学科之间相通的知识不能根据专业特点编排,忽视学前教育专业特色,课程设置过于专业化、细分化。学前教育专业开设的课程有乐理与视唱、声乐、钢琴、舞蹈、集体电子琴演奏等课程,这些课程专业特点体现不够明显,同一知识点在不同的音乐课程中重复讲解,造成了教学资源的浪费。 2.课程内容过于专业化,授课内容简单化。现行的学前教育专业音乐课程内容,多以本课程重点知识讲授为中心,围绕重点知识进行教学内容设计、讲授。乐理与视唱、钢琴、声乐、舞蹈、即兴伴奏、音乐欣赏等课程分科开设,就重点知识系统性讲解来说效果显著,但就学生自身的专业基础程度来看,学生的学习难度偏大,效率不高,这对学生学习音乐的兴趣持续保持且日益增温形成很大的挑战。同时在授课过程中,也存在着音乐院校课程内容简单化的现象:在课程目标上降低教学要求,在教学内容上减少重点难点,学前教育专业的职业技能特点不明显。教师在授课中注重单一的技能技巧,忽视音乐素质和音乐教学能力的培养。 三、高职学前教育专业音乐课程的设置构想 音乐课程的设置应在高职学前学生的自身特点和原有理论的基础之上,树立正确且符合现有状况的教育观:如依据学生音乐能力的个体差异,以及课时少、学生多、教学任务繁重的特点,对相关的音乐课程进行合理整合。 1.课程整合。高职学前教育专业课程设置强调综合性、实践性,并且要与新的学前教育课程设置和课程改革同步发展。首先,必修课程要突出综合性。以市场需求为导向,按照国家的教育方针政策,并结合教育部《幼儿园教育指导纲要(试行)》的要求,对分配过细的必修音乐课程教学进行系统、科学的整合,时刻与学前教育专业教学要求相一致。第一,声乐课程。声乐课程包含发声技巧与理论基础、歌曲演唱技巧、童声合唱训练等内容,在课程共性分析的基础上,尝试进行相关的资源整合,课程可分为两个重点:一是根据幼儿成长过程中对语言、生活、节奏、兴趣以及不同年龄阶段的具体需求,建立优秀幼儿音乐歌曲库,让学前教育专业学生增加对音乐风格的了解和不同歌曲题材的大量积累,以适应今后幼儿教育中各个教学环节中对音乐的不同要求。二是声乐教学法。示范演唱和歌曲的情景表演相结合,运用多种教学方法和教学手段指导幼儿有目标地参与活动并演唱,在幼儿园唱歌教学中还应注意幼儿的发声方法、嗓音保护等。第二,器乐课程。器乐课程包括钢琴、即兴伴奏、幼儿歌曲编配与弹唱、乐理与视唱、幼儿打击乐等内容,也可以进行相关整合。自弹自唱在学前教育的音乐课程中应用最多。需要具备以下能力:根据学生不同嗓音条件,进行移调伴奏的能力;视奏能力,即快速地读谱并演唱儿歌;为歌曲配置伴奏的能力;自弹自唱的能力。这些能力决定着自弹自唱的效果和水平。当然弹奏钢琴正确的坐姿、手型、放松与手指的独立性以及乐曲演奏的基本技术要领等是自弹自唱的必不可少的前提准备。第三,关于乐理中的内容,可以在弹唱课或者鉴赏课中进行实践教学,专业性很强的内容可以删去。其次,选修课程应该突出实用性。为了适应市场对学前教育专业学生的要求,根据学生的不同优势、才能,为学生提供具有实用性的选修课,最大限度地调动学生学习的主动性、创造性。在必修的基础上,设置电子琴、手风琴、奥尔夫音乐教学法、幼儿园音乐活动设计、0~3岁早教课程等选修课程。其中部分课程针对有专业基础的同学和对本门课程兴趣相对浓厚的学生,使他们在原有基础之上,继续向更高的层次学习。 2.教材建设。教材建设要突出学前教育专业特色,充分考虑学前教育专业学生的现实情况,并贴近幼儿教育的职业特点。首先是声乐教材,应该选择不同国家、民族、地区、风格的艺术歌曲,时代感强、现代气息浓厚的歌曲,能增强学生学习的热情,展开联想、想象,拥有歌唱欲。增加中外经典歌曲和中外优秀幼儿歌曲,让学生为以后工作积累音乐元素。加入幼儿声乐教学法,了解幼儿的嗓音特点及正确的幼儿发声方法,为以后幼儿园的音乐教学活动顺利开展提供保障。其次是器乐教材,应该分为乐曲弹奏和歌曲编配两部分。乐曲弹奏涉及坐姿、基本手型、音阶训练、琶音以及不同节奏、不同风格的乐曲和相关的乐理知识。歌曲编配涉及简谱、指法设计、伴奏编配以及弹唱的内容,加入幼儿打击乐训练与奥尔夫音乐的节奏训练等。 通过对课程整合和课程结构的调整之后,设置能体现学前教育专业特点的课程,使所学专业与音乐素养和专业技能相互融合,相互促进,更加突出充满艺术人文性的教育。 作者:张蕾单位:河北广播电视大学 音乐学论文:民族音乐学发展历程探讨论文 【内容提要】:民族音乐的重要性;民族音乐学在世界范围内的形成与发展;民族音乐学在中国的形成与发展。 中国的民族音乐是世界民族音乐之林中的一棵古老而长青的参天大树,是我们华夏子孙的骄傲。它以丰富璀璨的繁花硕果,深广久远的历史传统,独特而多样的色彩风貌,巍然挺立于世界的东方。中国的民族音乐是当今世界上溯源最久远而又长流不绝的东方古老音乐,它渗透在社会文化的各个领域、各个方面。民族音乐学是音乐下属的一门音乐理论学科,在未使用这一名称之前,它曾被广泛地称为“比较音乐学”,至本世纪50年代初,作为学科名称的“比较音乐学”开始被“民族音乐学”替代。“民族音乐学”是一个复合词语,它是由“民族学”和“音乐学”两个概念复合而成。 1、民族音乐学在世界范围内的形成与发展 民族音乐学在本世纪50年代前称“比较音乐学”,比较音乐学作为一门年轻的音乐理论学科,大约萌芽于18世纪中叶,它的产生与发展,与欧洲殖民主义的兴起和扩张有关。从字面来理解,它似乎是一种将“比较研究的方法”作为学科研究基本手段的音乐理论。以18世纪为开端,欧洲发达国家的人类学家、历史学家、和文化学家们首先向外部世界开启了这些非欧洲国家民族的传统文化之门。他们感受到异国的新奇的音乐文化,并极力想把这些音乐传统的,不为欧洲人鲜见的音乐文化模式公诸于众。18世纪末叶,他们之中的部分学者对所到地区的音乐开始进行音乐性质的考察和资料搜集。调查者本身带有“西方音乐中心论”的文化偏见,因此,调查的内容很肤浅,但是也有一部分著作例外。如:比利时作曲家,音乐学费蒂斯,在他的著作《音乐通史》中,就较公证的和客观的论及了中国、日本和印度等非欧洲国家及其有关民族的传统音乐。 19世纪,英国和法国大肆对东方进行军事侵略和殖民扩张,英法两国对东方音乐的研究也随之发展起来。其中较为重要的著作有基泽维特发表的《阿拉伯音乐的起源说》等。由于没有音乐学家到他所研究的地区进行实地调查,欧洲人对非欧洲民族音乐的描述和分析都带有很强的主观色彩。因此,这些研究还不能构成一个学科。19世纪中期,这一“低劣”“肤浅”的比较音乐学研究状况开始出现明显的转机,首先提到的是英国语言学家埃利斯,在他一部很有影响的著作《论诸民族的音阶》,才是在真正理解、认识非欧洲音乐的道路上跨出了第一步,从而向当时开始滋长起来的欧洲音乐中心论发起了第一次冲击,它为后来比较音乐学的迅速发展,奠定了科学的方法论基础。“比较音乐学”的提出是由奥地利音乐学家阿德勒在《音乐学季刊》提出了把“历史音乐学”和所谓“体系音乐学”加以区别的构想,并把非西方音乐文化的研究列入“体系音乐学”的范围。他认为这是一门“根据民族志和民俗志进行比较研究”的学科。当时,阿氏把这门学科称为“音乐学”,就是后来说的比较音乐学。从1885年第二次世界大战之前,比较音乐学有了很大的发展。德国的音乐学家施通普夫于1902年在柏林大学建立了研究室,之后与在研究室工作学习的萨克斯等人形成了比较音乐学的柏林学派。 柏林学派的音乐学家们站在欧洲音乐文化的立场上进行音乐形态的比较,认为欧洲音乐文化的形态高于其他地区的音乐文化。导致学术研究的绝对性、武断性。但是,柏林学派也有它的优点,这一学派通过欧洲音乐和非欧洲音乐的相互比较,打破了音乐学历来只重视研究欧洲音乐的局限,从而强调了音乐学研究的全面性、完整性和科学性,它所起到的历史作用是不可磨灭的。鲍亚士学派又称历史学派或批评学派,当时是既反对进化论又反对传播论的一个新的民族学学派。此学派主张文化相对论,认为世界上各种文化是一律平等的,没有优劣之分。人们不应当用自己的一套标准去衡量其他民族的文化。这一学派认为每一种文化都具有独特的性质和各自的价值。这些思想对后来的民族音乐学的建立有很大的影响。美国学派和柏林学派相互融合,同时,音响和录音及其摄影技术的进步,对民族音乐学的发展有很大的促进作用。20世纪60年代末,美国民族音乐学界兴起了以结构主义—符号学为分析模式的潮流。它源自结构主义语言学,而语言学的结构主义学派有瑞士音乐学家索绪尔所创立。20世纪50年代末,法国人类学家借鉴结构主义语言学的理论,开创了结构人类学派。20世纪80年代以来,由于高科技的兴起,信息技术的革命,西方世界进入了后工业阶段,西方文化也随之进入了后现代时期。这一时期在文化方面的特点是:消解中心,复苏边缘,反对同一,追求多元。最引人注目的是对西方文化霸权主义的批评和马克思主义思潮的兴起。在东欧,巴托克的《匈牙利民歌》,柯达伊的《论匈牙利民间音乐》是东欧国家比较音乐学的代表著作,为这一音乐学科的发展筑造了一块块坚实的科学基石。在东亚,中国音乐学家、音乐活动家王光祈,最先系统的采用比较音乐学的方法,首开了东方比较音乐学之先河。日本音乐学中的比较音乐学亦开始苏醒,音乐学家田边尚雄作为日本比较音乐学的先驱者,于1936年创立了“东洋音乐学会”,为日本比较音乐学的兴起准备了早期条件。本世纪五十年代后,虽然“民族音乐学”以被多数国家的音乐学学者们公认,从而取代了以往的“比较音乐学”名称,但是,“比较研究”作为一种不可取代的音乐学研究方法,保留在民族音乐学的总体研究方法系列之中,并在比较研究的对象、范围和目的方法比以往任何时代都开放和多样。80年代后半期,民族音乐学家们开始批评西方思想体系和欧洲音乐文化中心论,反对音乐文化的全球同一化,强调各种音乐自身的特点。从那时到现在,以下课题成为西方民族音乐学研究的热门话题:音乐的认同作用;他者的音乐文化;音乐传统的变化;音乐工业与大众媒体;城市民族音乐学和流行音乐;不同音乐的商业销售额,不同题材音乐作品在不同阶层中流通的比较和如何通过音乐建立人际关系等不同的问题;民族音乐学在音乐教育中的运用。 2、民族音乐学在中国的形成与发展 最早把民族音乐学介绍到中国来的是王光祈先生,他的《东方民族之音乐》中把中国、希腊、波斯阿拉伯分为“世界乐系”的三大类。王光祈先生不仅是第一位把比较音乐学介绍到我国的音乐学家,也是把这门学科从西方介绍到东方来的第一位学者。从王光祈先生把民族音乐学介绍来的第一天起,就是想用一种新的方法研究自己的传统音乐,使中国音乐能够在继承传统的基础上发扬光大。1927年在上海出版了《东方民族之音乐》,之后中国的音乐学家们一直在“救亡图存”的基础上去做中国民间音乐的调查工作,而并不是在用看世界音乐的眼光去研究音乐,当然也取得了很伟大的成绩。从严格的意义上讲,这些研究并不属于比较音乐学的范围。当时,音乐学界把这种研究称为“民间音乐研究”然而这些研究工作却为20世纪80年代在我国全面地推广民族音乐学打下基础。1939年,延安鲁迅艺术学院成立了“民歌研究会”,1940年改为“中国民歌研究会”,1941年改为“中国民间音乐研究会”。抗日战争和解放战争时期的民间音乐研究,通过对中国民间音乐的搜集、整理,希望达到为音乐创作服务和为政治服务的目的。这种做法和实践,对新中国成立以后的民族民间音乐研究有很大的影响。从1949年新中国成立到1966年“”爆发是民族民间音乐研究的第二个时期。从总体上看来,民族民间音乐研究的第二时期继承了第一时期的做法,在大量搜集中立我国民间音乐作品的基础上,用西方音乐理论对这些作品进行了形态学的分析,从而达到了为音乐创作服务和为政治服务的目的。20世纪60年代是民族音乐学在全世界范围内取得迅速发展的时期。进入80年代初,“民族音乐学”作为可以涵盖和容纳“比较音乐学”和“民族音乐理论”、“民族音乐研究”、“民间音乐研究”等内容的音乐学学科,在中国音乐学领域逐渐确立了它自身的分支学科地位。至80年代末,中国民族音乐学无论是学科基础理论和方法论建设,还是具体的调查采集及各种专题研究,都取得了很大的成绩。1980年在南京召开了全国民族音乐学学术讨论会,自论坛会之后,民族音乐学便在中国逐渐地确立了自身的地位。超级秘书网 中国音乐学家借鉴国外民族音乐学理论、方法及最新成果,在很多方面取得了显著的成就,大致可以概括为以下几个方面:国外民族音乐学论著的编译和出版、就民族音乐学学科界定的争论和对学科建设的建议、民族音乐志的编辑和出版、音乐文化区划性质的研究、音乐文化历史性质的研究、跨文化的音乐比较研究、对外国音乐文化的研究、民族音乐学的教学、现代科学技术的采用等。随着民族音乐学的逐渐形成发展,它形成了它特有的研究方法。民族音乐学分为田野工作法和案头工作法两个阶段。田野工作又称为现场工作,指的是为了获得研究资料,亲自到某一特定音乐文化发生的环境中去做调查,案头工作则包括对搜集来的音乐资料进行记述、分类、分析、研究及结论或论文的撰写。田野工作之前的准备工作包括思想、资料、技术能力、器材等方面的准备及杰作调查提纲等方面的内容。案头工作可分为四个阶段:对调研对象进行描写和记述;在描写和记述的基础上分析、解释;在分析、解释的基础上分类;在分类的基础上进行研究。 民族音乐学发展至今与社会科学领域非音乐理论学科之间有很多的联系。如:与人类学、民族学、民俗学、社会学、地理学、语言学等。民族音乐学是发展时间很短的学科,从民族音乐学发展来看,民族音乐学是一个包容面很广的音乐学分支学科,它以后的发展面积将会更广,内容会更加博大精深。 音乐学论文:幼儿生理特点与音乐学习分析论文 【摘要】文章概述了音乐教育对幼儿的重要影响,阐述了我国目前音乐教育所存在的问题,重点分析和说明了幼儿的生理成长特点以及针对这些特点采取的相应教育方法。 苏霍姆林斯基说:“音乐乃是一种使人迷恋善良、美丽和人道主义最美妙、精细的手段……”。音乐是人类生活的反映,也是人们抒发情感的方式。用音乐愉悦生活,使人们获得高尚的情感。音乐有集中注意﹑激发思维﹑发展语言﹑丰富想像的作用,可以促进幼儿智慧发展;音乐有调节情绪的功能,能给幼儿美的享受,美的音乐能够使幼儿情绪高昂地全身心地投入到音乐活动中去…… 音乐有其独特的特征,因此对幼儿具有十分重大的影响。“幼儿音乐教育”是摆在我们面前的一个意义深远的新型课题。“幼儿音乐教育”是对幼儿进行的音乐启蒙教育。它采用生动活泼的教学内容和形式,培养和发展幼儿对音乐的兴趣。音乐教育不仅能培养和提高幼儿的音乐能力和增强幼儿的审美能力,还能够使幼儿在音乐活动中通过感受﹑体验﹑表现“美”的内涵,从而使幼儿获得身心发展的“和谐之美”。幼儿只有学会认识音乐﹑驾驭音乐﹑学会寻找和体会音乐之“美”,才能进入音乐的天地并借助音乐获得积极的人生体验。从而促进幼儿全面、健康的成长。所以,幼儿音乐教育是幼儿能否健康成长的重要因素之一。 目前,我国音乐教育存在的问题主要表现在任教内容和任教方法这两个方面: 一、任教内容方面 在音乐教育中,教师一般都侧重于对幼儿技能的训练,忽视了对幼儿审美能力的培养。当然,教师对幼儿的技能培训在教学实践中也固然重要,但更重要的是在音乐教育中需要突出如何让幼儿在潜在的美感中体会到音乐的节奏、旋律、音色以及乐曲的整体结构。培养他们把美感辐射到音乐教育的各个环节之中去。使审美教育在循环反复中得以提高和发展。从而提高幼儿的心理审美素质。例如:演奏《泉水叮咚响》时,一般来讲教师主要注重孩子如何去唱好这首歌曲,而没有依靠让孩子体会曲目的音调、节奏来吸引他们对音乐的浓厚兴趣。而我则用一个水壶装上水放到教桌上,再用吸管吸上水,从很高的位置往水壶里滴水。同时让孩子们闭上眼睛仔细去聆听水壶里发出的”叮咚”声,引导他们去想像这个声音发出时歌曲里面的环境,声音之间的快感和音符,然后再叫他们去模仿这个声音,去幻想在这个幽静的环境之下音乐所辐射出的内涵和潜在的微妙感觉……这样会使教育内容更丰富、得体。 二、在教育方法方面 在这方面主要体现在模仿性成分太多﹑教具的陈旧﹑教材内容呆板等问题上。 1.模仿性成分太多。包括音乐题材,表演的动作,游戏的主体内容等。很多教师都是复制原有的音乐游戏,而且在教导的方法上都是按照原来的基本要求去实施和开展。比如按照教材里的所有内容原本的予以辅导或者大量模仿别人的教材,这样取得的效果是不明显的。 2.教具的陈旧。教具就像教师手里的魔术棒。如果发挥的淋漓尽致则效果事半功倍,反之则没有任何意义,而且容易使孩子产生抵触情绪。因此,选择具有生动、新颖对孩子具有吸引力的教具将对音乐教育的的工作的开展具有重要的意义 3.教材内容呆板。幼儿对新鲜事物较感兴趣。如果教材内容呆板,孩子们会表现出的漠不关心的样子和淡然情绪。这种模式会削弱幼儿对音乐的探索性和创作性。因此,在教材的内容上下功夫也是幼儿音乐教育工作中的一个重要环节。 针对现在音乐教育的状况,结合自己多年的幼儿音乐教育的一些探索、实践和经验,大胆思考、改变教育思维与模式,旨在通过音乐教育激发幼儿对音乐的兴趣,提高幼儿的审美能力和健全他们的启蒙思维。让“音乐”成为儿童生活的灵魂。那么,幼儿有什么样生理特点?我们又该如何针对幼儿的生理特点采取行之有效的教育方法呢?这是开展幼儿教育是否成功的优秀内容.根据幼儿的的生理特点和个性,以及对幼儿教育的见解,综合自己的实践经验采取不同的教育方法剖析如下: (一)以幼儿对新生事物具有“趣味性”的特点,采取“以趣引趣”的教育方法 兴趣是幼儿产生学习动力的重要因素,也是推动幼儿从事活动的内在力量。因此,我用幽默的语言、生动的比喻使音乐活动充满情趣,从而激发幼儿的学习激情及动力。主要在体现于教材趣味化﹑设计趣味化﹑教法趣味化三个方面: 1.教材趣味化。我在选择教材时,总是尽量选择从歌词到旋律,从体裁到形式,从结构到风格,都能贴近幼儿生活的教材。体现儿童情趣的教材,同时根据相关的题材加以改编,体现生动、活泼、趣味性。如歌词“汽车”演变成“汽车,嘟嘟嘟”;“流水”演变成“流水,哗哗哗”又如歌曲《走路》,小兔走路蹦蹦跳跳,“蹦蹦跳跳”的旋律平行,节奏短促跳跃,表现小白兔跳的生活特点;小花猫走路静悄悄,“静悄悄”旋律下行,渐渐减弱,表现小花猫的生活习性。这样就形象生动地描绘了这些动物的动作特征。比喻贴切、生动有趣。孩子易记、易学、易懂,适合幼儿的兴趣爱好。 2.设计趣味化。音乐教育活动设计的好坏,往往决定了音乐教育的成败。因此我对每一个音乐教育活动都要根据教材对结构内容进行精心设计。使之情节化、承上启下、自然过渡。这样就能使幼儿从一个陌生的主题走向一个熟悉的、感知的、进程性的意境。在这个意境中不仅让孩子感受音乐,而且让孩子表现对音乐的积极性。同时也可以使音乐活动顺利有序的进行。通过老师的精心安排,使幼儿感到音乐活动的趣味性。比如教孩子唱《世上只有妈妈好》这首歌曲时,我自己充当孩子们的妈妈,让孩子们充当歌曲里的那个孩子,在唱歌的过程中我用双臂去和孩子们拥抱……把亲情和故事的情节化为一体,把这首歌曲设计成一个动人的故事。而且根据故事的气氛引导孩子的表情,从而把教材设计得趣味化、条理化、结构化。 3.教法趣味化。“好奇”是幼儿的心里特征。“形象”是幼儿的思维方式。幼儿对新鲜事物充满”好奇”的心理,与此同时他们也善于用”形象”的思维去对”好奇”的事物加以思考、想像、揣摩。我利用这两个特征抓住幼儿的心理把音乐题材的内容变得“好奇和形象”,充满艺术色彩。我把同样的题材“趣味”化之后变得引人入胜,新奇和形象﹑生动。幼儿便于接受并积极参与到音乐活动中去。我对这个方法体会尤为深刻。比如教孩子们做“猫和老鼠”的音乐游戏。我用相应的乐器作背景,用道具比作猫和老鼠,再结合动画片《猫和老鼠》的内容,让孩子去想老鼠本来怕猫的,为什么猫老是被老鼠弄得晕头转向?让他们去模仿猫和老鼠的动作,用自己的形象来融入到这个游戏中去,利用他们”好奇”的心理把音乐游戏推向一个新的高潮。 (二)以幼儿情感化为特点,采取“以情动情”的教育方法 达尔克有句名言:“对音乐的理解,与其说是一种智力过程,不如说是情感过程”。因此对音乐教育的重点应该着眼于引导幼儿对音乐情感因素的体验。那么,怎么利用音乐感受达到情感交流,让幼儿轻松愉快地投入到音乐活动中去呢?我得出的经验是由“情”转变成“爱”。只有用“情”去打动幼儿;以“爱”去温暖孩子;用强大的感染力去体贴他们;用微笑去抚慰他们,他们才会在“爱”的情感氛围下茁壮成长。 另外还应加强师生的情感交流,努力创造一种平等、宽松、和谐的气氛,以此来激发幼儿对音乐活动的兴趣。因此,教师的情感、气质在教育过程中起着很重要的作用。教师要以自己在审美欣赏中的情感表现出感染力。另外教师对音乐也要有敏感性,具有善于发现、捕捉、审美的能力。教师加强与幼儿心与心的沟通与交流。采用以“情”动“情”的教育方法可以达到意想不到的效果。如形体训练《花儿笑》进行时,我让孩子意识到眼前就是一片花丛,然后再引导孩子们一起表现出惊奇、喜爱,然后想去闻花的香味,也想去摘美丽的花朵,又怕别人看见的表情。但又要让孩子们知道假如去摘花的话则是损坏自然的一种不良行为。让幼儿从心里变化中和老师一起去体会、寻找、去看、去闻、去摘然而又没有去摘等一系列动作化情感。同时在语言、体会、表现都恰到好处时结合题材,把情感融入到每一个细节的音乐活动中去,让幼儿在情感的底蕴中去领会每个动作的情感内涵。 还有就是要求教师在教育的同时让幼儿和音乐产生共鸣。如乐曲《欢乐的牧童》,教师不仅要引导幼儿去体验牧童欢乐的心情与感受,还要让他们联想到辽阔的草原,蓝蓝的天空,引导幼儿去体会和感受草原的美丽。描述时要有激情,形象的表现高兴的动态细节,让孩子说出内心的情感体验,情感的表达会逐步的变得细腻、深刻。 (三)寓教于乐是幼儿音乐教育的又一特点,采取以“乐”为教的教育方法 音乐艺术有娱乐的特点,这是吸引幼儿积极参与音乐活动的重要因素之一。利用音乐娱乐性的特点,引导幼儿在玩乐中学习、在快乐的气氛中体验生活。把音乐教育寓于愉快的音乐感受和音乐表现之中。引导幼儿在愉快的,富有艺术特点的教育活动之中受到教育。以“乐”为教的教育方法促使幼儿变得活泼、开朗,促进幼儿的身心健康和德、智、体、美的全面发展。 (四)幼儿具有潜在创造力的特点,采用“以新带新”的教育方法 奥尔夫体系的优秀观念之一就是在不断的创新中获得新的生命力。在大力推行素质教育的今天,我们要培养幼儿在自我探索中获取知识,在自我探索中增强创造力。教师是幼儿创造力的挖掘者。因此,我较注意启迪幼儿的形象思维来创造表达歌曲的音乐形象。比如改变歌曲的格调。本来用小提琴演奏的曲目,我用钢琴来演奏。改变了原有的格调,再结合教具,采用生动、形象的表达方式发掘音乐活动中幼儿的潜在思维和创造力。比如和孩子们做《乌鸦喝水》的音乐游戏时,我把《乌鸦喝水》这个故事的内容用简短的歌词和轻快、明亮的的歌调编写成一首儿歌。再用相应的教具来让孩子加入到乌鸦喝水的音乐游戏活动中去,根据这个故事的构思引导他们去表演,使孩子们在轻松而快乐和充满稚气的童声环境中动动脑筋,开发潜在的智慧和创造力。其次,也根据这个故事的内容让孩子去发挥自己的想像力,让他们自己去唱,去演。这就需要教师去激发他们的创造力,善于在实际的教学实践中去发现,鼓励和培养孩子们如何去创新。以”以新带新”的教育方法促进幼儿音乐教育事业的发展。超级秘书网 (五)针对幼儿的个性和优势采取”因人施教”和”灵活运用”的方法 每个幼儿会因成长的环境差异而产生不同的个性,不同个性的幼儿对音乐的领会和敏感程度是有差别的。因此,针对个性不同的幼儿采取”因人施教”和灵活运用”的方法也是很重要的。因此,在音乐教育的过程中必须注意以下几点: 1.在教学中发挥幼儿的积极主动性,使幼儿成为真正的主人。 2.要针对他们的不同特点和需要,让每个幼儿都得到美的熏陶和培养,对有艺术天赋的幼儿要注意发展它们的艺术潜能。而且不可以整齐划一。 3.积极发挥教师的的指导作用,为幼儿提供”自由表现”的机会。 4.尊重每个幼儿的想法和创造,肯定和接纳他们独特的审美感受和表现方式,分享他们创造的快乐。 综上所述,我们要在实际的幼儿教育实践中善于抓住幼儿的生理特点,对这些特点加以分析、总结而采取相应的教学方法是现在幼儿音乐教育的优秀和重点。让幼儿在音乐教育中享受到音乐带来的乐趣,并将这种乐趣加以巩固、发展、成为终生的一种需要。 音乐学论文:中职音乐学前教育论文 一、解决策略 1.明确教学目标,制定教学方案 生源较差是无法改变的事实,因此,中职学校应该通过努力来全面提高学生的整体素质,促进学生往更为全面的方向发展。音乐教师在教学中必须明确自己的教学目标,在帮助学生掌握音乐理论、歌唱技巧等专业知识的同时,应该注重学生音乐学习兴趣的培养,从而全方位提升学生的综合音乐能力。只有这样,学生才会更加愿意投身于音乐学习中,从而为学生往后的幼儿音乐教学工作奠定一个坚实的基础。 2.合理设置教学课程 因为教学时间是有限的,因此,教师应该合理地划分音乐知识的重要性,将教学重心着重讲解,而对于其他内容可以简单的概括一下,让学生有一个基本的认知就行,这样一来,不仅可以大大缩短教师的教学时间,还可以提高教学的效率。实践教学作为中职学校学前教育专业音乐教学的重要环节之一,教师应该适当地增加实践教学的实践,让学生拥有更多的机会亲自进行体验,这样可以提高学生的音乐素养,还可以提高学生的实践能力。 3.及时更新教学设备 教学设备是教学活动的辅助工具,它间接影响着教学质量,因此,中职学校应该加强相关的维修和更新工作。要及时解决教师在设备上反映的问题,对破旧的乐器应该及时更换,确保教师能够顺利地开展音乐课堂教学。同时,教师也要充分利用学校的各种资源,让学生在课堂上更多地接触不同的乐器,增强学生的实践能力。 4.教学方式 教师在进行学前教育专业音乐课堂教学时,不仅要结合学校的办学特点和实际情况,而且要通过各种方式来提升课堂的趣味性,从而促使学生更为主动地参与到学习中。例如,在声乐的教学过程中,教师可以让学生根据歌曲所塑造的情景进行表演;也可以比赛的方式让学生进行演唱,这样可以很好地调动学生的热情。而且,教师应该提醒学生在进行幼儿园音乐教学时要注重幼儿的发音方式,以确保能够保护幼儿的嗓音。而在声乐教材的选取上,应该选择各式各样风格、具有强烈的时代感的歌曲,从而激发学生进行音乐学习的欲望,彻底打开学生的思维。 二、结语 总而言之,正因为在中职学前教育专业音乐教学中存在不足的地方,因此学校和教师更应该想方设法进行优化,应该树立一个正确并且明确的教学目标,制定一套完善的教学方案,合理地设置教学课程,及时维修和更新所需的教学设备,对教学方式不断进行改善和创新。这样才能提高教学水平,培养出更为全面的幼儿教育人才,帮助学生今后更为顺利地进行幼儿的音乐教育工作。 作者:吴旋芳 单位:广东省连州市职业技术学校 音乐学论文:音乐学科建设论文 一、专业音乐学院音乐学科的发展 在2000年,我国各个省会就开始对电脑专业进行规划与建设,在这一背景下,音乐学科开始实现自身与电脑的结合。在2001年,南京艺术学院音乐学院教授庄耀提出了师范院校开设计算机音乐课程的畅想,其观点在国内音乐学界得到了强烈的反响。在国内经济形势的好转下,国内各个院校在音乐学科建设上投入的资金也越来越多,添置了大量的设备,但是,由于人才的缺乏,部分学校音乐学科的发展速度依然迟缓。总之,音乐学科的发展属于一项复杂、系统的工程,不仅需要学校的努力,更加需要政府、社会的支持,只有团结各方力量,才能够真正促进音乐学科的良性循环。 二、对我国音乐学科专业发展的思考 (一)音乐学科专业发展现状 在科技水平的法发展下,音乐学科与人之间的联系变得越来越紧密,也实现了与其他学科的融合与教会,开始渗透到了研究、生活、工作、艺术、生产等领域之中,综合各方的思想,音乐学科在我国有着如下几个方面的需求:从上世纪80年代开始,各个发达国家的音乐学科得到了迅速的发展,音乐已经不是单纯的文化艺术作品了,开始具有理工科性质。在新社会下,各类新设备与新技术的应用对人们的生活产生了极大的影响,改变看了人们的生活方式、思维方式以及工作方式,在这一环境下,音乐学科开始与科技得到了结合,音乐创作、音乐制作、音乐表演与音乐传播得到了极大的转变。在科技水平发展的社会环境下,多学科交叉发展已经成为了一个发展趋势,在科技水平的发展之下,应用科技成果来促进音乐创作、音乐表演、音乐传播、音乐教育、音乐研究领域的发展已经成为必然需求,在学科交叉发展的趋势下,不仅有效深化了音乐学科的内涵,也为音乐学科注入了新的生命力。纵观我国音乐学科的发展,虽然引进了大量的先进设备与仪器,但是这些高科技设备多来自发达国家,这些国家的科技水平之所以更加先进,其根本原因就是有庞大的研发人才与专业的研发队伍,在音乐学科的发展之下,我国已经成为音乐科技产品需求大国,在这一背景下,我国相关的生产企业数量也越来越多。此外,社会需求对于音乐学科专业人才的需求也越来越多,但是,从我国音乐学科专业人才的规模与培养模式来看,人才的数量与素质是很难满足国内音乐学科发展需求的,因此,发展音乐学科不仅是培养综合性人才的客观需求,也是促进我国音乐学科的发展的有效途径。 (二)音乐学科专业发展基础 近些年来,我院国内音乐学科取得了一定的成就,对音乐学科研究的个人与单位数量很多,取得了丰富的成果,这表现在以下几个方面:第一,广泛的学科基础。我国有着丰富的教育资源,从上世纪80年代音乐学科建立伊始,各个高等院校、师范院校的音乐学科就开始得到了一定的发展,虽然我国音乐学科的发展与欧美等发达国家还存在一些差距,但是依然取得了大量的研究成果。就现阶段来看,以中央音乐学院等为代表的音乐学科专业发展思路已经形成,也出现了电子音乐、音乐科技以及录音艺术等音乐科技专业,这些专业的发展为音乐学科的发展指明了新的方向,有效促进了音乐学科的发展。第二,人才与技术潜力。音乐学科是一门交叉性的综合学科,其发展需要有一定的人才技术与技术基础,在信息工程、计算机、电子工程等学科的发展下,人才与技术得到了一定程度的积累,在国家的支持下,大量的人才开始投入到音乐学科领域之中,这就为音乐学科的发展奠定了基础。第三,良好的经济环境和社会环境。在改革开放的深入下,我国经济环境与社会环境得到了有效的发展,这就为音乐学科人才的培养提供了一定的社会保障。 三、21世纪我国音乐学科发展的思路 21世纪,我国经济与社会水平的发展为音乐学科的可持续发展提供了良好的条件,为了实现音乐学科的可持续发展,需要积极借鉴其他国家的先进经验,充分发挥出我国音乐学科的优势,克服人才方面存在的不足,这可以从以下几个方面进行: (一)加强国内外的交流与协作 发达国家政治水平、经济水平、社会水平的发展为其音乐学科的发展奠定了基础,在经历了长期发展阶段之后,这些国家音乐学科的发展取得了良好的成就。要想促进我国音乐学科的发展,国内专家必须要深刻的认识国外音乐学科的发展实质,把我好国外音乐学科的内涵,将国外发达国家的经验与我国的实际情况进行有机结合,加国内外交流和协作,扩大合作的广度与深度。这需要注意到几个问题: 1.注重音乐学科史的研究国外音乐学科在长时间的发展之下,已经开始与其他的学科得到了有效的结合,从这一层面而言,全面把握好国外音乐学科的发展历史不仅可以帮助我们把握好音乐学科的发展历史,还能够从中得到启示,促进我国音乐学科的发展。分析国外音乐史的发展历史能够帮助我们更好的认识到国际音乐的发展动向,要对音乐学科又系统全面的把握,就需要深入的去分析、去观察,获取到最真实的资料,这也是发展我国音乐学科的必由道路。在把握好国外音乐史的发展动向后,再与我国音乐学科的实际情况相机和才能够真正促进音乐学科的发展。 2.注重音乐人才的交流和引进在进行对外交流与协作时,还必须要注重音乐人才的交流与引进,这也是我国音乐学科发展过程中必不可少的途径,这对于促进我国音乐学科的发展有着一定的现实意义。 (二)加强对内交流与协作 在未来阶段下,需要加强各个音乐学科发展单位的交流与协作,国外音乐学科的发展经验电视,跨学科协作是音乐学科发展的重要渠道,电子科学、计算机科学、声学的发展的合作有效促进了音乐学科的发展,而我国音乐学科内部沟通不足是影响其发展的重点因素。此外,音乐学科发展单位与研究单位需要加强协作,为新型人才的培养提供必备的支持,这也是促进我国音乐学科发展的有效保障。 (三)形成特色音乐学科 从现阶段我国音乐学科的研究领域来看,具体的内容包括理论研究、音乐创作、项目试验、技术推广、成果产业化,这些具体的领域在长期发展阶段之中表现出不同的发展方向,继而构成了完整的音乐体系。国外音乐学科的发展经验显示,如果失去了丰富的研究成果,音乐学科的发展是无法走远的,在下一阶段下,需要夯实音乐发展技术,成立专业的研究中心与实验室,促进科技创新。在研究音乐史,这些研究中心与实验室还应该与国外大学的研究中心建立其协作关系,努力丰富自身的研究成果,加强高端科技人才的培养。此外,政府还要加强对这些研究中心与实验室的扶持力度,从某种意义上而言,这些研究中心与实验室属于国内音乐学科发展的风向标,只有有着风向标,国内的专家学者才能够更好的把握住国外音乐学科的发展动态,及时来调整我国音乐学科的发展方向,这样才能够有效促进我国音乐学科的良性发展。综上所述,从以上几个方面出发,能够让音乐学科形成一个发展有序、层次分明、体系完整的新型综合性学科,该种模式是值得进行广泛的推广与使用的。 (四)做好学术队伍建设工作 建立起优秀学术队伍,发挥出学科带头人的作用对于促进音乐学科的发展十分有益,学科带头人既可以在学术上带头,也有着良好的协调能力与组织能力。因此,做好音乐学科学术队伍与学科带头人建设工作是促进音乐学科发展的关键性因素,这不仅需要选择好带头人,还需要选择出学术骨干,形成一种年龄、职称、学历科学合理的学术队伍,这种带头人需要具有以下几个方面的特征:第一,创新性。学科带头人是音乐学科的代表,能够在实践与探索的过程中把握音乐学科的前言理论知识,创造佳绩,为音乐学科的发展奠定基础。第二,领先性。学科带头人无论是在教育观念、理论知识还是思想形式上,都必须具有领先性,充分发挥出对音乐学科的领导作用。第三,标志性。学科带头人需要有开拓的眼界,成为国际上与国内的音乐学科先锋,作为音乐学界的学术权威。 (五)明确教学计划,合理安排教学 结合教育部门的教育方针,我国音乐学科专业的育人目标是输送专业的音乐人才,根据该种教学目标,学校方面必须要合理的安排教学,积极的借鉴其他学校的先进教学经验,并根据本校音乐专业的实际特征,制定出适宜本校音乐专业的教学计划,合理的安排课程改革,进一步的改革教学内容,全面提升学生的综合素养。此外,在教材的选择方面,应该充分的尊重学生的个体化原则,在现有教材基础上不断的筛选,以便能够重组出一套适宜本校音乐专业的教材。 四、结语 总而言之,虽然我国音乐学科的发展取得了一定的成效,但是与国外发达国家相比而言,还存在着一定的不足,其中最为突出的表现就是人才的匮乏、理论研究不够深入、缺乏广泛的交流与协作。为了促进21世纪我国音乐学科的发展,需要加强与国外发达国家的交流,成立专门的研究中心与实验室,只有采取多管齐下的措施,才能够促进我国音乐学科的可持续发展。 作者:刘宇统 单位:宜宾学院音乐与表演艺术学院 音乐学论文:音乐学习中学教育论文 一、初探中学音乐走过场的原因 学生对于音乐课程学习主观能动性不强,重要性认识存在偏差一方面是由于以上两点潜移默化影响的,另一方面也与音乐老师教学方法和课程设置有问题有关。目前,中学音乐教学要么理论性较强,难度较大,学生无暇顾及和深入学习。此外,对于鉴赏部分的内容又过于陈旧,不符合学生日常的审美习惯,导致授课内容吸引力不强,学生兴趣不足。 二、学校和家长转变观念,重视对学生音乐素质的培养 音乐作为熏陶美感和提高审美能力的最佳方式之一,是提高青少年音乐修养和艺术审美能力的重要途径。作为家长,要为学生的长远发展做考虑,不但要重视孩子语数外等主课学习,还应重视孩子艺术体育等副课学习,努力为孩子打下全面发展的素质基础。当然,对于音乐的重视并不一定是强令式和压迫式的,笔者多年教学体会是,生硬的报辅导班增加学生学习负担,反而不利于其学习兴趣的培养。此外,对于学校来说,要积极承担社会责任,站在学生综合素质培养的角度上,重视音乐课程管理。加强对音乐教师培训工作,尽快制定相应绩效考核办法,努力提升音乐课程质量。更为重要的是,学校要从更大的视角审视中学音乐教育,推动音乐教学走出教室,走出课堂。举例来说,学校可以鼓励学生在校内建立音乐兴趣组,在各种节日上组织音乐活动,推动学生团体以音乐表演的方式进入社区,服务群众。当然,在这一过程中学校要积极同其他任课老师沟通,争取其理解,还要给予学生必要的资金、乐器设备和指导教师上的协助。 三、学生合理安排学习时间,平衡各科学习,努力做到全面发展 新课标明确指出:中学音乐教育要注意与其他学科知识间的综合。站在学生自身角度来说,这也对当代中学生提出了更高要求,即学生合理安排学习时间,平衡各科学习,努力做到德智体美劳全面发展。具体来说,一方面,学生要充分利用学校安排的音乐上课时间,积极同老师配合,提高课堂学习热情,以一种愉快的方式进行课堂学习,提高上课效率;另一方面,课下学生也要积极走入音乐世界,多一些积极向上的音乐,这样既可以提升学生认识音乐的广度,培养自己对音乐的兴趣,又可以放松身心,缓解疲劳,为其他学科的高效学习打下良好基础。 四、教师重视音乐教学方法与学生特点 教师是课堂的重要组成部分,肩负着音乐知识输出的重要任务。因此,要想避免中学音乐学习走过场,作为中学音乐教师首先需要重视对音乐教学方法与学生特点的研究。正如笔者前文所说,时代和社会环境决定了学生在日常生活中更多的是接触流行音乐,对于传统古典音乐认知较少,兴趣不足。此外,学生课业繁忙,很难抽出大部头时间和精力进行过分理论性的学习。给予这样的学生特点,音乐教师要采用合理的教课方法才能在平衡其他学科学习的前提下,提高学生对于音乐的兴趣和学习欲望。具体来说,教师可以灵活运用多种教学方法正确组织课堂音乐教学,通过现场表演,视频音频欣赏,互动讨论等方式启发学生,激发中学生学习音乐的兴趣。此外,我们知道对于音乐学习和鉴赏能力的提高不是一蹴而就的,因此教师要注意根据不同学生特点并结合其音乐特长,扬长避短,多从鼓励角度给予学生帮助和提示,增加学生对于学习音乐的信心。最后,教师可以以流行音乐为切入点,通过对一些励志流行音乐曲目的鉴赏和学习,降低学生对于音乐学习理解上的难度。这样不仅能够提高学生学习音乐的兴趣,还能够弘扬正气,帮助学生保持积极向上的生活态度。 五、结语 社会在发展个人也要发展,社会主义现代化建设需要德智体美劳全面发展的人才,然而,目前我国对中学音乐教育普遍重视不足,学校的音乐学习课程成了走过场,学习效果不尽如人意。面对这一现状,笔者认为需要社会、老师、学校、家长、学生共同努力,转变认识观念,积极面对中学音乐学习,努力提升学生综合素质水平的提高。本文就是在这一理念指导下,探析了中学音乐教育走过场的几大原因,同时提出了相应的解决方案,以期我国中学素质教育,尤其是音乐教育可以得到良性发展,为社会主义现代化建设输送合格人才。 作者:张荣芹 单位:沭阳县庙头中心小学 音乐学论文:音乐学院钢琴教学理论论文 一、关于研究性教学应当注意的问题 笔者也作了一些参考,从西安音乐学院的具体实施过程来看,在开设课程之前教师一定要树立一个明确的研究型教学理念,要明确学生在研究性教学方法中的主体地位,不能在实施过程中继续走程式化的老路。在课程进行的过程中,教师应注意要鼓励学生大胆参与,不怕学生出错,同时要充分利用课程资源,要在钢琴教学的实际操作过程中完善教学评价机制,不能不顾学生的个性特点将学生的课堂表现一概而论,避免打击学生参与积极性的提高。研究性教学最大的优点就在于学生的学习由被动变成了主动,注重理论与实践的相互结合,同时还加强了教师与学生之间的交流与沟通,这对于我国培养创新型人才起到了极大的推动作用。其次是用建构主义理论完善传统教学理论中的不足。建构主义理论是瑞士心理学家皮亚杰提出的一种学习理论,这种理论最基本的观点在于,认识的获得是对既有知识和认识的主动建构,自从皮亚杰这一理论提出之后,在全世界范围内掀起了有关建构主义理论的探讨与研究,在这样一种理论指导下,世界各地的教育教学又产生了许多新的变革。在此笔者要指出的是建构主义理论对于钢琴教学的影响。在运用建构主义理论进行钢琴教学时,教师应当特别注意课堂气氛的和谐与自由,为学生搭建一个充分表达自己见解的平台,设定合理的培养目标,充分利用支架式教学、随机访问教学等多种方法对学生进行授课,在具体实施过程中,教师可以根据课程进度设定不同的音乐情景,利用情景再现的方式让学生参与到钢琴学习中来,同时还要充分利用学校的设备资源,采用多媒体等现代化教学手段从实践中探索钢琴教学的具体方法。利用教育心理学理论促进钢琴教学也是当今国内外钢琴教学研究的一个重点。尤其是进入到新世纪之后,随着教育心理学的不断发展和完善,高校的钢琴教学理论研究开始从教育心理学着手分析钢琴教学的重点。教育心理学种类和内容比较繁杂,在此,笔者主要介绍其中几种重要的理论以及该理论在西安音乐学院钢琴教学中的具体实践情况。多元智能理论是教育心理学中一项十分重要的理论,它从人类智能构成的多元化出发,认为学生作为一个智能个体有着充分的学习潜能和创造力,西安音乐学院的教师根据这一理论探索出在课堂上重视学生参与,为激发学生思维而教学的教学方法,如此充分调动了学生的积极性,也为钢琴教学探索了新的方法与实践经验。迁移理论也被广泛用于教育教学当中,对于高校钢琴教学的开展,教师也可以利用迁移理论进行教学,这能够有效地促进学生知识体系的优化,教师通过合理安排教学内容顺序,注意发展学生的理解与概括能力,提高学生学以致用的能力、 二、在当下高校课程开展中存在一个很大的问题 那就是不能恰当而精准地对学生的学习行为作出客观的评价,发展性评价就是针对这一问题而提出的新的教育评价理念。以往的教学评价,教师往往只是看到学生的最终学业成绩,以分数作为学生学习成绩的唯一评判标准,而发展性评价则是终结了这样一种不客观的评判标准,以高校教师的钢琴教学课程评价为例,钢琴教师首先从观念上对该课程的内容作出大致的衡量,通过实施中的具体情况作出客观性判断,不再以学生单纯的钢琴考试成绩作为最终评判标准,而是重视学生作为学习个体纵向发展的具体实际,从学生个体身上看到每一个学习个体的优势与不足,从而针对性地对其进行分析评价,使学生都能够找到适合自己的学习方法。在发展性评价教学理论中,教师、学生与教材是一个相互关联的整体,他们相互依存而存在,作为一种处于动态趋势的评价标准,发展性评价不论是对于教师来说,还是对于学生而言都是促进其共同进步的良好教学策略。 三、针对以上几种钢琴教学理论的分析 我们可以看出,西安音乐学院对于国外钢琴教学的理论方法有着十分活跃的应用与实践,具体体现在以下几点。第一,通过借鉴和学习国外钢琴教学的相关理论研究,并且运用到我国高校钢琴教学实践当中来,这对于发展我国钢琴教学有着极大的促进作用,同时还展现了我国高等教育与时俱进的时展精神。高校利用自身的科研优势,同时依托多学科的教育环境有利于对钢琴教学展开综合性和系统性的理论研究。从高校钢琴教学改革这一单一性的学科理论建设可以看出我国高等教育正呈现出整体性全方位的深化与改革,随着我国高等教育大众化阶段的到来,我国需要培养更多的创新型人才,这也是我国实施素质教育的根本。第二,钢琴教学的对外借鉴反映出了目前我国钢琴教学的视野变得更加开阔,从中我们可以看出,多层次、多角度的教学改革正是我国教育教学深化改革的一个缩影。不管是建构主义理论的研究,还是教育心理学的有关理论指导,我国钢琴教学从点到面、从理论指导到具体实践都作了相应的改革与探索,正是由于在这样一个广阔的视野下我国钢琴教学才得以向前迈进,才能有了明显的深化与发展。第三,钢琴教学理论的对外借鉴也显示出我国的钢琴教学正处于一个走出国门迈向国际化的趋势。国际化趋势不仅是当今教育面临的一个重大趋势,同时也是经济、文化等发展共同面临的大问题,钢琴教学理论的对外借鉴是顺应了全球化的趋势,是我国发展成为教育强国的必然走向。在对外借鉴的过程中我们应该时刻注意不能盲目崇外,在吸取和借鉴国外优秀教育理论的同时要不断创新我国传统教育理念,在与世界接轨的同时要不断思考如何将国外理论充分为我所用,只有充分将借鉴与继承相互结合才能够提高我国教育理论的进一步发展。 作者:蒲红伟 单位:陕西学前师范学院音乐系 音乐学论文:民族音乐学之音乐研究论文 (一)传统音乐的文化现象 研究中国传统音乐一般只着重研究传统音乐的文献和典籍,且研究的重点是旋律节奏、曲调、曲式结构、韵律、节奏、调、演奏演唱形态等音乐形态,缺乏对音乐在当时历史背景下的整体人文环境、文化习俗、社会背景的研究,使得研究成果没有完全呈现出传统音乐的文化底蕴。随着我国音乐理论中的民族音乐理论的发展,且民族音乐的研究体现了民族音乐学文化和民族整体文化,使得研究传统音乐的研究人员开始将传统音乐的发展和传承结合文化背景来研究,即将传统音乐研究立足于传统文化角度和文化价值体系中,并视传统音乐为一种音乐文化现象。因此,在之后的中国传统音乐研究,要基于整个文化背景框架下进行。 (二)传统音乐呈现多元性的认识 我国长久的音乐发展历史中,占据主导地位的几乎都是汉族音乐,即便是后来的其他民族统治时期,发展的音乐也受汉族音乐影响巨大,多数是对汉族音乐的学习和模仿,或者融合汉族音乐创作新曲风,但融合的成果仍然是汉族音乐居首位。从研究的中国传统音乐可以看出,我们基本上集中研究汉族音乐而缺乏研究其他民族的音乐,使得我国传统音乐呈现了一元化模式。后随着不断发展的各民族,和不断出现和更新的民族音乐理论,冲击着我国的传统音乐,使得我国传统音乐从一元化研究模式逐步转变为共同研究汉族音乐和其他各民族音乐的多元化道路上,避免了只研究汉族音乐造成的研究范围狭隘问题,丰富了我国的传统音乐。 (三)重视民俗文化及民间社会中的音乐等实地考察 我国研究传统音乐的主要研究方法是参考文献资料和音乐文化史料,基本上限制在室内进行研究,而没有在音乐起源处进行实地考察研究。这种研究方式可以看出是闭门造车,降低了音乐研究的准确性,且与实际音乐联系不强,使得研究存在一定的出入。直到以后,我国很多音乐研究人员开始进入民间进行实地考察音乐起源地的民俗文化及民间社会中的音乐等,促进了我国传统音乐质的飞跃,并对传统音乐研究产生了大批珍贵文化资料。人们喜爱音乐、创造音乐、研究音乐,最根本的原因是音乐能给人带来精神层面的享受,能抒发人们最真实的情绪。而深入民间去亲身体验音乐形成的特殊文化环境,置身所处当地人们的内心感受,才能更加准确地理解传统音乐所表达的内涵,明白音乐所具有的意境及特有的感情,从而产生共鸣,获得精神上洗礼和陶冶。 (四)中国音乐研究成果显著 研究民族音乐学理论,使得我国对音乐形态的研究从单一化转变为多元化,且更加重视与音乐产生因素相关的社会环境、文化氛围等,学会了在不同的地域和文化中分析不同的音乐,感悟音乐本体,提高了音乐研究水平。中国少数民族音乐会根据我国少数民族特点,专门成立了不同的研究会进行不同领域和对象的研究,如侗族音乐研究会、满族音乐研究会等可以针对本民族的民族文化、音乐风格等进行本土化交错研究。 (五)结语 综述以上,可以看出民族音乐学理论对中国传统音乐在很多方面都有较大影响,而正是这些影响促进了我国传统音乐的发展。而对民族音乐和传统音乐的研究,都是为了促进世界音乐文化的发展,并促进各界音乐之间相互交融和交流,求同存异,促进音乐文化的整体发展。 作者:杨金梅 单位:哈尔滨师范大学 音乐学论文:民间音乐学前教育论文 一、政府层面 以教育法规保障南通民间音乐在学校音乐教育中的基础地位。南通民间音乐特色鲜明,是我国民族音乐文化中不可或缺的重要组成部分。为了保护这些宝贵的非物质文化遗产,我国陆续颁布了《部级非物质文化遗产保护与管理暂行办法》(2006年)、《中华人民共和国非物质文化遗产法》(2011年)等法律法规,为保护非物质文化遗产提供了强大的法律保障,也显示了政府捍卫民族文化的决心。政策法规具有强制性,在政策法规的引导下,学校民族音乐教育工作将会事半功倍。1932年,国际著名音乐教育家柯达伊主导制定了以原始民间歌曲教学为基础的匈牙利音乐课程教学大纲⑤。从1945年起,柯达伊一直承担领导制定匈牙利音乐教育规划的任务,推行民间音乐的各种举措,从根本上保证了匈牙利学校音乐教育不断地向着更具有民族性的方面发展⑥。我国的《全日制义务教育音乐课程标准》提出了“弘扬民族音乐”的基本理念。然而,在多次访谈中,当我们问起孩子们是否会唱南通的民歌时,回答会者寥寥无几。现行的学校音乐教学体系使用的是统一教材,这样的教材更注重普遍性,难以兼顾地方民间音乐。因此,就出现了南通孩子不懂南通音乐的怪现象。如果地方教育主管部门出台一些针对性的政策法规,用教育法规的形式保障南通民间音乐在学校音乐教育中的基础地位,必将大大促进南通民间音乐的传承与发展。创新多层次的民间音乐传承机制。近年来,南通对民间文化的保护一直走在全国前列。南通市在民间文化保护工作方面提出了“保护为主,抢救第一,合理利用,加强管理”的方针,保护工作卓有成效。(1)充分展示民间文化。南通先后成立了南通非物质文化遗产馆等7个部级、省级项目的专题博物馆,每年吸引数十万人前来参观。(2)研究挖掘民间文化。2006年,南通大学创建了民间音乐研究室,致力于研究本土音乐文化,并出版了《南通民间音乐精选》等论著。(3)传承发展民间文化。自2009年以来,为了给民间文化传承人和非遗项目建立传承平台,南通市连续免费开展了24个班次的非遗传习班,累计培训3600人次⑦。这些举措为南通民间音乐的保护和传承做出了重要贡献,但是,为了顺应时代的飞速发展,实现民间文化的活态传承,需要超越“博物馆”式的传统保护方式,改革“口口相传”式的传统传承方式。因此,必须扩大南通民间音乐的普及面,尤其要重视其在少年儿童中的传承。让南通民间音乐走进幼儿园和小学的课堂不失为一种明智之举,一方面,孩子们通过传唱民间音乐能够更加了解本土文化,热爱家乡,培养乡土之情;另一方面,南通民间音乐能够在下一代的启蒙阶段播下种子。让南通民间音乐走进幼儿园、走进校园,都离不开政府教育主管部门的大力引导。如果能以政府为主导,鼓励民间的口传身授式传授,促进专家艺人的研究发展式传承,推进学校的普及式传承,创新出一种多层次的传承机制,必定能使南通民间文化得到长效发展。文化和教育部门牵头编写园本教材。目前,相关文化部门已经搜集了不少材料,如《南通地区民歌集》、《通州民间山歌集》、《中国海门山歌集》等,但是这些材料专业性较强,不适合在幼儿园使用。幼儿园民间音乐教育作为民族音乐的启蒙阶段,应该让幼儿学得轻松、快乐、有趣,切忌晦涩难懂。选好音乐素材就等于成功了一大半⑧。在政府的牵头下,教育和文化部门可以组建一支由民间音乐艺人、高校民间音乐研究者、幼儿音乐教育专家,以及幼儿教师共同参与的队伍,结合幼儿的生理、心理特征,对民间音乐素材进行筛选、加工、改编。如根据幼儿的审美特征,选择情绪鲜明、旋律优美、节奏工整的作品;根据幼儿以具象思维为主的认知特点,配上渔民撒网、农夫挑担、广场打麦等鲜明图片;根据幼儿的注意力特点,缩短歌曲长度,选唱朗朗上口的副歌部分或者主题部分。 二、幼儿园层面 由表及里,提高幼儿教师的南通音乐文化修养。教师是幼儿园民间音乐的具体实施者,提升幼儿教师的南通音乐文化修养至关重要。首先,激发幼儿教师对本土文化的认同感和强烈的责任感。教师只有自己喜爱民间音乐,才能把这种情感延续到儿童身上。其次,通过集体培训、小组传授、个别指导、组织观摩、民间采风等多种形式,提高幼儿教师的音乐知识与技能。音乐是表现的艺术,教师对民间音乐的歌唱、表演是最基本的传递方式。再次,引导幼儿教师阅读文献,仔细体味南通民间音乐的内涵文化。比如,教唱如皋民歌《担旦号子》“你不来呀让我来呀,姜太公独坐钓鱼台啊”,教师如果只是设计哼唱旋律,模仿律动,让孩子体验挑担,了解挑担的步态和身法,未免肤浅,应进一步引导幼儿看到如皋人彬彬有礼和敢于争先的风气。创新教法,打造多通道的“生态”集体活动。幼儿园的集体活动是实施南通民间音乐的主要途径,结合幼儿的心理特点,对于民间音乐的教学采用多通道教学法最为适合。从幼儿的心理审美特点上看,“学前儿童的审美知觉表现出多通道性,这种多通道性来源于幼儿的通感,表现为语言与非语言的动作、表情等身体活动的结合,以及不同感觉之间的联觉。”⑨幼儿的语言表达能力极其有限,需要用动作、表情、图画等予以辅助。由此,教师应该引导幼儿通过视、唱、赏、动、画、演、奏等多种教学方法,调动其语言、动作、想象、情感等多通道参与,投入审美体验、情感表达。例如,对于海安花鼓可以通过“赏-敲-创-演”的模式进行学习。先通过多媒体欣赏海安花鼓队在天安门前的表演视频,引导幼儿仔细观察演员们是如何敲鼓的;然后出示道具,让幼儿用自己的方式“敲”花鼓,探索花鼓的敲法,感受花鼓的音色;接着,与幼儿一起创编最基本的花鼓敲击姿势与节奏;最后,创设情境,把教室想象成天安门的广场,列队表演,模拟演出。这样,幼儿对民间音乐的感知更深刻,表达也更丰富。本土化环境布置,将民间文化渗透到幼儿园的每一个角落。幼儿园环境是隐性课程的重要组成部分,随处可见的本土文化更容易激发幼儿的欣赏、探究欲望,所以应从多角度、多方位传递文化,潜移默化地影响幼儿的认知和情感。幼儿园本土环境的创设首先包含空间环境的创设。如在主题墙上陈列民间建筑、田野生活、民俗演出等图片,通过折、剪、画、粘等展示南通音乐文化。区域里可以摆放南通的民间工艺、民间乐器、民俗道具等,引导儿童操作体验。 三、结语 音乐是音响的艺术,幼儿园环境创设还包括音响环境的创设。可以在晨间活动、午睡之后、离园时播放南通有趣的传统童谣,如金沙童谣“大(念duo)头,大头,落雨不愁,人家有伞,他有大头!”通州童谣“南通州、北通州,南北通州通南北;东大仓西大仓,东西大仓堆东西”等,还可以在春节、端午、中秋、重阳等特定节日播放相关的民间音乐。家园共育,充分利用社区资源。幼儿园民间音乐教育利用社区资源,可以扩大教育空间,丰富教育资源,使民间音乐教育立足当地,形成特色。维果斯基的社会建构理论强调,儿童的发展离不开社会,社会情境在儿童的认知发展中起着巨大的作用。社区资源指“学生家庭乃至整个社会中各种可用于教育教学活动的设施和条件,以及丰富的自然资源”⑩。幼儿园可以充分利用社区资源引进来、走出去。南通民间音乐的传承人是宝贵的人力资源,如海门山歌传承人崔立民、海安花鼓传承人杨培杰等。幼儿园可以邀请这些民间艺人到园里教孩子们唱歌跳舞,给孩子们讲述发生在祖辈身上久远的故事。还可以利用市区以及市郊的文化环境资源,定期有计划地组织幼儿参观南通市博物馆、民博园、美术馆、如皋木偶剧团、海门山歌剧团等,进剧院欣赏观看各类民间文艺演出,到乡村田间参与劳动实践,感受鲜活的民风民俗,体验多姿多彩的民间生活。“一方水土养育一方人”,我们相信:丰富的民间音乐文化教育将会在祖国未来的建设者心里,种下美好的幸福之梦、富强之梦、复兴之梦! 作者:韩恬恬 单位:南通大学教育科学学院讲师 音乐学论文:学生音乐学前教育论文 1聆听的习惯 (1)生活在音乐中。 环境可以潜移默化地影响人,给学生创设一个良好的音乐环境,让学生先在无意识中聆听,再通过教师的引导主动聆听,逐渐培养聆听习惯。课外时间,可通过学校的广播站播放音乐,要利用一切可能的时间和地点播放,如除校园以外,还可以在餐厅、宿舍、教室楼道甚至卫生间。音乐是可以舒缓心情的,如果能够随时随地让学生在音乐的环境中,学生的心情常处于愉悦的状态,久而久之,内心会越来越柔软和敏感。 (2)音乐内容的选择。 学生多接触的是通俗音乐,如果强迫他们直接接受更有内涵和高雅的音乐,因为其欣赏层面未达到,会产生抵触心理。课堂上,可先从他们喜欢的通俗歌手和作品中选择内容,如周杰伦作品中不少具有中国文化和教育作用的作品,通过不同通俗歌手作品的介绍、聆听、引导,学生会逐渐明确什么是通俗唱法并会获得好音乐好作品的判断标准。等学生明白什么样的音乐是好音乐的时候,当学生对美的感觉逐渐提高的时候,可适时地加进对世界流行音乐的欣赏,以开拓学生的视野,使其明白音乐风格的多样性,对音乐多样的聆听可以开拓学生的思路,提高学生对音乐的包容性和理解性。当学生见识了不同风格的世界音乐后,再回到本土音乐上来,更深刻地去感受中国本土音乐的风格特点,领会中国本土音乐的魅力,让学生理解只有民族的才是世界的道理,从而逐渐形成对中国本土音乐的喜爱和欣赏,引领学生由被动感知到主动探寻中国音乐学习的道路上来。 2发现美的习惯 音乐是开启人心灵的,闭合的心灵无法感受到音乐的魅力。我发现,不少学生对生活中的美有些熟视无睹,这种闭合的心灵很难感受到生活的丰富,也无法感知音乐的美好。我们可以通过音乐鉴赏的方式来启迪学生,引导学生提高其审美能力。例如,当学生欣赏中国民族音乐的时候,很多人会以为现在的中专学生一定都不喜欢,其实不然,关键要看如何选择作品和如何引导学生。例如,欣赏视频民歌手张燕的作品《月亮女儿》,那美轮美奂的MTV画面,优美的风光环境,美丽的主人公,极具中国特色的造型设计,加上甜美的声音和优美的旋律,无不让学生赞叹,学生一下就对中国的民族音乐有了一个新的感受。学前教育专业的学生在专业学习的过程中实际上已经对专业性的声乐作品有了一个理解,再加上这些优秀作品的欣赏和引导,极大增强学生对专业学习的学习热情和主动性,学生会带着一种对美好的直观感受,在一种新的审美标准下去努力。而这种审美的引导和审美价值判断的标准是在长久的引导下实现和建立的,触动学生的内心并建立长久的对美好事物的感受也是一个长期的过程,需要音乐教师不断地挖掘和发现优秀的作品,并一点点地帮助学生去发现其中的美。比如刚才的《月亮女儿》,不仅仅从整体上去感受作品,更要从每个细节去分析,让学生明白如何来发现和评判美。再如宋祖英的《飞》是一个很好的引导学生欣赏并理解民通唱法作品的例子。学生一旦在长期的引领过程中建立了某种对美的判断标准,就会潜意识地将对美的感受和领悟贯穿到实际的学习中来,当他们再来演唱、演奏和表达作品的时候,音乐的生命力就能从这些学生的身体里显现出来。而这种美的引导并不仅仅在课堂的音乐作品欣赏中,要通过作品延伸到实际的生活中来,对自然、对身边的人、对一个东西、对一件事情…… 3表达的习惯 经常听见有人说,对这件事情我有感觉但说不出来。学前教育专业的学生,毕业要成为幼儿园的教师,语言表达能力是作为教师的基本能力,对音乐而言,更是有太多的人无法用语言来表达感受,但如果能够尝试用语言来表达内心的情感的时候,我们会发现,我们是真的对音乐有了理解,这种理解会直接改善学生对音乐的学习能力。如果直接让学生去谈对某个音乐作品的感受,学生很难去回答,因为不知道该从哪些方面去回答。我们可以利用学生发现美的眼睛去问他们,“你觉得他哪里最美?”“你觉得他善良的表现在哪里?”“你觉得你比较欣赏他的哪些方面?”“你觉得这种颜色代表了什么意思?”等一些具体的问题,让学生从具体的事情上来锻炼表达能力,并试图让学生从几个字回答,到一句话回答,到两句话回答……逐渐增加语言的表达内容。当学生能够对具体的内容有了表达的勇气和能力时,我们可以借助音乐作品逐渐增加这种表达的难度,比如你听到这首作品,情绪是怎样的?你觉得他想表达什么?表达能力的培养,首先要鼓励学生敢于讲话,这个过程的提问不能创设有固定答案的问题,要让每一次学生的回答都尽可能得到认可,以树立其回答的信心。其次,要由易到难,问题由易到难,字数由少到多。最后要引导到学会对音乐作品的表达分析上来。这些习惯的培养都是一个长期的过程,关键并不在于这些习惯有多难,而在于持续的坚持过程,在每一次与学生的接触过程中,在每一节可中如果都树立这种习惯的培养意识,学生耳濡目染,势必会得到提高。 作者:张静 单位:河南省财经学校 音乐学论文:音乐学教师教育论文 一、音乐学教师教育专业课程改革具体做法 1.整合音乐基本理论与听力训练的《乐理与视唱练耳》。这种课程设置的方式在之前已有实践,很多教师在传统视唱练耳课程授课过程中其实也在不断强调两课程间的关系,是两者紧密结合。 2.将和声、曲式、复调、配器等四门作曲技术理论课程合而为一,成为《多声部音乐分析与写作》。目的旨在完成对于音乐作品创作完善过程中所需要的基本技巧的学习,而非培养一个作曲家。 3.新开设《外国民族音乐》等新型前沿课程,一方面获得对于世界各地区、各民族音乐主要体裁、形式、乐器、乐曲和音乐形态等方面的基础知识,提高学生对于音乐的分析、鉴赏能力,培养探索精神、创新意识。另一方面,扩大学生的音乐视野,明确人类音乐的多样性,人类音乐文化、音乐行为的普遍性。懂得理解和尊重多元音乐文化,明确中国音乐在世界音乐中的特点和位置。在具体教学过程中,注重将此课程与音乐理论其他课程的联系与对比,突显出音乐世界的丰富与广博,大大提升了学生对于音乐观念的认识层次。 4.根据《教育部教师教育课程教学指导纲要》要求,将中国、外国乐器演奏成为有选择的必修课程,即中外乐器必须各选择一件进行学习,目标是了解相应乐器的基本知识,赏析具有代表性的作品,掌握乐器演奏的基本方法、基本技巧。 5.将原有的《音乐教学法》拓展为《学校音乐教育导论与教材教法》,新课程属于音乐学科教育学的范畴,具有音乐教育基本理论与音乐教学实践相结合的课程特点,可以更加系统、完善地引导本科教育专业学生适应中小学教育发展的大方向与新要求。 二、音乐学教师教育专业课程改革的积极意义 1.密切了学科关联的系统综合性。以《多声部音乐分析与习作》课程为例,将以往《和声》《曲式》《复调》《配器》等作曲技术理论整合,去除过于专业培养作曲家的艰深部分,充实与实际作品相联系、实践能力相适应的使用技巧。本课程在非试点院校没有开设,传统院校仍采用专业化而非实用化的四门课程、分别授课。 2.强化了理论与实践相结合的协调统一性。以《学校音乐教育导论与教材教法》课程为例,将旧有的《音乐教育学》《音乐教学法》整合拓展为《学校音乐教育导论与教材教法》,更加系统、完善地引导学生适应中小学教育发展的大方向与新要求。本课程在非试点院校没有开设,传统院校仍采用理论与实践相割裂的教学方式。 3.体现了与国际接轨的前沿性。以《外国民族音乐》课程为例,可以获得对于世界各地区、各民族音乐主要体裁、形式、乐器、乐曲和音乐形态等方面的基础知识,提高学生对于音乐的分析、鉴赏能力,培养探索精神、创新意识。此类课程除以往在各大音乐学院、艺术学院及福建师范大学等院校全面系统开设形成了示范效应外,教育部试点院校也随之全面系统开设,除此之外的传统音乐学科学校开设尚不普遍且不够系统。 4.强调了实际工作能力的教学适应性。以《中外乐器演奏》课程为例,了解掌握相应乐器的基本知识,赏析具有代表性的作品,掌握乐器演奏的基本方法、基本技巧。适应当今中小学课外趣味活动建立军乐队、民乐队的实际能力需求。本课程在非试点院校一般只以选修课的形式开设,且只针对某一类乐器。不具备普遍教育意义。 5.拓展了从欣赏到鉴赏的广泛性与专业性。针对音乐学教师教育专业,各试点院校适时开设了《声乐名作与演唱赏析》《器乐名作与演奏赏析》两门课程,将以往《音乐名作欣赏》课程统一授课的方式打破,更具针对性与专业性,同时突出了对于学生演唱、演奏方式、状态的提升作用。这样的课程在以往有音乐学院系统有类似课程开设,如《歌剧艺术赏析》《弦乐艺术赏析》,但相较于前述的《声乐名作与演唱赏析》《器乐名作与演奏赏析》范围相对偏小,不够全面。 6.明确了专业通识体系的渗透性与交叉性。音乐学院针对与音乐相关的姊妹艺术的渗透性与交叉性开设了以下课程——《中外美术简史与名作鉴赏》《影视艺术简史与名作鉴赏》《舞蹈名作鉴赏》。这些课程目前在省内其他同类院校中都是没有开设的,这一点与国家对于人才培养的综合素质能力要求十分不协调。 综上所述,教育部正在完善的音乐学教师教育专业对于我国中小学音乐教育的良性发展是具有重要的积极促进作用的,突出体现了素质教育对于艺术综合能力培养的目标。同时应该将试点院校的经验进一步推广,引导其他未改革院校顺应教育发展改革的潮流,促进素质教育的进一步完善。 作者:延劭楠单位:兰州城市学院音乐学院 音乐学论文:音乐学专业钢琴教学改革论文 钢琴教学是高校音乐学当中一门较重要的课程。对于钢琴教学的模式一直在研究和探索。努力实现完善的教学课程系统话,丰富课程内容。使这门课程具有科学性,实战性。随着新时期的到来,社会需求的日益加大。逐步反映出现在如今的钢琴教学还是按照传统的思路来学,忽视学生对钢琴技能的实战。高校音乐学专业其特殊性,使其在教学过程当中占有既特又重要的地位。由于素质教育重要组成部分是音乐教育,其专业的重要职能是向社会输送音乐教育者。这就要求合格的高校音乐学专业师资必须要有好的钢琴基础。高校音乐学钢琴改革,会影响到音乐学的前途和发展,会对今后的钢琴事业产生重大和深远的影响。钢琴教学的改革是在新的体制下的必然产物。教学应向多样化发展趋势进行。在改革的同时也要同步发展,既要有扎扎实实的基本功,还要有一定的即兴伴奏能力,同时还要学以致用,这些也是我们要从各个方面去考虑的。在这就钢琴培养的目标,钢琴教学的内容,钢琴教学的理念来浅析高校音乐学钢琴改革。 一、钢琴培养的目标 当下,学钢琴的学生越来越多。喜欢的钢琴的学生也多。原来传统的钢琴培养目标是就是单一的练好钢琴作品。随着时代不断进步,社会上需要大量的可以即兴演奏钢琴的人员。而目前培养的学生中大多数都不太会弹奏即兴这部分,这就使得大多数学生不可以积极适应社会,不能够很好的融入社会。这就使得我的钢琴培养目标该进行调整,在保证正常的钢琴作品的演奏情况下,也熟练掌握即兴的演奏.以便更好地服务社会。按照《新课程标准》的要求,音乐学专业最终目标是为了培养合格音乐教师。《新课标》要求音乐学专业的学生在钢琴上要好的演奏教学能力,同时还要有好的钢琴教学能力。而学生到今后的工作岗位上缺乏实践锻炼,心里素质差,一上台就会出现各种各样的问题和毛病。更多的希望学生在校期间大好良好的基础。音乐学的学生必须要会往实践中走,而后又返回学习当中去,不断的提高自己。我国一直都在开展素质教育,大大地增加了音乐学科的课外活动。为了符合社会发展趋势,在培养音乐学学生在钢琴方面的登台表演经历和艺术实践活动能力,那音乐学专业钢琴教学必需作出改革。改革的目标就是让每一名学生都参加艺术实践活动中,多去校外实践基地实习。 二、钢琴教学内容 传统的钢琴教学当中,大量的都是世界名家做的钢琴作品。比如有拉赫马尼洛夫音画练习曲,柴可夫斯基的四季等。更具不同人的喜好有些同学喜爱巴洛克时期的作品,有的喜好古典主义时期的作品,有的喜好浪漫主义时期的作品。那有些学生喜好拉格泰姆,爵士,布鲁斯等黑人音乐风格音乐元素的借鉴。在音乐学学生走上工作岗位之后,即兴伴奏的强与弱,对学生来说是极其重要的。在钢琴教学过程中不仅要有钢琴的课程,更开设即兴伴奏这门课程。但是这门课开设,在这些年也反应出。由于学生钢琴基础水平的高低不一样,使得教师在实践中遇到很多难题。即兴伴奏是钢琴技能,基础课程融合的一个综合性科目。在学之前应该要学生具备车尔尼599,849水平,学习内容该重点强调说有大小调音阶琶音和弦。同时还要求学生具备很好的和声基础。在钢琴教学内容中多多了解内容,情绪,风格。好的伴奏能力是通过多次的实践长期练习获得的。学生该主动多完成谢曲目,在完成老师留作业以外,还要多去找比较生疏的曲目进行练习,这样可以提高识谱能力。生选用的教材上太单一化。可以通过改革实现巨大的包括性,把钢琴基本的弹奏技能知识与即兴连起来,进行重新编写。那这样的教材也大大提升的教学效果。授课时时会对学生进行集成练习部分,有音阶,琶音,和弦以及哈农还有各种练习曲以外,可以加入伴奏音型,和弦的连接训练。这样使我们学生在刚刚开始学习内容中就得到丰富。同样要严格要求学生弹奏内容同时,更该让学生多多弹奏乐曲的伴奏部分。让学生多听旋律和声以及伴奏织体。例如学生弹拉赫马尼洛夫的作品时,就应该注意多多分手练习,多体会和领悟旋律的走向。 三、教学理念 破原有思维模式,敢于创新。音乐学的学生是要求钢琴,即兴伴奏,艺术实践活动三个大方向合成的。这三个部分是依托关系,缺一不可。虽然在学习过程当中这三课程由不同主教老师分开教学,但是为了学生能够更好的将这三门课紧密的联系在一起。这三个课程的老师应相互协商,相互探讨。如何让这三门课有机的结合在一起。这就需要突破我们教师原有的教学理念,使更多的教师参与进来,多交流,多合作。并长期教师之间形成很好的交流,大大提倡教师之间的合作交流。三门课程的教师该多多找找科目的通性,及不同的地方一并解决。在基础和的同学生身上要多多发现好的学习方法,也可以让老师和同学共同总结和完善教学方法。这样会有利于学生的学习进度。同样在每个学期中,举办组织学生进行教学观摩。根据音乐课的特点,定期开展以系部,班级为单位的教学观摩,同时也较强的促进学生之间的学习,以提高他们学习积极性。对于考核我们要多样性发展,把艺术实践的成果也计算学生的成绩之内。这样学生会更主动的学习。对于高校的音乐学钢琴的改革,必学坚持以科学为主导,主动放弃陈旧的课程观念,使钢琴这个大学科能够互相促进,这样才能使这一学科培养更多的人才高校的改革是一项系统工程,它考虑的面广,量大。应该从实际出发,克服困难,勇于突破和大胆创新。这样的音乐学钢琴教学的实质发生了改变。才可以真正推动我国高校音乐学钢琴教育事业的发展更稳,更科学,更有活力。最终使学生好老师都满意,社会高度认可的改革。 作者:方飞 单位:广西民族师范学院 音乐学论文:幼儿音乐学习教育论文 著名教育学家陈鹤琴先生曾经说过:“我们应该重视幼儿的音乐教育,用音乐来丰富幼儿的生活,陶冶儿童的情感,使儿童的性情通过音乐的洗练,而达到至精至纯的陶冶,以至于引导儿童以快乐的精神来塑造自己的生活。这种“情感”牵动着无数颗童心,使他们感受到音乐的快乐,在唱唱跳跳中受到美的熏陶、形成活泼开朗的个性。让幼儿在喜闻乐见的教学活动中情趣盎然地学习,具体的有下面几点: 1引入情景故事激发幼儿学习音乐的兴趣 兴趣是指一个人经常趋向于认识,掌握某种事物,并具有积极情绪色彩的心理倾向。达尔文曾说过;“就我记得,在学校期间的性格来说,其中对我后来发生影响的,就是我有强烈而多样的兴趣,沉溺于自己感兴趣的东西,深入了解任何复杂的问题和事物。”可见,兴趣对学习是很重要的,语言在音乐教学中起着举足轻重的作用,它是音乐艺术的造型基础与创造优秀。如果在音乐教学中失去了优美、生动的语言、就会使其变得枯燥、无味,失去了艺术的魅力。俗话说“言为心声,音为心语。”。如:《抬花轿》这首歌用的是流行歌曲的旋律,我们给它配上一个有趣的故事,歌词是“八只小狗抬花轿,老虎坐轿把扇摇,一只小狗跌一跤呀,老虎狠狠踢一脚……小狗抬轿到半山腰呀,……一二三,向上抛,老虎跌个大老跤……”孩子们边听故事边学歌曲,学的可认真了,并且孩子们自发的加上了相应的动作,很快的就学会了这首歌曲。 2设计打击乐伴奏促进幼儿学习 教完歌曲的词曲后,我一边让孩子们演唱,一边用打击乐器伴奏。这样增强了幼儿的参与意识,不但能主动地去参与音乐实践,去直接感受音乐,并克服了音乐课以唱为主的枯燥乏味,使活动氛围生动活泼;同时也巩固了节奏概念,增进了幼儿对音色的了解,掌握了乐器的使用方法,增强了音乐的表现力;如中班活动《加油干》中,孩子们学完这首歌后,重点让孩子们用铃鼓、碰铃、圆舞板合奏这首歌,孩子们兴趣十足,在愉快地劳动中都能较熟练地掌握节奏,并引导幼儿不断地完善创新,幼儿在探索的过程中,会初步感知节奏、音色、情绪的不同变化,进而把这些体验逐步升华并加以理解。幼儿从内心品味着成就感,渐渐对用打击乐来为歌曲伴奏更有兴趣了。 3歌曲表演激发幼儿情感表达、体验 幼儿天生好玩好动、好奇心强、想象力丰富,他们对音乐的感受往往是喜欢通过各种动作表现出来。所以,要提高音乐活动的质量,就应根据孩子好动好游戏的心理特点,把孩子的音乐学习与游戏、舞蹈有机地结合起来,让孩子通过自身的活动,在音乐世界里蹦蹦跳跳、轻轻松松的获得知识、技能。如《找小猫》是小班幼儿非常喜欢的音乐游戏,在游戏中我扮演“猫妈妈”、孩子们扮演“小猫们”,躲的时候提醒他们可以躲在小椅子后面。而当游戏进行的时候,我发现孩子们不满足于仅仅藏身于椅子后面,有一部分孩子一唱到“找个地方躲躲好”的时候,就已经往边上的小桌下、钢琴后面躲藏了。见此状况,我也未加阻止,依旧扮演妈妈吗“镇定地”去找小猫,而被我摸到头以后,小猫们也乖乖地回到了座位上。可见孩子们在游戏中会有自己的想法和创意,他们的兴趣很可能会转移到躲藏的地点上去。针对这样的状况,我觉得可以适当满足孩子们的需要,让他们在遵守规则的情况下,有所创意的游戏。通过有趣的“找小猫”游戏,培养了幼儿听声音迅速躲藏保护自己的能力,幼儿在愉快欢乐的游戏中学习音乐,发展音乐听觉能力和节奏感。 4通过创编歌词激起幼儿创编兴趣 让幼儿给熟悉的歌曲增编新的歌词或改变部分歌词,这既能提高幼儿唱歌的兴趣,也有利于幼儿创造力的培养。在活动中,我把注意力放在保持和增强幼儿对创造型活动的兴趣方面,如小班音乐《小手爬》里唱“爬呀爬呀爬呀爬,一爬爬到头顶上;爬呀爬呀爬呀爬,一爬爬到小脚上”。这首歌曲的音乐以它特有的活泼、轻快的节奏深受孩子们的喜爱,活动中采取边唱边和幼儿一起玩的形式,幼儿在不知不觉中就学会了歌曲和动作。在我发出“我们还可以把什么变到歌里去?”的问题后,孩子们的思维一下子就打开了,孩子们大胆地创编:“脸蛋、辫子、肩膀、膝盖、小背、小腿”等都跑到我们的歌里来了,孩子们越唱越高兴,都愿意到前面表演给大家看了。这个活动在孩子们愉快的情绪体验中画上了一个完美的句号。这首趣味无穷的歌既激发了幼儿对音乐的兴趣,又开阔了幼儿的眼界,还打开了幼儿思维的窗户,充分发挥了幼儿的思维想象能力。因此在大量的音乐活动中,幼儿的智力得到了很大地发展。 5音乐在一日活动中的渗透,让幼儿潜移默化受熏陶 我将音乐渗透在幼儿一日生活之中,早晨来园时,播放一些轻松活泼的音乐,让孩子们高高兴兴地来园,使孩子一进园就进入一个快乐的氛围中;在每次集体活动前我都会弹一首小律动歌曲,让孩子们做律动安静下来,告诉孩子们活动马上就要开始了。在午餐时轻声播放一些悦耳的世界名曲,给孩子一个安静、舒适的氛围,陶冶幼儿的情操,丰富幼儿的生活内容;组织幼儿洗手时,一边放《洗小手》歌曲一边组织幼儿排队,“伸出小手比一比,看看谁的最干净”,既杜绝了等待的现象,又达到了培养良好生活卫生习惯的目的。 总之,幼儿能从音乐的学习中受益,音乐不仅可以陶冶儿童的情操,更可增强其学习能力,协助其建立情绪技巧。在教学实践中,我也深深地感受到了音乐的独特的教育效果,它在促进幼儿心理健康发展方面,有着其他教育手段所无法达到的效果。希望孩子们能在跳动的音符中,丰富更多音乐经验,健康快乐的成长!! 作者:高丽娜 单位:山东省莘县实验幼儿园
音乐教育本科论文:学前教育专业本科生音乐教育技能培养 摘要:学前教育专业的本科生为了给毕业后学前教师工作经历奠定基础,必须拥有良好的音乐教育技能。这一技能包括了学前教育使用的音乐知识和技能,以及音乐基础知识和技能。培养学前教育专业的本科生音乐教育技能的主要方法就是让他们多参加音乐教学模拟活动、音乐必修课、音乐选修课以及音乐实践活动等。提高演奏和演唱能力为基础,是学前教育专业的本科生要将学前所需的实用音乐教育知识和技能作为重中之重,才能为成为更好的学前教师奠定优秀基础。 关键词:学前教育专业;音乐教育技能;培养目标;培养路径 作为学前教育的主要内容之一,音乐教育有着重要的地位,因此音乐教育技能也是学前教育专业的本科生必须要掌握的专业技能。拥有了良好的音乐教育技能不仅仅能够提升学前教师的个人魅力,还能够保证学前音乐教育的顺利进行。但是这几年学前教育专业的学生普遍受到了学生音乐素养、生源质量、高校课程设置等因素的影响,音乐教育技能并不强。所以,要将高校学前教育专业本科生音乐课程的设置和教学的状况进行细致分析,将音乐教育的实践能力作为音乐教育技能的优秀培养目标,探索相关的途径,让学前教育专业的本科生音乐教育技能得到一定程度的提高,使其与学前教师这一职业的未来发展相适应。要以现阶段学前音乐教育的特点为切入点,将音乐学科的特点及其教育特点相结合进行考虑,然后全面性地分析学前教育专业音乐教育技能的特点,将这些作为学前教育专业音乐教育技能的培养目标,这样才能够保证音乐教育技能培养目标的合理性和科学性。 一、学前音乐教育的特点 作为学前教育的主要组成部分,音乐教育具有四方面的意义:(1)引导学前学生学习并掌握一些简单的演唱和演奏,认识音符等简单的音乐技能和知识。(2)培养学生对音乐之美的感知。(3)让幼儿能够使用音乐进行情感表达,体会快乐。(4)培养幼儿对音乐的兴趣。“在大胆的表现过程中,幼儿能够逐渐培养出艺术活动的能力,在这一过程中教师应该帮助他们感受美、表现美,让他们的审美经验变得丰富,能够体验创造和自由表达的快乐。”这是在《学前教育指导纲要(试行)》中明确指出的内容。这种教育观念改变了以前以音乐技艺为重的学前音乐教育模式,现阶段的学前音乐教育则是将培养幼儿的创造力以及身心的全方面发展作为主要目标。这样学前音乐教育就能够让幼儿通过音乐活动进行表达、交流、创造,进一步挖掘音乐的形式美和内在美。具有良好的音乐教育技能的学前教师能够以学前音乐教育目标为引导,进行音乐活动潜在的教育价值的挖掘,这样才能够让音乐教育的功能发挥出来,让幼儿的身心全面健康发展并提高音乐素养。 二、学前教育专业音乐教育的特点 1.非专业性 与专业音乐学院(系)的音乐教育不同的是,学前教育专业的音乐教育具有非专业性的特点。因为忽略了学前教育专业的特点,传统的学前教育专业音乐教育的教学目标没有明显的针对性,课程设置一般都是套用了专业音乐学院(系)的课程模式形成的,将钢琴演奏、演唱等技能看得过于重要。学前音乐教育实际与这种情况下形成的教学模式和教学内容之间严重脱节,学生们因此没有明确学习目标、没有相应的实践能力、缺少对学前音乐教育内容的了解。众所周知,教师要具有相应的分析、编排作品的能力,并能够根据作品特点进行活动方案的设计,这样才能够顺利组织学前音乐教育活动,正因如此,学前教育专业本科生的音乐教育技能的培养是需要重视的,要让学生能够学以致用。学前教育专业毕业的本科生进行的是幼儿音乐启蒙教育,他们往往不需要掌握过多的高难度的演唱技巧、演奏技巧、晦涩难懂的音乐理论知识,这样看来,学前教育专业音乐教育要在一定程度上降低学习难度。 2.综合性 综合性是学前教育专业的音乐教育的主要特点之一。在对于音乐的学习中选前教育专业的学生要求“通”,但是不要求“精”,保证音乐教育的精益求精。我们在实践中发现,虽然原有的音乐基础比较薄弱,但是学前教育专业本科生的知识架构、文化素养、学习能力都比较强,因此要在音乐学习的“通”上投入更多的精力。适当的综合性音乐教育的开展能够让学前教育专业的本科生拥有一定的音乐基础知识和优秀的音乐综合实践能力。 三、学前教育专业音乐教育技能的培养目标 学前教育专业音乐教育的特点为主进行分析,我们认为培养具有良好音乐素养的学前教师是学前教育专业音乐教育技能的主要培养目标。其中良好的音乐素养主要包括两个方面:一是具有良好的音乐学科教学技能和知识。主要应该具备一定的音乐表达能力、音乐组织能力、音乐表演能力、音乐思维能力、音乐创编能力、音乐教具制作与操作能力等,这些从教育技术学和教学论的角度看是最重要的。学前教师的音乐教学技能是要通过培养和训练才能够形成的。二是要拥有一定的音乐基础知识和技能,也就是说要具有能够良好的掌握演唱、弹唱、演奏、音乐基础理论(其中包括调、调性、节拍、和声、曲式、调式、节奏、旋律、织体)等技能和知识,能够将这些内容转变为音乐作品的分析能力、音乐的表现能力、音乐实践能力、音乐的审美能力等。这样看来,学生音乐素质培养的全面性则是学前教育专业音乐教育的重要内容,对音乐基础理论知识的系统学习以及演唱和弹奏基础技能的学习能够让学生从中学到学前使用音乐教育知识和技能。学前教育专业的学生在训练的时候不能够仅仅以钢琴或者声乐的某一种技能为主要训练内容,最重要的是要全方位进行综合训练,这样才能够培养学生的自主学习能力和相互学习能力。正因如此,要注重音乐与不同的表现方式之间的结合。学生们在课堂上如果能够这样运用音乐教育,就能够更快、更准确地理解音乐要素,为幼教工作奠定基础。 四、总结 高校中的学前教育专业开设的音乐课要从基础开始学习,具有多种多样的形式。不管是在钢琴、声乐、舞蹈,还是视唱、乐理等方面都应帮助学生们改变以往的思路和理念,才能更加深入地了解和掌握幼儿音乐教学方式和方法。总而言之,教师为了让学生在音乐学习的过程中没有紧张感,要注重包容开放的教学氛围营造,这样能够让学生的创造性得到充分发挥,学生的身体各个器官在这样的方式中能够积极主动地学习、体验、创作音乐,便于学生对音乐的认识和体验。学生们在即兴创作的时候会采用创造性思维和发散性思维,能够将各种各样的音乐实践活动加以开展,利于个性化成果的产出。在思想上对学前教育专业的价值加以肯定,是在高校学前教育专业中音乐教育有效开展的首要事项,奥尔夫教学法提出的多样化教学方式、综合性教学内容、互动式教学过程,能够培养幼儿的综合素质,利于学前教育专业学生能力的发展。与此同时,以学生为中心、相关课程的全面渗透、面向未来职业是高校应该遵循的三个原则,教学理念的开放性与综合性在实践教学中应该得到彻底贯彻,教学指导应该循序渐进,让学生们能够即兴创作,对教学内容的本土化加以关注。 作者:张海波 邵东伟 姜东华 颜英 单位:佳木斯大学 音乐教育本科论文:和声学在本科音乐教育中的运用 【内容摘要】和声学的学习,对于各种音乐活动(指挥、演唱、演奏、作曲等)的基本技能、音乐理论的学习都有极大的帮助。然而,在我国本科音乐教育中,和声学的教学主要倾向于理论层面,实践应用环节比较薄弱,学生很难将和声理论知识熟练地应用于实践中,这严重影响着本科音乐教育后续教育及课程推进。文章针对本科音乐教育和声学教育现状,探讨了和声学在本科音乐教育中的有效策略。 【关键词】本科音乐教育;和声学;改进措施 作为本科音乐教育比较重要的一门公共必修课程,和声学以研究和声理论与和声语言运用为基础,逻辑结构严密,理论性较强,对于培养学生的认知能力,促进学生理论与实践相结合发挥着重要作用。可以说,在音乐理论教学中,和声学具有非常重要的地位。然而,在本科音乐教育中,不仅教师觉得和声课难教,学生也觉得和声学难学,和声课教学迫切需要进行改革。笔者结合教学实际,对和声学教学进行了探索。 一、和声学概念及其学习意义 (一)和声学概念 和声学是音乐的基本理论知识及技能学习的重要组成部分之一。本科音乐教育中所学习的和声学,主要是研究和声的产生、构成原则,和弦的连接与相互关系,和声风格的形成、发展与演变,以及应用与写作方法的理论等内容。和声学在古典时期比较讲究循规蹈矩,注重声部之间的进行以及调式内各个和弦的连接。19世纪至20世纪,随着音乐事业的发展,复合功能的和弦以及多调性和弦开始出现,调性向远关系调进行离调。在音乐的创作中,作曲家开始大胆运用变音手法,现代和声逐步形成。在和声学的范畴内,和声的内容有许多种,如民族和声、现代和声、功能和声等。在调性音乐中,和声不仅具有功能性的意义,同时还具有色彩性的意义。和声的功能与调性密切相关,和声如果离开了调性或取消了调性,其功能意义就会消失。在和声表现作用中,和声的色彩是主要因素,不管是在调性音乐或非调性音乐中,和声的功能都具有重要意义。 (二)学习和声学的意义 本科音乐教育中的和声学课程教学,主要目的是帮助学生了解和弦结构,以及和弦之间关系,使学生在实践中能够将所学的教学理论应用于实践。和声学属于必修课程,无论是专科学生,还是本科学生,都要学习这门理论知识,这充分证明了和声学在高等教育音乐教学中的重要性。然而,在实际教学过程中,这门课程教学效果并不理想。笔者认为,和声学教学改革,应该重点关注学生的实践能力。学生毕业后,无论是进入音乐教育领域,还是进入艺术团体等专业机构,这一学科理论知识,对于专业素质的提升,都是必不可少的内容。所以,在和声学教学中,一定要从实际需求出发,广开思路,通过新颖生动的教学方法,提高学生的实践创新能力,使学生就业以后无论是从事何种岗位,都能够胜任未来的工作。 二、和声学在本科音乐教育中的现状 (一)教学方法单一,教学内容跟不上时展潮流 传统的和声学教学中,教学方法主要是讲授制,教师的主要用具就是钢琴与黑板。各高校和声教学教程,也主要使用苏联音乐理论家斯伯索宾的《和声学教程》。和声学的教学方式以教师为主导,训练内容以课后习题为主,主要学习内容就是和弦如何连接、各声部如何进行等,课后习题也是以和声先后的连接为主,声部进行的错误是主要反馈内容,有时,教师也会对和声进行效果加以纠正。当然,这些也是和声学必学的内容,但是这种枯燥的讲解模式难以激发学生学习的积极性,很难获得良好的学习效果。和声学教学中的不合理性,是影响学生应用的主要因素。在课后习题中,对学生进行训练,主要是一个音配一个和弦的连接。因此,如果是完整的音乐作品配和声,许多学生就不知道怎样运用,教学理论很难与实践相结合。和声运用的单一性,也是传统的和声学教学存在的主要问题之一。古典时期的和声比较讲究循规蹈矩,随着音乐创作的不断发展,为了追求新鲜的音响效果,浪漫主义时期的创作中频繁的转调、大量的离调已经比较普遍。印象乐派、爵士音乐的和声更是以音响效果为主,与传统和声进行不同。而当前的本科音乐教育中和声学教学却没有跟上时展潮流,使学生的学习与实际应用受到了很大的限制。 (二)教学模式比较空洞,教学手段缺乏创造性 受传统教学思想的影响,一些教师对于实践教学认识不足,过分强调理论知识教学。在课堂教学中,教师只是讲解和声例题,很少将理论知识与具体的实际弹奏相结合。这不仅影响学生键盘弹奏能力的提高,也影响学生多声部音乐接受能力与音乐表达能力的提升。此外,就算是课后学生练习,一些教师也是注重理论不注重实践。在学习和声的过程中,学生通过课后的练习,将自己学习状况反馈给教师,教师为学生辅导,主要停留在纸面上,以简单的理论讲解为主。笔者认为,无论是在教学过程中,还是在课后的练习中,教师都需要让学生听一听和声习题的音响效果。只有亲耳倾听,才能够增强学生对于音响效果的认识,提高学生的能力和素质。在具体的教学实践中,由于部分教师没有深入斟酌,忽略学生在实践教学中的知识水平和接受能力,就带领学生分析和声教学内容,导致学生在和声学教学中缺乏明确的学习目标,对于和声学的重要性认识不足,进而影响到学习效果。此外,传统和声的进行规矩比较多,如不可出现声部超越、平行五八度等,这些都属于创作中的不良进行。但是,随着音乐事业的发展,为了追求创作中的新鲜感,如今的作曲家为了增添新鲜的音响效果,已经打破了传统的规矩。因此,在教学过程中,教师要学会打破陈规,要让学生懂得,只要是音响效果好就可以在创作中应用。 三、和声学在本科音乐教育中的有效策略 (一)合理安排教学内容,重视实际的音响教学 在和声学教学中,要想保证和声教学质量,关键在于合理安排教学内容,科学地把握教学重点、难点。和声学教学内容的重点,就是为旋律配和声,这也是和声教学的第一步,是多声部写作的基础。只有学好和声学基本原理,做到功底扎实,才能够在实践中顺利地加以运用。和声学的教学很广泛,实践性较强的内容也比较多,除了为旋律配和声之外,和声分析、和弦听辨、即兴编配相关内容的教学对学生学习和声学也都比较重要。在和声学的教学中,教师一定要合理地安排教学内容,进行科学的教学规划,正确把握重点、难点。和声不仅是一种理论技法,同时也是一种音乐语言,和声越丰富,音乐语言就会越丰富多彩。所以,在教学过程中,教师要重视实际的音响教学,尤其是在分析解决和声问题的时候,更需要用实际的音响教学来完成,通过视听结合,分析实际作品,实现理论与实践结合。在教学过程中,为了提高学生的兴趣,教师可以选择一些比较流行的优秀音乐作品来进行分析,由于学生熟悉该曲目,在作品分析时有利于加强感性认识。在分析过程中,教师要多与学生交流,不断运用实际弹奏进行示范。这样有利于学生对和弦的变化有一个清楚的感觉,达到巩固提高所学内容的目的。 (二)转变教学理念,开展创新即兴教学 和声教学应以学生为本,因此在教学过程中,教师要转变教学理念,以学生为主体,鼓励学生自觉学习、自我完善,培养学生的创新能力。一名优秀的和声学教师要懂得,提高教学质量的前提是学生对于和声学的重要性有一个清醒的认识。教师要尽其所能证明和声教学的重要性。作为一名和声学教师,在教学过程中,绝不能只关注书本理论知识,生搬硬套教材内容,要学会将理论与实践相结合,充分利用实际音响提高学生对于和声学的思想认识。无论是讲解与分析课堂和声教学例题,还是指导学生课后练习,都应通过实际弹奏来评价。要通过实际弹奏提高学生的听辨能力,进而促进其键盘弹奏能力的提升。在和声学教学中,为了活跃课堂气氛、培养学生的创新能力,教师还可以开展创新即兴教学。教师可以让学生利用所学的和声知识,在没有事先设计伴奏的前提下,即兴为某一指定的旋律弹奏,将古典和声加入到即兴教学中,有效地提高教学效率。 (三)不断创新教学模式,利用高科技进行和声学教学 实践证明,在本科音乐教育和声学教学中,口头的讲解方式很难获得良好的教学效果。因此,必须不断创新教学模式,多给学生提供实践机会。课堂内教学,可以采用教师讲解、相互讨论为主的教学模式,教师可以和学生一起分享讨论,把和声学习的一些新想法提出来,以学生为主体,介绍经验,分析问题,增强学生学习的信心。在和声学教学中,为了提高学生学习的主动性,教师可以将学生分组,让学生互相交流,相互讨论,互相修改作业。笔者认为,和声写作是教学的一个难点,也是学生容易出错的地方。学生之间互相检查作业,有利于快速了解问题出现的症结,以增强做题的准确性。在和声学课堂教学中,巧妙运用多媒体技术展开教学,也会获得意想不到的效果。笔者认为,利用高科技进行和声学教学,可以帮助学生全方位地感受和声效果。在分析实例的过程中,生动形象的音响,不仅减轻了教师的负担,还可以使学生用心去感受和声世界,有效提高学生对和声的认知能力。同时,利用多媒体,学生还可以感受到不同风格的和声,轻松地了解到更多的知识内容,以有效提高自身的综合素质。 四、结语 在本科音乐教育中,和声学教学不仅要传授理论知识,更要将理论与实践相结合,学生学习完传统和声以后,应让学生明白和声学是具备发展性的,要注重和声学习的实践性与体验性。因此,在课堂教学中,教师要重视实际的音响教学,不断创新教学模式,实现理论和实践的有机结合,让学生养成良好的习惯,达到应有的教学效果。 作者:潘长瑜 单位:吉林艺术学院 音乐教育本科论文:奥尔夫音乐教育实践课在本科教学的应用 [摘要]奥尔夫音乐教育实践课在艺术类高等院校本科教学中应用,不仅启发了学生对音乐的感知,培养了学生对音乐的自主性与创造性,提高了学生的艺术素养,还推动了艺术教育的发展,既可以扩大高校艺术人才就业方向,又可以培养综合性艺术教育人才,促进文化事业的发展。 [关键词]奥尔夫;音乐教育实践课;本科教学 19世纪末20世纪初,欧洲出现了“新教育”思潮,提倡“实用主义教育学”,从哲学的角度提出“教育即生活”“学校即社会”等口号,让学生成为教学活动的中心,增加教学中的实践活动。在同一时期,音乐界的实践教学代表人物,德国的卡尔•奥尔夫提出了实践教学的新教学法,即奥尔夫音乐教学法,该法注重从生活中的音乐元素入手进行教学,让学生用感官和肢体语言感受和表达生活中的音乐,让身体随着音乐动起来,培养和启发学生对音乐的感知以及对音乐的自主性与创造性。经过一个多世纪的教学与经验总结,这种教学法被越来越多的教师和学生喜爱而用于基础教育阶段教学中。我国高校音乐教育专业,特别是非学前教育专业的本科生和研究生主要学习的是此教学法的理论知识,与实践联系并不密切,而培养的人才是基础教育阶段的教育者,如果只学习理论而不联系实践教学,则属于空谈。所以,用成熟的音乐教育实践课来促进音乐教育本科综合人才培养进程。将音乐教育实践课作为高校学生学习的必修课,提高学生适应就业能力,为就业单位提供能够直接上岗的教师队伍,是目前综合类艺术院校正在解决的问题之一。 1存在的问题 1.1社会培训机构方面 目前,艺术类高等院校培养的就业方向,一部分走向社会培训机构。但是各培训机中教师的职业素质、学历参差不齐,硬件设施强,软件实力不够,反映出高校人才培养与现实就业存在一定的差异。真正能够到奥尔夫专业委员会参加培训的学员多为喜欢此教学法并已经就业的音乐教育工作者,多数年龄较大,属于理论派;而真正能将奥尔夫音乐教学法以肢体语言、节奏模仿等手段展现出来的优秀教师少之又少,特别是在我们省内的大环境下,缺少对奥尔夫实践课堂有影响力的学科带头人,同时,急需科学规范的大规模教育者能够正确引导此项教学法。 1.2师资方面 艺术类高等院校应从本科教学阶段聘请学科专家正规地培训奥尔夫教学法,科学规范地进行实践课堂教学,让学生参与课堂,让更多的学生参与进来。相信经过四年的努力,我们的阶梯式教学模式会为社会培养更多专业化的奥尔夫教学师资,这不仅充实了教师的教学实践经验,同时也提升了毕业生教学实践能力。 1.3学生观念方面 实践课堂发展缓慢的一方面原因是多数高校音乐教育专业学生只重视自身专业的基础练习,没有意识到就业的需要。社会上的各类用人单位需要的是综合素质高的、具有一定专业实践能力的人才,而不仅仅是钢琴教师、声乐教师等。所以,学生在本科阶段应该定好自己的就业方向,根据自身专业逐渐向就业方向靠拢,积累教学实践经验,走进课堂,将理论应用于实践,不断提升自己。 2以吉林艺术学院艺术教育学院为例的音乐教育实践课堂 目前,吉林省内各高校的音乐教育专业,几乎都是从理论上学习各种先进的音乐教学法,而实践课堂还处于起步阶段。在近几年的教学法实践课堂中,吉林艺术学院艺术教育学院的音乐教育专业走出了书本式教学,在学生学的基础上体现出参与教学、独立教学的能力,让每个音乐教育专业的学生学习教学法知识的同时参与教学环节,将教学法的理论知识运用到基础教育阶段的课堂上。实践期间,我们与省孤儿学校、明德小学长期合作,实行阶梯式教学,将奥尔夫音乐教育实践课程纳入长期教学实践计划,既提高了学生学习的效率,又提高了学生的实践能力,将优秀的教学理念真正转化为生产力,以此来培养能够直接上岗的中小学音乐教员。为了更好地参与实践课堂,我们做了如下准备:对青年教师进行奥尔夫音乐教育实践培训;邀请奥尔夫音乐教育专家进行实践教学;对大三、大四音乐教育专业的学生进行分组实践课教学;组织奥尔夫音乐教育教学汇报;向就业单位推荐优秀人才。我们还实施了“教师走出去,学生动起来”的教学计划,即青年教师到奥尔夫教育学会进行滚动式实践学习;学生以小组或团体的形式参与课堂,增强合作能力、表现力和控制课堂的实践能力。定期组织“看课互评”讨论会,让授课者互相找出不足,提出问题、解决问题。近两年,我们阶梯式派出教学团队去参与课堂教学得到了用人单位的好评。所谓阶梯式授课,即对大三的音乐教育专业学生进行小学音乐教育课堂分组、滚动式集体备课训练。按小学六年制分成六个备课小组,每一组准备相应年级的音乐课程。每个组的组员分别负责教授本年级的部分音乐课程,每周以小组互评的形式进行实践课堂教学点评,互相找出问题并解决问题。每个月小组之间进行轮岗制年级互换,将已经成熟的备课信息、PPT等教学内容进行交流,去粗取精。经过一学期提取精华式的现场教学准备,我们的学生可以随时讲授各个年级的音乐课堂,如在省孤儿学校的实践环节和在明德小学的大队活动中,都能看到我们的学生在课堂上热情地带领小学生参与音乐教学环节,小学生能够积极参与到教学中来就是对我们教学的最好认可。在一年级音乐教材第四课《可爱的动物》中,在设计教案时,我们首先将桌椅摆放在教室的四周,将学生分成两组:一组模仿小鸡的声音和动作,一组模仿小鸭的声音和动作。在分别模仿了声音和动作之后,让学生跟着2/4拍的节奏“tata/ta0/titititi/ta-/”来进行交替节奏练习。模仿小鸭的同学说“ta”的节奏,模仿小鸡的同学说“titi”的节奏,同时伴随身体模仿动作。其次,开始学习旋律的时候,将适合这节课的奥尔夫乐器发给学生,乐器有铃鼓、沙球等小型乐器。学习第一段的时候,让模仿小鸡的学生唱旋律,模仿小鸭的学生打节奏。学习第二段的时候反之。经过这样的排练,让一年级学生加深了对小鸡、小鸭声音的认识,同时学会了四分音符和八分音符及它们的节奏知识,将声音和动作运用到音乐课堂,能够增强学生身体各部位的协调能力,提高相互之间的配合能力。通过实践教学,我们总结出针对低年级的小学生,在实践课堂上,分好小组才能更好地进行教学进度。 3结语 任何优秀的教学法都是在长时间的教学经验积累基础上去粗取精,才能真正地被更多人认可,从而发扬光大。师范类艺术院校作为培育和输出教师队伍的基地,不但要多支持专业教师走出去学习,多与人交流,还应增加学生实践教学的时间和实践学分的比重,让学生意识到实践的重要性,并将就业和实践结合到一起。教师经过每四年的教学经验总结,不断地丰富每届学生的教案和PPT内容,根据自身性格特点选择不同的教学切入点,适应当今社会对人才的培养需求,把理论直接应用到实践中去。社会对高校的要求是直接输出已经具有教学经验的、可直接上岗的专业教师,而当今学龄前或艺术社会培训机构中,既有学历又有能力的专职教学法教师少之又少,多数为兼职,少数没有学历。所以,希望通过我们的不懈努力,经过四届学生的实践教学培养出将理论转化为实践的高素质的教师队伍,而奥尔夫教学法只是我们音乐教育实践课的课程计划之一,我们想通过此方法,用理念来引领教学实践;通过实践教学来更好地体现理念的科学性,让更多专业的教育者参与到社会实践;通过高校不断地输出具有实践经验的、适合儿童的音乐教育专业人才,从而规范社会机构培训市场并普及艺术教育。 作者:涂蓓 单位:吉林艺术学院 音乐教育本科论文:本科音乐教育发展思考 面对高考以及现在严峻的社会就业压力,很多家长和学生在初高中阶段就选择了艺术教育。这使本科音乐教育得到迅速的发展,成为很多本科院校的热门专业。随着近几年艺考人数的增多以及各院校音乐学院的不断扩大,一些音乐教育中存在的问题也慢慢显现出来。为了本科音乐教育的进一步发展和完善,更好地适应当前的发展状况,从事音乐教育的教学工作者需要不断地去发现和解决问题。下面具体谈论一些本科音乐教育中的问题以及解决方案。 1.更新教学观念,培养新型人才 我国的高等师范类院校的音乐教育在很长的历史时期内借鉴的是日本以及欧洲的一些培养专业人才的教学模式及他们音乐学院制的教学体制。这虽然能帮助学生提高专业方面的技能水平,但同时也忽略了师范教育的本质。在21世纪初,我国各地开始普及和完善中小学的音乐教育体制,这就导致中小学音乐教育的教学内容以及教学理念都发生了深刻的变化。在内容方面也不再是唱歌、乐器演奏;现在大多中小学音乐教育都增加了音乐鉴赏、音乐表演以及音乐创造和音乐治疗等方面的内容。在理念方面,提出了以审美为优秀,以兴趣为动力;面向全体学生,注重个性发展;强调音乐实践,鼓励创造;突出音乐特点,重视学科综合;弘扬民族音乐,理解多元文化。这就对师范类音乐教育提出了更高的要求,迫使本科类师范院校也要进行一场彻底的变革。针对以上的要求,就需要我们通过对现在社会的就业形势以及人才的能力进行分析,从而带领学生了解现在的社会需要,理解实施新方案的意图。同时调动学生学习的主动性、积极性,自觉地排除过分强调“专业性”的倾向,让学生大步向“师范性”靠拢。 2.加强学校自身师资队伍的建设 一个学校的师资力量的强弱直接关系到学校的教学质量以及学校输出人才的水平。因此,建立一支学历层次高、教学与科研能力强、年龄结构合理的高素质师资队伍是现在本科音乐教育的关键所在。加强师资建设,学校要给在校的学生提供外出进修和学习的机会,加强内涵建设,建立促进教师资源开发利用和优秀拔尖人才迅速成长的有效机制。在不断培养本校教师的同时,还要不断给自身的师资力量注入新鲜血液,充实师资队伍。同时,还要建立激励机制,从而增强教师的责任意识,使教师明白自身才是教育改革的关键,也是保证学校教学质量的关键。通过实际举措,提高教师的学术水平,使师资队伍建设达到可持续发展,为实施课改奠定坚固的基础。 3.重视艺术实践,培养优秀人才 现在新的课程纲要要求教师应该把学生的实际能力放在首位。音乐教师的实际操作能力和表现力是一个音乐教师的基础的素质之一。音乐学专业也就是音乐教育专业的学生,表演的机会少,缺乏艺术实践的过程,教师在学生大学一年级的时候就应该鼓励学生积极地去参加一些表现自我的活动,例如,为声乐学生进行钢琴伴奏,或者学校周期性地举办钢琴、声乐的汇报演出等。学校也应该举办一些钢琴演奏、声乐比赛、钢琴伴奏以及音乐创作等比赛,不断地给学生提供实践和表现自我的机会。除此之外,学校应该和附属的中小学以及周边的中小学协商开设学生艺术实践课程,让学生能够尽快了解工作需求。在平时课余时间,鼓励或组织学生去敬老院或者孤儿院进行慰问演出,既帮助学生深入到社会,同时还能通过实践来提高自我水平。这样,由于学生锻炼的机会多了,以往表演时易产生紧张心理的问题也就能得到克服。艺术实践是培养学生实际能力的“实验场”,是培养合格音乐教师不可或缺的重要环节。 4.总结 本科音乐教育的改革并不是一朝一夕之功,这需要从事本科音乐教育的教学工作者不断地努力和提高自己,不断地发现教育工程中所出现的问题,从而解决问题,给本科的音乐教育带来本质的提高,为社会的发展提供源源不断的优秀师资力量。 作者:韩绮丽 单位:宝鸡文理学院音乐系 音乐教育本科论文:“三一实践模式”:本科音乐教育专业实践课程的探索与创新 摘要: 根据创新人才培养的规律以及当前音乐教育专业实践教学的需求,我们经过长期探索与实践,提出了本科音乐教育专业的“三一实践模式”,即实践课程的“三个模块”与“一个整体”:将本科音乐教育专业的实践课程分为艺术实践课程、教育实习课程和综合技能课程三大模块,着重加强每一课程模块在实践内容、实践环节、实践指导上的系统化、一体化,使之形成一个有机联系的整体。这种模式对培养音乐教育专业高素质的拔尖创新人才有着重要作用。 关键词:音乐教育;教学改革;专业实践;课程模块 基金项目:湖南省教育学科“十二五”规划青年专项课题“湖南省普通高校音乐教育现状调查与对策研究”(XJK012CTM026)。 作者简介:张瑞智(1982-),女,湖南沅江人,湖南师范大学音乐舞蹈学博士研究生,湖南城市学院音乐学院讲师,主要从事音乐舞蹈学研究。 在当今世界音乐教育领域内,由于受美国音乐教学哲学家艾里奥特为代表的音乐实践哲学观念的影响,普通音乐教育对于实践教学特别重视,对音乐教师的培养也更为重视实践[1](P1-3)。可以说,重视实践教学已经成为当下本科音乐教育专业的基本特点。强化音乐艺术与教师教育的实践、提高学生的实践与创新能力是本专业教学的重中之重。目前关于本科音乐教育专业实践的研究主要集中在教育实习这个比较狭窄的视域内,一些新的实践方式虽然提供了一定的思路与经验,但总体上缺乏整合性和系统性的理论研究与实践检验,尚未在以挖掘学生创新力、激发学生创新力为目的导向的系统性、创新性研究方面实现突破[2](序)。因此,为了培养具备更强实践能力的音乐师资和复合型人才,根据音乐艺术自身的规律和音乐教育的实践背景,我们将实践领域进行了有效拓展,提出了本科音乐教育专业实践课程的“三一实践模式”。 一、“三一实践模式”的理论基础 长期以来,本科音乐教学实践课程在理论建设上非常薄弱,音乐教学的实践课程建设呈现出三个明显的误区,即课程探索的个人性、教育实践的零散性以及实践效果的间断性。 1.实践课程探索的个人原子性。音乐教育实践过程中,教师由于其演奏实践的需要,容易体现个人主义,在实践课程探索上也易出现个人原子性的特点。有些高校在音乐本科实践教育课程体系建立时也常因人设课,久而久之容易导致教师各自为政、单打独斗的实践课程格局。这种个人原子性,不利于系统性、协同性的实践课程探索;这种理性认识上的缺失,也值得我们反思。 2.音乐教育实践的零散性。有些高校对音乐本科教育实践教学没有进行系统规划,再加上在实践课程开设过程中存在因人设课现象,因而在实践活动上往往与不连续、临时的事务性的表演活动相结合,致使音乐教育实践只见树木,不见森林,呈现零散性。归根结底,这是由于对音乐教育实践课程缺乏系统而深刻的理论研究,更是由于经验主义和实用主义在起着指导作用。这对于音乐教育实践课程教学理论建设显然也很为不利。 3.音乐实践教育的时序间断性。音乐实践教育中的原子化、零散性未能形成一个整体系统,致使音乐实践呈现时序间断性,进而导致音乐本科学生在音乐实践课程学习上存在着“和尚撞钟”心理,严重影响了音乐实践教学的效果。要改变这种现象,需要以系统论的思想作为支柱,从音乐实践课程的理论根基上探索加强课程理论建设的途径。 系统论是研究系统的一般模式、结构和规律的学问,它研究各种系统的共同特征,寻求并确立适用于一切系统的原理。系统论认为,开放性、自组织性、复杂性、整体性、关联性、等级结构性、动态平衡性、时序性等,是所有系统共同的基本特征。这些基本特征,既是系统所具有的基本思想观点,也是系统方法的基本原则,表明系统论不仅是反映客观规律的科学理论,还具有科学方法论的含义[3]。 因此,以系统论为理论指导,在音乐教育实践课程教学中采用“三一实践模式”,使实践课程模块化并经过融合而形成一体化的实践体系,既能满足当前本科音乐教育实践的迫切需求,也能保证音乐教育实践的效果。 二、“三一实践模式”的构架及其实质 所谓“三一实践模式”,是指对音乐教育专业实践课程内容的模块化与操作的一体化。“三”是模块化,指将本科音乐教育专业的实践课程分为艺术实践课程、教育实习课程和综合技能课程三大模块,相互联系,相互促进;“一”是一体化,即推进上述三类课程在实践内容、实践环节、实践指导上的一体化。该模式实现了音乐教育专业在艺术实践内容与形式上的创新,有助于全方位、全过程地培养音乐教育专业学生的实践能力。 1.艺术实践课程 一个完善的课程结构,可以视为理论与实践的有机结合,同样,具体的课程门类也应该是理论与实践的有机结合。虽然艺术实践课程偏重实践,但从课程内容上来说,仍然分为理论教学与实践教学两个部分。作为高校艺术教育课程内容的重要组成部分,艺术实践课程的理论教学内容主要包括声乐、器乐、钢琴、舞蹈、作曲及合唱六类。为增强课程的理论水平,每门课程都以整合理念下培养学生综合素养和能力的大课程观为指导,全面改进专业理论与技法课程的教学,将技能、欣赏、史学、教学法、表演心理等多学科的内容整合为体系化的课程内容。如声乐教学涵盖声乐演唱技法、声乐演唱心理、声乐作品分析、声乐作品欣赏、声乐教学法、声乐史等声乐学科体系中多门学科的内容。 艺术实践课程的实践内容则是用“采、编、训、演、录”五个环节形成一体化的教学模块,突出培养学生的艺术实践能力。“采”即“采风”,是组织学生在民间或少数民族区域搜集和挖掘民间、民族音乐,抢救非物质文化遗产。“编”即“编创”,是要求学生将采风所得的资料整理、改编或创编成艺术作品。“训”和“演”即“排练表演”,是组织学生对编制的作品进行学习、排练与演出,特别是去民间或少数民族地区表演。“录”即“录制”,是利用现有的先进录音、录像条件对表演作品进行录音或录像,制成音像成品。艺术实践课程可以通过这五个环节提高学生挖掘、整理、编创、表演等方面的创新知识和技能,增强其适应社会的能力。 2.教育实习课程 教育实习作为对音乐教师教育专业人才走上工作岗位之前的一次全面检验,也是音乐教师教育专业人才培养的重要组成部分,是音乐教师职前教育的必要途径。教育实习要求参与实习的学生除了拥有基本的音乐知识技能外,还要有较为扎实的教育理论和音乐学科教育理论以及一定的见习、试讲经验。教育实习课程的内容主要包括教育教学理论、微格教学及教学案例分析等。 教育实习课程的实践环节以往主要是“试讲―上课”步骤,“三一实践模式”则着眼于学生教育实践能力与创新能力的培养,将理论知识、教育教学能力与教育研究三者有机地结合起来,构建“见习―试讲―上课―校本音乐课程建设―音乐教育总结与研究”的音乐教育实践过程。在“三一实践模式”的指导下,教育实习课程呈现以下鲜明特征:第一,加大了教育理论与音乐教育理论课程的比重,加强了教育教学理论、微格教学及教学案例分析的理论学习。第二,延长了见习周期,扩展了见习内容。将见习时间提前至从入学后第2学期开始,每学期举行1~2周的见习活动,让学生分别到各类学校进行教学观摩。通过见习指导教师的专业指导与帮助,学生能理性分析见习过程中所遇到的教学现象,并梳理与之相关的教学理论,理论水平将得到快速提高。第三,将试讲融于课程当中,依托音乐教育理论进行试验性模拟教学。这就要求教师教育专业学生根据中小学音乐教材进行教案的编写、课堂的组织,通过分析试讲来熟悉音乐教育的相关理论与方法;同时从中小学引进2~4名优秀的音乐教师对学生进行教学辅导,帮助学生熟悉中小学教学环境及教学内容,为学生走入学校实习做好准备。第四,从各类学校中经过挑选而建立起来的实习基地比较稳固,能保障实习学生较稳定地承担学校的音乐与艺术课程的教学、课外活动组织及班主任工作(艺术团的艺术教学活动),使实习学生实践能力得到真正锻炼。第五,由指导教师组织实习学生结合当地特色音乐或艺术形式以及地方语言、文化特色等进行内容重组,能让学生进行有校际特点的音乐课程开发。第六,重视教育课程的理论总结环节,要求实习学生撰写相关研究论文,以此提高学生的综合实践水平[4]。 3.综合技能课程 “三一实践模式”下的综合技能课程内容,主要包括教师基本技能、音乐技术与制作技能、乐器制作技能。这既涵盖了传统教师基本技能中的“三笔一画”,也包括了现代教育技术中的多媒体使用、MIDI制作以及音乐剪辑软件、打谱软件、录音软件的学习与应用等。此外,传统音乐教师教育专业往往注重乐音的演奏与演唱、乐感的形成、乐的欣赏等“乐”的教学,而忽视了“器乐”中“器”的制作。同时,在中小学开展器乐教学常常会遇到各种各样的困难,而作为教育经费有限的普通中小学,教师制作简单的乐器既能解决经费不足导致的乐器问题,也能为学生参与器乐演奏打开便捷之门。 在综合技能课程的实践过程中,学生可以邀请中小学优秀教师举办课件制作等常见问题的系列讲座,汲取老教师们宝贵的经验,可以开设简单乐器制作方法的相关讲座,如打击乐的多种做法、仿制管乐等等;还可以举办自制乐器大赛,要求学生提供自制乐器的方法、经费细目及演奏视频,课题组为比赛提供一定金额的奖励,从而鼓励学生们大胆想象、不断创新。总之,在综合技能课程的实践教学中,可利用一切资源创造音乐实践的机会和条件,开展丰富多彩的活动,使学生们在音乐实践过程中获得全面的锻炼与提高。 “三一实践模式”中的“一”,其实质是把上述三个模块系统化、一体化。具体而言,在上述三类实践课程的整合过程中,可以采取以个人兴趣爱好和专业不同划分为小组或小课堂的方式,在“采风、编创、排练、表演、录制”一系列环节中选择一项固定的实践操作内容,保证实践内容一体化;以课内、校外课程相结合的方式,融“教、学、做”于一体,把理论教学、现场参观、模拟实训、见习、实习等结合起来,穿插进行,保证实践方式一体化[5];以专职教师带队、专业教师跟组指导的双导师制,形成以学生为主体和中心、教师为主导的师生协作、团队协作、小组协作的教育实践关系,以保证教师指导一体化;以多样化考察方式与多元化评价方式相结合,对学生的综合技能做出定性与定量评价,保证考察评价的一体化[6]。 三、“三一实践模式”的意义 本科音乐教育专业实践课程教学“三一实践模式”的探索,在理论和实践层面上都有着不同程度的创新,对于促进该专业实践课程的建设、培养学生综合实践能力具有重要的意义。 首先,从理论层面上来看,“三一实践模式”的内容模块化和操作一体化思路,为本科音乐教育专业创新人才培养研究提供了全新的理念,在音乐教育理论的系统化方面也有较强的指导价值。当前的本科音乐教育专业已经或多或少地在艺术实践课程、教育实习课程、综合技能课程方面有所布局和体现,但从整体上来看,我们仍然忽视了它们之间的内在联系,没有把它们看成一个有机的整体。音乐理论研究中以明确的趋势性目的为引领,建构、融合、平衡、开放、反馈都应是不可或缺的。“三一实践模式”对现有的音乐教育实践课程进行整合和重新建构,按照等级性、有序性、关联性的原则设计课程,充实学生的音乐教学实践能力,进而构建本科音乐教育专业实践课程体系,同时开展贯穿于整个实践课程系统的创新性研究,探索更加有效地激发学生创新力的方法与模式,从而有助于推动学科创新和升级。 其次,从实践层面上来看,“三一实践模式”力图探寻一条适合本科音乐教育专业创新人才培养之路,能够为国家修改和制订本科音乐教育专业的课程指导方案提供新的思路和建议举措,甚至对其他本科专业教育教学模式的改革与创新也具有启发借鉴意义。 本科音乐教育专业“三一实践模式”的探索与创新既是培养人才的根本要求,又是促进教师进一步成长的内在需要。探索高等教育音乐创新人才培养的规律,其本身就是推进教育学科发展的重要方面。创新作为培养目标的优秀之一,既是教育活动的出发点,也应贯穿于专业教育的整个教学过程。 音乐教育本科论文:地方本科高校转型发展背景下学前儿童音乐教育课程的实践教学策略 摘 要: 在地方本科高校转型发展的背景下,学前儿童音乐教育作为学前教育专业的一门专业必修课,面临自身应用型、实践型的转型发展。在学前儿童音乐教育的转型发展中,全方位培养学生的音乐素养、开展参与式的音乐教育流派教学、多维度进行幼儿园教育见习、理论讲授与模拟实训交叉展开、案例教学法的应用等是可行的实践教学策略。 关键词: 转型发展 学前儿童音乐教育 实践教学策略 一、地方本科高校转型发展的背景 随着我国计划经济向市场经济转轨,我国高等教育从精英化教育转向大众化教育。高等教育的规模迅速扩大,办学质量却没有跟上规模发展的步伐,“同质化”和“高大全”等现象严重[1]。地方高校面临办学基础薄弱、资金投入不足、获取社会资源能力有限等问题,培养出来的学生研究能力不足,不能满足行业企业的技能要求,面临“高不成,低不就”的尴尬局面。长此以往,会给地方高校带来不良影响,产生生源危机和就业危机[2]。在此背景下,我国于2013年成立中国应用技术大学联盟和地方高校转型发展研究中心,2014年教育部在工作要点中明确指出:启动实施国家和省级改革试点,引导一批本科高校向应用技术类型高等学校转型。 二、高校学前儿童音乐教育面临转型发展的现实需求 地方本科高校向应用技术型大学转型,其人才培养方向、课程教学也随之发生转变。学前儿童音乐教育是学前教育专业的教学法课程之一,是学前教育专业学生的专业必修课。学前儿童音乐教育课程教学的目标,是培养在现代幼儿教育理念下,遵循音乐学习规律及儿童音乐心理发展特点,设计和组织幼儿园音乐教学活动,以开发幼儿的音乐潜能,使他们掌握一定的音乐基本知识、技能,并促进幼儿的身体、智力、情感[3]等全面发展的幼儿园教师。可见,幼儿园教师音乐教育的理论与实践技能并重。但当前高校学前教育专业培养出来的人才体现出高理论水平、低教学能力的特点[4],在幼儿园音乐教育方面也体现出同样的特点,这与课程教学中注重方法的传递、忽视实践能力培养有关。对此,我们应对学前儿童音乐教育课程教学进行反思,使学前儿童音乐教育课程教学向实践型、应用型转变,突出教学策略的实践性。 三、学前儿童音乐教育课程的实践策略 基于地方高校转型发展的背景及幼儿园对人才的现实需求,《学前儿童音乐教育》的课程教学应秉承“做中学”、“教、学、做合一”的理念,更加重视实践技能、创新意识与创业能力的培养,探索转型发展背景下学前儿童音乐教育课程的实践教学策略。 (一)全方位培养学生的音乐素养 音乐素养是幼儿教师开展音乐教育的基本要求之一。学前教育专业大三学生已掌握了一定的音乐知识及弹、唱等技能,需要在学前儿童音乐教育课程中得到巩固与运用。为提高学生的音乐素养及在幼儿园教育教学过程中的应用能力,教师可采用如下教学策略: 1.课前展示活动 为增加学生在组织幼儿园音乐教学活动方面的经验,教师可在授课前安排课前展示活动,作为后期模拟实训环节的热身活动。具体安排如下: 2.课上随机抽查 笔者在教学实践中发现,虽然学生已学习了音乐相关课程,但其视唱能力还很弱。为提高学生的音乐素养,促进其加强课后练习,教师可在授课环节中安排5-8分钟的时间,对学生进行歌曲视唱的抽查。应注意,该课程重在如何“教”而非音乐技能本身,教师不宜“舍本取末”,在这个环节花过多时间与精力。 3.有针对性地筛查 在授课过程中涉及音乐知识与技能的内容时,教师可随即对学生展开筛查。如讲到节奏教学时让学生演示全音符、二分音符、四分音符、八分音符等节奏与速度,讲到儿童最早、最易掌握的小三度音程时,提问学生关于音程的知识,进行有针对性的筛查。 (二)开展参与式的音乐教育流派教学 世界著名儿童音乐教育流派的内容可达到“他山之石,可以攻玉”的效果,是学生需掌握并学会运用的课程内容。在掌握基本原理基础上的参与式教学方式可强化学生的学习效果,其具体操作思路如下:在音乐教育流派理论学习后,选择适合学前儿童的课例,由教师充当“幼儿教师”,学生充当“幼儿”,组织学生开展相关的幼儿园音乐教学活动。如在柯达伊音乐教育体系中可选取课例《藏起来的歌曲》,教师选择学生熟悉的儿歌,出示双方约定的信号,学生在歌唱的某一环节停止发声,教师出示“取消手势”后,学生继续歌唱。在奥尔夫、达尔克罗兹及其他儿童音乐教育流派的教学中也可采用类似的参与式教学设计,充分发挥教师和学生的主动性、创造性,使学生在亲身体验中达到认知、行为与态度上的改变[5]。 (三)多维度进行幼儿园教育见习 幼儿园教育见习是师范院校学前教育专业人才培养计划中的重要组成部分,可提高学前教育专业师范生的专业接纳度[6],有利于学生获得专业认同,发展专业情意;可增进学生对幼儿、幼儿教师及幼儿教师的工作的认识与了解,促进其对幼儿教育理论知识与技能的理解与深化认识。为了使学前儿童音乐教育的幼儿园课程见习达到良好的效果,教师可制订多维度的幼儿园音乐教育观摩学习计划,并与幼儿园协商做好相应安排,具体如下: 1.幼儿园的整体环境布置。马拉古奇指出环境具有教育功能,因此,教师可安排学生小组合作学习,观察幼儿园的整体环境布置,挖掘现有环境布置中的音乐教育功能,讨论其潜在的音乐教育功能及其实现手段,并形成观摩学习报告。 2.集体音乐教学活动观摩与研讨。教师组织学生对幼儿园四大音乐教育活动类型进行观摩学习。学生与幼儿教师及授课教师结合该教学活动展开研讨,进一步掌握幼儿园集体音乐教学活动的组织与实施的策略及方法。 3.音乐活动区域环境布置及其活动指导。教师可安排学生进行小组合作学习,小组成员对活动区环境布置与材料投放、幼儿的表现、教师的指导三方面进行分工观察,并做好观察记录。最后,全体小组成员将观察所得统整为一个完整的观摩学习报告。 4.生活环节中的音乐教育。此环节教师可安排小组合作学习,小组成员每人观摩几名幼儿在生活环节中的音乐表现,记录教师的指导行为与策略,并提出在生活环节中进行音乐教育的方法。 (四)理论讲授与模拟实训交叉展开 为使学生更好地掌握这四大类音乐教学活动的方案设计、组织与实施,提高学习的时效性,教师可在理论讲授后安排学生小组合作:设计相应的活动方案,并开展模拟教学。具体操作如下图所示: (五)案例教学法的应用 案例教学法是一种以案例为基础进行研讨的教学方法[8]。案例教学法具有高度的模拟性,通过创设问题情境,使学生对案例进行分析,创造性地将理论与实践相结合,是提高学生综合能力的教学方法。案例教学法在《学前儿童音乐教育》课程中的应用具体如下: 1.教学视频的应用。教师在授课过程中可选择典型的教学视频作为案例进行分析,通过研讨,帮助学生实现相应的教学目标。可选择的教学视频有不同流派音乐教育的典型教学视频和不同类型音乐教学活动的优秀教学视频等。 2.观摩见习的案例教学。前文中提到幼儿园见习活动中的幼儿园环境创设、音乐区域活动环境创设、材料投放与活动指导及集体音乐教学活动都可作为案例教学中的“案例”,教师要对这些案例进行分析和总结。 3.模拟实训环节的案例教学。案例教学法是学前儿童音乐教育课程教学中的重要方法,在此环节的应用更是“重中之重”,学生的模拟教学活动就是教师开展教学最真实、最鲜活、最具有教育价值的案例。教师在模拟教学活动结束后,安排小组讨论,最后针对该教学活动的设计与组织实施过程进行集体评议,集体评议的内容有活动目标、活动准备、活动过程与活动延伸,通过讨论与评议,使学生更全面、更充分地掌握幼儿园音乐教育活动设计与组织的要点。 在重视学前教育专业学生学前儿童音乐教育理论知识的同时,更应注重学生实践技能的培养,突出综合性和实用性,这不仅是地方本科高校转型发展的现实需求,而且符合幼儿园对高校人才培养的期待,适应当前社会发展的步伐。在学前儿童音乐教育的实践教学过程中,既要考虑学生的身心发展特点,又要考虑学科自身的特性,往综合性、实践性、应用型等方向发展。只有这样,才能实现地方本科高校转型发展与学前教育专业人才培养的目标。 音乐教育本科论文:新建本科院校音乐教育专业钢琴教学中存在的问题及解决办法 摘要:目前,我国新建本科院校钢琴教学方面普遍存在着学生钢琴水平整体偏低、缺乏学习兴趣、师资队伍薄弱、课程设置不尽合理、学术交流较少、领导重视度不高等问题。本文针对这些问题,提出一些相应的解决办法:首先确定人才培养方向,即构建应用型音乐教育专业人才培养模式,其次是建设适应新建本科院校需要的音乐教育专业钢琴教学师资队伍,最后是加强实习实训基地建设和提升办学软实力。 关键词:新建本科院校 音乐教育 钢琴教学 近年来,我国新增一批本科院校,这些新建本科院校一般通过专升本或几所专科学校合并的途径完成。因此,存在着成立时间短、基础差、底子薄、科研能力低、师资队伍弱、办学定位模糊等问题。同时,这些问题也会影响音乐教育专业钢琴教学发展。 一、存在问题 (一)学生钢琴水平整体偏低 新建本科院校音乐教育专业学生钢琴水平整体偏低,据统计,80%以上的学生进校前从未学习过钢琴,而学习过钢琴的学生中,大部分也只是从高一、高二开始学习,且为了达到高考要求,程度拔高的现象屡见不鲜。 (二)学生学习积极性不高 面对我国就业现实,新建本科院校音乐教育专业学生对在钢琴相关领域的就业缺乏自信,大部分学生认为自己所在学校等级不高、自身学习钢琴时间较短,加之钢琴学习不如声乐、葫芦丝那样能够短时间内取得成绩,因此,许多学生对钢琴学习产生“破罐子破摔”的想法。 (三)师资队伍匮乏,专业技术水平较低 新建本科院校由于是刚升本学校,面对学校规模的扩大,学生人数的急剧增加,原来的师资队伍无论从学历结构上,还是从人数上均已无法满足教学发展需求。此外,升本5年内的学校,90%的钢琴教师为本省甚至是本校毕业生,学缘结构比较单一,专业技术水平不高,且科班出身较少,甚至部分钢琴教师是之前演奏手风琴、电子琴的人员在学校升本后为缓解教学压力转为钢琴教师的。 (四)课程设置欠合理 新建本科院校由于办学时间较短,办学经验不够丰富,所以在音乐教育专业课程设置方面存在一些问题。 首先,学分设置不合理。由于专业课程学分设置过低,为修满学分,学生必须选修其他与专业没有密切联系的课程。 其次,任意选修课专业开设不均衡。其中钢琴相关的选修课程过少,而声乐、舞蹈方向的选修课程占据大量比重,这样对于钢琴主修学生来说可涉猎的知识范围相对狭小,对其专业学习具有一定的阻碍作用。 最后,“大锅饭”式的专业课设置。钢琴课在一年级、二年级为专业必修课(4个学分),且是以小组课的授课方式,三年级、四年级为限定选修课(4个学分),以“一对一”的授课方式。这样“大锅饭”形式的教学模式,使一些优秀的钢琴学生在一、二年级仍然接受小组课教育,严重影响其专业技能的提高进度。 (五)交流活动较少,高质量钢琴音乐会(演出)缺乏 新建本科院校由于资金相对短缺,无法举办高质量的钢琴音乐会,无法给教师、学生创造更多视听平台。通常情况下,具有一定专业水平的钢琴音乐会均由系(院)内部个别专业技术水平较高的钢琴教师担任演奏,这样一方面使学生汲取到的知识比较单一,另一方面,钢琴教师自身演奏水平也无法得到提升。 (六)领导重视程度不高 大部分新建本科院校为综合性院校,学校工作重心为建设重点学科、特色学科,对于音乐教育专业常常处于被忽视状态,所以在专业建设方面投入力度不大。 二、解决办法 (一)培养应用型音乐教育专业人才 创建应用型大学是切合新建本科院校实际的一个正确方向,在学校前进的大方向指引下,音乐教育专业也应沿着培养应用型专业人才的目标前行,而钢琴教学作为音乐教育专业教学的重要组成部分,应用型钢琴人才培养也成为必要任务。 首先,培养应用型人才,在意识形态上要深刻认识什么是应用型人才。新建本科院校在教学科研方面不如老牌本科院校的实力雄厚,如果从钢琴演奏专门人才方面着手培养,容易产生高不上去、低不下来的状况,学生就业更加困难。因此,在钢琴教学中,要正确认识到我们培养什么类型的音乐人才,应该达到怎样的目标,而不能一味地以专业水平要求学生,一方面学生自己越来越失去学习兴趣,另一方面与社会需求脱节。 其次,在教材选择上应根据应用型人才培养模式要求,采用灵活变通的方法。根据调研发现,目前新建本科院校音乐教育专业人才的就业方向主要是中小学音乐教师,这些学校对教师的钢琴水平要求并非是演奏很艰深的音乐作品,而是集中于钢琴伴奏的需要。因此,在教材选择上,技巧练习与声乐正谱伴奏①练习应相互搭配,做到技巧练习是钢琴伴奏的补充,钢琴伴奏是技巧练习的最终目的。 最后,建立创新型钢琴课堂。由于新建本科院校主要是培养应用型专业人才,而音乐教育专业人才的就业方向主要是城镇、乡村中小学音乐教师,因此,钢琴教学应打破陈规的“回课-教师指正-练习-新课预习”的模式,而是应创建一种应用型的新型钢琴课堂。据调查发现,80%以上的音乐教育专业学生走上工作岗位后不会上课,因为他们在学校学习的各类专业知识是零散的,没有对其进行系统组织,而中小学音乐课要求的音乐知识是综合的,是将钢琴、视唱练耳、乐理、声乐、音乐欣赏贯穿起来的,因此,在钢琴教学中,教师应尽量锻炼学生独立思考、知识整合的能力。 (二)完善课程设置,提高学生学习兴趣 在课程设置方面,钢琴必修课不应采用全盘统一的授课模式(即无论学生程度高低,均进行小组课或集体课形式),应在学生入学时进行专业分级考试,达到较高级别的学生可从进校起就上“一对一”的钢琴课,中等级别的学生上“一对二”的小组课,中等以下级别的学生上四至六人的集体课。但是,入学专业分级不是永恒不变的,是与每学期的专业考试成绩相关的,倘若中等级别学生经过一学期努力达到较高级别的水平,就可以在下一学期上“一对一”的钢琴课,反之,如果高级别的学生在一学期内没有刻苦练琴,学习效果不理想,甚至退步,便在下一学期转为“一对二”的小组课或集体课。这样在不断分级考试中,既调动了学生的积极性,又使学生为追求“一对一”的钢琴课而努力练琴。 (三)师资队伍建设 如前文所述,新建本科院校一般是通过专升本或几所专科学校合并组建的,原师资队伍专业素质水平无法满足升本后的教学需求,因此,建设符合本科院校条件的音乐教育专业钢琴师资队伍是亟需解决的问题。 1.提高原师资队伍专业素质水平。原师资队伍是新建本科院校的师资基础,是与学校共同前进的“老战友”,这部分教师既不能“一刀切”,也不能任由其阻碍学校发展,因此,进修学习是这批教师提升个人专业素质水平的必由之路,也是新建本科院校师资队伍建设行之有效的办法之一。 2.引进高层次专业人才。对于新建本科院校师资匮乏的现状,引进高层次专业人才无疑是一个快捷而有效的办法。通过对高学历、高职称人才引进,既能提高教学质量,提升学校知名度;又能带来学科前沿动态,促进学科发展;还能提升原师资的学术科研水平。 3.优化学缘结构。学缘结构不合理,会导致学术上的“近亲繁殖”,人事上的“关系纽带”,不利于学校的发展。而新建本科院校音乐教育专业钢琴师资学缘结构相对比较单一,甚至同事之间是师生关系的现象比比皆是,因此,优化学院结构是师资队伍建设解决的又一难题。学校人事部门应在人才引进和教师进修方面把好第一关,广泛吸纳国内外各院校的毕业生。 (四)加强实习实训基地建设 实习实训基地是新建本科院校教学的“大后方”,是为学生提供理论联系实际的平台,同时学校也为实习实训基地提供先进的知识理念,“双赢”是学校与实习实训基地的优秀。对于音乐教育专业学生而言,中小学实习实训基地是其展示能力的最好空间。通过实习,学生能更清楚认识到自身学习中的问题,也能根据自己的特长,为实习基地的音乐教育献计献策。此外,新建本科院校钢琴教师通过与实习实训基地的密切联系,能够及时了解掌握中小学音乐教育的课程特点、变化以及所培养的学生在具体实践中存在的问题,并对其进行总结思考,形成科研成果,最后将科研成果实践于实习实训基地,真正做到“产-学-研”相结合。实习实训基地也在新建本科院校的带动下,不断进行创新型教学改革,提高音乐教育水平,深化素质教育。 (五)提升办学软实力 学校的硬件设施固然重要,但办学软实力也不容忽视。新建本科院校在发展的同时不能“偏科”,对于音乐教育专业要适度加大资金投入,聘请国内外专家学者讲学,邀请优秀的钢琴家或专业院校教师举办钢琴音乐会,营造良好的钢琴学习氛围,逐渐使学生喜爱钢琴。由于“摊子大、专业多”是新建本科院校整合后的特点,所以在学科建设方面,音乐教育专业往往受到忽视。学校领导也大多是非艺术专业出身,故对音乐会、学术交流这些必不可少的活动不够了解,这方面的关注度自然不高。因此,不仅学校教师需要走出去,领导更要走出去,学习老牌本科院校的办学方法和办学经验,加强音乐教育,特别是钢琴教学的认识,并为钢琴教师和学生提供更多的视听平台。 总之,钢琴课虽然在新建本科院校音乐教育专业中仅是一门专业课,它是其他各门专业课的基础,也是不容忽视的一门课程。在现阶段其发展现状不容乐观,但相信随着新建本科院校的不断完善和日臻成熟,钢琴教学将会有更大改观。 音乐教育本科论文:从培养方案的修订谈音乐教育专业本科生教学实践能力的培养 摘要:教学实践能力是音乐教育专业本科生技能的重要组成部分,本文将以南京师范大学为例,从本科培养方案的修订谈起,就新方案中如何通过明确培养目标、调整优化课程模块等来培养学生的专业素养与教学实践能力进行了总结,并试图从引入科学评价体系、实现教育理论内化、注重实践教学体系的构建三个方面探讨在新方案的实施过程中提高学生教学实践能力的有效途径。 关键词:培养方案;音乐教育专业;本科生; 教学实践能力;培养 以往高等教育的教学改革成果主要集中在两个方面:人才培养模式、课程教学内容与方法,这两个方面前者着眼于宏观、后者着眼于微观,而对着眼于中观的专业培养方案这一方面关注度不够。面对不断增加的就业压力、日益激烈的社会竞争和不断发展的社会需求,如何使培养方案更有利于音乐教育专业本科生的培养,如何让培养方案更能反映社会对师范生知识结构和教学实践能力的诉求,因此专业培养方案的修订逐渐成为各个院校关注的焦点。 美国学者派纳认为:“学校课程的质量极大地依赖于教师的质量,教师的质量又极大地依赖于他们职前教育经验的质量①” 。因此,通过在校期间一系列课程的学习与训练来培养学生的教学实践能力是非常重要的。南京师范大学在2010年启动了本科人才培养方案的修订工作,2011年开始执行新的培养方案。音乐教育专业培养方案的修订充分考虑了音乐教育专业的特殊性,尝试制定既切实可行又灵活个性的专业人才培养方案。 一、修订后培养方案的特性 (一)新方案设定了明确的、有针对性的培养目标 在新的培养方案中用清晰的语言明确了音乐教育专业到底要培养何种类型、什么素质的人才,“音乐教育专业培养和造就适应教育改革发展需要的具有较高音乐素养和教学能力的专门人才。”培养目标的明确,为培养方案的制定与实施奠定了良好的基础。只有明确了方向,才能确定培养方案的总体架构,并对相应的课程体系做出合理的规划与调整。 “适应教育改革发展需要”说明了音乐教育专业培养的人才是适应社会的发展需要的,与时代要求相适应的,而不是落后于社会需要或者与之背道而驰的。 “具有较高音乐素养”说明了音乐教育专业培养的人才在音乐方面是有较高素养的,为此培养方案开设了相应的一系列课程,包括音乐的理论知识类课程、表演技能类课程等。 “具有较高教学能力”说明了音乐教育专业培养的是将来能够从事教师职业、并具有较高教学能力的人才。为此培养方案还提供了一系列音乐教育课程,包括音乐的教育理论类课程与教学实践类课程。 (二)新方案综合考虑了培养方案的整体性、加强了各课程子系统间的衔接 以前,培养方案的制定较少考虑各课程子系统间的衔接,这使得培养方案的各子系统之间衔接不够顺畅,培养方案的整体性不够,无法完全达到培养方案预设的良好培养效果。此次新的培养方案对此进行了调整,整合了相关课程,形成了通识教育课程、学科基础课程、专业主干课程、自主发展课程等几大模块,这几大模块作为培养方案的子系统,相互之间是衔接的、互通的。 1、考察“通识教育课程”,此次新的培养方案调整了通识教育课程,使之包括了五个类别,这些类别中包括了“艺术与人生”、“人文与社会”等与艺术相关的课程类别,使通识教育课程成为音乐教育专业学习的铺垫与辅助。而不像以往的情况,通识教育课程与专业教育完全脱节。 2、考察“学科基础课程”与“专业主干课程”这两个子系统的关系,这两个子系统的许多课程都是有辅助关系或者承继关系的课程。 比如分属两个子系统的“中国音乐史与名作赏析”、“西方音乐史与名作赏析”与“多声部音乐分析与写作”之间是相辅相成的关系。对音乐历史与名作的熟悉有助于对音乐作品的分析和写作,而通过对音乐作品的分析与写作也有益于对音乐历史和音乐名作进行深入、透彻的研究,两者是互为补充、相互影响的。 比如分属两个子系统的“钢琴”与“钢琴伴奏”之间则是承继关系,没有一定的钢琴基础,想要实现钢琴即兴伴奏或者视谱伴奏都是有很大困难的,因此对于“钢琴伴奏”课程来说“钢琴”课程是首要的、必备的先修课程。 3、考察“自主发展课程”,这一子系统是新培养方案中的一个特色,充分体现了学生的学习自主性,同时在课程的设置上关注未来教师职业技能的发展。 笔者列出新方案中音乐教育专业的一部分自主发展课程:声乐教学法、钢琴教学法、器乐教学法、中国少数民族音乐、江苏民间音乐、20世纪西方音乐、流行音乐概论等。 这些自主发展课程对于未来的教师特别是有志成为中小学教师的学生具有特别重要的意义,其中大部分课程教授的内容正是将来中小学音乐课的主体内容,而其中开设的“中国少数民族音乐”、“江苏民间音乐”等带有显著地域特征的课程具有一定的创新性,可以为学生在求职应聘时增加砝码,同时这些学生在将来走上讲台后,也可以成为地方传统文化的传承者与宣传者,为文化脉络的传承开拓了新的途径。 从笔者以上的分析可以看出,新的培养方案通过明确培养目标、加强自身的整体性,为人才培养奠定了基础。有了新的培养方案之后,如何在具体实施的过程中更好地培养学生的教学实践能力,这一问题值得深思。笔者尝试从以下方面进行探讨,以期实现培养方案的既定培养目标,同时使音乐教育专业的学生能够通过学习具备较好的教学实践能力,从容应对未来“讲台”的考验。 二、如何利用新的培养方案培养学生的教学实践能力 (一)在培养方案实施过程中引入科学的考核方法与评价体系 教学实践能力不同于理论知识的掌握能力,以往常用的考核方法往往更注重考查学生的知识水平,应该改变原有的单纯知识考试、记忆力评价的考试形式,而将教学设计能力、课堂随机应变能力等具有创造性的活动能力作为考核的一个重要方面。 教学实践能力是在长期的反复实践中获得的,而积极、正面的评价可以激发学生的学习兴趣,激励学生不断地进步。引入以考核教育知识、能力和创造力的综合评价体系,使教学实践能力的培养活动更加规范而有针对性,建立科学、合理的评价体系才能有效地保障人才培养目标的实现。 (二)注重音乐教育理论的内化、注重理论和实践的结合 音乐教育理论类课程不能只注重对音乐教育理论知识的灌输,而应该将理论知识内化到学生的知识结构中去。比如“钢琴教学法”、“声乐教学法”、“器乐教学法”这三门教学法的课程,如果教师将这些课程孤立地上成单纯的理论课程,不与学生当前阶段的“钢琴”、“声乐”、“器乐”等课程相联系,与学生熟悉的音乐作品相联系,那么学生上完这些课程将很快遗忘。而如果教师能够在教学法的课上,选取学生当前所演奏、所演唱的作品作为教学范例,或者选取将来在中小学教材中出现的作品作为教学范例,那么学生会很容易接受这些课程,会极大地提高学习热情与学习效果,更易于将课上的知识融入到自身的知识结构中去。 此外,对于讲授方式,笔者认为:音乐教育理论类课程的上课方式不应该只是简单的理论讲授,应该采用个别指导、小组讨论、实例分析、辩论会、模拟中小学课堂教学等多种方式开展教学,只有这样才能激发学生的情感体验,在将来的教学实践中可以直接加以应用,大大加强了理论课程与教育实习、见习等实践活动的联系。 (三)注重实践教学体系的构建 教学实践能力的获得不是一蹴而就的,需要长期的经验积累,因此完整、系统的实践教学体系是非常重要的,笔者认为可以从以下四个方面进行构建: 1、建立、健全实习基地、对实习指导教师进行培训 实习基地是整个实践教学体系的保障,实习基地不应单纯追求数量的多少,而要保证其质量,要依托现有的实习基地,最大限度发挥其教学实践的作用。 另外,对实习指导教师要进行培训,为教师指导能力的提高创造良好的环境,多举办观摩课、研讨会等。摒弃以往实习指导教师的“专家”形象――实习指导教师对一切教学实践都有绝对的话语权,而将教学设计的主动权还给学生。指导教师应该深入到教育实习的现场,在把握总体教学思路与方向的前提下,与参加实习的学生共同探讨,设计教学方法、安排教学过程等。学校可以建立相应的激励机制,比如将实习的指导能力作为指导教师教学评价的指标之一,从而进一步激发教师的教育实习指导热情。 2、注重教学实践类课程的系统性 新方案在执行过程中应考虑到教学实践类课程是为培养教学实践能力而服务的,是一个完整的课程体系,每一门课程都是这个系统中缺一不可的。因此对这些课程的任课教师安排、开课时间、开课地点等都需要作出统筹规划与安排,以使各课程之间能够形成一个合力服务于最终的教学目标。同时在实际教学过程中要避免出现教育理论类课程与教学实践类课程的割裂与对立情况的发生,强调两者的联系与配合。 3、注重教学实践类课程的层次性 新方案在执行过程中应关注到教学实践类课程的层次性,注重教学过程的循序渐进,不同层次课程的任课教师对教学内容、教学方法等进行交流与协商,以形成一个连续、递进的教学活动。笔者将部分实践教学类课程大致分为三个层次:初级、中级与高级。这三个层次只是根据课程教学内容的难易程度以及对学生技能要求高低进行大致的划分,并不是对课程进行性质优劣的高低判定。 从图上看出,掌握初级层次的课程是成为一个教师的首要条件,只有通过了这些课程的学习才能走上讲台,初步具备成为教师的资格;掌握中级层次的课程可以让未来的教师运用先进的现代教育技术、采用科学的教育方法,用生动的现场演奏等形式来更好地实现教学目标,成为一名合格的教师;掌握高级层次的课程是成为一名优秀中小学教师的保证,这些课程都是直接针对中小学教育的实际,弹唱能力、课标掌握程度、教材研究程度、教学设计、教学技能等与中小学教学实践息息相关,而到中小学进行教育实习则是将学校教育的成果直接放到中小学教学实践中进行检验,也是在专业教师指导下对学生未来从事的教师职业进行实战与演练,从而提高学生的教学实践能力。 这三个层次之间是相互衔接、逐渐递进的关系。只有学习了初级层次中的“钢琴”、“声乐”课程,才能进行中级层次的“钢琴伴奏”和高级层次的“自弹自唱”课程的学习。作为未来的教师,语言表达是最重要的,因此学习了“教师语言文字表达与应用”,才能去学习“现代教育技术”,运用现代教育手段对音乐课进行教学设计。只有对中学教育有个全面的了解,才能对中学教育进行有的放矢地研究;而只有对教育研究方法透彻的掌握,才能在教育实习的实践中得心应手。教师在教学时要关注到这些课程的层次性,注意循序渐进,并根据学生的实际情况进行因材施教。 “专业课的目的是培养学生的思维习惯,使学生能在日后生活中受益。”①因此,要实现教学实践能力的不断提高,学校的课程就应始终结合学科研究的前沿发展,在拓宽学生视野的同时,也让学生在今后的教学工作中养成“与时俱进”的思维习惯,保持与学科发展的同步。 本文从本科培养方案的修订谈起,就新方案中如何通过明确培养目标、调整优化课程模块等培养学生的专业素养与教学实践能力进行了总结,并试图从引入科学评价体系、实现教育理论内化、注重实践教学体系的构建三个方面探讨在新方案的实施过程中提高学生教学实践能力的有效途径,以期能够为今后培养方案的修订以及具体实施提供一些借鉴与参考。 音乐教育本科论文:新建本科院校音乐教育的现状及应对策略 【摘 要】 文章分析了新建本科院校音乐教育的现状,提出了音乐教育改革的策略,一是健全教育体制,加强扶植力度;二是改革教学内容与教学方法;三是办好大学生社团,加强校园文化建设;四是加强音乐教育师资队伍的建设。 【关键词】 新建;本科院校;音乐教育;现状;改革策略 随着素质教育在全面发展教育中地位的确定,音乐教育作为素质教育的一个重要组成部分,不仅和德育、智育、体育有着密切的关系,而且以特殊手段有力地促进了德、智、体更全面地发展。音乐教育它对学生的创新精神的形成和创造能力的提高、综合素质的提高以及身心的发展起着非常重要的促进和补充作用。本文通过对新建本科院校音乐教育的现状分析,提出了新建本科院校音乐教育改革的一些应对策略。 一、新建本科院校大学生音乐教育的现状分析 1、音乐基础知识薄弱 新建本科院校大学生对音乐基础知识的学习水平薄弱。由于就业上的压力使大学生只注重专业课的修炼,不得不放弃一些音乐的学习活动,很多学生甚至对最基本的乐理知识都不具备。大部分学生没有系统地学过音乐基本知识。音乐背景知识缺乏,对世界优秀音乐文化更是知之甚少。 2、人才培养方案不够合理 新建本科院校音乐教育尚未形成一个科学、合理的教学体系,使研究部分的脱节,新建本科院校音乐教育存在较大差异,建立和执行方面,一些新建本科院校在普通音乐教育在课程设置、教学内容、教学效果较好,但大多数的新建本科高校缺乏系统化、制度化、规范化的坚实的基础。新建本科院校实行的是学分制,导致一些学生因为学分需要选择音乐相关课程,所以很难提高学习兴趣。新建本科院校目前在音乐课程类型太单一,通常只有很少的课程,如“音乐欣赏”音乐课程不能针对大学生的智力、心理、情感等特征的音乐素质教育。 3、教学方法不够完善 新建本科院校音乐教育的教学方法和手段,只满足于一般的练习耳朵,讲座和视听教学方法是单一的、旧的、传统的教学方法。教学是最常见的传统教学方法,在理论教学是必要的。但是只有知识在音乐教学所有的注入为目的,教师不断,是教师、学生可以经常了解只有三四分。至于使用现代化的教学手段是罕见的。 4、音乐师资队伍不够健全 长期以来,由于普通音乐教育不够重视,新建本科院校音乐教师队伍存在不够健全的问题。一是师资严重短缺。二是音乐课教师地位尴尬。公共音乐往往被列在其他课程之后,被视为“装饰”的素质教育。在这种情况下,老师会不可避免的遇到各种困难,有时会产生焦虑、抑郁、无助、急躁,或抱怨的情绪,甚至造成一部分师资流失。 5、校园艺术文化氛围尚未形成 新建本科院校所有类型的音乐俱乐部也只有在进行活动临时突击训练,所以也就没有好的音乐文化。因为音乐学习内容、方法陈旧,学生学习不感兴趣,也就提不上加强音乐修养,不太可能组织高水平的音乐活动,创建一个强大的校园艺术文化氛围。 二、新建本科院校音乐教育的现状及应对策略 1、健全教育体制,加强扶植力度 音乐教育作为美育的一个重要组成部分,是素质教育的重要内容。新建本科院校首先在制定人才培养计划时,把高素质人才需求作为一个整体,音乐教育作为素质教育的一项重要任务 长期部署,从教育教学的政策和措施加强。首先,我们必须加强宣传,创建一个浓厚的音乐素质教育氛围,也可以有辅助思想道德建设、开发智力的作用。第二,逐步改变公共课程、必修课程,以确保每一个学生都能接受音乐教育的质量。在当今的发达国家,音乐教育已经成为高等教育的一个组成部分,现有超过二千所大学在美国,有超过一千三百个大学音乐学院,没有音乐学系的大学,学生可以跨部门去上音乐课,大多数大学和理工学院音乐选修课。到目前为止我们的新建本科院校的音乐普及教育很落后,绝大多数尚未建立。建立一个序列化的音乐教育工程是新建本科院校需要解决的问题,需要完善的系统。 2、改革教学内容与教学方法 新建本科院校音乐教师应不断探索,不断吸收先进的音乐理论知识,音乐课程不断优化设置。音乐课程内容安排,必须伴随学生的实际生活的特点,结合学生的心理课程在音乐。在音乐欣赏课程,结合音乐知识、相关音乐等进行解释,关注教学基本知识,使学生的音乐,在较短的时间内,使学生学到更多知识的音乐,以提高音乐教学质量。 音乐教学过程在高校必须采取多样化的教学方法,传统艺术和现代教学方法密切结合,尽量减少平铺直叙、灌输式的方式,要将更为抽象的理论课程学习具体化,对于学生不仅提供必要的知识和技能,而且对学生进行审美取向,训练和提高学生的理解力和创造力。 3、办好大学生社团,加强校园文化建设 新建本科院校的音乐教育靠课堂是远远不够的,要课内课外相结合以课外为主。所以大学生艺术社区要成为主要的载体来实现对学生音乐素质教育。新建本科院校学生社区部门应进一步实现社团的组织健全、制度完备、日常工作固定化,活动流程化;社团文化实现语言、数字,形成一个完整的产业系统,建立完善的评价机制,通过学校和学生的认可,社团可以独立整合学校相关资源,进一步提高网络、媒体和公众的关系,促进交流与合作院校,实现完美的社会组织,作为一个成员的成长与深度,优质的服务,建设一批内部结构的完善和合理的品牌社区机构。学校建立大学生艺术团合唱、舞蹈、军乐队、民族音乐乐团,电声乐队等,并配备一个专职心理咨询老师。校园文化对学生素质的形成具有潜移默化的作用。 4、加强音乐教育师资队伍建设 教师队伍建设是提高教学效果和大学生音乐素质的关键。实施素质教育和提高质量的大学生音乐最终要靠老师的教学可以实现。配备了稳定和高质量的教师队伍是实施音乐教育的保证。学校在校本培训的基础,鼓励教师自主学习和外培进修,以利于提高教师音乐教学的素质。 音乐教育本科论文:应用型本科音乐教育培养模式探究 摘要:随着经济社会的快速发展,人们的物质生活水平不断地得到了提高,人们对精神文化生活的追求也日益提高。当今社会对于将科技和文化转化为生产力的应用型人才的需求尤为迫切。因此,各高等院校在培养音乐艺术人才必须以市场需求作为导向,以培养适应性的本科音乐应用型人才为教学目的。实践证明,这样的教学模式是当今社会展必然的、广泛的要求,这种音乐教育培养模式是十分可取的。各高校可以制定出相应的人才培养目标,对教学方法进行一定的改革,并且采取一些相应的调整课程设置具体措施。本文对应用型本科音乐教育培养模式进行了浅谈,希望能给同仁们些许启示。 关键词:社会需求;音乐专业;人才培养 0 引言 作为一般的本科院校,对于社会应用型音乐人才的需求有必要做出相应的思考和预见。尤其是在应用型人才的培养方面,我们一定要急社会发展的迫切需求之所急,努力满足改革开放的人们的精神生活需求。尤其是在当今城乡经济一体化和全球经济一体化的大背景之下,高校音乐专业教育应该敢于担当历史赋予我们的重任,积极地培养音乐专业社会应用型人才。本文认为主要有两点需要特别注意:第一是了解当今社会哪些行业领域需要音乐人才;第二是了解各岗位对音乐人才的具体要求,这样才能纲举目张地顺利地开展人才培养工作。 1 现阶段本科音乐教育模式及其存在的问题 传统的音乐专业教育模式把培养专业的音乐人才作为教学目标。在通常情况下它要求被培养对象要具备相当水平的演唱技能或者是达到一定要求的高水准的演奏技能,同时对培养对象的音乐理论水平的要求也有相应的较高标准,以便将来从事相关的理论研究和教学工作。所以,此种教育模式培养的毕业学生,他们大多数都会进入各专业团体进行专业的音乐表演,或者是进入高校继续从事音乐教育和研究工作。而实际情况是,高校的培养教育和具体的社会实际需求产生了脱节的现象。因为,社会对此种精英人才的需求量毕竟有限,与此同时,在各高校扩招的大背景下,越来越多的学生毕业之后未能找到合适的工作。因此,在此种境况下,对原有的传统的音乐专业教育模式进行改革已经迫不及待地摆在我们高校教育工作的首要议事日程。这样的改革是必要的,培养适应性的本科音乐应用型人才为教学目标,它能够让学生掌握实际的音乐运用的艺术能力,在社会经济市场之中迎头赶上,并且游刃有余,从而大大提高了学生的社会竞争力。 高校传统音乐专业教育模式存在的主要问题集中表现在以下几个方面:由于高等教育日趋大众化,加上音乐艺术类专业的文化课高等教育录取分数线相对来说比较低,从而致使音乐艺术类专业的生源火爆,其一就是生源好带来的扩招使生源的质量降低,生源的综合素质普遍较差等诸多问题,因为相当多数的学生对于音乐并没有很好的认识。其二就是我们的高等艺术专业院校的教学设施投入不足,不少高校教学设施存在着老化,如信息网络计算机、多媒体教具设施等多年失修,也不更新,或者是老产品跟不上时代的要求、条件一般,使学生的实践操作能力不高。其三就是专业趋同化,无论是新的普通高校或是社会知名度特别高的老牌精英院校,其音乐教育办学思路模式基本相近,没有明确的自身特色。更没有敢于创新、大胆改革、以及科学发展和可持续发展的院校风格。由此可见,解决这些问题对于培养高素养的应用型音乐人才来说是一个极大的挑战。[1] 2 现阶段社会对音乐教育人才的具体要求 普通高校的音乐艺术专业的教学以培养中小学的音乐教师为主,学生毕业之后多数就从事音乐教育的工作。当今的中小学的音乐课程的目标主要是通过各种生动的音乐实践活动来培养和提高学生对音乐的兴趣,提高他们的音乐文化素养,发展音乐的感受鉴赏力和表现创造力,丰富情感体验,陶冶高尚情操。要求他们具有较高的艺术审美观念以及审美能力。因此,对于各高校毕业的音乐教育专业的毕业生来说,若想担当起中、小学的音乐教育工作,以下几个方面的能力不可或缺:(1)能够对音乐教育专业的基本理论知识进行熟练地运用,例如曲式分析、乐理分析、和声的科学应用等。(2)具有独立地进行中小学音乐教学能力、艺术创作和实践能力、表演范唱和乐器独奏演奏的艺术能力。(3)对于国家相关音乐艺术的教育、教学对学生在各个学习阶段的教学大纲要有清晰的认识,并且对音乐艺术事业在现实社会之中的发展和方针政策有一个及时的全面的了解。(4)熟知国内外音乐教育的相关动态。 3 对应用型本科音乐教育培养模式的探索 对于建立新型的、适应市场需求的应用型音乐人才培养模式,笔者认为可以从以下的几个方面来进行探索:(1)基础理论教学多样化。除了在课堂上对基础理论进行讲解之外,应该把学生在课外活动中将课堂上学得到的理论进行有效地实践,这是一个重要的教学过程,应当划为一个教学重点。学生在学习了歌曲写作、和声、作曲理论和即兴伴奏等理论课程之后,可以通过创作歌曲、歌曲伴奏等方式实践自己所学的理论知识。这方面可以利用音乐会的形式呈现出来,作为理论和实践相结合进行教学的一个部分。在学习音乐欣赏、合唱指挥、曲式分析之类的课程中,结合部分中小学生的音乐教材来分析,可以让学生提前接触将来要面对的教学内容,增加熟悉度。而且,教学的多样化可以活跃课堂气氛,并且能够激发和提高学生对音乐专业知识的广泛兴趣。[2](2)重视视唱练耳教学。在教育理念逐步更新的背景下,加强课程的综合性成为一个明显趋势,而社会对于复合型人才的欢迎度等因素要求从事基础音乐教育的教师能够“一专多能”。视唱练耳作为各高校音乐教育专业的一项基础课程,是专业技能和音乐理论在实践中的再现。因此,加强此门课程与其他课程的渗透联系尤其重要。这样做的好处是既能发展学生的音乐思维能力,又能够积累对音乐的感性体验,逐步提升自身的音乐品味和对音乐的认知程度,从而更好的为音乐实践服务。中央音乐学院的赵易山教授所说的“视唱练耳的确是提高国民音乐素质的一个重要课程”,而它也是学好其他音乐课程的一个基础,因此显得十分重要。对于刚开始音乐专业学习的大一新生,可以用乐理知识指导学生对调性、调式和色彩的听辨,进行节奏、旋律的听辨、构唱、模唱等方式提高学生的基础能力,提高学生对视唱练耳课程的兴趣。[3](3)增强钢琴的实用性教学。传统的钢琴教学以提高学生的演奏水平作为目标,比较注重基本功的练习,一般从音阶、练习曲到曲目。而实际上,普通高校里的学生进校水平一般,短期内实现目标较为不易,因此,教学的侧重点应该有所变化。在掌握钢琴弹奏基本功之后,要加强对演奏技巧的掌握,特别是对于钢琴伴奏课程的学习,这将十分有利于学生将来从事的音乐教育工作。[4] 4 结束语 高校的教学工作应该适应社会发展的需要,不断的及时更新教学观念,对知识结构进行一定的调整,加强教育工作的实践,坚持对教育工作方式进行探索,从而尽早的建立起更加完善的应用型音乐人才培养模式。 作者简介:陈晨(1985―),2008年毕业于哈尔滨师范大学音乐学院音乐教育系音乐学专业,现工作单位哈尔滨学院艺术与设计学院。 音乐教育本科论文:新课改对中小学音乐教师基本功的要求及与本科音乐教育的接轨 摘要:新一轮基础教育课程改革已近十年,社会对中小学音乐教师提出了更高的要求。本文从新课改的背景、中小学音乐教师基本功的组成、社会对中小学音乐教师的要求以及本科音乐教育如何与其相接轨四个方面,对新课改背景下中小学音乐教师的基本素养进行了探讨。同时,还结合笔者自身的教学实践经验,对音乐教师的教学研究、专业发展等进行了反思,以期进一步丰富当前中小学音乐教学的研究成果,为构建适应时代要求的本科音乐教育新课程理念提供参考。 关键词:新课改;中小学音乐教师;基本功;音乐教育 一、新课改的背景和概述 自2001年以来,我国中小学进行了新一轮的基础教育课程改革活动即“新课改”。上世纪末中共中央、国务院提出要“深化教育改革,全面推进素质教育”,在此背景下新课改应运而生,其主要目的就是要在21世纪构建起符合素质教育要求的基础教育课程体系。这一轮基础教育课程改革规模大、方位全、理念新,主要倡导培养学生的全面素养和实践创新能力,改变了人们对基础教育的传统观念。新课改实施十年以来,对我国的基础教育影响深远、意义重大,其中音乐课程作为基础教育课程的组成部分,也经历着这一轮新课改,并诞生出了新的《音乐课程标准》等一批重要成果。 二、新课改背景下中小学音乐教师基本功的组成 中小学音乐课程是我国基础教育课程体系的重要组成部分,新课改的目的是全面推进素质教育,而音乐课正是实施素质教育的重要途径。同时,广大中小学生家长对学生的素质教育、特别是音乐素养也越来越重视。在上述背景下,中小学音乐课的重要性就日益凸显。“工欲善其事,必先利其器”,随着中小学音乐课重要性的提高,对中小学音乐教师的音乐基本功提出了新的、更高的要求。 目前,国内各个地方的教育部门每年都会举办多次各种形式的中小学音乐教师基本功大赛或是汇报演出,各地教育部门的音乐基本功比赛内容一般分为:声乐、钢琴、器乐、舞蹈、即兴弹唱、合唱指挥和音乐理论等几个方面,考察中小学音乐教师的专业素养;某些地方的教育部门直接将比赛成绩作为教师考评的重要依据。这一现象,一方面体现了当前新课改背景下教育部门对中小学音乐教师音乐基本功的重视程度,另一方面也对中小学音乐教师产生了一定的压力和良好的促进作用。 在新课改之前,本科音乐教育对学生音乐基本功的培养方向主要偏重于音乐技能、音乐文化素养和理论等几个方面。其中音乐技能是指:钢琴、声乐、舞蹈、器乐、即兴弹唱伴奏、合唱指挥等音乐的技术水平和表现能力,是成为一名合格音乐教师的基础和前提。音乐文化素养和理论是指:音乐鉴赏能力、与音乐相关的综合文化素养和音乐理论知识等,例如:音乐史与音乐鉴赏、音乐教学论等。音乐教师具备的音乐鉴赏能力和音乐文化素养,会有助于扩大学生的文化视野,促进学生对音乐的体验与感受,提高学生的音乐鉴赏、表现、创造以及艺术审美能力,培养学生的人文素质。 之前本科院校音乐教育专业注重学生专业特长的培养,强调培养学生音乐技术,忽略了舞台表现;强调培养学生音乐技能,忽略了课堂教学和创造能力;注重个人技能训练,忽略了实践实习的重要作用。随着新课改的深化和素质教育的实施,大家对中小学音乐教师音乐基本功的理解也在不断地拓宽和加深。目前的较流行观点包括音乐技术基本功、舞台演艺基本功、教学创造基本功、音乐制作基本功、文化理论基本功、课堂教学基本功等六个方面,上述的定义在以音乐技术基本功为基础的层面上,加强了音乐教师的舞台表现、教学创造和课堂教学能力,从而使其更加符合现代社会的要求。 三、新课改背景下社会对中小学音乐教师提出的新要求 新课改的实施更新了传统教育观念,转变了学生的学习态度,同时也对中小学音乐教师的各方面能力提出了更高的要求。笔者通过多方调查研究,得出以下信息: 1. 教育部门强调音乐师资的基本技能 如前所述,目前国内各个地方的教育部门,每年都会举办多次各种形式的中小学音乐教师基本功大赛或者汇报演出。音乐基本功的比赛项目体现出各地教育部门对音乐课实践和知识技能的重视。此外,国家教育部体育卫生与艺术教育司、教育部艺术教育委员会也会每两年主办一次“全国高校音乐教育专业大学生基本功比赛”,比赛项目分为:钢琴演奏、歌唱与钢琴伴奏、自弹自唱、合唱指挥、综合音乐知识答卷(包括音乐理论基础、和声学基础、中外音乐史常识、民族民间音乐常识及舞蹈基础常识等)共五项,也体现出教育部门对音乐师资基本技能要求的连贯性。 2. 一线教师强调音乐师资的组织能力 在笔者所在院校的音乐教育专业培养方案研讨会上,多位小学校长提出:来实习的音乐专业学生单项技能都很过硬,但是他们的综合能力和文艺活动组织能力则有待提高,很多实习生在组织和安排一些大型演出活动时显得手足无措,无法胜任工作、完成任务。随着新课改的实施,小学的音乐教学更多地关注于学生的实践和创新能力的培养,希望能在教学中加强培养学生的综合表演能力,发展学生的表演潜能及创造力。因此,各类文艺活动和比赛都很多,这就对教师的活动组织能力提出了更高的要求,例如舞蹈的编创、合唱队、乐队的组织、舞台设计以及节目的安排,等等。 3. 学生家长强调音乐师资的文化修养 随着经济的发展和人民物质生活水平的日益提高,当今越来越多的家长重视对孩子艺术素质方面的培养,钢琴、器乐或舞蹈专业训练已经成为很多孩子业余生活的组成部分。对于学校的音乐课,不少家长则认为,教师在完成基本的音乐课程教学目标以外,应该多给学生讲授一些音乐领域的相关知识,让他们更多地了解音乐、了解音乐背后的故事,在提升他们的艺术品位和文化修养的同时,完善其人格。此外,学校还应该多为学生提供一些参与演出和表演活动的机会,让他们得到更多的锻炼,同时收获自信。 4. 招聘考试强调音乐师资的综合素质 现在各地区、市县的音乐教师招考一般分理论和实践两个部分,先进行理论考试,包括:乐理知识、中外音乐史、音乐欣赏、音乐教学论、教育学和心理学等内容,这就体现出对音乐教师音乐文化素养方面的重视。其次,实践部分更加注重对学生综合能力、即兴表演和创新等方面的考察,例如即兴伴奏,往往要求自弹自唱或现场弹奏,而舞蹈创编能力也是近年来很多招考单位非常看重的一项内容。 5. 新课改对中小学音乐教师的要求 笔者根据以上的调查情况,将新课改对中小学音乐教师的要求概括为以下几点: (1)综合型。随着新课改的不断深入,对中小学音乐教师的要求更多的是“全才”,即能够熟练掌握声乐、钢琴、器乐、舞蹈、合唱、音乐知识、课堂教学等知识技能,同时还要具备一定的舞台表演实践和创新能力以及文艺活动的组织能力。 (2)创新型。在当今知识、信息日新月异的时代,“创新型”的口号是各行业对人才所提出的共同要求,对中小学的音乐教师也是如此。他们除了要具备一定表演才能外,还要有创新意识、科研意识和创作能力,包括对教材的创新、教学形式的创新、教学科研甚至是教育教学理念的创新。 (3)情感型。随着新课改对培养中小学生审美情感和音乐表现能力的重视,教师在音乐课堂上的情感表达就显得尤为重要,会对学生产生直观的影响,让学生通过音乐课充分感受到美的愉悦和情感的陶冶。当教师在歌唱、演奏以及伴奏中都充分表达出音乐的情感时,才能更好地帮助学生理解音乐作品的思想内涵,提升其音乐鉴赏力、表现力和音乐素养。 以上几点可以从不同的角度一致分析出:当前社会对中小学音乐教师基本功的要求高而全,中小学招聘新晋音乐教师的门槛也逐年提高,从而对本科音乐教育专业学生(未来的中小学音乐教师)提出了更高的要求。同时,也对本科音乐教育专业的培养目标和教学质量提出了更新的挑战。 四、本科音乐教学与中小学音乐教师基本功要求的接轨 长期以来,本科音乐教育专业学生的学习往往会出现这样的问题:音乐各门类间触类旁通的能力不强;将音乐更多地等同于技术,没有真正地理解音乐,造成钢琴、声乐、器乐、舞蹈的学习都只重视技术、技能,而无法理解音乐的深层次内涵,更无法将这一内涵或情感进行表达。例如:本科学生时常将钢琴即兴伴奏课程等同于钢琴课,只关注如何完整弹奏一首乐曲,而忽略了钢琴即兴伴奏中对于“即兴性”和“创作性”的要求;指挥课上学生的指挥意识不强,更多的时候像是听着音乐打着节拍;舞蹈课上学生很少涉猎舞蹈编创的内容,而此内容却恰恰是中小学音乐教学和文艺活动中的重要部分;不少学生轻视音乐理论课,由于不注重提升个人的音乐素养和文化底蕴,导致其今后无法胜任音乐的教学工作。 综上所述,笔者认为,我国基础教育阶段的音乐新课程改革已近十年,取得了丰硕的成果,而相比之下的本科音乐教育在很多方面则显得较为滞后。必须采取积极措施,顺应新课改的发展趋势,有意识、有计划地培养优秀的音乐教育人才,为中小学输送合格的音乐教育师资。由此,笔者“抛砖引玉”地提出对当前本科音乐教育专业的几点建议: 1. 加强综合、融会贯通 提倡本科音乐教育中基本技能的综合。所谓“综合”,是指在各门专业课的授课中,教师要有意识地培养学生知识技能的融会贯通能力,让学生充分意识到音乐课程之间的密切联系。 (1)在钢琴课上,教师可以让学生在弹奏一首钢琴作品原谱的基础上进行移调练习,一方面可以提高学生对乐谱和键盘的熟悉程度,另一方面可以巩固学生的和声学知识,并为钢琴即兴伴奏课程的学习做准备。 (2)在声乐课上,教师可以安排学生两两配合、一弹一唱,从一开始的发声练习直至最后的歌曲演唱都进行合作训练,这样一方面可以让学生得到更多的实践锻炼,另一方面还能够让他们体会到音乐配合的重要性。 (3)在舞蹈课上,教师可以更多关注学生的创编能力,以中小学音乐课内容为创编素材,同时结合音乐史论课的学习,在舞蹈创编中融入更多时代元素,让舞蹈表演更具文化意蕴。 (4)音乐表现和情感表达等内容都可以作为本科阶段音乐专业各门课中共同的训练目标,让学生正确地感受音乐、理解音乐和表达音乐。 2. 加强排演、精益求精 中小学音乐教学中“第二课堂”的各种文艺活动和比赛都很多,本科音乐教育专业学生应增加舞台表演的机会,在实践中锻炼成长,检验自己的学习成果。各类本科院校可以通过组织学生广泛参与大学生艺术团、学生艺术实践、暑期文化下乡及其它各类演出活动,让他们获得更多参与大型文艺演出活动的经验,充分将课堂知识与表演实践相结合,真正具备合唱与指挥、排练与编舞、组织与协调的能力。 3. 加强实践、笃行致知 一方面,建议增加学生的教育见习和实习机会,延长实习时间,让学生到实践中去锻炼,在实践中发现自己的不足,从而获得宝贵的实践经验,提高自身能力。另一方面,在中外音乐史、音乐欣赏和音乐教学论等理论课程中,应适当增加学生上讲台实践的环节。通过这种形式,不仅可以加深学生对本门课程的理解,更重要地是能够锻炼他们的教学能力、语言表达能力及组织能力,让他们熟悉课堂教学中的各个环节,为其今后走上工作岗位奠定坚实的基础。 五、反思 笔者在对中小学音乐教师基本功现状进行调查时,走访了很多中小学校领导和音乐教研室教师,通过交流了解到很多的实际问题和意见建议,这些珍贵的第一手材料是在课堂教学培养中无法知悉的。中小学校领导和音乐教研室教师处于中小学音乐教育的最前沿,他们的想法取自于生活,来源于实践,只有多采访一线教师,多和他们交流,才会了解新时期对中小学音乐教师的要求,反思本科音乐教育的得失,紧跟新课改和素质教育的潮流,从而实现本科音乐教育与中小学音乐教师素养要求的接轨。 随着时展和基础教育改革的不断深化,当今整个社会都对中小学音乐教师提出了更高的要求。在此背景下,中小学音乐教师也应当树立终身学习的态度,通过参加培训、继续教育及个人学习等多个途径,不断提高自身素养,加强音乐基本功、教学创新及科研能力,以顺应改革发展的要求。 音乐教育本科论文:学前教育专业本科生音乐教育技能的培养 【摘要】作为未来的幼儿园教师,学前教育专业本科生必须具备良好的音乐教育技能。音乐教育技能包括音乐基础知识和技能以及幼儿园实用音乐教育知识和技能两个方面。音乐必修课、音乐选修课、音乐教学模拟活动以及音乐实践活动是培养学前教育专业本科生音乐教育技能的主要途径。学前教育专业本科生要在努力提高演唱、演奏能力的基础上,重点学习幼儿园实用音乐教育知识和技能,以更好地胜任幼儿园教师这一职业。 【关键词】学前教育专业;音乐教育技能;培养目标;培养路径 音乐教育是幼儿园教育的重要组成部分,音乐教育技能是学前教育专业本科生应该掌握的专业技能之一。具备良好的音乐教育技能不但能保证幼儿园音乐教育活动的顺利开展,还可以提升幼儿园教师的人格魅力。然而,近几年来,受生源质量、学生原有音乐素养及高校课程设置等诸方面因素的影响,学前教育专业毕业的本科生音乐教育技能普遍不强。因此,必须深入分析高校学前教育专业本科生的音乐课程设置与教学现状,确立以音乐教育实践能力为优秀的音乐教育技能培养目标,并努力探索相关的培养路径,确保学前教育专业本科生的音乐教育技能达到一定水平,以适应未来从事幼儿园教师这一职业的需要。 一、学前教育专业音乐教育技能的培养目标 确立学前教育专业音乐教育技能的培养目标,首先要从了解当前幼儿园音乐教育的特点入手,并充分考虑音乐学科及其教育本身的特点,进而全面分析学前教育专业音乐教育技能的特点,以确保音乐教育技能培养目标的科学性、合理性。 (一)幼儿园音乐教育的特点 音乐教育是幼儿园教育的重要组成部分,通常具有四方面意义:(1)帮助幼儿感知音乐美。(2)培养幼儿的音乐兴趣。(3)引导幼儿学习和掌握简单的音乐知识及技能,如认识音符,掌握一些简单的演唱、演奏技巧等。(4)引导幼儿运用音乐表达情感,体验快乐。《幼儿园教育指导纲要(试行)》明确指出,“幼儿艺术活动的能力是在大胆表现的过程中逐渐发展起来的,教师的作用应主要在激发幼儿感受美、表现美的情趣,丰富他们的审美经验,使之体验自由表达和创造的快乐”。〔1〕在这种教育理念的引导下,以往偏重于音乐技艺训练的幼儿园音乐教育模式遭到了摒弃,现在的幼儿园音乐教育已将幼儿创造力的培养和身心的全面发展作为优秀目标。因此,成功的幼儿园音乐教育意味着幼儿可以通过音乐活动获取表达、创造和交流的机会和经验,并发现音乐的内在美和形式美。而幼儿园教师只有具备良好的音乐教育技能,才能真正在幼儿园音乐教育目标的指引下,挖掘音乐活动潜在的教育价值,发挥音乐教育的功能,促进幼儿音乐素养的提高和身心的全面健康发展。 (二)学前教育专业音乐教育的特点 学前教育专业的音乐教育是为适应幼儿园音乐教育需要所开展的教育,〔2〕它具有以下特点。 1.非专业性 学前教育专业的音乐教育不同于专业音乐学院(系)的音乐教育,它具有非专业性特点。传统的学前教育专业音乐教育存在因忽视学前教育专业特点而导致的教学目标缺乏针对性的问题,其音乐课程设置大多套用专业音乐学院(系)的课程模式,过于强调钢琴演奏、演唱等技能训练。教学内容、教学模式与幼儿园音乐教育实际需要脱节,导致了学生学习目标不明确、实践能力不强、对幼儿园音乐教育内容缺乏了解等后果。我们知道,要顺利组织幼儿园音乐教育活动教师需要具有对作品进行分析、编排并根据作品特点设计活动方案的能力,因此,对学前教育专业本科生音乐教育技能的培养,应着眼于学生的学以致用。因此,学前教育专业音乐教育的课程设置及教学方法等不能简单搬用专业音乐学院(系)的教育模式。我们认为,学前教育专业毕业的本科生入职幼儿园后开展的是幼儿音乐启蒙教育,而不是向幼儿传授高难度的演奏、演唱技巧以及深奥的音乐理论知识。因此,学前教育专业音乐教育的学习难度应适当降低。 2.综合性 学前教育专业的音乐教育具有综合性特点。学前教育专业学生对音乐的学习不求“精”,但求“通”,但对音乐教育的学习可精益求精。在实践中,我们发现,学前教育专业本科生虽然原有的音乐基础普遍较薄弱,但文化素养、知识结构、学习能力都较强,所以,是可以在音乐学习的“通”上下功夫的。学前教育专业院校可以通过开展适度的综合性音乐教育,使本科生具备一定的音乐基础知识及良好的音乐综合实践能力,例如具备一定的音乐律动、音乐游戏创编能力等。 (三)学前教育专业音乐教育技能的培养目标 基于以上对幼儿园音乐教育及学前教育专业音乐教育特点的分析,我们认为,学前教育专业音乐教育技能的培养目标应该直接指向培养具备良好音乐素养的合格的幼儿园教师。这里所说的良好音乐素养主要包括两方面涵义:一是具备一定的音乐基础知识与技能,即较好掌握了演唱、演奏、弹唱、音乐基础理论(主要包括调、调式、调性、节奏、节拍、旋律、和声、织体、曲式)等知识与技能,并能将这些知识与技能转化为音乐实践能力、音乐作品分析能力、音乐审美能力和音乐表现能力等。二是具备良好的音乐学科教学知识和技能。从教育技术学和教学论的角度看,主要包括音乐表达能力、音乐思维能力、音乐组织能力、音乐编创能力、音乐表演能力和音乐教具制作与操作能力等。幼儿园教师的音乐教育技能是需要通过一定的专业培养、训练才能形成的。因此,学前教育专业音乐教育应重点关注学生音乐素质培养的全面性,可以传授演唱和弹奏技能基础,系统讲授音乐基础理论知识,最终使学生习得幼儿园实用音乐教育知识和技能。 二、学前教育专业音乐教育技能培养路径 (一)课程结构及内容 学前教育专业的音乐课程是培养学前教育专业本科生音乐素养的主要途径。从结构上看,学前教育专业音乐课程主要包括音乐基础课程与幼儿园实用音乐课程。音乐基础课程主要是声乐课程和钢琴课程,其中渗透了音乐理论、音乐知识、音乐欣赏等内容。幼儿园实用音乐课程建立在音乐基础课程的基础之上,主要包括幼儿歌曲弹唱、幼儿歌曲清唱、幼儿歌曲伴奏编排等内容。音乐基础课程与幼儿园实用音乐课程两者相互联系、相互渗透、相互支撑,共同为学前教育专业本科生获得音乐教育技能提供支持。
高等音乐教育论文:高等音乐教育与特殊教育论文 我国的特殊教育发展相对较晚,经历了两个发展阶段:一个是形成期,分为体系形成和调整(1949-1965)、特殊教育发展的混乱期(1966-1976)、特殊教育的恢复期(1977-1985);另一个是发展期,从1985年至今,从两个发展阶段来看形成期主要是儿童、成人技能等的教育,发展期后才陆续建立高等特殊教育学院,我国第一所面向全国专门招收盲、聋哑残疾学生的高等特殊教育学院是1987年由中国残联和吉林省人民政府联合创办的长春大学特教学院。截至2007年,我国有14个高等特殊教育学院(专业、班),分别为北京联合大学特教学院(三年制大专并本科)、长春大学特教学院(本科)、南京中医药大学推拿学专业(三年制大专)、南京特教学院美术系艺术设计专业(五年制大专并三年制大专)、金陵科技学院信息技术学院计算机(特教)专业(三年制大专并本科)、上海应用技术学院环境艺术设计专业(三年制大专并本科)、广州中医药大学针灸推拿学专业(三年制大专)、广州大学聋人大专班、长沙职业技术学院(五年制高职并三年制高职)、中州大学聋人艺术设计学院(三年制大专)、重庆师范大学特教学院信息与资源方向(本科)、西安美院特教学院(三年制大专)、滨州医学院特殊教育学院。其中设置特殊音乐教育专业的学校仅有三四所,长春大学特殊教育学院经过28年的发展在设立的6个专业中将音乐表演专业作为特殊音乐教育的代表,但其发展的特点和普通音乐教育的发展差异较小,特殊高等音乐教育体系并未完全形成,高等特殊音乐教育如何发展,发展的目标都是值得研究人员开拓的。从特殊教育视角看高等音乐教育,就不难发现在特殊音乐教育的发展过程中的状态。 (一)从教人员和研究人员较少。这里指出的人员较少,一个是指本身从事与特殊音乐相关的人员本身数量就比较稀少,按照最近的相关数据显示,以黑龙江为例,据统计,截止到2014年底,黑龙江省共有特殊教育学校73所,其中盲校1所,聋校40所,弱智学校5所,其他特殊教育学校27所。到2010年底,全省特殊教育专任教师为1873人;从事特殊教育的师资,不单看特殊音乐教育,就比较少。另外一层较少,是如果进行细致划分,就会发现没有完全的分开,或是专业从事二者中某一项研究人员较少。2012年,沈阳市的10个区、县(市)共有14所特教学校,其中培智学校5所,聋哑学校3所,盲校一所,培智和聋哑合校5所;于洪区、东陵区和沈北新区三个区还没有设立特教学校。沈阳市特殊学校在校生共有1380人,教职工534人,其中专任教师416人。两个省市的数据显示从事特殊教育的教师数量,远远不够特殊教育的师生比,从事特殊音乐教育的教师数量相应的比例更低。截止到2014年底,根据中国知网提供的研究数据显示,精确检索“特殊音乐教育”或“特殊音乐”主题研究的论文共18篇,其中博士1篇,硕士1篇,期刊16篇;“残疾人音乐”主题研究的论文3篇。在显示的研究中发现,把中国特殊音乐教育作为研究对象的研究人员仅一人,从音乐治疗角度对特殊音乐教育进行研究的研究人员也较少,各省、市对特殊音乐或特殊音乐教育进行研究,截止到目前为止,仅有湖南、浙江、广西、黑龙江、西安、武汉等省市对其所在省市的特殊音乐教育现状进行过调查研究。 (二)研究机构较少。截止到2013年,黑龙江研究特殊教育的专门机构中,高等学校仅有1所,其中专门从事高等特殊研究的教师不足20人,而从事特殊音乐教育的教师多为音乐教育专业的兼职人员。 (三)研究水平滞后,相对水平较低。从全国范围看,通过中国知网的数据显示,截止到2014年,用精确筛选方式检索出含有特殊音乐教育的论文仅为16篇,博硕研究生毕业论文2篇,文章多数以各个省市以特殊音乐教育的发展现状为主要研究内容,而有些省市目前对特殊音乐教育的研究还尚未起步。导致特殊音乐教育的总体研究水平,都仅限于调查、分析的初级阶段,并没有完全进入对特殊音乐教育本身、本质内容的研究,导致高等特殊音乐教育的研究更处于滞后状态。 (四)社会关注度较低,起步较晚。虽然党和政府对特殊教育的关注从1985年就开始,但是由于特殊人群的受众面限制,及一些有需要特殊教育的当事人家长人为地不愿意扩大其影响,致使特殊教育往往成为被人们偶尔从广播电视中才能感受的事物。我国从1985年就开始通过立法制定残疾人读书、就业等一系列的政策,但是和西方发达国家相比还是相对较晚。基于以上的调查分析,在特殊教育视角下高等音乐教育发展晚于我国其他特殊教育发展的整体水平,所以,高等音乐教育在特殊教育的可持续发展有待进一步研究和完善。 作者:钱雪莲 单位:绥化学院音乐学院 高等音乐教育论文:高等师范院校民族音乐教育论文 一、树立多元音乐文化意识,传承民族音乐文化 我国是一个多民族的国家,民族音乐作为一种民族文化,是我国独特的存在,同时其在世界多元文化序列中也占据着重要的地位。在新课标下,高等师范院校音乐教学中要着重克服“欧洲中心论”的教育观点,而应该树立弘扬我国民族音乐的特色,树立民族音乐风格,确立其在多元音乐文化中的重要地位,这点从我国民族音乐文化经历了众多历史大潮而始终屹立于世界音乐文化顶端可以看出。另外,继承和弘扬我国音乐文化是高等师范院校音乐教育的根本目的,通过音乐的宣传和引用有利于提高我国全体国民的文化素养,同时也可以使我国的音乐文化走向世界。因此,高等师范院校音乐教育需要重视民族音乐教育,以生动、鲜活的民族音乐感染世界,比如不同地区的学生均会歌唱属于自己区域的家乡歌曲等,同事也可以在高等师范院校开设专门的民族音乐课程,从而不断促进民族音乐的普及和推广。 二、更新高师音乐教育观念,改变音乐教学方法 在传统的高等师范院校音乐教育中,大多数院校大都喜欢采取“欧化式”音乐教学方式,即便是在课程设置、教学方法、教学内容以及课时设置等方面也均按照“欧化式”音乐教学来进行规划和设计,这极大制约了我国民族音乐教育的普及和发展。因此,在新课标下,高等师范院校必须要转变音乐教育观念,彻底改变与音乐专业院校采取相同教学模式和方法的错误观念,从课程设置、课时设置、教学手段和方法、教学内容以及教学实践等方面进行变革,从而逐渐扭转高等师范院校音乐教育中存在的“重西轻中”的音乐教学思想和观念,也可以避免音乐教学过度局限于技术层面。另外,高等师范院校音乐教育中需要加强学生音乐教育能力的培养,在音乐理论、器乐以及声乐等相关音乐课程方面重点增加一些与民族音乐文化相关的教学内容,从而不断向学生灌输民族音乐相关的知识和概念,同时音乐教师还要引导学生比较中西音乐文化之间存在的具体差异,使他们深切感受到我国民族音乐文化的魅力。作为一名合格的基层音乐教育者,就必须要充分了解和掌握民族音乐的真谛和精髓,并熟知提高学生审美情趣和音乐素养的有效手段,同时需要促使学生在了解民族音乐的过程中逐渐爱上民族音乐,从而促使他们自主参与到民族音乐的学习和宣传中来。 三、强化课程计划设置,调整教学内容 正如上述所述,当前民族音乐教育在高等师范院校音乐教育中所占的比例有限,所以开展的课时也比较少。因此,为了加大民族音乐教育的力度,相关教育部门需要根据高等师范院校音乐教育中民族音乐教育具体的开展情况来采取合理的管理办法或者指定相关的管理政策来对各高等师范院校音乐教育进行行政干预的硬性管理方式,从而使音乐教育可以应对当前教育对高等师范院校音乐教育所提出的新的要求和标准,确保民族音乐在高等师范院校音乐教育中可以占据一席之地,不断提高音乐教学的质量。高等师范院校还需要适当调整音乐教学内容,比如在视唱练耳和基本乐理的教学中,需要加强音阶理论和民族调式的教学力度等。这种将与民族风格相关的曲目或歌曲渗透到视唱练耳训练中可以在提高学生视唱技能的同时,也可以丰富学生的民族词汇,深化他们对于民族音乐的理解和认识,也有助于提高他们的民族音乐创作能力;在和声训练的过程中,通过加强和声配置以及民族调式的训练和分析,有助于学生熟悉和掌握民族和声的基础知识和技能;而在歌曲做法教学的过程中,需要加强民族曲式写作教学和民族曲式内容教学,从而不断强化学生对于民族音乐知识的记忆;在键盘和和声的音乐教学过程中,需要加入民族风格创作曲目的学习,还需要加强民歌改编等学习内容。另外,除了讲解西欧式音乐教学中的“ABA”单三部曲式的充分、展开和对比外,还需要加入我国民族音乐的联曲体、循环体和多段体等曲式结构。 四、重视民族音乐师资队伍建设,提高教学质量 由于高等师范院校音乐教育长期受到传统音乐教学模式的影响,当前高等师范院校的音乐师资队伍建设极不平衡,主要以音乐理论、声乐和钢琴教师为主,而民族音乐教师的人数极其有限。很多高等师范院校会象征性的引进2-3名民族音乐教师,也有的高等院校根本没有配有专门的民族音乐教师。而民族音乐教师的匮乏直接制约着民族音乐教学质量的提高,所以加强民族音乐师资队伍建设是提高高等师范院校民族音乐教育质量的关键。而就具体构建民族音乐师资队伍的策略而言,学校可以从以下几个方面着手努力:(1)积极引进校外一些优秀的民族音乐专业教师;(2)在校内选取具有潜力的青年教师到高校进行民族音乐的专门学习,使他们具备较高的民族音乐文化素养,可以查阅相关民族音乐文献,从而不断提高他们在民族音乐方面的教学能力;(3)在高等师范院校内设立专门的“民族音乐教研室”,提倡教研科研等等。总之,随着经济全球化趋势的加剧,高等师范院校音乐教育如何传承我国丰富的民族文化以及变革民族音乐课程,使其适应我国社会和经济发展的需求,是当前高等师范院校音乐教师接待解决的一个重要课题。为了提高民族音乐教育在高等师范院校音乐教育中的质量,我们必须要树立树立多元音乐文化意识,更新音乐教育观念,调整音乐教学计划和内容,同时还要重视民族音乐师资队伍建设。 作者:陈相 单位:安庆师范学院 高等音乐教育论文:高等音乐教育钢琴教学论文 一、演奏技巧与音乐理论相结合 在俄罗斯的钢琴教学中,教师不太注重学生演奏作品的大小,教师时常会在布置作业时给学生留一些小品或看似演奏技巧难度不太高的作品,其实不然,教师会认为再小的作品也要充分体现他的音乐性,只有把作品的各项要求能够准确无误的表达出来,这就是对作品最好的诠释。俄罗斯钢琴教学侧重于音乐的歌唱性和交响性,在经过教师所传授的理论性内容与演奏技巧的综合指导下,学生在演奏时会始终把音乐的表现力贯穿其中,这样技术问题的解决也就不再是一个难题了,从而会轻而易举的诠释出作品的内涵,会很自然地达到一个演奏境界,音乐的美感也就很自然的被显现,这也有利于学生建立起对作品演奏的良好状态,从而产生令人心动、具有强烈爆发力的音响效果,能够充分的体现出艺术强大的感染力,使得钢琴音乐的魅力能够在舞台上获得充分的展现。 二、课堂学习与实践性相结合 在俄罗斯的钢琴教学中,教师一般会在每个月组织自己的小组学生开一场音乐会,地点可能是自己学校的音乐厅也或许是城市中任意一座音乐厅更或者是小学、中学里面的音乐厅,这样每个月教师都会检查学生在当月课堂上的学习情况,并依据每一位学生在音乐会的演出出现的不足之处进行总结与纠正,所以音乐会成为了月考,学生也因为频繁的参加音乐会从而提升了自己的演奏技能与心理素质,学生渐渐地会把音乐会作为一种自己演奏能力的快速提升。在我国的钢琴教育中,可能在专业类院校中学校会要求学生定期进行汇报演出,而在大多数综合类院校、高等师范院校中学生很少会进行定期的汇报演出,这样同比之下,我国的钢琴学生在实践性上会稍显薄弱一些,大多数学生会对舞台有一种陌生感甚至是恐惧感,在平日自己练习时可能对技巧与音乐能够做到准确地把握,但往往一走向舞台就会时常伴有发挥失常的可能性,这也充分的体现了注重舞台实践的重要性,这也需要我国在钢琴教育方面能够加大提升学生舞台实践的能力。与此同时俄罗斯在钢琴教育上也有比较完善的表演体系,比如,柴可夫斯基音乐学院、圣彼得堡音乐学院、格涅新音乐学院的钢琴演奏大师们出版的演奏光盘都为钢琴教学研究奠定了较高的理论依据和演奏实效,明确了深远的研究方向,展示了俄罗斯高等音乐教育钢琴教学的发展动态。 三、不断推进我国高等音乐教育钢琴教学的进程 俄罗斯高等音乐教育钢琴教学有着严谨的治学态度,合理的课程安排和丰富的演奏实践,对音乐教育领域中存在的问题也有敏锐的洞察力和深刻的理解力。保证了对每一位学生的培养目标的实现,从而培养出了众多的钢琴演奏家和教育家,对于整个国家音乐教育的普及与提升奠定了广泛而坚实的基础,对整个世界的音乐教育也产生了巨大的影响力。近百年来,中国涌现出了许多享誉世界的表演艺术家、音乐教育家,随着改革开放的不断深入与发展,我国综合国力的日益提升,在艺术的发展上不断地注入新的活力,国内独立的音乐学院、艺术学院不断的增加,进入二十一世纪,国内的各大高校均已成立了音乐系或音乐学院,在课程的设计上也更加的全面与具体,同时对其他专业的学生也开设了各类音乐选修课,可以看出我国的高等音乐教育正在不断的普及与完善。但与俄罗斯的钢琴教育相比,我国的钢琴教育发展相对比较晚一些,但现如今,钢琴系已经是国内各大高校和艺术类专业院校全部开设的系别之一,不论是主修哪种专业的学生,钢琴课会作为必修课来进行学习,在课程内容的设计上也日趋完善,二十一世纪后,在国际钢琴比赛中涌现出了许许多多中国青年并崭露头角,比如享誉世界、家喻户晓的青年钢琴家朗朗、李云迪等等,他们的实力正是中国钢琴教育不断蓬勃发展的象征,与此同时,中国钢琴教育家的理论论著也在逐渐地被世人所熟知。 四、总结 我国高等音乐教育钢琴教学在自己完善的同时也在不断的借鉴其他国家的先进之处,正在不断的提升钢琴教学的学术理论与教学实践,近年来,可喜可贺的是,越来越多的中国钢琴演奏家、教育家在世界上享有极高的国际盛誉,在国家加大对高校师资力量的提升上引进了大批留学归来的高学历的钢琴精英,同时大多数高校聘请外籍的钢琴专家、大师来中国任教,可以让大多数学生在国内就能够感受并学习到其他国家钢琴教育的先进之处,更好的做到取长补短,这些都将证明我国的钢琴教学水平正在飞速的发展并不断地推向一个学术研究与演奏实践效果紧密结合的新高度。与此同时在我国有广为人知的研究俄罗斯钢琴演奏技法以及俄罗斯钢琴教学理念和原则的译文类、原创类的学术成果,这些学术研究成果对我们合理借鉴俄罗斯钢琴教学特色,不断地深化研究与演奏实践的有机结合,推进我国高等音乐教育钢琴教学的进程大有裨益。 作者:吴娜 单位:河南大学艺术学院 高等音乐教育论文:高等音乐教育专业 一、农村音乐教育现状 (一)农村师资水平严重滞后。对于农村中小学音乐教育的师资配置上,简直可以用“荒凉”二字来形容。有的学校仅有一名或两名音乐教师,可是却要管理全校的音乐教育工作,这对老师来说实在是一个很难挑起来的担子。在音乐器材的配置上,更是奇缺无比。一所学校如果能有一架风琴,已经算是高标准的配制。由于师资力量的严重匮乏,部分学校干脆就不开设音乐课,久而久之,在老师和学生的眼里也就没了音乐课的概念。(二)教师专业素养不够。由于部分学校并没有聘请专业的音乐教师,而是让本学校略通音律的其他任课教师代教音乐课,这样就会严重影响授课质量,学生学不到实质性的知识,从而觉得课堂索然无味,对音乐失去兴趣。(三)音乐课得不到足够重视。在家长和学生的传统观念里,音乐课属于副科,对语数外等主课的学习成绩没有太大作用。因此双双忽视音乐课的存在,家长不鼓励开设音乐课,学生在音乐课堂上也肆意妄为,成绩好的都在做其他作业,成绩差的都在说话聊天,严重影响了课堂的纪律。就连学校也将音乐课放在可有可无的位置上,音乐教师的待遇问题出现严重偏差,这无疑打击了音乐教师的积极性,严重妨碍农村中小学音乐教育的发展。 二、如何服务于农村中小学音乐教育 通过上述分析可以看出,目前我国农村音乐教育存在很多不足之处,有许多问题亟待解决,有很大空间有待提升。因此,对于成千上万即将走出校门的高师音乐教育毕业生来说,投身农村中小学音乐教育责无旁贷。作为音乐教育领域的新生代,应该拿出十二分的热情,克服困难,挑战自我,切实为中小学音乐教育出一份力。那具体应该怎么做,笔者认为可以从以下几个方面入手:(一)转变传统教育观念要想从根本上改变这种状况,就要彻底改变传统的教育观念,大力倡导新的音乐教育理念。彻底改变音乐课在老师家长学生眼里的传统地位,彻底清除“主课”与“副课”的界线,将音乐课的诸多好处说给老师家长和学生们听,让他们了解音乐有可以塑造学生的品格,陶冶他们的性情,缓解他们的学习压力,培养他们的特长等等诸多优点,而这些优点却又恰恰是那些所谓的“主课”所没有的。这样一来,音乐课在师生家长眼里的传统地位就会被颠覆,从而对音乐课有一个全新的认识,就会为农村中小学音乐教育的良好发展打下坚实的基础。(二)持爱岗敬业和吃苦耐劳的工作态度既然站在了人民教师这一光荣的岗位上,那就得踏实工作,勤勤恳恳。农村的生活水平较低,这对于刚刚走出校门的大学生来说可能真的有点苛刻,大学生一时半会不能够适应。这就要靠毕业生自己去适应新的环境,要学会在“苦中作乐”,但是以何为乐呢?当然是以做好自己分内的工作为乐,以博得师生的认可为乐。但是实际做起来绝非易事。毕竟在农村孩子们上学是为了走出去,考上一所好大学才是他们真正的目的和要求,因此,想彻底改变他们对音乐课的看法是不可能的,音乐教师的地位想得到太大的提高也是不可能的。所以,毕业生来到农村,能否务实工作,全看他的心是否在学生身上,在音乐身上,在教育身上。(三)善于教学,勤于钻研一位优秀的教师,不管他教什么学科,都必须具备善于教学的能力以及勤于钻研的精神。这就需要我们的青年教师完善教学方法,提高文化修养,培养创新精神和科研意识。这样才能够将知识更加准确、更加完整地传授给学生,激发学生最深处的学习热情。作为一名有创新意识的音乐教师,必须要让自己的教学设计充满新意,教学课堂气氛浓厚,要懂得如何因陋就简地开展课外文化活动来丰富学生的课余文化生活,培养他们对音乐的兴趣。(四)树立终身学习观念作为一名音乐教师,一定要树立终身学习的观念,不断补充新的知识,不断更新已学的知识,这样才能适应时代的发展和跟上人才的需求。 三、结语 面对成千上万大学生就业难的问题,其实只要放低姿态,摆正态度,从容地奔赴农村,为农村的教育事业尽一份力,也是实现自己人生观和价值观的最佳途径。希望有更多的高师音乐专业毕业生能够加入这支队伍,更好地服务于我国中小学音乐教育,让孩子欢乐的歌声能够长久飘扬在农村的天空。 作者:刘锦 单位:兰州城市学院音乐学院 高等音乐教育论文:高等音乐教育的实践性 《中国音乐教育杂志》2014年第五期 一、围绕实践的教学计划 人才培养方案以JAMK音乐学院的本科教育为例(2013年本科培养方案)①,学生在本科阶段共需修满270个学分,分5大类,详见下表。说明: 1.“通用技能”即国内常见的“公共必修课”,包括电脑技术、语言以及沟通技巧等科目。 2.“音乐能力”包括演奏、演唱、视唱练耳、合唱指挥等科目。国内高校的音乐教育专业同样很重视技能教学,但是芬兰的技能课在教学方式上相对更加重视实践能力的培养,下文将详细阐述。 3.“教学能力”包括如何制订教学计划和教学进程、教案的编写、音乐教育基本元素等科目。科目所涉范围围绕学生今后工作的实际,非常实用。由于该类课程与学生今后的教学联系紧密,所以在课堂教学上更加突出实践性,下文详述。 4.“音乐操作技能”比较像国内所说的“艺术实践”课程,但是形式更多样,学分比重也较大。国内高师音乐专业的“艺术实践”课程,大部分是在音乐厅、剧院演出,辐射人群比较窄。但是我所见到的JAMK音乐专业学生参与的“艺术实践”,活动范围涉及社会的各个层面:除了音乐厅、剧院等国内常见的地方,还活跃在幼儿园、中小学校、教堂、慈善中心、博物馆、图书馆、儿童医院、福利院、街头、超市等场所。换句话说,只要有人出现的地方,就可以是演出场所。其良好的音乐环境,来自于一代代音乐教育者的传承和努力,芬兰的高等音乐教育者非常关心“未来音乐人”的身心健康,他们认为只有音乐人保持健康的生理和心理,才能长久地为社会服务。一门称为“工作和活动技巧”(Workandactivityskills)的课程充分体现了这一思想。该课程的目的是帮助从事电声乐队演奏的学生学会自我保护,比如对耳朵的保护、电器化工作环境中的人身保护,学会用符合人体工学的正确的演奏姿势演奏,心理的自我调适等等。这些非常人性化的实用课程,能够使学生在未来职业化的道路上走得更好、更远。总的说来,“音乐操作技能”这部分学分,主要是通过艺术实践过程,鼓励学生由“学生”角色逐渐向“教师”角色,转变帮助学生认识、解决职业化生涯中将会面临的问题,使学生在未来的工作中更加专业。 5.“选修课程”主要是为了拓宽学生知识面或发展学生个性,科目不限。从这个教学计划来看,JAMK音乐学院的管理者们非常重视学生专业能力和专业素养的培养,这与JAMK作为一所技术学院的特点是相吻合的,因为技术学院的特点就是培养专门人才,强调“职业化”。举一个小例子:我曾经看过一个幼儿园里举行的小型音乐会,由JAMK音乐学院一年级学生为孩子们进行表演。这是课程“项目与创新”(Projectsandinnovations)里的一个内容,该课程属于教学计划中的“音乐操作技能”部分。一共有两组学生参与表演,每组约十人,表演时间各在二十五分钟上下。第一组学生合作表演,除吹拉弹唱外,还利用手偶和孩子们充分互动,带着他们唱歌、游戏;第二组学生则给孩子演了一个音乐剧,有角色、有化装扮演、有乐队伴奏,更让人惊叹的是学生们惟妙惟肖的表演,把孩子们完全带进了故事当中,反应热烈。等孩子们高高兴兴、很有礼貌地离场以后,教师和学生当即展开讨论,对刚才的表演发表看法,提出改进建议。说实话,这群一年级学生体现出来的专业能力和综合素质,比很多我见过的国内的大四学生还强,让我非常吃惊。据教师介绍,这样的表演每学期有好几次,根据不同老师的要求而定。在学期之初,任课教师就和相关机构共同协商表演的时间和地点,这个小小的细节看似不太重要,但也是经过了细致考虑的。如在圣诞节前常会选择教堂、儿童医院或慈善中心等;如果是碰上一些全民主题日,则会更多地选择图书馆、博物馆等场地。通常学生自由分组,每组的场地各不相同;接下来每组学生要共同确定一个适合该时节、场地的主题,在课堂上和教师讨论,达成共识后就可以着手排练了;演出的时候,教师一般都会在场,并做记录。每个学生只有在完成这个项目之后,才能拿到相应的学分。从这里可以看出,要开展实践性教学,学生必须走出学校。而芬兰的学校和众多社会机构之间有着长久的积极联系,说明实践性教学的重要性早已在全社会达成共识。 二、围绕实践的课堂教学 课堂教学是落实教学计划的重要环节。在我参与的所有课堂里,我一直强烈地感受到教师对于学生实践能力培养的重视。以我的专业方向课——儿童音乐教育课程(EarlyChildrenMusicEducation)为例,教师上课的模式大致为:1.以教师为主导,和学生一起进行“Workshop”②;2.“Mini-lesson”(模拟教学),一般两个学生当老师,把其他学生当成幼儿模拟教学,这样的机会每个学生都会轮到;3.讨论。这样的上课模式应当是个常态,JAMK的老师这么上,赫尔辛基城市大学的老师也这么上,奥地利、美国、德国的老师也都如此。“Workshop”是目前欧美普遍采用的用来培训音乐教师的方式,这种基于音乐实践(包括感受音乐、表达音乐、创造音乐等)基础上的教学法课程,可以让学生了解音乐教学的全过程,并且能够让学生从音乐学习者的角度理解教师的教学设计和步骤。模拟教学是学生消化知识、表达知识的环节,是非常好的锻炼机会。在讨论环节,教师常常会问“如果在实际课堂上可能会碰到什么困难?”“面对特定年龄段的孩子可能会碰到哪些问题?”等等,鼓励学生积极思考、发言。同样,我在于韦斯屈莱大学旁听的音乐教学法课程,也是差不多的模式,“Workshop”、“Mini-lesson”和讨论。只是因为培养的是小学音乐教师,所以选的音乐大部分来自小学音乐教材。除了教学法课程,其他课程同样带有鲜明的实践性特点。如合唱排练课主要就是作品排练,但是排练者(即指挥)并不是教师,而是合唱指挥专业的学生。在JAMK,合唱指挥和声乐、器乐一样,是一个独立的专业方向。课堂上的合唱团常常是由合唱指挥专业学生请过来的、热爱合唱的学生组成的。从排练前的热身到正式排练,全部由学生完成,而教师的任务是在一旁录像和给予及时的指导。乐队指挥课也是如此,指挥是乐队指挥专业的学生,他(她)指挥一支由所有上课学生组成的交响乐队(乐器不全的情况下由其他乐器替代),教师在一旁录像,并在需要时给予指导。乐队指挥专业学生每周两节课,一次是排练,另一次则是回看录像,和教师讨论。这样真刀真枪的磨炼,使学生在大学期间已经有了大量的排练经验,积累了不少曲目,毕业之后完全可以独立工作。从我的朋友Ann那儿还得知了一个很有意思的课程——器乐学法课程(InstrumentalDidactics),这是教学计划第3类“教学能力”当中的一个课程。Ann是JAMK音乐学院一名吉他专业的学生,今年二年级。她告诉我从二年级开始,她每周不光自己要上吉他课,还要给两名小朋友上吉他课,这便是器乐教学法课程,每个器乐专业学生的必修课。她的两个学生不是她自己找来的,而是JAMK音乐学院安排的。音乐学院负责面向社会招生,收取课时费,并安排在校学生上课。一开始,我以为JAMK拿学生当雇工赚钱,因为学校并不给Ann这样的“小老师”付费。但后来进一步了解才知其所以然:Ann这部分劳动会转化成学分记录在学习档案里,而且参与教学的不仅仅是Ann,还有Ann的吉他老师。Ann的吉他老师和她一起,为每一个上课的孩子制定教学大纲和教学进度,并且每隔三个星期,Ann的吉他老师就会亲临课堂观摩,并对她的教学提出建议,而Ann老师的这部分劳动计入工作量,从小朋友所交的课费中支出。至此,我才明白,学校、Ann的老师、Ann、业余学生在这件事上是合作者,是共赢的关系。学校通过这个课提升学生的专业能力,扩大学校影响力,并在一定程度上补充教学经费;专业教师能够通过学生的实际教学观察学生,更有效地帮助学生;Ann有机会进行一线教学,实现“教学相长”;业余学生花钱不多但教学质量不低,性价比高。在我看来,这种课程可以在国内推广,让学生在专业老师的指导下进行教学实践,为社会提供相对有保障的教育资源,可以避免一些不良现象的发生,对提高全社会的音乐教育水平有帮助,学校也可以借此扩大影响力。 三、围绕实践的教学评价 在JAMK音乐学院,很少进行纸质的考试。一些大课,如教学法课,大多根据学生平时在课堂上的表现给学生的评分,共6档,从0分到5分。因为是小班化教学,加上学生常常在课堂上进行音乐实践展示自己,或唱或奏或教,老师有很多机会观察学生,从而得出评判。还有些大课,如练耳、音乐理论的考试,多以音乐会形式进行。每个器乐或者声乐方向的学生,毕业前必须开一场个人独奏(唱)音乐会,成绩合格之后,才可以结业。教学评价因每个任教老师而异,但是大部分老师的评判都根据学生的演唱、演奏、指挥、表演、编配、教学、写作等等音乐实践活动给分,学生不可能靠考前死记硬背就取得好成绩。这种“重视过程、重视能力”的教学评价思路也值得我们借鉴。通过以上介绍可以看出,芬兰高等音乐教育的管理者们重视发展学生的音乐实践能力,教师和学生积极参与音乐实践教学活动,同时又有来自学校乃至全社会的支持,所以培养出来的学生在自己今后将要从事的音乐领域内,都达到了应有的“职业化”程度。 四、启示 芬兰是个很小的欧洲国家,人口五百万左右,其国家独立距今还不到百年时间,但是已经成为全世界最富裕、最安定的国家之一。他们发展速度如此之快,和芬兰人重视教育的立国思想分不开,目前芬兰是不多的、至今仍然实行大学免费教育的欧洲国家之一。对于一个这么小的国家来说,提高每一个劳动者的素质,是富国强国的重要前提。因此,芬兰教育务实、追求专业化,不只是音乐教育,其他各个专业领域的教育,如医疗护理、设计、机械制造等领域,都体现了这一特点。为了实现“职业化”,在教学思路上就特别强调教学与实践紧密结合。其实,重视实践不是芬兰课堂的专利,而是欧美国家在教育上的共识,芬兰只是其中的一个代表而已。目前,中国有一些非常好的高等音乐教育办学模式,如中央音乐学院、上海音乐学院的办学模式等等,他们在课程设置、教学方法、评价方式等方面努力与国际先进的培养模式和体系接轨。但是在更广层面上的省级、市级的高等音乐教育,其现状不容乐观。我所了解到的情况是,很多省市一级的音乐教育专业毕业生,对音乐课的认识仅仅建立在实习两三个月的基础之上;还有一些表演专业方向的学生毕业后成为老师,虽然自身演奏能力很强,但是却碰到很多具体教学问题,比如不会和孩子交流、教学方法比较单一枯燥,致使学生失去兴趣和信心等等。当然原因是多方面的,但是长期以来我们的教学和实践相脱离,可说是导致这一现象的重要原因之一。因此,我认为芬兰高等音乐教育强调实践性的特点,对我国同类院校提高办学水平,有着很好的参考价值:1.在制定教学计划(人才培养方案)上,应更加务实。删减一些不必要的公共课,增加实践操作方面的学分,并分散到实习、音乐会、社会公益音乐活动等上面。2.教师要改变教学思路,探索相应的教学方法应当把“教会学生教学”放在首要地位,并探索与我国现有条件相切合的实践性教学方法、教学评价方式等。3.加强学校和社会的联系。芬兰学校之所以能够较好地开展实践性教学,与全社会的支持分不开,反过来学校的实践性教学也为全社会营造了积极健康的音乐氛围。因此,学校和社会是互利互助、共同发展的关系。而目前我国大多数高等院校,在音乐领域和社会的交互比较缺乏,如果能像芬兰那样,在周边小学、中学建立长期的见习、实习基地,和福利院、图书馆、博物馆、剧场、音乐厅建立音乐实践的合作关系,那么高校就能够发挥优势,更好地服务于地方。 作者:李梅单位:绍兴文理学院音乐学院 高等音乐教育论文:音乐欣赏在高等音乐教育中关键性 一、音乐欣赏在高等音乐教学中的重要性 1、音乐欣赏课可以培养学生对音乐的浓厚兴趣,改变他们学的驱动力。只有当学生能从学习中获得快乐与成就感,他们才会对学习产生浓厚兴趣,愿意深入学习。 音乐欣赏课可以让同学们在感知音乐的过程中,体会音乐的美妙及其带给人的感官享受,这样学生会带着兴趣主动学习,能获得更好的学习效果。 2、音乐具有陶冶学生情操、升华学生道德的作用,音乐带给同学的情感共鸣,可以让学生浑然忘我,与音乐蓦然契合,给同学们带来情感的震撼与交响。乐曲中的感情,全部转化为听众的体验,使听众完全随音乐的流动而沉醉,得到高度的审美享受。它带给人们的绝对不在一个狭小的范畴之内,它会使人们在广阔的天地里飞腾、翱翔,从而情感上得到陶冶,理智上得到升华。 3、音乐欣赏课程可以培养并进一步提高学生的音乐鉴赏能力。音乐欣赏者的生活背景、文化背景及阅历的差异,会带来他们在音乐欣赏上的差异,这些因素也会导致他们的鉴赏能力参差不齐。具有音乐鉴赏能力的人,应该能听优雅的古典音乐,也能接受现代音乐、流行音乐,甚至能够记忆经典乐章的乐谱。最终达到能分析音乐基本要素与音乐作品独创性、表现力之间的关系。通过音乐欣赏,可使学生在不断的聆听、感受、总结中提高自己的音乐鉴赏能力。 二、音乐欣赏教学的现状分析 1、音乐欣赏课在各高等院校还未得到足够的重视。音乐欣赏课程作为提高学生审美能力、陶冶学生情操的一大重要途径,理应受到高等师范院校的重视,但是开设音乐欣赏课的高校极少。而且大部分的音乐欣赏课的教学都只是流于形式,教学设施落后,资金投入不足,造成音乐欣赏课教学质量普遍不高。部分音乐教师的教学也仅仅局限于看懂五线谱,学唱几首歌曲,欣赏一些音乐作品。 2、音乐欣赏课内容古板、陈旧,难以吸引学生的兴趣。很多高校的音乐教材选取缺乏特色,课程主要是对中外的古典音乐作品加以欣赏,授课方式模式化,课堂气氛沉闷,教学难以达到预期目标,大多数学生的音乐欣赏能力并没有实质性的提高,老师将欣赏的作品先做简单介绍,然后放音乐,学生听,学生始终处于被动状态,不能从音乐中获得深刻的情感体验,更谈不上从音乐中获得启迪和思想的升华。 3、教学理念与教学时间的矛盾。贯穿音乐教学的优秀理念应该是对音乐的审美化欣赏,在音乐教学的过程中使学生的情操得到潜移默化的提高,形成健全的人格。在未实施音乐课程改革方案之前,音乐教师和音乐教育机构也十分重视音乐教学的建设与发展,人民音乐出版社和人民教育出版社发行了不同版本、不停内容的音乐教材,更有甚者,将音乐教材分为“沿海版”和“乡土版”,目的是想寻求一种更完善的途径,达到育人的效果。在教学上,除借鉴世界各国优秀的教法外,侧重于“愉快教学”和“寓教于乐”的理念。以上状况无论优劣,究其一点,始终未将“审美”放在第一位;此外,音乐课本里有连贯的知识系统,但基于以上的教育理念,学生通过几年的音乐课程学习,仍难以真正掌握某一知识性内容。 三、如何在音乐教学中培养学生的音乐欣赏能力 1、为音乐欣赏课程的发展营造良好的环境氛围。当下的音乐教学改革所推出的音乐课程新标准给老师们提出了新的要求,老师们要以兴趣为动力,以音乐审美为优秀,激发全体同学对音乐的喜爱之情,让同学们积极主动的参与到音乐欣赏活动中。这需要营造良好的音乐欣赏氛围,使同学们潜移默化的提高音乐鉴赏水平。这就要求音乐欣赏的环境:一要物质环境美。一个优雅、整齐、美观的环境会给师生带来一种健康向上的心理影响。心理学认为,良好环境的营造,使人们的言行在心理上起着很重要的演化引导作用,学生进入的是接受音乐熏陶的音乐课堂,环境整洁安静,才会带着好的心境去接受教育。二要心理氛围轻松、和谐。教师的行为、语言、气质要具有良好的示范作用。教师的教态应该做到“音美以感耳”“形美以感目”。首先教师应热爱音乐教育事业,热爱学生,才能让学生感到亲切。其次,教师要全身心的投入课堂,以自己良好的音乐素养、扎实的音乐功底来带动学生积极参与到音乐鉴赏能力的培养中,让学生自觉提高音乐审美意识。 2、为学生提供适合的欣赏内容。随着时代的发展,音乐作品也不断地创新、更新换代,学生更容易接受时代气息浓厚的音乐作品。因此,音乐教学要充分考虑到学生的年龄、知识背景、兴趣爱好等因素,选择那些既优美,能陶冶学生情操,又平实易懂,容易被学生接受的音乐作品。在音乐欣赏美的过程中,让学生在自己喜爱的音乐作品将自己的内心体验投射到听觉活动中,自由地表现自我。在表现和创造中提高自我认识和评价能力。 3、采用灵活的授课方式,博引各国各时代的经典音乐作品。学生已形成一定的知识结构,拥有了自己的人生观世界观,所以音乐教材要灵活多变,因材施教,体现学生在教学过程中的主观能动性。教师在进行音乐教学时,应该注意积极在音乐欣赏的内容和境界上作出更深的探索,既能上升到音乐文化的高度上来引导学生对音乐作品进行欣赏,又能够在教学过程中与人文色彩充分融合,使学生在进行音乐欣赏时能够与相关的历史、文学等方面知识相联系,从而促进学生主动参与进对音乐作品的感受和体验中去,激发学生进行欣赏的兴趣。在授课过程中,老师不能局限于教材所提供的篇目,老师要旁征博引,让学生广泛接触各国、各时代的经典音乐作品。拓宽学生欣赏视野。 高等音乐教育论文:21世纪中国普通高等音乐教育功能探索 【摘要】探索中国普通高等音乐教育新功能,建立其在中国和谐社会的建设中发挥作用的新思维。21世纪的中国普通高等音乐教育必将是跨学科的教育。 【关键字】新思维,普通高等音乐教育;功能音乐教育;跨学科。 “普通高等音乐教育”是对非音乐专业的大学生所进行的高等音乐文化教育。但其目的并非止对世界优秀,经典音乐文化的认知,以及培养其高雅的艺术志趣,爱好。美国明尼苏达大学保罗,哈克(Paul Haack)教授于2002年3月28日在中央音乐学院所作的《走向功能音乐教育》的演讲中指出:音乐教育必须“把音乐放到人类语境之中”。“所谓”为艺术而艺术。的审美教育,无论从可能性还是逻辑性上讲,是不可能被视为基础学科的。要大家把一门学科当作基础学科给予认可,就必须证明这门学科本身、及其与其他方面之间都是有用的,它必须在人类的需求和发展方面起到交流、学习和理解的重要作用。普通高等音乐教育理应成为高等教育的优秀基础课程,并在中国和谐社会的建设中发挥功能作用。 一、培养形象思维与抽象思维能力。塑造创造性人才 普通高等音乐教育的一般功能是高等音乐知识教育。而其深层功能在于科学地完善大学生的基础知识结构,培养良好的形象思维与抽象思维能力,塑造创造性人才。在现代西方的高等教育中,对审美教育的重视主要集中在审美(艺术)与科学灵感,创新思维的紧密关系上。如美国华裔科学家李正道这样讲道:“科学和艺术是不可分割的。它们的关系是与智慧和情感的两元性密切关联的。伟大艺术的美学鉴赏和伟大科学的观念的理解都需要智慧。但是,随后的感受升华和情感是分不开的。没有情感的因素,我们的智慧能够开创新的道路吗?没有智慧,情感能够达到完美的成果吗?艺术与科学事实上是一个硬币的两面。它们源于人类活动最高尚的部分,都追求着事物的深刻性,普遍性,永恒性和富有意义。” 早在1993年,弗朗西斯,罗斯彻(Frances H,Rauscher)和戈登肖(Gordon Shaw)曾以大学生为被试对象做了“莫扎特效应”的研究:实验变量是莫扎特D大调双钢琴奏鸣曲,对比组使用通俗音乐,控制组不使用任何音乐。方式是单纯的听赏。在短暂的实验之后,实验组学生的空间――时间推理测验成绩高出其他组八到九个百分点。音乐与脑机能和脑的发展的关系,需要运用脑科学检测技术做进一步的探索。但可以肯定,未来脑科学的研究发展将成为21世纪音乐教育理论与研究的新基石。 二、建构优美。健康人格与精神 犹如经典的“唐诗”、“宋词”和“元曲”文学,以其各自独特的文化养分滋养了现代社会健康的精神与情感,经典的不同时期,不同民族和不同风格的音乐,也以其各自独特的文化养分滋养了现代社会健康的精神与情感,参与建构了和谐社会的精神文明生态。 在西方,用音乐治疗人的精神有着悠久的传统并延续至今。由于《圣经》上载有 “扫罗王招大卫鼓琴驱魔(精神不宁)”的故事,所以天主教堂一度效仿,以“圣歌”来医治疾病。19世纪,由于西方医学充分验证了音乐具有一定的治疗作用,故音乐治疗开始风行。至20世纪,西方一些音乐院校设立了音乐治疗专业,培养出了专业的音乐治疗师。目前,音乐在治疗中的常见用法为:用轻快活泼的音乐治疗精神麻痹,呆滞、消极和自我封闭症;用柔和优美的音乐治疗失眠、抑郁症和挫折感,解除烦躁不安;通过患者参加合奏或合唱,使其恢复自信、平衡感,乐于参加集体活动;先后使用不同性质的音乐释放精神压抑,如对于躁狂性精神病患者,先播放强烈的音乐使其产生共鸣,然后逐渐转换到平静的音乐使其安定下来。 笔者发现,当今大学生对流行音乐超乎寻常地追随有时并非完全出于对音乐的热爱,而是无师自通地在用音乐缓解压力和调整情绪。一些同学潜意识中仅仅出于表现自我和被人欣赏的非音乐目的而热衷于参加歌手比赛。音乐教育者有责任把学生引领到更广阔的音乐世界之中,如感受宗教音乐的虔诚与神圣,巴洛克音乐的活力和“我们的情感”,古典音乐的秩序与精神平和,浪漫主义音乐的梦想和激情与“我的情感”,民族乐派的色彩与异国情调,印象主义音乐的朦胧与恬淡,现代主义音乐的本能宣泄与光怪陆离、当代音乐的多元文化精神,中国古典音乐的宁静与超脱…… 在中国古代哲人的思想意识里有“礼崩乐坏”的社会观念,礼数或法律只能约束人的外部行为,而音乐却能规范人的内心情感秩序。笔者认为,音乐与社会秩序有密切关系,中国和谐社会的建构需要正规的普通高等音乐教育的积极参与。音乐揭示人类精神文化的本体特质,展示生命超越精神的自由境界。在人类历史上,音乐增进了不同民族、个体之间情感的沟通,同时促进民族自我和个体自我的精神觉悟与人格完善。在物质世界空前发达并且源源不断地对人类的生存空间进行挤压的今天,音乐则更具有调节人心,和谐灵魂的功能。音乐使人用一种优雅的态度对待人生,使人在忙碌的生活中重新复归生命的原色与活力,从而唤起人性内心深处的情感与道德良知,造就人类灵魂的终极关怀,这是音乐所不可推卸的神圣使命。 三、保护世界音乐文化遗产 中国普通高等音乐教育要以世界音乐文化为背景,不仅让学生在更高层次上认识、把握和领会音乐,更要培养一种保护世界音乐文化遗产的“音乐生态意识”。音乐消费者的审美趣味直接影响传播媒体的工作方向,高等音乐教育是培养高层次音乐消费者的唯一正规途径,其直接责任和功能就是强有力地促进社会高雅艺术的繁荣。 以历史和地理的眼光看,不同类型音乐文化的发源与进化,几乎都伴随有与之相对应的古代文明。在世界历史上影响深远的古代文明有古中国,古印度,古埃及,古阿拉伯,古希腊等城市文明,以及遍及南部非洲大陆和美洲印地安的自然文明。在这些文明基础上产生的音乐文化是世界音乐中的重要类型。因此,我们把世界音乐划分为东亚音乐(中国),南亚音乐(印度)、西亚北非音乐(古埃及,古阿拉伯)、欧洲音乐(古希腊)以及非洲音乐,以及在它们的传播与交流中形成的拉丁美洲音乐和东南亚音乐。其中欧洲音乐在世界音乐发展史中影响力最大,它最早建立起系统、完善的技术体系和理论体系,是专业音乐的典范。中国普通高等音乐教育在重点突出中华民族传统音乐文化和欧洲专业音乐文化的同时,也要涉足更广阔的世界音乐文化。 本文对普通高等音乐教育功能做出初步探索,以此抛砖引玉,增进普通高校音乐教师之间的思想交流,同时为教育行政提供有资可鉴的参考。以历史唯物的目光和从社会学的角度观察,音乐在特有的社会,政治,教育及文化语境中生发和生存,并在互为影响中体现价值并产生内涵意义。故此,21世纪的中国普通高等音乐教育必将融合心理学,思维科学,社会学,宗教学,哲学,政治学、文学,教育学、生理学等,成为跨学科的教育。 高等音乐教育论文:我国高等音乐教育教学改革的反思与展望 2006年9月27日至29日,由中国教育学会音乐教育专业委员会、中国音乐家协会音乐教育学学会联合主办,东北师范大学音乐学院承办的“全国高等音乐教育课程发展与教学研究学术研讨会”在东北师范大学音乐学院净月校区举行。来自全国各高校音乐院系的专家、教师及研究生共130余人出席了会议。本次大会共收到论文153篇,分为六个专题进行研讨,此外,还增加了教学实践方面的研讨。大会设有一个名为workshop(工作坊)的教学实践研究会场,给工作在教学一线的教师提供一个展示和交流的平台,这种形式来自国际音乐教育研讨会。以下为六个专题的研讨情况。 一、音乐教育的观念更新与基础理论研究 本专题共收到论文34篇,主要涉及音乐审美、音乐心理学、建构主义理论在音乐研究中的应用、多元智能理论与音乐教育实践等问题。尹爱青《解放、创造、发展・生命质量提升的本质意义――音乐审美教育人学价值透视》一文认为,审美活动是生命情感解放的根本途径,通过音乐审美教育的方式寻求人的审美发展、促进审美能力的提高。任恺《基于“相册”的动力学习范式与艺术学习中元认知的形成》探求了艺术学习中“学习主体――‘相册’――学习客体”的新学习范式。该专题的论文还有杨立梅《以大艺术教育观建设基础教育中的“艺术学科”》、郭玮《审美哲学还是实践哲学――BennettReimer与David J.Elliott音乐教育哲学思想的比较》、张媛《浅谈音乐教育与青少年EQ的培养――从青少年心理问题看音乐教学》、郑斌《激发初中生音乐学习兴趣的课堂教学策略实验研究》、宋蓓《格式塔心理学对中小学音乐综合课的启示》、黄丽《试论我国推进创造性主题音乐教育的几个维度》等。 二、音乐教育的文化与历史研究 本专题共收到论文14篇,主要涉及音乐教育中的音乐文化传承及中国音乐教育历史研究等问题。谢嘉幸《全球化浪潮冲击下的中国大陆学校民族音乐传承》一文通过“传统文化”、“现代教育”与“后现代传媒”三个概念,透视全球化浪潮冲击下的中国大陆学校民族音乐传承问题。文中指出要解决民族音乐文化传承问题,唯有将文化与教育两方面统一于学校音乐教育,传承民族音乐文化是我国学校音乐教育的重要使命。余丹红《文化守望与全球视野――论黄自〈复兴初级中学音乐教科书〉》一文通过对黄自《复兴初级中学音乐教科书》的分析,阐述了该教材中蕴含的全球化概念与中国传统文化守望姿态的完美结合。这一专题的论文还有马东风《中国原始音乐教育的意识与形态》、林琳《哈尔滨早期俄侨音乐教育研究》、金世余《我国近代教会学校音乐教育之影响管窥》、罗琴《中美音乐课程标准比较――多元文化音乐教育》、张斐《文化传承与认同中的音乐教育》、郭洁《论文化与人类发展和音乐教育的关系》、李红蕾《“母语”的回归――浅谈民族民间音乐在音乐教育中的地位》、李望霞、赵昕《在国际交流中直面中国大陆音乐教育问题――音乐教育研究问题的国际论坛交锋》等。 三、音乐教育课程改革 本专题共收到论文27篇,涉及基础音乐教育、高师音乐教育、专业音乐教育、普通高校音乐教育改革等问题。金亚文《我国基础教育音乐教学大纲的发展回顾》一文通过回顾基础教育音乐教学大纲的发展历程,得出启示:在纵向上思考,是对历史经验的继承与革新;从横向上梳理,是对国外经验的参考和借鉴。李冠莲《有关中学音乐欣赏课教学预设与生成的辩证思考》从预设与生成的辩证关系方面入手,分析、反思现行音乐教学中出现的某些偏颇,探求导向有效生成的种种途径。本专题论文还有方楠《走进网络社会的高等音乐教育》、孙梅《网络音乐资源的缺陷与教育对策》、刘琨《走了这么久,你变了没有――新课改背景下城乡基础音乐教育发展之比较》、黄文翠《“以人为本”教育理念的彰显――义务教育音乐教材两个不同版本的取样分析及比较研究》、钮小静《基础教育音乐课程资源的开发与利用》、陈栋《国乐飘香飘香国乐――论高师民族乐器课程建设的可持续发展》、费邓洪、费茸《我国高等音乐教育课程不可忽视的内容――音乐的数学性》、许冰《论高校音乐教育资源在社区音乐教育中的开发利用》、梁莉《浅谈音乐课程综合理念的本质与实践模式》等。 四、音乐教学实践研究 本专题共收到论文42篇,是所有参会论文中数量最多的,这也从一定程度上反映了对音乐教学实践的研究始终是最受音乐教育工作者们所关注的研究课题。郁正民《创造适合学生的教学模式――音乐课目标教学实验模式的理论与实践探索》一文依据教学论的基本原理,提出在借鉴国内外成功的教学经验基础上,立足国内众多的实践模式中抽取出共同的、最能体现目标教学本质特征的、具有多种应变能力的结构因素和结构方式,组成最一般的、具有广泛适应性的课堂教学模式,作为音乐目标教学的课堂教学基本结构形式。陈雅先《略论视唱练耳课程与教学的心理学基础》一文通过对视唱练耳课程与教学的心理学基础考查,使音乐基础课教学工作者清晰地意识到自己的决策依赖的是哪一些心理学原理,以便更有效地解决视唱练耳教学中的问题。本专题论文还有郑莉《创造是音乐的生命,音乐促进我们创造――简论音乐教育与创造能力培养的关系》、陈玉丹《在〈音乐教育学〉课程教学中发展学生音乐智能的策略》等。 五、音乐教师教育 本专题共收到论文27篇,主要针对我国音乐教师的培养模式、课程教学、中外音乐教师培养比较等展开探讨。周世斌《我国高等专业音乐教育的现状之虞――从萧友梅音乐教育思想引发的思考》一文以我国近代音乐教育先驱萧友梅音乐教育思想为借鉴,提出“素质教育的实施,决不意味着精英教育从教育舞台的退出。两种教育模式必将是互为依托、相得益彰,形成民族和国家教育发达、人才辈出所需之坚实金字塔”的观点。代百生《德国的音乐教育专业培养模式及其对我国高等音乐教育改革的启示》对德国音乐教育专业的三种形式――普通学校音乐教师教育、专门音乐教师教育以及音乐教育学理论专业进行了详细的介绍,并与我国高校音乐教育专业进行了比较研究,提出我国高等音乐教育改革可资借鉴的方式与方法。本专题论文还有蔡世贤《音乐教师教育的重要构件――培养非物质文化遗产传承人》、杨迎《苏格拉底“助产术”对我国音乐学研究生教育的若干启示》、尹爱青、金顺爱《“尊重的教育”理念指导下的高师音乐专业人才培养模式的改革与实践》、王昌奎《试论高校〈钢琴文献与教法〉课程的性质与教学模式设计》、孙强《高师视唱练耳教学中学生元学习能力的培养》、李飞飞《从课程对比看音乐教师的培养》、高伟《高师钢琴教学内涵的二维阐释――一种基于音乐审美文化与文化传承理念的解读》、吕志芳《对音乐学专业应届硕士研究生学习方法的几点思考》、张小鸥《对我国高等师范院校实施多元文化音乐教育的思考――参加第27届国际音乐教育大会有感》等。 六、音乐教育研究方法与国际音乐教育研究的发展趋势 本专题共收到论文9篇。其中,涉及音乐教育研究方法的论文3篇,涉及国际音乐教育研究发展趋势的论文6篇。马达《行动研究与音乐教师专业发展》论述了行动研究的内涵、特点和实施步骤,并根据音乐教育的特点,阐述了行动研究对音乐教师专业发展的意义和作用。郑卫新《从方法论角度探讨我国音乐教育学研究》通过对我国部分音乐教育研究文献所使用的研究方法的分析,阐述了音乐教育研究必须注重方法论的研究,并提出了相关建议。本专题的论文还有马力《在“方法”的岔路口徘徊――对音乐教育研究方法的哲学解释学思考》、冯洁《马来西亚第27届ISME大会的创造性教学教育观――对创造性教育论文及实践的评述》、吴珍《从〈2020视野〉展望美国音乐教育价值的新理念》、宋裴裴的《跨文化对话中的传统音乐――15届国际学校音乐教育和教师教育研讨会初探》、王丽莉《色彩斑斓的民族音乐教育――印度音乐教育一瞥》等。 七、其他方面 此次大会还安排了三场重要的学术报告,这三场专题报告分别是:来自美国的国际音乐教育学会前主席BennettGary博士的《音乐教育的全球展望与评价》,美国纽约大学音乐表演艺术系主任、著名的实践哲学的倡导者David J .Elliott教授的《实践的音乐教育》,香港教育学院体艺系主任梁信慕博士的《教育改革中的技术与本土化教学:音乐教育实践与研究的新趋势》。三位国际音乐教育界专家的到来使会议具有了国际性的对话色彩。 在大会专门设置的workshop的教学实践研究会场中,许卓娅、李妲娜、杨立梅、郑莉、余丹红等分别就幼儿园音乐教学、中小学音乐教学、综合艺术课堂教学及奥尔夫音乐教学法等课题作了精彩的现场教学示范。 音乐教育学是20世纪90年代初兴起的一门年轻的新学科,1990年中国音乐家协会音乐教育学学会成立后,在曹理教授等一批音乐教育学者的带领下,平均每两年举办一次全国性音乐教育学科研讨会,这些研讨会有力地促进了音乐教育科学研究的深入发展,出现了一大批音乐教育科学研究成果。2004年中国教育学会音乐教育专业委员会吸纳中国音协音乐教育学学会为团体会员,同年8月两个学会第一次在大连联合举办全国音乐教育学科研讨会,本次长春会议是两个学会第二次的合作。从本次研讨会收到的论文来看,不仅数量多,而且质量也较前几届研讨会有了一定的提高,拓宽了研究领域,运用了一些新的研究方法,从新的视角看问题,特别是在音乐教育文化、音乐教学实践、音乐教师教育等研究领域出现了一批较高质量的论文。近年举办全国性音乐教育学科研讨会的一个重要特点是关注国际音乐教育研究发展动态,本次会议邀请国外音乐教育专家介绍当前国际音乐教育发展情况,使与会者获得不少新信息。本次大会还有一个特点,即来自全国各高校音乐教育专业研究生共70余人参与了会议。研讨会为研究生们提供了一个学习和学术交流的平台,会议期间召开了研究生座谈会,来自全国各高校的博士、硕士研究生和部分研究生导师参加了座谈会。与会师生就音乐教育专业研究生的课程设置、学习方法及研究生培养等问题展开了热烈的讨论。本次大会还评选出第三届全国音乐教育优秀论文。 从2001年《全日制义务教育音乐课程标准》颁布以来,我国高等音乐教育改革紧密联系基础音乐教育改革,已取得不少成就,相信此次长春会议的召开将进一步推动我国高等音乐教育改革的健康发展。 许冰福建师范大学音乐学院2006级博士研究生 马达福建师范大学音乐学院教授、博士生导师 高等音乐教育论文:赵h与河南高等音乐教育 作为新中国专业音乐教育的开拓者,赵h先生的卓越贡献与成就已人所共知,然而他对故乡河南省音乐教育事业的关怀与牵挂,特别是他晚年多次发表的对河南高等音乐教育的谈话、他亲自设计的《河南师范大学音乐系教学改革方案(草案)》,以及他发表的关于河南大学艺术学院应如何办学的谈话等,却还鲜为人知。本人作为在先生晚年与他有过较多接触的故乡人,在亲耳聆听先生教诲的同时,不但深切感受到了他拳拳的报国之心与对家乡的浓浓亲情,而且还从他的教学设计及谈话中,更深地领会到先生教育思想的高瞻与博大。时值先生诞辰九十周年暨逝世五周年之际,笔者把他关于河南大学应如何办学的一席谈话整理出来,以此作为对先生的纪念。 2000年3月3日,笔者为了河南省“十五”重点课题“河南省近现代音乐教育发展研究”赴京对该段历史的见证人、亲历者赵h先生进行了专访,期间还就河南大学艺术学院应该如何办学的问题向先生作了请教。先生在家中热情地接待了我,宾主落座,不待我们客套,先生即直奔主题侃侃而谈起来。先生讲话涉及的内容十分丰富,在感慨于先生对河南大学由衷地关心之余,我更深切地感到先生谈话中关于高师音乐教育的一些独到、超前的教育观念,或许是解决目前我国高师音乐教育体系中诸多问题的一剂良方。 对于河南大学艺术学院的办学方向,赵先生明确表示必须要“办出自己的特色”,这个“特色”就是要培养充分发挥了学生“个性、才能的可能性与主观能动性”的人才,而不是过去那种“单打一”式的“专才”。他说: “第一,学校要办出自己的特色。因为学术积累不是一两天的事情,它是需要一个时间、一个过程的,强行积累是积累不起来的,所以开始就要有一个比较不同寻常的、超前的设计。这样的大学生跟中央音乐学院、上海音乐学院、北京师范大学等培养的学生都不一样,他不仅可以做音乐教师,还可以做音乐记者、音乐编辑、音响导演、音乐评论员、研究工作者……这样多方面的人才。我就总记得过去的旧大学,我常常说这个例子:西南联大有一个文学系,可是这个文学系的毕业生有现在咱们全国语言文字工作委员会的副主任,中华书局、商务印书馆的副总编辑,《羊城晚报》的副总编辑也是这个学校的毕业生。它培养学生不同的专业、不同的兴趣、不同的爱好,在他们选修不同课程的情况下,就变成了不同领域的专家。比如选了闻一多的课,就可能变成先秦文学的专家,修了浦江清的课,就可能成为屈原研究的专家,修了唐南先生的课,就可能成为文字学的专家,修了陈梦家的课,就可能变成一个考古学专家。你是文学系的,我是音乐系的,他是美术系的,但是培养出来的人才呢?不再是从前的一个样子了,他可以胜任他自己可能发展的最高程度的工作,面可以很宽。现在媒体上关于音乐的文章常常闹笑话,为什么?他没有知识。新闻记者根本就不懂音乐是怎么回事,净说些外行、笑掉牙的话,犯些常识性的错误,这样怎能适应新世纪对人才的需要呢?要想适应,就必须放宽你所培养的目标!不能单打一地培养音乐教师,单打一地培养歌唱家、指挥家或是什么,而是充分发挥他个性才能的可能性与主观能动性。这样的话,一出手,我们的学生就跟别人的不同。一定要有这样的思路!” 同时,赵先生十分强调“人文精神与科学精神的整合”,他希望河南大学能够把这面“大旗”举起来、并成为“全国的一个堡垒”: “现在有一个新的趋向,就是人文精神和科学精神的整合。这个大旗呢,我们这个学校要举起来,河南大学举起来!艺术学院举起来!那就不是一个省的堡垒的问题了,它就是全国的一个堡垒。我非常愿意自告奋勇、老骥伏枥。你们搞教学计划的时候,我跟你们一块参加,我把我的设想说出来。我已经有一个构思,不能说成熟,只是提出来供大家探讨它的可行性。咱们一起商量,制订出一个全新的、全国任何一个学校都没有的教学计划,办一所新型的艺术学校。甚至于我们还可以想得更宏大一些,把李政道聘为名誉院长,我也可以助一臂之力。我们一起来把事情搞出个名堂来,在学术上形成一个堡垒,建立一个梯队,形成一个群体,共同来另辟途径。单打一地搞钢琴、搞声乐、搞表演艺术,或者单打一地搞指挥、搞音乐理论、搞作曲,都是太窄太窄了。不仅这一方面,人文学科的人类学,或者是民族学、心理学、美学等,这些科也要有新面目,这样出来的人就是不一样。这样的话,期冀两三年就可以形成一个气候、一股势头。” “李政道每年都要回来,他这次回来我就要动员他,让他屈就当咱们的名誉院长。你看这个科学性就没有话说了,诺贝尔奖金奖获得者给我们当院长了,认同我们这个路子了。咱们再拉几个院士去给咱们讲课,当讲座教师。一个讲座就是半天,不是什么一小时或者两节课。比如说讲六个单元,包括西明纳尔,包括论文写作,这些都在内。完全使用现在发达国家的一套教学方法,打破咱们过去的一切旧观念。但这需要一个过程,老师不是立刻能适应的,他从前的路子走惯了。就我在中央音院推广这个,也是有人泼我的冷水的。说服老师挺不容易的,真正要让老师信服,他经历过一次,就会信服的。” 为了贯彻以上思路,赵先生反复强调了教学计划的重要性。他的“教学计划”与全国各高校现行的教学计划有很大的不同,他不但十分看重人文科学与自然科学等诸多科目作为辅修课程的作用,就是音乐类自身的一些技巧性与理论性课程,他也有着更为独到而科学的设计: “我举个例子:任何人都得学钢琴,钢琴不只专门学演奏,拜厄弹完了,立刻就可以学和声学,因为他弹的已经都是和声学的作品了,只是一条13 53|14 64|,就已经是和声了。他已经会弹了,你还不告诉他这就是和声?这样和声就进来了。弹到巴赫,复调就要进了,他已经弹了,弹了就知道什么是复调,为什么不学呢?你还要他等两年之后再学、读完和声之后再学?我跟我们学校一个作曲系的毕业生谈了这个问题,他说:‘哎呀,赵院长啊,要是你这个计划实行了,我们在音乐学院何必学五年?我看三年就够了,你这个功用比我们五年的还要大。’开始弹作品了,曲体学就应该上来了。已经弹肖邦了,肖邦的曲体还不了解,已经弹复调了,复调的曲体还不了解,这怎么行呢?如果加上我们所说的人文精神与科学精神的整合,把人全面培养,如主修钢琴的不妨辅修物理,主修作曲的不妨辅修化学、微电子学、电子计算机、电脑作曲等这一套东西,你是在真正通才基础上的专才,这样的话,学生的适应性就会很强的。” 对于教育方法,赵先生借用孔夫子“不愤不启、不悱不发”的话,认为应该结合学生的个性、爱好以“启发”他们的潜能,让他们在“兴趣”与“志愿”的驱动下自己“发愤”;同时,赵先生主张采用“新的教学方法,跟从前旧的音乐学院、旧的大学、师范大学等完全不同的教学方法”,反对跟在音乐学院的后面“亦步亦趋”。他还以小时候父亲教育他为例,来说明教学中“不死教硬背”、“与日常生活联系起来”的良好效果。 “要让学生的个性、爱好得到充分的发挥!如果用孔夫子的话就是:‘不愤不启,不悱不发’。‘愤’就是发愤,真正和自己的兴趣相符了,他的兴趣大得无穷,拉都拉不住。我总回想起我们中央音乐学院以前的学生,那时琴房少、钢琴少,钢琴系学生一天也只能排四个小时的琴房。结果呢,八点钟琴房开门,六点钟就有人在那儿排队了。那时候琴房没有空着的,工友一上班,门一开,学生就进去了,先不吃早饭,就练了两个小时了,那是真正的‘愤’,发愤了,很快就起来了。刘诗昆怎么起来的?就是一瓶牛奶、两片面包,坐在钢琴边弹一天,不动身儿。就这样,一下子匈牙利得了个第三名、柴可夫斯基得了个第二名。‘悱’呢,就是自己的一种志愿,这个志愿是他一生都想追求的东西,有这个东西作指导,他就可以发愤起来,可以真正地把个性、才能全部启发出来。所以说,只要高中毕业生,好的高中生,多少有一点音乐的爱好和基础,学过点钢琴更好,没有学过我们从头来,用积极训练的方法,不一对一地教。我现在正在搞咱们国产的钢琴集体教室,星海音乐学院、广西艺术学院都已经使用了。这是我十几年前就提倡的,先在青岛,后在汕头。过几天总工程师要来,我要给北京的一个私立学校配一个电子琴教室,就是全部是数字化的电子钢琴。特别是键盘,全部跟机械钢琴一样的触键感觉,没有电子琴那样的轻飘,一碰就响,那不行的。总之呢,一切新的方法、教育方针都要引进,要搞出这样一个局面来。我想这不是说完全没有可能办到的。” “我讲个我自己的故事吧,看我父亲是怎么教育我的。夏天,到龙亭去喝茶,他问我:你知道开封为什么叫汴梁城吗?我一想:‘汴’嘛,我听说咱们这儿有个汴河,过去的通汴河、积汴河,大概就跟这个有关系。这说的还对,我那时还很小,都还没上小学。他教我是这样教的,他说:回家我给你看一本书,就知道了。回家他老先生喝茶呀、抽烟呀,老不拿书,我这个求知欲望很强啊,我说:您不是要给我看书吗?他说:啊,对对对!从书架上拿出一本书《孟子》,一看,第一篇《孟子见梁惠王》:王曰:‘叟,不远千里而来,有言而利于国乎?’曰:‘王何必言利,唯有仁义而已矣。’他就给我用白话翻译了,他说:孟子见梁惠王,王说:老先生,――‘叟’,老头,我教你童叟无欺,那个商店那个牌子,你学过这个‘叟’吧,我说学过――你不远千里而来,有什么有利于我们国家的事情呀?孟子就回答说:王何必言利,国王,你何必说利呢,唯有仁义而已,我只能把我的学问、仁义的道理讲给你。这样我也念了《孟子》了,而且,‘见梁惠王’,那是梁国,就在古开封建都,所以叫汴梁城。为什么说我这个人比较杂,到现在八十多岁,脑袋还不混乱,我父亲就是不死教硬背,他让我背的书只有《诗经》,我四岁就开始背《诗经》,别的书他都是一段段地讲,不讲全篇,只讲最重要、最优秀的部分,而且还跟日常的生活联系起来。” “我的意思是说要采取新的教育方法,跟从前旧的音乐学院、旧的大学、师范大学等完全不同的教学方法,要能够独树一帜,这样才能够战无不胜。否则的话,平平庸庸、亦步亦趋地走,按照中央音乐学院、上海音乐学院的路子走,没有五年八年,你赶不上趟儿。” 先生将一生都献给了我国的音乐教育事业,晚年对高师音乐教育关注尤多。在我们采访的时候,先生的身体已经大不如前,但他依然谈锋甚健,双目炯炯有神。透过谈话,我看到的是一位老人的睿智和对我国音乐教育事业的无限忠诚。令先生告慰的是我们河南大学近几年来正沿着赵老先生为我们设计的发展方向在努力实践之中,新的培养方案已在实施过程之中。 陈家海 河南大学艺术学院副院长、教授 高等音乐教育论文:当前我国高等音乐教育中“反文化”现象思考及对策 中国音乐教育具有悠久的发展史,回顾历史可以发现中国文化的灿烂辉煌,面对现状可以找到我们的不足。当前我国高等音乐教育界存在一种“反文化”现象,这种现象如果得不到改变,其结果将对21世纪的音乐教育产生相当恶劣的影响,因而令人担忧。冷静的思考可以找出解决问题的办法,为了未来音乐教育事业的健康发展,必须客观正确地认识现实,找准中国音乐教育事业健康发展的必由之路。 前 言 所谓“反文化”现象,即人类社会中一切违背或者违反人类文化发展进化规律、不利于人类文化进步的短时间文化逆向活动现象。反文化现象是人类文化发展进程中的不谐和音,性质及影响恶劣,并对社会及意识形态的健康发展产生阻碍作用。 自改革开放特别是20世纪90年代以来,高等音乐教育学生综合素质低下、师资整体水平日趋下降等反文化现象,已引起社会各界广泛关注,其成因主要有以下三点: 一、国家有关行政管理部门宏观调控力度不够;二、高等院校扩大办学规模;三、考生盲目从艺。 高等院校作为高等教育行为组织实施单位,考生作为高等教育行为客体,其间产生的主动与被动、积极与消极等诸多对应关系,将直接影响高等教育的最终质量。我国目前的教育体系主要包括国家教育行政部门宏观管理、具体教育单位行为落实两个方面,因而,教育行政管理部门的宏观思维和操控及引导、整个社会价值的判断标准及原则等多种因素,都可能促使高等音乐教育事业领域中某一现象的产生和消亡。针对具体现状特别是具有一定典型意义的现象个案,作为教育行政管理部门、教育行为主体,应适时关注、考察,认真思考其产生的客观缘起,并提出促进或者调整的具体方案、战略性对策。 一、当前高等音乐教育“反文化”现象列举 当前高等音乐教育“反文化”现象主要表现: 20世纪90年代,国家大规模扩大高校招生,这种政策客观上造成音乐专业考生比其他专业考生综合文化成绩低200―350分的事实,导致社会、家长、考生对于“音乐”与“文化课”地位认同误差,以至于音乐生源鱼龙混杂,“鱼”满为患,“真龙”另谋生路。社会对于音乐人才判断标准即:“学音乐的人,文化素质低!”并有殃及德才兼备人才之势。此举直接后果是音乐教育师资、生源恶性循环,本因为综合文化成绩不好才中途改学音乐的人,竟可一跃而为高校“音乐教师”。 (一)没有师资梯队的非音乐专业院校办高等音乐教育 改革开放以来,音乐专门研习者和业余爱好者越来越多,再加上国家高等教育扩大招生的具体政策,致使众多人士认为:音乐人才市场大,扩大音乐教育招生和办学规模,可以提高办学规模和效益。因此,我国目前拥有音乐专业的高等院校不胜枚举,并以专业院校、师范院校和综合性大学为主,三足鼎立。 目前我国高等音乐教育中有一个可笑的事实:许多以农、林、牧、渔、能源等专门资源研究和自然科学理论、技术教育为主的高校,居然成了高等音乐教育的弄潮儿,其呼声甚至超过了有着几十年办学经验的专业院校。笔者曾就此类院校音乐师资做过专门调查,结论:师资年轻,没有音乐教育专家,谈不上梯队结构。 上海音乐学院副院长杨燕迪先生在2004年4月6日由中央音乐学院举行的“院长论坛――中国专业音乐教育的过去、现在和未来”上曾有如此言论:“据我所知,有些师范院校的音乐学院、音乐系办学的能力和水平,确实令人摇头。这种‘高等音乐教育’,是非常荒谬的。因为一些小的地方院校,不在中心城区,没有什么音乐生活,所以学生根本就没有文献的概念,也不听音乐会,四年就是学点非常粗糙的技艺。在这种条件下培养出来的学生,显然不是我们所要求的‘音乐人才’。”①既然没有“我们所要求的‘音乐人才’”作为支撑,却有如此之多的非专业院校正在大批量、“高效率”地进行着“专业音乐教育”,经过他们生产并走上社会、呈几何式增长的所谓“音乐人才”,在人才市场竞争的大环境中又会有怎样的一番作为呢?答案――要么不能胜任音乐创作、舞台表演、音乐教育工作,要么改行另谋出路,难逃湮没于社会竞争大潮的噩运。 高等音乐教育要求个体教育行为主体必须以掌握较高演奏、演唱的基本技能技巧为基础,具备如教育学、心理学、语言学等学科知识结构、适时判断评价分析能力,以及较高层面的音乐审美意识。年轻教师除了年龄优势以外,对于音乐教育而言有着太多的不利因素。俗话说:“台上一分钟,台下十年功”,这是音乐事业历经千年已成共识的一般规律。许多音乐专门习练者经年累月之后,仍然停留在“为技法而技法”的“音乐匠人”的客观事实,便是这一规律的反面有力佐证。即便经过长期专门音乐学习,整体文化底蕴不深的学生虽然具备了演奏(唱)技术技巧,但音乐文本中不可能存在、需要演奏(唱)者真正彰显作品深层次内涵的理解能力,尚需要辅以全方位文化修养和人生阅历才能达到。因此,不是任何一个优秀的演奏(唱)者都可能成为一个好的音乐教师的,既然如此,也不是有了几个或者几十个年轻音乐教师的非音乐专业院校就能办好高等音乐教育的。 (二)文化素质低下、人文审美教育目的偏差 目前音乐教学的课堂教学和舞台表演过程中,由于小班上课(大多数技能课是一对一)、师徒传承模式的特殊性、现代教育本科四年学制的压力,就音乐美学素质培养问题,根本重视力度不够,学生的音乐行为很少能从音乐美学层面挖掘作品的真正内涵,在教学和舞台表演过程中,师生共同“为技术而技术”。这显然与音乐教师和学生之间关于“音乐是什么?”、“音乐的目的是什么?”等基本观点和原则问题理解不透有很大关系,他们忽视了音乐在内容的表述层面至为关键的原则――“情动于中,故形于声。声成文,谓之音。”②不管“声”、“音”、“乐”以何种形式出现在接受客体面前,基本前提是“人心”,是“人心”之有“感”。一切语言都产生在人类作为主体对于客观世界有“感”的过程之中,这是一种感动、感慨,性灵唯美的追求过程。 音乐作为人类特有的表情达意的语言工具之一,其根本功能就是为了向外部客观世界以及声音的接受客体塑造和传达具有一定语言信息目的的审美形象及意图,所有“为声音而声音”、“为技术而技术”现象的发生,其实质违背了心灵共鸣、审美共识原则,违背了人类文化不断发展的规律,是一种“反文化”现象,其根本原因在于一哄而上的高等音乐教育办学局面和师资队伍良莠不齐,以至于音乐在人文审美教育方面预期目的的落实结果出现了偏差甚至失落。 二、高等音乐教育发展战略思考 师资素质良莠不齐和学生质量低下问题是当前我国高等音乐教育事业的潜藏危机。这两个问题不能有效解决,将来音乐人力低下所造成的人文低下,将会影响至少几代后人的人文素质提高。人无远虑,必有近忧,历史发展至今天,已具备了调整事物发展方向的条件,因此,关于高等音乐教育发展问题,应该从以下几个方面采取一些必要措施,将其提高到音乐教育发展的战略地位。 (一)提高高校音乐专业考生质量,为师生质量良性循环配置良好“水源” 现在音乐考生质量高低,对将来音乐事业以至国民整体素质高低具有一定制约作用,将来音乐师资力量来自现在在读的音乐学生,只有考生质量达到一定高度,师资队伍的综合素质才能得到有效提高。 1.强调综合素质,拒绝“伪音乐人才” 所谓“伪音乐人才”,即初高中阶段因综合文化成绩低下求学无门改学音乐、侥幸进入高等院校经过高等音乐教育并最终流入社会的音乐从业人员。舞台成功人士一夜成名导致社会关于音乐学习功利性的一致认同,但如果学声乐的没嗓子条件,学钢琴的没有手指条件,没有音乐作品分析必须具备的人文基础知识和审美理解能力,学生面对的将不仅限于众多的“公共文化课”,还要应付大量专业性极强的音乐理论及实际演奏(唱)技能学习,教师难教姑且不论,音乐技术的学习过程对于学生而言,肯定会成为一种痛苦甚至于摧残。繁多的学习科目,将导致他们身心疲惫,出现心理恶性循环不说,甚者可能因心理压力过大导致不堪设想的恶果。学习如果背上了心理和生理的双重包袱,预期目标的实现质量可想而知。因此,与其因综合素质不够导致音乐专业学习痛苦,不如在进校之前深刻了解自己综合素质事实,据此寻找一个真正属于自己人生事业的突破口,这样也容易培养学生的成就感,学生人生志趣、理想品质也将因此得以提升。 “音乐人才就业容易,社会需求量大”,是上个世纪末的社会泛论,应该说,直到今天社会对于音乐人才的数量要求仍然很大,但随着高等音乐教育自改革开放以来的蓬勃发展,音乐人才数量的急剧增长,致使工作条件较好的地方和单位对音乐人才需求的量几近饱和,真正需要有过高等音乐教育经历的音乐人才的单位,则以条件较差几乎没有什么硬件配置的农村中小学为主。因为人文素质结构不健全,大部分学生完成高等音乐教育之后进退两难:留在工作环境较好的大、中、小型城市,音乐工作岗位可谓针插不进;到急需音乐人才的农村基层教育单位,心有不甘,认为自己多年的辛苦求学,只能到如此艰苦的环境中工作,实在是大材小用,要么转行,要么滞业,成为音乐生产剩余产品。 其实,音乐并不是人类知识的唯一,虽然社会对于具有真才实学的音乐人才的需求量还在不断扩大,但是与其让“伪音乐人才”充斥市场,还不如宁缺勿滥,把位置留给真正的“音乐人才”,使他们在自己的领域内,干出一番真正的事业。音乐学生的就业指导必须直面所有大中小型城市音乐人才的需求几近饱和,而农村基础教育部门却又紧张奇缺的矛盾。这个矛盾的解决办法只有一个:寓教于“乐”,有目的地培养学生的创新和创业能力,提高音乐学生综合素质,加强社会主义音乐事业奉献精神教育,加强就业形势分析和分流指导,使之具备适应社会激烈竞争的心理准备,以期完全融入社会。 2.弱化高等院校办学效益的功利性目的,强化国家职能部门宏观管理机制 现代社会,竞争无处不在,拥有一定办学规模,产生较高办学效益,是高校能够立足于当今社会的必要条件之一,因此,功利成为目的,浮躁成为表现,盲目扩大招生规模,师资质量考核把关不严,致使高等音乐教育质量面临失控危险。 高等院校自身建设能否发展的立足条件建立在办学效益和教学质量二者共存的基础之上。为了纯粹效益目的,为社会培养的人才质量就得打问号;仅限于人才质量而不顾办学效益,对于高校而言,无疑走进了另一条死胡同。因此,办学效益和人才质量并重,才有可能在自身建设和发展方面形成良性循环,同时这也是吸引社会力量共同关注高校生存和发展的根本所在。以人为本,为社会培养真正的人才,才是高校发展的正途。 针对音乐教育在高校中一哄而上的现实,国家有关行政部门在宏观规模控制方面应该痛下决心,制订具体政策。既然同在一个竞争激烈的社会大环境之中,我们允许不同类别的高校来办音乐教育,但是,我们必须在办学实力上作一些功夫,把音乐教育办学能力审核标准的执行力度加强,脚踏实地,提高音乐教育的办学水准,那些起步太晚、又不可能花大力气在短期内形成高素质师资队伍结构,仅仅把提高办学效益等功利追求作为目标的非专业音乐院校,不办高等音乐教育专业也罢,还是安于现状,办好自己专业领域内的人才培养工作吧! (二)提高高校师资队伍水平,加强师资队伍的整体素质建设 任何一种事物都有其具体的个性,离开了个性实在,世界大同的说法作为一种反语可能变成现实。教育的立足之本是师资队伍,拥有一支高素质的师资队伍是任何教育事业单位都应该始终贯穿在提升办学质量、提高办学效益和扩大办学规模过程中的一个根本原则,这个原则贯彻得是否坚决彻底、执行力度大小是否扎实具体,将直接决定教育事业的发展水平甚至生存空间。音乐教育事业和其他教育事业一样,除了要尊重整个教育事业必须坚持的规律以外,还必须在坚持音乐教育事业本身所拥有的特殊规律基础之上,从以下几个方面进行实质化的政策落实。 1.强化考核机制,提高师资队伍综合素质 师资队伍重要,教育单位的主管领导和普通师生员工已成共识,因此,师资队伍综合素质的整体水平,便成了包括音乐教育事业在内的各个办学单位必须痛下决心、强化政策落实的关键。具体到音乐教育事业,教师除了必须掌握一定技术、技能以外,还必须具备相关学科知识,构建达到一定层面并能合理运用的知识结构。高等音乐教育要求教师除了技艺必须达到一定水平之外,他还必须对己属学科的学术动态有比较清晰的认识和把握、对己属专业方向相关边缘学科有一定的了解、掌握系统传授的基本规律和原则,提升己属专业的美学追求层面等。离开这些基本素质结构,高等音乐教育师资与民间教授徒弟的音乐艺人有何区别? 因而,提高师资队伍综合素质是高等音乐教育领域亟待解决的问题,采取切实可行的办法,使我们的师资队伍不仅有“量”的保证,更要有“质”的坚守。 “培训考核”可能是目前我国解决这一问题的最好办法,达到了一定水平的人员才能教学,达不到的人不准教学以免耽误学生。当然是否行之有效,只可能建立在行政文明和行政作为的基础之上。 2.立足基本国情,提升科研水平,强化办学特色 学生成名成家是每一个教师的美好愿望,能否实现,决定因素太多,但培养大批审美水平较高的音乐鉴赏者、服务于基层的音乐从业人员,则是高等音乐教育事业的基本责任,同时也极具可能性。能否把握己属领域学术动态,是高校教师必须具备的基本素质,因此高校教师必须承担一定的科研任务,以“多出成果、出好成果”为己任,把科研工作细化量化,为新成果、新知识的传授以及培养高质量音乐人才的目标落实做好原始积累。 据此,所有的高等音乐教育单位都应该根据所处地理位置,设立以区域性、民族性传统音乐文化为具体研究对象,兼容并蓄音乐文化领域内其它各个门类研究的科研机构,进行深入的、具有地域特色的民族传统音乐文化研究,以所属地理区域内的各种民族民间音乐文化现象如民族民间音乐文化发展史、民族民间歌曲、民族民间器乐、民族民间舞蹈及民族民间宗教仪式音乐等为主体,同时不放弃各种音乐学范畴下如声乐、作曲、器乐、舞蹈、视唱练耳等应用学科技术基础理论以及音乐创作理论的研究,两条腿走路,齐头并进,为具有中国特色的高等音乐教育储备更深层次的学术成果,这种学术研究也更能体现具体高等音乐教育单位的办学特色。 结语 音乐必须顺应整个人类文化建设和发展的大潮,发生偏差尚可纠正,亡羊补牢,为时未晚,我国高等音乐教育的发展态势和走向是正确而又良好的,但已经出现并有可能在将来长时期内持续下去的,与当前改革开放、民族复兴的总体趋势不和谐的种种“反文化”现象,应引起教育界、音乐工作者和国家有关职能部门的重视。发现问题、解决问题是人类社会自身健康发展过程中必须经历的具体环节,既然我们的高等音乐教育事业领域中已经出现了这样或那样的“反文化现象”,我们应该采取何种态度自不必多言,具体措施及其落实力度则完全取决于我们自己的决心和信心,顺应和促进当前整个社会和谐发展的总体态势,是我国高等音乐教育事业一贯坚守的原则,作为高等音乐教育事业中的每一个教育行为个体,我们有理由竭尽所能,为我们的国家培养出更多具备创业、创新能力的“音乐人才”。 陈宇京 三峡音乐文化研究所所长,三峡大学艺术学院教师 高等音乐教育论文: 简述日本高等音乐教育之发展历程 日本在明治维新改革的进程中,效仿美、英、法、德之长,迅速发展工业并极其重视教育,建立并健全教育体系,通过实现教育民主化和公平教育,培育了具有团队协作精神、良好基础教育和专门技术教育的新一代国民,为日本经济的腾飞发挥了关键作用。本文在沿用陈永明教授对日本明治维新以来高等教育四个时期划分法的基础上,将日本的高等音乐教育发展分为起步、成长、发展、繁荣四个不同的历史时期加以分别论述。 一、起步阶段:1868―1886 明治维新时期,日本政府在政治上为经济和文化的发展提供了有利的环境,提出了“富国强兵,殖产新业,文明开化”①三大方针。从1872年公布学制②开始,文部省于1875年派伊泽修二赴美国调查师范教育制度,此举成为西洋音乐大量输入日本的开始。回国后的他痛感教师和教材的重要性,向文部省提出了三项提案:1.将日本传统音乐和西洋音乐互为融合进行新教材的创作;2.认识音乐教育的重要性,积极培养音乐教育人才;3.在各类学校实施规定的音乐教育。该案得到文部省的关注和全力支持,并于明治十二(1879)年创立音乐研究所,伊泽修二任所长。其随即开始调查国内外的音乐状况,并于1880年聘请了第一位外籍音乐教师梅逊(L W Mason)在东京男子师范学校附属小学和东京女子师范学校附属小学进行唱歌教学,这也是日本最早的唱歌教学。明治十三年九月他又开展了对音乐教师的培养工作,在全国召募了22名音乐传习生进行培训,开启了音乐师资培养的先河。二战之前的日本初高中音乐教师的培养均由该所承担。第三项工作是把传统音乐为中心的东洋音乐翻译为五线谱,并进行两者间的比较,由此证明东西方音乐的相同性,同时设立了田中正平邦乐研究所,记录了大约300首以五线谱为记谱法的日本传统音乐③,为五线谱的推广与教学奠定了良好的基础。但不容忽视的是最初在渗入西洋音乐时,日本人是不习惯和排斥的。当时很少有人进入演奏厅去欣赏西洋音乐会,而传统音乐如歌舞伎、能乐等则大量充斥着文化市场。这反映了日本人对西洋音乐最初接受时的态度④。但从明治二十三年开始,出现了鉴赏意识的萌芽。鉴赏教育是日本音乐教育中迟到的春天,日本人意识到了世界上存在着美妙的西洋音乐,应该用心耳去倾听。这些观念的转变归功于收音机的普及、吹奏乐的大众化(如日比谷的公园奏乐)以及西洋音乐鉴赏的启蒙书《音乐通解》的出版等,它们为西洋音乐的大众化作出了巨大贡献。 二、成长阶段:1886年至二战结束 在日本政府大力的财务支援下,日本人对西洋音乐创作的需求日益增多,他们惊讶于西洋的交响曲、歌剧、钢琴和小提琴等音乐表现形式。1903年,东京音乐学校上演了格鲁克的歌剧《奥菲欧与尤丽迪茜》,社会思潮开始以崇尚西洋音乐为荣,日本逐渐走向了全盘西化。此时的高等音乐教育也在西洋音乐为中心的主导下发展,在音乐教育思想、教育理论上也全方位地呈现了西方化的倾向。 1898年,东京大学外聘了德国人豪斯库涅齐讲授教育学,把福禄贝尔的教育学理论带到了日本,并指出该教育学理论同样适用于音乐教育学,从此教育学理论在日本盛行⑤。日本在教育思想上受到了西方先进教学方法和教育思想的影响,除了有福禄贝尔的教育学理论,裴斯太洛齐的教育学理论也慢慢得到了传播。到了明治中期,赫尔巴特的教育理论⑥又再一次在日本教育界引起了轰动。 明治二十年,以外国教师为中心的东京音乐学校,在曾经留学德国的第二任校长村冈范为驰的带领下,改前任伊泽修二提倡的美国高等教育体系为德国式的高等教育体系。德国高等教育长期以来受到威廉•洪堡的教育思想的影响,提倡大学的本质是“客观的学问和主观的教养相结合”⑦,即通过学习知识来获得教养。继村冈校长之后的乘杉嘉寿校长彻底地贯彻威廉•洪堡的思想体系,在其著作《社会教育之研究》中阐述了教育的民主和教育的机会均等是每个人应得到的权利,每个日本人都应该获得知识,从而扩大了平民学习音乐的权利,拥有了提高自身音乐教养的机会。具体措施除了在学生中加强学校音乐教育和家庭音乐教育之外,加强社会普通人群的音乐知识和道德修养,这些思想的产生和贯彻对日本高等音乐教育界起到了举足轻重的作用。 威廉•洪堡的另一观点是提倡“孤独和自治”,也就是追求最高形式-纯粹的知识,这可以在东京音乐学院师范部的课程设置变迁中得到证实。明治二十(1887)年的科目中开设了声乐、器乐、音乐理论、音乐史、体操,除此之外的教养课程涉及到了伦理、文学、教育、英语。明治三十三(1900)年,除教养课程,在声乐、器乐、音乐史等基本课程之外,还增设了唱歌、乐理、和声、体操、唱歌教学法等。这是因为当时学堂乐歌的出现,对唱歌的演唱技巧和音乐理论知识提出了更高的要求。大正十二(1923)年的课程设置又加大了音乐专业化的力度,除上述设置的科目外,还增添了音乐通论、音乐教授法,还可选修音响学。到了昭和十七年(1942年)又增设了指挥法、音声学。由此可见,威廉•洪堡的“追求最高形式的纯粹的知识”的理念在加强音乐的专业性方面得到了验证。值得关注的是从1900年开始文学这门课程从此删去,但仍旧保留着英语、伦理、教育、体操。令现代人质疑的是非音乐专业的体操课程缘何在音乐专业中频频再现而从不忽略?原因在于师范生要求一律住宿,应向士兵一样服从集体的领导,要求培养集体观念来获得集体协作的能力,而这些课程的保留与“脱亚入欧”及国粹主义的师范教育的思想观点有关。该时期音乐教育的最大特点是“国家主义”,即国家利益至上。由于受到这些思潮的影响,音乐教育开始偏离本来的方向,成为国家主义的音乐教育。东京高等女子师范学校(现茶水女子大学)教授小松耕辅曾戏言:“虽然音乐教育目标仍是德性的涵养和情操教育,但音乐中添加了国防的使命,培养灵敏的听觉是为了能够正确知道飞机和潜水艇的动静,能辨明机器的故障。” 西洋音乐的大量普及是从大正时期开始的。1925年,从东京放送局开始到日本放送协会,音乐会的节目单上往往以西洋音乐为主。从1926年7月开始一共12回的西洋音乐史讲座由音乐家山田耕i、堀内敬三、野村光一主讲,西洋音乐从此变得更深入人心。在教材选择方面,有10家出版社对教科书作出检定,每个学校可以选择通过检定的任何一种作为本校的教材,教材内容仍以西洋音乐为主。 三、发展阶段:从战后到20世纪70年代末 二战的失败,日本接受了《波茨坦宣言》,这既是日本历史的转折点,也是高等教育的转折点。这一时期日本人试图建立一个和平民主的、具有丰富内涵和蕴藏丰富文化底蕴的国家。从1947年3月制定的《教育基本法》第一条阐述了“教育的目的在于培养个性全面发展、身心健全及热爱真理和正义、富有高度责任感、具有独立精神社会的建设者。”⑧从中显示出了要注重社会民主和教育民主,发扬独立精神的愿望。 1946年,美国赴日教育使团提出的报告书为日本高等教育的发展提出了具体的发展规划。报告指出:必须清除军国主义的影响,打破帝国主义大学的特权,平民也能享有接受高等教育的权利,模仿美国开放性教师教育制度,实行美国式教育的民主化。具体体现在:废除1872年以来的师范教育制度,实行新的教师教育制度,即师资培养只在大学进行,但必须修满《教育职员许可法》⑨规定的总分,方能获得教师证。由于高等音乐教育深受该政策的影响,教育目标较前有所改变,提倡现代的高等音乐教育应导向“人性的回复”;“用美来丰富生活,在生活中感受美,创造美”等,并要求这些目标应由师生共同完成。同时在教学内容上模仿美国各大州的“学习课程”,体现为:1.重视民族音乐学,并把它作为研究生调查研究的课题。选题涉及世界各民族的民间音乐,在各大音乐院校被认为是学术性很强的一门学科。一些大学还由此形成研究该领域的特色。如小泉文夫在东京艺术学院开设了以研究世界民族音乐为中心的研究性讲座,发表过《日本传统音乐的研究方法论和基础》、《日本传统音乐的研究1》、《世界的民族音乐――民族音乐的说明》(第1集)、《新义真言声明集成乐谱篇第1卷》、《童谣的研究》、《东欧的民族音乐》等论文和著作,其研究领域涉及世界各地区的民族音乐,跨度之大令人折服。又如广岛大学由于增山贤智教授对亚洲文化的关心,形成了研究中国民族音乐的中心等。这一时期的民族音乐学继续向多样化发展,在高等音乐教育中如何区分音乐的民族性和时代性也就成了最基本的目标。2.作曲方面:战后的日本从1958年接受作品的委约起,音乐状况呈多极化发展。表现为:a.战前的诗歌界和音乐界有着紧密的联系,然而,战后的前卫诗界和战后的前卫音乐界却变得疏远。作曲家们的技法中少了诗歌的成分,体现为有了鲜明的音乐感觉后再去寻找语言的技法,其实也就无视了语言的内容,从此诗的语言解体。⑩b.邦乐和西洋音乐之间的藩篱已经被拆除,但日本并没有照搬西洋音乐体系的写法,而是根据自己的传统音乐背景总结出适合自己的乐调理论进行创作,同时不失时机地把西方音乐的技法引入邦乐。作曲家突出了个人特征,着重分析音乐的曲式和关注作品的特征。诸井三郎是这一时期的领军人物,其创作领域涉及交响曲、协奏曲、室内乐、钢琴曲和声乐曲。他是一位用西方素材和民间风格创作的作曲家,也是一位杰出的音乐教育家。他从对音乐美的把握和从国民学校教育开始谈自己的音乐教育观,认为师范音乐教育是艺术家的教育,是一种体系化的音乐教育。他为广大音乐专业师生写的《音乐和思想》,《音乐教育论》,《新音乐科的指导方法》等著作为建立高等音乐教育的思想体系打下基础。3.从鉴赏的角度出发进行高等音乐教育。草川宣雄在1936年的《音乐鉴赏教育论》中指出:音乐教育的目标不仅是要关注节奏-旋律-和声以及音乐的各要素,重要的是能够用心唱歌,用心和耳去听音乐。音乐鉴赏教育不仅需要学习歌曲教授方法和对音乐史的学习,重要的是涉及到教育者的人格和被教育者的人格培养以及教育者和被教育者之间存在的相互间美的感化的影响问题,并且作为结局与教育者的人格和知识、技术密切相关。他提出作为音乐专业的学生在听完音乐作品之后,要学会具备对音乐批评的能力,即对音乐要有判断力。4.在教材的选择上,允许在通用教材的基础上自由选择教材,旨在让更多的作曲家编写更多优秀的音乐教材,用更广泛的视野去探求音乐素材,努力让器乐曲教材化,在“地球村”中寻找日本音乐,促进国际间的交流。5.1948年开始,日本进行高等教育改革,第一大举措即取消原有的帝国大学,废除大学预科制度,本科由3年制改为4年制{11},其中改革力度较大的是国立大学。例如广岛大学是1949年5月31日,根据《日本国立学校设置法》,包括旧制的广岛文理科大学、广岛高等学校、广岛工业专门学校、广岛高等师范学校等9所学校在内合并而成的一所新型国立大学,当时下设文、教育、政经、理、工、水产6个学部(系),以及附属图书馆、理论物理学研究所、教育学部附属小学、中学、高中、幼儿园等机构。因此,广岛大学的前身以高等师范教育为主的传统得以沿袭,今天在全日本仍首屈一指。第二大改革措施是增设教养学部,这在高等艺术院校也不例外。1947年制定的《大学基准》中对课程设置提出了明确的规定:在社会科学、人文科学和自然科学这3类课程中加入教养课目的开设,涉及的具体课程有:哲学、伦理、宗教、文学、社会学、人类学、心理学、教育学、经济学等,要求在每一类中各选3门以上科目加以选修,毕业时须履修10门以上的教养课程(其中包括一门外语)和15门以上的专门课程,并要求在四年内修完规定的120个学分才能授予学士学位,学分的计算方法由各大学自行设定{12}。紧接着在1963年制定的《国立学校设置法》中规定,国立大学可以设置各学部共同的教养教育机构-教养部,教养部的成立使“二二分段”模式从组织上完全固定下来,即本科的前两年学习基础课程和教养课程,后两年进入专业课程学习阶段。例如声乐和钢琴课程在大一和大二是必修课,但为了加强专业性,大三和大四仍开设,在进度和深度上有大幅度提高。 高等音乐教育论文:对高等教育音乐教育专业自学考试实践环节的思考 自1981年国家建立高等教育自学考试制度以来,已为社会培养了大批合格人才。在众多专业中,音乐教育专业设立较晚,普遍的省份都是进入新千年之后开设的,如福建省在2000年6月开办了福建省高等教育自学考试音乐教育(独立本科段),浙江省在2003年9月新增了高等教育自学考试音乐教育(专科、本科)专业。自学考试科目的考核形式通常分为两种类型:一是理论课,学生以闭卷笔答形式参加全国统一考试,以获得相应的学分;二是实践环节的考核,是对应考者的基本技能及运用所学知识分析和解决实际问题能力的考核,一般有:实验、实习、技能操作、课程设计、毕业论文(设计、综合考试)和其他专门技能等,形式主要有笔试、口试、答辩和实际操作等。相比普通高等教育在校学生,自考学生是以个人自学为基础,实践环节的诸多过程和步骤会受到各方面环境条件的制约,因此如何保证实践环节的质量是关系自学考试能否培养合格人才的重要因素。笔者以音乐教育专业为例对自学考试实践环节进行分析探讨。 一、实践环节考核在高等教育自学考试中的必要性与重要性 1.实践环节考核的必要性 人们学习知识或者采取亲身体验的方式,或者间接从书本获取。课程中的实践内容是培养学生操作、动手能力,将间接经验化为自身体验的重要途径。随着社会的快速发展,对人才的需求是既懂理论,又具备实践操作运用能力的综合型、复合型人才,光说不练,高分低能的人终将为社会所淘汰。参加高等教育自学考试的部分考生是在工作中觉得自己各方面有待提高而参加考试的,因此,考生并非仅为获得学历文凭,更重要的是增强自己各方面的能力。知识转化成能力需要实践的过程,自学考试实践环节考核的设置使学生在学习书本知识的同时,能很好地和实践联系,这为人才质量的提高提供了有力的保障,也是非常必要的。 2.实践环节考核的重要性 在高等教育自学考试的发展过程中,实践环节考核也同步发展,并成为自学考试中的重要内容之一,许多专业中都有一定比例的实践环节教学内容。作为高等教育重要组成部分的自学考试,只有不断完善实践环节考核,才能更好地承担培养高素质人才的高等教育的有益补充。根据原国家教委制定的《高等教育自学考试实践性环节考核管理试行办法》的规定,对自学考试实践环节的考核目标、考核内容、考核要求、考籍管理等进行了明确的要求。课程目标的实现与否关系到人才培养目标的实现,理论知识的考核和实践环节的考核是 一不可的,因此,自学考试实践环节考核是实现课程目标的重要步骤。 二、音乐教育专业自学考试实践环节的特殊性 音乐教育是以音乐艺术的独特形式来实现美的教育,因此,不仅具备美育的诸多特征也有音乐艺术自身的特点。音乐是音响的艺术,它以声音为物质材料,通过旋律的起伏、和声的张弛、音色的变化表达人的情感。在格式塔心理学派的观点中,因张弛变化的音响形式与生命运动产生异质同构效应,能表达人的瞬息万变的情感状态。以音乐存在的方式而言,它又属于时间的艺术,在时间的变化起伏中,直至最后才呈示出音乐的完整形象。在音乐实践中有三个环节:创作、表演和欣赏,三者缺一不可,但二度创作――表演则是将作曲家创作出的乐谱进行演唱、演奏从而对欣赏者产生影响,因此,音乐又被喻为表演的艺术。上述种种音乐的特质决定了音乐教育专业中的诸多课程相较别的学科教育专业而言有更多的实践操作特质。 曾有研究者做过统计,同样是教育类专业,实践环节课程数量差别很大,多的达到6门,少的仅有1门。实践考核课程在所有考试科目中占的比例有很大差距,多的可达到37.5%,少的才只有5.88%。①我们以2006年1月出版的浙江省高等教育自学考试办公室编的《浙江省高等教育自学考试――考生必读》中大专的音乐教育专业②设置的课程为例(见上表)。 从表中可看出,总计十六门课程分为三大类:一是公共课(序号1―4),共计12学分,占总学分的16.7%;二是教育类课程(序号13―15),共计12学分,占总学分的16.7%;三是专业课程(序号5―12),共计48学分,占总学分的66.6%,其中实践环节课程学分25,占总学分的34.7%,占专业课程学分的52.1%;还有一类实践环节即为教育实习。若直接从课程的门数上看,实践类课程有5门,占了计学分门数15门课程的三分之一。34.7%和52.1%这两个数据说明音乐教育专业自学考试实践环节的比重占整个考试科目的比例较大,若不能很好地解决自学考试专业教学的特殊性与保证实践环节考核的有效性,则通过音乐教育专业自学考试获得文凭的学生的能力水平岌岌可危,势必影响学生的质量,不利于自学考试的社会信誉。 三、实践环节教学与考核模式 鉴于音乐教育专业对实践环节具有较高的要求,为确保人才培养的标准和质量,需要强化专业实践技能和教育教学技能的培训。目前,自学考试办学模式主要有三种形式:一是全日制助学班;二是业余形式的助学班;三是完全靠自学。以前表中所示包含实践内容的5门课程视唱练耳、声乐、键盘与和声(一)、钢琴、合唱与指挥基础为例,我们将分析课程的特点结合三种办学形式建构相应的教学与考核模式。 1.实践环节教学模式 (1)完全形式的实践课程 视唱练耳、声乐、钢琴三门课程是完全形式的实践课程,即从课程目标、内容、考核要求都需要学生以音乐能力展示。理论课的学习考核,通常是掌握知识点,运用知识分析、解决问题,而这三门课程需要学生在学习过程中就能够掌握各种相关的技能,以演唱、演奏形式将音乐表现出来,以检验学生的学习效果和能力水平。如视唱练耳考察学生的音准感、节奏感、音乐记忆力、音乐理解与表现力、识谱能力等音乐综合素质。声乐则是对学生演唱基本技能和专业基本实践能力的考核,内容包括歌唱语言、歌唱基本形态、歌唱情感表现、音准、节奏等。而钢琴的考核目的是了解学生演奏钢琴的能力,要求学生演奏一定难度水平的作品,节奏、读谱准确,背谱并较好地把握音乐作品风格。根据上述三门课程的具体特点及要求,完全靠自学对学生正确地理解和掌握相关的理论和技能不是非常行之有效的方法,因此,在条件允许的情况之下,以全日制的助学班为主,业余形式的助学班为辅,具体形式上可采用集中式和分散式的教学模式。 集中式是课程的全部内容在规定时间和指定的地点内完成。一般而言是由主考单位提供课程学习所需场所和相关设备,并指定相关教师指导完成。学生根据教学大纲的要求,依照老师的时间安排,学习指定的内容经过练习得以掌握,其优点就是便于教师指导,学生有疑问也能很快得到老师的帮助。这样的方式比较适合于全日制的助学班。 分散式是在规定的时间,从学生各自的条件、环境出发,自主选择学习场所和设备,主考单位选派指导教师,根据教学大纲,给每个学生一定的学习指导,并通过网络、邮件等形式进行学习过程中的答疑。此种方式比较适合业余助学班,对于在家自学的学生,若本身具备一定的基础,自学过程中有问题产生,也可通过主考单位的相关资源,得到一定的学习辅导和帮助。为了便于这两种方式自考的学生,主考单位可以组织相关力量,进行一些辅助学习材料的开发,如课程学习包,包括一些学习进度安排、规划,一些课程教学CD、VCD、DVD等音像制品的课件等等。 (2)理论与实践兼而有之的课程 键盘与和声和合唱与指挥基础这两门课程是兼具理论与实践的课程,其主要特征是综合性的专业技能课,技能的学习掌握和运用与该学科领域的理论知识相辅相成。如键盘与和声这门课程的考核目的就是考查学生是否了解和掌握和声学与钢琴伴奏的基本知识和技能,是否能应用所学的知识和技能为歌曲、乐曲进行简单而有效的和声写作与钢琴即兴伴奏。这门课程其知识前后联系密切、自成体系,内容环环相扣,技能实践需要建立在扎实的理论基础之上,理论的学习深化也需落实在具体作品中反复实践运用。合唱与指挥基础课程要求学生对基本图式为2/4、3/4、3/8等单拍子的歌曲进行指挥,具体应做到图式准确,手势清楚,节奏正确,线条含意明确,起拍、收尾精确,指挥诠释作品正确,有一定表现力。根据这两门课程的特点,业余形式的助学班和自学为主的学生以分散式的教学模式为主,而全日制的助学班学生以集中式为主,在此基础上又可以采用随课式、阶段式、独立式相结合的模式。 随课式是在课程的理论内容讲授到一定的阶段,根据课程的内容所涉及的部分随课进行实践。如在键盘与和声课程中,在掌握了原位的I、IV、V级三和弦的连接后即可对某个作品进行即兴伴奏的练习,对三种和弦的组合形式及其连接的声部进行在实际作品中加以实践运用。这样学生可以将理论的学习和实践充分地联系,提高学习的效率,加快知识和能力之间的转换。 阶段式是指一门课程的理论教学部分完成后,再集中一段时间进行实践操作。如合唱与指挥基础课程中,将一首作品的基本图式、手势、节奏、线条、起拍、收尾、力度、速度及其各种表情记号等都分别讲解练习后,进一步将其整合,要求完整有表现力的指挥,经过若干首曲子的实践,每首曲子既有一定的针对性,学生又能掌握各种拍子类型的作品,并能积累基本知识和基本技能在不同风格类型作品中的实践运用。 独立式是将实践环节从整个课程中独立出来,完全的实践课程诸如视唱练耳、声乐、钢琴是独立式的,理论与实践兼备的课程可以将理论部分单独开设,学生完成理论部分内容后再进入实践内容的学习。其优点是可以使学生更明确学习任务,也便于相关部门安排设备、设施的统筹运用,使学生的实践练习量达到最大化。 2.实践环节考核模式 自学考试的考核包括理论考试和实践环节考核两个部分,相较于日臻成熟和完善的理论笔试,无论是组织、管理与实施还是标准和评价的设置,实践环节考核的发展相对滞后。在自考的笔试考试中,每年有四次考试机会,分别是1月、4月、7月、10月,相对应的报名时间则分别是12月、9月、6月、3月。实践环节的考核一般由各个主考学校单独组织,在时间上就存在一定的差异性,因学校正常教学等缘由,一般学校一年就组织一次实践环节考核,并且各个不同的专业方向也不易统一组织管理,这样就造成了学生的考试机会不多,且信息渠道不畅等因素会造成学生不能及时报名参加实践环节考核。众多学校的实践环节考核一般是每年的5―7月份,前例音乐教育专科的实践考核是在7月份。在上述五门课程的实践考核大纲中,考核方式普遍单一。视唱练耳的考核方法是通过笔试与现场演唱的考核方式进行;声乐的考核方式是个人单独现场演唱,老师现场评分;钢琴考核方式是现场演奏,老师根据要求和标准现场评分;键盘与和声的实践环节考核则是给出考核曲目范围,要求学生能较熟练地运用所学知识和技能,按规定和要求,对以上曲目进行即兴伴奏,并且要求完整。现场抽一首歌曲进行即兴伴奏,通过现场弹奏的考核方法即兴考试;合唱与指挥基础是采用由主考老师从参考书中抽一首合唱作品,应考者现场指挥。课程的考核模式和普通高校在校生的考核模式趋同,并没有很好体现自学考试的特点。另外在打分评价上,现场计分的记录方式也较为落后。 针对上述种种情况,首先在实践环节考核时间上可以适当增加次数,并且和理论考试在同一个时间段,既有利于学生的统筹安排,又可以和理论考试一同报名,便于组织管理。一般选择1月和7月两个时间段比较可行,各个学校都已经进入学期末的工作,在教师人员、场所、设备设施等方面都较容易协调、落实。其次,在形式和手段上,随着网络的普及,电脑设施及视频软件的广泛开发,可以采取学生自制演唱、演奏录像,作为评价之一,制定一个统一规范的评分标准体系,若学生在优秀以上,则必须现场考核以确认其水平,避免评价上的较大误差。这样既可以方便操作,不需要所有参与评价的教师有统一的时间,又可尽量避免教师的主观评判及相互影响,利于把好实践考核的质量关,学生的准备周期也可以自行安排,真正体现自学考试的个人自主性。 此外,如同前表中所示,还有一类实践环节考核内容是教育实习。对于音乐教育专业自学考试的教育实习管理,除了全日制的助学班的形式可以预先计划,统一安排,另两种形式都有一定的随机性,且由于考生生源地的不同,各地的教育情况差异性也较大。长期有效的方式是建立实习基地,在若干地区设立几所学校作为自考学生的实习学校,这样便于业余性质的助学班和自学为主的两类学生的教育实习实践落实。 实践环节教学考核质量的提高是自学考试人才质量培养的重要保证,而针对社会各层的自学考试的稳步发展对我国高等教育的整体发展将大有裨益,同时也是在终身学习社会背景下的必然趋势。 鲍颖 浙江师范大学音乐学院讲师 高等音乐教育论文:对当前我国高等音乐教育的思考 [摘要]文章在论及音乐类遗产保护进,深入探讨了其内在载体――高等音乐教育所面临的问题:一、相关教材的滞后性、不合理性;二、师资力量匮乏;三、专业物质文化遗产保护人才培养的向近空白。并且对上述问题题出了一些建议和方法,以期抛砖引玉。 [关键词]高等音乐教育 非物质文化遗产 保护 思考 由我国国务院批准、文化部确定的第一批部级非物质文化遗产名录的公布,对传承和发扬我国传统民间文艺起到了积极的推动作用。特别对一大批在民间即将消亡的文化遗产来说,更是提醒今人必须对其加大保护和拯救的力度,使其艺术之树常青。 在这次公布的共518项非物质文化遗产中,民间音乐类遗产占72项。这些遗产广泛分布在全国各个地区、民族之中,因此,对全国各地的高等音乐院校(系)来说,这不仅是自身教学的一个契机,更是一次教学改革的基点。著名音乐学家樊祖荫教授在谈及学校在保护非物质文化遗产事业中的作用时指出:“学校应在传承民族语言、传承民间艺术和培养专业人才三个方面发挥不可或缺和替代的重要作用。”然而,在非物质文化遗产特别是民间音乐类文化遗产保护这一大背景下,我国的高等音乐教育现状还是存在一些可圈可点的问题的。这些问题的存在和遗产保护工作的迫切性之间形成了日渐严重的矛盾,阻滞着遗产保护工作的进程,不可忽视。 相关教材的滞后性、不合理性 著名教育家叶圣陶先生早在几十年前指出:“教材无非是个例子”。也就是说教材即教学内容,它是教学得以展开的必要成份,是教师指导学生学习的一切教学材料。目前,我国高等音乐院校(系)中所使用的关于民族民间音乐的教材无非是《民族民间音乐概论》之类。笔者翻阅了现行使用较广的多个版本的此类教材,其绝大多数按照民间歌曲、民间歌舞、曲艺音乐、戏曲音乐、民族器乐这五大类来编写。但是,由于这些教材都是在我国第一批部级非物质文化遗产名录公布之前编写的,因此只是涉及到了其中一些音乐遗产,而不够全面,寥寥几笔,一笔带过:而且很多音乐遗产根本没有提及,如藏族拉伊、梁平癞子锣鼓、当涂民歌等。学生在这样的教材指导下,不仅会造成其音乐视野狭窄、音乐知识匮乏的后果,更为重要的是在心理上,学生树立不起保护音乐类非物质文化遗产的意识。虽然今天的学生们不会人人都是栋梁之材,但是不敢否认他们会是我国将来音乐事业的中流砥柱。因此,必须尽快组织有关专家、学者编写出与音乐类遗产保护工作相配合的民族民间音乐教材,重点而全面地描述72项音乐类遗产,必要时可以单列一章或一篇介绍。 师资力量匮乏 众所周知,每一门课程必是由专业教师授课,这样,才能在专业上确保教学质量。然而,在当下许多音乐院校中民族民间课程教师却非常缺乏,在有些地方音乐系科中,还存在着民族民间音乐课程由其它专业教师代替的现象,可以是中国音乐专业教师,或是民乐专业教师。这一现象反映出一些高校对民族民间音乐认识上的不足和忽视。在保护音乐类非物质文化遗产道路上,这种认识将是我们在专业技能方面的拦路虎。而与这种专业知识严重错位、师资缺乏现象形成对比的是:几乎在每所音乐院系的所处地或周边地区,都存在着至少一种音乐遗产。如处于安徽省的巢湖民歌、当涂民歌:处于甘肃省的花儿和裕固族民歌:四川的川江号子。因此,当地的音乐院系就可以针对师资力量缺乏的问题,发挥地域优势,充分利用这些丰富的教学资源。具体做法可有以下两种:一是定期聘请当地的名艺人或名歌手到学校演奏、演唱,并且为学生进行关于当地音乐遗产的教学讲座。二是定期组织师生进行实地考察、采风。采用录像、录音、摄影、笔录等方式采集当地音乐遗产的第一手资料,把其作为教学的第二课堂和教育实习基地。这种身临其境的教学方法不仅大大提高了教学质量,而且重要的是,在保护非物质文化遗产的工作中,其比较于编撰音乐类志书集成的静态保护方法,这种实地考察(录像、录音)的活态保护方法更加应该得到推崇和发扬。 专业遗产保护人才培养的几近空白 众所周知,包括音乐类遗产在内的许多非物质文化遗产已到了濒危的地步。因此,抢救和保护遗产工作已是迫在眉睫。要保护,就必须有专业性的人才队伍,而在当前我国音乐教育体系中却很难发现相关的专业教育。1984年。由中国文化部、国家民委、中国文联一起组织发起的中国民族民间文艺集成志书的编撰工程距今已二十多年了。虽然在理论水平和实际工作经验上,这一工程都培养了一大批民族民间文艺骨干人才。但是,当年的这些人才却已是黑发变白发,有些人已经逝世。而我们遗产保护工作才刚刚起步,任重道远。因此,培养和如何培养专业遗产保护人才问题就必须提到议事日程上,以解决上述严重矛盾。 笔者以为,遗产保护人才的培养至少在两个层面上得到落实。一是彻底消除音乐教育中的重西轻东现象。这不仅是理论探讨上的呼吁,更是实际保护的需要。我国民间传统音乐理论与西方传统音乐理论是截然不同的,用西方理论也是解释不清的。大文豪伏尔泰曾说过:“从写作的风格上来认出一个意大利人,一个法国人,一个美国人或西班牙人。”套用到音乐方面,我们有什么可以让人看出我们是“黄皮肤的”?这必然会给遗产保护工作带来困难。因此,遗产保护人才还必须用我国民族音乐理论来武装自己。二是,遗产保护人才还必须学习掌握民俗学、礼仪学、地理学等相关知识。许多传统音乐与民间礼俗、仪式相关相联而合为一体,离开其一的研究、保护,都是对这一共同语境的错误认识,对保护工作极为不利:而传统民族音乐又广泛分布于我国的大江南北,地域状况极为不同,以地理学作为保护工作的坐标,也未尝不是遗产保护工作的新方法、新视野。 结语 非物质文化遗产保护工程利在当代,功在千秋。作为遗产保护和传承的重要载体之一。包括高等音乐教育在内的高等教育理所当然应该肩负起不可推却的责任。而其在非物质文化遗产保护工作面前暴露出的问题,教育主管部门更应该尽快解决和落实,以期形成保护有法,传承有法,发展有法的非物质文化遗产保护机制。 高等音乐教育论文:高等师范音乐教育改革与基础音乐教育适应性研究 [摘要]21世纪,我国教育与国际教育全面接轨,随着新课程改革的深入贯彻实施,基础音乐教育越来越受到重视,同时也对中小学音乐教师提出了更高的要求。高师音乐教育作为国民音乐教育的重要组成部分,作为培养中小学音乐教师的摇篮,更应该配合基础教育的发展,对课程安设置、实习模式、招生制度作出相应更新,对学生的综合素质培养加以重视。这样才能培养出适应时代要求的新型音乐教师,从而更好的为基础音乐教育服务。 [关键词]高等师范音乐教育 基础音乐教育 师范素质 适应性 随着新课程标准的进一步实施,音乐教育成为国民教育的重点,高师音乐教育作为国民音乐教育的重要组成部分,承担着为基础音乐教育培养、输送人才的艰巨任务,其主要培养目标是中、小学音乐教师。由于高师音乐教育有其特殊的目的与要求,应该采取多种方法未引导学生正确认识和掌握知识,因此,在教育改革的大潮中,如何不断调整高师音乐教育思路,培养适应时代要求的新型音乐教师,从而更好的开展中小学音乐教育,成为高师音乐专业院校的重中之重。 一、基础音乐教育的快速发展呼唤高师音乐教育改革 音乐课程标准推广和实施以来,今天的基础音乐教育和以往相比发生着翻天覆地的变化:教育观念的革新、教师在课堂中角色的变化、课堂教学的组织形式的变化、学生学习方式的多样化、多媒体课件的使用等等,这些都为基础音乐教育带来了新生机和活力。而作为培养基础音乐教育师资力量的高师音乐教育专业,虽然也采取了一些措施,进行了相应改革,但它的改革远远落后于基础音乐教育发展的速度。 近年来,随着高校不断扩招,生源数量不断上升,但整体素质呈下降趋势。为了能走“捷径”而考上大学,临时改“专业”的学生大有人在,考上大学后因不是真正喜爱音乐也不是真正喜爱教育而荒废学业者比比皆是。这些学生,有些毕业时面临着又一次改“专业”,有些则进入学校担任音乐教学工作。试问?这些毕业生,如何能胜任教学工作? 另外,从近几年走上教育工作岗位的高师音乐专业毕业生的调查及反馈意见看,刚毕业的音乐专业大学生能完全胜任教学工作的寥寥无几,在大学里所学的知识似乎无用武之地。由于原来在高师院校学的大专一,所以无法胜任中小学多元化的音乐教学和丰富多彩的课外活动。现在,高师类院校大部分仍沿用入学时就分好专业的做法,这在很大程度上限制了学生全方位发展,结果形成知识体系纵向发达、横向萎缩的状态。这是因为高师音乐教育专业课程设置比例失调,培养目标不够明确,造成学生知识结构不完善。所以,改革高师音乐教育,培养优秀基础音乐教育人才迫在眉睫。 二、基础音乐教育的快速发展对高师音乐教育提出的要求 随着新课程改革的深入贯彻实施,基础音乐教育快速发展,这不仅对教师本身提出了更高要求,同时也是对高师音乐教育提出了更高要求。高师音乐教育专业作为基础音乐教育师资培养的主要渠道,它的培养质量影响到中小学音乐教师素养的最初建构。然而反思我国目前的高师音乐教育,一个重要的问题是,高师音乐教育的课程设置、教材内容以及教育实习方面并未体现基础教育改革对中小学教师的要求。改革高师课程的结构、内容等,使高师学生具有创新精神与实践能力,能够适应并指导基础音乐教育课程改革,能够胜任快速发展的基础音乐教育形势。 (一)建立有利于基础音乐教育师资培养的课程体系 高师音乐教育专业是以培养基础音乐教育师资为目的,因此,高师音乐教育专业的课程设置应该以基础音乐教育对教师的最基本要求为准则。基础音乐教育需要的是专业好、能力强、多面手型的教师。一位毕业生在实习的过程中,学校组织合唱比赛,她负责给初二年级的学生排练合唱,不仅要让学生学会歌曲,还要担任指挥:当作品成形后,学生们要求往合唱中加上一些舞蹈动作,可见,在学生的眼中,音乐老师是全能的!所以,培养“一专多能”型教师应该成为高师音乐教育专业课程设置所要考虑的重要因素。既要突出专业性,又要考虑到对学生综合能力的培养。 声乐、钢琴课是高师音乐教育专业学生的必修课,也是进行基础音乐教育所要掌握的最基本也是最终要的两门技能。可是,高师音乐教育专业的学生在这两门最为基本的技能方面能力也是很差。会唱不会教、甚至连自己也不明白正确的声音概念:即兴伴奏能力差是目前高师音乐教育专业学生存在的普遍问题。而且,偏科现象较为严重,自认为是声乐专业,对钢琴学习不重视。反之亦然。导致走进课堂手忙脚乱,更别提应付自如了。 基础音乐教育是一门综合性很强的学科,教师除了要掌握声乐演唱、钢琴演奏等基本技能外,还要掌握舞蹈、其他器乐演奏、合唱指挥等技能。这样才能使课堂教学、课外活动的组织更加完善、更加丰富多彩。所以,以基础音乐教育对教师歌唱能力、键盘演奏能力、课堂及课外活动组织能力的最基本要求为尺度,制定教学计划和教学目标,加强教学投入,使学生达到基础音乐教育的要求。 随着教育改革的不断深入,高师音乐学校的课程改革应站在时展的高度。重视以往的音乐教育课程体系,优化优秀课程。有创新的进行课程改革;合理调配音乐专业课程与人文课程的比例;合理调整专业课程中理论与技能的比例;强化教育类课程,增加教育课程门类时数,加强教育课程的针对性和实践性,开设跨学科课程,培养学生的综合思维和综合实践能力;拓宽基础课程,其内容涵盖人文科学、社会科学、自然科学三大领域,增强学生的人文素质;调整必修课、选修课门类,精减课程内容,通过合并、新设、优化课程设置结构,增加选修课与自修课的比重,拓宽学生的理论思维,开阔学生的音乐文化视野;调整音乐学科专业课程,将音乐表演、音乐技术、音乐学内容结合起来,构建以培养学生音乐文化素养和音乐教育素质为宗旨的综合化学科专业结构和育人环境。 依据中小学音乐新课程标准,高师音乐教育应当有与之相适应的课程,即音乐审美类课程,音乐表现类课程,音乐创造类课程,音乐与相关文化类课程,音乐教育类课程五大类课程。“以音乐审美为统领,音乐表现为载体,音乐创造、音乐文化为两翼,音乐教育为基础,形成各有侧重、互相关联、互相贯穿的课程体系。” (二)高师音乐教育专业要重视学生师范素质培养 高师音乐教育同时具有专业性和师范性两个特点,这就要求高师音乐教育专业的学生既要有技术上的追求,更要有教书育人的能力。作为音乐教师,首先是教师,然后才是音乐。因此,对高师音乐教育专业的学生来说,在一定程度上,教育教学素质甚至比专业素质更为重要。而目前的高师音乐教学情况看,对学生更多的着眼于技能的训练而忽视了教学能力的培养,过分偏重技能训 练,没有突出师范特点。造成学生即兴伴奏能力差,教学组织能力差,口语表达能力差,概括能力差等等。要彻底改变这种现象,就要求高师音乐教育专业重视对学生师范素质的培养。 “学”是知识的积累,“教”是知识的传授。高师音乐教育专业不仅要使学生掌握丰富的专业技能和理论知识,更重要的是要使学生掌握教的能力。所以,在高师音乐教学过程中,把传授知识和如何传授知识统一起来,使学生在掌握知识、技能的同时也掌握怎样传授知识、技能。 作为一名合格的音乐教师,应具备一定的课堂组织、辅导课外音乐活动的能力和创新能力。这就要求高师音乐教育专业重视学生课堂组织和管理能力的培养;重视学生教学方式方法和教学思维的培养;培养学生分析、研究教材的能力。 而对于高师音乐教育专业学生师范素质的培养,应该从培养教师的角度来进行。要成为一名称职的音乐教师,他必须热爱音乐,更热爱教育事业。具有一定的音乐专业水平和一定的音乐理论修养,更具备一套行之有效的教育教学方法和教育理论修养。这样,才能培养出符合基础教育发展需要的音乐教师,更好的为基础音乐教育服务。 (三)建立更加规范的招生制度 首先,招生时应注重对学生全面素质的考核。一般而言,音乐师范类招生在专业考试时通常是以“声乐”或“钢琴”为主,加上“基本乐理”、“视唱练耳”两门音乐理论课的总成绩按比例确定最后的专业成绩。这种方式适应了对音乐教师一专多能的要求,但是仍然不够全面,比如形体、朗诵等音乐教师应具备的专业能力却没有考核。此外,还应该适当调整文化课成绩在总成绩中的比重,让学生更加重视文化知识,提高学生文化素质,增强学生知识底蕴。 其次,严格控制招生数量,保证质量。近年来,为了完成招生计划,很多高师院校大幅度降低了“门槛”,导致学生质量下降。再加上因扩招造成的师生比例失调,大大增加了教学难度,致使教学质量难以提高。质量是生存的保障,所以,宁缺毋滥,保证招生质量是高师音乐教育专业长期生存和培养合格音乐教师的有力保障。 (四)建立更加合理的教育实习制度和模式 第一,加强实践环节管理,完善实习体制。 在我国许多师范类院校,对教育实习环节不是很重视,很多学校采用学生自主实习,而学生往往采取“欺上瞒下”的方式,蒙混过关,而学校也通常对学生的教育实习环节采取“睁一眼闭一只眼”的态度,这就使学生错过锻炼自己的机会。其实,教育实习对音乐专业学生有着重要的意义,首先,教育实习是学生认识基础音乐教育的过程。在这个过程中,学生可以接触到基础音乐教育的每一个环节。其次,教育实习是检验学生知识水平及综合能力的过程。在教学的过程中,涉及到给同学们做示范、课件制作和使用、课堂的组织和管理、课外活动的组织等等,只有专业技能过硬,综合能力强才能使教学顺利进行。再次,教育实习也是学生自身查漏补缺的过程。这一点,但凡认真参加实习的学生都深有体会。所以,对音乐专业的学生来说,教育实习是一个自我提升和自我完善的过程!高师院校要加强实习管理,使得学生能够认真的参与实习的每一个环节。使实习成为走上工作岗位的成功的第一步。 第二,调整实践时间,完善实习模式。 目前,高校的教育实多是在学生毕业前集中进行,而熟悉结束后,学生面临着就业,不能对实习中发现的问题进行有效解决。如果对实习时间进行合理分配,化整为零,把一次性实习变成多次实习,将会受到更好的效果。如:每一学年第一学期安排实习,每次时间为两个星期,并且在中、小学交替进行教育实习。这样以来,就能使得学生自进校就能清楚认识基础音乐教育现状,明确目标,把学习与基础音乐教育密切结合起来。而每一年都安排实习,不仅可以使得学生能及时解决实习中发现的问题,而且能是学生随时触摸到基础音乐教育发展的形势。 综上所述,为适应基础音乐教育的发展和基础音乐教育对中小学音乐教师的要求,高师音乐教育改革应建立有利于中小学音乐教师培养的课程体系,重视学生师范素质的培养,健全和完善招生体制和教育实习制度,使高师毕业生对基础教育课程改革具有较强的适应性。同时,应注重提升高师音乐教师的科研水平与创新能力,这是高师音乐教育改革顺利进行的关键。 高等音乐教育论文:论当前高等院校公共音乐教育的改革 [摘要]当前高校公共音乐教育存在的问题与不足主要表现为:高校对公共音乐教育重视程度不够,公共音乐教育与专业音乐教育界定不清楚,大学生对公共音乐教育缺乏全面正确的认识,改革方案为:更新高校公共音乐教育理念,充分认识高校公共音乐教育作用,完善高校公共音乐教育政策法规与机构建设,针对大学生自身特点开展高校公共音乐教育。 [关键词]高校公共音乐教育 问题 改革 高校公共音乐教育是与专业音乐教育相对应的音乐教育方式。它不以掌握专业音乐艺术技能为目的,培养的不是音乐艺术的从业者,而是音乐艺术的高水平受众:它重视学生音乐素养、音乐理念和音乐品味的陶养,是面向全体学生的大众性、普及型的音乐理论、音乐历史、音乐鉴赏的教育:其教育目标是为社会发展培养高素质的学生,提高未来社会劳动力的素质与能力,进而促进人的全面发展。 一、当前我国高校公共音乐教育存在的问题与不足 1、高校对公共音乐教育重视程度不够 据2005年对全国48所高校的调查显示,“全国还有很多高校并未开设此类课程,在已开设的高校中选修音乐的大学生人数还不到总人数的两成。”可见有些高校决策层对公共音乐教育的重要性缺乏足够的认识,往往自觉或不自觉地轻视公共音乐教育。有的院校至今还未设立公共音乐教育领导机构或管理机构,有的虽然设立了但是挂靠在别的部门下,没有自主权。甚至形同虚设,致使公共音乐教育的领导机构、管理队伍不健全,公共音乐教育难于落到实处。有的高校虽然设立了公共音乐教育课程,但“并不是根据学生的程度和需求开设的,而是根据学校师资的条件所开设的课程,”“许多的音乐选修课是由音乐学院(系)的专业教师兼职代课。”究其原因,还是观念上认为专业音乐教育与公共音乐教育区别不大,甚至认为公共音乐教育只是专业音乐教育的附属物。因此,忽略了公共音乐教育的发展,经常重此轻彼,并不能保证面向全体学生的公共音乐教育的正常开展与教学研究。除此之外,还有些高校把办艺术“校团”的出发点局限于为本校争奖项和荣誉,挤占本应用于面对全体学生的公共音乐教育的师资、场地、设备和经费,颠倒了高等学校艺术教育的普及与提高的关系,以社团活动来代替公共音乐课程。 2、公共音乐教育与专业音乐教育界定不清楚 面向音乐专业学生的专业化音乐教育和面向非音乐专业学生的公共音乐教育,是我国高校音乐教育体系中的两大主要组成部分。两者在教育对象、教育目标、培养方案、课程设置和要求等方面都不同。然而,我国目前的公共音乐教育在课程设置、教学内容、教法教材等方面缺乏专门化的教学大纲和培养方案,仍然存有专业化音乐教育的色彩和倾向。 3、大学生对公共音乐教育缺乏全面正确的认识 据2006年对大连5所高校的公共音乐教育调查结果显示,“其中。有27.5%的学生选学音乐课是为了补习中学阶段所扔掉的课程:有49.5%的学生是为了提高自身的音乐素养;还有23%的学生想学习一些音乐知识,用以方便以后工作,迎合社会潮流,应付各种场合的需要。”该调查同时显示,“学生普遍存在重实践课程,轻理论课程:重声乐课程,轻器乐课程:重流行歌曲演唱,轻声乐基本训练等现象。高校学生对音乐素质的认识在某种程度上讲存在偏差。”导致的结果是学生音乐审美能力没办法真正得到提高。 二、改革方案 1、更新高校公共音乐教育理念,充分认识高校公共音乐教育作用 高校公共音乐教育是素质教育的重要组成部分。它以音乐为媒介进行思想道德教育,其形象性、愉悦性、感染力都将大大改善思想道德教育抽象说教的形式,提高大学生的学习兴趣。在教学中学生将了解作曲家的生平、时代背景,理解多种题材、体裁、风格与形式,掌握音乐基础理论知识和演唱演奏技巧,还会接触到各个历史时期不同的文化群体及地区、民族,涉及政治、经济、历史、哲学、地理、民族学、人类学及其他艺术等领域。这些知识将拓宽大学生的视野,引导大学生认识世界多元化,培养他们对不同文化的理解、尊重与热爱,提高大学生的综合文化素养,进而促进大学生的智力开发与创新精神的培养,陶养其心智,有利于大学生心理素质健康发展。 2、完善高校公共音乐教育政策法规与机构建设 高校公共音乐教育的政策法规是高校公共艺术教育事业不可缺少的组成部分,也是完善机构建设的参照和有力保证。它使高校教育管理部门的意图,通过教育法令和规章得以全面实施,让高校公共音乐教育的进程有法可依。按章办事。 其次,学校应当设有一位校级领导主管学校的公共音乐教育工作,设置专人管理、有固定的经费投入、面向全体大学生的公共音乐教育管理机构,并制订相应的管理目标。管理机构应有相应的管理制度和办法,由负责人制订每年的活动计划。保证公共音乐教育课堂的各项实践活动常年制度化、规范化、系统化。同时,还要建立有效的评估机制,明确教育评估内容,采用网上评教、同行互评、专家督导组评价等多种方法综合评定。 3、针对大学生自身特点开展高校公共音乐教育 高校公共音乐教育针对的是普通大学生,要了解学生心理特点,培养学生的音乐审美情感,激发学生的音乐理解力、表现力和创造力。这就要求教师在公共音乐教学中进行深入、细致的分析,引导学生通过学习,初步形成分析、综合、判断的能力,对音乐作品试歌、视唱、填词、编曲二度创作,逐步形成创造音乐的能力。在选择教材或编写教材时。应考虑大学生的心理特点、知识结构,结合学生现有的文艺基础,选择具有很强的人文精神的音乐作品。同时还要立足本土文化,兼收世界各地精华,以此为立足点,扩大学生知识面,遵循循序渐进的原则,逐步提高学生的欣赏水平,让学生在学习过程中学会比较评价,进而提高他们的审美品味与审美判断力,形成自己正确的音乐价值观。
高校钢琴教学研究:高校钢琴教学实效性分析 一、探索多样化的教学形式 在教学中,不同的教学形式具有不同的优缺点,对于高校钢琴的教学,因为其本身具有很强的针对性,应该采取多种教学形式进行教学,比如单一式教学、集体教学、小组教学以及实践课程辅助教学等。把这些教学形式科学合理的运用到钢琴教学中,会起到意想不到的教学效果。总的来说,对高校钢琴教学采取多样性的教学方法,在教学中有着重大意义。 (一)有利于因材施教 高校的钢琴教学具有很强的针对性,是针对学生的以后的个体发展和音乐走向而进行的教学。同时由于音乐本身的艺术性,是一门非语义性的学科,所以,导致了学生在学习的过程当中会通过自己主观意识的加工而得到不一样的理解。所以高校钢琴的教学,因材施教就显得尤为重要。在面向高校学生的钢琴教学中,教师要针对个体学生不同的基础、兴趣以及专业素进行针对性性教学。通过这种灵活多样的教学方式,有利于学生的学习和模仿,教师对学生提出的问题也能够进行及时的解答,针对学生不同的学习层次设置不同的教学课程和授予不一样的钢琴演奏技巧,使学生的学习更有目的性。因此,在教学中,对不同学生采取不一样的教学方法,有利于因材施教,更能很好地提升高校钢琴教学的时效性。 (二)有利于学生之间的交流 在钢琴的教学过程中,根据钢琴的教学目标和学生的发展方向,教师应该适时地开展集体教学形式。在教学考试前,应对一个集体的学生把教学的难点和重点讲明白,并充分运用启发式的教学模式,积极引导学生对所学音乐的进行鉴赏,同时学习当中的钢琴演奏技巧,让学生具有独立分析钢琴作品的能力,使之成为钢琴教学的一个主要过程。集体教学中,针对学生的学习任务要有严格的要求和明确的目的,避免学生在学习的过程中做无用功。在进行学习任务的同时,同学之间可以加强相互的交流,探讨钢琴演奏的技巧,并通过对其他学生的钢琴演奏学到新的知识,找出自身的差距,取长补短,不仅增强了学生之间的情感交流,还极大地提升了钢琴教学的时效性。 (三)有利于丰富学生的演奏实践经验 高校学生的钢琴教学,归根到底是要运用到实际的演奏过程当中,同时,实际的演奏也是对学生进行检验的最好方法。在整个钢琴教学中,艺术实践是非常重要的环节,可以轻易的看出学生的不足之处。除此之外,形式多样的艺术实践方式能够大大丰富学生的出台经验,更好地培养学生的心理素质。因此,在高校钢琴的教学过程中,教师要大力促成学生参加各种艺术实践活动,或者是鼓励学生创建自己的艺术活动团体,以增强学生在钢琴演奏能力和实际的应对技巧。在学生进行艺术实践时,不管在从刚开始的练习准备阶段还是到最后的登台演出,这当中一系列的过程都会对学生的自我提升有很大的帮助,而且,当学生在进行艺术实践时,通过对本次的艺术实践进行总结,有利于学生在以后的钢琴学习中把握好自身的薄弱之处,更好了在学习中进行突破,从而提升学生钢琴教学的时效性。 二、更新教学观念,调动学生的学习兴趣 学习是一个循序渐进的过程,所以,在学习的过程中,必须要求学生始终保持激情。但是在实际的教学过程中,这一点往往是最难做到的。所以,就要求教师在进行教学的过程中要充分激发学生的学习兴趣,调动学生的学习兴趣是提高高校钢琴时效性的重要方法之一。在教学中,教师应该适时摒弃传统的教学观念,明确学生的主体地位,打破传统的“满堂灌”的教学方式和机械传播的教学过程,让学生的思维真正的活跃起来,创建一个和谐、民主的教学氛围。教师还可以针对学生的情况,设置不一样的教学方法,比如进行钢琴技巧知识的辩论,让学生积极地参与到辩论中,在教师的带领下,提升自身的综合素质和专业技能素养,从而实现高校钢琴教学时效性的提高。 三、提高中国音乐作品在钢琴教学中的比重 (一)有利于加强学生对民族音乐的了解 就高校的钢琴教学来说,应该具有中国的民族特色,所以,提高中国音乐作品在高校钢琴教学中的比重有利于学生对我国各个民族的音乐和乐器进行充分地了解,进而“学以致用,以用促学”。同时,中国的民族音乐,大多都凝聚了具有中国特色的地方乐器,具有较强的民族艺术感染力。比如在《夕阳箫鼓》这一首作品中,有很多腰鼓弹奏的模仿,对手法的要求以及技巧要求都特别高,包括手指所触摸的位置、方向、速度和力度,这些因素的不同也会产生不同的音色和音调。通过这种包含多因素的民族音乐钢琴曲的学习,能够把以前的钢琴演奏技巧和民族乐器很好的结合起来,给高校的钢琴演奏技巧教学注入了新的血液。 (二)有助于提高学生的演奏技巧 钢琴并非是起源于我国的乐器,钢琴的演奏和传播都来源于西方国家。通过西方国家长期的发展,已经形成了自己固有的一套研究思路和方法,其演奏技巧相对成熟,从一定程度上来说,利用西方的作品进行演奏应当是进行钢琴联系的最好途径,但是一味地利用西方的音乐作品进行钢琴演奏,并非适合中国高校学生的学习。比如外国的一些很多名家的乐曲,如肖邦、莫扎特等,他们的作品只是一个时期的凝结,并没有随着时间的发展而得到提升。所以,增加中国音乐对学生钢琴演奏技巧的提升较为适宜,对提高学生的演奏技巧有很大的帮助。不仅符合我国的教育现状,同时对提升高校钢琴教育的时效性也具有重大重用。 四、全面提高钢琴教师的教学素质 在提升高校钢琴教学时效性的过程中,高校钢琴教师有着举足轻重的作用。由于钢琴涉及的作品较为广泛且钢琴演奏的技巧要求较高,就要求教师要有过硬的专业教学素质和综合素养、严谨治学、品行良好,才能够更好地提升高校钢琴教学的有效性。 (一)务实的治学态度 一名合格的钢琴教师,不仅自身要有熟练的钢琴演奏技巧,而且还有具有将这些技巧传授给学生的能力,这就要求钢琴教师除了会弹奏钢琴之外,还有懂得如何治学。在教学中,要利用合适的教学方法让学生充分地掌握钢琴的演奏技巧,只有具备严谨的治学态度,才能使教与学都符合要求,才能最大限度地提高钢琴教学的时效性。 (二)提高钢琴教学目标的把握能力 在高校的钢琴教学过程中,钢琴教师必须要具备一种能力,即“把握教学目标”的能力。这需要教师在教学的过程中充分地掌握好学生的差异,根据不同的学生设定不同的教学目标。就教学目标而言,总共分为三类,即基本、中等以及高级目标。狭义上的教学目标就是钢琴教师针对学生的具体情况进行相应目标的设定,并规定学生掌握好目标之内的重点难点,充分了解所学作品的独特之处。这样才能使知识的传播更有效果。 (三)具备体态语言的表达能力 体态语言是钢琴教师所具备的基本技能之一,在教学中使用体态语言能够增强教学感染力。比如教师在教学中的一个动作,一个表情,都会赋予正在传授的知识点特殊的含义。在进行钢琴教学的时候,特别是在钢琴教学示范的过程中合理使用体态语言,能够拉近教师和学生之间的关系,促进师生之间的交流,使教学效果得到强化。 五、结语 总而言之,提高高校钢琴教学的时效性是目前高校钢琴教学中的重点,同时也是新课程改革教育的新要求和必然趋势。在教学中,需要教师立足于实际,立足于素质教育的角度,设计合适的课程,提高学生音乐素养和钢琴技巧,进一步提高高校钢琴教学的时效性。 作者:母剑云 单位:川北幼儿师范高等专科学校 高校钢琴教学研究:高校钢琴教学理论发展建议 一、我国当前高等院校钢琴教学理论的对外借鉴现状 事实上,早在20世纪80、90年代,便已经有不少音乐教育界的前辈认识到了加强高校钢琴教学理论的对外借鉴的重要性和紧迫性,并对这一问题进行了卓有成效的探索。以中国知网(CNKI)中国期刊全文数据库的检索为例,1980年至2014年上半年,以“高等院校钢琴教学”为主题的教学理论研究成果高达8167条,其中涉及国外高等院校钢琴教育教学理论研究的文献近千篇,这些研究不仅极大地丰富了我国高等院校的钢琴教育教学理论,而且为我国高等院校总体教学水平的提高和教育环境的改善创造了极为有利的条件。 二、当前对我国高校钢琴教学最具借鉴意义的三种教育理论 通常认为西方钢琴教学理论的发展历史大致可以分为三个时期:18世纪——早期键盘乐器(古钢琴和近代钢琴)的教学理论及传统弹奏法占主导地位的时期;19世纪初至20世纪初期——各派钢琴教学观点确立、并存、对抗或融合的活跃时期;20世纪初至今——钢琴教学理论作为专门学科逐步朝纵深发展的时期。笔者仅对多元智能理论、建构主义教学理论和实用主义教学理论三种应用较为广泛的钢琴教学理论做一个简单的介绍。关于多元智能理论。多元智能理论是由哈佛大学教授霍华德•加德纳最早提出并进行系统阐述的。加德纳教授在其1983年出版的著作《智力的结构:多元智能理论》中对多元智能理论进行了全面、系统的概述,在他看来,智力是一种或一组个人解决问题的能力,或制造出在一种或多种文化背景中被认为是有价值的产品的能力。在多元智能理论的教学框架之下,教师不应当单纯为了教学而教学,而是应当在保证课程教学进度的基础上,充分考虑到学生的实际状况,要采用那么能够调动学生学习积极性和创造性的教学方式和教学模式,以学生为本,帮助其形成理论学习——理解掌握——实践操作——反思并再次学习理论——再理解——再实践的良性循环,从而达到事半功倍的效果。关于建构主义教学理论。建构主义,最早产生于心理学研究的过程中,并迅速向周边领域扩展。与早期的心理学研究理论相比,建构主义格外强调学生的主体性和自主性,认为学习的重点在“学生”而不是在教师,要想切实做好教育教学工作,就必须要充分发挥学生的主观能动性。根据构建主义教学理论的观点,高校教师在进行钢琴课教学的过程中要格外注意两点:一是要切实考虑到每一个个体的实际状况,力争发挥每一名学生的自主学习能力,要多给学生传授钢琴学习和练习的技巧、方法,在确保教学进度和教学质量不变的前提下帮助学生制定符合自身发展实际的学习目标;二是不断帮助学生培养科学的自我反思和自我评价体系,引导学生自觉发现其在理论学习和钢琴实际操作中存在的问题和不足,协助其明确自己与老师、其他同学之间的差距,从而为其不断提升自身的钢琴演奏水平而不断努力!关于实用主义教学理论。实用主义教学理论,是美国当代著名教育学家约翰•杜威对教育教学理论的一大贡献。他反对传统的以学课教材为中心和脱离了实际生活的教育形式,更多的主张是把学习融入生活、让学生从实际生活中学习。教师在制定教学目标和教学任务的时候,一定要牢牢把握这个中心,实现钢琴教育为陶冶学生的情操服务、为学生感知和把握社会服务、为学生更好地融入和享受生活服务,同时加强钢琴专业的教学同其他各门学科之间的联系、特别是加强同社会属性和实践属性较强的学科的练习,只有这样,才能充分展现出钢琴这种乐器对于一个人成长与发展的巨大魅力! 三、做好高等院校的钢琴教学理论对外借鉴工作的思考 要想真正实现国外钢琴教学理论为我所用,就必须要格外注意以下两个问题:一是要理论联系实际,注重国外钢琴教学理论在我国的可操作性。我们当前对国外经验的吸收仅仅是停留在理论层面上,并未真正发挥出其应有的作用,这就提醒我们在今后的教学实践中要尽快把理论应用于实践,制定出具体可行的实施方案,从而推动钢琴教学改革的实质性进步;二是要立足本国,充分考虑到我国当前高等院校钢琴教学发展的实际。我们在进行教学理论的对外借鉴工作时,必须要立足本国,充分考虑到我国当前高等院校钢琴教学发展的实际,只有这样,才能为我国高等院校的钢琴教学注入新的活力。 作者:马云思 单位:遵义师范学院音乐与舞蹈学院 高校钢琴教学研究:高校学生钢琴教学论文 一、钢琴教学现状分析 目前,钢琴在我国青少年、尤其是幼儿至初中阶段的课外学习中占据非常大的地位。面对高考这一独木桥式的选拔人才机制,不能否认有一部分学生对艺术非常喜爱也受过系统的学习训练,但相当部分的学生都是文化课学习水平相对差,但又想进入理想的高校,甚或为了获得受高等教育的机会而选择艺术院校的学习。与其他艺术门类教学一样,对照专业要求、课程规划及教学计划等对钢琴教学而言,尚未实现标准化和示范化的体系设置,同时基本的技术练习也比较匮乏。加上当前高校钢琴教学比较侧重于规定课程、教材、内容及和其他学科一样分数至上等的评价,使得曲目大体一样且缺乏中国原创,学生机械性地完成相应课程的学习即可,根本没有对待钢琴、对待艺术应有的热情和创造力,教学质量的基础比较薄弱。钢琴教学过程中过度强调技能训练也影响了学科的发展,这和我国的考级制度不无关系,另外钢琴教学考试中虽有歌曲伴奏这一块内容,但并未成为普遍接受的考查必修项目。一方面是课程分得过细,伴奏课程一般只有一个学期,另一方面主干课程和拓展课程之间缺乏互补渗透,对培养钢琴艺术人才培养造成了极大困惑。 二、钢琴教学存在问题 钢琴教学过程中,作品赏析、乐理知识、演奏技巧、动作规范及即兴伴奏等均可选择集中授课方式,但钢琴作为个体性、个性化极为突出艺术形式,在教学实践中,学生的主体和中心地位并未得到彰显,仍然延续着与其他学科一样的教学模式———家长式、程式化教学。学生作为个体组成一个教学班,每一个学生的独特性和个性化诉求应该得到关注,传统的单一固化的教学模式使得学生的音乐禀赋及个体兴趣等未能得到更有效的挖掘和尊重,特别是面对现代数码技术和声光电等因素的涌入,钢琴教学仍然停留在传统意义上的教学形式中,各种感官对于音乐的感受和体悟无法获得更完美的展现,也将使学生失去接受更有效率的音乐享受及教学状态。 三、钢琴教学创新模式构拟 好的教学模式要具备可操作性、易掌握且富有实效,即从事钢琴教学的老师据此拥有非常清晰的教学思路,学生接受教育也拥有非常明确的目标及实施路线图,当然必须顺应整个教育环境的变化和时代要求,对于钢琴的相关理论建构和演奏实践也应产生积极持续的影响效应。在教学过程中,虽然教师对于教学内容、计划、进度、方法及效果等均有至关重要的作用,而且也相应承担了几乎所有的教学责任,但也绝不能对学生在教学中的主体地位有所偏颇,更应看到教学模式创新。理念的创新根本在于对学生优秀地位和地位诉求的充分认同,教师只有在此基础上科学引导和及时帮助才能激发学生的主动性和积极性,培养出与现代艺术教育规律相适应的优秀人才。钢琴教学形式上不能太过复杂,也不能过于简化,需要科学有效的做好秩序和流程的规划设计,还有就是教学内容方面需要在指导性规划基础上,不同地域、类型、教师、学生主体等选择适合自己的内容。同时要特别重视和关注学生的个性特征,针对钢琴教学要对课程体系进行全局性和系统性的谋划,每一位学生即是一个对象主体,应开展差异平均化的教学活动,让每一位学生的个性、兴趣、爱好和取向等都得到极大的展现和发挥,对不同类型的学生赋予不同的发展目标。比如:有个别学生可向专家型培养,以期成为钢琴界的领军人物,另一些学生培养具有职业化特色,努力培养其成为一般或教学型的,还有一些学生要结合其职业规划,尊重其将钢琴作为特长的意愿,拓宽其钢琴演奏表演的格局。伴随着以物联网、大数据、云计算等为代表的新技术革新时代的到来,钢琴教学也须顺应时展,通过数码技术使学生能够身临其境的进行钢琴学习,强化学生对钢琴艺术的体悟和切身感受,对传统教学模式科学继承的基础上,探索具有强烈未来感和前瞻性的教学模式。 作者:曾小莺 单位:海口经济学院艺术学院 高校钢琴教学研究:元认知高校钢琴教学论文 一、元认知在高校钢琴教学中的作用 (一)转变教师的教学观念 在钢琴教学的过程中,教师能够引导学生领会监控、策略监控,使学生能够懂得用什么方法学习钢琴是最有效的,把教师的指导和学生的参与融合到一起,建立一个和谐的学习环境,体现了教师教学观念的转变。 (二)提高学生的自主学习能力 所谓自主学习能力就是自己做主进行学习,其特点在于学生能够制定学习计划、运用学习策略处理问题、在学习的过程中获得情感体验。运用元认知进行钢琴的教学,学生能够对认知活动进行主动的调节,提高了学生的自主学习能力。 (三)促进教师和学生之间的互动 在钢琴教学的过程中,教师和学生的合作、互动是一种非常有效的教学方法,一方面能够使教师和学生之间的距离缩小,另一方面还能激发学生主动学习的意识。 二、元认知在高校钢琴教学中的实践 (一)实践方式 1.研究方法 元认知理论在钢琴教育教学上的研究方法,关于元认知知识的学习情况主要是采用问卷调查方法、写日志的方法进行,而元认知的体验和监控是对个体认知行为进行分析得出的。在高校钢琴教学中采用元认知进行学习的方法是对学生的情况进行观察、教师同学生的谈话以及分析学习成绩来掌握的。 2.教学途径 元认知的主要作用在于监控个体的认知,共包括四种学习的途径。首先是自己进行领悟,在学习中不断提高学习能力和自我意识,科学的调整学习策略;其次是教师的简单点拨,循序渐进的发展元认知技能;再次是专门的元认知培训,以此锻炼元认知;最后是教师计划的元认知培养。由于很多学生并没有具备应用元认知的能力,所以通常都是采用最后一种方法。 (二)训练内容 1.掌握元认知知识 从元认知的理论能够看出,在学习钢琴时,学生要掌握的元认知知识就是学习钢琴的任务和目标,教师要让学生了解要学习的内容,在教师的引导之下能够制定相关的计划,明确学习的目标。首先学生要了解自己的能力和优势,例如学习一段时间之后要知道学会了什么指法,要提高哪部分的训练,具备什么特点等。其次要了解目标因素,教师可以依照教程的进度为学生制定学习任务,例如指法练习、双手交替练习、弹奏装饰音等,要求学生以学习任务为优秀制定适合自己的学习计划,如练习的时间的长短和时间的安排等。最后在学习钢琴时教师要指导学习的策略和方法,例如不同的音色其触键的使用是不同的,不同的作品要用不同的音色弹奏等,又如学生要依照演奏时的心理活动规律判断使用什么练习方法。 2.提高元认知体验 元认知体验分为两种,分别为积极和消极,能够直接体验情绪变化的就是考试成绩,通过调查发现,惧怕考试同元认知有着直接的关系,并且影响比较大。为了提高学生的元认知体验,教师可以调整考试方式,一个月开展一次小考,考试的内容就是前段时间学习的内容,这样学生能够对自身的情况进行总结,降低考试引起的焦虑,还可以让学生自己大份,一方面能够充分对了解自己的学习情况,另一方面还能了解他人的认知过程。 3.提高元认知监控 元认知监控能够使学生发现自身在认知方面存在的问题,并能够加以改正。在高校钢琴教学过程中,教师可以经常性的对学生进行调查,让学生对自己在学习钢琴过程中的思维进行梳理,思考自己的思维模式。还可以采取出声思考的形式,让学生把自己的思考模式展现出来,发现学习中出现的问题,在教师的引导之下能够不断进行自我反省,做到自我监控。 4.增强元认知动力 学习的动力是提高学生学习能力的优秀,使学生保持热情的学习状态,学生在学习的过程中会依照学习的知识对外部行为进行分析和解释,任何归因到会对学生的动力产生影响。在心理学中,归因过程分为四种,分别是能力、努力、任务强度和运气,这些都会对元认知产生影响。因此在钢琴教学的过程中教师要进行归因辅导,激发学生学习的兴趣和信息,找出学习中出现问题的原因,增强学生学习的动力。 三、结语 综上所述,在高校钢琴教学中应用元认知理论的效果是非常好的,学生在学习钢琴的过程中不断通过元认知进行反省和自我补救,不仅能够提高学生的成绩,还能提升学生的自我监控能力和自主学习能力,使学生能够更好的运用学习策略能力,增强了教师和学生之间的互动,极大地提高了学习钢琴的质量和效率,具有非常重大的意义。 作者:汪婧一 单位:黄淮学院音乐表演系 高校钢琴教学研究:高校钢琴教学改革分析 摘要: 钢琴教学作为高校教育教学进行过程中重要的教学科目之一,在实际进行教学的过程中面对现今高校教学目标创新和教育人才培养要求不断提高的情景下,钢琴教学有必要在现实教学基础分析的前提下结合改革教学的目标进行教学的改革和实践。那么,在这整个实践的过程中高校钢琴教学改革思路的分析对于保证钢琴教学改革朝着正确的方向进行相关的工作起着非常必要的现实意义。 关键词: 钢琴教学;改革思路;创新策略;注意问题 面对现今高校教育教学不断创新改革进行的背景下,高校音乐教育教学的进行作为素质教育中的重要组成部分,在实际进行贯彻实施的过程中其对于提高学生的审美能力、全面创新培养学生的思维意识等起着非常重要的促进作用。而在高校音乐教学中,钢琴教学作为音乐教学重要的基础的课程学习,其对于非钢琴专业的学生学习来讲,能够通过对基础钢琴曲目的欣赏等俩姐其中蕴含的时代意义、社会意义及其所反射的价值观和教育意义等。总体上而言,现今高校进行钢琴教学有着非常重要的作用,所以能够积极的应对教学和形式的变化不断改进创新改进钢琴教学促使其全面提高学生的艺术修养和审美能力等发挥重要的作用。 一、高校钢琴教学改革的创新思路分析 (一)制定科学的教学改革目标 高校进行钢琴教学改革的创新进行最为基础性且最为重要的则是制定合理的教学目标,这是保证其教育教学能够朝着正确的方向前进,而且对于保证改革教学质量起着重要的保障作用。基于这一方面而言,现今高校在钢琴教学改革目标确立的过程中应重点认识到学生在教学改革中主题位置的恢复和发展,这就要求教师要能够强化与学生多渠道的交流,充分了解学生的兴趣爱好和学习能力以及基础钢琴素养或音乐素养,这样能够在把握所教授对象基础需求和基础情况的前提下,将钢琴教学改革的理论教学和实践教学充分的进行实施。具体而言,在实际确定总体教学目标的前提下,在实际的贯彻中要将其细化为具体的目标。那么,一方面高校钢琴教学改革目标的确立能够激发学生学习钢琴的兴趣,提高学生学习钢琴的热情,建立学生对钢琴最为基本的理性认识,为后期的教学奠定基础。另一方面,能够注重培养学生钢琴基础上音乐素养的形成,这就包括培养学生钢琴演奏和欣赏的技巧,同时最为主要的是能够培养学生的审美能力,强化学生对优秀作品的学习,主动的地质落后的作品。此外,钢琴教学改革培养学生的思维创新能力也是最为重要的目标之一。 (二)改革创新教学内容 如果说确定高校钢琴教学目标是钢琴教学改革的重要前提,那么改革创新教学内容则是保证钢琴教学改革顺利进行的重要的“物质保障”。基于这一方面而言,现今高校在创新改革钢琴教学内容的过程中能够积极的额吸收与时展相契合的优秀的钢琴作品,并且能够合理的掌握时代性的钢琴作品与经典作品之间的平衡,能够在两者之间协调平衡,通过时代性强又不缺乏经典的钢琴教学内容提高高校非音乐专业钢琴教学的层次。此外,在创新改革教学内容的过程中,高校还应注重学生实际演奏和理论知识的结合学习,坚决摒弃以往过度注重学生演奏,而忽略学生理论知识的学习,导致后期的创新出现了“无根基、虚化”的现象。 (三)创新完善教学模式 在高校钢琴教学改革的过程中,创新完善教学模式是保障钢琴教学改革顺利进行的重要实施路径。在现今高校钢琴教学模式的创新过程中,教师应注重对多种教学模式的综合使用,灵活的采用多种教学方法,提高实际教学开展的趣味性,对于总体上提高教学质量有着非常重要的作用。如可以积极的采用一对一教学、大班教学以及小组教学等教学模式,这样能够充分尊重学生的学习主体,在学生自身充分思考的基础上,主动的与学生交流沟通,从而在学生“亲力亲为”中提高学生参与钢琴课堂学习的参与度。此外,在创新完善教学模式中能够促使教师创新综合使用多种教学方法,如积极的使用网络、多媒体等展开教学,通过声、色、彩丰富的教学方法吸引学生的注意力,并且能够创建良好的教学氛围。 二、高校钢琴教学改革中应注意的问题分析 (一)教师应注重掌握改革创新的平衡度 高校钢琴教学改革的进行尤其是面对非音乐专业的学生在实际进行改革教学的过程中教师尤其要能够面对专业的学生和非专业的学生在学习内容的采取和学习方法的应用中有一个良好的把握。坚决避免部分教师为了达到教学改革的目标而出现的面对非音乐专业学生所采用的内容难度比较大,学生的接受能力明显不足,这样则失去了最初改革的意义。 (二)注重教师现代化教学观念和意识的更新 在整个高校钢琴教学改革的过程中无论是改革教学目标的制定,还是教学内容或是教学模式的采用,从根本上其依靠的是教师现代化教学观念和教学意识的确定,这样才能够保证教师主观思想为客观实践提供良好的指导作用。所以,这就要求高校教学团队能够积极的针对钢琴教师做好实际培训工作和交流学习,做好评价和改进工作。 (三)注重钢琴教学改革中经典与时代的结合 高校钢琴教学改革的过程中能够充分的注重到教学内容的创新能够积极的汲取时代性强的优秀的钢琴作品,但是要注重对经典的传承。教师要能够时刻认识到经典是时展的基础和前提,注重培养学生对经典作品的学习,能够从根本上为提高学生的创新能力奠定基础,而如何在经典与时代之间掌握一个平衡是比较困难的事情。所以,教学管理团队能够做好指导,发挥良好的引导作用。 三、结语 高校钢琴教学改革的进行对于培养学生的艺术修养和提高学生的审美意识起着非常重要的作用,所以在实际进行改革教学的过程中能够在教学目标制定的基础上,从教学内容的创新和教学模式的综合灵活使用等方面,并且能够在注重经典与时代结合、掌握改革创新平衡度以及更新教师现代化教学观念和教学意识等方面全面的促进高校钢琴教学改革的进行。 作者:向川宁 单位:沈阳师范大学音乐学院 高校钢琴教学研究:高校钢琴教学的问题与改革 摘要: 目前,高校在钢琴教学方面存在着教学方式单一、学生理论知识不足、建材建设未走向正轨等问题,为了解决这些问题,促进学生和老师的共同发展,必须对当前的高校钢琴教育课程体系进行改革,我国目前高等院校音乐教育专业钢琴教学改革的优秀是建立和完善钢琴教学的教学内容和课程体系。本文主要从教学内容改革和课程体系改革这两个方面提出相应的具体措施与建议,为目前高等院校钢琴教学的改革之路指明了主要的方向。 关键词: 钢琴教学;教学内容;课程体系;改革 高校钢琴教学的目标是为社会培养全面的音乐人才,这就要求学生不仅要有较高水平的演奏技能,更要有扎实的理论基础,要有全面的音乐修养。传统的钢琴教学只注重对技能的训练,忽视了学生艺术修养的全面培养。因此,在高校的钢琴教学中,应强调理论与实践相结合,将专业理论知识与各种舞台、演奏与教学实践相结合,为社会输出全面发展的复合型的音乐人才。 一、高等院校钢琴教学存在的问题 (一)教育教学改革缺乏整体部署 高校音乐专业的学生钢琴水平差异性较大,“教学要求整齐划一”和“学生实际学习差异”之间存在着矛盾。学生钢琴基础薄弱,乐理及相关理论知识不足,积极性不高,而学校对于这些存在的问题只能听之任之,缺乏整体的教学部署,来解决这些问题,提高学生学习的积极性。 (二)教学方式单一 传统的教学方式从最开始的“一对一”的模式,到之后单纯的“小组”、“集体”的模式,这两种教学模式在教学实践中都有一定的优点,但也存在弊端,“一对一”的教学模式虽然考虑到了每个学生水平的差异,老师一对一的教学,可以随时指导,点评,学生学习的积极性也会提高,加深了对知识的理解,但是这种教学模式也存在不足,浪费了教学资源[1],在现在的高校扩招的形势下,学生越来越多,师资力量严重不足,这种传统的教学模式明显不符合现在高校钢琴教学的现实情况。单纯的“小组”或者“集体”的模式,虽然在一定程度上缓解了师资力量不足的问题,但是它仅仅将所有的学生进行简单的分组,没有考虑到学生之间理论知识、专业能力等各方面的差异,老师在教学的过程当中按照统一的教学进度、教学内容来传授知识,无法兼顾到每一位同学,如果内容比较困难,进度很快,那些零基础的学生可能因为无法理解上课内容,失去了学习的积极性,慢慢懈怠;如果内容非常基础,进度很慢,那些基础比较好的学生又会觉得枯燥无味。久而久之,学生之间的水平差异越来越大。 (三)教学内容课程设置不合理,学生理论知识缺乏 目前的高校钢琴教学中过于注重提高个体专业技能,往往忽略了对学生综合理论知识的教育[2],这其实与高校教学培养人才的宗旨相违背的,高校教育应该注重培养学生的能力。目前大多数高校钢琴专业的学生对钢琴艺术的历史、基本理论不熟悉,只是为了应试而每天反复练习。 (四)教材建设尚未走向正轨 关于钢琴教学方面的教材还存在很多不足,与实际教学脱轨,缺乏系统性的规划,目前使用的教材没有特定的标准,老师们的选择不一样,标准也就不一样缺乏一个统一的标准和体系,学生在学习过程中难以理解,难以形成比较系统性的理论体系,老师在教学过程当中,也无所适从。 二、高校钢琴教学课程体系改革的具体方法与策略 高校的课程体系改革应该主要分为两个部分,一个是教学内容的改革,另外一个就是课程体系的改革,下面就从这两个方面分别提出具体的方法与策略。 (一)教学内容改革 1.重视学生音乐理论课程的学习 为社会输入优秀的音乐教育的师资是高校音乐教育专业的一个重要社会职能之一,作为音乐教育专业的学生不应当只注重以提高钢琴弹奏技能为目的,还应该要加强对音乐理论知识的学习,全面提高自身的艺术修养,只有自己对音乐、钢琴理论知识深入了解,才能在未来的工作中将这些知识传授给学生。全面、扎实的音乐理论基础知识,对提高自己的专业技能有一定的指导作用,它是提高专业技能的重要基础。高校音乐教育专业应当采取切实有效的措施,将音乐理论知识的学习渗透到学生生活学习的方方面面,可以有效全面学生的音乐素养,从而为国家、社会培养优秀的音乐教育人才。 2.重视钢琴教学法的学习 当今中国的钢琴专业人才,最为普遍的工作就是从事钢琴教学,作为高校音乐教育专业的钢琴教学更应当利用钢琴教学法系统地对钢琴教学的基本内容、过程、规律、原则和方法进行研究和阐述。钢琴教学法的教学适用于刚入学的不同水平基础的学生,所以应当在新生刚入学的时候开设,对于那些入学前从未接触过钢琴教学的学生来说,钢琴教学法的学习可以帮助他们把握住钢琴学习中最基础最优秀的理论知识和内容,有助于指导钢琴初级阶段的学习,提高学习的积极性,在学习的过程中充分发挥出主观能动性,使学习变得更有乐趣。对于那些入校就已经有相关方面的学习基础的学生来说,“钢琴教学法”一方面不仅可以帮助他们对钢琴学习的相关要素了解的更加全面和深入,从而使他们的演奏水平进一步提高,同时另一方面也可以在他们今后可能从事的钢琴教学工作中起到长期的理论指导作用[3]。 3.重视钢琴艺术史和作品赏析的教学 从1404年古钢琴的诞生到如今,钢琴艺术有着600多年的历史,作为钢琴专业的学生对这些历史应该熟记于心。钢琴艺术博大精深,仅仅从平常的课程专业学习上了解的钢琴艺术史只是皮毛,所以学院应该专门开立钢琴艺术史这门课程供学生学习,向学生们系统地介绍钢琴的诞生、发展和完善的历史进程,不同时期优秀的代表作品和著名的钢琴家等等。开设钢琴作品赏析这门课,向学生对优秀的作曲家的风格、作品进行介绍,鼓励学生主动对作品进行对赏析,通过对钢琴艺术史的介绍和作品赏析,可以让学生对钢琴的发展历史、钢琴艺术有全面地深刻的了解,丰富自身的艺术底蕴,提高自己的艺术修养[4]。 4.在教学过程中注重培养学生的即兴伴奏能力 钢琴即兴伴奏可以展示学生综合的音乐性思维和音乐的创造能力,突出了高校钢琴教学这一师范性特征。在钢琴的教学过程当中,加入即兴伴奏可以培养学生音乐的思维能力,发掘学生的音乐潜能,提高学生的音乐创作能力。对于高校音乐教育专业的学生来说即兴伴奏不仅仅是课堂教学的重要内容,同时也是课外活动和艺术实践重要的组成部分,它有利于提高学生的实际应用能力,对学生素质的全面培养有突出的贡献。在教学中应加入即兴伴奏的有关内容,增加分析旋律、配置和声、伴奏织体等实践指导,要求学生掌握基本的伴奏音型、织体、和声、调式、曲式风格等处理能力,通过多听、多练、多积累,最终具备即兴伴奏的能力[5]。 (二)课程体系改革 1.因材施教,建立“阶梯式”教学方式 建立钢琴“阶梯式”教学模式,即对高师钢琴教育进行有效实践而采取的一种教育策略集合体。将传统的“一对一”模式和“集体”、“小组”模式相结合,将基础,程度不同的学生分开,根据不同程度分为初级、中级、高级三个组,确立不同的教学目标及教学内容。对初级组,要求必须掌握基础知识和相关弹奏法,布置简易钢琴水平的作业;对中级组,重申基础知识和弹奏要领,强调容易出现的错误及改正办法,其次布置中级水平的作业;对高级组,教学重难点放在演奏技巧的磨练和乐曲表现力的培养,以提高学生艺术涵养,开拓音乐视野。采用灵活分组,及时调整的形式,定期进行考核,实行淘汰末尾制度,调节各组内人员结构,进步的学生继续“向上一层阶梯”学习,退步的学生“原地踏步”学习,并将“向上一级阶梯”作为学习目标。关于钢琴艺术发展历史、钢琴作品赏析等一些以理论性、知识性内容为主的课程可以采用集体教学的方式,也就是所谓的大班教学,教师们可以多媒体这些现代化的教学媒介的手段开展多层次、全方位的教学活动,向学生展示源远流长、博大精深的钢琴艺术,引起学生与老师之间的互动,使枯燥无味的理论课增加了活力,提高学生学习的积极性,不仅开阔了学生的艺术视野,又拓宽了学生的知识结构,避免了传统教学“重技轻文”的现象,做到了内容与形式的协调统一。对于有着扎实基础、能力较强的学生,可以适当地进行一对一的指导,提高学生学习和演奏的积极性[6]。 2.专业教学与教学实践、艺术实践相互结合,多形式授课 高校的钢琴教学不应只注重钢琴技能的培养,如果一味地注重技巧,学生可能会为了整日练琴,提高技巧,而忽视了对理论知识、艺术历史的学习,久而久之,他们的艺术素养却丝毫没有提高。因此,教师在教学过程当中,应当教育和引导学生更多地融入到艺术实践活动当中去,这样才能培养出真正全面发展的实用型的人才[7]。下面根据目前高校的资源和学生的理解能力实际情况,列举出一些符合实际的、切实可行的艺术实践活动。针对不同时期的钢琴教学内容,不定期开展与教学内容主题相吻合的系列专题讲座和公开课等等,同时也可以举行各种形式的座谈会,同学和老师之间共同参与,这样不仅可以增进老师与同学之间的情谊,对于在课堂上难以理解的内容以这种面对面讨论的方式可以帮助理解,加深印象。根据需要,可以安排学生为其他专业教学提供伴奏,比如钢琴舞蹈伴奏,声乐正谱伴奏、声乐即兴伴奏等等,这样可以锻炼他们的舞台实践能力和协作精神。和当地的音乐协会沟通合作,经常组织和鼓励学生去参加音乐会,比如钢琴独奏、重奏、协奏等音乐会,让他们身临其境,切身体会钢琴演奏艺术的无穷魅力,可以学习到在课堂上无法学习到的知识,同时也提高了学生的音乐信仰和学习热情。鼓励学生在学校举办的文化艺术节以钢琴独奏的表演方式展现在观众面前,一方面可以锻炼自己,丰富舞台表演经验,另一方面也是向同学、老师展示自己长时间刻苦训练的优秀成果,老师、同学可以相对客观地给出一些建议和意见,有利于同学之间演奏技能水平的共同提高[8]。 3.选编适用于高校音乐教育专业的钢琴教材 高校音乐教育专业的学生在入校初的钢琴水平一般都参差不齐,在理解能力和文化理论基础上还有很多不足,在演奏方面又缺乏良好的灵活性和柔软性,学制比较短,一般只有两年或者两年半的时间。针对这些问题,高校老师应该要主动研究编制出从简单到复杂、循序渐进、类别等级分明的钢琴教材。教材中包含的练习曲目应该以中小型国内国外的名曲为主,同时应该区分那些对于钢琴理论、艺术历史的教材应当以集体课上课形式的教材和应该以“阶梯式”小组教学的专业技巧的教材的编制。高校音乐教育专业的钢琴教材的改革应该要突出它的“师范性”,实事求是,从实际出发,注重培养学生的综合素质和提高学生的综合应用能力,在实践、创新当中不断地吸取教训,总结经验,适应新形势下的教育发展模式。作为高校钢琴教师应该具备不断钻研的精神,组成研究小组,编写出实用性、师范性和艺术性相统一的高校音乐教育专业的钢琴教材,教学观念应当以培养学生的能力为中心,为社会输入优秀的音乐人才[9]。 三、结语 为了向社会输出更多优秀的音乐教育工作者,是高校音乐教育专业的重要职能和目标。高校钢琴教学的课程改革应当明确教学目标,科学设置钢琴教学的课程内容,创新教学方法提升教师队伍整体素质,这样才能进一步提高钢琴教学的质量和效果,全面提升学生的专业技能和艺术修养,为中小学生音乐的启蒙教育做出自己的贡献。 作者:孙韵 单位:南京特殊教育师范学院音乐学院
音乐学论文范文:谈音乐学院特色教育资源库的一例学案 摘要:中国音乐学院特色教育资源库建设项目以中国音乐教学改革的重大需求为牵引,以培养创新型人才为目标,依托学校在海内外享有盛名的优势,建设中国音乐资源数字化体系,为我国音乐教育体系的构建提供了有力支撑。该建设经历了长期的资料积累与研究,目前正处于不断开拓和收获进程中。建设成果和经验,在我国音乐艺术资源数字化领域中,起着引领性作用。 关键词:中国音乐;特色教育资源库;科研;教学 中国音乐学院作为全国唯一一所培养从事中国音乐理论研究、创作、表演和教育的高级专门人才的高等音乐学府,多年的科研、教学已经积累了数以万计(小时)的中国音乐教学资源(音频、视频)。这些独一无二的资料,这些尘封的历史档案、沉睡的音乐记忆,亟待抢救、整理,使之为中国音乐教育体系建设发挥更大作用。学校作为“北京市属高校特色教育资源库建设项目”首批建设单位(首批只有四所高校),承担了民族音乐教育专题资源建设,2005年—2016年间共建设完成40余个主题资源包,内容涵盖中国少数民族音乐、中国汉族传统音乐、20世纪以来的中国音乐创作等方向。特色教育资源库的建设对于学院的科研和教学产生了良好的效应,同时对社会音乐文化普及也产生了十分重要的意义。 资源库主要内容及管理经验 中国音乐资源涉及门类众多,根据学科划分及资源属性,学校特色教育资源库分为中国少数民族音乐资源库系列、中国汉族传统音乐资源库系列、20世纪以来的中国音乐创作资源库系列三个方向。中国少数民族音乐资源库以民族为单位,拟建设包括55个少数民族的传统音乐子库,现已建设完成维吾尔族、蒙古族、藏族等音乐的子库;中国汉族传统音乐资源库将建设包括民歌、戏曲、说唱、器乐、歌舞音乐在内的内容,现戏曲已完成昆曲音乐、评剧音乐等子库,器乐已完成古琴、竹笛、三弦等子库;20世纪以来的中国音乐创作资源库,以西乐东渐以来中国传统音乐嬗变而来的新形式与中国作曲家借鉴西方音乐作品的形式、创作思维、创作技法而创作的作品为主体,现已完成中国声乐、中国歌剧、中国管弦乐等子库。与此同时,在中国音乐资源库建设过程中,积累不少有益经验,主要可以归纳整理为以下三方面:1.统一组织、分工协作。为确保资源库建设任务的顺利开展,学校由科研处牵头成立了特色教育资源库建设项目组,全面负责中国音乐学院特色教育资源项目的计划、组织、领导与控制。学校由主管校长负责项目全局统筹、协调组织;学校科研处处长与项目负责人一起对项目进行顶层设计,并对项目进行过程管理;资源包负责人大多为学校的学术带头人,具体负责主题资源包框架设计、资源采集加工、整合教学应用等,这样有利于把特色资源的建设与学科建设、教学应用整合起来;技术公司根据资源包负责人需求设计资源展示结构及网站展示风格并对资源进行编目;信息技术人员负责平台架构设计、系统维护、技术支持和数据安全;项目负责人、主题包负责人、信息技术实施人员之间既有分工又有协作,保证了项目的有序开展、顺利实施。2.简单管理、提升服务。在项目建设中,项目负责人全面负责项目建设管理,项目负责人以“简单管理、提升服务”的管理理念,通过项目“启动培训、过程跟踪、专家咨询、定期研讨”的方式控制项目实施工期,并对主题包负责人提供信息技术对接服务,让主题资源包负责人把全部精力投入到资源采集、加工等工作中,从而达到服务与管理的良性循环,保证资源包建设的可管可控。3.搭建平台、共享心得。为及时协调解决项目建设中遇到的新问题和难题,学校定期组织资源包负责人参加北京市教委主持的主题研讨会。研讨会主题包括调研类研讨、管理类研讨、学习类研讨等类型。通过研讨会,一方面,促进了各高校间的横向交流,打通隔阂和学科壁垒,共享经验和心得;另一方面,树立了特色资源库专题建设的优秀典型。 应用推广 1.人才培养。该成果现已广泛应用于学校的本科、硕士、博士教学工作中,已经成为中国音乐教学的课堂延伸。其使用现代科技手段提升学生对中国音乐的兴趣、激发其主观能动性,推动了学校的教学方法改革。很多研究生在参与该资源库的建设过程中全面了解某种类型的音乐文化,并直接催生出其博士论文,博士生张天彤、特古斯、腾腾参加中国少数民族音乐资源库建设,论文为《达斡尔族民歌研究》《科尔沁蒙古族萨满仪式音乐的个案调查与研究》《蒙古族音乐数据库的设计与制作》;博士生袁环参加中国戏曲音乐资源库建设,论文为《长三角地区滩簧声腔研究》等。2.科学研究。各子数据库负责人在建设过程中衍生出多项部级、省部级科研课题,这些课题的成果与调研资料又进一步充实、完善了中国音乐学院特色资源库的建设。此类课题主要有:国家社科基金艺术学重点项目“澜沧江—湄公河流域跨界民族音乐研究”“中国传统多声音乐研究”;教育部哲社重大攻关项目“我国少数民族音乐资源的保护与开发研究”、北京市社会科学基金项目“中国管弦乐创作与传播研究”、北京市教委重点项目“尼苏人的文化遗存”、北京市教委项目“中国歌剧演唱研究”。3.学科建设。该成果紧密支持学校的学科建设工作。例如:中国少数民族音乐数据库支持了学院中国少数民族音乐的学科方向建设;中国戏曲音乐数据库支持了学院戏曲音乐的学科方向建设;中国民族器乐数据库支持了学院国乐的学科方向建设;视唱练耳数据库支持了学院视唱练耳的学科方向建设;中国管弦乐数据库、中国钢琴音乐数据库支持了学院管弦、钢琴的学科方向建设等。该数据库的很多新成果,可直接转化为新课程,服务教学。资源库建设中,各项目组承担了确定库结构、元数据著录规范及资源标引必备项可选项、设计页面、数字水印的设计、音视频资源的格式转换、加工上传数据等工作。各数据库负责人负责提供网页文字资料、风格设计、素材收集,保证每个数据库有不同的页面设计、前台展示、分类导航系统和检索入口等。项目组由教授、副教授带队,带领讲师、博士、硕士、本科生参与项目,既促进了学科建设又完成了人才培养,加强了学院人才梯队建设。在特色资源库建设过程中,学校一直走在全国音乐院校的前列,是诸多艺术院校,尤其是各大音乐院校数据库建设的典范。目前,建成的40余个主题资源包已通过网络实现了全球登录检索。该成果在信息化时代,使得中国音乐教育体系的科研成果向全社会辐射,为全世界关注中国音乐文化的同行提供了极大的工作与研究便利,受到业内专家的广泛好评与称赞,为中国音乐的继承、发展和弘扬作出了重要贡献。该工程作为一个开放性的系统项目,过去十多年的建设仅仅是一个开始,未来将会有更多彰显学校办学理念、体现学科特色、服务科研与教学的一批中国音乐数字资源问世,为把中国音乐学院建设成为“中国音乐高层次人才的培养基地、中国音乐教学和科研的信息中心、中国音乐对外交流和传播的文化窗口”提供强有力的支撑。 作者:夏侯晓昱 音乐学论文范文:音乐学院辅导员教育管理改进对策 【内容摘要】随着时代的发展,音乐专业大学生在校的学习和生活也发生着变化,这对辅导员的教育管理工作提出新的挑战。文章认为,音乐学院的辅导员需要积极提高自身的道德修养和专业水平,根据学生的性格特点,结合相关的教学手法进行辅导,从而帮助学生健康成长、顺利完成学业。 【关键词】音乐学院;辅导员;教育方法 相比理工类高校的辅导员,音乐学院辅导员的工作更加具有针对性。音乐学院辅导员要针对学生的特殊个性与心理开展相关的工作,积极提高自身的音乐素质,结合相关的心理知识和音乐教学手法对学生言传身教。只有与学生形成和谐融洽的关系,才能进行更深入的交流,帮助学生走出学习或生活上的困境,成为一位优秀的音乐人才。 一、音乐专业学生的个性特征 音乐是一门直观的艺术,也是人们心灵与心灵之间的情感桥梁。选择入读音乐学院的学生有两类,一类是真心喜欢音乐,并想从事音乐工作的学生;另一类是文化课成绩不好,勉强进入音乐学院入读的学生。因此,在管理上对后者往往更加需要耐心。笔者认为,我国音乐学院学生存在着特殊情况,是因为相比普通高校的学生,他们更加注重自我意识和独立性,崇尚自由和独特个性的表达。但因为不够重视基础文化课,从而也影响到音乐课程的学习,导致很难有效提高自身的音乐素养和综合素质。音乐学院学生的思维非常活跃,和普通高校学生习惯泡在自修室和图书馆不同,他们更喜欢参与到演出活动和社交场合中,比较容易接触到社会人士,掺入到复杂的人际关系网中,因此他们容易受到社会不良风气的影响。这对于音乐学院学生的健康成长和发展是不利的,也给音乐学院辅导员的工作带来考验。 二、音乐学院辅导员工作的改进对策 (一)提升自身的道德修养和管理水平 从辅导员的基本职业素养来说,应当将学生的思想教育放在首要位置,因此就需要自身具备一定的道德修养,才能做到言传身教。大学时期是一个人成长的重要阶段,很多学生遇到问题或困扰会首先请教辅导员,如果辅导员自身缺乏端正的品德和职业的素质,难以给学生立榜样,这对学生的人生观和价值观的养成是不利的。因此,辅导员要不断提高自身的修养和职业素质,要有耐心地平等对待每一位学生,对于学生的不良行为要做到公正处理。辅导员只有在工作中获得学生的信任,才能有效地引导他们建立和谐的学习氛围,以健康的心态克服学习和生活中的困难。除此之外,辅导员还需要学习相关的心理学知识,掌握更多的管理方法,将理论与实践相结合。这不仅可以增强自身的工作能力,也能够提高工作效率。针对音乐学院学生的性格特征和心理状况,辅导员需要因材施教,因此,与学生建立和谐融洽的关系是基本条件。这就要求辅导员以朋友的身份深入到学生中,用真诚的态度与学生进行交流沟通,了解学生的需求和想法,继而开展教育工作。在辅导员的教育管理工作中,培养学生自我管理的能力和意识是最终目的。 (二)积极开展教育工作 在音乐学院辅导员教育管理工作的具体实践中,辅导员要积极加强自身的音乐素养,要对学生所学的专业知识、发展前景等有一定的了解,做好新生入学教育和毕业生就业指导等相关工作。这是辅导员工作中非常重要的一个环节。学生刚踏进大学时都会或多或少产生不适应的感觉,容易导致一些心理上的问题或情绪上的起伏。特别是音乐学院的学生,性格大多比较感性,在一个人面临新环境的时候往往会觉得孤独,对未来感到迷茫,找不到自身的价值和意义,从而产生消极情绪。这不利于学生开始新的学校生活和学习。因此,辅导员应全力投入到新生的教育管理工作中,结合学生的具体情况及时发现问题,耐心地进行劝慰和疏导,帮助新生适应环境、走出困境,融入到集体中,从而以良好的心态开始新的生活。同时,也要告诫新生应遵纪守法。比如,在新生转专业的时候,辅导员可以根据学生的具体情况和特点提供妥善的建议,推荐更为合适的专业。如一些从来没有学过钢琴又缺乏毅力的学生一时兴起想换到钢琴演奏专业,或者一些天生五音不全的学生想学声乐专业,从未来的发展前景来说都不是合适的选择。辅导员应及时与这些学生沟通,将专业的未来前景和发展空间做详细的介绍,帮助学生重新选择专业。对音乐敏感,有一定音乐天赋但是没有演奏经验的学生可以考虑读作曲系;只是单纯喜欢听音乐,并想从事该行业的学生音乐教育学系也是不错的选择。音乐学院重视的是提升学生的音乐水平,这不利于学生的全面发展和综合素质的提升。辅导员可以根据学生的性格特点向任课教师提供一些建议,或者自己参与到教学过程中,以方便对学生的具体学习情况进行观察和判断。具有一定音乐素养的辅导员还可以尝试代课。比如音乐教育专业,辅导员可以将该专业和自己的工作相结合,在对学生的教育管理中发挥优势。辅导员代课的好处在于可以根据自己的教育管理经验,纠正学生学习中的误区,并可以进一步指导,帮助学生有效提高音乐素养。此外,辅导员还可以针对学生的学习情况,请音乐专业的学长分享自己的学习经验和学习方法,帮助学生学习,提高音乐水平。 (三)结合音乐教学手法对学生进行课后辅导 音乐辅助教学,是辅导员针对学生的情况而开展的教育管理工作。比如,现在音乐教师普遍采用的达尔克罗兹教学法,辅导员可以以此为依据,帮助音乐教师对学生进行课外培训。达尔克罗兹教学法重在培养学生良好的学习习惯,要求学生在歌唱时将身体的活动与音乐的旋律融合到一起,全身心投入,感受音乐的美妙。这种教学法能够有效提高学生的节奏感和听觉方面的能力,学生可以在身体活动中学会发现音程、音色的变化以及调性的差异。达尔克罗兹教学法对于音乐学院辅导员来说较为适用,因为它实施起来相对容易,并能够有效提升学生的学习兴趣,帮助学生理解和学习音乐理论知识。辅导员在音乐辅助教学中要意识到音乐是主体,教学方法只是一种辅助手段。既然枯燥的音乐理论由音乐教师教授,那么辅导员应该将提高学生对音乐的兴趣放在首要位置。有些学生之所以选择音乐专业只是单纯喜欢听音乐,在遇到大量枯燥复杂的乐理知识时,往往会出现兴趣减退的情况,甚至打起退堂鼓。所以辅导员应针对学生的情况,将创新融入到音乐辅助教学中,把学习音乐变成一种审美方式,让学生在学习过程中得到美的享受。对于初学音乐的学生来说,审美教育是最重要的,只有提升学生的音乐素养和审美水平,辅导员才能进一步结合学生的心理特征找到合适的音乐作品,让学生充分感受优秀的音乐作品本身所具有的生命力,加深对音乐的理解,从而提高对音乐的兴趣。音乐辅助教学的过程,就是辅导员向学生展现音乐的美,并与学生一起欣赏和领悟的过程。针对不同专业的学生,辅导员的音乐辅导教学还可以进一步细分。比如,声乐专业的学生在接受音乐的基础训练之后,就要学会对音乐进行情感体验。辅导员只有帮助学生积累足够的情感体验之后,才能开展歌唱训练,这是提高学生音乐表达能力的关键。达尔克罗兹教学法对学习声乐专业的学生是非常有效的,它能让学生在准备阶段放松身心,尝试着将自身的情感和音乐结合起来,从而激发出更多的表达欲望。因此,辅导员要帮助声乐专业的学生通过感官和身体的运动,用自己的情感去表达音乐,从而达到提升音乐表达能力和积累音乐情感体验的目的,进一步提升学生的音乐素养和专业水平。又如,针对器乐演奏专业的学生,辅导员要注重他们的识谱能力,因为这将间接影响到学生演奏水平的提高,但因为识谱教学涉及到大量的乐理知识和视听练耳的训练,会让很多学生感到乏味。辅导员可以在课外的音乐辅导教学中让学生从简谱开始学起,减轻学生的学习压力,增强学习的趣味性。辅导员可以通过让学生在音乐中跳舞的方式来感受节奏的变动,或是听各种类型的作品分辨其中的特征和差别。在这个过程中,辅导员可以了解到各个学生的演奏特长,从而为他们提供表演或合奏的机会,这样不仅能够调动学生的积极性,也能给别的学生起到示范作用,增强班级的凝聚力和学习的氛围。再如作曲专业的学生,因为作曲属于创造性劳动,因此辅导员要特别注重学生的个体表达,以及创新能力的培养和发展。辅导员可以通过即兴表演的方式让学生自由发挥,训练他们的发散性思维,从而激发学生的创作潜力。结语从音乐学院辅导员的工作改进策略中可以看出,这是一项复杂、琐碎的工作,不仅需要辅导员具备一定的耐心,而且还要拥有一颗细腻的心。辅导员要以学生的健康发展作为工作目标,帮助学生树立健康的价值观和人生观。因此,这是一项光荣而艰巨的任务,需要音乐学院辅导员不断加强自身的道德修养,提高综合素质,学习相关的音乐知识,提升专业水平,逐步完善自身的工作方式,为我国的教育事业贡献一份自己的力量。 作者:王莹 音乐学论文范文:提高音乐学专业舞蹈教学成效途径 一、音乐学专业舞蹈教学的目的与意义 课堂教学都是为人才培养目标所服务。音乐学专业的学生就业方向大致分为两个方向———在中小学担任音乐教师并组织各项校内文体活动或在事业单位、文化产业从事与音乐相关的各项工作。面对市场需求,普通高校音乐学专业人才培养的目标是具备良好的人文素养与知识素养,掌握音乐学科的基本理论与技能,具备与表演、教学、创作相关的综合素质人才。舞蹈作为一种专业技能,在音乐学课程设置中起着不可忽视的重要作用。首先,舞台表演具有直观动态性,要求表演者在舞台上具备优美的体态和良好的气质。舞蹈可以塑造人的外在形体,使学习者拥有良好的体态,从而达到提升个人气质的目的。其次,舞蹈教育能够加强学生艺术鉴赏能力从而激发丰富的艺术想象力和创造力。舞蹈是一门综合的舞台艺术,由音乐、灯光、舞美、服饰等多种艺术成分组成。舞蹈鉴赏课将引导学生从不同角度对舞蹈艺术作品进行客观分析与评价,不仅强化了学生的艺术鉴赏能力,同时在思考与评价中激发了学生丰富的艺术联想。心理学上认为“肢体动作是大脑思维的基础,动作逻辑是思维逻辑的前身”,在有关舞蹈编导的课程内容中,教师鼓励学生大胆参与创作,从舞蹈的选材、结构与编排等方面引导学生完成创编过程,这种脑力与体力相结合的学习方式,是激发学生个性化思维与艺术创造能力的最佳方式。 二、音乐学专业舞蹈教学的内容与特点 在当前普通高校音乐学专业的本科教学中,舞蹈课程为基础必修课,大多只开设一个学年。由于课时量少,学生基础薄弱,同时没有针对音乐学专业舞蹈教学的统一规范教材。在教学过程中,很多教材大多照搬专业舞蹈教学的模本,内容涉及舞蹈理论和舞蹈技能两个部分。理论教学通常以舞蹈鉴赏为主要内容。通过众多舞蹈作品的鉴赏,使学生对舞蹈艺术有了直观地感受,同时也为进一步的舞蹈技能学习奠定基础。技能课包含了形体训练、民族民间舞、舞蹈创编、艺术实践等四个部分的内容。从内容上看音乐学专业舞蹈教学与专业舞蹈教学无异,但却有着自身的特点。 (一)非专业性 由于音乐学专业的生源特点以及课程设置等因素,音乐学专业的舞蹈教学不能与专业舞蹈院校看齐,将各种训练和考核要求等同于专业的舞蹈生是不现实的。首先,在内容安排上不需要也不可能将各舞蹈种类的学习进行细致分类;其次,在学习的深度和精度上也要根据学生的程度适当调整,教师要在短时间内使一批批“舞盲”爱上舞蹈,并具备舞蹈表演与舞蹈创编的基本技能,在某种意义上教学难度比专业的艺术院校更高。 (二)课程交叉性 音乐、舞蹈自古以来就是密不可分的姊妹艺术。舞蹈在创作与表演中,始终离不开舞者对音乐的理解。音乐的旋律性、节奏感、情感的表达,无不对舞蹈有着极大的启示与衬托作用。对音乐专业的学生开展舞蹈教学,教学对象无疑有着学科上的优势,音乐学专业的音乐鉴赏、视唱练耳、和声等相关课程使音乐学专业学生对舞蹈音乐的旋律、节奏、感知能力以及对音乐情感的把握等诸多方面事半功倍。 (三)理论与实践的统一性 对于音乐学专业的同学来说,走上舞台的机会很多。不管是校内外的文化活动还是本专业的艺术实践晚会,都是将课堂所学运用到实践的最直接的表现。学生在实践中不仅能体会到理论与技能学习的重要性,也能意识到自身各方面的不足。例如,舞蹈课的形体训练没有过关,体现在舞台上的一举手一投足就不能自如流畅。没有学习舞蹈创编基础,就不能进行简单的歌舞节目编排。二者相辅相成。因此,音乐专业的舞蹈教学有着理论学习与实践的统一性[1]。 三、提高音乐学专业舞蹈教学成效的途径 人才市场的激烈竞争促使相关的教育工作者必须对当下学科教学体系中的不合理、不科学因素进行反思与改革。通过完善教学管理提高教学成效,将能更好地满足社会对音乐学专业毕业生的人才需求。 (一)制定科学的教学计划和合理安排教学内容 长期以来,舞蹈虽然作为专业必修课纳入音乐学专业课程体系,但对于大多数学生甚至教育者来说,系统的舞蹈教学应该只针对专业的舞蹈学习者,对于非专业的学生,舞蹈只是附属课程,不具备较高的学习价值。造成这一个观点形成的因素有两个。第一,舞蹈技能并未纳入音乐类招生艺考的基本内容。生源特性决定了音乐学专业学生入校时大多不具备舞蹈表演所要求的身体柔韧性、肢体协调性与舞台表现力。入学后接触系统的舞蹈训练,学生常常因达不到课堂要求而对舞蹈训练产生畏难情绪,久而久之便敷衍了事或是干脆放弃,最终舞蹈课程在专业学习中形如虚设;第二,在音乐学专业的课程设置中,舞蹈课程只开设一个学年,每周两个课时。舞蹈不是一蹴而就的艺术,短时间的学习很难达到效果。一年的短暂学习,有的学生刚建立起舞感或对舞蹈产生兴趣,课程却已经结束。基于这一点,也挫伤了师生的教与学的积极性,最终使舞蹈课程流于形式。 从以上因素可以得出,认识舞蹈教育本体价值,加强音乐专业学科对舞蹈课程的重视程度是提高舞蹈教学成效的基础。音乐专业的课程设置,应该在现有课程基础上,加强舞蹈教育比重,在注重基础教学的基础上加强学生对舞蹈基础创编能力的培养。首先体现在课时的增加,任何艺术的学习都有着循序渐进,由浅入深的规律。课时的不足将严重影响到舞蹈训练的完整性与连续性。舞蹈课程应该在第一、第二学年贯穿始终。学生到了三、四年级,艺术实践的活动增加,虽然没有再开设舞蹈课,但学生可以在实践中得到学习与锻炼;其次,科学制定教学大纲安排教学内容,避免生搬硬套。目前,大多数音乐专业的舞蹈教学内容同样取自专业舞蹈院校的教材。在组合内容的编排上没有顾及到音乐专业学生特点,是造成了教学成效不理想的主要因素。 笔者认为,一年级的舞蹈课程应当以基础训练为主,避免涉及到技巧练习,以强调动作的基础性与规范性为目的展开教学。课堂组合的编排上,不能拘泥于单一的芭蕾基训或古典舞基训,可以采用把上芭蕾基训与把下身韵组合相结合的原则,使学生的柔韧性、协调性以及肢体表现力在一节课中都能得到训练,同时难度的降低可以使学生更容易接受;二年级的教学内容可汇聚理论教学、民族民间舞、剧目排练、舞蹈基础编导等相关内容。四者可相辅相成,融会贯通。以蒙古族民间舞蹈教学为例。第一堂课教师可以先讲解蒙古族人民的性格特征、蒙古族的音乐特点以及舞蹈的风格与特征,并给学生欣赏极具代表性的蒙古族经典剧目。这是学生在技能学习前的理论基础;通过对蒙古族舞蹈的上肢动作与典型步伐的课堂练习,使学生掌握蒙古族民间舞蹈的基本体态与动作风格;排练具有代表性同时难度适中的蒙古族舞蹈作品,加强学生的舞蹈表现力;布置蒙古族民间舞蹈的创编作业。教师可以通过为学生做编创示范以及对学生完成作业后评价等方式使学生掌握一些基本的编创技巧[2]。 (二)利用互联网延伸课堂教学 一方面,随着科技进步,互联网为人们开创了一个有别于现实社会的公共空间———网络世界,它使人们足不出户便晓知天下之事。互联网为传统的教学模式带来了拓展与延伸,同样,也为高校音乐学专业舞蹈教学带来诸多便利。首先,随着各类舞蹈网站的兴建,对舞蹈的接触与参与,不再局限于高精尖的专业人才。网站中不断更新的文字、图片、信息等各种形式的舞蹈信息,缩短了非专业人才与舞蹈之间的距离,使学生在虚拟空间中与舞蹈有了不同程度的交流。对学生在互联网学习中的引导,将使音乐学专业的舞蹈教学在课外得到延伸。其次,教师可通过互联网为学生传输与课堂相关的教学资料与视频。音乐专业学生在舞蹈课堂中的理解与接受能力大多表现得差强人意,由于还未达到自主学习舞蹈的能力,没有教师的适时指导,课后的练习与巩固就成了一大难题,互联网使这个问题迎刃而解。学生在课后可以根据老师传送的教学视频加以巩固与练习。同时可以将课堂教学视频作为课堂笔记加以保存。由此可见,互联网是音乐专业舞蹈教学中不可或缺的辅助工具[3]。 另一方面,发挥互联网教学的优势要求学习者合理规避互联网所带来的信息大爆炸以及其它弊端。互联网让人们真正进入大众传媒时代,网络的自由性导致人人都是信息制造者和传播者。音乐学专业舞蹈学习者通过互联网能获取众多舞蹈信息,海量信息让学习者应接不暇,其中包括民众上传的各类舞蹈视频与文字信息。由于信息量庞大与复杂,容易使学生一叶障目或只见树木不见森林。不规范或水平较低的舞蹈视频容易给学生造成误导,产生负面的教学影响。例如:为了完成课后布置的创编作业或艺术实践的演出需要,学生往往会在互联网上搜索相关视频进行参考,但专业水平的薄弱使学生不能对互联网信息准确地判断与筛选,接收了不规的舞蹈信息,导致互联网教学成效的失败。对此,发挥互联网教学优势要求教师引导学生对互联网的舞蹈相关信息进行正确筛选,例如提供专业的舞蹈门户网站或提供准确有效的舞蹈关键词让学生在互联网进行搜索。总之,互联网教学方式应当因势利导,使之成为新时期舞蹈教学模式的新手段。 (三)实践性教学是提高音乐学专业舞蹈教学成效的重要手段 实践性教学在舞蹈教学中有着不可或缺的重要作用,它不仅实现了舞蹈课堂的教学目的,同时也使学生在实践中不断提高自己的舞蹈能力,其中包括舞台表演、舞蹈教学、舞蹈编创等方面。例如,摒弃以往音乐学专业的学生钟爱展示声乐与器乐能力,通过每年的艺术实践要求学生必须展示一定数量的舞蹈作品,通过舞台表演的实践,让学生明白舞蹈表演在一场综合演出中的重要性,了解舞蹈与舞美、灯光、道具、服装等方面的相互关系与作用,同时学会运用综合的艺术手段完成舞蹈的舞台呈现;音乐学专业的学生是综合性大学校园文化活动的骨干成员,承担着院系间的艺术交流以及校内各项文艺演出的任务,为其它院系的活动排练舞蹈或为了某个校内活动编排节目都是实践中音乐学专业学生所面临舞蹈能力的考验。 在这个过程中,学生从挑选音乐、确定主题、构思作品、排练演出,都是对舞蹈技能更深层次的思考与学习,其舞蹈编创能力、教学能力、以及自身的艺术表现力都在实践中得以提高[4];加强实践性教学还应当鼓励音乐学专业学生根据自身的兴趣爱好与特长积极参与社会实践、自主实践,例如到艺术培训机构兼任舞蹈助教、积极参与社会公益演出、参加各类舞蹈比赛等,通过多样化实践形式,达到提升学生综合实践水平与舞蹈能力的目的。音乐学专业舞蹈由于本身的特殊性,既不能像舞蹈专业教学那样深入与系统化,但也不能完全脱离舞蹈的基本理论与实践。加强音乐学专业舞蹈教学是培养高素质音乐人才的重要环节,教学者要注意拿捏分寸,扬长避短,为音乐学专业的舞蹈教学总结出更多的方法与途径,以达到人才培养的最终目的。 作者:吴红叶 单位:闽江学院 音乐学院 音乐学论文范文:音乐学专业学生的计算机软件操作能力 一、课件制作能力 一名合格的中小学音乐教师所应具备的最主要能力是能够胜任音乐课的常规课堂教学。作为一名教师,应具有扎实的语言表达能力和板书水平。随着时代的进步,信息量更加丰富、相对粉笔板书更为直观,且集视、听效果为一体的多媒体教学课件出现。多媒体教学课件是指在教学过程中,通过教学设计,利用多媒体综合处理文字、声音、图像、影像等多种信息的一种教学手段。音乐艺术以声音为载体进行传播。音乐课教学应充分遵循这一特性,把声音的输出作为音乐课最为重要的教学手段。因此,精心设计、制作多媒体课件,并能在课堂上娴熟操作,是每一名音乐学(教师教育)专业学生应掌握的技能。目前,多媒体课件制作的主流软件是美国微软公司出品的MicrosoftOfficePowerPoint(以下简称PPT),这是一个“演示文稿”功能的课件制作软件。在制作音乐课课件时,该软件可以导入文字、课件背景、图片(包括乐谱图片)、音频、视频等素材,且能使其按照设计好的顺序出现,以动画的方式展现每一张幻灯片中的视听素材。它能很好地满足中小学音乐课教学中唱歌、音乐欣赏等几种常见课型对多媒体课件的需要。 二、乐谱制作能力 音乐教师在常规音乐课教学、音乐节目排练活动中,经常要和乐谱打交道。因此,音乐教师的乐谱制作能力也非常重要。在利用多媒体课件辅助的常规音乐课堂教学中,有时需要在课件中向学生展示音乐作品的乐谱,以便教师做示范,这就需要在课件中插入乐谱。在PPT中可以以图片的形式很方便地插入乐谱,但乐谱需要用专业打谱软件制作,才能以图片的形式导入PPT中。中小学音乐教师经常会负责组织学校的合唱队、乐队排练及重大节日演出的任务。在这种活动中,乐队总谱不可缺少。或许有些经典作品的乐谱可以从专业乐谱网站下载,但更多情况是教师根据歌曲乐谱自行编配小型乐队总谱。因此,为了使学生在排练时能有乐队总谱方便视奏,用专业制谱软件制谱就显得至关重要。目前,国内通行的制谱软件根据乐谱类型分为简谱和五线谱两大类。在简谱绘制方面比较出色的有作曲大师、雅乐简谱等;五线谱绘制软件相对来说比较多,初级阶段的有Overture,高级阶段的有Sibelius和Finale。以上这些制谱软件都可以对乐曲的调式、节拍、声部、速度等进行设置,完成乐曲音高、节奏型、歌词的输入,以及对乐谱布局的排版和调整。因此,能够使用制谱软件绘制乐谱对于中小学音乐教师来说非常重要,是一项基本职业技能。 中小学音乐教师在日常教学中必然会涉及音频编辑方面的工作。在音乐欣赏课的教学中,很重要的教学理念是向学生阐述乐曲的曲式结构,然后进行分段欣赏。切忌采取从头播放到尾,囫囵吞枣式的听赏,特别是像交响曲、奏鸣曲等较大型曲式结构的音乐作品,重复播放会使学生产生倦怠心理。正确的做法是欣赏多段体音乐作品时,如A—B—A结构,用音频编辑软件将作品按顺序依次截开,让学生分而听之,去感受前后两段与中间段落的对比。或者在欣赏奏鸣曲式时,把主部主题和副部主题的段落分割,让学生分段感受奏鸣曲式的优秀内容,然后让学生单独聆听连接部和结束部,通晓奏鸣曲式各个乐章的段落进程,最后全乐章合而听之。以上做法可以加深音乐欣赏课中,学生对大型曲式作品的理解和感悟。中小学音乐教师一般要担任学校节日文艺汇演的组织工作,晚会演出也需要音频处理方面的工作。在制作歌曲联唱类节目的伴奏带时,需要从网上下载每一首歌曲的伴奏音乐,再利用音频制作软件将其串联起来,完成音响制作。这些工作都需要音乐教师具备一定的音频编辑能力。目前常用的音频编辑类软件有AdobeAudition、SoundForge等,大多都支持对WAV、MP3、MPEG、AVI、WMA等多种音频格式的转换和播放,支持剪贴、复制、粘贴、多文件合并和混音等常规处理,支持对音频数据进行扩音、衰弱、淡入、淡出、压限、延迟等特效处理。四、网络音乐信息收集能力进入21世纪,互联网成为人们生活中不可或缺的信息工具。作为音乐学(教师教育)专业的学生,应具备在互联网上搜索音乐信息的能力,包括在一些音乐类网站上检索音乐专业知识,从酷狗音乐、百度音乐等音乐搜索引擎上下载音乐作品,或是在优酷和土豆等视频网站上搜索中外音乐名作的演出录像等。通过以上信息的收集,学生一方面可以加深自身音乐文化知识修养,另一方面,这些从网上搜索到的内容可以成为音乐教学课件中的丰富素材。 结语 综上所述,作为音乐学(教师教育)专业的学生,应该对自己的专业发展方向有长远的规划,认清信息化高速发展的今天,电脑技术在中小学音乐教学领域所带来的革新和运用。音乐学(教师教育)专业学生应该从在校阶段就熟练掌握一名合格的中小学音乐教师所应具备的基本计算机软件操作技能,为将来从事音乐教育工作打下良好的基础。 作者:徐杰 陈瑶 音乐学论文范文:谈民族音乐学音乐分析方法 民族音乐学是一门从音乐表象出发,研究音乐所蕴含的深层次文化现象的学科,具有多学科、多角度的研究性质。作为一门独立的学科,其有着独特的音乐解读方法和模式,本文将重点对民族音乐学音乐解读方式即音乐分析方法进行归纳和综述。音乐分析方法即对音乐作品进行解读的方法,它包括对音乐结构、声响原理、音阶构成等音乐本体方面的研究,同时还涵盖了音乐在人类活动中如祭祀、婚丧、嫁娶等所传达出的文化。民族音乐学的音乐分析包括音乐本体和音乐文化内涵两个方面,音乐本体即我们所熟知的以和声、曲式分析为主的音乐作品分析,这也是狭义的音乐分析。 音乐文化内涵则是在对音乐本体进行研究的基础上来解读音乐背后所存在的文化现象。美国匹茨堡大学荣鸿曾教授根据特征把民族音乐学对音乐的旋律分析方法归为三种:生物分类法、基因分类法、文化本位法,这无疑是对民族音乐学在音乐研究中分类法的有益尝试。鉴于民族音乐学的人类学特质,我们在对音乐民族志的音乐分析时,不可能只关注音乐,更多的是对音乐背后文化表象的探究和发掘,由此,面对民族音乐学音乐分析方法这个大概念时,我从音乐本体和音乐文化研究的方面进行归纳总结: 一、音乐本体分析方法 民族音乐学对音乐本体进行的研究是广泛而深刻的。比较音乐学时期,就已经开始了对音乐本体的深入研究,并取得了显著的成果。如英国A.J.埃利斯使用物理声学的测量手段,从声学角度对所涉及的各民族音阶进行的音分数据测量,这一测量试验,为民族音乐学在对不同地域、不同民族的音乐的研究提供了比较的标准和研究途径。二十世纪初,以德国音乐家为代表的柏林学派进行音乐研究时侧重于对音体系本身即音响材料、乐音体系测定、音阶构成和乐器物质结构和发声原理的研究。此时的美国民族音乐学家则在文化人类学的影响下,将研究聚焦于音乐与社会文化、环境关系的研究,被称为“音乐人类学”。 当代美国著名民族音乐学家曼特尔·胡德提出了四点研究模式,分别是:“有带声音的例子;对例子有清楚的说明;有由图解说明的重要之点的特殊例子;必不可少的统计资料;还要会演奏或演唱被研究对象的一种或多种乐器或音乐作品”[1]。胡德的这种观点被梅里亚姆解释为“按其内在法则运动的一种体系来研究”[2]音乐。这些来自不同研究领域的学者们通过不同的方法对我们所熟知的旋律、节奏、音色、调式、乐器、发声原理等进行了新的解读,是我们对音乐本体有了更深刻的认识和理解。 二、音乐文化研究方法 音乐文化研究即从音乐的文化背景和社会存在环境入手来研究音乐所承载的文化内涵和形成规律。梅里亚姆在《民族音乐学的研究中》提到:“音乐是人类智力行为中的一种复杂因素。没有人的思考、行为和创造,乐音不会产生,而目前我们对声音的理解要多于对产生音乐的全过程的理解”[3],可见,音乐是人类认知行为的重要组成部分之一,其产生的目的、作用以及意义和背景都应是民族音乐学研究的中心。从文化背景出发研究音乐,主要以“美国学派”为代表。该学派在“文化人类学”的影响下,将民族音乐学的研究视角投向对原始民族和落后地区传统音乐的研究,将这些区域的文化视为文化的初始阶段,注重实地考察,强调音乐的文化意义,并希望通过实地考察得到音乐与社会、经济、文化的联系。通过将音乐放置于社会文化背景中,使该学科产生了前所未有的影响力,达到了新的高度。在音乐文化的研究中,主要包括音乐本体和音乐文化研究。 在这里,对音乐本体的分析已成为音乐文化的认知工具,音乐文化则是在音乐本体研究基础上的提升。在实地调查之前,我们需要搜集研究对象的历史资料,文献法、考据法在此时将派上用场。在进行田野调查时,表演仪式、音乐使用、听众反应等都是需要我们详细记录的。因此,无论是对音乐本体的研究,还是对音乐文化的研究,都属于认知范畴。音乐本体的分析方法为我们的音乐研究提供了认知工具,表现了音乐运动的规律和特征,使音乐的内在关系得以展现。音乐文化的研究,则能解释音乐的形成和发展本质,通过对音乐的分析来表现人类活动的行为和思维方式,使人们最终了解音乐的本质属性。 作者:朱语涵 单位:中国艺术研究院 音乐学论文范文:民族音乐学对音乐研究的启示 一、缘起 杜亚雄先生在《民族音乐学概论》一书的后记中总结了二十世纪中国音乐教育存在的两大问题:一是用欧洲音乐取代世界各国的音乐;二是以汉族音乐取代中国其他各民族的音乐。并且,明确指出了这种局面所导致的可能性后果:“这两个‘取代’一方面使中国音乐界的视野变得十分狭窄,另一方面还在中国音乐界培养了‘欧洲音乐文化中心论’的思想和对中国传统音乐的虚无主义态度。如果在下一世纪中,我们仍然不能克服这两个‘取代’,中国音乐的发展必然会受到很大的影响。”①时下,杜先生所说的“下一世纪”已亲临我们,而上世纪的两个“取代”是否有所转变呢?就当今艺术思潮的涨落而言,它仍是我们的一个担忧。因此,笔者以民族音乐学的学术思想为指导,试论当下我国音乐学研究现状之偏差与对策。 二、“欧洲音乐文化中心论”的持续影响 “欧洲音乐文化中心论”是民族音乐学发展初期的主要思想之一,其构建者是由霍恩波斯特尔等人组成的“柏林学派”。他们认为,欧洲音乐文化(尤其是日耳曼)的形态高于其他地区。所以,如果某一音乐文化中的音乐形态与欧洲相近,则被看作是“复杂的”、“先进的”、“优秀的”音乐;反之,则被看作是“简单的”、“落后的”、“卑劣的”音乐。这就形成了“欧洲音乐文化中心论”,即世界其他地区、民族的音乐文化只是欧洲音乐发展过程中的一个阶段。显而易见,这是当时较为发达的欧洲人以自我为中心的一种偏见,是“狭隘民族主义”的典型。他们之所以推崇这一理念,其实质是为他们奴化被压迫民族的政治目的服务。所以,“欧洲音乐文化中心论”并没有随着“柏林学派”研究方向的转移而销声匿迹,它在东方仍得到广泛的传播。这种理论的传播,并非为了帮助东方人发展自己的音乐文化,也不是为了研究东方的音乐文化以便认识整个人类音乐文化发展的趋势,而是企图彻底推翻东方各民族传统音乐文化的根基,从精神上再次征服和驾驭东方各民族,以便满足自己的侵略野心,巩固自己的殖民成果。所以说,“欧洲音乐文化中心论”,其实质是帝国主义用来腐蚀和麻痹中国人思想和精神的理论武器。可惜的是,当时蒙昧的国人并没有看到这样的事实,以致帝国主义的“阴谋”得逞。自1893年由帝国主义操纵“中华教育会”以来,在新文化运动的推动下,一批归国的海外学子在中国大地上传播起了“欧洲音乐文化中心论”。他们沿用“柏林学派”的错误做法,以欧洲音乐文化为准绳来权衡中国音乐;站在欧洲音乐的立场上来评价中国音乐,从而得出中国音乐比现代西洋音乐“至少落后了一千年”(萧友梅语)这样的错误结论。近百年来,我们认真吸收西方音乐学的研究成果,其目的是建立有中国文化特色的音乐学体系,实现蔡元培先生所构想的:“循此以往,不特可以促吾国音乐之改进,抑亦将有新发见之材料与理致,以供世界音乐之采取”(蔡元培:《音乐杂志发刊词》,1920)。然而,中西音乐交流的现状却是不对等的,我们向西方引进过多,而向世界输出太少,以至于西方音乐的精神和模式便成为中国人在音乐观念上的一个公共平台,形成新的思维定势和价值取向。相比之下,中国传统音乐反而处于音乐活动的边缘,尤其是它的音乐理念,被人日渐遗忘。当下,中国音乐学界就西方音乐和本国传统音乐的学习之比例来看,有显失调。西洋乐器成为当今大多“乐童”②家长的首选对象;各省、市都相竞建设着自己的交响乐团、歌舞剧院;理论研究者大多为了挖掘西方音乐理论的神秘而呕心沥血;还有一些“旱鸭子”,也在附庸风雅的虚伪中对西方音乐有着高于一切的“崇拜”。这一切,导致我们向中国听众介绍西方音乐,要比介绍中国音乐显得更为简单和容易,因为他们对西方音乐的隔膜远比中国音乐的隔膜要小得多。泱泱五千年文化,曾给整个世界、整个人类贡献了辉煌的文明成果,其中诚然包含着各具特色的音乐艺术。而面对上述现实,我们该到警觉并慎思对策之时了。 三、民族音乐学的启示 王光祈是把民族音乐学引入中国的第一人。与“欧洲音乐文化中心论”不同的是,王光祈是以了解本国传统音乐文化、振兴中华民族、唤醒国人,以对本民族的优秀传统加以了解、继承和发扬为目的。继王光祈之后,萧友梅、刘天华等人都本着同样的目的对中国民族音乐学的发展做出了不同程度的贡献。他们借鉴西方的新方法、新理论研究老传统,这样的引进有助于我们“参考西人关于音乐之理论以印证于吾国之音乐,而考其违合”(蔡元培语,《音乐杂志发刊词》,1920),并且对于我们克服杜亚雄指出的两个“取代”无疑也是很有帮助的。民族音乐学主张“平等”地看待各民族音乐,在这一思想的指导下,我们不但要对西方音乐进行认真的学习,而且对其他各国各民族的音乐都要用同样的目光看待,以挖掘属于世界的民族性艺术财富。因此,对待中国音乐,我们应该有着和对待西方音乐一样的心态。不能因为个人喜好而对我们自己的音乐有所偏见,甚至是有所误解。实际上,中国音乐与西方音乐一样,均为各自具有独立价值的音乐体系,它们共同构成了音乐表现世界的两种方式,成为人类音乐文化的两极。中国音乐具有西方音乐所没有的独特魅力。如果说西方音乐见长于辉煌浑厚的音响织体的话,那么我国传统音乐则在回肠荡气、销魂摄魄、曲能达情、天人合一的审美境界上有着不可替代性。那么,如何才能摆脱“欧洲音乐文化中心论”的束缚以重整我国传统音乐的旗鼓呢?窃以为,我们要做文化的还原。音乐作为根植于整个人类文化的产物之一,我们不能孤立的从乐曲形态上来简单分析,因为这样的分析显然是苍白无力的。尤其是对中国音乐的阐释,我们必须将其还原到此作品之所以能够存在的文化凭借中,对它进行深层的、立体的阐释。这样,才能使读者通过对其内在精神和深层模式的把握获得更具本真性的领会,才能激发和深化对中国音乐的审美趣味。就中国传统乐器的音色为来说,很大程度上是中国音乐的独特美的构成和体现。那么,对于乐器音色的把握我们不仅要从科学的层面进行理解(物理振动),更应该从历史的角度去领悟其美感。在我国古代,一种乐器那特定的音色往往同这种乐器产生的时代背景、享用主题和具体时间有着密切的联系。如果我们从这个角度入手去考察一首作品,我们就会得到与形态分析完全不同的审美体验。诸如体现贵族气派的敲打乐器,叙述世俗情调的吹管乐器,描绘都市风采的弹拨乐器等。这一切特有音色的体现是我们五千年文化的结晶,是西方各国音乐都无法模拟、更无法媲美的。如果说,织体性的西方音乐给我们的听觉是一种丰硕的满足,那么,单线性的中国音乐则给我们是一种“余音绕梁”的灵魂韵味。牟宗三先生曾经说过:“我们这个时代的生命大体说来都与我们自己的历史文化脱了节,没有感应”。当下中国音乐的研究无不是这样。中国音乐的价值,应该来自于产生它的文化。要想深刻的理解和领会它的价值,首先必须理解和领会这种文化。然而,当下中国音乐的研究,大多将其作品与它自身的文化相割裂,出现这样的现象,原因理应有二:一是近百年来,中国文化自身发生了很大的变化,传统音乐与现实的文化环境有很大差异;二是我们自身由于专业的学习,常常忽视了与其他学科的联系,文化素质的浅薄必然导致我们无法将作品还原到文化现象中去审视。所以,打开学术壁垒,提高自身的综合素质应该是我们的一个迫切目标。 四、结语 综上,在中西文化对撞的今天,“欧洲音乐文化中心论”过于泛滥,本国音乐无力彰显是中国音乐教育和音乐研究都存在的一个重要问题。面对这一现实,笔者在民族音乐学的启示下,发出呼吁:与世界各国音乐一样,平等地看待我国的传统音乐。中国音乐并非是一个封闭的实体,我们应该采取开放与对话的方式,与西方音乐进行交流与合作。需要注意的是,西方理论的借鉴固然重要,但不要让“洋学问”蒙蔽了我们的眼睛。在中西文化日益渗透的当下,对于我国传统音乐文化的挖掘,应以“中西合璧”为学术方法论,进而寻求属于我们自己的学术之道。五千年的积淀,对于我们来说是挑战,同时也是难得的资源,若拱手相让于他人,岂非有悖“文明古国”之美誉? 作者:陈继荣 单位:定西师范高等专科学校学前教育学院 音乐学论文范文:海外民族音乐学的音乐认同研究 音乐是人类重要的交流和表达方式。在民族音乐学分析中,音乐可以定位为两种途径。其一,音乐可以界定为一种交流的实践方式,它通过音高、音长、音色及音量等方面将声音组织在一起。此界定可以涵盖广义的实践,从人类扩展到自然界所有的声音,例如,鸟鸣、海豚和鲸鱼的“语言”。这种方法使其声音在高度结构化的交流与表现体系中进行社会化分析,隐瞒原生的界定和解释力需要做进一步的分析使用。同时,诸如“音乐”这样的类别是一种专注于表演和理念的有用方式,它具有重大的文化意义。其二是寻找本土化的术语,它覆盖了大致相同地域环境的体验,类似于“音乐”这个术语所涵盖的范围一样。这种方法根植于对社会的、文化的话语分析,揭示了涉及表演与社会文化领域中人与人之间的关系。它使得人们以“音乐”实践的不同方式去观察,这种方式包括了在“他者”社会、文化实践中的再生产或变革,而非在意文化音乐研究中强加一个异质的、不恰当的分析框架。民族音乐学家关注音乐与社会、文化现象相关的所有因素。20世纪80年代初,“音乐与认同”话题成为民族音乐学研究关注的新动向之一。着眼于此主题的海外研究中,以美国民族音乐学成果最为丰富,并以美国民族音乐学学会(SEM)官方刊物《民族音乐学》(Ethnomusicology)为主要阵地刊载了大批该主题学术论文。为了理解海外民族音乐学家如何看待这一主题,本文从“音乐与认同”主题的提出、研究综述、回应与反思、与认同相关的主题四个方面展开讨论,力求对民族音乐学研究有所启示。 一“、音乐与认同”主题的提出 目前,民族音乐学学术界一直在争论如何将音乐研究作为一种社会现象,并与音乐中的声音进行整合,其中存在一系列的范式、模式及方法论,大多数学者会从以下四个视角来考虑与之相关(地理或历史)的研究范围:(1)音乐作为文化和社会进程的中介;(2)音乐作为话语和音乐意义的本质;(3)音乐与认同;(4)音乐与现代性。近年来“,音乐与认同”主题的研究在美国民族音乐学界得以相对发展。在美国民族音乐学学会2005年年会报告中,蒂莫西•赖斯(TimothyRice)发现“音乐与认同”问题是会议中最有代表性的议题之一,提交的500篇文章中约有83篇讨论该主题,这些集中的讨论构成了“音乐与认同”主题研究的基础。①之后,赖斯对《民族音乐学》1982年至2006年间刊载的标题含有“认同”的文章进行综述,发现有17篇讨论该主题的相关文章,其中16篇音乐民族志个案和1篇理论性文章。此综述基于17篇文章从认同的概念、来源、种类、产生、界定等基本问题进行综述,总结出音乐在认同建构与符号化中所起的作用,关照美国民族音乐学家如何处理“音乐与认同”之间的关系。呼吁民族音乐学界应该出现一本全面的、整体的理论性著作,从而提出潜在的、跨文化理论意义,进一步证实音乐是可以被用来创造个人或社会的认同。①“音乐与认同”主题在民族音乐学学科领域的出现并频繁使用是在20世纪80年代。究其原因,与以下三种因素有关:首先,始于20世纪60年代的人类学、社会学、文化研究和哲学文献中,将认同归为心理—社会学类别的分析不断被加强;其次,20世纪70年代初,美国的认同政策基于对种族、民族、族群、性别进行研究,在美国的大学及文化生活中获得了主要研究阵地;再次,20世纪90年代初,民族音乐学越来越多的体验来源于直接的田野考察,社会的流动性消融了表面上是传统的国家、民族、性别、阶级认同和类别。② 二、“音乐与认同”研究综述 “认同”是一个源自个体心理学的重要概念,心理学家埃里克•埃里克森(ErikErikson)在20世纪50年代提出“认同”并使其成为该领域的专有词汇,他关注个人的发展阶段,③并提出“认同危机”④。20世纪60年代末,随着美国和世界其他地方族群问题的凸显,人类学家开始关注认同,围绕族群认同展开争论:西尔斯(EdwardShils)、克里弗德•格尔茨(CliffordGeertz)、伊萨克(HaroldPIsaacs)等“根基论者”认为,族群认同主要来自于根基性的、“原生的”情感联系;而德斯皮斯(LeoA.Despres)、哈兰德(GunnarHaaland)及柯恩(AbnerCohen)等“工具论者”,将族群视为一种政治、社会、经济现象在其竞争中使用的工具。弗里德里克•巴特(FredrikBarth)的族群边界理论认为族群性可以按照界限的构筑、维持和调适来理解,应注重社会边界以及社会生活中的行为组织与社会关系。⑤20世纪80年代初,民族音乐学领域有关“音乐与认同”主题的讨论集中在《民族音乐学》期刊。第一篇讨论该主题的文章是克里斯•沃特曼(ChrisWater-man)《“我是一个领导者,不是老板”:尼日利亚伊巴丹的社会认同与流行音乐》,该文首次引入了“认同”这一术语,讲述一个约鲁巴音乐家戴欧(Dayo)如何在伊巴丹尼日利亚将自己同时嵌入两个社会群体之中。沃特曼将这种对社会地位的关注,通过戴欧的个案获得自我认同的心理归属感,从而提升“自我认同”并将其作为心理归属感的研究典范。⑥早期的研究包括1985年曼努埃尔•佩纳(ManuelPena)对得克萨斯州的墨西哥裔美国人所进行的认同阶层的研究。⑦戈登•汤普森(GordonThompson)对一个称之为商队(Carans)的印度种姓自我理解或认同的研究,说明族群认同研究相比个体自我认同研究更为普遍。该种姓是包含多种行业的混合族群,他们通过歌唱的旋律性和使用乐器伴奏来强调他们艺术的音乐性。但是他们争辩说,他们并没有歌唱,而是在朗诵自己的诗歌。事实上,由于种姓内容日益多样化的现实引发了诸多关于族群、族群特征、族群根本属性的争议。在大多数情况下,认同似乎更加关注以集体自我理解为代表的(包括音乐在内)各种特性、活动和习俗。⑧纵观诸多文献,学者们反复强调一个观点,即音乐有助于建构社会认同。艾伦斯(LaraAllen)对一种称为“有声摇摆舞”(vocaljive)的混合风格进行研究,该音乐形式在20世纪50年代的南非黑人城镇发展中陷入迷茫状态。这种音乐混合了西方和非洲元素,形成了非部落、面向国际化、城市的非洲文化认同,体现了城市、非部落、部分西化的经验和城镇居民的认同,并通过音乐自身形象的混合形式反映认同的混合性。⑨民族音乐学家劳伦斯•韦慈朋(LawrenceJ.Wit-zleben)在对上海江南丝竹乐社的研究中,认为对音乐形式本身进行研究的过程中,除关注旋律形态、音乐结构之外,剧目应该作为理解、建构音乐族群、个体认同过程中的重要角色而需要重新加以审视。谈到音乐对于认同的贡献,民族音乐学家托马斯•图里诺(ThomasTurino)把查尔斯•桑德斯•皮尔士(CharlesSandersPeirce)的符号学理论运用到音乐研究中,他认为音乐的情感力量正是来自其作为符号的标志性本质。这种音乐建构的认同是“自然的”,音乐标识某一群体共同的经历,有助于增强音乐的情感力量。同时,音乐以诸多特殊的方式产生符号、索引方面所表达的不同情感与身份建构潜能。因此,它在构建社会团结、参与以意志为目标的事件和宣传中成为一种中央资源。①笔者延续赖斯的综述,将2006年至2013年标题含有“认同”一词的文献进行梳理,发现近年来诸多学者关注移民群体、离散人群及少数族裔身份构建与音乐文化研究。其中移民群体多采用延续本土音乐文化传统建构身份,《圣地亚哥及纽约的瑅芘科梅林格:多米尼加新传统音乐中的跨国乡土观念》不但呈示了多米尼加城乡移民和跨国移民坚守音乐表演以此来构建身份,而且论证跨国体验及其不同社会阶层重组等因素共同作用的结果。②离散人群和少数族裔社群则多采用“被发明的音乐传统”,这是在后现代思潮强力作用下,西方学者对文化政治、身份危机的关注,在此《跨越分界线———当代意第绪典范中的哈西迪音乐》较为典型,该文对美国意第绪犹太人离散群体的传统宗教音乐进行身份构建,论述了因历史原因造成的离散生活,没有得到广泛认同的传统文化。这些现象表明,缺乏身份认同的共识性方式,不可能理解、体验正宗哈西迪教派的宗教音乐。同时,政治因素及身份危机足以使得这些特殊群体从现实需要的角度去理解、利用这种音乐传统,彰显其可识别的特质,从而对身份建构方面发挥巨大而深远的作用。③在有关该主题的讨论过程中,值得一提的是马丁•斯托克(MartinStokes)所编的论文集《族群性、认同与音乐》。该书引用了巴特的观点,用个案说明音乐在族群边界认同形成与维护中的作用。斯托克认为这一理论对“音乐与认同”的影响,体现在“族群性”这一术语将民族音乐学的关注点从界定音乐“内”基本的“真实的”标识转向社会行为者怎样在特定的地方情景中使用音乐,以此来梳理“我们”和“他们”之间的界限,维持二者之间的差异,以及如何用“真实性”(authenticity)这类术语来证实这些界限。“真实性”与认同的概念密切相关,它专注于音乐方法的研究,这对于区分我们和其他人的音乐很重要。书中引用的10篇文章从表演与地域,族群性,认同与民族国家,杂交与差异,族群性、阶级和媒介,社会性别与认同等不同视角谈及音乐在其中的作用与意义。④综观以上文献综述,可以看出潜在的、全新的跨文化理论意义以及普遍的趋势,即音乐是可以被用来建构个人、社会的认同。当我们在审视族群性和认同在音乐表演中的作用和方法时,音乐已经不是单纯的方法之一,还要考虑到其中的主导类别以及与人的关系。然而,在诸多讨论“音乐与认同”的文献中,缺乏连贯、相互关联、整体的、针对性强的著作,这样势必会使音乐学科存在结构性的缺陷。因此,对这一主题进行专题讨论势在必行。 三、“音乐与认同”研究的回应与反思 2010年,赖斯基于上述提及综述文章,呼吁建立一种对民族音乐学学科有着重要意义的新方法,并发表富有影响力的论文《建构一条“民族音乐学”学科新的路径》⑤。该文对《民族音乐学》中讨论“音乐与认同”主题的17篇文章进行分析,总结出三个特征:第一,从第1篇文章开始,作者没有解释认同的含义及使用的意义,“认同”被认为是一种社会分析的类别;第二,在这17篇文章中,只有1篇是理论性探讨,其余16篇民族志文献没有借鉴相关学科的“认同”理论;第三,这些作者彼此之间缺乏互文性参考。赖斯指出,民族音乐学作为一门学科,需要滋养理论概括化的水分来建构、完善,并提出在“音乐与认同”研究方面,至少需要三个来源:一是来源于从学科外阅读到的普遍理论与范式;二是来源于阅读其他领域中有关认同的文献;三是来源于我们自己的音乐民族志著作。赖斯批评民族音乐学家没有通过互文参照及推动概念化和比较性的理论建设,将研究音乐实践与身份象征或身份建构之间关系进行结合,并强烈呼吁在未来具体研究中,利用各种机会进行跨区域、跨团体、以专题为导向的对话,坚信通过这样的理论对话建立起一些理论的“肌肉”,并试图打造一个更加充满活力的学科。换句话说,赖斯呼吁在未来的25年时间里,从“音乐与认同”主题入手进行民族音乐学研究路径的改革,共同定义一个民族音乐学学科的平面轴心。此呼吁发表后,引起了英美民族音乐学界强烈的反响与关注,先后有7位知名学者对此进行回应。大家集中对赖斯提出的学者间“互文性参照”“认同文献检索范围:17篇文章的选择”及构建“音乐与认同”普遍性的理论等问题提出质疑并展开讨论。①第一,诸多学者对赖斯发出的“呼吁”及学者间“互文性参照”给予了充分肯定。科菲•阿加乌(KofiAgawu)认为民族音乐学家应该进行定期的自我反省,这对于引导学者转向更好的学术模式有很大的帮助。埃伦•科什科夫(EllenKoskoff)指出赖斯的呼吁最耐人寻味的不是临近结束时有说服力的陈述,而是穿插在文中的诸多问题,这些问题不可避免地引至文章最后的雄辩;同时,对于赖斯所提出的缺乏理论化的问题,她建议应该对民族志细节的差异性及完整性予以关注,寻求在使用理论背景中最适当的、最有效的话语平台。苏泽尔•阿娜•赖利(SuzelAnaReily)认为学科间的争论可以有多种方式,诸如赖斯这篇呼吁以及其他学者的回应就是不错的选择,她呼吁学者间文本性的对话尽可能广泛,应尽量加强学科目标之间的集体协同,从不同维度来理解人类的音乐性。斯克鲁格斯(T.M.Scruggs)认为,在我们的学术研究中,对横向研究重视的同时,不能忽略其纵向研究,我们应该与其他学者建立广泛的联系,仔细检查、比较我们的研究成果。马克•斯洛宾(MarkSlobin)则认为,赖斯提出的呼吁不是对术语的质疑,而是对民族音乐学家不假思索使用术语方式的批判,他主张作为学者应该对所使用的术语其出处进行详尽地说明,呼吁应该建构一个学术参照的平台。马丁•斯托克(MartinStokes)认为,现有的研究中大多数学者仅重视田野调查中所需的语言技巧与社交能力的提高,而忽略了理论的总结与提炼,因此,导致我们误认为民族志就是资料的搜集、技能的积累,他赞成赖斯指出的民族音乐学文献缺乏理论总结与概括的观点。简•C.休格曼(JaneC.Sugarman)非常赞成赖斯提出的学者们缺乏对相关学科中关于“认同”理论著述的引用,以及缺乏相互间的参照性,她反复强调“文献”的重要性,认为这才是建立严谨学科的最佳路径。第二,针对赖斯对“音乐与认同”主题检索文献范围的选择,学者们持有不同意见。阿加乌认为,除刊载在《民族音乐学》期刊的文章之外,还有很多文献可以阅读。赖斯提出的整合文献很有意义,但是对于处于后学科时代的学者而言,他们往往进行着跨学科的理论对话,而不局限在民族音乐学家之间;同时,赖斯提出的新方法忽略了美国之外的民族音乐学者。斯克鲁格斯认为,研究某一主题时,检索文献的范围应该扩大至图书、各类学术期刊,大量真实、有意义的理论讨论应该以一种清晰、吸引人的风格进行,这样会吸引大量的读者关注某一主题;同时,应该充分意识到地方学者在研究过程中的重要性,目前有许多杰出的范例均来自于同我们研究地域的地方学者细致而令人尊敬的协作,他们的知识、调查应该融入我们的研究日程中。休格曼认为,赖斯检索范围的设定存在偏见,他排除了非音乐期刊、专著及编著作品,并且对与认同相关的“自我”“主体性”“性别“”族群”等议题也有所忽略。第三,诸多学者就赖斯提出构建“音乐与认同”普遍理论提出了质疑与批判。阿加乌认为民族音乐学是一门内在的、不可简化的多元学科,很难寻求一种同质性的普遍理论来概括;民族志材料有充分的实用性,理论的提出、概括同样需要依赖地方研究的调查结果以及民族志细节的争论。斯托克认为,学术领域在当下非常不稳定,我们的理论对话应该具有宽松性、灵活性与去中心化,而非有序的、集中的引用机制。关于“音乐与认同”主题是否允许集中的理论概括问题,他认为任何理论都是多样化且高度流动的,认同同样是一个多元的、复杂的主题。因此,我们不能一成不变地研究它。休格曼认为对于发展一种民族音乐学关于“音乐与认同”的普遍理论并不赞成,在学术界诸多范式中,关于文化形式与认同议题之间存在独特的观点,因此,没有必要寻求一种内在的一致性。针对以上讨论,大家各自提出自己的见解与观点:赖利认为民族音乐学家真正感兴趣的是音乐,认同通过音乐及其特性变成一种可接受的框架,认同不是民族音乐学所特有的问题,应该在人文与社会科学更广阔的范式转变中予以关注;斯克鲁格斯认为,选择“音乐与认同”作为研究主题是极好的决定,但是选择“符号学”作为未来写作的假设不是最佳的选择;斯洛宾主张当我们对某一主题进行研究时,应该充分考虑到其纵横不同的面向,在不同的视角、不同视点之间有不同的组合,同时,每个碎片可以随时拆卸、随时组合,顺应学术领域的不断更新、变化;休格曼则针对民族音乐学家所呈现的缺点,提出可以参照文化人类学实践中建构理论的发展方式,并呼吁民族音乐学应该开阔一个以音乐为导向的论坛,提供较为全面的、引发争论的评论文章,她反对整合出一个“音乐与认同”的普遍理论,并为此构思了一个持续的、渐进的理论构建过程,即通过各类媒体的呈现方式,以民族音乐学界文献为基础进行评论、批评,进而提出自己的见解。上述针对“音乐与认同”主题所展开的激烈的讨论可以看出,大多数学者较为赞成赖斯提出的以“文献”为依据进行学术研究,并应该建立一个规范的引用机制和有效的民族音乐学阅读与书写范式。但是,针对某一主题进行综述时,诸多学者希望可以通过广泛阅读,扩大检索范围,这样可以全面地予以分析。同时,民族音乐学学科自身的多元化、复杂性及流动性等特点,不适宜总结、提炼普遍性的理论,可以逐渐探索一个持续的、适宜发展的理论建构过程。 四、与认同相关的主题 结合诸多学者的呼吁,民族音乐学研究视角主要集中在民间、部落和亚洲音乐艺术等方面,笔者认为应该更多地借鉴功能主义、符号学、解释人类学、结构主义、后结构主义等多重视角展开讨论,特别是近年来随着城市化进程、全球化移民进程的日益加剧,涌现了诸如遭遇现代化、民族—国家、个人能动、城市、性别、移民群体、离散族群、少数族裔的边缘化、身份危机、民族主义、全球化等与认同相关的其他主题。 (一)现代民族—国家研究 当音乐学者讨论与认同相关的因素时,现代民族—国家与不同类型的民族主义话语很有可能成为最受关注的话题之一。关于小规模、大部分乡村社区的研究仍然是音乐民族志研究的重要领域,这是民族—国家、民族主义和与伴随国家而来的不同争议和纠缠之间的联系,它已经成为迄今为止最为持续的研究对象。“第三世界”流行音乐最新的文献说明了音乐实践总是破坏推定的民族—国家同质的时间和地点,它较少涉及发达的西方国家,但是有时会涉及民族主义议事日程。然而,在大多数个案中,常常会产生新的异国风情与种族、民族排外性相连接。例如,受阿拉伯音乐影响的以色列摇滚乐,庆祝“他者的”特别喧闹的、争执的落后印象,巴基斯坦少数民族的以色列项目,可以同时存在正如参考书所提出的一个稳定的“东方”认同。①相反的,一些音乐以更为顺从的认同形式加以自我表现。这或许就是典型的介于民族—国家、民族主义理念和在离散社区中的文化实践之间的冲突表现。因此,黑人音乐是农奴面对西方产品、反对现代化的过程中出现的。它可能作为一种反本质主义模式、批判压制的历史和本国种族危害等出现,这些都拒绝放开集体主义认同的记忆,甚至在非洲直接的、血统的路径中抵制他们。②在一些语境中,民族—国家可以带来文化多样性的保护。例如,坦桑尼亚是几个试图成功推进“国家”音乐的国家之一,他们的音乐产品中保留了85%的内容用于为国家广播服务。但是在许多其他的个案中,坦桑尼亚文化的定义总是界定为以斯瓦西里语为母语的少数人手中掌控的国家机器。③ (二)种族、族群研究 种族和族群或许成为当今民族音乐学关于认同形式的第二个重要研究。种族的、族群的认同常被民族主义深深地纠缠,而且总是站在民族主义者话语的对立面,同时又被看作是在象征的领域(音乐)中最为有效的维护。现实中有很多理由连接着族群与音乐,但是事实是种族自尊心的断言来自于边缘化的社会群体,他们进入其他诸如经济财富权力的基础是有限的。与之对照的是,阶级形成的进程和代表阶级意识的音乐组成部分失去了他们先前的呼吁,主要是因为搜集的证据不支持马克思主义的物质基础决定上层建筑的意识形态。在这些地区因缺乏证据,工人阶级文化常伴随着原始定义的轮廓,用于在“第三世界”中得以发展。或者他们即将瓦解的是大多数第二次世界大战后的欧洲和北美的发达经济体的状况。但是近年来可以看到,不断增长的对于形成模糊的认同和文化渗透的兴趣,要考虑到“前现代”资产阶级的价值和实践因素。在葛兰西(A.Gramasci)“霸权主义”的概念和皮埃尔•布尔迪厄(PierreBourdieu)“习性”的概念影响下,民族音乐学家开始将殖民地化和西方化作为项目进行再评价,他们开始意识到他们不愿意沿着整洁的分割线将阶层或种族认同进行研究。 (三)性别研究 所有的认同都可能涉及性别认同的概念,他们很大程度上受到人类学关于音乐与舞蹈研究的影响。①近来的学术界开始强调沟通性别认同及在构建诸多认同中音乐所起的作用。②例如,一项关于法国马格里布移民音乐的研究表明,籁乐表演者和观众建构了围绕着性、浪漫的爱情和青春期复杂的认同,它们被西方性别平等的自由观念所推崇。③同时,这些表演者复制了各种阿拉伯的传统印象。然而,女性歌手总是在鼓吹获取更多的女性自由,它们的卡式录音带的夹克衫复制了陈词滥调的日益减弱的女性主义和阿拉伯女性的意念。 (四)离散族群、移民研究 目前对认同的兴趣出现了重要的焦点,它进一步破坏传统集体主义观念和个体认同,并且在认同的“表达”时,音乐仅仅起消极作用,它被一些诸如离散、旅行、迁移、移民、代替等术语所引发的多样性实践所限制。近年来,这些音乐实践在某种程度上被民族音乐学家图里诺所关注,但是音乐学家和学习流行音乐的学生们并不渴望去探索音乐和社区转移边界以及大规模人口移动导致的观众之间的联系。进一步而言,诸如旅行者、迁移者、难民、巡回演出的音乐家等遍布各地的人们,他们常被描述成充满着声音,更少具有多层重叠区域的身份,他们的认同和音乐总是迷离且模糊不定。 五、结语 通过以上探讨,我们应当认识到,在对音乐自身旋律形态、节奏样态、结构规模、剧目等方面进行分析的基础上,应该更多地考虑其中的主导类别以及与人的关系,从而审视族群性、认同在音乐表演中的作用。但诸多关于“音乐与认同”的文献中,缺乏连贯的、互文参照的、整体的、理论性的支持,研究视角局限在音乐学、民族音乐学领域,缺乏跨学科、跨文化理论意义的视野,这样势必会造成音乐学科出现结构性的缺陷。结合中国当下民族音乐研究状况来看,近年来包括传统音乐、宗教音乐、仪式音乐、少数民族音乐等音乐研究已经在从不同视角关注“认同”这一话题,并开始借鉴人类学等相关学科的理论方法,以指导音乐学研究从多维视角关注“音乐与认同”问题。但迄今为止,大多数研究论著主要是对某一个案、某一地域研究对象具体面向研究中涉及这一话题,而未能进行全面、深入的专题讨论,所引用文献也多局限于国内学者著述,缺乏对国外“认同”理论、方法论进行分析和讨论,国际视野的交流与沟通意识较弱。因此,我们力求从全球化视角关注这一话题,对国际学术界最新研究成果加以归纳、整理,以期推动民族音乐学学科的发展,使相关学术问题研究能够有新的拓展和深化,这样我们才能够具有与国际学术界持续对话的能力。 作者:魏琳琳 音乐学论文范文:民族音乐学田野工作的思考 一、“采风”与“田野工作” 常常听到其他专业的同学说:“你是要去采风吗?”或者“你们这个专业是不是要常常去采风呀?”虽然对于民族音乐学这门学科涉猎的时间不长,但在笔者所查阅过的民族音乐学专业书籍,期刊文献中,是没有把“fieldwork”译作采风的。当然笔者绝不是第一位将采风和田野工作这两个词加以区分的人,只是在做了几次“fieldwork”后,才深有体会地将二者加以区分。“采风”一词我国自古就有,最早应该是先秦时期,是统治者为了加强统治的一种手段。到了近现代,虽然“采风”失去了封建时代的原有的作用但发挥了新的作用,主要用于作曲领域,从民间汲取元素,加以创作加工。而“田野工作”作为民族音乐学学科范围内的专业词,“田野工作”的重心和“采风”不同,它更偏向于对资料的整理和对其背后文化因素的分析。笔者在这里也只是浅析二者的不同,具体还需要细细体会。 二、笔者的三次田野工作经历 第一次采风是在九华山祁圆禅寺,田调对象是瑜伽焰口音乐。“放焰口”是佛教仪式,为一种根据救拔焰口饿鬼陀罗尼经而举行的施食饿鬼之法事。该法会以饿鬼道众生为主要施食对象;施放焰口,则饿鬼皆得超度,为对死者追荐的佛事之一。笔者是2015年2月14日中午到达九华山的,随即便找到一家旅馆住了下来,下午4点便来到祁圆禅寺,通过询问那里的和尚得知几乎每天下午5点左右都会有人来为亡灵超度,请寺里的和尚为亡者放焰口。下午4点30许,寺庙里的和尚(数十个左右)便穿上做法事的衣服在供桌上摆放法器。笔者作为一名局外人问他们:“这些乐器分别叫什么名字?”他们对笔者把这些法器成为乐器显然有些不高兴,他们说:“这里没有乐器,都是法器”,没有乐器,那么在焰口仪式的文化语境里便也没有所谓的音乐了。大约5点,仪式正式开始了,和尚分成两队站在桌子两侧,每个人拿起一件法器,嘴里诵念着经文。桌子的最前方是主事和尚,戴着毗卢帽,身披袈裟,他决定着整场法事的开始和结束。所有的法器音乐性都不强,主要起节奏伴奏的作用,统一所有和尚速度和诵念经文进程。第二次田调是2015年春节期间去安徽池州观看贵池傩戏。笔者在有了第一次田调的少量经验后便在去之前收集了一些贵池傩戏的资料以及傩仪举行的时间和地点。傩戏,是在民间祭祀仪式基础上吸取民间歌舞、戏剧而形成的一种戏曲形式。贵池傩戏是按姓氏宗族来演出的,贵池有九刘十三姚之称,村民会在每年正月初7到初15自筹经费举办傩戏演出,以求五谷丰登。据村里的长者说,每年办一次的傩戏是村里的大事,很多已经搬到市区去住的人都会回乡参与到傩戏演出中。如果说务农的人重视傩戏演出是因为渴求丰收,但现在大部分青壮年农民都已外出打工,农事收入已不再是唯一以及最重要的收入了,他们仍然如此重视一年一度的傩戏演出,在笔者看来,这是对宗族身份的认同,通过傩戏演出增进同宗族成员之间的感情以及联络。所以笔者最初担心没有政府经费的支持,傩戏会不会办不下去这样的事情是不可能的,就笔者观察所知,村民对于傩戏的经济支持是相当可观的,有些衣锦还乡的甚至以捐钱多来引以为豪。傩戏全程分为四个环节,请神,迎神,傩戏,送神,这里笔者重点想说的也就是傩戏了,它是整个仪式的优秀部分。贵池傩戏现在常演的曲目是《刘文龙赶考》和《孟姜女》,演员就是本宗族的男性成员,头戴面具在宗族祠堂的台上演出。在演出中,相较于长者的严肃认真态度,年轻人显得要随意的多,并且伴随着嬉笑,傩戏演出也由曾经整夜时间缩短到晚上11点前就结束,从这里也可以看出工业时代的到来对农民的生活、心理都产生了重要影响。傩戏现在更像是一种形式。第三次田调是在浙江,对象是路头戏,又名“幕表戏”。没有剧本和固定的唱词说白,仅有故事框架和分场提纲。笔者采访的是成立于宁波象山的“亚红姐妹越剧团”,当时这个民间戏班正在一个渔村演出,笔者在那里待了5天,和戏班里的演员同吃同住,对戏班的运营,演员的文化水平,常唱戏曲曲目有了一定的了解。 三、由录音引发的思考 录音是在田野调查中常常用到的一种方法,但在田野调查中我们常常会忽视一些细节,比如录音笔摆放得集中导致录下来的声音不全面,有些听不清楚。正确的方式是把录音笔放在我们田调环境的中间,让各方面的声音都能录下来。录音中还有些细节需要注意,以往为了创作而汲取民间音乐元素的录音通常都是只录下有用的那一部分,而忽略录音前后周围人的对话,音乐人类学研究的优秀是人,采访对象中只要和人有关的一切都应该记录下来,因为音乐人类学分析的不仅是音乐本体,更多的是背后的文化。 四、关于田调中的注意事项 从笔者为数不多的几次田野工作中也总结出了一些注意事项,比如到任何地方田调前先要对这个地方的风俗和禁忌有一定的了解,笔者在去池州看贵池傩戏时并不知道女人是不能上戏台的,结果就引起了当地一个长者的恼火。还有在祁圆禅寺看放焰口那次,笔者把“法器”称为乐器也是之前没有做够准备。 作者:梅杰 单位:南京艺术学院 音乐学论文范文:民族音乐学主位与客位分析 主位与客位,是从音位(phonemic)音素(phonetic)后缀而来。在pike提出这对概念之前,人类学已经有此等认识。如Boas曾言:“如果理解一个民族的思想就是我们严肃的目的,那么对经验的全部分析就必须建立在他们的概念基础上,而不是建立在我们的概念基础上”①;再如我们所知的马氏的主要观念之一即土著观点;此后许多民族志学者都在其工作中体现了这对观念,也使脱胎于语言学的主客位走进文化。 人类学主客位这一理论的系统阐述不得不提到文化唯物主义者马文•哈里斯(MarvinHarris,1927-2001)。在进行主位文化研究时,人类学者要努力去获得必要的有关类别和规律的知识,以便能像当地人那样去思考问题、去行动。客位研究方法常把当地提供情况的人认为是不恰当或无意义的活动和事件进行比较和评价。②马文•哈里斯在人类学实践中提出,研究者既要从该文化参与者角度亦要用观察者的眼光去认识这一文化,即主客位二者缺一不可。人类学发展各阶段对主客位有不同侧重,个人喜好亦有别。早期人类学多为我们现在说的客位观点,以研究者的立场评判他文化,从而促成了进化论(revolution)和传播论(diffusion)。而早期的民族音乐学,早期探险者传教士的民族之资料,Alice至比较音乐学通过跨文化达到对音乐的宏观认识都是客位方法为主导。与上述客位相对应的20世纪20年代兴起的功能主义代表Malinowski“移情式”的研究。此后主位方法逐渐为后学推崇,并长期指导田野民族志。20世纪60年代,胡德(MantleHood)提出双重音乐能力(bi-musicology),胡德要求其学生学会演奏自己研究对象的音乐,增加局内人(insider)的体验。1964年Merriam提出了民族音乐学的第一个模式。“withoutanunderstandingofconcepts,thereisnorealunderstand-ingofmusic”。 ③Merriam对concept的关注即为其对主位观点之认可。Merria一生致力于将音乐与文化联系,将民族音乐学人类学化。他提出了音乐功能研究等十项内容,我们常将其归入民族音乐学的功能主义者。Merriam也将音乐功能研究视为客位研究,现今我们仍然在其基础上思考。我们如果说马氏带来了科学时代,那么下一个时代就是对其反思。我们能完全成为局内人,感知“他们”的思维吗?LeviStrauss将结构分为表层和深层结构,其一生探索着这所谓的无意识、深层结构。布迪厄(Bourder1930-2002)将结构分为客观结构(场域)和身体化结构(惯习)。他认为研究者可以洞悉并建构客观结构,却很难习得当地人的惯习。④英国社会学家吉登斯也表示按照被研究者思维而思维之局限。⑤人类学已认识到了主位法之原罪。所做的是“对理解的理解”(theun-derstandingofunderstanding),但学者观念不等于当事人观点,同时与无必要等同;对此格尔茨提出近经验(experi-ence-near)远经验(experience-dis-tant)前者用当事人概念来贴切的描述当地人的文化建构,后者用学术语言或研究者的思维写异文化。格尔茨将长期处于主流地位的主位进行反思,将主客位并置。为田野表述开辟了新路径。受解释人类学影响,TimothyRice1987年提出了民族音乐学第二个模式。将民族音乐学模式加入了历史维度,我们不难看出客位法之上升。内特尔在对主客位问题也进行了阐述,一方面肯定主位的重要性,而又对真正局内存疑,并表示甘为局外人(outsider)。 20世纪80年代以来,后现代主义(Postmodernism)到来。表述可以说是环肥燕瘦,各有千秋。主客位作为那些oldconception仍然被我们重复。生与熟的转换,以及介于局内、局外的中间人。现今看来,研究对象从以往的他者有所转变,人类学家的梦想部落不复存在。全球化浩荡而来,文化多样性是否大势已去。在笔者看来,总会失去一些东西,而我们却不知道如何衡量是否本该如此。就个人情感,笔者仍然固执于原汁原味。即便世事变幻,笔者仍相信音乐持有者的观点(主位),同时笔者还有自己的理念(客位)。研究别人的音乐不承认别人的理解是种荒谬,没有我们自己的判断,我们在这学习民族音乐学毫无意义。民族音乐学主客位矛盾存在毋庸置疑。研究者变成局内人是种理想,是我们要努力的方向。而民族音乐学家永远不会也不必成为“他们”。我们要做的是在这一矛盾中寻找一种互动,在这动态过程中寻找最佳状态。理论的作用在于促进新的理解,现在我们仍然还在用进化、功能看一些音乐问题,故此只要能说明自身旨趣,一切均可为我所用。本文从历史角度扼要介绍了在民族音乐学视野下的主客位认识。本文的书写实为笔力有限,难以把握这一问题,有些认识不够成熟,仅为一家之言。而文章之意义在于将个人认识与各位分享,以见教于方家。 作者:任谦 张芳 音乐学论文范文:救亡音乐与民族音乐学理论简析 中国近代音乐史上的“救亡音乐”现象,即活跃于20世纪30—40年代,包括以抗日救亡为主题的音乐作品、抗日民族统一战线下的群众歌咏活动、救亡音乐思潮等诸元素的一系列音乐文化事象。学界对于该现象的研究,主要以史学方法为主,通过汇集大量史料来尽可能真实地还原史实。而民族音乐学的理论视角,多被应用于传统音乐的研究。事实上,将中国近代音乐史上的“救亡音乐”现象视为特定环境中的文化事象,同样可以用民族音乐学的方法进行解读,并以此拓展该领域的研究理念和视野。 一、“救亡音乐”与民族音乐学理论视角概述 (一)对“救亡音乐”现象的描述 所谓“救亡音乐”现象,指的是中国近代史上随着政治背景的需要而诞生的抗战歌曲及其相关文化事象。它具有独特的时代风貌和艺术特性。“30年代初期以左翼新音乐群体的出现为标志,新兴的无产阶级音乐家开始在中国新音乐舞台上崛起。在这里,由于外部战争强大动力的驱使,一切与战争主题无关的音乐创作与批评观念都被排挤到一个相对边缘的地位。……40年代初期至后期,《在延安文艺座谈会上的讲话》中提出的艺术创作与批评的原则,逐渐成为中国音乐创作与批评的主流观念。”笔者将“救亡音乐”现象的诸要素概括如下:(1)时间上,主要盛行于20世纪30年代中期至40年代末期,但在这之前也有所体现;(2)目的上,主要是为了唤醒广大人民的觉悟、提高群众的抗战意识这样一种社会功能;(3)音乐作品的内容即抗日救亡,同时抒发因日寇侵略而带来的悲愤情感;(4)作品形式上,采取有别于中国传统音乐的新的形态,即借鉴了一定的西洋作曲技法或者直接对现成曲调填词,但又不像“学院派”那么专业,以达到能让大众广泛传唱的效果;(5)“救亡音乐”与政治背景密切相连,与群众运动密切相连,同时深受社会文化思潮的影响。 (二)民族音乐学理论视角之于“救亡音乐”的意义 民族音乐学,既是音乐学下属的一门学科,也可视为一种理论方法。它的基本特征是:“将某一民族现存的传统音乐及其发展类型,置入该民族特定的自然环境和社会文化环境之中,通过对该民族成员如何根据自身文化传统,去构建、使用传播和发展这些音乐类型的考察和研究,阐述其有关音乐类型的基本形态特征、生存变异规律和民族文化特质。”在民族音乐学者当中,艾伦•帕•梅里亚姆于1964年出版的《音乐人类学》一书中,提出了具有代表性的观点:(1)民族音乐学就是“对文化中的音乐的研究”(1960);后来在70年表文章指出“研究作为文化的音乐”。从字面上看,前者可理解为“将‘音乐’这一特殊事物置于‘文化’这一复杂现象之中加以研究”,后者可理解为“‘音乐’可被看做是‘文化’的一种类型”,笔者认为两者并不矛盾。(2)音乐是与人类活动相关的“声音、行为和概念”的总和,“乐音无非是人们为自己创造出来的东西,要研究音乐,就要研究人类的行为,而不能仅仅把这种研究归结为对乐音的理解”。笔者认为,用梅里亚姆的理论观点来对中国新音乐中的“救亡音乐”进行阐释具有可适用性。首先,中国近现代音乐与该时代的社会文化背景密切相连,尤其“救亡音乐”,直接折射出了社会大环境的需求。其次,“救亡音乐”本身及其所形成的音乐思潮,成为中国近代社会文化的一部分。再次,从“救亡音乐”的音响特征可以推知人们的行为、人们的观念,这符合梅里亚姆提出的“三分模式”论,也符合民族音乐学通过文化事象来探究音乐生存变异规律和民族文化特质的目的。下文便从上述三层思路展开论述。 二、中国近代社会文化中的“救亡音乐” 将“救亡音乐”置于社会文化之中进行研究,首先需要界定哪些内容属于“文化”的范畴。笔者认为,此时对这个概念的理解,可不局限于与经济、政治相对应的狭义“文化”概念,而应当理解为所有影响“救亡音乐”生成的一切社会因素,包括政治背景、社会思潮以及文艺政策,等等。中国近代的政治背景,早就成为孕育“救亡音乐”产生的土壤。从中国新音乐产生的源头来看,它并不是中国传统音乐自身发展的产物,而是源自外部社会政治对音乐艺术的要求。20世纪初的大量工农革命歌曲和根据地歌曲就是“救亡音乐”的先声,而更早期的“学堂乐歌”也为抗日救亡歌咏运动打下了基础。它们都源自中国近代国破家亡、敌寇入侵的政治环境。随着国难日益深重,中国近代的社会思潮愈发激进和多元化。从最早的“睁眼看世界”开始,到国内一系列的文化运动,都是文化大环境的突出显现。早在1923年,郭沫若即提出文学新运动的方向是“要在文学之中爆发出无产阶级的精神”。“20年代革命文艺及其思想的萌生,无疑为30年代救亡音乐思潮的崛起提供了思想上的准备。”1930年,“中国左翼作家联盟”成立后,又先后成立了八个左翼文化组织,后来联合为“左翼文化工作者总同盟”,这标志着新文化运动进入了一个新的发展阶段。随着抗日救亡运动的新高涨,政治对文艺的要求越来越突出。1942年《在延安文艺座谈会上的讲话》发表之后,中国文艺便有了发展方向、前进动力和最终目标。讲话中指出,“文艺服从于政治,今天中国政治的第一个根本问题是抗日。”同时,“政治标准第一,艺术标准第二”也成为文艺批评的标准。从“救亡音乐”作品的本体形态来看,可以发现它受到政治背景、社会思潮以及文艺政策的直接影响。以40年代李劫夫创作的叙事歌曲《歌唱二小放牛郎》为例,其歌词内容能够焕发起对日本侵略者的无比愤恨,同时抒发对抗日小英雄深沉的哀婉及敬重;而曲调具有一定的民族风格,形式较简单,容易传唱。这种特征的音乐作品,只可能在那样特定的年代及特定的政治文化氛围中产生,其焕发广大群众感情共鸣的作用也是和当时其他诸多文化事象一脉相承的。 三、作为中国近代文化的“救亡音乐思潮” (一)“救亡音乐”文化属性的最典型体现——“救亡音乐思潮” 根据梅里亚姆的观点,我们不仅要关注音乐之外的文化环境对音乐的影响,还应当将音乐本身作为文化来对待。音乐既然是人类的精神创造物,那么其具有文化的意义毋庸置疑。依笔者理解,此处所分析的“作为文化的音乐”,应当重点强调音乐相较于其艺术属性而言的文化属性,也就是音乐如何与前述影响它的那些“非音乐文化因素”联系在一起,并融为一个大文化概念。中国近代的“救亡音乐”现象,如前所述,包含了救亡音乐家、以抗战歌曲为主的音乐作品、群众的新音乐运动、救亡音乐思潮等诸多要素,这些都属于音乐文化。而在这当中最具文化属性,也就是最直接与前述“文化中的音乐”之“文化”因素(不含音乐的“文化”)发生联系的,应当是救亡音乐思潮。因为这是一种观念形态,它直接受到政治背景、其他领域的社会思潮以及文艺政策的影响,然后再进一步影响音乐本体的艺术特征。由此可知,“救亡音乐思潮”是“救亡音乐”现象当中最能体现音乐文化属性的一部分内容,它受到其他社会文化的影响并以此指导音乐创作和传播的理念,同时也迅速地与其他文化思潮融合起来,成为整个社会文化突出的一部分。 (二)“救亡音乐思潮”的主要内容及其文化意义 冯长春先生在《中国近代音乐思潮研究》一书中对“30—40年代的救亡音乐思潮”有专章介绍。笔者现对该内容作一概括。首先,从本质上看,“救亡音乐思潮”源自中国人民反对列强侵略,期盼富国强兵,以抵御外侮、救亡图存的爱国主义要求。它的优秀内容,要求“音乐要为抗战服务,音乐是民族解放运动中重要的精神武器,音乐创作应以反映中国人民抗日斗争的伟大主题为宗旨”。其次,从“救亡音乐思潮”的崛起和发展来看,它是从左翼音乐运动兴起至国防音乐口号提出,再到新音乐运动与新音乐思想而逐步形成规模的。当然,救亡音乐运动全面展开以后,“新音乐”的定义也被狭义化,即不再全指学习、借鉴西方音乐作曲技术而创造的新的音乐形态,而是成为“无产阶级革命音乐”或“抗日救亡音乐”的代称。再次,从新音乐的理论基础及其美学原则来看,“救亡音乐思潮”一直主张“音乐作为武器的功能观”、“为政治服务的创作原则”、“现实主义的创作方法”、“民族化与大众化的美学要求”等等,这就使其与新音乐创作实践始终密切联系在一起。最后,从新音乐创作的历史局限来看,存在“以救亡歌曲为中心的创作思想”、“以思想性为标准的价值观念”、“创作上的技巧贫乏与八股倾向”等方面,这显然也是“救亡音乐思潮”当中某些片面与矛盾的观念所导致的。以上内容,表明“救亡音乐思潮”深受时代背景和其他文化影响,同时也与新音乐创作和新音乐运动紧密联系,共同显现出音乐的文化属性。这便是研究“作为文化的音乐”之典型。 四、“救亡音乐”的“概念”、“行为”、“音响”之关系 (一)梅里亚姆的“三分模式”概述 在梅里亚姆所著《音乐人类学》一书中,他提出“有关音乐的概念化、有关音乐的行为和乐音本身”的研究。在进一步的解释文字中,他从乐音开始,认为“乐音是具有结构的,它虽然也许是一个体系,但不能脱离人类存在,乐音必须被看作是创造它的行为的产物”。接着,他将行为的层面分为“身体的行为”、“社会的行为”、“言语行为”等种类。然后他指出,“行动本身还要依靠作为另一个层面的、有关音乐的概念化的层面来支持。……如果没有关于音乐概念就不能引起行动;如果没有行动就不能创造出音响。发现音乐的价值就是在这个层面上,而且这些价值的确是通过这一过滤器而体现出来,并最终形成作品的。”最后他还提到,“这个作品对听众产生了影响,听众依据概念性的价值观来判断演奏者的能力和演的正确性。”依笔者理解,在梅里亚姆所提“三分模式”中,音乐概念为第一性,音乐行为为第二性,音乐音响为第三性,但听众可以根据音乐音响做出音乐行为的反馈,从而又影响到音乐概念,而反馈的依据也是听众自有的音乐概念。所以,这三个要素实际上最终形成了一种互相影响的循环模式。 (二)梅里亚姆“三分模式”在“救亡音乐”现象研究中的应用 从中国近代“救亡音乐”现象中的诸要素及其与社会文化的关系,可以看出:第一,由该时期的历史背景和社会文化影响下形成的“救亡音乐思潮”,可视为“救亡音乐”的“概念”,在这一概念的影响下,可引起人们的各种关于“救亡音乐”的行动。第二,“救亡派”作曲家群体的音乐创作,可视为“救亡音乐”产生过程中的“行为”,该行为受到概念的支配。第三,“救亡音乐”作品本身,即为音响。这种音乐形态具有其特有的结构和体系。梅耶尔曾说“一切音乐都具有某种共同的东西”,对于“救亡音乐”来讲,它是中国新音乐史上的一个类别,所以具有借鉴西方音乐“共同的东西”的性质,并以此焕发广大群众的情感共鸣。第四,“救亡音乐”由于是焕起广大人民抗敌斗争的武器,所以必然在群众之中广泛传播,并根据实际需要而决定其流传的程度。这也是一种“音乐行为”和“音乐概念”互动的方式,而且行为当中包含了身体的、社会的、言语的等多种可能的类型。在这个关系中,“三分模式”中的三个要素真正结合到了一起。所有这些,都是“文化中的音乐”,并且也是“作为文化的音乐”的集中体现。 五、总结 综上所述,民族音乐学视野下的“救亡音乐”现象研究,重在探究特定时代、特定民族、特定社会背景下的音乐形态及其生存状况。中国近代的“救亡音乐”深受政治背景、社会思潮和文艺政策的影响,而在此环境下产生的“救亡音乐思潮”又直接影响了音乐创作和音乐传播,该现象使得音乐作品具有艺术属性的同时又展现出强烈的文化属性。用梅里亚姆的“三分模式”来看待“救亡音乐现象”,可以发现音乐的概念、行为、音响紧密联系在一起,突出了该文化事象在特定环境中的特征、生存变异规律和民族文化特质。 作者:问楚寒 单位:西安工程大学 音乐学论文范文:民族音乐学的形成和发展 目前,我国的音乐形式丰富多彩,音乐的表现方式也受到许多因素的影响而变得风格各异,如歌者的嗓音和风格等。随着社会的不断发展,音乐也随之产生变化,但是音乐的发展依旧离不开民族音乐的影响。民族音乐是许多传统音乐的基础,因此,要不断寻求民族音乐的发展,保护音乐形式的多样性。 一、民族音乐学形成的基础 随着我国民歌被逐渐的收集起来,民族音乐学也随之产生和发展。我国民族音乐学的开端是比较音乐学,在某种程度上来说,比较音乐学是我国民族音乐学的基础,它最早在各个民族音阶的比较中被体现出来。跟其它发达国家相比,我国的民族音乐学起步较晚,但是随着社会的不断进步,我国的民族音乐学也取得了不小的进步。我国早在之后,便由王光祈、童斐等人开始了对民族音乐的探索之路,他们整理出了许多的民族音乐元素,为我国民族音乐学今后的形成奠定了一定的基础。进入上个世纪三十年代末期后,我国开始整理和研究民族音乐的理论知识,将民间的音乐与传统音乐进行比较之后,获得了我国传统民族音乐表现形式的相关理论。不难看出,处在这个阶段的民族音乐学还没有一个健全的系统,依旧处在一个比较音乐学的阶段,但是,这个阶段研究得出的许多理论知识,是形成民族音乐学的基础。 二、民族音乐学初见雏形 在上个世纪四十年代后,我国的民族音乐学才开始初见雏形。我国开始对民族音乐进行一些规模化的收集和整理,在收集整理之后,便开始了对这些民族音乐元素的研究。在这个阶段,对民族音乐的研究不仅仅只是对理论的界定,而是逐渐的深入民间,对具有我国特色的传统音乐进行系统完整的整理,不断推动我国民族音乐学的形成。建国之后,我国的民族音乐学开始进入一个大规模发展阶段。回顾上个世纪四十年代,我国民间虽然形成了一些民族音乐研究会,但是这些研究会并不属于政府设立,而是一种群众性的组织,因此,它的活动范围受到一定的限制。解放之后,我国推行“百花齐放、推陈出新”的文化方针,在这个方针的推动下,全国范围内的民族音乐收集整理工作开始进行。“”期间,在“”的干扰下,我国的民族音乐学也遭遇了浩劫。民族音乐学的研究工作者遭受了的批判,许多地方历经多年累积的民间音乐资料被毁,使当时的民族音乐学承受了巨大的损失。民族音乐学的研究被迫中止,十年期间一直处在停顿状态。 三、民族音乐学的初步发展 上个世纪五十年代初期,我国民族音乐学逐渐形成并发展,随着国家的不断稳定,我国的许多建设开始逐渐开展,为民族音乐学的发展提供了一个相对稳定和轻松的环境,同时,政府下发一系列政策支持我国民族音乐学的发展。全国范围内开展了民间音乐的收集和整理工作,许多的民族音乐研究机构也随之产生,民族音乐的研究力量逐渐壮大,越来越多的人自愿投入到民族音乐的建设工作中去,许多高校也逐渐开设了民族音乐学相关课程和专业。在这个阶段,民族音乐学的基础开始初步形成,为今后民族音乐学成为专业学科奠定了坚实的基础。 四、与时俱进的民族音乐学 我国民族音乐的不断发展,不仅仅只是进行各个民族音乐的收集和整理工作,也不是单纯的对民族音乐的理论知识进行研究,到目前为止,我国已经对于多民族音乐学有了明确的定义,民族音乐学的分支学科也逐渐增多,已经逐渐成熟起来。我国目前的民族音乐也不断的与时俱进,吸收了许多现代的音乐元素,将其融入自身,使得民族音乐的表现内容变得更加丰富多彩,逐渐融入现代社会,受到更多的喜爱和追捧。二十一世纪是现代化的信息社会,高科技的发展日新月异,事物更新换代频率加快,我国的民族音乐学也必须紧跟时代的步伐,不断推陈出新,增强民族音乐的综合竞争力,让其在这个市场竞争激烈的社会创造出属于自身的一片天地,避免民族音乐学被时代所淘汰。民族音乐学的发展历经波折,但是它依旧能够传承下来,并被现代人所接受和喜爱,这源于民族音乐自身独特的魅力和时代价值。“艺术,源于生活,并高于生活”,民族音乐也不例外,它是一种非常贴近民间生活的艺术表现形式,更够诠释人们的情感生活和精神世界,因此,在我国的艺术教育中,民族音乐学应当受到更多的重视并不断推广,将其自身的优势充分发挥出来。 作者:江卫平 单位:重庆市万州区文化馆 音乐学论文范文:高师音乐学专业舞蹈教学改革 一、素质教育与美育、舞蹈教育之间的内在联系 (一)素质教育是推动人才发展的重要手段 素质教育的目的是使受教育者的身心得到全面发展。大学生是我国社会发展的主要动力和后备军,他们将成为推动社会发展的中坚力量。对大学生实施素质教育即重视培养学生的创新、实践和创业的能力,其实质是促进学生的全面、综合发展。因此,以素质教育作为人才发展的教育手段有利于学生综合素质协调发展,有利于学生适应未来社会的需要。 (二)美育是素质教育不可缺少的重要环节 美育即审美教育,是一种按照美的标准培养人才的形象化情感教育。在素质教育中,美育可帮助学生体验审美,从而达到对美的感受力、创造力和自我完善能力的提升。艺术教育是美育的最佳途径,通过艺术教育可以达到净化心灵、陶冶情操的目的。学生从艺术的角度体验审美,能够提高自身的素质和审美情趣。 (三)舞蹈教学是开展艺术教育的必备形式 随着社会的不断发展,非专业性的舞蹈教育逐渐演变成一种有特色、有体系、有目的的艺术教育形式,舞蹈艺术作为人体的动态文化有助于对学生的审美能力、想象力和创造力的开发,不但锻炼了形体,也丰富了他们的课余生活。发挥舞蹈教育独特的艺术魅力,能够对当代大学生综合素质的培养起到积极的促进作用。 二、高师音乐学专业舞蹈艺术教育的特征 高师音乐学专业的舞蹈课程属于非专业的舞蹈素质教育,主要以提高学生的整体艺术素养为目的,学生将通过舞蹈课堂认知舞蹈、融入舞蹈、热爱舞蹈乃至传播舞蹈艺术。高师音乐教育舞蹈教学具有以下两点特征: (一)音乐学专业广泛的教育对象决定了舞蹈课程形式的非专业性 舞蹈课程面向全体音乐专业学生,通过舞蹈课程的形式和舞台实践提高受教育者的艺术鉴赏与审美能力,达到综合素质全面发展的目的。因此,作为一种普及型舞蹈教育,在课程设置和教学内容上应相应有所调整,如授课形式的多样化,增强教学内容的生动性和趣味性,开展舞蹈知识讲座、校园舞蹈比赛等形式会让更多的学生积极主动的参与其中。 (二)舞蹈教育的特殊性决定理论传授与艺术实践相结合的统一性 音乐学专业的舞蹈教育包括舞蹈艺术理论知识和艺术实践活动两个方面。舞蹈基础理论的学习是对学生进行艺术教育的主要途径之一,其目的是奠定学生欣赏和实践舞蹈艺术的基础,提高艺术修养。艺术实践则注重增强学生的参与力度,让学生积极地投入到舞蹈实践中,获得更多的艺术体验与审美经验。在教学中,理论和实践相辅相成、缺一不可。 三、高师音乐学专业中舞蹈艺术教育的功用 (一)音乐学专业的舞蹈教育在素质教育中的作用 舞蹈艺术教育,是人类最早的文化艺术教育活动之一。舞蹈可以使人体各个器官变得灵活敏锐,有助于受教育者的体貌匀称发展。舞蹈在帮助学生增进思维、发展智力的同时,使其养成优雅的举止和正确的体态习惯,以及形成良好的审美观和价值观。随着现代审美多元化的发展,观赏性与娱乐性的舞蹈作品增多,舞蹈艺术与社会道德情操、现代生活产生了更为密切的关系,因此成为高校素质教育中不可或缺的教育形式。 (二)音乐学专业舞蹈教学的美育功能 舞蹈艺术是一种民族文化的呈现,影响着人们的道德情操以及文化素养。它通过肢体动作的形象美和艺术作品的内容美来展现对现实生活与理想的追求,达到情感抒发和精神追求的协调统一。通过学习舞蹈,学生不仅有了美感体验,还在潜移默化中受到美的熏陶,进而使道德情操和思想情感得以升华,艺术修养得以提高,这是舞蹈美育的重要作用。 四、高师音乐学专业舞蹈教育发展的改革与探索 (一)把握时代脉搏,更新音乐学专业舞蹈课程的教学理念 社会在发展,高师音乐学专业的舞蹈教育模式也在不断完善,唯有教学理念的突破才能带动教学改革的创新。提倡以“人”为本的教育思想是指:根据学生的具体情况因材施教,从强调专业对口转向适应社会需求。注重综合性、跨学科教育的发展,将推动教学改革的探索与更新,舞蹈课程的教学理念应具备以下几点转变 1.以学生为主体开展教学 “兴趣”是学生探索求知、自主学习的内在动力。能否上好舞蹈课与学生自身的主观能动性有着直接联系。在学习过程中,学生潜意识的选择有助于学好感兴趣的学习内容,兴趣不足则会出现各种学习障碍。舞蹈教师在教学中要注重观察学生的心理变化,主动激发学生的主观能动性,引导学生不断增强对舞蹈课程的学习兴趣。如在开展教学活动时主动营造良好的学习氛围,运用精彩、新颖而富有启发性的语言等,引导学生变被动为主动,顺利开展课堂训练与艺术实践。 2.充分锻炼和发掘学生的潜在能力 随着舞蹈教育在高校的普及,更多的学生有机会接触到舞蹈艺术。面对大多数没有舞蹈基础的音乐专业学生,教师需要以鼓励为主,无论学生能力大小都要平等对待,给学生充分的空间与时间去领会和感悟舞蹈艺术。舞蹈教育对学生潜在能力的开发离不开教师恰当的教学方法,从实际出发给予学生参与的动力和实践的机会,创造相对宽松的环境让学生去感受舞蹈艺术,由此必然会帮助他们达到健美体魄、提升气质、增强审美、丰富感知能力等目的。 3.引导和鼓励学生主动参与创新和实践 在舞蹈课程的教学过程中,学生之间存在着个体差异,教师应保持宽容的心态让学生各展所长,充分给予他们成功的体验。学生在学习过程一旦拥有了自信,将会乐于尝试和自愿追求下一个学习目标,这对他们的身心发展至关重要。在舞蹈创作中既要保持训练的规范性,也不能忽略相关文化理论的修养筑造,加强师生间的合作,互相启发、取长补短,对舞蹈进行原始创作或二度创新将有助于师生共同进步。 (二)完善音乐学专业舞蹈课程的教学内容、明确培养目标 1.高师音乐学专业舞蹈教学内容的设置 舞蹈教学内容应遵循“形体基础训练”“民族民间舞蹈文化传承”“舞蹈艺术名作赏析”“中小学舞蹈编创与教法”相结合的原则。没有优美的体态,舞蹈艺术就失去了基本的载体,所以开展舞蹈教学时首先要进行形体基础训练。其次,民族民间舞蹈训练的介入,不但可以帮助学生感受各民族舞蹈艺术的特点,还可以通过不同的体态特征、运动规律以及优美的民间音乐等给学生带来更为生动直观的审美体验。再次,学生在积累了一定量的舞蹈理论和形体训练后加入舞蹈名作的赏析,可以更加充分的感受舞蹈艺术,顺利从感性认识上升至理性认识。最后,通过舞蹈艺术实践与教学法规范学生对舞蹈普及教育的正确认知,在学生懂得和喜爱舞蹈文化的基础上激发他们的想象力,开展基础的舞蹈创作,为今后步入社会和进行中小学艺术素质教育打下良好的基础。 2.高师音乐学专业学生舞蹈教学的培养要求 培养音乐学专业学生具备基本的舞蹈普及教育能力,不必苛求学生的外在条件,只需具备一定的软开度和准确的舞蹈基础动作示范能力即可。任课教师需要着重培养学生拥有良好的道德修养和无私的奉献精神,且忠诚于艺术教育事业。在教学实习中可引导学生从事舞蹈普及工作的热情,帮助他们了解教学对象,懂得如何培养学习兴趣,营造良好的学习氛围。同时完善学生的人文知识,让他们懂得欣赏和理解舞蹈艺术作品,具备一定的舞蹈表演、舞蹈创作、舞蹈理论的基本能力,便于毕业后开展与舞蹈艺术相关的普及教育工作。 (三)改革和探索音乐学专业舞蹈课堂的教学模式 1.丰富音乐学专业舞蹈课堂教学的教育途径 从素质教育的观点出发,在音乐学专业舞蹈教学中努力开发学生的潜能,改变过去单一的口传身教和学生被动学习的教学方法,充分发挥学生的积极性和创造性。一方面,教授舞蹈的基础知识可以从单一的动作组合入手,使学生掌握基本的舞蹈动作与运动规律。另一方面,广泛使用舞蹈术语,鼓励学生在学习舞蹈的过程中学会运用专业性语言和科学的练习方法,加强对舞蹈训练的系统认知,以便形成正确的运动记忆,并提高自身的感知能力。 2.拓宽音乐学专业学生的视野提高舞蹈艺术素养 随着教育体制改革的不断深化,高等院校开始注重学科间的交叉运用,在教育过程中融入了很多新的思想观念。相关学科与舞蹈艺术的有机结合,既丰富了舞蹈的内涵又扩展了学生的知识结构。通过生动的形象,多维角度开阔视野,学生可以更广泛地参与到舞蹈实践中去,达到既能歌善舞又能投身于舞蹈普及教学与艺术创作的目标,真正成为具备一定艺术修养,适合中小学需要的艺术教育人才。 3.加强少儿舞蹈元素的渗透 音乐学专业的毕业生将来大多会从事中小学的艺术基础教育工作,因此教师在日常教学应有针对性的实施教学构想,注重加强少儿舞蹈方面的知识技能普及,为学生以后就业打下良好的基础。教师可以组织学生观摩中小学校举办的各类文艺汇演,让他们更为直观的了解少儿舞蹈的特点和规律,区别成人舞蹈与少儿舞蹈的不同,突出青少年的身心特点。学校可以利用艺术实践组织学生设计活动方案参与少儿舞蹈编创,从编排简单的少儿舞蹈组合开始,加强对学生舞蹈艺术创作能力的培养。 4.注重基础教育中舞蹈教学实践操作能力的培养 在日常的教学活动中应注重学生教学能力方面的培养,从教学设计、教学组织、教学指导等多方面出发,要求学生根据青少年不同年龄阶段的舞蹈动作特点编排舞段,锻炼学生组织舞蹈活动的能力,并在相关的艺术活动中予以实践,指导学生自主设计节日演出方案、组织毕业晚会排演,加强理论与实践相结合的能力。以课堂听课的方式让学生走进中小学舞蹈课堂,让学生进一步了解儿童舞蹈活动的基本要求与内容,积累有效的教学方式与方法。综上所述,通过舞蹈艺术特有的手段与途径对学生进行全方位的整合教育,是现代音乐学专业舞蹈课堂教学的责任与使命,它不局限于传授学生基础的舞蹈知识与技能,而是致力于从多方位培养适应中小学需求的艺术教育综合型人才。 作者:盛慧 单位:郑州师范学院音乐与舞蹈学院 音乐学论文范文:音乐学院钢琴教学发展分析 一、教学内容与学生实际情况不符 高等院校钢琴的教学内容和教材更新慢,教材多以名篇的学习为教学案例。教师在教学过程中选择的曲目较难,学生难以掌握。导致钢琴教学内容与学生的实际水平相脱节。有的钢琴专业的学生专业基础差,底子薄,对钢琴演奏的认识较少,这样不仅会影响钢琴教学的效果,还会挫伤学生的学习积极性,学生只是机械的学习技巧,忽视了钢琴演奏的情感表达。 二、改进音乐学院钢琴教学模式的方法 (一)提高学生的实践演奏能力 钢琴是一门应用性很强的专业,钢琴学习的最终目的就是让学生真正掌握钢琴演奏的本领,自己能够独立演奏。一方面,学校要加强对相关教学设备和教学资源的投资力度,增设钢琴房,让学生享受更多的教育资源;另一方面,教师在课堂上应注重理论知识与课堂练习相结合,及时让学生巩固所学理论知识,及时的纠正学生在钢琴演奏上存在的问题,提高学生的钢琴演奏能力。 (二)提高钢琴教师的专业素质 音乐学院钢琴教学中存在的问题与音乐学院钢琴教师的专业水平有很大关系。近年来,随着国家对艺术类专业的不断重视,各个学校都增加了相关的专业,使得钢琴教师的需求量增加,而钢琴教师出现了断层,很多学校的钢琴教师专业水平低,自身的专业能力有限,限制了课堂上对学生的教学水平。所以音乐学院一方面要提髙对钢琴老师的招聘标准,对钢琴老师的应聘进行严格把关;另一方面,要加强对在职的钢琴教师的业务培训,不断提髙他们的业务素质,增强他们与时俱进的能力。 (三)重视钢琴作品中情感的表达 钢琴作为一种乐器,不仅是要发挥其演奏的功能,同时还承载着创作者的思想和情感,所以钢琴的学习不仅仅是理论与技巧的掌握,还必须让学生了解作品背后的情感的表达。这样不仅能够提髙学生对作品的认识和把握,还能够使学生在演奏中将技巧与情感相结合,使钢琴的演奏产生共鸣,乐曲的表达更加的完整流畅,更具有表现力。 (四)把教学内容与学生实际水平相结合 教学内容的学习是为了达到教学的目的,钢琴教学是为了让大部分学生了解钢琴演奏的技巧,学会用钢琴来表达自己的情感。所以教师必须把教学内容与学生的实际水平相结合,不能设置太难的曲目,使大部分学生学起来很吃力,老师的教学也无法引起学生的共鸣。所以教师必须在结合教材的基础上,考虑到大部分学生的实际情况,尽量能够使教学内容与学生的钢琴演奏的水平相匹配,这样既可以轻松愉悦的达到教学目标,还能够激发学生学习钢琴的兴趣。随着我国高等教育的不断发展,我国在重视学生科学文化素质的同时,也更加注重学生特长的不断培养。从高中阶段就开始注重学生特长的挖掘,很多学生选择了艺术类院校,包括体育、音乐、美术、影视编导等等。所以,现在我国独立院校音乐学院增设了很多的专业项目,钢琴作为音乐教育的一个重要组成部分,在独立院校音乐学院中得到重视和发展。本文根据当前我国在独立院校音乐学院在钢琴教学模式中存在的问题进行分析,提出改进钢琴教学模式的应对措施,从而促进钢琴教学更加科学化的发展。 作者:刘世奇 单位:东北师范大学音乐学院 音乐学论文范文:音乐学专业学习目标研究 一、音乐学专业现状 虽然频频设立,但是对“音乐学”的学习内容,课程安排往往并不清晰,不仅是学生不太明白所学专业究竟学些什么,教师们对此概念也是相当模糊。很多人将“音乐学”看做是学习音乐中的理论方向,当音乐作曲或者表演不能很好的学习时就选择“音乐学”理论加上实践的方式,似乎这样就可以为专业的音乐或者表演的缺失找寻弥补的方法。在录取上,“音乐学”专业的同学有时就是从表演专业或者其它专业调剂过来的。这些同学通过“音乐学”专业继续深造。同样的情况也发生在“美术学”、“舞蹈学”、“戏剧学”等学科上。油画家、文化学者陈丹青曾经在清华大学美术学院“美术学”任教,后来主动公开辞去职务,当时,他就公开申明表示不理解什么是“美术学”,又为何要完成科研任务,以论文作为科研成果。这种情况不单是在一人身上发生,就连一些专门从海外聘请的人才专门担任“音乐学”教授、博导的老师也不能完全明白“音乐学”究竟是什么学,什么人才能胜任“音乐学”教授、博导,心中也不太有数。 二、音乐学学习目标 “音乐学”的学习内容学习目标是什么,其实在很多著述中早有论述,例如,中央音乐学院教授俞人豪先生在《音乐学概论》中已经将这个概念的来源和学科内容讲述的十分清晰:“‘音乐学’这个词在欧洲最早见于米茨勒1738年在德国成立的团体名称“音乐学协会”(SocictactdermusikalischenWissenschaft),这个德文字的意思为‘音乐的科学’。”俞先生还说明,后来有加提(A.Gathy)的《科学手册》,把当时的音乐学(Musikwissenschaft)作为一个门类排列在其科学分类体系中。被后人认为是这门学科确立者的德国音乐学家克里桑德(F.Chrysander),1863年编撰《音乐学年鉴》不仅使用了音乐学这个名称,还指出“音乐的研究,特别是历史的研究,应该提高到自然科学和人文科学中长期采用的那种严肃而精确的标准上来”,他还主张“音乐学应该与当时呈上升趋势的‘实证科学’相联系,应成为受到尊重的、完全意义上的科学”。俞先生指出,在西方,“音乐”这一概念包括音乐实践和音乐理论的研究,后来逐步则分化为既有联系又有分工的“两个领域”:“音乐本身逐渐向艺术化的方向发展,而音乐研究则向人文科学或精神科学的方向发展,因此,不能简单地把音乐学或音乐研究看做是音乐艺术的附属品。现在西方的学术体系通常是把音乐学看做是人文科学的一个部门。”当前,音乐学专业的学生在校期间都必须撰写论文,通过答辩才能毕业,这种情况不只是硕士和博士,本科生也是同样的制度。这样的教学制度显然不同于一般的表演专业的学生,以音乐演奏会或者音乐作品的创作作为毕业任务。音乐学就其对象和主要方法而言,属于人文科学或精神科学的范畴,所以,在西方“音乐学系被设在综合大学的人文科学学院之中”。在我国,音乐学系(或专业),大多设在音乐学院或艺术院校音乐系中,把音乐学放置在这样的院系中致使这一学科不同于音乐(或艺术)的独特性质即科学性质,不易显现。因此,很容易产生对此学科的模糊看法,甚至是误解、偏见。音乐学的主要研究对象是音乐,音乐学的学习目标和内容自然是接触音乐、了解音乐、分析研究音乐,也就是要对音乐进行感知,尽可能深刻的懂得音乐。包括音乐概论,音乐的起源学说,音乐史。但音乐学基本性质是科学,归属艺术科学领域,将其再引申一步,它还属于人文学科和精神科学范畴,与人类学、文化学、心理学、美学、哲学等等诸多学科。由于音乐的载体是声音,声音是一种物理现象,所以,音乐学也要相应的了解一些物理声学和其它一些相关的自然学科。除此以外音乐学还与生活息息相关,因此音乐学还要学习民族学、传播学、社会学、政治经济学等等。 作者:吴梦萍 音乐学论文范文:学前教育音乐学习兴趣培养 一、选择学生熟悉的、感兴趣的作品 大部分学前教育专业的学生入校的时候没有接受过正规的音乐教育,在音乐理论知识上基本属于“0”起点,但他们往往会唱一些当地戏曲或者他们喜欢的歌曲,教师应该从这方面入手,选择一些学生熟悉的、感兴趣的作品进行引导,这是培养学生学习音乐兴趣最好的办法。例如豫剧《花木兰》选段《谁说女子不如男》:“刘大哥讲话理太偏,谁说女子享清闲……”这首作品河南的学生们耳熟能详,个个都能唱上几句,有的学生还能唱得有板有眼,表演得有模有样,声乐课教师不妨以此曲为例,让学生唱一唱、演一演,在唱的过程中会出现各种各样声音上的问题,借此再展开声乐发声方法的学习,不仅如此还可以借助此曲给学生普及一下豫剧知识,既培养了学生的学习兴趣又有机的将理论和实际联系在了一起。舞蹈也是在学前教育专业技能课学习过程中令学生紧张的一门课。这是因为大部分学生来自农村,年龄参差不齐,小的有十七八的,大的有二十一二的,筋骨发育基本完成,刚入学时舞蹈老师展示的那些诸如横插、下腰、大跳、旋转、竖插等舞蹈基本功足以使学生在啧啧称赞之外心生畏惧。因此在舞蹈课上多给学生欣赏一些他们熟悉的民族舞,是提高学生学习兴趣的好办法。如根据管弦乐曲创编的民族舞《红旗颂》,不仅可以让学生看到民族舞的魅力,还可以让学生聆听到那感人肺腑的管弦乐曲《红旗颂》,能激发很多学生学习舞蹈的兴趣,有助于打消他们对舞蹈学习的畏惧心理。还可以让学生从作品当中感受新中国的来之不易,教育学生珍惜现在的幸福生活和学生时代。 二、将理论和实际结合起来 教师在教学的时候一定要理论联系实际。视唱课、钢琴课都需要学习五线谱,因为学生以前从未涉及过,看那变化多端无数个蝌蚪状的音符在五线谱高音谱号、低音谱号的线上、间上,真的感觉如同天书,针对这样的情况,钢琴教师如果在学生上课之初就先欣赏或学习演唱一下美国电影《音乐之声》插曲《哆唻咪》:“让我们从头开始来学习,从这儿开始真有趣,你要念书就先学A、B、C,你要唱歌就先学Doremi,Doremi这三个音符最先遇到你,Doremi,Doremifasollasi,Do是小鹿多灵巧,Re是金色阳光照,Me是我把自己叫,Rar是向着远方跑,So是穿针又走线,La是紧紧跟着sol,Ti是茶点和面包,它把我们又带回Doremifasollasi,DosolDo.”既能大大减少学生对学习视唱的恐惧心理,又能提高学生的学习兴趣。还可以让学生唱一唱《识谱歌》、《音阶歌》等这些歌词简单、旋律朗朗上口的儿童歌曲,不仅可以帮助他们快速识谱,他们还可以将这些儿歌用在以后的工作中,真正做到活学活用、学以致用。 三、遵循切合实际、循序渐进的客观规律 基于目前学前教育专业的学生入校时音乐教育基本为零的情况,教师切不可急于求成,应该稳扎稳打,帮学生建立起好的基本功,比如开始的钢琴教学要注重学生兴趣培养和基本功训练,要求学生手型正确、坐姿正确、力度透彻,会数节拍,能正确读谱。可以适时成立学习兴趣小组,培养学生学习音乐的兴趣,兴趣小组的作品选择可稍难于正常教学内容,比如选择钢琴四手联弹《两只老虎》,这首作品根据法国童谣《两只老虎》改编而成,篇幅短小、节奏鲜明、旋律流畅,学生们耳熟能详,非常富有童趣。在舞台上演出配上一些小的诸如沙锤、碰铃之类的打击乐器,具有极强的表演性,演出效果非常好,可以非常有效地调动学生学习的积极性,培养他们的学习兴趣。常言说:“兴趣是最好的老师”,因此作为教师的我们应清楚学前教育专业学生对音乐认知的现状,选择学生熟悉的、感兴趣的作品,将理论和实际结合起来,遵循切合实际、循序渐进的客观规律,充分调动学生学习音乐的兴趣,才能让他们成为学习的主人,有助于学生的长远发展。 作者:王新乐 单位:郑州幼儿师范高等专科学校
高师钢琴教学研究:高师钢琴教学音乐表现力探讨 【内容摘要】 钢琴演奏是一门二度创作的艺术,需要演奏者以扎实的演奏技术和个性化的审美体验表现出作品的内涵、情感和风格。然而在当代高师钢琴教学中,大多教师都将教学重点放到了技术训练方面,忽视了对学生音乐表现力的培养,这使学生的整体演奏水平受到了很大的影响。鉴于此,文章从音乐表现力的意义谈起,就其具体的培养路径进行分析。 【关键词】 高师钢琴教学;音乐表现力;文化修养;艺术实践 所谓钢琴音乐表现力,是指演奏者在钢琴演奏中对钢琴作品内涵、情感、风格的表现。通俗来说,就是钢琴演奏者给观众带来的感觉、触动和情趣等。一方面,演奏者需要有扎实的演奏技术基础;另一方面,还需要具有丰厚的文化修养,深入了解和体验作品,再以个性化的方式表现出来。从当下高师钢琴教学的实际情况来看,大多教师都侧重于学生的技术训练,对音乐表现力的培养不够重视,因此需要予以及时的纠正,使其认识到音乐表现力的价值和意义,并以科学、灵活的方式进行人才培养,以推动高师钢琴教学质量的提升。 一、钢琴演奏中音乐表现力的价值和意义 (一)钢琴艺术规律使然 音乐家创作出钢琴作品后,需要演奏者以高质量的演奏将音乐呈现给观众,完成创作—演奏—欣赏的全过程,这是钢琴艺术的基本形式,也是最本质的艺术规律。可以看出,在整个过程中,演奏是承上启下的关键环节。可以说,演奏者音乐表现力水平的高低,对于作品的诠释有决定性意义。因此,提升音乐表现力是钢琴艺术规律的要求。 (二)钢琴演奏质量提升的需要 钢琴演奏是一门二度创作的艺术,需要演奏者以精湛的演奏技法将作品的情感和内涵,以个性化的方式呈现给观众。但是从当下的实际情况来看,大多学生都是技术熟练、音乐表现力不足,通俗来说,就是演奏完一首作品之后,很难给人留下深刻的印象。反观一些钢琴大师的演奏,即便是较为简单的乐曲,也能够演奏得有滋有味,与观众形成情感共鸣,这既是演奏者之间水平高低的差别,也是音乐表现力的价值和意义所在。注重音乐表现力的培养,将会使演奏质量获得质的提升和飞跃。 (三)学生就业和发展的需要 近年来,大学生就业难成为全社会普遍关注的问题,其中固然有多方面的原因,但是从学生本身来看,专业素养不足是就业率低的一个重要因素。具体到钢琴演奏来说,大多学生在技术上都较为熟练,但是与钢琴音乐相关的知识和素养却较为匮乏。而音乐表现力的培养,正是丰富和提升学生音乐知识和文化素养的过程,其不仅提高钢琴演奏水平,还有助于复合型音乐人才的培养,可谓一举多得。 二、学生音乐表现力的培养路径 (一)培养热爱钢琴之情 是否怀着热爱之情去从事一项工作或学习,对结果有决定性的影响。在培养学生钢琴演奏音乐表现力之前,教师首先要引导学生热爱钢琴艺术。大多学生都是自幼或从中学时期开始在家长的主导下学习钢琴,其根本目的是为了有一技之长,能够在升学中占有先机,可以说带有一定功利化倾向,所以很多学生并不是出于自身的意愿而学习钢琴。加之钢琴学习是一个漫长而艰苦的过程,学生往往会感到枯燥和厌烦。在这种状态下,教学质量必然会受到很大的影响,音乐表现力的提升也无从谈起。因此,教师应该先从培养学生对钢琴艺术的热爱做起,具体可以从以下三方面入手:第一,教师和学生可以就为什么要学习钢琴、怎样学习钢琴等进行深入的交流,在教师的引导下,让学生认识到热爱和投入的重要性。第二,教师可以就学生喜欢的一些大师的演奏进行讲评,从钢琴大师的成长经历谈起,分析钢琴在他们成长中的作用和意义,以及他们又是怎样利用钢琴艺术表现自身感情的。第三,教师还可以依照情感类型的不同对现有作品进行分类,如欢快型、悲伤型等,建议学生在不同的情感状态下演奏对应的作品,感受钢琴在情感抒发方面的作用,拉近学生和钢琴艺术之间的距离。只有对钢琴本身有充足的热爱,钢琴演奏中的情感表现才会有最坚实的基础,否则,音乐表现力就会如无源之水、无本之木。 (二)深入体验作品 从艺术创作的角度来说,每一部优秀的钢琴作品都是创作者情感的结晶,同时反映出时代、地域等多方面的内容。这就要求演奏者的演奏应该建立在对作品深入了解和体验的基础上。但是从实际情况来看,大多师生对此鲜有关注,都是从音乐本体的角度认识和解读作品。在面对一首新作品时,有的学生会大致浏览作品,了解技术要点。有的学生甚至不做浏览直接进行演奏,这样显然是难有音乐表现力可言的。所以,深入体验作品正是演奏的第一步。具体来说,首先是案头分析,通过案头分析掌握创作者的信息和作品的时代背景、主要内容、艺术风格等。其次是技术分析,通过对作品曲式、和声、旋律等音乐要素的分析,对之前的案头分析进行验证。如在案头分析中得知这是一首奏鸣曲,那么就要在技术分析中看其是不是符合一般奏鸣曲的结构特征。再次是情感体验。把握了作品的大致情况后,要将自己化身为创作者或作品中的主人公,通过联想、想象等方式,获得感同身受的体验。如《黄水谣》中对日本侵略者暴行的控诉,以及黄河两岸人民妻离子散的悲惨境地,都可以借助文学、影视艺术进行体验,获得与作品相一致的情感基调。最后是试奏作品。酝酿好情感之后,可以尝试演奏作品,验证自己的分析和体验是不是正确,还有哪些方面需要加强和完善等。经过这一系列准备之后,才算是初步了解和把握作品。之后要经过多次训练,融入个人化的思考和体验,形成鲜明的演奏风格。可以看出,二度创作并不是对照着乐谱熟练演奏,而是一个体验和再创造的过程,对作品的深入了解和体验正是演奏的首要环节,需要得到高度重视。 (三)提升文化修养 钢琴艺术与文学、戏剧、美术、舞蹈等有着十分密切的关系,而且在很多时候,恰恰是这些钢琴音乐之外的因素,决定着作品最优秀的内容和风格等,这就要求演奏者要具有丰厚的文化修养,修养越深,审视和解读作品的切入点就越多。但是反观当下的实际情况,因为学琴会占用大量的时间,所以大多数学生的文化课学习受到了较大程度的影响,与非艺术类专业的学生有着较大的差距,进入大学校门后也没有及时予以补充和完善。文化修养的提升和丰富并不是一朝一夕之功,而是一个长期累积的过程,需要从当下做起。具体来说,首先是音乐本体知识的学习。除了夯实演奏技术之外,学生还需要学习音乐史、乐理、和声、作曲等音乐专业知识。值得注意的是,应该对一些新的音乐学科有所了解和关注,如音乐治疗学、音乐心理学等,这些交叉学科能够帮助演奏者从新的角度了解和表现作品。对此,一方面需要学校及时开设相关课程,另一方面也要求学生积极主动地自学。其次是综合文化知识的完善。钢琴艺术从来都不是孤立存在的,而是与诸多学科都有着密切的联系,如我国知名钢琴演奏家傅聪在国内外都享有极高的声誉,在总结自己的演奏生涯时,傅聪特别指出父亲傅雷引导自己学习中国古典文化的经历。从幼年开始,傅雷就引导傅聪阅读古典文学书籍,在其整个学琴生涯中从未间断,这让傅聪受益匪浅,使他能够从中西方文化融合的视角来看待钢琴作品。如他将欧洲古典主义音乐家沃尔夫冈•阿玛多伊斯•莫扎特比作中国春秋战国时期的思想家庄子,将19世纪波兰作曲家弗里德里克•弗朗索瓦•肖邦比作中国的南唐后主李煜,并在此基础上进行演奏,所以其演奏风格是独一无二的。因此,演奏者要善于吸收一切文化营养,这不仅有利于音乐表现力的提升,对于个人发展来说也是终身受益的。 (四)丰富艺术实践 钢琴演奏是一门艺术,也是一门技术。良好的音乐表现力的获得,必须以扎实和完善的技术体系为支撑。在今天的高师钢琴教学中,大多学生都能够获得科学、全面的技术训练,并在此基础上逐步提升。然而具备了演奏技术,还要求演奏者能够有机运用,予以淋漓尽致的发挥。现实中常见的情况是,大多学生在个人练习时能够有较好的发挥,但是一到公开演奏的场合就会过于紧张,甚至连正常的演奏都难以保证,音乐表现力自然也无从谈起。所以,丰富学生的艺术实践势在必行。如果学生能从容地在各种场合下熟练演奏,并与观众形成良好的互动,那么其演奏必定是充满音乐表现力的。具体来说,一方面要多给学生提供实践的机会。在一个学年中,除了期中和期末两次考试外,大多学生鲜有上台演奏的机会。对此,教师应多给学生创造机会,如在学校内部举办演奏会、擂台赛,鼓励学生参加学校各种文艺演出。教师应该全程关注学生的每一次舞台表现,并进行点评。另一方面,教师要率先垂范。大多教师都是科班出身,具有较为全面的钢琴演奏能力。教师要认识到艺术实践的重要性,积极参加一些钢琴演奏活动,如举办钢琴音乐会、参加演奏比赛等,起到榜样和示范作用。通过师生双方的共同努力,切实提升学生的实践能力,并在此基础上获得丰富的音乐表现力。 结语 近年来,随着高等教育和钢琴艺术的发展,高师钢琴教学也获得了长足的进步,先后培养出一大批优秀的钢琴人才,然而高师钢琴教学中仍有很多问题需要得到及时有效的解决。本文所探讨的音乐表现力的缺失正是其中之一,其不仅不符合钢琴艺术规律,也不利于学生今后的就业和发展,因此需要得到教师的充分重视,多种措施并举,使学生的钢琴演奏音乐表现力得到切实的提升。 作者:史昭然 单位:周口师范学院音乐舞蹈学院 高师钢琴教学研究:高师钢琴教学转型浅论 摘要: 随着经济的发展科技的进步,我国对教育工作越来越重视,在教育事业发展的同时人们对于艺术的鉴赏能力也在大大的提高,钢琴这门艺术受到了越来越多人的喜爱,很多家长从5岁开始就让学生学习音乐。音乐教育工作者对于教学的研究也在逐渐改变,从传统的教学模式中抽离,从注重技能的培养转型为注重伴奏能力的培养。 关键词: 高师;钢琴教学;转型 一、前言 随着教育体制的改革,音乐教育的教学关系着我国中小学生音乐素养的培养,音乐已经是我们生活中不可缺少的一部分,音乐的艺术培养也是现在家长们所关注的,现在的家长对孩子艺术的培养十分重视,尤其是中小学阶段,这是艺术思维培养的萌芽阶段,家长为了让孩子不输在起跑线上,对孩子音乐教育上的投资也是十分重要的。 二、高师钢琴教学的现阶段发展方向 (一)完成观念的转变 高师钢琴教学的定位应该是培养合格的中小学音乐教师,老师教学应该有其独特的特点,学生不是工厂里面的商品,按照一个模式和套路走下来的,而是按照学生固有的特点进行教育,老师的教学观念应进行转变。 (二)注重技能的培养转型为注重伴奏能力的培养 老师在教学中应该转变教学的传统观念,注重音乐技能的培养转型为注重伴奏能力培养。钢琴教育中注重培养学生的音乐素养,伴奏能力的培养能够让学生找到学习音乐的感觉。老师在课堂上培养学生的创造性思维,即兴伴奏充满着灵动的乐感,好的即兴伴奏充满着乐感,成为独唱的的有力衬托。所以,教师一定要对学生的创新想法进行培养,辅助他们在艺术规律上的大胆创造[1]。 三、高师钢琴教学转型的必要性 (一)钢琴教育的理论性 高师钢琴教学因其特殊的教学方式,所以不能按照平时的教学方式进行教学,学生对音乐不能只停留在“只可意会,不能言传”的境界里,音乐的想象能力也需要通过语音去表达。引导学生钢琴演奏力量的来源与手指、腰、手腕、肩膀互相联系。常常听一些老师说,学生没有乐感,但是有乐感的同学可能也弹不出乐感,关键在于钢琴艺术与技术是要相互联系的,只有钢琴老师去教学生音乐的技巧表现法师,学琴者才会掌握学习方法。认为技巧是最重要的,对于钢琴的学习者来说是极其片面的,不能先技术后艺术,而是应该以艺术带动技术,用艺术表达技术。当学琴者掌握了正确的弹奏方式,并对乐谱有了细致的分析,弹琴者的音乐才是有乐感的。因此高师钢琴教学中提高学生对与乐曲的基本分析能力十分重要。要确定学生的弹奏方法是否正确,钢琴的基础是学习音谱,指法,然后逐步提高方法[2]。 (二)突出教学内容 由于高师音乐专业的学生毕业后大部分从事中小学的音乐教学工作,那么即兴伴奏的能力就尤其重要,目前音乐专业虽然增设了钢琴伴奏课程,但是这门课与钢琴教学结合起来并不密切,班级的学生人数一般在40-50人左右,学生得到的具体指导有限,于是乎,钢琴伴奏教学在很长时间内之事钢琴个别教学的附加内容,甚至常常因轻视而被取消,老师可以在课堂上进行抽查,这样即便有时老师的指导有限,老师也可以从中得知学生的音乐学习能力究竟是好是坏。钢琴教学应注重调试的音阶,老师引导学生准确的分析歌曲的风格和内容,选择恰当的伴奏,达到技能与情感的完美融合[3]。 四、高师钢琴教学的转型途径 (一)创新性教学 在孩子学习的过程中,创新很重要,“死学习”的音乐学习方式相信很多学生都已经感到厌烦,比如,在音乐课上通过小组比赛,增添学生的兴趣。老师需要创新的教学模式,传统的教学方式已经不再适用现在的学生,在音乐课堂教学中,引进多媒体技术,丰富课堂内容,提升学生的参与度。老师可以将班级的同学分成不同的小组,每组选出一个组长,在钢琴课上以小组为单位一个一个的进行演奏,然后针对学生的演奏做出点评,剩下的时间老师做补充,这样的教学方式不仅让学生真正的参与其中,也极大的促进了学生学习的积极性,从注重钢琴技术到培养伴奏能力的转变。 (二)启发式教学 钢琴教学和其他科目最大的不同就是钢琴教学需要学生极大的配合度。对于一些没有想象能力的孩子,确实是难了一些,我们应该如何让孩子们拥有想象能力和学习钢琴的思维?这需要老师的启发式教学。用真正实验性的方法去教学生,学生在理解题目的同时,也可以体会到钢琴实验的乐趣[4]。 (三)因材施教 自古以来,中国就注重教育,孔子云:“举一反三、因材施教。”说明上古时代,中国的教育就有其独到的方式与方法。根据每个学生不同的特质,施以正确的教育。学生是主体,教师是主导,这是现代教育思想的精华的结合。这就如同做菜一样,每一个人做出来的菜的味道都是不同,吃的人不会在意这菜是怎么做的,只要好吃便可以,究竟是先放菜还是先放调料也不会有很多人在意。做菜尚可,对待学生也是一样的。我们的教育可以学习西方的教育方式,在充分吸收西方现代化的教育理念的同时,更应该从我国传统的文化中吸收养分。 五、结论 总而言之,要完成钢琴教育的转型,真正的到达培养学生的伴奏能力。老师的授课内容和授课形式应多样化的出现在课堂教学中,学生从中收获兴趣和爱好,钢琴老师注重技能上的培养到注重伴奏能力培养的转型也能够实现,在很大程度上激发了学生学习的兴趣并且在音乐的学习中也充满想象力,相信通过大家的共同努力,高师钢琴教学会迈上一个新的台阶。 作者:于晓曼 单位:琼台师范学院 高师钢琴教学研究:高师钢琴教学问题及对策 【摘要】 目前,我国高职师范院校中钢琴教学存在一些问题,本文结合教学体系、目标以及内容,分别从师生综合素质与授课方式等不同的方面进行研究分析,并且根据具体问题提出相应的教学对策,使得高师的钢琴教学能够收获最佳的效果,同时可以为高师钢琴教师的教学方式提供一定的参考。 【关键词】 高师;钢琴教学;问题;对策 引言 高职师范院校培养人才的目的是为中小学输送优秀的师资,其办学目的及职能会决定高职师范院校的教学模式、内容及方法。对于高职师范类院校来说,钢琴课程是一门必修的专业课程,其课程特点是技能性、知识性、艺术性以及实践性,所以钢琴课程的开设对学生素质的全面发展起着关键性的作用。但是,由于钢琴课程对于高职师范类院校来说不是主修课,因此教学时间就相对有限,这也会进一步导致钢琴的教学达不到预期的效果。因此,当前情况下应当分析研究高职师范院校中钢琴教学所存在的问题,同时要探讨具体问题所对应的对策,这对于培养合格的中学师资有着重要的意义。 一、高师钢琴教学中存在的问题 一般情况下,高职师范院校学生的音乐知识基础较薄,甚至某些学生可能从未进行过专业的钢琴学习,因此进入大学后需要从最基础的钢琴学习开始,另外由于高职师范院校中钢琴教师的专业素质参差不齐,这就导致了目前高师中所存在的一些问题。 (一)教学方面问题 高职师范院校的教学主要包括教学体系、教学目标与教学内容。而教学体系是由管理、模式及课程设置等要素组成,是一个相互影响的有机整体。首先,高职师范院校目前存在不完整的教学体系,同时教学目标也不够明确,这些问题将对高职师范类院校的钢琴授课带来严重的影响。钢琴课程的开设需要与实践教学相配套,这样才能达到更好的教学效果,但是由于目前大多说高职师范院校在实践课程上的设置比较缺乏,同时也没有配套的教材,这与钢琴专业的实践性相违背。其次,部分高职师范院校没有确定真正的教学目标,这使得高师中的钢琴教师只能通过传统的教学模式来进行授课,过多的讲解钢琴的理论知识,而忽视学生创造和思维能力的培养,这样会使学生在学习过程中感觉枯燥,缺乏应有的积极性。最后,教学内容也比较过时,随着社会对人才需求的提高,高职师范院校的教学内容也应当丰富起来。 (二)师生素质方面 由于近些年来高校的不断扩招,现在高职师范院校面临着学生多老师少的现象,同时也导致学校的硬件设施比较紧张,这些都会影响到钢琴教学的顺利进行。伴随这一问题出现的还有学生专业素养差、基础薄弱的现象。多数学生不能理解教师所讲解的知识,同时学生的实践技能掌握情况也较弱,这将不能满足钢琴教学的目的,也不能实现培养优秀人才的目标。此外,高职师范院校对教师的专业及学历要求越来越高,而教师的职称评定主要取决于科研,这就使得院校中多数教师会将过多的精力放在科研上,而忽视对教学的投入,这都将不利于钢琴教学的进行。 (三)授课方式。 当前形势下,高职师范类院校中钢琴教学还处于比较单一的授课方式,钢琴教师在教学时只是简单的灌输给学生钢琴理论知识,师生之间的缺乏互动与交流,这样对于学生来说,钢琴的学习将成为一件很枯燥的事情,同时也使得学生失去学习钢琴的兴趣与热情,对于钢琴教师来说,学生对知识的消化程度与接受能力都不能得到全面的掌握。 二、高师钢琴教学的改善策略 要想适应目前对高职师范院校钢琴教师中的质量要求,就应当进行必要的教学改进,以下是针对钢琴教学中存在问题的几点改善对策。 (一)改善教学条件 很多高职师范院校因为缺乏充足的资金,同时学校对资金的不合理利用,使得钢琴教学中的硬件设备比较落后,比如经常使用电子琴来进行钢琴教学,这会严重影响钢琴教学的效果。为改善这种现象,首先院校应当重视钢琴教学,加大必要的资金投入,改善钢琴教学所需要的进本硬件设施,只有保证硬件设施的投入,才能确保钢琴教师的教学水平,进一步确保优秀师范生的培养。 (二)改进教学体系与内容。 针对不同学校的实际情况,制定具体的钢琴教学体系,使得钢琴的教学课程更为合理,此外,要明确钢琴教学的课程目标,对钢琴的理论课与实践课要合理分配。另外,要同时注意钢琴教学内容的设置,合理的教学内容是钢琴教学高效开展的重要前提,要多借鉴成功的院校,同时结合时展的特征要求,树立新的教学目标,培养钢琴理论知识与实践技能同时兼顾的全面人才。 (三)改善教学的方式 高职师范院校中钢琴教师的教学方式应当多样,比如:模仿的方式、师范讲解的方式等。此外,钢琴教师在教学中可以利用多媒体来帮助学生理解,创建和丰富教学内容和方式。钢琴教师在教学的过程中要善于发现学生在音乐上的不足之处,然后努力去改善和克服这些缺陷。同时,教师在进行授课时要采取合理而科学的方式,以提高学生的理解和接受能力。 三、结语 对于高职师范院校来说,钢琴教学是一门重要的教学课程,师范生是需要掌握的一项重要技能。因此各高职院校应当综合考虑自身的具体情况,结合学生的实际接受情况以及教学大纲,分别从教学模式、方法、内容等方面进行分析,目的是制定出合理而适合自己院校的钢琴教学计划。 作者:程松野 单位:大连大学 高师钢琴教学研究:高师钢琴教学评价研究 摘要: 高师钢琴教学评价的研究视角,以教育学、音乐教育学、教育评价学、现代教学论以及建构主义学习心理学等理论为指导,结合高师钢琴教学评价理论研究与实践现状立论,洞悉钢琴教学评价体系构建的必要性,提出新思路,旨在为构建多方共赢的高师钢琴教学评价体系、促进高师钢琴教学良性发展提供理论支撑和实践借鉴。 关键词: 高等师范教育;钢琴教学;教学评价体系 教学评价是“根据既定的教学目标,运用科学可行的方法,对教学的要素、过程和效果进行价值判断的活动。它是一种有目的、有计划、有组织、并按照严格的科学程序进行的活动。”[1]它也是推动课堂教学改革、促使教学资源合理利用、提升课堂教学质量、促进师生协同发展、完善教学管理的重要手段,在教学实践活动中有着重要的现实价值。教学评价,如美国现代教育学家布卢姆(Bloom)所说:“是一种获取和处理用以确定学生水平和教学有效性的证据的方法。”[2]随着21世纪高师课程改革的深入推进,作为高师院校音乐与舞蹈学专业基础课程,钢琴教学的评价问题也开始受到一些钢琴教育工作者的重视,但关注度不高。笔者搜集到的专题研究成果,如毛自平的《也谈高师钢琴教学评价》①、陈伟的《高师音乐教育钢琴课程教学评价之研究》②、刘昕的《高师钢琴教学评价的新思路———钢琴艺术实践音乐会》③、姜仁武的《现代高师教育中的发展性钢琴教学评价④、牛欢的《关于高师钢琴教学评价问题的思考》⑤、吴烨的《高校钢琴教学评价体系的构建分析》⑥,以及凌崎的《地方本科院校钢琴教学评价体系研究———以湖北工程学院为例》⑦等。其观点大多援引自教育学、音乐教育学,虽有可取之处,但较少关注到钢琴教学这一特殊而具体的存在方式,多在理论层面重复、泛泛地论述钢琴教学评价现状,反映出目前的钢琴教学评价理论研究仍显弱势。不仅如此,在高师院校的钢琴教学实践中也仍有不少继续沿用单一的评价模式和传统静态的评价体系,显然与新世纪高师培养高素质钢琴教学人才的目标还有一定差距。势必要求高师院校钢琴教学人员,不仅要有主动研究钢琴教学评价体系的理论自觉,而且还要积极地将理论成果转化应用于指导钢琴教学实践中去,相互融通、协调发展。故而,文章将研究目光聚焦于高师钢琴教学评价这个基础而重要的环节,综合运用教育学、评价学、音乐教育学和建构主义学习心理学等方法,坚持理论与实践相统一,在吸取国内外相关经验的基础上,结合高师钢琴教学实践的现状立论,洞悉其评价体系构建的必要性,设计合理方案,为构建科学的高师钢琴教学评价体系提供理论支撑和实践借镜。 一、钢琴教学评价理论的基础 高师钢琴教学是教育学的分支之一,它是以钢琴为媒介的教育教学形式,在诸多方面都深受教育学的引领,其评价也不例外。20世纪初始,西方国家率先采用源自欧美的“等级量表”来进行教育评价。这中评价因缺乏对量表本身的关注,其结果的科学性、有效性不足。20世纪50年代后期,教学评价又过分强调客观、标准、可证实的结果,存在着僵化的缺点。20世纪80年代以来,西方出现围绕教师展开的面谈评价模式,忽视了作为教育实施“三要素”中的学生、教材,呈现重“教”轻“学”的局面。90年代以来的教学评价主要是课堂观察评价,开始出现多元化的课堂教学评价模式。现代意义上,我国最早的教学评价近受日本、远受欧美的影响。新中国成立后,又深受苏联,特别是凯洛夫、斯卡特金、巴班斯基等人对“一堂好课的要求”的影响。20世纪80年代以来,由于受西方“实证化”教育评价的影响,我国的课堂教学评价大多依据教学过程来展开,走上了“实证化”“定量化”的道路。集中表现在评价标准的确定、评价信息的收集以及评价结果的获取三方面。90年代以来,由于对西方多元化评价模式以及“第四代教育评价”的引入,国人对课堂教学评价有了深层次的认识,为课堂教学评价的发展提供了前提和基础。步入21世纪,随着基础教育课堂改革的实施,推出了“以人为本”为主旨的评价方式,注重发挥教学评价促进教师提高、改进教学、促进学生个性发展的功能,具有注重教学过程、改进质性评价,提倡评价目标与主体多元,关注个体差异等特征。教学评价已不单纯是选拔或淘汰的手段,而是以促进师生协同发展为目标。 二、高师钢琴教学评价体系构建的紧迫性 2007年国家教育部出台的《教育部关于进一步深化本科教学改革全面提高教学质量的若干意见》中指出:“各高等学校要进一步加强教学质量监控,建立用人单位、教师、学生共同参与的学校内部质量保障与评价机制,形成社会和企业对课程体系与教学内容的评价制度、课堂教学评估制度、实践教学评估制度、领导和教师听课制度、同行评议制度、学生定期反馈制度及教学督导制度等,加强对人才培养过程的管理。完善教师、院系、学校三级质量保障机制,逐步建立保证教学质量不断提高的长效机制。”[3]这对包括高师钢琴教学在内的评价体系的构建作出了战略部署。但是,目前的高师钢琴教学评价存在着理念不更新、目标不清晰、内容不合理、手段不灵活、体系不完善等与教育改革培养目标不尽同步的现象。 (一)钢琴教学评价功能认识不清 科学、全面的钢琴教学评价是对钢琴教学的构成要素、教学过程、教学效果、教学发展以及钢琴教学与外界关系等多个方面进行的综合性价值评判。“科学的音乐教学评价是实现学生培养目标的重要保障,也是深化高等音乐师范教育改革、提高教学质量的有效手段。”[4]而在实际的工作中,我们也发现为评价而评价的现象存在,例如有些学生将评价作为获取高分、争取荣誉、考试升学的重要条件,也有教师或教育管理部门把评价当作晋级升职的主要手段。而其真正的作用首先体现为帮助钢琴教师调整教学内容、改进教学策略、提高教学质量,促进自身业务素质的提高;其次是有助于激发学生的学习兴趣、发现自身潜能、丰富情感体验、提高审美情趣,促进学生专业水平和人文素养的提高;再次,钢琴教学评价以信息反馈的方式呈现,能让钢琴教学人员和管理人员及时发现教学中存在的问题,及时调整教学措施,完善教学设施,改进钢琴音乐教学相关工作,促进钢琴教学事业的健康发展。 (二)钢琴教学评价现状不尽人意 从我个人的经历来看,我所就读的学校以及现在从事的钢琴教学工作中,在评价目标、内容、原则以及管理等方面都存在缺陷。总体来说,目前的钢琴教学评价过分“强调学生的独奏水平,忽略对学生的钢琴文化、实践能力等钢琴综合素质的评价;片面追求考查、考试曲目的难度和演奏技巧,忽略对学生平时基本功的训练和曲目涉猎量的关注等弊端。”[5]未能关注学生在学习过程中的发展状况,也忽视了对学生情感变化、合作交流能力以及人文素养等方面的考评。建构主义学习心理学认为,这样的评价“它无法直观而实在地论证人的潜在发展能力,更不能论证人的行为的主体性、创造性以及高级的心理过程。这种评价方式的最大缺陷在于把人客体化、简单化而忽视了人的自身。”[4]这既是没有明确评价目标、评价内容,没有详细评价标准,也不遵从合理评价原则的具体表现,更是未能全面领悟钢琴教学艺术发展规律的生动体现。 三、高师钢琴教学评价体系的实践建构 高师钢琴教学评价,是采纳符合钢琴教学艺术理念的方法,对钢琴教学构成要素、教学过程、教学效果、教学发展以及钢琴教学与外界关系等多方面展开的综合性价值评判。它以教学活动的参与主体为中心,围绕着教学目标、教材内容、教学方法、教学设备、教学效果以及社会影响等因素作综合测定,来反映教师的教学能力、判断学生掌握知识的程度和运用知识的能力。这个过程是有目、有组织的活动,既是对高师院校钢琴教学工作质量的检测,也是对高师钢琴教学效果的评估;不仅是搜集信息、分析判断的一大系统,而且也是反馈信息、实践运用的价值体系。高师钢琴教学评价体系的建构是一个复杂的系统工程,不仅要遵循钢琴教学艺术的基本规律,而且还要吸收借鉴教育学、评价学等理论为指导。具体来说涉及到评价目标、评价标准、评价内容、评价手段、评价原则以及评价反馈、评价管理等多个方面。 (一)明确评价目标 明确评价目标是一切评价活动有序开展的前提,否则评价活动找不到方向。钢琴教学评价是衡量钢琴教学成效的信息反馈方式,是对教师工作质量测定的主要途径,也是对学生学习效果进行评估的重要手段。“在教学实践中实施教学评价,评价反作用于教师,可以使教师了解自己教学的作用与效果,并提供改善自己教学的依据;评价反作用于学生,可以使学生更准确地掌握学习内容与规律,知道哪些知识技能是应知应会的,也知道哪些内容还没有完全掌握或不掌握,应如何调整。”[6]通过评价,教师能认识到具体教学工作中存在的问题,积极采取改进措施,提高自身工作的主动性和业务水平。通过评价,学生能清晰地认识到自己的知识水平和技能程度,总结学习过程中的缺陷,以完善自身的知识体系和提高技能演奏水平。此外,通过评价还能让相关钢琴教育管理部门认识到存在的不足,以便做出弥补。达到完善教师、完善学生、促进钢琴教学事业顺利实施和健康发展的目标。 (二)厘定评价内容 厘定评价内容是评价活动顺利进行的基本保证,否则会抓不住评价的“合理内核”,失去具体指向。后现代教育学、教育阐释学以及建构主义学习心理学都主张教学活动是师生以教学资源为中介的一个交互影响的系统,故而其评价内容包括对教师的评价、对学生的评价。严格说来,还应包括对管理的评价。换而言之,钢琴教学评价的内容,应当遵循钢琴教学艺术的发展规律,并在新课程改革要领的指导下厘定,才能构建起促进学校、教师、学生互利共赢的评价体系。从完善学校管理的层面上看,评价的内容要围绕有利于钢琴教学事业的发展而定,主要涉及教学场域、教学设备、教学条件、管理水平等;从促进教师发展的角度看,评价内容涉及教师的教学理念、教学态度、教学内容、教学方法和教师素养等。这里我们着重从促进学生发展的视角出发,认为评价要关注学生的成绩、获取知识的过程和技能,要关注学生的学习态度、方法,对音乐的理解能力和情感体验力,钢琴音乐知识的学习和实践能力,学生的知识面和人文修养等。具体来说,在钢琴教学实践中,我们对教材和教学内容进行有目的调整和规划,将评价内容分为演奏技能、人文素养、实践能力和平时表现四个板块,并根据这些内容合理分配分值进行评定。其中演奏技能包括独奏、重奏、伴奏技能以及四手联弹演奏;人文素养包括钢琴作品分析、作品评论与专题论文的写作以及钢琴音乐理论知识的掌握;实践能力包括开钢琴音乐会、为他人伴奏、参加钢琴赛事、参与演出活动、钢琴作品创作、钢琴调律以及维修等。如我们的评价内容及量化是:演奏技能30分,其中独奏、重奏、伴奏技能以及四手联弹演奏各占25%;人文素养30分,其中钢琴作品分析、作品评论、专题论文、钢琴音乐基础理论知识各占25%。实践能力30分,其中钢琴音乐会、为他人伴奏、参加钢琴赛事、参与演出活动、钢琴作品创作、钢琴调律以及维修等各占10%。平时表现10分,其中学生自评、互评、教师评价和社会评价各占25%。 (三)综合评价手段 由于钢琴教学评价内容涉猎广泛,故而其评价手段是多元的。在现存的评价中,往往通过期末评分来体现,这不能客观地反映学生的学习水平,也不能公正地衡量教师的教学水准,背离了评价的真正意图。从本质上说,高师钢琴教学评价“是教师、学生和教材构成动态的系统,对该系统进行内在的与外在的全面评价,科学地结合不同时期的不同教学目的和不同教学内容,有针对性地将多元化的评价方法有机地结合起来。”[7]在具体评价过程中,不论是对学生学习效果的评价,还是对教师教学质量的评估,都应坚持多元评价手段相结合,即发展性评价与终结性评价相结合,定量评价与定性评价相结合,自我评价、他人评价以及相互评价相结合,也按适当的比例分别量化,最后形成综合性评价。各种评价方法的相互补足,既能关注到阶段性钢琴教学的特征和学生的学习状况,又能给出公正、合理的评价结果,增加评价的可信度和有效性。 (四)强化评价管理 注重评价管理对于得出公平、合理的评价结果起到了重要的作用。首先要做到事实求是。在实际工作中,普遍存在为评价而评价的问题。我们的评价形同虚设,我也常常碰到学期末时,我们的管理部门将事先设计好的调查问卷发放给学生,然后据此结果作为钢琴教师教学质量评定,监测学生学习效果的唯一依据,这显然是受传统评价模式的影响。对于这样的传统评价模式,斯坦福大学的教师教育专家李•舒尔曼意味深长地批判道:“教学犹如室温下的干冰。它在我们面前蒸发,最终无影无踪。教学固然曾经发生,但是在大多数情形下,它没有留下看得见、摸得着的证据,当然也没有为我们提供对教学结果的强项和弱点进行考察的机会。”[8]这种评价方式有失公正,因其只注重结果,未能关注过程,只注重学生的反馈,而忽视了同行或教师的评价。所得结果的有效性、科学性显然大打折扣。建构主义学习心理学研究表明,当今国际教育评价的趋势和潮流表现为注重人的自主发展,注重教师的“教”与学生的“学”过程中的心理变化过程。因此,我们在具体的评价过程中,既要讲求整体性的原则,还要遵循艺术发展性原则,必须尊重钢琴教学的审美教育规律和师生身心发展的阶段性特征,体现高师钢琴课程的性质与价值。承上所述,高师钢琴教学是具体的存在方式,其目标除了要培养学生的钢琴演奏技能、人文素养以及社会实践能力之外,也承载着“教书育人”的教育功用。不仅具有培养适应社会需求的钢琴教学人才的义务,还有促进师生发展自我、改造自我、完善自我的责任。故而,高师钢琴教学评价是以人为本、注重发展的评价,它是对教学活动的整体所作的评价。其体系的构建要重新定位评价功用、明确评价目标、厘定评价内容、采用多元方法、规范评价管理,使其导向、反馈、创新、促进师生和教学事业共同发展的价值得到最大限度的发挥。如杜威所说“教育是经验的不断改造”,高师钢琴教学评价体系的构建也是一个长期而艰巨的探索过程,需要在理论与实践的结合中不断探索、日益完善。 作者:励继红 单位:浙江旅游职业学院 高师钢琴教学研究:新形势下高师钢琴教学思考 摘要:本文针对新形势下高师钢琴教学现存的问题,对高师钢琴教学的内容进行了新的思考。并指出学生的学习要与社会接轨,符合当今社会的需求,高师钢琴教学的内容应有所调整,应在教学中重视视奏的练习、钢琴艺术史和钢琴教学法的学习。 关键词:新形势;高师钢琴教学;视奏;钢琴艺术史;钢琴教学法 随着我国高师教学改革,高师院校的钢琴教学出现了新的局面,如钢琴教学设施不断更新、教师队伍教学水平显著提高等。尽管如此,我国高师钢琴教学还存在不少问题,如教学目标不明确,教学内容陈旧,教学方法单一等,学生思想更存在重专业轻文化、重技能轻理论的现象。钢琴是高师音乐教育的基础学科,高师教育的人才定位是“高师学生在具有必要的基础知识和专门知识的基础上,重点掌握从事专业领域实际工作的基本能力和基本技能”。这决定了高师音乐专业培养的是在基层工作的教师而不是钢琴家、演奏家,因此高师音乐专业的学生要与社会接轨,符合当今社会的现状,笔者认为新形势下高师钢琴教学的内容应有所调整。 一、高师钢琴教学现存的问题 高师钢琴教学的改革经历了多年,经过这些年教师的研究和实践,改革取得了一些成绩。但伴随着社会的变革,高师钢琴教学也出现了不少新的问题。 (一)因人授课、课程设置随意性强 目前,许多院校的音乐课的设置是根据现有师资的专业特长情况开设,而没有严格按照高师音乐教育的培养目标,没有按照高校音乐教学规律和社会需求来设置。钢琴教师多的就开设钢琴集体课、钢琴小课、钢琴伴奏课等,教师少的就只开设钢琴集体课。课程设置较随意,缺乏一定的系统性、科学性、必要性,看上去课程开设了许多,但实际缺乏一定的课程设置理论研究依据,造成了教学体系的混乱。更有些学校由于教学师资、教学设施等问题,该开设的课程没有开设,或者该必修的课程开成选修课,而有些学校该选修的课程开成必修;有的学校由于资金的缺乏、教室条件有限,将某些重要课程开成限修课,使很多想学这些课程的学生无法选择,失去学习的机会。更有些课程缺乏开设的必要性,只按照教师的兴趣、专长设置,没有学习的社会意义。很多学生选修课程的重要原因竟然是看哪门课程学分多而选择,这些问题暴露出课程设置方面的一些不足。 (二)重视演奏、轻视伴奏;强调技巧,忽视能力 根据社会上信息的反馈:许多高师钢琴专业学生毕业后教学水平有限,不能适应社会需求,这是当今的高师钢琴教学情况的真实反映。现在许多学校注重钢琴技巧的学习,按说这无可厚非,技巧是钢琴学习的基础,技巧在某种程度上制约着钢琴水平及能力的提高。但如果只注重技巧的训练,而忽视对学生钢琴综合能力的培养,如钢琴即兴伴奏、视奏的学习和训练,造成的结果就是和高等艺术院校培养的钢琴专业学生的培养目标一样,学生可以演奏技巧艰深的作品,但无法胜任高师钢琴培养目标———成为合格的中小学音乐教师。高师培养的音乐教师应该能掌握正确的教学方法,具有综合的钢琴技能,如自弹自唱、会为歌曲配伴奏、能快速转调等,在技巧上面不必像专业院校那样精深,但要求演奏动作规范,具有较高的教学水平。 (三)重演出轻普及,音乐素质普遍偏低 现在很多高校都开设有音乐选修课程,如音乐欣赏、名作赏析等,作为普及大学生音乐知识,提高音乐素质的重要科目。然而实际的现象却是大学生的音乐综合素养还是较低,这从央视举办的钢琴比赛中能明显看到。很多选手都出自专业院校,钢琴弹奏水平很高,然而在音乐基础知识问答中,还是有许多选手回答不上来,回答得答非所问,有时甚至连普通大众都知道的音乐知识他们都回答不上来,显得音乐综合素质相当低,常常引得场上嘘声一片。这种情况和学校的教育情况是有极大关系的。许多学校组织有不少文艺团体如艺术团等,作为用来参加表演、比赛的重要团体,这些团体有时为了参加比赛或者表演的需要,经常进行全天排练等,这和学校的许多正常课程安排产生冲突。而为了比赛取得好名次,或者表演的顺利进行,学校领导批准学生可以不去上课,致使不少学生的学习处于断断续续的状态,没有进行系统的学习,尽管取得了一些成绩,但其实牺牲了对学生的整体素质的教育。更有甚者,有些院校为了名次、形象,只注重对某些特长的学生进行专业的训练,忽视了对全体学生音乐素质的培养。 二、针对现存问题,高师钢琴教学应重视以下问题 (一)高师钢琴教学应重视视奏的练习 视奏指的是不经过提前的练习,一边看着新的乐谱一边进行的演奏。它对于学生的要求较高,首先要求学生对键盘极其熟练,要求手感、乐感较好,可以在眼睛不看键盘的情况下,迅速找到正确的位置;其次还要求学生具有很好的听力,可以极快的判断自己弹奏的准确与否;它还要求学生各个器官如眼与手、耳与脑的良好配合,有一点反应较慢、犹豫,就会造成错误。通过视奏,可以极大地提高学生的读谱能力,让学生在较短时间内将乐谱认出,可以缩短练习的时间,在短暂的时间里尽可能学习更多的乐曲,还可以提高演奏的准确性。1.加强学生的盲奏能力,要求如下:学生把注意力集中在乐谱上,眼睛少看或者尽量不看键盘,依靠手指对键盘的感觉来找需要的位置,刚开始会错误百出,但一定要坚持训练;也可以在光线较暗或者眼睛被蒙的状态下,对较熟悉的内容如音阶等进行训练或者背奏乐曲。2.加强提高学生的读谱效率的训练,要求如下:首先要快速浏览一下乐谱,找出其中复杂、易错的地方。由于时间有限,在辩认音符时,有时需要我们多注意音符的组成规律,要将音符整个一篇极快的扫视一下,然后以特定的规律将其弹奏出来,例如半音阶、琶音、和弦等,而不是一个音符一个音符的辨认。同时,视奏需要多个器官的综合配合。因此要求视奏者注意力要极大地集中,眼睛要跑在手指的前面,不能一边弹一边认,而要预读音符,这样才能保证视奏的流畅进行。弹奏的同时,要用耳朵去聆听音符的对错,做出迅速的调整。3.加强学生对视奏进行每日必练的持久程度。视奏不是一朝一夕就可以练成的,它不仅需要我们在思想上知道它的重要性,更需要持之以恒的训练和坚持,才能初见成果,因此它需要我们每天练习。尽管视奏比较难掌握,但由于它在钢琴教学中具有重要的作用,是需要在钢琴教学中作为一项重要内容认真练习的。 (二)高师钢琴教学应重视钢琴艺术史的学习 钢琴作品的数量是浩瀚的,对学生而言,大学所学到的钢琴作品是有限的,也是较少的。要想弹完所有的钢琴作品是不可能的,幸运的是如今的电脑技术发展得已经相当成熟了,它给我们带来了极大地便利,我们通过网络就可以收集、整理出内容丰富、数量巨大的音乐资料,我们可以利用网络随时调用出我们想了解的钢琴作品的相关资料,例如钢琴演奏家的演奏录音、录像介绍与赏析资料,各种乐谱版本资料,随时随地的欣赏到钢琴作品,来弥补这一缺憾。由于时间的限制,我们不能够将所有音乐家的作品都弹奏一遍,这时了解不同世纪,每个作曲家不同时期、不同年代的风格特点,了解每首作品的创造背景、时代背景,就成了学习弹奏钢琴作品的重要依据,因此学习钢琴艺术史势在必行。钢琴艺术史涵盖了钢琴文献及其研究资料;与钢琴艺术的形成和发展密切关联的历史、社会、文化背景资料;作曲家及其风格、作品的介绍与分析资料;其他相关艺术如文学作品、美术作品资料等。通过了解这些知识,我们就可以自己学习弹奏钢琴作品,突破我们在学校学习钢琴的学时较少、时间有限、能力与水平有限等问题,从而将对钢琴作品甚至音乐的学习贯彻一生,还可以通过艺术史提高对钢琴作品的认识和了解,提高我们的弹奏水平,提高我们的艺术修养。通过建立钢琴艺术资料数据库可以实现资料共享,将高校钢琴课程的学习提高到一个新的水平。 (三)高师钢琴教学应重视钢琴教学法的学习 针对从中小学反馈回来的信息:高校培养的音乐教育钢琴专业的教师有的不能完全适应音乐教学工作,会弹钢琴却不会教的教师很多,其中还包括不少钢琴弹得不错的教师。这从一个侧面反映出:会教和会弹不是绝对的,弹钢琴需要学习,教钢琴同样要学习。高校音乐教育专业是以培养教师为目的,而“钢琴教学法”主要研究和阐述钢琴教学的基本内容、过程、规律、原则和方法,作为教师,必须学习教学法。因此,钢琴课上融入“钢琴教学法”的学习是很有必要的,意义重大。“钢琴教学法”可以指导学生如何掌握钢琴教学中最基础、最浅显、最有共同点的知识,让学生从毫无基础到会弹钢琴这个过程中所使用的方法就是钢琴教学法的内容。“钢琴教学法”一方面可以让教师明白如何指导不同年龄、不同基础的学生怎么进门、怎么一步步的提高;教会学生掌握正确的手型、姿势;教会学生钢琴的各种弹奏方法;如何选取和使用教材,如何因材施教,给学生选取合适的教学曲目、教学内容;如何指导学生平时的练习与作业的完成;如何制订学习计划,科学的教学进度等;另一方面,学生通过学习和了解“钢琴教学法”,可以自己掌握学习的进度,选取合适的学习内容,正确评估自己的优缺点,通过科学、有针对性的练习,掌握更多的曲目、更多的技巧,有步骤、有计划的逐渐提高自己的演奏水平。钢琴教学法可以使学生既会弹钢琴又会教钢琴,是培养高师钢琴专业学生成为合格教师的一门重要课程,它将教学与演奏、实践与理论相结合,既可以提高学生的钢琴学习能力、演奏水平,又为将来学生更好的就业、工作打下了深厚的理论基础。 三、结语 高师音乐教育专业的培养目标是主要培养能适应社会中小学和社会相关机构教学的音乐教师,因此我们的改革内容必须以此为目标、为出发点,从实际出发,全方位考虑。要突出师范性,要紧跟时代要求,与社会需求紧密联系。为此,在今后的高师音乐教育钢琴专业的教学中,需要我们不断拓宽教学内容和教学思路,让钢琴教学不再仅仅是一门以教授钢琴演奏为基本目的的课程,同时还应重视视奏、钢琴艺术史、钢琴教学法等学科。要加强钢琴视奏训练,提高学生的读谱能力,提高演奏的准确性,让学生在较短的时间里尽可能学习弹奏更多的钢琴作品;还要将钢琴艺术史的学习贯穿钢琴课堂,扩宽学生的眼界,让学生的欣赏水平、理论深度逐渐提高,从而将对钢琴作品甚至音乐的学习贯彻一生;要将钢琴教学法引进教学内容,使学生既会教又会弹,为将来学生更好的就业、工作打下基础。总之,高师钢琴教学内容的不断完善是一个长期的课题,希望随着这些相关理论课的融入,随着知识的丰富,可以提高同学们的演奏水平、表演水平,使学生能够掌握到以钢琴为基础的较为全面的音乐综合知识,能适应社会发展的需要,探索出一条适合高师钢琴教学的实用之路,为社会培养出更多合格优秀的钢琴教师。 作者:王敏 单位:平顶山学院音乐学院
音乐学本科论文:博洛尼亚音乐学院钢琴本科课程设置带给我们的思考 An Introduction to the Undergraduate Curriculum in Conservatorio di Musica "G.B.Martini" and its Inspiration to the Higher Teachers’ Education in China. 博洛尼亚音乐学院,全称是博洛尼亚-乔瓦尼•巴尔蒂斯塔•马尔蒂尼音乐学院,坐落在意大利北部艾米利亚-罗马涅大区的地方首府博洛尼亚,是意大利重要的文化、艺术和科学中心之一,也是高等学府集中地,以拥有世界上最古老的大学而著称于世。博洛尼亚音乐学院是意大利著名的8所国立音乐学院之一,有强大的师资队伍,目前钢琴系拥有10名主科教授,其中6位教授和4位副教授,另外有6名副科教师和5名钢琴伴奏。每位教授都拥有相当丰富的经历,他们不仅是钢琴教育家同时也是出色的演奏家。在欧洲、美洲进行的讲学、演奏等交流活动十分频繁。这里曾培养了世界顶尖的音乐大师。其中包括歌剧大师罗西尼、唐尼采蒂;钢琴大师布佐尼等等。 意大利的音乐教育体制与我国不同的是,没有一所专门的师范大学用来专门培养音乐师资人才。所有音乐学院毕业的学生如果想从事教师行业都必须进行额外的教师课程的考试。 根据博洛尼亚进程的规定,为了协调欧洲学位、促进学生的国际交流、便利人才的自由流动、方便学位的国际承认,意大利教育体系正在与欧洲两个层次的大学模式接轨。现在,意大利音乐学院实行新旧两种教学体制并轨,我们所研究的是它新的课程安排。它接收的是完成8年中学音乐方向课程的意大利学生和具有同等学力的外国留学生。在这里,学生在10至11岁进入音乐学院,跟随本科教授系统的学习钢琴演奏,通过3年初中和5年高中学习,经过考核,进入本科阶段。而大学部将本科生和研究生学制分为两个阶段:即高中毕业后继续学习3至4年达到本科生学历要求(BAC+3/4);达到本科生要求后继续学习2至5年可以取得研究生学历。 博洛尼亚音乐学院对于本科一年级学生的入学要求是具有热诚的音乐学习态度、足够的音乐知识和能力、被学院承认的较高的钢琴演奏水平、良好的文化和音乐基础、 足够的意大利语水平与能力(对于外国学生)和 高中毕业文凭。 意大利钢琴专业本科三年的教学大纲,其内容大致可分为四个部分:基础课、专业课、综合及相关课程和其他培训活动。笔者通过学习,感到其中一些理念与课程安排值得我国高师本科钢琴专业学习。再结合我国高师音乐教育的现状,从中总结出四点可以借鉴的经验。 首先,它的基础课程设置是按照由浅入深、由全面到具体、由古典到现代的层次递进的。在意大利本科基础课的设置中,我们看到第一年开设音乐史第一部分(不包括20世纪),第二年开设音乐史第二部分(20世纪),第三年开设钢琴的历史及其曲目。另外,第一、二年开设历史音乐语汇与分析,第三年开设当代与现代音乐语汇与分析(见49页上表)。 不难看出,意大利不仅重视传统音乐的学习,还至少把三分之一的时间花在对现代音乐的教学与研究上。在理论研究的基础上,配合大学三年级专业技能课中开设的20世纪当代钢琴曲库作为专题实践,从而把20世纪音乐放在一个重要的地位给予足够的重视,并且学校图书馆里珍藏有大批的新音乐资料。教授甚至学生的个人电子曲库(spartiti)中,也系统的收藏很多在中国很难找到的作品。其实,这种音乐训练早在学生11岁入学时就已经开始了。经过系统的学习,学生们普遍喜爱并接受20世纪新音乐,学校经常组织各个专业学生举办现代作品音乐会,城市里的各个教堂和音乐厅也经常上演各种形式的现代作品音乐会,并且每到周六都开设爵士合奏课程。 20世纪新音乐是音乐发展历史中一个重要的组成部分。受未来即将走向中小学音乐课堂老师(我们的学生)知识结构的影响,我国大批的新一代少年儿童也将对这方面的音乐越来越陌生,从而也进一步阻碍了20世纪音乐在我国的发展,因此,中国高校教师应注意积累和进行20世纪新音乐的研究性的学习,并形成一套规范的教学方案,使学生充分领会理解现代音乐带来的重大意义。 其次,在专业技能课程方面,钢琴技能课是三年必修专业,由专业教师按照学生的学习能力逐年递进教学,这当然在课程安排和考试制度上要求是相当严格。但除此之外更值得我们注意的是,它的专业课同时也包含前两年的室内乐课程和第三年的双钢琴及四手联弹课程。 国外学生喜欢合作学习,他们总是与同学一起寻求各种组合演奏的方式。学校也重视对于学生合作能力的培养。因此,意大利学生比我们了解更多的室内乐作品,这其中自然也包括双钢琴及四手联弹。例如,很多双钢琴作品,是从管弦乐改编而来,或本身就存在几种演奏形式,为了更好地学习双钢琴演奏,就需要学生广泛了解相关内容,从而扩展了他们的学习视野。大家都知道,钢琴是音响最为丰富,和声最具感染力的乐器。音乐的发展规律是沿着从单线条到多线条,从简单多线条到复杂多线条的轨迹发展的。因此,钢琴的学习者一定要具备非常敏锐的听觉。能在乐句的呼吸间找到声音的平衡。博洛尼亚音乐学院钢琴系在大学一年级就开设了室内乐课程及合唱训练课程,从入学的早期,最大限度上开发学生的听觉能力。我们经常能够听到在钢琴课堂上学生与教师多声部合唱训练。同时,培养学生相互的协作能力。从入学时就将其列为重要课程进行专门训练、一直持续不间断,并不断地向这个方向注入新的内容。例如在一、二年级的综合及相关中的合唱训练、伴奏实践课程训练、三年级的艺术指导训练课等。 再次,在综合与相关课程设置中,第一年,安排了记忆技术、耳朵培训、 合唱训练、伴奏实践(一);第二年,安排钢琴教学法(一)、音响学、合唱训练、伴奏实践(二);第三年,安排钢琴教学法(二)、即兴演奏的训练/声乐演唱指导的训练。 分析这部分课程时,我们可以发现,意大利人重视伴奏实践和即兴演奏。钢琴专业学生大量承接伴奏任务,教师给予悉心的指导。我们经常能够看到两个专业的教授同时为两名合作的学生上课,相互交流意见供学生参考,课堂气氛十分热烈。这不仅使学生了解自己,更从多角度的掌握作品的声音、气息、乐句等等。从而在实践中提高与他人合作的能力。虽然这在无形中增加了钢琴专业学生的负担,但是,从另一个角度说,这些学生在大量的伴奏中也提高了学习效率。 笔者认为,在我国高师教育中,不论是钢琴方向还是声乐方向的学生,都应在钢琴伴奏课程上给予足够的重视,并且鼓励学生大量实践。 最后,在其他培训活动中,第一年培训松弛的演奏技术,第二、第三年分别增加专业外语和电脑音乐,并始终把讲习班和其他培训活动,包括公开课列为所修课程计入学分。 就专业外语而言,在我国高师音乐教育专业中,这门课程的开设是在研究生阶段,而意大利在本科二年级就已经开设了。和中国人一样,意大利人普遍学习英语。由于意大利语与英语同属于罗马语系,有很多相似之处,因此,学生们普遍有着良好的外语基础。由于这里与欧洲各国学术交流和大师班活动进行得十分频繁,这就要求每个学生包括中学生都能够独立的与国外专家进行交流。笔者认为,如果在我国的高师音乐教育中,能将专业外语提到本科阶段开设,在音乐专业领域中,快速提高学生语言理解能力,这样,我们所培养的学生才能适应国际化的音乐交流。所以,重视音乐语汇的研究学习是提高学生音乐素养的前提。 音乐学本科论文:关于地方本科院校音乐学专业《视唱练耳》教学的有效思考 摘要:随着我国教育教学进程的推进,地方本科院校越来越受到社会各界人士的广泛关注,能够为社会培养和输送一批批高素质人才。就地方本科院校的音乐学专业而言,《视唱练耳》课程教学的有效开展具有重要性,有利于为专业学生奠定坚实的音乐基础,同时促进音乐学专业教学活动的深入开展。对此,本文主要对地方本科院校《视唱练耳》教学中存在的问题及影响教学质量的因素进行分析,并提出提高《视唱练耳》教学质量的有效对策。 关键词:地方本科院校 音乐学专业 《视唱练耳》教学 思考 伴随音乐艺术的快速发展,使本科院校的音乐学专业备受重视。对于地方本科院校的音乐学专业而言,对《视唱练耳》教学的重视度较高,以期能够培养学生的音乐素养,推动专业教育发展。然而,在教学实践中,存在一定的问题,直接对音乐学教育产生阻碍影响。因此,作者认为,有关人员应加强对其具体问题和影响教学质量的因素进行分析,以提出科学合理的对策,促进《视唱练耳》教学活动的深入开展。 一、地方本科院校《视唱练耳》教学中的问题 地方本科院校《视唱练耳》教学中,存在许多问题。首先,地方本科院校的音乐学专业教学水平普遍不高。由于学生数量不断增多,教师教学压力逐渐加大,而学生音乐素养水平具有明显差异,教师如若不能采取有效教学策略,则降低教学水平。其次,教学手段十分单一,只是向学生传授音乐技能,忽视培养和提高学生的音乐欣赏能力、审美能力等,难以提高教学质量。再次,地方本科院校音乐学专业的《视唱练耳》曲目教学较为单一,容易使学生产生审美疲劳,不利于音乐教学活动的开展。最后,在教育教学中,缺乏足够的灵活度,且教学过于刻板,降低学生的音乐学习效率。由此可见,地方本科院校《视唱练耳》教学中存在许多问题。 二、影响《视唱练耳》教学质量的因素 就地方本科院校音乐学专业的《视唱练耳》教学而言,影响该学科教学质量的因素相对较多,主要表现在以下方面:首先,随着科学技术的发展,多媒体教具的应用逐渐增多,但多媒体设备虽然能够精确表达音高,却缺乏音乐表现力,对教学活动产生不良影响。其次,学生是教学的主体,要提高教学质量,应充分调动学生学习的积极主动性。然而,根据相关调查显示,地方本科院校的《视唱练耳》教学考试中,部分省市仅开展口试,未能开展乐理考试、练耳考试等,使学生学习能力参差不齐。长期以往,学生的视唱练耳兴趣逐渐降低。最后,教师在教学活动发挥重要作用。部分教师在开展教学活动中,不能采取因材施教的策略,难以全面提高学生的学习成绩。可见,影响《视唱练耳》教学质量的因素相对较多,教师必须采取合理的策略而解决,才能推动《视唱练耳》教学的深入开展。 三、提高《视唱练耳》教学质量的有效对策 (一)创设良好的课堂环境氛围 在《视唱练耳》教学中,教师有必要创设良好的课堂环境氛围。部分教师在教学中,过于重视培养学生的技能,忽视理论教学,不利于教学活动的有效开展。对此,教师应对学生加以正确引导,将音乐理论和实践有机结合,既利用理论指导实践,又能通过实践对理论加以证实。长期以来,由于《视唱练耳》教学知识内容十分枯燥乏味,学生的学习压力较大,因而在课堂教学中极易出现走神、打瞌睡等问题。为解决上述问题,教师有必要创设良好的课堂环境氛围。首先,在枯燥的理论教学中,教师善于应用幽默诙谐的语言,帮助学生进一步理解复杂的乐理知识和增强记忆,以更好学习教学知识内容。其次,在教学实施过程中,教师应多创设课堂互动情境,促进师生间的有效交流,以营造和谐的师生关系,达到活跃教学氛围的目的。 (二)提高教师的综合素质 地方本科院校音乐学专业的《视唱练耳》教学中,要提高教学质量,有必要提高教师的综合素质。在教学活动中,教师占据重要地位和发挥积极作用,直接决定着教学质量。所以,教师有必要提高自身的综合素质。首先,教师应积极参与培训活动,以不断提高自身的音乐素养和音乐技能水平,为更好施教创造有利条件。其次,音乐学专业《视唱练耳》教师应加强与其他教师之间的沟通,相互交流教学经验,实现教学相长,对提高自身教学水平有利,同时能够提高教学质量。 (三)采取科学合理的教学方法 在《视唱练耳》教学中,要提高教学质量,必须采取科学合理的教学方法。根据作者教学实践经验看,作者认为,可从以下方面着手: 首先,教师可引导学生加强视唱练耳的训练,以提高其音乐敏感度,有助于对音乐作品做深入的分析,提高学生的音乐素养。所以,教师可通过分组竞赛的教学方法而强化练习,不仅能够调动学生的兴趣,而且可全面提高学生的视唱练耳能力。其次,在学科教学中,教师应合理使用多媒体教学手段。当前,由于多媒体使用不合理,为教学增大阻碍,降低教学成效的案例屡见不鲜。所以,教师在利用多媒体时,可根据音乐模式、音乐风格、学生实际特点等条件而掌握多媒体教学手段应用的度,以达到事半功倍的作用。再次,教师可利用唱名法的教学手段,分为首调唱名法和固定唱名法两种。前者具有较强的调式感,有利于学生把握音高、掌握音程,但需L时间的锻炼;后者相对较为简单,可强化学生的音高训练。最后,教师应加强对学生节奏感的培养,一是加强节奏型的理论训练,提高学生节奏反应能力;二是鼓励学生进行节奏型模仿;三是带动学生进行单独的节奏训练。 四、结语 在音乐学专业教学中,视唱练耳是音乐学习的基础技艺,因而开展《视唱练耳》教学尤为重要,保证学生能够积极参与相关技能培训活动,不断提高自身的技能水平。现阶段,地方本科院校音乐学专业《视唱练耳》教学存在一定的问题,且影响教学质量的因素逐渐增多。所以,教师应提高《视唱练耳》的教学质量,一是创设良好的课堂环境氛围;二是提高教师的综合素质;三是采取科学合理的教学方法等。 (作者单位:湖南省邵阳学院音乐系) 音乐学本科论文:浅析民办高校音乐学(师范)本科专业钢琴课程的特点 【摘 要】2013年4月,重庆人文科技学院经教育部批准转为独立设置的普通本科高校,成为重庆市第一所、也是唯一一所获得批准转设的民办普通本科高校;并被教育部确定为全国应用技术型大学战略研究试点高校之一,正在积极创建西部领先、全国有重要影响的应用技术型大学。笔者通过问卷调查、访谈调查、文献搜集这几种方式,对调查资料与教育部颁布的《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业必修课程教学指导纲要》中《钢琴》课程教学指导纲要的对比分析,发现该校音乐学(师范)本科专业钢琴课程主要有以下几点特色。 【关键词】技术型;教学模式;钢琴 一、充分利用课程资源 2006年教育部颁布的《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业必修课程教学指导纲要》中《钢琴》课程的教学指导纲要指出,《钢琴》课程资源如下: (一)教师应具有较高的专业素质和良好的师德师风,职称要求一般为讲师及以上,学位要求为本专业硕士及以上,教学方法上要能运用现代教育教学手段进行全面教学。 (二)教学设备。1.学校应为教师配备能够对学生进行集体授课和个别授课的教室,为学生配备课下练琴的琴房,另外还应配齐数码钢琴教室和多媒体教学设备等教学资源。2.配备与教学内容相关的音像资料、乐谱、图书、期刊(含纸质和电子等)、教学课件、网络资源等。 建设一支结构合理,素质优良的师资队伍是保障重庆人文科技学院民办音乐教育发展的关键。重庆人文科技学院钢琴教师队伍主要有三大特点:一、专职教师是教学主体力量;二、教师年龄年轻化;三、在学校择优资助计划的影响下,教师成长速度较快。为了加强教师队伍的管理,重庆人文科技学院每位教师每学期开学前都要更新教学大纲、教案和教学日历备查。教学过程中,每个年级设置专职教师负责该年级的一切教学、考试事项(每两位老师一组,轮换负责),每月举行一次专题教学例会,集中备课、讨论各项教学及教研室建设的相关问题。每学期末还将进行教研室工作总结,对该学期计划中的任务进行总结。通过笔者了解,每学期教研室基本完成了_学时的工作计划,无论是在课程教学工作上,还是计划的各种比赛和学术交流中,同时对于教研室设备改善也是均有成效的。学校的教学设备在同级同类院校中也是较为先进的。 二、有效开展课程评价 《钢琴》课程的教学指导纲要指出,课程评价的要求如下: (一)钢琴课程评价的重点是考核学生钢琴演奏和掌握钢琴综合技巧的能力。教师要保持客观公正的态度,对学生的专业知识、学习态度、过程、效果、考试现场发挥等方面做出评价。评价的主要标准是学生演奏方法是否正确和规范,同时还要参考学生在节奏、节拍、音高、音色和音乐表现力等方面所达到的水平。在学生之间可以进行相互教学的考察,从而了解学生对教学方法的熟练程度。 (二)采取在课程规划的过程中对课程进行修订、改进的评价方式,同时对课程整体进行评价,还可采用教师对平时作业的书面评语、考试的现场点评、教师与学生的自评、互评、教师之间的互评等形式进行课程评价,来确定课程的价值和效果。 (三)形成性评价是在课程形成过程中进行的评价,是指对学生学习过程、学习态度、学习方法、学习效果的一一把握,以随时了解问题所在,在课程实施过程中加以修改。 (四)要求学院把不同形式的教学观摩演奏会加入课程计划中,每学期定期举行,并纳入课程考核内容。 一方面,重庆人文科技学院和音乐学院都分别成立了自己的教学评估小组,建立了一套完善的监督机制:1.每学期学校和学院都分别派出几名专职教师对每位教师的教学质量、是否迟到、早退进行严格督察,特别是即将评职称和享受学校择优资助的教师,更是频繁被查对象,同时他们还会抽查教师布置的平时作业、期中作业和期末成绩等;2.教师之间每学期也会安排交叉听课,互相提出合理建议,取长补短,以促进自身的进步和课程的有效实施;3.每学期末,学生也将对教师进行教学评价;4.学院每学期末组织开展教研室活动,对每位教师的教学科研进行评估,进行奖罚。学院每一学年结束,规定专职教师必开一场个人或师生钢琴教学音乐会,作为教师科研的一部分,年终进行科研一次性奖励。除此之外,要求教师每学年至少完成一篇本专业的学术论文,通过此举可以强迫教师提升自己的学术水平,进而解决技能教师评职称难的问题。另一方面,重庆人文科技学院在改革的过程中,对钢琴课程的期末考核内容进行了修订,在传统考查内容中加入了符合课程目标的,体现学生综合素养的钢琴伴奏和自弹自唱能力的考试内容。通过如此完善的教学监督制度,不仅对教师教学的有效性进行了很好的监控,而且有助于教师自身素质的提高和教学质量的提升。 三、合理安排课程内容 《钢琴》课程的教学指导纲要指出,该课程内容要求如下: (一)应重点考虑符合当代大学生兴趣和心理需要、艺术性较高的古今中外经典钢琴作品,并挑选当下优秀的钢琴音乐作品作为教学内容。 (二)在教学中教师应着重挑选带有中国民族特点的钢琴音乐作品,使学生熟悉中国钢琴作品的特点。 (三)紧跟当下基础音乐教育现状,恰当挑选中小学教材中的曲目和青少年熟悉并感兴趣的作品。 (四)教师应准确把控精练曲目和浏览曲目的平衡,让学生在提高演奏水平的同时,加入能够培养实践能力,包括视奏、即兴伴奏、自弹自唱能力的曲目内容。 重庆人文科技学院音乐学(师范)专业钢琴课程内容在改革过程中,紧扣教育部音乐教育(教师教育)钢琴课程指导纲要的要求,加入了钢琴教学法、钢琴伴奏和自弹自唱课程,同时钢琴伴奏与编配和自弹自唱课程从大二就开设,这在同类院校中开创了先例,很多院校大一、大二打基础,大三开始综合实践能力的培养,但是该校敢于在大二就开设此课程,可见对其的重视程度,也体现了他们对应用型人才的培养力度。笔者认为,重庆人文科技学院这种课程安排是紧扣课程指导纲要,符合自身转型特点的。 四、发展过程中的不足 笔者认为教师教学内容偏重独奏曲目,应加入四手联弹,双钢琴,甚至八手联弹内容的教学,在《独立院校钢琴教学改革与实践研究》一文中,作者也提出“在传统专业选曲的基础上,还要增加双钢琴、四手联弹、八手联弹等教材内容,多选取一些与生活接轨的流行钢琴曲出版物。”[1]这样不但可以提升学生的学习兴趣,还能锻炼他们的综合水平。同时课程制定者在制定过程中应考虑学生的需要和兴趣,现有内容涉及范围过于狭窄,缺少中小学教材中的曲目以及青少年熟悉和喜爱的作品作为教学内容,同时现代派、印象派等不同乐派的作品要求也是凤毛麟角,致使在课程实施过程中出现不符合实际,造成教师教学障碍和学生学习态度消极的情况。该课程实施过程中的教学方法过于单一,可以引入“翻转课堂”等新颖的教学方法,通过教学模式上的创新,让学生变被动为主动,从而也能激发学生的创新意识。该课程评价基本符合教育部《钢琴》课程指导方案,但在形成性评价所占比重上,笔者认为略显不妥,现阶段的30%,势必会导致学生对钢琴学习产生错误的认识,以为只要练好期末考试的曲目,便能顺利通过考试,获得学分,因此轻视日常的学习过程,更有甚者长期缺课,意识不到平时上课的重要性。这样必然难以完成教学内容,影响课程实施,不能实现课程目标,从而与培养目标相去甚远。 音乐学本科论文:黑龙江省黑河学院音乐学(教师教育)本科专业课程试点工作总结 根据《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业课程指导方案》、《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业必修课程教学指导纲要》的要求,黑河学院音乐系通过教学试点工作,教学管理制度更加完善;教学质量得到了较大提高;学生的实践能力和创新精神显著增强;为科教兴省和地方经济发展做出了贡献。现针对几年来黑河学院音乐学本科专业课程试点工作的经验、做法以及存在的问题作以下总结。 一、试点工作经验 1、完善了人才培养模式 根据黑龙江省经济与社会发展对不同层次、不同规格、不同类型的高级专门人才的需求,对学校和专业的人才培养目标进行恰当的定位。音乐学(教师教育)本科人才培养模式实施后所反映出来的培养结果反馈到社会,接受社会对人才培养质量外显特征的评价;反馈到学校自身,接受学校对人才培养质量的评价。 2、优化课程结构 为使我校课程体系建设得到不断的丰富和发展,确保每位学生得到更加充分、全面的发展,我们对音乐学专业课程进行了优化,将课程结构分为“三大类,一环节”:公共课程、专业课程、地方和学校课程以及实践环节。通过优化这些课程结构,培养了大学生创新能力,使大学生各方面的能力得到了提高,满足了社会的要求。而且对增强学生的自主参与性,培养学生的创新能力起到了重要的作用。 3、完善教材建设 教材是体现创新教育教学理念,传授知识和培养人才的主要媒介和载体,也是提高教学质量、实现人才培养目标的重要保证。为了确保高质量的教材进入课堂,我院确立了以“面向21世纪课程教材”和“十一五规划教材”为教材选用的原则,使在学生获得基本知识与技能的同时,也获得本课程最前沿的信息。试点工作后我们又引进了全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业教材,同时引进了俄罗斯艺术院校的教材及教学内容;还聘请国内外著名学者参与教材建设,在实践环节中不断充实教材内容。 4、积极创造条件,加强实践环节,积累实践经验,培养创新意识,提高专业技能 在办学过程中,我们认识到只有加强对实践教学工作的管理,才能真正突出地方院校教育特色,提高学生的实践技能和竞争能力。为此,一方面我们充分利用地处中俄边境的地域优势,每学期在专业教师(含俄罗斯外教)的指导下,举办学生音乐会;组织学生参加院内外的重大演出;定期让学生深入到中小学校参加组织艺术实践活动;定期组织学生进行《鄂伦春民族音乐采风》和《俄罗斯民族音乐采风》等活动。 5、总结多年与俄罗斯教育交流与合作的实践经验,突出办学特色 黑河学院作为中俄4000多公里边境线上中方唯一的一所高等院校,走出了一条边疆高校发展的特色之路。几年来,通过与俄罗斯教育交流与合作,音乐教育专业创出了一条与俄罗斯高等艺术院校教育合作的新模式。通过中俄师生相互的教学交流、培训、艺术实践、音乐采风、师资的引进等方式,在声乐、钢琴、舞蹈、管弦等主修课程中引入了俄罗斯高校优质教育资源、突出了特色,独具魅力。 通过对俄教育交流与合作,学习俄罗斯课程设置注重实用性及俄罗斯教师教学方式注重兴趣性的特点,全力吸引俄罗斯优质教育资源,加大了引进力度,努力做到了“教学计划、课程、教材、教师”四引进。 二、试点工作存在的主要问题 1、师资队伍还不能适应试点工作的整体要求 由于历史原因以及地理位置的影响,在引进师资力量方面不足,师资队伍总量不足、学历结构不够合理,教师教育观念缺乏创新,实践能力和科研能力不高,教师来源单一和整体结构不合理等严重问题都是我们今后工作中需要解决的问题。 2、教育经费的缺乏影响试点工作的发展要求 当前需要做的工作很多,而极为紧迫的是要进一步研究解决好科教发展的外部条件―经费投入问题。一方面黑河学院地处边疆地区,受到当地经济发展的限制,产、学、研结构不够合理,难以通过自身的努力筹集到更多的教育经费;另一方面由于黑河学院属于地方性院校,与重点大学相比,国家投入的办学经费相对薄弱,影响了本科专业课程试点工作的开展。 三、对试点工作的意见和建议 黑河学院音乐学本科专业课程试点工作经过几年的发展,在专业建设、课程内容、教材建设等方面都取得了一系列成绩,但如何根据《方案》和《纲要》的要求把课程试点工作开展得更好,还应结合我院的实际情况,加强以下几方面的建设。 1、专业建设 专业建设对学校的改革与发展具有深远的影响。专业建设决定着人才培养的格局与办学水平,决定着学校培养目标能否实现。今后要将专业建设作为音乐学本科课程试点工作重要的切入点,成为本科课程试点工作建设与发展的重要平台。 2、师资建设 师资队伍建设是试点工作开展的关键,积极提高团队师资队伍的实力,提高师资队伍的学历、年龄结构等,构建结构合理的师资队伍对于黑河学院音乐学本科专业课程试点工作至关重要,在以后的工作中还要从以下几方面继续努力: ①继续引进俄罗斯高校优质教育资源,短期内计划在原来5名外教的基础上继续引进俄罗斯外教3-4名。 ②优化团队师资结构,进一步提高学历水平、明确各自的教研方向,创造更多的培训、进修、交流机会,大力提高音乐学本科课程的整体教学能力和学术水平。 3、课程建设 课程建设作为高等学校教学基本建设的重要内容,为大面积提高本科教育质量,学院必须积极推进课程体系建设,进一步加大精品课程建设力度,大力推进校、省、国家三级精品课程建设,落实《黑河学院音乐系精品课程规划》,进一步明确精品课程建设的目标。 以上为我系试点工作开展近3年的总结,相信在教育部体艺司的正确指引下,在黑河学院领导班子的正确领导与大力支持下,黑河学院音乐系在大力引进俄罗斯优质教育资源的同时,音乐学(教师教育)本科专业课程试点工作一定能够独具特色。 音乐学本科论文:关于高校音乐学本科专业的发展研究 【摘要】高校音乐学本科专业是培养音乐教师和社会音乐文化工作者的重要平台。随着社会诸多因素的不断发展变化,对于音乐学本科专业人才培养也提出了更多、更高的要求。本篇论文主要从高校音乐学本科专业的现状分析、教学理念和体系的改革、教学方式方法的改革、实践教学改革等方面,论述对高校音乐学本科专业今后的发展。 【关键词】音乐学 本科专业 发展研究 高校音乐学本科专业是培养音乐教师和社会音乐文化工作者的重要平台。但是近年来,高校音乐学本科专业毕业生的师资水平以及就业率都呈下滑的趋势,且改行率非常高,这说明现行的高校音乐学本科专业的课程设置、教学方式方法、学生实践活动能力等具体方面与社会需要和培养未来音乐教师的要求存在一定的差异,因此对我国普通高校现行音乐学本科专业的课程设置、技能训练及实践能力等方面进行客观分析,并针对现实问题着力加以改革创新已成为一件极为紧迫而富有现实意义的事情。 一、高校音乐学本科专业的现状分析 随着经济、文化、社会音乐生活的不断发展变化,高校扩招改革与专业岗位需求,社会需要与毕业生素质问题发生双重变化,大多数院校音乐院系原来的音乐学本科专业办学定位以及教学模式、课程体系等都与当下现实的社会音乐生活有一定的错位现象,从而出现了毕业生师资水平以及就业率下滑,改行率高的现象。 我国普通高校音乐学本科专业一直以来是专门人才培养模式,并由此模式建立相应的课程体系,总体来说是没有完全脱离表演专业培养的模式。这主要体现在专业必修课的学科类课程中音乐技能类课程过多,音乐学理论类课程和音乐课堂教学法课程严重不足。音乐学专业既是技能专业也是理论学科,在培养音乐学专业学生的时候,既要注重提高学生的演唱、演奏、节目编排等的专业技能,也必须培养学生扎实的音乐理论功底,还应该让学生具备一定的音乐创作、音乐活动组织、策划、音乐活动宣传等方面的实践能力,理当做到技能、理论和实践的并重。而当下大多高校的音乐院系对于音乐学本科专业学生培养基本靠近音乐表演专业,重技能、轻理论、缺实践。造成当今高校音乐学本科专业毕业生专业口径狭窄、专业基础薄弱、科研理论水平低、社会适应能力差,缺乏综合素质等等现象。 教育教学实践类课程单一,甚至脱离实践。学生缺乏必要和足够的课堂教学课、舞台实践、节目编排、音乐活动组织等实践课程,即便一些学校安排了此类课程,也是非常少的课时,或者有的学校就直接放在了实习期,时间为4~8周不等,多数为6周,内容是中学音乐课或是其他社会音乐文化工作。缺乏实践经验和实践能力的毕业生,必然很难适应、驾驭和组织好实际的课堂教学,当然也很难做好社会其它音乐文化工作,所以,就出现了大批毕业生,不适应社会岗位的需要,专业领域不能得到拓展,学校培养与社会需要不相适应的现象。 尽管随着社会的发展也进行了多次课程改革,但总体框架并未发生大的改变。以分科设置为主流的学科课程体系已不适应新时期高校音乐学本科专业发展的要求。 二、教学理念和体系的改革 (一)进一步明确办学思想 从整体上讲,符合时展的教育思想和教育观念的优秀,是增强富有时代意义的质量意识和素质教育意识。高等学校的人才培养必须建立在市场需要的基础上,依据市场的需要培养社会各领域需要的高素质人才,建立紧密的人才供需关系的高校培养模式。在基础与专业教育的关系上,树立加强基础教育,拓宽专业口径,增强人才培养适应性的思想;在理论与实践的关系上,树立理论联系实际,强化实践教学的思想;在统一要求与个性发展的关系上,建立因材施教、综合能力、实践能力多元发展的人才培养思路。 高等学校的根本任务是为国家培养人才。在新的历史时期,各类高等学校应该不断调整办学思想,明确社会发展对人才的需要和要求,依据社会的需要,确定人才培养的方向和目标。高校音乐学本科专业培养已不仅仅是培养音乐教师的单一目的,同时承担着为社会培养更多、更广泛的音乐文化工作者的任务,以适应当今市场对多类音乐人才的需求。改变以往单一专门人才培养向复合性音乐人才培养发展。 (二)课程设置改革 我国普通高校音乐学本科专业课程改革应在遵循教育的发展规律基础上,体现“面向未来、面向大众、面向社会”的教育发展思想。体现新时期的教育教学理念,树立以学生发展为本的教育理念,尊重学生的多元化价值取向,课程设置必须适应社会对教师素质的要求、对专业全面性的要求、对适应多岗位就业的要求,设置创新性、开拓性、研究性的音乐专业课程。对于高校音乐学本科专业的课程结构不要求专一而精,而需要全面发展。 (三)创新高校音乐学本科专业人才培养思维 高校音乐学本科专业的课程包含理论性、实践性、综合性、应用性等属性。所以,在课程设置结构环节,既要体现课程独立又彼此协调共融的属性,又要体现对大学生创新能力的培养,这就需要课程体系建设、课程分类、教学模式设计等环节突出对发散思维的训练,体现出以引导创新思维为优秀的课程结构机制的构建。 教学过程要遵循以激发创新意识为中心,引导创新思维为优秀,鼓励创新实践为途径,其最终目标是培养创新素养。创新素养涵盖了理解力、创造力、领导力、创新力、沟通力等,是适应社会飞速发展对人才的高素质要求,是音乐素质教育功能的重要体现,同时,作为人文教育之一的音乐教育,是以学生音乐实践能力和素质培养综合发展作为总目标。在音乐教育中倡导“以人为本”的思想,在淡化知识、技能的同时,强调人文素养的培养。 高校音乐学专业的课程改革应优化实用性强的主干课,扩大选修课程范围,以此在扎实学生的主干理论和技能课学习基础上,突出学习的个性发展。在课程内容方面,强化教育学类课程,拓宽基础课程,调整音乐学科专业课程。依据社会的实际需要设置与之相适应的课程,通过合并、新设、优化课程设置结构,增加选修课与自修课的比重,这样会极大的开阔学生的音乐文化视野,拓宽学生的理论思维和发展学生的音乐活动创新能力。有利于形成音乐学专业学生合理的音乐学科,专业知识和能力结构,以适应社会发展对音乐人才的需求。 三、教学方式方法的改革 高校音乐学本科专业的教学目标并非是培养单纯独唱或独奏型人才,而是具有一定音乐理论知识和演唱演奏能力的社会音乐工作者,即需要综合音乐学知识与从事音乐实践活动能力的工作者。传统音乐学专业教学沿袭专业音乐院校的教学方式和方法,技能课多以琴房一对一小课教学为主,着重训练了学生的独唱独奏的技能及水平,这样培养出来的学生会专一门而精,但却很难适应社会对于音乐人才的多元需要。所以,为了适应社会发展对于复合型音乐人才的需求,高校对于音乐学本科专业应该在教学方式方法上进行改革。 理论课应遵循训练学生多听、多看、多说、多写、多想、多问的原则,采用个性教育与共性教育结合的多种教学手段和教学方式,突显学生的主体地位,变教师讲为学生问,形成学术讨论为主的教学方式方法。 技能课一对一教学,转变为一对一、小组课和集体课相结合的方式,让学生多听、多看、多想、多讨论,形成师生互动教学为主。这样不仅可以调动学生学习的积极性,也有利于训练学生的较强的分辨能力。 教学方式方法要从专业性教学向普及性教学转变。强调专业性的精英化教学转变为应用型的普及化教学。集体教学比例和实践教学比例要高出个别教学比例;知识传授与应用能力行为要同时进行,以在实践中掌握知识为主体教学方式;把课堂教学为主体的教学模式转变以舞台实践、社会实践和与团体合作教学为主的教学模式。 四、实践教学改革 传统的音乐学专业实践教学主要是舞台实践,所以,长期以来,在实践教学中都只是关注学生的舞台演唱或演奏水平,而忽略了学生音乐活动的组织能力、舞台协作能力、音乐活动的策划能力、音乐创作能力和写作能力等,而目前的社会音乐生活多元化的发展,恰恰需要音乐专业的毕业生具备这些能力。所以,为了使学生符合社会音乐生活的需要,高校音乐学专业的实践教学范围需要扩大,并且需要将各种艺术实践纳入学生学分体系或考评体系,促使和保证学生切实的学习和实践行动,获得相应的艺术实践能力。当然,这就需要学校最大限度的给学生提供和创造实践机会,并形成长期和完整的实践课程体系。 实践教学改革关键要改变传统的舞台实践观,确立人文视域中的音乐艺术实践观,即把与音乐有关的一切组织策划活动都纳入实践教学的体系,摈弃以往的把舞台表演作为唯一的实践教学,让学生在更多、更广泛的音乐活动领域得到实践锻炼。 今后,高校音乐学本科专业的实践教学大体可以涵盖:舞台表演、舞台策划组织、音乐观摩、音乐活动宣传、音乐比赛、音乐活动分析等等。把以上这些实践活动贯穿于学生的学习过程中,会在课堂学习的基础上,极大的提高学生的专业综合能力,以适应社会对人才的多元需求。 高校音乐学本科专业的发展要符合社会音乐生活发展的需求,顺应社会发展的趋势。只有通过不断的改革和探索,构建科学的教学理念和课程体系,有计划、有组织的实施教学,在各个方面不断完善自己,才能为社会和国家培养更多的优秀音乐人才。 作者简介: 赵炜民(1972.06-),男,汉族,宁夏吴忠人,硕士研究生,副教授,从事声乐演唱与理论研究。 音乐学本科论文:地方本科院校音乐学专业学生艺术思维对就业趋向的影响研究 【摘 要】随着全国各大院校的扩招,音乐学专业人数的增加,生源质量方面也有所下降,导致部分学生专业基础知识薄弱,大学期间进步较慢,毕业后就业也就成了问题,本论文通过对部分地方本科院校音乐学专业学生的艺术思维和就业趋向分析,寻找出更加适合此类学生发展的就业方向和工作岗位,实现自己的人生价值。 【关键词】音乐学专业;艺术思维;就业 近年来,随着中国经济文化的飞速发展,致使更多人去追求精神文明。艺术也成了越来越多的高考生热衷与喜爱的门类。每年全国有上百万艺术特长生进军艺考现场,为考学也好,为寻求艺术之美想潜心研究也罢,随着全国大多数高校增开艺术专业方向,更多的艺术高考生有机会读大学,可是大学毕业就等于失业的问题日益严峻,艺术生就业成了一大问题。艺术专业院校学生专业优秀的毕业生只要是对单位要求不高、而且努力工作,就业还是没有问题的。但是一般的地方本科院校学生从考入大学时成绩就不是特别的好。在大学虽也努力刻苦学习,但毕业时和专业院校学生相比还是有些差距的,那么他们在找工作时就面临很大压力,学校不够出名,专业不够好,而且人数众多,工作自然不好找,部分学生毕业后面临改行的难题。 面对如此严峻的艺术生就业问题,结合本人也是地方本科院校音乐学专业的在校大学生,为了让更多的艺术生能够根据自身条件和自身优势去找到适合自己的一份工作,能够找到适合自己生长的一片土地使其能茁壮的成长,施展自己的才华。本人从地方本科院校艺术类音乐学专业学生的自身条件和艺术思维的共性进行分析研究,找到适合自己思维方式的企业、事业单位和适合自己的工种。为地方本科院校艺术类音乐学专业学生毕业就业问题略尽绵薄之力。那么艺术类音乐学专业学生都有哪些不同于其他专业的思维方式呢?这样的思维方式能够去哪些企业工作?适合和什么样的人群在一起能够发挥自己最大人生价值呢?这些就是本论文研究的主要问题。 一、 什么是艺术思维 艺术思维就是指在艺术创作活动中,想象与联想,灵感与直觉,理智与情感,意识与无意识,形象思维与抽象思维经过复杂的辩证关系构成的思维方式,他们彼此渗透,相互影响,共同构成了艺术思维。其中形象思维是主体,起主要作用。 不同的艺术种类、风格、流派、都是艺术思想的传达。高尔基说“艺术靠想象而生存”,每件艺术设计作品,无论是感性还是理性都传达着作者的思想情感。也许这就是艺术思维的共性吧。也许我们不懂凡高的《向日葵》、田崴的《开拓者》,只有他们自己才能对自己作品传达的思想真正了解。这个思维过程将受到各种因素的制约。如日本的浮世绘;浮世绘最初以"美人绘"和"役者绘"(戏剧人物画)为主要题材,后来逐渐出现了以相扑、风景、花鸟以及历史故事等为题材的作品。都是审美的传达。 艺术思维的主要表现方式是形象思维、抽象思维、灵感思维。形象思维的培养和提高主要靠田野采风和深入实地体验生活,看到的具体事物通过人的大脑分析获得;抽象思维是通过逻辑推理进行判断分析和论证的一种思维方式;灵感思维是在人类生产时间活动中,人的大脑高度兴奋时偶然产生的思维方式,这种思维方式具有偶然性、不可预见性、瞬间即逝等特征,可遇而不可求,不过往往建立在形象思维和抽象思维之后。 二、音乐学专业学生的艺术思维方式有哪些主要特征 首先我们要明白,与艺术有关的知识思维和技术思维并不是艺术性思维。凡是学校里教师教授的知识,只能是一种艺术知识,和思维无关,比如我们听一首音乐,能明确的判断音乐的风格、表达的感情等,这只是在学习与积累中的经验之谈,最多只是一种准确的感受,而并非是自我的艺术性思维。本人根据自己的理解并翻阅了许多与之有关的文献资料,得出了音乐学专业学生艺术思维的主要特征如下: (一)艺术思维的重心是直觉 艺术性思维本质不是理性的,而是单纯的感性感觉。起点是感觉,终点是形式。 单从音乐方面讲,艺术思维只是一种直觉。鉴赏一首歌曲,是以最初的直觉来欣赏它的旋律到底抒发了怎样的情感,而不是通过结合所学的知识,对这首歌曲进行专业的赏析。只有真正融入了自己真实的感情,才能体会真正的艺术。所以说音乐专业学生大部分都是情商大于智商的。在同一件事情上我们通常以感性思维来判断该事物的价值趋向和处理结果。比如说当我们看到一个乞丐在大街上乞讨,就会感觉到他的辛苦和不容易,马上就会尽自己的能力给一些零花钱。我们不会考虑这个乞丐是不是一个骗子。这也是大多数音乐人的共性,感性的情商驱使我们的内心让我们必须这样做。 (二)艺术思维的内容是人生经历的所感 曾看过一本书,书里有大概这样一段话。人与人的共鸣往往不是来源于同等生活水平的人之间,而大多发生在生活差距大,思想境界高度一致的人们身上。就像小孩和老人流下的泪水意义不可能一样。但是教养同等的穷人与富人的思想观念可能会有相同之处。 在《艺术创造论》一书中为艺术制定了这样一个定义“艺术,是一种把人类生态变成直觉审美形式的创造。”那么,艺术思维就是在这个创造过程中,产生的直觉感性思维。人经过对人类世界的认识经历,有了一定的想法,而这些想法与修养气质有关。有些作曲家的词写的好,就是因为现实中经历使他涵养提高,从而艺术思维的修养也随之提高,写出的作品自然是好的。所以说艺术思维来源于对世界和生活的直觉感知。 (三)艺术思维没有确定性 艺术思维指导艺术创作,而艺术创作往往是留给人一定的想象空间。所以艺术思维通常没有确定性。如果艺术思维过于僵化,就不能创作出有吸引力的艺术作品来。 创作艺术的灵感就来自于不确定性,思维是一种意识,不是现实。虽然它来源于现实,但并不代表所有的现实事件都能给艺术的创作提供灵感的。拿一种哀伤的情歌作比喻,热恋中的人是不会有创作哀伤歌曲的灵感的。而人的喜怒通常又在一念之间。这就是最大的不确定性。 三、艺术思维方式对我们的就业趋向有哪些影响 艺术思维总体来说就是人的那一部分感性思维。一般艺术性思维强的,逻辑性思维就比较差。学习艺术的同学一般都相对感性,感觉重于理智。故不适合从事呆板乏味的工作。这对于学艺术的同学是有双向影响的。 对本科音乐毕业生来说,学生们毕业以后一般都会选择什么职业,经过和许多地方本科音乐院校的老师和学生沟通发现,在未来的道路上可选择的工作职业有: 1.公务员: ①宣传部②教育局(厅)③文化(厅)部门④公安部⑤文体局⑥各级政府部门⑦所有认可文学学士学位的公务员岗位。 2.事业单位: ①歌舞表演团体 ②合唱团体③专业文艺团体 ④文化娱乐传播公司⑤演艺经纪公司 ⑥广播电视局⑦地方文体局 ⑧部队文工团⑨医院(音乐治疗)。 3.教育类: ①中小学教师 ②幼儿教师③音乐理论研究员 ④文化宫、青少年宫教师⑤高等教育教师 ⑥专职音乐教师(理论、声乐、钢琴等) ⑦民族音乐研究。 4.传媒类: ①广告公司、文化传播公司②电视台、广播电视③音乐环境工程设计、策划宣传人员④数字音乐版权管理、版权经营、编务⑤唱片公司的电子音乐制作、MV制作、节目创作、数字影视制作、媒体研究、画画合成等⑥电视节目片头、片花、宣传片、预告片制作⑦各类无线增值运营公司、网络音乐编辑、音乐节目编辑⑧网络音乐电台主播。 5.工程类: ①电影厂音乐录音音响工程师②影视剧声音艺术设计工程师 ③舞台音响导演、声学工程师④音乐录音制作工程师⑤网络电台音乐制作工程师⑥电影电视片尾曲插曲编辑工程师。 6.创业类: ①个人音乐工作室、录音棚②MIDI音乐制作人③成立自己的琴行、独立艺术学校④自由撰稿人⑤自由职业艺人⑥传媒公司⑦成立个人演绎公司⑧独立唱片公司⑨影音广告公司⑩独立音乐厂牌 文化传播公司网络音乐电台成立乐器制造厂。 7.销售类: ①琴行经理②唱片行经理③品牌乐器④音乐类书籍批发销售⑤琴行职员⑥乐器厂销售经理⑦乐器厂职员。 8.制造类: ①乐器制作②乐器维修,制造③品牌乐器制作,建立分厂 ④唱片制作的加工⑤承接艺术类书籍的编辑,排版,印刷 9.娱乐类: ①音乐编辑、职业编曲②广播电视节目策划人③编辑、音像、唱片公司企划④网络公司、音乐杂志编辑⑤音乐出版社、文化经纪人⑥节目主持人⑦新闻记者。 10.表演类: ①演员、影视演员、话剧演员、音乐剧演员②歌舞剧团演员、民族舞团演员、现代舞团演员③乐队指挥:交响乐团、民族乐团④音棚乐手⑤影视剧配音演员⑥职业乐手:吉他手、键盘演奏家、各类提琴手、中国乐器演奏家、组建职业乐队、管乐演奏家等⑦职业歌手、歌唱家、唱作人。 经过问卷调查得出,有50%以上的人,更喜欢与自己本专业有关的职业,有20%的人喜欢从事艺术指导类工作,大约22%则更喜欢自由职业,影视类,及转为其他职业变成职场强人。只有8%的人希望考研究生去更高的学府深造。 更多的具有艺术思维的艺术生认为自己在创新意识和解决事情的能力上比别人有优势;求职考虑的最重要因素则是实现自我价值和工作环境;首选就业单位是私企而不是国企,原因是国企或者事业单位门槛较高、管理较为严格、艺术性的思维方式得不到更好的发挥。对于自己的职业规划,大部分人只有短期的规划,随机应变能力更强。这也就决定,其实多数人是不适合做老师这个职业的,选择这个也只不过是生活所迫。 四、什么样的工作单位能让此类毕业生更具有发展空间 根据以上观点所述,艺术性思维特点是感性思维大于理性思维,自由创新大于安于现状,艺术美的感知能力强,热爱生活并追求生活趣味。所以哪些单位能够接受具有以上思维特征的毕业生,哪些单位就更有发展空间,笔者通过调查分析,得出以下更为适合此类思维方式的几种职业:自由撰稿人、歌曲词曲作者、活动策划、服装设计师、造型师、摄影师、模特、演员等,因为音乐学专业学生无论在形象、气质、艺术思维修养上,亦或是在情商和创新能力上,都会占有一定优势。所以这些职业更有利于艺术生发挥自身优势,把事业做到最好。 这就是我们对地方本科院校音乐学专业的学生艺术性思维对就业趋向影响的调查研究所得出的粗浅结论,希望帮助更多的学生找到自己理想的职业,更好的实现自我价值与社会价值。不足之处恳请音乐界同仁们批评指正。 论文项目:该论文是湖南科技学院大学生研究性学习和创新性实验计划项目“地方本科院校音乐学专业学生艺术思维对就业趋向的影响研究”(立项号:xkyjz20140822)的系列成果之一。 作者简介:刘一俗(1993年4月―)女,汉族,河北省张家口市,现就读于湖南科技学院音乐与舞蹈学院1303班音乐学专业。 音乐学本科论文:地方本科院校音乐学专业转型发展改革探索 摘 要: 随着国家高等教育的发展,对地方本科院校提出了更高要求。在这样的背景下,地方本科院校音乐学专业面临转型发展的挑战和机遇,只有积极融入转型发展中,在广泛调研的基础上,凝练自身办学特点,找准办学定位,从人才培养方案、师资队伍建设、学生职业教育等方面入手,加强制度保障,并对可能出现的风险防控,这样转型发展才能有序推行,取得良好成效。 关键词: 转型发展 目标 举措 保障 风险 一、地方本科院校音乐学专业转型发展的必要性 1.国家教育发展的环境要求地方本科院校转型发展。 《国家中长期教育改革和发展规划纲要(2010-2020年)》明确提出“适应国家和区域经济社会发展需要,建立动态调整机制,不断优化高等教育结构。优化学科专业、类型、层次结构,促进多学科交叉和融合。重点扩大应用型、复合型、技能型人才培养规模”①。国务院总理在中国十二届全国人大三次会议上所做的政府工作报告明确指出要深化省级政府教育统筹改革、高等院校综合改革和考试招生制度改革②。教育部副部长鲁昕指出600多所地方高校需要转型,要淡化学科、强化专业,按企业需要、按岗位来对接③。 2.地方教育的发展要求地方本科院校转型发展。 在教育发展过程中,地方本科院校对地方基础教育的发展起到了非常重要的作用,如四川文理学院是于2006年升本的地方本科院校,地处川东重镇达州市,这所由师范院校升本而来的学校承担着川东北地区基础教育师资的重担。 3.培养人才的规格和社会需求之间的矛盾是地方本科院校音乐学专业面临的首要问题。 艺术教育是基础教育中不可或缺的一个重要部分,而音乐教育则是艺术教育中重要的一环。因此培养合格的音乐教师和文艺工作者是地方本科院校音乐学专业的重要社会责任。四川文理学院的音乐学专业作为学校的特色专业,不仅在全国的各类专业赛事中获得令人瞩目的成就,而且为川东北地区的基础音乐教育培养了大量师资,但随着教育的发展,培养的毕业生也存在就业率低、专业对口率低、就业质量不高的问题,而川东北地区整体对音乐类师资的需求却得不到满足,一些中小学还没有专职的音乐教师,培养的人才和社会的需求存在错位和矛盾。 正是这样,地方本科院校音乐学专业也面临大量地方艺术教育、文艺工作者的人才需求和自身发展的重大机遇。 十八届三中全会决定提出,要深化教育领域综合改革,加快现代职业教育体系建设,深化产教融合、校企合作,培养高素质劳动者和技能型人才④。在这样的背景下,地方本科院校音乐学专业转型发展势在必行。 二、地方本科院校音乐学专业转型发展的目标 改革的主要目标是培养合格的基础音乐教育师资和基层文艺工作者,服务地方经济发展,以学生的职业发展为优秀,接受社会评价。主要达到以下目标:一是办学与地方经济发展对接,二是人才培养目标与行业需求对接,三是人才培养规格与工作岗位要求对接,四是中小学和基层文化机构参与制订人才培养方案,强化音乐教学理论、注重音乐教学技能应用、突出实践教学,五是人才培养过程体现与中小学合作、工学交替,六是加强以解决实际问题的应用研究为主的科研。 三、地方本科院校音乐学专业转型发展的思路与举措 1.重视调研,搞清楚社会到底需要什么样的人才。 为加快转型,为改革奠定基础,四川文理学院音乐与演艺学院于2013年开始就着手调研,一是调研了23家用人单位,从满意度看,对学生的专业技能满意度有60%,对学生的工作态度满意度有75%,90%的用人单位希望能加强对学生的教学技能、合唱指挥、即兴伴奏等方面的专业训练。二是调研了毕业生,只有50%的学生就业和专业对口,60%的学生认为在学校应加强实践能力的培养。三是调研了在校生,调研结果显示,学生对实践性的课程的兴趣明显优于枯燥的理论学习。 通过调研发现,在人才培养过程中必须重视充分调动学生学习积极性与主动性,重视学生基础知识的掌握,加强实践环节,培养学生解决实际问题的能力。创新型人才培养模式,充分利用专业和学科优势,加强产学研合作,积极与中小学和基层文化机构合作,让用人单位参与育人。加强双师型师资的培养,让教师了解用人单位的需求。真正以学生为中心,以培养应用型艺术人才为目的,以服务地方文化建设为己任,办让学生、社会都满意的专业。 2.分析自身的办学特点。 每所地方本科院校的音乐学专业都不同,都有自己的特点,所以只有深入自我剖析,才有可能真正办出成果,办出特色。 四川文理学院音乐与演艺学院地处大巴山腹地,没有地域优势。从每年在四川招生的实际情况看(四川音乐专业艺考总分400分),330分以上的学生基本被各大音乐院校录取,320分以上的学生基本上了省会城市的高校,280分以上的学生基本被靠近省会城市的高校录取,而四川文理学院录取的音乐学专业学生基本在270分左右,虽然近年来有所改善,但总体生源质量仍然不容乐观。 3.找准办学定位。 《国务院关于加快发展现代职业教育的决定》具体规定了普通本科高等学校向应用技术类型高等学校转型的实施措施,这就对地方本科院校的办学定位有了准确描述。所以地方本科院校的音乐学专业也必须找准自己的定位,如果和专业音乐学院等定位一样,那么培养歌唱家、高校教师等,显然是不现实的,但是培养中小学教师是很多同类高校正在做的事,但是真正立足地方,立足基层的高校还不多。例如在川东北地区大量的农村、乡镇中小学却没有专业的音乐教师,而作为该地区唯一的高校的音乐学专业,学生毕业后都自视甚高,不愿意去基层。 地方本科院校的音乐学专业只有正视自身的困难,不拼面子,真正立足地方,培养服务于基层的中小学音乐教师和文艺工作者才是出路。 4.改革人才培养模式,优化课程结构。 一是推行学校和用人单位共同育人。四川文理学院的音乐学专业课程由公共课、选修课、专业学科课程、专业基础课程等组成,学生学习的时间被大量的公共理论课程和专业理论课程占据,通过调研发现,现在的中小学音乐教师需要的钢琴伴奏、声乐演唱、舞蹈编导、合唱指挥、活动策划等专业技能在人才培养方案中没有得到重视,如钢琴、声乐只开设四个学期,合唱指挥只开设两个学期,教材教法只开设一个学期,学生毕业后觉得在学校学到的真正能在工作中用得上技能反而比较少。所以让用人单位根据他们的需要共同制订人才培养方案才能真正让学生毕业有学有所用。 二是要加强实践环节,延长见习、实习时间。从现在的大四才开始见习实习工作提前到大三开始见习实习,使毕业前的各层次的实习不低于9个月,让学生提前进入职业状态,使学生毕业后就能很好地适应工作。 三是改革毕业论文,设计的模式,重点培养学生的专业实践能力和科研能力。创新学生的毕业论文(设计)模式,可以是论文;可以是音乐会,也可以是创业实践,还可以是优秀教学课堂展示,使毕业论文(设计)成为学生毕业前的最后一次实践教学。 四是改革学生学业评价体系,通过技能考查、书面考查等方式重点评价学生解决实际问题的能力。现在的音乐学专业学生学业评价标准往往是以一次考试评价学生的学业成绩,虽然已经有平时成绩计入总分,但仍然存在考查方式单一,学生大部分都是应付考试,有的甚至还要作弊。要改变这种局面就必须改变考试方式,加强对学生学习工程的监控,并重点考查学生在学习过程中解决实际问题的能力,降低期末考试的比重,使考试评分成为促进学生学习的重要手段。 5.加强教师队伍培养。 一是培养双师型教师,让在职教师深入用人单位挂职锻炼,有针对性地对在校生进行教学。现在的地方本科院校音乐学专业教师队伍中,大部分是对自己所从事的专业有比较深入的研究,但对自己从事的专业教学对于解决学生在职业生涯中的实际问题知之甚少,所以让在职教师到用人单位挂职锻炼,让教师真正了解自己的专业教学对于学生就业的作用才能真正让培养应用型人才落到实处。 二是改革教师教学质量评价指标体系。加强教学管理,从教师的备课、上课、考试等环节入手,着重考查教师的教学效果,建立学生评价、教学考核、同行评价的立体评价体系。 三是引导教师从事与培养目标一致的科学研究。 现在教师所撰写的论文,从事的科学研究多数是务虚的,很多仅仅是为了职称的晋升,真正应用型的科学研究少之又少。所以应该引导教师从艺术创作、基础教学等方面进行研究,使艺术创作促进专业教学,以研究基础教学理论提升教学水平。 6.加强就业指导,从入学开始就进行职业教育,使学生能正确选择创业和择业。 学生进校就对学生进行职业指导,规划职业方向,使学生始终在通往职业的路上学习。如学生进校后规划自己毕业后要成为一名优秀的基层文艺工作者,那么就要引导学生从声乐演唱或乐器演奏、文艺活动策划等方面加强训练。 四、建立地方本科院校音乐学专业转型发展的保障体系 1.配套政策。 一是成立音乐学专业改革领导小组,负责整个改革过程的顺利进行。 二是建立系列保障制度。如《音乐学专业教学人才培养方案c定办法》、《音乐学专业课堂规范》、《音乐学专业毕业论文(设计)管理办法》、《XX学院校地合作条例》、《音乐学专业课程考试办法》、《音XX学院“双师型”教师培养办法》等。 三是结合学校绩效考核相关办法,激发教师在教育改革中的热情,鼓励教师从事与教育改革相关的科学研究。 2.保障条件。 一是具备改革良好的外部条件。从国家到地方,从教育主管部门和学校都对地方高等院校的转型提出了迫切要求,而国家总体的教育改革目标也是要提高学生的综合素质,对音乐学专业来说是一个发展的良好契机。 二是具备良好的内部条件。地方本科院校一般都有悠久的办学历史,教师队伍中不仅有经验丰富的教授、副教授,更有一批充满活力的年轻教师,通过调研,大部分教师都有迫切的改革欲望。 三是有坚实的物质保障。近年来,国家对地方高校在硬件建设、师资队伍建设和培养都投入了大量的人力物力。四川文理学院对音乐学专业的投入逐年加大,不仅建成了独立的音乐教学大楼,更有先进的演播厅、录音棚等完善的教学硬件条件,完全能保证改革的顺利进行。 四是已经建立较完善的服务地方的模式。地方本科院校的音乐学专业往往都为地方的文化事业、艺术活动作出了重要贡献。四川文理学院音乐与演艺学院也发挥自身的专业优势,与达州市的各大中小学、文化馆、政府等机构建立长期合作关系,并结合大巴山革命老区的特点创作出了一大批接地气的文艺作品,并在全国舞蹈荷花奖、大学生艺术节等专业赛事中取得了令人瞩目的成绩,这不仅丰富了达州市的文化生活,而且提升了达州城市文化水平。 五、地方本科院校音乐学专业转型发展过程中面临的风险及防范 在改革实施过程中,可能会出现教师有抵触情绪、用人单位无法真正投入育人的过程中、学生不接受改变和改革措施无法真正落到实处等情况。 针对这些情况首先要做到全体教师齐心协力,把教育改革上升到学院生死存亡的层次上,真正认识到改革的重要性和必要性。二是建立更多的合作育人基地,并根据实际情况重点抓几个单位,在不影响合作单位正常工作的情况下互派人员。三是在学生中做好宣传工作,从入学开始就让学生明白毕业后可能从事什么工作,并将这个作为学习的动力和方向。 总之,地方本科院校正面临改革发展的重要节点,如何在改革的浪潮中站稳脚跟,办出特色,是地方本科院校目前最首要的问题。而音乐学专业有自身的专业特点,只有找准定位,大胆改革,以社会需求为人才培养目标,融入地方的经济文化发展中,才能在此轮转型发展中立于不败之地。 音乐学本科论文:浅谈音乐学(教师教育)本科专业教学改革 【摘要】笔者根据自己在青岛大学10多年的教学经验,结合学校音乐学专业本科教学特色及办学现状,从借助综合性大学办学优势,提高学生基本素质,到根据现有的培养方案提出课程设置及教学方法的改革建议。从基础做起,优化课程设置,改进教学方法,进一步规范教学,切实提高人才培养质量。 【关键词】音乐学 教学改革 课程综合 随着社会物质与精神文明的飞速发展,对音乐教育人才的需求进入了一个崭新的时代。如何培养出符合时代需求的合格人才,成为高校当前一个重要的研究课题。尤其在《国家中长期教育改革和发展规划纲要》、新的《音乐课程标准》等一系列纲领性文件的颁布以来,音乐学(教师教育)专业教学改革成为了研究热点,引起众多专家、学者高度关注,分别从“课程设置”、“教学方法”、“培养模式”等多角度多层次提出各种改革建议及实施方案。笔者亲历了青岛大学音乐学专业的创建、发展与变革,在此,根据自己10多年的教学经验,结合学校办学的现状,就音乐学(教师教育)本科专业教学改革谈几点想法。 一、青岛大学音乐学专业办学现状 青岛大学音乐学专业由前身师范学院音乐教育专业发展而来,98年正式开设音乐学(音乐教育)专业,发展至今已包含两个方向:音乐教育方向、音乐理论方向。目前实施的“3+1+1”人才培养模式,“3”是通识教育、专业、专业基础3个课程模块,“1”是创新课程模块,“1”是表演艺术实践项目,在基础理论,专业技能培养同时兼顾学生实践与创新能力的培养,对人才培养质量提升明显。 经过近20年的发展,在学科队伍与科学研究、人才培养、基础设施建设、学术交流、科研成果等方面取得了长足发展。虽然成绩显著,但现实教学中依然存在许多问题。生源质量参差不齐,缺乏必要的素质底蕴,专业学习相对困难。课程之间相互独立,缺乏融会贯通,对学生综合运用知识的能力培养不足。教学方法模式化,忽略学生基础差异,对单项技能的培训超过对音乐美的教育,偏离了音乐教育的本质,学生的综合实践能力欠缺。 二、优化通识教育,强化学生综合素质的培养 具备渊博的知识,良好的文化修养是一个教育从业者必备的素质。针对目前音乐基础教育中,重技能轻文化的弊端,在低年级的时候着重加强学生的文化基础素质教育,弥补文化欠缺。借助综合性大学齐全的学科门类,优质的教学资源,融汇贯通的教学平台,在通识教育中,不仅要加强学生美、史、哲等人文学科课程学习,而且要鼓励学生选学计算机、信息技术等跨专业跨学科课程,了解不同领域的科学知识,掌握各学科发展动向,开阔眼界,提高个人文化修养,为高年级课程的学习打下坚实的基础,为各项素质能力提高提供保障。跨学科的学习,为每一个学生打开了一扇新门,为学生今后的发展提供了更多的选择。依托学科优势,培养出更高素质的复合型音乐教育人才。 三、课程综合化,开设综合实践课程 “课程的综合化趋势是课程价值观的深层变革,它由追求‘工具理性’的分科主义课程体系,转向关注生活世界和人格整体发展的综合课程结构与理念”[1],课程综合化是符合教育规律,是教育改革发展的必由之路,对于有些传统的课程体系有必要进行重新组合调整。参照著名的达尔克罗兹教学体系,可以对部分音乐理论课程进行综合化调整,比如和声、复调、作曲、配器四门课合并组合为一门综合课程,一改以往割裂脱离的教学状态,同时提高了授课效果,减少了学生重复学习的内容,增加了学习其它课程的时间。最重要的意义在于增强了学生对音乐基础理论知识的综合掌握与运用。这也正符合《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业课程设置指导方案》中培养目标的要求。 综合理论水平的提升旨在提高综合实践能力,在目前培养模式中缺乏对综合能力的培养,直接影响了人才培养质量,在教学中开设综合实践课势在必行。在开设钢琴伴奏、自弹自唱以及合唱指挥等综合实践课程基础之上,采用综合授课方式,比如声乐课、钢琴伴奏课、合唱指挥课以及自弹自唱课,各授课教师在同一时间综合授课,通过各科教师的现场指导,让学生各种专业技能协调发展提高,真正达到各种音乐技能的综合驾驭,实现学以致用,提高择业的竞争力。 四、结语 “音乐教育的本质,在于它的审美特性之体现。这种美的特质是诉诸于心灵的、感情的、形象的、思想的,是其他任何一门教育科目所不能代替的。”[2]如何加强音乐教育内涵建设,提升教学水平,提高人才培养质量,是我们所有音乐人义不容辞的责任与使命,愿意为音乐教育事业发展添砖加瓦。 作者简介: 王晓萌(1974,4-),女,汉族,山东省青岛市人,本科,讲师,研究方向:音乐与舞蹈学。 音乐学本科论文:地方本科院校音乐学专业学生就业现状分析及对策 【摘要】在大学生就业形势发生改变,人才培养模式走向市场化的时候,地方本科院校音乐学专业学生的就业情况也发生着巨大变化,他们的就业渠道和方向及其趋势值得我们关注。笔者通过调查湖南科技学院音乐学专业毕业生的就业情况,分析当前地方本科院校音乐学专业毕业生的就业现状,提出一些建议,希望能为地方本科院校音乐学专业学生成功就业提供帮助。 【关键词】音乐学专业;就业现状;分析;建议 随着我国市场经济的迅速发展,人民生活水平不断提高,对精神文化的需求也日益增加,社会对音乐人才的需求不断增加。但是,从1999年高校扩招后,学习和报考音乐学专业的学生人数增加了许多,地方本科院校的音乐学专业招生计划也成倍的增长,造成了近几年,地方本科院校音乐学专业毕业生数大幅增加,社会竞争日益加剧,就业形势严峻。面对新情况和新问题,要提高地方本科院校音乐学专业学生的就业能力,必须客观的了解和分析地方本科院校音乐学专业学生的就业现状,引导地方本科院校音乐学专业学生认清就业形势,找准定位和职业目标,努力提高就业能力,才能适应社会竞争,实现成功就业。本文通过调查湖南科技学院音乐学专业毕业生的就业情况,分析当前地方本科院校音乐学专业毕业生的就业现状,提出一些建议,希望能为地方本科院校音乐学专业学生成功就业提供帮助。 一、地方本科院校音乐学专业学生就业现状及归因分析 笔者通过对湖南科技学院音乐学专业近三年来毕业的学生的就业情况进行调查后,发现受社会需求、就业形势及传统就业观念等因素的影响,当前地方本科院校音乐学专业学生就业渠道主要有考研升学、考入公办中小学校和事业单位、各类艺术培训机构、到企业公司任职以及自主创业等,呈现出就业面不断拓宽和就业地区分布越来越广的特点。 1.通过硕士研究生考试继续深造。近几年来,国家加大了对艺术教育投入的力度,增加了硕士研究生的招生计划,为艺术类硕士研究生的招生规模的大幅增加提供了条件,为地方本科院校音乐学专业学生继续深造提供了机会。同时,为了缓解就业压力和实现自身的愿望,越来越多的地方本科院校音乐学专业学生积极投入到硕士研究生考试中。也有小部分学生选择出国留学或进修,努力提高自己的专业水平。 2.参加全国各地音乐教师入编考试或者与专业相关的事业单位的招考,这是地方本科院校音乐学专业学生一直以来主选的就业方向。目前,我国许多省市农村地区中小学校缺少音乐教师,对音乐教育专职化、专业化的要求越来越高;其他各类相关部门、事业单位也亟需音乐人才,使地方本科院校音乐学专业学生的就业机会有所增加。地方本科院校音乐学专业学生中女生往往占据总人数的三分之二以上,她们中大部分人的的第一就业期望就是稳定。因此音乐教师就成了地方本科院校音乐学专业学生(特别是女生)的就业首选。群众艺术馆、文化馆等与音乐相关的事业单位也因其稳定性强、需求量大而成为许多地方本科院校音乐学专业学生就业的重要选择。 3.选择国家或地方基层服务项目,如农村义务教育阶段学校教师特设岗位计划、大学生村官计划、“三支一扶”、服务西部计划等。在国家的有关政策、方针的引导下,国家和各地方都积极鼓励大学生到基层就业,组织实施了一系列大学生服务基层计划,这些项目的优惠政策也具有着普遍的吸引力。面对严峻的就业压力,越来越多的地方本科院校音乐学专业学生愿意选择服务基层,到基层建功立业。 4.应聘音乐琴行或艺术培训机构,担任专业教师。近年来,随着我国经济的快速发展和人们生活水平的不断提高,艺术培养逐步受到家长的重视,形成了较大的艺术教育市场,使得社会出现了规模大小不同的音乐琴行或艺术培训机构,这些培训机构需要大量的音乐专业教师。由于艺术培训机构的工资高、工作自由等原因,也成为许多地方本科院校音乐学专业学生的就业选择。 5.自主创业。为了缓解大学生就业难,国家、地方都出台了一系列鼓励和支持大学生自主创业的政策,各地方本科院校也加大了创业教育,采取了帮助学生自主创业的措施,如建立免费的创业孵化基地等,越来越多的大学生在校期间就尝试着创业,也出现了许多大学生成功创业的例子。部分音乐学专业学生看准了艺术培训这一比较有前景的市场,毕业后,甚至在校期间就开始开办琴行等创业尝试,且不少学生取得了较好的创业成绩。 6.到各类企业、公司任职。目前,很多企业和生活小区需要音乐专干,星级酒店也需要大量的钢琴、舞蹈演员,还有旅游产业也需要大量的音乐人才,都为地方本科院校音乐学专业学生提供了广阔的就业市场。同时,由于在企业、公司里工作有着发展空间大、收入高、入职要求低以及工作在城市等优势,到企业、公司任职成为许多大学生的就业选择之一,地方本科院校音乐学专业学生也不例外。随着全国各地经济的发展和便利的交通,大学生们选择任职的企业、公司也不局限于沿海经济发达地区。 二、给地方本科院校音乐学专业学生实现成功就业的对策 目前,社会为地方本科院校音乐学专业学生提供了越来越多的就业机会,但由于音乐学专业毕业生人数的快速增长,社会对音乐学专业学生的要求越来越高,使得竞争更加激烈,已经形成了机遇与挑战并存的局面。作为地方本科院校音乐学专业的学生,应更加的努力学习专业,并不断拓展知识面,提高自身综合竞争力。本人根据自己近三年所从事的音乐学毕业生就业工作的经验,为地方本科院校音乐学专业学生就业提出以下几点建议: 1.上好学校所安排的专业课程的同时,通过自学,掌握更多的专业内外知识,提高参加音乐教师入编考试或升学考试的应试能力。学校安排的课程是教学经验的积累,具有较强的科学性和合理性的特点,所以作为音乐学专业的学生,首先就应该上好学校开设的每一门课程。与此同时,地方本科院校音乐学专业的学生还应学习和掌握更多的课堂外的知识。如准备参加教师入编考试的同学,课后应学习教育学、教育心理学以及基础常识等知识,扩充自己的知识面,因为这是笔试时常考的内容。同时还应锻炼自己的说课能力,练好三首钢琴曲、二首演出歌曲、一支成品舞蹈。当然,事先需取得教师资格证。准备参加硕士研究生考试的同学应尽早确定报考方向,除了统考的英语和政治,《中西方音乐史》和《和声曲式》是许多招考高校的出题重点。当然,在选择报考学校时,应尽量根据自身的实际情况作出选择,切忌盲目跟风和攀比,也不能抱着“非名校、专业院校不上”的思想。 2.转变就业观念,参加国家及地方组织实施的基层服务项目,到基层建功立业。近年来,国家和各地方针对传统大学生就业形势发生的变化,为了帮助大学生解决就业难题,引导着大学生转变就业观念,鼓励他们到基层工作,陆续组织实施了选聘高校毕业生到村任职计划、农村义务教育阶段学校教师特设岗位计划、高校毕业生“三支一扶”计划、大学生志愿服务西部计划、选调生和选拔生计划等,由于这些项目的人才需求量大、门槛较低、针对性强等特点,为地方本科院校的大学生提供许多的就业机会。比如农村义务教育阶段学校教师特设岗位计划,它能实现大部分希望成为音乐教师的地方本科院校音乐学专业学生的梦想。准备报考“特岗教师”的同学所要准备的内容与教师入编考试的内容基本一致。有些毕业生毕业生不愿意到农村工作,想尽办法考入编的教师,应当清楚的看到,绝大多数刚考入编制内的中小学教师都被安排到农村地区的中小学任教,甚至有些地方在招考时就明确说明招考的岗位为农村地区学校。所以,想成为一名光荣的教师,也得“量体裁衣”。随着农村文化建设的推进,许多基层文化单位(如农村文化站)都需要音乐人才,所以,“到村任职”、服务西部也应成为地方本科院校音乐学专业学生重点考虑的就业渠道之一。 3.在学好主项的同时,根据自身实际和社会需求,尽可能的多学习一些副项,以增加就业“资本”。对于大学生而言,就业能力取决于自身所拥有的专业知识、技能及态度。地方本科院校音乐学专业学生在高考时都有自己的主项,进入大学后,许多学生仍然将绝大多数精力投入到主项的学习中,而忽视了其他副项的学习。实际上,无论是入职前的各类考试还是入职后的实际工作需求,经常能发现很多学生对于主项以外的副项知之甚少。其实,副项是最重要的补充。为了提高自身综合能力,每一位地方本科院校音乐学专业学生都应该摒弃专业上的主项意识,尽可能的多学副项,全面提高自身综合素质,适应社会发展的需要,成为“一专多能”的复合型音乐人才。 4.了解有关政策和职业要求,为自主创业和到企业、公司任职做好准备。在人才竞争日益激烈的今天,社会对毕业生素质的要求也逐渐提高。然而,由于大学生初出茅庐,没有丰富的社会经验,要想展现自己,必须了解有关政策和职业需求,为自主创业和入职公司企业前做好充分的准备。“创业带动就业”已成为许多地方政府促进就业工作的重点之一,也为此出台了许多优惠政策。因此,想自主创业的地方本科院校音乐学专业学生就需充分了解国家和地方关于大学生自主创业的优惠政策,特别是创业贷款、税收、资助、行政手续优惠简化等内容。同时,要有意识的培养满足社会竞争的决策力、创造力,实践操作能力等,打铁先需自身硬。对于准备到企业、公司入职的地方本科院校音乐学专业学生而言,从自身的实际出发,分析自己的实力、价值和需要,找出想做的而又能做的职业,并应针对自己的入职目标企业的类型,学习相关知识,适当的考取一些职业资格证书。如心理咨询师、物流师、高级文秘、计算机、证劵、会计等职业资格证书。 总之,面对日益严峻的就业形势,各高校均在培养模式等方面进行着改革,但要解决地方本科院校音乐学专业学生就业难的问题,更需要作为就业主体的同学们认真分析就业形势,调整好就业期望值,努力提高自身文化修养、专业水平和综合能力,以增强就业竞争能力,最终实现成功就业。 音乐学本科论文:新建地方本科院校音乐学专业应用型人才培养研究 地方本科院校音乐学专业担负着培养中小学音乐教师的重任。由于我国高等教育是计划经济体制的产物,即便在今天,计划经济体制对高等教育的惯性作用依然存在。在地方本科院校音乐学专业的教学中,不重视理论与实践的结合,不关注学生观念、能力、创新等综合素质培养和提高的倾向依然存在,实践教学、创新教学一直以来是地方本科院校音乐学专业人才培养的一个薄弱环节。因此,全面了解目前我国地方本科院校音乐学专业的教学状况,了解新课程改革环境下中小学音乐教育的发展,总结借鉴国内外音乐教育的新思想新理念,提出以实践教学体系为基础的、以应用型、创新型人才培养为导向的地方本科院校音乐学专业的改革思路,是十分必要和紧迫的。 如何创新地方本科院校音乐学专业专业应用型创新人才培养工作,构建一个具有较强科学性、操作性、可行性的教研模式,是一项十分复杂和庞大的任务,也是一件值得广大高校教师思考和探索的工作,具有很重要的现实意义。 “应用型创新人才培养模式”包含三层含义。第一层:“地方本科院校音乐学专业的教育理念以实践、创新为本”,强调确立学生在高校教育科研工作中的主体地位,教育科研工作必须从学生实际出发,围绕学生的成长需要,有针对性地开展教育教研工作。第二层:“地方本科院校音乐学专业的培养目标必须以实践、创新为本”,强调本专业的培养目标是培养德智体美全面发展,掌握音乐教育基础理论、基本知识、基本技能,具有创新精神、实践能力和教育科研基础的、高素质的音乐教育工作者。第三层:“地方本科院校音乐学专业的培养过程必须以实践、创新为本”,明确提出地方本科院校音乐学专业的人才必须全面发展型、综合型、创新型相互促进,师范性、专业性、基础性特征明确。因此,强调教育对象的主体性、教育内容的实用性、教育过程的实践性、教育手段的科学性、教育评价的激励性以及教育系统的开放性。 一、合理构建地方本科院校音乐学专业人才培养模式。 地方本科院校音乐学专业人才培养模式,是高等院校为实现其培养目标,为社会输送合格的音乐师资而实施的培养方式。而地方本科院校音乐学专业的应用型人才,则是指相对于专门的理论研究工作者而言的、从事音乐教学具体工作的、优秀的一线教育工作者。由于各校的办学理念不同、课程设置不同、师资力量不同、教学硬件设施不同等因素,造成各地办学模式上的较大差异。而办学模式的差异就必然会带来教学质量上的不同结果。 二、明确地方本科院校音乐学专业应用型人才的培养目标和培养规格要求。 在培养目标方面,提出:“地方本科院校音乐学专业的培养目标是培养掌握音乐教育基础理论、基本知识、基本技能,具有创新精神、实践能力和教育科研基础的、高素质的德智体美全面发展的音乐教育工作者。”并明确提出“三型”相互促进,“三性”的明确特点,强调地方本科院校音乐学专业培养目标应符合“三个面向”的要求,作为区别于专业音乐院校、普通学校培养目标的特色。 对于培养规格,提出了五个方面的要求,其中既有政治思想要求,又有音乐专业知识、技能、能力要求。 1、政治思想要求:领会和掌握马克思列宁主义、思想、邓小平理论和“三个代表”重要思想;熟悉和掌握国家有关教育的方针政策和法规;热爱教育事业,具有社会责任感和良好的思想品德。 2、音乐专业知识、技能、能力要求:系统地掌握中等学校音乐教育所必备的音乐基础理论、基本知识和多项音乐专业的基本技能技巧(含声乐、钢琴、中外管弦乐器各一项);熟悉了解学校音乐教育规律,胜任音乐课堂教学、课外活动与校园文化环境建设的工作;具备比较全面的音乐学知识素养,有较为丰富的中外音乐和多元文化、学科综合的知识与能力;具备较强的音乐审美、音乐表现与音乐创作能力;具备终身学习音乐、享受音乐、传授音乐的能力。 3、教育观念、方法、能力的要求:牢固树立以素质教育为根本目的的教育观念,正确认识和把握学校音乐课程的性质、价值和培养目标,能较深入地理解音乐课程的基本理念,学会运用符合音乐教育规律的教学方法;具备较强的语言表达能力和现代教学手段的操作能力;掌握科学的教学评估理论和方法,能正确地评价自己和他人的教学工作和学生的学习状况;了解当代音乐教育发展新动向,并初步具有从事音乐教育科学研究的能力。 4、文化素养、外语、计算机的要求:具有较为宽阔的文化视野和人文、自然科学素养;掌握一门外国语,能阅读本专业的外文书刊;能运用计算机,具有收集、判断和处理信息的能力。 5、身心、情操、品格、为人的要求:具有健康的心理与体魄,养成积极乐观的生活态度;自觉培养为人师表的高尚情操。能正确认识自己,尊重他人,在集体中具有团结、协调的能力。 使学生能够:①具备正确理解音乐、音乐学科、音乐教育、中小学音乐课程在学科体系、文化、教育中的位置和特点的能力,并能够以此为指导来进行学科、课程的教学实践。②具有较强的语言表达能力,具备胜任中小学音乐教学所必备的音乐基础理论、基本知识和多项音乐专业基本技能技巧的能力。掌握现代化的教学手段。掌握文献检索、资料查询的方法,能运用现代化设备进行教学并具备一定的科研能力。③具备丰富的民族音乐和多元文化、学科综合的知识和能力。具有创新思维。能够在课堂教学中激发学生的创新能力;能够综合运用已有知识探索新的教学方法,激发学生学习兴趣。④掌握面向全体学生、发展个性、注重实践、提倡创造的教育理论和教学方法。⑤具备较强的语言表达能力和先进教学手段的操作能力。⑥掌握科学的教学评估理论、方法,具备正确评价自身、他人教学工作和学生学习状况的能力。⑦具备终身学习音乐、享受音乐、传授音乐的能力。⑧掌握多能型的专业知识,要求每位学生要具有一定程度的声乐演唱能力,钢琴演奏伴奏能力,初步掌握一门乐器的演奏法,能够组织课堂音乐教学和课外音乐活动。⑨开阔的文化视野。对本民族传统音乐文化有较为深入的了解,理解尊重世界多元文化,通过学科间的渗透获得宽广的文化素养。⑩优良的职业知识。了解现代音乐教育领域的发展趋势,具备良好的教师职业素养和从事音乐教学的基本能力,包括熟悉教育法规,掌握音乐教育理论的基本知识并形成初步的音乐教学实践能力。 音乐学本科论文:谈我们在本科阶段的音乐学习 摘 要:本文针对当前音乐类专业学生学习中存在的问题,提出了本科阶段音乐学习的主要任务,应持的态度,以及相应的学习方法。 关键词:本科 音乐学习 态度 方法 民族性 在本科阶段,我们的音乐学习到底该学些什么,该怎样学呢?下面,我结合多年的学习和研究,主要从学习任务、态度、方法三方面谈一谈。 一、明确学习任务 本科学习是我们迈向音乐世界的第一步。在这一阶段,我们应牢固掌握音乐的基础知识,拓宽音乐视野,提高音乐技能,加强对音乐修养的培养和对文化知识的学习,多渠道全方位地吸取营养,充实自己。 二、端正态度 这里的“态度”是指对各种音乐现象的认识。在本科学习阶段,应该正确对待民族音乐、西方音乐、流行音乐这三个概念。 1.大力弘扬民族音乐。学习民族音乐,更重要的是学习民族音乐所体现出来的民族精神及其内涵,“在于把握我们民族特有的心态、情感、审美意识、思维方式等等,对民族、戏曲、曲艺音乐、民间器乐的研究、吸收、运用都应取其‘神’似,在整体把握上去用功。” 2.广泛吸收西方音乐文化。“中西音乐文化关系”是近现代中国音乐的一个突出主题。无可否认,中西音乐在和声、节奏、曲式结构、乐器、音色乃至音乐的功能、观念、文化渊源等方面各有特色,并且各自取得了丰厚的成果。在对待中西音乐文化关系的问题上,我们也可以采取“多极化”态度。这种“多极化”是指“每一位音乐家在其自身特色话、个性化追求中努力创造自身独特的音乐世界,并由此营造出当代音乐的多极化格局”“音乐是人类生活的表现,东西民族的思想、行为、感情、习惯,既各有不同,其所表现于音乐的,当然也彼此互异了”。在此前提下,中西音乐文化不应强求服,而互相尊重,在借鉴中并行不悖。 应该注意的是,我们在广泛吸收西方音乐文化的同时,也应同时对其它地区(非洲、拉美以及除中国之外的其他亚洲国家)的优秀音乐文化进行学习。 3.宽容对待流行音乐。对待流行音乐,我们应该多一些宽容。流行音乐在歌曲创作上的题材个人化、城市化,歌词的朦胧化、歌谣化,旋律的口语化、时尚化、节奏的舞曲化,演唱的自由化;流行音乐更加关注个人的生命体验和个性的自由创造,对个性、特色、创新显得包容和尊重,这些恰好迎合了现代人的口味。 但我们同时也应清醒地看到现今流行音乐存在的种种不足:由于商品经济意识对现代人的不断渗入,很多音乐人的创作并不是“感于哀乐,缘事而发”,而是利用流行音乐带有群众性、通俗性的特点,一味地片面地追求其商业价值。“今天中国的流行音乐品位较低(从创作、表演到欣赏都是如此),与世界优秀流行音乐相比,还有较大差距。” 三、注重学习方法 要调动自己学习的主动性,做到多读,多听,多练,以批判怀疑的眼光,与其它学科相结合进行学习。 1.要主动地学习。我们应积极主动的学习各种音乐知识,善于把握、理解、总结各种音乐观念和观点,能够把新旧知识加以联系,注重音乐知识的系统化、条理化。同时,也不应忽视“接受学习”。在课堂学习中应加强与老师的探讨、交流、互动,在宽松的氛围中更加主动地进行学习。 2.多读多听多练。本科阶段,应全面阅读,尤其对自己“不喜欢”的音乐家、作品更要仔细分析研究,找出你认为不如意的地方,并尽可能加以解决,这才是一种理性的学习。 多听多练主要对音乐作品而言。“听”,分为“泛听”和“精听”。“练”,是对音乐作品的实际操作,不能盲目地练,要有目的地加以练习,“练”是对作品情感的重塑过程,所以,要注重练习中情感的体验,避免工具化。 在学习音乐的过程中,应把“听得见的声音”和“看得见”的文字、图形相联系,要通过乐谱和音乐音响的反复结合对比,使“听”和“看”达到高度的统一,看到乐谱就能“听到”音响效果,听到音乐就能“看到乐谱”。 3.以怀疑的眼光开展学习。学者著书立学,是为了表达个人的思想和认识,有些观点难免有局限性,我们在学习中就应多问几个“为什么”。著名音乐家吕骥老师在对编钟进行科学测试时,发现一个钟在敲击时可以发出两个音,史书未有记载,有的音乐史学家也对此持怀疑态度,后经证实:一个编钟确实可以敲击出小三度或大二度的两个音。后来,吕骥老师写到:“不要被古书框住了……”同样的,我们也不要被书本所限制,应以开放审视的眼光做学问。 4.注重其它学科的学习,多学科交融。在不少学生中,流行“专业一百分,文化六十分”的说法,针对音乐类专业开设数学课这一现象更是感觉“莫名其妙”,这些想法带有很大的片面性。一方面,音乐一开始就与文学、宗教、戏剧、哲学有着不可分割的联系,要想学好音乐,就必须了解与之息息相关的自然学科、人文学科和社会学科。另一方面,从当今社会对人才的需求来看,只有全面发展的人,才是对社会最有用、最受欢迎的人。也许有的学科与所学专业没有直接联系,但它可以启发我们的思维,能够让我们多角度、多方位、全面地看待问题。所以,“与其它学科结合”对于音乐学习是必要的。 四、结语 本科阶段的音乐学习对于成才道路十分重要,在这一阶段,我们应自觉培养良好的音乐习惯,学习音乐的思维方式和研究方法,注重对自身的精神世界、心灵及内心品位的良好塑造。 饶晓露:西南科技大学。
音乐教育学论文:高校音乐教育学论文 一、师资队伍方面 师资队伍是保证人才培养质量的重要因素,其结构是高校师资调整与建设的重要内容。从统计结果(表1)来看,吉林省高校的音乐教师整体质量较高,但各项指标比例差距明显。7所样本院校中,执教“音乐教育学”课程的女教师居多,占71.42%,男教师占28.57%;教师的年龄分布表现为:以青年教师为主,30-39岁年龄段的教师占71.42%,40-49岁年龄段的教师占28.57%;教师的教龄低段化明显,1-5年教龄的教师占42.86%,6-10年和11-20年教龄的教师均占28.57%;教师的学位多为硕士,占85.71%,具有博士学位的教师占14.29%;教师的职称层次以讲师为主,占71.42%,助教和副教授分别占14.29%和14.29%;所有教师为专职“音乐教育学”教师,没有兼职教师,但却有50%的教师兼任管弦乐课程,25%的教师兼任教史论,25%的教师兼任教视唱练耳。由此可见,各项指标都有集中点,吉林省高校音乐教育师资建设应朝多样化方向发展。 二、课程设置方面 上世纪80年代以来,随着素质教育改革的推行与音乐教育的发展,新音乐课程标准应时而出,对音乐教师教育提出了更高的要求,各高等院校音乐教育专业一直将课程改革作为音乐教育改革的突破点。从课程名称调查结果可知,吉林省各高校开设的“音乐教育学”类课程不尽相同。但从名称分析,可以看出“音乐教育学”类课程内容多具有理论与实践并存的特点,这也显示出吉林省音乐教育学科发展逐渐趋于理性、成熟。课程数量。在所调查吉林省高校中开设1门“音乐教育学”类课程的院校有3所,占调查总数的42.86%,这类院校多分布在综合类高校或者音乐艺术学院;开设3门课程的院校有1所,占14.29%;开设4门课程的院校有1所,占14.29%;开设5门及以上课程的院校有2所,占28.57%,分别为教育部直属师范大学和省级重点师范。课程学分数量。学分的数量能够反映课程在专业教学中的地位。教育部制定的《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业课程指导方案》中对必修课《学校音乐教育导论与教材教法》的学分规定为6学分。样本校中只有2所高校的音乐教育学类课程达到或超出6学分,其他高校均不足6学分,最低的高校仅对这门课程分配2学分。由此可见,各高校应切实提高音乐教育学课程学分比例,提升学生基础知识素养。实践课程。样本高校对音乐教育实践课程的重视程度各不相同。在所调查的7所高校中,有5所并未开设“微格教学”课程,有4所在教育实践课程中缺少“教育见习”的环节。在教育实习过程中,高校均要求实习作业反馈,但只有28.57%的高校配有实习教材。有71.43%的学生认为教育见习的课时不足,有60.31%的学生没有听说过“微格教学”这门课。在音乐教育实践课程中,“教育实习”环节基本能够满足师学生的需求,而“微格教学”和“教育见习”两个环节都不同程度地显示薄弱。 三、教材选用方面 教材是教学系统化开展的工具,教材的选择体现了教学内容的导向与社会需求。如今的音乐教育课堂已不拘泥于完全依靠某一本教材传授知识,教师经常参考多本教材,结合自己及他人的教学经验,开发校本教材。从调查结果中发现,有50.6%的教师使用多本教材作为参考。“学校音乐教育导论与教材教法”是音乐教育学必修课程,选取尹爱青编著的《学校音乐教育导论与教材教法》作为其参考教材的比例最高,为85.71%,这是否有本土化因素影响还不可知。《音乐课程与教学论》和《中学教育实习行动策略》的使用率皆为14.29%,《音乐学科教育学》的使用率为28.57%,《普通学校音乐教育学》的使用率为42.86,《音乐教育与教学法》第二版的使用率为28.57%。此外《音乐教学论》(陈玉丹)、《新版音乐教学论》(吴跃跃)、《音乐教育学导论》([奥]沃尔夫冈•马斯物纲克著;余丹红,张礼引译)等也是在高校“音乐教育学”教师中使用率较高的教材或教参。由上可见,吉林省高校音乐教育学教材的选定还是存在活力不足的问题。教材的内容在一定的时间段内是相对不变的,但是音乐教育学科的发展却是日新月异,教师应有与时俱进的意识,根据学科发展的趋势及时更新教学内容,与文化、社会、时展相适应,以反映音乐教育学科发展的前沿。 四、教学方式方面 教学方式直接影响着实际的教学效果与人才培养质量。从统计结果可以看出,“案例分析”和“音乐活动”是学生最喜爱的教学方式。教学案例能很直观地让学生感受真实的音乐课堂,并从优秀教学案例中学习直接经验;音乐活动是最能体现音乐课堂生动性特点的方式,音乐律动、音乐游戏是如今基础音乐教学课堂中使用最广泛的教学方式,学生对这样教学也有着浓厚的兴趣。由此可见,教师应根据音乐教育内容的不同灵活采取各种教学方式,充分调动学生学习热情。 五、教学研究方面 学科的发展离不开教育教学研究的开展。调查统计结果显示,57.14%的教师每年有1-2次参与校级及以上部门组织的音乐教育科研活动。对于音乐教育学教研内容问题,83%的教师对音乐教学方法的研究感兴趣,87%的教师对音乐教育育人感兴趣,90%的教师对国外音乐教育动态感兴趣。对于音乐教育学教研形式问题,教师普遍喜欢以“观摩音乐教学公开课”的方式进行,选择这一项的教师多达85.17%;其次为“Workshop工作坊”、“进修性质的工作研讨”等形式。调查显示,样本校对音乐教育学学科科研的投入较少,多数学校每年投入不足1万元。由此可见,各高校应适时加强对音乐教育学教研内容的引导,加大音乐教育科研投入力度,鼓励教师多出成果,出好成果。 作者:尹爱青 张晓敏 单位:东北师范大学音乐学院 音乐教育学论文:音乐教育学科建设论文 一、对幼儿师专音乐教育专业建设的构想 1.1建立教学上的侧重点,促进学生音乐专业知识及技能的全面发展 第一,视唱练耳教学中应注重培养简谱识谱唱词能力。幼专音乐教育专业的学生,今后毕业将面向幼儿园的音乐教育,幼儿园的歌谱都以简谱为主,因此在学习五线谱的同时,加入对简谱的识谱唱词内容是非常有必要的。建议在大专一年级就可以进行,可持续到该课程结业,从简单的儿歌入手,逐步过渡到短小的艺术歌曲,以长时间持续训练的方式,让学生达到熟练掌握的程度,也为即兴弹唱打下坚实的基础。 第二,加强音乐欣赏教学。音乐欣赏实际是一门基础性、综合性的学科,它需要学生有敏锐的听觉能力、独特的审美情趣、丰富的想象力、合理的认知能力……对音乐的欣赏水准,往往代表了一个人的音乐品味和音乐素养。而音乐欣赏的教学从音乐作品的作者、创作年代、文化背景入手,分析作品的结构、表现要素,还能激发学生内心的情感体验,增强理解力和表现力。因此,加强音乐欣赏的教学,势必将对培养学生的综合能力,提高艺术修养起到决定性的作用。 第三,加强即兴弹唱训练。即兴弹唱能力是每位幼儿园音乐教师需具备的基本功,也是今后学生就业的敲门砖。在简谱识谱唱词能力达到一定水平,具备一定钢琴弹奏技巧以及有了一些和声知识后,学生就可以进行即兴弹唱的训练了。建议在幼儿师专学校的音乐教育专业二年级,开设专门的即兴配奏和弹唱课,教师通过上大课讲解理论的知识,让学生进一步在键盘上实践摸索,再通过小课检验学生的练习情况,反馈学习效果。有条件的学校还可采用数码钢琴进行教学,让先进的教学手段为教学带来方便。 第四,声乐和钢琴曲目的选择上,要选择适合学生演唱(弹奏)的,与学生自身能力一致的曲目,不要盲目拔高。就这次比赛评委的评分来看,主要不是看曲目的难易程度和单纯的技术水平,而是特别注重选手对作品的理解和整体性的把握。然而在教学中,教师对条件稍好一点的学生,往往就向专业水准靠拢,曲目过于拔高,学生完成的质量却不高,反而适得其反。因此,教师要选择适合学生的作品,才能让学生在轻松地完成曲目技术的同时注意到乐感与表现。 第五,要注重培养学生的音乐表现力。记得有一位音乐教育家曾说过:“一个师范毕业的学生可以不会独唱,但是不可以没有表情没有感染力地歌唱。”这充分说明了,良好的音乐表现力是音乐教育的一个非常重要的内容。再好的作品,也只有通过表演者声情并茂的再现,才能赋予作品的生命力、感染力。特别在技能性的科目(如声乐、钢琴等)上,教师不能仅仅只注意训练演唱(弹奏)技能,而要通过分析作品,带领学生真正理解作品,把握作品的意境,有表情地再现作品。另外,可以通过观摩优秀的音乐会,听著名歌唱家、演奏家的唱片,阅读一些理论方面的书籍,不断思考、总结,提高审美和艺术素养,才能更好地理解作品,表达作品中的情感。 1.2多为学生提供艺术实践的机会,注重对学生舞台表现力的培养音乐是一种表演的艺术,仅靠在教室上课、在琴房的练习是远远不够的。在教学中,经常会遇到这样的学生,平时在上课时表现甚好,一上台就手足无措,大打折扣。舞台上表现,不仅要有技术、有乐感,还需要具备健康的心理素质和良好的演奏气质,这些决非天生就具备的,需要后天的培养和反复的积累、磨练。此次比赛中得分较高的选手也是舞台表演经验比较丰富的。所以,幼专的音教专业还应该开设观摩课、汇报表演课,学校也应为学生创建表演和参加比赛的平台,这样既锻炼他们的心理素质,又积累了舞台表演经验。 1.3改进教材,选择适合幼儿师专音乐教育专业的内容因幼专音乐教育专业的特殊性,可以将高校音乐教育专业教材作为参考,并加入具有幼儿师范音乐教育专业特色的教学内容。如儿歌即兴弹唱、简谱看谱唱词等内容,可以与幼儿园的唱歌教材有机地结合在一起;声乐还可以加入儿歌的表演唱内容;合唱指挥加入童声合唱排练内容……另外,学校还应该给教师和学生多提供到幼儿园调研的机会,了解幼儿园的教材、教学方式,需要什么样的音乐教师,音乐教师应该具备怎样的教学技能等等。之后进行研讨,找出我们的音乐教学和幼儿园需求之间的差异,调整我们的教学内容,以适应幼儿园音乐教学的需求。这样既兼顾了音乐专业的特色,也体现了幼教的方向性,使学生能够学以致用,胜任今后的教学工作。 1.4通过网络搭建教师教学交流的平台,促进音乐教育事业共同发展任何一项教育事业,都不能是自己闭门造车,而要将先进的理念引进来,并具备开拓创新的精神,才能与时俱进。据笔者了解,几年前我省就由省中学校长联谊会牵头,将全省各地90多所普通高中联合起来,共同搭建起一个属于高中教育人自己的网络信息平台,进行教育大交流,实现了全川优质高中教育资源的共享。如果我们的幼儿师范类的专科学校也能搭建起类似的平台,让教师们通过快捷的交流工具,畅所欲言,并在平台内实现音乐学科教师们的教学交流和沟通,资源共享,必定会促进幼儿师专音乐教育事业的和谐发展。 二、总结 总之,幼儿师专应在强化音乐教育教学的同时,更新教学理念,确立正确的培养目标,注重学生的基本功训练并加强教学实践,从而改进幼儿师专音乐教学的专业建设,打造出具有幼儿师范特色的音乐教育专业。 作者:高曌单位:四川幼儿师范高等专科学校 音乐教育学论文:音乐教育学论文 一、《音乐教育学》课程实践教学内容改革的作用 (一)《音乐教育学》课程实践教学内容的改善,能够增强学习兴趣,促进教学能力提高。 从应用型本科《音乐教育学》课程内部出发,将基础教育课程改革精神落实到对学生培养的过程中,充分利用多样化的教学方式,增强学习兴趣,提高音乐师范生的学习能力、实践教学能力和创新能力,以适应当今社会发展的需求。 (二)《音乐教育学》课程实践教学内容注重教育实践,有效提高学生教学技能,促进音乐教师职业化发展加强音乐师范生职业基本技能训练,融入“双导师”制的教学模式,建立教育实习基地,有效地促进音乐教师职业化的发展。 (三)《音乐教育学》课程实践教学内容的改革,有助于完善音乐教师教育课程体系,与基础音乐教育需求形成良好对接。 二、对完善《音乐教育学》课程实践教学内容的几点思考 (一)《音乐教育学》课程实践教学内容与基础音乐教育衔接的现状 “音乐教育学”学科发展较为迅速,促使《音乐教育学》课程的发展,该课程资源丰富,课程理论依据详实,已成为集教育学、心理学、课程论、多学科融合的综合教育学科;在实地调查显示基础音乐教育改革的问题主要集中于中小学音乐教师目前较难满足音乐课改实验、学校艺术教育活动及特色办学不断增长的实际需求。两者在培养目标、课程设置、教学内容、实习机制、上的对接存在着问题,对接不紧密,发展不均衡,教学、师资资源无法较好的共享。 (二)完善《音乐教育学》课程内容的实践机制 1.《音乐教育学》课程教学内容的改革 高校(高师)是基础音乐教育师资培养的关键,培养能够适应和完善当下中小学音乐教育需求的音乐教师。于是,高校(高师)的《音乐教育学》课程必须紧密结合中小学音乐课堂的现状进行改革。(1)增加与基础音乐教育相对应的理论内容目前绝大多数高校《音乐教育学》课程中基础音乐教育相对应的理论内容并不多,如中小学生心理发展情况,《音乐课程标准》的解读等多学科知识的综合掌握,而并非注重某一方面知识的精炼,中小学音乐教师应具备博学多才,一专多能的专业素养,才能有效提高基层音乐教育水平;(2)增加对基础音乐教育教材的认知通过调查研究,现有的与《音乐教育学》相关的教材并不十分丰富,要与基础音乐教育建立良好对接,对中小学音乐教材的认知程度十分关键。课程内容中应逐步的融入中小学音乐教材内容,进行集体分析与备课练习与说课练习。(3)有效提高学生教学的心理状态高校学生从课堂走向中小学的课堂,由于课堂实践少,“第一节”课会比较慌张。据调查,目前部分高校的《音乐教育学》课程已逐步增加学生课堂实践环节,由简入繁,由浅入深,如从学生自身喜好的音乐的介绍开始自己的实践活动,进而加入音乐知识、技能、知识的扩展、教学方法、手段等形成由原本的单纯性的聆听、介绍转向有目标、有计划、有条理的完整的教学过程,使学生教学心理状态从不适应向适应转变,循序渐进。 2.完善《音乐教育学》课程内容的实践机制 实践教学的内容使实践教学目标任务具体化,既要有高校校内的实践部分也要有校外走进中小学的实践部分,试将各个实践教学环节实习、见习、课程设计、教学评价、创新制作、教学实训等,通过合理配置,构建以应用能力培养为主线,由简单到复杂,由理论到实践、由传统而单一到丰富而有创新的一体化的实践教学内容。(1)完善实习前培训学生实习初期的实习前培训主要内容可包括心理状态的调整、中小学小组备课、教案编写,微课、说课的练习等,使学生有效掌握课前准备步骤,通过微课、说课熟悉上课流程,对教学过程中所产生的问题进行及时的评价、分析,及时调整。(2)完善见习、评价机制见习是学生汲取经验的有效方式之一,亦是高校学生对中小学音乐课堂环境熟悉的一个过程,了解教学环境、适应教学环境,完善学生心理调节与角色的初步转换。将《音乐教育学》课程内容的实施拓展至中小学的音乐课堂,使学生通过见习,能够有效学习、积累、借鉴一线经验丰富的音乐教师的教学经验,形成完善的教学思维模式;对见习课程进行评价,是一个消化吸收的过程,在评价的过程中进行反思,对课程内容进行拓展、对教学方式、方法与教学模式进行思考与创新。(3)完善课堂实习教学机制《音乐教育学》课程实践的最终目标是能够使培养出的学生与基础音乐教育形成良好对接,学生走出课堂,再进入课堂的过程不脱节,以良好的状态转换角色。学生走进中小学音乐课堂,进行课前准备、上课、课后反思。适应的心理状态将高校的课堂上所学的知识与技能,传授给中小学的学生;进行课后反思,对课堂内容、教学方法、手段等内容进行有效调整,以提高自身整体课堂掌控能力。 作者:孙敏 郭溢洋 单位:黄河科技学院音乐学院 音乐教育学论文:音乐教育学论文 一、研究对象 音乐教育学在注重实践的基础上达到了持续不断地充实丰富研究内容的目的。另外,由于音乐教育学是从实践中延伸出来的理论,这对音乐教育的实践活动有着规范指导作用。伴随着各类科目教学重点的转移,具有近似研究方向的教育族群也参与到现代化教育学的发展进程中去,音乐教育学包含其中。音乐学科教育学差不多已是普通学校音乐教育学的同类说法,也是作为研究校园音乐学科本质、目标内容与方式的一门学科。音乐教学法重点是对音乐学科教学方法进行研究,侧重于教学法则和理论指导。音乐教育学和音乐教学论,同属于音乐教育族群研究范围,但在一定程度上又有各自独立的研究对象和方向,属于一般与特殊的关系。 二、研究范围 1.广域型:它需要有跨学科的视角,对教学目标、内容进行规划和组织,对教学过程采取的方法进行适时调整,在不断地探索中对各类教学因素进行深刻的研究,达到以“实际论证”为基础的理论体系。广域型的音乐教育学是以音乐教育实践活动作为基础,由跟音乐教育学有关的音乐与教育、哲学、美学与社会心理、民族等各类学科的新近成果,进行多角度多层次及各种因素的体系研究,以利于形成统筹、完整、条理清晰的理论系统。音乐教育学的广域不只体现在学科视角和理论层面,也包含教育哲学,重点体现在对音乐教育学中涉及的方法论、价值论、目的论的研究。 2.学科型:由于音乐教育学是从音乐教育的实践中延伸出来的理论,故音乐教育学注重的是学科领域中的实践教学方法。音乐教育学以达成高品质的教学内容为目标,成立“音乐教育教学方法和内容”的专题,具体细分到学科组织、教学理论、教学实践三大领域。 3.专业型:当前较为全面系统地对专业音乐教育学问题的论述专著很少。 三、研究策略 音乐教育学的研究策略,可以由哲学、美学、心理学、历史社会学等各类视角进行研究,通常还以文献、调查、实验、个案、分析、统计等研究法。具体实践中常会将各领域进行综合运用。而调查、个案及实验研究方式极其受重视。伴随着音乐教育学的研究渐渐深入,对学科之间的交叉研究、理论同实践结合、跨文化比较、系统及其他各类有效的研究策略的综合应用等,给予一定的重视,这也是音乐教育学的研究策略的发展方向。四、音乐教育学的形成音乐教育学源自音乐学与教育学,它们成为独立学科时均为19世纪。现代音乐教育学的形成时期通常认为是在20世纪。20世纪早期,音乐学科教育的研究具备多样性的特性。国外的一些较为著名的音乐教育系统与教学方法,譬如,达尔克罗兹、奥尔夫、柯达伊等,它们为音乐教育学的成型和延伸发展都有着积极而深远的意义,为音乐学科教育的研究及音乐教育学的最终形成奠定了基石。德国的艺术教育与授课中心研究院自1921年到1927年,于柏林等地持续举行七次以德国学校为主题的音乐周,这使得音乐教育家、教育学家、音乐学家之间加深了彼此的联系,在增强了学术方面工作的同时又具备加强对教育心理学、美学与作品等方面的研究。1931年,美国的音乐教育家默赛尔与格林合著了《音乐教学心理学》,这是一部以音乐教育心理学学科指导和教学实践为内容的专著,著作设计领域广泛,观点新颖,对美国及其他国家的音乐教育都有着极其重要的影响。 四、音乐教育学的发展 音乐教育学在不同的发展时期有着不同的发展势态,这种现象持续至今。提到教育学的发展就应当针对国际音乐教育协会的作用进行研究,为了促进全世界音乐教育事业的发展,1953年由UNESCO国际音乐理事会建立起国际音乐教育协会。协会的主要任务是组织国际及专家会议,加强不同国度教育学专家之间的联系,商讨与音乐教育学相关的各领域学科的研究事项,解决音乐教育中存在的问题。从1953年起每两年举行一次国际音乐教育学会议,从1968年起每两年举行一次专家讨论会议,其间也会举办大大小小具有针对性的专家讨论会。从我国的发展史上看,20世纪80年代末期之前的一些年,乃是中国音乐教育学的萌芽时期。近10多年与音乐教育学息息相关的学科发生了质的飞跃,这种提高为音乐教育学的理论发展奠定了基础。自改革伊始,我国引入国外各类音乐教育理论与教学系统,这极大地拓宽了国内音乐教育学工作者的视野,无论是思想层面还是实践层面都大幅度转变了音乐教育学工作者的教学理念。我国对音乐教育学工作者的培养十分重视,各高校也为音乐教育理论和实践的研究培养了高素质的工作团队,这里面不乏有长期从事音乐教材教法理论研究的集大成者,他们被视为我国音乐教育学建构的支撑者。 五、结语 音乐教育学的形成与发展所经历的时间还很短,该学科依然显得较稚嫩,它等待着我们去不断丰富与完善。新时期的音乐教育及学科教育研究,依然要面对层出不穷的新问题。譬如在全面推进素质教育过程中,音乐教育应当怎样定位;为实现音乐教学各学科领域的总体发展,音乐教育应该形成怎样的教育体制;针对新时期中国的基础教育改革,音乐教育该如何顺应时代的号召进行适当的调整;音乐教育学市场又应当如何培养本领域的高素质专业人才,为音乐教育学注入持续的新生力量,将音乐教育学理念发扬光大,等等。我们本着对音乐教育学的实践与探索,积极寻求提高音乐教育学理论层次、思想层次、实践层次的正确方法,本着科学发展观的理论要求,为音乐教育学质的飞跃打好理论与实践的双基础。 作者:王晓单位:西华师范大学音乐学院 音乐教育学论文:音乐教育学生教学论文 一、调整课程结构,加强音乐教育类课程 目前音乐教育的专业课程可分为公共(通识)课程、专业课程、教师教育课程几个部分,除了基础的教育学、心理学之外,与学生教学实践能力息息相关的音乐教育类课程主要集中在专业基础(必修)课程或教师教育课程中,大多在本科三、四年级开设,大部分高校目前只开设了一门必修的音乐教育课程。随着基础音乐教育的改革和发展,高师音乐教育专业将越来越意识到音乐教育课程的重要性,增加音乐教育课程必将成为高师音乐教育专业改革的趋势。然而怎样科学地调整课程结构,增加适用的音乐教育课程呢?笔者认为以下几点是值得思索的:一是音乐教育课程在音乐教育专业各类课程中是否真正占有优秀地位,各音乐教育课程开设的时间是否贯穿于本专业大学四年的始终,该类课程是否真正受到教学管理人员、教师、学生的一致重视;二是音乐教育课程是否真正贯彻了“以学生教学实践能力为优秀”的观念,如果开设的音乐教育类课程仅仅是数的增加,那只是增加了学生的负担。笔者建议可开设中小学音乐教材教法、中小学音乐课堂乐器演奏、中小学音乐课课例鉴赏等实用性课程;三是音乐教育课程是否能够立足于本民族民间音乐文化,目前许多音乐教育类课程主要借鉴了国外一些知名的音乐教育思想(如奥尔夫、达尔克罗兹、柯达伊等),然而基于本民族民间音乐文化的教学方法却几乎没有,学生只能运用国外的音乐教学法对我国民间音乐素材的音乐作品进行教学设计,有时候未免牵强附会,因此笔者认为应该开设基于民族音乐文化的音乐教育课程。 二、改变教学模式,注重课程融合 高师音乐教育专业开设的专业课程大致可分为音乐技能类课程、音乐理论类课程、音乐教育类课程,每一类课程对于学生教学实践能力的建构都是必不可少的,如果这些课程各自为政、互不融合,那么效果是可想而知的,因此这些课程只有协同作战,才能达到1+1>2的效果。对于音乐技能课程来说,首先要使学生明白学习音乐技能课程的目的,是以舞台表演为目的还是以当教师为目的,这个问题必须搞清楚。其次应培养学生的教师角色意识。这样,学生在学习的过程中不仅学习了技能技巧,还会主动思考如何在学习的过程中找到教学规律,如何解决学习过程中的难题,如何将学习所得运用于中小学音乐课堂的教学实践。另外应开设一些与中小学音乐教学结合紧密的技能性课程,如自弹自唱、即兴配奏、小型课堂乐器演奏等,只有这样才能真正将学生的专业技能转化为中小学音乐课堂的教学能力。对于音乐理论课程来说,大部分学生都不够重视,认为理论学习枯燥无味,然而不仅音乐技能技巧的学习有赖于音乐理论的学习,而且从音乐教师需要的综合素养来看,对音乐本体的分析还是对音乐相关文化的掌握,无不需要扎实的音乐理论根底,因此,首先要增加学生对理论学习的兴趣,笔者建议可改变仅由教师讲授的单一的教学方式,将理论课程学习中一些简单的内容交由学生讲解,教师加以引导和补充,这样既能发挥学生的主观能动性,又能提高学生的兴趣,增强学生的教学实践能力。对于音乐教育类课程来说,要提高学生的教学实践能力绝不可能单打独斗,要和音乐技能课程、音乐理论课程协同作战,要使学生认识到,只有将所学的音乐知识、音乐技能与音乐教育理论教学技巧联系起来,才能真正提高自己的教学实践能力。此外音乐教育课程应改变教师单一说教的模式,开发各种实践形式,如课例鉴赏、教案写作、中小学音乐课情境模拟、微格教学、说课实践等,只有让学生亲身体验中小学音乐教学,才能提高学生的教学实践能力。 三、增加实践形式,拓宽实践渠道 传统的音乐教育专业实践主要包括艺术实践与教育实习,艺术实践主要是对学生音乐技能方面的展示,教育实习主要包括中小学教学实习与实作,一般安排在音乐教育专业的第四学年,无论从实践的形式还是渠道来看,对于培养学生音乐教学的实践能力来说都远远不够。笔者认为要拓宽学生的实践渠道,主要有以下几个方面:一是增加学生课堂实践的机会,这主要是指学生在专业课程的课堂中进行模仿式教学。以笔者长期执教的音乐教学论课程为例,笔者不仅讲授中小学音乐教学的理论知识,更开拓空间让学生在课堂上模仿中小学音乐课进行教学,从教材分析到教案写作再到课堂实践,学生从模拟的环境中会使教学实践能力得到提高。再如,基本乐理、和声、曲式、中外音史等音乐理论类课程,每门课程都是中小学音乐教学所需要的知识,在这些课程的教学中,我们同样可以让学生进行课堂教学实践,截取其中较为简单的内容,让学生通过自行预习上网收集资料PPT课件展示的方式将教学内容讲授给大家,教师进行引导与补充,这样可以锻炼学生的文字归纳能力、语言表达能力、理解教材的能力等,从另一个层面来说也是提高了学生的音乐教学实践能力。而音乐技能类课程,如果适当开设一些技能类的大课,我们就可以给学生提供一个课堂实践的机会,让高年级同学在初始入学的大课中辅助教师进行教学,学生的教学实践能力无疑会得到提高。二是提供综合性的艺术实践活动。高师音乐教育专业的艺术实践活动多是单一的音乐技能的展示,如钢琴、声乐或其他器乐音乐会,笔者认为可以开展综合性的艺术实践活动,如自弹自唱、即兴配奏、合唱指挥等,这些都是中小学音乐教师的必备技能,将有利于学生中小学音乐教学能力的提高。三是建设教学实习基地。高师音乐教育专业的教育实习一般在大四进行,当前的情况是集中实习少,分散实习多,实习时间短,不便于教师指导。笔者建议高校可以和当地的中小学进行长期合作,建立教学实习基地,将一至四年级的实习目的与任务分阶段细化,学生可以分不同的阶段在实习基地进行见习、实习,这样不仅能提高学生的教学实践能力,同时也可以加强高校与中小学的联系,实现双方互赢。 四、结语 关于学生教学实践能力的培养与提高,笔者以己之经验提出了以上四点建议,仅是培养该专业学生教学实践能力的一个较初略的框架,还需要许多细化的工作,才能将该专业的学生真正培养为社会需要的应用性的复合型人才。 作者:罗静单位:重庆人文科技学院 音乐教育学论文:音乐教育学科研究管理论文 毫无疑问,21世纪人类社会将更加趋于全球一体化和文化多元化的势态。全球一体化是人类科技、交通、信息网络及经济发展的必然,文化多元化则出自人类在不同生存空间聚合方式适应性的进一步扩展。[1]由此,当今任何学科的发展放弃全球观察的视野,孤立地谈自己的发展,或脱离自身文化传统去谈发展都是难以面向未来的。据此,我们需要基于一种全球音乐文化发展的思维框架,来考虑音乐教育学科研究的发展。这一思想框架可以从三个重要方面来考虑:新的音乐教育哲学;东西方音乐教育的互动与互补;多元文化音乐教育。 一、新的音乐教育哲学 音乐教育哲学是指导音乐教育决策和行动目标的基础,新世纪的音乐教育则需要新的音乐教育哲学来指引。我认为这种新的音乐教育哲学主要有三个导向:1.文化价值;2.文化生态;3.文化创造。 1.文化价值。文化是由价值引导的体系,描述这一特征的学科理论基础是当代文化人类学。由于学科交叉或科际整合(Interdisciplinary)又产生了音乐人类学和教育人类学。“音乐”或“教育”都可作为人类文化之一部分或现象,它们既相互独立又与文化相整合。美国音乐人类学家公认“音乐作为文化来传授”的观念;(注:内特尔《音乐人类学与世界音乐的教学》一文中有清楚的阐述,如“音乐反映和表达他社会的基本价值和文化结构”“让学生对音乐作世界范围的理解,各种现象将帮助他们领会各种音乐,并提供一种进入理解世界其它各种文化的情况,也有助于各社会成员,更好地理解他们自己的音乐。”载《中国音乐增刊续集:全球文化视野的音乐教育》,1995年。)70年代德国音乐教育重新由“音乐艺术作品”转向“文化中的音乐”的理解均出自于音乐人类学维度的表达。[2]在美国音乐教育向来重视音乐教育赖以存在和发展的基本思想的制定和表述的探讨中,《为音乐教育确立更强有力的基本思想》一文(美国《音乐教育者杂志,1993年9月刊头版头条》所提出的六个方面更明确包含着音乐人类学的基本思想,现摘录如下: (1)学习音乐是学习人类交流的一种基本形式。 (2)学习音乐是学习世界上各民族。 (3)学习音乐是学会学习过程。 (4)学习音乐是学习想象力和自我表现力。 (5)学习音乐是学习的基础。 (6)学习音乐是学习艺术。[3] 以上六个方面是将音乐作为文化来认识的,对于音乐教育是一种更为全面的定位和认知。中国文化学者蔡元培曾在1912年任南京临时政府教育处长时曾提出五育之说(德、智、体、世界观、美育),其中吸收了席勒的美育思想,现在看来有其历史局限性。其一,美育仅是文化功能、文化素质的要素之一,文化可以包含美育,而美育则不能包含文化的各项;其二,“美学”是从西方文化中提出的概念,在跨文化中有一定文化意义的限度,这一点已有针锋相对的观念。[4][5] 2.文化生态。当今人类社会的工业文明将由生态文明所取代,提倡生态文明也是国际社会提出的“可持续发展”的重要基础,地球是一个以“生物圈”方式存在的整体,它的有机性、多样性和相互性的保护,是抵制工业化负面所产生的生物单一性和文化单一性倾向,以及大众文化和国民教育方式的单一化标准倾向,这直接关系到新的音乐教育应建立在音乐文化生态的保护和新的音乐文明思维框架上。 3.文化创造。音乐教育研究的定性可能包括科学认识的性质、方式。西方传统科学理性的确定性真理在当今受到解构,科学的发展不确定性和不可预测性也从哲学层面解构了教育对象的确定性,而教育对象的不确定性的结果将是随机、多样、创造性。这一音乐教育哲学前沿的思想在音乐教育哲学家雷默的著述中(《音乐教育研究的哲学基础的建构》1992年)[6]表述得具细无疑。这一观念不仅对音乐教育者、音乐教育对象以及音乐教育目标、教学方法、教育评估将产生很大影响,而且,对不同民族文化音乐的教育及传承的历史,在未来音乐教育中的价值给予了发展的空间。人们必须尊重不同民族音乐文化的创造性和“成就模式”。正如科学家普利高津在《确定性的终结——时间、混沌与新自然法则》一书中对中西哲学所作的不同现代意义的判断:“西方科学和西方哲学一贯强调主体与客体之间的二元性,这与注重天人合一的中国哲学相悖。(中国哲学)自组织的宇宙也是自发的世界,这表达一种与西方科学的经典还原论不同的整体自然观。我们愈益接近两种文化传统的交汇点,我们必须保留已证明相当成功的西方科学的分析观点,同时必须重新表述把自然的自发性和创造性囊括在内的自然法则。”[7] 文化的创造性包含着不同个体、群体及民族独立的个性及其相互性。 二、东西方音乐教育的互动与互补 把东西文化进行“野蛮/文明”,“低级/高级”,“先进/落后”的划分,不是西方学术界“独立思考”的产物,而与殖民主义与帝国主义的政治实践有密切关系。这代表着当今文化人类学家们的一种共识。赛义德的《东方学》1978)一书深刻地揭示了西方与东方的不平等关系,也形成了西方对东方研究学术转型的新的路标。 当今时代,我们审视东西方音乐关系及文化价值体系时有一个极其重要的立足点:东西方音乐体系及文化价值平等,这意味着我们将对东西方音乐文化教育的互补做出承诺。对于西方工业文明体制的音乐教育的课程,我们也只能看作是人类文明的一种模式和一个阶段,它既不代表多元文化的音乐课程模式,也不是人类文化发展的顶点。如果失去这样一个立足点或前提,我们仍然会按照殖民主义的逻辑,将东西方音乐文化以古/今、先进/落后、科学/非科学这种关系来理解,因此而放弃东方音乐文化在音乐教育中当代意义的思考。 从总的文化体系来看,西方音乐课程的主流是以基督教音乐文化传统为基础的。基督教从中世纪起控制西方十几个世纪,它是西方文化的重要源流和组成部分,对西方音乐课程的发展具有不可忽视的影响。就以德国音乐教育历史来讲,德国普通音乐教育在欧洲有相当长一段时间内处于“落后”的状态,但令人惊奇的是,从巴罗克以来二、三百年间,欧洲著名的作曲家至少70%以上都是德国人,这一奇迹可从基督教音乐的宗教理性文化传统中获得解答。基督教音乐中统一的记谱法、严格的书写、理性的传承,建立在定量记谱法上的对位、和声的美感运思方式,正如双希文明(古希腊与希伯莱)的几何数理与上帝精神的结合,均完美地体现在基督教音乐文化模式中。 作为东方国家的阿拉伯、印度、中国都有其与基督教文化相应的宗教文化精神与音乐课程。尽管印度、阿拉伯、中国也各不相同,但与西方相比则有其东方内在的相似性,并对音乐课程有重要影响。这种相似性可简单归纳出以下三点:(1)音乐主体。与西方不同,东方的音乐风格与语言、诗(文学)、舞蹈没有完全分离;(2)记谱法在东方从来没有象西方那样统一过,也没有形成抽象数理符号形式的音符概念和几何座标式的五线谱理性书写或客体逻辑分析的作曲家的“作品”形式;(3)东方直觉整体把握与西方理性分析的音乐认知和审美体验模式不相同,因此音乐“成就模式”也不相同,这些都是建立在其音乐传承与创作模式基础上的,并归属于东方哲学思维模式的有机体。 西方作曲家作品书写的建构,其根本是数理逻辑分析的建构方法,并影响到教学认知与审美体验模式。而东方音乐是无法通过“作品”来分析音乐的,其演创没有象西方那样主客体相分,而是主客体合一(即直觉整体把握)。东方音乐风格的认知与审美体验模式是一种“品味”模式。中国音乐各流派风格注重韵味,与绘画书法中的“气韵”等艺术审美体验模式相同。印度音乐美的定义“拉斯”(rasa)也非古希腊那种数的和谐,拉斯的梵语原意即“韵味”,拉斯有九种:爱情、欢乐、悲怜、愤怒、英勇、憎恶、恐惧、惊奇、宁静。[8]阿拉伯音乐审美体验模式中有一种定义叫“太拉”(Tarab)。“当龄听阿拉伯音乐时,太拉是衡量优秀的、最重要的音乐体验。”它是音乐家在激励听众的神秘灵感中获得成功,即创造了音乐情感气氛的标准。太拉的强度依据歌唱者或奏者的表演风格,通过它推断艺术家的表演过程是否优秀。[9]这种东方音乐艺术“品味”的审美体验模式与西方的差别,其根本在于,东方是通过身体与心灵的内在体验的方式去建构或接触音乐世界的。正如中国人的气功、经络学说,印度人的瑜珈,均是以生命直觉体验去发现和把握的,用西方解剖学或细胞学说是无法奏效的。反之,中国、印度人不可能用他们的方式去发明西方医学的基础理论,东方的气功或瑜珈与西方的广播体操是有着不同体验和功效的两种行为模式,根本上就是东西方两种哲学宇宙观、自然观的体现。这些构成了东西方音乐教育、创作、表演及“成就模式”的内在差异性以及互补性的基础。 近年来,雷默的研究认为:东西方音乐交流即口头文化和书写文化(音乐乐谱化)的表达,作为人类思维和行为的差别是深刻的。必须重新看待书写音乐表达和定量记谱法(五线谱)的有限性以及即兴表演和非定量记谱法音乐表达的自主性。[10]他说:“我们受音符束缚的表演文化已经导致思维方式的萎缩和衰退。这很容易使我们的表演受记谱束缚,导致他们离开乐谱表演音乐就会瘫痪和麻痹。”[11]“在美国,好几个世纪以来,我们都假定认为,成为精英或天才唯一的方法或主要方法就是照谱演奏,因此,我们大大地忽视了教授‘即兴演奏’、作曲或听赏。”[12]由此可以看出,西方传统音乐体系的科学理性将自己限制在“认知——工具性”的四大件技术模型中,而东方传统音乐则更多将自己限定在“道德实践”和“审美——表现性”的人文约定知识中,未来世界音乐教育的发展将有待于这两者的并行以及在对话基础上的更高的综合。 三、多元文化音乐教育 多元文化主义(Multiculturalism)在许多国家音乐教育的研讨中已经呈现出来。多元文化主义的使用有三层含义:(1)指不同文化和不同民族的社会;(2)指多元文化社会里各不同文化的互相尊重;(3)指政府对多元文化社会的政策。 作为多元文化为基础的世界音乐教学是当今国际音乐教育发展的总趋势,也是发达国家音乐教育的热门话题,其文化背景是,当今全球政治、经济、文化、教育的议事日程和社会出现的挑战影响到音乐教育的哲学和实践,多元文化主义的意识形态以各种方式和表现形态渗透着西方国家以及原殖民地或半殖民地的政治意识形态和文化结构,美国教授亨廷顿认为,在21世纪初期,人类将经历非西方权力与文化的复兴,经历非西方文明内部相互之间以及与西方文明之间的冲突。受现代的驱使,全球的政治正沿着文明界线进行重组,具有相似文化的人民和国家正在聚合,亨廷顿意识到西方中心主义已经开始没落,今后的世界将是越来越多元文化或多极化的世界。[13]中国领导人也不断强调文化及政治的多极化或多元化。 在世界教育方面,推动多元文化教育浪潮的主要有三大原因。(1)教育民主化的深入。从某种意义上讲,民主化是现代教育发展的趋向。在20世纪50年代以前,教育民主主要体现为“个体化”的教育民主必将流于空洞与虚妄。教育中“反种族主义”运动的兴起,作为结果,使“多元文化教育”得以提倡。[14](2)发达国家的“第三世界化”。许多发达国家的新移民群体,人口统计发生的变量,移民出生地文化教育的问题。如在德国,多元文化音乐教育起因于60-70年代,土耳其、越南移民的教育问题,而正式提倡是在90年代。(3)文化交流日趋频繁,其包括媒体、信息联网、精神产品与物质产品及人员的流通。由此,多元文化教育观对“新一代学习者的音乐教育不能再被视为仅仅是一种智力视野的扩展,而是一种社会需求。它的功能是形成一种跨文化理解的均衡,并对国际社会的未来生活产生直接的影响。”[15] 多元文化音乐教育其中要把握的一个最重要的问题是,每一种音乐传统都有其自身的传承过程,并根据其音乐概念和非音乐概念产生着自己的教育学、教学法,柯达伊、奥尔夫之类的教学策略已经显示出为民间音乐传统局内人所借鉴的可能性,但这并不能说,这类基于民间音乐相结合的教学法对其他所有音乐文化都是适用的。[16] 班克斯曾经提出了用以多元文化音乐教育的四种课程模式的教学。(1)主流中心模式。其课程的设计及教学都仅仅是以主流音乐观念出发的。(2)民族附加模式。课程依然是按主流音乐观念组织的,只是包括不经选择的民族群体的某些音乐材料和观念。如以西方音乐观念出发进行非洲音乐的教学,即使用西方的节奏规范和记谱法、记忆方式来教练非洲歌曲。(3)多民族模式。其课程以各种不同民族群体的事件或其音乐概念为优秀。(4)民族——国家模式。在此模式中,是从多国家的民族观点来审视和教学的。此外,班克斯还提出一种多元文化课程的跨学科教学方式的概念。其重要意义在于,对有色民族的各种价值和各种经验反映在他们的文学、艺术、音乐、戏剧、舞蹈与作品等多角度的文化整体意义的理解。[17] 施瓦德隆提出了一种“新的苏格拉底教学法”,其前提是:(1)一种具备音乐人类学意识和知识的教师;(2)一种基于比较音乐美学的“发现”的教育方法,其包括对音乐及文化个性与共性课堂体验和积极探究的过程。[18] F·布莱嫩也提出,对世界音乐课程体验内容的设计是一个具有双重特性的问题,也即包括音乐教育学原则和音乐人类学两个方面。他提出:主位观念(emic)、习得(Learning)生活语境(inContext)、概念,这四个关键词对于世界音乐课程的教学与体验尤为重要。[19] 在1996年国际音乐教育学会“音乐教育:为21世纪作准备”大会上,M·麦卡锡提供了“国际音乐教育的历史发展(1953-1996)”的报告。[20]他归纳了国际音乐教育发展的三个阶段:从50年代和60年代改善东西方关系的努力(1953-1969,圈际音乐教育中世界观点的显现);到70年代对民族的和传统的文化的强调(1970-1982,音乐教育和民族文化);再创始于1987年的“国际文化发展十年”(联合国教科文文件,1982-1996,共享世界音乐)。这些变化中的方向本身,又受到大规模移民、后殖民主义、文化民主化、大众媒体的干预以及世界公民及其教育需要等因素而形成的人口中的民族多样化和复杂化的影响。今天国际音乐教育的发展在哲学观与实践层面已获得基本成果,具体的理论建树有: (1)视音乐为一种文化的普遍现象,而不是一种普遍的语言。 (2)拓宽了视西方音乐优于其他世界音乐的狭隘陈旧观点。 (3)在文化身份和音乐教育课题的对话上贡献卓越。 (4)改变了对大众媒体和技术的态度,将其威胁因素变为积极的机会。 在实践层面上: (1)从对各种世界音乐的音乐人类学描述,到多元文化音乐教育的各种教学方法、教学观念和教学材料的共享。 (2)制定了明确的目标和指导性文件用于世界音乐教育(如国际音乐教育学会的“信仰宣言”和“世界文化的音乐政策”)。[21] (3)近年来发起的各类项目传播了世界音乐的材料(如《歌唱文化中的传统歌曲》)。综观全球多元音乐文化教育,它对人类社会的历史发展作用是巨大的。正如国际音乐教育学会所言:“任何音乐教育体系都接受由多种文化形成的音乐世界存在的事实,以及对其学习和理解的价值,并把这一观念作为音乐教育的新起点。”[22]以此,中国音乐教育学科研究的发展正面临着世纪性的转折与挑战。 音乐教育学论文:音乐教育学科管理论文 毫无疑问,21世纪人类社会将更加趋于全球一体化和文化多元化的势态。全球一体化是人类科技、交通、信息网络及经济发展的必然,文化多元化则出自人类在不同生存空间聚合方式适应性的进一步扩展。[1]由此,当今任何学科的发展放弃全球观察的视野,孤立地谈自己的发展,或脱离自身文化传统去谈发展都是难以面向未来的。据此,我们需要基于一种全球音乐文化发展的思维框架,来考虑音乐教育学科研究的发展。这一思想框架可以从三个重要方面来考虑:新的音乐教育哲学;东西方音乐教育的互动与互补;多元文化音乐教育。 一、新的音乐教育哲学 音乐教育哲学是指导音乐教育决策和行动目标的基础,新世纪的音乐教育则需要新的音乐教育哲学来指引。我认为这种新的音乐教育哲学主要有三个导向:1.文化价值;2.文化生态;3.文化创造。 1.文化价值。文化是由价值引导的体系,描述这一特征的学科理论基础是当代文化人类学。由于学科交叉或科际整合(Interdisciplinary)又产生了音乐人类学和教育人类学。“音乐”或“教育”都可作为人类文化之一部分或现象,它们既相互独立又与文化相整合。美国音乐人类学家公认“音乐作为文化来传授”的观念;(注:内特尔《音乐人类学与世界音乐的教学》一文中有清楚的阐述,如“音乐反映和表达他社会的基本价值和文化结构”“让学生对音乐作世界范围的理解,各种现象将帮助他们领会各种音乐,并提供一种进入理解世界其它各种文化的情况,也有助于各社会成员,更好地理解他们自己的音乐。”载《中国音乐增刊续集:全球文化视野的音乐教育》,1995年。)70年代德国音乐教育重新由“音乐艺术作品”转向“文化中的音乐”的理解均出自于音乐人类学维度的表达。[2]在美国音乐教育向来重视音乐教育赖以存在和发展的基本思想的制定和表述的探讨中,《为音乐教育确立更强有力的基本思想》一文(美国《音乐教育者杂志,1993年9月刊头版头条》所提出的六个方面更明确包含着音乐人类学的基本思想,现摘录如下: (1)学习音乐是学习人类交流的一种基本形式。 (2)学习音乐是学习世界上各民族。 (3)学习音乐是学会学习过程。 (4)学习音乐是学习想象力和自我表现力。 (5)学习音乐是学习的基础。 (6)学习音乐是学习艺术。[3] 以上六个方面是将音乐作为文化来认识的,对于音乐教育是一种更为全面的定位和认知。中国文化学者蔡元培曾在1912年任南京临时政府教育处长时曾提出五育之说(德、智、体、世界观、美育),其中吸收了席勒的美育思想,现在看来有其历史局限性。其一,美育仅是文化功能、文化素质的要素之一,文化可以包含美育,而美育则不能包含文化的各项;其二,“美学”是从西方文化中提出的概念,在跨文化中有一定文化意义的限度,这一点已有针锋相对的观念。[4][5] 2.文化生态。当今人类社会的工业文明将由生态文明所取代,提倡生态文明也是国际社会提出的“可持续发展”的重要基础,地球是一个以“生物圈”方式存在的整体,它的有机性、多样性和相互性的保护,是抵制工业化负面所产生的生物单一性和文化单一性倾向,以及大众文化和国民教育方式的单一化标准倾向,这直接关系到新的音乐教育应建立在音乐文化生态的保护和新的音乐文明思维框架上。 3.文化创造。音乐教育研究的定性可能包括科学认识的性质、方式。西方传统科学理性的确定性真理在当今受到解构,科学的发展不确定性和不可预测性也从哲学层面解构了教育对象的确定性,而教育对象的不确定性的结果将是随机、多样、创造性。这一音乐教育哲学前沿的思想在音乐教育哲学家雷默的著述中(《音乐教育研究的哲学基础的建构》1992年)[6]表述得具细无疑。这一观念不仅对音乐教育者、音乐教育对象以及音乐教育目标、教学方法、教育评估将产生很大影响,而且,对不同民族文化音乐的教育及传承的历史,在未来音乐教育中的价值给予了发展的空间。人们必须尊重不同民族音乐文化的创造性和“成就模式”。正如科学家普利高津在《确定性的终结——时间、混沌与新自然法则》一书中对中西哲学所作的不同现代意义的判断:“西方科学和西方哲学一贯强调主体与客体之间的二元性,这与注重天人合一的中国哲学相悖。(中国哲学)自组织的宇宙也是自发的世界,这表达一种与西方科学的经典还原论不同的整体自然观。我们愈益接近两种文化传统的交汇点,我们必须保留已证明相当成功的西方科学的分析观点,同时必须重新表述把自然的自发性和创造性囊括在内的自然法则。”[7] 文化的创造性包含着不同个体、群体及民族独立的个性及其相互性。 二、东西方音乐教育的互动与互补 把东西文化进行“野蛮/文明”,“低级/高级”,“先进/落后”的划分,不是西方学术界“独立思考”的产物,而与殖民主义与帝国主义的政治实践有密切关系。这代表着当今文化人类学家们的一种共识。赛义德的《东方学》1978)一书深刻地揭示了西方与东方的不平等关系,也形成了西方对东方研究学术转型的新的路标。 当今时代,我们审视东西方音乐关系及文化价值体系时有一个极其重要的立足点:东西方音乐体系及文化价值平等,这意味着我们将对东西方音乐文化教育的互补做出承诺。对于西方工业文明体制的音乐教育的课程,我们也只能看作是人类文明的一种模式和一个阶段,它既不代表多元文化的音乐课程模式,也不是人类文化发展的顶点。如果失去这样一个立足点或前提,我们仍然会按照殖民主义的逻辑,将东西方音乐文化以古/今、先进/落后、科学/非科学这种关系来理解,因此而放弃东方音乐文化在音乐教育中当代意义的思考。 从总的文化体系来看,西方音乐课程的主流是以基督教音乐文化传统为基础的。基督教从中世纪起控制西方十几个世纪,它是西方文化的重要源流和组成部分,对西方音乐课程的发展具有不可忽视的影响。就以德国音乐教育历史来讲,德国普通音乐教育在欧洲有相当长一段时间内处于“落后”的状态,但令人惊奇的是,从巴罗克以来二、三百年间,欧洲著名的作曲家至少70%以上都是德国人,这一奇迹可从基督教音乐的宗教理性文化传统中获得解答。基督教音乐中统一的记谱法、严格的书写、理性的传承,建立在定量记谱法上的对位、和声的美感运思方式,正如双希文明(古希腊与希伯莱)的几何数理与上帝精神的结合,均完美地体现在基督教音乐文化模式中。 作为东方国家的阿拉伯、印度、中国都有其与基督教文化相应的宗教文化精神与音乐课程。尽管印度、阿拉伯、中国也各不相同,但与西方相比则有其东方内在的相似性,并对音乐课程有重要影响。这种相似性可简单归纳出以下三点:(1)音乐主体。与西方不同,东方的音乐风格与语言、诗(文学)、舞蹈没有完全分离;(2)记谱法在东方从来没有象西方那样统一过,也没有形成抽象数理符号形式的音符概念和几何座标式的五线谱理性书写或客体逻辑分析的作曲家的“作品”形式;(3)东方直觉整体把握与西方理性分析的音乐认知和审美体验模式不相同,因此音乐“成就模式”也不相同,这些都是建立在其音乐传承与创作模式基础上的,并归属于东方哲学思维模式的有机体。 西方作曲家作品书写的建构,其根本是数理逻辑分析的建构方法,并影响到教学认知与审美体验模式。而东方音乐是无法通过“作品”来分析音乐的,其演创没有象西方那样主客体相分,而是主客体合一(即直觉整体把握)。东方音乐风格的认知与审美体验模式是一种“品味”模式。中国音乐各流派风格注重韵味,与绘画书法中的“气韵”等艺术审美体验模式相同。印度音乐美的定义“拉斯”(rasa)也非古希腊那种数的和谐,拉斯的梵语原意即“韵味”,拉斯有九种:爱情、欢乐、悲怜、愤怒、英勇、憎恶、恐惧、惊奇、宁静。[8]阿拉伯音乐审美体验模式中有一种定义叫“太拉”(Tarab)。“当龄听阿拉伯音乐时,太拉是衡量优秀的、最重要的音乐体验。”它是音乐家在激励听众的神秘灵感中获得成功,即创造了音乐情感气氛的标准。太拉的强度依据歌唱者或奏者的表演风格,通过它推断艺术家的表演过程是否优秀。[9]这种东方音乐艺术“品味”的审美体验模式与西方的差别,其根本在于,东方是通过身体与心灵的内在体验的方式去建构或接触音乐世界的。正如中国人的气功、经络学说,印度人的瑜珈,均是以生命直觉体验去发现和把握的,用西方解剖学或细胞学说是无法奏效的。反之,中国、印度人不可能用他们的方式去发明西方医学的基础理论,东方的气功或瑜珈与西方的广播体操是有着不同体验和功效的两种行为模式,根本上就是东西方两种哲学宇宙观、自然观的体现。这些构成了东西方音乐教育、创作、表演及“成就模式”的内在差异性以及互补性的基础。 近年来,雷默的研究认为:东西方音乐交流即口头文化和书写文化(音乐乐谱化)的表达,作为人类思维和行为的差别是深刻的。必须重新看待书写音乐表达和定量记谱法(五线谱)的有限性以及即兴表演和非定量记谱法音乐表达的自主性。[10]他说:“我们受音符束缚的表演文化已经导致思维方式的萎缩和衰退。这很容易使我们的表演受记谱束缚,导致他们离开乐谱表演音乐就会瘫痪和麻痹。”[11]“在美国,好几个世纪以来,我们都假定认为,成为精英或天才唯一的方法或主要方法就是照谱演奏,因此,我们大大地忽视了教授‘即兴演奏’、作曲或听赏。”[12]由此可以看出,西方传统音乐体系的科学理性将自己限制在“认知——工具性”的四大件技术模型中,而东方传统音乐则更多将自己限定在“道德实践”和“审美——表现性”的人文约定知识中,未来世界音乐教育的发展将有待于这两者的并行以及在对话基础上的更高的综合。 三、多元文化音乐教育 多元文化主义(Multiculturalism)在许多国家音乐教育的研讨中已经呈现出来。多元文化主义的使用有三层含义:(1)指不同文化和不同民族的社会;(2)指多元文化社会里各不同文化的互相尊重;(3)指政府对多元文化社会的政策。 作为多元文化为基础的世界音乐教学是当今国际音乐教育发展的总趋势,也是发达国家音乐教育的热门话题,其文化背景是,当今全球政治、经济、文化、教育的议事日程和社会出现的挑战影响到音乐教育的哲学和实践,多元文化主义的意识形态以各种方式和表现形态渗透着西方国家以及原殖民地或半殖民地的政治意识形态和文化结构,美国教授亨廷顿认为,在21世纪初期,人类将经历非西方权力与文化的复兴,经历非西方文明内部相互之间以及与西方文明之间的冲突。受现代的驱使,全球的政治正沿着文明界线进行重组,具有相似文化的人民和国家正在聚合,亨廷顿意识到西方中心主义已经开始没落,今后的世界将是越来越多元文化或多极化的世界。[13]中国领导人也不断强调文化及政治的多极化或多元化。 在世界教育方面,推动多元文化教育浪潮的主要有三大原因。(1)教育民主化的深入。从某种意义上讲,民主化是现代教育发展的趋向。在20世纪50年代以前,教育民主主要体现为“个体化”的教育民主必将流于空洞与虚妄。教育中“反种族主义”运动的兴起,作为结果,使“多元文化教育”得以提倡。[14](2)发达国家的“第三世界化”。许多发达国家的新移民群体,人口统计发生的变量,移民出生地文化教育的问题。如在德国,多元文化音乐教育起因于60-70年代,土耳其、越南移民的教育问题,而正式提倡是在90年代。(3)文化交流日趋频繁,其包括媒体、信息联网、精神产品与物质产品及人员的流通。由此,多元文化教育观对“新一代学习者的音乐教育不能再被视为仅仅是一种智力视野的扩展,而是一种社会需求。它的功能是形成一种跨文化理解的均衡,并对国际社会的未来生活产生直接的影响。”[15] 多元文化音乐教育其中要把握的一个最重要的问题是,每一种音乐传统都有其自身的传承过程,并根据其音乐概念和非音乐概念产生着自己的教育学、教学法,柯达伊、奥尔夫之类的教学策略已经显示出为民间音乐传统局内人所借鉴的可能性,但这并不能说,这类基于民间音乐相结合的教学法对其他所有音乐文化都是适用的。[16] 班克斯曾经提出了用以多元文化音乐教育的四种课程模式的教学。(1)主流中心模式。其课程的设计及教学都仅仅是以主流音乐观念出发的。(2)民族附加模式。课程依然是按主流音乐观念组织的,只是包括不经选择的民族群体的某些音乐材料和观念。如以西方音乐观念出发进行非洲音乐的教学,即使用西方的节奏规范和记谱法、记忆方式来教练非洲歌曲。(3)多民族模式。其课程以各种不同民族群体的事件或其音乐概念为优秀。(4)民族——国家模式。在此模式中,是从多国家的民族观点来审视和教学的。此外,班克斯还提出一种多元文化课程的跨学科教学方式的概念。其重要意义在于,对有色民族的各种价值和各种经验反映在他们的文学、艺术、音乐、戏剧、舞蹈与作品等多角度的文化整体意义的理解。[17] 施瓦德隆提出了一种“新的苏格拉底教学法”,其前提是:(1)一种具备音乐人类学意识和知识的教师;(2)一种基于比较音乐美学的“发现”的教育方法,其包括对音乐及文化个性与共性课堂体验和积极探究的过程。[18] F·布莱嫩也提出,对世界音乐课程体验内容的设计是一个具有双重特性的问题,也即包括音乐教育学原则和音乐人类学两个方面。他提出:主位观念(emic)、习得(Learning)生活语境(inContext)、概念,这四个关键词对于世界音乐课程的教学与体验尤为重要。[19] 在1996年国际音乐教育学会“音乐教育:为21世纪作准备”大会上,M·麦卡锡提供了“国际音乐教育的历史发展(1953-1996)”的报告。[20]他归纳了国际音乐教育发展的三个阶段:从50年代和60年代改善东西方关系的努力(1953-1969,圈际音乐教育中世界观点的显现);到70年代对民族的和传统的文化的强调(1970-1982,音乐教育和民族文化);再创始于1987年的“国际文化发展十年”(联合国教科文文件,1982-1996,共享世界音乐)。这些变化中的方向本身,又受到大规模移民、后殖民主义、文化民主化、大众媒体的干预以及世界公民及其教育需要等因素而形成的人口中的民族多样化和复杂化的影响。今天国际音乐教育的发展在哲学观与实践层面已获得基本成果,具体的理论建树有: (1)视音乐为一种文化的普遍现象,而不是一种普遍的语言。 (2)拓宽了视西方音乐优于其他世界音乐的狭隘陈旧观点。 (3)在文化身份和音乐教育课题的对话上贡献卓越。 (4)改变了对大众媒体和技术的态度,将其威胁因素变为积极的机会。 在实践层面上: (1)从对各种世界音乐的音乐人类学描述,到多元文化音乐教育的各种教学方法、教学观念和教学材料的共享。 (2)制定了明确的目标和指导性文件用于世界音乐教育(如国际音乐教育学会的“信仰宣言”和“世界文化的音乐政策”)。[21] (3)近年来发起的各类项目传播了世界音乐的材料(如《歌唱文化中的传统歌曲》)。综观全球多元音乐文化教育,它对人类社会的历史发展作用是巨大的。正如国际音乐教育学会所言:“任何音乐教育体系都接受由多种文化形成的音乐世界存在的事实,以及对其学习和理解的价值,并把这一观念作为音乐教育的新起点。”[22]以此,中国音乐教育学科研究的发展正面临着世纪性的转折与挑战。 音乐教育学论文:音乐教育学科研究论文 毫无疑问,21世纪人类社会将更加趋于全球一体化和文化多元化的势态。全球一体化是人类科技、交通、信息网络及经济发展的必然,文化多元化则出自人类在不同生存空间聚合方式适应性的进一步扩展。[1]由此,当今任何学科的发展放弃全球观察的视野,孤立地谈自己的发展,或脱离自身文化传统去谈发展都是难以面向未来的。据此,我们需要基于一种全球音乐文化发展的思维框架,来考虑音乐教育学科研究的发展。这一思想框架可以从三个重要方面来考虑:新的音乐教育哲学;东西方音乐教育的互动与互补;多元文化音乐教育。 一、新的音乐教育哲学 音乐教育哲学是指导音乐教育决策和行动目标的基础,新世纪的音乐教育则需要新的音乐教育哲学来指引。我认为这种新的音乐教育哲学主要有三个导向:1.文化价值;2.文化生态;3.文化创造。 1.文化价值。文化是由价值引导的体系,描述这一特征的学科理论基础是当代文化人类学。由于学科交叉或科际整合(Interdisciplinary)又产生了音乐人类学和教育人类学。“音乐”或“教育”都可作为人类文化之一部分或现象,它们既相互独立又与文化相整合。美国音乐人类学家公认“音乐作为文化来传授”的观念;(注:内特尔《音乐人类学与世界音乐的教学》一文中有清楚的阐述,如“音乐反映和表达他社会的基本价值和文化结构”“让学生对音乐作世界范围的理解,各种现象将帮助他们领会各种音乐,并提供一种进入理解世界其它各种文化的情况,也有助于各社会成员,更好地理解他们自己的音乐。”载《中国音乐增刊续集:全球文化视野的音乐教育》,1995年。)70年代德国音乐教育重新由“音乐艺术作品”转向“文化中的音乐”的理解均出自于音乐人类学维度的表达。[2]在美国音乐教育向来重视音乐教育赖以存在和发展的基本思想的制定和表述的探讨中,《为音乐教育确立更强有力的基本思想》一文(美国《音乐教育者杂志,1993年9月刊头版头条》所提出的六个方面更明确包含着音乐人类学的基本思想,现摘录如下: (1)学习音乐是学习人类交流的一种基本形式。 (2)学习音乐是学习世界上各民族。 (3)学习音乐是学会学习过程。 (4)学习音乐是学习想象力和自我表现力。 (5)学习音乐是学习的基础。 (6)学习音乐是学习艺术。[3] 以上六个方面是将音乐作为文化来认识的,对于音乐教育是一种更为全面的定位和认知。中国文化学者蔡元培曾在1912年任南京临时政府教育处长时曾提出五育之说(德、智、体、世界观、美育),其中吸收了席勒的美育思想,现在看来有其历史局限性。其一,美育仅是文化功能、文化素质的要素之一,文化可以包含美育,而美育则不能包含文化的各项;其二,“美学”是从西方文化中提出的概念,在跨文化中有一定文化意义的限度,这一点已有针锋相对的观念。[4][5] 2.文化生态。当今人类社会的工业文明将由生态文明所取代,提倡生态文明也是国际社会提出的“可持续发展”的重要基础,地球是一个以“生物圈”方式存在的整体,它的有机性、多样性和相互性的保护,是抵制工业化负面所产生的生物单一性和文化单一性倾向,以及大众文化和国民教育方式的单一化标准倾向,这直接关系到新的音乐教育应建立在音乐文化生态的保护和新的音乐文明思维框架上。 3.文化创造。音乐教育研究的定性可能包括科学认识的性质、方式。西方传统科学理性的确定性真理在当今受到解构,科学的发展不确定性和不可预测性也从哲学层面解构了教育对象的确定性,而教育对象的不确定性的结果将是随机、多样、创造性。这一音乐教育哲学前沿的思想在音乐教育哲学家雷默的著述中(《音乐教育研究的哲学基础的建构》1992年)[6]表述得具细无疑。这一观念不仅对音乐教育者、音乐教育对象以及音乐教育目标、教学方法、教育评估将产生很大影响,而且,对不同民族文化音乐的教育及传承的历史,在未来音乐教育中的价值给予了发展的空间。人们必须尊重不同民族音乐文化的创造性和“成就模式”。正如科学家普利高津在《确定性的终结——时间、混沌与新自然法则》一书中对中西哲学所作的不同现代意义的判断:“西方科学和西方哲学一贯强调主体与客体之间的二元性,这与注重天人合一的中国哲学相悖。(中国哲学)自组织的宇宙也是自发的世界,这表达一种与西方科学的经典还原论不同的整体自然观。我们愈益接近两种文化传统的交汇点,我们必须保留已证明相当成功的西方科学的分析观点,同时必须重新表述把自然的自发性和创造性囊括在内的自然法则。”[7] 文化的创造性包含着不同个体、群体及民族独立的个性及其相互性。 二、东西方音乐教育的互动与互补 把东西文化进行“野蛮/文明”,“低级/高级”,“先进/落后”的划分,不是西方学术界“独立思考”的产物,而与殖民主义与帝国主义的政治实践有密切关系。这代表着当今文化人类学家们的一种共识。赛义德的《东方学》1978)一书深刻地揭示了西方与东方的不平等关系,也形成了西方对东方研究学术转型的新的路标。 当今时代,我们审视东西方音乐关系及文化价值体系时有一个极其重要的立足点:东西方音乐体系及文化价值平等,这意味着我们将对东西方音乐文化教育的互补做出承诺。对于西方工业文明体制的音乐教育的课程,我们也只能看作是人类文明的一种模式和一个阶段,它既不代表多元文化的音乐课程模式,也不是人类文化发展的顶点。如果失去这样一个立足点或前提,我们仍然会按照殖民主义的逻辑,将东西方音乐文化以古/今、先进/落后、科学/非科学这种关系来理解,因此而放弃东方音乐文化在音乐教育中当代意义的思考。 从总的文化体系来看,西方音乐课程的主流是以基督教音乐文化传统为基础的。基督教从中世纪起控制西方十几个世纪,它是西方文化的重要源流和组成部分,对西方音乐课程的发展具有不可忽视的影响。就以德国音乐教育历史来讲,德国普通音乐教育在欧洲有相当长一段时间内处于“落后”的状态,但令人惊奇的是,从巴罗克以来二、三百年间,欧洲著名的作曲家至少70%以上都是德国人,这一奇迹可从基督教音乐的宗教理性文化传统中获得解答。基督教音乐中统一的记谱法、严格的书写、理性的传承,建立在定量记谱法上的对位、和声的美感运思方式,正如双希文明(古希腊与希伯莱)的几何数理与上帝精神的结合,均完美地体现在基督教音乐文化模式中。 作为东方国家的阿拉伯、印度、中国都有其与基督教文化相应的宗教文化精神与音乐课程。尽管印度、阿拉伯、中国也各不相同,但与西方相比则有其东方内在的相似性,并对音乐课程有重要影响。这种相似性可简单归纳出以下三点:(1)音乐主体。与西方不同,东方的音乐风格与语言、诗(文学)、舞蹈没有完全分离;(2)记谱法在东方从来没有象西方那样统一过,也没有形成抽象数理符号形式的音符概念和几何座标式的五线谱理性书写或客体逻辑分析的作曲家的“作品”形式;(3)东方直觉整体把握与西方理性分析的音乐认知和审美体验模式不相同,因此音乐“成就模式”也不相同,这些都是建立在其音乐传承与创作模式基础上的,并归属于东方哲学思维模式的有机体。 西方作曲家作品书写的建构,其根本是数理逻辑分析的建构方法,并影响到教学认知与审美体验模式。而东方音乐是无法通过“作品”来分析音乐的,其演创没有象西方那样主客体相分,而是主客体合一(即直觉整体把握)。东方音乐风格的认知与审美体验模式是一种“品味”模式。中国音乐各流派风格注重韵味,与绘画书法中的“气韵”等艺术审美体验模式相同。印度音乐美的定义“拉斯”(rasa)也非古希腊那种数的和谐,拉斯的梵语原意即“韵味”,拉斯有九种:爱情、欢乐、悲怜、愤怒、英勇、憎恶、恐惧、惊奇、宁静。[8]阿拉伯音乐审美体验模式中有一种定义叫“太拉”(Tarab)。“当龄听阿拉伯音乐时,太拉是衡量优秀的、最重要的音乐体验。”它是音乐家在激励听众的神秘灵感中获得成功,即创造了音乐情感气氛的标准。太拉的强度依据歌唱者或奏者的表演风格,通过它推断艺术家的表演过程是否优秀。[9]这种东方音乐艺术“品味”的审美体验模式与西方的差别,其根本在于,东方是通过身体与心灵的内在体验的方式去建构或接触音乐世界的。正如中国人的气功、经络学说,印度人的瑜珈,均是以生命直觉体验去发现和把握的,用西方解剖学或细胞学说是无法奏效的。反之,中国、印度人不可能用他们的方式去发明西方医学的基础理论,东方的气功或瑜珈与西方的广播体操是有着不同体验和功效的两种行为模式,根本上就是东西方两种哲学宇宙观、自然观的体现。这些构成了东西方音乐教育、创作、表演及“成就模式”的内在差异性以及互补性的基础。 近年来,雷默的研究认为:东西方音乐交流即口头文化和书写文化(音乐乐谱化)的表达,作为人类思维和行为的差别是深刻的。必须重新看待书写音乐表达和定量记谱法(五线谱)的有限性以及即兴表演和非定量记谱法音乐表达的自主性。[10]他说:“我们受音符束缚的表演文化已经导致思维方式的萎缩和衰退。这很容易使我们的表演受记谱束缚,导致他们离开乐谱表演音乐就会瘫痪和麻痹。”[11]“在美国,好几个世纪以来,我们都假定认为,成为精英或天才唯一的方法或主要方法就是照谱演奏,因此,我们大大地忽视了教授‘即兴演奏’、作曲或听赏。”[12]由此可以看出,西方传统音乐体系的科学理性将自己限制在“认知——工具性”的四大件技术模型中,而东方传统音乐则更多将自己限定在“道德实践”和“审美——表现性”的人文约定知识中,未来世界音乐教育的发展将有待于这两者的并行以及在对话基础上的更高的综合。 三、多元文化音乐教育 多元文化主义(Multiculturalism)在许多国家音乐教育的研讨中已经呈现出来。多元文化主义的使用有三层含义:(1)指不同文化和不同民族的社会;(2)指多元文化社会里各不同文化的互相尊重;(3)指政府对多元文化社会的政策。 作为多元文化为基础的世界音乐教学是当今国际音乐教育发展的总趋势,也是发达国家音乐教育的热门话题,其文化背景是,当今全球政治、经济、文化、教育的议事日程和社会出现的挑战影响到音乐教育的哲学和实践,多元文化主义的意识形态以各种方式和表现形态渗透着西方国家以及原殖民地或半殖民地的政治意识形态和文化结构,美国教授亨廷顿认为,在21世纪初期,人类将经历非西方权力与文化的复兴,经历非西方文明内部相互之间以及与西方文明之间的冲突。受现代的驱使,全球的政治正沿着文明界线进行重组,具有相似文化的人民和国家正在聚合,亨廷顿意识到西方中心主义已经开始没落,今后的世界将是越来越多元文化或多极化的世界。[13]中国领导人也不断强调文化及政治的多极化或多元化。 在世界教育方面,推动多元文化教育浪潮的主要有三大原因。(1)教育民主化的深入。从某种意义上讲,民主化是现代教育发展的趋向。在20世纪50年代以前,教育民主主要体现为“个体化”的教育民主必将流于空洞与虚妄。教育中“反种族主义”运动的兴起,作为结果,使“多元文化教育”得以提倡。[14](2)发达国家的“第三世界化”。许多发达国家的新移民群体,人口统计发生的变量,移民出生地文化教育的问题。如在德国,多元文化音乐教育起因于60-70年代,土耳其、越南移民的教育问题,而正式提倡是在90年代。(3)文化交流日趋频繁,其包括媒体、信息联网、精神产品与物质产品及人员的流通。由此,多元文化教育观对“新一代学习者的音乐教育不能再被视为仅仅是一种智力视野的扩展,而是一种社会需求。它的功能是形成一种跨文化理解的均衡,并对国际社会的未来生活产生直接的影响。”[15] 多元文化音乐教育其中要把握的一个最重要的问题是,每一种音乐传统都有其自身的传承过程,并根据其音乐概念和非音乐概念产生着自己的教育学、教学法,柯达伊、奥尔夫之类的教学策略已经显示出为民间音乐传统局内人所借鉴的可能性,但这并不能说,这类基于民间音乐相结合的教学法对其他所有音乐文化都是适用的。[16] 班克斯曾经提出了用以多元文化音乐教育的四种课程模式的教学。(1)主流中心模式。其课程的设计及教学都仅仅是以主流音乐观念出发的。(2)民族附加模式。课程依然是按主流音乐观念组织的,只是包括不经选择的民族群体的某些音乐材料和观念。如以西方音乐观念出发进行非洲音乐的教学,即使用西方的节奏规范和记谱法、记忆方式来教练非洲歌曲。(3)多民族模式。其课程以各种不同民族群体的事件或其音乐概念为优秀。(4)民族——国家模式。在此模式中,是从多国家的民族观点来审视和教学的。此外,班克斯还提出一种多元文化课程的跨学科教学方式的概念。其重要意义在于,对有色民族的各种价值和各种经验反映在他们的文学、艺术、音乐、戏剧、舞蹈与作品等多角度的文化整体意义的理解。[17] 施瓦德隆提出了一种“新的苏格拉底教学法”,其前提是:(1)一种具备音乐人类学意识和知识的教师;(2)一种基于比较音乐美学的“发现”的教育方法,其包括对音乐及文化个性与共性课堂体验和积极探究的过程。[18] F·布莱嫩也提出,对世界音乐课程体验内容的设计是一个具有双重特性的问题,也即包括音乐教育学原则和音乐人类学两个方面。他提出:主位观念(emic)、习得(Learning)生活语境(inContext)、概念,这四个关键词对于世界音乐课程的教学与体验尤为重要。[19] 在1996年国际音乐教育学会“音乐教育:为21世纪作准备”大会上,M·麦卡锡提供了“国际音乐教育的历史发展(1953-1996)”的报告。[20]他归纳了国际音乐教育发展的三个阶段:从50年代和60年代改善东西方关系的努力(1953-1969,圈际音乐教育中世界观点的显现);到70年代对民族的和传统的文化的强调(1970-1982,音乐教育和民族文化);再创始于1987年的“国际文化发展十年”(联合国教科文文件,1982-1996,共享世界音乐)。这些变化中的方向本身,又受到大规模移民、后殖民主义、文化民主化、大众媒体的干预以及世界公民及其教育需要等因素而形成的人口中的民族多样化和复杂化的影响。今天国际音乐教育的发展在哲学观与实践层面已获得基本成果,具体的理论建树有: (1)视音乐为一种文化的普遍现象,而不是一种普遍的语言。 (2)拓宽了视西方音乐优于其他世界音乐的狭隘陈旧观点。 (3)在文化身份和音乐教育课题的对话上贡献卓越。 (4)改变了对大众媒体和技术的态度,将其威胁因素变为积极的机会。 在实践层面上: (1)从对各种世界音乐的音乐人类学描述,到多元文化音乐教育的各种教学方法、教学观念和教学材料的共享。 (2)制定了明确的目标和指导性文件用于世界音乐教育(如国际音乐教育学会的“信仰宣言”和“世界文化的音乐政策”)。[21] (3)近年来发起的各类项目传播了世界音乐的材料(如《歌唱文化中的传统歌曲》)。综观全球多元音乐文化教育,它对人类社会的历史发展作用是巨大的。正如国际音乐教育学会所言:“任何音乐教育体系都接受由多种文化形成的音乐世界存在的事实,以及对其学习和理解的价值,并把这一观念作为音乐教育的新起点。”[22]以此,中国音乐教育学科研究的发展正面临着世纪性的转折与挑战。
高等院校声乐教育探讨:高等院校声乐教育研究 1国内高等院校声乐教育现状分析 (1)高等院校声乐教学理念陈旧 教师讲、学生唱、教师示范、学生模仿这一套传统的教学方法,目前高等院校一直在采用,声乐教师一直以来依靠的就是耳朵对学生声音的判断。目前许多高等院校声乐老师教学过程中单纯的以技能教学为主,从而忽略了音乐基础理论知识,一味的追求唱歌的技巧和难度,认为只要把歌唱好就行了,这样一来也影响到学生对音乐基础理论课的学习态度,导致了音乐基础理论课在教学中的失重。师生之间缺乏音乐的交流和良好的互动,这样很难在课堂上达到好的学习效果。 (2)高等院校声乐需提高实践能力 目前很多高等院校习惯性模仿专业音乐院校,在教学方式和歌唱的要求上都按照专业音乐院校的来,而忽视了学生的实际专业素质,盲目地追求演唱技巧,虽然少数专业素质好的学生能够较好的掌握声乐演唱技巧,但过于关注歌唱技巧很容易忽视声乐作品的音乐表现,这样就很难掌握音乐教学的本质。高校的学生演唱作品的目的是培养他们领悟作品的审美和情感,这样的教学方式显然不符合高等院校声乐教学的目的。 2高等院校声乐教育模式改革对策 (1)控制招生规模、紧抓生源质量 高等院校声乐专业在招生时,首先要考虑学校实际教学条件和社会的大体需求,要控制招生规模和人数,制定好指标投放的方案,有计划地投放招生指标。高等院校在学生生源的选择上,也要严格执行招生的准则,在学生声乐专业素养上严格把关,确保能选出真正的声乐“苗子”,这不仅是对学生负责也是对自己学校的尊重。在招生的过程中发现有好的苗子作为培养对象的时候,要把学生的音乐基本素养以及综合文化素质水平放在考察的首位,而不能只是一味的强调唱功和形象等条件。招生过程要保证透明、公正、杜绝开后门现象。 (2)提升高等院校声乐教师的职业素养 要想提升学校的声乐教学水平,最关键的还是要提升声乐教师的专业水平和专业素养。首先要让教师走出去,开拓思维,不能仅仅局限于陈旧的、固定的教学模式,可以定期开展声乐教师的素质培训,邀请著名音乐艺术家来学校开展学术讲座、音乐会、座谈会,也可以组织教师到其他优秀学校去观摩教学,学习其他教师好的教学方法和思想,这样也能为声乐教学积累更丰富的资料。 (3)加强声乐技巧的培养与综合能力的提高 高等院校的声乐教育不能单一的复制专业音乐院校的声乐教学模式,我们的目的不是要培养出歌唱家、音乐家,要紧抓学生综合能力和教学能力的培养,不能只想提高声乐技巧。目前高等院校在音乐教育中还是采用一对一的教学模式,很多自身条件相对较差的同学也按照歌唱家的模式来培养,觉得只要歌唱的好就能成为音乐家,这种思想是不符合高等院校声乐教学的目的的。要改变目前的这种状态,当前高校声乐教学一定要结合自身的实际情况,转变思想观念,在声乐教学中,演唱能力和综合能力要两手抓、协调发展。 (4)根据学生实际情况,不断完善声乐教学模式 高等院校声乐教师应根据学生的认知规律和心理特点来制定相应的教学,尽量建立多样化的教学模式来推进声乐教学。 1)转变教学思想,明确教学内容。高等院校声乐教师应该制定完善的教学计划和目的,根据学生的实际情况来进行声乐教学。应该在新生入学的第一学年的第二学期开设声乐基础理论课,课时一学期。指导学生学习声乐应该从生理学、解剖学、歌唱心理学上真正全方位的了解声乐的原理。学习声乐的学生对自身的生理结构、各生理器官间的相互作用与技能都应有一个全面的系统的认识,还有涉及演唱者的心理过程,只有这样才能更为准确、更有针对性地进行专业的声乐学习。 2)注重声乐实践环节的教学。声乐是一门实践性较强的学科,在高校的声乐教学中,应通过实践活动将学生的歌唱技能和教学技能的培养结合起来。首先让学生掌握一定的声乐基础理论和教学方法,然后在开展学生之间“一对一”的互教互学活动,在声乐教学中碰到一些常见的问题,教师应该指导学生利用自己所学的理论知识和实际情况来解决,在互相教学诊断和个别指导中开拓学生的创新意识,增强实践能力。这样,就把声乐教学的理性认识逐渐运用到教学实践中去,增强了学生的创新意识,丰富了学生的教学经验,对提高教学能力和教学水平有极大的帮助。 3)完善声乐教学硬件设施。高等院校应该在硬件上为高效率的声乐教学提供必要的物质保证。应调整相关配套措施,比如:式钢琴、三角钢琴、多媒体教室、MIDI教室、音乐厅、书籍音像资料室、录音录像器材、录音棚等,充分发挥教学设施的作用。还可通过数码、多媒体技术、电脑科技等辅助手段提高课堂效率。 4)实施声乐教学与信息技术的整合。在信息技术快速发展的今天,信息技术已不再是单纯的技术学科,在声乐教学中利用网络资源和计算机软件作为辅助工具,更能够实现教学的共享、教学空间的开放,对于提高学生学习兴趣、拓展学习渠道、提高教学效率有着重要的作用。 3结语 高等院校声乐教育的目的不仅仅只是培养演唱技巧,更重要的表现在对学生综合文化素质的培养和提高。在完善自身声乐教学模式的同时,我们也要借鉴其他一些院校好的方法,仅仅在教学课程上做一些必要的变化与调整是不够的,也可以在声乐教学当中引用竞争机制,这些都是声乐教学中可采用的手段,惟有变革,才更有生机。 作者:唐捷单位:湘南学院音乐系 高等院校声乐教育探讨:浅谈高等院校音乐教育专业声乐教学现状与解决策略 摘要:声乐教学是音乐教育专业的重要组成部分,目前我国高校一直延续着传统教学模式,难以满足学生的学习需求。本文主要通过分析高等院校音乐教育专业声乐教学中存在的问题,并提出相应的解决策略,旨在更好地培养学生的音乐素养,为社会提供真正的人才。 关键词:高校 音乐教育 声乐教学 近年来,随着音乐教育专业的发展,很多高校设置了音乐院系,但在音乐教学过程中,依然使用传统的教学方法,表现最为明显的是声乐教学。因此,必须深入分析教学中存在的问题,找出相应的解决对策,使声乐教学能够更加合理、科学、与时俱进,为学生的未来提供坚实的保障。 一、高校音乐教育专业声乐教学的发展过程 目前我国的艺术教育取得很大的成就,尤其是音乐教育,在各类高校中,都存在着音乐系,这是音乐教育的空前盛况。古往今来音乐教育是传统教育中的精华,是典型的代表。在改革开放后,音乐教育得到高度重视并逐渐演变成以歌唱为主的教育形式。目前高校中的音乐教育专业仍然受到传统教育的影响,但是这种传统模式已经不能充分体现教学方法、内容和理念,对声乐教学产生了极大的制约。 二、高校音乐教育专业声乐教学存在的问题 (一)课程设置单一不全面 目前我国大部分高校的音乐教育专业对声乐教学依然采用传统的教学方法,教师在讲台上讲解分析唱法,学生跟着教师试唱,这样的教学方法单一乏味,无法激发学生的兴趣,教学进度缓慢,导致学生对声乐的不重视,使声乐教学成为最薄弱环节。同时很多高校对声乐课程设置不全面、师资力量不足、学习环境差,缺少自由练习的场所、乐器、时间,使声乐学习氛围差,表演机会缺乏。声乐课程在音乐教育中一直处于偏低的地位。 (二)课程内容随意 高校中声乐课程一般都是采用音乐学院的教学方式进行的,导致学生没有统一的教材,课程内容的编排更是没有科学依据,逻辑性较差,影响学生对理论知识的掌握,为后续的学习带来严重的阻碍,同时也为构造完整声乐教学体系带来困难。 (三)忽视理论的培养 理论是学科的灵魂,是技能学习的基础,虽然在声乐教学中设置了理论课程,但其所占据的教学比例很小,导致教师和学生对理论的忽略。而声乐理论恰是音乐实践的根据,从教育的方面来看,要加强理论知识的学习。 (四)缺乏实践技能指导 高校音乐教育中声乐教学旨在引导学生掌握基础知识、熟练地使用声乐技巧、较高的音乐鉴赏能力,使学生养成优秀的音乐素养。但我国很多高校只在毕业前进行短时间的实践活动,难以培养学生的声乐技能,在平时的声乐教学中忽视对声乐实践能力的指导,阻碍了学生将来的工作和个人发展。 三、高校音乐教育专业声乐教学的解决策略 (一)合理选择教材,丰富教学内容 对教学来说,教材是决定教学质量的关键,因此在教材的筛选方面要充分把握学生的类型、演唱的程度以及音乐的表现能力。要合理地选择教材,尊重学生的需求,使学生的声乐技能提升。现代高校音乐教育专业声乐教学也逐渐向多元化方向发展,因此必须改善教学内容,使之更加丰富,从而激发学生的学习兴趣,扩展视野,增强学生欣赏音乐的能力,提高学生的音乐素养。高校在声乐教学过程中,需在传统课程的基础上,增设丰富的课程内容,例如:声乐发展史、外国音乐欣赏、声乐美学等。 (二)运用现代技术,完善教学方法 目前传统的教学方法已经无法满足学生的需求,学生对抽象的声乐理论和声乐发展史无法理解,对知识的掌握情况差,无法体现声乐本身的魅力和价值。而现代技术的引入,恰好解决了这些问题,使教学变得丰富有趣、简单易行,不仅完善了教学方法,同时提高了教学效率。通过运用各种多媒体设备,能够使声乐教学更加直观化。教师可以通过多媒体使学生欣赏到著名的音乐会和知名歌唱家的演唱,从而对比两种声乐的异同,提高音乐鉴赏能力。 (三)加强理论教学 声乐是一门具有较强理论性的学科,而在高校中对声乐的教学普遍忽略理论,一味重视声乐技巧的传授。学生也一味地加强技巧联系,而对理论知识掌握较少,因此必须加强理论教学。首先,必须加强声乐基础理论知识,只有掌握了基础知识,才能使学生更快地吸收后续的知识,做到事半功倍的效果。歌唱的生理和心理知识也是声乐理论中关键的一部分,要培养学生良好的心理素质,才能在表演的过程中对自己的器官进行有效地调节和支配,达到良好的歌唱状态。 (四)加强实践技能的指导,提高实践水平 声乐教学具有较强的表演性、感染性和实践性,在教学过程中切勿重理论而轻实践。教师不仅要指引学生掌握声乐知识、提高声乐技巧,还要引导学生增加实践活动,将所学的知识和技巧巧妙的运用到歌唱中,使声乐教学得到延伸,展现声乐的魅力和价值。教师要不断地组织学生进行实践活动,使学生能够娴熟的将声乐知识和技巧相结合,逐渐提高学生的声乐水平。校方应定期举办歌唱比赛,这是最有效的实践活动,通过比赛促进学生的声乐技巧和情感的有效融合,提升歌唱技巧。在赛后,点评学生歌唱的优点和问题,开展有效的声乐教学。 四、结语 高等院校音乐教育专业声乐教学存在许多问题,各高校必须适应社会发展和学生的需求,不断的引进新的教学方法,丰富教学内容,转变教学观念,定期开展积极的实践活动,培养学生良好的音乐素养和歌唱能力,促进声乐教学不断进步和发展,为国家培养更多的专业音乐人才。 高等院校声乐教育探讨:全国高等院校音乐教育专业声乐人才培养研讨会综述 摘 要:随着我国高等教育的发展,在教育改革和知识体系碰撞的大数据时代,目前高校声乐人才培养也出现了一些新的问题有待解决。全国高等院校音乐教育专业声乐人才培养研讨会在扬州大学召开,本次研计会的召开,有利于促进高校声乐教育培养出来的学生要既能成为教书育人的合格教师,又能成为在舞台上演唱的合格音乐人。 关键词:音乐教育;专业声乐人才;培养 2014年12月21日至22日,全国高等院校音乐教育专业声乐人才培养研讨会在扬州大学召开。本次研讨会由中国教育学会音乐教育分会、扬州大学音乐学院主办,《歌唱世界》编辑部承办。来自教育部体卫艺司、人民音乐出版社、中央音乐学院、上海音乐学院、天津音乐学院、沈阳音乐学院、西安音乐学院等院校的30余所大学和研究机构的70余位专家学者参加会议。本次会议采用了主题发言、分组研讨、教学音乐会等方式进行。北京师范大学佟军教授、内蒙古师范大学肖黎声教授、江苏师范大学苗雨教授、山东师范大学李海鸥教授应邀分别就“声乐人才培养规格与模式”、“声乐人才属性和培养定位”、“声乐教学方法与教学内容选择”、“专业声乐师资队伍建设与发展”等议题作交流发言。与会代表围绕全国高校音乐教育专业声乐人才培养质量主题进行分组讨论,针对声乐教育教学、师资队伍建设等各抒己见,深入探讨。 12月21日上午9点,“高等院校音乐教育专业声乐人才培养研讨会”开幕式由扬州大学音乐学院张美林院长主持。参加此次研讨会的领导和嘉宾主要有中国教育学会音乐教育分会副理事长兼秘书长、人民音乐出版社社长莫蕴慧女士;沈阳音乐学院院长刘辉教授;中国教育学会音乐教育分会高师声乐学术委员会主任俞子正教授;中国教育学会音乐教育分会副理事长肖黎声教授;扬州大学副校长刘祖汉教授等。刘副校长致欢迎词,刘校长简要介绍了扬州大学百年办学的历史,特别提到音乐学院院长张美林教授在江苏省委宣传部打造的大型原创歌剧《运之河》中担纲主演,携学院师生在国家大剧院成功演出,进一步彰显了学校音乐教育专业声乐人才培养的影响力,并说“我相信,本次研讨会不仅会对全国声乐人才培养发挥重要的推动作用,也将会对促进我校声乐学科深化教育教学改革,提高人才培养质量,产生重大而深远的影响”。莫蕴慧女士发言说:“作为此次会议的主办方之一――中国教育学会音乐教育分会,是一个涵盖高等音乐教育、初等音乐教育、基础音乐教育和社区音乐教育的全国性音乐教育学术团体;是联合国教科文组织所属国际音乐教育学会唯一代表中国的国家会员。全国各省、自治区、直辖市的教育学会音乐教育专业委员会以及全国主要的音乐教师教育院校是本会的理事单位……承担高师声乐学术委员会秘书工作的《歌唱世界》杂志,一直是高师声乐学术理论建设和实践研讨的重要学术阵地,在主席文艺讲话精神的鼓舞下,我们此次在声乐人才的属性与培养定位、培养规格与模式、教学方法与教学内容的选择、声乐师资队伍建设与发展等议题的研讨、碰撞,不仅会对每一位与会者的治学研究带来新的思考和启发,还会对高等声乐教育专业的大发展,在路径和目标方面的工作实践上,产生直接或间接的影响和作用,而正是这样的思考与启示、影响与作用也将成为回馈扬州大学音乐学院此次盛情款待的最好方式”。 一、高校声乐人才培养面临的问题 随着我国高等教育的发展,在教育改革和知识体系碰撞的大数据时代,目前高校声乐人才培养也出现了一些新的问题有待解决。会议上各位专家就声乐招生、人才培养、西南地区声乐教学困境、声乐教师科研等问题进行了交流探讨。 来自南京师范大学音乐学院的朱艳红副教授说,作为一名师范类院校的声乐教师,不管你是学美声的还是学民族的,都得教。湖北工程学院的张青副教授都提到二本院校师范专业的就业压力很大,学生要学会很多技能,流行元素越来越引起学生们的关注,这就要求老师们与时俱进,多样的教学方法。扬州大学音乐学院高洁老师发言说,音乐心理发展要进行科学引导,音乐教育具有综合性特点,课程设置、评价体系、教材编制具有科学性秩序,音乐教育专业涵盖所有音乐学科的知识和技能。学生要具有综合性,要具有健康的体魄、健全的人格、健康的心理。要求音乐教师要适应不同环境,学生要有高尚的师德。对于高洁老师理想型发言,南京师范大学俞子正教授回应道,讲到德智体全面发展的素质人才是教育的一个美好设想,但是现实教育中是很难做到的,太难了。素质人才不仅是知识技能的结合,更为重要是人格的问题,包心理、情绪等,现实生活中很多因情绪个性问题导致不良事情的发生,我们无以言表。俞子正教授讲到他自己没有学过教育学、心理学,而是通过自身的社会、生活实践教学。书本上的是知识,知识不等于文化,我们要把知识转化自身的文化。教育我们要认清自身的道路,就像我们很多人喜欢音乐,但并不适合音乐。课程标准,学生是很难做到的,因为很多现实问题是复杂和无奈的,作为教育者很难做到熊掌兼得。作为教育者我们把份内工作做好,就很难。作为教育者,我们要要有敬业的精神,同时也要面对现实。山东师范大学李海鸥教授讲到,山东师范大学音、体、美专业在社科评奖、科研评奖方面与与其他学院相分离。特别提到师范类大学要突出师范性和专业性,各类项目的展开要积极联系和说服各地方领导。作为青年教师是不能舍弃舞台的,有经验的老师要学会谦让,让我们的学生走出去参加各类比赛和演出。张青副教授提出加强师资队伍的建设与发展,呼吁扶持技能型教师的科研发表平台进行完善与扩大,多为技能型老师建立一个更公平合理的职称评价平台。对此,《歌唱世界》副主编杨旭讲到,对技能教师文章发表所遇到的困难深有感触,而目前很多声乐教师会以其他专业知识来填补自身的空缺,我们应该质疑声乐教授的含金量到底有多少?由于现在教育评价体系,迫使声乐老师要写文章发文章以此来进行职称的评选。《歌唱世界》这本杂志成立时非常明确要为高师声乐学术委员会服务,会员投稿会有一定的尺度、也会宽一些。 山东大学艺术学院威海分校、音乐学院创始人曲洪启教授针对“拉帘子”、“录音”招生只听“唱”不看“演”的方法提出批评,他认为这是对学校办学的不负责任。云南师范大学的夏毅和副教授指出,音乐教育地域性比较重要。第一,语言关过不了,嗓子好培养不出来,第二,文化底蕴跟不上,理解能力差。第三,现在流行的原生态音乐只能存在于地域性的文化传承的形态中,无法在教学中开展。第四,每年本校在省外生源投放在百分之六十到七十,如山东等外省高考生的质量远远高于本地生源,甚至本校研究生实力与省外本科生是一样的。第五,云南音乐在云南政府领导的大力扶持与重视下得到了良好的传承发展。但音乐是一个长远的规划与策略,不能仅仅为了比赛短期的功利性,不能只打着少数民族的旗号,而将经费用在“大理请北京的演员,丽江请上海的舞者”上。苗教授说“我们碰到的问题,关键都是声乐专业的特殊性造成的,一对一教师成本太高,老师薪酬与劳动付出不成正比”时,激起了在座的各位老师多年来的共鸣相互倾诉教学中的苦衷。白教授介绍了西安音乐学院的学院生存与扩招、音乐教育的现状,怎样将学生扩招与国家配套拨款相协调,保证学院的长远发展。他一针见血的指出,研究生教育不过是在续本而已,真正好的生源由于政治、英语都被挡在门外。肖先生回顾了2004年以来中国教育学会音乐教育分会之高师声乐学会的历次换届及会员队伍的不断发展壮大,每次会议中关于教育理念研讨、思想交流碰撞和声乐教育发展导向性的作用都能令参会的所有老师专家学者得到收益和启发。如何鉴定和衡量教师的艺术实践成果,他认为比赛认证体系很重要。比如我们举行全国高师声乐比赛,做大做强并增强比赛知名度,办出我们真正的品牌,并真正让不远千里远道而来的全国声乐教育的学生老师在教学和学习上有一定的水准提高。浙江师范大学音乐学院张建国教授建议会议要充分凝炼主题,避免漫谈,并指出现代高师声乐教学中出现的培养过程学分化、教师教学功能异化、学生考试目的功利化,教学内容和考核制度的单一性、偏重一专,忽略多能的培养方式等问题。 二、高校声乐人才培养的措施 来自全国各地的专家学者,针对高校声乐人才培养的问题各抒已见,纷纷提出了应对措施。江苏师范大学音乐学院院长苗雨教授介绍了江苏省音乐学院的教学情况。为建立全面有效型人才培养入口,采取扩大外省招生、组建乐团、完善专业设置问题并将学生分层分类培养的措施,一部分培养“五项基本全能”的综合型就业人才,一部分有意挖掘音乐表演专业性演唱者。真正贯彻了“因材施教”的教育理念。山东大学艺术学院威海分校、音乐学院创始人曲洪启教授说:山大艺术学院基于高校声乐教育的特殊性,决定每年音乐类招生由一部分本院专业老师参与,另一部分由外请评委专家库中抽签参与,真正实现将招办考试公正公平性与符合艺术人才选拔规律相结合,使生源质量整体得到提高,为山大艺术学院声乐教育人才更好的培养与更长远的发展注入源源不断的动力。曲教授还提出,作为一所综合性大学,音乐学院发展定位应从两方面建立:第一不能完全按专业音乐学院的路子走,也不能完全按师范类培养中小学老师的目标走。所以折衷后专业向音乐学院看齐;文化向师范类学校看齐。第二建立有规模有规格的合唱团和交响乐团,控制招生人数以80人为最佳。北京师范大学的肖艳副教授发言使人百感交集,她说他们20来年声乐招生一直严格控制在8个人,真正保证了教学的时间和质量。苗雨教授说到江苏师范大学的音乐教育改革,如开设声乐理论课,扫盲一个学期后,由期末考试成绩和老师评价结合来竞争下学期争取“一对一”的授课名额,这样解决了声乐教师待遇与学生扩招的现实矛盾,同时针对学生兴趣与就业需求,将学生从器乐和声乐、舞蹈等进行方向型教育分层。苗雨教授说:一个学科一个院的发展,离不开一个好的领导带头人。音乐学院要争取自己在综合性大学中的边缘学科地位并得到成果认可,同时增强自身艺术人文素养,真正做出成绩,增加丰富多彩的大型艺术实践活动,强调专业特殊性,培养出一些代表性高端人才,让学校领导看到我们艺术学科在服务于地方文化发展、提高学校文化宣传软实力中的不可替代、越来越重要的作用。浙江外国语学院艺术学院的郑伟老师是留学于美国的声乐博士,她出国的经验与心得是,第一,中国和外国教育思想的出发点不同,中国人都是希望孩子学习音乐能够成名成家,而外国人则把学习音乐作为自己的爱好;第二,国内与国外教育方式不同,国外老师比较喜欢鼓励学生,使学生充满自信,而国内老师则多以批评为主;第三,国外表演机会很多,表演热情很高,例如敬老院、社区等等,而国内学生表演机会则较少,一般比较内敛、不自信;第四,国内外的课堂气氛不同,国外学生上课做笔记、听课非常认真,成绩与平时的表现挂钩,学生善于提问题、善于思考,国内学生的表现要稍微差一些;第五,国外的老师除了会说英语之外,还会讲法语或者德语这是一个优势。而对于我们亚洲人演唱外国歌曲来说,语言方面是我们的一个弊端,同时这也是我们需要加强的地方。另外,郑伟老师特别介绍了歌唱的5个W,分别是:When、Where、Why、What is happening、Who you are,不管是歌剧还是艺术作品都要分析一下作曲家、研究他们到底是什么时候发生的?在哪里发生的?为什么发生这种事情?发生事情的前后发生了什么?你是谁?这些因素都要考虑到,这时候你唱歌曲才会有味道。佟军教授提出在市级高校和省级高校两个层面,在教育部总的音乐指导方针、教学框架下,声乐教育要在三种专业技能结构下展开,第一,进行基本生理结构机能研究,如嗓音发声,气息等教学常态;第二,在基础层面下,要加强文化背景知识的认知。第三,大家希望有一个音乐实践的标准评判体系,逐步打造各高校的办学特色,建立全方位实践发展平台。 苗雨教授总结说,要以市场需求定位培养方案,并进行教学探索,制定真正让学生受益的专业课程,组织专家讲演团进行全国性教学巡演观摩,培养学生技能基础与素质拓展共同发展,建立3+5+2的培养模式,即十分之三是明星艺人、十分之五的师资输送和十分之二的高端人才如考研、出国的不同就业方向等。 22日上午9:00,历时一天半的“高等师范声乐学术研讨会”闭幕式扬州大学瘦西湖校区虹桥专家楼举行。闭幕式由山东师大音乐学院院长李海鸥教授主持。音乐教育学会副理事长肖黎声教授代表教育部体卫艺司万丽君副司长就高师音乐教育教学改革提出几点意见: 1.高师院校要关注当前国家教育改革的发展动向,强调正确贯彻德智体美全面发展的教育方针,集中体现在把重视美育与素质教育提高到适应时代需求的全面发展的人才培养的重要地位。十八届四中全会提出重视审美教育与人文素养的要求。教育部近日出台的中小学学生测评,明确提出品德与艺术素养的内容。 2.高师教育教学改革要统筹协调,要坚守教师教育的办学方向,关键是课程设置,要突出师范性。要明确哪些是教师教育人才培养知识技能的优秀课程?特别是开好专业必修课、选修课,课程不能太随意,不能因人设课。 3.高师教育教学改革,一定要适应基础教育艺术师资的社会需求。中小学一线校长反映,对新招收的高师毕业生都不满意,特别是指导课外艺术活动的能力差。高师院校应加强与基础教育的联系,有的院校与基层农村中小学结对子,把人才培养与社会需求对接起来,值得点赞。 肖黎声教授指出,在传统声乐教学与训练的实践中,要利用歌唱者的本体感受以及形象化的启示手段做教学引导,更新理论诠释及观念。在理论研究层面把本质与现象区别开来,在教学研究层面把理论阐述与演唱及教学实践有机统一起来。声乐教学中,学生在歌唱的学习与演唱实践中所出现的问题,除了歌唱器官机能方面的表现外,大量属于心理因素问题。教师对此要有正确的认识与分析,并要研究如何运用声乐心理学解决声乐教学中的实践问题。音乐是一门表演艺术,但同时音乐教育是一种实践性很强的教育实践活动。高校声乐教育培养出来的学生要既能成为教书育人的合格教师,又能成为在舞台上演唱的合格音乐人。因此高校一方面要为学生多提供音乐表演艺术、表演方法方面的实践机会,更要延续和完善课堂教学,提高学生艺术人文素养,是中国高校声乐教育的发展之根,也是中华民族声乐与国际声乐教育接轨所必须奠定的长远坚实的基础! 高等院校声乐教育探讨:高等院校声乐教育现状与对策分析 摘要:高校的任务是为国家和社会培养高层次的精英人才,想要培养出具有社会竞争力的高素质人才,在高等院校的教育中必须加大对大学生综合素质的培养,而声乐教育作为一种特别的素质形式,在大学生的素质教育中也是必不可少的,具有不可替代的作用。本文通过对高校声乐教学现状、培养目标、教学改革等情况的分析,认识到应该加强综合素质教育,提高教学理论系统性与技能实用性的结合,将学生培养成为单位需要、社会需求的合格人才和建设者。 关键词:声乐教学;综合素质 声乐课是音乐专业的必修课之一,是一门系统性、技术性和实践性非常强的学科,主要培养学生的声乐演唱能力和声乐教学能力。目前我国高等院校声乐教育的情况不容乐观,本文就高校声乐教育现状做了简单的分析,并就如何提高高校声乐教学效率提出自己的建议。 1国内高等院校声乐教育现状分析 (1)高等院校音乐教育专业的招生情况。随着高等院校的自主招生不断的扩招,虽然招生人数越来越多,但整体专业水平却不见提高,学生的专业素质层次不齐。主要还是因为在应试教育的大前提下,学生学习都是为了考上好的大学,在专业学习上急功近利,专业基础学习不扎实。这种快速的应试学习方法可能短时间内能够看到一点点效果,但长期发展看来,却对学生造成很多负面的影响,久而久之,学生就养成固定的歌唱习惯,就算考上大学后,大学声乐老师也要花费很长的时间来纠正学生在以前形成的声乐上的坏习惯。 (2)高等院校声乐教学理念陈旧。教师讲、学生唱、教师示范、学生模仿这一套传统的教学方法,目前高等院校一直在采用,声乐教师一直以来依靠的就是耳朵对学生声音的判断。目前许多高等院校声乐老师教学过程中单纯的以技能教学为主,从而忽略了音乐基础理论知识,一味的追求唱歌的技巧和难度,认为只要把歌唱好就行了,这样一来也影响到学生对音乐基础理论课的学习态度,导致了音乐基础理论课在教学中的失重。师生之间缺乏音乐的交流和良好的互动,这样很难在课堂上达到好的学习效果。 (3)高等院校声乐需提高实践能力。目前很多高等院校习惯性模仿专业音乐院校,在教学方式和歌唱的要求上都按照专业音乐院校的来,而忽视了学生的实际专业素质,盲目地追求演唱技巧,虽然少数专业素质好的学生能够较好的掌握声乐演唱技巧,但过于关注歌唱技巧很容易忽视声乐作品的音乐表现,这样就很难掌握音乐教学的本质。高校的学生演唱作品的目的是培养他们领悟作品的审美和情感,这样的教学方式显然不符合高等院校声乐教学的目的。 2高等院校声乐教育模式改革对策 (1)控制招生规模、紧抓生源质量。高等院校声乐专业在招生时,首先要考虑学校实际教学条件和社会的大体需求,要控制招生规模和人数,制定好指标投放的方案,有计划地投放招生指标。高等院校在学生生源的选择上,也要严格执行招生的准则,在学生声乐专业素养上严格把关,确保能选出真正的声乐“苗子”,这不仅是对学生负责也是对自己学校的尊重。在招生的过程中发现有好的苗子作为培养对象的时候,要把学生的音乐基本素养以及综合文化素质水平放在考察的首位,而不能只是一味的强调唱功和形象等条件。招生过程要保证透明、公正、杜绝开后门现象。 (2)提升高等院校声乐教师的职业素养。要想提升学校的声乐教学水平,最关键的还是要提升声乐教师的专业水平和专业素养。首先要让教师走出去,开拓思维,不能仅仅局限于陈旧的、固定的教学模式,可以定期开展声乐教师的素质培训,邀请著名音乐艺术家来学校开展学术讲座、音乐会、座谈会,也可以组织教师到其他优秀学校去观摩教学,学习其他教师好的教学方法和思想,这样也能为声乐教学积累更丰富的资料。 (3)加强声乐技巧的培养与综合能力的提高。高等院校的声乐教育不能单一的复制专业音乐院校的声乐教学模式,我们的目的不是要培养出歌唱家、音乐家,要紧抓学生综合能力和教学能力的培养,不能只想提高声乐技巧。目前高等院校在音乐教育中还是采用一对一的教学模式,很多自身条件相对较差的同学也按照歌唱家的模式来培养,觉得只要歌唱的好就能成为音乐家,这种思想是不符合高等院校声乐教学的目的的。要改变目前的这种状态,当前高校声乐教学一定要结合自身的实际情况,转变思想观念,在声乐教学中,演唱能力和综合能力要两手抓、协调发展。 (4)根据学生实际情况,不断完善声乐教学模式。高等院校声乐教师应根据学生的认知规律和心理特点来制定相应的教学,尽量建立多样化的教学模式来推进声乐教学。1)转变教学思想,明确教学内容。高等院校声乐教师应该制定完善的教学计划和目的,根据学生的实际情况来进行声乐教学。应该在新生入学的第一学年的第二学期开设声乐基础理论课,课时一学期。指导学生学习声乐应该从生理学、解剖学、歌唱心理学上真正全方位的了解声乐的原理。学习声乐的学生对自身的生理结构、各生理器官间的相互作用与技能都应有一个全面的系统的认识,还有涉及演唱者的心理过程,只有这样才能更为准确、更有针对性地进行专业的声乐学习。2)注重声乐实践环节的教学。声乐是一门实践性较强的学科,在高校的声乐教学中,应通过实践活动将学生的歌唱技能和教学技能的培养结合起来。首先让学生掌握一定的声乐基础理论和教学方法,然后在开展学生之间“一对一”的互教互学活动,在声乐教学中碰到一些常见的问题,教师应该指导学生利用自己所学的理论知识和实际情况来解决,在互相教学诊断和个别指导中开拓学生的创新意识,增强实践能力。这样,就把声乐教学的理性认识逐渐运用到教学实践中去,增强了学生的创新意识,丰富了学生的教学经验,对提高教学能力和教学水平有极大的帮助。3)完善声乐教学硬件设施。高等院校应该在硬件上为高效率的声乐教学提供必要的物质保证。应调整相关配套措施,比如:式钢琴、三角钢琴、多媒体教室、MIDI教室、音乐厅、书籍音像资料室、录音录像器材、录音棚等,充分发挥教学设施的作用。还可通过数码、多媒体技术、电脑科技等辅助手段提高课堂效率。4)实施声乐教学与信息技术的整合。在信息技术快速发展的今天,信息技术已不再是单纯的技术学科,在声乐教学中利用网络资源和计算机软件作为辅助工具,更能够实现教学的共享、教学空间的开放,对于提高学生学习兴趣、拓展学习渠道、提高教学效率有着重要的作用。 3结语 高等院校声乐教育的目的不仅仅只是培养演唱技巧,更重要的表现在对学生综合文化素质的培养和提高。在完善自身声乐教学模式的同时,我们也要借鉴其他一些院校好的方法,仅仅在教学课程上做一些必要的变化与调整是不够的,也可以在声乐教学当中引用竞争机制,这些都是声乐教学中可采用的手段,惟有变革,才更有生机。 作者简介:唐捷(1985―),女,湖南嘉禾人,本科,研究方向:声乐教育。
钢琴基本功教学论文:钢琴教学中演奏基本功训练浅谈 【摘要】优秀的钢琴演奏是一个让人陶醉的过程,钢琴演奏者通过按键把音乐作品所表达的意境传递到听众的耳中,激发听众无穷的想象。钢琴教学中最为基础的就是基本功训练,只有具备过硬的弹奏功力,才能更好地展现钢琴作品,感染听众。本文笔者结合教学经验,就如何优化钢琴演奏基本功训练展开探讨。 【关键词】钢琴演奏;基本功;训练;优化 在当今开放式教育的背景下,钢琴教师要走近学生,尽量多与学生互动,着重了解学生需要哪些方面的帮助。在此基础上,教师还要针对学生的问题制定合理的学习计划,让学生在课堂上更好完成基本功的训练。同时要改变教学方式,让乏味的课堂变的活跃起来,激发学生的学习兴趣。更要及时纠正学生们演奏技术中的盲点,促使学生完美的演绎曲目,为听众带来一场听觉盛宴。 一、钢琴教学基本功训练的学生划分 每个学习钢琴的学生都有着不同的生活背景和经验阅历,所以他们对钢琴的理解也有很大差异,基本功也参差不齐。一类是学习钢琴的专业生,他们的基本功比较扎实,对钢琴的理解也相对较深,可以演奏出一些比较难的曲子。这类学生比较好管理,他们学习的积极性也较高;第二类是学习一些与音乐有关专业的学生,他们对于钢琴的基本功也有一定的学习基础,但并不扎实,这类学生的学习积极性没有第一类的高;还有一类是与钢琴专业无关的学生,他们在钢琴面前完全是个新人,所以他们的学习积极性不会很高。在钢琴教学中,难免会出现这三类的学生,所以教学的难度也会大大提升,制定的教学计划也有很大差异,学生之间的矛盾也是不可避免的。在教学中,教师要准确分出这三类学生,针对不同类别的学生制定不同的教学计划。当然,不同类别的学生对于钢琴的认知程度也不相同。为了防止学生之间的矛盾,相互之间要分开进行教学,或者各自带上耳机进行不同钢琴曲的弹奏训练,学生之间互不干扰。教师则进行一对一的检查,给不同学生制定不同的学习计划,并对学生进行针对性的指导。“集体式教学”可以有效降低“一对一教学”的高额成本,同时促进学生进步,使学生有更高的学习积极性。 二、钢琴教学基本功训练的能力提升 学生能否弹奏出一首优秀的曲子,识谱能力是最重要的因素之一。部分学生因为急于求成,对于识谱这项技能的学习并不是特别扎实,在演奏时总会出现一些无法避免的常识性错误,给教学增加了很大难度。所以,在教学过程中,教师要引导学生明白每一个音符所代表的含义,让学生对每一个音符进行理解和消化,告诫学生不可急于求成,扎实的基础是成功的根本。除此之外,教师还要针对这些学生放慢教学速度,让学生慢慢提高自己的识谱能力。教师在教学过程心态很重要,要心平气和地教学,引导学生找准每一个音在键盘上的位置,并快速找出下一个音的位置,这样在弹奏过程中才会有更好的体验。灵活的手指是演奏好钢琴的基础,教师要教导学生均匀发展每个手指,因为演奏过程中每个手指都有它的作用,手指的均衡与否直接决定着演奏的成败。不同的钢琴曲对技术的要求也不同,只有均衡提升每个手指才有可能弹出不同的曲子。因为受人本身因素的影响,二、三指常常会牵动四、五指,所以坚持不懈的训练才会在演奏中取得好的效果。不同的曲子所表达的情感不同,一首曲子中的情感表达同样重要。要把曲子中的情感淋漓尽致地表达出来娴熟的技术是不可缺少的,技术是演奏的基础之一,但是只一味地追求快速的弹奏缺少对音色以及情感的表达,弹奏出来的曲子也是不完美的。所以,对于触键方法也要尽可能地多的掌握,适当的触键方法能更好的帮助情感的表达,弹奏钢琴本身就是传达一种音乐情感。但是训练者训练时间不宜过长,乏味的训练只会使音乐灵感丧失。一个优秀的演奏师就是用音乐与观众产生共鸣。 三、钢琴教学基本功训练的教学方式 师生互动很重要,同时“填鸭式”教育已经不适合目前的教学形式,一味地进行“填鸭式”教育只会使教学效果适得其反。教师要学会用一些新颖的方式把学生的思维带到课堂中来,比如影视作品中的钢琴曲教学或者了解学生们喜欢的钢琴曲教学。真正的钢琴曲是深入人心的,这与每个钢琴师不断地训练是息息相关的。关于触键可以选择可以先从锻炼手速开始,快速的摁一个键和慢速的摁一个键音色是不同的,训练乏味的时候可以尝试一些锻炼手速的电脑游戏也是不错的。关于音符的训练方法可以准备一些纸片,随机抽取并快速的说出音符所代表的含义。无论什么方法,在弹奏的时候都要用心,用心去感受作者每一个音符所表达的含义。 四、结语 总而言之,要想弹好钢琴,离不开不间断的训练,希望每个有理想、有志向的钢琴师都能克服这些枯燥的训练,吃得苦中苦,才可成为人上人。扎实的基础才是一切优美作品的基础所在。教师同学生都要戒骄戒躁,一同完成每一堂课程的教学。 作者:王晓蔚 单位:辽宁师范大学音乐学院 钢琴基本功教学论文:基本功训练在钢琴教学中的重要作用 摘 要: 在社会的不断进步和发展中,人们对文化修养的需求已大大提高,社会上学习钢琴的热潮久盛不衰就是一个很好的证明,但同时在教学和学习的过程中也暴露了不少的问题,主要是因为老师和学生盲目地追求难度高、程度深的曲目,而忽视了对基本功的训练,所以,重视对基本功的训练成了现在钢琴教学的当务之急。 关键词: 基本功 钢琴学习 钢琴弹奏 钢琴学习是一个艰苦的过程,它是一门集乐理、视唱、伴奏等多科为一体的综合课,基本功是否扎实是关系到钢琴学习成败的重要因素。因为乐理知识的欠缺会导致不能正确认谱,当然也就不能正确弹奏乐曲;不当的弹奏方法会导致动作的僵硬甚至使学生逐渐丧失学习兴趣,半途而废;忽视基本练习的弹奏会使学生多走弯路,造成即使花费成倍的时间和精力也无法达到理想的效果。 一、要重视乐理基础知识的学习 听起来学习基本乐理和钢琴弹奏没有太多联系,但是学习过钢琴的人都知道,它和钢琴学习是密不可分、相辅相成的。特别是乐理知识中的读谱法,是钢琴学习要掌握的基本技能之一。 一首作品往往通过一种特定的节奏韵律来表现它的性质和风格,如:舞曲、进行曲、夜曲等。只有学习过节奏、节拍等知识才能掌握乐曲的律动,使乐曲具有生命力。反之,会使乐曲结构和旋律变得面目全非,无法辨认。同样,不懂得记谱法中各种记号的真正含义,也无法做到精心研读作品,从而更好地表达作品。在教学过程中,我们经常遇到这样的情况:学生只看到了音符,而对乐谱中的句法、奏法、延长记号、力度记号、表情术语、调性变化、曲式结构等其它各种标记视而不见。这是一种不好的现象。 “精心研读乐谱是窥探作者内心奥秘的重要途径”。这样可以使我们深入理解作者特有的音乐语言,对作品作出正确的理解。同时也使理论与实践相结合、感性认识与理性认识相结合的过程得到充分的印证。因此,扎实的乐理知识是学习一切音乐知识的基础,它贯穿于钢琴学习的整个过程。 二、钢琴教学要有科学的练琴方法 练琴最终能否得到完美的演奏,取决于练习的质量,而练习质量又取决于良好的练琴习惯。因此,在练习时必须同时做到: 1.读清谱面。 对于初学钢琴的学生,在教学中应尤其强调读谱。因为读谱是器乐教学中的重要环节,正确的演奏乐器应该从认真的读谱开始。读谱包括识谱、视奏的过程。同时,读谱又区别于识谱与视奏,识谱是初级阶段的任务,而读谱应贯穿在整个学习过程中。拿到曲子后,先看清调号、拍号、速度,对难以分清的地方先做好标记,如升降音、手腕的呼吸、反复等。 2.分手练,再合手。 一些学生喜欢一拿到曲子,就双手“蒙弹”,效果往往事与愿违,最终仍达不到教师规定的要求。拿到曲子后,应先分手单手把个声部的旋律弹熟,再合手慢速弹奏,方可有好的效果。 3.难处练习法。 任何一首乐曲在技术上都有共性的地方,都存在着难点。要将特别有难度的地方找出来,重点练习,待把难点练熟了,确实有把握后,再从头至尾地练习。 4.慢速练习。 鲁宾斯坦说过:弹好钢琴的秘诀是运用正确的指法,在正确的键盘位置上弹奏出正确的节奏。开始练习一首曲子时,一定要慢慢地认真练习。一些学生在练习一首新的作品时,一开始就练得很快,以致节拍、音准、句子、奏法上都有很多错误,待熟练后再改就难了,同时也浪费了很多时间。只有养成从慢到快的练琴习惯,才能获得良好的练习效果。 三、掌握正确的弹奏方法 1.重视初学打基础阶段,掌握正确的弹奏方法。 钢琴学习的初学阶段是一个极为重要的打基础阶段。在这个阶段,弹奏方法是否正确,将会影响到学生的整个学习过程。它包括坐姿、手型和几种基本的弹奏法。 在钢琴弹奏中,坐的姿势最重要,因为正确的重心位置,可以使身体、手臂活动自如:适当的座位高低与远近,便于在弹奏时把手臂的重量、力量集中送到指尖。所以一定要让学生养成随时调整坐姿的好习惯。 2.要有正确的弹奏方法。 一些人认为,弹琴就是动手指头,所以只要手指头能把音弹对,也就算会弹琴了,这是很不全面的认识。 正确的弹奏方法可归纳成简单的一句话:总体的、持续的放松与局部的、暂时的紧张(指用力)相结合的方法,这是既先进又科学的弹奏方法。 总体的、持续的放松指的是:在弹奏的整个过程中,手、臂、肩、背直至整个上身,始终保持放松、自然;局部的、暂时的紧张指的是:正在触键的手指关节才需要用力,而其它手指和臂、肩、背等仍要持续地放松。当这个手指弹奏完毕时也要立即放松,轮到另一个手指弹奏时,另一个手指的指尖关节在触键的瞬间再用力。 3.在坐姿和手型都熟练掌握的基础上,就进入了钢琴学习的实质性阶段:弹奏。 (1)断奏:是每个初学者必须掌握的基本弹奏方法之一。首先,它能使学生从一开始学琴起就建立用重量演奏的概念,体会用重量演奏的方法,因此我们才能听到悦耳、饱满、富于表现力的声音。其次,断奏作为钢琴弹奏的“先行官和起跑线”,是解决肩臂放松和锻炼手指支撑的最好方法,为以后的学习打下良好的基础。 (2)连奏:是一种最常见、最基本的弹奏方法,但也是从多弹奏法中最难掌握的内容之一。这不仅需要认真地向老师学习,而且需要细心揣摩、用心地体会和反复地练习。 (3)跳音奏法:是一种增加乐曲色彩的弹奏方法。是在前两种弹奏法的基础上通地调整手臂和指尖的力量,使声音变得短促的一种奏法。处理得好,可以使乐曲显得更加活泼、欢快,处理得不好,则会起到画蛇添足的作用。 在以往的教学中,有的学生总认为打基础阶段枯燥无味,着急弹一些旋律性强的乐曲,认为钢琴学习就是弹曲子,殊不知这反而起着揠苗助长的作用,这样的例子在教学中屡见不鲜。尤其是对年龄小、手又软的学生来说,是有百害而无一利的。 四、重视基本练习的弹奏 如果把弹奏技术、弹奏方法比做钢琴艺术大厦的地基,那么基本练习则是整个钢琴弹奏技术的基础。任何乐曲的弹奏都离不开灵活、有力、均匀、敏感又听指挥的手指。生来就具有这些条件的人是极为罕见的,绝大多数人要通过学习、锻炼来达到。要使手指既有力、均匀又有速度,达到真正的协调,从学琴之日起,就应该持之以恒地进行练习。 从上世纪90年代开始,我国在吸收国外先进经验的基础上,实施了钢琴业余考级制度,有利地促进了钢琴教学的发展,但也使学生只练曲子,忽视基本练习的问题暴露得愈加明显。可见,重视基本练习的弹奏,会为我们今后的学习铺平道路,使我们尽情地享受音乐带来的愉悦,在音乐的世界里尽情遨游。 面对当今持续升温的学琴热潮,在大力提倡素质教育的今天,钢琴教师必须不断努力提高自己的专业文化素质,改进教学方法和模式,为培养出更多的符合规范的学生而努力。 钢琴基本功教学论文:浅谈钢琴教学中基本功的训练 摘要基本功的训练,始终是钢琴教学中最基本同时又是最重要的一个环节。缺乏基本功训练的人无法承担乐曲的基本演奏,更谈不上做到完美地表现音乐。 关键词力量 慢 高抬指 呼吸 精益求精 钢琴演奏被称为“手指上的舞蹈”,而基本功训练,是驾驭钢琴这种乐器所必须掌握的基本演奏方法与基本技巧。基本功包括很多内容和方面。下面笔者结合自己的学习,就如何练好钢琴的基本功谈一些体会。 1手型的重要性 在实践中,我们认识到在弹奏时要求我们的肢体以及关节要符合物理学的杠杆效应。因此坐姿是基础,身体放松地坐在琴凳上,琴凳的高度要适宜,以双肩自然垂下,肘部位平行于琴键为佳。身体离钢琴以腹前两拳左右为宜。另外幼儿以及身高不足的学员要在脚下放置一个凳子等物品作为支撑。其次肩膀要放平,肘部松弛,小臂端平,腕子不能纵压或挺起,掌关节鼓起手形成半圆状,指关节立起来,不能折指。 2 方法与速度 钢琴最重要的基本功就是高抬指。所谓高抬指,就是在弹奏时尽量抬高手指的一种大幅度的关节运动。高抬指练习作为一种最基础的弹奏技巧,历来被钢琴师视为重中之重。我们进行高抬指练习的终极目的,就是要让习琴者的每个手指都学会如何在琴键上“正确地走路”。高抬指的正确与否直接影响到习琴历程中的每一步,因为姿势的正确性、肌肉的力量及各关节的协调一致性都建立在此基础之上。因此,把高抬指的练习比喻为婴儿学步,一点不为过。高抬指的弹奏方法,简单的说就是每个手指高高地抬起迅速地落下。首先在琴键上摆好手型,做好击键前的预备动作。然后由指根部位高高地举起手指,手指的第一关节适度弯曲,以手指自身的力量迅速向下击键,而后手型迅速恢复。这样便完成了一次完整的高抬指的弹奏。众所周知,慢练是我们不断进步的基石。因为慢练可以避免我们误入歧途,直接引导我们走一条正确的道路轨迹。慢练就好似一面放大镜,可以让我们更加清楚地感觉乐曲中的每一细节,能够更好的链接乐曲的每一个音符。在实践中,我们认识到慢练时,我们还应该高度重视以下几个问题: (1)确认指法。在实践中,我们认识到识谱阶段就必须记下正确的指法。当然,有些片段是需要我们认真思考使用哪种指法来弹奏比较合适的,然后依据不同版本中编曲者所标注的指法,最后根据自己的实际情况确认最终的拟定指法。演奏者在演奏时要时刻注意不要随便的更正指法。一般情况下,在识谱阶段就已经按最佳的指法弹奏曲目了,并且已经在周而复始的练习中将其固定下来了。 (2)确认分句。分句是音乐的语气、语调和呼吸。在实践中可以看到,分句确认的是否准确,是影响演奏效果的关键。因此,平时慢练的基本要求和目的就是正确的划分分句。 (3)确认基本的动作走向。慢练能够促进演奏动作的连贯,使演奏者清楚明了动作的走向,如向上,还是向下,左右之间弧线有多大,等等。然而还要通过慢练,加强全身动作的配合与一致,使音乐的气息变得更为延绵漫长。 (4)确认困难片断的弹奏方法。对于困难片断,要有足够的耐心和信心把一首飞快的肖邦高难度练习曲当作夜曲中缓慢的经过句来演奏。凡是有耐心把快速的艰难片断放慢八至十倍练习的人,必定容易达到人们可望不可及的巅峰。 3 视奏的科学性 正确的读谱同样是弹好钢琴的基本功之一。乐曲是作曲家内心感情的表现,也是为让演奏者能够了解作曲家的创造意图。因而在开始练习时就首先要读谱,要使用正确的读谱方法来提高视奏能力。当我们在对五线谱不熟悉时,常常把那几个音记住,低头演奏只看键盘,害怕弹错,如果长期这样下去,眼睛就离不开键盘,不但不会边看谱边弹,就连最基本的识谱能力都没有,就会觉得枯燥、吃力。所以,在实践中我们要学会看谱弹奏,养成看谱演奏的习惯。等到识谱能力、视奏能力、熟练程度都提高后才可以考虑背谱。 4 细节的重要性 细节构成全部,在练琴的过程中一定要注重细节,否则演奏就会粗糙甚至粗劣。首先在弹琴的时候,一定要细致入微,精益求精。其次要充分利用自己的耳朵。最后要把作品所标注的表情记号清楚地表达出来. 5 结束语 上述所有练琴方式都需要我们极大的耐心,然而耐心是意志力的一种表现。跟随练习者的学习逐步深入,基本功训练显得更加重要。我相信,只要我们能真正认识到钢琴基本功的重要性,在实践中切实加强基本功的锤炼,多加练习,不断进步,就一定能够达到最高境界! 钢琴基本功教学论文:谈谈钢琴基本功教学法 摘 要:随着国民音乐素质的广泛提高,人们对于学习钢琴这门乐器的需求也越来越大。如何正确的引导初学者,运用现代科学与传统教学相结合的模式,为钢琴入门打下结实的基础,对于培养学生音乐素质和学生钢琴技术的可塑性都具有重要的现实意义。 关键词:钢琴教学;基本功;科学训练;技巧;方法 钢琴于1709年由意大利人巴特罗梅欧・克里斯多佛利(Bartolommeo Crisitofori,1655―1731)发明。在三百多年的发展过程中,由于钢琴制造者们对钢琴乐器本身不断的改进,使得最初性能还不够完善的钢琴逐渐发展演变成为我们今天都在使用的现代钢琴。而在不同的历史阶段,出现了众多的钢琴流派,不同的演奏方法、教学方法和教学理念,它们从对立到统一,从矛盾到融合的过程,使得钢琴教学从一个非科学性的、单纯根据演奏者经验主观的教学,逐步走向科学的、客观的,面对不同流派和不同风格的作品应运而生的钢琴弹奏教学方法。 因此,学习和了解钢琴教学发展史上每个主要的流派以及它们所运用的弹奏方法,对于我们钢琴基本功的学习有着至关重要的作用。并且,随着近代医学的飞速发展,为我们的钢琴演奏方法提供了有力的科学依据。其实,世界上没有一成不变的钢琴弹奏方法,有的只是在不同时代背景下,不同的流派所孕育出来的钢琴艺术作品,针对音乐艺术的需求而产生的弹奏方法。 一、钢琴基本功训练应注意的事项 首先,初学者应要求对钢琴基本原理结构有着一定的认识,学会用耳朵分辨钢琴触键中用不同的速度下键与离键所产生的不同音色和效果。根据众多钢琴艺术作品不同的演奏需求,我们可以对于这些技术做针对性的钢琴基本功训练。 其次,关于钢琴基本功训练所使用的教材。直到今日,世界上许多钢琴家和作曲家,都出版了很多关于钢琴基本功训练的书籍与教材,如《哈农》 、《什密特钢琴指法练习》 、《勃拉姆斯指法练习》等等。前两者在我国目前的钢琴教学运用中,使用的较为居多。 最后,注意对读谱能力的训练。学会如何阅读五线谱,是在学习钢琴演奏中最为基本的条件之一。五线谱就好像是音乐艺术的世界里唯一全球通用的语言,也是对初次接触钢琴作品的人而言唯一的直接认识对象。教师应该培养学生对于阅读乐谱的纵向与横向的能力,在阅读乐谱上可以准确的识别音符和音乐符号,而且还要拥有能在一个音乐作品中,划分乐节、乐句和段落的能力。这些都是需要教师在教学的过程中,长期关注并给予指导的重要教学内容之一。 二、科学的训练钢琴弹奏中所运用到的技术 纵观钢琴基本弹奏方法在这三百多年的发展,其实主要是手指弹奏法与重量弹法这两种弹奏法形成的变化。这两种方法其实并不对立,许多钢琴作品在使用现代钢琴的演奏上通常都会用到。而在不同的时代、不同的音乐流派里,钢琴家与钢琴教师们在经历了长时期的演奏、教学,总结前人累积的经验,手指弹奏法和重量弹奏法这两种方法,已经互相融合。从细微的指关节动作,到小臂和大臂的重量运用,现代的钢琴弹奏方法已经发展成为较为科学合理的一门教学方法。 当今世界公认的弹奏方法,基本分为四种:连奏、小连奏、非连奏与断奏。这些技术被运用在几乎所有的钢琴作品上,正确的使用这些技术,对处理作品风格、情绪等艺术形态上有着至关重要的作用。关于这四种弹奏方法,笔者会以自身教学经验的总结与科学理论的依据上给出合理的训练方法。 (一)连奏(leagto) 连奏就是连贯的,不间断的弹奏出旋律的每个音。就如同人们说一句话时,连贯的把每一个字不间断的表述出来。因此,往往许多钢琴上关于歌唱性的、如歌的艺术处理形式,通常都会使用到连奏,这种弹奏方法。 我们可以使用两种方法去训练连奏。以钢琴教材《哈农》里的大小调音阶、琶音为练习内容举例。 第一种练习法,在使用连奏弹奏大小调音阶时,手掌以上自腕、肘、臂、肩膀应完全放松,并学会感受它们放松后自身的重量。手指应在自然弯曲的状态下独立的抬高并弹奏,尽可能快的下键,并且感受放松部位的重量贯通到手指触键的地方,手指本身也要有着支撑这些重量的支撑感,就如同人类直立与地面,双脚支撑着人体的重量一样。在第一个手指下键的同时,下一个将要弹奏的手指应迅速的抬起,做好弹奏前的预备动作。 手指独立的技术要点主要体现在手指关节的使用方法,和手掌相连的指关节称作第一关节,依次到指尖的是第二、第三关节。手指的独立主要体现在第一关节,在使用连奏弹奏大小调音阶的时候,明确的运用手指的第一关节抬高手指,是初学练习者们需要特别注意的一点。手指对于重量支撑的技术要点,主要在于手指关节需尽量的保持自然弯曲或伸直,指关节不可以在支撑重量的时候产生凹陷的状态,这样会使得手臂的重量无法完全的贯通到手指触键的地方。 在使用连奏弹奏琶音时,和弹奏大小调音阶主要的不同在于,音与音之间琴键的距离相距较大。在弹奏音距较大的连奏时,其技术要点在于,明确的做到手指先行,积极的带动手掌以上至手臂部分去做连贯的弹奏,不要本末倒置,变成手臂带动手指,养成手指被动和不够积极的坏习惯,达不到训练手指机能的目的。 第二种练习法,在根据第一种练习法,使用连奏来弹奏大小调音阶与琶音的基础上。改变其下键与离键的速度,用比较平均的、缓慢的速度去练习手指的下键与离键。 针对钢琴乐器自身结构的原理,下键速度越快,声音越强,下键速度越慢,声音越弱。离键的速度越快,音色越短促,离键速度越慢,音色越柔和。通过结合各种钢琴作品的需要,我们在练习连奏时,带有目的性的训练,把技巧运用在实际演奏中显得尤其重要。 (二)小连奏(slur) 小连奏在一些书籍文章中的解释多指两个不同音高的音单独用连线连接后的弹奏方法。笔者认为,连奏与小连奏之间的关系,其实就好像人们在说话时,“讲一句话”和“说一个单词”的区别。而在实际作品的运用中,事实上小连奏并不只局限于两个不同音高的音,可能会出现三个到几个音不等情况。小连奏的主要技术特点是:在弹奏第一个音之前,肩膀放松,以手肘为轴心,将连接的小臂轻轻抬起,手腕松而不垮,手型保持自然但不僵。这一动作可以理解为,和人们在说话之前第一个动作是“吸气”的道理一样。之后手臂自然放松的落下,手指与关节牢牢站立于琴键上。接着用连奏的弹奏方法弹完第二个或第三个音之后,将最后触键的手指,以手肘为轴,用手腕轻轻带起。第一个音和最后一个音的动作是这个技术的关键之处,所以小连奏也被形象的称为“落提”。小连奏一直被广泛的运用,特别是在古典时期如海顿、莫扎特、斯卡拉蒂、贝多芬的钢琴作品中,可以说是无处不在。 小连奏的训练方法,我们也可以通过《哈农》第四十五条来练习小连奏。使用小连奏的技术弹奏时,产生的音效会让人觉得第一个音较重,最后一个音较为短促。而练习者们应该在弹奏第一个和最后一个音时,多用不同的速度去下键与离键,并感受它们之间产生的音效之间的区别。 (三)非连奏(non legato) 非连奏的弹奏方法,可以说是钢琴弹奏法里,最基本的弹奏方法。非连奏与连奏的区别在于,音与音之间并不连接,而是间断开来,弹奏起来的音响效果,就好像人们在说一句话时,每讲一个字都换一口气一样。非连奏的弹奏技巧主要特点是:在弹奏第一个音之前,和小连奏相同的抬手并自然落下琴键,手指把音符的时值保持到四分之三左右就可以离开琴键将手抬起。之后重复弹奏第一个音之前的动作,继续弹奏下一个音。因为这种弹奏方法较为简单,能让初学者比较容易的体会到手臂自由落下时自身的重量感。所以,许多教师都会先让初学者们学习非连奏的弹奏方法,使用重量去弹奏钢琴。 在非连奏的训练方法上,我们同样可以使用大小调音阶和琶音作为内容去练习。需要注意的是,初学者们在完全体会到自身手臂重量与灵活运用之前,切忌用过于太快速度去弹奏大小调音阶和琶音。应用教慢的速度去弹奏,以体会自身手臂重量的感觉为主来进行练习。 (四)断奏(staccato) 断奏与非连奏的弹奏方法上有非常多的相似之处。同样是每个音和音之间不相连地、间断地弹奏。但是,断奏和非连奏在手指弹奏每个音时需要保持一定的时值不同。断奏是在手指接触琴键弹到底之后,迅速地利用反作用力,有弹性地离开琴键。这是断奏与非连奏在弹奏方法上根本上的区别。使用断奏弹奏,音响效果听起来短促、富有弹性,色彩较为明亮、轻快,这种弹奏方法被大量的运用在各种时期的钢琴作品中。 由于演奏的作品需求不同,断奏的弹奏方法不能一概而论。从速度以及力度上,我们会使用到手的不同部分去弹奏断奏。 弹奏速度越快,越以使用指关节为轴心的手指断奏为主。手指相对于手臂而言,动作幅度小,较为灵活,更富有弹性。弹奏轻快的断奏时,可以更独立的、更稳定的做到快速的跑动。 弹奏力度越大,越以使用手腕、手肘到肩膀为轴心的断奏为主。以手腕、手肘和肩膀为轴动作幅度较大,落键力度与速度较高,弹奏的音响效果听起来,辉煌有力、富有穿透力,常被运用在一些双音、八度和和弦的断奏弹奏上。 三、在钢琴教学中多注意细节 因为,每个学生的程度和接受能力都会有所不同,教师应该因人施教,因材施教,激发学生对艺术的追求和向往。在培养学生弹奏能力的同时,多让他们用不同的感官如:听觉、视觉、和触觉,加上想象力去加强加深对作品的理解。 (一)听觉 听觉的使用在学习音乐艺术这门学科的过程中,起到非常关键的作用。通过听觉来审视自己的弹奏方法,判断作品风格的正确与否,并且对自身的独立思考也起到相当大的帮助。 (二)视觉 主要是运用在识谱的能力上,一个优秀的钢琴家,能够在接触一首新的乐谱时快速及准确的掌握其风格。小至每个音符以及音乐表情记号,大到对乐句和乐段的充分理解。 (三)触觉 不管是在练习或是表演的时候,对于感受身体每个部位能否正确被运用,或是在每个弹奏技术的转换与调整来说,自身对钢琴乐器触感的良好掌握,都是能否正确完整的弹奏作品或能否逐渐的提高自身钢琴水平的一大关键。 (四)想象力 纵观三百多年的钢琴发展史,世界各个地方的音乐作品,我们在学习钢琴的过程中都会接触到。由于每个国家的时代背景与风土人情各不相同,大多数学生不可能会去到每个国家并体验他们的生活。通过学习并加以想象每个作品中关于作者、国家的历史背景、文化,对于还原作品的风格,并逐渐形成自身演奏风格来讲,都是学习钢琴演奏里重要的环节之一。 钢琴基本功教学论文:论钢琴教学中的演奏基本功训练 本文针对钢琴教学中的演奏基本功训练,分析了教学过程中存在的的主要问题,并以此为基础,分别从识谱能力训练、基本手指训练、弹奏中的触键训练、采取有效的教学方法四个方面,探讨了优化钢琴演奏基本功训练教学的对策。 钢琴教学 演奏基本功训练 优化对策 一、前言 钢琴的演奏基本功训练主要包括识谱能力训练、手指的基本弹奏训练以及弹奏中的触键训练等主要内容。在开放式教育的背景下,钢琴教师需要以充分展现师生之间的互动为前提,教师从学生的角度出发,并针对学生认为有价值的问题对不适宜的钢琴教学计划进行灵活调整,从而更好地满足学生的演奏基本功训练需求。 二、钢琴演奏基本功训练中面临的主要问题 1.学生的钢琴演奏基本功参差不齐 一般而言,接受钢琴演奏基本功训练的整体学生可以分为如下三类:第一类学生原来的主修专业就是钢琴,由于他们具备较扎实的钢琴演奏基本功,因此能够通过演绎一些相对高深的乐曲来充分展示自己既有的钢琴演奏基础,因此,这部分学生对钢琴演奏个训练的积极性较高;第二类学生原来主修的是声乐或者其他非钢琴专业,尽管他们同样也具备一定程度的钢琴基本功,但功底较之前者相对薄弱,钢琴学习的积极性也相对较低一些;第三类学生主修的专业是西洋管弦乐或民族乐器以及和钢琴隔得更远的其他乐器,对于他们而言,从事钢琴演奏基本功训练就意味着要一切从头开始。当上述三类基础不同的学生同时出现,教学中的矛盾也就不可避免了。 2.原有的钢琴演奏基本功训练教学方法过于单调 接合现有的实际情况,“集体课教学”的钢琴演奏基本功训练模式是目前较为推崇的一种教学模式,该模式的一般流程如下:让30名左右的学生同时接受训练,学生们一方面能听到教师的钢琴演奏基本功训练的课程讲解,另一方面还能通过电视屏幕来对教师的示范教学进行学习。与此同时,为了保证学生之间互不干扰,学生会各自戴上耳机进行钢琴弹奏练习,教师对学生钢琴演奏基本功训练情况的检查一般采取如下两种方式,一是采用传统的检查方式,对全体学生的练习情况进行“普查”,二是采取“抽查”方式,即教师在巡视检查的过程中,主要针对某一学生,把教师自备的耳机插入该学生的琴内,通过让其弹奏来检查学生的学习效果,并根据结果对其进行指导。 “集体课教学”模式能够有效降低“一对一”教学的高昂成本,并且还能在一定程度上调动学生们的学习积极性,这是该模式的优势所在,但由于受到教学模式本身以及课时等方面的限制,使教师只能针对多数学生面临的共性问题做出指导和点评,因此无法达到“对症下药”的针对性辅导效果。 三、优化钢琴演奏基本功训练的相应对策 1.识谱能力训练 受训者能否弹好一首乐曲的重要因素之一是识谱能力的高低,真正的表演不在于能否正确地理解音响语言的书写记号,而是要深入发展自己对音乐语言深层含义的理解程度。影响许多学生读谱质量的一个因素是一种急于求成的心理状态,如果学生识谱能力较差。总是在回课时对识谱错误百出,这就给教学计划带来了不利影响。在实际操作过程中,尽管学生能够轻易地认识每一个音符,但是这些音符通过不同方式的组合之后,再反应到学生的双手上,就需要有一个过程和一段时间来理解和消化。因此,这就需要学生不能急于求成,而是应该放慢速度,逐渐提高自己的读谱质量和对乐谱的反映能力。实际上,音准、节奏、指法、表情符号等各个要素都是在识谱时要一次性看准的地方,因此识谱是一种综合能力的体现,在具体的演奏过程中,有的学生在注意音的高低的同时忽视对节奏的准确性把握,这就需要教师在学生的学习初期,一定要注重加强对学生识谱能力的培养.让学生在演奏过程中心平气和,找准每一个音的键盘位置,并能够准确地演奏。并且,前一个音被准确演奏同时,学生的眼睛要有超前意思,能够快速定位于下一个音,时间一长,学生的识谱速度和准确性就能不断提升。 2.基本手指训练 十指是弹奏钢琴最直接和最敏感的器官,手指是钢琴演奏技巧的物质基础,手指练习也就是人们经常提及的手指机能训练。学生在钢琴演奏的过程中,每只手的五指是否能够得到全面和均衡的发展,直接决定了学生能否对各类音乐作品演奏成功。不同的钢琴作品有不同的技术特点,同时也体现出不同的技术要求。学生进行五指训练的目的在于让每个指头能独立、稳定、均衡、清晰和敏捷地弹奏,由于生理因素,人们的手指各有不同的特点,具体而言,二、三指一般较有力。四、五指则对其他手指有依附性,具有较差的独立性,很容易在弹奏中被牵动。因此,这就需要训练者要坚持不懈地认真、持续训练.良好的练习效果也就能够显现出来。 3.弹奏中的触键训练 作为一种开放式的表演艺术,钢琴在演奏中不但要具备良好的技巧,而且还要能够根据不同风格的作品来进行不同的情感表达。一切练习都是为了掌握炉火纯青地展现乐曲内容的技术,因此,技术是演奏的表现的基础,同时,训练者如果忽略对发音的讲究,不重视研究丰富多彩的音色变化和情感变化,只是一味地追求快速、响亮的音响.再好的作品、再熟练的技巧也难以收到较好的艺术效果。如何把握钢琴演奏中音色的控制.或者说是把握各种触键方法,是能否正确传达音乐情感的重中之重,训练者如果一味地进行技术训练,训练者的训练时间一长,自然会感到枯燥乏味,音乐灵感也就无从谈起。 要解决技巧,先要解决对音乐的理解,这是因为有多少种不同风格的乐派剧作家,就有多少种不同的技巧。一个优秀的钢琴演奏者总是力求在演奏过程中充分表现作品的内涵,并以此最大限度地激发和感染观众。这就需要训练者一方面要对乐曲的风格进行深入研究,另一方面还要研究和设计各种不同的触键方法,从而把乐曲所要表达的艺术情感传导给听众。不同的触键方法会产生不同的音色和音响效果,一个演奏者的下键力度及速度的控制能力越强。你演奏的音乐层次感就越强。具体而言,当力度相同时,下键速度越快,声音也就相应越明亮.并越能表现出“颗粒性”,相应地,下键速度慢。声音就会相对柔和,如果再伴有力度变化,这种声音的变化则更加明显。因此,为了演奏出所需要的各种音色,训练者不仅要掌握各种触键方法,而且还应该不断锻炼自己在弹奏中的下键力度变化的控制能力。 4.采取有效的教学方法 从目前来看,生成式教学是能够充分体现师生之间的互动的一种有效教学方式。具体而言,生成式教学方法在钢琴演奏基本功训练教学过程中,可遵循如下四个步骤实施运用。首先,要确定钢琴演奏基本功训练教学目标,其次,要为受训者搭建科学系统的教学内容,再次,教师要形成正确的教学思路,最后,教师要在教学结束后善于总结教学中的经验和不足,从而指导下一轮教学。 钢琴基本功教学论文:浅谈钢琴教学中的基本功训练 法国作家雨果曾有过一句话:"开启人类智慧宝库有三把钥匙,一把是数学,一把是文字,一把是音符"。这充分证明了音乐的重要性。随着当今社会教育事业的发展,音乐在教育中的作用已逐渐被人们发现而得到重视,这是社会的进步和文明发展的标志。而作为"乐器之王"的钢琴也越来越被人们所热衷,社会上学习钢琴的热潮久盛不衰就是一个很好的证明,而且更加趋向于低龄化。但同时在教学过程中也暴露出来不少问题,最主要的是教师和学生盲目追求高难度的曲目,而忽视对基本功的训练。因此,基本功的训练是现在钢琴教学中尤为重要的一个方面。 学习钢琴是一个艰苦而又漫长的过程。通俗地讲,就像盖房子一样。盖房子要打好地基,学习也要打好基础,这是一样的道理。因此,基本功的训练是关系到钢琴学习成败的重要因素。 一、 要掌握扎实的音乐理论基础 在学习钢琴的过程中,扎实的理论基础是很必要的。它关系到演奏者对乐曲的理解。只有熟练掌握乐曲中的理论知识,理解乐曲的意境,演奏者才能弹奏出好的作品。 作为教师,在钢琴教学中要具体的讲解作品中出现的乐理知识,如:音符的长短、力度记号、速度记号,让学生掌握正确的节奏、节拍,表情术语、曲式结构、调性变化等等,根据乐曲的特点;来进行弹奏,做到理论与实践相结合,这样才能把理论贯穿于弹奏当中,理论基础越扎实,学习钢琴的道路就会走出捷径。 二、要掌握正确的弹奏方法 很多钢琴学生在弹奏时,没有掌握正确的弹奏方法,胳膊、手腕都绷得紧紧的,不能放松,或是手指软弱无力,更不会正确地弹奏断奏、连奏,这就是因为初学时没有打好基础。 什么是正确的弹奏方法呢?可归纳成简单的一句话:总体的、持续的放松与局部的、暂时的紧张相结合的方法,这是既先进又科学的弹奏方法。总体的、持续的放松指的是:在弹奏的整个过程中,手、臂、肩、背直至整个上身,始终保持放松、自然。局部的、暂时的紧张指的是:正在触键的手指尖关节需要用力,而其他手指和臂、肩、背等仍要持续地放松。当这个手指弹奏完毕时也要立即放松,轮到另一个手指弹奏时,另一手指的指尖关节在触键的瞬间再用力,这种弹奏方法才是最正确的、最科学的。 正确的弹奏方法是弹奏一切音乐作品的基础,只有很好的、全面的掌握,弹奏技术才能提高,弹奏的琴声才优美动听,给人以艺术的感染力,才能够让听者有身临其境的艺术感受。 三、 要加强基本练习的弹奏 在钢琴教学中,很重要的一部分是对基本联系的重视和加强。这不但可以充分练习学生的手指弹奏的灵活度、力度,更为学生将来的弹奏打下坚实的基础。如在钢琴教学中,要重视最基本的五指练习、音阶和琶音,初学者可以从汤普森练起,弹完几册之后,可以逐渐加入哈农的练习,再配合一些简单的小乐曲,通过练习使手指既有力、均匀又有速度,达到真正的协调,手就"顺理成章"地弹出来了。如:各种乐曲中的琶音、快速经过音、还有一些华彩乐段等等,不胜枚举,让学生在弹奏中逐渐掌握对乐曲的理解,到最后才能演奏出大型的作品。 在钢琴教学中重视基本功的训练,会让学生掌握良好的弹奏技巧和方法,提高演奏水平,使学生在学习钢琴的道路上走的更远、更好。 钢琴基本功教学论文:高校钢琴教学中基本功教学的再认识 【内容摘要】钢琴基本功是整个钢琴演奏的基础,因此,普通高校钢琴的学习必须重视对基本功的训练,只有循序渐进,才能真正学好钢琴。所以,应充分认识钢琴基本功在钢琴演奏中的重要地位,并进行科学、有效的训练,将会对提高钢琴的演奏水平有重要意义。 【关键词】普通高校 钢琴教学 基本功 重要作用 一、钢琴基本功训练的作用 在钢琴演奏中,想要正确地表演出作品的力度、速度、节奏等特点,强调和声、曲式、复调等音乐元素,突出音乐的主题思想与音乐形象,清晰地演奏出作品中的每一个音符,就必须具备扎实的钢琴基本功和高超的演奏技巧,只有这样才能展示出音乐的艺术形象,揭示出音乐的作品内涵。俗话说“台上三分钟,台下十年功”,平时进行大量的基本功练习可为今后的钢琴演奏打下良好的基础。笔者在钢琴教学中发现。很多学生急于求成,自身的钢琴基础都没有打好就选择一个难度较大的或者是自己勉强驾驭的钢琴曲作为练习的目标,这种方法是不可取的。 由此,笔者想到了那些将钢琴考级作为学习钢琴目的的学生们,为了考级,他们有的用两到三年的时间专门练习几首乐曲,甚至用一年的时间就能够考到十级水平,却不能够将一首十级以下的乐曲独立完成演奏,试问这些忽视钢琴基本功的练习,即便是拥有了十级证书就真的那么神奇吗?实际上,之所以出现这些问题的原因就是家长或学生急于求成的心理造成的,使学生在演奏技术方面出现问题,例如,手指粘连、跑动不清晰、指尖无力且站立不稳等。从中我们可以看出,钢琴基本功练习是非常重要的环节,各环节的训练需要一个长时间的循序渐进的过程。笔者在教学过程中,先将每一个基本功的练习方法教给学生,然后规定学生每天练习的时长、练习的次数,告诫学生在练习的过程中需要注意的问题,通过学生对基本功的训练,使钢琴的基本功练习如同声乐的发声练习和舞蹈的基本功练习一样习以为常,把钢琴演奏基础打好、打牢。 二、钢琴基本功的训练方法 (一)在放松状态下进行钢琴弹奏 初学者在学琴时听到最多的词语就是放松,这个词语听起来就两个字,但做起来却比较难。由于初学者对于坐姿、手型、触键动作、手指发力等方面内容的不适应,非常容易导致相关肌肉的紧张,整个身体都不能够很好地放松。例如,有的学生会出现肩部突起,有的手臂紧紧夹在腰的两侧部分,有的则是手指突然悬空放置而不会发力等,这些都是没有放松的具体表现。遇到这些问题时,钢琴教师首先应该指出学生存在问题的原因,让学生能够认识到放松是钢琴演奏的基础,在钢琴演奏中占据着重要地位。钢琴演奏并不是简单的靠手指敲击键盘的机械运动,而是靠肩膀、手臂、手腕等关节的自然放松,将力量自然传送到手指尖上,进而完成规范性的触键活动,倘若出现某一个小部分的紧张,这一力量是无法传送到指尖的,更谈不上触键动作了。其次教给学生具体的练习方法。在练习的时候,先让学生站起来让双手自然下垂,并可以前后自然地摆动几下,感受手臂放松的基本状态,再要求学生做好姿势之后,两手自然地放在大腿上,学生不要用力,教师轻轻地将学生的手抬起、抛下并来回摇晃学生的手臂,经过反复的练习之后,可以让学生真正地体会到放松的状态,最后再让学生摆好手型在钢琴上进行触键练习。需要指出的是,由于每个人的条件不同,因此,无论是坐姿还是手型等都不是固定不变的,都需要教师和学生共同把握好自然放松的演奏状态。 (二)采用高抬指形式训练手指的独立性 钢琴学习中最基础、最常用的技巧就是音阶方面的弹奏,音阶的弹奏需要体现出跑动性、流畅性、清晰性、颗粒性。练好音阶需要手指触键要快、要有爆发力,指肚与琴键呈垂直状态,这样弹奏出来的声音才能结实而又清脆。为了达到这种弹奏效果,在钢琴教学中不妨采用高抬指的教学形式,高抬指能够在训练手指独立性、提高钢琴技巧方面发挥非常重要的作用。触键之前的预备动作就是高抬指,触键之后马上就要恢复放松状态。当在练习高抬指时,整个手臂要处于放松状态,依靠手指关节的瞬间发力,将力量全部集中在指尖上,快速触键,整个过程注意力要集中,速度要快,触键要到底,爆发力要充足。同时还要感受手掌在此过程中的支撑感,将每一个音都能够送到底,演奏出来的声音才能做到饱满、清晰、明亮。 (三)琶音的练习方法 琶音是在音阶的基础上运用比较广泛的一种演奏技巧,在音乐的旋律中非常常见。琶音的练习中,重要的是大拇指的运用,整个手掌要达到放松、自然、稳定并且还要让音乐自然地流畅起来。但是在钢琴琶音的练习中,大多数学生在演奏的时候,由于大拇指的不放松或是没有充分的准备从而影响琶音的演奏效果,所以大拇指在穿越时,应该提前准备好,把大拇指早早地准备在手掌里面。弹奏琶音的同时,达到放松、自然,用手腕带动整个手掌横向移动,力量也随之横向移动,在移动的过程中达到力量的转移。 (四)跳音的弹奏 跳音的演奏又称断奏,演奏的跳音要又短又快,跳音的时值要是弹奏音符本身时值的一半,跳音要集中所有力量在这一瞬间爆发出来,在指尖接触琴键之后要迅速离开,向上弹起。在众多的钢琴音乐作品中,基本上在每首钢琴作品中都会出现跳音现象,而大多数的学生在演奏跳音的时候容易过度用力,把弹钢琴变成“砸钢琴”了,使本应该属于活泼、可爱的跳音变成了笨拙、用力的跳音,反而给听众与观众造成不一样的视听效果。通常情况下,跳音分为手指跳音、手腕跳音和手臂跳音三种演奏方式,这几种跳音的弹奏形式都是普通高校钢琴教学基本功中的重要部分。 1.手指跳音 手指跳音的演奏方式是力量从手指上进行弹跳,身体放松,手臂放松,手腕放平。这就要求手指具有相当的灵活性,弹奏的跳音要轻盈、富有弹性。 2.手腕跳音 手腕跳音的演奏方式要求手腕放松,力量要从手臂到手腕再到手指,这样的演奏方式对于初学者有很大的帮助,能够达到跳音的视听效果,但是这种跳音的演奏往往适用于慢速、轻巧的音乐。 3.手臂跳音 手臂断奏的演奏方式仍然要求手腕、手臂放松,靠的是手指迅速击键然后富于弹性地抬起,较之前的手指跳音与手腕跳音,这种演奏方式主要靠的是手臂,手臂放松,让力度自然地从手臂中折射到钢琴上来进行弹跳演奏。 (五)八度与分解八度的演奏方式 钢琴的八度演奏是衡量一个人能否进行钢琴演奏最基本的一种演奏方法。八度的演奏正是验证一个人手掌是否能够有一定的跨度,是否具有一定的支撑感,因为在众多的作品中存在着八度或者八度以上的音域,所以要求手上必须能够达到这样的跨度与支撑力。 八度演奏分为和音演奏与分解八度演奏。这两种演奏方式都是需要大拇指与小指来进行演奏,和音八度在演奏的时候,首先是要有一定的力度,其次是大拇指与小指要支撑住,尤其是小指要抓紧琴键撑住,初次练习时,对于手小的练习者来说,稍有点费劲,但是只要持之以恒,每天练习会有一定收获,随着练习次数的增多,大拇指与小指之间的跨度也随之变大;八度分解的练习中,除了跨度的要求之外,在音与音之间的连接上尤为注意力度的转移,要及时做到力度从大指转到小指上,而且一定要注意速度放慢,循序渐进,一步步加快速度,从而做到每一组八度的独立性以及灵活性。 (六)提高普通高校学生识谱能力的训练 识谱能力是普通高校钢琴学习者必须具备的基本功。在钢琴教学过程中教师必须对学生的识谱能力进行训练。其中读谱是演奏每一首乐曲的前提条件,这需要演奏者弄清不同音符指尖的数学关系、不同时值音符的记录方式、不同谱号与调号指尖的联系,不同节奏、节拍与拍号的联系等,可以说,读谱的正确与否直接决定着对作品内涵的理解与表现,直接决定着对作品风格的诠释与把握。对于学习者来说,读谱、识谱的能力非常重要,它直接影响着演奏水平的高低,因此,平时在钢琴的弹奏过程中普通高校的钢琴教师应该注重通过训练学生的识谱能力,来加强学生自身在识别音符、寻找手指位置、确定手腕高度、手指手型等方面能力的锻炼,只有加强了这些方面的练习后,才能及时为大脑提供正确的、需要弹奏的音符信息,倘若出现错误时也能够及时予以纠正。因此,教师有必要在教学过程中加强对学生识谱能力方面的练习与指导,以便让学生能够更好地进行钢琴演奏。 总之,钢琴基本功的练习需要长时间、系统化、规律化的练习才能够打下扎实的基础,钢琴的基本功训练要从旋律、音色、力度、速度、节奏等方面下手。基础的也是必备的,基本功也是必须经过多种练习才能达到一定的水平,这也是学生提高自身演奏水平的重要保障,因此,在钢琴教学过程中必须重视对钢琴基本功的练习。 作者单位:郑州大学西亚斯国际学院音乐学院 钢琴基本功教学论文:谈钢琴教学中的基本功训练 摘 要:音乐作为一门陶冶性灵的艺术,受到广泛的喜爱。世界上的乐器超过千百种,各有各的特点和长处。在所有的乐器中,青睐钢琴的人更多。原因在于钢琴音域宽广、音量变化幅度大,而且是最理想的和声乐器。在钢琴教学中,基本功的训练十分重要。本文将主要对钢琴教学中基本功训练的内容进行分析和探讨。 关键词:钢琴教学 基本功 训练 乐理 随着人们生活水平的提高和人才竞争的加剧,文化水平得到高度重视的同时,综合素质的培养也成为许多学校和学生家长关注的重点。音乐既能陶冶情操又能提升气质,更成为家长眼中的新宠。钢琴作为乐器之王理所当然受到更多的推崇。但钢琴是天赋和后天学习的结合,基本功是否扎实直接影响着在音乐道路上的发展和表现。所以,对基本功进行训练显得尤为重要。 一、演奏基本功的训练 现代钢琴一般都有88个琴键,音域十分宽广,它可以独自组成并展示一个完美的音乐世界。很多人都是从幼年时期就开始学钢琴的。我们在评论一个人的钢琴弹的好坏的标准之一就是基本功是否扎实。对于钢琴初学者来说,演奏基本功是最开始训练的,也是最基础的部分。 1、读谱和背谱 正确读谱、背谱是准确演奏的首要前提,是正确诠释作品,完整表现作品的必备条件。在钢琴乐谱上,除了常规的音符和节奏外,还有一些很重要的标示。这些标示在一定程度上诠释着乐谱的风格以及谱曲者所要表达的意思。这正是每一个作品区别于其他作品的地方。对于学琴的人来说,读谱是他们要克服的第一个难关。有些学生音乐基础很薄弱,视奏能力很差,这样在练习曲谱时,眼睛死盯着键盘,看完左手看右手,完全放不开,更谈不上运用自如了。所以,我们要在练习过程中注重学习者视奏能力的培养。在视奏之前先要读谱,注意节奏变化的地方和容易失误的地方。另外,在弹奏的时候要做到眼、耳、手并用。眼睛要走在前面,这样手才可以灵活和准确,耳朵认真听弹出来的效果,然后反馈给大脑,对不好的地方及时做出调整。 2、手型以及独立性和灵活性 要弹好钢琴,正确的坐姿和手势是很重要的。专业与否,一看便显露无疑。琴凳的高度要适宜、双肩要自然垂下,指关节要立起来,不能折指。在弹奏过程中,如何将一个音符或一段曲子准确的表达出来,手指的独立性和灵活性很重要。手指之间既要保持相对独立,互不影响,又要具有很强的灵活性和协调性。因为钢琴是比较大的乐器,琴键很多,手指在键盘上的跑动的练习很重要。在教学过程中强调手指的独立性,并要求学生重视各类练习曲与哈农的练习。 3、对节奏的把握 在音乐中长短相同或不同的音符或休止符按一定的规律组织起来成为节奏。节奏是音乐的基本因素之一。在教学中,教师往往更重视弹奏技巧的教学而容易忽视学生对节奏的把握。这样容易造成学生因为把握不好节奏而丧失学习的信心和兴趣。老师在教学生练习一个新的作品时,因为学生不熟悉,所以往往会选择慢练,这样即使最后熟练了,节奏还是把握不准确。而且慢练的时候,因为节奏缓慢容易让学生丧失激情,最后昏昏欲睡,非常影响训练效果。所以可以选择充满激情的乐曲进行教学。与此同时,教师可以让学生一边练一边数拍子,学生的注意力自然而然就会集中,训练效果也就事半功倍。 二、乐理的学习 对于学习钢琴的同学来说,乐理知识的学习有很重要的意义。经常会有人认为钢琴弹奏并不一定意味着要有很好的乐理知识,其实并非如此。有大量的教学经验证明,当学习者拥有较好的乐理基础知识时,学习起来会更快更有效。原因在于,如果学习者懂得了和声的语言规律,演奏起来就会更有逻辑性,音乐表达能力也就越好。如果用学习一篇文章来比喻的话,就是,懂得乐理的人会知道文章怎么分段,大纲是什么,哪些句子经典,作者想要表达的中心思想是什么。这样就不仅仅是停留在对生字词的认识和学习上了。文章理解起来也就更容易。钢琴学习也是一样,学会了乐理知识,在弹奏过程中就会学习和总结乐曲的规律,举一反三,学习起来更容易,效果也就更好。一首曲子往往是通过其特定的节奏来表现特有的风格。很多曲子我们一听就知道是喜庆的曲子还是夜曲等。懂得了如何欣赏,学生的积极性也会越高。 三、掌握正确的方法 1、要有正确的坐姿 正确的坐姿反映了演奏者是否专业。另一方面,正确的坐姿才能保证正确的重心。重心稳了,身体的各个部位才能达到一致和协调,手指才能活动自如。在练习过程中,上臂与前臂形成一个略微大于90 度的钝角,座位与琴键的距离就基本合适了。 2、正确的手型 在钢琴弹奏中,没有固定的手型模式。但对于初学者来说,必须强调这一点,因为正确的手型能让他们养成良好的习惯,训练起来也更容易找准位置,得心应手。手指自然弯曲,同手掌一起构成一个半圆形,呈空握球状。琴键上手指应该分开,最好是一个手指对准一个琴键。 四、基本练习的弹奏 基本练习曲就是整个钢琴弹奏技术的基础。在钢琴弹奏者里面,天生异禀的是极少数,大多数人都是要通过后天的勤奋练习。要让手指能够快速而准确的进行弹奏,从学习的开始就要不断的进行练习。每一首乐曲都会涉及到一些弹奏技巧,但并不是所有的弹奏技巧都会在同一首曲子中体现。所以在练习的时候要选择专门用来练习的曲目。只有经过不断练习,才能挑战难度更高,技巧更多的曲目。弹琴者要做到脑、眼、手、耳的高度统一。弹奏的效果跟演奏者的生活环境、个人修养以及情绪等有关。 总而言之,随着人们生活水平的提高,人们越来越重视个人素质的提升。学好数理化也不再成为学生和家长的唯一目标了。钢琴作为乐器之王受到很多人的青睐。钢琴学习十分注重基本功的训练,教师在教学过程中要重视基本功的练习,重视基础乐理知识的学习,这样才能迅速获得进步,领会钢琴这门艺术的奥妙,获得长足的发展和进步,从而在音乐上有一定的造诣。 钢琴基本功教学论文:入门基本功在钢琴教学中的重要性 【摘 要】由于人们对艺术的追求尤其是钢琴学习方面不断的膨胀,大部分的家长和学生要求在短时间内达到一定的程度,更在乎社会的“现实要求”从而忽略了基本功的练习。而现代钢琴教学有必要钻研基本功教学,进而引领学生更深入的学习钢琴。为此,分别从基础中的基础、手型手指特点、手指独立性培养和手指基本弹奏动作几方面进行了基础教学的研究。从而引起教育者和求学者的深思,以完善钢琴教学体制。 【关键词】钢琴演奏;基础;手指;支撑 随着改革开放的步伐,人们的生活水平不断提高,文化修养也不断提高,随之人们对建立在文化基础之上的艺术的追求也迅速膨胀起来。可盲目的膨胀带来的不良后果,却很少让家长与学生自己反思。如今,大量的人们在学习钢琴,可有所成就的比例少之又少,大部分家长与学生的要求是让学生在最短的时间内达到一定的程度去,去适应社会考级,甚至要求速成。如果老师真按照这类家长和学生的心理要求教学,造成的后果是基本功练习的欠缺,以致根基不稳。一番阶段性练习过后,教师却无法引领学生进入更深的层次,使很多学生不得不遗憾的终止了钢琴的学习。钢琴演奏是一门艺术,是体力劳动与脑力劳动互相综合的活动,演奏者必须具备相当高的技术才能完成,而掌握这些技术并不是几个月或更短时间就可以完成的,而是需要漫长而艰苦的过程。 钢琴的入门阶段是整个钢琴学习过程的基础,对学生日后对钢琴学习的理解和态度都起着最为重要的作用,不可小视,所以笔者从以下几个方面来阐述钢琴教学中入门基本功的重要性: 一、基础中的基础 站要有站相,坐要有坐相。弹琴时,脑、眼、手、耳、脚同时运用,那么一定要有一个适合自己高矮的琴凳,同时要确定座位同钢琴的最佳距离。弹奏的正确姿势,要在自然、放松的基础上才能做到座位、脚、手这三个重要支点的平衡与协调,教师应以亲身示范来增加学生的认识。 二、钢琴弹奏的手型及手指特点 “几乎任何一种手的姿势都可以行得通,只要是这种姿势合适,符合手的构造,符合音乐组成的高低起伏,更重要的是不破坏动作的统一。”客观上,没有一成不变的手型,任何人演奏也没有固定不变的手型模式,但作为初学者,我们必须给学生一个正确的标准,因为人的手和手指具有一种最适应于键盘排列结构的状态,我们可以把这种状态理解为基本手型。 不良手型一旦形成,会影响指力的传导,以至于不能获得正确的声音,并会影响手指的快速跑动,还会形成多余动作,紧张等状态,养成弹奏的僵硬和力量的浪费。 三、手指独立性的培养 钢琴演奏的基础是手指,手指的基础在于手指的独立支撑,手指的支撑是站立式钢琴弹奏的基础。长期的教学实践与观察中,我发现,很多教师或者学生没有把手指支持的训练放到一个重要的位置,以至于为日后的演奏带来很多的问题和麻烦。我认为在钢琴入门阶段,手指的独立支撑训练要占据一个非常重要的地位,要作为一个专项予以足够的关注。手指的支撑是相对的,并不是绝对的。手指是支撑手臂的支架,但手臂又是身体传导力量的桥梁,他们相互作用并牵制着。以下是对每个手指的逐个分析: 1指的特点,有些学生弹一指时掌关节不能支撑,一承受重力就会塌陷,必须加以纠正,通过外力让关节凸出。经过一定时间的训练,肌肉能力增长了,慢慢可以恢复。这个阶段切不可急于求成,无所顾忌地错误训练。 2、3指的特点是比较有力,但第一关节比较薄弱,容易塌陷,所以要十分注意。 4指是最不灵活的手指,力量比较弱,未经训练的4指往往依赖于其他手指,不够独立。如忽略其特征而非不断加以纠正,力度便无法集中。所以,在练习中要坚持正确的锻炼,并给予特殊的关注。不可急于求成,欲速则不达。 5指是最为柔弱的手指,支持力最差,所以我们见到很多学生都是让5指躺着弹奏,这时,教师一定要加以指导。小指的关键在于第一关节与第三关节的凸起,教师可以让学生练习之前把正确姿势摆好,而后坚持几分钟。日积月累地训练后,肌肉的力量增强了,小指的支持问题便迎刃而解。 五个指的不同特征,造成了它们容易形成不同的毛病,但我们应确信,经过认真训练,不急于求成,完全可以改掉毛病,养成各自的弹奏独立性,使手型规范,达到弹奏的正确状态。 了解了五个手指的特点,要完成手指在弹奏中的正常支撑还需要注意以下两点: 第一,大家知道,手指的结构是有多个活动关节组成,以适当的肌肉紧张来组织手指的各活动关节,共同协作去完成每个动作的支撑准备状态。 第二,利用合适而有益的练习来训练各个手指的灵活度与力度,使其逐步具备独立承重的支撑能力,达到相互平衡协调的各个手指之间的关系。 四、手指的基本弹奏动作:断奏与连奏 手指独立了,支撑力强了,接下来就可以让学生学着在琴键上“走路”了。 断奏相当于孩子站稳了,开始迈步的时候。抬脚相当于提腕,提腕的力量来自于手臂的肌肉,手腕要习惯放松,手臂手腕要协调,接下来就是降落的过程,自然地降落。降落后的手指保持的姿势就是前面提到的独立。弹琴的手指独立地支撑,做好基本的手型。这个过程非常关键,一定要体会手指的支撑与肩、肘、腕以及身体的放松。必须完全达到要求,才可以继续以后的课程,不可急于求成,这个阶段是基础阶段,一旦形成不好的毛病,便很难改变,甚至影响一生。 连奏要记住以下几个要点: 1.手指的抬指动作主要产生于第三关节。 2.已经弹琴的手指不动,其余手指要以第三关节为轴,尽量不要太高,做到灵活,放松。 3.在击键过程中,力量要集中于指尖,第一关节要有“抓住”的感觉。 4.每一次抬指动作的重复不可过快,要有充分的准备与思考的时间,考虑好手型是否正确,力量是否放松等因素。 弹琴不是天生就会,是需要长时间的刻苦训练才能达到的境界。在整个钢琴学习中,基本功的训练不可忽视,它会影响学生的一生。以上笔者仅对最基本的共性问题谈一谈个人的感受与经验。身为钢琴教师,让我们为了钢琴事业不断学习,探究吧! 钢琴基本功教学论文:钢琴教学手型基本功练习的重要性探讨 【摘要】钢琴演奏是一门艺术,是体力劳动与脑力劳动互相综合的活动,演奏者必须具备相当高的技术,而手型手指的基本功练习是钢琴入门阶段的基础,也将贯穿在整个钢琴学习过程的始终,对学生今后更高层次的钢琴学习和对钢琴的理解与态度都起着重要的作用,不可小视。为此,本文分别从基础中的基础、手型手指特点、手指独立性培养和手指基本弹奏动作几方面进行了基础教学的探讨。 【关键词】钢琴教学手型手指基本功练习 随着人们对精神文化需求的增长,大量的人们在学习钢琴,可有所成就的比例少之又少,大部分家长与学生的要求是让学生在最短的时间内达到一定的程度去,去适应社会考级,甚至要求速成。如果老师真按照这类家长和学生的心理要求教学,造成的后果往往是基本功练习的欠缺,以致根基不稳。一番阶段性练习过后,教师却无法引领学生进入更深的层次,使很多学生不得不遗憾的终止了钢琴的学习。因此,手型手指的基本功练习对学习钢琴十分重要,不容忽视。 一、钢琴学习中手型手指基本功的相关阐述 弹钢琴的手型,是几百年来人们经验的总结,有其科学性,在学习中要遵循这种规律,另一方面,学习过程中如果手型过于固定,死板,也会产生另一种偏向,因而对手型的要求也必然更自由。有一个好的手型,关键是指掌关节五指指关节的站立。手腕与黑键键面基本保持在一个水平高度,掌关节站好并略突起,使手掌成拱形。保持手型,主要靠大指和小指的支撑,这两个手指的形状和位置不同于其它手指,大指短而粗,小指细而小,它们都位于手掌的外侧,容易躺着触键,致使手型七扭八歪。如果它们能站好,那么基本手型也就容易保持。 客观上讲,钢琴演奏中没有某种固定不变的手型。“几乎任何一种手的姿势都可以行得通,只要是这种姿势合适,符合手的构造,符合音乐组成的高低起伏,更重要的是不破坏动作的统一。”然而,对于初学钢琴的孩子,正处在学习钢琴演奏的基础阶段,我们又非常强调培养一种正确的基本手型。这是因为,为适应钢琴键盘的排列结构和弹奏技巧,需要人的手和手指具有一种有利于弹奏动作和弹奏力的运用与传送的正确状态。这种状态要最符合人手的天然长势和手指动作的生理机能(也就是人类最放松时的手型,比如睡觉时手的形状)。于是,我们把这样一种手的弹奏状态叫做基本手型。我们在入门和基础阶段强调的所谓正确手型,从某种意义上来讲,不可视为绝对的、一成不变的东西。希望家长们了解这一点,不要把某种手型,或者说某种基本手型视为一种绝对的东西,认为只有某一种手型才是正确的。 二、儿童学钢琴常见的困难与对策 儿童未经训练的柔弱小手在不具备弹奏需要的肌肉能力时、极易形成弹奏手型的不良姿势和不良动作习惯。对种种不良手型,不在此一一例举。概括起来,不良的手型主要表现在两个主要方面: 首先是指甲关节(通常称第一关节)和掌关节(通常叫第关节)塌陷呈凹状,这个问题的主要危害是不能获得正确的发音、以后会影响到手指快速跑动。 其次是出于弱指的软弱使它们在站立和弹奏时会产生某些手指的多余动作和多余紧张。它可能表现为某些手指相互依靠、或某些手指伸直、卷曲等。这会直接影响正常弹奏,造成弹奏的不均匀、僵直生硬和能量的浪费。 纠正不良手型主要依靠加强手指的独立支撑能力来解决。用一个极普通的例子可以说明:凡站立有困难或缺陷的人、走路的姿势必定不正常,出怪相。手指也是一样,只有当肌肉能力发展到每个手指不依赖其他手指帮助而独立支撑,不牵动其他手指产生多余动作和多余紧张而独立动作时、基本手型就形成并真正得到了巩固。 1、如果孩子掌关节凹陷,可把一只乒乓球放进丝袜中,绑在孩子手上(球在手心部位)再弹琴,这样坚持一段时间,会有一定的成效。 2、让孩子双手十指相对作抱球状,每对手指不停地做分开、相碰动作。(但手指必须是自然弯曲状)。 3、也可将以上两种方法结合起来,将双手分开平放在桌面上,十个手指不停的轮番敲打桌面,也能达到训练目的。 4、找一些简单抒情、指法不太复杂的乐曲慢速弹奏,要求孩子弹每个音的手指动作都要达到标准要求。 三、培养手指独立性,适应钢琴弹奏的需要 钢琴演奏的基础是手指,手指的基础在于手指的独立支撑,手指的支撑是站立式钢琴弹奏的基础。长期的教学实践与观察中,我发现,很多教师或者学生没有把手指支持的训练放到一个重要的位置,以至于为日后的演奏带来很多的问题和麻烦。我认为在钢琴入门阶段,手指的独立支撑训练要占据一个非常重要的地位,要作为一个专项予以足够的关注。手指的支撑是相对的,并不是绝对的。手指是支撑手臂的支架,但手臂又是身体传导力量的桥梁,他们相互作用并牵制着。以下是对每个手指的逐个分析: 1指的特点,有些学生弹一指时掌关节不能支撑,一承受重力就会塌陷,必须加以纠正,通过外力让关节凸出。经过一定时间的训练,肌肉能力增长了,慢慢可以恢复。这个阶段切不可急于求成,无所顾忌地错误训练。 2、3指的特点是比较有力,但第一关节比较薄弱,容易塌陷,所以要十分注意。 4指是最不灵活的手指,力量比较弱,未经训练的4指往往依赖于其他手指,不够独立。如忽略其特征而非不断加以纠正,力度便无法集中。所以,在练习中要坚持正确的锻炼,并给予特殊的关注。不可急于求成,欲速则不达。 5指是最为柔弱的手指,支持力最差,所以我们见到很多学生都是让5指躺着弹奏,这时,教师一定要加以指导。小指的关键在于第一关节与第三关节的凸起,教师可以让学生练习之前把正确姿势摆好,而后坚持几分钟。日积月累地训练后,肌肉的力量增强了,小指的支持问题便迎刃而解。 五个指的不同特征,造成了它们容易形成不同的毛病,但我们应确信,经过认真训练,不急于求成。完全可以改掉毛病,养成各自的弹奏独立性,使手型规范,以适应钢琴弹奏的需要。 手指独立了,支撑力强了,接下来就可以让学生学着在琴键上“走路”了。断奏相当于孩子站稳了,开始迈步的时候。抬脚相当于提腕,提腕的力量来自于手臂的肌肉,手腕要习惯放松,手臂手腕要协调,接下来就是降落的过程,自然地降落。降落后的手指保持的姿势就是前面提到的独立。弹琴的手指独立地支撑,做好基本的手型。这个过程非常关键,一定要体会手指的支撑与肩、肘、腕以及身体的放松。必须完全达到要求,才可以继续以后的课程,不可急于求成,这个阶段是基础阶段,一旦形成不好的毛病,便很难改变。 四、结语 孩子弹琴时手型不标准并且很难纠正,或是纠正后又不能保持,几乎所有学琴的孩子都遇到过这个问题。关键是在初学钢琴的早期,就应注重正确手型的训练,如果让一些不良习惯养成便会根深蒂固,即使日后努力纠正获得成功,也难免今后还会在无意间再度恢复,给日后的继续学习和提高演奏技巧造成重大障碍,所以这也是最令家长头疼的问题。小孩子正处于成长发育期,指骨、肌肉、韧带还都十分柔嫩,缺乏力量,所以作为家长,切不可指望在短期内就能让孩子练好手型。必须要耐心地帮助孩子,不厌其繁地提醒孩子注意保持手型。 钢琴基本功教学论文:浅析幼儿钢琴教学中兴趣的提高和基本功的练习方法 摘要:钢琴教学是一种较为庞大的音乐教育活动。近年来,我国许多钢琴教育工作者在依据不同的学生进行有针对性的实践分析和理论研究。许多钢琴教育文献也开始建立起较为完整的教学设计和教学模式。 关键词:幼儿钢琴 兴趣 基本功 一、幼儿在钢琴学习中的优势与劣势 幼儿的心理发展可分为前期与后期。 前期,0岁到3岁。这一时期,孩子的运动能力发展非常快,但这一阶段处于没有自我意识的状态,也没有抽象思维能力,所以,在前期不能进行高级智力活动。 后期,3岁到6岁。这一时期,记忆力开始逐渐发展,注意力的集中能力方始具备。 (一)幼儿在钢琴学习中的优势 1.有足够的时间接触音乐 幼儿在学习钢琴期间没有其他的学习压力,可以边玩边学习有关的钢琴知识。而随着孩子年龄的增大,学习压力也会相应的增加,学习钢琴可能就不会全身心地投入了。 2.有益于手指能力及手掌关节的发展 具备较长的手指和较宽厚的手掌是学钢琴较为理想的前提。在通过初期的练习,在孩子成长过程中渐渐打开孩子的手掌关节,使其手指赋予灵活性,可以为今后打下良好的底子。 (二)幼儿在学习钢琴中的劣势 1.注意力集中时间不长 幼儿的注意力最多只有二十分钟,他们往往学琴会有始无终,只会在自己感兴趣的情况下才会练习一下,过多的重复练习会让他们觉得枯燥无味,从而注意力开始不集中。 2.控制手指的能力相对较弱 幼儿的思维能力并不成熟,所以对自己身体的控制能力并不是很好。他们的手指无力,对手型的支撑并不能很好的坚持。为了弹响琴键,往往要调动手腕的力量去压键,从而就会改变手指触键的部位,手指关节的塌陷。 二、在教学中如何激发幼儿钢琴学习的兴趣 良好的开端等于成功的一半,而兴趣是成功重要的推动力。幼儿只有真正的音乐感兴趣后,才会全身心的自动参与到学习中来。但在教学中如何将这短暂的兴趣发展成为持久的学习热情呢?这时我们就可以采取一些适当的方法来慢慢引导。 (一)选择适当的幼儿音乐教材 美国现代心理学家布鲁姆指出:“学习最好的刺激乃是对学习的材料发生兴趣。”幼儿时期,孩子往往会对带有插画,有色彩,有故事的图书产生兴趣。例如《约翰汤普森・简易钢琴教程》,在这套图书中,有大量图片,编者把图片与五线谱结合起来,对孩子在弹琴时进行引导。由于每首乐曲都有自己的标题,很容易激发幼儿丰富的想象力,并且丰富的色彩,较大的音符,阅读起来也比较方便,这一类教材幼儿都比较喜欢。 (二)运用孩子自身的想象力和语言的趣味性 在给幼儿的教课中,怎样与孩子沟通是重要的。这一时期,幼儿的语言水平不成熟,可以清楚地表达自己思想的词语不多,而教师的一些专业的音乐术语孩子可能完全不会理解,这就会造成一个“讲不清楚,听不明白”的上课局面。所以,教师在这个时候就要运用“儿童语言”去讲解,运用生动有趣的语言,并且语速要缓慢,再配合适当的肢体语言,能时刻吸引他们的注意力,使其能听清楚听明白,密切地参与到教学过程中去,激发他们学习的兴趣。 1.专属于孩子的音乐时间 一些家长在督促完孩子练琴后,自己却去看电视、上网,这时孩子的好奇心早就跟着家长去“看电视”了,他会觉得练琴是剥夺看电视的时间,从而没有心思去练琴,时间长了可能会带着抵触情绪去练琴。 2.挑选适当的练琴时间 练琴时间的选择制约着孩子的热情、孩子的学习兴趣。 兴趣,可以促使孩子去主动的学习钢琴,他能促进,推动孩子在学习中的探索精神,从一种“要我学琴”的状态转变为“我要学琴”的状态,这样的话,在钢琴的教学和学习中,教师、家长和学生就会愉快、轻松的进行。 三、幼儿在学习钢琴中基本功的练习方法 在幼儿时期,孩子的思维水平还不是很成熟,所以较高难度的钢琴作品无法去完成。这一时期孩子的可塑性和模仿能力相对较强,所以对于孩子在钢琴学习中,基本功的大量练习是很有必要的。 (一)手型 “手型”这一词语,对于孩子和家长一定并不陌生。几乎所有的孩子在上第一节钢琴课时,都是从“手型”开始的,家长在初期的陪练时也会较多的关注手型。 手型是我们弹琴时最基本的形态,在教学中,我们可以用最直观的方法,让孩子的小手握住一个苹果、抓住教师的手腕等等一些方式去做准备,孩子也会非常容易的理解。在练习过程中,教师和家长应当多多提醒孩子手指关节的突出,手掌不可外翻,手指不能掉键,这个过程可能会持续的时间较长。 (二)五指独立性的练习 《哈农钢琴练指法》这本书对于大家能并不陌生。的确,这是一本练习五个手指独立性很不错的教材,但对于幼儿来说,这并不适合。幼儿在学琴初期,作品往往只有几个小节,音符度数基本在五度之内,所以就要选用一些简单的练习模式。 在练习过程中需要注意的是:慢练,控制好速度。孩子在弹几遍后,往往觉得熟练了,便会加快速度,不再注意触键和手指的支撑,反而不能达到手指练习的目的;多用耳朵听。让孩子自己用耳朵去听辨自己在练习时,每个音符的时值和速度是否平均。 (三)节奏感 节奏是音乐的脉搏,是音乐的生命。 幼儿在钢琴学习中对于音符的时值没有多少概念,在弹琴时,按照自己的喜好,想弹多长就弹多长,最后会导致乐曲不成样子。 在唱完谱后,先让孩子进行单手练习,保证在弹奏时,音符的时值能完整的保留,然后在双手配合起来,一般左手的音符少,时值长,左手弹奏一个音,右手要配合多个音,在弹奏前就要让孩子在谱面上标注出来是哪几个音对应哪几个音,只有这样,孩子才能明白乐曲的节奏是怎样的。 (四)指法 钢琴的键盘上共有88个键,而我们只有10个手指,我们就要运动合理的指法。基本功的练习需要较长的时间,而且过程也会比较枯燥无味,教师和家长应当多多的鼓励孩子。而基本功只有运用到乐曲和练习曲中才能得到检验,得到进一步的提高。 四、结语 面对幼儿的生理和心理特点,我们在教学过程中发现了种种问题,探究、改进教学方法,使孩子在学琴道路上少走弯路。在幼儿的钢琴教学中并没有复杂的音乐理论,对于他们最重要的就是兴趣的培养,兴趣的一直存在才有利于他们在以后学琴道路上的坚持,他们才能更好地融入于音乐,在音乐的世界里无限徜徉。 钢琴基本功教学论文:新时期钢琴教学中基本功训练的内容与方法 摘要:关于训练钢琴的基本功一直是学习钢琴的重要部分,基本上每一个钢琴学习者都必须经历一个漫长而艰苦的基本功学习过程,才能巩固自己的弹奏水平。基本功的学习是练习钢琴的一个基本环节,也是一个重要环节。它会贯穿整个钢琴演奏过程,但是大部分钢琴学习者会有一些钢琴练习误区,他们没有注重乐谱的解析和乐理知识的了解,只是机械的进行弹奏练习。 关键词:钢琴基本功 练习钢琴 练习误区 学习钢琴一直都是一个漫长而艰苦的过程,尤其是钢琴的基本功学习。对于任何一个钢琴演奏者来说,学习钢琴基本功都是不可避免的,它是练好钢琴的必修课。大多数人认为,长期练习钢琴曲目就能提升自己钢琴的演奏水平,这其实是一种错误的认识。很多钢琴演奏者之所以一直无法提高自己的演奏水平,原因主要是他们没有正确认识和了解乐谱解析和相关的乐理知识。本文对钢琴基本功准备环节和练习要点进行讨论,希望能够对钢琴教学有所帮助。 一、钢琴基本功训练准备环节 1.坐姿。任何一个钢琴演奏者都需要一个正确的坐姿。首先,钢琴演奏者在弹奏钢琴的时候,不能全部坐满座位,应该只坐到三分之一的凳子。然后,利用自己的脚尖和臀部来支撑自己全部身体重心,上身尽量保持笔直的坐立方式并且稍稍往前倾,这时腰部可以稍稍用力,但是不能塌陷,将自己全身的力量聚集到自己的手指。演奏者的坐姿尽量做到端正、自然、轻松,根据每个演奏者的身高对凳子进行合理的调整,保持手、肘、琴键、前臂在同等高度,脚应该放在钢琴踏板的附近。老师在进行钢琴课程的教学时,应该及时纠正学生的错误坐姿,让学生养成正确坐姿的良好习惯。 2.手型。在弹奏钢琴时,演奏者的手指需要自然弯曲,与演奏者自身的手掌组成半圆形,演奏者的手指的第三关节与第一关节凸起时需要呈现凹状,手指落在琴键上自然分开,每一个琴键对准每一根手指,手放在琴键上时尽量保持水平位置,手指要在黑键和白键三分之一距离处触键。 二、钢琴基本功主要练习要点 1.手指基本功。训练手指的基本功其实就是帮助演奏者每根手指在弹奏钢琴时都能独立活动,并且每根手指不仅要独立活动,还需要有力、灵活。现实生活中,大部分钢琴演奏者都是借助手腕的力量来进行钢琴的弹奏,如果钢琴曲目稍微慢一点,钢琴演奏者还能勉强应对,遇到稍快一些的钢琴曲目,借助手腕力量完成钢琴演奏的人就无法提高自己的流畅性和速度性,甚至在钢琴演奏的间歇时还会显示出笨拙。因此,对于钢琴学习者的手指,需要进行指根关节训练,逐步掌握掌关节的灵活性和主动性。 2.训练单指触键。有部分钢琴学习者不能用更快速度、更加连贯的方式来弹奏钢琴曲目时,说明钢琴学习者单指的独立性未能得到很好的训练。对于这种情况,老师需要重视训练学生手指独立性,来增强学生的基本功。然而,训练单指触键是一个无聊且枯燥的过程,学习者在演奏过程中需要保持正确的手型和坐姿,将全身的力量传输到手指上,再通过手指触键传输到指尖上。单指触键的训练重点强调第五根手指和第四根手指的训练,通过反复练习学生的手指,达到学生保持指尖直立的状态。 3.训练连奏和断奏。钢琴的学习过程中,断奏的学习也是不可缺少的。在训练断奏的过程中,演奏者必须保持肘部和肩部的放松,当手指触键时,手腕需要立刻深下去,然后五根手指快速的撑起来,接着再单指进行断奏,最后再开始三间断奏或者双间断奏。除此之外,还可以根据演奏者的兴趣来选择喜欢的曲目来训练断奏,这种方式能保证学生对于钢琴的兴趣,最大限度的提升学生的练习效率和质量。在连奏的时候,演奏者尽量保持好自己的手型,慢慢抬高自己的手指然后快速的演奏钢琴曲目。长此以往的训练能让演奏者在弹奏钢琴的过程中,更加清晰、干脆,从而极大的保障了钢琴曲目的连贯和流畅。 4.训练穿指。琶音和音阶中有一门基本功叫做穿指,大部分学生在练习琶音和音阶的时候,手指和手臂呈现晃来晃去的现象,当演奏者演奏速度不断加快时,演奏者手臂晃动的幅度也会越来越明显。这主要是因为演奏者在训练穿指基本功时,忽略手指动作的可行性和隐蔽性,导致演奏者没有得到科学的训练。针对于这种情况,钢琴老师应该在教授穿指训练时,让学生在初期学会手指缓慢而平稳的移动,避免手臂和手腕转动的现象。训练琶音穿指时,要让学生做好手指的训练,在演奏过程中保证每一个弹奏动作都漂亮、干净、流畅。 5.练习慢速弹奏。一首优美的钢琴曲目需要正确运用指法碰触和键盘位置。每一个钢琴演奏的初学者都有一段长时间慢速练习过程。在慢速练习的过程中,初学者应该尽量保证钢琴节奏的正确性。很大一部分学生手指独立性练习的差不多的时候,就会开始学习快速弹奏钢琴曲目,这样容易导致一些演奏方法、节拍、音准或者句子的错误。如果没有老师进行及时纠正,当钢琴曲目熟练之后,学生的练习习惯就会很难再得到改变。因此,对于钢琴初学者来说,养成一个良好演奏习惯也是至关重要的。 三、结束语 综上所述,对于钢琴的学习,除了一些基本弹奏动作和技巧之外,我们还应该注重学生背诵钢琴曲目和朗读钢琴曲目。很多人认为,只有学会弹奏钢琴的动作就能演奏出一首优美的钢琴曲目,其实不然。没有足够的乐理知识和乐谱理解,人们对于钢琴的学习就只是皮毛而已。在钢琴的学习过程中,钢琴基本功是十分必要的,它能帮助学生在钢琴上有一个较好的造诣。因此,老师应该重视训练学生的钢琴基本功,强调学生的指法练习,而不是一味的追求快速的弹奏,这样才能轻松优美的完成一首青春飞扬的乐曲。 钢琴基本功教学论文:钢琴教学中基本功训练的内容与方法分析 基本功训练,在钢琴教学中占据着至关重要的地位,它严重影响着学生在钢琴方面的长远发展。对钢琴教学中基本功训练的主要内容以及相关对应的具体方法进行系统分析和阐述,以期能够对教师在基本功训练方面的效率和质量有所裨益。 钢琴教学基本功训练内容训练方法许多人认为,只要对相关的曲目进行长期训练,便可以具备娴熟的技能,便可以促进自身在钢琴方面的长远发展。但经过科学分析与验证,发现许多学习者大都存在一定的缺陷,特别是在乐理知识、乐谱解析等方面存在严重的问题,只是机械地对其进行练习。因此,加强初期阶段的教学质量,教授学生正确的练习方法,可以帮助其逐渐形成良好的练习方式,从而有效促进其在该方面的长远发展。 一、进行基本功训练时应注意的相关事项 (一)保持正确的坐姿 保持正确的坐姿,是进行钢琴基本功训练的前提条件之一。教师在对学生进行基本功训练时,应对学生进行及时纠正,使学生逐渐形成了正确的坐姿。正确的坐姿主要是指演奏者应坐在凳子的三分之一处,并依靠脚尖和臀部对身体进行支撑,上身要保持直立并稍微向前倾斜,使重心略微向前腰部不要弯曲塌陷,能够是身体的力量传递至手部。同时,还应保持自身的轻松、自然。凳子的位置要根据学生自身的身高进行适度调整,以保证在弹奏时,可以自如地移动手指等。脚的位置则应放在踏板附近,方面练习时使用。 (二)保持正确的手型 在进行练习时,手指应自然弯曲,手型应保持为半圆形,手指关节应全部凸起,要看学生是否出现手指的第一、三关节呈现凹状,要保证每一手指正好对照一个琴键,以及手前臂到手指之间均水平的放在琴键上方位置。手指接触琴键的位置,大概在白键与黑键之间距离的三分之一位置。 二、钢琴教学中基本功训练的内容以及相应的方法 (一)单指触键训练 手指单指触键训练,是基本功训练的基本内容之一。一些演奏者在进行演奏时,不能是相关曲目演奏的更加连贯、速度等,此种现象产生的主要原因,在于单指的独立性没有得到有效的训练。对此,教师在进行基本功训练时,应加强手指独立性方面的训练。单指训练是一种比较枯燥的训练,并且需要学习者每天坚持不懈的进行下去。因此,练习者应克服枯燥心理,在训练时,保持正确的坐姿和手型,使力量可以有效地传递至手指,并在手指接触到琴键时,自然地落在手尖上。在进行单指训练时,应加强第四、五指的训练,教师可以让学生将手放在桌子上,保持指尖直立,对其进行反复联系。或者是用断奏或连奏的方式,对其进行重点练习。断奏或连奏的训练方式并不是将其放在琴键上,占据练琴的时间进行练习,而是让学习者利用空闲的时间,在桌子上、腿上等进行反复练习,不仅可以有效避免学生出现枯燥无味的心理,还能使其在进行琴键练习时提高效率。在练习的初始阶段,由于许多学生对力度掌握不够,导致弹出来的声音过重且带有一定的笨拙性,因此应对各个手指弹奏时的力度进行统一,特别是四、五指的力度进行加强。加强弹奏方面的意识性,特别是黑白键之间的距离意识,从而使学生手指的独立性得到充分锻炼。 (二)断奏与连奏训练 在钢琴领域,有一句话充分显示出断奏对演奏者的重要性,即所谓的“断奏十年不嫌多”。断奏作为基本功训练内容之一,在钢琴教学中确实占有非常重要的作用。练习者在进行断奏训练时,要保证肩、肘放松,在训练时,手指一旦接触到琴键,手腕就要快速沉下去,五个手指则要快速地撑起来,使其形成一个小山的形状。先进行单指断奏,然后依次为双音断奏、三音断奏,等等。或者是根据学生自身的实际情况,使其选择自己感兴趣的曲目进行断奏,可以有效保持学生的练习兴趣,大大提高练习的质量和效率。即使每天只是进行10分钟,也可以促进练习者的快速发展。在连奏时,最主要的便是保持好手型,手臂自然、放松,要保证抬指慢弹快下。进行这样的训练,可以保证练习者演奏时的每一音都能干脆、清晰、明亮,而且能够使手指快速移动,保证乐曲流畅、连贯。 (三)穿指训练 穿指训练,同样是钢琴教学中基本功训练的主要内容之一。许多练习者在进行练习时,会出现手指晃动的现象,特别是在进行琶音、音阶等乐句中,会随着速度的增快,晃动的幅度也越来越明显。此种现象出现的主要原因,便是练习者在进行初步学习过程中,没有对其进行科学练习。因此,教师在教学过程中,对于初步接触穿指训练的学生来说,应先加强其慢练训练,使手指在训练过程中能够做到平稳移动,尽量保证手腕、手臂等不出现转动现象。在进行琶音穿指训练时,要在弹奏过程中,使手指尽早的穿插到琴键上去,但是要在节拍到时,才抬指触键,触键之后,要快速地恢复原先的手型,从而有效保证其在演奏过程中,动作干净利落、不拖泥带水,同时保证乐曲的连贯性、准确性。 (四)慢速练习 俄罗斯著名音乐家安东•鲁宾斯坦曾说过:“弹好钢琴的秘诀是运用正确的指法,在正确的键盘位置上弹奏出正确的节奏。”因此,在开时进行曲子练习时,一定要指导学生慢慢地进行,尽量弹奏出正确的节奏。比如,一些学生在培养一定的手指独立性后,对于拿到的新曲目,会在一开始就弹奏得非常快,导致音准、节拍、句子或是演奏方法等存在许多错误或不当之处。如果不能及时纠正,一旦曲子熟练之后再改正就较难了。对此,学生应养成良好的练习习惯,从慢到快,只有这样才能充分达到良好的练习效果。 三、结语 总之,教师在进行教学过程中,应采取科学、合理的方式进行基本功的训练,从而为学生打下夯实的基础。也为以后打下了坚固的基础,才能使学生弹奏出来的曲目更打动人心,才能使学生获得更长远的发展。 钢琴基本功教学论文:浅谈钢琴教学中手指基本功的训练 内容提要 当今社会有很多学钢琴的学生,弹的曲目程度也不浅,有的甚至达到了肖邦、李斯特练习曲的程度,虽然这些曲目他们也能勉强“拿下”,他们觉得有些速度很快的华彩乐句,手指缺少应有的独立性和灵活性,遇到连续快速音符,就会力不从心,有的和弦,因 为手指欠缺独立性,而缺乏和弦的力度与张力。这些都是属于手指基本功的问题。 关键词手指基本功独立性灵活性 手指基本功也就是手指触键的技巧。在钢琴教学中,手指基本功的训练是钢琴课中最根本、基础的课程也是最常用、多用的技术。手型、手指、力度及动作是否规范直接影响钢琴作品音色的好坏。手指基本功的训练必须做到独立、准确、灵敏、清晰、均匀(均匀地训练中拇指、四指和五指的训练是难点)这些基本的演奏要求。因此,加强学生手指基本功的训练,提高手指能力,打好基础,对学生更好地掌握钢琴演奏技术具有至关重要的意义。 一、手指软弱的问题 手指软弱存在于几个方面:第一,掌关节的支撑,掌关节是指手指与手掌相连接的部位。正确的手型是当手指毫不用力,呈弯度不大的天然弧度时的形状。天然弧度之所以重要,是因为唯有如此,各种重量、力量才能通过弧线直达指端,“进入”琴键。而弧线的任何改变,都会影响到重量的集中,分散力量的集中点。所以掌关节起着很重要的支撑作用。第二,手指第一,二关节的独立触键,第一、二关节无论承受多大的重力,都要保持天然弧线不变型,这样手指才能成为一个整体,掌关节发出的力量才能直达手指端,使力量集中。所以手指要主动,承担起触键的主要责任。 二、手指的独立训练 5个指头长短、粗细各有不同,四五指天生比较弱小,而大拇指往往在其他指头中力量最大,而它的弊端是不够灵活,所以造成了5个指头力度不均匀,手指的独立性差等问题。所以为了解决5个手指能弹均匀,我们可以做一些练习,让软弱的指头变得能和二三指一样有力量。 四指是这几个指头中独立性最差的一个,抬起时,抬不高;弹下时,没力量;支撑时,站不稳。要用多于其他手指数10倍乃至更多次数的单独训练。抬四指时,可以通过旁边的小指协助它抬高,但注意力一定要放在四指上。可以练习四五指单独抬指的反复训练,把重音放在四指上,做高抬指的训练。也可以做迫使四指单独行动的练习:5个手指弹下5个音,然后再一二三五指都保留在琴键上的情况下,单独练习四指的抬起,放下。但要注意速度,力度都不要勉强,一定要耐心地练习,手指能力的培养是通过持之以恒的锻炼得来的。 五指是这几个指头中力量最弱小的,训练时要特别注意支撑力。左手的小指往往担任弹奏最低音,右手小指往往弹奏最高音。这两个声部的线条,往往要加强。在弹奏强烈、响亮的和弦、八度和音时,小指能否牢靠坚实,常常起决定性的作用。所以,训练好小指的独立性和小指的力量有着特殊的重要性。不同人小指的长短、粗细及形状都有所不同,所以不能要求姿势完全一样。但可以通过以下几点来给小指加以训练:(1)小指先天不够灵活,需要它独立弹奏,做抬起、弹下的动作时,往往不够积极主动。这个动作常被手掌的翻动代替。在练习小指独立触键的灵活性时,注意手掌不要翻动,让小指从掌关节起自己动起来。(2)单独练习小指的支撑力,手型要舒展,四指不要仅靠它,手要基本放平,不要向小指一侧倾斜。(3)小指还容易整个儿直躺在键盘上。命令它起来点儿,保持自然的弧线,仅用指肚外侧一点与手指顶端交界处触键。(4)可以练习五四指独抬指的反复训练,重音放在五指上。 大指天生力量有余而灵活不足。要特别注意训练大指的独立和灵活。当大指抬起时,它自己常常是几乎没抬起,弹下时也几乎不是它自己弹的。这两个动作几乎是被大指一侧手掌的上下翻动给代劳了。训练大指时,注意让它自己抬起、弹下,手掌、手腕都不要帮忙。 练习基本功的本钱就是“时间”。许多钢琴家、作曲家写了多种多样的五指练习曲,训练五指在弹奏位置内的协调性。如哈农《钢琴练指法》教材中有五指的练习、音阶、左手练习曲等,虽然枯燥无味,却是提高技术不可缺少的捷径。还有车尔尼的练习曲也是为钢琴基本功而写的,从599到740有琶音、连奏、五指跑动、跳音、双音、和弦等针对性的练习。总而言之,提高手指基本功的唯一途径就是坚持不懈,要把手指基本功的训练当做每日必修之课,每天都要坚持练习,持之以恒,要养成慢练的好习惯,相信坚持下去一定能有所成效。 (作者单位:武汉科技大学中南分校) 钢琴基本功教学论文:钢琴教学中演奏基本功训练探讨 摘要:优秀的钢琴演奏是一个让人陶醉的过程,钢琴演奏者通过按键把音乐作品所表达的意境传递到听众的耳中,激发听众无穷的想象。钢琴教学中最为基础的就是基本功训练,只有具备过硬的弹奏功力,才能更好地展现钢琴作品,感染听众。本文笔者结合教学经验,就如何优化钢琴演奏基本功训练展开探讨。 关键词:钢琴演奏;基本功;训练;优化 在当今开放式教育的背景下,钢琴教师要走近学生,尽量多与学生互动,着重了解学生需要哪些方面的帮助。在此基础上,教师还要针对学生的问题制定合理的学习计划,让学生在课堂上更好完成基本功的训练。同时要改变教学方式,让乏味的课堂变的活跃起来,激发学生的学习兴趣。更要及时纠正学生们演奏技术中的盲点,促使学生完美的演绎曲目,为听众带来一场听觉盛宴。 一、钢琴教学基本功训练的学生划分 每个学习钢琴的学生都有着不同的生活背景和经验阅历,所以他们对钢琴的理解也有很大差异,基本功也参差不齐。一类是学习钢琴的专业生,他们的基本功比较扎实,对钢琴的理解也相对较深,可以演奏出一些比较难的曲子。这类学生比较好管理,他们学习的积极性也较高;第二类是学习一些与音乐有关专业的学生,他们对于钢琴的基本功也有一定的学习基础,但并不扎实,这类学生的学习积极性没有第一类的高;还有一类是与钢琴专业无关的学生,他们在钢琴面前完全是个新人,所以他们的学习积极性不会很高。在钢琴教学中,难免会出现这三类的学生,所以教学的难度也会大大提升,制定的教学计划也有很大差异,学生之间的矛盾也是不可避免的。在教学中,教师要准确分出这三类学生,针对不同类别的学生制定不同的教学计划。当然,不同类别的学生对于钢琴的认知程度也不相同。为了防止学生之间的矛盾,相互之间要分开进行教学,或者各自带上耳机进行不同钢琴曲的弹奏训练,学生之间互不干扰。教师则进行一对一的检查,给不同学生制定不同的学习计划,并对学生进行针对性的指导。“集体式教学”可以有效降低“一对一教学”的高额成本,同时促进学生进步,使学生有更高的学习积极性。 二、钢琴教学基本功训练的能力提升 学生能否弹奏出一首优秀的曲子,识谱能力是最重要的因素之一。部分学生因为急于求成,对于识谱这项技能的学习并不是特别扎实,在演奏时总会出现一些无法避免的常识性错误,给教学增加了很大难度。所以,在教学过程中,教师要引导学生明白每一个音符所代表的含义,让学生对每一个音符进行理解和消化,告诫学生不可急于求成,扎实的基础是成功的根本。除此之外,教师还要针对这些学生放慢教学速度,让学生慢慢提高自己的识谱能力。教师在教学过程心态很重要,要心平气和地教学,引导学生找准每一个音在键盘上的位置,并快速找出下一个音的位置,这样在弹奏过程中才会有更好的体验。灵活的手指是演奏好钢琴的基础,教师要教导学生均匀发展每个手指,因为演奏过程中每个手指都有它的作用,手指的均衡与否直接决定着演奏的成败。不同的钢琴曲对技术的要求也不同,只有均衡提升每个手指才有可能弹出不同的曲子。因为受人本身因素的影响,二、三指常常会牵动四、五指,所以坚持不懈的训练才会在演奏中取得好的效果。不同的曲子所表达的情感不同,一首曲子中的情感表达同样重要。要把曲子中的情感淋漓尽致地表达出来娴熟的技术是不可缺少的,技术是演奏的基础之一,但是只一味地追求快速的弹奏缺少对音色以及情感的表达,弹奏出来的曲子也是不完美的。所以,对于触键方法也要尽可能地多的掌握,适当的触键方法能更好的帮助情感的表达,弹奏钢琴本身就是传达一种音乐情感。但是训练者训练时间不宜过长,乏味的训练只会使音乐灵感丧失。一个优秀的演奏师就是用音乐与观众产生共鸣。 三、钢琴教学基本功训练的教学方式 师生互动很重要,同时“填鸭式”教育已经不适合目前的教学形式,一味地进行“填鸭式”教育只会使教学效果适得其反。教师要学会用一些新颖的方式把学生的思维带到课堂中来,比如影视作品中的钢琴曲教学或者了解学生们喜欢的钢琴曲教学。真正的钢琴曲是深入人心的,这与每个钢琴师不断地训练是息息相关的。关于触键可以选择可以先从锻炼手速开始,快速的摁一个键和慢速的摁一个键音色是不同的,训练乏味的时候可以尝试一些锻炼手速的电脑游戏也是不错的。关于音符的训练方法可以准备一些纸片,随机抽取并快速的说出音符所代表的含义。无论什么方法,在弹奏的时候都要用心,用心去感受作者每一个音符所表达的含义。总而言之,要想弹好钢琴,离不开不间断的训练,希望每个有理想、有志向的钢琴师都能克服这些枯燥的训练,吃得苦中苦,才可成为人上人。扎实的基础才是一切优美作品的基础所在。教师同学生都要戒骄戒躁,一同完成每一堂课程的教学。 作者:王晓蔚 单位:辽宁师范大学 钢琴基本功教学论文:谈钢琴教学的特点与基本功训练 随着教育的不断发展,传统的文化知识教学已经无法满足学生的需要。现代社会对学生的综合素质的要求更高,钢琴学习能够提升学生的气质,促进学生人格的健康发展,所以钢琴教学已经成了现代教育不可或缺的重要内容。中等师范教育阶段是学生成长发展的关键时期,这一时期之内钢琴教学要注意教学方法,对学生的基本功训练也需要给予积极的重视。课程改革的推进对教学效率有了更高的要求,这要求广大教师要针对钢琴教学的特点仔细考虑怎样进行基本功训练,这样才能够为学生的钢琴能力的提高打下坚实的基础。 一、这一时期钢琴教学的独特之处 (一)学生的独特之处 中等师范阶段的钢琴教学有其自身的独特之处,就学生的独特之处来说,这一时期的学生正好处于青春期,这一时期的学生思想更加的敏感,他们有着很多的想法。但是因为实际生活经验的匮乏,他们对很多事情的认识还不成熟,也正是因为这个原因,不少学生在思考和理解的过程之中往往会出现一些比较独特的问题。而中等师范的学生则更加的特殊。实事求是的讲,当前中等师范的学生的学习能力还有待提高,并且钢琴学习对学生的学习能力有比较高的要求。不少学生在学校中接触钢琴之前并没有接受过专业的教育,因此很少有人有一定的基础,在这样的条件之下进行教学对教师的教学能力有着比较高的要求。此外,中等师范的学生的学习方法、学习态度等都需要教师进行有针对性的改正,一些不正确的学习观念、学习习惯严重影响着学生的学习质量。所以对他们的教育只能够从最最基础的部分开始,而因为他们相对来说比较爱闹,所以想要提高基础训练的质量就需要教师有针对性的采取一些措施。举个例子来讲,有一些学生因为知道这一时期才开始接触钢琴学习,所以他们的手指的灵活性等无法满足要求。而为了提高学生手指的灵活性学生需要进行一定的练习,但是有些学生吃不了苦,渐渐的就对钢琴学习产生了一定的畏惧心理。所以教师为了做好钢琴教学,教师就必须要针对学生的特点及时的调整教学方法,这样才能够做好基础训练教学。 (二)教学目标的独特之处 除了学生有一定的独特指出之外,中等师范的钢琴教学的教学目标也有一定的独特之处。钢琴的弹奏有其独特的演奏、理解和表现的方式,这些方式和其他的乐器有着一定的不同,因此在培养学生的过程之中,教学目标的设定也就必然尤其一定的特殊性,这就决定了教师在教学的过程之中需要针对不同的目标制定不同的教学方法。首先,就学生钢琴技能的教学来说,在教学的过程中,教师首先应该应该有意识的开拓学生的眼界,通过开拓学生的眼界可以帮助学生了解更多的类型和流派,这样学生就能够管千剑而后识器,通过这样的教学方法能够帮助学生拥有更加宏大的视野,这对学生以后的成长和发展意义重大。此外,在培养学生的时候教师需要由简到难、循序渐进的培养学生,同时中等师范时期的钢琴教学并不是要让学生达到专业的演奏者水平,所以在教学的深度上可以适当的放宽,但是在教学的广度上教师有需要有所要求。中等师范的钢琴教学要更加注重学生对钢琴的理解,重点培养学生的情感,这对学生的更好发展意义更大。 二、如何做好基础训练教学工作 (一)在细致讲解的基础上进行基础训练 为了提升学生的学习质量,在进行基础训练之前教师应该有意识的对内容进行细致的讲解,这样能够有效的提升学生的训练质量,让学生的学习能够起到事半功倍的效果。学生在钢琴学习的过程之中进行的基本功训练是为了让学生掌握科学的方法进行演奏,这就需要教师帮助学生养成良好的弹奏习惯。而且钢琴演奏对演奏者的情感、心理和表达技巧都有着比较高的要求,在这样的要求之下,学生必须要勤于练习才能够达到这些要求。但是勤于练习对学生的学习态度和吃苦耐劳精神又有一定的要求,所以为了提升学生的学习兴趣,帮助学生更加积极的投入到训练之中,教师可以通过一系列科学的方式帮助提升学生对乐曲的理解,让学生更加熟练的掌握这些技巧。举个例子来讲,笔者在教学过程之中常常会将一个技巧进行分解,通过分解将原本比较复杂的技巧分解成为一个个更加简单和清楚的小动作,这样学生在训练的时候就能够通过逐步掌握一个个小动作达到掌握技巧的目的。而且和一次性掌握好这个动作相比较而言,这样的方式可以在一定程度上降低学生的学习难度,让学生更加轻松的掌握好技巧。同时,随着现代科学技术的不断发展,教师可以有意识的将现代科学技术引入到教学过程之中。比如说随着多媒体技术的不断发展和成熟,教师可以借助多媒体技术将教学动画化,这样教师可以随时暂停、循环和重复,这样可以大大提升学生的学习效率。 (二)训练学生的观察能力,锻炼学生的思维能力 学生的观察能力对学生的训练质量有着比较明显的影响,所以为了提高训练质量,教师需要有意识的训练学生的观察能力。对学生的观察能力的训练主要集中在训练学生对作品的特点、情感内涵、节奏风格等方面的把握上。而对学生思维能力的训练则主要是为了借助学生的思维能力提高训练效果。思维的快速发展能够在一定程度上解决学生手指不灵活带来的问题,所以基础训练过程之中教师需要借助学生的思维优势。总之,如何做好钢琴教学需要教师针对实际教学情况还有学生的实际情况制定科学的教学策略,只有两者相结合,这样才能够真正取得理想的教学效果。 作者:王林飞 单位:江西省上饶师范学校
高职高专学前教育专业研究:高职高专学前教育专业学生视唱练耳能力提高的方法 从视唱练耳基本理论形成至今,已经历了千余年的发展历程,为音乐的广泛普及奠定了坚实基础。高职高专学前教育专业为我国各地区输送大量专业的学前教育教师,为幼儿教育的发展起到重要的推动作用。随着学前教育的快速发展,学前教育专业五大领域的教学要求也逐渐提高。在《3-6岁儿童学习与发展指南》中指出:“艺术是人类感受美、表现美和创造美的重要形式,也是表达自己对周围世界的认识和情绪态度的独特方式。”在高职高专学前教育中的音乐理论学习中,视唱练耳主要培养学生识谱能力及感知音乐的能力,在音乐理论素养的形成方面发挥着重要的作用。 一、现状分析 近年来,我国高职高专的学前教育对于学生视唱练耳能力的培养尤为重视,几乎所有学前教育的学生都必须经过1年左右的视唱练耳能力训练。但是,在教学过程中仍存在诸多问题,具体表现在: 其一,形式的单一性。教师在视唱练耳教学中,基本采用教师范唱,逐句教唱以及单音、音程、节奏和旋律听辨的传统方式组织教学。 其二,内容的复杂性。教师在教材的选用及教学内容安排上,延续了音乐教育专业学生教学的思路,所教授的内容,基本上是按照自己所设想的内容进行教学,教学内容的安排过于复杂。 其三,对象的不明确性。教师在组织教学过程中,对高职高专学前教育专业学生的特点并没有进行认真地分析,对于学生以后的职业规划、能力需求没有清晰的认识。 其四,效果的不显著性。只是单纯地训练唱谱、听辨等能力,对于学生音乐情感、音乐素养的培养较为缺失。故经过1年左右的学习后,学生只能唱一些乐谱和听几个单音或旋律等,对于音乐的内涵和情感的感知鉴赏能力不足。 针对以上问题,从客观上,要从学生自身、教材选择、师资力量及相应的配套设施等方面进行完善;主观上,要从认真研究高职高专学前教育专业的特点、教学对象的水平及自身教学能力的提高等方面进行完善。 二、训练方法 奥斯特洛夫斯基认为“视唱练耳的基本任务是组织并发展学生的音乐听觉,训练其积极地将听觉运用到创作表演实践中去。”换句话说,视唱练耳课程要培养学生的音乐综合能力。要达到这一目标,首先要明确高职高专学前教育专业学生毕业后的职业能力需求。在《幼儿园教师专业标准》中提出幼儿园教师应“具有相应的艺术欣赏与表现知识”,可以看出对幼儿老师音乐专业知识方面的要求并不高,我们在培养幼儿园教师时应在掌握够用的音乐专业理论知识上,突出音乐欣赏和表现能力的培养。 (一)节奏训练 节奏训练在儿童音乐活动中尤为重要,对儿童内心律动形成及肢体的发展起到重要作用,这就要求教师具备音乐节奏方面的理论知识及较强的节奏实践能力。所以,我们在视唱练耳的教学过程中,应突出体现学生节奏的训练。 1.节奏感的培养。 节奏感是音乐感的一个重要方面,良好的节奏感往往是通过严格、准确的训练形成的。节奏训练的最终目的是发展速度感、节拍感和正确的音值组织关系。在具体教学中,可以采用多种方式进行节奏感的培养,如:跟随节拍器进行视唱、肢体律动、合唱等。在训练中,教师通过有意识的引导,发掘学生内心的节奏感受,体验各种节奏带来的情感体验,并对各种节奏型进行不断地练习,逐步将每种节奏律动固化为自身内心的节奏感。 2.节奏的训练方法。 节奏的形式是多样的,如前十六、后十六、切分节奏等等,每一种节奏都有自身的特点,根据表现形式传达不同的音乐情感。在训练时,应根据节奏自身特点,通过一定的教学组织,让学生对每种节奏都有一种感性的认识,增强学生对节奏的感知力。 如“三连音”节奏的训练,在具体教学中可按照以下步骤进行: 第一,教师示范。在训练前,教师的示范尤为重要,是学生认知或了解“三连音”节奏的重要途径。 第二,反复教唱。当学生对“三连音”有一个初步印象时,必须经过严格的训练,反复模唱,掌握三连音的节奏。 第三,肢体表达。让学生用肢体来表现“三连音”的律动,进一步感受“三连音”节奏特点。 第四,感知节奏特点。选择一个合适的,能够体现“三连音”律动特点的音乐,设计游戏,让学生感受“三连音”律动的乐趣。需要注意的是,游戏一定要与具体的音乐相结合,让学生充分感受节奏的情感表达。 任何一种节奏,都需要长期的训练才能掌握。所以,教师在课堂上要让学生了解“三连音”是什么,通过一定的教学手段让学生对“三连音”有一定的认识,并对这样的节奏感兴趣。学生在课下就可以自主地进行训练,从而固化为自身内心的节奏,加速节奏感的形成。 (二)旋律训练 旋律在音乐的各个要素中是最能够传递情感的,是让儿童感受音乐情感、增强艺术表现的重要途径。所以,在视唱练耳的训练中,旋律的训练同样尤为重要。 1.旋律感的培养。 旋律感,主要是学生对旋律的认知、感受、体验、表达等等。对于一首旋律,它的音乐情感是欢快地或是悲伤的,要有一个感性的认识,通过自身内心的体验,将各种旋律固化为内心的感受。如欢快的旋律形态是什么样,悲伤的旋律形态又是什么样子等等。 2.旋律的训练方法。 旋律的训练可以通过以下几个方面进行展开: 其一,聆听。通过有意识地聆听不同时期、不同风格的旋律,让学生对不同旋律进行感受,并进行对比,总结不同时期、不同风格旋律的特点,增强学生对音乐的鉴赏力。 其二,视唱。通过聆听后,学生对所唱旋律有了一个感性的认识,然后进入到教唱环节。视唱时,首先发现并解决其中的重难点问题,反复训练,提高学生的音准;然后通过反复演唱熟知旋律;最后通过完整的演唱让学生充分感受音乐的情感。 其三,展示。当所唱旋律以达到较为熟悉的程度,可以邀请学生上台表现旋律。演唱时,引导学生运用不同的方式进行演唱,让学生感受同一旋律的不同表现形式。 (三)其它音乐要素的训练 音乐要素除了节奏、旋律外,还有音色、音高、力度、速度等等,在儿童音乐学习中,这些要素都有体现。由于我们的教学对象是高专学生,他们对于事物具有一定的理解能力,而音乐其它要素的体现形态相对直观,融合性较强。故在训练时,可融入到节奏和旋律的训练当中,如音乐速度可以融入到节奏训练当中。 (四)结合现代教育技术 结合现代教育技术是各学科、各领域发展的必然趋势,在视唱练耳教学中,教师可以结合现代教育技术,更好地组织教学。如音乐、视频的欣赏可以让学生更直观地感受音乐、欣赏音乐,更好地体会音乐中的忧伤与欢乐;各种音乐软件的使用可以增强学生学习的乐趣;各种网络素材可以加强师生间的互动,提高课堂学习的氛围。 三、意义 我国高职高专学前教育专业学生视唱练耳能力的培养,一方面应充分考虑到学生自身的音乐基础较弱,音乐素养较低;另一方面在培养过程中应结合学生就业所需组织教学。通过训练不断提高学生的视唱练耳能力,对学生具有重要的现实意义。 第一,使学生掌握基本的、必须的、够用的音乐专业知识;第二,使学生获得音乐情感的体验,提高学生的音乐欣赏能力以及自身的音乐素养;第三,教学中将音乐的各个要素与游戏结合起来,与儿童音乐教育的特点充分融合,在创设轻松教学氛围的同时,对学生幼儿园实际教学能力的培养也十分有益。 学习是永无止境的。随着现代社会的快速发展,我们的教学同样也要与时俱进,紧跟时代的步伐。不做时代的牺牲品,要做时代的创造者,树立终身学习的理念。 高职高专学前教育专业研究:高职高专学前教育专业校企深度合作人才培养有效措施探析 【摘要】高职院校要培养高素质应用型人才,最理想的形式就是与企业合作。随着社会经济的不断发展,学前教育人才需求标准发生改变,这就预示着培养应用型学前师资的高职高专学前教育专业就必须走校企深度合作,人才共同培养之路,本文试图从实践研究探索高职高专学前教育专业校企深度合作人才培养措施,以此来提高高职高专学前教育专业教育质量、解决技能人才培养瓶颈。 【关键词】高职高专 ; 校企合作 ; 订单培养 ; 资源共享 《关于推进高等职业教育改革创新引领职业教育科学发展的若干意见》,明确提出“建立和完善学校、行业、企业、研究机构和其他社会组织共同参与的质量评价机制,将毕业生就业率、就业质量、企业满意度、创业成效等作为衡量人才培养质量的重要指标。” 在我校《2012年教育质量报告》中也明确指出“要进一步加强校企合作育人的力度”。 一、目标方案、共知共融 高职教育的发展体现出了开放性与职业性的特点,坚持以就业为中心,校企合作、产学结合是我校学前教育专业发展思路,为有效实现学生与岗位“零对接”,使培养的学生符合当前及未来社会幼师职业发展需要,我们与用人单位共同商讨培养目标,确立的人才培养目标和定位是“立足本地区,面向全国,思想品德高尚、专业基础扎实,职业技能突出,综合实践能力强,具有创新精神、创业意识和创业能力,适应学前教育改革和发展需要高素质技能型人才。” 二、互惠共赢、订单培养 (一)互惠共赢是基础 《教育部关于全面提高高等职业教育教学质量的若干意见》 提出“ 校企合作, 双赢发展”校企合作只有合作各方都能获利 ,合作才能深入。高职高专院校学前教育专业选择合作单位,主要看幼儿园是否优秀,能否高效满足学前教育人才培养的需要,而幼儿园与学校的联合也希望通过校企合作, 获得人力资源储备、 学校文化资源高层次的指导等。只有各方的条件与需求都相适应, 才能顺利实现校企合作,并能纵深发展。 (二)实施订单式培养 为有效实现学生毕业即就业,就业即“上手”,使学生能够与岗位实现“零对接”,我校学前教育专业能够与多家用人单位实施签订协议合作育人的“ 订单式培养”。我们除了培养学生基础性、综合性的知识和综合能力素质以外,还根据合作幼儿园的实际需求,有针对性地对学生进行特定的实践技能培训,使人才培养更具有岗位针对性,等学生毕业后就可以直接上岗工作。校企双方共同承担人才培养任务。 三、专业建设、资源共享 校企深度合作,加快专业改革与建设,提高教学质量,才能保证学生就业率和就业质量。 (一)送教入企、引企入校 以“教精学实,够用、适用、能用、会用”教学原则为依据,实施送教入企、引企入校的“四进课堂”活动,即把幼儿园教材带进课堂,加强实践环节训练;学前教育专业教师进入幼儿园课堂,进行听课、指导、调研;幼儿园教师进高校课堂,即通过实习实训联谊活动进行了交流,聘请幼儿园教师进行指导或专题讲座;学生进入幼儿园课堂方面,我们通过观看优质课录像、见习实习、实训课程入园等形式的 “四进”课堂活动,使我校学前教育专业学生毕业之后就立即能转变角色投入工作,实现学生能力与幼儿园需求的零对接。 (二)课程共建,增强学生职业能力 课程建设与改革是提高教学质量的优秀,也是教学改革的重点与难点。课程建设应该以就业为导向、以应用为主线,做到基础课为专业课服务,专业课为就业服务,课程建设与改革为增强学生的职业能力服务。 1.合作开发课程 聘请行业企业领导、幼教专家给学生授课。根据企业岗位的任职要求,改革教学内容与教学方法,广泛采用案例教学、情境模拟、任务驱动、现场指导等教学方法,融“教、学、做”于一体,提高教学效果与教学质量。 2.共建精品课程 扎实推进校级、省级乃至部级精品课程建设。把行业专家、幼教精英纳入精品课程建设中来,把学前教育专业理论知识与幼教实践更好融合,通过精品课程共建活动,促进校企深度合作的内涵发展,实现校企合作互惠双赢。 3.协议置换课程 对“订单式培养“的学生,以灵活课程置换的形式进行校企深度合作,如用人单位对“订单班学生”进行企业所需课程讲授并按课时折合学分,再如学生到订单培养实践单位接受企业文化与职业技能培训课程,也可以按课时折合学分,学生对职业规划的课程学习效果好,这样课程置换的形式深受学校、用人单位、学生、学生家长的欢迎,实现了互惠多赢的效果。 4.加大实践课程比例,注重职业能力培养 高职学前教育专业人才培养模式改革的重点就是教学过程的实践性、开放性和职业性,为此我们加大课程实践教学比例,实践课程设置占整体课时的半数以上,并且认真编写实践课程教学大纲和实践指导书,按教学计划上好实践课。 5.校企合作共同促进教育教学研究成果的转化 与共建单位共同开发教材,对合作成果加以提炼与总结,加强教学内容的针对性和实效性的同时,提高校企社会声誉。组织行业、企业一线专家、专业技术人员参与调研,进行专业发展状况调查,利用学校的智力资源,共同进行课题研究,解决校企合作的难点、热点、焦点问题,实现校园合作的双赢局面。 (三)丰富实践教学环境,完善校企合作教育机制 给学生提供足够的校内仿真实训室和校外实践基地,通过见习、实习、顶岗实习实训等环节,满足学生实践技能培养的需要。在原有的以城市为主,农村为辅的校外实践教学基地的基础上,根据我省在“中长期教育发展纲要”中对学前教育发展规划的精神要求,积极开拓农村学前实践基地,形成市、县、乡村三级平衡的、多样性的专业实践环境。 在科学稳定的实践基地建设的基础上,加大校、园深度合作力度,把已成熟合作模式进行推广。加大课程置换力度,在原有课程置换、委托培养、毕业设计(校、园)同步指导等合作项目的基础上,进一步增强实训的针对性和情境性,有效提高实训效果。对校、园合作教育项目,采用双向指导,双方评价学生能力的考核制度。学前教育专业只有与用人单位密切合作,形成人才共育、过程共管、成果共享、责任共担的紧密型合作办学体制机制,才能发挥各自优势, 促进校园深度合作,增强办学活力。 高职高专学前教育专业研究:试论高职高专学前教育专业舞蹈教学改革 摘要:舞蹈是目前学前教育专业中的一门必修课,该专业与普通的舞蹈专业不同,目的是为了培养幼儿园师资,并要求学生最终能具备较强的综合能力,如表演、舞蹈创作、编导、教学等。因此,高职高专学前教育舞蹈课程非常讲究专业性。要提高高职高专院校学前教育专业舞蹈教学,必须要打破传统的教学方式,探索出合适的教学理念和思路。本文将结合高职高专学前教育专业舞蹈教学的现状和问题进行分析,并为教学改革提出几点合理的建议。 关键词:高职高专;学前教育;专业;舞蹈教学;改革 随着社会的不断发展,人们对孩子的教育越来越重视,国内外也逐渐对儿童教学展开了一系列的研究工作。根据相关研究发现,在婴幼儿时期,孩子们的心智潜能逐渐得到开发并形成,该时期是人类成长的关键时期,并对未来的智能开发和个性发展产生重要的影响,因此被誉为“人生发展的黄金时期”。对孩子们进行学前教育非常重要,而高职高专学前教育专业则是培养幼师的主要基地,必须要对专业舞蹈教学进行有效定位。值得注意的是,该专业与普通的舞蹈专业有所不同,作为高职高专院校的教师和领导,必须要认清学前舞蹈专业的内容和定义,并确定教学方向,从而更加科学、合理地进行舞蹈教学,提高学生的审美能力和创造性。本文主要对高职高专学前教育专业舞蹈教学的现状进行分析,并提出几点合理的建议。 一、高职学前教育专业培养目标 实践证明,高职学前教育专业不仅是为就业而就业,其主要目的是让学生在未来能具备发展能力和发展空间,通过提高学生的教育积极性,从而能够对学生实行爱心教育,对学生进行综合能力方面的培养,不仅能提高他们的综合文化素质,还能发挥学生们的组织能力,并更好地对幼儿进行教育辅导。学前教育专业是高职院校中特殊的专业之一,高职高专学前教育的教学应该要立足于社会发展需求以及学生的实际需求。在进行教育的过程中,要以培养学生的专业能力、培养他们的爱心为重点目标,将专业理论和实践教学相结合,从而提高学生的综合能力,并更好地进行幼儿教学。 二、舞蹈教学的重要性 舞蹈教学是高职学前教育专业必修课之一,是培养学前教育专业学生应具备的弹、唱、跳、画、说能力以及水平较高的舞蹈应用能力,提高他们的综合素质。 三、我国舞蹈课程开设的现状与存在的问题 随着教育的开展,我国舞蹈课程不可避免地出现了各种各样的问题,下文进行详细分析。 1.现状分析。本文主要对近年高职高专学前教育专业舞蹈教学进行一系列调查。根据调查发现,目前我国大部分的高职高专院校都不同程度地将舞蹈课程的比重减少。一些院校因为办学条件等原因,将三年制教学改成两年半甚至两年制教学。一些学校在进行教学的过程中,由于学校的办学条件和外界条件等原因,一些院校没有注重对学生进行素质方面的培养,指注重对幼儿教育专业方面的培养,导致学生的专业技能有所提升,而综合素养却普遍低下。 2.学校存在生源较差的情况。在我国,学前教育专业舞蹈教学的地位不高,主要处于附属的地位,很多学生或教师都认为舞蹈教育并不重要。随着教育的不断发展,这种观念并没有得到改变和重视,一些学生并没有接触过舞蹈,也没有真正了解舞蹈的定义和精髓,对舞蹈的认识几乎只停留在词语的理解方面。由于基础较差,导致在进行专业教学的过程中,学生对一些教学知识未能很好地理解,从而加大了教育难度。 3.学校缺乏专业的课程计划安排。由于专业课时有限,且学前教育专业种类繁多,其中包括画画、唱歌、写字等专业教学课程,导致舞蹈教学的时间相对较少,一些必要的学习内容和教学计划无法完成。此外,由于受到传统教学思想的影响,导致在课程安排和教学方面主要还是沿用传统方式,不利于舞蹈教学。 因此,要发展学前教育专业,必须要将学生的专业与社会的需求相结合,从而制定合适的舞蹈教学体系,完善教学内容。下文进行详细分析。 四、高职高专学前教育专业舞蹈教学改革 1.改变教学方式,调动学生积极性。由于受到传统的教学方式影响,舞蹈教学显得比较死板,对于学生的实际情况也没有详细考虑,导致学生容易对学习出现厌倦情绪,学习缺乏自觉性和积极性。要避免这样的情况,学校必须要从改善教学环境中做起,对学生进行舞蹈艺术等方面的熏陶,从多方面着手对学生进行潜移默化的影响,提高学生的整体艺术素养。例如,舞蹈离不开音乐,人们可以从音乐中获得启发,从而编出优美的舞蹈,老师在教学的过程中可以从多方面入手,通过提高学生的音乐素养,从而发掘学生的潜能,并鼓励学生进行自主学习。也可以在课堂内播放一些优美的音乐,陶冶学生性情,让学生能在优美、宽松的教学环境中增长知识、提高素养。 2.提高学前教育专业舞蹈教学的师资水平。加强对教师队伍的建设,提高教学师资水平,有利于提高舞蹈教学的质量。某高职院校为了能够有效提高教学质量,要求该学校教师加强对舞蹈教学理论的学习,并依照学院中的相关资料参考学习,具体如《教学监督标准》、《教学评估标准》等,通过不断学习,能改变教师的教学理念,从而为教学改革奠定坚实的基础。 3.明确教学内容和计划,制定教学大纲。为了能有效提高教学质量,调整好舞蹈教学的课程安排和内容是非常重要的。下面以某高职院校的实例进行分析。(1)明确教学计划,确定教学内容。某学校在安排教学之前,主要根据自身的办学方向和客观条件,选择符合自身发展的教学模式,并不断调整教学计划。由于该学校的大部分学生并没有舞蹈功底,因此专业必须要以基础为主要前提,并涉及民族舞蹈、幼儿舞蹈等方面的舞蹈基础;在讲课的过程中,还可以适当引入一些影像欣赏、舞蹈创编等方面的知识,让学生在提高自身专业性的同时,还能够对各方面的知识有大致的了解。学校老师还根据学生的实际情况按照学年将各个模块进行分段教学。其中第一阶段为第一学年,主要教导学生学习基础知识,如舞蹈动作中的相关词汇、基础动作、舞蹈基训等。该学校在第一学年的教学中,还让学生进行舞蹈小组组建,并进行分批学习,从而促进学生之间互相交流与合作。第二阶段为第二学年,主要提高学生对舞蹈动作的选择,并懂得对各种舞蹈风格进行有效的分析,从而为舞蹈的编排奠定基础。第三阶段为第三学年,要求学生能够对舞蹈进行分析,并掌握幼儿舞步,小组之间能进行幼儿舞蹈的初步创编。第四阶段为第四和第五学年,这时期要加强对学生舞蹈创编的教育,加强小组之间的合作关系,从而创造出符合幼儿身心发展的舞蹈。此外,还必须要提高学生对舞蹈作品的欣赏水平,并能准确概括出不同风格的舞蹈。(2)制定教学大纲。由于目前学前教育专业舞蹈教学并不是目前学前教育专业的主流,缺乏相应的舞蹈教材,同时也缺乏相应的教学大纲。为了能保证教学质量,该高专学校对人教版幼儿师范学校教科书进行详细的分析和编排,对于外国民间舞蹈这部分内容删除,并改成幼儿舞蹈教学创编的教学内容。从而能让学前教育专业学生的学习方向更加明确,避免了知识过于复杂、方向不明等情况,更加利于学生学习。 高职高专学校要完成好的教育专业舞蹈教学,就要明确学习目标,通过选择合适的教材、结合学生的实际情况进行教学,提高学生素质。上文主要从对学前教育专业舞蹈教学的现状和问题进行分析,并为教学改革提出几点合理的建议,只有通过明确教学计划、制定教学大纲、调动学生积极性、提高师资力量,舞蹈教学才能为提高学生的专业素质发挥积极作用。 作者简介:陈春(1977-),女,讲师,本科,研究方向:舞蹈教学、舞蹈学理论研究。 高职高专学前教育专业研究:培养高职高专学前教育专业学生的英语教学技能 【摘 要】由于学前教育专业受到国家和社会越来越多的关注,那么幼儿园对幼儿教师的要求也越来越高,尤其是对幼儿教师的英语教学能力提出了更高的要求。本文主要介绍了如何培养高职高专学前教育专业学生的英语教学能力及具体的教学方法。 【关键词】学前教育;幼儿英语;教学方法 随着社会的发展和人们对学龄前儿童教育的重视程度的增加,学前教育专业也受到了越来越多的关注。众所周知,学习语言的最佳年龄是在幼儿阶段,因此,学前教育专业中针对幼儿的英语教育尤其受到了幼儿家长的重视。许多幼儿园都开办了英语课程,或者以双语作为自己的办园特色,这表明越来越多的人意识到幼儿英语教学的重要性,而高水平的师资是高质量幼儿双语教育的保证。要提高幼儿英语教学水平,就必须具有既掌握相当英语知识又懂得幼儿教育的师资,因此,这种社会发展的趋势对学前教育专业的人才在外语技能的培养上提出了更高的要求。 双语教师的英语发音必须准确、熟练、流利,而且符合英语国家的文化特点。幼儿园双语教师还要能比较自然、流利地使用英语组织幼儿的各类活动,使用的英语应当具有生活化、儿童化等特点,而不是生硬的课本式英语。虽然有些学前教育专业学生英语能通过大学英语四六级考试,但是学生仍然停留在哑巴英语水平阶段,英语听力和口语技能水平普遍偏低,发音不标准,不能用英语进行自由对话和交流,更不能进行完整的英语课堂教学。缺乏英语学习兴趣,积极主动性不强,而且自主学习能力较差,这大大阻碍了学生毕业后英语教学工作的开展。那么如何培养高职高专学前教育专业学生的英语教学能力变的异常重要。我们从下面几方面来培养学前教育学生的英语能力: 1 提高学生英语口语水平 1.1 重视语音语调的教学 幼儿园英语教育是一种启蒙教育,在这个时期,孩子所形成的英语发音习惯会对孩子未来的英语学习产生深远的影响。幼儿英语教师尤其应该说一口标准的英语,在我们所接触的学生中,决大多数学生都存在着各种各样的英语发音问题,而英语语音语调的练习对幼儿英语教师来说显得尤为重要。学习语音的主要方法是模仿,在平时练习时,在掌握48个音标发音规则的前提下,要跟着老师和磁带录音大声模仿,模仿时一定要注意语音语调,同时把自己的发音录下来与标准发音作比较,以便于找到自己发音出现的问题。同时要不断背诵英语短文,不断进行语言输入,只有经过足够的语言输入,学生才能脱口而出英语。 1.2 加强英语口语对话表演练习 语言学习是一个互动的过程,培养学生的英语口语交际能力是英语口语教学的最终目标。教师在学生英语语音发音标准的前提下,掌握大量句型,熟悉英语表达思想是方式,教师给出学生话题,让学生分组练习,要让学生站在讲台前给大家展示英语对话。这样可以培养学生的胆量,培养学生语感。 2 开展课堂模拟授课教学 学生在掌握了扎实的英语语音,口语技能和幼儿英语教学法所学内容之后,在课堂上模拟幼儿园活动,可以锻炼学生的英语授课能力。要让学生学习如何根据幼儿年龄特点,认知水平和教学目标,选择教学内容,进行备课。教师要向学生讲授英语课堂授课的过程和上好一节课的步骤,同时要指导学生写好英语教案,教师要把学生的教案收集起来认真批改和点评,指出学生教案的优点和缺点,以便于更好的进行模拟授课。为了达到良好的授课效果,鼓励学生进行教具和课件的制作和运用,通过实物,模型,图片,手偶,幻灯片和多媒体软件,以增强教学的直观性,趣味性,培养幼儿对于英语学习的兴趣。通过模拟授课可以提高学生的英语语言运用能力,体会到课堂授课带给自己的收获和自己的不足,教师也要制定一套模拟课堂教学评分标准,在每一位同学进行模拟授课以后,根据评分标准对学生的表现进行点评,有哪些是值得继续发扬和提倡的教学环节和教学过程,同时帮助学生找出在课堂授课过程中所存在的问题,分析出现这一问题的原因,找到解决问题的办法。对于学生在授课过程中的一些好的授课方法,要及时总结,在全班推广,使同学们都能在模拟授课中得到更多的收获。 3 学习在幼儿英语教学中运用参与式教学法 教学方法多种多样,在幼儿英语教学中,教师更应大胆探索各种新的教学方法,根据幼儿的特点运用丰富的教学方法实现师生互动,生生互动,让幼儿在情境中感知、在体验中积累、在互动中分享,呈现出“主动高效”的课堂效果。孩子的天性是爱玩,因此快乐、互动在儿童英语教学中就显的格外重要。在课堂上灵活的运用故事、游戏和歌曲是优秀幼儿教师必备的素质。故事(story):通过生动有趣的故事进行幼儿英语教学,把单词、句型放在生动的故事中,在听故事的同时听英语,在讲故事的同时学英语,故事中动人的情节吸引幼儿,同时极大地激发了他们学习英语的兴趣;游戏(games):游戏可以及时巩固所学知识点,在娱乐中轻松的学会了英语;歌曲(song):幼儿通过听歌曲、唱歌曲、表演歌曲,可以再现知识点。运用这几种形式不仅丰富了课堂形式,而且体现了参与式教学法,让孩子们参与到课堂中来,成为课堂的主人。教师成为指导者,参与者。下面介绍两种具体的方法: 3.1 情景剧教学 幼儿正处于好奇好动的年龄阶段,他们对一些童话故事很感兴趣,所以根据不同的学习内容,在课堂上,恰当运用一些生动的童话故事,他们的英语学习积极性被调动起来,就会和一个栩栩如生的童话形象成为好朋友,英语自然会得到提高。例如童话剧《Three Little Pigs 三只小猪》,我们首先完整地给小朋友们播放一遍影片,以生动的故事吸引同学的参与性,然后分别找一些小朋友扮演剧中的人物:猪妈妈、猪老大,猪老二,猪老三、大灰狼等,在小朋友们妙趣横生的表演中,小朋友们可以收获很多单词和简单的对话。 3.2 音乐,律动教学 认知心理学研究表明,在学习外语时运用音乐、运动、节奏,可以使人感到松弛愉快和满足,产生兴奋的情绪,达到长时记忆的目的。在教学的实践中,我发现音乐深受孩子们欢迎。将英语教学与幼儿喜欢的律动音乐有机地结合在一起是符合儿童心理发展规律的有效方法。主要体现在“听”“唱””舞”三方面。“听”,在歌曲中辨别知识点,即教师将本课英语内容与恰当的歌曲结合,让幼儿在听歌曲中,通过教师的引导,辨别知识点。“唱”,在学唱歌曲中掌握知识点。马克思曾经说“音乐是人类的第二语言,也是全世界的通用语言;因此教师根据教学内容选择难易程度适中的歌曲,在教幼儿学唱歌曲中,轻松掌握知识点。如:《Happy New Year》《Apple Tree》等歌曲,都可以运用在日常的教学中。“舞”,在舞蹈中巩固知识点,即将肢体语言与儿歌内容生动结合,通过形象的动作,优美的舞蹈表演进一步加深对知识点的理解和记忆。这三种形式互相渗透、可以更有效地提高幼儿学习英语的兴趣。 学前教育专业的学生作为未来的幼儿教师,应该不断提高自己的英语水平,突破英语口语障碍,努力学习英语教学法知识,运用学前教育专业声乐,舞蹈,美术技能不断培养自己的英语教学技能和技巧,在各个方面严格要求自己,为学生的就业打下良好的基础,做好充分的准备。 高职高专学前教育专业研究:高职高专学前教育专业科学发展略谈 摘 要: 我国首部《幼儿园教师专业标准(试行)》正式公布试行,该标准将作为幼儿教师教育、培训、管理的重要依据。本文将以该专业标准的具体要求为切入点,针对目前高职高专学前教育专业发展中存在的学前教育理念的培养,专业课程体系的构建、学生专业优秀能力的要求、专业教师队伍的建设等问题进行深入思考,以准确把握《幼儿园教师专业标准(试行)》对学前教育专业的指导作用。 关键词:专业标准 学前教育 专业建设 课程体系 人才培养 2010年7月《国家中长期教育改革和发展规划纲要(2010~2020)》颁布,提出“百年大计,教育为本”“国运兴衰,系于教育”,这标志着教育事业的发展迎来新的机遇。专门针对学前教育发展的《国务院关于当前发展学前教育的若干意见》出台,对学前教育发展提出总体规划。在学前教育蓬勃发展的关键时期,《幼儿园教师专业标准(试行)》颁布,首次明确合格的幼儿园教师应具备的专业素质,它将引领幼儿园教师的专业方向,无论当下还是长远都将对学前教育事业的发展,产生极其重要的影响。高职高专学前教育专业承担着培养幼儿园教师的重要任务,学前教育专业建设质量将决定未来幼儿园教师的质量。我们必须深入领会这个专业标准的实质与内涵,并以其为导向,主动迎接学前教育发展的机遇与挑战,不断推进学前教育专业的科学发展。 一、目前高职高专学前教育专业存在的突出问题 (一)专业人才培养方案中欠缺科学幼儿观的重点教育 培养方案是人才培养的根本依据,是专业人才培养的规格和要求,它是专业建设的方向和依据,是各项教学工作的出发点和归宿,也是专业特色的重要体现。目前高职高专学前教育专业的培养目标大都表述为:培养德、智、体、美全面发展,热爱幼教事业,具有学前教育专业基本理论素养、实践能力和初步的研究能力,能在各种类型的托幼机构从事学前儿童保教、管理工作的应用型专门人才。按照上述专业标准强调的幼儿为本、师德为先、能力为重、终身学习的基本理念,不难发现幼儿教育最本质的要求——以幼儿为本的儿童观未能得到高度重视。表现在学前教育专业的培养中,普遍注重学前教育专业能力的建设,在课程体系上突出专业基本理论的学习、专业技能的训练,而了解幼儿权益、尊重幼儿权益、以幼儿为本的专题教育与实践活动明显欠缺,在一定程度上反映着传统教育理念的影响。学前教育有其专业的特殊性,因为其工作对象是身心发展迅速、可塑性大、极易受伤害的幼儿,学前教师的态度、师德及职业行为,直接影响幼儿的身心发展,稍有不慎就可能对幼儿造成伤害,理解、尊重、责任心教育对学前教育专业学生尤为重要。 (二)学前教育专业课程设置缺少创新类课程,难以满足新的形势需要 高职高专学前教育专业的大发展是二十世纪末以后的事情,专业课程更多是参考历史较长的高校本科学前专业课程而构建的,普遍而言专业理论知识体系基本沿袭传统而设置,主要是学前心理学、学前教育学、学前卫生学“三学”,学前儿童语言教育、学前儿童社会教育、学前儿童健康教育、学前儿童科学教育、学前儿童艺术教育“五法”,加幼儿园教育活动设计与指导、幼儿园游戏教程、幼儿园政策与法规、学前教育科学研究方法、学前教育史等课程,而学前教育领域一些最新开发的课程,如幼儿教师人文素养、幼儿教师自然科学基础知识、幼儿教师教育综合技能训练、幼儿的观察与评估、幼儿教育与社区环境、0~3岁婴幼儿发展与早期教育、幼儿园体育活动设计与指导等,因专业教学的研究不够,把握不准,再加上新课程需要教师尽快地成熟教材,准确把握内容要点,所以普遍按传统“三学”及“五大领域教学”再加“游戏、活动”等课程设计教学。这样的专业课程体系显然是不能满足专业教师应有的知识技能结构与文化素养要求,也很难为学生以后的自主学习、持续发展奠定良好基础。 (三)专业优秀能力中欠缺观察、了解、保育幼儿能力的特别培养 师幼关系是幼儿园教育中非常重要的因素,观察、了解、保育幼儿能力是幼儿教师必须具备的重要能力。幼儿尚处于发育期,他们的理解与沟通能力比较弱,更需要教师用符合他们年龄特点的方式与他们沟通,掌握他们的心理动态,发现他们出现的细小问题,并能及时、妥善地加以处理,特别是生活方面的观察与照料,这是幼儿教师工作对象的特殊要求。可目前的实际情况是该专业的学生自身年龄小,许多还是独生子女,走进幼儿园的时间有限,零距离观察幼儿、与幼儿直接沟通的机会很少,很多学生对幼儿的了解、沟通,主要基于他们自发对幼儿的喜爱。在见习、实习的过程中,普遍存在着设计组织幼儿园集体教学游戏活动时,积极主动形式多样,容易得到孩子们的接纳和喜欢,幼儿园也比较认可,但在生活照料、针对幼儿个别学习活动时,很多同学就不知如何动手,特别是面对个性强的孩子更不知如何进行沟通管理。这些现象恰恰反映出在专业能力培养中存在着“重教育,轻保育,重集体,轻个体”的不平衡问题。 (四)专业教师素质结构不能适应专业标准的要求,影响教学目标的实现 一方面学前教育专业教师队伍比较年轻,绝大部分为近年新毕业的硕士研究生,拥有比较扎实的理论功底,掌握了科学的研究方法,在教学上也认真投入,对教学方法进行了一些有益探索。但是由于教师普遍缺乏幼儿园实践背景,在教学上讲专业理论比较深入,但在联系幼儿园实际案例进行分析,指导学生进行观察研究性学习,特别是指导学生开展幼教实践活动方面,缺乏亲身感受性的教学经验,常常出现理论与实际的脱节。按照新形势下职业教育的要求,这样一长一短的专业素质结构已经严重影响对学生的培养,急需加以完善。另一方面根据教育部制定的《幼儿园教育指导纲要》的具体要求,学前教育专业应该培养的是全科幼儿教师,他们不仅要充分了解“三学”“五大领域教学法”等方面的知识,还要熟练掌握相关的教学方法与技能。但目前承担这些技能课的教师普遍是本专业技能较强,但对学前教育专业的了解非常欠缺,因而开展教学时不能将学前教育特点与才艺技能有机结合,在一定程度上影响教学目标的实现。 二、推进学前教育专业科学发展的若干思路 (一)必须把幼儿为本、师德为先的基本理念贯穿人才培养全过程 《幼儿园教师专业标准(试行)》的基本理念是幼儿为本、师德为先、能力为重、终身学习。学前教育专业的人才培养必须首先确立幼儿为本、师德为先。幼儿园教师是履行幼儿园教育工作职责的专业人员,幼儿为本、师德为先是对其职业的特别要求。幼儿为本就是要求我们培养的幼儿教师要热爱幼儿,尊重幼儿的主体地位和个体差异,遵循幼儿身心发展规律,促进每个幼儿生动、活泼、主动地发展,全面健康地成长。师德为先就是要求每一位幼儿教师都必须做到热爱学前教育事业,关爱幼儿,尊重幼儿,为人师表,教书育人,能够担当起幼儿健康成长的启蒙者和促进者的责任。为此,第一,强化入学专业教育,利用多种形式使新生懂得,学前教育作为人生开端的教育,对人的生理、心理、社会性等一生的发展起着全面奠基的作用,形成初步的专业理念。第二,通过思想品德修养、教育学等课程,强化师德理念与职业理想追求,通过课堂理论讲解、社会现象分析、深入教育机构实际观察、个人道德践行直接体验等,促使个人行为修养的不断提高。第三,强化专业实践类活动,扩展加大见习、实训、调研、实习,借助这些活动,帮助学生增进对幼儿、幼儿教师、幼儿园的全面认识,解决学生思想上由单纯喜爱孩子到理性认识学前教育职业理念的转变,形成对学前教育的职业热爱。 (二)不断优化课程设置,切实处理好必需、够用、拓展的相互关系 培养理论与技能并重的幼儿园教师是许多学校学前教育专业课程设置的主要特色,但参考教育部对高职高专总学时的设计要求,目前学前教育专业的课程体系已经不能适应《幼儿园教师专业标准(试行)》的新要求,需要我们紧跟形势的发展变化,及时对传统专业课程设置进行调整与优化,不断将体现学前教育专业的新理念、新思维,国内外学前教育课程改革探索的最新成果,以不同形式完善于学前教育专业课程体系中。第一,增设必要的自主选修课,提供形式多样的专业或非专业课程,利用通识课、公选课、讲座课等平台,鼓励学生根据自己的实际选择课程,拓展知识与能力,提升自己的人文和科学素养;第二,针对沿用传统课程过多、缺乏创新这一问题,应利用人才培养基地的资源,与幼儿园一起研发新课程,特别是优先考虑适应新形势要求的一些课程内容并将其成果运用于课堂;第三,坚持专业理论课“必要、够用”的原则,结合培养目标实时优化课程设置,该增设的一定增设,该删减的一定删减,构建较为完善的专业理论体系。 (三)遵循保教结合的教育原则,提升对幼儿观察、了解、保育的专业能力 学前儿童的生长发育有其自然科学的规律,作为未来的学前教育工作者必须了解、遵循这些规律,特别是要准确把握“保教结合”的整体概念,即“保”和“教”是教育整体过程中的两个方面,会对幼儿产生不同影响。保育是教育的基础,在确保幼儿身心健康、安全的前提下,才有可能实施教育。目前学前教育专业课程的内容安排基本以培养专任教师需要的知识、能力为主,学生普遍对幼儿保育知识了解不够,对幼儿观察、了解、保育能力更是缺乏,按照专业标准的相关要求,幼儿教师必须全面精通保育和教育工作,以专业行动践行保教结合的原则。因此需要,第一,在目前开设的“学前儿童三学”“五大领域教学法”、游戏活动指导等课程的教学中,教师要结合本课程特点,有针对性地增加保育知识的渗透,并且最终要体现在考核成绩中。第二,在实践教学环节,分学期组织学生进行幼儿一日生活观察,向保育员或生活教师学习观察、保育技巧。逐步尝试熟悉幼儿,与孩子们沟通,协助幼儿园教师进行幼儿生活管理。第三,部署学生利用假期开展专题社会调查,进入城市、农村社区了解各类幼教机构保教结合的现状,从而直观感受保育教育对幼儿的影响,利用所学的专业理论进行分析思考,提升自己的专业能力。 (四)内培外聘,加强“双师”和兼职教师队伍建设 学前教育专业教师的专业水平决定着学前教育专业教学质量,专业教师队伍建设必须立足现实、与时俱进,发挥好“双师”教师在专业建设中的重要作用。针对幼儿园教师的“全科”特点,还需要通过各种途径加强各类教师的培养培训,不断增强专业教师队伍的综合实力。第一,可以借鉴许多院校的做法,安排专业教师定期深入幼儿园实践,及时了解学前教育的新动向,全面参与幼儿园的教研、备课、教学(听课)活动,并将深入幼儿园作为对教师的一项制度要求,以提升教师实践教学的综合能力。第二,从现有教师中进行转型培养,选送热爱学前教育事业的有才艺技能基础的青年教师到区外著名的学前教育专业进修培训,安排他们参与幼儿园见习、实习等实践教学活动,逐步使他们成长为熟悉专业的技能教师。第三,与各类幼教机构建立长期广泛的联系,聘请富有实践经验的优秀幼儿教师参与专业教学,举办专题讲座、讲授课程相关内容、开展实践课程指导等,用他们的所长弥补自身的不足。第四,建立与其他基础教育学院、少儿活动中心的合作关系,充分利用艺术类社团的指导教师,共享教师资源,最大限度地发挥好各类才艺教师在学前教育技能教学中的作用。 社会的快速发展急需优质的学前教育,急需高素质的学前教育师资,我们必须适应形势需要,以《幼儿园教师专业标准(试行)》为指南,全面深化教育教学改革,真正把学前教育专业打造成为社会输送“理念新、懂理论、技能强、有特长”的专业化幼儿教师的人才培养基地。
幼儿钢琴教育论文:钢琴教学幼儿教育论文 一、对钢琴课学习的必要性的理解 (一)就学习钢琴本身而言,它对于整个音乐过程的学习是很重要的。 通过对钢琴的学习可以提高学生对音乐的理解能力、欣赏能力与对音乐的感知力。学生在学习钢琴基础知识与弹奏的同时,还要进行大量的的练习,而这种练习,无形之中也磨练了他们的意志力,钢琴学习是锻炼儿童意志力的有效途径。儿童开始喜欢学习钢琴,是因为对新事物的好奇。可当课程逐渐复杂,兴趣也就随之减退,这时候就需要我们有强大的意志力去坚持。在困难中不断的前进。长期的坚持不懈,使音乐的能力一点点提高,经过这种长期的艺术熏陶,也会使孩子整体的艺术修养有所提升。 (二)良好的音准与节奏感对于钢琴的学习是一个最重要的基础。 它对音乐其它门类的学习也是最基础的,最重要的。而钢琴的学习恰恰是练习音准最好的一个工具。钢琴乐器每年都需要调律师进行校对音准。孩子每天在大量反复的倾听音乐中,对音准有准确的判断,还可以在家里进行练耳的练习。长期的练习对音准和节奏感都是有益的。 (三)钢琴演奏中,有即兴伴奏的部分。 在掌握了一定的演奏技能,就可以加入一些简单的即兴伴奏的方法,即兴伴奏是钢琴弹奏教学中的一个延伸和发展。了解最基本的和声、音阶、琶音走向。在歌曲中最常见的音型与织体。可以通过这样一种训练,既增强了乐趣,也促进了钢琴本身的教学工作。使孩子视奏能力加强。也为日后进入到真正的即兴伴奏打下基础。 二、多元化的钢琴课程教学形式与方法 现在的钢琴教学课程,多分为两种形式。一对一教学,和小组集体课的形式。针对小些的孩子建议两者混合进行教学,效果会更加显著。 (一)集体大班形式的音乐素养课程。 音乐素养课包括基本乐理、视唱、练耳、基本手型的游戏训练。利用这种人数较多的课堂,增加孩子们的凝聚力,调动孩子的积极性。形式好于一对一的教学,在课堂上孩子们既能体会到集体,也会展现个人能力。 (二)在有了一定的音乐基础后,一对一的教学,是每个孩子必须要经历的课堂模式。 这种个别课的好处就在于它可以因材施教,针对每个人存在的问题,去单独解决。但这种一对一的课程时间不宜过长。孩子年纪小,注意力集中的时间段,在前十分钟可以进行新知识和曲子的改错环节。接下来进行旧知识的复习,要时刻关注孩子兴趣所在,如果出现了厌烦,就要及时变换形式,利用新颖去吸引孩子。这种方法也是钢琴教学中最常见的教学形式。适用于各种不同程度学生的学习。 (三)钢琴小组课观摩的教学形式。 这种形式也非常适合人数多,年龄低的学生。作为初学者,演奏上要求的最基本的知识点是一样的。基本的方法也都是一样的。可以把学习过程中容易出现的学生普遍的问题,统一讲授去解决。统一的演奏也增强了孩子的自信心,增强团队意识,还可以进行互相学习,指正。 三、教学内容的制定与改革创新 音乐教育作为美育的重要组成部分,可以培养孩子的想象力和完美人格。钢琴最显著的特点就是有优于其他乐器的极强的表现力、音域广、和声效果极为丰富等特点。在美妙的乐曲中唤起他们丰富的想象力,使儿童的各种能力能得到更好地提高和锻炼。在教学内容上我们要注重它的科学性、实用性、知识性与趣味性的有机结合,以素质教育为教学宗旨,要采用用兴趣去引导孩子,寓教于乐。在完成教学目的的同时,使孩子愉快的学习。 (一)钢琴教学法 幼儿教师的培养中,幼儿教师有着引导孩子热爱音乐这一重大责任。钢琴的学习是一个长期而漫长的活动。如何正确引导孩子,不破坏孩子的兴趣是关键。如何能在儿童在游戏中去学习,如何能轻松的掌握基础知识,是幼儿教师应该研究的主要问题。在保证正确的弹奏方法的同时,加强对儿童心理变化的掌握,对知识传授出现问题的及时正确的处理是很关键的。这直接影响了孩子今后对音乐热爱的程度。 (二)即兴伴奏课程的设定 学龄前儿童年龄为3—7岁,他们对音乐的熟悉大多是各国的儿童歌曲,而这些简单的歌曲也是我们即兴伴奏的主要内容,在具有了一定钢琴基础的同时,可以让孩子自己去尝试,为自己喜欢的歌曲添加伴奏。这对于掌握不同的音乐风格,不同的音乐特色的学习,提供了很好的学习机会。让孩子自己去发现,挖掘不同伴奏形式应该用在什么样的音乐风格中。 (三)教材的使用与确定 1.在针对幼儿钢琴使用教材上,主要以实用性为主。 尽量选择一些趣味性强,节奏鲜明,曲谱简单些的儿童歌曲,可以一边演唱一边表演,增加孩子的趣味性。可以采用有实践教具的教材,利用儿童喜欢的彩绘图画,或者手工游戏、贴纸。将这些与枯燥的曲谱结合,效果会更好。教师可以利用已经熟悉的乐曲,加入自己简单的即兴伴奏,让孩子在娱乐的同时,对调性、和声有基本的概念。 2.教材的民族性 在教材范围的选择上,应该选择全世界优秀的作品,同时运用。将中国作品与外国作品,并驾齐驱。也可以选择一些具有中国民族特色风味的作品去欣赏、学习。通过我们教师的双手,去引领孩子全面的了解中国,了解世界。这对学前儿童音乐教育也是一个很好的推进。 作者:丛琪 单位:辽宁省鞍山市鞍山师范学院音乐学院 幼儿钢琴教育论文:幼儿钢琴启蒙教育论文 一、如何培养幼儿的学习兴趣 针对幼儿的性格特点,关于幼儿钢琴学习的兴趣培养方法有以下几点: (一)教师和家长要转变传统教学观念 在幼儿的钢琴启蒙教育中,老师和家长是非常重要的两个角色。在培养孩子钢琴学习兴趣的过程中,家长的参与是非常重要的。作为家长,首先要尊重孩子的想法,给予孩子相对自由的空间,不要一味的把自己的想法强加给孩子,使孩子觉得钢琴学习枯燥无味,有的甚至产生恐惧心理,使钢琴学习成为孩子的压力。有的家长看到比自己孩子后学的孩子都已赶在前面,非常着急,不时训斥自己的孩子,甚至打骂和强制他们练琴。有些教师也往往缺乏耐心,动辄对孩子严加训斥,甚至在学生出错的时候,拍打孩子的手背。久而久之许多孩子不仅产生了逆反心理,厌恶学琴,更有甚者一听要上钢琴课,就会产生恐惧心理。这样的心理状态怎么能学好钢琴呢?在日常练习中,家长可以和孩子一起学习,在学习的过程中理解孩子学习时的心情,及时鼓励孩子,做孩子坚强的后盾。对孩子实行鼓励是非常有用的一种教学手法,是家长和教师对孩子的一种爱的传递,能够有效的促进孩子的学习兴趣,提供学习的动力。对孩子只有耐心地启发和培养他们对音乐的兴趣,让他们轻轻松松地上好每一堂课,并能轻轻松松地完成布置的练习任务,才能增强他们的自信心。一个好的老师,会影响孩子的一生。所以,在学琴的过程中,遇到一个好老师,对孩子来说尤为重要,而培养幼儿的学琴兴趣,教师也起着决定性的作用。幼儿接触陌生人时,需要一个适应的过程,在这个适应过程里,最关键的一点是使幼儿和教师建立感情。孩子一旦感觉老师像妈妈一样亲切,就会适应这种学习环境,钢琴学习也就变得有吸引力了。对于钢琴教师来说,首先应该具备广博的知识储备和持续的知识更新,并且不断的提高教育理论水平,具备钢琴教学的必备专业技能,只有这样才能更好的对学生进行教育。在教学思想方面,要转变传统的教学观念和角色,由教师中心转向以学生为中心的教学模式。教师是学生学习的合作者和交流者。教师在教学的过程中要注意自己的言行和态度,尽量使用亲切的语气和启发式的教学方法来培养幼儿学琴的兴趣。当孩子在学习过程中取得成绩的时候,要及时的予以赞美和夸奖,这样有助于孩子树立学琴的自信心。学生只有相信自己有能力做好,才能有兴趣一直学下去。由于每个幼儿在家庭环境、生活习惯、兴趣爱好及性格特征方面都有一定的差异,一个优秀的钢琴教师,要做到关注每一个学生,考虑学生的个别差异,善于从学生的个体情况出发,真正做到因材施教,从而使每一个学生都可以达到最好的学习效果。对于接受能力较强的孩子可以多教授一些学习内容,对于接受能力相对较弱的孩子,要放慢教学进度,并且有耐心的进行教学。人有一种基本的行为倾向:追求快乐,逃避痛苦。激励和惩罚都能够在一定程度起到约束和控制儿童行为的作用,受奖励的愉快体验会激发他们的获奖行为。教师在钢琴教学过程中,要合理的安排学习内容的难度,增强孩子的自信心。可以给孩子布置难度适中的钢琴作业,让孩子可以在合理的时间内完成,并且及时的检查作业。当学生完成的好时要给予肯定和赞美。在教学的过程中,是师生之间要及时的进行情感交流,注意孩子的情感需求。根据幼儿的兴趣和需要组织教育活动。 (二)充分利用幼儿的无意注意 一个人在幼儿时期,有意注意还处在一个萌芽的阶段,占主导的为无意注意,自制能力较差,很容易受到外界的干扰。在对孩子进行钢琴启蒙教育时,要充分的利用幼儿的无意注意,注意培养幼儿的有意注意。幼儿的注意力,稳定性和持久性都很差,对于枯燥而没有变化的注意对象更是如此。所以在钢琴教学过程中,要保持一个良好的学习环境,避免孩子受到无关刺激的干扰,并且尽量设计生动有趣的注意对象,来引起幼儿的注意,培养他们对于钢琴学习的兴趣。在进行钢琴学习之前,最好不要安排孩子很感兴趣,但是却与钢琴学习没有任何关联的活动,这样幼儿在学习时,就很难将注意力转移到钢琴上,极其容易分心,这样就不利于孩子学习钢琴。另外一点值得注意的是,幼儿因为生理发展和知识认识的局限性,所以注意的广度相对较小,不要让孩子在学习钢琴的过程中,同时注意较多知识点,这样会让孩子感到吃力,不利于兴趣的培养。在幼儿钢琴的启蒙教育中,理论知识是个重难点,在选择教材的时候,一定要充分结合幼儿的特点,挑选有插图的教材,这样可以吸引孩子的注意力。在曲目的选择方面,应该适当选择幼儿熟悉的又朗朗上口的小儿歌作为练习的曲目,这样可以让孩子边唱边弹奏,训练乐感的同时又避免了练琴时的枯燥。乐理知识的学习也要做到循序渐进,一定要难度适中,如果过于困难就会降低孩子的学习兴趣。在教孩子认五线谱的时候,可以编创一些生动活泼的小歌谣,帮助孩子记忆。教师也可以根据不同孩子的特点,有针对性的为学生编写适合的教材。 (三)合理的安排游戏时间 幼儿最主要的一个特点就是活泼好动,合理的安排游戏和户外活动,是一件让孩子非常快乐的事情。如果长时间让他们呆在室内,一直进行较为安静的活动,他们就会暴躁不安,并且会很快感到疲惫。要注意适当的进行动静活动的交替。幼儿的注意无法长时间的集中,所以学习钢琴和练习的时间都不宜过长,否则孩子就会无法集中注意力并且产生厌倦的情绪。每天都重复一样的学习模式,是孩子缺乏学习兴趣的一个重要原因。父母和老师要在孩子的学习之外适当地增加一些新鲜的活动内容,让孩子对学习充满新鲜感,只有这样,才能让孩子保持持续学习的兴趣。游戏是幼儿最主要的活动形式,游戏是他们认识世界的一个重要手段也是促进幼儿智力发展的强有力的工具。儿童特别喜欢。游戏对幼儿的吸引力是巨大的,对于游戏的巨大兴趣,比较容易激励他们克服困难,努力达到一定的目的。可以在学习的过程中穿插一些小游戏,让孩子在游戏中愉快的学习,这样既达到了学习的目的,也让孩子对钢琴学习保持了兴趣。 (四)幼儿的思维具体、直接 人的抽象逻辑思维要在5-6岁才开始萌芽,所以幼儿的思维很具体,很直接。他们不会做复杂的分析综合,只能从表象来理解事物。思维过程需要具体的事物做支撑,这就要求教师要注意使用生动形象的语言进行教学。幼儿往往是根据自己的具体生活经验来理解成人的语言,教师在教学的过程中要注意正面教育。因为孩子的认识有限,所以教师在和孩子交流时,应该注意使用符合幼儿知识水平的语言,避免使用过于抽象的语言。在教授新的钢琴作品和理论知识时,可以用孩子熟悉的事物进行合理的比喻,尽量使用形象的解释,来帮助幼儿理解新的知识内容。处于幼儿时期的孩子,因为逻辑思维还没有开始发展,大脑的思维又很活跃,学习钢琴作品主要是靠模仿,所以,这就要求教师的示范要规范又要能够吸引学生的注意。教学的方法和语言要贴近幼儿的心理和语言特点,只有运用简单易懂而又生动活泼的语言才能引起幼儿的兴趣,从而达到好的教学效果。 (五)充分利用幼儿的好奇心理 好奇是幼儿的一大特点。什么事情都想弄个明白,在学习的过程中,孩子出现什么稀奇古怪的问题,教师和家长一定要保护孩子的好奇心,有耐心的解答孩子的疑问。同时也要抓住孩子好奇和喜欢尝试的心理,给孩子增加有新鲜感的学习内容,适时扩大孩子的视野,这也是有效地激起孩子学习兴趣的方法。 二、结语 学习钢琴对于孩子的身心发展都有一定的帮助,只有在钢琴启蒙阶段使用正确合理的方法对孩子进行教育,培养他们对于钢琴的浓厚兴趣,才能让他们在钢琴学习的道路上越走越好。 作者:刘笑笑 单位:贵州师范大学 幼儿钢琴教育论文:幼儿钢琴教学中教育心理学论文 一、幼儿钢琴教学中教育心理学的重要性 想要提高幼儿钢琴教学的质量,就要从现在钢琴教学中存在的问题出发,分析其中的不足之处,对现有的教学方法做出合理的调整。现阶段的幼儿钢琴教学问题,大多数的问题原因都是教师不能够很好的了解幼儿期学生心理,单方面的重视教学,不能与学生做到有效地互动。影响教学质量。教育心理学是研究儿童学习与心理发展的学说,通过学习教育心理学,幼儿钢琴教师可以更加的了解到学生的心理学习特征,通过这些特点来进行儿童教学,设计出更加适合幼儿学习的教学方案。只有掌握了一定的教育心理学,才能够使得日常的钢琴教学有事半功倍的效果。幼儿钢琴的学习最重要的就是通过教师加强教育心理学知识的学习,更加了解幼儿学习时的心理变化,从而能够更好地提高幼儿钢琴的教学水平,幼儿教师应当注意到教育心理学与日常教学相结合的重要性。 二、幼儿钢琴教学中的与教育心理学相结合的方法 1、培养幼儿学习钢琴音乐的兴趣 现代教学最常用的说法就是“兴趣是学习最好的老师”,只用让学生对老师所教授的知识感兴趣,才能够保证课堂教学的良好开展,尤其对与幼儿学生,只有提起他们的兴趣,才能使得学生集中注意力学习。教育心理学最认可的方法就是通过兴趣来推动人的学习,并且为学习提供强大的支持力。教师在进行钢琴教学中,最重要的就是培养学生的音乐兴趣,幼儿期的孩子对新鲜事物比较感兴趣,教师可以在学生进行钢琴练习中,讲述不同的故事来引起学生的兴趣,比如学生在学习认识曲谱时,教师可以让学生说乐符的形状,通过乐符的排列的不同来讲述不同的故事,这样能够通过新奇故事来引起学生的兴趣,也可以用故事方法来帮助学生记忆曲谱。良好的兴趣培养可以显著提高幼儿钢琴学习的积极性。 2、利用榜样效应提高学习效率 从教育心理学角度说幼儿期的孩子非常需要外界的肯定,并且他们会为了肯定做出很大努力,这个时候如果一个孩子获得教师的表扬,他会做的更加优秀,而且其他孩子也会消防他的行为来获得肯定。在幼儿钢琴教学中,教师可以利用这样方法,不是采取批评教育,而是表扬孩子做的好的地方,这样既可以增加学生的学习信心,也可以创造良好的学习氛围,提高课堂的教学效率。但教师对学生的一些错误也不能不管不问,这时候的孩子好坏观念分辨弱,很容易把一些有不好的习惯的孩子当成榜样来学习,教师一定要采取适当的方法来引导孩子对榜样的学习。 3、培养学生的意志力 钢琴的知识与经验积累需要长期的练习,这样的枯燥工作需要强大意志力的支持,这就需要培养孩子的意志力,而且,教育心理学认为,幼儿时期的良好习惯最易养成,并且可以跟随人的一生,加强学生的意志培养对孩子发展影响深刻。所以,教师在日常教学中要注意帮助孩子意志力的养成。 三、结语 幼儿钢琴教学与教育心理学有密切联系,幼儿的钢琴教学想要取得显著效果,就要要求幼儿教师掌握相关的教育心理学知识,了解每个孩子的性格特点,循循善诱,因材施教,努力促进孩子钢琴水平的提高,推动孩子的全面发展。 作者:高莲花 单位:延边大学师范分院 幼儿钢琴教育论文:钢琴课程教学幼儿教育 一、对钢琴课学习的必要性的理解 (一)就学习钢琴本身而言,它对于整个音乐过程的学习是很重要的。通过对钢琴的学习可以提高学生对音乐的理解能力、欣赏能力与对音乐的感知力。学生在学习钢琴基础知识与弹奏的同时,还要进行大量的的练习,而这种练习,无形之中也磨练了他们的意志力,钢琴学习是锻炼儿童意志力的有效途径。儿童开始喜欢学习钢琴,是因为对新事物的好奇。可当课程逐渐复杂,兴趣也就随之减退,这时候就需要我们有强大的意志力去坚持。在困难中不断的前进。长期的坚持不懈,使音乐的能力一点点提高,经过这种长期的艺术熏陶,也会使孩子整体的艺术修养有所提升。 (二)良好的音准与节奏感对于钢琴的学习是一个最重要的基础。它对音乐其它门类的学习也是最基础的,最重要的。而钢琴的学习恰恰是练习音准最好的一个工具。钢琴乐器每年都需要调律师进行校对音准。孩子每天在大量反复的倾听音乐中,对音准有准确的判断,还可以在家里进行练耳的练习。长期的练习对音准和节奏感都是有益的。 (三)钢琴演奏中,有即兴伴奏的部分。在掌握了一定的演奏技能,就可以加入一些简单的即兴伴奏的方法,即兴伴奏是钢琴弹奏教学中的一个延伸和发展。了解最基本的和声、音阶、琶音走向。在歌曲中最常见的音型与织体。可以通过这样一种训练,既增强了乐趣,也促进了钢琴本身的教学工作。使孩子视奏能力加强。也为日后进入到真正的即兴伴奏打下基础。 二、多元化的钢琴课程教学形式与方法 现在的钢琴教学课程,多分为两种形式。一对一教学,和小组集体课的形式。针对小些的孩子建议两者混合进行教学,效果会更加显著。 (一)集体大班形式的音乐素养课程。音乐素养课包括基本乐理、视唱、练耳、基本手型的游戏训练。利用这种人数较多的课堂,增加孩子们的凝聚力,调动孩子的积极性。形式好于一对一的教学,在课堂上孩子们既能体会到集体,也会展现个人能力。 (二)在有了一定的音乐基础后,一对一的教学,是每个孩子必须要经历的课堂模式。这种个别课的好处就在于它可以因材施教,针对每个人存在的问题,去单独解决。但这种一对一的课程时间不宜过长。孩子年纪小,注意力集中的时间段,在前十分钟可以进行新知识和曲子的改错环节。接下来进行旧知识的复习,要时刻关注孩子兴趣所在,如果出现了厌烦,就要及时变换形式,利用新颖去吸引孩子。这种方法也是钢琴教学中最常见的教学形式。适用于各种不同程度学生的学习。 (三)钢琴小组课观摩的教学形式。这种形式也非常适合人数多,年龄低的学生。作为初学者,演奏上要求的最基本的知识点是一样的。基本的方法也都是一样的。可以把学习过程中容易出现的学生普遍的问题,统一讲授去解决。统一的演奏也增强了孩子的自信心,增强团队意识,还可以进行互相学习,指正。 三、教学内容的制定与改革创新 音乐教育作为美育的重要组成部分,可以培养孩子的想象力和完美人格。钢琴最显著的特点就是有优于其他乐器的极强的表现力、音域广、和声效果极为丰富等特点。在美妙的乐曲中唤起他们丰富的想象力,使儿童的各种能力能得到更好地提高和锻炼。在教学内容上我们要注重它的科学性、实用性、知识性与趣味性的有机结合,以素质教育为教学宗旨,要采用用兴趣去引导孩子,寓教于乐。在完成教学目的的同时,使孩子愉快的学习。 (一)钢琴教学法 幼儿教师的培养中,幼儿教师有着引导孩子热爱音乐这一重大责任。钢琴的学习是一个长期而漫长的活动。如何正确引导孩子,不破坏孩子的兴趣是关键。如何能在儿童在游戏中去学习,如何能轻松的掌握基础知识,是幼儿教师应该研究的主要问题。在保证正确的弹奏方法的同时,加强对儿童心理变化的掌握,对知识传授出现问题的及时正确的处理是很关键的。这直接影响了孩子今后对音乐热爱的程度。 (二)即兴伴奏课程的设定 学龄前儿童年龄为3—7岁,他们对音乐的熟悉大多是各国的儿童歌曲,而这些简单的歌曲也是我们即兴伴奏的主要内容,在具有了一定钢琴基础的同时,可以让孩子自己去尝试,为自己喜欢的歌曲添加伴奏。这对于掌握不同的音乐风格,不同的音乐特色的学习,提供了很好的学习机会。让孩子自己去发现,挖掘不同伴奏形式应该用在什么样的音乐风格中。 (三)教材的使用与确定 1.在针对幼儿钢琴使用教材上,主要以实用性为主。尽量选择一些趣味性强,节奏鲜明,曲谱简单些的儿童歌曲,可以一边演唱一边表演,增加孩子的趣味性。可以采用有实践教具的教材,利用儿童喜欢的彩绘图画,或者手工游戏、贴纸。将这些与枯燥的曲谱结合,效果会更好。教师可以利用已经熟悉的乐曲,加入自己简单的即兴伴奏,让孩子在娱乐的同时,对调性、和声有基本的概念。 2.教材的民族性在教材范围的选择上,应该选择全世界优秀的作品,同时运用。将中国作品与外国作品,并驾齐驱。也可以选择一些具有中国民族特色风味的作品去欣赏、学习。通过我们教师的双手,去引领孩子全面的了解中国,了解世界。这对学前儿童音乐教育也是一个很好的推进。 作者:丛琪 单位:辽宁省鞍山市鞍山师范学院音乐学院 幼儿钢琴教育论文:幼儿钢琴教学中教育心理学问题探讨 钢琴拥有着音域宽广、音色优美、音律准确、弹奏灵敏自如、表现力丰富等优良性能,可以与任何乐器相结合演奏出优美音乐,现代钢琴被众多的音乐家们誉为“乐器之王”,是其他任何乐器都难以替代的。莫扎特、贝多芬、肖邦等许多伟大的音乐家都是从幼儿开始学习钢琴的,风靡世界乐坛的我国青年钢琴家郎朗启蒙于其父亲,三岁起便师从于朱雅芬教授。钢琴已经成为家庭中的“宠儿”,没有哪个项目可以像弹钢琴那样需要大脑协调起眼、耳、口、手、脚的同时参与,这种综合性的活动不仅会锻炼大脑的复杂性,而且能激发想像力、创造力。在这样生动的动态系统中持久锻炼,必然对孩子的生理、心理和思维的健康成长产生有益的影响。 一、教学中应结合幼儿自身情况循序渐进地实施 一般对3岁前的幼儿来说,只要不是过分嘈杂、悲伤的音乐,他们都会产生愉悦的感受,对3~6岁的幼儿来说,一些节奏鲜明、曲风愉快的旋律更受他们的青睐,常可以听到幼儿对熟悉的旋律的模仿,这种模仿可以满足他们对音乐的需求。三岁幼儿的脑重量已经相当于成人脑重量的85%,四岁时,与成人的脑重量基本无差异,大脑的神经纤维髓鞘化基本完成,意味着此时幼儿的脑内部结构已经成熟,是开始学习钢琴的最佳时期。教师要注意到幼儿仍处于身体发育期,个头不高、手臂短小、手腕、手掌及手指的骨骼和肌肉相对来说较软,力气较小,根据这些特点,有针对性地对幼儿实施教学计划。比如鉴于幼儿手臂短小,在学习弹奏音阶时,先学习一至四个八度,以便让幼儿适应钢琴的学习,避免产生抵触情绪。还有,弹奏的音程、双音、和弦等一定要控制在幼儿可以胜任的范围内,对于部分有难度的钢琴曲,在不影响旋律的情况下适度简化教学,挑选适合幼儿弹奏的乐谱,基本练习中的音阶转指,比起五指原位弹奏更难一些,涉及手腕、大拇指的横向移动,一定要在五指练习熟练后再学习。因此,在幼儿的教学中,钢琴教师要灵活对待不同儿童,在年龄特征、生理条件等方面的差异性,因材施材,循序渐进地进行教学,这是不容忽视的一个重要方面。 二、教学中注重对幼儿创造性思维的开发 人的大脑分为左脑和右脑,左脑倾向于逻辑思维,右脑倾向于艺术思维,音乐的训练可以促进右脑的活动,增进大脑的功能。教育家苏霍姆林斯基说:“音乐教育的主要目的不是培养音乐家,而是培养人。”学习钢琴的意义不仅是学会弹奏技巧,更重要的是培养耐力、毅力和吃苦精神,培养做事严谨、认真、完美的作风,培养追求进取、向上的精神,全面开发幼儿的创造性思维。教育心理学认为,培养创造性思维是发展智力的优秀内容。德国著名音乐家卡尔•奥尔夫独创的音乐教育体系——奥尔夫音乐教学法,它赋予音乐教育以全新的观念和方法,应用音乐教育心理学的原理充分培养幼儿的创造性。钢琴教师在教学过程中,为幼儿学习的引导者、诱导者和参与者,使得愉悦身心与学习艺术二者相得益彰。如果只是死板枯燥地按乐谱进行指导教学,必然会扼杀幼儿创造性思维的开发,教师应用一些直观、生动形象的手段,充分调动幼儿的感官,分析旋律所蕴含的情绪与思想,激发创造性思维,丰富幼儿的想象力。比如可以制作一些形象的教具,以游戏的形式让幼儿自己去认识各种节奏谱。因此,用创造性思维方法学习音乐,可以起到事半功倍的作用,教学活动中对幼儿创造性思维的开发至关重要。 三、钢琴教学中审美教育与情感教育的培养 钢琴的教学过程从某一层面来讲,是感受美的声音、体验美的情感的过程。结合钢琴教学的规律,应把审美教育贯穿于钢琴教学的整个过程,在潜移默化中得到良好的艺术熏陶。演奏本身就是富有情感的艺术,审美的教育包括声音技巧和情感的表现两方面,它是一种心理反映,在掌握了钢琴演奏技术之后,不能只停留在演绎音符的机械化操作层面,还要懂音乐,去表现和创造音乐,提升对音乐的感受力、理解力、想象力等。教师应充分利用幼儿的想象力,可以通过一些乐曲,训练他们对音乐的审美能力,让他们自由想象,感受他们听到的乐曲,教师通过讲解、谈话、情景再现等方法,引导他们理解和领悟乐曲的深刻内涵,体会曲中的思想内容、风格体系、精神特征等。比如贝多芬的音乐常被称为“英雄性的音乐”,肖邦的音乐被冠以“诗一般的音乐”,教师除了讲解有关作家的经历和音乐创作的背景外,还可以通过观看图片、影像资料等方法,创设一定的情境,调动幼儿的视觉和听觉。当然,幼儿的表现能力和想象能力是有限的,但不管表现如何,教师都要给予鼓励,以保护幼儿的创造力。 四、结束语 在幼儿时期便开始对钢琴学习的人数在不断攀升,钢琴教学与教育心理学知识相结合,已经成为研究幼儿钢琴教学的一条新路径。幼儿学生处于一个特殊的年龄阶段,在钢琴教学的过程中,幼儿心理的变化对音乐学习的影响要引起足够的重视,教师要善于观察幼儿的心理变化,针对不同年龄段的幼儿运用不同的教学手段,作到对症下药、因势利导。钢琴启蒙教学,不但要教会弹钢琴,还要培养学习的兴趣,启发创造性思维,去感知音乐的美。如果有可能,每个幼儿都不同程度地学习钢琴,那必定会推动建设一个真正文明的现代社会的历史进程。由于个人知识储备及研究水平有限,肯定还存在很多细节上的问题需要进一步探讨研究,在以后的教学中,会投入更多的精力,通过实践将该课题的研究进行完善,探究更多更好的适合幼儿钢琴教学的教学理念和方法,以满足不断变化发展的幼儿钢琴教学的需要。 作者:林辉玥 单位:张家港市少年宫 幼儿钢琴教育论文:剖析幼儿钢琴教育 钢琴向来被人们誉为音乐皇冠上的明珠。近年来,随着人们生活水平的普遍提高,钢琴也开始走进寻常百姓之家了。为了培养孩子成才,家长会购买钢琴并且聘请好老师,不辞辛苦的带着孩子上课,从而在社会兴起“钢琴热“,钢琴教育在普通中学和幼儿教育中占有一定的地位,已经成为少儿塑造美好心灵进行美学教育的重要途径。然而钢琴教学是一项十分专门的学问,尤其是幼儿钢琴教学更有其特殊性。因为幼儿时期有特殊的心里表现,所以幼儿钢琴教师必须熟悉儿童心理学和教育学。只有这样才能搞好钢琴教学。 对于“钢琴热”现象我们不禁会问孩子学琴时为了什么?我们曾做过调查,对于孩子学琴家长们有着不同的看法。有些家长是因为自己喜欢音乐而让孩子学琴,有的认为自己的孩子有音乐天赋而学琴,有的是为了弥补自己的遗憾而让孩子来实现,有的是看别人在学所以才学,也有为孩子增添一技之长而学习……但对于初学儿童,大多数家长认为,学琴的目的更重要的是全面的培养孩子,是其在学琴过程中锻炼意志,发展智力,陶冶情操,训练注意力和准确性等。 一、学为人师的重要性 师者,传道授业解惑也,从教师的角度来看对于幼儿钢琴培养要一下几个方面来进行,教师的角色不同与家长,他在心目中一直是崇高而又神秘的,所以,教师要利用学生对其特殊的心理来分析教育学生。 (一)培养幼儿钢琴兴趣的重要性 从教育学的角度来说,兴趣是一个人经常趋向于认识,掌握某种事物,并且具有积极情绪色彩的心理倾向。达尔文曾说过:“就我记得,在学校期间的性格来说,其中对我后来发生影响的,就是我有强烈而多样的兴趣,沉溺于自己感兴趣的东西,深入了解任何复杂的问题和事物。”可见,兴趣对学习是很重要的,幼儿时期,心理发育尚不完全,缺乏意志和责任感。虽然他们的好奇心很强,但如果不能及时八好奇心转化为钢琴的浓厚兴趣,久而久之必然对枯燥的指发及音节等产生厌烦情趣,有些家长和教师不注意对孩子兴趣爱好的培养,只是一味的逼迫孩子硬学,结果有的孩子不堪忍受就会放弃。儿童最容易接受生动活泼感染力和富有情趣的事物。 为了开启幼儿学习兴趣的大门,教学中应采取启发、诱导、激励的方法培养和加深对钢琴的兴趣。比如,幼儿喜欢形象思维,无论交识谱还是演奏,最好多用一些比喻方法。在弹奏标志性乐曲时,教师在示范前,最好用形象的语言或用童话故事的形式,将乐曲的内容情景讲给孩子。另外家长也可以有意识的多给孩子听磁带、唱片或让他们多看一些关于钢琴的音乐会录像等。幼儿喜欢受到表扬或称赞。家长平时可采用打分、贴小红旗的方式鼓励他们练琴。对于他们的进步得以肯定。经常举办一些小型音乐会,让孩子们相互观摩,既锻炼了表演能力,又产生了竞争意识。通过以上方法,幼儿会逐渐对钢琴产生兴趣,并且能独立完成老师布置的作业,成绩会明显提高。随着成绩的提高会产生较强的自信心,会更加努力的学习。爱因斯坦曾经说过:“我认为,对于一切来说,只有热爱才是最好的老师,他远远超过于责任感。”学习钢琴也是如此,只有对钢琴产生浓厚的兴趣,才能孜孜不倦、持之以恒的最求音乐的最高境界。 (二)适当启发幼儿思维的创造性 有些老师不愿意接收年龄五、六岁的孩子学习钢琴。因为这一年龄段的孩子不易集中精力,所有进步不大,然而年龄大的孩子又有许多其他活动,因而也难有许多的时间全身心投入到钢琴的学习中来,孩子学习钢琴的目的不仅仅在于学习钢琴本身,更重要的是通过学习开发智力并且可以使孩子的记忆、协调和集中注意的能力得到发展,为以后的学习和工作打下良好的素质基础。教育心理学认为,培养创造性思维,不仅可以提高儿童对音乐的理解力,同时对儿童的智力发展十分有益。德国著名音乐教育家奥尔夫所创立的奥尔夫教学法,应用音乐教育心理学的原理充分培养人的创造性的一种充满活力的教学法,他充分调动了一个人的一切感觉器官来接触音乐,也就是充分感受,在此基础上在让学生进行表达。比如相同的一个节奏型或一段旋律,可以根据个人的不同感受演化成各种不同的动作表现,强调并鼓励哪怕是细微的与众不同之处。在幼儿钢琴教学中也是如此,如果只是死板的让学生按乐谱的要求去弹奏,必然扼杀了学生的创造力。教师应该用生动形象的语言帮助学生分析旋律蕴含的情绪和思想,启发学生的创造性思维,丰富学生的想像,有的教师只注意了学生的技艺的训练,从而忽视了创造性的挖掘,忽视了音乐感、节奏感的培养。只有充分启发创造性思维,才能通过丰富的想象充分理解音乐内涵,才能提高乐感,节奏感等。 二、家长的作用至关重要 当然,家长也是一个至关重要的因素,学生从教师那里学习到了知识,如果回到家中就仍了只顾玩,那样也是起不到一个好的效果。家长也要配合教师的教学工作,督促幼儿的钢琴学习。 (一)培养良好的习惯 给幼儿养成一个良好的练琴习惯,不但为目前所用,对于以后的成长向更高一层迈进都有很大的益处。首先要让幼儿有练琴的意识,幼儿的练琴时间不宜过长,要以学生的实际情况为主,刚学时可能做二十分钟,渐渐熟悉后,就只能做十几分钟,脾气来的时候甚至是五六分钟就要出去玩,所以要养成一个良好的练琴习惯。 (二)家长也要和孩子一起学习 在教和学的过程中,有一个不容忽视的纽带是家长。家长应熟知孩子的每次汇课情况,在联系辅导中做到心中有数,因此孩子汇课时家长一定要在场,全面了解孩子的进度和所存在的问题,并了解教师所布置练习要求,在联系辅导中做到心中有数,因此教师和家长在孩子的生活和学习中应正确引导和培养孩子的意志品质,激发孩子对钢琴学习的主动性,克服对教师和家长的依赖性,创造和谐、温馨的环境做到有理智有耐心,宽严并济,张弛有度。 综上所述,要学好钢琴要老师和孩子的共同努力,只有三者联合起来才能实现目标。 幼儿钢琴教育论文:幼儿钢琴教育之我见 摘要:随着社会的发展,学习钢琴的幼儿越来越多,但也存在诸多问题。本文主要通过教师、家长对问题进行分析和阐述,并且根据儿童学琴时期生理和心理的发展特点论述儿童学琴时期遇到的主要问题。关于教师的论诉,主要引入大量实例,视我通过几年的具体实践得出的理论。总之,在这篇论文中,主要通过三方面的论述和三者的紧密结合的阐述来分析儿童怎么样才能学好钢琴,以及家长教师在面临问题时怎么面对和解决。 关键词:幼儿心理;钢琴的学习;练习;教师教育 钢琴向来被人们誉为音乐皇冠上的明珠。近年来,随着人们生活水平的普遍提高,钢琴也开始走进寻常百姓之家了。为了培养孩子成才,家长会购买钢琴并且聘请好老师,不辞辛苦的带着孩子上课,从而在社会兴起“钢琴热“,钢琴教育在普通中学和幼儿教育中占有一定的地位,已经成为少儿塑造美好心灵进行美学教育的重要途径。然而钢琴教学是一项十分专门的学问,尤其是幼儿钢琴教学更有其特殊性。因为幼儿时期有特殊的心里表现,所以幼儿钢琴教师必须熟悉儿童心理学和教育学。只有这样才能搞好钢琴教学。 对于“钢琴热”现象我们不禁会问孩子学琴时为了什么?我们曾做过调查,对于孩子学琴家长们有着不同的看法。有些家长是因为自己喜欢音乐而让孩子学琴,有的认为自己的孩子有音乐天赋而学琴,有的是为了弥补自己的遗憾而让孩子来实现,有的是看别人在学所以才学,也有为孩子增添一技之长而学习……..但对于初学儿童,大多数家长认为,学琴的目的更重要的是全面的培养孩子,是其在学琴过程中锻炼意志,发展智力,陶冶情操,训练注意力和准确性等. 一、学为人师的重要性 师者,传道授业解惑也,从教师的角度来看对于幼儿钢琴培养要一下几个方面来进行,教师的角色不同与家长,他在心目中一直是崇高而又神秘的,所以,教师要利用学生对其特殊的心理来分析教育学生. (一)培养幼儿钢琴兴趣的重要性 从教育学的角度来说,兴趣是一个人经常趋向于认识,掌握某种事物,并且具有积极情绪色彩的心理倾向。达尔文曾说过:“就我记得,在学校期间的性格来说,其中对我后来发生影响的,就是我有强烈而多样的兴趣,沉溺于自己感兴趣的东西,深入了解任何复杂的问题和事物。”可见,兴趣对学习是很重要的,幼儿时期,心理发育尚不完全,缺乏意志和责任感。虽然他们的好奇心很强,但如果不能及时八好奇心转化为钢琴的浓厚兴趣,久而久之必然对枯燥的指发及音节等产生厌烦情趣,有些家长和教师不注意对孩子兴趣爱好的培养,只是一味的逼迫孩子硬学,结果有的孩子不堪忍受就会放弃。儿童最容易接受生动活泼感染力和富有情趣的事物。为了开启幼儿学习兴趣的大门,教学中应采取启发、诱导、激励的方法培养和加深对钢琴的兴趣。比如,幼儿喜欢形象思维,无论交识谱还是演奏,最好多用一些比喻方法。在弹奏标志性乐曲时,教师在示范前,最好用形象的语言或用童话故事的形式,将乐曲的内容情景讲给孩子。另外家长也可以有意识的多给孩子听磁带、唱片或让他们多看一些关于钢琴的音乐会录像等。幼儿喜欢受到表扬或称赞。家长平时可采用打分、贴小红旗的方式鼓励他们练琴。对于他们的进步得以肯定。经常举办一些小型音乐会,让孩子们相互观摩,既锻炼了表演能力,又产生了竞争意识。通过以上方法,幼儿会逐渐对钢琴产生兴趣,并且能独立完成老师布置的作业,成绩会明显提高。随着成绩的提高会产生较强的自信心,会更加努力的学习。爱因斯坦曾经说过:“我认为,对于一切来说,只有热爱才是最好的老师,他远远超过于责任感。”学习钢琴也是如此,只有对钢琴产生浓厚的兴趣,才能孜孜不倦、持之以恒的最求音乐的最高境界。 (二)适当启发幼儿思维的创造性 有些老师不愿意接收年龄五、六岁的孩子学习钢琴。因为这一年龄段的孩子不易集中精力,所有进步不大,然而年龄大的孩子又有许多其他活动,因而也难有许多的时间全身心投入到钢琴的学习中来,孩子学习钢琴的目的不仅仅在于学习钢琴本身,更重要的是通过学习开发智力并且可以使孩子的记忆、协调和集中注意的能力得到发展,为以后的学习和工作打下良好的素质基础。教育心理学认为,培养创造性思维,不仅可以提高儿童对音乐的理解力,同时对儿童的智力发展十分有益。德国著名音乐教育家奥尔夫所创立的奥尔夫教学法,应用音乐教育心理学的原理充分培养人的创造性的一种充满活力的教学法,他充分调动了一个人的一切感觉器官来接触音乐,也就是充分感受,在此基础上在让学生进行表达。比如相同的一个节奏型或一段旋律,可以根据个人的不同感受演化成各种不同的动作表现,强调并鼓励哪怕是细微的与众不同之处。在幼儿钢琴教学中也是如此,如果只是死板的让学生按乐谱的要求去弹奏,必然扼杀了学生的创造力。教师应该用生动形象的语言帮助学生分析旋律蕴含的情绪和思想,启发学生的创造性思维,丰富学生的想像,有的教师只注意了学生的技艺的训练,从而忽视了创造性的挖掘,忽视了音乐感、节奏感的培养。只有充分启发创造性思维,才能通过丰富的想象充分理解音乐内 涵,才能提高乐感,节奏感等。 二、家长的作用至关重要 当然,家长也是一个至关重要的因素,学生从教师那里学习到了知识,如果回到家中就仍了只顾玩,那样也是起不到一个好的效果。家长也要配合教师的教学工作,督促幼儿的钢琴学习。 (一)培养良好的习惯 给幼儿养成一个良好的练琴习惯,不但为目前所用,对于以后的成长向更高一层迈进都有很大的益处。首先要让幼儿有练琴的意识,幼儿的练琴时间不宜过长,要以学生的实际情况为主,刚学时可能做二十分钟,渐渐熟悉后,就只能做十几分钟,脾气来的时候甚至是五六分钟就要出去玩,所以要养成一个良好的练琴习惯。 (二)家长也要和孩子一起学习 在教和学的过程中,有一个不容忽视的纽带是家长。家长应熟知孩子的每次汇课情况,在联系辅导中做到心中有数,因此孩子汇课时家长一定要在场,全面了解孩子的进度和所存在的问题,并了解教师所布置练习要求,在联系辅导中做到心中有数,因此教师和家长在孩子的生活和学习中应正确引导和培养孩子的意志品质,激发孩子对钢琴学习的主动性,克服对教师和家长的依赖性,创造和谐、温馨的环境做到有理智有耐心,宽严并济,张弛有度。 综上所述,要学好钢琴要老师和孩子的共同努力,只有三者联合起来才能实现目标。 幼儿钢琴教育论文:优化幼儿钢琴学习教育环境 摘要:钢琴学习教育环境对幼儿钢琴学习活动起着重要的作用。本文根据教育心理学有关幼儿学习教育环境的理论,并结合社会现实,提出培养幼儿钢琴学习教育环境应该正确看待钢琴考级制度、加强钢琴教师队伍管理和优化钢琴教材建设。 关键词:幼儿;钢琴学习;教育环境 一、正确看待钢琴考级制度 自90年代初,我国开始出现儿童器乐学习考级,考级成为这些年来琴童家长趋之若鹜的音乐社会活动。这一活动的开展,不仅为学琴的孩子与家长提供了一种交流的可能性,使家长能够了解自己孩子的学琴进程与水平,而且通过考级可以使孩子体会到自己的努力所获得的成就,有清楚的进步阶段感,更丰富了社会文化生活,有利于提高全民族的音乐文化素质。所以,从这一角度看,钢琴考级具有积极的社会意义。但目前我国的业余钢琴考级制度也存在着诸多不可回避的问题:有些教师一味地让孩子苦练考级曲目,其它曲目一概不学;许多家长不考虑学琴的真正用意,急功近利地希望在短期内通过高级别以达到升学加分等目的;钢琴考级的评价标准过于专业化、单一化。总的说来,考级通过的基本要求是:基本没有错音、错节奏,指法顺畅,乐曲完整没有中断;比较正规的演奏方法,技术上不太吃力,速度适宜:音乐表现基本流畅、自然,乐句呼吸准确、贴切……但这些评价标准只单纯注重技能技巧的考核,孩子的音乐基础知识、音乐鉴赏能力,视奏能力等都未得到有效的评价。虽然有些学生通过了考级,但对于该作品的作曲家、时代背景、风格内涵等相关知识一概不知,这无异于把学生训练成“演奏机器”。另外,目前全国的考级机构较多(至少有几十家),有的机构为了多赚钱、抢生源,要求及评价标准失去应有的权威性、严肃性,致使考级秩序较为混乱。 针对上述考级出现的问题,我们应该勇于正视和对待,不断完善目前的钢琴考级制度,以便激励学生的学习兴趣和推进我国钢琴教育事业的健康发展。首先,家长和教师必须认清考级不是目的而是手段,提高孩子自身素质和激发学习兴趣才是最终的目标。考级的结果对孩子来说并不具有“终审判决”的性质,它只不过是对孩子阶段性的评价手段和继续努力的动因。如果仅仅是为了一张证书,对孩子过分施压、揠苗助长,只会让他们失去兴趣,引起逆反心理,反而会欲速则不达。其次,当今考级评价应当实行综合性评价体系,不仅注重孩子的演奏技能技巧的规范性。而且还要对其程度相对应的音乐基础知识、视奏能力、即兴演奏、音乐文化知识等方面加以有效考核,这样无疑对孩子的全面发展是非常有益的。再次,全国应该建立一个统一的考级机构来进行标准化管理,制定科学、合理的衡量尺度来检验学生的学习程度和成绩,不断调试考级制度和考级内容。这个统一的机构应是代表着各地利益的权威机构,各地方虽有自主权来管理组织考级活动,但必须服从统一机构的管理。只有这样,才能使考级活动顺利完成,使考级的意义得以真正体现。 二、加强钢琴教师队伍管理 随着我国幼儿“钢琴学习热”的迅速蔓延,幼儿钢琴教育已经形成了一个庞大的市场,对钢琴教师的需求也随着快速激增。虽然钢琴师资队伍中不乏优秀的教师,但一些利欲熏心、素质低下的教师也混杂其中,使得钢琴教师队伍良莠不齐,严重地影响着幼儿钢琴学习的质量和效果。事实上,对于幼儿钢琴启蒙者来说,教师的选择非常重要,对孩子音乐学习可能会产生终生影响。幼儿钢琴教师不仅要掌握正确的钢琴演奏方法、音乐应用能力(视奏能力、即兴演奏能力、合奏能力)以及作品分析及鉴赏能力以外,还要熟识幼儿心理学、教育学方面的知识,以期更好地把知识传递给幼儿,达到事半功倍的教学目的。此外,钢琴教师的道德素质是教师素质的灵魂,能否对学生倾注全部的心血和爱心,直接影响着幼儿学习兴趣和结果。 鉴于目前社会钢琴教师师资结构混乱的现状,以及对合格幼儿钢琴教师的迫切需求,国家应该对这些钢琴教师有一个资格认证,经过培训和考核,基本具备了教学的资格才能去教孩子。这样孩子和家长学琴才会放心,否则都不知道和什么人在学琴,也不知道会对孩子有多大帮助。让那些妄图滥竽充数的人无可乘之机,减少误人子弟的危害。相关文化部门和教育部门应当将教师的在职培训立法化、制度化,定期邀请国内外优秀的钢琴教育家、知名教授授课,组织教师能够以晟简便的方式在当地接受系统的在职培训,保证教师不断更新能力结构和水平。因此,建立相应的钢琴教师管理机制,组织素质优良的钢琴教师队伍,不仅是培养更多合格钢琴教师的有效途径,而且也是推动钢琴教育事业顺利发展的关键所在。 三、优化钢琴教材建设 我国幼儿钢琴启蒙教学已有20年的历史,虽然在教学方法、教学理念和教育体制方面得到长足的进步,但在启蒙教材方面却仍然以传统教材为主,使得教学内容陈旧、形式单一,成为制约幼儿钢琴教学效果的瓶颈。近年来我国陆续编写出版了一系列适合中国儿章使用的铡琴入门教程,如李斐岚等的《幼儿钢琴教程》、盛建颐等的《儿童钢琴初步教程》等,力图结合幼儿特点并使之富有民族特色。同时陆续翻译出版了一些国际上最新、最全面的钢琴入门教材,如巴斯蒂安系列教程等,为培养儿童理解音乐、表现音乐和创造音乐提供了良好的素材。虽然上述教材在许多方面有所突破和创新,但前者未能把钢琴学习置于弹、唱、理论,视奏、伴奏、创作相结合的音乐表现创造体系中,使孩子们在学习钢琴的同时可以接受全面素质教育;而后者所选乐曲并不一定适合中国儿童的音乐思维和审美习惯。 为了构筑科学的钢琴教学体系,我们在对国外优秀教材编写思路和经验进行兼收并蓄的基础上,结合我国幼儿的生理、心理特点和文化环境,巧妙融汇幼儿教育学、心理学的相关理论,编写出一批具有中国特色的,科学实用的幼儿精美钢琴教材。首先,应依据幼儿认知心理的特点,从感性认识着手,合理安排音符、节奏、指法、键盘位置等的学习内容,并应附有专门的识谱卡片和教具,以利于幼儿生动活泼地掌握较抽象的乐理知识。其次,书中所选用的曲目应是与幼儿生活有关或是较熟悉的儿歌,井配有歌词和伴奏,让孩子可以白弹自唱,提高学琴兴趣。而且,每个乐曲都可配上色彩鲜艳、活泼生动的图画,从而启发孩子的丰富想象力。再次,编著者最好对新出现的乐理知识、基本弹奏技术等内容,合编创一些幼儿音乐游戏,真正做到“学中玩,玩中学”,愉快地感受音乐。最后,书中可适量安排一些“疑难解答”,针对幼儿钢琴学习中的典型困难,结合幼儿教育学、心理学的相关知识进行解析,既有利于教师对幼儿教学有更深的理解,也有利于家长的辅导。 作者简介: 陆洋,甘肃兰州城市学院城市发展研究院讲师,主要从事音乐教育的教学与研究。 幼儿钢琴教育论文:幼儿与成人钢琴启蒙教育的差异及启示 摘 要: 本文主要研究幼儿与成人钢琴启蒙教育之间存在的诸多差异,以有助于教师有针对性地进行教学并且收到良好的教学效果。 关键词: 幼儿 成人 钢琴启蒙教育 差异 启示 目前,各种音乐培训中心繁多,足以看出人们对待学习音乐的热情,而钢琴作为打开音乐殿堂最方便的钥匙成为众乐器中炙手可热的“明星”。一方面钢琴本身具有无可比拟的丰富的表现力,另一方面它是众乐器中唯一能让人以最轻松自然、最没有负担的姿势――坐姿演奏的乐器。更重要的是科学家们长期研究的结果表明,学习钢琴能使脑、眼、手、脚、耳乃至全身心投入并且协调配合。长期训练必将使人的组织能力、协调能力、指挥能力、阅读能力、记忆能力、理解能力、想象能力、听辨能力及观察力、注意力、忍耐力等各方面都得到明显的发展。另外,人的性格、教养、兴趣也会在无形中发生质的变化。 改革开放以来,我国出现了经久不衰的少儿钢琴热。进入新世纪以后,越来越多的人们开始不仅仅满足于物质需求,更注重精神陶冶。为了丰富生活、提高修养,成人钢琴热也在悄然兴起。但是随着越来越多的人加入学习钢琴的队伍大军中,不同对象的钢琴启蒙教育中存在的问题也日益明显。那么我们就来看一下幼儿与成人钢琴启蒙教育的差异。 一、从生理方面比较 1.年龄 “启蒙”意为初学者得到基本的入门知识。由此可见,启蒙是非常重要的阶段,直接影响着日后的学习发展。良好的启蒙犹如坚实的地基,让学生终身受益;而失败的启蒙严重的能贻害终生。启蒙如此的重要,那么启蒙的年龄就决定着学习者的有利条件和不利因素。那么我们来分别看一下幼儿与成人钢琴启蒙教育的年龄及他们的优势和缺憾。 (1)幼儿年龄的优势和缺憾。众所周知,幼儿钢琴启蒙教育的对象大多都是学龄前儿童,一般在五岁左右,多数都是家长为了提高孩子的素质和开发智力而让其学习钢琴,但是启蒙时目标并不明确。由于年龄还很小,身体各部分还在发育,无论是理解能力、模仿能力还是对自身的控制以及协调能力都不够强,但是柔软的手指具有很高的可塑性,韧带的弹性、指间的伸展、肌肉的反应等这些先天性条件都比成人优越很多。 (2)成人年龄的优势和缺憾。成人钢琴启蒙教育的对象多为青年人,包括各级各类音乐高校非钢琴专业的学生,还有一部分为年过花甲的离退休老人,他们中大多数都是为了自娱自乐或是辅导第三代而学习钢琴。还有一个特殊人群是为了参加艺术类高考而突击学习钢琴的学生。上述几种人群都统称为成人。虽然他们错过了人类音乐天赋开发的最佳时期,而且由于多年的生活习惯造了单维思维方式,会成为多声部音乐学习的负力,突破双手协调配合的难点往往较为费劲,但是他们的肌肉和骨骼已经发育成熟,学习目标相当明确,理解能力、自身控制及学习能力相对幼儿来说要强很多。 2.坐姿 在钢琴启蒙教育中首先要学习的就是坐姿,演奏者坐的位置要对准钢琴的正中,也就是钢琴的钥匙眼或d1与e1的键缝。座位高低以小臂与键盘同一水平,座位前后以肘弯略大于直角为宜。上身端坐时要自然放松,只坐座凳的三分之一并且使双肩微微前倾,要感觉到臀部和脚对身体重心的支撑。双脚至于踏板前,与肩同宽并踩实地面,以便支撑身体。 幼儿与成人坐姿上的差异:儿童身高较矮,双脚不能直接踩到地面,所以在他们学会正确的坐姿时我们一般可以在他们的脚下垫一个小凳子之类的物品,让他们的双脚能够踩实。加上小孩子刚开始学习时对坐的环境不熟悉会有紧张感,那么就尽量让他们自然坐稳,保持肩肘自然的放松才是最重要的。而成人在启蒙教学中可以快速掌握正确的坐姿,也无需板凳等物品,那么就要强调双脚踩实地面,让身体得到很好的支撑,上身微微前倾,使自身的力量更好地传递到弹奏钢琴中。 3.手型 演奏者手的姿势应当形成半握空心拳的弧形状态,掌关节撑起,指关节突出,手指弯曲的程度因手指长短而各异,手腕自然放平,肘部放松,自然摆放在身体两侧。手型对于弹奏的影响非常大,如果这点上没有过关就急于求快走入下一步的话,只会事倍功半。 幼儿与成人手型上的差异:幼儿的身体处于发育阶段,手指柔软,所以较难做好前三个关节的支撑,这时我们一定要把掉臂练习放在重要的位置上,并且督促孩子反复练习,让手指能够更多的体会自然落下的重量感和关节的支撑感,在这期间可以穿插进行基本音符的认知与学习,一般要花费很长一段时间才能让他们基本掌握手型的要领。成人的手型跟幼儿的要求是一样的。由于成人理解能力高,再加上控制能力好,手型练习是很容易做到的。这时我们可以对其手型提出明确的要求,使其尽早掌握正确的手型。但是在这里要注意的是:成人的手部骨骼已经发育完全,跟幼儿比起来会有点不太灵活,往往摆手型时会有畸形的感觉,此时要根据学生的具体情况对其手型提出要求,只要他能指尖正面触键,掌关节很好地支撑,手肘放松,就不要过于强调手型的标准和美感,尊重教学对象的个体差异也是很重要的。 整个学琴过程中都要保持正确的坐姿与弹奏手法,长期坚持下去,每个人都能弹奏出悦耳动听的音乐来。 二、从教育方式方法上比较 1.在对幼儿与成人进行授课时的差异 幼儿年龄小、理解能力低,又有极强的依赖性,所以在启蒙教育中老师要和家长保持良好的沟通,并且尽量以简单而生动的语言来对幼儿进行讲解。兴趣是最好的老师,而幼儿一般都有强烈的好奇心、上进心和好动、好想、好问的特点。因此要在正式学琴前利用这些特点,让孩子与钢琴亲近起来,成为朋友,消除孩子的紧张与拘束感,激发孩子学习的兴趣和热情,把“要我学”变成“我要学”,相信对以后的教学会有很大的帮助。相比较而言,成人的理解能力就高多了,也有较高的自控能力。但是成人在学习钢琴之初,往往容易产生畏难心理,生怕笨手笨脚驾驭不了庞然大物,赶不上小小琴童,而有失颜面,因此在上琴之前可以先让他们了解钢琴乐器的结构、历史、发音原理及性能等,让他们有个比较深入透彻的了解,从而消除畏难心理,增强学习的信心。在此要特别说明的是:对待老年学生的时候语气要柔和,并且要有耐心,因为老年人反应能力较慢,遇到错误时要耐心指出他们的错误而不能批评,要多讲解,让他们多体会,不要急于弹琴。 2.幼儿与成人选用教材上的差异 在学习钢琴的过程中,幼儿与成人所用的教材也是不同的。幼儿的思维发展正处于直观形象思维阶段,所以他们主要是阅读直观形象的图画材料,并且喜欢反复阅读自己熟悉的内容,注重材料的趣味性和画面的生动性,在从中获得乐趣的同时学习知识。而成人主要是阅读文字性的材料,注重材料的内在逻辑联系和实际的意义,喜欢材料的内容不断变化,对自己的学习发展有启发作用。所以在教材上的差异就体现出来了。受幼儿欢迎的一般都是《汤普森简易钢琴教程》系列或者是《孩子们的拜厄》和《孩子们的哈农》,因为上面都有趣味性的图画,能寓教于乐,也可以通过这些图片让孩子们活跃的思维产生联想,从而提高学习的质量。而成人一般选用高等师范学院出版的《钢琴基础教程》等。 3.幼儿与成人上课时间规划上的差异 (1)幼儿上课时间的规划。在上课的过程中,幼儿的注意力最多只能维持15分钟,所以要在教学的过程中注意安排好时间,建议分段来上课,每段时间都有明确的内容让幼儿了解老师的计划,并设置课间休息,休息的时候可以让他们跟着琴声唱唱歌跳跳舞活动一下,然后再继续下面的课程。也可以设置一些小奖品,用来鼓励孩子们,以便培养他们良好的学习习惯和集中注意力完成一件事的能力。每次学习的时候应该让幼儿先弹他们最喜欢最自信的曲子,让他们充满信心地表演,不要一错就打断,直到他们弹完,先表扬他们进步的地方,然后再指出不对的地方,不要总是批评,以使他们越来越失去兴趣,甚至厌学。布置作业的时候更多的是要说给家长听,这样可以让家长督促孩子们练习,所以对待不懂的家长更要说得详细,并且指出重点、难点及练习方法。 (2)成人上课时间的规划。成人学习目标一般都非常的明确,学习意愿也较强,要给他们清晰的教学指导。在授课时,可以在重点和难点出现时提醒学生重点练习,可以通过反复多次的练习使学生在课堂上掌握知识点,并告知学生课后应当如何更加有效地练习,可以细化到速度、力度和要达到的效果等。甚至在重要的地方可以指出一天至少练多少遍的要求,强化学生对重难点的练习和掌握。有些学生好高骛远、急功近利,这时就要指出他们的弊病,帮助他们循序渐进、心平气和地学习。 三、启示 综上所述,幼儿与成人钢琴启蒙教育的差异主要从生理方面和教学方式方法上体现出来的。幼儿在生理上限定性大,但是可塑性强,只要加以充分的引导、严格的要求、适当的鼓励就可以培养成好的钢琴演奏者。而成人生理已经发育成熟,对于提高演奏技巧有很大的局限性,在教学上确实受到一定程度的制约。从各自特点来讲,儿童年龄小,理解能力差,并且注意力不集中,自控能力、耐挫能力都很欠缺,但是思维活跃,想象力丰富,创造力强。而成人在智力、能力及意志力方面都优于幼儿,加上学习目标明确,只要方法得当、扬长避短,相信在相同时间内学习进度可以快于幼儿数倍。他们丰富的个人经历和情感体验能使他们更好地领略钢琴艺术。只要了解二者的差异,掌握二者的共性,科学引导、因材施教,就一定能取得丰硕的成果。 幼儿钢琴教育论文:应把兴趣培养放在幼儿钢琴教育首位 随着社会竞争的日益激烈,家长都希望自己的孩子能够有些特长。社会对于人才的定义已经不仅仅是学习成绩突出,而是要求在智力、修养、意志等多方面表现优秀。钢琴教育无疑是孩子素质教育的重要方式之一。 但是,要学好钢琴并不是一件容易的事情,有时甚至十分枯燥而乏味,需要很大的耐心和毅力才能坚持下来。儿童的注意力容易分散,自制力不强且缺乏耐力,那么,怎样使儿童愿意弹钢琴并产生浓厚的兴趣呢? 一、要引导孩子热爱音乐 钢琴曲的卓越感染力能够提升孩子的修养。不论是西方重纵向的和声复调的音乐,还是中国重横向的旋律线条的音乐,无非都表达着人类丰富而细腻的情感,可以使孩子在学习的过程中被音乐陶冶。我们可以有意识地引导孩子听不同题材、情绪的简单歌曲,使他们感受到音乐也是一种语言,是表达人类情感的一种方式,还可以从音乐中感受到人们的喜怒哀乐。我们可以通过和孩子一起合着音乐的节拍做游戏,从而拉近他们同音乐的距离,比如《丢手绢》《小兔子乖乖》《找朋友》等,这对于启发他们表达内心情绪有非常重要的作用。 二、学好钢琴,一定要找最合适的老师 钢琴人门就要注重选择老师。现在的钢琴教学市场比较混乱,良莠不齐,慎重选择老师是对孩子负责。笔者也是一名钢琴老师,和很多的家长沟通过,很多家长表示不求自己的孩子以后能成名成家,只希望钢琴能成为孩子以后生活的一个业余爱好,或修身养性,或增强自身素养。我认为一名合格的钢琴老师,应该不仅在音乐素养方面水平较高,更要懂得孩子的心理,有耐心,能够因材施教,找到最适合这个孩子的教学方法。 三,坚持给学生进行“示范”演奏 儿童对事物的认识大都是感性的,老师“示范”弹奏时,旋律、乐句、音色变化、节奏以及弹奏姿势等都会在不同程度上感染着孩子们,他们会从老师的演奏中感受到钢琴音乐的美。著名钢琴教育家、中央音乐学院附中钢琴系教授凌远认为:“一个好的演奏家不一定是一个好教师,因为他还必须具备热爱钢琴事业、关心学生、懂得心理学和教育学等素养。但真正的好教师必须是一个好的演奏家。”所以作为教师,要给学生做好每一次“示范”演奏。 四、巧留作业,引导孩子科学练琴 笔者有幸听过著名钢琴演奏家、钢琴教育家周广仁先生的课,他说:“学生每周应有明确的任务,这个任务的分量要根据学生的能力和程度来定,要恰如其分。要让学生通过正常的努力(每天专心地练1至2小时)在一周内能够比较好地完成。”老师给学生留作业时,要充分考虑学生的实际情况,尤其是那些用功练却进步慢的学生。如果老师布置得太多,孩子老是练不完、练不好,就会觉得学琴很难,这会挫伤他的积极性。但是对于那些能力比较强的孩子,老师要使他有一点压力感,告诉他曲子应该达到什么样的要求。所以,我们可以把不同的训练内容放进曲调优美的乐曲里,或把它们编成儿童熟悉的旋律并配上简单的伴奏,在提高孩子对音乐的兴趣的同时,孩子的手指也得到了应有的训练,为以后的学习打下良好的基础。 总之,指导孩子学习钢琴要把培养孩子对音乐的兴趣放在首位,根据孩子的性格和特点采取适当的方法对其加以引导。兴趣是最好的老师,无论老师、家长,都要遵循儿童生理、心理的发展规律,不能强迫孩子,要知道,培养孩子的兴趣是首要的。 幼儿钢琴教育论文:浅谈趣味性教学在幼儿钢琴教育中的应用 摘要:灌输式的幼儿钢琴教学方式从根本上忽视了孩子的生理特征和心理特性,这样淡化了他们学习的兴趣,钢琴教师应该掌握幼儿在学习和实践阶段的心理和行为变化,尊重孩子,从而因势利导,培养他们的兴趣,增强他们的表演欲望,化被动完成练习任务为主动学习享受的过程。 关键词:幼儿教育;钢琴教学;趣味性教学 一、引言 随着我国的改革开放和大众生活水平的提高,教育投入在家庭支出中所占的比重越来越大,越来越多的家长开始重视孩子的综合素质发展,就钢琴学习来看,孩子学起来比较轻松,对左右脑的发育也十分有益,所以钢琴幼儿教学的发展非常迅速。在此基础上,一系列考级、比赛成为家长衡量孩子学琴水平的标准,从而导致了部分学生为考级比赛而学琴,学习的曲目类型和风格单一,忽略了钢琴学习的趣味性,造成了不少孩子产生厌学和对钢琴恐惧的情绪或状态。 我们常在电视、报刊以及广播中遇到这样的报道:家长为了让孩子受到良好的教育和全方面的发展,不顾孩子的承受能力,给孩子报了大量的学习班、补习班,致使孩子拒绝上学。这不仅影响幼儿身心健康发展,还因过早的学业负担而扼杀了孩子的学习兴趣。 钢琴教师不仅要教给学生艺术技艺,更要通过细心地观察与探究,掌握孩子的心理和行为变化,培养孩子主动学习的兴趣和自我调节的能力。 二、钢琴教学中幼儿厌学的心理及行为分析 通过本人亲身的教学实践经历,对近100名幼儿及其家长做了一次问卷调查,通过统计,结果如1所示。 通过调查问卷的统计结果,我们可以发现,幼儿学习钢琴产生厌学心理主要原因为:在学习的环境中,经常受到老师的批评从而挫伤了他们积极上进的心态,变得孤僻,不爱说话,特别是不愿意同老师交流,生怕说错话而招致批评;幼儿对学习内容缺乏兴趣是产生厌学的最重要的原因,学习内容枯燥,为了练习而练习,这就造成了幼儿的叛逆感,使得他们感觉学习钢琴就是在完成家长指定的任务,从而丧失了主动学习的兴趣;此外,部分家长对孩子期望值过高,给孩子造成巨大的精神压力;许多家长缺乏正确的教育方法也是导致幼儿厌学的原因。 同时我们还应认识到以责罚的方式强迫孩子练琴,剥夺孩子的童趣,只会让孩子永远的远离黑白键的音乐殿堂。在调查中我还发现,幼儿喜欢学习或喜欢某次授课的原因,除了课程本身有趣外,还有就是主观上认为老师打扮得漂亮,讲课生动,孩子喜欢这次上课的老师。老师在这里扮演的不仅是知识的传授者,还是类似于形象代言人的角色。孩子的喜恶往往表现得很直接,老师的表扬、肯定、关心以及教学的生动,都能成为他喜欢老师和老师上课的原因。反之,老师如果批评不恰当,课堂无趣,可能会令学生再也不喜欢上钢琴课。由此可见,教师自身的素质对教学有着直接的、重大的影响。 三、增强教学趣味性,使孩子主动学习的可行性分析 在学习钢琴之前,我们应该让孩子在日常生活中多接触音乐,多听一些简单的钢琴曲,让他们在心里掌握一些音乐,天才人物的秘密在于“在他初次接触琴键之前,音乐早已活生生的存在于他的脑海之中。”在这种情况下学琴就能够让学生很快地掌握音乐的要素,增加学习的乐趣,提高学琴的自信心,长此以往将钢琴作为朋友一样能快乐地学习。 求知欲和好奇心是儿童最突出的天性。英国社会学家斯宾塞曾说:“教育中应该尽量鼓励个人发展的过程。应该引导儿童自己进行探讨,自己去推论。给他们讲的应该尽量少些,而引导他们去发现的应该尽量多些。” 兴趣能加强对事物及对世界的积极态度,这是种探究的态度。感兴趣之所在,往往也是潜在的天赋之所在。如果成人引导得法,让儿童初尝成功的滋味,并伴随成功所产生的自信,对儿童的帮助不可估量。抑制儿童的兴趣,实际上是抑制了儿童对事物的积极的态度,自然也包括对学习的态度。 在钢琴教学中,要将钢琴的三要素(作品、表演者和乐器)结合起来,不能只偏重某一方面,常见的情况是只重视乐器的技术方面的训练,而忽略音乐本身的艺术形象,所以在教学中应让学生尽早的(掌握了一些初级的技能之后)弄清楚音乐表达的内容、意义和它的意境,能让学生自己清楚地分析演奏的东西,有明确的目的在自己的演奏中实现它。 心理学研究认为:练习的数量(即频数),既不是学习的必要条件,也不是学习的充分条件。当然,除了少数简单的学习之外,若要牢固地掌握并能熟练地运用知识,多次重复又是必不可少的,这里就存在练习量的问题。国外有人做过最佳作业量的实验,根据他们的实验结果,每天课外作业的时间以30分钟为最佳,这是一个值得参考的数据。所以钢琴家应该做到花最短的练琴时间而求得最好的效果。涅高兹在他的文章中提到一个学生练琴无精打采,白白浪费了许多时间,他举了一个例子给学生:你想,你要是想烧开一壶水,你就应该把壶放在火上直到水开为止。可是你把水烧到50度,然后你熄了火,做点别的事,等你再想烧水时,水已经凉了,你再从头开始,这样一连几次之后,自己也会腻烦的,你没有一下子花上足够的时间把水烧开,这样一来,你浪费了许多时间并且大大降低了你的“劳动紧张度”。 举这个例子给刚刚开始学琴的学生,可以很好的解决练琴时不集中精力的习惯,每次集中精力解决了一个难题之后,会有很强的自信心,并增强幼儿练习钢琴的兴趣,相信这样是可以促成他们主动学习的。 四、结合本人教学实际,为了增强幼儿学习兴趣可以采取的措施及注意事项 我国著名的教学学家陶行知曾经说过“教育中要防止两种不同的倾向:一种是将教与学的界限完全泯除,否定了教师主导作用的错误倾向;另一种是只管教,不问学生兴趣,不注重学生所提出问题的错误倾向。前一种倾向必然是无计划,随着生活打滚;后一种倾向必然把学生灌输成烧鸭。”结合我从事教学实践的体会,我认为可以从以下几点做起来培养幼儿的学习兴趣: (一)学校要给学生营造良好的学习氛围,激发他们的学习兴趣。榜样的力量是无穷的,小学生善于模仿,容易受影响。在钢琴教学中,应该分阶段性的开展一些小型音乐会,让每个学生都有上台表演的机会,并给予应有的奖励,激发他们表演的欲望,从而能够主动地学习。 (二)教师要热爱学生,平等地对待每一位学生。老师要正视学生的差异,以公正平等的态度对待每一个学生,以发展的眼光看待学生间得差异。不管学生这节课的曲目完成情况怎么样,都应该让他从头到尾完整弹完,之后再进行讲解,切不可中途打断演奏,让学生对乐曲有完整的概念。 五、结论 通过对心理学的研习和对自身教学实践的总结,幼儿在学琴时注意的持久性还处于发展阶段,注意力集中的时间要比成人短,如此大量的练习,必然给他们的心理上带来负面影响。因此为人师表的钢琴教师应该从学习钢琴的趣味性出发,提高对音乐作品的审美能力和培养幼儿快乐学习钢琴的能力,从而在这种氛围里健康成长。 幼儿钢琴教育论文:浅析钢琴音乐教学在幼儿教育中的重要性 摘要:为适应全国素质教学需求,为祖国培养一代积极向上、乐观自强的下一代。现大多数幼儿园在其教学活动中都引入了钢琴音乐教学的方法,旨在用纯净的音乐感染这些祖国的花朵,并帮助从小树立起积极向上的人生观念。为此,本文特以钢琴演奏的基本概念出发,通过对钢琴音乐教学的艺术性与教育性的分析研究,重点侧重对钢琴音乐教学在幼儿教育的重要性加以评析。 关键词:钢琴音乐教学;幼儿教育;重要性 在现代教育领域,国家逐步重视起下一代的德智美体劳多方面素质发展,尤其侧重于对婴幼儿的素质培育。为此现今全国许多幼儿园都面向于其孩子们,建立起了具备自己文化特色的高品质音乐课堂,以期达到提升孩子们的艺术文化素质,加强幼儿音乐才华熏陶的目标。就现实实际而言,大多数幼儿园教育院校所建立起的音乐课堂都侧重于对钢琴演奏这一教育模式的应用,故此在实际幼儿园教育音乐课堂教学过程中,教师的钢琴演奏水平的高低对其课堂质量与教育水平有着很大的影响。 浅析钢琴音乐教学在幼儿教育中的重要性 一、钢琴演奏艺术 1.1钢琴演奏 随着中西方文化的交流,其文学作品与音乐演奏逐渐为人们所认知与熟悉,其中钢琴就是一个中西方音乐交流的典型代表。钢琴发源于欧洲十七世纪末,最初其出现雏形只是一种简易的家庭式敲击式乐器,通过敲击产生独特而美妙的声音,在当时为很多家庭所喜爱。后来到了十八世纪初期,意大利著名艺术家克里斯多佛利对其进行了相应的改良,自此世界上出现了第一架较为正式的键盘式演奏乐器,其对世界音乐史起着划时代的影响。到了现代,经由300多年的发展,钢琴在制作工艺与结构设计上几经变革改良,在音乐弹奏声色上逐渐趋于完善,同时伴随着西方音乐主潮流由巴罗克风格向古典主义演变,原始的钢琴雏形一洗原有的声音尖锐、缺乏生机的缺陷,逐渐向声响细腻、感情丰富、声色洪亮的现代钢琴艺术特色发展,这其中主要的功劳与历代伟大的艺术家与设计师们分不开关系。 就现代音乐演奏发展史来看,钢琴借由它独特的音乐声线美感与摄魄人心的穿透力,对整个世界的音乐演奏起着巨大的影响力,其被誉为乐器家族的“王者”。在现代音乐史上,出现过许多伟大的钢琴创作艺术家,如肖邦、贝多芬、莫扎特等等。他们通过钢琴这一载体,借由音乐创作完美抒发着自己的感情、理想、抱负等,给听众提供了一场听觉上的盛宴,为音乐历史留下了许多不朽的篇章与宝贵的财富。 1.2钢琴演奏的艺术性 “尘缘中琴声,月皎波澄”,钢琴以其美妙的声乐艺术特性为人们提供了一场美轮美奂的听觉享受。仔细想象下,在一个月朗天清的夜晚,独自坐于湖畔,在感受自然之美的同时,远方忽然传来一缕缕悠扬、空旷、美妙的钢琴声。伴随着琴声乐曲的逐渐铺展,你会突然发觉,此时此地此景都逐渐随着钢琴悠扬的声音流淌开来。顺其自然的,放下心中烦扰,此时你就会感受到千帆过尽后的云淡风清,就会体悟到历经沧海般的沉稳淡然。这便是钢琴演奏的艺术所在,便是其对心灵的熏陶感染的魅力所依。钢琴演奏声如自然,纯净质朴,不假雕刻,给人以原始的淡然悠哉;钢琴演奏声如美玉,温润美丽,古朴大方,示人以温和的和煦高雅;钢琴演奏声如涧溪,蜿蜒曲折,渗透人心,赐人以不竭的奋斗期望。钢琴演奏是对现代人们心灵的净化,是对美的追求与感悟,是对人生理想与信念的熏陶与感化。对于幼儿园教育的孩子而言,多听钢琴音乐演奏,对其自身理想与生活积极态度都有着极大正面的积极影响, 二、钢琴音乐教学在幼儿教育的重要性 对于刚刚蹒跚学步的孩子而言,幼儿园对其有着极为重要的作用,甚至可能直接影响他们未来一生的发展。在这个特殊的时段,幼儿园对幼儿文化素质与音乐兴趣的培养也就显得尤为重要,而钢琴音乐作为“最为纯净的乐曲”,对孩子的思想与未来真善美品德的培养有着极大的帮助。具体而言,其重要性主要表现于以下极大方面: 2.1高水平钢琴演奏有助于孩子们艺术情感熏陶 钢琴以悠扬而细腻的音色而著称,其在表现音乐作品的情感上起着很大的优势影响。在幼儿园教育音乐教学课堂上,通过高水平的钢琴曲演奏,可以更好的表现出歌曲中所蕴含着的丰富思想感情,展现出乐曲中积极向上的文化内涵与潜移默化的艺术情感,进而对孩子们文化音乐上的精神需求予以满足。 2.2高水平钢琴演奏可为孩子们建立起对音乐美好向往 兴趣是激发孩子们学习与求知的最好动力,而在幼儿园教育音乐课堂上,高水平的钢琴演奏,有助于孩子们对音乐的这一美好事物的向往与兴趣培养。 2.3高水平钢琴演奏提高音乐课堂整体教学水平 人的本性都有着对于美的追求,在幼儿园教育音乐课堂中,高水平的钢琴演奏即可实现对孩子们美好向往的满足。在实际教学过程中,教师可以借由自己高水平的钢琴演奏,吸引住孩子们关注的眼球,进而带领孩子们跟随钢琴曲中所表现的内容感情去不断思考,以此充分的调动起孩子们的积极性,使其思维始终处在活跃的思索感悟状态之中。这样一来,老师与孩子们就可以实现相互间积极的互动,进而在保障课堂教学进度的同时,完成对孩子们思想文化的启蒙,实现音乐课堂整体教学水平整体提高。 三、如何实现幼儿园教育教师钢琴演奏水平的提升 作为一名幼儿园教育音乐教师,为保障音乐课堂整体教学的质量的提高,完成对其所教育的班级艺术感染,就必须要求教师自身在钢琴弹奏方面具备有一定的演奏水平。为更好的提升教师未来钢琴演奏的技艺水平,幼教师应仔细感悟钢琴乐曲内包含的情感思想,对其钢琴演奏水平有着很大的影响。在实际幼儿园教育音乐课堂上,幼教师应具体结合孩子们的心理特性与喜好趋向,进行乐曲的选取与演奏。 而具体到实际演奏曲目的选择,鉴于孩子纯净的心灵特性与轻柔呵护需求,幼儿教师应该多以阳光、轻柔、欢乐的曲目为主,例如脍炙人口的欢乐颂、肖邦小夜曲、雪莲花等,适当的时候还可以给孩子们听一些经典、积极且充满向上精神的乐曲,如贝多芬命运交响曲、莫扎特的土耳其进行曲等,音乐无国界,这些积极向上的旋律,能够极大的吸引幼儿们的兴趣。为其心灵深处树立起良好的音乐喜好与积极向上的人生观念。 四、结语 钢琴作为乐器之王,其独特而悠扬的声乐效果与高雅的外形,征服了许多人的心,为此在现代幼儿园教育音乐课堂中,采用钢琴演奏的方式予以教学,是一个新颖而又有益的教学模式尝试。结合于具体的教学实际,一个高水平钢琴演奏有助于实现对孩子们艺术情感的熏陶,以此建立起其对音乐美好的向往,进而使得幼儿园教育音乐课堂整体教学水平得以提高。同时,为进一步促进幼儿园教育教师钢琴演奏水平的提升,实现教学质量更优更快发展,我们还需依据于现实条件,对教师自身弹奏技艺,外部钢琴设施及教师对于音乐的感悟予以严格要求,以此真正完成对幼儿园教育孩子们未来文化素质与艺术内涵的全面发展的督促工作。 幼儿钢琴教育论文:浅析蒙台梭利教育法在幼儿钢琴教学中的应用 【摘 要】蒙台梭利教育法引入中国已久,对国内的幼儿教育有着重要影响。本文结合蒙台梭利教育法中部分优秀观点,对其在幼儿钢琴教学中的应用进行探究,以期更好地用理论指导实际教学过程。 【关键词】蒙台梭利;幼儿;钢琴教学 近年来,艺术教育发展与普及速度明显提高,教育制度改革对音乐教育的重视,也让更多家庭对学习钢琴有了足够的热情。其中,幼儿钢琴教育更被广大家庭所迫切需要,也是国际音乐教育理论研究的重要方面。[1]蒙台梭利教育法引入中国已有百年,[2]对我国教育影响深远。 一、蒙台梭利教育法中影响幼儿钢琴教学的重要观点 (一)蒙台梭利教育法。玛丽亚・蒙台梭利在实验、观察和研究基础上形成的蒙氏早期教育法,为世界教育带来了革命性的变革。其教育体系中的主要内容包括[3]:儿童发展有“胚胎期”;儿童发展有敏感期;儿童发展具有阶段性;儿童是在“工作”中成长的。 (二)幼儿钢琴教学过程中值得关注的几个观点。首先,需要了解孩子的敏感期,按照其规律进行教学安排。其中就幼儿钢琴教育而言,重点要关注的敏感期有以下几个阶段。 1.动作敏感期(0-6岁)。2岁的孩子已经学会走路,需要在这一时期让其肢体得到充分锻炼,提高肢体动作的熟练度和协调性。在训练过程中,小肌肉的练习也至关重要,不但能提高孩子的协调性,还有利于孩子智力的发展。 2.文化敏感期(6-9岁)。蒙台梭利教育理念认为,孩子3岁时已经对文化学习产生兴趣,更是在6-9岁时对探究事物产生强烈的好奇。因此,在这一阶段,孩子会对大量的文化知识表现出极强的兴趣,会在学习过程中有所收获。 其次,在教学中,教师应该扮演协助者的角色。不仅要掌握专业知识,也应该注重对孩子心灵世界的了解和认识,由此才能给孩子提供适当的协助和指导。 另外,应该摒除传统的奖惩制度。蒙台梭利教育理念坚持认为,尊重孩子,让其在适当的阶段适性地成长,会在某一时间看到孩子心智和能力爆发式成长。 二、蒙台梭利教育法优秀观点在幼儿钢琴教学中的应用 有研究表明,蒙台梭利教育法在幼儿音乐教育中效果明显。[4]对此,笔者认为,应用过程中要注重以下几个方面。 (一)抓住幼儿学习过程中的敏感期进行教学。正式的钢琴启蒙教育一般开始于幼儿4-6岁。在幼儿2岁时,就会对声音、动作做出及时的反馈与模仿,在这一时期如能在简单的声音、节奏、旋律等方面对孩子进行训练,其初始记忆接收到的信息一定是最直接有效的。三四岁就可以在乐器上对其进行引导与认识,多感受音乐、乐曲,从而对乐器有着趋向性的兴趣。五六岁的孩子已经有了与成年人(老师)基本沟通的能力,这正是一个幼儿开始获取知识的最佳时间。 (二)教育者应扮演好协助者的角色。每个学生具有不同的性格与个性。对于生性谨慎的学生,需要教师带着他来掌握知识、消化知识,给予明确的指导。而对于本身就很有主见,自主能力很强的学生,需要的是教师为其指引方向,教师应注重协助其获取知识。 (三)尊重孩子,注意培养孩子的尊严感。作为幼儿钢琴教育、启蒙教育,需要做的不仅仅是如何把简单易懂的内容带给学生,更应该注重的是在钢琴学习伊始,带给他们一扇打开新生活(新的知识技能)的大门。 三、蒙台梭利教育法应用实例 接触到蒙台梭利教育法后,笔者发现,有很多不同年龄段的学生在通过鼓励、给予信任后均有不同程度的进步。例如:有一个学琴两年的小女孩,性格内敛、谨慎,在学习了一段时间后总是出现失误,并且越是严厉指出效果越是不好。笔者调整了教学思路,对她学习过程中好的方面进行及时表扬,后来发现不光是失误少了,而且上课时其状态也越来越积极、活跃。在幼儿的启蒙教学中,笔者着重对学生进行听音、辩音、模仿能力的培养,让孩子在学习初始状态下就能够认识体会到单个音符最标准的声音与效果,这对他们日后的音乐鉴赏、识别能力来说是个很好的开端。 四、对蒙台梭利教育法在幼儿钢琴教学中应用的思考 蒙台梭利教育法较为系统科学地总结了在幼儿教学中的基本思路,运用到钢琴教学中是合适的,尤其是对幼儿心理方面的照顾一定要考虑到位,因为从培养兴趣爱好来说,打造了一个有全面能力的人才需要具备的自信;从培养专业音乐人才来说,这是进入音乐大门最重要扎实的一步,要有纯粹的、高标准的音乐高度及内心世界。这一方法是从幼儿生理发展的基础之上结合了心理变化,让幼儿在意志自由的前提下尽量发挥自己的潜力去获得最好的结果。 作者简介: 郝赛赛(1991-),女,西安音乐学院,硕士,助教。 幼儿钢琴教育论文:学前教育专业幼儿钢琴弹唱课程的教学研究 摘 要:《幼儿钢琴弹唱》在2010年被评为部级精品课程。本课程教学紧跟幼儿园课程改革发展的趋势,通过“弹唱一体化”的模式,培养学生自弹自唱幼儿歌曲的综合能力。作为该课程的主讲教师,力求教学与幼儿园实际情况相结合,使得本课程在实际教学中更好地激发学生的学习兴趣,提高学生的弹、唱综合能力,从而更好地适应幼儿园现行的音乐教学活动。 关键词:精品课程;幼儿钢琴弹唱 0 引言 根据上海市经济和社会发展趋势以及对上海出生人口数据的监测和外来人口入园需求的估计,上海正进入入园需求的高峰期。因此,师资短缺问题将会持续较长时间。这为我校的师资培养提供了极好的机遇。根据《上海市中长期教育改革和发展规划纲要》的规定,上海学前教育将实现“为儿童健康、幸福成长实施快乐的启蒙教育”的目标。这为我们学前教育专业建设提出了新的要求,也为本专业的发展开拓了广阔的空间。 《幼儿钢琴弹唱》课程是学前教育专业一门理论加实践性课程,属于职业技能必修课。本课程围绕幼儿园课程体系,对幼师岗位进行职业能力分析,按职业教育的培养目标和职业教育规律确定本课程的结构。根据国家教育部制定的学前教育人才培养的相关要求,在教学内容设计、教学结构和实训环节安排等方面以幼儿教师职业岗位能力培养为优秀。 本课程设计遵从的理念是基于“以就业为导向”以及当今社会对人才知识结构需求的不断更新,根据未来职业的工作需要和高职学生的特质。2006年《幼儿钢琴弹唱》课程被评为上海市级精品课程,2010年《幼儿钢琴弹唱》课程被评为部级精品课程,创立了以《幼儿钢琴弹唱》课程为优秀,《乐理》《视唱》《声乐》等课程为辅助,“弹、唱”一体化的教学模式。在着眼于学生即兴编配的“弹”的能力训练的同时,培养了学生创编音乐、营造课堂教学氛围的能力。我们通过科学的训练方法促进学生“弹、唱”基本功的快速提高。实现了学生与幼儿教师实际岗位的零距离衔接。 1 教学内容安排 《幼儿钢琴弹唱》课程按照优秀职业能力的要求,把理论学习和实际弹奏能力的培养与顶岗实训结合,强调要“曲不离口、琴不离手”,要“长流水、不断线”。因此,我们第一、二学期主要学习《钢琴基础与弹唱》,第三、四学期主要学习《幼儿钢琴弹唱120首》,第五学期学习《钢琴即兴弹唱教程》,将原来的即兴伴奏课拓展为五个学期,将钢琴弹奏的技法训练、即兴弹唱、编配伴奏的技能的训练同步进行。 我们遵循学生职业能力培养的基本规律,以真实的幼儿园教师教学任务为依据,整合相关内容,设计教学项目,再根据真实的幼儿园教学任务确定学习目标,以目标为导向,力争教、学、做结合,理论与实践一体化。同时我们把本课程的知识和技能与职业技能鉴定进行了有机结合,实训内容也是职业技能鉴定的考核项目。 1.1 教学内容的针对性 本课程教学内容的设计紧跟幼儿园课程改革发展的趋势,通过本课程的“弹唱一体化”的模式,培养幼儿教师自弹自唱、自配歌曲的综合能力。 1.2 教学内容的适应性 本课程教学内容的设计紧密结合幼儿园实际运用的需要,重点表现在歌曲的选择上,弹唱部分的歌曲和即兴配奏的谱例全部选自现行各类幼儿园音乐教材和幼儿园常用的优秀歌曲,力求教学与幼儿园实际情况相结合,使得本课程在实际教学中更好地激发学生的学习兴趣,提高学生的弹、唱的综合能力,从而更好地适应幼儿园现行的音乐教学活动。 1.3 教学内容的具体表现形式 《幼儿钢琴弹唱教程》是一门实践性要求均较强的专业课,针对本课程教学内容要求和教学特点,我们教学团队主编、副主编出版了《钢琴基础与弹唱》《钢琴即兴弹唱教程》《音乐基础教程》《幼儿歌曲弹唱120首》,参编了《钢琴基础一》《钢琴基础二》《幼儿歌曲创编》《声乐一》幼儿钢琴弹唱教材,基本涵盖了专业主干课程。同时还依据教学需要建设了《幼儿钢琴弹唱教程》精品课程和精品教材资源网站,并将实训教材、学习指导书与自主开发的overture有声琴谱资料库、flash动画资料库、电子教案、网络课件、实训录像、学习辅导、课程考核与习题库等网络教学资源集为一体,并不断充实和完善,满足网络课程教学的需要,为学生自主学习提供了立体化的教学资源。 2 教学模式的设计与创新 将“以就业为导向”的理念贯穿本课程的建设中,因此,我们十分注重实践性教学,在课程教学的设计和建设上,加大了实践性教学的比重,始终贯彻“学生实训为主,教师讲授为辅”和“到实际教学工作中去锻炼”的指导思想。在教学中将课堂理论讲授和课堂弹唱穿插进行。同时,我院聘请幼儿园一线的专业教师把幼儿园具体的教学环境和教学任务融入教学中,不仅让学生看到当前幼儿园音乐教育对一名教师在钢琴弹唱技能方面的要求,更使学生在专业的一线幼儿园教师的带领下,在具体的幼儿园模拟教学任务中进行钢琴弹唱能力的学习。 实践性教学的设计和实施是高职课程建设的重要环节。我们培养出来的学生动手能力强不强,能不能运用新思路、新方法进行幼儿钢琴弹唱,为此我们进行了以下几个方面工作: 2.1 以练促学,重构校内外各种文化艺术活动平台 通过钢琴教学成果汇报、专业汇报、毕业汇报、校园科技文化节等实践平台,组织学生参加各种技能大赛,开展科技、文化、艺术活动,锻炼、提高学生的专业水平和岗位适应能力。 2008年组织2008届新生钢琴弹唱汇报演出,在演出中运用了独奏、齐奏、轮奏、四手联弹、弹唱、奥尔夫乐器弹奏等表演形式,同时加入了midi、flash等现代元素,使每一个2008届新生都有参与的机会,受到了学院领导和华师大同行的好评。 2010年学院2007届学前教育汇报演出中“钢琴弹唱任你选”这个节目更是现场请幼儿园园长、托幼机构主任选择学生弹奏曲目和表演形式,学生在没有准备的情况下当场弹奏,演出得到了托幼机构主任的充分肯定。 2.2 双园施教,实践教学条件优良 幼儿钢琴弹唱团队一贯重视实践教学环节,并有专项经费支持,保证了教学实践活动的正常开展。 通过专业教学团队的不懈努力,本专业实践教学通过协议的形式建立了稳定的实习基地,如上海市芷江中路幼儿园、上海市牡丹幼儿园、上海市闸北区万荣幼儿园、上海市闸北区哈贝早教中心、上海市闸北区实验幼儿园、上海市闸北区大宁国际幼儿园、上海市安庆幼儿园、上海市浦东新区坦直幼儿园等。 我院建立了任课教师的校外培训制度,不论在教学内容方面,还是教学方式方法方面,都力图使教师的教学、学生的学习彼此相长,取得最好的学习效果。 在教师方面,我院一方面请幼儿园的幼儿钢琴弹唱专长的教师为学前专业的学生上课,另一方面定时安排学前专业的教师下幼儿园,学习当前幼儿园一线教学对教师在钢琴弹唱方面的能力要求。例如,邀请幼儿园的幼儿钢琴弹唱专长的教师为我系学生上课。 在学生方面,我院安排二、三年级的学生进入幼儿园见习、实习,在见、实习中带着幼儿钢琴弹唱能力方面的要求和任务进行,力求在具体的实践中将教学内容从校园向实际环境转化。 2.3 岗位实习,创建仿真的实训基地 让学生带着幼儿钢琴弹唱的具体教学任务去实习。例如,在实习中学生自己设计一堂运用钢琴进行的音乐教育课,同时,专业教师到幼儿园进行指导,一方面帮助学生解决在完成“任务驱动教学”中的困难,另一方面与幼儿园的一线教师进行面对面交流,了解最新的音乐教学材料、最新的教学方法。同时,教学团队还聘请实习基地中实践经验丰富、专业水平高的技术人员作为学生的实习指导教师,为该专业的理论、实践教学一体化提供了有力的保证。 结合幼儿园的实际需要,学院购买数码钢琴等国内外先进的设备设施,让学生在实践操作中切实增强钢琴弹唱的能力和创新精神。 2.4 工学结合,充分发挥学院附属幼儿园的优势 发挥在人才培养中的独特功能和作用,实现工学结合,任务驱动导向,课堂与实习深度融合的教学方式。我们定期或不定期地安排学前教育的专业技能课教师去研究院接受必要的实践锻炼,以达到加强实训,提高教师实践能力的目的,并且可以通过学院附属幼儿园,根据学前教育的实践教学计划有针对性、选择性、弹性地安排学生进行顶岗实习。 长期以来,我们始终坚持通过任务驱动导向来实现师生实训锻炼与幼儿园教学实践的有机结合,形成了较为完善的实习组织与实施体系,为广大教师和学生培养实践能力与技术创新能力提供了良好的实践环境。一方面,学生带着问题参与顶岗实习,在实习中解决问题、发现问题,再投入学习研究问题,从而通过“学习――实践――学习”的有机循环,做到了“做中学、学中做”,充分体现了工学结合,任务驱动导向的高职教育理念;另一方面,通过参加顶岗实习给学校和师生带来了一定的社会效益,上海市的各家幼儿园都活跃着我院学前教育系毕业生的身影。 3 教学方法 我们将传统钢琴个别课教学和数码钢琴集体课教学相结合,采用情景教学、任务驱动、顶岗实习等教学方法。不断创新,增强了弹唱的技能,形成了自己独特的实践教学特色。 本课程在实践性教学的设计思想上特别强调激发学生对学前教育学的学习兴趣,重视培养自主性学习的良好习惯,让学生成为教学的主动参与者,让学生进行常规的幼儿园实践见习、教学实习时能主动了解最新的幼儿歌曲,学生对此参与热情高,实际收获大,效果好。通过课堂学习她们自己带来的新儿歌,提高了学习钢琴的兴趣和上课的效率。 3.1 小组课和集体课授课相结合 钢琴学习是一种音乐特殊技能技巧学习,学习过程体现出较为明显的个体差异。钢琴小组课主要是由基础练习、练习曲、弹唱三大部分组成,授课方式主要采用小组听课、个别回课的模式,对提高初学者的技术水平有很大的帮助。我们在教学中注重根据钢琴教学的特征、规律和学生的个性特征因材施教,充分尊重与保护学生对音乐技术与艺术风格的独特感受力、领悟力,培养其独特的创造意识与能力。教学中,我们还分别采用多种形式教学,如大齐奏、轮奏、独奏、接力、分组等方式强化集体课的群体效应,活跃课堂气氛,调动全体学生的学习兴趣和注意力,使每个同学时刻都有事情可做。采用以上上课模式大大突破了传统钢琴“一对一”授课的方式,为大规模培养幼师教师提供了条件。 3.2 艺术实训教学法 第一,以校内外各种文化艺术活动为平台。将钢琴课程教学向课堂外延伸、拓展,给学生提供一个展示所学知识、锻炼能力的一个舞台,实现教、学、做合一。通过钢琴教学成果汇报、专业汇报、毕业汇报、校园科技文化节等实践平台训练学生的弹唱能力,组织学生参加各种技能大赛,开展科技、文、艺术活动,并参与社区活动等社会实践,锻炼、提高学生的专业水平和岗位适应能力。 第二,积极推进职业技能考核认证,取得对应的资格证书。学生通过考核,取得上海市音乐家协会、上海音乐学院颁发的钢琴考级证书,使学生在就业职场上多一份社会认可。 3.3 模拟情景教学法 许多儿童歌曲往往是用一个或者是几个有趣的小故事作为背景的,在学习的过程中很多学生可能不熟悉歌曲背后的小故事,造成选择伴奏织体和弹奏情绪的失误。所以,我们在大家弹奏或老师示范时加入一段flash动画,以加强学生对乐曲的理解。 我们还通过运用flash制作课件,模仿幼儿园的活动主题,创作出一大批鲜活的卡通形象、寓言故事的场景等,使学生在上课时不仅学习到了钢琴即兴伴奏与弹唱技能、音乐基础理论知识,而且开拓了他们的想象力和创造力,使他们在今后的幼儿园工作中熟练运用所学的技能打下扎实的基础。 3.4 任务驱动教学法 在每年三年级为期半年的学生幼儿园顶岗实习中,我们都会让学生带着“任务”去实习。在顶岗实习发过程中,学生通过亲手实践,在“干中学”巩固了钢琴即兴伴奏与演唱技能,解决了实践中产生的问题,使自己的专业技能更上一层楼。例如,在实习中学生自己设计一堂运用钢琴进行的音乐教育课,通过实践,学生巩固了钢琴即兴伴奏与弹唱技能。同时,有幼儿园专业教师进行指导,一方面帮助学生解决在完成“任务驱动教学”中的困难,另一方面与幼儿园的一线教师进行面对面交流,了解最新的音乐教学材料、最新的教学方法以及“上海市二期课改”对幼儿园音乐教育提出的要求。 4 现代教学技术手段的应用 《幼儿钢琴弹唱教程》是一门实践性要求较强的专业课,根据高职课程的特点,灵活运用了多媒体课件、现场演示(或录像)和传统教学相结合的方法,以多媒体课件为基础,穿插现场演示教学、录像教学和传统教学,深度模仿幼儿园的实际教学环境,以求达到很好的教学效果。 数码钢琴、Overture有声琴谱、flash动画的大量使用提高了上课效率。 数码钢琴教室的使用使在钢琴集体课中,学生的齐奏、轮奏、独奏、接力、分组等教学方式得到实现,强化了集体课的群体效应,活跃了课堂气氛,调动了全体学生的学习兴趣和注意力。 Overture4.0是专业打谱软件,它能提供各种五线谱上的记号,整理乐谱及输出打印。在写谱的时候当然可以边听边修改,而且打印效果远强于图片格式。 Flash动画是一种交互式动画设计工具,用它可以将音乐、声效、动画以及富有新意的界面融合在一起,以制作出高品质的动态效果,加强学生对乐曲的理解。 5 结语 我院学前教育专业属于高职院校的一个特殊专业,具有职业教育和师范教育的双重特性,既体现了高职高专教育“以服务为宗旨,以就业为导向”的特色,凸显了高职教育重视学生职业技能的优势,又体现了师范性,符合师范教育要求。将专业理论素养与实践技能的培养有机地结合,体现了职业性和师范性的平衡,培养具有科学的儿童观、教育观、基本职业技能和终身发展能力的学前教育人才。 学前教育专业学生应具备的音乐技能是指掌握专项如“弹、唱”等方面的技术能力。在幼儿园教育活动中,边弹琴边翻唱、边弹琴边组织教学是幼儿园音乐教育实际中运用的常用手段,也是幼儿园音乐教师必须掌握的基本功,教师往往可以通过钢琴弹唱立即营造出一个特定的音乐环境,这样不仅可以迅速集中儿童的注意力而且可以迅速活跃上课的气氛,从而提高上课的效率。为此,借市级、部级精品课程建设的平台,将《幼儿钢琴弹唱》课程改革的重点定位于强化“弹唱一体化”,使更多的学生能够自信地走进幼儿园课堂,做一名合格的幼儿园教师。 作者简介:吴士乐,硕士,毕业于上海音乐学院音乐教育系,上海行健职业学院学前教育系专职钢琴教师,中国民主促进会会员,上海音乐家协会会员,上海音乐家协会钢琴专业委员会会员,中国学前教育研究会会员。 幼儿钢琴教育论文:幼儿钢琴启蒙教育探析 【摘 要】随着人们对生活质量的要求日渐提高,钢琴以其强大的艺术表现力和较高的弹奏技巧,逐渐成为音乐教育的首选。本文就幼儿钢琴启蒙教育进行了系统分析,以期能起到借鉴作用。 【关键词】幼儿;钢琴;启蒙教育 幼儿的启蒙教育在幼儿的整个钢琴学习阶段中起着至关重要的作用,需要特别注意老师教学与幼儿学习过程中的科学性与趣味性。本文着重从幼儿钢琴启蒙教育的方法和过程进行探析,希望能有借鉴作用。 一、幼儿钢琴启蒙教育的重要性 音乐训练是开发右半脑和儿童智力最有效的途径,也能促进儿童听觉、视觉记忆和思维的发展;还能在艰苦的训练中培养儿童坚强的毅力;同时还可以增强儿童的理解能力、感受能力、想象能力、表达能力和创造能力。 幼儿学习钢琴,能达到十指灵活而独立的运动,左手和右手都能得到较为均衡的、高度独立的训练,不仅使儿童的眼、脑、手、脚、耳乃至全身心投入并协调配合,还能使儿童的组织、协调、阅读、记忆以及观察力、注意力、忍耐力、创造力等方面都得到明显的发展;孩子通过学习钢琴,可以了解世界各国不同风格的音乐作品,提高审美情趣,增强了艺术修养。 二、幼儿钢琴启蒙教育的最佳阶段 对于幼儿学习钢琴的时间界定,我们从对参加第三届柴科夫斯基国际钢琴比赛的三十三位钢琴家开始学钢琴的年龄调查研究中可以发现:其中一位是从2岁开始,三位是从3岁开始,六位是从5岁开始,八位是从6岁开始,七位是从7岁开始,各有一位分别是从8、9、10岁开始。由此可见,参加此次比赛的钢琴家有85%是从3-7岁年龄段开始学琴,该年龄段是幼儿学琴的最佳年龄段。学琴年龄太小,钢琴键盘的重量使幼儿柔软的手指难以适应;年龄过大,则会错过幼儿对艺术感知和训练的脑神经发育的最佳时期。 三、幼儿钢琴启蒙教育的关键是兴趣培养 幼儿心理学研究表明,3-4岁幼儿的注意力只有5-10分钟,5-6岁幼儿的注意力最多20分钟左右。在幼儿钢琴启蒙教学过程中,钢琴教师不但要掌握正确而熟练的钢琴演奏技法,更要重视儿童的心理和生理特点。因此,幼儿钢琴启蒙教育的特点就要偏向于儿童化、趣味化。 幼儿钢琴学习的“兴趣”和对钢琴的“琴趣”浓淡是分不开的,教师应注重培养孩子对钢琴的“琴趣”才能提高孩子弹琴的“兴趣”。要带孩子到大自然中去感受大自然的“音乐”,如带孩子到公园去,到田野花丛中去,让他们聆听蛙鸟叫声、风雨汽笛声,让孩子对声音产生兴趣;又如,在生活中随时可以启发孩子感受多种节奏,让幼儿多听音乐,通过比较不断增强他们对音乐美的感受力和表现欲。通过鼓励和表扬来激发他们的学习兴趣,让他们产生更大的学习愿望,使儿童在学习钢琴的过程中产生持久的兴趣,从而自发地产生对钢琴学习的要求,并从中得到激励和鼓舞。 四、幼儿钢琴启蒙教育基本方法 钢琴启蒙教育质量的好坏直接影响到学生今后的音乐发展之路。在幼儿钢琴启蒙教育中,应根据儿童自身的特点和演奏技巧,采取相应的教学方法,充分认识钢琴弹奏技术、技巧形成的规律性和阶段性,才能保证幼儿钢琴启蒙教育的成功。在幼儿钢琴启蒙教育中应注意以下几个问题: 一是正确的弹奏姿势。幼儿钢琴启蒙教育的第一步应从正确的弹奏姿势训练开始。练习者上身要端正自然,微向前倾,身体要正对键盘的中央,双手放在键盘上时要使手肘部和前臂的高度与键盘高度保持一致,双脚自然放松地放置于踏板前。训练者要坐得端正而不僵硬,肩背放松,坐到琴凳的1/3处。训练者手的姿势应当自然放松、手指弯曲成半球形,掌关节撑起,肘部放松,五指立起来,用手指端肉垫部分触键。从一开始就保证科学的弹奏姿势,才能在今后的训练过程中渐渐体会到用身体的重量和力量来触键,提高弹奏的准确性。 二是训练注意力的提高。钢琴训练是一门技术性、实践性、独立性要求非常强的教育训练过程,它要求学习者有严谨而踏实的学习态度、自觉和刻苦的学习能力。因此,家长应帮助孩子安排一个安静的、整洁的、没有其它干扰的环境,琴上不要放一些引起孩子分散注意力的小玩具等。在辅导孩子练琴时,要充分利用孩子注意力集中这一段时间练习重点内容或新授内容。当觉察到孩子的注意力已不在琴上时,应该让他休息一下,再重新去练,效果会好许多。 现代社会,钢琴学习已经成为学龄前儿童音乐启蒙教育的第一选择。要让幼儿在钢琴的学习中对乐曲有一定的感性认识,鼓励幼儿创造性地弹奏,给他们充分的想象空间,提高音乐感受能力及学习的兴趣,塑造出良好的个性品质。 作者简介: 李 荔,河南新乡人,河南科技学院新科学院,本科学历,研究方向:音乐学。 幼儿钢琴教育论文:音乐教育心理学在幼儿钢琴教学中的价值探析 【摘 要】音乐教育心理学就是研究在音乐教学过程中老师和学生的心理现象以及发展规律的学科。幼儿由于其自身特点的影响,形成了特有的生理和心理特征,这些特征与幼儿的钢琴学习有着重要的联系。学习钢琴是一件长期的、枯燥的、辛苦的工作,在幼儿学习钢琴的过程中每一个音符、每一点成长都需要家长的积极参与和老师的精心培养。老师要因材施教,正确定位幼儿钢琴教学,才能提高教学质量,实现育人成才的教学目标。 【关键词】音乐教学心理学;幼儿钢琴教学 一、幼儿钢琴教学的现状 音乐属于情感教育,可以通过音乐教学培养幼儿的音乐情感,从而提高幼儿的音乐情商。有关调查表明,只有高情商的人才可能成为高智商的人。因此可以看出,音乐可以培养出高智商的人。随着我国经济的不断增长,人们的生活水平越来越好,加之市场经济的影响,望子成龙已成为现代家长普遍的教育心态。目前,钢琴热逐步在社会上兴起,幼儿钢琴教学也越来越受到社会各界的重视。但是从现有的幼儿钢琴教学定位来看,存在一定的偏差,主要表现在教学目的性太强。许多家长以及老师在培养幼儿时总以成为音乐家、钢琴家为目的,过分注重技巧的培养,而忽视了幼儿的审美与情感的开发,甚至让幼儿失去了本应该拥有的快乐童年。笔者在指教的过程中经常会发现幼儿在练习钢琴时的无奈与厌烦情绪,甚至会出现过激的厌学情绪,这样的钢琴教学质量可想而知。这些问题的出现进一步说明了无论是何种教育,都必须以育人为主要目的,切勿拔苗助长,好高骛远。 二、音乐教育心理学在幼儿钢琴教学中的重要性 新课改后,我国也进一步修订了钢琴教学教材,以适应更多年龄段的钢琴学习,体现了以人为主的音乐教学优秀。目前,我国的幼儿钢琴教材比较浅显易懂,适合幼儿年龄段的学习。教学中的技巧练习则融入到可以理解的曲调当中,结合耳熟能详的儿歌、民歌等,基本上满足了幼儿心理成长过程中的情感需求。但这仅仅是基本,要想进一步提升钢琴教学质量,进一步满足幼儿的心理需求,使其产生钢琴学习兴趣,最关键的还是教师的教学方法。音乐教育心理学以音乐教学中老师与学生的交互行为为研究对象,以音乐教学中的各种心理现象以及变化规律为主要研究内容,能进一步了解和掌握幼儿的心理活动。由于幼儿钢琴教学属于一项非常专业、非常特殊的学科,每一个幼儿的实际情况不尽相同,如果用统一的教学模式就不可能收到理想的教学效果。在幼儿钢琴教学中,通过运用音乐教育心理学可以全面掌握每一个幼儿的心理和生理特点,教师可以根据不同幼儿的不同特点,制定不同的教学计划,因材施教,教学效果才会事半功倍。由此可以看出,音乐教育心理学的运用在幼儿钢琴教学中非常重要。 三、音乐教育心理学在幼儿钢琴教学中的价值体现 (一)可以促进幼儿心理健康发展。音乐不但可以舒缓压力,也能陶冶情操,使人产生一种愉快的情感,而这种情感对于幼儿形成健康的心理有着重要的意义。音乐可以将人们最浓厚的情感展现出来,让人感受到一种无法形容的审美快感,给人以美的享受。在幼儿钢琴教学中,同样要让每一个幼儿感受到这种美感。在传统的应试教育体系下,沉重的文化课使学生压力倍增,而钢琴学习则为孩子带来了最快乐、最愉悦的时光。教师应利用情景教学模式,创设适当的情景模式,让学生充分参与,寓教于乐,让学生获得精神上的愉悦和美感,从而有效减轻学生的学习压力,提高学习效率,杜绝不良情感的产生,促进幼儿心理健康发展。 (二)可以培养幼儿的创造性思维能力。在教育心理学中,发展智力的优秀是培养学生的创造性思维能力。在幼儿钢琴教学中,运用音乐教育心理学激发幼儿的创造性思维,对于提高幼儿对音乐的理解以及幼儿智力的开发都有着重要的意义。在幼儿钢琴教学中,作为音乐教师必须发挥创造性思维,通过一些直观的、生动的、形象的教学手法,调动幼儿的感官,从而激发起创造性思维。老师经过正确的引导让幼儿在感受音乐之后能够主动地表现音乐,通过创造性思维学习音乐,学习效果必然事半功倍。 (三)有利于实现育琴育人的教学目标。教学的目的就是育人,同样,幼儿钢琴教学的目的也应该是“育人”,不应仅仅局限于“育琴”。作为音乐教师,也要进一步加强音乐教育心理学的理论学习,并将其很好地运用到实际教学当中,在发展个体的同时激发其创作能力,形成一种学习激情。这种激情不但有助于音乐学习,更是为其他学科的学习增添了更加强劲的动力,在提高教学质量的同时,促进了幼儿心理健康的发展。在幼儿钢琴教学中,只有调动幼儿的学习兴趣,才能实现教学目标。另外,还要培养幼儿坚强的毅力,遇到困难、克服困难的良好品质,帮助幼儿解决难题并完成各项音乐技巧的练习,充分利用音乐教育心理学,创设多种教学模式,实现钢琴教学目标。 作者简介: 朱 婕(1991-),女,山东滕州人,研究方向:音乐教育心理学。 幼儿钢琴教育论文:幼儿钢琴教育之我见 摘要:近些年来,我国教育部门不断加大对各阶段学生的素质教育问题的重视力度,以此来为我国培养出更多的高素质人员。现今,我国的素质教育正在如火如荼的进行,提高幼儿的艺术素养,促进孩子的全面发展逐渐成为了人们关注的焦点。对此,本文在深入研究我国幼儿钢琴教育现状的基础上,提出了几点幼儿钢琴教育中需要注意的问题,以此为鉴。 关键词:素质教育;幼儿;问题 我国实行素质教育的最根本目的就是培养人们的全面素质,要想提高我国处于幼儿阶段学生的全面素养,单纯的依赖文化课程教学是行不通的,还必须要对其进行艺术教育。现今我国的幼儿钢琴教育已经实现了一定的发展,但是要想实现持续发展就必须要注意几方面的问题。 1.幼儿钢琴教学的选择 近些年来,我国的钢琴教育实现了普及,而且在教材的内容上也进行了补充,这对于我国幼儿教学水平的提高能够起到一定的促进作用。但是与此同时,这也使得在选择教材问题上增加了难度。钢琴教材与教学效果之间有着直接的联系,所以在幼儿钢琴教育正式开始前必须要首先对教材进行合理的选择。现今,人们最能接受的幼儿钢琴教材通常包括三大内容,也就是多音入门法、高音谱表入门法以及中央C入门法。早期的幼儿教材中所用的都是高音谱表入门法。现今我国大部分幼儿学校使用最多的还是《汤姆森浅易钢琴教程》,从这一教材中培养幼儿对高低音谱表的了解,之后再逐渐朝着高或低音的方向发展。与此同时,还有多种其他的类型,例如音程入门法等。在对幼儿的钢琴教材进行选择的时候必须要考虑多种因素,如所选择的入门法自身的优势与劣势。除此之外,考虑到教材对幼儿的吸引力,还必须要保证教材的趣味性,只有这样才能做好幼儿钢琴教育成功的基础。 2.幼儿练琴的原则 在安排幼儿的练琴时间上,需要遵循四大原则,即:①尽可能把学习时间安排在幼儿精神特别好的时间段,这样可以促使幼儿参与到练习中去,从而养成好的练习习惯;②大量试验表明,年满五周岁的幼儿能够将注意力集中在某处的时间最长约为二十分钟,因此,要将练习时间设置为二十到三十分钟最佳,同时在一天中应设置两次或者三次,以便于幼儿更好的吸收到所学内容;③在每个时间段进行钢琴练习时,必须要提前制定出教学目标,而不是盲目的重复练习某一个或者某两个内容,提高教学质量才是最重要的。在每一节课开始之前,教师都应该认真的编制导学案,导学案的制作要符合幼儿接受钢琴教育的程度与基本情况,这样就可以在课堂上有重点的讲解钢琴教学内容,目的性更强。除此之外,教师应把课上所要讲解的内容通读一遍,在完成教学目标的基础上,找出教材的中心内容;④钢琴的练习与其他技能相同,必须要能够坚持下去,并在长时间的练习中积累经验,以此来培养幼儿学习钢琴的坚强毅力。 3.幼儿练琴姿势的要求 幼儿练习钢琴时的姿势非常重要,这是因为在幼儿阶段所养成的弹奏习惯将会直接影响到幼儿未来的深入学习,例如借助身体来完成钢琴的演奏等。因此,必须要明确练琴过程中的正确姿势。首先,幼儿的身体要处在钢琴的中间部位,坐姿要尽量保持端正,上半身稍微前移,其目的就是使得在练习钢琴的过程中重心放在指尖上。与此同时,还要注意脊椎骨要保持伸直状态,而背部与肩部要保持放松的状态,但是不能给人一种无力的感觉。其次,当双手置于琴键上后,要将肘部与前臂两者的高度和琴键持平。当肘部位置高于琴键时,非常容易出现幼儿的前臂力量无法传达到两只手的手指,从而妨碍到了手指的用力。当肘部位置低于琴键时,又会非常容易导致幼儿频繁出现耸肩或者是压腕等动作,久而久之将会养成一种不好的习惯。然后,也要注意幼儿座椅与钢琴之间的距离,最好将两者之间的距离保持在幼儿的双臂自然下垂,并且左右肘部自然放松同时偏向身体外侧展开中。与此同时,还要尽可能的将大腿根到膝盖这一段长度调节为坡状,而且两只脚要稍微向前放置。这样就可以避免幼儿在练习时由于身体上部的动作而造成重心不稳。最后,关于双手的姿势则是放松手部肌肉,呈自然弯曲状态,并用指端的肉垫部分接触琴键。与此同时,掌关节也要自然的拱起,就好似手里握有球状物体。 4.幼儿乐感的培养 在英语的学习过程中,人们特别注重对语感的培养,而在幼儿钢琴教育中也要对幼儿的乐感进行专门的培养。人们通常所说的音乐感实际上就是指人对于音乐的感受能力与想象能力。当人们评价某个幼儿的表演带有很强的音乐感时,就是指该幼儿在音乐旋律、力度以及节奏方面的表现能力非常强烈。音乐感常常能够吸引听众的注意力,有时甚至会使听众产生各种想象。对幼儿进行钢琴教育的最重要的目标就是使其通过琴声将各种音乐表达出来,所以从这一角度来看幼儿乐感的培养是十分必要的。刚刚接触钢琴的幼儿往往会由于自身的手指控制能力较差而在处理音色的过程中出现问题,此时教师就要特别注意对幼儿的重点教育,尽可能多的为幼儿进行示范性的演奏,以此来提高幼儿的乐感。 5.结束语 最近几年,我国的素质教育得到了政府部门的高度重视,确立了美育和音乐教育的地位。除此之外,还在音乐艺术教育中引进了国外教育法,丰富了我国的教育方式。在新世纪下,教育大环境已经为我国音乐艺术教育提供了发展条件,我们相信在未来的时间里我国的音乐教育与素质教育必然会取得更大的发展。钢琴教育需要从幼儿抓起,因此,做好幼儿钢琴教育以此来实现我国素质教育目标具有非常重要的意义。
入门钢琴教学论文:浅析儿童钢琴入门教学基本方法 论文关键词: 钢琴 启蒙 教学方法 论文摘要: 作者根据教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为:让学生对钢琴进行认识,培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置,其步骤包括:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置,等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 随着我国社会经济的迅猛发展和人民生活水平的提高,如今钢琴教育逐渐走进千家万户,越来越多的孩子加入了浩大的琴童军团,同时对钢琴教师的需求也日益大增。面对一个零起点的孩子我们应该从何教起?我根据十几年的钢琴学习和若干年的教学经验总结出了一套通俗的方法。 兴趣是最好的老师。 根据相关统计,绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐,占总数的82%,一般的仅为16%,不喜欢的仅为2%。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下,对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查,则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42%,偶尔的占37%,不去的占21%。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外,更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长,而且受到家庭环境、社会氛围等诸多因素的影响。因此,无论是幼儿学习钢琴,还是音乐教师教授钢琴,培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向,对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用,而且有效地培养幼儿注意力的形成,促进智力方面的发展。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30—60分钟不等,一般课时安排为一周1—2节。 首先让学生对钢琴进行认识,尤其是对钢琴键盘的识别与记忆,并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授,要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正,坐得端正而不僵硬,上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开;下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜,膝盖的位置在琴边下,双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分,手臂与手腕的感觉与形态,再到教授手形、手指,等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用,因此应该注意好习惯的培养。手型应放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起,像是虚握着一个圆球,手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼,目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型,即高音谱表入门法,中央c入门法,多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法,目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识,例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平,等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后,教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置,每节课的必要步骤为:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤。 在每节课开始前,教师应该先询问孩子在家的练琴情况,然后开始基本功的练习,让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏,并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较,培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图:利用现代教师的示范吸引学生的注意力,激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析,让学生体验到作曲家写作时的情感基调,从而更好激发学生的情感共鸣,为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点,即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标,使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平,继而培养孩子的各种能力,如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操,等等。根据个体和家长需求的不同,再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩,并且记录老师上课的内容,根据学生的上课实际情况,家长要及时督促学生进行学习,这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。 入门钢琴教学论文:钢琴即兴伴奏入门教学中的五大障碍及解决对策 [摘要]本文从钢琴即兴伴奏课教学实践出发,详尽分析了学生在初学这门课时存在的最主要的五大障碍:和声配置、和弦连接、伴奏织体、对歌曲旋律和节奏的补充“加花”、移调。并且通过细致的理论研究和实践总结,对以上五大障碍的解决对策进行了详细的剖析,指出学生只有认清障碍、用科学的方法刻苦训练,去解决以上障碍,才能突破钢琴即兴伴奏的第一道门槛,从而迈向更广阔的专业学习之路。 [关键词]和声配置;和弦连接;伴奏织体;补充“加花”;移调 钢琴即兴伴奏是一门集钢琴演奏、和声理论及作曲理论为一体的综合性学科。要学好这门课,除了要具备一定的钢琴演奏技巧外还要学量的和声理论知识。更重要的是,还要在实践中和演唱者配合,并且要乐感、节奏感都很好,为烘托气氛,在歌曲的关键处还要加入自己的一些即兴创作。所以,这门课对学生的要求是比较高的,但学生往往力不从心,在学习的过程中存在许多障碍,特别是入门阶段,从而影响了学习的积极性。笔者通过多年的教学实践及调查研究,归纳了其中最主要的入门学习阶段的五大障碍及解决这些障碍的对策,现总结如下。 一、入门教学中的五大障碍 (一)和声配置 学生对一首简单的歌曲往往只会用右手去弹旋律,而左手却不知道弹什么,这就是和声配置的问题。钢琴即兴伴奏最主要就是把和声以某种形式在键盘上快速准确地弹奏出来。而学生往往不知道如何为旋律编配和声,这里主要有四方面的问题。 1 对和声这种多声部语言还不太熟 配和弦时只会从纵向上与旋律保持协和,考虑孤立的和弦配置,而不太注重进行整体性的和声语汇的配置。这就好像是在说话时头脑里想的只是个别的单字,而不是有完整意思的词汇和句子一样。造成的结果是配出的和声只是杂乱无章的一些和弦组合,而形成不了具有完整清晰功能走向及丰富和声色彩的和声语汇进行。 2 目光比较短浅 不会从大局上考虑合理地安排和声节奏,仍旧只是片面追求和旋律的协和,而随心所欲地安排和弦,使和声节奏杂乱无章。造成的结果是和声节奏零零散散,不仅不能很好地配合旋律的节奏,甚至和旋律的节奏打架, (如和声切分)从而造成整体音乐形象的损坏。 3 对和弦之间相互关系不太熟悉 同一调性内的不同自然音和弦根据其根音之间的关系可以分为二度、三度、四度三种基本形式, (五度、六度,七度实际是上述三种形式的转位)而每种形式又可分为上下两个方向,如上二度关系、下二度关系等,不同的和弦进行会产生不同的力度及色彩的关系。学生往往在多个和弦都可以选配的情况下,因对不同和弦之间力度及色彩的关系不熟,就很难选对最合适的和弦,从而很难取得最佳的音响效果。 4 难以鉴别旋律中的和弦外音 有些学生总是把每小节的第一个音当作和弦音配上和弦,将以后的非和弦音一律当作和弦外音。这种方法虽然偶尔也有效,但是更多的是会遗留下很多没有解决的非和弦音,从而造成音响的紊乱不清。 综上所述,正确合理的和声配置已经成为学生初学钢琴即兴伴奏第一道最重要的障碍,如果这一障碍不能很好地解决,那以后的学习将会很艰难。打个比方,就好像一个人在学习炒菜,如果他不会选菜,每次选的菜都不新鲜,那他就算炒菜技术再高,最后炒出来的菜也是很难吃的,而最终丧失炒菜的信心。弹钢琴即兴伴奏也是一样,如果学生不会对旋律配置和声,每次配的和声都不正确,那他就算弹奏技术再高,最后弹出来的音响效果也很难如人意,而最终导致丧失弹伴奏的信心。 (二)和弦连接 对一首已经配置好和弦的歌曲,接下来就是把这些和弦采用四部和声的形式用与声连接法或旋律连接法连接起来,并在钢琴上弹奏出来。但大部分学生只对和弦的原位比较熟悉,对和弦的转位则不熟。而规范的和弦连接必然要涉及到和弦的转位,所以很多学生在做这一练习时错误百出,和弦位置专门弹自己熟悉的,根本就不管是不是正确规范的连接,更有甚者全部都弹和弦的原位。这样一方面养成随意的坏习惯,另一方面从弹奏技术上也增加了难度,并且弹出的音响则杂乱无序,毫无声部走向的规律可循,自然也就很难听。 笔者通过多年实践教学得出的经验之一是:熟练地掌握正确规范的和弦连接已经成为学习钢琴即兴伴奏道路上继和声配置之后又一道关键的战略要塞,只有顺利通过这一要塞,后面的路才能畅通无阻。 (三)伴奏织体 对所有的歌曲,就只用一种伴奏织体,而且从头弹到尾,没有变化。这样弹奏造成的结果是效果单调,很难烘托歌曲情绪的起伏变化。 (四)对歌曲旋律和节奏的补充“加花” 对一首歌曲只会弹基本的旋律与节奏,而很难在歌曲重要的地方即兴地“加花”,并且很难通过节奏、织体的变化及更多的“加花”,把歌曲的高潮烘托出来。 这实际上涉及到弹奏者的作曲技法、乐感以及是否能激发“创造性思维“的问题。钢琴即兴伴奏和钢琴演奏很大的不同处在于即兴伴奏所弹的音大多是自己根据歌曲旋律的理解而创造出来的,所以同一首歌曲,每个人弹出来可能都不一样,而每个人在即兴伴奏时,应该把自己当作一个作曲家,充分调动自己的乐感,激发自己的“创造性思维”,从而创造出更多的“加花”出来,当然应恰到好处,效果是“画龙点睛”,而不要“画蛇添足”。 (五)移调 弹一首歌曲,用C调以及常用的F调、G调还好,但一换成其他的调,则一筹莫展,无从下手。这就是对键盘的熟练程度问题,也就是移调的问题,这是大部分学生一个普遍的大难题。 二、针对入门教学中五大障碍的解决对策 针对以上学生存在的五大障碍,笔者通过理论研究和实践检验,梳理出了一些对策,总结如下。 (一)和声配置是重中之重 教师在教学中,应加强和声应用的教学,要和“专业和声课”有所区别,更多地应以学生喜爱的歌曲为例来讲授和声理论,并以键盘和声的形式在钢琴上弹奏出来,让学生听到实实在在的和声音响,并尤其要注意以下几个方面。 1 和声的功能进行 选配的和弦首先应尽量在纵向上与旋律协和。更要注意横向T-S-D-T的和声功能进行。前面已经提过,和声是一种语言,它有自己的语法规律,教师应更多地引导学生从听觉上去感受和声的规律。在具体配置时,可以采取先配和声意识非常明确的小节,然后再根据和声功能进行的规律,把其他小节的和弦选配出来,这样就可以清晰地感受到和声的功能进行。 2 注意和声节奏的安排 合理安排和声节奏是学生面临的又一难题。和声节奏即和弦变换的频率,它往往与旋律的节奏呈对比的关系。当旋律节奏很活泼,速度很快时,和声的节奏应该平缓,起着烘托的作用。而当旋律较抒情,节奏速度较慢时,和声节奏应加快变换,以起到推动旋律内涵发展的作用。总的来说,弹奏者应尽量保持和声节奏进行平稳、统一,以 从听觉上可以清晰地辨别和声的功能进行以及色彩的变换为原则。否则就像一个人说话没有条理,意思表达不清。所以学生如果从一开始就应注意把和弦进行的功能走向和规范的和声节奏结合起来为旋律来配和声,就可以逐步提高自己和声配置的能力。 3 注意理顺和弦的相互关系 在和弦配置过程中,在和声功能进行及和声节奏都配好的前提下,为了取得更好的效果,则应考虑和弦的关系。和弦的关系可分为强弱两种进行,如下表: 垒曲还是应该以强进行为主,弱进行为辅;如需表达力度,宜多用强进行,如仅表达模糊的色彩印象,可多用弱进行,一切还是应从内容出发。 其中四度连接的和弦有一个共同音,两个不同音,其音响的新鲜性与联系性相对比较平衡,比较符合听觉审美感的一般要求,所以我们在和弦选配时首先应该掌握好运用四度关系的和弦连接。一段即兴伴奏的音乐,如果以四度连接的和弦组成基本和声语汇,将使得整体音响获得比较朴素、新鲜而又自然的音响效果。而在运用四度连接的同时,结合运用一些二度连接,特别是上行二度连接,则将取得更为鲜明、强有力的效果。古典和声中常见的Ⅰ―Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ的进行,包含了两个上四度进行与一个上二度进行,就是这一语汇的典型表现。对于下行二度的连接,特别是连续下行二度的连接,常给人下沉、坠落的感觉,一般用的很少。如果希望获得更为柔和的效果,则可以较多地采用一些三度关系的连接,例如:在大调中使用Ⅰ-Ⅵ、Ⅰ-Ⅲ等一些三度连接,将使和声音响在明亮中透露出温馨的色彩,这对于抒情歌曲是非常合适的。简而言之,和弦连接的基本要领是:一般以四度连接(特别是上行四度)为主,同时根据不同情况辅以二度或三度连接。 4 注重和弦外音的训练 和弦外音的处理非常灵活,在教学过程中,教师除了要把和弦外音的基本概念以及基本用法讲清楚外,还应该以大量的歌曲为实例,把和弦外音与和声功能进行以及和声节奏的处理统一起来进行教学。具体可以先根据和声的功能进行确定和声节奏,考虑好前后和弦的连接,然后来考虑和弦外音的处理,和弦外音一般要解决到和弦音。这样日积月累,学生就会逐步熟悉和弦外音以至能够熟练运用。 (二)和弦的连接 和弦可以转位,每个三和弦都有三种位置。在初学阶段,教师通常应该要求学生对有共同音的和弦用和声连接法,而二度关系的和弦连接用旋律连接法,并且注意低声部和上方三声部反向进行。这样根据主和弦的三种位置,正常的和弦连接就有三种序列进行。而很少有学生可以快速准确地把这三种序列进行弹得很熟,稍微好一点的学生也仅限于对正三和弦的连接比较熟,而一旦加入更多的副三和弦以及变化音和弦后就反应迟钝。更有部分学生就像上面提到的一样,只是弹自己熟悉的和弦位置,而不管其正确连接与否。 教师应要求学生对这三种序列进行要弹熟,并且可以就一组典型的和弦序进来进行训练。例:规定一组在c大调上的和声进行如:Ⅰ-Ⅲ-Ⅵ-Ⅳ-Ⅱ-Ⅵ-Ⅰ。要求学生当即用主和弦的原位来开始连接,并在此基础上进行第一转位及第二转位的和弦连接练习,然后把三种位置的和弦连接连贯起来弹奏,达到熟练的程度,并背下来反复练习,最后移调练习。 在上述和弦连接练熟的基础上,可以练习旋律连接法。总之,学生要花大量的时间及精力对任一三和弦的三种(七和弦是四种)位置都要练熟,并且要对任两个和弦之间的连接(无论是和声连接法还是旋律连接法)都要非常熟练,只有经过这样严格刻苦的训练,才能把正确规范的和弦连接这一钢琴即兴伴奏最重要的一项技术练好,这也是学好钢琴即兴伴奏的关键之一。 (三)伴奏织体 对于伴奏织体,学生首先要了解其概念:即指在多声部的伴奏音乐中,把和声声部根据歌曲内容的需要进行有机组织的一种形式。其结构类型分为三种。 1 和声性的织体(主调音乐) 其结构有三个层次,分别为: (1)旋律层(包括主旋律和副旋律) (2)和弦层(包括柱式、半分解、分解三种基本音型) (3)低音层 2 复调性的织体(复调音乐) 3 综合性的织体(既有主调,又有复调) 而在钢琴即兴伴奏中,使用最多的就是和声性的织体(主调音乐),其次是综合性的织体,纯粹复调性的织体因其不适合即兴伴奏而很少使用。所以我们主要研究和使用的就是和声性的织体。 对于伴奏织体的障碍,我觉得学生最大的问题首先在于“层次”的把握不当。对于一些很简单的儿童歌曲,确实有时全曲只需要一种伴奏织体就可以了,关键就是要弹得轻巧、流畅,在某些关键处节奏有些变化就可以了。而对于一些内容稍微丰富、篇幅稍微长一些的歌曲,则仅仅用一种伴奏织体贯穿全曲显然是不够的,这时就需要安排全曲的层次,在呈述的段落中要弹得简单清淡,而在展开的高潮段落时,可以增加和弦的厚度及加密和弦的节奏,并增强和弦弹奏的力度,从而和前面形成对比。如果是三段体,最后结束段可以回归到前面的呈示段落。 其次,和弦音区的选择对于伴奏音型的弹奏效果也是非常重要的。和声声部活动的最佳音区并不宽,仅有以中央C为中心的上下一个八度左右,扩大一点,一般也不超过两个八度。只有在这一音区内奏出的和弦才具有比较理想丰满的和声效果。如果将同一和弦提高八度,将获得明亮但缺乏力度和弹性的效果,如果降低八度,则又将获得浑浊、沉重的效果。而很多学生恰恰是音区选择不当,影响了弹奏的效果。 总之,伴奏织体的合理运用,一定要结合歌曲的内容灵活运用,并在弹奏过程中形成对比,这样才能起到烘托歌曲情绪的作用。 (四)歌曲旋律和节奏的补充“加花” 对旋律的补充要注意以下几个问题: 1 不要在歌曲进行中毫无目的的乱“加花” 一般在歌曲进行到延长音或休止符时,这时为了音乐进行不至于出现停顿,作为伴奏,应当主动对旋律加以补充,从而达到推动旋律往前发展的目的。练习这一手法,要注意音区的安排,一般模仿声部都应该高一个八度或低一个八度,不要与原旋律在同一音区,否则从听觉上很难区分开来。 2 加花的手法主要可分为模仿性、华彩性及线条性三类 (1)模仿性补充的材料主要来源于原旋律,可以用严格模仿或变化模仿的方式,以起到对原旋律进行呼应、总结,使长时值音的内涵及乐句本身所具有的情绪更好地表现出来。 (2)华彩性补充的材料则来自和声,包括和弦、分解和弦、琶音、自然音阶、半音阶、双音等,音区选择多用于高音区或低音区。他们的效果各有不同,适合于各种不同类型的歌曲。 (3)线条性补充的材料是在和声的基础上,加入和弦外音,发展为更具有表现力的线条,所以线条性补充是一种更具有“创造性思维”的补充手法,也更富有抒情性,多用于慢速或中速的歌曲伴奏。 3 要和歌曲伴奏织体的层次相结合,要分清楚将在哪 个层次上补充加花 例如:模仿性补充的材料和线条性补充的材料一般加在旋律层及低音层;华彩性补充的材料更多地加在和声层。 当然,除了这几种主要对旋律的补充手法以外,还有很多其他的手法,如衬腔式、过渡式及装饰性加花、外音花奏等手法。怛不论采用何种补充材料都必须在和声与节拍上与旋律保持一致,而以节奏、音区与和弦外音的对比变化为旋律增色,以达到烘托歌曲情绪,渲染歌曲气氛的目的。 (五)移调 移调练习也是学生的一个普遍难题。钢琴即兴伴奏的复杂性在于,只有同时解决和声、织体、结构、音响、钢琴演奏技能、创造能力等诸多关系,才能成功演奏哪怕一首短小的钢琴即兴伴奏。而为歌曲伴奏时,大部分采用简谱,需要随时移调,也就是说,上述各个必须掌握的方面应当能够临时在任何调性上予以实现,其困难程度可想而知。但移调练习也不是没有规律可循,只要学生循序渐进,持之以恒,多弹多练,是可以逐步熟悉键盘的。现总结规律如下: 1 把C调练熟 首先应在C调上把所有的和弦连接及常用的伴奏织体练熟。当然选择歌曲的时候尽量选C调或靠近C调的歌曲如D调、降B调等,这样演唱起来也比较自然。 2 在此基础上,把在C调上练熟的和弦连接及伴奏织体整个移到相临近的D调及降B调上进行练习 因为相隔得很近,所以在C调上的和弦连接序列可以不用改变其原来的位置,如第一个和弦的位置在C调上是原位,那移到D调上仍是原位,后面和弦连接也照旧进行,只不过是移高了一个大二度而已。这样可以保持和弦位置的相对固定,也有利于学生的弹奏。 3 在和c调相隔四、五度的F、G调上练习 这时由于位置相隔较远,有必要把在C调上的主和弦的位置通过转位加以调整,以取得最佳的音响效果。这就需要对各和弦的原位及转位都要非常熟,特别是带有变化音的和弦,位置更要多加练习。 4 万事开头难 在练熟上述四个调的基础上,再用近关系调的规律逐步熟悉其他的调,总共12个调,练熟常用的9个调,一般的歌曲就没有什么大问题了。 5 在和弦的练习过程中,可采取固调和首调相结合的方式练习 如:固定的F和弦,在首调中是C大调的Ⅳ级和弦,F大调的I级和弦,降B大调的Ⅴ级和弦等。多进行这样的训练,学生就会逐渐地熟悉各个和弦,会逐渐发现原来很多不同调的不同级的和弦竟然是同一个和弦,这样就会达到降低熟悉各种和弦的难度,提高练习效率。 以上所述是本文列举的在钢琴即兴伴奏中存在的最基本的五大障碍,除了这些以外,还有其他的障碍,如确定歌曲的调式、调性,分析歌曲的情感表现及曲式结构;正确处理歌曲的前奏、间奏、尾奏;五声调式歌曲的和声处理;转调歌曲的和声处理;合唱歌曲的处理等等。但这些障碍应该是在钢琴即兴伴奏的提高部分所将要面临的。由此可见,学习钢琴即兴伴奏这门课确实是障碍重重,但是只要我们坚定信心,不畏艰难,认清障碍,用科学的方法刻苦训练,相信一定会有收获,取得长足的进步。 入门钢琴教学论文:幼儿钢琴入门教学中的趣味引导 幼儿钢琴入门教学的方式很多。作为教师,我认为首要的任务是如何正确诱导孩子们喜欢上音乐,并对钢琴演奏产生巨大的兴趣。著名的俄罗斯钢琴教育家尼古拉耶娃曾说过:“钢琴教学的基础是使孩子们喜欢上音乐,训练他们发现音符和旋律线条的能力,并使他们对任何事物都能产生灵敏的反应。”这段话不仅道出了钢琴教学的初衷,也告诉我们学习钢琴演奏的益处。我们都知道,目前来学琴的琴童年龄大多在五到六岁左右,他们可能绝大多数都喜欢音乐,对各种乐器也充满了好奇心,聪敏好动,富有想象力。可是想让他们把注意力长时间集中在一件事情上是比较困难的。因此如果从一开始就直接教授难度较大、较难掌握的手指技巧,以及识谱方面的知识,只会给这些年幼的孩子带来困扰,增大学习难度。最重要的是会打消他们的学习兴趣。所以,对于幼儿钢琴入门教育,教学中所必须体现的趣味性教学方式至关重要。 当学生第一次走进课堂,我们不要马上就开始教授他们识谱、指法和手型这些相对枯燥的知识,这会让他们马上变得紧张、拘束,因为越是年龄偏小的孩子越没有耐心。教师应该和他们在琴上做一些“游戏”,让他们在玩耍中了解这门乐器的特性。比如:先是用形象的方式让他们了解钢琴这种乐器的特性,以及其作为“乐器之王”所能表现出来的广阔音域。可以弹奏不同风格的旋律,或是模拟各种动物的声音,让孩子们说出他们自己的感受。如最左边的低音区弹奏起来音色较厚实,很像狗熊之类笨重的动物;中音区声音沉稳,像是大提琴等乐器的方声效果,是最常用到的音区;而高音区音色明亮,能模拟出鸟类清脆的叫声等等。总之要让他们发挥自己的最直接、最自然的想象力。当我们对孩子进行音乐感觉诱导的同时,给他们讲述一些与钢琴有关联的知识,像讲故事那样。例如钢琴的发展历史,从管风琴到古钢琴、到近代钢琴,要找来一些相关的图片,或是影像资料展示给他们看。使他们从第一节钢琴课开始就初步了解这门乐器,并产生强烈的好奇心,从而期待下一次的授课。 给孩子们的第二次课是进行节奏和听力的训练。首先我们在琴上用同一个音符弹奏出长短各不同的声音,要求他们分辨出哪些是长音,哪些是短音,并模唱出来。例如: 有的时候我们会发现部分孩子天生就具有良好的听辨能力,因此可以更进一步的请他们试着说出长音与短音之间的关系。 接着,用两个音符按不同的时值组成简短的旋律,请他们自己编歌词。歌词的内容可以是自己的名字,或是孩子们自己喜欢的花鸟鱼虫的名称,然后富有表现力的唱出来,把它变成好像儿歌一样。例如: 之后,我们还可以让学生自由发挥。让他们发挥想象力,用自己喜欢的任意音符编曲,并将这些简单的旋律弹奏出来。当孩子们边弹奏边唱的时候要告诉他们,需要把长的音符弹得比短的音符重一些,这样能让他们了解节奏的概念,并使他们确定学习的方向。而孩子们也会感觉到趣味所在,从而摆脱常规教学中的枯燥乏味。 在随后进行的几节课中,我们开始选用一些简单的旋律或是孩子们熟悉的歌曲,将同一首歌曲放在不同的调式中进行演奏,要求孩子们跟着一块弹。可他们弹什么呢?当然,他们只能负责伴奏的部分。其实就是用一个手指根据自己的听辨理解有节奏地弹奏出不同的音符。好像是打击乐中的鼓手,只不过钢琴是带有旋律的。教师要引导他们去感受用什么音符听起来是和谐的,不刺耳的,因为能使用到的不仅仅有白键上的音符,还有黑键上的。这样的练习会让孩子们对调性和不同的调式有初步的认识,并使他们熟悉键盘上的音符。之后,还可以布置课外作业,请他们回去之后自己编曲,进行简单的创作,再根据创作的内容给乐曲命名。学生们一定会产生浓厚兴趣的。在这一阶段,孩子们是在不识谱的情况下进行简单的弹奏和有意义的练习。我们要给他们足够的空间发挥自己的音乐天赋,并多加鼓励和支持。尽量使孩子们没有负担,能够积极主动地学习。 幼儿钢琴教育看起来容易,但其中却大有学问。教师往往要扮演不同的角色,是老师、是家长,还是可以一块游戏的大朋友。给孩子创造轻松愉悦的学习环境,让他们在游戏中学习成长,这是每位教师必须做到的。虽然不是所有的孩子最终都会走上专业这条道路,但正如尼古拉耶娃所说,学习音乐、学习钢琴演奏带给人们的不仅仅是一门技术,就如我们的学前教育,看似简单,却是孩子们今后学习的基础。许多习惯就是在这个时候养成的,因此不容忽视。 入门钢琴教学论文:幼儿钢琴入门教学中的兴趣引导四法 在素质日渐成为参与当今社会竞争的一个重要指标的前提下,家长亦视素质培养为教育目的,而钢琴学习,逐渐成为家长与孩子的首选。据相关统计数据可以看到,绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐,占总数的82%,一般的仅为16%,不喜欢仅为2%。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下,对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查,则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42%,偶尔的占37%,不去的占21%。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外,更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长,而且受到家庭环境、社会分为等诸多因素的影响。因此,无论是幼儿学习钢琴,还是音乐教师教授钢琴,培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向,对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用,而且还有效地培养幼儿的注意力形成、促进智力方面的发展。 幼儿期是儿童心理快速发展的重要阶段,此一阶段的儿童心理和生理上均不成熟,从而表现出学习中自控能力不强;学习时记忆能力较差:体能无法支持长时间弹练学习等特点。因此开发幼儿学习钢琴的原始兴趣,使之持久并将之逐渐转换为学习的动力,必须把握上述三个方面的特点。生动、形象是针对幼儿教学的一个关键,许多孩子的兴趣往往起源于“听起来好听”或是长辈、老师演奏钢琴的样子很美,即“看上去很美!”当真正接触到实际学习的时候,面对复杂的音符、节奏、技巧、演奏法等又会感到麻烦和头痛。为此,笔者结合多年教学的经验,将幼儿钢琴教学中的兴趣引导法归结为以下四点,以就教于各位方家。 方法一:声音模拟导入法 幼儿的天性就是模仿。拥有88个键的钢琴的每一个琴键都可以模拟出一种大自然的声音。 琴键模拟动物叫声熟悉音色:如将C2C、c1、c2几个键子的音色分别加以弹奏,模拟出老牛、小狗、小猴、花猫的声音,让孩子感受。引导孩子分别用两只手的3指、2指、1指,采用重量弹奏法进行试奏。熟悉以后,老师弹奏其中任一音色,让孩子分辨模拟的是哪种动物。 节拍把握:通过简单的模仿此时孩子们的兴趣已经高涨。在这个时候导入节拍、时值的实质含义(如,四分音符、二分音符、全音符等等)的教学。例如引导幼儿学习小狗叫四声,每次一拍;小花猫叫两声,每声两拍;老牛叫一声四拍,让孩子口中数拍。反复数次,加深印象。 手腕断奏弹奏法:可引导幼儿敲击琴盖,模拟出啄木鸟尖嘴啄木“笃笃笃”的声音,并将基本弹奏方法教给幼儿(手腕上下运动等)。然后,再到琴键上,找准音符位置弹奏。同时将节奏模拟出来,并感受其手指尖的触感。 倾听生活中的声音:让孩子倾听声响与雨滴溅落的声音,让幼儿倾听并回忆雨水滴落在地面、石头、落叶或家里水龙头嗒嗒嗒的声音。让幼儿感受声响与敲击琴盖上敲打的区别。利用具体曲目如《跳舞的雨滴》中给幼儿示奏,让幼儿从音乐、音强上了解音量的区别。 方法二:手指操练习法 除了对声音的感知外,以游戏形式锻炼其手指的灵活度和手臂的力度。也有助于提高幼儿学习钢琴弹奏的积极性。 手指操的练习包括拇指练习和手指练习。大拇指粗短有力,在弹奏钢琴时,大拇指既是左右运动与上下运动的结合,又是与腕部旋转运动的配合。通过对大拇指的锻炼可以为幼儿钢琴更高层次的学习打下基础。 大拇指操分为三个基本步骤:“手指滑动”拇指与食指做拈花状,拇指从食指顶部向食指根部滑动。其他手指也尽力向上伸展。从上到下,从下到上重复多次;“手指晃动”将手轻放在一个平面上,大拇指左右摆动:“手指旋动”做一个顶呱呱的手势,然后将大拇指朝下做摁图钉一样的左右旋转运动。 手指练习,让幼儿坐在琴凳上,双脚放平,自然分开。两个手臂慢慢抬起,与肩同高,做出拥抱柱子的姿势。然后手掌向下,手臂自然垂落到腿上。重复抬起、落下的动作。此外,幼儿拥有比较漂亮的手型和较为独立的手指,是钢琴学习中较为重要的前提,因此对手掌肌肉和手指关节的练习,是极为重要的一项。通过引导幼儿开展“石头、剪子、布”的游戏,将手掌放平,五个手指尽量伸直,做成一张大大的“布”,然后收起五指,握拳做“石头”状。重复多次。食指到小指的练习,可以通过拇指以外的四指并列整齐地向掌心合拢做关门状,重复“开门”“关门”姿势。“手指呼吸”运动,锻炼好手指第一关节的太指运动是找到钢琴触键点的关键,将食指与拇指做成O形,打开变成C形,就像小鱼的呼吸一般,重复多次,并逐渐向中指、无名指、小指与拇指的组合过度。 以上的手指运动随意组合可以实现对幼儿手指的多方面练习。教师还可以根据手指操的具体内容,加上生动的名字,便于激发幼儿的练习兴趣。 方法三:巧用教材导引法 3-4岁的幼儿对音区变化只能大致听出高音区和低音区音高的不同,到了5-6岁就存在了清晰的辨别。具体而言,幼儿对音乐首先感知的是拍子、速度等与节奏相关的音乐要素,而后才是对旋律音高节奏的感觉,最后感知曲式。在初级教材中,曲目旋律都在两个八度的中音区,从倾听中音区开始是一个比较好的教学方法。比如:《排钟》中模拟的钟声:《老麦克唐纳》中模拟的鸭子叫:《跳舞的熊》每小节第拍的低音,模拟出熊沉重的脚步:《印第安手鼓》和《部落舞》的左手部分对击鼓的模仿。同时还可以安排一些高音区和低音区的曲子作为欣赏,比如通过幼儿对鸟叫的经验,引导他们听《小鸟的歌》、《杜鹃圆舞曲》、《布谷鸟》等。通过欣赏在低音区进行的《大象走》感受其低沉、厚重的音乐,从而区别音区(音乐)的变化。 巧用教材引导的关键,是因人而异地选用钢琴教材。具体而言,对以提高艺术修养为目的的孩子,初学的时候以《汤普森钢琴教程》为主,辅以《拜厄钢琴基本教程》和《车尔尼OP.599》,以及盛建颐等主编的《儿童钢琴初步教程》;对于有专业意向的幼儿,车尔尼雪夫斯基、巴赫的练习曲以及小奏鸣曲,是开展学习的三条主线,适当地搭配中西方的一些现当代的钢琴曲的教学也可以提高幼儿学习的兴趣。 方法四:天伦引导兴趣提高法 幼儿钢琴学习中的兴趣提高中,父母也是重要的一环。没有父母参与的幼儿钢琴教学无疑是失败的。但实际的情况是,有的父母认为自己不懂音乐无法引导孩子;有的父母认为自己只要看住孩子,让孩子坚持每天的练习就可以了;有的父母甚至认为,孩子已经交给老师,所有的引导,培养都由音乐教师负责就好。这几种情形最终导致的结果都是,孩子逐渐丧失原始的音乐兴趣,视钢琴学习为负担和任务,导致钢琴学习的有始无终。 父母怎样提高孩子学习钢琴的兴趣呢?大致说来可以通过三种方法:其一,多听多看,潜移默化中引导孩子对音乐的感知。父母平时就多购买一些较为经典的钢琴曲目,在家中、车上进行播放。适当地选择一些反映音乐家故事的影视作品,全家一起观看。让孩子自己选择、树立学习的榜样,可以激发孩子学习的热情:其二,走入大自然。钢琴的学习不单单是在琴房或者教室里完成的,走进大自然,将学习与玩耍结合起来,家长引导孩子去倾听大自然的声音,包括各种动物的鸣叫,水流的声音等等。有助于加强孩子对音域的感知,家长可以在野外自行设计一些小游戏,比如为小动物的鸣叫打拍子,有节奏地拨弄水流发出声响等等;其三,展开互动学习。父母可以与孩子比赛的方式,完成对幼儿的激励。比如说在孩子练习钢琴的时候,父母找来相应的工作与孩子比谁做得更好,或者父母背诵熟悉的诗歌与孩子背记谱子比速度。 简言之,天伦兴趣引导法的关键是父母通过有趣味的游戏设计,以及家长与子女的互动,将学习变为生动、直观的接触。 结语 学习,到底是一条艰苦的道路,还是游戏,在现代的教育理论中是一个争论不休的论题。但是在教学的实践中,通过兴趣的开发,引导学生不断学习的动力却已经成为一个不争的事实。针对幼儿心理生理的特点,施予相应的教学,在教学中,贯穿教师、幼儿、家长的心血,是保障幼儿保持钢琴学习兴趣关键。 作者单位:湖南芷江师范学校怀化分校! 入门钢琴教学论文:浅谈钢琴入门教学 弹钢琴简易来说就是手指在琴键上的弹动,通过键盘受力使击弦机敲击琴弦发出乐耳的声音,因而手指上的基本功成为学习钢琴的关键。那手指该如何做好基本功的练习呢?咱们应从触键开始。 在了解“触键”之前咱们先来注意下一个重要环节,卓越的钢琴家约瑟夫・霍夫曼(波兰裔美国钢琴家)曾说过:“缺乏良好的基础对才能的发展及其危险。许多人毕生致力于改正他们在初级阶段中从无知的教师哪里学到的坏习惯,结果却失败了”。①所以在弹奏钢琴之初应具备良好的基础。学习弹奏钢琴,初期基础的学习是不可忽视的,基础不扎实会给后期的学习带来巨大的麻烦。在教育行业当中,启蒙教师是最为关键的,在音乐方面更是如此,孩子们在入门时是一张白纸,启蒙老师所教所讲的一些,在他们内心都会留下深刻的印象,他们会觉得启蒙老师教的一定是对的,但如果启蒙老师教的不够准确,那所造成的结果就是误人子弟。 在俄国,教初学者基本功都是由经验丰富、基础扎实的教师来担任,他们的工作不被人所忽视,不被认为是应有初级教师、经验生疏的教师来担任。 在我国,据初步调查发现现今学琴的孩子每年以30%的速度在逐渐增加,但这其中还是有60%的家长认为刚开始学琴可找一般的初级教师来教学,这是为什么呢?普遍的家长都有这样的看法,孩子刚开始学琴都是学一些基础的东西,练练手指,教教乐理,也没什么技巧性可言,先找个一般的初级教师就可以了,没必要找好教师,这样从经济上也可省一大笔,其实家长们这么做是大错特错。 大家都知道“万丈高楼平地起”,基础是最重要的东西,基础不扎实何以建“高楼”。如果在基础上出现偏差,会给未来造成严重的后果,“差之毫厘,失之千里”。大部分人都认为房子的地基都是埋在土里,反正大家都看不到,用什么材料大家也都不知道,就可采用差的材料,这种想法会给以后造成严重的后果。 其实还有一方面,很多的好教师都不愿意教授初级刚入门的孩子,因他们没受过严格的入门训练,都会存在这样那样的问题,需要花很多的精力来改正,改正一个坏习惯比养成一个好习惯难得多,有些孤僻的毛病也许一辈子都改不过来,这样的学生教起来就很累,所以有很多好的教师都不愿意教授初级的孩子。 再次就是刚入门学琴的孩子们普遍年纪都比较小理解力是有限的,但模仿能力是非常强的,所以在对孩子们初级的入门教学中采用最多的方式就是示范教学,那就造成教师的示范是非常关键的,如果教师没能做出正规的示范,这样不仅会造成入门的扭曲,还会使孩子们养成对事马虎不认真的态度,对将来的行为习惯都是非常不利的。 因此在孩子们入门初期就找个好教师是非常有必要的,好教师不仅受过正规训练自身素质过硬,还对孩子们的心理深有感触,一旦发现孩子们身上存在不良的习惯,他们可立即采取措施进行改正。一名称职的好教师会懂得如何引导孩子们正确的走这条钢琴的艺术之路,好的教师不仅可以教授孩子们智能、技能,还会教给孩子们如何为人处世,如何处理好与家长、与孩子的关系,一名好的教师会在无形当中给孩子们造成好的影响,所以选择一名好教师对孩子来说是受益终身的。 现今社会是不断进步的社会,相信随着社会的发展人民一定会认识到基础的重要性,而改变以往不正确的看法。 在学习钢琴初期,主要面临的就是如何正确的弹奏及相关基本功的要求,这个问题在许多钢琴教程或钢琴演奏入门等类的教材中都有相关的说明指导,在我看来阅读查看这类的教材,就如牛顿所说的“如果说我看得比别人更远些,那是因为我站在巨人的肩膀上”,这样是自我提升的一种方式。但在查阅众多名家撰写的教材同时也应注意,不能盲从,名家在撰写教材时所记载的都是自身的体会及教学所得的宝贵经验,所以就造成一定程度上的主观意识,如果盲目的跟从就会形成“机器式的生产”而丧失了自我,但教师所面临的教学对象都是各种程度的学生,在教学上一定要因人而异,为学生“量身定做”一套适合的教学方案,所以名家的教材可以借鉴但不可盲从。在众多名家教材版本查阅时可进行比较,取长补短避免盲从现象。据以往所学的经验及近几年的教学经验,在学习钢琴入门阶段应做好以下几点基本功练习。 一、“触键”首先应是手指的摆放,手指的摆放应遵守手指的自然长短规律,三指较长应处于白键靠近黑键处,二、四指应处于白键中间位置,一、五指较短应处于白键边缘。以上是手指摆放时指尖的触键位置,手指的摆放姿势应是保持手臂放松自然弯曲,手指每一关节都向外突出,手呈半圆形握球状,手腕下端与钢琴白键基本上保持同一高度,手腕高度应低于掌关节的高度,手掌关节在整个手型摆好的情况下应处在最高点的位置,以上就是手指摆放的姿势。 在钢琴入门时因学生还没受过这方面的手指训练,手指缺少独立性,关节在弹琴时会出现不稳的现象(就像婴儿刚开始学走路一样会出现脚站不稳的现象)。此阶段常出现的触键问题有: (1)手指第一关节过度与键盘垂直,易造成手腕过高使手指缺少灵活性,也易造成指甲触键发出指甲声,引起滑键。 (2)手指第一关节弹下时向内凹陷,变成大面积的指肚触键,会造成手指弹琴时无力,也延长了指尖触键的时间,无灵活性可言。 此时我们应注意培养学生手臂的自然放松,触键时体会手臂的重量充分落在指尖上,指尖第一关节与键盘角度应小于90度,指肚触键,手腕自然向下放松,手腕与掌关节形成一个“小斜坡”(掌关节高于手腕)。找手指在琴键上站稳的感觉,找到后多体会这种感觉,使之形成一种下意识的动作。 二、手指的弹奏初级练习 1.G指练习(非连音弹奏),手型摆放完毕保持不动,靠小臂的力量向上提起,落下时手臂、手掌肌肉放松,指尖绷紧,当指尖触到键盘时,弹下的手指保持手指关节突出、自然、美观,其余手指按原先姿势摆好,三指是处在整个手掌中心位置的手指,相对其他手指灵活,且稳定性更好,因此可从三指开始练习,再练习其他手指。弹奏过程中,手指在保持良好姿势的情况下做自由落体运动可逐渐提高手指的触键力度,在手指下键瞬间,迅速摆好触键姿势,以培养良好的触键姿势也为接下来要做的高抬指练习打好下良好基础。 2.高抬指练习(连音弹奏),高抬指其实就是指尖第三关节的运动,在手型摆好的情况下,手指靠第三关节(掌关节)抬高,下键时手臂放松,手指靠第一关节带动迅速下,并保持良好姿势,其余手指按原先姿势摆好。在高抬指练习中要注意,第四指天生较弱需邻指帮助方可抬高,当按照一至五指进行练习时五指帮助四指抬高,进行五至一指练习时三指帮助四指抬高。如此进行手指练习定可促进手指的独立性、灵活性。 在西方国家,曾有段时候,钢琴教师在给学生做抬指练习时是这样要求的,手一直保持一种如石头般坚硬状态,手指要有力的抬到最高,抬起的手指每个关节都应最大程度地向里弯曲,下键时手指像一把小锤子似的弹下,这样弹出来的效果就像钢琴家用石头敲钢琴,此法可以弹奏出响亮的声响,但所弹音乐毫无弹性,没有美的音色,此法在现今钢琴教学上是不被认同的。 我认为触键中的抬指动作是不必要的动作,著名俄国钢琴演奏家、教育家列文曾说过“最高的艺术效果,可以由最简单的手段来获得”②,所以我对学生的要求是专门关注掌关节的运动,手指的其它关节不动,在下键瞬间手指是绷紧的,下键完手指、手腕立刻放松,整个手型立刻回到最初放松的姿势与状态。 三、在弹奏钢琴过程中,身体、手臂(两肘)、手指三者的关系也极为密切。 身体:弹琴时身体的坐姿跟琴凳的关系是非常密切的,琴凳坐的距琴太近不利于两手的弹奏,感觉会受到限制,琴凳距琴太远又不利于重心的把握,两手易发虚,所以琴凳与琴的距离应调整到一个舒适的距离,初学者最好在老师的指导下进行调整。身体应坐于琴凳的三分之一处,不要把琴凳全坐满,双脚着地起支撑作用,上身挺直,腰不许塌陷,这样,可以从腰或者更下一些部位用力,上身略微前倾,这样坐有助于身体的重心向前,有利于力度更充分地下到指尖。 手臂(两肘):弹琴过程中手臂应自然放松不可坚硬,两肘略微向两侧张开,首先是两肘自然张开,从外观上看更美观。其次两肘略微向两侧张开,有利于上身力度通过手臂下到指尖。再就是有利于手型的摆放,如手臂紧贴身体,不利于手型的摆放,易造成小指向两旁倾斜,如两肘张开,小指就自然立好。 手指:手指是直接与琴键接触而发出声响,指尖上的力度就来源于身体、手臂(两肘)的力量,如离开身体与手臂(两肘)的力量,指尖就会发虚,如触键就会是压键而不是弹奏。所以要弹好钢琴三者的关系一定要处理好,三者是相铺相成的,缺一不可。 钢琴弹奏中,正确的触键是非常重要的,因触键的方式、力度、位置不同,所弹出的音量、音色也都不一样。鲁宾斯坦曾这样比喻钢琴“钢琴是一百件乐器,而不是一件乐器”,这足以说明钢琴的表现力是丰富多彩的,那如何把这件丰富多彩的乐器发挥的淋漓尽致,应从钢琴的触键上注意,正确的掌握好不同的触键方式、力度、位置,一定可以达到事半功倍的效果。运用正确的姿势弹奏,手型和内在的肌肉感觉均会形成一种良好的习惯。任何习惯在一开始形成时是最重要的,它将会变成弹奏时的下意识动作。如果开头不注意,养成了下意识的坏习惯,以后改正它将会非常困难,尤其是对自控能力还不强的孩子。③好的开始是成功的一半,愿钢琴爱好者们拥有一个好的开始。 入门钢琴教学论文:论钢琴入门教学 一、学习钢琴的意义 300年来,钢琴艺术达到了空前的发展:浩瀚烟海的作品,群星璀璨的演奏,科学严密的教学,所以,钢琴被人们成为“乐器之王”“音乐王冠上的明珠”。从西方16世纪以来,几乎所有的作曲家都在钢琴音乐宝库中留下了他们最有价值的遗产。 钢琴具有无可比拟的表现力,也是所有乐器中唯一用最没负担的姿势坐着演奏的乐器,学习钢琴不但能使手指的指尖得到刺激,而且能使脑、眼、手、脚、耳,全身心得到锻炼,长期训练对年纪大的人来说,可以有效预防老年痴呆症,愉悦身心,提高生活情趣。对孩子们来说,可以在组织能力、协调能力、指挥能力、阅读能力、记忆能力、理解能力、想象能力、听辨能力、以及观察力、注意力、忍耐力等各方面都会有明显提高。所以,学习钢琴会让人变得聪明是不无道理的。 二、正确看待钢琴入门教学的重要性 我国的钢琴普及随着改革开放不断深化,在国内拥有数量庞大的学琴队伍,这对提高民族的音乐素质大有裨益,同时对钢琴教师的需求也日益增长。然而,受过合格的、正规的训练的钢琴老师却非常短缺,造成师资队伍鱼目混珠,参差不齐的现象很严重。有的老师一知半解,有的会弹几首歌曲,就开始做起了钢琴老师,这样带来的后果很严重,有的学生因弹奏方法的问题只好中途放弃,有的坚持下来了,错误的弹法却一直改不过来。 启发入门阶段,每个学琴者都是一张白纸,这时期学习正确的弹奏方法是关键,通常的外行话就是先找个老师学学看,以后再找好一点的老师,现在初级,老师的水平不用高的,在大多数人的眼里,初学时低级的,很简单的。但是事情恰恰相反,入门阶段直接影响学生今后的发展前途,就像盖高楼,要先打好地基,否则就会坍塌,现实中多少好的苗子半途而废。许多学生即使换了老师,因为“先入为主”的印象,错误的方法很难改正,这样的教训屡见不鲜。所以,在选择老师的问题上,首先要考虑老师的演奏水平、教学经验和教学成果。老师的水平越高,走的弯路就越少。如果在当地找不到教授,演奏家级的老师,也要去找钢琴程度相对浅点,但是要经过正规学习过的老师。 三、钢琴入门的基本技术 入门教学的对象:学龄前儿童,他们的目标是开发智力,练习协调性;也有青年人,他们有的是个人爱好,有的是从事了音乐这门专业;也有老年人,他们纯粹是消遣和增加生活的乐趣。对与不同的对象,教学计划和进度都会不一样,但是主要的教学任务和要求基本是一致的。 1.正确的坐姿:弹钢琴的坐姿要在自然、放松的基础上取得座位、脚支点、手支点这三个重力支点的平衡、协调。琴的高低至关重要,这里有一个原则,那就是,坐上琴,双手置于琴键时,肘部与键面基本在一个水平上,自然下垂侧身的上臂与肘部形成略微大于90度的钝角为宜。如果是小孩子,要在脚下垫上脚垫,悬空的双脚会失去支点而造成坐姿不稳。当然,脚垫的高度要适中,过高也会造成重心后仰。琴一般只坐三分之一,要感觉到臀部和脚对身体重心的支撑。演奏时,需要身体的重心前移,支点放在脚上,将重力送至指尖。有几种不良的姿势要注意:僵硬直立、绞脚绕腿,弓腰驼背、端肩吊臂,这些都要杜绝出现。 2.非连音弹奏法,又称为手指支撑练习,断奏是钢琴最简单、最基本、最自然、也是最重要的弹奏方法。它运用整个手臂的自然重量,从键的上方“落下”,弹出结实、饱满的声音,这时手指第一关节牢牢的勾住键盘,支撑住肩、臂传下来的整个重量,手腕的高度与键面平行,掌关节拱起,腕关节往后自然放松,掌关节和第一关节坚挺,做到“前挺后松”。对于年龄较小的学生,可以用1、2、3指组成音束,弹奏dao\re\mi三个音。年龄大一点的,直接用三指开始练习,因为三指的稳定性最好,支撑力也最强,它又位于五个手指中间,比较容易保持手型,三指训练后,接着是二指,四指、最后是大指和五指,五个手指中,小指最细,支撑力也最差,所以训练的强度和力度要有很长的一个过程。单音训练有了一定的基础,就可以进入双音训练。 3.连音弹奏法:要求音与音之间没有缝隙,连音是最常用的,也是最重要的一种演奏方法,同时也是最复杂多变的演奏方法。连音奏法的关键是重量转移,应从两个音开始,第一个音象非连奏一样从键盘上方落下,手指支撑住来自臂膀的重量,然后抬起第二个手指,在弹奏的同时把重量转移过来。这里掌关节的动作要大些,他有两个功能,一是快速的挥动手指击键,二是把重量从前一个手指上搬运过来。可以让学生站起来,体会人的重心从左脚换到右脚,再从右脚换到左脚时的感觉,这和手指间的重量转移的道理是一样的。掌握的两个音的连奏,就可以练3个音,4个音。5个音,直到一串音。弹完最后一个音手应该从键盘上提起,这样就产生了分句的效果。学习连音奏法要特别注意音与音的连接,后一个音未弹下去之前前一个音不能放掉,否则音就不连了,后一个手指触键后,前一个手指要及时拿掉。否则音会浑浊不清。 4.跳音弹奏法:跳音弹法不像非连音、连音一样单一,可分为:手指跳音、手腕跳音、肘部跳音、大臂跳音。开始建议从手指跳音学起,让手指贴住琴键,象拨弦一样,往外里一抹,迅速发力,迅速弹开,手腕、手臂都保持安静,主要是指尖的动作。音量要求小点,耳朵听好音的弹性,体会指尖的敏感性,这对学习其他跳音是至关重要的。掌握了指尖第一关节动作要领后,建议学习肘部跳音,这时以肘部为轴心,手腕保持固定,指尖快速向下拨键产生反弹力,整个前臂快速弹起。肘部跳音适合运用于音符节奏进行不太快,力度较强的单音、双音或和弦。在入门阶段比较实用,也比较容易结合乐曲大量练习。手腕跳音的要领是:手臂保持不动,手架子保持稳定的拱形,指尖第一关节发力后,手腕快速弹起,外形看起来象小鸡啄米,在慢速度时指尖一定要主动的拨键,速度加快后手腕放松且有弹性的上下动作,幅度不宜太大。手腕跳音实用与速度较快,灵活,活泼,力度中等偏弱的段落。大臂跳音在入门阶段可以忽略,在初学的乐曲中很少用到。 四、科学的选择教材 近几年来,我国引进了很多国外的优秀入门教材,也自编了很多种适合中国学生弹奏的教材。一方面为学习者提供了丰富选择余地,同时也增加了选择的难度,现在国内用的较多的是《汤普森简易钢琴教程》简称小汤、《儿童初级钢琴基础教程》简称儿钢、《拜厄钢琴基础教程》简称拜厄,《高等师范钢琴基础教程》简称高师。 对于幼儿园中班上学期之前的幼儿,建议使用小汤作为入门教材,它每页都有小朋友喜欢的图画,识谱从中央C开始,同时学习高低音谱表,使儿童从已开始就有高低音谱表的统一概念,音乐较为丰富,前三册的难度跨度不大,比较适合这一时段的儿童年龄特点。不足之处是一开始就用大指进行连奏,老师在教学过程中,应把第一册全部改成非连奏,且前面的27页全部用3指演奏,后面的曲子按指法弹奏,打好手指支撑力的基础,这样进入第二册学习连奏就会很顺利,否则,掌关节塌陷,一关节瘪指,手腕突起,这些问题会不断出现,且很难一下子解决。 幼儿园中班下学期以后学琴的孩子,建议使用儿钢作为入门教材,这本教材的编者有意选择了大量的孩子喜欢的儿歌,民族乐曲,世界名曲,它也是从中央C开始,高低音谱号同步学习,采用倒影式的认谱方式,同时也有插图,老师的伴奏谱,内容比较丰富。建议20页前全用3指作非连音弹奏,到39页前按指法进行非连音弹奏,39页后用连音弹奏,学完第一册,加入拜厄教程,从12条开始,同时儿钢的第二册同步进行。 成年的学琴者建议直接用高师教材,同步使用拜厄教材,因为这个年龄的学者手指发育已经完成,用5个课时进行非连音弹奏,接着就可以学连音弹奏,并在10课时左右加入哈农练指法,当然,篇幅要短一点,选取10个小节,作非连奏和连奏的同步练习。除此之外可以选取简易的流行歌曲改编版增加学习的兴趣。因为成年人的学琴热情也只有2个月左右,但他们又没有家长强制督促,容易虎头蛇尾,半途流失,培养兴趣和成就感就显得格外重要。 五、乐感培养的重要性 学习钢琴的最终目的是要用琴声去表达音乐,用音乐来感染人,让人得到美的享受,试想如果弹奏的很熟练。,但是象打字员一样的机械操作,弹出的音乐味同嚼蜡,这样的钢琴演奏是打动不了人的。伟大的钢琴教育家涅高兹说:“学钢琴就像挖隧道,得从两面挖起”,意思是技术训练和音乐表现力的培养同步进行,通常我们听到的是“手指、手指、手指”,现在一定要加上“音乐、音乐、音乐”。所以,从入门开始,老师就要把乐感的培养放在重要的地位。音乐是一种特殊的语言,音乐的表达就像说话一样,为了让别人听明白你的话,你就得把字、词、句读对,把话说明白,表达出语气和意思来。弹钢琴其实不难,只要把话语中的语调、语气、抑扬顿挫、轻重缓急自然的融入音乐之中,就能给音乐的演奏注入表情,注入生命。 训练乐感先学会分句,乐句是音乐的基本单位,正确的给乐曲分好句子,是重要的第一步,老师要引导学生给方正的乐曲分句,更要化时间给不规整的乐曲分好句子,没有句子感的演奏时再糟糕不过的了。接下来就是处理好起句,第一句通常是给整个乐曲定调子,这里要注意速度、音量、音色、基本情绪。要求在弹奏之前先唱一遍,或在心里默唱几个小节,等有了把握再下手。收句也同样重要,俗话说:“编筐编篓全在收口”,弹完一个乐句,或一个乐曲,能不能留下袅袅余音,与结尾处理极有关系。处理好乐句的结尾,“其妙在音虽止而意无尽”。在处理好起句和收句的同时,要设计高潮部分,这里的情绪一般最激动,也是最引人入胜的地方,设计一下是通过几句的铺垫,一层层推进,最后达到高点,高潮的音量不能过强,声嘶力竭,这样反而破坏了美感。 整个钢琴演奏的乐感分三个环节――“感受”“领悟”“表达”。对钢琴作品的感受是对整部作品的曲式结构、旋律、主题特点、织体、题材、速度、力度、表情术语以及演奏方式有一个总体的印象。通过聆听演奏家的示范演奏、CD、光盘等有声资料,加速感受过程,逐渐领悟这部作品的内在意义、深层次的底蕴、曲子的意境和风格,最终通过手指把你所领悟的内容表达出来。 应该来说,乐感不是很神秘的东西,通过老师的正确引导,细致的分析,再结合多听、多看,多体验,加上其他艺术门类的学习,融合贯通,肯定会有很好的收获,只要记住,乐感的训练越早越好,因为道理很简单,所以的技术都是为音乐服务,技术只是音乐表现的手段,没有脱离音乐而独立存在的技术。 总之,钢琴入门教学必须有正确的弹奏方法,合理的教材选择,加上技术与音乐表现的结合,这样肯定会有事半功倍的效果。 入门钢琴教学论文:通识教育中钢琴入门集体课的教学模式 [摘 要] 普通高校开设的钢琴入门集体课是面向非音乐专业普通大学生开设的一门实用性、技能性的通识课程。本文着重说明钢琴入门课的教学内容、方法及模式,以便更好地探究如何在通识教育中利用数码钢琴进行集体课教学问题。 [关键词]通识教育 钢琴教学 集体课 目前,鞍山师范学院音乐学院在通识教育音乐课程中分类别地在原有理论课的基础上开设了其中一门实践课程:钢琴入门课。利用数码钢琴这一优势资源来进行教学,对于提高大学生自身音乐素养起到了积极的推动作用。 一、 钢琴入门课教学内容的选择 在开设钢琴入门课之前,笔者做了一份关于非专业的大学生钢琴入门课的问卷调查,其中对于教学内容的设置既满足大学生的心理与生理的特点,又结合教学大纲中教学目标的人才培养模式来选曲教材内容。通过教学实践,发现学生在学习弹奏的过程中能尽快地掌握节奏、识谱、视唱等相关音乐知识,对于提高自身的音乐素养起到了重要作用。 首先,大学生对于音乐理论知识的掌握多数处于零基础,少数有学习音乐的短暂经历。因此在学习弹奏的过程中,循序渐进地填补和系统地学习基本理论知识是很重要的,因此教材的选择最初以围绕中央c开始,分别向高低音区拓展进行断奏练习。 其次,弹奏过程中,对于零基础的学生来说,双手的协调性练习及节奏训练是弹好钢琴的关键和重点。因此在曲目的选择上以简单、通俗易弹并所熟悉的儿歌童谣为主。 二、 钢琴入门集体课的教学形式及教学多样性 钢琴入门课是采用数码钢琴进行集体教学的。数码钢琴使用多媒体音乐教学系统,运用计算机网络技术进行管理,可以使老师与众多个学生间进行直接教学。其教学形式丰富、灵活又具有多样性其中包括: 1、独奏形式 一个学生与老师进行交流,其他学生倾听,在点评时,主要针对弹奏的基本问题和音乐表现进行指导,避免该生或其他学生弹奏时再出现同样的错误,这种回课形式所产生的一个积极因素就是调动了学生的主观能动性,而共同评析则使学生由被动地位变主导地位,增进交流,活跃思维,提高对音乐的表达能力。 2、齐奏形式 选择几位学生,教师根据弹奏者的技术水平规定适当的速度,进行齐奏式回课。齐奏形式较独奏有更大的难度,主要体现在对节奏、速度的严格把握方面,总会出现或快或慢的情况,这也就为学生在齐奏过程中的适应能力提出了要求,当自己的弹奏在与群体出现偏差时,应及时改正、积极调整,能迅速融合到集体的感觉中去。也能通过集体弹奏形式,感知音乐中节奏和速度的重要性。 3、轮奏形式 钢琴弹奏的“接力棒”,这是一个极为有趣的游戏。一首作品,按照乐句、乐段或小节线的划分,分配给每位学生,当前一位演奏者结束自己的任务时,后一位要按时进入,完成规定的长度后,接下去的同学又要挺身而出。经过实践,此种形式深得学生的喜爱,紧凑、严密的衔接,锻炼了弹奏者的应变能力,大大提高了学习兴趣。 三、 钢琴入门集体课教学法 钢琴集体课教学,应做到理论知识与技能训练相结合。集体课教学赖以存在的基础是系统讲授、共同作业和集体回课。 1、兴趣法。 在选曲过程中,如果选择一首学生不熟知的曲目,通过识谱、弹奏需要花费很长时间才会感知到完整的音乐作品,效果不佳,与学生达不到共识。而选曲一首通俗易懂、大家熟悉的曲目可以增进学生弹奏的兴趣度。比如学习弹奏《三只熊》时,首先大家熟悉这首儿歌,很快就可以完整地弹出。并且为了进一步掌握跳音技能,启发大家弹出生动的音乐形象,老师还做示范时,可以找学生简单地做出舞蹈动作,来配合伴奏音型模仿三只熊跳舞的感觉,这样大家对于表现活泼、欢快的歌曲,就知道用怎样的方式来做出跳音的感觉,这样可以深深吸引学生的学习兴趣。 2、示范、讲解法。 这是在钢琴教学中被普遍采用的有效方法之一。特别是在初学阶段更显重要,准确地示范弹奏,使学生对新乐曲或练习曲的性质、风格、技术类型和特点有一个初步的印象:优美的旋律、娴熟的技术、技巧还能提高学生兴趣。所以在此阶段中,教师应先作详细地准确地弹奏,然后再讲解弹奏要领,指出重点的技术困难之处,教给学生怎样克服技术困难的具体方法,最后根据旋律调式调性的转换和所表现的不同风格特点进行讲解,并选用适当的力度、速度做出示范,进行讲解。其顺序按左右手分别进行。使学生对所学乐曲、练习曲弹奏的技术、技巧有一个非常清楚的概念。 3、模仿法。 钢琴的教与学实际上就是一种技术与技巧的模仿和掌握。所以在钢琴教学中,对于一些基础性的或较难掌握的弹奏技术,教师可以采用示范的形式与学生共同练习,这种教法可以使学生在肢体协调弹奏和较难掌握的技术方面建立起正确的感觉。这种既实际又直观的教学方法可以使学生在该阶段少走或不走弯路,准确地掌握弹奏技术和技巧。 总而言之,在通识课程中开设钢琴入门集体课教学,不仅更为充分地利用了音乐系独有的教学资源,也为喜欢音乐、热爱音乐的大学生们提供了实践学习的平台,潜移默化地为他们提高自身的音乐素养奠定了实践基础。 入门钢琴教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学基本方法 摘 要:作者根据多年演奏及教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为:让学生对钢琴进行认识,培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置,其步骤包括:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置,等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 关键词:钢琴;启蒙;教育方法 一、兴趣是最好的老师 兴趣的培养直接影响着一个孩子潜能的发挥。首先要为每位学琴的儿童根据自身的情况制订一套适合自己的练琴方案,教法灵活多变,循序渐进。由于每个孩子的个体有差异,从孩子的自身出发,如果是比较小一点的孩子可以选用趣味性强的教程,比如说《小汤普森》,根据书里面的标题可以增加学生的理解,同时也可以和学生一起四手联弹,这样可以加强曲子的音乐感也调动了孩子的兴趣。另外以加强艺术修养为目的,让学生多听多唱。用一些充满童趣的语言,例如:弹跳音就像是在拍皮球,把自己的五个手指比作五线谱等加上夸张的表情与学生互动起来,这样才能使孩子学得轻松、愉快。在学琴当中规范化的手形、规范指法习惯、科学合理的弹奏方法和姿势、完整的节拍节奏感的训练、教材合理的选用、音乐情感和音乐风格的表现等都是要解决的问题。让孩子养成一个好的练琴的习惯,不能“三天打鱼两天晒网”,学琴尤其要注意基础的训练,不能急于求成,给孩子增加心理压力,这样也会使学琴变为被动。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30-60分钟不等,一般课时安排为一周1-2节。 首先让学生对钢琴进行认识,尤其是对钢琴键盘的识别与记忆,并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授,要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正,坐得端正而不僵硬,上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开;下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜,膝盖的位置在琴边下,双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分,手臂与手腕的感觉与形态,再到教授手形、手指,等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用,因此应该注意好习惯的培养。手型应放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起,像是虚握着一个圆球,手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼,目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型,即高音谱表入门法,中央c入门法,多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法,目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识,例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平,等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后,教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置,每节课的必要步骤为:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 二、我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤 在每节课开始前,教师应该先询问孩子在家的练琴情况,然后开始基本功的练习,让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏,并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较,培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图:利用现代教师的示范吸引学生的注意力,激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析,让学生体验到作曲家写作时的情感基调,从而更好激发学生的情感共鸣,为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点,即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标,使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平,继而培养孩子的各种能力,如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操,等等。根据个体和家长需求的不同,再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩,并且记录老师上课的内容,根据学生的上课实际情况,家长要及时督促学生进行学习,这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。 入门钢琴教学论文:入门基本功在钢琴教学中的重要性 【摘 要】由于人们对艺术的追求尤其是钢琴学习方面不断的膨胀,大部分的家长和学生要求在短时间内达到一定的程度,更在乎社会的“现实要求”从而忽略了基本功的练习。而现代钢琴教学有必要钻研基本功教学,进而引领学生更深入的学习钢琴。为此,分别从基础中的基础、手型手指特点、手指独立性培养和手指基本弹奏动作几方面进行了基础教学的研究。从而引起教育者和求学者的深思,以完善钢琴教学体制。 【关键词】钢琴演奏;基础;手指;支撑 随着改革开放的步伐,人们的生活水平不断提高,文化修养也不断提高,随之人们对建立在文化基础之上的艺术的追求也迅速膨胀起来。可盲目的膨胀带来的不良后果,却很少让家长与学生自己反思。如今,大量的人们在学习钢琴,可有所成就的比例少之又少,大部分家长与学生的要求是让学生在最短的时间内达到一定的程度去,去适应社会考级,甚至要求速成。如果老师真按照这类家长和学生的心理要求教学,造成的后果是基本功练习的欠缺,以致根基不稳。一番阶段性练习过后,教师却无法引领学生进入更深的层次,使很多学生不得不遗憾的终止了钢琴的学习。钢琴演奏是一门艺术,是体力劳动与脑力劳动互相综合的活动,演奏者必须具备相当高的技术才能完成,而掌握这些技术并不是几个月或更短时间就可以完成的,而是需要漫长而艰苦的过程。 钢琴的入门阶段是整个钢琴学习过程的基础,对学生日后对钢琴学习的理解和态度都起着最为重要的作用,不可小视,所以笔者从以下几个方面来阐述钢琴教学中入门基本功的重要性: 一、基础中的基础 站要有站相,坐要有坐相。弹琴时,脑、眼、手、耳、脚同时运用,那么一定要有一个适合自己高矮的琴凳,同时要确定座位同钢琴的最佳距离。弹奏的正确姿势,要在自然、放松的基础上才能做到座位、脚、手这三个重要支点的平衡与协调,教师应以亲身示范来增加学生的认识。 二、钢琴弹奏的手型及手指特点 “几乎任何一种手的姿势都可以行得通,只要是这种姿势合适,符合手的构造,符合音乐组成的高低起伏,更重要的是不破坏动作的统一。”客观上,没有一成不变的手型,任何人演奏也没有固定不变的手型模式,但作为初学者,我们必须给学生一个正确的标准,因为人的手和手指具有一种最适应于键盘排列结构的状态,我们可以把这种状态理解为基本手型。 不良手型一旦形成,会影响指力的传导,以至于不能获得正确的声音,并会影响手指的快速跑动,还会形成多余动作,紧张等状态,养成弹奏的僵硬和力量的浪费。 三、手指独立性的培养 钢琴演奏的基础是手指,手指的基础在于手指的独立支撑,手指的支撑是站立式钢琴弹奏的基础。长期的教学实践与观察中,我发现,很多教师或者学生没有把手指支持的训练放到一个重要的位置,以至于为日后的演奏带来很多的问题和麻烦。我认为在钢琴入门阶段,手指的独立支撑训练要占据一个非常重要的地位,要作为一个专项予以足够的关注。手指的支撑是相对的,并不是绝对的。手指是支撑手臂的支架,但手臂又是身体传导力量的桥梁,他们相互作用并牵制着。以下是对每个手指的逐个分析: 1指的特点,有些学生弹一指时掌关节不能支撑,一承受重力就会塌陷,必须加以纠正,通过外力让关节凸出。经过一定时间的训练,肌肉能力增长了,慢慢可以恢复。这个阶段切不可急于求成,无所顾忌地错误训练。 2、3指的特点是比较有力,但第一关节比较薄弱,容易塌陷,所以要十分注意。 4指是最不灵活的手指,力量比较弱,未经训练的4指往往依赖于其他手指,不够独立。如忽略其特征而非不断加以纠正,力度便无法集中。所以,在练习中要坚持正确的锻炼,并给予特殊的关注。不可急于求成,欲速则不达。 5指是最为柔弱的手指,支持力最差,所以我们见到很多学生都是让5指躺着弹奏,这时,教师一定要加以指导。小指的关键在于第一关节与第三关节的凸起,教师可以让学生练习之前把正确姿势摆好,而后坚持几分钟。日积月累地训练后,肌肉的力量增强了,小指的支持问题便迎刃而解。 五个指的不同特征,造成了它们容易形成不同的毛病,但我们应确信,经过认真训练,不急于求成,完全可以改掉毛病,养成各自的弹奏独立性,使手型规范,达到弹奏的正确状态。 了解了五个手指的特点,要完成手指在弹奏中的正常支撑还需要注意以下两点: 第一,大家知道,手指的结构是有多个活动关节组成,以适当的肌肉紧张来组织手指的各活动关节,共同协作去完成每个动作的支撑准备状态。 第二,利用合适而有益的练习来训练各个手指的灵活度与力度,使其逐步具备独立承重的支撑能力,达到相互平衡协调的各个手指之间的关系。 四、手指的基本弹奏动作:断奏与连奏 手指独立了,支撑力强了,接下来就可以让学生学着在琴键上“走路”了。 断奏相当于孩子站稳了,开始迈步的时候。抬脚相当于提腕,提腕的力量来自于手臂的肌肉,手腕要习惯放松,手臂手腕要协调,接下来就是降落的过程,自然地降落。降落后的手指保持的姿势就是前面提到的独立。弹琴的手指独立地支撑,做好基本的手型。这个过程非常关键,一定要体会手指的支撑与肩、肘、腕以及身体的放松。必须完全达到要求,才可以继续以后的课程,不可急于求成,这个阶段是基础阶段,一旦形成不好的毛病,便很难改变,甚至影响一生。 连奏要记住以下几个要点: 1.手指的抬指动作主要产生于第三关节。 2.已经弹琴的手指不动,其余手指要以第三关节为轴,尽量不要太高,做到灵活,放松。 3.在击键过程中,力量要集中于指尖,第一关节要有“抓住”的感觉。 4.每一次抬指动作的重复不可过快,要有充分的准备与思考的时间,考虑好手型是否正确,力量是否放松等因素。 弹琴不是天生就会,是需要长时间的刻苦训练才能达到的境界。在整个钢琴学习中,基本功的训练不可忽视,它会影响学生的一生。以上笔者仅对最基本的共性问题谈一谈个人的感受与经验。身为钢琴教师,让我们为了钢琴事业不断学习,探究吧! 入门钢琴教学论文:浅谈老年钢琴入门教学的基本方法 进入21世纪的人们对生活已经有了更高的理解和追求。随着社会的发展、全球的老龄化,更多的老年朋友选择到老年大学来丰富自己的晚年生活、实现青年时的梦想,使自己在退休后依然活跃在社会中,充实、完善自我。 而钢琴这门高尚、优雅的艺术不但可以使老年朋友锻炼手指灵活大脑,还能够提高音乐修养陶冶情操,进而愉悦身心达到益寿延年的作用。钢琴现在已经成为中老年朋友热衷学习的一门学科。 一、坐姿的基本要求 学习钢琴可以提高人的修养、陶冶人的情操,使思维变得敏捷,对于没有任何基础的学员来说,入门时会有些枯燥乏味,想弹会钢琴又犹如雾里看花,看得见却摸不着头绪。当学员坐到钢琴上去时,就必须要提示他注意坐的姿势,要做到重心稳定。弹琴时,身体的重心要靠臀部和脚。钢琴家赵晓生在《钢琴演奏之道》里提出:演奏者应坐在琴凳的三分之一宽度的位置上。在弹琴时可以根据谱子的需要,身体略往左或右倾斜,有的人喜欢坐满凳子弹琴觉得这样很好又或是翘着腿自我感觉是最舒服的姿势,可是这是一种不良的演奏习惯,因为弹琴是一种高度集中,脑力和体力相结合的劳动,不论是练琴或演奏,弹奏者都必须保持正确的姿势。坐姿要自然端正,手臂不要僵硬、紧张,或者过于松懈,这样才有利于学习弹钢琴。 二、基本手型的调整 学员开始接触钢琴,就必须注意手型的正确性。弹钢琴要求手放松、手腕柔顺、手呈半圆形,空握球状态,手指稍向里弯,手腕与琴键键面基本在一个水平面上。要想有一个好的手型,关键是指掌关节与第一、五指指关节的站立。手指的第一关节,即最末端的关节,从一开始就要训练站立的能力,要自然的站好,不能让关节塌进去。 三、熟记基础乐理知识 要想学好钢琴五线谱是一关。五线谱是由五条线四个间构成的,这同我们的手结构大致相同。把手张开来看,从下往上数小指是第一线、无名指就是第二线、两个手指间就是第一间,以此类推五线谱就很形象地呈现在眼前。这样很方便老年学员理解更能加深记忆。音符与休止符可以一起讲解,可以有一个清晰的对比。有了音乐理论的框架概念后就是让大家感受手指和琴键之间的合作,在简单的乐曲中继续添加相对应的乐理知识,一面体会手指与琴键的感觉,一面加深记忆。 四、培养节奏感 节奏是音乐的脉搏,音乐的生命。音乐的存在和进行,首先在于节奏的作用。节奏的脉动每时每刻都贯穿在音乐之中。 (一)节拍基本要求 之前已经对基本的乐理知识有了概念,节拍是需要实际演练的。所以拍子要先搞清楚,拍子要数准确,速度要统一这是最基本的。首先要养成数拍子、打拍子的习惯。把复杂的节拍简单化细化,比如在4|4中出现八分音符时,就要把半拍数出来“一大、二大、三大、四大”,这样就能很准确的弹奏八分音符半拍。需要的时候也可以借助一下节拍器来帮助没有数拍子习惯的学员。当然,节拍器的使用只是借助一下外力。从根本上来说,还是要学员有拍子准确的概念和感觉。 (二)节奏的训练过程 在数准拍子之后,我们进一步要做的就是要去感觉节奏。多数是学员只是机械地数着拍子,并不是去感觉节奏的分组、节奏的特性;音乐中的强拍与弱拍,音流中的节奏划分等等。要做到有内心的节奏感觉,首先要去感觉节奏。 五、音乐感的理解与培养 有人说“音乐感是父母给的”,意思是说有人生来就是音乐感好,天生就是学音乐的料,也有的人生来就不是学音乐的,是不具备培养可能的。我觉得每个人的先天素质有很大的差异。一个优秀的教师应该能把一些在音乐方面天赋一般的学员引到音乐之门,使他们逐步提高音乐理解和音乐表现的能力,而逐步做到有音乐感的演奏。 在教学中我能看到大多数学员都有较好的天赋,同时他们每一个人都有很高的学习积极性,可以说这些学生都具有被培养造就的条件。学钢琴首先要引导学员去创造一个合适自己的音乐环境,提高对音乐的认识和理解从而提高音乐素养。钢琴是一种西洋乐器,大多数传统的优秀教材乐曲都来自于欧洲,因此它的音乐语言也是外来的。这就跟学外语一样,要有语感,光靠音标,字母拼出来的外语,总让人觉得生硬,所以必须多听、多感受、多练。 音乐是传达感情的艺术。人们可以从音乐中获得巨大的愉悦感,从而提高人们的精神境界。现代医学表明,人类的身心健康在很大程度上取决于精神因素,其中艺术的感染力不可忽视,音乐所带来的愉悦感对心理调节的作用也尤为显著。作为老年音乐教育工作者,我们应尽可能地把音乐教育作为重要手段来培养学员的身心健康,使其充分感受到音乐的魅力,提高他们的艺术品位及综合素养。 总之,在课堂上要积极调动学员的学习主动性,反复强调教学内容的重点,加深学员的记忆。在授课中要多鼓励多表扬,语言要诙谐幽默,使学员在轻松愉快的气氛中完成教学任务,这其中学员既满足了学习的欲望增长了知识,又在音的海洋、乐的奏章里感受了钢琴的魅力让学员更年轻、健康、快乐。 入门钢琴教学论文:浅析中职幼师专业钢琴入门教学训练 【摘 要】针对中职幼师专业钢琴教学的特点,培养学生学习钢琴的兴趣,抓好入门基础教学,加强基本功训练,根据学生的特点因材施教,使之掌握弹奏的基本技能和技巧,培养出合格的幼儿老师。 【关键词】钢琴教学;入门训练 幼师专业是培养幼儿园老师的主要阵地,音乐教育是培养合格的幼儿师资所必不可少的重要课程。钢琴教学是幼师学生的在校必修课,幼师学生学习钢琴趋于成人学琴,身体及骨骼的发育基本定型,在教学中无疑增加了一定的难度,要使学生获得正确的弹奏方法的确不易。但是,她们也有一定的条件,即她们的理解能力、主观努力等要比儿童占优势, 根据这一特点,合理的进行入门训练,同样是可以取得进步的。 一、培养学生的兴趣,是钢琴教学前期任务之一 俗话说,兴趣是最好的老师,有了兴趣才能激发学生的热情,学生才会主动地自愿地去学习。对于刚进入职校的学生,大多数是第一次接触钢琴,对弹奏钢琴有好奇心和新鲜感,教师要利用这一点来积极诱导学生,培养其学习兴趣。在平时教学中,可以通过教师演奏学生喜欢的乐曲(时下流行的)或播放CD让学生听,让学生感受音乐激发学生的学琴欲望。 二、掌握入门要领是获得弹奏技能的先决条件 入门训练的正确与否,直接关系到学生整个的弹奏生涯。初学的学生,都要求学生从手臂的认识开始。例如认识大臂、小臂、手腕、腕关节、手掌、手指第1关节和第2关节掌关节,讲解大小臂的整个放松,手臂做自然下落以及将重量传递到指尖的示范,手型呈弧形状或半握状,手腕放松,掌关节支撑住第1、第2关节触键等等,整个过程要讲解示范到位。在教学中,学生能够理解教师的讲解和示范,可一旦坐在钢琴上便不知所措,难以把握,甚至出现紧张,身体及手臂僵硬,掌关节下陷,手腕高抬,手指爬在琴上,手指有折指等毛病,因此,教学中对学生的指导显得尤为重要。指导中让学生不断地体会放松的感觉及放松后的手臂自然下落后弹出的声音,全身的放松状“落”下去的重量恰恰是手臂、手腕、手掌、肘、肩相结合而成的统一的结果,这种结果往往是教学中取得良好效果的最佳途径。同时,辅以小组课的授课形式,让学生们相互交流和学习,这样经过一段时间的努力,是可以取得较好的效果的。 三、非连音练习的入门及方法 初学钢琴的学生首先接触的入门练习就是非连音奏法又称断奏,虽然断奏有多种技法,对幼师生来说需要掌握常用的几种奏法。断奏的弹奏方法是学习钢琴基础的基础,非常重要,如果初学者断奏弹奏学的不好,今后的学习将受到极大的影响。 断奏弹奏中,手臂的放松和手指的支撑及其站立是弹奏的基础,它的重量应集中在指尖上,而且要注意第一关节的站立,也可以将手指放在别人的手上,指尖站稳,体会手臂、手腕的放松、感觉指关节顶端是力量的集中点。然后在琴键上进行一个一个单音的练习,此时要对学生提出严格的要求,如果单音都弹不好,那么一串连音就更不可能弹好了。 跳音练习与非连音奏法有相同之处,不同的是跳音要求触键短促富有弹性,弹奏时手指一经触键即迅速离开,保证手指动作干净利落,指尖迅速到底,动作防止过大,以“贴键”跳起的瞬间反弹爆发为最好效果,弹奏出的实际音响是谱面音符时值的1/2。顿音“拜厄”练习中常见的练习方法则要求更短于跳音,更爆发短而有力,是跳音实际音响时值的1/2。 四、连音奏法的训练 断奏是连音奏法的基础,它们彼此有着密切的关系,手臂腕的放松、手型的良好保持、手指的站立等等都离不开断奏的基础训练。连奏练习与断奏练习,关系上有明显的不同,连奏很象人走路,一步接着一步的走,交替自然,一步下去又转向另一步重心下落。例如手指第一个音落下去,第二个音马上滚起来,两音之间连绵不断。当第二个音还没有出现时第一个音就不能放掉, 而是做好与下一个音连接过渡的准备。在练个音连奏的同时,可以逐步加入三个音符一句,四个音符一句,五个音符一句的连奏练习。练习3个音的方法是:落下去第一个音,抬指弹下第二个音,手腕带动滚起第三个音,即“落抬滚”。 练习四个音为:落抬抬滚。练习五个音为:落抬抬抬滚。好的连音必须做到三点:a.无缝,即凉荫之间不能有细微的断裂。b.无角,即没有任何一个音冒出来。c.无坑,即没有一个音坑陷下去。 幼师钢琴教学不同于大中专院校钢琴专业或高师钢琴主修生,它具有特殊性和速成性,应该按照幼师的教学大纲的要求进行教学,为幼儿园培养合格的幼儿教师。因此,既注重它的实用性、科学性,又要不偏离一定的教学方向和教学质量。合理运用学习的三年时间,掌握一定的教学方法,因材施教,是可以获得较好结果的,不能急于求成,避免教学中的盲目性。教学得法、学生配合默契是成功的法宝,也许困难较多, 生源差距较大,进步不一,但只要系统的、科学规范的、合乎实际的教学,学生都是会有不同程度的提高和进步的。 (作者单位:新疆阜康市职业中专) 入门钢琴教学论文:浅谈少儿钢琴入门教学中要注意的几点问题 摘要:钢琴在时下已经越来越普及了,学习的队伍在不断的扩大。许多学生特别是幼龄学童,刚开始接触时都兴趣十足,但是经过一段时间的学习后,很多都半途而废,甚至看到琴会产生恐惧和厌恶心里。如何正确的引导,教学期间采用何种方法方式,还是件很值得探讨的话题。 关键词:钢琴;少儿;入门教学 一、培养兴趣,快乐教学 孩子的天性好玩,如何保持学习兴趣,在学习过程中寓教于乐,我们可以从教材的选取和教学方式等多方面入手。教材的选择可以从特定的少儿教程开始。把谱面拉大,配以卡通插画,使得五线谱看起来不难么枯燥和难懂。期间编入了各个国家的民歌和带歌词的儿歌,学生在练习中赏心悦目的阅读谱子,还可以动静结合,自弹自唱,大大增加了学习的趣味性和娱乐性。课堂上的语言和氛围也非常重要。孩子有自己的思维方式和想象空间,所以教学语言要尽量做到儿童化,生活化。特别是一些专业术语,你说十遍还不如打个比喻一遍就让孩子记住了。 其次课堂的氛围也要靠教师调节,针对不同情况的孩子采用不同的教学手段。每个孩子学琴的出发点不同,有些是想增加点美育及艺术修养,有些是想走专业道路的,有些纯粹是启蒙看看有没兴趣爱好等,因此教师要因材施教,少用指责和否定的语气教学,要随时给予学生鼓励,对于一点点的进步或者闪光点,都得给予赞扬和肯定,拉进师生间的距离感,给学生一个平和且能激发创造力的空间,让他们更好的发挥自己的潜能。得到学生的认可和喜欢,是一个教师成功教学的一半,双方之间融洽的氛围,可以为今后的学习打下了良好的基础和动力。 二、根据个体的不同,制定合理的练习时间和方法 艺术门类学习的特殊性在于除了课堂上的教学以外,业余时间的练习在学习中也占了很重要的地位。教师要根据学生的个体差异、练习环境、程度深浅等多个因素出发,合理的留好课后的作业和练习要求。课余的练习时间要合理安排,尽量做到每天接触键盘以及阅读乐谱。练习时间长短可以根据个体性格和年纪来决定。一般年龄较小的孩子要采用少食多餐的练习方法,随着年龄的增加,可以慢慢调整时间长度。切勿逼着孩子坐上琴凳一练就是多个小时,学习效率低下,浪费了时间不说,还破坏了学习的乐趣。 在练习中,首先要加强音阶的练习。音阶作为旋律的构成原素,历来为器乐演奏者每日必需练习的内容,所以每天的练习可以从音阶基础训练开始。拿到新的曲目,开始时慢练是一条金科玉律,其目的是为了正确的掌握旋律,以及完整性,只有在正确完整的基础上,慢慢加快到曲目要求的节奏,这样获得的技术训练是有效的。分段,分局,将难点重点单独提出来慢练,往往比整首曲子的通篇练习效率要来的高,曲子上手的时间更快。正确的练习方法可以让我们少走不少弯路,不少事例告诉我们一个道理,就是放慢练,难变易。 三、注重听觉训练和音乐赏析 听觉训练是器乐学习中不可缺少的一部分。内在的听觉和乐感是一种与生俱来的天赋,每个人对音乐听觉的敏感程度都是不一样的。因此在学琴过程中,针对不同的个体,可以采用不同的手法来适当加强听觉和音准的训练。一开始可用“啦啦啦”的象声词模仿单个音的高度,在一段时间的练习后,逐步加入二个音,甚至三个音的音程模唱。其次,音乐赏析也是学习钢琴的一个很好的辅助课程。赏析对于我们学琴来说是有很大的帮助的。学习一门新课程,大多是从临摹开始的,如何获得临摹的范本,特别是音乐范本,就得通过聆听来感受。通过曲式结构和乐理结果的分析,由浅到难的聆听各类音乐作品,做到听熟听懂,对于学生的练习都是有很大的帮助的。学琴过程里,技巧训练只不过是一种机械运动,比技巧更上一层的是意境和境界。曲子的二度创作源于演奏者对乐曲理解的程度而异,对于初学者来说,音乐形象的捕捉特别的难,因此教师在琴课上,要特别加强对乐曲的分析,从基础的乐理知识,作曲家的背景,以及乐曲所要表达的感情等,在学生掌握了这些细节后,我们再来演奏乐曲,更好的把握风格和音乐形象。除了课上加强乐理知识外,还要鼓励学生在课余时间观摩各类演出,乐器现场的声音还原,演奏者二度创作的音乐风格,多少能激发和调动学生学习的积极性和兴趣。 四、激励学生进行展示和舞台实践 一个展示自我的平台的建立,对于学生来说是对自己学习的一个展示和肯定。才艺展示是学习中不可或缺的一部分,即是对学生心理素质的一种锻炼,也是对教师教学的一种检阅。孩子心理素质的培养是学习中很容易忽略的一个问题,在众人面前演奏容易紧张是我们与生俱来的一种本性。如何克服和得到锻炼,这就得借助于一些平台来解决。台上三分钟,台下十年功。台上的实际演奏作品的完整程度肯定比台下的练习要有所缺少,所以注重平时的练习尤为重要,这也无形中给了学生一定的学习压力,所谓的因果也由此产生,你在台下付出了多少辛劳和汗水,与你在台上的成功与否是成正比的,把这种压力转换成学习动力后,对于以后的学习是很有帮助的。教师或者家长要从培养良好的心理素质入手,在课堂和业余时间得采取鼓励和诱导的手法,培养学习的乐趣和自信心。现实社会中,关心身体的健康很多,但是心灵的健康与否,很容易得到忽略的。人都是有惰性的,极少有学生特别是年纪较小的学生有主动想要做练习的。很多都是三分钟热度,热度过后,就得靠成人的引导和鼓励了。过激和否定的语气都会抹杀学习的兴趣,多鼓励多发现闪光点才是我们要做的。 五、结语 合理的时间安排和良好的教育导向,是我们坚持学习音乐或者其他科目的手段之一。看着孩子身心愉悦的走在艺术大道上,音乐和钢琴成为儿时美好的玩伴,那是一桩何等曼妙的善事啊! 入门钢琴教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学 内容摘要:随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 关键词:儿童;钢琴入学;教学方法 国大文豪雨果曾有过一句话:“开启人类智慧宝库由三把钥匙,一把是数学,一把是文字,一把是音符。”随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。更重要的是科学家们长期研究的结果事业的蓬勃发展,一个以儿童为主体的全国性的社会钢琴教育园地已经形成,其规模之庞大在世界音乐史上都是从未有过的。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 一、培养儿童正确的弹奏姿势 俗话说:“苗栽的正,树才能长的直”。从小用科学的正确规范的弹奏姿势练琴,日后才能体会到正确运用身体的重量和力量来触健和发声,掌握弹奏的准确性。所以初学钢琴坐的姿势至关重要。 (一)坐的重心。坐在琴凳上重心要稳,儿童可以准备一个小板凳来充当脚垫,坐稳的同时还要注意重心靠前,即坐在琴凳的前半部分,使身体、手臂能够活动自如,弹奏时腰部要挺直,但不要僵,上身略前倾,这样便于在弹奏时把手臂的重量集中送到指尖。 (二)坐的位置。一般要求身体要于键盘的中央对正,座位的高低则有弹奏者根据自己的身高自行调节。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致,这才说明座位和钢琴的距离是合适的。 (三)手型。手型是弹琴者的“门面”,弹琴时手要放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键,掌关节自然拱起,像是虚握着一个苹果,手腕大约与键盘平行,不要全放在琴键上,仅以侧指端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要端正的站立在琴键上。 (四)脚的位置。弹奏时双脚要自然分开,膝关节的高度应略大于直角以保持重心的稳定。在学习使用踏板后左脚可以适当地前后左右移动调节,这样可以保持平衡。 二、弹奏方法 钢琴音乐中弹奏方法有很多,最基本的有断奏、连奏和跳音奏法,它们是构成弹奏的基础。这是儿童学习钢琴初级阶段中必须掌握的技术之一。 (一)断奏。断奏在钢琴作品中应用极为广泛,是手指技巧的基础。断奏是解决肩臂放松和锻炼手指支撑的最好方法。初学者容易出现肩臂紧张,手指软弱等问题,方法是手指按五指位置摆好,然后放松的将手臂提起来,手腕手指放松,手臂自然的落下,要弹的手指在琴键上站稳撑住,手指的三个关节突起,发音后手应立即放松,手型不变。这样才算一个完整的断奏动作。 (二)连奏。连奏的要求是让儿童弹奏出圆润如歌,流畅性的旋律。连奏手指触键要缓慢,用的更多的是手指的肉垫位。连奏是最基本最常见的弹奏技巧,方法是第一个音弹下去手指站稳,然后抬指弹下面的音,同时把力量转移过去,前一个手指里键。 (三)跳音奏法。跳音的弹奏可以让孩子把手指想象成芭蕾舞演员用足尖跳舞,这样就能找到指尖牢靠的感觉,或让儿童想象手指触摸到烫的物体的动作,一般人都会本能的把手迅速的拿开,来体验弹奏跳音的感觉。 三、教学方法 (一)技术语言应儿童化。许多初学的儿童对连奏领悟比较慢,我们可以把连奏的手指比作走路时的“脚”一只落地另一只脚抬起,自然交替。如果学生不能领悟,教师可以实际走给学生看,这样学生能较快地领悟连奏的动作要领。 初学琴的儿童常出现用力压键的现象,用不正确的方法去追求一种“响”。针对这种现象我们可以把好的声音比作荷叶上滚动的“水珠”,他是圆润的、透明的、流动的。我们的琴声也要给人一种集中、圆润、透明、流动的质感,通过这个比喻,学生就会用自己的耳朵辨别音的好坏,去纠正手指动作上的毛病。 (二)动作练习由“大”及“小”弹钢琴对手指、手腕等细微动作要求很高,稍微偏就会使钢琴弹出的声音有很大的区别,在入门阶段就要让孩子学会正确的动作,但由于儿童的肌肉群发育不完全,还不能做出精细而准备的“小”动作,只能从一些“大”动作开始,逐步变“小”,例如:刚开始儿童往往会将提手腕的动作做得很大,甚至越过头顶,要在肯定他的同时,慢慢告诉他,手就像一只小鸟,让小鸟飞的高本领很大,让小鸟飞的低本领也很大,我们来让小鸟飞的低一点好吗?从手越过头顶到手和眼睛一样高,再到手提起时和钢琴上放置琴谱的搁板一样高,再动作更小,通过二至三个星期的训练逐步将要求提升。 (三)学习重点由简入繁。儿童对注意力的控制很差,不能经常有意识的控制自己的动作,最常见的是:教师让孩子注意手型时,他却在想看下一个该弹什么音:让他数拍子的时候,他又在看自己的手型,让教育过程无法正常地进行,针对这一问题,就要要求用重点强调的方法来解决,也就是在某一时间段里,只要求做好一件事,暂时放弃其它方面要求。 四、教学中应该注意的问题 (一)应积极地培养儿童的学习兴趣孩子们从第一天和钢琴见面开始,就要天天和它打交道。从陌生到熟悉,从熟悉到产生感情,都需要相当长的过程。如果开始学琴的兴趣不稳定,时高时低,情绪忽冷忽热,练琴时心不在焉等,就会使儿童感觉是在没有丝毫兴趣和情绪下的强制学习,它们会从此产生对学琴的厌烦情绪,结果就会间接扼杀儿童的积极性和求知欲,因此,老师在上课时都要注意采用动静结合的教学方式在教学中穿插听音、听节奏的训练,讲些钢琴家的小故事。从此来调节儿童的大脑活跃气氛,同时又有效的吸引儿童的注意力,逐渐使他们从被动中解脱出来。 (二)培养良好的师生关系有的儿童天生就很胆小,上课时有一种紧张感。因此,要把儿童引进音乐的殿堂,帮助他们找到开启音乐大门的钥匙,就要帮助他们消除紧张情绪,可以尝试主动亲近他们、鼓励他们;主动和他们拉拉手,介绍自己,同他们聊天,问他们的喜好;多给予他们一下表扬等。待他们心情松弛一些,再把它们的注意力引到钢琴上来,建立良好的师生关系可以让他们从心里面接受老师的引导,培养他们对钢琴的兴趣。 (三)避免用命令式的语言,要问温和提出要求。心理学家霍布朗根据他的经验指出,以低和平稳的声调解决问题与使用激烈的辩论或演说强迫灌输,前者的教学方式更容易让学生理解和接受。同样,老师在辅导学生练琴时,若能用温和的语言对学生提出要求,孩子就会耐心倾听,乐意接受;但是,如果老师总用命令的口吻要求好好练琴,孩子就会产生不满,甚至产生逆反心理。所以采用建议和协商的方式去提要求,孩子将会心悦诚服地接受。 (四)忌长时间授课。学龄前儿童的注意力集中时间很有很,4岁左右的孩子约10分钟,五岁左右的约20分钟,六岁左右的约半个小时。幼儿园小、中、大班上课时间安排充分考虑了孩子注意力集中的特点。而有的钢琴教师在对幼儿授课时,常常长达一个多小时,也许是出于对教学的责任心,但却忘掉了实际的效果。对幼儿长时间的授课有多半是无用功,再加上教师如果缺乏精练、形象、生动而富有趣味的教学语言,就会加速孩子在课堂上的疲劳感,造成对钢琴的厌倦心理。对幼儿授课的时间必须充分考虑不同的孩子注意力集中时间的长短来确定。 五、树立儿童科学的练琴方法 教师除了教琴外,还应树立学生科学的练琴方法。对于儿童练琴的安排,一般应该坚持以下原则: (一)将练琴时间固定安排在学生精力充沛的时候,有利于集中注意力,保证质量,培养良好的学习习惯。 (二)儿童注意力集中的时间一般在20分钟左右,故每次练习时间安排20-30分钟为宜,每天安排两至三次。 (三)每次练琴要有明确的要求具体的目标,不要简单规定弹几遍,弹几个小时,要有质有量。 (四)坚持天天不间断,从中可以培养孩子的毅力和品质。 六、结论 钢琴艺术是一门历史悠久、文献浩瀚,与其他艺术门类以及文史地、数理化等各学科均有着广泛联系的艺术品种。无论是从钢琴教学的角度,还是从艺术审美的角度,都需要钢琴教师具备广博的文化修养和合理的知识结构,正像鲁讯先生所提倡那样:“学理科的偏看看文学书,学文科的偏看看工科书,看看别人在那里研究的究竟是怎么一回事”。只有在深厚、坚实的文化基石上才能筑起雄伟、高耸的艺术大厦。儿童从开始接触钢琴到能够独立演奏时一个漫长的过程。在这个过程中,教师的着眼点必须站在高处,要为长期的钢琴学习培养良好的习惯。作为一名教师更应该采取科学的教学手段,为儿童学习钢琴打好坚定的基础。树立正确学琴观念,只有这样才能使儿童的水平从长远意义上得到提高。 入门钢琴教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学 内容摘要:随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 关键词:儿童;钢琴入学;教学方法 国大文豪雨果曾有过一句话:“开启人类智慧宝库由三把钥匙,一把是数学,一把是文字,一把是音符。”随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。更重要的是科学家们长期研究的结果事业的蓬勃发展,一个以儿童为主体的全国性的社会钢琴教育园地已经形成,其规模之庞大在世界音乐史上都是从未有过的。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 一、培养儿童正确的弹奏姿势 俗话说:“苗栽的正,树才能长的直”。从小用科学的正确规范的弹奏姿势练琴,日后才能体会到正确运用身体的重量和力量来触健和发声,掌握弹奏的准确性。所以初学钢琴坐的姿势至关重要。 (一)坐的重心。坐在琴凳上重心要稳,儿童可以准备一个小板凳来充当脚垫,坐稳的同时还要注意重心靠前,即坐在琴凳的前半部分,使身体、手臂能够活动自如,弹奏时腰部要挺直,但不要僵,上身略前倾,这样便于在弹奏时把手臂的重量集中送到指尖。 (二)坐的位置。一般要求身体要于键盘的中央对正,座位的高低则有弹奏者根据自己的身高自行调节。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致,这才说明座位和钢琴的距离是合适的。 (三)手型。手型是弹琴者的“门面”,弹琴时手要放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键,掌关节自然拱起,像是虚握着一个苹果,手腕大约与键盘平行,不要全放在琴键上,仅以侧指端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要端正的站立在琴键上。 (四)脚的位置。弹奏时双脚要自然分开,膝关节的高度应略大于直角以保持重心的稳定。在学习使用踏板后左脚可以适当地前后左右移动调节,这样可以保持平衡。 二、弹奏方法 钢琴音乐中弹奏方法有很多,最基本的有断奏、连奏和跳音奏法,它们是构成弹奏的基础。这是儿童学习钢琴初级阶段中必须掌握的技术之一。 (一)断奏。断奏在钢琴作品中应用极为广泛,是手指技巧的基础。断奏是解决肩臂放松和锻炼手指支撑的最好方法。初学者容易出现肩臂紧张,手指软弱等问题,方法是手指按五指位置摆好,然后放松的将手臂提起来,手腕手指放松,手臂自然的落下,要弹的手指在琴键上站稳撑住,手指的三个关节突起,发音后手应立即放松,手型不变。这样才算一个完整的断奏动作。 (二)连奏。连奏的要求是让儿童弹奏出圆润如歌,流畅性的旋律。连奏手指触键要缓慢,用的更多的是手指的肉垫位。连奏是最基本最常见的弹奏技巧,方法是第一个音弹下去手指站稳,然后抬指弹下面的音,同时把力量转移过去,前一个手指里键。 (三)跳音奏法。跳音的弹奏可以让孩子把手指想象成芭蕾舞演员用足尖跳舞,这样就能找到指尖牢靠的感觉,或让儿童想象手指触摸到烫的物体的动作,一般人都会本能的把手迅速的拿开,来体验弹奏跳音的感觉。 三、教学方法 (一)技术语言应儿童化。许多初学的儿童对连奏领悟比较慢,我们可以把连奏的手指比作走路时的“脚”一只落地另一只脚抬起,自然交替。如果学生不能领悟,教师可以实际走给学生看,这样学生能较快地领悟连奏的动作要领。 初学琴的儿童常出现用力压键的现象,用不正确的方法去追求一种“响”。针对这种现象我们可以把好的声音比作荷叶上滚动的“水珠”,他是圆润的、透明的、流动的。我们的琴声也要给人一种集中、圆润、透明、流动的质感,通过这个比喻,学生就会用自己的耳朵辨别音的好坏,去纠正手指动作上的毛病。 (二)动作练习由“大”及“小”弹钢琴对手指、手腕等细微动作要求很高,稍微偏就会使钢琴弹出的声音有很大的区别,在入门阶段就要让孩子学会正确的动作,但由于儿童的肌肉群发育不完全,还不能做出精细而准备的“小”动作,只能从一些“大”动作开始,逐步变“小”,例如:刚开始儿童往往会将提手腕的动作做得很大,甚至越过头顶,要在肯定他的同时,慢慢告诉他,手就像一只小鸟,让小鸟飞的高本领很大,让小鸟飞的低本领也很大,我们来让小鸟飞的低一点好吗?从手越过头顶到手和眼睛一样高,再到手提起时和钢琴上放置琴谱的搁板一样高,再动作更小,通过二至三个星期的训练逐步将要求提升。 (三)学习重点由简入繁。儿童对注意力的控制很差,不能经常有意识的控制自己的动作,最常见的是:教师让孩子注意手型时,他却在想看下一个该弹什么音:让他数拍子的时候,他又在看自己的手型,让教育过程无法正常地进行,针对这一问题,就要要求用重点强调的方法来解决,也就是在某一时间段里,只要求做好一件事,暂时放弃其它方面要求。 四、教学中应该注意的问题 (一)应积极地培养儿童的学习兴趣孩子们从第一天和钢琴见面开始,就要天天和它打交道。从陌生到熟悉,从熟悉到产生感情,都需要相当长的过程。如果开始学琴的兴趣不稳定,时高时低,情绪忽冷忽热,练琴时心不在焉等,就会使儿童感觉是在没有丝毫兴趣和情绪下的强制学习,它们会从此产生对学琴的厌烦情绪,结果就会间接扼杀儿童的积极性和求知欲,因此,老师在上课时都要注意采用动静结合的教学方式在教学中穿插听音、听节奏的训练,讲些钢琴家的小故事。从此来调节儿童的大脑活跃气氛,同时又有效的吸引儿童的注意力,逐渐使他们从被动中解脱出来。 (二)培养良好的师生关系有的儿童天生就很胆小,上课时有一种紧张感。因此,要把儿童引进音乐的殿堂,帮助他们找到开启音乐大门的钥匙,就要帮助他们消除紧张情绪,可以尝试主动亲近他们、鼓励他们;主动和他们拉拉手,介绍自己,同他们聊天,问他们的喜好;多给予他们一下表扬等。待他们心情松弛一些,再把它们的注意力引到钢琴上来,建立良好的师生关系可以让他们从心里面接受老师的引导,培养他们对钢琴的兴趣。 (三)避免用命令式的语言,要问温和提出要求。心理学家霍布朗根据他的经验指出,以低和平稳的声调解决问题与使用激烈的辩论或演说强迫灌输,前者的教学方式更容易让学生理解和接受。同样,老师在辅导学生练琴时,若能用温和的语言对学生提出要求,孩子就会耐心倾听,乐意接受;但是,如果老师总用命令的口吻要求好好练琴,孩子就会产生不满,甚至产生逆反心理。所以采用建议和协商的方式去提要求,孩子将会心悦诚服地接受。 (四)忌长时间授课。学龄前儿童的注意力集中时间很有很,4岁左右的孩子约10分钟,五岁左右的约20分钟,六岁左右的约半个小时。幼儿园小、中、大班上课时间安排充分考虑了孩子注意力集中的特点。而有的钢琴教师在对幼儿授课时,常常长达一个多小时,也许是出于对教学的责任心,但却忘掉了实际的效果。对幼儿长时间的授课有多半是无用功,再加上教师如果缺乏精练、形象、生动而富有趣味的教学语言,就会加速孩子在课堂上的疲劳感,造成对钢琴的厌倦心理。对幼儿授课的时间必须充分考虑不同的孩子注意力集中时间的长短来确定。 五、树立儿童科学的练琴方法 教师除了教琴外,还应树立学生科学的练琴方法。对于儿童练琴的安排,一般应该坚持以下原则: (一)将练琴时间固定安排在学生精力充沛的时候,有利于集中注意力,保证质量,培养良好的学习习惯。 (二)儿童注意力集中的时间一般在20分钟左右,故每次练习时间安排20-30分钟为宜,每天安排两至三次。 (三)每次练琴要有明确的要求具体的目标,不要简单规定弹几遍,弹几个小时,要有质有量。 (四)坚持天天不间断,从中可以培养孩子的毅力和品质。 六、结论 钢琴艺术是一门历史悠久、文献浩瀚,与其他艺术门类以及文史地、数理化等各学科均有着广泛联系的艺术品种。无论是从钢琴教学的角度,还是从艺术审美的角度,都需要钢琴教师具备广博的文化修养和合理的知识结构,正像鲁讯先生所提倡那样:“学理科的偏看看文学书,学文科的偏看看工科书,看看别人在那里研究的究竟是怎么一回事”。只有在深厚、坚实的文化基石上才能筑起雄伟、高耸的艺术大厦。儿童从开始接触钢琴到能够独立演奏时一个漫长的过程。在这个过程中,教师的着眼点必须站在高处,要为长期的钢琴学习培养良好的习惯。作为一名教师更应该采取科学的教学手段,为儿童学习钢琴打好坚定的基础。树立正确学琴观念,只有这样才能使儿童的水平从长远意义上得到提高。 入门钢琴教学论文:儿童钢琴入门教学基本方法 摘 要: 作者根据教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为:让学生对钢琴进行认识,培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置,其步骤包括:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置,等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 关键词: 钢琴 启蒙 教学方法 随着我国社会经济的迅猛发展和人民生活水平的提高,如今钢琴教育逐渐走进千家万户,越来越多的孩子加入了浩大的琴童军团,同时对钢琴教师的需求也日益大增。面对一个零起点的孩子我们应该从何教起?我根据十几年的钢琴学习和若干年的教学经验总结出了一套通俗的方法。 兴趣是最好的老师。 根据相关统计,绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐,占总数的82%,一般的仅为16%,不喜欢的仅为2%。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下,对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查,则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42%,偶尔的占37%,不去的占21%。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外,更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长,而且受到家庭环境、社会氛围等诸多因素的影响。因此,无论是幼儿学习钢琴,还是音乐教师教授钢琴,培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向,对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用,而且有效地培养幼儿注意力的形成,促进智力方面的发展。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30―60分钟不等,一般课时安排为一周1―2节。 首先让学生对钢琴进行认识,尤其是对钢琴键盘的识别与记忆,并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授,要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正,坐得端正而不僵硬,上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开;下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜,膝盖的位置在琴边下,双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分,手臂与手腕的感觉与形态,再到教授手形、手指,等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用,因此应该注意好习惯的培养。手型应放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起,像是虚握着一个圆球,手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼,目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型,即高音谱表入门法,中央c入门法,多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法,目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识,例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平,等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后,教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置,每节课的必要步骤为:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤。 在每节课开始前,教师应该先询问孩子在家的练琴情况,然后开始基本功的练习,让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏,并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较,培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图:利用现代教师的示范吸引学生的注意力,激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析,让学生体验到作曲家写作时的情感基调,从而更好激发学生的情感共鸣,为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点,即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标,使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平,继而培养孩子的各种能力,如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操,等等。根据个体和家长需求的不同,再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩,并且记录老师上课的内容,根据学生的上课实际情况,家长要及时督促学生进行学习,这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。
钢琴入门教学论文:浅析儿童钢琴入门教学基本方法 论文关键词: 钢琴 启蒙 教学方法 论文摘要: 作者根据教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为:让学生对钢琴进行认识,培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置,其步骤包括:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置,等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 随着我国社会经济的迅猛发展和人民生活水平的提高,如今钢琴教育逐渐走进千家万户,越来越多的孩子加入了浩大的琴童军团,同时对钢琴教师的需求也日益大增。面对一个零起点的孩子我们应该从何教起?我根据十几年的钢琴学习和若干年的教学经验总结出了一套通俗的方法。 兴趣是最好的老师。 根据相关统计,绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐,占总数的82%,一般的仅为16%,不喜欢的仅为2%。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下,对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查,则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42%,偶尔的占37%,不去的占21%。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外,更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长,而且受到家庭环境、社会氛围等诸多因素的影响。因此,无论是幼儿学习钢琴,还是音乐教师教授钢琴,培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向,对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用,而且有效地培养幼儿注意力的形成,促进智力方面的发展。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30—60分钟不等,一般课时安排为一周1—2节。 首先让学生对钢琴进行认识,尤其是对钢琴键盘的识别与记忆,并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授,要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正,坐得端正而不僵硬,上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开;下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜,膝盖的位置在琴边下,双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分,手臂与手腕的感觉与形态,再到教授手形、手指,等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用,因此应该注意好习惯的培养。手型应放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起,像是虚握着一个圆球,手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼,目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型,即高音谱表入门法,中央c入门法,多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法,目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识,例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平,等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后,教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置,每节课的必要步骤为:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤。 在每节课开始前,教师应该先询问孩子在家的练琴情况,然后开始基本功的练习,让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏,并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较,培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图:利用现代教师的示范吸引学生的注意力,激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析,让学生体验到作曲家写作时的情感基调,从而更好激发学生的情感共鸣,为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点,即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标,使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平,继而培养孩子的各种能力,如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操,等等。根据个体和家长需求的不同,再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩,并且记录老师上课的内容,根据学生的上课实际情况,家长要及时督促学生进行学习,这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。 钢琴入门教学论文:钢琴即兴伴奏入门教学中的五大障碍及解决对策 [摘要]本文从钢琴即兴伴奏课教学实践出发,详尽分析了学生在初学这门课时存在的最主要的五大障碍:和声配置、和弦连接、伴奏织体、对歌曲旋律和节奏的补充“加花”、移调。并且通过细致的理论研究和实践总结,对以上五大障碍的解决对策进行了详细的剖析,指出学生只有认清障碍、用科学的方法刻苦训练,去解决以上障碍,才能突破钢琴即兴伴奏的第一道门槛,从而迈向更广阔的专业学习之路。 [关键词]和声配置;和弦连接;伴奏织体;补充“加花”;移调 钢琴即兴伴奏是一门集钢琴演奏、和声理论及作曲理论为一体的综合性学科。要学好这门课,除了要具备一定的钢琴演奏技巧外还要学量的和声理论知识。更重要的是,还要在实践中和演唱者配合,并且要乐感、节奏感都很好,为烘托气氛,在歌曲的关键处还要加入自己的一些即兴创作。所以,这门课对学生的要求是比较高的,但学生往往力不从心,在学习的过程中存在许多障碍,特别是入门阶段,从而影响了学习的积极性。笔者通过多年的教学实践及调查研究,归纳了其中最主要的入门学习阶段的五大障碍及解决这些障碍的对策,现总结如下。 一、入门教学中的五大障碍 (一)和声配置 学生对一首简单的歌曲往往只会用右手去弹旋律,而左手却不知道弹什么,这就是和声配置的问题。钢琴即兴伴奏最主要就是把和声以某种形式在键盘上快速准确地弹奏出来。而学生往往不知道如何为旋律编配和声,这里主要有四方面的问题。 1 对和声这种多声部语言还不太熟 配和弦时只会从纵向上与旋律保持协和,考虑孤立的和弦配置,而不太注重进行整体性的和声语汇的配置。这就好像是在说话时头脑里想的只是个别的单字,而不是有完整意思的词汇和句子一样。造成的结果是配出的和声只是杂乱无章的一些和弦组合,而形成不了具有完整清晰功能走向及丰富和声色彩的和声语汇进行。 2 目光比较短浅 不会从大局上考虑合理地安排和声节奏,仍旧只是片面追求和旋律的协和,而随心所欲地安排和弦,使和声节奏杂乱无章。造成的结果是和声节奏零零散散,不仅不能很好地配合旋律的节奏,甚至和旋律的节奏打架, (如和声切分)从而造成整体音乐形象的损坏。 3 对和弦之间相互关系不太熟悉 同一调性内的不同自然音和弦根据其根音之间的关系可以分为二度、三度、四度三种基本形式, (五度、六度,七度实际是上述三种形式的转位)而每种形式又可分为上下两个方向,如上二度关系、下二度关系等,不同的和弦进行会产生不同的力度及色彩的关系。学生往往在多个和弦都可以选配的情况下,因对不同和弦之间力度及色彩的关系不熟,就很难选对最合适的和弦,从而很难取得最佳的音响效果。 4 难以鉴别旋律中的和弦外音 有些学生总是把每小节的第一个音当作和弦音配上和弦,将以后的非和弦音一律当作和弦外音。这种方法虽然偶尔也有效,但是更多的是会遗留下很多没有解决的非和弦音,从而造成音响的紊乱不清。 综上所述,正确合理的和声配置已经成为学生初学钢琴即兴伴奏第一道最重要的障碍,如果这一障碍不能很好地解决,那以后的学习将会很艰难。打个比方,就好像一个人在学习炒菜,如果他不会选菜,每次选的菜都不新鲜,那他就算炒菜技术再高,最后炒出来的菜也是很难吃的,而最终丧失炒菜的信心。弹钢琴即兴伴奏也是一样,如果学生不会对旋律配置和声,每次配的和声都不正确,那他就算弹奏技术再高,最后弹出来的音响效果也很难如人意,而最终导致丧失弹伴奏的信心。 (二)和弦连接 对一首已经配置好和弦的歌曲,接下来就是把这些和弦采用四部和声的形式用与声连接法或旋律连接法连接起来,并在钢琴上弹奏出来。但大部分学生只对和弦的原位比较熟悉,对和弦的转位则不熟。而规范的和弦连接必然要涉及到和弦的转位,所以很多学生在做这一练习时错误百出,和弦位置专门弹自己熟悉的,根本就不管是不是正确规范的连接,更有甚者全部都弹和弦的原位。这样一方面养成随意的坏习惯,另一方面从弹奏技术上也增加了难度,并且弹出的音响则杂乱无序,毫无声部走向的规律可循,自然也就很难听。 笔者通过多年实践教学得出的经验之一是:熟练地掌握正确规范的和弦连接已经成为学习钢琴即兴伴奏道路上继和声配置之后又一道关键的战略要塞,只有顺利通过这一要塞,后面的路才能畅通无阻。 (三)伴奏织体 对所有的歌曲,就只用一种伴奏织体,而且从头弹到尾,没有变化。这样弹奏造成的结果是效果单调,很难烘托歌曲情绪的起伏变化。 (四)对歌曲旋律和节奏的补充“加花” 对一首歌曲只会弹基本的旋律与节奏,而很难在歌曲重要的地方即兴地“加花”,并且很难通过节奏、织体的变化及更多的“加花”,把歌曲的高潮烘托出来。 这实际上涉及到弹奏者的作曲技法、乐感以及是否能激发“创造性思维“的问题。钢琴即兴伴奏和钢琴演奏很大的不同处在于即兴伴奏所弹的音大多是自己根据歌曲旋律的理解而创造出来的,所以同一首歌曲,每个人弹出来可能都不一样,而每个人在即兴伴奏时,应该把自己当作一个作曲家,充分调动自己的乐感,激发自己的“创造性思维”,从而创造出更多的“加花”出来,当然应恰到好处,效果是“画龙点睛”,而不要“画蛇添足”。 (五)移调 弹一首歌曲,用C调以及常用的F调、G调还好,但一换成其他的调,则一筹莫展,无从下手。这就是对键盘的熟练程度问题,也就是移调的问题,这是大部分学生一个普遍的大难题。 二、针对入门教学中五大障碍的解决对策 针对以上学生存在的五大障碍,笔者通过理论研究和实践检验,梳理出了一些对策,总结如下。 (一)和声配置是重中之重 教师在教学中,应加强和声应用的教学,要和“专业和声课”有所区别,更多地应以学生喜爱的歌曲为例来讲授和声理论,并以键盘和声的形式在钢琴上弹奏出来,让学生听到实实在在的和声音响,并尤其要注意以下几个方面。 1 和声的功能进行 选配的和弦首先应尽量在纵向上与旋律协和。更要注意横向T-S-D-T的和声功能进行。前面已经提过,和声是一种语言,它有自己的语法规律,教师应更多地引导学生从听觉上去感受和声的规律。在具体配置时,可以采取先配和声意识非常明确的小节,然后再根据和声功能进行的规律,把其他小节的和弦选配出来,这样就可以清晰地感受到和声的功能进行。 2 注意和声节奏的安排 合理安排和声节奏是学生面临的又一难题。和声节奏即和弦变换的频率,它往往与旋律的节奏呈对比的关系。当旋律节奏很活泼,速度很快时,和声的节奏应该平缓,起着烘托的作用。而当旋律较抒情,节奏速度较慢时,和声节奏应加快变换,以起到推动旋律内涵发展的作用。总的来说,弹奏者应尽量保持和声节奏进行平稳、统一,以 从听觉上可以清晰地辨别和声的功能进行以及色彩的变换为原则。否则就像一个人说话没有条理,意思表达不清。所以学生如果从一开始就应注意把和弦进行的功能走向和规范的和声节奏结合起来为旋律来配和声,就可以逐步提高自己和声配置的能力。 3 注意理顺和弦的相互关系 在和弦配置过程中,在和声功能进行及和声节奏都配好的前提下,为了取得更好的效果,则应考虑和弦的关系。和弦的关系可分为强弱两种进行,如下表: 垒曲还是应该以强进行为主,弱进行为辅;如需表达力度,宜多用强进行,如仅表达模糊的色彩印象,可多用弱进行,一切还是应从内容出发。 其中四度连接的和弦有一个共同音,两个不同音,其音响的新鲜性与联系性相对比较平衡,比较符合听觉审美感的一般要求,所以我们在和弦选配时首先应该掌握好运用四度关系的和弦连接。一段即兴伴奏的音乐,如果以四度连接的和弦组成基本和声语汇,将使得整体音响获得比较朴素、新鲜而又自然的音响效果。而在运用四度连接的同时,结合运用一些二度连接,特别是上行二度连接,则将取得更为鲜明、强有力的效果。古典和声中常见的Ⅰ―Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ的进行,包含了两个上四度进行与一个上二度进行,就是这一语汇的典型表现。对于下行二度的连接,特别是连续下行二度的连接,常给人下沉、坠落的感觉,一般用的很少。如果希望获得更为柔和的效果,则可以较多地采用一些三度关系的连接,例如:在大调中使用Ⅰ-Ⅵ、Ⅰ-Ⅲ等一些三度连接,将使和声音响在明亮中透露出温馨的色彩,这对于抒情歌曲是非常合适的。简而言之,和弦连接的基本要领是:一般以四度连接(特别是上行四度)为主,同时根据不同情况辅以二度或三度连接。 4 注重和弦外音的训练 和弦外音的处理非常灵活,在教学过程中,教师除了要把和弦外音的基本概念以及基本用法讲清楚外,还应该以大量的歌曲为实例,把和弦外音与和声功能进行以及和声节奏的处理统一起来进行教学。具体可以先根据和声的功能进行确定和声节奏,考虑好前后和弦的连接,然后来考虑和弦外音的处理,和弦外音一般要解决到和弦音。这样日积月累,学生就会逐步熟悉和弦外音以至能够熟练运用。 (二)和弦的连接 和弦可以转位,每个三和弦都有三种位置。在初学阶段,教师通常应该要求学生对有共同音的和弦用和声连接法,而二度关系的和弦连接用旋律连接法,并且注意低声部和上方三声部反向进行。这样根据主和弦的三种位置,正常的和弦连接就有三种序列进行。而很少有学生可以快速准确地把这三种序列进行弹得很熟,稍微好一点的学生也仅限于对正三和弦的连接比较熟,而一旦加入更多的副三和弦以及变化音和弦后就反应迟钝。更有部分学生就像上面提到的一样,只是弹自己熟悉的和弦位置,而不管其正确连接与否。 教师应要求学生对这三种序列进行要弹熟,并且可以就一组典型的和弦序进来进行训练。例:规定一组在c大调上的和声进行如:Ⅰ-Ⅲ-Ⅵ-Ⅳ-Ⅱ-Ⅵ-Ⅰ。要求学生当即用主和弦的原位来开始连接,并在此基础上进行第一转位及第二转位的和弦连接练习,然后把三种位置的和弦连接连贯起来弹奏,达到熟练的程度,并背下来反复练习,最后移调练习。 在上述和弦连接练熟的基础上,可以练习旋律连接法。总之,学生要花大量的时间及精力对任一三和弦的三种(七和弦是四种)位置都要练熟,并且要对任两个和弦之间的连接(无论是和声连接法还是旋律连接法)都要非常熟练,只有经过这样严格刻苦的训练,才能把正确规范的和弦连接这一钢琴即兴伴奏最重要的一项技术练好,这也是学好钢琴即兴伴奏的关键之一。 (三)伴奏织体 对于伴奏织体,学生首先要了解其概念:即指在多声部的伴奏音乐中,把和声声部根据歌曲内容的需要进行有机组织的一种形式。其结构类型分为三种。 1 和声性的织体(主调音乐) 其结构有三个层次,分别为: (1)旋律层(包括主旋律和副旋律) (2)和弦层(包括柱式、半分解、分解三种基本音型) (3)低音层 2 复调性的织体(复调音乐) 3 综合性的织体(既有主调,又有复调) 而在钢琴即兴伴奏中,使用最多的就是和声性的织体(主调音乐),其次是综合性的织体,纯粹复调性的织体因其不适合即兴伴奏而很少使用。所以我们主要研究和使用的就是和声性的织体。 对于伴奏织体的障碍,我觉得学生最大的问题首先在于“层次”的把握不当。对于一些很简单的儿童歌曲,确实有时全曲只需要一种伴奏织体就可以了,关键就是要弹得轻巧、流畅,在某些关键处节奏有些变化就可以了。而对于一些内容稍微丰富、篇幅稍微长一些的歌曲,则仅仅用一种伴奏织体贯穿全曲显然是不够的,这时就需要安排全曲的层次,在呈述的段落中要弹得简单清淡,而在展开的高潮段落时,可以增加和弦的厚度及加密和弦的节奏,并增强和弦弹奏的力度,从而和前面形成对比。如果是三段体,最后结束段可以回归到前面的呈示段落。 其次,和弦音区的选择对于伴奏音型的弹奏效果也是非常重要的。和声声部活动的最佳音区并不宽,仅有以中央C为中心的上下一个八度左右,扩大一点,一般也不超过两个八度。只有在这一音区内奏出的和弦才具有比较理想丰满的和声效果。如果将同一和弦提高八度,将获得明亮但缺乏力度和弹性的效果,如果降低八度,则又将获得浑浊、沉重的效果。而很多学生恰恰是音区选择不当,影响了弹奏的效果。 总之,伴奏织体的合理运用,一定要结合歌曲的内容灵活运用,并在弹奏过程中形成对比,这样才能起到烘托歌曲情绪的作用。 (四)歌曲旋律和节奏的补充“加花” 对旋律的补充要注意以下几个问题: 1 不要在歌曲进行中毫无目的的乱“加花” 一般在歌曲进行到延长音或休止符时,这时为了音乐进行不至于出现停顿,作为伴奏,应当主动对旋律加以补充,从而达到推动旋律往前发展的目的。练习这一手法,要注意音区的安排,一般模仿声部都应该高一个八度或低一个八度,不要与原旋律在同一音区,否则从听觉上很难区分开来。 2 加花的手法主要可分为模仿性、华彩性及线条性三类 (1)模仿性补充的材料主要来源于原旋律,可以用严格模仿或变化模仿的方式,以起到对原旋律进行呼应、总结,使长时值音的内涵及乐句本身所具有的情绪更好地表现出来。 (2)华彩性补充的材料则来自和声,包括和弦、分解和弦、琶音、自然音阶、半音阶、双音等,音区选择多用于高音区或低音区。他们的效果各有不同,适合于各种不同类型的歌曲。 (3)线条性补充的材料是在和声的基础上,加入和弦外音,发展为更具有表现力的线条,所以线条性补充是一种更具有“创造性思维”的补充手法,也更富有抒情性,多用于慢速或中速的歌曲伴奏。 3 要和歌曲伴奏织体的层次相结合,要分清楚将在哪 个层次上补充加花 例如:模仿性补充的材料和线条性补充的材料一般加在旋律层及低音层;华彩性补充的材料更多地加在和声层。 当然,除了这几种主要对旋律的补充手法以外,还有很多其他的手法,如衬腔式、过渡式及装饰性加花、外音花奏等手法。怛不论采用何种补充材料都必须在和声与节拍上与旋律保持一致,而以节奏、音区与和弦外音的对比变化为旋律增色,以达到烘托歌曲情绪,渲染歌曲气氛的目的。 (五)移调 移调练习也是学生的一个普遍难题。钢琴即兴伴奏的复杂性在于,只有同时解决和声、织体、结构、音响、钢琴演奏技能、创造能力等诸多关系,才能成功演奏哪怕一首短小的钢琴即兴伴奏。而为歌曲伴奏时,大部分采用简谱,需要随时移调,也就是说,上述各个必须掌握的方面应当能够临时在任何调性上予以实现,其困难程度可想而知。但移调练习也不是没有规律可循,只要学生循序渐进,持之以恒,多弹多练,是可以逐步熟悉键盘的。现总结规律如下: 1 把C调练熟 首先应在C调上把所有的和弦连接及常用的伴奏织体练熟。当然选择歌曲的时候尽量选C调或靠近C调的歌曲如D调、降B调等,这样演唱起来也比较自然。 2 在此基础上,把在C调上练熟的和弦连接及伴奏织体整个移到相临近的D调及降B调上进行练习 因为相隔得很近,所以在C调上的和弦连接序列可以不用改变其原来的位置,如第一个和弦的位置在C调上是原位,那移到D调上仍是原位,后面和弦连接也照旧进行,只不过是移高了一个大二度而已。这样可以保持和弦位置的相对固定,也有利于学生的弹奏。 3 在和c调相隔四、五度的F、G调上练习 这时由于位置相隔较远,有必要把在C调上的主和弦的位置通过转位加以调整,以取得最佳的音响效果。这就需要对各和弦的原位及转位都要非常熟,特别是带有变化音的和弦,位置更要多加练习。 4 万事开头难 在练熟上述四个调的基础上,再用近关系调的规律逐步熟悉其他的调,总共12个调,练熟常用的9个调,一般的歌曲就没有什么大问题了。 5 在和弦的练习过程中,可采取固调和首调相结合的方式练习 如:固定的F和弦,在首调中是C大调的Ⅳ级和弦,F大调的I级和弦,降B大调的Ⅴ级和弦等。多进行这样的训练,学生就会逐渐地熟悉各个和弦,会逐渐发现原来很多不同调的不同级的和弦竟然是同一个和弦,这样就会达到降低熟悉各种和弦的难度,提高练习效率。 以上所述是本文列举的在钢琴即兴伴奏中存在的最基本的五大障碍,除了这些以外,还有其他的障碍,如确定歌曲的调式、调性,分析歌曲的情感表现及曲式结构;正确处理歌曲的前奏、间奏、尾奏;五声调式歌曲的和声处理;转调歌曲的和声处理;合唱歌曲的处理等等。但这些障碍应该是在钢琴即兴伴奏的提高部分所将要面临的。由此可见,学习钢琴即兴伴奏这门课确实是障碍重重,但是只要我们坚定信心,不畏艰难,认清障碍,用科学的方法刻苦训练,相信一定会有收获,取得长足的进步。 钢琴入门教学论文:幼儿钢琴入门教学中的趣味引导 幼儿钢琴入门教学的方式很多。作为教师,我认为首要的任务是如何正确诱导孩子们喜欢上音乐,并对钢琴演奏产生巨大的兴趣。著名的俄罗斯钢琴教育家尼古拉耶娃曾说过:“钢琴教学的基础是使孩子们喜欢上音乐,训练他们发现音符和旋律线条的能力,并使他们对任何事物都能产生灵敏的反应。”这段话不仅道出了钢琴教学的初衷,也告诉我们学习钢琴演奏的益处。我们都知道,目前来学琴的琴童年龄大多在五到六岁左右,他们可能绝大多数都喜欢音乐,对各种乐器也充满了好奇心,聪敏好动,富有想象力。可是想让他们把注意力长时间集中在一件事情上是比较困难的。因此如果从一开始就直接教授难度较大、较难掌握的手指技巧,以及识谱方面的知识,只会给这些年幼的孩子带来困扰,增大学习难度。最重要的是会打消他们的学习兴趣。所以,对于幼儿钢琴入门教育,教学中所必须体现的趣味性教学方式至关重要。 当学生第一次走进课堂,我们不要马上就开始教授他们识谱、指法和手型这些相对枯燥的知识,这会让他们马上变得紧张、拘束,因为越是年龄偏小的孩子越没有耐心。教师应该和他们在琴上做一些“游戏”,让他们在玩耍中了解这门乐器的特性。比如:先是用形象的方式让他们了解钢琴这种乐器的特性,以及其作为“乐器之王”所能表现出来的广阔音域。可以弹奏不同风格的旋律,或是模拟各种动物的声音,让孩子们说出他们自己的感受。如最左边的低音区弹奏起来音色较厚实,很像狗熊之类笨重的动物;中音区声音沉稳,像是大提琴等乐器的方声效果,是最常用到的音区;而高音区音色明亮,能模拟出鸟类清脆的叫声等等。总之要让他们发挥自己的最直接、最自然的想象力。当我们对孩子进行音乐感觉诱导的同时,给他们讲述一些与钢琴有关联的知识,像讲故事那样。例如钢琴的发展历史,从管风琴到古钢琴、到近代钢琴,要找来一些相关的图片,或是影像资料展示给他们看。使他们从第一节钢琴课开始就初步了解这门乐器,并产生强烈的好奇心,从而期待下一次的授课。 给孩子们的第二次课是进行节奏和听力的训练。首先我们在琴上用同一个音符弹奏出长短各不同的声音,要求他们分辨出哪些是长音,哪些是短音,并模唱出来。例如: 有的时候我们会发现部分孩子天生就具有良好的听辨能力,因此可以更进一步的请他们试着说出长音与短音之间的关系。 接着,用两个音符按不同的时值组成简短的旋律,请他们自己编歌词。歌词的内容可以是自己的名字,或是孩子们自己喜欢的花鸟鱼虫的名称,然后富有表现力的唱出来,把它变成好像儿歌一样。例如: 之后,我们还可以让学生自由发挥。让他们发挥想象力,用自己喜欢的任意音符编曲,并将这些简单的旋律弹奏出来。当孩子们边弹奏边唱的时候要告诉他们,需要把长的音符弹得比短的音符重一些,这样能让他们了解节奏的概念,并使他们确定学习的方向。而孩子们也会感觉到趣味所在,从而摆脱常规教学中的枯燥乏味。 在随后进行的几节课中,我们开始选用一些简单的旋律或是孩子们熟悉的歌曲,将同一首歌曲放在不同的调式中进行演奏,要求孩子们跟着一块弹。可他们弹什么呢?当然,他们只能负责伴奏的部分。其实就是用一个手指根据自己的听辨理解有节奏地弹奏出不同的音符。好像是打击乐中的鼓手,只不过钢琴是带有旋律的。教师要引导他们去感受用什么音符听起来是和谐的,不刺耳的,因为能使用到的不仅仅有白键上的音符,还有黑键上的。这样的练习会让孩子们对调性和不同的调式有初步的认识,并使他们熟悉键盘上的音符。之后,还可以布置课外作业,请他们回去之后自己编曲,进行简单的创作,再根据创作的内容给乐曲命名。学生们一定会产生浓厚兴趣的。在这一阶段,孩子们是在不识谱的情况下进行简单的弹奏和有意义的练习。我们要给他们足够的空间发挥自己的音乐天赋,并多加鼓励和支持。尽量使孩子们没有负担,能够积极主动地学习。 幼儿钢琴教育看起来容易,但其中却大有学问。教师往往要扮演不同的角色,是老师、是家长,还是可以一块游戏的大朋友。给孩子创造轻松愉悦的学习环境,让他们在游戏中学习成长,这是每位教师必须做到的。虽然不是所有的孩子最终都会走上专业这条道路,但正如尼古拉耶娃所说,学习音乐、学习钢琴演奏带给人们的不仅仅是一门技术,就如我们的学前教育,看似简单,却是孩子们今后学习的基础。许多习惯就是在这个时候养成的,因此不容忽视。 钢琴入门教学论文:幼儿钢琴入门教学中的兴趣引导四法 在素质日渐成为参与当今社会竞争的一个重要指标的前提下,家长亦视素质培养为教育目的,而钢琴学习,逐渐成为家长与孩子的首选。据相关统计数据可以看到,绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐,占总数的82%,一般的仅为16%,不喜欢仅为2%。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下,对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查,则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42%,偶尔的占37%,不去的占21%。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外,更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长,而且受到家庭环境、社会分为等诸多因素的影响。因此,无论是幼儿学习钢琴,还是音乐教师教授钢琴,培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向,对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用,而且还有效地培养幼儿的注意力形成、促进智力方面的发展。 幼儿期是儿童心理快速发展的重要阶段,此一阶段的儿童心理和生理上均不成熟,从而表现出学习中自控能力不强;学习时记忆能力较差:体能无法支持长时间弹练学习等特点。因此开发幼儿学习钢琴的原始兴趣,使之持久并将之逐渐转换为学习的动力,必须把握上述三个方面的特点。生动、形象是针对幼儿教学的一个关键,许多孩子的兴趣往往起源于“听起来好听”或是长辈、老师演奏钢琴的样子很美,即“看上去很美!”当真正接触到实际学习的时候,面对复杂的音符、节奏、技巧、演奏法等又会感到麻烦和头痛。为此,笔者结合多年教学的经验,将幼儿钢琴教学中的兴趣引导法归结为以下四点,以就教于各位方家。 方法一:声音模拟导入法 幼儿的天性就是模仿。拥有88个键的钢琴的每一个琴键都可以模拟出一种大自然的声音。 琴键模拟动物叫声熟悉音色:如将C2C、c1、c2几个键子的音色分别加以弹奏,模拟出老牛、小狗、小猴、花猫的声音,让孩子感受。引导孩子分别用两只手的3指、2指、1指,采用重量弹奏法进行试奏。熟悉以后,老师弹奏其中任一音色,让孩子分辨模拟的是哪种动物。 节拍把握:通过简单的模仿此时孩子们的兴趣已经高涨。在这个时候导入节拍、时值的实质含义(如,四分音符、二分音符、全音符等等)的教学。例如引导幼儿学习小狗叫四声,每次一拍;小花猫叫两声,每声两拍;老牛叫一声四拍,让孩子口中数拍。反复数次,加深印象。 手腕断奏弹奏法:可引导幼儿敲击琴盖,模拟出啄木鸟尖嘴啄木“笃笃笃”的声音,并将基本弹奏方法教给幼儿(手腕上下运动等)。然后,再到琴键上,找准音符位置弹奏。同时将节奏模拟出来,并感受其手指尖的触感。 倾听生活中的声音:让孩子倾听声响与雨滴溅落的声音,让幼儿倾听并回忆雨水滴落在地面、石头、落叶或家里水龙头嗒嗒嗒的声音。让幼儿感受声响与敲击琴盖上敲打的区别。利用具体曲目如《跳舞的雨滴》中给幼儿示奏,让幼儿从音乐、音强上了解音量的区别。 方法二:手指操练习法 除了对声音的感知外,以游戏形式锻炼其手指的灵活度和手臂的力度。也有助于提高幼儿学习钢琴弹奏的积极性。 手指操的练习包括拇指练习和手指练习。大拇指粗短有力,在弹奏钢琴时,大拇指既是左右运动与上下运动的结合,又是与腕部旋转运动的配合。通过对大拇指的锻炼可以为幼儿钢琴更高层次的学习打下基础。 大拇指操分为三个基本步骤:“手指滑动”拇指与食指做拈花状,拇指从食指顶部向食指根部滑动。其他手指也尽力向上伸展。从上到下,从下到上重复多次;“手指晃动”将手轻放在一个平面上,大拇指左右摆动:“手指旋动”做一个顶呱呱的手势,然后将大拇指朝下做摁图钉一样的左右旋转运动。 手指练习,让幼儿坐在琴凳上,双脚放平,自然分开。两个手臂慢慢抬起,与肩同高,做出拥抱柱子的姿势。然后手掌向下,手臂自然垂落到腿上。重复抬起、落下的动作。此外,幼儿拥有比较漂亮的手型和较为独立的手指,是钢琴学习中较为重要的前提,因此对手掌肌肉和手指关节的练习,是极为重要的一项。通过引导幼儿开展“石头、剪子、布”的游戏,将手掌放平,五个手指尽量伸直,做成一张大大的“布”,然后收起五指,握拳做“石头”状。重复多次。食指到小指的练习,可以通过拇指以外的四指并列整齐地向掌心合拢做关门状,重复“开门”“关门”姿势。“手指呼吸”运动,锻炼好手指第一关节的太指运动是找到钢琴触键点的关键,将食指与拇指做成O形,打开变成C形,就像小鱼的呼吸一般,重复多次,并逐渐向中指、无名指、小指与拇指的组合过度。 以上的手指运动随意组合可以实现对幼儿手指的多方面练习。教师还可以根据手指操的具体内容,加上生动的名字,便于激发幼儿的练习兴趣。 方法三:巧用教材导引法 3-4岁的幼儿对音区变化只能大致听出高音区和低音区音高的不同,到了5-6岁就存在了清晰的辨别。具体而言,幼儿对音乐首先感知的是拍子、速度等与节奏相关的音乐要素,而后才是对旋律音高节奏的感觉,最后感知曲式。在初级教材中,曲目旋律都在两个八度的中音区,从倾听中音区开始是一个比较好的教学方法。比如:《排钟》中模拟的钟声:《老麦克唐纳》中模拟的鸭子叫:《跳舞的熊》每小节第拍的低音,模拟出熊沉重的脚步:《印第安手鼓》和《部落舞》的左手部分对击鼓的模仿。同时还可以安排一些高音区和低音区的曲子作为欣赏,比如通过幼儿对鸟叫的经验,引导他们听《小鸟的歌》、《杜鹃圆舞曲》、《布谷鸟》等。通过欣赏在低音区进行的《大象走》感受其低沉、厚重的音乐,从而区别音区(音乐)的变化。 巧用教材引导的关键,是因人而异地选用钢琴教材。具体而言,对以提高艺术修养为目的的孩子,初学的时候以《汤普森钢琴教程》为主,辅以《拜厄钢琴基本教程》和《车尔尼OP.599》,以及盛建颐等主编的《儿童钢琴初步教程》;对于有专业意向的幼儿,车尔尼雪夫斯基、巴赫的练习曲以及小奏鸣曲,是开展学习的三条主线,适当地搭配中西方的一些现当代的钢琴曲的教学也可以提高幼儿学习的兴趣。 方法四:天伦引导兴趣提高法 幼儿钢琴学习中的兴趣提高中,父母也是重要的一环。没有父母参与的幼儿钢琴教学无疑是失败的。但实际的情况是,有的父母认为自己不懂音乐无法引导孩子;有的父母认为自己只要看住孩子,让孩子坚持每天的练习就可以了;有的父母甚至认为,孩子已经交给老师,所有的引导,培养都由音乐教师负责就好。这几种情形最终导致的结果都是,孩子逐渐丧失原始的音乐兴趣,视钢琴学习为负担和任务,导致钢琴学习的有始无终。 父母怎样提高孩子学习钢琴的兴趣呢?大致说来可以通过三种方法:其一,多听多看,潜移默化中引导孩子对音乐的感知。父母平时就多购买一些较为经典的钢琴曲目,在家中、车上进行播放。适当地选择一些反映音乐家故事的影视作品,全家一起观看。让孩子自己选择、树立学习的榜样,可以激发孩子学习的热情:其二,走入大自然。钢琴的学习不单单是在琴房或者教室里完成的,走进大自然,将学习与玩耍结合起来,家长引导孩子去倾听大自然的声音,包括各种动物的鸣叫,水流的声音等等。有助于加强孩子对音域的感知,家长可以在野外自行设计一些小游戏,比如为小动物的鸣叫打拍子,有节奏地拨弄水流发出声响等等;其三,展开互动学习。父母可以与孩子比赛的方式,完成对幼儿的激励。比如说在孩子练习钢琴的时候,父母找来相应的工作与孩子比谁做得更好,或者父母背诵熟悉的诗歌与孩子背记谱子比速度。 简言之,天伦兴趣引导法的关键是父母通过有趣味的游戏设计,以及家长与子女的互动,将学习变为生动、直观的接触。 结语 学习,到底是一条艰苦的道路,还是游戏,在现代的教育理论中是一个争论不休的论题。但是在教学的实践中,通过兴趣的开发,引导学生不断学习的动力却已经成为一个不争的事实。针对幼儿心理生理的特点,施予相应的教学,在教学中,贯穿教师、幼儿、家长的心血,是保障幼儿保持钢琴学习兴趣关键。 作者单位:湖南芷江师范学校怀化分校! 钢琴入门教学论文:浅谈钢琴入门教学 弹钢琴简易来说就是手指在琴键上的弹动,通过键盘受力使击弦机敲击琴弦发出乐耳的声音,因而手指上的基本功成为学习钢琴的关键。那手指该如何做好基本功的练习呢?咱们应从触键开始。 在了解“触键”之前咱们先来注意下一个重要环节,卓越的钢琴家约瑟夫・霍夫曼(波兰裔美国钢琴家)曾说过:“缺乏良好的基础对才能的发展及其危险。许多人毕生致力于改正他们在初级阶段中从无知的教师哪里学到的坏习惯,结果却失败了”。①所以在弹奏钢琴之初应具备良好的基础。学习弹奏钢琴,初期基础的学习是不可忽视的,基础不扎实会给后期的学习带来巨大的麻烦。在教育行业当中,启蒙教师是最为关键的,在音乐方面更是如此,孩子们在入门时是一张白纸,启蒙老师所教所讲的一些,在他们内心都会留下深刻的印象,他们会觉得启蒙老师教的一定是对的,但如果启蒙老师教的不够准确,那所造成的结果就是误人子弟。 在俄国,教初学者基本功都是由经验丰富、基础扎实的教师来担任,他们的工作不被人所忽视,不被认为是应有初级教师、经验生疏的教师来担任。 在我国,据初步调查发现现今学琴的孩子每年以30%的速度在逐渐增加,但这其中还是有60%的家长认为刚开始学琴可找一般的初级教师来教学,这是为什么呢?普遍的家长都有这样的看法,孩子刚开始学琴都是学一些基础的东西,练练手指,教教乐理,也没什么技巧性可言,先找个一般的初级教师就可以了,没必要找好教师,这样从经济上也可省一大笔,其实家长们这么做是大错特错。 大家都知道“万丈高楼平地起”,基础是最重要的东西,基础不扎实何以建“高楼”。如果在基础上出现偏差,会给未来造成严重的后果,“差之毫厘,失之千里”。大部分人都认为房子的地基都是埋在土里,反正大家都看不到,用什么材料大家也都不知道,就可采用差的材料,这种想法会给以后造成严重的后果。 其实还有一方面,很多的好教师都不愿意教授初级刚入门的孩子,因他们没受过严格的入门训练,都会存在这样那样的问题,需要花很多的精力来改正,改正一个坏习惯比养成一个好习惯难得多,有些孤僻的毛病也许一辈子都改不过来,这样的学生教起来就很累,所以有很多好的教师都不愿意教授初级的孩子。 再次就是刚入门学琴的孩子们普遍年纪都比较小理解力是有限的,但模仿能力是非常强的,所以在对孩子们初级的入门教学中采用最多的方式就是示范教学,那就造成教师的示范是非常关键的,如果教师没能做出正规的示范,这样不仅会造成入门的扭曲,还会使孩子们养成对事马虎不认真的态度,对将来的行为习惯都是非常不利的。 因此在孩子们入门初期就找个好教师是非常有必要的,好教师不仅受过正规训练自身素质过硬,还对孩子们的心理深有感触,一旦发现孩子们身上存在不良的习惯,他们可立即采取措施进行改正。一名称职的好教师会懂得如何引导孩子们正确的走这条钢琴的艺术之路,好的教师不仅可以教授孩子们智能、技能,还会教给孩子们如何为人处世,如何处理好与家长、与孩子的关系,一名好的教师会在无形当中给孩子们造成好的影响,所以选择一名好教师对孩子来说是受益终身的。 现今社会是不断进步的社会,相信随着社会的发展人民一定会认识到基础的重要性,而改变以往不正确的看法。 在学习钢琴初期,主要面临的就是如何正确的弹奏及相关基本功的要求,这个问题在许多钢琴教程或钢琴演奏入门等类的教材中都有相关的说明指导,在我看来阅读查看这类的教材,就如牛顿所说的“如果说我看得比别人更远些,那是因为我站在巨人的肩膀上”,这样是自我提升的一种方式。但在查阅众多名家撰写的教材同时也应注意,不能盲从,名家在撰写教材时所记载的都是自身的体会及教学所得的宝贵经验,所以就造成一定程度上的主观意识,如果盲目的跟从就会形成“机器式的生产”而丧失了自我,但教师所面临的教学对象都是各种程度的学生,在教学上一定要因人而异,为学生“量身定做”一套适合的教学方案,所以名家的教材可以借鉴但不可盲从。在众多名家教材版本查阅时可进行比较,取长补短避免盲从现象。据以往所学的经验及近几年的教学经验,在学习钢琴入门阶段应做好以下几点基本功练习。 一、“触键”首先应是手指的摆放,手指的摆放应遵守手指的自然长短规律,三指较长应处于白键靠近黑键处,二、四指应处于白键中间位置,一、五指较短应处于白键边缘。以上是手指摆放时指尖的触键位置,手指的摆放姿势应是保持手臂放松自然弯曲,手指每一关节都向外突出,手呈半圆形握球状,手腕下端与钢琴白键基本上保持同一高度,手腕高度应低于掌关节的高度,手掌关节在整个手型摆好的情况下应处在最高点的位置,以上就是手指摆放的姿势。 在钢琴入门时因学生还没受过这方面的手指训练,手指缺少独立性,关节在弹琴时会出现不稳的现象(就像婴儿刚开始学走路一样会出现脚站不稳的现象)。此阶段常出现的触键问题有: (1)手指第一关节过度与键盘垂直,易造成手腕过高使手指缺少灵活性,也易造成指甲触键发出指甲声,引起滑键。 (2)手指第一关节弹下时向内凹陷,变成大面积的指肚触键,会造成手指弹琴时无力,也延长了指尖触键的时间,无灵活性可言。 此时我们应注意培养学生手臂的自然放松,触键时体会手臂的重量充分落在指尖上,指尖第一关节与键盘角度应小于90度,指肚触键,手腕自然向下放松,手腕与掌关节形成一个“小斜坡”(掌关节高于手腕)。找手指在琴键上站稳的感觉,找到后多体会这种感觉,使之形成一种下意识的动作。 二、手指的弹奏初级练习 1.G指练习(非连音弹奏),手型摆放完毕保持不动,靠小臂的力量向上提起,落下时手臂、手掌肌肉放松,指尖绷紧,当指尖触到键盘时,弹下的手指保持手指关节突出、自然、美观,其余手指按原先姿势摆好,三指是处在整个手掌中心位置的手指,相对其他手指灵活,且稳定性更好,因此可从三指开始练习,再练习其他手指。弹奏过程中,手指在保持良好姿势的情况下做自由落体运动可逐渐提高手指的触键力度,在手指下键瞬间,迅速摆好触键姿势,以培养良好的触键姿势也为接下来要做的高抬指练习打好下良好基础。 2.高抬指练习(连音弹奏),高抬指其实就是指尖第三关节的运动,在手型摆好的情况下,手指靠第三关节(掌关节)抬高,下键时手臂放松,手指靠第一关节带动迅速下,并保持良好姿势,其余手指按原先姿势摆好。在高抬指练习中要注意,第四指天生较弱需邻指帮助方可抬高,当按照一至五指进行练习时五指帮助四指抬高,进行五至一指练习时三指帮助四指抬高。如此进行手指练习定可促进手指的独立性、灵活性。 在西方国家,曾有段时候,钢琴教师在给学生做抬指练习时是这样要求的,手一直保持一种如石头般坚硬状态,手指要有力的抬到最高,抬起的手指每个关节都应最大程度地向里弯曲,下键时手指像一把小锤子似的弹下,这样弹出来的效果就像钢琴家用石头敲钢琴,此法可以弹奏出响亮的声响,但所弹音乐毫无弹性,没有美的音色,此法在现今钢琴教学上是不被认同的。 我认为触键中的抬指动作是不必要的动作,著名俄国钢琴演奏家、教育家列文曾说过“最高的艺术效果,可以由最简单的手段来获得”②,所以我对学生的要求是专门关注掌关节的运动,手指的其它关节不动,在下键瞬间手指是绷紧的,下键完手指、手腕立刻放松,整个手型立刻回到最初放松的姿势与状态。 三、在弹奏钢琴过程中,身体、手臂(两肘)、手指三者的关系也极为密切。 身体:弹琴时身体的坐姿跟琴凳的关系是非常密切的,琴凳坐的距琴太近不利于两手的弹奏,感觉会受到限制,琴凳距琴太远又不利于重心的把握,两手易发虚,所以琴凳与琴的距离应调整到一个舒适的距离,初学者最好在老师的指导下进行调整。身体应坐于琴凳的三分之一处,不要把琴凳全坐满,双脚着地起支撑作用,上身挺直,腰不许塌陷,这样,可以从腰或者更下一些部位用力,上身略微前倾,这样坐有助于身体的重心向前,有利于力度更充分地下到指尖。 手臂(两肘):弹琴过程中手臂应自然放松不可坚硬,两肘略微向两侧张开,首先是两肘自然张开,从外观上看更美观。其次两肘略微向两侧张开,有利于上身力度通过手臂下到指尖。再就是有利于手型的摆放,如手臂紧贴身体,不利于手型的摆放,易造成小指向两旁倾斜,如两肘张开,小指就自然立好。 手指:手指是直接与琴键接触而发出声响,指尖上的力度就来源于身体、手臂(两肘)的力量,如离开身体与手臂(两肘)的力量,指尖就会发虚,如触键就会是压键而不是弹奏。所以要弹好钢琴三者的关系一定要处理好,三者是相铺相成的,缺一不可。 钢琴弹奏中,正确的触键是非常重要的,因触键的方式、力度、位置不同,所弹出的音量、音色也都不一样。鲁宾斯坦曾这样比喻钢琴“钢琴是一百件乐器,而不是一件乐器”,这足以说明钢琴的表现力是丰富多彩的,那如何把这件丰富多彩的乐器发挥的淋漓尽致,应从钢琴的触键上注意,正确的掌握好不同的触键方式、力度、位置,一定可以达到事半功倍的效果。运用正确的姿势弹奏,手型和内在的肌肉感觉均会形成一种良好的习惯。任何习惯在一开始形成时是最重要的,它将会变成弹奏时的下意识动作。如果开头不注意,养成了下意识的坏习惯,以后改正它将会非常困难,尤其是对自控能力还不强的孩子。③好的开始是成功的一半,愿钢琴爱好者们拥有一个好的开始。 钢琴入门教学论文:论钢琴入门教学 一、学习钢琴的意义 300年来,钢琴艺术达到了空前的发展:浩瀚烟海的作品,群星璀璨的演奏,科学严密的教学,所以,钢琴被人们成为“乐器之王”“音乐王冠上的明珠”。从西方16世纪以来,几乎所有的作曲家都在钢琴音乐宝库中留下了他们最有价值的遗产。 钢琴具有无可比拟的表现力,也是所有乐器中唯一用最没负担的姿势坐着演奏的乐器,学习钢琴不但能使手指的指尖得到刺激,而且能使脑、眼、手、脚、耳,全身心得到锻炼,长期训练对年纪大的人来说,可以有效预防老年痴呆症,愉悦身心,提高生活情趣。对孩子们来说,可以在组织能力、协调能力、指挥能力、阅读能力、记忆能力、理解能力、想象能力、听辨能力、以及观察力、注意力、忍耐力等各方面都会有明显提高。所以,学习钢琴会让人变得聪明是不无道理的。 二、正确看待钢琴入门教学的重要性 我国的钢琴普及随着改革开放不断深化,在国内拥有数量庞大的学琴队伍,这对提高民族的音乐素质大有裨益,同时对钢琴教师的需求也日益增长。然而,受过合格的、正规的训练的钢琴老师却非常短缺,造成师资队伍鱼目混珠,参差不齐的现象很严重。有的老师一知半解,有的会弹几首歌曲,就开始做起了钢琴老师,这样带来的后果很严重,有的学生因弹奏方法的问题只好中途放弃,有的坚持下来了,错误的弹法却一直改不过来。 启发入门阶段,每个学琴者都是一张白纸,这时期学习正确的弹奏方法是关键,通常的外行话就是先找个老师学学看,以后再找好一点的老师,现在初级,老师的水平不用高的,在大多数人的眼里,初学时低级的,很简单的。但是事情恰恰相反,入门阶段直接影响学生今后的发展前途,就像盖高楼,要先打好地基,否则就会坍塌,现实中多少好的苗子半途而废。许多学生即使换了老师,因为“先入为主”的印象,错误的方法很难改正,这样的教训屡见不鲜。所以,在选择老师的问题上,首先要考虑老师的演奏水平、教学经验和教学成果。老师的水平越高,走的弯路就越少。如果在当地找不到教授,演奏家级的老师,也要去找钢琴程度相对浅点,但是要经过正规学习过的老师。 三、钢琴入门的基本技术 入门教学的对象:学龄前儿童,他们的目标是开发智力,练习协调性;也有青年人,他们有的是个人爱好,有的是从事了音乐这门专业;也有老年人,他们纯粹是消遣和增加生活的乐趣。对与不同的对象,教学计划和进度都会不一样,但是主要的教学任务和要求基本是一致的。 1.正确的坐姿:弹钢琴的坐姿要在自然、放松的基础上取得座位、脚支点、手支点这三个重力支点的平衡、协调。琴的高低至关重要,这里有一个原则,那就是,坐上琴,双手置于琴键时,肘部与键面基本在一个水平上,自然下垂侧身的上臂与肘部形成略微大于90度的钝角为宜。如果是小孩子,要在脚下垫上脚垫,悬空的双脚会失去支点而造成坐姿不稳。当然,脚垫的高度要适中,过高也会造成重心后仰。琴一般只坐三分之一,要感觉到臀部和脚对身体重心的支撑。演奏时,需要身体的重心前移,支点放在脚上,将重力送至指尖。有几种不良的姿势要注意:僵硬直立、绞脚绕腿,弓腰驼背、端肩吊臂,这些都要杜绝出现。 2.非连音弹奏法,又称为手指支撑练习,断奏是钢琴最简单、最基本、最自然、也是最重要的弹奏方法。它运用整个手臂的自然重量,从键的上方“落下”,弹出结实、饱满的声音,这时手指第一关节牢牢的勾住键盘,支撑住肩、臂传下来的整个重量,手腕的高度与键面平行,掌关节拱起,腕关节往后自然放松,掌关节和第一关节坚挺,做到“前挺后松”。对于年龄较小的学生,可以用1、2、3指组成音束,弹奏dao\re\mi三个音。年龄大一点的,直接用三指开始练习,因为三指的稳定性最好,支撑力也最强,它又位于五个手指中间,比较容易保持手型,三指训练后,接着是二指,四指、最后是大指和五指,五个手指中,小指最细,支撑力也最差,所以训练的强度和力度要有很长的一个过程。单音训练有了一定的基础,就可以进入双音训练。 3.连音弹奏法:要求音与音之间没有缝隙,连音是最常用的,也是最重要的一种演奏方法,同时也是最复杂多变的演奏方法。连音奏法的关键是重量转移,应从两个音开始,第一个音象非连奏一样从键盘上方落下,手指支撑住来自臂膀的重量,然后抬起第二个手指,在弹奏的同时把重量转移过来。这里掌关节的动作要大些,他有两个功能,一是快速的挥动手指击键,二是把重量从前一个手指上搬运过来。可以让学生站起来,体会人的重心从左脚换到右脚,再从右脚换到左脚时的感觉,这和手指间的重量转移的道理是一样的。掌握的两个音的连奏,就可以练3个音,4个音。5个音,直到一串音。弹完最后一个音手应该从键盘上提起,这样就产生了分句的效果。学习连音奏法要特别注意音与音的连接,后一个音未弹下去之前前一个音不能放掉,否则音就不连了,后一个手指触键后,前一个手指要及时拿掉。否则音会浑浊不清。 4.跳音弹奏法:跳音弹法不像非连音、连音一样单一,可分为:手指跳音、手腕跳音、肘部跳音、大臂跳音。开始建议从手指跳音学起,让手指贴住琴键,象拨弦一样,往外里一抹,迅速发力,迅速弹开,手腕、手臂都保持安静,主要是指尖的动作。音量要求小点,耳朵听好音的弹性,体会指尖的敏感性,这对学习其他跳音是至关重要的。掌握了指尖第一关节动作要领后,建议学习肘部跳音,这时以肘部为轴心,手腕保持固定,指尖快速向下拨键产生反弹力,整个前臂快速弹起。肘部跳音适合运用于音符节奏进行不太快,力度较强的单音、双音或和弦。在入门阶段比较实用,也比较容易结合乐曲大量练习。手腕跳音的要领是:手臂保持不动,手架子保持稳定的拱形,指尖第一关节发力后,手腕快速弹起,外形看起来象小鸡啄米,在慢速度时指尖一定要主动的拨键,速度加快后手腕放松且有弹性的上下动作,幅度不宜太大。手腕跳音实用与速度较快,灵活,活泼,力度中等偏弱的段落。大臂跳音在入门阶段可以忽略,在初学的乐曲中很少用到。 四、科学的选择教材 近几年来,我国引进了很多国外的优秀入门教材,也自编了很多种适合中国学生弹奏的教材。一方面为学习者提供了丰富选择余地,同时也增加了选择的难度,现在国内用的较多的是《汤普森简易钢琴教程》简称小汤、《儿童初级钢琴基础教程》简称儿钢、《拜厄钢琴基础教程》简称拜厄,《高等师范钢琴基础教程》简称高师。 对于幼儿园中班上学期之前的幼儿,建议使用小汤作为入门教材,它每页都有小朋友喜欢的图画,识谱从中央C开始,同时学习高低音谱表,使儿童从已开始就有高低音谱表的统一概念,音乐较为丰富,前三册的难度跨度不大,比较适合这一时段的儿童年龄特点。不足之处是一开始就用大指进行连奏,老师在教学过程中,应把第一册全部改成非连奏,且前面的27页全部用3指演奏,后面的曲子按指法弹奏,打好手指支撑力的基础,这样进入第二册学习连奏就会很顺利,否则,掌关节塌陷,一关节瘪指,手腕突起,这些问题会不断出现,且很难一下子解决。 幼儿园中班下学期以后学琴的孩子,建议使用儿钢作为入门教材,这本教材的编者有意选择了大量的孩子喜欢的儿歌,民族乐曲,世界名曲,它也是从中央C开始,高低音谱号同步学习,采用倒影式的认谱方式,同时也有插图,老师的伴奏谱,内容比较丰富。建议20页前全用3指作非连音弹奏,到39页前按指法进行非连音弹奏,39页后用连音弹奏,学完第一册,加入拜厄教程,从12条开始,同时儿钢的第二册同步进行。 成年的学琴者建议直接用高师教材,同步使用拜厄教材,因为这个年龄的学者手指发育已经完成,用5个课时进行非连音弹奏,接着就可以学连音弹奏,并在10课时左右加入哈农练指法,当然,篇幅要短一点,选取10个小节,作非连奏和连奏的同步练习。除此之外可以选取简易的流行歌曲改编版增加学习的兴趣。因为成年人的学琴热情也只有2个月左右,但他们又没有家长强制督促,容易虎头蛇尾,半途流失,培养兴趣和成就感就显得格外重要。 五、乐感培养的重要性 学习钢琴的最终目的是要用琴声去表达音乐,用音乐来感染人,让人得到美的享受,试想如果弹奏的很熟练。,但是象打字员一样的机械操作,弹出的音乐味同嚼蜡,这样的钢琴演奏是打动不了人的。伟大的钢琴教育家涅高兹说:“学钢琴就像挖隧道,得从两面挖起”,意思是技术训练和音乐表现力的培养同步进行,通常我们听到的是“手指、手指、手指”,现在一定要加上“音乐、音乐、音乐”。所以,从入门开始,老师就要把乐感的培养放在重要的地位。音乐是一种特殊的语言,音乐的表达就像说话一样,为了让别人听明白你的话,你就得把字、词、句读对,把话说明白,表达出语气和意思来。弹钢琴其实不难,只要把话语中的语调、语气、抑扬顿挫、轻重缓急自然的融入音乐之中,就能给音乐的演奏注入表情,注入生命。 训练乐感先学会分句,乐句是音乐的基本单位,正确的给乐曲分好句子,是重要的第一步,老师要引导学生给方正的乐曲分句,更要化时间给不规整的乐曲分好句子,没有句子感的演奏时再糟糕不过的了。接下来就是处理好起句,第一句通常是给整个乐曲定调子,这里要注意速度、音量、音色、基本情绪。要求在弹奏之前先唱一遍,或在心里默唱几个小节,等有了把握再下手。收句也同样重要,俗话说:“编筐编篓全在收口”,弹完一个乐句,或一个乐曲,能不能留下袅袅余音,与结尾处理极有关系。处理好乐句的结尾,“其妙在音虽止而意无尽”。在处理好起句和收句的同时,要设计高潮部分,这里的情绪一般最激动,也是最引人入胜的地方,设计一下是通过几句的铺垫,一层层推进,最后达到高点,高潮的音量不能过强,声嘶力竭,这样反而破坏了美感。 整个钢琴演奏的乐感分三个环节――“感受”“领悟”“表达”。对钢琴作品的感受是对整部作品的曲式结构、旋律、主题特点、织体、题材、速度、力度、表情术语以及演奏方式有一个总体的印象。通过聆听演奏家的示范演奏、CD、光盘等有声资料,加速感受过程,逐渐领悟这部作品的内在意义、深层次的底蕴、曲子的意境和风格,最终通过手指把你所领悟的内容表达出来。 应该来说,乐感不是很神秘的东西,通过老师的正确引导,细致的分析,再结合多听、多看,多体验,加上其他艺术门类的学习,融合贯通,肯定会有很好的收获,只要记住,乐感的训练越早越好,因为道理很简单,所以的技术都是为音乐服务,技术只是音乐表现的手段,没有脱离音乐而独立存在的技术。 总之,钢琴入门教学必须有正确的弹奏方法,合理的教材选择,加上技术与音乐表现的结合,这样肯定会有事半功倍的效果。 钢琴入门教学论文:通识教育中钢琴入门集体课的教学模式 [摘 要] 普通高校开设的钢琴入门集体课是面向非音乐专业普通大学生开设的一门实用性、技能性的通识课程。本文着重说明钢琴入门课的教学内容、方法及模式,以便更好地探究如何在通识教育中利用数码钢琴进行集体课教学问题。 [关键词]通识教育 钢琴教学 集体课 目前,鞍山师范学院音乐学院在通识教育音乐课程中分类别地在原有理论课的基础上开设了其中一门实践课程:钢琴入门课。利用数码钢琴这一优势资源来进行教学,对于提高大学生自身音乐素养起到了积极的推动作用。 一、 钢琴入门课教学内容的选择 在开设钢琴入门课之前,笔者做了一份关于非专业的大学生钢琴入门课的问卷调查,其中对于教学内容的设置既满足大学生的心理与生理的特点,又结合教学大纲中教学目标的人才培养模式来选曲教材内容。通过教学实践,发现学生在学习弹奏的过程中能尽快地掌握节奏、识谱、视唱等相关音乐知识,对于提高自身的音乐素养起到了重要作用。 首先,大学生对于音乐理论知识的掌握多数处于零基础,少数有学习音乐的短暂经历。因此在学习弹奏的过程中,循序渐进地填补和系统地学习基本理论知识是很重要的,因此教材的选择最初以围绕中央c开始,分别向高低音区拓展进行断奏练习。 其次,弹奏过程中,对于零基础的学生来说,双手的协调性练习及节奏训练是弹好钢琴的关键和重点。因此在曲目的选择上以简单、通俗易弹并所熟悉的儿歌童谣为主。 二、 钢琴入门集体课的教学形式及教学多样性 钢琴入门课是采用数码钢琴进行集体教学的。数码钢琴使用多媒体音乐教学系统,运用计算机网络技术进行管理,可以使老师与众多个学生间进行直接教学。其教学形式丰富、灵活又具有多样性其中包括: 1、独奏形式 一个学生与老师进行交流,其他学生倾听,在点评时,主要针对弹奏的基本问题和音乐表现进行指导,避免该生或其他学生弹奏时再出现同样的错误,这种回课形式所产生的一个积极因素就是调动了学生的主观能动性,而共同评析则使学生由被动地位变主导地位,增进交流,活跃思维,提高对音乐的表达能力。 2、齐奏形式 选择几位学生,教师根据弹奏者的技术水平规定适当的速度,进行齐奏式回课。齐奏形式较独奏有更大的难度,主要体现在对节奏、速度的严格把握方面,总会出现或快或慢的情况,这也就为学生在齐奏过程中的适应能力提出了要求,当自己的弹奏在与群体出现偏差时,应及时改正、积极调整,能迅速融合到集体的感觉中去。也能通过集体弹奏形式,感知音乐中节奏和速度的重要性。 3、轮奏形式 钢琴弹奏的“接力棒”,这是一个极为有趣的游戏。一首作品,按照乐句、乐段或小节线的划分,分配给每位学生,当前一位演奏者结束自己的任务时,后一位要按时进入,完成规定的长度后,接下去的同学又要挺身而出。经过实践,此种形式深得学生的喜爱,紧凑、严密的衔接,锻炼了弹奏者的应变能力,大大提高了学习兴趣。 三、 钢琴入门集体课教学法 钢琴集体课教学,应做到理论知识与技能训练相结合。集体课教学赖以存在的基础是系统讲授、共同作业和集体回课。 1、兴趣法。 在选曲过程中,如果选择一首学生不熟知的曲目,通过识谱、弹奏需要花费很长时间才会感知到完整的音乐作品,效果不佳,与学生达不到共识。而选曲一首通俗易懂、大家熟悉的曲目可以增进学生弹奏的兴趣度。比如学习弹奏《三只熊》时,首先大家熟悉这首儿歌,很快就可以完整地弹出。并且为了进一步掌握跳音技能,启发大家弹出生动的音乐形象,老师还做示范时,可以找学生简单地做出舞蹈动作,来配合伴奏音型模仿三只熊跳舞的感觉,这样大家对于表现活泼、欢快的歌曲,就知道用怎样的方式来做出跳音的感觉,这样可以深深吸引学生的学习兴趣。 2、示范、讲解法。 这是在钢琴教学中被普遍采用的有效方法之一。特别是在初学阶段更显重要,准确地示范弹奏,使学生对新乐曲或练习曲的性质、风格、技术类型和特点有一个初步的印象:优美的旋律、娴熟的技术、技巧还能提高学生兴趣。所以在此阶段中,教师应先作详细地准确地弹奏,然后再讲解弹奏要领,指出重点的技术困难之处,教给学生怎样克服技术困难的具体方法,最后根据旋律调式调性的转换和所表现的不同风格特点进行讲解,并选用适当的力度、速度做出示范,进行讲解。其顺序按左右手分别进行。使学生对所学乐曲、练习曲弹奏的技术、技巧有一个非常清楚的概念。 3、模仿法。 钢琴的教与学实际上就是一种技术与技巧的模仿和掌握。所以在钢琴教学中,对于一些基础性的或较难掌握的弹奏技术,教师可以采用示范的形式与学生共同练习,这种教法可以使学生在肢体协调弹奏和较难掌握的技术方面建立起正确的感觉。这种既实际又直观的教学方法可以使学生在该阶段少走或不走弯路,准确地掌握弹奏技术和技巧。 总而言之,在通识课程中开设钢琴入门集体课教学,不仅更为充分地利用了音乐系独有的教学资源,也为喜欢音乐、热爱音乐的大学生们提供了实践学习的平台,潜移默化地为他们提高自身的音乐素养奠定了实践基础。 钢琴入门教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学基本方法 摘 要:作者根据多年演奏及教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为:让学生对钢琴进行认识,培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置,其步骤包括:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置,等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 关键词:钢琴;启蒙;教育方法 一、兴趣是最好的老师 兴趣的培养直接影响着一个孩子潜能的发挥。首先要为每位学琴的儿童根据自身的情况制订一套适合自己的练琴方案,教法灵活多变,循序渐进。由于每个孩子的个体有差异,从孩子的自身出发,如果是比较小一点的孩子可以选用趣味性强的教程,比如说《小汤普森》,根据书里面的标题可以增加学生的理解,同时也可以和学生一起四手联弹,这样可以加强曲子的音乐感也调动了孩子的兴趣。另外以加强艺术修养为目的,让学生多听多唱。用一些充满童趣的语言,例如:弹跳音就像是在拍皮球,把自己的五个手指比作五线谱等加上夸张的表情与学生互动起来,这样才能使孩子学得轻松、愉快。在学琴当中规范化的手形、规范指法习惯、科学合理的弹奏方法和姿势、完整的节拍节奏感的训练、教材合理的选用、音乐情感和音乐风格的表现等都是要解决的问题。让孩子养成一个好的练琴的习惯,不能“三天打鱼两天晒网”,学琴尤其要注意基础的训练,不能急于求成,给孩子增加心理压力,这样也会使学琴变为被动。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30-60分钟不等,一般课时安排为一周1-2节。 首先让学生对钢琴进行认识,尤其是对钢琴键盘的识别与记忆,并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授,要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正,坐得端正而不僵硬,上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开;下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜,膝盖的位置在琴边下,双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分,手臂与手腕的感觉与形态,再到教授手形、手指,等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用,因此应该注意好习惯的培养。手型应放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起,像是虚握着一个圆球,手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼,目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型,即高音谱表入门法,中央c入门法,多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法,目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识,例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平,等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后,教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置,每节课的必要步骤为:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 二、我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤 在每节课开始前,教师应该先询问孩子在家的练琴情况,然后开始基本功的练习,让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏,并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较,培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图:利用现代教师的示范吸引学生的注意力,激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析,让学生体验到作曲家写作时的情感基调,从而更好激发学生的情感共鸣,为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点,即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标,使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平,继而培养孩子的各种能力,如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操,等等。根据个体和家长需求的不同,再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩,并且记录老师上课的内容,根据学生的上课实际情况,家长要及时督促学生进行学习,这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。 钢琴入门教学论文:入门基本功在钢琴教学中的重要性 【摘 要】由于人们对艺术的追求尤其是钢琴学习方面不断的膨胀,大部分的家长和学生要求在短时间内达到一定的程度,更在乎社会的“现实要求”从而忽略了基本功的练习。而现代钢琴教学有必要钻研基本功教学,进而引领学生更深入的学习钢琴。为此,分别从基础中的基础、手型手指特点、手指独立性培养和手指基本弹奏动作几方面进行了基础教学的研究。从而引起教育者和求学者的深思,以完善钢琴教学体制。 【关键词】钢琴演奏;基础;手指;支撑 随着改革开放的步伐,人们的生活水平不断提高,文化修养也不断提高,随之人们对建立在文化基础之上的艺术的追求也迅速膨胀起来。可盲目的膨胀带来的不良后果,却很少让家长与学生自己反思。如今,大量的人们在学习钢琴,可有所成就的比例少之又少,大部分家长与学生的要求是让学生在最短的时间内达到一定的程度去,去适应社会考级,甚至要求速成。如果老师真按照这类家长和学生的心理要求教学,造成的后果是基本功练习的欠缺,以致根基不稳。一番阶段性练习过后,教师却无法引领学生进入更深的层次,使很多学生不得不遗憾的终止了钢琴的学习。钢琴演奏是一门艺术,是体力劳动与脑力劳动互相综合的活动,演奏者必须具备相当高的技术才能完成,而掌握这些技术并不是几个月或更短时间就可以完成的,而是需要漫长而艰苦的过程。 钢琴的入门阶段是整个钢琴学习过程的基础,对学生日后对钢琴学习的理解和态度都起着最为重要的作用,不可小视,所以笔者从以下几个方面来阐述钢琴教学中入门基本功的重要性: 一、基础中的基础 站要有站相,坐要有坐相。弹琴时,脑、眼、手、耳、脚同时运用,那么一定要有一个适合自己高矮的琴凳,同时要确定座位同钢琴的最佳距离。弹奏的正确姿势,要在自然、放松的基础上才能做到座位、脚、手这三个重要支点的平衡与协调,教师应以亲身示范来增加学生的认识。 二、钢琴弹奏的手型及手指特点 “几乎任何一种手的姿势都可以行得通,只要是这种姿势合适,符合手的构造,符合音乐组成的高低起伏,更重要的是不破坏动作的统一。”客观上,没有一成不变的手型,任何人演奏也没有固定不变的手型模式,但作为初学者,我们必须给学生一个正确的标准,因为人的手和手指具有一种最适应于键盘排列结构的状态,我们可以把这种状态理解为基本手型。 不良手型一旦形成,会影响指力的传导,以至于不能获得正确的声音,并会影响手指的快速跑动,还会形成多余动作,紧张等状态,养成弹奏的僵硬和力量的浪费。 三、手指独立性的培养 钢琴演奏的基础是手指,手指的基础在于手指的独立支撑,手指的支撑是站立式钢琴弹奏的基础。长期的教学实践与观察中,我发现,很多教师或者学生没有把手指支持的训练放到一个重要的位置,以至于为日后的演奏带来很多的问题和麻烦。我认为在钢琴入门阶段,手指的独立支撑训练要占据一个非常重要的地位,要作为一个专项予以足够的关注。手指的支撑是相对的,并不是绝对的。手指是支撑手臂的支架,但手臂又是身体传导力量的桥梁,他们相互作用并牵制着。以下是对每个手指的逐个分析: 1指的特点,有些学生弹一指时掌关节不能支撑,一承受重力就会塌陷,必须加以纠正,通过外力让关节凸出。经过一定时间的训练,肌肉能力增长了,慢慢可以恢复。这个阶段切不可急于求成,无所顾忌地错误训练。 2、3指的特点是比较有力,但第一关节比较薄弱,容易塌陷,所以要十分注意。 4指是最不灵活的手指,力量比较弱,未经训练的4指往往依赖于其他手指,不够独立。如忽略其特征而非不断加以纠正,力度便无法集中。所以,在练习中要坚持正确的锻炼,并给予特殊的关注。不可急于求成,欲速则不达。 5指是最为柔弱的手指,支持力最差,所以我们见到很多学生都是让5指躺着弹奏,这时,教师一定要加以指导。小指的关键在于第一关节与第三关节的凸起,教师可以让学生练习之前把正确姿势摆好,而后坚持几分钟。日积月累地训练后,肌肉的力量增强了,小指的支持问题便迎刃而解。 五个指的不同特征,造成了它们容易形成不同的毛病,但我们应确信,经过认真训练,不急于求成,完全可以改掉毛病,养成各自的弹奏独立性,使手型规范,达到弹奏的正确状态。 了解了五个手指的特点,要完成手指在弹奏中的正常支撑还需要注意以下两点: 第一,大家知道,手指的结构是有多个活动关节组成,以适当的肌肉紧张来组织手指的各活动关节,共同协作去完成每个动作的支撑准备状态。 第二,利用合适而有益的练习来训练各个手指的灵活度与力度,使其逐步具备独立承重的支撑能力,达到相互平衡协调的各个手指之间的关系。 四、手指的基本弹奏动作:断奏与连奏 手指独立了,支撑力强了,接下来就可以让学生学着在琴键上“走路”了。 断奏相当于孩子站稳了,开始迈步的时候。抬脚相当于提腕,提腕的力量来自于手臂的肌肉,手腕要习惯放松,手臂手腕要协调,接下来就是降落的过程,自然地降落。降落后的手指保持的姿势就是前面提到的独立。弹琴的手指独立地支撑,做好基本的手型。这个过程非常关键,一定要体会手指的支撑与肩、肘、腕以及身体的放松。必须完全达到要求,才可以继续以后的课程,不可急于求成,这个阶段是基础阶段,一旦形成不好的毛病,便很难改变,甚至影响一生。 连奏要记住以下几个要点: 1.手指的抬指动作主要产生于第三关节。 2.已经弹琴的手指不动,其余手指要以第三关节为轴,尽量不要太高,做到灵活,放松。 3.在击键过程中,力量要集中于指尖,第一关节要有“抓住”的感觉。 4.每一次抬指动作的重复不可过快,要有充分的准备与思考的时间,考虑好手型是否正确,力量是否放松等因素。 弹琴不是天生就会,是需要长时间的刻苦训练才能达到的境界。在整个钢琴学习中,基本功的训练不可忽视,它会影响学生的一生。以上笔者仅对最基本的共性问题谈一谈个人的感受与经验。身为钢琴教师,让我们为了钢琴事业不断学习,探究吧! 钢琴入门教学论文:浅谈老年钢琴入门教学的基本方法 进入21世纪的人们对生活已经有了更高的理解和追求。随着社会的发展、全球的老龄化,更多的老年朋友选择到老年大学来丰富自己的晚年生活、实现青年时的梦想,使自己在退休后依然活跃在社会中,充实、完善自我。 而钢琴这门高尚、优雅的艺术不但可以使老年朋友锻炼手指灵活大脑,还能够提高音乐修养陶冶情操,进而愉悦身心达到益寿延年的作用。钢琴现在已经成为中老年朋友热衷学习的一门学科。 一、坐姿的基本要求 学习钢琴可以提高人的修养、陶冶人的情操,使思维变得敏捷,对于没有任何基础的学员来说,入门时会有些枯燥乏味,想弹会钢琴又犹如雾里看花,看得见却摸不着头绪。当学员坐到钢琴上去时,就必须要提示他注意坐的姿势,要做到重心稳定。弹琴时,身体的重心要靠臀部和脚。钢琴家赵晓生在《钢琴演奏之道》里提出:演奏者应坐在琴凳的三分之一宽度的位置上。在弹琴时可以根据谱子的需要,身体略往左或右倾斜,有的人喜欢坐满凳子弹琴觉得这样很好又或是翘着腿自我感觉是最舒服的姿势,可是这是一种不良的演奏习惯,因为弹琴是一种高度集中,脑力和体力相结合的劳动,不论是练琴或演奏,弹奏者都必须保持正确的姿势。坐姿要自然端正,手臂不要僵硬、紧张,或者过于松懈,这样才有利于学习弹钢琴。 二、基本手型的调整 学员开始接触钢琴,就必须注意手型的正确性。弹钢琴要求手放松、手腕柔顺、手呈半圆形,空握球状态,手指稍向里弯,手腕与琴键键面基本在一个水平面上。要想有一个好的手型,关键是指掌关节与第一、五指指关节的站立。手指的第一关节,即最末端的关节,从一开始就要训练站立的能力,要自然的站好,不能让关节塌进去。 三、熟记基础乐理知识 要想学好钢琴五线谱是一关。五线谱是由五条线四个间构成的,这同我们的手结构大致相同。把手张开来看,从下往上数小指是第一线、无名指就是第二线、两个手指间就是第一间,以此类推五线谱就很形象地呈现在眼前。这样很方便老年学员理解更能加深记忆。音符与休止符可以一起讲解,可以有一个清晰的对比。有了音乐理论的框架概念后就是让大家感受手指和琴键之间的合作,在简单的乐曲中继续添加相对应的乐理知识,一面体会手指与琴键的感觉,一面加深记忆。 四、培养节奏感 节奏是音乐的脉搏,音乐的生命。音乐的存在和进行,首先在于节奏的作用。节奏的脉动每时每刻都贯穿在音乐之中。 (一)节拍基本要求 之前已经对基本的乐理知识有了概念,节拍是需要实际演练的。所以拍子要先搞清楚,拍子要数准确,速度要统一这是最基本的。首先要养成数拍子、打拍子的习惯。把复杂的节拍简单化细化,比如在4|4中出现八分音符时,就要把半拍数出来“一大、二大、三大、四大”,这样就能很准确的弹奏八分音符半拍。需要的时候也可以借助一下节拍器来帮助没有数拍子习惯的学员。当然,节拍器的使用只是借助一下外力。从根本上来说,还是要学员有拍子准确的概念和感觉。 (二)节奏的训练过程 在数准拍子之后,我们进一步要做的就是要去感觉节奏。多数是学员只是机械地数着拍子,并不是去感觉节奏的分组、节奏的特性;音乐中的强拍与弱拍,音流中的节奏划分等等。要做到有内心的节奏感觉,首先要去感觉节奏。 五、音乐感的理解与培养 有人说“音乐感是父母给的”,意思是说有人生来就是音乐感好,天生就是学音乐的料,也有的人生来就不是学音乐的,是不具备培养可能的。我觉得每个人的先天素质有很大的差异。一个优秀的教师应该能把一些在音乐方面天赋一般的学员引到音乐之门,使他们逐步提高音乐理解和音乐表现的能力,而逐步做到有音乐感的演奏。 在教学中我能看到大多数学员都有较好的天赋,同时他们每一个人都有很高的学习积极性,可以说这些学生都具有被培养造就的条件。学钢琴首先要引导学员去创造一个合适自己的音乐环境,提高对音乐的认识和理解从而提高音乐素养。钢琴是一种西洋乐器,大多数传统的优秀教材乐曲都来自于欧洲,因此它的音乐语言也是外来的。这就跟学外语一样,要有语感,光靠音标,字母拼出来的外语,总让人觉得生硬,所以必须多听、多感受、多练。 音乐是传达感情的艺术。人们可以从音乐中获得巨大的愉悦感,从而提高人们的精神境界。现代医学表明,人类的身心健康在很大程度上取决于精神因素,其中艺术的感染力不可忽视,音乐所带来的愉悦感对心理调节的作用也尤为显著。作为老年音乐教育工作者,我们应尽可能地把音乐教育作为重要手段来培养学员的身心健康,使其充分感受到音乐的魅力,提高他们的艺术品位及综合素养。 总之,在课堂上要积极调动学员的学习主动性,反复强调教学内容的重点,加深学员的记忆。在授课中要多鼓励多表扬,语言要诙谐幽默,使学员在轻松愉快的气氛中完成教学任务,这其中学员既满足了学习的欲望增长了知识,又在音的海洋、乐的奏章里感受了钢琴的魅力让学员更年轻、健康、快乐。 钢琴入门教学论文:浅析中职幼师专业钢琴入门教学训练 【摘 要】针对中职幼师专业钢琴教学的特点,培养学生学习钢琴的兴趣,抓好入门基础教学,加强基本功训练,根据学生的特点因材施教,使之掌握弹奏的基本技能和技巧,培养出合格的幼儿老师。 【关键词】钢琴教学;入门训练 幼师专业是培养幼儿园老师的主要阵地,音乐教育是培养合格的幼儿师资所必不可少的重要课程。钢琴教学是幼师学生的在校必修课,幼师学生学习钢琴趋于成人学琴,身体及骨骼的发育基本定型,在教学中无疑增加了一定的难度,要使学生获得正确的弹奏方法的确不易。但是,她们也有一定的条件,即她们的理解能力、主观努力等要比儿童占优势, 根据这一特点,合理的进行入门训练,同样是可以取得进步的。 一、培养学生的兴趣,是钢琴教学前期任务之一 俗话说,兴趣是最好的老师,有了兴趣才能激发学生的热情,学生才会主动地自愿地去学习。对于刚进入职校的学生,大多数是第一次接触钢琴,对弹奏钢琴有好奇心和新鲜感,教师要利用这一点来积极诱导学生,培养其学习兴趣。在平时教学中,可以通过教师演奏学生喜欢的乐曲(时下流行的)或播放CD让学生听,让学生感受音乐激发学生的学琴欲望。 二、掌握入门要领是获得弹奏技能的先决条件 入门训练的正确与否,直接关系到学生整个的弹奏生涯。初学的学生,都要求学生从手臂的认识开始。例如认识大臂、小臂、手腕、腕关节、手掌、手指第1关节和第2关节掌关节,讲解大小臂的整个放松,手臂做自然下落以及将重量传递到指尖的示范,手型呈弧形状或半握状,手腕放松,掌关节支撑住第1、第2关节触键等等,整个过程要讲解示范到位。在教学中,学生能够理解教师的讲解和示范,可一旦坐在钢琴上便不知所措,难以把握,甚至出现紧张,身体及手臂僵硬,掌关节下陷,手腕高抬,手指爬在琴上,手指有折指等毛病,因此,教学中对学生的指导显得尤为重要。指导中让学生不断地体会放松的感觉及放松后的手臂自然下落后弹出的声音,全身的放松状“落”下去的重量恰恰是手臂、手腕、手掌、肘、肩相结合而成的统一的结果,这种结果往往是教学中取得良好效果的最佳途径。同时,辅以小组课的授课形式,让学生们相互交流和学习,这样经过一段时间的努力,是可以取得较好的效果的。 三、非连音练习的入门及方法 初学钢琴的学生首先接触的入门练习就是非连音奏法又称断奏,虽然断奏有多种技法,对幼师生来说需要掌握常用的几种奏法。断奏的弹奏方法是学习钢琴基础的基础,非常重要,如果初学者断奏弹奏学的不好,今后的学习将受到极大的影响。 断奏弹奏中,手臂的放松和手指的支撑及其站立是弹奏的基础,它的重量应集中在指尖上,而且要注意第一关节的站立,也可以将手指放在别人的手上,指尖站稳,体会手臂、手腕的放松、感觉指关节顶端是力量的集中点。然后在琴键上进行一个一个单音的练习,此时要对学生提出严格的要求,如果单音都弹不好,那么一串连音就更不可能弹好了。 跳音练习与非连音奏法有相同之处,不同的是跳音要求触键短促富有弹性,弹奏时手指一经触键即迅速离开,保证手指动作干净利落,指尖迅速到底,动作防止过大,以“贴键”跳起的瞬间反弹爆发为最好效果,弹奏出的实际音响是谱面音符时值的1/2。顿音“拜厄”练习中常见的练习方法则要求更短于跳音,更爆发短而有力,是跳音实际音响时值的1/2。 四、连音奏法的训练 断奏是连音奏法的基础,它们彼此有着密切的关系,手臂腕的放松、手型的良好保持、手指的站立等等都离不开断奏的基础训练。连奏练习与断奏练习,关系上有明显的不同,连奏很象人走路,一步接着一步的走,交替自然,一步下去又转向另一步重心下落。例如手指第一个音落下去,第二个音马上滚起来,两音之间连绵不断。当第二个音还没有出现时第一个音就不能放掉, 而是做好与下一个音连接过渡的准备。在练个音连奏的同时,可以逐步加入三个音符一句,四个音符一句,五个音符一句的连奏练习。练习3个音的方法是:落下去第一个音,抬指弹下第二个音,手腕带动滚起第三个音,即“落抬滚”。 练习四个音为:落抬抬滚。练习五个音为:落抬抬抬滚。好的连音必须做到三点:a.无缝,即凉荫之间不能有细微的断裂。b.无角,即没有任何一个音冒出来。c.无坑,即没有一个音坑陷下去。 幼师钢琴教学不同于大中专院校钢琴专业或高师钢琴主修生,它具有特殊性和速成性,应该按照幼师的教学大纲的要求进行教学,为幼儿园培养合格的幼儿教师。因此,既注重它的实用性、科学性,又要不偏离一定的教学方向和教学质量。合理运用学习的三年时间,掌握一定的教学方法,因材施教,是可以获得较好结果的,不能急于求成,避免教学中的盲目性。教学得法、学生配合默契是成功的法宝,也许困难较多, 生源差距较大,进步不一,但只要系统的、科学规范的、合乎实际的教学,学生都是会有不同程度的提高和进步的。 (作者单位:新疆阜康市职业中专) 钢琴入门教学论文:浅谈少儿钢琴入门教学中要注意的几点问题 摘要:钢琴在时下已经越来越普及了,学习的队伍在不断的扩大。许多学生特别是幼龄学童,刚开始接触时都兴趣十足,但是经过一段时间的学习后,很多都半途而废,甚至看到琴会产生恐惧和厌恶心里。如何正确的引导,教学期间采用何种方法方式,还是件很值得探讨的话题。 关键词:钢琴;少儿;入门教学 一、培养兴趣,快乐教学 孩子的天性好玩,如何保持学习兴趣,在学习过程中寓教于乐,我们可以从教材的选取和教学方式等多方面入手。教材的选择可以从特定的少儿教程开始。把谱面拉大,配以卡通插画,使得五线谱看起来不难么枯燥和难懂。期间编入了各个国家的民歌和带歌词的儿歌,学生在练习中赏心悦目的阅读谱子,还可以动静结合,自弹自唱,大大增加了学习的趣味性和娱乐性。课堂上的语言和氛围也非常重要。孩子有自己的思维方式和想象空间,所以教学语言要尽量做到儿童化,生活化。特别是一些专业术语,你说十遍还不如打个比喻一遍就让孩子记住了。 其次课堂的氛围也要靠教师调节,针对不同情况的孩子采用不同的教学手段。每个孩子学琴的出发点不同,有些是想增加点美育及艺术修养,有些是想走专业道路的,有些纯粹是启蒙看看有没兴趣爱好等,因此教师要因材施教,少用指责和否定的语气教学,要随时给予学生鼓励,对于一点点的进步或者闪光点,都得给予赞扬和肯定,拉进师生间的距离感,给学生一个平和且能激发创造力的空间,让他们更好的发挥自己的潜能。得到学生的认可和喜欢,是一个教师成功教学的一半,双方之间融洽的氛围,可以为今后的学习打下了良好的基础和动力。 二、根据个体的不同,制定合理的练习时间和方法 艺术门类学习的特殊性在于除了课堂上的教学以外,业余时间的练习在学习中也占了很重要的地位。教师要根据学生的个体差异、练习环境、程度深浅等多个因素出发,合理的留好课后的作业和练习要求。课余的练习时间要合理安排,尽量做到每天接触键盘以及阅读乐谱。练习时间长短可以根据个体性格和年纪来决定。一般年龄较小的孩子要采用少食多餐的练习方法,随着年龄的增加,可以慢慢调整时间长度。切勿逼着孩子坐上琴凳一练就是多个小时,学习效率低下,浪费了时间不说,还破坏了学习的乐趣。 在练习中,首先要加强音阶的练习。音阶作为旋律的构成原素,历来为器乐演奏者每日必需练习的内容,所以每天的练习可以从音阶基础训练开始。拿到新的曲目,开始时慢练是一条金科玉律,其目的是为了正确的掌握旋律,以及完整性,只有在正确完整的基础上,慢慢加快到曲目要求的节奏,这样获得的技术训练是有效的。分段,分局,将难点重点单独提出来慢练,往往比整首曲子的通篇练习效率要来的高,曲子上手的时间更快。正确的练习方法可以让我们少走不少弯路,不少事例告诉我们一个道理,就是放慢练,难变易。 三、注重听觉训练和音乐赏析 听觉训练是器乐学习中不可缺少的一部分。内在的听觉和乐感是一种与生俱来的天赋,每个人对音乐听觉的敏感程度都是不一样的。因此在学琴过程中,针对不同的个体,可以采用不同的手法来适当加强听觉和音准的训练。一开始可用“啦啦啦”的象声词模仿单个音的高度,在一段时间的练习后,逐步加入二个音,甚至三个音的音程模唱。其次,音乐赏析也是学习钢琴的一个很好的辅助课程。赏析对于我们学琴来说是有很大的帮助的。学习一门新课程,大多是从临摹开始的,如何获得临摹的范本,特别是音乐范本,就得通过聆听来感受。通过曲式结构和乐理结果的分析,由浅到难的聆听各类音乐作品,做到听熟听懂,对于学生的练习都是有很大的帮助的。学琴过程里,技巧训练只不过是一种机械运动,比技巧更上一层的是意境和境界。曲子的二度创作源于演奏者对乐曲理解的程度而异,对于初学者来说,音乐形象的捕捉特别的难,因此教师在琴课上,要特别加强对乐曲的分析,从基础的乐理知识,作曲家的背景,以及乐曲所要表达的感情等,在学生掌握了这些细节后,我们再来演奏乐曲,更好的把握风格和音乐形象。除了课上加强乐理知识外,还要鼓励学生在课余时间观摩各类演出,乐器现场的声音还原,演奏者二度创作的音乐风格,多少能激发和调动学生学习的积极性和兴趣。 四、激励学生进行展示和舞台实践 一个展示自我的平台的建立,对于学生来说是对自己学习的一个展示和肯定。才艺展示是学习中不可或缺的一部分,即是对学生心理素质的一种锻炼,也是对教师教学的一种检阅。孩子心理素质的培养是学习中很容易忽略的一个问题,在众人面前演奏容易紧张是我们与生俱来的一种本性。如何克服和得到锻炼,这就得借助于一些平台来解决。台上三分钟,台下十年功。台上的实际演奏作品的完整程度肯定比台下的练习要有所缺少,所以注重平时的练习尤为重要,这也无形中给了学生一定的学习压力,所谓的因果也由此产生,你在台下付出了多少辛劳和汗水,与你在台上的成功与否是成正比的,把这种压力转换成学习动力后,对于以后的学习是很有帮助的。教师或者家长要从培养良好的心理素质入手,在课堂和业余时间得采取鼓励和诱导的手法,培养学习的乐趣和自信心。现实社会中,关心身体的健康很多,但是心灵的健康与否,很容易得到忽略的。人都是有惰性的,极少有学生特别是年纪较小的学生有主动想要做练习的。很多都是三分钟热度,热度过后,就得靠成人的引导和鼓励了。过激和否定的语气都会抹杀学习的兴趣,多鼓励多发现闪光点才是我们要做的。 五、结语 合理的时间安排和良好的教育导向,是我们坚持学习音乐或者其他科目的手段之一。看着孩子身心愉悦的走在艺术大道上,音乐和钢琴成为儿时美好的玩伴,那是一桩何等曼妙的善事啊! 钢琴入门教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学 内容摘要:随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 关键词:儿童;钢琴入学;教学方法 国大文豪雨果曾有过一句话:“开启人类智慧宝库由三把钥匙,一把是数学,一把是文字,一把是音符。”随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。更重要的是科学家们长期研究的结果事业的蓬勃发展,一个以儿童为主体的全国性的社会钢琴教育园地已经形成,其规模之庞大在世界音乐史上都是从未有过的。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 一、培养儿童正确的弹奏姿势 俗话说:“苗栽的正,树才能长的直”。从小用科学的正确规范的弹奏姿势练琴,日后才能体会到正确运用身体的重量和力量来触健和发声,掌握弹奏的准确性。所以初学钢琴坐的姿势至关重要。 (一)坐的重心。坐在琴凳上重心要稳,儿童可以准备一个小板凳来充当脚垫,坐稳的同时还要注意重心靠前,即坐在琴凳的前半部分,使身体、手臂能够活动自如,弹奏时腰部要挺直,但不要僵,上身略前倾,这样便于在弹奏时把手臂的重量集中送到指尖。 (二)坐的位置。一般要求身体要于键盘的中央对正,座位的高低则有弹奏者根据自己的身高自行调节。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致,这才说明座位和钢琴的距离是合适的。 (三)手型。手型是弹琴者的“门面”,弹琴时手要放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键,掌关节自然拱起,像是虚握着一个苹果,手腕大约与键盘平行,不要全放在琴键上,仅以侧指端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要端正的站立在琴键上。 (四)脚的位置。弹奏时双脚要自然分开,膝关节的高度应略大于直角以保持重心的稳定。在学习使用踏板后左脚可以适当地前后左右移动调节,这样可以保持平衡。 二、弹奏方法 钢琴音乐中弹奏方法有很多,最基本的有断奏、连奏和跳音奏法,它们是构成弹奏的基础。这是儿童学习钢琴初级阶段中必须掌握的技术之一。 (一)断奏。断奏在钢琴作品中应用极为广泛,是手指技巧的基础。断奏是解决肩臂放松和锻炼手指支撑的最好方法。初学者容易出现肩臂紧张,手指软弱等问题,方法是手指按五指位置摆好,然后放松的将手臂提起来,手腕手指放松,手臂自然的落下,要弹的手指在琴键上站稳撑住,手指的三个关节突起,发音后手应立即放松,手型不变。这样才算一个完整的断奏动作。 (二)连奏。连奏的要求是让儿童弹奏出圆润如歌,流畅性的旋律。连奏手指触键要缓慢,用的更多的是手指的肉垫位。连奏是最基本最常见的弹奏技巧,方法是第一个音弹下去手指站稳,然后抬指弹下面的音,同时把力量转移过去,前一个手指里键。 (三)跳音奏法。跳音的弹奏可以让孩子把手指想象成芭蕾舞演员用足尖跳舞,这样就能找到指尖牢靠的感觉,或让儿童想象手指触摸到烫的物体的动作,一般人都会本能的把手迅速的拿开,来体验弹奏跳音的感觉。 三、教学方法 (一)技术语言应儿童化。许多初学的儿童对连奏领悟比较慢,我们可以把连奏的手指比作走路时的“脚”一只落地另一只脚抬起,自然交替。如果学生不能领悟,教师可以实际走给学生看,这样学生能较快地领悟连奏的动作要领。 初学琴的儿童常出现用力压键的现象,用不正确的方法去追求一种“响”。针对这种现象我们可以把好的声音比作荷叶上滚动的“水珠”,他是圆润的、透明的、流动的。我们的琴声也要给人一种集中、圆润、透明、流动的质感,通过这个比喻,学生就会用自己的耳朵辨别音的好坏,去纠正手指动作上的毛病。 (二)动作练习由“大”及“小”弹钢琴对手指、手腕等细微动作要求很高,稍微偏就会使钢琴弹出的声音有很大的区别,在入门阶段就要让孩子学会正确的动作,但由于儿童的肌肉群发育不完全,还不能做出精细而准备的“小”动作,只能从一些“大”动作开始,逐步变“小”,例如:刚开始儿童往往会将提手腕的动作做得很大,甚至越过头顶,要在肯定他的同时,慢慢告诉他,手就像一只小鸟,让小鸟飞的高本领很大,让小鸟飞的低本领也很大,我们来让小鸟飞的低一点好吗?从手越过头顶到手和眼睛一样高,再到手提起时和钢琴上放置琴谱的搁板一样高,再动作更小,通过二至三个星期的训练逐步将要求提升。 (三)学习重点由简入繁。儿童对注意力的控制很差,不能经常有意识的控制自己的动作,最常见的是:教师让孩子注意手型时,他却在想看下一个该弹什么音:让他数拍子的时候,他又在看自己的手型,让教育过程无法正常地进行,针对这一问题,就要要求用重点强调的方法来解决,也就是在某一时间段里,只要求做好一件事,暂时放弃其它方面要求。 四、教学中应该注意的问题 (一)应积极地培养儿童的学习兴趣孩子们从第一天和钢琴见面开始,就要天天和它打交道。从陌生到熟悉,从熟悉到产生感情,都需要相当长的过程。如果开始学琴的兴趣不稳定,时高时低,情绪忽冷忽热,练琴时心不在焉等,就会使儿童感觉是在没有丝毫兴趣和情绪下的强制学习,它们会从此产生对学琴的厌烦情绪,结果就会间接扼杀儿童的积极性和求知欲,因此,老师在上课时都要注意采用动静结合的教学方式在教学中穿插听音、听节奏的训练,讲些钢琴家的小故事。从此来调节儿童的大脑活跃气氛,同时又有效的吸引儿童的注意力,逐渐使他们从被动中解脱出来。 (二)培养良好的师生关系有的儿童天生就很胆小,上课时有一种紧张感。因此,要把儿童引进音乐的殿堂,帮助他们找到开启音乐大门的钥匙,就要帮助他们消除紧张情绪,可以尝试主动亲近他们、鼓励他们;主动和他们拉拉手,介绍自己,同他们聊天,问他们的喜好;多给予他们一下表扬等。待他们心情松弛一些,再把它们的注意力引到钢琴上来,建立良好的师生关系可以让他们从心里面接受老师的引导,培养他们对钢琴的兴趣。 (三)避免用命令式的语言,要问温和提出要求。心理学家霍布朗根据他的经验指出,以低和平稳的声调解决问题与使用激烈的辩论或演说强迫灌输,前者的教学方式更容易让学生理解和接受。同样,老师在辅导学生练琴时,若能用温和的语言对学生提出要求,孩子就会耐心倾听,乐意接受;但是,如果老师总用命令的口吻要求好好练琴,孩子就会产生不满,甚至产生逆反心理。所以采用建议和协商的方式去提要求,孩子将会心悦诚服地接受。 (四)忌长时间授课。学龄前儿童的注意力集中时间很有很,4岁左右的孩子约10分钟,五岁左右的约20分钟,六岁左右的约半个小时。幼儿园小、中、大班上课时间安排充分考虑了孩子注意力集中的特点。而有的钢琴教师在对幼儿授课时,常常长达一个多小时,也许是出于对教学的责任心,但却忘掉了实际的效果。对幼儿长时间的授课有多半是无用功,再加上教师如果缺乏精练、形象、生动而富有趣味的教学语言,就会加速孩子在课堂上的疲劳感,造成对钢琴的厌倦心理。对幼儿授课的时间必须充分考虑不同的孩子注意力集中时间的长短来确定。 五、树立儿童科学的练琴方法 教师除了教琴外,还应树立学生科学的练琴方法。对于儿童练琴的安排,一般应该坚持以下原则: (一)将练琴时间固定安排在学生精力充沛的时候,有利于集中注意力,保证质量,培养良好的学习习惯。 (二)儿童注意力集中的时间一般在20分钟左右,故每次练习时间安排20-30分钟为宜,每天安排两至三次。 (三)每次练琴要有明确的要求具体的目标,不要简单规定弹几遍,弹几个小时,要有质有量。 (四)坚持天天不间断,从中可以培养孩子的毅力和品质。 六、结论 钢琴艺术是一门历史悠久、文献浩瀚,与其他艺术门类以及文史地、数理化等各学科均有着广泛联系的艺术品种。无论是从钢琴教学的角度,还是从艺术审美的角度,都需要钢琴教师具备广博的文化修养和合理的知识结构,正像鲁讯先生所提倡那样:“学理科的偏看看文学书,学文科的偏看看工科书,看看别人在那里研究的究竟是怎么一回事”。只有在深厚、坚实的文化基石上才能筑起雄伟、高耸的艺术大厦。儿童从开始接触钢琴到能够独立演奏时一个漫长的过程。在这个过程中,教师的着眼点必须站在高处,要为长期的钢琴学习培养良好的习惯。作为一名教师更应该采取科学的教学手段,为儿童学习钢琴打好坚定的基础。树立正确学琴观念,只有这样才能使儿童的水平从长远意义上得到提高。 钢琴入门教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学 内容摘要:随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 关键词:儿童;钢琴入学;教学方法 国大文豪雨果曾有过一句话:“开启人类智慧宝库由三把钥匙,一把是数学,一把是文字,一把是音符。”随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。更重要的是科学家们长期研究的结果事业的蓬勃发展,一个以儿童为主体的全国性的社会钢琴教育园地已经形成,其规模之庞大在世界音乐史上都是从未有过的。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 一、培养儿童正确的弹奏姿势 俗话说:“苗栽的正,树才能长的直”。从小用科学的正确规范的弹奏姿势练琴,日后才能体会到正确运用身体的重量和力量来触健和发声,掌握弹奏的准确性。所以初学钢琴坐的姿势至关重要。 (一)坐的重心。坐在琴凳上重心要稳,儿童可以准备一个小板凳来充当脚垫,坐稳的同时还要注意重心靠前,即坐在琴凳的前半部分,使身体、手臂能够活动自如,弹奏时腰部要挺直,但不要僵,上身略前倾,这样便于在弹奏时把手臂的重量集中送到指尖。 (二)坐的位置。一般要求身体要于键盘的中央对正,座位的高低则有弹奏者根据自己的身高自行调节。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致,这才说明座位和钢琴的距离是合适的。 (三)手型。手型是弹琴者的“门面”,弹琴时手要放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键,掌关节自然拱起,像是虚握着一个苹果,手腕大约与键盘平行,不要全放在琴键上,仅以侧指端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要端正的站立在琴键上。 (四)脚的位置。弹奏时双脚要自然分开,膝关节的高度应略大于直角以保持重心的稳定。在学习使用踏板后左脚可以适当地前后左右移动调节,这样可以保持平衡。 二、弹奏方法 钢琴音乐中弹奏方法有很多,最基本的有断奏、连奏和跳音奏法,它们是构成弹奏的基础。这是儿童学习钢琴初级阶段中必须掌握的技术之一。 (一)断奏。断奏在钢琴作品中应用极为广泛,是手指技巧的基础。断奏是解决肩臂放松和锻炼手指支撑的最好方法。初学者容易出现肩臂紧张,手指软弱等问题,方法是手指按五指位置摆好,然后放松的将手臂提起来,手腕手指放松,手臂自然的落下,要弹的手指在琴键上站稳撑住,手指的三个关节突起,发音后手应立即放松,手型不变。这样才算一个完整的断奏动作。 (二)连奏。连奏的要求是让儿童弹奏出圆润如歌,流畅性的旋律。连奏手指触键要缓慢,用的更多的是手指的肉垫位。连奏是最基本最常见的弹奏技巧,方法是第一个音弹下去手指站稳,然后抬指弹下面的音,同时把力量转移过去,前一个手指里键。 (三)跳音奏法。跳音的弹奏可以让孩子把手指想象成芭蕾舞演员用足尖跳舞,这样就能找到指尖牢靠的感觉,或让儿童想象手指触摸到烫的物体的动作,一般人都会本能的把手迅速的拿开,来体验弹奏跳音的感觉。 三、教学方法 (一)技术语言应儿童化。许多初学的儿童对连奏领悟比较慢,我们可以把连奏的手指比作走路时的“脚”一只落地另一只脚抬起,自然交替。如果学生不能领悟,教师可以实际走给学生看,这样学生能较快地领悟连奏的动作要领。 初学琴的儿童常出现用力压键的现象,用不正确的方法去追求一种“响”。针对这种现象我们可以把好的声音比作荷叶上滚动的“水珠”,他是圆润的、透明的、流动的。我们的琴声也要给人一种集中、圆润、透明、流动的质感,通过这个比喻,学生就会用自己的耳朵辨别音的好坏,去纠正手指动作上的毛病。 (二)动作练习由“大”及“小”弹钢琴对手指、手腕等细微动作要求很高,稍微偏就会使钢琴弹出的声音有很大的区别,在入门阶段就要让孩子学会正确的动作,但由于儿童的肌肉群发育不完全,还不能做出精细而准备的“小”动作,只能从一些“大”动作开始,逐步变“小”,例如:刚开始儿童往往会将提手腕的动作做得很大,甚至越过头顶,要在肯定他的同时,慢慢告诉他,手就像一只小鸟,让小鸟飞的高本领很大,让小鸟飞的低本领也很大,我们来让小鸟飞的低一点好吗?从手越过头顶到手和眼睛一样高,再到手提起时和钢琴上放置琴谱的搁板一样高,再动作更小,通过二至三个星期的训练逐步将要求提升。 (三)学习重点由简入繁。儿童对注意力的控制很差,不能经常有意识的控制自己的动作,最常见的是:教师让孩子注意手型时,他却在想看下一个该弹什么音:让他数拍子的时候,他又在看自己的手型,让教育过程无法正常地进行,针对这一问题,就要要求用重点强调的方法来解决,也就是在某一时间段里,只要求做好一件事,暂时放弃其它方面要求。 四、教学中应该注意的问题 (一)应积极地培养儿童的学习兴趣孩子们从第一天和钢琴见面开始,就要天天和它打交道。从陌生到熟悉,从熟悉到产生感情,都需要相当长的过程。如果开始学琴的兴趣不稳定,时高时低,情绪忽冷忽热,练琴时心不在焉等,就会使儿童感觉是在没有丝毫兴趣和情绪下的强制学习,它们会从此产生对学琴的厌烦情绪,结果就会间接扼杀儿童的积极性和求知欲,因此,老师在上课时都要注意采用动静结合的教学方式在教学中穿插听音、听节奏的训练,讲些钢琴家的小故事。从此来调节儿童的大脑活跃气氛,同时又有效的吸引儿童的注意力,逐渐使他们从被动中解脱出来。 (二)培养良好的师生关系有的儿童天生就很胆小,上课时有一种紧张感。因此,要把儿童引进音乐的殿堂,帮助他们找到开启音乐大门的钥匙,就要帮助他们消除紧张情绪,可以尝试主动亲近他们、鼓励他们;主动和他们拉拉手,介绍自己,同他们聊天,问他们的喜好;多给予他们一下表扬等。待他们心情松弛一些,再把它们的注意力引到钢琴上来,建立良好的师生关系可以让他们从心里面接受老师的引导,培养他们对钢琴的兴趣。 (三)避免用命令式的语言,要问温和提出要求。心理学家霍布朗根据他的经验指出,以低和平稳的声调解决问题与使用激烈的辩论或演说强迫灌输,前者的教学方式更容易让学生理解和接受。同样,老师在辅导学生练琴时,若能用温和的语言对学生提出要求,孩子就会耐心倾听,乐意接受;但是,如果老师总用命令的口吻要求好好练琴,孩子就会产生不满,甚至产生逆反心理。所以采用建议和协商的方式去提要求,孩子将会心悦诚服地接受。 (四)忌长时间授课。学龄前儿童的注意力集中时间很有很,4岁左右的孩子约10分钟,五岁左右的约20分钟,六岁左右的约半个小时。幼儿园小、中、大班上课时间安排充分考虑了孩子注意力集中的特点。而有的钢琴教师在对幼儿授课时,常常长达一个多小时,也许是出于对教学的责任心,但却忘掉了实际的效果。对幼儿长时间的授课有多半是无用功,再加上教师如果缺乏精练、形象、生动而富有趣味的教学语言,就会加速孩子在课堂上的疲劳感,造成对钢琴的厌倦心理。对幼儿授课的时间必须充分考虑不同的孩子注意力集中时间的长短来确定。 五、树立儿童科学的练琴方法 教师除了教琴外,还应树立学生科学的练琴方法。对于儿童练琴的安排,一般应该坚持以下原则: (一)将练琴时间固定安排在学生精力充沛的时候,有利于集中注意力,保证质量,培养良好的学习习惯。 (二)儿童注意力集中的时间一般在20分钟左右,故每次练习时间安排20-30分钟为宜,每天安排两至三次。 (三)每次练琴要有明确的要求具体的目标,不要简单规定弹几遍,弹几个小时,要有质有量。 (四)坚持天天不间断,从中可以培养孩子的毅力和品质。 六、结论 钢琴艺术是一门历史悠久、文献浩瀚,与其他艺术门类以及文史地、数理化等各学科均有着广泛联系的艺术品种。无论是从钢琴教学的角度,还是从艺术审美的角度,都需要钢琴教师具备广博的文化修养和合理的知识结构,正像鲁讯先生所提倡那样:“学理科的偏看看文学书,学文科的偏看看工科书,看看别人在那里研究的究竟是怎么一回事”。只有在深厚、坚实的文化基石上才能筑起雄伟、高耸的艺术大厦。儿童从开始接触钢琴到能够独立演奏时一个漫长的过程。在这个过程中,教师的着眼点必须站在高处,要为长期的钢琴学习培养良好的习惯。作为一名教师更应该采取科学的教学手段,为儿童学习钢琴打好坚定的基础。树立正确学琴观念,只有这样才能使儿童的水平从长远意义上得到提高。 钢琴入门教学论文:儿童钢琴入门教学基本方法 摘 要: 作者根据教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为:让学生对钢琴进行认识,培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置,其步骤包括:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置,等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 关键词: 钢琴 启蒙 教学方法 随着我国社会经济的迅猛发展和人民生活水平的提高,如今钢琴教育逐渐走进千家万户,越来越多的孩子加入了浩大的琴童军团,同时对钢琴教师的需求也日益大增。面对一个零起点的孩子我们应该从何教起?我根据十几年的钢琴学习和若干年的教学经验总结出了一套通俗的方法。 兴趣是最好的老师。 根据相关统计,绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐,占总数的82%,一般的仅为16%,不喜欢的仅为2%。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下,对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查,则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42%,偶尔的占37%,不去的占21%。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外,更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长,而且受到家庭环境、社会氛围等诸多因素的影响。因此,无论是幼儿学习钢琴,还是音乐教师教授钢琴,培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向,对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用,而且有效地培养幼儿注意力的形成,促进智力方面的发展。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30―60分钟不等,一般课时安排为一周1―2节。 首先让学生对钢琴进行认识,尤其是对钢琴键盘的识别与记忆,并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授,要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正,坐得端正而不僵硬,上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开;下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜,膝盖的位置在琴边下,双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分,手臂与手腕的感觉与形态,再到教授手形、手指,等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用,因此应该注意好习惯的培养。手型应放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起,像是虚握着一个圆球,手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼,目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型,即高音谱表入门法,中央c入门法,多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法,目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识,例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平,等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后,教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置,每节课的必要步骤为:学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤。 在每节课开始前,教师应该先询问孩子在家的练琴情况,然后开始基本功的练习,让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏,并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较,培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图:利用现代教师的示范吸引学生的注意力,激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析,让学生体验到作曲家写作时的情感基调,从而更好激发学生的情感共鸣,为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点,即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标,使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平,继而培养孩子的各种能力,如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操,等等。根据个体和家长需求的不同,再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩,并且记录老师上课的内容,根据学生的上课实际情况,家长要及时督促学生进行学习,这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。
现代钢琴教学论文:现代教学论在钢琴教学改革中的运用 摘 要:在现代教学论的指导下,很多学科都走向更全面和更科学的道路。在近几十年来解决教学实践和教学理论中的各种矛盾,建立了开放的综合性的教学论体系。它为教育的各个方面以及环节提供了蓝本和教学指导。我国的现代教学理论研究与实践开展都比较晚,所以在钢琴的教学领域还有待改革和创新的空间,也希望能够在现代教学理论基础上更好的实现钢琴教学改革,使钢琴教学能走向更全面以及能够拥有更多的创新观念,同时也可以培养出更多创新型艺术人才。 关键词:现代教学论 钢琴教学改革 教育 教学 在我国艺术教学的领域里,一直都有着以传统的教学模式引领着艺术的发展形式。在许多方面都不能使学生往更全面,更新的艺术领域找到自己的位置。甚至因为传统教学观念的阻碍,使我国的艺术教学一直停留在旧理念、旧思想的摇篮里。更不能体会到外来西方文化的优秀和创新思想。也使得中国艺术发展的停步不前。所以我们也要更多的引用好的教学理论带动艺术教学的革新。使我国的艺术教学走向更好的平台。也为我国能发掘出更多创新理念提供了动力和基础。所以我们要将现代教学理论结合实践展开一种全新的教学模式。钢琴教学也属于艺术领域的一门学科,对人的思想观念、基本艺术细胞培养等也具有重要的文化实践意义。因此,在钢琴教学中也需要更新型、更科学的现代教学论作为改革的引导。 1.现代教学论本质要求钢琴教学首先实现教学目标的改革 开放性一直以来是现代教学论的重要特征之一。我国的教学改革起步较晚,大约起步于计划经济时期对基本教育的指标性改革。我们虽然有着前人优秀的传承与发展,但时代在快速的发展中,渐渐地,过去的教学模式因为跟不上时代的步伐阻碍了教学的发展。我们也希望能把现代教学论研究的成果运用到实践教学中,所以在现代教学论中开放式的教学主要体现在三个方面:一、是强调在教学中对国内外教学成果的应用,不局限于本国的文化教学,但强调能更多的吸收国外优秀的教学经验来巩固以及摸索出更适合我国的钢琴教学模式;二、是在钢琴教学过程中能更多的进行除艺术类学科专业的文化交流。三、则是主要加强钢琴教学与其他专业学科之间的教学交流与融合,也强调了不同流派的相互文化互动与教学交流。所以,在建立现代化创新型、开放性的教学模式,更应该明确教学的主要目的。要想融入现代教学理论的体系里,则更应该注重钢琴的表演过程的教学,这不仅能够提高学生对音乐的兴趣以及增加学生的音乐素养。也同样强化学生的艺术修养和培养了学生的自主创新能力。这足以看出,在传统的钢琴教学中更多倾向于钢琴技巧以套路式的学习以及培养。而现代教学论的钢琴教学模式则以互动性、开放性、创新性钢琴演奏为主的。 2.现代教学论的丰富内涵要求钢琴教学模式的多样化 因为现代教学论都是汇集了大量教育工作者的优秀文化思想与智慧的,所以在教学改革的不断进行中教学理论也一定渗入丰富的文化内涵。也要求了钢琴教学模式要从以往的单一的教与学的模式中脱离出来,引用更多创新型教学模式将钢琴教学的模式更丰富、更科学。同样,提高了学生的综合音乐素质和创新精神。 以往传统的钢琴教学模式都是以教师为中心,以灌输式教育为主导,从而是学生在演奏时缺乏艺术的活性,一味地按照老师教什么,自己做什么!更缺乏学生的自主性,以被动的学习状态存在。但在现代教学模式中则是侧重于怎么引导学生能够自己完成兴趣的培养以及自己能够主动地学习自己所感兴趣的科目或作品。在钢琴的不同教学阶段应该有着不同的教学模式。中小学更应该注重钢琴的基础学习和乐曲演奏。而高等院校则更注重钢琴演奏技能的培养,例如钢琴乐曲的赏析、乐理、以及制谱和作曲,更多的是给学生一个独立的演奏和思考空间。并非传统的灌输式教学模式。 3.钢琴教学模式中应用现代化教学论的创新启示 从20世纪的教育事业发展以来,国内的教育理念研究都趋向于强调教学系统性以及整体性。所以在钢琴教学中也要注重模式的系统性、整体性以及创新性。才能使学生更早的培养好素质教育的学习状态,保障了各方面能力的培养及提高包括基本的音乐素质培养。 (一)分班授课的教学模式创新 国内高校早已从单独的授课转向集体授课模式。但许多的高校内钢琴教学分班都是以学生的演奏水品进行划分的,虽然可以更大化的利用就教育资源,但对于学生的音乐素质的多元化以及学生的全面发展都是存在一定弊端的。所以钢琴教学应该从更细致的方面进行分组,即使分组也得建立在对学生的各方面钢琴知识与能力的综合进行划分。 (二)以学生为主体的主动学习 在现代教学里老师更多的是起到引导的作用,激发学生学习的兴趣、培养学生专业素养。教师也要在教学的过程中给予学生更广泛的要求与思考空间。 (三)综合探索型教学 探索性主要表现在教师通过教学实践中的革新不断地探索出先进的教学方法;教师在采取探索性授课模式激发了学生的学习兴趣,引导学生在学习的过程中发现问题以及解决问题的途径。教师也可以开展类似的专题课,培养学生的自主性与综合能力。 (四)演奏、评价、创作为一体的教学活动 钢琴艺术也是一门演奏艺术,学生的演奏技巧、音乐素养、创新思维都会反映到演奏中去。教师也可以开拓相关的中主题活动也有利于提高学生的演奏水平和创作水平。 在现代教学论的系统的指导下,钢琴教学的改革有了很大的突破。随着我国的钢琴教学的改革创新的推进,也使现代教学论在钢琴教学的改革中起着举足轻重的作用,也推动着教学向的更科学与更全面综合性发展。 作者简介: 郭安妮(1984年1月)女,汉,籍贯黑龙江齐齐哈尔,2013年6学毕业于吉林大学音乐学专业,现工作于白城师范学院音乐学院,硕士,研究方向钢琴演奏 现代钢琴教学论文:现代教学论在钢琴教学改革中的运用 【摘 要】现代教学论是教育、教学事业的的理论及实践总结。特别是在当前强调市场经济全球化的特殊发展时期,我国教育事业发展也大力倾注了信息化技术、通讯专业学科知识等,这对我国教育事业稳定、长足发展提供了莫大实践意义。同样,钢琴教学主张陶冶学生情操,强调激发学生艺术细胞培养,结合现代教学论则更能促进教学目标的灵活运用,对大力培养与指导钢琴学生教学有着客观现实意义。 【关键词】现代教学论;钢琴;教育;教学 现代教学论是我国教学事业工作者在过去几代人的共同教学努力、实践下所逐步获得的教育课题研究成果。在当前教育事业中,应用现代教育论不仅倾入了我国教育改革方式的文化内涵,同时也融入了当前经济时代下教学改革创新元素,具有重要教学研究价值。同样,钢琴教学属于一种文化艺术,对人的思想价值观、基本艺术细胞培养等也具备重要文化实践意义。因此,钢琴教学中同样需要立足实际,深切研究现代教学论的充分应用。 一、现代教学论本质要求钢琴教学能够实现教学目标变革 开放性教学一直以来是现代教学论强调的重点文化内涵。我国的教学改革模式历经过计划经济时期的基本教育指标改革,那一时期教学改革进程处于起步发展阶段,虽然了继承前人教学理论的精华部分,但时展步伐加快,教学实践模式过于守旧现象也切实存在,这显然并不是教育界人士应用当前现代教学论研究成果所客观期望的。因此,其中理论开放式教学含义应用在钢琴教学中主要体在三方面:一是强调强调教学实践理论的国内外成果研究应用,即教学模式不能局限于国内,强调吸收国外先进教训经验来巩固、摸索出适用的钢琴教学模式;二是钢琴教学应能加强除艺术类学科专业的教学文化交流;三是强调钢琴教学的实践成果研究,并重点加强钢琴教学和其他专业学科的知识体系融合,强调不同流派的教学交流与文化互动。基于此,构建现代创新性、开放性钢琴教学模式,则需要明确主要教学目的。也就是说,和其他音乐教学授课一样,除却基本教学任务指标完成以外,融入现代化教学论的钢琴教学中,应更能注重钢琴表演过程的教学交流,增进学生间的音乐素养培养,以强化艺术修养和学生自主创新能力养成的重点教学目标、目的实现。由此可见,传统钢琴教学则更多关注的是钢琴弹奏技巧的套路式培养,而倾注现代化教学论的钢琴教学模式则是以互动性、开放性、创新性的钢琴演奏为主,强调的是师生间的行为教学互动,并非单纯以演奏技巧掌握为首要教学目的。 二、现代教学论文化丰富内涵要求钢琴教学模式多元化 现代教学论由于倾注了大量教育工作者的文化思想智慧,所以随着教育事业改革的不断推移,其教学理论中也必然融入了较为丰富的文化内涵。因此,处于现代教育论的钢琴教学应用背景下,其教学模式并非单纯的讲演授课与技巧评价。而是通过诸如艺术心理学、人文学等学科的综合教育模式进行教学,从而促进学生德智体美综合素质创新发展及养成,使之学生学习情绪并非关注沉重的教学指标,而是乐于学习、喜欢演奏、主动研究弹奏技巧,不断激发学生发散性、创新性思维能够养成。至于传统钢琴教学,则更注重的是灌输式教育,以教育工作者为中心,从而学生在实践演奏时很难掌握技巧,弹奏也更为生涩,缺少艺术活力。而现代钢琴教学则会考虑到教学时代的不同,以及教学改革强调学生主动完成兴趣培养的这一自主式学习过程。同时,钢琴教学处于不同教育时期,其教学模式必然不能拘泥于守旧教学套路、模式、以及方法。这也是中小学阶段时钢琴教学为什么更为关注的是基本知识的学习与学习基础的打牢的根本原因。而高职院校则更为关注钢琴演奏的音乐技能培养,比如钢琴乐赏析、音乐理论研究、乐曲图谱创作、以及创新演绎等,在教学中更为关注学生独立演奏与独立思考,给予学生一定自主创作空间,包括予以学生吸收钢琴教学实践理论相结合的消化时间,而非传统教学上的灌输式教学模式。即传统教学注重硬性教学指标完成,只能抹灭学生的艺术“悟性”,限制了学生发散性思维的养成。 三、钢琴教学模式中应用现代教学论的创新启示 自20世纪中叶教育事业发展以来,国内外教学理论应用于实践教学时所一致提倡的应用趋势则是强调系统性和整体性。因此,现代教学论则客观把教学任务界定成为了一个不同层次有机结构整体,在钢琴教学中同样要延伸这种教学模式的整体性、系统性,包括最为重要的创新性,进而才能使学生间更为早期的养成素质教育学习态度,保障学生综合能力及素质养成。 (一)分班授课的教学模式创新 目前,国内高职院校钢琴教学已经实现了单独授课向集体教学授课的方式转变。不过,高职院校中在分班标准制定方面仍然看重的是学生演奏水平及技能素养水平,而教学授课形式确实也是分班进行授课。也就是说,这虽然高度利用了院校现有教学师资及教学资源,但由于学生间钢琴技巧学习差异客观存在,如若学生间处在同一水平线上则很难激发学生间的自主学习意识与主观能动性,故而这并不利于学生间的文化情操多元化培养。因此,如若不能客观做到优化分班调整,则应能主张学校进行细致化教学分组,调整“个体生”与优秀学生的分组方案。并且,这种分组方案可结合学生的基本专业知识架构水平、钢琴基础文化内涵、乐曲演绎的创新能力等进行分组定位,以有效确保分组合理。 (二)强调以学生为主的自主学习养成 教师除却认知到自身职责所在以外,应能熟知并体会自身教学的引导意义,强调教学引导为主,以给学生预留自主学习空间。同时,教师应能调整教学观念,并非只单纯顾及到学生掌握了多少基础、技巧知识等,而要客观把握学生个性、思想等,从而在确保教学氛围更为轻松与和谐,促使师生交流空间更为密切。 (三)强调综合探索性教学 探索性教学宗旨主要体现在两方面。一方面强调的是改革传统教学方法,注重教学方式、方法创新。另一方面,也包括积极引导学生进行自主式研究钢琴学习技巧。因此,在优化教学方式、方法的基础上,教师可以采取互动性的发问形式,抑或设定一些课程专题形式,并给予学生一定思考空间进行揣度,然后集中在课堂进行实践演绎及理论指导。包括课下安排学生收集资料,加强与学生积极交流等,从而才能创建课上、课下的愉快、和谐授课实施氛围。 (四)创新交流形式,组织演绎活动 钢琴属于文化艺术中的重要音乐工具载体,学生通过学习可不断掌握钢琴演绎技巧,培养因素素质及文化内涵。因此,教师在课下可以进行教学活动主体的研究与策划,然后通过基本授课以后的实践组织活动行为进行巩固,即可以采取即兴演绎、鼓励单独演奏、或其他乐器配合演奏的形式进行钢琴创新弹奏,从而才能和学生之间完成深层次的交流与互动。 四、结语 现代教学论应用于钢琴教学中,还有许多值得极力研究与推敲的课题问题,例如教学效果评价的优化与改革等。不过笔者相信,随着我国钢琴教学、音乐教学的改革创新及不断推进,必然能够提高钢琴教学水平的同时,最终促进学生间养成多重艺术创新能力。 现代钢琴教学论文:现代数字技术在高师钢琴教学中的应用 【摘 要】阐述现代数字技术在高师钢琴教学中的应用,即在钢琴教学与视唱练耳教学相结合的教学、钢琴教学与即兴伴奏教学同步的教学、钢琴重奏的教学、钢琴与小型乐队协奏的教学等中的渗透。 【关键词】现代数字技术 高等师范 钢琴教学 应用 现代数字技术是与电子计算机相伴相生的科学技术。在当今的信息化时代,现代数字技术已渗透到学习生活中的各个领域。计算机音乐作为音乐领域上的重大变革,就是现代数字技术与音乐艺术结合而产生的。它改变了传统的音乐教学、音乐创作、音乐制作、器乐演奏,把人类驾驭音乐、“玩转”音乐推向了一个顶峰。将现代数字技术应用于高等师范(以下简称高师)钢琴教学中,势必打破传统的教育教学方式,使得钢琴教学由单一变得丰富,由抽象变得具体,以至达到前所未有的效果,开创高师钢琴教学、研究的新领域。现代数字技术在高师钢琴教学中的应用主要渗透在以下几方面。 一、钢琴教学与视唱练耳教学相结合的教学 在高师钢琴教学中,不难发现在学生的练习中识谱、记谱、节奏是阻碍他们进步的因素,而这些因素都与视唱练耳教学有着密不可分的关系。学生得到一首钢琴谱例,应迅速分析作品的节奏群、调式调性;把五线谱音符“输入”大脑,并将注意力、记忆力、思维力进行整合,积极调动视觉、听觉神经,通过唱谱把音符表达出来,随之转换到手指的弹奏中。能力较强的学生得到一首钢琴谱例,即能一边看谱一边弹奏,这称之为视奏能力。视奏能力的训练与培养有助于学生钢琴演奏能力的提高。钢琴演奏能力强的学生在视唱练耳课程学习中是较为突出的,特别是在听辨音的高低、时值,听辨音程、和弦的色彩,旋律的模唱中会有所体现。因此,钢琴教学与视唱练耳教学是相辅相成的。 在钢琴教学中可将Auralia软件等现代数字技术融入视唱练耳教学中。Auralia软件是软件开发商Rising Software公司推出的一种视唱练耳软件,借助这个软件,可以对着话筒唱出音程、和弦、音阶、旋律,随后软件给予评判。软件的每个章节都有相关的理论介绍,配备音响资料及谱例。它的操作方法直观而明朗,简洁而方便。软件练习中分有级别考核,既可逐级考核也可跳级考核。电脑会对使用者的每一次考核作出评分和记录,由此可把持学习进度。软件中的多项功能均可自行设置,可根据教学的需求进行调整,使用于其他音乐课程,也可以根据学生学习进度而调整。由此,把钢琴乐谱中的旋律输入Auralia软件系统中,让学生练习,有利于提高他们的读谱视奏能力,达到有方法、有步骤地学习钢琴。 二、钢琴教学与即兴伴奏教学同步的教学 在高师音乐教育课程中,即兴伴奏是一门专业必修课。该课程的目的是使学生基本掌握不同体裁、不同风格歌曲编配的一般规律,培养学生的快速编配弹奏能力、创造能力及综合反应能力,提高钢琴伴奏的艺术表现力。高师音乐专业学生学习钢琴的主要目的是弹好伴奏,并具有一定的伴奏编配能力,能在中学课堂中胜任音乐课的独唱、小组唱、合唱伴奏,胜任校内外文艺演出的各种伴奏。在高师钢琴教学过程中结合即兴伴奏教学,丰富的教学内容、科学的教学方法及先进的教学模式,可以使学生不但掌握基础的弹奏技巧,而且掌握一般伴奏的和声编配及伴奏织体。可见,钢琴教学与即兴伴奏教学同步进行具有可行性与实用性,更能体现高师钢琴教学的目标和方向。 可考虑运用计算机音乐软件进行即兴伴奏教学。为了形象而直观地讲授即兴伴奏教学中所涉及的曲式结构、和声布局、伴奏织体、弹奏技术等理论知识和实际操作问题,在教学中运用数码钢琴教室及计算机音乐软件进行教学,加强教师与学生之间的交流,激发学生学习积极性,从而取得良好的教学效果。 第一,利用Encore的乐谱显示功能进行讲解。Encore是美国Passsport Designs公司开发的专业五线谱制作软件,它以谱面规范、功能性强、智能性高等特点,给使用者以操作简便的印象。它即可以制作各式各样的五线谱,也可以用于教学中显示乐谱的声音和图像。在即兴伴奏和声布局讲解中利用Encore的乐谱显示功能把乐谱和声音同时展现在学生面前,还可以进行节奏、和声编配的练习。例如,教师在讲解乐曲中的和声连接时,可以通过数码钢琴教室中的MIDI键盘弹奏不同方式的和声连接,不同形式的伴奏织体。学生在听到音响效果的同时,还能看到乐谱显示,根据听觉和视觉来判断哪种编配效果更好。教师出示一些旋律让学生在Encore乐谱软件和数码钢琴键盘上完成和声的走向等问题。可以说这样的教学方式打破了传统理论讲解中的枯燥、乏味、难以理解的情况,让学生在轻松、自信、愉悦中学习。 第二,利用西贝柳斯7乐谱编辑功能进行习题示范和批改。西贝柳斯7乐谱编辑功能是目前音乐软件中最为出色的。学生在课堂上操作,教师讲解、批改和声编配习题时,使用西贝柳斯7乐谱编辑功能能取得事半功倍、融会贯通的效果。如在练习和声连接时出现倒置、平行八五度、隐伏八五度时,可使用西贝柳斯7乐谱编辑功能中的复制、撤销、恢复功能把出现错误的练习片段复制到下方音轨道的同一小节同一音符的位置上,并利用西贝柳斯7乐谱编辑中的撤销功能把多余的声部去掉,只留下出现问题的两个声部。由此学生对做题出现的正确或错误会有清晰的判断。 教师在教学生如何进行和声连接时,可以把同一旋律复制到相应的轨道中,学生可根据自己的观点配置和声,再通过西贝柳斯7乐谱编辑中的录音功能把配置的和声播放出来。通过教师的讲评与学生之间的相互讨论来确定最佳的配置方案。这样的教学过程避免了学习的枯燥、乏味,可调动学生的思维。 第三,利用Tonica音乐软件掌握不同乐曲和声风格及做题。在即兴伴奏和声编配的教学中,运用Tonica软件特有的练习功能,能节省大量的时间,提高效率。Tonica音乐软件是一款供音乐院校专门学习四部和声的教学软件,人们可以按照四部和声的S,A,T,B输入音符,在计算机上完成和声编配,也可以MIDI设备播放所连接的和声,与手上做题相比较,聆听到实际的音响更具直观感。另外Tonica音乐软件的自动配和声功能能够让学生感受到不同和声风格的变化,理解和声配置上的方法差异。 第四,利用Nuendo3录音功能指导和声连接弹奏。Nuendo3音乐软件中的录音功能分有手动录音、自动录音、循环录音三种。手动录音要先点亮音轨前面的录音键,然后单击工具栏中的“Record”按钮即可开始录音。Nuendo能够在指定位置从播放状态自动切换到录音状态,这就是手动录音方式。利用Nuendo3音乐软件中的录音功能和乐谱编辑功能,学生在做和声习题时弹奏和录音同步进行,随即把做好的题目以五线谱的形式输出,教师再根据五线谱指出问题。在和声编配恰当的情况下把它转变为伴奏织体,通过Nuendo3音乐软件中的录音功能输出,和声编配与伴奏织体相比较,大大提高了学生的动手创作能力。 三、钢琴重奏的教学 钢琴重奏包括四手联弹、双钢琴联奏、多台钢琴重奏。这些钢琴重奏形式广泛运用于音乐会上,在高师钢琴教学中也已展开教学研究与实践。 钢琴重奏教学中最难的是演奏合作者之间的配合,按照传统的教学方法,每个演奏者在课后练熟再在上课时与合作伙伴练习。这样的上课模式使得练习者要花费大量的时间反复磨合,而且练习起来比较枯燥乏味。把Nuendo3软件录音功能运用到教学中,则可以缩短练习时间,提高演奏者的听觉及演奏质量。 在钢琴重奏教学中,把低声部或高声部的乐谱弹奏进行录制,采样时可通过教师弹奏进行采样、录制、编辑。音频制作完成后分别给高、低声部的学生配合练习。练习时可以采取分乐段、分乐句、分重点、分难点进行训练。也可以通过Nuendo3软件中时间伸缩的方式把音频速度调整放慢练习。这样的辅助方式,避免了每个声部的学生练琴时间冲突,提高了练琴的效率,调动了学生学习的热情,缩短了教师指导学生练习的时间。 例如,教学美国作曲家格什温作品双钢琴《前奏曲第一首》,这首乐曲采用了布鲁斯和查尔斯顿等美国民俗音乐的节奏和旋律。我们把第一钢琴和第二钢琴分别进行录制。首先建立音频文件,设置采样率在44.100Khz至192.000Khz之间,采样精度选择24Bit,音频格式选择Wave File格式。再建立音频轨,选择录成立体声。接着进行录音,根据实际情况选择自动录音。因为考虑到真人演奏会出现停顿、小错、断开等问题,所以要对已经录制内容中的某些部分进行替换。在录音的同时可以直接加入效果或进行均衡处理,但是加入效果器录制就不能更改音频了。然后进行音频编辑,重复录制的、有错误的音频片段可以剪切,把完整的音频片段剪切下来再合并成为完整的音频。还可以利用淡入、淡出的功能对剪切合并的音频进行音量的调整,用采样混响器对音频进行混响处理以表现弹奏的真实感。 四、钢琴与小型乐队协奏的教学 高师音乐专业教学选修课中都开设有小型乐队排练,可根据各高校的实际情况组建小型管弦乐队、小型民族乐队、小型电声乐队、小型混合乐队。其中钢琴作为独奏乐器也尝试着与各种小型乐队合作,在音乐会演出中崭露头角。 (一)钢琴、小型乐队排练中的总谱 总谱指以多行谱表显示一首多声部音乐作品的乐谱形式。在钢琴和小型乐队的协奏中使用的是大总谱。无论是哪种小型乐队与钢琴协奏,小型乐队在乐队排列、记谱、演奏标记都有一定的要求。在乐器排列中要根据不同器乐的发生原理及音色的不同来划分;在总谱记谱中要按照乐器高、中、低由上至下的循序排列,其中小型管弦乐队的排列由上而下分别是木管组、铜管组、打击乐器组、弦乐组;小型民族乐队的排列由上而下分别是吹管组、弹拨组、打击乐器组、拉弦组;小型混合乐队的排列由上而下分别是吹管组、木管组、铜管组、弹拨组、打击乐器组、拉弦组和弦乐组。在大总谱记谱中出现有力度、速度、演奏的标记,力度标记是标在各乐器谱的下方;速度标记标在木管乐器组和拉弦乐器组的上方;演奏标记应清晰明了地标在乐器谱上方。钢琴作为独立的乐器,它的位置摆设在小型乐队的前方,指挥的左侧。 (二)运用Nuendo3软件进行总谱编配 Nuendo3软件的乐谱功能非常完善,与专业的制谱软件相比无懈可击。它包括音符的编辑、乐谱的布局、乐谱的输出。[Scoye Editor]乐谱编辑器窗口用五线谱的形式显示MIDI音符,并具备完整的谱号、拍号、速度、休止符及相关的音乐符号,还有各种排版格式。它还可以从总谱中把所需的乐器谱格外导出来,以方便演奏者练习。在教学中,创作出小型乐队与钢琴协奏的乐谱通过Nuendo3软件的乐谱编辑器谱写总谱,可以为钢琴教学提供方便。 (三)运用Nuendo3软件进行混响编辑录音 把小型乐队的演奏通过Nuendo3软件的录音功能进行录制,编辑中加入混响,把它录制完整后让钢琴演奏者在练习时结合小型乐队的录制音乐。小型乐队排练时同样可以结合钢琴的录制音乐练习。这样可以节省大家的排练时间。录制的音乐经过编辑、处理,可以达到立体声和环绕声的音质效果,演奏者在练习中能感受到美好的音质、音色,增进练习的干劲,增强音乐的感觉。 五、钢琴作品曲库的建立 钢琴作为乐器之王,能给人在听觉、视觉、感觉上带来震撼。许多音乐家、作曲家受它的独有魅力感染、吸引,创作出大量的钢琴作品。高师音乐教育专业的学生在三年或四年的钢琴学习中所接触的钢琴作品是有限的,只能接触一些富有代表意义的作品。钢琴作品曲库的建立无疑拓宽了学生的接触面。学生通过浏览、视听钢琴曲库中的作品,掌握与理解各个时期不同风格、不同乐派的音乐特点,有利于在弹奏中运用恰当的触键方法及正确的演奏方式表达出音乐的内容和风格。 在高师钢琴教学中利用数码钢琴进行小组课、集体课教学能更好地提高教学效率。数码钢琴教室由键盘系统、语音系统、音像系统、操作平台系统、计算机音乐系统组成。其中利用计算机音乐系统中的硬件、软件的装置建立 MIDI钢琴作品曲库,使学生在有限的学习时间里了解不同时期、不同乐派、不同作曲家、不同风格的钢琴作品,从而拓展学生的音乐视野,提高学生的音乐修养和弹奏水平。 建立曲库需要一定的硬件及软件。建立曲库的硬件,即计算机音乐系统,包括:计算机主机、MIDI接口、软件、打印机和扫描仪组成的电脑系统;采样器、鼓机、合成器和MIDI控制器组成的音源系统;双轨、单轨、多轨录音机、CD播放、刻录机、功率放大器、监听音响、调音台、效果器、均衡器组成的录音音响系统。在数码钢琴教室里,借助音像系统、教师用琴、电脑主机、MIDI接口即可配备好建立钢琴曲库所需的硬件。特别强调教师配备的高级、全方位的数码钢琴,它具备变化多样的重奏功能、多种乐器的自动伴奏功能、制作音乐的音序功能,它支持播放规范的 MIDI钢琴作品。建立钢琴曲库所需的软件较多,如Encore4.5、Nuendo3、Mw3、Cakewalk3.0、Cakewalk9.03及相关的钢琴教学软件、Midi播放软件、自动伴奏软件、多媒体软件,等等。 曲库的建立主要包括两方面内容:一是MIDI钢琴作品曲库的内容。根据高师音乐专业钢琴课程的培养目标、教学任务、课程性质,把曲库的内容分为练习曲、复调作品、奏鸣曲、乐曲四个部分。练习曲包含了拜尔、莱蒙练习曲、车尔尼599、车尔尼849、车尔尼299、车尔尼740、肖邦练习曲、李斯特练习曲、拉赫玛尼诺夫练习曲。复调作品包含了巴赫创意曲集、亨德尔作品。奏鸣曲包括库劳、斯卡拉蒂、莫扎特、贝多芬、海顿的作品。乐曲包含了各时期、各乐派作曲家的作品。歌曲伴奏编配也是钢琴教学中重要任务之一,在曲库内容中增添不同类型的歌曲伴奏及结合中小学音乐教材来选择,势必对学生掌握弹奏和伴奏技巧有很大的帮助。二是MIDI钢琴作品曲库中的曲目来源。自行制作MIDI钢琴曲,充分利用数字录音棚、电脑音乐制作室、数码钢琴室中的电脑音乐系统及带音序的数码钢琴、采样器、鼓机、合成器和MIDI控制器等来制作MIDI钢琴作品。购入MIDI钢琴作品磁盘,可以浏览巴洛克时期、奏鸣曲式的古典时期、浪漫主义时期、印象主义时期、现代主义与时代趋势时期极具代表的音乐大师的作品。随着电子数字化的飞速发展,网络上各种音乐网站的MIDI乐曲应有尽有,教学中可以根据需求下载。数码钢琴教室及音乐教学机附加配备有MIDI钢琴乐曲。 综上所述,当前高师钢琴教学中的教学内容、教学方法、教学手段、教学形式等在全球现代高科技、数字化的背景影响下有了很大的改变,高师钢琴教学研究正走向一个更为广阔的空间。各高师院校应脚踏实地,发扬勇于探索的精神,开创崭新的高师钢琴教学领域,在摸索中进取,在实践中育人,为培养弹奏与教学一体化的应用型、复合型人才而努力奋斗。 【作者简介】卢婷婷(1978- ),女,壮族,广西宜州人,桂林师范高等专科学校音乐系讲师,硕士,研究方向:钢琴教学与钢琴演奏。 现代钢琴教学论文:浅谈现代钢琴教学中双钢琴教学的作用 双钢琴演奏于20世纪末逐渐出现在我国演奏舞台上,其独特的演奏形式和新颖的曲风一经亮相,就受到我国音乐界及音乐爱好者的青睐。在我国的钢琴教育界,双钢琴教学逐步开展起来。 钢琴演奏者为声乐、器乐伴奏的同时,可以看到合作者;四手联弹时演奏者座位比较近,可以感受到对方的气息和动作;钢琴在协奏时,演奏者也可以看到指挥的提示;而双钢琴的合奏不同于其他,既没有指挥,两位演奏者座位距离又比较远,互相看不到对方的手和身体的动作,尤其在摆放着乐谱的情况下就更难看到对方,快速的演奏中演奏者来不及通过目光进行交流。因此,只有通过平时练习中大量的磨合,明晰彼。此,在心理上得到一个统一的认识,形成一个共同的、看不见的、内心的“指挥”,才可做到准确、再准确,最终达到较完美的艺术境界。 演奏者对作曲家作品再度创作的重要性毋庸置疑。双钢琴演奏者之间共同对作品进行分析、讨论是始终伴随在合作当中的。每首乐曲和每个乐段的起速、转折、结尾及乐曲表现的风格、情绪等等所有的细节都需要两位演奏者不断研究、揣摩、尝试,最后达成一致。 两架钢琴合奏时对听觉的要求更高。一要听节奏。两架钢琴不同于钢琴和其他乐器的合作,在钢琴作为协奏和伴奏时,有的情况下节奏准确度有些差别并不影响整体效果。二是要听两架钢琴音量的平衡。这其中包括很多方面:主奏与伴奏的音量平衡、主要声部与伴奏声部的平衡。如果两人都是右手的主旋律,那么主要声部是否音量相同、伴奏的左手是否音量要一致、同时强与同时弱的音量平衡、渐强与渐弱时的音量平衡等等,都需要一次次的尝试。三是要听两个人的音色。根据作品的需要,有时要追求接近的音色,这就需要采用相同的触键方法和相同的下键速度,也有时会为了形成音色的对比而要求演奏者采用不同的奏法等等,在练习时要达成一致,反复磨合,在演奏过程中也要随时倾听对方,及时调整,使音乐表现趋于完美。 双钢琴教学要进行有的放矢的科学训练。它的教学有着一些和钢琴独奏教学共同的原则与方法,同时又有着很多自己独特的训练要求。正是这些独特的训练使教学具有很强的针对性,从而使双钢琴教学既是一门独立的艺术,又是辅助和促进钢琴独奏教学的有力臂膀。 1.针对听觉能力的训练 优秀的钢琴家要有灵敏的听觉,在进行双钢琴的演奏时,强调的正是在演奏和倾听好自己声部的同时,用心聆听合作者的演奏。首先从有较明确的旋律线条和清晰的伴奏织体的古典时期作品入手,要准确地听到双方在演奏中包括在节奏、力度、触键、分句等各个方面的问题,然后在适当的时候,互相指出,并以此为基础,找到适合于自己的处理方式,以保持音乐形象与情感的协调一致。在这里,教师必须要求学生具有音乐的敏感性。如此反复,在听觉已受到基本的训练之时,再去练习有较复杂的和声与织体的近现代作品,学生应该可以像倾听自己演奏一样地来倾听合作者的细微变化与处理,随心所欲地调整自己的演奏。 2.针对节奏控制能力的训练 节奏对于音乐的重要性是不言而喻的,而表现在演奏中的节奏问题恰恰又是最为复杂的。双钢琴的教学着眼于合作者互相配合的默契一致,而促成一致的主要因素之一就是节奏。教师首先应当要求学生对乐曲节奏和节拍的律动有正确的感觉,并能做到全面控制,形成正确的节奏感。然后,再进一步要求合作者们在演奏相同音型时保持高度的一致性,这种特定方式限定了合作者必须把乐曲弹的准确无误、熟练流畅,才能形成较好的配合。 3.针对合作能力的训练 合作、沟通的能力是很多钢琴独奏专业学生欠缺的重要能力。一段时间以来,在很多国际高水平的大赛中,中国选手虽取得了一些成绩,但也暴露出各种问题,其中很大一部分就是我们的选手个人的演奏能力并不差,但在进行与其他重奏乐手、与乐队合作的决赛中,表现出经验不足,合作能力差,驾驭能力欠缺的问题,而双钢琴训练正是解决这一问题的良方。一组双钢琴演奏者的水平高低,取决于合作水平的优劣。一首双钢琴作品演奏的成败,是两个人共同努力的结果,两个人组成的整体是密不可分的。 重奏有多种方式,就钢琴而言,除了四手联弹外,还有双钢琴重奏、三钢琴重奏等多种方式。双钢琴合奏这种方式就可以完全避免在四手联弹中出现的问题,同时又可以进一步加强对学生的重奏训练。 1.双钢琴重奏能提高学习者的主动性和学习兴趣 钢琴学习是一个漫长而艰苦的过程。在钢琴教学中,总是教师教,学生弹,拘束单调的练习和教学内容及方式的枯燥无味,很容易造成学习者对钢琴丧失学习兴趣,对于年纪较小的学习者来说,这种情况尤其明显。而双钢琴重奏的教学方式则可以将这种灌输式的教学方式变更为合作式的教学方式,能大大提高学生学习的主动性和练琴的积极性。 学生在学会一首乐曲后,会以一种完成任务的心态来进行课后练习,对弹奏完整性的要求并不强烈,多数会以教师的认可作为练习标准,这就造成学习者被动进行课后练习,对练习目的具有盲目性和主观性。而双钢琴重奏则需要将乐曲练习到能与合奏者接近的程度,从而才能将乐曲完整和谐地表达出来。出于对自身自尊与进取的需求,练习者往往会以教师的弹奏程度作为自己的练习标准,这样一来,就会主动地加强课后练习,在不知不觉中提升其练习标准,从而达到更好的学习效果。因此,双钢琴重奏这种方式可以强化学生学习的参与性和主观能动性。简单而言,就是提升学习者的学习兴趣,而兴趣正是钢琴学习中的一个非常重要的主观因素。 2.双钢琴重奏能提高学习者的踏板技巧 双钢琴合奏教学方式亦能提高学生在钢琴弹奏中踏板的技术技巧。在钢琴独奏中,学生在学习踏板的使用时往往比较被动,一般是老师怎么说,我就怎么做,年龄越小的学生在这一点上表现得越突出。对于踏板踩得深浅、快慢等许多细微的差别,学生根本就不去仔细地分辨,所以,踏板出来的效果总是比较粗糙,甚至对老师指出的问题根本就听不出什么区别,更不会积极主动改正。而在双钢琴演奏中,由于第二钢琴的加入,音乐的声部变得更加复杂,这使得踏板雄浑和清晰的效果都得到了强化,而更能使学生感受到踏板深浅和长短等细微区别的不同声音效果。 现代钢琴教学论文:浅谈传统弹奏法与现代弹奏法在钢琴教学中的差异 【摘 要】随着钢琴教学的不断深入,好的教学方法不断涌现,现代弹奏法开始不断的推进,逐渐的替代了传统弹奏法。现代弹奏法从提出以来,以其富有时代表现力的特点逐渐被应用。本文从传统弹奏法和现代弹奏法概念上的不同出发,重点介绍了传统弹奏法与现代弹奏法在钢琴教学中的不同。最后得出:在未来的教学中,应该大力倡导并把现代弹奏法运用到钢琴教学中,让每一个钢琴爱好者及练习者都能够科学、正确地学习钢琴,以此提升教学质量。 【关键词】现代弹奏法;传统弹奏法;钢琴教学;教学质量;手型;触键 对于钢琴教学的研究已经受到越来越多钢琴爱好者的重视,成为一个重点课题。如何才能科学的提高钢琴教学质量并提高钢琴学习者的兴趣已经成为广大教育工作者探讨的优秀问题。在这种环境下,现代弹奏法应运而生。它已经被很多的钢琴工作者所应用。然而,目前仍有很多的教师在沿用传统的弹奏法,没有将思想转变过来,这是非常可怕的。因此,本文从传统弹奏法和现代弹奏法概念上的不同出发,重点介绍了传统弹奏法与现代弹奏法在钢琴教学中的不同。最后得出:在未来的教学中,应该大力倡导并把现代弹奏法运用到钢琴教学中,让每一个钢琴爱好者及练习者都能够科学、正确地学习钢琴,以此提升教学质量。 一、传统弹奏法与现代弹奏法内涵分析 1.传统弹奏法的内涵 传统弹奏法是一直以来钢琴教学一直沿用的一种教学方法,它遵循“手指弹奏,手臂固定”的原则,主要有两个代表风格,分别为克列门蒂“动力性演奏风格”以及维也纳“手指学派”。其中维亚纳“手指学派”主要强调的是手指用力,突出音色清晰透亮的特点。而克列门蒂“动力性演奏风格”主要要求抬高手指,下键动作快等。 2.现代钢琴弹奏法的内涵 现代钢琴弹奏法是在钢琴教学中的不同19世纪最后10年间逐渐发展起来的,也叫做重量弹奏法,强调应当让肩部大肌肉来担负,力量来自肩部和大臂放松时的自然重量。 二、传统弹奏法与现代弹奏法在钢琴教学中的不同 分析传统弹奏法在钢琴中的应用与现代弹奏法在钢琴中的应用,其主要不同体现在以下几点:手型,手腕,以及触键的训练。 1.手型 传统弹奏法对于手型的要求是,手型要拱起来,手指必须弯曲,这种方式容易让弹奏者手臂紧张,而现代弹奏法强调要自然手型,手指自然弯曲呈弧形而不是半圆,这样就会显得自然,不会让手臂感到紧张。 在传统弹奏法和现代弹奏法对于手型的要求来看,传统弹奏法对于手型的要求其实是违背了正常生理习惯,容易造成手臂紧张,不自如,时间较长甚至会出现职业病。而现代弹奏法做到了以人为本,其要求的自然手型不需要额外用力,手臂相对放松。现代弹奏法的手型要求正是从生理上使习琴者感受到放松,这为以后的放松演奏打好坚实的基础。 2.手腕 手腕与手臂必须做到相平,手腕不允许动,手指上下击键这是传统弹奏法对于手腕的要求,而现代弹奏法则允许手腕有弹性,可以上下浮动,也可以左右的进行动作。 传统弹奏法对于手腕的要求使得动作容易僵硬,出现弹奏不连贯的现象,同时为了避免不连贯甚至要求在手腕上放硬币,这样的机械训练,会让手腕更僵硬,效果更差。而现代弹奏法要求弹奏者是个全身的活动,为了能够直接的传达自然重量,要使从肩膀到手指之间形成一条直线,手臂重量能够通畅地传到指尖而不在手腕部位卡住。好听的声音不止靠手指控制也在于手腕的调节和配合,只要我们把从肩到指尖想象成一个整体来演奏,就能达到好的效果。 3.触键的训练 传统弹奏法以高抬指及指尖扣击式触键为特点,作大幅度关节及肌肉动作,训练手指的力量和独立性,这种方式效果不明显,甚至有些为了急于求成,进行标榜,这种方式是荒唐的,无效的。而现代弹奏法是运用身体的自然重量,手腕、手臂一直到肩关节都充分放松,没有一处僵硬,保持其潜在的灵活性。 三、总结 在未来的教学中,应该大力倡导并把现代弹奏法运用到钢琴教学中,让每一个钢琴爱好者及练习者都能够科学、正确地学习钢琴,以此提升教学质量。 现代钢琴教学论文:现代教学论在钢琴教学中的应用分析 摘 要:本文从现代教学论的理念和重要性出发,重点介绍了现代教学论对钢琴教学理念革新以及模式创新的价值,通过这两点的重点介绍,充分说明了现代教学论在钢琴教学中的重要应用价值。 关键词:现代教学论;钢琴教学;应用分析 一、前言 钢琴教学作为音乐教学中的重要组成部分,研究其教学方法和途径对于音乐教学也是非常重要的,是提高钢琴教学以及音乐教学的重要措施和途径。近年来,随着钢琴教学理念的不断更新,很多新的钢琴教学观念和理论以及方法不断地冲击传统的教育方式,各种新颖的教学模式不断涌现。 现代教学论认为教学过程是一个促进人的发展的过程,即促进全体学生全面、持续发展的过程;在课堂教学中,知识的传递不是目的而是手段;教学的根本目的在于借助于知识的传递,特别是通过知识背后所蕴含的意义和价值,来引导、促进学生的发展。 在钢琴教学中,现代教学已经引起人们的重视,对于现代教学在钢琴教学中的应用,很多教育工作者也在不断尝试,并取得一些较为明显的效果。现代教学论作为不断发展的先进理论,需要教育工作者不断探索学习和应用,那么,它对于未来钢琴教学一定会起到更加重要的作用。 二、现代教学论在钢琴教学理念革新中的价值体现 在分析现代教学论在钢琴教学理念革新中的价值时,必须首先讲解传统的教学论,通过比较传统教学论和现代教学论,来有效地体现现代教学论在钢琴教学理念革新中的价值。众所周知,传统教学论实质上是一个特殊的认识过程,就是在教师的指导下,学生认知已有的成果的过程,该过程基本是一个被动的教师讲解、学生学习的过程。对于钢琴教学来讲,一般都是:教师讲解乐谱与技巧知识点—示范演奏—学生模仿—教师纠正—学生练习这个过程。该过程其优势在于能够很好地做好基础工作,打好基础,这就是传统教学的优势所在,但这个过程却经常会导致学生在音乐上的审美认识和创造能力的提高上进度缓慢。 对于现如今很多的钢琴学习者,基础都比较牢固,需要练就的是审美认识和创造能力,这也是钢琴教学非常重要的目的。因此,传统的教学论已经不能满足钢琴教学的需要,随之而来的现代教学论的出现恰好适合这一要求。它是促进人的发展的过程;教学的根本目的在于借助于知识的传递,特别是通过知识背后所蕴含的意义和价值,来引导、促进学生的发展。通过近年来对于现代教学论的使用,总结出如下现代教学论的几个重要特点:第一,现代教学论要求钢琴教学关注教学方法的灵活运用;第二,现代教学论坚持以学生为中心,因此在师生关系方面强调学生主体作用的发挥;第三,现代教学论的开放性特征使钢琴教学的改革要将开放性作为基本理念和追求目标。由此可见,现代教学论能够非常有效地在钢琴教学理念革新中体现价值。 三、现代教学论在钢琴教学模式创新中的价值体现 所谓教学模式是指在一定教学思想或教学理论指导下建立起来的较为稳定的教学活动结构框架和活动程序。现如今,通过教学实践发现,现代教学论可以有效地体现钢琴教学模式创新的价值。因为现如今钢琴学习必须以学生为中心,必须不断地满足学生的学习需求,这就需要在钢琴教学中体现个性化和开放式教学,而现代教学论正好迎合了这一点。 比如根据现代教学论,钢琴教学可以采取较细致的分组或者说小班教学。这样通过分组或者小班教学可以明显提升课堂质量。又如,为了提高学生演奏水平与演绎能力,采用情境教学与演出实践等开放性的创新方法,采用多种手段(包括声音效果、画面情景、多媒体系统等现代教育手段)将学生较快地引入相应的情境之中,有利于学生的理解和演绎,从而取得较好的教学效果。 由此可见,根据现代教学论可以有效地提升钢琴教学的模式,对于教学模式的创新具有非常好的指导价值。 四、总结 总之,代教学论作为不断发展的先进理论,需要教育工作者不断的探索学习和应用,那么,它在钢琴教学理念的革新与教学模式的创新方面都具有影响价值,对于未来钢琴教学一定会起到更加重要的作用。 现代钢琴教学论文:现代教学论在钢琴教学改革中的运用 现代教学论作为一个内涵广阔的理论体系,是近几十年来为了解决当代教学实践和教学理论中的各种矛盾,建立起来的开放的综合性的教学论体系。它涉及到教育的各个方面和环节,作为一个综合体系也涉及到各学科门类的教育。我国的现代教学理论研究与实践开展较晚,基本上都是二十世纪八十年代之后发展起来的。同样,在钢琴教学这一领域还有待不断改革和创新。 一、 现代教学论的本质特征要求钢琴教学的目标转变 开放性是现代教学论的重要特征之一。现代教学论本身是一个开放性体系,是在近几十年的教育研究与实践的基础上建立起来的,并且是一个不断革新发展的理论体系。现代教学论的开放性主要体现在三个方面:一是在教学论研究中对国内外教学论研究成果的开放与交流;二是教学论对其他相关学科的开放与交流;三是教学论内部分支学科之间、各种不同教学论流派之间的开放与交流等。 具体到对于钢琴教学也同样如此,钢琴教学的模式既要借鉴国内外先进模式与研究成果,也要与其他艺术门类(特别是音乐学科)的教学模式对比研究。要建构创新型钢琴教学模式,第一需要更新钢琴教学目的观。与其他音乐教育一样,现代钢琴教学的目的应该是通过钢琴表演的教学过程,培养学生的音乐素质、增进学生文化与艺术修养、培养健全人格和创新素质。传统钢琴教学以培养学生钢琴演奏技巧为目的,这在现代钢琴教学中属于培养学生音乐素质的内涵而并非唯一的首要的目标。 二、 现代教学论的丰富内涵要求钢琴教学模式的多样化 现代教学论内涵丰富,要求钢琴教学模式从以往的单一的教与学的模式解放出来,采用多种创新模式将钢琴教学规律与其他音乐教学、艺术心理学等综合起来构建新的模式,从而提高学生综合音乐素质、培养创新精神。 传统钢琴教学以教师为中心,以灌注式的教学为主导,通过指导学生反复练习以达到熟练演奏技巧的目的。而现代钢琴教学以学生为主体,培养学生学习兴趣从而促进学生自主学习,激发学生创新思维。在钢琴教学的不同阶段应有不同的教学模式。高校钢琴教学就应区别与中小学阶段以钢琴基础知识和乐曲演奏为学习重点,而增加钢琴演奏欣赏、音乐理论学习、乐曲创作与演绎创新等重要部分,即扩大学生知识面又对综合能力提出更高要求。在教学中注重学生的独立思考过程,需要给学生理解、消化与思考的时间与空间,而不能仅仅是灌输。如果按传统的指示性教学,往往会限制学生的创新思维,抹灭了学生的“悟性”。此外应采用引导型教学、研究型教学等新模式。 三、 现代教学论对钢琴教学方法创新的启示 从上世纪中叶以来,世界范围内教育理论的研究的共同趋势就是系统性、整体性;因此现代教学论把教学的存在看作是由许多不同层次构成的系统整体。在钢琴教学中也需要注意到教学方法的系统性、整体性、创新性,从而达到学生素质培养的全面性。 1. 高校钢琴教学分班授课的创新。我国高校钢琴教学早已从单独授课向集体授课转变。但许多高校的钢琴教学分班或分组教学往往是单一地建立在学生演奏水平的差异之上;虽然可以最大化利用教育资源,但不利于学生对音乐素质的多元化取向,不利于不同基础不同知识构成的学生的全面发展。因此钢琴教学应采取较细致的分组,这种分组要建立在对学生的钢琴基础、知识构成、演绎创新能力的差异的整体认定基础上。 2.以学生为主体的主动学习。教师所起的作用更多地为引导,激发学生学习兴趣、培养学生多方面的音乐素质。教师不再是只关注学生记住了多少基础知识、掌握了多少演奏技巧;而要对学生的综合素质提出更高的要求。教师在教学的过程中应给予学生更多的思考空间和更广泛的要求(例如布置作业与考核的多种形式)。 3.综合探索型教学。这种探索性,表现在教师通过教学实践中的改革创新不断探索先进的教学方法;也表现在学生通过探索性的学习活动。教师采取探究性授课模式激发学生学习兴趣,引导学生发现问题、解决问题是培养学生创新思维的途径。教师可以设定一些专题课,针对某类曲目或者针对某些演奏技巧、情感表达提出问题,学生通过收集资料、音乐欣赏评价、课堂讨论、课后实践完成整个学习过程,达到演奏技巧与综合能力的提高。 4.表演――评价――创作为一体的教学活动。钢琴艺术是演奏的艺术,学生的演奏技巧、音乐素质、创新演绎均会反映到其演奏之中。教师可以提出活动主题,然后由学生经过课后准备在课堂上或者更大的舞台上表演(这种表演可以是单独的钢琴演奏,也可以是多人合奏或者与其他乐器的合奏);其后请同班、同组的同学互相之间提出评价意见;学生在教师和同学的建议后再课后练习参与下次演出。这样,在学生的演绎、表演、评价中都有其创作/再创作的活动。 现代教学论对钢琴教学的改革与创新还有许多应用价值,例如对教学效果评价的改革等等。笔者相信,随着我国钢琴教学、音乐教学的改革创新的不断推进,必将对现代教学论也产生推进作用。 (湖南省2011年度教育科学“十二五”规划省级一般课题《现代教学论在高等艺术院校钢琴教学中的运用研究》,课题编号:XJK011CGD036) 现代钢琴教学论文:谈钢琴教学的现代观念 摘要:现代教育理论提倡学习的主动性、情境性和协作性等教学原则,这对于革新传统的教学理念、教学模式具有重要意义,由此使现代教育理论越来越显示出强大的生命力,并且在现代各种教育领域中越来越获得了广泛应用。 关键词:钢琴 教学 现代观念 原则 模式 现代教育理论强调以学生为中心的教学模式,这就给现代教育领域带来了一场革命。现代教育理论认为学生的知识不是通过教师传授获得的,而是通过在一定情境下人际之间的协作活动来实现知识意义的建构过程,这种教学理念意味着要彻底摒弃以教师为中心的传统教学模式。传统的教学观把学习看成是知识从外到内的输入,从而低估了学习者的认知能力和知识经验的差异性,在教学中也表现出过于简单化的倾向,这些教学观念上的偏差导致了许多消极的后果。现代教育理论所提倡的学生要主动建构知识意义的过程并不是外界直接刺激的结果,而是通过在已有的认知结构基础上对新信息进行加工形成的。 一、现代教育理论提倡学习的主动性原则 现代教育理论提倡学习的主动性原则使传统的师生关系定位发生了改变,它认为学生不再是教学内容的被动接受者,而是知识的主动建构者,外界信息刺激只有通过学生的主动建构才能转变成自身的知识意义。教师也不再是知识的传授者和灌输者,而是成为了学生建构知识体系的帮助者和指导者,帮助和引导学生培养学习的自觉意识,使学生更有效地建构自身的知识体系。这种师生角色的转变使教学过程不再是同步进行的操作过程,学生也不必沿着相同的学习路径去建构自己的知识体系,学生获取知识的多少将取决于自身建构相关知识意义的能力,而不取决于学生记忆或背诵教师讲授内容的能力。 二、现代教育理论提倡学习的情境性原则 现代教育理论提倡学习的情境性原则对于建构知识意义起到了重要作用,它认为学习知识应该依赖于具体的情境,教师要把所学的知识与一定的创设情境相结合来培养学生的知识迁移能力。山学生可以利用自己原有认知结构中的相关经验去建构和整合当前的新知识,并且可以利用各种信息工具资源来达到自己学习的目的,这种学习模式不会使学生再受到严格的控制和支配,相反却使学生获得了更多的主动与自由,因此,教学设计不仅要考虑教学的目标,还要考虑有利于学生建构知识意义的因素。 三、现代教育理论提倡学习的协作性原则 现代教育理论提倡学习的协作性原则是建构知识意义的重要手段,它认为学生建构知识意义的过程是通过与社会环境的交互中来实现的,并且以自主建构知识信息的呈现方式来完成的,协作形式贯穿于学习过程的始终。学生对知识的建构不仅依赖于自身原有的知识水平和认知经验,而且还在一定程度上取决于学习同伴之间的共同探讨与准确理解,使师生之间或学生之间可以进行相互讨论、取长补短、共同进步。“会话”是协作学习过程中一个不可缺少的重要方法,它是学生与他人之间通过会话交流的形式来商讨学习的计划和内容,因此,协作学习的过程也是一个会话交流的过程。协作学习有利于培养学生的合作精神与合作能力,通过这样的协作学习环境,使学生的智慧成果可以被整个群体所共享,共同完成对所学知识意义的建构活动。 四、现代教育理论强调以学生为中心的教学模式 现代教育理论强调以学生为中心的教学模式,这种教学模式使学生成为了知识意义的主动建构者,教师在整个教学过程中则起到了组织者、指导者和促进者的作用。中国钢琴教学体系长期受到了传统观念的影响,传统的价值取向使师生关系建立在教师对学生的绝对权威上,教师成为了教学环节的中心,而学生则成为了接受音乐知识和演奏技能的被动者。现代教育理论以强大的态势不仅促进了当代教育的变革发展,而且也冲击了中国传统的文化心理,因此,将现代教育理论应用于中国钢琴教学实践之中具有重要意义。这种教育观念可以帮助我们有效地摆脱中国传统文化心理对现代钢琴教学观念的影响,可以改变传统的钢琴教学模式,从而不断地拓展和丰富钢琴教学的内容与形式。 首先,现代教育理论要求我们转变钢琴教学中的传统师生关系。我国传统的师生关系一直是推崇教师的绝对权威,这是因为中国传统文化心理直接影响着现代教育,传统的价值取向在数千年以来已经泛化到教育中的许多方面。传统的权威化价值取向使人们只重视教师“教”的作用,而忽略学生“学”的过程,这种在钢琴教学中背离现代教育思想的现象,就是传统价值取向中的教师权威性影响现代师生意识的具体体现。这种教学思维模式对现代钢琴教学产生了很大的负面影响,也给人才培养造成了极大的不利因素,难以培养有个性、有造诣的钢琴艺术人才。钢琴教师在教学中应该是学生学习演奏技能的指导者、帮助者和促进者,而学生应该成为理解钢琴作品和掌握钢琴技能的主动参与者,学生是钢琴教学环节的中心和主体,改变以往钢琴教学中教师对学生绝对权威的状况。 其次,现代教育理论要求我们消除钢琴教学中的传统狭隘理念。我国教育中的传统狭隘理念主要体现在“忠孝”尊师观上,中国传统的“忠孝”观始于周代为调节家庭内部关系的道德法则,这种传统理念是建立在对血缘和等级的崇尚与服从。我国学生一般比较尊重教师和崇尚教师的学术权威,但是,由于中国的“忠孝”尊师观中又带有浓厚的血缘关系和等级色彩的传统理念,因此,这种尊师观是狭隘的。在以“忠孝”为优秀的传统尊师观中,一直潜移默化地影响学生对待钢琴教师的态度,一般来说,有些学生只尊重自己的钢琴教师,并不太尊重其他钢琴教师,这种尊师观在一定程度上受到了我国传统“忠孝”思想的影响。此外,在现代尊师观中也带有浓重的等级色彩,有些学生甚至对钢琴教师的尊重程度与教师所在的学校和岗位及职称有关。现在人们越来越清楚地认识到这种狭隘的传统理念难以形成人际之间的合作交流机制,在这种狭隘的传统理念支配下,学生很容易产生夜郎自大或妄自菲薄的心理倾向,使学生难以实现与周围人际之间的协作、会话等交互式学习模式,也使许多学习资源、学术资源难以被整个群体所共享,因而导致了专业学习的学术封闭状态,这种情况不利于现代钢琴教学的健康发展。在钢琴教学中应该广泛开展师生之间、学生之间的交流活动,通过探讨和商榷的形式来共同完成对钢琴作品的综合分析,这种协作学习模式应该贯穿于整个的钢琴教学过程,这对于学生全面理解和掌握钢琴作品的演奏风格是至关重要的。 再次,现代教育理论要求我们要创设灵活多样的钢琴教学形式。创设情境是钢琴教学中的关键问题,成功地创设情境能够使钢琴教学取得更好的效果。钢琴教学中的创设情境应该包括两个方面:(一)创设与演奏曲目所蕴含的音乐情境。在钢琴教学中运用想象思维把教师的教学语言与学生的学习方式结合起来,并且以生动形象的情境让学生来感悟钢琴演奏中所要表达的音乐内涵。钢琴教学中的想象思维以音乐联想为媒介,把想象思维和感知觉心理进行整合,用以启发学生进入某种演奏状态。教师要运用准确、恰当的描绘和比喻,引导学生理解与感知某种钢琴演奏的技术方法,深刻感悟与体会钢琴作品的音乐情境。(二)创设与演出环境所相似的演奏情境。钢琴教学最终应该以学生能够登台演奏为目的,而舞台紧张心理则是一直困扰学生难以顺利登台演奏的重要问题,这里除了与学生自身的心理素质有关以外,更主要的是与中国传统师生“一对一”的封闭式教学模式有着直接关系。为了克服这种演奏中的紧张心理反应,教师应该设法创设登台演奏的情境,使学生的心理素质在这种模拟的情境下获得锻炼,逐渐消除登台演奏的紧张心理现象,而最有效的方法就是教师应该多组织小组课、公开课和演出实践等形式,使学生经常能够处于模拟舞台演奏的感觉,引导学生之间相互交流演奏的经验与体会,这是一种克服舞台紧张心理的有效方法。 结语 现代教育理论对于当代各种教学领域提出了许多新的思想和见解,它也冲击着我国钢琴教学中传统的文化心理与价值取向。长期以来,教师的绝对权威和传统的教学模式一直影响着中国钢琴教育的发展,现代教育理论提出的以学生为中心、自主学习、协作交流、情境教学等教育理念,对我国现代钢琴教学有着不可忽视的指导作用,因此,实现传统教学模式向现代教育模式的转变应是钢琴教学体系中由思维观念到操作方式的转变过程。 现代钢琴教学论文:钢琴教学与现代科技的关联性研究 一、数码钢琴集体课较传统的教学模式的优势 1数码钢琴集体课教学模式具有灵活性 与传统的钢琴教学模式相比,数码钢琴集体课教学模式可以更加有利于专业课教师的知识体系的更新,使原有的教学理论更为丰富多彩。在过去传统的教学模式中,授课主要是以模仿为主,并且是口头传授,教学方法上面也是比较单一的,主要是以教师过去的经验进行教学,这边是最主要的教学特征。然而在新兴的教学模式下,数码钢琴集体教学模式不但可以使得教师对新知识做出拓展,扩大学生的知识面,更可以根据专业知识,对其进行整合运用,可以更加有效的训练学生的弹奏技巧,使其富有条理化,并且也可以培养教师的组织教学能力,真正意义上的完成钢琴的教学目的。在数码钢琴集体教学的教学方法上面,其主要是通过高校教师与学生共同努力并实现最终所需达到的教学目标,达到相应的教学任务,在整个学习的过程中,数码钢琴集体课最终未达到的目标则是有效地提高学生的演奏技术,并且可以丰富学生的音乐基础方面的相关知识,真正的做到培养学生的综合才能。在目前数码钢琴集体教学的发展中看,其教育的方法可以达到最终的教学目的,说明其在音乐教学上具有一定的优越性。数码钢琴集体课在教学过程中是丰富多彩的,可以通过实践的方法向学生讲述,也可以通过讲授的方法教授学生。实践的过程中,不但可以使得高校的学生在真正的模仿练习中理解教师所传授的经验知识,更可以根据自己实践中出现的问题,做到与教师之间的相互交流,可以更有效的解决对于钢琴演奏学习过程中所出现的问题。并且数码钢琴集体课教学可以做到内容的丰富多彩,可以使得学生在学习过程中增进兴趣,并且在课堂实践过程中,也可以做到四手联弹等较高难度的钢琴训练,这在传统的教学模式中也是无法达到的一个标准。由于学生人员较多,也可以组织一些学生组成学习小组,进行多人合奏。并进行小组评比,这样多样化的教学,不但可以激发学生的积极性,更可以激发学生的斗志,让其从侧面增强对钢琴学习的兴趣。教师在讲授钢琴知识的过程中,可以利用数码钢琴内容的丰富性,使得原本枯燥乏味的教学,变得生动有趣,以此增进学生对音乐基础知识的求知欲。 2数码钢琴集体教学可以提高工作效率 数码钢琴集体教学最显著的优势就是突破了传统的钢琴教学模式,打破了原有的“一对一”的授课模式,原本的授课模式、授课圈子陈旧狭小,在实行新的教学模式后,可以通过一人对学生进行授课,便可以有多名学生受益的现象,不但节约钢琴教师这一人力资源,更可以提高教学效率,有效地避免在教学工作中出现的不断重复教学的现象,并且随着现今高校的不断扩招,教学规模的不断扩大,这一教学模式的引进,也大大的顺应了时代的发展。在多年来传统音乐教学的基础上,学生之间都缺乏真正的经验交流,并且学生之间的知识的掌握程度也互不知晓,这种闭塞的学习方式使得学生之间存在着很大的差异。然而,现今随着数码钢琴集体教学的发展,越来越多的学生可以在课堂上达到互动的效果,进一步增加学生之间经验交流的机会,使得学生之间可以有所借鉴,取长补短,并且教师与学生之间也可以达到很好的交流。加之数码钢琴集体教学,也可以使得更多的学生有上台表演的机会,平时可以依据知识的水平以及掌握程度进行练习,并可以达到锻炼自己的效果,最终克服怯场这种心理负担。对于学生来说,新的教学模式的引进使得其教学环境也发生了质的飞跃。在传统的教学模式下,学生始终处于被动学习的状态,不能真正的发挥学生的自主性,主要是在老师的监督指导下,通过模仿以及心理感受等作为主要的学习方法。虽然也可以在一定程度上达到因材施教的效果,但是同时却也在一定程度上降低了学生的想象空间,缺乏自己的主观思维。然而,在数码钢琴集体教育的过程中却可以很大程度上避免此类事情,并且在学习的过程中由于是一位教师教授多名学生,所以学生在学习过程中的心理压力会相对较低,在真正放松的情况下,自己动脑分析学习过程中存在的问题。并且由于数码钢琴这种钢琴的功能性,其教学中可以进行灵活的演奏模式,在学生之间进行相互激励以及观察并最终领会到钢琴演奏的乐趣。在这种教学模式下,一方面可以培养学生的能动性以及自觉性,另一方面也可以使得学生更具有创造力,在演奏的过程发挥自己的创造性,最终使得学生自己可以主动的融入到钢琴的演奏和学习中来,用心去感知音乐世界,达到真正的教学效果。 3数码钢琴集体教学可以拓展教学内容 在对钢琴基础弹奏方面的教学过程中,由于数码钢琴的功能性,学生可以实际进行操作练习,并且在弹奏的过程中感受指法、力度以及手型等技巧,并且根据音乐的视频教学系统,在一定程度上可以达到更好的教学小幅哦。在实践中,存在的问题便可以避免了教师对于某一问题的不断重复纠正。在数码钢琴教学系统中,由于其特性,学生还可以进行合奏、即兴伴奏,也可以开展钢琴课程的难度班的练习,更可以进行钢琴以及协奏曲、交响乐等等经典作品的随奏课。在过去高校的钢琴教学过程中,主要的以技巧以及以集体学生为主的课程都是比较少的,但是新的教学模式完全可以避免这一问题,并且在教学过程中可以进行其他乐器的演奏,这样不单单可以感受到钢琴的魅力,更可以感受到整个音乐世界的魅力。在数码钢琴集体教学中,学生就可以在通过键盘的同时感受到不同的乐器的演奏效果。原本传统模式下,学生大多都是以单独训练为主,很少能够大家一同训练,更缺乏学生之间进行相互协作与配合的可能性了。而在数码钢琴集体授课过程中,学生之间相互协作配合,学生与学生之间相互伴奏,也可以进行即兴伴奏,并将伴奏的音乐实时录制,最终大家可以将录制内容放出,共同聆听,找到伴奏中出现的问题,并相互整合借鉴,最终得出有效的解决方案,使得学生学习钢琴的效果显著提升。也可以在学习中进行合奏,组织一个难度学习班,对于有兴趣的同学可以着重培养,根据学生的实际情况,选择学生应该负责的部分,编制属于自己的音乐内容,让学生共同演奏,使学生在学习钢琴的过程中,可以提高鉴赏力以及拓展自身的音乐视野。在业余时间,也可以将数码钢琴教室对外开放,使得学生可以在课余时间对钢琴的演奏进行学习,这样不但增加了学生的训练时间,还可以对所有的学生进行一致性管理。数码钢琴集体授课的好处还有很多,在学习的过程中也可以使用耳机,这样不但可以大大减少学生之间相互干扰的可能性,也可以让学生静心聆听音乐的世界。并且数码钢琴的保养也是非常容易的,不需要进行调音,这在教学支出方面也是节省了大笔的开销。 4数码钢琴集体课可以推动教材建设 原有传统的教学模式下,由于教材的发展没有办法跟上时代进步的需要,然而在新的教学模式下,数码钢琴集体课可以大大改观传统教学模式中出现的问题,可以连接网络,建设系统,最终扩展教材中的内容,但在建立系统的过程中,更要注重教材建设的合理性以及系统性。数码钢琴集体课教学模式对于传统的教学模式来说是一个很好的延伸,这种教学模式不但是建立在传统教学中经验的基础上,更给音乐基础知识教学中为钢琴教学带来了进一步的变革,随着时代的发展,也顺应着时代的变化,对于音乐教学来说是一个新的突破。 二、结论 随着现今社会经济的飞速发展,社会对综合型素质人才需求量不断增加。对此,学校不断的扩招,规模不断扩大,这也在音乐专业课教学上带来了新的瓶颈,然而,新的教学模式,数码钢琴集体课教学在传统教学的延伸下得到了飞速的发展,并给钢琴课带来了真正的质的飞跃。这一授课模式的开展,不但顺应了时代的发展与需要,对于音乐领域来说,更可以带来一个新的篇章。 作者:康静单位:陕西职业技术学院 现代钢琴教学论文:现代钢琴教学应对策略 1.现代钢琴教学中出现的具体问题 首先,现代钢琴教学忽视了读谱问题。事实上,读谱对于现代钢琴教学来说应该是一个非常值得重视的问题,通过读谱可以知晓钢琴曲目所包含的深刻含义,对于钢琴曲目谱面的了解可以有利于透彻的理解作者所要传达的音乐信息,理解音乐的内涵和实质,这是二度创作所需要的重要要素。现代钢琴教学却只注重手指技巧的训练,忽视了读谱的重要性,教师为了追求教学的时效性,经常带着学生去练习,学生失去了是靠的机会,导致不会识谱,长此以往,对于学生的钢琴学习十分不利,会导致学生练琴速度的降低,甚至失去学习钢琴的兴趣。读谱作为钢琴学习的一个重要要素,必须经历漫长的过程才能熟练掌握。其次,对于手指条件的过分挑剔。钢琴演奏的过程中,对于手指条件好的人来说,一定会起到很好的辅助作用,但是并不是说必须要有修长、宽大的手才能弹钢琴。历史上的很多钢琴家也拥有各种样式的手指,但是他们都可以弹出优美的旋律,因此,我们可以看出,手指并不是决定钢琴演奏水平的一个重要条件。只要根据自身的条件和特点,加强对手指的训练,充分发挥自身的优势来弥补不足。相信,通过有针对性的训练,以及选择适合自己弹奏的作品,必将在钢琴演奏技上去的应有的成就。第三,钢琴教师素质低,能力差。现代钢琴教学质量受到钢琴教师素质直接影响,教师作为学生钢琴学习的引领者和指导者必须要注重能力和素质的提高。我国钢琴教师存在着缺乏高素质教师的情况,很多钢琴教师专业素质低,理论知识和实践技巧不能达到专业水平,不能对学生起到良好的指导和培训作用。另外,还有一部分钢琴教师虽然自身乐理知识掌握的十分纯熟,演奏技巧也十分高潮,自身钢琴水平已经达到了一定的高度,但是在将钢琴技巧和理论知识传授给学习的时候却缺乏合理有效的方法。 2.钢琴教学所存在问题的应对策略 首先,加强学生的读谱训练。对于学生读谱知识的训练,首先必须要让学生养成科学、正确的读谱习惯,把读谱训练当作钢琴训练的一个重要基础知识。在钢琴教学的初期就要教给学生认识调号、拍号、以及谱号,进行弹奏训练的时候就要使学生学会识别音符的时值、音区、指法、表情符号、休止符以及踏板记号。此外,还要注意提高学生自身的视奏能力,选择难易适中的曲目,通过乐谱的默读,联想琴键的位置,再进行弹奏。读谱熟练之后,还要背谱,熟练的背诵乐谱之后才能将所有注意力剧中在手指和琴键上,有利于专心演奏。其次,注重虚实结合,综合的运用各种条件。要想使钢琴的演奏技巧得到充分的提高,必须注重多方面的配合和协调,不能单纯的注重乐感与手指条件,也要注重虚实结合,促进各个方面的协调发展。实指的是作品演奏时的演奏技巧,例如,作品的旋律、曲式、风格、演奏要求和演奏技巧等方面。虚则指的是演奏者素质和作品之外的其他因素,是演奏者对音乐乐曲在理解的基础上进行的再穿做,能够充分的体现作者的综合能力,这种能力是不能通过训练迅速提高的,只能通过学生自身的努力去领会,随着时间的累积,可能会有所提高。对于实来讲需要学生对作品风格、旋律等理论知识和演奏技巧、方法加以理解,充分的发挥学生的理解能力、领悟能力和记忆能力。对于虚来讲,则要求教师需要通过创设情境的教学方法来对学生进行引导和启发,激励学生通过自身对乐曲的充分感悟而进行在创作。 3.注重提高钢琴教师的素质 现代钢琴教育,越来越受到社会的重视,因此,教师对于也随之不断的扩大,钢琴教育体系也面临着新的考验和挑战,因此,提高教师的综合素质和教学水平是钢琴教师面临的必须解决的重要问题。加强现代钢琴教师专业技能和乐理知识的培养,必须注重以下三个方面:首先,必须确保钢琴教师在基础知识方面充分的进行学习和提高,以便能够在教导学生的时候柔韧有余。在演奏技法方面也应该注重自身素质的提高,在教学中才能为学生起到良好的示范作用。其次,在钢琴教师授课过程中还需要运用灵活有效的钢琴教学方法和教学策略,借以促进课堂实效性的提高,有效的在课堂有限时间内,让学生学到更多的钢琴知识。第三,钢琴教师要注重不断更新和补充新知识,学习和借鉴新的教学方法,总结教学中的经验和教训,提高专业技术水平和教学能力,有利于培养出适合现代社会的高素质演奏人才。 4.总结 综合以上,钢琴教学作为现代音乐体系中一个重要的分支,我们必须要重视钢琴教学发展过程中所呈现出来的巨大问题,并找出可以借机问题的策略,不断的深化和改革钢琴教学方法和教学模式,提高钢琴教师自身的素质,借以推进我国钢琴教学的发展。 作者:彭妮 单位:江西省宜春职业技术学院 现代钢琴教学论文:现代音乐教学法在钢琴教学中的运用 摘要:在钢琴教学中,如何运用现代音乐教学法,成为相关教育者需要重点思考的问题。文章立足于现代钢琴教学现状,主要分析了现代音乐教学法在钢琴教学中的运用意义及运用策略。以期在笔者的努力下,找到促进钢琴教学效果不断提升的可靠途径。 关键词:现代音乐教学法;钢琴教学;教学现状;运用策略 所谓现代音乐教学法,主要指的是素质教育教学背景下,几种常用的、效率较高的教学方法。在钢琴教学中,运用现代音乐教学法,有助于弥补传统教学中的一些不足,达到活跃课堂教学气氛,激发学生学习热情和积极性,促进教学效果不断提升。对此,钢琴教师在组织教学活动过程,应该重视对现代音乐教学法的运用。 一、现代音乐教学法在钢琴教学中的运用意义 从现代钢琴教学状况来看,常见的几种教学方式主要包括:体验性教学法、实践性教学法、探究性教学法、语言性教学法等等。钢琴授课教师在将这种方法运用于课堂中之后,能够改善传统钢琴教学中,重理论、轻实践;重形式、轻实效等问题,意义重大。首先,现代音乐教学法注重以学生实际感受音乐为主,将之运用于钢琴课堂,突破了传统以赏析、理论鉴赏为主的模式,使得学生的学习兴趣能够得到最大程度的激发,从而为打造高效的钢琴课堂,奠定良好基础。其次,现代音乐教学法注重对学生实践能力的培养,将之运用于钢琴教学中,有助于培养学生将所学知识应用到实践中的能力,以真正达到学以致用的目标。这种教学突破了传统教学的课堂限制,符合素质教育教学目标。 二、现代音乐教学法在钢琴教学中的运用策略 (一)体验性教学法的运用 体验性教学法作为现代音乐教学法的一种,其强调通过欣赏、演示、参观等方式,给学生提供亲身体验的机会,使得学生能够产生一种身临其境之感,从而感受到音乐的魅力,提升审美情感。在钢琴教学中运用体验性教学法,要求教师把握技巧,使得这种方法的作用得到充分发挥。例如,在进行“音阶”相关知识点的时候,教师可以先带来学生欣赏钢琴曲目《贝多芬G小调小奏鸣曲》,以初步培养学生对钢琴的兴趣,激发求知欲;然后借助多媒体或者其他工具进行实际的知识点演示,促使学生形成感性认识,加深对知识点的印象,以强化学习效果;最后,再带领学生欣赏一遍所要学习的曲目,逐步引入课本教学内容。这种循序渐进、层次有别、方法得到的教学,使得学生不仅学得轻松,而且学得有效,如此才真正显示出了现代音乐教学法的精髓。 (二)实践性教学法的运用 同为现代音乐教学法中的常用方法,实践性教学法的作用也不言而喻。这种教学方式主要强调通过教学实践活动,培养学生的实践能力,使得学生在参与音乐实践活动过程,能够逐渐形成音乐表现能力,提升音乐技能。将实践性教学法运用于钢琴教学中,要求教师给予学生正确的指导。例如,在学习“指法”相关知识点的时候,教师可以首先对学生讲解一些钢琴指法基本理论知识,然后要求学生进行自主练习。在学生掌握了一定程度的指法知识以及指法技巧之后,教师可以鼓励学生运用所学知识进行自主创作,编排出一些简单的钢琴曲目,并鼓励学生在课堂上进行演奏。此外,教师还可以组织学生进行自创曲目比赛,使得学生在这个过程中,不断强化自己的能力。 (三)探究性教学法的运用 探究性教学法注重通过自主探究活动,培养学生自主学习能力。在钢琴教学中,运用探究性教学法,要求教师根据教学与学生实际,组织一些有意义、有针对的探究性学习活动,给予学生自由发挥的时间与空间,使得学生的思维能够得到最大程度的发散,为他们学好知识提供帮助。例如,在学习“音色”相关知识点的时候,教师就可以组织学生进行自主探究活动。具体可以通过小组合作形式展开,要求学生互帮互助,共同学习与进步。而教师在这期间,则需要充当引导者和辅助者的角色,给予学生恰当的引导,使得他们能够找到正确的探究学习方向,同时强化探究学习效果。 (四)语言性教学法的运用 语言性教学法强调通过语言向学生传递知识,包括讲授法、谈话法、讨论法等等。在钢琴教学中,运用语言性教学法,要求教师自身需要有较强的语言表达能力以及良好的音乐素养。例如,在学习“力度控制”相关知识点的时候,教师先通过口头讲述的方式,向学生详细介绍这方面的内容,然后可以与学生展开讨论,或者鼓励学生之间进行相互讨论,最后再对学生进行练习指导。此外,教师还可以借助谈话方式,或者借助问答形式展开教学,即:在教学过程,教师通过口头语言问答的形式展开教学,借助问题引导学生进行思考,并形成有效的师生互动,使得课堂氛围轻松、活跃,让学生在思考问题以及回答教师提问过程,不断加深对知识的印象,同时培养对钢琴知识的学习兴趣,促进学习效果的提升。 三、结语 总而言之,在钢琴教学中,教师需要注重对体验性教学法、实践性教学法、探究性教学法以及语言性教学法等这些现代音乐教学法的运用,以改善传统钢琴教学状况,弥补传统钢琴教学中的一些不足之处,使得课堂氛围得到改善,学生的学习积极性高涨,促进学生创新性思维和自主学习思维的发挥,从而达到高效教学的目的,进而推动我国音乐教育事业的更好、更快发展。 作者:韩志超 单位:石家庄幼儿师范高等专科学校 现代钢琴教学论文:现代教学理念在钢琴教学改革的运用 摘要:伴随着新课程改革的持续深入,当前高校钢琴改革之中存在的弊端逐步显现出来,诸如普遍高校的师教资源不够优良和充足,学生之间的基础能力相差较大,绝大部分教师的教学理念难以迅速得到正确的转型。这些问题在当前教学改革之中十分严重,需要迫切的得到解决。为了有效解决相应问题,我们应当尽快在高校音乐教学中使用先进教学理念。笔者依据多年的教学事业第一线的经验,就如何有效运用现代教学理念深化高校钢琴教学改革,提出自己的看法。希望能够给广大同仁起到一定的参考作用。 关键词:钢琴教学改革;现代教育理论;教学改革对策;有效运用 现代教学理论是一个特殊的体系,拥有一套自己的架构,对于当前教学中的诸多矛盾可以进行有针对性的提出方案,并将之进行解决。由于现代教学理论在我国投入的时间较晚,我们需要对之进行进一步的完善。 一、高效利用现代教学理论改善高校钢琴课堂的教学措施 笔者认为,尽可能利用现代教学理论促进高校钢琴课堂的教学措施改革,我们首要做到的就是对当前教学措施进行系统的评价,利用现代教学理论的角度进行探讨,从而做到相应的创新。因此,作为一名合格的钢琴教师,我们需要以最快的速度转换我们的观念,明确我们的教学指标,运用多种方式并行,任务细化的方式进行相应的教学手段,从而保证我们的学生可以最大化的理解课程,最为全面的吸收现代思想,为今后的钢琴学习道路做好最完善的基础沉淀。笔者认为,在做到上述要求的基础上,我们也需要相应的提升自己的综合素养和综合能力。从而帮助自己拥有更为广阔的视野,吸收国内外最为直接最为高效的教学理论运用到我们的教学过程中。只有钢琴教师自己跟上了时代的步伐,学生才能在钢琴课堂中有所收获。摒弃传统的填鸭式教学方法,利用现代教学理念的数字化教学方式进行教学,可以帮助学生最大化的提升学习效率,从而帮助教师更为顺利的完成相应的教学指标。例如:笔者在讲述有关贝多芬的月光曲时候,就摒弃了传统的填鸭式教学模式,为了能够让学生领略到此首曲目的美妙之处,笔者利用了多媒体技术。首先,笔者在课堂上给同学们播放了这首月光曲,让同学们领略此曲的美好,询问同学们听完之后的感受;紧接着,笔者询问学生,在歌曲中,看到了何种场景。继而使用多媒体技术呈现此曲的来龙去脉,美好却短暂,苦涩却流连忘返。通过多媒体技术的直观性,加深了同学们对这首曲目的理解,促使学生更为容易的进入到月光曲的学习中。 二、巧妙地利用现代教学理论改善当前钢琴教学的学法指导方式 笔者认为,为了促进现代教学理论在钢琴教学各个环节的疗效,教师需要深化教学理论的使用领域,将之合理高效地运用到教师钢琴教学学法指导的相关领域,进行有针对性的改革创新。在此过程之中,我们要明确学生能够通过我们改进的学法指导方式,更为直观地感受到学习钢琴的流程,从而在内心中形成清晰的学习思路,更为自信以及从容不迫的进入到相应的学习流程之中。笔者发现,为了挖掘学生学习钢琴的全部能力,教师在学法指导上下功夫是最为有效和直接的方法。我们需要在教学过程中使用巧劲,达到事半功倍的疗效。对于教师来讲,学法指导过程中需要明确哪些环节是十分关键的,我们需要对之花费最多的力气。笔者认为在钢琴教学中,以下部分需要教师额外关注,提供学生更为详细的学法指导方式,引导学生进行钢琴演奏的方式、相应的提升技巧以及选取切合自身的钢琴方式。只有建立优秀的学法指导方式,学生才能最快速地提升自我的钢琴技巧,在学习过程中才回尽可能少的出现迷茫的现象。作为一名合格的钢琴教师,我们需要充分理解每一种热门作品的演奏技巧,从而帮助学生可以在使用钢琴进行相应作品的演奏过程中更为顺畅,减少错误的产生,逐步提升学生自我认知,自我思考的能力。教师应当在先进教学理论的引导下使用多种教学技巧指导模式,从而最终摸索出最为合理的适应学生的指导方法,为学生的钢琴学习做最大的贡献。 三、巧妙利用现代教学理论改善教学结构模式 为了保证现代教学理论在教学过程中发挥最大化的功效,我们需要对已有的教学模式进行改变,积极适应当前的教学形式,选择最为合适的教学结构模式为学生服务。当前高校普遍扩招,传统小班模式已经不再适用,我们需要在现代教学理论的指引下,找寻相应的模式来解决单一教学模式和高校扩招模式的冲突,从而帮助高校能够在新形势下迅速适应,进一步的运用现代教学理论为学生服务。例如,笔者在给学生教授了贝多芬的小步舞曲之后,运用小组合作的教学结构模式,将四人分为一个小组,鼓励学生通过合作进行创作。学生通过分工合作,一人作词,两人编曲,一个演唱,从而合作创作力质量不错的作品。这样的学习方式加强了学生之间的合作,同时增加了教学密度,促进了学生整体学习钢琴能力的提升。 四、结语 现代教学理论是新形势下应运而生的,可以有效解决当前高校扩充导致的种种问题。对于当前教学改革可以起到显著的推进作用。由于此类理念在国内比较新颖,仍旧存在诸多弊端,需要进行探讨完善,从而更为全面的为我们高校钢琴课堂进行服务。作为一名合格的钢琴教师,我们要与时俱进,积极探讨,早日将此类理论完善,最大化地为学生服务。 作者:向川宁 单位:沈阳师范大学音乐学院 现代钢琴教学论文:钢琴教学中的现代教育论文 一、钢琴教学中引入多媒体技术 多媒体技术对于钢琴教育来说,也有着十分重要的意义。多媒体软件的种类繁多,其中最常用的是MicrosoftOffice中的Powerpoint,教师通过处理将文字、图片、音频、视频根据课堂需要添加到幻灯片演示文稿中,利用Powerpoint工具可以制作教学幻灯片,把教材上的内容以丰富多彩的形式生动地展现在学生面前,易于学生接受。除此之外,Authorware也被越来越方法地应用到课堂教学中,它可以将声音、图像、文字、动画、视频等有机地结合起来,并实现人机交互,增加学生学习兴趣。钢琴艺术具有欣赏性强的特点,在课堂教学中运用这些多媒体技术,能够突出钢琴艺术的特点,使学生更加深刻的理解教学内容,最大程度地提升学生的音乐素质。在钢琴教学课堂上运用多媒体手段,能够更大程度地激发学生学习的主观能动性。教师在教学过程中,将学习曲目通过多媒体教学设备播放给学生欣赏,让学生在聆听的过程中感受乐曲的创作背景以及乐曲所表达的内涵,让学生更加直观的学习,提高学生的学习效率和教学效果。让钢琴教学课堂摆脱了时空的限制,为学生提供了更为丰富的信息化音乐教学资源,让课堂教学更具开放性,为提高学生学习能力提供了更加广阔的教学空间。学生们拥有了更多感知音乐和创造音乐的机会,弥补了传统教学方法的不足,使音乐教学过程得到整体优化。另外,在作品的选择上也要遵循相应的原则,要以音乐发展的历史和风格为线索、有针对性地进行专项练习,也要开阔学生的眼界,让学生接触不同类型的作品才能联系不同的技巧,在演奏钢琴曲是内涵才会更丰富、更深刻。 二、将教学设计思想运用于钢琴教学 传统的钢琴教学课堂均以教师示范、学生演奏和老师指导为主,这种教学方法枯燥乏味,不能激发学生的学习兴趣。而在钢琴教学中融入教学设计思想,以学生的“学”为中心,以任课教师的实践能力和教学理论为基础,经过系统的教学分析制定的系统的教学计划,这对教学工作能够起到非常重要的作用。它保证了课堂教学质量,也保证学生的学习效果,是整个课堂教学过程与效果优化,做到严谨有序。钢琴教学以“一对一”授课形式为主,所以在对课程进行系统的教学设计之前,首先要分析学生的特点,因材施教,充分了解学生的个性差异,调动学生积极性,制定出适合不用学生的教学设计方案。钢琴课堂教学一般包括:技巧练习、听力训练、乐理知识、即兴演奏、作品分析、作品处理、试奏等内容。教师在课前做好系统的教学设计,能够使学生更好地领略音乐作品的丰富内涵。钢琴教学过程的设计主要包括课堂教学时间的分配、教学内容的顺序安排、教学方法的选择和授课形式的选择等。教师在课堂教学中要做好教学内容的时间安排,每一项学习内容都要有短期的教学目标,要切合学生实际情况,具有较强的可操作性。能够使学生在教学设计的时间内能够或基本能够完成和掌握该知识点。在教学顺序上也不单一地局限在讲解乐谱、教师示范、演奏、学生模仿、教师纠正、学生练习,在学生学习过程中培养其善于思考和独立处理问题的能力至关重要,可以根据课堂教学的需要对传统课堂教学顺序进行创新。在教学方法的选择上,也要丰富多样,不能至采取讲授法等单一的教学方法,要结合实践教学法、示范法等多种教学方法交替使用,并灵活地运用于课堂教学中。 三、结语 综上所述,将现代教育技术运用于钢琴课堂教学,对课程教学过程进行系统的教学设计,并将多媒体技术运用于课堂教学,能够丰富教学内容,易于学生对学习内容的接受,能够提升学生的学习效果,也符合时代的要求。 作者:徐静竹 单位:营口职业技术学院 现代钢琴教学论文:钢琴教学改革中现代教育理念的运用 摘要:本文围绕理念的基本概要、如何在高职院校钢琴教学改革中运用现代化教学理念两个方面展开讨论,对高职院校钢琴教学改革中现代教育理念的运用进行了分析,并提出了一些作者自己的拙见,希望能够对今后高职院校钢琴改革工作提供一些理论建议。 关键词:高职院校;钢琴教学;教学改革;现代教育理念 钢琴教学是高职音乐教学过程中的关键课程,同时也是一门实践性与应用性较强的学科。在开展学科教育时,音乐教育基础理论并不是唯一的教学目标,对学生审美情趣以及能力的培养也是十分重要的。随着我国文化经济时代的到来,社会对教育类人才的需求量也在不断增加,同时对于教育人才的综合能力要求也逐渐提升,而高职音乐教学中的传统钢琴教学法已经不能够满足社会对钢琴人才的需求了,必须根据现代教育理念对钢琴教学进行改革与创新。 一、现代教育理念的基本概要 现代教育理念是在新时代教育改革与人才需求的基础上形成的教学方式,它主要由以下几个部分构成。首先是以人为本的育人观念,以人为本的育人观念的对现代教学活动提出了以人才需求及人才自我发展目标为基础展开教学活动的要求,在教育活动中高度关注学生个性塑造以及个人价值实现,将实现个人发展以及满足社会人才要求作为教学目标,通过日常教学活动来充分挖掘每一位学生身上存在的优势与潜能;其次是全方位发展的育人观念,这一观念充分强调了教学活动必须满足全面性以及综合性两大要求,换句话说也就是需要通过教学活动来实现学生德智体美各个方面的发展,而不是单一的理论知识转化,因此,必须将以往单一的课堂教学逐渐转化为系统性教育。除此之外,现代教育理念中还包含了创造性理念、主体性理念、实践性理念以及个性化理念等气他多种理念,其中创造性理念所强调的是通过教学活动来培养学习者的创造性思维及能力,主体性理论是指以学生作为主体任务的教学方式等等。高职院校的钢琴教学改革工作离不开上述教学理念的支撑,它们将会对高职院校钢琴教学改革工作带来长远而深刻的影响。 二、如何在高职院校钢琴教学改革中运用现代化教学理念 1、改变高职院校钢琴教学的传统理念 高职院校钢琴教学传统理念的改变工作应围绕下述几个方面入手:首先,应将教学理念从“以教师为主体”向“以学生为主体”的方向转变。“以教师为主体”的传统教学理念很容易造成学生在学习过程中积极性的缺失,因此教师必须赋予学生充分的主体地位,让学生成为课堂的主导者。其次,应根据学生个体差异适当调整钢琴教学的教学计划。每一位高职学生都是不同的个体,他们无论是在性格、能力还是兴趣爱好方面都存在着一定的差异性,教师必须充分把握学生差异性,关注学生的个性化发展,根据每位学生的学习学习能力以及接受能力适当调整教学进度,确保每一位学生都能够跟上教学步伐。最后,应加强钢琴教学实践理念的实施。传统教学理念下的钢琴教学活动存在严重的单一化现象,教学活动基本是通过课堂形式来进行,很少与学生实际生活联系在一起,更缺乏相应的实践活动,最终导致学生的钢琴应用水平难以突破课堂范围,针对这一现象,教师必须坚持钢琴教学的多样化原则,将教学过程与实际生活紧密地联系在一起,并带领学生积极参加实践活动,实现高职钢琴教学的改革。 2、提升钢琴教学的实用性 如何提升钢琴教学的适实用性,第一步必须明确地识别高职院校钢琴人才培养的目标,我国高职院校在钢琴人才培养工作上锁制定的目标并不是培养钢琴方面的专业性人才,更多的是通过钢琴教学帮助学生建立审美情趣,提升学生的音乐鉴赏能力,最终现“以美育人”的教学目的,这一目的充分地体现了我国新课标提出的“综合素质”培养要求。具体应传授学生基本的钢琴理论知识以及钢琴演奏技巧,并通过合理的引导让学生掌握如何通过创造性思维来解决钢琴学习过程中遇到的问题,例如即兴弹唱、即兴编曲等。因此高职院校钢琴课堂中必须重点关注下述内容。首先,应根据高职院校钢琴教学的实际需求为出发点,建立适合高职院校钢琴教学的教材体系。其次,应在传统的钢琴理论教学基础上增加一些伴奏类教学内容,伴奏曲目可以选择一些当时较为流行、且学生喜爱程度较高的流行歌曲或摇滚乐曲,这样可以有效激发学生兴趣,提高学习效率。最后,学校还应根据实际情况为学生增设钢琴文化课程,实现高职学生在钢琴教学上的全面性。 3、改善高职院校钢琴教学方式 在钢琴教学的课堂部分必须坚持以下工作。一是鼓励学生进行课前预习,高职阶段的学生基本掌握了自我学习的方式与技巧,因此教师可以要求学生通过课前预习来探索学习内容,发掘知识中的问题点,在课堂中与其他学生或教师进行讨论。二是将协奏、弹奏等教学方式带到课堂当中,使钢琴教学不局限于传统的理论模式与示范表演模式,而是通过其他更多的元素来刺激学生的兴趣,提升学生的学习积极性。另外,高职钢琴教师应积极开展钢琴相关的课外活动,以此来满足学生的表现欲,并培养他们的舞台表现能力。例如高职院校可以组织钢琴表演晚会,鼓励学生通过各种方式将自己的钢琴才艺展现出来,使课堂中学到的知识得以应用。除此之外,高职院校还应针对钢琴教学的评价工作进行改革,引入学生之间的相互评价模式以及自我评价模式,通过多角度的评价模式对学生的学习成果进行公正、客观地评价,将过程评价与结果评价有机结合,提升钢琴教学的有效性。 三、结束语 随着社会的不断发展与进步,社会对高职院校钢琴教学的要求也逐渐提高,因此在高职钢琴教学过程中,教师必须充分运用现代教育理念,从教学理念、教学模式以及教学方法等方面全方位改革传统钢琴教学活动,使高职钢琴教学课程的质量得到保证,帮助高职学生建立良好的审美情趣。 作者:李莹 单位:信阳职业技术学院 现代钢琴教学论文:大学钢琴教学改革中现代教育理论的有效运用分析 一、大学钢琴教学方式改革中现代教育理论的应用 要想在大学钢琴教学改革中有效应用现代教育教学理论,广大钢琴教育院校应首先创新教学方法。第一,大学钢琴教学从业者需要不断转变观念,解放思想,充分认识到先进教学理念在教育教学中的重要性,并通^制订相应的教学计划,确保教学过程中先进教学理念的有效执行。在制订教学方案和教学计划时,要基于学生的实际情况和钢琴教学的客观规律,因材施教地进行层次化教学,以确保不同层次的学生都能实现进步和发展。 第二,大学钢琴教学从业者要持续提升自身的知识和技能储备水平,不断提升自身的综合素质。在教育教学实践中,钢琴教师综合素质水平的高低会在很大程度上影响教育教学水平,因而,广大高校要充分注重钢琴教师的培训和继续学习,尽可能地为他们提供各种培训和进修机会,使教师在提升自身钢琴专业技能的同时,掌握先进教学方法和教学理念,进而实现教学模式的创新和革新。 第三,要对大学钢琴教学模式进行有效改革。随着经济社会的快速发展,学生自身也有了不少改变,这就需要广大高校不断进行钢琴教学模式的革新和创新,以更好地满足时展的要求,并根据自身教学需要和学生实际特点针对性地运用教学策略,进行差异化、个性化的教学,以满足不同个性、不同水平学生的学习要求。 二、大学钢琴教学学法指导改革中现代教育理论的应用 在大学钢琴教学实践过程中,钢琴教师需充分重视钢琴教学的实践和理论结合,对钢琴教学过程中的关键环节进行重点把控,特别是钢琴弹奏技能、技巧方面的讲授。第一,钢琴教师须根据钢琴教学的实际特点和学生的学习情况制订相应的教学方案,方案须注重突出教学重要内容和教学目标,使学生对学习重点和学习任务形成有效的认识,进而在明确学习方向的基础上,提升自身学习效率和学习质量。第二,在实践中,钢琴教师要注重激发学生的学习热情和学习兴趣,通过挑选一些适合学生学习且较感兴趣的曲目,让学生带着兴趣进行学习内容体验,这样不但能有效激发学生学习的积极性和自主性,而且还能充分调动其主观能动性。第三,大学钢琴教师还应尝试应用个性化教学方式,以丰富学生的钢琴知识,提高学生的思考水平。同时,在教育教学中,教师还要强化与学生的沟通交流,及时了解学生的知识学习动态和他们在学习过程中遇到的问题,进而通过采取针对性措施处理问题,提升钢琴教学的效能。 三、大学钢琴教学组织模式改革中现代教育理论的应用 随着教育事业的快速发展,高等教育的招生数量和办学规模越来越大,这对传统的大学钢琴教学组织模式带来很大的压力,因而,高等教育院校需革新和创新自身教学组织模式,用多元化的教学组织模式代替传统的单一教学组织模式。第一,教师应积极利用先进教学理念,进行授课方式革新,通过小组、小集体和与其他课程的结合进行授课方式探索,让学生充分感受钢琴学习的乐趣,进而实现提升学生学习积极性和主动性的目的。在此过程中,教师要充分学习和掌握现代教育理论知识,在注重现代教育理论应用的同时确保钢琴教学任务的有效完成。第二,高校要强化对钢琴教师授课能力和演奏水平的评估考查,通过相应考评机制的构建,促使广大钢琴教师积极进行自主学习,不断提升自身的职业能力和专业素养,为学生提供更好、更优质的教育教学服务,为学生学习效能的提升奠定坚实的基础。 综上所述,大学钢琴教学改革中现代教育理论的有效运用具有非常重要的现实意义,其能在很大程度上促进钢琴教学效能和教学质量的提升。因而,我们必须强化对这一课题的研究和探索,以推动高校钢琴教学事业的进一步发展。 现代钢琴教学论文:现代教育理念指导下的高师钢琴教学模式探讨 摘要:高等师范院校音乐系科的钢琴教学课程,长期采用个别课或集体课的教学模式。在现代教育理念的影响下,这些教学模式在实际应用中,必须进行相应的调整,尤其要体现现代教育理念“研究型”、“主体性”的观念导向。同时,这种理念的调整应当落实于行之有效的教学方法。在笔者的教学实践中,这些教学方法主要有“情境式教学法”、“合作式教学法”以及“讨论式教学法”等。 关键词:高师钢琴教学;现代教育理念;钢琴教学模式 随着钢琴艺术教育在国内的蓬勃发展,有关各个教育阶段钢琴教学模式的学术文论,至今已涉及到多个领域及多样化的教学模式。在高等师范院校的钢琴教育方面,多年来的教学法改革和教学模式的研究,已经取得了令人瞩目的成绩,对钢琴教学实践产生了积极的推动作用。但是,纵观诸多研究文论,目前仍以感性教学经验的总结或其他学科教学原理的借用为主,对现代教育理念指导下的教学方法改进的研究,似乎仍显得比较薄弱。因此,本文即试图从现代教育理念角度出发,结合笔者多年来的教学实践,就高等师范院校钢琴课的教学模式及教学方法改革进行探讨,以期对钢琴教学实践产生更多的推动作用。由此,笔者将从以下三个方面来进行阐述。 一、钢琴教学常见模式的一般特征与局限性 根据国内外一些学者的研究,所谓“教学模式”,就是在“一定教学思想指导下,围绕着教学活动中的某一主题,形成相对稳定的系统化和理论化的教学范型。”[注:参见戴定澄著《音乐教育展望》,华东师范大学出版社,2001年版,第264页。]或者也可以简练地说,所谓教学模式,就是“导向特定的学习结果的一步步的程序。”[注:参见Gunter Maet著《Instruction:A models approach,Boston》, 1990年版,第67页。]就目前国内的高师钢琴教育现状而言,主流学校不外乎采用个别课与集体课两种教学模式。二者共同的特征是,在整个教学过程中,教师的演奏经验和对音乐内容的理解,是通过对学生演奏的评价与分析来实现的。可以说,在这个过程中,体现出了两个特点:一是感性化,二是主观性。而这两者在钢琴音乐乃至整个音乐艺术特性的范畴内,更加体现出其自在的教学过程呈现方式来。通常情况下,在一堂钢琴教学课中,学生的演奏(即“回课”)是教学过程的第一方面,另外一方面,则是教师的评价与指导。这种通行的模式,可以表示为如下图式: 倘若从信息呈示与反馈的角度,对上述这种动态过程中的各主要因素进行分别的表示,则可以是:“学生回课――信息呈现”、“教师分析与评价――信息处理与分析”及“信息回馈与二度处理”,则我们可以进一步将这一传统模式表示为: 由此,传统钢琴教学模式在信息处理的过程中,教学内容表现为一种闭合型的信息线性加工过程。就这种传统教学中的信息加工与处理过程,有的学者又将之归类为“情感模式”、“行为模式”、“认知模式”以及“综合模式”。[注:参见袁善琦著《音乐教学技能》,华中师范大学出版社,2002年版,第73页。]也就是说,这一过程表现出来更多的单向性。无疑,这种方式在过去的高师钢琴教学过程中,对大多数入学前为钢琴“白丁”的学生讲,都是行之有效的教学模式。但是,随着经济、社会的发展与全民音乐文化素养的普遍提高,更多的高师学生,在入校以前,较之以往,已经具备了一定的、乃至相当高的演奏水准。尤其是,配合高校素质教育的开展,高师学生的综合知识结构和学习能力,已经得到了很大的提高与扩充。在这种情况下,无论采用传统上述模式中的任何一种,势必都存在着学生期望值与教学效果之间的明显差距。这种差距的体现,具体而言,不只在钢琴教学个别课上有所体现,在集体授课过程中,也有着同样鲜明的反映。在这种情况下,传统钢琴教学模式的单向度特征及信息静态、恒定处理方式的弊病,也就日益显露出来。集中体现为学生已有演奏、欣赏经验和一定程度的学习思考,不能及时而充分地在教学过程中得到体现,从而使钢琴教学过程中过分依托于既定模式统摄下的教师的已有经验与思考。无疑,在某种程度上,这可以视为教学资源的流散与浪费。 此外,从现代教育理念而言,几乎所有高等学校的自然、社会学科的教学活动中,都开始倡导学生在教学过程中的参与性。并且,诸多学科的教学实践证明,学生的参与程度越高,教学资源的利用也就越充分,教学效果和进度也就越好。正如有的学者所指出的:“现代教学论认为:人的发展的最高目标就是人的主体性的发展。学生是具备丰富个性和能力的主体,具有独立性、主动性、创造性等基本属性。教学过程中,让学生参与教育行为的全过程,才能使学生真正成为教育教学认识活动和实践的主体。”[注:参见曹莉芳著《高师钢琴“课题型”教学模式研究》,湖南师范大学硕士学位论文,2006年,第9页。] 而这种主体性的体现,在笔者看来,不妨可以看作是传统教学过程中学生的主体性向教师的主导性所产生的一种冲击与弹性。表面上看来,这种冲击与弹性很容易被师生双方单纯地理解为一种传统教学模式的危机,而实际上,学生从“被动接受者”到“主动参与者”的过程,也正是教学双方教学资源与教学效果潜力的纵深挖掘与利用。因此,在这个意义上,笔者认为也可以将这种因学生主体身份变化而带来的教学模式的改良,进一步提升到“学生主动研究教学内容”的层面上来进行讨论。但是,在将这种理论构想付诸钢琴教学实践之前,我们发现,其中又隐含了几个方面的问题。比如,钢琴教学活动中,当学生从主体性地位之上的教学参与者向教学内容研究者的身份迁移过程中,如何能够发挥其思考教学内容的主观能动性,与教师共同合作进行教学难点的克服?与教师相比,学生在教学活动中,具有更强的主观性及随意性,如何将这种因主观性和随意性而带来的教学进度的延缓与教学规律本身的客观要求相协调?以及,如何才能激发学生跳出被动接受钢琴演奏技能与音乐处理经验的窠臼,寻找到更具创造性的学习策略?可以说,在这些环环相扣的问题中,我们首先需要解决的是教学内容主观性与学习形式客观性之间的协调问题。 二、钢琴教学模式中形式的客观性 与内容的主观性间的矛盾与协调策略 在高师钢琴课教学范畴内,无论采取个别课或集体课的模式,二者在教学组织形式与教学环节形式上,都具有相当的客观性。这种客观性的存在,要求师生双方在整个教学过程中,都须遵循着一定的“教―学结构”,在这种结构框架之内来开展教学内容。例如,在教授学生学习某一首乐曲时,不论是采取个别课还是集体课形式,教师首先都要对学生之前对该曲的背景知识掌握和初步练习情况进行了解与评价,其次要对乐曲有关技术难点进行讲解与讨论,最后要将针对该乐曲讲解与讨论的结果以要点提示的方式陈述给学生,以利于其课后学习与练习。可以说,这种一般的教学结构,不论如何改革,大致的实施流程是不会有太多的改变的。但是,与这种教学模式中呈现出来的教学结构的客观性相比,在具体的教学进程当中,教学内容的各个层面上,都具有明显的主观性。例如,针对一首乐曲而言,从乐曲创作背景,到乐曲的结构形式,从乐曲当中的技术难点,到乐曲的艺术表现力等各方面,都有着千差万别的诠释结果和主观理解。如此一来,这种各个层面上的明显差别,就会在很大程度上影响到教学形式的有效性。音乐视野开阔、技术起点较好的学生,往往能够配合教师,在教学过程的每个环节当中,以较高的领悟能力和较快的学习进度圆满完成教学任务。而那些音乐视野狭窄、音乐知识过于薄弱、技术能力又处于普通水准之下的学生,则会对教学过程的客观性框架,提出挑战。 在这种情况下,教学模式中的客观性形式与主观性构成之间,就成为一种内在的矛盾。这种矛盾的存在,一方面是必然的,另外一方面,从教学进度的最大可能推动而言,教师及学生又有必要通过对教学环节的组织优化与协调沟通,将两者之间的矛盾导向积极的方面。根据本人近年来钢琴教学实践,笔者认为,这种组织优化与协调沟通目标的实现,不妨可以从以下两个方面进行尝试。一是增强“教学环节”的“扁平化”与“兼容性”,二是提高教学内容和教学对象之间的匹配性。 从教学环节“扁平化”与“兼容性”的方面来看,教师在优化教学环节设置的过程中,应当充分考虑到所教学生在音乐素养与音乐技能方面最高水准和最低水准之间的平均值,将教学过程中各个环节要素之间的分布关系,根据上述平均值进行合理的参照,从而,将环节设置对教学效果的负面影响减少到最低限度,使得某个教师所习惯的教学模式与环节设置中,能够包容更多各不相同的学习对象要素。而从教学内容与教学对象之间的匹配性方面来看,以往的教学模式讨论当中,往往容易将之忽略,而过分关注个别课与集体课的模式区别与优劣互补。从笔者多年的高师钢琴教学经验来说,无论是个别课还是集体课教学,其共性方面的要求,或者说,其教学效果的提高,都需要在所教(学)乐曲、技术和学生已有知识技能之间,建立更多的关联与匹配。即便单从乐曲所需演奏技术进行考量,根据现代教育心理学的有关研究,学习过程中“正迁移”的形成,正是提高学生学习效果的重要手段之一。具体而言,现代教育心理学认为:“已经形成的动作技能(可以)对另一些新技能的形成发生积极的影响,能促进新技能的形成和发展;或者反过来,(新)学会的动作技能对已经形成的动作技能的保持(可以)产生积极的影响”。[注:参见刘华山、程刚著《高等教育心理学》,湖北人民出版社,2006年版,第171页。]以上仅仅是就学生弹奏技能的学习过程而言,同样,在有关乐曲背景知识、演奏风格、曲式结构等方面,也存在着类似的现象。这就要求教师在接受学生学习伊始,就应该着手对学生的既有音乐知识和演奏技能进行详实而一贯的了解乃至研究。只有教师在教授某首乐曲的整个过程中,对各个学生的上述知识、技能背景做到烂熟于胸,才可能在教学活动中,随时调整教学环节的分布位置,随时调整每个学生的学习内容和进度,从而达成我们上述教学内容与教学对象较高关联程度的目标。 在以往的高师钢琴教学活动中,为了取得较为整齐的进度,以及为了让学生在学习过程保持对音乐作品的完整性领会,我们会为程度大致相同的同学布置相同或相似的乐曲。而在具体乐曲布置当中,尤其在布置类似于大型练习曲或奏鸣曲作业时,我们又往往让学生练习整首或整个乐章的乐曲内容。无疑,从音乐作品内在规律与艺术完整性的角度来讲,这种训练方式有其不可否认的必然优势,并作为目前通行的主导训练方式。但是,在有些情况下,当学生的曲式驾驭能力、技术能力以及练习时间等方面,暂时尚不具备时,这种主导训练方式,就逐渐显示出了其局限来。因此,根据笔者近年来的思考与摸索,我们发现,在上述情况下,不妨将一些中等以上篇幅的练习曲或奏鸣曲乐章,进行拆分,将其中有更高训练针对性的段落单独作为训练任务布置给学生,从而既充分挖掘了大型乐曲局部段落的针对性技术价值及艺术表现价值,又能回避此类乐曲给学生在练习中造成的精神负担、精力负担以及技术负担。为他们将来完整演奏大型乐曲,提供了前期的准备。如此一来,不但学习内容与教学对象之间的关联程度得到大幅度的提高,同时教学环节的顺利开展,也能够得到更大程度的确保。只不过,采用这种协调策略,无疑对教师的知识结构、研究能力、钢琴文献的熟稔程度等等,提出了更高的要求。 三、钢琴教学模式中的多种教学方法应用 如前所述,现代教育理念一个显著的特征,就是教学双方身份地位的变化。即学生作为学习者,在整个教学过程当中,由传统的教学参与者,向教学内容研究者转变。而教师由原来单纯的知识技能的传授者,向学生学习过程的引导者、合作者转变。正如有的学者所理解的:“(现代教育理念)具有以‘任务’为主线、教师为主导、学生为主体的特征。教师从填鸭灌输式的讲授,转变为组织、引导。”[注:参见代晓蓉著《树立现代教育理念运用科学教学方法》,载于《教育与职业》,2004年第26期,第43页。] 而经过我们在本文中的上述讨论,我们已经初步探讨了在教学过程中,教师在环节设置、教学内容的针对性选择、启发学生进行学习型思考等方面,可以进行改进的方面。而在具体教学活动中,教学方法的选择,可以说,是实现这些理念与环节设置的重要途径。 1、情境式教学法 所谓“情境教学法”,是指“运用具体生动的场景以激起学生主动学习兴趣,提高学生学习效率的一种教学方法”。[注:参见顾明远著《教育大辞典(增订合编本)》,上海教育出版社,2002年版,第1129页。]在笔者看来,这种教学方法,可以让学生在教学过程的伊始,很快进入演奏状态和音乐意境当中。在钢琴教学实践过程中,常常看到有的学生从别的生活场景进入到教学场景当中时,不能够很快进行情绪和思路上的切换,回课时精神涣散,弹奏出来的声音虚浮飘散,音乐信马由缰,并不能发挥出他的正常水准。只有经过一段时间以后,才可能完全进入教学状态,进入音乐的表达情境中。其中的原因,固然是多方面的,既有学生注意力水平本身的原因,也有学生生活情境对教学情境的较强干扰因素等等。但是,笔者认为,教师作为教学活动的引导者和组织者,从教学效果的角度来考量,也应该而且完全有可能在教学活动中,通过适当的情境创设,将学生的非教学情境的干扰因素减少到最小程度。具体比如,可以在学生回课伊始,用简短的语言帮助学生回顾乐曲的风格背景,结构特征等等,可以称之为“语言情境”;也可以在学生弹奏之前,播放同一时期、同一风格或者类似技术类型的乐曲,帮助学生尽快由“概念化的音响记忆”转向“音响化的概念回顾”,从而,在最短的时间内,激发出其演奏与表达欲望来,这种手法可以称之为“音响情境”。此外,也可以充分利用现代教育技术手段,在教学过程中,尽可能采用视频或图片播放工具,根据教学内容的需要,向学生展示乐曲背景同时代的“建筑”、“美术”等其他姊妹艺术风格,笔者将之称为“视听情境”。实践证明,经过这些教学情境的创设,学生能够更加迅速地进入到教学场景与音乐情境当中,从而,为保证教学环节的顺利开展,提供了良好的状态前提。 由于这种“情境教学法”需要更多的教学时间和更强的教学针对性,因此,在笔者看来,这种教学方法更适于在钢琴个别课上采用。 2、合作式教学法 在以往的钢琴课教学环节中,教师、学生、教学内容三者之间的关系,被定义为“教学主客体”以及“教学主体与教学对象”。这种传统型定义的理论假设是:教学内容为待掌握的知识与技能难题,教师相对于学生,是这种知识与技能方面的绝对权威。而在钢琴教学的实践当中,实际上,这种理论假设已经产生了极大的危机。即,面对音乐学术研究成果的激增,音乐传媒渠道历史性的变革与扩充,任何教师都不可能宣称他在每部钢琴作品、各种音乐风格、各种结构类型的分析方面,都已经做到全盘了解,悉数掌握;同时,在音乐资源的占有量及音乐信息的畅通性等方面,教师相对于学生的绝对优势,也逐渐递减为相对优势,甚至在有些情况下,并无多少优势可言。那么,在这种局面下,作为教学环节组织者和引导者的教师,采用何种姿态及教学方式,才能更加有效地发挥其作用呢?或者说,学生在教学过程中,应当发挥出怎样的能动性,来获得学习收益的最大化?基于这些方面的问题,我们不妨从现代教育理念所倡导的“研究型”教学理念当中寻求答案。如上所述,既然教师的信息资源权威在很大程度上可能荡然无存,那么,在有些教学内容的学习过程中,尤其是一些在很多学生身上存在,然而又没有现成解决方案可以参考的情况下,教师与学生进行“合作”,将待解决的问题作为“研究对象”或“研究课题”,以此从教与学两个方面来探索行之有效的解决方式。在这种情况下,最大的变化在于学生从学习姿态到研究姿态的转变,而与之相应地,教师也需要做出教学姿态的转变,以及教学资源的更多共享。通过师生之间的合作,学生方面解决问题的积极性得到了极大提高,随之而来的教学目标的达成,也会具备更多的创新性。这在一定程度上,对师生双方的解决问题的能力,对于钢琴艺术研究方面的推动,都有着良好的作用。 目前,有的研究者已经注意到了这种指向“课题”的“合作式”教学方法,如认为“在这样一个相互合作的氛围中,营造出一个宽松、民主的学习环境。这也是新世纪的音乐教育对新型师生关系的呼唤。它不是传统意义上的‘师道’,也不是被某些人误解的‘学道’。而是为了顺应未来世纪发展的需要,符合教育‘以人为本’的要求而演绎出来的一种开放式的、开拓型的新型师生关系。” [注:参见曹莉芳著《高师钢琴“课题型”教学模式研究》,湖南师范大学硕士学位论文,2006年,第38-39页。]因此,我们说,这种合作式的教学方法,很可能在未来钢琴教学模式中被普遍采用。而从这种教学方法的讨论特征来说,因为其可以在较大范围内调动各种资源与策略,用来解决带有普遍性的、迫切问题,因而,笔者认为其更适于在钢琴集体课的教学模式中采用。 3、讨论式教学法 笔者认为,在高师的钢琴集体课教学活动中,除了要尽可能有效地让学生掌握钢琴弹奏技能、钢琴文献知识以外,还应当在教学过程中,努力创设“教学讨论”场景。首先,高师的钢琴教学既然其培养目标是未来的中小学音乐教师,那么,在这些未来教师进行包括钢琴学习在内的在校职业素养训练中,就应当始终贯穿其师范性。始终让学生在学习中思考:这首乐曲我不但要知晓如何弹,还要尝试如何教,即对于教学方法的初步探讨;其次,因为课时的局限,高师钢琴集体课在授课过程当中,无法确保每个学生都能在教师指导下,进行场景模拟式的教学实践,因此,在钢琴集体课的教学模式框架内,将部分中等难度以下的问题的解决,在特意设置的课时当中,进行“教师指导―学生之间集体‘会诊’”的教学讨论实践,让个别学生问题的解决过程,更加充分地包含其他学生的献计献策或经验交流。如此一来,局部问题的解决方案,即可以扩大为每个学生的教学法收益;个别学生的弹奏问题,也会激起更多学生教学案例和教学经验的累积;最后,以笔者的亲身体会,这种讨论式的教学方法,对于教师自身而言,无疑也提供了更多打开教学思路,掌握学生教学法水准的重要途径,使教师进一步改善教学手法、提高教学效率、让更多学生受益的教学理想,得到稳步有效的实现。 四、结语 通过以上讨论,我们看到,倘若现代教育理念在钢琴教学中能够得到充分体现的话,那么,对于师生双方来说,无疑会促成更为积极、对等以及具有针对性和有效性的教学实践模式。这种模式的不断优化与更新,既是发展了的教育教学原理之所需,也是国家钢琴教育、艺术素质教育的现实要求。但与此同时,我们也看到,现代教育理念应用于钢琴教学实践后,对钢琴教师的职业素质也设置了更高的标准。例如,若想在教学过程中实践“情境式教学法”,教师就必须在课前做好相应的资料采集乃至多媒体编辑的案头工作,也就是说,高师钢琴教师的备课工作,除了课前对学生所学作品的温习与背景资料的了解外,还需要花更多时间在教学媒体的熟练掌握上;若想将“合作式”或“研究式”教学方法真正应用于教学实践,我们作为钢琴教师就必须在教学、演奏之余,研究音乐学术,积累课题实践,否则,所谓“研究式”教学方法,就无异于纸上谈兵。此外,正如有的学者所提出的,高师钢琴教师的另外一个重要素质,就是“必须具备良好的表达能力”。[注:参见于青著《谈钢琴教师应具备的基本素质》,《中国音乐教育》,2001年第8期,第43页。]这一点,以往并没有得到很好的倡导,但是,比照于高等师范院校音乐专业的大学生未来的培养目标,我们认为,钢琴教师在“身教示范”之外的“言传示范”,无疑也是一种必备的教学素质。这对于高师钢琴教师的以上诸种职业素质的发挥,无疑会起到表达手段上的保障作用。 总而言之,高师钢琴教学活动在既有模式框架内,无论从哪个角度对教育理念进行探讨,都可能是有益的。但是,值得注意的是,这种探讨本身,最终必须落实于具有可操作性的教学方法上,并在教学实践中,对这些方法进行不断的检验和锤炼。惟如此,所谓教育模式优化或者教学理念的更新,才能对我国高师钢琴教育事业发挥实质性的推动作用。 现代钢琴教学论文:现代教学模式在钢琴教学中的运用 摘要:在社会经济发展的新时期,社会精神文明需求不断提升,加之素质教育理念在新教育改革浪潮中的进一步融入,使得当代教育中的钢琴教学也被提出了全新的要求。作为艺术领域的重要学科,钢琴教学理念与实践的改革已经成为了必然趋势。然而现阶段的钢琴教学模式依然存在着诸多的弊端,实难适应教育改革的新要求,顺应教育改革的形式借现代教学模式的融入推动钢琴教学质量的提升成为了必由之路。本文将以此为出发点,浅谈钢琴教学中应用现代教学模式的策略,以期能够为更多钢琴教育领域学者进一步深入此领域的研究提供些许有价值的参考。 关键词:现代教学;钢琴教学;应用策略 近几年来,学校的钢琴课堂教学方式成为了社会大众关注和重点讨论的话题,不断地优化教学模式以促进钢琴教学质量的提升成为了学校教育过程中主要担负的使命和责任。现代教育理念是我国素质教育改革的重要理念,侧重于对学生身心发展的全面培养,将学生综合素质的提升、人文素养的培养作为主要的教学目标,并将此教学理念践行和贯彻于教育体系发展的各个环节之中。在当代钢琴教学中融入现代教学理念运用现代教学模式能够有效提高钢琴教学的实效性,进而帮助学生养成良好的学习习惯,掌握钢琴学习的规律。由此可见,现代教学模式的运用在实际的钢琴教学过程中发挥着重要的作用,对整体的钢琴教学发展产生着至关重要的积极影响,具有一定的研究意义和价值。 一、现代教学模式在钢琴教学中的运用意义 从现代角度来说,现代教学理念主要指的是学校在实际的教学过程中顺应教育改革的形势,以各专业的学生为主体,制定学习方案和策略,全方面提高学生的学习水平,增强学生的钢琴演奏效果,达到最终的学习目标。其优秀定位于素质教育的有效改革,以培养学生的全面发展为目的,实为新形势下教育改革的大势所趋。以现代教育理念为基础构建钢琴教学模式,要保证其站在社会发展需求的角度,以培养新时期钢琴艺术优秀人才为目的,才能发挥钢琴教学改革的创新作用,引导学生了解钢琴艺术,并从多个角度不断提升学生钢琴演奏与钢琴表演技能[1]。其意义主要体现于几方面,一方面,能够保证学生掌握较为完善的钢琴艺术知识,以声乐方向,提升学生钢琴伴奏技能要求,并从培养专业钢琴人才为出发点实施钢琴艺术教育;另一方面,合理运用声乐艺术表演为基础,确保钢琴伴奏表演具备一定的专业性,促使钢琴伴奏表演与声乐表演之间相契合。总而言之,现代教育理念作为我国素质教育的主要思想,能够对我国钢琴教学模式的重构进行系统化和科学化的指导,由此可见,现代教学模式在钢琴教学中的运用能够进一步提升钢琴教学的实效性,对艺术专业学生综合综合能力的提升具有积极的影响作用。 二、现代教学模式在钢琴教学中运用的实践策略 现代教学模式在钢琴教学中的运用应基于相关理论重点做好实践的改革,通过各项教学资源的优化配置,不断开发和构建符合当前院校学生身心发展的新型教学模式,以此来满足钢琴教学模式改革的现实需要,以便实现钢琴教学改革的跨越式发展,为我国社会主义事业的长远发展提供全面发展的素质型人才。钢琴教学模式实践改革应以素质教育为大背景,满足当前院校学生对艺术学习的现实诉求。在钢琴教学实践过程中,教学平台的建立是钢琴教学的基础,而声乐改革实践平台的构建则是钢琴教学模式改革的关键,因此需要既保证学生掌握一定的声乐理论基础,还要求学生应具备专业钢琴艺术素养,在此基础上,落实钢琴教学指导的实际环境,保证钢琴教学模式的科学性、有序性和可行性,进一步巩固学生的钢琴演奏知识,以便准确掌握各项技能[2]。 首先,钢琴教学指导平台的构建是指学生成果展示的重要方式,钢琴艺术指导,不仅仅是对学生钢琴伴奏技巧的指示,更需要将声乐理论结合到钢琴艺术成果之中,促使钢琴演奏与声乐演唱相互结合,在构架学生专业钢琴艺术技能的同时,不断培养学生艺术气质,更好促使声乐演唱与钢琴伴奏相互结合,提升钢琴演奏技巧。同时,培养演奏者的视奏能力也是当代钢琴教学的重点,学生在演奏的过程中,应该将自身掌握的应用技术与情感思想良好的进行结合,进而保证演奏者整个钢琴表演的准确性[3]。首先,对学生的钢琴读谱习惯进行了严格的管理,帮助学生认识到钢琴临时演奏的重要性,提高整体的欣赏水平,养成正确的视奏方式。其次,能够提高演奏者的四肢动作的协调水平,养成一种动作的习惯性,帮助演奏者对自身肢体动作进行分工,达到最初的演奏目标和效果。 其次,钢琴专业作为一门艺术类专业,学科体系的建设重点应当将重心放在声乐学习钢琴伴奏,将声乐演唱与钢琴伴奏相互结合。对于学校来讲,艺术院校是培养艺术性人才重要阵地,因此钢琴教学改革有必要切实以对学生钢琴伴奏能力培养为主。素质教育的背景要求当代声乐教育应全面调整传统的教学理念,而声乐教学理念作为钢琴艺术教学实践的指导,将其应用于钢琴教学改革实践则必须要在还原声乐演奏的基础上重视对学生钢琴伴奏能力的培养。而钢琴艺术教学指导平台的建设意义在于不仅能够有效吸引到更多学生对于钢琴的学习兴趣,同时还有利于通过实践教学更好地发现学生在声乐演唱与钢琴伴奏中存在的问题,从而保证钢琴教学的有效性和针对性。 第三,音乐理论通过音乐理论课堂灌输,声乐演唱与钢琴伴奏之间相互配合,借助与声乐的交流,促使学生建立一定的乐感基础,而结合乐感进行钢琴演奏则需通过实践配合,充分了解自身具备声乐与钢琴弹奏知识的作用,充分体会自身尚存不足,才能更敢于在人前进行钢琴演奏。对此,钢琴教学模式改革过程中,要创建有利于学生技能提升的教学环境则十分重要。充分运用音乐资源,举办钢琴演奏的公开表演,让更多音乐学生获得表演机会,提升学生气质,从而凸显钢琴教学模式的教育价值[4]。学生在钢琴学习中会遇到很多专业性较强的技术问题,仅仅通过自己的努力和学习,在一定程度上是不能够提高整体的学习效率的。因此,只有在理论灌输的基础上,扩展思维模式,才能从根本上提高学生的学习水平。由此可见,现代教学模式是学生培养发散性思维的一种灵活方法,能够引导学生通过理论实践相结合的手段更好地发现学习过程中可能存在的一些规律,并大规模的运用到实际的学习中去。 三、总结 综上所述,现代教学模式还原了学生的主体性地位,激发学生的学习兴趣,培养学生在钢琴演奏方面的综合能力和认知意识。在实际教学中,只有正确的掌握现代教学模式在钢琴教学中的重要性,才能通过行之有效地策略整体提高钢琴教学水平。
钢琴教学技巧论文:浅谈钢琴教学中的弹奏技巧 摘要:本文从影响钢琴音色若干技巧的不同角度、力度、触键、运用方式等方面分析入手,强调正确的触键对钢琴艺术表现力的重要性,同时阐述踏板是处理钢琴乐曲的不可或缺的重要工具,在钢琴音乐的表现中同样发挥着举足轻重的作用。 【关键词】钢琴;触键;音色;演奏技巧 中国分类号:J624.1 钢琴基本技术包括音阶、和弦、琶音、八度等技巧,也就是人们常说的“基本功”,是钢琴学习中最为重要的内容之一,但不少钢琴学习者都对这些内容缺乏认识或不感兴趣,没有予以高度重视,以致在钢琴学习中遇到越来越多的技术障碍。所以,只有当你正确认识学习基本技术的意义和作用,并用正确的方法进行练习,打好钢琴演奏的基本功,才能轻松愉快、得心应手地去弹奏各种高难度的艺术作品! 一、音色 好听的声音是不同力度、不同色彩、不同情感处理的结合体,各种节奏、乐句的相互结合、相互对比、相互表现。弹奏出好听的琴音除了对钢琴质量、质地、音色好坏的要求外,还和钢琴演奏者演奏技巧有着很大的关系,是受钢琴演奏者的演奏技巧改变而改变的,与节奏、力度、触键方式、情感处理有着直接的关系,我们听到的悦耳琴音都是演奏者演奏钢琴时各个方面的完美结合,恰到好处的表现。优美悦耳的音乐会让人们心情舒畅,浮想翩翩,缓解疲劳,给人以美的享受。 刺耳的琴音除了钢琴本身的质量、音色的缺陷外,主要是由于手臂手指的错误触键,用力方法不得当,一成不变的力度、速度,对作品死板生硬的理解等等方面造成的。一般都表现为演奏者弹奏钢琴时对音乐内容的不理解,不注重力度、色彩的变化,连音、断音不清晰,乐句、乐段不明朗,有的甚至把所有激昂高潮段落都一味的理解为激动、飞速,抒情缓慢的乐章理解为沉重、深沉。还有的弹奏乐曲时甚至对谱面都没有要求,节奏不稳、章节混乱,没有感情,弹奏出来的 音色尖硬、刺耳,该轻的弹不轻,该重的弹不重,速度控制不住等等。 二、触键 触键的方式多种多样,弹奏出来的音色也丰富多彩,针对不同的作品,它有不同的触键要求,怎么来进行衡量、界定,需要我们进一步的“具体问题具体分析”。为提高钢琴演奏的音色,我们可从以下几方面着手:改变手指的触键部位,从用指尖触键到用指面部位触键。改变手指的触键高度,提高手指触键对下键的速度有重要作用,如要得到明亮的颗粒性声音,常需手指的提高。而对声音柔美的连奏则不需提高手指,要求以平稳的贴键方式触键。改变手指的触键速度,缓慢的触键速度是创造柔和歌唱性声音的关键因素。 练习方法:让手处于正常的弹奏姿势,手背和腕背几乎在同一水平面上,手指贴住键盘,手腕在抬高和放下的动作中必须始终放松,手指始终贴键,手指稳固而略呈弯曲。 (1)断奏:每弹一个音符,手指都迅速按下键,并在发出声音的那一刻立即松开,这样手指就缩回到键上,手腕始终保持平稳,同时无僵硬之感。 (2)连奏:也象前面一样,每个音都要弹出,但是音必须保持住。手指所用的压力只须阻止琴键弹回即可。在向下一个音进行时,前臂略向右转动。这样当一个键松开时,另一个键正好发出声音。目前指力触键主要用来演奏精致典雅的乐段或创造纤弱的伴奏效果。一旦要求较重的音响时,指力触键就会被其他更为有力的触键方式所代替。 三、练习方法 在各类触键方式中运用最广的是“手力触键”。顾名思义,手力触键的主要特点就在于手的朝下动作。把前臂与手在你前方水平地抬起,然后迅速朝下甩,甩得尽可能远。手臂甩完后如果不受阻挡的话,会在空间自然地消耗能量。 练习方法:手放在键盘上。手腕放松,手指稳固。拇指举起离琴键约1/4英寸高,手朝键上和键里用力,使拇指击下琴键。这时手腕会立即向上拱起约1英寸高。然后立刻放松,回到原先的位置。这样就形成了断奏效果。在每一个下键动作中都要强调手腕的向上运动。也可用同样的方式来练习连奏,但手朝下面一个音的方向稍稍转动,手腕每次向上拱起后,应立即回到原先的位置。练习时须遵循下列四个要求: (1)上臂保持放松,肘部在体侧。 (2)前臂稍抬起,以使手腕活动自如。 (3)手腕保持彻底放松。 (4)手指下键要稳固,否则会变为在琴键上纯粹地拍打。 手腕放松而手指稳固是触键中最难达到的要求。造成演奏僵硬和滞重的主要原因往往就是没有做到这一点。手力触键有着广泛的用途,如演奏各种音阶、琶音以及其它复杂音型的快速乐段等等。这些乐段所要求的音量比仅靠指力触键产生的音量大。 触键方式就是突然落下前臂或全臂,以使所要弹的那个键或几个键在这个下落动作中被推下。这种触键后的最终姿势就是手和手臂都从键盘上往下垂挂着。臂落触键也是从正常的弹奏位置开始的,但这时手腕在声音发出的那一刻略微向上拱起的力量已远远无法与臂重的力量相抗衡,所以手腕只好下落而非抬起。也可用臂落触键弹出断奏效果,只要手指在声音发出后立即放松。但是“粘着力强”是这种触键方式的主要特点,所以臂落触键最好用于音的保持或连奏效果。 手腕的上下动作分成两种,一是由整个手臂协调带动下的上下动作;二是手腕独立动作的上下动作。 由整个手臂协调带动上下动作,即一般称之为“落滚”式的动作。这种落滚式动作的练习,可使手臂手腕与手指协调一致,放松自如。僵硬的手腕往往通过这种方式的活动得到改善,变得柔韧。我们一般说弹钢琴用手腕呼吸,就是指这种手腕提起,再落下的小小的间隙,与歌唱中的换气有同样的效果。 四、结语 影响钢琴音色的主要因素有很多种,大致分为:触键、手指手腕的运用、踏板三大方面,本文中笔者从自身十几年的学琴经验技巧出发,翻阅大量的文献资料,结合自身的学习技巧从弹奏钢琴时手指触键的方式、触键时力度的作用、触键时用力部位的不同运用、指力触键、手力触键、弹奏时手臂手指的运用技巧、臂落触键、全臂触键、手腕的上下动作、合理的运用踏板等方面来简单的浅析了这些问题,在弹奏作品中对力度的把握,节奏时值以及感情的处理都简单的做了说明,希望对初学者在弹奏钢琴时能弹奏出好的音色有一定的帮助。 钢琴教学技巧论文:钢琴演奏技巧与乐感的相互联系及其在教学中的应用思路刍议 摘要:钢琴的演奏技巧与乐感之间实际上是相互依存的,二者之间相辅相成,相互渗透和相互补充,乐感的培养和训练也是基于正确的演奏之上。所以我们必须正确对待钢琴演奏技巧与乐感之间的相互联系,并且将他们很好地融入到教学应用当中。本文将针对钢琴演奏技巧与乐感之间的相互联系进行简单分析,并就其在教学当中的应用思路进行探讨。 关键词:钢琴 演奏技巧 乐感 联系 教学 应用 在钢琴教学当中,教师普遍传授给学生的都是最基本的演奏技巧,例如熟悉琴谱、练习指法等等,而学生掌握了这些最基础的技巧之后,就可以更好地领悟乐曲,从而培养和形成独特的乐感,更完美地诠释音乐。学生伴随着乐感的不断提升,就可以在音乐的表现能力上显得更加游刃有余。所以不难看出,钢琴演奏的基本技巧是形成乐感的重要保障,二者之间是相互促进共同发展的。 一、钢琴的演奏技巧与乐感之间的联系 技巧与乐感是一对相互依存的关系,二者之间很难说缺少哪一部分乐曲的演奏还会成功。乐曲的表现和情感的流露是通过扎实的演奏技巧来体现的,只有技巧足够成熟,才可以更好地培养乐感,进而形成自己对乐曲独特的见解和理解,演奏出自己真实情感的乐章。 (一)正确地将乐曲进行划分是乐感培养和表现的首要因素 其实,所谓的将乐曲进行划分,就好比我们人类平时的呼吸一样,总需要有一个停顿和喘息的时间。一首很长的乐曲我们不可能没有停顿的演奏下来,每一小节与每一小节之间都有着相应时间的停顿,几个音符之间也要有恰好的停息,这些停顿在很多时候是需要我们自己去掌握的。所以能够很好的将乐曲进行划分和停顿,对于乐感的培养有着非常重要的意义。 一般而言,在音乐的演奏当中,划分的标准也就是停顿的瞬间和我们语文当中的标点符号是有异曲同工的,不同的符号有着不同的表现效果和演奏要求。所以我们大多情况下从乐曲的分句上就不难看出来演奏者的情感和意图。例如当一小节当中出现了连音符号的时候,我们必须清楚这就要求在演奏的时候表现出一种流畅、柔美、连续的感觉;而断奏符号通常是要让我们表现出一种有力、刚强的情感。所以不同的情况就要求我们有不同的表现方式,进而形成自己独特的音乐理解能力。 (二)速度和节奏要力求准确,才可以更好地保障乐感的培养 我们说乐曲的划分和停顿是乐感培养的基础和首要因素,那么节奏和速度的掌握在乐感培养当中也是非常重要的保障。对于一首乐曲而言,演奏者将它诠释不同,或许我们欣赏者就会产生完全不同的理解。无论是哪种音乐,掌握了它的节奏都是非常重要的。对于一些节奏较快的音乐,我们必须在演奏的速度上进行提升,这就会给欣赏者带来一种欢快或者是比较高亢的感觉。而一些节奏非常舒缓的音乐,我们在演奏的时候,速度必然会慢下来,这就会为我们营造出一种比较柔情的感觉。有一些教师在教学的时候,非常严格的要求学生,甚至过于死板,他们明确的要求学生按照定下来的拍子和节奏来进行演奏,笔者认为,这种方式也并不完全是正确的。我们依照乐谱的拍子进行教学和练习是没有错的,但是好的音乐往往都是融入了演奏者自己的情感和自身对于乐曲独特的理解,所以我们可以适当地对一些拍子的节奏进行改变,以便更符合自己对乐曲的诠释和理解。 实际上节奏的训练在我们的生活当中是最为普遍和容易的。举一个最为恰当的例子,在原始社会,那些原始人根本不懂得什么叫做音乐,什么叫做节奏,更没有乐器供他们演奏和使用,但是他们却可以不断的敲击石头或者是拍手打出节拍,进而跳起舞来,这实际上就是节奏。所以可见节奏在乐曲当中的重要性,也在乐感的形成和培养当中有着非常重要的作用。 (三)在演奏的过程当中力求不拘一格,这也是形成乐感的重要条件 我们都知道,每一首乐曲在进行创作的时候,都有着不同的情感和含义,同样的一首曲子,可能不同的人来演奏,就会有不同的理解和不同的情感。所以我们就是要培养学生在演奏的过程当中形成不拘一格的演奏方式,通过自己的理解对乐曲进行独特的诠释和表现。 另外我们还要清楚地看到,不同的乐曲在创作的时候都有着不同的社会背景。例如肖邦的音乐,表现的内容大多都是对祖国的热爱以及代表祖国人民的一些心声和体现。他的乐曲创作的背景就是当时波兰的社会环境,所以有着很强的社会现实色彩。我们在进行演奏的时候就必须充分对这一创作环境进行了解,进而更好的带着自己的感情融入到乐曲的演奏当中,表现出不同的情感和内涵。所以这就要求我们对学生的教学一定要融入这种思想,让他们能够将自己和别人不一样的领悟融入到学习和练习当中,从而更好地进行乐曲的演奏和表现。 二、这两者在钢琴教学当中的应用和思路分析 在钢琴的教学当中,主要培养学生具备比较扎实的基础演奏技巧和形成独特的乐感。所以笔者就简单的分析一下这二者在钢琴教学当中的实际应用。 对于一些初学者或者是年龄较小、基础比较薄弱的学生来讲,钢琴的演奏技巧对于他们而言更为重要一些的。这就要求教师在教学的过程中,注重对学生基础性知识的讲解和练习,例如:音阶、琶音、和弦、跳音、指法等方面的训练,使得学生的基本能力不断的扎实和巩固,这样才能为以后的学习奠定一个比较扎实的基础。并且教师对待不同年级的学生,也要有着不同的目标和要求。对于低年级的学生,教师的主要目标就定位成基础的指法练习,让学生可以很好的掌握正确的指法并且进行弹奏。而对于高年级的学生,教师需要培养学生的一些技巧音练习,也被我们称为装饰音。例如颤音、震音等等,都是演奏过程当中非常有必要的技巧。还可以在指法的学习当中多学一些不常用的指法,例如轮指,使得学生掌握更多的演奏技巧,进而不断地完善自我,提高演奏水平。 并且在演奏技巧方面,我们除了要教授学生最基础的演奏技巧外,还要不断为他们灌输一些与音乐相关的知识,例如音乐史和其他乐器的练习等等,以作为辅助来帮助学生更好地学习。 而对于乐感的培养,我们也要足够重视。一般而言,乐感是每个人天生都具备的,只是一些人的乐感比较强,对音乐的领悟比较高,而一些人的乐感相对较弱,对于音乐的理解较为吃力。但是不管是哪类人,他们都具备最基本乐感,所以乐感通过后天的培养还是可以发生很大的改变。 教师在进行授课的时候,除了让学生自己进行演奏,还可以定期的为学生播放一些钢琴曲,让学生闭上双眼去感受,理解乐曲的内涵和意义,进而获得自己与众不同的领悟,产生对音乐独特的理解和感受。 三、结语 钢琴的演奏技巧和乐感之间的关系,是相互促进,相互补充的关系,所以我们在进行钢琴教学的过程中,一定要充分的认识到二者之间的联系,更好地将二者的力量传递给学生。只有不断的完善自己的演奏技巧,才能更加纯熟地去诠释一首乐曲的内涵和情感,也只有这样才能够更好地将乐感培养起来,形成自己对乐曲独特的领悟和认识,在进行钢琴的演奏和未来乐曲创作的时候形成自己的风格和情感。 钢琴教学技巧论文:钢琴演奏与教学中的触键技巧问题 摘 要:钢琴是音乐中的绅士,有着他独特的魅力,随着社会的发展,钢琴的制造技术在不断进步,本文主要针对钢琴演奏与教学中的触键技巧问题进行分析,以期给相关学习研究者以有益借鉴。 关键词:钢琴;触键;技巧;演奏 伴随着手指如精灵般的跳动,创作的不仅仅是一首首优美的曲子,更是一个个情感与灵魂的表露。钢琴作为“乐器之王”与小提琴、古典吉他并称为世界三大乐器。不仅仅因为他悠久的历史,更是因为他对技巧的严格要求。只有高超灵活的技巧,才能更好的控制钢琴、融入钢琴。钢琴家只有有技巧的去演奏钢琴曲,才能赋予它真正的灵魂,钢琴演奏作为一门独特的艺术有着很强的技巧性。著名钢琴演奏家霍夫曼曾经说过这样一句话:演奏必须取得曹工钢琴的主权,这个操纵权就是技巧。自从十八世纪末,钢琴随着社会的发展,他的基本构造与性能已经基本定型,钢琴曲的优美旋律已经不像以前那样受到钢琴制造工艺的巨大限制。钢琴的触键技巧已成为钢琴演奏的决定性因素。同一首曲子、同一架钢琴不同的人弹奏却可能产生不同的风格与情感,在钢琴的演奏和学习中,触键技巧作为最基本的因素却成为了最复杂的问题。 随着社会的不断发展,钢琴的触键技巧已逐渐发展为弹奏训练中的一个基本体系,那么如何去掌握并灵活运用这种技巧呢?手指是一个钢琴演奏家的全部生命与灵魂所在,正是由于手指的灵活跳动赋予了钢琴曲灵魂与生命。也正是由于手势上的深厚功底,将一个个单调的音符组成了一首首或跌宕起伏,或优美动听,或狂风暴雨,或柔美动听的曲子。 1 力量因素在触键技巧中的“重量” 力量给予了生命足够的爆发力,但是这个看似简单的问题却是保证良好触键的基础和关键。本来手指作为身体上最灵活的部位,却成为了初学者的噩梦,手指的灵活运用对他们来说是那样的遥不可及,手指在庞大的钢琴面前却是那样的笨拙。这不仅仅是因为手指力量与身体的复杂联系,更是由于演奏家对每个音符力量的选择。一首简单的曲子,可能因为一个手指不小心用力过大或过小彻底破坏了他的美感。手指力度不是一朝一夕能够练好的,初学者在练习钢琴曲时,弹奏的声音可能听起来很虚,手指手臂也可能很容易疲劳。因此,只有脚踏实地的不断练习,才会掌握好自己的手指力度。钢琴的弹奏更加讲求力度的均匀传递,只有在弹奏时保持手指下力的均匀,和旋才会听起来更加饱满动听。力量是钢琴演奏的基础,在触键技巧中占据着不可或缺的地位。 2 从高抬指和贴键训练中看触键技巧 在世纪的钢琴弹奏中,影响弹奏的各种因素其实是相互矛盾却又相互依存的。对于钢琴演奏者来说,高抬指和贴键都是不可或缺的训练,高抬指提高了手指的独立运动性,也提高了手指力量的爆发力和耐力,更加强了手指、腕、臂和身体的协调配合。在初学阶段他有着自身无法替代的价值。可能人们在观看钢琴家演奏时会发现,很少有人去高抬手指,讲求的更多的是松弛随意,更多的是在贴键弹奏,这是因为贴键弹奏虽然和高抬指相互矛盾,但他却是高抬指的升华和发展。手指力量在满足了弹奏所需要的爆发力和独立性之后,就不再需要刻意的去高抬指。贴键演奏会使弹奏者的手指跳动更加灵活有力,圆滑流利,更节约了一些不必要的动作和力量,给人们行云流水般的感觉。只有在不同的训练中,在不同的矛盾中才能创造出完美的乐曲。 3 身体的协调配合对音乐的影响 对于钢琴演奏者来说,身体的协调配合就是手指、腕、臂以及腰部甚至整个身体的协调配合,很多钢琴家在演奏时,整个身体都会随音乐跳跃起来,以满足各种力量的需求。弹奏过程中的基本坐姿和体位都将对音乐的演奏产生巨大的影响。朗朗作为首位冲出中国的国际著名钢琴家,是所有音乐家的榜样,他的演奏想必大家一定看过不少,他的演奏不仅是音乐的表演,他的整个身体都会随着音乐去跳动,仿佛整个人已经融入了音乐。看似毫无章法的跳动,却把身体的协调运用发挥到了极致,演奏过程中无论是过度紧张还是过度放松,都会对身体的协调产生巨大的影响。“钢琴诗人”肖邦和“钢琴之王”李斯特都曾试图去解放手臂和手腕,探索一种更加完美的演奏方法,希望仅仅通过手指的灵活跳动去演绎出完美的音乐,但最终都以失败而告终。无论何种水平的钢琴演奏者,只有做到身体与钢琴的完美配合,才能创造出音乐的灵魂。 4 让触键技巧成为一种习惯 一个行为决定了一种习惯,孰能生巧,自古至今都是一个不变的真理。钢琴演奏讲求的不仅仅只有天赋,更需要的是后天你的不断努力。有哪个钢琴家的童年离开了枯燥烦闷的练习却创造出了后来的成就,又有哪个钢琴家不是凭借不断的努力创造了演奏的升华与积淀。只有让演奏成为你生活的一部分,成为你的习惯,你才能更好的融入钢琴。只有在不断练习中你才能发现自己的不足,才能有机会去创造属于自己的风格。习惯是一个看似虚无缥缈的东西,但他却决定着你的钢琴之路能走多远。 5 结语 钢琴看似简简单单的黑白双键却有着不简单的内涵,看似简简单单的触键技巧却包含了沉重的汗水,没有真正的天才,也没有完美的触键技巧,只有刻苦的学者,用自己的汗水去换取完美的演奏,用自己的人生去创造曲子的灵魂。钢琴演奏是完美的音乐升华,不是简简单单的去创作,无论学习还是演奏都离不开触键技巧,也都离不开演奏者的真正投入,离不开汗水与灵魂的交融。 钢琴教学技巧论文:谈儿童钢琴教学的小技巧 随着社会的进步,越来越多的孩子开始接触钢琴,在钢琴入门时经常遇到一些问题,音符的时值(音的长短)和识谱不仅在基础中占有很大一部分,也会直接影响到以后的弹奏。文者就此针对音符的时值和识谱问题,谈谈在儿童钢琴教学中这两个部分的小技巧。 一、音符的时值 我们在儿童钢琴教学中所经常用到的音符有全音符、二分音符、四分音符、八分音符和十六分音符、除此还有对于儿童来说相对复杂的附点音符。在儿童钢琴教学中,通常学习的顺序是全音符、二分音符、四分音符、附点二分音符、八分音符、大附点音符(前四分附点音符,后八分音符)、十六分音符等等。当然有更复杂的,但是对于钢琴基础的学习接触比较少,只要把基础音的时值掌握好,对以后学习节奏节拍来说就较为容易些。 1. 全音符、二分音符、四分音符和附点二分音符。这是孩子们接触钢琴后第一次对音的时值的认识,也是关键。如果单纯的去给孩子们叙述音的时值,有的孩子会出现根本不理解的情况。在这个时候,我们可以用一首熟悉的儿歌来告诉孩子,在音乐的世界有的音是长音,有的音是短音。这不仅可以提高孩子的兴趣,还可以加深孩子们的理解。然后我们把全音符、二分音符、四分音符画在一起来讲解,最好用联想记忆,让孩子们通过直观来看这三个音符像什么。接下来教孩子们数拍子,全音符是四拍,那么我们要用到一个小技巧,从开始的时候就不直接数一、二、三、四。我们在这个时候要数成一拍、二拍、三拍、四拍。不要看只是一个小小的差别,但是在以后学习八分音符和大附点音符时,会起到很大的作用。我们第一个弹奏的音是中央C,唱Do,以全音符为例,我们在数拍子时,唱成Do拍、二拍、三拍、四拍。唱出来不仅有利于孩子们对音加深印象,对音准方面也会起到一定的作用。二分音符和四分音符、全音符的数拍方法一样,二分音符数成Do拍、二拍,四分音符就数Do拍,附点二分音符是三拍,数成Do拍、二拍、三拍。 2. 八分音符和大附点音符。八分音符我们通常称为半拍,而大附点音符是由一拍半+半拍组成的。对于年纪比较小的孩子来说,如果对他讲述八分音符是四分音符的一半,孩子似乎很难去理解,在这个时候有的老师通常会弹奏四分音符和八分音符让孩子来听,通过听辨来区分音的长短,但是这种方法似乎总达不到理想的效果,因为孩子无法理解均分,对以后的学习可能会造成困难。还有的老师会用分饼干等形象的方法让孩子去理解,但是在弹奏时,总是会出现问题。在这个时候前面学习的四分音符的数拍的基础优势就体现了出来。我们可以很容易的教孩子,让他把以前唱的Do拍的“拍”字弹成音符。因为即使孩子是在4-5岁学钢琴,她们的语言能力也可以把“Do拍”唱的很均匀,那么也会自然的带到他的弹奏中。在弹奏大附点音符时,假设Do是四分附点音符,Re是八分音符,那么我们再弹时就唱Do拍二、Re。这对于小朋友来说就比较容易接受了,需要注意的是在数拍掌握熟练后,逐渐提醒孩子注意倾听,这样孩子们对拍子的乐感就会愈发的增强了。 下面来用一首小曲举个例子: 这首是著名的作曲家德沃夏克的作品《思故乡》,从乐谱上看,很容易理解上面所陈述的方法。 二、识谱 识谱是孩子学钢琴面对的一个基本的问题,我曾经接触过一个考5级的学生,弹曲子时老师还在手把手的教,对乐曲的感觉、节奏都很好,就是不识谱。这个问题让很多老师非常的头疼,但是从客观说,这和孩子的知识框架有很大的关系。有的孩子不用怎么教也会,有的则非常困难。我认为这个问题在开始学琴的时候就要开始打基础,第一节课无论教不教孩子认识五线谱上Do的位置,但是都要学会唱Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si这七个连贯的音,这对以后的学习有很大的帮助。对于有一些孩子学习了一段时间还不识谱,那么我认为还是要从最基本的去理解。分清线间和高低顺序,要告诉孩子,无论是高音谱号还是低音谱号第一线都在下面,就像上楼梯,无论是高楼大厦还是低层的房子都要从1楼开始往上爬。 有两个小方法提供给大家参考: 1. “走路”的方法。现在我们生活的地方一般都有地板砖,而地板砖是有接缝,横竖平行的,在横的地方贴上五条彩色的胶带,这样容易让孩子感兴趣,在娱乐中学习。让孩子先站在第一条彩色的线上,然后走一步,走到第一条彩色线和第二条彩色的线中间,再走到第二条线上,如此多重复几次。结合五线谱给孩子讲解,先把上行学会,然后把上加线和间讲解了,最后在学习下行。提前学习识谱不仅有利于培养孩子的兴趣,也不会在重复“下加一线是Do”中让孩子失去对钢琴原有的兴趣。 2. “折纸”的方法。这个方法对于年纪7岁以上的孩子比较好理解,对于长时间学习钢琴但是识谱困难的孩子也有一定的帮助。在数学中有学习对称图形部分,那么高音谱和低音谱从中间对折,每一个Do都是对称的。先用联想对称的方法记住基本的5个Do的位置,再逐渐的去熟悉其他的音位。老师对于识谱较慢的孩子要耐心去讲解,不能每一次都“放过”,等下次,这对孩子的发展是非常不利的。 在钢琴学习中基础是非常重要的,在不失兴趣的情况下,让孩子在快乐的弹奏中成长是每个家长心中的希望。钢琴的学习之路是较为漫长的,但是越学越精彩,希望喜欢音乐,喜欢钢琴的孩子可以坚持,克服困难学下去。同时也希望此文章可以帮助到一些儿童,为他们的钢琴学习提供一定的技巧。 钢琴教学技巧论文:浅谈儿童钢琴教学的技巧 摘 要:随着社会经济的发展,人们物质生活条件的日益提高,家长对子女的素质教育也越来越重视,于是钢琴走进了千家万户,学习钢琴的儿童也越来越多。但由于各方面的原因,儿童钢琴教学中还存在各种各样的问题。 关键词:儿童钢琴;教学;技巧 随着社会经济的发展与音乐素质教育的普及,学习钢琴的儿童日益增多并趋于早龄化,家长认为通过学习钢琴,孩子不仅可以掌握一技之长,还可以陶冶情操,培养踏实严谨的学习态度,丰富他们的业余生活。下面笔者谈谈对儿童钢琴教学的一些观点和看法。 一、帮助儿童养成良好的练琴习惯 培养良好的学习习惯是成功的关键。当前社会竞争激烈,孩子学习的科目众多,良好的学习习惯能够提高练琴效率。练琴时间要根据孩子的年龄和自身的性格而定,并随着年龄的增加而逐渐增加。练琴时间的长短一旦确定下来,家长就要严格要求和监督孩子,帮助孩子养成良好的练琴习惯。在每天练琴之前可以先布置好当天的练琴任务,如果孩子能够在保证质量的前提下提前完成作业,就可以提前结束练琴时间。这样可以克服孩子做事情没有计划、磨蹭的毛病,在提高练琴效率的同时,也培养孩子做事情有条理、有计划的能力。 所谓细节决定成败,作为教师和家长,在教与学的过程中,需要引导孩子养成认真读谱的好习惯,让孩子明白错音的严重性,正确理解休止符及不同奏法的含义,重视音符时值、速度标记、力度记号,养成查阅术语的好习惯,读谱要仔细全面,避免形成弹琴马虎不认真的缺点。要想成功,科学合理的练琴方法必不可少。所谓欲速则不达,正如赵晓生先生所说:“慢练是克服一切技术障碍之本。”慢练的过程,相当于让演奏者拿着放大镜把整个曲子细致研究了一遍,使演奏者有时间去倾听、比较、思考和理解。在慢练的过程中,还要注意节奏的准确和对情绪的把握、手腕手臂动作的配合、体会动作的感觉,只有一切是在以最终表演为前提下进行练习的状态,才是有意义的慢练。 此外,关于分手与合手练习的问题,笔者认为没有绝对的好坏。应当视个别情况而独立判断。如果遇到难点片段,新的技术或触键,可以分手练习;而单纯识谱,最好鼓励孩子从小养成双手识谱的好习惯,并在识谱中,把指法、奏法、句法、力度记号等细节都考虑进去。慢练、分段落练习、分手练、动脑用耳练,看上去虽然简单,却正是孩子在练习中所忽略的。因此作为教师和家长,需要时刻提醒孩子养成正确的学习习惯和态度。 二、注重基本功的训练 钢琴学习是一个漫长而艰辛的过程,作为教师,在孩子日常学习中,如果能够强调正确的弹奏方法,科学重视钢琴基本功练习,会使孩子在钢琴学习的道路上事半功倍。就像学习芭蕾舞,不重视脚尖站立的能力,则发挥不出其艺术特点与魅力。但相对于其他性质的练习,基本功练习比较枯燥,孩子在练习过程中,如果没有把教师强调的重点和要领重视起来,只是单纯地练习音符,就会事与愿违,达不到练习的真正目的。 在钢琴教学教法中,对于高抬指还是低抬指有很多争论,笔者认为要根据不同的音响效果和需要而定。但在钢琴学习的初级阶段,高抬手指练习是主要的也是必要的。在进行音阶、琶音、保持音练习和练习曲等基础训练时,运用高抬手指可以使手指和掌关节得到最大程度的锻炼,并能增强手指的力度、独立性和灵活度。当孩子能够较好地站立手指时,就需要给他们灌输其他的触键方法,使他们了解弹奏方法的多样性。 关于基本功练习,笔者认为,虽然我们不能把钢琴演奏看作是一门纯技术性的表演,但基础训练又是必不可少的。二十四个大小调音阶,琶音是孩子了解熟悉键盘的最好途径,熟练掌握它们,能够对明确各调性关系,掌握指法体系起到至关重要的作用。此外,《哈农钢琴练指法》、《什密特钢琴手指练习》以及车尔尼系列钢琴教程等都是非常有实用价值的教材。作为教师,在日常教学计划中,不能忽视对孩子的技术技巧训练,并在教学过程中注重对孩子情感的培养,因为在钢琴演奏中,技巧与音乐是相互依赖,缺一不可的。 三、加强孩子的演奏能力 钢琴教学与其他学科不同,主要以个别授课方式为主,孩子在学习过程中,除了揣摩教师的弹奏,很难与其他同龄孩子产生互动,最多只能看看前后孩子的上课情况。因此,作为教师,最好能够定期把孩子们聚在一起,互相切磋交流,让他们感受到演奏的氛围,培养孩子的表演欲,增强心理承受能力,同时激发孩子学习的兴趣。此外,还可以给弹奏水平相当的孩子布置四手联弹的曲目,促进交流和配合,这样也可以加强他们与人合作的意识,更有助于他们听觉的训练。定期举办观摩会,能成为孩子学习钢琴的动力,树立学习目标,每次观摩还可以和教师讨论自己想表演的曲目,这样既能增加对自我的了解,分析自身的优缺点,也能增加表演经验。因此,作为教师,要积极帮助学生创造这种表演的机会,这种锻炼在孩子的学琴过程中是必不可少的。 四、听觉的重要性 大多数家长和孩子都是“听”了其他孩子的演奏,引发对学习钢琴的积极性,可见“听”在学习音乐过程中是很重要的环节。但是当孩子开始接触弹奏时,就会把注意力从“听”转变成“看”,看手型、看谱子、看老师的动作等,长久下去,他们的耳朵在练琴过程中就会处于休息的状态。孩子在接触新事物时,都会有种先入为主的感觉,从他们学习第一个音符开始,教师就应该把“听”和“看”结合起来,强调两者同等重要的地位,从单音开始听音色,听触键,听控制。这样能够在学习过程中潜移默化地让孩子在听觉上建立良好的音色概念,树立正确的审美观念。练习过程中,孩子在耳朵倾听的状态下弹奏,当出现不正确的音响效果时,他们会把这种音响错误等同于错音、错节奏一样的问题。若孩子能够严格按照这种标准要求自己,那么距离成功的目标必然就会越来越近。 此外,听觉训练中还包括重要的固定音高训练,即听音训练。通过这项练习,可以帮助孩子在识谱过程中,把眼睛从琴键上解放出来,减少看谱、看手的频率,减少弹错音的几率,使视奏能力得到提高。 儿童学习钢琴是一个漫长而又复杂的过程,因为孩子的天性和其他客观因素,在这条路上成功并不容易,即便天分和勤劳两者兼备的孩子,如果缺少教师的正确引导和家长的高度配合,也很难交出出色的成绩单。从教育和文化的角度出发,作为钢琴教师,应该在日常教学中,在引起孩子学琴兴趣的前提下,对孩子进行基本功训练,培养孩子练琴的好习惯,并请家长给予积极配合,这样才能使孩子在钢琴学习的道路上,一步一个脚印地前进下去。 钢琴教学技巧论文:钢琴教学提升左手弹奏技巧研究 摘 要:本文就钢琴演奏左手技巧重要性探讨了其演奏阶段中存在的问题,并制定了钢琴教学优化提升左手弹奏技巧科学策略。对完善教学效果,全面发挥左手弹奏技能,演奏出优美的钢琴乐曲,提升艺术感染力,有重要的实践意义。 关键词:钢琴教学 左手 弹奏技巧 1 钢琴弹奏左手技巧重要性 钢琴为多声部演奏的乐器,各个曲子均包括至少两个声部。因此,演奏者想弹出优美的音乐应注重声部的良好独立与优质配合。多声部的钢琴乐曲演奏需要两只手配合完成。较多钢琴乐曲作品中,均需要演奏者用右手完成主旋律的演奏,因此,演奏者往往投入更多的精力在右手练习中,却忽略了左手声部的技巧锻炼。实际上钢琴演奏以及练习阶段中,左手弹奏技巧的训练尤为重要。左手承担着演绎伴奏声部的重要任务,虽然并非主旋律,却作为衬托主旋律的绿叶而必不可少,起到了画龙点睛的作用。因此,动人的钢琴音符需要左手运用良好的弹奏技巧合理的烘托演奏气氛。一首完美的钢琴演奏作品,不仅要将主旋律音符演绎的恰到好处,伴奏声部也应处理适当,方能令其形成良好的衬托,否则即便是再好的主旋律也会变得淡然无味,不能满足人们丰富多彩的欣赏需求。古典奏鸣曲钢琴演奏作品,其左手伴奏旋律多应用固定音型,而主旋律则多为单音,也就是说主体依靠右手进行演奏。而为了凸显主旋律,则左手伴奏的音量会较主旋律弱一些。同时,左手需负责低音、弹奏转调以及和声变化。足以见得左手弹奏钢琴音乐的重要性。钢琴演奏逐步发展为浪漫乐派时期,其伴奏声部则在和声以及织体阶段均更为丰富,进行和弦的分解、琶音流动,均形成了对右手演奏的有效充实以及衬托。例如肖邦夜曲演奏曲之中明朗且平静的Op9No2,谱例(见图1)。 左手伴奏需有效控制好适宜的音量,并需要演奏者清晰的演绎、准确的诠释,体现明了的方向性。该乐曲演奏左手弹奏需要掌握速度控制技巧,且应做到稳重、安静,方能为右手的弹奏烘托良好的气氛。由此可见,强化左手弹奏技巧的训练十分必要。 钢琴乐曲的演绎中,左手还承担着旋律声部的演奏,一旦旋律出现于左手负责的声部,钢琴演奏者便应有效的突出左手部分的弹奏,体现良好的应用技巧。例如《十一月在马车上》。 这首钢琴曲,由五十一小节,乐曲主题转入左手,需要演奏者强调左手声音,高声部应突出爽朗明快的演奏风格,而左手低声部则应形成共鸣的效应。要想达到这一演奏效果,需要掌握一定的左手演奏技巧。 钢琴乐曲中舞曲以及舞蹈性音乐,其节奏成为展现音乐题材的主体,因此应确保左手声部进行准确清晰的弹奏。例如小步舞曲,左手二拍弹奏应有效控制声音,确保第一拍稍微长,同时二三拍不应过于跳跃。圆舞曲演奏,左手二拍弹奏的第一拍为强拍,因此,应体现良好的弹性,后续两拍则应轻快,并体现一定的控制力。倘若在弹奏该类钢琴乐曲时,无法注重左手声部应有的韵律与节拍,便会影响演奏效果。 复调音乐属于重要的音乐内容之一,其并不进行主声部与辅声部的划分,也不包括旋律与伴奏。也就是说复调音乐各个声部同样重要,均具有独立存在必要性与自身线条。要想演绎好该类作品,便应弹好左右声部,其往往为演奏者应注重的难点以及重点环节。学生倘若仅注重右手训练,则无法达到良好的乐曲演奏效果。只有利用听觉、研究声部连接以及良好的配合,重视左手演奏技巧训练,克服左手演奏难点,促进左手与右手的有效配合,兼顾旋律线条的进展,方能提升演奏水平,演绎出优质、完美的复调音乐。 2 钢琴演奏左手技巧相关问题 2.1 左手欠缺灵活度 一般来讲,人们的右手手指会比左手更为灵活,主体原因在于生理与练习方面的双重影响。生理视角来看,人们的右手天生灵活,左手则较为笨拙。日常生活中,多数人则经常应用右手干活、写字、吃饭,因此令右手更易于左手接受大脑的命令,并完成的比左手好。同时,右手由于经常用力,因此,其手指与手臂体现了优于左手的力量优势。例如学生进行连奏练习,通常右手手指的抬高高于左手手指,左手则相对表现的软弱,欠缺力度。练习层面来讲,针对右手的技巧训练钢琴乐曲显著高于左手,在欠缺系统性训练的状况下,便呈现出了左手演绎技巧与能力的先天不足,较难与右手抗衡,为此如何做好双手弹奏技巧的有效平衡将成为一类难点问题。 2.2 左手演奏应进一步强化歌唱性以及独立性 较多学生进行钢琴乐曲弹奏阶段中,右手演绎主旋律往往能较好完成,然而左手弹奏则会出现旋律弹得别扭、音乐不连贯、欠缺歌唱性以及感情色彩的问题。出现该状况,则学生往往进行左手的单独训练,即便如此也较难形成同右手相媲美的演奏效果。例如弹奏时,往往左手旋律处理过于生硬、跳音转换太快或较短,欠缺生命力,学生则过于顾及右手弹奏技巧,令左手旋律则被右手技术难度所引跑,欠缺连贯性以及良好的歌唱性。左手声部基本为伴奏声部,由于学生不够重视,将注意力多放于右手旋律,认为左手只需弱弹便可,不顾及伴奏声部自身应有的旋律以及和声走向,进而影响了乐曲的感染力以及生命力。左手弹奏虽需要弱于右手主旋律,然而其自身并非单个声部以及层次,做好左手弹奏的独立敏锐训练,令其具备良好的应变技能十分必要。例如肖邦夜曲左手声部在弱于主旋律的同时,不应将整体音乐弱弹,应合理将低音同和弦的具体层次、音量大小以及色彩有效划分,科学分析探究有效的左手弹奏方法,做好主旋律的优质配合,进而良好的服务于乐曲主题思想,展现完美的钢琴乐曲演绎。 3 钢琴教学提升左手弹奏技巧科学策略 3.1 理论联系实际,注重左手技巧基础理论教学 学生练习左手弹奏技巧阶段中,应注重理论研究、联系实际,明晰如何弹、怎样弹,勤于思考锻炼。实践教学中,教师应做好弹奏原理的教学,令学生巩固理论依据,实现内涵升华。实际操作同理论学习研究均十分重要,操作可为研究理论提供具体分析对象,而理论研究则可为实践演绎、弹奏提供优质练习手段。为此,教师应做好亲身示范弹奏,深化讲解,令学生形成良好的理性认识,进而在技巧练习阶段中能够独立的思考,并举一反三、触类旁通,快速掌握左手弹奏技巧,促进实践及理论相结合。再者,教师应培养学生形成良好的主观能动性,在依据教师讲授方式进行左手技巧练习阶段中,应引导学生阅读卓越钢琴家有关弹奏技巧的著作,令其掌握丰富的技巧应用策略,进而结合自身弹奏水平,汲取丰富经验,学会良好的弹奏方式,强化左手技巧水平。学生在左手弹奏中一旦遇到困难,教师应给予必要的引导,同时,鼓励学生先进行独立思考,思索良好的应对技术难题策略,通过查阅书本寻找答案,积极和同学进行心得交流。应令学生明晰课堂并非演奏知识获取的单独途径,想丰富技能知识,应勤于思考,不应盲目训练,倘若漫无目标,再多的训练也毫无用处。因此,教师应培养学生在弹奏练习阶段中应借助自身理解,发挥逻辑优势,通过用脑练习、理论武装头脑,提升学习时效性,有效补充学生学习钢琴年限有限、手指欠缺锻炼的不足之处。 3.2 注重复调钢琴乐曲作品左手训练 复调钢琴音乐作品对于左手技巧的练习尤为重要,其中声部包含较多,音乐形象却相对单一,进而学生可专一进行手指训练,明晰主声部与辅声部具体层次,令音乐更为均匀、流畅,体现良好的横向感,避免多声部形成的混乱现象。在复调学习阶段中,还可令学生锻炼各个手指灵活度,提升操作力度以及良好的独立性。教师讲授复调作品练习阶段中,应辅助学生合理的转换思路,明晰复调同主调作品的实际区别,复调作品具备的特征与练习操作的主体要求。即不应将左手视为伴奏声部而单纯的进行弱弹处理,应令学生明晰复调音乐之中,声部并不包含主次区别,左手弹奏与右手应同等重要。弹奏练习中应正视左手的重要性,做好同右手的紧密配合、有效衔接。可引导学生多多练习巴赫二部创意乐曲,训练脑部以及手指。谱例(见图2)。 该乐曲由于两声部为更替交叉的出现,因此,可令学生在练习阶段中较易分清声部、明确主题,有目的进行训练。教学阶段中,应令学生明确双手的力量应保持一致相同,进而令两声部显现有效的呼应以及巧妙的对打。弹奏时,应引导学生良好控制各个手指弹奏力度、具体时值以及触键技巧。在学生较好的完成二声部复调音乐之后,教师可为学生设置相应的的复调作品,令其优质控制左手技巧,令各个声部强弱以及走向更加明确清晰,不应将两声部不加区分的混杂为一体,同时,不能令右手将左手声部盖过,应掌握好技巧与度。 3.3 提升左手歌唱性演奏技巧 钢琴教学中,教师应注重提升学生左手的歌唱性演奏技巧。针对左手进行旋律演奏的内容较少,且由于左手存在先天灵活性不足的状况,令其演奏水准、对音量以及音色的整体控制性弱于右手。因此教师更应有目的、合理选择针对左手训练的钢琴作品,提升其歌唱性,令学生用左手演绎出柔韧有余、深沉感性、音色醇厚的乐曲效果。为提升左手弹奏的歌唱性,教师应引导学生良好的应对左手连奏问题。可在学生应用左手弹奏旋律阶段中,详细进行连奏效用的阐释,令学生掌握科学的弹奏处理方式,明晰如何应对旋律连奏及其与伴奏连奏的既定联系与内在差异。例如,在进行平湖秋月钢琴曲的弹奏中,左手演绎第一段内容的伴奏连奏以及第二段旋律连奏存在差异性。首段左手伴奏包括两部分,即低音以及中音声部。整体左手应利用连奏处理弹奏,低音部分应弹奏的低沉,延长声音的传输距离,营造好比岩石沉入湖水之中的音效。而中音部分则应处理的更为连贯,令声音好似较为遥远同时不能含混不清,应具备良好的起伏性,好比湖面之上形成的层层涟漪。弹奏力量要由始至终低于右手。弹奏第二段的乐曲旋律则变为左手,该时期其左手为连奏弹奏,而声音则更为清晰。因此,手指应体现良好的歌唱性,同时展现感情。学生弹奏该段落时,应注重利用手指肚进行键盘的触键,令其力量逐步沉入至钢琴,营造一种厚重、结实的演奏效果。 3.4 优选训练左手弹奏技巧的教材 目前,我国钢琴教材中有关专门指导左手弹奏技巧的出版书籍相对较少,虽然如此,基本所有关于训练手指技巧的钢琴教材之中均包含一部分左手手指训练的钢琴曲目。为此,教师进行实践教学阶段中可依据学生自身特征以及缺陷,有目的为其选择一些适合的教学书籍与钢琴曲目对学生展开专项训练。例如,《哈农钢琴练指法》书籍便是针对手指弹奏技巧的钢琴书籍,通过讲解指导训练学生双手手指弹奏的灵活性、触键力量以及耐久性。同时为强化左手弹奏技巧的练习,教师在参照书籍讲解阶段中,应强调对学生的左手展开独立的讲解训练,还可在双手一同演奏时,令学生强弹左手,进而强化头脑对学生左手的有效控制。还有一本有关技巧训练的教材为《每日十二首钢琴技术练习》,其内容详实、观点独到、编写优秀,涵盖断奏、弹奏音阶、连奏、钢琴演奏双手更替交叉以及琶音等较多技能练习,同时还注重双手并重,由简单逐步加大难度、由浅入深,具有广泛良好的适用性。同时,书籍之中还配设了有关生活之中学生们熟悉的生动丰富的动作、形体插图,简单易懂,可提升学生学习兴趣,营造良好的教学效果。参照教材进行教学阶段中,教师应辅助引导学生明确左手处理的难点,实施细化练习,科学应对各个重要环节。当学生左手可全部胜任弹奏技术后则可令其进行双手合奏演练。再者,教师可优选涵盖五度以及八度音阶、六连音技巧以及分解和弦演绎技术的曲目,对学生展开专项教学训练。令其丰富左手技巧,更全面的汲取弹奏知识,提升综合演奏水平。 4 结语 总之,钢琴教学是提升学生弹奏技巧,强化音乐理解力、鉴赏力,丰富艺术内涵的重要工作。要想演绎出一首充满情感、引起共鸣、获取听众认可的优美钢琴乐曲,不仅需具备良好的音乐素养,将主旋律处理的动听、美妙,同时,还应注重左手技巧的训练。为此,教师只有明晰左手技巧练习重要性,针对左手教学训练存在的问题,制定科学有效的实践教学策略,优选教材、科学设计教学内容,提升学生左手歌唱性弹奏技巧、注重基础理论教学,科学联系实际,引入复调钢琴乐曲作品的针对性训练,方能提升教学水平,营造良好的教学效果。令学生双手形成良好的配合,正确、到位的演绎钢琴音乐作品,进而实现素养内涵、实践能力的全面提升。 钢琴教学技巧论文:浅谈如何在钢琴教学中提高学生左手的弹奏技巧 摘要:钢琴是多声部乐器,练习和演奏需要左、右两只手共同协作完成,然而,有相当一部分学生只重视右手技能训练却忽视了左手的功能。事实上,在钢琴演奏中,左手占有不容忽视的重要地位与作用。在钢琴教学中应重视培养学生的左手弹奏技巧,以达到最好的演奏效果。 关键词:钢琴教学;左手;演奏技巧 1左手技巧的重要性 随着我国艺术教育事业的不断发展,越来越多的人加入到专业钢琴学习的队伍。钢琴作为多声部的乐器,它所弹奏的每首曲子都是由两个或两个以上的声部组成。演奏者要弹好一首乐曲就一定要注意各声部的独立及配合,而多声部演奏是由左、右两只手共同承担,协作完成的。在大部分作品中,右手承担着主旋律声部,学生也往往会下大力气去练习右手技能,而往往容易忽视左手声部的存在,导致左手的跑动能力明显不如右手。事实上,在练习及演奏中,左手的弹奏是非常重要的。 左手在钢琴演奏中所承担任务主要有:一是往往担任伴奏声部的弹奏任务,一部作品如果没有好的伴奏声部来衬托,再好的旋律也会显得苍白无力、无法吸引人;二是有时担任旋律声部的弹奏任务,一般来说,旋律有时会在右手(高声部)出现,有时又会在左手声部(低声部)出现,当旋律在左手声部出现时,演奏者就要突出左手的弹奏;三是担任准确把握舞曲或舞蹈性乐曲节奏的任务,在舞曲或舞蹈性乐曲中,节奏是表现其题材的主要特征,要把握好节奏就必须把握好左手声部节奏的准确弹奏;四是在复调音乐中担当同右手一样的任务,在复调音乐中是不分主要声部和从属声部的,每个声部都有其独立存在的意义,都有自己发展的线条。由此可见左手技巧在钢琴演奏中的重要作用和加强左手技巧训练的重要性。 2提高学生左手弹奏技巧的方法 2.1注重理论知识的输入 教师在教学中不但要向学生传授演奏技巧,还要引导他们掌握相关的理论知识。教师通过示范演奏与深入讲解,使学生增强理论认识,并在练习中独立思考以求触类旁通,尽快地掌握与提高手指技巧。同时,要充分发挥学生的主观能动性,指导他们阅读著名钢琴家撰写的关于钢琴演赛技巧的书,借鉴他们的演奏方法和方式来提高自己的技术水平。当学生在左手弹奏遇到困难时,不仅要向老师请教解决办法,更重要的是独立思考,想办法解决好技术难题。既可以看书找答案,也可以和同学交流心得,总之,不能把课堂当成获取知识的唯一途径,而是要多方面获取知识,提高技巧。 2.2利用复调作品练习左手技巧 复调作品虽然声部多,但是音乐形象比较单一,这样学生就能专一地去控制每一个手指,分清主次声部的层次,并使音乐平均、流杨、有横向感,不至于因声部层次多而混乱。通过学习复调,可以锻炼每个手指的灵活性、独立性以及力度等。复调作品是练习左手技巧的重要作品。它需要左手和右手有一样好的技巧才能完成自己的声部,这就对左手的手指技巧提出了更高的有求,同时它又为左手各个手指灵活、独立、力度的训练提供了极好的机会。教师要帮助学生转换观念,强调复调音乐与主调音乐的区别,讲清楚复调音乐的特点及练习要求,让学生理解在复调作品中声部之间没有主次之分,左右手同样重要。在弹奏中不但要重视左手声部在整个音乐中的地位和独立的音乐性格,还要注意左手声部与右手声部的配合与衔接。可以要求学生分手、分声部练习,并且重点练习左手,从而将每个声部弹清楚、完整。 2.3训练大脑对左手的控制 对于大多数学生来说,左手比右手更不易受大脑控制,因此出现的问题和困难就会更多。因此教师在教学中可以有意识地训练学生用脑来控制手指的弹奏及手腕和手臂的演奏状态。可以利用巴赫的二部创意曲训练头脑对手的控制。二部创意曲由两个声部组成。一般是右手弹奏高声部,左手弹奏低声部。主题在两个声部中交替出现,学生练习时容易分清楚声部,找出主题,由于左手的声部不再是伴奏声部,而是与右手声部同样重要的声部,所以它要弹奏的曲调要富有生命力和自己的性格特征。双手的力量要“旗鼓相当”,要特别注意左手不能比右手轻,以保持两个声部模仿、呼应、对答的特点。学生在弹奏左手声部时要注意控制每一个手指的力度、时值和触键。 2.4训练左手手指的歌唱性 在教学过程中,教师应该有目的、有针对性的选用一些左手弹奏旋律的钢琴作品,训练学生左手手指的歌唱性,使其弹出深沉、柔韧、醇厚的音色。要想训练左手手指的歌唱性,就要解决好左手连奏的问题。在练习连奏时,教师可以指导学生先从两个音的连奏开始学习,手指上也可以从较好控制的二、三指练起。两个连音学好后再学三个音、四个音、五个音的连奏,同时逐渐把拇指、四指、五指包括进来。可以先练习相邻音的弹奏连接,再练习相间或远距离音程之间的弹奏连接。在练习连奏时不但要讲究手指、手腕的平稳、连贯,更重要的是讲究声音的平稳及连贯,每个手指之间动作要衔接好,每一个音的声响应该均匀,不能有的轻有的重。 2.5注重教材和曲目的选用 大部分练习手指技巧的书籍中,都会有涉及左手手指技巧的练习曲,教师在教学中可以根据学生的特点和不足,有针对性地选择一些书籍和曲目对学生进行训练。《哈农钢琴练指法》、《每日十二首钢琴技术练习》、《莱蒙钢琴练习曲》(作品37号)、卡米尔・圣桑《六首左手练习曲》、莫里茨・莫什科夫斯基《12条左手单手练习曲》、戈多夫斯基《左手音乐会曲集》等都是练习左手手指技巧的重要书籍。为了加强左手技巧的训练,教师在指导学生练习时应强调左手的单独练习,或双手齐奏时要求学生强弹左手来加强大脑对左手的控制。 钢琴教学技巧论文:谈数码钢琴教学中哈农与音阶技巧的练习 【摘 要】数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容,可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力,能够多出人才快出人才,有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。本文就数码钢琴中的哈农基本练习及音阶技巧谈了自己的看法。 【关键词】数码钢琴;教学;哈农练习;音阶 数码钢琴集体课作为一种新兴的教学模式由国外传人得到愈来愈多的重视,其原因一是由于国内高师音乐教育改革趋势的推动,同时也是受到国外先进教学经验和理论的启发。数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容,可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力,能够多出人才快出人才,有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。 在数码钢琴课中,钢琴基础教学就显得十分重要。钢琴基础教学主要包含两个方面:手指基本灵活性的弹奏和手指技术技巧的练习。针对这2个方面我们会使用到《哈农钢琴练指法》这本书,在这本钢琴书里哈农基本练习是针对手指灵活性来练习的,而音阶技巧是对于手指技术技巧的练习。 看到很多的人在讨论哈农练习重要不重要的问题,我发现赞成与否的刚好是对半。这说明国内对于哈农练习的认识还不够,我们认识的很多世界著名演奏家,到现在哈农练习也还是他们每天必做的功课,这说明什么问题?我看过很多老师上课时对哈农练习的要求,我认为都不正确,按他们这样的要求,一条一条的练习,对于学生来说的确是没有什么用处的。我的学生都要求每天做1-20或21-38条连奏的,44条以后的每条起码是反复10遍。那么在数码钢琴教学中我把哈农练习分为四个阶段,在这里我首先介绍第一阶段的练习,第一阶段的练习又分三步走: 第一步:哈农1-20条连奏 为这个练习我专门做了1-20条的省略版,这样就不会让学生在练习的过程中有翻谱的动作。我的要求是一气呵成,开始是用“高抬指快速触键”的方式慢练。在触键动作都符合要求后再加快速度,直到能够做到音色均匀、很清晰、很轻松的完成后,就变换一种触键方式继续按照从慢至快的练习,直至把基本的触键方式在哈农1-20条上都熟练的掌握好。开始练习时由于耐力问题,你可能练习到第8条至第10条会有很疲劳的感觉(我把这种情况称为耐力临界点,这个点是因人而异的),记住,不要停下来,坚持下去就会感觉又有了新的力量,直到把20首都练习完成。这种练习要求每天至少一遍,有时间的话最好是三遍,上午一遍,中午一遍,晚上一遍,每天每遍都用不同的触键方法。第一步的练习时间将会持续将近一年的时间,在这个过程中,你会收到意想不到的效果。 第二步:每条在12个调上跑完 这个练习开始时会很别扭,因为大指和小指不断的要上黑键,黑白键有高有低,一定要控制好手腕的平稳,特别要关注大指的主动性。由于调式的关系,经常会遇见要弹奏两个黑键之间夹缝的情况,记住,一定要做到准确、扎实,不要一味的图快,讲究质量是首位的,音色的均匀是这种练习的重中之重。1-20条都能够在12个调上很轻松的跑动,这时你的手指力度、弹性和耐力都已经产生了质的飞跃 第三步:1-20条双手不同触键方法 第三步的练习主要是学会快速变换触键方式的能力,开始时,你可以一遍只换两种触键方式,如前10条是“高抬指快速触键”,后10条是“低指位快速触键”,然后再逐渐加上“非连音触键”等等,最后是两条一种触键方式。我经常教学中会用上行一种触键,下行又是一种触键,然后是左手一种触键方式,右手另一种触键方式,例如:左手用“指尖跳音触键”,右手用“连音触键”。这样的练习很有意思,让你体会不同的触键而产生的不同音色带来的美感。这个时候你就可以进行第二阶段的练习了,也在这个时候,由于你触键方法的丰富,对乐曲情感的表达能力将会不可同日而语了。 接下来我们说一说音阶技巧的弹奏,音阶是钢琴作品织体中的重要组成材料,弹好音阶是掌握钢琴演奏技术的重要保证。?从技术训练的角度看,音阶弹奏要求每个音级力度均匀一致,所以弹奏音阶练习对于平衡发展手指的控制运用能力具有十分重要的价值。 第一条音阶,可以从C大调音阶开始。音阶练习可以从一个八度逐渐向两个、三个及四个八度发展,具休发展形式可采取变节奏的练习,例如:采用每分钟76-86拍的音乐速度(中等速度),按照四二拍子的音乐节拍律动要求,弹奏一个八度音阶,力求力度均匀一致的四分音符感觉;弹奏两个八度音阶,追求强位音突出的八分音符感觉(一拍内均匀地两个音),逐渐发展成三个八度音阶力求弹出强位音突出的三连音感觉(一拍内均匀地三个音);直到以后发展为四个八度音阶力求弹出强位音突出的十六分音符感觉(一拍内均匀地四个音)。 正确的顺指法、穿指法和跨指法,是弹好音阶的基本保证。手腕和手臂放松自如,是音阶弹奏平稳流畅的生理机制保证。音阶的变节奏练习,要有明确的节拍要求,切忌“盘子喝水一漫来”的“大写意”无序。强拍音或强位音在哪个手指上,就要突出哪个手指(尤其是四指)。大拇指要灵活并有所控制,不可无序地始终弹奏重音。拇指在音阶弹奏的过程中,要有提前量的任务准备,不可躺在键盘上弹奏。拇指与其他手指的交替弹奏要连贯自然,不可出现间断痕迹。 音阶的弹奏练习可以先分手后合手,练习中要正确掌握指法规律,并做到双手弹奏整齐划一。在音阶提高性的弹奏练习过程中,可采用音乐速度慢快结合、分手与合手交替的学习方法。弹奏音阶时,心中要有旋律性的歌唱,把音阶作为音乐来表现。 在正确熟练掌握C大调音阶演奏的基础上,可以进入G大调、D大调、A大调和E大调音阶的练习。这五个大调音阶的弹奏指法相同,需要特别关注的是键盘位置的变换及黑白键交替的把位手感。 关于音阶的指法、详见《拜厄》和《哈农》。切记音阶弹奏指法的正确固定,以保证弹奏的流畅连贯。音阶练习属于演奏技术材料之建设内容,需要做为日常练习持之以恒。音阶演奏质量的目标追求是运指灵活、反应敏捷并有一定的速度感及颗粒感。 在音阶弹奏质量的优化过程上,要更多地贯穿着“慢练”与快弹的有机结合,牢记速度是在正确的基础上自然地提升上来的,而不是硬逼出来。否则,势必造成弹奏中的僵硬痉挛。清晰、干净、均匀、流畅、颗粒状、歌唱性、平衡自如和节拍感,要始终记在心间并富之于长期实践。 音阶练习,对于初学钢琴者是重要的基本功训练。练习好音阶,需要注意几个方面: (1)练音阶的重要性:练习音阶很重要,一方面可以提高控制和运用手指的能力,二是可以熟悉指法,巩固记忆;三是可以熟悉键盘位置,熟悉调试及其转换,提高演奏能力。 (2)树立明确的目标:练音阶,首先解决的是一个“立”字,解决五指不立和掌关节发紧,只有苦练才能达到目标。二是学会一个“慢”字。只有会慢练,才能逐渐加强力度,增加耐力,并为以后的加速打下基础。 (3)防止一个"混"字:A大调,#f小调,g小调,C小调,这几套关系大小调,易混淆,指法易错,只有经过反复训练,直练到准确无误为止。 (4)采取分组练习法:将学过的音阶分为四组,每次练琴时先弹两组音阶,再弹乐曲,而后再弹音阶,交叉进行,每组慢练五次,快练一次,逐渐增加次数,来调动练琴的积极性。 数码钢琴教学中哈农和音阶是每一个高师学生需要去练习也是必须去掌握的,只有通过这些坚实的基础训练才能帮助学生提高自身的钢琴弹奏水平。在练习的同时也得要掌握好正确的练习习惯与方法,抓到了方法,获得了习惯,能使学生的钢琴弹奏更上一层楼。 钢琴教学技巧论文:以音阶、琶音为例探究中职学前教育专业钢琴教学中学生学习的技巧 【摘要】中职学前教育专业中钢琴是音乐科目中的一项重要的技能课程,在钢琴教学中,音阶和琶音是学习钢琴必掌握的基本技术,提高学生的演奏水平技巧将对学前教育专业学生今后发展起到至关重要的作用。笔者从音阶和琶音练习的基本技巧、常见问题及解决方法等三个方面进行探讨。在学前教育专业中,教师应该多注重理论与实际相结合的操作实践过程。 【关键词】学前教育;学习;音阶;琶音;技巧 钢琴是集音域、音色、表现力丰富于一身的乐器,同时它也对演奏技巧提出更高的要求。而音阶与琶音的练习又是每位钢琴演奏者必修内容,而且也是摸清键盘以及循序渐进地为演奏水平的提高而打下坚实有力的基本功基础的重要训练方法。在音乐领域里钢琴教学是技能课程里一门必不可少的教育。对于一个钢琴学习者尤其是对中职学校的学前教育学生而言,大部分学生只是初来乍到接触钢琴,所以在这一阶段正确掌握音阶、琶音演练方式,那就意味着钢琴演练技术的精髓将为你敞开,反之,则只能限制在钢琴艺术殿堂的人口处。由于音阶和琶音这两大基本功是学好钢琴的前提,所以音阶和琶音弹奏的好坏,既影响到学生今后在整个弹奏技巧过程中的稳定性,又关系学生钢琴弹奏技术水平的高低。现行的中职学校的学前教育的钢琴专业课程,它所教学的是怎样让学生运用这门技能能够充分有效的对幼儿园的实际音乐教学的投入。因此,在钢琴教学中要注重音阶和琶音的练习,将是我们教师把握全局的关键,而且也是考虑两者的实用性,所以在钢琴教学的两个环节中我们要注意以下练习的几个方面问题。 一、音阶的练习 (一)训练音阶的方法 音阶练习是将十个手指均衡的进行力量训练,由于所有手指在音阶上都能运用到。在训练音阶上教师教学要遵循三个原则:先分后合、先慢后快、先易后难,并进行细致、有序的多次练习。当学前教育的学生第一次接触音阶时,教师要做好教学步骤,首先要分手弹,其次在掌握指法,先重点培养左手的灵活性与独立性练习,再进行双手的合成练习。教师在教学中可以采取多种的练习方法来指导学生的音阶练习:第一种是先从双手同一方向练习着手。这便于学生巩固加深对音阶的印象,最好应该用连音的弹奏练习方法限制在一个八度内,弹的次数应逐次增多不应予以过度强加过快。第二种是从双手反方向的音阶练习入手。由于反向练习的左右手指法都一样,因此就学前教育的学生更有利于掌握其方法,当然这两种的教学方法难易度不同,因就学生的当时掌握程度进行合理安排。教师当在指导学生练习时应给予适当的口令,能够让学生快速进入状态,在教学时应先慢后快,尽可能将手指抬高进行慢速训练,使弹奏出的声音均匀顺畅,确保指法稳定的同时,再进行逐步加快弹奏的速度。当然也要注意近键弹,应保持先易后难的对调弹奏,再继续扩大到24个大调、小调以及先从简单的一个八度,渐渐过度到四个八度,从双手同向的平行八度再进行到反向的平行八度,再到同反向双手平行的三度、六度、十度音阶练习。音阶的弹奏要求均衡有力、环环相扣、连贯有序,十个手指的力量需要进行有条不紊转移,弹奏动作应顺滑连贯依次相随,用力均匀规范,再者练习时要懂得力度的自然放松,有的学生刚接触钢琴手指会硬邦邦,这将无法对力度的掌控。上移时应均匀流畅的渐强,下移时应细致地渐弱,避免弹奏出的音的力度平淡无奇,弹奏僵硬将阻碍音阶连贯流畅感。 (二)影响中专学前教育学生音阶弹奏效果的因素 大拇指灵活性较笨拙。由于大拇指受制于生理因素的影响,并且它稍短于其他四根手指,再加上左右手的五根手指力量不均衡,因此手指力量均衡性训练就将成为手指技巧的重要环节。特别是大拇指灵活性较差,动作熟练度较迟缓。所以教师必须在学生弹奏时,需要仔细认真地在旁边观察辅导,有助于学生动作规范性在一定程度上可以快速提高学生水平。由于大拇指的特殊性,其间的间隔性较大,它是以斜向为触键方向而不是跟其它四指一样纵向触键,所以灵活性与其它手指还有差别。在让学生弹奏前,教师可以教学生各种熟练手指移动的练习。笔者认为哈农《钢琴练指法》的第32-37首对学生练习的成长性最有效。其中第32首是1指从第2指下移过,第33-35首分别是1指从3指、4指、5指下移过,第37首比较特殊,需要多练习。要练好这个技巧学生必须每天勤加练习直到练到熟能生巧。穿指时,1指要有准备,手指略向内弯曲,主动向手掌内移动,大拇指在触键之前要到达该键的上方,弹奏时是向下的独立动作,不能带动手掌和手腕向下压或砸,否则会出现重音,触键点在指尖的外侧,保证弹奏音色和其它手指的统一均匀;跨指时,大拇指弹奏后,其它手指从1指上越过,此时彷佛以1指为支点,通过虎口的收缩带动手掌的移动,大拇指应在上越的手指弹下时才能离键。 手腕关节与臂关节动作的不协调。在练习中,为了避免手腕和手臂的动作出现变形,腕部稍向弹奏方向倾斜,积极有效地促使手指的移位;当进行换指时手腕幅度尽量不要太大要保持平稳,不能出现上下有抖动的动作出现,这会让流畅性大打折扣;手臂应松弛有度,手臂应与手指方向保持同步同向,在加快音阶的弹奏过程中,手臂的动作可以说是“一扫而过”。教师在教学过程要言简意赅,用最短的时间让学生牢记注意音阶的问题,应“音阶轻盈又流畅,大拇指主动最重要,穿指、跨指需腕带,避免手掌上下跳,五指均匀又有力,双手指法要牢记”的练习口诀。在此基础上,教师还应要有科学性的练习方法,练习中应将理论与实际相结合的过程,同时还要理论转化实际的重要过程。 (三)教师应从两方面对学生音阶指法进行教学 教学中教师应讲解示范让学生能够建立大致印象,培养善于动脑。首先,在教学过程中应将音阶的指法进行归类。譬如,这里以C大调为例,要区分左右手键,左边是54321 321 4321 321 4321,右边是123 1234 123 1234,只要牢记左右健位置加之练习对今后的提速练习是大有帮助。其次,半音阶的练习也需跟进补上。半音阶在音阶练习中占有重要地位。教师应给予侧重点练习就是大拇指,大拇指熟练程度应达到能够顺利流畅过度到第二、三指,这就对大拇指提出了更高的要求。现今最为常用的有两种指法:第一种是以大拇指、食指、中指的三指弹奏最为常用。第二种是“大拇指、食指、中指、无名指”和“大拇指、食指、中指”两组,这两组在浪漫曲较为常见,因大拇指的用的频率较少,而无名指运用相对较弱,第二种是在提速练习过程运用频繁,但与第一种指法相比还应加强。 二、琶音学习的技巧 在百度百科中琶音(arpeggio)的定义为:指一串和弦音从低到高或从高到低依次连续奏出,可视为分解和弦的一种。通常作为一种专门的技巧训练用于练习曲中,有时作为短小的连接句或经过句出现在乐曲旋律声部中,也有密集和弦前面加一竖着的波浪线。琶音分为主三和弦,减七和弦和属七和弦。琶音是构成音乐作品的一个基本要素,是初学者、熟练者乃至大师级人物的必修课程,是构成各种不同钢琴音乐作品的不同组合。钢琴家玛格丽特.朗说:练习音阶和琶音必须坚持不懈,这些技巧都帮助学生掌握扎实的钢琴技巧。可见,练习好琶音对将来能够全面、准确、清晰地演奏钢琴音乐作品,提高学生演奏技巧能力起着至关重要的作用。因此,在教学中学生要掌握学习琶音的方法。 (一)练习钢琴身体姿势的掌握 在弹奏、练习钢琴之前,身体保持放松姿势坐着,两脚不能并步、叠加,要前后分开,脚尖着地,腿要放在琴凳里面,两手臂放松、自然地放在琴键上,腕部的位置向琶音隐性额方向倾斜,以便带动手指能够主动、快速的完成穿跨动作。 (二)琶音触键、音色的掌握 学生初学阶段时可以先五指张开,使得掌关节处于打开状态,手指抬高,下落要快,离键也要快,重心要放在指尖,利用掌关节来支撑,转指快速,要手臂带动手腕来增加手指游动的速度。穿指时,1指要用头脑控制预先做准备,手指略微向内弯曲,积极主动地向手掌内移动。 (三)速度和力度的掌握 循序渐进的练习。这个练习技巧是指从慢到快的一个过程。先是慢的练习,这会加强学生正确的动作掌握,使练习逐步从有意识状态向无意识方向过渡。最后使得每个手指的动作,如抬起、下落、站稳和移动都能够做到位,进而使每一个声音都结实、饱满、连贯。在此基础上逐步加快手指下落和手指离键的速度。 先分后合的练习。先采用两手分开的练习,使得每只手可以得到单独的练习,特别是左手的练习,这样可以让左、右手的每一个手指得到相应的锻炼。最后两手合起来练习。跨指时在1指弹奏后,其它手指要从1指上方越过,以1指为支点,通过掌关节带动手掌的移动,手指应在完成弹奏以后迅速离开键盘,锻炼4、5指的独立性。只有这样才能让琶音的演奏水平达到均匀,避免每个音的力度没有变化。 提高自身兴趣的练习。兴趣是最好的老师,具有强大的推进力量,也能培养自身终身习练的意识。首先是寻找自身练习的各种需要,如变换速度练习、变化力度的练习、按照节拍组织方法来练习。特别是按照节拍组织方法来练习,使得琶音的练习有节拍的感觉。能让自己体会到琶音练习中音乐的节律,使琶音一样具有音乐性。这样不但消除了练习的枯燥和增加了练习的趣味性,也提高了琶音练习的控制能力。其次,适当展开竞争,积极组织合作。在练习过程只有通过不断的互相学习,纠正自身的不足,互相共享本身的练习经验,才能取得更大的进步。最后,获得更多的成就动机体验,提高钢琴琶音的掌握。 三、音阶练习常见问题及改进方法 学生在音阶练习中,拇指独立性差。在弹奏过程中常出现拇指穿越不到位,使得手腕和手臂的动作较大,拇指的动作连续性受到影响,在快速弹奏时就更难保持拇指的衔接性,会出现冲击琴健。此外,拇指横向运行主动性差,有时候用指尖的外侧触键,造成力量失控,音色生硬,声音不均匀。 弹音阶五指力度控制不稳定,指法较乱。因为五指的差异性,学生还不能灵活和正确的控制弹奏的力度和速度,在练习过程中的,弹奏的较枯燥乏味,指法容易出现混乱。一指比较灵活,但容易出现过强,声音听起来重,4,5指又比较弱,弹奏起来声音较虚,除此,4指天生能力弱,会被3指和5指连在一起带下去,导致练习时音阶旋律不均匀,弹奏不流畅。同时手指的控制能力影响了指法的协调性,出现混乱现象。所以,五指稳定有力,对弹出均匀有力的声音非常重要,要不断提高手和手指的机能,同时在大脑上建立正确的节奏,流畅的音阶来调整自己的触键动作,加于完善控制才能起到较好的练习效果。当掌握了合理的弹奏方法之后,练习的量就是关键了,并且在练习的过程中学会用心听节奏,保持音阶的流畅性。 四、琶音练习经常出现的问题和改正方法 (一)第一个音不是“落下”,而是直接“压下” 在弹后面的音时却没有提前作好触键准备.指端与键面距离过短,一个音与另一个音要达到多大,脑子里完全不知道,甚至距离感也没有,在位置的不断转移中,很容易忽略手指主动触键的积极性,于是逐音按压下去。这一压,就会带来一定的紧张感,至少要影响到弹下一个音的手指也失去些灵活感。应该注意手指的灵活性和独立性,消除心理上对琶音的某种消极情绪。先用表象训练,在听觉中想象出完整、均匀、带有美好感的“琶音形象”,再灵活、机智地调动身体的机能去实现出来;充分发挥掌关节张开指间距离的能力,同时确保腕关节在变换位置的高度积极性,在运动之中不忘手指主动积极。 (二)手腕、手臂是要跟着手指运动的方向一致 在换指的时候有时肘部动作幅度过大,会造成肘部外翻,取代了腕部的一些主动性。在弹奏过程中,是肩关节带动手臂、腕部、手掌自然协调的移动着,不是单单靠手臂来拖着手掌练习的。因此,只要掌、腕、肘三个关节有了联合协调行动、相辅相成、一气呵成的感觉,就一定能在弹奏琶音中克服困难,达到较高的水平。 【作者简介】陈晓鸣:龙岩华侨职业中专学校。 钢琴教学技巧论文:浅谈钢琴教学的技巧 摘要:教师要从长远的角度去训练学生、注重培养学生的音乐感,并根据学生的心理变化指导他们学会合理的练琴方法。 关键词:学生钢琴教学;前瞻性;音乐感 学生初学钢琴尽管浅易,但却是万丈高楼的根基,因此,当学生初次坐在钢琴前提起一只手弹奏一个乐句或两小乐句的小曲时,就已经接触到钢琴艺术的大部分原则与原理。在这个意义上,初学并不构成降低教师水平的理由。那么,应该注意哪些方法技巧才能把学生学琴的道路引向正确的方向?这是本文将要论述的重点问题。 一、培养学生学习钢琴的兴趣 (一)感受入门,萌发兴趣 作为教学的第一环节我们可采用“听为先导,感受入门”的途径,推动学生兴趣的萌发。譬如,让初学学生欣赏教师弹奏的学生律动曲、游戏曲,把“听”,抓好抓活。一开始可以用悦耳的乐曲,刺激学生的听觉,开启学生的乐感,从而训练反应的灵敏性、节奏的敏感性和对音乐的感受性。当学生内心受到音乐的刺激,并意识到这悦耳的音乐是从眼前这架神奇的钢琴中传出来的,就会产生强烈触摸琴键、模仿教师弹奏的冲动,从此学生进入学琴阶段。 (二)选好教材,引发兴趣 一个善于引发学生钢琴学习兴趣的老师,一般都比较注意教材的形象性、愉悦性和适龄性。教材大致可以分为两类:一类是必弹曲目,另一类是自选曲目。教学内容应注意循序渐进,做到由易到难、由浅入深。表现手法应由单一到复杂,太易太难的教材都不易唤起学生的兴趣,应多选择有训练价值的教材。如《哈农钢琴指法练习》、《拜厄钢琴练习曲》等。另外,还可以补充一些学生熟悉的乐曲为素材,由教师示范几首,然后让学生听后自由选择学习弹奏,这种办法将会极大诱发学生的兴趣。 (三)深入浅出,启发兴趣 学生启蒙钢琴学习是以识谱、打拍,锻炼手指为基础的过程,但如果只停留于此,学生久而久之就会对学习钢琴失去兴趣。所以,在学生启蒙钢琴教学中,教师要学会用深入浅出的教学方法,启发学生展开丰富的想象来充分理解音乐,培养学生学习钢琴的兴趣。 二、学生初学钢琴的弹奏技巧 初学钢琴必须注意几个重要的技术问题:放松、读谱、敏锐的听觉。 (一)放松 放松对于初学学生是很抽象的概念。放松是针对紧张而言的,要让学生懂得放松首先要消除心理紧张和肌体紧张。 (二)读谱 熟练地认识五线谱对学生学习钢琴是一个重要关口。在识谱训练时除了注意五线谱的线间关系,还包括谱号、调号、指法、临时升降号等,这些问题必须引起重视。 (三)敏锐的听觉 敏锐的听觉是辨别触键正确与否的导师,如何触键主要靠听觉来分别。从学琴的第一天起,就要树立一个明确的学琴原则:在学习触键技术中涉及到的触键准备动作、触键主要动作部位、各个部位的协调、重量的运作、用力与放松等动作要领方法时,都要与对声音的倾听和辨别相结合。要在学会技术动作的同时,懂得什么声音是正确的。教师要多示范、讲解,树立正确的声音听觉,培养学生拥有一双灵敏辨别旋律、节奏、和声音色的耳朵。 三、传授学生科学的弹奏方法 (一)断奏手法 在声音方面,断奏要求达到“珠落玉盘”的效果,要不噪不虚,结实通透。在如何用力方面,应在指尖集中的前提下体会和做好“手腕的呼吸”。初学断奏,要在提手腕的同时辅以小臂的配合,即弹出“大断奏”的效果;基本功逐渐巩固后,随着弹奏速度的稍稍加快,动作幅度明显变小,主要依靠手腕的呼吸弹好“小断奏”。自始至终,指尖一直是永远下垂和坚定站立的。一个完整的断奏动作的连续。“提”即提起手腕,“放”即放下手腕,“抬”即手位落到距琴键一半距离的时候适当抬起触键的手指,“落”即在准确的音位上落下和坚定地站好手指。总之,断奏要做到感觉上放松,动作上美观,用力上自然,声音上结实。 (二)连奏手法 与断奏“珠落玉盘”效果相比,连奏更像串起的珠子,主要做好指法的支撑和手腕的稳定,从而通过依靠掌关节发力的“抬指”动作,将弹奏重力从一个手指转移到另一个手指上去。连奏动作主要有两种,即“高抬指连奏法”和“重力分配法”。初学连奏,可适当放低手腕,采用“高抬指连奏法”。弹奏重力的转移动作必须肯定明确,站好前一音,再抬后一音,切勿含混不清,做到“用谁抬谁”。弹奏质量确立后,可逐渐运用快连奏即“重力分配法”,将一次手腕呼吸动作产生的重力平均分配给两个甚至多个手指等不同情况去弹奏,这才能适应和满足乐曲速度加快、难度增加和技术进步的需要。在“重力分配法”快速弹奏中,整个手的手指尖集中整齐和手腕的绝对稳定是至关重要的,一定要严格遵守。 (三)跳奏手法 跳奏的声音效果是短促、跳跃、轻快,用力的感觉一定是“抓起”而不是“砸下”。在发出声音之前的一瞬间,指尖是贴实琴键“抓”的,而不是抬离琴键“拍”的。其实只要突出两点:一是“抓起”的动作,二是“向上”的力量。在跳奏手法的学习中,首先让指尖抓实琴键一定不能有半距离,坚持指尖永远保持下垂,用迅速提起手腕瞬间产生在指尖上反作用力自琴键最底部抓出声音,真正学会“用指尖弹奏”,感觉是向上的力量弹出声音,这是跳奏手法的实质。 断奏、连奏、跳奏这3种基本奏法,前一种始终是后一种的基础;而每一种基本奏法内部又都分为两个大的阶段,前一阶段则是后一阶段的基础。在技术学习方面,一定要遵循按部就班、循序渐进的原则,切不可操之过急,粗枝大叶。这样,才可能收到良好的效果。 总之,对于学生钢琴的教学而言,教师的着眼点必须站在高处,要为长期的钢琴学习培养好的习惯,打好坚实的基础,树立正确的学琴观念,培养学生的审美能力,这些都是学生钢琴教学的关键所在。以上是我在教学过程中摸索出的一些经验,仅仅是对学生钢琴学习兴趣的激发与培养的初步探索。不可否认,钢琴教学中激发和培养学生兴趣的途径与方法是多方面的,比如,社会、家庭环境的优化,家长的协调配合,学生良好的练琴习惯的培养,训练时间的科学分配以及训练目标的设定等。所以,我们音乐教育工作者有义不容辞的责任对学生钢琴教学去不断地发掘与完善。 钢琴教学技巧论文:浅析钢琴演奏教学中演奏技巧和音乐综合素养的培养 摘要:通过钢琴的学习能够有效的提高学生的意志力水平,让学生有更加吃苦耐劳的精神,对于学习以及未来的人生发展都起到一定程度的影响作用。在钢琴学习中,演奏是最为基础也是最为关键的部分。熟练的弹奏技巧和个人音乐综合素养在钢琴演奏中是极为重要的两个部分,现代钢琴教育应正确处理好两者之间的关系,在培养基本技术的前提下,重视个人综合素质的培养。 关键词:钢琴教学 演奏 培养 钢琴学习能够增强人的耐力,提升人的气质修养,已经越来越多的家长选择让孩子进行钢琴学习,因此钢琴逐渐成为现在音乐教学中的关键部分。作为音乐教师应该正确认识到钢琴演奏教学的重要性,在传授演奏技巧的同时,也要采取合理的教育手段来培养学生的音乐综合素养。 一、技巧以及音乐素养是钢琴演奏教学的关键 1.演奏技巧是钢琴演奏能力提升的基础钢琴演奏基本方法的发展和变化经历了三百多年的历史,从单纯的手指演奏到手臂和全身重量的协作,再到20世纪的重量演奏,直至今天的手指演奏与重量演奏相结合,钢琴演奏法自成体系,钢琴演奏要求演奏者要有扎实而全面的技术功底,否则演奏就无从说起。 2.个人音乐综合素质是钢琴演奏能力提升的前提 一首音乐作品要得以完美的呈现,除了有扎实的基本功外,更重要的则需要发挥演奏者个人的音乐综合素养,依靠个人审美评价加以表现。因此对于学生音乐综合素养的提升是钢琴演奏教学中十分重要的环节。 二、增强钢琴演奏技巧与培养音乐综合素养的教学手段 1.注重学生钢琴演奏的基础教学 在钢琴演奏学习中,基础性教学是至关重要的,使学生展开钢琴学习的关键,对于之后钢琴演奏的学习以及演奏水平的提升都起到决定性的作用。只有做好基础教学,让学生拥有过硬的演奏基本功底,才能够更好的进行钢琴演奏。因此,音乐教师应该注重学生钢琴演奏的基础教学,帮助学生打好坚实的钢琴基础,确保学生未来钢琴演奏的良好效果。 2.传授给学生钢琴演奏的技巧 (一)音阶演奏的技巧 对于音阶演奏的效果一般情况下是根据演奏是否流畅、音阶彼此之间的衔接连是否良好、是否满足观众听觉需求这几个问题来评测的。优秀的音阶演奏其实是说在进行上行下行演奏的时候,音阶流畅并衔接度良好根本不会让人感觉音阶当中有任何的空隙。这对于演奏者的手指灵活度提出了很高的要求,必须保证拇指足够的灵活,能够做好各个音阶天衣无缝的衔接。在进行音阶演奏教学的时候,教师必须时刻关注学生演奏中的手指动作,随时指出学生的不足,帮助学生完成规范化的演奏,并最终养成良好的动作习惯用于之后的演奏当中。 (二)钢琴演奏基本技巧训练 钢琴基本演奏方式包括:连音、非连音以及跳音。钢琴连音奏法关键在于力量可以随意移动,演奏每个音时,要将手臂放下时力量以一个手指传到另一个手指上。可以感觉到音进行时的倾向,弹完一个音时,手指保留较小的重量在键底来作为第二个音的支点。而非连音奏法,通常钢琴初学者,在掌握好坐姿、手型后,就会练习非连音演奏。在非连音演奏过程中要注意先将手臂缓慢抬起,稍高于琴键,手指弯曲、手向下垂,手臂自然缓缓的落下。将演奏的手指轻轻按在琴上,指端需要站立好,掌关节不能有塌陷,手指的末端关节亦不能凹进去。 (三)乐感以及节奏感的培养 良好的乐感以及对节奏感是学生在钢琴学习中必须拥有的能力,音乐教师在要求学生做节拍练习的过程中,要提醒学生注重三个重点,即清楚拍子的节奏,查清楚节奏有几拍以及在保持节拍的平稳性。让学生能够在演奏中自觉的打拍,从而提升学生对节拍的把握能力,并实现对学生乐感以及节奏感的培养目的。 3.培养学生音乐综合素养 (一)帮助学生养成良好的演奏心理 这里我们所说的演奏心理其实谁说演奏者在进行钢琴演奏时的心理过程,主要由演奏目的、情感释放、画面想象等几个问题组成,所有的演奏者在进行演奏的时候都有一定的情绪波动,造成不同的心理活动过程。相较于其他乐器的演奏,钢琴对演奏者的心理素质要求标准更高。因此,钢琴老教师在演奏教学的过程中要帮助学生养成良好的演奏心理,提高学生的心理素质,鼓励学生多参加钢琴演奏活动,确保现场演奏时能够正常发挥。 (二)掌握音乐作品的创作故事与风格 每个音乐作品背后都有自己的创作故事,包含了创作者生活时代背景、生活环境与状况、作者自身经历、情感体验以及作品产生初衷。只有了解这些,才能掌握作者创作当下的情感以及作品中蕴含的深刻意义,才能在乐曲演奏中完整准确地展现出来。老师可以通过让学生欣赏不同音乐风格的作品,来锻炼学生对音乐风格的把握,最终准确抓住演奏作品的风格、情感。 (三)把握好音乐作品旋律 表现好音乐旋律,对音乐作品的演奏相当重要。要想找到旋律动向与形态,可以借助人声来做音乐旋律教学辅助手段,让作品中音乐表达更明显。从而让学生更加把握好音乐作品旋律,并根据演唱来进行不断练习,贴近演唱的动态性与感染力,才能让学生自然、顺畅表达音乐作品主旋律。 三、小结 总的来说,钢琴演奏是以演奏者精湛的演奏技术为基础,通过演奏者自身的综合素养,加之对音乐的理解,为作品进行二度创作。用各种音符表现音乐,使听者从中感受到音乐所带给我们的喜怒哀乐,因此演奏技巧和个人音乐素养在钢琴演奏中同样重要。在钢琴演奏的教学中,应该权衡两者的比重,确保学生能力的全面提升。 钢琴教学技巧论文:论钢琴教学中右踏板的使用技巧及其对演奏的积极作用 俄罗斯伟大的钢琴家鲁宾斯坦曾有过精辟的比喻:“踏板是钢琴的灵魂”,借此来形容踏板在钢琴演奏中的特殊性。在钢琴演奏中,踏板的运用是不可缺少的一个重要组成部分。也是钢琴教学中的重要内容,作为一名钢琴演奏者一定要认真学习并掌握踏板的运用技巧,若能正确、合理地安排运用踏板,就能把音乐作品表现得更加丰富多彩,富有魅力。反之,则会带来消极后果,破外音乐形象。 钢琴踏板的历史发展,是一个横跨150多年的复杂的演变过程,它最后以现代钢琴上所见的三个踏板而固定下来。现代钢琴的三个踏板,即右踏板(延音踏板)、左踏板(弱音踏板)、中踏板(持续音踏板)。 一、右踏板的功能与使用技巧 1.连音踏板。连音踏板也叫“切分”踏板,它是最常见的踏板技巧,是钢琴教学中的一个重要内容,也是每个学钢琴的人一开始就必须掌握的踏板技巧。所谓连音踏板就是把这一音(或和弦)连到那一音(或和弦),既不断开又不模糊,这种踏板加强了音乐的连贯性,使钢琴的声音具有歌唱性。其方法是:弹奏第一个音(或和弦),马上踩下踏板抓住这个音(或和弦)。当第二个音(或和弦)下键的同时要抬起踏板,当手指下键之后,听到新的音(或和弦)出来后,马上再踩下踏板。这样一来,在前面的声音消去的同时,后面的声音又接之出现了,使之两个部分的声音既连贯又不重叠。至于踩踏板的速度,基本和下键的速度相同。有的人对这一技巧掌握得不太好,容易出现两个毛病,一个是不自觉地使踏板与手的上下动作相一致,造成音与音之间的间断。再一个是习惯性地把踏板踩在重拍上,使得这一技巧变为机械的打拍子动作。这两种现象都要加以注意,因为它会对塑造音乐形象起破外作用。 还应该指出是连音踏板法中从提起到再踩下踏板之间的时间长短,要顾及种种不同的音色变化,当踏板在每次更换中松开的时间越长,周围泛音的丰富程度也就相应地逐渐减少,演奏者应根据作品的一个特定段落中对音色的要求来运用踏板。 2.和声踏板。和声踏板也是比较常用的踏板技巧,多用于琶音较多的作品,其主要作用是利用这一技巧表现出一种和声效果,从而更加完善地表现音乐作品。 在钢琴教学中多参阅一些钢琴作品,我们便会发现这样一种现象,凡是在音乐的变化,起伏和音乐情绪反复波动的地方,大都运用有琶音的织体,而琶音又绝大部分是由和弦变化而来的。这一变化尽管方式繁多,可又都具有某一和声的功能。所以,无论是哪一种琶音,我们都可以视它为和弦,并按照和弦的原理配用踏板,即换和声时更换踏板。 一般来说,琶音都是要把踏板踩满的,只有在和声有了变化的情况下才可更换踏板,一般弹奏者都知道这种方法,很多钢琴家也经常这样用。这里再介绍一种较为复杂的方法,能使这一音型变得更清楚、干净。具体运用方法是:在琶音由低向高音区进行时,踏板可以一直保持;反之,在琶音由高向低音区进行时,踏板就不能再保持了,而应该每一组音换一次踏板(如果有旋律的话,就在旋律音上换踏板)。这一道理很简单,上行时需要低音的烘托,以使每个上行音都要更加饱满,下行时则不需要把这些音埋在低音的共鸣里。当然,乐曲有不同的要求,乐器有不同的质量,演奏者在弹奏时可慎酌处理,灵活运用。 3.色彩踏板。与连音踏板和和声踏板相比较而言,色彩踏板在一般情况下用得不多,但为了达到丰富的音乐色彩要求,有些作品里还必须使用这一踏板技巧。如抖动踏板和半踏板。 抖动踏板也被称为碎踏板,它是丰富音乐色彩的一种常用踏板技巧。其踩踏板的动作应该是快速的轻巧的,让制音器碰擦琴弦,从而既不使声音完全闷住,又使琴弦不能完全的振动。所以,为了达到这一效果,避免声音中出现阻塞或砍断,断音器的动作越轻快越好。抖动踏板的作用,主要是能够产生所需要的共鸣和色彩,并且不会形成成堆的使用踏板的声音,使用抖动踏板可以减少声音亮度,使得在到达弱(p)时,整个地换踏板不至于产生力度层次的突然下降,可以制止前面保留下来的基音和泛音,产生很均匀的音响效果。 当脚把踏板有控制地踩下,使制音器轻轻地停在弦上时,出现了踏板声音的50%释放,这种更换踏板的方法便叫做“半踏板”。半踏板的主要作用是能使声音既不断开又不重叠。会使快速移动的和声不变得太模糊,又使得声音有一种朦胧气氛。半踏板还能使慢速手段的断音和弦稍微延长而不显得过分干巴,求得一种管弦乐队在大音乐厅中演奏的效果。 4.减弱踏板。减弱踏板是我们不很熟悉的一种踏板技巧,有人甚至根本就没有考虑到右踏板还具有渐弱的功能。 一般人们认为渐弱只有三种可能:一是弹奏时把声音控制得弱些,二是弹出音响后,只等声音自然减弱,三是使用右踏板即弱音踏板。由此我们看到:一个是为弱而弱,一个是消极地减弱,一个是机械地减弱。我们应该知道右踏板也具有帮助渐弱的功能,在有的谱子上强音记号与弱音记号在同一地方出现,对于这样的力度变化我们就可以用右踏板技巧来解决。方法是:先把踏板踩下,使制音器完全抬起,然后把琴键弹下(手即离键),再把踏板快速地松一下,让制音器拍打一下琴弦,但不要使声音全然止住,又立刻踩下踏板。这一动作需要一定的速度,否则是不行的。只要我们认真、反复的练习,完全可以运用右踏板来达到这种由强到弱的效果。 5.渐强踏板。渐强踏板也是一种比较少用的踏板技巧。有些人甚至根本不用它。这个踏板技巧如果掌握得好,会得到意想不到的效果,在舞台上效果可能还不太明显。但在录音里就会听到那微妙的区别。运用右踏板不仅可以帮助做出一个长的渐强,还可以使一个单音被重复时形成渐强。另外,我们也可以用一个全踏板来形成一个震音段落的渐强。 6.预备踏板和结尾踏板。预备踏板和结尾踏板往往不被人重视,如果整个音乐作品弹奏得都很动听,可第一个音处理的不好,干巴巴的,最后一个音又突然切断,这样就破坏了音乐的完整。音乐从无声到有声,而最终又要回到无声中去,这是所有作品的必须过程。我们在处理乐曲首尾时应注意在乐曲的第一音响(无论是弱起强起)发出前都要先把踏板踩下,以使其声音饱满,乐曲结束时,音乐一般用强收或弱收来处理音乐的结尾,强收时当音乐进入最强烈的最后一个和弦的下一小节的强拍上把踏板很快地收回去,以使制音器立刻把音乐制止住,从而获得强烈的音响节奏效果。弱收时,为乐曲在安静减弱中结束时,一般常在乐谱的最后一个音符或和弦上加延音记号,最后一个音响弹出后,应该缓慢抬起踏板,让制音器很慢又很柔和地把所有的乐音逐渐制止住,以产生一种很均匀又渐渐消失的音响效果。 二、右踏板在钢琴演奏艺术中的积极作用 钢琴的一个独特而又美妙的特点,是钢琴大师手下的一个最有力地感染人的手法,约瑟大・霍夫曼曾说:“通常我们对‘钢琴魅力’一词的理解,在很大程度上是有艺术地应用踏板而取得的。”右踏板在钢琴演奏艺术中的作用归纳起来,大致有如下几点: 1.色彩作用。右踏板的应用可使钢琴的音色丰富,音质优美。右踏板通过丰富的共振泛音的混响来丰富音质的作用,有的钢琴家将其视为相当于歌唱家或弦乐演奏家的颤音或揉弦,正因为使用踏板可以改变音色,那么不用踏板与用踏板的地方又可获得鲜明的色彩对比。因此,有人说踏板是钢琴家的“调色板”。 2.连接作用。利用右踏板的延音作用,可使连奏的声音更加圆滑,句法的划分更加清晰,一些远距离的音或不宜用手指保持的音能够连接保持。例如周广仁教授的《台湾同胞我的骨肉兄弟》在演奏中特别要注意根据分句来进行踏板的替换。由于音乐始终是贯穿着祖国人民对台湾同胞深深地思念之情,弹奏时情绪要饱满连贯,这种贯穿始终的感情除了手指的弹奏技巧之外,还必须要依靠巧妙地使用踏板才能烘托出来。 3.力度作用。弱音踏板与强音踏板的使用,不仅使钢琴音色的变化丰富,更使力度的层次增加,加强了力度的表现能力,使得有乐器之王美誉的钢琴拥有交响乐队的丰富的表现力成为可能。 4.节奏作用。强音踏板的使用可加强节奏的律动感,加强节奏和动力的表现能力。如在舞曲或进行曲性质的乐曲中使用踏板,强调节奏重音,可加强节奏感和音乐的旋律。例如江静的《红头绳》,第一段在每小节的重拍上加上强音踏板,可突出这种舞蹈节奏生动活泼的性格,属踏板的节奏作用,第三段加踏板使旋律更加流畅深情,属踏板的连接作用,而第二段不用踏板,快速明亮的钢琴高音区音色描绘出雪花飞舞的场景,和前后两段形成色彩的对比,属踏板的色彩作用。 艺术地运用右踏板可以表现许多美好的音色,比如飞溅的瀑布、谷粒飞舞、沙沙作响的树叶等,这些都带给人美的享受。肖邦曾说过:“使用踏板的正确方法仍是一个终身的学习。”无论踏板技巧多么复杂,只要我们认真地去对待,细心地去研究,再加上刻苦练习,是可以较好地掌握的。 (湖南省教育科学“十一五”规划课题《高职学院构建和谐校园研究与实践》研究成果(课题号XJK06CZC050)) (作者单位:永州职业技术学院) 钢琴教学技巧论文:钢琴弹奏技巧在教学实践中的运用 摘 要: 钢琴弹奏技巧是学习钢琴的关键。本文从多方面对教学实践进行了可行性研究,为了提高钢琴演奏教学效果,将钢琴教学提升到弹奏的技巧与音乐教育相融合的层面,就必须使学生熟练地掌握各种弹奏技巧,深入了解感受音乐作品的创作背景、风格,把握音乐作品的旋律,运用丰富合理的想象,同时具有较好的心理素质。本文还对钢琴技巧在教学中的运用进行了阐述。 关键词: 钢琴 弹奏技巧 音乐教学 基本功 随着我国教育事业的快速发展,钢琴这件西洋乐器已经走进学生课堂,成为音乐课一项重要的内容。同时,学习钢琴可以提高人的修养、陶冶人的情操,使思维变得灵活,长期弹钢琴能使人培养专注的精神和勤奋的学习精神,练习钢琴演奏是一个系统的、长期的、枯燥乏味的过程,技巧在钢琴教学中对于学生和音乐教师来说都具有重要的价值,钢琴教学目标不只是要让学生掌握演奏的技巧,更是要他们在弹奏的同时领略音乐的内涵,在教学中要将“弹奏”与“音乐”相融合,使钢琴教学升华到弹奏技巧与音乐教育相融合的境界。如何灵活地将钢琴技巧运用到教学中,成为摆在我们面前的重要课题。 一、让学生掌握基本的弹奏技巧是教学的硬性要求 钢琴的基本技巧在钢琴演奏中具有举足轻重的地位,过硬的钢琴技巧是高质量演奏的必备条件,要想通过钢琴演奏,充分地表达出演奏作品的音乐内涵及其情感,扎实过硬的弹奏技巧是重要的基础。在教学中要加强目的性教育,应使学生理解技巧在钢琴演奏中的地位和作用,设定符合每个学生的技巧学习目标,激励每个学生积极地自主训练,将技巧学习变为自觉、主动的学习行为。在钢琴教学中,音乐教师针对弹奏技巧应做好以下几方面工作。 (一)使学生掌握扎实基本功 首先,准备工作要充分。钢琴演奏基本功的训练应先从最基本的坐姿开始,当学生一坐到钢琴上去,音乐教师就必须注意他的坐姿,要做到重心稳定。开始弹钢琴的时候,身体的重心要靠臀部和脚来支撑,坐姿要以自然端正,手臂不能僵硬、紧张,或者过于松懈,这样才有利于弹奏。我国著名的钢琴家赵晓生在《钢琴演奏之道》里指出:“演奏者应坐在琴凳的三分之一宽度的位置上。”[1]钢琴在弹奏时一般可根据需要,身体进行左右倾斜、自动调整,而一部分人经常坐满凳子弹钢琴,并感觉这样很舒服,但这是一种不良的演奏习惯,因为弹琴是一种高度集中,脑力和体力相结合的劳动,不论是练琴或演奏,弹奏者都必须保持正确的姿势。同时,学生自从开始接触钢琴的那天,就必须注意手型的正确性。弹钢琴要求双手放松、手腕要柔软、手呈半圆形状,呈空握球状态,手指稍向内弯,手腕与琴键键面基本保持在同一水平面上。想要有一个良好的手型,指掌关节与第一、五指指关节的站立是关键。最末端的关节,即手指的第一关节,从演奏训练开始就要培养站立能力,要求自然地站好,不能让关节塌进去。如若手指第一关节站立不好,想弹出来集中、厚实和富有变化力的声音是不可能的。每个手指有不同的长度,手型要与之相匹配。音乐教师在教学中,学生在身体放松、高度协调的状态下进行演奏的同时,音乐教师要在严格要求的基础上,观察、分析学生在演奏中出现的技巧错误及其产生的原因,及时采用有效方法与措施,纠正与指导学生在演奏中出现的技巧错误,使学生形成正确、熟练的钢琴演奏的“手的正确定型”,为学生控制、操作键盘,轻松自如地表现音乐打下坚实的基础。 其次,要夯实乐理基础知识。正确的读谱是演奏一首乐曲的最基本的条件,如何连谱都读不了,就根本弹不了钢琴。[2]提到正确的读谱,很多人认为只是音高、节奏的正确与否。实际上除了这两者之外还有许多重要的标记,都直接影响着学生对乐曲的理解、表现,以及对乐曲风格的把握和概括。如:音乐术语提示了乐曲是欢快或是抒情的,是快板、行板还是慢板,这些因素都直接关系到学生对整个作品风格把握;同时,力度标记,同样关系到乐曲演奏中音乐的表现。乐曲的最终效果受到不同的速度和力度的直接影响,所以教师要指导学生在演奏作品时要把握不同的速度要求,尽可能表达出作品的本身含意。概而述之,演奏的技巧是以音乐的基本功能否扎实为基础的,二者是相辅相成、不能分割的。此外,在教学活动中,音乐教师还要经常向学生介绍一些关于音乐文化方面的广义知识。例如讲到外国的音乐作品,可以讲解一下那个国家的民族的性格特征及国家的发展历史,使他们在学习的过程中了解更全面的知识。 (二)使学生掌握演奏的基本技巧 1.音阶的演奏技巧 弹奏音阶除了五个手指的互相独立之外,最重要的是音阶的流畅、连贯、均匀、有颗粒和质感。上行与下行的弹奏过程中,要能做到听不出换指的蛛丝马迹,就像我们生有很多手指一样,拇指能上下、左右活动,而二、三、四、五指只能上下活动,而不能左右活动。所以,我们要发挥拇指左右活动的能力。依靠拇指的左右活动把大串的音连接起来,具体做法是:拇指弹完自己的音,当二指弹下一个音时,拇指尖就必须已经悄悄地钻进二指的后面,这样,拇指就很自然地不流露出任何痕迹地抵达了下一个音的位置上,音阶就能保持声音平均。终其原因,其问题的关键就是在于拇指的提前、预约工作。拇指的提前准备工作做为弹奏音阶的重有动作,在教学中,一定要让学生时刻注意到,并把这种动作培养成一个好的习惯,使学生从有意识的要求变成下意识的自然习惯,不用思考就能做得很好,我们要从一开始就要训练学生养成这种良好的习惯。 2.弹奏的基本技巧 所有的正确弹奏方法都不可能是与生俱来的,对初级阶段的学生来说,教授正确的弹奏法最为重要。钢琴最基本的弹奏方法有:连音、非连音、跳音奏法三种。其中非连音奏法,初学者在训练好坐姿与手型后,接下来就是进行非连音练习,在练习中要注意在弹非连音时是先将手臂慢慢提起,略高于键盘,手自然下垂,手指自然弯曲,然后手臂缓慢地自然落下,将弹奏的手指轻轻按在琴上,指端站立好,掌关节不能有塌陷,手指的末端关节亦不能凹进去。在进行非连音练习时,如果学生领悟不通会则会出现“砸琴”的现象,此时音乐教师应当把非连音进行时力量的出发点讲通,例如在第一个提起动作时应是大臂带动小臂,落下应是手臂慢慢的自然落下,通过这些训练达到最终目的。非连音有时类似于断奏,两者整合为同一个弹奏的概念。跳音弹奏技术,钢琴音乐除了有连音和非连音弹奏以外还可以用跳音来表达。从弹奏方法上来区分有各种不同的跳音:有用手臂力量弹奏的跳音,也有用手腕力量弹奏的跳音,更有用手指力量弹奏的跳音,用不同的奏法将发出不同音色的声音。连音奏法,连音奏法对于手指独立性的要求更高,一些学生在弹连奏时常常会造成第二个音弹下去时第一个音还没有完全放开。出现这样的情况,终其原因,一是力量没有完全掌握,二是手指的独立性还不够。连音奏法的关键是力量能够随心所欲地移动。弹奏每个音的时候,要使手臂放下的重量从一个手指转移到另外的手指上。应能感觉到音进行的倾向,每弹完一个音的同时,手指要保留微小的重量在键底,把它当作第二个音的支点。教师在教学中,要特别注重训练学生连音、非连音、跳音等基本技巧的练习,这些是学生掌握钢琴技巧的灵魂。 3.准确的节奏感和音乐感 节奏是音乐的生命,音乐的脉搏。[3]每一种音乐的进行,首先在于节奏的作用。节奏的脉动无时无刻不穿插在音乐当中。其中,节拍的训练中,对学生的基本要求是一要拍子搞清楚,二要拍子数准确,三要速度统一。在教学中,首先要培养学生数拍子,打拍子的习惯。有的时候也可以借助节拍器来帮助没有数拍子习惯的学生进行训练。当然,节拍器的使用只是借助一下外力,不能夸大它的教学作用。从本质上来讲,还是要学生拥有拍子的准确概念和感觉。而后进行的节奏的训练过程,在训练学生数准拍子之后,教师进一步要做的就是训练学生感觉节奏。有的学生只是机械地数着拍子,但他并没有去感觉节奏的分组、节奏的特性,这样的音乐学习是没有效果的。钢琴老师要使学生做到有内心的节奏感觉。 二、培养学生对音乐的深入理解 有人说“音乐感是与生俱来的”,意思是说有些人一生来就是音乐感好,有天赋,天生就是学音乐的好材料,也有的人生来就不是学音乐的,是不具备培养可能的。我认为,一个合格的音乐教师应能把一些在音乐方面天赋一般的学生引进音乐之门,使他们逐步提高对音乐理解感受和表现的能力,而逐步做到有音乐感的演奏。钢琴技巧的教学,首先就要给学生创造一个良好的音乐环境。钢琴是一种西洋乐器,钢琴背后的文化也来自于区域,教师在教学过程中,要通过对音乐文化的整体把握和理解,将其传授给学生,增强文化底蕴和自身的音乐素养,从而有利于钢琴技巧的学习。 (一)演奏心理训练 钢琴的演奏心里是指演奏者在演奏中的心理活动。这种心理活动是在演奏过程中发生的。如演奏的欲望,动机,感情、记忆、想象,应变心理,临场状态,等等。可以说每位演奏者的心理状态是十分复杂的现象。钢琴演奏和其它的表演艺术同样是时间的艺术,其特点是演奏者日常练习的效果要在演奏的刹那间完整的、有创造性地表演出来。[4]在现实的教学中,有的学生由于紧张而失去正常的演奏状态,思维混乱,不能完整的表现音乐。而有的学生记谱记得非常好,但就是从演奏中表达不出作品所要表现的内容及感情。因此,演奏前教师应指导学生必须具备几个心理条件,一是有强烈的演奏欲望和自信心。由于经常得不到预期的演奏效果,会使学生失去演奏的自信心,必须有达到演奏良好效果充分的准备。二是积累并凝聚演奏的审美完型心理结构。要注意从外部培养学生的音乐审美经验和艺术的素养,使学生的头脑储存更多的音乐的审美信息。同时还要要注意培养学生艺术创造的个性。鼓励学生去发挥心理的主观能动作用,自觉地去选择、组织、创造作品的完美“完型”。三要具有较强的应变的能力。练习感觉与竞技感觉是截然不同的,这一点在竞技性运动员和表演艺术的演奏者是有相同性的,音乐教师在教学过程中要尽可能地为学生缩小差距。每个人的个性、气质各不相同,有的学生容易紧张,有的学生在演奏中过于兴奋,有的人在演奏中又过分压抑。音乐教师针对这些问题,在平时要有针对性地对学生进行训练。 (二)了解感受音乐作品的创作背景和风格 在学习演奏音乐作品之前,一定要使学生了解音乐作品的创作背景和作品风格,准备工作做好了,在教学中才能使学生学会表现音乐。每一个音乐作品都是作曲家内心情感体验的再现,只有理解和掌握了作品内在的感情和含义,演奏出来的音乐才具有生命力和感召力。因此,在钢琴教学中,音乐教师应主动向学生讲授作者生活的年代背景、生活状况、作品产生原因等,使学生对作品的相关情况及作曲家的创作思想有一个全面的了解,使学生从理论的层面上理解音乐作品。同时,教会学生倾听是感受音乐作品风格的最佳路径。首先音乐教师在教学过程中,要经常提醒学生注意倾听自己的音乐,努力去辨析自己演奏的音乐是否优美,仔细感受声音的层次和质地的变化。其次音乐教师要引导学生聆听不同风格的音乐作品和不同演奏家的精美绝伦的演奏,使学生在听的过程中感受音乐的情感,感受音乐作品的风格;使学生在音乐作品背景把握的基础上,有一个大体的了解和感觉,为其在正式演奏的时候更准确、细致、全面地表现音乐做好准备工作。 (三)掌握音乐作品的旋律 音乐中最富有表现力的关键部分就是旋律,要表现好旋律,首先要准确地找到旋律的动向和形态。[5]人的声音是自然界所有声音中最原生态、最自然、最具感染力的声音,演唱的旋律效果会比乐器演奏的旋律效果更具动态性和感染力。因此,在钢琴演奏教学过程中应辅以演唱手段,尽量做到使演奏的呼吸适当、强弱变化自然、音色优美如真人歌唱一样,使作品中的音乐性表达更加鲜明。因为只有这样,学生演奏的音乐才会更天然、流畅,使演奏更具歌唱性,才能掌握音乐作品的主旋律。 (四)合理丰富的想象 想象,从心理学层面上看,是人头脑中对记忆、表象,分析、综合加工创造,进而形成新的表象的心理过程,它是人类思维的一种特殊形式。而钢琴演奏是再现音乐家生活场景、民族风格、思想等想象的全过程。因此,音乐教师在教学过程中,应选择一些形象化、具体化的音乐作品让学生演奏,引导并鼓励他们通过想象来表现音乐,使音乐更加形象化。这样做,有利于音乐技巧的传授的同时,又会让学生更真切地体会到钢琴演奏的美妙和音乐的魅力。 三、结语 总之,在钢琴教学中,教师应将钢琴的弹奏技巧与音乐表现完美地结合。钢琴艺术教育的实质是音乐艺术素质教育过程,而在音乐课堂中钢琴技巧的正确运用又是教师教授钢琴的基本保障。要提高钢琴演奏教学的效果,必须使学生熟练地掌握弹奏技巧,充分了解感受音乐作品的创作背景、风格,并辅以演唱等形式掌握音乐作品的旋律、节奏,而后依托丰富的想象力再现作曲家的思想形态、民族风格、生活场景等,从而全面提高钢琴演奏能力。 钢琴教学技巧论文:分析钢琴演奏技巧及教学要点 【内容摘要】在现如今的社会中,音乐已经成为人们不可缺少的一部分。而与音乐息息相关的钢琴也是人们学习的主要乐器,从非专业到专业,有很多学生选择到大学深造自己的钢琴技能。钢琴的演奏,是整个钢琴教学的一个重点,也是目标。文章分析了钢琴演奏所需要具备的技巧,以及在教学过程中需要注意的事项。 【关键词】高校 钢琴 演奏 技巧 教学 一、钢琴演奏过程当中的基础技巧 1.钢琴音阶的演奏技巧 在钢琴练习中,音阶的弹奏是一项基本功,这项基本功的程度是从是否流畅、连续,音质怎样等多种角度来判断的。①比较优秀的音阶弹奏是不管从低音到高音还是从高音到低音,一点都听不出来手指转换的停顿。这就要求学生在弹奏的过程中一定要注意手指是否灵活,之前就要把拇指练得非常熟练。教师在进行音阶教课的过程当中应该时刻提醒学生,要按照正确的指法进行练习,这样在训练的熟练了之后才可以在以后的钢琴演奏中熟练的运用。 2.钢琴演奏的基础技能练习 要学好钢琴,就要掌握正确的钢琴弹奏方式,而且这些弹奏方式都不是先天就可以掌握的,都是通过以后的学习和练习,最后才能够正确弹奏的。因此,想要提升学生的钢琴演奏水准,教师一定要保证所教授的演奏方式是正确的。对于钢琴来说,最基础的弹奏方法包含:连贯音阶、不连贯音阶和跳跃音阶的演奏。连贯的音阶对于学生的弹奏来说要有很好的独立性,大多数学生在弹钢琴时,一般会发生前一个音阶还没有全部抬起,后面的音阶已经弹下去的情况。导致这样的状况有两种可能的因素,第一个是还没有训练出手指的独立性,第二个因素是没有对力量进行很好的控制。②钢琴连续音阶的弹奏方式重点在于力量的传递,也就是说在弹每一个音阶的时候,要把手臂放到琴键上的力量从一个手指上传递到另一个手指上。在这个过程当中,能够感受到音阶有向下传递的倾向,在一个音阶弹奏完的时候,手指要留住比较微小的力量在琴键的底部来当作第二个音阶的支撑点。而非连续音阶弹奏的方式,要格外注重先把手臂慢慢地抬高,比钢琴键盘稍微高一些即可,手指回弯、手自然下落,手臂缓慢地放到琴键上。把正在弹奏的手指缓慢地按在钢琴的键盘上面,手指的顶端需要站立好,手掌和各个关节都不可以有塌下来的地方,手指的尾部的一端也不能塌陷下来。训练这种音阶弹奏的方式,一旦学生不能掌握的话,就有砸到琴键的情况发生。因此,力量的教学是非连续音阶的教学的重点。③ 3.音乐的感觉和节奏的感觉需要掌握好 节奏对于音乐来是非常重要的,节奏也被人们形容成是音乐的心脏,不一样的音乐都与不一样的节奏存在关系,不一样的节奏放在同样的音乐里面都会产生不一样的效果。教师在进行节奏练习的时候,应该对学生有着一些要求,比如说,要明白节拍、数清楚节拍、让速度一致等,在教学的初期就应该让学生养成在弹奏的过程中自然而然的进行数拍子。然后,让学生自己能够感觉到节拍是否准确和打拍子是什么样的感觉。之后,再让学生进行对于节奏的练习,让学生能够感受到节奏。因为,有些学生能因为打拍子而打拍子,像个机器一样,而不是去感受节奏的特殊的性质、分组的情况,这样的学生并不能够掌握音乐当中的节奏的感觉,也不能正确的表达出弹奏里面的技能和感情的表述。④ 二、钢琴教学中的注意事项 1.钢琴教学中要注意根据学生的特点教学 在进行钢琴的教育过程当中,教师应该首先了解学生的想法,从这方面入手,进行钢琴的教育。因为,不管是演奏钢琴的人,还是听众,都需要用心去沟通,好的音乐是不需要言语的交流的。假如在钢琴的教学过程当中,教师只是让学生像个机器一样练习技能的要点,而且还把这种练习当成了最后的训练目的,而不去要求学生做感情的投入和交流,那么弹奏出来的乐曲也是不带感情的,更不会打动人。学生只有在知道了乐曲中饱含了怎样的感情之后,才能够在心里琢磨,并且在技巧上持续的训练,最后才能够进行很好的演奏,从而让听众达到满意的效果。在这一过程当中,教师一定要监督学生的演奏的心理,在某种程度给予指导。⑤ 对于所有事物的教学都是不可以脱离需要教育的人而单独存在的,因此,教师作为种育人者应该在教育中总结出一种切实可行的教育方法,并且这种方法一定是正确的。不仅要关心学生在音乐上的需要,而且还要注意他们在音乐心理和自身特点上的进步,更要根据不同学生的不同心理和素质等特点进行教育。 2.要注意钢琴创新性素养的教学 音乐从其本质上来讲,是一种创造并且开创的新意过程。就好像这个地球上从来没有过一模一样的树叶一样,不一样的人弹奏同样的一首乐曲给人的感觉也会是不一样的,或者是同样的乐曲一样的人但是在不一样的时间弹奏的时候也会有着不一样的感觉,因为人的心态和阅历是会变化的。音乐永远吸引人的地方就在于其本身所具有的永恒和人们所赋予其新的含义。人们在写作音乐和乐曲的同时,也是对于人类自身的重新认识。 面对不一样的音乐应该进行不一样的理解,不同的人对于音乐也会有着不一样的理解。教师应该让学生大胆地进行创新,对于遇到的问题自己进行解决,这样才能通过自学的方式学好钢琴,并且对于钢琴保持着良好的兴趣。 作者单位:哈尔滨师范大学音乐学院 钢琴教学技巧论文:钢琴教学中奏鸣曲的弹奏技巧分析 摘要:在钢琴的学习中,弹奏技巧是重点也是难点。为了提升学生弹奏钢琴的技巧,本文从实践出发,使得钢琴演奏与音乐教育相连接,在理解音乐内涵的情况下出发,使学生德智体美劳得到全面发展。本文将通过实践分析钢琴教学中奏鸣曲的弹奏技巧。 关键词:钢琴 弹奏技巧 音乐教学 基本功 随着我国教育事业的发展,我们的教学理念开始发生变化,我们更加注重学生德智体美劳的全面发展,学习音乐可以陶冶情操,培养专注和勤奋学习的精神。但是在实践中钢琴是一们非常枯燥的功课,钢琴教学很难实施,因此教师如何将音乐和技巧有机结合融入到教学当中,是我们首先要考虑的难题。 一、奏鸣曲的弹奏技巧从基本功抓起 (一)音阶的演奏技巧 弹奏音阶除了五个指头相互独立外,还要考虑音阶的连贯流畅和连贯性,使人在上下衔接之时听不出蛛丝马迹,那么音阶的训练成为摆在我们面前的首要难题。具体做法是:拇指弹完了自己的音,用二指弹下一个音时,拇指尖就已经悄悄地钻进二指的后面,这样拇指就很自然地抵达了下一个音的位置上,音阶就能保持声音平稳,并且弹奏出来的音乐连贯,听不出衔接的痕迹。由此可以看出其问题的关键就是拇指的提前、预约工作。任何钢琴曲都是从音阶开始,因此我们要做好音阶的预备工作,平时要勤加练习,在教学过程中下意识培养这种动作,并且把这种动作形成一种习惯。 (二)弹奏的基本技巧 我们的弹奏能力都不是与生俱来的,都是通过平时的勤加练习得到的,正确弹奏方法是学习的前提和基础,因为我们要培养学生正确的弹奏方法。钢琴最基本的弹奏方法有:连音、非连音、跳音奏法二种。音乐教师在讲课时应当仔细认真分析这三种弹奏方法,根据学生的习惯,找出适合学生弹奏的方法,这样才能起到事半功倍的效果。这些学好音乐的基本功,我们必须掌握,只有这样我们才能接触到音乐的灵活深处,提升自己的弹奏技巧。 (三)准确的节奏感和音乐感 音乐是有节奏的,而这种节奏是我们必须要掌握的。每一首音乐都要不同的节奏,不同的旋律,节奏无时无刻不体现在音乐教学中,节奏的训练中,首先要搞清楚拍子,其次拍子数要准确,最后要速度统一。在平时的学习中我们要培养学生打拍子和数拍子的习惯。例如:我们在唱歌时,开始的前奏我们经常采用数拍子的形式,在唱歌的过程中,我们也经常采用打节拍的方式来进行互动或者加油,打拍子并不是机械的拍打,而是要融入到节奏感中,这样才能使音乐达到内心,从根本上提升弹奏音乐技巧。 二、培养学生对音乐的深入理解 我们常说天赋,这就说明有些人的音乐感是与生俱来的,是学习音乐的可造之才,肯定也有人不适合学习音乐。教师在教学的过程中要有针对性地进行,对音乐感一般的学生,我们要先做好基本功课,例如:贝多芬的《第一交响曲》,教师要讲述创作的背景、作者当时的处境、作者的生平经历,了解作者的创作基调,逐步培养学生的音乐感。 (一)演奏心理训练 演奏心理指演奏时的心里活动,每位演奏者都有不同的心理状态,有些人没有系统的音乐知识,但是有丰富的表演经验,可以自如应付突发状况和临场应变能力,甚至能够创造性地发挥。但是如果没有表演经验,在表演时就会出现紧张甚至手抖或脚抖的情况,在出错时甚至可能不知所措地停止演奏,这就是演奏心理差的表现。在现实生活中,学生常因为紧张而记不住音乐谱,有的记住了乐谱但是却因无法自如发挥,而弹奏的曲子没有感情,教师应当通过以下几个方面进行心理辅导:首先要有强烈的表现欲望和自信心,在演奏的过程中,观众难免会出现不感兴趣等现象,这时教师要进行适当的心理辅导,提升学生自信心;其次,积累并凝聚演奏的审美完型心理结构。 (二)了解作品的背景和风格 在演奏音乐之前,我们应当充分了解音乐背景以及作者在创作时的处境,只有这样我们才能更好地体会作者的思想感情,融入到音乐中。例如:《第一交响曲》是在贝多芬耳朵失聪的条件下创造的,耳朵失聪对一个音乐家来说是一个如同失去生命的打击,但是贝多芬不服输,此曲就充分表现了这两点。教师在日常的教学过程中,要带领学生多听曲子,体会曲子中不同的思想感情,日积月累我们不但可以体会出作者的思想感情,而且可以提升我们的音乐素养。 (三)掌握作品的音乐旋律 音乐中最具有感染力的应当是高潮部分了,要想充分体会音乐就要找准音乐旋律,人的声音、不同乐器的声音都是非常具有感染力,人的声音是最具有感染力的,因此在音乐的学习中,通过人的声音的高低起伏来找准作品的音乐弦律,提升音乐的演奏技巧。 (四)合理的想象 在音乐作品的学习过程中我们应当有合理的想象,当旋律轻快明亮时,我们可以想象作者特别的高兴与兴奋;当旋律悲伤沉重时,我们应当想象作者的悲伤与压抑情绪。通过合理的想象,了解作品表达的思想感情,只有这样才能吸引观众。 三、结语 新课改以后,人们越来越重视孩子的全面发展,音乐的学习不但可以陶冶情操,而且可以素质,但是音乐的学习基本功是关键,本文阐述了如何提升学生音乐学习,如何提升演奏技巧,希望对学生的音乐学习有所帮助。 作者简介: [1]邵琦惠:武威职业学院; [2]管丽丽:兰州城市学院。 钢琴教学技巧论文:基于音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用研究 【摘 要】在钢琴教学中,音乐元素是必不可少的基本乐理知识,同时也是提高钢琴教学质量的重要手段,作为钢琴基础内容,音乐要素是学生弹好钢琴的关键,对钢琴教学的顺利开展有着导向的作用。本文主要对融入了音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用进行了研究和探讨,以期为钢琴教学提供建议,进而促进学生钢琴演奏技巧的提高。 【关键词】音乐要素;演奏技巧;钢琴教学 一、引言 钢琴演奏追求的是在演奏中准确的对音乐进行诠释,这就需要学生熟练地掌握演奏技巧,分析作品中的技术手法,并且要想体现音乐的艺术,过硬的技术永远都是不可缺少的关键要素。但是在实际教学中,钢琴教学方法显得杂乱无章,学生也不容易掌握演奏技巧,而作为基础的音乐要素怎样渗入到钢琴教学中,又怎样突出演奏技巧,这些都是当前钢琴教学中值得研究和讨论的问题。 二、钢琴演奏中融入音乐要素的教学训练 在钢琴教育家卡尔・莱默尔的钢琴教学中,对钢琴的教学方法提出了很多的建议和要求,在钢琴演奏中学生需要放松,例如手指和手臂要处于自然状态,而且肌肉也应该是处于放松状态,这里强调的就是让学生用意识去控制身体状态,同时还强调了一点,就是利用一切可能的触键方式,也就是演奏技巧,同时节奏需严格,但也要自由,才能让演奏变得游刃有余。 (一)放松训练。学生只要具备了放松的状态,钢琴演奏才会更自然,因此,学生首先需要进行放松训练,在训练中要注意训练学生指尖的敏捷性,尤其是手指的第一关节。可以先让学生学习手指的站立,逐渐过渡到五个手指都能自如的交换和连接,先锻炼每个手指的独立性,然后锻炼学生五个手指的合作协调性。在实际教学中,教师可以先让学生反复练习1212 1313 2323 1414 2424 1515 2525 3535。对于颤音的练习,教师可以让学生先慢弹两个音,并弹响,熟练之后就逐渐加快速度,一直到音色均匀、清晰、快速,动作也要干净利落。双音和和弦的练习,教师则需要引导学生将手指一个个分开进行单音练习,当控制好之后再合起来练习,进而要满足清晰整齐的弹奏要求。 (二)技巧训练。钢琴演奏技巧训练是属于有针对性的技巧训练,主要是实施和推广演奏技巧,包括节奏、触键方式、力度和踏板等方面。触键方式有多种,其基本要点涉及演奏的姿势、断奏、半连奏、非连奏以及连奏等,触键技巧的应用是钢琴教学中最基本的内容之一,教师必须要严正以待。触键技巧的运用可以从不同角度帮助学生体会和感受钢琴技能,手作为人体重要的一个组成部分,在钢琴演奏中同样重要,例如当学生将手指的第一关节和琴键之间的关系了解并掌握之后,在实际演奏中就能逐渐掌握音色的好坏,所以,手指尖敏感度的训练非常重要。例如贴键技巧,无论学生对演奏技巧掌握到何种程度,我们都提倡“低指”的触键方式,也就是需要在下键发出声音之前将手指贴在键盘上,尤其是在进行和旋的演奏时,手指要有一定力度,将每一个和旋弹完以后手指都不能离开键面,用该种方法进行和旋的演奏,会让手指落键更加有把握。但是有些学生在连续弹奏和旋的时候出现缺音和漏音的情况,这主要是因为用力不均匀,采取这样的方法更容易使学生对手指进行控制。 (三)听音训练。在教学中,还需要训练学生的听力,使其听得见一切的音乐要素,这样学生才能自己判断音乐的好坏,同时也能更加容易掌握并控制自身演奏中节奏的准确性、声音的质地和色彩等。听力的训练首先要从对曲调意义的理解开始,而曲调的理解则需要先掌握好音乐的语法。因为只有了解并深刻理解句法之后,才能进行“听音”的训练,进而让学生逐渐形成乐感,为之后的演奏奠定好的基础。而听音训练应该是基于严格和自由的节奏,节奏首先是由心生,然后存在于全身,最后由指尖体现。在实际教学中,可以让学生用手拍桌子的方式来训练打节奏,或者采取指挥图形引导学生打拍子,根据具体需要选择强弱拍,也可以选择用手打大拍,用口打分拍,从一分二直至一分八的方式。 三、结语 总而言之,在钢琴基础教学中音乐要素、乐理知识是尤为重要的,两者相互依赖,相互促进,在钢琴教学中,教师需要掌握钢琴基础学科的特点及其教学客观规律,秉承着初级教学的教学规律,帮助学生掌握基础乐理知识和基本演奏技能,并形成良好的学习习惯,进而为之后深入学习钢琴演奏技巧奠定良好的基础。
学前教育专业论文:学前教育专业人才的个人科学素养培养论文 论文关键词:学前教育准幼儿教师科学素养 论文摘要:科学素养是现代人综合素质的一个重要方面,科学素养的培养得从娃娃抓起。幼儿科学素养的培养离不开幼儿科学教育的实施,幼儿教师科学素养的高低直接决定了幼儿科学教育的质量。学前教育专业学生的科学素养是幼儿教师科学素养提高的前提和基础。针对目前学前教育专业学生科学素养偏低的现状,应该从重视科学教育,改变课程设置、运用多种途径等方面来提高学前教育专业学生的科学素养。 一、科学素养的内涵及相关概念 “准幼儿教师”是指学习学前教育专业学生的统称。根据所在学校级别的不同主要分为三大类:本科层次及以上的高等师范院校学前教育专业学生,专科层次的高等师范专科学校学前教育专业学生,还有就是一些中等职业技术学校的学前教育专业学生。在文章中将这些统称为学前教育专业学生或“准幼儿教师”。 学前教育是指对出生至六、七岁前儿童的教育,包括幼儿园教育、学前社会教育和学前家庭教育。学前教育主要培养全面和谐发展的、具备学前教育专业知识和实际工作能力的各类学前教育机构的教师、科研人员及相关教育行政部门的管理人员,广播、影视、书刊等各类大众传媒的策划与制作人员,相关企业(如儿童玩具、儿童服装和食品等)的设计与制作专业人员。 目前,国际上公认的科学素养主要指以下三方面的内容:一是对已经被人所接受的科学知识的理解,主要是一些概念性知识,诸如一些事实、法则以及有关自然世界的理论;二是对一些科学探究方法和程序的理解,主要是了解科学知识如何产生,如何发展,以及科学研究中的创造性思维能力的培养等;三是对科学作为一项社会文化事业的理解,了解科学与社会之间的内在联系,了解科学的应用问题,了解其中的问题、争论以及它们的解决方法。文章中将学前教育专业学生的科学素养主要概括为以下几个方面:具有正确的科学世界观及良好的科学精神和态度;具有较强的科学探究、创新、思考及实践能力;具备较扎实的、系统的科学知识体系。 二、学前教育专业学生科学素养的现状 2006年1月9日全国科学技术大会颁布了《国家中长期科学和技术发展规划纲要(2006-2020)》,总书记在这次大会上指出要在全社会广为传播科学知识、科学方法、科学思想、科学精神,使广大人民群众更好地接受科学技术的武装,进一步形成讲科学、爱科学、学科学、用科学的社会风尚。科学素养的培养得从娃娃抓起,幼儿园是实施幼儿教育的主阵地,幼儿科学素养的培养离不开幼儿科学教育的实施,幼儿教师科学素养的高低直接决定了幼儿科学教育的质量。学前教育专业学生的科学素养是幼儿教师科学素养提高的前提和基础。当前学前教育专业学生的科学素养偏低,现状不容乐观,主要表现为以下几个方面: (一)科学学习的兴趣和热情不高 “五四”时代陈独秀曾经述说当年平民百姓科学思想的不足:“农不知科学,故无择种去虫之术。工不知科学,故货弃于地,战斗生事之所需—仰给于异国。商不知科学,故惟识阁取近利,未来之胜算,无容心焉。”今天我们放眼看去,应当承认,上述科学知识层面的欠缺虽有所改善,但科学精神的匾乏仍是不容忽视的现象。 学前教育专业开设的课程范围比较广,既有普通心理学、人体解剖生理学、教育学、教育统计与测量、中国教育史、外国教育史、教育心理学、教育社会学、课程与教学论等专业基础课;又有学前心理学、学前教育学、学前卫生学、幼儿园课程、幼儿游戏、中外幼儿教育史、幼儿教育科学研究方法、幼儿玩具设计与制作、幼儿园管理、幼儿园评价等专业主干课;还有钢琴、声乐、舞蹈,乐理、视唱、练耳,幼儿园实用美术、幼儿园教育活动设计与指导等专业技能技巧课。大多数学生比较喜欢儿童舞蹈、钢琴演奏等技能技巧课,对于专业主干课程与专业基础课程的学习热情不高。另外,当前我国基础教育教学模式中存在的一些问题,如有限的科学知识的教学中,多注重对知识结论的学习;重视演绎、忽视归纳;重视结果、忽视过程;重视机械记忆、忽视思考存疑;很少实践探究式学习等。科学学习的本身是很有乐趣的事,但由于各项科学知识的逻辑性、抽象性等特点,再加上不恰当的教学方式致使不少学生对科学学习产生枯燥感和排斥感,削弱了学生本应有的科学兴趣和热情,导致学生科学精神的缺失。 (二)科学基础薄弱,科学素养水平较低 目前在学前教育专业招生中,除个别院校文理兼收外,绝大多数只招收文史类学生。这些学生在高中阶段接受的是文理分科教育,造成学生文理知识结构的不对称。此外,升学利益的驱动,文科学生对数学以外的自然科学基础知识也往往“无暇顾及”,虽然他们在初中阶段曾学习过物理、化学、生物、地理等自然科学课程,但这些课程均是各自范围内一些分立、具体的概念和规律,对自然界一般性、统一的概念、原理重视不够。对于天文学、宇宙学方面的常识,他们在中学阶段更是较少系统学习。至于一些对现代社会生活产生重大影响的科学技术知识,特别是前沿知识,中学阶段更是涉及不多。她们虽然已顺利考人大学,但是,文史类学生的自然科学知识基础普遍薄弱,科学探究、创新、思考及实践能力较弱,科学素养水平较低。 三、提升学前教育专业学生科学素养的对策思考 学前教育专业学生科学素养水平较低的现状不适应社会及学前儿童全面发展的需要,提升学前教育专业学生的科学素养势在必行。 (一)重视科学教育,激发学生科学学习的兴趣 科学学习的兴趣是科学素养的重要组成部分,对幼儿来说,科学的启蒙更多的是科学兴趣的培育。一个缺乏科学兴趣的老师怎能唤醒幼儿的科学兴趣呢?而学前教育专业的学生通常是文史类出身,高考时之所以选择文科,有的是因为理科基础薄弱,有的则是对理科知识不感兴趣,再经过专门的文科学习,造成了自然科学认知结构的不良,渐渐失去了科学学习的兴趣和信心。因此,唤起兴趣是学前教育专业学生有效学习科学教育的重要前提和保障。美国教育心理学家奥苏伯尔说过:“每当我们致力于影响学生的认知结构,以便最大限度提高意义学习和保持时,我们就深人到了教育过程的优秀。”为此,要注意知识学习的基本性与基础性,有效激活学生认知结构的知识生长点,以保持学生学习的内驱力。在内容的选择上考虑学生的已有经验和生活实际的需要;在教学方法和形式上要多样化,尽可能运用多媒体和实践操作方法等,开展多种科学兴趣小组和科学知识竞赛,改变因中学阶段过高的学习压力导致的对科学的枯燥看法和态度,逐渐营造校园科技创新的氛围。 (二)建立系统的科学教育体系,提升学生的科学素养 课程建设是当前高职高专及高等师范院校推动素质教育的优秀举措,也是提高学前教育专业学生科学素养的主要渠道。要提高学前教育专业学生的科学素养水平,就应该建构新的科学课程体系,实现文理渗透,面向学生增设科学史、科学社会学、科学哲学、STS等综合课程,使科学素质教育真正落实到实处。科学教育要与专业教育相结合,而且要贯穿于专业教育之中,掌握科学方法中的哲学方法、一般方法和具体方法,培养大批基础扎实、宽厚、经过两个或两个以上领域专业训练的复合型人才,以增强社会的适应性。学生应该重点掌握通用的一般方法,如自然科学中的常规方法(如观察与实验、分析与综合、比较与分类、归纳与演绎、理想化等)与非常规方法(如自觉与灵感、科学美学思想等)。通过科学方法教育,使学生比较全面系统地了解常用的科学方法及其在科学发展中所起的作用,掌握具体的科学方法,并进行必要的科学思维训练(包括严格的逻辑思维训练和非理性、非逻辑的创造性思维训练),培养学生运用科学方法解决问题的能力及创造性解决问题的能力。 当前,国外许多先进大学奉行的都是“通才教育”模式,即大学科学教育课程应覆盖所有学生,尤其是文科学生,应接受一年或一年以上的基本科学教育,这种教育不是专业教育,而是一种通识教育,旨在提高科学素养,其开设方式主要通过开设科学教育必修课。 然而在学前教育专业的课程体系中,科学教育课程的比例很少,而且这些课程主要是分布在第一、二学年,课时量也不多,到了第三、四学年的课程体系中,有关科学教育的课程更是少之甚少。学前教育专业学生的学习集中在学前专业主干课程和技能技巧课,据了解,很多学生在钢琴、舞蹈、活动设计等技能技巧课程上花费了绝大部分时间,在课程体系中缺乏系统的科学教育课程。可以把科学教育内容渗透于人文社会课程中。若对学前教育专业学生开设过多的科学教育课程,可能负担过重。一方面,可以建构一种文理融合的课程,如科学史和科学哲学的内容可以放在人文社会科学(历史和哲学课程)中,把科学、科技与社会关系的内容可以安扫浓社会研究课程中学习。另一方面,从人文学科中挖掘科学素养的内涵。从而构建系统、有校的科学教育体系,促进学生科学素养的提高。 (三)在多途径中开展科学教育,丰富学生的科学知识 1、组织各种科学兴趣小组,开展科普讲座 学生需要定期和不定期地举办科普讲座,组织参观科普展览,科普论文评奖活动等,对提高其科学素养很有帮助。第一,鼓励学生阅读大量的科普书籍。如阅读现代科技方面的书籍,可弥补他们对现代科学知识及其发展状况的空白。很多科普读物,都是科学发明的开拓者或诺贝尔奖获得者自己的著作,既有趣,又很适合学前教育专业的学生阅读。第二,鼓励学生走进实验室,让他们探究自己感兴趣的问题。杜威认为,儿童生来具有四类兴趣或本能:“社会本能”“制作本能”“探究本能”与“艺术性本能”。探究是儿童与生俱来的一种本能,科学教育最适合发展儿童的探究本能,教师要为其提供广阔的空间和舞台,这就要求高师学前教育专业培养能熟练实施探究式科学教育的幼儿教师。学前教育专业学生应在学校期间就有意识地提高自己的探究式科学学习的能力。 结合学生的不同需要组建各类科学兴趣小组。如“天文兴趣小组”、“数理爱好者协会”、“自发组织理论讨论会”、“摄影爱好者协会”、“环保兴趣小组”、“机器人研究会”、“家用电器小发明小组”、“现代通讯研究会”等等。科学兴趣小组可以让产学研相结合的办学思想变成现实。发动兴趣小组学生的积极性,利用各种废旧或容易得到、价格比较便宜的材料或工具,自己建立实验室,自己管理,这比实验室开放更切合实际。为了更好地鼓励学生搞研究,在科学教育教学内容的选择上,要考虑学生头脑中的已有经验及与日常生活的密切联系;在教学方法上,可以实施发现式学习、小组合作学习,还可以运用先进的多媒体教学手段等方式,激发学生学习;在教学成绩的评定上应该灵活、科学而多样化。这是一种很好的产学研相结合的尝试。让学生真正感觉到学有所乐.学右所长.学有所用。 2、营造良好的、崇尚科学的教育环境 营造良好的、崇尚科学的教育环境,可以通过组织系列人文讲坛,建立积极活动的科技协会,创办科技小刊物,举办校园科技节、体育节、文化节等活动,丰富学生的学习生活,活跃校园科学文化氛围。在继续大力普及科学知识和实用技术的同时,紧跟时展步伐,采取灵活多样的方式,丰富科普宣传内容,切实加大科学思想、科学精神、科学观点和科学方法的传播力度,不断提高学生在科普工作中的参与程度。充分发挥科技场馆、博物馆、动植物园、科技活动场所和科普宣传画廊等基础设施的平台作用,坚持培训与宣传相结合,研究和探索符合学前教育专业学生实际的科普发展措施,从而切实提高学前教育专业学生的科学素养。 3、开展各类科学知识竞赛,加深对科学知识和概念的理解。 在课余时间里,可以组织开展各类科学知识竞赛,活跃气氛,提高学生学习科学的热情。如精心举办“天文知识竞赛”、“环保知识竞赛”、“大学生科技创新大赛”、“大学生电脑机器人竞赛”等这样的科技活动,开展各种科学知识竞赛意义十分巨大,它不仅能促进学生学习“科学技术概论”这门课程,还能丰富学生的业余生活,又能让一部分有特长的人有机会表现自己。在竞赛过程中,观众的科普水平会在轻松愉悦的环境下不知不觉得到提高。从而,加深和巩固学生对科学知识和概念的理解与把握。 学前教育专业论文:中职学前教育专业计算机基础论文 1中职学前专业计算机应用基础课程教学方法 1.1利用兴趣爱好和专业特色,创设情境教学法 作为任课老师,我们一定要从抓好第一堂课开始,每个老师必须给学生立下规矩,让学生了解机房管理制度和上机操作的注意事项。比如,每一个学生每一次上课时要正常开关机,爱护机房内的设备,注意保持机房的卫生等,让学生养成一个良好的行为习惯,让他们终身受用。根据学前教育学生的专业特点,设计各种与学前教育专业相关的内容作为学生上课的内容,避免内容单一、枯燥。依据新课程标准,注重培养学生的自主、创新、合作的学习方式。创设情境,导入新课内容,每一项任务,师生共同分析,尽量用已知的知识为基础去寻求新知,再通过学生演示、教师讲解等形式理清每个要求的知识点、操作、效果等,以此来突破难点,实践重点。创设情境、巧妙设问,引导学生进行探究式学习。这种探究式教学有助于发挥学生主动性,培养学生的基本科学素养和良好的思维习惯,促进学生的深入发展。用生活中鲜活的例子启发学生思考,让学生自己认识到所学知识的用处,从而激发他们学习的动力。课堂上注重和学生的互动,提升学生的学习兴趣,让学生带着兴趣参与课堂教学,带着兴趣训练学生的思维能力。教室在课堂上鼓励学生去尝试,去发现问题,分析问题,解决问题。允许学生提出不同意见。教学过程中充分调动学生的学习积极性,让课堂动起来。 1.2在教学过程中引入差异教学法 例如在刚开始的教学过程中,有些学生从未接触过计算机,连开关机都不会,也有一少部分学生对计算机的操作已经很熟练,因此如何平衡这两部分同学之间的矛盾?如何充分发挥有一定操作基础学生的带头作用?这里我们就引入了差异教学法,差异教学使如何实施的——将学生进行分组,每组里由学得快的同学教学得慢的同学,对的学生讲给做错了的学生听,合作学习小组成员由不同性格的学生组成。让有一定计算机基础的学生积极主动地参与教学活动,不仅增强了这部分同学的自信心,也有利于带动没接触过电脑的同学及时理解和掌握知识。发挥学习探究小组的集体优势,学会倾听同学间的不同观点,学会交流、分享,共同体验成功的喜悦和快乐。为学生的个性化学习提供了广泛的资源。 1.3在教学过程中应用任务驱动法 教学设计的任何环节都应当为了学生更真实、更方便、更有效的进行学习。不管教学内容怎么繁杂,训练的形式如何千变万化,都要紧紧抓住教学的重难点这个着力点,设计和提炼出有序有效的教学环节,留更多的时间给学生理解和内化。为了更好的提高学生在实践中的操作技能,在教学方法上采用任务驱动法。例如,在给学生讲解文件和文件夹的基本操作时,这一部分的操作是学习计算机最基本的操作,内容较多,对于初次接触计算机的同学还是有一定的难度,任务驱动式教学方法就会贯穿教学的每一个环节,每个任务的完成,主要是通过教师重点讲解或学生示范、学生自主学习、矫正练习这几个过程,让学生熟练掌握文件和文件夹的相关操作方法。而且每一个任务环环紧扣、承上启下、自然流畅,使学生在轻松愉快的情境教学氛围中,主动地学习计算机知识。 1.4在教学过程中采用案例教学法 案例教学法也叫实例教学法,它是在教师的指导下,根据教学目标和内容的需要,采用案例组织学生进行学习、研究、锻炼能力的方法。这种方法具有不可替代的实效价值。它能创设一个良好、宽松的教学实践情景,把真实的典型问题展现在学生面前,让他们去思考、分析、讨论,对于激发学生的学习兴趣,培养创造能力及分析、解决问题的能力十分重要。在计算机应用基础这门课的授课过程中采用这种教学方法,教学效果非常好。以任务为主线,以教师为主导,以学生为主体,改变了传统的教师讲、学生听的被动的教学模式,极大地激发学生的学习兴趣,提高了学生的自主学习能力。在授课过程中我发现,学生对结合实际的东西更感兴趣。只要讲课的内容能和实践挂钩的,都和实践联系在一起。所以案例就以学生就业为导向,围绕实际应用进行设计。例如同学们利用Word文档设计编写个人简历,同学们会通过网络检索找到自己所想要的模板,这样在实践中遇到问题,再去学习知识解决问题,就把他们的兴趣调动起来了。到案例结束,他们每个人做的个人简历就可以相互比较、评比优秀,这样大家就有竞争意识了。 2结语 总之,相比于传统的教学方法,新的教学方法能让学生更加喜欢和享受学习的过程。传统、创新和卓越对于我们来说是非常重要的。是否能够提高学生的计算机实践能力,是评估中职计算机应用基础课教学质量的最重要的指标。职业教育更加注重让学生学以致用。我们遵循的一个教育理念就是“授之以渔”,教会学生捕鱼而不是吃鱼,培养学生的自学能力。另一个就是“自主学习”,把学生的能动性调动起来,让学生去学,这样他们的动力是十足的。我们的教育教学改革的教学宗旨始终是始终围绕如何调动学生的学习兴趣,让他们最终走上自主学习的道路。 作者:杨芳 单位:宁夏民族职业技术学院 学前教育专业论文:学前教育专业美术教学改革论文 一、学前教育专业美术教学改革研究 1.对教学方法的改革 通过以上的分析可以看出,在当今学前教育专业美术教学中,教学方法使用不当会对美术教学效果产生负面的影响,甚至会影响到学生学习美术的兴趣以及对美术的认知。对此,笔者建议,应对教学方法进行深入改革。首先,在学前教育专业美术教学中,教师需要对学生的现有水平以及接受能力等进行全面的分析,根据个体差异性,对学生因材施教,更有效地将对学生的整体教学与个体教学进行结合,全面提升学生的学习效果,及时解决个体学生的个别难题。其次,教师应采取引导式教学方法,将学生的主体性充分发挥出来,引导学前教育专业学生认识美术、了解美术、学习美术以及积极地探索美术知识等,避免以往教学中存在的单向教学方式。教师要加强与学生之间的互动教学,通过互动交流让学生对美术重难点知识进行定位,这样对于拉近师生关系,为学生营造良好的教学环境有着重要的作用,从而有效地激发学生的学习热情。再次,应加强对学生的实践教学。如,可以将一些影像资料、图片等作为学生绘画的精品模板,一方面可以引导学生将其作为参照物尝试去画,另一方面可以引导学生将自己对精品模板的观点表述出来,并与其他同学进行分享,活跃课堂教学氛围,这样更有利于学生的学习和发展。 2.对教学内容的改革 教学内容的不合理会对学前教育专业美术教学效率带来直接的影响,因此,在课程改革背景下,应对教学内容进行改革。首先,应加强教学大纲的优化,合理修订学前教育专业美术课程教学计划,并在原计划的基础上分析美术课程教学规律,丰富教学内容,并引导学生自主完成教学内容探索,给学生足够的时间,将学生的主体性充分发挥出来。其次,应适当增加实践教学内容,相比之下,实践教学内容对加深学生对知识的理解效果更佳,同时对培养学生的动手能力也有着很大的作用,而美术本身对动手能力的要求较高。因此,作者建议在教学内容改革中,应多增加实践教学内容,这样才更有利于学生的学习和发展。另外,要适当调整学前教育专业美术课堂教学,尤其是在学前教育专业要求不断提高的情况下,更要注重对学生综合能力的训练。因此,在学前教育专业美术教学中,应对课程进行合理设计,加强学生对知识的理解,同时,在丰富教学内容的前提下,培养学生的学习热情。另外,教师可以充分发挥多媒体设备的作用,将多媒体技术应用到学前教育专业的美术教学中,充分引入网络资源库中的教学案例,不断丰富美术课堂教学内容,为提升美术教学效率提供支持,拓宽学生对美术的认知面。 3.对教学体系的改革 学前教育专业美术教学体系的改革,首先,应确定改革的方向,结合院校的实际发展情况以及实际教学情况等合理改革教学目标,打破以往大纲式的教学目标设置,注重对学生创新能力、专业能力、审美能力等方面的培养,帮助学生树立正确的价值观。其次,应对教学专业课程设置进行改革,做到理论与实践结合、课堂与生活结合等,主要以培养学生学习兴趣、积极性等为目的,让学生自主学习美术、探索美术知识,从而有效提升学前教育专业美术教学效果。再次,应注重教学评价方式的改革,打破以往问卷考试的评价形式,要从学生的实践实习中进行评价。如,针对学生在幼儿园进行的试讲,对学生开展实践性评价,让学生清楚地认识到自身的不足,并不断改进。另外,要通过丰富教学评价的方式,从多种角度、多个方向对学生展开评价。如,以学生自评、生生互评、教师总结等方式提高教学评价的有效性,从而促进学前教育专业美术教学工作高质量完成。 二、结语 随着教学改革的不断推进,幼儿教育也越来越受到重视,尤其是幼儿教师的培养,更为关键。学前教育专业美术教学主要是对幼儿教师美术教学能力的培养,应对其进行不断的改革,才能更好地满足当今教育发展的要求。笔者通过对学前教育专业美术教学改革的研究,结合自身多年的工作经验,对当今学前教育专业美术教学中存在的问题进行剖析,同时也提出了教学方法、教学内容、教学体系等几个方面的改革策略,希望通过文章的分析为提高学前教育专业美术教学质量提供一定的帮助,进而为社会培养更多的学前教育人才。 作者:崔贺 单位:沈阳师范大学学前与初等教育学院 学前教育专业论文:学前教育专业音乐教学改革论文 一、高校学前教育专业音乐课程的改革策略 1、对课程的目标定位进行明确 学前教育人才培养目标很大程度上决定了学前教育音乐课程的目标定位,高校在确定学前教育音乐课程目标之前需要对人才培养目标是培养具备一定音乐专业技能复合型人才还是培养音乐专业人才进行科学确定。培养全面发展的、能够满足学前教育事业发展需要的、具有一定幼儿教育专场的学前教育工作者和研究者是学前教育专业的定位。根据这一培养目标可知在学前教育专业人才培养的整体方案中的音乐教育应当将专业技能、专业能力实践运用、自主学习和研究能力作为培训重点。学前音乐课程的教育目标应当服从于培养全面发展的幼儿教育人才这个整体目标。 2、对课程体系进行完善 实现学前教育人才培养目标的重要途径就是合理的设置高校学前教育专业音乐课程。高等院校应当以国家教育方针和高校学前教育专业的培养目标为依据,在对音乐学科教育的特殊要求和各学科培养学生全面发展协调功能进行充分考虑的情况下,对学前教育音乐课程进行科学设置。在具体的设置学前教育音乐课程的过程中,相关人员应当充分协调音乐课程的特殊性和学前教育专业的特色,让设置的课程既能够满足学前教育专业学生音乐学习的需求,又能促进学生素质的全面培养和提升。 3、对课程实践进行强化 与高校学前教育专业的教育理论和技能的学习相对应的是成为一名合格幼师应当实际操作能力的培养,所以高等院校应当对学前教育专业学生实践能力进行强化,进而提升学生教育能力并且为未来的工作积累经验。培养合格的具备实践操作和自主研究能力的幼教工作者是学前教育专业的培养目标,在对学生的实践能力进行培养的过程中通过在学前教育专业的音乐课程教学中融入幼儿园课堂实践的教育内容,有机结合学生专业技能的掌握与幼儿园课堂中专业技能的实践运用,从而推动我国高校学前教育专业音乐课堂改革的优秀任务的实现。 4、对教学方法进行改进 影响课堂教学质量的重要因素之一就是教学方法,而学前音乐课程教学相对于其他音乐课程教学具有特定的规律,所以学前教育专业音乐教师教学中应当在对基础问题、常识问题进行充分考虑的基础上,对针对学生的不同能力基础怎样进行因材施教进行深入研究。在具体教学中学前教育专业音乐课程教师应当采取有效措施对学生的主动性和积极性进行充分调动,在对技能表现的方式方法进行切实掌握的基础上,对音乐活动的组织教学方法进行深入学习,进而使得未来幼儿园课堂实践的运用需求得到不断满足。高校学前教育专业音乐课程教师应当对传统的教师主导课堂教学模式进行变革,从当前学前教育的特点出发,对多样化的教学模式进行探索。如可以由能力较强的学生对分课堂的小组教育模式进行组织;开展以学生为主体的师生联合评价模式,通过在音乐课堂教学中的有效应用提升学前教育音乐教学的效率和水平。 5、对课程评价标准进行完善 教学活动的重要组成部分之一就是课程评价,它以教学目标为优秀,通过对有效评价手段的运用,实现对教学过程和结果的测定、分析,进而做出最终价值评价。学前教育专业音乐课堂教学改革的成败很大程度上取决于课程评价能够正确有效实施,具体音乐课程教学围绕课程评价展开,同时对学前教育音乐教学质量的监控也有赖于此。在具体教学活动评价中学前教育专业音乐课堂教职人员应当充分贯彻评价方式多元化原则、知识和能力并重的评价原则、综合性原则、实践性原则。高校学前教育专业音乐课程教师应当在设置音乐课程教育评价标准的过程中,对学前教育转的本质和特点进行深入了解和掌握,不仅要对学生的音乐专业技能能力进行评价,还要从学前教育实践运用和岗位需求特点出发有机合格课程评价和人才培养目标。 二、结语 在新的就业形势下高等院校应当从社会人才发展需求出发,采取有效措施提升本校学生的竞争力。音乐教学作为幼师工作中的重点内容应当得到高等院校学前教育专业教学的充分重视,高校应当对学前教育专业的音乐类课程进行科学设置,对教学目标、教学方式、教学课程体系、评价标准、课程实践各个方面进行改革,以适应新形势下的人才培养需要。本文分析了当前学前教育专业音乐类课程教学中存在的问题进行了分析,并据此探讨了相应的改革措施。但本文还存在一定局限,希望教育行业人员能够加强重视,不断提升学前教育专业音乐类课程教学水平,进而满足人才培养需要。 作者:何晴利 单位:洛阳师范学院学前教育学院 学前教育专业论文:学前教育专业学生舞蹈教学论文 一、语言表达能力的培养 (一)培养学生准确的语言表达能力 教师的言语是学生接受知识的主要途径。如果教师在授课过程中,语言不准确,极容易导致学生接受错误的信息。相反,如果教师用准确的言语进行表达,不仅可以减少学生误解的情况,还有利于学生的学习,从而为教学的顺利进行提供保障。当然,语言表达能力不仅体现在对舞蹈理论知识的讲解,也体现在对舞蹈动作要领的传递。在模拟课堂中,可以让学生尝试讲解舞蹈动作,也可以向学生提问动作要领等问题,从而达到培养学生准确语言表达能力的目的。 (二)培养学生生动的语言表达能力 生动的语言表达在教学过程中同样十分重要,它不仅可以调节学习气氛,还可以唤起幼儿对舞蹈的兴趣。舞蹈教师生动的语言表达能力主要体现在将需要讲解的舞蹈知识形象化,例如在教幼儿芭蕾舞时,有些幼儿的手型动作不到位,可以提醒幼儿想象一下天鹅挥动翅膀的样子,这时幼儿就会注意到自己的手型,每个孩子都希望自己的手型像天鹅的翅膀一样美丽动人,这样更容易使得幼儿记住在舞蹈中正确的手型是如何摆放的。培养学生生动的语言表达能力,不仅拉近了学生与幼儿之间的距离,更提高了幼儿舞蹈教学的质量。 二、舞蹈动作示范能力的培养 教师在授课过程中不仅语言要生动准确,动作也要规范标准。教师是学生模仿的对象,教师在进行动作示范时,全面协调身体的各个部位,并配合适当的面部表情,以优美的舞姿获得学生的认可,从而在学生中建立威信,获得学生的尊重。而在舞蹈教学过程中,学生完成舞蹈动作的能力可以从动作技能和表现能力两个方面反映出来。动作技能是对舞蹈基础动作的掌握,而表现能力是对舞蹈艺术性的体现。只有两者完美结合,才能更好地表现出幼儿舞蹈的特点。因此,在培养学生示范舞蹈动作能力的过程中,要着重注意学生动作技能和表现能力的学习。不仅要加大对学前教育专业学生的肢体语言能力训练,还可以在学前教育专业幼儿舞蹈教学的内容中,增加各个种类舞蹈的动作训练,如芭蕾舞、古典舞等的基本功训练,使学生更大限度地了解以及掌握不同舞蹈的风格特点以及动作要领,以便在以后的学前教育工作中为幼儿传播更多不同风格的舞蹈知识,更全面地为幼儿打开舞蹈新天地。 三、编创幼儿舞蹈能力的培养 在舞蹈教学过程中,还要着重培养学生编创舞蹈的能力,以满足学生未来的学前教育工作对编创幼儿舞蹈的需求。进行幼儿舞蹈的创新,首先,要求学生对幼儿的心理特征有一定的掌握。幼儿在不同的阶段会有不同的心理特征,他们接受舞蹈能力也会不同,因此要根据幼儿的记忆、模仿、接受能力等各方面心理特点进行编创舞蹈。其次,在实际教学过程中,教师也可以将学生分组轮流进行创编作业练习,让学生互相观摩、互相纠错、互相促进。学生熟练掌握基础知识时,教师可以引导学生根据自己对生活的理解,用自己的舞蹈语言表达所学到的动作,进而学会思考、有意识地进行舞蹈组合创编。最后,注重锻炼学生对于生活细致观察的能力,因为在今后的幼儿教学工作中,要认真观察幼儿的喜、怒、哀、乐等不同的情绪,在幼儿表达不同情绪的过程中,教师可以在其中得到灵感,从而编创出能反映幼儿生活的舞蹈。 四、结语 综上所述,学前教育专业学生幼儿舞蹈教学能力要从语言表达、示范动作以及编创舞蹈能力三个方面来培养,准确、生动的语言表达是教学的前提,动作的示范是教学的桥梁,舞蹈的编创是教学的升华。相信只要在教学过程中遵循因材施教的教学原则,突出幼儿舞蹈的特点,使学生学有所长,就一定能培养出符合社会需求的合格的学前教育优秀人才。 作者:何辉 张海红 单位:张家口教育学院 学前教育专业论文:学前教育专业班级管理论文 一、礼仪教育在学前教育专业班级管理中的必要性 礼仪教育既是文明传承的需要,又是时展的需要,更是班级管理的需要。我国作为文明古国,文明礼仪世代相传,同时随着新时期精神文明建设的发展,人们对尊重、宽容、温馨、真诚、互助、友爱、诚信、和谐生活环境的要求越来越高,文明礼仪作为精神文明建设的重要组成部分,不仅对良好生活环境的形成具有巨大的推动作用,而且是一个人优秀品质和个性形成的基础所在,同时也是提高全民族道德素质,振兴民族精神的基础教育。因此,在学前教育专业班级管理中必须抓好学生文明礼仪教育,这不仅是提升学生素质的需要,而且是建设一个优秀的、班风良好的班集体的需要,同时也是保证学生进行正常学习,教师开展正常教学活动的前提。 二、礼仪教育在学前教育专业班级管理中的重要性 班级管理从严格意义上来说就是对学生的管理,只要对学生的管理到了位,班级管理自然而然就达到了标准。对于学前教育专业的学生来说,礼仪教育有哪些重要性呢? (一)改变幼儿教师观念,增强责任心 传统观念认为,幼儿教师就是看护孩子的“保姆”,每天的任务就是在保证孩子安全的前提下带领着孩子玩耍,这种观念具有一定的片面性,安全看护孩子固然重要,礼仪教育也非常有必要。幼儿是我国的未来和希望,是国家进步和发展的源泉动力,我国优秀的文明礼仪需要通过教师传授给学生,代代相传,而幼儿时期正是进行礼仪教育的绝佳时期,孩子的内心对外界一切充满着好奇和渴望,而幼儿教师的一言一行都会成为孩子模仿的榜样。好行为,好习惯,我们提倡;坏行为,坏习惯,我们禁止。如何防止幼儿教师自身坏习惯,坏行为成为孩子模仿的对象呢?这就需要学前教育专业的学生认真学习礼仪知识,加强自身的礼仪文化修养,增强责任心,充分意识到新时期礼仪教育对幼儿教育的重要性,改变传统的幼儿教育观念,给孩子树立良好的礼仪形象,从而保证孩子快乐健康地成长。 (二)提升学生自信,促进学生素质全面提高 进入21世纪以来,人们的生活水平有了显著提高,生活节奏也越来越快,我国家庭中的“独生子女”现象越来越多,由于从小深受各种溺爱,孩子长大后各方面的能力表现都有所欠缺,动手能力差,合作能力差,好高骛远,在对外交往的过程中,经常以自我为中心,自私自利,不懂尊重别人,礼让别人,缺乏应有的礼仪。还有的学生在家里“称王称霸”“性格活泼”,在学校却是另一种状态,性格孤僻。有的甚至表现出胆小、懦弱的形象,不敢与别人交往,缺乏自信心。如果学前教育专业的学生毕业以后以这样的“状态”从事幼儿教学,教育出来的孩子是可想而知的。在我国大力提倡“中国梦”的今天,人与人之间的交往最需要的就是相互尊重,相互宽容,相互理解,自尊,自爱,团结合作的精神,通过对学前教育专业学生的礼仪教育,可以培养学生自尊、自爱、独立、礼让、团结合作、以礼待人的优秀品质,使他们学会如何做人,如何交往等,提升学生的自信,促进学生素质的全面提高。这是我们的学前教育专业的学生所必须具备的礼仪修养,也是管理好班级的前提和保障。 (三)建设文明班集体,促进班级和谐 学生文化知识的学习是学生的主要任务之一,但是只知道学习文化知识,缺乏自身相应的内在礼仪修养做支撑,缺乏最基本的做人礼仪,就是学问再广博也是徒劳的,缺乏礼仪修养的学生是不会组成文明班集体的,班级的和谐更是无从谈起。教师在对学前教育专业的学生教学过程中,要根据学生的实际情况,实施“情感”教学,关心、爱护、尊重每一个学生,深入学生中间,善于发现学生学习和生活中的“问题”并及时解决,建立起深厚的“情谊”后,能够让学生主动向教师敞开心扉,把自己学习和生活中的“问题”或“烦恼”向教师倾诉,教师成为学生感情上的“大哥哥”“大姐姐”,学习上的“良师益友”,从而培养学生尊重教师,热爱同学,热爱班集体的良好品质,进而达到建设文明班集体,促进班级和谐的目的。同时教师组织丰富多彩的活动,如每周一班会的开展,关于礼仪如何使班级管理更和谐的主题演讲等,潜移默化地传授给学生,然后组织学生谈谈自己的感受,最后教师做总结发言,帮助学生牢固树立礼仪对其自身,对班级管理的重要性。 三、结论 文明礼仪作为我国精神文明建设的重要内容,符合时展的潮流,是教师正常开展教学活动的内在需要,也是学生成长过程中所不可或缺的教育内容。只有学生的礼仪修养提升了,学生的全面素质才会得到提高,文明班集体的建设才会成功,班级和谐管理才能实现。同时我们应该清醒地认识到,在学前教育专业班级管理过程中开展礼仪教育,是一项系统的、复杂的工程,不可能一蹴而就。礼仪教育的方式、方法也多种多样,这就要求教师从实际出发,敢于探索,勇于实践,从而实现礼仪教育给班级管理带来的新突破。 作者:吴丽 单位:湘南幼儿师范高等专科学校 学前教育专业论文:学前教育专业学生文学素养论文 一、提升学前教育专业学生文学素养的内涵界说 何为文学素养?学前教育专业学生又须具备怎样的文学素养?文学素养可以从两个层面加以理解,一方面通常是指一个人借助语言文字表达自己思想、情感等方面所表现出来的能力和水平,即一个人的口头表达能力和书面创作能力;另一方面是指一个人对文学作品的理解和感悟能力,能通过自己的理解和感悟,较好地再现文学作品的内涵和意蕴。一般而言,文学素养包括以下几个方面: (1)具有一定的文学基本理论,包括创作理论、鉴赏理论等; (2)掌握一定的文学基本常识; (3)能够具备一定的文学创作能力; (4)能够具有良好的文学作品阅读感悟能力及习惯; (5)能够对文学作品的阅读具有一定的鉴赏能力和表达自己见解、观念的能力等。作为高师院校所培养学前教育师资的学生而言,在具备以上文学基本素养的同时,还要结合自身专业特点,凸显学前儿童文学的阅读对象心理特征、接受能力以及儿童文学的教育理论等,才能建构起适应专业需要的文学素养。为此,他们还应该具备以下一些适应未来职业需要的文学素养。掌握学前儿童对文学的接受心理。学前儿童文学主要是以婴幼儿为阅读对象,然而,他们的心理还处于成长期,有其特殊的心理特征。首先,他们生活经验不丰富,心理机能发展不完善,在接受文学作品时主要靠的是视觉和听觉,甚至是借助动觉即演示来接受和理解文学,因此,作为未来的教师就要了解他们特有的接受心理。其次,他们注意力不够集中或集中时间短暂,容易受外在事物干扰,在教学中就要了解这一特点,增强教学的趣味性和生动性,以吸引他们注意力,保证教学顺利实施。第三,他们思维形式主要是一种直觉性思维、形象性思维,要求在教学中注意通过创设丰富情境,尽量将文学作品内容进行再次创编,以诉诸于他们感官体验,增强动感。第四,他们的心理还具有幻想性特征,那些夸张的、超现实的形象和故事更易于激发他们的兴趣。只有了解学前儿童的这些心理特征,才能在儿童文学教学中真正发挥其教育功能。具备基本的艺术表演素养。由于学前儿童对文学的接受具有视和听的特性,儿童文学作品中很多内容是通过形象直观的表演形式才能让他们接受和理解,基于此,在一定意义上儿童文学也是“听”的文学,“看”的文学,“演”的文学,所以,作为我们培养的学生,就要具备一定的艺术表演素养,才能适应未来教学需要。比如做游戏,是学前教育中最常见的教学形式。游戏作为人类的一种原始本能,也是婴幼儿的一种天性,最为学前儿童所喜爱,那么如何实施游戏教学,就离不开教师的艺术表演能力,通过游戏来引导学前儿童感受生活、体验情感、理解社会。再如,儿歌、童谣等都是儿童最早接触的、也是最喜闻乐见的一种文学形式,这一教学实施也是伴随表演而被学前儿童所接受。 能够进行儿童文学二次创编能力。由于学前儿童特有的心理特征和思维能力,他们对文学的接受缺少直接的领悟和感受能力,在教学中教师就必须具备对文学作品进行二次创编能力。教师通过自己对文学作品内容的理解和感受,然后用优美动听、抑扬顿挫、高低起伏的声音,以及适度的夸张表情传达出真挚的情感,进而对学生产生潜移默化的影响,引领学生自己走进儿童文学世界,实现他们对文学作品的理解和体验。对文学学前教育专业建设作品的二次创作和改编就理应成为学前教育专业学生具备的文学素养之一。因此,我们在培养未来学前教育师资过程中,就要注重培养学生具有创作和改编能力,促进学前儿童文学教学更加贴近儿童本位,体现学前教育专业的职业性和儿童性,提早实现由单纯的知识教学向职业需要转变。具备对儿童文学语言的感受能力。儿童文学具有自身的语言特色,这也是学前儿童语言心理机制决定的。由于学前儿童生活经验不多,知识词汇较少,作品中的语言简单易懂,明白浅显,生动逼真,力求能够有助于儿童直觉感知和思维想象。无论写人写事还是写物,都具有形象直观性,作品中的艺术形象大多具有色彩鲜明、形态活泼、声音清晰、富有动感等特性。同时形象描绘上多用比喻、拟人、夸张等修辞手法,以此激起学前儿童的丰富想象。语言表达上还注重音乐性,节奏明晰,音韵和谐,朗朗上口。有时候,还通过重章叠句、反复排比等形式增强语言的童趣。对于我们学生来说就要掌握学前儿童文学的语言特点,在教学中才能让儿童所喜闻乐见。 二、提升学前教育专业学生文学素养的路径 儿童文学是高师院校学前教育专业的必修课程之一,也是该专业课程体系中最重要的内容或教学资源,同时,在幼儿园目前开设的语言、常识、计算、美术、音乐等五大学科课程中,都或多或少涉及儿童文学,可以说,儿童文学是一门基础性、奠基性课程。但毋庸置言,目前学前教育专业儿童文学课程的开设还存在着很多瓶颈,比如学科建设滞后、师资力量匮乏以及职前职后脱节等问题,不可避免地制约了高师院校培养具有适应未来学前教育专业需要的、具备较高文学素养的师资需求。根据目前高师院校实际,我们可以从以下几个方面提升学前教育专业学生的文学素养。加强学前教育专业儿童文学课程建设。近年来,我国学前教育专业中儿童文学课程建设取得了很大进展,越来越规范有序,但由于在我国高师院校中开设的学前教育专业儿童文学课程大多借鉴中文专业而来,而忽视了作为学前教育专业开设的儿童文学课程本身的特点,因此也就不可避免地存在一些问题。第一,沿袭中文专业重视理论研究的特点,而忽视学前教育专业的儿童文学教学具有较强实践应用的性质。第二,重视学科理论建设而忽视了学前教育的专业特色。显然,沿袭中文专业而来的儿童文学教学体系不能适应学前教育专业的教学,更不能适应培养学前教育师资的需要。高师院校学前教育专业儿童文学课程建设必须紧密围绕该专业人才培养目标、专业特色、职业需要等建构具有自身特色的儿童文学课程教学体系。 因此,如何建设一个既能提升学前教育专业学生文学素养的课程体系,又要注重指向未来职业需要的儿童文学课程成为当务之急,同时还要突破原有中文专业文学教学的藩篱,建构既与中文专业文学相联系,又彰显学前教育专业特色的课程体系。拓宽学前教育专业儿童文学内容的边界。儿童文学在教学内容上首先要切合专业特点,力求全面、系统地掌握文学及儿童文学学科的理论知识,在进行文学的基本理论、文学史及文学鉴赏等通识教育同时,还要让学生较好地把握中外儿童文学发展的历史脉络,扎实掌握儿童文学的基本原理及文学鉴赏知识,使儿童文学成为学前教育专业学生知识结构中的重要内容。在儿童文学教学内容的选取上,我们还要不断突破狭义的儿童文学观念,要构建“大儿童文学”的观念,形成既凸显儿童文学自身特色,同时又要形成与儿童文学相联系的知识结构。这是学前教育专业服务对象的特殊性所决定的。因为在幼儿园教学实践中,教师不仅仅具备文学基本素养,还要将文学作品内容通过演示、表演、语言等形式再现出来,才能被学前儿童接受,因此,在儿童文学的教学中不断拓展教学内容边界,增加音乐、美术、舞蹈、表演等知识,丰富学生的知识结构,体现他们将来所从事儿童文学教学的科学性、现实指向性。加强从事儿童文学教学的师资队伍建设。有一批合格师资是保证学前教育专业学生提升文学素养的重要保证。然而,在现行的高师院校学前教育师资队伍中存在明显的缺陷。近年来,各类高师院校受办学市场化的影响,社会需要什么人才,学校就培养什么人才,哪个专业就业前景好,学校就增设哪个专业,不管条件具备与否,不具备条件创造条件也要增设相关专业。这虽然适应了社会需要,但因各类学校办学条件不一、师资力量不等,这势必会带来很多问题,特别是那些并不具备相应条件的学校也办起了学前教育专业,很多教师原来都是中文专业出身甚至教育专业出身临时转为学前教育专业,从事儿童文学教学,他们在知识结构、教学观念等方面明显受原有专业影响,更多的是他们边学边教,现学现教,很显然不能适应学前儿童文学需要,更何谈培养学生的儿童文学素养?为此,我们就要适时注重学前教育专业师资队伍培养,转变他们观念,及时适应儿童文学教学需要。目前国内一些办学水平高、师资力量强、介入学前教育专业早的一些大学开设了相应培训班,为提升学前教育师资队伍做出了积极努力,对推进学前教育专业发展起到了积极作用。 另外,还要注重儿童文学理论研究工作,培养儿童文学的理论研究者,能更好地指导实践,进一步推进儿童文学教学发展,提升学生文学素养。推进职前、职后对接与互动。学前教育专业学生文学素养的真正养成还离不开在实践中升华。我们高师院校学前教育专业培养的学生最终是为从事学前教育服务的,这是我们培养人才的起点和归宿。为此,我们就要注重将理论与实践结合起来,促成知识向能力转化。首先,在学前教育专业的儿童文学教学中就要注重实践性教学,教师要指导学生积极开展探究式学习,学会尝试儿童文学的创编,注重儿童文学剧目的编排和参演等,这样既能提升学生的文学素养,又能为将来职业做好储备。其次,要积极开展见实习活动,要适时向幼儿园延伸,在幼儿园建立实践基地,将高师院校学前教育专业学生引进课堂,感受儿童文学教学活动,开展听课评课,见习实习等。一方面有助于学生加深对儿童文学理论知识的理解,另一方面又能反思实践,找出不足,为进一步提升自己文学素养提供内驱力。 作者:秦春 单位:阜宁高等师范学校 学前教育专业论文:学前教育专业音乐素养教育论文 一、加强音乐素养教育在学前专业人才培养中的重要性 幼儿教育重在保教结合。幼儿园一日常规教学需以游戏为主,倡导快乐学习、自主学习、协作学习,而这一切都同音乐教育形影不离。不论是儿童故事、儿童剧、歌谣、舞蹈律动还是其他游戏设计组织和幼儿智力和身体协调发展,都离不开音乐元素。因此,一名合格的幼儿教师,必须具备良好的音乐素养。音乐素养属于学习音乐以及与音乐相关的艺术活动的基础性理论性课程中的综合素质教育范畴,基本涵括读谱能力、听音能力、节奏能力以及和声、创编能力的综合训练,经过严格规范的教学训练,可以具备较全面的音乐理论知识、音乐发展史知识和较强的音乐欣赏能力、器乐声乐表现能力。鉴于学前教育专业所培养的人才,主要从事幼儿教育教学工作,而幼儿课堂教育活动的主要形式几乎都与音乐有关,幼儿需要从舞蹈、歌唱、器乐弹奏和音乐剧中学习愉悦身心的节奏、和谐美妙的声音,体会优美氛围的环境创设,一个不懂得音乐内涵、不理解音乐和不会欣赏音乐、表现音乐的人,只是在机械地重复各种声音排列的人是不可能达到课堂教学基本要求的,是不可能成为一名合格的幼儿教师的。所以,在学前教育人才培养工作中,一定首先重视音乐素养的基础教育,只有给学生坚实厚重的基础,才会使他们拥有将来持续持久的专业发展能力。 二、目前学前教育专业音乐教育存在的普遍问题及对策 正是因为有了国家和各级地方政府的教育中长期发展规划的政策利好刺激,近两年学前教育事业有了跨越式、爆发式的快速发展,随之而来的是大量各级学校开设学前教育专业,加快提高培养速度和规模以满足日益增长的社会需求。但是,任何一个学科领域的人才培养,都需要几个完整的包括计划、实施、反思、调整、提高、完善等教育环节的发展周期,以努力适应社会市场对人才规格的变化需求,才能获得一个较为成熟的人才培养方案和人才培养模式。所以,在大而快的发展形势下,学前教育专业教学上也出现了一些不和谐的现象,学前教育专业以及学前音乐教育存在的问题一般有以下几个方面: 一是学前教育专业教学中对音乐素养教育未给与高度重视。大多学校的学前专业非常注重基本文化理论课程,特别是初中起点专科,在课程设置上为了体现全科教育,只注重了文化理论厚重扎实,语数英理化史地生政各学科齐全,三学六法必修,却忽略了幼儿教师最为需要的音体美课程,而其中的音乐课程再分散到键盘、器乐、声乐、合唱等门类中,每周学生只有三十几个课时,音乐素养类的乐理视练和声欣赏教育教学时间少到什么程度就可想而知了。因此,一定要在教育思想上重视综合素质培养,更加注重教师教育技能教育,首先加强音乐素养教学,必须进行课程体系调整,在教学时数上对音乐素养课程予以保证,并引导教育学生在音乐素养学习上投入更多的精力和时间。音乐素养课不是可有可无的,它是所有艺术类包括语言类技能的必须基础,其在学前教育人才培养中技能学习和人文素养提高的重要作用不可忽视。 二是急功近利思想影响音乐教育教学。毋容讳言,各类学校特别是学前教育专业扩招速度和办学规模迅速加大,使学生入学质量根本难以保证。且不说学前教育招生现在基本没有了入学面试,艺术技能考查更是无从谈起,学生入学只有一条标准,那就是高考或者中考成绩。如此一来,虽然我们搞了几十年的中小学素质教育,但我们的青少年学生艺术素养特别是音乐素养基础,就连学前教育这样的非艺术专业也很难谈到满意,这就使得我们的课堂教学遇到很大困难,首先是音乐基本能力水平差距过大,五音不全、不识简谱线谱、没见过钢琴的学生,同业余器乐或声乐十级的学生按专业划为一个教学班,这种情形怎能一个分类施教或者区别教学解决得了。其次是教学计划和教学任务必须在规定时限内完成,教师面临着各种教学考核,这就势必造成在音乐技能教学上的急功近利思想,往往在学生还没有受到良好音乐素养教育的基础上,就开始进行键盘学习和声乐学习,结果学生只是掌握了应付考试的曲目,简单机械地毫无音乐艺术美感地完成所谓学习任务,根本不能达到承担幼儿园教学活动组织要求,更枉谈愉悦身心的综合素质培养和进一步的教师职业持续发展,这种忽视音乐素养教育为基础的人才培养做法其危害不言而喻。 三是教育教学方法必须改革改进和提高。面对这如此现状的教学局面,我们的教育管理者和音乐教师,必须改革和改进教学方法,必须坚定地把音乐素养教育当做课堂教学的首要任务来抓好抓牢,切记不可违背教学规律而急功近利。首先,所有的音乐、舞蹈老师利用一切条件和机会加强学生音乐素养教育,使学生最起码能够具有听辩、唱读、视奏、欣赏四项能力;其次,鼓励学生克服畏难心理,一定打好音乐素养基础,除了学习规定教材,平时加强练习学习,特别是中国音协考级委员会的音乐基本素养考级教程,特别适用于无音乐基础的学生,属易教易学的普及教材。再次,教学要理论与实践密切结合,切忌简单枯燥,特别是理论教学,更应以激发兴趣为主,可以听音模唱、节奏游戏、儿歌竞赛、欣赏演说等多种形式组织教学,并同其他音乐课程如器乐和声乐学习内容相结合,使学生学习过程感同身受,全面提高学生感受音乐、欣赏音乐、创造音乐的积极性,就会使音乐教学和整个艺术教学步入和谐、融洽和学生身心、思想情操全面发展的较高育人境界。 作者:张宏 单位:潍坊学院 学前教育专业论文:中职学校学前教育专业教育心理学论文 一、中职学校学前教育专业学生现状 1.学生学习目的不相同,学习的主动性千差万别。在教学过程中,笔者发现一些学生喜欢学前教育专业,喜欢小孩子,对幼师这一职业充满向往,因此在学习中积极主动,总是希望尽可能多的学习知识,掌握技能;还有部分学生对学前教育专业没有兴趣甚至对小孩子十分反感,但在家长的坚持下才不得不选择这一专业的,因此她们对于专业课的学习充满敌意,别说主动学习,就连必须上交的作业也采取投机取巧的方式完成。 2.学生缺乏教师的认可,自信心明显不足。有的学生一直以来被扣以“差生”的帽子,也是因为学习成绩不理想,无法继续升学而不得不就读中职院校的。她们往往认为自己天生就不聪明,无法在学习中取得良好成绩,因此不会用心读书、学习知识。 二、教育心理学课程的特点 1.心理学是一门涵盖多种专业领域的科学,其研究涉及认知、行为、人格等多方面,目的是为了描述、解释、预测和影响行为。 2.教育心理学作为一门交叉学科有着更为丰富的内涵,它既有教育学的性质任务,同时还有心理学的性质任务。教育心理学研究的对象是教育过程中学生的各种心理现象及其变化规律、并根据这些规律研究如何有效地学与教。 3.教育心理学是一门基础研究和应用研究并重的学科,相对实践课来说,显得枯燥,往往很难调动起学生的兴趣。另外,对于大多数学生而言,在以往的学习中很少会接触到理论性较强的学习,因此,她们常常找不到适合的学习方法来学习一门全新的课程。 三、中职学校学前教育专业教育心理学的教学策略 想要达到良好的教学效果,就要使用相应的教学策略。针对中职生现状和教育心理学课程的特点及教学难点,笔者在教学过程中使用了如下策略: 1.启发式教学策略。填鸭式教学可以在较短的时间内传授大量的知识,但就长期效果来看优势远不如启发式教学。教学目标不仅是教学活动结果的预见,而且是学生学习的目的。大量的事实证明,如果学生缺乏对事物的好奇心和求知欲,那么即使他们掌握了新方法和技术,也很难有效地运用到实际生活中去。运用启发式教学策略可以激发学生主动参与学习的积极性,使学生在学习知识的过程中,提高理解和运用能力。一种方式是先提出有针对性的问题,如“写出在你心目中小孩子有哪些独特的方面”。根据学生的回答情况既可以了解到她们对问题的认识情况,又可以调动她们参与课程的积极性。另一种方式是在教学过程中不把全部教学内容“和盘托出”,而是有意在内容上制造一定的“空白地带”,让学生拥有创新的“开发区”,同时训练了她们的创造性思维的灵活性、综合性和独特性。例如,在讲解时间知觉这一比较抽象的概念时向学生们提出这样的问题:新入园的孩子哭着问你“老师,妈妈什么时候来接我”时应该怎样回答。这是一个很容易出现的问题,学生们大多积极动脑,给出了不同的回答。有的学生说:“妈妈下班就来接你了。”我问:“小孩子问妈妈什么时候下班,该怎么回答?”学生答:“妈妈四点钟下班。”我问:“小孩子继续问什么时候到四点钟,又该如何回应?”学生答:“……”此时,学生没能给出更好的答案。我引导道:小孩子对于时间概念并不清晰,什么样的事情能让他们有时间有大致的概念呢?学生们答道:“他们熟悉的事情。”随着引导和讨论,学生们最后得出了“吃完晚饭妈妈就来接你回家”这个比较恰当的答案。 2.多种教学方法相结合的策略。讲授法是在课堂教学中应用最广泛的一种教学方法,但是单纯的讲解往往不能够达到最好的教学效果。多媒体教学是现在较为常见的一种教学方法,它具有直观的特点,比起传统的讲授它更容易吸引学生的注意力。中职学生实践经历较少,对幼儿的了解不够,只依靠理论讲解并不能让她们了解小孩子的心理特点和心理状态。为了让学生们了解幼儿真实的生活情况,笔者播放过一部叫做《幼儿园》的纪录片,该片呈现出湖北武汉一家全托制寄宿幼儿园,一群天真无邪的可爱孩子在镜头前展现他们最真实的一面:他们会为了对父母的依恋而大声哭闹、会为了和小朋友偶然的争执大打出手、会为了穿不上衣服以及摆不好椅子而脾气大发、也会为了星期四和星期五的先后顺序讨论不休。在看过此片之后,很多学生表示之前对于幼儿和幼儿园的认识存在误差,通过看片自己对幼师这份工作有了新的认识,也表明了自己会避免片中老师的错误做法。角色扮演教学法也是一种常用的方式,在扮演不同角色(幼师或幼儿)的过程中,学生能更好地体会工作中可能面临的问题及幼儿的各种想法、反应。 3.小组合作学习策略。美国著名教育评论家埃利斯曾说过:“如果让我举出一项符合‘改革’这个术语的教育改革的话,那就是合作学习,因为它建立在坚实的基础之上。”该学习策略不但能够提高学习能力,同时也增强了她们的团队合作意识。在讲授幼儿的气质类型时,笔者先介绍了气质的概念、类型和代表人物。然后将学生们分成四个小组,让她们根据幼儿在生活中的表现对典型气质类型的案例进行分析(每个小组负责一个类型)。在小组讨论环节学生们变成了课堂上的主角,她们积极思考,共同讨论,更好地掌握了所要学习的知识。 作者:张宇婷 单位:黑龙江省妇女干部学院 学前教育专业论文:学前教育专业人才培养论文 一、幼儿教师应具备的能力 1.认识自己 做一个谦逊、沉静、有爱的教师。教师在职前要做的重要事情就是认识自己,系统地剖析自己,以便发现身上某些阻碍其理解儿童的缺点,比较典型的表现如专制和容易发怒的脾气,这两种元素叠加在一起使儿童的需要被成人指引或压制。作为准教师,必须检查自己摒弃专制,变得谦逊和有爱,这也是教师必须经过训练获得的美德。另外,幼儿教师还得是一个沉静的人,这里所说的沉静是指谦逊的品质和理智的头脑,是理解儿童所不可缺少的。做一个有专业技能的教师。《幼儿教师专业标准》明确提出,幼儿教师需要掌握系统的专业知识和专业技能。在职前应该多方面培养自身的专业技能:艺术技能,如声乐、钢琴、舞蹈和绘画;体育技能,如编排儿童体操、儿童体育游戏和运动;教学技能,如熟练掌握应用信息技术教学;组织设计技能,如活动设计、环境设计等。其中,最为优秀和个性的能力体现在教师的观察、沟通、对教育环境创设及教育活动组织、实施和评价上。 2.认识儿童 要做一个合格的幼儿教师,首先要认识儿童,认识儿童才能帮助儿童。认识儿童要做到两点:第一要有丰富的知识储备,应具备自然、人文、社会科学等方面的知识,以能够影响儿童健康的审美,满足儿童天真、好问、求真的特性。重点是要掌握教育科学知识,精通儿童教育学和心理学,了解儿童心理发展与需要;第二要有较强的观察能力,观察是幼儿教师必须具备的素质,作为一位出色的观察者,才会耐心而不是粗暴地干涉儿童的各种自由活动。当然观察能力不是自然生成的,它需要在教师培训的基础上,采取一系列有效的措施来加以训练,包括观察技术的提升、科学观察态度的养成和强烈观察欲望的激发等。 3.学会共处 “学会共处”是联合国教科文组织报告《教育—财富蕴藏其中》提出的教育四大支柱之一。和谐的师生关系是指基于双方对人格、地位及主体权利的尊重,在合作意向上的交往关系。但在实际教学中,教师与儿童往往处于一种不平等的地位,教师是活动的掌控者,幼儿常处于服从、依赖的被动地位。教师应该基于平等对话的基础上,以伙伴关系来指导儿童,学会倾听儿童的声音,并掌握好对儿童活动进行干预的时机,过早、过晚或全程干预都得不到好的效果,不利于和谐师生关系的形成。 二、高职院校学前教育专业人才培养策略 1.明确人才培养的目标 高职院校与本科院校有显著差别,高职院校更加注重技能的培养,将学生定位于技能应用型人才。鉴于此,学前教育专业的人才培养目标是:培养具备谦逊、慈爱的美德,宽广的知识结构,具有先进的幼教理念和较强的保教能力,兼具琴棋书画的教学技能,较强的观察能力,善于交往,勤于思考的学前教育一线教师。 2.科学设置课程 在课程内容设置上,一般院校都会根据《幼儿园教育指导纲要》中规定的幼儿园健康、科学、社会、语言、艺术五大领域来开设课程。一般分为四类课程:公共课、专业理论课、专业技能课和实践性课程。课程设置上更为重要的是课时比例的安排。高职学前教育专业培养技能应用型人才,要增强应用实践性课程的设置。3.教学模式理念的革新。幼儿教师是幼儿活动环境的创设者、学习活动的指导者、心理活动的研究者,这种角色期望要求教师懂得幼儿心理发展的规律及影响因素,能创设有利于幼儿发展的环境,具备与幼儿互动的知识与能力。所以在教学模式、理念上都要进行一系列革新。 (1)专业理论课技能化。在专业理论课的教学中,教师应始终以学生为教学活动的基点,贯穿儿童中心的理念。将枯燥的理论知识学习项目化为观察儿童、回应儿童、解读儿童能力的获得。理论知识学习目的是为了发现儿童,熟知儿童的特点和需要。所以观察就显得尤为重要,使学生学会记录,并进行解读,以此来制定符合儿童需要的教学活动。 (2)专业技能课教育化。学前教育专业的技能课主要是艺术技能,对艺术技能的学习不能是单纯的技能训练,技能是工具而不是目的,这些技能的学习是为了更好地贴近儿童心理发展的特点,适应儿童发展的需要,帮助教师掌握正确的教育方法。所以,技能课的学习要将学前教育学、心理学等认识儿童的理论知识融入其中,让儿童中心的理念贯穿始终,让技能课不再是冷冰冰的技艺训练,而是充满更多教育的元素。 作者:文璠 单位:恩施职业技术学院 学前教育专业论文:英语教师专业化学前教育论文 一、学前教育专业英语教师素质要求 学前教育专业的学生既要进行专业英语学习,还要能够对幼儿进行英语启蒙,培养幼儿的英语兴趣、吸引幼儿的注意力等。这些表明他们必须具备相应的英语能力,如,地道的语音语调、英语儿歌、幼儿园常用英语、英语游戏设计和幼儿英语教学法等。这对学前教育的教师提出了新的要求,他们也必须具备地道的英语语音语调、英语儿歌教学能力、幼儿园常用英语教学、英语游戏设计和幼儿英语教学法,运用相关的英语教学法进行专业英语的教学。 二、学前教育专业英语教师专业化培养 教师的专业化指的是在整个职业生涯中,通过专门训练和终身学习,逐步习得教育专业的知识与技能并在教育专业实践中不断提高自身的从教素质,从而成为教育专业工作者的专业成长过程。教师专业化是一个过程,遵循一定的成长规律。 (一)职前教育 职前教育指在从事岗位工作之前所进行的学校教育,在大学或者相应的机构接受学科专业知识和教育专业知识的教育,学习基本的教学技能,进行初步训练,具备教师的初步品质,为从事教师职业打下基础。职前教育主要完成基础教育,专业知识和初步的实践知识。目前我国的职前教育一般是在本科教育和研究生教育阶段来实现。在本科和研究生阶段将来从事学前教育专业英语的教师要具备教育学和心理学的专业英语知识,具备标准的语音面貌,掌握英语教学法,初步形成教师品质。 (二)岗前培训 学前教育专业英语教师的岗前培训阶段和其他学科专业的岗前培训阶段相似,都是要强化职业教育工作者的基本职业意识,并进一步学习职业道德、心理学、教育学等知识,掌握职业教育的特点和规律,并明确职业教育的特殊性,提高从业者的职业意识,让其快速进入角色,适应岗位要求和工作纪律规定。一般来讲,从事学前教育专业英语教学的师资来源主要有师范院校毕业的研究生、职业技术师范院校毕业的本科生以及综合性院校毕业的学生,还有在学前机构工作过的教师。职业技术师范院校及师范院校毕业的新教师在职前教育阶段都基本掌握了心理学教育学知识,并具有初步的实践经验。但综合类院校毕业的新教师在职前教育阶段由于学科原因和院校课程设置差异,一般没有较系统的心理学、教育学等相关知识,也没有进行相关的教学实践体验。职业师范院校的从教人员,有着相对成熟的学前教育机构的一线经验,却在专业基础知识方面相对匮乏。以上三种教师要分别采用不同的岗前培训。前两种新教师缺乏教学实践经验,缺少教学实践的基本技能,对其重点培养教育教学基本技能,对第三类新教师的岗前培训则突出强化其专业基础理论知识。 (三)入职教育 入职教育在新教师入职初期角色转换和适应阶段进行。此时可采取“老带新”、“传帮带”的形式进行。对新教师的入职教育,通常由经验丰富的教师采取“一对一”的方式进行,这种导师制的指导训练让新教师更好更快地适应新角色,真正帮助新教师解决“入职”过程中遇到的问题和困难。目前,“老带新”的做法在国内各大高校较为流行,效果良好,它可以使新教师较快成熟成长,更好地适应新的岗位角色,获得轻松愉快的入职体验。在“传帮带”的过程中,老教师要善于发现新教师教学工作中的优点和亮点,帮助新教师分析自己教学方法方式的利弊,引导其分析问题成因。通过相互听课及课后讨论分享教学体验和经验教训。还要因人而异,灵活指导新教师的教学实践。老教师也要不断自我充电,加强学习,弥补知识缺口,扩充知识库,以获得更饱满的精神和信心。另外,老教师要利用信息手段,为新教师提供网络资源,供新教师学习参考,并听取新教师的学习报告,给予评价或指点。 (四)在职教育 职前教育为新教师提供基础知识,为新教师成为基本合格的教师提供初步的条件。但新教师入职之后,要成为优秀的教师,必须在任教之后,不断学习,提升自主学习能力,使自己成为终身学习的教师。在职教育阶段,应更进一步的学习理论知识,深化专业教学实践,时刻进行教学实践反思。在职教育强调理论与实践的结合。既鼓励主动参与,又倡导终身学习。让新教师制定职业发展规划,明确自己发展的方向,使职前教育和在职教育有效衔接。强化教学实践,通过参与幼儿园英语的教学设计和教学工作实践,独立开展专业英语的教学工作。结合教学实践,开展教学改革和教学研究,提高新教师教学能力。职业教育教师发展的中心是教师的专业成长。教师的职业理想、职业道德、职业情操是不断成熟、不断提升、不断创新的。因此,教师在整个职业教育过程中都是教师不断学习、提高、成熟的过程。学前教育专业英语教师的专业化培养也不例外,教师在专业英语教学中务必通过专业训练,掌握幼儿师范教育的专门教育技能,提高综合教学素质。 作者:朱利勇 单位:江西科技师范大学外国语学院 学前教育专业论文:专业专业优秀课程学前教育论文 1学前教育专业专业优秀课程实践教学模式的适用性 学前教育专业学生必须具备8项技能:普通话、三笔字、教学简笔画、幼儿园环境创设、幼儿园教育活动设计与组织、音体美舞、幼教英语、现代教育技术。在教学活动设计、教学目标的确定、教学内容的选择以及教学方法的选用上,都要考虑学生所掌握的技能应是当今时代要求和社会需要的,应使学生学有所获、学有所用。2.3学前教育专业专业优秀课程实践教学模式的情景性 2情景设计常常是现代教学的中心内容,新课程与幼儿园活动 设计的多媒体课件更需要情景与主题的多样性。在教材内容的组织中,根据不同的内容,教材的情景大致可以分为认知情景、审美情景、道德情景和综合情景。情景与教学主题密不可分,这就要求教师根据教学内容的特点来创设适宜的情景,以承载特定的教学主题。 3学前教育专业构建专业优秀课程实践教学模式的要点 3.1建立学前教育专业专业优秀课程的反馈模式 在实践教学中应该尊重学生在学习和实践上的主体地位,以完整的体系和协调的机制来观察、评定学生对学前教育专业专业优秀课程的掌握情况,并将形成的结论与评价全面交付学生,使学生通过学前教育专业专业优秀课程实践教学形成学习——实践——评价——反馈的循环逻辑链条,让学前教育专业专业优秀课程的实施更为有效,使学生对学前教育专业专业优秀课程的掌握更为彻底,从意识上和能力上做到对学前教育专业学生全面发展的促进。 3.2建立学前教育专业专业优秀课程实践教学的微格训练模式 学前教育专业专业优秀课程的开展应该利用多媒体技术的直观性、针对性和客观性优势,进行辅助教学,可以在优秀课程实践教学过程中应用录摄设备和多媒体采集系统记录学生在实践教学中的细节与过程,然后与教学和指导教师一道观看形成的资料,针对录像、音频的分析和研讨找出实践教学中学生存在的问题与缺点,形成改进实践方法的策略和方案,如此循环、大量训练直到学生掌握学前教育专业专业优秀课程内容,达到课程要求的目标和任务位置。 3.3建立学前教育专业专业优秀课程实践教学的交叉模式 交叉模式是以学前教育专业学生得到专业资格为“经线”,以学前教育专业学生知识成长为“纬线”相互交叉的信息学前教育专业专业优秀课程的教学模式,交叉模式的一项重要目标是通过学前教育专业专业优秀课程的教学来让学生获得专业资格证书和学历文凭,使学生得到社会的承认;交叉模式的另一项重要目标是通过学前教育专业专业优秀课程教学和各类研修培训来提高学生的专业能力,使学生能力得到提升。在交叉模式中要做到双重目标的共同建设,通过实践教学将两个侧重点统一在一起,深层次地提升学前教育专业学生专业优秀能力与素质。 3.4建立学前教育专业专业优秀课程实践教学的多元化模式 在学前教育专业专业优秀课程实践教学过程中应该注意学生在学习能力、兴趣和基础等方面的个体差异,要从实践教学的内容和要求入手抚平这一差异,使不同的学生在学前教育专业专业优秀课程实践教学面前获得统一的平台,进而实现差异个体的共同发展。在学前教育专业专业优秀课程实践教学中应该将内容适当地延伸和深化,以多种形式、多元化的时间活动为学生提供不同要求、不同层次的要求与目标,使实践教学的形式灵活多样,多个维度、多个层面地促进学生发展。在多元化实践教学中,相关教学要素要相互渗透,相关教学内容要相互穿插,相关教学目标要相互支撑,使教学真正成为有地的、多元的统一体和综合体,在充分体现教师教学特点和能力的基础上,全方位地促进学生认知水平、知识结构、能力素质的有效提升,为学前教育专业学生长远发展和专业优秀课程实践教学的提升创新出新的模式与方法。 作者:熊洪娟 单位:哈尔滨科学技术职业学院 学前教育专业论文:学前教育专业物理教学论文 1、在物理教学中突出教师教学的示范性 1.1语言的示范性 语言是教师用以向学生进行教育、教学、交流思想、表达感情的工具。教师的语言要从语言的科学性、精确性、启发性和趣味性四个方面给学生做出示范:第一,科学性。语言的科学性一是指讲话内容要符合科学原理,不能信口开河。二是用词正确,表达准确,达到传播知识准确无误。第二,精确性。语言的精确性一是指教学语言要严谨,符合逻辑原理。用来表达概念、定律的语言不能多一字,少一字。二是措辞恰当,一就是一,二就是二,不能含含糊糊。第三,启发性。具有启发性的语言既能引人人胜,发人思考,又能示范启发式教学的语言特点及组织形式。第四,趣味性。语言的趣味性不仅仅是一个语言的技巧问题,也是教师深厚教学功底的体现。富有趣味性的教学语言能够刺激学生对头脑中的记忆表象加工改造,激发学生再造想象和创造想象。 1.2实验的示范性 教师进行课堂演示实验时,要用规范的操作方式向学生示范正确使用仪器,认真读取数据,尊重事实,不涂改、不凑数据,科学分析实验结果。1.3板书的示范性教师的板书对学生起着示范作用。因此,板书要力争做到构图简单,布局合理,比例恰当,原理正确,形象逼真。 2在物理教学中从教技能的训练 2.1表达能力的训练 教师语言表达能力的强弱,直接影响着教学质量。所以,语言表达能力的培养和训练在中师物理教学中显得尤为重要。语言表达能力的训练应从以下四个方面来考虑:第一,对教材中某些内容片断可以有选择地让学生讲解。第二,课堂复习提问时,请学生到前面回答教师提出的问题。第三,讲解新课时,提出具有启发性的问题让学生互相讨论,发表见解。第四,讲完新课后让学生到讲台前面小结。 2.2实验能力的训练 实验能力的训练主要是从两方面考虑:一是基本仪器使用的切l练,使学生掌握仪器的用途、使用注意事项及保养措施。二是实验操作能力的训练。学生实验对学生操作能力的培养起着决定性作用。在实验教学中,有计划、有步骤按教学大纲要求开展各项学生实验,并把一些验证性的实验改为探索性实验,一些演示性实验变为分组实验。在实验过程中,可以制造一些故障,让学生来排除。每个实验让学生自己设计实验过程,包括原理、仪器的使用、步骤、注意事项、结果分析。在实验能力训练方面,还可以让学生自找材料做一些小实验、小制作,这样既能增强了实验能力,也培养了学生的创造力。 2.3自学能力的训练 在教学中,对内容比较浅显、难度不大的课节,安排学生自学。学生在阅读教材的基础上,提出问题,然后大家讨论,最后教师总结、讲评。还可以结合教材中的阅读材料、小知识,以作业的方式留给学生,让学生认真阅读,课后教师检查学生阅读情况。 3在物理教学中突出知识的拓展性 随着科学技术的飞速发展,新科学、新知识、新技术不断产生,远远超过了教材范围。所以,在教学中除了进行基础知识和基本技能的传授之外,有必要让学生了解一些新知识、新技术,拓展学生的知识面。采取的方式可以是:通过课堂教学把新知识、新技术有机渗透到教学中,如讲电阻率时,向学生介绍超导体及超导体的作用;结合教学内容,把教材中的阅读材料、小知识作为课后作业,要求学生认真阅读;结合教材内容,有针对性地进行科普讲座,介绍现代技术的重要成果;面向农村、面向小学介绍农村用电知识、电教设备的应用。 作者:张素英 单位:鞍山市广播电视学校 学前教育专业论文:专业手工制作学前教育论文 1实地调研,明确教学目标并制定相应的教学计划 长期以来,很多专业教师在上手工课时,往往根据教材内容制定教学目标,忽视结合社会需求明晰教学目标。高师学前教育专业担负着着向学前教育机构输送合格师资的重任,相关课程教学目标的确立需结合幼儿园现实需求,以促进学生专业化发展。为了更好地开展“手工制作”这一课程,在开课之前,我走访了南宁、钦州几家不同等级的幼儿园,并对一些之前在我院就读学前教育专业,现在幼儿园工作的往届毕业生就我院开设的手工课程教学情况与幼儿园实际需求进行访谈。根据调研结果,明确了“手工制作”课程教学的目标:(1)掌握不同阶段幼儿生理、心理及思维发展规律;(2)能根据需要制作玩教具;(3)能按要求进行环境创设;(4)能上好幼儿园手工课。在此基础上,我结合人才培养方案课时要求,制定相应的教学计划,保证教学目标的实现。 2根据教学目标结合调研结果,有针对性地选择教学内容 教学内容选择科学与否直接关系到学前教育专业学生的培养质量。在教师教育专业化背景下,教学内容应同时兼顾当前学习和未来教学要求的特点,真正实现教师教育一体化。为使学生掌握更为实际和适用的职业技能,我根据教学目标结合调研结果,选取泥塑、折纸、剪纸、布艺、拼贴画、废旧物品做教玩具、果蔬造型、种子贴画、树叶粘贴画、手指画等项目作为“手工制作”课程的主要内容。与此同时,我采纳多位幼儿园老师的建议,根据每个项目的不同特性,在该项目下制定详细的子项目,并对学生提出不同的具体要求,以保证整学期的教学有章可循,也在最大程度上保证学生系统地学习相关的知识技能,利于教学目标的实现,进而提升学生的培养质量。 3改革教学方法,提倡参与式、探究性学习 3.1理论讲授先行,让学生掌握手工课学习的意义及要求 传统的手工课教学重视技能技巧训练,忽视相关理论知识的建构。然而专业化的幼儿教师不仅需要掌握熟练的专业技能技巧,还必须掌握扎实的专业理论知识以指导教学实践。为此,在要求学生动手制作玩教具之前,我安排六个课时就“手工制作”课程学习的意义及手工制作基本原则、注意事项、本学期将要学习的内容等与学生进行交流。通过几个课时的探讨,学生深切意识到“手工制作”这门课程对他们将来从事学前教育事业的重要性,端正了学习这门课的态度;此外,学生还掌握了制作玩教具、进行环境创设时在材料选择及制作过程中应遵循的基本原则及要求,这为接下来的手工制作训练打好基础。 3.2创设教学情境,激发学生学习兴趣 俄国文学泰斗托尔斯泰曾说:“成功的教学所需要的不是强制,而是激发学生的兴趣。”兴趣是学生学习的巨大推动力,有兴趣的学习能使学生积极主动参与到教学当中,学生对学习的积极情绪将直接影响其学习的效果。为激发学生学习手工课的兴趣,积极为学生创设良好的教学情境。在学生自己动手制作玩教具之前,让学生欣赏我课前制作的作品和往届学生及幼儿园制作的作品,并分析作品的优缺点,让学生能够感受到作品的美,激发学生学习的兴趣。同时,在网上收集相关主题的视频、图片,直观、唯美的画面及深入的讲解加深学生对该主题的理解,这进一步发散了学生的思维,为学生后续的创造性制作玩教具奠定了基础。 3.3采用教师传授与“小先生制”相结合授课方式 传统的手工课程教学中,以强调学生学习知识、技法与模仿作品为主,没有考虑学生的文化基础及生活背景、忽视手工制作的地域特殊性及学生的实践训练,使学习与现实脱离关系,学习的主体地位没有得到尊重。针对这一问题,在授课方式上,根据不同内容主题采用教师传授与“小先生制”相结合的授课方式。如与学生相比,泥塑、剪纸项目是我的强项,在要求学生针对该主题进行作品制作时,我作为指导老师负责对该主题相关的历史、制作技巧及要求等内容进行讲解示范,并进行随堂指导。而有些主题如利用各种贝壳制作玩教具中,因我们学院地处沿海地区,很多学生从小在沿海地区长大,对各种贝壳种类非常熟悉,也见识过很多由贝壳制作的手工艺品。结合这一实际情况,我把该主题的指导老师角色交给这些自告奋勇的学生,由他们组织小组成员搜集相关材料,并结合制作的玩教具必须符合幼儿园教育教学及环境创设的要求制作出多样化的作品。教师角色的双重转换保证了教学质量的提高。 3.4有针对性地布置课后作业,以个人、小组相结合方式完成 专业化的幼儿教师必须具备自主学习的能力。教学的目的不仅是使学生掌握新的知识,更重要的是培养他们独立获取知识的能力与方法。手工课在注重课堂教学的同时,还应注重课外学习,培养学生自主学习的能力,以促进学生在课堂所学知识技能的进一步提高和发展,为他们发挥创造力和积极性创设有利条件。针对某一主题进行相关理论知识讲授、相关知识经验拓展及制作技巧演示结束之后,基于完成的作业作品必须具有一定的创新性要求,按照不同的主题要求让学生以个人或小组合作完成的形式完成作业。针对较简单,个人能独立完成的主题则要求个人完成,如泥塑等。某些手工制作有困难且不易达到效果的主题,如结合幼儿园教学要求用贝壳装饰主题墙,要求学生组建团队共同完成作业,培养学生具备互相学习,共同合作的能力。通过有针对性地完成作业,学生在课堂中所学到的知识技能得到进一步强化。与此同时,完成的作业作品必须具备创新性的要求,也使学生主动探索、发散思维,在掌握共性的基础上进行个性化创作,适应幼儿教师专业化的要求。 3.5组织学生到幼儿园开展手工教学活动 幼儿教师专业技能是幼儿教师在幼教实践中运用幼教专业知识和经验,并通过练习而形成的顺利完成幼儿教育教学任务的能力。③20世纪90年代以来,随着教师专业化研究与实践的日益升温,教师教学技能被视为与专业精神、专业理论等教师专业化的内涵相并列的“专业技能”。④幼儿园教师最根本的能力是教学活动组织能力。根据课前对已毕业的学生走访了解到,很多学生手工课理论知识、技能掌握很好,但是在组织幼儿开展手工教学活动时,未达预定效果。其原因主要是我们之前的手工教学安排忽视了对学生进行组织教学能力训练的培养。为此,我把每一个学生必须到学校附属幼儿园组织一次手工教学活动作为整个学期教学计划重要一环节。在学生到幼儿园组织手工教学活动前,组织学生编写幼儿园手工活动设计教案,严把教案设计关,落实课前试讲制度,全程参与学生组织手工教学活动过程,并请幼儿园老师协助点评、指导。学生通过亲自组织幼儿园手工教学的实战演练,进一步提升了自身的专业素质。 3.6举办手工作品展,增强学前教育专业各年级学生互动交流 成果展示是以美术课程为优秀的手工制作课程的一个很好的形式。每个人都希望得到别人的认可,成果展示能够提高学生的自信心,满足他们的成就感。在手工课程开课之初,明确告知学生在将近期末之时将面向全校举办手工作品展,届时将分两个展区,一个是平时课堂作业展区;另一个是参赛作品展区,学生个人设计符合幼儿园教学实际的玩教具参赛,由专业老师组成的评委团对学生作品进行打分,分出一二三等奖,并予以奖励。手工作品展成为让学校其他专业学生了解学前教育专业的重要平台,也是学前教育专业各年级学生相互学习、取长补短,不断提高自己的重要平台。 4结合幼儿园教师资格证考试大纲要求,采用理论考试与技能考核相结合方式进行考核 建立健全合理的考核机制是提升教学质量的重要保证。考核机制的建立必须以实现教学目标为出发点。学前教育专业手工课结合教学大纲要求的情况下,对不同年级学生设置不同的教学子目标。按年级、分阶段层层考核,循序渐进,逐步实现教学总目标。随着我国教师资格证制度的全面启动,2012年广西省实行幼儿教师资格证考试改革,2012年及以后入学的学前教育专业学生,申请幼儿教师资格须参加国家教师资格考试,国家统一考试标准、统一考试大纲、统一考试命题。幼儿教师资格证考试大纲涉及“手工制作”课程相关理论知识,为使学生顺利通过幼儿教师资格证统考,把理论知识考核作为考核的一环节就显得尤为重要。为此,我把各年级的考核评价分为四环节,即平时作业占20%,幼儿园手工教学实践20%,闭卷理论考试20%,技能考试40%。通过多角度的综合评判方式,有针对性地检测学生实际能力的达成情况,在最大程度上保证教学目标的实现。 作者:农丽华 单位:钦州学院教育学院 学前教育专业论文:改革学前教育专业钢琴教学论文 地方高校学前教育专业的培养目标是培养热爱学前教育教学工作,具备一定理论基础、教学技能和实践能力较强,具有现代教育理念的合格学前、幼儿教师。其有别于艺术院系培养的专门艺术专业人才。在地方高校学前教育钢琴教学中,如何正确引导学生学习钢琴,充分调动学生的学习积极性,在有限的教学条件下,取得较好的教学效果,是我们钢琴教师所要关注并给予解决的优秀问题。因此,如何针对地方高校学前教育专业钢琴课的教学目标,改革钢琴教学内容、授课方式和教学课堂,提高钢琴教学质量,培养合格的幼儿教育工作者是我们地方高校学前教育钢琴教师的工作目标。下面笔者以自己所在单位河池学院为例来谈谈地方高校学前教育的钢琴教学改革。 一、河池学院学前教育专业钢琴教学现状 河池学院是2003年经教育部批准成立的一所全日制综合性普通本科院校。学校坐落在风景秀丽的全国优秀旅游城市、历史文化名城、壮族歌仙刘三姐的故乡———广西宜州市。学校成立以来,曾三次开展办学特色大讨论,明确了办学指导思想和办学定位,积极依托地方特色资源优势,发扬传统办学优势,各项事业取得了显著进步。经过十几年的努力,学校在人才培养中探索出了一条适应自身发展的、具有少数民族地区特色的办学之路,为社会输送了大批合格的应用型专门人才。但是,由于种种原因,在教学工作中,学前教育专业的钢琴教学大纲尚未得到很好地完善,学生在钢琴方面的学习还存在许多不足之处。 1.学生现状。河池学院学前教育专业学生来自广西、贵州、福建等地。他们大部分在高中阶段没有接受过专门的音乐教育,许多学生更是从来没有接触过钢琴,来到大学后基本都是从零学起。笔者通过对河池学院学前教育2012级93名学生调查发现,在对音乐的态度中,学前教育学生喜欢音乐的有86人,占92.5%,对音乐觉得一般的有7人,占7.5%。在对钢琴课的态度中,学前教育学生喜欢钢琴课的有68人,占73%,一般的有17人,占18%;不喜欢的有8人,占9%。由此看来,多数学生是喜欢音乐的,他们对钢琴都有一种普遍的好感,喜欢钢琴课的人数远远多于不喜欢的人数,这为教师开展钢琴教学活动提供了良好的氛围基础。 2.教师现状。河池学院学前教育专业设在其二级单位教师教育学院。目前,教师教育学院只有声乐方向的音乐教师2人,没有专门的钢琴教师。2008年开始,教师教育学院都是外聘宜州市文工团的教师担任学前教育的钢琴课教学,但文工团的教师本身有自己的工作任务,其经常利用双休日或者周一到周五晚上时间上课,对学生的课外学习或课外活动产生较大影响。因此,从2011年起,学校教务处决定教师教育学院学前教育专业每年的钢琴课由河池学院艺术学院的钢琴教师来承担,而艺术学院的钢琴教师本身有自己的钢琴课教学工作,有的钢琴教师工作量超过25节每周,教学任务很重,他们经常没有太多的精力来应付非本单位的教学任务。因此,每年在安排学前教育专业钢琴教师授课对教师教育学院来说压力十分大。 3.教学现状。在河池学院学前教育钢琴教学中,由于学生素质高低不齐,教师在选择教学内容上碰到许多想象不到的困难,平时,有些教师总是忽视学生的基础训练,喜欢布置难度偏大的曲子给学生练习,学生在弹奏时在手指力度、触键音色、理解能力及表现能力的掌握等方面都达不到相应的要求。有些同学一周内根本无法完成教师布置的作业,这样就严重影响了教师的教学进度,从而影响教学效果和人才培养质量。另外,由于教学设备和教学场地不足,学生除了集中上大课外,课后都是以班为单位集中在大教室一起练习,练习效果不好,质量不高。 二、河池学院学前教育专业钢琴教学改革思路 河池学院学前教育专业的办学目标是培养合格的幼儿教育工作者,在人才培养方案中设置的钢琴课属于必修课,开设时间一般为两年。笔者认为,河池学院学前教育专业的钢琴课教学要避免像音乐专业一样的专业化,应以“注重基础训练,提高应用能力”为主。为实现这一培养目标,改革河池学院学前教育专业钢琴教学十分必要。那么,我们应该从哪些方面入手进行钢琴教学改革呢? 1.教学内容的改革。河池学院学前教育专业的钢琴教学要考虑整个教学内容的科学性、系统性、目的性和实用性。因此,在教学内容的选择上,我们不能照搬艺术院校钢琴专业教材,而是要有针对性地选择教学内容。首先,教师选择教材要注重教学内容的趣味性。学前教育专业钢琴教学的目的是使学生通过钢琴基础课的学习,掌握钢琴的基本弹奏方法和基本演奏技能,为学生走上工作岗位打下良好的基础。在教学过程中,我们可以多选用一些具有趣味性的乐曲,这样的乐曲音乐形象鲜明、内容生动,学生很容易理解和接受。为拓宽学前专业学生的音乐视野,教师还可以选择不同时期的、适合学生特点的更多作曲家的代表作品作为教学内容,学生通过学习能了解各个时期音乐的不同风格及特点,丰富学生的音乐修养,提高学生的学习效果。其次,教师选择教材要注重教学内容的实用性。河池学院学前教育专业钢琴基础学习应与伴奏实践相结合,体现钢琴学习的实用性。幼儿歌曲的即兴伴奏应当从基础学起,着眼于简易,力求简洁精练地表达幼儿歌曲的基本内容。因此,教师在两年的钢琴教学中,应在最后一学期适当安排即兴伴奏课,给学前教育专业学生传授即兴伴奏知识,可结合《学前幼师歌曲伴奏演奏曲集》、《幼儿师范钢琴即兴伴奏教程》等教材选择合适的曲目给学生练习,引导学生分析伴奏音型、伴奏织体及和声进行等,使伴奏知识始终贯穿其中。同时,在练习的过程中要坚持练习常用的柱式和弦、半分解和弦、分解和弦等伴奏音型,尤其是要对Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ级正三和弦的连接做常态化地练习。只有这样,才能提高学生的伴奏能力。 2.授课方式的改革。地方高校学前教育钢琴教学的授课方式主要有集体课、小组课和个别课等多种。由于河池学院教师教育学院钢琴师资紧缺,几年来,其钢琴课都是采用集体授课方式,每周开设两节钢琴课。这样的授课方式对学生的学习效果影响较大,因为每个学生对音乐的理解能力和感受能力及动手操作能力均不尽相同,他们在接受知识时总会存在参差不齐的现象。接受能力强的学生一周可以弹奏多首曲子,而接受能力稍差的学生一周一首简单的曲子也弹不下来,这给钢琴教师的教学带来了很大的困难,既影响了教师的教学进度,又打乱了教师的教学计划。通过几年的教学实践,笔者认为,河池学院学前教育专业钢琴课授课方式必须改革,一定不能在两年的教学时间内都采用集体课进行教学,应适当采取小组课、个别课的教学形式授课,以提高教学质量。首先,学校要开设小组课。从第二学期开始,教师可以将程度相近的10~12名钢琴学生组成一组统一授课。这些学生的学习内容大致相同。在教学过程中,教师针对每个学生存在的问题逐个分析,既要充分肯定每位学生的优点,又要及时纠正每位学生的不足之处,引导学生有比较地学习,向优秀的学生学习,让学生形成“你追我赶”的学习氛围。对同一作品的学习,教师要善于用生动、形象的语言描述每首作品所要表达的内容,要充分发挥学生的想象力和思维能力,引导他们置身于每一部音乐作品,让学生在宽松的小组课中获得更多的知识。其次,学校要开设个别课。教师主要针对程度较高、悟性较好、学习刻苦的学生进行个别辅导。采取这样的授课方式,会极大地提高学前教育钢琴教学效率,使学生的演奏能力得到充分地提高。 3.教学课堂的改革。地方高校学前教育学生掌握钢琴的相关知识、弹奏技能技巧和弹奏方法不止在课堂中获得,更重要的是要通过音乐实践课得到巩固和提高。河池学院学前教育的音乐实践课现在还并未真正开展起来,在平时的教学或其他艺术实践活动中,只有个别演奏程度较好的学生有机会弹奏一些难度较大的作品,有时能登台表演,而大多数学生几乎没有在公众面前表演的机会。因此,在学前教育专业钢琴教学中,教师应通过音乐实践活动,丰富学生的情感体验,培养学生的审美意识,提高学生的审美能力,促进学生的个性和谐发展。著名钢琴家巴拉基列夫认为:优秀的音乐教学必须让学生欣赏并参与艺术实践。我们可以在课堂上让学生多进行音乐实践,例如,规定每节课让部分学生上台表演一周的作业,并按月举行钢琴作业汇报,让学生一个个登台表演。这样不仅锻炼了学生的胆量,还激发了学生学习的积极性,提高教师的教学质量。因此,河池学院应尽快把音乐实践课列入学前教育专业钢琴教学计划,并尽快得以实施。 总之,地方高校学前教育钢琴教学改革必须从教学内容、授课方式、教学课堂等方面入手,要在钢琴教学中强调基础知识,不断提高学生的应用能力,培养学生良好的儿歌伴奏能力,在实践中不断探索学习方法,不断总结学习经验,走出一条适合地方高校钢琴教学特点的路子,为社会输送一批批合格的幼儿师资。 作者:谢姿媚 单位:河池学院
音乐赏析论文:欧美电影音乐赏析教育改革论文 一、革新欧美电影音乐赏析教学内容 欧美电影音乐赏析课程在教学内容上一直采取“讲-赏-析”三部曲的模式,即按照教师讲解-学生欣赏-师生讨论的步骤进行。课堂上放映的影片大多是获得各种电影奖项,或者即便没有获奖,也是被公认为“经典”的影片。教学模式和内容的相对固定,在一定程度上削弱了学生上课的积极性,也不能满足学生的观影需要。鉴于此,笔者欲从一下三个方面对教学内容进行调整。 (一)打破经典一统天下的局面 在以往的欧美电影音乐赏析课中,教师主要选择获得奥斯卡最佳配乐奖或其他奖项的获奖影片来进行赏析。经典影片固然有其闪光之处,但某些影片年代久远,在大学生中缺乏共鸣点,加之影片资源相对固定,很难提高学生的学习热情和兴趣。改革后的教学中,会适当增加一些深受大学生欢迎的,颇具青春时尚气息,贴近其生活的影片,例如歌舞青春,重回17岁,地心游记等。 (二)打破“西片”一统天下的局面 由于课程名称的限制,教师在选择影片时,往往会把目光瞄向好莱坞的作品。其实,在浩瀚的电影资源中遨游不难发现,中西文化差异在同题材电影中有着淋漓尽致的体现,这也是带领学生足不出户领略中西文化的绝佳机会。所以,改革后的教学中,会对比放映同题材的东西方电影作品,例如都是以神话为题材的,西方有雷神托尔,诸神之战,中国有白蛇传说,倩女幽魂。 (三)增设专题讲座 电影是一个国家文化的载体,好莱坞在向全世界输出它的电影产品的同时,也在向全世界输出美国的文化。因此,我们在看电影,听音乐的同时,应了解其文化涵义。改革后的教学中,会增设一些专题讲座,诸如好莱坞电影中的个人英雄主义,电影中的暴力美等。通过类似的专题讲座,拓宽学生的观影视野,激发学生对某一领域探索的欲望。 二、革新欧美电影音乐赏析教学方式 教学中改进教学方式,创设平等互动的教学环境和和谐融洽的教学氛围,寓教以情,以情感人,使学生以热情的心态来进入学习。改变以往老师讲,学生听的模式,使学生真正成为教学的主体,教师为主导。将生动活泼的课堂讨论增添为重要的教学环节。以往的授课模式是教师播放-学生欣赏,教师讲-学生听,即信息流动方向为教师到学生的单一方向进行,缺少了学生的反馈与参与。改革后的课程设计中会大大增加学生参与的环节。例如,讲到电影音乐的节奏要与电影画面的节奏保持一致时,教师就可以一边播放电影片段,一边指导学生们打节奏。通过这样的互动教学,一方面加强了学生的课堂参与感,使得学生真切的体会到音乐的律动,从而能够更好的理解音乐的节奏与电影画面节奏的关系;另一方面也使学生在看似“玩儿”的教学过程中,掌握了一些音乐节奏节拍方面的知识。 三、结语 总之,电影音乐是音乐范畴中的一个分支,它通过音乐与画面、情节相结合使学生获得审美愉悦心理,继而获得人格的健全和培养,达到全面发展的人才的要求。电影音乐欣赏的过程是一个复杂的过程,电影音乐的效果是由剧情发展、画面渲染等条件下直接察觉并吸收的。因此,电影音乐欣赏是人们通过图像的感知、音响的体验和理解音乐艺术的最直接的手段和最直接的一项心理活动。笔者认为,电影音乐具有广泛的群众基础,独特的审美特征和多元化的发展,适于作为对大学生进行审美教育的欣赏内容。普通高校的公共艺术教育,面对的是非音乐专业的学生,使用电影这一视听合一的综合的艺术形式来面向非专业的学生进行艺术教育,势必起到事半功倍的作用。 作者:孙英 单位:燕山大学艺术与设计学院 音乐赏析论文:电影孔雀的音乐赏析论文 [摘要]《孔雀》分段落分别描述了三个年轻人各自的一段生命历程与生命状态,呈现出来的是或明朗或冲动或懵懂的理想追求,以及理想幻灭、神经抽搐、精神萎靡,以至日子平淡、尘埃落定的过程。而影片中的音乐,更是为主题的表达,情绪的烘托起了重要作用。 [关键词]音乐画面旋律 《孔雀》是导演顾长卫的电影处女作,影片讲述的是上个世纪七十年代安阳小城里一个普通的五口之家——父亲、母亲、哥哥、姐姐、弟弟——的生活和命运。青春的微小的挣扎和无助、人在家庭里犹如困兽的喘息和窒息、家人带来的卑微和耻辱、个人在急景流年的人生里被裹挟而去的匆促和慌乱……小城对一切梦想的围困、围猎和追杀,对一切奢侈念想毫不留情的唾弃、消磨和催折……影片收束在一家人在一个冬日去动物园里看孔雀的诡异气氛里,仿佛在向我们揭示片名里所隐藏的秘密——也就是整个影片的主旋律:每个人心里都有自己的梦想,渴望自己的生活是精彩的,梦想的实现就仿佛是孔雀的开屏一样,成为平淡生活里亮丽的一笔。但现实生活总是残酷的,就像他们一样,我们也许为自己的理想努力过。也许只是怀揣着自己理想而没有行动过。但结局也许都是一样的——梦想从来没有实现过。生活是永远不会按照你自己对它的设计过下去的…… 电影《孔雀》在故事结构上是按照分别对姐姐、哥哥、弟弟的讲述分为了三大部分,音乐也就自然的在整部影片的总体布局上也分为了三大块。其中在导演在划分这三个部分的时候,除了通过画面影像和弟弟的旁白外,音乐也是一个重要的标志。可以说,音乐在该片中的地位是很高的,是构成整部影片一个非常重要的元素。影片中有很多情节都有音乐的铺底,虽然音乐的使用率较高,但并没有给人一种凌乱的感觉,反而每次音乐的出现都让人感觉很自然也很舒服。片中运用了大量的主题音乐、场景音乐和背景音乐,并通过多样的音乐表现形式(画内乐与画外乐、音画的同步、对位与平行、音乐蒙太奇等)推动着整个影片情节的发展,为影片增色很多。下面我就分类细致地谈一下自己的看法: 主题音乐的在片中的成功运用是该片在音乐上的一大特色,在很多地方上的处理,让我想起了另一部非常优秀的也是我个人非常喜欢的一部片子——辛德勒的名单。《孔雀》的主题音乐简单的音符中透着一种很怀旧很伤感的情绪,每次听到这段旋律时都感觉心里很压抑。虽然它在片中多次的出现,但每次出现时几乎都是用不同的乐器演奏的,在旋律上则通过变形、变奏、延展等手法也都略有不同。例如:在影片中出现了三次全家人在走廊吃饭的场景。这三次“聚餐”的音乐都是以弦乐铺底,竖琴演奏的主题音乐片段,按常理来说全家人在一起吃饭应该是一件很开心的事情,但配上这段音乐让整个气氛变得很忧郁,旋律中透着一股伤感和怀念。另一个给我印象比较深的一场戏就是全家人正在院子里做蜂窝煤时,突然下起了大雨,雨水把煤都冲走了,全家人像疯了一样到处找砖头和塑料布保护煤,可最后还是只能眼睁睁的看着大雨和煤混成的黑水四处流淌……主题音乐再次出现了,旋律是由圆号演奏的,弦乐和竖琴铺底把整个场景的气氛渲染得更加凄凉和无奈,让人感觉在那一刻人的力量是多么渺小。那种无助和无奈的心情随着旋律流淌进每个观众的心里。 场景音乐是对每个具体的场景演绎的故事情节,人物在具体场景中的感情发展变化进行必要的铺垫、烘托和渲染。起着营造戏剧和推动情节发展的重要作用。片中的例子也有很多,比如:在整部影片中,姐姐、哥哥、弟弟都分别有一段自己的“快乐音乐”。姐姐的“快乐音乐”是在她看到伞兵跳伞后,骑自行车回家的路上开始的,以及在她报名参军中一直穿插着。这段旋律是一段弦乐的拨弦,轻快的三拍子,让人听了心中有一种在舞蹈的感觉,节奏轻盈欢快。准确的表达了当姐姐的理想就要实现以及和遇见了自己喜欢的英俊的年轻军官时的愉快心情,是很有情趣的一段音乐。哥哥“快乐音乐”则分别出现在妹妹和弟弟请他吃包子并送给他一只小鸭子以及他在公园相亲的一段戏。弟弟的则是离家出走多年后带着老婆和孩子再次回到家里的时候。家中电视里放出的《追捕》里的一段音乐,这属于画内音乐。这两处的音乐都十分贴切的表现了人物的内心情感,对这两场戏起到了很好的烘托效果,给人耳边一亮的感觉。背景音乐是加强环境真实感的一个重要手段,有时也可以赋予它们更为丰富的内涵。例如:在片中有场参军送别的戏。背景音乐是喜庆的锣鼓声,在这属于画内音乐。同时里面还有一个音画对位的处理,姐姐想当伞兵的理想破灭了,她的心情是极度伤心和不平衡的,而画面声音却是热热闹闹欢庆的锣鼓声,更衬托了姐姐当时理想破灭极度伤感的崩溃心情。此外,影片中还有画内乐与画外乐的结合,例如:有一场戏姐姐下班在回家的路上听到有手风琴的声音。于是就随着琴声一直走到了一个小阁楼上,这时画外乐中又加入了男声的哼唱,随后走进了一间是舞蹈教室,但拉琴人的最后的出现还是从大镜子里看到的。虽然这一段前面一直是画外乐,但充分调动了演员的表情要素,给观众制造了悬念,具有比较引人入胜的“现场”艺术效果。 以上就是我个人对电影《孔雀》的音乐分析,最后我想引用顾长卫本人对《孔雀》片名的解释(并不是关于音乐的)作为本文的结尾:“人和人生都具有强烈的观赏性,人与人之间一生都在相互观赏,喜讯与丑闻,落魄与荣华。四周人尽收眼底。人生是个笼子,每个人都被关在里面,别人观赏我们,我们也观赏别人,同时我们也观赏自己。孔雀这种鸟好像是最具观赏性的动物。人一点也不次于它们,好比影片中的三个孩子,身上长满故事,人生的经历,如同色彩斑斓的羽毛长满人生……”。 音乐赏析论文:武侠电影音乐赏析管理论文 摘要:电影音乐随着电影艺术的发展应运而生,是电影艺术的重要表达手段,电影音乐和画面完美地结合在一起,体现出电影的艺术构思和美学欣赏原则。在我国武侠电影发展过程中,电影音乐正逐渐成为武侠电影的重要构成元素,从而引起了它的创作者和欣赏者的广泛关注。近期《英雄》、《十面埋伏》、《功夫》、《卧虎藏龙》等一系列武侠电影恰到好处地运用了我国的传统民族音乐,产生了重大的反响。本文试以这些主要的优秀武侠电影作品为例,来探讨当代武侠电影音乐的特点以及发展趋势。 关键词:武侠电影;音乐;赏析 一、引言 一幅幅刀光剑影的江湖画面,一段段恩恩怨怨的儿女情愁,一招招出神入化的盖世神功,一座座侠肝义胆的英雄塑像,武侠电影带给了我们这些神奇。武侠电影音乐是专门为武侠影片创作、编配的音乐,是武侠电影综合艺术的一个重要有机组成部分,是一种新的艺术体裁。武侠电影音乐最主要的一个特点就是能够使武侠电影观众把听觉形象与视觉想象结合起来,达到视听的统一和享受。我国武侠电影音乐深深植根于传统文化的沃土,在很大程度上受到中华民族的历史文化传统和民族审美心理传统的深刻影响,因此也呈现出与众不同的民族特色。我国数千年绵延不绝的中国文化,以其源远流长与博大精深的深厚底蕴赋予了我武侠电影音乐极强的生命力。 二、当前我国武侠电影音乐的特点和功能 武侠电影音乐应服从于不同类型和不同风格的武侠影视作品特定的主题思想、内容情感或人物形象、故事情节的表现需要,并与其有机结合,从而在内容情感上呈现出某种特定性。武侠电影音乐可以根据武侠作品表现的需要随时改变自己的结构形式,根据不同的情节、人物、环境,运用不同情绪的音乐去渲染和表现。武侠电影音乐往往可以运用分散穿插的结构方式,在特定的人物活动或特定的环境氛围中穿插点染,从而增强作品的艺术表现力。此外,武侠电影音乐的艺术效果必须通过武侠电影艺术整体各构成元素的有机融合去实现,通过与画面、人物语言和音响的共融,去服务于武侠人物形象和故事情节的刻画。 总的说来,武侠电影音乐可以为武侠电影营造一种特定的背景气氛,以达到深化视觉效果的作用。武侠电影音乐在发挥渲染气氛的功能时,通过音乐这种听觉手段为影片部分或者整体地创造某种气氛,增强听觉感受,使人产生身临其境的感觉。这种气氛对于音乐和画面而言,既抽象又具体,而武侠电影音乐就是把这种难以捉摸的情感色彩,借助一定的音乐形象表达出来,使武侠电影画面形象更加生动、感人。 三、近期主要优秀武侠电影音乐赏析 《黄飞鸿》系列电影可以说是我国武侠电影作品中电影音乐的成功运用的代表之一。在《黄飞鸿》系列,“男儿当自强”的歌曲或以此改变的旋律反复出现,将威武中华男儿的形象传颂四方。音乐作为声音主导动机的关键环节在刻画人物性格,表达影片主题思想方面走在前列,同时也是烘托氛围、创造节奏的有效手段。近年来,从《卧虎藏龙》的获奖,到《英雄》的中西合璧,到《十面埋伏》的好评,再到《功夫》的不断创新,武侠电影音乐从单纯的民族乐器的突现已经发展到交响式的中西合璧新民族风情,在大众文化中得到广泛流行。 张艺谋的武侠作品《十面埋伏》从中国古乐中汲取了很多特殊音乐元素,是出色利用我国传统古典音乐的典型代表制作,其中最突出的是运用了奇崛而独具震撼力的琵琶曲,在影片中起到了刻画人物形象的强烈作用。《佳人曲》这段二胡和琵琶协奏曲在《十面埋伏》中被一再应用。片尾小妹死后也响起了金捕头悲伤的歌声。《佳人曲》中的佳人和小妹的形象是互相映衬的,南国秀丽,其佳人多杏目柳腰、清艳妩媚;北国苍莽,其仕女多雪肤冰姿、妆淡情深。此歌以“北方”二字领起,开笔就给所歌佳人,带来了一种与南方迥异的晶莹素洁的风貌。 作曲家谭盾充分地发挥了自己跨越中西、古今不羁的创作特长,在《卧虎藏龙》和《英雄》中使电影配乐发展到交响式的中西合璧新民族风情。谭盾的音乐把人生的困惑和无奈用典型的中国情结表达了出来,舒缓而优美的旋律反映了惆怅而悲伤的人生,让人感觉人即是江湖,人的爱情和人生也如江湖一样不可把握。在《卧虎藏龙》中,大部分音乐旋律单纯、朴素、统一,和声简单明了,配器清淡。《卧虎藏龙》选用了多种中国民族乐器进行补充,使整部影片的配乐统一而富有变化。《英雄》中的电影音乐也是一次视听的盛宴,是视听艺术的大胆实验。《英雄》从头至尾有一支主旋律萦绕在人心头,时而凄切、悲凉,时而雄浑、激越,时而像如泣如诉的马头琴讲述着“风潇潇兮易水寒,壮士一去兮不复还”的英雄传奇。影片中,作曲家谭盾发挥自己跨越中西、古今不羁的创作特长,让这些乐声彼此对话。影片一开始,出现了交响乐与鼓声相间的“序曲”,西洋交响乐宛转流露出二人转的曲调。而东方的鼓点却打出爵士、摇滚的节热“棋馆古琴”的一幕,使小提琴和中国古琴的乐声2000多年以来首次融合到一起。 周星驰的影片《功夫》在武侠电影音乐的运用中又创新了一步,近年来首次运用了不少时代的音乐,令人亲切,令人振奋,给人向上的激情。周星驰的《功夫》带来的这些怀旧音乐是扎根民族,扎根民众,扎根中华文化的,只有如此,电影音乐才会有生命力。在《功夫》中,激昂慷慨的音乐几乎贯穿整部影片,尤其是在精彩的打斗时,每每有振奋人心的民乐响起。影片中出色地插入了《闯将令》《小刀会组曲》。《闯将令》以高亢的唢呐引领,具有逼人的豪迈气势,非常适合在武侠片决斗时刻引用,这在五六十年代香港粤语武侠电影中经常采用。《小刀会组曲》受到香港武侠导演普遍欢迎,它本是舞剧《小刀会》的配乐,但因其慷慨悲壮的基调和浓厚的民族色彩而成为民乐经典。此外,《四川将军令》《十面埋伏》《东海渔歌》以及《英雄们战胜了大渡河》,都能够使人不禁油然而生一种男儿当自强的豪情。 四、总结 我国的武侠电影一向留意于细腻的表达手法;我国的民族音乐,纯净而深邃,文化底蕴深厚,在表达细腻感情时如玉一样温润婉转;抒发激情时,似山河般坚定壮阔。这独有的特色与我国的武侠电影正是相得益彰。总之,武侠电影音乐是武侠电影艺术的重要表达手段,有音乐的一般共性,又有自己的特性,是武侠电影艺术语言不可缺少的载体。今后,在导演们和作曲家们的共同努力下,武侠电影音乐的表现手法必将日益丰富多彩,在武侠电影中发挥更加广泛和多方位的艺术功能。 音乐赏析论文:音乐赏析教学德育融合路径 本文作者:刘英洁 曹婷婷 单位:武汉理工大学艺术与设计学院 早在先秦时期,孔子就提出“移风易俗,莫善与乐”。但由于我国音乐教育理论研究不深,一些音乐教育工作者往往把音乐欣赏课中的德育渗透等同于向学生说明解释音乐作品的道德内容,使得音乐鉴赏课成为道德说教课。这种越俎代庖的内容解说式教学背离了音乐艺术非语义性的特点,容易使学生对音乐课产生反感,这不但不能达到德育渗透的目的,也远离了对学生进行审美教育的初衷。 一、音乐美可以作用于人的情感,丰富人的感性,促进人内心的和谐而造就有道德的人 18世纪德国著名美学家席勒认为,审美教育可以克服现实生活中的人性分裂,恢复人的感性与理性的统一而造就完整人性。人如果缺乏感性只有理性就会成为一个缺乏情感的人,一个缺乏情感的人在道德上往往是不健全的。有研究表明,有些不道德的行为如暴力等大都来自于人们内心的混乱,而这种内心混乱正是感性与理性失调、分裂造成的。美国音乐教育家贝内特•雷默认为音乐教育是感觉教育,他说:“艺术教育的主要作用就是帮助人们达到包含在事物的艺术品质的感觉体验。因此,可以把艺术教育视为感觉教育。”欣赏者在欣赏艺术作品时感受到了通过艺术作品表达出的艺术家的感觉,同时也产生了他们自己对音乐作品的理解感受——他们的感觉。艺术欣赏过程可以说是一种感觉交流的感性体验过程。音乐作为重要的艺术类别,也是“非语言的交流手段之一,通过‘音’来进行自我表现,通过音乐的表现来达到‘心’(感情或情感)的互相交流”。[1]在这种交流过程中人们丰富了感觉,陶冶了情感。在音乐鉴赏课中,学生在音乐体验的同时获得了情感体验,感性得到了丰富,人类善良、温柔的本性,对大自然、对一切生灵所怀的爱心在音乐中得到强化。[2]音乐正是以这种“普遍性的人类情感的沟通涵化了道德的善和人类的同情,使受教者的感性在艺术体验中得到训练,能够设身处地、由己及人地去同情,从把他人的欢乐当作自己的欢乐,把他人的痛苦当作自己的痛苦发展为帮助他人的责任感”[3]。同时,在音乐教育的影响下,学生“对美的强烈感受能力、敏锐准确的判断能力会沉淀在心理结构上,形成以审美的态度与眼光来对待客体的心理定势与直觉能力”[4]。这种影响是“润物细无声”的,在音乐美的陶冶下,学生理解了什么是美,什么是丑,不知不觉在现实生活中向往美的事物而抵制丑恶的行为,并且不断调整自己的行为使其符合美的标准,从而自觉地远离不道德行为。人类的所有能力都是通过训练逐步发展而来的,感性素质也不例外,它是通过艺术美的体验而逐渐获得的。因此,要实现音乐教育的德育渗透,音乐教育就应该成为丰富学生感性的音乐教育。由于音乐的体验和领悟只可意会,不可言传,而且因人而异,“言传身教”的音乐内容解说式教学让学生被动地接受音乐教师音乐体验的感觉,剥夺了他们音乐体验的主动性,这种教学方式使他们的感性难以得到丰富。因此,音乐教师在音乐鉴赏教学中应避免解说,而应提供一切机会让学生充分体验音乐,让他们在音乐美的体验中自由发挥想象,丰富感性,潜移默化地提升道德,这是音乐鉴赏教学德育渗透的正确途径。 二、让学生在音乐的形式与内容中感受音乐美,在审美体验中潜移默化提升道德素质 是否具有审美能力是人们在欣赏音乐时能否获得音乐美体验的前提。因此,音乐教育要实现德育渗透,就必须培养学生的审美能力——对音乐美的感受力。音乐美是音乐的形式美和内容美的高度统一。音乐形式本身就包含着情感等内容,英国美学家库克认为:“大三度表示愉快、增四度表示穷凶极恶、上行的大调表示一种奔放积极自信[5]”Gabrielsson和Eriklindstrom在他们的著作《音乐与情感》中也谈到音乐要素在情感表现方面的作用:“响亮的响度表示激动、高兴、愤怒轻柔的响度表示忧郁、优雅快的速度表示兴奋、狂喜慢速表示宁静、感伤、高贵、庄严等。”美国符号论美学家苏珊•朗格也认为,艺术是人类的情感符号,音乐是对情感的调性模拟。可见,音乐与情感的联系正是通过音乐基本要素所构成的音乐形式外显出来的。美国音乐教育家戈登曾经说:“音乐学科是通过提供音乐本身所固有的特质,而带来人生充实感的审美体验——音乐体验,来实现所承担的人格形成方面的作用而音乐要素是构成音乐固有特质的基本元素。”因此,音乐教师在音乐教学中应让学生对音乐要素有基本把握,这是音乐鉴赏教学中让学生获得音乐美的体验、提升道德水平的基础。欣赏者从音乐形式美中获得的情感体验是整个音乐审美过程的基础,而且音乐的美不仅表现在形式的美妙组合与变化之中,还同时表现在“审美主体赋予音乐并从音乐中体验到的精神内涵”[6]。这种精神内涵就是音乐的内容,因此,音乐教育要实现潜移默化的道德陶冶,还需要让学生对音乐作品的精神内涵有深层次把握。笔者认为,音乐教师要帮助学生从音乐中体验到精神内涵,最好的办法就是利用多媒体给学生播放与鉴赏音乐有关的古代或外国历史等方面的人文知识,创造让他们了解音乐作品时代历史背景、作曲家的生活经历等获得经验的机会。这样,学生在鉴赏时就更容易理解民族传统音乐、外国音乐,从而感受到艺术美,在音乐美的体验中自觉自愿地受到教育,从而达到陶冶情操的目的。 总之,我们要以美促德,让学生的感性思维在音乐美的体验中得到丰富,让他们的感性和理性得到健全统一,人格得以完善。这样,才能培养出有道德的学生,从而达到通过音乐教育人的目标。 音乐赏析论文:钢琴音乐艺术的价值赏析 一、影片剧情和背景音乐简介 埃尼奥•莫里康内是意大利著名作曲家和配乐家,他在电影配乐上有很深的造诣。电影《海上钢琴师》的背景音乐极致地体现了他的音乐才华和智慧,也为他带来了众多专家的赞赏。电影中,埃尼奥•莫里康内选择的音乐风格多样而不冲突,他将古典音乐演奏技巧和通俗音乐演奏技巧巧妙融合,演奏技法成熟。人物台词和剧情的展开都精心设计过,观众从中得到了丰富的美感、愉悦的精神享受,这既不是单纯的视觉享受,也不单是给观众的听觉盛宴,而使人的灵魂从中得到了净化和升华,灵魂经过洗涤,对人生有了更深刻的感悟。钢琴音乐在《海上钢琴师》众多的背景音乐中可以说是最具表现力。整部电影的配乐中,钢琴音乐是主体部分,管弦乐做辅助用,二者相配合、相得益彰,贯穿影片始终,共同奏出的乐章将电影的主题和人物的情感变化淋漓尽致地呈现给了观众。钢琴背景音乐对主题和情节渲染也给观众带来了很多触动和思想上的共鸣,钢琴的声音特点是厚重,它使影片自始至终都笼罩在一种浓厚的氛围之下,观众的情感也随着钢琴声音不断蔓延,感情得以爆发,不自觉地沉醉于故事之中,同时也感慨于主人公不幸的遭遇及传奇的人生经历,浮躁的心灵在此得到了洗礼和触动。影片讲述了一个被遗弃在船上的孩子,被船工收留,一直生活在船上,并学会了钢琴,成为了一个才华横溢的钢琴家。在船上,他演奏了一首又一首精妙绝伦的钢琴曲,为观众喜爱。最后,船只废弃,而主人公因为一辈子都生活在船上而不愿离去,最后与船只一起丧命于海上。影片表面上看没有太大的波澜,实则跌宕起伏。主人公演奏的钢琴曲深刻表现了电影的内涵、渲染了电影的主题和主人公真实地内心世界。 二、钢琴音乐在影片中的艺术价值分析 关于《海上钢琴师》的主题,历来有不同观点。其中大多数认为该片是通过讲述一个伟大的钢琴家的人生经历和生活选择,给浮躁的人们一些引导,启迪人们远离尘嚣、不被外世的浮华吸引,坚守心灵的净土,执着追求自己的梦想。影片中所配的钢琴音乐对主题的表现有很重要的作用,它主要在以下几个方面诠释了主题: (一)序奏———背景音乐的巧妙渲染 《海上钢琴师》所配的背景音乐之所以能成功表现电影主题,首先是因为背景音乐烘托渲染了影片的整体氛围,对后面故事情节的展开起到了引子作用。影片开始,在持续了长音演奏下拉开了帷幕,绵长的音符将思绪拉长,把观众带入了深深的回忆中,悠远绵长的音符奠定了电影的主题表现的基础。电影的主人公1990的好朋友max正是在这样温暖而饱含深情的长音中出场,深情的音乐仿佛他对好友1990的感情,让max陷入了对1990的深切怀念之中。紧接着的是电影的第一个镜头,这时的电影配乐听起来悲伤而忧郁,同时还有一段满怀惆怅和迷茫的内心独白。黑夜中独坐在台阶上看着远方的max沉浸在回忆中。音乐进入高潮,镜头转入“弗吉尼亚号”轮船,一大批移民站在港口等待登船。这时,还未开始讲述真正的故事。Max一边开始演奏小号,脑海中1990的一系列镜头依次出现。仔细听会发现max演奏的小号曲目,与留声机播放的钢琴曲目正是同一首。钢琴音乐正式出现,故事正式开始,观众对这首钢琴曲的弹奏者期待万分,这时1990的故事正式开始讲述。慢慢的,电影情节顺利发展,流畅的音乐节奏像是将1990的成长经历娓娓道来。配乐以“孩子”为主题,音乐的旋律与船工们生活的机舱的氛围十分协调,虽并不精致但却简单快乐。之后调整音调,钢琴整齐划一的节奏伴随着圆号独奏,单纯、幽默、无忧无虑的“孩子”再一次经长笛独奏表现出来,这对深化作品主题起着抛砖引玉的作用。绵长、悠远的旋律一开始便使作品充满深邃的情感,为人物的登场和故事的开始预设了一个恰当的音乐环境。 (二)相识———海上艺术生涯 起航1990自小被遗弃,是船工丹尼将其抚养长大,可是没过多久,最亲的人丹尼去世了。1990继续留在船上生活,期间他观看船上演奏厅钢琴家的演奏后,对钢琴产生了浓厚的兴趣,他没有钢琴老师,没有经过专业训练,却表现出了超乎寻常的钢琴天赋。之后,他一直留在船上弹钢琴,成为一名真正的海上钢琴家。之后1990认识了max,两人成为了无话不谈的朋友。钢琴音乐对1990和max的相识相知环节也起到了很好的渲染作用。首先是1990主动帮助不适应海上生活的max摆脱晕船的困扰,他让max跟着自己坐在弹奏钢琴的凳子上,钢琴和凳子随着海浪的翻转、波动在光滑的地板上自由滑动,伴随着这浪漫优美的旋转,1990弹奏出轻快自由、流畅婉转的乐曲,电影所配的钢琴乐与导演追求的拍摄效果完美的契合。钢琴声的流转和船体的摇动,使1990和max置身于一个如梦如幻般的世界,影片中还加入了一些人物、景物的特写,在琴声的映衬下,使影片充满了浪漫主义色调,渲染了故事情节发展的氛围。从1990的乐曲中,听众能感受到他内心的单纯的简单,他只身沉醉于自己钟爱的钢琴世界,无人打扰却也从不孤单。 (三)对决———钢琴乐艺术价值提升 自始至终,电影主题的诠释都离不开钢琴音乐的帮助,中间还添加了许多新鲜元素,让观众兴奋不已。其中,最精彩的情节当属“爵士乐大家”Jelly与1990之间的技能比拼。Jelly不服气众人对1990的赞誉,前来挑战众人眼中的“钢琴天才”。Jelly一出场便气势汹汹,决心要在这场对决中战胜1990。首先是《平安夜》,乐曲以悠扬婉转的琴声开场,一开始便震惊四座,也给挑战者Jelly带来了很大的压力;接着演奏了《TheGrave》,节奏紧凑,曲风昂扬激烈,仿佛在还击Jelly的挑战,在那样的情境下演奏,紧密的节奏营造出一种针锋相对的紧张感,演奏效果十分成功;最后1990弹奏了《EnduringMovement》更是彻底让Jelly无地自容,旋律之优美如让人置身于波光粼粼的海洋中;技巧之高超如入音乐仙子之境;情感之淡雅让周围的听众都感到一种前所未有的从容宁静。电影中直接用你来我往的钢琴演奏表现出紧张激烈的气氛和扣人心弦的场景,既逼真又富有欣赏性。比赛过程中弹奏的曲子也让听众对1990有了更深的了解。他自幼生活在船上,没有经过专门的学习和培训,却能弹奏出打动人心的乐曲,战胜名声大噪的钢琴家,可能打动人心的就是他简单纯粹的音乐、对自我的坚持和对简单生活的热爱。在这里,我们得以深入了解1990的内心世界。 (四)波折———钢琴乐曲邂逅 爱情影片的后半部分中,1990在船上邂逅了一个美丽的姑娘。影片通过1990的钢琴声让听众去感受二人之间美妙的爱情。电影中,1990隔着玻璃清楚地看见了面容清秀的女孩,并为之动心。随之响起了柔情似水、温婉悠扬的Pla-yingLove。确实,从小生活在船上、性格内敛、不善言辞的1990不可能用花言巧语去获得姑娘的芳心,他能做的就是将自己热烈的感情融入乐曲中来吸引姑娘的注意。Pla-yingLove的曲风清新自然,悠然飘逸,十分符合女孩表现出来的气质。乐曲的节奏轻缓如有柔情,间或出现一些跳动的音符,真实地表现出了1990遇到姑娘时心里的感受:1990不善言辞,感情含蓄,却饱含脉脉柔情,平时安静如水的他在遇到心上人时心中也避免不了兴起波澜。电影中出现二人交流的画面时,也一直伴随有钢琴乐的烘托,展现出了1990想要表白却又欲言又止的纠结困惑。影片中1990还弹奏了一段不和谐的小二度的音乐,表现了他想去看姑娘却又徘徊不敢前进的矛盾心理。伴随着音符的流淌,1990的脑海中出现以许多自己与姑娘在一起的画面,乐曲流露出了1990对姑娘的真情,表现了1990初遇爱情的不知所措,更对电影氛围的塑造和主题的诠释起了重要作用。乐曲中的矛盾波折正是给听众再现了1990对未知的恐惧和对自我的肯定,最终1990选择放弃爱情,回归自己简单纯粹的生活,此时的钢琴乐曲虽听来悲伤,却有着一种坚持自我的悲壮的美。PlayingLove在这里既渲染了凄美的爱情故事,同时为观众展现了1990的坚持,进一步诠释出了电影的主题。 (五)结尾———音乐中再现柔情似水影片的尾声 含情脉脉、隽永绵长的钢琴音乐再次响起,再次给观众带来了美的享受,也进一步诠释了电影的主题。电影的最后,豪华游轮自由徜徉的蔚蓝的海面上,耳畔响起空旷纯净的乐音,所有人都暂时逃脱了那喧嚣浮华的世界,置身于一个纯净自然的世界中。1990无论如何都不愿离开船,或者说他离不开的是自己一直追求的纯净无暇的世界。在船将被炸毁的瞬间,1990已经没有钢琴了,但他做出演奏的姿势,认真演奏其心中的《柔情似水》。正是这温柔如水、圣洁如云、博大如海的清净之美成为了他毕生的追求。观众被这种悲壮的美震撼了,也深刻领悟了电影透过钢琴乐传达的主题。 三、影视配乐反映电影主题的启示 (一)配乐对表现电影主题有重要作用 从众多影视作品的音乐中可以看出,配乐能很好地诠释出作品的主题,是一部成功的电影不可或缺的元素。配乐的作用具体表现在以下几个方面:首先配乐使主题更加深刻;第二,配乐较电影中直接向观众讲述故事或表现感情更具启发性,给观众更多思考的空间;第三,配乐还能使电影主题得到升华,观众对配乐产生自己的理解和感悟,最终对电影主题进行二次建构。 (二)关于优化电影配乐反映电影主题的思考 《海上钢琴师》中对钢琴音乐的成功运用,启发我们对优化电影配乐进行了更多的思考。在选择背景音乐时,反复研究经典案例,立足于此,不断创新。在深刻理解电影主题和人物形象的基础上,恰当选择最合适的配乐。 四、结语 观看《海上钢琴师》,你会发现电影中的每一个场景、每一次情感的表达都离不开钢琴音乐。钢琴音乐在影片中对渲染气氛、烘托情感、表现主题等都有至关重要的作用。文章分析了《海上钢琴师》中钢琴音乐的成功运用,并借鉴其成功之处为电影配乐艺术的发展提供了指导。 作者:周雪 单位:阿坝师范高等专科学校,四川 音乐赏析论文:当前我国武侠电影音乐的特点和赏析 摘要:电影音乐随着电影艺术的发展应运而生,是电影艺术的重要表达手段,电影音乐和画面完美地结合在一起,体现出电影的艺术构思和美学欣赏原则。在我国武侠电影发展过程中,电影音乐正逐渐成为武侠电影的重要构成元素,从而引起了它的创作者和欣赏者的广泛关注。近期《英雄》、《十面埋伏》、《功夫》、《卧虎藏龙》等一系列武侠电影恰到好处地运用了我国的传统民族音乐,产生了重大的反响。本文试以这些主要的优秀武侠电影作品为例,来探讨当代武侠电影音乐的特点以及发展趋势。 关键词:武侠电影;音乐;赏析 一、引言 一幅幅刀光剑影的江湖画面,一段段恩恩怨怨的儿女情愁,一招招出神入化的盖世神功,一座座侠肝义胆的英雄塑像,武侠电影带给了我们这些神奇。武侠电影音乐是专门为武侠影片创作、编配的音乐,是武侠电影综合艺术的一个重要有机组成部分,是一种新的艺术体裁。武侠电影音乐最主要的一个特点就是能够使武侠电影观众把听觉形象与视觉想象结合起来,达到视听的统一和享受。我国武侠电影音乐深深植根于传统文化的沃土,在很大程度上受到中华民族的历史文化传统和民族审美心理传统的深刻影响,因此也呈现出与众不同的民族特色。我国数千年绵延不绝的中国文化,以其源远流长与博大精深的深厚底蕴赋予了我武侠电影音乐极强的生命力。 二、当前我国武侠电影音乐的特点和功能 武侠电影音乐应服从于不同类型和不同风格的武侠影视作品特定的主题思想、内容情感或人物形象、故事情节的表现需要,并与其有机结合,从而在内容情感上呈现出某种特定性。武侠电影音乐可以根据武侠作品表现的需要随时改变自己的结构形式,根据不同的情节、人物、环境,运用不同情绪的音乐去渲染和表现。武侠电影音乐往往可以运用分散穿插的结构方式,在特定的人物活动或特定的环境氛围中穿插点染,从而增强作品的艺术表现力。此外,武侠电影音乐的艺术效果必须通过武侠电影艺术整体各构成元素的有机融合去实现,通过与画面、人物语言和音响的共融,去服务于武侠人物形象和故事情节的刻画。 总的说来,武侠电影音乐可以为武侠电影营造一种特定的背景气氛,以达到深化视觉效果的作用。武侠电影音乐在发挥渲染气氛的功能时,通过音乐这种听觉手段为影片部分或者整体地创造某种气氛,增强听觉感受,使人产生身临其境的感觉。这种气氛对于音乐和画面而言,既抽象又具体,而武侠电影音乐就是把这种难以捉摸的情感色彩,借助一定的音乐形象表达出来,使武侠电影画面形象更加生动、感人。 三、近期主要优秀武侠电影音乐赏析 《黄飞鸿》系列电影可以说是我国武侠电影作品中电影音乐的成功运用的代表之一。在《黄飞鸿》系列,“男儿当自强”的歌曲或以此改变的旋律反复出现,将威武中华男儿的形象传颂四方。音乐作为声音主导动机的关键环节在刻画人物性格,表达影片主题思想方面走在前列,同时也是烘托氛围、创造节奏的有效手段。近年来,从《卧虎藏龙》的获奖,到《英雄》的中西合璧,到《十面埋伏》的好评,再到《功夫》的不断创新,武侠电影音乐从单纯的民族乐器的突现已经发展到交响式的中西合璧新民族风情,在大众文化中得到广泛流行。 张艺谋的武侠作品《十面埋伏》从中国古乐中汲取了很多特殊音乐元素,是出色利用我国传统古典音乐的典型代表制作,其中最突出的是运用了奇崛而独具震撼力的琵琶曲,在影片中起到了刻画人物形象的强烈作用。《佳人曲》这段二胡和琵琶协奏曲在《十面埋伏》中被一再应用。片尾小妹死后也响起了金捕头悲伤的歌声。《佳人曲》中的佳人和小妹的形象是互相映衬的,南国秀丽,其佳人多杏目柳腰、清艳妩媚;北国苍莽,其仕女多雪肤冰姿、妆淡情深。此歌以“北方”二字领起,开笔就给所歌佳人,带来了一种与南方迥异的晶莹素洁的风貌。 作曲家谭盾充分地发挥了自己跨越中西、古今不羁的创作特长,在《卧虎藏龙》和《英雄》中使电影配乐发展到交响式的中西合璧新民族风情。谭盾的音乐把人生的困惑和无奈用典型的中国情结表达了出来,舒缓而优美的旋律反映了惆怅而悲伤的人生,让人感觉人即是江湖,人的爱情和人生也如江湖一样不可把握。在《卧虎藏龙》中,大部分音乐旋律单纯、朴素、统一,和声简单明了,配器清淡。《卧虎藏龙》选用了多种中国民族乐器进行补充,使整部影片的配乐统一而富有变化。《英雄》中的电影音乐也是一次视听的盛宴,是视听艺术的大胆实验。《英雄》从头至尾有一支主旋律萦绕在人心头,时而凄切、悲凉,时而雄浑、激越,时而像如泣如诉的马头琴讲述着“风潇潇兮易水寒,壮士一去兮不复还”的英雄传奇。影片中,作曲家谭盾发挥自己跨越中西、古今不羁的创作特长,让这些乐声彼此对话。影片一开始,出现了交响乐与鼓声相间的“序曲”,西洋交响乐宛转流露出二人转的曲调。而东方的鼓点却打出爵士、摇滚的节热“棋馆古琴”的一幕,使小提琴和中国古琴的乐声2000多年以来首次融合到一起。 周星驰的影片《功夫》在武侠电影音乐的运用中又创新了一步,近年来首次运用了不少时代的音乐,令人亲切,令人振奋,给人向上的激情。周星驰的《功夫》带来的这些怀旧音乐是扎根民族,扎根民众,扎根中华文化的,只有如此,电影音乐才会有生命力。在《功夫》中,激昂慷慨的音乐几乎贯穿整部影片,尤其是在精彩的打斗时,每每有振奋人心的民乐响起。影片中出色地插入了《闯将令》《小刀会组曲》。《闯将令》以高亢的唢呐引领,具有逼人的豪迈气势,非常适合在武侠片决斗时刻引用,这在五六十年代香港粤语武侠电影中经常采用。《小刀会组曲》受到香港武侠导演普遍欢迎,它本是舞剧《小刀会》的配乐,但因其慷慨悲壮的基调和浓厚的民族色彩而成为民乐经典。此外,《四川将军令》《十面埋伏》《东海渔歌》以及《英雄们战胜了大渡河》,都能够使人不禁油然而生一种男儿当自强的豪情。 四、总结 我国的武侠电影一向留意于细腻的表达手法;我国的民族音乐,纯净而深邃,文化底蕴深厚,在表达细腻感情时如玉一样温润婉转;抒发激情时,似山河般坚定壮阔。这独有的特色与我国的武侠电影正是相得益彰。总之,武侠电影音乐是武侠电影艺术的重要表达手段,有音乐的一般共性,又有自己的特性,是武侠电影艺术语言不可缺少的载体。今后,在导演们和作曲家们的共同努力下,武侠电影音乐的表现手法必将日益丰富多彩,在武侠电影中发挥更加广泛和多方位的艺术功能。 音乐赏析论文:音乐赏析的意义与方法初探 【摘 要】音乐赏析是把音乐和人生享受联系起来的。它对于赏析者的意义主要表现在:有益于陶冶情操,提升审美能力,培育创造性思维。让音乐使自己的生活更绚烂,一个很好的途径就是学会欣赏与分析。音乐语言往往带有一定的模糊性、求异性和不确定性,所以要多听佳曲,感受其美;音乐作品驰骋着丰富的想象,所以赏析时必须启动联想,捕捉音乐形象;音乐最显著的特点在于蕴涵着丰富而强烈的情感,所以赏析时应体验情感,挖掘内涵;丰富多彩、有声有像的客观人类社会是音乐创作的源泉,而音乐家的世界观、人生观在创作中又起着至关重要的作用,所以音乐赏析要尽可能深入乐理,知人论世。 【关键词】音乐 音乐作品 赏析 音乐赏析是指对音乐作品的欣赏与分析,就是经过感悟、体验和再造想象,把听到的音响在脑中整合成音乐语言要素,从中感觉到活生生的形象,进而把握音乐作品所蕴涵的思想内容。音乐赏析无论对于赏析者还是对于音乐教育、对于社会的意义都是多方面的。它对于赏析者的意义主要表现在:有益于陶冶情操,提升审美能力,形成创造性思维;对于音乐教育的意义主要表现在:它是音乐教育的重要支柱,是进行素质教育不可或缺的一个环节,是进行审美教育的必要手段;对于社会的意义主要表现在:是实现音乐作品社会作用的必要条件,在造就社会所需的时代新人方面有着重要作用,并能够促进人类社会审美理想的形成。限于篇幅,本文重点阐述音乐赏析对于赏析者的意义,在此基础上探索音乐赏析的方法。 一 音乐赏析对于赏析者的意义 1.有益于陶冶情操 优秀的音乐作品,无论是声乐作品还是器乐作品,都是内容与形式、思想性与艺术性的完美统一,有着强大的艺术感染力和深刻的教育力量,能够带给赏析者艺术造诣的升华,使其道德情操得到进一步的提升。赏析者在审美的氛围中会不知不觉受到音乐形象的感染,自然而然地受到教育和启迪,产生乐观向上的思想情感,剔除思想意识中不健康、不正确的成分,逐渐变得高尚起来,进而形成较高的音乐文化修养及完美的人格。 2.有益于提高审美能力 优秀音乐作品是人类的艺术财富、人文精髓,能够使审美活动带有鲜明的倾向性,引导赏析者建立正确的审美观,消除错误的审美观,从而使其受到教育和启迪。美的观念是同人们的道德观念紧密相连的,它反映着人们的世界观,所以赏析者进行音乐赏析时,实际上是在接受一种道德观、价值观,其影响极为深远。赏析者通过对音乐作品体裁、题材、形式、风格、内容思想性,作曲家创作意图,具体的表现手法等诸多方面进行深入细致地分析,逐渐准确地把握住作品的音乐形象,领会作品中的人文情怀,汲取音乐艺术的精髓,养成审美鉴赏与辨别能力,从而提高审美能力。 3.有益于培育创造性思维 由于音乐语言往往带有一定的模糊性、求异性和不确定性,总是有意无意地留下了许多空白,因而音乐赏析需要艺术想象力,让赏析者去延伸拓展,去捉摸思考,否则便难以转化为具体可感的形象世界,更不能从赏析中得其境界。音乐赏析不仅需要艺术想象力,而且也发展艺术想象力,它是一种积极主动的艺术再创造活动,而不是被动、消极的感知。音乐赏析的过程是一个不断探索、创造的过程,其间所形成的思维方式主要是为了达到对音乐作品内涵的深刻感受、体验和创造,要借助储存的知识和经验,也要运用联想、想象等思维手段,这就使赏析者的智力得到开发,思维更加灵活和敏捷,从而培育创造性思维。 二 音乐赏析的一般方法 1.多听佳曲,感受其美 “观千剑而后识器,听百曲方能知音。”要学会赏析音乐作品,首先必须多听,且要选择古今中外生命力强、感人肺腑的佳曲,感受其富有魅力的音调、恰到好处的表现手法、确切的表达内容与音乐语言、鲜明生动的音乐形象等等。我认为,身为中国人,对我们的民族音乐、民间音乐要有深厚的感情和广泛的了解,所以更应该多听。多听民族音乐,会深刻感受到祖国壮丽山河的美,从中受到爱国主义教育。 另外,优秀音乐作品本身都是美的,可博闻广听,就是要扩大听的范围,主动接触不同题材、体裁、形式、风格的音乐作品,让脑海里既有中华民族各类音乐,又有古典派、浪漫派、印象派、现代派、各时期民族乐派的印象。赏析之前可查阅相关的知识性资料作参考,对作品内容、形式及表现手法有一个大致的了解,然后再结合音响带来的美感,便于更好地把握作品真挚的感情、严谨的结构和鲜明的主题。 2.启动联想,捕捉形象 音乐作品驰骋着丰富的想象,赏析时必须启动联想,捕捉音乐形象,才能充分体味音乐之美,感悟其情致和韵味。对于音乐形象,音乐界有许多不同的解释。简言之,音乐形象就是因为音响的启发,使人在脑海中产生想象中的事物形态或生活图景。如赏析歌曲《橄榄树》的音乐,从六弦琴奏出的大段缠绵不断的分解和弦,到长笛奏出的主题旋律,其音调多是下行的,和弦也是沉郁而柔软的,音型却热情而带祈求,又因每一乐句的句尾拖着长音,更增加了哀而不伤的问句气氛,使人产生无限的伤感惆怅,同时伴有向往之情。这种音乐效果,使人联想到月夜下游吟歌手身背六弦琴、独自漫步弹唱的画面。如能进一步展开联想,就会想到台湾同胞由于多年来不能回到祖国怀抱,以至于“叶落求归根,梦境叹依稀”。人们听到此曲,便会激起浓重的乡愁,或由草原想到大陆,或由橄榄树想到和平,仿佛看到自己变成和平鸽,翱翔于烈烈长空,飞到和平之神的塑像前发出撕心裂肺的祈求,热盼回到祖国怀抱。可见,以丰富的联想捕捉到的音乐形象,可谓胜景无限。 3.体验情感,挖掘内涵 音乐作品不仅驰骋着丰富的想象,并且蕴涵着丰富而又强烈的情感,这是音乐最显著的特点。音乐的内在特点就是抒发感情,音乐作品无不是为了抒情而存在的。换句话说,情感是音乐的生命、灵魂,没有情感就没有音乐。所以在赏析音乐作品时,要以深刻的思想体验,感受音乐作品的情感,然后循着对音响的感知,用灵动的大脑去体悟作品的思想内容或题材范围,进而挖掘其情感内涵。 对于有歌词的声乐曲,因语言本身的含义、节律、韵味等都会在一定程度上揭示出作品的思想内容,这对赏析者具有启示作用,要体验其感情内涵并非难事。但是对于没有歌词、纯器乐演奏的器乐曲,要挖掘其情感内涵相对困难一些。乐曲的标题有时是内容的集中体现,帮助我们了解乐曲的大致内容,同时也可从中揣摩其情感内涵。如圣?桑的《动物狂欢节》,在传统狂欢节中对各种动物进行描绘,它是由14首独立短小乐曲组成的管弦乐套曲,14个小标题使人们在听乐时,能够按照乐曲标题的提示,在思想内容的引导下受到作品情感的熏染,从而情不自禁地陶醉于作品中,或受到感召,产生强烈的情感共鸣。 4.深入乐理,知人论世 前文已经提到,赏析者进行音乐赏析时,实际上是在接受一种道德观、价值观。因为多数音乐作品所表现的内容、感情及创作意图,总离不开作者的世界观,所以赏析者要深入乐理,从作者思想感情的实际出发,由表及里、由此及彼地探求作品的哲理性。如唐代古琴乐谱《碣石调幽兰》,有如下记载:孔子周游列国,终不见用,他在途中看到幽谷中沁人心脾的兰花,于是感慨道:“兰花是香花之王,如今却与野草丛生,正如‘贤德之士,怀才不遇,生不逢辰。’”于是弹奏了《幽兰》这首琴曲,它启发人们自觉抵御现实中的种种诱惑,不畏强权,勇敢地伸张正义、维护真理。 对于那些无标题的音乐作品,应该怎样赏析呢?那就要“知人论世”。“知人”就是要了解作曲家各方面的情况,一是将其作为个体的人来看待,了解其创作才情、个性气质、艺术修养、审美志趣,甚至师承和流派;二是将其作为社会的人来看待,了解其生活经历、政治遭遇、思想崇尚,乃至籍贯、家世和交友。“论世”就是要了解作品的时代背景,如政治上的治乱、经济上的兴衰、社会生活面貌、文艺思潮、社会风气和风俗习惯等。如贝多芬的《命运交响曲》,是一部哲理性很深的音乐诗篇,其哲理性是贝多芬所有九部交响曲中较为杰出的一部。它反映出当时全人类共同遭遇的命运和人民要起来、要解放,社会要革新、要前进,急需寻找自由、平等、博爱的资产阶级革命道路的理想。但因种种逆历史潮流而动的恶势力的无情阻挠,在此社会背景下,作者创作了这首作品,认为只有与恶势力做不屈的斗争,才能取得最后胜利。结合贝多芬当时的个人遭遇,乐曲中有着抑郁的成分,更有希望、有斗争、有必胜的信念,充分揭示了作者感情深处隐藏很深的心声,却得到了人们广泛的共鸣,激励着我们以顽强的意志去争取斗争的胜利。对于大多数无标题音乐作品的赏析,因其寄寓着很深的哲理,只有善于“知人论世”,才能充分领悟乐曲的情致和韵味,从而不断提高音乐赏析的能力和水平。
音乐教学论文:小学音乐课堂口风琴教学论文 一、利用口风琴教学,可以调动学生的学习兴趣 在小学音乐教学中,兴趣是学生最好的老师。小学生的好奇心非常强,对新生事物有着独特的情感。口风琴的出现,就像枯燥音乐课中的一块磁石,牢牢地将学生的注意力吸引过来。他们对口风琴真是爱不释手,摸着、敲着、鼓起腮帮子使劲地吹着,学生们一个个可爱的表情映入我的眼帘,真是觉得格外欣慰。如果此时教师再吹奏一曲学生喜欢的歌曲,那更是引发了学生的兴趣,教师的表演会如魔术师般吸引住学生。比如在带领学生学唱《其多列》这首歌曲的时候,我并没有按照以往的传统模式进行,因为这样会让学生感觉非常枯燥,不能将学生的积极性调动起来,更不能达到素质教育的目的。我用口风琴的形式教唱,让学生在课堂上欣赏到口风琴的优美旋律,增强了学生的学习兴趣。这样,学生们不仅很好地学习了这首歌曲,还解决了在教唱中的一些音准问题。学生喜欢上了音乐课,爱上了口风琴,从而实现了新课程标准倡导的“生本教育”理念。由上可见,当一件乐器作为教学工具出现在课堂上时,学生们肯定会非常好奇。当他们拿到口风琴的时候,即使不知道口风琴的演奏原理,也会不约而同地吹奏。口风琴的出现,激起了学生学习音乐的欲望,让学生迫不及待地想要去了解它、使用它。学生因为兴趣去学习这首歌,效果一定会非常棒。 二、利用口风琴教学,可以提高学生的音乐素养 在小学音乐教学中,学生听与教师唱是教学的老方式。自从口风琴出现在小学音乐课堂上之后,大大充实了课堂内容,学生除了听与唱,还可以进行演奏,使音乐课堂教学内容变得丰富多彩。口风琴教学,可以帮助学生直观准确地掌握音乐知识,提高节奏感与旋律感,让学生的视听与演奏能力都有所提升。教师在音乐课堂中,要充分利用口风琴进行教学,让学生通过识谱、学唱、演奏等环节,更加深刻地认识这首歌曲。比如在教学《幽静的山谷》这首歌的时候,我就将口风琴教学融入到课堂之中。我先为学生播放了一遍歌曲,然后又用口风琴演奏了一遍歌曲,让学生欣赏不同风格的音乐。在学唱的过程中,口风琴的演奏还可以调动学生的多种感官,让学生的手、眼、口、耳并用。而且,我还让学生进行口风琴表演,让学生参与活动之中,在口风琴训练中,学生不仅学会这首歌曲,还对自身的音乐素养有了潜移默化的作用。除此之外,教师还可以将口风琴演奏与欣赏教学融合在一起,伴随着学生的听与看,还可以让学生演奏一番。让学生在愉悦的欣赏音乐中,亲身地体验音乐、感受音乐、理解音乐。口风琴的融入,既丰富了音乐的课堂内容,培养了学生的音乐兴趣,又扩大了学生的音乐视野,提高了学生的音乐素养。 三、利用口风琴教学,可以培养学生的合作能力 无论是在学习与生活中,都不能缺少团结合作的意识。一个懂得合作的学生才会更好地适应新环境,取得更佳的成绩。现在的小学生,独生子女比较多,平时家长都比较娇惯,所以学生以自我为中心的问题比较严重,没有集体荣誉感,不考虑别人的感受。通过口风琴教学,可以帮助学生改变这种自私的意识,锻炼学生的团结合作能力。所以,教师要在学生之间构建一种开放、民主的学习氛围,让学生之间相互鼓励,相互促进,共同享受成功的愉悦。比如在《小雪花》这首歌曲的教学中,我就为学生提供了一次共同合作的机会。我先让一部分学生演奏这首歌曲的主旋律,我则为这些学生演奏副旋律,让其他学生静静地聆听。当他们都熟悉以后,我会让学生两人一组,用口风琴进行合奏,接着将合作的感受转移到合唱之中。学生们轮流演唱与演奏,如果有一个同学做得不好,就会影响整个小组。这种合作式模式,不仅顺利地将歌曲中的难点解决了,学生们学唱效果也很好,学生之间的合作意识也更加强烈了。如此看来,口风琴教学与音乐课堂有机地结合在一起,所起的作用是其它教学方式无法取代的。口风琴的使用,不仅让所学歌曲的表现形式变得更加丰富,也为学生提供了更加广阔的合作空间。学生在进行音乐学习的同时,合作意识在增强,团队精神在提高,以自我为中心的缺点也正在逐步地改善,教学效果真是一举数得。 四、总结 总之,音乐教育是进行艺术教育的重要途径,它既体现了素质教育的内容,又是进行素质教育的手段。口风琴的融入,让小学音乐课堂更加具有特色,口风琴与音乐教学的融合,是一种独特的表现形式,它更直接地激发了学生的音乐情感,让学生更迅速地掌握了音乐知识。口风琴教学,给小学音乐课堂带来了活力,给我们带来了无限的欢乐。 作者:钱淑萍 单位:江苏省张家港市金港中心小学 音乐教学论文:幼儿启蒙音乐教育教学论文 一、幼儿启蒙音乐教育的重要性 首先,幼儿启蒙音乐教育能够启发幼儿的想象力与创造力。幼儿启蒙音乐教育通过音乐表达情感,体现幼儿的情感变化、心理变化、思维变化,通过各类音乐活动、音乐游戏、音乐欣赏激发幼儿的情感表现,有利于激发孩子的想象力与创造力。其次,幼儿启蒙音乐教育能提高幼儿的听觉能力与记忆力。幼儿启蒙音乐教育通过听力传递音乐信息,有利于加强幼儿对音高、音值、音色、强弱、节奏、力度等方面的听辨能力,有利于提高幼儿的听觉能力,对幼儿记忆力的培养也能起到一定促进作用。最后,幼儿启蒙音乐教育对提高幼儿情操,促进幼儿德育发展具有重要作用。幼儿启蒙音乐教育让孩子与音乐频繁接触,通过音乐感知将音乐传递到大脑,增加积极情感,促进幼儿的情操与情感体验,使幼儿获得对美的深刻认识和理解。总之,幼儿启蒙音乐教育强调以人为本,通过音乐培养幼儿的情感认识,在潜移默化中对幼儿进行思想教育,用生动的音乐语言让幼儿的情操与情感得到发展,有助于提高幼儿的思想道德能力。 二、家长对于幼儿启蒙音乐教育的作用 随着社会的发展,越来越多家长对幼儿启蒙音乐教育的认识不断加深。幼儿出生后最早接触的是家长,家长若能全面、细致了解幼儿的心理发展状况,便能及早发展幼儿的音乐天赋。在此基础上,家长要保护幼儿的音乐天赋,尊重幼儿意愿,针对幼儿的爱好与兴趣等具体情况,制定适合幼儿启蒙音乐教育的计划。第一,全面开发幼儿大脑。幼儿启蒙音乐教育对促进幼儿右脑开发有重要作用。右脑主要运用于色彩、图像、音响等形象思维。为了让幼儿有更加丰富的形象思维和创造能力,开发幼儿右脑很有必要。家长让幼儿接触各种不同风格的音乐,与孩子进行一些音乐活动,可以让幼儿的右脑处于积极的活动状态,从而增强大脑的活动机能,促进左右脑的协调发展,有利于全面开发幼儿大脑。第二,培养幼儿艺术修养,为幼儿的学校音乐教育奠定基础。音乐是感情交流的重要途径之一,幼儿启蒙音乐教育能够激发孩子对美的追求,培养孩子的审美情趣,提高幼儿的注意力、艺术修养,塑造幼儿健康、开朗的人格。儿童早期接触音乐教育,在幼儿园和学校打下良好的音乐基础,能够增强其音乐节奏感和听辨能力,培养其音乐鉴赏能力。 三、幼儿启蒙音乐教育与教学方法 (一)正确认识幼儿的心理特点 音乐教育教学的方法与模式要与儿童的生理、心理特点相符。幼儿学习是游戏化的过程,孩子的模仿能力特别强,好动、好玩,对新鲜事物好奇心强。在音乐活动中表现为合群、注意力持续时间短、情绪转换快、注意力不集中等特点。快乐与兴趣是幼儿音乐教育与教学活动的重要准则,因此,家长必须正确把握孩子的身心特点,了解孩子的音乐学习心理,准确掌握孩子对音乐的需求,从孩子的角度开展音乐教育活动,让孩子真正喜欢音乐,热爱音乐,只有这样才能对孩子起到有效的教育作用。 (二)创造良好环境,加强节奏感训练 幼儿的音乐教育要符合幼儿发展和成长的需要。音乐教育的内容应贴近孩子的生活,激发他们的学习兴趣。家庭作为孩子的第一课堂,影响远远大于学校。培养孩子良好的音乐素养,家长要注意家庭的音乐熏陶,努力为孩子营造一种宽松、快乐、活跃、自由的家庭气氛,让温馨的家成为孩子们展示音乐才能的场地。孩子们在音乐表演时感到轻松、自由、无拘无束,有利于培养其自信心和创造力。由此可见,创造良好的音乐教育环境能够对孩子产生积极影响。音乐不只是歌曲,还是动作、舞蹈、语言的共同体。在幼儿启蒙音乐教育中,需要把语言、动作、音乐等元素组合在一起,进行最基本的节奏训练。通过语言和歌谣培养孩子的节奏感,对家长来说是最简单易行的教育方法,不仅对孩子语言发展大有益处,还能培养孩子的记忆力和音乐节奏感。 (三)设置亲子活动,加强听觉能力训练 亲子音乐活动的设置有别于幼儿园的音乐教育活动,一定要突出亲子活动氛围。亲子音乐活动以活动、游戏为中心,体现幼儿音乐教育的生动性、灵活性和随意性特点。为取得更好的效果,提高幼儿的学习兴趣,可以在活动中进行听觉能力训练。听觉能力训练主要是有针对性地锻炼幼儿的音乐内心听觉,因为音乐内心听觉是内在支配力量,反映了乐者对音乐的驾驭力、记忆力以及想象力,在音乐创作、表演、欣赏等活动中发挥着重要作用,能够引领音乐活动进入预设的理想境界,提高音乐活动质量。因此,可以采取多种方式进行听觉训练,如听中有唱,唱中有听,通过这些方式引领幼儿获得内心听觉,积极参与到音乐活动中。另外,以游戏为听觉训练场景,设置亲子活动,能够在游戏中激发幼儿心智,获得音乐知识。如可以利用儿童积木设计“音符积木”,不同颜色的积木由上而下分别代表全音符、二分音符、四分音符、八分音符以及十六分音符等各种常见音符,并用相应的组合块数表示其时值关系。通过这样的设计,让幼儿从视觉上直观感受音符的时长,加深对音符时值关系的认识。在学习各种常见节奏型时,设计把每一种节奏型做成一个卡片,听辨节奏时,幼儿把一个个节奏卡片拼接起来,形成节奏片段。这样的设计,不仅清晰明了,还提高了孩子的动手能力。 (四)选择合适乐器,加强创造力训练 音乐活动中的孩子不是被动的听众,而是一名音乐创作者,在音乐实践中学习音乐、参与音乐活动。乐器对孩子来说,不仅是乐器本身,更是玩具,还是一种教育的载体。儿童乐器演奏简单并贴近生活,与孩子天性相一致,是孩子的良师益友,是接近音乐最直接的方法,也是将音乐生活化的最好诠释。所有乐器中,打击乐器的音色最独特、最丰富,具有启发孩子即兴创作欲望的理想效果。可以依据幼儿喜爱敲敲打打的天性,选用构造简单、体积小、便于操作、演奏音量可控制在口语音量之下的打击节奏乐器作为教具,如碰铃、双响梆子、沙锤、三角铁、手鼓、串铃、小镲、木鱼、响板等,训练幼儿节奏感,在游戏中达到训练效果,增加趣味性。 四、结语 幼儿的生理功能与神经系统发展迅速,为了更好地开展音乐活动,幼儿音乐教学应该提倡游戏方式,结合幼儿身心发展特点,积极协调好学生、家长与教师三者之间的关系,明确各自职责,培养幼儿的音乐感知能力,激发幼儿的学习兴趣,引导幼儿走上快乐的音乐学习道路。 作者:唐维霜 单位:成都师范学院 音乐教学论文:音乐教育发展中钢琴教学论文 一、对钢琴教学性质的概述 根据当前一部分高校制定的钢琴教学法,可知,钢琴教学属于国民音乐教育的范畴,钢琴教学过程中出现的一系列共性问题应属于音乐教育中的问题。目前来看,钢琴教学可分为两大类:一类是国民音乐教育,另一类是专业音乐教育。音乐艺术院校中以钢琴为主的钢琴教学属于专业音乐教育的领域,教育目标是培养钢琴专业人才。高校音乐系中的钢琴课,往往学习的是钢琴的基础知识,属于国民音乐教育的范畴,面向的对象不是少数专业性的人才,而是广大学生,教育目标以提高学生的基本音乐素质为主。 二、钢琴教学与音乐教育的关系 钢琴教学与音乐教育之间存在十分密切的关系,通常情况来看,钢琴曲都是纯粹性的曲子,没有歌词的掺入,几乎每一首钢琴曲都是一个优美的意境。钢琴曲中优雅的曲调往往给人一种身临其境的感觉,而且钢琴与其他乐器存在显著的差别,它不像吉他那样奔放豪迈,也不像手风琴那样节奏快,它时而给人以温柔婉约的感受,时而又能给人以荡气回肠的感觉,钢琴的诸多特性奠定了其在音乐教育中的重要作用。钢琴的学习往往需要手脑并用,学生在敲击黑白琴键时,脑海中也需要具备完整的旋律,在练习演奏的过程中,还应掌握曲调的音准以及演奏的速度,钢琴的学习一定程度上能够开发学生的智力。音乐能够成为演奏者感情的承载者,通过钢琴教学,老师能够从一定程度上了解学生的情感,同时,钢琴的学习也能够让学生通过音乐形象创造一个优雅的艺术境界。总之,钢琴教学是音乐教育中极其重要的一部分,二者相辅相成,共同促进。 三、钢琴教学在音乐教育中发挥的重要作用 1.钢琴教学能提高学生的听觉能力 听觉是音乐教育中一门重要的艺术,无论何种音乐都必须通过听觉来感知,如若失去了听觉,再美好的音乐也无任何意义。钢琴是一门独特的艺术,钢琴教学能够从很大程度上锻炼学生的听觉,钢琴有固定的音高与音准,反映在听觉上就具有了很鲜明的直观性,对锻炼学生的听觉具有重要的意义。另外,需要我们明确的一点是,钢琴演奏能影响学生的情绪,美妙的琴声能够促进学生荷尔蒙的分泌,从而影响大脑的听觉能力。总之,钢琴演奏对锻炼学生的听觉具有极大的帮助作用,对一些掌握不准音准的学生,可以通过练习钢琴,找到提高音准的方法。 2.钢琴教学能锻炼学生的节奏感 节奏是钢琴教学中的重要因素,且在音乐教育中占有重要的地位。对一些音乐基础比较差的学生而言,节奏是他们学习音乐的一个难点。事实证明,在黑板上画出节奏符号让学生学习,往往比较枯燥,学习效率比较低。如若采用钢琴练习节奏感,那么学生在感受节奏的过程中,慢慢会对歌曲的曲调有印象,当学生演唱时,节奏感自然而然会得到增强。钢琴不同于其他乐器,它有着独具特色的魅力,因此通过钢琴练习节奏感,不仅可以提高学生的音乐水平,而且能够使学生掌握节奏感,事半功倍。 3.钢琴教学能激发学生学习音乐的兴趣 在高校的钢琴课中,音乐老师为了学生掌握钢琴技巧,往往会在自己演奏之后,为学生提供练习演奏的机会,可以说老师的演奏与学生的练习演奏是钢琴教学的重要方法,也是提升学生钢琴水平的重要手段。钢琴是一门高雅的艺术,高校的钢琴老师在示范时,往往会提前进行练习,不会随意进行演奏,钢琴老师优雅的气质与高超的演奏技巧往往是吸引学生学习钢琴的重要因素之一。 四、结语 随着钢琴教学的不断发展、创新,钢琴艺术在音乐教育中的应用越来越广,人们对钢琴的熟悉度也会越来越高。钢琴在当前人们的生活与学习中扮演着极其重要的角色,对高校学生而言,掌握好钢琴艺术对我国未来的国民音乐教育意义重大。总地看来,钢琴教学为音乐教育增添了风采,给人们的生活与学习带来极大的乐趣,使人们在工作与学习之余能够感受钢琴带来的独特魅力。 作者:李春晓 单位:河南艺术职业学院 音乐教学论文:初中多媒体音乐教学论文 一、激发学生兴趣,调动学生的主动性与积极性 兴趣是最好的老师。教师对多媒体的应用能够很好地实现这一点,初中学生大部分都还是属于孩子天性,他们对世界新鲜的事物都保有一份好奇的心理,多媒体的出现也不例外,特别是贫困山区的初中学生,由于一些外界因素的限制,他们在学习中所接触到的学具本来就不是很多。多媒体在初中音乐教学中的应用可以增强学生学习音乐的主动性与积极性,音乐课不同于其他的课程,它的特殊性体现在它需要教师给予学生精确的、清晰的示范,多媒体的应用很好的弥补了这一点。 二、切实彻底详尽地发挥多媒体的作用,培养学生的综合能力 多媒体(Multimedia),在计算机系统中,组合两种或两种以上媒体的一种人机交互式信息交流和传播媒体。使用的媒体包括文字、图片、照片、声音(包含音乐、语音旁白、特殊音效)、动画和影片,以及程式所提供的互动功能。它以其多样化的形态与形式展现出多姿多彩的风姿。对学习音乐的学生来说,多媒体不仅能满足他们对音乐精准的听、看等等一些其他的要求,还可以以画面等多种形态展示音乐的魅力,多媒体所具有的多样化特点使对学生综合能力的培养成为一种可能。教师应该充分利用多媒体多样化的特点,以多样的形式指导学生对音乐的学习,同时利用多媒体全面的特点向学生展示音乐的无穷魅力,从而对音乐达到高度、深度、广度的学习。 三、有利于创设教学情境,加强教学效果 良好的教学情境不仅有利于教师教学的开展,而且有利于学生对知识的良好接受。多媒体未出现之前,教学情境只能依靠教师的描绘与学生的想象完成,这就对教师的描绘能力与学生的想象能力有着相当高的要求,因此出现的弊端不计其数。多媒体的出现很好的改善了这一现状,教师可以利用图片、声音、视频、音乐、文字等等多种形式将学生引进当堂课程所需要的一个情景。这样一方面可以增强学生对知识点的理解,加强教学效果。另一方面可以促进教育事业的发展,为我国教育事业的前进步伐添加一剂促进剂。 四、有利于提高教师的教学质量和自身的发展 多媒体在初中音乐教学中的应用对教师来说重要的意义主要分为两点,第一点是有利于提高教师的教学质量,教学质量对学生和教师来说都是极其重要的,尤其是教师,教学质量不仅是教师工作能力的体现,更是教师综合能力的显现。第二点是有利于提高教师自身的发展,高层次的教学质量是对教师的一种肯定,一方面教师自身会对未来的发展前途有更加强烈的自信心,另一方面良好的教学质量会使教师得到领导人的重用。而良好的教学质量离不开多媒体的使用。 五、多媒体有利于多元文化的渗透 音乐是一种文化,渗透着本民族的历史、地域、文化及风土人情的特点,要体会音乐的个性风格,必然要了解其文化背景。多媒体辅助教学,正是开通了这条道路,它用各种先进技术融各类人文科学于一体,大容量展示教学所需的辅助内容,为全方位鉴赏音乐作品做好了文化铺垫。例如学生在对音乐的学习中可以首先出示介绍有关音乐的文字,让学生了解音乐的魅力及其发源与发展,然后介绍该音乐的故事梗概,再结合音乐表演的资料图片,使学生对其音乐背景有更好的理解;同时播放与该音乐相关的其他国家的音乐,了解该音乐融入其它国家相关音乐的效果,使学生了解本土音乐与多元文化的联系。 六、结语 总而言之,初中音乐教学对初中生有着重要的意义,不管是专业学习者还是业余学习者。一方面初中阶段的学习会影响学生以后对音乐的态度,就像有些学生厌学一样教师不好的引导可能导致学生以后生活中对音乐的厌恶。另一方面初中音乐教学可以使学生在了解音乐的基础上对以后做出选择,也就是说对音乐感兴趣的学生在初中学习的基础上可以确定自己以后所要追寻的音乐梦。多媒体的出现不管对学生还是对教师来说都是一件益事,在教育界是值得纪念的一件大事。 作者:王燕 单位:酒泉市肃州区泉湖中学 音乐教学论文:特殊教育学校音乐教学论文 一、特殊教育学校开展音乐教学的意义 在特殊教育学校开展音乐学习不仅能够丰富学生的情感,更可以使学生的身体和心灵健康发展,帮助学生远离孤僻,融入社会,增强学生对生活和学习的信心,这也是特殊教育学校注重音乐教学的原因之一。 二、特殊教育学校音乐教学的对策 1.改进管理模式和教学理念 近些年来,我国特殊教育院校开展的音乐教学大多以娱乐为目的,虽然音乐教学可以给特殊教育学校的学生带来快乐,但是这样的音乐教学并不等于高质量的音乐学习。所以,地方政府以及相关的管理部门都要对特殊教育中音乐教学的意义进行重新的认识,要重视音乐教育对于特殊教育学生心理康复以及生理恢复的作用。因此,要加大财力投入以及人力投入,改善特殊教育的音乐教学环境,鼓励学校的音乐教师对课程所有内容进行自觉学习,对自身的教学方法进行创新,把音乐教学与学生的生活紧密联系起来,提升学生感受音乐的能力,对学生认知不足进行有效的弥补,提升特殊教育学校学生各方面的素质,为特殊教育音乐教学的可持续发展奠定良好的基础。 2.音乐课堂要走出教室 人们都对课外活动的意义了如指掌,在课外活动中,学生能够展现出真实的自我,陶冶自身的情操,音乐教学同样如此。在特殊教育学校的音乐教学中,教师可在环境优美的公园里播放优雅的音乐,让学生感受大自然的魅力。这样不仅能够激发学生学习音乐的积极性,还可以让教师在活动的过程中发掘学生的特长和优点,方便教师以后具有针对性地开展教育教学活动。与此同时,课外活动是对校园文化生活的补充,因此要加强与其他学校的沟通、合作及交流,发现其他学校的长处,弥补自己的不足,从本质上提升特殊教育学校学生的学习能力和教师的教学能力。 3.结合音乐治疗开展教学 在特殊教育学校开展音乐治疗仍然处于初级阶段,不是每所特殊教育学校在音乐治疗中都会取得显著的效果。但是身为音乐教师,必须要对音乐治疗理念进行学习和掌握,灵活运用音乐治疗的方法,将音乐治疗与音乐教学相结合。与此同时,教师还要结合实践经验进行不断的探索和反思,不断改进和完善教学方案,及时掌握特殊教育学校学生的情绪变化,走进学生的心灵中去,将学生身体和心理特征作为出发点,满足特殊教育学校学生的需求,从本质上促进课堂教学水平的提升。 三、结语 音乐教育不仅能够让特殊教育学校的学生萌发兴趣和爱好,更有利于学生的心理健康,有利于学生高尚的道德情操和审美素质,教师在开展特殊音乐教学的过程中,能够提升学生的鉴赏能力以及艺术素养。因此,教师必须发挥音乐学科的特点和优势,将提升特殊教育学校学生的综合素质,培养学生的能力作为教学目标,将音乐教材多元化内涵挖掘出来,对学生实施思想教育和道德教育。 作者:费华鑫 单位:内蒙古呼伦贝尔市特殊教育中心 音乐教学论文:中职学前教育专业音乐教学论文 一、教学对象的分析 教学方案的设计第一步就是要结合相关教学内容的特点,认清教学对象,分析教学对象的特点,认识其能力与不足。中职学校的学生一般学习能力不强,知识结构单一,只有初中学历,有些中职学校的学生家庭条件不是很好,从小接触音乐的机会,也许就是平时上的哪几节音乐课,还有就是可能追星时学唱的那几首流行歌曲,估计也就仅此而已,所以说,他们可能的音乐基础,尤其是乐理知识知之甚少。 二、教学具体任务和目标的树立 中等职业学校学前教育专业音乐教学需要达到的目标就是培养学生的唱、弹唱、编创能力。其中“唱”是第一个阶段,学前教育专业中音乐教学要求培养出能够随时随地能唱出多首风格各异的童谣或是儿童歌曲,同时要具备教幼儿唱这些歌曲的能力;进入下一个阶段后,就是“弹唱”,要求学生能够一边弹琴一边教儿童唱歌,这是学前教育专业学生必须掌握的重要能力之一,边弹边唱是最实用的技能之一,培养这方面的能力尤为重要;最后一个阶段,则是“编创”,要求在与儿童的长期学习接触中,学生能够明锐的观察出儿童的特点和实际情况,编创出适合儿童唱跳的歌曲和舞蹈。一般情况下,在校期间,学生很难掌握此项能力,比较努力和有天赋的学生也只能掌握一些理论知识,对于实际编创,难度可能很大。 三、教学方式方法的思考 这个专业的学生出了校门以后,可能也是一名教师,现在中职学校对他们采用的教学方法可能是他们以后模仿的依据和基础,所以学校在选择教学方法的时候,多采用一些针对儿童的、活泼的,容易引发兴趣的。第一种,发散联想。在看完有关短片、照片后,教师进行有关背景介绍,再让学生去听相关音乐,通过背景介绍,让学生充分体验音乐中的情感和作者的心声,完成学生对作者勾画的画面的想象。这种先有感性认识和背景情况的了解,再通过聆听想象作曲者勾勒的美好画面的方式方法比老师介绍曲子内容后,放音乐,更能让学生对作品有新的领悟,提起学生的兴趣,最后可以结合情况,提出一些问题,启发学生发散思维。第二种,作游戏。例如,课堂上,以五声阶中任意一个单音节开始,即兴接唱,看谁唱的快,接的多,需要学生平时的积累,如果以do开始,请学生接唱,大家纷纷接唱,一会就能唱出几首歌来,有效活跃的课堂气氛,逐步引导学生兴趣,拓展学生思维联想。加强学生对歌曲的记忆能力,相互启发思路拓展视野和知识面。游戏是很自然的活动,学生将逐步区分正常呼吸和唱歌时呼吸的不同,鲁索说过,“掌握了呼吸,就是学会唱歌的一半”。逐渐培养学生唱歌的自然性。第三种,肢体表示。该专业的学生中一定存在音乐乐感不强的人,如果不断的让他们听完了唱,唱完了记,就是将记完的又忘,形成这样一个怪圈。同时这种枯燥乏味的学习方法将挫败他们的学习兴趣。利用手势表示五声音阶,例如,sol是掌心面对前方,手指指天;la是掌心向地,手指往左指等等。通过听觉和视觉的配合,有效提高了学生学习兴趣,提高了他们的应急性和掌握音准。第四种,实践教学。理论联系实际,再高尚的理论不能应用于实际,只是纸上谈兵,不断创造机会将学生从学校带到幼儿园里,接触儿童,提升他们对幼师行业的认知度,一方面,他们可以将平时学校书本上写的,老师课堂上教的知识好好应用到怎样做好一个合格的幼儿园幼师上来。另一方面,现在极大匮乏专业幼师人才的幼儿园也需要有一些新鲜的血液,创新的思路补充进来。实际上这种教学方法实现了中职学校与幼儿园的双赢,实现了中职学生与幼儿园幼儿的双赢。第五种,主动教学。现在的学习一般都是被动的、填鸭式的教学,学期结束后,一张试卷测试学生的学习效果。社会发展到现在,我们急需采用一种新的教学方法———主动学习。通过进一步编排课本中的知识,将其设计成一系列的问题,启发式的推进课程的进行。提起学生的学习积极性,变被动学习为主动学习。 四、结语 总而言之,对于中等职业学前教育专业的这一学生群体来说,该专业的特殊性决定了音乐学习是他们重要的一环。由于中职学校学生学习能力等方面存在着很多问题,中等职业学前教育专业的音乐教学也十分艰难。音乐水平的提高是他们顺利就业的制胜法宝,也是当好一名幼儿园幼师的必备条件。学校既要教会他们唱歌、边弹边唱及编创等音乐能力,还要教会他们教学的方式方法。授人以鱼,不如授人以渔。上面提到的五种中职学前教育专业中音乐教学方法,也可以是他们以后成为一名幼师后教孩子们的一种方法。 作者:吴亚芸 单位:贵阳市第三十一中学 贵阳市经济贸易中等专业学校 音乐教学论文:教师专业素质音乐教学论文 一、用自己的人格魅力去感染学生 要做到感染学生,我们对待工作的态度及处事的方法一定要起到引导作用,苏霍姆林斯基说过,对待学生要“小心的像对待玫瑰花上颤动欲坠的露珠。”因此,作为音乐教师,要热爱学生、了解学生、尊重学生,对自己严格要求,只有这样,才能将他们引入音乐的殿堂,调动起他们学习的兴趣。例如我们在教唱简谱视唱的过程中,因为学生有着先天性的差异,故而乐感好的同学唱得准、学得快。反之,天赋较差的同学却怎么也唱不好,越不会就越觉得枯燥乏味,很容易丧失信心。面对这种情况,作为课堂的主导者,我们不能对他们放弃,而是要以一种积极、正确的心态去面对,因为我们培养的不仅仅是能力,更重要的是兴趣。所以,要因材施教,变换教法,舍弃一切单调、枯燥、令学生感到厌烦的内容和模式,夹杂些课堂活动去引导他们;利用明星成名的经历去启发他们;经常用微笑的目光去关注他们;很有耐心的去引导他们;并用鼓励的语言去激励他们,让学生在这种氛围下解除心中的压力,提高兴趣,增强勇气,由喜爱一个老师而喜爱这一门课。平时珍惜和他们交谈的每一次机会,心灵的沟通可以让他们提高自信,心理得到健康发展。 二、用优美的语言感染学生 音乐是一门最擅长表达情感的艺术,具有很强的感染力和吸引力。因此,要求音乐教师要有很强的语言组织能力和表达能力,把形象的语言与抽象的音乐糅合在一起。例如在教《蓝色的故乡》这首歌曲前,我首先让同学们闭上眼,随着教师的语言展开丰富的想象,从而进入一个意境:“在茫茫的草原上,蓝天和大地几乎连在了一起,成群的骏马从这里嘶鸣而过,矫健的鹍鹏、雄鹰在天空中实现着翱翔万里的理想,年老的阿妈在帐篷里把古老的故事一说再说;格萨尔王、嘎达梅林、一代天骄成吉思汗在这里把自由的火种点燃。你瞧,草毯上牧羊人正潇洒地挥舞着牧鞭,享受着生活的美;听,那边又传来了清脆、悦耳的歌声和着马头琴的悠扬。他们在尽情编织着这个蓝色的故乡……”经过这样一番描述,学生充满了对大草原的向往,不仅增强了学习的动力,而且很容易理解歌曲的内涵,把握歌曲的情绪,学起来自然就简单了,唱起来也就分外动情了。让他们在感受语言美的同时,来表现歌曲的美,用歌声去传达语言无法表现的情感。 三、用过强的专业素质感染学生 人常说:“一个好的教师,会影响一个孩子的一生。”这就要求教师要有很高的专业素质和文化修养。针对音乐教学而言,教师的专业素质和文化修养可以影响一个孩子对音乐的兴趣及审美标准。例如在课堂上,我们给学生范唱,如果一张口发音不到位、节奏不稳、或是与手下的伴奏不吻合,显而易见就影响了歌曲本身的美,很容易导致学生厌烦的情绪。反之,如果唱得优美动听,声情并茂,并配以娴熟、流畅的乐器伴奏,就很容易激发兴趣,让学生产生崇拜、模仿的念头。再如,我们在给学生上欣赏课———《二泉映月》时,不仅要讲解盲人阿炳的原名、人生经历、毕生成就及《二泉映月》创作背景、得名的由来,而且还要分析音乐中每一乐段所表现的内涵:哪个乐句表现了叹息、哀怨;哪个乐句表现了对人生的追求及对美好生活的憧憬与向往。把音符与所表现的内涵贯穿起来,引导学生去欣赏名曲。在歌曲教学中,把好选材这一关。通过评析、教唱《从头再来》《父亲》《儿行千里》《精忠报国》《红旗飘飘》等一些学生爱唱、具有感召力、能激发上进的音乐作品,引导学生鉴赏美、表现美、创造美,从而培养他们的审美观。同时还可以拓宽知识面,讲解古今中外一些历史名人的生平经历及歌坛巨星(同学们所崇拜的歌星)的成名过程,增强他们学习的动力,端正学习态度,给自己的人生定位。这样,学生就会被老师的博学所吸引,紧密配合课堂教学,对他们的音乐素养也起到了潜移默化的作用。 四、结语 总之,中学生高尚的音乐情操、道德品质、审美标准的形成及人生观、世界观的确立,需要精心培育和塑造。受教育者必须在良好的心态、轻松的氛围和愉快的环境中去实现。孔子曰“其身正,不令而行;其身不正,虽令不从”,而音乐教师在此的感染力是不可估量的,可以起到“随风潜入夜,润物细无声”的素质教育作用。 作者:马小丽 单位:合水县乐蟠初级中学 音乐教学论文:高师音乐专业声乐教学论文 一、高师声乐教学整体思维的涵义 整体性思维又被称为系统性思维,它善于从整体上把握事物的性质、事物之间的关系及其发展规律。整体性思维认为整体是由各个局部按照一定的秩序组织起来的,要求以整体和全面的视角把握对象。部分是整体中的一部分,任何一个部分都反映整体。整体性思维属于辩证逻辑中一种独立而重要的思维方式,具有连续性、立体性和系统性的原则和规律。连续性原则是指思维主体必须从诸多纵向的方面去反映和把握客观整体,把整个客观整体视为一个有机延续而不间断的发展过程。立体性原则是指思维主体必须从横向的方面,也就是从客观事物本身所包含的各种属性整体地去考察和反映它,把整体性事物内在的各种因素之间的错综复杂关系清晰地展示出来。系统性原则是指思维主体从纵横两方面来对客观事物进行分析和综合,并按客观事物本身所固有的层次和结构,组成认识之网,逻辑再现客观事物的全貌。对任何复杂的科学,我们越是从整体角度对各个部分做出精确理解和掌握,就越能正确地进行研究。科学要想得到迅速发展,不仅要重视理论研究,也要重视科学思维方法的研究。高师音乐专业培养的对象是音乐艺术教育工作者,对学生的培养绝不是单一的知识和技能的训练,而是对学生各种能力、综合素质的整体全面的教育。因而,高师音乐专业声乐教学是一项系统工程,不仅要注重学生的专业技能训练,还必须重视学生的艺术修养和文化修养,重视学生审美能力的培养,重视学生综合素质和职业能力的培养。整体性思维还要求声乐教师根据不同的学生因材施教,要求声乐教师注重学生全面的发展。 二、整体思维对高师声乐教学的重要性 整体性思维是一种思维方式与方法论,它渗透于人们认识事物的方方面面。由于高师音乐专业要求学生必须具备较高的综合能力,因而在高师声乐教学过程当中,无论是教师还是学生,不断培养和增强整体性思维能力具有非常重要的作用和意义。声乐整体性思维就是在高师声乐教学过程中,必须以发展的、联系的、矛盾的和全面的观点来思考和认识高师声乐教学。首先,整体性思维是实现高师声乐教学目标的重要方法。整体性思维要求高师声乐教师在声乐教学中不仅要注重学生技能技巧方面的培养,而且还必须以整体性思维对声乐教学进行整体的把握。对声乐教学所要达到的教学目标,对学生必须培养哪些方面的能力和传授哪些文化知识,以及需要借助的各种教学资源,都应该有一个宏观的把握。第二,声乐整体性思维有助于提高高师学生的歌唱水平与歌唱能力。高师声乐整体思维教学方法,不仅针对声乐的发声技能技巧,还包括声乐演唱的整体结构、情感表达和艺术形象等全面的把握,通过运用整体思维教学法,能够帮助提高学生对歌唱气息和共鸣的控制、字正腔圆的把握、音色的锤炼以及艺术表现能力等,同时训练和强化学生对声乐演唱艺术的感知、想象和理解等方面的心理能力。第三,高师声乐整体性思维教学能够培养和提高学生的艺术修养。艺术修养是培养一个声乐表演者和音乐教育者成功的关键。一个人只有对音乐有良好的心理感受,才能表达出音乐作品中所蕴含的情感和内在美,才能唤起观众的审美感受。声乐艺术技能技巧的训练是一个艰苦的过程,不仅要对音色、音准、音质等音乐基础和思维进行训练,同时还要对学生不断接受外界文化和环境的熏陶,在声乐艺术实践中逐渐形成敏锐的审美感知能力和艺术修养。 三、整体思维以审美教育为根本 整体性思维要求高师声乐教学必须以审美教育为优秀,从而达到提高声乐教学质量的目的。总的来说,专业知识和技能教育与训练是整个高师音乐教育的基础和前提。没有扎实的专业知识与专业技能,就无法顺利完成各种声乐艺术作品的歌唱活动,当然更无法感受和表现声乐艺术作品所具有的各种丰富的思想情感,无法获得丰富的审美体验。因而,高师声乐教学必须重视培养学生对声音的驾驭能力。在高师声乐教学当中,声乐教师必须突破传统的声乐教学模式和教学观念。声乐教学不能进行单纯的专业知识传授和机械的技能技巧训练,而应该将教学的重点由枯燥的知识和技能训练转变成激发学生内在的审美需求。因而,声乐教学必须将每个知识的概念和技能要点与它所表现的思想情感和意义结合起来,通过内涵不断吸引学生对美的感受和追求,在对美的感受和追求的同时,也获得专业技能和知识的提升。首先,高师声乐教学必须以美育为其根本,在进行发声基础训练过程当中,要将抽象、枯燥的声乐概念转化为生动有趣的声音形象,让学生充分感受到学习声乐的乐趣和美好,以更为轻松的方式学习声乐。因为,形象性是声乐教学的重要特征,声乐教学必须借助于音乐的声态、情态、形态和动态这些具体可感的音乐形象来启发和感染学生;第二,声乐教师在教学过程中必须根据每个学生的认识能力、接受能力、知识结构、心理特征以及生理条件来制订相应的教学计划及教学目标。声乐教学中,对技能技巧的训练不能要求过急过高,必须经过反复练习,日积月累、循序渐进不断提高。第三,声乐的学习应该是愉悦的,对声乐知识的了解和技能的掌握都必须最大限度地体现美育的基本精神,让学生主动参与,切实体会到声乐艺术的魅力,从中获得声乐艺术美的享受和愉悦。声乐教学中,审美功效的重要标志是师生之间的和谐情歌交流。师生之间必须是一种完全平等的关系,教师必须将情感的纽带抛向学生,沟通彼此的情感体验,创造最佳的审美情境。 四、整体思维必须注重学生综合能力的培养 高师音乐专业声乐教学的主要目的是培养综合型的音乐教育专门人才。教学内容既包括培养学生的演唱和表演能力,还包括培养学生的艺术实践能力、教学能力以及处理分析作品理解作品的能力。必须加强培养学生综合能力才能真正体现高师音乐专业“师范性”的特性。首先,高师声乐教学必须培养学生的教学能力,这是高师音乐专业与音乐院校声乐教学的最重要的区别。高师声乐教学既要注重培养学生的演唱和表演能力,还必须注重培养学生的教学能力,在教学的过程当中必须注重教学方法的传授。在声乐教学中可以通过组织学生相互听课、相互观摩教学,逐渐掌握声乐教学的方法。在掌握一定声乐演唱和表演技能,形成科学的声乐概念之后,可以开设声乐教学理论实践课程。在声乐教师的指导下,对学生进行分组,每个学生轮流扮演教师为其他同学上课,最后由声乐教师进行评价和指导,师生共同讨论教学中所存在的问题和建议。第二,高师声乐教学必须培养学生理解、分析、处理音乐作品的能力。高师音乐专业所培养的是中小学音乐教师或教育工作者,因而学生必须具备较好的文化和艺术修养,并且具备较高的理解、分析和处理音乐作品的能力。当前高师音乐专业毕业生还比较欠缺这方面的能力。音乐不仅是一门艺术,更是一种文化形式。中小学声乐课、音乐欣赏以及课外辅导都要求音乐教师具备理解、分析和处理作品的能力。作品的文化内涵、时代背景、曲式结构、歌词内容、音乐风格、人物性格、演唱的音色、力度速度、情感要求、和弦配置、音乐伴奏等方面都要求教师必须具备良好的文化艺术修养。最后,高师声乐教学必须培养学生的艺术实践能力。艺术实践能够提高学生的演唱能力和表演能力,是提高学生综合素质最有效的手段与途径。学校和声乐教师必须为学生提供和创造更多的艺术实践的机会和平台。可以通过定期举办教师和学生演唱会,可以独唱、对唱,还可以组织编排重唱、合唱等。学校内部还可以通过定期举办各种声乐比赛,鼓励学生走上舞台,增加学生的表演机会。 五、整体思维必须注重技法训练中的辩证性 声乐艺术和声乐教学有其自身的发展变化规律与研究目的,要真正掌握和学习好声乐艺术,高师音乐专业学生必须以辩证思维的观点来探讨和揭示师范声乐艺术发展和教学的特殊规律。在声乐学习和教学过程中充满着各种矛盾,高师声乐教师和学生必须正确认识和处理这些矛盾,必须学会以辩证的思维方法去解决声乐教学和实践中的各种问题。辩证思维是整体性思维非常重要的思维方式,它渗透于人类认识事物的各个方面。在声乐艺术教学及学习过程当中,无论是声乐教师还是学生都必须具备一种辩证思维能力,尤其是高师声乐教师和学生更是要有意识的培养和具备这种辩证思维的能力。声乐的辩证思维就是在声乐的学习和教学过程当中,必须以发展的、联系的、全面的和矛盾的观点来思考、认识和解决声乐教学中所遇到的问题和声乐现象,而不是将一些书上的一些声乐理论或一些专家、老师的话当作圣旨而教条化。声乐理论是对声乐艺术实践经验的总结,具有普遍性、共通性和原则性的特点,因而它对声乐学习和声乐教学具有方向性和指导性的作用。然而,声乐艺术学习与教学具有很强的实践性,声乐教师或学生一定要根据自身的实际情况,必须具体问题具体分析。法无定法,没有能解决一切问题的万能之法,我们必须要以辩证的态度和思维来对待声乐中的理论和方法。声乐艺术教学和学习是一个非常复杂的过程,不同教师和学生由于其性格特征、气质类型、思维方式、生理和心理特点、知识结构等方面的差异性,从而形成了不同的教学方法与学习方式。作为高师声乐教师,我们一定要根据不同学生具体情况“因材施教”、“辩证施教”。 作者:王淑芳 单位:长江师范学院 音乐教学论文:学生音乐专业声乐教学论文 一、高师声乐教学的特点 这也是高师声乐教学的一大特点。专业音乐院校的声乐教学侧重对学生的专业素质单一方向的发展,重视学生在舞台上的表现,而高师声乐教学注重对学生进行横向的发展,即提高学生的综合素质,达到“上得舞台,下得讲台”的效果,所以这一特性也对教师本身提出了更高的要求和希望。在教学中教师在传授学生专业知识的同时,还要给学生树立良好的榜样,加强师德师风的培养,提高职业道德和文化修养以及科研能力,这样学生的能力才能比音乐表演类的学生更多元和全面,成为复合型的人才。 二、学生对声乐的学习能力 (一)声乐理论的掌握。 树立正确的声音概念和审美意识,要从基础做起。 (二)声乐表演技能的培养。 多进行舞台实践,平时也要多观摩音乐会和各种演出,参加排练。 (三)正确的认识自己,重视心理素质的培养。 要注重心理素质的培养,先要肯定自己,了解自己的长处和短处,这样才能客观地评价自己,从而知道如何改进、提高、突破。 三、如何提高学生的教学能力 注重声乐的审美体验和欣赏方法,既培养了学生的演唱技能,又培养了学生的教学能力,还提高了学生的艺术鉴赏能力。 (一)高师声乐教学的重点 1.思想性和艺术性相结合的原则。 声乐是一门非常重要,但综合性极强的艺术学科,通过美妙的歌唱,它能让人心旷神怡、精神焕发。而作为这样一门妙趣横生的艺术学科,它的教学过程又充满着艺术性,它与社会的精神文明建设有着联系,高师声乐教学作为音乐教育学院的一门主修课程,其根本目的是培养能够传递声乐基础的“师者”,通过这些“师者”传承声乐这一门艺术性与思想性共存的重要艺术学科,进而由他们去促进下一代国民素质的全面发展。高师声乐教学必须始终贯彻正确引导学生审美品味以及社会主义正确价值观的培养原则。 2.因材施教的原则。 针对不同程度、嗓音条件和学习接受能力的学生采取不同的施教方法,共同寻求对学生最有帮助的教学方法。 3.循序渐进的原则。 保持不骄不躁的良好心态,本着“不抛弃,不放弃”的教学原则,由浅入深地对学生进行教育和培养。 4.声情并茂的原则。 这一点需要从教师和学生两个角度来诠释,教师不仅教会学生完成作品,还要培养学生的音乐审美能力,师生能否将声乐和真实的情感融合成一个有机体,并且将其演绎到音乐作品中来是至关重要的。 (二)高师声乐教学法 1.启发式教学法。 开启学生的想象力,发挥其主观能动性,通过丰富多彩的想象来消化老师教授的内容,让学生善于自我总结、自我思考,培养良好的学习行为习惯,自觉学习和解决问题。 2.比喻式教学法。 教师使用一些比喻的手法来帮助学生理解和体会声音以及歌词的含义,但要运用学生能够接受和理解的比喻方式,不能太抽象。 3.示范式教学法。 通过老师范唱来让学生感受声音,这种方法可以带动学生,推动学生的积极性,给其留下深刻的印象。 4.歌曲式教学法。 学生有针对性地练习歌曲,然后让学生演唱整首歌曲,在歌唱过程中培养其演唱技巧。 5.语音式教学法。 要求学生像讲话那样来歌唱,是一种古老而又实用的教学方法,在语言中找到歌唱的感觉,在歌唱中找到语言的感觉,歌词来源于生活但又是高于生活的,我们要准确地发音,使听众能够听清楚你的每一字每一句,从而在演唱中准确表达意思和抒发情感。 作者:韩悦 单位:四川音乐学院音乐教育系 音乐教学论文:高校学生音乐素养钢琴教学论文 一、高校钢琴教学中存在的普遍问题 (一)枯燥的教学方式 所谓枯燥的教学方式是指单一的教学方法。该种弊端是在广大开展钢琴教学活动的高等学校中存在的最大的弊病,时代正在发展,但是教学的方式还仍为传统的教学方式,老式的黑板教学屡见不鲜,在课堂上气氛紧张、学生的情绪呆滞,单一的教学方法没有与时俱进,无论是面对音乐专业还是非音乐专业的高校学生,教学质量不是很好,在音乐高等院校情况好于其他高等院校。纸上谈兵的一言堂式的教学方式是不适合高等院校的,广大教育工作者应引起重视。 (二)落后的教学模式 在落后的教学思想的干扰下,导致理论与实际严重脱节。在教学过程中,由于注重理论的灌输以及学时的严重不足,忽视了学生能力的培养,在资源上也没有合适的配置,教师在课堂上的互动不明显,教师的弹琴教学的时间也不足,对学生的音乐思维的培养不足,在对学生的潜移默化的影响不明显。在对学生的理论教育是为了对学生的音乐素养和音乐背景的建立,有一定的音乐基础。在对学生的能力培养中,对实际能力的训练主要是在大量的熏陶和反复性训练。因此在上述的理论和实际的教学上均没有实际的和系统的教学模式。 (三)模糊的对象定位 在社会不断发展的过程中,学生的素质在发生变化,教学内容也应不断的发生着变化。在现如今的钢琴教学中,对教学对象的定位不准确,没有清晰的了解,对学生的身心及能力爱好没有一个清晰的了解,没有真正关心过学生的发展态势。对目前教学对象是一个成年的具有独立自主能力的大学生没有一个清晰的认识,因此掌握不好教学的度,对因材施教更是没有良好的把握,在教学过程中没有积极的互动,在气氛上构造出比较凝重的气氛,不利于学习兴趣的培养与激发。 (四)教师的教学素养的匮乏 在高等学校中的钢琴教学目前仍属于一个新兴的教学种类,因此教育部门没有形成符合中国国情的教学系统与教学模式,在教师的教学素养上也没有良好的培训系统。目前普遍忽略了教师的教学战略意识的培养,对教师的教育的重要性是高于学生的,对教师的教学观念的勾勒的匮乏严重影响教学质量。 二、提升学生学习兴趣 (一)灌输钢琴的基本知识 无论是对什么的学习都需要在理解基础的知识的前提下进行的,在钢琴教学中,首先要把钢琴的神秘色彩展示给学生们,令学生从根本上爱上钢琴,这才是兴趣引领学习的起步。向学生积极的介绍钢琴,令学生对钢琴的基本结构和意义、作用有一定的了解,使学生产生学习钢琴的向往,在情感教育和音乐知识教学的过程中达到培养学生基本能力和激发兴趣的效果。 (二)因材施教进行个别培养 因材施教是一种在基本教学模式下发展起来的教学方式,是在普通教学的过程中有余力之后做的事情,通过因材施教会使教学效果更佳突出。根据每位学生不同的性格特点、学习方式、以及学习背景,进行单独的教学,适当的对其运用不同的教材及合适的作品进行培养,有助于学生真正发现自我、提升自我。在尊重学生个性的过程中逐渐的培养能力。在素质教育背景下,这种教学方式不仅符合教学的根本目的,对于学生本身来说,对其兴趣是一种极大的培养。我们教育工作者就是要给予学生平台,充分为学生考虑,使学生敢于展现自我,真正的提升自我。 (三)身临其境的教学模式 所谓对学生的学习兴趣的培养,是指令学生真正的喜欢学的过程。对学生进行身临其境的教学即是指在基础的音乐素养构建起来之后,对钢琴的演奏学习。在此阶段是需要学校及学生进行一定的财力、物力、人力投入的,要为学生准备一定的配套的硬件设施,同时学生要进行一定的时间的学习,任何过程均是孰能生巧的过程,因此要认真对待。通过不断的练习,总结自己内心的心得体会,对钢琴会有一定的见解。在今后的人生道路上也是丰富生活的一种方式。 (四)循序渐进的教学 所谓高等教育是有限的,对学生的教学只是对成年人的一种方向的引导,高等教学活动中采用钢琴教学是对学生音乐素质及能力的引导,是对意识的培养。学习都是一个循序渐进的过程,在长期的磨练的过程中逐渐形成自己的心得,通过极大的耐心逐渐的学懂它、爱上它,通过不断的迎接挑战、战胜困难,逐渐的培养钢琴学习的兴趣,某种程度上说也是一种对正确人生价值观的树立,对性情和生活习惯的培养。 三、钢琴教学的教学探索 (一)以听力锻炼作为音乐起点 对音乐的学习,首先要对接受声音和分辨声音进行锻炼。对于每一个普通的学生来说对音乐的学习必须从对音乐声音的记忆力进行练习,对音乐的系统学习也是从听力的练习开始的,这是每位音乐学习者的基本素养。对节奏、音调、曲调的敏感性是对乐感培养的首要因素,因此在钢琴的教学中这是一种基本的教学过程。注重学生音乐听力的训练是对学生独立练琴的前提培养,因此要放在首要地位。在此的基础上在进行手指与大脑的同步练习,可获得更好的学习效果。鉴于此,在教学的过程中,要不断的进行音乐听力的练习,使学生的乐感进一步提升,在不断的教育过程中会产生良好的效果,对音乐产生共鸣。 (二)把读谱学习作为音乐习惯 读谱能力是作为一名音乐学习者必备的基本素养,因此在音乐教学过程中必须加强学生的音乐读谱能力,养成良好的读谱习惯。在日常的音乐教学过程中,对于学生的读谱学习主要包括对基本的音节、节拍、以及跳音、连音等,甚至是小标记,如指法、休止符等,对以上的基本知识进行基础教学,并在演奏时进行严格把握,进行认真指导,避免学生因为粗心或者懒惰的原因进行自主弹谱。在音乐的学习过程中,必须是循序渐进的,在不断的熟练后才能有所飞跃,因此必须在学习过程中进行简单的、繁重的、必须准确的循环式重复,最终才能对乐曲产生心得,才能进行一定的、准确的、流畅的演奏。鉴于此,必须在音调、音节甚至指法上进行及其严格的控制。在选择乐谱的时候也应按照由简到繁、由易到难的过程进行学习,使学生在潜移默化中得到最正规的学习。 (三)把背奏能力作为学习目标 培养学生进行读谱演奏是最基本的音乐训练,对学生进行背奏能力的教学是重要的,也是基础的,反复的背奏只是在熟练程度上和手法上进行锻炼,但同时也不是一种优秀的学方式。单纯的依靠记忆进行背奏是不对的,在背奏能力的培养中,需要发挥学生对音乐的积极认识,在学生的头脑、视觉、听觉中进行合理的综合,通过熟练的练习,令学生找到通过感情和意识进行背奏的能力,对乐谱要有一定清晰的印象,在此基础上才能真正的胜任各种伴奏情况下的演奏。在教学的过程中可以锻炼学生进行冥想式学习,对乐谱进行脑海里的准备,在没有乐谱及琴的情况下进行模拟演出,进行该种训练可以令学生更好的掌握旋律及对乐谱整体的把握。 (四)对学生旋律弹奏方法进行训练 所谓对学生演奏方法的训练是在学生有一定基础之后进行的教学活动。对学生旋律弹奏方法的训练主要包括三方面,第一是演奏技巧的传授,通过大量的学习和演练,学生对演奏技巧有一定的心得,演奏技巧的学习主要是针对一些把握不到位的地方的改善。以及对节奏性和流畅性的良好的把握,各种演奏技巧的学习,包括各种音阶的转化、琶音练习等等。第二是演奏时情感的把握,主要是弹奏时情感投入,积极争取情感投入有助于学生对乐曲真正内涵的诠释,如何进行感情投入是需要认真锻炼的。第三是演奏方法的锻炼,演奏姿势的错误会严重的影响演奏的质量,因此在演奏时,手腕、手指、肩膀、胳膊甚至呼吸的姿势及力度是需要认真、自然的进行控制的。节奏和速度也是演奏的关键之处,对节奏及速度的控制是对曲目演奏时的心理及技术体现,因此要认真练习。 (五)加强对钢琴作品的理解 加强对钢琴作品的深度理解是学生在音乐学习过程中,对演奏产生进一步提升的关键,许多同学对该步骤不在乎,这是错误的现象。对音乐作品的理解学习有助于学生感性的认识作品产生的背景以及作曲家音乐创作时的心境,有助于学生在演奏时精神投入,有助于在感情上对作品的把握,进而能够在全情投入下演奏出动人的曲目。对音乐作品的理解学习是对学生自身音乐素养的提升,在某种意义上说是对学生的音乐见解的培养,在一定程度上形成一定的音乐见解,在学生今后的音乐发展道路上有很大的帮助,在个人性情上会产生极大的熏陶。 四、结语 综上所述,在钢琴教学对高校学生百利而无一害的背景下,做好高校钢琴教学活动的安排是对学生音乐素质及能力的极大培养。在循序渐进的钢琴学习过程中,在产生预期的教学效果的同时,对学生的兴趣培养、智力发展、习惯养成、乃至气质培养及人生观的正确引领,均起到良好的作用。虽然目前我国高校的钢琴教学仍处于萌芽阶段,但通过教育工作者的共同努力,前景良好。 作者:梅洁 单位:信阳职业技术学院学前教育学院 音乐教学论文:学前教育音乐舞蹈教学论文 一、音乐对舞蹈教学重要性探讨 (一)音乐是舞蹈的灵魂 音乐和舞蹈的关系,犹如鱼儿和水的关系一样密不可分。在高职学校舞蹈教学的过程中,离开了音乐,舞蹈教学就失去了其内在的魅力,显得形单影只。音乐作为舞蹈的灵魂,以其优美的旋律,始终引导着舞者思维的发散,使舞蹈的表现形式更加生动、形象,还可以陶冶舞者的情操,同时把舞者的思想境界升华到新的高度,进而创造出更好的舞蹈作品。如果没有音乐,舞蹈课堂教学的形式就会过于单调,学生们的学习兴趣也会大大降低,舞蹈课堂教学的效果也就不尽如人意了。 (二)音乐可以诱发舞者的灵感 音乐具有缓解疲劳,放松心情等方面的作用,舒缓的音乐可以让人保持平静祥和的心情,而激情澎湃的音乐则可以让人热血沸腾,满怀激情。动听的音乐和优美的舞姿完美的融合在一起,让舞者可以随着音乐或强或弱,或重或轻的优美旋律产生更多的联想,诱发舞者的灵感,使舞蹈的表现形式更加丰富,舞蹈动作更加完美,舞蹈的课堂教学气氛将会十分和谐,进而将舞蹈教学提升到新的层次,实现舞蹈课堂教学的目标。 (三)音乐可以促进内在情感的展现 在舞蹈教学的过程中,不应只是照本宣科,老师要把自己内在的情感因素融入其中,并通过舞蹈外在动作表现出来,使其成为“有感情色彩的舞蹈”,这一目标的实现取决于教师的表现力。表现力强就可以通过音乐和舞蹈的完美结合,并在音乐的指引下,把优美的舞蹈展现在大家面前。这更多的乃是内心情感或情绪的释放,音乐可以唤起舞者内心的情感共鸣,激发舞者强烈的情感欲望,达到身心、形体和音乐三者相互交融的境界,对于我们的幼儿教师来说,情感丰富、动作优美的舞蹈更能引起幼儿的兴趣。 (四)音乐可以增强学生对舞蹈动作的记忆力 任何的课堂教学,如想达到预期的教学效果,激发学生的学习兴趣都是必不可少的,高职学校的舞蹈教学也不例外。舞蹈是一项艺术性较强的学科,动作要领众多,稍有不专心就有可能遗忘其中的某个动作,导致整个舞蹈动作不协调,影响舞蹈课堂教学的效果,如果课堂教学枯燥无味,机械灌输式的教学贯穿整个课堂,学生学习舞蹈的兴趣就会大大降低,专心致志的学习也就无从谈起,掌握领会舞蹈的每个动作更是一句空谈,我们未来的幼儿教师又将会把怎样的舞蹈教授给幼儿呢?由于高职学校学前教育专业的学生处在对音乐十分喜欢的年龄阶段,音乐和舞蹈的融合会使舞蹈教学达到事半功倍的效果,极大地激发学生的学习兴趣,增强学生对舞蹈动作的记忆,加深对舞蹈更深层次的理解,从而推动舞蹈课堂教学的顺利进行。 (五)音乐可以协调学生舞蹈的动作 音乐不但可以起到活跃课堂气氛,激发学生学习兴趣的作用,还可以协调学生的舞蹈动作,如果没有音乐,学生的舞蹈动作就只能依靠教师的指导以及自身的感觉来修正,但这对于初学舞蹈的学生来说,是有一定难度的,而音乐恰恰可以解决这一难题。因为学生可以随着音乐有规律的轻、重、缓、急音律来掌控舞蹈动作幅度,哪个动作需要舒展,哪个动作需要收缩,哪个部位需要动,哪个部位不需要动等等,让学生充分感受到音乐给舞蹈带来巨大魅力的同时,还协调了学生舞蹈的动作,又给学生带来美的享受,增强学生自信,何乐而不为呢? (六)音乐有助于意境的展现 “意”是情与理的统一,“境”是形与神的统一,而意境就是这两种情态的统一,即意与境的统一。意境是在情景交融的基础上所形成的一种艺术境界,以意蕴、情趣取胜。舞蹈是“形动于外而精于内”的表情艺术,作为舞蹈的表演者应了解音乐和舞蹈的深层含义,从而激发内心情感,展开想象的翅膀,勾画出深邃的意境,即所谓“言有尽而意无穷”,使身体动作表现出深刻持久的艺术感染力。音乐作为时代气象与情境的描绘者,可以充分表现人的审美感受,是人类审美意识的一种特殊的表现形态。音乐在表现意境方面是无形的、丰富的、微妙的、动人的,音乐虽不能给人以具体美的形象,却能把人带入一种无形的美的境界,令人心驰神往、遐想万千;音乐还可以其强烈的感情色彩,打动人心、陶冶情操。 二、结语 音乐和舞蹈作为高职学校学前教育专业课堂教学的重要组成部分,两者密不可分,没有音乐的舞蹈,将会是黯淡无光的舞蹈,没有灵魂的舞蹈,只有将音乐和舞蹈完美的融合在一起,才能激发学生内在的情感,营造和谐的课堂气氛,调动学生学习舞蹈的积极性,掌握更多的舞蹈知识,并为以后从事幼儿教育事业打下坚实的基础,最终推动我国幼儿教育的快速发展。 作者:何凯 单位:湘南幼儿师范高等专科学校 音乐教学论文:大专师范院校音乐教学论文 一、在大专师范音乐教学过程中所存在的问题 (一)大专师范院校音乐教师水平不高 在我国的一些大专师范院校当中,音乐教师所占据的比例相对来说比较小,并且音乐教师的专业水平也并不高,在大专师范院校当中,普遍的存在学术研究氛围不浓,并且一些对于有益的教学活动、研究以及讲座等开展的非常之少。对于这种情况的出现,严重影响到大专师范院校音乐教学的开展。 (二)大专师范院校的音乐教学及教材内容落后 在大专师范院校当中,对于音乐教学来说教材是教学的依据所在,同时也是学生知识的源泉。音乐教材的好与坏将会直接的影响到教学的质量,同时也会影响到学生的学习兴趣。特别是目前随着经济的不断发展以及文化水平的提高,在一定程度上需要能够符合时展的教材。但是,目前在大专师范院校当中多数的教材内容相对来说比较陈旧,并不能够满足社会发展的需求,进而严重的影响到了音乐教学的需要。由于音乐教学以及教材内容的陈旧进而导致教师教学的内容也相对落后,并且也没有办法能够使学生的学习兴趣的得到提高。 (三)大专师范院校音乐教学的模式存在着不合理 在大专师范院校音乐教学的过程中,其教学的方式主要是采取大班授课的方式,并且是教师作为主体来对学生进行教学,这种教学的方式仅仅只是停留在对音乐知识传授的层面上,并没有对学生的实际情况进行结合,同时也没有办法对学生的实践活动进行有效的指导,进而导致音乐教学的课堂出现教学沉闷的现象,最终将会使学生的学习兴趣无法得到提高。 (四)大专师范院校音乐教学的评价单一 在大专师范院校当中,音乐教学的老师主要是将学习的成绩来作为评价学生的标准,没有与实际情况的结合,来对其学生的综合素质进行分析,并且评价的内容相对比较单一,这并不利于为学生的全面发展提供帮助。 二、关于提高大专师范院校音乐教学的对策 (一)完善师资力量及建设教师队伍 在大专师范院校进行音乐教学的过程中,做好教学的关键内容就是教师,在大专师范院校中,应该对教师的队伍进行不断的建设,并且要将一些素质比较高以及专业能力比较强的人员吸引进来,以此来使教师的专业水平得到提高。另外的一个方面要对教师的吸收标准进行严格的把关,要将一些专业能力高的人员引进来,以此来保证高校音乐教师的质量。同时学校应该要定期开展一些专业方面的活动,并且鼓励教师积极参加,进而使其专业的知识能够得到提高。在此之外,每个高校之间要增加相互之间的联系,同时搭建平台定期做好交流工作,以此来做到资源以及信息能够共享,共同为大专师范院校的音乐教学贡献出自己的一份力量。 (二)要对课程以及教学内容进行合理的安排 在大专师范院校音乐教学的过程中,对学生的素质教育是一项十分重要的工作,并且音乐教学的内容也应该和学生素质教学紧密的联系起来。在对音乐课程进行设置的过程中,不仅要将一些必修的理论课程进行设置,同时还应该开设一些技巧类的课程,以及适当开展一些实践的课程。在大专师范院校音乐教学方面,大专师范院校要具有自己特色的教学模式,同时还应该在一定程度上满足学生的实际需要,并且要对音乐教学的内容进行更新,以此来培训学生音乐理论与实践更符合时代的需要。 (三)要对教学评价体系进行不断的完善 在大专师范院校音乐教学的过程中,必须要对教学的评价进行不断的完善,并且在对教学评价的原则方面要根据指导性以及激励性的原则为主,从而使教学的评价能够更好的贯穿于整个教学过程,进而使教学评价更好的发挥出其积极性和主动性。在教学评价的内容方面要对学生的学习态度以及能力方面进行重视,并且要多对学生进行评价,进而查看学生是否出全身心的投入到学习当中,同时还要查看学生的创新意识是否得到了提高。在评价的过程中,应该要体现出评价机制的开放性以及多样性的原则。在评价的方法上面应该要采取评价和最终评价相结合的方法,并且要根据行成性的评价为主。总而言之,必须要对评价的内容进行转变,将其真正的运用到教学过程中,从而使教学的评价能够真正的发挥出作用,最终提高学生的学习能力。 三、结语 总而言之,音乐课堂教学是一门艺术教学,而不是其它学科的理论教学,而且,音乐课堂所带学生创造力的培养和综合素质的提高是其它学科不能够给予的。所以,在大专师范院校音乐课堂上既要将课堂活动做到生动活泼,还要遵循相关的条例和规则,让学生成为课堂的主体,让教师做一个幕后的引导者,将学生带到音乐殿堂里面去体验音乐的真正魅力,让学生不仅学习到音乐知识,更要让学生体验到音乐真正的魅力和艺术美,在一定程度上全面的提高学生的综合能力。 作者:高蓓蓓 李华 单位:山东省淄博市淄博师范高等专科学校 音乐教学论文:互动教学中小学音乐教学论文 一、营造轻松愉快的教学氛围 小学生想要充分的发挥自己的主观能动性,在课堂上能够积极的进行问题的回答,需要在轻松的教学氛围中才能够实现,并且一个轻松愉快的课堂氛围能够提高音乐教学的质量。音乐教师在课堂教学中,应该给予学生一定的尊重和关爱,加强和学生的沟通。在课堂上,教师需要开展好互动活动,不仅要促进师生之间的互动,还要促进生生之间的互动,让学生在互动中能够加强和教师或者同学之间的感情交流,并且将师生间存在的感情投入到课堂的音乐教学中,从而全心全意的进行学习。例如在讲到《小鞋匠》这首歌时,教师可以以“活泼”为主题来构建课堂氛围。“活泼”就要求学生能够主动的活跃起来,教师应鼓励学生大胆走到讲台参与表演。课前的准备工作中,教师制作一顶“鞋匠”帽子、一个“绅士”帽,让学生在课堂上扮演被擦鞋的“绅士”,让带着鞋匠帽子的“鞋匠”来表演擦鞋。活泼的课堂氛围激发学生的主动参与热情,更好地把握教师教学内容。 二、创设相关的音乐教学互动情景 (一)创设游戏情境 学生处于小学阶段的时候,往往都比较的好动和爱玩,对一些新鲜的事物和游戏比较的感兴趣。所以,音乐教师在开展互动教学时,可以结合学生的这一情况进行教学的开展,在教材的基础上合理的将相关的游戏活动引入到课堂中来,丰富课堂的互动内容,让学生在游戏中感受到学习的愉悦。游戏情境的创设能够激发学生的兴趣,让学生感受到音乐教学的乐趣,将单一的音乐课堂教学变得多样化,这样不仅能够让学生在游戏中轻松的进行音乐的学习,还能够加强对音乐的掌握,从而提高教学质量。音乐教师可以为学生设计一些比较受小学生喜爱的游戏,如唱歌接力比赛,将学生进行分组,有教师布置相关的游戏内容和规则,让学生全部参加到游戏中来,对获胜的同学给予一定的奖励,同时还要鼓励失败的同学。例如在《邮递马车》这首歌的教学中,歌曲欢快、速度较快。教学中要让学生感受到音级变化,体会变化音对情感的表达。教师可以设计游戏为“骑着马车唱着歌”,在作骑马动作的同时唱歌,让学生体会到学习歌曲的快乐。 (二)提出问题情境 小学生处于小学阶段时,求知心和好奇心非常的强,音乐教师可以根据学生的这种情况进行问题情境的创设,通过问题情境来实现互动教学的开展。音乐教师需要根据教材的内容进行问题情境的设计,通过问题来激发学生的好奇心和求知心,加强学生和教师之间的互动,使得互动教学的开展更加的顺利。例如,音乐教师在进行动物说话这一内容的授课时,音乐教师可以根据教材的内容向学生进行“认识哪些小动物”的提问,让学生进行讨论和回答,通过问题的创设引入新课。之后,教师通过演唱歌曲,让学生猜猜歌曲中都涉及了哪些小动物的名字。学生由于对问题存在好奇,就会对引入的歌曲产生强烈的兴趣,从而能够积极的参加到教师的互动活动中来,通过教学来寻找自己的答案。问题情境的创设不仅能够培养学生的思维,还能够提高学生的探索能力,使教学效果更加的明显。例如,音乐教师在进行《让我们荡起双桨》这节内容的讲课时,可以设计一些问题向学生进行提问:小船儿是靠什么前行的呢?谁见到过生活中的船桨呢?有没有同学会摆桨呢?学生按照教师的问题层层引入,能够和教师进行更好的互动,从而将音乐课堂的氛围活跃起来,之后再进行内容的讲述,使得新课成功的得到优化,导入的更加顺利。互动教学法优化新课之后进行导入,能够很大程度的激发学生的学习热情,提高教学的效果。 (三)开展合作情景 在小学音乐教学中应用互动教学法,需要重点强调师生、生生之间的互动,教师可以采用合作学习组织学生演绎情景剧。通过学生之间的共同合作,不仅能够培养学生的合作意识,还能够加强学生之间的互动交流。教师可以将学生进行分组,通过小组合作的形式进行情景剧的演绎,教师为学生分配好相关的角色和剧本,让学生先进行小组内的交流,之后共同进行合作,将教师布置的互动任务完成好。学生通过合作,不仅能够提高自身的合作意识,还能够提高音乐素养,使各方面的能力得到提升。合作演绎情景剧是学生进行互动的有效方法,通过该方法能够有效的实现互动教学的开展。例如在学习《两只懒乌鸦》这首歌的时候,其歌词主旨是让学生们明白懒惰是不好的习惯,我们要做到珍惜时间,做一个勤劳的好孩子。歌曲的三个乐段主要表达的是惬意过活、懒惰推脱以及最后的自食恶果。三个乐段每段四句,四分休止符的应用更加增加了歌曲的幽默气息。 三、结语 综上所述,互动教学法在小学音乐教学中的应用具有非常大的作用。在进行小学音乐课程的教学时,教师应该采用互动教学法进行教学,丰富音乐课堂的内容,活跃课堂的氛围。在进行互动教学法的应用时,音乐教师需要为学生营造轻松愉快的教学氛围,运用互动教学法优化新课的导入,创设情境,进行合作学习组织学生演绎情景剧。互动教学法对小学音乐教学非常的重要,必须加强对该方法的应用研究. 作者:洪卫 单位:房村中心小学 音乐教学论文:多媒体视角中音乐教学论文 一、多媒体在音乐教学中的不合理之处 在职业中专的音乐教学之中,对于多媒体的运用应是相当谨慎的,因为多媒体在音乐教学之中可能起到很好的效果,但也可能会起到严重的反效果。下面我们就来看看多媒体的会在什么样的情况下为教学带来反效果。在声乐的教学之中,老师们为了将教学变得更加直观,就会运用多媒体来为同学们进行指导,让同学们去“照葫芦画瓢”,在这种情况下,学生们学到的只是声乐的表面,并不能学到更加有用的东西。还有的老师,为了更好地进行教学,就会将学生们的演唱录下来,通过声波的形式去展示给同学们,通过对比不同声音的不同波形,让学生们从声波的形态中去学到正确的演唱方法。大家应当都了解,声乐是一种带有情感的艺术,是通过科学的发声将歌曲的情感思想用表现出来的音乐艺术。只有通过老师们自身充满情感与思想的演唱,才能够正确引导学生,只是通过多媒体对学生们的声波进行分析与改正,是并不能够给同学们带来情感与思想上的教导效果的,只能是让学生们毫无生机的去演唱所谓的正确曲调。还有,在音乐赏析的过程中,为了避免教学的枯燥,老师们会为音乐配上图片甚至影片来配合单调的音乐。在这种情况下,虽然是调节了课堂的气氛,让课堂氛围变得活跃轻松,但是音乐所配的图片与影片却会“反客为主”,同学们的注意力就都会放在图片与视频之上,对音乐的赏析到成为了次要的,从而就导致了教学的失败。其实,这些错误都是可以去避免的,下面我们就这些在音乐教学之中的错误,来进行改正与完善,去找出更好的教学方法来对学生们进行教学。 二、多媒体在音乐教学中的正确运用 在了解到了多媒体在音乐教学之中的一些不合理运用后,我们就来对多媒体在音乐教学之中的运用来进行修正和改善,并提出良好的意见。我们已经了解到,在声乐的教学中,很大程度上去依赖多媒体并不能取到很好的效果。所以,在声乐的教学之中,老师们应当为同学们进行带有情感的演唱,并为同学们带来富有思想及情调的讲解,这样才会给学生们带来心灵上的震撼。并且,在这样的教学手段下,学生们也就能更好表达自身的情感及思想,达到更好的教学效果,还能够形成更为良好的教学氛围,更好的去达到教学目标,这些都是多媒体所不能够替代的。在另一方面,声乐也是一门极为抽象的音乐艺术,故而声乐的教导是一项艰巨而又长久的任务,只有老师与同学们共同的去努力才能够有所成果。在声乐的教学课堂之上,老师们还要去引导学生们,去对学生们的发声、咬字、吐字以及姿势等进行纠正与指导,这就需要老师们要有极大的耐心去引导学生们,这样才能够让同学们逐步掌握正确的演唱方法与技巧。在音乐赏析的过程中,多媒体着实显得有些多余,这是一个同学们对音乐作品情感与内涵的一个赏析与体验的过程,也是使学生们让自身的情感与音乐作品的情感相互体悟的一个过程。要想让同学们得到更为深入的感悟,就必须要同学们将注意力集中到音乐之中,这样才能够让同学们更好地去进行体悟,并展开自身的思维与想象力,去获得自身对于音乐作品的理解与感受。多媒体的运用就可以运用到音乐之后,在同学们经过音乐的熏陶与思维的飞跃,在给同学们以直观的感受,就能够让同学们的情感与体悟得到升华,让同学们在音乐的赏析之中获得更多有用的东西。 三、体现多媒体在音乐教学之中的实用性 多媒体在音乐的教学之中还有很多的良好运用,一些老师们会在视唱练耳教学之中,运用多媒体制作好学生们所要去训练的内容,这样在课上对学生们进行训练的时候,就能够运用多媒体来对学生们进行训练,从而避免了老师们不断进行伴奏的辛劳,而且还能够使学生们都得到一样良好的辅导。 四、结语 总而言之,多媒体在职业中专的音乐教学之中必须要遵循教学规律,要围绕着教学目的去进行,去适当的运用。并且要注重形式及教学内容的完美融合,不断去完善多媒体的教学功能,从而让我们的音乐教学能够更加成功并且更加丰富多彩。 作者:苗暄翊 单位:辽宁省锦州市艺术幼儿师范学校 音乐教学论文:学生心理素质音乐教学论文 一、利用音乐课堂培养小学生学习和劳动的观念 现在的孩子大多是独生子女,常常以自我为中心,在家里想干什么就干什么,既没有学习观念,更没有劳动观念,衣来伸手饭来张口,没有收过碗碟,更没拖过地板。为了让他们养成爱学习、爱劳动的好习惯,我搜集了大量有关这方面的歌曲,在课堂上不仅播放给他们听,在又唱又跳的快乐氛围中体会到学习和劳动的快乐。如在教学《读书郎》这首曲子时,我不仅教会他们怎样打拍子,还让学生们自觉地走到教室中间,自编自演,要他们把“不爱学习,没有学问无颜见爹娘”那几个句子反复表演出来,在同学们精彩的表演中知道了学习的重要性。在教学《我有一双小小手》这首歌之前,我让学生们把手举起来,然后让他们说说手有什么作用。小学生们踊跃地回答出很多有关手的作用,诸如吃饭、玩电脑游戏、打球、写作业等,但没有想到过用手去劳动,安静下来后我让他们听听这首歌,再数数手的其他作用。在音乐的播放声中,他们懂得还要爱劳动,在轻松愉快的音乐声里,明白了劳动的光荣。 二、利用音乐课堂培养小学生正确的人生观和价值观 大多数人对音乐天生就有兴趣,小学生也是一样,他们爱唱歌、爱跳舞,对一切充满好奇和希望。音乐老师抓住这些特点,在音乐课中选取一些能激发学生热爱生活的歌曲,或者开展一些有意义的音乐活动,让小学生在快乐的歌声和趣味盎然的音乐活动中,形成活泼开朗、积极向上的健康的心理素质。例如,在教唱《让我们荡起双桨》这首歌曲时,在教会学生如何识谱、如何打拍子的同时,我还通过这首歌醉人的旋律和令人奋发向上的歌词,去激发他们对生活的热爱、对理想的追求,进而培养他们树立正确的人生观和世界观。在低年级学生中,边用音乐伴奏,边让学生做游戏,老师带领学生玩捉迷藏、老鹰抓小鸡,甚至是玩过家家,营造一种快乐而又和谐的氛围,既让学生们感受到了音乐活动的趣味无穷,又让他们觉得集体生活的无比快乐,从而形成健康良好的个性,树立起正确的人生观和价值观。 三、利用音乐课堂培养小学生的自尊心 具有强烈的自尊心和自信心同样是小学生健康心理素质的一个重要表现。它不仅关系到小学生自身的健康成长,还会影响到整个民族素质和国家形象。现在的孩子大多是泡在蜜罐中长大的,为了满足自己的需求不择手段,甚至打诨耍泼的事都做得出,不达目的不罢休。音乐教育可以帮助小学生懂得什么是廉,什么是耻;哪些事可以做,必须做,哪些事不能做,不该做。每一级学生,我所教的第一首歌曲就是《中华人民共和国国歌》。我把这首歌的旋律、歌词的内涵详尽地诠释给他们,告诉学生一个民族、一个国家、一个人都要自尊自爱自强,才能立足于世界。现在,科学技术飞速发展,国际竞争更加激烈,为了捍卫祖国的尊严,首先自己要有良好的心理素质,要有强烈的民族自尊心。 四、利用音乐课堂培养学生的自信心 音乐教学可以培养学生的自信心。我曾经碰到这样一个学生:父母早逝,由爷爷奶奶拉扯大,长期处于被欺侮被嘲笑的环境之中,他萎缩、恐惧,对什么都缺乏信心,班主任的劝说和鼓励对他也丝毫不起作用。 作者:侯海燕 单位:江苏海门师范附属小学
钢琴教学方法论文:高师钢琴的体验教学方法研究 【文章摘要】 本文主要对高师钢琴的体验教学方法进行研究,总结了体验式教学的内容和重要性,并详细阐述了这种体验教学方法在高师钢琴教学中的作用,例如丰富了教学和听觉内容、正确处理师生间的关系、改变学生的学习方式和教学评价。 【关键词】 高师钢琴;体验教学;教学方法 体验式这种方法在高师钢琴教学中,是根据学生的认知特点和规律,为其创造现实和重复经历的氛围,将教学内容完整的表现出来,让学生在这种仿佛亲历的情境中,建造知识体系,使能力和情感得到充分发挥。学生在体验教学中,能够自主思考问题,寻求解决办法,增加了对钢琴的理解。近几年,这种体验式的教学方法,得到了越来越多人的认可,认为教学过程和结果同样重要,若过分重视传统教育可以导致教学内容产生一定偏颇,影响钢琴课程整体的教学效率。 1 体验式教学 在中国的传统音乐教学中,非常重视音乐传授,和国外音乐教学相比,很少有教师开展体验教学。如果在钢琴教学中,运用体验式教学,能够提高学生的学习能力,并调动学生的学习热情。让学生能够在脑海中形成音乐知识体系,逐步养成钢琴的探析能力,让学生重视钢琴音乐艺术表现特征。学生在这种教学方法中,能够体会到作品的中心思想,让自身的情感融入其中,这种方法能让学生的记忆更为深刻。 师生间应该维护相互合作和平等的关系,发挥学生的主观能动性。教师应在制定教学理论时,充分与学生沟通,共同探讨,让学生自主活动,能够在学习中彼此取长补短,相关督促,共同提高。教师应用这种体验式教学还应注重学生的评价和自我评价,这种教学方法对学生的理解能力、音乐的感知能力和领悟能力有很高的要求,所以教师应积极利用这个方面,不断促进学生这些能力的提升。音乐具有独特而珍贵的特性,是一种审美艺术,高师钢琴教学是一种审美教学,应用体验式方法,能够对人类心灵起到净化的作用。 2 分析体验教学方法在高师钢琴中的作用 (一)丰富了教学和听觉内容 教师在钢琴课程中,应重视教学内容,并详细划分要讲授的理论知识,使学生能够更好的理解教学内容,并充分发挥自身的想象力。教师在对相关音乐类型、背景、和声及曲式知识的讲解中,要调动学生的情感,让其通过体验增进理解,更好的掌握这部分内容,明白钢琴音乐的艺术表现特征,让作品不再是单纯的音乐符号标记,赋予作品意义和学生情况,让学生得到更好的审美体验。 在钢琴学习中,学生不仅要清除钢琴的基础知识,还要了解声音弹奏和力度上的要求,教师可以让学生通过课外时间练习钢琴,通过播放音乐等方法,训练自己的听觉能力,逐步培养学生对音乐风格、载体和类型的认知能力,掌握不同和弦的音响效果。在听觉训练中,学生能够通过不同的节奏、演奏方式和街拍的强度,辨别出不同的曲目。学生应在听觉能力训练中,将遇到的难点记录下来,让后寻找解决措施。所以这种体验式教学能为学生带来敏锐的音乐感官,体会到音乐的美好和丰富的表现力,塑造一个良好的艺术形象。 (二)正确处理师生间的关系 在高师钢琴的体验教学方法的应用研究中,发现这种教学方法与传统钢琴教学有很大差别,需要师生间能够处于一个民主和平等的状态,由此才能使学生的主动性得到充分调动。教师应积极引导学生的主观能动性,共同分享音乐的经验和知识,让学生在不断探索中进步,并使思维得到创新。在钢琴中学习中,学生不仅要学到知识,还应掌握学习钢琴的乐趣和价值,这种方法对学生的创新、探索能力都具有较大的推动作用,在这个过程中,学生的理解能力、思考能力和创新能力都有所提高。教师在应用体验教学的实践中,要注重培养学生的实际能力,调动学生学习的兴趣和动力,制定合理的学习方法,使学生的学习效率得到提高。 (三)改变学生的学生方式和教学评价 在我国传统的钢琴教学中,学生一直处于被动的接受状态,教师可以根据教学经验和学习历程,并结合学生现有的钢琴演奏水平,为学生选择合理的练习曲目。学生在钢琴学习中,往往缺乏独立思考的能力,在传统课堂中,其主动性也无法得到发挥,所以教师应根据自己的理解和判断,代替学生去理解和判断,这种方法虽然准确,也适合学生,但是这个过程忽略了学生想要自主思考和体验的想法。所以在弹奏作品时,教师应和学生进行交流,掌握学生对作品的理解和学生喜欢的风格。在选择曲目时,教师应给予参考意见而不是决定意见。学生应按照和教师共同制定的练习目标,并在练习中,充分发挥自主性,探索并解决技术上出现的问题。让学生在练琴中使自身的智能得到发挥。在生活中,解决困难总是要付出精力和代价,才能度过难关,获得成功。 钢琴是一门技术性的表演艺术,应以高质量的技巧和技术作为支撑点。在钢琴教学中,很多学生在技术方面都十分薄弱,缺乏自信性,所以在上课时经常因为心理紧张,弹奏不顺畅,导致总体教学质量价差。教师也会因此达不到期望的效果,无法产生认同感。因此在体验教学中,教师因和学生坦诚不公,并关注学生的情感和学习心理,在学生遇到困难时,让学生冷静面对,并在合理的范围内,为学生制定具体的学习目标,鼓励学生大胆表现,努力尝试,并逐步达到学习目标。教师应根据每个学生的特性安排合理的内容,适当的称赞学生,让学生逐步摆脱不自信的心理,变得充满自信,热爱学习。 3 结束语 通过上文对高师钢琴的体验教学方法的分析,可以得知体验是教学在钢琴教学中的应用,应结合学生的认知特点和规律,改变传统的教学模式,让学生摆脱单调的钢琴演奏技巧,进一步完善教学内容和方式,让学生进入教学内容的环境,进行体验和感悟,培养学生的音乐素养和审美能力。教师应根据学生的认知能力和技能水平,制定合理的教学规划,注重专业基础知识和基础技能,让学生拥有一个坚实的钢琴演奏基础。通过体验式的钢琴教学方法,能提高学生的学习效率,推动钢琴教学的稳步快速发展。 【作者简介】 李奕,女,鞍山师范学院,副教授,研究方向:钢琴教学。 钢琴教学方法论文:浅谈学前教育专业钢琴课的教学方法 摘 要:钢琴教学在学前教育专业中是一门优秀的专业技能课。为了使学前教育专业的学生掌握幼儿教师所具备的基本职业技能,更好的提高钢琴教学的效果,运用多种教学方法来提高钢琴教学的效率。 关键词:学前教育;钢琴教学;创新模式;多媒体教学 随着我国精神文明,物质文化的不断提升,人们对教育越来越关注重视,尤其是儿童的早期教育,研究表明音乐对儿童的发展有着举足轻重的作用,而培养幼儿音乐教育的人才、幼儿教育事业的工作者――幼师,就显得尤为重要,目前国内的高等职业类院校是培养幼师的专业型院校,钢琴技能是学前教育优秀技能课程,适用于学前教育专业的钢琴教学方法是我们一线钢琴教师一直在努力学习研究的课题。 一、学前教育钢琴的现状及基本特征 1.教学目标的明确性 学前教育钢琴课程教学大纲明确指出,钢琴课是学前教育专业重要的必修课之一,其教学目标是通过本课程的教学使学生掌握钢琴弹奏的正确方法和基本技能,初步熟悉不同类型的钢琴作品,使学生打下坚实的基础,练好基本功,更好地适应于社会需求及将来的工作需要。钢琴弹奏是未来幼儿教师的必备基本功之一,杭州师范大学来长娥认为:学前教育专业不是要培养技能型专业钢琴演奏的人才,而是培养能够熟练并综合运用钢琴,以胜任幼儿音乐教育的教师。这意味着我们的目标是培养以一定的钢琴演奏技能为基础,具有较强的弹唱和编配能力、具有根据幼儿的实际音域进行移调的伴奏能力、能熟练表现和运用幼儿音乐甚至进行简单创编的复合型人才。因而,学前教育钢琴课与其他专业钢琴课的教学目标有显著的区别,其侧重点应该更倾向于培养扎实的基础演奏水平和即兴伴奏能力,这为我们的教学改革指出了明确的方向。 2.学生的基本特征及音乐素质 我国的大部分学前教育专业的学生都是文科类招生,其多数学生对音乐的认知甚少,对钢琴技能属于零基础的缺失状态。在短时间内如何让他们达到教学目标的要求确实是一个很难的问题。由于学生年龄在18岁左右,已经错过了最佳的动作技能学习的幼儿时期,在学习中双手协调能力较差,手指灵活性和接受能力也比较困难,且其对音乐的感悟与表现能力较弱, 导致了短时间内很难达到较高的演奏水平。学前教育钢琴课大多是集体课及小组课,学生练琴时间有限,如何在有限的时间内达到更好的效果,这就需要教师在教学方法上深入研究探索。 二、适宜的钢琴教学内容 学前教育的钢琴学科是一门应用性、实践性、规范性、技能技巧性的学科。 因此,需要精心选取合适的教学内容。集体课教学不同于一对一专业性教学,在教学内容上既要有基础性内容,有要有不同风格类型的乐曲,还要考虑伴奏尤其是儿歌弹唱的伴奏。 1.钢琴练习曲内容的基础性选择 在练习曲的选择上,原则是由浅入深,循序渐进,有针对性,有代表性的选 择。不能像专业性钢琴传统教学的教材按部就班的弹奏,要根据学生的特点选择。在《拜厄钢琴基础教程》、《车尔尼599.849》、《莱蒙练习曲》等中进行筛选。 2.钢琴乐曲内容的选择 在乐曲的选择上要体现学前教育专业学生的特点,要有很强的实践和实用性。 要选择音乐旋律性较强的乐曲,要少而精,由易到难、由浅入深、循序渐进。在调式上要有特点,例如,具有大调特性的莫扎特的《风笛舞曲》、贝多芬的《苏格兰舞曲》等,小调式的布格缪勒的《阿拉伯风格曲》等。民族乐曲如王振亚的《扎红头绳》等。在演奏方法上选取不同风格的乐曲,具有进行曲式风格、抒情性的、复调性的,如巴赫的《小步舞曲》、唐碧光的《浏阳河》等。在节奏音型和伴奏织体上选择不同型的为今后的伴奏打下基础,如巴赫的《抒情曲》、布雷纳德的《星光圆舞曲》等来提高钢琴演奏水平。 3.儿歌弹唱教学内容的选择 儿歌弹唱是钢琴教学的有机组成部分,是学生就业后的重要技能之一,在儿 歌的选择上不但要朗朗上口还要渗透伴奏的类型技巧,在教学中要围绕练习曲和乐曲来渗透即兴伴奏的知识技能。要选择不同伴奏类型的儿歌,如全分解和弦伴奏,半分解和弦伴奏,柱式和弦伴奏,旋律和弦伴奏等,还要渗透伴奏的规律原则特性,伴奏音级的走向等。要让学生能通过儿歌弹唱的练习举一反三的运用即兴伴奏的知识结构和弦连接,即用调式中的正三和弦和属七和弦,甚至一首幼儿歌曲可以只用两个和弦为其伴奏。 三、科学的集体教学法 1.在教学中的渗透指导 为什么有的学生在练习中达不到好的效果,这说明没有掌握好的练习方法。 学前教育学生在钢琴的基本技术训练和练习曲的学习过程中,多种多样的练习方法是学习训练过程中必不可少的,如唱谱练习、边唱边弹练习、慢练、加速练、改变触键方法的练习、分段练习、分句练习、分手练习等。教师还要多带领学生进行协调性练习,通过做游戏的方式练习,不但可以提高学生双手的协调性,还能激发学生的学习乐趣。 2.兴趣练习法 在经过最初的新鲜好奇许多学生会遇到枯燥的瓶颈期,这就需要教师通过有效的方法来激发学生的学习热情。教师可以采用播放钢琴大师演奏光碟、播放音乐会视频、教师示奏的办法,来激发他们的学习兴趣。因为对于初学者来说,模仿是一个很重要的阶段。 3.努力营造和谐的学习氛围,在课堂教学中下功夫 教师与学生要建立平等的、和谐的师生关系,营造宽松的课堂气氛。要改变以往以教师为主体的方法,教师更多的应该成为一名引导者,引领学生走进这门艺术,发自内心喜欢这门课,而不是为了教而教、学而学。每次上课时,都以平等的地位、友好的心态对待每一位学生,走下讲台,走进学生中间,拉近和她们的距离,与她们共同学习、共同探讨。教师应该多启发学生,给学生自主学习的空间和时间,让学生有主人翁精神,积极参与课堂教学,自己去理解、探索、表现音乐。让学生自己找出学习的重点难点,把握住学习的主动权,增强他们学习的乐趣,进而激发他们学好钢琴的积极性。 4.发挥小组长的作用 由于是集体授课,就会有照顾不周的可能。所以,把每组再分若干个小组,每个小组选一名组长。这些组长一定是学习能力强、掌握知识扎实的尖子生。这样即使教师不在,她们也会代替老师监督学习能力差的同学完成课上所学知识。这样,基础差、学习吃力的学生也不会掉队,有效减少了弃学情况的发生。为了激励大家的上进心,每学期重新组织竞选组长,因为有些同学会表现出入门较慢,一旦入门会出现突飞猛进的进步,让她们担任组长的职务,能够使她们信心倍增,进而把她们的热情传递给其他的同学。 5.运用现代信息技术,丰富教学内容 钢琴的学习是很辛苦而且枯燥的,学生在学习中也容易产生疲倦的心理,甚至抗拒练习。如果教师在教学中加入一些直观教学辅助材料,那么学生的学习就会轻松很多,在教学中给学生欣赏钢琴演奏家的演奏视频或音乐碟,让她们体会钢琴旋律的美妙,听着那跳动的音符、声波,学生都跃跃欲试,希望有一天也能弹出悠扬的琴声。毫无疑义,这种方式对学生的学习是有很大促进作用的,其效果也是显而易见的。 综上所述,实现高师学前教育专业钢琴教学的创新与改革,掌握一套先进的科学的教学方法,学生就能在有限的时间内掌握更好、更多的技能与知识。实现高师学前教育专业钢琴教学质量的提高。 钢琴教学方法论文:浅析钢琴集体课的教学方法 摘要:近几年来,伴随新课程改革的不断深入和发展,各大高校的招生力度逐渐加重,音乐专业学生数量较为庞大,各大高校出现琴房紧张、教师资源短缺等各种现象,因此,基于新课改的发展背景下,根据上述所存在的教学情况选择集体教学具有十分重要的作用。本文通过对钢琴集体教学的优势和不足进行详细分析,提出针对性的教学方案和计划,进而最大限度提高钢琴教学的整体质量和效率。 关键词:钢琴 集体课 教学方法 钢琴集体授课是一种全新的教学模式,其与传统的“一对一”教学模式有所不同,集体教学指的是在一节课的时间内,由一名老师同时教授多名学生学习钢琴的一种新型手段,这样不仅能够加强老师的示范作用,还能够充分体现出理论与分析相结合的教学效果,帮助学生寻求适合自身认知能力和发展需求的有效练习方式,进而提高学生的专业技能和学习能力。 一、钢琴集体授课的优势和不足 (一)钢琴集体授课优势 1.合理配置教师资源:在钢琴集体教学的过程中,老师可以通过钢琴设备为学生开展分组、集体以及单一等不同形式的教学指导和练习,通过学生的认知情况和发展需求将上述教学方法相结合,通过利用课堂教学的有限时间,更好的解决学生在学习过程中所遇到的任何问题。而传统的“一对一”的教学模式,教学形式和思维十分单一,老师精准的示范作用只能够发挥到一名学生身上,基于目前扩招的情况下,造成十分严重的老师资源浪费等不良现象,局限范围十分广泛;2.激发老师教学热情。一节高质量、高效率的钢琴教学课堂,不仅需要老师的精心备课、组织学生课堂学习外,同时还取决于老师的教学兴趣和语言和欲望,特别是对于钢琴这门艺术课程而言,老师的教学热情将会直接影响钢琴作品的诠释和演奏。钢琴集体教学,将会为老师提供一个更为广阔的发挥平台,相对于传统教学而言,更加容易激发老师的教学兴趣;3.训练学生听觉能力。钢琴集体授课,学生之间通过相互观摩和学习,能够训练学生的听觉能力,纠正学生的错误节奏感,如:错误节奏、错误音调等,充分集中学生注意力。此外,学生通过集体汇报学习成果的形式,能够互相监督、互相学习,此外,由于钢琴课程是一门表演学科,良好的心理素质也是帮助学生更好的演奏钢琴曲目的重要因素,钢琴集体授课能够在一定程度上更好的锻炼了学生的综合素质。 (二)钢琴集体授课的不足 1.教学质量难以保证。由于每一节课程的教学时间十分有限,老师不能够给予每一名学生充足的时间和系统的指导,其教学结果将会导致学生对于教学内容的记忆和理解模棱两可,难以实现优质的教学质量和教学效果;2.教学进度难以掌握。由于采取集体教学的课堂形式,难以确保每一名学生处于同一认知程度水平上,对于认知水平高、认知能力强的学生而言,这将会出现过度骄傲或者是自满情绪,相对于认识程度差以及基础知识较为薄弱的学生而言,将会产生过于自卑的心理,或者严重抑制学生的学习热情和信心,对于钢琴课程的学习和练习产生逆反心理,进而惧怕参与到钢琴课堂的教学过程中。若不给予及时调整和完善,将会严重影响学生的学习兴趣和学习进度,为今后的学习造成不必要的负担和压力。 二、基于新课改的背景下钢琴集体授课的教学对策 (一)分级教学 学生的认知程度和发展需求的不同则是集体授课的重点难题,不仅同一个班级的学生认知程度不同,对于同一认知程度的学生而言,经过一段时间学习过后,通常也会出现不同程度的差异性,因此,钢琴集体教学的过程中,需要注重学生个体差异的问题。为了能够更好的解决这一问题,维持集体授课的教学模式,学生的学习进度以及作业完成进度需要时刻保持同一水平,但学生的个人天赋、学习能力以及刻苦程度等自身因素将会与学习进度之间的个体差异存在矛盾,学生个体化差异过大,将会导致老师难以统一布置课后作业,想要更好的解决这一问题,则需要根据学生的实际情况进行分组教学,如:老师按照学生演奏水平进行分组教学;其次,经过一段时间教学后,根据学生的认知程度和掌握程度进行适当的调整和划分;最后,对于学习进度较为缓慢的学生则需要进行课后重点辅导和指导,对于一些学习进度比较快速的学生则需要适当增加课后作业。 (二)加强教材构建 钢琴集体教学课程在教学内容和方法方面与其他学科有所不同,钢琴教学增加了和声、视奏和乐理等方面的教学内容。目前,我国一些院校编写了部分钢琴教材,但是编写过程中仍未摒弃传统教学的思维框架,仅仅做出教材表面改革和修,并没有从根本上整体而又科学的改变钢琴教材。因此,钢琴教材的问题严重制约着钢琴集体授课的发展和深入。目前,我国并没有一系列较为全面和完善的钢琴教材,而需要老师的教学经验以及个人努力适当的补充教材内容,否则将无法确保整体教学质量和教学效率,因此,我国需要积极构建科学而又规范的集体教学课程和体系,编写适合我国钢琴课程发展现状和趋势的专用教材。 (三)多元化的教学模式 集体教学模式主要是基于基础的理论讲授、共同学习以及集体回顾所学内容的一种全新形式,其共同支撑着集体授课的持续发展,并直接决定了集体授课的教学质量和效率。因此,其中任何一种教学形式并不能被取代和替换。其中:1.系统讲解。钢琴集体教学的过程中,需要注重教学结构的完整性和完善性,注重基础理论、基本教学内容以及方法的前提下,尊重客观事实,切忌随意性和任意性。老师需要按照教学大纲的要求事先制定教学方案,在集体课堂的教学过程中,有顺序、有重点的为学生讲解演奏基本理论以及演奏技巧,通过反复强调重点演奏技巧和要领的方式,加强学生的掌握程度和演奏程度。通过改变传统的“填鸭式”教学模式,注重培养学生的学习能力和学习兴趣,积极引导学生将所学知识应用到实际演奏的过程中,做到自我发现问题、独立解决问题的良好学习状态。通过实施钢琴集体教学,老师的教学兴趣逐渐增加,进而能够更好的帮助学生获取更加完善而又全面的钢琴演奏知识和技能;2.布置作业。要想使得学生的学习进度保持一致,老师需要布置相同的课后作业,这样才能够更好的利于老师进行统一讲解,达到集体授课的教学效果。老师在布置作业的过程中,需要对钢琴演奏的技巧和方法进行详细分析,并对容易出现错误的问题给予适当提示,对于重点内容给予针对性的指导和示范,并通过自身示范更好的帮助学生理解演奏技巧和要领,极大程度减少学生在学习过程中的错误问题,进而提高教学质量和效率;3.集体回顾课程。钢琴集体授课与个别授课存在本质区别,个别老师在钢琴集体授课的过程中,通常难以摒弃单一授课的教学框架,这就在一定程度上严重浪费宝贵的课堂教学时间,导致大部分学生处于无所事事和漫无目的的学习状态下,严重影响整节课的教学质量和效率。这样并未完全摒弃以往传统教学形式的集体授课将不能够充分发挥钢琴集体课的教学优势和效果。因此,需要采取轮奏接力以及独奏相结合的方式,并在注重倾听其他学生的演奏过程,从中摄取演奏经验和技巧,进而达到钢琴集体授课的群体反应,积极鼓励学生参与到钢琴课堂的教学活动中,调整全班学生对于钢琴课程的学习积极性和主动性,使得每一名学生都能够做到有事可做,充分利用课堂教学时间。同时,为了能够更好的解决学生的演奏错误和认知问题,抽取个别案例对学生进行针对性指导,进而帮助学生更好的理解教学内容。 三、钢琴集体课对于授课老师的具体要求 为了能够更好的确保钢琴集体课的授课效果和教学质量,需要建立一支力量雄厚、熟练掌握集体授课模式、授课内容以及授课技巧的师资队伍,担任钢琴集体授课的老师需要完全摒弃以往的教学框架,积极主动投身于全新的教学模式和研究过程中。需要通过学习与教育内容有关的心理学、教育学以及国外一些较为优秀和先进的集体教学方法,及时掌握全新的教学理念和教学模式,改进自身在集体教学过程中的不足,如:教学体系、知识结构等。此外,在实施钢琴集体课的教学过程中,需要遵循“走出去、请进来”的方式,为一些较为优秀的教师提供国外进修的机会和平台,或者聘请国外一些优秀专家和教授进行授课、开展讲座,尽快提高全体老师集体授课的能力和水平,使得全体老师能够更好的担任钢琴集体授课的教学过程中。 (一)精心备课 教学是是一个双向互动的过程,老师将自己的渊博学识采取更加容易理解的方式传递给学生,进而达到激发学生学习兴趣和热情的积极目的,最大限度激发学生潜在的学习欲望和需求,积极鼓励学生参与到课堂的教学活动中。因此,老师只有充分做好课前准备,才能够更加生动、形象的将备课内容传递给学生,有层次的诠释教学内容,进而更好的帮助学生理解钢琴作品,提高学生的音乐演奏能力,更好的实现教学相长的教学效果。 (二)积极发挥集体授课优势 老师根据学生的认知特点和发展需求采取分组、个别以及集体教学模式相结合的k法进行授课,充分利用现代科学技术和信息平台。例如:将具有普遍性特点的问题进行课堂统一讲解和亲身示范,部分学生存在问题或者错误,可以采取分组教学的方法加以解决,对于个别存在问题的学生则需要进行单独指导。与此同时,老师还需要定期将课堂一部分时间用来轮流单一指导,尽可能帮助和指导学生演奏的更加标准和规范。经过大量实践证明,通过个别、分组以及集体教学模式相结合的方式,能够极大程度提高学生的学习效果和学习质量。 (三)突出重点 由于每一节课的教学时间非常宝贵,老师需要在有限的时间内将十分复杂的教学内容全部传递给学生,这在一定程度上对于老师的要求十分严格,老师需要在课前准备的过程中,将本节课的重点教学内容和难点内容着重标出,在集体课的教学过程中,需要紧紧围绕重点内容和难点内容进行授课和讲解,经过长时间的积累和重复,学生能够更好的了解和掌握重点内容,做到完善而又规范的钢琴演奏。与此同时,老师可以在学生自学的过程中,帮助学生解决重点问题以及难点问题,或者是学生在弹奏的过程中容易出现过于紧张和不安等不良情绪等问题,老师可以进行适当的心理疏导和指导,积极帮助学生寻求更为便捷的学习道路。老师通过“紧抓重点、解决难点”的教学方法,才能够更好的实施教学计划。 (四)控制教学进度 老师在布置课后作业的过程中,需要顾及大部分学生的学习进度和认知能力,可以为一些学习进度快、认知能力强的学生布置补充曲目,而对于认知能力较为薄弱、学习速度稍慢的学生而言,则需要积极鼓励学生,适当的减少课后作业量,而是积极帮助学生解决在练习过程中所遇到的一些难题和问题,使其能够尽快的掌握正确演奏钢琴的方法和规范,尽快赶上整体教学进度。 (五)加强思想教育 老师的职责是教书育人,因此,老师在集体教学的过程中,不仅需要将基础理论知识传递给学生,还需要根据学生在课堂上所表现出来的思想活动,积极树立学生正确的人身观和价值观,因此,老师在实际教学过程中,需要做到及时发现问题、及时解决问题,给予学生正确的指导和帮助,积极培养学生正确的思想观念,只有这样才能够更加利于教学工作的顺利实施。 四、结语 综上所述,钢琴集体授课与传统授课不同,这一全新的教学模式是基于传统的教学模式所改革和创新的产物,不仅摄取了传统教学模式的正确教学理念、教学原则、教学手段,并结合了目前各大学校的实际发展情况所开展的一种全新教学活动,能够在一定程度上提高钢琴教学的整体质量和效率。 (作者单位:江西艺术职业学院) 钢琴教学方法论文:论钢琴初学者的教学方法 摘要:钢琴教学现在无论是在音乐院校还是综合院校的艺术系中都占有举足轻重的地位。而且在日常生活当中许多家长让自己的孩子也在学习钢琴。那么找到一套合理的、正确的教学方法至关重要! 关键词:钢琴教学 基本功 事半功倍 一、钢琴课的正确教学顺序 要学习好钢琴,作为给一名初学者来上课,需要有一个正确的教学模式和教学顺序。 (一)读谱找音,把它摁响,然后结束。 (二)读谱找音,加入所谓情感,没有技术基础的所谓感情,最后只是自己感动自己,别人什么都没听到。 (三)苦练手指技术,苦练读谱技术,弹得飞快,永远没有音乐,没有灵魂。很多内地“钢琴家”都是这样练出来的。“钢琴家”只是他们的职业而已,是用来混饭吃的工具。除了弹琴以外什么都不会。 (四)视奏乐谱,探索声音,研究技法三者之间无序自由互动。 二、钢琴教学的最重要的基本内容 钢琴教学应该从基本功开始,还要知道哪些才是最为重要的教学内容;又如何做到这些。 (一)声音 没有良好的富有表现力的声音,那不是音乐。由此,我看到太多的训练多年的钢琴演奏者毫无乐感。因为音乐是看不见摸不着的,需要去领悟;有老师的正确引导,可以加快这个领悟的过程,缩短领悟的时间。 (二)读谱技术 乐谱是通往音乐的导航图,正确高效的读谱技术,可以让你迅速地找到“音乐本身”。优秀的钢琴课程必须要把读谱问题放在重要的位置,基本的读谱技能是钢琴教学前2-3年必须彻底解决的问题。 (三)演奏技术 演奏技术是通往音乐的交通工具。没有良好的技术体系,你拿着乐谱这个“导航图”,也到不了音乐的圣地。拥有良好的技术体系,你就能够一下子事半功倍。 三、教学中如何才能事半功倍 在钢琴的教学中,许多初学者只是为了考个级,拿到过级的“本本”就心满意足了。其实,学到真正实用的东西这才是最为关键的。家长心切,又好攀比。不同的学生,程度不一样自然理解能力也会有差异。但是学生都必须打好基本功。 基本功的训练对于初学钢琴的学生来说肯定会十分枯燥,但是作为老师就要学会结合相应的曲子和基础练习一起教学。不能去应试教学。基本功练习好了,对于考级来说,或说有些学生会慢慢地喜欢上钢琴而走上专业的道路都会起到事半功倍的效果。切记千万不能急于求成! 四、初学钢琴的孩子一定要养成的习惯 对于初学者一定要养成好的习惯,一个好的习惯会影响一个人的一生。以下几点很重要: (一)严格读谱:乐谱上标注的所有信息都应该被确保读懂并且做到。包括:音高、节奏、节拍、速度、力度、演奏法、指法、乐句等。此外还有一些对音乐的描述术语等。 (二)科学的指法:这属于严格读谱的一部分,必须严格按照乐谱标注的指法进行演奏,每次弹奏都要使用相同指法,这样才能更快的建立起手感,更快弹熟音乐作品(如果因为手小或者其他原因需要更改指法那是特殊原因,另当别论)。 (三)学会聆听音乐:从一开始学琴,就要养成用耳朵听音的习惯。很多学生不听自己弹奏的音乐,即使弹错了也完全没有感觉,更别提要音乐处理了。好的老师在学生弹对节奏和音高之后还会对学生触键的音色以及音乐表情作出要求,这时良好的听力就能帮上大忙了。通过老师的要求、自己的感悟或者老师的示范,会产生心目中理想的音乐,此时用耳朵聆听自己的琴声,同时不断的修正触键,以实现弹出心中的音乐。 (四)正确的手型和触键:自然的手型虽然看起来很容易,但是真正做起来很难,手指、手掌、手腕都会出现问题。还有触键,对于初学者,清晰的抬指动作有助于更好地开发手指机能,并为日后清楚而快速的演奏打下坚实的基础。 (五)科学的练习方法:不要每次练习都是从头练到尾!将乐曲进行划分,使用部分练习和重点练习的方法。把曲子的难点画出来,逐个攻破,然后再从头到尾练习。 五、钢琴老师的责任 面对一名初学者钢琴老师的作用至关重要。必须做到以下几点才是一名成功合格的老师: (一)吸引住孩子,让孩子喜欢上你也喜欢上钢琴课 1.平易近人的态度:指导孩子从do/re/mi开始到会弹一支支的曲子是一项艰苦的工作,对待这项工作,以听之任之不负责的态度或是强迫孩子们听从自己的蛮横态度都是不对的,而是需要温和,平易近人的态度。 2.开朗积极的性格:作为一名钢琴教师,要培养自己社交的能力,有时对待事情要大度,要具有一种积极向上的生活态度。 3.耐心的施教能力:这项能力是在施教中逐步培养起来的,不是一下子就具有的。学生们素质不同,其进步也各有快慢,对于后进的学生不能放弃,要以一种坚强的忍耐力,耐心指导他们,帮他们进步。 4.充满活力:教学这项工作不管是对精神还是肉体来说都十分艰苦。钢琴教学有别于一些能集体教学的专业,它需要大量的个别指导,这就是它更榧杩嗟脑因。除课程教学以外,自己还需要费许多精力和时间去进行自己的练习,对新教材的学习,参加讲座,举办自己的演奏会等等。因此具有一个好身体和始终保持一个好的精神状态是十分重要的。 5.自信与谦虚:老师在授课时自己都没有把握,那么学生就会更糊涂。自己所不知的,或自己能力所不及的应坦率地向学生说明,并指导学生去向其他的老师求教。为了培养自己充分的自信,应该在平时多虚心向他人求教,并坚持不懈地练习,提高自己授课的水平与质量。 6.脑袋灵活具有幽默感:合理的安排课程时间,使课程充实是十分重要的。对于自尊心强的学生进行指导时要有幽默感;对于上课走神的学生要经常提醒,并想法提高他们的注意力。 7.具有对钢琴教学的热情:要有把自己所学倾囊相授的精神,让孩子们产生美好的乐感,并充分发挥他们的潜能,孩子们能敏感地感受到老师所做的努力,并能越过职业,表现,年龄与你交流,使课堂有生气。 (二)给学生打好扎实的基本功 前面已经讲过,基本功的训练对于初学者最为重要,下面分说下如何进行教学: 1.教会学生正确读谱 对初学者,读谱首先包括两方面的课题:识别音符的高低和识别音符的时值。 这两个课题可以分开来训练。比如先认音符,高低音谱表一起学,每堂课都要检查,要求在家里反复练习。节奏也分开训练,数拍子打节奏。音符和节奏,这两方面都形成独立的条件反射后,再合在一起读谱。识谱能力是一种非常重要的基础,因为谁识得快,谁就能学得多学得快,有利于提高学习积极性。但这才只是开始,真正学会正确读谱还包括许多其他知识。比如在一首乐曲中,粗心的学生音符虽弹对了,但对音符的时值弹得不准确,常会把四分音符弹成八分音符加空半拍;明明有休止符的地方却把手按在琴键上;对有临时升降记号的音弹了一个,忘了出现在同一小节里的第二个音也应该升或降。这种属于文法上的错误,是缺乏调性感的表现。还有对奏法和连线的不重视,实际上是没有看懂音乐的意思。这些都属于正确读谱的范围。因此,学生第一步必须学会认真读谱,按照乐谱弹奏。 2.进行系统的技术训练 在初级阶段,手指的基本练习是不可缺少的。手指的五指练习,用各种变奏,转所有的调,无论对熟悉键盘还是对练手指独立性和均匀性都很有好处。音阶和琶音是非常重要的基本功。教音阶琶音要有方法,要教规律,让学生容易记,要作各种变换练习,使学生愿意练。每一堂课都要检查基本练习,学生必须天天练,养成习惯。不能等到考试前再突击。 3.要认识乐谱上所有的符号 对于基础的像P、f、mp、mf、rit……的音乐符号要知道它的意思,并严格按照上面的符号要求进行练习。 4.科学的练琴方法 慢练、分手练、一句句练、专门练习过不去的地方……这些方法在一开始就应该教给学生。 六、结语 初学阶段是养成好习惯的黄金时期。一旦进入中级阶段,乐曲难度增加,此时要求已经养成坏习惯的孩子纠正就太困难了。既要主观积极的学习,有目标的练习,还要具备一定的毅力和保持高度的注意力。在钢琴学习的道路上,我们要感知音乐而不做只会弹出声音的机器。初学阶段相当重要,在初学阶段养成良好的、正确的习惯,以后的教学与学习就会起到事半功倍的效果! (作者简介:李鑫,现为云南师范大学音乐舞蹈学院2015级音乐与舞蹈学钢琴演奏方向硕士研究生。) 钢琴教学方法论文:高等艺术院校钢琴课程教学方法综述 无论是在小学、中学还是大学的教学过程整体结构中,课堂教学都是教学过程的中心环节。课堂教学活动是教与学的双边活动,要使课堂教学省时有效,关键在于针对不同的教学目标、课程内容、知识类型及教学形式选择最合适的师生双方活动方式――教学方法。 教学方法为一切教学过程提供了一般规律,在高等艺术教育的钢琴教学中,教学方法的选择与使用是确保钢琴教学过程有效进行的重要方式之一。本人对所收集到的论文作了详查,发现有关钢琴教学方法的定义,大多沿用了教学论书籍中教学方法的定义。如:司徒碧春、陈郎秋认为:“钢琴教学方法是教师在钢琴教学过程中为了完成教学目标,所采用的工作方式和在教师指导下的学生的学习与练习的方式。”(1)王朝刚认为“在技能教学中,教师要根据学生的不同阶段的认知特点,采取不同的教学方法如:示范、讲解等,促进学生的认知发展。”(2)等等。教学方法是多种多样的,按照教学方法的外部形态与学生认知活动的特点及钢琴教学的特殊性,在钢琴课堂教学中,最常使用的是以教师为活动主体的传统的教学方法,如讲授法、示范法、练习指导法、谈话法、欣赏法等。本人收集到的论文也多围绕这几个方法进行论述。 一、讲授法 讲授法是教师通过口头语言阐述和论证课程内容,向学生系统地传授知识、发展学生智力的方法。(3)在钢琴教学过程中,教师能够最大限度地利用教学时间和空间,通过生动、形象的描绘,富有启发的诱导,把有关钢琴演奏的陈述性知识教授给学生,较好地保证知识教学的完整性、连续性和系统系。邵海波,李志弘(4)认为:“教师把钢琴弹奏的基本知识在课堂上教给学生,使钢琴基础较差的学生,在短时间内能够获得有关钢琴弹奏的基本知识,可以为学生将来进一步的钢琴学习与练习打下基础。”在钢琴个别课教学中,由于特殊的“一对一”授课形式,就要求教师注重讲授过程中的启发性和趣味性。武胜利认为:“学生弹奏音色的美与不美,在于学生的想象力。而学生想象力的培养,取决于教师的启发(讲授或示范)。”(5)在讲授中,教师要讲究教学语言艺术,教师的语言要清晰、准确、形象、生动,以增强语言的感染力。 二、示范法 钢琴教学中,示范法是使用最广泛的教学方法之一。示范法是教师在教学中,通过实际的钢琴弹奏示范,让学生观察、模仿而获得感性认识的教学方法。教师的示范在钢琴教学中非常重要,准确的示范有利于学生在动作练习之前形成正确的动作表象,从而在练习中不断的调整动作。(6)蒲宏伟认为示范法能够把知识教学与技能练习较好地结合起来,理论联系实际,使学生在获得丰富的感性认识的同时,加深对钢琴弹奏知识的理解和印证,从而形成深刻的概念。(7)另外,示范不能局限在动作定向的阶段,而是要贯穿于整个练习过程中,这有助于学生进一步充实头脑中的动作表象。教师在使用示范法的同时,要向学生提出适当的问题,让学生有目的、有重点地去观察和思考。同时教师还要运用讲授法,使学生更好地学习和理解教学内容,加深印象。 三、练习指导法 练习指导法是学生在教师的指导下进行巩固知识、运用知识反复完成一定的操作,以形成技能技巧的教学方法。钢琴教学中,学生弹奏技能技巧的训练是教学内容的重要组成部分之一。钢琴的弹奏动作属于动作技能范畴,旨在形成各种操作技能。练习指导法在音乐等技术性学科教学中占有重要地位。要使学生掌握正确的弹奏动作,除了教师的示范以外,学生的练习也是非常重要的。”王芳(8)则指出:“练习要有针对性,不同年龄阶段、不同钢琴基础的学生,练习都要有计划性,做到循序渐进。”另外,在练习结束后要进行总结和检查,要让学生养成自我检查练习结果的习惯和能力。 四、谈话法 谈话法是教师与学生之间以口头语言来问答、交流、对话的方式进行教学的一种方法。使用谈话法的关键在于设计教学问题,根据问题师生间展开谈话,谈话法适用于各科教学。在钢琴教学中,谈话法也被广泛使用于钢琴集体课与个别课教学中。由于钢琴集体课与个别课教学对象存在知识、基础、能力上的差别,因此教师应根据不同的对象设计不同的问题并开展不同形式的谈话方式。赵菲菲认为:“对于钢琴基础一般的学生,教师讲完钢琴弹奏的基本知识之后,可以就钢琴弹奏中音阶的弹奏方法来提问,除了教师所讲的弹奏方法以外,你认为还可以怎样弹等等问题。”(9)在个别课(学生钢琴基础较好)教学中,教师也可以针对某个作曲家钢琴作品的特点提问,让学生谈谈自己的演奏体会。使用谈话法进行教学,教师事先要做好充分的准备,应编写问题的类型和谈话提纲,问题的设计要注重内在的逻辑性和序列性,体现由浅入深的原则,以符合学生的认知规律。 五、欣赏法 欣赏法是一种以欣赏活动为主的方法。教师在教学中创造一定的情景或艺术形式,使学生通过对客观事物的体验,陶冶性情,培养正确的态度和兴趣。钢琴教学中的欣赏法根据欣赏对象的不同,产生了不同的欣赏形式。武胜利认为:“在教学的实际运用中,除了教师的示范以外,还可以通过投影、多媒体、录像等其它的教学方法和教学手段,激发学生的学习兴趣和积极的思维活动。”(10)欣赏法除了课堂教学中使用外,还可以以其它形式出现。“观摩和欣赏各种音乐会、画展、音乐文学作品、舞蹈艺术等不同的艺术形式,有助于提高学生艺术美的感受和表现能力。”(11)一般来说,欣赏法在教学过程中常与其它方法结合使用,这样可以大大激发学生自觉、愉快的学习动机,产生强烈的求知欲。但是欣赏法的使用必须是基于学生已储备了相关的知识如:钢琴作品的创作背景、作者生平、故事等,这样才可以使学生产生欣赏的动机和兴趣。同时在教学中通过言语启发和钢琴作品的欣赏,可以发展和提高学生的音乐想象力。 六、总结 高等艺术院校钢琴课程有关教学方法的研究论文,大多数是钢琴教师所写,论述的内容也多是教学工作中的体会及对教学实践的经验总结,主要体现在以下几个方面: 1.研究围绕高校钢琴教学课程,从不同知识的学习与教学方法的选择、教学形式与教学时空的安排等,涉及到了钢琴教学实践中的各方面,内容较丰富。 2.在钢琴课堂教学活动中,多种教学方法综合使用,有利于学生对钢琴弹奏知识的掌握和课堂教学效率的提高。 3.论文表现出来的多为实践性、经验性的总结,就总体而言,论述相对零散,没有形成系统化、条理化,理论深度不够。 4.论文题目多冠以钢琴“教学方法”的研究,但在论文的写作中,很少对“教学方法”或者使用的某种“教学方法”做操作性的定义,使得相关概念比较模糊。 5.研究内容以钢琴弹奏的陈述性与程序性知识为主,使用的方法也以传统的教师为主体的教学方法为主,对于现代的以学生为主体的教学方法如:讨论法、实验法、发现法等较少使用,或者在教学中也有一定的使用,但并没有真正体现学生教学过程中的主体地位。 这些论文从侧面反映出一个事实,现代教师职业是一个双专业的职业,教师职业专业化基础的知识技能体系,既包括学科专业知识技能又包括教育专业知识技能,艺术学科由于学科的特殊性,更重视学科专业知识技能的培养和提高。但是在当前全球经济一体化、教育教学文化的多元化下,教师应该基于自己的学科背景,转变观念、加强理论及教育专业知识技能的学习,积极拓宽视野,只有这样才能促进教师专业化的发展,使钢琴教学研究更全面、更深化。 钢琴教学方法论文:中俄高校钢琴教学方法的比较研究 俄罗斯高等音乐教育水平在世界处于领先地位,从俄罗斯走向世界的著名表演艺术家、知名学者、杰出音乐教育家数不胜数,其钢琴教学体系更是自成一派。他们表现出不同的艺术风格和特色,钢琴系的人才培养模式和教学体系是完善和成功的,值得我们学习和借鉴。 一、教学体系 俄罗斯钢琴教学成绩斐然,受到全世界钢琴演奏家、教育家的极大关注。俄罗斯高等音乐教育学府、师范院校和音乐院校在音乐教育钢琴方向的学生教学及钢琴演奏专业学生教学中,合理地运用同一个教学系统,培养不同发展方向的优秀人材,高师的教学体系与音乐院校的教学体系一脉相承,均以凸现音乐风格、强化技术要求、发展灵活多样的练习手段、明确客观完善的评价体系贯穿整个教学过程。 在俄罗斯钢琴演奏教学体系中,首先应该注意的是艺术感的训练。钢琴演奏不是最终目的,而只是自我表现的一种手段。演奏家通过对乐器的演奏,形成人与世界的关系及其对这个世界的反应。所以,钢琴演奏的教学工作必须成套地全面地进行,甚至对于所有业余演奏者来说也应如此全面地学习。为了突出钢琴学习的专业研究方向,教师主张钢琴学生自主选择针对某一作曲家、某一演奏时期、某一演奏风格的系统性曲目,确立研究专题,并以钢琴演奏效果进行补充和论证。在理论研究发展领域内做到理论与演奏实践相结合,毕业音乐会曲目与毕业论文答辩内容相呼应。通过教师的引导和指导,全面提高学生的学术水平和弹奏水准。 二、课程安排 在课程设置上,除了一些必修的音乐基础课程外,还开设一些理论课程,如在音乐学院开设了俄罗斯音乐史、钢琴教学法、室内乐课、声乐伴奏课艺术实践课等必修课程,而且都是教师一对一地授课。学校有专门的室内乐教师为学生助奏,专业教师则在一旁指导。又如师范大学的音乐系开设了高校音乐教育学、音乐创作、音乐创作心理学、音乐评论等必修课程。 俄罗斯的的钢琴专业分两类,一种是钢琴专业,另一种是钢琴伴奏专业。针对这两个专业设置具有专业特色的教学课程;钢琴专业则重视专业技能课、和声、复调、作品分析、外国音乐史、俄罗斯音乐史、钢琴艺术史、现代钢琴艺术、钢琴演奏教学法这些课程;而钢琴伴奏则重视钢琴伴奏、室内乐、声乐伴奏、器乐伴奏指挥。 学时安排的也很多,钢琴专业的学生钢琴专业课500学时、音乐史300学时、钢琴艺术史280学时、和声70学时、复调70学时、文化艺术史70学时、曲式分析70学时;钢琴伴奏专业的学生钢琴伴奏500学时、排练课280学时、室内乐280学时;两个专业的其他课程也都在70-120学时,可见俄罗斯的教学量大、实践课多。 虽然近年来国内高校也新增了一些辅助性的演奏及教学课程,但是这些课程进行的质量并不高。 三、教学方法 俄罗斯钢琴教学以歌唱性、复调性弹奏为显著特点。因而,教师在教学中为学生选择曲目的独到之处,就在于强调曲目的音乐性和复调性。除了常见的音乐会演奏曲目。颇具新意的是激发学生音乐感的各类改编曲。这些作品的弹奏效果突出歌唱性、复调性和交响性,能充分强调艺术感染力和钢琴这一乐器的丰富表现力。学生在练习和演奏过程中,时时被音乐要求和演奏激情牵动,技术问题的解决很自然。达到自然的弹奏境界,音乐的美感就更为突出。这是钢琴教学中的一种良性循环,此种教学效果有助于学生建立演奏作品的良好心态。学生在练琴时,就具备自己能达到的音乐标准,实现弹奏教材和弹奏目的的统一,教材的实效性更为突出。 在对作品的理解上,他们普遍较为深刻,音乐思路比较完整,演奏布局严谨周密,音乐表现力丰富,既有抒情性,又具浪漫气质。俄罗斯的钢琴家们在演奏中注重整体结构的完美及细节的表达,讲究每一个音的质量。在乐曲处理上相当严谨,十分注意音色,分句和乐器的歌唱性。他们追求把优美如歌的旋律同技巧动作结合起来。俄罗斯钢琴学派的艺术优秀特征就是强调歌唱性,以声乐的观点来阐述钢琴的声音,让钢琴这件乐器人声化。在我们的钢琴教学中,没有对学生提出这么高的要求。 俄罗斯钢琴乐派是俄罗斯文化艺术宝库中重要的组成部分之一,也是世界文化领域的宝贵财富。深入研究和学习俄罗斯钢琴乐派的演奏、教学经验,对于发展、繁荣我国的钢琴艺术有着极为重要的意义。 作者单位:哈尔滨师范大学2009级硕士研究生 钢琴教学方法论文:浅谈钢琴教学方法的实践探索 摘要:音乐教育是现代化教育体系中一个重要的组成部分,其中钢琴教学,在中小学和音乐专业教育中占有重要地位。研究钢琴教育的规律,掌握相关理论体系及新的进展,是摆在钢琴教师面前的一个重要而现实的课题。尤其在教学实践及理论研究基础上,寻找一种实用和容易操作的教学方法更具实际意义。试图从自己的钢琴演奏教学的具体实际出发,谈谈在教学理论方面的一些行之有效的教学方法。 关键词:钢琴教学;基本原则;技巧处理 音乐教育是现代化教育体系中一个重要的组成部分,其中钢琴教学,在中小学和音乐专业教育中占有重要地位。研究钢琴教育的规律,掌握相关理论体系及新的进展,是摆在钢琴教师面前的一个重要而现实的课题。尤其在教学实践及理论研究基础上,寻找一种实用和容易操作的教学方法更具实际意义。本文试图从自己的钢琴演奏教学的具体实际出发,谈谈在教学理论方面的一些行之有效的教学方法。 一、把握因材施教基本原则 由于学生来自不同地区,接受启蒙教育的程度、内容和方法均有所不同,决定了他们的起点并不一样。加上他们事实上存在的个体音乐素质、生理条件、琴感和悟性、反应能力等方面的差异,用统一的模式去实施教学是肯定行不通的。必须在兼顾普通性基础上,更加注重特殊性,才能迅速地、针对性地找到各自的突破口,走上适合个人的成长和提高之路。因材施教的前提是必须辩材识材。学生具备什么样的条件,综合素质怎样,教师必须了然在心,才可能正确决定施教的内容和方法。 二、钢琴曲的技巧处理 钢琴音域宽广,多声部,立体感,富于变化,像个乐队。其演奏的技巧、技能性很强。作为一种长线专业,钢琴必须从基础训练时追求技术要求与音乐要求的完美统一。作为基本功的训练,以下方面不可忽视:(1)独立能力。这是一项基本功,必须一开始就给予十分注意。有的学生因为要求不严,训练不到位,分开练还可以,一到应用即变形走样,这是练琴的大忌。正确的做法是让力量较为松弛地经过臂、肘、腕、掌,相对集中地达到指尖。指尖必须是用力的集中爆发点和控制点。为此,我总结以下要领:“指尖站、手掌圆、手腕稳、双臂通、肩松弛、腰支撑”。(2)跑动能力。键盘上的手指跑动是一项很重要的技术。可以说,每个学琴的人都为提高速度进行过艰苦的训练。一般用较长的音阶,和琶音,都涉及到大指换指技术的训练方法。(3)控制能力。钢琴音乐的强弱、旋律、句法、音色、层次、作品风格,全靠演奏时得心应手地运用各种技术来完成。我们常常强调技能控制要准确、肯定。这只是外在的一方面,因为技术无论多么高超娴熟,都是为音乐服务的。 在钢琴的演奏教学中,使乐曲更为动听,只要细致地研究每一首乐曲的过程性乐段内涵与过度性技巧处理,才能找到它的音乐主题的准确内涵与处理手法。 三、把握钢琴演奏中的乐感、追求美好音色 所谓“乐感”,是指钢琴演奏中对乐曲内容的感悟能力与理解能力。它是钢琴演奏中的灵魂,把握乐感,首先应对所演奏的乐曲作品有艺术审美的深切感悟,其次,要深入理解乐曲所处时代的社会风情,作品产生的时代文化背景以及当时音乐发展的基本潮流。最后,还要准确地理解作品的内涵,把握住创作乐曲的音乐家的内心世界,对乐曲具有较为完满自足的充分理解,这样,钢琴演奏才能淋漓尽致地表达出来。 钢琴演奏音质的好坏,应努力追求美好的音色。音色变化的多寡及明暗,都会因触键而产生。若没有良好的触键就没有良好的音色,没有多种变化的触键,也就没有多种变化的音色。两者相互渗透、相互结合,才能真正获得无限丰富的、多样的钢琴音色,表现出千变万化的动人魅力。(1)断奏。分为三种类型:腕部断奏、小臂断奏、大臂断奏。由于指尖快速反弹的力量,发出敏锐灵活、清脆明亮的声音。巴洛克风格、古典风格、浪漫风格的作品中,常有许多这样的触键。(2)跳音。也可大致分为三种:指跳、腕跳、小臂跳。(3)柔和变化性触键。以连贯悠长轻虚、漂浮为特点。由于浪漫主义和印象主义作曲家的作品中,经常需要表达某种神秘、空旷、遥远、朦胧、虚无缥缈等等效果,常常在借助弱音踏板帮助基础上,运用一种难度更大的特殊触键方式。其特征有人归结为“摸、推、揉、飘”四法。 四、注意情技交融,注重感情 如同唱歌,歌声包含感情才能动人。强调琴声包含感情,做起来则有相当难度。这是因为感情不能直接带动琴键,而必须通过训练有素的手指这个中介。另一个实际的困难是,钢琴的声音决定于触键的一瞬间。声音一经手指弹出,就无法再运用感情去加以控制。只能通过技术手段体现某种心理需要,而不能利用其物理性质。因此,只要心理控制能力强,且技法娴熟,完全可以借助于不同的触键变化,而将复杂的感情变化寄寓于琴声之中。 以上所述,是我多年来在钢琴教学中的实践和借鉴前人经验的基础上,总结的一套教学方法。恳望从事钢琴教育研究与实践的同仁们给予关注和指正。 钢琴教学方法论文:根据学生发展特点,采用有针对性的钢琴教学方法 摘 要:钢琴因音域广阔、气势磅礴、富于音色变化及表现力而素有“乐器之王”的美誉,根据学生发展特点,采用有针对性的钢琴教学方法,注重教材的选择,讲究形象性、愉悦性和适龄性;教师实施钢琴启蒙教育时,要做到浅显易懂,激发学生兴趣;培育良好的师生情谊,让学生在轻松愉快的气氛中学习。 关键词:钢琴教育;启蒙阶段;启蒙技巧 钢琴因音域广阔、气势磅礴、富于音色变化及表现力而素有“乐器之王”的美誉,根据学生发展特点,采用有针对性的钢琴教学方法,如下: 一、注重教材的选择,讲究形象性、愉悦性和适龄性 近年来,伴随着钢琴启蒙教育的深入发展,初级钢琴教材众多,但都存在共通之处,即音乐作品标题反映的往往只是乐曲的形式、类别、力度或标记速度,《小奏鸣曲》《回旋曲》《变奏曲》等就是如此,这无疑就使学生在理解上增加了难度。而如要使学生更进一步地接近音乐,就需要教师给予学生一些方法指导,正确感知音乐作品标题所传达出的含义。以《小奏鸣曲》为例,在正式展开该课程教学前,教师一定要引导学生理解“奏鸣曲曲式”的基本含义。 谱例: 如克莱门蒂的《小奏鸣曲》,不但符合一般小奏鸣曲三章的规律,也闪耀着克莱门蒂自身音乐作品的光辉,因此,在实施该课程教学时,教师在引导学生把握小奏鸣曲作品一般规律的同时,也对克莱门蒂及其代表作品进行了介绍,使得学生在演奏过程中也融合了其他演奏标记,而这就犹如为充满想象力的学生插上了一双翅膀,使得学生翱翔于音乐世界的美丽蓝空下,丰富了学生的审美体验。 二、教师实施钢琴启蒙教育时,要做到浅显易懂,激发学生兴趣 1.要善于打比方 钢琴启蒙教育具有“泛灵化”的倾向,为此,在儿童学习音符、五线谱时,在需求手型的时候就可以使用一些形象化的比喻。在教育中多做演示,让学生知道某种情感的音乐教育;多鼓舞和表彰学生,可以画五角星或奖励贴纸,激发学生的学习欲望和兴趣。 2.要善于发问 教师要善于通过提问的方式来启发学生,并认真回答学生的问题。在开展钢琴启蒙教育活动中,教师应做好提问准备,注重提问的方法及语言,讲究因人而异,注重问题的渐进性,具有一定逻辑性,使得学生能够顺利地开启钢琴学习的大门,听得懂、学得会、兴致高。 3.要善于解说 教师要善于解说,从而引导学生展开想象与联想,在了解音乐作品创作背景及作家情况的同时,深入挖掘其与音乐作品内容及情感间的关系,在学习新曲目之前,应先解说有关音乐的背景,引导其去幻想,然后投入到教育中。 4.要善于利用机遇 教师应在适当的机会下,让学生参与报告、表演和比赛,让他们增强自我意识、自尊心和荣誉感。老师可以根据教学和演奏练习的需要,积极和陪练家长展开合作,引导年龄相近的学生在学习与较量中进步。可以适当地开展表演观摩活动和比赛活动,为学生创造登台表演的机会,为学生的内心播撒一颗希望的种子。如,让学生在生日聚会上扮演;在节假日和客人来访时“炫耀”等。所以,让学生建立起自尊、自信,享用成功的喜悦。 三、培育良好的师生情谊,让学生在轻松愉快的气氛中学习 学生第一次上钢琴课都是带有好奇心又紧张的心情。因此,作为学生的启蒙老师,不仅要有专业知识更重要的就是要建立起良好的师生关系,要培育好这种师生关系就很重要。以我为例,我跟学生上第一节课的时候,可以用一半的时间跟学生聊天,让学生觉得学习钢琴是一个非常轻松愉快的事情,也要让学生爱上钢琴,因为老师的表情是一种无声的语言,把对学生的爱和鼓舞都写在脸上,单纯无暇的学生对老师的表情是非常敏感的,亲切和蔼的表情会使学生和教师的距离片刻缩短。 实践证明:“好孩子是夸出来的。”作为教师首先要创造一个良好的教育氛围,以充分尊重学生,让他们感受到我们的关心和支持,并坚定他们的学习决心。其次,老师应正确积极地鼓舞学生学习钢琴,协助他们构成自动、活跃的内涵动力,保护、关注、鼓励、赞美儿童,这样才能让孩童钢琴学习将从简单到复杂,从表涩到成熟,从失败到成功。 钢琴教学方法论文:学前教育专业钢琴科目的课程设置及教学方法 摘 要:中职学前教育与其他教育相比,存在着学制短、专业性强、教学任务重等特点。钢琴弹奏科目是中职教育中比较重要的一门专业技能科目,也是比较难以融会贯通的一门专业科目。这就需要我们在教育过程中,科学合理地计划课程的设置并选择比较有效的教学方法。 关键词:学前教育;专业钢琴;课程设置;教学方法;探讨 钢琴教学与其他科目的教学有着一样的特点,都是一项系统化的教育工程,需要我们对各个环节进行科学的计划、统筹并付诸实施才能完成教育目的。但是,与其他的专业科目相比,它又有自己特殊的要求,需要我们采取特殊的措施,才能切实做好这项工 作。因此我们有必要对学前教育专业钢琴科目做出科学的分析与探讨,为钢琴教育事业的发展提供明确的理论指导。 一、学前教育专业钢琴科目教学存在的特点分析 对当前学前教育专业钢琴科目教育存在的特点进行分析,有助于我们有针对性地设置课程并选择最为合理的教学方法,以保障钢琴教育的有效性和科学性。主要内容有以下几个方面: 1.钢琴弹奏的困难程度比较高 作为“音乐中的王者”,钢琴具有音域宽广、表现力丰富的演奏特点,这就对我们演奏者的专业素质、技术水平以及身体素质有着很高的要求,演奏者如果在某一个环节上达不到具体的要求,那么想要弹奏好钢琴是非常困难的。 2.中职学校的学制短 在中职教育中,学校的学制一般设置为三年,前两年为学生在校学习的时间,最后一年则为外出实习的时间。由于钢琴弹奏具有较高的难度,它的复杂性就决定了在短时间内想要将它练习好,是一件几乎不可能完成的事情。两年的学习时间,学习较好的学生也只能练到车尔尼五九九程度的水平。 3.学生间的素质差异比较大 由于学生来自的地域不同,之前接受的音乐教育水平和层次也存在很大的不同,这就造成了学生在对钢琴的认识以及音乐的基本认识上存在着较大的差异,需要我们在教学的过程中有区别性地对待,这也给学前教育中的钢琴教学带来了很大困难。 二、学前教育专业钢琴科目的课程设置以及教学方法的选择 通过对学前教育钢琴科目教学存在特点进行的分析与探讨,我们就可以有针对性地来安排课程的设置以及科学地选择具体的教学方法,详细的内容有以下几个方面: 1.钢琴科目的课程设置 学前教育的过程中,学生实际在校学习的时间为两年,四个学期,每个学期约为十八周。首先,课程的设置应该充分结合钢琴教学的内容,一个课时安排的新内容不能太多,否则学生在有效的时间内消化不了,也不能安排的太少,从而放慢了整个学期的整体学习进度。其次,课程的设置应该充分考虑学生们的认识规律。 2.教学方法的科学选择 学前教育有着自己专属的特点,这就需要我们在教学的过程中,充分考虑学前教育的特点,将它与中职学生的基本特点以及钢琴教学的特点进行充分的结合来选择教学的方法。此外,还应该避免学生弹奏那些技术达不到的高难度曲目,避免养成不良的弹奏习惯。 三、总结 关于学前教育专业钢琴科目的课程设置及教学方法,本文主要从以上几个方面进行简要的论述,具体的内容还需要我们根据学前教育的实际条件、学生的钢琴基础以及中职钢琴教师的综合能力来客观地制订。在此,也希望有更多、更科学的相关理论研究呈现出来,为促进钢琴教育事业的科学化发展而共同努力。 (作者单位 河南省三门峡市中专) 钢琴教学方法论文:“二元重点理论”在钢琴教学方法上的运用和思考 摘 要:在高职学前教育专业的音乐教学课堂上,发现了一种教学现象:音乐教材、教参提供的教学重点是教师教学的重要依据,却与学生的所思所想所需是不同步的。教材知识是重点,学生学情也是重点,两处重点结合在一起,形成课程的“二元重点理论”。在“二元重点理论”指导下的教学方法,从中获得三点效果:一是实施探究式教学方法使课堂更有活力;二是互动合作互相交流才能共同提高;三是问题引路带着质疑把握知识和技巧。 关键词:“二元重点理论”;高职钢琴教学 钢琴曲《多年以前》是《拜厄钢琴基础教程》中的一首练习曲,结构短小,内容简单,但是这首乐曲对于高职学前教育专业的学生来讲并不简单,在学习中往往是初学者“一头雾水”的地方。如果在教学方法上运用“二元重点理论”作指导,学生学习效果会大大增强,从而增强学生学习钢琴的信心和决心。 1 “二元重点理论”基本要点和《多年以前》的结构和内容 在高职学前教育专业的音乐教学课堂上,总会发现一种教学现象:音乐教材、教参提供的教学重点是教师教学的重要依据,却与学生的所思所想所需是不同步的。教材知识是重点,学生学情也是重点,在授课中两处重点会结合在一起,这就形成课程的“二元重点理论”。“二元重点理论”的结合点将构成新的教学重点,这样的重点才是切合学生实际的,是“生本思想”在课堂教学中的体现;倘若不考虑学生实际需求,既不体现“以人为本”的思想,也不体现“学生主体”的课堂教学方法,最终是不能达到教学目的的。 《多年以前》是一首爱尔兰民歌,原名为《Long,LongAgo》。这首歌曲是英国歌曲作家、剧作家托马斯・黑恩・贝理于1833年创作的。钢琴曲《多年以前》出自《拜厄钢琴基础教程》,曲目篇幅短小,结构简单。整首乐曲由四个乐句组成,每个乐句有四个小节。第一和第二乐句的前两个小节是完全相同的,后两个小节中,第二乐句是对第一乐句的变化重复;第三乐句是全新的内容也是教学中的重点,并且第三乐句前两小节和后两小节是相同的;第四乐句完全再现第二乐句。整首乐曲呈现出“起承转合”的结构特点。 2 在“二元重点理论”指导下的《多年以前》教学方法 “二元重点”属于理论性质的东西,要运用在具体的教学实践中,它才会富有生命力。 2.1 教材提供的知识重点 在《多年以前》乐曲中,第一、二、四乐句的节奏特点和弹奏方式是相同的,其中特别需要注意的是左手声部。分析钢琴谱我们不难看出,左手声部是由两个声部组成的:同时在一行谱出现了既有符杆朝上的音符,也有符杆朝下的音符。乐曲中每个小节都有两个二分音符,它们的符杆是朝下的,其余的7个八分音符,符杆都是朝上的,同时在这个二分音符的上面,都有1个八分休止符。这样不仅要能看懂这样在一行谱呈现两个声部的钢琴谱,还要能够由一只手来完成两个声部的弹奏,是需要教给学生的第一个知识重点。 乐曲的第三句,是整首作品中最难的一处,虽然只有短短的四个小节,但是包含的内容却是很丰富的,这是第二个知识重点。首先,先看看右手的主旋律声部。主旋律声部中,包含了很多双音,并且每个小节都有需要在黑键上弹奏的双音,这对指法的合理安排做出了一定的要求。其次,再看看左手声部。第三乐句的左手声部就简单多了,每小节由1个八分休止符和7个八分音符组成,怎样处理休止符、怎样实现双手的准确对位,也是摆在学生面前需要解决的重点。 2.2 学生实际能力重点 作为初学者的高职学前教育专业学生,在把握教材的能力上总是存在差距。 在乐曲的第一、二、四乐句中,左手要完成两个声部的弹奏,并且有一个长音需要保持,这个时候应该采用什么样的指法和什么样的弹奏方式,这是学生的第一个疑问。 在第三乐句中,在弹奏右手旋律中双音的时候,怎样变换指法,同时在变换指法的时候确保双音的弹奏整齐。这是学生普遍出现的第二个疑问。第三个疑问也同样出现在第三乐句。左手声部有八分休止符,它的出现又该如何与右手的双音弹奏准确对位,并双手一起弹奏。 以上三个问题才是学生急需把握的重点,不搞清楚这些基本内容,就不能很好地解决学习问题。 2.3 形成新的课堂教学重点 在新的课堂观指导下,在学生的需要与教材要求之间寻找一个结合点,形成新的教学重点,这个重点包含几个内容:第一,按照乐谱的指法,左手在弹奏长音保持音时,只需把相应手指弹下琴键并且保持不放,然后按照节拍要求继续弹奏之后的八分音符。解释清楚左手的弹奏要求和指法安排,就自然解决了学生第一个疑问。第二,双音的弹奏方式。在弹奏双音时一定要整齐,这就要求指法合理、方便弹奏。尤其遇见包含黑键的双音时,更需要手腕做出相应的动作来配合指法的转换。在讲解中示范,解决学生的第二个疑问。第三,第三乐句左手部分八分休止符的弹奏,根据节拍以及音符的对位来处理,就能解决学生的第三个疑问。确立这一新的教学重点既有别于教材的知识重点,也不同于学生的需求重点,而是一个于二者皆兼而有之的新重点。教学中要突破这一重点的方法可以从三个方面入手:第一,学生互相探讨,共同求解。教师可以把学生分成小组,以小组为单位进行探讨,通过集体的力量既可以准确认识乐谱结构,还可以弄清楚乐曲中双声部的记谱形式以及右手双音的指法安排。第二,通过教师示范,学生观摩。既然是左手有双声部弹奏的地方,就要做到保持音的准确弹奏,并且还要兼顾右手指法的变换,这是初学者要清楚的地方。第三,教会学生举一反三、触类旁通。如果说包含黑键的双音弹奏需要手腕做出相应动作来帮助弹奏,可以让学生在此基础上,自行学习其他带有黑键的双音弹奏的练习曲,以此作为弹奏技能的积累。 3 践行“二元重点理论”的新体会 在教学实践中,对《多年以前》进行教学时,针对高职学前教育学生的特点实施“二元重点理论”指导下的教学方法,从中获得三点效果: 3.1 实施探究式教学方法使课堂更有活力 探究式教学法要求教师事前提出问题让学生独立思考、共同探究、寻找答案,即使个别小组探讨的答案有偏差,也是有积极意义的。教师教的是学习方法而不是具体的知识。 3.2 互动合作互相交流才能共同提高 教师牢记的是:天才不是教出来的,创新也不是教出来的,知识和技能在同伴中会学得更多更好。学生在疑问中互助中合作,在合作中交流,在交流中获得知识和技能的答案,最后达到共同提高的目的。 3.3 问题引路带着质疑把握知识和技巧 学生的学习达到一定程度后,设计合理的问题作为课余作业,让学生举一反三、触类旁通。如果学生不能有效解决问题,教师的作用就是“解惑”,恰到好处地对学生进行点拨和启发,直到解决问题。这就把学生的独立性、主动性与教师的科学性、积极性结合起来,从而收到“教学相长”的效果。 总之,“二元重点理论”提供的是一种教学思路,在运用到具体教学实践中的时候,需要的是教师从学生实际出发,把教学效果的有效性与师生在教学环节上的交互性结合起来,寻找出解决问题的好办法。这既是继承传统方法而又不同于传统方法的一种有益尝试,课堂教学改革就是在不断尝试的过程中获得新生的,教学方法在“二元重点理论”指导下,更显出青春和活力。 钢琴教学方法论文:钢琴教学方法浅析 摘要:21世纪经济的迅速发展,迫切需要一部分高素质人才,而这批高素质人才的涌出,是与高水平的教育分不开的.为了提高大众人民的综合素质,钢琴教育已经成为不可或缺的一个部分.实践的验证,钢琴的教育是提高素质的最佳手段之一.而我国业余的钢琴教育改变了许多文化生活结构,成为一种全新的生活氛围,然而,在我国钢琴教育的发展中,还有许多不尽人意的地方需要改进.本文通过对国内外钢琴教育教学的论述,从几个年龄段时期学琴者的心理的剖析,分析国内外教学的相同点及不同点及钢琴教学的规律。目的是使钢琴教育者能有针对性的对学生进行教授。因人施教,最终达到比较理想的一个效果。 关键词:素质教育;钢琴教学;现状;体系;心理 一、 写作背景 现代化的21世纪,世界经济的格局在发生着巨大的变化,而我们面对这样的变化,急切的需要高层次、高素质、高水平的人才来满足这个时代的飞速发展。我们国家需要进入世界先进国家之列,培养全面发展的高素质人才已经成为我们必须要做的事情。然而有创造性的人才从何而来呢?只能抓好基础教育的普及度才能够满足新时代的需求。我国在1985年《中共中央关于教育体制改革决定》中提出,我国教育基本任务是提高民族的素质。 二、钢琴教学方法及重要性 (一)几种常用的钢琴教学法 老师要求每个学生都是由肢体控制、情绪控制和思维控制几个方面来着手。不论是一对一、小组教学还是大课的教学。 1、 从教法来讲 (1)授课 我们可以使多种授课方式有机地并存: 个别课:沿袭几百年钢琴教学历史传统的个别授课形式,至今仍具有其不可取代的重要价值。通过个别教学,教师可以十分细致而深入地观察并解决每个学生在钢琴弹奏中所存在的不同问题,在技术和艺术这两个层面上展开极具针对性的钢琴教学工作。个别课适用于各种程度的钢琴学生。 小组课:小组课即指现行的钢琴集体课这一教学形式,以几人、十几人甚至几十人为一教学单位,主要依靠交互性较强的电钢琴集体课教学系统,高效率地实施钢琴教学。在小组课的教学过程中,须统一教材,并基本统一学习进度,解决在钢琴学习过程中较易出现的、又较具普遍性的问题,因此,适用于数量较多、且钢琴程度较低的教学对象。 大班课:大班课是钢琴集体课在另一概念意义上的拓展和延伸,一般可以行政班级为教学单位。在大班课上,主要讲授“钢琴教学论”、“钢琴艺术史”、“钢琴作品赏析”等以知识性、理论性为主的教学内容与教学课题。大班课应充分利用各种现代化的教学媒体和教学手段,生动地展示源远流长、精彩纷呈的钢琴艺术,开展多层次、多侧面、立体感、全方位的教学活动。 (2)讲座,公开课;座谈,讨论 作为对授课形式的一种有益的补充,我们可以针对钢琴教学中的各项内容不定期地开设系列专题讲座和公开课,亦可经常举行各种范围、各种形式的座谈与讨论活动。讲座或公开课可以是理论研究、学术探讨性的,也可以是教学示范、经验交流性的;座谈与讨论可由教师命题,也可由学生自由选题,并在轻松活泼、畅所欲言的开放性学术气氛中进行。 (3)演奏会。 这里所指的演奏会具有双重含义。一方面,我们应该经常性地组织学生去音乐厅欣赏具有较高艺术水准的音乐会(这里尤指钢琴独奏、重奏、协奏等音乐会),使他们能够在现场切身感受钢琴演奏艺术的无穷魅力,从而激发起更高的钢琴学习热情。 2、 从课程创新来讲 (1)钢琴演奏技术理论与钢琴教学法课 钢琴教学和钢琴演奏是相辅相成的,钢琴教学法课的开设是要使学生具有完备的钢琴基本演奏能力及教学能力。在培养合格中小学音乐教师的过程中,要针对每个学生的情况,因材施教,教师要有侧重地把教学重点从教学生怎样正确地弹琴转为怎样正确地教琴。 (2)钢琴作品赏析课 钢琴作品赏析在艺术史课、音乐史课、音乐欣赏课中都有涉及,这门课程以钢琴作品的介绍与欣赏为主线,对作品的风格特点、创作背景、创作手法等进行分析。钢琴作品多如繁星,学生要想都一一弹奏是不现实的。 (3)钢琴艺术史课 以西方音乐史上对钢琴音乐贡献突出的作曲家及其作品为论述对象,从宏观上梳理西方钢琴音乐艺术的历史发展脉络。书中对各个时代的钢琴家进行了寻找渊源和继承关系的纵向比较,也进行了探索同时代人物影响的横向比较,既有以音乐史为背景的狭义比较,又有以文化艺术史为背景的广义比较。 (二)目前形势及任务 1、幼儿的钢琴教学 孩子的年岁小,他们的行为都受家长的支配,就算孩子对钢琴学习没有兴趣,还是要在家长的逼迫下去学习。我们首先要激发幼儿学习钢琴的兴趣,适当的物质诱惑鼓励是必要的,其次,教师应该经常举办一些家庭小型音乐会,使琴童得到锻炼。 2、青少年的钢琴教学 青少年骨骼比孩童时期更加坚固,这一时期学生大脑的发育也是处于领先的,这个时期钢琴学习对少年脑的发育也是极为有帮助的。这个时期孩子们经常会在电视或网咯上看到有关于很多热情洋溢的演奏家的潇洒自如,自身会产生一种崇拜,然后央求家长买钢琴、学钢琴,这个时候他们会觉得自己这种机会是非常来之不易的,因此会把握这个机会好好学习。这时候教师应该用启发式的教学方法,布置作业时也要向学生提出明确的要求。目前就可以加上断奏,还有如何让学生理解曲子的内涵作一些努力。 3、成人的钢琴教学 成年人的一系列诸如消化、呼吸、神经等趋于退化,与青年相比没有那么大的激情,学习钢琴的目的主要是为了休闲娱乐,修身养性,教他们就不能像青少年那样哈农、拜尔、车尔尼等逐课弹奏,而是要选一些中外好听的钢琴名曲,提高他们的兴趣。 总之,钢琴在世界音乐舞台上扮演着举足轻重的角色,优秀的钢琴音乐人才是推动世界音乐发展的基础,因此培养出优秀的钢琴音乐人才是世界钢琴教学主要任务。只有运用合适合理的钢琴教学方法才能保质保量地为世界音乐注入新鲜血液,以保证世界音乐保持良好的发展。各个年龄段钢琴演奏的基础都是相同的,都是以好的方法指导学生进入神圣的音乐殿堂,更好的感受音乐,不同点在于各个年龄段的教授方法不相同,我们应该因人施教,而且教学方法与教学体制综上有细述。(作者单位:四川师范大学) 钢琴教学方法论文:新形势下高校钢琴教学方法中的改革创新 【摘要】进入21世纪以来,我国的社会经济和科学技术等各个领域都实现了较大程度的发展,教育也在不断的改革中实现了较大程度的完善,教学方法的改进使得教学质量和效率都实现了极大的提升。在高校音乐体系当中,钢琴课程是其中重要的组成部分,但是由于受到多种因素的影响,使得钢琴教学方法中仍然存在着一些问题,如何通过改革创新来解决这些问题已经成为高校教学改革中亟待解决的实际问题。为此,本文对新形势下高校钢琴教学方法中的改革创新问题进行了探讨。 【关键词】新形势;钢琴专业;教学方法;改革创新 注:本论文为湖南省普通高校教学改革研究项目,《地方性本科院校音乐专业学生钢琴应用能力培养模式的研究与实践》的阶段性成果。课题编号:湘教通(2013)223号。 前言:钢琴课程是高校音乐教学体系中极为重要的基本组成部分,其教学水平与学生钢琴弹奏技巧、审美能力和艺术素养的形成之间具有十分紧密的联系,具有不可替代性的实际作用。但是,从我国高校钢琴的教学现状来看,与“传授知识,情感教育”的目标之间具有着较大程度的偏离,对知识和技能的培养予以了高度的重视,对情感和艺术修养的培养却予以忽视,特别是在社会经济迅猛发展的新形势之下,传统的钢琴教学方法已经无法适应教育现代化的发展需求,因此必须要对高校钢琴教学方法进行改革创新,从而推动高校音乐教育的可持续发展。 一、传统高校钢琴教学方法中存在的问题 在高校音乐教学中,钢琴教学能够有效的提高学生的音乐能力,也是提高学生音乐综合素质的基础,对培养学生的学习积极性以及提高他们的音乐鉴赏能力都能够起到积极作用。然而,我国目前许多高校存在着以教师和学生交流不足,缺乏情感交流等实际问题,这不仅使钢琴教学的效果是难以实现,传统的钢琴教学模式,也非常容易使学生失去对钢琴的兴趣,缺乏有效的推广钢琴和音乐品质的基本能力。 (一)教学模式死板,方法单一 传统高校钢琴教学的过程基本上都是“教师讲解――示范演奏――模仿练习――教师纠正――练习”的过程,教师在对乐谱的相关知识进行讲解的时候往往注重谱面要求,对创作背景和风格特点等方面却不重视,且这种教学模式十分死板和单一,使得学生对钢琴学习不具有积极的兴趣;再加之这种灌输式的教学方法将教师放在了课堂中的主体位置之上,学生只能被动的接受知识,使得学生缺乏自主性的思考,已经无法满足教育现代化的发展需求。 (二)教学重点偏移,忽视素养培养 对于高校钢琴课程的教学而言,对学生实际弹奏技能的培养基本上是从两个方面进行的,其一是学生钢琴演奏技能的培养,其二是对学生乐感能力和表现能力的培养,这两方面之间是相辅相成的关系。然而,从我国高校钢琴教学的现状来看,大部分的学生都已经具备了较为成熟的钢琴演奏技能,但是却缺少对作品的认识和理解,只是单纯的追求学习进度和难度,在对作品进行演奏的过程中无法表现出作者的创作意图,对钢琴作品无法实现全面的诠释。 (三)课程设置不合理,考核机制不科学 课程设置不合理,考核机制不科学是我国高校钢琴教学中存在的另一问题。从目前来看,高校钢琴教学的考核所采用的仍然是应试教育的模式,通常都是让学生对几首钢琴曲目进行弹奏,由教师进行评分,这种单一的考核方式在新形势之下已经无法满足教育现代化的发展需求。另外,在课程设置方面,西方音乐史、和声和乐理等课程在钢琴课程中的运用也不容乐观,以至于学生在进行钢琴演奏的过程当中无法透彻的理解到作者的意图,仅仅依靠技巧是无法实现完美展现。 二、新形势下高校钢琴教学方法中的改革创新 (一)创新钢琴教学的模式和方法 新形势下高校钢琴教学方法的改革创新中的首要任务就是要对教学模式予以改进。在实际的教学过程当中,教师要让学生对钢琴作品的创作背景、风格、思想和表现形式等方面进行讲述,教师对其进行补充,通过教师和学生之间的有效互动来提升学生对作品的认识程度。同时,教师也要积极的引导学生对钢琴作品发表见解,对相关的文献资料和音响资料进行阅读,从而提高学生独立思考的能力,使得学生在对钢琴作品进行演奏的时候能够具有较强的贯通性。教师在对教学方案进行设计的时候,可以多运用启发式和探究式的方法,从而对学生的积极主动性实现充分的调动,从而通过日积月累最终构建属于自身的知识体系和表演方式。 (二)培养学生对作品的感性认识 要想使得学生在实际的演奏过程中能够完美的诠释钢琴作品的主题,就必须要对学生的乐感进行综合的培养,在对学生的理性认识进行培养的同时,教师还应该注重对学生感性认识的发掘和培养。为了提高钢琴课程的教学效率,教师在教学过程中应该依托心理活动去推动生理运动,依托感性带动理性。例如,在对《牧民歌唱》曲目进行教学的过程当中,将左手半分解和弦的跳音比作是有节奏奔跑的马蹄声,将右手的跳音和短连线看作是歌唱较强的旋律,使得学生在脑海中构建出自己在广阔草原骑马奔腾的画面,使得学生能够较好的进入到曲目的情境当中,在实际的演奏过程中能够充分的表现出曲目的主题。 (三)实现小组和一对一教学方法的结合 新形势下高校钢琴教学方法改革创新的另一重要途径就是实现小组教学和一对一教学模式的有机结合。将一对一教学方法贯穿于小组教学中的主要目的在于转变学生作为旁观者的角色,使其能够直观且清楚的认识到自身存在的优点和不足;在采用小组教学方法的过程当中,学生逐名进行演奏,其他学生则是一直保持着持续性学习的状态;当小组课程结束的时候,教师可以组织学生对钢琴演奏中的问题进行讨论和分析,从而培养学生独立思考的能力。另外,对于个别学习较为突出或落后的学生而言,教师要对其进行适当的针对性辅导,对其练习内容进行适当的减少或增加,并组织学生和教师之间进行互相观摩和指导等活动,定期的举办一些钢琴演奏比赛和作品赏析等活动,对小组教学方法实现有效的补充。 (四)强化学生心理素质和学习兴趣的培养 强化学生心理素质和学习兴趣的培养是新形势下高校钢琴教学方法改革创新的重要方面。为了提高学生对钢琴课程的学习兴趣,在实际的教学过程中,教师可以增加中外钢琴名曲的赏析等内容,如声乐改编、流行钢琴曲和器乐改编钢琴曲等,不仅使得学生的音乐视野得以开阔,而且还能够使得学生主动地对自己感兴趣的曲目进行弹奏练习。例如,在实际的教学过程中,一些学生可能会出现紧张不安等情绪,使得弹奏速度加快,经过多次的练习之后仍然不能够熟练的对曲目进行较为完整的弹奏,这时,教师应该根据学生的实际情况进行有针对性的指导和训练,对学生的学习习惯进行改正,从而使得学生能够克服心理素质较差的问题,自然的融入到音乐当中去。 结束语 综上所述,在新课改的背景之下,随着教学改革进程的不断深入,高校钢琴课程的教学也受到了社会各界的广泛关注,钢琴作为音乐教育体系中的一项基础性内容,其在新形势之下受到了前所未有的冲击和挑战,如何对钢琴教学方法进行改革创新已经成为高校教育发展中亟待解决的问题。因此,要对传统高校钢琴教学方法中存在的问题实现把握和分析,然后从转变固有教学模式、培养学生对音乐的感性认识、在小组课中贯穿一对一教学方法、加强学生学习兴趣和心理素质的培养等方面来提高学生的钢琴演奏能力和音乐素养,提高高校钢琴教学的质量和效率。 作者: 徐大成,湖南科技学院音乐与舞蹈学院,副教授。 钢琴教学方法论文:普通高校数码钢琴集体课教学方法初探 摘 要: 随着普通高校教育体制的完善,教学内容也趋于更全面化的发展方向。越来越多的普通高校开始注重学生音乐素质的培养,丰富学校艺术教育体系内容,在学校开设的常规必修课的基础之上,增加音乐艺术的公共选修课。数码钢琴集体课是适用最广泛的音乐课程,可以满足普通高校的教学需求。本文主要分析了数码钢琴集体课的优势,以及现阶段教学中出现的问题,探讨普通全日制大学在音乐艺术培养中数码钢琴课的教学方法。 关键词:数码钢琴课 教学方法 集体课 普通全日制大学越来越重视学生的音乐艺术素质培养,为了满足学生希望能够在大学期间掌握一些音乐技能的需求,增设音乐公共选修课成了必然趋势。数码钢琴课在国外已经成为主流的教学课程,是非音乐学院普通高校提高学生音乐艺术能力的重要手段。数码钢琴课可以在普通高校教学条件不足的前提下,满足学校对音乐艺术教学的要求,特别是钢琴教育的需求。 教学对象主要是普通的高校学生,一般都少有音乐基础,但是对钢琴有浓厚兴趣。通过学校开展的数码钢琴选修课,能够让学生学习到钢琴的基础演奏技巧,受到音乐艺术的熏陶。但是,由于非音乐专业,音乐基础较弱,学生对钢琴的掌握程度一般为中低水平。因此,在课程的设计上,也需要充分考虑到全方位和多层次的教学模式。 一、教学优势 1.节约教育成本,功能性较强 传统的机械钢琴价格昂贵,而且体积较大占用面积广,不适合普通高校的日常教学,而数码钢琴在价格上则是机械钢琴的一半甚至五分之一,同时体积较小,可以形成集体式的教学。在有限的条件下,达到高校音乐教育的目的。 数码钢琴不仅可以完成机械钢琴的基本功能,模拟传统钢琴的发声,实现逼真的演奏,可以88键同时独立发声,键盘的触感力度也可以随着演奏人的弹奏力的变化而变化。数码钢琴踏板的设计在长短音变化时,可以进行控制,达到真实的钢琴音效。另外,数码钢琴的功能齐全,不仅可以实现基础的音乐演奏,还可以对演奏的音乐实现储存功能,在演奏时实现不同形式的演奏效果。一些数码钢琴还具有节拍器、MIDI接口等机械钢琴没有的功能。可以在教学的过程中,连接话筒和输出设施,并且,数码钢琴可以通过专用的总控制台实现控制,教师可以随时监控教学状况。实现集体教学模式,改变传统钢琴教学中,只能单独教学的模式。 2.教学方式更灵活多样 数码钢琴集体课教学中,可以实现全班学生一起演奏、分声部合奏、分组伴奏等多样的教学方法,提高学生的学习积极性,通过齐奏、分声部合奏可以促进学生之间的相互协作和协调能力,锻炼学生的多声部听觉能力,培养学生的节奏感和音乐分析能力。数码钢琴集体课的教学,不仅可以提高学生钢琴演奏技巧,在学习过程中,使学生的音乐知识增强,提高学习的效率。 二、现阶段数码钢琴集体课存在的教学问题 通过数码钢琴集体课的教学,学生能够在较短时间的学习中,学习到一定的钢琴演奏技巧,但是也会因为掌握的程度不同,有的学生只能学习到基础,而一些有音乐基础的学生甚至可以考取业余等级资质。可在普通高校的数码钢琴集体课的教学过程中,仍然出现了一些问题: 1.原有基础影响教学进度 由于数码钢琴集体课多为公共选修课,或者非专业性课程,参加学习的学生自有的基础不同。在课堂教学中,从学习最基础的识谱上:同样的一份钢琴乐谱,原有音乐基础较好的学生可以迅速读谱,而没有音乐基础的同学则需要花费较大的时间和精力来读谱,还会出现错音、漏音的现象,拉开了对同一首乐曲的掌握能力。 其次,因为普通高校的学生已经发育成熟,不同于幼儿,具有一定的可塑造性。从身体上来说,钢琴演奏所需要的手指灵活度和韧带的弹性以及指间的伸展能力都较弱。双手的协调能力也因为长期的单项思维方式所限制,在学习的过程中受到了很多的限制。 2.钢琴技巧掌握困难 钢琴演奏会受到各方面因素的影响,需要掌握乐谱、理解基础乐谱知识,有较强的音乐节奏感,还需要具有一定的分析乐曲的能力。普通高校的学生受到应试教育大环境的影响,通常接触到的艺术教育机会较少,对音乐的感知和节奏感较差,而技能上,双手的协调能力较弱,只能掌握基础的钢琴演奏,让学习的乐曲中,节奏较快时,就会出现跟不上节奏的现象,或者当遇到音型变化较多的地方,自然的出现错乱的现象,难以完整的演奏一首乐曲。 三、解决数码钢琴集体课问题的方法 普通高校数码钢琴集体课的教学,应该从基础音乐教学开始。从钢琴的结构入手,介绍数码钢琴的发生原理和基础的性能,让学生从熟悉数码钢琴开始,消除学生的陌生感,增加学生学习的信心。其次,需要教师制定教学分层次的计划,与学生沟通和协调,明确告知其教学内容和教学要求。提高学生积极性,开发学生的学习积极性和学习热情。因此,对普通高校的学生,在学习数码钢琴的过程中,可以用以下几种方法来练习: 1.学会读谱 乐谱是音乐的主旋律,学生对乐谱的理解程度直接影响其演奏的表现,也很难进行钢琴的演奏。因此,在数码钢琴集体课的教学中,首先应该学会如何读谱。教师需要根据不同学生的原有,采用不同的教学方法。在对乐曲进行分析的基础上,对一些基础较弱的学生,放缓教学进度,重复细致的讲解和练习,提高对乐谱的理解能力。 2.在钢琴曲的教授时,慢速到快速,部分到完整的教学方式 在教学中,针对初学者接触新的乐曲时,先从一整首乐曲的最慢速度开始练习,再逐步提高速度,最后再达到乐曲应有的速度。对一些较长的钢琴曲,可以使用分段式的局部教学,指出乐曲中的技术难点和重点片断。同时,要求学生在课堂中进行不断的练习,再练习中找到问题,教师可以及时进行解答和纠正。锻炼学生思维与手指的协调配合能力,增强音乐理解能力。然后,将所有的片断整合练习,以达到完整的音乐演奏。 3.演奏的分手与双手相结合 钢琴初学者没有足够的协调能力,经常不能够双手来同时演奏。分组教学和分声部教学可以解决这一问题。即先让一组练习单手弹奏,采用左右手分别弹奏,当熟练之后再双手演奏。还可以进行不同声部的练习,让高声部和低声部分开练习,组与组之间注意互相倾听,再进行分析和讨论,找出彼此之间的优点和不足之处,在培养学生的音乐赏析能力同时明确演奏中的改进目标。 4.培养学生的节奏感 节奏感较差是钢琴音乐学习中出现最为普遍的现象。节奏是音乐的脉搏,对节奏的掌握对钢琴演奏十分最重要。初学者在节奏上通常会出现节奏不一的情况,在遇到比较熟悉,技巧比较熟练的乐曲时,就会弹得比较快;遇到比较难的地方时,就立即放慢,破坏乐曲的整体性,使一首乐曲节奏混乱。因此,在教学过程中,首先要培养学生的节奏感,比如利用数码钢琴自带的节拍器,针对学生的不同情况进行节奏感训练。在教学前,先明确乐曲的演奏速度,以保证节奏的统一。增强学生在演奏中的节奏感把握程度。 5.扩大学生音乐知识面 数码钢琴集体课程时间较少,教师要抓住课堂时间,对学生进行“精弹”教学。课程中多选取经典的基础性乐曲,让学生对这些具有代表性的音乐进行精细化的练习,提高弹奏的质量,充分发挥学生的理解能力和记忆模仿能力。同时,将一些著名演奏家的代表性乐曲介绍给学生,让学生在课余时间尽可能多的浏览和学习,丰富音乐知识面。 四、总结 普通高校的数码钢琴集体课程,可以帮助学生深入的了解钢琴演奏,感受音乐的艺术魅力。同时在钢琴训练的过程中,对手指灵活度的提高,有利于培养学生的思维灵活度。在数码钢琴集体课的教学中,从浅到深,针对不同层次的学生,需要进行不同的教学计划,不仅是学习钢琴的弹奏技巧,更需要让学生了解钢琴艺术的文化背景和著名钢琴演奏家的代表性作品。使学生在艺术层面上,了解并热爱学习数码钢琴的演奏,通过分声部、单双手结合等形式多样的教学方法,来增强学生的对数码钢琴的掌握能力,提高整体的演奏技巧。 钢琴教学方法论文:少儿艺术学校钢琴教学方法研究 一、在儿童钢琴教学中,要充分发挥家长的桥梁和纽带作用 儿童刚开始学琴的时候都是充满着对音乐的喜爱和幻想来的,即便不是如此,由于儿童天生的好奇心也会对钢琴充满兴趣。但是学习一段时间后一些孩子便会出现不同程度的厌烦感,有人会把这种现象归咎于现在的孩子怕吃苦,不专心。殊不知,导致这种情况出现的重要原因之一是家长当初选择孩子学钢琴的目的性不够明确或不正确。部分家长为孩子选择钢琴学习目的是为了培养他们对音乐的兴趣,是为他们步入音乐殿堂打开一条通道,孩子将来是否成为专业人才则要看每一个人的具体音乐素质以及后天的环境和培养。但是,更多的家长让孩子选择钢琴的目的与动机是从其就业、升学、考级出发,甚至有的抱着“望子成龙”、“望女成凤”的期望,希望把孩子培养成钢琴演奏家等等。那些目的性强的家长,表现出来的心态往往是急于求成,不注意基本功的训练,甚至要求老师把考级作品当作唯一的教学内容。 一是家长的观念要转变。不要对孩子学习钢琴有过高的要求,要从考级、成为钢琴演奏家等的目的性强的观念中解放出来,把孩子学习钢琴作为培养其音乐素养,陶冶情操的一种措施来要求孩子,这样才能充分发挥孩子的主观能动性,从而让孩子自觉爱上钢琴演奏。 二是帮孩子创造一个适宜的练琴环境。家长们应该尽量为孩子创造一个安静、优雅的练习环境,充足的光线,高低合适的琴凳,使孩子不管在外玩得多疯狂,一到这,就能静下心来练琴。比如说,摆在书房或孩子自己的卧室会好些。如果担心空间太小影响音色,可以把琴盖打开。 三是陪孩子听好每一堂课。学弹钢琴是一个循序渐进的过程,父母最好在初期,坚持陪孩子学习钢琴,这样辅导起来会得心应手。家长虽无动手实践能力,但理解力强,辅导过程中孩子也服气。因此家长陪孩子听好课,弄明白要领尤为重要。 二、加强培养儿童学习钢琴的兴趣,是儿童学好钢琴的关键 琴童因对钢琴的兴趣而学习钢琴,在学习钢琴的过程中作为教师要逐渐把其对钢琴的兴趣升华为对钢琴的热爱。正如爱因斯坦所说的那样“对一切来说,只有热爱才是最好的老师”。所以说,培养儿童的兴趣,是学好钢琴的关键。如何培养其学习钢琴的兴趣,针对孩子在成长时期的特性,可以从3个方面培养其兴趣。 (一)通过音乐欣赏,培养直接兴趣 音乐欣赏的主要目的是培养孩子对音乐作品的感受和判断能力。它可以丰富学习对音乐的了解,提高孩子对音乐的鉴别能力,增加其对演奏曲目的理解,大部分初学钢琴的孩子年龄较小,好动,注意力不够稳定性。因此,教师应引导孩子参与各种形式的音乐欣赏活动,让学生通过欣赏来感受音乐。 (二)选择适合孩子接受的教学内容,培养学琴的稳定兴趣 在钢琴教学中要遵循循序渐进的原则,实事求是,由易到难,选择适合学生接受的内容来教学。违反这一原则,一味追求进度、难度,或一直弹考级曲目,这种负重感只会削弱学生的习琴兴趣,甚至产生厌恶。只有遵循这一原则,注意难度的迂回递升,经常让学生体验成功,把练习曲和乐曲结合着进行教学,才更有利于学琴兴趣的稳定。如在教学拜厄、车尔尼的练习曲时,有针对性地选择一些乐曲来弹奏,这样,学生不觉得困难,而且优美的旋律能唤起学生的美感,熟悉的音调能调动学生的习琴兴趣。另外,对内容较长的曲目可以指导学生分阶段练习,逐步消化,由部分到整体,由慢到快。与此同时,以学生能轻松完成为目的,逐步进取,让学生在轻松的环境中学琴,保持其稳定的学琴兴趣。 三、善于进行情感的培养,提高孩子对音乐的理解能力 钢琴被称为“乐器之王”,极富音乐表现力,因而,钢琴教学中情感的培养,既是非智力因素的重要内容,又是钢琴教学中应有之义。在重视学生弹奏技巧训练的同时,还应进一步提高孩子对音乐的感受力、理解力、想象力和表现力。从教学上讲,无论是美国的汤普森,还是德国的奥尔夫或者日本的铃木都强调情感的培养应从音乐本身着手。首先让自己置身于音乐中去感觉音乐,把音乐同自己的情感体验联系起来,这样就能更好的感受音乐理解音乐,并会发现原来音乐和我们这么贴近,它来源于自然,来源于生活。由于儿童的注意力尚处在一个不稳定的时期,容易受外界事物的影响,在听一首愉快的小曲时,作为教师要引导儿童把他生活中遇到的开心的事联系起来,体会旋律和节奏所带来的轻松和愉悦。其次是感受音乐,抓住音乐的形象。 四、善于进行意志的培养,提高孩子专注能力 任何一门乐器都不容易掌握,都需要持之以恒地练习,而对儿童来说,意志薄弱,怕苦怕累,贪玩好动,注意力不能集中等都是普遍的现象,通过乐器的练习可以磨练儿童的意志,使他们逐渐养成不怕困难、持之以恒的品质。针对孩子的特点,在培养孩子的意志方面,本人体会到可从以下几个方面下工夫: (一)在端正孩子学习态度方面下工夫 要常给儿童讲一些著名钢琴家练琴成长的故事,如亨德尔6岁时夜里偷着学琴,小巴赫月夜抄谱,贝多芬用凉水冰手练琴,舒伯特借钢琴练习等故事,让儿童逐渐认识到学习钢琴是一件很苦、很累的事情,无任何捷径可走,只有通过坚持不懈的苦练,才能达到成功的境界。同时,通过讲述钢琴家学习过程中的一些趣事和成就,让孩子知道学习钢琴又是一件愉快、开心的事情,能学到课本上没有的知识,从而使孩子们能端正学习态度,变被动学习为主动学习。 (二)在合理的教学方法方面下工夫 作为教师,要科学地设置教学程序,循序渐进地引导儿童逐步延长集中注意力练琴的时间,锻炼他们不怕困难、勇于探索的意志品质。要掌握儿童的注意力无规则游移的特点,用极大的耐心采取重点强调法来牵制儿童的注意力,即一时照顾不到所有的方面,就先把注意力只放在一个方面,逐步解决学习中的注意力分散的问题。 (作者单位:呼伦贝尔市民族少年宫) 钢琴教学方法论文:职业化、非职业化成人钢琴教学的基本特点及教学方法研究 摘要:钢琴作为一种文化,越来越受到社会各界人士以及不同年龄阶段的人们喜爱,文章通过对职业化、非职业化成人钢琴教学的基本特征以及教学方法的研究,探讨钢琴在现代社会的教学发展趋势。 关键词:成人钢琴教学 基本特征 非职业化成人钢琴教学 教学方法 随着时代的发展,成人钢琴教学也随着时代的发展而发展,钢琴教学和成人的人生职业生涯联系密切,所以在教学过程中不仅有相当于青少年启蒙式的教学与基础训练,还有职业教育与职业培训与知识更新后的回归教育以及满足个人兴趣爱好的非职业化教育。因此,成人教育的施行,使得成人的钢琴教学有了基本的理论基础与理论依据。 一、成人钢琴教学的基本特征 成人钢琴的教学基本特征是其具有职业性、特殊性与工学结合性。其职业性主要表现在:教学的重点是培养职业的钢琴工作者,主要培养钢琴师、学校音乐教师、钢琴伴奏等,其目的是职业技能的培养,反映出成人钢琴的职业性特征,在教学过程中主要围绕着职业技能的培养而展开,其教学任务是提高学生的钢琴实际演奏能力与了解钢琴的基本原理与技能等来使学生满足自己的兴趣爱好与技能水平的掌握。其特殊性主要表现在:教学的对象是成人,而成人已经完成生理发育的过程,不存在未成年人在教学中许多受到生理发育限制的教学内容,比如力度踏板的要求,六度、八度音程的弹奏训练等。由于成人进入相对稳定的生理时期,对演奏技术的提高与训练存在的局限性较大,但是由于成人的心理水平与认知水平较高,在学习钢琴的时候能够更深入的了解到钢琴的内涵与外延,加上相对比较丰富的生活经历与情感经历能够让他们更能体会到钢琴的不同艺术情境以及更好地理解与掌握所学习的相关内容。其工学结合性主要表现在:成人钢琴教学的学员大部分都有着自己的工作与职业,大部分成人学生都是以劳动者与学习者双重身份进行钢琴学习的,因此,工学结合也是成人钢琴教学最大的特征,在接受教学的同时又能兼顾工作,两者互相渗透、互相促进,但是又互相结合成为一个有机的整体,充分体现出成人钢琴教育工学结合的特点。 二、非职业化成人钢琴教学的基本特点 在进行非职业化成人钢琴教学的过程当中,有两种教学目的,一种是为了非钢琴专业的学生作为辅助课程而开设的,另一种是为了陶冶情操与提高修养而进行的非职业化钢琴教学,这两种教学不管是在教学内容、教学方式还是教学过程都有其自身独特的教学方法。非职业化成人钢琴教学常常遇到学习的学生没有任何钢琴演奏基础与常识的情况,甚至有一部分学生连基本的音乐谱等基础性方面知识都没有接触过,加上成人的认知水平与心理接受能力已经成为定势,使得他们在学习线谱等钢琴知识的时候会显得相对比较迟钝,其接受能力与反应能力也有一定的阻碍,这就使得成人钢琴教学中产生一定的阻碍。因此,在进行成人钢琴教学的过程中,要根据成人学生的具体情况,结合相关的教学内容,对基本的钢琴理论知识与操作技能进行针对性的讲解,同时还可以根据成人学生具有较强的理解能力,对一些基本知识进行归纳总结,对于非职业化成人钢琴教学要根据其具有的特有特点,因材施教,最大限度的利用成人学生在认知能力、理解能力等方面的优越性,使非职业化的成人钢琴教学在教学过程中有效利用成人学生的特性进行更深层次的教学学习。 三、非职业化成人钢琴的教学方法 在进行非职业化成人钢琴的教学过程中,主要的教学方法有:区分成人钢琴教学的启蒙教育和未成年钢琴教学的启蒙教育,这两者之间有很大的不同,所以在教学中要根据成人的年龄特点来进行针对性的教学,由于成人各方面已经发育成熟,因此在教学中可以严格的要求其对钢琴的基本弹奏方法,使其在将来的学习中打下扎实的基础。由于成人的生活经验与情感经验相对比较丰富,因此在教学中要根据成人的接受能力与反应能力制定相应的教学方法,一些人喜欢轻快的音乐,一些人喜欢忧伤的音乐,可以投其所好,进行兴趣教学。在学习读谱的时候,成人可能会比较难记住线谱的,所以要多给时间让他们去摸索线谱,也可以让他们硬背基本的音型,接着进行摸索弹奏或者多练习;成人在高抬指与手指独立性训练的过程中可能会比较吃力,对于非职业化的学生来说,不必强求他们进行训练,但是在力量上可以多下功夫,发挥成人学生的力道优势,在演奏力度上弥补手指独立性的不足,达到钢琴的演奏的效果。 四、结语 综上所述,在进行成人钢琴教学的过程中,要全面考虑成人钢琴教学所具有的限定性与特殊性,根据其基本特点采取针对性的教学方法,使教学的内容与学习者自身具有的水平特点相结合,使得教学能够与成人的生理水平、心理水平相适应,提高非职业化成人钢琴教学的教学效果,达到教学的目的。
音乐专业论文:学前教育专业音乐素养教育论文 一、加强音乐素养教育在学前专业人才培养中的重要性 幼儿教育重在保教结合。幼儿园一日常规教学需以游戏为主,倡导快乐学习、自主学习、协作学习,而这一切都同音乐教育形影不离。不论是儿童故事、儿童剧、歌谣、舞蹈律动还是其他游戏设计组织和幼儿智力和身体协调发展,都离不开音乐元素。因此,一名合格的幼儿教师,必须具备良好的音乐素养。音乐素养属于学习音乐以及与音乐相关的艺术活动的基础性理论性课程中的综合素质教育范畴,基本涵括读谱能力、听音能力、节奏能力以及和声、创编能力的综合训练,经过严格规范的教学训练,可以具备较全面的音乐理论知识、音乐发展史知识和较强的音乐欣赏能力、器乐声乐表现能力。鉴于学前教育专业所培养的人才,主要从事幼儿教育教学工作,而幼儿课堂教育活动的主要形式几乎都与音乐有关,幼儿需要从舞蹈、歌唱、器乐弹奏和音乐剧中学习愉悦身心的节奏、和谐美妙的声音,体会优美氛围的环境创设,一个不懂得音乐内涵、不理解音乐和不会欣赏音乐、表现音乐的人,只是在机械地重复各种声音排列的人是不可能达到课堂教学基本要求的,是不可能成为一名合格的幼儿教师的。所以,在学前教育人才培养工作中,一定首先重视音乐素养的基础教育,只有给学生坚实厚重的基础,才会使他们拥有将来持续持久的专业发展能力。 二、目前学前教育专业音乐教育存在的普遍问题及对策 正是因为有了国家和各级地方政府的教育中长期发展规划的政策利好刺激,近两年学前教育事业有了跨越式、爆发式的快速发展,随之而来的是大量各级学校开设学前教育专业,加快提高培养速度和规模以满足日益增长的社会需求。但是,任何一个学科领域的人才培养,都需要几个完整的包括计划、实施、反思、调整、提高、完善等教育环节的发展周期,以努力适应社会市场对人才规格的变化需求,才能获得一个较为成熟的人才培养方案和人才培养模式。所以,在大而快的发展形势下,学前教育专业教学上也出现了一些不和谐的现象,学前教育专业以及学前音乐教育存在的问题一般有以下几个方面: 一是学前教育专业教学中对音乐素养教育未给与高度重视。大多学校的学前专业非常注重基本文化理论课程,特别是初中起点专科,在课程设置上为了体现全科教育,只注重了文化理论厚重扎实,语数英理化史地生政各学科齐全,三学六法必修,却忽略了幼儿教师最为需要的音体美课程,而其中的音乐课程再分散到键盘、器乐、声乐、合唱等门类中,每周学生只有三十几个课时,音乐素养类的乐理视练和声欣赏教育教学时间少到什么程度就可想而知了。因此,一定要在教育思想上重视综合素质培养,更加注重教师教育技能教育,首先加强音乐素养教学,必须进行课程体系调整,在教学时数上对音乐素养课程予以保证,并引导教育学生在音乐素养学习上投入更多的精力和时间。音乐素养课不是可有可无的,它是所有艺术类包括语言类技能的必须基础,其在学前教育人才培养中技能学习和人文素养提高的重要作用不可忽视。 二是急功近利思想影响音乐教育教学。毋容讳言,各类学校特别是学前教育专业扩招速度和办学规模迅速加大,使学生入学质量根本难以保证。且不说学前教育招生现在基本没有了入学面试,艺术技能考查更是无从谈起,学生入学只有一条标准,那就是高考或者中考成绩。如此一来,虽然我们搞了几十年的中小学素质教育,但我们的青少年学生艺术素养特别是音乐素养基础,就连学前教育这样的非艺术专业也很难谈到满意,这就使得我们的课堂教学遇到很大困难,首先是音乐基本能力水平差距过大,五音不全、不识简谱线谱、没见过钢琴的学生,同业余器乐或声乐十级的学生按专业划为一个教学班,这种情形怎能一个分类施教或者区别教学解决得了。其次是教学计划和教学任务必须在规定时限内完成,教师面临着各种教学考核,这就势必造成在音乐技能教学上的急功近利思想,往往在学生还没有受到良好音乐素养教育的基础上,就开始进行键盘学习和声乐学习,结果学生只是掌握了应付考试的曲目,简单机械地毫无音乐艺术美感地完成所谓学习任务,根本不能达到承担幼儿园教学活动组织要求,更枉谈愉悦身心的综合素质培养和进一步的教师职业持续发展,这种忽视音乐素养教育为基础的人才培养做法其危害不言而喻。 三是教育教学方法必须改革改进和提高。面对这如此现状的教学局面,我们的教育管理者和音乐教师,必须改革和改进教学方法,必须坚定地把音乐素养教育当做课堂教学的首要任务来抓好抓牢,切记不可违背教学规律而急功近利。首先,所有的音乐、舞蹈老师利用一切条件和机会加强学生音乐素养教育,使学生最起码能够具有听辩、唱读、视奏、欣赏四项能力;其次,鼓励学生克服畏难心理,一定打好音乐素养基础,除了学习规定教材,平时加强练习学习,特别是中国音协考级委员会的音乐基本素养考级教程,特别适用于无音乐基础的学生,属易教易学的普及教材。再次,教学要理论与实践密切结合,切忌简单枯燥,特别是理论教学,更应以激发兴趣为主,可以听音模唱、节奏游戏、儿歌竞赛、欣赏演说等多种形式组织教学,并同其他音乐课程如器乐和声乐学习内容相结合,使学生学习过程感同身受,全面提高学生感受音乐、欣赏音乐、创造音乐的积极性,就会使音乐教学和整个艺术教学步入和谐、融洽和学生身心、思想情操全面发展的较高育人境界。 作者:张宏 单位:潍坊学院 音乐专业论文:傅雷专业音乐教育思想论文 一、感性和理性的调和 傅雷认为最重要的是一个年轻人如何做人、如何成为一个有修养的人,如何直面生活的问题。傅雷用自己的经历教育儿子,教育儿子要谦虚待人,严谨做事,要有得体的礼仪,对人对事都要以谦和的态度,同时也要不卑不亢;遇困难不妥协,得到好评也不会自傲;作一个在艺术方面人品优秀的人才,做一个德艺双馨、人品优越的艺术家。同时,傅雷也对儿子的生活进行了有益的引导,对日常生活中的问题应该如何处理,以及如何正确处理恋爱以及婚姻方面的感情问题,都像好朋友一样提出意见和建议。对于任何客观事物,都是外在具体形态及其内心所包含的力量与情感两个方面的大一统,反射到人脑后,便产生以具体现象为本体的感性认识和以内在情感为基础的理性思维。极优秀的钢琴家里斯和车尔尼辈都说:“除了思想的特异与优美之外,表情中间另有一种异乎寻常的成分。”他赛似狂风暴雨中的魔术师,会从“深渊里”把精灵呼召到“高峰上”。在傅雷写给儿子的书信中,他便认为一个艺术家太过感性便是他的弊病所在,但是若太过理性反而让应有的情感得不到流露,让艺术家的作品也显得干巴巴的没有深度。他认为作为一个艺术家,最能体现他成功的一面就是既能控制自己的感情不外露,又能将观众的情感调动起来,对情感能做到双重控制便是极好的。傅雷先生对理性认知的论断精辟简练。他教育傅聪对艺术的理解,对于艺术而言,我们既不能被感性的情绪牵着走,也不能太过于理性。他曾经这样说道:“音乐家,光是一个音乐家,就需要有对一个意念集中注意力,需要西方人特有的控制与行动的铁腕:因为音乐是动的构造,所有的部分都得同时抓握。”学艺术的人最主要的问题便是找不到所谓的感觉,在教师的指点下找到的感觉,一旦走远,那感觉便消失不见,原因在于对音乐的感性认识并不具体,他若是能体会到他所真正需求的,便能拥有自己的感觉,而不是靠他人的帮助才能找到感觉。因此我们需要用理性认知将其正真的内在寻找出来并将他提炼升华,在此基础上再进行感情细加工,那样我们便能拥有自己对音乐的感悟而不需要再三琢磨别人给的感觉,也能让自己的领悟给他人一丝灵感。 二、技巧与理解的平衡 在学习任何事物的时候,每每都有人同你讲,要运用技巧,用了之后便会事半功倍,所以我们都会对技巧有着执念,好像是拥有技巧之后便能获得通向成功的钥匙一样。但是,技巧只是手段和工具,而我们最终的目的是将音乐作出自己的领悟与味道,学习音乐是出发点以及最后的归宿。比如他曾经在《与傅聪谈论音乐》中谈论过关于演奏技巧,他们这样说道:“技巧必须从内容出发,目的是表达乐曲,技巧不过是手段。严格说来,有多少种不同风格的乐派与作家,就有多少种不同的技巧;有多少种不同性质(长短、肥瘦、强弱、粗细、软硬、各个手指相互之间的长短比例等等)的手,就有多少种不同的方法来获致多少种不同的技巧。我们先要认清自己的手的优缺点,然后多多思考,对症下药,兼采各家之长,以补自己之短。除非在初学的几年之内,完全依赖老师来替你解决技巧是不行的。而且我特别要强调两点: (1)要解决技巧,先要解决对音乐的理解。假如不知道自己要表现什么思想,单单讲究文法与修辞有什么用呢? (2)技巧必须从实践中去探求,理论只是实践的归纳。和研究一切学术一样,开头只有些简单的指导原则,细节都是从实践中摸索出来的;把摸索的结果归纳为理论,在拿到实践中去试验;如此循环不已才能逐步提高。”我们在处理技巧与音乐的问题时,往往仅仅为了将音乐体现出来而没有将其发散,最终失去了自己对音乐的见解,没有了自己的想法,因而成为了“音乐钱人”甚至“奏琴机器”。对此,傅雷一针见血地指出对于技巧方面有过多的追求的人便是不能接受的,因为他已经失去了艺术家该有的心性,不能自由的创作,而是对于技巧的掌控,没有了自己的灵气,最后只能变成一个靠艺术为生的工匠罢了,超脱不了自己,只能不断模仿别人了。对于傅雷专业音乐教育思想而言,手段技巧虽好,但毕竟都是辅助方法与辅助工具,我们并不能本末倒置的认为拥有音乐技巧与方法便能有好的音乐出来,音乐就是音乐,我们不能把其他的东西代替。他在《与傅聪谈音乐》中这样说道:“弹琴的时候,表情应当在音乐里,不应当在脸上或身体上。不过人总是人,心有所感,不免形之于外,那是情不自禁的……我不能用音乐来抓住人,反而叫人注意到我弹琴的姿势,只能证明我的演奏不到家。另一方面,听众之间也有一部分是“观众”,存心把我当做演员看待,他们不明白为了求某种音响效果,才有某种特殊的姿势。”那么,音乐学习者如和平衡技巧与音乐,我们将领悟出来的东西再用自己的音乐体现出来,到那个时候,你便自然而然的拥有了自己独到的技巧。所以技巧的出现只是音乐体现的一个辅助,而音乐所体现的技巧又能让音乐更上一个层次。 三、修养和天赋的互补 中国有谚语曾说,你绝对找不出两片一样的叶子,对人而言那更有不同,所以个体本身就对音乐的感受存在着天生的差别。有着良好天赋的人,对音乐的感知能力和理解力明显优于其他人,因而能更加轻松地掌握音乐技巧学习方法,更容易地领悟音乐的内在。傅雷认为艺术家的修养与艺品同样重要,艺术家的一种优秀品质和高贵人格,应当一致对外。傅雷既认为天赋的作用是巨大的,但同时也觉得修养的重要性。若你拥有得天独厚的艺术天赋,也就是所谓的天才,但那并不是主要的,重要的还有后天对艺术天赋的培养,让天赋能好好的成长,而不是半路就夭折,但是作为艺术家之前,最重要的便是对自己品德的培养,做一个有修养的人。同时个人的文学和美术的修养也对音乐的学习有一定影响,他在《与傅聪谈音乐》中这样说道:“最显著的是加强我的感受力,扩大我的感受范围。往往在乐曲中遇到一个境界,一种情调,仿佛是相熟的;事后一想,原来是从前读的某一首诗,或是喜欢的某一幅画,就有这个境界,这种情调。也许文学和美术替我在心中多装置了几根弦,使我能够对更多的音乐发生共鸣。”他们父子的沟通中,讨论最多的也是最重要的就是如何做人,傅雷对儿子的道德教育也让儿子收获颇多,傅雷对儿子讲授“先为人,次为人才”的做人思想。这便是傅雷专业音乐教育的重点,也是我们应当学习的地方。 四、结语 对于现在的音乐教育工作者,也应有傅雷先生这样专业的音乐教育思想,先成人,后成才,注重理性感性认知的结合,了解自己所需要的音乐技巧,作一个才德兼备的音乐人,这样的人才,才会被社会所需要,这都是傅雷先生想要教导我们后生的,这也就是傅雷先生专业音乐教育思想的优秀。 作者:刘洋 单位:安徽师范大学文学院 音乐专业论文:高校音乐专业声乐教学论文 一、我国高校音乐专业声乐教学的现状 (一)声乐教师综合素质参差不齐 在教育活动中,教师的责任是教书育人。声乐课程因其自身的特殊性,如内容广泛、所涉猎的范围大等,对声乐教师提出了更高的要求。声乐教师除了要掌握教学所必需的歌唱技能,还要有丰富的声乐实践经验,不能总是纸上谈兵,要具有扎实的声乐专业知识和理论知识。[1]现阶段,我国声乐教师的水平参差不齐,不乏优秀的专业教师,也有一部分人只是敷衍了事,毫无责任心。 (二)不能因材施教 目前的声乐教学不能针对每个学生的特点因材施教。每个学生的声乐基础不同,对声乐也有着各自独特的见解,所以,在进行声乐教学时不能“一刀切”,不能对每个学生都采用同一套教学方法。这就要求授课教师要对学生有全方面的了解,包括其对基础知识的掌握程度、实践能力、个性特征等,进而因材施教,对不同层次的学生开展不同层次的教育,调动学生学习的积极性,避免一些基础较差的学生因跟不上课程节奏而丧失学习兴趣。 二、改进高校音乐专业声乐教学的对策 (一)完善高校声乐教学体系 要想更好地实现高校声乐教学的目的,建立和完善一个完整的声乐教学体系非常重要。有了明确的教育体系,才能明确声乐教学的目标,实现培养优秀声乐人才的计划,达到促进声乐发展的根本目的。在教学改革的过程中有可能走弯路,无论是教师还是学生都要认真对待,及早发现错误并及时纠正错误,可以借鉴他国声乐教学的优秀方法和手段,为我所用,只有这样,才能推动我国传统声乐教学一路向前,走出自己的特色。 (二)合理选择和安排教学内容 任何科目的教学都与教学内容的选择息息相关,只有科学的、先进的声乐教学内容才能培养学生的声乐素养。作为授课教师,首先,应该确保学生掌握基本的声乐常识,让学生了解自己的声音类型和声部的定位。其次,还要向学生传授基本的声乐理论知识,并结合声乐歌唱实际,要求学生按时练习,以达到熟练掌握的目的。最后,要培养学生对于好的、美的声乐作品的鉴赏能力,培养学生学习声乐的主动性。 (三)全面提升教师素质,优化教师队伍 教师在教育中扮演的角色不言而喻,教师具备较好的职业素质和综合素质是完成声乐教学的重要前提。从事声乐教学的教师需要提升以下几个方面的能力:一是要具备扎实的音乐理论知识,并能将这些理论与实践相结合,指导实践活动。二是要能够对学生进行声乐技能、技巧的培训,引导学生投入到声乐课程的学习中,培养学生的学习兴趣。三是要提高自身的科研能力。教师要有创新精神,可以进行深入的理论研究,也能进行多种形式的实践活动,进而推动声乐教育的不断发展。教师的职责就是教书育人,所以,要加强自身的学习与深造,坚持学习先进的文化知识,掌握前沿的教学理念和方法,只有这样,才能保证声乐教育的整体水平。 三、结语 教育作为培养人才、选拔人才的主要途径,越来越受到重视。声乐教育作为高校教育的重要组成部分,近年来也备受重视,在音乐专业人才的培养中具有不可替代的作用。进入21世纪后,高校声乐教育获得了前所未有的发展,虽然在发展的过程中也有新的问题不断出现,但政府和高校都制定出了有效的解决方案,将高校教育向更好的方向指引,使其与时展相结合,与教育方针相结合,不断地提升人才的专业素养和综合素质,促使高校声乐教育事业获得更好的发展。 作者:高雅 戚萌 单位:兰州城市学院 西北民族大学 音乐专业论文:专业型课堂语言音乐教学论文 一、运用准确的专业型课堂语言培养学生的专业素养 (一)准确使用音乐教学术语 专业型教学语言是教书育人的重要工具,准确使用专业术语,是各行业人员技术水平的基本体现,在音乐课堂上的专业型语言,更应该注重专业术语的使用。要是教师均使用生活化语言、俗称等代替专业术语,一方面体现不出教师的专业水平和责任感,另一方面给学生留下“音乐课就是唱歌”的片面印象,更不利于音乐人才的培养。例如生活化语言中将三声部称作“上面的”声部、“中间的”声部以及“下面的”声部,而专业术语应该叫“高、中、低声部”。 (二)发挥肢体语言在音乐教学中的作用 广义上的语言包括肢体语言,音乐课堂本身就是一个小的艺术舞台,在舞台上肢体语言显得尤为重要。音乐教师要善于并指导学生准确运用肢体语言来增强舞台表现力和音乐艺术的美感[3]。肢体的伸展舒张均要与音乐节奏旋律相协调,与音乐不协调的肢体语言显得生硬,甚至“画蛇添足”,因此要用准确的肢体语言让学生享受音乐艺术的美。 (三)善于运用诗化语言描述音乐作品 要善于运用诗歌般美妙的语言描绘音乐场景,让学生沉浸在浓郁的语言环境之中。如音乐作品葫芦丝独奏《月光下的凤尾竹》教师可以用这样的语言描述:“宁静的夜空,月光皎洁,江水缓缓的流淌,在月光下晶莹剔透,如何的月光,宛如缓缓流动的江水,化成美妙的雨滴倾洒在凤尾竹上,凤尾竹斑驳的影子在晚风中摇曳,向舞动的绿色精灵……”这样的描述一下子让学生置身于美妙的意境中,受到教育与感染。 二、适当运用时代型网络语言,让音乐课堂接地气,传播正能量 随着信息化水平不断提高,网络语言正在逐步改变并影响着人们的语言环境,音乐课堂作为一个小的艺术传承和音乐教育平台,音乐教师也应该以培养符合时代要求的音乐后备人才和传播弘扬时代精神为主题的音乐作品为己任。 (一)结合学生年龄特点,运用网络词汇沟通 恰当使用网络词汇并不是一味地迎合,而是借助网络词汇更好地拉近和学生的距离,恰当的运用网络热词能使得授课与时俱进,比如用“给力”等词汇对学生进行表扬等。 (二)要引导学生在音乐学习过程中要关注社会发展 可以引导学生关注学习以“中国梦”为主题的音乐作品,将音乐课堂巧妙地与培养学生的价值观相结合,自然体现社会面貌和时代气息,以引导学生树立远大志向和健康积极向上的生活情操。 (三)使用健康、文明、积极的网络语言 作为教师,在教学时还应该注意使用健康、文明、向上的网络词汇,不能将具有骂人、歧视等负面意思的词汇带入课堂,不论那种语言,语言之美都以文明向上为最基本的前提。 三、重视语速语调 在课堂上,正确把握语速语调尤为重要,不恰当的语速让学生听课往往精神不振、一惊一乍或者昏昏欲睡。语速过快则让人不知所云,显得敷衍行事、照本宣科,语速过慢则显得有气无力、缺乏激情;语调过低学生难以听到或者打不起精神,语调过高则显得粗糙高亢,缺乏美感。因此,适当把握语速语调,是保证课堂语言美的重要方面,多快多高为宜,因人因环境而异,但总的原则是要符合教学课程的情景情节,强调重点时高亢、直述事实时平直、长串排比时明快、优雅安静时缓慢。抑扬顿挫、字正腔圆的语言,往往给人以心旷神怡、心潮澎湃的感受,能激发学生对于课堂的热爱。 四、结束语 音乐课堂语言,承载着神圣的使命,课堂语言之美,主要体现在幽默、平实、专业、准确、积极向上等多个方面。音乐教师,必须要在这些方面下功夫,提升自己的语言运用能力,将音乐课堂变成艺术传承、音乐享受、知识传播、道德教育的平台。 作者:尹丽莎 单位:浙江传媒学院 音乐专业论文:音乐专业素质教育论文 一、重视音乐专业艺术实践的全过程,注重培养大学生的综合素质 1.在艺术实践案头准备环节中,考验学生的综合能力 艺术实践通常有一个或多个艺术指导老师,所以教师可采取以某个专业、某个班级或系的形式,开展师生汇报演出、四项全能比赛、班级汇演等活动。在指导教师的指导下,学生能自觉计划和安排节目。通过艺术实践,学生既检验了自己的学习效果,又培养了自主计划安排的能力。 2.在艺术实践组织实施过程中,培养学生的团队协作能力 音乐舞蹈本身就是一门协作的艺术,它不仅要求人的动作和节拍协调一致,而且要求人与人之间的动作协调一致。通常一个节目布置下去,在教师的指导下,由学生中某一个班干部或者专业优秀者负责排练,安排好排练的时间和场地,制订排练规则,设置对不认真参与排练学生的惩罚内容。通过这些活动,可以让学生明白只有团结协作,才能出好作品,进一步加深了他们的团队协作意识。 3.在艺术实践活动演练中,培养学生的自主创新能力 学生把思想政治精神融入艺术实践创作,在艺术实践中把对祖国、对党的热爱串联在一首首红歌和一个个激扬奋进的舞蹈中。在教师的指导下,学生自编自导了一个个讴歌社会主义新生活和同学之间互相关爱的优秀作品。如有一个叫“十年之后再相聚”的节目,就是某高校2007级音乐教育普本班学生自编自导的,它假想了毕业十年之后再相聚的情景,每位同学都成了为社会作贡献的人,而班长成了一名村长,带领全村人走上了致富之路。 4.在艺术实践的综合展示中增强学生的自信心,提升个人能力 艺术实践课不仅让学生在专业技能方面得到了很好的锻炼,而且在这一过程中培养了其他才能。如完成一场晚会,不仅有演员演出,而且有主持、灯光、音箱、剧务等相互配合。某高校2004普本班某学生肯于钻研,吃苦耐劳,对晚会中的灯光音响产生了浓厚的兴趣,经过自己的努力,在2006年获得了音响师的资格认证。又如某高校普高本科班某学生在系里组织的多次艺术实践活动中担当主持人,个人主持能力得到了大幅提升。还有某学生本来是一个胆子较小的学生,在班级会议上发言都会紧张得说不出话。教师和学生发现她这种情况后,都鼓励她,经常为她争取上台的机会。经过几次锻炼后,该学生不仅不害怕舞台了,而且对舞台充满了渴望。 二、素质教育的成败,关系到音乐专业艺术实践活动的开展 1.艺术实践活动要有力度,避免变成娱乐活动 艺术实践具有生动活泼的特点,且感染性强,如果教师把握不好,极易使其变成娱乐活动。娱乐活动和艺术活动的目的不同,娱乐活动纯粹是为了消遣,使人放松、愉悦;艺术实践是以检验学生的学习效果,培养学生灵活运用所学知识的能力为目的,它体现了对学生素质的教育。虽然两者形式相似,但是出发点不同,就会以不同的方式展现出来。只有体现出艺术实践的专业性,它才能区别于一般的娱乐活动,较好地培养学生的基本素质。 2.学生素质教育应体现在艺术实践的全过程 素质教育不应该只体现在台上,还应该体现在台下、台后的具体分工上,艺术实践不仅锻炼了学生的专业能力,而且培养了学生多方面的素质,所以在艺术实践中,教师应该让学生参与其中的每一个环节,包括策划、灯光音响、剧务等。只有这样,艺术实践才能真正贯彻素质教育。 三、把素质教育落实到音乐专业艺术实践活动的每一个环节 艺术实践是为了培养学生的综合素质,培养学生灵活运用所学知识的能力。把素质教育落实到艺术实践的每个环节,艺术实践就会得到长足发展。 1.肯定学生的首创精神,严把质量关 学生年轻,有激情,且思想活跃,虽然有时候不免偏激。这时候,就需要教师的正面引导和正确疏导,让学生明白什么是应该做的、什么是不应该做的。对学生能够创作表现主旋律、起到正面教育作用的好作品,教师都应该予以肯定和鼓励;对于不能够起到正面的教育作用,甚至是起负面作用的作品,教师要耐心地做好学生的说服教育工作,相信学生能有所转变。 2.从整体上看待艺术实践活动 在学生素质教育中的发展全过程学生在每个阶段都有不同的特点,新生汇报表演的青涩、毕业晚会的成熟是两种不同阶段的一般特点,所以教师应把艺术实践在素质教育中的作用看成是一个不断变化发展的过程。学生只有不断成长,才能不断提高综合素质。综上所述,艺术实践和素质教育紧密联系在一起,教师应从整体上看待艺术实践发展全过程,着眼于艺术实践的每一个环节,抓住素质教育的有利时机,以素质教育的有效成果,激励艺术实践更好地发展,而内容丰富的艺术实践活动又能够提供培养学生综合素质的机会,真正使素质教育落到实处。 作者:江永青 音乐专业论文:高师音乐教育专业声乐教学设计论文 学生在音乐教学中,不但能将审美体验直接渗入人文知识和实践知识中,而且能将素质教育、音乐教育和美育完美地结合在一起,并在三者的互动中取得平衡,使抽象的音乐教育更加生动化、具体化。因此,在高师教育阶段需具备相关的知识,并接受音乐美的训练,同时高师阶段声乐教学需顺应时代的发展需求,对学生实施针对性、实践性和开放式的音乐教育和素质培养。 一、高师音乐教育专业声乐课堂教学的实效性 课堂教学属于声乐学习的主要方式,其中包含技术训练、音乐作品理解、人文知识普及、艺术家演唱观摩、曲目选择及检验教学成果等内容,故在高师音乐教育专业声乐课堂教学中,需注重所有教学内容的实效性。 (一)人文知识普及 音乐教育专业声乐教学需加大对学生的人文知识普及,从声乐作品中获取人文知识。但声乐作品内的人文知识比较复杂多样,仅靠声乐教师传授,学生无法领略到人文知识的全部内涵,因此,可通过中西音乐史、音乐欣赏和音乐美学等与声乐教学相关的教学科目,帮助学生全面、透彻地理解和掌握音乐中的人文知识。同时音乐教师需减少音乐技术类训练,增加音乐的综合素养知识教学,以提高高师音乐教育专业声乐课堂教学效率。 (二)教学曲目选择 对于声乐教学的教学曲目选择,需遵循两个原则:一是母语作品的主导性:音乐教育专业的声乐教学曲目需以传承传统文化为宗旨,发挥出“母语”传承我国文化的载体作用。中国作品曲目的体裁需突出戏曲和中国民族歌剧等,以提高学生的演唱能力,从而弘扬我国优秀的民族文化,培养学生的爱国情操;二是小组课曲目选择的可行性:小组课是高师声乐教学中比较灵活的上课形式,在小组课上,教师可让学生自主选择学习的曲目,以激发学生的自主学习意识,并培养学生独立演唱或小合唱的能力。 (三)考核方式的多样性 课堂教学成果的检验需在不限曲目、不限演唱方式的情况下,让学生自主发挥,使其能展现阶段性声乐学习优势。声乐教学考核可采取多种方式,如采取独唱、二人合唱和多人分声部演唱等,调动学生多元化考核的思维,将考核当作个人才艺的展示方式,以激发学生的声乐学习积极性。 二、高师音乐教育专业声乐教学实践锻炼的多元性 (一)舞台实践 高师音乐教育专业的学生,一定要具备一定的舞台表演能力,才能在毕业后胜任中小学音乐教师这一角色。因此,高师院校需为学生提供舞台实践的机会,除了校园演唱外,还可鼓励学生走出校园,在更大的舞台上展现自己。如安排学生参加各种声乐大赛、电台传媒、节目录制、重大节日演出等,让学生积累演出经验,并培养学生的舞台活动的组织能力。 (二)教学基地实践 教学基地实践是考验和锻炼高师音乐教育专业学生的表演功底、综合声乐素养、歌唱技能等的场地。在直接参加课堂互动教学和组织课外活动的过程中,学生不但能将所学的专业知识、声乐教学模式、课外舞台实践经验等进行有序整合,还可在音乐世界中尽情表现自己,发挥自身优势,展现自身才华。同时在教学基地实践课程中,带队教师需不间断地参与到课堂教学和课外活动,通过听课、课外指导等方式,全面观摩每位学生的实践状况,发现学生实践中存在的不足,并帮助其克服困难,不断取得进步。 三、结语 高师音乐教育专业学生的培养目标,一定要符合目前中小学对外招聘的音乐教育人才要求,并在对口培养中凸显出“师范”特征。在声乐课堂中,高师教师不但要注重对学生人文知识的传授、曲目的选择及组织教学的多样化等培养,而且要加强对学生的实践锻炼,让学生在具备丰富的声乐理论知识的基础上,能面对各类舞台或社会实践的检验,从而在声乐教学设计中实现美育和德育目的。 作者:刘公凯 单位:运城学院音乐系 音乐专业论文:音乐专业毕业生就业指导论文 一、分析音乐专业毕业生的择业心理 第一,对就业观念的认识保守。很多音乐专业的毕业生总认为在学校学的专业和出去教的专业一定相符,在中小城市、农村乡镇或工作条件比较艰苦的边远地区,也许音乐教师要同时承担很多门与音乐无关的课程,比如语文、历史、地理等,部分毕业生在就业时,受周围亲戚朋友不良传统观念的影响,更多看重的是所在单位是否在城市、福利待遇高不高等,对一般的学校、事业或企业等单位都不感兴趣。在实际的就业情况反馈中,大量例子证明有的同学就业后总认为自己价值与待遇不成正比,接二连三地调换工作,有的甚至是可以就业的,却因嫌弃工作环境差及收入低而长期闲在家中。同时,靠家庭关系找工作的保守观念仍然普遍存在于毕业生当中,导致学生就业主动性差。第二,择业过程中主观能动性差。大学生在就业过程中应始终保持主观能动性,尽早地将课堂学习与职业定向结合起来,不应主观认为上好一节音乐课只用唱好、跳好就行,殊不知任何职业都需要扎实的基本技能和理论指导,培养专业技能的同时要全面提高综合素质,强化音乐理论和技能的“活学活用,学为已用”,更要认识到社会职业不断加速的推陈出新和内在发展的特点。在音乐专业的就业指导工作方面,要使学生细化专业知识,将课堂所学基本技能纳为已用,这样才能更好地去选择职业,实现价值。除此,还要明确就业形势,了解将来适合自己的职业,明确大学期间需要积累的知识和技能,树立科学的职业选择观,从社会需求和自身前途出发,积极准备就业,例如掌握专业基础知识和技能、通过相关英语过级考试、取得计算机等级证书、参加社会实践活动等等,针对就业途径,进行多种选择和储备。第三,创业意识淡薄。国家相继出台大学生在创业时可享受行政事业性收费减免、小额贷款担保和贴息等有关优惠政策,鼓励大学生自主创业,在音乐专业的毕业生中也有想创业和有创业热情的,但真正具有创业意识,并最终能成功走上自主创业之路的却很少,这还是和学生长期的家庭熏陶以及在校期间接受的专业训练和实战精神锻炼是紧密相关的。 二、学校及各职能部门的原因 第一,就业指导内容单一,实效性不强。虽然高校各职能部门及各二级学院都开设了就业指导课程,但总体而言,其教学内容和形式都比较单一,缺乏时代性和实用性。在就业指导内容上,多数只是传达国家政策、分析当前就业形势和传授毕业生择业技巧,在就业指导形式上,以课堂讲授为主或组织人才招聘会、介绍成功求职经验等,社会实践和模拟训练较少,缺乏对音乐专业学生针对性的专业指导,没有市场开拓意识,和学生以及社会的需求还有一定的差距。第二,就业指导机构人员专业化程度不高。目前,地方院校大多已设立了专门的就业工作管理机构,但还没有形成一套完整的高校就业指导体系,同时,就业指导人员大多是从事学生管理或行政管理的兼职人员,缺乏相关的专业培训和实际经验,由于忙于行政管理等事务性工作,没有更多时间和精力开展科学规范的就业指导工作,指导效果固然不佳。第三,就业指导缺乏和音乐专业学科的结合。就业指导教师在教学中对学生的专业领域缺乏深入的了解,不能结合所培训对象的专业人才培养方案,加深学生对职业领域的认知,而专业教学中,任课教师又只局限于对音乐专业知识技能的传授,对专业知识在就业和其他领域的应用及发展趋势涉及更少,学生对所学专业的就业形势了解不清楚,专业知识和职业规划不能有机融合。 三、地方院校音乐专业毕业生就业指导对策研究与建议 (一)建立合理的就业指导服务机制,加强机构职业化人员的专业素质水平 各地方院校应加强对毕业生就业指导工作的重视,坚持以人为本,构建合理的就业指导服务机制,毕业生就业率已成为评估高校办学水平和学校社会声誉的重要指标,就业率低将会直接影响高校的招生规模,应在有条件或努力创造条件的基础上,建立和健全专门的就业指导机构,加强就业指导师资队伍建设,保障充足的专项经费,用于就业指导工作必要的实践、科研、调查等经费开支,高校毕业生就业指导工作是一个长期而系统的工程,涉及教育学、人力资源管理学、社会学、心理学等多门学科,需要有一批专业化、职业化教师专注于就业指导工作,才能保证就业工作的质量和效果。例如可以在学校中选拔一批实践工作经验丰富、综合能力强的人员组成专业队伍,并从文化馆、歌舞团或企业中聘请一批经验丰富的管理人员、专业演员或成功人士作为兼职教师和顾问,定期组织学习和培训,鼓励他们取得国家职业指导师资格,提高就业指导的能力和水平。 (二)结合音乐专业学科的特点,有针对性的开展个性化职业规划指导,提高就业指导效果 根据不同年级、不同专业学生的特点实行分类个性化指导,指导学生开展职业生涯规划设计,尽早确定择业方向,有计划的进行就业素质培训,培养学生对自己职业发展方向的选择能力,尊重学生对职业的选择权,引导学生在岗位上实现自我价值的最大化。就业指导工作也应从入学开始,贯穿整个大学生活的始终,对于低年级学生可结合专业思想教育,帮助学生进行自我认知和基础职业认知,向学生介绍专业人才培养计划,学习该专业将来可能从事的职业,以及该职业应具备的素质和能力,从而明确自己的职业理想和人生定位,尽早做好职业生涯规划。对于高年级的学生,应鼓励他们多参加音乐方面的社会实践活动,在课余时间从事与自己未来职业的工作,邀请歌舞团的优秀演员或民间艺人进入一线课堂指导教学,或请毕业的成功校友到校做报告和交流,帮助学生了解对相关职业的认知,提高适应工作的能力,还可以在加强专业知识学习的同时,拓宽知识面,掌握求职技能,为择业做好准备,增强就业的自主性和竞争力,对毕业生提供就业政策及就业信息咨询的服务,加强择业能力和技巧的训练等,帮助学生尽快找到适合个人发展的工作。综上所述,音乐专业的就业指导工作就应从入学开始,贯穿整个大学生活的始终,每一个部门和教师都应相互协作,帮助学生共同分析个人发展及就业过程中出现的职业选择、生涯规划、就业政策、创业等方面问题,并提出解决方案,为学生提供个性化就业指导服务,以市场需求为导向,改革人才培养模式,将就业指导有机渗透到各学科教学中,培养学生就业的优秀竞争力,学校也要加强校企之间的合作,让企业、专业演出团体参与专业建设和课程设置,并广泛建立音乐实践、实习基地,为毕业生提供实践、实习的机会,通过亲身体验,增强实战经验,查找自身不足,有效地完善自我,提高自我,以适应职业需求。 作者:杨爱萍 单位:保山学院艺术学院 音乐专业论文:音乐专业毕业生就业论文 一、学生因素 国家的扩招带来大批高中生为了升学而选择音乐专业,如今各大高校招生大部分设笔试和面试两个环节,笔试主要进行理论知识考核,面试主要展示专业水准展示技能,两个环节分别占一定的比例,而学生大多不能做到专业和理论两方面都强,但高校依然为了升学率而招生。音乐专业学生大多数从高中阶段就被列为特殊群体,文化课普遍比一般学生差,才选择的学习音乐,又因为专业学习花费了大量时间和精力,没有形成良好的学习习惯和自主学习的能力,音乐本身又要求学生较为活泼,不能静下心来看书,从湖南人文科技学院图书馆的数据采集就可看出,音乐系在图书馆看书的占比一直是排在全校系别的倒数,也就很少有学生能在进入大学后能积极的钻研文化知识和专业知识,自主学习能力弱,也就导致了学生自身综合素质的提升,而这又和如今的市场需求背道而驰。导致毕业后很难胜任基础音乐教育工作。 二、缓解音乐生就业率分析 (一)专业教育的引导湖南人文科技学院音乐系学生多是以声乐或者器乐专长而考入学校,这样在学生入学时就已经客观的产生了偏科现象,所以这样不利于培养出合格的教育型人才,多数学生花费大量时间练习单一的专业技能,导致严重的偏科,所以院校在大学生教课方面,准确制定音乐生的培养目标,其次要引导学生在学习方法上和学习习惯上端正学习态度,明确自身的学习目的,通过制定各种激励机制,促使大学生由传统的习惯性学习思维方式,向开放性的学习方式转变,建立准确的学习方式,并促使其向复合型学习转变,比如在声乐生中加强钢琴的培养,而不是让学生觉得钢琴只是一门凑学分的课程,以此来跟上日新月异的科技发展以及社会进步的步伐,真正把大学生培养成为对社会有用的综合型人才。 (二)就业培训指导在大学生课程中就业指导以及就业培训是不被重视的一项,我系的就业指导以讲授的形式存在,另外在该方面的教育师资不够完善,学生刚进入大学是以专业为主,但是到了大三大四后,关键任务就是引导学生更好的建立就业观,了解本专业的具体现状和社会发展需求,以及自身的职业规划需求,通过开展相应课程使学生就业观更加健康趋于实际,让学生把就业观和社会需求的客观实际相结合,调整好自己的固有的过高的不切实际的就业期望值,然后引导学生根据自身特点,发挥自己的特长,结合目前社会的需求和职业前景,制定出最适合自己的一套就业方案。其次学校应加强就业心理干预,在大学生就业选择时面对的困难和心理变化,提早进行干预和培训,而不会产生在学生面临就业时的各种心理不成熟。 (三)政府政策同时高等音乐学生大多数选择一线大城市的现况,政府可以采取相应的政策进行调控和引导,政府可以继续完善和制定定向招生的培养模式,使得毕业生在毕业后回到原单位和原地区就业,还有出台相应的政策和补贴,鼓励毕业生毕业选择山区偏远的新疆内蒙和县级市乡村工作。政府搭建良好的简历信息服务平台,在现今互联网高速发展和发达当下形成信息共享,形成毕业生和企业的信息联通。其次政府在当下经济也飞速发展下,鼓励毕业生自主创业,相应的地方政府对毕业生创业提供社会资源,为大学毕业生提供必要的中介服务和技术培训。 三、结语 如上所述,大学生毕业就业是严峻的问题,何况音乐专业本科生又是一群特殊的毕业群体,因为毕业选择的局域性,所以要提出更多新的要求,去面临各种机遇和挑战,音乐生就业难反应了音乐教育体制和社会经济体制的矛盾,确立科学准确的培养目标,加强师资队伍建设等,毕业生们在当今音乐教育变化改革的基础上,承担起改变当今对音乐的偏见,改变在中小学音乐课被不重视的问题。拥有了良好的人文素质自身素养,我们音乐专业本科生的学生就更加能够在复杂的社会环境中找寻自己合适的,去适应瞬息万变的社会,超越自我,为社会的发展做出积极的贡献。 作者:孙远航单位:湖南人文科技学院 音乐专业论文:音乐学专业钢琴教学改革论文 钢琴教学是高校音乐学当中一门较重要的课程。对于钢琴教学的模式一直在研究和探索。努力实现完善的教学课程系统话,丰富课程内容。使这门课程具有科学性,实战性。随着新时期的到来,社会需求的日益加大。逐步反映出现在如今的钢琴教学还是按照传统的思路来学,忽视学生对钢琴技能的实战。高校音乐学专业其特殊性,使其在教学过程当中占有既特又重要的地位。由于素质教育重要组成部分是音乐教育,其专业的重要职能是向社会输送音乐教育者。这就要求合格的高校音乐学专业师资必须要有好的钢琴基础。高校音乐学钢琴改革,会影响到音乐学的前途和发展,会对今后的钢琴事业产生重大和深远的影响。钢琴教学的改革是在新的体制下的必然产物。教学应向多样化发展趋势进行。在改革的同时也要同步发展,既要有扎扎实实的基本功,还要有一定的即兴伴奏能力,同时还要学以致用,这些也是我们要从各个方面去考虑的。在这就钢琴培养的目标,钢琴教学的内容,钢琴教学的理念来浅析高校音乐学钢琴改革。 一、钢琴培养的目标 当下,学钢琴的学生越来越多。喜欢的钢琴的学生也多。原来传统的钢琴培养目标是就是单一的练好钢琴作品。随着时代不断进步,社会上需要大量的可以即兴演奏钢琴的人员。而目前培养的学生中大多数都不太会弹奏即兴这部分,这就使得大多数学生不可以积极适应社会,不能够很好的融入社会。这就使得我的钢琴培养目标该进行调整,在保证正常的钢琴作品的演奏情况下,也熟练掌握即兴的演奏.以便更好地服务社会。按照《新课程标准》的要求,音乐学专业最终目标是为了培养合格音乐教师。《新课标》要求音乐学专业的学生在钢琴上要好的演奏教学能力,同时还要有好的钢琴教学能力。而学生到今后的工作岗位上缺乏实践锻炼,心里素质差,一上台就会出现各种各样的问题和毛病。更多的希望学生在校期间大好良好的基础。音乐学的学生必须要会往实践中走,而后又返回学习当中去,不断的提高自己。我国一直都在开展素质教育,大大地增加了音乐学科的课外活动。为了符合社会发展趋势,在培养音乐学学生在钢琴方面的登台表演经历和艺术实践活动能力,那音乐学专业钢琴教学必需作出改革。改革的目标就是让每一名学生都参加艺术实践活动中,多去校外实践基地实习。 二、钢琴教学内容 传统的钢琴教学当中,大量的都是世界名家做的钢琴作品。比如有拉赫马尼洛夫音画练习曲,柴可夫斯基的四季等。更具不同人的喜好有些同学喜爱巴洛克时期的作品,有的喜好古典主义时期的作品,有的喜好浪漫主义时期的作品。那有些学生喜好拉格泰姆,爵士,布鲁斯等黑人音乐风格音乐元素的借鉴。在音乐学学生走上工作岗位之后,即兴伴奏的强与弱,对学生来说是极其重要的。在钢琴教学过程中不仅要有钢琴的课程,更开设即兴伴奏这门课程。但是这门课开设,在这些年也反应出。由于学生钢琴基础水平的高低不一样,使得教师在实践中遇到很多难题。即兴伴奏是钢琴技能,基础课程融合的一个综合性科目。在学之前应该要学生具备车尔尼599,849水平,学习内容该重点强调说有大小调音阶琶音和弦。同时还要求学生具备很好的和声基础。在钢琴教学内容中多多了解内容,情绪,风格。好的伴奏能力是通过多次的实践长期练习获得的。学生该主动多完成谢曲目,在完成老师留作业以外,还要多去找比较生疏的曲目进行练习,这样可以提高识谱能力。生选用的教材上太单一化。可以通过改革实现巨大的包括性,把钢琴基本的弹奏技能知识与即兴连起来,进行重新编写。那这样的教材也大大提升的教学效果。授课时时会对学生进行集成练习部分,有音阶,琶音,和弦以及哈农还有各种练习曲以外,可以加入伴奏音型,和弦的连接训练。这样使我们学生在刚刚开始学习内容中就得到丰富。同样要严格要求学生弹奏内容同时,更该让学生多多弹奏乐曲的伴奏部分。让学生多听旋律和声以及伴奏织体。例如学生弹拉赫马尼洛夫的作品时,就应该注意多多分手练习,多体会和领悟旋律的走向。 三、教学理念 破原有思维模式,敢于创新。音乐学的学生是要求钢琴,即兴伴奏,艺术实践活动三个大方向合成的。这三个部分是依托关系,缺一不可。虽然在学习过程当中这三课程由不同主教老师分开教学,但是为了学生能够更好的将这三门课紧密的联系在一起。这三个课程的老师应相互协商,相互探讨。如何让这三门课有机的结合在一起。这就需要突破我们教师原有的教学理念,使更多的教师参与进来,多交流,多合作。并长期教师之间形成很好的交流,大大提倡教师之间的合作交流。三门课程的教师该多多找找科目的通性,及不同的地方一并解决。在基础和的同学生身上要多多发现好的学习方法,也可以让老师和同学共同总结和完善教学方法。这样会有利于学生的学习进度。同样在每个学期中,举办组织学生进行教学观摩。根据音乐课的特点,定期开展以系部,班级为单位的教学观摩,同时也较强的促进学生之间的学习,以提高他们学习积极性。对于考核我们要多样性发展,把艺术实践的成果也计算学生的成绩之内。这样学生会更主动的学习。对于高校的音乐学钢琴的改革,必学坚持以科学为主导,主动放弃陈旧的课程观念,使钢琴这个大学科能够互相促进,这样才能使这一学科培养更多的人才高校的改革是一项系统工程,它考虑的面广,量大。应该从实际出发,克服困难,勇于突破和大胆创新。这样的音乐学钢琴教学的实质发生了改变。才可以真正推动我国高校音乐学钢琴教育事业的发展更稳,更科学,更有活力。最终使学生好老师都满意,社会高度认可的改革。 作者:方飞 单位:广西民族师范学院 音乐专业论文:音乐学专业创业教育论文 一、音乐学专业开展创业教育的必要性 1.适应市场经济发展的需要 随着社会的发展,科学技术的不断进步,经济全球化的背景下,出现以创造力为优秀的创意文化产业。这一新兴产业,强调一种主体文化或文化因素依靠个人(团队)通过技术、创意和产业化的方式开发、营销知识产权的行业。创意经济迅速崛起,并席卷全球。中国创意文化产业在这种思潮的影响下也得到很大的发展,并以前所未有的规模和速度发展壮大。创意文化产业的快速发展,为音乐学专业毕业生的就业和创业提供了非常广阔的市场空间。学校通过积极开展广泛的创业教育,培养大学生自主创业的各方面知识,为以后学生成功创业铺平道路。 2.满足音乐学专业教育内在要求 音乐学专业教育是培养文化创意人才的重要来源,在音乐学专业教育的过程中既要重视学生对音乐基础知识、基本技能掌握,也要对学生进行创新思维、创新能力的培养。创业本身就是对现实的超越,就是一种创新。任何真正获得成功演出作品只有依靠创新,才能不断得到提升和可持续性发展。通过全方位的创业教育,让学生不仅能领悟创新对于创业的重要性,也会激发学生自身创新意识,同时还能让学生从创业者成功的事例中得到激励和启发。并结合本专业的专业知识和技能通过社会实践,不断提高自身创新能力。 3.增加就业途径、缓解就业压力 随着高校扩招,音乐学专业的招生人数也在不断递增,大学毕业生的人数远远超过传统的就业市场需求,传统的就业方向主要是基础教育。计划生育基本政策的推行多年,我国音乐基础教育的学生也逐年减少,音乐教育师资也逐年超编,传统的音乐教育人才需求趋向饱和,就业市场日渐萎缩。音乐学专业是一门专业性极强的学科,就业面相对较窄,就业压力也更大。通过开展创业教育,转变教育理念,改革音乐人才培养模式,培养和提高学生的社会适应能力,引导音乐学专业大学生积极创业,提升优秀竞争力,缓解和解决就业压力。 二、音乐学专业创业教育中亟待解决的问题 1.创业观念滞后、缺乏科学的创业理念 中国的创业教育发展较晚、基础比较薄弱,而且大部分高校对创业教育在新形势下的教育体制改革战略意义认识不够充分,缺乏对有关学生创业教育的专项课题研究,对创业教育与素质教育区分点的认识比较模糊,导致在创业教育的课程设置上培养目标不明确,在教育教学过程中势必缺乏科学的、标准化的指导思想,学生得不到真正的创业方面的培训和提高。由于受传统观念影响,绝大多数毕业生毕业之后,喜欢去一些经济发达的大中型城市,认为市场前景广阔,以期待更大的发展。现实情况不容乐观,音乐学专业人才的市场需求已接近饱和,创业业机会越来越少,这就需要音乐学专业的毕业生要转变创业观念,适应社会需求。 2.学生创业综合素质匮乏 大学生成功创业要具备科学合理的知识结构,目前高校音乐学专业的课程设置不够完善。音乐学专业的学习只要基础知识、实践技能方面的。在创业能力、创业素质方面的培养力度不够,没形成创业所需要的独有品质。毕业的音乐人才在虽然专业知识、专业技能方面学有所长,但知识结构相对单一。学生对社会、对市场、对产业、对经营都缺乏应有的了解,在创业过程中毫无头绪、到处碰壁,甚至导致创业失败。从近几年毕业生创业的反馈信息来分析,音乐学专业学生的创业素质不容乐观。受传统择业观的影响,学生大胆创业的意识不强,即使参加创业活动,往往是头脑发热、跟风创业,一旦遇到挫折,就缺乏长久坚持的创业意志。一些学生眼高手低,只到条件好的大中城市创业,不愿意到拥有广阔天地的乡镇基层创业,创业情感投入欠缺。这些充分显露出学生的创业知识层次和结构不完善,创业素养要不断加强。 3.创业教育课程设置不完善,学生创业实践缺乏 创业教育课程的合理设置是创业教育的基础,也是创业教育实施的媒介,在国外有着较为完备的创业教育课程体系,中国高校将创业教育融入专业教学体系的课程设置还不普遍。在教学内容上缺乏具有社会主义特色的市场经济接轨的统一教材。在教育方法上以以校园为中心、教师为中心,忽视社会实践环节,忽略对学生自主能力的培养。学校的人才培养模式相对来说比较封闭,势必会影响学生的个性发展,与创业教育中提倡的创新能力的培养、冒险精神的培育还相差一段距离。音乐学专业是一门实践性、技能性很强的专业,在常规教学中要理论联系实践,以实践为主的教学理念。教学实习、校外实践演出等都只是专业实践,并不能让学生全方位地了解创业者在经营管理方面的知识。创业经验的缺乏使得学生对于自主创业缺乏评估、顾虑重重,缺乏开拓市场能力,对市场潜在风险的防范不够,在创业过程中把握不了方向,创业难以成功。 4.创业教育师资队伍薄弱 高校的创业教育起步较晚,目前大多音乐学专业的创业教育由学校招生就业部门的科员及一部分音乐学专业教师担任创业教育课的工作。前者虽然直接在招生就业部门工作,了解就业市场的一些知识和信息,但毕竟也缺乏专业的创业教育学习,创业教育课也只能是就业指导课。不能把专业教育与创业教育很好地融会贯通,进行全方位的深度指导。后者由于传统学校管理中,限制在职教师开展第二职业,部分教师有一定的本专业的社会实践经验而非真正意义上的创业经验,创业教育也只是专业教育的的拓展。即具备的教学经验又有创业经验的创业师资比较缺乏,成为制约高校音乐学专业创业教育向深层次发展的瓶颈。 三、音乐学专业开展创业教育的策略 1.营造校园创业氛围,培养学生创业意识 四年的大学生活对学生性格和品质的形成具有潜移默化的作用,对学生今后的人生有着非常强大引导和激励作用。学校在常规的教育教学过程中,要千方百计营造良好的创业氛围,让学生不出校园就可以深刻地体会到浓厚的创业氛围,以培养学生的创业意识,激发创业热情。利用校园信息平台、广播站、宣传栏、展览馆等校园媒体积极宣传创业教育,使创业意识渐入人心。举办以围绕音乐学专业的模拟创业大赛,让学生通过模拟创业体验创业的酸甜苦辣。定期举办创业讲座,邀请音乐界创业的成功人士现身说法,给学生讲述创业经历和创业经验,引导和组织学生参加社会实践活动,以促进学生创业能力的提高。还可以在校园成立学生创业协会,邀请各个系部学生参加创业协会,并通过协会成员在各系部宣传创业教育,培养学生锐意进取、敢于创业的创业精神。 2.优化人才培养方案,更新教学内容 音乐教育应重视并开展创业教育,将创业教育和专业教育融合在一起。优化创业教育的人才培养方案,促进课程设置改革和实践,培养学生合理的创业知识结构。提高学生创业综合素质,增强学生自主创业能力。把培养具有创业意识、创业精神、创业技能的教学计划和培养目标纳入到音乐人才培养方案中去,把培养创业型人才定为音乐学专业人才培养目标的重要组成部分,并且落实到人才培养的全过程。同时,围绕培养音乐创业人才的目标进行创业教育课程设置改革,在创业理论教学中增加创业理念、市场营销、财务管理、文化产业法律法规等知识的教学。通过创业案例进行讨论交流提升学生的创业意识,拓宽其思想认识。在实践教学中,组织学生到文化传播公司、音乐培训学校、地方演出市场、工商、税务部门等实地了解熟悉市场导向、创业政策、和法律法规等,为学生将来创业做好充足的思想准备。 3.组建科学合理的创业教育师资队伍 培养出具有创业精神的音乐人才,需要一支专业素质高、创业知识、创业经验丰富的教学师资队伍。音乐学专业要想改变当前创业教育师资不足的现状,学校应积极创造各种条件,努力构建一支符合本校、本专业创业教育师资队伍。一方面,要加强对音乐学专业教师自身创业知识相关教育培训,选拔一批具有创业意识的青年教师到在创业教育走在前列的院校去调研学习。安排有创业潜力的青年教师到企业去兼职,鼓励专业教师直接参与到创业实践中去,并定期开展创业教育案例示范教学和研讨会。另一方面,可以从校外聘请创业成功人才作为特聘教授对创业的学生进行现场指导,现身说法,让学生熟悉创业过程中市场运作方式,从而提高创业成功率。 4.加大创业教育的资金投入,建立切实有效的运行保障机制 在校学生虽然想创业敢创业,但缺乏创业所需要的环境和资金,这就使得一部分有自主创业意识的学生对创业望而却步。音乐学专业学生在创业活动开展的过程中资金就成了他们创业最大的障碍。学校应该积极筹措资金加大对创业教育的投入,建立创业综合实训基地,更新实验实训设备,拓展校企合作框架等,为音乐学专业学生创业提供必要的创业后续保障。此外,学校制定出台相应的激励保障措施,设立创业投资基金,成立创业教育协会,出台创业资助计划等。将创业教育纳入学校教育教学总体规划,保障创业教育可持续发展。随着“十二五”规划建设的圆满完成,“十三五”规划建设时代即将到来,“中国梦”的崛起,中国将进入崭新的时代。社会经济的发展越来越需要具有创新精神的创业人才。预示着创业市场大繁荣的到来,对音乐学专业的学生的创新能力提出了严峻的挑战。创业教育是一项系统性工程,需要充分综合社会优质资源,与时俱进,锐意进取,积极开展音乐学专业创业教育,不断推动高校创业教育前进。 作者:廖星麟 单位:湖南郴州湘南学院 音乐专业论文:高师音乐教育专业课程改革论文 一、高师音乐教育专业课程的现状分析 课程内容与课程观念没有与时俱进。当前的高师音乐教育太注重课堂的理论知识,没有注重实践能力方面的培养,往往忽视的就是实践与理论的协调统一。而在一些课程上,依然遵循着比较守旧的观念,没有重视一些音乐鉴赏、美术鉴赏、文学作品鉴赏、戏剧戏曲鉴赏等方面的鉴赏课程,这些课程也只是以选修的形式出现在一个学期内,每个学期也只有五个课时,所以,现在的学生对这些鉴赏艺术并不是太了解。一个合格的音乐师资,不仅要有献身教育的精神,而且要懂得专业理论、教学方法,并且有一定的教学能力。高等师范学院本科生是要修满四个学年的,但是一般的实践时间只有三个月到一个学期的时间,甚至有的还不足三个月,这样在课堂上在书本上所学的知识就无法运用到时间中去,没有将课程和实践有机的结合起来。音乐学师范类的学生走上讲台实践的机会很少,他们开设了教师技能的课程,却没有将老师在课堂上传授的经验好好的运用。 二、高师音乐教育专业课程实施的改革 (一)确定高师音乐教育课程建设的基本理念。第一,要以实现音乐课程价值为目标。这也是高师音乐教育专业的要求。第二,音乐是人类文化的重要形式之一,音乐教育就是为了培养文化人,必须在文化背景下建立高师音乐教育专业的课程体系。第三,文化制约着音乐。音乐艺术是最强有力的方式,去探索、体验有着共同主观特征的群体生活感觉与体验。每一个人的感觉都是以一种独特的表达方式表现出来的,世界上的音乐讯在多种风格,就是因为每一种文化对世界都有一种特殊的情感体会。 (二)音乐教育与非音乐教育的协调和统一。艺术的价值体现就是非艺术的价值。音乐教育在一定程度上就是非音乐教育。音乐艺术的价值是在音乐技能和艺术修养的结合下体现出来的,也可以说音乐教育是建立在音乐专业技能培养基础之上的非音乐教育,高师音乐教育专业的课程体系展现音乐教育和非音乐教育的对立性和统一性。首先,淡化了非音乐教育,过度强调音乐教育,也就是说只单方面的强调专业知识、技能的教学方式是不符合高师音乐教育大纲的。其次,淡化音乐教育,过度强调非音乐教育,也就是要求高师音乐教育专业教育的人才,只有深入音乐领域,拥有一定的教学能力和音乐表演,才可以担任基础音乐教学工作。大学生的思维方式还没有固定,而且也是开发思维的最后时期,他们有能力去开拓自己的想象力,有针对性和行动力。让学生喜欢的流行音乐、影视、广告音乐带入课堂。高校在进行真实的教学时,将流行音乐、影视音乐以及广告音乐放到课堂当中,使大学生感觉到老师比较重视其兴趣爱好,并且可以很亲近的融入到其学习中和生活中,共同进行讨论,气氛比较和谐,能够促进老师与学生之间感情。这也是激发其学习音乐的有效渠道以及有效方法。音乐教育中,是依靠音乐教师来传播美的,可见提高音乐教师的音乐美学修养以及内在素养等综合素质,能够为学生在音乐教育中起到巨大的推动作用。音乐教师必须要具备一定的专业能力,更要传递给学生怎样用审美的眼光来对音乐产生认知。世界各地的音乐教育都对音乐教师的素质提出了更高的要求,通过新的音乐教育方法和理念将新的课标和要求传递给学生,实现培育高品位学生的目的,大程度提高学生的素质。 (三)传统音乐文化和多元音乐文化的协调与统一。这包括汉族音乐文化与中国其他少数民族音乐文化的协调和统一,也包括中国民族音乐文化与世界民族音乐文化的协调和统一。音乐教育必须完全彰显出音乐多元化的特性,这是为了适应各种音乐教育教学,是为了让学生具有应变能力和创造力。在新时代里,中国必将走向世界,参与到世界的文化生活中,因此,多元文化音乐教育的课程改革就是一个迫切需要解决的问题。高师音乐教育专业的课程改革一定要融合本民族的音乐文化和多元音乐文化的对立性与同一性,不能过分局限在民族性,舍弃了世界其他民族先进音乐文化的经验,也不能过分重视世界音乐文化的多样性,忽略了本民族音乐文化的学习与传承。教学要对于大学生有所启发,获得展示才华的机会,让其意志与思维都可以获得锻炼。对于高校老师而言,他们已经能够在大学生的即兴创作中挖掘其能力。这在一定程度上丰富了大学生的想象能力,使高校的音乐教育更加多样化,也使得大学生的思维能力和创作能力得到了增强。 (四)理论和实践能力培养的协调与统一。实践教学是音乐教育存在的基础。音乐教育应该侧重于教育的实践,把艺术实践当作教学的主要内容和形式。一方面,音乐教育理论的学习应该解密结合音乐教育的实践,严格改变理论与实践分离的状态,才可以透彻了解音乐教育理论的优秀。音乐教育的实践在音乐教育理论的引导下,才更能体现出音乐教育的意旨。另一方面,音乐教学能力不仅包括教师自身的演唱能力,还包括指挥、组织演出等能力,加强学生各方面的能力培养才是高师音乐教育专业课程改革的优秀内容。由于只注重课堂的理论知识,没有切合实际的实践的原因阻碍了国内音乐教育的发展。虽然,新课程准则的颁布想要改变这种消极现象,但是效果却不明显。一些学生在实习的时候走上课堂的时候还是显得非常的生疏,操作起来没有那么的熟练。老师在教学的过程中,应该多鼓励大学生勇于发表自己见解和想法,能够利用一段文字去进行描述,也能够临时性的发挥,说明自己的认识。这样做不仅能够让大学生享受到音乐,而且还会使其懂得怎样去上好一堂课,进而建立学生和老师的良好的关系,让大学生积极的对音乐进行学习,能够活跃课堂气氛,使老师和学生能够非常好的互动。音乐鉴赏能够培养大学生的记忆能力和辨别能力,对于其感情的领悟以及理解能力也是具有很大帮助的。 作者:张天慧 李巧伟 单位:衡阳师范学院 音乐专业论文:高校音乐教育专业钢琴教学论文 一、当下高校音乐教育专业钢琴教学的现存问题 (一)学生素养不统一 音乐教育在我国展现出不断扩招升级的状态,其中钢琴教学也从传统的小范围、个性化教学转化为如今的大规模招收。但是随着学生数量不断涌现,学生音乐素养基础、钢琴基础的情况产生较大的差异性,有的学生从小开始学习钢琴,基础功底扎实,而部分学生由于自身个人发展原因,学习钢琴时间较短,因此就导致了学生之间的钢琴基础和音乐素养的差距不断拉大。 (二)教学模式与资源滞后 当下的钢琴教学中,教师更多的还是沿袭旧有的钢琴教学模式,注重技能的教学,而在教学的理念、课程内容的丰富设置、文化修养、方式的多样化和评价方式的合理化上缺乏突破,不能满足多变的学生教学情况。同时教学的设备也较为老旧,虽然有部分的更新,但是并不能在设备得到充分全面地引入新装备,从而教学资源在数量上和品质上都有所缺乏。 (三)缺乏教学理论体系 在教学内容中过分的重视钢琴表现的技艺,忽略学生教学实践能力的培养,缺乏对钢琴全面系统的知识理论体系建设。对于钢琴相关理论知识、文化知识缺乏有效地教授,学生们更多的只是纯技能的钢琴演奏者,而缺乏对音乐本身文化内涵的体会,同时教学内容的随意性也较大,缺乏有效全面系统的教学,教学缺乏科学性。 (四)教师资源匮乏 学生钢琴学习中,教师水平的高低直接影响着学生的学习品质。教师不仅要懂得钢琴技术的表现,对于钢琴深厚的文化内涵和音乐相关的文化也要有深入的了解,了解音乐背后的文化底蕴,让钢琴教学不仅仅是技术教学,更多的是艺术欣赏力、表现力的培养,提升学生的综合艺术素养。而现有的教师资源十分匮乏,一个老师需要教授大量学生,没有办法达到精细化教学的效果。同时由于音乐专业的人才就业渠道逐步广泛,特别是我国艺术领域蓬勃发展的今天,因此较少的高端人才愿意在学校进行教学工作,导致学校的师资水平发展有限,教师队伍无法得到有效的发展。 二、高校音乐教育专业钢琴教学应对策略 (一)完善健全教学大纲 让钢琴教学相关音乐艺术学习内容进行完善的知识体系建立,让钢琴的技术、技巧、理论、文化知识、艺术修养教授进行有效的综合整理,加强教学内容的丰富性和完整性。科学的按照教学分级对课程进行有效的安排,将不同阶段学习的目的、重点进行有效的拟定,并采取针对性的教学方式和内容。避免教学内容的随意性,同时要兼具学生整体的钢琴基础情况。 (二)教学模式的科学化改善 对于钢琴学习的基本内容进行大课堂的机体课堂教学,提升教学效率。针对音乐教育专业学生的特点及学成就业方向考虑,专业教师除了为学生科学地讲述钢琴学习的基本方法以及形成学生规范、正确的学习能力外,更应该把钢琴教学法渗透到课堂中,不仅要会学、会练,更要会教。对于学生的个体情况,要进行学生水平的评估,而后进行小组划分学习,让水平一致的学生进行小组个性化学习,除了针对学生能力的弱点进行有效的弥补,还可以在课堂中安排学生互相教学,提高教学实践能力,提升学习效率;对于水平较高的学生可以采用一对一的、个性化的拔高教学,让其钢琴演奏能力有更进一步的提升,符合其自身对个人钢琴能力提升的要求。避免笼统一刀切的教学方式。对于钢琴学习的基本内容进行大课堂的机体课堂教学,提升教学效率,为学生讲述钢琴学习的基本性方法,形成学生正确的学习能力,做出高校钢琴学习的基本任务要求。 (三)强化钢传统钢琴教学优势 钢琴教学的传统教学有着诸多教学优点,因此需要吸取精华予以继承。要强调学生节奏感、歌唱艺术、记忆力等能力的培养。基础的节奏感训练需要贯穿教学始终,要让节奏感具有伸缩的灵活特性,在作品学习之前要注重对其拍号的全面掌握体会,充分理解音乐作品所要传达的情感以及钢琴主体所应该表达的意义。懂得音乐作品的旋律,其音调的走向、情感表达的波动等,指导学生懂得钢琴歌唱旋律的特点以及情感因素,通过这种方式来更加表现钢琴音乐的情感表达。强化学生的视听、逻辑和动作的记忆力训练,对节奏、音等技艺进行强化训练,可以加入短句的模仿歌唱来帮助其记忆力训练。 (四)注重钢琴的理论课程学习 加强学生的理论课程学习,对钢琴的整体知识有全面认识,让其对于不同音乐有更深入的历史文化了解,以及演奏方式,从而有效表现不同音乐风格。特别是师范类的学生,对于钢琴理论知识的了解更加不可缺少,充分地了解音乐作品和钢琴背后身后的文化底蕴。 作者:贠婷单位:西安音乐学院 音乐专业论文:高校音乐专业钢琴教学论文 一、高校音乐专业钢琴教学改革的相关理念 (一)明确对学生的培养目标 高校教师应注意对学生兴趣的培养,激发学生的演奏热情,启发学生的心智,感染学生的心灵,增强学生的感性认识与理性认识,培养学生对钢琴音乐的感受能力与理解能力,锻炼学生的思维能力并丰富想象力,明确对学生的培养目标,将学生培养成顺应时代的复合型人才。 (二)强化学生能力的培养 首先要注意对学生钢琴音乐审美能力的培养,使学生对钢琴音乐充满兴趣。提升学生对音乐的感受与鉴赏能力,引导学生自觉追求真善美。激发学生的音乐才能,让学生掌握钢琴演奏技能的同时了解钢琴音乐等方面的意义,用心体会音乐的意境。强化学生在钢琴方面的记忆力,逐渐发展为深入理解作品的逻辑记忆。 二、高校音乐专业钢琴教学的改革与应用 (一)完善高校钢琴教学的内容 第一,完善钢琴教材内容,以《钢琴演奏艺术》为主,加强对钢琴演奏理论知识的教授,让学生了解钢琴的构造与发音原理,帮助学生理解人体的生理运动与训练机理。通过钢琴教学法的传授,使学生充分了解并掌握钢琴教育的基本内容、基本规律与基本方法,增强学生实际运用的能力,依据学生不同年龄的特点与认知水平来选择并安排恰当的曲目,适当的添加钢琴与其他乐器的重奏作品,给学生留有一定的自主发挥创造的空间,提升学生进行合作演奏的能力。完善钢琴教材,要注意考虑对逻辑性与创造性的设计,将钢琴教学结合于实际生活中,通过丰富的生体体验,增强学生的调查能力。第二,完善钢琴欣赏的内容,完善有关钢琴艺术的历史内容,发展学生的思维活动,使学生理解不同时代与不同钢琴家的作曲风格与特征,丰富钢琴作品的欣赏内容,让学生接触各种钢琴音乐风格与流派等相关知识,强化学生对钢琴曲目风格特点与创作背景及手法的分析能力。第三,完善钢琴进行实际演奏练习的内容,增加即兴伴奏课程,使学生掌握钢琴即兴伴奏的方法与一般规律,同时结合钢琴教学法来帮助学生进一步了解并掌握钢琴教育的基本内容、基本规律与基本方法及基本原则,掌握钢琴学习的有关要素,不断提升钢琴演奏水平。 (二)创新高校钢琴教学的方法 首先,必须将教学内容与教学方法有机结合在一起,依据教学内容与学生的实际需求进行教学方法的创新,注重对学生创造力与创新意识的培养,可按照钢琴教学中的各项内容不定期开设各种专题讲座与公开课,也可以举行不限范围与形式的座谈和讨论活动,并鼓励学生多参一些艺术水准较高的音乐会,也可组织学生开展不同形式的钢琴音乐会,让学生了解钢琴理论学术动态,亲身感受钢琴演奏的魅力,讨论钢琴演奏的相关经验,同时调动学生学习钢琴的兴趣。再者,还要将理论与实践有效结合在一起,强化学生的钢琴理论知识,引导学生学习并掌握记谱法等相关知识,了解并感受钢琴曲目创作者当时的思想情感、创作意境、创作手段以及手法特点,指导学生进一步学习并掌握和声语言与曲式学知识,把握音乐发展的逻辑,以便能够更好的把握整体乐曲,同时强化学生对乐曲结构的整合能力与意识,加强学生对力度、节奏节拍等钢琴相关知识的学习与掌握,在教学过程中适当的增加学生实际运用的机会,平时注意锻炼学生即兴演奏与即兴伴奏的能力,也可开办一些小型音乐会,让学生上台演出,从而丰富学生的情感世界,为学生增添一些实际体验,进一步培养学生的审美意识。 (三)改革高校钢琴教学的模式 传统钢琴教学模式主要采用一对一的方式,由于以前艺术招生的人数不多,所以采取这种授课形式是十分有效的,但是当今国内艺术教育形式发生了巨大的改变,高校艺术招生的数量迅速增多,然而师资却几乎是保持原有的状态,若仍然采取传统的教学模式将为教师的有效教学增添一大阻力,因此面对这样的形势,目前我们应该采取多元化的教学模式,开展一些个别教学、小组教学或者集体教学等多种教学并列的教学模式,既能使具有发展潜质的学生更好的去发展,又能对钢琴演奏技能较差的学生进行细心的辅导,促进其较快的进步,跟上大部分同学,而这些平时能够跟得上教学的同学也能学到新的钢琴知识,同时又能加强师生间的互动,统一学习进度,也便于教师对钢琴各种知识的教授。 三、结束语 总而言之,高校音乐专业钢琴教学的改革是顺应时展,需要教师结合我国教改的相关理念,结合钢琴教育的教学目标,完善教学内容,创新教学方法,改革教学模式,进一步实现高校音乐专业钢琴教学的改革与应用,为国家培养高素质复合型人才。 作者:高莉莉单位:赤峰学院音乐学院 音乐专业论文:专业教育与大学音乐教育论文 一、加强大学音乐教育的重要性 从思维的角度来看,人的思维分为逻辑思维和形象思维两类,二者不可分割。如果只重视期中的一种,就是不健全、不全面的思维,它可制约一个人素质的全面提高。钱学森说:“只注重逻辑思维,埋头于细节,易犯机械的、片面的毛病,缺乏整体的有机联系的认识。正因为受到了艺术方面的熏陶,才能够避免死心眼,避免机械唯物论,想问题能够更宽一点,活一点。”钱学森认为形象思维是取得科学成就的关键。爱因斯坦也说:“想像力比知识更重要,因为知识是有限的,而想像力概括着世界上的一切,推动着进步,并且是知识进化的源泉。” 二、大学音乐教育与专业教育融合和拓展的必要性 随着经济的快速发展以及经济全球化的进一步加深,人才之间的竞争也愈来愈白热化,社会对人才的培养在新形势下提出了新的更高的要求。集中体现在社会越来越需要以创新能力为重点的高素质的复合型国际化人才。具体到大学教育中来,就是要转变传统教育中单纯重视知识化、科学化的人才培养模式,强调科学与人文并重的高校教育模式。从素质教育的要求来看,大学教育除了关注专业教育以为,更应该贯彻“通识教育”的指导原则,在学生掌握基本的、必要的专业知识的基础上,还要广泛地认识和了解其它课程的知识,特别是艺术方面的知识。科学和艺术从一开始就存在着紧密的联系,就像一枚硬币的正反两面,互相配合、互相渗透,共同提高学生的综合素质,促进学生的全面发展。可以认为,高校只有加强艺术教育与专业教育的融合和拓展,同时提高二者的教育水平,才能培养出更多适应社会需求的、具备健全人格的、有着丰富创造力的高素质的全面发展的人才。 三、实现大学音乐教育与专业教育的融合和拓展 正如前面所说的那样,正是由于音乐与生俱来存在的特质,使得大学音乐教育在陶冶学生的情操、启发学生的创新能力、培养学生的思维发散能力等方面表现出其他专业学科不可取代的优势。新形势下,普通高等院校应强化创新创新意识,以提高学生的综合素质、促进学生的全面发展为己任,实现大学音乐教育与专业教育的融合和拓展。结合实践,笔者认为可以从以下几个方面着手: (一)改变传统的教学观念 大学音乐教育的创新改革以及与专业教育的融合和拓展,都必须以转变教学思想和理念为前提。一方面,普通高等院校应充分认识到大学音乐教育并不是简单设置一门音乐教程,而是要充分认识到其在育人方面的作用。另一方面,普通高等院校不能用专业音乐教育的眼光和要求来看待音乐教育,而使得音乐教育的发展偏离了素质教育的方向。再一方面,大学音乐教育应将学生的专业需求有效的纳入到教学体系中来,满足学生的专业诉求,充分发挥为专业教育服务的功能。 (二)调整和优化学科体系的建设 随着我国高校教学创新改革的不断推进,大部分高校已经意识到艺术教育的重要性和必要性,普遍设置了与艺术相关的课程,各个大学音乐课程的设置率逐步上升,以及大学音乐社团、音乐比赛层出不穷,这都有助于创造良好的校园文化氛围和文化环境,但也存在着很多有待完善的地方。第一,将音乐课程设置为必修课,适当增加音乐课程的学分比例,同时应当对学生的专业教育课程、音乐教育课程的教学时间进行科学的分配,从根本上提高学生的音乐水平。第二,建立多样化的音乐课程。由于受各种主客观因素的影响,很多大学对学生的艺术选修课程都提出了明确的要求,即学生只能在音乐、绘画、舞蹈等艺术课程中选择一门。第三,高校要保证音乐课程的教学时间,采取科学合理的教学策略和灵活多样的教学方法,提高学生对音乐教学的兴趣,将音乐教育与学生的实际生活与学习紧密结合起来,不断促进与专业教育之间的融合和拓展。音乐是一种非语言和非具象的艺术,音乐的自由性、模糊性以及不确定性特点给学生理解音乐、感受音乐营造了更多想像的空间,对于培养学生的思维发散能力和创新能力无疑具有十分重要的意义。因此,大学音乐教育应当通过音乐课教学和音乐活动,提高学生的音乐修养,加强与专业教育的融合和拓展,促进其身心各方面和谐全面发展。 作者:陈琛单位:重庆工商大学 音乐专业论文:音乐教育专业舞蹈教学论文 一、以学生为主体,优化课程设置 高质量超额完成《大纲》教学任务,在高校音乐教育专业舞蹈教学中占据重要作用的课程设置,是与专业教学和研发密切相关,相补相成。舞蹈教学课程设置和内容安排的科学性、合理性、多元性和实用性,是教学改革与创新实践成败的重要因素,更是检验我们人才教育和培养模式是否适应现代社会政治、经济、文化发展的要求。因此,强调以学生为主体,以教师为主导,一切为了学生,高度尊重学生,倡导独立自主的学习思想理念。通过独立自主的知识建构活动,调动学生积极参与的欲望,使创新、潜能等全面发展,使课堂教学活动真正成为学生的主角。全面培养学生学科理论基础扎实,专业技术精堪,艺术素质过硬的综合型高素质舞蹈艺术人才。当前,高校音乐教育专业舞蹈教学在课程设置、教学内容和教学方法等存在不科学、不合理、不完善和不实用等问题,突显不出自身优势和特色,严重影响到舞蹈艺术教学质量的提升。因此,在认真落实执行教学大纲各项要求,学习吸取兄弟院校经验和方法之外,切实联系自身教学和科研工作实际,发挥民族地域的优势,充分挖掘民族地区艺术特色作用,开发与创编、优化与整合资源,探索适合高校音乐教育专业舞蹈教学内容与方法的多元化结构体系。广西是一个多民族区域,几千年积淀的民间传统文化艺术,浩如渊海,源远流长,民间舞蹈艺术种类繁多且内容丰富,气息淳朴、特色浓郁、风格独特、内涵深远,是民间艺术遗产的宝贵财富。针对广西区域壮族、苗族、瑶族、京族、侗族、水族等风格独特的民间舞蹈艺术种类,开设广西地方特色民间舞蹈、民间艺术采风课程,组织学生深入壮乡村屯、侗家、瑶胞和鱼家水乡的生活生产第一线感受地气,近距离接触民间舞蹈艺术,向民间艺术家、老艺人访问学习,抢救稀少濒危的艺术品种。通过系统的收集和挖掘、归纳和整理,了解各民族民间舞蹈艺术的精神内核、艺术特征,亲身感受民间舞蹈艺术的内在魅力、艺术价值和文化内涵。广泛积累丰硕的原生态材料,从中涉猎那无价的甘蜜,丰富自身营养,为学生即将走出学校融入社会打下扎实的基础,对新时期快速发展培养高素质人才具有现实意义。 二、彰显学科特色,完善教学体系 当今信息化社会对高校音乐教育专业舞蹈教学人才培养的要求更高、更综合化。传统模式的男女大班或是模仿网络媒体“画葫芦”式,或是教师一个动作学生模仿一个动作等教学方式,已无法适应现代教育的要求。特别是高校招生的连年扩大,学生翻倍增长,教学课时少;而教学设备的硬件和软件没有丝毫增添,师资队伍没有按生均比例配备,教学资源的匮缺或日趋陈旧而仍超负荷的工作。课程设置的不合理、不实用,教学内容与方法相同或重叠,舞蹈教学与专业必修(选修)课或文化公共课之间的产生不合理的问题等,使得高校音乐教育专业舞蹈教学不得不面对现实,重新调整、优化整合,展开对教学理念、教学形式与方法的创新。如采取男女分组、基功组合、舞种组合、成品组合等多形式多样化、灵活机动授课。在基本功训练课中改变以往单元或阶段性的授课形式,采用两个星期为一个授新课单元的模式;而舞蹈组合和节目排练课,则单周完成一套组合,双周完成一个舞蹈节目作为教学要求;注重突出高校音乐教育专业舞蹈教学中少儿舞蹈节目,以及社会阶层、厂矿和社区急需的各种舞蹈节目。有计划安排好上半段、中段、下半段的教学工作检侧,期末考试(查)验收等。这样的教学既连贯又紧凑,既有针对性又具有灵活性的实施舞蹈基本技能、组合与节目成品的排练,突出培养学生综合能力向深度和广度发展,彰显学科特色和优势,完善学科教学体系,是全面提高学生技术技能,创造能力和表现能力的主要手段。 三、强调自主学习,培养创新精神 以学生为主体,让学生真正成为课堂教学活动的主角。通过有组织的积极主动参与,独立思考,亲身实践,合作交流,收集和处理知识技能,并在自主探究和构建知识活动中获取新知识、新问题。通过认知问题,分析问题、解决问题,使学生成为创新知识与实践能力的主人翁。舞蹈艺术教学实质上是一个创造思维过程,从收集材料的一度创作到舞者加工、塑造和雕琢打磨的二度创作、再到演出修改的三度创作,即创作、实践、再创作再实践过程。舞蹈艺术材料来源于生活生产劳动,若想让自己舞蹈作品构思独特,艺术特色浓郁且生命力强,就必须要坚持深入生活生产第一线,体验生产劳动多姿多彩韵味和丰富的节奏韵律,让心与物碰撞出灵感火花,升华到肢体艺术并融汇到舞蹈艺术创作当中。学生从不同角度亲身体会舞蹈肢体艺术形象的内在感官,深刻理解舞蹈肢体动作艺术表现的感觉,并通过不断思考、实践与拓展,用全新思维、多角想象、创造贴近生活并具有新意的舞蹈艺术形象。因此,我们要大力鼓励学生充分利用田野采风、平时观察和发现,收集和整理民间舞蹈艺术魂宝,引导广大学生借助先进创作手法与独特的民间艺术元素相结合,改编和创作新颖的韵味浓厚的舞蹈艺术作品,大胆放手让学生独立创新的能力。促进学生积极关注和学习不同民族,不同舞种的艺术形式,关心本专业的知识信息,提高学生对问题分析的潜力和能量。同时,教师要努力为学生营造宽松和谐、团结友爱、独立创作、互相交流的学习氛围,敢于让学生发挥专长亲自策划、自编自演的能力,多以支持和肯定的点评,称赞学生艺术创新精神,艺术思维和创作亮点,关心和爱护学生艺术个性和发展空间,以平等友善、包容理解、谦虚负责的态度,鼓励和激发学生创新定精神,促进学生学习全面发展。 四、更新思想观念,注重艺术实践 现代教育思想理念要求教师必须转变教学观念,努力将教学过程当作与学生交流知识、合作探究、沟通情感的人生平台,改变过去传统的“传授者”思想,变成为课堂教学活动的成员,成为学生学习研讨的鼓励者、引导者、参与者和促进者。一是,要解放思想,废除传统教学观念和落后管理制度,开发和运用现代教学管理理念,对课程设置、教学内容、方式方法等深入调查与分析、改革与创新;二是根据信息化社会文化大发展的要求和自身条件,不断更新人才教育方向,从长期受专业舞蹈院校教学套路影响中摆脱出来,建构高校音乐教育专业舞蹈教学理论体系,注重舞蹈艺术理论知识与技术技巧相结合,加强对舞蹈编导课程基础知识引入,开展实施和研讨等突出自身特色和优势,规范学科教学结构体系;三是舞蹈其高度的综合了表演性、艺术性和实践性较强的艺术表现形式,课堂所学习和掌握的知识和技术都要通过“大舞台”实证验证。因此,广大学生要踊跃投身到社会的大熔炉,经受各种层次的实践和锻炼,将课堂教学与课外艺术实践紧密相结合,从中获取课堂无法学到的知识,增长个人阅历。如校园文化艺术节(艺苑杯)、班级汇报晚会、毕业汇报晚会、五项全能大赛、大学生艺术展演、南宁国际民歌艺术节等,从舞蹈表演艺术、心理素质进行培养,积累丰厚的实践经验。从而提高舞蹈技术技能水平,使我们的人才培养方向符合社会发展要求,成为现代化社会建设的栋梁。 五、实施竞争机制,强化师资建设 现代社会政治、经济、文化教育大发展,要求我们改变旧的教育理念和偏、难、繁的教学内容。教师肩负着国家和民族昌盛,造就开拓创新人才的光荣使命,更应具备与时代精神相融汇的现代教育思想和理念,对教学工作的本质、责任、目的、要求和特点具有独到理解。具有拓展课程领域,广集课程资源,研发课程内涵,变“教课本”为“用课本”的新时代高素质教师。因此,在舞蹈教学中科学合理的处理好内容与方法、排练与演出、理论研究和技术分析等实践环节具有极其重要的作用,充分体现在教师对理论知识和专业技术的钻研,学习掌握和应用现代教育信息技术,提高综合素养,而最终体现在教师之间的竞争、教学水平的竞争。由于历史原因,高校音乐教育专业舞蹈教师队伍在人员结构、梯队建设不科学、不合理,严重阻碍了舞蹈教学向高层次发展。虽然有个别经过努力取得了部级、部级或规模较大的大型表演活动奖,技术技能、艺术表现力等堪称完美。但是,由于绝大多数的舞蹈教师从孩童起就进行舞蹈基本功练习,小学、中学再到大学甚至硕士研究生,文化课学习均受到不同程度冲击和影响,文化基础知识和专业理论素质极为贫缺和浅薄,语言组织和表达能力较低,学术研究能力和文字表达能力较低,面对自己熟悉专业感到无从下手,力不从心。这种不协调的现象不仅是高校音乐教育专业舞蹈教师,在综合大学的舞蹈教师乃至专业舞蹈院校的教师都比较突出。如何改善这一严重的问题呢?这就要求从教育主管部门到学校以及教师自身,要脚踏实地、负责任的做好各环节工作,加强自学提高、进修培训、观摩取经,做好职业形象、知识结构、工作作风和态度等素质转变。坚持终生学习的思想观念和探索精神,丰富和拓宽文化理论知识,提高理论水平和专业技术能力。同时,要与时俱进,博览群书,不断的充实和武装自己的头脑,使自己成为现代社会优秀文化的传播者。 六、结语 现代信息社会的飞跃发展对高校音乐教育专业舞蹈教学,人才培养提出更高、更全面的要求。因此,在教学中从实际出发,结合具体情况,充分发挥教学资源、教学设备和师资队伍的作用。以丰富的教学内容和多样的教学形式,教会学生舞蹈技能,更要教会学生如何为人处事。要持之以恒,刻苦钻研,增强文化修养。认真总结、深刻反思,提高舞蹈教学、人才培养质量,努力为建设社会主义大文化及其大发展和大繁荣作出贡献。 作者:茅正南支桂衡黄文翠单位:广西艺术学院
初中音乐教学论文:声势律动初中音乐教学论文 一、声势律动教学法的含义 所谓声势,指的就是通过人体的各种姿势动作来产生声响。声势的具体表现形式主要有:捻指、拍手、拍腿、跺脚等,它是人类表达和交流情感最古老和最直接的表现方式。在卡尔•奥尔夫创立的音乐教学法的基础之上衍生了声势教学的理念,它通过身体律动作为乐器来进行节奏的训练。对于初中生来说,在已有的经验基础之上,利用自身所熟悉的肢体来产生有规律的节奏,可以使其更好地理解音乐知识,使动作协调发展,并帮助开发其创造性的思维能力。律动教学法起源于20世纪初,其首创者是瑞士的埃米尔•雅克•达尔克罗兹,他是著名的作曲家和音乐教育家,该教学法也被称为“体态律动”。该律动教学的最终目标与音乐教育的目标始终保持一致,即为了培养“创造型”人才,也就是希望通过身体动作来体验和培养自身的节奏感,使音乐的注意力和记忆力得到加强,从而使得学生的创作动力得到提高。学生通过律动来直接表达自己对音乐的感知和理解能力。从国外的音乐教育体系来分析,不管是瑞士的达尔克罗兹的体态律动学,还是德国奥尔夫的节奏教学,都强调用身体的动作去理解和再现音乐。在音乐课教学过程中,不断给学生创造进行律动的机会,鼓励他们通过自己喜爱的肢体语言来表达自己对音乐的领悟,要充分地利用学生好动的特点,达到动静结合的目的。从律动入手,可以激发学生对音乐的学习兴趣,帮助和引导学生从更深的意义层面来联想音乐形象和理解乐曲,从而在主动参与和实践中产生愉悦和美的享受。对此,著名的音乐教育家柯达伊曾说过:任何音乐理念都可以转化成身体律动,而某一身体律动也可以相对地转化成音乐。 二、声势律动在初中音乐教学中的重要作用 1.全面挖掘和训练初中生的节奏感。 人的动作自身就带有节奏的动力,人从最简单的行走、跑跳,直到日常生活和劳动过程中的动作本身,无一不是为动作节奏教学提供了相应的素材。节奏训练的重要目标是将身体作为最基本的乐器,通过人体动作来挖掘人天生的节奏感,之后体验和发展人类越发敏锐的节奏感。对于初中生来讲,正是由于处于这个年龄段的人群身体较为协调,反应和表现较为敏锐,所以通过人体动作来培养他们对节奏的体验和享受,是最佳年龄接受期。虽然方法最简单,但是效果却最好。 2.培养和发展初中生的创造力。 当学生听到一些音乐会即兴地做出一系列身体动作的反应,这种即兴表演可以促进学生自我表现以及创作的欲望,可以有效地培养学生的创造力,该方法也是最简单和效果最好的。只有拥有了丰富的想象力和创造力,才能通过人体动作把对声音的感知表现出来,比如声音的大小、走向以及拍子强弱的变化,甚至不同的音色和曲式结构等。 3.有助于初中生身心的平衡发展。 初中处于人生成长的重要阶段,与小学阶段相比,该时期的学生对一些事物的感知能力要高于小学阶段,逐步产生了广泛的个人兴趣和丰富的思维方式,心中对未来美好而又伴有挫折的生活充满了好奇与期待。所以对于音乐的学习,他们对音乐的听力和与辨析能力随着年龄的增加,也得到了相应的发展和提高。但是也正是由于年龄的增加,使得初中生的生理和心理等多方面都发生了不同程度的改变,于是他们不会再像小学那样勇于发言和积极表现,尤其在音乐课上也不愿唱歌和表现自己了,这使得初中的音乐课堂变得越来越沉闷和无趣。但是通过声势律动教学的科学合理的融入,改变了单一的教学模式,可以为学生营造良好的课堂学习气氛,可以很好地促进初中生身心的平衡发展,也符合他们的心理需求。 4.有助于培养初中生敏锐的听力和注意力以及反应能力。 在实际的教学过程中,声势律动的教学是动作根据音乐中音量的高低、速度、音色、节奏等自觉反应出来的。比如“节奏的模仿、利用节奏进行造句游戏”等。这种教学方法不仅可以唤起学生欣赏音乐的本能,还能培养学生的听力、洞察力,还能有效提高其注意力和反应能力,此外还会培养他们细腻的情感,从而促进学生的全面发展。 三、声势律动在初中音乐教学中的运用原则 1.适度性。 在初中音乐教学过程中,律动可以充分调动学生学习的积极性,然而在实践中经常会出现当活动已经结束之后,一些学生仍然还沉浸在自己表演角色中的现象,这种情况的出现不但影响了课堂纪律,还降低了教学效率。因此,我们在教学的实践过程中应充分认识到律动的具体含义,它仅仅是提高学生学习音乐的兴趣和感受音乐乐趣的一种手段,律动的本质主要是服务于音乐学习的,在进行教学实践的过程中,为了避免过度和不当的律动所带来的一系列的负面效应,就应该把握好适度性,即适当的使用律动手段来辅助教学的开展,从而保证课堂的动静互相适宜和井然有序,使律动教学的作用得到真正的发挥,并以此来提高初中音乐课堂的教学效率。 2.指向性。 初中音乐教学中的声势和律动不单纯是用来活跃课堂氛围和激发学生学习音乐的兴趣的,其主要作用还有用来培养初中生的节奏感,使其用心感受音乐的风格和情绪等。所以在教学实践过程中,教师对教学中的声势律动环节设计时,应当注意明确最终目标的指向性,应该紧密结合教学内容,科学合理地来设计律动环节,从而确保其与音乐保持一致,如干净利落的动作配以轻快活泼的舞曲,和缓舒展的动作配以柔和优美的抒情舞曲,这样可以使学生在动作表演中感受到音乐的风格。此外,动作的设计中也应尽量简单易学,达到少、精、简、明的效果,以保证学生在学习动作时,不会影响到音乐知识以及音乐技能的学习。 3.典型性。 在运用声势律动来辅助音乐的教学时,最具优势的就是各种类型的舞蹈,学生通过舞蹈来进行音乐的学习,不仅可以使学生音乐感受力和音乐技能得到增强,还可以培养学生具有一定的舞蹈基础,从而有效地培养了学生形成良好的体形和气质。然而需要注意的是,在音乐辅助教学中,并不是所有的舞蹈都适用,尤其是民族舞蹈,在选择和教学时应让学生在学习过程中感受到该民族的文化和情感。 四、声势律动在初中音乐教学中的应用 1.通过节奏律动来体验和掌握音乐知识及技能。 在音乐的教学实践过程中,对于节奏的训练,可以说是一种非常有效的学习方法。这是因为在节奏的训练过程中,各种相关的节奏之间都会产生律动效果,从而可以有助于学生更好地认识和理解以及掌握自己所学到的音乐知识和技能。初中音乐教师在教学实践过程中,不应一味机械地给学生讲解一些比较枯燥的理论,这样会很大程度上削弱学生学习音乐的兴趣,教师应该充分结合教学实际情况,使自然的节奏和律动得到充分的运用,要在听、唱、动等一些环节中有效地融入音乐知识和技能,从而激发他们的学习兴趣。在声势律动教学的过程中,要与欣赏手段有效结合起来,通过摇晃、拍手、拍肩等动作使学生节奏感得到锻炼,从而引导学生感知和体验音乐的魅力。比如我们在欣赏《人民解放军进行曲》的时候,可以设计诸如跺脚、拍手、行进踏步等动作来帮助学生认识音乐不同的节奏,从而更好地感知和理解进行曲的曲风;在学习意大利的那不勒斯船歌歌曲《桑塔•露琪亚》的时候,可以设计一些划船的动作来体验其中微风荡漾摇晃的节奏,从而可以感知到歌曲中所表现的美好意境;在欣赏《伏尔加船夫曲》的时候,可以根据音乐的特点设计一些动作来模仿纤夫合力拉纤,从而使学生积极参与到音乐学习中,在音乐中感受和体验俄罗斯底层人民在沙俄统治时期艰难困苦的生活。此外,音乐教师应该多结合初中不同年级段的音乐教材来设计不同的动作,可以让学生的声势律动与音乐节奏相结合,培养学生身体动作的协调性。 2.通过声势律动来激发学生的学习兴趣。 如果将声势律动教学科学合理地融入初中的音乐课堂中,且教师利用体态律动来表现音乐,可以很好地激发学生的学习兴趣,调动了了学生们的音乐学习积极性。举例来说,老师在给学生讲《青春舞曲》的时候,教师可以通过给学生提前播放一些较为轻快明朗、优美的音乐来增强学生们对音乐的感知力,从而很有力地来促进学生们对于音乐的学习。学生在音乐开始响起的时候,可以根据音乐的特点做一些合拍的动作,这样可以渲染课堂气氛。通过这种方法可以让学生提前进入音乐上课状态,也可以在陶醉于音乐的过程中,很好地感受音乐中美妙的意境。此外,老师在音乐教学过程中也要适当指导学生们对于发声、节奏以及视唱练习所要注意的要点,这样才能使得学生们掌握正确的音乐学习方法,从而提高他们的学习成绩。在音乐的教学实践中,动态的韵律美也是十分重要的一部分,它对于提高学生们的学习效果可以产生十分积极的作用。因此,音乐老师应该在教学中多给学生们做一些带有动态韵律美的示范动作,从而激发学生们学习音乐的兴趣。 3.通过声势律动来帮助学生感受音乐情感。 在音乐教学过程中,还有一种提高学生们学习的教学方法也应该得到重视,即将舞蹈的激情运用于律动中。众所周知,音乐和舞蹈的表现方式是截然不同的,前者是通过声音来带给人们美的享受,而舞蹈是只通过肢体的动作带给人们美感。但是,出于各种各样的理由,音乐和舞蹈是可以相互配合的,而且两者一旦配合起来,肯定就会显得无与伦比。不仅如此,这两者的结合在音乐教学的过程中还可以很好地渲染出浓厚的艺术氛围,并且还能有效地激发学生们内心深处的情感,促使学生们积极主动地去进行律动方面的练习。在音乐的教学实践过程中,老师应该引领学生们进入音乐学习状态。为此,老师可以给学生做一些有规律的、符合音乐节奏的等其他的示范性动作,并且在示范过程中要告诉学生们需要真正掌握和理解的要点。在教学中,我们还发现有的教师为了能更好地帮助和指导学生们进行律动的练习,有的时候会给学生们示范一些具有高难度的舞蹈技巧动作,这种情况出现时,往往会事倍功半,即不仅给学生增加了学习的难度,还会使一些学生们产生消极的学习思想。所以老师要想增强学生学习音乐的信心和提高学生的学习能力,就应该在做舞蹈动作时,选择对学生来说容易接受的比较简单的一些舞蹈动作。只有这样,学生们才会在舞蹈与音乐相结合的课堂学习中,来激发自己内心深处的情感来感受音乐自身的魅力,从而帮助他们提高音乐感知能力。比如,教师在讲《雪域高原》时,可以设计一些简单的舞蹈动作,如从“左右点步”到“退踏步”再到“颤膝脚步”,在实际教学过程中,可以使用《正月十五那一天》来作为伴奏音乐,给学生表演已经设计好的一些简单容易的舞蹈动作,这时候学生很容易就会被轻快活泼的动作所吸引,此时再对学生们的集体练习进行指导,效果会更好。 4.通过声势律动来提高学生对音乐意境的欣赏能力。 音乐在所有的艺术门类中是营造意境的最佳方式,音乐的媒介是声音,它不仅具备语言的表达人们思想情感的功能,而且还超越了语言的功能。所以在音乐的鉴赏过程中,要想真正品位到音乐作品本身的韵味,必须对音乐的意境进行深入的理解和发自内心的感受,做到心境与意境的紧密融合。由于不同的音乐作品内容和主题不同,意境自然会不同,因此要想提高学生们的审美水平,只有通过律动来欣赏歌曲的意境。比如音乐的实践教学过程中,可以将《牧歌》供学生们欣赏,学生们在欣赏这首歌曲的过程中,应该会感受到我们国家丰富多彩的文化背景,为了更快地让学生感受到该音乐所表达的主题思想和内涵,教师可以教授给学生蒙古族典型的“柔肩”动作,以形成律动的练习,这样学生们在练习的过程中就很容易地融入到音乐当中,感受到少数民族中粗犷豪放的风情特色,从而激发他们对少数民族的热爱之情。又比如说,我国与茶叶有关的音乐作品非常多,因为茶叶在我国有着十分悠久的历史,所以教师可以在学习《采茶舞曲》时,教授给学生一些简单的“采茶”的动作,以帮助他们在律动中体会采茶的乐趣和艰辛,从而提高他们的音乐知识水平。在初中音乐的教学实践过程中,要掌握声势律动教学的基本原则,并将其科学合理地融入到音乐课堂中,使其贯穿于教学始终,从而帮助学生形成良好的音乐感知能力,使学生们的情操得到陶冶,音乐素养和审美水平得到提高,进而促进学生美育方面的良好发展。 作者:丁雪莲 单位:柯岩中学 初中音乐教学论文:互动性教学模式下初中音乐教学论文 一、互动性教学模式应用于音乐教学实践中的作用 (一)激发学生学习兴趣,提高教学质量 基于新课程的教学标准更加倡导学生的素质教育,对如何为祖国培养综合发展的全面人才十分重视,而音乐教学也是培养途径之一。然而,不可忽视的是,在目前的音乐教学中,很多初中学生并不是十分重视对音乐的学习,只有极少数的学生愿意拿出自己的时间和精力投入到对音乐的学习中。因此,在初中音乐教学中开展互动性教学,不仅能激发初中生参与音乐教学的兴趣,还能指导教师改进在初中音乐教学实践中存在的不足,提高初中音乐课堂教学质量,促进初中生综合素质的全面发展。 (二)让学生领悟音乐情感,帮助其建立正确的人生观、价值观 众所皆知,音乐是音乐家表达和抒发情感的捷径,而对于倾听者来说也很容易引起与作者的共鸣。在新课程下对初中音乐教学的目标有了更为严格的要求,不仅要提高学生的音乐欣赏能力,更要通过音乐让学生领悟其中的情感,为培养学生的综合素质打下基础。而将互动模式应用于初中音乐教学中,可以让教师在传授音乐知识的同时,也能在第一时间通过音乐了解学生心中的想法,同时,在与学生共同欣赏音乐的时候,通过交流,教师也可以和学生之间产生情感的共鸣,在这个过程中,教师通过及时引导学生对音乐的情感感悟,进而帮助初中生建立正确的人生观、价值观。 二、合理将互动模式应用于音乐教学实践中的相关措施 (一)创新教学方法,合理利用互动模式 教师在初中音乐教学的过程中,应该合理地利用互动模式,这样教师不仅可以和学生进行充分的沟通和交流,还可以及时总结自己在教学中存在的不妥,进而更为轻松地实现教学目标。同时,对于教师来说,在教学中积极创新教学方法,可以让互动模式得到更好的应用,比如教师在教授民歌《牵手草原》时,可以充分地运用多媒体教学,挑选与该民歌同一类型的民歌《梦回草原》、《相约草原》、《唱首情歌给草原》、《忘不了这片草原》等给学生播放,并引导学生了解其中表述的情感,和学生一起讨论这些民歌的音乐风格。另外,教师在进行教学的过程中,还可以采用“课堂歌友会”的教学方式,每当教授一首歌曲完毕,就可以安排学生上台进行演唱,彻底改变传统的那种老师唱一句学生学一句的教学模式,进而激发学生参与的积极性,让课堂气氛得到充分的活跃,而通过这种教学方式,不但能让学生更加深刻地理解该课的内容,还能有效提高教学效率。此外,教师还可以学习“好声音”,将其理念引入课堂,比如在教授完一首歌曲后,教师可以将学生进行分组,让学生分别演唱,而教师再对他们的演唱进行相应的讲评。这样,教师采用新颖的形式有助于吸引初中生参与到音乐教学活动当中,提高教学质量。 (二)为学生创造合理的音乐情境,让互动性教学模式得以更好地实施 对于教师来说,在进行初中音乐教学的过程中,应该结合教学内容为学生创造出合理的音乐学习情境,并且在情境的引导之下帮助初中生尽快地进入到学习音乐的氛围当中,由此实现将互动性教学模式充分运用到初中音乐教学中的教学目标。因而,音乐教师需要在音乐教学的开始之前,就对学生进行充分地引导,让学生在第一时间进入到音乐学习的状态之中。对于初中生来说,他们有着思想活跃的特点,教师需要在课堂伊始就采用一定的教学方法将学生的注意力充分地吸引过来,同时,还要创设合理的音乐学习情境,让学生积极主动地参与到自身的教学当中。比如说,教师在教学歌曲《中国心》时,在上课之前,可以先给学生播放该歌曲,在学生对该歌曲欣赏完毕后,教师可以让学生谈一下该歌曲表达的情感,同时,对学生进行相应的提示,让学生明白这首歌表达的爱国之情。在整个过程中,教师要对学生进行充分地引导,要和学生进行充分的互动交流,和学生谈谈歌曲中哪些歌词是对爱国之情的充分表达,从而帮助学生深刻地去理解歌词中“就算生在他乡也改变不了我的中国心”的爱国情怀。通过对情境的创设,能及时地将学生学习的注意力充分地吸引过来,为提高教学质量奠定了坚实的基础。 三、结语 综上所述,在新课程下的初中音乐教学应用互动式教学模式,可以激发学生的学习兴趣,让学生在享受音乐的同时,对音乐有了更深的理解,有利于学生实现自身的综合素质提高。因此,作为教师,在教授初中生音乐的时候,应该结合初中生的特点与实际课程内容,尽力为学生创设合理的教学情境,不断创新教学实践方法,让学生有更多的积极性投入到学习中去,并通过互动式的交流,帮助初中生提高音乐素养,最终促进初中生综合素质的全面提高。 作者:施晶晶 单位:江苏省海门市悦来初级中学 初中音乐教学论文:农村初中音乐教学论文 一、音标教学应系统、集中,把握最佳教学时机 教师在教学音标时,应把音标单独提出来让学生系统、集中地学习,而不应把音标教学分散在各个单元,因为分散学习,学生容易学了后面的忘记前面的,使音标教学的过程变得很长。在教学实践中,我发现学生是有能力集中进行系统的音标学习的,我采取一对一帮扶的方式,让会读的教不会读的,一个星期后我亲自检测学生学习音标的情况,让学生一个个地读给我听,结果出乎意料的好。由于在教学时我强调了元音的发音,检查时我发现学生对元音的发音很理想,这让我感到很欣慰。初中生已有好几年的英语学习经历了,由于小学英语教学对音标学习的关注不够,很多学生都是鹦鹉学舌一般跟着教师读,发音的准确率不高。虽然小学阶段零散地也进行了音标教学,但教学效果并不理想,因此,初中阶段尤其是七年级是学习音标的最佳时期,学生有较强的好奇心和模仿能力,对学习也有足够的信心,此时进行音标教学,往往能收到事倍功半的效果,为学生今后的英语学习打下基础。 二、应反复强化对音标的学习 当学生学会了音标,能用音标拼读简单的单词后,很多教师松了一口气,开始准备进行英语的阅读、语法教学了,殊不知,应不断强化音标教学,否则如果长期不接触音标,过了一段时间后,学生对音标的驾驭能力就会下降。那么,如何强化音标训练呢? 1.制作音标卡。在课堂上用2-3分钟时间让学生认读音标卡,或者将音标卡贴在教室的墙壁上,让学生时时刻刻看得见,加强记忆效果。 2.强化模仿训练,让学生多听国际音标磁带的发音,教师讲解发音的要领、口型、舌齿的位置,学生边听边读边体会。 3.充分利用早读课的时间,多读多拼单词,朗读音标不要一次花费很长时间,反复机械地读,这样容易使学生产生厌烦情绪,而应高频率、多次数地带读。 4.以游戏的形式激发学生学习音标的热情,将原本枯燥的变得生动有趣,可采取记忆游戏、比赛拼读生词等方式。对于拼读能力强的学生,我们要及时给予肯定,同时要关注拼读能力弱的学生,多鼓励,多指导,帮助他们树立起学习音标的信心。 三、音标教学可以结合汉语拼音 由于英语音标和汉语拼音在形式上比较相似,我们可以利用学生已掌握牢固的拼音来帮助他们学习音标。音标是一个字母或字母组合在具体单词中的发音,而拼音字母的发音就是它在词语中的发音,很多拼音的读音和音标十分相似如:“bird”中“b”的发音和拼音“b”一样,“study”中“s”的发音和拼音“s”一样,这样的例子我们可以找出很多。因此,我们不妨利用已学习的拼音知识学习英语。 此外,汉语拼音的拼读方法很大程度上也可以对学生用音标拼单词形成正迁移。汉字的发音是由拼音拼读而产生的,如:hao———好,而英语单词的读音则是由音标组合产生的,如/pen/———pen。不管是读词语还是读单词,都需要拼读出来。根据这一点,我们也可以帮学生改掉用汉字给单词注音的坏习惯,养成拼读音标的习惯,最终变成将整个英语单词拼读出来的正确认读习惯。授人与鱼,不如授之以渔。学生学好音标了就可顺利走进初中英语的大门,面对牛津英语的大量词汇,教师可以教得轻松,学生也可以学得得心应手。 作者:周金梅 单位:江苏省南京市六合区新集初级中学 初中音乐教学论文:初中音乐教育教学论文 长期以来,很多人把音乐教学当成纯粹的艺术教学,以学生能拉会唱为着眼点,结果导致了学生太机械;也有的人把音乐当成单纯的德育工具,以学生具有爱国主义为出发点,结果造成学生对音乐的误解。其实,音乐课程的价值从来就不是单一的,她应该具备三大功能。一是音乐作为一门艺术课程,不仅要提高学生的艺术素质,而且要具备推动艺术发展的功能;二是音乐作为一门审美课程,对于让学生体验美、理解美、提供学生的审美能力具有无法替代的功能;三是音乐作为一门促进心理健康的课程,应具备熏陶心灵,调节情绪,促进心理健康的功能,因此,在教学中,不能把音乐课程同音乐价值、社会价值、个人价值相互割裂,相互分离,甚至相互对立起来,而应当从学生全面发展的高度来认识音乐教学的价值与教学行为的实际教育效果。 一、重视音乐的情感灌输,提升音乐教学的品味 一是音乐与能力培养的关系。音乐不仅能够培养审美能力,还能够培养创造力,开发学生的智力。美国在六十年代为了研究音乐对人在创造能力发展方向的作用,在哈佛大学设立了“零点项目”研究,取得了可喜成果。目前虽然各学科都谈培养创造力,但音乐在此方面尤为突出。音乐产生过程就是创作过程,学生的表演或欣赏都必然伴随着创造和联想,音乐可以激发学生的表现欲望和创造热情,在主动参与中展现它们的个性和创造才能。 二是音乐与社会交际的关系。《让世界充满爱》这首歌曲学生都爱唱,通过歌曲的学唱,我感受到孩子们喜欢这首歌曲,不光是因为它的旋律好听,而是通过歌曲的演唱,大家都感受到了旋律比文字更加直接地到达了他们的心灵。他们会为现实生活中在天灾中逝去生命的人惋惜,更为失去亲人的人们痛心,他们真正在歌曲中感受到了“我们同属一个世界”。音乐教育为学生提供了创造性表达情感的可能性,这种价值对人格的发展作用是不可低估的。我们的课堂的主要内容和教学形式常常是以集体的方式进行的,这种相互配合的群体音乐活动,同时也是一种以音乐为纽带进行的人际交流,有助于学生的社会交往能力发展。 三是音乐与心理健康的关系。“当音符在冥冥中翩然起舞,你会忘记人世间所有的烦恼……自由自在的游弋于音乐汇成的河流……。”心理健康教育需要让学生“能调节控制自己的情绪,保持愉悦的心态;能够承受挫折;正确认识环境并适应环境;具有健康的生活方式与习惯;有积极的人生态度和良好的行为规范;人际关系协调……”等。音乐是人类的心灵体验,是人心理的折射,可以陶冶情操、净化灵魂。良性音乐能提高大脑皮层的兴奋性,可改善人的情绪,振奋人的精神。完备的音乐审美心理结构,已成为人类心理健康水平提高的重要标志。 二、重视音乐的互动效应,提升音乐教学的深度 1.学生是主角,让教学动起来。无论是教学什么样的课程,我们都要让学生动起来。互动教学可以激发学生的审美观、创造力、想象力、合作力,在教学过程中,老师要让学生当主角,要善于从学生的学习活动出发,刺激学生的学习激情,让学生的主动参与到学习过程中,积极去组织活动,在活动中去思考、创造、表达,这样才能够真正激发学生的学习积极性,为能力发展打下基础。在音乐教学中,教师若只注重知识技能的传授和训练,不给学生提供参与和表现的机会,那么,学生将失去创作音乐和享受音乐的兴趣。 2.情景是主调,让教学活起来。无论是审美、还是发挥音乐对于心理健康发展的影响,都需要情感的参与,让学生的身心沉浸在音乐的海洋中,让学生“心变成鸟,轻盈地飞翔在音乐构成的天空……”,我在教学《采茶舞曲》时,首先播放录像,让学生聆听观看采茶姑娘采茶时的情景,了解采茶劳动的特点,感受茶山、茶林的景色,推荐有表演特长的学生上台为大家进行表演。学生通过观看、聆听、演唱、表演等多种形式激发学习兴趣,从而感受、理解音乐艺术的魅力。 3.实践是主体,让教学立起来。音乐实践活动的组织体现一个教师的教学能力与水平,教师要善于研究学生,设计各种形式的课堂教学活动。这些活动要能够体现学生主体,让学生动情。如欣赏《龙船调》,在欣赏的同时让学生们自己设计动画场面,学生们的尽头非常十足,创设了几种表演场面,他们将拖把和书包作为道具用于表演。这种既载歌又载舞的律动形式调动了同学们的积极性,使学生全身心的投入到音乐艺术的创作之中。唱《渴望春天》,要求每位同学画一幅表现春天的景象,上课时将最优秀的作品呈现给同学们看。这些活动让学生参与实践,创造音乐教学的情景也就随之形成。 4.兴趣是主题,让教学新起来。“节奏与乐调有最强的力量侵入心灵的最深处”。兴趣是学生参与音乐教学活动的前提,兴趣是培养人对事业的追求的基础。教师要运用各种手段刺激学生去参与、去思考,激发其兴趣,让学生情感盎然地学习。在听《二泉映月》过程中,我首先对阿炳的坎坷经历进行一次陈述,再让学生欣赏过程,效果自然不同。许多学生还真的走进野外,面对泉水去感受阿炳的心路历程,尽管这种想法近乎天真,但是,这样的教学方法却使学生的学习积极性空前高涨,真正使学生走进音乐情景,陶冶了学生心灵。 三、重视音乐的教学方式,提升音乐教学的效果 在教学中,我们要多元化地实现音乐教学的价值,教师必须要打破“填鸭式”的传统教育模式,赋予其新的内涵和生机。 1、改革传统教法。传统教法中枯燥的、单纯的技巧训练和灌输死记硬背的知识对于培养多元化素质是不够的。教学中,应充分揭示节奏、旋律、音色、和声、力度、速度等在音乐中的表现作用,让学生亲身感受到音乐中最激动人心和极具表现力的部分。教师在教授《梁祝》、《渔舟唱晚》、《春江花月夜》不能就曲调教曲调,而是通过悠扬乐声感受“志存高远”和“生死不渝”的气节。 2、创设快乐情境。教师要努力发掘音乐教材的快乐因素,讲课时亲切自然、幽默风趣,创造出快乐的课堂气氛。作为学生,他们一般对流行歌曲比较感兴趣,因此,教师要通过营造气氛,把学生的喜好从单一程度中解放出来,正确引导他们欣赏和审美是音乐教师责无旁贷的责任,告诉他们,越是民族的越是世界的。如增设《流行音乐欣赏》、《摇滚乐欣赏》、《交响乐欣赏》等,通过分角色演绎,解读情境,不仅使学生感受到不同风格的音乐,而且受到情感的教育,老师乐意教、学生也愿意学,以此激发师生的共鸣。 3、培养良好习惯。音乐教学是循序渐进的,音乐技能与欣赏技能不是靠一节好的课能够达到的。所以,在教学中培养学生良好的学习音乐的习惯是非常好的方法。一方面要告诉学生音乐学习是循序渐进的,不能够着急,要坚持。另一方面,交给学生在日常生活中如何去欣赏学习音乐,给学生推荐一些值得学习欣赏的作品等,给学生一定的机会让学生去表演表达,这样时间长了,学生的习惯就能够养成,音乐的素养也就能够发展起来。 4、坚持统筹兼顾。在教学中,要坚持统筹兼顾,要把音乐和其他科程有机融合,不能出现青年歌手大奖赛中出现的“唱的不错,音乐常识一窍不通”的尴尬局面,要通过加强对学生的教育培养,使之成为一专多能的人才,而不是一个和道德渐行渐远,和快乐分道扬镳,和素质南辕北辙的平庸之人。 综上所述,要让音乐使学生的心灵悦动起来,不仅需要教师具有强烈的责任感和创造力,理顺音乐与德育的关系,让音乐为民族进步服务;而且要求学生有鲜明的归属感和想象力,突出音乐和兴趣的统一,让音乐为健康成长服务,这样,就会使音乐产生激情和效果。 初中音乐教学论文:新课程改革下初中音乐教学论文 一、新课程改革下初中音乐教学改革措施 (一)明确教学理念 新课程改革中突出了人本思想,这也说明了在教学中,教师应将学生放在主体地位上,让学生能够充分发挥自身的想象力和创造力,而并非一味地听取教学知识。在音乐教学中,教师不仅要关注学生学习知识的情况,更应该关注学生的情感、兴趣以及性格等方面,将课堂时间利用到有意义的创造性活动当中,为学生创造出愉快的学习氛围,鼓励学生进行大胆的创造,使学生在活动中能够感受到情感的同时,也感受到成功带来的喜悦。在现代教育中,教师应将自身的角色从主导者变为引导者,不再是单纯的音乐知识传授,而是引导学生进行主动学习,帮助他们成长。 (二)创设教学情境 在初中音乐教学中,首先应培养的就是学生对音乐的鉴赏能力,而情境创设恰巧是培养学生音乐鉴赏的最佳方式。大家都知道,人的情绪能够被周围的人们所感知到,那么在音乐课堂中,如果学生能够始终保持愉悦的心情,那么课堂教学的效果也将得到明显的提升。也就是说在课堂中教师应积极地创设情境,从学生的兴趣点出发,找到适合学生的情境,以此来提高学生的学习积极性。此外,教师可以利用课余时间组织学生进行野外活动,让学生在大自然的怀抱下尽情的唱歌、跳舞,使他们真正感受到大自然所带来的美好,这种贴近于生活、自然的情境能够有效激发学生内心的情感,以及对音乐的渴望,从根本上提高学生学习的积极性。 (三)提高学生创新意识 为了能够更好地促进学生发展,教师应在教学过程中不断地创新教学方式,在传统音乐教学中,常常是按照一定的规律进行反复的训练,这样的教学模式学生难免会觉得枯燥、乏味,而教师不断创新教学方法,就能够使教学课堂变得更加生动,学生也自然愿意投入到学习当中。在教学中教师应充分考虑到学生的个性以及爱好,对不同的学生要采取不同的教育方式,这样有针对性的教学能够更好地鼓励学生进行学习,而学生也因感受到尊重而更加努力。学生的创新能力培养在音乐教学中是十分重要的,对此,教师可以给学生一定的时间让学生进行自主、独立的音乐体验,从个人的角度作出音乐评价,这不仅有利于学生的审美能力养成,同时也能使学生对音乐产生与众不同的看法,创新意识得到提升。 (四)合理利用现代化教学 随着社会的发展和科技的进步,现代化教学设备已经逐渐走进初中教学中,传统的教学模式显然已经无法满足学生的需要,对此,教师需要积极地利用现代化设备进行教学。多媒体教学能够带给学生多彩的画面、动听的声音,以及动态的图像等,这些都能帮助学生拓展视野,同时使学生对学习产生浓厚的兴趣,从根本上提升学生对美的感受。现代化教学能够在比较短的时间内帮助学生提高对音乐的感知能力,帮助学生理解音乐当中的含义。 (五)建立多元化评价标准 初中生在个性和其他方面都有着明显的不同,因此,在对学生进行评价时也应提出不同的评价标准。教师可以在教学过程中按照学生的不同情况将它们划分为几个不同的等级,对于那些平时善于表达,又有能力演唱的学生,教师要求的标准也要随之提高,不能简单地要求他们唱好歌,而是让他们在唱歌的同时对音乐有所理解,将歌曲中的内涵表达出来。而对于音乐能力较差的学生,教师只要求他们能够演唱好歌曲即可。总之,教师应利用多样化的评价标准来要求不同的学生,让每一个学生都能感受到成功的喜悦,同时又能得到一定的提升,这才是评价的真正意义。 二、结语 音乐教学是素质教育中的重要部分,同时也是一门十分复杂的学科,它包含了学生思想文化,以及综合素质等方面的培养。在当前的初中音乐教学中仍然存在着不少的问题需要解决,为了能够有效的解决这些问题,促进教学的发展,广大的音乐教师应积极的创新音乐教学,让学生在学习中感受到快乐,从而主动的参与到教学活动中,最终在教学效果提升的同时使学生综合素质能够得到有效提高。 作者:戴丽 单位:东海县实验中学 初中音乐教学论文:论现代初中音乐教学中的具体应用 论现代初中音乐教学中的具体应用 中小学美育的基本任务是培养学生感受美、鉴赏美和创造美,帮助学生树立正确的审美观,引导学生从真正美好的东西中得到美的享受,从劳动中、日常生活和艺术中去理解和创造更美好的东西。”作为美育学科的音乐,在启迪学生欣赏美和培养学生想象美的同时,更应该注重鼓励学生创造美,真正的全方位提高学生的审美能力。这也是推进素质教育,落实培养学生创新精神和实践能力必不可少的重要环节。 一、音乐教学中的具体应用 (1)利用多媒体创设艺术氛围,帮助学生理解、感悟音乐 教育学家杜威指出:“为激发学生的思维,必须有一个适宜的环境作为思维的开始阶段。”在音乐课堂教学中,教师可充分应用多媒体声像一体、视听结合的特点,合理利用音响、录像、文字、投影、录音、动画等现代教学媒体展示教学内容,营造教学情境,使师生融人多媒体创设的艺术氛围中,充分体验蕴涵于音乐中的美和丰富的情感,陶冶情操,启迪智慧,使音乐课堂焕发出无限的魅力。在教学《绿叶》这首歌曲时,可以充分发挥多媒体声、光、色、形合一的优势,创设情境:葱苍的树林、灿烂的阳光、远处的牌坊、依稀的茅舍、原野、河川、清新的花香,再配上背景音乐,学生的思维、视觉、听觉被调动起来了。这时让学生为画面编歌词,再念一念,接着给画面配上原歌词,制成简单的让学生欣赏。看着优美的画面,倾听着悦耳的歌声,学生仿佛置身于多姿多彩的大自然的优美景色中,产生一种身临其境地感觉,他们更深刻地理解了歌曲的内涵,体会到歌曲的情感,引发了强烈的情感共鸣,从而在学唱中将歌曲的情感较好地表现了出来。 (2)引进流行音乐元素来吸引学生们的欲望 首先,选择合适的作品。流行音乐在传达信息上可能有积极和消极之分,所以,选择合适的作品很重要。选择流行音乐我认为从两个方面考虑:音乐性和思想性。考虑作品的音乐性就是从它的旋律、音响色彩、和声和音乐风格等方面参考;音乐作品的思想性就是考虑是否有利于青少年发展的、积极健康向上的和曲调优美动听的音乐作品。 其次,注意运用的形式。很多优秀的流行歌曲他都有一定的创作背景和社会文化背景。例如《感恩的心》,有一个天生失语的小女孩,爸爸在她很小的时候就去世了。她和妈妈相依为命。妈妈因过度劳累也离她而去,在恐惧和悲伤过后她决定用自己的语言来告诉妈妈她一定会好好地活着,让妈妈放心地走。小女孩就在雨中一遍一遍用手语做着这首《感恩的心》。这是一首感人肺腑的手语歌,与其说这首歌本文由的歌词和旋律凄婉动人,还不如说这首歌的由来与内涵更催人泪下,激人奋进。对于学生来说正好教育他们学会感恩父母,学会感恩别人。同时又有一些流行歌曲吸收了戏曲、民歌的音乐元素,从而增加了几分中国传统音乐的色彩,但同样受到青少年的喜爱。多个角度、潜移默化的促进学生健康、稳定的审美观的形成。 第三,注意“度”的把握。在音乐课堂中引入流行元素,要注意把握两个“度”。一个是质量上的“度”。流行音乐的学习不能过于宣扬其优点,也不能躲避其缺点。只要达到适度,让学生客观的看待流行音乐作品即可。另一个是数量上的“度”。对于流行元素在课堂教学中的应用还要适量,不能过多,只要达到学生理解和 认知的目的即可。行音乐元素,是顺利而有效地进行音乐课堂教学的基础。 (3)创设以学生为主体的情境模式 情境教学模式作为新课程改革中的重要教学理念被广泛应用。然而,音乐教学中情境教学的缺失值得广大音乐教育者关注。情境教学要求教师深入了解教材内容和学生特点,让学生的情感意识和认知意识有效结合起来,在引起学生情感体验共鸣的过程中,有效进行教学。音乐教学作为一门以情感教育为重要内容的学科,情境教学有着不可替代的作用。以下结合具体教学案例进行分析。 教学过程中,教师需要根据学生的主体情形,创设以学生为主体的情境。这首先要求教师要客观化地引入音乐情境,避免过多添加教师的主观色彩,让学生通过客观情境的再现,自己自由地构建对音乐独有的情感体验。如,在引导学生学习《一个人在巴黎》时,向学生播放了影片《一个人在巴黎》中的两个场景,在这个过程中隐去了其原有的背景音乐,之后又向学生提供了两段音乐,让学生进行与情境的匹配。在这个过程中,给予了学生更多的主动权,也让情境模式更客观,学生在进行音乐的搭配中是根据自己的认知意识对知识进行的建构。除了客观的情景模式促进学生的主体感受外,教师还需要丰富教学素材和方式,让课堂教学充满创造性色彩,在学生主动参与中激发其创造性。 (4)运用各种的肢体语言,让学生更形象的学习音乐 在一种特定的情境中,连续不断的播放歌曲旋律,让学生在潜移默化中感受音乐、熟悉旋律。熟悉旋律的方法很多,可以采用各种方法演唱让学生熟悉旋律,如听录音机唱、听老师范唱、欣赏多媒体演示唱等;也可以用各种律动让学生熟悉旋律,如按歌曲节拍有节奏的拍手、创编各种“身势”拍手、给歌曲配上简单的舞蹈律动等;还可以采用与其他学科综合的办法让学生熟悉旋律,如边听音乐边用彩色笔描绘歌曲情境、边听音乐边有节奏的朗诵歌词等。在《森》一课中我采用的则是用音乐故事的形式进行,分别选择小兔、大鹿和猎人的代表音乐,边弹琴边讲述、演唱,让学生不断的转换角色来表演,在一种轻松、愉悦的氛围中使学生不知不觉的熟悉了歌曲的旋律。 二、结语 初中的音乐是国民音乐的基础,我们应重视和培养学生对于音乐学习兴趣的发展,我们利用多媒体教学使得音乐更加形象的表现给学生们,当然在教学活动中,学生是主体,教师应起主导作用,多媒体技术是为收到一定的教学效果而使用的一种辅助教学手段。如果盲目地依赖于多媒体技术而把所有的教学环节全部使用多媒体手段再现出来,这样就不会达到培养学生兴趣的目的了。 初中音乐教学论文:初中音乐教育体验与教学效果分析 【摘要】音乐教学过程就是教师引导学生进行音乐审美活动的过程,就是感知和领会音乐艺术美的过程。本文从初中音乐教育体验与教学效果方面进行了系统分析。 【关键词】初中音乐;教育体验;教学效果;分析; 一、前言 前苏联的音乐心理学家苏霍姆林基和捷普洛夫对音乐教育的理论及方法都做过研究。前者认为,音乐教育主权是培养学生的“接受、理解、感受、体验旋律的美的能力。”后者认为,对音乐的情绪体验能力,是一切音乐能力发展的优秀与前提。音乐教育从根本上说,是艺术的、审美的教育,而不是纯粹的技能训练。所以,对音乐的情感体验(即对音乐感受能力的培养),是引发受教育者对音乐产生兴趣和热情的关键,这不仅是音乐技能发展的基础,更是完成音乐教育的最终目的的原动力。 二、初中音乐教学的相关内涵 从心理学上讲,情感是人对客观现实的一种特殊的反应形式。它是人对待外界事物的态度,是人对客观现实是否符合自己的需要而产生的体验。从艺术价值上看,音乐是最富情感的艺术,是最容易激发和调动情感的,并能很好地体现个人的修养。从实践教学中,情感体验是可以获得和培养的,因此,在初中的音乐教学中,学生可通过大量的音乐实践得到情感的体验、抒发、产生一定层次的认识、评价、鉴赏的能力,提高学生的音乐审美修养水平。情感体验是疏通教师与音乐,学生与音乐,教师与学生之间多方面的渠道。 三、初中音乐背景下的参与体验式音乐学习策略 根据音乐作品和教学内容,在恰当的学习目标的导引下,让学生通过参与实践、自主探索与合作交流等方式,在主动获得知识的同时,在思维能力、情感态度与价值观等多方面得到进步与发展。认真聆听音乐,培养其音乐感受能力,为下一步参与做准备;随着视唱、听音和乐理教学以及必要的律动练习,培养理解能力、感知能力和音乐记忆能力;再进入音乐实践活动(演唱、演奏),进行音乐创作表现活动,提高学生的想象力和创造力。 四、初中音乐实施策略 1 初中音乐内容。 从总体上看,初中音乐内容安排份量过重,缺乏弹性,教师难以完成教学任务,为此,我们将教学内容优化的基本任务定为:从农村中学实际出发,适当增加音乐教学中思想教育、国情教育、家乡教育和爱国主义教育内容的比重;加强音乐教学的感受性、实践性,适当减轻教育内容的难度,补充现行教材中缺乏的器乐教学,创造性音乐活动等内容,补充部分乡土教材,如民歌、戏曲等。音乐是最富情感的艺术。托尔斯泰曾说:“我喜欢音乐胜过其它一切艺术。” 2 情感体验和聆听音乐是引发学生感受音乐的先决条件。 演唱、演奏是音乐教学过程中必不可少的重要环节。无论是唱、奏技巧必须服从情绪。尽量采用轻声唱法,注意保护声带,指导学生顺利度过变声期。听音、视唱、律动既是感受能力的进一步深化,也是为参与活动做的知识、技能方面的准备。它必须结合每堂课的中心内容进行。教学过程中的几个阶段既相互渗透,相互促进,又是相互独立的。在音乐教学中,由于每堂课的内容、形式不同,可有所侧重与选择。其教学成功的关键是: 3 深化教学变式。 创造美是情感外化的特征,是将内在情感体验形象化、客观化。在教学过程中的具体行为就是教师引导学生把自身对歌曲的感受、情感体验客观、形象地表现出来。学生体验到歌曲情感,对内在美就有了一定的感受,在此基础上引导学生把歌曲的情感,内在的美形象地表现出来,这就是创造美的一种表现。教唱歌曲是中学音乐教学中的一个主要内容,因为它是文字与音乐的完美结合体,为学生的音乐感受提供了准确鲜明的音乐形象。音乐欣赏为音乐教育的中心,它的任务是培养学生的音乐感。通过欣赏,可使学生了解我国的民族民间音乐以及外国的优秀音乐作品,以达到扩大音乐视野、发展音乐思维能力、培养音乐兴趣,提高感受音乐、理解音乐的能力的目的。歌曲教学,首先让学生在歌声中感受到歌曲表达的艺术美,在歌声中追求美的和富于感情、表情的歌唱。这其中必然也伴随着歌唱基本技能的学习。具体解决唱喊问题。欣赏教学,首先引导学生进入特定的情绪,在培养学生感受音乐情感的基础上,提高学生的音乐感知能力、音乐想象力和创造力。音乐教学的基本任务之一,是使学生初步理解和掌握音乐表现中所必须的基本知识和基本技能,培养学生独立的识谱能力,发展听觉能力、增强记忆能力,为进一步感受、理解、表现、创造音乐打基础。所以识谱知识与视唱练习的教学应在感受和激情的基础上,结合演唱(奏)、律动等活动进行。 五、效果与反思 大幅度提高学生对音乐的感知力、理解力和参与能力,特别是由于加强了情感体验方面的教学,使学生在音乐联想、想象、乐器与人声的演奏、演唱形式及音色听辨方面,音乐是情感的艺术,任何一节音乐课教师都不能忽视情感效应,能否产生情感效应及其效果的好坏主要取决于教师,学生的情感要靠教师来激发。教师在课堂上自身要赋予激情,这是呼唤学生情感,实现情感效应的前提。在这个前提下,教师可以通过创设情境激发学生的情感,从而发挥情感效应的作用,使学生积极主动参与音乐教学活动。适当加入一些与音乐表现内容一致的画面或声情并茂的解说,更容易抓住学生的“心”。学生在聆听的过程中可能产生一些体态律动,这是情感体验的自然行为表现。 初中音乐教学论文:浅析初中音乐教学中学生能力的培养 摘要: 音乐教学在发展学生的智力、培养多方面能力方面,具有其他学科所不具备的优势。在传统的音乐教学中,学生学习音乐的途径完全是建立“一唱一随”的基础上,这种教学模式只注重了唱歌技能和技巧训练而忽视了音乐艺术形象的趣味性和完整性,结学生学的没劲,渐渐的学生就失去了学习兴趣。针对这种局面,我们要把能力的培养作为一个重要的任务纳入到音乐教学之中。以“情”感人,以“美”育人,强调歌曲教学中的听赏作用 关键词: 音乐 能力 培养 音乐教学在发展学生的智力、培养多方面能力方面,具有其他学科所不具备的优势。在传统的音乐教学中,学生学习音乐的途径完全是建立“一唱一随”的基础上,这种教学模式只注重了唱歌技能和技巧训练而忽视了音乐艺术形象的趣味性和完整性,结学生学的没劲,渐渐的学生就失去了学习兴趣。针对这种局面,我们要把能力的培养作为一个重要的任务纳入到音乐教学之中。以“情”感人,以“美”育人,强调歌曲教学中的听赏作用,从培养学生对音乐学习的兴趣入手,让他们在充分感受音乐、理解音乐的基础上进一步来表现音乐。 一、培养学生的音乐情感的能力 情感是音乐教学“情感化”“审美化”的主要标志,音乐是情感的艺术,比任何艺术都能更快更直接的进入人的情感世界,在音乐教学过程中最为活跃的心理因素是情感,它既是音乐审美感受的动力又是音乐教育目标之一。音乐教育应牢牢的把握住情感性原则,不时点燃学生的情感火花,使用其在情绪的勃发与激动中进入审美的圣境,音乐审美活动是对审美对象得感知开始的,在审美感知中必须带有情感因素。 托尔斯泰说:“音乐是人类情感的速记” 不同歌曲的节奏、旋律、力度、速度变化等都能够给人带来一种不同的感受,在音乐教学中通过让学生完整的听赏歌曲不仅可以消除学生因为纯粹学唱歌而残生的厌倦心理,而且还有利于激发学生的好奇心和学唱欲望,是学生能够主动持久的投入到音乐学习中去。例如:歌曲《念故乡》表现了一种孤独、悲哀和思念家乡的情绪。在教学中我并不过多的介绍歌曲的背景和特点而是直接让学生听赏歌曲,在欣赏中体会和感受歌曲情感和内涵,并和学生一起讨论和分析作品的处理方法和表现手段。通过这种思路不但能激发学生的学习热情而且还能增加学生的学习兴趣。 二、积极培养学生的感知能力 首先是听觉能力的培养。通过音调、音色、力度、时值等让学生去感知和认识声音,进而听旋律、听和声、听辨各种人声和各种乐器的声音,提高学生听觉的选择性和敏感性。其次是视觉能力与唱歌技巧的培养。在发声练习、视唱中就初步要求学生视谱歌唱了。视奏也同样要“一目数行”。这都要坚持培养学生的速视能力。 在教学中还应特别注重讲练结合、学用一致,帮助学生把知识转化为技能,逐步具有识谱、唱歌的能力。教师应做到讲一点,练一点,或者边讲边练,讲练结合。切莫只讲不练。 如讲了切分音符,就要唱有切分音符的乐句,应把识谱能力的培养贯穿到整个唱歌教学中,教唱新歌时特别要注意指导学生唱好曲谱。在学生初步认识并理解音符的时值、高低后,不要一句句带唱,这样会造成学生的依赖心理,学无长进。可从曲谱中选出难唱的乐句或乐段,重点指导。难点突破后,其余部分让学生独立练习视唱,使学生在视唱中有所收获,激发兴趣,提高视谱能力。 ; 在教学中老师的一个赞许的眼神,一句鼓励和夸奖的话语对学生来说都是鼓励和欣赏,能激发他们的学习欲望和积极性。我们要抓住每个契机,及时给予表扬。不管唱的标准如何,只要学生大胆参与,老师都应该给予鼓励和表扬。评价语言要自然、真诚,用我们亲切的评价语言去感染学生,去鼓励学生。三、积极培养学生科学的发声方法的能力 人的嗓音就是一件乐器,一件能用不同语言表现音乐的奇妙的乐器。同学们要做到能正确的科学的发声并利用好嗓音这件乐器表现音乐,首先要了解发声原理。声带在气体的冲击下产生振动然后声带振动发出声音,经过胸腔、咽腔、喉和口以及鼻腔和头腔的共鸣来发出响亮和动听的声音。音质、音色以及演唱能力都是由共鸣腔体调节出来的结果。无论是“民族”唱法还是“美声”唱法,只要是能唱出美妙动听的歌声就是好方法,切忌乱模仿,压着嗓子唱歌,唱出一身的毛病。 三、积极培养学生的想像、思维能力 音乐和文字不同,文字表达明确的概念和具体的思想,而音乐则是通过人们的感知,使人们对作品所塑造的形象产生联想、想像,引起共鸣来达到目的的。可见,音乐教学在发展学生的想像力方面的作用是独特而明显的。通过视唱、欣赏音乐,不但训练、提高了学生的视觉、听觉能力,而且,学生的大脑在随着音乐紧张活动的同时,想像、记忆、情感等心理活动也非常活跃,这些都有助于思维能力的培养。 例如我在音乐课上创设舞台,展示自我,在设计“小小舞会”这一活动环节,放手让学生尽情地唱、尽情地跳,把整堂课营造的喜悦气氛推向最高潮,让学生在无拘无束中展示自己的才能。如在教唱《青春舞曲》时,我和同学们共同在优美动听的音乐伴奏下跳起了新疆舞。再如,七年级新教材中的《游击队歌》,教师也可以提示学生积极思考进行创编,用肢体语言把机智勇敢的游击队员表现出来,使学生在律动中充分感受创作的成功感。 四、积极培养学生的音乐欣赏能力 除了让学生欣赏教材上的音乐作品,扩大音乐视野,提高音乐欣赏能力外,还可结合听音练习,培养学生欣赏音乐的能力。教师可以从实际出发,采用生动形象的教学方法。如分别在风琴的中音区、高音区、低音区弹奏学生喜爱的乐曲片段,让学生欣赏三种不同音区弹奏出的效果。还可以加深难度,提高要求。如教师可以采用合唱与表演相结合的方法给学生“讲”音乐故事。这种练习充满音乐情趣,适合学生口味,学生倍加喜欢,对学生欣赏能力的培养十分有利,并为以后欣赏更深的音乐作品打下良好的基础。 总之,作为新世纪的音乐教师,更应该有一套新的教学模式,即要有一定的专业知识和技能,也要有良好的文化知识;既要掌握素质教育的理论和教育教学的方法,又要不断的培养学生的能力使他们在感知,想像思维,科学的发声法,情感教育、互动合作以及欣赏这几方面不断的提高并能有机联系在一起,这不断的促进和提高学生的智力、技能、思维、和兴趣,使他们在提高艺术修养的同时能够健康快乐的成长。 初中音乐教学论文:浅谈初中音乐新课程标准下的音乐教学 [摘要]随着国家《初中音乐课程标准》的颁布与新课程的逐步深入的实施,我国音乐基础教育已迈入一个崭新的历史阶段。笔者经过多年来的实践,对初中新课程标准下的音乐教学提出了自己的看法。 [关键词]初中 音乐 新课程 教学 1 音乐教师成为课程决策者 传统音乐课程致使教师成了课程的忠实执行者,这样较多的丧失了独立性和创造性,影响了教师教学水平的发挥,和教师个人知识的展示。现在的新课程中本来就有的那些不确性,比如:允许学生在知识与技能、过程与方法、情感态度与价值观等多元价值取向的表现;课程的综合性加大,教材、教参为教师留较大的创造的空间,得分点大大减少和淡化,得分点不在起支配作用,教师要费很多时间查找资料,补充教材内容;不使用统一规格或评价标准,提倡个别化教育;可以增加地方课程和校本课程;可以增加教学过程中教师的可支配因素等。这样以来,教师就是课程的有机构成部分,并作为主体而存在,教学具有了多样性,生成性,它要求教师成为课程和教材的决策者,从而为教师根据条件和需要创造新内容,创造新形式,表达自己的教育理念,提升自己生命价值留下了广阔空间。 2 设计音乐活动,培养学生对音乐课的兴趣 教师要不局限于课本,把课堂设计成有利于学生主动参与的音乐活动。如“小小音乐会”活动可以使学生尽情发挥歌唱水平及表演能力,融歌曲、器乐、舞蹈于一体,大大地调动了学生的积极性;“我最喜爱的一首歌的小讨论”学生可以说出自己喜欢的歌曲、为什么喜欢,好在哪里等,在讨论中提高了音乐的欣赏能力、鉴赏能力、审美能力等;还有象“实话实说”的欣赏活动,学生可以大胆地表达自己对音乐的看法,对音乐的感受,给学生提供发表、评价、感受的机会,形式新颖,学生放松,参与积极;“设计mtv”活动,学生们可以展开自己想象的翅膀,设计自己的mtv,有的还能利用节假日,把电影剪辑、图片、画面结合起来,兴趣由课内延伸到了课外,提高了学生的创造能力。这样,老师以主持人的身份,加入到学生的主动参与、交流合作、探索发现等活动中,引导他们去欣赏美,感受美、表现美。在活动中,学生是主体,不要限制学生的思维,让他们大胆地去动,去唱,去跳,真正使他们成为课堂的主角。重视学生的学习过程,活跃学生的思维,发展学生的创造性,真正做到以人的发展为本。 3 培养学生综合素质的能力 通过音乐教育,培养学生的合作能力、团队精神、个性、自信心,把音乐放在社会大环境下进行。新课程标准要求学生自信地在他人面前表演,这似乎和音乐没有联系,但它体现了对学生自信心的培养,培养21世纪人才所应具备的一种品质。例如:在七年级音乐课《阳关三叠》情景剧教学中,设置为一人扮演诗人、一人扮演诗人的朋友、一人吹萧、一人扮演酒保、一人或几人伴舞,模仿诗人和朋友在阳关话别的情景,在教室前面表演。这样既可加深学生对乐曲的理解,又可培养学生的自信心,还可加强学生想象力的培养。在音乐基础知识和基本技能的学习中,因为中小学音乐教育不是专业教育,音乐基础知识和基本技能的学习,应有机地渗透在音乐艺术的审美体验之中,在潜移默化中培育学生美好的情操、健全的人格,以音乐为工具和手段来达到培养学生综合素质为目的。 4 音乐教师的教学方式的转变 (1)从课内到课外在音乐学习中,为了让学生有实际的体验,可以让学生收集课堂以外的音乐资源运用在音乐教学中,也可把教学活动拓展到课外等。比如:在初一第二单元的《走进大自然》的教学中,我让学生利用网络等手段收集相关资料、在大自然中找音乐中表现内容、也让他们尝试用自己的音乐语汇表现自己生活中的音乐。 (2)从本学科到跨学科。音乐教育必须具有宽阔的视野,必须保持开放的态度。如在各门课程中:语文、历史、地理、生物……等都或多或少与音乐有着一定的联系,这也使得音乐教学与这些课程之间的联系成为了可能。课外音乐活动、社会音乐教育环境便都成为,也应该成为音乐教学的有机组成部分。如:音乐与舞蹈结合来表现音乐;与美术结合使音乐更形象;与语文中的诗词、戏剧沟通等。 5 开放教学评价,保证学生的学习兴趣 在以往的音乐教学评价中,教师往往采用让学生唱一首课本上的歌曲来给学生进行评价,有的教师甚至凭主观臆断和对学生大体的印象给学生打分。这样做会让学生认为音乐课就是唱几首歌,不必学其它知识,学习音乐的兴趣会越来越低,甚至引起学生反感,教师也不能得到正确的教学效果及信息反馈,对提高教学质量不能起到积极的作用。为了克服这种弊端,我在教学中对学生的评价采用了平时积累法:即把学生平时在课堂中学习音乐的兴趣和态度作为重要成绩给予记载,期末再加上特长展示评价法:让学生根据自己的兴趣和特长进行表演以综合评价,这样一来,学生的积极性就很高,平时的音乐课也能保证他们的学习兴趣,效果比较显著。 初中音乐教学论文:试论初中音乐教学中学生能力的培养 摘要 音乐教学在发展学生的智力、培养多方面能力方面,具有其他学科所不具备的优势。在传统的音乐教学中,学生学习音乐的途径完全是建立“一唱一随”的基础上,这种教学模式只注重了唱歌技能和技巧训练而忽视了音乐艺术形象的趣味性和完整性,结学生学的没劲,渐渐的学生就失去了学习兴趣。针对这种局面,我们要把能力的培养作为一个重要的任务纳入到音乐教学之中。以“情”感人,以“美”育人,强调歌曲教学中的听赏作用 关键词 音乐 能力 培养 音乐教学在发展学生的智力、培养多方面能力方面,具有其他学科所不具备的优势。在传统的音乐教学中,学生学习音乐的途径完全是建立“一唱一随”的基础上,这种教学模式只注重了唱歌技能和技巧训练而忽视了音乐艺术形象的趣味性和完整性,结学生学的没劲,渐渐的学生就失去了学习兴趣。针对这种局面,我们要把能力的培养作为一个重要的任务纳入到音乐教学之中。以“情”感人,以“美”育人,强调歌曲教学中的听赏作用,从培养学生对音乐学习的兴趣入手,让他们在充分感受音乐、理解音乐的基础上进一步来表现音乐。 一、培养学生的音乐情感的能力 情感是音乐教学“情感化”“审美化”的主要标志,音乐是情感的艺术,比任何艺术都能更快更直接的进入人的情感世界,在音乐教学过程中最为活跃的心理因素是情感,它既是音乐审美感受的动力又是音乐教育目标之一。音乐教育应牢牢的把握住情感性原则,不时点燃学生的情感火花,使用其在情绪的勃发与激动中进入审美的圣境,音乐审美活动是对审美对象得感知开始的,在审美感知中必须带有情感因素。 托尔斯泰说:“音乐是人类情感的速记” 不同歌曲的节奏、旋律、力度、速度变化等都能够给人带来一种不同的感受,在音乐教学中通过让学生完整的听赏歌曲不仅可以消除学生因为纯粹学唱歌而残生的厌倦心理,而且还有利于激发学生的好奇心和学唱欲望,是学生能够主动持久的投入到音乐学习中去。例如:歌曲《念故乡》表现了一种孤独、悲哀和思念家乡的情绪。在教学中我并不过多的介绍歌曲的背景和特点而是直接让学生听赏歌曲,在欣赏中体会和感受歌曲情感和内涵,并和学生一起讨论和分析作品的处理方法和表现手段。通过这种思路不但能激发学生的学习热情而且还能增加学生的学习兴趣。 二、积极培养学生的感知能力 首先是听觉能力的培养。通过音调、音色、力度、时值等让学生去感知和认识声音,进而听旋律、听和声、听辨各种人声和各种乐器的声音,提高学生听觉的选择性和敏感性。其次是视觉能力与唱歌技巧的培养。在发声练习、视唱中就初步要求学生视谱歌唱了。视奏也同样要“一目数行”。这都要坚持培养学生的速视能力。 在教学中还应特别注重讲练结合、学用一致,帮助学生把知识转化为技能,逐步具有识谱、唱歌的能力。教师应做到讲一点,练一点,或者边讲边练,讲练结合。切莫只讲不练。 如讲了切分音符,就要唱有切分音符的乐句,应把识谱能力的培养贯穿到整个唱歌教学中,教唱新歌时特别要注意指导学生唱好曲谱。在学生初步认识并理解音符的时值、高低后,不要一句句带唱,这样会造成学生的依赖心理,学无长进。可从曲谱中选出难唱的乐句或乐段,重点指导。难点突破后,其余部分让学生独立练习视唱,使学生在视唱中有所收获,激发兴趣,提高视谱能力。 在教学中老师的一个赞许的眼神,一句鼓励和夸奖的话语对学生来说都是鼓励和欣赏,能激发他们的学习欲望和积极性。我们要抓住每个契机,及时给予表扬。不管唱的标准如何,只要学生大胆参与,老师都应该给予鼓励和表扬。评价语言要自然、真诚,用我们亲切的评价语言去感染学生,去鼓励学生。三、积极培养学生科学的发声方法的能力 人的嗓音就是一件乐器,一件能用不同语言表现音乐的奇妙的乐器。同学们要做到能正确的科学的发声并利用好嗓音这件乐器表现音乐,首先要了解发声原理。声带在气体的冲击下产生振动然后声带振动发出声音,经过胸腔、咽腔、喉和口以及鼻腔和头腔的共鸣来发出响亮和动听的声音。音质、音色以及演唱能力都是由共鸣腔体调节出来的结果。无论是“民族”唱法还是“美声”唱法,只要是能唱出美妙动听的歌声就是好方法,切忌乱模仿,压着嗓子唱歌,唱出一身的毛病。 三、积极培养学生的想像、思维能力 音乐和文字不同,文字表达明确的概念和具体的思想,而音乐则是通过人们的感知,使人们对作品所塑造的形象产生联想、想像,引起共鸣来达到目的的。可见,音乐教学在发展学生的想像力方面的作用是独特而明显的。通过视唱、欣赏音乐,不但训练、提高了学生的视觉、听觉能力,而且,学生的大脑在随着音乐紧张活动的同时,想像、记忆、情感等心理活动也非常活跃,这些都有助于思维能力的培养。 例如我在音乐课上创设舞台,展示自我,在设计“小小舞会”这一活动环节,放手让学生尽情地唱、尽情地跳,把整堂课营造的喜悦气氛推向最高潮,让学生在无拘无束中展示自己的才能。如在教唱《青春舞曲》时,我和同学们共同在优美动听的音乐伴奏下跳起了新疆舞。再如,七年级新教材中的《游击队歌》,教师也可以提示学生积极思考进行创编,用肢体语言把机智勇敢的游击队员表现出来,使学生在律动中充分感受创作的成功感。 四、积极培养学生的音乐欣赏能力 除了让学生欣赏教材上的音乐作品,扩大音乐视野,提高音乐欣赏能力外,还可结合听音练习,培养学生欣赏音乐的能力。教师可以从实际出发,采用生动形象的教学方法。如分别在风琴的中音区、高音区、低音区弹奏学生喜爱的乐曲片段,让学生欣赏三种不同音区弹奏出的效果。还可以加深难度,提高要求。如教师可以采用合唱与表演相结合的方法给学生“讲”音乐故事。这种练习充满音乐情趣,适合学生口味,学生倍加喜欢,对学生欣赏能力的培养十分有利,并为以后欣赏更深的音乐作品打下良好的基础。 总之,作为新世纪的音乐教师,更应该有一套新的教学模式,即要有一定的专业知识和技能,也要有良好的文化知识;既要掌握素质教育的理论和教育教学的方法,又要不断的培养学生的能力使他们在感知,想像思维,科学的发声法,情感教育、互动合作以及欣赏这几方面不断的提高并能有机联系在一起,这不断的促进和提高学生的智力、技能、思维、和兴趣,使他们在提高艺术修养的同时能够健康快乐的成长。 初中音乐教学论文:初中音乐教学中的合作教学的探讨 随着我国新课程标准的改革, 在音乐教学领域,也出现了积极的、不同程度的教学理论和方法创新,并在广泛的实际教学中产生了良好的影响。合作教学就是这些年来被广大教师所应用于日常教学中的一种先进的教学理念。合作教学这一理念,充分体现了教师主动在教学过程中创造和谐的师生关系和充分发挥合作团结、互帮互助的精神的重要性。本文从合作教学的重要性出发,就如何在初中音乐教学中开展合作教学做以下论述。 一、合作教学的定义与其在初中音乐教学中的重要性 1.“合作教学”定义。合作教学, 顾名思义注重师生间的积极参与和团结协作, 以学生为中心展开形式多变、形象生动的教学方式,其中包括老师与学生的合作,学生之间的合作,具体操作因实际情况而定。 2.初中音乐合作教学的重要性。 (一)有利于优化课堂教学效果。 教师与学生之间互相沟通,互相配合,这样才能激发学生的学习兴趣,提高学生学习的主动性,为提高教学质量提供一个良好的平台。 (二)有利于提高教师专业素质,课堂是传授知识及教师与学生之间共处的一个重要平台, 但教师大部分时间都是以传授者的身份与学生共处,缺乏沟通与合作,教师与学生之间很少出现有利于教师自身能力提高的交汇点。合作教学的教学方式某种程度上能很好的调节教师与学生之间的关系,在充分调动学生的学习积极性和自由发挥空间的同时, 还能够通过学生的各种反应,将教学结果反馈给教师,有效地团结和凝聚教师与学生之间的关系,将教师的教学技能与素质得以最大限度的开发与提高。 二、如何开展初中音乐合作教学 1.营造和谐的教学环境。和谐的教学环境是初中音乐合作教学的前提。合作教学的新颖模式,能激发起学生们学习的兴趣,让孩子们在和谐、活跃的环境中学习。那么,对于初中音乐教师来说,该如何有效地营造一个和谐的教学氛围呢? 无论是教室外观还是教学过程, 如果给学生们呈现的是呆板、死气沉沉的现象,都无法让学生有兴趣和动力主动进行有效的学习。所以首先在教室的整体布置上,教师可以把教室布置成一个让学生自由发挥自己创意的空间,如贴上自己喜欢的歌手的照片、贴上大家都喜欢的乐谱等,或者教师按音乐课的主题,布置成相关的主题。 其次,教师也可适当改变教学环境,如将室内授课改为室外授课, 一定让学生惊喜雀跃。最后, 在合作教学付诸于实践中时, 教师一定要做好先期指导,让孩子们知道合作教学的重要性,以及在应用过程中该注意的问题。只有让学生们充分了解后,合作教学才能有效地发挥, 起到它应有的作用。作为教师, 一定要引导好学生, 保证使每一个学生都能享受到学习的乐趣。 2.选择恰当的合作教学内容。选择合理的合作教学内容是合作教学成功的关键。除了课本上的内容可以采用合作教学以外,还可以选取流行音乐作为初中音乐合作教学的辅助内容。在不偏离健康教学的轨道的前提下, 初中音乐教师可以适当迎合初中生追爱流行音乐的心理,选择大街小巷耳熟能详,且适合中小学生的歌曲,取其精华去其糟粕!引导学生正确学习流行音乐。《水调歌头》等歌既有流行度,又有其古典文学的深厚底蕴,教师还能借此拉近与学生的心理距离,两全其美。 3.选用科学的合作教学方式。合作教学的方式有师生互动合作的方式,也有生生互动合作的方式。师生互动合作的方式是日常教学中开展合作教学的主要形式。在课堂教学中,要充分发挥学生的主体作用, 积极地参与知识探究活动,主动吸纳音乐知识与技能。例如:在欣赏藏族音乐时,先对比两首民歌的不同特点,再总结藏族囊玛与堆谢的不同风格。 又如:在小提琴协奏曲《梁祝》的教学中,教师可以进行钢琴伴奏,并邀请班上会拉小提琴的同学演奏小提琴, 其它同学则负责伴唱, 这样就使教师和学生共同体验音乐之美,共同创造音乐之美,在师生互动的过程中获得相同的情感体验,在互动中获得尊重和欣赏。 生生互动合作教学要靠教师科学的组织和分配来完成, 初中音乐教师一般可采用组内异质分组、组间同质分组的原则。组内异质分组是指将不同性别、性格特色的学生分配在一起,优势互补,各展专长;组间同质分组和异质分组相反,是指将属性大抵相同的学生分在一组,较小的差距易于学生之间的融合。在教师方面,科学的教学方式是,结合教学的内容,采用多元化的合作教学方式,在教学时采取灵活多变的教学策略。例如:笔者在教授《念故乡》 一课时,曾将学生分组,以配乐诗朗诵的形式让学生合作学习,有些学生负责配乐,有些学生负责朗诵, 在各组准备的时候我适时的在各组进行针对性的指导,使合作表演的主题明确。 器乐教学也可以作为初中音乐生生合作教学的主要内容。如竖笛教学,可以给学生分好组, 座位可以改变成以小组为单位的模式, 让接受快的学生带动学得慢的学生,再选好组长检查督促。这样的做法能使课堂器乐教学真正地落到实处,使每个学生都能掌握好这种课堂乐器。 4.培养学生团结互助的合作精神。互动教学是很注重学生之间的团结合作精神的培养的。合作是一种意识,也是一门学问,缺乏团队合作精神的学生容易自我封闭,对以后的学习和工作、生活都很不利。因此,教师必须注重培养孩子的团队合作精神,音乐教学也不例外。 三、结语 音乐新课程的重点在于突破和创新,作为新时代的初中音乐教师,应秉着创造和发展的态度,在日常的初中音乐教学中,将合作教学的精髓完整、有效地利用起来,通过营造和谐的教学环境,让孩子们积极自主的学习,培养孩子们的学习积极性和创新意识; 鼓励他们团结合作, 使孩子们在相互沟通与合作中领略欣赏、品味音乐艺术的独特魅力。 初中音乐教学论文:浅谈新课程理念下如何实施初中音乐教学 摘要 本文特就新课程理念下如何实施初中音乐教学作如下探讨。 关键词 新课程 理念 实施 音乐 随着新课程改革的不断深入,新的教育理念,诸如 “淡化教育活动中赤裸裸的知识传授过程,代之以师生双方主动投入、互相吸引的情感交流活动”、“注重学生学习过程中的情感、态度、价值观”、“以人的发展为本”、“注重音乐教育的可持续发展”等等,不断被音乐教师们所理解和接受,并实践于各自的教学过程中。作为一名中学音乐教师,在不断的学习、研究、探索、实践过程中,我深深地感受到了新课程全新的教育理念对传统的教学模式强大的冲击,也真正体验到了有滋有味的职业生涯。为此,本文特就新课程理念下如何实施初中音乐教学作如下探讨: 一、新课程理念下的初中音乐教学应充分调动学生积极性 无论是有音乐天赋还是没有音乐天赋的学生,老师都需要与他们取得相互之间的信任和支持。音乐课堂上,表现活跃的通常是有音乐天赋的学生。他们自信、活跃,音乐天赋在老师和同学们面前得到了充分的展现和肯定,已经取得大家的一致认可。而对于那些自以为是音乐“差生”的学生来说,音乐课似乎与他们无关,有的则干脆放弃音乐课。 对这些产生了自卑心理,对音乐学习缺乏信心的学生来讲,尤其需要音乐教师的激励和信任。在教育界有这么一句话:“没有教不好的学生,只有不会教的老师。”如果这时候老师选择放弃,有可能会使这些自以为是“音盲”的学生终身与音乐无缘。我们老师不能选择天赋,但可以选择态度,态度决定一切。在每位学生身上,教师都要看到他们的长处,找出他们行为中的闪光点,哪怕是细微的优点。 二、新课程理念下的初中音乐教学应注重乐理教学 传统的音乐教学过于注重歌唱的训练,侧重情感、兴趣的培养,忽略对中学生乐理知识的传授。但这三者是相互作用、相互促进的,学生只有掌握了乐理知识才能更深层次地感受、理解音乐。我们要进行知识与技能的教学,但不是像以前那样简单机械地训练,而是应该运用各种手段让知识与技能的学习变得生动有趣起来,让这种训练隐藏于各种活动之中,蕴涵在情境教学当中,使学生不知不觉地学会这些知识与技能,为今后更好地学习音乐打下良好的基础。针对这一点,我在课堂上比较注重依据课标要求,由浅入深、由简入繁,循序渐进地制定教学计划,确定音乐教学进度中乐理知识的内容,有的放矢地进行乐理教学。 三、加强新课程标准下的教师队伍的建设 1.对比传统音乐教学,教师观念应转变。 传统音乐教材以音乐知识为中心,脱离了学生的生活实际和音乐情境感受,学生感觉枯燥,兴趣不高,甚至有的学生有厌学情绪,传统音乐教材不能满足学生学习的需要。 新课改的发展,教师需要更新观念,以学生的兴趣和爱好,使学生受到音乐艺术的陶冶,触动他们的心灵,激发表演激情,真正成为课堂的主体,适应新课程发展的要求。 (1)由教师中心转向学生中心。新课程音乐教育主张以学生为主体的自主教育观,在教学活动中教师要引导学生进行积极主动的学习,要把学生看成是具有主观能动性、充满活力的人。(2)教师是学生的引领者和学习促进者,是新课程下教师角色转变过程中的一个飞跃与突变。(3)教师是教育教学的研究者和设计者。 新课程赋予教学以新的涵义,它要求教师在教育教学过程中,不断地研究、生成和创造。(4)教师是学生学习的合作者和交流者。教师是学生学习的合作者是指在教育教学过程中,教师尊重、接受、理解、平等地对待学生,让每一个学生都感到自己的个性受到尊重,都能感受教师对自己的关注。(5)课程的建设者和开发者。新课程确立了国家课程、地方课程和校本课程三级课程管理政策,这意味着教师不再只是课程实施的执行者,教师更应成为课程的建设得与开发者,在课程改革中发挥主体性的作用。 2.音乐教师的素质有待提高。 新课程环境下,音乐教师不仅要具备广博的知识储备,而且需要持续的知识更新具备音乐教学必备的专业技能(歌唱技能、乐器演奏技能、识读乐谱技能、创作技能和指挥技能),还须不断提高音乐教育理论水平。(1)引进音乐教师时应该严格考核其专业知识和道德水平,看他是否具备现代教学观念;对于已上岗的教师要从行为方面进行考核。(2)提倡教师和教师之间,教师和学生之间的相互学习、共同成长。(3)改善教师生活条件和学习条件,为教师终身学习提供保障。同时也可通过开展各种相关活动来促进教师的素质,比如:师校学习和培训,校内外讲座等。 四、新课程理念下的初中音乐教学需要教师更新教学方式 为了使音乐知识能更好地解决实际生活中出现的问题,我们的教学观念要转变,我们的教学方式也要更新。一方面,我们要教学生音乐知识的用途,另一方面也要教给学生获得知识的方法,鼓励学生在日常生活中通过各种途径去获取知识并注意运用所学的知识解决实际问题。这不仅是自主学习的一个重要方面,也是为学生今后热爱音乐,继续学习打下基础。 例如,在欣赏音乐作品和遇到某些音乐问题是通过何种途径去获取相关音乐知识和信息,是几乎所有学生今后在生活和工作中都会碰到的实际问题,可以告诉同学:一、通过图书馆,那里可利用的资源非常多,主要是工具书,相关书籍和报刊杂志,这是一个知识库,积累了多年的知识成果,但时效性差,同时也不够方便;二、是通过广播电视,那里每天涌现大量的最新信息,包罗万象,但选择性与存留性差。实用性也不强; 五、通过互联网,那里信息量最大、时效性强,选择性与实用性都比较好,是目前最快捷的信息来源。 总之,在音乐课堂教学中,老师一定要有一双善于发现的眼睛、细心观察的眼睛……要做个教育的有心人,寓教于乐,序循渐进,不断探索,不断创新,不断总结,让学生在快乐的音乐学习中信心百倍,个性飞扬,超越自我,使我们的音乐课堂教学更加灿烂多姿,光芒四射! 初中音乐教学论文:新课改下对初中音乐教学的思考 一 确立以学生为主体的教学理念 新课程的基本理念体现了一种“人本思想”。教师必须在观念上把学生当做大写的“人”,而且是有思想、有灵性的活生生的人,而不是接受知识的机器。在教学过程中不仅关注知识的传授效果,而且关注学生的情感、意志、兴趣、性格等,把教学时间放到那些有效果和有创造性的活动上来,在活动中了解、影响、激励、鼓舞学生,营造一种接纳、支持和宽容的课堂气氛,与学生一起分享他们的情感体验和成功喜悦。在新课程实践过程中,教师应从“独奏者”角色过渡到“伴奏者”角色,从此不再只是传授知识,而是帮助学生去发现、组织和管理知识,引导他们而非塑造他们。 二 建立民主、平等的师生观 长期以来,由于传统“师道尊严”的影响,强调老师在教学活动中的权威与尊严,以教师为中心,抹杀学生的个性,导致师生间缺乏平等的沟通对话,师生关系必然存在隔阂。在现代社会,在教学活动中师生关系应该是民主、平等的,不仅仅需要学生尊重老师,同时老师也应该尊重学生的个性与人格尊严,使师生之间形成一个相互尊重、相互关心的和谐关系。著名教育家叶圣陶认为,师生之间应该确立朋友一样的和谐关系,他说:“无论是聪明的、愚蠢的、干净的、肮脏的,我们都应该称他们为朋友。我要做学生的朋友,学生要做我的朋友。”如果教师能够把学生当做朋友一样对待,尊重学生的个性与人格尊严,多给学生一分融洽和谐,就会得到学生发自内心的尊重。 三 尊重学生的个性发展 义务教育阶段音乐课的任务,不是为了培养音乐的专门人才,而应面向全体学生,使每一个学生的音乐潜能得到开发并使他们从中受益。每一个学生都有权利以自己独特的方式学习音乐,享受音乐的乐趣,参与各种音乐活动,表达个人的情志。要把全体学生的普遍参与与发展不同个性的因材施教有机结合起来,创造生动活泼、灵活多样的教学形式,为学生提供发展个性的可能和空间。 在崇尚个性的今天,人们越来越认识到,处于同一年龄层次的学生由于种种原因,在知识储备、行为习惯、智力水平、身体素质、个性品质等方面必然存在差异,但每个人都有成功的潜能,关键在于潜能被发现、开发和利用的程度如何。在这个意义上,学生之间只存在差异,而不存在所谓的“差生”。人的潜能是多元的,有各自的优势。“差生”与“差异”虽然只有一字之差,但却体现了两种不同的教育理念,只有在先进的教育理念的指导下,我们才会热心地去关心每一位学生,热情地去帮助每一位学生,耐心地去指导每一位学生,仔细地发现每一位学生的潜能,善意地去赞美每一位学生的闪光点,我们才有可能给所有学生个性的发展提供机会和空间。否则,我们的学校教育只能按一个模式培养人才,不仅剥夺了大多数学生的发展权利和发展可能,而且也抹杀了学生的人格和个性。 尊重学生的个体体验,要求我们在教育教学中给学生更多的思考空间,让学生从“学会”走向“会学”。积极创设“问题情境”能有效激活学生思维,教师要给学生足够的思考时间,鼓励并赞美学生的发散性思维,善于从学生的回答中找到闪光点;教师还要有容忍、接纳学生不同意见和答案的雅量。要鼓励学生“异想天开”,在教学过程中尽可能挖掘“疑点”,巧妙“布白”,设置“陷阱”,使课堂变得意味无穷;教师要合理设置问题梯度,让不同程度的学生都能在适合自己的问题层次上展开思考。学校教育应该教给学生的不仅是知识,更重要的是良好的学习习惯,使学生善于学习。 初中音乐教学论文:现代教育技术在初中音乐教学中的作用 现代教育技术在初中音乐教学中的作用 音乐是一门艺术,是培养学生学会鉴赏、学会创作的一门课程。作为音乐教师,在搞好专业教育的同时,必须加强对学生的创新教育。教师要根据学生的年龄特点,激发学生的好奇心,灵动学生思维。要抓好对初中生的音乐创造能力的培养,提高学生的音乐素养,发掘学生的探究能力,培养学生的想象力和创造力。这需要打破传统教学方式,创造性地开展音乐教学,努力做好现代教育技术与音乐教学资源的整合,确实增强音乐教学效果。 1 利用现代教育技术激发学生的学习兴趣,调动学生的情感 乌申斯基说:“没有兴趣,被迫进行学习会扼杀学生掌握知识的意愿。”著名科学家爱因斯坦也曾讲过:“兴趣是最好的老师。”这就是说学生有了学习的兴趣,就能变成学习的主人,实现自主学习,收到好的学习效果。教师在每节课的教学时,应巧妙运用现代教育技术手段激发学生学习的积极性,诱发学生对音乐的好奇感,刺激学习的各种感官,调动学生情感。 例如,在进行歌曲《雪绒花》的教学时,笔者为学生创设与教学内容相关的学习场景,一改过去教学中给学生播放音乐的方法,而是利用多媒体给学生播放音画作品,展示有关雪绒花的图片、歌词的字幕等,给学生一种视觉上的冲击,配以很优美的音乐,使学生在欢快、高雅的音乐伴奏中开始新课的学习。这种教学方式有效培养学生的有意注意,调动学生的情感,激活学生思维的火花,有效培养学生的学习热情。 2 利用现代教育技术改革教学模式,提高教学质量 苏联著名教育家苏霍姆林斯基曾经指出:“在影响年轻人心灵的手段中,音乐占据着重要位置,音乐是思维的源泉,没有音乐教育就不可能有符合要求的智力发展。”这就是说,音乐能荡涤学生的心灵,能启迪学生智慧,发展学生的能力。过去的音乐教学主要是教师讲、范唱、演奏等,学生只是听众和观摩者。这种教学方式很难激发学生的学习兴趣,不能灵动学生的思维,更谈不上对学生的创造能力的培养,学生的音乐素养很难得到有效提高,教学效果极差。现代教育技术的运用,改变了教学模式,大大优化了教学内容,提高了教学质量。 例如,在进行欣赏课《走进西藏》的教学时,根据以往的经验,这节课设计分成以下几个环节:组织课堂教学——作者简介——作品背景介绍——音乐视听——乐曲分析——演练试唱等。这样设计,人为地把这节课的知识点抽象出来,音乐本身的愉悦性、欣赏性很难体现得淋漓尽致,学生感觉这节课很单调乏味。尤其是枯燥的理论讲解,学生更是难以接受。通过现代教育技术手段的运用,开始时笔者用网络展示西藏百科知识,给学生一种自然美的感受,那碧蓝的天、一望无际的草原、成群的牛羊,那极具特色的古建筑和充满民族风情的服饰,等等,一下子把学生拉进教材,激发了学生求知的渴望,他们迫不及待地等待教师在音乐上的给予。教师顺势播放《走进西藏》视频歌曲,让学生感悟歌曲的魅力,大大提高了教学质量。 3 利用现代教育技术深化音乐内涵,提升学生欣赏音乐的品味 在音乐教学中,也有和其他学科教学相同的板书设计和随堂练习。这是教学过程的基本要求,为了收到好的教学效果,笔者在课前把这些内容输入到电脑上,课上用大屏幕进行展示。这样教学可以减少课堂上板书的时间,为拓展教学内容提供时间保证,为提升学生的欣赏品味提供保障。 例如,在进行“荆州花鼓戏四大主腔的欣赏与听辨”的教学时,笔者课前把“四大主腔”的音乐特点和情感特点分别制成ppt课件,课上进行视频展示,从而为学生的理解和感悟赢得宝贵的时间,师生还可以相互讨论,研究作品的深刻内涵。这样教学能较好地完成音乐教学任务,收到预期的教学效果。在这儿需要强调的是,教师在运用现代教育技术教学时,应结合教材上的内容、教学目标和教学环节的设计需要,从不同的角度灵活运用现代教育技术。通过现代教育技术手段的运用,优化教学环节,使教学时间的安排更合理;通过多媒体的合理运用,使各环节的教学内容有机地衔接起来,尤其是视频材料的科学运用,使学生有种“人在画中游”的感觉;现代教育技术的运用,可使学生对本节课知识层次更分明,内容理解更生动,从而使学生加深对教学内容的理解,给学生留下鲜明深刻的印象,深化音乐教学的内涵,提升学生欣赏音乐的品味。 4 利用现代教育技术表达教学内容体裁和音色,解决教学难点 一位著名演员说过这样一句话:“嗓音的力量是不可估量的,任何图画的感染力,远远比不上舞台上正确发出的一声叹息那样动人。”这句话就是说,对音乐本质理解的好坏是搞好音乐教学的关键,其中现代教育技术在音乐教学中起着重要的作用。 例如,《让世界充满爱》《保卫黄河》等歌曲有齐唱、轮唱和合唱等几种形式,教学时仅仅凭教师的范唱,无法表现出那种铿锵有力、跌宕起伏的音律,无法展现音乐体裁和音色的特色。这就必须使用现代教育技术手段,播放教学视频或者音频进行欣赏,因为只有这样才能准确地表现音乐的体裁和音色,轻松突破教学难点。 5 利用多媒体进行课堂总结,提高学生的总结归纳 能力 教学效果好坏,只有经过学生的实践应用才能体现出来。所以一节课下来,进行一下认真的反思,对教学中的好的经验及时加以总结,以便在今后的教学中发扬光大;对欠缺之处,找准原因,提出解决问题的方法,在今后的教学中不重蹈覆辙。把这些总结、分析、提炼的过程整理出来,形成文字,长期坚持,日积月累,一定会有利于提高教学水平。因此,在进行课堂总结时,巧妙运用现代教育技术手段进行小结,对知识进行分析归纳,可以通过flash课件进行知识框架的总结,也可以通过ppt课件进行整节课的回顾,展示每个环节的知识点,使学生对所学知识有个准确的把握。这样不仅达到巩固提高的教学目的,还有效培养了学生的总结归纳能力。 实践证明,经常利用现代教育技术进行课堂总结,会使学生的学习主动性得到很好的锻炼,发挥现代教育技术手段的刺激作用,有利于学生总结自己在学习过程中的经验教训,对教学中失误、失当之处,认真思考,严谨分析,提出整改措施。教师通过对以往教学的回顾,进一步完善教案,使之富有新意,改进教学方法,常讲常新,增强趣味性,让自己和学生都把上课作为一种乐趣,突出课堂效果,提高教学水平。 总之,现代教育技术与音乐教学的整合,可以把音乐课堂教学中抽象的知识直观化,使枯燥的音乐文本变得形象生动,使复杂难懂的乐理变得简单明了。通过现代教育技术的有效运用,大大激发了学生的学习兴趣,有效培养初中生的欣赏、理解和感悟能力。现代教育技术与音乐教学的整合之路任重而道远,相信通过广大音乐教师的不懈努力和科学探索,音乐教学的前景将灿烂无比。 初中音乐教学论文:初中音乐课堂应引入本土音乐的教学 初中音乐课堂应引入本土音乐的教学 教育部颁发的2011年版的《音乐课程标准》指出:本土音乐是人类文化传承的重要载体,是人类宝贵的文化遗产和智慧结晶。作为江西的学生,应树立正确看待自己本土音乐的态度,有效继承、发扬并创新我们的江西本土音乐。由此可见,实现音乐课程应有的价值,重视本土音乐在各中学的普及,在新课程改革中具有至关重要的作用。 人们对于“家乡观”这个字眼并不陌生,然而,“家乡观”究竟是什么?怎样在自己的音乐教学中体现出“家乡观”?一些音乐教师对此却很少去深究。 笔者在深入调研中发现:由于一些音乐教师自身缺乏应有的“家乡观”理念,因而在他们的教学活动中,对新教材或是完全照搬书本上的东西去教,或是浅尝辄止……导致了音乐课程有了不同程度的“缩水”,音乐教育改革的目标也难以顺利实现。 江西,不仅以其深厚的文化底蕴闻名,还有着一大批优秀、丰富、翔实的本土音乐资源遍布全省各个地区,如高亢辽阔的兴国山歌、优美古朴的赣剧和生动活泼的采茶戏等。我们音乐教师作为艺术的传播者,有这个职责去传播家乡的音乐文化,弘扬人间正气,塑造美好心灵,为构建社会主义和谐社会不懈地努力,并且在自己的日常教学工作中加以贯彻落实。把“家乡观”引入音乐教育中,我们音乐教育工作者应该做好以下几方面的工作: 一、努力传承江西历史文化及其地方音乐 要了解一个地方的本土音乐,应该对其本土的历史文化做一详细的探究。对于江西本土音乐的教育,教师首先应该树立一个正确的“家乡观”理念,积极、主动收集、整理一些描述江西的地域地貌、人文风情等书籍,认真读懂江西深厚、悠久的历史文化,并努力传承这一文化,因为这些历史文化与其本土音乐有着密不可分的联系,认识这一点尤为重要。其次,在对江西的历史文化有一深刻认识的基础上,再涉及与自己有关的专业,广泛收集江西各个地方流传的经典音乐进行分类、梳理,并加以学习、消化。在自身了解、掌握了江西本土音乐知识的基础上,通过“乡土音乐”进课堂等形式,使学生爱乡音,重乡情,不断激发学生对江西本土音乐的兴趣和喜爱,培养学生深深热爱自己家乡音乐的情感,达到有效增强学生维护、发扬自己家乡音乐的责任心和自豪感,整体提高学生的综合素质。 二、坚持以审美为优秀,旨在塑造美好心灵 音乐教师在备课时,就应着力挖掘出江西的每一首本土音乐作品中的独特美,在组织教学的各个环节中,应努力从不同角度、不同层面体现这种美,以美感人,以情动人,使学生为课堂上展示的本土音乐所吸引、所感染,与之产生共鸣,从而使心灵得到净化,情感得到提升。著名教育家苏霍姆林斯基曾说过:“美是一种心灵的体操——它使我们的精神正直、良心纯洁、情感和信念端正。美是一面镜子,你在这面镜子里可以照见你自己,从而对自己采取这样或那样的态度。”在鉴赏江西本土音乐的同时,只有坚持以审美为优秀,才能培养学生正直的理想和信念、健康的审美情趣和积极、乐观向上的生活态度,即塑造出美好的心灵。 三、面向全体学生施教,关注个性鼓励创新 在传授江西本土音乐的同时,音乐教师应关注每个学生,面向全体学生施教,使每个学生作为一名江西人都能切身感受到自己家乡音乐的独特韵味。然而,笔者在调查中发现,一些音乐教师在组织教学的过程中,并未做到面向全体学生。他们在课堂上有的提问只是集中在少数几个人身上,以至于一堂课下来,绝大多数学生对这堂课没有收获到一定的成效。这种教学法严重挫伤了大部分学生在音乐课堂上的学习积极性。因此,在对学生传授本土音乐时,要重视每个学生的 积极作用,要深入了解学生,关注每个学生对其本土音乐的不同认识,并鼓励他们自主学习、自主探究,使得每个学生的创造潜能得到一定的施展。 四、倡导人人“爱江西、爱家乡”,培养全面发展新人 首先,音乐教师应当发挥学科优势,引导学生在鉴赏江西本土音乐的过程中“求真、向善、尚美”。要因势利导,教育他们“爱江西、爱家乡”,为他们培养一种“家乡观”的理念。同时,要通过引导学生认识、感受、体验自己家乡的音乐,培养他们的音乐审美能力和创新能力,在美的氛围中激发他们对自己家乡的热爱之情。 江西本土音乐走进中学课堂势在必行,但方式和方法、途径和措施是值得我们广大音乐教育工作者深研细思的,我们相信,将江西本土音乐引入中学音乐课堂中,必将对改善江西地方音乐的生存环境,推动江西本土音乐的发展起到重要作用。同时,对完善中学音乐教育,提高教师、学生的综合素质,增强音乐教育功能在社会生活中的适应性和影响力,也必将起到积极、有效的作用。 初中音乐教学论文:加强教学创新改革 提高初中音乐课教学质量 音乐是通过音响结构及其运动节律形成的音乐形象来反映社会生活,表达思想感情。音乐艺术所采用的手段及其特征,决定了这种艺术形式有很强的抽象性。初中学校要转变教育观念,要认识到音乐学科对学生发展的影响不是以分数来衡量的,要充分认识到音乐学科在学校发展中的重要意义。改变音乐课的附庸地位,确立音乐课程的优秀学科地位,是学校音乐教育健康发展的首要保证。 1.调整教学计划。 1.1增加乐理知识的部分内容;基于学生学习乐理知识的愿望以及他们对乐理知识不太了解的现状,应适当地增加部分乐理知识,如节奏,音的长短,音名和唱名,曲式结构等等。这些乐理知识可以更好地帮助学生学唱歌曲、欣赏音乐、学习简单的乐器演奏等。 1.2增添部分流行音乐及通俗音乐;我们音乐教材上的内容包括了中国的民族音乐、交响乐、合唱曲目、西洋音乐、浪漫主义音乐、歌剧音乐等等,都是比较经典和严肃的音乐,流行音乐和通俗音乐几乎是空白。因此很多学生对于音乐课没有兴趣,有些学生上课甚至不愿带着课本来,加入这部分内容也是时展的需要和学生求知的需要,可以增加学生学习音乐的兴趣。 1.3增加学生自己的演出欣赏;课本上往往都是一些名家的作品,这些作品固然优美,有很高的欣赏价值,可是往往使学生觉得离他们的距离很远,有些学生很想学习音乐,但总觉得没有自信心,因此在教学中增加部分本校学生的演出欣赏,通过欣赏、分析身边人的作品,缩小他们与音乐的距离,提升他们的自信心,让他们觉得原来自己也可以做得很好。 2.改进教学策略。 2.1加强师生互动;学生最怕的是教师的“一言堂”,音乐课也是如此。为了提高学生的学习兴趣,教师应注重与学生之间的互动。如在乐理课上:加一些节奏练习让学生加上身体动作拍奏,通过身体的动作让每位学生参与到音乐活动中来,既活跃了课堂气氛,又加强了对节奏的掌握;在声乐课上:加进一些有趣的练声方法,把深奥的声乐练声生动化,让学生觉得学习唱歌原来可以是件很轻松的事情;在音乐欣赏课上:加进让学生模仿表演的机会,通过学生自身的表演体会作品的内涵。教师在平时的教育教学中,应多听听学生的意见,及时调整自己的教学计划,在完成教学任务的同时,使自己的教学更能满足学生的需要。 2.2加强多媒体教学手段的运用;初中音乐欣赏虽然有一些配套的音乐磁带,但这远远不能满足学生的欣赏需要。 为了让音乐欣赏更加吸引学生,教师可以加入很多多媒体手段,如寻找vcd录像,制作多媒体课件,在课件制作中插入视频,即满足了学生的欣赏需要,又增强了上课的效果。这样欣赏课的情境就会在优美的多媒体教学中建立,一些本来不爱上音乐课的学生也会被吸引,欣赏课的教学效果也能越来越好。 2.3拓展音乐教学的空间;学校可以开展许多校园文化活动,如一年一度的合唱比赛,主持人大奖赛,十佳歌手比赛,器乐比赛,舞蹈比赛,才艺展示比赛,还有校园电视台等等。在课堂中,结合这些活动进行有针对性的宣传和动员,为参赛学生进行辅导。使学生的课堂内容更加丰富,也更能满足他们的需要。 3.改进教师管理策略。 3.1加强在职音乐教师的培训,大力实施“人才强教”,提高教师队伍的整体素质;面对城市现代化、信息技术发达的现状,我们的音乐教师要想跟上时代的步伐,就要多接受、多学习新的思想和新的知识,对现有师资进行在岗培训。内容可包括:①音乐基础知识。让教师熟练掌握音乐基本表现要素和音乐常见结构以及音乐体裁形式等基础知识,进一步加强教师音乐审美能力。②音乐基本技能。让教师全面掌握音乐教学的基本功:歌唱能力、钢琴演奏能力、弹唱能力、即兴伴奏能力、器乐演奏能力等。③教学形式和教学方法。引荐全国中小学音乐教学的优秀成果和国外著名的教学形式和方法,发展教师的创造性。④文化素养。音乐教学不仅包括音乐教学不同领域之间的渗透,与舞蹈、影视、戏剧、美术等姊妹艺术学科相渗透,还包括与艺术之外的其他学科的渗透,加强教师各方面的文化素养,使教师对教材掌握得更深、更精,理解得更透彻。另外,坚持大力实施“人才强教”战略,不断加强教师职业道德建设,不断提高音乐教师的师德规范意识和职业道德水平,不断完善师德考评制度,建立长效的师德建设机制。以此加大音乐师资队伍建设力度,改变目前我国音乐教师学历程度偏低,实际教学能力薄弱的现状。 3.2建立有效的音乐教学设施和设备的管理机制;由于当前初中学校的现状,从学校运行体制上调动不了广大音乐教师的积极性,从管理制度上致使大多数音乐教学设施和教学设备闲置或使用率极低。广大初中学校的管理者和教师要积极主动地学习现代课程论,掌握课程教学的基本观念,理解和把握素质教育的基本理念,彻底改变对音乐学科的错误认识观念。要以国家民族的发展大计为根本,以长远的眼光看待音乐学科教学的作用,给音乐学科以必要的重视。从管理体制上体现出对音乐教学和音乐教师的重视,改变对音乐教学和音乐教师的评价机制,建立健全完整的音乐教学设施和设备管理制度,使音乐教师在教学工作中能够方便快捷、正常顺利地使用各种教学设备,充分调动起音乐教师的工作积极性。 综上所述,音乐是主体思想间的交流,是音乐家通过作品和作品的诠释者进行的艺术沟通,音乐是听觉的艺术,是和人的感觉紧紧联系在一起的艺术。音乐教学如果不能和聆听、感觉实践、音乐作品甚至音乐创造联系在一起,教学就成了纸上谈兵。音乐教师需要懂得学生在受教育过程中的心理特点和发展水平,并以此为科学依据,来制定教学计划,编写音乐教材,考虑教学的组织形式,安排教学时间,采取相应的音乐教学原则和方法。只有这样,才能上好音乐课。 初中音乐教学论文:初中音乐教学探究 新课程标准对音乐教学提出了新的要求,本文在对音乐教学理论研究的基础上,进一步阐述了初中音乐教学的一些方法策略,以期对当今的教育改革起到积极的推动作用。 一、改变教育观念,优化教学结构 实施音乐学科教育改革的关键不是教材,而是教师的教育观念,只有明确观念,才能优化教学。教师首先应树立让全体学生都得到发展的教育思想,要面向每一个学生。既是非专业音乐教育,那么教师就必须用非专业音乐教育的手段、方法、策略等进行课堂教学设计。确立以学生可持续发展为基点,以培养和发展学生的能力为重点,才能培养对未来社会有用的人,培养尽可能完善的人。 教学设计必须针对学生实际,确定教学目标,构建教学步骤,使初中音乐教学淡化知识、强化观点。面向全体,师生共同探索、共同学习,强调以美育人,把音乐课设计成充满着美的创造性的课,促进学生全面和谐的发展。初中音乐的基本任务是培养学生感受美、鉴赏美和创造美的能力,帮助学生树立正确的审美观念,使学生具有高尚的审美情操。教师在进行教学设计时应考虑到美感能力的发展从简单到复杂、从初级到高级循序渐进地展开。尤其是初中年龄段的学生,可以通过对作品的初步比较、评价,培养学生高尚的审美趣味,引导学生从真正美好的东西中得到美的享受,从劳动中、日常生活和艺术中去理解和创造美好的东西。教师要讲求教育艺术,用充满智慧的提问,给学生的思维插上想象的翅膀。一堂生动的课应充满艺术的力量,它的成功,不但在于教给学生知识,而且在于吸引、感染、鼓舞着许多学生为追求美、创造美而终身努力。 二、加强音乐教学中的师生互动 学生最怕的是教师的“一言堂”,音乐课也是如此。为了提高学生的学习兴趣,我很注重与学生之间的互动。 如在乐理课上:我会加一些节奏练习让学生加上身体动作,通过身体的动作让每位学生参与到音乐活动中来,既活跃了课堂气氛,又加强了对节奏的掌握。在声乐课上:我会加进许多有趣的练声方法,把深奥的声乐练声生动化,让学生觉得学习唱歌原来是件很轻松的事情。在音乐欣赏课上:我会加进让学生模仿表演的机会,通过学生自身的表演体会作品的内涵。在平时的教育教学中,我也经常听听学生的意见,及时调整自己的教学计划,在完成教学任务的同时,使自己的教学更加满足学生的需要。 三、运用多媒体教学手段优化教学 初中音乐欣赏虽然有一些配套的音乐磁带,但这远远不能满足学生的欣赏需要。为了让音乐欣赏更加吸引学生,我常常加入很多多媒体手段,如寻找vcd录像、制作多媒体课件、在课件制作中插入很多视频,即满足了学生的欣赏需要,又增强了上课的效果。欣赏课的情境也在优美的多媒体教学中建立起来,有一些本来不爱上音乐课的学生也渐渐被吸引,欣赏课的教学效果越来越好。 四、结合多种活动进行教学 可结合各式各样的校园文化活动进行音乐教学,比如合唱比赛、主持人大奖赛、十佳歌手比赛、器乐比赛、舞蹈比赛、才艺展示比赛等等。在课堂中我常常结合各种活动进行有针对性地宣传和动员,还为个别参赛学生进行辅导,使学生的课堂内容更加丰富,也更加满足了他们的需要。 五、改革教学评价 改革教学评价是以发展性评价为目标,以审美教育为优秀,以人本主义思想和发展性教育理论为指导,以激励学生热爱音乐、表现音乐和创造音乐为出发点,运用等级制的记分方式,通过音乐会的形式,进行强项评价、综合评价等手段,能够充分显示教育评价的民主性和公开性,有效地提高学生学习音乐的兴趣,发展学生的音乐能力和特长,改革“统一化”的教学评价模式,为创新性人才的成长提供民主、和谐、宽松的教学环境。 本文仅对新课标下初中音乐教学作了初步探讨,希望能以本文之“砖”引来各家之“玉”,为初中音乐教学起到一点积极的作用。 初中音乐教学论文:初中音乐课堂应引入本土音乐的教学 初中音乐课堂应引入本土音乐的教学 教育部颁发的2011年版的《音乐课程标准》指出:本土音乐是人类文化传承的重要载体,是人类宝贵的文化遗产和智慧结晶。作为江西的学生,应树立正确看待自己本土音乐的态度,有效继承、发扬并创新我们的江西本土音乐。由此可见,实现音乐课程应有的价值,重视本土音乐在各中学的普及,在新课程改革中具有至关重要的作用。 人们对于“家乡观”这个字眼并不陌生,然而,“家乡观”究竟是什么?怎样在自己的音乐教学中体现出“家乡观”?一些音乐教师对此却很少去深究。 笔者在深入调研中发现:由于一些音乐教师自身缺乏应有的“家乡观”理念,因而在他们的教学活动中,对新教材或是完全照搬书本上的东西去教,或是浅尝辄止……导致了音乐课程有了不同程度的“缩水”,音乐教育改革的目标也难以顺利实现。 江西,不仅以其深厚的文化底蕴闻名,还有着一大批优秀、丰富、翔实的本土音乐资源遍布全省各个地区,如高亢辽阔的兴国山歌、优美古朴的赣剧和生动活泼的采茶戏等。我们音乐教师作为艺术的传播者,有这个职责去传播家乡的音乐文化,弘扬人间正气,塑造美好心灵,为构建社会主义和谐社会不懈地努力,并且在自己的日常教学工作中加以贯彻落实。把“家乡观”引入音乐教育中,我们音乐教育工作者应该做好以下几方面的工作: 一、努力传承江西历史文化及其地方音乐 要了解一个地方的本土音乐,应该对其本土的历史文化做一详细的探究。对于江西本土音乐的教育,教师首先应该树立一个正确的“家乡观”理念,积极、主动收集、整理一些描述江西的地域地貌、人文风情等书籍,认真读懂江西深厚、悠久的历史文化,并努力传承这一文化,因为这些历史文化与其本土音乐有着密不可分的联系,认识这一点尤为重要。其次,在对江西的历史文化有一深刻认识的基础上,再涉及与自己有关的专业,广泛收集江西各个地方流传的经典音乐进行分类、梳理,并加以学习、消化。在自身了解、掌握了江西本土音乐知识的基础上,通过“乡土音乐”进课堂等形式,使学生爱乡音,重乡情,不断激发学生对江西本土音乐的兴趣和喜爱,培养学生深深热爱自己家乡音乐的情感,达到有效增强学生维护、发扬自己家乡音乐的责任心和自豪感,整体提高学生的综合素质。 二、坚持以审美为优秀,旨在塑造美好心灵 音乐教师在备课时,就应着力挖掘出江西的每一首本土音乐作品中的独特美,在组织教学的各个环节中,应努力从不同角度、不同层面体现这种美,以美感人,以情动人,使学生为课堂上展示的本土音乐所吸引、所感染,与之产生共鸣,从而使心灵得到净化,情感得到提升。著名教育家苏霍姆林斯基曾说过:“美是一种心灵的体操——它使我们的精神正直、良心纯洁、情感和信念端正。美是一面镜子,你在这面镜子里可以照见你自己,从而对自己采取这样或那样的态度。”在鉴赏江西本土音乐的同时,只有坚持以审美为优秀,才能培养学生正直的理想和信念、健康的审美情趣和积极、乐观向上的生活态度,即塑造出美好的心灵。 三、面向全体学生施教,关注个性鼓励创新 在传授江西本土音乐的同时,音乐教师应关注每个学生,面向全体学生施教,使每个学生作为一名江西人都能切身感受到自己家乡音乐的独特韵味。然而,笔者在调查中发现,一些音乐教师在组织教学的过程中,并未做到面向全体学生。他们在课堂上有的提问只是集中在少数几个人身上,以至于一堂课下来,绝大多数学生对这堂课没有收获到一定的成效。这种教学法严重挫伤了大部分学生在音乐课堂上的学习积极性。因此,在对学生传授本土音乐时,要重视每个学生的 积极作用,要深入了解学生,关注每个学生对其本土音乐的不同认识,并鼓励他们自主学习、自主探究,使得每个学生的创造潜能得到一定的施展。 四、倡导人人“爱江西、爱家乡”,培养全面发展新人 首先,音乐教师应当发挥学科优势,引导学生在鉴赏江西本土音乐的过程中“求真、向善、尚美”。要因势利导,教育他们“爱江西、爱家乡”,为他们培养一种“家乡观”的理念。同时,要通过引导学生认识、感受、体验自己家乡的音乐,培养他们的音乐审美能力和创新能力,在美的氛围中激发他们对自己家乡的热爱之情。 江西本土音乐走进中学课堂势在必行,但方式和方法、途径和措施是值得我们广大音乐教育工作者深研细思的,我们相信,将江西本土音乐引入中学音乐课堂中,必将对改善江西地方音乐的生存环境,推动江西本土音乐的发展起到重要作用。同时,对完善中学音乐教育,提高教师、学生的综合素质,增强音乐教育功能在社会生活中的适应性和影响力,也必将起到积极、有效的作用。 初中音乐教学论文:浅谈初中音乐新课程标准下的音乐教学 浅谈初中音乐新课程标准下的音乐教学 随着国家《初中音乐课程标准》的颁布与新课程的逐步深入的实施,我国音乐基础教育已迈入一个崭新的历史阶段。在音乐教育过程中,采用音乐教学的多种模式,更有利于发展和开发初中学生的创造思维能力,使其智力得以提高。现代教育需要改革,重视音乐教育,必须从教师做起,培养德、智、体、美、劳全面发展人才,促进全民族整体素质的提升,任重而道远。经过多年来的实践,对初中新课程标准下的音乐教学提出了自己的看法。 一、音乐教师成为课程决策者 传统音乐课程致使教师成了课程的忠实执行者,这样较多的丧失了独立性和创造性,影响了教师教学水平的发挥,和教师个人知识的展示。现在的新课程中本来就有的那些不确性,比如:允许学生在知识与技能、过程与方法、情感态度与价值观等多元价值取向的表现;课程的综合性加大,教材、教参为教师留较大的创造的空间,得分点大大减少和淡化,得分点不在起支配作用,教师要费很多时间查找资料,补充教材内容;不使用统一规格或评价标准,提倡个别化教育;可以增加地方课程和校本课程;可以增加教学过程中教师的可支配因素等。这样以来,教师就是课程的有机构成部分,并作为主体而存在,教学具有了多样性,生成性,它要求教师成为课程和教材的决策者,从而为教师根据条件和需要创造新内容,创造新形式,表达自己的教育理念,提升自己生命价值留下了广阔空间。编辑: 。 二、设计音乐活动,培养学生对音乐课的兴趣 教师要不局限于课本,把课堂设计成有利于学生主动参与的音乐活动。如“小小音乐会”活动可以使学生尽情发挥歌唱水平及表演能力,融歌曲、器乐、舞蹈于一体,大大地调动了学生的积极性;“我最喜爱的一首歌的小讨论”学生可以说出自己喜欢的歌曲、为什么喜欢,好在哪里等,在讨论中提高了音乐的欣赏能力、鉴赏能力、审美能力等;还有象“实话实说”的欣赏活动,学生可以大胆地表达自己对音乐的看法,对音乐的感受,给学生提供发表、评价、感受的机会,形式新颖,学生放松,参与积极;“设计mtv”活动,学生们可以展开自己想象的翅膀,设计自己的mtv,有的还能利用节假日,把电影剪辑、图片、画面结合起来,兴趣由课内延伸到了课外,提高了学生的创造能力。这样,老师以主持人的身份,加入到学生的主动参与、交流合作、探索发现等活动中,引导他们去欣赏美,感受美、表现美。在活动中,学生是主体,不要限制学生的思维,让他们大胆地去动,去唱,去跳,真正使他们成为课堂的主角。重视学生的学习过程,活跃学生的思维,发展学生的创造性,真正做到以人的发展为本。 三、培养学生综合素质的能力 通过音乐教育,培养学生的合作能力、团队精神、个性、自信心,把音乐放在社会大环境下进行。新课程标准要求学生自信地在他人面前表演,这似乎和音乐没有联系,但它体现了对学生自信心的培养,培养21世纪人才所应具备的一种品质。例如:在七年级音乐课《阳关三叠》情景剧教学中,设置为一人扮演诗人、一人扮演诗人的朋友、一人吹萧、一人扮演酒保、一人或几人伴舞,模仿诗人和朋友在阳关话别的情景,在教室前面表演。这样既可加深学生对乐曲的理解,又可培养学生的自信心,还可加强学生想象力的培养。在音乐基础知识和基本技能的学习中,因为中小学音乐教育不是专业教育,音乐基础知识和基本技能的学习,应有机地渗透在音乐艺术的审美体验之中,在潜移默化中培育学生美好的情操、健全的人格,以音乐为工具和手段来达到培养学生综合素质为目的。 四、音乐教师的教学方式的转变 1、从课内到课外在音乐学习中,为了让学生有实际的体验,可以让学生收集课堂以外的音乐资源运用在音乐教学中,也可把教学活动拓展到课外等。比如:在初一第二单元的《走进大自然》的教学中,我让学生利用网络等手段收集相关资料、在大自然中找音乐中表现内容、也让他们尝试用自己的音乐语汇表现自己生活中的音乐。 2、从本学科到跨学科。音乐教育必须具有宽阔的视野,必须保持开放的态度。如在各门课程中:语文、历史、地理、生物……等都或多或少与音乐有着一定的联系,这也使得音乐教学与这些课程之间的联系成为了可能。课外音乐活动、社会音乐教育环境便都成为,也应该成为音乐教学的有机组成部分。如:音乐与舞蹈结合来表现音乐;与美术结合使音乐更形象;与语文中的诗词、戏剧沟通等。 五、开放教学评价,保证学生的学习兴趣 在以往的音乐教学评价中,教师往往采用让学生唱一首课本上的歌曲来给学生进行评价,有的教师甚至凭主观臆断和对学生大体的印象给学生打分。 初中音乐教学论文:试论初中音乐乐感及音乐鉴赏教学探 试论初中音乐乐感及音乐鉴赏教学探 初中音乐乐感及音乐鉴赏教学是我国美育教学中的重要一环。同时也是陶冶学生情操的手段之一,更是提高学生个人综合素质的重要方面。本文从培养初中生音乐乐感以音乐鉴赏能力的教学原则出发,探讨了培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施,旨在交流更多更好的教学方法,促进教育系统的整体进步。 一、培养学生乐感以及音乐鉴赏力的原则 音乐教学具有其自身的独特性,与语言类学科相比,音乐学科更重视学生的个人兴趣。同时,它还需要学生投入更多的实践以及长久的训练。首先,音乐学科通过更加直白且明确的方法表达个人情感。学生在学习的过程中需要置身于不同音乐曲目所提供的场景之中,真实感受其所表达的感情。只有这样学生才可以更深刻的体会音乐的魅力。这种方式只是学生个人的感官感受,非专业音乐欣赏者亦可以做到。然而音乐教学则是通过理论教授学生怎样更好的体会音乐的美妙,以及怎样从一个专业的角度评价不同音乐。由此可见,理论教学在音乐教学中的重要性。与此同时,教师在教学过程中不可忽视的是学生的相关实践。音乐教学的实践性极强,学生只有通过实践才可以更深刻的体会相关情感。学生通过自主创作以及练习相关音乐技巧,从而可以更好的体会乐曲炫技之处。 二、培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施 1.合理导入教学 好的开始是成功的一半。而音乐教学在很大程度上对学生个人的投入度有着一定的要求,这就更突出了音乐教学中教学导入的重要性。随着社会的发展,学生更加注重张扬个性,对于音乐、美术等学科的兴趣更大,然而理论教学毕竟存在一定的枯燥性。因而出现了众多学生对音乐非常感兴趣却不愿意上音乐课的现象。初中学生由于学业的压力等原因,在音乐课上的积极性远不及小学生来得浓厚。这就要求我们的教师注重运用有吸引力的手段进行教学。因此,教师如何引导学生正确的上音乐课,以及在教学过程中保持学生的注意力都是十分重要的。合理导入教学就是指教师利用学生的兴趣点引导学生更快的进入教学情境之中。 首先,可以利用传统的教学导入方式,例如讲故事以及成语典故等方式。故事有一定的曲折性,好的故事对学生有着重要的吸引力。学生可以跟随音乐故事的情节,走入故事中感受故事主人公的心情,从而更好地对相关音乐更加感兴趣。而成语典故则包含了一定的故事性以及相关传说等,更是传达了先人为人处世的道理等。向学生讲述成语故事对学生的长远发展也有着不可言喻的重要作用。同时,很多成语故事是学生在日常生活中常见常听的,教师讲述其中的典故更加可以吸引学生的注意力。其次,教师还可以运用游戏教学法导入引领学生更好地进入音乐课堂。初中生毕竟具有一半儿童爱玩的天性,教师在教学过程中不应该视之如猛虎,而应该正视它。只有这样才可以看到其本质,并进行合理利用。 2.运用对比教学 对比教学是教师培养学生音乐鉴赏力的一种重要手段。所谓对比 教学是根据一定的标准将两件事物进行一定程度上的区分。这种方法很好的培养学生独立思考的能力,以及表达个人见解的能力。音乐的对比教学法则是教师在教学过程中运用多种手法教授学生从各种对比因素分析音乐。不同音乐在音乐家的创作、演奏以及相关技巧方面也存在极大的不同。因此教师应该合理运用音乐对比教学法帮助学生全面提高音乐鉴赏能力。 首先,可以将同一音乐作品的不同演绎形式进行对比。尤其是经典作品常常会被后人进行改编或者运用不同的乐器予以演绎。然而,为什么要这样改编,改编之后的作品与前人的作品相比有什么有点与不足。教师可以引导学生从这些不同的方面以及各种角度进行分析判断,从而得出新的结论。 其次,教师还可以引导学生将不同的作品进行对比。不同主题不同类型的作品在演奏过程中的要求必然存在不同。一些炫技性的作品与注重情感宣泄的作品在表面看来是极为不一样的,但是其实质却有着本质的相同。而这些需要学生经过实际对比、思考才会真正总结出来的。《野蜂飞舞》与《春江花月夜》在很多方面有着不同。它们的主题、传达的情感已经以及演奏方式等都存在着极大的区别,然而就本质而言,它们都传达了作者内在的情绪。说到底,这两部作品在抒发作者情感这一作用上起到了殊途同归的效果。这种效果是怎样渲染出来的,学生必须通过自己的深刻思考才可以得出。不容置疑,学生这种对比性思维模式则需要教师的引导。 3.运用多媒体教学 随着计算机多媒体的不断发展,网络技术已经深入到人们社会生活的点点滴滴之中,在教育界尤甚。音乐教师应该合理利用这一资源进行音乐教学,以便更好的帮助学生培养音乐乐感以及相关音乐鉴赏能力。互联网将世界联系成一个整体,从某一种程度上来说实现了世界资源的共享。这就很大程度上方便了教师对这些资源的收集利用以及创作型改编。教师在教学的过程中合理利用相关资源,利用创造性思维帮助学生,必然可以收到较好的教学效果。 当教师进行教学前,应该教会学生演唱相关作品,只有熟悉了相关旋律之后,教师才可以更好的带领学生领会其中的乐感并进行一定程度上的鉴赏。学生通过亲生感受可以从感性上体会相关情感,把握其中的主题。随后,教师则通过理论知识加以分析,使学生从理性上更深刻的认识相关音乐主题。 三、总结 随着音乐的不断发展,音乐的教学方法更是多种多样。初中生的音乐乐感不是一朝一夕就可以练就的而是需要教师耐心培养。而音乐鉴赏能力更是音乐学习过程中的一种高要求,并不是人人都可以很好的鉴赏音乐的。这就要求我们的教师在教学过程中多下功夫,科学有效的帮助学生进行音乐学习。只有这样学生的综合能力才可以得以提升。
学前教学论文:中职学前教育声乐教学论文 1当前中职学前教育专业声乐教学的现状以及存在的问题 1.1教学模式陈旧 无法引起学生学习兴趣目前学前教育专业教学采用的授课方式没有跟随时代进步进行相应的革新,传统的理论式授课方式让学生的创新能力和思考能力得不到较好的发挥;同时,受到近年来中职院校扩招的影响,教师资源的匮乏使得学生得不到有针对性的培养,教学质量得不到保证。虽然传统的教学模式具备一定的科学性和合理性,但是就学前教育专业的特性来看,其目标是培养未来的幼儿教师,而不是培养音乐工作者,传统的教学模式往往过度重视乐理和技巧,这些内容往往无法提起非本专业学生的兴趣,学生在学习的过程中会产生厌倦和懈怠情绪,主动学习的能动性较低。长此以往,学生会欠缺创新能力,使得学习的积极性和主动性降低,这对于完成教学任务是得不偿失、没有益处的。 1.2过度注重技能的培养 使得音乐的灵魂无法深入学生内心音乐从根本来说是一种深层次的内心活动,如果仅仅注重对于技巧的掌握,乃至成为模块化的模式,将会使教育工作者和学生都无法体会到音乐的真正魅力和感染力。目前很多学前教育的学生不是音乐专业出身,在进行学前教育专业声乐教学的过程中,往往是“半路出家”,缺乏音乐教育的基础。为了能够缩短教育时间,很多中职院校采用了拔苗助长的教学方式,只将一些简单的教学技能传授给学生,而忽视了对学生的基础音乐理论进行系统性的教学,也忽略了对学生音乐思维以及欣赏层面的培养,这使得学前教育专业的学生往往只能掌握声乐教学的皮毛,无法深入地了解音乐作品的创作意境以及作者想要表达的中心思想,其结果就是所教授的学生学习不到音乐的表现力和感染力,声乐教学如同鸡肋。 2中职学前教育专业声乐教学兴趣培养的重要性 2.1有效降低和消除学生的负面情绪 学前教育声乐课的教学形式一般为小组授课,也就是说一名教师带着几名学生,这种形式能够活跃课堂气氛,方便教学,但是这种形式在拉近教师与学生距离的同时,也会无形地给学生带来一些之前没有的压力,课堂气氛容易变得紧张不自然。所以说,在教学的过程中,要通过一定的手段来改善这种紧张的氛围,拉近教师和学生的心理距离,给学生营造轻松的课堂气氛,排除学生的紧张心理。这就需要教师投入情感,因材施教,用真情来调动学生的学习情趣。在声乐课堂上,传统的严师形象应该得到一定程度的隐藏。将严师的形象转变为益友,让学生和教师成为朋友。我们要求,教师在进行声乐课堂教学时,要确保面对所有的学生都能够一视同仁,不因为部分学生的基础好,天赋佳而偏爱,也不因部分学生因为音乐基础差、乐感不足而进行歧视和懈怠。要设身处地地为学生着想,充满耐心地对待所有同学。这种教学方法的益处是能够将部分学生的不自信情绪加以稀释,使其感受到教师对自己的重视和期望,容易让学生获得自尊和自信,产生较为强烈的能动性,主动开展学习,并根据教师要求进行努力。在创造出一种和谐、轻松的课堂氛围之后,之前学生感受到无聊、乏味的理论课程也会变得充满乐趣。同时,声乐教学是一门具备多种特性的课程,注重对学生内心深处进行灵魂的熏陶,如果学生能够将课程的知识、自身的情感、教师的引导融合为一,那么就能够更加直观地感受出音乐的真正魅力。所以说,一堂能够被学生接受的声乐课程,必定是在一种积极、轻松、快乐的情绪和氛围中展开的。只有创造出一种平等自由的课堂氛围,学生们才能将精力转移到课程内容本身,从而获得更好的学习体验。 2.2提升教师综合素质 创新教学思维一堂成功的教学课程,可以培养出未来的教师驾驭课堂的能力。一堂充满了愉悦气氛、轻松开放的课堂环境肯定比一堂传统的理论授课能够得到学生的欢迎,但是这种类型的课堂往往需要教师提前做好充分的准备,这就给教师带来了较大的压力,也就是说,轻松的课堂氛围环境是在增加教师负担的基础上产生的。这是未来课堂教学的一种趋势。就目前的教育事业发展情况来看,教师自身的创新能力决定了学生的能动性,一个充满了进取精神的教师才能教育出勇于创新的学生,这是素质教育的内核,也是创新教育的方向。 2.3引导学生成为课堂的主角 提升学生学习能动性传统的教学思维是教师是课堂的主角,教师要通过各种教学手段来吸引学生的注意力,抓住课堂气氛,使得学生能够专心听讲。这种教学模式将教师作为了课堂的中心,学生变成了观众,缺乏主动地参与,只有被动地接受。实践证明,被动学习的课程往往效果较差,而这种依托于理论的教学课程往往脱离现实情况,使一部分学生认为所学知识不具备实用性,从而轻视了对理论课程的学习,这种情况的产生不在于课程的制定,而是在于学生未能正确掌握学习方法。教师的授课形式没有能够激发学生自主学习的能动性,使得学生的潜能没有被充分地挖掘。这种现象的产生不能说是学校的教学内容一无是处,只是能反映出教师没能在教学过程中充分地调动学生自主学习能力,开发学生的智力潜能。那么,作为新时代的学前教育专业的声乐教师如何才能避免这一现象的再现呢?那就是确保把学生的课堂交给学生,让他们自己掌握课堂。这就要求教师要转变以往陈旧的教学观念,由教师自导自演变为学生的自由发挥,通过让学生自我学习,自我锻炼,掌握进行学前教育专业声乐教学的手段,同时深入地了解艺术规律,同时针对学龄前儿童制定行之有效的课程,在确保学生安全的同时能够开展新型教育。采取多种教学方法,让学生真正地参与到课程中去,而不是教师授课,学生被动接受,使学生能够感受音乐,提升对音乐的敏感度,可以按照学生学习的接受程度和自身条件把他们安排成学习讨论组,让每个学生都参与到讨论和分享中来,让学生既能相互辅导,又能互动体验,获得教师教学无法得到的良好效果。 3如何进行中职学前教育专业声乐教学兴趣的培养 3.1转变教学思路 引导学生主动学习溯其根源,改革传统教学手段,实现学生从被动倾听到主动索取的转变才是培养中职学生学前教育专业的最终所在。实现多种内容的教学课程,确保多种手段的训练手法,开拓更多教学思路,使得学生能够从被动向主动逐渐转变,促进学生自我独立思考,在教学的过程中,教师要注意融合声乐教学中的理论与课程实践,变理论课为实验课,让学生在学习的过程中得到训练,把课程的专业性与实用性进行结合,让学生在学习的过程中提升自身能力,在掌握理论基础的前提下实现全面发展。 3.2手法创新 点燃学生学习热情加大讨论课的比例,使得学生能够在讨论的过程中实现独立思考,具备判断的能力和意识。目前在中职教学机构中,在学前教育声乐教学课堂上,教师不仅要将基本的理论课程向学生进行讲解,同时将作品的内涵和背景进行深挖,对作品的风格和中心思想进行判断和赏析。还要让学生进行讨论,使学生敢于发表自己的意见和见解,尝试更好地进行声乐教学的方法,并逐渐掌握驾驭各种类型音乐的技能,在课堂进行的同时,教师要根据课程进展加以针对性的辅导,及时解决学生在课堂上提出的问题,并进行归纳总结。 3.3导入激情因素 激发学生唱歌欲望声乐教学,是一个由模仿到原创的过程,在充分的学习了理论课程后,要不断地加强学生的审美能力。对于初学者来说,在初期对教师的声乐进行模仿并学习到位后,要不断地深入了解音乐的深层次内涵,体会声乐艺术带来的魅力。声乐教师有感情地范唱,不仅能使学生体会到声乐艺术的魅力,而且会激起学生的歌唱欲望。对教师来讲也是树立个人形象的绝好机会。 4结语 近年来,我国学前教育的生源大多数来源于农村地区,这就造成了生源质量普遍不高,音乐素养较为低下的现实情况。我们要正视这种不利因素,从各方面统筹考虑,在打好生源音乐理论基础的前提下,采取灵活多样的教学手段,做到不同阶段、不同人群学习内容有所侧重,争取能够在最短的时间内使学生形成正确的音乐观念,满足未来对学前儿童进行教育的需要。总体来说,教育工作者要正视当前学前教育专业出现的新问题和新需要,并加以解决,及时转变教育理念,用创新的教育手段进行日常的教学和辅导,只有这样,才能够激发学生学习积极性,使得学生对声乐教学课程充满兴趣。 作者:赵英娜单位:葫芦岛市连山区职业教育中心 学前教学论文:学前教育专业声乐教学论文 1突出“联”字,在推进校企合作上求创新 针对高职院校学前教育专业声乐教学与学生实际应用存在学用脱节、课堂所学无法有效指导入园实际工作等问题。要进一步转变教学模式,拓宽学生实践教学渠道,通过社会化运作模式,深度推进校企合作和工学结合,组织学生入园开展实际工作,采取边学边做、以做促学、以做验学的方式,促进“学”与“用”的有机结合,实现声乐理论与实际应用的无缝对接。要采取高职院校附属幼儿园、联合办学、合作建立实训基地等途径,建设一批适合学前教育专业学生训练声乐技能的实践场所,搭建好技能训练平台。同时,定期组织专业教师和学生深入幼儿园,进行听课、看课、教学研讨和模拟授课等活动,有计划有针对性地带领学生到幼儿园观摩主题特色课程和日常歌唱教学,帮助学生了解学前儿童音乐教学等方面技能,有效检验课堂所学知识,掌握科学的学前儿童音乐教学方法,提高实际工作能力,让学生从声乐专业角度深刻理解开展幼儿园音乐教学的价值,自觉运用所学理论指导实际工作。 2突出“练”字,在强化学生技能上求提升 实践出真知。高职院校学前教育专业要强化学生的日常声乐技能训练,必须紧密结合学前儿童的教学和活动,在实际应用上下功夫,使学生的学习路径由“教”向“学”转变,由“接受知识”向“解决问题”转变。一是采取“请进来、走出去”的办法,联合幼儿园定期开展声乐练习实践活动,由学生组织学前儿童编排和演练活动,设计一些小合唱、表演唱、独唱、二重唱等节目,学生也可以进行范唱和展示,不断提高学生的舞台表演能力。二是加强学生日常声乐技能训练,建立和完善专业技能考核体系,将学生声乐实践技能纳入考核内容,每学期定期举办专业技能竞赛、声乐汇报演出,着力打造一批声乐技能训练的精品活动和品牌活动。建立和完善竞赛的组织和考核制度,逐步实现学前教育声乐专业技能竞赛的常态化、综合化和制度化,通过竞赛活动的互相比学,为学生搭建学促交流平台,不断提高学生艺术技能整体水平。三是注重提高学生的创新实践能力,组织和指导学生参与幼儿歌曲、音乐节目的创作、编排和演练,开展相应的展演活动,切实提高专业学生的综合技能和专业本领。 3突出“优”字,在优化教师配置上求实效 学前教育专业学生的技能水平很大程度上取决于教师队伍素质的高低。当前,学前教育专业的声乐课程除教学模式、内容和手段等诸多方面存在不足外,师资结构的不合理、教师能力素质单一也严重制约着专业课程的发展与进步。因此,做好学前教育专业的声乐教学工作,关键要科学配置师资力量,建立一支稳定的、结构合理、素质过硬、专业精良的优秀教师队伍。一是加强专业教师培训工作,进一步引导专业教师转变思想观念和教学方式,促进声乐专业教师向学前教育专业方向转型,加快适应社会化实践教学模式。二是积极采取社会化、市场化等运作方式,全面拓展和整合社会资源为高职院校实际教学所用,广泛联合社会幼儿艺术学校、科研机构和幼儿园,聘请优秀的幼儿园教师和专业人才,担任校外聘任教师,经常为学生进行专业技能辅导,补充校内教师实践经验不足的问题。三是搭建高职院校教师与幼儿园、幼教机构专业教师和专门人才的沟通交流和信息共享平台,利用组织专业联盟、召开研讨会、举办教学观摩、微信群、QQ群等平台,实现专业研讨、日常交流和信息沟通的常态化,促进校内外专业教师队伍整体素质和教学水平不断提升,为学前教育专业发展提供师资保障。 作者:金铃玲单位:伊春职业学院 学前教学论文:学前教育声乐教学论文 一、学前教育专业声乐课程的目的和任务 按照五年制专科学前教育声乐课程教学大纲的要求,声乐课程是学前教育专业的必修课之一,是专业技能课。课程的目的是使学生初步掌握声乐的基础知识和基本技能技巧,让其懂得一般歌唱知识,学会基本的歌唱技能,并通过练唱不同题材、形式的歌曲发展思维,全面提高学生作为幼儿园教师应具备的音乐素质。课程的任务是要求学生懂得如何运用气息科学发声;正确理解歌曲的思想内容,感觉歌曲的艺术形象,逐步提高歌唱能力和表现能力,达到能有感情的歌唱。 二、声乐课程的教学形式 首先要了解声乐是什么,声乐是靠人身体的肌肉运动协调到一种非自然的演唱状态而发出的富有情感的乐音。人类在从事人声各种艺术形式的表演时,用的都是嗓音。这个乐器由呼吸器官、发声器官、共鸣器官、语言器官四部分组成,即通常说的歌唱器官。由于每个人的性别、高矮胖瘦(共鸣腔体)、声带的长短厚薄(发声器官)等各不相同,因此就有了声音的分类,如女高音、女中音、女低音;男高音、男中音,男低音等等。正因如此,声乐课上课的方式也有很大差别。音乐学院的声乐系和歌剧系为了更好地训练出完美的歌唱演员,都采取师生“一对一”的方式上课,即小课,这样可以因材施教,针对性很强,教学效果非常好。而在一些综合大学里的音乐学(音乐教育)专业,声乐课则是由小课、小组课和声乐大课组成。小课和小组课是声乐技能课,为了区别主修声乐和选修声乐学生的上课方式,这里的声乐大课是指将一些声乐基础理论、歌唱器官的构造、发声原理等放在一起,再加上一些小的声乐作品的实践性练习。这样既能因材施教,又能分层次教学,对教学对象有的放矢,是音乐学专业声乐教学的好方法。 三、学前教育专业声乐课程的教学形式:声乐大课 学前教育专业中声乐课的教学形式是声乐大课。对于初中起点学前教育专业,声乐课的培养对象、培养目标和音乐学院、高师音乐学专业完全不同,因此采取的声乐教学方式是声乐大课的形式,这种声乐大课也有别于上文中的高师音乐学(音乐教育)的声乐大课,其是以文化课教学班级为单位进行教学的。我们首先要分析学生的音乐素质和其具备的声乐条件。首先,学生通过统一考试进入到学前专业的学习。入学考试分两部分:一是文化课统一的中考文化成绩,二是面试。这个面试包括音乐素质测评,但占的比例只有面试成绩的1/5,甚至更少。其中女生的音乐素质分布比较均匀,高、中、低都有;男生的音乐素质大部分在中、低水平。分班时按文化课成绩平均分配,男生也按成绩平均分入这些班级。教学班男生人数各班不等,只占全班的1%至10%,每个班有三四位男生。其次,抓住初中毕业生的声音特点。男生在变声期前,语言和歌唱都是使用近似假声的童声发声,这是由于声带小而薄的缘故。变声期之初声带生理性充血,分泌物过多,声带肥厚以及在声门软骨部闭合不良形成变声三角。变声期中间虽然喉和声带突然增大,但发声功能还不能立即变成成人的胸声发声功能。变声后期是胸声发声的巩固期,在这一阶段其语言的声音已经变成成人的男声,歌声却仍然停留在童声状态。因为变声期当中变声者大部分时间只是用嗓音来说话,很少歌唱,以致歌唱功能仍停留在童声功能阶段而迟迟未变。通常认为,低的童声男声将变成男高音或男中音;高的童声男声将变成男低音。而女子声音的定型与其发育的早晚有关,发育较早的,像十二三岁,变声后多为女高音;发育较晚的,如十五六岁,则多数变为女中音或女低音。再次,目前声乐大课的现状。大部分学生生理上已经成年了,说话已经是成人的声音了,但歌唱功能有相当一部分还停留在童声期。因此,很多学生觉得自己的声音很难听,或者根本就唱不出声音来。男生的情况尤为突出,其学习积极性受到打击,声乐学习也就很难达到教学目标。具体原因除了以上所列出的生理因素之外,还有以下几点因素: 1.教材的选择,几乎所有的教材上适合男生演唱的曲目都较少。 2.由于男生所占比例问题,教师选择适合女生唱的歌较多,调性也适合女生,由于嗓音条件的不同,男生在演唱时会有困难。 3.男生的音乐素养普遍低于女生,接受能力较大部分女生薄弱。 4.男生在变声期后,控制声带的能力较女生弱。 5.男生普遍在声乐学习中反应较女生迟钝。 6.男生对唱歌感兴趣的较少,不像女生喜欢唱歌的多。以上种种因素都会导致男生在学习声乐的过程中产生心理障碍,缺乏自信,甚至厌学,很难达到声乐教学课的教学目标。另外,男生声乐课的学习效果与教师的重视程度有关。而教师的关注程度大多其职业素养而定。在幼儿教师这个行业中男生较少,因此他们非常宝贵,他们的音乐素养、声乐演唱能力直接影响对着对下一代的教育。也正因如此,教学大纲才把声乐课定为必修课。如何解决上述问题,成为摆在教师面前的一道难题。也促使教师就如何改变现状进行更深一步的思考和探索。 四、学前教育专业声乐大课中男生的声乐教学 男生由于生理的原因,其音量比女生大,音色比女生宏厚,且富有磁性。要想使男生在声乐课堂上展示其优势,更好地完善声乐课堂教学,需要做到以下几点: 1.从教材开始,每学期开始,先选择一些节奏简单、结构规整、旋律起伏不大且男女生都能唱的歌曲进行教学。 2.课堂上多让男生站起来演唱,演唱时给歌曲的定调很重要,因为只有适合的调才能使其唱出好听的音色。演唱教师要进行认真的点评、分析,对学生要予以鼓励,使其增强对声乐学习的兴趣。 3.声乐是一个实践性非常强的学科,其理论部分,如歌唱器官的构造、歌唱的发声原理、歌唱的训练方法等用很少的课时就能讲完。但要想将理论知识转化为专业技能就需要一个漫长的训练过程,必须在教师的指导监督之下循序渐进,反复练习。这种练习要求学生注意力要十分集中,因此在声乐大课当中,教师应该对此时刻提醒,在课堂上加强与男生的交流互动,创设一个轻松、愉悦的学习氛围,调动男生乃至全班学生的歌唱欲望。 4.期末考试可以提前帮男生把曲目和歌曲的调性定下来,督促其课下多练习,这样使其不至于在期末考试时无所适从,逐渐克服对声乐的恐惧心理,提高对声乐学习的兴趣,以达到预期的教学目标。 五、学前教育专业声乐课堂的课外延伸 在课堂上无论教师怎样有所侧重,都要兼顾大多数学生已经具备的起点和接受能力。因此,针对男生声乐学习的问题需要在课外进一步解决。可通过以下方式达到这一目的:首先,成立男声合唱团,组织小演唱队等,再配以指导老师指导排练。这样既可以延伸课堂教学,又兼顾了男生的声音特点,针对性也较强。而且接受过合唱训练的学生,都具有反应机敏、思维活跃、想象力丰富、做事认真、语言发展较好、记忆力强、集体协作意识强、集体荣誉感强等优点。其次是演出实践。声乐训练的过程就是一个在歌唱理论指导下的实践过程。课堂上的教学是一种实践,课下的作业练习也是一种实践,舞台上的演出更是一种完完全全的实践。因此,学校要给学生提供演出机会,能有效地促进教学。再次是实行走班制。就是在教务处和学院的协调下,级部统一上声乐课,把所有班级的男生排成一个声乐班,由一位教师上课,这样在曲目的选择上、音色的把握上,以及音域的范围上都有良好的教学效果。综上所述,学校应该每学期把声乐课堂教学、课外活动、演出实践作为教学的有机部分制定一个完整的计划,这样才能更好地促进教学,达到教学目标,向国家和社会输送合格的人才。 作者:马金萍单位:济南幼儿师范高等专科学校 学前教学论文:学前教育专业学生舞蹈教学论文 一、语言表达能力的培养 (一)培养学生准确的语言表达能力 教师的言语是学生接受知识的主要途径。如果教师在授课过程中,语言不准确,极容易导致学生接受错误的信息。相反,如果教师用准确的言语进行表达,不仅可以减少学生误解的情况,还有利于学生的学习,从而为教学的顺利进行提供保障。当然,语言表达能力不仅体现在对舞蹈理论知识的讲解,也体现在对舞蹈动作要领的传递。在模拟课堂中,可以让学生尝试讲解舞蹈动作,也可以向学生提问动作要领等问题,从而达到培养学生准确语言表达能力的目的。 (二)培养学生生动的语言表达能力 生动的语言表达在教学过程中同样十分重要,它不仅可以调节学习气氛,还可以唤起幼儿对舞蹈的兴趣。舞蹈教师生动的语言表达能力主要体现在将需要讲解的舞蹈知识形象化,例如在教幼儿芭蕾舞时,有些幼儿的手型动作不到位,可以提醒幼儿想象一下天鹅挥动翅膀的样子,这时幼儿就会注意到自己的手型,每个孩子都希望自己的手型像天鹅的翅膀一样美丽动人,这样更容易使得幼儿记住在舞蹈中正确的手型是如何摆放的。培养学生生动的语言表达能力,不仅拉近了学生与幼儿之间的距离,更提高了幼儿舞蹈教学的质量。 二、舞蹈动作示范能力的培养 教师在授课过程中不仅语言要生动准确,动作也要规范标准。教师是学生模仿的对象,教师在进行动作示范时,全面协调身体的各个部位,并配合适当的面部表情,以优美的舞姿获得学生的认可,从而在学生中建立威信,获得学生的尊重。而在舞蹈教学过程中,学生完成舞蹈动作的能力可以从动作技能和表现能力两个方面反映出来。动作技能是对舞蹈基础动作的掌握,而表现能力是对舞蹈艺术性的体现。只有两者完美结合,才能更好地表现出幼儿舞蹈的特点。因此,在培养学生示范舞蹈动作能力的过程中,要着重注意学生动作技能和表现能力的学习。不仅要加大对学前教育专业学生的肢体语言能力训练,还可以在学前教育专业幼儿舞蹈教学的内容中,增加各个种类舞蹈的动作训练,如芭蕾舞、古典舞等的基本功训练,使学生更大限度地了解以及掌握不同舞蹈的风格特点以及动作要领,以便在以后的学前教育工作中为幼儿传播更多不同风格的舞蹈知识,更全面地为幼儿打开舞蹈新天地。 三、编创幼儿舞蹈能力的培养 在舞蹈教学过程中,还要着重培养学生编创舞蹈的能力,以满足学生未来的学前教育工作对编创幼儿舞蹈的需求。进行幼儿舞蹈的创新,首先,要求学生对幼儿的心理特征有一定的掌握。幼儿在不同的阶段会有不同的心理特征,他们接受舞蹈能力也会不同,因此要根据幼儿的记忆、模仿、接受能力等各方面心理特点进行编创舞蹈。其次,在实际教学过程中,教师也可以将学生分组轮流进行创编作业练习,让学生互相观摩、互相纠错、互相促进。学生熟练掌握基础知识时,教师可以引导学生根据自己对生活的理解,用自己的舞蹈语言表达所学到的动作,进而学会思考、有意识地进行舞蹈组合创编。最后,注重锻炼学生对于生活细致观察的能力,因为在今后的幼儿教学工作中,要认真观察幼儿的喜、怒、哀、乐等不同的情绪,在幼儿表达不同情绪的过程中,教师可以在其中得到灵感,从而编创出能反映幼儿生活的舞蹈。 四、结语 综上所述,学前教育专业学生幼儿舞蹈教学能力要从语言表达、示范动作以及编创舞蹈能力三个方面来培养,准确、生动的语言表达是教学的前提,动作的示范是教学的桥梁,舞蹈的编创是教学的升华。相信只要在教学过程中遵循因材施教的教学原则,突出幼儿舞蹈的特点,使学生学有所长,就一定能培养出符合社会需求的合格的学前教育优秀人才。 作者:何辉 张海红 单位:张家口教育学院 学前教学论文:学前教育声乐教学论文 一突出“联”字,在推进校企合作上求创新 针对高职院校学前教育专业声乐教学与学生实际应用存在学用脱节、课堂所学无法有效指导入园实际工作等问题。要进一步转变教学模式,拓宽学生实践教学渠道,通过社会化运作模式,深度推进校企合作和工学结合,组织学生入园开展实际工作,采取边学边做、以做促学、以做验学的方式,促进“学”与“用”的有机结合,实现声乐理论与实际应用的无缝对接。要采取高职院校附属幼儿园、联合办学,合作建立实训基地等途径,建设一批适合学前教育专业学生训练声乐技能的实践场所,搭建好技能训练平台。同时,定期组织专业教师和学生深入幼儿园,进行听课、看课、教学研讨和模拟授课等活动,有计划有针对性地带领学生到幼儿园观摩主题特色课程和日常歌唱教学,帮助学生了解学前儿童音乐教学等方面技能,有效检验课堂所学知识,掌握科学的学前儿童音乐教学方法,提高实际工作能力,让学生从声乐专业角度深刻理解开展幼儿园音乐教学的价值,自觉运用所学理论指导实际工作。 二突出“练”字,在强化学生技能上求提升 实践出真知。高职院校学前教育专业要强化学生的日常声乐技能训练,必须紧密结合学前儿童的教学和活动,在实际应用上下功夫,使学生的学习路径由“教”向“学”转变,由“接受知识”向“解决问题”转变。一是采取“请进来、走出去”的办法,联合幼儿园定期开展声乐练习实践活动,由学生组织学前儿童编排和演练活动,设计一些小合唱、表演唱、独唱、二重唱等节目,学生也可以进行范唱和展示,不断提高学生的舞台表演能力。二是加强学生日常声乐技能训练,建立和完善专业技能考核体系,将学生声乐实践技能纳入考核内容,每学期定期举办专业技能竞赛、声乐汇报演出,着力打造一批声乐技能训练的精品活动和品牌活动。建立和完善竞赛的组织和考核制度,逐步实现学前教育声乐专业技能竞赛的常态化、综合化和制度化,通过竞赛活动的互相比学,为学生搭建学促交流平台,不断提高学生艺术技能整体水平。三是注重提高学生的创新实践能力,组织和指导学生参与幼儿歌曲、音乐节目的创作、编排和演练,开展相应的展演活动,切实提高专业学生的综合技能和专业本领。 三突出“优”字,在优化教师配置上求实效 学前教育专业学生的技能水平很大程度上取决于教师队伍素质的高低。当前,学前教育专业的声乐课程除教学模式、内容和手段等诸多方面存在不足外,师资结构的不合理、教师能力素质单一也严重制约着专业课程的发展与进步。因此,做好学前教育专业的声乐教学工作,关键要科学配置师资力量,建立一支稳定的、结构合理、素质过硬、专业精良的优秀教师队伍。一是加强专业教师培训工作,进一步引导专业教师转变思想观念和教学方式,促进声乐专业教师向学前教育专业方向转型,加快适应社会化实践教学模式。二是积极采取社会化、市场化等运作方式,全面拓展和整合社会资源为高职院校实际教学所用,广泛联合社会幼儿艺术学校、科研机构和幼儿园,聘请优秀的幼儿园教师和专业人才,担任校外聘任教师,经常为学生进行专业技能辅导,补充校内教师实践经验不足的问题。三是搭建高职院校教师与幼儿园、幼教机构专业教师和专门人才的沟通交流和信息共享平台,利用组织专业联盟、召开研讨会、举办教学观摩、微信群、QQ群等平台,实现专业研讨、日常交流和信息沟通的常态化,促进校内外专业教师队伍整体素质和教学水平不断提升,为学前教育专业发展提供师资保障。 作者:金铃玲 单位:伊春职业学院音乐系 学前教学论文:高师学前声乐教学论文 一、高师学前声乐教学的现状 由于教育实践在时间安排上不合理,学生上讲台单独试教的机会少。多数照搬高师音乐教育的技能教学模式,不能从幼儿年龄特点进行考虑,教学效果不佳。缺乏去当地幼儿园进行实习的机会,导致学生很难在实践中发现问题,及时改进教学方法,提高教学效果。 二、改革声乐教学的策略 (一)提高生源素质,完善声乐课程体系 首先要开展学前教育专业的招生宣传工作。一方面,目前高校就业率排行前十大热门专业中,学前教育排在第七位,就业前景无忧。另一方面,幼儿园对音乐综合素质高的幼儿教师需求量大,这对原先准备报考艺术类的生源转向学前教育专、本科很有吸引力。目前国内部分高校的学前教育增设了学前教育专业音乐方向,如华东师范大学、福建儿童发展职业学院、肇庆学院等。这种办学思路值得效仿和推广。在课程设置中,应该以培养学生艺术综合素质为目标,对现行的课程结构进行调整,为改变普遍只设有一门声乐课的现状,考虑设置包括声乐歌曲欣赏、幼儿歌曲演唱与表演、幼儿歌曲创编、幼儿歌曲弹唱、艺术课程见习、社会实践等方面的课程。特别对于学前教育专、本科,声乐的学习应该贯穿始终,以期培养出合格的具备艺术综合素质的幼儿教师。 (二)明确目标定位,合理选择教学内容 高师学前教育专业是培养幼儿园教师的摇篮,不是培养中小学音乐教师。因此在声乐教学中,不仅仅是以技能教学为主,训练美声或民族唱法。因为对于幼儿来说,他们的声带还处于发育期,发出的是童声,音域较窄,根本无法获得美声或民歌的声音,更无法理解和欣赏这两种声音,幼儿需要教师必须具有较好的儿歌范唱能力。因此训练幼儿教师唱好儿歌才是声乐教学重中之重。就目前能供学前专业选择的声乐教材是少之又少,并且十分缺乏直接针对学前教育专业专、本科教学需要的声乐教材。从1987年11月人民教育出版社出版的幼儿师范学校(唱歌)教材,一直沿用到1998年12月的再版,以及后来到2005年针对五年制幼师教育,由复旦大学出版社出版的全国学前教育专业系列教材(声乐),虽说各种版本都有其特定的历史背景,也有一定的科学性,但都缺乏符合学前教育专业特色教学需要的声乐教材。因此,编写适合学前的歌唱教科书是摆在专家、学者面前拯待解决的课题。而如何更好的选择符合学前声乐专业的歌唱教学曲目,也是摆在高校教师面前的一个急需解决的问题。任课教师首先要有与时俱进的思想,结合学前声乐教学的实际,在现有的幼儿歌曲基础上,多关注近些年来新创作的儿歌,以及幼儿园目前正在使用的儿歌,融合进教学中,丰富幼儿歌曲的曲目,增加内容与深度,使其真正达到专、本科层次。我们期待更具前瞻性、系统性和科学实用性的高师学前声乐教材的出现。 (三)注重教育实践,积累教学经验 众所周知,教育实践是加强学生教育能力的重要手段。高师应加强对学生的教育实践工作。首先,要加强与幼儿园实习基地的联系。经常组织学生到幼儿园去观摩优质音乐课,采取全方位的见习模式,参与幼儿园的声乐课外辅导活动和音乐课堂实践,随后以班级为单位召开见习感受会和见结经验交流会;其次,多播放较成功的幼儿音乐课视频给学生观看,让学生通过观看相互交流观后感并总结好的教学方法;第三,多给学生试教的机会,让学生大胆说课,其他学生当小朋友,课后教师与学生一起参与点评,使学生能上好音乐课,让学生不断的从实践中来又到实践中去,使学生的音乐教学能力得以锻炼和提高,真正达到与幼儿园接轨的教学目的。 作者:金振丽 单位:广东肇庆学院教育科学学院学前教育系 学前教学论文:学前教育教学论文 一、学前教师灵活定位自我 幼儿教育在整个教育体系中属于是特殊性的教育,他的受教育对象年龄较小且一切思维和教育都处于是完全学习状态。其教学的内容也大都以娱乐性、游戏为主。传统的学前教学中,教师处于主体的位置,不管幼儿愿不愿意,总是以自己的一厢情愿来拉着幼儿做事情,使得幼儿对上学产生了一定的恐惧感,这种教学模式比较传统,且不利于当今时代下的幼儿发展。新背景下教育教学倡导教师的引导性,强化教师做教学的组织者,学生的合作者。这样一来,学前教师应灵活地定位自我,创新教学,创新实施指导。笔者在学前教育教学中,通过自我多元化的身份来实现学前教育教学中自我定位的灵活性。如:在娱乐的活动中,笔者以幼儿伙伴的身份和幼儿共同探究完成任务;同时也以教学组织者的身份对幼儿教学提供一定的资料;而在幼儿遇到困难时则以志愿者的身份来帮助幼儿,引导幼儿等等,以多样化的身份来结合实际需求灵活定位自我,这样能够很容易地与幼儿之间拉近关系,增强幼儿对自己的信任感。可以说,通过灵活自我定位很大程度上改变了传统幼儿教师单一“老师”的角色,从根本的理念上对学前教育教学进行了创新。 二、在教育教学中注重凸显幼儿的主体性 一位心理学家说过:“在游戏中儿童是自我主宰世界。”新课程标准也强调教育过程中学生自主性的凸现。幼儿虽然年纪较小,但对于一些事物已经有了初始的认知,且能够听懂教师的语言,自己也能够实践操作简单的事物。对此,笔者在教学中尝试给予学生自由和权利,让他们能够自然地发挥自我,从而凸显幼儿课堂教学中的主体性作用。尝试改变传统幼儿教学中教师“包办”式的教学,以及指导方法,让学生自己当家作主,处理自己的各种关系等等。如:笔者在教学中为了启发学生的创新思维,开展“编故事”的教学活动,即首先,让学生观看《熊出没》中的一个片段;其次,让学生自己选择角色相互之间组成小组进行表演;最后,鼓励学生对这个故事进行续写,并表演。这样,层层递进,循序渐进地启发学生的思维,让学生在原有故事的基础之上进行创新展示。再如:开展“模仿”活动,让幼儿模仿自己生活中的一切。诸如:日常学校生活、家庭生活、社会上的事物等等。而模仿的过程中也就会实现创新。总之,通过多个渠道来激发幼儿自主参与的兴趣,创新学前教育教学,让幼儿在学习中充分地展示自我主体性作用。 三、实施开放式的教学模式 幼儿之间存在着一定的差异性,无论是对事物的认知能力还是自我的思维能力等等都是不同的。但是相同的是:幼儿在自由、宽松的氛围中更能够充分地发挥自我,彰显个性化特征。鉴于此,笔者在教学采取多元化、分层式的、开放式的教学模式来实现学前教育教学的创新。 笔者结合幼儿不同的心理特征以及认知能力等来设置不同的学习目标、采取不同的表现方式、准备不同的实践材料等等,构建开放式的教学氛围来激励幼儿充分地彰显自己的个性,挖掘幼儿自身内在的创新思维。如:在“安全意识”教学内容时,笔者为学生提供开放的表现空间,让学生自由组合成组模拟过马路。 首先,让学生结合自己日常生活中过马路时的所见情境,在班级中划分区域,即:交通岗的位置、人行道、车辆道、红绿灯位置等等; 其次,分角色扮演交警、司机、行人;最后,开始演示怎样正确地过马路。学生在开放、娱乐的氛围中总是能够放开自我思维,有的甚至提出了新的问题,诸如:左拐弯、右拐弯设置,路中央的圆形设置等等。整个课堂过程中幼儿之间相互探索、尝试、交流、合作,真正地实现了课堂教学的有效生成,凸显了学前教育教学的有效性。 四、小结 总的来说,幼儿作为教育的起步时期,其教学情况如何直接影响到幼儿未来对学习的兴趣和发展。对此,笔者认为作为学前教师应结合幼儿的实际需求与时代特征,多方面的创新学前教育教学,借以来最大限度地推动幼儿全面健康的发展。 作者:刘云 单位:广东省广州市第二外国语学校附属幼儿园 学前教学论文:学前教育专业物理教学论文 1、在物理教学中突出教师教学的示范性 1.1语言的示范性 语言是教师用以向学生进行教育、教学、交流思想、表达感情的工具。教师的语言要从语言的科学性、精确性、启发性和趣味性四个方面给学生做出示范:第一,科学性。语言的科学性一是指讲话内容要符合科学原理,不能信口开河。二是用词正确,表达准确,达到传播知识准确无误。第二,精确性。语言的精确性一是指教学语言要严谨,符合逻辑原理。用来表达概念、定律的语言不能多一字,少一字。二是措辞恰当,一就是一,二就是二,不能含含糊糊。第三,启发性。具有启发性的语言既能引人人胜,发人思考,又能示范启发式教学的语言特点及组织形式。第四,趣味性。语言的趣味性不仅仅是一个语言的技巧问题,也是教师深厚教学功底的体现。富有趣味性的教学语言能够刺激学生对头脑中的记忆表象加工改造,激发学生再造想象和创造想象。 1.2实验的示范性 教师进行课堂演示实验时,要用规范的操作方式向学生示范正确使用仪器,认真读取数据,尊重事实,不涂改、不凑数据,科学分析实验结果。1.3板书的示范性教师的板书对学生起着示范作用。因此,板书要力争做到构图简单,布局合理,比例恰当,原理正确,形象逼真。 2在物理教学中从教技能的训练 2.1表达能力的训练 教师语言表达能力的强弱,直接影响着教学质量。所以,语言表达能力的培养和训练在中师物理教学中显得尤为重要。语言表达能力的训练应从以下四个方面来考虑:第一,对教材中某些内容片断可以有选择地让学生讲解。第二,课堂复习提问时,请学生到前面回答教师提出的问题。第三,讲解新课时,提出具有启发性的问题让学生互相讨论,发表见解。第四,讲完新课后让学生到讲台前面小结。 2.2实验能力的训练 实验能力的训练主要是从两方面考虑:一是基本仪器使用的切l练,使学生掌握仪器的用途、使用注意事项及保养措施。二是实验操作能力的训练。学生实验对学生操作能力的培养起着决定性作用。在实验教学中,有计划、有步骤按教学大纲要求开展各项学生实验,并把一些验证性的实验改为探索性实验,一些演示性实验变为分组实验。在实验过程中,可以制造一些故障,让学生来排除。每个实验让学生自己设计实验过程,包括原理、仪器的使用、步骤、注意事项、结果分析。在实验能力训练方面,还可以让学生自找材料做一些小实验、小制作,这样既能增强了实验能力,也培养了学生的创造力。 2.3自学能力的训练 在教学中,对内容比较浅显、难度不大的课节,安排学生自学。学生在阅读教材的基础上,提出问题,然后大家讨论,最后教师总结、讲评。还可以结合教材中的阅读材料、小知识,以作业的方式留给学生,让学生认真阅读,课后教师检查学生阅读情况。 3在物理教学中突出知识的拓展性 随着科学技术的飞速发展,新科学、新知识、新技术不断产生,远远超过了教材范围。所以,在教学中除了进行基础知识和基本技能的传授之外,有必要让学生了解一些新知识、新技术,拓展学生的知识面。采取的方式可以是:通过课堂教学把新知识、新技术有机渗透到教学中,如讲电阻率时,向学生介绍超导体及超导体的作用;结合教学内容,把教材中的阅读材料、小知识作为课后作业,要求学生认真阅读;结合教材内容,有针对性地进行科普讲座,介绍现代技术的重要成果;面向农村、面向小学介绍农村用电知识、电教设备的应用。 作者:张素英 单位:鞍山市广播电视学校 学前教学论文:改革学前教育专业钢琴教学论文 地方高校学前教育专业的培养目标是培养热爱学前教育教学工作,具备一定理论基础、教学技能和实践能力较强,具有现代教育理念的合格学前、幼儿教师。其有别于艺术院系培养的专门艺术专业人才。在地方高校学前教育钢琴教学中,如何正确引导学生学习钢琴,充分调动学生的学习积极性,在有限的教学条件下,取得较好的教学效果,是我们钢琴教师所要关注并给予解决的优秀问题。因此,如何针对地方高校学前教育专业钢琴课的教学目标,改革钢琴教学内容、授课方式和教学课堂,提高钢琴教学质量,培养合格的幼儿教育工作者是我们地方高校学前教育钢琴教师的工作目标。下面笔者以自己所在单位河池学院为例来谈谈地方高校学前教育的钢琴教学改革。 一、河池学院学前教育专业钢琴教学现状 河池学院是2003年经教育部批准成立的一所全日制综合性普通本科院校。学校坐落在风景秀丽的全国优秀旅游城市、历史文化名城、壮族歌仙刘三姐的故乡———广西宜州市。学校成立以来,曾三次开展办学特色大讨论,明确了办学指导思想和办学定位,积极依托地方特色资源优势,发扬传统办学优势,各项事业取得了显著进步。经过十几年的努力,学校在人才培养中探索出了一条适应自身发展的、具有少数民族地区特色的办学之路,为社会输送了大批合格的应用型专门人才。但是,由于种种原因,在教学工作中,学前教育专业的钢琴教学大纲尚未得到很好地完善,学生在钢琴方面的学习还存在许多不足之处。 1.学生现状。河池学院学前教育专业学生来自广西、贵州、福建等地。他们大部分在高中阶段没有接受过专门的音乐教育,许多学生更是从来没有接触过钢琴,来到大学后基本都是从零学起。笔者通过对河池学院学前教育2012级93名学生调查发现,在对音乐的态度中,学前教育学生喜欢音乐的有86人,占92.5%,对音乐觉得一般的有7人,占7.5%。在对钢琴课的态度中,学前教育学生喜欢钢琴课的有68人,占73%,一般的有17人,占18%;不喜欢的有8人,占9%。由此看来,多数学生是喜欢音乐的,他们对钢琴都有一种普遍的好感,喜欢钢琴课的人数远远多于不喜欢的人数,这为教师开展钢琴教学活动提供了良好的氛围基础。 2.教师现状。河池学院学前教育专业设在其二级单位教师教育学院。目前,教师教育学院只有声乐方向的音乐教师2人,没有专门的钢琴教师。2008年开始,教师教育学院都是外聘宜州市文工团的教师担任学前教育的钢琴课教学,但文工团的教师本身有自己的工作任务,其经常利用双休日或者周一到周五晚上时间上课,对学生的课外学习或课外活动产生较大影响。因此,从2011年起,学校教务处决定教师教育学院学前教育专业每年的钢琴课由河池学院艺术学院的钢琴教师来承担,而艺术学院的钢琴教师本身有自己的钢琴课教学工作,有的钢琴教师工作量超过25节每周,教学任务很重,他们经常没有太多的精力来应付非本单位的教学任务。因此,每年在安排学前教育专业钢琴教师授课对教师教育学院来说压力十分大。 3.教学现状。在河池学院学前教育钢琴教学中,由于学生素质高低不齐,教师在选择教学内容上碰到许多想象不到的困难,平时,有些教师总是忽视学生的基础训练,喜欢布置难度偏大的曲子给学生练习,学生在弹奏时在手指力度、触键音色、理解能力及表现能力的掌握等方面都达不到相应的要求。有些同学一周内根本无法完成教师布置的作业,这样就严重影响了教师的教学进度,从而影响教学效果和人才培养质量。另外,由于教学设备和教学场地不足,学生除了集中上大课外,课后都是以班为单位集中在大教室一起练习,练习效果不好,质量不高。 二、河池学院学前教育专业钢琴教学改革思路 河池学院学前教育专业的办学目标是培养合格的幼儿教育工作者,在人才培养方案中设置的钢琴课属于必修课,开设时间一般为两年。笔者认为,河池学院学前教育专业的钢琴课教学要避免像音乐专业一样的专业化,应以“注重基础训练,提高应用能力”为主。为实现这一培养目标,改革河池学院学前教育专业钢琴教学十分必要。那么,我们应该从哪些方面入手进行钢琴教学改革呢? 1.教学内容的改革。河池学院学前教育专业的钢琴教学要考虑整个教学内容的科学性、系统性、目的性和实用性。因此,在教学内容的选择上,我们不能照搬艺术院校钢琴专业教材,而是要有针对性地选择教学内容。首先,教师选择教材要注重教学内容的趣味性。学前教育专业钢琴教学的目的是使学生通过钢琴基础课的学习,掌握钢琴的基本弹奏方法和基本演奏技能,为学生走上工作岗位打下良好的基础。在教学过程中,我们可以多选用一些具有趣味性的乐曲,这样的乐曲音乐形象鲜明、内容生动,学生很容易理解和接受。为拓宽学前专业学生的音乐视野,教师还可以选择不同时期的、适合学生特点的更多作曲家的代表作品作为教学内容,学生通过学习能了解各个时期音乐的不同风格及特点,丰富学生的音乐修养,提高学生的学习效果。其次,教师选择教材要注重教学内容的实用性。河池学院学前教育专业钢琴基础学习应与伴奏实践相结合,体现钢琴学习的实用性。幼儿歌曲的即兴伴奏应当从基础学起,着眼于简易,力求简洁精练地表达幼儿歌曲的基本内容。因此,教师在两年的钢琴教学中,应在最后一学期适当安排即兴伴奏课,给学前教育专业学生传授即兴伴奏知识,可结合《学前幼师歌曲伴奏演奏曲集》、《幼儿师范钢琴即兴伴奏教程》等教材选择合适的曲目给学生练习,引导学生分析伴奏音型、伴奏织体及和声进行等,使伴奏知识始终贯穿其中。同时,在练习的过程中要坚持练习常用的柱式和弦、半分解和弦、分解和弦等伴奏音型,尤其是要对Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ级正三和弦的连接做常态化地练习。只有这样,才能提高学生的伴奏能力。 2.授课方式的改革。地方高校学前教育钢琴教学的授课方式主要有集体课、小组课和个别课等多种。由于河池学院教师教育学院钢琴师资紧缺,几年来,其钢琴课都是采用集体授课方式,每周开设两节钢琴课。这样的授课方式对学生的学习效果影响较大,因为每个学生对音乐的理解能力和感受能力及动手操作能力均不尽相同,他们在接受知识时总会存在参差不齐的现象。接受能力强的学生一周可以弹奏多首曲子,而接受能力稍差的学生一周一首简单的曲子也弹不下来,这给钢琴教师的教学带来了很大的困难,既影响了教师的教学进度,又打乱了教师的教学计划。通过几年的教学实践,笔者认为,河池学院学前教育专业钢琴课授课方式必须改革,一定不能在两年的教学时间内都采用集体课进行教学,应适当采取小组课、个别课的教学形式授课,以提高教学质量。首先,学校要开设小组课。从第二学期开始,教师可以将程度相近的10~12名钢琴学生组成一组统一授课。这些学生的学习内容大致相同。在教学过程中,教师针对每个学生存在的问题逐个分析,既要充分肯定每位学生的优点,又要及时纠正每位学生的不足之处,引导学生有比较地学习,向优秀的学生学习,让学生形成“你追我赶”的学习氛围。对同一作品的学习,教师要善于用生动、形象的语言描述每首作品所要表达的内容,要充分发挥学生的想象力和思维能力,引导他们置身于每一部音乐作品,让学生在宽松的小组课中获得更多的知识。其次,学校要开设个别课。教师主要针对程度较高、悟性较好、学习刻苦的学生进行个别辅导。采取这样的授课方式,会极大地提高学前教育钢琴教学效率,使学生的演奏能力得到充分地提高。 3.教学课堂的改革。地方高校学前教育学生掌握钢琴的相关知识、弹奏技能技巧和弹奏方法不止在课堂中获得,更重要的是要通过音乐实践课得到巩固和提高。河池学院学前教育的音乐实践课现在还并未真正开展起来,在平时的教学或其他艺术实践活动中,只有个别演奏程度较好的学生有机会弹奏一些难度较大的作品,有时能登台表演,而大多数学生几乎没有在公众面前表演的机会。因此,在学前教育专业钢琴教学中,教师应通过音乐实践活动,丰富学生的情感体验,培养学生的审美意识,提高学生的审美能力,促进学生的个性和谐发展。著名钢琴家巴拉基列夫认为:优秀的音乐教学必须让学生欣赏并参与艺术实践。我们可以在课堂上让学生多进行音乐实践,例如,规定每节课让部分学生上台表演一周的作业,并按月举行钢琴作业汇报,让学生一个个登台表演。这样不仅锻炼了学生的胆量,还激发了学生学习的积极性,提高教师的教学质量。因此,河池学院应尽快把音乐实践课列入学前教育专业钢琴教学计划,并尽快得以实施。 总之,地方高校学前教育钢琴教学改革必须从教学内容、授课方式、教学课堂等方面入手,要在钢琴教学中强调基础知识,不断提高学生的应用能力,培养学生良好的儿歌伴奏能力,在实践中不断探索学习方法,不断总结学习经验,走出一条适合地方高校钢琴教学特点的路子,为社会输送一批批合格的幼儿师资。 作者:谢姿媚 单位:河池学院 学前教学论文:高职院校学前教育钢琴教学论文 一、高职学前教育专业钢琴教学现状 目前,高职学前教育专业的钢琴教学普遍采取集体授课的方式,这种形式符合学前教育专业钢琴教学的规律,具有较高的课堂效率。但是,由于高职院校学前教育专业的招生数量逐年增加,专业课教师的授课负担加重,如果不能做到对于课堂教学效率的有效控制,就会因为教师资源的缺乏制约钢琴教学的正常进行。在这种现状下,调整教师编制,提升培养成本不可避免。钢琴课是高职院校学前教育专业的基础课程,其目的是将钢琴作为学生日后开展教学工作的辅助工具,而由于高职学生的整体素质具有差异性,对于钢琴的掌握情况存在较大差异。因此,高职院校学前教育专业的钢琴教学只能从最基础的钢琴知识做起。除此之外,当前钢琴课在高职学前教育专业的课时多为两个学年,传统的教学方式显然会造成劳动的重复与时间的浪费。高职院校将培养具有较强技术应用能力以及较高综合素质的人才作为基本目标,在不增加钢琴课学习时长的前提下,只有改变授课模式,改革授课方法才有利于提高授课效率,保证授课质量。 二、教学内容要具有针对性 针对性的教学内容,可以根据学生的实际情况进行具体问题具体分析,进一步提高钢琴教学的效率。学生在音乐理论知识的掌握上较为薄弱,无论是在识谱还是在节奏感与乐感上都并不成熟。因此,教师在进行教学时不能急于求成,要先让学生熟练掌握钢琴键盘的构成与位置,通过简单的分组训练使学生充分掌握学习内容。为了使学生能够掌握基本的钢琴弹奏技巧,教师可以先进行五指位的练习,然后再加入音阶的学习。在进行曲目选择时,教师可以从学生熟悉度较高的儿童歌曲入手,这既有助于学生掌握多学知识,又能使学生获得一定的成就感,提升其学习兴趣。在对简单的练习曲目进行讲解时,教师可以让学生进行即兴伴奏,为日后的幼儿歌曲伴奏打下基础。这种练习方式可以激发学生弹奏学习的热情,事半功倍。钢琴教学要注重培养学生的综合伴奏能力,即兴伴奏既适用于歌曲,也适用于幼儿舞曲、幼儿律动曲以及打击乐与音乐游戏。学生在进行即兴伴奏时,要判断乐曲的风格与调式,通过分析音乐作品得出伴奏的音型,展现不同乐曲的表现力。即兴伴奏具有很强的实践性,有利于培养学生的实践能力,提高学生的整体素质与水平。 三、教学模式要具有灵活性 传统的教学模式以单独授课为主,具有较强的针对性,可以做到因材施教。但是由于教育成本过高,使得教学过程中学生之间缺乏沟通,彼此了解程度较低,缺乏相互比较,使得消极被动的心理产生。因此,在高职学前教育专业的钢琴教学上,可以采取集中授课与小组授课相结合的方式,努力做到做到学生一组一琴。教师在讲解的过程中进行示范,学生一边观察教师的示范一边进行弹奏,这种教学模式既可以使学生相互了解、相互学习,也可以促进师生之间的交流,使钢琴理论转化为弹奏技巧。在具体的教学过程中,教师要及时纠正学生在练习时出现的问题,指导学生正确练习,消除错误,提高教学水平,使教学成果得到巩固。在学习初期简单曲目的教学中,教师可以采取小组教学的方式,例如四人一组同时弹奏,观察学生的弹奏水平,再依据学生的具体弹奏情况将学习能力相似的学生分为一组。在之后的教学过程中,教师可以采取集体授课与小组授课相结合的教学模式,由于学生基本掌握了钢琴的演奏技巧,教师在此时的个别指导将具有更强的针对性,使学生能够在力度、速度、音乐风格以及音乐表现力拥有更深刻的理解与感悟。 四、教学手段要具有丰富性 第一,坚持周周回课。教学之初就要培养学生周周回课的习惯,一方面,教师要制定每堂课的具体要求与目标;另一方面,学生要保质保量完成作业。这种周周回课的做法既有助于学生掌握钢琴演奏知识以及弹奏技巧,又有助于提升学生的学习进度与学习能力。在钢琴教学的过程中,也要给学生施加适当的压力。一方面,能够磨练学生的意志;另一方面,也有利于学生演奏能力的提高,激发学生的竞争意识,使其主动努力提升自己,享受学习成果。最终,学生会热爱钢琴学习,热爱钢琴演奏。 第二,拓宽教学内容。钢琴的演奏形式多种多样,当学生掌握了钢琴的基本演奏技巧时,教师可以引导学生进行合奏、声乐伴奏、合唱伴奏、独奏以及四手联弹等。教师也可以向学生播放录像与录音,提升学生对于音乐的感性认识,提高其对于音乐的感受力以及理解能力,进而使学生获得音乐素养的整体提升。只有做到课堂教学与艺术实践的紧密结合,才有助于激发学生的学习兴趣,变被动学习为主动学习。 第三,课外辅助训练。课堂时间的有限性并不能成为学生练习钢琴的制约因素,教师要巧妙运用课余时间对学生进行培训,使学生的演奏技巧得到提升。教师可以开展一系列的课外辅助训练让学生走出教室、走出琴房,例如边弹边唱比赛、儿童歌曲即兴伴奏比赛等,让学生展示自己的学习成果,也有助于学生为今后的工作打下坚实基础。 第四,教师专业素养的提升。教师是课堂教学的主要角色,优秀的教师具备优秀的专业素养,在整个教学过程中,教师的语言要做到生动形象、风趣幽默,教师的示范演奏要做到规范准确、得体自然,使自身的音乐素养得到充分的展示与发挥。除此之外,教师还要具有钢琴演奏技巧的语言表达能力,让学生充分理解教学内容。 五、教材选择要具有灵活性 高职院校学前教育专业钢琴教学在教材的选择上应该以传统教材为基础,适当增添趣味性较强的内容,提高学生的学习兴趣和学习效率,使学生能够主动学习,全面把握所学知识。由于钢琴课授课时间有限,因此在教材的选择上,应该更具有针对性与计划性。教师要根据教学需求进行教材选择。由于高职学前教育专业的钢琴演奏是学生必备的一项基本技能,因此,教学内容就应该做到理论与技能兼备,既要有练习曲目,又要包括伴奏弹奏以及伴奏编配的知识技巧。传统优秀教材例如拜厄钢琴基本教程、车尔尼钢琴基本教程等,可以用来练习如何触键、如何放松、如何转动手臂进行演奏等钢琴弹奏的基本技能。学生要掌握具有音阶、和弦以及琶音等演奏技巧的练习曲目,同时能够进行适当的拓展。除此之外,教材的选择要以实用性为主,着力培养综合性的幼儿师资。综上所述,高职学前教育专业的钢琴教学具有很大的发展空间,高职院校要结合教学经验,不断探索,走出一条具有高职特色的新路。教师要进一步提升自己的专业素养,不断改进教学思路与教学方法,提高钢琴教学的效率,提升教学质量,提升学生的钢琴演奏水平。 作者:贾雪萍 单位:铜川职业技术学院 学前教学论文:中职学前教育手工教学论文 摘要:随着时代的发展,信息技术逐渐应用到学校教育中,微课作为一种新型的教学模式,逐渐得到各界人士的应用。本研究旨在通过微课的课堂教学模式来激发中职学前教育专业学生对手工课程的学习兴趣,提高班级学习效率,对微课在中职学前教育专业手工教学中的应用提出相关策略,以此提升学生的手工操作水平。 关键词:微课;中职;手工专业;策略 1微课用于中职学前教育手工教学的必要性 1.1微课的特点。微课指的是在教学活动中,教师按照制订的教学计划将教学内容中知识的重点、难点制作成时间较短的PPT、音频或视频,通过多媒体的方式与学生进行互动的教学活动模式。它不同于传统的课堂教学模式,摒弃冗长、情景单一的模式,依靠现代信息技术将课堂模式打造成为“短小精悍、生动活泼、图文并茂”的新型课堂教学模式。在课堂应用中,微课以其精简性、实用性、多样性得到广大师生的喜爱。微课的实施过程分为以下几个步骤:观看微视频、微课件、引入课题、进行讨论。微课的类型较多,常见的有启发型、传授型、讲解型、讨论型、演示型等。微课的主要作用是帮助学生理解难点、重点,它是建立在传统课堂教学的基础上才得以实施的,并不能代替传统课堂教学。1.2手工教学对于中职学前教育的意义。手工教学是学前教育专业中的一项重要课程,良好的手工可以为学前教育的学生奠定良好的就业基础,从事幼儿教育的学生必须熟练掌握手工技能。手工不仅仅是手指上的舞蹈,还能反映手与脑的协调能力、思维逻辑、创新设计、操作能力等,熟练掌握手工技能的学前教育专业的学生可以为以后就业创造良好的机会,其就业服务对象的特点是对生活充满好奇心、求知欲较强、乐于表现,手工课程可以在较短的时间内稳定学生的情绪、打开思维设计的大门,是幼师的专业课程之一。因此,手工教学对中职学前教育专业的学生具有很重要的现实意义,同样,对幼儿学校的学生具有很重要的实践意义。1.3微课对于中职学前教育专业手工教学的影响。微课可以从抓重点、揪难点、探索技巧等方面启发教师与学生之间进行教学互动。微课能反映教师教学设计的专业性与教导性,体现教师的威严与创新意识;从学生的角度来分析微课,其帮助学生直抓教学重点,节约学生的时间,激发学生的学习兴趣,提高学习效率。随着时代的发展,信息技术的引入使得多媒体资源快速流入学校,手工教学作为中职学校的一项重要课程,受到了极大的影响。在新型教育模式的引导下,将微课与传统课堂教学模式相结合,才可以与时俱进地发展信息化教育,进而推动中职教育事业的发展。 2微课手工课堂教学策略研究 2.1妙设微课,做好示范。手工教学课堂的主要教学任务是通过课堂的引导来完成,其微课的教学设计十分巧妙。一节优秀的微课设计包括设计顺序、知识点、教学效果、课堂反馈等多个因素。在设计上,教师应遵循以下几点:第一,跟进研究手工近期的热点与考点,与时俱进。第二,把握手工课堂教学的重点与难点,精准透彻。第三,课件逻辑条理清晰,切勿拖沓。第四,微课中合理利用图片、音频等插件。从教学内容上看,手工微课的教学内容应具有针对性、新颖性,其掌握的专业知识要为以后的教学实践所运用,且面对的服务对象年龄较小。手工课程内容的选择上应加强趣味性,且内容应从简到难,具有一定的顺序。内容也应该包罗万象,在设计与操作上应从幼儿的角度出发,符合其行动力及操作力。从教学形式上看,形式应多种多样。示范性教学,可以由教师播放一段手工制作的视频,向学生进行步骤示范。在手工教学活动中,示范性教学具有重要意义,能弥补言语表达的缺陷,直接呈现操作步骤。在制作视频前,教师要根据教材来进行自我练习,熟练掌握制作技巧,分细节、分步骤准确地操作,适当加以文字、语言进行讲解;动作要规范、讲解要详细清楚,直观教学,提升效率。启发性教学则是在示范性教学的基础上,鼓励学生创新、发现规律,在教材的基础上创新制作过程,探索多种制作方法。从教学素材上来看,教材作为微课设计的主体,应在生活中发现手工素材,不应局限于教材。比如教材内有一篇《拉彩灯》,课文素材应用纸张来进行制作,教师应鼓励学生用多种素材来进行制作,如布、塑料袋等,创造多种形式,发散学生的思维。2.2精准导入,直抓要点。优秀的课堂活动应有一个好的开端——导入课堂,其作为教学活动的首要部分,直接影响着接下来的每一部分的效果及质量。传统的课堂手工教学活动,从教师的言语讲解开始,过渡到示范教学中,以学生实践操作结束。中职生相对于本科生来说,学习能力较低、美术功底较弱,理解能力也较低,教师单一的讲解过于乏味,且对时间的消耗较大,容易使课堂成为教师“单打独斗”的战场。为了更好地把握时间,提高教学效率,精彩的导入尤其重要。在微课的导入上应充分利用多媒体资源,场面时而华丽、时而清新,根据内容变换不同电子效果,调动学习气氛,实现以图片、音频、文字、讲解和示范合为一体的多种形式的精彩导入;满足学生的好奇心,发挥其审美特质,调动学生的学习热情,提高学习效率。2.3稳抓重难点,简易处理。手工课堂教学重在教学实践,教学内容多样,教学任务繁重。很多学生往往会在学习中“学了这个,忘了那个”。巧妙地利用微课技巧,分析课程的重点与难点,进行微课制作,简单分化,帮助学生随时复习、练习;利于资源的重整与利用,更好地为学生服务,节省教师资源。针对手工制作的重难点,通过微课进行更加详细的讲解与示范,可以变换不同的操作方式,用通俗易懂的语言进行示范与启发,加深学生学习的印象,深化对学习的理解。对知识点把握不清的学生,教师可以要求其将微课课件进行拷贝,课后反复练习。2.4因材施教,体验微课。微课的实施者不局限于教师,学生也可作为主体参与进来,教师可以对学生进行隐形分层,在每一个教学阶段,可以选一名学生制作微课,让学生在制作、设计微课中,发挥才能,增强综合能力,提高学生的讲课水平。 3结语 微课在手工课堂的应用,不仅反映了时代的进步,也反映了教育的先进性,在传统课堂教学模式的基础上,使得课堂效率更加高效,为学生、教师带来更大的便利。从教师的视角出发,微课的应用利于资源的整合利用,摒弃了教案设计的枯燥乏味,便于教师与教师之间进行合作,对微课进行探索。从学生视角来看,学生脱离教师与课堂后,可以增强其学习的独立性和自律性,不断反思与自评。 作者:谭惠丹 单位:钦州市合浦师范学校 学前教学论文:学前教育儿童画教学论文 摘要:本文分别从丰富绘画技巧、拓展教学内容、转变学生角色、采取不同方式、培养创作思维等方面,探索学前教育专业的儿童画教学策略,提升儿童画教学实效,培养学生的绘画技巧和艺术素养。 关键词:探析;学前教育;儿童画;教学策略 儿童画是一种能够反映儿童心理、思维和能力的绘画作品,是学前教育专业学生要掌握的一项基本内容。儿童画是儿童自己通过观察和理解而呈现出来的作品。儿童画能够培养儿童欣赏与评述、表现与创造、设计与应用、交流与合作等方面的能力;提高幼儿的人文素养、生活情趣,形成乐学、求美、创新等品质;也可以让幼儿充分享受愉快的童年生活,塑造学生健全的人格。为此,学前教育专业学生要了解儿童的心理发展特点,然后再根据创作内容展示儿童的内心世界。这就要求学生具有儿童的思维,并大胆想象,老师要采取不同教学方式,如角色互换等,让学生的创作思维得到提升。 1丰富绘画技巧 绘画需要一定的技巧,学生只有掌握了技巧,才能实现创造和提升。对于儿童画来讲,其中的技巧是非常多的。学前教育专业的学生掌握了这些绘画技巧,并能在今后的课堂教学中实际运用,才能真正算得上掌握。但是由于学前教育专业的学生今后面临的教育对象是幼儿,其理解能力有限,对生活的感知等方面都缺乏一定的经验,这样就会导致他们很难表达自己内心的想法。为此,对于儿童画来讲,我们要对作品细节进行描绘,在画中去寻找生活的映射,从而帮助幼儿理解绘画的含义,提升他们对画画的兴趣。对于色彩,他们也会对其产生一定的兴趣,蜡笔、彩铅、油画棒等,色彩鲜艳,机理感强,将几种色彩进行组合就可以变成不同的颜色,幼儿会产生好奇心理,进而吸引他们学习绘画,为以后的教育教学工作打下坚实的基础。 2拓展教学内容 无论是什么画,都要有学习内容和基础,然后一步一个脚印去做。儿童画与其他画是一样的,需要绘画技巧和创新思维。对于成人来讲,儿童画没有太大难度。如果我们面对的幼儿,该如何让他们掌握绘画技巧?为此,在学前教育专业儿童画教学中,教师不仅要把幼儿能够接触到的事物传授给学生,还要拓展教学内容。在儿童画教学过程中,先学习一些基本的人物画和花草树木等内容,教师还应该引导学生进行一些创意活动。如果只是把一些简单的人和物作为创作的对象,那么就会固化学生的思维,让学生丧失创作能力。因为无论是什么画,培养学生的创造力和想象力永远是放在第一位的,这样才能使创造的作品有价值。学前教育专业的学生今后会走上幼儿教师的岗位,他们会参与到培养和提升幼儿思维能力和创造能力的活动。 3转变学生角色 对于学前教育专业的学生来讲,将来很多学生都要走向幼儿教师这个工作岗位。对于这种从学生转化到老师的角色,特别是要他们真实地面对幼儿来讲课,都或多或少会有一些不适应,不知道该如何处理一些问题,从而导致工作无法进行。对于这种情况,在平时学习中就要做好准备。为此,在日常的教学过程中,我们要经常采取互换角色的方式,即让学生到讲台上体验教师的角色,老师和其他学生扮演幼儿角色。在这种开放式的教学中,让学生进行儿童画的教学,然后让其他同学评一评,改正自己的不足,老师再作最后的点评。这样就给学生一个接近真实的环境进行实践,弥补不足。同时,学校还要组织实习实训工作,让学前教育专业的学生到幼儿园和幼儿教育机构学习实践,为他们提供锻炼的机会,从而了解幼儿的心理发展特点,进行针对性的教育。教育家卢梭说过:“一切学生都要从儿童的心智开始。”儿童画教学也是一样,我们要根据儿童特点开展教学,并适应工作环境。 4采取不同方式 教学方式多种多样。学前教育专业学生的教学方式也要多样化,其主要目的是激发其学习兴趣,强化学习效果,并进一步培养其学习能力。学前教育专业儿童画教学的最终目的是让学生站在讲台给幼儿上课。我们都知道幼儿的年龄比较小,而且注意力不集中,我们采取单一的教学方式不能很好地去调动他们,这样就不能保证教育教学的质量。为此,只有采取综合性的、多样性的教学模式,让幼儿在很短的时间投入学习当中,特别是现在多媒体的引入,可以给儿童创造一个身临其境的环境,提升他们对事物和事件的感知,从而提升儿童画教学的实效。所以,在学前教学专业儿童画教学的过程中,我们要充分利用多媒体、电子白板等工具辅助课堂教学。其中,最重要的就是利用多媒体创设情境,还有利用绘图软件进行教学和练习等。打造以多媒体为中心的互动教学,通过线上线下教学等方式,让学生的个性化学习体现出来,激发学生的学习潜能。学生具有了学习能力,才能丰富知识,提升绘画技巧。 5培养创造思维 儿童画教学要培养学生的创造思维,学前教育专业的学生也要能够体现创造思维。有了创造,就有了价值。为此,我们可以在儿童画教学过程中根据不同的创作内容,对学生进行有意识的思维培养。首先,就是可以培养学生创造思维的灵活性。思维的灵活性是指思维要从不同的角度、不同的方向,选择不同的方法,特别是针对同一题材,进行多方面、多层次的思考和认识。学生不仅要从自己的角度思考,还要从幼儿的角度进行思考,甚至是各种角色的转变等。例如,儿童画“我的妈妈”主题创作中,为了能体现妈妈的特征,我们通过播放视频、图片甚至是故事等,让学生想象,然后他们就可以拓展自己的思维,把妈妈的鼻子、嘴、牙齿画得有模有样,而自己却留在一个小角落里,这样学生就能掌握幼儿的心理特点,他们的创造能力就表现了出来。让我们的学生具有儿童的思想,就要让思维灵活起来。其次,要大胆联想,提升思维的敏捷性。学生的头脑越灵活,联想就越丰富,他们的思维就更加敏捷。那么,我们就应该在教学中有意识地引导学生进行大胆而丰富的联想,将画中的各种思想联想起来进行合理构图。让学生把自己想象当成2~6岁的儿童。比如,一条弯弯的线条可以看成是一根面条、一段毛线甚至看出是小狗在奔跑等。大胆想象,才能创造出新颖的作品。 总之,学前教育专业的儿童画教学需要精心准备,才能提升教学实效,让学生学会绘画的技巧和方法,进而提升学生的艺术能力。艺术教育是一个创造的过程,具有一定灵活性和不确定性。这就要求在教学中注重对学生基本技能和创造能力的培养和提升。为此,我们要改进教学方法,创造性地进行课堂教学,从而让学生的思维更灵活,创造能力更强。 作者:王立东 单位:安庆大别山科技学校 学前教学论文:学前教育音乐教学论文 摘要:本文在分析职业院校学前教育专业音乐教学改革存在问题的基础上,结合职业学校学前教育发展实际,从音乐教学内容、方法、手段等方面具体阐述职业学校学前教育专业音乐教学改革,旨在更好地促进职业学校学前教育专业音乐教育发展。 关键词:职业学校;学前教育;音乐教学改革 音乐课程是职业学校学前教育专业的重要课程,对提升学生艺术素养、培养学生艺术审美、陶冶学生情操以及促进学生全面发展起到了十分重要的作用。但是,现阶段职业学校学前教育专业音乐教学发展实际没有紧跟学前教育专业课程改革发展步伐,很大程度上制约了人才培养质量和教学质量。为此,职业学校学前教育专业音乐教学改革显得尤为重要。 一、职业学校学前教育专业音乐课现状 第一,职业学校学前教育专业的部分学生在上职业学校前没有接受过正规的音乐教育,很多学生来自农村,来学校之前根本没见过钢琴。音乐课只是跟教师学唱过几首歌,乐理知识一片空白。第二,职业学校学前教育专业音乐教学可以分为钢琴、视唱、声乐、乐理、合唱、奥尔夫音乐教学法等几部分。可是因为中职学生在校只有两年或更短的时间,而且好多学校师资严重短缺,就出现了一个教师负责一个班所有音乐课程教学的情况,既不科学也不规范,教学效果更是可想而知。第三,职业学校学前教育专业毕业的学生,就业方向为幼儿园或早教中心。尤其是幼儿园,对学生音乐教学中儿歌弹唱、识谱、奥尔夫音乐教学法的要求还是非常高的。所以,学生在校只学习这么一点音乐教学中的皮毛,根本无法胜任幼儿园中的音乐课教学。 二、职业学校学前教育专业音乐课改革方向 1.有的放矢的教学模式。学生入学之初,根据面试及个人意愿可分为美术方向或音乐方向的特长班。进入音乐特长班的学生,应该具备的第一点素质就是唱歌不能跑调。音乐特长班的课程可与普通学前教育班略有不同,适当增加音乐课及学生课下练琴的时间,而且在音乐教学中课程可以进行更加细致的划分。有钢琴特长的学生课下更多地去练习钢琴、有声乐特长的学生课下更多地去练习声乐,教师有的放矢地教学,学生学起来一定会事半功倍。2.实行教考分离,锻炼学生的胆量。学生在职业学校学习阶段,一般情况就是一名音乐教师从入学之初一直把这个班带到毕业。开始面对教师上课的时候还会有些紧张,可随着时间的推移,她会和教师越来越熟悉。针对这种情况,就应该在期末考试的时候,让学生单独在舞台上进行考试,现场抽题——弹琴、唱歌,所有音乐组的教师现场打分,真正实现教考分离。第一学期,学生们可能不适应,会特别紧张,但几个学期下来学生的胆量一定会越练越大。3.分组教学,事半功倍。职业学校学前教育专业每个班的学生都会达到40~50人,班容量很大,这就增加了教师开展音乐教学的难度。音乐教学不同于语文、英语等大班课的教学,更适合采用一对一的教学方法。针对这种情况,教师可以采用分组教学的方法。教师指定知识和技能掌握较好的学生当这一小组的组长,指导监督小组成员练习钢琴或声乐,并把小组成员练习情况反映给教师,小组成员之间也可以相互讨论学习,优势互补。教师也可以根据组长反映的情况,合理安排接下来的教学工作。4.适当加入奥尔夫教学法。奥尔夫音乐教育体系属于当今社会最有影响力的教育体系之一,奥尔夫音乐教育体系将舞蹈动作、肢体语言等多项综合艺术形式融合为一体。对此,在学前教育的音乐教学中可采用游戏的教学模式培养学生学习音乐的兴趣,通过即兴方式培养学生的创新能力,融合其他学科如美术,开启学生的创新能力。 三、小结 职业学校学前教育专业音乐教学的改革任重而道远,希望通过音乐教学的改革,能为学生更好地学习音乐提供服务。 作者:曹宗楠 谢春玉 单位:河北省承德技师学院 学前教学论文:中职学前教育舞蹈教学论文 在中职教育教学中舞蹈是其重要的教学学科,舞蹈教学不仅让学生探讨中职学前教育专业舞蹈教学中如何培养学生的创造力在中职教育教学中舞蹈是其重要的教学学科,舞蹈教学不仅让学生学习相应的舞蹈动作,还能够培养学生的观察力、判断力等。中职舞蹈教育教学中着重培养学生对舞蹈动作的设计、舞蹈的编排以及舞蹈的表现力等,以此更好的促进学生全面发展。在中职舞蹈教学中要注重教学模式的转变以此鼓励学生在舞蹈学习中进行创作,以便更好的提升其教学效果。 一、中职学前教育专业学生舞蹈创新能力培养的必要性 舞蹈一般具有一定的创新力,不仅仅是指舞蹈作品本身具有创新性,还在于舞蹈动作中好包含了对原有动作的理解和创新。不同的舞者对舞蹈的理解不同,表现出的舞姿也具有不同的效果。为此在中职舞蹈教学中能够更好的培养学生的艺术素养,艺术素质。如果缺少一定的舞蹈创新能力,那么在舞蹈学习中也只能生搬硬套别人的作品,这样是无法适应职场需求的。为此,在中职舞蹈教学中培养学生的舞蹈创新能力具有重要的作用,以便为学生长足发展奠定坚持的基础。 二、中职学前教育专业舞蹈教学中培养学生创造力的措施 1.注重教学模式的转变,激发学生的学习兴趣。在中职学前教育专业中学生之前有的没有接触过舞蹈,如果在教学过程中采用传统的教学模式不能取得理想的教学效果,别说对学生创新性的培养了。为此,教师在教育教学中要能够了解中职学生在学习、生活中的兴趣以及学生的舞蹈水平有针对性的选择相应的教学内容,激发学生的学习兴趣。例如在学习《中央舞台》时可以给学生准备一些经典而有趣的舞蹈视频让学生观看,先让学生通过视频去感受舞蹈的魅力,然后教师再对舞蹈进行讲解,让学生明白舞蹈中所具有的艺术知识,以此让学生积极主动的参与到舞蹈学习中,取得较好的教学效果。2.鼓励学生进行舞蹈创新。在舞蹈学习中教师要为学生创设一种学习氛围,先让学生学习基础性的舞蹈动作,教师在舞蹈教学中要重点讲解舞蹈动作要点,指导学生进行完成,并对学生可能出现的错误进行纠正。在舞蹈教学中可以采取单独辅导的方式让学生自己发现舞蹈中的错误。教师在对舞蹈进行讲解时要带有感情以及利用舞蹈肢体的张力来感染学生进行舞蹈的学习。教师赋予感情的舞蹈教学不仅让学生更容易理解舞蹈的意义,还能够让学生利用自己的理解去赋予舞蹈以感情,从而创作出属于自己风格的舞蹈动作,提升学生对舞蹈的创新能力。3.注重舞蹈的创编以及艺术实践。在中职舞蹈教学中对学生舞蹈创新能力培养的关键在于让学生能够大胆的对舞蹈进行创编以及参与到一些艺术实践活动中,让学生发挥自己的想象力对原有的舞蹈进行创作,以便实现舞蹈动作的迁移也能够为学生日后的职业需求奠定坚实的基础。在中职舞蹈教学中要注重启发学生引导学生能够用心进行学习,激发学生的舞蹈创作潜能,以便更好对舞蹈进行创作。教师要注重对学生的鼓励和奖励,对在舞蹈学习中表现比较好的学生进行奖励,以便更好的培养学生的舞蹈创新能力。 三、结语 舞蹈教学不仅是学习相应的舞蹈动作,还能够培养学生的观察力、判断力。在中职舞蹈教学中要转变传统教学方式注重发挥学生的主体作用以及教师的引导作用。教师在教育教学中要能够了解中职学生在学习、生活中的兴趣以及学生的舞蹈水平有针对性的选择相应的教学内容,鼓励学生进行舞蹈创作,激发学生的想象力和思维力以便取得更好的教学效果。 作者:陈瑜 单位:江苏省淮安市高级职业技术学校 学前教学论文:高校学前心理学课程教学论文 摘要:本文首先分析了高校学前教育专业《学前心理学》教学改革的必要性及目标。又在此基础上提出了具体的教学改革策略,即关注学生能力发展,创新教学方法;改革教学模式,强化教学实践性;强调学以致用,建立科学的考评制度。希望促进这门学科的进一步发展。 关键词:高校;学前教育;《学前心理学》 1《学前心理学》教学改革必要性及目标 1.1学前教育专业《学前心理学》改革的必要性 《学前心理学》教育主要涉及学前儿童的认知规律和性格特点,因此,在教学过程中教师既要关注基础知识的传授,又要加强具体技能的训练。高校的学生在进入大学之前很少接触心理学知识,因此,《学前心理学》的教学要求对他们而言有一定的难度。因此,在这门学科的教学过程中教师要根据新课程改革的要求,在课堂教学中设置一个或几个具体的课堂目标,每个目标又要细致划分为若干个步骤或层次,将教学要点和难点贯穿到这些目标中。在教师的指导和点拨下,学生主动提出问题,并寻求解决问题的途径,这无疑可以极大地调动学生在《学前心理学》教育中的积极性。但目前,大部分高校的《学前心理学》教学依旧采用传统的教学模式,教学中依然出现“灌输式”和“填鸭式”现象。教师只是一味的讲解心理学知识,根本没有考虑到学生的学习需求,导致学生在《学前心理学》教学中始终处于被动状态。认为这门课程艰涩难懂,且枯燥无味,进而逐渐失去了学习兴趣。由此可见,对《学前心理学》的教学改革已经成为教育发展的必然趋势。需要注意的是,在改革过程中,教师要勇于打破传统教育模式,并根据这门学科的特点和学生的实际学习情况,及时调整教学进度,并制定合理的教学计划,设立阶段性教学目标,注意突破这门学科的重难点,兼顾不同层次学生的需求。采取多样化的教学方法,充分调动学生对《学前心理学》的学习热情,进而提高这门课程的教学效率[1]。 1.2学前教育专业《学前心理学》教学改革的目标 根据学科特点和学生的发展需求,《学前心理学》应当转变原来的灌输式教育理念,教师在课堂教学中要引导学生主动提出问题、探究问题,进而解决问题。让学生在此过程中逐步提高自身的情感、知识和技能素质。在设置教学目标时,教师应当关注学生的知识结构,了解学生对心理学的接受情况,进而引导学生在课堂上掌握基本的学前心理学理论和概念。此外,教师在课堂上应避免直接给出心理学案例或问题的解决方法,要鼓励学生通过自学、合作学习、分组讨论等方式,逐步寻求解决问题的途径。根据当前社会对学前教育人才的需求,高校学前教育《学前心理学》的教学目标首先应包括知识目标,即探讨研究儿童心理问题和现象的方法、研究学前儿童在各个阶段的心理特点、掌握学前心理学的基本原理和概念。其次是指技能目标,即语言表达能力、教育教学能力、分析和解决问题的能力。再次则是指情感目标,即幼儿教师的职业意识和道德、正确的教育观和儿童观、个体人格的完善。 2《学前心理学》教学策略 2.1关注学生能力发展,创新教学方法 《学前心理学》是幼儿教育实践工作者、理论研究者必须学习的课程[2]。高校学前教育专业学生通过学习这门课程,可以掌握儿童心理发展的基本规律和变化特点,并了解有关儿童心理的基本原理。掌握相应的教育措施,培养对幼儿教育的兴趣。同时,这门课程还可以帮助高校院系学前教育专业的学生解决儿童教育中的实际问题。《学前心理学》的这些特点和性质要求教师在课堂教学过程中要综合运用多种教学方法,提高学生的学习积极性。相较于普通的心理学研究,学前心理学具有更加独特的一面,由于学前儿童在知识、语言、思维、生活经验等方面的知识都相对匮乏,因此,他们的心理活动主要表现在行为举动中。这就要求教师在《学前心理学》教学过程中关注实践教学,指导学生接触学前儿童,并观察他们的行为、语言及心理特点。并根据观察结果,为学生讲解相关的心理学知识。此外,还要有效利用幼儿园的录像和生活记录资料,要求学生将观察的结果带到课堂总,分小组讨论、研究资料内容,并针对录像中的问题寻求解决途径,以此培养学生发现问题和解决问题的能力。 2.2改革教学模式,强化教学实践性 首先,教师应当根据高校学前教育专业学生在《学前心理学》方面的学习水平,设置一定的教学任务,让学生根据任务自主研究教材内容,并合作完成学习任务。其次,可以实施项目实践法。例如,为了了解儿童的交往类型和关系,可以安排学前教育专业的学生在实习过程中,观察儿童在交往中的行为和态度,并着重调查某一班级儿童的交往情况,依据调查结果绘制幼儿交往关系图,并以书面形式在课堂上讲解关系图,以此引导学生在调查实践中自主掌握心理学知识。再次,还可以结合教学内容进行实训教学,指导学生参与具体的操作过程。此外,还要加强与幼儿园的合作,让学生到幼儿教育前线实习,负责具体的幼儿教育工作,在工作中验证和巩固自己已经习得的心理学知识,进而形成系统心理学知识体系。 2.3强调学以致用,建立科学的考评制度 建立科学的考核体系,同样是提高《学前心理学》教学效率的必然要求,为了凸显这门学科的应用性与实践性特点,必须改变传统的考核标准,将终结性评价与形成性评价有机结合在一起。并突出过程性评价,即在考核过程中强调学生在日常学习中的表现。以此引导学生重视《学前心理学》教学的各个环节。日常考核首先包括课堂表现,即案例讨论分析、学习任务完成、课堂问题回答、实习实训表现等内容。其次包括作业完成情况,促使学生及时掌握和巩固学前心理学理论知识。再次包括实践活动,以此引导学前教育专业学生自觉运用习得的心理学知识解决幼儿教育问题。在革新日常考核制度的基础上,还要改革期末考试制度。在闭卷考试的基础上,增加开卷考试内容,闭卷考试内容主要涉及基础心理学知识,开卷部分则以综合运用和案例分析为主。以此引导学生将基础知识学习与实际分析运用结合起来,进而增强自身的心理学知识运用能力。 3结论 高校学前教育专业《学前心理学》教学,对于学生的成长和学习有着重要的辅助作用,做好《学前心理学》教学工作,需要更为合理的教学方法和模式。这就要求各高校对传统《学前心理学》教学模式加以改革,从根本上提高《学前心理学》教学的教学质量和效率,为培养德、智、体、美、劳全面发展的创新型专业人才做出贡献。 作者:牛艳 单位:济源职业技术学院
钢琴教学指导论文:钢琴伴奏在声乐表演教学中的艺术指导性探讨 【摘 要】声乐表演能够带给大众艺术的熏陶和享受,声乐艺术表演形式多样,涵盖艺术内容丰富,具有较高的审美价值和艺术价值。在声乐艺术演奏中,钢琴伴奏应用较为广泛。以钢琴伴奏在声乐表演的应用为教学内容,能够启发学生的艺术思维,通过艺术性的指导呈现,探索钢琴伴奏在声乐表演中的艺术之美。钢琴伴奏在声乐表演教学中的艺术指导贯穿于教育实践的整个过程,本文以钢琴伴奏在声乐表演中的教学认知、教学感受和教学实践三个环节中的艺术指导为研究对象,有针对性地进行逐一分析,希望能够对高校声乐教学有所帮助。 【关键词】钢琴伴奏 声乐表演 教学 艺术指导 前言 钢琴伴奏在声乐艺术表演中发挥着重要的艺术作用,钢琴伴奏同声乐艺术表演二者之间是相互促进、相互衬托的关系。充分发挥钢琴伴奏在声乐表演中的艺术指导作用能够带动整体艺术表现的氛围,通过发声状态的调整,形成最佳的艺术表现状态。在教学实践的过程中,教师应该重视钢琴伴奏的指导性作用,将钢琴伴奏充分融入到声乐表演中,对发声的状态、技巧、声乐艺术语言的体现等内容进行整合,有效地提升声乐教学的质量。在声乐表演教学中发挥钢琴教学的独特艺术引导,实现声乐艺术教学能力的提升,从而培养更多的专业声乐表演人才。 钢琴伴奏在声乐表演教学认知环节中的指导 1.指导声乐表演者对作品的认识 钢琴伴奏在声乐表演教学中想要最大程度地发挥指导作用,首先要掌握基础性的指导。声乐表演者要充分地认识作品内容,包括对作者、演唱者、作品的创作背景、创作风格等内容,融入到作品创作的环境中,这样才能够更好地感受作品本身的魅力。了解作品就是了解声乐表演的开始,记住这些音乐元素和音乐符号,能够与创作者达到共鸣,更好地演绎声乐作品。对于钢琴伴奏在声乐表演教学的艺术指导,教学实践应重视基础性学习,重视对钢琴伴奏的表演作用和意义进行分析,从掌握扎实的学习基础开始,保持对原作品的真实艺术呈现。 2.指导声乐表演者对二度创作的认识 钢琴伴奏在声乐表演教学中要深化学生对于作品二度创作的认识,声乐表演学习是一个循序渐进的过程,表演者逐渐能够形成对作品的独特认知。钢琴伴奏能够提升这种认知感,带动和活跃表演者的艺术思维,从而掌握钢琴伴奏的旋律感觉。二度创作的过程既保留了原作品的精髓,还进行了加工,丰富和延伸了艺术表现,是对表演元素的增加。在钢琴伴奏的声乐指导过程中,钢琴演奏者可以带动演唱者的情绪,让演唱者的演唱充分与声乐作品融合,从而全情投入,可以演绎出更为精彩的声乐内容。钢琴演奏应该为声乐表演教学创设二度创作的空间,让学生感受到自身学习的进步,能力的提升,在教学深化中挖掘学生的潜能。 钢琴伴奏在声乐表演教学感受中的艺术指导性 1.钢琴伴奏有助于提升声乐表演者对创作者的情感感受 在声乐表演教学中,钢琴伴奏的艺术指导需要学生的参与和感受,缺乏感受和体验环节的引导,对于作品内容的理解将会是片面、不充分的。演唱者需要感受和体验创作者的情感世界,感受创作者在创作过程中所融入的情感,建立起c创作者一致的艺术情感。当演唱者系统地把握了作品内容的时候,教学就进入到感受和体验环节,在这一过程中,学生的艺术表现力很容易被启发出来,很多优秀的声乐艺术作品都是在感受和体验中产生创作和演唱的冲动。每一个作品都有其特有的情感表现,创作者在创作的过程中融入了个人的情感,演唱者需要和创作者达到一种情感上的共鸣,融入到创作的情境。钢琴伴奏能够帮助演奏者更好地体验这种情感,融入到歌词中描绘的场景,以较为细致的情感揣摩,奠定声乐表演的整体基调。 2.钢琴伴奏能够指导声乐表演者对作品内容进行体验 声乐表演需要融入到作品当中,真正把握作品所要塑造的人物形象和故事内容,因为声乐作品最终是需要通过演唱者进行表现,声乐演唱表现的现场效果也是通过演唱者的表演体现出来的。钢琴伴奏具有多种艺术技巧,钢琴演奏能够通过技巧性的艺术呈现,让演唱者能够更容易去表演,更容易创造表演情境,从而较为生动地传达音乐作品的内容。钢琴伴奏能够指导声乐表演者对于作品中的人物、情境、情节进行情感上的交流,注重在情感上的体验,传达声乐作品的内容和情感。 钢琴伴奏在声乐表演教学实践中的艺术指导性 1.声乐语言指导 声乐语言的表现是声乐表演最直接的呈现,不同于生活语言,声乐语言的乐律性和联动性较强。声乐语言是带有情感的,而且在情感的表现上甚至更为强烈。钢琴伴奏和声乐语言之间有相似性,在节奏的表现力上都能够达到舒缓、高昂、悠扬、恬静等感觉。钢琴伴奏通过旋律和节奏能够传达声乐作品的情感,歌唱者会受到旋律的影响,激发内心的情感活动,以声乐语言的表达来进行情感的传达。同时,也更能够在表演中调动起观众的情绪,和现众实现情感上的共鸣。以钢琴伴奏对声乐表演进行指导,对于整体的表演效果有十分积极的推动作用。 2.神态指导 在声乐表演中,演唱者对于作品的艺术呈现表现为多个方面。观众透过表演者的演唱能够感受到声乐作品的艺术美感,表演者通过演唱能够传达出多种声乐符号。除了最为基本的声乐语言内容,对于人们最具影响力的声乐艺术表现是神态内容。眼神和面部表情的演绎所能够传达的情感更为细微,更具有震撼力。在声乐演唱教学中,通过钢琴伴奏可以较好地启发和引导学习者的内心情感,以眼神表现进行真情流露,将内心的情绪爆发和演绎出来。伴随着钢琴的演奏,声乐表演者能够全情投入,吸引观众的全部注意力,眼神传神,表情将神态所传达的声乐情感进一步深化,以神态的表现传达出声乐表演的艺术表现力。 3.肢体动作指导 肢体动作是一种艺术语言,在声乐表演中肢体动作的融入能够增加声乐表演的舞台表现力,加强声乐作品的艺术加工和创作。肢体动作是无声的声乐语言,声乐表演者在演唱的过程中随着乐律的变化、情感的融入能够自然地进行手势艺术流露。肢体动作的融入较为自然、协调,通常手势动作的融入是伴随着乐曲演奏的过程而发生的。在钢琴伴奏和音乐旋律的融合下,音乐、歌声、情感和肢体动作能够实现完美的表现。通过钢琴伴奏的带入,肢体艺术语言也有较大的发挥空间,恰到好处地融入到演唱中,起到增色作用。 4.形体表现指导 形体艺术的表现是声乐表演中较为常用的艺术手法。在声乐艺术的表演中,形体的训练也被作为重要内容。正如斯坦拉夫斯基所表述的,人在进入到精神生活之前,应该把握人的身体生活,应该形成角色的带入感。通过钢琴伴奏能够帮助演唱者融入到演唱作品的角色中,进行准确的定位,进而进行声乐表演作品的创作。声乐艺术作品中所传达的情感和内容、塑造的角色和情节都是需要经过表演者进行艺术表达的,例如在《卡门》的形象塑造上,钢琴伴奏能够从音乐节奏和音乐风格上呈现人物狂野、热情和奔放的形象,将情节中那种挑衅和斗争的气氛呈现出来。 5.舞台演绎指导 舞台演绎是声乐表演教学实践的最终呈现,声乐表演教学要培养学生适应舞台实践的能力。钢琴伴奏在声乐呈现中能够起到舒缓身心的作用,使表演者能够克服在舞台演绎中的恐惧感,让表演者回归到最为稳定的状态,在钢琴伴奏的带动下融入声乐表演的环境,甚至可以实现超长发挥。钢琴伴奏还可以启发声乐演唱者的思维想象力,以节奏进行暗示,让演唱者保持高昂的情绪,专注集中力。同时,钢琴伴奏还能够实现对表演者情感的引导,推动情感体验,达到情感的爆l,推动技巧的展现,传达声乐艺术的美感。 结论 钢琴伴奏对于声乐表演教学的艺术指导具有多样的表现,而且随着声乐表演教学的深入,钢琴伴奏的指导性和导入性更能够发挥学生的思维创造力。将钢琴伴奏融入到艺术表现中,可以演绎出更具有艺术表现力和影响力的声乐作品。在声乐表演的教学实践过程中,学生应该实现身与心的融合,在声乐艺术表现上既要能够感受到创作者的情感和意图,又要能够融入自身的理解,实现对整体声乐艺术表现的把握,带给大众较为震撼的艺术效果。钢琴伴奏对于声乐表演教学的艺术指导仍具有较大的发展空间,通过合理的教学设计和融入能够更好地培养声乐表演人才。 作者单位:西安音乐学院 陕西西安 钢琴教学指导论文:浅析声乐教学中钢琴艺术指导的作用 摘 要:在高校声乐教学实践中,钢琴艺术指导是必不可少的一部分,表演者的艺术表现力、情感、感染力等都与钢琴艺术指导有着紧密的关系。钢琴艺术指导主要通过钢琴伴奏的形式来辅助声乐教师演唱表演,使表演者在钢琴音乐表现方面及整体艺术感染力上达到风格、情感与意境浑然一体的效果,从而有效提升钢琴伴奏者的专业技巧与音乐素质,增强整个艺术作品的表现力。本文主要对钢琴艺术指导定义、类别以及声乐教学中钢琴艺术指导作用进行探讨,分析了高校钢琴艺术指导的重要意义,使钢琴艺术指导与声乐作品成为和谐统一的有机整体。 关键词:高校;声乐教学;钢琴艺术;指导;建设;重要性 0 引言 钢琴艺术指导专业是声乐教学中涉及钢琴、作曲、声乐、音乐史、语言等不同专业范畴的一门新兴的独立学科,主要体现在钢琴伴奏的形式上,钢琴演奏具有丰富多彩的艺术表现形式,它在声乐、器乐以及舞蹈表演领域发挥了重大的作用,是钢琴演奏艺术的一个分支。钢琴艺术指导能够增加演奏者、演唱者以及舞者的舞台表现力,不仅要求演奏者具备良好的独奏能力,更需要具备默契配合的合作能力。 1 钢琴艺术指导的含义 钢琴艺术指导主是以钢琴演奏为表现形式,具有覆盖面宽、技术含量复杂的艺术表现力,是声乐领域的一个分支。表演者在进行声乐表演时,均需要采用钢琴伴奏的艺术指导方式,钢琴艺术指导专业以钢琴独奏为基础,却又与之不同,二者互相补充,相辅相成,钢琴伴奏的最高原则是演奏者不能喧宾夺主,不仅要有一定的自我表现力,还要利用默契的声乐来配合演唱者,从而达到完美的音效渲染效果。 2 钢琴艺术指导的分类 2.1 声乐艺术指导 钢琴艺术指导具有相对独立的音乐结构和艺术表现的重要意义,也是钢琴演奏艺术发展水平的一个重要标志,它具有不同的音乐风格具体表现形式,与歌唱构成一个有机的整体,将音乐思维及艺术表现体现得淋漓尽致。在各高校音乐专业的演唱艺术实践中,演唱者与钢琴伴奏之间都需要默契的配合,伴奏者必须要对不同体裁的作品的音乐风格和不同情感上的差异进行合理的、规范的艺术处理,使之与演唱者所表达的作品风格相一致,只有这样才能将演唱者的情感表达出来,将作品演绎得更加丰富多彩。 2.2 舞蹈艺术指导 舞蹈艺术指导是一个庞大的体系,是一种以人体动作为主要表现手段的表演艺术。舞蹈钢琴艺术指导通过与舞者的合作来体现自身的艺术价值,是舞蹈基本功训练中不可或缺的一部分,也是钢琴艺术指导中的重要组成部分。舞蹈艺术指导更重要的是对舞蹈的基本动作、形式和构成的指导,不单单是出色的钢琴技巧,舞蹈艺术指导能够将舞蹈语汇的张力和音乐情绪的张力达到完美的统一。 2.3 器乐艺术指导 我国器乐的表现形式比较复杂,器乐演奏不像声乐作品带有歌词,器乐艺术指导与声乐艺术指导之间存在着显著的差异。因此,伴奏者与演奏者的默契配合就显得非常重要。同时,器乐具有与人声不同的音域、音色,而且器乐作品相对声乐作品篇幅较大,调性变化和曲式结构也较为复杂。伴奏者与演奏者可以根据彼此之间的默契合作以及音乐旋律自身的起伏来进行表演,让音乐给听者更加生动形象的感觉。这对钢琴伴奏者的演奏技巧具有更高的要求,需要伴奏者将作品中的整体音乐风格与情绪变化精确把握,掌握作品的高难度技巧,配合表演者的演出。 3 钢琴艺术指导对声乐教学的指导作用 在声乐教学前期,钢琴艺术指导教师要按照演奏的不同要求,充分了解指导的音乐作品的文化背景、语言规则以及情感表达,精确把握作品的和声进行、曲调结构、情绪变化,指导教师要在客观呈现和传达伴奏情感的基础上,对作品进行深层次的把握、分析,进而安排整个演奏的过程,根据自身具备的音乐素养及感性认知对声乐作品进行伴奏和指导,深入挖掘作品的细微特点,从音准、呼吸、风格、节奏、音乐效果等多个角度帮助演唱者处理和理解音乐,用弹奏的音乐旋律和感觉来带动演唱者的音乐感受力。只有这样才能使钢琴伴奏与演唱者配合默契,最终将舞台作品完美地表现出来。因此,钢琴艺术指导对声乐教学中是从配合到辅助,逐步升华到具有指导的艺术高度的过程。一部优秀的钢琴伴奏作品与一个优秀的钢琴伴奏者,往往在声乐教学的各个环节中发挥出不可估量的艺术指导作用。 4 钢琴艺术指导在声乐教学中的艺术指导性 4.1 心理上的指导性 在声乐表演中,演唱者承受着来自内心、来自观众、来自舞台的心理压力。一位合作默契的伴奏者,可以从演唱者开始演唱到结束一直陪伴着演唱者,同舟共济,互相支持,这就能缓解演唱者的心理压力,舒缓紧张情绪,轻松完成接下来的演唱。在声乐教学中的共鸣教学中,声乐钢琴伴奏以乐器独有的共鸣音色与特质,通过合作带来腔体的变化,从听觉和生理反应上引导演唱者找到共鸣的声音来提升演唱的音质。在声乐教学中,声乐钢琴伴奏主要根据音乐正确的句法、同步状态、歌曲思想、{节呼吸等缓解演唱者的压力,使演唱者进入最自然的气息状态。 4.2 技术上的指导性 在声乐表演中,当表演者遇到演出安排、准备情况、演出场地、演唱者的身体状况和嗓音状况等各种多变的因素时,钢琴伴奏可以凭借其本身具有的强劲音色表现力,在技术上弥补演唱者的突发状况。在正常的演唱中,钢琴伴奏通过前奏、间奏和尾声的铺垫和烘托,为演唱者提供暗示和引导。 5 结语 目前,高校钢琴艺术指导专业已经得到广泛关注,钢琴伴奏更是如此,但现今钢琴伴奏者与艺术指导之间还存在很大差距,很多钢琴伴奏者还缺乏艺术指导的内涵和气质。因此,高校钢琴伴奏者需要把钢琴伴奏艺术表现得更加形象生动,提高在钢琴伴奏音色控制、音乐色彩方面的造诣,将弹奏与歌唱发挥得尽善尽美,行云流水般地诠释音乐的流畅性与韵律感,并将其充分、恰当地运用到音乐专业的教学过程中,进而有效提高声乐教学中钢琴技艺的教学质量。 钢琴教学指导论文:声乐钢琴伴奏与艺术指导教学初探 摘 要:声乐钢琴伴奏与艺术指导作为声乐演出及教学的辅助学科,它不仅有进行钢琴伴奏的要求,更重要的是还有作为教师的任务:对声乐家或声乐学生在 作品风格、音乐处理、语言掌握、声音运用等等方面进行指导。因此对本门课程的教学主要从理论层次的知识点突破,和演奏过程中的技巧训练两方面进行。这种技巧包含了掌握不同的触键方法、与演唱者共呼吸、提高视奏能力、正确理解休止符的含义等。 关键词:声乐钢琴伴奏;艺术指导;教学 声乐钢琴伴奏与艺术指导作为声乐演出及教学的辅助学科,它包含了声乐钢琴伴奏与艺术指导两个方面的内涵。这两个内涵之间既有紧密的联系又有本质的不同。一般来说,声乐艺术指导都有进行声乐钢琴伴奏的能力,但他们还有作为教师的工作任务:对声乐家或声乐学生在作品风格、音乐处理、语言掌握、声音运用等等方面进行指导。[1]因此它的教学也应围绕这些方面来进行,我将这些总结为以下两个方面: 一、理论层次的知识点突破 这主要包括了对声乐作品词曲作者、时代背景、主题思想的了解及对作品风格、曲式结构的分析两个不同的层次。第一个层次属于基础面的知识点,可以让学生自己查阅相关文字资料及视听资料而获得。第二个层次属于有点难度的知识点,可以在课堂中以引导方式为主,共同分析,得出结论。 以《绿树成荫》这首曲目举例说明,学生通过预习,已经明确了此曲选自作曲家亨德尔的三幕歌剧《塞尔斯》的第一幕《广板》。因为亨德尔是巴洛克时期的代表作曲家之一,那么这首曲子就应该具备了巴洛克时期音乐多采用流利酣畅的多声部旋律、鲜明的强弱对比、华丽而繁复的装饰音这些音乐创作风格。 谱例一:《绿树成荫》 再通过以上伴奏谱例的分析,观察到此曲的伴奏风格除了采用通奏低音之外,还以复调写作手法为主,采用柱式和弦伴奏织体,旋律线条精雕细琢,每小节的节奏有时不均衡,音乐庄重、虔诚。其实这也正是巴洛克时期的伴奏风格。 二、演奏过程中的技巧训练 应该说学生作为钢琴独奏所学习的所有知识,包括技术训练在声乐钢琴伴奏中都用得上。但因为我们面对的是人声,就要求钢琴伴奏中的音色变化更加细腻、丰富。因此,在教学中应侧重以下几个方面的技巧训练: 1.掌握不同的触键方法,让音量、音色根据歌曲内容及歌唱者的需要而变化 决定作品音量、音色的因素基本可分为两类:一类是谱面上的所有跟音量、音色有关的标记,例如力度标记、情绪标记、奏法标记等等;另一类是谱面以外的,主要靠积累大量的曲目,在与歌唱者的合作中逐渐感受得来。在这一点的学习上,要具备比学习钢琴独奏更强的灵活性和更丰富的想象力。 以《昭君出塞》这首曲目举例说明,下面是前奏的一部分谱例: 谱例二:《昭君出塞》 此曲为描述了一位不满二十岁的弱女子王昭君,为了国家的和平,民族的安宁远嫁异族的和亲壮举。第一个和弦是在低音区出现一个包含着大二度音程的民族调式和弦,有着不谐和的音响。仿佛是在敲响历史的钟声,把人们的思绪推回到秦汉末年战火纷飞的年代。犹如一部历史剧开场前沉重的大锣的敲击声,预示着一个历史故事将要上演。演奏这个和弦时,所有的情感要在发声前酝酿到位,做到“未有曲调先有情”。要凝聚所有的情感和想象。手指贴住琴键,准备好键盘位置,用手臂的重量,从外往里“钩起”这个和弦,同样“钩起”了听众的思绪。演奏时,需由慢到快,由轻到强,两组六连音的处理要用好手腕使乐句一气呵成,尽可能地模仿出琵琶演奏的韵味。[3] 2.学会让心中的旋律从指尖流出,让钢琴替你“歌唱” 一个经常弹伴奏或是经常和伴奏的人,也许都有这样的一种感受。当伴奏者与一位音乐感觉非常好的演唱家合作,他会带给你很多音乐上的启示和灵感,同时用他的演唱感染着你;而当一位歌者与一位资深的艺术指导教师合作时,反过来也会被这位艺术指导指尖流露出的点点滴滴的情绪所带动。这一技巧点的训练,基本包括了如下几个方面: ①掌握不同语言的基本发音规律,了解正确的发声方法 对于任何一首声乐作品而言,旋律与歌词都是相互统一、密不可分的。许多经典作品都是语言与旋律的完美结合。对语言的了解与否将直接影响到作品音色的处理、音量及整体风格的把握。无论是意大利语、德语、法语、英语还是中国作品,不懂这些语言的特点又怎么可能完美地配合旋律、表现旋律。作为一名声乐艺术指导, 一定要熟悉合作对象的这些专业特点,另外包括发声方面都要有一个基本的判断力,这样伴奏的过程才会由最初的磨合达到最后的融为一体。[2] ②歌唱着弹奏,与演唱者共呼吸 声乐作品中的气口是会随着音乐的节奏、情绪的变化而发生长短、深浅变化的;而反过来不同的气口处理,也会直接影响到演唱者的气息调整。因此,一个好的钢琴伴奏者不仅要熟悉和感觉到演唱者的呼吸, 而且应该和演唱者共呼吸,在“ 心”中和演唱者一起唱。只有这样,气口才可能给得恰到好处,乐句才可能合作得更为默契, 从而使演唱者在声音、感情上得以充分发挥。 3.正确理解休止符的含义,将它与音乐融为一体 休止符作为无声的音乐,是任何有声的音符所不能代替的。它对塑造音乐形象、提高音乐的艺术表现力,有着不可低估的重要作用。不同时值的休止符出现在不同风格的乐曲中,它向听众传递的音乐情绪是不一样的。因为它是作曲家精心设计和艺术灵气的自然流露。[4] 4.努力提高视奏能力 对于视奏能力的培养,首先就是要掌握科学的读谱方法,例如:五线谱音程级数快速读谱法。其次,就是要在短时间内进行乐谱“轰炸”,其实,就是音乐中的题海战术。最终学会看三行谱,并且演奏中眼睛始终走在手的前面,最好在弹出乐谱的同时,情绪也能基本把握准确。 5.注重训练腕关节和掌关节的桥梁作用 因为我们合作的对象是人声,因此对于弹奏的连贯性、歌唱性要求比较高。在演奏中既要做到很好的颗粒性,更要注意手位的整体感,达到横向与纵向的连贯和通畅。既不能为了颗粒性,而将作品的自然乐句分割开来;也不能为了乐句的连贯,而失去了通透的音色。 对于这一技巧的训练,需要在实际弹奏中以情带腕,以气撑掌,再通过耳朵对音色的辨别来具体调整。 总之, 作为声乐钢琴伴奏与艺术指导, 指导音高、音准、节奏等音乐的基本要素只是钢琴艺术指导职责的一部分,而更重要的是要对作品的旋律、内涵、语言、内在气质、发音、呼吸等等很多方面做全面的研究。因为钢琴伴奏也是要弹文化的。所以,我们必须不断丰富自己的音乐修养,提高自己全面的技术能力,这也是我们需要不断努力的方向。而声乐钢琴伴奏与艺术指导的教学则更是任重而道远。 钢琴教学指导论文:现代教育理念指导下的高师钢琴教学模式探讨 摘要:高等师范院校音乐系科的钢琴教学课程,长期采用个别课或集体课的教学模式。在现代教育理念的影响下,这些教学模式在实际应用中,必须进行相应的调整,尤其要体现现代教育理念“研究型”、“主体性”的观念导向。同时,这种理念的调整应当落实于行之有效的教学方法。在笔者的教学实践中,这些教学方法主要有“情境式教学法”、“合作式教学法”以及“讨论式教学法”等。 关键词:高师钢琴教学;现代教育理念;钢琴教学模式 随着钢琴艺术教育在国内的蓬勃发展,有关各个教育阶段钢琴教学模式的学术文论,至今已涉及到多个领域及多样化的教学模式。在高等师范院校的钢琴教育方面,多年来的教学法改革和教学模式的研究,已经取得了令人瞩目的成绩,对钢琴教学实践产生了积极的推动作用。但是,纵观诸多研究文论,目前仍以感性教学经验的总结或其他学科教学原理的借用为主,对现代教育理念指导下的教学方法改进的研究,似乎仍显得比较薄弱。因此,本文即试图从现代教育理念角度出发,结合笔者多年来的教学实践,就高等师范院校钢琴课的教学模式及教学方法改革进行探讨,以期对钢琴教学实践产生更多的推动作用。由此,笔者将从以下三个方面来进行阐述。 一、钢琴教学常见模式的一般特征与局限性 根据国内外一些学者的研究,所谓“教学模式”,就是在“一定教学思想指导下,围绕着教学活动中的某一主题,形成相对稳定的系统化和理论化的教学范型。”[注:参见戴定澄著《音乐教育展望》,华东师范大学出版社,2001年版,第264页。]或者也可以简练地说,所谓教学模式,就是“导向特定的学习结果的一步步的程序。”[注:参见Gunter Maet著《Instruction:A models approach,Boston》, 1990年版,第67页。]就目前国内的高师钢琴教育现状而言,主流学校不外乎采用个别课与集体课两种教学模式。二者共同的特征是,在整个教学过程中,教师的演奏经验和对音乐内容的理解,是通过对学生演奏的评价与分析来实现的。可以说,在这个过程中,体现出了两个特点:一是感性化,二是主观性。而这两者在钢琴音乐乃至整个音乐艺术特性的范畴内,更加体现出其自在的教学过程呈现方式来。通常情况下,在一堂钢琴教学课中,学生的演奏(即“回课”)是教学过程的第一方面,另外一方面,则是教师的评价与指导。这种通行的模式,可以表示为如下图式: 倘若从信息呈示与反馈的角度,对上述这种动态过程中的各主要因素进行分别的表示,则可以是:“学生回课――信息呈现”、“教师分析与评价――信息处理与分析”及“信息回馈与二度处理”,则我们可以进一步将这一传统模式表示为: 由此,传统钢琴教学模式在信息处理的过程中,教学内容表现为一种闭合型的信息线性加工过程。就这种传统教学中的信息加工与处理过程,有的学者又将之归类为“情感模式”、“行为模式”、“认知模式”以及“综合模式”。[注:参见袁善琦著《音乐教学技能》,华中师范大学出版社,2002年版,第73页。]也就是说,这一过程表现出来更多的单向性。无疑,这种方式在过去的高师钢琴教学过程中,对大多数入学前为钢琴“白丁”的学生讲,都是行之有效的教学模式。但是,随着经济、社会的发展与全民音乐文化素养的普遍提高,更多的高师学生,在入校以前,较之以往,已经具备了一定的、乃至相当高的演奏水准。尤其是,配合高校素质教育的开展,高师学生的综合知识结构和学习能力,已经得到了很大的提高与扩充。在这种情况下,无论采用传统上述模式中的任何一种,势必都存在着学生期望值与教学效果之间的明显差距。这种差距的体现,具体而言,不只在钢琴教学个别课上有所体现,在集体授课过程中,也有着同样鲜明的反映。在这种情况下,传统钢琴教学模式的单向度特征及信息静态、恒定处理方式的弊病,也就日益显露出来。集中体现为学生已有演奏、欣赏经验和一定程度的学习思考,不能及时而充分地在教学过程中得到体现,从而使钢琴教学过程中过分依托于既定模式统摄下的教师的已有经验与思考。无疑,在某种程度上,这可以视为教学资源的流散与浪费。 此外,从现代教育理念而言,几乎所有高等学校的自然、社会学科的教学活动中,都开始倡导学生在教学过程中的参与性。并且,诸多学科的教学实践证明,学生的参与程度越高,教学资源的利用也就越充分,教学效果和进度也就越好。正如有的学者所指出的:“现代教学论认为:人的发展的最高目标就是人的主体性的发展。学生是具备丰富个性和能力的主体,具有独立性、主动性、创造性等基本属性。教学过程中,让学生参与教育行为的全过程,才能使学生真正成为教育教学认识活动和实践的主体。”[注:参见曹莉芳著《高师钢琴“课题型”教学模式研究》,湖南师范大学硕士学位论文,2006年,第9页。] 而这种主体性的体现,在笔者看来,不妨可以看作是传统教学过程中学生的主体性向教师的主导性所产生的一种冲击与弹性。表面上看来,这种冲击与弹性很容易被师生双方单纯地理解为一种传统教学模式的危机,而实际上,学生从“被动接受者”到“主动参与者”的过程,也正是教学双方教学资源与教学效果潜力的纵深挖掘与利用。因此,在这个意义上,笔者认为也可以将这种因学生主体身份变化而带来的教学模式的改良,进一步提升到“学生主动研究教学内容”的层面上来进行讨论。但是,在将这种理论构想付诸钢琴教学实践之前,我们发现,其中又隐含了几个方面的问题。比如,钢琴教学活动中,当学生从主体性地位之上的教学参与者向教学内容研究者的身份迁移过程中,如何能够发挥其思考教学内容的主观能动性,与教师共同合作进行教学难点的克服?与教师相比,学生在教学活动中,具有更强的主观性及随意性,如何将这种因主观性和随意性而带来的教学进度的延缓与教学规律本身的客观要求相协调?以及,如何才能激发学生跳出被动接受钢琴演奏技能与音乐处理经验的窠臼,寻找到更具创造性的学习策略?可以说,在这些环环相扣的问题中,我们首先需要解决的是教学内容主观性与学习形式客观性之间的协调问题。 二、钢琴教学模式中形式的客观性 与内容的主观性间的矛盾与协调策略 在高师钢琴课教学范畴内,无论采取个别课或集体课的模式,二者在教学组织形式与教学环节形式上,都具有相当的客观性。这种客观性的存在,要求师生双方在整个教学过程中,都须遵循着一定的“教―学结构”,在这种结构框架之内来开展教学内容。例如,在教授学生学习某一首乐曲时,不论是采取个别课还是集体课形式,教师首先都要对学生之前对该曲的背景知识掌握和初步练习情况进行了解与评价,其次要对乐曲有关技术难点进行讲解与讨论,最后要将针对该乐曲讲解与讨论的结果以要点提示的方式陈述给学生,以利于其课后学习与练习。可以说,这种一般的教学结构,不论如何改革,大致的实施流程是不会有太多的改变的。但是,与这种教学模式中呈现出来的教学结构的客观性相比,在具体的教学进程当中,教学内容的各个层面上,都具有明显的主观性。例如,针对一首乐曲而言,从乐曲创作背景,到乐曲的结构形式,从乐曲当中的技术难点,到乐曲的艺术表现力等各方面,都有着千差万别的诠释结果和主观理解。如此一来,这种各个层面上的明显差别,就会在很大程度上影响到教学形式的有效性。音乐视野开阔、技术起点较好的学生,往往能够配合教师,在教学过程的每个环节当中,以较高的领悟能力和较快的学习进度圆满完成教学任务。而那些音乐视野狭窄、音乐知识过于薄弱、技术能力又处于普通水准之下的学生,则会对教学过程的客观性框架,提出挑战。 在这种情况下,教学模式中的客观性形式与主观性构成之间,就成为一种内在的矛盾。这种矛盾的存在,一方面是必然的,另外一方面,从教学进度的最大可能推动而言,教师及学生又有必要通过对教学环节的组织优化与协调沟通,将两者之间的矛盾导向积极的方面。根据本人近年来钢琴教学实践,笔者认为,这种组织优化与协调沟通目标的实现,不妨可以从以下两个方面进行尝试。一是增强“教学环节”的“扁平化”与“兼容性”,二是提高教学内容和教学对象之间的匹配性。 从教学环节“扁平化”与“兼容性”的方面来看,教师在优化教学环节设置的过程中,应当充分考虑到所教学生在音乐素养与音乐技能方面最高水准和最低水准之间的平均值,将教学过程中各个环节要素之间的分布关系,根据上述平均值进行合理的参照,从而,将环节设置对教学效果的负面影响减少到最低限度,使得某个教师所习惯的教学模式与环节设置中,能够包容更多各不相同的学习对象要素。而从教学内容与教学对象之间的匹配性方面来看,以往的教学模式讨论当中,往往容易将之忽略,而过分关注个别课与集体课的模式区别与优劣互补。从笔者多年的高师钢琴教学经验来说,无论是个别课还是集体课教学,其共性方面的要求,或者说,其教学效果的提高,都需要在所教(学)乐曲、技术和学生已有知识技能之间,建立更多的关联与匹配。即便单从乐曲所需演奏技术进行考量,根据现代教育心理学的有关研究,学习过程中“正迁移”的形成,正是提高学生学习效果的重要手段之一。具体而言,现代教育心理学认为:“已经形成的动作技能(可以)对另一些新技能的形成发生积极的影响,能促进新技能的形成和发展;或者反过来,(新)学会的动作技能对已经形成的动作技能的保持(可以)产生积极的影响”。[注:参见刘华山、程刚著《高等教育心理学》,湖北人民出版社,2006年版,第171页。]以上仅仅是就学生弹奏技能的学习过程而言,同样,在有关乐曲背景知识、演奏风格、曲式结构等方面,也存在着类似的现象。这就要求教师在接受学生学习伊始,就应该着手对学生的既有音乐知识和演奏技能进行详实而一贯的了解乃至研究。只有教师在教授某首乐曲的整个过程中,对各个学生的上述知识、技能背景做到烂熟于胸,才可能在教学活动中,随时调整教学环节的分布位置,随时调整每个学生的学习内容和进度,从而达成我们上述教学内容与教学对象较高关联程度的目标。 在以往的高师钢琴教学活动中,为了取得较为整齐的进度,以及为了让学生在学习过程保持对音乐作品的完整性领会,我们会为程度大致相同的同学布置相同或相似的乐曲。而在具体乐曲布置当中,尤其在布置类似于大型练习曲或奏鸣曲作业时,我们又往往让学生练习整首或整个乐章的乐曲内容。无疑,从音乐作品内在规律与艺术完整性的角度来讲,这种训练方式有其不可否认的必然优势,并作为目前通行的主导训练方式。但是,在有些情况下,当学生的曲式驾驭能力、技术能力以及练习时间等方面,暂时尚不具备时,这种主导训练方式,就逐渐显示出了其局限来。因此,根据笔者近年来的思考与摸索,我们发现,在上述情况下,不妨将一些中等以上篇幅的练习曲或奏鸣曲乐章,进行拆分,将其中有更高训练针对性的段落单独作为训练任务布置给学生,从而既充分挖掘了大型乐曲局部段落的针对性技术价值及艺术表现价值,又能回避此类乐曲给学生在练习中造成的精神负担、精力负担以及技术负担。为他们将来完整演奏大型乐曲,提供了前期的准备。如此一来,不但学习内容与教学对象之间的关联程度得到大幅度的提高,同时教学环节的顺利开展,也能够得到更大程度的确保。只不过,采用这种协调策略,无疑对教师的知识结构、研究能力、钢琴文献的熟稔程度等等,提出了更高的要求。 三、钢琴教学模式中的多种教学方法应用 如前所述,现代教育理念一个显著的特征,就是教学双方身份地位的变化。即学生作为学习者,在整个教学过程当中,由传统的教学参与者,向教学内容研究者转变。而教师由原来单纯的知识技能的传授者,向学生学习过程的引导者、合作者转变。正如有的学者所理解的:“(现代教育理念)具有以‘任务’为主线、教师为主导、学生为主体的特征。教师从填鸭灌输式的讲授,转变为组织、引导。”[注:参见代晓蓉著《树立现代教育理念运用科学教学方法》,载于《教育与职业》,2004年第26期,第43页。] 而经过我们在本文中的上述讨论,我们已经初步探讨了在教学过程中,教师在环节设置、教学内容的针对性选择、启发学生进行学习型思考等方面,可以进行改进的方面。而在具体教学活动中,教学方法的选择,可以说,是实现这些理念与环节设置的重要途径。 1、情境式教学法 所谓“情境教学法”,是指“运用具体生动的场景以激起学生主动学习兴趣,提高学生学习效率的一种教学方法”。[注:参见顾明远著《教育大辞典(增订合编本)》,上海教育出版社,2002年版,第1129页。]在笔者看来,这种教学方法,可以让学生在教学过程的伊始,很快进入演奏状态和音乐意境当中。在钢琴教学实践过程中,常常看到有的学生从别的生活场景进入到教学场景当中时,不能够很快进行情绪和思路上的切换,回课时精神涣散,弹奏出来的声音虚浮飘散,音乐信马由缰,并不能发挥出他的正常水准。只有经过一段时间以后,才可能完全进入教学状态,进入音乐的表达情境中。其中的原因,固然是多方面的,既有学生注意力水平本身的原因,也有学生生活情境对教学情境的较强干扰因素等等。但是,笔者认为,教师作为教学活动的引导者和组织者,从教学效果的角度来考量,也应该而且完全有可能在教学活动中,通过适当的情境创设,将学生的非教学情境的干扰因素减少到最小程度。具体比如,可以在学生回课伊始,用简短的语言帮助学生回顾乐曲的风格背景,结构特征等等,可以称之为“语言情境”;也可以在学生弹奏之前,播放同一时期、同一风格或者类似技术类型的乐曲,帮助学生尽快由“概念化的音响记忆”转向“音响化的概念回顾”,从而,在最短的时间内,激发出其演奏与表达欲望来,这种手法可以称之为“音响情境”。此外,也可以充分利用现代教育技术手段,在教学过程中,尽可能采用视频或图片播放工具,根据教学内容的需要,向学生展示乐曲背景同时代的“建筑”、“美术”等其他姊妹艺术风格,笔者将之称为“视听情境”。实践证明,经过这些教学情境的创设,学生能够更加迅速地进入到教学场景与音乐情境当中,从而,为保证教学环节的顺利开展,提供了良好的状态前提。 由于这种“情境教学法”需要更多的教学时间和更强的教学针对性,因此,在笔者看来,这种教学方法更适于在钢琴个别课上采用。 2、合作式教学法 在以往的钢琴课教学环节中,教师、学生、教学内容三者之间的关系,被定义为“教学主客体”以及“教学主体与教学对象”。这种传统型定义的理论假设是:教学内容为待掌握的知识与技能难题,教师相对于学生,是这种知识与技能方面的绝对权威。而在钢琴教学的实践当中,实际上,这种理论假设已经产生了极大的危机。即,面对音乐学术研究成果的激增,音乐传媒渠道历史性的变革与扩充,任何教师都不可能宣称他在每部钢琴作品、各种音乐风格、各种结构类型的分析方面,都已经做到全盘了解,悉数掌握;同时,在音乐资源的占有量及音乐信息的畅通性等方面,教师相对于学生的绝对优势,也逐渐递减为相对优势,甚至在有些情况下,并无多少优势可言。那么,在这种局面下,作为教学环节组织者和引导者的教师,采用何种姿态及教学方式,才能更加有效地发挥其作用呢?或者说,学生在教学过程中,应当发挥出怎样的能动性,来获得学习收益的最大化?基于这些方面的问题,我们不妨从现代教育理念所倡导的“研究型”教学理念当中寻求答案。如上所述,既然教师的信息资源权威在很大程度上可能荡然无存,那么,在有些教学内容的学习过程中,尤其是一些在很多学生身上存在,然而又没有现成解决方案可以参考的情况下,教师与学生进行“合作”,将待解决的问题作为“研究对象”或“研究课题”,以此从教与学两个方面来探索行之有效的解决方式。在这种情况下,最大的变化在于学生从学习姿态到研究姿态的转变,而与之相应地,教师也需要做出教学姿态的转变,以及教学资源的更多共享。通过师生之间的合作,学生方面解决问题的积极性得到了极大提高,随之而来的教学目标的达成,也会具备更多的创新性。这在一定程度上,对师生双方的解决问题的能力,对于钢琴艺术研究方面的推动,都有着良好的作用。 目前,有的研究者已经注意到了这种指向“课题”的“合作式”教学方法,如认为“在这样一个相互合作的氛围中,营造出一个宽松、民主的学习环境。这也是新世纪的音乐教育对新型师生关系的呼唤。它不是传统意义上的‘师道’,也不是被某些人误解的‘学道’。而是为了顺应未来世纪发展的需要,符合教育‘以人为本’的要求而演绎出来的一种开放式的、开拓型的新型师生关系。” [注:参见曹莉芳著《高师钢琴“课题型”教学模式研究》,湖南师范大学硕士学位论文,2006年,第38-39页。]因此,我们说,这种合作式的教学方法,很可能在未来钢琴教学模式中被普遍采用。而从这种教学方法的讨论特征来说,因为其可以在较大范围内调动各种资源与策略,用来解决带有普遍性的、迫切问题,因而,笔者认为其更适于在钢琴集体课的教学模式中采用。 3、讨论式教学法 笔者认为,在高师的钢琴集体课教学活动中,除了要尽可能有效地让学生掌握钢琴弹奏技能、钢琴文献知识以外,还应当在教学过程中,努力创设“教学讨论”场景。首先,高师的钢琴教学既然其培养目标是未来的中小学音乐教师,那么,在这些未来教师进行包括钢琴学习在内的在校职业素养训练中,就应当始终贯穿其师范性。始终让学生在学习中思考:这首乐曲我不但要知晓如何弹,还要尝试如何教,即对于教学方法的初步探讨;其次,因为课时的局限,高师钢琴集体课在授课过程当中,无法确保每个学生都能在教师指导下,进行场景模拟式的教学实践,因此,在钢琴集体课的教学模式框架内,将部分中等难度以下的问题的解决,在特意设置的课时当中,进行“教师指导―学生之间集体‘会诊’”的教学讨论实践,让个别学生问题的解决过程,更加充分地包含其他学生的献计献策或经验交流。如此一来,局部问题的解决方案,即可以扩大为每个学生的教学法收益;个别学生的弹奏问题,也会激起更多学生教学案例和教学经验的累积;最后,以笔者的亲身体会,这种讨论式的教学方法,对于教师自身而言,无疑也提供了更多打开教学思路,掌握学生教学法水准的重要途径,使教师进一步改善教学手法、提高教学效率、让更多学生受益的教学理想,得到稳步有效的实现。 四、结语 通过以上讨论,我们看到,倘若现代教育理念在钢琴教学中能够得到充分体现的话,那么,对于师生双方来说,无疑会促成更为积极、对等以及具有针对性和有效性的教学实践模式。这种模式的不断优化与更新,既是发展了的教育教学原理之所需,也是国家钢琴教育、艺术素质教育的现实要求。但与此同时,我们也看到,现代教育理念应用于钢琴教学实践后,对钢琴教师的职业素质也设置了更高的标准。例如,若想在教学过程中实践“情境式教学法”,教师就必须在课前做好相应的资料采集乃至多媒体编辑的案头工作,也就是说,高师钢琴教师的备课工作,除了课前对学生所学作品的温习与背景资料的了解外,还需要花更多时间在教学媒体的熟练掌握上;若想将“合作式”或“研究式”教学方法真正应用于教学实践,我们作为钢琴教师就必须在教学、演奏之余,研究音乐学术,积累课题实践,否则,所谓“研究式”教学方法,就无异于纸上谈兵。此外,正如有的学者所提出的,高师钢琴教师的另外一个重要素质,就是“必须具备良好的表达能力”。[注:参见于青著《谈钢琴教师应具备的基本素质》,《中国音乐教育》,2001年第8期,第43页。]这一点,以往并没有得到很好的倡导,但是,比照于高等师范院校音乐专业的大学生未来的培养目标,我们认为,钢琴教师在“身教示范”之外的“言传示范”,无疑也是一种必备的教学素质。这对于高师钢琴教师的以上诸种职业素质的发挥,无疑会起到表达手段上的保障作用。 总而言之,高师钢琴教学活动在既有模式框架内,无论从哪个角度对教育理念进行探讨,都可能是有益的。但是,值得注意的是,这种探讨本身,最终必须落实于具有可操作性的教学方法上,并在教学实践中,对这些方法进行不断的检验和锤炼。惟如此,所谓教育模式优化或者教学理念的更新,才能对我国高师钢琴教育事业发挥实质性的推动作用。 钢琴教学指导论文:钢琴教学指导 摘 要: 如今越来越多的家长为自己的孩子选择学习钢琴,但是,很多学生在学习了一段时间之后总是停留在原地无法深入学习,更多的孩子在初学阶段就开始讨厌钢琴,学生面临困难,家长面临放弃。如何改变这种状况?本文从营造快乐学习气氛;钢琴课教学内容丰富多彩;让学生觉得弹奏钢琴简单;因材施教;与家长不断交流等几个方面来浅谈钢琴教学,目的在于改变这一状况,使更多的学生能在短时间内掌握钢琴的弹奏方法,并增强学习钢琴的动力和信心。 关键词: 钢琴教学 学习气氛 弹奏方法 如今,让孩子学习钢琴成为众多家长的首选。由于钢琴的弹奏需要手眼协调,十指的灵活配合,需要孩子不断动脑,这令众多家长认为学习钢琴不但能使孩子增强协调感,更能使孩子变聪明,于是社会上出现了学习钢琴的热潮,众多的钢琴艺术培训中心应运而生。由于师资严重缺乏,教师经验不足,导致大部分学生学习不规范,基础很差,很多学生半途而废,对钢琴学习越来越缺乏信心,直至最后完全放弃。基于此,钢琴教育者在钢琴教育方面应有一定的经验。现在学生学校功课压力过大,如何在短时间内提高孩子对钢琴弹奏的兴趣,并开发智力,提高学习动力,在钢琴弹奏上有所成绩,值得研究。 很多家长认为,对于钢琴学习,只要能让孩子感兴趣就行,不必弹得太好,这样的想法是错误的。我通过十余年的教学经验发现,孩子对钢琴学习十分感兴趣的时间为3到6个月,过后,只是在进行机械的活动,认为是外界强加于他的功课。要让孩子对钢琴弹奏兴趣不断,或是在感兴趣阶段学得很好,需要家长不断坚持和教育者不断努力。学习任何一样东西,不坚持不努力永远学不好,钢琴的间断学习更会导致孩子对其他功课不屑一顾,形成恶性循环。因此,对于每个学琴学生的家长,教育者都应有耐心地讲通其中的道理再开始进行教学,以免学生半途而废。 一、营造快乐的钢琴学习气氛 柏拉图说过,初期的教育应该是一种娱乐,这样才更容易发现一个人天生的爱好。快乐的气氛是每个人心情舒畅的必备条件,孩子更需要快乐的气氛,轻松的学习环境能让沉闷的首次钢琴课变得轻松有趣。这是教育者需要关注的重要问题。在条件允许的情况下,邀请家长共同听课,尤其是对于较小的孩子来讲,共同听课会给孩子带来安全感和新鲜感,增加孩子学习的动力。另外,孩子的天性决定孩子学得快忘得也快,如果能让家长陪同,练习就会达到事半功倍的效果。上课的形式应多样化,教育者应根据不同学生的年龄阶段,运用不同的教育方法。钢琴教育不是一个死板的教学过程,它必须根据学生的实际年龄来设置相应的上课内容,这需要教育者经验十分丰富,能应对各种不同孩子的上课反应情况,并能在一节课有限的时间里达到最好的效果,即使一节课只教弹了一个音,但是学生学习得很快乐,这也就达到了目的。 二、钢琴课的内容应该丰富多彩 现今的钢琴教材多以《约翰汤普森》为最基础的教材,开始教学时用的都是这本书,我通过十余年的教学实践发现,如何让学生更快地对钢琴弹奏入门,应该加入大量的其他乐理知识内容进行辅助练习,比如节奏、认音、弹奏的方法等都应在弹奏《约翰汤普森》之前进行完成教学,这样学生就能更快地入门,在短时间内把这本书弹完,增强孩子学琴的信心,同时也增强家长对孩子学习这门乐器的信心。在节奏方面,应注意全音符、二分音符、四分音符的区别,可以用讲故事的方式引导学生进行记忆。在认音方面,不宜要求太多,应根据各个学生接受能力的不同情况进行认音,一般可以用一定的教学方法认识一个八度之内的音。但是由于高低音谱上的音有所区别,认为应该先认识一个谱号上的各音再认识另一个谱号上的音,这样学生有了前面一个谱号的认识,会较快地认识后面一个谱号,达到快速入门的目的。关于弹奏方法,我认为,初学钢琴的学生应该十分注意手形和以上讲的两点。手形在钢琴弹奏中十分重要,良好的手形是弹好曲子的关键所在,它影响着钢琴弹奏时的音色、速度和节奏。我在教学中发现,学生具备了良好的手形就具备了良好的触键方式,严格要求手形的放置方法,使得学生对于认音和节奏有高要求,钢琴开始时的教学就步入了正轨。在以后的学习中,学生就能轻松地弹奏曲目,而不会产生在曲目弹奏过程中不断纠正手形问题,影响钢琴学习的进度。 三、让学生觉得弹钢琴非常简单 初学钢琴的学生往往对钢琴学习十分感兴趣,教育者应该抓住这一心理,大量灌输钢琴弹奏信息,使学生在短时间内学习到很多内容,增强学生的学习热情。大量弹奏重复性小的曲目对于初学的学生来讲非常重要,重复性小曲目指的是重复性单音,重复性节奏,重复性弹奏方法,这些音和节奏在各个曲目中做了相应的调整,听上去是不同的曲目,实质是相同的形式,学生往往会认为,自己能不通过教师的教学独立弹会大量曲目,这一教学方法能让学生很轻松地一下子弹奏到位,使得学生认为学习钢琴非常容易。在弹奏的过程中,教育者应不断鼓励和引导孩子正确地弹奏,不但要教会学生弹琴的基本方法和最简单的乐理知识,而且让学生自己弹出新的作品,增强成就感和学习动力,让他们认为,原来学习钢琴是一件很容易的事情。 四、因材施教 大部分家长为了开发孩子的智力努力让孩子学生钢琴,这就导致琴童的学习层次各不相同。钢琴教育者应根据不同年龄段的学生设置不同的教育方法进行教学,这需要教育者的经验十分丰富。教学应该循序渐进,对于反应快的学生要大量进行重复性曲目的弹奏,锻炼钢琴弹奏的技巧,在短时间内掌握基本手形、认音和节奏,每节课鼓励学生在课上自主弹奏新曲目,这样的教学方法有助于发掘学生的潜力,并由此决定后期的学习进度。注重感情色彩的弹奏,肢体语言的表现力,以及速度的练习。对于反应较慢的学生来讲,基础一定要打扎实,方法和前面的学生一样,但是重复性的曲目要少弹,注重弹奏方式的培养教育,在感情色彩和肢体表现力上要在学习到一定程度之后再开始加以引导,不要过早要求,以免学生反感,认为要求太多,导致无法做到,影响曲目正常弹奏,在鼓励的同时多加以表扬,增强学生的学习信心。 五、与家长不断交流课后练习弹奏钢琴的方法 对于初学的学生来讲,因为有了对钢琴弹奏的兴趣,所以学习的时候会非常认真,大部分学生在课上就能做到以上讲的几点,但是枯燥的课后练习会慢慢磨去学生学习钢琴的热情。家长也是孩子的老师,课后的练习需要家长的坚持和努力。孩子的自觉性来源于良好的学习习惯。要让家长认识到学习钢琴的重要性,鼓励家长在课后为孩子创造良好的练习环境和练习习惯,并且在鼓励学生坚持的同时要鼓励家长的信心。正如第斯多惠所说,教育的本质不在于传授本领,而在于激励、唤醒、鼓舞孩子。成功的背后必然有坚持和汗水,孩子的坚持在于家长的坚持,教育的方法得当。 这样的教学方法必然使学生在短时间内进行大量的重复性练习,虽然曲目没有重复,但是通过大量的练习必然会使学生掌握一定的弹奏技巧,并打下扎实的基本弹奏方式基础,增强学习钢琴的信心。开始接触《约翰汤普森》的时候,学生会觉得如此简单易学,这样的过程应在最多一个月内完成,在保证学生学习钢琴的新鲜感时接触其他作品,增强学生的成就感。在以后的学习中,学生学习的动力将会不断增强,家长此时再也不会觉得只要让孩子有点兴趣就好,也会在一旁不断地鼓励孩子学得更好。另外定期组织观摩、演出、比赛也是增强学生学习动力的方法。让我们共同努力,把钢琴教育事业发扬光大。 钢琴教学指导论文:幼师钢琴教学中学生回课指导的有效策略探索 摘要:课堂教学的有效性是指通过课堂教学使学生获得发展,学生有无进步或发展是课堂教学有没有效益的唯一指标。在钢琴教学中,笔者发现部分学生的学习态度懒散,学习方法欠科学,弹奏心理不稳定等等。针对这一现状,笔者认为在幼师钢琴教学中应采取有效的回课指导策略,要懂得运用合适的方式组织回课,还要营造民主、和谐的教学环境,给予学生有针对性的指导,最后要善于正面、积极的评价学生。这样才能保证学生的回课质量,提高学生的弹奏兴趣,从而提高钢琴教学质量。 关键词:幼师钢琴教学 回课指导 有效策略探索 幼师钢琴教学是集体课教学,通常每周课时为连堂2节,包括新授课和回课2部分。由于钢琴演奏的特殊性,回课时还是需要一对一的方式。那么,在有限的教学时间内,如何才能保证回课效果呢?有效教学理论指出,课堂教学的有效性是指通过课堂教学使学生获得发展。发展就其内涵而言,指的是知识、技能,过程、方法与情感、态度、价值观三者的协调发展;发展就其时间而言,有当前发展和终身发展,任何一个有效教学必定要促进学生的当下发展,同时对学生长远发展也有影响。也就是说,学生有无进步或发展是课堂教学有没有效益的唯一指标。据此,笔者认为,作为钢琴教师可采取以下有效的回课策略: 一、运用良好的组织方式 良好的组织方式是获得回课质量的保证。在教学实践中,笔者常用的几种组织方式如下: (一)教师亲自逐个检查学生的回课。时间充裕的情况下建议多用此方式,其优点是显而易见的,虽然教师的工作量会很繁重,但能真实、全面的把握学生的练琴状况,及时纠正学生的不良弹奏习惯,并获得教学的反馈信息。尤其适用于一年级的学生、难度较大的回课、考试之前的复习课等。比如入门阶段中,学习弹奏姿势、手型、各种弹奏法、五指练习等等,这些都是钢琴弹奏的基础知识,通过教师严格把关,逐个检查,学生不仅基础扎实,更重要的是养成了自觉练琴的好习惯。 (二)教师逐个检查学生的作业片段。适用于时间不够,但仍需教师亲自检查的回课。这样既能把握学生的回课状况,又能潜移默化的帮助学生形成独立攻破难点的练琴习惯。比如一年级中《莫斯科郊外的晚上》双手弹奏第8至11小节,二年级中《浏阳河》双手弹奏第9至12小节。 (三)教师抽查部分学生的回课。该方式适用于二年级和三年级回课时间较少的情况下。笔者会根据各班的情况设立帮教小组,一般一个组长帮教2-3名学生。每一课作业先由组长在课余时间给组员作检查,由组长记录好检查状况,内容如下:弹奏是否完整?节奏是否准确?弹奏中是否已理解重点难点?音乐表现如何?教师再根据回课的实际时间采取组织方式,如时间不够的,就从组长的的记录本抽查一部分学生。这是一个很好的以点带面的方法,不仅能充分发挥优秀学生的榜样作用,而且能较好的弥补教师在课内无法完成的工作量。教师可对组长作定期考核,比如回课成绩、帮教组员的积极性、方法和效果等等,如总体评价不行,则另觅人选。 (四)采取“一人回课,全体旁听”的方式。适用于教师发现该学生的弹奏有着大部分学生都存在的共性问题,具有典型教学意义的情况下。此方式可让学生观摩教师如何发现、分析、解决问题的方法和过程,有利于培养学生仔细观察和独立思考的能力。 (五)采取分组回课的形式。就是要求组长和组员一起结伴回课。这样可让组长在听教师评价组员的回课时,能明确课余应如何有针对性地去帮教组员,帮教效果可事半功倍。 (六)在回课的空余时间,笔者会开辟出表演小舞台。请获最佳组长、最佳组员、进步奖学生表演。一学期可安排2次,学期初可定这2个时间,表演之前师生根据回课质量一起评定上述名单,然后让他们表演自己喜欢的乐曲,教师可在堂上为他们录制视频作留念。这样可让全体学生重视每次的回课。 二、创设民主、和谐的教学环境 心理学家罗杰斯曾指出:一个人的创造力只有在其感觉到心理安全和心理自由的条件下才能获得最大限度的表现和发展。教育学研究也表明,人在轻松、自由的心理状态下才可能有丰富的想象,才会迸发出创造性思维的火花。由此看来,课堂教学要实现有效教学,营造一个民主、宽松的教学环境必不可少。因此,在回课教学中,教师应创设和谐的教学环境,努力消除学生紧张、拘束的弹奏心理。 (一)教师要有良好的心理素质,崇高的责任感,热爱艺术,善待学生 由于幼师生在入学前受过正规音乐教育的学生很少,音乐素质参差不齐,学习能力有很大的差异,所以回课状态中虽然会有个别很好的,但有相当一部分是有各种各样的问题。作为教师,对此应有充分的心理准备,允许学生的弹奏不完美,并且树立教书育人的信念和责任感。 (二)教师要重视与学生的平等交流 回课是教师与学生一对一的交流,教师应积极鼓励学生参与学习,鼓励质疑问难,发表不同意见。如果教师严肃、沉默的话,学生很容易产生畏惧的心理。因此,每当一位学生走到钢琴旁时,教师都应该亲切、自然的与之打招呼:“您好!请坐下!”如果学生还是很羞涩,教师更应拍拍其肩膀,用鼓励的语气对她说:“放松!拿出你平时练琴的最佳状态!我相信你会比平时更出色!”当学生弹奏断断续续,教师还是应该专注的听完,并认真询问、倾听学生的想法。当学生弹奏进步较大时,教师应该为其鼓掌、喝彩,并一起为其总结原因。笔者认为,就算教学时间多么的紧迫,这种交流都是需要的、必不可少的。 三、给予有针对性的回课指导 针对学生的回课情况,教师应给予有针对性的解决方法,学生会在教师仔细、耐心的教导中平添学习钢琴的勇气、信心和热情。 在学生的回课中,通常有以下四种情况:1.弹奏准确、流畅、音乐表现力好;2.弹奏较准确、较流畅、音乐表现力较好;3.弹奏不熟练,没有音乐表现,但音符基本能找出来;4.没练琴,或者什么都没弹对。 针对以上情况,教师应仔细了解学生的学习态度和学习方法而给予不同的指导。 比如针对第一种,如果该生是经过用心练习而达到弹奏优秀的,就应鼓励他保持用功学习的状态,并且及时帮助其总结学习方法;如果该生学习态度不够认真,仅仅是因个人素质好而幸运弹奏完美的,回课时就要提醒:艺术没有止境,必须要以踏实的态度去对待,平时练琴需要不断的努力,光靠小聪明学习,迟早都会落后于别人。 针对第二种情况,如果学生是用心准备了,但属于胆子小,心理素质差,而导致乐曲准确性、完整性和音乐表现都不够好。针对这类学生,教师应多鼓励,建议他们在课余时间能多与同学互相交流,多模拟回课的环境练习,并且在课堂时间允许的情况下破例让他尝试再弹一次,引导他克服心理问题,让他体会、感受完美的课堂回课也并不是那么的困难;如果学生音乐素质较好,也不存在胆小问题,而是在课余练琴不够勤奋,而导致回课不够完整,不够准确。针对这类学生,教师就应该直接向他指出来,语气要稍严厉:钢琴是时间的艺术,如果作品欠缺完整、准确,弹奏是完全没有意义的,所以平时练琴要注意方法,学会针对不够熟练的地方反复练习,直到能完整弹奏为准。 针对第三种情况,如果学生回课质量不好,但听得出是经过努力练习的,这时教师就不要轻易指责,最好能在弹奏中发现优点,予以肯定,之后再指出缺点,并帮助学生找到提高质量的具体办法:比如节奏感稍差的,则要建议学生多分手练习,并且在课堂上帮助他克服某节奏难点;如果完整性不好,那么可以允许该生在下周获得重新回课的机会等等。如果音乐素质一般,又不用功,则要明确提醒该学生:钢琴是练会的,只靠教是教不会的,不用功的话将什么也弹不出来。 针对第四种情况,教师需要分析该学生为什么弹不对、为什么不想弹。如果不是态度问题,就不该批评,而是帮他想办法。比如属于先天协调性差,以致厌学的话,教师可借鉴体态律动教学法,建议他多听钢琴音乐,多随音乐作律动,而且在回课上降低对他的要求,让他对钢琴重燃兴趣;如果属于不会读谱,不会在键盘上找位置的话,则先让组长在一段时间内教会他唱谱,让他在唱的过程欣赏钢琴音乐的美妙,从而克服读谱的障碍等等。 虽然学生的音乐才能有参差,但教师在每次回课中都能仔细分析个体原因:是教师的教学方法不够明晰还是教学进度太快?是学生先天条件不好还是练琴态度不好?而不盲目批评学生,笔者相信学生肯定会对老师充满敬意、感激,师生关系会更融洽,学生的学习质量会更好。 四、善用正面、积极的评价手段 评价其实贯穿回课的始终。对学生的回课采取正确的评价,其实就是对钢琴教学现状进行科学的诊断,不但可以帮助教师和学生正确的认识自己、了解自己、激励自己,而且能随时对教学过程起着监督和控制作用。 (一) 形成性评价 1.听觉评价和视觉评价。教师和学生需要通过听觉对钢琴演奏时音符、音量和音色的属性进行评价。教师的重要任务之一是要帮助学生训练出客观敏锐的耳朵,提高学生听觉感知的能力。除此以外,还要充分发挥视觉的观察能力,如手型、触键部位的配合用力等等,通过视觉评价来调整动作。 2.自我评价和他人评价。学生对自己学习目标总会有所追求和估计,但自己的一些评价标准常常存在着与客观实际不相吻合的情况,可让学生与教师作坦诚交流,而教师应仔细分析学生的弹奏情况,给予客观、全面的评价。 (二)总结性评价 当所有学生的回课结束后,教师应该作课后的整体评价。这一环节非常重要,不仅能帮助学生再次明确自己在本周学习当中,哪些地方需要坚持的,哪些地方需要改进的,比如学习方法,学习态度等等,而且能让全体学生形成良好的竞争氛围,在互相取长补短的学习当中不断的取得进步。 1.表扬和鼓励 (1)帮教工作做得好,同时自身表现也很好的学生; (2)练琴态度认真、踏实的学生; (3)练琴方法较好的学生; (4)弹奏质量有较大进步的学生。 目的是让学生明白,弹奏钢琴是一个积累的过程,所谓一分耕耘一分收获,用心练琴就会有进步。 2.提醒 (1)对于一些连续处于中下游状态的学生,要予以提醒,所谓不进则退,希望能找找原因,争取下次回课有突破。 (2)对于学习态度不理想的学生在回课时已单独批评,面对全班时可保护其自尊心,换之让其好好反省。 3.指出本次回课共同存在的问题以及具体纠正的方法。 总之,实施有效教学是当前深化课程改革的关键和根本要求,也是每一位教师的追求。在幼师钢琴集体课教学中,教师应注重采取有效的回课策略,帮助学生获得进步和发展,从而提高钢琴集体课教学的质量。 钢琴教学指导论文:钢琴艺术指导在声乐教学中的问题研究 摘 要:钢琴艺术指导,又称为钢琴伴奏,是我国从西方国家“舶来”的一种艺术表现载体。作为一种以现代化音乐艺术为基础和支撑的表现载体形态,钢琴艺术指导早已在我国的音乐体系中占据了无法替代的地位,成为音乐作品中不可分割的组成要素。声乐教学的优秀是表现音乐艺术,而钢琴艺术指导又是音乐艺术的表现载体,可见两者之间紧密的联系。新时期下,如何融合两者,以全面提升声乐教学质量,成为相关教育者面临的重点课题。基于此,文章就钢琴艺术指导在声乐教学中的相关问题展开研究,以供相关读者参考。 关键词:钢琴艺术指导;声乐教学;相关问题;研究 钢琴是一种知名乐器,它是西方国家的一种“舶来品”,现已演变成为我国重要的、独特的现代乐器之一。作为一种音乐乐器,钢琴所具备的音色优美、表达力强等优势是其他乐器无法比拟的,这同时也彰显了其在我国高等院校声乐教学中的重要地位。而对于声乐教学来说,钢琴艺术指导的应用不仅有利于学生声乐演奏、演唱技能的形成,更能通过二者的相互融合,呈现声乐内在的音乐内涵,从而达到调动学生创作热情、展现声乐作品艺术底蕴和精髓的目的。鉴于此,相关教学人员应以“以学生为本”为中心,深入贯彻落实声乐教学工作,加强钢琴艺术指导教学,从而提高学生的声乐学习水平,为学生的可持续发展奠定良好的基础。 1 加强声乐教学中钢琴艺术指导的重要性 就我国高等院校来说,声乐教学设置的钢琴伴奏课主要是为了借助钢琴伴奏自身特有的表现力,来彰显声乐作品的内在魅力,以达到提升课堂教学效果的目的。然而,结合我国高等院校声乐教学实际,整个教育系统内部对该课程的重要性缺乏时代认识,没有设立一套科学合理、符合自身学校实际的课程体系,声乐教育与课程相脱节的现象日益凸显,在教学时,钢琴伴奏教学与声乐教学难以综合兼备,出现了偏颇现象。针对当前的教育情况,只有从声乐教育模式入手,实现钢琴艺术指导与声乐主科教学的并驾齐驱,才能发挥出声乐钢琴伴奏教学的最佳效果,使学生喜爱声乐课程,接受声乐教育,促进声乐教育继续传承下去。学生是声乐教学活动中的最大受益者,钢琴艺术指导教学不仅能够为学生营造良好的演唱效果,还可以让学生在钢琴伴奏课中提高音准、节奏及音乐表现力等,帮助学生更深层次地理解声乐作品。 2 钢琴艺术指导与声乐教学的内在联系 钢琴艺术指导是一项以音乐艺术指导为优秀,以钢琴伴奏为主手段的教育活动。这项活动与声乐学科教学的融合,能够把声乐作品的韵味呈现出来,从而为观众带来听觉的震撼。对于声乐教学来说,钢琴艺术指导的作用并不是单一发展的,而是多层面、多维度的,它与声乐教学之间是一种相互相长、共同促进的关系,能够把声乐学科教学提升到一个新的台阶。学生音乐素养的形成过程中,并不是依靠单一训练活动完成的,它是经多个事物间的相互作用、相互渗透、综合教育所形成的结果。钢琴艺术指导是声乐教学必不可缺的步骤,而声乐教学的最终目的就是发展学生的音乐素养。要想促进学生获得综合发展,就必须重视声乐教学工作,发挥其特有的作用,尤其是钢琴艺术指导的教学工作。通过钢琴艺术指导与声乐教学的融合,实现艺术价值与情感价值的统一,发展学生良好的审美价值观,从而使他们积极参与各项活动,帮助他们更广泛地接触周围环境,认识事物。而学生自身的发现美、欣赏美、表现美和创造美能力在此过程中也会得到相应的发展,提高学生整体素质也是水到渠成的事了。 3 如何实现钢琴伴奏与声乐教学的融合 3.1 重视人员素质建设,提高师资队伍专业素养 音乐教育的实质是一种审美活动,其主要是以聆听音乐、表现音乐和创作为主。“审美”作为一种拥有深刻内涵和宽泛外延的意识形态范畴,赋予了音乐教育活动广阔的思维空间。正是由于这种思维空间,教师自身需要具备一定的技能手段,以呈现钢琴伴奏完美的艺术效果。然而,当前的一些高等院校声乐教师在授课的过程中过于着重理论知识的讲授,生硬地灌输所谓的声乐知识,没有及时地将声乐授课和钢琴伴奏融合,严重扭曲了高校学生学习声乐的思维,使得学生缺乏正确的审美观念和情趣,学生学习声乐的兴趣在此过程中也严重被扼杀,难以真正实现因材施教。针对这种情况,高校应加大师资队伍的培训力度,建设一支高水平、高素质的声乐师资队伍,才能为声乐教育事业注入养分。 3.2 利用课程载体,体现艺术指导的渗透教育作用 声乐理论课是实施教学的主渠道、主阵地。因此,教师要根据声乐理论课程的特点,深入挖掘当中的艺术价值,把握好知识与艺术指导渗透教育的结合点,对学生进行潜在的艺术教育。在此过程中,教师可以结合声乐文化进行渗透教育。声乐文化是声乐独特的精神标识和精神财富,是声乐得以在文化相互激荡的21世纪浪潮中站稳阵脚的根底,其所透射出来的是传统文化精神所特有的凝聚力、感染力和震撼力,是声乐的灵魂。传统声乐文化的传承与发扬,无法脱离教育,教师应以声乐课为渠道,传承和发扬传统声乐文化。由于受到文化素养、个人情感以及经历的局限,学生即使对声乐作品的作者情感有一定程度的了解,也难以深入地把这种情感表述出来。只有从文化视野对作者的情感进行挖掘,才能更好地帮助学生掌握作者的创作意图,学生才能更加深入理解作品的内在世界,从而进一步提高自身的音乐素养。 3.3 结合教学活动,实现融合教学的再提升 教学活动本质是一种对话式的活动过程,声乐教学更能够体现这种对话式的精髓。倘若教师能够在教学活动中加强声乐钢琴伴奏的艺术指导,实现两者的融合,让课堂成为音乐熏染的主阵地,让学生的情绪能够和声乐形成默契,那么学生的学习能力在此过程也能得到进一步增强,学生将会对声乐产生别样的情感。为此,教师在进行艺术指导教学时,应注意以下几点:第一,钢琴伴奏不是独奏,教师在开展教学活动时不能够放肆地让自己沉浸音乐之中,而忘记钢琴的伴奏职责,不然艺术指导教学就会喧宾夺主,取代了声乐教学的主体地位,学生的情绪也会被影响。第二,教师在进行钢琴艺术指导时不能流于形式,而要发挥出学科教学的主导作用,利用艺术指导教学的作用为声乐塑造新的形象,让学生在教师的指导下,在伴奏乐的烘托渲染中,产生美感和感悟力,从而对音乐艺术产生向往,并从中获得艺术情操的熏陶和升华。 3.4 采取适宜的方法,促使两者形成默契的配合 教师在实施教学活动时,需要选择与音乐情绪相吻合的伴奏织体,才能够把作品的内在情感和魅力淋漓尽致地展现出来。譬如说,欢快情绪的歌曲给观众带来的视觉感觉是热情的、活泼的,所展现出来的节奏旋律明快、流畅、圆滑,教师在给这类歌曲选择伴奏织体时,应以半分解和弦为主,指导时需明确低音部分要游刃有余,触键时要轻盈灵巧;而抒情性的歌曲能够给听众带来丰富的感情享受,曲目自身的情绪变化也较为丰富细腻,教师在选择伴奏织体时,应以分解和弦和琶音为主,艺术指导弹奏时下键融合、圆润,触键速度尽可能地慢、深,以发挥出描绘背景、烘托气氛的作用。 3.5 开展实践活动,在体验教育中提升能力 声乐学科的重要属性之一就是实践性,高校应本着“人人参与、快乐发展”的活动宗旨,围绕“让活动走进每一个学生,激发每一个学生兴趣,开发每一个学生潜能,张扬每一个学生个性,放飞每一个学生梦想”的任务,发挥实践活动的教育基地作用,不断丰富声乐钢琴伴奏教育活动,开展形式多样、丰富多彩的活动,为学生搭建展示个人才艺与能力的平台,让学生在活动中体验,在活动中赢取阵阵掌声,从而达到提升能力的目的。此外,高校还可以结合教育发展需要,积极为学生创造各种条件,加强学生的声乐钢琴演奏教学。比如,第一,引导学生多观看央视“青歌赛”、央视“星光大道”歌手赛等视频,让学生在观赏中学习;第二,定期举行以班级为单位的小型“独唱音乐会”或“合唱音乐会”,为学生搭建一个相互交流学习的平台,让学生在交流中共同提升能力;第三,开展由学生自己编演的“音乐剧”节目展演活动,培养学生的创新能力。 4 结语 实现钢琴艺术指导与声乐教学的融合,提升声乐教育质量,不仅是高校艺术教育改革的发展需要,更是素质教育改革的必然趋势。为此,相关教学工作者应在实施声乐教学活动的实践过程中,强化钢琴艺术指导教学,以充分发挥出它在声乐教学中的作用,从而提高教学水平,培养出更多更好的新型音乐人才。 作者简介:尚艳(1978―),女,山西长治人,研究生,毕业于首都师范大学,副教授,钢琴及音乐教育学老师,研究方向:钢琴教育。 钢琴教学指导论文:探讨声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性 摘 要:声乐钢琴伴奏在声乐教学中占据重要地位,其具备强弱对比的表现方式,将作品中的情感与意境准确地传达给学生,对学生的歌唱热情具有一定的激发作用,深受广大师生的喜爱。本文简要概述了声乐钢琴伴奏与声乐教学之间的关系,并探讨了声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性。 关键词:钢琴伴奏;声乐教学;艺术指导 0 前言 在声乐教学中,声乐钢琴伴奏以其特有的魅力发挥着重要的作用。其有利于将声乐学习者带入到相应的艺术情景中,增强学习者对曲目及其艺术性的理解,进而提高了声乐教学效果。因此,明确声乐钢琴伴奏与声乐教学的关系,并在此基础上探讨声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性具有重要的意义。 1 声乐钢琴伴奏与声乐教学的关系 1.1 声乐钢琴伴奏的概述 钢琴音乐宽阔,音色流畅,共鸣宽广,是最为常见的独立伴奏乐器,其伴奏效果并不亚于整支乐队营造出来的艺术效果。声乐钢琴伴奏多用于声乐课堂教学或者声乐演唱会之中,在伴奏过程中包括两个元素,即乐谱和演奏者,其中前者的存在一种是实体乐谱,即作曲家编排的曲目,另一种是思维方式乐谱,其主要为演奏者的即兴演奏;后者则是伴奏的演奏者,其要具备一定的专业素养和艺术素养,并伴随相应的经验积累。 1.2 声乐教学的概述 声乐教学是包括诸如声乐乐理基础、声乐语言训练及声乐情感理论等内容在内的教学学科,在教学模式上多采取一对一教学。由于其教学模式的针对性,教学的重点则集中在教师的指导和声乐钢琴伴奏上,其中声乐钢琴伴奏贯穿整个声乐学习与表演的全过程。教学过程中充分发挥声乐钢琴伴奏的艺术指导性,能使得教学活动产生事半功倍的效果。 1.3 声乐钢琴伴奏与声乐教学的关系 第一,衬托作用。在声乐教学中,声乐钢琴伴奏能够有效地衬托声乐曲目的背景、推动音乐情节发展,并且能够有效地弥补演唱者表达不自然的地方,达到伴奏与演唱高度和谐的效果。例如在《月光颂》中,钢琴伴奏中利用短琶音,其具有独特的和声色彩,能够体现出美丽迷离的意境,从而将夜晚、月光、水面、波光完美的融合,将演唱者带入到唯美的意境之中,将其思念之情的倾诉推向了高潮。 第二,音乐独立表现功能。在很多音乐作品中,声乐钢琴伴奏具有音乐独立表现功能,例如在《鳟鱼》这部作品中,其伴奏音型的选择独具风格,其将右手“六连音”与左手“跳音”相结合,形成快速跑跳的伴奏表现方式,与作品要表达的鱼儿本身可爱的形象十分符合,并将其在水中怡然自得的状态表现的淋漓尽致。 2 声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性 2.1 教学中声乐气息方面的艺术指导性 在声乐气息部分教学中,声乐钢琴伴奏的融入有利于协调演唱者的气息与音乐节奏的和谐,钢琴伴奏在其中主要依据音乐同步要求,帮助演唱者实现了气息的自然与平和,进而以一个更好地状态进入到其他联系之中。与此同时,配合歌词句法的起伏,利用声乐钢琴伴奏来调整演唱者呼吸走向及嗓音和气息的配合程度,进而掌握声乐气息运用技巧。例如在练习《春潮》时,其为拉赫尼玛诺夫的作品,主要表现春天到来时万物的变化的美好场景,在气息部分教学中,可配合声乐钢琴伴奏,伴奏采用同步处理方式,帮助演唱者随着曲目的进展和作品中场景的变化来调整自身的气息。当伴奏节奏舒缓,场景过渡到冰雪融化的场景时,演唱者要随着节奏的舒缓变化调整的自己的气息,气息的平缓与音乐节奏高度同步,仿佛看到了万物复苏的场景。 2.2 教学中声乐共鸣方面的艺术指导性 声乐钢琴伴奏艺术特征鲜明,将其应用于声乐共鸣方面的教学中,能够充分发挥其对共鸣的艺术指导性作用。同时,在伴奏过程中也可对音色加以调整,从而形成共振的效果。在这一过程中,演奏者利用钢琴基础音色较好的特性,为演唱者提供较为明显的共鸣体验,同时通过听觉反应进一步深入,影响演唱者的心理反应,进而调动自身的声乐技巧,配合整个节奏的变化。例如,在《我的祖国》的教学中,利用钢琴伴奏,钢琴伴奏的优势除了它的音色和基音外,还有就是其自带一个共鸣箱,演奏者水平高超则会弹出优美的“泛音”,从而实现完美的共鸣效果。在《我的祖国》教学中,钢琴伴奏的共鸣效果能够很好地激发演唱者身体的共鸣效果,激发其生理变化,从而发出浑厚的声音,将歌唱祖国的豪迈心情表达得淋漓尽致。 2.3 教学中声乐技巧训练方面的艺术指导性 在声乐技巧训练方面,往往对学习者进行连音训练,连音训练的目的是保证元音的整体连贯性,避免辅音跳入造成的中断,并且在延长过程中辅音的发音必须圆润、清晰、有力。在声乐钢琴伴奏中,多采取整齐音律的弹奏,这样就能够很好地保持演唱的连贯性。同时,在其他训练技巧中,声乐钢琴伴奏也能很好地把握演唱整体的连贯性,并合理调动演唱者感情,保证演唱的流畅性。例如在练习连音中,可选用曲目《我亲爱的》,其广泛应用于声乐连音训练之中。其中声乐钢琴伴奏通过连贯的音色使得旋律富有较强的演奏性,当钢琴伴奏演绎了甜美、安静的前奏之后,演唱者带着平静的感觉进入连音的训练之中,再配合节奏鲜明的钢琴伴奏,很容易将单独的连音连接着优美的连音句子。 2.4 教学中声乐语言方面的艺术指导性 声乐在语言方面的教学要充分考虑语言的民族性与地域性差异,不同民族不同地域的音乐会带有与其相应的语言特色,而声乐钢琴伴奏通过其极富张力的表现,将演唱者带入到特定情境之中,使得演唱者能够更加清晰地感受曲目中所传达的情感,从而将其融入演唱之中,使得演唱更加富有震撼力。例如,意大利语由于其历史发展及民风影响,往往具有一定的高贵与典雅的感觉,而在意大利曲目的教学中,声乐钢琴伴奏通常也会进行较为规范的演奏,其在演奏过程中之中旋律的分解与配合,通过这样的方式积极引导演唱者,以期帮助他们提升自身音色质量,表现出最近演唱状态。同时,法语由于其地域及民族特色,赋予其浓郁的浪漫气息,在法语曲目教学中,声乐钢琴伴奏则表现得较为浪漫,伴奏配合着法语句式,以明快欢乐的节奏将法语句式特点发挥的充分而富有表现力,从而激发演唱者的表现力,推动其演唱高潮的出现。而对于汉语曲目伴奏,则要多用五声音阶来体现汉语的字正腔圆,充分体现我国的幅员辽阔与民族特色,激发演唱者或细腻或豪放的情感表达。 3 结语 声乐钢琴伴奏对声乐教学具有一定的衬托作用,在各项训练中发挥着重要的作用。同时,声乐钢琴伴奏具有相对独立的音乐功能,为声乐学习者提供了有效的艺术形式,其在气息、共鸣、技巧及语言四个方面对声乐教学产生一定的艺术性指导作用,完美表达作品意境,帮助学习者更加准确地把握音乐内海,具有无可比拟的价值。 钢琴教学指导论文:现代教育理念指导下的钢琴教学方式解读 摘要:随着教育教学改革的不断深化,传统的钢琴教学模式已经难以适应音乐人才的培养需要。为此,学校要积极推动钢琴教学改革,以现代教育理念为指导,不断改进钢琴教学方式方法,丰富钢琴教学手段,既重视学生钢琴知识技能水平的提升,又关注学生音乐综合素养的培养,从而促进学生全面发展。本文在阐述现代教育理念相关理论的基础上,提出在现代教育理念指导下的有效钢琴教学方式,期望对提高钢琴教学质量,实现钢琴教学目标有所帮助。 关键词:现代教育理念 钢琴教学 教学方式 一、现代教育理念的理论概述 1.认知取向教育理论 认知取向教育理论是基于认知心理学发展起来的,该理论包括皮亚杰的认知发展理论、布鲁纳的认知发现说以及奥苏贝尔的认知同化说。认知取向教育理论强调基于学生的认知发展进行教学设计,其教学目的在于提高学生的认知能力和水平。著名教育家奥苏贝尔在认知心理学的基础上,提出安排教学内容的两大教学原则:一是逐渐分化原则,将教学内容由一般概念的讲授逐步过渡到细节、分化内容的讲授;二是综合贯通原则,充分考虑学生的现有观念和知识水平对教学内容进行组织设计。将认知取向教育理论引入到钢琴教学中,能够指导教师合理安排教学的逻辑顺序,阐明学习内容,唤起学生的学习欲望,促进学生对钢琴知识与技能的认知发展。 2.建构主义学习理论 建构主义学习理论是现代教育理论的典型代表之一,该理论强调学生对知识的主动探索、发现与建构,既重视学生认知主体作用的发挥,又关注教师主导作用的价值体现。在建构主义学习理论指导下的教学模式要以学生为中心,将教师定位于教学活动的组织者、指导者、促进者,通过利用情境、讨论、合作等教学方式,引导学生对当前所学知识进行意义建构。在钢琴教学中引入建构主义学习理论,能够赋予学生自我认知和体验实践的自主权,有助于培养学生自主学习能力、创新实践能力以及音乐综合素养。 3.“主体―主导”教育理论 在认知取向教育理论和建构主义学习理论的基础上,教育工作者提出“主体―主导”教育理论,该理论同时强调学生的认知主体作用和教师的主导作用,将“教”与“学”统一在一起,重视教师与学生双方面主动性的调动。“主体―主导”教育理论不仅吸收了奥苏贝尔教学理论中对教师主导作用的理论性建议,而且还结合了建构主义学习理论中培养学生自主学习能力和创新能力的学习模式,是一种科学、先进的现代教育理论。在钢琴教学中运用“主体―主导”教育理论,能够充分体现出学生认知主体的作用,促使教学活动更加符合学生音乐素养的培养需求,调动起师生双方完成教学任务、实现教学目标的积极性。 二、现代教育理论指导下的钢琴教学方式 1.情境式教学 情境式教学法是一种能够激发学生学习兴趣、提高学习效率的方法,通过这种教学方法的运用,可以使学生在较短的时间内进入到演奏状态和音乐意境当中,它是钢琴教学中非常实用的方法之一。由于钢琴演奏对学生的自我状态有着较高的要求,有的学生从生活场景进入钢琴教学场景时,无法在较短的时间内完成情绪和思路上的转换,这样会导致弹奏出来的声音虚浮、飘散,从而影响其正常水平的发挥。教师作为钢琴教学活动的组织者和引导者,其可以通过适当情境的创设,消除生活情境对学生情绪和思路的影响。例如,教师可在正式开课前,用简洁的语言帮助学生回顾乐曲的风格、背景、结构特征等,借助语言情境将学生从生活情境当中拉回到教学情境;又如,教师可在学生开始弹奏乐曲前,播放一首与之曲风相近似的乐曲,帮助学生找到乐曲的意境,激发出其表达与演奏的欲望。除此之外,教师还可以对一些现代化的教学辅助工具加以利用,如借助多媒体播放视频或是图片,结合教学内容,向学生展示与乐曲有关的内容。通过上述教学情境的创设,可以使学生快速地融入到教学场景当中,有助于确保钢琴教学的顺利开展。 2.分层次式教学 为了解决学生的个体差异问题,在钢琴教学的过程中,教师可以采用分层次式教学法,从而使全体学生都能在教学中有所收获。在分层次教学中,教师应当对教学大纲进行科学合理地设置,具体设计时,教师应当了解并掌握所有学生的钢琴水平及其对钢琴知识的掌握程度,以此为依据,对各个阶段的教学目标与任务进行明确,并在大纲中列出教学重点和难点,按照学生的实际情况,选择最合适的教学曲目,并在教学大纲中融入一些学生感兴趣的内容,借此来调动他们的学习积极性。同时,教师应当结合不同学生的学习需求,选择适宜的教学措施,如偏重实践型的学生对钢琴的演奏技巧比较感兴趣,偏重理论研究的学生,则对与钢琴有关的知识比较感兴趣,这就要求教师应根据不同需求,选择相应的教学措施,如实践教学、理论教学、理论联系实践教学、对比教学等等,在满足不同学生学习需求的基础上,提高钢琴教学的效率和质量。此外,教师可按照教材的内容,采用师生共同探讨的形式,征求学生的意见,对教学方法进行调整和改进,用与学生学习情况最相符的方法进行教学,使整个钢琴教学过程更具针对性和实效性。 3.阶梯式教学 现代教育理念强调学生认知发展,要根据学生的学习实际情况安排教学内容,确保教学内容符合学生的实际需求。为此,在钢琴教学中应采用阶梯式教学方法,根据学生课程成绩和接受状况,制定相应的教学措施。具体实施方法如下:一是通过考试了解学生的学习情况,在试卷的设计上,可以日常教学中的钢琴知识作为主要内容,并在课堂上对全体学生进行摸底考试,然后由教师统一对试卷进行评定,从而获得学生的成绩,并按照成绩从高到低进行排序,找出成绩较低的学生在钢琴知识方面存在的不足,据此对教学内容进行适当地改进和调整,加强对试卷中反映出来的薄弱知识点的教学,提高所有学生的钢琴基础知识水平。二是通过接受程度掌握学生的学习情况,由于不同的学生接受能力有所差别,因此教师可以通过与学生的交流、沟通,或是问卷调查的形式,掌握学生对钢琴知识的接受程度,据此采取相应的教学方法。在与学生进行交流和沟通的过程中,可将学生分为几个小组,并由每个小组的组长负责收集本组组员对钢琴知识的接受情况交给教师,由此教师便可掌握各个小组内学生对钢琴知识的接受程度。若是采用问卷调查的方式,则应对调查问卷进行合理设计,确保调查结果能够真实反映出学生对钢琴知识的接受程度。 4.讨论式教学 为使学生掌握更多的钢琴演奏技巧,并对与钢琴有关的知识有一个更深入的理解,教师可以在教学过程中,引入讨论式教学方法。鉴于钢琴教学的课时比较有限,教师很难做到对全体学生的逐一指导,因此,对于部分难度较小的问题,教师可以设置集中讨论课,让全体学生都能够参与到解决问题的讨论当中,给学生聪明才智的展现提供一个良好的平台。集中讨论的问题即可以由教师提出,也可以由全体学生提出,问题要具有普适性的特点,从问题的提出到讨论解决的过程,能够使所有的学生从中获益,并且还能积累更多的教学案例。在钢琴教学中采用讨论式教学法除了能够帮助学生拓展思路之外,还能使教学效率和质量获得进一步提升。 5.对话式教学 音乐体现着一种文化思想,所以钢琴教学既要重视学生弹奏技能培养,又要重视学生音乐文化底蕴培养,使学生能够理解钢琴作品中的文化内涵,进而更好地演奏钢琴作品,增强钢琴演奏的艺术感染力和音乐表现力。为此,教师要针对钢琴作品中的文化内涵积极开展对话式教学,与学生进行思想交流,拓宽学生的知识视野,使学生对钢琴作品的认知进行重构。在钢琴教学中,教师要引导学生从人类学、社会学、哲学、文化学等多个学科层面入手,自主探究音乐作品的文化内涵,鼓励学生通过查找与作品相关的社会文化背景资料以及相关的美术、文学作品资料,进而解读自己对音乐作品的理解,加强师生之间、生生之间的思想交流与对话。在现代教育理念下开展对话式教学,既能够开阔学生的音乐文化眼界,又能够促使学生将关于文化内涵的审美体验融入的钢琴演奏中,提升学生的艺术文化修养。 6.启发式教学 现代教育理念强调学生对知识的主动建构,为此钢琴教学可运用启发式教学发,让学生在教师的启发与引导下,从传统的接受教师传授、模仿教师演奏,转变为通过学生自主探索将知识进行迁移应用、学会变通,打破“讲授”的枯燥教学模式。如,在钢琴演奏教学中,可采取以下教学策略:让学生通过多种途径了解音乐作品的创作背景、创作思想与风格,由学生对音乐作品的演奏方式进行自主设计,并让学生在课堂上演奏,之后师生共同讨论这种演奏方式,再让学生根据弹奏经验、演奏范本进行再创造。启发式教学法不仅能够调动起学生的主动性,尊重学生在学习中的主体地位,而且还能够引导学生运用一切学习手段开展艺术创造活动,给予学生践行理论知识的表演机会,促使学生扎实掌握弹奏技能。 三、结语 总而言之,在现代教育理念指导下,钢琴教学必须转变传统的教学模式,更新教学观念,始终坚持以学生为主体、教师为主导的教学思路,持续推动钢琴教学的改革与创新。钢琴教师要认真学习现代教育理念,在教学中合理运用情境式、分层次式、阶梯式、讨论式、对话式、启发式教学方法,确保教学内容符合学生的认知规律,激发学生的学习兴趣,培养学生音乐综合素质,从而提高钢琴教学效率,实现钢琴教育目标。 钢琴教学指导论文:声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性探析 【摘 要】声乐钢琴伴奏是声乐教学的一个重要组成部分,在声乐教学中,对钢琴伴奏进行运用,可以将丰富的情感灌输到作品之中,并且可以将强弱对比直接传递给学习人员,从而可以提高演唱者的热情,使其能够感受到作品的情感和动人之处,打动听众。 【关键词】钢琴伴奏 声乐教学 艺术指导性 课题:陕西省科技计划项目《陕西高等音乐人才培养与服务地方文化的协同发展研究》,项目编号:S2015YFRM0039。 在声乐教学中,声乐钢琴伴奏有着重要作用,能够发挥出巨大的能量,提高教学质量。因此,应当对钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性进行探讨,使其作用能够得到更好的发挥。 声乐钢琴伴奏的特点 1.视奏要求较高 声乐钢琴伴奏在视奏上的要求比钢琴独奏更高。钢琴独奏演出前,独奏演员需要利用一定的时间对演奏的曲目进行研究,同时可以依据演唱者自身身体的实际情况完成对训练时间的安排。因为演出时间比较独立,因此在实际演出过程中,需要依据对演出过程中遇到的突发情况进行相应的改变。声乐钢琴伴奏与之相比则有较大差别,在演出过程中更加注重对视奏能力的培养。训练时,钢琴伴奏应当需要提高自身在表演过程中的即兴演奏能力。在演奏中,钢琴伴奏者,需要在短时间内了解声乐的整体状况,从而准确地掌握声乐风格,领会作品想要表达的情感。 2.准确辨别演奏者身份 声乐钢琴演奏者在演奏过程中,需要提高对演奏场面的控制以及在情感上的表达。因此,伴奏者需要对自身角色准确定位,从而更好地配合声乐演出的进行,提高演出水平。 3.注重聆听 声乐钢琴伴奏者需要懂得聆听,要认真聆听演奏者的声音、呼吸、声量大小,以及演唱者在演唱过程中情绪的表达,从而使演出者和钢琴伴奏者在演奏上能够同步。在演奏过程中,如果发现问题,应当及时通过钢琴伴奏对出现的问题进行补救。 声乐钢琴伴奏与声乐教学的融合 音乐学校教学与其他专业的教学存在较大差异,工作相对紧张,并且工作压力大。学生每周将会进行两次的专业学习。在学习上应当通过两方面进行:⑴单纯地进行发声练习。⑵伴奏教师应当与学生进行合奏演练。 人们常将伴奏比喻为“绿叶”,将声乐比喻成“红花”,这种形容很好地描述了伴奏和声乐之间的关系。在课堂中教学生也是如此,声乐教学如果没有伴奏陪衬,孤独的声乐教学将会显得十分“孤单”,应该将两者进行合理融合,使两者完成互补,丰富教学内容。 学生在进行伴奏合唱的学习过程中,不能将所有的精力都放在钢琴弹奏上,在演唱过程中,要注意情绪发生的变化,这需要学生具有敏锐的观察力和判断能力。例如,演唱者在演唱过程中,因为紧张在换气上出现了问题,而钢琴演奏者没有注意到发生的问题,仍然激情高昂地弹琴,这对演唱者的演奏势必会造成影响,甚至在演唱过程中出现发挥失常、高音唱不上去等情况。钢琴伴奏者在伴奏过程中应当与歌唱者做到心有灵犀,确保歌曲的演绎趋于完美,尽量降低演绎过程中存在的瑕疵。 声乐演唱中声乐钢琴伴奏的艺术指导性 1.气息教学中声乐钢琴伴奏的艺术指导性 唱好歌的前提就是做好呼吸,呼吸为歌唱提供支持力和动力,在歌唱过程中,歌唱者需要依据乐句的情感和长短对呼吸进行调整。歌唱呼吸与生理上的必要呼吸不同,歌唱呼吸具有明确的目的,并且需要带有一定的技巧。在歌唱呼吸过程中,要使歌唱出的声音充满艺术感染力、生命力和活力,在声音教学中和传统的呼吸教学中,教师会对学生进行歌唱呼吸生理结构训练和讲解,从而使学生在歌唱中学会如何呼吸。与感情伴奏相结合则存在较大差别,在完成生理训练的同时,需要对心理教学法进行合理应用,从而实现艺术指导性。对歌曲情感的表达通常都通过歌曲基调、歌词含义等元素实现。声乐钢琴伴奏,通过详细分析歌曲的详尽内容,在进行演奏时,对歌手进行一定的引导,使歌手能够准确地掌握歌曲想要表达的思想,演唱者在演绎歌曲时只需找一种合理的呼吸方式即可,并不需在呼吸上投入太多的精力。事实上,钢琴伴奏所带来的感情和激励对噪音冲动是有利的,其能使气息协调发挥出完美的艺术作用。 2.共鸣中声乐钢琴伴奏的艺术指导性 声带在歌唱中产生的声音细小、微弱而且没有色彩。在演唱过程中,自由经过口腔、胸腔等部位的协调作用后与身体产生共鸣,从而发出适当的音量,使声音变得明亮并且形成共鸣声音。由此可见,声乐教学中,共鸣的训练与形成对形成良好音质有着重要作用。在传统的音乐教学中,在发生共鸣教学方式上,通常都是采取生理引导的方式进行。腔体的认识与形成,需要体会到 “贴着咽壁吸着唱”的感觉,只有这样才能确保喉咙始终都是处于打开状态,打开通向咽腔的重要门户――会厌,最终实现声音共鸣,从而发出良好的声音。声乐钢琴伴奏中,则需要通过独特的艺术特点,发挥出艺术指导性。受钢琴自身特点决定,钢琴具有良好的基音外,在伴奏刚开始时,还能够清晰听到钢琴演奏所发出的声音,后续声音将会逐渐减弱,正确的泛音与基音相比应当更加柔和、高、丰满。 钢琴伴奏中,弹奏方法准确无误,基音在良好共鸣物质基础上,容易获得良好泛音,从而使共鸣声音能够较为完美地呈现在听众的耳边。只要弹奏钢琴的方式没有问题,钢琴本身具有的共鸣体,就很容易获取到良好的共鸣音色。由此可见,说钢琴是“领跑人”并不为过。人的身体与钢琴的构造相比,人需要经历一系列的自我调节后,才能实现声音的共鸣。声乐钢琴伴奏加入到声乐教学中,要求歌唱者在歌唱过程中,要确保声音的协调性,获取良好的音质。只有声音达到或接近协调的情况下,听众才能感受到乐器和人声的协调,不会感觉到两者之间存在间隔。如果在演绎过程中,歌唱的声音和钢琴的声音之间存在的差距较大,可能会导致听众只能听到钢琴声音,而听不到演唱者的声音;或者演唱者的声音听起来仿佛噪音一般,体会不到两者融合在一起的感觉。在这样的背景下,演唱者因为生理反应,为了使自己的演唱声音与钢琴声音融合,只能下意识地使用声音技巧训练过程中的人体共鸣箱方法,从而完成演唱。 钢琴教学指导论文:浅谈创造教育理念为指导的钢琴即兴演奏教学 【摘 要】钢琴即兴演奏是以创新性思维为优秀的一种音乐表演方式,它最大的魅力就在于音乐灵感的闪现和即兴的创造手法。丧失了创造力的钢琴即兴演奏便如同丧失了灵魂,因此无论是在钢琴即兴演奏的专业教育领域还是业余爱好者的群众普及领域,贯彻创新性思维的培养都是钢琴即兴演奏教学的基本原则。 【关键词】钢琴;即兴演奏;教学;创造性 即兴演奏是一种脱离完整记谱的即兴性音乐表演形式,作为创作和演奏同时进行的音乐表演,想象力和创新能力成为了衡量即兴演奏者水平高低的重要标准。即兴演奏教育在我国也是一门新兴的音乐教育学科,因此,作者希望在创造学和创造教育的理论基础上,探索钢琴即兴演奏的创新型教学方式改革的新路,力图开拓出更多为钢琴即兴演奏的师生所乐于接受的有效的教学方式。 一、我国钢琴教学重视技术训练而忽视创造力培养的负面影响 我国业余钢琴考级制度经二十多年的实施,已经相当完整,也颇有成效,但其负面影响也决不可忽视。 日本钢琴教师高桥雅江在其教师手记《中外钢琴考级之比较》中提到,“国外音乐考级的目的是为了推动整个社会的音乐素质的提高,使业余音乐爱好者更有兴趣的学习,同时以鼓励和提高孩子的主动性、独立性和音乐创造性,把握业余音乐学习的特点,在专家、考官的关注下,让学琴的孩子自由成长,让他们从内心感受音乐的美丽,使音乐能够陪伴他们一辈子。中国国内的许多家长和老师普遍存在严重的功利心里,不顾孩子的兴趣及艺术修养,一味追求考级级别,盲目攀比,误认为考级是评判孩子学琴的唯一标准,以致于艺术心理惨遭摧残,许许多多考级通过或不通过的学生,因此远离了音乐,有的甚至影响了他们一辈子。” 这则手记客观地指出了我国国内钢琴考级普遍功利化的现象。导致这一现象的责任是家长、教师和社会舆论导向共同承担的。中国的琴童被认为只有挂上某某国内考级几级的牌子才有价值和定位,而对于其音乐修养、音乐创造力之类诸多无法用考级衡量的东西,社会和教师则并没有给予充分的认可。 对此,我们可以将英国的钢琴考级与国内的几家知名钢琴考级内容与形式进行逐一比较。 目前通行于国内的各项钢琴考级,如中国音协、上海音协、中央音乐学院、中国音乐学院、上海音乐学院等单位主办的钢琴考级,虽名称不同,但从考试的内容上来讲则大同小异,主要都是由基本技术练习(音阶、琶音)及练习曲、复调作品、乐曲几大板块组成。这些板块基本上都要求学生进行背谱演奏,其中只有上海音协与上海音乐学院的钢琴考级,多年来顶住社会压力,坚持同时进行乐理的考级,取得了一定的效果。2005年以后上海音协的考级虽然新增设立了演奏级的考核,但重点还是古典作品的弹奏方面。上海音协与上海音乐学院虽然曾先后提出过增设即兴伴奏的考级要求,也作过一些尝试。但由于诸多方面的原因,至今尚未全面实行。由此看来,在中国的钢琴考级中,明显缺少对学生进行创造力考核的内容。 二、促进钢琴教学创新模式的思考 教学模式是在一定的教学思想指导下,围绕着教学活动的培养目标所形成的相对稳定的系统化和理论化的教学范型。一般要涉及教学的价值观和教学目的、教学过 程、教学方法、教学策略等方面的研究。也就是说,教学模式是围绕培养人才目标而建立的教学实践方法和策略。 要建构创新型钢琴教学模式,首要的任务是建作立钢琴教学目的观:即通过钢琴音乐表演的审美、立美、创造美的教学过程,增进学生文化与艺术修养,培养健全人 格和创新素质,使学生在未来的工作、生活中有开拓创新精神和应变创新的能力,适应创新型国家发展的要求。其次要确立:将钢琴表演的教育规律与创新教育理 论、艺术心理学等学科,有效整合构建成促进学生创新素质发展的钢琴模式(以下简称创新素质钢琴教学模式)的理念与策略。明确音乐表现力发展的本身,就是学 生创新精神和创造能力在艺术素养中的具体体现,而联系生活经验和音乐理解,激发学生在钢琴学习中的审美体验和创造喜悦则是促进学生创新品质的基本要求。因 此,创新素质钢琴教学模式必须改变传统钢琴教学的以教师为中心,以灌注式的传授教育为主导,忽视学生感受,压制学生以主体地位进行自主创新学习的局面;要 把激发学生自主创新学习放在首位,确立以学生为主体的教学方法。 虽然促进学生创新素质发展钢琴教育模式主体是学生,但教师是导向学生一切创新教育的规划与决策者。因此,作为一位钢琴教师,必须在继承传统教学精华的基础 上,不断突破原有教学模式中遏制学生创新素质发展的因素,将创新教育的培养目标与实际教学结合,审时度势,变换策略,以不断创新的精神激发学生潜能,以开 发学生创新素质为创新型教师的天职。 三、培养学生丰富的想象力和创造性思维 钢琴即兴演奏有它的即兴性,但它既不能漫无边际的海阔天空,也不是要绝对遵守严格的公式格律。不能要求学生把一首歌曲配弹成相同的样式,要鼓励学生根据各自的想象力,去进行创造性的编配,使每个人的创造性充分展现出来。 首先,要充分发挥学生的想象力与创造力,要让学生为一首作品多设计几种方案,并在老师的指导下,在实践中不断尝试改进,这样选择余地大了,即兴演奏也就必然更加合理。因为完全照谱弹奏只能机械的练习,而从别人的伴奏中可以学习或从演奏谱中得到启发和联想,然后再通过大脑,进行加工编配,再进行弹奏,可以促使学生不断思考与创新,这是改进和提稿演奏水平的有效措施之一。 其次,要鼓励学生相信自己的听觉,教师要引导学生根据音乐形象及思想感情的变化、乐曲北京与和声运动的需要来考虑钢琴演奏的织体。如何可以用琶音来模拟自然界的流水潺潺、单倚音来模拟鸟鸣声等;也可以通过模仿民间的锣鼓、吉他的弹拨、钢管的吹奏等声音来渲染气氛;积累和运用生活中熟悉的音调与节奏,如民歌或者民间舞曲的节奏、行进队伍的步伐省、母亲晃动婴儿摇篮的律动等,来烘托作品的特定意境。这种创造性思维与整个作品有机地结合为一体的做法,将在弹奏时有助于增强作品的艺术感染力。 四、结论 对于钢琴即兴演奏的教育,据笔者所见,在世界范围内目前仍然没有一个权威地、十分成熟和健全的方法、体系的理论概括,然而即兴演奏伴随着人类音乐的出现而出现,作为一个历史久远的音乐表现形式这么多年一直持续发展着并巩固和加深着自身对于音乐发展的地位和影响,堪称古典精神与现代精神的完美交织。在钢琴即兴演奏教育的发展中,作者所尽绵薄之力也只想为钢琴即兴演奏教育方法的理论体系完善添砖加瓦。 在学习和实践的过程中面对专业领域的各种挑战,同时很欣喜地看到越来越多的人关注即兴演奏,喜爱即兴演奏甚至希望学习钢琴即兴演奏,作者深感作为一名钢琴即兴演奏专业的学生同时是传播者的光荣愉快和责任重大。尤其是在国内钢琴即兴演奏教育发展还尚未成熟的当下,我们的队伍仍需扩大,我们需要更多的优秀专业人才,也是更多的优秀师资作为传播者,大家一起努力,推动我们的钢琴即兴演奏教育走向一个更灿烂、更美好的明天! 钢琴教学指导论文:钢琴艺术指导下的实践教学 摘要:钢琴艺术指导从本质上看隶属于音乐表演范畴,这就决定其本身的艺术性和创新性。以《玫瑰三愿》和《故乡》为例论述钢琴艺术指导在教学中的具体实践,指出钢琴艺术指导教师应该具备了解歌唱艺术、歌唱语言、有良好的心理素质等基本素质,以便更好地完成钢琴艺术指导工作。 关键词:钢琴艺术指导;教学实践;教师素质;心理素质;艺术处理;音乐作品;二度创作;歌唱语言 一、钢琴艺术指导概念简述 20世纪90年代以后,钢琴艺术指导作为一门独立学科逐渐被各音乐学院所认可,音乐界对它的重视程度与日俱增,这门学科逐渐摆脱绿叶这一配角角色,音乐工作者特别是声乐工作者逐渐意识到歌唱声音与伴奏两者是“水”和“鱼”的关系,密不可分,相互影响。 钢琴艺术指导是声乐演唱不可或缺的重要组成部分,是以钢琴弹奏这种伴奏形式,与演唱者一起并在一定程度上指导和影响演唱者,以正确、丰富地诠释出作曲家通过该作品所要表达出来的情感和意图。本文所研究和阐述的声乐作品,是指由作曲家创作好的带有钢琴正谱伴奏的声乐作品,所提到的演唱者则是指从事声乐专业的学生。就钢琴艺术指导而言,对于声乐作品钢琴伴奏部分的演奏是基于原作曲家一度创作基础上所进行的二度创作,也可以称为再创作。因此,首先对于原作曲家创作好的伴奏部分,即伴奏乐谱,要认真理解和弹奏。其次,在传达和客观呈现伴奏情感的基础上,伴奏者根据自身具备的音乐素养及感性认知对声乐演唱者情绪及歌曲处理进行伴奏和指导,最终将作品很好的诠释和表达出来。仅这一点,就很好地表现出钢琴艺术指导对于声乐演唱者的艺术指导性和创造特殊性。 二、钢琴艺术指导在教学中的具体实践 下面就以《玫瑰三愿》和《故乡》为例谈谈钢琴艺术指导在教学中的具体实践。黄自的艺术歌曲《玫瑰三愿》借赞美、感叹玫瑰之美来表达对于幸福生活的向往和追求(谱略)。 《玫瑰三愿》全曲为八六拍,前12小节,包括钢琴前奏,一步一停的节奏型,很好衬托出了少女在亭间看见满园玫瑰时的惊讶和陶醉之情。4小节的前奏犹如少女从亭中远远走来时步伐轻盈之态,对于演唱者而言,起到了营造特定场景和烘托安静气氛的作用。同时,也为第5小节演唱旋律的开始做了生动的铺垫。这时演唱者的情绪、演唱状态应是准备好的歌唱状态,一定不能在第5小节开始演唱时,才临时准备,这样就会出现开头时咬字不清和情绪不佳的状态,从而破坏作品的美感及整体性。演唱者可用心与钢琴前奏一同默唱或在脑海里营造出丰富的音乐画面,从而掌握演唱情绪和情感。第5小节至第12小节,钢琴伴奏以整体的柱式和弦为伴奏织体,节奏与演唱旋律声部几乎一致,干净、轻盈地烘托出少女被玫瑰所吸引时,那一步一停、看看这儿又看看那儿的欣喜之感。12小节伴奏部分,以分解和弦为过渡连接,到13小节以强拍上的柱式和弦引出以弱拍进入的旋律演唱声部。其中,13小节旋律声部的“愿”字,本身就处于强拍位置上,演唱时可以有适当的延长,但不可过分。这一句“我愿那妒我的无情风雨莫吹打”,情感表达有所上扬,但要稍有控制,后一句“我愿那爱我的多情游客莫攀摘”很快就稍弱了下来,这是为“三愿”之一“我愿那红颜常好不凋谢”做铺垫,从而达到一种“迂回”的情感表达方式,“三愿”中的“愿”字,不要有拖拉延长的处理,这一句重点表达在“红颜”和“凋谢”上,在“颜”字上可稍有延长,在“常”字之前有个换气口,将后面的旋律更流畅地演绎出来。有的演唱者“凋”字有意减弱延长,这时钢琴伴奏部分可随之减慢、延长,观察演唱者韵律走向,从而将后面的单一柱式和弦与“谢”一同整齐奏响。第三愿,前半句激昂,后半句又有着无限哀伤和感慨,“三愿”结束,可有自由的停歇,在安静的气氛中,情绪平缓甚至带有无奈却又希望地演唱这句“好教我留住芳华”来结束全曲。 陆华柏创作的描写抗日战争背景下的艺术歌曲《故乡》,表达了对敌人无比的憎恨和对家园无限的思念之情,情感起伏对比更强烈(谱略)。 首先,4小节的钢琴前奏,给演唱者营造了一幅美好、平静的景象。伴奏最后停在一个3拍的单音上。虽然第4小节的旋律演唱是从第4拍上弱起开始的,但在实际的演唱中,演唱者可根据自身情绪、状态、现场等多方面因素去延迟后一拍弱起开始的旋律始音。虽然乐谱上规定弱起音开始之前是3拍的前奏结束音,但在实际练习和演出时,是可以自由延迟处理的。在这里也很好地体现了钢琴艺术指导的重要作用,即因演唱者个体的不同而随之改变歌曲伴奏的速度。这就需要钢琴艺术指导在酝酿和沉浸自我感知情绪的同时,还要与演唱者感性情绪、呼吸相对应,这当然是基于对同一声乐作品在大体情感表达和演唱处理观点一致的基础上才得以进行的。歌曲5至18小节,整体情绪以抒情、赞美故乡家园为主,在以分解和弦为主要伴奏织体的衬托下,很好地表现了演唱者在演唱这一段乐曲时赞美、歌颂故乡家园时的美好情感。在第7小节,旋律声部出现的一组三连音,歌词是“本来是一个天堂”,三连音位置的歌词“是一个”,一部分演唱者在演唱时常将其三连音节奏特性忽略,看似微小的一拍,其实是作者有意的安排,是通过三连音均匀、快速的节奏特性来表达对于故乡美好的怀念,更是为后面情绪大幅度转折埋下的伏笔。给听众的感觉是:演唱者急切地通过三连音来表现和突出“天堂”二字,这与后面“已经是野兽的屠场”形成了鲜明的对比。19至24小节,是一段承上启下的关键部分,虽然旋律演唱部分颇有淡淡忧愁和悠然自得之感,但19小节伴奏部分出现的大量三连音,将看似平静的湖面,映射出一丝不安、不详的黑色气氛。23小节伴奏部分大量的分解和弦织体,很好地延续了“凭吊”之感,这里不可将后面转折的憎恨情绪带进来,要平稳,在减慢、减弱中缓缓收声。此时,演唱者状态也不要将凭吊情绪过早收起,要与这一部分伴奏一起“感同身受”。后面钢琴伴奏突然强起,左手低音八度的急促,将所有美景打破,为残破的故乡拉开序幕。演唱者此时虽没有演唱旋律,但情感、表情表达也是另一种无声的旋律演唱。演唱者可根据钢琴突然的情绪转折营造出一种突如其来、不知所措的表情,为后面“现在,一切都改变了”做了很形象的铺垫。27小节,“现在”后面的八分附点休止符一定要干净,这里是留给钢琴伴奏的两个整齐的柱式和弦,因此,不要有过多声音延留。“一切都改变了”,是没有伴奏类似于独白的一句话,这里可以处理稍自由,但“改”字不要自由过分,要为后面情绪的更大波动留有余地。后面“已经是野兽的屠场”,“野兽”二字,字换气不换,强音处理,在愤恨情绪中凸显出无奈和悲凉。接下来三小节的伴奏,将演唱者情绪由明显的憎恨转向无限的悲凉和哀伤中,“我的母亲”可以处理为原速,后面一句“我的家呢”也不要有过多的延长,“哪一天再能回到你的怀里”可做较为自由的处理。该句伴奏结尾的强收柱式和弦,要尽量与演唱尾音一同收声。后面的“然”字可自由延长,与“无恙”之间的休止符也可以稍稍延长休止时间,但太长则会出现情绪脱节的弊端,应当避免。后面结尾情绪强烈的钢琴伴奏,要在激动、急切但不失平稳的状态下强收,以达到延续作品意境及情感的艺术处理效果。 三、钢琴艺术指导教师应具备的素质 钢琴艺术指导从本质上来看,它属于音乐表演范畴,通过教学实践经验来看,良好的指导艺术修养主要来源于高素质的教育培养、高雅的艺术品味培养以及优秀的德行及心理素质培养等方面。具体表现在以下四个方面。 第一,对于声乐作品创作者创作风格及作品创作背景要进行具体的了解和研究。熟知作曲家创作风格,在一定程度上有助于钢琴艺术指导把控作品整体性诠释和表达。 第二,对声乐作品赋予创造性的二度创作。每一个钢琴艺术指导对于同一作品的演绎都是不尽相同的,但基于二度创作的基础都是作品本身的“乐谱”,因此,二度创作的源泉就是“乐谱”。这就需要钢琴艺术指导对于原作品内容进行真实的“再现”,在此基础上将伴奏者生活经历、感性认知及自身个性融合到作品本身上,创造出有血有肉的音乐人物或是生动的音乐画面。这才是钢琴艺术指导作为一种表演艺术的魅力所在。 第三,对于声乐艺术、歌唱语言的熟知。钢琴艺术指导对于演唱者演唱呼吸、乐句划分,语言句、字划分能起到正确处理和指导的辅助作用,这就需要钢琴艺术指导教师了解并掌握意大利语、德语、法语,以避免出现与演唱者歌词“脱节”的现象。对声乐技术的熟知,有助于增强钢琴艺术指导与演唱者之间呼吸起伏的默契感,以便处理好作品中存在的句句之间换气、整句之中换气等问题。 第四,有良好的心理素质。钢琴艺术指导与演唱者合作分为台下和台上。台下需要钢琴艺术指导耐心、细致地对演唱者进行综合型指引、练习。在台上演出中,需要钢琴艺术指导沉着、冷静,这对于演唱者来说,十分重要,有利于其演唱自信心的构筑。在演出中,存在很多临时突变情况,如演唱者因紧张而出现与伴奏不符的演唱现象:较原处理速度而言变快或变慢、音值增长或减短等现象。出现这样的现象,在一定变动范围内是可以并且是正常的,演唱者每一次用情地演唱,其感情表达不可能每次都一模一样,可能在演出过程中,状态等各方面都更为激动和积极,因此,在以往处理的某些细节地方,就会出现一些速度、音值的细微改变,这就需要钢琴艺术指导心理冷静、灵活、快速地适应并默契地跟随,从而达到满意的合作效果。 当然,在知识不断更新的今天,对于钢琴艺术指导者来说,面临更严峻的考验和挑战。钢琴指导教师只有积极地从教学实践中找出不足,通过不懈地努力学习不断提高自己,才能更好地指导和服务歌者,拓展更宽阔的发展空间。 钢琴教学指导论文:浅谈钢琴教学的指导方法 摘 要:对钢琴教学的指导方法进行了分析,旨在培养学生弹奏钢琴的兴趣,最终达到演奏效果。 关键词:钢琴教学;指导;方法 钢琴被誉为器乐之王,钢琴属于键盘乐器。钢琴音域宽广音量宏大,音色变化丰富,演奏技巧复杂,是主要的独奏乐器。19世纪的欧洲出现过很多钢琴大师,譬如波兰的钢琴诗人肖邦,匈牙利的钢琴家李斯特,都是欧洲优秀的钢琴大师,同时也是浪漫派音乐家的代表人物。在中国接受钢琴教育有100多年的历史,也涌现出像傅聪、周广仁、刘诗昆、殷承宗、顾圣婴等老一辈钢琴家。近年活跃在世界乐坛的李云迪、郎朗、陈萨。如果说他们是天才,倒不如说他们与刻苦训练以及正确的教育有关。实际上弹奏钢琴的技术,与乐谱和钢琴没多大关系,主要与弹奏者有关系。因为弹钢琴需要的是兴趣和坚强的毅力。钢琴它作为高级的音乐文化,是传递情感的另一种方式,同时能陶冶人们的情操,愉悦自己的身心。弹钢琴的幼儿必须培养耳朵听、眼睛看、手指弹、脑子想,培养视觉、听觉、触觉等多方面的感官综合。幼儿在入门阶段必须注重兴趣的培养,中高级阶段更需要注重技术性的训练,这样才能达到演奏效果,下面我将学习钢琴的基本问题谈一些见解。 一、坐姿 幼儿在学习钢琴时首先要掌握坐姿,弹奏的本身需要手指、手臂、身体等肢体进行一定动作的协调配合,弹奏动作的训练就是对这些肢体控制能力的训练。因为正确的坐姿可以使弹奏着对琴键的控制和驾驭,是弹好钢琴的前提。首先要调整好琴凳与钢琴之间的距离,让孩子坐在琴凳的中央,大约坐在琴凳宽的三分之一左右,先伸左脚放在钢琴踏板的左侧,然后伸出右脚放在踏板的右侧,双手同时放在大腿上,然后再将双手柔和地、轻轻地放置于琴键之上。大臂与前臂形成钝角,腰部挺直,颈部可以自由活动,不可僵硬,幼儿的上身略向前倾,使幼儿的身体重心略向前,以便力量向前传送至手指,因此,坐姿和手型是学习钢琴贯穿始终的。总之,坐姿以自然端庄,有利于弹奏为原则。 二、手型 我根据多年的教学经验,往往认为最正确的手型是双手自然打开,露出掌关节就是一个最正确的手型,像以前老师讲的手里像握一个鸡蛋一样,那是非常教条的,会使手型机械或僵硬。往往缺乏灵活性和自然性,正确的手型、手指、手掌、掌关节都要挺立,整个手型形成“架子”。手型过紧无法弹奏,手型过松不利于弹奏,有了一个好的手型,手腕与键面基本保持在一个高度,这样的手型在弹奏时音位就很准确,手指会很到位,这就是弹琴要求的手型。也就是说弹琴的手型是要把手处于最放松、最自然的状态,而这时的手型也符合手心空的、手腕平的、手指能立住的手型要求,因为弹琴的状态就是保持自然的状态,在弹琴的过程中,无论多难的乐曲,多复杂的谱例、多大的跨度,都要看作是对自然状态的一种考验。 三、触键 手指的正确弹奏是触键的基本技巧,是在控制和利用掌关节不塌陷的前提下,把下键的手准备好,让肩肘腕全部放松,抬升手指的第二指关节,用高抬指触键,把琴键弹到底,这样手臂的力量便会通过指尖传送到键盘上,这时用耳朵去听,如果发出的声音是清晰明亮的结实而饱满的,也就是老师说的声音不是虚的,是通透的声音。因此,手指触键必须要学会紧张与放松的统一。高抬指对于初学者难度较大,弹奏的“颗粒性”较好。 根据多年的经验,我认为初学者还是注重掌关节的高度发挥进行“高抬指”的训练。锻炼灵活性,锻炼手指的支撑力爆发性以及独立性。要通过合理的时间训练,慢慢地一步一个脚印循序渐进地练习,千万不能急于求成,逐渐发展灵活性慢慢掌握单音奏法、双音奏法、连音奏法。弹奏时十指具有相同的能力,让十指在弹奏时力量均匀灵活,富有力度和弹性。钢琴触键并不是简单而随意地按键,它需要有正确的弹奏方法,技巧与心手的结合。钢琴触键奏法,虽然乐谱上有各种各样的标记,但归纳起来就只有三类。(1)连奏。连奏是钢琴演奏中的歌唱性奏法,主要用于抒情歌唱性的旋律,圆滑连贯的乐句。其方法是利用手指间力量的转移,要求手指有高度的独立性和支撑力,在力量转移时手腕要高度放松,手指不能松懈,声音不能有间隔,有一气呵成的连贯。(2)断奏。主要是各种跳音的演奏形式,跳音有小跳和大跳之分,音符上面是小黑点的属于小跳音,弹奏时需要指尖跳,只需弹出该音符时值的二分之一拍。指尖跳可以产生轻盈,灵巧的效果,是属于“指尖断奏”。音符上面带小三角的属于大跳音,则需要弹出该音符的四分之一拍,是属于“手腕断奏”,当然还有“小臂断奏和大臂断奏”,技术要求更高,不再说明。(3)“非连奏”。当乐谱上既有跳音又有连线时记号时,那就是“非连奏”,是属于似断非断的音,那么弹奏方法是指尖贴在键盘上,手在下键前要紧抓住键盘一样,不要出现颗粒性的声音,也不要连奏的声音,那是一种富有想象力和表现力的声音。 四、选择教师 幼儿在学习钢琴前,教师的选择很重要,必须是经过科班出身的钢琴老师,才有资格教钢琴,最好是去找有丰富钢琴教学经验的负责任的名师,负责任的钢琴教师会以启发式的教学方式入手,从孩子的手型、指法、技术、乐理、视唱练耳等多方面进行引导和教育。打好钢琴弹奏的基础,才能培养出比较优秀的人才来。凡是孩子在钢琴方面有成就的,家长都是在非常慎重的前提下,选择有经验的名师来指导,孩子学习钢琴走的是正确的路,将来非常有建树。 通过对学习钢琴从坐姿、手型、触键以及选择教师各方面的综合分析,希望学习钢琴的孩子明确方向,选择理想严谨的好教师。从方法技术和情感两方面抓起,以启发式的教学方式入手,这是每个琴童学习钢琴的前提,同时也呼吁家长明确孩子成长的方向,严谨地培养孩子。幼儿弹琴非常枯燥,首先得培养孩子的兴趣,家长得很好地陪练,家长是第一老师,等到孩子学到入门以后,家长可以督促孩子弹琴,家长同时也是第一听众。经常给孩子以鼓励和鞭策,这样才能培养出优秀的琴童来。 (作者单位 甘肃省定西市安定区东关小学) 钢琴教学指导论文:浅谈钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性 在钢琴教育领域,无论是艺术实践的舞台还是专业课堂的钢琴教学,或是一些具有教研性质的研讨会、毕业音乐会、演唱会等等,都需要一名非常出色的钢琴伴奏,也就是我们常说的艺术指导。 一、声乐钢琴伴奏的定义与内容 声乐钢琴伴奏是为声乐服务的,是为了对富有表现的歌声进行补充与衬托,处于从属的地位。伴奏是随着音乐情绪的发展而进行的一种烘托手段,是为歌曲旋律与音乐形象的完整性而存在的一种艺术表现形式。钢琴伴奏最初是由钢琴独奏衍生出来的,如今它已成为一个独立的专业,伴奏并非是对自我的一种表现,而是与声乐演奏共同发展、互相作用,在艺术表达中具有自身的独特艺术特点。演奏者在表演中要与琴声达到水乳交融的艺术境界,那是一种自然的融合,是对音乐和艺术的烘托与支撑,只有用心去感受才能领略伴奏的独特魅力。热爱伴奏专业,并且愿意为音乐付出,是一名合格、称职的伴奏者所应具备的专业素质。 二、声乐钢琴伴奏与声乐教学的融合性 音乐院校的伴奏教师和其他专业的教学有很大的不同,由于工作压力比较大,工作时间的安排就会相对紧张。学生每周都进行两次专业课的学习。一是进行单纯的发声技巧练习,二是伴奏老师在课堂上与学生进行合伴奏实践课。在合伴奏课堂上,学生要系统灵活地运用所掌握的发声技法,并在钢琴伴奏下尽情、完美地展示歌曲。这就要求伴奏教师要认真细致地为学生进行讲解,无论是作品背景的体现,还是音准、速度、乐句、呼吸等多个方面都要进行耐心的启发式教学。 有人将声乐比作“红花”,将伴奏喻为“绿叶”,这样的形容再贴切不过了,在课堂教学中亦是如此。如果失去了伴奏的陪衬,孤立的声乐教学必定会黯然失色,只有两者共融才会更加相辅相成,教学内容也才能更加丰富多彩。曾几何时,音乐学院的学生大多认为有一副金嗓子就可以引以为豪,但是现代的教学更重要的是对音乐、乐理基础知识的培养,演唱技巧只是其中之一。正规系统地学习各方面音乐知识,对乐理知识以及每一个时期的声乐代表作品进行深入的研究,将伴奏与弹奏相互融合贯通,将知识特点与曲式结构掌握熟练,才是一个全能的、合格的、新时代的优秀音乐人才。 有些学生对乐句掌握得不好,对前奏、间奏理解得不清楚,唱歌音不准,节奏感不强,对强拍、弱拍的体现也不分明,这都是发声技术和视唱练耳掌握得不好的缘故。这些虽然是伴奏教师的职责,但只是其职责的一个部分,重要的还是要对歌曲旋律及内涵、学生的发声及呼吸等方面做进一步探讨,对歌曲的语气运用、歌词的内涵、歌曲的思想境界、音乐创作背景等方面也要进行细致的分析,使学生对音乐的理解达到更高的境界。 在学习合唱伴奏的过程中,不能只专注于自己的钢琴弹奏,而要时刻注意演唱者的情绪变化,这需要敏锐的判断和观察能力。例如演唱者由于紧张没有换好气,琴声却还弹得激情高昂,势必会影响演唱者歌唱的发挥,甚至会出现唱不动、高音失常等状况。伴奏者与歌唱者只有做到心有灵犀,才能将歌曲演绎得浑然一体,这不但需要心灵的默契,更是在课堂上千锤百炼才能真正领悟出来的真谛。 即兴伴奏是在瞬间爆发的兴致与灵感,它虽然与声乐伴奏属于一个范畴,但在内涵与意义上还是有很明显的不同之处。当一首单旋律的歌曲呈现在伴奏者面前,在有准确判断力的情况下,在短暂的时间内对主旋律的调性、伴奏、速度以及风格通过娴熟的演奏手法以伴奏音型、复调技巧、键盘和声形式,有的放矢地对歌曲主题内涵、风格形式进行选择,实际上就是即兴演奏与即兴伴奏的结合。 三、声乐钢琴伴奏的艺术指导性 艺术指导性,广义上是指对一切艺术行为具有指导意义的影响和促进的行为的特性。如今伴奏专业已经受到了越来越广泛的关注,钢琴伴奏也称艺术指导,但钢琴伴奏者和艺术指导还是有很大距离的,即使是学习了多年的钢琴伴奏并能够毕业留校,充其量也仅仅是钢琴合作者的开始,还远没有达到艺术指导的水平。钢琴伴奏者这个阶段可以把很多声乐曲目弹得非常出色,可是艺术指导所需要的内在气质与外延、内涵还需要长久的磨练。艺术指导的最基本素质是能够把钢琴伴奏技艺发挥得淋漓尽致,同时还要在音色控制、音乐色彩方面有很强的造诣,把歌唱与弹奏完美融合,天衣无缝地诠释音乐的连贯性与流畅性,这不是钢琴伴奏者一朝一夕所能做到的,需要长年累月的积累以及对艺术更深层次的理解。 有些人错误地认为声乐伴奏只是辅助,没有很大的篇幅,所以很容易完成。其实音乐伴奏需要细腻的情感才能掌握好触键的分寸,将音色控制得恰到好处,才能弹奏出好的效果,用心去模仿自然界的每一种声音,伴奏时手指会情不自禁地演奏出相仿的琴声,风声、雨声、鸟儿的鸣叫、马儿的奔跑、小溪潺潺的流水、江河呼啸的波涛……声乐伴奏不仅仅是辅助,更是锦上添花。 艺术指导需要具备很高的艺术水准,不但要掌握国内和国外众多的经典曲目,还要掌握套曲、歌剧等各种形式的音乐。在语言上最基本的是要掌握意大利语的发音,然后还要深入到俄语、德语、法语、英语等语言的学习,拥有系统的理论知识以及对多种外语的掌握,才能让羽翼得以丰满,这是一名优秀艺术指导的必经之路。 综上所述,声乐是人声的艺术,古往今来的声乐作品创造了人类宝贵的艺术财富,是人类文化艺术宝库中的珍品。艺术的创作离不开深厚的文化底蕴与社会背景。我们要充分领悟作品中的文化内涵,培养敏锐的感知力与判断力,才能推动伴奏事业的发展,也才能够做一名优秀的艺术指导和钢琴伴奏者。 作者单位:佳木斯大学音乐学院 钢琴教学指导论文:钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性 一、声乐钢琴伴奏的主要特点 因为演出时具有相对的独立性,因而需依据突发情况而进行配合。声乐钢琴伴奏则与之迥然不同,更加需要加强对视奏能力之培养。在训练的过程中,钢琴伴奏应当更加注重于培养自身的即兴演奏能力。在正式演奏的过程中,钢琴伴奏者要全面而快速地了解声乐作品的整体状况,从而找准声乐作品的总体风格,以求领会到所要表达的感情。二是伴奏者一定要准确地分辨出自身在表演中的角色。声乐钢琴的伴奏者应当加强对整个场面的控制以及感情的表达。所以,伴奏者们应当更加准确地定位自身的角色,做到全面配合声乐演出的效果。三是声乐钢琴伴奏中要注重于聆听。这就要求伴奏者们认真聆听声乐表演者音量的大小、呼吸与音色的特征、情绪的有效转变等,从而让钢琴伴奏者和演出者能够更好地保持同步,一旦发现声乐演出中存在的问题就及时使用钢琴伴奏加以补救。 二、声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性解读 (一)通过声乐气息教学体现艺术指导性 在实施声乐气息教学的过程之中,声乐钢琴伴奏依据音乐同步之状态加以引导,从而实现协调呼吸节奏与音乐节奏同步的目的,进而让歌唱者们能够在进行生理训练的前提下达到一种自然而然的气息运用状态。同时,使用正确的句法加以引导,利用声乐钢琴伴奏来引导伴奏者呼吸之控制,从而带动其呼吸之走向以及嗓音气息之调配,进而正确地引导其适应于句法之起伏,实现完美应用声乐气息之技巧。同时,要运用歌曲思想以调节演奏者的呼吸,实现其对于声乐气息所进行的艺术指导,从而让歌唱者们能够随乐曲之思想随时调整与变换自身呼吸,并且在细节要求上得到满足。 (二)通过声乐共鸣教学体现艺术指导性 立足声乐共鸣教学,声乐钢琴伴奏可以用其极为独特的艺术特点,在声乐共鸣教学过程中发挥出自身所独具的艺术指导性,并且使用乐器共鸣音色加以调整以实现共振。由于钢琴具备了很好的基音,这样一来就能够让演唱者们找到很好的共鸣声,并且提供其在听觉和生理反应视角上能够形成共鸣。演唱者通过形成生理反应之后,便于为了追随其从而能够让两者之间的融合共鸣声,并且有意识地运用声乐技巧训练中学会更加地使用人体共鸣箱之方法,进而展示出钢琴伴奏之特性,进而带动整个节奏的变化。 (三)通过声乐技巧训练教学体现艺术指导性 在声乐连音歌唱之中,往往要求各个元音之间做到整体连贯而不得由于辅音之加入而予以断开。每一个音中都必须唱得连贯而且准确、圆滑。声乐钢琴伴奏之中的弹奏多为整齐的多声旋律弹奏法,如此一来就能够实现歌唱过程中的连贯性。同时,在花腔以及别的技巧训练过程中,声乐钢琴伴奏能够很好地引领声乐演唱者依据各种不同曲目之风格以及要求内容,更加巧妙地应用花腔中的多种技法。在曲目情感以及节奏的把握上,通过钢琴伴奏,能够更加准确地反馈给演唱者以感情与态度,从而让演唱者们能够更为完美地进行准确表现。 (四)通过声乐语言教学体现艺术指导性 一是要注重民族性与地域性。鉴于民族性与地方性、语言风格等方面的差异,因此在实施声乐教学的过程中显得极为关键。例如:意大利语中的钢琴伴奏往往显得古典而规范,通常会较多地使用与旋律分解、旋律配合等多重旋律变化进行伴奏,以此来引导演唱者们发出尽可能好的音色,让其注意力都集中于圆润与饱满的元音之中,从而发出纯正的歌唱声。法语中的钢琴伴奏通常会具备法式浪漫一般的节奏,洋溢着连续不断的节奏变化,将法语中的奇特语句发挥到极致的程度。而在汉语语言之中的钢琴伴奏则需要配合汉语所具有的独特腔韵美,不仅要具有丰富的民族和声色彩,而且还应当具备极为丰富的五声音阶伴奏旋律,从而为演唱者进行尽可能丰富的艺术指导。二是要注重于律动性与表情性。声乐语言具备了所有音乐艺术的艺术表情以及律动性,因而在歌唱过程中的钢琴伴奏之强弱通常会和声乐语言表情保持一致,会随着乐曲之所需以及感情场景之表达而带给声乐演唱者和听众以身临其境之感,从而完美地表现出乐曲所要表现的情感。 三、结语 综上所述,声乐钢琴伴奏不仅是声乐课堂教学过程中不可缺少的重要环节之一,而且还是学校课外活动艺术实践之中的一个重要组成部分。声乐钢琴伴奏往往是通过不同环节,运用不同方式加以引导,这样一来就能够有效带动整体节奏以及情感,因而对于声乐教学的艺术指导性具备了无法取代的重要价值。 作者:付蓉 单位:宁夏大学音乐学院 钢琴教学指导论文:声乐教学中钢琴艺术指导的作用 摘要:在高校声乐教学实践中,钢琴艺术指导是必不可少的一部分,表演者的艺术表现力、情感、感染力等都与钢琴艺术指导有着紧密的关系。钢琴艺术指导主要通过钢琴伴奏的形式来辅助声乐教师演唱表演,使表演者在钢琴音乐表现方面及整体艺术感染力上达到风格、情感与意境浑然一体的效果,从而有效提升钢琴伴奏者的专业技巧与音乐素质,增强整个艺术作品的表现力。本文主要对钢琴艺术指导定义、类别以及声乐教学中钢琴艺术指导作用进行探讨,分析了高校钢琴艺术指导的重要意义,使钢琴艺术指导与声乐作品成为和谐统一的有机整体。 关键词:高校;声乐教学;钢琴艺术;指导;建设;重要性 钢琴艺术指导专业是声乐教学中涉及钢琴、作曲、声乐、音乐史、语言等不同专业范畴的一门新兴的独立学科,主要体现在钢琴伴奏的形式上,钢琴演奏具有丰富多彩的艺术表现形式,它在声乐、器乐以及舞蹈表演领域发挥了重大的作用,是钢琴演奏艺术的一个分支。钢琴艺术指导能够增加演奏者、演唱者以及舞者的舞台表现力,不仅要求演奏者具备良好的独奏能力,更需要具备默契配合的合作能力。 1钢琴艺术指导的含义 钢琴艺术指导主是以钢琴演奏为表现形式,具有覆盖面宽、技术含量复杂的艺术表现力,是声乐领域的一个分支。表演者在进行声乐表演时,均需要采用钢琴伴奏的艺术指导方式,钢琴艺术指导专业以钢琴独奏为基础,却又与之不同,二者互相补充,相辅相成,钢琴伴奏的最高原则是演奏者不能喧宾夺主,不仅要有一定的自我表现力,还要利用默契的声乐来配合演唱者,从而达到完美的音效渲染效果。 2钢琴艺术指导的分类 2.1声乐艺术指导 钢琴艺术指导具有相对独立的音乐结构和艺术表现的重要意义,也是钢琴演奏艺术发展水平的一个重要标志,它具有不同的音乐风格具体表现形式,与歌唱构成一个有机的整体,将音乐思维及艺术表现体现得淋漓尽致。在各高校音乐专业的演唱艺术实践中,演唱者与钢琴伴奏之间都需要默契的配合,伴奏者必须要对不同体裁的作品的音乐风格和不同情感上的差异进行合理的、规范的艺术处理,使之与演唱者所表达的作品风格相一致,只有这样才能将演唱者的情感表达出来,将作品演绎得更加丰富多彩。 2.2舞蹈艺术指导 舞蹈艺术指导是一个庞大的体系,是一种以人体动作为主要表现手段的表演艺术。舞蹈钢琴艺术指导通过与舞者的合作来体现自身的艺术价值,是舞蹈基本功训练中不可或缺的一部分,也是钢琴艺术指导中的重要组成部分。舞蹈艺术指导更重要的是对舞蹈的基本动作、形式和构成的指导,不单单是出色的钢琴技巧,舞蹈艺术指导能够将舞蹈语汇的张力和音乐情绪的张力达到完美的统一。2.3器乐艺术指导我国器乐的表现形式比较复杂,器乐演奏不像声乐作品带有歌词,器乐艺术指导与声乐艺术指导之间存在着显著的差异。因此,伴奏者与演奏者的默契配合就显得非常重要。同时,器乐具有与人声不同的音域、音色,而且器乐作品相对声乐作品篇幅较大,调性变化和曲式结构也较为复杂。伴奏者与演奏者可以根据彼此之间的默契合作以及音乐旋律自身的起伏来进行表演,让音乐给听者更加生动形象的感觉。这对钢琴伴奏者的演奏技巧具有更高的要求,需要伴奏者将作品中的整体音乐风格与情绪变化精确把握,掌握作品的高难度技巧,配合表演者的演出。 3钢琴艺术指导对声乐教学的指导作用 在声乐教学前期,钢琴艺术指导教师要按照演奏的不同要求,充分了解指导的音乐作品的文化背景、语言规则以及情感表达,精确把握作品的和声进行、曲调结构、情绪变化,指导教师要在客观呈现和传达伴奏情感的基础上,对作品进行深层次的把握、分析,进而安排整个演奏的过程,根据自身具备的音乐素养及感性认知对声乐作品进行伴奏和指导,深入挖掘作品的细微特点,从音准、呼吸、风格、节奏、音乐效果等多个角度帮助演唱者处理和理解音乐,用弹奏的音乐旋律和感觉来带动演唱者的音乐感受力。只有这样才能使钢琴伴奏与演唱者配合默契,最终将舞台作品完美地表现出来。因此,钢琴艺术指导对声乐教学中是从配合到辅助,逐步升华到具有指导的艺术高度的过程。一部优秀的钢琴伴奏作品与一个优秀的钢琴伴奏者,往往在声乐教学的各个环节中发挥出不可估量的艺术指导作用。 4钢琴艺术指导在声乐教学中的艺术指导性 4.1心理上的指导性 在声乐表演中,演唱者承受着来自内心、来自观众、来自舞台的心理压力。一位合作默契的伴奏者,可以从演唱者开始演唱到结束一直陪伴着演唱者,同舟共济,互相支持,这就能缓解演唱者的心理压力,舒缓紧张情绪,轻松完成接下来的演唱。在声乐教学中的共鸣教学中,声乐钢琴伴奏以乐器独有的共鸣音色与特质,通过合作带来腔体的变化,从听觉和生理反应上引导演唱者找到共鸣的声音来提升演唱的音质。在声乐教学中,声乐钢琴伴奏主要根据音乐正确的句法、同步状态、歌曲思想、调节呼吸等缓解演唱者的压力,使演唱者进入最自然的气息状态。 4.2技术上的指导性 在声乐表演中,当表演者遇到演出安排、准备情况、演出场地、演唱者的身体状况和嗓音状况等各种多变的因素时,钢琴伴奏可以凭借其本身具有的强劲音色表现力,在技术上弥补演唱者的突发状况。在正常的演唱中,钢琴伴奏通过前奏、间奏和尾声的铺垫和烘托,为演唱者提供暗示和引导。 5结语 目前,高校钢琴艺术指导专业已经得到广泛关注,钢琴伴奏更是如此,但现今钢琴伴奏者与艺术指导之间还存在很大差距,很多钢琴伴奏者还缺乏艺术指导的内涵和气质。因此,高校钢琴伴奏者需要把钢琴伴奏艺术表现得更加形象生动,提高在钢琴伴奏音色控制、音乐色彩方面的造诣,将弹奏与歌唱发挥得尽善尽美,行云流水般地诠释音乐的流畅性与韵律感,并将其充分、恰当地运用到音乐专业的教学过程中,进而有效提高声乐教学中钢琴技艺的教学质量。 作者:迂志勇 单位:佳木斯大学 钢琴教学指导论文:钢琴艺术指导在声乐教学中的作用 1重视钢琴即兴伴奏基础能力的训练 在钢琴即兴伴奏课程的学习中,应该重视钢琴即兴伴奏基础能力训练,应该把钢琴即兴伴奏基础能力的训练当作获得钢琴即兴伴奏能力的一种重要手段来对待。在学习中,应该自始至终、一如既往地重视对基础能力的训练,把这种基础能力的训练当成钢琴即兴伴奏课程学习的优秀内容。除此之外,在进行钢琴即兴伴奏基础能力训练的同时,必须充分关注音乐综合能力的培养,把音乐综合能力的养成与钢琴即兴伴奏基础能力的训练有机地结合起来,使钢琴即兴伴奏基础能力训练的过程,同时也成为钢琴即兴伴奏能力与音乐综合素质整体提高的过程。 2重视对音乐综合能力的训练和培养,提高音乐整体素质 音乐综合能力是提高即兴伴奏能力的基础。在钢琴即兴伴奏课程教学中,经常有这样的现象,钢琴演奏技术能力较好的学生,却不能为简单的歌曲进行即兴伴奏。对于普通高校音乐专业的学生来说,这是非常令人遗憾的事情。因为高师音乐教育专业的培养目标,不仅仅是会弹琴的演奏家,而是会弹琴的教育家。而即兴伴奏能力不仅是衡量一个人整体音乐素质的尺码,同时也是进行音乐教学和音乐活动的重要手段。钢琴教学中为什么会出现这样的现象?我认为,虽然造成这种现象的原因是多方面的,其中存在有培养目标不明确、教学方式欠合理等因素。但是,主要的原因还是因为学生缺少良好的音乐综合能力和音乐整合能力的缘故,就是学生缺少一种把在不同学科中学到的知识,有机地结合起来进行运用的能力。从表面上看学生缺少的是钢琴即兴伴奏能力,实际上缺少的是音乐综合能力与整合能力。这说明,钢琴即兴伴奏课程的学习需要良好的音乐综合能力作为基石。音乐综合能力是提高即兴伴奏能力的关键。在教学中,我们也发现,由于过分强调钢琴演奏技术在即兴伴奏训练与培养中的作用,把钢琴技术训练和演奏能力的获得放在过高的位置,有唯技术论的倾向。在学习中忽视相关音乐素质的培养和发展,不愿意学习相关音乐理论知识,这种只关注单纯的演奏技能的学习,其后果是,学生练就了一手高超的钢琴演奏技能,却不能为简单的歌曲或乐曲进行钢琴即兴伴奏。由于缺乏良好的音乐素质,导致音乐欣赏能力、鉴赏能力和音乐表现能力的丧失,从而使得音乐伴奏枯燥无味,完全变成一种机械的音符交代。这种缺少音乐表现力的即兴伴奏,使钢琴即兴伴奏失去了其独特的魅力和艺术价值。目前,对钢琴即兴伴奏能力的形成,必须依靠良好的综合音乐素质来获得的观点,在理论上可以说已经达到了共识,但是,在实际学习中并没有得到真正的重视,甚至可以说,这样的认识只是停留在理论层面和口头上,并没有落实到具体的学习与训练中。要解决这一问题,必须把重视对音乐综合能力的培养落实到教学实践的每一个环节,加强对综合音乐素质与能力的培养,从而达到提高钢琴即兴伴奏的能力水平。因此,在教学中应注重对音乐鉴赏与音乐表现能力、音乐创作能力(包括旋律写作能力、和声编配能力、织体编写能力)和合作能力的培养,以达到音乐综合素质能力的提高。我们认为这是提高钢琴即兴伴奏能力的最有效途径之一。 3重视艺术实践环节 重视艺术实践活动的开展,是钢琴即兴伴奏的课程性质所决定的。钢琴即兴伴奏课程的学习与钢琴即兴伴奏能力的形成与发展,仅仅依靠课堂教学是不够的,只有结合课外艺术实践活动的开展,把课堂学习与课外实践有机结合才能达到教学目的。这是因为,一方面,课堂教学的时间是有限的。一般情况,教学时间少则半年,多则一年。由于钢琴即兴伴奏能力的形成与发展需要一个相当长的周期,在这有限的课时内,不可能达到完全掌握钢琴即兴伴奏的方法和形成即兴伴奏能力,而需要把学习延伸到课外艺术实践当中;另一方面,课堂教学内容是有限的,在课堂上所接触到的学习内容其范围是非常窄的,对这些内容的学习,只能帮助学生建立起一种基本的学习能力,这样的能力虽然可以为学习奠定一定的基础,帮助学生继续深入学习,但是,还达不到钢琴即兴伴奏的能力标准。因此,在课堂教学中,由于受时间的限制,通常能够得到锻炼的学生只是班级中的一小部分,而大部分学生能够上台表演的机会是很少的。由于实践得少而影响学生成绩的现象是教学中普遍存在的。因此,我们应该重视钢琴即兴伴奏学习中的艺术实践。实践活动应该成为重要的学习内容。 作者:郝伟智 单位:佳木斯大学
音乐教育专业论文:高师音乐教育专业钢琴教学论文 一.加强基本功的训练和强化 对于初学者要打好基础,牢记理论原理,以及各种指法要求,触键盘、手指下键的要求等等。要坚持长期训练夯实基础,帮助学生在初始阶段提升兴趣、培养意志力、提升音乐素养,达到训练应有的效果。弹奏技巧也是重要的练习项目,通过加强技术训练能够使学生掌握更纯熟的演奏技法,学习表演技巧,逐步认识旋律、和声、织体三者的关系。以提升乐感为基础,积累演奏经验, 二.注重教学方法的灵活科学性 要求学生认真记录课堂笔记,更好的跟进每堂课程的内容,按照循序渐进的方法为学生渗透课程要旨。教师还应该引导学生自觉形成独立思维,挖掘适合自身的学习方法,提高演奏速度和准确性,逐步提升对作品的熟练程度。其次,教师应将自己的演奏经验有条理化的提高到理论认识的高度,可以采用案例教学、对比教学等方式,多渠道,多角度的对学生进行渗透,提高教学质量,例如,增加音乐作品鉴赏课程,钢琴文化介绍,组织参加音乐会等形式,丰富学生的艺术素养,开阔眼界,拓展知识面。学生应该熟知更多的钢琴艺术,全面的了解不同时期、不同风格的钢琴音乐作品。学校要为学生提供丰富的钢琴文献,通过阅读不同风格的作品,提高学生的音乐修养,使他们具备较高的音乐欣赏水平。 三.构建完善的评价和测试制度 科学良好的评价制度有利于提高学生学习的积极性,促进学生的钢琴演奏水平,使学生的学习得到肯定,从而更有信心的学习。尽可能的多鼓励、挖掘学生的潜能和长处,减少心理负担,使之成为一种学习的动力。将每次的评价和测试成绩有效的保留,定期进行分析对比,发现每个学生的学习状况和走向,及时发现进步并予以肯定,而对于产生的问题要及时解决和纠正。使学生更好的认清自己的不足和优势,能够进行自我指导和锻炼也让教师更有针对性的进行下一步的教学。定期进行测试,并将结果进行保存并定期进行研究,发现教学内容的遗漏,完善教学方式,明晰每个学生现阶段的问题,可以有的放矢,明确下一阶段的教学方向,提高教学成效,也能有效节约资源和成本,达到事半功倍的效果。 四.完善教学设施 长期以来,音乐教育课程一直存在着教师无教材,没有内容规划,无大纲指引,较为松散随意。教师应该制作教学教案,按照计划进行规划安排,按照统一标准,规范课程记录,避免个别课程的随意性导致最终整个教学进程的打乱,提高教学效率。因此需要统一教学教材,加强与艺术团、歌舞团等专业机构的联系,为学生提供更多的锻炼机会,也能够让学生接触到更多的技术纯熟的,优秀的表演者,邀请演奏家进行讲座或者交流会,丰富学生的课业生活。在进行钢琴学习的过程中也会接触到其他乐器,为了使学生熟悉伴奏,学会乐曲的融合要开始其他介绍伴奏乐器的课程等等,帮助学生丰富创作灵感,更加全面的学习钢琴。 五.创新教学理论学习国外经验 学习借鉴域外的教学方法是提高高师音乐教育成果的一种途径,在针对我国学生的具体情况的前提下,因地制宜,学习国外的先进理论和已经较为成熟的教育管理制度、高效的教学方法等等,都是推动教学理论创新和完善教学模式的途径。在课程当中,教师也可以涉猎和尝试国外的教育方式,定期让学生进行反馈,了解学习进展,帮助学生更好的学习。 六.结语 随着社会文化的丰富发展,音乐教育逐渐走向国际化,能否与国际接轨,培养优秀的钢琴人才成为重要的课题。整体培养未来年轻的音乐教育工作者是发展钢琴教育的基础。教学过程中教师在传授基本演奏技法及音乐表现力的同时必须重视和加强学生掌握钢琴弹奏的方法与要领,在使学生在掌握科学规范的方法的前提下,使整个教学活动形成以演奏技能培训为主的教学理念。钢琴教学过程需要具备一个系统正规的教学规划,教师应该开拓思维,创新教学思路,根据整体目标和培养规格提出明确的教学目标、设计充实合理的知识结构及科学有效的教学方法。只有再次基础上才能更好的培养钢琴人才,推动音乐教育的发展。 作者:刘琬琬 单位:兰州城市学院音乐学院 音乐教育专业论文:傅雷专业音乐教育思想论文 一、感性和理性的调和 傅雷认为最重要的是一个年轻人如何做人、如何成为一个有修养的人,如何直面生活的问题。傅雷用自己的经历教育儿子,教育儿子要谦虚待人,严谨做事,要有得体的礼仪,对人对事都要以谦和的态度,同时也要不卑不亢;遇困难不妥协,得到好评也不会自傲;作一个在艺术方面人品优秀的人才,做一个德艺双馨、人品优越的艺术家。同时,傅雷也对儿子的生活进行了有益的引导,对日常生活中的问题应该如何处理,以及如何正确处理恋爱以及婚姻方面的感情问题,都像好朋友一样提出意见和建议。对于任何客观事物,都是外在具体形态及其内心所包含的力量与情感两个方面的大一统,反射到人脑后,便产生以具体现象为本体的感性认识和以内在情感为基础的理性思维。极优秀的钢琴家里斯和车尔尼辈都说:“除了思想的特异与优美之外,表情中间另有一种异乎寻常的成分。”他赛似狂风暴雨中的魔术师,会从“深渊里”把精灵呼召到“高峰上”。在傅雷写给儿子的书信中,他便认为一个艺术家太过感性便是他的弊病所在,但是若太过理性反而让应有的情感得不到流露,让艺术家的作品也显得干巴巴的没有深度。他认为作为一个艺术家,最能体现他成功的一面就是既能控制自己的感情不外露,又能将观众的情感调动起来,对情感能做到双重控制便是极好的。傅雷先生对理性认知的论断精辟简练。他教育傅聪对艺术的理解,对于艺术而言,我们既不能被感性的情绪牵着走,也不能太过于理性。他曾经这样说道:“音乐家,光是一个音乐家,就需要有对一个意念集中注意力,需要西方人特有的控制与行动的铁腕:因为音乐是动的构造,所有的部分都得同时抓握。”学艺术的人最主要的问题便是找不到所谓的感觉,在教师的指点下找到的感觉,一旦走远,那感觉便消失不见,原因在于对音乐的感性认识并不具体,他若是能体会到他所真正需求的,便能拥有自己的感觉,而不是靠他人的帮助才能找到感觉。因此我们需要用理性认知将其正真的内在寻找出来并将他提炼升华,在此基础上再进行感情细加工,那样我们便能拥有自己对音乐的感悟而不需要再三琢磨别人给的感觉,也能让自己的领悟给他人一丝灵感。 二、技巧与理解的平衡 在学习任何事物的时候,每每都有人同你讲,要运用技巧,用了之后便会事半功倍,所以我们都会对技巧有着执念,好像是拥有技巧之后便能获得通向成功的钥匙一样。但是,技巧只是手段和工具,而我们最终的目的是将音乐作出自己的领悟与味道,学习音乐是出发点以及最后的归宿。比如他曾经在《与傅聪谈论音乐》中谈论过关于演奏技巧,他们这样说道:“技巧必须从内容出发,目的是表达乐曲,技巧不过是手段。严格说来,有多少种不同风格的乐派与作家,就有多少种不同的技巧;有多少种不同性质(长短、肥瘦、强弱、粗细、软硬、各个手指相互之间的长短比例等等)的手,就有多少种不同的方法来获致多少种不同的技巧。我们先要认清自己的手的优缺点,然后多多思考,对症下药,兼采各家之长,以补自己之短。除非在初学的几年之内,完全依赖老师来替你解决技巧是不行的。而且我特别要强调两点: (1)要解决技巧,先要解决对音乐的理解。假如不知道自己要表现什么思想,单单讲究文法与修辞有什么用呢? (2)技巧必须从实践中去探求,理论只是实践的归纳。和研究一切学术一样,开头只有些简单的指导原则,细节都是从实践中摸索出来的;把摸索的结果归纳为理论,在拿到实践中去试验;如此循环不已才能逐步提高。”我们在处理技巧与音乐的问题时,往往仅仅为了将音乐体现出来而没有将其发散,最终失去了自己对音乐的见解,没有了自己的想法,因而成为了“音乐钱人”甚至“奏琴机器”。对此,傅雷一针见血地指出对于技巧方面有过多的追求的人便是不能接受的,因为他已经失去了艺术家该有的心性,不能自由的创作,而是对于技巧的掌控,没有了自己的灵气,最后只能变成一个靠艺术为生的工匠罢了,超脱不了自己,只能不断模仿别人了。对于傅雷专业音乐教育思想而言,手段技巧虽好,但毕竟都是辅助方法与辅助工具,我们并不能本末倒置的认为拥有音乐技巧与方法便能有好的音乐出来,音乐就是音乐,我们不能把其他的东西代替。他在《与傅聪谈音乐》中这样说道:“弹琴的时候,表情应当在音乐里,不应当在脸上或身体上。不过人总是人,心有所感,不免形之于外,那是情不自禁的……我不能用音乐来抓住人,反而叫人注意到我弹琴的姿势,只能证明我的演奏不到家。另一方面,听众之间也有一部分是“观众”,存心把我当做演员看待,他们不明白为了求某种音响效果,才有某种特殊的姿势。”那么,音乐学习者如和平衡技巧与音乐,我们将领悟出来的东西再用自己的音乐体现出来,到那个时候,你便自然而然的拥有了自己独到的技巧。所以技巧的出现只是音乐体现的一个辅助,而音乐所体现的技巧又能让音乐更上一个层次。 三、修养和天赋的互补 中国有谚语曾说,你绝对找不出两片一样的叶子,对人而言那更有不同,所以个体本身就对音乐的感受存在着天生的差别。有着良好天赋的人,对音乐的感知能力和理解力明显优于其他人,因而能更加轻松地掌握音乐技巧学习方法,更容易地领悟音乐的内在。傅雷认为艺术家的修养与艺品同样重要,艺术家的一种优秀品质和高贵人格,应当一致对外。傅雷既认为天赋的作用是巨大的,但同时也觉得修养的重要性。若你拥有得天独厚的艺术天赋,也就是所谓的天才,但那并不是主要的,重要的还有后天对艺术天赋的培养,让天赋能好好的成长,而不是半路就夭折,但是作为艺术家之前,最重要的便是对自己品德的培养,做一个有修养的人。同时个人的文学和美术的修养也对音乐的学习有一定影响,他在《与傅聪谈音乐》中这样说道:“最显著的是加强我的感受力,扩大我的感受范围。往往在乐曲中遇到一个境界,一种情调,仿佛是相熟的;事后一想,原来是从前读的某一首诗,或是喜欢的某一幅画,就有这个境界,这种情调。也许文学和美术替我在心中多装置了几根弦,使我能够对更多的音乐发生共鸣。”他们父子的沟通中,讨论最多的也是最重要的就是如何做人,傅雷对儿子的道德教育也让儿子收获颇多,傅雷对儿子讲授“先为人,次为人才”的做人思想。这便是傅雷专业音乐教育的重点,也是我们应当学习的地方。 四、结语 对于现在的音乐教育工作者,也应有傅雷先生这样专业的音乐教育思想,先成人,后成才,注重理性感性认知的结合,了解自己所需要的音乐技巧,作一个才德兼备的音乐人,这样的人才,才会被社会所需要,这都是傅雷先生想要教导我们后生的,这也就是傅雷先生专业音乐教育思想的优秀。 作者:刘洋 单位:安徽师范大学文学院 音乐教育专业论文:高师音乐教育专业声乐教学设计论文 学生在音乐教学中,不但能将审美体验直接渗入人文知识和实践知识中,而且能将素质教育、音乐教育和美育完美地结合在一起,并在三者的互动中取得平衡,使抽象的音乐教育更加生动化、具体化。因此,在高师教育阶段需具备相关的知识,并接受音乐美的训练,同时高师阶段声乐教学需顺应时代的发展需求,对学生实施针对性、实践性和开放式的音乐教育和素质培养。 一、高师音乐教育专业声乐课堂教学的实效性 课堂教学属于声乐学习的主要方式,其中包含技术训练、音乐作品理解、人文知识普及、艺术家演唱观摩、曲目选择及检验教学成果等内容,故在高师音乐教育专业声乐课堂教学中,需注重所有教学内容的实效性。 (一)人文知识普及 音乐教育专业声乐教学需加大对学生的人文知识普及,从声乐作品中获取人文知识。但声乐作品内的人文知识比较复杂多样,仅靠声乐教师传授,学生无法领略到人文知识的全部内涵,因此,可通过中西音乐史、音乐欣赏和音乐美学等与声乐教学相关的教学科目,帮助学生全面、透彻地理解和掌握音乐中的人文知识。同时音乐教师需减少音乐技术类训练,增加音乐的综合素养知识教学,以提高高师音乐教育专业声乐课堂教学效率。 (二)教学曲目选择 对于声乐教学的教学曲目选择,需遵循两个原则:一是母语作品的主导性:音乐教育专业的声乐教学曲目需以传承传统文化为宗旨,发挥出“母语”传承我国文化的载体作用。中国作品曲目的体裁需突出戏曲和中国民族歌剧等,以提高学生的演唱能力,从而弘扬我国优秀的民族文化,培养学生的爱国情操;二是小组课曲目选择的可行性:小组课是高师声乐教学中比较灵活的上课形式,在小组课上,教师可让学生自主选择学习的曲目,以激发学生的自主学习意识,并培养学生独立演唱或小合唱的能力。 (三)考核方式的多样性 课堂教学成果的检验需在不限曲目、不限演唱方式的情况下,让学生自主发挥,使其能展现阶段性声乐学习优势。声乐教学考核可采取多种方式,如采取独唱、二人合唱和多人分声部演唱等,调动学生多元化考核的思维,将考核当作个人才艺的展示方式,以激发学生的声乐学习积极性。 二、高师音乐教育专业声乐教学实践锻炼的多元性 (一)舞台实践 高师音乐教育专业的学生,一定要具备一定的舞台表演能力,才能在毕业后胜任中小学音乐教师这一角色。因此,高师院校需为学生提供舞台实践的机会,除了校园演唱外,还可鼓励学生走出校园,在更大的舞台上展现自己。如安排学生参加各种声乐大赛、电台传媒、节目录制、重大节日演出等,让学生积累演出经验,并培养学生的舞台活动的组织能力。 (二)教学基地实践 教学基地实践是考验和锻炼高师音乐教育专业学生的表演功底、综合声乐素养、歌唱技能等的场地。在直接参加课堂互动教学和组织课外活动的过程中,学生不但能将所学的专业知识、声乐教学模式、课外舞台实践经验等进行有序整合,还可在音乐世界中尽情表现自己,发挥自身优势,展现自身才华。同时在教学基地实践课程中,带队教师需不间断地参与到课堂教学和课外活动,通过听课、课外指导等方式,全面观摩每位学生的实践状况,发现学生实践中存在的不足,并帮助其克服困难,不断取得进步。 三、结语 高师音乐教育专业学生的培养目标,一定要符合目前中小学对外招聘的音乐教育人才要求,并在对口培养中凸显出“师范”特征。在声乐课堂中,高师教师不但要注重对学生人文知识的传授、曲目的选择及组织教学的多样化等培养,而且要加强对学生的实践锻炼,让学生在具备丰富的声乐理论知识的基础上,能面对各类舞台或社会实践的检验,从而在声乐教学设计中实现美育和德育目的。 作者:刘公凯 单位:运城学院音乐系 音乐教育专业论文:高师音乐教育专业课程改革论文 一、高师音乐教育专业课程的现状分析 课程内容与课程观念没有与时俱进。当前的高师音乐教育太注重课堂的理论知识,没有注重实践能力方面的培养,往往忽视的就是实践与理论的协调统一。而在一些课程上,依然遵循着比较守旧的观念,没有重视一些音乐鉴赏、美术鉴赏、文学作品鉴赏、戏剧戏曲鉴赏等方面的鉴赏课程,这些课程也只是以选修的形式出现在一个学期内,每个学期也只有五个课时,所以,现在的学生对这些鉴赏艺术并不是太了解。一个合格的音乐师资,不仅要有献身教育的精神,而且要懂得专业理论、教学方法,并且有一定的教学能力。高等师范学院本科生是要修满四个学年的,但是一般的实践时间只有三个月到一个学期的时间,甚至有的还不足三个月,这样在课堂上在书本上所学的知识就无法运用到时间中去,没有将课程和实践有机的结合起来。音乐学师范类的学生走上讲台实践的机会很少,他们开设了教师技能的课程,却没有将老师在课堂上传授的经验好好的运用。 二、高师音乐教育专业课程实施的改革 (一)确定高师音乐教育课程建设的基本理念。第一,要以实现音乐课程价值为目标。这也是高师音乐教育专业的要求。第二,音乐是人类文化的重要形式之一,音乐教育就是为了培养文化人,必须在文化背景下建立高师音乐教育专业的课程体系。第三,文化制约着音乐。音乐艺术是最强有力的方式,去探索、体验有着共同主观特征的群体生活感觉与体验。每一个人的感觉都是以一种独特的表达方式表现出来的,世界上的音乐讯在多种风格,就是因为每一种文化对世界都有一种特殊的情感体会。 (二)音乐教育与非音乐教育的协调和统一。艺术的价值体现就是非艺术的价值。音乐教育在一定程度上就是非音乐教育。音乐艺术的价值是在音乐技能和艺术修养的结合下体现出来的,也可以说音乐教育是建立在音乐专业技能培养基础之上的非音乐教育,高师音乐教育专业的课程体系展现音乐教育和非音乐教育的对立性和统一性。首先,淡化了非音乐教育,过度强调音乐教育,也就是说只单方面的强调专业知识、技能的教学方式是不符合高师音乐教育大纲的。其次,淡化音乐教育,过度强调非音乐教育,也就是要求高师音乐教育专业教育的人才,只有深入音乐领域,拥有一定的教学能力和音乐表演,才可以担任基础音乐教学工作。大学生的思维方式还没有固定,而且也是开发思维的最后时期,他们有能力去开拓自己的想象力,有针对性和行动力。让学生喜欢的流行音乐、影视、广告音乐带入课堂。高校在进行真实的教学时,将流行音乐、影视音乐以及广告音乐放到课堂当中,使大学生感觉到老师比较重视其兴趣爱好,并且可以很亲近的融入到其学习中和生活中,共同进行讨论,气氛比较和谐,能够促进老师与学生之间感情。这也是激发其学习音乐的有效渠道以及有效方法。音乐教育中,是依靠音乐教师来传播美的,可见提高音乐教师的音乐美学修养以及内在素养等综合素质,能够为学生在音乐教育中起到巨大的推动作用。音乐教师必须要具备一定的专业能力,更要传递给学生怎样用审美的眼光来对音乐产生认知。世界各地的音乐教育都对音乐教师的素质提出了更高的要求,通过新的音乐教育方法和理念将新的课标和要求传递给学生,实现培育高品位学生的目的,大程度提高学生的素质。 (三)传统音乐文化和多元音乐文化的协调与统一。这包括汉族音乐文化与中国其他少数民族音乐文化的协调和统一,也包括中国民族音乐文化与世界民族音乐文化的协调和统一。音乐教育必须完全彰显出音乐多元化的特性,这是为了适应各种音乐教育教学,是为了让学生具有应变能力和创造力。在新时代里,中国必将走向世界,参与到世界的文化生活中,因此,多元文化音乐教育的课程改革就是一个迫切需要解决的问题。高师音乐教育专业的课程改革一定要融合本民族的音乐文化和多元音乐文化的对立性与同一性,不能过分局限在民族性,舍弃了世界其他民族先进音乐文化的经验,也不能过分重视世界音乐文化的多样性,忽略了本民族音乐文化的学习与传承。教学要对于大学生有所启发,获得展示才华的机会,让其意志与思维都可以获得锻炼。对于高校老师而言,他们已经能够在大学生的即兴创作中挖掘其能力。这在一定程度上丰富了大学生的想象能力,使高校的音乐教育更加多样化,也使得大学生的思维能力和创作能力得到了增强。 (四)理论和实践能力培养的协调与统一。实践教学是音乐教育存在的基础。音乐教育应该侧重于教育的实践,把艺术实践当作教学的主要内容和形式。一方面,音乐教育理论的学习应该解密结合音乐教育的实践,严格改变理论与实践分离的状态,才可以透彻了解音乐教育理论的优秀。音乐教育的实践在音乐教育理论的引导下,才更能体现出音乐教育的意旨。另一方面,音乐教学能力不仅包括教师自身的演唱能力,还包括指挥、组织演出等能力,加强学生各方面的能力培养才是高师音乐教育专业课程改革的优秀内容。由于只注重课堂的理论知识,没有切合实际的实践的原因阻碍了国内音乐教育的发展。虽然,新课程准则的颁布想要改变这种消极现象,但是效果却不明显。一些学生在实习的时候走上课堂的时候还是显得非常的生疏,操作起来没有那么的熟练。老师在教学的过程中,应该多鼓励大学生勇于发表自己见解和想法,能够利用一段文字去进行描述,也能够临时性的发挥,说明自己的认识。这样做不仅能够让大学生享受到音乐,而且还会使其懂得怎样去上好一堂课,进而建立学生和老师的良好的关系,让大学生积极的对音乐进行学习,能够活跃课堂气氛,使老师和学生能够非常好的互动。音乐鉴赏能够培养大学生的记忆能力和辨别能力,对于其感情的领悟以及理解能力也是具有很大帮助的。 作者:张天慧 李巧伟 单位:衡阳师范学院 音乐教育专业论文:高校音乐教育专业钢琴教学论文 一、当下高校音乐教育专业钢琴教学的现存问题 (一)学生素养不统一 音乐教育在我国展现出不断扩招升级的状态,其中钢琴教学也从传统的小范围、个性化教学转化为如今的大规模招收。但是随着学生数量不断涌现,学生音乐素养基础、钢琴基础的情况产生较大的差异性,有的学生从小开始学习钢琴,基础功底扎实,而部分学生由于自身个人发展原因,学习钢琴时间较短,因此就导致了学生之间的钢琴基础和音乐素养的差距不断拉大。 (二)教学模式与资源滞后 当下的钢琴教学中,教师更多的还是沿袭旧有的钢琴教学模式,注重技能的教学,而在教学的理念、课程内容的丰富设置、文化修养、方式的多样化和评价方式的合理化上缺乏突破,不能满足多变的学生教学情况。同时教学的设备也较为老旧,虽然有部分的更新,但是并不能在设备得到充分全面地引入新装备,从而教学资源在数量上和品质上都有所缺乏。 (三)缺乏教学理论体系 在教学内容中过分的重视钢琴表现的技艺,忽略学生教学实践能力的培养,缺乏对钢琴全面系统的知识理论体系建设。对于钢琴相关理论知识、文化知识缺乏有效地教授,学生们更多的只是纯技能的钢琴演奏者,而缺乏对音乐本身文化内涵的体会,同时教学内容的随意性也较大,缺乏有效全面系统的教学,教学缺乏科学性。 (四)教师资源匮乏 学生钢琴学习中,教师水平的高低直接影响着学生的学习品质。教师不仅要懂得钢琴技术的表现,对于钢琴深厚的文化内涵和音乐相关的文化也要有深入的了解,了解音乐背后的文化底蕴,让钢琴教学不仅仅是技术教学,更多的是艺术欣赏力、表现力的培养,提升学生的综合艺术素养。而现有的教师资源十分匮乏,一个老师需要教授大量学生,没有办法达到精细化教学的效果。同时由于音乐专业的人才就业渠道逐步广泛,特别是我国艺术领域蓬勃发展的今天,因此较少的高端人才愿意在学校进行教学工作,导致学校的师资水平发展有限,教师队伍无法得到有效的发展。 二、高校音乐教育专业钢琴教学应对策略 (一)完善健全教学大纲 让钢琴教学相关音乐艺术学习内容进行完善的知识体系建立,让钢琴的技术、技巧、理论、文化知识、艺术修养教授进行有效的综合整理,加强教学内容的丰富性和完整性。科学的按照教学分级对课程进行有效的安排,将不同阶段学习的目的、重点进行有效的拟定,并采取针对性的教学方式和内容。避免教学内容的随意性,同时要兼具学生整体的钢琴基础情况。 (二)教学模式的科学化改善 对于钢琴学习的基本内容进行大课堂的机体课堂教学,提升教学效率。针对音乐教育专业学生的特点及学成就业方向考虑,专业教师除了为学生科学地讲述钢琴学习的基本方法以及形成学生规范、正确的学习能力外,更应该把钢琴教学法渗透到课堂中,不仅要会学、会练,更要会教。对于学生的个体情况,要进行学生水平的评估,而后进行小组划分学习,让水平一致的学生进行小组个性化学习,除了针对学生能力的弱点进行有效的弥补,还可以在课堂中安排学生互相教学,提高教学实践能力,提升学习效率;对于水平较高的学生可以采用一对一的、个性化的拔高教学,让其钢琴演奏能力有更进一步的提升,符合其自身对个人钢琴能力提升的要求。避免笼统一刀切的教学方式。对于钢琴学习的基本内容进行大课堂的机体课堂教学,提升教学效率,为学生讲述钢琴学习的基本性方法,形成学生正确的学习能力,做出高校钢琴学习的基本任务要求。 (三)强化钢传统钢琴教学优势 钢琴教学的传统教学有着诸多教学优点,因此需要吸取精华予以继承。要强调学生节奏感、歌唱艺术、记忆力等能力的培养。基础的节奏感训练需要贯穿教学始终,要让节奏感具有伸缩的灵活特性,在作品学习之前要注重对其拍号的全面掌握体会,充分理解音乐作品所要传达的情感以及钢琴主体所应该表达的意义。懂得音乐作品的旋律,其音调的走向、情感表达的波动等,指导学生懂得钢琴歌唱旋律的特点以及情感因素,通过这种方式来更加表现钢琴音乐的情感表达。强化学生的视听、逻辑和动作的记忆力训练,对节奏、音等技艺进行强化训练,可以加入短句的模仿歌唱来帮助其记忆力训练。 (四)注重钢琴的理论课程学习 加强学生的理论课程学习,对钢琴的整体知识有全面认识,让其对于不同音乐有更深入的历史文化了解,以及演奏方式,从而有效表现不同音乐风格。特别是师范类的学生,对于钢琴理论知识的了解更加不可缺少,充分地了解音乐作品和钢琴背后身后的文化底蕴。 作者:贠婷单位:西安音乐学院 音乐教育专业论文:专业教育与大学音乐教育论文 一、加强大学音乐教育的重要性 从思维的角度来看,人的思维分为逻辑思维和形象思维两类,二者不可分割。如果只重视期中的一种,就是不健全、不全面的思维,它可制约一个人素质的全面提高。钱学森说:“只注重逻辑思维,埋头于细节,易犯机械的、片面的毛病,缺乏整体的有机联系的认识。正因为受到了艺术方面的熏陶,才能够避免死心眼,避免机械唯物论,想问题能够更宽一点,活一点。”钱学森认为形象思维是取得科学成就的关键。爱因斯坦也说:“想像力比知识更重要,因为知识是有限的,而想像力概括着世界上的一切,推动着进步,并且是知识进化的源泉。” 二、大学音乐教育与专业教育融合和拓展的必要性 随着经济的快速发展以及经济全球化的进一步加深,人才之间的竞争也愈来愈白热化,社会对人才的培养在新形势下提出了新的更高的要求。集中体现在社会越来越需要以创新能力为重点的高素质的复合型国际化人才。具体到大学教育中来,就是要转变传统教育中单纯重视知识化、科学化的人才培养模式,强调科学与人文并重的高校教育模式。从素质教育的要求来看,大学教育除了关注专业教育以为,更应该贯彻“通识教育”的指导原则,在学生掌握基本的、必要的专业知识的基础上,还要广泛地认识和了解其它课程的知识,特别是艺术方面的知识。科学和艺术从一开始就存在着紧密的联系,就像一枚硬币的正反两面,互相配合、互相渗透,共同提高学生的综合素质,促进学生的全面发展。可以认为,高校只有加强艺术教育与专业教育的融合和拓展,同时提高二者的教育水平,才能培养出更多适应社会需求的、具备健全人格的、有着丰富创造力的高素质的全面发展的人才。 三、实现大学音乐教育与专业教育的融合和拓展 正如前面所说的那样,正是由于音乐与生俱来存在的特质,使得大学音乐教育在陶冶学生的情操、启发学生的创新能力、培养学生的思维发散能力等方面表现出其他专业学科不可取代的优势。新形势下,普通高等院校应强化创新创新意识,以提高学生的综合素质、促进学生的全面发展为己任,实现大学音乐教育与专业教育的融合和拓展。结合实践,笔者认为可以从以下几个方面着手: (一)改变传统的教学观念 大学音乐教育的创新改革以及与专业教育的融合和拓展,都必须以转变教学思想和理念为前提。一方面,普通高等院校应充分认识到大学音乐教育并不是简单设置一门音乐教程,而是要充分认识到其在育人方面的作用。另一方面,普通高等院校不能用专业音乐教育的眼光和要求来看待音乐教育,而使得音乐教育的发展偏离了素质教育的方向。再一方面,大学音乐教育应将学生的专业需求有效的纳入到教学体系中来,满足学生的专业诉求,充分发挥为专业教育服务的功能。 (二)调整和优化学科体系的建设 随着我国高校教学创新改革的不断推进,大部分高校已经意识到艺术教育的重要性和必要性,普遍设置了与艺术相关的课程,各个大学音乐课程的设置率逐步上升,以及大学音乐社团、音乐比赛层出不穷,这都有助于创造良好的校园文化氛围和文化环境,但也存在着很多有待完善的地方。第一,将音乐课程设置为必修课,适当增加音乐课程的学分比例,同时应当对学生的专业教育课程、音乐教育课程的教学时间进行科学的分配,从根本上提高学生的音乐水平。第二,建立多样化的音乐课程。由于受各种主客观因素的影响,很多大学对学生的艺术选修课程都提出了明确的要求,即学生只能在音乐、绘画、舞蹈等艺术课程中选择一门。第三,高校要保证音乐课程的教学时间,采取科学合理的教学策略和灵活多样的教学方法,提高学生对音乐教学的兴趣,将音乐教育与学生的实际生活与学习紧密结合起来,不断促进与专业教育之间的融合和拓展。音乐是一种非语言和非具象的艺术,音乐的自由性、模糊性以及不确定性特点给学生理解音乐、感受音乐营造了更多想像的空间,对于培养学生的思维发散能力和创新能力无疑具有十分重要的意义。因此,大学音乐教育应当通过音乐课教学和音乐活动,提高学生的音乐修养,加强与专业教育的融合和拓展,促进其身心各方面和谐全面发展。 作者:陈琛单位:重庆工商大学 音乐教育专业论文:音乐教育专业舞蹈教学论文 一、以学生为主体,优化课程设置 高质量超额完成《大纲》教学任务,在高校音乐教育专业舞蹈教学中占据重要作用的课程设置,是与专业教学和研发密切相关,相补相成。舞蹈教学课程设置和内容安排的科学性、合理性、多元性和实用性,是教学改革与创新实践成败的重要因素,更是检验我们人才教育和培养模式是否适应现代社会政治、经济、文化发展的要求。因此,强调以学生为主体,以教师为主导,一切为了学生,高度尊重学生,倡导独立自主的学习思想理念。通过独立自主的知识建构活动,调动学生积极参与的欲望,使创新、潜能等全面发展,使课堂教学活动真正成为学生的主角。全面培养学生学科理论基础扎实,专业技术精堪,艺术素质过硬的综合型高素质舞蹈艺术人才。当前,高校音乐教育专业舞蹈教学在课程设置、教学内容和教学方法等存在不科学、不合理、不完善和不实用等问题,突显不出自身优势和特色,严重影响到舞蹈艺术教学质量的提升。因此,在认真落实执行教学大纲各项要求,学习吸取兄弟院校经验和方法之外,切实联系自身教学和科研工作实际,发挥民族地域的优势,充分挖掘民族地区艺术特色作用,开发与创编、优化与整合资源,探索适合高校音乐教育专业舞蹈教学内容与方法的多元化结构体系。广西是一个多民族区域,几千年积淀的民间传统文化艺术,浩如渊海,源远流长,民间舞蹈艺术种类繁多且内容丰富,气息淳朴、特色浓郁、风格独特、内涵深远,是民间艺术遗产的宝贵财富。针对广西区域壮族、苗族、瑶族、京族、侗族、水族等风格独特的民间舞蹈艺术种类,开设广西地方特色民间舞蹈、民间艺术采风课程,组织学生深入壮乡村屯、侗家、瑶胞和鱼家水乡的生活生产第一线感受地气,近距离接触民间舞蹈艺术,向民间艺术家、老艺人访问学习,抢救稀少濒危的艺术品种。通过系统的收集和挖掘、归纳和整理,了解各民族民间舞蹈艺术的精神内核、艺术特征,亲身感受民间舞蹈艺术的内在魅力、艺术价值和文化内涵。广泛积累丰硕的原生态材料,从中涉猎那无价的甘蜜,丰富自身营养,为学生即将走出学校融入社会打下扎实的基础,对新时期快速发展培养高素质人才具有现实意义。 二、彰显学科特色,完善教学体系 当今信息化社会对高校音乐教育专业舞蹈教学人才培养的要求更高、更综合化。传统模式的男女大班或是模仿网络媒体“画葫芦”式,或是教师一个动作学生模仿一个动作等教学方式,已无法适应现代教育的要求。特别是高校招生的连年扩大,学生翻倍增长,教学课时少;而教学设备的硬件和软件没有丝毫增添,师资队伍没有按生均比例配备,教学资源的匮缺或日趋陈旧而仍超负荷的工作。课程设置的不合理、不实用,教学内容与方法相同或重叠,舞蹈教学与专业必修(选修)课或文化公共课之间的产生不合理的问题等,使得高校音乐教育专业舞蹈教学不得不面对现实,重新调整、优化整合,展开对教学理念、教学形式与方法的创新。如采取男女分组、基功组合、舞种组合、成品组合等多形式多样化、灵活机动授课。在基本功训练课中改变以往单元或阶段性的授课形式,采用两个星期为一个授新课单元的模式;而舞蹈组合和节目排练课,则单周完成一套组合,双周完成一个舞蹈节目作为教学要求;注重突出高校音乐教育专业舞蹈教学中少儿舞蹈节目,以及社会阶层、厂矿和社区急需的各种舞蹈节目。有计划安排好上半段、中段、下半段的教学工作检侧,期末考试(查)验收等。这样的教学既连贯又紧凑,既有针对性又具有灵活性的实施舞蹈基本技能、组合与节目成品的排练,突出培养学生综合能力向深度和广度发展,彰显学科特色和优势,完善学科教学体系,是全面提高学生技术技能,创造能力和表现能力的主要手段。 三、强调自主学习,培养创新精神 以学生为主体,让学生真正成为课堂教学活动的主角。通过有组织的积极主动参与,独立思考,亲身实践,合作交流,收集和处理知识技能,并在自主探究和构建知识活动中获取新知识、新问题。通过认知问题,分析问题、解决问题,使学生成为创新知识与实践能力的主人翁。舞蹈艺术教学实质上是一个创造思维过程,从收集材料的一度创作到舞者加工、塑造和雕琢打磨的二度创作、再到演出修改的三度创作,即创作、实践、再创作再实践过程。舞蹈艺术材料来源于生活生产劳动,若想让自己舞蹈作品构思独特,艺术特色浓郁且生命力强,就必须要坚持深入生活生产第一线,体验生产劳动多姿多彩韵味和丰富的节奏韵律,让心与物碰撞出灵感火花,升华到肢体艺术并融汇到舞蹈艺术创作当中。学生从不同角度亲身体会舞蹈肢体艺术形象的内在感官,深刻理解舞蹈肢体动作艺术表现的感觉,并通过不断思考、实践与拓展,用全新思维、多角想象、创造贴近生活并具有新意的舞蹈艺术形象。因此,我们要大力鼓励学生充分利用田野采风、平时观察和发现,收集和整理民间舞蹈艺术魂宝,引导广大学生借助先进创作手法与独特的民间艺术元素相结合,改编和创作新颖的韵味浓厚的舞蹈艺术作品,大胆放手让学生独立创新的能力。促进学生积极关注和学习不同民族,不同舞种的艺术形式,关心本专业的知识信息,提高学生对问题分析的潜力和能量。同时,教师要努力为学生营造宽松和谐、团结友爱、独立创作、互相交流的学习氛围,敢于让学生发挥专长亲自策划、自编自演的能力,多以支持和肯定的点评,称赞学生艺术创新精神,艺术思维和创作亮点,关心和爱护学生艺术个性和发展空间,以平等友善、包容理解、谦虚负责的态度,鼓励和激发学生创新定精神,促进学生学习全面发展。 四、更新思想观念,注重艺术实践 现代教育思想理念要求教师必须转变教学观念,努力将教学过程当作与学生交流知识、合作探究、沟通情感的人生平台,改变过去传统的“传授者”思想,变成为课堂教学活动的成员,成为学生学习研讨的鼓励者、引导者、参与者和促进者。一是,要解放思想,废除传统教学观念和落后管理制度,开发和运用现代教学管理理念,对课程设置、教学内容、方式方法等深入调查与分析、改革与创新;二是根据信息化社会文化大发展的要求和自身条件,不断更新人才教育方向,从长期受专业舞蹈院校教学套路影响中摆脱出来,建构高校音乐教育专业舞蹈教学理论体系,注重舞蹈艺术理论知识与技术技巧相结合,加强对舞蹈编导课程基础知识引入,开展实施和研讨等突出自身特色和优势,规范学科教学结构体系;三是舞蹈其高度的综合了表演性、艺术性和实践性较强的艺术表现形式,课堂所学习和掌握的知识和技术都要通过“大舞台”实证验证。因此,广大学生要踊跃投身到社会的大熔炉,经受各种层次的实践和锻炼,将课堂教学与课外艺术实践紧密相结合,从中获取课堂无法学到的知识,增长个人阅历。如校园文化艺术节(艺苑杯)、班级汇报晚会、毕业汇报晚会、五项全能大赛、大学生艺术展演、南宁国际民歌艺术节等,从舞蹈表演艺术、心理素质进行培养,积累丰厚的实践经验。从而提高舞蹈技术技能水平,使我们的人才培养方向符合社会发展要求,成为现代化社会建设的栋梁。 五、实施竞争机制,强化师资建设 现代社会政治、经济、文化教育大发展,要求我们改变旧的教育理念和偏、难、繁的教学内容。教师肩负着国家和民族昌盛,造就开拓创新人才的光荣使命,更应具备与时代精神相融汇的现代教育思想和理念,对教学工作的本质、责任、目的、要求和特点具有独到理解。具有拓展课程领域,广集课程资源,研发课程内涵,变“教课本”为“用课本”的新时代高素质教师。因此,在舞蹈教学中科学合理的处理好内容与方法、排练与演出、理论研究和技术分析等实践环节具有极其重要的作用,充分体现在教师对理论知识和专业技术的钻研,学习掌握和应用现代教育信息技术,提高综合素养,而最终体现在教师之间的竞争、教学水平的竞争。由于历史原因,高校音乐教育专业舞蹈教师队伍在人员结构、梯队建设不科学、不合理,严重阻碍了舞蹈教学向高层次发展。虽然有个别经过努力取得了部级、部级或规模较大的大型表演活动奖,技术技能、艺术表现力等堪称完美。但是,由于绝大多数的舞蹈教师从孩童起就进行舞蹈基本功练习,小学、中学再到大学甚至硕士研究生,文化课学习均受到不同程度冲击和影响,文化基础知识和专业理论素质极为贫缺和浅薄,语言组织和表达能力较低,学术研究能力和文字表达能力较低,面对自己熟悉专业感到无从下手,力不从心。这种不协调的现象不仅是高校音乐教育专业舞蹈教师,在综合大学的舞蹈教师乃至专业舞蹈院校的教师都比较突出。如何改善这一严重的问题呢?这就要求从教育主管部门到学校以及教师自身,要脚踏实地、负责任的做好各环节工作,加强自学提高、进修培训、观摩取经,做好职业形象、知识结构、工作作风和态度等素质转变。坚持终生学习的思想观念和探索精神,丰富和拓宽文化理论知识,提高理论水平和专业技术能力。同时,要与时俱进,博览群书,不断的充实和武装自己的头脑,使自己成为现代社会优秀文化的传播者。 六、结语 现代信息社会的飞跃发展对高校音乐教育专业舞蹈教学,人才培养提出更高、更全面的要求。因此,在教学中从实际出发,结合具体情况,充分发挥教学资源、教学设备和师资队伍的作用。以丰富的教学内容和多样的教学形式,教会学生舞蹈技能,更要教会学生如何为人处事。要持之以恒,刻苦钻研,增强文化修养。认真总结、深刻反思,提高舞蹈教学、人才培养质量,努力为建设社会主义大文化及其大发展和大繁荣作出贡献。 作者:茅正南支桂衡黄文翠单位:广西艺术学院 音乐教育专业论文:音乐教育专业钢琴教学论文 一.明确教育目标,能够因材施教 随着钢琴学习的生源规模不断增加,学生的水平也是参差不齐,有的学生在校学习之前就有较好的钢琴基础,对于音乐的领悟力也较强,这样就可以扩充练习曲目的范围、种类以及难度。而有的学生基本功不扎实,音乐表现力也欠佳,这就需要教师能够有充足的耐心,针对学生的具体情况安排相应的课程,进度,不仅要夯实基本功,而且要不断提高表演水平提升感染力。 二.加强基本功的训练和强化 尤其对于初学者要打好基础,牢记理论原理,以及各种指法要求,触键盘、手指下键的要求等等。要坚持长期训练夯实基础,帮助学生在初始阶段提升兴趣、培养意志力、提升音乐素养,达到训练应有的效果。弹奏技巧也是重要的练习项目,通过加强技术训练能够使学生掌握更纯熟的演奏技法,学习表演技巧,逐步认识旋律、和声、织体三者的关系。以提升乐感为基础,积累演奏经验, 三.注重教学方法的灵活科学性 要求学生认真记录课堂笔记,更好的跟进每堂课程的内容,按照循序渐进的方法为学生渗透课程要旨。教师还应该引导学生自觉形成独立思维,挖掘适合自身的学习方法,提高演奏速度和准确性,逐步提升对作品的熟练程度。其次,教师应将自己的演奏经验有条理化的提高到理论认识的高度,可以采用案例教学、对比教学等方式,多渠道,多角度的对学生进行渗透,提高教学质量,例如,增加音乐作品鉴赏课程,钢琴文化介绍,组织参加音乐会等形式,丰富学生的艺术素养,开阔眼界,拓展知识面。学生应该熟知更多的钢琴艺术,全面的了解不同时期、不同风格的钢琴音乐作品。学校要为学生提供丰富的钢琴文献,通过阅读不同风格的作品,提高学生的音乐修养,使他们具备较高的音乐欣赏水平。 四.构建完善的评价和测试制度 科学良好的评价制度有利于提高学生学习的积极性,促进学生的钢琴演奏水平,使学生的学习得到肯定,从而更有信心的学习。尽可能的多鼓励、挖掘学生的潜能和长处,减少心理负担,使之成为一种学习的动力。将每次的评价和测试成绩有效的保留,定期进行分析对比,发现每个学生的学习状况和走向,及时发现进步并予以肯定,而对于产生的问题要及时解决和纠正。使学生更好的认清自己的不足和优势,能够进行自我指导和锻炼也让教师更有针对性的进行下一步的教学。定期进行测试,并将结果进行保存并定期进行研究,发现教学内容的遗漏,完善教学方式,明晰每个学生现阶段的问题,可以有的放矢,明确下一阶段的教学方向,提高教学成效,也能有效节约资源和成本,达到事半功倍的效果。 五.完善教学设施 长期以来,音乐教育课程一直存在着教师无教材,没有内容规划,无大纲指引,较为松散随意。教师应该制作教学教案,按照计划进行规划安排,按照统一标准,规范课程记录,避免个别课程的随意性导致最终整个教学进程的打乱,提高教学效率。因此需要统一教学教材,加强与艺术团、歌舞团等专业机构的联系,为学生提供更多的锻炼机会,也能够让学生接触到更多的技术纯熟的,优秀的表演者,邀请演奏家进行讲座或者交流会,丰富学生的课业生活。在进行钢琴学习的过程中也会接触到其他乐器,为了使学生熟悉伴奏,学会乐曲的融合要开始其他介绍伴奏乐器的课程等等,帮助学生丰富创作灵感,更加全面的学习钢琴。 六.创新教学理论学习国外经验 学习借鉴域外的教学方法是提高高师音乐教育成果的一种途径,在针对我国学生的具体情况的前提下,因地制宜,学习国外的先进理论和已经较为成熟的教育管理制度、高效的教学方法等等,都是推动教学理论创新和完善教学模式的途径。在课程当中,教师也可以涉猎和尝试国外的教育方式,定期让学生进行反馈,了解学习进展,帮助学生更好的学习。 七.结语 随着社会文化的丰富发展,音乐教育逐渐走向国际化,能否与国际接轨,培养优秀的钢琴人才成为重要的课题。整体培养未来年轻的音乐教育工作者是发展钢琴教育的基础。教学过程中教师在传授基本演奏技法及音乐表现力的同时必须重视和加强学生掌握钢琴弹奏的方法与要领,在使学生在掌握科学规范的方法的前提下,使整个教学活动形成以演奏技能培训为主的教学理念。钢琴教学过程需要具备一个系统正规的教学规划,教师应该开拓思维,创新教学思路,根据整体目标和培养规格提出明确的教学目标、设计充实合理的知识结构及科学有效的教学方法。只有再次基础上才能更好的培养钢琴人才,推动音乐教育的发展。 作者:刘琬琬单位:兰州城市学院音乐学院 音乐教育专业论文:专业性音乐教育论文 一、理解“音乐教育” 这种知识构型使音乐成为一种以知识、技能为基础的“艺术”体系。于是,在“艺术”的名义下,音乐被建构成为了一种特别的知识体系与技术范畴,脱离开这个知识体系与技术范畴,所谓的“音乐艺术”将不复存在。由此,音乐教育必然是以这些知识和技术为其根基,学习这些知识“范型”和技术“程序”便是所谓的“音乐艺术”教育。③故“专业性”音乐教育对于知识和技能的看重,其合理性当是不言自明的了。然古往今来,音乐教育现象复杂且多样,并不局限于上述情况。笔者尝试将我国古代与近代音乐教育与此作一对照性考察,其中所生风景,则引发出另一种的思考。 二、音乐教育:我国历史的考察 从历史角度看,我国当今音乐教育有三种主要资源:一种是西方意义的“艺术音乐”教育;另一种也是与西方有关的“美育”教育;再一种即是我国古代的“礼乐”教育。下面从历时角度,对古代和近代音乐教育资源从观念层面做一番考察。 (一)以“礼乐”为内核的先秦音乐教育观念 我国从周代开始“,乐”与“礼”联系到了一块儿。“礼乐”的相关性,使礼的内涵长期影响到乐的含义。众所周知,西周宫廷不仅有礼乐,也有音乐教育。音乐教育在学校进行,④并有计划与学程安排。《礼记•文王世子》说:“凡学,世子及学士必时。春夏学干戈,秋冬学羽钥,皆于东序。小乐正学干,大胥赞之;钥师学戈,钥师丞赞之。胥鼓南。春诵,夏弦,大师诏之。瞽宗,秋学礼,执礼者诏之。冬读书,典书者诏之。礼在瞽宗,书在上庠。”完整的教育科目包含“六艺”,其中“乐”一科即涉及诗歌、音乐和舞蹈。西周官学的音乐教育中大学有“乐德”、“乐语”和“乐舞”等内容⑤。所谓“乐德”包括:中(言出自心,皆有忠实)、和(不刚不柔,宽猛相济)、祗(见神示则敬)、庸(接事以礼而有常)、孝(善于父母)、友(善于兄弟)。所谓的乐语:兴(以善物喻善事,以恶物喻恶事)、道(引古以刺今)、讽(熟背文辞)、诵(吟诵有节韵)、言(直叙己意)、语(答人论难)。而所谓的乐舞则是与历史传统相关的内容:《云门》、《大卷》(黄帝乐)、《大咸》(尧乐)、《大罄》(舜乐)、《大夏》(禹乐)、《大濩》(汤乐)、《大武》(武王乐)。由此可知,周代的音乐教育,除有与音乐形式和表演相关的技艺内容外,也体现在涉及人的养成的价值方面。西周的音乐教育观念,也为后来儒家一系的思想家和教育家所承袭、条理化,并加以推进与提升。春秋末孔子便如此。孔子特别强调礼乐与“仁”的联系。他说“:人而不仁如礼何?人而不仁如乐何?”音乐教育在“成人”方面价值重大。他进一步提出,音乐自身具有“美”、“善”两方面的内容,并倡导“尽善尽美”的批评准则。音乐在教育方面的功用:“兴”“、观”、“群”“、怨”(《论语•阳货》:“诗可以兴,可以观,可以群,可以怨。”)则体现了更广泛和多样化的社会功能。又如战国中期孟子。《孟子•尽心上》汉赵岐注:“仁言,政教、法度之言也,仁声,乐声《雅》、《颂》也。仁言之政虽明,不如《雅》、《颂》感人心之深也。善政不如善教之得民也。”孟轲承孔子“仁”学思想,并在音乐教育方面加以发挥“,仁言不如仁声之入人深也”,即是充分看到了音乐教育在强化人的道德属性和人格完成方面天然而独特的优势,他同时希望《雅》、《颂》之声能够在塑造他提出的“大丈夫”人格理想方面发挥积极的作用(《孟子•滕文公下》:“富贵不能淫,贫贱不能移,威武不能屈”)。再如战国末的荀子。《荀子•乐论》曰:“夫乐者,乐也,人情之所必不免也。”他首次对音乐的“愉悦”性质予以确认,并认为音乐的感性性质为人所不能免,由此将音乐的教育价值定位在人的感性方面,并从理论上对音乐在社会生活中的广泛教育价值再次加以强调“:故乐在宗庙之中,君臣上下同听之,则莫不和敬;闺门之内,父子兄弟同听之,则莫不和亲;乡里族长之中,长少同听之,则莫不和顺。故乐者,审一以定和者也,比物以饰节者也,合奏以成文者也,足以率一道,足以治万变。”(《荀子•乐论》)由此可以看到,我国古代音乐教育,明确地把人的教育放在第一位,具有强烈的人的德性意识。我国音乐教育对于人的价值的强调,其实践与理论始于西周,于战国末完成,其后两千余年直至清末,该理念一直是被延续和遵从。 (二)以“美育”为内核的近现代音乐教育观念 进入近代,“鸦片战争”使中国的社会性质发生改变,也使教育观念发生变化。随着“西学东渐”,西方文化、思想和教育思潮开始在我国传播。至20世纪初,一批仁人志士也开始利用西方知识思考中国问题。“洋务运动”和“戊戌维新”失败后,1902年,梁启超在日本横滨创办《新民丛报》,并连载其《新民说》一文。梁氏以“欲维新吾国,当先维新吾民”⑥的思想动机,深入剖析封建文化于中国人国民性建构之种种积弊,大胆提出“新民”概念,并疾呼“新民为今日中国之第一急务”⑦,并看到音乐教育在“国民”(“新民”)塑造中的重要作用。⑧这客观上为后来的“新学”发展做了理论准备和舆论鼓吹。与此同时,留日音乐才俊把目光移到音乐领域。面对新的教育理想和传统音乐教育资源之窘况,匪石1903年发表《中国音乐改良说》,尖锐批评当时中国的“今乐古乐”而主张学习“西乐”,并开出音乐教育改弦更张之药方。⑨继而1904年,曾志忞发表《音乐教育论》。尤值得注意的是,曾志忞比较了中西“音乐”的相关“说法”,在总结西人的音乐“要义”之后,给出一个“音乐”定义:“音乐者,以器为本,以音为用,音器相和,是为神乐。”⑩这是国人首次从学科和知识体系角度对“音乐”含义的阐述。曾志忞对“音乐”的这一定位,最重要的是:明确将音乐的功能从音乐的性质中分离了出去,这对往后音乐教育的性质和方向都有很深影响。与此同时,西方美育理念悄然东来。“美育”推介始作俑者当王国维和蔡元培莫属輯輥訛。1903年,王国维发表《论教育之宗旨》短文,从教育哲学高度指出教育目的之所在:“使人为完全之人物”。他明确提到,人的能力包括“身体”与“精神”两体,而精神又分“知力”“、感情”及“意志”三部分“,对此三者而有真美善之理想‘:真’者知力之理想,‘美’者感情之理想,‘善’者意志之理想也。完全之人物不可不备真美善之德,欲达此理想,于是教育之事起。教育之事亦分为三部:智育、德育(即意育)、美育(即情育)是也”。其中,特别点出美育的目的:使人的情感“以达完美之域”,“独美之为物,使人忘一己之利害而入高尚纯洁之域,此最纯粹之快乐也”。只有当“三者并行而得渐达真善美之理想,又加以身体之训练,斯得为完全之人物,而教育之能事毕矣”,由此,完整而有效的教育———“使人为完全之人物”才能达到。清王朝覆灭后,历史又翻过一页。蔡元培面对新的社会发展,于1912年发表《对于教育方针之意见》,提出“五育并举”的教育主张。蔡元培受康德哲学两个世界“现象世界”和“实体世界”划分的影响,认为教育要完成两项任务:面对现实世界,必须实施以“军国民教育”“、实利主义教育”以及“公民道德教育”等;而面对精神世界,则必须实施以“美育”和“世界观教育”。蔡元培以“人体”为譬喻:“军国民主义者,筋骨也,用以自卫;实利主义者,胃肠也,用以营养;公民道德者,呼吸机循环机也,周贯全体;美育者,神经系也,所以传导;世界观者,心理作用也,附丽于神经系,而迹象之可求。此即五者不可偏废之理也。“”五育”百分比权重:军国民主义占其十,实利主义占其四十,德育占其二十,美育占其二十五,世界观则占其五。“美育”居其二,可见蔡元培的推重。他与晚清“教育宗旨”相较后,特别指出其独特与重要:“惟世界观及美育,则为彼所不道,而鄙人尤所注重,故特疏通而证明之,以质于当代教育家。”1917年,蔡元培发表著名的《以美育代宗教说》,直指“观念世界”的教育。他再次认为“美育”就是发挥古往今来世界上各种艺术在教育上的功能,为全面养成的人服务。于此,“美育”再拾级而上,可见蔡元培所寄予的更高期望。 三、“专业性”音乐教育与“教育” 我国的“专业性”音乐教育后起,以“艺术”教育的名义从西方引进,由此也与西方“艺术音乐”教育模式结下不解之缘。輰訛輥专业音乐学院定位于“艺术”,志在担负“艺术音乐”专门人才的培养,由此而具特别的教育目标和培养模式,这一理路延续至今。然当我们回首我国音乐教育发展历程时,发现无论是古代音乐教育,还是近代“美育”,其主旨多在强调“育人”功能,强调对人生的积极作用。两相对照,源于西方教育模式的“专业性”音乐教育则有些格格不入。一个显见的问题是:如何理解我国古代音乐教育和近代“美育”的教育观念?又如何看待当今“专业性”音乐教育强调“音乐的教育”这一倾向?二者是否有契合的可能呢?这涉及对“音乐教育”内涵的理解,也是当今“专业性”音乐教育难以回避的问题。下面分两方面继续讨论。 (一)历史时代与“专业性”音乐教育 今天“,专业性”音乐教育强调“音乐的教育”,有自身理由,也留下时代的影子。当今“专业性”音乐教育,与古代和近代并不完全一样。西周“乐教”,是贵族子弟教育,目的在完成其政治和教养训练,而非今天意义上的“艺术”或为其谋生的演艺性训练。在近代,当“美育”传入我国之时,正值世界范围内民族主义浪潮高涨的关口及我国社会转型并呼唤“国民”教育之时。所谓“国民”,即梁启超所谓之“新民”,或王国维、蔡元培所言之“完全人格”之“完全人物”輱輥訛,它既与有清之“臣民”相对,也同“西人”相对举,内含现代民族国家之国族构想之意涵,与梁任公“新民”之定义大致吻合:既含文化之旧根,又有时代之新貌。輲輥訛由此可见,近代作为基础教育之“美育”,它首先是从普遍性的时代之人的培养出发,而并不针对艺术自身,也不隶属艺术的专门教育。而今天的“专业性”音乐教育,当与我国古代教育和近代“美育”都不同,或许包含了一些新东西,需作具体分析。下面尝试从“工业化”和“专业化”角度来对“专业性”音乐教育特点做些分析与讨论。 1.工业化时代与“专业音乐”教育。20世纪以来,所谓的“专业性”音乐教育出现一些新情况,其中牵涉工业化背景的两个方面:社会分工和知识分类。在社会层面上,这两个方面有其内在一致性,即知识与职业的紧密关系。这意味着,社会分工的背后是职业及其知识属性。当今工业社会,是一种以机械为轴心的社会结构。该结构需满足于机械的运转,高速运转中需要大量的齿轮与螺丝钉,以及被拧在机械操作流程上的“操作者”。在工业社会的强大生产力中,“操作者”及操作能力即是其优秀指标之一。音乐这类专门知识也因其相关的社会职业而与工业社会紧紧地勾连在一起。輳訛輥由此,音乐已不再是原来意义上的纯粹艺术,同时也成为工业生产的一个部分。特别是随着大众消费时代的到来,整个社会文化生态发生变化。工业社会成为了既生产“艺术品”,也生产艺术“产品”的社会,更多的“艺术品”通过“工业产品”形式而流行,其工业化气息日渐浓郁。过去“,产品”主体是满足人们衣食住行的工农业生活必需品,艺术品则多属个体生产,且尚未列入社会化的工业品目录。而如今,随工业化进程的加深,精神类产品的工业化趋势愈益强烈,工业化方式的生产也愈益显著,同时,随着大众化审美需求的递增和艺术重回日常生活空间,艺术与创意越来越超出原来的纯粹精神范畴,而降落到生产与文化消费的行列之中。这一切不仅使艺术与生产的关系发生变化,而且也使艺术自身的生产方式发生变化。机械性的“复制”,随之成为艺术生产的一大特点,导致艺术的形式与内涵之独特价值随之衰减,艺术之精神性因素更是明显弱化。也就是说,如今被生产出来的精神类艺术品已属“产品”,或称“文化产品”,归属在消费范畴而融入物流通道,其生产部门名正言顺成为“文化产业”。这里的变化有两点值得留意:一是“艺术品”也开始遵循“工业产品”的生产逻辑,要求符合生产的秩序并使其批量化,即“以最小投入获取最大产出”;二是这种产品尤重外在形式,产品价值与其精神含量不成比例反与生产成本紧密相关。作为工业生产的“文化产品”,它自然遵循“商品”推介方式在社会上推介与传播,并通过产品包装原则增加其经济效益。这种工业化的生产方式从职业和知识的相关性方面影响到了学校“专业性”音乐教育的模式。尤其是所谓“艺术品”的精神含量锐减,以及“技术”与“精神”评价上的不对称,使“专业性”音乐教育更倾向于看好学生的技术能力与制作能力,而并不看好作为人的精神性存在以及艺术品中的那些人文精神。由此“,专业性”音乐教育在“教育”的两大指标———“知识与技术学习”和“人的培养”上,其砝码偏向了前者。也就是说,那些“技艺与操作性”人才,因其工业文化的社会背景而更易受到社会的追捧,这无形中影响到“专业性”音乐教育对人才规格的认定和对人的完成的关注。 2.艺术与“专业性”音乐教育。艺术除来自外部社会的影响外,内部情况又怎样呢?当今的“专业性”音乐教育,是以“艺术”名义为其定位的。所谓“艺术”,一般指一种价值,涉及无功利审美与精巧形式,“一致强调诸如无动机、无功能或形式高于功能、无利害等属性”輴訛輥。在“艺术”的价值中,“精良的操作”一直是一项最重要的指标。而音乐艺术,本又是一种演艺活动,具有很强操演性,其品质不可能与操演分开,甚至很大程度由操演“技艺”所决定,所以操演性价值在音乐艺术中的地位十分显要。因此,“专业性”音乐教育注重“技艺与知识”即为该专业的一大特点。然而“,专业性”音乐教育更本质的一潜在目标却不幸被忽略:即为“艺术音乐”自身和为本专业发展培养“传人”。由此“,专业性”音乐教育最终便会围绕着艺术品的创造(而非学生目的)来制定专业学习目标。“艺术音乐”的生态链是:作品—表演—理论輵訛輥(其中并没有“人”)。音乐教育的主要资源和依据就来自“艺术音乐”自身及其历史。也就是说,在“艺术音乐”中,无论是作品、演奏(唱)还是理论,它产生于自身历史中传承下来的那些东西:作品、表演技艺和理论认识。它并不与被培养者有关,也不直接来源于民间传统,它是与自身相关的一个独立的知识体系!輶輥訛比如声乐艺术(美声唱法),从专业教育角度,它需要德、奥、法等国的艺术歌曲,需要意大利等国的歌剧,需要古典乐派、浪漫乐派等各样的声乐作品,需要欧洲的歌唱技术和音乐理论,也需要整个的欧洲音乐艺术的文化史。这是它真正的文化之根,而不是受教育者,不是中国的陕北民歌、昆曲和四川清音。钢琴艺术也一样,它需要巴赫、莫扎特、贝多芬、舒伯特等众多作曲家的钢琴作品,钢琴奏鸣曲、钢琴协奏曲、复调作品和钢琴小品及其相关音乐理论与音乐历史等。这样才能一方面为自己的专业技术定位,另一方面为自己的理论与文化定位,同时还为这种艺术自身的未来提供发展的机会与空间。面对“艺术音乐”的这样一个系统和传统,“专业性”音乐教育必须做出回应,其最好的回应方式即是继承与发展这个自身赖以存在的文化系统,具体说就是必须维护(西方)“艺术音乐”的这个独特“生态链”,其首要任务即是为“艺术”这一优秀目标而培养各种生产者:作曲家、演奏(唱)家和理论家。这或许是以“音乐的教育”为目标和策略的“专业性”音乐教育“自身”和“时代”的深层理由。 (二)从教育角度看“专业性”音乐教育 但是,上述理由是否可以成为当今“专业性”音乐教育的充足理由呢?下面从教育角度出发,再予讨论。一个难以回避的问题是:从教育出发,“专业性”教育与非专业性教育在深层的“育人”问题上是否可以并论?就教育言,只要是教育,无论古今,它基础面是“育”,即内含“人”的教与养。“专业性”音乐教育亦为教育,自然亦有此基本面。既然如此,“专业性”音乐教育中亦当有“通过音乐的教育”便不言而喻了。尽管我们并不否认“专业性”音乐教育中独特的职业性倾向,但如果“专业”教育仅存狭隘的职业性那就有缺憾了。当然,因其特殊性“,专业性”音乐教育可以有两个目标:一、专业的目标,即以“艺术”为“专业”的自身建设与发展目标;二、教育的目标,即人的发展与完善目标。这里“物”(技艺与作品等)的指标与“人”(人格与精神)的指标,可以也应该在教育的终极目标上实现其一统。 1.教育:以“人”为目的。在“人”存在意义上,归根结底“,人”是目的,其他都是手段,教育也是手段。如果“人”是目的,那么教育本身就有一个如何使人成为“人”的具体目标,专业教育亦然。我国古代,古人将音乐视为人成长道路的必然路径。《论语》云:“兴于诗,立于礼,成于乐。”在“德”和“艺”两个方面,教育强调“德成而上,艺成而下”。(《礼记•乐记》)所以,周代的乐师对优秀人才的判定拥有发言权。(《礼记•王制》云:“大乐正论造士之秀者,以告于王。”)至于教育的目标,古代之经典《礼记》有明确规定,并以“三纲领”与“八条目”形式对“大学之道”作了精辟阐述,揭示了教育的本质,同时亦谈及目标、手段与过程之关系。《礼记•大学》篇云:大学之道,在明明德,在亲民,在止于至善。物格而后知至,知至而后意诚,意诚而后心正,心正而后身修,身修而后家齐,家齐而后国治,国治而后天下平。第一段三条纲领讲教育目标,定位于价值层面,指向人文性质。“明明德”,郑玄注“谓显明其至徳也”“;在亲民”,朱熹以为“亲”应作“新”解,即“新民”,教育使人成为德性意义上的“新人”;而“在止于至善”,则是教育的终极目标。接着,《大学》篇又用一实例为此作了注解:“为人君止于仁,为人臣止于敬,为人子止于孝,为人父止于慈,与国人交止于信。”对古人来说,仁、敬、孝、慈、信,就是“人性”在人伦关系上的反映,也即教育终极目标“至善”的具体化。很明显,“至善”不是“工具性”,而是“人文性”的。“大学”,教育的终极价值在于此!第二段解释达到教育目标的手段、过程及其与目标的内在关系。教育过程共“八个”阶段(即所谓“八条目”),分三大过程。第一、第二阶段“格物”、“致知”,为教育之一程。“格”,古训“度也”、“量也”、“正也”等;“格物”,即达至外界,人与物交通,推究事物之理。“致知”“:致”,古训“至也”、“到也”。只有通过“格物”,即推究、认识外物,人才能感知外部世界并获得知识,即今天所谓的“学习”。第三、第四、第五阶段“诚意”“、正心”“、修身”,为教育之二程。至此,教育内转,指向学习者内心,亦即面对自己的内心世界。经前一程学习而具有知识和判断力后,转而运用这些知识和判断力去认识自己的内心世界,这里的重大提示是:知识学习的意义与价值,并非仅仅是认识和改造外部的自然世界,而必须去完成人对自身的剖析与把握。“诚意”是端正态度,“正心”是剔除杂念,“修身”是从“肉体”到“精神”的境界提升,即解决如何面对个人的意识、思想与欲望等问题。通过对内心的省察与拷问,使其对自己有更深的了解,有更高的觉悟与境界,并使其能与自己内心和谐相处。第六、第七、第八阶段“齐家”“、治国”、“平天下”,为教育之三程。将自己的学习、知识与境界推己及人,从家庭、到侯国、天下,逐步外推。此时,在上一程中解决了“人心”、个人内部世界的问题后,再来解决外部社会的问题,从而实现了教育价值与社会理想的融合与统一。由于此时已能“明理”,内心也已“澄明”,有了一颗“道德心”,即能进一步明了自己应该做什么和应该怎么做,故便可将个人的“至善”外推而用于从“齐家”到“平天下”的社会行为之中。此即所谓“内圣外王”之过程,这即教育的真正成功。其成功之处在于:人既有了“至善”的目标,同时亦有了觉悟与境界。有了它,教育与人生和社会就可以统一起来,从而使教育通过人最终影响社会。我国传统教育内涵甚为丰厚,至少给我们提供三点启示:其一,教育是一极为漫长的过程,各个阶段都有具体目标,并终其一生,可说就是“活到老学到老”。其二,教育具有多重内涵,有知识学习的目标,有端正自己情感和行为的目标,还有淬炼自己意志的目标,是知、情、意的一致。其三,教育是外在知识、内在修养和社会服务三者的统一。教育以“止于至善”为目标,充满责任,个人不仅有学习的道德责任,也有修身的道德责任,还有对待家庭的道德责任,往后还有社会实践中的道德责任,随着年龄增长,道德意志随之增长,并将“天下为己任”的道德目标贯穿于一生之中。輷訛輥《大学》清晰地表达了教育内涵的多样性目标,除知识性目标外,还有道德性目标和社会性目标。反观今天我国的“教育”,重点只在知识性目标,即只是停留在古代教育“八阶段”中“格物”、“致知”的前教育阶段,还是一个尚未完成的教育。輮訛輦由此看“专业性”音乐教育中的“音乐的教育”目标,也可知它其实只是教育的初级目标(知识与技艺)。如果教育只针对“专业技能与知识”,而没有完成以“人”为目的的教育,在我国古人看来,就是不完整的、尚未完成的教育。由此可见“,专业性”音乐教育,同样需要有“人”的教育的内容,“至善”的终极目标。这是《大学》给我们讲明的道理。 2.教育:“人”的目标与“专业性”音乐教育。一个尖锐的问题是:“人”身份的缺失,是否可以完成所谓的“专业性”音乐教育?这里涉及两个问题:一、人与音乐艺术的关系;二、“专业性”音乐教育中的“主体”。诚然,毋庸置疑“,专业性”音乐教育中包含有艺术自身的目标。然而,艺术本身与人又密切相关,被认为是人类精神中最尖端的创造物。这里的提示是:艺术与人的关系本质上是与人精神的关系。既然如此,也就是说只有当人的精神得到充分发展,艺术才有皈依,艺术创造才有根底。反过来亦然,只有通过精神才能观照艺术,与艺术沟通。由此,就教育言,指向人的精神,也恰恰就是艺术教育的目的。教育最终解决的问题,就是诸如人之德性、精神与境界等“止于至善”的根本性问题。单纯的技艺与知识传授,当只是徘徊在教育殿堂的门口,不可能最终完成教育的使命。如果人的精神没有得到充分的升华,灵魂尚游离于躯体之外,人们用什么来面对艺术,拿什么去叩开人类的心灵之门?当今艺术的低俗化,当亦与此有关。就教育的“主体”说,“专业性”音乐教育应该面对“人”。因为从根本上说,艺术既无法脱离人,也无法超越人,人本身即是艺术的主体。因此,“人”不仅是“教育”的优秀,同样也是“艺术”的优秀。没有人,就没有艺术,也就没有音乐教育。同理,艺术精神,最内里的就是人的精神。没有精神上的寻觅,没有自我的存在,艺术从何处去寻觅?如果音乐教育遗忘了人的目标,剩下的便会只是技术与知识,艺术就只能成为技术的操演与模仿。模仿的本质是人的失落。这种失落,还不仅仅是人的失落,同时也是艺术自身的失落和文化的失落。如果人的精神不在,艺术的精神亦难以存在,皮之不存毛将焉附?!不能在人的层面解决精神的问题,艺术所展现的东西,很可能是徒有形式的“画皮”,不能真正传达出人的愿望与意志。如果“专业性”音乐教育不能严肃地面对人及其精神与境界的提升,那么,它将难以真正完成它的社会与历史使命。归根到底,音乐与人本质上是相联系的。所谓的音乐艺术,从最外在的感性形式讲,它是与声音操作性技艺联系在一起的,也即与人的感性相联系,但在它的深层存在上,却是与人的精神相联系的,与人的文化存在相联系的。由此可以说,音乐教育对人的关切,本质上也是对音乐最深层的关切。结语“:专业性”音乐教育重铸“人”的内涵“教育”,因“人”的需要而提出,因“人”的发展而产生,故本质上是针对人的。由此,即便是“专业性”音乐教育,它也应该是“音乐的教育”与“通过音乐的教育”两种取向与价值的融合。艺术作为人类精神的对应物,它的存在以某种方式表达了人类的精神意愿,同时也反映了对人类历史及其人对自身的一种理解。艺术自身的创造就是这种意愿和理解的展示与表达。所以,面对艺术,我们应该理直气壮,应该不断追寻。但是,这种追寻的动力的根源与目标指向还在于对人的本质的理解和人自身的建构,由此,就必须有“人”的教育在场,尤其是与心灵相伴随的教育。“专业性”音乐教育重铸“人”的内涵,即是指音乐教育在根本上指向人。不仅仅是因为人是技术的发明者与操作者,更是因为音乐本身就是人自身的某种表达。在当今,由于社会分工和对形式精细化趋势的增强,音乐表达已经严重“割裂化”,这种“割裂化”或许会导致具有历史与文化整体性品格的音乐的瓦解,或许会使音乐那种从精神深层到音响表层的一致性性格被各个片段或片面的形式化表象所遮蔽,从而造成本来是与人的精神对话的音乐被彻底的碎片化和表浅化,并分裂为或属声音实验的科学探索、或与精神无关的纯粹形式之物。面对今天的“专业性”音乐教育,笔者以为,“教育”针对“人”的意义与价值不应该被削弱,“人”的培养应该得到更进一步的加强。尽管音乐自身的知识与技艺是不可为其他东西所取代,但就音乐的本质而言,重视人的教育,本身即是使音乐更具“音乐性”意义的一项根本性的工作。 作者:李方元谢芳 音乐教育专业论文:浅谈高校音乐教育专业舞蹈课程教学改革研究 论文关键词:音乐教育专业 舞蹈 教学改革 论文内容摘要:舞蹈课作为高校音乐教育专业的基础学科之一,在传统的教学观念中仅仅是为辅助专业课程教学而设置的基本形体课。随着素质教育的发展和教育改革的不断深化,舞蹈教育快速普及,走向社会,开始成为全民教育的一个重要组成部分。文章就高校音乐教育专业舞蹈课程教学现状做了分析,提出了一些建议。 高校音乐教育作为我国高等教育的重要组成部分,肩负着培养中小学校音乐教育师资、音乐表演人才、文化事业单位工作者及音乐专门人才的使命。面对当今中小学舞蹈教育改革的图景,该如何来加强和完善舞蹈课程的建设,这已成为值得我们认真思考的问题。尽管现在大多数普通中小学没有专门开设舞蹈课程,但是在丰富多彩的少先队活动、载歌载舞的节日庆典以及各种文艺竞赛中,舞蹈都发挥着极其重要的作用。随着新课程标准的实施,舞蹈将成为音乐课程、艺术课程的重要组成部分。 近年来,尤其是发达地区中小学招聘音乐教师,往往将舞蹈表演乃至舞蹈创编能力作为重要的考评项目。这又给音乐教育专业毕业生就业提高了一个门槛,值得我们重视。 一、现状分析 我国高校音乐教育专业正不断向培养高素质的复合型人才方向发展,而目前高校音乐教育中仍存在以下问题: (一)从生源质量看,高校音乐教育专业生源质量呈下滑趋势 首先,招生考试对舞蹈的要求降低了,一些学校的招生简章中没有舞蹈方面的相关考试要求。如江汉大学2011年音乐学专业招生简章音乐学(音乐教育)专业:满分100分,其中声乐、钢琴(器乐)两科中高分占45%、低分占30%,视唱练耳占15%,乐理占10%。音乐教育专业招生简章中没有舞蹈测试这一项,甚至连以前在专业面试中还能见到的律动测试也被取消。 其次,高校音乐教育专业的主要生源来自普通高中毕业生,少部分来自中等职业学校。学生入校前几乎未受过任何规范的舞蹈基础训练,短时间的集训效果在假期过后已经恢复如初,加之年龄较大,身体的软开度与柔韧性未曾开发,不少学生的身体条件又较差,仅凭自身具备的身高、五官等基本条件得以升学,这无疑会给舞蹈教学带来诸多困难。 (二)从课程设置看,舞蹈课课时比例小 就目前各大院校课程设置来看,高师音乐教育专业舞蹈课程所占比例极小,大概每周的课时数只有一次,也就两堂课。如何发挥舞蹈的教育功效?如何使舞蹈教育与现代教育发展相适应?如何使学生真正感受到舞蹈的魅力?如果仅仅只靠一周的两课时而没有其他形式和途径给予延伸和补充,舞蹈的教育功效无从谈起,更不要谈舞蹈的普及。 (三)从课程结构看,艺术实践的比重远远不够 在传统的高师音乐教育专业的教学计划中,艺术实践只是作为一个教学环节分布在每个学期,最大程度上也就是为学校的重大演出排练节目,并没有把艺术实践能力的培养看作是面向全体学生,导致一部分学生除了课堂的学习外,技能得不到磨练和展示,从而失去了学习的兴趣。 二、解决办法探讨 基础教育改革最显著的特点就是坚持实践的观点,强调在教学中以学生作为主体,引导学生提出问题——分析问题——解决问题,在实践中使学生实现对象与自我双向建构,为终身学习奠定基础。高校音乐教育专业舞蹈教学改革,必须通过课程改革这一重要手段作为改革先锋,要统一指导思想,与国家基础教育课程改革目标相一致,要将教育部颁发的《纲要》和《标准》的课程理念渗透到舞蹈课程改革中。 (一)从生源质量抓起 近年来,舞蹈教育事业的发展日新月异,新的教育模式、教学方法、教育理念都为舞蹈教育事业的发展带来了勃勃生机。随着师范院校舞蹈学、舞蹈表演等舞蹈专业的扩招,音乐教育专业的舞蹈教育越来越不受重视。当今社会对人才的需求是多方面、多类别、多层次、多结构的,就业竞争的巨大挑战已非常现实地摆在每位毕业生的面前。 高校音乐教育专业的学生在高考前都经过一些培训,但多数是以声乐、器乐、乐理等在艺术高考中比例较大的课程为主,而对舞蹈课程很少涉及。很多学生进入高校后,舞蹈基础相当薄弱,加之舞蹈训练本身就比较辛苦,学生由此会产生紧张、烦躁等不良反应,这给教学活动带来严重的消极因素。面对社会复合型人才的需求,各高校音乐教育专业应该从艺术高考做起,提高舞蹈课程在艺术高考中的比例,让考生在高考前引起足够的重视。除此之外,还要严把艺术高考关,选优质的生源进入高校学习。 (二)明确培养目标 作为高校音乐教育专业的一门基础学科,舞蹈教学是音乐教育专业课程教学中重要的组成部分,有其独特的价值功能。尤其对于高校音乐教育人才的培养具有极其重要的作用。高校音乐教育专业的舞蹈教学与专业艺术院校的舞蹈教学有很大区别,专业艺术院校的舞蹈教学注重高技能性和表演性。根据复合型人才的培养目标,高校音乐教育专业的舞蹈教学要以舞蹈知识技能与艺术实践的高度统一为目标,同时有很强的师范性。学生既要掌握音乐相关的基本理论知识,具有声乐、键盘等基本技能,还要有编排舞蹈、策划文艺活动等基本技能,也要熟练掌握表达和传授这些知识与技能的能力。所以,我们以高校音乐教育专业人才培养目标为指导思想,培养具有创新能力的人才,从而真正实现复合型人才的培养目标。 (三)合理设置课程,提高教学质量 为达到良好的教学效果,合理设置舞蹈课程尤其重要。合理主要体现在系统性和逻辑性。系统性主要是让学生对整个舞蹈体系有总体认识,课程设置应相对全面,让学生了解每个舞种的特点。逻辑性即课程的安排要从易到难、从简单到复杂,便于学生消化吸收。 1.明确课程性质与课程目标 高校音乐教育专业舞蹈课作为一门基础学科,首先它是一种基本素质教育课程,其基本属性是教育。它的目标设定与专业舞蹈院校课程目标不同,舞蹈专业院校培养的是技艺技能精湛娴熟的专业艺术人才。而作为素质教育的高校音乐专业的舞蹈课程,应着眼于舞蹈知识技能和师范能力的整合发展,体现舞蹈课程与音乐学习、舞蹈课程与中小学音乐教育实际需要的互补,为学生全面持续发展奠定基础。正是基于这样一种综合性的教育取向,舞蹈课程突破了传统的动作技能训练,向生理、心理、师范三维舞蹈观转变,具有促进学生身心协调发展和师范能力综合发展的全面效用。 课程目标以舞蹈课程价值的实现为依据,按照舞蹈知识技能与师范能力整合发展的逻辑进行设计。本课程教学使学生初步具有正确的舞蹈体态和基本的舞蹈技能,培养学生的创新精神和实践应用能力,增强师范意识和献身中小学艺术教育的自觉性和积极性。 2.面向市场,开设相应课程 当前,热门专业的课程设置越来越成为专业招生的噱头,学科建设、教学改革等也成为吸引生源、扩大办学规模的优先手段。各高校在招生工作中都亮出了自己的“招牌”扩大招生规模,敞开“入口”,而忽略了“出口”的质量,也不够了解市场的需求。 流行音乐、街舞、爵士舞、国际标准舞等方面的社会办学力量已经走在多数高校前面。各种各样的艺术培训中心在全国各大城市如雨后春笋般出现,很多艺人、机构投资办学,培养音乐舞蹈艺术人才。而高校音乐教育要更好地适应社会需要,从根本上全面提高教育教学水平和教学质量、规范校本教材的制定、了解学生的需求、课时量的多少等,都是值得思考的问题。因此,高校音乐教育在教学内容的选择上需要考虑一些市场因素:目前,学生需要什么、最期待什么,教师自身的优势又是什么,学校条件和特色是什么,学生的基础怎样,制定的新课程标准又提出了哪些要求?我们应该多听听学生的意见,应该多听听基层教师的建议。充分了解这些问题之后,再因材施教地组织教学内容。一些私立学校在这些方面的做法值得我们效仿,如四川天一学院每年都派专人负责做社会调查,各系部每年都根据调查报告对教学计划加以修订,培养的人才能很快融入市场。而一些公办学校在这些方面较为滞后,有的教学计划多年不变,有的参照专业艺术院校的教学计划,忽略了培养目标。 3.课堂教学丰富多彩 根据教学目的、任务、学科性质、教授内容的不同,可以采用不同的教学模式。鉴于高校音乐教育中舞蹈教学的相对特殊性——“课时少、任务多”的特点,在实际教学中无法如专业院校那样将舞蹈学科的课程安排得更为系统化,因而一堂课往往不限于一个任务,而同一任务也不限于一种教学方法。比如,在授课内容的安排上,将基训与身韵、身韵与民族民间舞、少儿舞蹈的学习与创编、舞蹈剧目欣赏与舞蹈理论的理解、生活体验与舞蹈小品的创作等相糅合,避免课堂教学单一化,也使学生舞蹈学习的兴趣大大提高。 在教学中可以根据学生的具体情况,将一些学生所喜爱的舞蹈形式融入到教学中。如用简单的现代舞动作组合或极富动感、酷劲十足的街舞做热身运动,以饶有兴趣的即兴舞蹈小品练习提高学生的学习兴趣等,这样不仅避免了单一舞蹈训练所造成的枯燥和乏味,而且开阔了学习的视野,有助于提高学生学习的积极性。在有些课堂教学中,可以结合学生的学习兴趣,教师设计一些较为有趣的课题。比如,在身韵课的“眼睛”训练中,要求学生将不同情绪的眼神(如含情脉脉、怒目圆睁、眉目传情等)以舞蹈即兴的方式,结合老师所给的音乐设计情境表演。这样的训练不仅培养了学生的表现力和创造力,充分锻炼了学生的即兴反应能力,而且增强了学生自主学习的愿望。 (四)增加艺术实践 舞蹈社团是高校舞蹈艺术实践最重要的阵地。参加舞蹈社团活动的学生一般都对舞蹈有较大兴趣,他们自发地组织在一起,学习、交流、创作,对学生本身来说是兴趣的提高、技能的磨练,也有了更多展示自我的空间和平台。对其他学生来说则是一种影响和吸引,给那些“徘徊在舞蹈边缘”的学生发出了一盏盏耀眼的信息灯。随着社团的发展和壮大以及实践机会的增多,学生们会越来越成熟,舞蹈的发展空间也随之广阔起来,进而对技能的要求也会更上一个新台阶。 学生在校期间有很多机会参加各级各类艺术比赛。学校应该鼓励学生参加这样的艺术比赛,并给予相应的学分。例如,学生在校学习四年期间,须参加舞台演出不少于8次才能获得学分。 毕业实习为学生的艺术实践提供了更广阔的舞台。除了参与校内外的各项文艺活动外,中小学、幼儿园、企事业单位、社区等也都成为学生舞蹈实践的课堂。在这些地方(尤其是小学和幼儿园),他们不仅是演员也是老师,每个人都能充分发挥自我,以各种方式证明自己。比如,组织幼儿、少儿编排节目,参加教师或单位的节目演出等。经过一次次实践的磨练,学生们无论是舞蹈的技术能力、创造力,还是组织能力都成长非常快。 综上所述,当前高校音乐教育专业舞蹈课程教学必须进行改革。研究当前高校音乐教育专业人才培养方式,高度重视音乐及舞蹈课程的设置,按照师范性与时代性、结合创造性与实用性的教学理念,构建符合当前音乐教育专业发展需要的课程结构体系。音乐教育专业舞蹈教学中的技术规范与艺术规格,可以通过制定课程标准来体现,即针对不同类型的舞蹈课程制定相应的内容标准与艺术评价标准,在具体标准的表述中体现一定的技术规范与艺术规格的要求,采取灵活多样的教学方法,培养全面发展的教育工作者。 音乐教育专业论文:浅析高师音乐教育专业钢琴教学初探 论文关键词:钢琴 音乐教育 高师 论文摘要:高师钢琴教学这一课题是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着高师音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。笔者期望通过中国高师整体教育水平的提高,钢琴课的教学能够“会当凌绝顶”,“更上一层楼”! 在高等师范院校音乐教育专业的科目中,钢琴课占有举足轻重的地位。随着高师音乐教育的迅猛发展,社会对音乐教师的需求加大,钢琴课也应紧跟时代步伐,在教学内容,方法,形式等方面做出相应的调整,以适应高师音乐教育专业学生未来的职业需要。对于音乐教育专业的师生,如何从事钢琴课的教学,,如何采取科学理性的方式,将这门复杂的功课做好,这是本文探讨的主要问题。 一. 教师要根据学生的程度因材施教,学会分级教学 随着国脚高校扩招政策的实施,音乐教育专业的学生入学率大幅提高,学生们的钢琴水平参差不齐。有的学生入学前已经学过多年钢琴,基本功扎实,音乐表现力丰富,他们大多数会选择钢琴主修专业。对于这样的学生,老师们教学难度不是太大,除了采用《高师钢琴基础教程.》第三,四册之外,常常辅以肖邦部分练习曲,夜曲,圆舞曲,贝多芬早期奏鸣曲,以及巴赫平均律等技术与音乐艰深的曲目,其目的是丰富学生的技术面,提高其音乐表现力,锻炼学生的意志品质与耐力。 还有的学生入学之前只学过一年左右的钢琴,他们只是学习一到两首曲目来应付高考,其本身钢琴演奏的技能很薄弱,基本功不扎实,弹奏动作僵硬,识谱很慢,用数字来标示五线谱的学生不在少数。对于这类学生,钢琴教师应在教学中给予更多的关注,他们需要老师更多的细心,耐心与爱心。对于他们,老师在教学上进行严密的安排与部署,需要最大限度的去开发其潜能,加强他们的基本功训练,在有限的两年中,使他们除了掌握一定的表演技能以外,还能够掌握钢琴即兴伴奏的知识,以适应其毕业以后得工作实际需要。 二. 教学中应贯彻融合性原则 高师音乐教育专业的课程设置目的是突出“一专多能”甚至“多专多能”的培养目标,走的是一条培养综合素质高的音乐人才的道路。它要求学生不仅具有一定的演奏能力,同时对其他相关的学科的理论知识也应熟悉和了解,并且有独立的研究能力和教学能力。高师音乐教育的学生,除了会演奏钢琴以外,还有会教钢琴,用钢琴为个唱,合唱伴奏,在音乐欣赏课堂会用钢琴教学等等。 因此,要求钢琴教师在教学中应提倡综合式,融合式的教学,讲究课程的整合,按照音乐教育规律实现教学的协同效果,最终使学生综合素质得到提高。作为音乐科目的基础课,钢琴课与其他终点科目,比如视唱练耳,和声及作品分析,西方音乐史都有千丝万缕的联系,音乐科目中与钢琴没有任何联系的少之又少。这种情况就要求教师在教学中注重钢琴课与其他姊妹学科的联系,能够渗透其他学科的部分内容,拓宽教学视野。当然,我们的老师在教学中也应保持钢琴本学科的侧重点以及自身个性,绝对不能将钢琴课上成音乐欣赏课,这就要求老师们有一种驾驭全局的教学功底,在此基础上以点带面。 三 .教学目标要明确,要细致分析教材 钢琴教学的内容制定与教学目标,对象密切相关。老师在教授演奏技术的同时,应重视理论的教学,二者是相辅相成的。对于具有独立思考习惯的“90后”学生,演奏与教学理论的研究可以使他们对钢琴技术的了解更加深入。学生通过老师的理论指导,会拓宽演奏与联系的思路,学会逻辑的分析自己的技术训练,最终突破技术的瓶颈。教师应明确的向学生阐述自己的教学目标,使学生学习的方向更加清晰,从而能够活学活用,学有所思,学有所用,为自己将来从事教学工作奠定坚实基础。一名负责任的钢琴教师应随时根据教学大纲制定并修整自己的教学纲要,这样才能使教学更加系统化。 作为工具,高师钢琴教材在实际教学中发挥着重要的指导性的方向作用。教师应该明确教材的的作用是:通过它系统的传授给学生演奏技能;通过它研究中外音乐大师的经典曲目促进学生人文素质的提高:通过学习它使得学生综合素质得到提升,心智得到发展等等。教师在明确其作用后,更应该研究教材的训练目的,明了教材所选曲目的艺术价值,能够准确分析所选曲目的曲式,和声特点。为了能够使音乐教育专业的学生能够胜任毕业后从事的中小学音乐教师的工作,部分高师音乐教材还增添了中外乐曲的钢琴伴奏曲,同时为了促进学生的协作能力,又编选了一部分四手连弹曲目,教师应对这两类曲目同样重视,这样才能使教材的应用性得到最大程度的发挥。 四.拓宽教学视野,提倡创新意识 教师在钢琴教学中,应大胆实践,不断拓宽自己的新的教学思路,不能拘泥保守,一成不变。钢琴课作为高师音乐教育的重要技能课,优秀课,基础课,本身应该具备开放,多元,发展的特色。教师不应将视野只局限在狭窄的琴房内,两耳不闻窗外事。他们应该更加关注我国高师音乐教育发展的大方向,关注国内外新的教育理念,通过学习再学习,使自己的教学与时俱进,不断创新。 高师培养出来的大部分学生,面临着社会整体钢琴教育的重任,他们身后是几千万的琴童,这就要求音乐教育专业的钢琴主科教师们迫切提高自己的教学水平,通过自身的努力,培养出更多优秀的教师。一方面,他们要立足本土,通过观摩,学习周先生等老一代教育家的教学法,另一方面,通过互联网等多媒体了解国外钢琴专家的演奏与教学,这样才能使自己的视野更加广阔,更加多元化。 以上是笔者在观摩部分高师音乐教育钢琴教学之后产生的一些思索。高师钢琴教学这一课题是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着高师音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。笔者期望通过中国高师整体教育水平的提高,钢琴课的教学能够“会当凌绝顶”,“更上一层楼”! 音乐教育专业论文:简论专业音乐教育中的素质教育 内容摘要:文章从素质教育的角度切入,提出了一些设想,分析我国的专业音乐教育辉煌背后存在的某些问题,以期改革我们的教育理念与教学实践,实现高素质、富创新精神的专业音乐教育人才培养。 关键词:素质教育 专业音乐教育 改革 创新 21世纪是竞争的时代,提高人的素质是现代社会教育乃至全世界教育的重点。为适应社会的激烈竞争,我国在1993年由国务院颁发了《 一、什么是素质教育 人的整体素质包括诸多方面:思想道德素质、科学文化素质、身体素质、心理素质、劳动素质、审美素质等。1997年10月29日,我国教育部(原国家教委)在《关于当前积极推进中小学实施素质教育的若干意见》中,对“素质教育”给出了明确的解释:素质教育是以提高民族素质为宗旨的教育,它是依据《教育法》规定的国家教育方针,着眼于教育者及社会长远发展的要求,以面向全体学生,提高学生的基本素质为根本宗旨,以注重培养学生的态度、能力,促进他们在德、智、体、美、劳等方面,生动、活泼、自由地发展为基本特征的教育。然而,要理解科学意义上的素质教育,还必须注意以下几个方面的问题。 (一)素质教育主张教育是提高人类自身素质的实践过程,它把提高和完善人的素质作为教育的基本目的和职能。 (二)素质教育是心理品质培养和社会文化素质相结合的整体性教育,它通过科学的教育途径,充分发掘人的天赋条件,提高人的各种素质水平,并使其得到全面、充分的和谐发展。 (三)素质教育是以整个民族素质的提高为出发点的教育,是社会需要与个人价值统一的教育。 (四)素质教育是以文化教育为导向,以心理教育为中介,以健康教育为本体,以全面提高身心素质、发展人的个性为目标。 二、进行素质教育的原因 (一)素质教育是改革“应试教育”的必由之路。我国的教育,一段时间以来,都是以考试为手段,以分数为标准,以择优为目的的教育模式。其面向了少数学生,忽视了大多数学生的发展;教学内容只重视知识的传授,忽视了个人能力和心理素质培养,从而导致学生学习的主动性、积极性和创造性脱离了社会发展的实际需求。 (二)素质教育顺应了世界教育改革的潮流 20世纪80年代后,世界各国在面向世纪战略的考虑下,都把提高受教育者的素质和能力问题提到教育改革的议事日程上来。如,美国在1983年就提出了“要提高本国的国际竞争力,就必须要有高质量的教育,即帮助学生最大限度地发挥他们的能力”;法国提出“要使每一个青年人发挥他们的智力、手工、体育和艺术方面的潜能,使他们每一个人在各方面都得到均衡发展”;日本提出“要使孩子们在学校里学到各项基础知识,具备人生成长过程中所必需的基本素质及丰富的个性和社会性,培养真才实学、健康的体魄和美好的心灵”。 因此,素质教育反映了时代和社会的需要,反映了教育的规律,自然就成为教育改革的主流。 三、我国专业音乐教育的现状 我国专业音乐教育始于上世纪50年代初,一批爱国音乐家从欧洲回国后,与国内音乐家共同创建了新 3.改革教学方式,提高学生创新意识 传统的专业教学模式都是以讲授为主的单向灌输,这种方式对学生的心智开发、自主思考,以及自主学习能力的培养极为不利。现代教学方式是注重教师与学生、学生与学生之间的多向信息交流,强调教学是一种启发性、讨论式的教学,对激发学生独立思考和创新意识,培养学生的创新思维习惯,培养学生自学能力和获取新知识的能力,以及分析和解决问题的能力等方面都是十分重要的。因此,我们可以考虑把教学从传统的一对一方式改为一对二、一对三甚至一对多的教学,把学生真正地从被动模仿学习技能技巧,转化为教学互动、学生互动、上下互动的教学模式,从而营造一个和谐、民主、平等的教学环境,树立新型的师生观,使学生成为学习的主体,在宽松的学习环境中尽情发挥自己的聪明才智。 总之,21世纪的 音乐教育专业论文:关于高师专业音乐教育中民间音乐传承方法的研究 关于高师专业音乐教育中民间音乐传承方法的研究 一、民间音乐在高师专业音乐教育中的现状 各个高校的民间音乐在整个音乐专业中的现状主要表现在观念方面、课程方面、教学教法方面、教材方面及师资力量方面,具体表现为: 1.学生对民间音乐的认知存在一定局限性。学生在学习音乐课程时,往往漠视民间音乐,认为民间音乐古老、枯燥、不够流行,不符合当前的学生心理,因此在学习民间音乐的过程中,学生没能形成正确观念,不懂得对民间音乐进行学习和传承,由此导致学生对民间音乐的认知存在一定的局限性和肤浅性。 2.课程设置方面。首先,民间音乐的课程设置时间较晚,建国后至今,以国家教育部名义正式下发的高师本科《教学计划》只有两版,真正把民间音乐课程作为一门专业基础必须课而进行设置至今还不到20余年,还有很多高校没有正式设置民间音乐课程。其次,民间音乐的课时相对较少,目前就大部分高校音乐教师所做的教学计划来看,民间音乐所占的课时要比其他专业相对来说少了很多,还有很多学校将民间音乐作为辅助课程。 3.音乐教师的教法还存在一定的缺陷,几乎所有的音乐教师在教学时采用的都是“灌输法”。虽然有部分教师在讲课时能够将课时理论与实践进行有机结合,但具体教授方法却各不相同,有的侧重理论讲解,有的不讲理论,只对学生进行民族乐器的教学,单纯地进行技能方面的训练,或者简单欣赏一些民族器乐曲,这就导致学生对民间音乐的学习不全面。 4.当前高校所使用的民间音乐教材不统一。目前各高校所使用的民间音乐教材尚不统一,很多出版社编写的教材都没有作为民间音乐高师专业统一教材。在教师所选用的教材中,有的是选自他人的出版物,还有的教师用的是自己编写的教材,这些教材基本上是专业音乐院校教材的分支,而教师独立编写并能公开出版的教材明显不足。此外,教师们上课所使用的音响、音像资料绝大部分来自公开出版物,还有一部分是从他处转录的,教师亲自采风所得的资料很少。 二、在高师专业音乐教育中民间音乐传承方法 1.重新树立民族音乐文化观和相应的音乐教育观。 首先,应该树立多元音乐文化观念。 在当今的信息社会,不同的文化相互交流和碰触,这就要求高师院校对文化的多元格局有明确的认识,形成多元的音乐文化观念,重新建立高师音乐教育体系,这既包括民族音乐课程的多元化,又包括教学方法的多元化,同时意味着高师音乐教育不仅仅要融合大量的民间音乐,还要融合其他的国家的民间音乐,更好地汲取前人及当代一切有益于理解音乐文化,并且充分发挥学生个性创造力和符合民间音乐的有效教学方法。 其次,树立与高师音乐教育相适应的民族音乐人才教育观。 高师音乐教育关于民间音乐传承人才的设定,应该结合当地的民间音乐文化实际,各个高师院校所设的音乐教育机构,应当自觉地致力于建设当地音乐文化资源良性循环的互动机制,高师院校应该吸纳当地的民间音乐文化资源,充实其教育内容,担负起建设传统民间音乐文化的职责,并且以这一机制为目标,设定高师院校培养民族音乐人才的规格,实现新型人才教育观。 2.确立民间音乐在高师音乐教育中的主体地位。 首先,多渠道地引进民间音乐文化资源。高师院校的音乐教育机构应该自觉地进行采访和收集当地的民间音乐文化资源,并且将其引进到高师音乐教育之内,或者建立相关专业,或者开设相关课程。此外,将老艺人或者民间音乐家等引进高师课堂进行授课,教授学生特色的民间音乐。 其次,编纂专门的民间音乐教材,教材是实现教育目的的重要工具,也是提高教学质量的关键。国家教育部门应该组织全国民族音乐学界和高师音乐 教育界的专家和教师共同编写民间音乐方面的教科书,在教材的编写过程中,应该广泛收集和利用我国民族音乐学界对中华民族优秀传统和音乐理论体系的研究成果,特别是应立足于五大集成出版的既有成果,制定将其转化为高师民间音乐教材的规划。 最后,创建新型的民间音乐教学方法,教学方法体现特定的教育价值观,受特定课程内容的制约,同时也受教学组织的影响。教师应该改变以往传统的教学方法,让学生变被动学习为主动学习,使师生及生生之间形成共同的价值观,并且富有创造性。 3.将民间音乐传承作为一项社会系统工程。 民间音乐文化传承是一项社会性的系统工程,它需要社会各界的力量对民间音乐进行整合,作为社会文化与学校教育相结合的高师音乐教育,更应该主动承担起联系社会文化部门和地方音乐文化社团的职能,使传承民间音乐文化、重建地方民间音乐文化成为一个有机的社会行为。 首先,应借助社会力量对高师院校的民间音乐教师进行师资培训,在高师中传承民间音乐,师资是最重要也是最关键的因素。当前我国专业教授民间音乐的教师极度匮乏,因此应该借助社会上各种办学力量,采用举办短期高校民间音乐师资培训班,对高校的民间音乐教师进行深度而系统的专业培训。 其次,成立地方专门的音乐文化研究机构。我国是一个多民族国家,各地的民间音乐文化异常丰富,这就体现出地方的音乐研究机构是一支不可忽视的力量,因此,各地区应成立地方音乐文化研究机构,以充实对本区民间音乐文化的搜集和整理力量。高师院校也应该创造条件,成立自己的民间音乐研究机构。这样既能提高教师队伍的研究能力,又能突出高师民间音乐的办学特色。 最后,呼吁社会各界重视民间音乐传承。要想更好地对民间音乐进行传承,光靠高师院校的力量是远远不够的,还应该调动社会上一些积极力量,来共同营造一个传承音乐文化的良好环境,因此,应该呼吁社会各界都重视民间音乐的传承。 综上所述,民间音乐作为我国一项重要的音乐文化,急需得到更好、更久远的传承和发展,而高师院校的音乐专业则肩负着这一重要传承使命,希望各高师院校能够有针对性地根据当前现状制定合理的民间音乐传承方法,合理选取民间音乐教材,适当增加民间音乐的教学课时,并增强民间音乐课程的师资力量,同时积极调动一切社会力量来引起全民对民间音乐的重视,使民间音乐得到良好传承和发展。 音乐教育专业论文:高职音乐教育专业和声学课程建设的实践与研究 高职音乐教育专业和声学课程建设的实践与研究 和声是音乐表现的重要元素,如果把旋律比作音乐的“骨骼”,那么和声就是音乐的“血肉”,只有有了“血肉”的音乐,才能形成立体、饱满的效果。对于我国高职音乐教育专业,和声学是基础理论课程的一门优秀课程。本文旨在探讨当前和声学课程存在的基本问题,以及和声学课程的探索与改革的方向。 一、当前和声学课程存在的问题 目前,大部分高职院校音乐教育专业对和声学这门学科的定位存在偏差,在具体教学内容的选择、教学方法的运用方面也有一些问题。 1. 培养目标定位不准确 当前,我国高职院校尚未形成适合自身发展的思路,大部分高职院校的和声学课程照搬本科院校模式,培养目标延续了重视理论学习与研究的传统,只是缩短了课程开设时间以适应高职专科三年制的学制。这既违背了高职院校培养应用型人才的培养目标,也影响了后续相关课程的教学质量。 2. 教学内容选择不实用 和声学课程的教学内容过分注重理论知识的讲授以及和声规则的遵循,而忽略了理论与实践的结合,很难满足当下对应用与创新人才的需要。和声学课程在教材的选择上,往往选用大部分本科院校使用的斯波索宾的《和声学教程》教材,该教材中传统和声的归纳科学、缜密、井然有序,阐释合理透彻、丝丝入扣,但过于机械、刻板,有些和声手法理论价值大于实用价值。另外,其在训练形式上,注重传统的四部和声的写作训练,忽视了对学生和声立体化音响的感知和培养,以及对学生和声分析能力的锻炼。 3. 教学方法和手段运用不灵活 在高职院校的和声学课堂上,大部分教师还延用以理论讲授为主的单一教学模式。教师在黑板上讲授和声的种种规则,学生在纸上小心翼翼地恪守这些规则。在教学评价中,也是以这些规则作为衡量标准。学生无法感知和声音响效果的魅力,也无法从和声学课程中获取成功的愉悦体验。 二、和声学课程的探索与改革 针对以上问题,高职院校的和声学课程必须进行适合自身特点的探索与改革。 1. 准确定位培养目标 高职院校的音乐教育专业以培养应用型人才为培养目标,所有课程的设置都应以此为导向。和声学课程是后继大部分理论课程的基础,其教学质量将直接影响到后继学科的教学质量,如钢琴即兴伴奏、歌曲写作与小乐队配器等。和声学必须重视课程理论学习与实践活动的结合,以实用为目标导向,重点实现和声学与即兴伴奏课程的整合。 2. 调整教学内容 高职院校的音乐教育专业学生将来的就业方向主要是幼儿园、小学以及文化团体等,这些用人单位更为注重学生的实践应用能力。因此在教学内容的选取上,学校应做到三方面。一是应坚持以大众音乐文化生活中常见的和声现象为主。例如,以大小调和声为基础和重点,适当加入我国民族调式和声的内容,让学生了解我国各种风格民歌的和声特色,并在具体的音乐作品中消化理论、应用理论。二是应涉猎20世纪以后的和声,尤其是流行音乐和声的内容。和声是在不断地颠覆中发展的。20世纪以来,和声的面貌已有了翻天覆地的改变。三是要突出基础和实用。例如除了四部和声的写作之外,还应加强对和声音响的感知能力以及和声分析能力的训练。和声学教学作为一种多声部的音乐形态,需要加强和声色彩的音响感知。它需要加强立体化音响的听辨,这样的做法不仅可以通过对具体作品的分析与实际音响的结合来实 现理论与实践的统一,更能提高学生的视谱、视奏、听觉能力,从而实现对视唱练耳、钢琴演奏等课程的帮助,有利于学生音乐素养的提升。在听觉训练中,教师应多培养学生对和声的明暗、浓淡、和谐度、节奏疏密等方面的多声部整体音乐感受能力。 此外,为培养学生的多声部听觉感受,在教学手段上,教师可以借助现代化的教学手段,将多媒体技术运用到和声学的课堂教学中,使学生可以全方位地感受到和声效果,把以前沉闷的板书讲解教学转化成生动而形象的音响教学,让学生在分析实例的同时获得听觉感受。 3. 强调实践,加强与后继学科的联系性 和声学作为音乐教育专业的重点理论学科,对其后继学科具有桥梁和纽带的作用,尤其对钢琴即兴伴奏的影响意义重大。钢琴即兴伴奏所运用的和声属于键盘和声的范畴,因此,和声学要想做到为钢琴即兴伴奏服务,就必须加强键盘和声的训练力度。那么,在理论和声的教学中如何渗透和进行键盘和声的实践呢?笔者认为至少要做到以下几点。一是要让学生树立实践观,即将所学理论转化成键盘实践的观念,在最初的四部和声基础知识的学习中,就要让学生把所学理论在键盘上弹奏出来。每次的课后作业,学生都要以实际弹奏的形式进行汇报,这样可以培养学生对键盘和声的熟悉感,避免在以后的即兴伴奏过程中出现学生“伸不出手”的现象。二是要引入钢琴织体的学习和写作。在学会用正三和弦为高声部旋律配和声以及和声终止式之后,教师要对钢琴即兴伴奏中的各种常用音型进行介绍,并让学生对简单的旋律尝试进行音型化的伴奏写作。三是要加强学生对实际作品的分析和感知训练。学生要想创作编配出好的伴奏,首先大脑里要有丰富的音响和经验,通过分析和感知大量的歌曲伴奏,学生可以学习其和声布局、织体手法,积累经验,总结规律,从而为自己的即兴伴奏创作打下基础。 高职院校音乐教育专业的培养目标是培养应用型人才,作为音乐教育专业优秀理论课程之一的和声学,如何调整教学内容,转变教学方法,从而真正做到为培养目标服务,是音乐教育工作者一直努力的方向和前进的动力。 音乐教育专业论文:如何高师音乐教育专业钢琴即兴伴奏课的教学 摘要:钢琴即兴伴奏既是一门理论性较强的技术性课程,又是一门实践性很强的课程。高师音乐教育专业的钢琴即兴伴奏教学应该有自己的特点与针对性,本文就如何提高高师音乐教育专业的钢琴即兴伴奏教学提出了一些观点。 关键词:高师音乐;即兴伴奏;提高教学 作为高师音乐教育专业的必修课程之一的钢琴即兴伴奏课,是一门容各类音乐理论与钢琴演奏技能于一体的课程。受教育的对象是未来的中小学音乐教师,钢琴即兴伴奏是中小学音乐教师必备的基本技能,那么在音乐教育专业的培养目标——培养合格的中小学音乐教师之下,钢琴即兴伴奏课的教学应该有何更有针对性,怎样的钢琴即兴伴奏教学才有利于培养一个合格的中小学音乐教师呢?笔者通过几年的钢琴即兴伴奏课的教学和对几所高师音乐教育专业钢琴即兴伴奏课教学过程的调查,谈谈我对高师音乐教育专业钢琴即兴伴奏课教学的观点。 一、高师音乐教育专业的钢琴即兴伴奏教学综述 弹奏流行曲通常是以右手弹主旋律,左手伴奏。当然,右手有时也可加入一些伴奏,比如在旋律稍微停顿时。有时也可双手交替弹琶音(arpeggio)或分解和弦(broken chords)。钢琴即兴伴奏是演奏者对钢琴演奏技能、和声学、曲式分析等作曲理论方面知识技能的综合运用。学过好几年钢琴或很想学习钢琴的人,常会在听到喜爱的流行曲时,多么希望自己可以把它给弹奏出来。这时可能会到处寻谱,然后再加以练习。但是,如果可以以耳听之,而随心所欲地弹出来,那岂不是一件赏心乐事呢!何况,市面上的流行钢琴谱,为了配合初学者的程度,通常比较简单,而且伴奏也配得较呆板。相反,只要我们的即兴演奏技巧达到一定程度,必可超越它们。我希望可以把我自己即兴演奏流行曲的经验分享出来,与大家切磋研究。 1.关于钢琴演奏技术 从高师音乐教育的钢琴教学来看,主要应在侧重于演奏技能的训练与传授,把握着循序渐进的曲目和教材,这样就会对于学生系统地掌握钢琴演奏的能力无疑是必要的,但钢琴教学却替代不了钢琴即兴伴奏的教学,实际上两者之间还有严重脱节的倾向。即兴演奏有了和弦,就可以尝试用左手弹出些简单的伴奏。初学者可在每一小节首拍,用左手尾指弹低音,接下去则用其他指弹和弦里的音。当然,右手则同时弹着旋律。是不是渐渐成形了呢?右手润色一下,左手的伴奏灵活变化,加入少许创意,投入一些感情,就能发挥即兴弹奏的特色来了。例如,有的学生已具备了演奏高难度乐曲的能力,却不能为一首简单的旋律即兴地配伴奏,这种看似高质量的“钢琴教学”,实际上严重脱离了高师音乐教育教学的需要。钢琴即兴伴奏的教学就是为了适应培养合格音乐教学人才的需要,既具备较好的钢琴演奏能力,又能够在各种需要的场合进行即兴式的钢琴伴奏,这样的音乐教育毕业生常常受到中小学师生的格外欢迎。在键盘上熟练地弹奏二十四个大小调的音阶、琶音及和弦连接,并能快速移调,是钢琴即兴伴奏的一项必不可少的基本功:移调弹奏能力是即兴伴奏中一项难度较大的技巧,需要长期锻炼,在教学中应反复强调其重要性,为今后即兴伴奏的学习打下良好的基础,使钢琴教学和钢琴即兴伴奏教学两门课程协调地沟通起来。 2.关于理论的支撑 和声是钢琴即兴伴奏中的骨架,和声设计是钢琴即兴伴奏中具有“灵魂”地位的重要部分。和声选配是否恰当直接影响到整首旋律伴奏处理的目的性、合理性和完美性。在一般性的旋律进行中,运用调内正三、副三和弦便能大致保持主旋律的和谐、流畅以及织体的丰满效果,但在旋律的高潮段落和转调部分,和声手法的运用与处理却要求体现出特定的效果。因此教师在教学过程中要引导学生学习一些离调和弦的使用方法。在实际教学中,有一部分学生不能把和声理论和实践结合起来,不能恰当地选配和弦,这在钢琴伴奏教学中也应予以弥补,让学生多弹和弦及和弦连接,仔细倾听音响的变化,感受更多的音响效果,也可建议和声课中适当地加入旋律和声轮廓的写作,掌握和弦在实际作品中的运用,在完成书面作业的同时,加强键盘和声的训练,增强实际音响的感知能力,这样有利于学生在钢琴伴奏中和声设计能力的提高。 学生在钢琴即兴伴奏设计时先对旋律的曲式结构有一个清晰的了解,在设计伴奏音型时就能更好地把握全曲的织体框架,使之具有合理的整体布局。同时,高师音乐教育专业培养的学生多数要从事于中小学音乐教育工作。在钢琴即兴伴奏的曲目选择上也应多注重优秀的儿童旋律作为重点。使学生熟悉儿童旋律的风格特点。在儿童合唱旋律中,曲式结构相对比较复杂和富于变化,以三部曲式居多。钢琴伴奏也需要更注重对比性的效果和更加引起少年儿童听觉兴趣的手法运用。一定的作品分析能力对于钢琴即兴伴奏在旋律整体的框架建立上能够达到较准确的定位,无论在结构的逻辑发展以及风格特色的处理方面的能达到较为理想的境地。 二、提高高师音乐教育专业钢琴即兴伴奏教学的途径 1.激发学生对该课程的兴趣和学习的积极性 任课教师应该从各个角度去激发学生对钢琴即兴伴奏课的兴趣,使学生的学习一开始就很主动。首先,从兴趣方面来说,可以选择青年大学生较为热衷的通俗歌曲为部分教学曲目。这些通俗歌曲应该是近几年较为流行的、旋律性强且和声骨架明显的。其次,从实用性来讲,引导学生树立正确观念,使其认识到音乐教育专业今后的从业与发展方向。教学目的是为了培养合格的中、小学音乐教师。由于有了两年的钢琴必修课的基础,使学生在钢琴技巧上有了一定提高,有的学生进校时什么都不会,两年后可达到车尔尼849,299或更高水平。虽然远不如钢琴表演专业的学生,但这一学习却能为钢琴伴奏打下坚实的基础。学生在今后的教学岗位中有可能大部分时间是坐在教室里为学生弹伴奏,而极少数时间在舞台上表演独奏,因此强化钢琴即兴伴奏能力是高校音乐教育专业学生非常重要的任务之一。大多数高师音乐教育专业的培养计划都把钢琴即兴伴奏课安排在大三这一学年,大四上半年将会有教育实习。 因而选择一部分中、小学音乐课本上的歌曲作为练习的对象,对提高学生学习的积极性将很有帮助。 2.课程的设置与教学方法的改进 就目前我国高师音乐教育专业的招生情况和现行的高考制度来看,多数音乐教育专业的本科生是因为文化课成绩达不到本科线,临时抱佛脚学习了几个月的音乐(多数以声乐为主项)就参加了专业考试。因此多数音乐教育专业学生入学时没有钢琴演奏的基本功。有的即使会弹几首乐曲,也只是为了应付入学考试而准备的,24个大小调的音阶琶音也只弹得一二,音乐学的综合理论素质也整体比较差。因此必须经过两年系统正规的钢琴学习及强化乐理、试唱练耳,并且系统学习和声、音乐作品分析、歌曲写作课等作曲理论基础课程,待掌握了系统的音乐学基础知识、技能和作曲基础理论后,第三年才能开始学习钢琴即兴伴奏课,这一点在大多数高校的教学计划中都有确立。 传统的钢琴即兴伴奏课教学方法是教师在配有钢琴的大教室中进行大班授课,教师以讲解为主结合钢琴的弹奏师范。学生能够做到的只能是认真听讲,没有在课上实践的机会。笔者建议在高师音乐教育专业钢琴即兴伴奏课教学中,应当采用小班集体课的方式。小班集体课应该在配有15-20架钢琴或电钢琴的教室进行教学,2课时/周,任课教师系统讲述即兴伴奏的理论知识的同时,学生可以在课上马上付诸实践练习。比如: a、基于功能和声的进行逻辑从简单的ⅰ,ⅳ,ⅴ级正三和弦入手,找几首和声框架明显的通俗歌曲(如:《一生有你》)或儿歌(如:《蜗牛与黄鹂鸟》)配合简单的二声部织体,引导学生尽快进入即兴伴奏的“尝试”。 b、讲解并示范伴奏音型(三大类:和弦式、半分解和弦式、分解和弦式)。通过对同一首歌曲三类不同伴奏音型的演奏示范,让学生能更加清楚,直观地认识伴奏音型的概念。对于钢琴演奏基础较好,24个大小调音阶琶音都很熟练的同学,可以辅导其练习几种伴奏隐性的扩展。 c、在实际教学过程中,由于很多学生音乐学综合理论素质较差,或者对曾经学过的理论知识遗忘太多,教师在谱例的讲述过程中,一定要结合必要的曲式学、和声学及乐理知识,这样才能让学生更好地掌握钢琴即兴伴奏编配的方法和途径。任课教师一定要鼓励学生为同一首歌曲设计多种伴奏方案,以激发其自主学习的意识。 d、教师在理论的讲解过程中结合实际操作示范进行教学,这也是即兴伴奏教学过程中的一个重要环节。通过大量的谱例示范、对比或对学生自己的般配方案提出更好的整改意见,来提高学生对即兴伴奏的兴趣,使学生能从听觉上直观地感受到音乐的情绪,从而更好地学习钢琴即兴伴奏。 钢琴即兴伴奏课说到底是一门实践性技术课程,因此,教师与学生的沟通与配合、教学过程中的互动、合作、讨论愈多将会有助于更好地提高教学的质量和学生对知识的吸收。 3.实验教学的方法与改进 教师应该注重培养学生实验的积极性,以在实践中检验自己的钢琴伴奏水平和操作与应变能力。鼓励学生多参可以用到钢琴即兴伴奏的加社会活动,将所学知识应用于实践,将会进一步提高学生的伴奏水平。笔者建议,把每月一次考查班组内部的“伴唱展示”(即一人弹伴奏,一人或几人唱歌曲)作为该课程考试评分的一部分,使每一个学生都有机会在课上展示自己的伴奏水平。在考查的过程中任课教师也可以邀请其他教师或其他班的学生作为观众,以增加整个过程的现场感和严肃性,锻炼学生的心理素质。有条件的高师院校也可以要求预演教育重要学生在教育实习备课的过程中必须要为所教的歌曲设计好歌钢琴即兴伴奏,并在说课过程中预演。 另外一些比较有针对性的方法例如:为内校外的歌咏比赛、合唱演出等配弹伴奏;声乐考试中同学之间也可以互相为对方弹伴奏;钢琴基础不太好的同学可以接一些低年级的简单的声乐伴奏来作为实践锻炼。但是,这些活动需要的学生少,有一定的竞争,并不是每一个同学都有机会参加。因此可将其规定为学生社会实践课的内容。参加本课程的学生通过考核可得相应的学分。这样学生既有压力又有动力。更为重要的是,在学生的实践活动中,教师应当积极地引导及跟踪,使学生能及时反馈信息。通过双方的配合,教师能更快地发现教学中的问题,便于在今后工作中探索和改进,学生也能更快地提高自己的钢琴伴奏能力。 三、结语 总的来说钢琴即兴伴奏是一门理论性较强的技术性课程,只有融会贯通了音乐学的综合理论知识,尤其是作曲理论知识,才能够顺利的进行高质量的“二度创作”。然而它又是一门实践性很强的课程,虽然即兴伴奏者不是台前受人瞩目的演唱者,却也是幕后的第一前台。如果伴奏者一旦出错,轻则影响演唱的艺术效果,重则“带跑了”演唱者,使演唱一塌糊涂。所以在教学过程中任课教师要多创造给学生实践的机会,学生也要以饱满的热情,积极主动的参与以加强心理素质的锻炼。从而稳步的提高自己的即兴伴奏和现场应变能力,成为一名有较强钢琴教学伴奏能力的中小学音乐教师。
音乐教育毕业论文:对高师音乐教育毕业论文(设计)教学环节的分析与思考 【摘 要】本文通过对高师音乐教育毕业论文(设计)教学环节存在的问题进行分析、思考,指出目前这一教学环节与高师音乐教育人才培养及教学目标之间存在较大的差距,从实质上已起不到应有的作用了。针对这一问题,笔者提出了自己的改革思路与设想,期望能使高师音乐教育的自身发展更完善、更快捷、更符合实际。 【关键词】高师音乐教育 毕业论文(设计) 现状分析 改革设想 毕业论文(设计)是高师音乐教育的一个重要实践性教学环节,其教学与培养目标是对学生大学四年在专业、文化、技能、理论等学习方面的综合评价、检验与考核,也是对学校教育教学效果与人才培养质量进行检测与评估的重要依据。这一教学环节本应是一种非常合理、有效的形式与手段,但根据笔者多年来的教学经验与指导学生毕业论文的亲身感受,结合国家对高等师范教育“培养合格的基础教育师资”的教学目标,从现状出发,对高师毕业论文(设计)这一教学环节提出质疑:目前的高师音乐教育毕业论文(设计)教学环节是否科学、合理、有效?作为一种教学形式与手段,是否有继续存在的必要?笔者对这一问题的现状分析、思考及建设性意见浅谈如下,以求和各位同仁商榷: 一、对毕业论文(设计)现状的分析 1.学生方面存在的问题 由于高师音乐教育在招生方面对专业的特殊要求以及文化录取分数线的低“门槛”,相当一部分学生或艺术天赋不足、或专业素质低下、或文化基础不实、或学习能力欠缺。这部分学生在毕业论文(设计)教学环节中表现出来的问题主要体现在以下几个方面: (1)文化水平低。由于学生入学时的文化录取分数较低,在大学四年中又不太注重在文化素养方面的全面提高,在论文写作中,文不对题、中心思想不明确、框架结构混乱、语法逻辑、遣词造句、标点符号等文理性错误肆处可见,论文质量无从谈起,给指导老师从精神、时间、精力等方面带来沉重的负担。 (2)专业基础差。由于入学时的基础问题,在四年的学习中专业理论和技能都很一般。论文选题很茫然,不知自己该写什么,能写什么,在选题上让指导老师也很为难。 (3)创新意识薄弱。科研论文本身最能体现一个人的创造性思维,对事、对人、对物必须要具有自己的观点和认识,然而我们的学生恰巧在这一点上是最薄弱的。一篇文章中大多是采用别人的东西,很少有自己的真知灼见。 (4)缺乏写作常识。学生平时除练琴、上课、完成老师布置的作业外,很少有意识锻炼自己的写作能力。对论文写作常识既不了解,又不学习,更不实践,“平时不磨刀,战时刀不快”。 (5)学习态度不端正。学生能力有限,加之惰性思想,不想独立完成写作,只好走捷径,采取写一点,抄一点,拼拼凑凑,粘粘贴贴的办法,完成任务,蒙混过关。 (6)学术思想有偏差。更有甚者,索性采用“拿来主义”,抄袭、下载、剽窃,把别人已发表过的文章原封不动的照搬过来,换成自己的名字,无论是主题、观点、结构,还是文字都无可挑剔,非常成熟,一看就不是学生自己写的东西。虽然校方三令五申,论文指导老师一再提醒,严禁学生在毕业论文(设计)中的抄袭、剽窃、下载、粘贴等行为,但学生在写不出、“造”不出、“憋”不出一篇论文时,非常规行为还是屡禁不止。 2.指导老师方面存在的问题 (1)由于主观方面的原因,相当一部分学生在毕业论文(设计)中态度不端正,工作不积极、不主动,能力低下等。指导老师虽然很尽心、很负责,但总不能由老师代替学生写作。只能督促其完成任务即可,哪里还有质量可言。 (2)从客观方面看,院系师资力量不够,指导学生过多,指导老师时间、精力有限,心有余而力不足。对学生论文写作中的抄抄写写、拼拼凑凑、粘粘贴贴也只能采取“睁一只眼,闭一只眼”,马马虎虎,得过且过。 (3)个别指导老师职业道德不够规范,对工作不认真,对学生不负责,不愿在该项工作上花费自己过多的时间和精力。以学生水平能力为由,为学生毕业论文(设计)中的抄袭、剽窃、下载等学术不端行为开绿灯,放任自流。 3.教学管理方面存在的问题 (1)在学生本科四年的学习过程中,教学管理部门与教学院系对毕业论文(设计)教学环节重视不够,不开有关方面的课程,平时也不对学生进行论文写作方面的计划培训与有效指导。由于从宏观方面忽视了学生专业技能、理论、文化等人文素养的平衡发展与全面要求,导致了学生重专业、重技能、轻理论、轻文化的片面思想与行为。因此,学生在毕业论文(设计)中的不良现象与非常规行为也就不足为怪了。 (2)教学院系在组织毕业论文(设计)工作过程中,由于整个流程不够规范,各项制度尚未健全,特别是在制度的监督、监控等管理方面要求不够严格,造成了个别论文指导老师对教学的不认真,对学生的不负责;学生对论文写作态度的不端正、不严肃。因此低水平、低质量的毕业论文,抄袭、剽窃、下载、粘贴、拼凑的毕业论文也就应运而生了。 二、对毕业论文(设计)现状的思考 从上述对学生、指导教师、教学管理三个方面在毕业论文(设计)教学环节的现状分析中我们可以得出这样的结论:目前高师音乐教育毕业论文(设计)这一教学环节从实质上并没有达到预期的教学效果与目标。由于上述三个方面的原因,毕业论文(设计)的整个过程与最后的答辩,并没有对学生文化基础、专业能力、教育技术等方面有多少帮助和提高,至少对绝大部分学生是这样的。从种种现状和迹象中我们已经感受到,这一实践性教学环节长期以来已经被我们很习惯的流于形式了。在这种形式下,学生年复一年、届复一届地重复着过去的行为――抄袭、剽窃、下载、粘贴、拼凑。到底有几篇论文是通过学生自己的刻苦钻研和辛勤劳动撰写出来的?又有几篇文章是高水平、高质量,具有社会和经济效益,具有理论与现实意义的呢?大部分学生在这一教学环节中学术造假,大部分指导老师在这一教学环节中昧着良心“秉公办事”,大部分教学管理部门和教学院系在这一教学环节中只管形式,不顾实质。在这种情况下,我们要进一步深思:目前高师音乐教育毕业论文(设计)这一实践性教学环节对学生专业、文化、教育及艺术实践能力的提高到底有多少好处?学生所“撰写”的论文到底有多少实际意义和用处?这一教学环节的现状与我们的人才培养与教学目标是否相符?这一教学环节在社会和地方区域经济的快速发展中,对高师音乐教育的新标准、新要求是否适用? 笔者对上述这一系列质疑是持否定态度的。笔者认为:作为一个教学环节,一种教学方法和手段,其实效应该最大限度的为实现人才培养与教学目标发挥作用。假如这一环节、方法和手段是在务虚,已经没有什么实际意义,早已流于形式,从实质上已不能为实现人才培养与教学目标发挥作用,或不能完全发挥作用,那我们就应该对其环节、方法和手段进行改革,或完全取缔,用更为科学、合理、有效的环节、方法和手段取而代之。 笔者认为,目前高师音乐教育毕业论文(设计)这一教学环节从对学生的考核、检测、评价以及对教育主管部门的验收、评估等各方面都已经没有什么实际意义了。试想,这样务虚的东西、流于形式的东西、学术造假的东西,既耽误了学生的学业;花费了学校的时间、精力、人力、物力,又欺骗了上级教育主管部门,还有继续存在下去的必要吗?因此,对高师音乐教育毕业论文(设计)这一实践性教学环节的改革势在必行。 三、改革思路与设想 目前中小学基础音乐教育和社会对高师音乐教育所培养的人才最起码具有五个方面的要求,即:①专业技能强(包括唱歌、跳舞、弹琴或其他乐器的熟练演奏等);②专业理论好(应具备一定的作曲、编配、电脑音乐制作、键盘即兴伴奏能力以及对古今中外音乐史的深入了解和较高的音乐鉴赏能力);③文化素养高(应具备较好地朗读、写作、书法、口才等文学功力及一定的文化修养);④教育技术精湛(应具备教育理论扎实、教学方法新颖、教学手段先进,特别是计算机、多媒体等高科技手段在教学中的合理应用能力等);⑤实践能力全面(应具备组织策划文艺演出、排练指挥合唱及小型乐队、创编节目和舞蹈的能力等)。 要想使我们培养的学生能够全面的达到上述五项要求和目标,绝非易事。这就要求我们必须从人才培养方案、教学计划、课程设置,特别是对学生的毕业考核与评价机制等方面紧密结合教学与培养目标来进行。 笔者设想:根据上述中小学基础音乐教育和社会对高师音乐教育人才培养的要求、目标,是否可以采用对学生专业技能、专业理论、文化素养、教育技术、艺术实践能力等进行最终毕业考核与评价的机制替代现有的毕业论文(设计)教学环节。如: (1)对学生专业技能的毕业考核与测评,可以放在第七学期期末进行。为节约人力、物力和财力,提高工作效率,可用毕业考试替代期末考试。届时院系可组织相关专业的老师与专家对学生唱歌、跳舞、弹琴或器乐演奏等进行全面的综合评价。 (2)对学生专业理论的毕业考核与测评,也可在第七学期期末进行。可采用笔试方式,从歌曲写作、小乐队及鼓号队编配、曲式与作品分析等内容进行,届时可组织相关专业的老师与专家对其进行全面的综合评价。 (3)对学生文化素养的毕业考核与测评,可放在第八学期期中进行。除采用原毕业论文(设计)教学环节中合理的部分,让学生用小论文的形式写出对中外古今音乐史及对音乐鉴赏、音乐美学方面的感想、体会外,还要对学生朗读、书法、口头表达能力等进行全面的综合评价。 (4)对学生教育技术的毕业考核与测评,可放在第七学期期末,结合教育实习,让学生采用讲课的方式进行。届时院系可组织相关教师,特别是来自一线的中小学老师听课,对学生教育理论、教学方法、教学手段,特别是计算机、多媒体在音乐教学中的合理应用能力等进行全面的综合评价。 (5)对学生艺术实践能力的毕业考核与测评,可放在第八学期期中进行。可采用毕业文艺晚会形式,组织相关专业的老师与专家,对其参与态度、组织策划能力、排练指挥合唱及小型乐队、创编节目和舞蹈的能力等进行全面的综合评价。 笔者认为,通过上述对学生专业技能、专业理论、文化素养、教育技术以及艺术实践能力方面的毕业考核与评价,可以最大限度的让教育者和被教育者都十分明确我们的“主攻”方向是什么,在教学中可围绕人才培养与教学目标从各方面做出不懈地努力和奋斗。而最大的好处是避免了目前在毕业论文(设计)这一教学环节中的弄虚作假和形式主义,避免了人力、物力、财力、时间等方面的资源性浪费,提高了教学效率,提高了教学质量,对学生实用、对中小学基础音乐教育实用、对社会实用。 四、结束语 以上是本人对高师音乐教育毕业论文(设计)教学环节现状进行分析、思考及改革的思路与设想。由于本人水平有限,提出的观点、思路与设想唯恐不妥,望各位同仁展开讨论,仁者见仁,智者见智。如果本人提出的观点和改革设想不能成立,目前的高师音乐教育毕业论文(设计)实践性教学环节还不能完全取缔,那也希望教育主管部门和各高校对其高度重视,采取更为合理、有效的措施与方法进行完善,使之能够真正为实现高师音乐教育人才培养与教学目标产生实质性的巨大作用。 总之,高师音乐教育毕业论文(设计)实践性教学环节中存在的造假、务虚、欺骗、形式主义等现象再也不能这样继续下去了! 音乐教育毕业论文:高师音乐教育专业毕业生的实习与就业 摘 要:针对音乐毕业生就业难的问题,普通高师音乐教育专业毕业生要以社会需要为根本,把提高教学质量和教学效率放在首位,并通过自身的努力来促进就业。 关键词:高师音乐教育专业;毕业生;就业;对策 由于毕业生实习是就业工作的前奏,是检验音乐理论与技能以及个人综合教学能力的试金石,所以,指导好实习教学,是学校把毕业生推向市场、提高就业率工作的重中之重。 一、高师音乐教育专业毕业生的实习情况 1.高师音乐教育专业毕业生的实习现状 (1)实习缺乏足够的时间;(2)实习缺乏全局性、系统性安排;(3)实习缺乏实质性的管理与指导。 2.高师音乐教育专业毕业生在实习中存在的突出问题 (1)部分毕业生文化素质较低,艺术素养不高;(2)部分毕业生教学观念落后,方法陈旧、呆板,模式单一;(3)部分毕业生教学视角狭窄,缺乏音乐基础教育的观念;(4)部分毕业生的心理状态没有及时调整到位;(5)部分毕业生容易忽略与学生之间的相互评价。 二、高师音乐教育专业毕业生的就业现状 目前,艺术课程改革使高师毕业生面临就业问题:一方面遭遇中小学师资紧缺的困境,另一方面却是高师培养出来的毕业生无法顺利就业。这一矛盾主要表现在以下几个方面:(1)高校扩招对就业形势影响较大;(2)就业率较高,但专业对口的较少;(3)择业观所造成不平衡性对就业造成较大影响。 三、高师音乐教育专业毕业生的就业对策 1.树立正确的择业观,客观评价自我 (1)坚持开展理想信念教育,树立正确的成才观和就业观 首先,高师毕业生应树立“有奋斗,有贡献,才有发展”的观念。其次,学校应坚持开展主题教育活动,把理想信念教育贯穿于毕业培养全过程,引导他们树立正确的成才观和就业观,是实施就业引导工作的灵魂工程。 (2)珍惜眼前的就业机会,才能找到“适合”的工作 首先,毕业生要认清严峻的就业形势,珍惜每个来之不易的就业机会。其次,毕业生要在普通的工作中寻找“适合”自己的岗位。 2.加强音乐基础知识与艺术素养的学习和培养,提高自身综合的素质,成为一专多能的“多面手” 3.增强职业责任感与角色认同感 综上所述,高师音乐教育应进一步明确自身所担当的社会任务,以社会对中小学音乐教师的职业需求为杠杆,在不断发展的社会需求面前及时调整自己,这样才能使高师音乐教育专业的毕业生明确自身定位,注重知识的全面性、实用性,有效缩短师范生与中小学音乐教师两种角色之间的距离,更好地为社会服务。 音乐教育毕业论文:西藏大学音乐教育专业历届毕业生的现状分析与对策思考 摘要:为进一步提高本院音乐教育专业的教学质量,满足社会需求以及适应时展人才,以便学生利用并学到全面、扎实、实用的专业基础知识。我院通过本项目的实施(毕业生的跟踪调查),获得很多重要的信息,了解和掌握毕业生的就业情况、工作情况以及专业知识的掌握和运用情况。将其调查结果进行编辑、整理、汇总后上报学校和学院,供学校和学院的决策参考,也为音乐教育专业的培养方案、教学计划、教学大纲的修订提供参考依据,进而可以及时调整教学内容、改变教学方法及手段。 关键词:音乐教育;调查;分析;对策 现代教育事业是国家发展的根本,教师则是教育事业发展的根本。高等院校的师范专业是优秀教师诞生的摇篮,而其中教育的发展,也相对的决定着教育事业发展的趋势。如何更好地教学、更好地培养出适应当地需求的优秀人才?除了要不断学习先进的教学内容和教学方法之外,还需要不断地深入调查、收集反馈信息,并将其内容不断地进行充实和修订,使其培养方案、教学计划、教学大纲的内容与中小学的实际教学不脱节。 西藏大学艺术学院是西藏唯一一所培养音乐专业本科生的专业院校。而音乐学(音乐教育)专业自1975年建立以来,已经为社会培养和输送了几百名学生,毕业生遍布在西藏的各个地区、各个岗位。包括西藏的各大专院校、高中、初中、小学、幼儿园;已经全区各大艺术团体、各级宣传部门等等。并成为西藏艺术战线上的骨干力量,为西藏的艺术教育事业和文艺宣传发挥了重要的作用,也为西藏社会的稳定和精神文明建设做出了突出贡献。 通过本项目的实施,有机会对本院校音乐专业的毕业生做一个全面的调研,通过此次的调研从中发现问题,并提出一些可行性的对策,以便今后的毕业生能够更好地胜任自身的本职工作,适应时代的发展和社会需求。 一、历届音乐教育专业毕业生的调查 本次调查我们分别以地区、毕业届等方式进行排查。通过个人访谈、发放调查表、电话咨询等手段,收集调查结果,将其调查结果进行汇总、分析并提出对策、建议供学校、学院的决策服务。 (一)调查对象(问卷调查和访谈调查对象) 首先,西藏大学自1975年建校以来共毕业21个音乐教育专业班级,人数达300人左右。但由于建校时间长,之前又一直没有建立毕业生档案,一些过世人士、工作偏远的资料我们无从得知,这样以来无形中加大了调查难度。其次,由于此项目时间在大二至大三之间申报并需完成,而这一期间对于大学生来说也是课业最多的时间,很多调查都只能在寒暑假和节假日时间完成。因此,问卷调查、访谈调查、电话咨询等调查资料我们一共调查到16届267人次,通过排查、整理,其有效资料199人。 (二)毕业生目前分布的情况 根据有效资料的调查、分析、整理得出毕业生就业情况:自建校以来就业率为100%。毕业生遍布在西藏的各地区、各县。毕业后仍在学校从事教学工总的占调查人数的81.4%、在文艺团体从事表演专业的占0.4%、在各地宣传岗位的占3.7%、改行到其他部门占14.5%。 毕业生在西藏各地区比例分别为:拉萨32%;日喀则15%;山南13%;林芝13%;那曲12%;昌都9%;阿里6% (三)改行原因主要有以下几点: 现在各中小学都面临着升学的压力,音乐课变得可有可无,即使学校有安排音乐课,音乐课时间也时常会被其他课程所占用。国家虽然三令五申强调素质教育的重要性,学校的课程表上也可以看到音乐、美术等课程的踪影。但凡到升学的时间,如六年级、初三、高三,学生基本上就没有音乐课了。因其不是被哪个主科老师占用,就是被班主任占用等等。长此以往,音乐课程不管是在学生的心目中还是在学校的安排里慢慢就变成了可有可无的一门课程。 2.任课教师缺乏 例如偏远的学校缺乏主科或副科老师,学校往往会根据情况,让音乐老师同时担任其他课程的老师。据了解,许多小学音乐老师除了带音乐课程之外,有时还会兼带语文、数学、体育、思想品德等课程。初中音乐老师除了带音乐课之外还有带政治、历史等课程的。久而久之,音乐专业毕业的学生,有的现已成为了专职的藏文老师、历史老师,而音乐课哪个老师有空随便带一带、唱唱歌就可以了。这样一来音乐课永远无法达到课程内容的要求。 3.专业知识不扎实 要组织艺术特长班、学校的校庆、艺术节等各种大型节目。从一台晚会到每个节目的编排,从演唱、演奏、舞蹈等节目的亲身参与到最后的决策,你必须有很强的实践能力,才能把这些活动举办的有声有色。有些学生由于在校学习时既没有打下良好的专业基础,又不具备很强的实践能力,导致到单位以后不能胜任这份工作从而改行。 4.有条件到更适合自己的单位或更好的单位 一些毕业生除了有教学能力之外,还有非常强的表演能力,通过长期的实践有机会调到文艺团体从事表演工作,因此,改行选择从事表演工作;一些同学由于个人关系能调到条件更好、待遇更好的单位,因此选择改行。 通过调查改行的原因无非以上几种,那么如何预防其出现上述问题,这还需要依靠学校、学生、单位和国家政策等方面的共同努力。 二、毕业生的反馈意见主要有以下几点: (一)学生方面: 1.打下良好的专业基础:除了努力学习音乐的基础知识乐理、视唱练耳外,还需加强钢琴和即兴伴奏课的力度,提高合唱排练、舞蹈编排的能力。 2.必须提高音乐教育专业学生的综合素质:音乐教育专业的学生不只要将自己的专业学好,还要有过硬的文化素养。 3.音乐教育专业的学生应加强声乐知识的内容:目前本院的教学大纲上虽然增设了合唱课,但由于声乐这一专业在毕业后的教学、比赛、艺术活动的比重很大,单靠合唱课还不能很好地解决声乐技法和歌曲处理的内容,因此,要求加强声乐课程的知识内容。 4.加大实践课的力度:(1)除了学校组织的学期实践课程、实践活动之外,学生们还应该积极参加各种社会活动,这样可以让学生更早地接触社会、参与社会以此来提高自身的实践能力。(2)适当地延长实习时间,本院的实习时间只有45天,这样导致学生听课(老教师讲课)花去一半时间,待实习结束了。经调查内地一些专业院校的实习时间安排为一个学期,这样以来可以充分运用实习机会,更早、更好地适应这一角色,以便今后更快更好地从事本职工作。 (二)教师方面: 1.应该聘请有新思想以及专业知识扎实的老师,充分利用好对口支援这一政策,也可选用“走出去、请进来”等各种方式多与内地专业院校交流,进而不断提高教师的专业知识。 2.通过各种形式来提高学生和老师的专业素养。可聘请区内外专家教授开展各种形式的音乐会、讲座。 (三)教学内容方面: 西藏大学院艺术学院音乐系自2010年开始在培养方案上进行了调整,以主修和必修的方式,让学生能学到更扎实的专业知识,同时又增加了扎年琴、即兴伴奏、合唱、舞蹈编导等课程让学生在校期间学到更多更实用的知识,以便在今后的工作岗位上不受制约。 (四)校生认知方面: 在校期间学生应该明确学习目的,提高学习积极性和主动性,培养提高课堂气氛的能力。此外,应根据地域特殊性积极了解并掌握适合藏族地区儿童的藏族音乐教育法。 三、 针对意见建议的对策与思考 (一)手风琴课程的取消 音乐教育专业的学生没有必要开设手风琴课。随着社会的进步,各学校的教学设备都有了很大的改观,购买了钢琴、电钢、电子琴等电声乐器。因此,手风琴这一乐器在很多学校几乎都看不见了,因此,我们认为可以利用这一时间去学习更多有用的东西。 (二)和声课程内容的缩减 音乐教育专业学生的和声内容不宜讲授的太深。由于我们毕业后所面对的是中小学的音乐教育,专业性并不强,和声在实际工作的应用不多,久而久之就忘掉了。如果能与钢琴伴奏相结合讲解键盘和声,这样可能用的更多。 (三)特色课程的增加 西藏是一个少数民族文化非常繁荣的地区,而藏大与内地高校相比更具有民族特色,因此,要凸显自己的优势就要增加民族特色课程。那么如何突出其特色性? 首先努力学先留下来的优秀文化知识,并将本民族的音乐、器乐、舞蹈等等优秀文化进行收集、整理,编辑成各种优秀的民族特色教材,如民族声乐教材、民族器乐教材、民族舞蹈教材等等。其次可将此类课程设置到本院的培养方案中,供学生们学习,这样才能突出我校音乐专业自身的特点,这些优秀的民族文化也可以得到进一步的传承和发展。 (四)提高综合素质 现代教育强调综合素质的培养, 作为素质教育重要组成部分,其文化素质教育日益受到重视。而文化素质又包括知识、能力与修养三个方面,所以应该注意加强舞蹈动作的实践、基础理论和合唱排练的学习,培养提高课堂气氛的能力,精炼上课的语言艺术、加强思想教育提高艺术修养。 四、结语 通过此次调研反映出的相关问题,我们进行了反思,经过探讨及时地调整了教学内容、改变教学方法及教学手段,从而不断顺应时代的要求,培养出适应时展和要求的人才,以便学生在短暂的大学四年期间学到扎实、全面、实用的专业知识是此次调查的优秀。 希望通过此次的调研及反馈能够起到抛砖引玉的作用,大家共同努力对现存的问题逐一解决并培养出更多适应社会需求的优秀教师。 音乐教育毕业论文:影响地方院校音乐教育专业毕业生就业因素及对策 我国高校大规模扩招以后,毕业生待就业人数每年都在增加。音乐教育专业作为高等教育中的艺术学科,就业形势更加严峻。我们只有深化高等教育改革,调整与就业市场不相适应的课程;培养“一专多能”的综合素质人才;转变就业观念,寻找新的就业领域;加强对大学生的就业与创业指导,构建完善的就业指导机构与就业信息网络才能拓宽普通高师音乐教育专业毕业生的就业渠道。 一、目前地方音乐教育专业毕业生就业现状 从1999年开始,全国各高校开始连年大规模扩招,使我国的高校教育方式从过去的精英教育逐渐向大众化教育转变。截止到2003年年底,中国普通高校本专科生在校人数超过1000万。音乐教育专业作为高等教育中的特殊专业,由于招生政策因素,报考人数、录取人数增加更是迅速。导致音乐教育专业学生在毕业时候面临着比其他专业更大的就业难度,就业渠道较其它专业更加狭窄,就业形势更加严峻。近年来,地方院校音乐教育专业毕业生的就业成功率很低,就业质量也不高。音乐教育专业毕业生中,除少数音乐学专业毕业生能够考取教师、研究生外,其余的毕业生就业都不稳定,甚至有一半的毕业生在干着与音乐毫无关系的其他工作。 二、影响地方院校音乐教育专业毕业生就业因素分析 (一)客观因素 1.地方音乐类毕业生人数急剧增加。从高校扩招后到现在,我国高等教育的蓬勃发展,普通高校开办音乐类专业如潮水般兴起。从1999年高等普通院校开始扩大招生后,我国高等教育事业的迅速发展,普通高校开办音乐类专业如潮水般兴起。2002年全国艺术类院校只有597所,2012年增至1679所。除传统的艺术类本科院校外,许多综合性大学也设立了艺术学院,民办高校设立艺术类高职专业则更多。 2.地方高校音乐教育专业师资力量不强地方高校在师资力量方面基础比较差、底子薄,特别是新成立的系院和新组建的音乐类专业。学生在学习的过程中,很难和这些教师在教学过程中进行深入的沟通以及专业上的探讨。另外地方高校在引进新的高水平人才时,和其他部署院校、省会城市的高校相比,自身的吸引力较低,也很难吸引特别优秀的人才。 3.学校专业结构不合理地方高校音乐教育专业在专业设置上观念落后,缺乏创新,通常这些院校在专业设置上延续的全国知名音乐院校在计划经济时代的专业结构模式。按照这种专业设置模式培养出来的全国知名音乐院校毕业生,由于专业突出,在找工作时具有一定的优势,但按照这种专业设置模式培养出来的地方高校音乐教育专业毕业生,由于专业优势不是很明显,导致往往培养出来的毕业生,不太适应人才市场和用人单位的专业需要,找工作的局限很大,就业质量不高。 (二)学生个人因素 1.学生进校前基础差、起点低。音乐教育专业强调考生专业技能、技巧,是一种特别要求考生的音乐素质的专业。 2.学生在校期间学习目标不明确,缺少大学学习规划。 进校后部分学生有的放松对自己的要求、有的因为专业基础差,导致在就业时竞争力低。 3.就业期望值过高。音乐教育专业毕业生中存在部分毕业生存在好高骛远、期望值过高、不切实际的就业心态。个人的愿望和社会需求之间往往存在一定的出入,导致人才分配不均就业难。 4.就业时注重专业对口。大部分毕业生在就业过程中,希望能够找到专业对口或与专业有关的工作。所以大多数毕业生宁可不就业也不选择转行。 三、提高就业对策 (一)加强师资队伍建设 教师是教学的具体组织者和实践者,是教育改革的关键。 (二)优化课程设置,提高学生综合能力 这样才能从根本上解决地方普通高校音乐教育专业毕业生就业难的问题。其次,学校应该在培养人才层次上有所区别。因为随着社会对音乐人才需求的标准不断提高,社会对音乐教学专业毕业生要求也不在是一个标准。最后,也鼓励学生在能够完成本专业血液基础上,积极修读第二学位。比如修读法律、文学、管理等等第二学位,为以后就业或者转化提前做好准备。所以,只要学校能够多元化培养学生,使学生多一些就业选择,才能提高学生就业成功率。 (三)加强学生就业前的培训指导工作 对于一名毕业生来说,积极了解就业政策,调整好择业心态,做好充分的心理准备,勇敢地迎接挑战,在择业过程中是非常重要的。针对这些现象,学校有关部门应以正确引导,拓展学生的思路。 (四)多方面拓宽就业渠道,加强就业信息的收集 目前毕业生获取就业信息可以通过以下途径: 1.学校毕业生就业工作部门;2.社会关系网;3.政府教育主管部门与毕业生就业指导部门;4.供需见面会及人才市场;5.互联网;6.报刊、电视、广播等新闻媒体;7.实习、社会实践、社交等活动;8.主动登门拜访等相关途径。 (五)毕业后创业 这是目前国家政策积极提倡的创业形式。它相当于一种特殊的就业方式,即自己创立企业为自己打工。由于现在我国高校招生规模扩大,社会所创造的就业岗位又相对减少,大学生就业困难已成为社会普遍关注的问题。因此,通过创业这种特殊的就业方式,不仅可以解决大学生就业难问题,而且对于优化我国经济结构,提高我国经济实力,加快我国技术创新和技术进步,为国家创造更多的国民财富等都有极大的推动作用。特别音乐类学生,随着国家经济发展,人民群众对音乐文化的需求越来越多,很多音乐培训机构如雨后春笋般成立,这些都为音乐类毕业生创业提供了很多的机会。而且,国家已经制定了许多优惠政策,以鼓励和支持大学生的创业活动。 音乐教育毕业论文:电脑音乐技术在音乐教育中的应用之我见 摘要:随着我国信息时代的发展,电脑技术得到了广泛的应用,尤其是在音乐教育领域。目前电脑音乐技术的发展已经取得了突破性的进展,并在音乐教育中得到了普及,有效的提高了课堂教学的效率和质量。本文从和声课、配器课、视唱练耳课、舞蹈音乐、复调课等几方面对电脑音乐技术的应用进行介绍,以更好的推动该技术在音乐教育中的发展。 关键词:音乐教育 电脑音乐技术 应用效果 如今的音乐教学,已经逐渐与新技术结合在一起,而电脑音乐技术正是其发展的产物,其主要以声音、图像、文字等方法将课堂音乐教学更好的呈现在学生面前,从而达到一个全新的艺术高度。通过电脑音乐技术不仅可以引导学生去掌握课堂知识,而且还能开拓学生的视野,使他们对音乐教学和未来的发展有个全新的认识,进而为以后的学习和工作奠定了良好的基础。 一、电脑音乐技术在和声课中的应用 音乐教学中,和声课具有极强的理论性,在对其进行课堂学习的同时需要通过不断的实践来对课堂知识有个全面的了解和掌握。将电脑音乐技术应用到和声课教学之中,可以使课堂教学更加的生动直观,有效的弥补了传统音乐教学的缺陷和不足。在传统音乐教学中,大部分教师可能会受到自身钢琴水平和和声四个声部音域的限制,从而无法将其真实的效果呈现给同学,导致学生对和声只能死记硬背,无法达到想要的课堂效果。而自从引入电脑音乐技术以来,可以将传统教学中的难点生动地呈现给同学,并且在课后可以对课堂教学内容进行复习和掌握。在进行音乐教学时,教师最好将谱例与电脑音乐结合在一起,这样不仅能够有效解决谱例的讲解难度,而且还能够更好的调动学生的积极性,达到更好的教学效果。 二、电脑音乐技术在配器课中的应用 在配器课上,经常会受到课程本身难点和教学设备缺乏的限制,导致大部分教学内容只能通过教师的讲解,来呈现在学生面前,同时在音乐老师的指引下,学生只能对音乐作品产生肤浅的了解和认识,却无法对音乐作品产生深度理解和引起共鸣。在音乐教学中,配器课具有较强的技术性,从而导致传统教学只是纸上谈兵,无法让学生对课堂知识有个透彻的了解。通过电脑音乐技术的运用,可以将较为复杂的音乐作品输入电脑,然后借助相关软件将其分解成想要的任何一种乐器或任何一个声部,可以让学生对作品的作曲手法和配器使用情况进行掌握。此外,学生还能够听到各种乐器配器后的实际效果,使课堂教学变得更加生动形象,有效的提高了课堂教学质量。 三、电脑音乐技术在视唱练耳课中的应用 在音乐教学中,视唱练耳训练主要是加强学生对音准和节奏等方面的综合训练。传统的视唱练耳教学,将和弦、旋律、音程、听写单音以及节奏的教学都是独立进行的,导致学生在学习过程中,会由于课程过于乏味枯燥而降低对音乐学习的兴趣。通过电脑音乐技术的运用,能够将单一音色的曲调借助不同的乐器演奏出不同的效果,这样不仅可以强化学生对曲调的印象,而且还能有效提升学生的听力水平。此外,在视唱练耳课中引入电脑音乐技术,借助软件演奏,可以将比较复杂的音乐,准确的呈现给同学,有效的避免了演奏中教师可能出现的错误,同时还提高了学生的自主学习能力。 四、电脑音乐技术在舞蹈音乐中的应用 在进行舞蹈训练时,通常需要音乐的陪伴,但是有些舞蹈教师对钢琴知识的掌握有限,平常也没有足够的时间去搜集与舞蹈训练相符的音乐,大多数舞蹈演出,都是使用别人选好的音乐。而电脑音乐技术发明以来,该问题得到了有效的解决,教师可以根据舞蹈需要而自己编写一些音乐片段,这样不仅可以节省时间,提高学生训练的效率,而且还能使音乐与舞蹈更好的结合在一起。 五、电脑音乐技术在复调课中的应用 在进行复调课教学时,教师为了能够让每一位学生掌握更多的手法、谱例,需要将大量的谱例抄写在黑板上,这样不仅会花费教师大量的课堂教学时间,而且还不能为学生提供真实音效的谱例,无法达到应有的教学效果。通过电脑音乐技术的使用,教师可以根据教学需求,提前制作好需要的谱例,然后在课堂教学过程中,合理控制播放速度和播放时间,这样可以有效激发学生的学习兴趣。此外,借助电脑音乐技术,教师还可以对音色进行有效的变换,即使是同一个谱例,可以将其转变成不同的复调音响效果。通过一系列多形式、多途径的课堂谱例讲解,可以让学生在一定的时间内,接触更多的谱例,而且还能对相关谱例有个全新的认识和掌握,从中体会到复调音乐的魅力。 六、在音乐专业教学时电脑音乐技术的重要性 随着教育体制的不断改革,我国的教学理念更好的注重“以学生为中心”,并体会到学生是学习主体的重要性。在现有的教学中,教师仅在学生知识构建过程中起到一定的引导和帮助作用。因为传统的音乐教学,强调教师的主体作用,其已经无法适应时展的需求。而将电脑音乐技术引入到音乐教学之中,不仅可以丰富课堂的教学内容,提高课堂教学效率,而且还能模拟乐曲的演奏,使学生对课堂教学知识有个全方位的了解和认识,以提高其学习的积极性。 七、结语 借助电脑音乐技术来进行音乐教学,可以更好的推动我国音乐事业的发展。同时,电脑音乐技术还可以更好的增强学生的音乐素质和对音乐的兴趣,使传统音乐教学得到质的飞跃。通过电脑音乐技术,可以更好的丰富课堂音乐教学的内容和相关技巧,使学生对音乐有个全新的认识,这对其以后的学习和工作尤为重要。 音乐教育毕业论文:音乐教育中沂蒙民歌教学的嵌入路径与对策 摘要:针对音乐教育中沂蒙民歌教学薄弱的现状,通过对音乐教育嵌入沂蒙民歌的理论研究和实践探索,探索通过嵌入沂蒙民歌提升学生综合音乐素养的路径和对策,为培养具有沂蒙精神特质和国际视野的、适应当前教育改革发展需要的高素质人才服务。 关键词:沂蒙民歌 教学 对策 路径 近几年学界越来越重视普通学校音乐教育中的本土化问题,已经有研究者开始对学校音乐教育中特定区域或民族的民歌教学现状进行调查研究。早在20世纪初,匈牙利作曲家、音乐教育家柯达伊就提出并建立了以本民族的本土音乐语言作为音乐教学内容的教育哲学和教学体系,而在我国本土音乐教学现今还处于倡导萌芽阶段。 沂蒙民歌作为山东省本土音乐的重要组成部分,相对于戏曲、说唱、歌舞、器乐等更适合于学校音乐教育。在国家倡导弘扬中华传统文化,保护非物质文化遗产的当下,地方政府和相关主管部门对本土音乐在保护与传承意识上已经得到重视,但是对本土民歌的传承意识却略显单薄,同时也缺乏相应的政策支持。在传统文化发方面临沂市的文化主管部门主要在文化资料的搜集和整理、民俗活动展演、宣传等方面做了大量的工作,学校这一最广泛、最直接的传承基地的重视程度不够。因此,如何在音乐教育中融入更多的民歌教学内容是摆在我们面前的一个重要课题。 一、沂蒙民歌的渊源及演变 沂蒙民歌是沂蒙人民在生活的各个时期生活的真实反映,体现了沂蒙人民淳朴、善良的优秀品质和高贵的沂蒙精神,体现了沂蒙人民的价值观念和崇高的思想境界,是凝聚和激励一代代沂蒙子女自强不息,顽强拼搏、昂扬奋进、不断克服各种艰难险阻,从胜利走向胜利的强大精神力量。沂蒙民歌是沂蒙优秀文化的凝聚,是中华民族优秀文化的重要组成部分,是沂蒙文化的重要载体,同时,沂蒙民歌也是沂蒙精神的重要表现形式,是沂蒙人民世代积累的宝贵财富。 沂蒙民歌,源远流长。沂蒙民歌的歌风刚健,风格纯朴、明快,表现出沂蒙劳动人民憨厚、朴实的性格,以小调最为突出。南宋时期的《琅琊王歌》就被认为是当时北方民歌的代表。明清以来,小调迅速发展,对沂蒙音乐艺术的整体发展、流变产生了深远的影响。特别是在抗日战争和解放战争的革命实践中,沂蒙人民创作了很多脍炙人口的革命歌曲。如《沂蒙山小调》《跟着共产党走》等影响着几代人,至今仍在全国传唱。新中国成立后,沂蒙民歌进入了一个崭新的历史发展阶段,沂蒙人民在继承传统文化,弘扬沂蒙精神的同时,深入生活,赋予沂蒙民歌新的内容和形式,创作了一大批反映新时期沂蒙人民的新思想、新风貌的优秀音乐作品,如《我的家乡沂蒙山》《谁不说俺家乡好》等名闻四海。此外,边歌边舞的秧歌,旋律起伏跌宕的花鼓调,内容丰富的“郯马五大调”等,都给沂蒙民歌发展注入了新的活力。 二、沂蒙民歌教学的意义 沂蒙山区有着悠久的古代文明,同时也孕育了丰富多彩的民歌。沂蒙人民性格率真、乐观,民歌中充溢着快乐、简练、纯朴、诙谐幽默的情趣,歌风刚健,风格纯朴、明快,呈现出一种粗放豪迈与细腻婉转兼并的特色。劳动号子、小调、大调套曲、花鼓儿歌等等体裁丰富的原生态民歌流传至今,其中小调歌曲是沂蒙山区流传最广、蕴藏量最大的一种民歌。如个性鲜明艺术感染力强烈的《沂蒙山小调》《谁不说俺家乡好》等。沂蒙民歌教学是临沂大学和临沂市各中小学,乃至临沂市高职院校音乐课堂教学的重要组成部分。沂蒙民歌教学对陶冶学生的艺术情操,培养学生的艺术审美情趣,促进学生身心的全面发展具有不可忽视的重要作用。在学校的音乐教育中开展沂蒙民歌教学,有力地促进了音乐课堂教学内容以及教学结构的改革,使课堂教学内容向“综合型”、“多样化”等方面发展,对提高音乐课的教学质量具有显著的作用。把沂蒙民歌教学同其它音乐教学内容相融合,使之相得益彰,成为学校音乐教育教学一个有机结合的整体,从而教学质量也会相应的得到提高。 三、沂蒙民歌教学的嵌入路径与对策 为使教师能更好地在音乐教育中进行沂蒙民歌教学,弘扬沂蒙精神,传播沂蒙文化,我们应提炼沂蒙民歌更深层次的文化内容,进一步研究沂蒙民歌在当今音乐教育教学中的教法以及对策。 (一)路径选择 当今流行音乐文化盛行,民歌距离学生的学习生活越来越远,沂蒙民歌也不例外,在音乐教育教学中使学生学习沂蒙民歌的首要任务就是要激发学生的学习民歌的兴趣。学生对沂蒙民歌有兴趣,就会持续地专心致志地钻研它,从而提高学习沂蒙民歌的效果。因此,在音乐教育教学中需要使用一定的方法和手段,通过激发,使学生产生学习兴趣。就沂蒙民歌学习而言,需要注意以下几点: 1.选择风格最为明显的民歌 临沂市民歌种类繁多,数量丰富,风格多样,浓郁的风格性特色浓厚。当今学生接触较多的是流行音乐文化,只有让他们感受民族意味强烈的沂蒙民歌,才能够集中学生的注意力,激发学生学习音乐文化的学习欲望。在音乐教育教学中歌曲的选择上,应选择地方风格性强且适宜学生学习及其演唱的沂蒙民歌。因此,建议教师在具体的音乐教育实践中选择能够代表沂蒙山区音乐风格,地域特色明显的民歌作为音乐教育教学的有益补充,而不选择根据沂蒙民歌改编的作品以及以沂蒙民歌风格为基础创作的原创作品。这样才能使学生深刻的体会民族文化的精髓,更好的体现出民歌所蕴含的一种不屈、乐观和奋发自信的民族精神,提高学生的文化素养,加强爱国主义教育。 2.选择趣味性较强的民歌 沂蒙民歌是沂蒙劳动人民在生产生活的过程中经过长期的锤炼而形成的,历史传统悠久深厚,文化背景博大精深,是沂蒙劳动人民生产生活的重要组成部分。在漫长的历史发展进程中,沂蒙精神、民风民俗、沂蒙文化的形成,以及沂蒙地区许多民俗内容、文化内容和历史内容的形成与发展都经历了长期的文化积淀,都充分展现了沂蒙文化的丰富多彩。因此,在选择适宜的沂蒙民歌进行教育教学的同时,势必要注重民歌内容的选择。使学生们在学习沂蒙民歌的同时,了解身边的人、事,了解多样文化、地理人情、风俗习惯,在具体的教育实践中老师加以介绍和引导,通过学习这些歌曲,让歌声和旋律激发学生热爱生活着的这片土地,热爱生活,热爱身边的劳动人民以及热爱劳动人民创造的古老而厚重灿烂的文化,增强学生对民俗文化的探寻和认识,体现沂蒙地区的文化风采,从感性的角度培养学生的爱国主义精神。 音乐教育毕业论文:谈高校音乐教育的重要性与改革 【摘要】目前我国正大力提升国家文化软实力,加强社会的精神文明建设。高职教育是培养全面人才的重要手段和途径。音乐教育以审美为优秀,以音乐为媒介,是培养学生全面健康发展的一种教育实践活动, 在高职教育中具有重要作用。目前高职教育存在一些忽视和轻视音乐教育的现象,严重阻碍了音乐教育性的实现。本文从多个方面, 对音乐教育在高职教育中的重要作用进行了论述,探讨了高职院校音乐教育改革的具体措施与途径。 【关键词】高职音乐教育 重要性 改革 音乐教育是实施素质教育的重要途径,对于培养学生的综合品质,提高全民族的素质和文化素质有着重要的作用。音乐教育以审美教育为优秀,培养学生健康的音乐知识和感受、分析 、鉴赏音乐美的能力,树立正确的音乐素质和观念。美国《国家艺术教育标准》一再重申,音乐素质是学生必备的全面素质之一,在发展直觉、听力、想象、推理、思维、技巧、表达和交流中,以独特的形式感染人心。因此,将音乐教育纳入职业教育,促进高职教育健康、和谐、快速发展是一项切实可行且应该倡导的举措。 1.音乐教育的内涵与功能 音乐教育是以审美为优秀,以音乐为媒介,通过积极有效的教育手段,培养学生全面健康发展的一种教育实践活动。作为人类文化的重要形态和载体,音乐蕴涵着丰富的文化和历史内涵,以其独特的艺术魅力伴随人类历史的发展,满足人们的精神文化需求。通过音乐的教育实践,揭示美的规律、探索美的本质,并以审美感受的特殊方式,实现人类的自身塑造,并最终推动着整个社会进入和谐的理想境界。 音乐教育以审美感受的特殊方式,实现人类的自身塑造,并最终推动着整个社会进入和谐的理想境界。马克思认为,人类最终追求的目标之一,就是要实现人的全面和自由的发展。实现人的现代化是真正实现人的全面和自由发展的必然阶段。现代化的人对于个体而言是指,有正确的世界观、人生观和价值观;有高尚的道德情操;有健康的体魄和心理素质;具有与社会发展相适应的科学文化知识修养;具有较完善的独立人格;有正确的思想方式和较强的能力等。高职教育中的音乐教育有助于培养这样现代化的人才。 2.音乐教育在高职教育中的重要性 音乐教育是高职学生心理、生理的一味“心灵鸡汤”,能够带给人抚慰、启迪和震撼作用,对于学生树立健全的人格和良好的道德节操具有不可替代的作用。音乐教育是一种情感教育,是德育的重要补充。音乐是人思想和情感的产物,因而音乐教育是一种潜移默化的情感教育。音乐教育可以培养学生健康的审美情趣,可以抵制腐朽文化,促进学生身心的和谐发展。除此之外,音乐教育还与专业技能教育相辅相成,有助于激发学生创新意识。 萧友梅先生曾经说:“音乐是用声音来描写人类的精神状态的一种美术。”因此,音乐教育可以使学生透过艺术的眼光表达情感,能够使学生在感受、鉴别、判断、创造、表现和享受音乐美的同时,感受到积极的情感和艺术的完美结合。音乐教育可以使学生用积极的态度体验人生,培养学生的兴趣,在兴趣的指引下,能够更好的学习科学文化知识,探索未知的领域。音乐具有交往的作用,在音乐教育的过程中,受教育者增强了团结合作和友谊交往能力,在与人交流之中促进了自身综合能力的提升。 3.音乐教育改革的探索 改革开放三十年来,中国的音乐教育在深刻的社会变革中,产生了新的转型,尤其是在与西方音乐文化的交流与碰撞中,形成了新型的音乐教育体系和方法。在高职教育的过程中,很多教育者认识到音乐基础课在高职共同课程体系中具有重要作用,但是高职教育中的音乐教育如今仍然存在很多问题,仍然会被轻视。因此在大力提倡“素质教育”的今天,我们要充分认识到音乐教育在高职教育中的重要性,共同探索音乐教育的改革与创新之路! 随着教学手段的不断拓展,数字化教学技术应大量引入教学之中。数字化教学可使教学过程直观化,并且可对学生进行多方面的训练,使课堂教学具有延续性,拓宽教学领域。音乐教育课程的设置应该具有鲜明的特色,探索适合音乐教育的课程体系是当前需要解决的一大问题,也是我国高职教育快速发展的需要。目前高职音乐教育课程的设置往往照搬音乐学院的专业课程设置模式,在人才培养定位等方面存在诸多不合理因素。高职院校中普遍存在音乐表演技能教学与实践教学脱节的现象,即教师只在演唱和演奏技能方面严格要求,而不能将实践能力贯穿于教学之中,致使学生只学到一般的演唱、演奏技能与技巧,但却不能真正应用到舞台实践之中。实践教学是高职教育的重要环节,构建以舞台为中心的实践教学体系,加强实用性和技能型教学建设,加快音乐教育课程的实践性与技能教学的改革,是高职音乐教育改革的重中之重。怎样把音乐表演专业技能教学与实践教学交融起来,是目前高职音乐教育必须思考的问题。 结语: 随着我国经济、文化的发展,社会精神文明建设的推进,专业技能好、综合素质高、组织能力强的复合型人才受到社会的青睐。高职教育所培养的人才,必须具有良好的综合素质,并且能够积极投身到为群众文化服务的大潮中去,找到广阔的市场和舞台来发挥自身的作用。因此,要实现高职教育的培养目标,就必须重视音乐教育在高职教育中的作用,努力探索音乐教育的发展与改革之路,谋求中国音乐教育在深刻的社会变革中的转型,以此适应目前市场对于人才更多元化和更具创新性的要求。 音乐教育毕业论文:批判性思维与音乐教育的平行性 【摘 要】在本研究中,对批判性思维与音乐教育的关系进行了探讨,以调查音乐教育对学生批判性思维能力的影响。此外,文中还讨论了教师如何引导学生实现批判性思维以及对如何培养学生对音乐教育中的批判性思维能力进行关注。 【关键词】音乐教育 批判性思维 音乐课程 Erdo du认为,在新形势下,需要受过教育的个人可以自我延续并且创造性地工作。教师的责任是建立创新的环境,以及发现自我。Halpern指出,当前科技和工作环境的改进对批判性思考能力的形成比以往更重要,课程的设计是为了帮助大学生将批判性思维的重点放在能力上,这种能力广泛应用于跨领域学科之间。在教育、商业和日常生活中,人们应该具备一些素质、知识和技能。素质和能力是思考的关键。批判性思维这个概念来自大量的教育研究文献中,定义批判性思维的过程是具有挑战性的。 批判性思维定义 批判性思维,通常用于解决问题,高阶的思维能力,推理,是指一定的方法技巧。然而,有些人认为个人必须要有批判性的思考能力。而另一些人认为它是一个心理过程,人们具有批判性思维的能力必须将批判性的意向放在首位。根据Y?Dld?Dr?Dm和Sensoy的研究,能在生活中批判性思考的人,拥有批判性思维的能力和倾向。然而,要先了解什么是批判性思维,必须有一个简短的定义。有许多关于批判性思维的文献中,都有类似的定义,但是彼此之间存在细微差异,这是因为不同的批判性思维定义有广义或狭义的区别,一些文献中对批判性思维的定义如下。 在默特斯的研究中指出,批判性思维是一种有意识的思维过程,用于解释或评价信息和经验的一组反射的态度和能力,指导思想信念和行动。批判性思维是有目的的、理性的和目标导向的。这种思维过程包括解决问题、制定推论、计算可能性、决策。在麦克派克的研究中,他将批判性的思维定义为从事怀疑论工作的倾向和能力。Chance认为批判性思维是分析事实,生成和组织观念,辩护意见,作出比较,举一反三,评估参数和解决问题的能力。 在批判性思维的传统工作中,几乎每个人产生了一系列的思维能力,他们看到了批判性思维的基础。例如,格拉泽罗列出的能力:⑴识别问题的能力,⑵解决办法的能力,⑶收集和整理相关的信息,⑷承认未阐明的假设和价值观,⑸理解和使用语言的准确性,清晰度和区别,⑹解释数据,⑺评估报告,⑻承认命题之间存在的逻辑关系,⑼得出必要的结论和概括,⑽把测试的预期值和结论进行对比,⑾将个人的信仰重新建立在更广泛的基础上,⑿提供有关日常生活中的具体事物和质量准确的判断。 Halpern指出,当我们批判性思考,同时我们也在评估我们的思维结果。一个人的思维过程的进化已经被看作是认知过程的指导,目的是要研究知识,认知过程与机制等一些因素如何可以提高人们的思考方法。对教师和研究人员来说,如何提高批判性思维和如何发展这个能力,是最重要的问题。 批判性思维与音乐教育 批判性思维有两个方面,即广义和狭义的。例如,杜威提出了一种新型的反思,是在广义基础上的思维能力。相反,杜威用反思的术语和描述批判性思维,是积极和仔细的思考。他认为,人在不成熟状态中的好奇心和对世界秩序的内在感觉会有不自然的倾向。从这一点看,批判性思维使他/她所有问题的方法可以看作是个人的思维特征。 音乐教育有广义与狭义之别。广义的音乐教育指凡是通过音乐影响人的思想情感、思维品质、增进知识技能的一切教育主要指按照一定的社会要求,有组织、有计划、有目的进行的学校音乐教育。音乐教育包括视听,音乐制作和认知音乐。一些教育家认为,音乐教育不仅可以提高音乐技能和个人的社交技巧,也可以提高解决问题的能力,认知能力。Serafine认为,音乐的理解和学习音乐都是通过听辨解决行为问题的。 费斯克认为,音乐教育是一种自我表达,促进学生和他人的更有效的沟通,通过艺术融合变换学习的环境,结合学习经验,在学生的生活中提供学习的机会,在实际工作的环境中为学生提供新挑战。在Priest的研究中,一个人的思维过程受到社会和环境因素的影响。由于学生的社会交往的音乐教育,将培养学生的批判性思维倾向一个合适的环境。 音乐课程需要学生长时间集中注意力,阅读和记忆乐谱。学习音乐,包括节奏、音阶、和弦、和声等,以及在表演中培养娴熟的演奏技能和表现情感。此外,听音乐可以帮助学生理解音乐风格的思想,模式和意义。听力是主动的,是听者对音乐对音乐的认知和理解的过程。根据Zellner 艺术的整体性质允许演奏者成为一个积极的问题解决者,因此,提供了对整体结果的直接影响。在这一过程中,音乐教育成为教学的一个方面,由于课程的说教性质,包括多感官体验的认知反应,唤起教育和审美经验。Pogonowski建议在音乐背景下,运用批判性思维的认知以及情感思维过程。她的观点是,“批判性思维是体验式学习的结果包含了学习者的情感和认知域”。而音乐教学包括执行和阅读技巧,Pogonowski提倡将音乐表达的经验纳入音乐制作的过程中。 教师引导学生实现批判性思维 受传统教育的学生,纯粹的通过理论方法解决音乐的问题,错过了培养批判性思维能力的机会。因此,不是所有的音乐课都能发展学生的批判性思维能力。基于这个原因,制定一些合理的方案才能为学习创造适宜的环境。音乐教师可以使用以下几个技巧,帮助提高学生的思维能力。Small已经提出几个关于培养批判性思维能力的方案,可以应用于课堂。这些方案包括:⑴确定音乐的问题,是我们需要知道什么?⑵确定的“点”,指的是必要的决策知识的收集。⑶识别,是指识别的基本假设。⑷检测不一致,指的是认识不一致的假设。 教师在音乐课堂里扮演一个重要的角色,创造合适的气氛便于学生批判性的思考。Pogonowski强调教师的角色应该作为催化剂,提供了学习的动机。在课堂环境中设置认知的挑战阶段,构造事件引起学生对知识的激发和高层次的思维过程是极其重要的。一首优秀的曲目引发的思考可以激活学生的推理过程,可以帮助学生达到令人满意的结果,借助他们的思考更好的参与音乐,这是教师的责任。计划一节音乐课,让学生利用他们在不同学科的知识创造性的设计问题,帮助学生提高批判性思维能力。根据Pogonowski,帮助学生培养批判性思维能力,就能帮助他们在听音乐,研习音乐,以及发现来自音乐背后的意义。这些能力将帮助学生整合音乐的理解,将会为他们提供全面的音乐家和思想家的批判成为可能。 结论 在音乐课中,发展个人的批判性思维能力,课程本身必须计划教师的引导和个人思考,让学生从不同的音乐环境中理解其中的意义和思想。教师必须围绕这个目的设计音乐课程,音乐课程这一教育方式有助于提高个人的批判性思维能力,并且可以表现得更好。 作者单位:咸阳师范学院音乐学院 陕西咸阳 音乐教育毕业论文:中学音乐教育对音乐教师的素质要求探讨 摘 要:中学音乐教育是素质教育的要求,同时也是学生全面发展的主要途径之一。本文主要通过对当前我国中学音乐教育现状的分析,详细探讨了中学音乐教育中存在的问题,并从对教师素质要求的角度出发,提出了中学音乐教师应该具备专业的音乐综合知识与音乐技能、进行交叉教学、善于运用多种教学工具以及较强组织能力几种技能。 关键词:中学音乐教师;素质;音乐教育 一、中学音乐教育对音乐教师素质要求概述 根据素质教育的要求,中学开设音乐课的主要目的是为了促进学生的全面发展,并且鼓励学能够在欣赏音乐的过程中发挥创造才能。中学音乐教育是面向全体中学生的,是为了使得每一位学生的音乐天赋能够得到开发,能够激发学生对艺术的热爱,并通过欣赏艺术而有所收获。中学音乐教育对学生的要求就是无论学生是否具备了一定的音乐才能或者音乐天赋,只要学生能够参加音乐实践活动,就可以从中受益。所以,中学音乐教育的主要目的是面向全体学生,根据素质教育的要求,培养全面发展的人才,而不是培养音乐家和少数的艺术特长生,它主要是以审美和兴趣的培养为主的。 对于中学生来说,上音乐课不仅仅是要学会演唱一首歌曲,学会相关的音乐方面的理论知识和技能,这也不全是音乐的魅力和特点,更重要的是,学生可以在听赏音乐的过程中发现美,感受美,并且使得自己的心灵与情感受到陶冶与启迪,使得自己对音乐产生新的看法。因此,在中学音乐教育过程中,教师应该通过引导学生听赏音乐的方式来激发学生对音乐的兴趣,让学生积极主动地在音乐教育中展现自己的才能,鼓励学生大胆表现自己的表演才能与创造才能,不仅让学生的情商得到提高,而且锻炼了学生的想象力与创造力。 二、当前中学音乐教育的现状 在我国古代,六艺之中就包括了对音乐的学习,可以说在古代文人所要掌握的技能之中就包括了对音乐演奏与演唱技能的掌握。而时至今日,虽然我国的音乐教育事业是不断向前发展的,尤其在国家制定的“德智体美劳”全面发展的方针政策之后,更是取得了可喜的成绩。在清末民初时期,只要开办学堂就会有学堂乐歌,可以说当时国家对音乐教育非常的重视。目前我国已经将音乐教育纳入了基础教育体系之中,其中初中一二三年级都有音乐课,每周为一个课时,高中一二年级也开设了每周一课时的音乐课,并且已经被写入国家的正式文件中,这说明音乐课在中学教育中有了一席之地。随着音乐教育地位的确立,中学音乐教育的内容也在不断地完善和扩展延伸,尤其是当前采取的演唱、欣赏、演奏、理论学习为一体的单元教学模式,可以提高学生对音乐综合知识的掌握。同时,在不断吸收和借鉴国外音乐教学经验的情况下,我国中学音乐教育采取多媒体和音乐教室结合的方法,将音乐知识分解成细小的音乐内容,以便学生掌握。 面对科学技术的快速发展,音乐教育也在受到新的考验,有很多不足和需要改进的地方,总而言之,当前中学音乐教育的现状主要有以下几点:首先,当前的中学音乐课程仍然将传授音乐技能与音乐理论知识放在首要的位置,而忽视了音乐审美教育的重要性。音乐审美教育是中学音乐教育的优秀,教师应该从激发学生对音乐的热爱角度出发设计教学,而不应该是对音乐知识与技能的传授,只讲究学会唱歌,而忽视了学生的内心感受。这也是中学音乐教师对中学音乐教育目标认识不全面的表现,误将学会音乐作为音乐教育的目的,而是要将培养学生会学音乐和要学音乐作为音乐教学的目标。 其次,对基础音乐教育的重视程度不够。基础音乐教育是基础教育中重要的组成部分,由于当前中学教育的教学现状,迫于升学的压力,使得音乐教育的普及没有得到真正的实施,也没有落实在实际的教学环节之中,升学率和成绩是中学教育的重中之重。因此,当前一些中学的所谓“主课教师”经常占用音乐课的时间,甚至学生也认为上音乐课就是浪费时间,还不如备战考试。这种现状到目前也没有得到完全改善,致使我国基础教育中学生对音乐知识的掌握和运用能力非常差。 最后,我国中学音乐教育的地区发展不协调。在一些大中型的城市对音乐教育的重视程度比较高,无论是硬件设施还是教师的素质,都基本上达到了国家的要求,可以按照教学大纲的教学目标进行教学。而在一些偏远的农村地区,他们缺乏多媒体设施,也没有钢琴等音乐教学用具,甚至音乐教师也是由其他“语数外”教师临时担任的,这种不协调和不平衡的教学条件差距,从整体上影响了我国基础音乐教育的普及进程。 三、中学音乐教育中对教师素质的要求 第一,中学音乐教师应该具备专业的音乐综合知识与音乐技能。音乐综合知识包括音乐的理论知识和演奏与演唱的技能。音乐教师必须具备全面的音乐理论知识与音乐教学相关的技能,比如,应该懂得钢琴演奏、即兴伴奏、视唱练耳、乐理知识、中外音乐史等基本的音乐知识。同时,音乐教师还应该了解基本的合唱排练知识,具备指挥的技能以及懂得歌唱的基本要求等。比如,在教授学生欣赏贝多芬的《合唱交响曲》的时候,可以拓展知识,让学生了解词作者席勒,并且朗读席勒的其他歌词作品。音乐教师除了要具备音乐方面的知识之外,还要不断加强对其他文化素质的修养,比如文学修养,延伸自己的知识面,这样才能在教学中游刃有余。 第二,应该具备综合其他学科进行交叉教学的能力。当今社会要求全面发展的人和复合型的人才,而教育工作者也不例外,音乐教师不仅要能够教授音乐知识,还应该将音乐知识拓展到其他学科中去,比如,在七年级第一单元《彩色的中国》这首歌曲教学中,虽然教学大纲要求学生能够声情并茂地演唱该歌曲,但是,在教学的过程中,音乐教师可以结合地理知识,用音乐给学生展现一副祖国山川大和的画面,这种形式会加深学生的学习印象和学习效果。 第三,善于运用多种教学工具,具备较强的组织能力。中学音乐教育根据教学单元的不同要求,音乐可以采用不同的教学方式,但是,最有效的方式就是综合采用多种形式,比如,制作课件、播放视频、弹奏钢琴等,在此基础上,音乐教师还应该熟练教材,能够用简练的语言进行因材施教。 音乐教育毕业论文:由农村中学音乐教育现状而引发的思考与对策 摘 要:音乐是听觉的艺术,是美的展现,随着教育改革的不断推进,多媒体技术在教学中的应用无疑是教学改革中的一个热点,本文结合作者多年的教学经验,以实际教学为实例,对中学音乐多媒体教学进行了概括性总结。 关键词:多媒体;中学音乐教学;研究 一、加强各级教育机构的领导与管理 各级农村教育机构的相当一部分领导根本不重视音乐教学,他们对音乐教育缺乏应有的认识,“音乐说起来重要,干起来次要,忙起来不要”的现象很多。绝大多数的校长在教学管理上依旧是智育为主,根本不是“德智体全面发展”,更不是全面发展学生的整体素质。 “真正的课程改革必定是观念与体制的同步变革,人们不可能做的事,往往不是由于缺乏力量和金钱,而是缺乏先进的理念。”各级领导特别是一校之长应该加强自身的业务学习,强化先进的教学理念,既要是先进理念的倡导者,也要是教育的行家里手、是一位优秀的教师。新课程改革中,校级领导须身体力行、率先垂范,勇敢地当一个教育实践的领头羊。既是素质教育的参与者也是素质教育的体验者。 作为当地的教育行政主管部门、政府部门必须为推行素质教育创造一个良好的环境。 二、改善音乐教师的待遇,稳定音乐教师队伍 农村广大的音乐教师在职称、晋级、专业教学、社会环境等方面都受到了许多不公正的待遇,这使得许多农村音乐教师工作倦怠,近93%的音乐教师对自己的职业不满意;由于农村学校教学环境对音乐教育的轻视,76.9%的教师改弦易辙,脱离了音乐教学的课堂。 各级领导要提高对农村音乐教育的认识,统一思想,真正从内心重视音乐教育,给音乐教师以足够的重视,这样才能从根本上稳定教师的音乐教学工作。 三、加大对改善音乐教学条件的投资 音乐教学的辅助手段尤为重要,课堂中的“唱”起码需要乐器的辅助定调;欣赏中的“创造表现”需要乐器;器乐专业学习中门类繁多的乐器更是奇缺。 四、广大农村音乐教师应加强自身专业素质的修养 农村荒漠的音乐文化生活、尴尬的学校教学资料设备、绝多是乐盲的中小学生……这些都给专业的音乐教师出了难题,他们既是一门普通学科的教学者,也是音乐的普及、扫盲者。随着新课改的实施,音乐教师也是新课标的倡导者、实践者。同时新的教学理念在音乐课标中特性彰显突出,音乐教师也是其他学科进行新课程改革的示范者。 由上述可见,农村音乐教师的教学任务之艰巨。但鉴于工作环境不够理想,许多教师采取了“绥靖”政策――拖拉教学任务。这是非常要不得的,正确的做法是:1、转变消极等待的观念,立足现有教学条件,最大限度地利用现有条件。2、从自身找突破。音乐教学氛围的浓厚与否,相当一部分在于音乐教师本身的着力营造。 农村中学音乐教育的改观,新课改能否取得实质性的进展,离不开教育者的辛勤劳动和每个社会成员的支持,各级教育行政主管部门若能从战略的高度对待艺术教育,把它看作是关系到提高民族素质和建设有中国特色的社会主义文化的大事来抓,那么我国农村中小学音乐教育的现状将会有一个质的飞跃。 音乐教育毕业论文:浅析现阶段我国音乐教育面临的主要问题 摘 要:我国的音乐教育事业自改革开放以来,虽然经历了快速健康的发展历程,取得了相当多的成功经验,但也存在着一系列阻碍音乐教育事业发展的因素,如音乐教育观念、对待传统音乐文化的态度、教师的教学及教材的应用等都存在着相应的问题,对这些问题进行深入分析,对于推动音乐教育事业发展、更新音乐教育的理念均有着重要的意义。 关键词:音乐教育 教育理念 传统教育 中国的音乐教育理念和思想的产生与发展过程,同中国社会的政治、经济、社会发展紧密地联系在一起,在相当长的一段时期内,我国音乐教育的理念及思想受到我国计划经济体制的严重影响,展现出保守、僵化、甚至违背学科教学规律等现象。随着改革开放和现代化建设的不断推进,西方先进的音乐教育理念不断的涌入,使得我国的音乐教育理念和思想不断的发展,呈现出百花齐放、百家争鸣的良好氛围。但我们也必须注意到,相当多的落后的观念、陈旧的思想、僵化的方式等严重制约并阻碍着我国音乐教育的前进与发展,对这些因素的深入分析,对于推动我国音乐教育事业的发展无疑具有重要的理论意义和实践价值。 1 音乐教育理念存在的问题 虽然我国的音乐教育的发展较为迅速,但伴随着音乐教育事业的发展,两种错误的思想理念始终在音乐教育领域里发挥着重要影响,在一定程度上阻碍着音乐教育的发展。一种理念认为,只有中国的才是世界的,只要是中国传统的,只要是中华民族的都要强于西方,都要优于西方。这样的教育理念在音乐教育过程中,逐渐产生一种排外的错误倾向,僵化、保守的思维贯穿教育始终,不利于学生对音乐文化的理解和把握;另一种理念认为,西方的音乐,西方的文化是优秀的,欧洲的古典音乐,西方的流行音乐都是世界最先进和最文明的,是世界音乐发展的顶级之作,而中国的传统音乐文化是极为落后的,无法和西方的音乐文化相提并论。在这样的教育理念的影响下,受教育者无形中会产生某些自卑的情绪,对中国古典音乐文化甚至是当前中国的音乐文化都会盲目的悲观失望,对受教育者自身成长更是极为不利的。由于受这两方面错误思想理念的影响,在一定程度上阻碍了我们对西方先进的音乐文化的借鉴和吸收,也阻碍了我们对中国本土优秀的传统音乐文化的继承和理解,致使我们在音乐教育和音乐文化发展过程中出现了较为严重的偏差和失衡。 2 课程设置方面存在的问题 长期以来,我国的传统音乐文化教育在一定程度上,呈现出了萎缩甚至停滞的状态。在某些艺术院校和普通高校的音乐专业,在课程体系的设置上,中国传统音乐文化教育少之又少,在理论学习或实践参考方面,都是以西方音乐文化为主体,即使有一些中国传统音乐教育,也是相对凌乱和不完整不系统的,这样的具有很大倾向性的音乐教育是难以引起学生学习兴趣的,继承和发扬中国传统音乐文化的目标任务更是无从谈起。在外国音乐课程的设置方面,也存在着一定的问题,虽然有的院校开设了世界音乐等相关课程,但更多的课程教育教学内容不够深入,流于形式,长期停留在起步阶段,例如,在音乐史、音乐欣赏、基本乐理等方面缺乏国际视野和国际内容,并没有完整的融入世界音乐体系的框架之内,缺乏历史文化和音乐研究等相关内容,这样,使得学生们对西方的音乐缺乏必要的理解和把握,对相关内容更是一知半解,一头雾水,学习效果并不是很理想。 3 教学方面存在的问题 通过音乐教育的不断发展和对外交流的不断深入,我们不难发现,在国外,音乐教育十分注重学科体系建设,各类艺术院校和普通高校的音乐专业,他们的教学大纲的设计、各类教材的选用、各等级师资的选配都具有很强的针对性、整体性和可操作性,所以,在教学过程中,展现的是各院校自己独有的特色,培养出来的学生也是各具特色,所以学生在毕业之后的就业市场当中比较容易找到适合自己的岗位。在我国,教学内容较为僵化,课程、教材的设置及选用相对单一甚至趋同,教学大纲的设计和相关教材的编写不是十分严谨和科学,所以导致了教材内容较为粗糙,教学质量不高,各院校特色不鲜明,出现了无论是艺术院校还是普通高校的音乐专业都呈现出统一的模式、统一的方向、统一的特点等景象,这对于教学的深入开展和科研的深入研究是非常不利的。“这样的教学模式培养出来的学生更多是无差别、无特色,就业问题较为严重”。此外,我们在音乐教育的教法方面也存在着一定的共性问题,例如,更多的时候坚持以教师为中心,以教师的单纯讲授为主,采取填鸭式灌输式的教学方法,照抄照搬国外或其他院校的教学模式等,这样的教学方法忽视了学生的主体地位,过分强调了教师在教学过程中的地位和作用,缺乏对教师自身所处教学条件、学生状况等各个方面的深入思考,使教学效果不尽如人意。 4 师资队伍建设方面存在的问题 当前我国的音乐教育在师资队伍方面问题也较为突出,尤其是高校扩招以来,高等教育的规模不断扩大,教育质量不断提高,艺术院校和各个普通高校的音乐专业趁着这样的机遇,也得到了快速的发展,但也出现了疯狂扩招的问题,有的甚至达到了盲目扩招的程度,音乐专业下设诸多小的专业方向,每个小的专业方向也是人满为患,“这样的学生数量和寥寥无几的教师数量形成鲜明的对比,教与学的矛盾较为突出,师生比例严重失调”。对于学校而言,学生数量井喷似的发展,必然要求引进大量的优秀音乐教育教师,可是要在短时期内获得大量高水平、高学历、高素质的音乐教育方面的专职教师是不现实的,所以,出现了很多从事音乐教育的教师较为年轻、学历和水平不高、理论深度不够等问题,难以应付音乐教育深入、快速发展的需要,这些因素都严重阻碍了我国音乐教育的健康发展。 要切实有效的促进我国音乐教育的快速发展,我们必须要实事求是的认识和分析我国目前的音乐教育存在的问题和主要原因,认清我国目前和国外先进的音乐教育理念和理论存在的差距,坚持系统、全面、认真的理解和把握音乐教育发展规律,不断地学习和掌握音乐教育理论体系和实践经验,进一步推动我国的音乐教育事业蓬勃健康的发展。 音乐教育毕业论文:高师音乐教育专业声乐教学设计的科学性探究 摘要:高师音乐教育专业声乐教学的最终目的,就是为中小学培养合格的音乐教师,使受教育者能符合中小学声乐所需的人才要求。本文从声乐教学总体设计的角度出发,总结出高师音乐教育专业声乐教学的主要规律,以促进声乐教学的科学发展。 关键词:高师 音乐教育专业 声乐教学设计 声乐是高师音乐教育专业学生的一门必修科目,其不但具备声乐表演功能等一般属性,而且具备“师范”专业的鲜明特征。高师音乐教育专业声乐教学目的就是为社会培养出一流的音乐教育人才,并肩负起美育、德育和素质教育的重任。在高师音乐教育专业声乐教学设计中,需转变传统声乐教学的理念和模式,通过新思维不断发扬和传承“师范”的音乐教育精神。因此,本文认为要实现高师音乐教育专业声乐教学设计的科学性,需从其以下几点出发。 一、高师音乐教育专业声乐教学总体设计的针对性 目前高师声乐教育的教师存在声乐教学认知能力较差的现象,对受教育者并未做到真正的声乐教育,而且高师声乐教育专业中,受实施素质教育的时间较短、传统声乐教育模式的固定化等因素影响,导致声乐教育和现实需求之间断裂。现实需求属于外因,而声乐教学的理念及模式是内因,内因无法彻底转变,则外因难以发挥出应有的效果,故高师音乐教育专业需设计一套专业性强、针对性的声乐教学总体教学设计。 高师音乐教育专业需了解各中小学所需的声乐人才类型,从而有针对性地培养高师音乐教育专业的学生,以迎合社会的需求。中小学生获取人文知识和素养的最佳途径就是通过音乐教学,学生在解读音乐作品的过程中,更青睐于配有歌词且语义清晰的声乐作品。因此,在高师音乐教育专业声乐教学中,教师需解读出不同民族、风格和地区的音乐作品的内涵,让学生对不同背景下的音乐文化多元性有一定了解,以开阔学生视野。在获取实践知识的过程中,教师可通过课堂表演、课外演出和校内比赛等方式,锻炼学生的音乐实践能力。学生在音乐教学中,不但能将审美体验直接渗入人文知识和实践知识中,而且能将素质教育、音乐教育和美育完美地结合在一起,并在三者的互动中取得平衡,使抽象的音乐教育更加生动化、具体化。因此,在高师教育阶段需具备相关的知识,并接受音乐美的训练,同时高师阶段声乐教学需顺应时代的发展需求,对学生实施针对性、实践性和开放式的音乐教育和素质培养。 二、高师音乐教育专业声乐课堂教学的实效性 课堂教学属于声乐学习的主要方式,其中包含技术训练、音乐作品理解、人文知识普及、艺术家演唱观摩、曲目选择及检验教学成果等内容,故在高师音乐教育专业声乐课堂教学中,需注重所有教学内容的实效性。 (一)人文知识普及 音乐教育专业声乐教学需加大对学生的人文知识普及,从声乐作品中获取人文知识。但声乐作品内的人文知识比较复杂多样,仅靠声乐教师传授,学生无法领略到人文知识的全部内涵,因此,可通过中西音乐史、音乐欣赏和音乐美学等与声乐教学相关的教学科目,帮助学生全面、透彻地理解和掌握音乐中的人文知识。同时音乐教师需减少音乐技术类训练,增加音乐的综合素养知识教学,以提高高师音乐教育专业声乐课堂教学效率。 (二)教学曲目选择 对于声乐教学的教学曲目选择,需遵循两个原则:一是母语作品的主导性:音乐教育专业的声乐教学曲目需以传承传统文化为宗旨,发挥出“母语”传承我国文化的载体作用。中国作品曲目的体裁需突出戏曲和中国民族歌剧等,以提高学生的演唱能力,从而弘扬我国优秀的民族文化,培养学生的爱国情操;二是小组课曲目选择的可行性:小组课是高师声乐教学中比较灵活的上课形式,在小组课上,教师可让学生自主选择学习的曲目,以激发学生的自主学习意识,并培养学生独立演唱或小合唱的能力。 (三)考核方式的多样性 课堂教学成果的检验需在不限曲目、不限演唱方式的情况下,让学生自主发挥,使其能展现阶段性声乐学习优势。声乐教学考核可采取多种方式,如采取独唱、二人合唱和多人分声部演唱等,调动学生多元化考核的思维,将考核当作个人才艺的展示方式,以激发学生的声乐学习积极性。 三、高师音乐教育专业声乐教学实践锻炼的多元性 (一)舞台实践 高师音乐教育专业的学生,一定要具备一定的舞台表演能力,才能在毕业后胜任中小学音乐教师这一角色。因此,高师院校需为学生提供舞台实践的机会,除了校园演唱外,还可鼓励学生走出校园,在更大的舞台上展现自己。如安排学生参加各种声乐大赛、电台传媒、节目录制、重大节日演出等,让学生积累演出经验,并培养学生的舞台活动的组织能力。 (二)教学基地实践 教学基地实践是考验和锻炼高师音乐教育专业学生的表演功底、综合声乐素养、歌唱技能等的场地。在直接参加课堂互动教学和组织课外活动的过程中,学生不但能将所学的专业知识、声乐教学模式、课外舞台实践经验等进行有序整合,还可在音乐世界中尽情表现自己,发挥自身优势,展现自身才华。同时在教学基地实践课程中,带队教师需不间断地参与到课堂教学和课外活动,通过听课、课外指导等方式,全面观摩每位学生的实践状况,发现学生实践中存在的不足,并帮助其克服困难,不断取得进步。 四、结语 高师音乐教育专业学生的培养目标,一定要符合目前中小学对外招聘的音乐教育人才要求,并在对口培养中凸显出“师范”特征。在声乐课堂中,高师教师不但要注重对学生人文知识的传授、曲目的选择及组织教学的多样化等培养,而且要加强对学生的实践锻炼,让学生在具备丰富的声乐理论知识的基础上,能面对各类舞台或社会实践的检验,从而在声乐教学设计中实现美育和德育目的。 音乐教育毕业论文:流行音乐在特殊音乐教育中的作用 摘要:流行音乐的迅速发展与其自身的大众性、娱乐性不可分割,而另外所具备的音乐特征和教育功能在特殊音乐教育中可以充分的利用,对特殊受教学生情感上的干预和影响将会对特殊音乐教育起到很大的推动作用和重要的现实意义。 关键词:流行音乐 特殊音乐 教育 我国的特殊音乐教育虽然在奴隶社会开始便有所涉及,但是真正意义上的教育活动与研究是近几十年来才开始的。研究的主要方向包括特殊音乐教育的课程论研究、特殊音乐教育的教学方法研究、特殊音乐教育中的音乐治疗研究。音乐治疗研究在我国已经有将近20年的时间,这期间的发展很快,但是与国外的特殊音乐治疗相比还有很多的不足。目前对特殊音乐教育中音乐治疗的研究也多数是尝试性的把音乐治疗纳入特殊音乐教育当中。 而特殊教育的培养对象应该分为两种:一种是即将成为施教的学生(即将成为特殊学校的特教教师),另一种是一般的受教学生(本身为特殊学生)。本文所要探讨的是对于一般受教学生的音乐教育。这类学生又可分为五种:视觉障碍学生、听觉障碍学生、语言障碍学生、智力超常学生和智力低常学生。针对这样的特殊群体,所使用的教学手段和方法就是要因材施教,目前这一领域逐渐的受到学者们的关注,但由于其特殊性质的存在,使教育教学活动和方法的研究进行都非常的缓慢。特别是在此当中的音乐教育,其发展与普通音乐教育相比更是存在较大的差异。这种差异性主要还是在于受教对象的特殊性,一篇经过调查的报告中指出,视觉障碍学生的不信任感极强,导致经常性的暴躁、愤怒,对社会的适应性相对较差,对外界事物的感知和认识较慢,对事物的学习能力就很慢。如此导致心理上的问题很难解决。 通过音乐特有的生理、心理效应,运用专门设计的音乐行为、经历音乐体验,达到消除心理障碍,从而恢复或增进特殊的受教学生的身心健康。流行音乐(Popular music),泛指一种通俗易懂、轻松活泼、易于流传、拥有广大听众的音乐;它有别于严肃音乐、古典音乐和传统的民间音乐,亦称“流行音乐”。流行音乐更加贴近人们的生活,更容易与大众产生共鸣,近些年随着音乐创作水平的不断提高,作曲家的意识的逐渐加强,一些优秀的流行音乐逐渐的被人认可,并且也有把流行音乐引进课堂的呼声,同样在特殊音乐教育中运用优秀的流行音乐的介入,对受教学生来说会使其身心大受裨益,同时对特殊音乐教育具有重要意义。美国孤独症研究院院长里姆兰(Berhard Rimland)博士认为:“孤独症认识音乐的能力几乎是宇宙性的,尽管他们对外面的世界漠不关心,有的甚至没有语言,但他们对音乐大都表现出极大的兴趣,有些孩子甚至有超凡的音乐感和超强的变音能力。” 一、流行音乐的特征 (一)流行音乐的题材特征 流行音乐的取材多来源于日常生活,并且具有鲜明的时代特征。大部分流行音乐有轻快优美的旋律,轻松活泼的节奏,通俗易懂、生活化、大众化的语言,适中的音域,简单易学、不需过多专业训练的唱法,它的内容往往生动地体现着时代精神,贴近社会心理情状,展示丰富的人情人性,较易引起内心的共鸣和演唱的欲望。流行音乐中有对爱情、对友情的描写,对生活的认识,对亲人的思念,对社会黑暗面的直面抨击及批判等等,当然还包括一些鼓舞人心、勇于直面现实生活的歌曲,如:《水手》、《隐形的翅膀》表现出坚强,努力向上,BEYOND的《海阔天空》、《不再犹豫》,赵传的《勇敢一点》等等,风靡一时也经典流传,对人们精神上有很大的鼓舞。 (二)流行音乐的音乐特征 流行音乐的结构形式一般都比较短小简练,有时做反复或简单的变奏,在旋律上容易演唱,其音域不宽,节奏简单明朗,清晰单纯但多有变化。并没有像古典音乐那样,学习起来要有一定的音乐基础知识支撑,形式没有那么的繁杂和庞大。近年来随着科学技术与多媒体的发展,流行音乐也更多的借助于电子手段来丰富其内容从而表现出更受人欢迎的形态特征。音乐上的丰富多彩富于变化的特点,很快能够引起学生一代的共鸣。 二、流行音乐的教育功能 流行音乐具有一般艺术种类都有的认识功能、教育功能、审美功能等文化功能。教育功能主要体现在创作流行音乐的主体对现实社会的评价,包括对社会的政治生活、道德伦理等方面的认识,通过作品表现出来,流行音乐的大众性与快速的传播性使听众很快的认识和接受,在这同时就能教育和影响受众群体。目前我国的特殊音乐教育不发达,其中主要原因之一也与教学设施不完善息息相关,这种现状也是由社会、学校等部门的多种客观原因造成的,并不能快速根本的给予解决。而流行音乐的教育功能的成本较低,根据笔者所做的调查显示:多数被调查的视障学生表示,通过接触流行音乐,使自己能够心情愉悦,并且能从中得到情感的寄托与共鸣。重要的是可以从中获得更多的音乐专业的知识。对这样易于接受、成本较低的流行音乐在特殊音乐教育中能够合理的把握与运用,将会对学生有很大的帮助,并且也很容易拉近师生距离,让教师能更好的把握学生的思想,通过流行音乐这样一个媒介,更好的解决受教学生的心理障碍等问题。 三、在受教过程中应把握适度原则 流行音乐和古典传统音乐不同:古典音乐大多是前人所做,经过长期的历史检验被保留下来,音乐的内容和形式都是较为完美的精华,因而有相对的稳定性;流行音乐则大多是此时此地创造出来的音乐,多数是未得到公认的传世之作,因而其中鱼龙混杂,精华与糟粕具存,有待于历史与人民的检验。流行音乐的多功能性也是本身所具有的多重社会属性而决定的。其正反功能并存,因此在运用过程中对教师提出更高的要求。对流行音乐的选择,在数量上要有所把握,不能因为流行音乐是学生易于接受并非常喜爱的类型,而忽视了传统音乐的教学。另外,更重要的是在选择流行音乐的曲目上,此时对于教师来说更是责任重大。要在教学中做正确的引导,培养正确的音乐审美观念,正确的认识流行音乐的思想情感和音乐艺术的风格特征。通过流行音乐的介入,达到开发、引导、解决特殊受教学生的心理存在问题的目的。 四、结语 目前我国的特殊音乐教育在最近二十年发展很快,但是就所检索的文章来看,对于特殊音乐教育的研究不多,在研究的深度和广度上不够。多数的研究多集中在对现状的调查和教学课程的研究上,而具体的针对特殊受教群体的有效实施方法要通过长期的个案研究,大量的经验积累才能达到一定的理论程度,所以在这方面无论在客观和主观上都要务实工作。而流行音乐也是在近二十年当中发展迅速的音乐形式,能够如此的被大众接受是有其自身的特点的,能够有效的把流行音乐运用到特殊音乐教育当中,为广大的特殊音乐教育工作者提供更加广泛的教学方法和手段。同时,又因流行音乐自身的复杂性,给教育工作者提出了新的困难和挑战。 音乐教育毕业论文:唐朝音乐教育职能考论 摘要:说到唐朝音乐笔者不禁想到了白居易的《琵琶行》这篇文章,里面所描述的那个弹琵琶的女孩她所弹奏出的音乐是如此精妙,不禁使人感叹。唐朝是我国最为鼎盛的一个时期,无论在经济、政治还是文化方面都是超前的,在音乐方面自然也不会落后于同一时期的其它国家。文章围绕着唐朝音乐是否具有了相应的教育职能等问题展开。 关键词:唐朝 音乐教育职能 最能体现唐朝音乐发展成就的莫过于唐朝宫廷音乐了。因此,笔者通过查阅相关资料对唐朝宫廷音乐机构是否作为音乐教育机构存在以及唐朝宫廷音乐机构是否具有教育行为等问题进行了研究,并在这样的基础之上写作了这篇文章。 一、唐朝宫廷音乐机构是否是作为音乐教育机构存在 唐朝作为我国国力最为强盛的一个朝代,唐朝的发展建设和唐朝重视教育有着莫大的关系,因此在唐朝时所设立的教育机构可以说是较为系统的,接下来就让我们来看一看唐朝音乐机构是否真的隶属于唐朝的教育机构,唐朝音乐机构是否作为唐朝的教育机构而存在。在唐代文教得到极大重视,并且举世闻名的科举制度也是在唐朝得以发展起来的,既说到唐朝的教育机构就不可避免地要说一说唐朝中央官学的设置。唐朝在中央官学的设置上分为正系和旁系两类。其中正系的学校主要有国子学、太学、四门学、广文馆、律学、书学、算学,时称七学。需要注意的一点是,唐朝的律学并不研究音律而是主要研究当时的律法。旁系的学校主要有崇文馆、弘文馆、医学、崇玄学、小学。由此可以看出唐朝音乐机构并不是作为音乐教育机构存在的。除此之外,在唐朝,科举制得以大力发展起来,接下来就让我们一起来看一看唐朝的科举考试都有哪些考试内容。由于在唐朝文教得到极大重视,因此在唐朝时儒学得到了大力推崇,儒家经典也就成为了各大学校的必修课,成为了科举考试的主要内容之一。从这点上,也可以看出唐朝在设立教育机构时并没有将音乐机构考虑在内,音乐机构也就自然不会作为教育机构而存在了。唐朝的音乐机构既然没能作为音乐教育机构而存在,那它存在的意义又会是什么呢?虽然唐朝是中国古代王朝中较为开明的一个,但等级的观念仍然是根深蒂固的,因此,即便在较为开明的唐朝乐工也仍然不会有太高的地位,这也使得音乐机够不能够作为音乐教育机构而存在。唐朝音乐机构存在的目的主要在于满足各种礼乐场合以及唐朝统治者对音乐艺术的实际需要。 二、唐朝宫廷音乐机构中是否存在着教育行为 笔者在查阅了相关资料后发现,虽然在唐朝音乐机构没能作为教育机构存在,但在唐朝的音乐机构中却存在着一些音乐教育行为,接下来就让我们来看一下在唐朝的音乐机构中都存在着哪些教育行为。原来,在当时的音乐机构中总会开展一些音乐传习活动。要是说道广义的教育概念,这一传习活动便具有了教育的性质。在广义上,教育的概念可以理解为使人们得到培养的一种社会活动,使得社会文化得以传承、使得生产经验和生活经验得以传递下去的基本途径,又或是通过培训使得人们在某种程度上发生改变,使得人们掌握了一项技能又或是具备了某种能力的社会活动。唐朝的音乐机构虽然不能算作正规的学校,但在这一机构中所开展的音乐传习活动却能够达到使人们在某种程度上发生改变,具有了某项能力的目的。因此,要是从这点上来看唐朝的音乐传习活动因而也在某种程度上属于教育行为。在唐朝的音乐机构中所开展的音乐传习活动意在使受到培训的人们掌握相应的音乐技能,在某种程度上发生改变,因此,在唐朝的音乐机构中所开展的音乐传习活动也在一定程度上具有了教育的性质。 三、唐朝宫廷音乐教育机构是否具有教育的职能 在唐朝音乐机构主要有太常寺下属的太乐署和鼓吹署以及在太常寺之外新设置的教育机构教坊和梨园。笔者在查阅一些相关资料后发现:在太乐署中有着严格的教学进度和考核要求,甚至对教师都有考核,这说明在太乐署中有着明确的教学关系和教学制度。其次,太乐署所传授的音乐教育内容还具有着一定难度,具有着一定的含金量,对习乐者的素质有着较高的要求,此外,太乐署中还建立了相应的奖惩制度,以此来激发习乐者对音乐技艺的学习。说完了太乐署中存在的一些音乐传习活动,接下来便要说说教坊和梨园了。教坊和梨园作为新设置的音乐机构其主要负责俗乐的掌管。但根据相关资料可发现在教坊中也还存在着一定的音乐传承关系,由此可以看出教坊也在一定程度上承载着音乐教育职能。梨园的诞生据说是因为玄宗对音乐的特别喜爱,每当梨园中有活动时,玄宗都会亲自进行指导,对其中存在的一些错误进行纠正,由此可以看出玄宗对音乐演奏有着极为严格的要求。对于一些少年乐工,梨园中相关人员对其进行教习。因此,从这点上可以看出梨园也在一定程度上承载着音乐教育的职能。综上所述:虽然在唐朝宫廷音乐机构没能被正式列入官方教育系统之中,也不以音乐教育机构的姿态存在,主要负责掌管各种礼仪、音乐、满足各种礼仪场合以及统治者对音乐的需求,但在其中确实存在着一定的音乐教育行为,因此,从这点可以看出唐代宫廷音乐文化的发展、传播、传承是以宫廷音乐机构对音乐的教习为重要载体,在这方面,唐代宫廷音乐机构具有着突出的贡献。 四、结语 虽然那个曾经繁盛的唐朝早已远去,但唐朝所创造的悠久的文化却仍然使后人惊叹不已。那些浩瀚的历史典籍便是对唐朝文化最好的见证。那些浩瀚的历史典籍仿佛使人看到了一幅优美的历史画卷。音乐是代表文化的重要载体之一,透过音乐的发展便可以看出唐朝人们生活的足迹。在对唐朝音乐机构是否具有了教育职能这一命题进行论证的过程中,笔者获益匪浅,不由感叹对唐朝音乐机构是否具有教育职能进行研究这是一次多么有益的尝试。 音乐教育毕业论文:多元智能理论与学前儿童音乐教育的整合研究 摘 要:随着对学前儿童事业的重视,越来越多的研究者关注学前儿童教育事业。世界顶尖级学府哈佛大学的霍华德・加德纳教授通过对教育事业的多年研究提出了多元智能理论,这种理论融合了教育心理学、艺术教育等理论知识,并且是从诸多教学实践中提取出来的。经过多年的研究发现,多元智能理论对于学前儿童音乐教育有很大的帮助,所以,一定要将两者进行整合,达到最优质的教学效果。 关键词:多元智能理论;音乐教育;教学模式 在新课改的推动下,学前儿童教育事业也在发生着变革,特别是多元智能理论的提出,对学前儿童教育事业的发展有了很大的帮助。霍华德・加德纳教授认为人类天生就具备八种智能,分别为语言智能、逻辑思维智能、视觉智能、身体实践智能、音乐智能、人际交往智能、自我检查智能以及观察事物智能。通常来说它们之间都是独立的、等同的,每个独立的人身上所具备的智能元素都是多元化的,但由于人体的不同,每个人都具备不同的优势与劣势。当多元智能理论应用到教育中发现,它对教学的影响十分深远,无论是在教学理念上,还是教学评定上。 一、在学前儿童音乐教育中应用多元智能理论的必要性 学前儿童教育是对幼儿进行正式教育的最初阶段,这时期的教育是为日后进行更好的教育打基础,实现幼儿教育的全面开放与发展。但值得注意的是在对幼儿进行教育时,要符合幼儿的身心特点,在教学中注意与游戏相结合,实现幼儿教育的全面发展。多元智能理论就是这样一种教学理论,在多元智能理论中,将音乐智能作为人类诸多智能中的一种,对人类进行音乐的构建和教育产生了重要影响。幼儿是人类开始认知世界、发现世界、探知世界的第一步,在学前儿童音乐教育中运用多元智能理论是为我国的幼儿教育事业提供了新的发展视角。通过研究发现,音乐对于幼儿的影响是极大的,它可以促进儿童的大脑健康发展,提升儿童对语言的使用能力,使儿童的记忆力得到大幅度提升,实现幼儿的全面发展。 二、在学前儿童音乐教育中应用多元智能理论的具体措施 教学实践通常是指在教学中已经使用过的教学方法,并且已经取得一定成效的教学经验。在对这种教学经验进行整理,就会成为较为完整的、带有一定科学价值的实践模式。在多元智能理论中,将每个人作为独立的个体,并认为每个人的优劣智能组成形式都是不同的,所以就会出现在同一个班级中,学生对于事物的认知与喜好不同的情况。因此,教师要实行因材施教的原则进行教学,在教学中要注意每个孩子的特点。经过多次的课堂教学实践了解到,在学前儿童音乐教育中应用多远智能理论主要可以通过以下几种方式进行: 1.教师与学生之间进行互动 互动教学模式是新课改以后在教学中应用最广泛的教学模式,也是取得效果最显著的教学模式。在互动教学模式中,教师要起到引导作用,辅助幼儿进行实践活动。处于学前阶段的幼儿,对于周围事物好奇心较强、探索性较强,教师可以根据幼儿的心理特点进行探索性教学,让幼儿在活动中养成善于发现的能力,并取得一定的知识和技能。这种互动的教学模式,在使幼儿的身心得到更好的发展的同时,还能增强幼儿的学习兴趣。在进行幼儿音乐教育时,要引导幼儿进行实际操作,在实际操作中让幼儿对音乐的各个要素进行感知,在此基础上让幼儿通过身体动作将音乐带给自己的感受展示出来。 2.创设音乐情境 在学前儿童音乐教学中进行音乐情境创设的主要目的是提升幼儿对音乐的感知能力,培养幼儿的音乐审美能力,并且这种音乐情境的创设对于幼儿各方面智能的开发有着重要的影响。进行音乐情境的创设主要是使用语言、音乐等进行实景的创建,通过情与景相融合的形式增加对学生情感的教育,不断陶冶学生的情操。音乐是通过声音来感染人的艺术形式,对幼儿进行音乐情境创设的主要目的是通过歌词将情感传达给幼儿,使幼儿能够更好地理解。在这一过程中,教师可以在教室中播放适宜幼儿听的、幼儿能听懂的、愉悦幼儿身心的歌曲,并反复教幼儿演唱。通过这种潜移默化的形式感染幼儿,使其在不知不觉中融入到音乐中,感受来自音乐的力量。 3.音乐与舞蹈相结合 在学前儿童音乐教学中,将音乐与舞蹈相结合也是应用多元智能理论的一种方式。幼儿天生都喜欢玩,喜欢跳,将音乐与舞蹈相结合也是符合幼儿天性的一种教学模式。在幼儿音乐教学中进行舞蹈教学,可以帮助幼儿与别人进行交流与沟通,提升幼儿的人际交往能力,这也是符合多元智能理论中人际交往智能的要求的。在学前儿童音乐教学中,可以通过合唱的形式使幼儿知道团结的重要性;在舞蹈中培养幼儿的肢体协调性;进行乐器演奏时,使幼儿知道声部之间的配合是十分重要的;在进行音乐表演中,使幼儿知道音乐与舞蹈正确结合后的美感,培养幼儿的审美能力。 三、结论 综上所述,以上的具体实施措施都是相辅相成的,对于学前儿童的音乐教育应用多元智能理论并不是将其固定在一个模式中,多元智能理论只是起到一定的辅助作用,用来帮助幼儿更好的学习。要更好地教学,还需要我们在教学中不断研究与发现,实现对幼儿更优质的培养。 音乐教育毕业论文:“双师型”教师在高职音乐教育中的重要性 摘要:“双师型”音乐教师既具备一定的音乐技能和技巧,也有着较强的培训教学能力,强化“双师型”教师队伍的建设对于提升高职音乐教育成效有着重要的意义。本文对“双师型”教师在高职音乐教育中的具体意义与作用进行了归纳和分析,期望为同行提供参考。 关键词:“双师型”教师;高职;音乐教育 高职院校音乐专业与普通本科高校音乐专业的人才培养目标存在一定的区别,高职音乐院校以培养应用型人才为目标。高职院校音乐专业更期望引进那些既具备扎实理论功底,又具备丰富的实践经验的高素质教育人才,因而强化“双师型”教师队伍建设对高职院校音乐教育来说尤为重要。 一、高职音乐“双师型”教师概述 音乐专业“双师型”教师的内涵主要包括以下几个方面:(1)具备音乐专业教师的岗位资格及相应技术职称,具有较高的音乐教育素养和技能,且具备一定的理论基础;(2)没有取得音乐专业教师技术职称或岗位资格证书,但具备良好的音乐专业理论功底和扎实的音乐专业技术和技能的音乐人才;已具有实际工作领域中等以上音乐专业技术职务的人员到大学任教并获得教师资格。以上三种情况均属于“双师型”音乐教师,“双师型”音乐教师与普通音乐教师的不同在于,他们是将其自身内在音乐素质、教育素养、理论知识、实践演奏技能等进行有机融合并能够通过教学过程传达给学生的理论素质与实践能力兼备的音乐教师。 近年来,高职院校“双师型”教师队伍建设力度不断加大,“双师型”音乐教书队伍不断壮大,当前高职院校“双师型”音乐教师可分为以下两种情况:(1)工作关系在高职院校的教师,具备音乐专业任职资格和相应技能,工作重心在于参与高职院校音乐专业教育活动及参与一定的行业实践;(2)从其他相关行业中招聘的,具有音乐教育资格和技能的兼职音乐教师,这类教师的工作关系不在高职院校。 二、高职音乐“双师型”教师的重要性 (一)“双师型”教师符合高职音乐培养应用型人才的目标。高职院校音乐专业以培养应用型音乐人才为主要目标。“双师型”教师不但具备较强的声乐表演能力和器乐演奏能力,同时也具备对音乐作品的分析与鉴赏能力;此外,这类音乐教师往往有着丰富的实践经验和扎实的理论基础,因而在教学研究和作品创编方面也往往十分出色。 此外,舞台演员是高职院校音乐专业人才未来的就业的重要热点之一,许多“双师型”教师本身就是优秀的舞台演员,在乐器演奏、声乐表演等方面经验丰富,加之他们具备一定的教育素质和能力,能够将自身经验有效传达给学生,从而使学生在实践表演机会有限的情况下获得更多经验,为今后的就业打下良好的基础。 (二)“双师型”教师有助于推进高职院校音乐专业的发展。在终身教育和学习型社会建设的时代背景下,“双师型”体现了对职业院校教师专业发展的根本要求和行动目标,教师不仅要具有教师资格证书和技能等级证书,还要树立良好职业道德,具有真正意义上的较长时间的企业或行业工作经历,通常适应能力强、善于学习和协调合作,且具备一定的科研和创新能力,有着一定的可持续发展素质。 高职院校音乐专业教育模式、课程内容与教育重心是随着高职院校音乐专业学生发展需要而不断调整的,在社会主义市场经济背景下,就业竞争加剧,不断创新和优化音乐人才培养模式是提升人才培养质量和推动高职院校音乐专业可持续发展的重要基础,而“双师型”教师的可持续发展能力和创新能力则是推动高职院发展过程中十分需要的。 (三)“双师型”教师有助于促进学生理论基础与实践能力的协调发展。高职院校音乐专业学生只有兼具扎实的理论基础和高超的音乐演奏实践能力,才能适应市场对音乐专业人才的需求,在未来的就业竞争中脱颖而出。因而在高职音乐教育过程中,教师应强化对演奏实践环节的重视,一方面对理论教学成果和实践训练成果进行检验和反思,另一方面也是有助于促进学生综合艺术素养与创新能力的不断提升。“双师型”教师教师本身就具备演员和教师的双重身份,舞台表演是其工作的重要组成部分,也是其素质与能力不断发展的重要途径,他们一方面重视理论知识在演奏实践中的践行,另一方面也善于从演奏经验中创造新理论。 三、总结 综上所述,“双师型”教师无论在理论功底还是在实践能力方面有更为出色,更符合高职院校音乐专业教育培养应用型人才的目标,积极引进“双师型”教师对于促进高职院校音乐教师队伍结构的不断优化和推进音乐专业的可持续发展均有着重要的意义。 音乐教育毕业论文:音乐教育在市郊、农村学校的实效性 音乐教育是普及教育的一个重要组成部分,是启蒙教育,是人文学科的一个重要领域,是基础教育的一门必修课。我们的教育方针明确指出:培养学生德、智、体、美、劳全面发展,音乐作为美育的一个重要手段是其他教育方式无法替代的,音乐对培养学生的综合素质和创新能力起着不可低估的作用。世界上许多国家对音乐十分重视,在美国,没有取得音乐专业学校文凭的人,连幼儿园的音乐教师也当不上。我国的孔子早在《乐记》中就提出了“移风易俗、莫善于乐”之说,说明音乐与社会有着密切的联系。科学家爱因斯坦的“相对论”就是在苦学音乐的基础上启发得来的。我国著名音乐教育家贺绿汀说过,“中小学音乐教育是关系到整个后代的文化修养、思想境界和道德品质的大事,绝不能可有可无,等闲视之。”而多年的音乐教育实践表明,音乐对培养学生良好的记忆力和敏捷的思维能力,帮助发展情感和提高语言技巧,都有着独特的教育功效,因此,重视音乐教育,尤其是市郊、农村学校的音乐教育,是开发和普及学生智力的有效途径,更是素质教育均衡发展的必由之路。 我校有个分校,在市郊,那里农村孩子很多,还有很多住宿生,他们很少参加过音乐方面的培训,这让他们的音乐素养和市内学校的学生有了很大的差别。课上课下我一直在思考,在探索,在实践,经过一个学年的努力,这些孩子终于能一道轻松地视谱、和谐地歌唱了。 一、音乐教育提高学生的音乐素养 我主要从两个方面入手,即课上和课下。在音乐课堂上,我摒弃了城市学校的音乐教学法,更加详尽地把一些初级的乐理知识教给学生,让他们从最浅显、最基础的开始学起。比如他们不识谱,可以把歌曲先听会,然后再练唱曲谱,一句一句地“套用”,一段一段地模唱,直到唱熟为止。这种方法很管用,尤其适用他们熟悉的歌曲。在课下,我随时随地向他们讲解音乐理论,灌输音乐知识。我把录音机、音响设备遍布食堂、宿舍,弄得到处都是音乐声,吃饭听音乐,睡前听音乐,音乐游戏中的获胜者还可以得到我个人奖励的磁带,CD,U盘和MP3……这大大激发了同学们学习音乐的积极性,使他们学习音乐的兴趣明显增强,自主学习的习惯全面建立。 二、音乐教育培养了学生积极向上的情感 音乐是情感的艺术,鲜明的音乐形象生动地反映和影响着人的思想感情,音乐美感的强烈的艺术感染力,进入孩子们的内心世界,通过审美体验的积淀,产生巨大的行为力量。音乐教育不仅可以对学生进行热爱祖国、热爱生活、树立理想、陶冶情操的教育,而且对社会主义优秀价值观的建设、科学发展观的实施,都有着深远的意义。古希腊哲学家柏拉图说过:“音乐有最强烈的力量深入心灵的最深处,如果教育的方式适合,他们就会用美来浸润心灵,使它因此美化;如果没有这种适合的教育,心灵也就因此而丑化。”可见,良好的音乐教育对于培养学生美好的心灵是多么重要。“教育的最终目的在于辨识善恶真伪,并使人倾向于真与善,排斥恶与伪。”(塞缪尔・约翰逊),音乐教育又何尝不是如此,作为音乐教师,应充分利用音乐教育的特殊功能,培养学生的美好心灵,使学生成为国家的栋梁之才。 三、音乐教育培养学生积极向上的精神 很多学生沉迷于网络游戏、网络聊天等虚拟世界中不能自拔,严重影响了他们的身心健康和学习生活,我的音乐教学和音乐活动的开展,极大地激发了他们对音乐的兴趣,使他们感受到了音乐的无穷魅力,以前总听学生说“过关、升级”等游戏内容,而现在则更多地看到了他们如醉如痴地倾听着音乐,身心都在其中。人的各种情绪需要宣泄,唱歌即正常的宣泄,唱歌是促进身心健康的重要手段。侗族有句谚语“饭养身,歌养心。”由此可见,多唱歌是纯净心灵、优化人生的佳法。 四、音乐教育培养学生的竞争意识 好胜心理是中学生的鲜明特点,音乐大赛、歌咏比赛、各种测试及评分等,都为培养学生的竞争意识创造了大量的机会和良好的条件。音乐是表演的艺术,给学生实践的舞台,充分展示他们的才华,不断提高学生的艺术修养。在艺术节、合唱节比赛中,同学们不但在艺术水平上有所提高,而且也体验到了成功要付出心血,不具备优秀的意志品质、竞争意识是无法取得好成绩的。 五、音乐教育促进学生综合能力的发展又培养了学生的个性 上音乐课和参加音乐活动,对学生能力的培养有着重要的作用,因为这不仅仅是音乐能力,还包括自我认识能力、协调配合能力、自我学习能力、与人交往能力等,如合唱中的互相配合,声音均衡协调等,不仅音乐的多功能作用在这方面发挥得淋漓尽致,学生的个性也得到了发展。性格是人对客观事物稳固的态度,以及与之相适应的惯常行为方式的心理特征,音乐可以培养学生良好的性格,尤其对那些内向、孤僻、软弱、优柔寡断的学生,可克服其性格弱点,逐步形成开朗、积极向上的性格。 以上是我在教育教学活动中逐渐摸索总结出来的,虽不是制胜法宝,但总算第一手材料,在农村、市郊小学很实用。我将进一步探索和总结,为全面普及义务教育均衡发展做出自己最大的贡献。 音乐教育毕业论文:幼儿音乐教育的一种心理学分析 【摘 要】文章针对目前幼儿音乐教育效果不佳的现状,从认知心理学角度对学前幼儿音乐教育进行了分析,提出应当根据信号检测理论做好音乐课前准备,根据注意选择理论组织音乐教学,根据认知记忆理论选择恰当的音乐教学方式。 【关键词】音乐教育 认知心理 信号检测理论 注意选择理论 一、引言 根据《幼儿园教育指导纲要》提出的幼儿园艺术教育目标,幼儿园应通过适当的艺术教育,使幼儿初步学会感受美、喜爱美,并敢于用自己喜爱的艺术方式表达情感与体验。适当的音乐教育有利于幼儿爱的情感的培养及幼儿良好个性的形成与发展。但从幼儿音乐教育的现状来看,效果并不理想。《幼儿园教育指导纲要》指出,幼儿教育活动应充分考虑幼儿的学习特点和认识规律,这实际是要求幼儿教育活动应充分考虑幼儿的认知心理。为此,本文从认知心理学的角度,对幼儿音乐教育的若干关键环节进行简要探讨。 二、信号检测理论与音乐课前准备 根据认知心理学,外界事物进入个体大脑形成一种知识,一般要经过以下几个环节:刺激换能感觉感知记忆,即:首先是个体感觉器官接受外界刺激,其次是感觉器官对刺激进行换能,将接受的刺激转变成大脑能读懂的神经信号传送到大脑特定区域的感觉皮层;再次,大脑皮层从感觉器官传送来的神经信号中提取有关刺激的基本性质的信号;第四,大脑对提取的信号进行解释,赋予其具体含义;第五,大脑将感知信息进行编码、存储与读取。 上述环节中,个体探测到有关刺激,这是形成知识的第一个关键环节。根据认知心理学的信号检测理论,个体能否探测到某种刺激,取决于刺激的种类、探测刺激时其他的干扰因素与感觉器官的敏锐性。一般来说,感觉器官对刺激均有一个绝对阈限,阈限之下的刺激不能被感觉器官探测到;阈限之上的刺激可被探测到。但此阈限不是绝对而是因人而异的。 音乐作为一种声音艺术,其体验主要是靠听觉器官获得。幼儿的听觉器官一般不存在问题,课堂音乐一般也是特定的,故影响其获得声音刺激的因素主要是上课的情绪与背景噪声。在组织幼儿园儿童上音乐课时,应当通过一些游戏之类的活动,调整幼儿心情,至少在上课前听音乐时,应使用适当方法让其保持安静,以便其听觉器官都能接受音符的刺激。 三、注意选择理论与音乐教学组织 根据认知心理学的注意选择理论,只有被注意,刺激才可能被加工而通过工作记忆进入大脑成为一种知识,那些没被注意的刺激往往未被加工或被衰减加工,从而不能通过工作记忆成为一种知识。引导个体注意某个物体的因素可分为两个方面:一是目的指向选择,二是刺激驱动捕获。个体的注意可通过一定方式进行干涉,要求个体集中注意即同时向个体呈现两个或两个以上刺激,但只要求对其中一个做出反应时,个体往往会选择注意被要求的刺激,其他刺激则很少被加工成知识;要求个体分散注意即同时向个体呈现两个刺激,并要求其均做出反应时,这些刺激能否均被加工成为知识,取决于任务的相似性。个体注意的选择还存在注意偏向,不同情绪的个体往往会对情绪具有一致性的刺激表现出注意倾向。 在幼儿园上音乐课时,很多老师都面临着幼儿注意力不集中的难题。这涉及上述注意选择理论问题,应当根据该理论选择适当方式进行解决:一是音乐教育对幼儿来说,由于他们并无明确目标需求,其注意种类属于一种刺激驱动捕获,但是,这可通过教师的课前激趣,将部分活动内容转化为目的指向选择,从而引导幼儿主动地将注意力转向音乐活动的内容;二是音乐对于幼儿来说是难度比较高的任务,而且他们以前未受过训练,在音乐刺激与其他刺激相竞争时,很可能导致他们注意其他刺激而不注意音乐刺激,因此教师应当以集中注意的方式进行干涉,同时采取如调低教室光线等措施,避免分散他们的注意力;三是幼儿音乐一般是比较欢快、活泼的内容,为避免幼儿的注意偏向,应当在课前采取一些措施,调整他们的情绪,使其与音乐内容相一致。 四、认知记忆理论与音乐教学方式 根据认知心理学的记忆理论,人类记忆是一个对信息进行编码、存储和读取的信息处理过程。信息要在大脑中较长时间地存储,一般要经过三个阶段的处理:感觉记忆、工作记忆和长期记忆。进入感觉记忆的信息比较多,远比个体所能感觉的要多,但其在相应感觉寄存器的保留时间很短,一般只有1/4秒。工作记忆也叫短期记忆,是一种从感觉记忆中提取信息的机制,信息就是通过工作记忆进行归类与编码,然后存入长期记忆。工作记忆能保留的信息模块只有7项,但保留时间可达20秒左右。长期记忆是对信息的意义进行编码,并予以存储。个体长期记忆的容量是无限的,时间也比较久,有的可长达一生。在幼儿园实施音乐教育,不仅仅在于让幼儿当场欣赏音乐的美,还在于让他们初步学会以音乐形式表达自己的感情与体验,因而也涉及一个记忆的问题。但是,幼儿园与小学教育不同,不可能组织专门的复习环节,一般也不存在家庭复习,因而只能充分利用上述记忆理论,通过合理教学方式达到教育目的。一是根据保持性复述原理,在音乐教学时,应当尽量选择那些不是很长的音乐,并予以适当次数的重复播放。二是根据心理学加工水平理论,在音乐教学时,教师应当适当将音乐内容与孩子们所熟悉的事物联系起来,以便引导他们赋予音乐相应的意义,从而达到长期记忆的效果。三是根据心理学干扰理论,在同一次音乐教学时,最好不要连续学习两首音乐,如果确有必要,也应当是两种不同风格的音乐;应当让幼儿保持一种愉快情绪,避免不愉快的情绪干扰他们的音乐学习。 音乐教育毕业论文:如何在蒙古音乐教育中体现学生的主体地位 摘要:主体性教学是现代教育理念与国家教育事业发展相结合的必然产物,当今社会的迅猛发展,迫切需要具备终身学习能力和自我发展能力的主体型人才。在蒙古音乐教学中,想要体现学生在学习过程中的主体性地位,就需使得学生主动自觉地参与蒙古音乐学习的全过程,激发学生学习的内部动机,满足学生的心理需要。主体参与型教学模式作为连接主体性教育思想和教学实践的桥梁,有着重要的意义和运用。 关键词:蒙古音乐 主体地位 学生 随着我国社会科学信息技术迅猛发展,对人才的培育成了至关重要的一个环节,在这个竞争激烈的新时代就要求社会学校改变人才培养模式,发展以学生为主体的主体性教学模式,培育创新型人才。本文就针对如何体现在蒙古音乐学习过程中学生的主体性地位为目的,研究学生主体性学习意识、学习习惯、学习能力以及课堂教学手段进行研究。 一、蒙古音乐学习中体现学生主体地位的内涵 主体性教学模式是随着时代进步的要求而发展出来的,其发展的目的就是为了培养学生的全面发展,提高学生的综合素质,以学生主体性参与教学活动为优秀的蒙古音乐教学,可以在一定程度上提高学生对于蒙古音乐的学习兴趣,更好地挖掘学生自主学习的潜力,使得学生养成自主学习意识,提高学生的审美水平。在蒙古音乐教学的过程中,要想达到发展学生主体性的目的,就必须在教学设计评价中的各个环节都要坚持以学生为主体的教学模式,让学生成为课堂的主人,满足学生的心理需求,使得学生更有代入型的进行学习,促进学生健康成长。在蒙古音乐授课过程中,以学生为主体的教学模式要根据学生的学习兴趣、学习状况、学习需求灵活调整教学方案,真正的使学生成为教学的主体,起到事半功倍的效果。尤其是对于蒙古音乐的学习来说,突出学生的主体地位,可以更好地激发学生对于蒙古音乐的学习兴趣,而蒙古音乐的学习关键就是要激发学生对其的学习热情,所以在蒙古音乐学习过程中体现学生的主体地位是非常重要非常关键的。 二、要在蒙古音乐教学过程中建立体现学生主体地位的教学模式 在现代教育理念与国家教育事业发展相结合的背景下,蒙古音乐教学过程中以学生为主体的教学模式的目标是为了更好地让学生参与进来,通过构建以学生为主体的教育模式,来完成既定的课堂教学任务并且深入地了解学生的学习状况,并且根据学生反映的实际情况和学习进度进行授课进度的调整,促进学生自身主体性的发展。众所周知,音乐教育是美学教育的一部分,而美学教育又是社会注意精神文明教育的重要组成部分,在蒙古音乐的学习过程中积极的体现学生的主体地位可以更好的培养学生对于美学教育的认识,提高他们的人文美学水平,所以在蒙古音乐的学习中突出学生的主体地位可以更好的因材施教,更好地对学生进行美学教育,这种体现学生主体地位的蒙古音乐教学模式对于整个社会文明的发展也具有一定的促进作用,教师要根据蒙古音乐课本的教学安排,结合学生主体性教学模式的教学特点,积极地听取学生的意见,真正地把课堂的主体交给学生,根据学生对于蒙古音乐的学习进度来安排学习内容,只有建立以体现学生主体地位为目标的教学模式,才可以在实际的授课过程中真正体现出学生的主体地位。在蒙古音乐教学中建设以学生为主体性的教学模式中,要注意以下几个方面: 1.要从学生的内心开始,更好地激发学生对于蒙古音乐的兴趣,让学生在兴趣的引导下,积极自主地开展对蒙古音乐的学习,教师积极地听取学生们的意见,保证学生在蒙古音乐学习中的主体性,起到对于物理学习事半功倍的效果。 2.在蒙古音乐的学习过程中,要培养学生的对于音乐的独立鉴赏能力,让学生学会离开老师自己去欣赏,而不全是在老师的引导下发现美。 3.在以学生为主体的教学目标下,教师要培养学生对于蒙古音乐的自主学习能力,鼓励学生多在课下唱一唱、学一学,合理地安排学习时间,使学生对于蒙古音乐的学习更加轻松。根据学生所反映的学习情况和对于音乐中的不懂之处,教师要重点的进行讲解,真正让学生成为授课的主体。 三、要注重蒙古音乐教学中学生主体性教学模式的授课方式 随着现代教育理念在世界范围内的广泛普及,我国教育事业也迎来崭新的一页,在蒙古音乐教学中学生主体性教学模式的授课方式更要别出心裁,让人耳目一新。与传统的授课模式相比,在现代教育的背景下,尤其是对于音乐教学来说,多媒体的应用无际是音乐教育的一个重大进步,在蒙古音乐教育中体现学生的主体地位更要求教师对于授课内容的熟练掌握。因为与传统的授课模式相比,学生主体性教学模式的教学方法更加灵活多变,教师要根据学生所反映的学习情况和学习方法进行教学内容的改变,真正的把课堂交给学生,这无疑是对教师的一次考验。 在学生主体性教学模式中,教师对于授课内容的学案准备是非常重要的。预案的教学内容要以学生当前所反映的学习进度、学习情况为前提,有预见的加入下一个音乐歌曲的简单内容,使得学生在进行不同音乐歌曲学习的时候有代入感,不会对于将要学习的音乐旋律感到很陌生。教师在每一次上课时都要用生动的语言将这节课要教授的蒙古歌曲的由来、创作过程等讲述给同学们听,让同学们怀着强烈的好奇心和求知欲去学习这节课要教授的内容,起到事半功倍的效果。在这样的教学环境下,学生的学习积极性被极大地调动起来,学生的课堂问题也会逐渐增多,学生在蒙古音乐教育中的主体地位可以更好地体现出来。教师设置蒙古音乐学习预案的内容更要符合当前学生的学习状况,要和学生进行积极有效的进行沟通,在和学生沟通的前提下制定合理的预案,不但可以更好地激发学生对于蒙古音乐学习的兴趣,而且还保障了学生主体地位在蒙古音乐教育中的体现。 四、结束语 总之,现代社会的高速发展促进了现代教育事业进步,在全球范围内开始出现一系列的教学改革,其中主体性教学得到越来越多的关注和认可。在蒙古音乐教育中体现学生的主体地位也得到人们的广泛关注。在蒙古音乐教育中使用主体性教学无疑是一个进步,只有从刚接触蒙古音乐开始,就采用行之有效的教学方法,体现学生的主体地位,才可以使学生赢在起跑线上。对于如何在蒙古音乐教育中体现学生的主体地位,将会得到全社会更多的关注。
钢琴教学练习论文:练习法教学下钢琴教学论文 1、采用助力法练习钢琴弹奏 在钢琴教学中通过助力法学生能够对弹奏方法有更深的体会,利用触觉对正确弹奏的方法进行感知,是一个有效方法。比如,在弹奏时学生表现出手指触键不能稳定站立,教师可以将触键方法在学生手背上亲自示动手示范。这样可以对学生的错误进行纠正,使其通过观察、感受教师的手指动作了解弹奏的正确方法,成功度过初级阶段,明显消除其因过分紧张而出现的错误弹奏方法或多余动作,提高并改善学生肢体等器官动作的准确性与协调性。但仍然没有巩固学生的弹奏技巧和技术,一些新的错误又会出现在弹奏过程中,无法将音乐作品的风格特征完整法和分解法完整、准确的表现出来。教师应以练习曲或乐曲的特点为依据,分声部、分句、分段、分手的让学生进行练习,并挑出练习曲或乐曲中的难点、重点部分进行单独练习,即分解需要练习的曲目,并形成单独和局部之间的联系。或者以能够将整首乐曲弹好为基础,集中精力练习特殊的技术难点,将其攻破,或者细化研究某个乐曲的弹奏,或分解练习合理控制各个声部力度的布局及变化细微的某个和声关系等。这种练习方法不仅可以使练习整首乐曲的时间大大缩短,提高联系效率,还能够为学生的合手练习打下坚实基础。教师在示范正确的方法时也可选择适当时机演示弹奏中的典型错误,以便学生在耳听、眼看、脑记和心想过程中加深体验,比较错误的弹奏和正确的弹奏,使学生的感知力与鉴别力提高。 2、采用分手法练习钢琴弹奏 采用分手练习法弹奏钢琴可以使人大脑中的负担减轻,更加集中精力,从而能够细心检查每只手的弹奏,使练习钢琴的质量得到保证。部分学生认为该方法过于麻烦,不进行或很少分手练习,自以为会达到缩短练习钢琴的时间,使练习进度加快的效果,但实际上往往不能达到。没有分手练习很可能导致学生在弹奏时出现许多问题,如错指法、错拍子、错音等。此外,两只手一般是承担难度不完全相同的技巧,应该用更多的时间练习需演奏难点部分的手,这是非常重要的,可以使练习效果得到相应提高。虽然分手练习从表现上看好像是花费了一些不必要的时间,但观察练习效果可以发现,该方法能够使两只手的弹奏质量都得到保证,做到更有成效、更加精细的练习,为学生进行双手弹奏提供了坚实基础。由此可见,分手练习并不是可有可无的,它是双手合练的必要基础。然而虽然一些学生在分手练习中两只手都能够顺利的完成弹奏,但在双手合练过程中却经常表现出错指法、错音等一系列问题。所以必须要认真、仔细的进行双手合练,不能掉以轻心。在练习新乐曲的开始阶段,分手练习无疑是非常适合的,其实即使在双手合练阶段中分手练习的反复进行也是非常必要的。教师应指导学生分手、合手两种方法交替进行,以便完成练习的整个过程。 3、采用无声练习法弹奏钢琴 学生在练习钢琴的过程中会逐渐形成自己的动作技能,并在该过程中形成智慧技能。基本上每一个学琴者都梦想掌握高水平的钢琴演奏技巧,所以才将大量时间花费在每日的钢琴技巧的练习中。虽然这种机械的练习会取的一定的进步,提高动作技能,但是也会引发一些被忽视的音乐问题。目前大多数人在3、4个小时的练琴过程中,一段时间只是机械的让手指在琴键上运动,练习中没有投入感情去体会。假如将无声练习穿插其中,不仅能训练手指,还可以发挥头脑的思考能力,让耳朵休息,舒缓精神。无声练习能使学生对乐曲的理解增强,反映出练习钢琴的过程中被忽略的细微情感与细小动作,使学生在复习乐曲使达到事半功倍的效果,感悟与理解乐曲的能力提高。用音乐的内在表现、活动的双手与内在的耳朵承担全部责任时,就能演奏出更有深度的音乐。 4、采用慢练法练习钢琴弹奏 慢练法就是像放大镜,可以扩大乐曲中的所有细节,以便演奏者对音乐中的各个音节都能谨慎注意,它是使全部技术障碍都被克服的根本。来得及准备和来得及想就是慢练法最大的优势,学生能够以听觉、视觉收到的信息反馈为依据,对缺点和不足之处进行调整。采用节拍器约束学生就是一个指导学生慢练的典型方法,使其能以乐谱中正确关系的规定准确认识音符,与此同时使用的奏法和指法也都是符合规定的、正确的。虽然这种方法会减慢练习的速度,但是学生得到的节奏与音响的关系是正确的,能运用正确的指法得到相应的奏法效果。这种方法能避免学生因基础弹奏方法错误在后期要利用大量精力和时间来修正。检验角度为练习法时虽能很快开始,但后期效果却不显著,慢练法缓慢开始练习,但是能为之后的弹奏创造条件、打下良好基础。例如教师对于参加考试考级、比赛和钢琴演奏会的学生需指导其将作品的节奏放慢练习,更好的掌握细节。当学生对音乐作品已经练习练习熟练后,假如没有将速度适当减慢,并有意识的进行巩固与加强,那么在技术方面,已经掌握的动作会渐渐模糊,不可靠也不准确,容易在演奏时出现失误;在音乐表现方面,由于训练并没有融入个人意识,表现的鲜明性也会逐渐丧失,不再精巧和细腻。艺术表现的感染力与说服力也会丧失。因此就算能够熟练弹奏乐曲,教师也应指导学生将速度适当放慢来练习。 5、结语 总而言之,在大专院校的钢琴教学过程中,各教师应以学生在钢琴方面的基础、学习规律以及掌握弹奏技巧的程度为依据有针对性的制定教学方案,选择合适的教学方法,使学生对学习弹奏技巧和技术的阶段性与规律性有充分的认识,使其在练习钢琴的过程中更加顺利。科学的教学方法能使学生更快、更好的掌握弹奏技巧,从而提高教学效率、改善学习效果,实现教学目标。 作者:邵琦惠 单位:武威职业学院 钢琴教学练习论文:浅议儿童钢琴教学中基础练习的重要性 【内容摘要】文章对儿童在初学钢琴时应遵守和注意的问题进行分析,认为在启蒙阶段应培养儿童学习钢琴的兴趣,注重钢琴教学中基础练习的重要性,要求教师和家长相互配合,从而更好的引导儿童学习钢琴。 【关键词】儿童 钢琴教学 基础练习、 如今,随着我国音乐教育的普及,钢琴教育也逐渐受到重视。在钢琴的学习过程中也会出现很多问题,最突出的是忽视钢琴的基础练习,这对儿童今后的进一步提高造成困扰,并直接关系到儿童在钢琴演奏中能否有完美的表现。 一、启蒙阶段 钢琴已经成为世界各国学龄前儿童音乐教育的首选乐器。儿童是国家的未来,加强儿童艺术教育不容忽视。然而,合格的钢琴教师人数较少,很多对钢琴一知半解的教师也开始钢琴教学,教学方法不得当会对儿童以后的学习产生影响。学习钢琴不仅锻炼儿童的大脑、眼睛、手、脚、耳朵和身体的协调能力,同时锻炼了孩子的记忆能力、阅读能力、指挥能力、分析能力、想象能力、理解能力和视听能力。 启蒙教育是儿童在学习钢琴过程中不可缺少的阶段,直接影响着儿童以后的钢琴学习。钢琴教育的启蒙阶段主要是学习基本乐理和手型手指,养成良好的读谱、视谱习惯。在儿童接受启蒙教育期间,家长的配合很重要,在儿童独自练习时,家长要对儿童出现的错误及时纠正。成功的启蒙教育能够使学生热爱钢琴,打下坚实的基础,向更好的方向发展。 二、音乐理论知识的重要性 对于钢琴初学者,面对的第一个难题就是识谱。当学生接触一首钢琴作品时,教师首要的教学任务就是如何让学生准确无误地识别五线谱上的音符信息,而后进行演奏。在经过长期的练习后可以增强学生的视奏能力。背谱是很多钢琴教师要求学生必须做的。将钢琴乐谱背下来有利也有弊,利在于背谱建立在对钢琴乐谱有非常深刻的了解基础之上,从而能够全身心地将注意力投入演奏中。但直接背谱很容易忽视作品当中的细节要求,如表情术语、乐句的划分等,容易出现错音的现象。准确地把握钢琴乐谱所蕴含的音乐信息,要从最基本的乐理知识学起,其中作为基础的五线谱是学习钢琴,乃至学习音乐的学生必须要掌握的。熟练地掌握五线谱能够为以后更好的识谱打下坚定的基础。教师可以让初学钢琴的学生了解一些简单的音乐常识,然后在教学过程中不断深入的学习乐理知识。 学生在使用五线谱记录音符信息时,要遵守一定的规则。只要正确地掌握这些基本规则,就可以清晰地识谱,从而能够准确地弹奏。音符由符头、符干、符尾三个部分组成。在五线谱中,如果符头的位置越高,表示该音符的音高就越高,反之就越低。变音记号是用来表示升高或降低基本音级的记号,如升记号(#),表示将基本音级的音高升高半音;降记号(b)表示将基本音级的音高降低半音。对于这些基本的音乐常识教师可以做简单的讲解,随着钢琴曲目难度的增加进而向学生传授更高级的乐理知识。另外,在弹奏钢琴时,学生首先应将乐谱唱出,再开始弹奏,否则在弹奏的过程中会出现错音或者停顿现象,从而使整首乐曲的演奏变得不完整。 三、手指技术练习 在弹奏钢琴时,手型不是一成不变的,应根据学生手指的生理结构和弹奏曲目难易程度而有相应的变化。 (一)正确的手型 弹奏钢琴正确的手型是手在放松的情况下放在钢琴上摆出的姿势。五指要自然分开。在弹奏的过程中,手指要随着乐曲节奏的变化而变化,而不是一味的保持一个姿势不动,这样会造成学生手指变得僵硬、不灵活。因此,在钢琴演奏中没有一成不变的手型要求,要跟着乐曲的节奏以及音乐的情感变化而变化,这才是正确的手型。 对初学钢琴的学生来说,手型是一个基本的要求。正确的手型能够更准确地弹奏钢琴键盘,将身体的力量传输到手指,从而很好的利用身体的力量去弹奏。教师不要将手型姿势强加给学生,正确的手型要放松手指,而不是将手放在钢琴上很长时间“耗”着,这会使学生的手变得僵硬,也会让学生产生对正确手型的误解,影响学生学习钢琴的兴趣。所以,教师要引导学生去感受手型的位置,从而对学习钢琴产生更大的兴趣。 (二)手指的要求 大多数初学钢琴的孩子手指还在发育的阶段,手指关节还没有完全成熟,控制能力比较差,在钢琴上很难保持住正确的手型,手指不能很好地支撑起手掌,从而导致折指,尤其是对于四五指的控制,这些问题是非常普遍的现象。教师要依照儿童手指结构、手掌大小进行钢琴练习,要让学生的手随时保持放松的状态,每天要有固定的时间来专门练习手指的控制力,但时间不宜太长。 (三)手指基础练习 手指要具有独立性和灵活性。要求每个手指都必须有独立触键的能力,独立灵活的手指能对各种速度音符进行很好的诠释。手指要具有力量,十个手指的触键力量是不同的,在训练时要区别对待,要求十指要具有相同的触键能力。 结语 钢琴的基础训练是非常重要的,也是不可缺少的。加强基础知识的练习,是钢琴学习的重要组成部分。作为钢琴教师,要掌握科学的训练方式,具备高度的责任感,从而培养出优秀的钢琴演奏人才,更好的诠释音乐作品。 作者单位:齐齐哈尔市查哈阳农场初级中学 钢琴教学练习论文:拜厄钢琴练习曲的教学方式及运用 【摘 要】本文从结构内容、进度安排、音乐性等方面入手,对《拜厄》的教学方式及运用进行论述,意在对《拜厄》的学习起到促进作用。 【关键词】拜厄钢琴练习曲;演奏技术;教学方式 《拜厄钢琴基本教程》是专门为钢琴初学者而编写的一本浅显易懂的钢琴教材。 教材采用高音谱表入门法,从“右手触键练习”开始,采用一指入门,逐步扩展至二、三、四、五指。《拜厄》的第一部分是音乐入门知识。这一部分主要包括一些音程、音符、时值、拍子、拍号以及半音和休止符等基本乐理知识,并且在书中附有六个八度的钢琴键盘图,在介绍相关知识时,运用钢琴键盘图来说明,使学生在学习的过程中更为直观。给钢琴初学者识谱带来了很大的帮助。在讲到音符时值等方面,书用运用了图表,直观性很强,更为浅显易懂。 《拜厄》的第二部分主要是为触键做的准备练习,训练初学者的手指动作,训练每一个手指在演奏中要的独立性和果断性。这一部分中包括左手、右手的单手触键练习,双手的触键练习,还有与教师配合,分单手和双手共同演奏的变奏曲和练习曲。并且在这一部分的练习中加入了边弹作品边数拍子的方法,更好地培养了学生的韵律感和节奏感。在两首变奏曲中,还有加入连音线的乐句,训练学生在演奏时要注意连贯,学会在触键时体会重心的转移。要求每一个手指在触键时要高抬指,下一个音触键以及前一个音抬起时必须要同时进行。从作品的第三首开始,就注重引导学生双手配合,其中的第三首至第七首训练演奏时双手的平行进行,第八首至第十首开始训练左手弹奏固定低音,右手弹奏旋律。 《拜厄》的第三部分是双手的技巧性练习,从第十二首到第一百零九首,这一部分是教材最主要的部分。结构安排计进度上都有着非常强的逻辑性。从最开始将五个手指顺序的放在C――G音上,到逐渐转移到C――D音上,再后来转移到A――E音上。这样的安排方式也运用在双手的配合上,这种训练不仅可以拓展双手演奏的音乐,同时还能训练双手演奏的独立性。在作品中还运用了高八度的重复和音阶,这样使得五个手指的演奏得到了很自然的拓展。在学习全音时值方面,同样是运用循序渐进的原则,先学习全音乐、二分音乐,逐渐加入附点音符,再到八分音符和十六分音符。 在《拜厄》中,针对幼儿设定出了十一类循序渐进的技巧内容,第一类是在固定的位置进行弹奏,例如第十二首,练习时让身体保持正确坐姿,手臂自然放松,学生可以非常轻松地演奏,这样可使幼儿全身心的控制手型、手指以及作品的节奏。第二类是和弦伴奏音型的弹奏,第三类是双手平衡发展的练习,第四类是双手“落―提”训练,第五类是音阶式弹奏方法的训练,第六类是双音弹奏练习,第七类是变化音及装饰音的弹奏练习,第八类是音乐节奏练习,例如第八十八首,这首作品中,学生要掌握附点音符的时值及强弱,并且高中低音区的对位必须严谨,这样可以培养幼儿对节奏肢体的认知;第九类是半音阶的弹奏练习,第十类是流畅性的弹奏练习,第十一类是小乐曲弹奏练习。《拜厄》作为技巧性练习为主的教材,的确为初学者提供了比较系统的练习内容,作者在前言中也明确指出,“本书的对象是儿童,是钢琴学习的简易入门教材,因此,书中的课程安排也尽可能的循序渐进,但一无遗漏地解决钢琴弹奏上遇到的所有难题,不属本书的范畴。”① 《拜厄》在训练演奏技术方面,有着非常重要的地位,但它所体现出的音乐性也是值得好好研究的课题。不能将《拜厄》的练习视为枯燥的、无味的技术训练,这样很容易使学生成为练琴的机器。如果将技术训练变成单纯的敲击键盘,不仅不能提高技术水平,反而会影响学生的思维,使他们失去对音乐中美的享受。培养学生科学的练琴方法并养成他们的良好习惯十分重要,看到孩子的进步要多赞美,保持孩子的兴趣。在教学中,要让学生学会用耳朵聆听,通过聆听让他们感受音乐,浸润心灵,从而激发学生们的创造性。并且让孩子学会歌唱和舞蹈,通过歌唱和舞蹈来表达内心,这样能更好地把握音乐的内涵,为钢琴演奏带来莫大的好处。为了适应21世纪世界钢琴艺术的发展潮流,我们不仅应该学习世界优秀的钢琴文化,吸取国外先进的教学经验和教学方法,更要积极地发扬中国优秀的传统文化,促进中国钢琴教育事业的更大发展。 作者简介: 王 雨(1981-),女,籍贯:辽宁沈阳,研究方向:钢琴表演,单位:广西师范大学音乐学院,2013级硕士研究生,专业:学科教学。 钢琴教学练习论文:浅析幼儿钢琴教学中兴趣的提高和基本功的练习方法 摘要:钢琴教学是一种较为庞大的音乐教育活动。近年来,我国许多钢琴教育工作者在依据不同的学生进行有针对性的实践分析和理论研究。许多钢琴教育文献也开始建立起较为完整的教学设计和教学模式。 关键词:幼儿钢琴 兴趣 基本功 一、幼儿在钢琴学习中的优势与劣势 幼儿的心理发展可分为前期与后期。 前期,0岁到3岁。这一时期,孩子的运动能力发展非常快,但这一阶段处于没有自我意识的状态,也没有抽象思维能力,所以,在前期不能进行高级智力活动。 后期,3岁到6岁。这一时期,记忆力开始逐渐发展,注意力的集中能力方始具备。 (一)幼儿在钢琴学习中的优势 1.有足够的时间接触音乐 幼儿在学习钢琴期间没有其他的学习压力,可以边玩边学习有关的钢琴知识。而随着孩子年龄的增大,学习压力也会相应的增加,学习钢琴可能就不会全身心地投入了。 2.有益于手指能力及手掌关节的发展 具备较长的手指和较宽厚的手掌是学钢琴较为理想的前提。在通过初期的练习,在孩子成长过程中渐渐打开孩子的手掌关节,使其手指赋予灵活性,可以为今后打下良好的底子。 (二)幼儿在学习钢琴中的劣势 1.注意力集中时间不长 幼儿的注意力最多只有二十分钟,他们往往学琴会有始无终,只会在自己感兴趣的情况下才会练习一下,过多的重复练习会让他们觉得枯燥无味,从而注意力开始不集中。 2.控制手指的能力相对较弱 幼儿的思维能力并不成熟,所以对自己身体的控制能力并不是很好。他们的手指无力,对手型的支撑并不能很好的坚持。为了弹响琴键,往往要调动手腕的力量去压键,从而就会改变手指触键的部位,手指关节的塌陷。 二、在教学中如何激发幼儿钢琴学习的兴趣 良好的开端等于成功的一半,而兴趣是成功重要的推动力。幼儿只有真正的音乐感兴趣后,才会全身心的自动参与到学习中来。但在教学中如何将这短暂的兴趣发展成为持久的学习热情呢?这时我们就可以采取一些适当的方法来慢慢引导。 (一)选择适当的幼儿音乐教材 美国现代心理学家布鲁姆指出:“学习最好的刺激乃是对学习的材料发生兴趣。”幼儿时期,孩子往往会对带有插画,有色彩,有故事的图书产生兴趣。例如《约翰汤普森・简易钢琴教程》,在这套图书中,有大量图片,编者把图片与五线谱结合起来,对孩子在弹琴时进行引导。由于每首乐曲都有自己的标题,很容易激发幼儿丰富的想象力,并且丰富的色彩,较大的音符,阅读起来也比较方便,这一类教材幼儿都比较喜欢。 (二)运用孩子自身的想象力和语言的趣味性 在给幼儿的教课中,怎样与孩子沟通是重要的。这一时期,幼儿的语言水平不成熟,可以清楚地表达自己思想的词语不多,而教师的一些专业的音乐术语孩子可能完全不会理解,这就会造成一个“讲不清楚,听不明白”的上课局面。所以,教师在这个时候就要运用“儿童语言”去讲解,运用生动有趣的语言,并且语速要缓慢,再配合适当的肢体语言,能时刻吸引他们的注意力,使其能听清楚听明白,密切地参与到教学过程中去,激发他们学习的兴趣。 1.专属于孩子的音乐时间 一些家长在督促完孩子练琴后,自己却去看电视、上网,这时孩子的好奇心早就跟着家长去“看电视”了,他会觉得练琴是剥夺看电视的时间,从而没有心思去练琴,时间长了可能会带着抵触情绪去练琴。 2.挑选适当的练琴时间 练琴时间的选择制约着孩子的热情、孩子的学习兴趣。 兴趣,可以促使孩子去主动的学习钢琴,他能促进,推动孩子在学习中的探索精神,从一种“要我学琴”的状态转变为“我要学琴”的状态,这样的话,在钢琴的教学和学习中,教师、家长和学生就会愉快、轻松的进行。 三、幼儿在学习钢琴中基本功的练习方法 在幼儿时期,孩子的思维水平还不是很成熟,所以较高难度的钢琴作品无法去完成。这一时期孩子的可塑性和模仿能力相对较强,所以对于孩子在钢琴学习中,基本功的大量练习是很有必要的。 (一)手型 “手型”这一词语,对于孩子和家长一定并不陌生。几乎所有的孩子在上第一节钢琴课时,都是从“手型”开始的,家长在初期的陪练时也会较多的关注手型。 手型是我们弹琴时最基本的形态,在教学中,我们可以用最直观的方法,让孩子的小手握住一个苹果、抓住教师的手腕等等一些方式去做准备,孩子也会非常容易的理解。在练习过程中,教师和家长应当多多提醒孩子手指关节的突出,手掌不可外翻,手指不能掉键,这个过程可能会持续的时间较长。 (二)五指独立性的练习 《哈农钢琴练指法》这本书对于大家能并不陌生。的确,这是一本练习五个手指独立性很不错的教材,但对于幼儿来说,这并不适合。幼儿在学琴初期,作品往往只有几个小节,音符度数基本在五度之内,所以就要选用一些简单的练习模式。 在练习过程中需要注意的是:慢练,控制好速度。孩子在弹几遍后,往往觉得熟练了,便会加快速度,不再注意触键和手指的支撑,反而不能达到手指练习的目的;多用耳朵听。让孩子自己用耳朵去听辨自己在练习时,每个音符的时值和速度是否平均。 (三)节奏感 节奏是音乐的脉搏,是音乐的生命。 幼儿在钢琴学习中对于音符的时值没有多少概念,在弹琴时,按照自己的喜好,想弹多长就弹多长,最后会导致乐曲不成样子。 在唱完谱后,先让孩子进行单手练习,保证在弹奏时,音符的时值能完整的保留,然后在双手配合起来,一般左手的音符少,时值长,左手弹奏一个音,右手要配合多个音,在弹奏前就要让孩子在谱面上标注出来是哪几个音对应哪几个音,只有这样,孩子才能明白乐曲的节奏是怎样的。 (四)指法 钢琴的键盘上共有88个键,而我们只有10个手指,我们就要运动合理的指法。基本功的练习需要较长的时间,而且过程也会比较枯燥无味,教师和家长应当多多的鼓励孩子。而基本功只有运用到乐曲和练习曲中才能得到检验,得到进一步的提高。 四、结语 面对幼儿的生理和心理特点,我们在教学过程中发现了种种问题,探究、改进教学方法,使孩子在学琴道路上少走弯路。在幼儿的钢琴教学中并没有复杂的音乐理论,对于他们最重要的就是兴趣的培养,兴趣的一直存在才有利于他们在以后学琴道路上的坚持,他们才能更好地融入于音乐,在音乐的世界里无限徜徉。 钢琴教学练习论文:钢琴教学手型基本功练习的重要性探讨 【摘要】钢琴演奏是一门艺术,是体力劳动与脑力劳动互相综合的活动,演奏者必须具备相当高的技术,而手型手指的基本功练习是钢琴入门阶段的基础,也将贯穿在整个钢琴学习过程的始终,对学生今后更高层次的钢琴学习和对钢琴的理解与态度都起着重要的作用,不可小视。为此,本文分别从基础中的基础、手型手指特点、手指独立性培养和手指基本弹奏动作几方面进行了基础教学的探讨。 【关键词】钢琴教学手型手指基本功练习 随着人们对精神文化需求的增长,大量的人们在学习钢琴,可有所成就的比例少之又少,大部分家长与学生的要求是让学生在最短的时间内达到一定的程度去,去适应社会考级,甚至要求速成。如果老师真按照这类家长和学生的心理要求教学,造成的后果往往是基本功练习的欠缺,以致根基不稳。一番阶段性练习过后,教师却无法引领学生进入更深的层次,使很多学生不得不遗憾的终止了钢琴的学习。因此,手型手指的基本功练习对学习钢琴十分重要,不容忽视。 一、钢琴学习中手型手指基本功的相关阐述 弹钢琴的手型,是几百年来人们经验的总结,有其科学性,在学习中要遵循这种规律,另一方面,学习过程中如果手型过于固定,死板,也会产生另一种偏向,因而对手型的要求也必然更自由。有一个好的手型,关键是指掌关节五指指关节的站立。手腕与黑键键面基本保持在一个水平高度,掌关节站好并略突起,使手掌成拱形。保持手型,主要靠大指和小指的支撑,这两个手指的形状和位置不同于其它手指,大指短而粗,小指细而小,它们都位于手掌的外侧,容易躺着触键,致使手型七扭八歪。如果它们能站好,那么基本手型也就容易保持。 客观上讲,钢琴演奏中没有某种固定不变的手型。“几乎任何一种手的姿势都可以行得通,只要是这种姿势合适,符合手的构造,符合音乐组成的高低起伏,更重要的是不破坏动作的统一。”然而,对于初学钢琴的孩子,正处在学习钢琴演奏的基础阶段,我们又非常强调培养一种正确的基本手型。这是因为,为适应钢琴键盘的排列结构和弹奏技巧,需要人的手和手指具有一种有利于弹奏动作和弹奏力的运用与传送的正确状态。这种状态要最符合人手的天然长势和手指动作的生理机能(也就是人类最放松时的手型,比如睡觉时手的形状)。于是,我们把这样一种手的弹奏状态叫做基本手型。我们在入门和基础阶段强调的所谓正确手型,从某种意义上来讲,不可视为绝对的、一成不变的东西。希望家长们了解这一点,不要把某种手型,或者说某种基本手型视为一种绝对的东西,认为只有某一种手型才是正确的。 二、儿童学钢琴常见的困难与对策 儿童未经训练的柔弱小手在不具备弹奏需要的肌肉能力时、极易形成弹奏手型的不良姿势和不良动作习惯。对种种不良手型,不在此一一例举。概括起来,不良的手型主要表现在两个主要方面: 首先是指甲关节(通常称第一关节)和掌关节(通常叫第关节)塌陷呈凹状,这个问题的主要危害是不能获得正确的发音、以后会影响到手指快速跑动。 其次是出于弱指的软弱使它们在站立和弹奏时会产生某些手指的多余动作和多余紧张。它可能表现为某些手指相互依靠、或某些手指伸直、卷曲等。这会直接影响正常弹奏,造成弹奏的不均匀、僵直生硬和能量的浪费。 纠正不良手型主要依靠加强手指的独立支撑能力来解决。用一个极普通的例子可以说明:凡站立有困难或缺陷的人、走路的姿势必定不正常,出怪相。手指也是一样,只有当肌肉能力发展到每个手指不依赖其他手指帮助而独立支撑,不牵动其他手指产生多余动作和多余紧张而独立动作时、基本手型就形成并真正得到了巩固。 1、如果孩子掌关节凹陷,可把一只乒乓球放进丝袜中,绑在孩子手上(球在手心部位)再弹琴,这样坚持一段时间,会有一定的成效。 2、让孩子双手十指相对作抱球状,每对手指不停地做分开、相碰动作。(但手指必须是自然弯曲状)。 3、也可将以上两种方法结合起来,将双手分开平放在桌面上,十个手指不停的轮番敲打桌面,也能达到训练目的。 4、找一些简单抒情、指法不太复杂的乐曲慢速弹奏,要求孩子弹每个音的手指动作都要达到标准要求。 三、培养手指独立性,适应钢琴弹奏的需要 钢琴演奏的基础是手指,手指的基础在于手指的独立支撑,手指的支撑是站立式钢琴弹奏的基础。长期的教学实践与观察中,我发现,很多教师或者学生没有把手指支持的训练放到一个重要的位置,以至于为日后的演奏带来很多的问题和麻烦。我认为在钢琴入门阶段,手指的独立支撑训练要占据一个非常重要的地位,要作为一个专项予以足够的关注。手指的支撑是相对的,并不是绝对的。手指是支撑手臂的支架,但手臂又是身体传导力量的桥梁,他们相互作用并牵制着。以下是对每个手指的逐个分析: 1指的特点,有些学生弹一指时掌关节不能支撑,一承受重力就会塌陷,必须加以纠正,通过外力让关节凸出。经过一定时间的训练,肌肉能力增长了,慢慢可以恢复。这个阶段切不可急于求成,无所顾忌地错误训练。 2、3指的特点是比较有力,但第一关节比较薄弱,容易塌陷,所以要十分注意。 4指是最不灵活的手指,力量比较弱,未经训练的4指往往依赖于其他手指,不够独立。如忽略其特征而非不断加以纠正,力度便无法集中。所以,在练习中要坚持正确的锻炼,并给予特殊的关注。不可急于求成,欲速则不达。 5指是最为柔弱的手指,支持力最差,所以我们见到很多学生都是让5指躺着弹奏,这时,教师一定要加以指导。小指的关键在于第一关节与第三关节的凸起,教师可以让学生练习之前把正确姿势摆好,而后坚持几分钟。日积月累地训练后,肌肉的力量增强了,小指的支持问题便迎刃而解。 五个指的不同特征,造成了它们容易形成不同的毛病,但我们应确信,经过认真训练,不急于求成。完全可以改掉毛病,养成各自的弹奏独立性,使手型规范,以适应钢琴弹奏的需要。 手指独立了,支撑力强了,接下来就可以让学生学着在琴键上“走路”了。断奏相当于孩子站稳了,开始迈步的时候。抬脚相当于提腕,提腕的力量来自于手臂的肌肉,手腕要习惯放松,手臂手腕要协调,接下来就是降落的过程,自然地降落。降落后的手指保持的姿势就是前面提到的独立。弹琴的手指独立地支撑,做好基本的手型。这个过程非常关键,一定要体会手指的支撑与肩、肘、腕以及身体的放松。必须完全达到要求,才可以继续以后的课程,不可急于求成,这个阶段是基础阶段,一旦形成不好的毛病,便很难改变。 四、结语 孩子弹琴时手型不标准并且很难纠正,或是纠正后又不能保持,几乎所有学琴的孩子都遇到过这个问题。关键是在初学钢琴的早期,就应注重正确手型的训练,如果让一些不良习惯养成便会根深蒂固,即使日后努力纠正获得成功,也难免今后还会在无意间再度恢复,给日后的继续学习和提高演奏技巧造成重大障碍,所以这也是最令家长头疼的问题。小孩子正处于成长发育期,指骨、肌肉、韧带还都十分柔嫩,缺乏力量,所以作为家长,切不可指望在短期内就能让孩子练好手型。必须要耐心地帮助孩子,不厌其繁地提醒孩子注意保持手型。 钢琴教学练习论文:浅谈钢琴教学中如何提高钢琴练习效率 摘要:对于钢琴学习者来说,选择正确的练琴方法,从而有效地提高演奏水平,是一个极其重要的问题。针对钢琴练习中存在的普遍性问题,文章阐述了科学的练习方法,意在使学习者懂得用脑练习的重要性,针对自己在练琴过程中存在的不足找到适合自己的练习方法,从而解决问题,提高练琴效率。 关键词:提高;练琴效率;有效方法 钢琴演奏是一门技术种类繁多、技巧性极强的艺术,艰苦反复地练习是每一位钢琴学习者学习过程中极其重要的环节。对一名钢琴学习者而言,寻求和遵循正确的练习方法是至关重要的。怎样练琴才能提高效率、收到良好的效果是每个学生所关心的问题,亦是本文讨论的主要问题。下面笔者将从以下四个方面进行阐述。 1.重视课后的第一次练习 许多学生不重视课后的第一次练习,认为上完课就万事大吉,以至于"突击"时才发现老师课上讲的内容已经忘了一大半,所以,学生在课后应尽可能在最短的时间内复习上课内容。上课时老师必定会指出学生演奏中的一些问题并对演奏方式提出建议,所以,在课后第一次练习时首先要认真地浏览一遍乐谱,在浏览的同时回忆上课时老师的讲解,再加上自己的理解,动手在谱面上做详细的标记,然后再进行练习。在练习过程中要求慢速练,边看谱,边看标记,边动脑,手、脑、眼并用,反复练习几次,这样有助于及时消化上课内容。而对于新布置的曲子,在课后的第一次练习中需要注意的是不要打开乐谱马上弹,首先要回想老师在课上讲到的对曲子的要求和需要掌握的技术难点以及练习方法。急于先动手而不动脑的练琴习惯是不可取的。 2.全面读谱 我们要完成一部钢琴作品,读谱是第一步,也是最基础最关键的一步,认真识谱,在脑海里留下一个正确的初步印象可以避免走弯路。拿到一首新曲子,首先,我们应该通过读谱去思考一下乐曲的作者、创作年代、创作背景以及作品的风格类型,以便于对作品有整体的印象,在练习过程中就不至于偏离风格。其次,要注意谱面上的各种音乐表情术语、力度标记以及速度变化标记等,挖掘隐藏在这些术语之中的音乐形象以及情感定位,这样有利于弹奏者把握乐曲的情绪与风格,准确无误地表达作曲家要塑造的音乐形象,力求达到作者的要求。再次,要仔细读谱面上的细节问题,比如指法、节奏等。最后,在读谱时,除了上述内容,还要注意从作品的调式、调性、和声、旋律等方面去仔细研究,分析作曲家乐思的丰富内涵,才能对作品有更深层次的认识,并尽可能完美地演绎出来。 3.规范并固定指法 指法的运用是否合理,对完成作品起着重要的作用。在练习过程中,应该在一些自己认为指法容易混淆的地方标明指法。很多同学认为这是小儿科,对此不屑一顾,其实并非如此。举一个身边的例子:有两个同学同时弹一首曲子,其中一个识谱很快,一个上午便能双手合下来,然而去琴房听她弹时,发现她几乎每一遍的指法都不一样,而且十分别扭;另一个同学刚开始弹单手,在乐谱上写满了指法,编得亦十分顺手、易弹。两周后,这个同学的曲子顺利通过,而前者却还在改指法的过程中……因而若想提高练琴效率,标明并固定指法是十分重要的。 最好在视谱阶段即记下正确的指法。有些乐句需要考虑几种指法,可以参考不同版本中编者所注明的指法。因为乐谱上标记的指法是经过作曲家深思熟虑,并且有一套科学规律的。千万不要任意更改指法。当然,如果谱上所标的指法的确不适合演奏者本人,这时弹奏者可以根据自己的手指条件写下一个适合自己的指法。 4.分解练习 分解练习就是将曲目分段、分句、分手、分声部甚至以小节为单位进行反复练习(切忌从头到尾一遍遍地弹奏,那是事倍功半的做法)。每首曲目有它不同的结构,有点曲目声部不多,织体简单,一般为一个旋律声部,一个伴奏声部。即左右手各弹曲目中的某一个声部。例如,在初级阶段的《汤普森》、《拜厄》、《车尔尼599》中部练习。而有的曲目则声部多,织体复杂,一只手往往不止弹奏一个声部,有可能弹奏两个或更多的声部。像这种情况,就必须以单手的良好演奏来做保证,即采用分手练习、分声部练习。这样才不至于出现混乱,导致于弹奏的含糊不清,毫无层次感,缺乏音乐性、表现性。例如,大家都熟悉的巴赫的三部创意曲第四首。我们不难看出,其上声部是由右手来弹奏,下声部是由左手来弹奏,而中声部则是由左右手的相互交替来共同完成。要将这个中声部弹奏好,要靠左右手的密切配合,注意两手的交替不能出现痕迹,就像是一只手在弹奏一样。当每个声部都准确流畅的完成后,在将各个声部综合起来进行合练。在合练时,还应该先练其中的两个声部,如上声部与下声部、上声部与中声部或下声部与中声部。当两个声部配合好了,再进行所有声部的配合练习。在练习的过程中,严格做到音位不错、节奏准确、指法不错并固定、奏法规范、表现力到位等等。否则,效果肯定是不会好的。 5.听觉训练 这里所说的"听觉训练"是指倾听音乐作品结构、音色、音响效果等方面的训练,而并非视唱练耳课中那种关于音高、节奏等的听觉训练。钢琴音乐是听觉艺术,要想使演奏的音质及音乐的表现力得到完善,在练琴过程中学会倾听自己的音色是至关重要的。这种敏锐的听觉不是天生的,而是长期训练出来的。要有敏锐的听觉能力,首先要有倾听的习惯。这种习惯产生于内心的情感,只有内心对作品的音乐形象、整体风格有了一定的理解时,才会有对声音的追求和设计。有了想法再去听细节问题,比如,要听弹出的每个音的音色是否达到要求;听弹出的音的时值、音的高低是否丝毫不差;听弹出的声部线条是否清晰平衡;听弹出的音量、音色是否均匀统一,并随时根据声音来检查和调节自己的弹奏方法。如果学生会运用听觉来指导自己练琴,不再是手指盲目的机械动作,就会更加有目的性,大大提高练琴的效率。 钢琴的练习必须遵循科学的方法,上述几种方法并不是截然分开的,应当把它们与实际情况结合在一起并灵活运用,不断地探究、认识、发现并解决问题,苦练加巧练,保证练琴质量,从而提高练琴效率。 钢琴教学练习论文:浅谈钢琴教学中的练习方法 摘要:钢琴教学过程中如何让学生在练琴后能达到较好的学习效果,需要指导学生运用合理科学的练习方法并通过这些方法使学生养成良好的练习习惯,提高练习的效果。 关键词:钢琴;练习;方法;提高 钢琴练习是需要学生通过反复重复练习并形成演奏技能的艰苦学习过程。它能培养学生克服困难,做到自我约束、始终一贯的认真学习。那么钢琴练习的方法是非常重要的,科学的方法就更为重要。由于钢琴的演奏技法要求高,所以学生在练习上就要花费较多的时间和精力。学生在钢琴练习中方法不同,达到的效果也就各不相同。所以,教师在教学中要用科学的练习方法来指导学生,使他们能够较好地运用,逐步形成适合自己的有益的练习习惯。[1] 那么适合学生个人又合理科学的练琴方法不仅可以提高他们的练习效率,更能提升他们的耐心和持久力。 1 钢琴练习的坏方法 1.1 从头至尾数遍数练习 有些学生在钢琴练习时,一遍一遍的重复弹奏,弹错了或者没练熟都从头练习,而不去用头脑想该怎样练。长时间的坏习惯逐步养成,以至于重复练习很多遍也没有较好的效果。很多学生在练习时都是从头到尾不断地弹奏,这样练习看似认真,实际上效果不大,容易产生沮丧心理。做为教师,对于学生的这种坏习惯一定要纠正,不能继续这样的练习,继续的话只是在耗费时间,浪费精力,头脑没有思考,弹奏出来的音乐也是麻木、机械的。所以练习前要地设计好应该如何练习?怎样练习?做到有方法,出效率。 1.2 没有音乐感觉的练习 部分学生练琴只是在完成教师布置得任务,认为练习熟练就可以了,弹对音和节奏就行了,对作品的音乐感觉不加以重视,乐曲弹奏出来的感受力和表现力一般。虽然好的音乐感觉是天生的能力,但通过训练和培养也是可以得到提高的。这在钢琴教学中也是比较重要的任务。教师可通过引导启发学生对音乐的感受能力来提高和改善学生的音乐修养和审美,做到用心去练习。 1.3 不用耳朵机械的练习 学生在练习钢琴时都是做到如何将作业练得熟练些,基本不使用自己的耳朵去听下自己弹奏的是否悦耳?很多学生练琴时在比拼声音有多大,速度又多快,不去想象弹奏的音乐应该是什么样的音色和感觉。机械的练习致使很多学生没有用耳朵去倾听的习惯,手指跑动快了,耳朵却变得麻木了。只有做到学会倾听,手指与头脑才能协调,声音效果就能得到改善,手指弹奏技巧自然就进步了。 2 科学的练习方法 2.1 慢快分合 慢练是解决技术难点的主要方法,它可以减少弹奏错误,让技术水平练习的较为稳定和扎实。学生在练习新的音乐内容时,首先必须慢速练,这样眼睛和头脑可以及时地注意到乐谱上的各种音乐要求;其次在扎实的慢速练习后便可进行稍快的练习,之后还需要慢速与快速结合的练习。 分手练习使学生能准确地正确的按乐谱要求演奏。如乐谱中的多声部就更需要学生分手练习,这样不仅可以平衡两只手的能力,更能加强手指对多层声部的演奏。分手练习比较熟练后,合手练习时音乐就会较完整和流畅,和慢快练习相同的是,分手与合手也是需要进行循环反复的练习。所以慢快分合都是为了学习者能够在练习中达到作品的要求,减少练习错误,让演奏做到轻松自如。 2.2 先易后难 一首音乐作品的技巧难度很少会呈均匀分布状态。[2] 练习时先练习简单的,其后再练习较难的,由浅入深、层次分明的进行。简单的练习可以使人得到放松,手指弹奏业能做到相互协调。一首作品里难点的地方总有几处,这样的难点必须单独进行练习,做到慢快分合,对难点的练习要积极地坚持每天重复并有质量的去练,只有加强对重难点的练习并集中的反复训练,就能克服手指的不足,得到较好的进步。所以,不论是基本练习,或是乐曲,都要做到先易后难,合理分配时间,有利于消除弹奏紧张,能提高学生的自信。 2.3 新旧结合 古人云:温故而知新。学生每周在练习教师布置的新内容后,尽量留出一些时间对已经学过的练习曲或乐曲进行选择性复习。复习可以强化已经学习过的知识,更能巩固对知识的记忆。进行及时复习或集中复习是非常必要的。已经学习过的练习隔一短时间复习的话会比当时练习的时候要轻松一些,还能及时检查学习漏洞,将当时没有完备的知识和技巧表现巩固的更好,旧的内容与新内容结合练习。能使学生将音乐知识系统化,保持了音乐学习的连续性,提高了练习和学习的效率。 3 练习方法的实施 3.1 充分的时间 钢琴练习需要合理充分的运用时间,并根据练习内容安排时间。练习是一件非常劳力劳心的事情,每天都需要保持相对集中的时间进行练习,不能练一天休息一天,只有每天练习才能有进步。练习时间的长短因人而异,注意力集中的情况下能练多久就多久,有些人可能一小时,有些人可能3~4个小时。只要能坚持固定练习并把它变成一种习惯,每天都有保持一定时间量的练习,那么我们的练习也一定能收到好的效益。由于人对任何事物都很容易产生兴趣,也会很快失去兴趣,那么钢琴练习上就更需要做到自我控制、自我调节,每天安排好练琴时间并坚持下来,就能取得进步。 3.2 坚韧的毅力 钢琴练习是持久艰苦的往返练习,必须刻苦勤奋,更是对学生毅力的考验。必须要有较好的自我约束能力来坚持每天进行练习。只有经过一句一句的慢练,做到按节奏练习,严格遵守书本指法,从单手练习到双手练习再到乐谱的背奏,是一个不断反复的过程。这样的过程是需要用毅力来坚持做到的。坚持下来了,就会有丰厚的回报。此外我们还需要不间断的,用科学的方法进行持续的技巧练习,在持续练习中培养学生的毅力和耐力以及坚强的品质。在练习中,必须要通过无数次的反复重复弹奏,直到对学习中的一项技巧的完全掌握。这在练习过程中还需要用耳朵来听,用眼睛仔细的看谱,找到音的准确位置,这些都是对学生耐力和意志力的极大考验。 总之,以上所说的科学的练习方法是互相作用,不可分开的。学生可以根据自己自身的情况进行灵活运用,认真地分析各种练习方法,找到最适合自己的练习方法,也才是最科学的方法。 钢琴教学练习论文:高师教学中对钢琴练习曲的两点新认识 练习曲对于任何一个从事器乐演奏专业的人来说都是一条必经之路,钢琴演奏者就更不例外了。自键盘乐器诞生以来,各种各样的练习曲就应运而生。随着300余年的钢琴艺术发展道路,练习曲也经历了一个漫长的演变过程。从克莱门蒂到车尔尼,从肖邦到普罗科菲耶夫,直至当代作曲家利盖蒂,钢琴练习曲见证了整个钢琴艺术的历史。(本文所研究的练习曲并不包括如勃拉姆斯、飞利浦、哈农等作曲家为钢琴而作的单纯技术上的“钢琴手指练习”。) 总体来说,钢琴练习曲从风格上可以分成三个不同时期的三种不同类型:1.古典乐派时期。以克莱门蒂、克拉默、车尔尼等作曲家的作品为主,其风格较贴近古典钢琴作品的奏鸣曲和协奏曲,且技术目的明确,通常都会在巴洛克和古典钢琴作品以及部分浪漫派钢琴作品中得到延伸;2.浪漫乐派时期。以肖邦、李斯特、舒曼、门德尔松为首的浪漫乐派作曲家在古典练习曲的基础上加入了多种多样的音乐元素,使其成为了真正意义上的艺术作品,却保留着古典练习曲写作中技术性明确这一重要特征,无论从钢琴演奏技巧上还是音乐艺术表现上都大大提升了钢琴练习曲的难度,步其后尘的还有德彪西和斯克里亚宾,其练习曲风格都独辟蹊径,直至拉赫玛尼诺夫的音画练习曲,已经把抽象的音乐语言上升到表象的绘画艺术,甚至能够让人们产生一定的虚拟视觉印象;3.现代派练习曲。继拉赫玛尼诺夫之后,可以说练习曲已经失去了其原来的意义。普罗科菲耶夫、斯特拉文斯基等作曲家已经冲破了传统作曲观念,把以练习钢琴技术为目的的练习曲变成了充分展现自我个性和作曲技巧的钢琴炫技作品。更有甚者把经典的肖邦练习曲改编成了几乎无人可以胜任的超难度练习曲,如波兰著名钢琴家戈多夫斯基。当代创作的练习曲更是多种多样,其中还有以利盖蒂的《魔鬼阶梯》为代表的无调性超难度练习曲,令大部分钢琴学习者望而却步。 本文所要探讨的内容就是在高师钢琴教学实践当中,让学生重新认识古典练习曲的意义和价值。以车尔尼的钢琴练习曲为例,每一个专业学习过钢琴的学生都对其再熟悉不过了。也许有人会认为这是老生常谈,但在做出这样决定的同时,做一个简单的测试:检验一下学生中目前有几个人能完整无误地背奏或者分析5首以上车尔尼740钢琴练习曲呢?在音乐学院学习钢琴专业的学生是以表演为目的的,弹奏车尔尼练习曲对其来说更多的是获得演奏技术的手段与过程,在掌握了足够的演奏技巧,也就是“弹会了”以后,车尔尼练习曲在他们之后的演奏生涯中意义已经并不那么重大。而高师钢琴专业学生学习车尔尼练习曲的目的则不同,我国师范类院校重点还是以培养中、小学教学人才为主,而目前专业音乐类中、小学(如音乐学院附属中小学)在全国还屈指可数,那么在普通中、小学校,提高音乐教育的专业性就成为了当前高师钢琴专业学生的重要任务之一。每一个高师音乐生都应该具备良好的专业素养,以便在将来的教学生涯中得以运用,而通过对车尔尼等古典练习曲的系统学习和研究恰恰可以实现这一点,从而对于每一个有可能走上专业道路的青少年钢琴学习者给予必要的帮助和启发。笔者作为一名有17年教学经验的高等师范院校的钢琴教师,对此发表一些新的看法。 一、古典练习曲演奏技术以外的教学内容 针对古典练习曲的演奏技术、技巧等课题的研究成果在今天已经层出不穷。我国钢琴基础教育近年来也逐渐在国际上得到承认,甚至于每一个合格的钢琴教师都有一套如何在练习曲中获得弹奏技巧的方法。但除此之外,人们也常常忽略了钢琴练习曲对于音乐本身的练习内容。所谓练习曲,并不单单是手指机能和技术技巧的练习,这也是钢琴练习曲区别于钢琴手指练习的明显特点。首先,古典练习曲在曲式上往往采用A―B―A的简单三段式写成,其结构清晰明确,易于捕捉。这也是构成任何一部古典奏鸣曲或协奏曲的呈示部的基本音乐形式,在学生还没有能力独立分析一部钢琴奏鸣曲的时候,一首古典练习曲的曲式分析将是最好的练习内容。其次,古典练习曲中的和声进行是以传统和声为基础的,每一个独立的乐句中都能够清晰地分辨出其和声进行。当学生还不具备一定的和声知识时,教师在教学中有必要先将学生所学习的每一首练习曲中的和声功能逐一标注出来,以便于学生彻底理解和弦关系。除此之外,古典练习曲中音乐情感的认知对学生日后学习其他作品尤为重要。还是以车尔尼练习曲Op.740为例,其中许多练习曲是带有明显感情色彩的音乐作品,如第九首“轻巧地跳跃和断音”,其中的主体情绪是欢快、明亮且略带有一些诙谐色彩的舞曲,和其技术要求是相呼应的。试想一下,如果学生在学习过程中以沉重、悲伤的或是其他情绪来练习,那这首练习曲的技术目的就无法实现了。又如第十二首针对于左手的练习曲,其右手的d小调和弦进行部分俨然给了人们一种英雄走向悲壮的进行曲形象,而中间的一段D大调和弦进行又让人们联想到仿佛是英雄在回忆往日美好的生活……虽然是练习左手,可是一定要加入右手所表现的感情才算是真正意义上达到了本课练习曲的要求。第二十七首右手部分中的隐藏旋律和左手和弦进行中的旋律婉转如歌,仿佛是一对恩爱的情侣在以二重唱的形式吟唱彼此的幸福,带给人们的感受是美好、和谐的,自然也就不能以愤怒、激动的感情来练习。诸如此类的古典练习曲还有很多,教师在教学过程中应该细细体会,把曲子的情绪完整地传达给学生,并引导学生在弹奏练习曲的同时由内而外地表现音乐,而不是单纯地机械练习。许多教师在钢琴练习曲教学中往往只重视技术,训练手指技巧的方法千奇百怪,而一两句话就可以令学生以全新的理念来学习练习曲的工作却被忽视。长此以往就会形成一个不可逾越的怪圈,把钢琴演奏艺术变成某种体育运动似的形态。苏联著名钢琴家、教育家涅高兹早在《论钢琴演奏艺术》一书中就提出,应该将音乐形象融入到技术练习当中。针对我国高师钢琴教学的现状,笔者认为,从古典练习曲入手,让每位学生在枯燥的练习之余还能以美好的音乐形象提高音乐修养,是每一个钢琴教师应尽的义务和责任。 二、古典练习曲和浪漫乐派练习曲之间的联系 当学生已经可以以看待音乐作品的理念来对待古典练习曲时,那么教师在整个练习曲教学中的工作就已经完成了一多半。因为按照钢琴演奏技术的发展,在古典练习曲之后必然要接触浪漫乐派的艺术性练习曲。高师钢琴教学中自然不能对绝大多数的学生做出像音乐学院那样演奏整套艺术性练习曲(如肖邦练习曲Op.10或Op.25)的要求,但窥其一二还是完全有必要的。教师的任务就是细心观察每一个学生的身体机能和生理条件,选择最适合学生弹奏的浪漫派练习曲。这里指的“适合”并不是要以浪漫派练习曲来解决学生的某些弹奏技术,而是就学生技术的突出方面选择其能够胜任的曲目。笔者认为,直至印象乐派为止,所有的钢琴演奏技术都可以在古典练习曲中获得。在每学习一首浪漫派练习曲的时候,一定要有几首技术类型和音乐形象都较为相似的古典练习曲作为基础。如肖邦练习曲Op.10第一首和车尔尼练习曲Op.740第十四首,左手的音乐表现形式就极为相似,都是以庄严的圣咏形式为基调,而740第三十六首的右手部分的琶音跨度与肖邦第一首练习曲的右手部分也颇为相近。学生如能顺利地完成这两首740中的练习曲,那么就极有可能在肖邦的第一首练习曲中表现出色。又如李斯特的三首音乐会练习曲中的第三首降D大调UN SOSPIRO(叹息)和车尔尼740中的第十八首练习曲也有着相同的技术要求,都是两只手从容地交叉着行进,触键感觉轻柔优美。再如安东・鲁宾斯坦的练习曲Op.23第五首的前半部分和车尔尼740的第三十八首,同样是以双手交替快速弹奏八度和弦(相似的技术类型在李斯特的十二首超技练习曲中的第八首《狩猎》中也能见到),而后半部分的右手双音部分则能看到克拉默六十首钢琴练习曲中第二十九首的影子。还有斯克里亚宾的练习曲Op.42第三首和克拉默六十首钢琴练习曲中的第十四首都是以练习颤音为目的的,所不同的是克拉默练习曲中每组颤音之间采用的是六连音,而斯克里亚宾则采用的是三连音,但感觉上极为相像。诸如此类的相似之处不胜枚举,有兴趣的教师或学生可以自己进行研究和对比。这种教学尝试其实并不困难,就算视奏能力不强的人,也只需必要的乐谱和一定的音响资料,多听多看,必将令学习效率事半功倍。 以上是笔者在教学生涯中的一些认识,希望能够帮助到更多想在钢琴艺术上取得成绩的高师学生。也许在钢琴教学中还有着许多问题有待商榷和斟酌,但笔者认为,只要本着严肃认真、严谨治学的工作态度,就一定能完成国家和社会赋予教师的神圣使命。 作者单位:太原师范学院音乐系 钢琴教学练习论文:谈数码钢琴教学中哈农与音阶技巧的练习 【摘 要】数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容,可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力,能够多出人才快出人才,有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。本文就数码钢琴中的哈农基本练习及音阶技巧谈了自己的看法。 【关键词】数码钢琴;教学;哈农练习;音阶 数码钢琴集体课作为一种新兴的教学模式由国外传人得到愈来愈多的重视,其原因一是由于国内高师音乐教育改革趋势的推动,同时也是受到国外先进教学经验和理论的启发。数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容,可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力,能够多出人才快出人才,有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。 在数码钢琴课中,钢琴基础教学就显得十分重要。钢琴基础教学主要包含两个方面:手指基本灵活性的弹奏和手指技术技巧的练习。针对这2个方面我们会使用到《哈农钢琴练指法》这本书,在这本钢琴书里哈农基本练习是针对手指灵活性来练习的,而音阶技巧是对于手指技术技巧的练习。 看到很多的人在讨论哈农练习重要不重要的问题,我发现赞成与否的刚好是对半。这说明国内对于哈农练习的认识还不够,我们认识的很多世界著名演奏家,到现在哈农练习也还是他们每天必做的功课,这说明什么问题?我看过很多老师上课时对哈农练习的要求,我认为都不正确,按他们这样的要求,一条一条的练习,对于学生来说的确是没有什么用处的。我的学生都要求每天做1-20或21-38条连奏的,44条以后的每条起码是反复10遍。那么在数码钢琴教学中我把哈农练习分为四个阶段,在这里我首先介绍第一阶段的练习,第一阶段的练习又分三步走: 第一步:哈农1-20条连奏 为这个练习我专门做了1-20条的省略版,这样就不会让学生在练习的过程中有翻谱的动作。我的要求是一气呵成,开始是用“高抬指快速触键”的方式慢练。在触键动作都符合要求后再加快速度,直到能够做到音色均匀、很清晰、很轻松的完成后,就变换一种触键方式继续按照从慢至快的练习,直至把基本的触键方式在哈农1-20条上都熟练的掌握好。开始练习时由于耐力问题,你可能练习到第8条至第10条会有很疲劳的感觉(我把这种情况称为耐力临界点,这个点是因人而异的),记住,不要停下来,坚持下去就会感觉又有了新的力量,直到把20首都练习完成。这种练习要求每天至少一遍,有时间的话最好是三遍,上午一遍,中午一遍,晚上一遍,每天每遍都用不同的触键方法。第一步的练习时间将会持续将近一年的时间,在这个过程中,你会收到意想不到的效果。 第二步:每条在12个调上跑完 这个练习开始时会很别扭,因为大指和小指不断的要上黑键,黑白键有高有低,一定要控制好手腕的平稳,特别要关注大指的主动性。由于调式的关系,经常会遇见要弹奏两个黑键之间夹缝的情况,记住,一定要做到准确、扎实,不要一味的图快,讲究质量是首位的,音色的均匀是这种练习的重中之重。1-20条都能够在12个调上很轻松的跑动,这时你的手指力度、弹性和耐力都已经产生了质的飞跃 第三步:1-20条双手不同触键方法 第三步的练习主要是学会快速变换触键方式的能力,开始时,你可以一遍只换两种触键方式,如前10条是“高抬指快速触键”,后10条是“低指位快速触键”,然后再逐渐加上“非连音触键”等等,最后是两条一种触键方式。我经常教学中会用上行一种触键,下行又是一种触键,然后是左手一种触键方式,右手另一种触键方式,例如:左手用“指尖跳音触键”,右手用“连音触键”。这样的练习很有意思,让你体会不同的触键而产生的不同音色带来的美感。这个时候你就可以进行第二阶段的练习了,也在这个时候,由于你触键方法的丰富,对乐曲情感的表达能力将会不可同日而语了。 接下来我们说一说音阶技巧的弹奏,音阶是钢琴作品织体中的重要组成材料,弹好音阶是掌握钢琴演奏技术的重要保证。?从技术训练的角度看,音阶弹奏要求每个音级力度均匀一致,所以弹奏音阶练习对于平衡发展手指的控制运用能力具有十分重要的价值。 第一条音阶,可以从C大调音阶开始。音阶练习可以从一个八度逐渐向两个、三个及四个八度发展,具休发展形式可采取变节奏的练习,例如:采用每分钟76-86拍的音乐速度(中等速度),按照四二拍子的音乐节拍律动要求,弹奏一个八度音阶,力求力度均匀一致的四分音符感觉;弹奏两个八度音阶,追求强位音突出的八分音符感觉(一拍内均匀地两个音),逐渐发展成三个八度音阶力求弹出强位音突出的三连音感觉(一拍内均匀地三个音);直到以后发展为四个八度音阶力求弹出强位音突出的十六分音符感觉(一拍内均匀地四个音)。 正确的顺指法、穿指法和跨指法,是弹好音阶的基本保证。手腕和手臂放松自如,是音阶弹奏平稳流畅的生理机制保证。音阶的变节奏练习,要有明确的节拍要求,切忌“盘子喝水一漫来”的“大写意”无序。强拍音或强位音在哪个手指上,就要突出哪个手指(尤其是四指)。大拇指要灵活并有所控制,不可无序地始终弹奏重音。拇指在音阶弹奏的过程中,要有提前量的任务准备,不可躺在键盘上弹奏。拇指与其他手指的交替弹奏要连贯自然,不可出现间断痕迹。 音阶的弹奏练习可以先分手后合手,练习中要正确掌握指法规律,并做到双手弹奏整齐划一。在音阶提高性的弹奏练习过程中,可采用音乐速度慢快结合、分手与合手交替的学习方法。弹奏音阶时,心中要有旋律性的歌唱,把音阶作为音乐来表现。 在正确熟练掌握C大调音阶演奏的基础上,可以进入G大调、D大调、A大调和E大调音阶的练习。这五个大调音阶的弹奏指法相同,需要特别关注的是键盘位置的变换及黑白键交替的把位手感。 关于音阶的指法、详见《拜厄》和《哈农》。切记音阶弹奏指法的正确固定,以保证弹奏的流畅连贯。音阶练习属于演奏技术材料之建设内容,需要做为日常练习持之以恒。音阶演奏质量的目标追求是运指灵活、反应敏捷并有一定的速度感及颗粒感。 在音阶弹奏质量的优化过程上,要更多地贯穿着“慢练”与快弹的有机结合,牢记速度是在正确的基础上自然地提升上来的,而不是硬逼出来。否则,势必造成弹奏中的僵硬痉挛。清晰、干净、均匀、流畅、颗粒状、歌唱性、平衡自如和节拍感,要始终记在心间并富之于长期实践。 音阶练习,对于初学钢琴者是重要的基本功训练。练习好音阶,需要注意几个方面: (1)练音阶的重要性:练习音阶很重要,一方面可以提高控制和运用手指的能力,二是可以熟悉指法,巩固记忆;三是可以熟悉键盘位置,熟悉调试及其转换,提高演奏能力。 (2)树立明确的目标:练音阶,首先解决的是一个“立”字,解决五指不立和掌关节发紧,只有苦练才能达到目标。二是学会一个“慢”字。只有会慢练,才能逐渐加强力度,增加耐力,并为以后的加速打下基础。 (3)防止一个"混"字:A大调,#f小调,g小调,C小调,这几套关系大小调,易混淆,指法易错,只有经过反复训练,直练到准确无误为止。 (4)采取分组练习法:将学过的音阶分为四组,每次练琴时先弹两组音阶,再弹乐曲,而后再弹音阶,交叉进行,每组慢练五次,快练一次,逐渐增加次数,来调动练琴的积极性。 数码钢琴教学中哈农和音阶是每一个高师学生需要去练习也是必须去掌握的,只有通过这些坚实的基础训练才能帮助学生提高自身的钢琴弹奏水平。在练习的同时也得要掌握好正确的练习习惯与方法,抓到了方法,获得了习惯,能使学生的钢琴弹奏更上一层楼。 钢琴教学练习论文:钢琴教学中学生良好练习习惯的培养 〔关键词〕 钢琴教学;练习习惯;弹奏;慢速练习;读 随着社会经济的发展,钢琴已逐渐走进了部分百姓家庭。学习钢琴有助于开发孩子智力,培养孩子毅力,拓展孩子艺术视野,已经成为广大家长的共识。但钢琴的学习过程并不像想象的那么简单,其本质上是学生动手动脑习惯的培养过程。著名钢琴教育家但昭义先生对于钢琴练习曾说道:“练习习惯是比练琴本身更重要的素养。”尤其是对于中小学生来说,如何让他们养成良好的练习习惯来渡过练琴的每一个难关,也就成为了一门教学艺术,其也是钢琴教学中需要解决的首要问题。 一、培养学生正确规范的弹奏习惯 大多数中小学生因没有弹琴基础,初学钢琴时,基本采用的是“断奏”,即非连音奏法。非连音奏法的基本要点是:手腕带动手臂慢慢提起,手指自然落下,整个手臂要有挂在键盘上的感觉,第一关节自然站立不能弯,手腕与手背基本持平,不能低于键盘。在整个非连音弹奏过程中,教师要引导学生自然提起手臂并自然落下,发挥掌关节和指关节的支撑作用,触键手指保持自然站立,其他手指则应放松贴键,使整个手臂的力量传送到指尖,以体验“站稳”、“站好”的感觉。在学生有了“站稳、站好”的基础后才能开始“走”的教学,也就是连音奏法的教学。连音奏法的初始练习必须借助高抬指的动作来完成,以增强掌关节的活动能力,提高手指的灵活性。在连音奏法教学过程中,教师要让学生学会把握手指用力方向及爆发力较强的快下键指触,这样才能弹出饱满圆润的声音。 二、培养学生慢速练习的习惯 初学钢琴的中小学生往往会乱弹一气,盲目求快。实际上,学生在初学钢琴阶段不能用过快的速度进行练习,而是要慢速练习。慢速练习是钢琴练习的基础,其可以缓解学生心理压力,有利于学生掌握和巩固奏法,使弹奏更为轻松。练习新曲时,教师应指导学生养成先唱谱后分拍子,先单手练习而后再双手合练的习惯。对于学生已经练熟的曲目,也应要求他们花一定的时间去进行慢速练习,并在练习过程中检查所弹奏的曲目有没有问题,弹奏是否做到了速度均匀,乐曲表达流畅、完整。要通过有效讲解让学生明白:慢速练习是为了更完美地演绎乐曲的内涵,是一种很必要的练习,而保持完整的、等比例的慢速练习,等同于放慢速度的演奏表演,它在检查问题所在的同时,还有着加强力度,提高颗粒性,细化表情的作用。当然,慢速练习不是最终目的,其作用在于让学生有时间去发现问题,思考问题,使学生的双手做好充分的准备,以达到技术上的要求,使每个音保持稳定性,为流畅演奏乐曲打好基础。 三、培养学生用心读谱和动脑练习的习惯 错音、错指法、丢呼吸是中小学生初学钢琴时容易犯的毛病,出现这些问题的主要原因是学生读谱不认真。要解决这一问题,教师应使学生养成良好的读谱和动脑练习习惯。首先,可以让学生把自己的弹奏和教师的弹奏进行比较,让他们从声音上去感觉两者不同之处在哪里,如,错音、表情上的减慢、减弱,以及不同的段落和分句等。然后,要培养学生动脑练习的习惯。在平时的教学中,教师一定要引导学生学会分析和冷静思考,使其养成大声数拍、分拍子弹奏的习惯。最后,教师要善于发现学生在弹奏中的错音、错指法的形成原因。可从他们喜欢的乐曲入手,暂时避开枯燥的双手指法练习,让其从单手逐句练习做起,及时肯定他们的进步并纠正他们单手弹奏中出现的错误,直至他们的单手练习能做到音符、指法、节奏、奏法、呼吸“五不错”,才可以让其进行双手弹奏。 四、培养学生用琴声表达音乐感觉的习惯 钢琴学习的目的最终还是为了用琴声去表达内心音乐感觉,通过演奏去感染听众。为此,教师在强调乐理知识学习的同时,不能忽视对学生音乐感觉的培养。而如果没有规范的弹奏就不会有动人的声音,没有扎实的指法基本功和弹奏技能也谈不上音乐感觉的表达。教师在强调技能训练的同时,要引导和启发学生去想象,去用琴声表达音乐感觉,要教会学生在正确区分音乐“顿连”的基础上准确把握弹奏的强弱,以更好地表现音乐形象。 钢琴教学练习论文:车尔尼24首钢琴练习曲(作品777)研究与教学 【内容摘要】车尔尼是奥地利著名的钢琴家和作曲家,他所作的钢琴练习曲在钢琴学习中具有不可替代的地位。通过对车尔尼钢琴练习曲的分析,我们能够感知他的音乐才能以及学习练习曲的重要性。 【关键词】车尔尼 练习曲 钢琴学习 车尔尼,奥地利著名的钢琴家、作曲家和音乐教育家。他出生于维也纳,是19世纪上半叶维也纳钢琴学派的创始人。车尔尼从小学习钢琴,并被称为具有“非凡才能”的学生。作为贝多芬的高徒,车尔尼于1812年演奏了贝多芬第五钢琴协奏曲《皇帝》,并能背谱演奏贝多芬的全部钢琴作品,对贝多芬的作品起到了积极的宣传作用。车尔尼很快就成为了维也纳最著名的钢琴教师,他的学生弗朗兹·李斯特、莱谢蒂茨基、库拉克都成为了钢琴家。 作为钢琴教育家,车尔尼一生创作了1000多部音乐作品,内容涉及当时音乐创作的所有领域,包括歌剧。在这数量极大的作品中,流传至今并依旧被人们采用的有那近80集数以千计的练习曲。从技术课题之丰富、数量之众多及教学中的实用性来看,直至今日仍堪称世界上最出色的钢琴教材体系。这些练习曲是车尔尼以自己丰富的教学经验并付出了毕生精力写成奉献给后人的一笔无价之宝,开启了几代钢琴家们的智慧和潜能。 对初学者而言,指法错误是正确演奏钢琴过程中的重大障碍及严重危害之一。无论学生手的大小如何,严格的指法练习会对其以后的钢琴演奏有很大帮助。正确的指法习惯应在简单的曲目学习中就有意识地培养。 车尔尼24首固定五指练习的钢琴练习曲(作品777),是专门为少年儿童编写的简易钢琴曲集,主要训练和解决右手固定指位的弹奏技巧和手指在不同节奏、不同音型下的反应机能。整个教材共24首简短小曲,并在C、F、G、D四个调上构成,每首乐曲的旋律都十分优美。右手的旋律完全在五指固定的范围内,对于右手5个手指的独立性有非常有效的帮助。在不断的教学过程中,笔者发现这24首练习曲对于左手和弦、音程、琶音等固定指位设计均有巧妙之处。 练习曲的排列顺序为:1.C大调练习曲(第一首至第六首);2.G大调练习曲(第七首至第十二首);3.D大调练习曲(第十三首至第十八首);4.F大调练习曲(第十九首至第二十四首)。 本作品集以固定右手五指位置为主。所谓固定位置,表示手摆好后没有转换的指法。本集只用了C(do)—G(sol)五个音,在练习的过程中只需要将5个手指对准相应键盘位置就可以练习。右手在练习过程中手臂、手腕要保持平稳,要明确用指尖去找键盘使声音平均清晰,声音间应保持连贯,乐句线间注意抬手动作。 这部分中最有特色的就是左手的伴奏音型,分为以下几种:1.柱状和弦形式;2.分割和弦形式;3.分解和弦形;4.短琶音形式;5.综合运用形式。这几种伴奏形式贯穿了24首练习曲,以下笔者着重分析左手和弦指法编排的特点及练习方法。 第一首(柱状和弦形式) 练习提示:和弦的练习一定要正确使用手臂的重量,特别注意左手指法顺序的变化。通常我们在弹原位三和弦时用5、3、1指法顺序,但在这条曲目中左手1至3小节的原位三和弦的指法为4、2、1,第四小节为C大调Ⅴ级和弦的第一转位,使用的指法为5、3、1,在练习过程中要特别提醒学生注意。在本首乐曲中出现了和弦半连音的标记(在左手2、4、6小节中),练习过程中要重点体会弹奏方法的转换。 第二首(柱状和弦形式) 练习提示:左手演奏方法同上,注意一至四小节的和声变化Ⅰ—Ⅴ7—Ⅰ根据和声变化指法也发生了变化,主和弦的指法恢复了常规5、3、1的使用,第三小节的指法使用了5、2、1指,这样就可以解释第一首曲目与第二首编排指法的区别了。 第三首(分割和弦形式) 练习提示:左手在练习过程中手臂、手腕要保持平稳,要明确用指尖去找键盘使声音平均清晰,注意和声的连接的变化,指法是第一首与第二首曲目三和弦的分割混合运用。 第四首(分解和弦形式) 练习提示:左手由断奏动作转换为连奏动作,在练习过程中要注意掌心动作和指尖的配合。开始练习时所有手指动作高度一致,下键力度统一。在进一步加快时要注意5指、3指动作主动,大指尽量贴键弹,这样才能达到最终的练习目的。 第五首(短琶音形式) 练习提示:左手前两行演奏动作为连奏,最后一行的演奏动作为断奏。连奏时注意练习重点在4指和5指。一定要注意4、5指是否站稳,声音是否到底。准确使用指法,合理利用手臂重量、认真体会重量在不同手指指尖的转换,是练习好这首曲子左手部分的关键。 第六首(综合运用形式) 练习提示:所谓综合运用形式就是前四种形式的综合出现。在练习时不要急于练习本首曲目,应该把前5首曲目的左手部分各练2—4小节,体会每种形式手的动作感受,然后再练习本首曲目的左手,同时注意各种演奏形式在相互转换时手动作的准确性,这样才能达到最佳的练习效果。 以上五种形式始终贯穿这24首练习曲中,在NO.9、12、13、14、18、19、20中出现了用4、5指延音的情况,在练习上一定注意保持够拍子,不要让手指提前抬起或松开。 在右手的练习上,要注意手的连断动作的变化,让手保持正确的弹奏方式。需要特别提出的是在NO.6、9、20、22出现了短倚音,在练习时可以先把装饰音省去,当熟练掌握旋律的节奏时再把这些小音符加入到旋律中去。这样能最大限度避免由于装饰音的出现造成的节奏混乱。在NO.24出现了类似顺回音的装饰音形式,音符都为32分,很容易让学生误解为速度要很快,这种追求速度的弹奏不仅使声音不均匀、不清楚,而且容易造成肌肉紧张使声音僵硬。为了有充分的时间来弹装饰音,笔者建议,学生在练习初期一定不要速度过快。四个音的装饰音作为一拍来弹,与左手的第三拍最后一个音对齐,均匀弹满一拍。弹奏时不要太着急,应保持节奏的平稳,顺畅的与主旋律连接起来。本套曲目是基础性的练习,所以在练习过程中还是要以手部动作的准确性作为关注点,加强手的演奏机能,使练习曲中的每个乐句演奏的线条清晰,乐句优美,真正把技术和音乐结合起来。 作者单位:天津艺术职业学院音乐系 钢琴教学练习论文:李斯特练习曲《叹息》的钢琴演奏与教学 摘要:李斯特,匈牙利人,19世纪伟大的音乐家、钢琴家和指挥家。在创作和演奏上都取得了令人瞩目的成就,尤其是交响诗与标题音乐这一体裁的创立,作品音乐会练习曲《叹息》这一形式的具体表现,也是李斯特在魏玛时期的经典之作,也是练习曲体裁革新标志,打破了传统的纯技能训练实践,赋予了练习曲丰富的想象力。 关键词:李斯特 练习曲 《叹息》 钢琴演奏 教学 高难度的专业演奏技巧和生动的音乐内容能够提高练习曲的欣赏程度,把练习曲提升到了一定的境界,成为演奏家在音乐会上经常出现的曲目。《叹息》这首作品虽然是练习曲,但它的艺术价值和研究价值是不容忽视的,让人们在领略李斯特作品的炫技之外再次感受艺术之美。本文通过对《叹息》的表现及李斯特音乐作品的分析来体会李斯特音乐创作中的技术、内容与形式的完美统一。 一、李斯特音乐会练习曲《叹息》的演奏分析 (一)创作背景 从19世纪20年代起,直到60年代,李斯特都一直致力于钢琴练习曲的写作。期间李斯特创作的钢琴曲多数都能反映他的钢琴炫技的艺术特点,他把乐曲所要表达的艺术情感和钢琴技术的表现形式做了完美的结合,打破了以往练习曲中的长且单调的传统练习方式,把演奏技巧融入到诗画中,以便更好理解。同时,李斯特还将他大多数的练习曲都附加了标题。如:《钟声》《叹息》《森林的呼啸》《侏儒之舞》《玛捷帕》《英雄》《狩猎》《鬼火》《幻影》等等,栩栩如生、鲜明动人,使之适合在音乐会上演奏,所以这些练习曲又被称为音乐会练习曲。《叹息》(Un So Spiro),降D大调,深情的快板,是1849年出版的《三首音乐会练习曲》之三,李斯特以《诗意的随想》为题标注其上,其中包括《哀诉》(Il laments)、《轻盈》(La leggier)和《叹息》。《叹息》是这一组练习曲中最著名的、最具独创性与歌唱性的作品。 (二)创作风格 李斯特的练习曲不同于其它练习曲光注重技巧练习,也非常注重情感的表达,情感是李斯特练习曲中一大特色。这是一首令人感动的练习曲,折射出作者丰富的情感表达。这首练习曲旋律十分优美,通过一连串琶音跑动进入主题,琶音的跑动以及主题都是用左右手交替完成,对于练习左右手的衔接非常重要。连续不断的分解琶音从头到尾保持着,有如荡漾的涟漪,一条如歌的旋律在其之上由两手交替着奏出,令人产生无限的遐想。虽然是断开的音,但却犹如歌唱一般柔美。就像在云彩的阴影下水面忽明忽暗,在风的吹拂下波浪时高时低。那如歌的旋律被李斯特一会儿放在伴奏音型之下,一会儿又夹杂于其中。乐曲的优美旋律倒是颇有田园意境,优美的旋律中,仿佛乘着一艘小船,在一望无垠的大海上慢慢的飘荡,那会有一种难得的闲逸、清静。大量的分解琶音,和弦的美妙变化带动旋律线的起伏,如同人的思绪,纵然再多的怀念也只能化作一丝丝叹息。随着调性与和声色彩的转移及音区的变换,音乐的情绪也随之起伏变化,层层推动着音乐,使人仿佛置身于一片广阔的天地之中,展现了大海宽阔的胸怀。结尾上不可思议的下行全音阶的大三度和弦,正如黑暗中发出的一声叹息,曲终发生的叹息,孕育着叹息后的升华,仿佛给人意犹未尽的感觉。这首需要两手交替演奏主旋律、并辅以轻柔的琶音伴奏的曲子是李斯特极至浪漫主义的极好体现。这华丽的奏法,是李斯特的后浪漫主义风格和炫技演奏的最好证明。 (三)演奏技巧与节奏 作品《叹息》的节奏是非常灵巧的:主题旋律部分是建立在四四拍的基础上,更加规范化。有趣的是伴奏的节奏更像散落的节奏,演奏时注意(rubato)的节奏特点:作品《叹息》中附点节奏和六连音相对以及复附点节奏和七连音对应,对于这种复杂的节奏的处理需要一些自由表演。特别是延长记号的注释标记,让音乐有一种深呼吸的感觉,想说但什么都不说: 作品《叹息》的技巧并不难,它必须需要认真研究和反复的推敲琶音、音阶、双音快速的半音级这样的技巧和音乐内涵吻合。技巧与音乐的高度是李斯特作品重中之重。而音乐与技巧的结合,可以起到最佳的效果。与之相反,完美的技巧能充分表现音乐的魅力。因此,钢琴演奏的最高水平是使音乐的技巧服务于音乐。作品《叹息》由不同的琶音组合而成,演奏中要注意灵活性和预见性。 钢琴演奏中,节奏是钢琴演奏的基础表现形式,在演奏中占有无可厚非的重要地位,要想演奏中节奏运用的自如,不仅要掌握最基本的钢琴演奏理论做铺垫,同时还要对作品的创作风格有深度的了解。因此,节奏决定音乐表演的成功与否。 二、李斯特音乐会练习曲《叹息》的教学研究 在钢琴教学中,演奏技法的训练是非常重要的。好的演奏技巧会引领演奏者进入更为广阔的艺术殿堂,那么完美的艺术想象也会因为缺乏技术的支撑变得蒙上阴影。钢琴学习者必须通过正式和严格的技术训练,形成一个良好的演奏技习惯,以获得一个正确良好的演奏状态。 作品《叹息》是一个温和的快板allegroaffettuoso。对该段进行初步的分析,《叹息》的谱面上有很多的表情记号,如:节奏要求,强弱要求,速度标记,触键要求,踏板技法,声音的色彩要求等演奏方法的指导教学。在教学中,老师要按照作曲家的创作意图来引导学生如何对待表情符号,明确表情符号的正确意图,不能模棱两可,不求甚解,做到心中有数。以便更好地诠释作品,这是钢琴教师的职责。 李斯特《叹息》是一首具有艺术价值和技术价值的作品,突破了传统的纯技能训练实践,赋予了丰富的想象力和情感。降D平深情的快板,主题突出、优美、生动,具有强烈的艺术感染力,深受人们的喜爱。随着现代科学技术的发展,录音技术变得越来越丰富。作品《叹息》的音频版越来越多。这是延伸与创作的重要关系。 随着现代科学技术的发展,自动钢琴也似乎能演奏出作品的原有的风格特征。然而,人们仍然喜欢由演奏者来演奏,这表明二度创作不是一个机械模仿的音乐,而是更为重要的音乐创作。音乐表演的二度创作,必须实现原有风格的和创造性的统一。其真实性是诠释正确的解释,理解作曲家在特定历史时期的音乐风格,把握好作品的体裁和音乐的内容。创新指的是在原有的基础上,通过自己的理解与诠释,把音乐的本质与自己的演奏完美的结合,使演奏出的作品更为丰满和生动,为音乐增添新的色彩和魅力。真实性是创造的基础,创造力是决定音乐表现价值的关键。二度创作是传播者与创作者的艺术纽带,忠实于原作的同时,更加完美地发挥自己的创造性的风格特点,实现作品真实性与创造性的完美统一,才能真正进入音乐表演的理想境界。 钢琴教学练习论文:关于钢琴教学中儿童练习方法的思考 摘要:音乐是一扇通向人们创造思维和形象思维的窗口,为了儿童智力的早期开发,音乐教育己越来越引起人们的重视。本文就如何科学地让儿童练习钢琴提出了自己的看法和建议,希望能够起到抛砖引玉的作用。 关键词:儿童;钢琴;练习方法;思考 一、前言 音乐是一扇通向人们创造思维和形象思维的窗口,音乐教育己越来越引起人们的重视。许多研究实验证明,手指的精密运用,会成为儿童智能发达的基础,这也许是国外钢琴如此普及的重要原因之一。儿童钢琴练习方法的差异,直接关系到孩子在钢琴领域及其他领域中良好学习习惯的培养和学习成效的获取。本文就钢琴教学中儿童钢琴练习方法提出自己的一些思考,希望能起到抛砖引玉的作用。 二、如何科学地让儿童练习钢琴 1.读谱与视奏 在拿到一首新谱时,首先要看“三号”,即谱号、调号、拍号,注意谱面左方的谱号――是高音谱表,还是低音谱表。之后看调号――一个升还是一个降、还是几个升降记号,先通过音级的实际弹奏效果分析、研究乐曲的调式、调性。然后便是看拍号――1/4、2/4、3/4、3/8、6/8……接着认真译出谱子左上角的速度、表情术语后,便可按要求视奏了。 视奏时要注意以下三点:首先,音要准确。儿童趋向形象记忆,在识谱过程中有时会出现临时“短路”的现象,这时可以“定位记忆”,即记住高、低音谱表中线间的音名,如一线mi、二线sol……一间fa、二间la等等。在视奏训练初期,可分三个层次来进行练习,第一层只识别音位,弹奏出新谱中每个音的音位,辨别熟练后再进行节奏训练,主要的方式是数拍练习,将每一音符的时值辨别清楚,做到心中有数,最后再将两者进行自然结合,长此以往地训练,儿童读谱即可做到又快又准,为他们以后的新谱阅读能力打下坚实的基础。其次,装饰音如上、下回旋音,上、下长颤音及各种强、弱、渐强、渐弱、渐变快慢等记号要看清。另外,在主调音乐中,伴奏声部弱于旋律,双手力量比例可通过不断地磨合逐渐协调;而在复调性质的乐曲中,首先要分清声部,并分声部按指法进行旋律练习,然后再进行合手练习,只有这样才能有初步的层次感。总之,要认真、仔细地读准谱面上的各种符号。视奏可以进行分解练习,即分段、分句、分手、分声部甚至以小节为单位及打破小节线进行反复练习,在分解练习后再进行局部的合成。局部合成的过程既是一个将陌生曲目练熟的过程,也是按乐谱上音乐术语、各种符号对作品进行处理、加工的过程。切忌从头到尾一遍遍地进行“演奏”练习,要注重提高学生的练习效率。 2.练琴 视奏几次后,又会发现新的问题,可一边练琴一边解决问题,练琴时有以下几点要领必须牢记: (1)背谱 能熟练地进行视奏后就可背谱了。其一,背谱前把谱号后的调号认清,根据调号分析出调性,这样背谱就方便得多。其二,要仔细分析和声:和弦的性质、和弦的走向(即连接)、和弦的分解等,根据旋律记忆和弦,这样背谱要快得多。 (2)难点攻破 ①儿童练琴须先找出乐曲中的技巧难点反复练,这时要慢练,因为慢练是解决一切难点的唯一办法,慢速练习的最大好处是来得及想、来得及看、来得及去准备,有时间去调整问题,待到慢速练熟了,再逐渐加速练习,最好是对齐节拍器上的节奏一格一格地进行练习,慢速、中速、快速、超速都应进行练习,只有这样才能有效解决难点技巧。 ②在练习中,一定注重分手练习,分手不熟练,合手是不可能“百发百中”的。尤其是节奏、音的组合等较难的部分,双手节奏相互依靠着弹奏不能解决根本问题。这是儿童练习过程中最容易出现的侥幸心理。并且乐曲弹熟练后也须常分手复习,只有心中乐谱达到纵线条横线条一样清晰,弹奏起来才能做到“心中有谱”、“胸有成竹”。 ③将乐曲中的乐句、乐段、乐章分清楚,甚至把每个乐节都分析清楚,这样―来,练琴才能有根有据、有效率。 ④当你把每个音都能弹得清清楚楚;每组节奏都能弹得稳稳当当;每个乐句都能处理得有条有理;每个乐段都能弹得有声有色;每个乐章都能弹得有始有终…这样,才算是练熟练了。 3.处理 待这些完成以后,再次仔细研究一下乐谱,进行认真地分析、思考,使该作品的演奏能进入更高的层次,即乐曲的处理。它是由技巧走向艺术表演的必经之路。 (1)了解并分析作品的时代背景、作者的人文个性、乐曲的写作动机以及作者对作品中所刻画的人物、外景、思想感情等等,只有这样,才有可能把作品处理好。 (2)钢琴教学中,必须给予学生必要的和声、曲式分析的能力,才有可能在弹奏中进行作品的再创作。 (3)在上述情况下,即可考虑演奏者本身的条件、感觉、能力、喜好、理解等等把乐曲本身的要求和演奏者本人的主、客观条件结合在一起,将演奏者引入再创作的境界。之后,即可加速、成型。 整个乐曲完成之后,必须时常复习,隔一个星期复习一次,然后,隔二个星期再复习一次,再隔一个月、二个月、乃至一年之后再拿出来,不断地复习,便可保持记忆犹新。切忌在弹新曲子时将旧曲子搁置一旁,使旧曲子失去了在脑中重新回忆的机会。辛苦背的东西,不复存在了,这是非常可惜而可怕的事情。因此,教师要教给儿童保持永久记忆的方法。 三、儿童钢琴练习方法值得注意的地方 1.演奏的动作 人的生理结构不同,有些人手长,有些人手短,手掌(包括手腕)也有宽和窄的差别,手指当然也存在长短的问题,这样就很难确定唯一正确的弹奏方法,我认为最重要的是能因人而异,所以,应把注意力放在动作的柔韧和放松程度上,即将胳膊的所有关节都利用上(活动开),刚刚入门的儿童都普遍存在胳膊僵硬的问题,僵硬的动作当然是不可能弹出优美的声音的,而且在一定程度上限制了孩子技术性的发挥,纠正不正确动作的这一过程是非常重要的,由于在最初的练习中胳膊的肌肉已将错误的动作牢牢“记住”。因而需要花费大量的时间和更多的精力去纠正,为了避免再次纠正的必要,最好从最初开始练习是就让儿童认真仔细地注意胳膊的放松感的把握。 2.要尽早地同时练习弹奏黑、白键 儿童初学阶段在弹练习曲或乐曲时,不仅要弹没有升、降号的c大调,也应尽早地学习一些有少量升、降号的大、小调,早一些接触黑键。弹奏黑键的要求与弹奏白键相同。比较早地接触黑键,可以使学生消除弹奏黑键的特殊感和恐惧感。在同时有黑白键的演奏中,要让学生的手有一个正确的位置。弹奏白键时,把触键位置放在比较靠近黑键的地方,不要过于靠外;弹奏黑键时,则把触键位置放在比较靠近白键的地方,以便于交替地弹奏黑白键。这样的触键位置必须从小练习,使他们在弹奏中不致因为有黑白键交替而使手里里外外地移动,造成多余的动作,破坏基本手型,同时不会破坏音乐线条的平滑和连贯。 3.大脑、听觉、视觉、运动神经的综合练习 即使是教学最初阶段,在最简单的课程中都应该尽早地使学生能够把自己的大脑、听觉、视觉和运动神经各部分机能有机地结合为一个整体。如在一开始的视奏中,就训练学生能在眼睛看着乐谱的同时,一边用手准确地在键盘上找键,并能辨别钢琴所发出的音响与谱面所表述的音程关系的图形是否对应的能力。同时,也要练习学生背谱、记忆的能力。在背谱时,既有听觉的记忆,又有视觉的记忆。这些练习,在以后的学习过程中,对学生视谱、记忆、演奏机能的发展,以及大脑对各部位的控制能力都会大有好处的。 4.内心节奏感 内心节奏感是音乐感觉最重要的组成部分,是近乎下意识的节奏感觉,必须经过练习才能逐渐形成。当然,它也是人们有意识地进行练习的结果,并不是完全不受人的意识所控制。 广义的音乐节奏,不是节拍器式的机械节奏。完全跟着节拍器去演奏,势必会失去音乐的灵魂。例如切分音,其长音常常是节奏的中心,前后两个音都倾向于它,前后两个音都很有弹性,而落点是长音。这种节奏感觉绝不只是用绝对准确的时值计算就能表达的。 钢琴教学进行的全过程也是教师教授、儿童学习如何练琴、如何提高练习效率及如何养成良好练习习惯、获得良好学习方法的全过程,在此过程中教师起到的是引导、疏通、协助的作用,教与学的方法是否科学,直接关系到教师的教学效果和学生的学习效率,因而我们必须重视钢琴教学中的儿童练习方法的教学。 钢琴教学练习论文:钢琴课集体教学练习探讨 【内容摘要】数码钢琴集体课教学虽然具有许多明显的优势,但习惯了传统钢琴个别课教学的教师对其仍有顾虑甚至偏见,已有的知识结构与教学能力亦不能适应新的教学工具和教学形式,教学过程中还有许多难点和具体问题尚待解决。作者针对以上问题,在本文中提出了自己的见解和建议。 【关键词】数码钢琴集体课观念难点对策 世界著名发展心理学家霍华德?加德纳指出:“每一门类的艺术,都有其最适当的教育形式。”师徒传授和集体授课“这两种方式的差别,在任何领域里都不会像在艺术领域里那样明显。没有几千年也有几百年,学生总是通过师徒传授的方式学习艺术。”(见《多元智能》P.146-147,新华出版社1999年10月版)长期以来,无论是在学校教育还是社会教育中,钢琴教学几乎都是清一色的师徒传授式的个别授课,高师音乐系科也概莫能外。近年来,随着招生数量的逐年增加,钢琴教师课量剧增、招架乏力。如果继续沿用传统的个别授课方式,势必要大量增加教师的编制,大幅度提升培养成本。数码钢琴集体课的引入犹如雪中送炭,为合理有效地解决这些矛盾开辟了一条崭新的途径。越来越多的学校和教师已认识到数码钢琴集体课的优越性,有条件的学校也陆续配备了数码钢琴教室。经教育部艺教委牵线搭桥,国外键盘集体课教学专家数次应邀来华讲学,国内部分教师也先后出国研修。许多高校把数码钢琴集体课教学作为重点研究课题,已有一批研究成果相继问世。数码钢琴集体课的优越性和强大的生命力在中国已得到初步的展示。 关键在于观念的更新 随着高校办学实力的提高和设备投入力度的增加,高师音乐系科配备数码钢琴教室早已是题中之义了。但推广数码钢琴集体课教学形式还存在着一些阻力,其中关键问题不是硬件投资,而是教师的观念转变。 1、数码钢琴能不能达到传统钢琴那样的练习效果? 由于对数码钢琴缺乏必要的了解,加上数码钢琴与传统钢琴在音质和触感上仍有明显差异,许多钢琴教师觉得在数码钢琴上找不到传统钢琴那样的触键感觉和声音效果,认为数码钢琴的练习不能替代传统钢琴的练习。 对于数码钢琴的弹奏效果,不宜片面地看待。数码钢琴在触键感觉及音质上与传统钢琴确有差异,但这种差异不仅与琴的类型和结构有关,也与演奏者对其不熟悉、不适应有关,经过一段时间的使用和磨合,驾轻就熟了,同样可以得心应手地演奏。实际上,传统钢琴也并非每一架弹起来感觉都一样,换琴以后照样有适应不良的问题。即使在同一架钢琴上,也不是只用一种固定的触键方法和感觉来演奏,而是随着音乐表现的需要不断进行调整的。在传统钢琴和数码钢琴集体课教学方面均卓有成就的美国著名专家罕娜教授认为,数码钢琴和传统钢琴在触键上并没有太大区别。她说,触键是在你的身体,你的手,你怎么去用它,发挥它的优点,而不在于你弹的是什么琴。 其实,人无完人,物无完物,世界上从来就没有十全十美的事。数码钢琴目前虽然不能完全模拟传统钢琴的音质和触感,但它毕竟是一种发展中的乐器,反过来说,传统钢琴也并非尽善尽美,它比数码钢琴笨重,还要经常调音等,也给人们带来许多不便。随着电子技术和制作技术的发展提高,也许将来有一天数码钢琴不仅可以把传统钢琴模拟得维肖维妙,而且还会以其强大的软硬件功能和丰富多彩的声音变化使传统钢琴相形见绌。 2、集体教学能不能保证良好的教学效果? 有的教师对集体课教学形式持怀疑态度,担心它会影响教学效果。毋庸讳言,集体课在技术训练的精细程度上和因人制宜地解决问题方面的确比不上个别课。但教学效果的好坏取决于多方面的因素,如教师的能力、态度和教学方法的优劣,学生的素质、程度及练琴时间的多少和练习质量的高低,师生之间的合作状况等等,教学形式不过是其中一个方面而已。好的教师可能把集体课教得很好,而差的教师则可能把个别课教得一塌糊涂。所以我们显然不能只凭教学形式一个方面去全面推断教学的整体效果。 平心而论,个别课与集体课都有自己的优势与不足,个别课的优势正是集体课的不足,反之,集体课的优势也正是个别课的不足。因此,它们都有其存在的合理基础,谁也无法完全取代对方。正确的关系应该是扬长避短、优势互补、长期共存。退一步说,即使个别课确实比集体课教学效果好,但随着招生人数的扩大,如果还是只上个别课,现有的钢琴教师人数将会严重不足,授课量将会大量增加,老师们疲于奔命,又如何能保证良好的教学效果? 教学形式的选择还与培养目标和要求有关。我国著名音乐教育家赵沨先生曾指出,多年来师范院校老是向音乐院校看齐,在培养方式上重一专而轻多能,有的学生虽然能弹奏一些较高程度的独奏曲,但却不会弹奏简单的即兴伴奏,结果是既不能上舞台,也不能上讲台。这种状况必须加以改进。高师钢琴必修课是一门专业基础课程,它的目标不是培养专业的钢琴演奏家,而是把钢琴作为其它专业课程学习和日后教学工作的辅助工具。因此,数码钢琴集体教学在高师钢琴基础课培养目标的定位上更为合理,对学生综合音乐素质和实际工作能力的培养也更为有利。 国内数码钢琴集体课教学刚刚起步,尚处于探索试用阶段。由于对该系统的硬件结构和软件功能开发利用还不够充分,新的教学法体系和教材体系尚未完全建立,许多教师仍然沿用个别课的教材和教法上集体课,所以教学效果的改善还不十分明显,集体教学的优越性还未得到充分的展示,这也是一些教师对数码钢琴集体课缺乏信心的原因之一。任何事物发展都有一个过程,随着数码钢琴集体课的推广和普及,将会涌现出大批熟练掌握软硬件功能和集体课教学法的优秀教师,编写出一批经得起实践和时间检验的科学化、系统化的专用教材,那时我们才可以更加客观理智地评价传统钢琴个别课教学与数码钢琴集体课教学的优劣。今天,数码钢琴集体课就像一个诞生不久的婴儿,我们应该对其倍加呵护,精心培育,而不应只是站在一边冷眼旁观、说三道四。 3、现有的钢琴教师能不能适应新的教学工具和教学形式? 对数码钢琴集体课抱有疑虑和偏见的教师,其中许多人对这种乐器及其教学形式、内容、方法和教材等缺乏基本的认识和了解,不具备担任该门课程的足够能力。还有一些教师因循守旧,固步自封,不愿意接触新的领域、新的技术和新的教学手段,习惯于以一成不变的方式进行钢琴教学,当教学工具和形式发生变化后,不是积极主动地学习和了解,而是简单地加以评价和排斥,或者觉得多一事不如少一事,懒于开拓新的研究领域。由于集体课教学不仅要求教师掌握新的教学设备、教学形式和教学手段,具备更加广泛的专业技能和广博的知识修养,而且要求教学的计划性、系统性和科学性更强,因此教师的备课量将会明显加大,工作强度也要比个别课大得多,这也使得一部分教师因为怕苦怕累而畏缩不前。 青年教师容易接受新的事物,正处在学习提高的黄金时期,他们应当成为教学改革的生力军和数码钢琴集体课教学的中坚力量。虽然他们过去接受的是传统的教学体系,但数码钢琴集体课并不排斥已有的知识和技能,只是这些知识和技能还不足以应付新的教学形式而已。只要好学上进、刻苦钻研,一大批数码钢琴集体课教学专家将会从他们中间脱颖而出。我们对此应当抱有充分的信心。 集体课教学的难点与对策 1、程度差异 学生程度参差不齐、进度快慢不一是集体课教学的首要难题,也是教师们最为头痛的问题。无论在任何学校开设的数码钢琴集体课上,学生程度的一致都是相对的,而差异却是绝对的。不仅同一个班的学生程度不一,即使同样程度的学生,经过一段时间的学习,也会逐渐拉开距离。数码钢琴集体课的教学,正是建立在这样一个基点上。因此,忽视或者回避这个问题的态度都是不可取的。 为了维持集体课的教学形式,学生的作业与进度必须保持基本一致,而学生由于天赋、能力、用功程度等因素所造成的程度和进度的个体差异难免与其发生冲突。学生程度差距过大,教师就很难布置共同的作业。如果根据学生不同的程度布置不同的作业,则无疑于釜底抽薪,集体课也就名存实亡了。 根据国内外集体课教学的成功经验,解决这一问题比较有效的方法是: (1)先考核,后分班。在编班分组之前对学生进行考核,按照学生的演奏程度进行分组。 (2)及时调整。学习一段时间后,要根据学生进度和程度重新调整班组。 (3)提供补救措施。对进度较慢的学生进行重点辅导,给进度快的学生提供附加作业。这样既适应了学生的个别差异、人尽其才,又有效地缓解了两端学生“吃不饱”和“吃不了”的矛盾。 (4)加大重奏合奏的比重。根据学生不同的程度选用或编写重奏、合奏谱,让程度低的学生演奏浅易的声部,程度高的学生演奏较难的声部,使大家都能胜任愉快。 (5)每组人数要适中。通常以12-20人左右为宜。人数太多了难以保证教学效果,太少了集体课教学的优越性又体现不出来。理想的情况是开始人数较多,随着学生程度的提高而逐渐减少。 2、教材建设 数码钢琴集体课在教学内容和教学方法上不同于个别课教学,它增加了乐理、和声、视奏、即兴演奏、即兴伴奏等学习内容,补充了重奏、合奏等演奏形式,融入了世界最新的教育理论和优秀的音乐教学法,因此很难完全照搬传统的教材体系和教学法体系。现在国内已有一些院校尝试编写了部分教材,但似乎仍未跳出传统教材的框架,仅仅做了一些局部的改良,而没有整体性、革命性的转变。所以教材问题至今仍是制约数码钢琴集体课教学效果的瓶颈。 没有一套科学、系统和成熟的教材,完全依靠教师个人的努力去选择和补充教材,很难保证集体课的教学效果。为了构筑科学的数码钢琴集体课教学体系,必须下大力气编写出适合国情的集体课教学专用教材。好在我们处在改革开放的新时代,信息的获取和交流越来越方便快捷,国内外优秀的集体课教材编写思路和经验都可以兼收并蓄,为我所用。在学习、借鉴和研究、实验的基础上,经过不懈地努力,一批具有中国特色的、科学实用的数码钢琴集体课教材的问世指日可待。 3、教法更新 集体课教学赖以存在的基础是系统讲授、共同作业和集体回课。它们三足鼎立,共同支撑着集体课的开设和维持,决定着集体课的优势和效率,因此,其中任何一项都不能被弱化或取代。 1)系统讲授。著名教育家布鲁纳指出:应该在教学中强调观念的直觉理解以及这些基本观念的运用。一门课程在其教学进展中,应反复地回到这些基本观念上来,以这些观念为基础,直至学生掌握与这些观念相适应的完整的体系为止。数码钢琴集体课的教学必须把握教学系统和结构的完整性,注重基本理论、基本内容和基本方法的传授,而不能有太多的主观随意性和即兴性。教师要按照事先拟定的教学计划,有步骤、有重点地讲授演奏理论与技巧方法,并采用螺旋方式在不同的程度上反复地强化基本概念和要领。要改变保姆式的教学方式,着力提高学生的学习能力,引导学生对所学知识技能融会贯通,举一反三,自我发现问题和解决问题。个别课也讲究科学性、系统性,但要把那些老生常谈的基础性概念和要领给每个学生系统讲述一遍甚至多遍,教师常常会感到无趣和乏味,所以容易头痛医头,脚痛医脚,骑驴念唱本——边走边看。而在数码钢琴集体课上,面对一组学生,教师讲授的兴趣和积极性普遍容易提升,因此学生可以获得更加系统和全面的知识与技能。 2)共同作业。如果没有共同的作业,课程就没有统一的进度,教师就难以组织教学,集体回课也就无从谈起。 古语说,预则立。集体课布置作业时必须要有预告,要保证所有学生在独立练习前都做到心中有数。个别课布置作业时,有些教师往往缺少必要的提示,使一些可以事先避免的错误得以发生,等学生回课时才去逐一解决。集体课如果这样做,回课时学生出现的问题就可能五花八门,解决起来就没有个别课那么容易了。数码钢琴集体课的教师不能满足于做事后的诸葛亮,而要通过尽可能全面的预示,把大部分可以避免的错误消除在发生之前或萌芽状态。教师在布置作业时对音乐内容与技巧方法要进行详尽的分析,对那些经常容易出现的错误和问题给予事先的提醒,对要点与难点做出清晰的讲解与指导,并通过示范与模仿让学生弄清其中一些关键性的概念和要领,使学生不仅知道练什么,还能知道怎样练,练成什么样。只有这样,才能大幅度地减少学生练习中的错误,提高学习的效率,教师上课时也不至于那样劳神费力。 3)集体回课。集体课绝不能变成集体化的个别课。但一些习惯了个别课教学的教师在上集体课时,往往还是新瓶装旧酒,跳不出个别教学的圈子,回课时仍然以挨个检查作业、单独纠正问题为主。这就使得教师东奔西跑、手忙脚乱,时间还不够用,而大多数学生又坐在一边无事可干。这样的教法肯定吃力而不讨好,自然不能充分发挥集体教学的优势和特点。 集体回课并不是要一直让学生大齐奏,而是要交替运用齐奏、轮奏、独奏、接力、分组竞赛等方式,强化集体课的群体效应,活跃课堂气氛,调动全体学生学习的兴趣和注意力,使每个同学时刻都有事可做。重奏与合奏的演奏效果明显优于独奏与齐奏,更容易激发学生的情绪和积极性,即兴伴奏、即兴演奏的训练,有利于学生实际工作能力和创造性才能的发展,因此要多增加这些方面的内容。教师在课堂上还要充分发挥学生的表演才能和创造性潜质,为学生提供更多公开表演的机会,增强他们的表演能力和心理素质。为了解决个别学生的操作错误,也可以抽取典型的样例进行个别的指导,但最好把它当公开课来上,使其他学生也能从中汲取教训,引以为鉴。 4、师资培养 为了保证数码钢琴集体课的教学效果,必须要有一支熟悉集体课教学工具、教学形式、教学内容和教学方法的师资队伍。现有的钢琴教师不论年龄大小、水平高低,如果不进行继续学习和专门研究,很难适应数码钢琴集体课的教学。担任数码钢琴集体课教学的教师,必须克服因循守旧、固步自封、无所作为的意识和作风,积极主动地投身于数码钢琴集体课的研究和教学之中。要通过学习教育学、心理学、中外优秀音乐教学法和集体课教学法,掌握最新的教学思想和教学方法,改进和充实自己的知识结构。要采取走出去、请进来的方法,选派青年教师到国内外进修,请国内外专家讲学授课,以尽快提高现有教师的集体课教学能力,使其胜任数码钢琴集体课的教学工作。 5、评价与考核 数码钢琴集体课的教学目的、教学内容有别于传统的钢琴个别课,因此不能完全沿用传统的评价体系和考核方法。要在严密考查、论证的基础上,逐步建立一套适用于数码钢琴集体课教学的、科学完整的评价体系。新的体系要有开放性、发展性、综合性和多元化的特点。要弱化甄别与选拔功能,强化改进与激励功能,弱化对结果的评价,强化对过程和发展的评价。学生的学习态度、出勤情况、进步幅度都应在考评之列;要改变只以弹奏难度和质量来评价学生成绩的方法,全面评价学生掌握基本技巧及综合素质、综合能力发展的情况;要从对演奏水平的单一考查,扩展到对即兴伴奏、即兴演奏和创造性能力的考查。要制定详尽的考核细则,使其具有良好的可操作性,并使教师和学生都明白无误、严格遵循。 6、工作量计算 数码钢琴集体课在备课、授课难度和工作量、工作强度上都要明显高于传统个别课的教学,所以对其教学工作量的计算必须给予适当的倾斜,否则难以调动教师的工作积极性。多年来兴起的业余钢琴学习热使许多教师的校外教学量和收入比校内还多,如果仅仅从报酬来看,数码钢琴集体课的教学就显得不那么“划算”了。如何引导教师正确处理份内工作和业余教学的关系,鼓励教师积极投身数码钢琴集体课的教学和研究,仍是一个十分重要而棘手的问题。 钢琴教学练习论文:钢琴教学练习法教学思索 近些年来,在高师钢琴教学中,我们面对的大部分学生的音乐素质参差不齐,几乎都需要从头学起,是初学者。按现行的教学计划,三至五年内要让学生达到一个较高的演奏水平,难度较大。在传统的高师钢琴教学内容中我们一直把培养学生的兴趣,提高学生的技术和音乐表现力放在首位,却忽视了钢琴教学中不仅仅是要教会学生弹奏,而是要根据学生自身特点进行基本功训练,教会学生如何去弹奏、怎样去练习,因材施教。因此,对于这些没有钢琴基础的学生来说,在教学中引入“钢琴练习法”的内容将在多个层面上起到积极作用。科学的“钢琴练习法”会引导他们准确地把握钢琴学习中最基本、最具共性的知识内容,并用以指导自己的学习,检验自己的练习成果,将使他们在学习过程中充分发挥出主观能动性,从而使学习更有成效。下面结合教学实际谈谈钢琴教学中的几点“练习法”教学的心得。 一、培养严谨的读谱习惯是钢琴练习法教学中的首要问题 我们在教学中经常可以发现,学生在弹奏中会出现这样那样的错误,例如:音高看错,把谱表或调号看错,忽视临时的升、降记号;时值不准确,过长或过短;音乐表现上忽视音的连断及乐句的划分,忽略表情记号甚至文字说明等等,形成这些问题的原因就是因为学生不会读谱,不懂得读谱的重要性。因此,教师应该在学生入门时就严格要求,养成学生严谨的读谱习惯,应该让学生清楚地知道,乐谱不仅仅是音符的罗列,乐谱上记载的所有符号是它所传递的信息,只有依赖这些符号才能将一首乐曲从陌生弹奏到精通,在弹奏之前“阅”读是学生首要的、必做的一个功课。读谱就像阅读书籍一样,不是简单的浏览,而是要读懂音乐符号的含义:第一,“阅”读乐谱上记载的一切———浅层要求;第二,“阅”读乐谱背后蕴藏的内涵———内在要求;第三,在“阅”读的过程中,还应想象音乐的实际音响效果———深层要求。教师可以在课堂教学中加入看谱视唱与节奏训练的内容,以促进学生读谱能力的提高。一定要严格要求学生养成严谨的读谱习惯,这是入门阶段教学的首要问题。 二、科学的慢练,培养耐心和意志力是教学中不可忽视的练习法 在钢琴课上,学生往往会因为乐曲弹奏的不熟练而被教师要求放慢速度去练习,但学生在课后的练习中真正可以放慢速度练习的学生少之又少,而进行慢练的学生却又不得其法,“慢练”成了一句空话。因此,教会学生如何科学的慢练,让学生学会慢练的方法,养成慢练的习惯,培养耐心及意志力,是一个在教学过程中不可忽视的问题。科学的慢练可以按照以下几个步骤: (一)在视谱阶段即确定最佳的指法进行弹奏; (二)在练习中把乐谱的节奏放大,放慢一倍至两倍去练习; (三)正确的划分乐句,慢练分句中音乐的语气,语调及呼吸; (四)在慢练中确定弹奏的基本动作走向,即把整个弹琴的动做当做是慢镜头,以锻炼手指的机能,协调全身的动作; (五)慢练是一种有目的训练手指的机能的方法,练习时头脑要清醒,并需要足够的耐心及意志力。 三、分解细部练习是提高弹奏水平的有效途径 课余走在琴房里,经常可以听到学生们不断地一遍又一遍从头到尾弹奏一首乐曲,并不流畅熟练,错误的音符和技术不过关的片段以及音乐表现力不到位等等问题却不知道去改正,盲目地反复弹奏,这是学生中普遍存在的一个练习上的误区。到了学生学习的中级阶段,要提高学生的演奏水平,更要在教学中加入一定量的练习法内容,而这时的最有效的练习法就是分解细部练习,即把音乐分成细小的部分,先是一小块一小块的练习,再连到一起,就好像组装一部精密的仪器。 (一)分手练习法:要让学生清楚地知道,任何乐曲在完成读谱练习后,一开始都要分开左右手练习,即便是一首非常简单的练习曲。不但在熟悉曲子的初步阶段要分手,当对曲子已经基本了解、处理也基本趋向成熟时,仍然要穿插适量的分手练习,这样有助于学生对音乐的理解。 (二)分声部练习法:要让学生养成把音乐中的各个声部、各个层次区分开来练习的习惯,并做到把每个声部、线条与层次的音色,可以用耳朵和手指区分优劣,表现出它们各自的独立意义并完美地连接起来不仅仅是在进入复调练习时才做分声部的要求,在主调音乐中就应开始建立学生对声部的听觉与感知能力。 (三)分乐句练习法:修正学生忽略细节,从头至尾的练习方式,在教学中引导学生集中注意力,以最大的耐心仔细练习,要求每个细节的正确弹奏方法都必须分开乐句,一句一句的无数次的反复练习,感知。 (四)分段落练习法:音乐其实与文章有着相似之处,不同的乐曲按照不同的方式可以划分成一个个段落,要培养学生划分音乐段落的能力,并在曲子的提高阶段按照事先划分好的段落练习,再连起来,把音乐表现做到从心到手的抒发与流露,这也是一个乐曲演奏的较高层面。 四、练习快速跑动的最好方法 当教学内容进行到中高级阶段时,学生会接触到快速练习曲,或是技巧性极强,速度要求极快的华彩乐段。学生们遇到这样的段落时要么弹奏得含糊不清楚、漏音,要么弹奏得漂浮无根、音质不集中,究其根源就是没有找到练习这样片段的科学,有效的方法。首先,应该让学生理顺乐曲的指法、乐句的划分及动作的走向,把每一个音符弹结实,手臂和手腕配合自如,音与音连接的平滑均匀,这是快速弹奏的基础;第二,训练学生进行低指贴键的手指练习,即手指不离开键盘表面,全部动作只在键面与键底之间交替进行。这种方法是获得集中而流畅的圆润音色的法宝,在于控制住每一个手指,使之活动于从键面到键底的有限距离内,依靠微小而精确地的动作,把音弹得结实有力,集中并均匀。第三,要求学生进行变化节奏的练习,把乐曲中每一小节之内的节奏进行变化,或是伸长或是压缩,并变换速度去练,从慢速到快速,变速练习是提高手指连续跑动速度的有效手段。通过这样的反复练习,学生就能够把琴键严密的控制于手中,乐曲就会弹奏得准确无误,出神入化。 五、“无谱无琴”是钢琴练习法中的至高境界 教师在教学中应告诉学生,练琴可以分为两种方式:有琴练习和无琴练习。应该教会学生们学会“无琴”练习,建立“心中有琴”,并要求学生在练习中进行“无谱无琴”的练习方法。有这样一个故事:钢琴大师罗宾斯坦罗的邻居见到他,佩服地说:“你真不愧是伟大的钢琴家,每天都要练习八个小时以上。”罗宾斯坦罗回答说:“你错了,我每天二十四个小时都在练琴。”其实只要我们留心观察就可以发现,很多乐器方面有造诣的人,他们的手指无时无刻都在动,身体的任何部位都变成了乐器,桌子、椅子都变成了键盘。曾经有一个坚持业余学琴多年的高中生在和老师的交流中说:“课间我在课桌上可以练琴,放学路上我哼着学习曲子,练琴的时候我是在寻找平时想要的声音效果。”后来这个学生再一次钢琴大赛中取得了很好的成绩,所以说“无谱无琴”的练琴方式大大提高了练琴的效果,也只有这种练习方法才能使弹奏的音乐真正成己所有,成为自己心灵的语言。以上这几点心得是各阶段钢琴学习中的优秀方法,把这些方法归纳起来并把它作为钢琴教学内容的一部分,笔者把它称之为钢琴教学中的“练习法”教学。“授之以鱼,不如授之以渔”,我们应该把“练习法”教学作为高师钢琴教学中的一个重要内容来传授给学生,按照课程的不同阶段,学生的不同程度给予不同的练习方法,这也是我们在钢琴教学改革中的一点启示。 钢琴教学练习论文:钢琴教学中的音阶练习研究 一、手指弹奏的姿势 在钢琴弹奏中指法弹奏的代名词。指法体现着演奏科学规范、巧妙的运用。演奏者乐感、节奏感综合能动性体现在弹奏的指法上。指法的顺指舒展,扩指自然,穿指流畅,跨指连贯,换指科学,缩指简便,轮指清晰,跳指矫健。多键指准确,和弦在拍点,大跳及时,快而不乱。具备这些条件才算合格。学琴者面前的首要任务就是摆在每一位学琴者面前的课题和任务就是:探寻指法的潜力、体验指法的神气、追求指法的严谨、研究指法的科学、掌握指法的规律,运用指法的奥妙。经过证明:好的指法是最方便进行钢琴演奏的,反过来说,最利于进行钢琴演奏的指法是最正确的指法。养成良好的运指习惯是完成技巧的前提条件。在练习音阶之前,应当熟悉音阶中的每一个音及其指法的运用,如拇指三指和四指在转换时的运用。这一切都应当脱谱熟记,之后再开始练习。特别要注意黑白键交替过程中固定指法的运用,避免拇指上黑键,保证一至三指、一至四指音列进行的顺畅。最普遍的指法时C大调的指法,其余各种调的指法都是在此基础上演变而来的,变化的目的只有一个,即方便钢琴的弹奏。 二、钢琴弹奏的指法技巧 (一)弹奏的均匀 音阶的练习就是在弹奏不均匀中普遍存在的。换句话说,音阶是弹奏最重要的,也就是通过手指弹得不均匀是音阶练习中普遍存在的一个问题。弹奏不均匀,一般有两个方面,一是弹奏的力度,另一个是弹奏的速度。不少人弹音阶,这两方面弹奏的不均匀都兼而有之,提高弹奏的基本功就是要具备手指的独立性。 (二)弹奏的速度 音阶弹奏如果在短期内有很快的提高,必须要循序渐进的进行弹奏的练习。如何有效的提高音阶的弹奏技巧、弹奏速度,在刚开始练的时候,不要过快。最好是先慢速练习。指法、键盘位置熟练以后再逐渐加速。手指的快速跑动能体现手指的指触反映和弹奏灵活能力,主要体现在灵活、敏捷、快速。手指快速跑动关键在于正确的用力。练习中我们经常跑不动、跑的笨重。由于音乐停滞、不流畅。导致手腕产生严重的抖动。解决这些问题需要把一个音用一次力转行为一组音用,或者用一个力度弹奏一组音、一串音。在速度练习中要长期执行。刚开始练习是短跑,音较少。随着练习的进度,跑动的距离要加长,手会累,弹奏的速度减慢,不均匀,不清楚。这个时候要加强手指承受能力和持续时间。加大练习的运动量。最主要还要依靠意念,积极主动的进行。要有好的精神状态才能会产生动作的积极性。精神状态如果不好的话,会出现疲惫和懒散的不积极的弹奏速度。速度的练习有时不在技术动作有问题,而在精神意志的懒惰。另外要加强弱指的训练,要一点一点的完善它们。 (三)弹奏的力度 弹奏力度的不均匀,往往是由于1指和5指。1指的力度较重。而且因为转指,导致弹奏力度就不均匀。而5指天生较弱,没有经过的长期训练,是无法达到灵活的效果的,所以重点要特别控制1指。因为1指动作异常缓慢,没有其它各指那么灵活。而且,加入黑键基础很难控制。在音阶要注意力度的自然倾向,即上行是要均匀的渐强,下行时细致的渐弱。弹奏的力度要尽可能保证一致,避免音的力度无变化、弹奏僵硬,使音阶缺乏圆滑流畅的感觉。在自然大调中,手的状态是最均匀的。这就告诉我们手指在黑白键上的区别。所以,弹奏时在键盘上用不平的方式进行,可以得到平稳的弹奏结果。因此,在弹音阶时,除转弯之外,还要注意手指顺应键盘位置的高低变化。最后,练习音阶最好弹奏的时间要持久一点,使手指能充分的连续活动,在弹奏钢琴技巧训练中,要持久的练习是最重要的,也是很有用处的。 三、结语 由此可见,弹奏在音阶的过程充满了价值。从一个八度开始到一条完整的音阶,再到所有二十四条音阶,都应该熟练掌握。然而,对音阶弹奏的姿势、技巧更要了如指掌,使双手能够以各种变化方式进行弹奏。总之,音阶练习不容忽视。只有认识到音阶练习的重要性,才能提高练琴的质量;在钢琴教学中,更需要我们的重视,用心发现问题及时总结,从小细节中得到大的发展。 作者:李静 单位:长江大学艺术学院 钢琴教学练习论文:谈幼师钢琴教学中技术练习与音乐表现 一、关于钢琴教学中技术练习与音乐表现存在的问题 (一)音乐教师缺乏培养学生独立思考和弹奏能力的训练 对于钢琴教学来说,是作为幼师所必须学习的一门课程,它可以使学生能够提升自身的音乐素养,也可以使学生学到专业的技能,从而有效的应用到未来的工作中,而音乐教育者在训练学生进行钢琴弹奏时,却没有使学生学到真正的弹奏技能,大部分的音乐教育者受传统教学方法的影响,在课堂教学过程中占据主体地位,忽视学生在课堂中存在意义。音乐教育者只将弹奏的基础知识教给学生,就让学生按照自己所教给的知识进行弹奏,使得学生无法理解其教学知识,教师在教学时缺乏学生之间的交流互动,使得学生的思维能力的发展受到阻碍。久而久之,就导致学生缺少独立思考的能力,在弹奏音乐时也不会产生疑问,只是对教师教学过程进行模仿。与此同时,教师在训练学生弹奏钢琴时,没有给学生充足的时间进行练习,导致学生无法形成良好的弹奏能力,最终影响了对学生的教育。 (二)音乐教育者的教学方法陈旧,无法吸引学生的对钢琴的兴趣 通过钢琴弹奏出的曲子旋律优美,能够激发起人的音乐情感。但是,部分音乐教师在教学时却忽略了这一点,在钢琴的教学过程中,教师重视知识点的讲授,在大多数教学情况下,教师采用的教学方法,使得原本生动的钢琴教学变得枯燥乏味,学生也逐渐对教师的钢琴教学失去信心,从而导致钢琴教学不在有它独具特色的魅力。同时,由于教师缺钢琴教学方式的创新,严重的阻碍了学生对钢琴的技术学习,致使学生在弹奏钢琴时不能够充分的发挥好自身的本领。 (三)学生对所弹奏的音乐不够了解 要想将音乐通过钢琴弹奏完美的表现出来,就要使弹奏者能够亲身的感受音乐,体会所弹奏音乐的情感,但是,大多数学生在弹奏音乐时都没有先使自身融入到音乐当中去,而是直接照着曲谱弹奏出来,这使得所弹奏的音乐听起来非常空洞、没有感染力,与此同时,学生又缺乏对所弹奏音乐的理解和认知,从而不能够感知音乐,弹奏音乐不仅仅是要有弹奏技巧的,而且也需要弹奏者对音乐具有思想情感,只有两者同时具备才能弹奏出优美的音乐,这也是导致许多学生不能弹奏出优美的音乐的原因之一。 二、对于做好幼师钢琴教学中技术练习与音乐表现的对策研究 (一)对于学生的弹奏钢琴的基本功的训练 要想使学生能够拥有熟练的钢琴弹奏技巧,就要扎实学生钢琴弹奏的基本功,要使学生通过基本功的训练,掌握基本的弹奏技巧。因此,教师就要训练学生手指、手腕的灵活度,逐渐使学生从初级训练进入高级训练。例如:在学习《哈农》时,教学的前半部分是训练学生的每个手指,后半部分主要是将手指与手腕、手臂结合起来训练,从而使学生能够掌握每个音阶的位置,并按照顺序弹奏出来。然后教师在带领学生练习《车尼尔》,加深对所学知识的训练,这些基本的钢琴曲是每个弹奏者所必须学习的,它可以为学生弹奏钢琴打下良好的基础,使学生在日后轻松的演奏音乐。 (二)音乐者要对教学方法进行创新,激发起学生的弹奏兴趣 对于学生而言,弹奏钢琴是一个比较复杂的过程,而且长时间的训练也会使学生逐渐的失去耐心,学生在学习时会感觉到疲倦,并产生厌倦的心理。因此,在对学生进行钢琴训练时,教师要采用趣味的教学方法,吸引学生的注意力,使学生能够感受弹奏钢琴的乐趣,所以教师要选择简单的教学材料,让学生感觉弹奏钢琴不是很难,教师可以让学生先听一些音乐,猜一猜这些音乐都是用什么乐器弹奏出来的?这样既可以激发学生的思维能力,也可以让学生快速的融入到教学过程中,从而使教师能够有效的进行教学。例如:教师可以创设情景教学,也可以进行游戏教学,更可以采用竞赛的方式让学生弹奏钢琴,这些有趣的教学方式,都会激发学生学习音乐的兴趣,从而使学生能够在学习的过程中独立思考,并掌握弹奏钢琴的技巧,也会使教师教学水平提升。 (三)教师要使学生充分发挥自身的音乐表现能力 在弹奏钢琴的过程中,学生才是其主体,如果教师限制学生弹奏钢琴,就会使学生的心理受到影响,学生会认为学习钢琴没有任何意义和乐趣,对于学生而言,钢琴弹奏训练有着强大吸引力,不管是品德兼优的学生还是成绩较差的学生,都有着对钢琴学习的欲望,因此,音乐教育者不要限制学生弹奏钢琴的时间,让使每一个学生都能够得到训练,在课堂中充分的表现自己的才华,只有将自身的弹奏技巧融入到音乐表现中来,才会得到大家的认可,同时学生也会树立起自信心。总而言之,要想使学生能够弹奏出优美音乐,就要让学生在学习时掌握熟练的弹奏技巧,只有这样,学生在弹奏时才不会出现问题。同时,音乐教育者也要积极的配合学生学习,在教学过程中,给学生充足的弹奏时间,让学生成为钢琴课堂教学的小主人,音乐教师这要使学生在课堂中充分利用钢琴将音乐表现出来,只有这样学生才会真正的融入到音乐学习的过程中,才会提升自身的钢琴技巧和音乐素养。因此,钢琴的弹奏技巧和音乐表现是钢琴教学的重要内容。 作者:白杨 单位:郑州幼儿师范高等专科学校 钢琴教学练习论文:钢琴教学中的练习法教学 摘要: 钢琴课是高等院校音乐专业重要课程之一,在推进钢琴课程改革实践中,针对不同学生的训练方法的总结与提炼,更有助于促进钢琴课程教学的深入发展。练习法的选择与运用,在高师钢琴课程教学中是最基本、最具共性的教学重点,也是检验学生自我钢琴演奏技能,提升钢琴教学实效的重要途径。先就常用钢琴练习法教学要点及注意事项进行探讨,并从中来提炼钢琴练习法教学的学习对策和科学方法。 关键词: 钢琴教学;练习法;学习策略;方法措施 钢琴教学技巧性极强,在提升钢琴演奏教学中,对不同练习法的运用,既要注重科学性,还要强调练习质量,以增强学生对钢琴演奏的音乐表现力。在高师院校钢琴教学中,面对学生钢琴基础的差异性,需要打破传统高师集体教学的弊端,强调学生的个性与兴趣教学,因材施教。为此,通过在钢琴教学中引入练习法教学内容,引导学生从理解和把握钢琴练习技巧中,一方面对自我练习成果进行检验,另一方面从练习教学中增强学生的自主性,提升钢琴教学实效。 一、培养严谨、准确的读谱、唱谱习惯 钢琴教学实践性强,在开展钢琴练习法训练教学前,首先要引导学生培养良好的、严谨的读谱、唱谱习惯。在练琴实践中,我们经常发现一些学生将高音看错、将调号看错、甚至忽视谱表、临时升降记号,这些问题的出现,要么过于仓促、不熟悉,要么缺乏读谱准确性,忽视音乐的表现力。对于不同时值的音符,其在连、断、句划分上的问题,多与读谱习惯不科学、不严谨有关。[1]因此,从钢琴练习法教学中,要强调正确的读谱习惯,特别是钢琴教学入门时,要严格要求学生认真读谱,明确的认识到乐谱的规范性、科学性、准确性。同时,对于读谱训练,在平时的练习上要像读书一样,一方面关注乐谱上的基本音乐符号,另一方面要读懂乐谱背后的艺术内涵。说起唱谱,很多学生认为没有难度,不过是将每一个音符唱出来而已。其实,唱谱的训练,与读谱同样重要。尽管唱谱教学未列入硬性要求,但对于初学者来说唱谱训练,很有必要从钢琴练习教学中进行渗透。引导学生把握不同速度的变化、体验时值的差异,在读出音准的同时,将音符的时值也读出来。 二、注重慢速练习掌握正确的弹奏要领 在钢琴练习法教学中,慢速练习法是最常用和最有效的方法之一。在慢速练习法中,演奏者可以克服因技巧问题而带来的衔接难题,能够从乐曲的接触中,少出错误、不出错误。[2]在慢速训练中,可以让学生能够兼顾左右手的配合,还能处理好不同曲谱对指法的变化。很多学生忽视慢练法,甚至不会慢练法,以致于在后期的训练中,往往因快速练习而出现差错,要么读谱时有漏谱的通病,有的学生在快速练习中把握节奏不准确,对时值掌握的不够,要么弹得过快,要么出现弹错现象。同时,对于快练过程中手指站立不稳问题、手臂过于紧张等问题,在后期训练中往往积重难返,既浪费训练时间,还降低了教学效率。可见,加强对慢练法的训练,注重在钢琴练习教学中慢速练法的运用至关重要。当然,在开展慢速练习法训练时,要注重两点。一是要关注对正确指法、动作的训练。有些学生在慢速练习中存在关节塌陷、手指懒散、甚至注意力不集中,拖拖拉拉、无法从慢速演奏中获得应有的练习质量。在《钢琴教学法》中,应提出“在快速弹奏段落里运用慢速练习法,只是对音与音的间隙进行了扩大,对于手指来说其反应仍是敏捷的。只有在后期的训练中,不断缩减音与音的间隙,提升手指的弹奏速度即可养成”。[3]可见,对于慢速练习法,并非一味地放慢速度,而是从慢速训练中,认真体会演奏中手臂、手指、琴键之间的协同关系。二是注重慢速练习法中对触键、力度、节奏、速度的综合体验。慢速练习并非教学目的,而是帮助学生理解和掌握钢琴演奏方法的一种手段。在慢速练习法中,随着学生练习次数的增加,对乐曲的理解越来越深刻,从速度上逐渐提升来,并从练习过程中体会音符的强、弱变化,从中获得演奏技能的养成。 三、强调分手练习法的平衡与协同 (一)分手练习法的运用 钢琴演奏通常是双手进行,在分手练习法训练中,可以从两手的独立性上训练,促进两手均衡发展。我们在学生练习实践中发现,每只手的弹奏效果是存在差异的,而要提升钢琴练习效果,借助于分手练习具有积极成效。但有学生认为分手训练过于麻烦,忽视分手训练方法的应用。但事实上,分手训练能够发现很多学生在钢琴演奏中出现的问题,如指法错误、节拍错误、音符错误等。两只手因承担不同的演奏技巧,在进行分手训练中,学习者可以从不同的时间周期来辨析不同演奏的手指指法变化,关注自身分手练习中的常见错误,并从改进中来提升弹奏质量,实现钢琴演奏精细化练习。同时,在分手快速训练中,单手快速练习法仅仅是加快了演奏速度,对于单手声部的训练是渐进的,通过加速训练,更便于学生掌握乐曲旋律,处理好单手的强弱变化。 (二)双手合练法的运用 分手训练与合手训练都是基础性练习,都需要从左右手的协同配合中来发现错误,并从中及时改正,教师也可以通过分手、双手合练等分解中,来对学生进行针对性指导。双手的配合要结合旋律线的变化进行协同,学习者要将两手的旋律进行记忆。这种慢速的双手配合,看似一个音符、一个音符的对位,其实更有助于增强学生的视奏与记忆能力。慢练法在钢琴演奏训练中具有重要作用,通过慢速双手合练,能够保持乐曲的完整性,并对乐曲的分段、分句进行准确记忆,在慢速的训练中少出错,为后续提速训练创造基础。[4]对于慢速训练并非是浪费时间,并非需要对所有乐曲通篇进行慢练,而是要结合不同乐曲的技术难度,灵活的选择慢速双手合练法,促进科学训练。相对而言,双手快速合练法是对慢速训练的过渡,也是促进学习者手指灵活性的有效途径。 四、无声练习法的运用 在钢琴演奏中,对演奏者的逻辑与形象思维、技术与艺术性提出更高要求。如在技术层面,演奏者要具备快速、准确的读谱能力,能够灵活、正确的选择触键方式、能够以恰当的速度、适度的音乐强度来表达乐曲;同时,在演绎层面,还需要演奏者能够正确理解不同作品的内涵,明确不同时代钢琴演奏的风格特征,把握钢琴的音色及技巧处理等。 (一)有谱、脱谱无声练习法的应用 针对有谱或无谱条件下的无声练习法,主要是针对不同训练场合,根据教学环境来适当选择和应用。无声练习法的重点在于促进学生从自主训练中增强对曲谱的理解,培养钢琴练习的熟稔度,降低钢琴训练中的压力。相对于有谱,脱谱无声练习法主要是通过反复视听方式,对乐曲进行完整记忆,并利用手指的无声演奏来处理不同曲段的强弱变化、连断分句、快慢等变化,以得到“真实”演奏的效果。如在平时缺乏钢琴的条件下,利用真空状态下的无声练习,更能够从内心的体验与感知上,对乐曲进行深刻的理解。 (二)动作无声与意识无声练习法的应用 钢琴演奏技巧的学习与运用是理性化教学的基础,学生在认知中不仅要知其然,还要知其所以然。因此,对于钢琴课练习法的多重运用,特别是无声训练中的动作与意识无声练习法,教师要能够从学生的基本肢体动作和演奏技巧上,在常规化动作教学、示范下,来针对性的改进学生的演奏能力。以断奏训练为例,从技术上断奏可以分为大臂断奏、小臂断奏、手腕断奏和手指断奏四种。不同断奏对肢体的肌肉群、关节提出不同要求。如大臂断奏,以肩关节为轴来利用大臂带动小臂,继而带动手腕、手指在琴键上敲出琴音,大臂外肌肉群是力源,利用大臂所产生的下坠力来进行控制,使得整个手臂处于有序、放松、自然的状态。 五、对不同练习法思考和建议 无论是那种练习法,在钢琴课程教学运用中都要从三方面进行思考。一是强调对钢琴作品的正确理解,注重优选合适的练习方式。每一首钢琴作品,其创作背景、时代特征、指法训练、演奏方式等都存在差异性,教师要从多方面讲解中来指导学生理解和分析乐曲的重点、难点,并结合学生的自身特色、实际来选择练习法。同时,针对钢琴教学中的共性问题,一方面突出对演奏技能的训练,另一方面加强对音乐作品的思维与认知开发,特别是多种练习法的综合运用,调节钢琴训练的紧张度。二是强调钢琴教学目标,构建递进式训练法体系。对于高师钢琴教育,要在课程内容深化中,关注学生钢琴素养的养成。一方面要关注钢琴演奏水平的提升,特别是对于钢琴演奏技巧的学习和掌握,另一方面要注重钢琴理论的渗透,明确钢琴教学方法与学习方法的差异性,全面提升学生的知识结构和钢琴水平。三是注重钢琴教学模式的创新,挖掘钢琴教育的思想内涵,更新教育观念。钢琴练习法教学要兼顾学生钢琴教育与钢琴课程内容的协同,要积极借鉴不同的教育教学方法,既要强调对演奏技巧的训练,还要辅以钢琴作品赏析,以及钢琴理论课程、实践课程,即兴伴奏等课程的多重运用,提升学生的音乐修养。 作者:秦亚洁 单位:陇南师范高等专科学校 钢琴教学练习论文:论音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性 摘要:音阶和琵音练习属于技术类型的训练,在钢琴教学训练中占着重要的地位和作用。学生要想打下良好的基本功,就必须通过大量的音阶、琶音练习。该文主要论述了音阶和琵音练习在钢琴教学中的作用和意义。 关键词:音阶;琶音练习;钢琴教学 所谓音阶,就是将音乐中所使用的乐音按音高的顺序依此排列起来,形成阶梯状的序列。所谓琶音,就是将同时发音的和弦各音按从低到高或从高到低的顺序依此奏出而不是同时奏出的音。 在钢琴教学中音阶、琶音\属七和减七和弦\双八度以及双三度等这些基础训练处于十分重要的地位。许多曲子都是巧妙地运用了各种音阶\琶音和弦和分解和弦(包括它们的种种变体)作为表现音乐的手段。例如,尔尼740练习中的第一条就是各种音阶组成的,第二条则是由各类琶音组成的。音阶和琶音等基本功训练不可取代的作用还可以从以下事实中得到印证。拉萨列夫是俄国著名钢琴家,他常常告诫他的学生,每天应该练一小时左右的音阶、琶音。鲁道夫塞金也十分重视音阶、琶音等技术训练,他认为没有技巧,即没有音乐。巴克豪斯也强调音阶、琶音的练习,他每天都练半小时以上的音阶、琶音而且都加上表情。钢琴大师们尚且如此,可见一个学生在他学习技术的七、八年里,音阶、琶音是非常重要的学习内容。 教学实践也证明,虽然音阶\琶音弹起来和教起来都枯燥乏味,不易有“立竿见影”的教学效果,但是由于钢琴演奏技艺性很强,在学习过程中需要进行大量的、长期的音阶和琶音训练。如果一个学琴者缺乏这种扎实的训练的话,当他开始跨入中级程度后不久就会遇到困难,使他无法再取得更大的进步。 由此可见,要想弹好乐曲的前提是先打好基础,把音阶\琶音等基本功练好。那么用什么样的练习方法才能做到事半功倍的效果呢?下面我们从两个方面谈一下音阶、琶音在这方面的重要性。 1.音阶作为基本功的重要性 人的十个手指天生能力不一样,而音阶练习要求每个音的力度要均匀一致,练习音阶能够使手指得到平衡发展,并提高控制手指、运用手指的能力,还可以帮助学生熟悉键盘的位置。 全部的音阶,是由24个大小调式组成的。我们接触最多的欧洲钢琴音乐,几乎全部属于这些调式。熟悉了音阶,也就熟悉了这些调式、调性。而在乐曲中,常有音阶和音阶式的进行,往往这也正是技术难点。平时练习音阶,就为克服乐曲中的难点事先做好了准备。相反,没有音阶练习的基础,一旦在乐曲中遇到音阶临时练习,就要延误正常的学习进度了。表面上,音阶的音符是按顺序排列的,认起来并不难。但实际上,把音阶弹奏得较快而又均匀是很难的。我们必须每天认真地练习并长期坚持才能弹好音阶。 那么,要用什么样的速度和力度练习音阶呢?要将音阶弹得速度快而又力度强,不是短时期练习所能达到的。对于初学者,尤其是小孩,在速度力度的要求上,应有一个由易到难,循序渐进的过程。在开始阶段,应该慢而又弱,要求在最自然、最省力、腕和指最协调的状态下弹出最均匀的音阶。然后依次过渡到比较快比较强。在经过长期的慢练达到快而又强时,本质上应当依然是自然、省力、协调的状态和感觉。 2.琶音作为基本功的重要性 钢琴音乐是一种和声音乐,和声的基础是和弦的连续,琶音又是和弦的一种形式。因此,琶音在钢琴音乐中占有十分重要的地位。在欧洲古典音乐中,琶音或琶音类的进行相当普遍。弹好了琶音,也就是弹好了许多钢琴曲的片断。 由于琶音是和弦的一种形式,练习琶音的过程也就是熟悉各个调性、调式的各种和弦的位置、和弦的不同色彩的过程。弹琶音时,由于手位迅速转移,其难度比弹音阶要大。其中,关键又在于手腕灵活的协调配合。所以,琶音练习可以帮助获得良好的感觉和状态。弹好琶音,也离不开手指的积极主动。而且,手指是在比弹音阶时更大的范围里运动,必然对手指能力提出更高的要求。所以弹琶音,也就是训练手指的灵敏和活力。在速度方面也可以和弹音阶一样,先慢后快。相比而言,练习琶音的速度可略慢于音阶。但最终掌握技术之后,并不存在于两者之间的差别。琶音所能达到的速度并不低于音阶。由于琶音的音和音之间的距离较宽,在慢速练习中比音阶更容易显得孤立,所以尤其要强调动作、线条、观念意识上的整体感和连贯感。 综上所述,音阶、琶音的弹奏水平是学生技术水平的标志之一。所以各种“考级”都把音阶、琶音作为基本考试内容之一。它是钢琴技术最基本的两种技术。可以说不论演奏哪种风格、哪个时代的作品,都离不开大量的音阶和琶音。可见音阶、琶音在钢琴教学中是多么的重要。 3.音阶、琶音在技术训练中的重要作用 3.1弹好一首乐曲还要有很好的技巧训练。技巧训练从本质上讲就是提高手和手指的机能,同时让大脑能加以完善的控制。也就是所说的基本功的训练。这只有通过练习的量的积累才能达到。当掌握了合理的弹奏手法以后,练习的量就是决定因素。集中的、大量的手指技术训练,在一定阶段上能使学生的手指功能在短时间内实现质的飞跃。总的来说,在这方面,音阶、琶音练习比练习曲或乐曲更需要大量的练习。只要连续弹上十几分钟的音阶、琶音,手掌就会有隐约发酸的感觉,如果连续弹上半小时到一小时,手指的活动量就相当可观了。这就是练习音阶、琶音的一个很重要的作用。 3.2还有些特定的技术要求。要想把这些特定的技术弹好,就必须让手得到很好的训练,就必须通过大量的练习才能达到。而在弹奏音阶、琶音的练习时才能得到集中的、大量的训练,才能达到训练目的。一个学琴者要想把音阶、琶音都弹好,不花费很大的功夫是办不到的。 3.3练习音阶、琶音最好每一遍都能弹得持久一些,使手能够得到充分的连续活动。车尔尼通过他的练习曲集作品337和作品365阐明了这一点。他要求弹奏每一小段都要反复弹十几遍,使手得到大量的练习。前辈们的经验告诉我们,学生通过大量的练习音阶、琶音,能在很少的几个月里达到纯熟的程度,而用通常的办法练习,只有通过几年辛勤刻苦的练习才能取得一定的成绩。 3.4弹奏音阶、琶音时如果把同向、反向法结合起来弹并加以一次或几次反复,就能达到持久弹奏的目的。反向练习还能够增加弹奏中的趣味。半音阶也可用相同的方法来弹。这一部分练习会花去很多的时间,但也会从中得到很大的收益。不仅加强了手的锻炼,还加强了手指的独立能力和整只手的力量,可为弹好乐曲做好充分的准备。本来钢琴技术各种类型之间,都存在着有机的联系,能互相补充、互相促进。一个学琴者要想弹好大的乐曲,不弹各种各样的类型的基础练习是不行的,只要将各种类型的练习有机地结合起来练习,技术才会进步很快,才会弹奏得越来越好。 总之,基本功的训练是十分重要的,它需要经过艰苦磨练。实践证明,通过练量的音阶、琶音才能少走弯路,才能打好良好的基本功,技术才能进步得越来越快,从而达到事半功倍的效果。 钢琴教学练习论文:浅析音乐教育专业钢琴教学及提高练习效率的方法 摘要:钢琴教学作为音乐教学的必修课,一直在寻找一条有利于自身发展的途径,以使自己的学生更加适应社会的需要。钢琴教学是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。但是对于钢琴学习者来说,选择正确的练琴方法,从而有效地提高演奏水平,是一个极其重要的问题。本文针对在练琴过程中存在的不足找到练习方法,从而解决问题,提高练琴效率。 关键词:音乐教育;钢琴;问题;提高效率;方法 钢琴技术教学在我国已初具规模,适应社会业余钢琴教学的需要,占领这一广阔的教育领域,是钢琴教学不容推辞的义务。在学生学习钢琴弹奏的同时,要把将来如何教好钢琴课作为教学的重要内容之一;要把那些效果较好,引人入胜的钢琴教材介绍给学生,便于他们以后用于教学;音乐教育专业钢琴教学需要注意的问题如下: (一)教师要根据学生的程度因材施教,学会分级教学 随着扩招政策的实施,音乐教育专业的学生入学率大幅提高,学生们的钢琴水平参差不齐。有的学生入学前已经学过多年钢琴,基本功扎实,音乐表现力丰富,他们大多数会选择钢琴主修专业。对于这样的学生,老师们教学难度不是太大,主要侧重丰富学生的技术方面,提高其音乐表现力,锻炼学生的意志品质与耐力。 还有的学生入学之前只学过一年左右的钢琴,本身钢琴演奏的技能很薄弱,基本功不扎实,弹奏动作僵硬,识谱很慢。对于这类学生,钢琴教师应在教学中给予更多的关注,他们需要老师更多的细心,耐心与爱心。老师在教学上进行严密的安排与部署,需要最大限度的去开发其潜能,加强他们的基本功训练,在有限的时间中,使他们除了掌握一定的表演技能以外,还能够掌握钢琴即兴伴奏的知识。 (二)教学中应贯彻融合性原则 音乐教育专业的课程设置目的是突出“一专多能”甚至“多专多能”的培养目标,走的是一条培养综合素质高的音乐人才的道路。它要求学生不仅具有一定的演奏能力,同时对其他相关的学科的理论知识也应熟悉和了解,并且有独立的研究能力和教学能力。音乐教育的学生,除了会演奏钢琴以外,还有会教钢琴,用钢琴为个唱,合唱伴奏,在音乐欣赏课堂会用钢琴教学等等。 (三)教学目标要明确,要细致分析教材 钢琴教学的内容制定与教学目标,对象密切相关。老师在教授演奏技术的同时,应重视理论的教学,二者是相辅相成的。 (四)拓宽教学视野,提倡创新意识 教师在钢琴教学中,应大胆实践,不断拓宽自己的新的教学思路,不能拘泥保守,一成不变。钢琴课作为音乐教育的重要技能课,优秀课,基础课,本身应该具备开放,多元,发展的特色。教师不应将视野只局限在狭窄的琴房内,应该更加关注我国音乐教育发展的大方向,关注国内外新的教育理念,通过学习再学习,使自己的教学与时俱进,不断创新。 大家都知道钢琴演奏是一门技术种类繁多、技巧性极强的艺术,艰苦反复地练习是每一位钢琴学习者学习过程中极其重要的环节。对一名钢琴学习者而言,寻求和遵循正确的练习方法是至关重要的。 以下就从几个方面阐述一下如何提高钢琴练习的效率方法! (一)坐位、坐姿 座位方面:我们要调整好坐位与钢琴之间的距离,上身坐直,将双手轻轻放置于键盘之上,上臂与前臂形成一个稍大于90度的角;找好中心点;调整坐位的远近和高低。在坐姿方面,我们要注意以下的问题:双脚踏实着地,放置于踏板之前;臀部只能做琴凳的一半,臀部的坐感应当是稳定当中又时刻配合着其他的动作;腰要挺直,颈部也要保持可以自由活动的感觉。弹奏者可以上身略向前倾,使中心略向前,便于力量的传送。坐的姿势切忌过于僵硬或松懈;手型在弹奏过程中,最自然的手型往往就是最正确的手型;注意手指的独立性和灵活性;当然弹奏的力量也要注意,在弹下琴键的同时要达到一定的力度,而且要能够控制力度的大小;均匀,练习基本功的目标是要让十指具有相同的能力。 (二)重视课后的第一次练习 在练习过程中要求慢速练,边看谱,边看标记,边动脑,手、脑、眼并用,反复练习几次,这样有助于及时消化上课内容。而对于新布置的曲子,要回想老师在课上讲到的对曲子的要求和需要掌握的技术难点以及练习方法。 (三) 全面读谱 首先,我们应该通过读谱去思考一下乐曲的作者、创作年代、创作背景以及作品的风格类型。其次,要注意谱面上的各种音乐表情术语、力度标记以及速度变化标记。再次,要仔细读谱面上的细节问题。最后,在读谱时,除了上述内容,还要注意从作品的调式、调性、和声、旋律等方面去仔细研究。 (四)分解式练习 钢琴作品具有多声部、多层次的特点,弹奏时左右手分担着不同声部、不同节奏、不同织体的任务。为了更快更准确地掌握作品,采用分解式的练习是行之有效的。 1.分手练习。分手练习不仅仅是学习一首新乐曲的开始阶段,即使在弹奏熟练之后,仍需时常使用分手练习这一方法,有分有合、分合交替才能加深对乐曲的理解以及提高练琴的效率。 2.分声部练习。在练习钢琴的过程中,应当养成把各个声部和层次区分开练习的习惯。对于声部较多的乐曲,就必须对每一个声部进行单独练习,使多个声部层次清晰,使恰当的音色、清晰的和声进行与旋律声部默契配合,不断提高练琴效率。 3.难点练习。遇到难点,应努力克服,这就需要我们将难点部分抽出来单独反复进行练习,只有这样,困难才会迎刃而解,才会提高练琴的效率。常见的难点大致包括速度难点、音色难点、技术难点。 (五)听觉训练 听觉训练是指倾听音乐作品结构、音色、音响效果等方面的训练。如果学生会运用听觉来指导自己练琴,不再是手指盲目的机械动作,就会更加有目的性,大大提高练琴的效率。 钢琴的练习必须遵循科学的方法,上述几种方法并不是截然分开的,应当把它们与实际情况结合在一起并灵活运用,不断地探究、认识、发现并解决问题,苦练加巧练,保证练琴质量,从而提高练琴效率。 钢琴教学练习论文:论音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性 摘要:音阶和琵音练习属于技术类型的训练,在钢琴教学训练中占着重要的地位和作用。学生要想打下良好的基本功,就必须通过大量的音阶、琶音练习。该文主要论述了音阶和琵音练习在钢琴教学中的作用和意义。 关键词:音阶;琶音练习;钢琴教学 所谓音阶,就是将音乐中所使用的乐音按音高的顺序依此排列起来,形成阶梯状的序列。所谓琶音,就是将同时发音的和弦各音按从低到高或从高到低的顺序依此奏出而不是同时奏出的音。 在钢琴教学中音阶、琶音\属七和减七和弦\双八度以及双三度等这些基础训练处于十分重要的地位。许多曲子都是巧妙地运用了各种音阶\琶音和弦和分解和弦(包括它们的种种变体)作为表现音乐的手段。例如,尔尼740练习中的第一条就是各种音阶组成的,第二条则是由各类琶音组成的。音阶和琶音等基本功训练不可取代的作用还可以从以下事实中得到印证。拉萨列夫是俄国著名钢琴家,他常常告诫他的学生,每天应该练一小时左右的音阶、琶音。鲁道夫塞金也十分重视音阶、琶音等技术训练,他认为没有技巧,即没有音乐。巴克豪斯也强调音阶、琶音的练习,他每天都练半小时以上的音阶、琶音而且都加上表情。钢琴大师们尚且如此,可见一个学生在他学习技术的七、八年里,音阶、琶音是非常重要的学习内容。 教学实践也证明,虽然音阶\琶音弹起来和教起来都枯燥乏味,不易有“立竿见影”的教学效果,但是由于钢琴演奏技艺性很强,在学习过程中需要进行大量的、长期的音阶和琶音训练。如果一个学琴者缺乏这种扎实的训练的话,当他开始跨入中级程度后不久就会遇到困难,使他无法再取得更大的进步。 由此可见,要想弹好乐曲的前提是先打好基础,把音阶\琶音等基本功练好。那么用什么样的练习方法才能做到事半功倍的效果呢?下面我们从两个方面谈一下音阶、琶音在这方面的重要性。 1.音阶作为基本功的重要性 人的十个手指天生能力不一样,而音阶练习要求每个音的力度要均匀一致,练习音阶能够使手指得到平衡发展,并提高控制手指、运用手指的能力,还可以帮助学生熟悉键盘的位置。 全部的音阶,是由24个大小调式组成的。我们接触最多的欧洲钢琴音乐,几乎全部属于这些调式。熟悉了音阶,也就熟悉了这些调式、调性。而在乐曲中,常有音阶和音阶式的进行,往往这也正是技术难点。平时练习音阶,就为克服乐曲中的难点事先做好了准备。相反,没有音阶练习的基础,一旦在乐曲中遇到音阶临时练习,就要延误正常的学习进度了。表面上,音阶的音符是按顺序排列的,认起来并不难。但实际上,把音阶弹奏得较快而又均匀是很难的。我们必须每天认真地练习并长期坚持才能弹好音阶。 那么,要用什么样的速度和力度练习音阶呢?要将音阶弹得速度快而又力度强,不是短时期练习所能达到的。对于初学者,尤其是小孩,在速度力度的要求上,应有一个由易到难,循序渐进的过程。在开始阶段,应该慢而又弱,要求在最自然、最省力、腕和指最协调的状态下弹出最均匀的音阶。然后依次过渡到比较快比较强。在经过长期的慢练达到快而又强时,本质上应当依然是自然、省力、协调的状态和感觉。 2.琶音作为基本功的重要性 钢琴音乐是一种和声音乐,和声的基础是和弦的连续,琶音又是和弦的一种形式。因此,琶音在钢琴音乐中占有十分重要的地位。在欧洲古典音乐中,琶音或琶音类的进行相当普遍。弹好了琶音,也就是弹好了许多钢琴曲的片断。 由于琶音是和弦的一种形式,练习琶音的过程也就是熟悉各个调性、调式的各种和弦的位置、和弦的不同色彩的过程。弹琶音时,由于手位迅速转移,其难度比弹音阶要大。其中,关键又在于手腕灵活的协调配合。所以,琶音练习可以帮助获得良好的感觉和状态。弹好琶音,也离不开手指的积极主动。而且,手指是在比弹音阶时更大的范围里运动,必然对手指能力提出更高的要求。所以弹琶音,也就是训练手指的灵敏和活力。在速度方面也可以和弹音阶一样,先慢后快。相比而言,练习琶音的速度可略慢于音阶。但最终掌握技术之后,并不存在于两者之间的差别。琶音所能达到的速度并不低于音阶。由于琶音的音和音之间的距离较宽,在慢速练习中比音阶更容易显得孤立,所以尤其要强调动作、线条、观念意识上的整体感和连贯感。 综上所述,音阶、琶音的弹奏水平是学生技术水平的标志之一。所以各种“考级”都把音阶、琶音作为基本考试内容之一。它是钢琴技术最基本的两种技术。可以说不论演奏哪种风格、哪个时代的作品,都离不开大量的音阶和琶音。可见音阶、琶音在钢琴教学中是多么的重要。 3.音阶、琶音在技术训练中的重要作用 3.1弹好一首乐曲还要有很好的技巧训练。技巧训练从本质上讲就是提高手和手指的机能,同时让大脑能加以完善的控制。也就是所说的基本功的训练。这只有通过练习的量的积累才能达到。当掌握了合理的弹奏手法以后,练习的量就是决定因素。集中的、大量的手指技术训练,在一定阶段上能使学生的手指功能在短时间内实现质的飞跃。总的来说,在这方面,音阶、琶音练习比练习曲或乐曲更需要大量的练习。只要连续弹上十几分钟的音阶、琶音,手掌就会有隐约发酸的感觉,如果连续弹上半小时到一小时,手指的活动量就相当可观了。这就是练习音阶、琶音的一个很重要的作用。 3.2还有些特定的技术要求。要想把这些特定的技术弹好,就必须让手得到很好的训练,就必须通过大量的练习才能达到。而在弹奏音阶、琶音的练习时才能得到集中的、大量的训练,才能达到训练目的。一个学琴者要想把音阶、琶音都弹好,不花费很大的功夫是办不到的。 3.3练习音阶、琶音最好每一遍都能弹得持久一些,使手能够得到充分的连续活动。车尔尼通过他的练习曲集作品337和作品365阐明了这一点。他要求弹奏每一小段都要反复弹十几遍,使手得到大量的练习。前辈们的经验告诉我们,学生通过大量的练习音阶、琶音,能在很少的几个月里达到纯熟的程度,而用通常的办法练习,只有通过几年辛勤刻苦的练习才能取得一定的成绩。 3.4弹奏音阶、琶音时如果把同向、反向法结合起来弹并加以一次或几次反复,就能达到持久弹奏的目的。反向练习还能够增加弹奏中的趣味。半音阶也可用相同的方法来弹。这一部分练习会花去很多的时间,但也会从中得到很大的收益。不仅加强了手的锻炼,还加强了手指的独立能力和整只手的力量,可为弹好乐曲做好充分的准备。本来钢琴技术各种类型之间,都存在着有机的联系,能互相补充、互相促进。一个学琴者要想弹好大的乐曲,不弹各种各样的类型的基础练习是不行的,只要将各种类型的练习有机地结合起来练习,技术才会进步很快,才会弹奏得越来越好。 总之,基本功的训练是十分重要的,它需要经过艰苦磨练。实践证明,通过练量的音阶、琶音才能少走弯路,才能打好良好的基本功,技术才能进步得越来越快,从而达到事半功倍的效果。
音乐教育论文:以听为中心小学音乐教育论文 一、“以听为中心”原则的必要性 从本质上说,小学音乐教育的本质是教会学生学会聆听音乐、感受音乐,并对学生的心灵进行洗涤,提高学生的综合素质与综合能力。因此,小学音乐教育的本质是对学生进行音乐相关技能的传授,这就需要学生聆听音乐,在聆听中感受音乐、感悟音乐,进而达到音乐教育的目的。与此同时,小学音乐教育的方法和过程决定了学生必须在聆听中学习。更进一步说,学生要在听音乐的过程中感受音乐、感悟音乐,通过仔细地聆听,对音乐的节奏、旋律和节拍进行理解,通过反复聆听,培养乐感。由此可以看出,小学音乐教育必须通过为学生播放音乐,让学生聆听音乐完成。小学音乐的本质及其开展的过程和方法决定了教师必须在小学音乐课堂中给学生播放音乐,引导学生不断聆听音乐。因此,“以听为中心”是小学音乐教育中必不可少的一部分,同时是教师必须遵循的原则。播放音乐与聆听音乐是教师与学生在小学音乐教育中互动交流的主要形式。 二、如何在小学音乐教育中落实“以听为中心”的原则 “以听为中心”是小学音乐教育中教师必须遵循的原则。因此,教师必须思考如何引导学生聆听音乐,如何让学生在聆听过程中获得更多,进而提高小学音乐教育的有效性。换言之,教师要制定更有效的策略帮助学生听,提高聆听的有效性。 (一)为学生的聆听进行铺垫 实践调查结果显示,大部分学生无法在小学音乐教育中安静地聆听,情绪有一定波动,导致无法在聆听中有真实的提高。同时,部分学生认为自己不了解音乐内容,导致在聆听中只能感受音乐的旋律,无法对音乐进行鉴赏,使得自己的聆听是盲目的,无法达到预期理想的目的。因此,教师要明确的是在小学音乐教育中组织学生聆听,首先要做好铺垫工作,必须让学生进入相应的氛围中,使学生做好足够的准备聆听,提高音乐教育的有效性,使学生在聆听中有更大的收获。例如,在组织学生正式聆听音乐之前,可以先为学生播放节奏舒缓的音乐,让学生较波动的情绪得到平复,使整个教学氛围变得轻松与和谐。基于此,学生的情绪得以平复,才会静下心聆听。与此同时,教师应该在音乐播放前为学生交代相应的背景,让学生有一定的心理准备,并调节情绪,与音乐节奏相互协调,进而提高聆听的有效性。例如,教师要让学生聆听节奏感较强的音乐,在音乐播放之前应调动学生的情绪,让课堂充满活力,从而让学生更好地接受节奏感较强的音乐。更进一步说,教师应该在播放音乐之前给学生指明聆听的方向,避免学生在听音乐的过程中没有目的地听唱,虽然付出努力但无法获得收获。 (二)结合学生的喜好选择合适的聆听内容 教师要为学生准备更有针对性的音乐素材,换言之,教师要在小学音乐教育中考虑学生的喜好,为学生挑选的音乐素材应该具有一定的针对性。在小学音乐教育中,教师通常忽视学生的喜好,只是按照教材内容进行音乐教学,只是单纯地按照音乐教材给学生播放音乐。在这种背景下,教师为学生播放的音乐通常难以引起学生的兴趣,导致大部分学生不愿意聆听音乐,更不愿意对音乐的节奏、旋律和内容及情感进行思考。甚至部分学生会因此而对音乐产生抵触和抗拒心理,不利于教学,更不利于学生健康成长。因此,教师要在小学音乐教育中落实“以听为中心”的理念,就必须考虑学生的喜好,挑选更适合学生、能够被学生接受和喜爱的音乐。例如,大部分一年级学生对卡通人物有足够的兴趣,教师就可以挑选动画片中的音乐,提高学生的兴趣,引导学生更主动积极地聆听。 (三)利用多媒体进行有力支撑 教师可以在小学音乐教学中利用多媒体技术和设备作为有力支撑。具体地说,大部分小学生对音乐概念的认知较模糊,不能理解音乐的内涵,也无法领悟音乐的本质。因此,大部分小学生在聆听音乐的过程中更多的是听唱,是跟随音乐节奏的即兴表演。由此可以看出,学生对音乐的内容没有深层次领悟,这是学生能力与阅历共同限制的。此时,教师可以利用多媒体技术与设备将音乐表达的内容展现在学生面前,让学生建立直观生动的形象,提高聆听的有效性。换言之,教师结合音乐的主题和内容,通过图片、视频等形式,将其展现在学生面前,让学生在聆听音乐的同时看到生动的画面,帮助音乐想要表达的内容建立直观生动的形象,使学生更有效地学习和领悟。在此过程中,学生在聆听音乐旋律的同时,在直观的观察中领悟音乐表达的内容,对音乐有一定的领悟。 三、结语 “以听为中心”是小学音乐教育的优秀原则之一,它推动了小学音乐教育的发展,是贯穿整个音乐课堂的主要因素。因此,教师要考虑如何引导学生进行更有效的聆听,提高音乐教学质量。这就需要众多小学音乐教师在实践教学中有意识地进行交流与总结,逐步完善音乐教学方法和模式,落实“以听为中心”的原则,提高小学音乐教学质量和效率,并推动素质教育的进一步发展。 作者:周纯洁 单位:昆山市玉山镇司徒街小学 音乐教育论文:新课标高师音乐教育论文 一、教育理念层面 在对部分基层学校新进教师的调查中常发现,刚从师范院校毕业任教的新教师明显不适应课程改革,需要通过岗前培训、集中系统学习等方式才能逐渐适应基础教学。纠其一部分原因在于师范院校的部分专任教师一直以来沿袭“传统学院派”教学,教育观念落后、教学方法和手段单一甚至陈旧,制约了对师范生的教育观念的更新和培养。 1.明确培养目标: 高师音乐教育部门应组织教师认真学习新课标的教学理论与基本理念,加深对新课标基本理念的解读与理解,迅速转变教育观念,以期在教育教学理念上与基础音乐教育达成思想的高度统一。师范音乐教育培养的是中小学音乐师资,师范性是其特色和优势,培养学生的音乐综合素质是其教育的重点。《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业课程指导方案》中的培养目标明确指出:本专业培养德智体美全面发展,掌握音乐教育基础理论、基础知识、基本技能,具有创新精神、实践能力和一定教育教学研究能力的高素质的音乐教育工作者。也就是说具有较全面的教师专业修养,才能成为合格的中小学音乐教师。 2.强调教师基本功的训练: 音乐教师基本功实际就是音乐学科的理论和技术水平,是一个合格音乐教师的基础和前提。高师学生教师技能训练是教师专业化的重要内容,是高师教学实践的重要组成部分,必将影响到高师学生教师专业技能水平和专业化程度。为了提高中小学音乐教师的综合素质,促进中小学音乐教学卓有成效的整体提升,国家教育部体育卫生与艺术教育司每两年举行一次“全国普通高等学校音乐教育专业本科学生基本功”的展示。这样也是为了增加学生的锻炼机会,更能发挥教师的指导水平。全国高校音乐教育专业本科生基本功展示在“教育基础理论综合测试”、“专业基础理论综合测试”、“钢琴演奏”、“歌唱与钢琴伴奏”、“自弹自唱”、“合唱指挥”、“中外乐器演奏”等项目上展开综合素养的全面比拼。综合音乐知识测试,突显出综合音乐知识与文化知识学习的重要性。而唱、奏、指挥等基本功则要求选手的音乐素质要好,综合能力要强,在音乐的音准、节奏、速度、力度、音色等方面准确把握;通过感知与想象、理解与创造准确体现作品的风格,实现音乐理论、专业技能及实践之间的相互渗透与转化。我们高师的教学中常是单科训练,较少侧重综合;另外,高师毕业生由于受“技能至上”观念的影响,只重视自己擅长的某项技能,偏科现象比较严重;在国内外教育教学思想与动态、姊妹艺术知识、民族民间音乐知识等方面掌握得比较单薄,知识面过窄,技能单一,不能适应教学对复合人才的需求,不能更好地胜任一线教育教学工作。因此,教师基本功的训练,不仅是单项技能的训练,而是综合能力的训练。 3.摸索教学方法: 在音乐教学形式和教学方法上,由于受专业音乐学院的培养模式的影响,高师教育存在“重讲授,轻参与;重技能训练,轻音乐鉴赏与理解”的现象。在倡导创新精神、创新能力的时代,教学方法和手段显得较传统与陈旧。高师音乐教学也应大胆革新,在传统的讲授、谈话、讨论等教学方法的基础上,摸索新的教学方法,如实地考察法、发现法、探究法、案例教学法等更多样性、更具思辨性的教学方法,让学生亲身体验在观察中感受、探索、发现和积累经验的乐趣,在不断的质疑、讨论与反思中提高教育教学理论水平,在潜移默化中融入教师角色。 二、课程设置层面 高师音乐课程设置与中小学音乐教学脱节是现今高师音乐教育中的一大弊端。新课标的培养目标从以往的将“音乐知识与技能的传授”转变为以“情感—态度—价值观”为首要目标,强调通过音乐教育发展欣赏力、表现力与创造力,培养审美情趣与乐观向上的生活态度。而目前的高师音乐教育在教学中都沿袭了与专业院校相同或相近的教学内容和质量观念,因此师范教育中存在重专业轻通识、重理论轻实践的倾向。 1.在课程的设置上,高师教育强调学科自身的知识体系 注重学科之间纵向的系统性、关联性与整体性,但忽视学科之间的横向联系,专业之间甚至同一专业的各门课程之间很少发生联系与融合,课程面狭窄。而且理论与实践缺乏有机联系,依旧沿袭旧体制下的课程设置,没能参照基础音乐教学大纲来设置高师的音乐课程。因此课程改革中,首先要进行课程间的整合与渗透,课程结构不应再以单学科为主,既要考虑到某门课程自身独立、系统的纵向结构发展,又要注重相关课程间相互关联的横向结合。 2.课程的内容衔接要注重理论与实践的统一。 高师专业课程应由基础教育理论、教师职业技能、教育教学实践部分组成。这样学生在课堂中更能充分的吸收知识,将知识吸收转化为自己的养分。如声乐课应包含:声乐理论、声乐演唱技巧、童声歌唱训练实践。在教学中将基础理论知识和实际的基本技能训练结合起来,让理论引导技能,将音乐专业知识最终转化为技能的运用和发展。 3.音乐文化课程与选修课程的适当增加。 新课标提出“以音乐审美为统领、音乐表现为载体、音乐创造与音乐文化为两翼、音乐教育为基础”的课程分类原则。这种划分方式突出了课程的功能性,因此课时分配上也应做出相应的调整。如可增设音乐文化课程:艺术美学、艺术哲学、世界音乐文化等课程;如增加综合性选修课:器乐合奏课、音乐表演唱、小舞蹈编排、音乐剧和歌剧的排练课等。这样才会拓宽学生的音乐思维,开阔学生的音乐文化视野,以适应基础教学需要的“综合素质”教学论,更好地与中小学的教学对接。 三、实践环节层面 大多数高师音乐专业学生在校期间鲜少有额外的实践机会,课余时间也很少接触中小学的音乐教材,更谈不上深入了解教材,这造成毕业生的实践能力不强,缺乏独立分析问题和解决问题的能力。其次,高师教育实习以6~8周不等的集中方式进行,多安排在第六或第七学期实施,实习时间太靠后,学生发现不足,也没有时间进行弥补和更正就将离校;实习的方式和内容体现出单调、模式化的缺憾;教学演练也多存在应付任务、走形式的情况。因此,要确实提高学生实践能力,应设计校内、外两种循环、衔接的实践环节。 1.课外实践:加强教育教学实习基地的建设,多与实习基地一线教师联系 结合中小学的课程内容,让学生有计划有目的地观摩学习,并能参与其备课和评课甚至上课,使学生对中小学音乐课程教学有一个基本概念。要将艺术实践课程和教育教学实习有机结合,设计各种类型的实践活动,如:校季文艺活动、中小学艺术实践及校园合唱节活动等,提高学生组织能力、舞台表演能力,以尽早适应中小学的需要。这种实习方式应以其“长期性”为最大特点,让实践环节贯穿大学的整个阶段。时间安排最好采取“课时分散式”的方式进行,让学生提前进入状态,便于知识的理解、接纳和吸收,让学生在见习、实习后能够有机会将反馈的意见和存在的问题及时归纳和解决,弥补他们在教学实践中的不足。 2.课内实践:安排实践周,就是在每一学期拿出一周来实训。 实践周是课堂教学活动的拓展与延伸,能够使学生对课内的知识都得到理解与加深。所谓“知识教会思考,经验教给你判断”,立足点应建立在“创造与应用”能力的培养上。可展开个体之间、小组之间等多种形式的交流,以达到人在思维、理念上及所产生的最优效果为最终目的。在实施这一具体过程中,应不断体现由浅入深、分层递进的特点。新课程标准呼唤高师教育不断完善教学体系与课程模式,力求缩短高师音乐教育专业培养现状与设定目标之间的差距,尽快达到中小学音乐新课程的要求。高师音乐学作为培养基础音乐教育人才的摇篮,不能偏离自己的教学目标和原则,应依据培养目标不断地充实与完善学科建设、课程设置与教学内容,这样才能充分体现高师教学的本质特征,紧跟音乐教育发展的步伐,起到引领和服务基础音乐教育的作用。 作者:刘鹏 单位:泉州师范学院音乐与舞蹈学院 音乐教育论文:学校流行音乐教育论文 一、流行音乐的内涵与发展现状 (一)流行音乐的含义及发展历程 1、流行音乐的含义 关于流行音乐的定义,笔者从以下两个方面加以阐释。第一、“流行音乐”是英语翻译而来:它是一种以赢利为目的而创作的商品音乐,19世纪末20世纪初诞生于美国,在叮砰巷、布鲁斯、爵士乐、摇滚乐、索尔音乐等美国大众音乐的基础上发展起来的音乐。第二、“流行音乐”是可称其具有“通俗性”的音乐。在满足第一点涉及的“商品性”、“现代性”特征之后“,流行音乐”的内容应具有通俗易懂、平易近人、亲切自然、易于流传的特点。满足以上两点,才可称其为流行音乐。另外,对于流行音乐的其它理解,如《洪湖水浪打浪》、《国际歌》等歌曲,虽然也可看作是群众之中的流行歌曲,但因有特定的政治历史背景,应独立理解为革命之歌、军旅之歌,这跟传统意义上的流行歌曲有所区别。 2、流行音乐的发展历程简述 第二次世界大战以后,摇滚乐成为西方流行音乐的主流,世界流行音乐的全面发展也始于摇滚乐,其节奏强烈,以反抗为主题的歌词内容及表演形式、特立独行的装扮,音乐表现强烈。上世纪80年代后,各种音乐风格开始更加深入的变化和发展,不同风格的音乐有了融合,涵盖的内容更加广泛。器乐作品轻松活泼、节奏鲜明,演奏方式多种多样,多使用电子设备;声乐作品幽默风趣、贴近生活、抒情优美、曲调顺口、易于传唱,不受传统观念与方法的约束,更加注重和突出情感的表达。如今的流行音乐越来越和大众的文化生活息息相关,它不仅是人们娱乐的、生活的记录,更是艺术的、精神的寄托。我国的流行音乐主要受欧美流行音乐的影响。上世纪30年代,随着殖民地的扩张,欧美流行音乐也随之传入到了上海。中国流行音乐的开山鼻祖是黎锦晖,中国的流行音乐最早通过舞厅、电影、广播等媒介流入内地,黎锦晖的《毛毛雨》也应运而生,这首歌曲也称为中国最早的一首流行歌曲。20世纪50年代的港台地区,由于受欧美流行音乐的影响,也出现了一些以陈蝶衣、刘雪庵等人为代表的作品。60年代“披头士”乐队赴港演出,对香港流行乐坛影响巨大。70年代末80年代初,台湾歌手邓丽君的歌曲唱入内地千家万户,人们才知道了什么是流行歌曲。90年代欧美的的流行天王迈克尔•杰克逊、席琳迪翁等人,以及港台的“四大天王”、庾澄庆、梅艳芳等人,都对内地的流行乐坛强烈冲击着。流行音乐尽管在两岸三地都有着自己的发展,却因当时特殊的政治原因,使其不能名正言顺地登上大雅之堂,占有主流音乐的位置,特别是以后,部分歌曲还常被灌以“靡靡之音”“、黄色歌曲”的不雅称号。总的来说,流行音乐还是从曲折中发展过来,并越来越与大众生活紧密相连。从上世纪30年代的黎派音乐所形成的中国流行音乐的第一高峰,到80年代港台音乐传入内地的第二次高峰,无不证明着中国流行音乐的发展与欧美流行音乐息息相关。 (二)我国流行音乐教育的基本现状 1、专业音乐教育中的流行音乐 我国流行音乐教育面向两个方向发展:一、以培养流行音乐专业人才为目的的流行音乐教育,属于专业音乐教育范畴;二、以流行音乐为媒介最终达到育人目的的流行音乐教育,属于基础音乐教育或国民音乐教育范畴。目前我国在以培养流行音乐人才为目的的学科建制中,从上世纪90年代起,已在全国高校相继确立:1993年,沈阳音乐学院设立通俗演唱专业。同年,北京现代音乐研修学院设立流行音乐演唱、演奏与创作专业;1994年,中央音乐学院成立了中国现代电子音乐中心;1998年,南京艺术学院流行音乐学院设置通俗音乐编创专业,2000年设立了流行音乐创作专业、流行音乐演唱与表演、流行音乐演奏专业;同年,西安音乐学院声乐系设立了通俗演唱专业;2001年,四川音乐学院成立了通俗音乐学院;2003年,上海音乐学院成立了现代器乐系、音乐工程系;同年,武汉音乐学院成立了演艺学院;2005年,星海音乐学院将社会音乐系设为流行音乐系。至今,全国越来越多的艺术院校已完成了流行音乐相关科系的建立。由于高校流行音乐教育的体系机制是从西方古典音乐体系中抽离出来的,自身缺乏独立科学的系统化体系,无论从师资建设还是学科定位上,都没有一个统一、清晰的评价标准,流行音乐在专业音乐教育的路上还需要更为漫长的完善过程。 2、普通学校音乐教育中的流行音乐 以流行音乐为媒介最终达到育人目的的教育方向,是目前普通学校音乐教育重点关注与研究的范畴、是学校基础音乐教育与时展相结合的必然趋势。古典音乐、民族民间传统音乐、流行音乐是当今世界音乐的三大种类,在普通学校音乐教育中运用得最普遍、影响最深远的音乐种类当数前两类。而流行音乐,作为音乐教育中相对新兴的音乐种类,直到上世纪70年代末,才开始真正迈入国门。近年来,随着流行音乐的飞速发展以及流行音乐院校及其专业的建立,使其越来越成为当今音乐教育中必不可少的主要研究方向。作为音乐教育者的我们,必然看到流行音乐作为世界三大音乐种类进入学校音乐教育的必然性。目前,已有许多关于流行音乐的调查报告在各类各级学校中展开,有“问卷调查”、“街头访谈”等各类方法,根据已有调查资料的数据显示,有超过百分之八十的青少年对流行音乐喜爱有加,相对于古典音乐和民族民间传统音乐,他们更愿意接受流行音乐。笔者通过对人民音乐出版社出版的《九年义务教育课程标准实验教科书•音乐》了解到,流行音乐相对于其它两类音乐,所占比例最低,究其原因可从流行音乐发展的特殊历史背景和现今鱼龙混杂的音乐种目有关,加之流行音乐还缺乏自身的学科独立性、科学的运用方法等相关的教学机制。 二、流行音乐在普通学校音乐教育教学中的运用探析 (一)普通学校音乐教育的培养目标及基本现状 1、普通学校音乐教育课程的培养目标 音乐存在于人类历史中,也是最早的艺术形式之一。儒家学派的伟大教育家孔子曾说“:兴于诗,立于礼,成于乐。”这是古代圣贤对音乐的认识,表现出音乐对于“成人”的重要性。在深化教育改革、全面推进素质教育、努力促进教育公平、实施教育持续健康发展的背景下,2011年版《全日制义务教育音乐课程标准》的制定,为全国基础音乐教育课程指明了方向,这也是当今中、小学校音乐课中的教学指导方针,音乐教育在促进人的发展和推动社会进步方面,更加显示出它独特的功能和作用。“标准”中明确指出,音乐课程的价值在于“为学生提供审美体验,陶冶情操,启迪智慧;开发创造性发展潜能,提升创造力;传承民族优秀文化,增进对世界音乐文化丰富性和多样性的认识和理解;促进人际交往、情感沟通及和谐社会的构建。”无论是古典音乐还是民族民间传统音乐,抑或是新兴的流行音乐,在学校音乐课堂的运用过程中都应该以“标准”作为教学的指导方针,体现音乐课程的价值。 2、普通学校音乐教育的基本现状 我国关于音乐教育行政法规方面的建制,可追溯到1978年施行改革开放政策以后,特别是80年代中期开始,音乐教育的地位才明显得到提高,学校的音乐教育得以迅速发展:1986年3月,第三届全国人民代表大会第四次会议通过了《关于第七个五年计划的报告》,报告中明确把美育和德育、体育、智育一起列入国家的教育方针,同时国家教委设立了艺术处,成立了艺术教育委员会作为政府的咨询机构;1988年,国家教委颁发了划时代的《全国艺术教育总体规划1989--2000》,这是音乐教育史上第一部有关学校艺术教育的重要文献,是学校艺术教育搞个与发展的蓝图;1989年,国家教委设立了社会科学研究与艺术教育司,地方教育部门相继设立了艺术教育的专门管理机构,成立了艺术教育委员会;1995年国家教委又颁发了《关于发展与改革艺术师范教育的若干意见》,是师范艺术教育发展的纲领性文件;2000年以后,国家教育部颁布了音乐课程标准。进入新世纪以来,我国对于音乐教育越来越重视。21世纪各国的音乐教育都在努力适应着国际竞争的激烈和本国社会经济的发展,素质教育的优秀更加凸显,音乐教育朝着更全面、更国际的方向发展着。世界先进音乐教育思想与理念影响着本国音乐教育的发展,使得本国音乐教育的本土文化与国际多元文化相结合,世界各类优秀的教学体系与方法得到融合与发展,音乐教育朝着更加国际化的方向与时俱进。 (二)流行音乐的教育教学运用研究 1、把握教育思想的方向 正确发挥出流行音乐的教育价值,教学中应注意把握其教育教学思想的方向:坚持社会主义优秀价值体系为导向,为培养学生良好的审美情趣和人文素养发挥重要作用。新的教育思想的定位,应该结合时展的步伐,以全方位的人才培养角度来考虑。在教学过程中需注意:发挥流行音乐感染力强、通俗易懂的特点,实施好美育的作用;发挥流行音乐普及性强、传唱度高的特点,引导传承民族文化与理解世界多元文化;发挥流行音乐贴近生活、亲切自然的特点,引发学生的学习兴趣。 2、树立正确的教育教学理念 目前世界上各个发达国家的音乐教育大都摈弃了对西方音乐的盲目推崇或对本民族音乐的固步自封,认为音乐教育必须融合多元文化与本土文化。西方音乐文化应与其它音乐文化有着平等而相似的地方,西方社会活动中诞生的“音乐标准”,也就是被惯视为“文明的标准”,事实上是一种音乐文化体系颠覆另一种音乐文化体系的过程。学校音乐教育首先是一种艺术的教育,艺术的本质是审美的,音乐教育从本质上说是一种审美教育,这种教育应该是遵循音乐艺术教育的自身规律,主要体现在突出音乐的、审美的特点。在全球音乐文化越来越开放的背景之下,中国的音乐教育应该着力保持它的本土性与民族性,并结合自身所处的时代与环境,使其音乐风格能够保持一定的地方文化特征,才能延续和发展民族的文化,做到民族与国际的融合与发展。 3、教材、作品的选取 把握好教育思想方向,树立了正确的教育教学理念之后,需要在教学中引入合适的、富有感染力的流行音乐。不论是流行音乐教材还是流行音乐作品在教学中的运用,都需要体现以下六项原则:一、学生为本原则。从学生的兴趣、能力和需要出发,结合学生的生活经验,遵循学生的生理、心理及审美认知规律,为学生终身学习音乐及提高音乐审美素质奠定基础。二、教材应将思想性与艺术性有机结合,体现音乐教育的规律;作品注意渗透思想品德的教育。三、科学性原则。符合学生音乐学习的认知规律,不要太过繁复琐碎的音乐作品。四、实践性原则。注意学生的实践效果与掌握水平。五、综合性原则。注意挖掘音乐文化的内涵,加强流行音乐与其它姊妹艺术、相关文化的联系。六、开放性原则。正确引导学生欣赏和理解传统与现代、中华音乐文化与世界多元文化的流行音乐。 4、教学方法的探究 流行音乐因其内容形式通俗易懂、贴近生活、感染力强的特点,在音乐教学中本身可以作为作品进行欣赏教学,使学生能轻松地参与到音乐中来,体悟到音乐内涵的情感思想。另一方面,也可以把流行音乐作品或其中某段旋律当作一种教学手段,从而帮助学生更好地完成教学目标。 (1)“隐喻式”教学法 后现代主义形成于20世纪60年代,是西方发达国家二战后进入现代社会为背景,以反思、批判或否定现代主义文化的理论取向、理论基础的思维方式为基本特征的阐释。由于后现代主义的影响,师生之间的“互动、开发”成为后现代教学的重点。“隐喻式”教学法成为后现代主义理论下最常用的、最具代表性的教学方式。隐喻通常是在一种事物的暗示之下,通过感知、体验、想象、理解另一种事物的心理活动和语言行为,也就是一种事物暗喻另一种事物。“隐喻式”教学法有如下几类方法:一、音乐隐喻。通过音乐手段创设情境,比如播放流行歌曲《阳光总在风雨后》来理解古诗词“山重水复疑无路,柳暗花明又一村”。二、语言隐喻。利用声调、音色、情绪的交叉变化,描绘特定的情境或人物,如播放流行歌手周杰伦的说唱音乐《霍元甲》。三、对话隐喻。通过反问的方式,暗示问题的答案。如“禅宗语录”中,弟子烦愁的问高僧:“我怎样才能解脱啊?”高僧答“:是谁绑住了你?”为学生更好的理解“隐喻”的对话内涵,增加趣味性,可引入流行歌曲甘萍演唱的《三个和尚》。 (2)“体态律动”教学法 体态律动是人类以人身体的动作为介体的一种充满节奏韵律的动作。瑞士的著名音乐教育家提出“体态律动”学说,其中提到:音乐教育应从身心两方面同时入手去训练学生,让学生从刚开始接触音乐起,就不只是学习用听觉去感受音乐,而是用整个肌体和心灵去感受节奏的疏密,旋律起伏和情绪变化的规律。奥尔夫和柯达伊两大音乐教育体系都从达尔克罗兹的体态律动学中吸收了其长处并加以发扬和创新,通过律动来体验音乐的情感,用身体对音乐的节奏、旋律、速度等作出即兴反应,能最大程度地锻炼对音乐的感知能力和表现能力。此时可引入欧美的爵士乐、节奏布鲁斯风格的作品,通过体态律动更好地理解与认识爵士乐,不仅让学生身心放松,顺带也让他们在律动表演中了解到美国的音乐文化。 (3)“表现”教学法 音乐是情感的艺术。通过提高给学生感受音乐、表现音乐的机会,使其获得音乐的审美体验,学会用音乐的形象表达个人的情感,养成积极乐观人生态度。在参与演唱中,音乐能够正面地让个人的自信心更为饱满,更能达到悦心悦意的精神境界。选择适合的流行歌曲,如张雨生演唱的《我的未来不是梦》、汪峰演唱的《飞得更高》,都能激发积极乐观的人生正能量,让每一个学生都能体验到参与表现后的成功愉悦,从而更加自主地展现音乐的情感,体会到音乐的快乐。 (4)在世界先进教育教学体系中的“填充”与“置入” 瑞士的达尔克罗兹音乐教育体系、匈牙利的柯达伊音乐教育体系、德国的奥尔夫音乐教育体系是当今世界上影响最深远、运用最广泛的三大音乐教育体系。其教学内容大体涉及到以下几个方面:乐音旋律、节奏节拍、体态律动、歌唱、诗词朗诵、创编创作、舞蹈戏剧、器乐演奏等。流行音乐作为当下一种时尚、新颖的音乐种类,在遵循原教育体系的理念与方法规则后,可考虑安置符合教学对象身心与教学目标的流行音乐置入到相应的教学内容中,便于激发学生的兴趣。 5、教学评价 流行音乐在普通学校音乐教育的课堂中,主要扮演了两重“身份”。一是欣赏教学中的“作品”,二是教学中的“手段”“、途径”,不论是作为“作品”还是“手段”的存在,最后的教学目标、教育指导思想,都应该以“标准”为指导方针,为培养学生的审美情操和个人修养起到重要作用,音乐课程的评价应充分体现全面推进素质教育的精神,贯彻“标准”所阐述的课程理念,着眼于评价的诊断、激励与改善功能。对学生的评价需以“标准”中各教学领域的内容标准为基本依据,全面考察内容标准所涉及的情感态度与价值观、过程与方法、知识与技能中的要求。 三、结语 “流行音乐”作为一种与“古典音乐”、“民族民间传统音乐”并置存在的三大音乐种类,在当下已是不争的事实、时代的必然。普通学校音乐教育应与时俱进、不断完善,才能适应社会与时代的发展。流行音乐在当今数字化的传媒时代,早已是大街小巷、无处不在。不仅青少年对其新颖、自然的表现形式感到好奇与喜爱,广大老百姓也是流行音乐的最大拥护者。流行音乐的到来早已撼动整个世界的文化格局,它的影响也早已超出了艺术的范畴。作为音乐教育者的我们,应该建立一种对流行音乐正确认识的价值观,看到流行音乐在社会与时代中的积极作用,逐步完善流行音乐在普通学校音乐教育教学中的教学机制。 作者:韩蕊岭 雍敦全 单位:四川音乐学院 音乐教育论文:必要性幼儿期音乐教育论文 一、幼儿期就让孩子学习乐器是否过早这个问题有争议 有人担心这样是否会使儿童用脑过度?科学研究表明幼年期是一种神经发展的时期,在幼年期提供环境刺激,进行适当的引导训练,不但没有发现影响幼儿的健康和发育,相反却促进了脑和神经系统的发育。我们当然也不强调一个年限,主要是根据各个孩子的身心发育的程度而定,能学的学,不要勉强。但实际已经证明凡是能够学习的越早越好,而且从一个人的一生来看,如果他在七八岁之前的时间里学习了音乐,则在七八岁左右即可学习其他的课目。而之前的几年已为他的艺术修养打下了良好的基础,或继续学习音乐,或选修其他专业,可任其选择。由此我们可以看出幼儿期音乐教育具有必要性。 二、培养音乐家要从幼儿开始 这在我国以及世界上都是毋庸置疑的问题了。不仅对于学习钢琴、小提琴这些文献多、演奏技巧艰深的专业需要从幼儿就开始专业训练,就是对于作曲、指挥和管乐器这些无法从幼儿开始专业训练的专业,也需从幼儿起进行音乐基础的训练。以便为将来在这些专业上,向高峰发展打下坚实的必要的基础。近几年来的音乐告诉我们在西欧有伟大成就的音乐家,无一不是在幼儿时期就接受过家庭或者社会所给予的良好的音乐教育。他们在青少年时期所显露出的音乐才华,与他们在幼儿时期受过良好的音乐教育是分不开的。这里我们不妨以四位世界第一流的音乐家(人们习惯誉之为“4B”)为例。巴哈曾经是音乐世家,贝多芬出生在一个音乐家庭里,父亲是个中提琴手,他在幼儿时就受到了音乐上的熏陶和严格的训练,所以在十八岁时就成为演奏家登上了音乐舞台,他在青年时期就写出了很多至今仍享有盛名的作品。勃拉姆斯的父亲是以为奏低音提琴的名手,母亲是一位音乐爱好者,勃拉姆斯小时候常与她练习钢琴合奏曲,在他十岁时钢琴与作曲已经有些成就了。巴托克曾经是一位伟大的作曲家和钢琴家,他在青年时期写出成功的作品之前就仔细地研读了世界上许多成功的音乐作品,试问四B至其它音乐家的成功难道能飞越严格而有序的幼儿期音乐教育吗?回答显而易见。 三、幼儿期音乐教育是具有必要性的发展心理学家和早期儿童教育工作者表明幼儿期音乐教育 对于人类中枢神经的发展和加强儿童的认知能力、身体发育及其它人文科学水平的发展,社会竞争能力的提高都是十分有益的。事实上在人体的发育过程中,听觉、视觉、触觉等神经系统发展和完善的时间更大大早于四肢和其它器官,所以在七岁以前一般是在学龄前的三四岁时必须给正在发育和完善过程中的听触觉神经予必要的过时不能再补的训练和诱导,这一点是至关重要的。美国《读者文摘》杂志1973年12月份有一篇介绍日本铃木教授小提琴学法的文章,讲到对幼儿的教育时,写到刚出生不久的儿童,母亲就在她的卧室内放莫扎特、海顿和其它大作曲家作品的录音带。六个月的时候这个孩子每听到她熟悉的旋律时,就会高兴的咯咯笑起来,两岁时每学期都和母亲到当地的铃木学校去。这样培养出来的儿童音乐家组成的乐队最大的只有十二三岁,每年去美国演出都受到美国朋友们的惊奇而热烈的欢迎,这不能不说幼儿期音乐教育是具有必要性的。 四、幼儿期音乐教育能开发右脑,发展幼儿的智力 从生理学的角度来看,幼儿期音乐教育的必要性还在于音乐能开发右脑,发展幼儿的智力。据科学家推测在人脑两大半球之中右脑半球的能量是左脑半球的10万倍以上。但迄今为止人类的生存与发展主要是依赖左大脑半球,而很少关注怎样开发和利用右大脑半球所储藏的巨大能量。这从一定意义上讲是人类自身的一大悲哀,也是人类相对低能的表现。脑科学研究表明右脑的开发主要取决于一种叫“脑内吗啡肽”的分泌物的分泌,这种物质的大量分泌能极大地提高右大脑半球的使用频率,并能促使左右大脑半球相互协作与沟通,从而实现开发右脑。那么,怎样来增加“脑内吗啡肽”的分泌呢?最简单,最实用,最可行的一个办法就是通过欣赏包括音乐在内的艺术作品来促使“脑内吗啡肽”加速分泌,这是因为人类艺术创造的主要来源在于右大脑半球,音乐也直接作用于右大脑半球。当人们欣赏音乐数分钟后,能使大脑中大量的β脑波降低到α脑波,而α脑波则只有在右大脑半球占优势时才出现,它能使“脑内吗啡肽”大量分泌,最终让储贮在右脑中的巨大能量加速开发并得到利用。事实上:随着素质教育的深人实施,音乐教育的地位日渐提高,关于这个观点,国家教育部原体卫司副司长杨力在接受记者采访时也强调说:“中国的音乐教育呈上升趋势。”这在一定意义上说明音乐功能或作用正渐渐地为人们所认识,可以这样说,在素质教育的大旗下,幼儿期音乐教育具有必要性,一方面是素质的需要和体现,另一方面更是人类自身需要开拓和发展的体现。实际上,基于音乐的特殊功能,我们可以毫不夸张地说:幼儿期音乐教育确实具有必要性。 作者:庞会茹 单位:河北省曲阳县郎家庄乡中心学校 音乐教育论文:国民素质与音乐教育论文 一、音乐教育的范畴和特征 (一)音乐教育的范畴 音乐教育从古至今,人们都十分强调其对个人的修养以及对社会的积极作用。孔子曾说:“兴于诗,立于礼,成于乐”,并将此作为培养一个人修养的标准。欧洲是最早将音乐教育融入教育体系的。古希腊哲学家柏拉图指出,音乐可以培养人的善和美。在诸多的西方学者、名人中,他们都十分精通音乐,并且能熟练演奏各种乐器,这与国家对音乐教育的重视程度和全民整体素质不无相关。因此,音乐教育不仅能传播知识,让人们掌握技能,更重要的是发挥音乐教育给人们带来审美思想,陶冶情操,诱发人的精神价值的升华和培养健全的人格、丰富个性等方面的作用。从而逐步提高人们在社会生活中的交往能力、合作能力,提高人们的想象力和创造力,继而对人生观和价值观有一个正确的认识,使之成为具有较高素质的国民,成为社会发展的合格乃至优秀的成员。音乐教育的范畴:一是学校音乐教育,通过各级学校的音乐教学;二是社会音乐教育,大都承担培养社会公民艺术修养、丰富社会文化和提高国民素质的任务。 (二)音乐教育的特征 音乐教育的特征是全民性和终身性。只是不同的国家在音乐教育上反映的教育目标、教育模式上有所不同。以下以美国音乐教育的特点为例: 1.《美国国家艺术教育标准》中指出培养完整的人,让音乐在公民的个性、推理、想象以及与人沟通交流表达能力方面发挥独特的培养作用。他们认为,音乐艺术是人类文化的浓缩与人类文明的结晶,音乐教育不仅在培养人的修养与审美方面,而且在其他学科的学习过程中注入了激情,缺乏音乐艺术的教育是不完整的教育。此外,音乐教育具有强大的精神推动力,对社会的经济建设起到推波助澜的作用,体现了音乐教育的全民性。 2.音乐教育没有固定的模式,随着时代的变迁和社会的进步而不断改变,并且始终贯穿于人的生命之中,即体现了音乐教育的终身性。我国在新世纪进行了第八次基础课程改革,其中《音乐课程标准》确立了新的理念,加强对学生个性发展的要求,充分体现了素质教育的思想内涵。通过音乐教育,培养学生的音乐情趣,提高音乐感受和欣赏能力,提高创造性思维和音乐文化素养。课程的内容表现为三点:(1)情感与价值观的培养;(2)过程与方法;(3)知识与技能。其特点表现为培养人的价值观念、想象力、审美体验、创造性发展和文化传承等方面,其特征仍是音乐教育的全民性和终身性。 二、音乐教育与国民素质的关系 (一)音乐教育对人的情感因素和人格成长的影响 良好的人格品行是知、情、意、行诸多方面的协调统一,人格的发展不仅包括情感,而且贯穿于情感体验和情感行为之中。人的个性形成与情感历程有非常重要的关系,同时情感也为个性的形成提供必要的条件。音乐可以引导人追求美好的理想,可以塑造完美的人格与品质。音乐可以培养人积极向上的心理,鼓励人们以积极的态度去面对人生。一个国家的国民素质表现在诸多个体之中,而个体的人格、品行综合表现反映出一个国家、民族的综合素质。柏拉图曾说:“音乐不但可以使灵魂高尚,并且可以使行为优美”,恰如其分地说明了音乐教育对国民素质和人格成长的影响。 (二)音乐教育对民族精神的影响 音乐教育注重于对人的思维以及想象力和创造力的培养,注重于对个性化和团队合作的培养,注重于对人的能力和品质的培养。民族精神是社会历史发展过程中,多元素交织沉淀中形成的民族意识、民族文化、民族性格、民族信仰、民族价值观念和价值追求等共同特质,是一个民族生命力、创造力和凝聚力的集中体现,是一个民族赖以生存、共同生活、共同发展的优秀和灵魂。中华民族形成了以爱国主义为优秀,团结统一、爱好和平、勤劳勇敢、自强不息的民族精神。但近年来,中国的教育较注重文化知识、应试教育,音乐只是某些家庭作为孩子的爱好培养,大多数中小学忽视音乐教育的本质,忽视了对学生能力和品质的培养。一些家庭的目标偏向物质利益,重视名誉与地位,对人格素质要求较低。中国是一个历史悠久的国家,改革开放给国家带来了经济上的巨大变化,然而一些人的精神追求和道德素养却在下滑。正如中国社科院研究员张国庆在中法论坛上的讲话中所提到的,中国人的道德水平正处在底线上,正处在一个断层期和转型期,显得富而不贵、不雅。功利主义四处蔓延,精神倾滑、人文弱化的现象,媚俗文化流行,这些不良的行为主导社会思想文化的发展和风气,使人们的整体素质低下,民族精神、民族素质提高迫在眉睫。 (三)音乐教育对和谐社会发展的影响 和谐社会是一个国家发展时期精神面貌的体现,和谐社会不会自己产生和形成,其是一个国家和民族在教育过程中的文化沉淀和积累,并加以引导教育的结果。音乐教育是和谐社会构成的重要元素,荀子曾说:“乐使人血气平和”,充分体现了音乐的教育价值,使人与人、人与自然之间和谐相处。现代社会,人们追求功利、物质的心欲膨胀,竞争导致人的精神压力增大,人心浮躁,情绪因素越来越突显,导致社会伦理秩序失控,许多人缺失信仰,精神世界苍白无助,而音乐教育是调整这种状态、改变这种状态的有效手段之一。音乐可以调节人体的精神平衡,保持平和的心态和健康的身体,通过和谐的心理维护人与人之间的关系,在情感和意识达到理性的沟通,从而促进家庭与社会的和谐。21世纪两个最大产业的发展,一是信息产业(高科技领域),二是艺术产业。目前,信息产业已被广泛认识并充分地运用在国家建设和人民生活中,但艺术产业在许多国家还没有被认识。欧美发达国家艺术产业开发已被世界所公认,同时各国对音乐教育非常重视,中小学三分之一的课时被艺术类所占据,不仅开发了学生的智力和创造性思维,同时对其今后的成长发展以及成为有较高素质的国民打下良好的基础。我国虽然一直提倡德、智、体、美全面发展,但真正用于国家音乐教育与社会音乐教育,为培养合格的甚至是优秀的国民素质的音乐教育手段和方式较少,加之目前国家的经济条件和大多数人趋利的心理,用于全民族的社会音乐教育资金匮乏,全民无偿的艺术培训、活动地点少之又少,丰富的文化资源长期未受到重视,利用率低,利用层次低。对大学生在音乐教育方面进行的调查,被调查对象的500多人中,喜爱钢琴占27.7%,喜爱吉他占31.8%,二胡占10.1%,小提琴占12.2%,访问的学生中全部受过不同程度的音乐教育,但调查表明56%的学生没有接受全面的音乐教育,70%的学生不具备必要的音乐理论知识。大学生主要通过网络接触音乐而不是必要的学校音乐教育,大学活动虽然比较丰富,但一半以上的学生认为校园音乐缺乏高雅、清新之气,与学校氛围不符,与社会发展不协调,超过50%的学生认为,校园文化音乐在内容和形式方面没有时代气息和鲜明特征,70%以上的学生认为,大学音乐活动设施和硬件设备较差。新世纪普及音乐教育,挖掘民族音乐,学习西方音乐,多元素交叉是艺术产业发展的直接要求。其不仅能保持国民精神上的产品丰富,为和谐社会发展提供保障,改善人民的精神面貌,同时为促进我国社会经济发展,成为世界经济强国提供精神动力。构建和谐社会,人们的精神和道德上的高尚是基础。美学家朱光潜曾说:“美育是德育的基础”,教育家苏霍姆林斯基认为,“美是道德的纯洁、精神丰富和体魄健全的有力源泉”。因此,提高整体国民素质,音乐教育非常重要,其不仅实现了美育的诸多效用,而且表现在人的形体、心态、精神、行为等诸多方面。这些美集中在个人身上,使之成长为优秀的公民,集中在一个民族的身上,表现出良好的整体国民素质。 三、音乐教育对国民素质提高的建议 (一)充分发挥音乐教育在国民素质教育中的地位 音乐教育的特征是全民性和终身性,而学校音乐教育是培养全民音乐素质的启蒙和发展阶段,我国90%以上的学校,在中学和高中开设音乐课只是象征性的每周一节课,大多数学生的音乐教育从这时开始断层,正如对大学生调研所了解的,70%的学生没有接受过系统的音乐教育。此外,社会音乐教育普及程度缺乏,除了一些社区举行的秧歌、健身操和个别自发组成的广场舞外,社会几乎没有举办过各类的音乐教育知识普及活动,社会的活动中心多为老年人,年轻人参与很少。可见人们对于音乐教育对国民素质提高的认识不清楚,或没有从更深的程度去理解、思考这类问题,导致社会整体对音乐教育与国民素质提高之间关系的认识不健全。我们经常提到发达国家国民素质高,他们体现的是物质文明与精神文明的结合,据了解,国外80%的公民都会一种乐器,高出我国国民近15倍,如此大的差距,不仅反映了国外公民的音乐素质,而且也反映了我国在现阶段存在物质至上、精神空虚断层的现象,虽然我们已经认识到了这些问题,但要改变还需要一段漫长的路程。 (二)政府要从根本上重视音乐教育 音乐教育能提高国民素质,改变中国风貌,向全世界展现新中国新特色,政府必须从宏观层面上重视。 1.加强学校音乐教育的投入 中学、大学等各个阶段音乐教育设备的投入,同时必须开展素质教育,剔除应试教育所带来的种种弊端,增加中小学、高中乃至大中专院校音乐教育的活动方式,选择具有弘扬中国精神、凝聚中国力量、鼓舞人心、积极向上的活动内容。普及高雅音乐和民族音乐,形成多元素音乐文化交融,使学生在学校期间不仅掌握知识和提升技能,同时在音乐教育中汲取更多养分,为使他们成为合格乃至优秀的公民打下良好的基础。 2.加大社会音乐教育的投入 社会音乐教育是提高国民素质的另一个重要组成部分,学校音乐教育是人生中受教育很短的时期,更多的时间是受社会音乐教育的影响,因此对一个公民而言,终身的音乐教育是属于社会的。国家和社会必须重视社会音乐教育,将其作为学校音乐教育的一个补充,使社会、学校、家庭三个方面的音乐教育融合在一起,通过音乐技能、音乐知识的传播,提高全社会的审美能力、审美意识,进而塑造我们的精神世界,发挥其在人的全面发展中的积极作用,从而提高全民族的国民素质。 四、结语 总之,音乐教育是人类精神文明和个人素质的重要组成部分,音乐教育的有效性不仅表现在个人能力、人格等方面,同时也表现在一个国家、一个民族的文明与进步上,体现在国家的国民素质上。因此,我们必须紧跟时代步伐,把握时代主旋律,依据时代的需要,让音乐教育植根于我们学校教育的沃土中,扎根于我们社会音乐教育中,通过音乐教育增强社会公民的精神力量,丰富人的内心情感,提高全民族的国民素质。 作者:胡玉芝 严泽民 单位:锦州师范高等专科学校 宁波工程学院经济与管理学院 音乐教育论文:大众音乐文化背景下音乐教育论文 一、了解大众音乐文化,寻找大众和经典的共同点 大众音乐是指以流行音乐为主的,传播度广、传唱度高的一批音乐作品,它们的共同特点是易上口、视听冲击强,因而容易给人留下第一印象,更容易被人接受,相比古典音乐等一批经典音乐来说,缺少文化底蕴。正是由于大众音乐文化的这些特点,大众音乐文化很快就被大多数人接受,如今的音乐教育也不可能完全杜绝它的存在。最好的做法就是将大众音乐融入音乐教育中来,让学生感受不同的音乐之间的共同点,以此来提高他们对音乐的认识。比如,在2008年奥运会期间,一首《北京欢迎你》成为社会热点,广为传唱,这首歌虽然由众多明星合唱,属于流行音乐的范畴,但它所表达的内容却是积极向上的,包括对举办奥运会的自信和对祖国的热爱与自豪。而在初中音乐的课程中,同样有表现爱国情怀的歌曲,例如《歌唱祖国》《祖国颂》等,这些歌曲所抒发的爱国情怀更加炽烈。在寻找大众音乐和经典音乐的共同点时,教师还可以从音乐背后的故事以及作者背后的故事入手。比如,学生喜欢听周杰伦的歌,教师就可以给学生讲述他在成名前的艰辛故事,在得到学生共鸣之后,引出在这一点上,音乐家聂耳和田汉也经历了非凡的磨难,包括秘密参与革命活动,受到死亡的威胁,而他们所创造的作品是全中国每个人都会唱的《义勇军进行曲》。大众音乐文化有它流行的特点,不是无缘无故的,因此教师在音乐教学时就要摸清思路,不能一味地明令禁止,要顺应时势,找到正确的切入点,将它们联系起来。 二、文化的正面冲击与相互衬映 文化的融合需要进行正面的冲突,这样才能将两种文化同时展现出来,互补长短,获得一种相辅相成、互相衬映的完美融合状态。在初中音乐教育的过程中,教师要注意这两种文化在学生中引起的反应,寻找适当时机,让两种文化一同出现在学生面前。比如,在欣赏越剧《梁山伯与祝英台》时,教师可以选择一些以这个题材为主题的流行音乐作品与传统作品进行比较。为学生分析两种表现形式的不同点,并指出流行和传统间在表现音乐内涵方面的差异。例如,流行音乐旨在表现梁山伯与祝英台之间的爱情故事,而传统作品除了感叹两者之间的爱情以外,还包含了对当时社会背景的讽刺,在文化层面上远远高于流行音乐。又比如,教师仍然可以拿周杰伦举例,在他的很多流行作品中都会出现古典乐器,他的大部分作品都包含着“中国风”,这是对中国古典文化的致敬和尊敬,学生在听他的音乐作品时就会特别留意这些地方,从而对古典文化产生浓厚的兴趣。文化是可以相互继承、相互发扬的,在这种相互活动中,学生可以体会到两种不同文化带来的冲击和互补,对音乐文化会有一个全新的认识。教师要把控着音乐作品的走向,做好指挥工作,让学生看到两种文化并不是敌对的,而是可以融合在一起的,让学生体会到两种文化融合的魅力,从而达到审美上的平衡。 三、在文化融合领域的探索 文化融合的深浅程度,取决于大众接受这种融合的程度,显然,在现在的大环境下,流行音乐仍然处于压倒性的主导地位,这样的不均衡导致了音乐市场的糟粕泛滥和音乐文化领域的萎靡。教师在教导学生认识音乐文化和接受文化融合的过程中,还要教导学生对文化的融合和经典音乐文化的复兴做出努力。比如,在学习《重整河山待后生》这首歌曲时,教师可以借由这首歌曲所表达的后生可畏的情感,教导学生开展提倡高雅、抵制低俗音乐的活动,对于一些充斥着色情暴力、粗制滥造的音乐作品坚决抵制,以此教导学生要提高大众音乐质量,为音乐教育的开展找到一片净土。又比如,教师可以引导学生在校园内开展对文化融合的传播会,组织学生举办音乐文化融合的表演,虽然学生的力量是渺小的,但可以让更多的学生了解到文化融合对音乐的巨大影响和非凡意义。 四、结语 初中是学生音乐素质发展的黄金时期,在如今的大众音乐文化的背景下,对学生的音乐教育刻不容缓。而在初中音乐教育的过程中,教师必须清楚地认识到大众音乐文化已经成了音乐文化的一部分,大众音乐文化有它的特点和优点,阻止大众音乐在学生中的传播并不能阻止大众音乐的传播,反而让学生脱离了整个环境。因此,只有正确认识大众音乐文化的作用,才能顺利开展音乐文化教育,将大众音乐融入音乐教育中来,让学生在接受大众音乐文化的过程中受到音乐教育潜移默化的影响,让他们感受到经典音乐的魅力,提高他们的音乐知识和音乐审美。 作者:周荣春 单位:江苏省盐城市景山中学 音乐教育论文:人文素养大学音乐教育论文 一、大学音乐教育中培养人文素养的必要性 1.提升大学生人文素养是打开音乐教育质量之门的“钥匙” 在音乐教学中,老师通过艺术的内在美去感化学生,使其受到艺术的熏陶。一个人文素质低下的学生很难吸收音乐中的内在精华,人文素养的高低直接影响着学生音乐艺术审美能力的强弱和综合素质的高低,加强音乐教育基础、完善人格,将其改造成高雅且具有品味的高素质人才的重中之重就是不断提高大学生的人文素养。 2.提升大学生人文素养是推动大学生素质全面提高的关键 我国总是强调学生的素质教育,讲究高层次人才的全方面发展。在提倡的大学生素质教育中,除了要注重学生专业素质、文化素质与身心素质培养以外,音乐教育也是非常重要的一个组成部分。在一个人文知识和人文精神丰厚的高校里,音乐教育必定会是有源的水、有根的木,既能丰富大学生的校园学习生活,又能满足其精神需要。 3.提升大学生人文素养能正确指导他们分辨和接受各类音乐 在高校音乐教育中,一般以民族音乐、传统的美声为主,也开设了一些音乐欣赏的课程。除了上面的这些音乐,在学习以外的生活里,大学生更喜欢听的是一些流行歌曲,各种流行音乐对大学生的整体素质的影响力度是不容忽视的。它们中有的是亲情的,有励志的,有唱爱情的,有积极乐观的,也有价值观念颓废、不求进取的...加上对歌手的包装、唱片公司的极力推销,学生特别容易的就被吸引了。如果提高大学生的人文素养水平,他们就能具有辨别好坏的能力,能选择出对人生有积极作用的歌曲。 二、音乐教育中培养人文素养的方法 1.加强音乐文化和其他艺术门类的关系和互补作用 培养具有创新能力的劳动者是实施素质教育的优秀目的,但高校音乐教育的优秀是培养学生的教育理论素质和审美能力。素质教育应从始至终以教学管理、教学实践为线索,并具体实施到教学计划、教学内容、教材选用、教学方法等教学环节中。人文素质的培养是一项系统的工程,要求教学中各项环节都必须协调一致、配合密切,且应从教学实际出发,着重解决提升审美层次的问题。要增加课程结构中人文教育的比例,重视专业技能和人文知识的互补与结合。在具体教学中要更进一步更新、充实、深化人文素质的方法和内容,使得教学方法和课程教学更具有实际性、效果性、活跃性,增加课程的艺术感染力和生动性。教学内容的整理结合,要具有素质教育的整体观念,美化音乐教育的全面结构和功能。所说的整合不单是简单的拼加而成,而是有目的的把音乐教育和其他艺术的学习结合起来,才能使学生的人文素质得到整体的协调发展。 2.注重教师的学术水平,重视培养具有人文素质的教师团体 对于音乐教师来说,要注重提高自己的心理素质、能力素质与知识素质而且还有观念的转变,“在知识方面要成为“杂家”,具有较广泛的相关的学科知识,在业绩上要成为“专家”,要拥有使人相信服从的专业水平,这样才能完成文化素质教育的伟大任务”。教师人文素质的高低,对学生的人文素质有一定的影响。如果教师有人文意识,学生就会在他的教学活动中得到人文精神的感染。 3.转换观念,发掘教学中的人文要素 要使学生建立正确的价值观和成才观,就得通过转换教师的学生观、教学观来完成。要转变传统的教学方法,注重发掘各个学科教学中的人文要素,尤其是充足运用好文科教学的人文教育作用。要坚决改掉以前那样背题、画书的做法,使文科欣赏性功能得以发挥,让学生在欣赏中领会人文精神,在欣赏中有所领悟,受到人文精神的启发,是学生被动学习知识的过程变成享受的过程,激励学生学习人文的兴趣,培养学生的思考辨别、理性思维的能力,帮助学生树立坚定不移的政治信仰,增强认识问题、分析问题、解决问题的能力。 4.应用现代教学手段更新教学内容 科学技术的不断发展不仅推进了音乐教育的发展,给音乐教育提供了丰富多彩的教学媒介,还能利用现代教学技术,和新型的教育成果,不断的使教学内容更加充实,使音乐教学与现代人民生活更加贴近,与学生的需要更加贴近。如中央电视台的多种多样的文艺节目,《国乐飘香》等,给学生的发展提供了很大可能性,可以使学生在优秀的民族文化和世界文化中,亲身感受到音乐的魅力,不断提升自身的智力水平,完善自身的人格。 三、结语 把人文素养的提高贯彻到整个教学过程中,借着艺术类学科本身的魅力和内在力来影响学生,带动学生积极主动投身到音乐学习中,只有学生综合素质和全面发展提高以后,音乐教学目的才能得到实现。 作者:刘莹 单位:廊坊职业技术学院 音乐教育论文:农村贫困地区音乐教育论文 一、海南省农村贫困地区中小学音乐教育现状 1.音乐教育的经费投入严重不足。 音乐教学设备是保障课堂教学和课外活动正常进行,并取得良好教学效果的必要条件。根据调查结果显示:海南省部级贫困县的学校中,大多数学校没有多媒体音乐教室,上课多用黑板进行教学,少数具有多媒体设备和电子琴,且这些设备还有许多需要申请才能使用或已经坏掉的,而打击乐器以及其它各类乐器更是少之又少。90%的中小学校所具的教学设备达不到中小学音乐教学大纲对于音乐教学设备的要求,对良好教学效果的产生无疑是极大的阻碍。 2.音乐教育观念陈旧。 海南省贫困地区中小学音乐课主要采取传统的教唱形式,教师领唱,学生跟唱,直至将一首歌曲唱会,一堂音乐课便结束。在调查中问及是否严格按照课本内容进行教学时,有80%的教师选择:否,偶尔教课本外的歌曲。只有20%的教师选择:是,按照课本逐课教学。音乐教学应当按照教材内容进行教学,避免出现“随意”的教学情况。将音乐课定位于教唱课,与新课程基本理念相背离。 3.音乐教师业务水平难以跟上学生的学习需求。 海南省贫困地区任教的音乐教师基本为海南籍,这些教师教龄普遍偏高、知识更新慢、知识技能偏低、课时量大。在回答学过何种乐器时,有一半的教师没学过任何乐器,1/4的教师学过三角铁等打击乐器,学过民族乐器和西洋乐器的教师仅占1/4,表明音乐教师的基本职业技能偏低,且难以开展各种课外活动。在回答上综合课一般采用哪种方式时,仅有一位音乐教师能将教学内容进行合理的安排,其余教师皆采用单一的教学手法。这样产生的效果是学生在上课时只能勉强进行课堂互动。教师的业务水平亟待强化提高。 二、海南省农村贫困地区中小学音乐教育的发展对策 1.加大对音乐教育的支持力度,充分利用现有的资源。 俗话说得好:根深叶茂,树壮果稠。贫困地区音乐教育的根基在于音乐教学设备的完备。国家和海南各省、市、区的相关艺术教育部门应当采取各种相应的措施,解决教学设施配置不齐全这一问题。加大对农村贫困地区中小学音乐教育的支持和投入力度。海南农村贫困地区音乐教师应当结合其特殊的地理位置,学会挖掘一切可利用资源,因地制宜的丰富校园文化。首先,该地区有一半的黎苗族居民,应当将这些优秀的民族文化资源引入中小学音乐课堂。其次,海南有许多热带仅有的植被,音乐教师可以带领学生将这些植被制造成乐器,不仅能培养学生的动手能力、发散创造性思维、还能创造演奏绝无仅有音色的乐器。 2.树立开阔的音乐教育视野。 利兰提过:“生命在思想发展中得到延长,因为思想是衡量生命的尺度”。这要求我们看待事物不能仅仅停留在表面,要用深度、长远的眼光看问题。首先,学校领导、音乐教师、学生、家长、社会都应当正视音乐教育的价值与地位。其次,海南省农村贫困地区音乐教师应熟悉“新课标”,能按教学内容合理地安排各个音乐教学领域,正视课外音乐教学活动的辅助作用,积极开展各类课外活动。第三,各大媒体应当慎重选材,多选用健康向上的音乐。总之,音乐教育靠音乐教师教授出一堂堂优秀音乐课的同时,需综合所有外在的环境对音乐教学的影响,并用深远的视野来对待。 3.以教师为优秀推动音乐教学整体水平发展。 提高海南省农村贫困地区音乐教学水平关键要素之一是加强师资队伍建设。主要包括三个方面:第一,相关部门严守教师招聘关卡,招收知识技能水平高、教学经验丰富、综合水平强的音乐教师。第二,提供给任职音乐教师的继续教育的机会,使知识技能不断更新、教学观念与时俱进。第三,开展优秀音乐教师、教研员进课堂,为该地区中小学教师课堂教学提供“量体裁衣”发展建议。第四,积极开展音乐教师职业技能比赛。 三、结语 海南农村贫困地区中小学音乐教育的建设应当充分利用海南岛特有的物质、文化资源,开发出一条具有海南特色的音乐教育发展之路。笔者希望以后有机会能继续扩充。 作者:徐明霞 单位:海南师范大学 音乐教育论文:德育功能中音乐教育论文 一、寓德育于乐理之中,促进学生个性发展 乐理知识,被人们认为是最枯燥、最无德育意义的理论,其实不然。就拿最简单的音阶中的七个基本音阶来说吧。在学习过程中,我告诉学生它们就像一家七兄弟,兄弟七人各有其鲜明的个性:do——坚定、有力;re——激动人心;mi——稳定、平静;fa——悲惨;sol——伟大、光辉的;la——哭泣的、娇柔的;si——易受感动的。只有将它们和谐地组合,才能奏出动人的乐章,给人以美的享受。我们每个学生也都恰如一个个跳跃的音符,都有自己独特的个性,只有同学之间友好相处,彼此都有一颗谦让、包容的心,才能奏出奋发的旋律,凝成与时俱进的班集体。有一次,我请一位学生起来唱教过的歌,这个学生的声音又尖又细,引得下面哄堂大笑,这位学生羞得满脸通红,坚持说以后再也不唱歌了。为了增强她的自信,我说,每种音色、音质都有其存在的价值,缺少高音的音乐将变得沉闷、浑浊,而缺少低音的音乐则显得单薄、空洞、刺耳,只有大家扬长避短,各种音色糅合在一起,歌曲的生命才显得充实、辉煌。 二、寓德育于创编之中,培养学生创新能力 小学生的创新能力多属于相对创新能力,也就是学生个体的首创性。在音乐教学中提倡联想、求异、选择,是激活创造性思维、培养创新能力的有效手段。首先,在音乐教学中可以引导学生通过类似联想、对比联想、因果联想、种属联想等思维方式,培养创造性思维的流畅度。如:我在教唱《小牧笛》时,让学生们依据歌曲的内容和民族特点,分组讨论进行创编适合《小牧笛》的舞蹈动作。几分钟后,每小组选出一位同学到讲台上试演,台上同学惟妙惟肖地表演,台下同学热烈点评……在不知不觉中,学生学会了知识、发挥了自己的潜能,还提高了创新能力。新课程一年级音乐教材第四课,有一首聆听曲叫《三只小猪》,当我组织学生聆听时,发现学生对这首轻松、幽默、诙谐的乐曲产生了浓厚的兴趣,他们强烈要求把这段音乐编成音乐剧……当学生表演完毕,我惊诧于一年级学生创编思维的空间如此之大。而求异思维是从不同的方法,全方位地分析和探讨思维,灵活地解决问题的一种思维方式。在音乐教学中,我建议学生采用同一种节奏或同一种歌词编不同的曲调,让他们在求异中不断提高自己的创造性思维能力。彭加勒说:“所谓发明,实际上就是鉴别,简单地说,就是选择。”三年级到五年级的音乐教材课后有很多进行节奏或旋律创作的练习,我在组织学生用同一种节奏进行编写旋律时,他们的答案很多,于是我让他们选择哪一首旋律比较适合原节奏,哪一首旋律比较好听,然后让他们随琴去模唱,仔细体会哪首旋律最优秀。让学生在选择探索中不断发现新的方法,培养他们创造性思维的独创度。 三、寓德育于配器之中,培养学生创造能力 激发学生的创作灵感,让学生在探索、发现、操作、尝试、感受、体验、即兴创作活动中,由自发性学习音乐而逐渐培养起良好的乐感。首先,让自然界或生活中的声音引发学生的联想。音乐是门声音的艺术,它是用声音来表现人的思想感情的,不同的声音表达不同的含义。从风声、雨声到雷声等,无一不表达自然界的生气和情感,厨房里的“锅、碗、瓢、盆”交响曲同样能让孩子们体验一种生活的乐趣。让孩子从这些自然和生活中去寻找声音,寻找音乐素材,不断积累和充实。其次,选择适当的人声、乐器声、非常规音源让孩子们去尝试。歌唱是人们表达情感的最直接、最方便的一种方法,孩子高兴时都喜欢用歌声来表现。孩子们用自己的声音可以表达自己的感情,演奏乐器同样也能让孩子表达自己的思想感情。学习乐器时,乐曲的大量积累是孩子们进行音乐创作的好素材,孩子能熟练地掌握一种乐器,并用乐器独特的音色来表现不同情绪的音乐片段,这无疑是孩子们创作音乐的最佳方式。孩子还可以利用打击乐器、生活用品或自制的乐器来表现旋律和节奏。创造能力的培养是德育工作的重中之重,在具有创新思维的前提下培养创造能力又是切实可行的。德国教育家第斯多惠有这样一句名言:“教育的艺术不在于传授本领,而在于激励、唤醒、鼓舞。”要让学生成为开拓型、创造型的新一代,就要培养他们从小具有丰富的想象力,具有高度发挥想象力的习惯,善于运用创造性思维的习惯。在音乐教学中,我不单单让学生为歌曲编舞,还让他们为歌曲配上打击乐器。这样,不但可以烘托课堂气氛,更能表达歌曲情绪及孩子们内心的喜悦。对于一些优美、抒情的歌曲,首先要求学生选择适合歌曲伴奏的打击乐器,如:三角铁、碰钟、铃鼓、木鱼等。然后再请学生们为歌曲设计伴奏型,并请学生考虑为什么这样设计?这样设计有什么好处?如:第三册《过新年》这首歌,表现了过年时热闹、喜庆、祥和的场面和氛围。我先是询问学生每年的春节是怎样过的?同学们马上想到了放鞭炮、踩高跷、扭秧歌等活动,加上歌词中出现了“咚咚咚”的词语,学生们听出这就是民族的锣鼓声,就马上想到《过新年》这首歌用打击乐器中锣、鼓等伴奏再合适不过了。于是,他们便随着歌词中的“咚咚咚”的出现,也用手中的锣鼓给了大家听觉上的音响。老师进一步启发学生,能否再创设一些过年的气氛,许多学生便主动要求到讲台上进行秧歌表演,一时间,歌、舞、乐同时展现。这种热烈的场面,仿佛让他们看到了身着节日盛装的秧歌队翩翩起舞的场面,活生生地表现了歌曲的内容。 四、寓德育于欣赏之中,培养学生环保意识 教育学生从小保护环境,珍惜生命,热爱地球是我们每个教育工作者神圣的职责。因此,我在对学生进行欣赏音乐的教授过程中,首先以自己富有情感的语言感染学生,然后引导他们聆听音乐、感受音乐、从而教育他们在音乐中学会知识、学会环保。曾经有这么一首歌,歌中唱道:“当天空不再是蓝色,小鸟不会飞翔;当大地干枯了村庄,眼睛也失去了渴望;当童话失去了森林,仙女也丢掉了魔棒。”这样的语言对学生们心灵的撞击和震撼是可想而知的。我在组织学生欣赏《百鸟朝凤》时,不光让学生去体会我国民族民间的伟大艺术门类,还让他们从中体会:假若人类不加节制地砍伐森林,自然界就少了百鸟欢乐的歌唱,同时加重了植被贫乏,沙尘暴将更猛烈、更频繁地发生。为了让这样的悲剧不再上演,我告诫学生,牢记环保不仅仅是口号,不仅仅是远在天涯,而是近在咫尺,环保需要大家的携手、努力。欣赏《黄河大合唱》时,我将百年前的黄河与现今黄河的地理状况作了一个简单的对比,让学生看出,如今的黄河水流量逐渐减少,壶口瀑布不如以前壮观,泥沙量逐年增加,河床抬高,断流、凌汛。这样的恶果并非环境自身所为,而是人类的贪婪和无知造成的。并告诉学生作为母亲河的儿女,大家有义务严格自律,有责任主动学习,用知识武装头脑,用理性节制欲望。唯有受到这种教化,才可能对神圣的大自然心存敬畏和赤子之情,才会视万物为手足而百般呵护,从而在道德上而不仅仅是出于自身的功利充分节制人的欲望,实现自然与人类的和谐相处,达到教育的目的。 五、寓德育于学唱之中,培养学生爱国主义精神 教唱歌曲是音乐教学中一个永恒的话题,教学生唱会一首歌并不难,重要的是如何将蕴涵的丰富的思想情感充分揭示给学生,使他们在声情并茂的演唱中陶冶性情,从而达到对其进行爱国主义教育的目的。在教唱《中华人民共和国国歌》时,为了唤起学生对祖国的崇敬、赞美之情。我组织了一次小型的旋律创作颁奖会,学生分成五组,根据老师的题目要求进行创作,让临时组成的评委团评选出优胜者进行颁奖。这样,不仅激发了学生学习的兴趣和热情,同时在颁奖过程中的升旗仪式更是自然地导入了“国歌”的教学。接着,我便为学生讲解国歌产生的历史背景,从而进一步渲染了演唱,激发了学生的情感共鸣,最后又通过进行庄严的升旗仪式来巩固情感。通过这一系列的活动,使国歌的艺术魅力和人文底蕴得以极为形象的张扬,唤醒了学生心底深处生而就有的对于祖国的深深的热爱,以及对于国歌、对于词曲作者、对于那个伟大的时代、对于那个伟大时代的伟大人民的崇敬和赞美,从而经历了一次凝重、深刻的爱国主义教育。 六、寓德育于活动之中,培养学生团结合作的精神 音乐课外活动是学校音乐教育的重要组成部分,它能丰富学生的精神生活,增强集体主义观念,培养学生的音乐表现力。我们学校几年来组建的多支合唱队,由我进行了集体化的音乐教育,使学生们正确认识到个人与集体的关系,懂得了互敬互助,懂得了集体荣誉高于一切。有的学生为了合唱队的训练而调剂了其他辅导课的时间,有的学生甚至带病坚持锻炼。每次比赛结束后,偶尔没能拿到好名次,很多队员都很沮丧、懊恼,有的泪流满面。我笑着劝慰他们说:“大家尽力了,过程是辉煌的,争取下次更上一层楼。”并与学生们击掌为誓,使他们免于自责。在取得较好成绩的时候,我又会适时地劝他们要戒骄戒躁,因为美丽的光环永远只能意味过去。组织并利用好集体性的音乐活动,不仅能使学生接受充分的文化滋养和美的陶冶,更有助于其集体意识、纪律观念、和上进心的增强,对健全学生的人格也起到了不可估量的作用。道德行为对学生一生都发生着影响。对于一个献身于音乐教育事业的教师来说,应当具有远大的理想、高尚的情操、丰富的知识、认真的态度,这将会对学生起着示范作用。因此,教师必须从我做起,平时严格要求自己,抓好个人师德修养,为人师表。在教育过程中,发挥音乐课特有的德育效果,陶冶学生的道德情操,提高学生的审美情趣。 作者:崔洪刚 孟丽 单位;宁阳县教育局教科研中心 山东省宁阳县第一小学 音乐教育论文:多元文化音乐教育论文 一、高校多元文化音乐教育的相关概述 (一)高校音乐多元化的教育基础 我国的高等院校正逐步与国际上的多元化教育接轨,音乐教育作为培养学生道德情操的重要部分不可忽略,获得了如火如荼的发展。目前,多元文化音乐教育随着新课改的推进渗透中小学音乐教育之中,有助于高校推行和实施多元文化音乐教育。教育部门和音乐教育界也认识到多元文化音乐的可行性和必要性,而且颁布了相关的文件,如《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》《全日制义务教育音乐课程标准》,二者都强调高校在教育过程中应理解和尊重多元文化,并不断吸纳中外的优秀艺术成果以延伸原有的教学范围。政策法规和教育部门的大力支持有助于高校多元文化音乐教育朝着正规化和科学化的方向发展。此外,大学生正处于思维活跃时期,十分乐于和善于接受新知识与新事物,首先,高校在实施多元文化音乐教育时可以不断创新表现内容和途径,并充分考虑到生源地域、课程结构、广度及深度等因素,不仅能最大限度地开发学生的智力水平,还符合学生接受多元文化音乐的限度;其次,授课原则应有助于提供不同文化音乐的密集经验,能协助学生比较其中的差异,还应融入各种类型的音乐教学,不局限于基础音乐教育,还要重视专业音乐教育与社会音乐教育。总之,多元文化音乐教育的目的在于培养学生欣赏和尊重不同文化的能力与态度,能透过各类型音乐了解不同的文化情境,从而培养学生广阔的音乐鉴赏和表现能力。 (二)高校音乐教育的现状 音乐教育能满足各大高校实施素质教育的需要,一直以培养学生的兴趣和陶冶情操为目的。然而,当前的高校音乐教育需要改变,虽然音乐内容不少且规范统一,但形式过于单一,教学内容多集中在国内和建国后出现的音乐作品,很少涉及国外和少数民族的音乐元素,除了音乐特长生之外,其他学生了解音乐文化的知识面都不够宽广。此外,高校音乐教育中仍然采用教师灌输学术性知识的教学形式。本着扩展学生知识面和素质教育的需求出发,将多元文化音乐教育融入高校音乐教育势在必行。 二、高校中开展多元文化音乐教育的意义 20世纪90年代,国际社会的发展主题已经转向关注文化发展,多元文化成为当今社会的热点和风潮,将多元文化观念融入教育体系既是全球教育发展的必然趋势,也是培养学生宽广文化视野与必备交流能力的有效措施。高校作为培养社会主义事业建设者、接班人的平台,自然要发挥引领的作用,更好地满足社会经济发展的需要。多元文化音乐恰好能连接普通高等教育中的多个专业,借助多元音乐文化的熏陶可以开发和训练学生的潜能,提升学生的思想境界。 三、科学实施多元文化音乐教育 (一)设置多元文化教学内容 当前,我国高校音乐课所传授的内容以西方音乐为主,很少涉及中国音乐史与民族民间音乐概论,至于涉及我国少数民族、拉丁美洲及非洲地区的音乐教育更是少之又少,有必要采取措施加以改善。首先,增加欧洲以外地区的音乐教育内容;已经有少数的音乐学院开设了“世界音乐”课程,在教学中融入亚洲、非洲、拉丁美洲等地区的音乐知识,有助于学生开阔眼界与了解更多不同国度的音乐,得以在不同的音乐观中传承与发展世界各民族的音乐文化,充分认识到世界音乐的多样性。其次,加强中国音乐的教育;我国有56个民族,拥有多样化的音乐文化,因此,高校可以在日常教学中开设“中国少数民族音乐”和“民间音乐”课程,通过扩大中国音乐教育内容的比例,不仅让学生充分了解和正确看待我国的音乐文化,还能为之感到骄傲和自豪。人们在表达音乐时通常会运用“音乐中的文化”和“文化中的音乐”的观点,学生可以从音乐课教学中了解和学习不同民族与国家的文化,或透过某个国家的文化更好地认识和把握音乐内涵。每一首音乐的背后都有与当地文化息息相关的故事,如古琴曲“春江花月夜”的主题思想中透露出淡薄、清静、悠远等意境,与我国传统文化中“中和”的思想不谋而合。只有在音乐教育中赋予文化关怀,帮助学生从文化视角欣赏音乐,才能更好地把握和体验音乐。 (二)开展跨文化与体验式相结合的教学模式 日常的高校教学实践中多以音乐欣赏课程为主,先由教师介绍作品,再播放音乐供学生欣赏,最终达到教学目的,学生在整个过程中都处于被动状态,课堂气氛沉闷,很难激发学生的学习兴趣。尤其“世界民族音乐”课程中涉及大量非母语文化,学生在难以理解的情况下易出现挫折感,进而产生抵触情绪。相关研究指出,“体验式”教学既是教学方法,也是学习方法,学习者通过参与活动获得个人感受和学习经验,注重过程和结果双重因素,在学习过程中是否获得深刻的情感体验是除了掌握基本音乐知识以外学生重点关注的一项内容。所以,教学中突出跨文化学习特征并结合多元文化音乐教育展现不同的音乐表达方式、文化风格及审美标准是本文的研究重点之一。教师还可以在音乐教学中引入体验式活动,结合跨文化学习形成全新的教学模式。首先,重点突出“文化中的音乐”,以文化为先导展示音乐的发展脉络。某位教师将教学重点倾向于地方文化的特征,通过介绍当地的宗教与地域特征以及语言等人文知识让学生总体认识地区文化,再借助多媒体设备播放具有代表性的地方风土人情图片和视频,有助于学生更好地理解音乐。其次,音乐实践活动中能够体验到异国文化的精髓;多元文化音乐教育以多学科渗透的方式促进学生重新认识音乐概念,具有包容性和开放性特征,教师可组织学生采取演唱、赏析、节奏等多样化的实践方式学习音乐,由于学生性格各异,不是所有的学生都会主动参与此类教学活动,教师可在课前了解学习需求,运用图片与视频资料激发学生的学习兴趣,并根据音乐特点设计体验内容和方式。以传统的非洲音乐内容为例,教师先让学生欣赏作品并总结出不同种族音乐发展过程中的异同,重点引导学生从非洲文化的角度分析和理解黑人音乐的特点,再通过理性分析和感性认识相结合的方法让学生学会跨文化思考问题,培养学生鉴赏非洲音乐的方法和专注的态度。 (三)重视音乐教师职业素质的培养 音乐教师在一定程度上会影响教学活动的开展和教学效果的高低,因多元文化音乐教育的理念来自文化平等和社会民主的文化多元主义,在国外高校中以各种方式获得实施和倡导。然而,无论多元音乐教育多么理想化,都需要教师来实施,这就要求教师具备相应的观念、能力以及崇高的追求。具体来说,教师要明确多元文化音乐教育的内涵,树立正确的教学理念;在教学过程中,教师除了掌握丰富的理论知识,还要采取合理、科学以及正确的教育方式,通过充分调动学生的学习兴趣和主观能动性来提高教学质量。高校音乐教育的目标不仅仅是培养学生的音乐能力,还是提升学生综合素质和审美意识的关键环节,更是对音乐文化的传承,让学生足以重视本土的、优秀的民族文化。 四、结语 不同国家和不同民族的音乐在教育中都具有多元化的表现,所蕴含的艺术价值也各不相同。因此,各高校在开展多元文化音乐教育时应以本校的实际情况为基础,使得因材施教与预期目标相符。多元音乐教育理念的引入不仅能够完善高校音乐课程的体系,使其不断接近国际化音乐教育的发展目标,还能吸纳世界各民族的优秀音乐文化,对于培养社会所需的综合型和全面型人才有着重要的现实意义。 作者:周雪 单位:阿坝师范高等专科学校 音乐教育论文:流动人口子女音乐教育论文 一、郑州市流动人口子女音乐教育现状分析 (一)受访者基本情况 在回收的274份问卷中,61.5%的被调查者为男性,38.5%为女性;年龄集中在30~45岁之间(68%);从户籍上来说,63.9%为农业户口,36.1%为非农业户口;受访者在郑州居住的时间以3年以上最多(38.7%),依次是1年以下(21.9%)、1~2年(20.8%)、2~3年(18.6%)。受访者平均拥有1.5个孩子,其中,59.3%的受访者拥有1个孩子,34.4%的受访者拥有2个孩子,5.7%的受访者拥有3个孩子,0.5%的受访者拥有4个孩子。对于子女是否和自己在一起生活,63.5%的受访者表示子女和自己一起生活,36.5%的受访者表示子女在老家和爷爷奶奶一起生活,其中在城市居住时间越长,子女和自己一起生活的比重越高,如在郑州居住3年以上的104名受访者中,有74名表示子女和自己一起生活,占71.2%,而来郑州居住半年以下的受访者中这个比例只有41.7%。 (二)对音乐学习的认识与感知 1.流动人口对音乐学习的重要性认识普遍不够。41.2%的受访者认为音乐学习的重要性低于语文、数学和英语,仅有32.1%的受访者认为音乐学习的重要性和语文、数学、英语的学习一样重要,20.4%的受访者认为音乐学习“可有可无”;在对“您是否认同音乐艺术学习能够促进提高孩子的情商和思维能力”的回答中,有49.9%的受访者表示“认同”,50.1%的受访者表示“不认同”;在对“您是否认同音乐艺术学习能够促进提高其他课程的学习效果”的回答中,仅有27.7%的受访者表示“认同”。2.流动人口对子女音乐学习和培养的目标定位不清晰。43.8%的受访者表示对孩子的音乐学习和培养“没期望、顺其自然”,22.6%的受访者希望音乐能够成为孩子的“一技之长”,17.5%的受访者希望音乐能够使孩子“成名成家”,还有16.1%的受访者表示对孩子进行音乐学习和培养的目标是“升学”。从上述对问卷调查结果的分析中可以看出,流动人口对音乐学习在促进其他学科学习、提高孩子的情商和思维能力等方面认识不够。上述问题的出现,一方面,取决于流动人口自身的受教育程度,另一方面,与传统的应试教育影响有关。在应试教育环境下,学校、家长、学生往往将注意力放在对升学影响大的语文、数学、英语学习中,而把音乐课仅作为一种“副业”,学校对音乐教学投入的力量有限,教学设备等硬件不足,学生对音乐课重视程度也不够,在一定程度上可以说,“分数制”限制了流动人口子女音乐素质的提高。 (三)教育环境 流动人口子女音乐教育环境主要从家庭是否经常播放音乐、播放音乐的类型、播放音乐的次数、家庭音乐教育对孩子音乐学习教育的影响等方面来衡量。问卷调查结果显示,53.3%的受访者表示在家里偶尔听音乐,36.1%的受访者表示在家里经常听音乐,6.6%的受访者表示在家里从不听音乐,仅有4.0%的受访者表示在家里每天都听音乐。受访者对于家庭音乐教育的作用及对孩子音乐学习的影响普遍认识不够。仅有40.2%的受访者认为家庭音乐教育对孩子音乐学习教育“很重要”“重要”,有59.8%的受访者认为家庭音乐教育对孩子音乐学习教育“可有可无“”不重要”。从上述分析可以看出,从教育环境上来说,流动人口子女音乐教育的环境较差,接触适合自己年龄阶段音乐的机会较少,这一方面与家长对家庭音乐教育的重视不够有关,另一方面也与社会的大环境有关。 (四)教育形式 流动人口子女对音乐的爱好和接受度较高,55.9%的受访者表示孩子“很喜欢”“喜欢”音乐,29.1%表示喜欢程度“一般”,仅有5.1%表示“不喜欢”。这说明音乐可以使人愉悦,对于流动人口子女来说,即使可能不太理解音乐,没有受过音乐教育,但是在他们心中也会感觉到音乐表达的某种情感,听音乐会使他们开心、快乐。对于家庭亲子音乐学习的活动形式,30.7%的受访者表示“与孩子一起欣赏音乐”,11.3%的受访者表示“自己教孩子唱歌”,10.6%的受访者表示使用“家庭卡拉0K”,值得注意的是,还有47.4%的受访者表示没有开展过家庭亲子音乐学习。流动人口对于子女参加社会音乐培训学习的积极性不高,仅有23.7%的受访者为孩子报培训班或兴趣班参加音乐学习,其余76.3%的受访者没有为孩子报培训班或兴趣班参加音乐学习。在为孩子报培训班或兴趣班参加音乐学习的受访者中,仅有7.7%的受访者表示经常陪同孩子一起参加社会音乐培训学习,有40.0%的受访者表示没有时间陪同孩子一起参加社会音乐培训学习。对于参加培训项目以器乐为主的占到了43.5%,其他依次是舞蹈(21.7%)、唱歌(20.3%)、综合素质训练(14.5%)。对于累计接受社会音乐培训的时间,40.0%的受访者表示在“1~2年”,32.3%的受访者表示在“2年及以上”,21.5%的受访者表示在“1年以下”。对于每周接受音乐培训的时间以1小时居多,占到了63.1%,每周2小时以上的仅为21.5%。从上述分析可以看出,从音乐教育的培训形式来看,虽然流动人口子女对音乐的喜爱程度较高,但开展家庭亲子音乐学习较少,参加社会音乐培训学习的积极性不高,两者共同影响了流动人口子女接受音乐学习的机会。 (五)教育影响因素 对于家庭负担孩子参加音乐学习费用的承受能力,23.4%的受访者表示“有困难”,22.6%的受访者表示“刚好可以”,仅有16.1%的受访者表示“完全可以负担”,另外,有38.3%的受访者表示“不好说”。上述结果表明,经济因素是影响流动人口子女接受音乐教育的重要因素之一。对流动人口子女音乐教育影响最大的方面,62.4%的受访者表示取决于学校、社会、家庭三方面的配合,21.2%的受访者表示是学校音乐教育,9.5%的受访者表示是社会音乐教育。父母是孩子的第一任老师,现代教育理论研究表明,在儿童时期,家庭教育比学校教育重要。但是对于流动人口来说,受生活条件和自身受教育水平的限制,认为对孩子音乐教育影响最大的是家庭音乐教育的仅占6.9%。影响流动人口子女音乐教育的因素是多方面的,其中最主要的是“经济能力”(40.5%),其次是“家庭环境”(24.8%)“、学校课业负担”(18.2%)。上述分析表明,影响流动人口子女接受音乐教育最主要的因素依次是:家庭经济能力、家庭环境和学校课业负担。因此,要提高流动人口子女接受音乐教育的机会,必须提高流动人口的收入,使其能够为子女提供更好的教育环境。 二、结论与对策建议 (一)结论 通过对流动人口子女音乐教育状况问卷调查数据的分析,可以得出以下结论:1.从对音乐学习的认识与感知上来看,受自身受教育程度和传统教育观念的影响,流动人口对音乐学习在促进孩子其他学科学习、提高孩子的情商和思维能力等方面认识不够。2.从教育环境上来看,受家庭环境和社会环境的影响,流动人口子女接受音乐教育的环境较差,接触适合自己年龄阶段音乐的机会较少。3.从音乐教育的培训形式来看,虽然流动人口子女对音乐的喜爱程度较高,但以自学为主,家庭开展亲子音乐学习较少,参加社会音乐培训学习的积极性不高。4.家庭经济能力、家庭环境和学校课业负担是影响流动人口子女接受音乐教育的主要因素。 (二)对策建议 要增加流动人口子女接受音乐教育的机会,提高流动人口子女的音乐素养,应采取切实措施,做好以下几个方面工作:一是全面落实“以人为本”的新型城市化各项要求,加快推进农业转移人口市民化,使流动人口能够获得和所在地城市居民同等的公共服务,并加强对流动人口自身的教育培训,提高其融入所在地城市生活的能力,增加其“向上流动”的机会,为其子女接受音乐教育奠定良好的经济基础;二是加强宣传教育,改变流动人口对音乐教育的传统认识,使其能够认识到音乐教育对子女学习、性格塑造等方面的作用,营造良好的家庭音乐学习氛围;三是从学校和社会的角度出发,通过开展丰富多彩的音乐学习活动等形式来消除流动人口子女对城市生活的隔离感,使其更好地融入城市生活,健康成长。 作者:王晓璐 单位:中原工学院电信学院 音乐教育论文:音乐教育中的幼儿教育论文 1让幼儿多接触音乐,将音乐融入到一日生活中 首先,幼儿在入园时播放悦耳的轻音乐,使幼儿一入园就进入到安静舒适的音乐环境之中,使其愿意到幼儿园来,并愿意参加活动。园里活动中设有音乐角,配有麦克风以及符合幼儿特点的节奏乐器和纱巾,彩条,民族帽子等创设条件和环境,满足幼儿的唱,跳,欣赏和动手操作的愿望。其次,就餐时播放音乐。音乐能有助于驱除脑力和体力的疲劳,优美的音乐有利于幼儿的消化吸收,增强身体健康。一边吃饭一边听音乐利于幼儿养成吃饭不说话的好习惯。再者,午睡时播放安静、抒情的摇篮曲,有助于幼儿入睡。音乐能够有效消除幼儿午睡时的恐惧心理,尤其是新入园的孩子。另外,起床这一环节是不好把握的。我便采用比较欢快的曲子,让幼儿在这样的音乐环境中穿衣,入厕,洗手,然后回到自己的座位上。整个环节有条不紊,幼儿也非常愉快。一日生活的每个环节都用音乐来指挥,有助于孩子们从小养成良好的生活、卫生、学习习惯。在环节紧张或幼儿集合时,播放节奏紧张的音乐,容易使幼儿建立条件反射。在区域活动结束时,教师弹奏《小松树》,幼儿会马上收拾活动区域内的材料,入厕弹奏《小鸟飞》,幼儿便学着小鸟飞,有条不紊地入厕。教师弹奏《士兵进行曲》,幼儿便拍着手有秩序地排队。这样,一日活动的各个环节都用音乐来指挥,幼儿不仅在潜移默化中对音乐产生了兴趣,而且还充分地调动了幼儿的积极性、主动性和创造性。 2通过舞蹈教学,培养幼儿对音乐的表现力 幼儿舞蹈教育是在音乐伴奏下,教师根据音乐性质引导孩子用动作来表现音乐内容的一种表现形式,也是学前教育不可缺少的教育内容。它对幼儿身心健康和陶冶情操具有重要意义。幼儿正处于以形象思维为主的阶段,容易接受生动、活泼的事物。优美的舞蹈动作能生动地体现音乐的意境、起伏的旋律等,因而,更有利于幼儿在音乐的伴奏下表达自己的情感,用舞蹈这把钥匙启迪幼儿的智慧,能够使幼儿的创造力和表现力得到更好地发展。我在每节教学活动中都根据不同的内容,编出了不同的儿歌。比如在教《腰铃舞》时,给幼儿每人身上都带上腰玲,边跳边说:“我的腰上有铃铃,动一动,叮铃铃,扭一扭,响三声,铃声铃声真好听。”这样,无论是活泼的还是内向的幼儿都能跳起来,使他们在轻松的氛围中学会了动作。为了加深印象,我还把幼儿分成几组,给他们一段音乐,让他们编出适合这段音乐的动作。能力强的幼儿编动作,能力弱的幼儿则把编好的动作做给小朋友看,这种教育方式使不同的幼儿都得到了相应的发展。 3通过唱歌培养幼儿的观察力、记忆力、注意力和思维力 唱歌是幼儿表达情感的一种方式,幼儿最初对音乐的感受就是通过他们的小歌喉来表达的。学习一首新歌,采用填鸭式的教学方法,往往不能发挥唱歌教学的教育功能。恰当的运用幼儿年龄特点的教育方法,能充分地挖掘唱歌教学的教育功能,促进幼儿的全面发展。幼儿歌曲的旋律简单,幼儿容易记。对于歌词幼儿记忆起来较难,学新歌时,把歌词内容在投影图片上基本反映出来,让幼儿通过自己的观察,想象,把歌词内容大体说出来,教师根据幼儿的讲述,把歌词内容朗读给幼儿听。实验证明,这样反复两遍,幼儿很快就能记住歌词内容。歌词内容记住后,教师采用的是填词法,即教师先播放歌曲录音,幼儿欣赏,然后教师再弹奏歌曲旋律,幼儿把歌曲内容填到旋律中去,并试着唱出来,这样一首歌很快就学会了,在唱歌教学愉快的氛围中,以幼儿说、听、唱为主,避免了教师冗长枯燥的说教,缩短了教学时间,培养了幼儿的注意力、思维力和学习习惯。 4结合其它教学活动,让幼儿感受音乐之美 幼儿时期在认识某一事物的过程中有很大的情绪性,色彩、音响都能吸引幼儿的注意力和兴趣,容易为幼儿理解和接受。为此,开展各科教学时,要有意识地挖掘音乐与其它教学活动之间的联系,使之很自然地相互结合,发挥整体作用。因此,我在开展教学活动中,巧妙将音乐融入到各科教学中。比如,进行美术活动时,学习画小熊,教师先放一段洋娃娃和小熊跳舞的音乐,让幼儿听一听,讲一讲音乐里都有什么,幼儿会说出音乐里有洋娃娃和小熊,因为小熊的身体很胖,所以,它跳起舞来很笨。这样幼儿就把自己的体验表达出来了。在绘画时可以播放一些优美的民族乐曲,比如:《高山流水》,《二泉映月》等,这样一来,幼儿就会沉浸在优美的音乐环境中,尽情发挥自己的想象力进行绘画,也避免了幼儿在画画时相互说话,进而养成了专心投入的良好习惯。幼儿学习儿歌、故事时,配上优美的音乐,一方面可以激发幼儿的学习兴趣,增强语言的表现力,另一个面能提高幼儿记忆效果。比如,学习儿歌《小熊过桥》,这首儿歌本身很押韵,再配上合适的音乐,幼儿既喜欢,学得又快。音乐能起到陶冶情感,净化心灵的作用。比如《生日音乐会》,通过歌曲内容培养幼儿关心别人,爱护别人的情感等。可见这些活动都是把音乐同其他学科相结合,并融入到幼儿生活中去,使幼儿无论在学习、劳动、游戏时都能意志统一,行动合拍,精神愉快。 5通过节日主题活动,让幼儿在音乐中健康成长 每逢节日,音乐是必不可少的,音乐有着其他教育手段不可替代的特殊作用,它可以陶冶幼儿的审美情感,改善心理品质促进智力发展,增进机体健康。所以,在各种活动中我都会安排音乐贯穿始终。比如,三八妇女节,先让幼儿欣赏《我的好妈妈》,《小乌鸦爱妈妈》,然后让幼儿体会妈妈怎么爱护关心自己,怎么辛苦劳动,启发孩子在妈妈的节日里自己应该怎么做。编成儿歌,教师给儿歌谱上曲子,使之变成幼儿可以自己唱的歌,孩子看到自己可以编歌了,积极性很高,自信心与合作精神增强了。最重要的是培养了幼儿爱妈妈的情感。六一儿童节是孩子自己的节日,在幼儿园组织的大型文艺联欢会上,通过歌曲《六一的歌》,《欢乐的日子》等,让幼儿感受老师和家长的祝福,感受人们对他的爱,使他们在爱的氛围中,身心愉快地发展。利用节日主题对幼儿进行音乐教育,不但增进了幼儿对节日主题活动的兴趣,同时,也促进了幼儿身心健康发展。 6结语 总之,通过音乐教育,使幼儿在一日生活中无论是学习、游戏、还是劳动时都能意志统一,行动合拍,精神愉快,进而促进幼儿身心的和谐发展。 作者:张亚珍 单位:内蒙古赤峰市直属机关幼儿园 音乐教育论文:当代功能系统下音乐教育论文 一、对音乐教育审美功能的再认识 关注审美功能的音乐教育无疑是音乐教育的优秀,这在2011版最新的课标理念中也已得到体现。音乐有其独有的美育功能,这缘于音乐与生俱来的魅力。通过对各种音乐要素的掌握,人们可逐步提高自身的审美能力与趣味,这是一种情感价值的体现。而审美能力的提高既关照了音乐教育的主体,又体现了音乐教育对于人性关怀的终极目标。歌德认为:“音乐有理性接近不了的崇高的一面,它能支配所有的东西,放射出不言而喻的感化来。”音乐教育的主旨不是可有可无的消遣物与教育的佐料,它在培养、提高人们听觉审美能力的同时,也承担着人们全面的人文素养能力的培育。这些目标的达成是通过音乐的非语义性特征来完成的。“节奏与旋律有最强烈的力量浸入人们心灵的最深处,如果教育的方式恰当,它就会拿美来浸润心灵,也就因而美化。”音乐对于人的这种润物细无声的影响,是其他艺术样式所无法比拟的,受教育者总会在不经意间而受其感染。音乐的美育功能还体现在对人真诚与善良的品质的影响上,其能使受教者心灵变得更加美丽,这种品格多源自于音乐的美感体验。音乐被人类借用,以此来宣泄情感、抒发思想、表达态度,因此可把音乐作为通向他人内心情感领地的门径,从而构筑起彼间心灵相系的桥梁,并达到灵魂净化的目的。在学校教育中,以音乐美育为指向的教育活动的设计,在形式、内容上多体现得更为多样化,表现出了灵活、丰富等的个性特征。在音乐对心灵的乳喂中,可让受教者逐渐受到滋养,从而能够使人们慢慢提高、形成具有艺术品位的美感体验与能力。音乐的审美功能还有助于学生形成文明健康的生活方式。“音乐和人文艺术在其最深刻的意义上要求道德和纪律。”学生通过进行广泛的音乐教育与实践,可使个人的能力得到发挥和发展,并丰富他们的精神生活。音乐的审美功能也可以增进学生美化校园音乐环境的意识与能力。学校可通过营造美感的音乐环境来影响人、改变人,反之也能够透过人的影响,去改变和创造环境。人既是环境的产物,又是环境的主体,通过促进音乐审美教育,可帮助学生树立积极、健康的情感态度,使他们主动关心和参与校园音乐文化生态环境的设计活动,从而培养他们良好的音乐审美能力和音乐实践能力。 二、对音乐教育德育功能的再思考 音乐教育是要表达一定的思想倾向的,所以常和德育相联系。中国古代的思想家大多认为音乐教育为德育的必由之路,“兴与诗,立于礼,成于乐”“文以载道”等观点占据了几千年来中国艺术发展的主流。音乐被置于孔子的“礼、乐、射、御、书、数”六艺课程之中,无疑也被承载了德育功能。由此可见,音乐的教化作用在中国历史长河中扮演了极其重要的角色,在音乐充斥各个角落的当代社会,理性地认知音乐德育功能的关系,就显得尤为重要了。音乐德育功能的展示常与斗争、革命、民族、解放等词汇相关联,作品往往呈现出口号、标语等特性。如《义勇军进行曲》《马赛曲》和《列宁格勒交响曲》等,都无不充满着昂扬的斗志,好似一支支战斗的号角,无数的战士在音乐声中倒下,这些作品在当时起到了难以估量作用。而像《我的祖国》《喀秋莎》等这类歌曲虽表达的也是爱国主义情怀,可它们是利用抒情的旋律表达了对美好生活的向往,也起到了激励斗志的作用,这类歌曲无疑都被赋予了更多的德育色彩。音乐的德育功能从更深处还指向了人类所共同追求的平等博爱和对生命的尊重这一更高的主题。如莫扎特的《第四十交响乐》表达的是对生命的热爱;《田园交响曲》抒发了对大自然的由衷感叹;《梁祝》《罗密欧与朱丽叶》描绘的是人们对美好爱情的渴求。这些作品通过优美的旋律激发、滋润着人们的良知与美德,使学生的情感与道德意识相通,从而形成了具有一定审美取向的道德观念与价值态度。无疑,夸大音乐的辅德功能与否认音乐所蕴含的德育功能都是不客观的,只是要避免让音乐沦为纯粹对学生进行品德教化的工具。强调音乐的德育功能,并不是要否定它的美育功能,因为音乐是情感所赋予的外在表现,情感的势力实比理性更为强大。 三、对音乐教育文化功能的再确认 音乐所表现出的强大的文化功能,我们在很多古代的文献中都可以追溯出它的踪迹。“…夫声乐之入人也深,其化人也速,故先王谨之为文。”(《乐论》荀子语)音乐的存在,更多体现的是一种文化留存的方式,因此,传承、提升人类的文化品味是音乐教育的重要功能之一。著名的“铃木教学法”的创立者铃木镇一也认为:“音乐所造就的是具有良好文化修养的公民,不仅仅是教授音乐。”音乐的文化功能有其特有的规律和特点。单纯的音乐“教育”并不能代表音乐的一个部分,音乐在整个人类文化的延承中都意义重大。它不仅反映文化、参与文化,其本身也是一种极富个性特征的文化延续样式。一首好的音乐作品呈现的不只是音符的美妙流转,作曲家内心的情感更多的还会反映出那个时代的文化印记,体现出深层的文化意味。对音乐文化的传承也是一种学习与扬弃的过程,以各种特殊符号为载体,不断地吸收、选择、消化,可谓是一个逐步变化与积累的过程。“文化存在于思想、情感和起反应的各种已经模式化了的样式中,通过各种符号可以获得并传播它。”音乐在文化的传承过程中,伴随着整体文化的迁移,在与其他文化的互动中,通过自身特有的方式参与其中,会提升整个民族的文化层次。如果从音乐学习本身来看,其本质就是一种社会文化现象,每个社会个体对文化的学习都对整个文化传承的维系起到了重要的作用。音乐的学习是一种自身文化积累的活动,正是在历史文化长河中这一支充满活力的个体支流对各种文化的汲取、对客观世界认识的逐步深入,才汇成了整个民族文化的长河,从而推动了整个人类文化的发展。作为文化体系的分支,音乐对文化的反映是多方面的,通过音响这一特殊的文化留存方式,生动地记录着历史的进程,描述着自然界的生态万象,刻画着人类难以言状的精神家园。人们对一首音乐作品内容的理解,就是对文化的一个特殊认识过程。我们可以从音乐中回味历史,感受不同民族的风土人情和风俗文化,体会迥异的民族文化精神等。在这里,音乐为我们提供了一种近乎百科全书般的文化体验,让我们在感悟美的同时,又感悟到了深刻的文化意味。 四、对音乐教育智力功能的再重视 随着科学的进步和实验音乐的不断深入,人们逐渐发现音乐教育对于学生智力的开发还具有重要的意义。通过对人脑的研究表明,分布人脑两侧的两个部分各自被赋予了不同的功能。读、写、算和逻辑思维等功能被左大脑承担了,而视觉、听觉与感性思维等功能确是右大脑所擅长的。而在我们目前的音乐教育中,音乐对于智力的巨大影响作用几乎完全被漠视。“目前,我国的教育偏重于开发左脑功能,忽视或轻视对右脑的开发,具体表现为重理性教育,轻情感意志培养;重智力因素的作用,轻非智力因素的影响;重逻辑思维能力的训练,轻直观感觉和形象思维的作用等。”不论是在理念上,还是在教学内容与教学方法的选择运用上,我们都过多关注了对左脑理性思维的开发,而对于右脑形象思维能力养成的关注则还远远不够,从而阻碍了对学生深层智力和创造能力的开发。而许多著名的发明创造都是形象思维的功劳。人们曾经对爱因斯坦死后的大脑进行研究,发现他右大脑的开发比常人多了2-3%,可就是这小小的差距造就了他的伟大,他自己也曾坦诚地说:“科学、音乐、宗教构成我人生的等边三角形。”“我的‘相对论’完全得益我的音乐。”此外,量子力学的创始人海森堡的原子跃迁的基频与次频实验的成功也是受到了乐音泛音振动规律的启迪;由于受到了音乐中音阶排列的启发对原子递增规律的掌握,才有了纽兰兹的“八音律”原子表;这就难怪德国物理学家波恩会发出这样的感慨:“根据我的观察,大多数成功的科学家,他们都热爱音乐,并且能擅长演奏各种乐器……”由此可见,音乐对于创造性思维的开发有着重要的作用。音乐通过千变万化的音符流转,刺激着人们的心灵,丰富着人们的想象,作品所表现出的难以描述的美感往往是激发灵感、启迪心智的钥匙。“在音乐审美教育中最主要就是—通过艺术来形成人的创造才能和力量的全部,从而使人的心理和个性得到全面发展。”⑤因此,在时代的语境下,如何正确地认知音乐,让音乐在审美、德育、文化、智力等功能的关照下,发挥出其所蕴涵的巨大魅力,这才是音乐教育的根本之所在。 作者:丁昕春 单位:淮阴师范学院音乐学院 音乐教育论文:民族音乐文化与音乐教育论文 1民族音乐文化现状 中国民族音乐文化有着悠久的历史、资源丰富多样,不过很多的文化并未被重视,更是没有得到一定的传承及保护,则出现了很严重的断流状况,更有甚者正在濒临灭绝。所谓的断流现象指的是很多民间艺人的音乐技艺以及各类绝活都已经失传,中国的传统音乐正在一点一滴的消亡或是无法继承,相关宗教音乐及仪式音乐根本得不到保护,不能有效地传承下去。近几十年来,中国不断涌入了诸多的外来文化,并受到了外来文化以及市场经济的极大影响,各大媒介及媒体传播的民族音乐很少,流行音乐远远大过于民族音乐,再加上港台流行音乐的加入,这就导致很多的学生们都趋之若鹜。让我们这些年轻一代出现了很多的追星族,爱好民族音乐的更少。国内所施行的应试教育并不注重音乐教育,造成音乐课程的各类状况无人问津。就导致了音乐教学大纲根本无法执行,更不能有效地完成规定的音乐内容。缺乏正宗的音乐教学科研,并且所施行的教学观念极度陈旧,对应教学模式没有革新,这样就造成很多的学生对音乐课程不感兴趣。 2民族音乐文化传承对音乐教育的重要作用 中华民族音乐具有其独特的魅力与气质。历史悠久的中华民族具备着深厚的文化底蕴,音乐理论、乐律、演奏、演唱以及各类音乐著作、乐器制作等都有着其伟大辉煌的成就。有效地将民族音乐文化渗进音乐教育中,促使优秀文化的不断传承及发展,更是能有效地弘扬民族精神,并树立民族自信心以及自豪感。中华民族音乐教育不管是普及或者是专业化的,是社会还是家庭的,都是要基于传承民族优秀文化的传统之上,有效地弘扬民族优秀文化的精粹。在音乐教育过程中要合理地将民族音乐及世界多样文化结合,博采众长、相辅相成,以呈现积极向上的音乐氛围。 3强化民族音乐教育,弘扬民族音乐文化 3.1构建高素质音乐教师团队 加强对音乐教师团队的培养,有效地推动民族音乐文化纵深进展。音乐教师对音乐教育是极为关键的,所以就要求其全方位地了解乐理知识,并懂得各类民族音乐的门类及演奏技巧。学校与有关部门应组织音乐教师对其展开专题培训,为音乐教师提供沟通与学习的机会,促使教师掌握较多的民族音乐文化。音乐教师应将学习的重点放在本地民间音乐文化上,树立民族文化荣耀感,并不断地坚持该项工作有序进展,并促使自身熟悉及通晓地方性文艺,认识深受人们喜爱的民族艺术家。 3.2革新教学模式,呈现开放性课堂 在21世纪,音乐课程主要是强化学生自主以及参与开放性意识,所以教师要将主动权交给学生,给学生充分的时间促使其成为音乐课的主人,并积极主动地进行沟通、互动、参与、体验以及进行各类实践性活动,真正意义上的让学生融进民族音乐学习的过程中,合理地促进学生个性发展,并鼓励学生们主动地去创造音乐,营造一个非常轻松、和谐的音乐课堂。教师可以在相关教学过程中,采用学唱多个歌曲来有效地提升学生对其家乡的民族性文化感知及认识,并可以在一定程度上分析所学习的歌曲,这样不断地加强学生自主学习的意识及能力。以学生的心理方面来讲,民歌或者是民族乐器曲,最简单有效的方式就是促使学生在相关乐器中去发现其所熟悉的旋律,进而引起对音乐的兴趣,再配合音乐开始哼唱其主题。这样不断地促使学生在学习过程中熟悉那些久唱不厌的民族音乐。教师还可以合理地把学生较为喜欢的流行音乐及时尚节目渗进课程教学中,这样得到的效果会更好。用一首精心选择的歌曲来贯穿整个课堂,并渗透式讲解其中的音乐信息。有效地带动学生,活跃课堂氛围,不断引申与课程相关的信息,并合理地抛砖引玉,让学生明白其重点并提升了知识量,更是得到了美的艺术享受。让这一股中国风,席卷整个音乐世界,体现我们中华民族音乐的独特魅力。除了相关教学课堂的革新,学校还应合理地寻找一些民间艺术家到学校为师生献艺,促使学生亲近民间文艺,并感受那原生态的音乐作品,从而让心灵得到净化,情感得到升华,让那浓郁的文化气息不断熏陶学生。民族文艺都是来源于农村,灵魂在大自然中,只有真正置身于村野中才能领略那美妙的民间文化灵魂。教师可以合理运用节假日,组织学生去村庄体验那山野放歌的感觉,让那美妙的歌声回荡在山间,让那雀跃的情感回味在田间,享受那无声胜有声的感觉。 3.3提升学生自身的民族音乐鉴赏能力 中华民族文化历史悠久、种类丰富,具有深刻的文化内涵。学校应不断地丰富,强化学生音乐欣赏能力。可以在课堂上播放大量的优秀音乐来供学生欣赏,不断地提升学生对民族音乐的理解以及鉴赏能力,并逐渐地形成正确的民族音乐审美观念。这样学生既树立了正确的审美观念,更是完善了学生的民族精神,并在本质思想上树立了民族传统文化的自信心及自豪感。教师还应该给学生多建议、介绍一些优秀的歌曲以及学生自己所收集的有效资料进行欣赏,除过教材中民歌学唱之外,更应该进行实际的实践性活动。利用不同民族的经典歌曲,拓展学生的音乐资源,促使学生获得更多的知识以及音乐视野,激发起民族自豪感。这样可以有效的培养学生的爱国主义精神,提升学生的民族自豪感,促使学生领略到中国民族音乐的美,了解中华优秀音乐文化的伟大及丰富多样,强化学生的爱国情怀。 4结语 民族音乐文化直接关系到民族意识以及民族的兴衰,音乐教育应尽全力地将中华民族音乐文化渗入其中,以便于有效地弘扬中华民族文化,使其源远流长。采用合理有效的方式、手段,强化民族音乐文化的重要性,尽力在学校中创设浓郁传统音乐文化的氛围。音乐教育的最本质目的是促使学生能够全方位发展,以呈现中华民族音乐文化,有效地促进音乐文化教育,培养学生的民族自信心与自豪感,树立良好的民族责任感,不断地强化学生的民族意识及爱国精神。 作者:张波 林俊 单位:昭通学院艺术学院 音乐教育论文:流行音乐引入音乐教育论文 一、师范音乐教育的现状分析 我国师范音乐教育是在借鉴西方音乐教育的基础上产生的,在长期的发展过程中,已经形成一种固定的体系,这种教育体系是围绕更好地传播西方古典音乐开展的,虽然我国音乐教育在借鉴中有创新,但在师范院校开展的音乐教育中,从乐理知识到演奏练习基本还是以西方音乐为蓝本进行教学设计。以和声理论这门课程教学为例,教学还是在借鉴西方古典和声教学的基础上展开的,在某一个历史时期,这种教育内容和教学体系能够适应师范音乐教育发展的需要,为社会培养了很多具有较高音乐素养的专业教育人才,但随着社会的发展,人们的审美品位发生了很大的变化,音乐文化也发生了很大的变化,这种传统的教育体系,就显得与时尚脱节,无法满足人们的审美需要,最重要的是,这种借鉴而来的音乐教学内容和方式无法更好地传播我国传统的音乐文化,同样,也无法有效适应师范音乐教育人才培养的需要,因此,必须进行改革,而在师范音乐教育中引入音乐流行音乐,通过流行音乐与时尚结合起来,更新教育内容,改革教育途径,将对于未来师范院校人才培养具有极大的促进作用。 二、在师范音乐教育中引入流行音乐的必要性 (一)音乐文化发展的必然选择 音乐文化本身就是随着社会文化和人文文化的发展而不断发展变化的,随着人们的审美品位的变化而变化。现在音乐从形式上和内容上,虽然与传统音乐文化有着一定的联系,但更有很大的差别,造成这种差别的主要原因是社会审美文化的变化。因此,音乐教学要获得发展,必须紧跟时展,紧跟音乐文化的发展步伐,进行音乐教育内容教育手段的创新,作为师范院校的音乐教育,也需要将现代音乐形式引入到课堂教学中去,不断充实丰富教学内容和形式,能够对现代音乐文化进行深度解读和研究,不断创新音乐教育,这样才能满足时代的发展需要,才能有效培养音乐教育人才。 (二)激发学生音乐学习兴趣的需要 在师范音乐教育中,我们面对的是一群血气方刚的青年学生,他们极力推崇流行文化,喜欢跟时尚,喜欢流行音乐。而在传统的师范院校的音乐教育中,恰恰缺乏这种流行元素,音乐教育重点是传播一些声乐知识,引导学生进行美声、民族唱法练习,学生的学习兴趣不高。他们感觉这种教育内容与生活联系不够紧密,感觉这种教育内容不够时尚,学习的积极性不强。但如果师范音乐教育能够引入流行文化,学生的学习的积极性就能得到显著提升,因此,在师范音乐教育中,引入流行音乐,对于激发学生的音乐学习兴趣具有积极的作用。 (三)更有效地传播现代文化思想 流行音乐不仅具有很强的感染力,表现手法独特,是人们喜闻乐见的音乐形式,更重要的是,流行音乐与时尚挂钩,其内涵丰富,意蕴深厚,能够有效地传播现代文化,传播现代思想。流行文化语言通俗易懂,具有很强的亲民性和娱乐性,因此,在师范院校的音乐教育中引入流行音乐,能够使学生更好地感知现代文化思想,更好地满足学生的精神发展的需要。在师范音乐教育中引入流行音乐能够有效完善音乐教育,有效地进行祖国灿烂文化的传承。 (四)提高学生的音乐素养的需要 流行音乐引入教学,能够使学生有效认识到音乐文化的丰富性和多样性,更好地激发学生对音乐的热爱。通过流行音乐与古典音乐的教育比较,也可以使学生更好地认识这两种文化的优缺点,可以有效丰富音乐教学方法,对于开启学生的创作天赋,提高学生的鉴赏能力,塑造学生的良好审美心理和审美品质都具有很强的现实意义。 (五)学生未来工作的需要 对于师范生而言,他们在毕业后基本都要从事音乐教育工作,他们面对的是小学生或者是初中生。中小学生的音乐鉴赏能力有限,他们平时接触最多的,最有感觉的音乐就是流行音乐。因此,作为师范院校毕业生,要想在未来的工作中做出一番事业,就需要掌握流行音乐教学方法,能够把自己在流行音乐的学习中的体会更好地引用于自己的教学实践中去,对中小学生进行引导,提高中小学生对流行音乐优劣的辨别能力,使学生能够认识到流行音乐的优劣,从而有效促进自己教学的发展。 三、结语 总之,流行音乐作为音乐文化的重要组成部分,在内容和形式上,都有其优势。无论是从欣赏者的角度还是从学习研究者的角度而言,流行音乐都有其价值和存在的意义。因此,在师范院校的音乐教育中,引入流行音乐是十分必要的。作为师范院校的音乐教育,要重视这种音乐形式,能够在音乐教学中引入流行音乐教学,不断丰富教育内容和教育形式,通过创新教学,提高学生的音乐学习兴趣,以图为社会培养更高的音乐教育优秀人才。 作者:章凌 单位:江西省崇仁师范学校 音乐教育论文:学术认知音乐教育论文 一、开拓思维、提升智力 就开拓思维来讲,我们可以从音乐自身的表达方式去理解,因为它是非语义性质的,它运用自身的韵律与声音带给我们开拓想象力空间。如果细心发现,我国古代许多名人喜好音律,如大教育学家孔子、庄子以及姜太公等等,而对于国外来说,也不难发现许多科学教或是文人也同样热爱音乐,如爱因斯坦、歌德等等。那么就此看来,音乐对于人的思维有辅助作用,它可以推进我们产生灵感和想象力,用音乐的动力去在其他领域散发光芒,音乐的教育就不仅仅是艺术传授本身,也在于思维的拓展和想象力的启发。音乐教育还具备的一个功能就是智育功能,很多研究表明,当一个人在音乐的活动与影响下,对于智力的发展起到了关键性作用,而不少研究也说明,人的右脑在音乐的推助下能够增加记忆,提神认知能力。由此可见音乐是促进智力发展的一个元素之一,人的灵感与想象力在音乐的帮助下进行开拓空间,音乐对于右脑的开发有辅助作用,人的智能是需要不断锻炼与影响的。因此我们可以理解音乐教学能够帮助提升智力,让人的智力在音乐的引导下发展的更为灵活。 二、培育品德、鼓舞人心 音乐教育一直以“移风易俗,感化人心”为基本主旨,那么就其这点来说,它具备培育品德、鼓舞人心的作用,因此音乐教育的目的也在于为人呈现出美好的感觉,这种感觉不是松散的,而是具备一定的集中性,让人们忘却或是淡化生活的不愉快,由音乐的向导而产生积极的心态。柏拉图曾经表示过,音乐是道德情操的培养下,将教育变成美好与和善,这样我们可以理解好的音乐教育行为能够改变现状,让大家朝着正方向前进,在坎坷的生存道路当中,对于道德品德的坚持务必会存在障碍,但是恰是音乐的温柔教育,让人们懂得回头和反思,由此可以见,音乐带来的鼓舞与培育绝对非同一般。就音乐自身的表演特性来说,当我们从事于一些娱乐或是锻炼时,音乐的活动在这个时候和我们的身体产生了非常紧密的联系。 三、如何提高音乐教育转化效率 1、选择正面积极的音乐 想要真正的发挥音乐教育的正面性,就需要在选择音乐上下很大功夫,音乐的种类分许多种,不是每一种都能够对症下药,真正的帮助大家带来积极的思想。因此在选择音乐的同时一定要细心,要选择贴合人们实际情况,能够真正的带来积极正面效应的音乐,而是蛊惑人心,让心情越发低落的音乐,把握住这点,才能将教育的真正目的实现。举个例子,比如在音乐教学的过程当中,老师必然会选择适合学生的曲子,因为要发现教学特点选择正确的方向,这样才能带来正面的效果。 2、教育当中一定正确指导 音乐是我们教育当中介质,但是如何发挥它最大的效率还在于教师怎样教学,毕竟真正教育方法取自于人的判断力。所以在巧用音乐到达教育目的同时,还要注意指导方式是否真正的正确,或者说我们是否真正的了解自己的学生。指导作用的意义体现,第一,教师能够发挥自身职责去教学,从教学的过程当中做到寓教于乐,第二,教师找到教学当中的指导特点,重点发挥培育目的,真正塑造高德情操去帮助学生,从这亮点明确指导的内涵,才能发挥教育的根本性作用。 3、拓展知识面、对音乐具备学术认知 那么对于教师这个本身来说,自己首先要变成音乐知识达人,无论是从音乐的欣赏上抑或是理解上,都要具备真正的学术认知。学术认知是心理、艺术欣赏力、音乐能力等多个方位出发,如果教师不能够彻底的了解这一方面,那么就做不到真正的指导与培育,只有从教师自身出发,明确态度不断反思与学习,才能够带来真正的指导方向。音乐的理解不仅仅是艺术层次的,也是教育层次和心理层次,这方面需要从中启发,不断的学习和总结。 四、结语 总的来说,我们凑响音乐教育的篇章,需要彻底的了解音乐的本质,因为就其音乐的本身来说,它是无限拓展的一种领域,老师这个教育的指引者,一定要充分的发挥教育指导的魅力,我们对于音乐这条学习之路还有很多的方面需要探索,音乐教育功能的全面性与其转化效率都是不断探索的重点话题。 作者:许维东 单位:江西科技师范大学
音乐钢琴教学论文:浅析高师音乐教育专业钢琴教学初探 论文关键词:钢琴 音乐教育 高师 论文摘要:高师钢琴教学这一课题是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着高师音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。笔者期望通过中国高师整体教育水平的提高,钢琴课的教学能够“会当凌绝顶”,“更上一层楼”! 在高等师范院校音乐教育专业的科目中,钢琴课占有举足轻重的地位。随着高师音乐教育的迅猛发展,社会对音乐教师的需求加大,钢琴课也应紧跟时代步伐,在教学内容,方法,形式等方面做出相应的调整,以适应高师音乐教育专业学生未来的职业需要。对于音乐教育专业的师生,如何从事钢琴课的教学,,如何采取科学理性的方式,将这门复杂的功课做好,这是本文探讨的主要问题。 一. 教师要根据学生的程度因材施教,学会分级教学 随着国脚高校扩招政策的实施,音乐教育专业的学生入学率大幅提高,学生们的钢琴水平参差不齐。有的学生入学前已经学过多年钢琴,基本功扎实,音乐表现力丰富,他们大多数会选择钢琴主修专业。对于这样的学生,老师们教学难度不是太大,除了采用《高师钢琴基础教程.》第三,四册之外,常常辅以肖邦部分练习曲,夜曲,圆舞曲,贝多芬早期奏鸣曲,以及巴赫平均律等技术与音乐艰深的曲目,其目的是丰富学生的技术面,提高其音乐表现力,锻炼学生的意志品质与耐力。 还有的学生入学之前只学过一年左右的钢琴,他们只是学习一到两首曲目来应付高考,其本身钢琴演奏的技能很薄弱,基本功不扎实,弹奏动作僵硬,识谱很慢,用数字来标示五线谱的学生不在少数。对于这类学生,钢琴教师应在教学中给予更多的关注,他们需要老师更多的细心,耐心与爱心。对于他们,老师在教学上进行严密的安排与部署,需要最大限度的去开发其潜能,加强他们的基本功训练,在有限的两年中,使他们除了掌握一定的表演技能以外,还能够掌握钢琴即兴伴奏的知识,以适应其毕业以后得工作实际需要。 二. 教学中应贯彻融合性原则 高师音乐教育专业的课程设置目的是突出“一专多能”甚至“多专多能”的培养目标,走的是一条培养综合素质高的音乐人才的道路。它要求学生不仅具有一定的演奏能力,同时对其他相关的学科的理论知识也应熟悉和了解,并且有独立的研究能力和教学能力。高师音乐教育的学生,除了会演奏钢琴以外,还有会教钢琴,用钢琴为个唱,合唱伴奏,在音乐欣赏课堂会用钢琴教学等等。 因此,要求钢琴教师在教学中应提倡综合式,融合式的教学,讲究课程的整合,按照音乐教育规律实现教学的协同效果,最终使学生综合素质得到提高。作为音乐科目的基础课,钢琴课与其他终点科目,比如视唱练耳,和声及作品分析,西方音乐史都有千丝万缕的联系,音乐科目中与钢琴没有任何联系的少之又少。这种情况就要求教师在教学中注重钢琴课与其他姊妹学科的联系,能够渗透其他学科的部分内容,拓宽教学视野。当然,我们的老师在教学中也应保持钢琴本学科的侧重点以及自身个性,绝对不能将钢琴课上成音乐欣赏课,这就要求老师们有一种驾驭全局的教学功底,在此基础上以点带面。 三 .教学目标要明确,要细致分析教材 钢琴教学的内容制定与教学目标,对象密切相关。老师在教授演奏技术的同时,应重视理论的教学,二者是相辅相成的。对于具有独立思考习惯的“90后”学生,演奏与教学理论的研究可以使他们对钢琴技术的了解更加深入。学生通过老师的理论指导,会拓宽演奏与联系的思路,学会逻辑的分析自己的技术训练,最终突破技术的瓶颈。教师应明确的向学生阐述自己的教学目标,使学生学习的方向更加清晰,从而能够活学活用,学有所思,学有所用,为自己将来从事教学工作奠定坚实基础。一名负责任的钢琴教师应随时根据教学大纲制定并修整自己的教学纲要,这样才能使教学更加系统化。 作为工具,高师钢琴教材在实际教学中发挥着重要的指导性的方向作用。教师应该明确教材的的作用是:通过它系统的传授给学生演奏技能;通过它研究中外音乐大师的经典曲目促进学生人文素质的提高:通过学习它使得学生综合素质得到提升,心智得到发展等等。教师在明确其作用后,更应该研究教材的训练目的,明了教材所选曲目的艺术价值,能够准确分析所选曲目的曲式,和声特点。为了能够使音乐教育专业的学生能够胜任毕业后从事的中小学音乐教师的工作,部分高师音乐教材还增添了中外乐曲的钢琴伴奏曲,同时为了促进学生的协作能力,又编选了一部分四手连弹曲目,教师应对这两类曲目同样重视,这样才能使教材的应用性得到最大程度的发挥。 四.拓宽教学视野,提倡创新意识 教师在钢琴教学中,应大胆实践,不断拓宽自己的新的教学思路,不能拘泥保守,一成不变。钢琴课作为高师音乐教育的重要技能课,优秀课,基础课,本身应该具备开放,多元,发展的特色。教师不应将视野只局限在狭窄的琴房内,两耳不闻窗外事。他们应该更加关注我国高师音乐教育发展的大方向,关注国内外新的教育理念,通过学习再学习,使自己的教学与时俱进,不断创新。 高师培养出来的大部分学生,面临着社会整体钢琴教育的重任,他们身后是几千万的琴童,这就要求音乐教育专业的钢琴主科教师们迫切提高自己的教学水平,通过自身的努力,培养出更多优秀的教师。一方面,他们要立足本土,通过观摩,学习周先生等老一代教育家的教学法,另一方面,通过互联网等多媒体了解国外钢琴专家的演奏与教学,这样才能使自己的视野更加广阔,更加多元化。 以上是笔者在观摩部分高师音乐教育钢琴教学之后产生的一些思索。高师钢琴教学这一课题是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着高师音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。笔者期望通过中国高师整体教育水平的提高,钢琴课的教学能够“会当凌绝顶”,“更上一层楼”! 音乐钢琴教学论文:圣彼得堡音乐学院钢琴系教学体系的比较研究 内容摘要:俄罗斯国立圣彼得堡里姆斯基·科萨科夫音乐学院(简称圣彼得堡音乐学院),是俄罗斯最早的高等音乐学府,也是世界最著名的音乐学院之一。一百多年来,音乐学院钢琴系培养了众多著名钢琴演奏家和教育家,他们表现出的是不同的艺术风格和趋向。钢琴系的人才培养模式和教学体系是完善和成功的,值得我们借鉴。 关 键 词:圣彼得堡音乐学院 钢琴专业 教学体系 合理借鉴 俄罗斯国立圣彼得堡里姆斯基·科萨科夫音乐学院(简称圣彼得堡音乐学院),是俄罗斯最早的高等音乐学府,也是世界最著名的音乐学院之一。学院的钢琴系于1862年与音乐学院同时诞生,它是西欧钢琴表演艺术的优良传统与俄罗斯原有钢琴学校教学体系相结合的产物。一百多年来,音乐学院钢琴系培养了众多著名钢琴演奏家和教育家,他们表现出不同的艺术风格和趋向。钢琴系的人才培养模式和教学体系是完善和成功的,值得我们借鉴。 钢琴系的本科课程包括全国性的公共文科课程、公共专业课程和地方院校专业课程。公共文科课程有:哲学、经济学、历史、劳动法概论、心理学和教育学、外语、体育。公共专业课程包括:文化艺术史、美学、音乐心理学、音乐信息学、和声、复调、作品分析、外国音乐史、俄罗斯音乐史、20世纪俄罗斯音乐史、专业技能课、室内乐、排练课、钢琴艺术史、现代钢琴艺术、钢琴演奏教学法等。地方院校课程包括:20世纪音乐记谱法、生命活动安全课。学生自选课程包括:古钢琴(羽管键琴)、管风琴、古代音乐起源和诠释法。 首先,从公共文科课程的设置来说,对提高学生的综合文化素质非常有益。学生对文学艺术、历史以及美学、心理学等方面知识的积累,有助于提高他们对音乐作品的分析能力,并且能够对不同时期、不同地域文化背景下的作曲家的作品风格有更深刻的理解与把握。而公共专业课程中的音乐心理学、音乐信息学则是针对性和应用性很强的课程,前者对舞台表演具有现实意义,后者则对将来希望从事表演理论研究的学生可以提供最新研究领域和音乐发展动向。这两门课程在我国师范专业的课程设置中是欠缺的,只有少数音乐学院作为选修课开设,并且研究范围较浅。这是应该值得我们借鉴和推广的。 其次,在公共专业课程设置方面也有一些值得我们思考和学习的问题。除了在我国的音乐学院课程设置中也有和声、复调、曲式、作品分析及外国音乐史、钢琴艺术史、钢琴教学法等基础课程以外,圣彼得堡音乐学院还开设了20世纪钢琴艺术史和20世纪音乐记谱法。俄罗斯的音乐学院都非常重视对现代钢琴作品的演奏与教学,而对于我们的钢琴专业学生来说,演奏20世纪的钢琴作品较少,对一些现代的作曲手法和记谱法更是缺乏了解,学习并尝试开设这类课程会满足学生对现代音乐学习和掌握的需要。 除了传统的与我们的教学形式相同的钢琴技能课以外,圣彼得堡音乐学院钢琴系还对一年级学生开设了双钢琴课:老师根据学生的程度选择曲目,当堂视奏并合作,老师会指挥学生并且对作品进行分析与讲解,曲目多为四手联弹作品,也有少量的较为简单的双钢琴作品。这门课程可以训练并提高学生的视谱能力,并为以后的室内乐课和协奏曲的排练积累合作经验。 他们从大学二年级开始直到毕业,开设室内乐课(其中包括声乐伴奏和与其他乐器的重奏)。俄罗斯的音乐学院都对室内乐课程极为重视,不仅为每个专业的学生都开设四年课程,而且室内乐课和专业课同样被列为毕业年级的“国家考试”科目,由俄罗斯国立莫斯科柴科夫斯基音乐学院和国立圣彼得堡音乐学院的权威室内乐专家和钢琴教授所组成的国考专家组,于每年的五月下旬开始在各大音乐学院巡考,考试以音乐会形式进行,对学生演奏水平、作品风格的把握、伴奏及重奏能力都要进行全面和细致的评定,考核成绩直接影响到学生的毕业。钢琴室内乐课,无论是声乐伴奏还是重奏,对钢琴专业的学习都有着积极的促进作用,可以全面提高学生的艺术和技术水平;在欧美的很多音乐院校中,室内乐课都被列为必修科目;很多世界一流钢琴家也非常热衷室内乐的演出;不少国际的重要钢琴大赛也将其纳入比赛项目。我们的一些专业音乐学院已经开设并重视室内乐课,但在师范音乐教育中还很少见,我们可以根据自己的学生水平选择相应曲目来丰富我们的钢琴教学,提高学生的综合专业能力。 圣彼得堡音乐学院钢琴专业的另一个具有实践意义和特色的课程就是钢琴教法课。它与我们现在的较为普遍的教法课的授课形式有所不同。我们的课程都是老师自定教材,在课堂上讲解,学生则在下面记笔记,这种授课形式往往容易脱离实践,犯“纸上谈兵”的错误,当然一些老师也逐渐认识和注意对学生实际教学能力的培养,但收效甚微。而圣彼得堡音乐学院钢琴教法课是完全从实践入手培养学生的授课能力,具体授课形式是这样的:专业老师在附中授课时,教法课的学生同时参加,然后由学生对附中学生授课,老师在旁边指导教学,并与学生讨论具体的教学方法,传授自己的教学经验。这种授课形式完全调动了学生学习的主动性,并且有很强的实践性,活学活用,大大促进了学生对教学原则和方法的掌握。 除了上述课程以外,圣彼得堡音乐学院还为每个学生提供尽可能多的表演和舞台实践机会。学生可以在老师的安排下在学院的各个音乐厅举办独奏或重奏会,学院作曲专业的老师和同学的作品音乐会也为学生提供表演机会,学院还会为学生安排与著名的玛林斯基剧院合作演出的机会。总之,学生在众多的演出中得到了充分的表演和锻炼,并随时接受老师和演奏家们的指导。 俄罗斯国立圣彼得堡音乐学院钢琴系的教学体系和课程设置是有自身特点的,并且也是比较成熟和成功的。我们的钢琴教学也有自己的优点,但也存在着一些不足,我们可以从对他们的教学体系的研究中受到启发,借鉴他们的长处,与我们的实际情况相结合,探索并制订出新的、更有实践意义的教学体系和课程设置,提高我们的教学能力。 音乐钢琴教学论文:浅析高师音乐教育专业钢琴教学初探 论文关键词:钢琴 音乐教育 高师 论文摘要:高师钢琴教学这一课题是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着高师音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。笔者期望通过中国高师整体教育水平的提高,钢琴课的教学能够“会当凌绝顶”,“更上一层楼”! 在高等师范院校音乐教育专业的科目中,钢琴课占有举足轻重的地位。随着高师音乐教育的迅猛发展,社会对音乐教师的需求加大,钢琴课也应紧跟时代步伐,在教学内容,方法,形式等方面做出相应的调整,以适应高师音乐教育专业学生未来的职业需要。对于音乐教育专业的师生,如何从事钢琴课的教学,,如何采取科学理性的方式,将这门复杂的功课做好,这是本文探讨的主要问题。 一. 教师要根据学生的程度因材施教,学会分级教学 随着国脚高校扩招政策的实施,音乐教育专业的学生入学率大幅提高,学生们的钢琴水平参差不齐。有的学生入学前已经学过多年钢琴,基本功扎实,音乐表现力丰富,他们大多数会选择钢琴主修专业。对于这样的学生,老师们教学难度不是太大,除了采用《高师钢琴基础教程.》第三,四册之外,常常辅以肖邦部分练习曲,夜曲,圆舞曲,贝多芬早期奏鸣曲,以及巴赫平均律等技术与音乐艰深的曲目,其目的是丰富学生的技术面,提高其音乐表现力,锻炼学生的意志品质与耐力。 还有的学生入学之前只学过一年左右的钢琴,他们只是学习一到两首曲目来应付高考,其本身钢琴演奏的技能很薄弱,基本功不扎实,弹奏动作僵硬,识谱很慢,用数字来标示五线谱的学生不在少数。对于这类学生,钢琴教师应在教学中给予更多的关注,他们需要老师更多的细心,耐心与爱心。对于他们,老师在教学上进行严密的安排与部署,需要最大限度的去开发其潜能,加强他们的基本功训练,在有限的两年中,使他们除了掌握一定的表演技能以外,还能够掌握钢琴即兴伴奏的知识,以适应其毕业以后得工作实际需要。 二. 教学中应贯彻融合性原则 高师音乐教育专业的课程设置目的是突出“一专多能”甚至“多专多能”的培养目标,走的是一条培养综合素质高的音乐人才的道路。它要求学生不仅具有一定的演奏能力,同时对其他相关的学科的理论知识也应熟悉和了解,并且有独立的研究能力和教学能力。高师音乐教育的学生,除了会演奏钢琴以外,还有会教钢琴,用钢琴为个唱,合唱伴奏,在音乐欣赏课堂会用钢琴教学等等。 因此,要求钢琴教师在教学中应提倡综合式,融合式的教学,讲究课程的整合,按照音乐教育规律实现教学的协同效果,最终使学生综合素质得到提高。作为音乐科目的基础课,钢琴课与其他终点科目,比如视唱练耳,和声及作品分析,西方音乐史都有千丝万缕的联系,音乐科目中与钢琴没有任何联系的少之又少。这种情况就要求教师在教学中注重钢琴课与其他姊妹学科的联系,能够渗透其他学科的部分内容,拓宽教学视野。当然,我们的老师在教学中也应保持钢琴本学科的侧重点以及自身个性,绝对不能将钢琴课上成音乐欣赏课,这就要求老师们有一种驾驭全局的教学功底,在此基础上以点带面。 三 .教学目标要明确,要细致分析教材 钢琴教学的内容制定与教学目标,对象密切相关。老师在教授演奏技术的同时,应重视理论的教学,二者是相辅相成的。对于具有独立思考习惯的“90后”学生,演奏与教学理论的研究可以使他们对钢琴技术的了解更加深入。学生通过老师的理论指导,会拓宽演奏与联系的思路,学会逻辑的分析自己的技术训练,最终突破技术的瓶颈。教师应明确的向学生阐述自己的教学目标,使学生学习的方向更加清晰,从而能够活学活用,学有所思,学有所用,为自己将来从事教学工作奠定坚实基础。一名负责任的钢琴教师应随时根据教学大纲制定并修整自己的教学纲要,这样才能使教学更加系统化。 作为工具,高师钢琴教材在实际教学中发挥着重要的指导性的方向作用。教师应该明确教材的的作用是:通过它系统的传授给学生演奏技能;通过它研究中外音乐大师的经典曲目促进学生人文素质的提高:通过学习它使得学生综合素质得到提升,心智得到发展等等。教师在明确其作用后,更应该研究教材的训练目的,明了教材所选曲目的艺术价值,能够准确分析所选曲目的曲式,和声特点。为了能够使音乐教育专业的学生能够胜任毕业后从事的中小学音乐教师的工作,部分高师音乐教材还增添了中外乐曲的钢琴伴奏曲,同时为了促进学生的协作能力,又编选了一部分四手连弹曲目,教师应对这两类曲目同样重视,这样才能使教材的应用性得到最大程度的发挥。 四.拓宽教学视野,提倡创新意识 教师在钢琴教学中,应大胆实践,不断拓宽自己的新的教学思路,不能拘泥保守,一成不变。钢琴课作为高师音乐教育的重要技能课,优秀课,基础课,本身应该具备开放,多元,发展的特色。教师不应将视野只局限在狭窄的琴房内,两耳不闻窗外事。他们应该更加关注我国高师音乐教育发展的大方向,关注国内外新的教育理念,通过学习再学习,使自己的教学与时俱进,不断创新。 高师培养出来的大部分学生,面临着社会整体钢琴教育的重任,他们身后是几千万的琴童,这就要求音乐教育专业的钢琴主科教师们迫切提高自己的教学水平,通过自身的努力,培养出更多优秀的教师。一方面,他们要立足本土,通过观摩,学习周先生等老一代教育家的教学法,另一方面,通过互联网等多媒体了解国外钢琴专家的演奏与教学,这样才能使自己的视野更加广阔,更加多元化。 以上是笔者在观摩部分高师音乐教育钢琴教学之后产生的一些思索。高师钢琴教学这一课题是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着高师音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。笔者期望通过中国高师整体教育水平的提高,钢琴课的教学能够“会当凌绝顶”,“更上一层楼”! 音乐钢琴教学论文:试论音乐听觉训练在钢琴教学中的作用 内容摘要:音乐是“听觉的艺术”。学习音乐,尤其是学习钢琴演奏,训练出一双有着高度审美力和鉴赏力的敏锐的“耳朵 ”,是至关重要的。音乐听觉来自于内心各种听觉能力的培养。 关 键 词:旋律听觉 复调听觉 和声听觉 音乐是“听觉艺术”,它不仅有声音的高低、长短、强弱,有音质音色的区别,更重要的是表达内心对艺术形象的音响想象。随着这种内心的感受,就形成了对音响图像的追求。这种内心听觉越敏锐,就越有助于音乐的表现。衡量钢琴演奏水平的高低,造诣的深浅,只能凭借耳朵这一听觉器官;判断演奏者乐感优劣、投入的程度,音响效果是唯一的依据,而绝非一些故弄玄虚的外部表情与动作。 一、音乐听觉的重要性 音乐是通过声音来塑造形象、表达情感的艺术形式,无论演奏者还是听众都需要通过听觉来欣赏音乐,鉴别其艺术效果的优劣。凡是优秀的音乐家都具有敏锐的听觉,他们在有意或无意聆听的状态下,其听觉器官总是保持着高度的职业敏感性。而这种敏感的听觉不是天生的,而是长期训练的结果。因此,学习钢琴,就必须培养学生有敏锐的听觉能力,使之能胜任钢琴音乐的演奏要求。演奏时必须用听觉去判断演奏是否达到应有的艺术效果——音乐的变化、力度的层次、节奏的脉搏、踏板的清晰、乐句的均匀、旋律的流畅、风格的准确等等。演奏者只有具备了良好的音乐听觉,才能检验弹奏的效果。因此,敏锐的音乐听觉能力对学习钢琴演奏的人来说是至关重要的,涅高兹曾说过:“听觉越是迟钝,所演奏的声音和表现的内容就越呆板。” 二、音乐听觉训练的特点 练琴的过程也就是练习发音的过程。不能满足于只是“发出”声音,而是要根据乐曲性质的要求发出应有的声音。许多学生在演奏时思路混乱,多数是因为听觉原因造成的。因此,要求学生必须在清晰的思维下,按照音乐进行的规律,将无意识的听觉、混乱的听觉调整为清晰的、有目的的听觉。这样才能使学生从特定意义出发进行学习,充分调动自己的听觉器官,培养、发挥自己的听觉能力。 钢琴学习中的听觉训练,不是单纯的音的高低听辨,也不是仅仅用耳朵去听。“听”是心理在生理上的运用。一般意义上的听只是耳朵的功能,而凝神细听则是一种心理功能。钢琴学习中的听觉训练,就包含了这种心理功能的训练,要使学生集中于大脑的听觉训练。教师的任务是不断地向学生发出信号,让学生注意听,并告诉他们所要听的内容和如何去听,而学生则必须时刻保持听觉的警惕性。 在音乐作品中,主要的旋律声部不一定都是在最高声部。如弹奏巴赫的赋格曲时,不仅要让人听到高声部的主题,还要听到中声部的主题、低声部的主题以及对题。即使一首简短的主调乐曲,也要分清旋律声部和伴奏声部,旋律声部中可能还有副旋律,伴奏声部中可能有低音线条及和声层等等。在音乐的发展过程中,声部的关系是在不断变化的,各声部层次在不同段落中的主次、地位和所起的作用也在随之变化。因此,钢琴学习中的音乐听觉训练,就必须对所弹奏的音乐进行分析,对音乐中的各种因素了如指掌,在清晰的思维控制下,有目的地进行。 三、音乐听觉训练的要求 1.建立旋律听觉 音乐作品中,旋律是优秀。学生在学习演奏时,如何弹奏旋律至关重要。一定要时刻听到自己弹奏的声音,对自己所弹奏旋律的声音、情感,要做到在心中有数的基础上,在听觉的控制下进行。 注意听完整的旋律线条。必须准确地划分旋律的句读。弹奏时要细心地听旋律的每一个音,注意乐句上的换气(呼吸),形成有逻辑的音乐句读,切勿让不必要的重音切断旋律线。钢琴作品中的旋律常常还有其自身的特点,如果不清楚这些特点,也常常会使旋律支离破碎。 a.旋律插入填充织体。钢琴作品中(尤其是多声部音乐),在旋律的长音或节奏的空隙作织体的填充是十分常见的,演奏时一定要注意听长音和被隔离开的旋律音之间的联系,不能让这些填充织体间断旋律线条。 b.旋律隐藏在织体中(隐伏旋律)。这种旋律容易被忽视或被织体覆盖,演奏时一定要听到旋律的每一个音,控制好旋律与织体之间的层次关系。 c.旋律由左右手分开演奏。在钢琴作品中,常见的旋律由左右手分担。演奏时,左右手一定要协调,力量衔接要自然均匀,细心地听完整的旋律线条。要使旋律演奏完整、流畅,犹如单手演奏一样。 d.和声性旋律。和声性旋律容易被和声覆盖,尤其是当旋律在中间或低音声部时,要小心地听到并弹出每一个旋律音,保持旋律的突出和完整。 e.由几个短小动机或模进音组成的旋律。演奏时要听动机及模进音组之间的联系。特别是一些慢速、多长音、多休止的段落中,弹奏时要特别注意旋律长音的延续,使旋律休止音断意不断,使旋律始终不懈地保持其内在的紧张度。 注意听流畅的旋律线条。在听到完整旋律线条的基础上,演奏时还要注意倾听旋律的流畅性。特别是演奏以某种特定技巧出现的旋律时,不能因技巧的难度而影响旋律进行的流畅性。如手较小的人在弹八度旋律及和声性旋律时,一定要克服困难,保持旋律线条的突出和流畅。另外,任何乐句的旋律在进行时都有其自身的走向和方向点,都有起始音、高低音和收束音,要求学生演奏时一定要自然、合理、准确、有倾向性地走向这个点,完成每一句流畅的旋律线条。 注意听旋律的表情。演奏时,首先要从乐曲的内容出发,仔细研究旋律的性格、情绪、语气及韵味。分清乐句的始与收、起与伏及乐句之间的起、承、转、合等客观存在的内在规律。例如每个乐句都有其自然而普遍的倾向,就像卡萨尔斯说的呈“橄榄形”,如钢琴家傅聪所说的“往中间走”。同时,还应特别注意句尾的收束。在演奏这些旋律时,必须要求学生用听觉仔细地去检验所弹奏出来的声音是否符合为作品所安排设计的音响。 2.复调听觉的培养 钢琴作品中除了旋律外,还有丰富的和声、复调、织体。无论弹奏主调音乐还是复调音乐,都需要有很清晰的声部听觉。复调作品中,其声部关系更为复杂,各声部在其音响空间的距离内在相互吸引和互相排斥中起作用。在音乐进行过程中,要注意各声部的旋律要求,在音响平衡的基础上保持各自的明确和自然的流畅,是十分重(转第69页)(接第70页)要的。如过分强调某一声部,就会丧失其他声部,因此,要做到准确地控制好复调作品中各声部之间音响的平衡、流畅、细腻,必须要有良好的音乐听觉。要求能够时刻听清每个声部,在听觉的监督下控制每个声部的弹奏。另外,当弹奏几个声部在同一音区之间交替进行的旋律时,则必须靠听觉控制好各声部之间的音色、力度上的变化,使各声部间有所区别。演奏复调音乐时还应注意以下几点: (1)分清各声部独立的旋律线条。复调作品中,各声部都是独立的旋律线条。学习时首先要分析作品,了解各声部旋律的走向。演奏中必须仔细认真地倾听每个声部的旋律进行和旋律表情。应该先分手、分声部练习,各声部都明确和熟练后,再将各声部叠加一起练习。必须处理好旋律声部之间的关系,使每个声部都保持好各自的独立性。 (2)注意听各声部完整的旋律线条。演奏复调作品中的长音和休止符时,一定要注意倾听它与前后音之间的关系。必须保证其声部进行的连贯流畅和完整,不要让长音旋律中的对位声部切断该旋律的线条,致使几个声部混成一个声部。 (3)注意听清各旋律声部的对话。复调作品的特点还在于各声部之间常常是互相呼应的,如赋格曲中主体在各个声部中的前后对应关系,以及主题与对题之间的呼应关系等等。演奏时一定要将各声部之间对话的语气、情绪等意图表现出来。总之,仔细地聆听,细腻地演奏,处理好各声部的句法关系和声部层次关系,对演奏复调作品是非常重要的。 3.和声听觉的训练 和声是音乐的重要组成部分。在音乐陈述中,和声的序进、和声的色彩、和声的紧张与松弛、和声的游移与肯定,都对音乐的表现起着至关重要的作用。音乐中和声色彩的变化,常常决定了音乐段落中的某种表情的变化。和声进行从不协和、不稳定到协和、稳定,使音乐从紧张游移到松弛肯定的过程。 因此,学习钢琴弹奏还必须训练敏锐的和声听觉。学生在练习时,绝不能对和声变化无动于衷,应该时刻明确音乐中和声的变化,用心领会和声变化与旋律发展之间的关系,在听觉的控制下,将音乐中的和声变化及和声色彩变化细腻地表现出来。 不同时代、不同作曲家对和声的运用是不同的。当弹奏柱式和弦进行的音乐段落时,不仅要清晰地听到每个和声及它的横向序进关系,更要特别倾听和声进行中旋律的线条。在弹奏那些由分解和弦构成的作品中,仍需注意隐伏在旋律之中的和声色彩变化。弹奏印象派作品,更需细致倾听其作品的和声色彩,用不同的手段弹奏出和声色彩的变化。 4.培养音色的听觉 弹奏钢琴首先要有正确的声音概念,即声音是有共鸣的、圆润的、透亮的。不同风格的作品对音色要求是不同的,不同的触键方法也会产生不同的音色。在练习中学会用各种不同的触键方法,如触键的速度、力度及手指部位的不同等,弹奏出或清脆明亮、或雄伟、或深沉、或柔和或甜美的不同音色,并能够根据作品内涵的需要,用听觉去筛选,采用适合的音色去表达乐曲的感情。 此外,还有对节奏听觉的培养、踏板听觉的培养等等。总之,音乐是通过耳朵进入人的心灵。只有提高听觉能力,使学生具有较高的鉴别力和欣赏力,才能拥有较高的演奏水平,准确地演奏丰富多彩的钢琴作品。 音乐钢琴教学论文:试论音乐听觉训练在钢琴教学中的作用 内容摘要:音乐是“听觉的艺术”。学习音乐,尤其是学习钢琴演奏,训练出一双有着高度审美力和鉴赏力的敏锐的“耳朵 ”,是至关重要的。音乐听觉来自于内心各种听觉能力的培养。 关 键 词:旋律听觉 复调听觉 和声听觉 音乐是“听觉艺术”,它不仅有声音的高低、长短、强弱,有音质音色的区别,更重要的是表达内心对艺术形象的音响想象。随着这种内心的感受,就形成了对音响图像的追求。这种内心听觉越敏锐,就越有助于音乐的表现。衡量钢琴演奏水平的高低,造诣的深浅,只能凭借耳朵这一听觉器官;判断演奏者乐感优劣、投入的程度,音响效果是唯一的依据,而绝非一些故弄玄虚的外部表情与动作。 一、音乐听觉的重要性 音乐是通过声音来塑造形象、表达情感的艺术形式,无论演奏者还是听众都需要通过听觉来欣赏音乐,鉴别其艺术效果的优劣。凡是优秀的音乐家都具有敏锐的听觉,他们在有意或无意聆听的状态下,其听觉器官总是保持着高度的职业敏感性。而这种敏感的听觉不是天生的,而是长期训练的结果。因此,学习钢琴,就必须培养学生有敏锐的听觉能力,使之能胜任钢琴音乐的演奏要求。演奏时必须用听觉去判断演奏是否达到应有的艺术效果——音乐的变化、力度的层次、节奏的脉搏、踏板的清晰、乐句的均匀、旋律的流畅、风格的准确等等。演奏者只有具备了良好的音乐听觉,才能检验弹奏的效果。因此,敏锐的音乐听觉能力对学习钢琴演奏的人来说是至关重要的,涅高兹曾说过:“听觉越是迟钝,所演奏的声音和表现的内容就越呆板。” 二、音乐听觉训练的特点 练琴的过程也就是练习发音的过程。不能满足于只是“发出”声音,而是要根据乐曲性质的要求发出应有的声音。许多学生在演奏时思路混乱,多数是因为听觉原因造成的。因此,要求学生必须在清晰的思维下,按照音乐进行的规律,将无意识的听觉、混乱的听觉调整为清晰的、有目的的听觉。这样才能使学生从特定意义出发进行学习,充分调动自己的听觉器官,培养、发挥自己的听觉能力。 钢琴学习中的听觉训练,不是单纯的音的高低听辨,也不是仅仅用耳朵去听。“听”是心理在生理上的运用。一般意义上的听只是耳朵的功能,而凝神细听则是一种心理功能。钢琴学习中的听觉训练,就包含了这种心理功能的训练,要使学生集中于大脑的听觉训练。教师的任务是不断地向学生发出信号,让学生注意听,并告诉他们所要听的内容和如何去听,而学生则必须时刻保持听觉的警惕性。 在音乐作品中,主要的旋律声部不一定都是在最高声部。如弹奏巴赫的赋格曲时,不仅要让人听到高声部的主题,还要听到中声部的主题、低声部的主题以及对题。即使一首简短的主调乐曲,也要分清旋律声部和伴奏声部,旋律声部中可能还有副旋律,伴奏声部中可能有低音线条及和声层等等。在音乐的发展过程中,声部的关系是在不断变化的,各声部层次在不同段落中的主次、地位和所起的作用也在随之变化。因此,钢琴学习中的音乐听觉训练,就必须对所弹奏的音乐进行分析,对音乐中的各种因素了如指掌,在清晰的思维控制下,有目的地进行。 三、音乐听觉训练的要求 1.建立旋律听觉 音乐作品中,旋律是优秀。学生在学习演奏时,如何弹奏旋律至关重要。一定要时刻听到自己弹奏的声音,对自己所弹奏旋律的声音、情感,要做到在心中有数的基础上,在听觉的控制下进行。 注意听完整的旋律线条。必须准确地划分旋律的句读。弹奏时要细心地听旋律的每一个音,注意乐句上的换气(呼吸),形成有逻辑的音乐句读,切勿让不必要的重音切断旋律线。钢琴作品中的旋律常常还有其自身的特点,如果不清楚这些特点,也常常会使旋律支离破碎。 a.旋律插入填充织体。钢琴作品中(尤其是多声部音乐),在旋律的长音或节奏的空隙作织体的填充是十分常见的,演奏时一定要注意听长音和被隔离开的旋律音之间的联系,不能让这些填充织体间断旋律线条。 b.旋律隐藏在织体中(隐伏旋律)。这种旋律容易被忽视或被织体覆盖,演奏时一定要听到旋律的每一个音,控制好旋律与织体之间的层次关系。 c.旋律由左右手分开演奏。在钢琴作品中,常见的旋律由左右手分担。演奏时,左右手一定要协调,力量衔接要自然均匀,细心地听完整的旋律线条。要使旋律演奏完整、流畅,犹如单手演奏一样。 d.和声性旋律。和声性旋律容易被和声覆盖,尤其是当旋律在中间或低音声部时,要小心地听到并弹出每一个旋律音,保持旋律的突出和完整。 e.由几个短小动机或模进音组成的旋律。演奏时要听动机及模进音组之间的联系。特别是一些慢速、多长音、多休止的段落中,弹奏时要特别注意旋律长音的延续,使旋律休止音断意不断,使旋律始终不懈地保持其内在的紧张度。 注意听流畅的旋律线条。在听到完整旋律线条的基础上,演奏时还要注意倾听旋律的流畅性。特别是演奏以某种特定技巧出现的旋律时,不能因技巧的难度而影响旋律进行的流畅性。如手较小的人在弹八度旋律及和声性旋律时,一定要克服困难,保持旋律线条的突出和流畅。另外,任何乐句的旋律在进行时都有其自身的走向和方向点,都有起始音、高低音和收束音,要求学生演奏时一定要自然、合理、准确、有倾向性地走向这个点,完成每一句流畅的旋律线条。 注意听旋律的表情。演奏时,首先要从乐曲的内容出发,仔细研究旋律的性格、情绪、语气及韵味。分清乐句的始与收、起与伏及乐句之间的起、承、转、合等客观存在的内在规律。例如每个乐句都有其自然而普遍的倾向,就像卡萨尔斯说的呈“橄榄形”,如钢琴家傅聪所说的“往中间走”。同时,还应特别注意句尾的收束。在演奏这些旋律时,必须要求学生用听觉仔细地去检验所弹奏出来的声音是否符合为作品所安排设计的音响。 2.复调听觉的培养 钢琴作品中除了旋律外,还有丰富的和声、复调、织体。无论弹奏主调音乐还是复调音乐,都需要有很清晰的声部听觉。复调作品中,其声部关系更为复杂,各声部在其音响空间的距离内在相互吸引和互相排斥中起作用。在音乐进行过程中,要注意各声部的旋律要求,在音响平衡的基础上保持各自的明确和自然的流畅,是十分重(转第69页)(接第70页)要的。如过分强调某一声部,就会丧失其他声部,因此,要做到准确地控制好复调作品中各声部之间音响的平衡、流畅、细腻,必须要有良好的音乐听觉。要求能够时刻听清每个声部,在听觉的监督下控制每个声部的弹奏。另外,当弹奏几个声部在同一音区之间交替进行的旋律时,则必须靠听觉控制好各声部之间的音色、力度上的变化,使各声部间有所区别。演奏复调音乐时还应注意以下几点: (1)分清各声部独立的旋律线条。复调作品中,各声部都是独立的旋律线条。学习时首先要分析作品,了解各声部旋律的走向。演奏中必须仔细认真地倾听每个声部的旋律进行和旋律表情。应该先分手、分声部练习,各声部都明确和熟练后,再将各声部叠加一起练习。必须处理好旋律声部之间的关系,使每个声部都保持好各自的独立性。 (2)注意听各声部完整的旋律线条。演奏复调作品中的长音和休止符时,一定要注意倾听它与前后音之间的关系。必须保证其声部进行的连贯流畅和完整,不要让长音旋律中的对位声部切断该旋律的线条,致使几个声部混成一个声部。 (3)注意听清各旋律声部的对话。复调作品的特点还在于各声部之间常常是互相呼应的,如赋格曲中主体在各个声部中的前后对应关系,以及主题与对题之间的呼应关系等等。演奏时一定要将各声部之间对话的语气、情绪等意图表现出来。总之,仔细地聆听,细腻地演奏,处理好各声部的句法关系和声部层次关系,对演奏复调作品是非常重要的。 3.和声听觉的训练 和声是音乐的重要组成部分。在音乐陈述中,和声的序进、和声的色彩、和声的紧张与松弛、和声的游移与肯定,都对音乐的表现起着至关重要的作用。音乐中和声色彩的变化,常常决定了音乐段落中的某种表情的变化。和声进行从不协和、不稳定到协和、稳定,使音乐从紧张游移到松弛肯定的过程。 因此,学习钢琴弹奏还必须训练敏锐的和声听觉。学生在练习时,绝不能对和声变化无动于衷,应该时刻明确音乐中和声的变化,用心领会和声变化与旋律发展之间的关系,在听觉的控制下,将音乐中的和声变化及和声色彩变化细腻地表现出来。 不同时代、不同作曲家对和声的运用是不同的。当弹奏柱式和弦进行的音乐段落时,不仅要清晰地听到每个和声及它的横向序进关系,更要特别倾听和声进行中旋律的线条。在弹奏那些由分解和弦构成的作品中,仍需注意隐伏在旋律之中的和声色彩变化。弹奏印象派作品,更需细致倾听其作品的和声色彩,用不同的手段弹奏出和声色彩的变化。 4.培养音色的听觉 弹奏钢琴首先要有正确的声音概念,即声音是有共鸣的、圆润的、透亮的。不同风格的作品对音色要求是不同的,不同的触键方法也会产生不同的音色。在练习中学会用各种不同的触键方法,如触键的速度、力度及手指部位的不同等,弹奏出或清脆明亮、或雄伟、或深沉、或柔和或甜美的不同音色,并能够根据作品内涵的需要,用听觉去筛选,采用适合的音色去表达乐曲的感情。 此外,还有对节奏听觉的培养、踏板听觉的培养等等。总之,音乐是通过耳朵进入人的心灵。只有提高听觉能力,使学生具有较高的鉴别力和欣赏力,才能拥有较高的演奏水平,准确地演奏丰富多彩的钢琴作品。 音乐钢琴教学论文:浅析音乐教育专业钢琴教学及提高练习效率的方法 摘要:钢琴教学作为音乐教学的必修课,一直在寻找一条有利于自身发展的途径,以使自己的学生更加适应社会的需要。钢琴教学是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。但是对于钢琴学习者来说,选择正确的练琴方法,从而有效地提高演奏水平,是一个极其重要的问题。本文针对在练琴过程中存在的不足找到练习方法,从而解决问题,提高练琴效率。 关键词:音乐教育;钢琴;问题;提高效率;方法 钢琴技术教学在我国已初具规模,适应社会业余钢琴教学的需要,占领这一广阔的教育领域,是钢琴教学不容推辞的义务。在学生学习钢琴弹奏的同时,要把将来如何教好钢琴课作为教学的重要内容之一;要把那些效果较好,引人入胜的钢琴教材介绍给学生,便于他们以后用于教学;音乐教育专业钢琴教学需要注意的问题如下: (一)教师要根据学生的程度因材施教,学会分级教学 随着扩招政策的实施,音乐教育专业的学生入学率大幅提高,学生们的钢琴水平参差不齐。有的学生入学前已经学过多年钢琴,基本功扎实,音乐表现力丰富,他们大多数会选择钢琴主修专业。对于这样的学生,老师们教学难度不是太大,主要侧重丰富学生的技术方面,提高其音乐表现力,锻炼学生的意志品质与耐力。 还有的学生入学之前只学过一年左右的钢琴,本身钢琴演奏的技能很薄弱,基本功不扎实,弹奏动作僵硬,识谱很慢。对于这类学生,钢琴教师应在教学中给予更多的关注,他们需要老师更多的细心,耐心与爱心。老师在教学上进行严密的安排与部署,需要最大限度的去开发其潜能,加强他们的基本功训练,在有限的时间中,使他们除了掌握一定的表演技能以外,还能够掌握钢琴即兴伴奏的知识。 (二)教学中应贯彻融合性原则 音乐教育专业的课程设置目的是突出“一专多能”甚至“多专多能”的培养目标,走的是一条培养综合素质高的音乐人才的道路。它要求学生不仅具有一定的演奏能力,同时对其他相关的学科的理论知识也应熟悉和了解,并且有独立的研究能力和教学能力。音乐教育的学生,除了会演奏钢琴以外,还有会教钢琴,用钢琴为个唱,合唱伴奏,在音乐欣赏课堂会用钢琴教学等等。 (三)教学目标要明确,要细致分析教材 钢琴教学的内容制定与教学目标,对象密切相关。老师在教授演奏技术的同时,应重视理论的教学,二者是相辅相成的。 (四)拓宽教学视野,提倡创新意识 教师在钢琴教学中,应大胆实践,不断拓宽自己的新的教学思路,不能拘泥保守,一成不变。钢琴课作为音乐教育的重要技能课,优秀课,基础课,本身应该具备开放,多元,发展的特色。教师不应将视野只局限在狭窄的琴房内,应该更加关注我国音乐教育发展的大方向,关注国内外新的教育理念,通过学习再学习,使自己的教学与时俱进,不断创新。 大家都知道钢琴演奏是一门技术种类繁多、技巧性极强的艺术,艰苦反复地练习是每一位钢琴学习者学习过程中极其重要的环节。对一名钢琴学习者而言,寻求和遵循正确的练习方法是至关重要的。 以下就从几个方面阐述一下如何提高钢琴练习的效率方法! (一)坐位、坐姿 座位方面:我们要调整好坐位与钢琴之间的距离,上身坐直,将双手轻轻放置于键盘之上,上臂与前臂形成一个稍大于90度的角;找好中心点;调整坐位的远近和高低。在坐姿方面,我们要注意以下的问题:双脚踏实着地,放置于踏板之前;臀部只能做琴凳的一半,臀部的坐感应当是稳定当中又时刻配合着其他的动作;腰要挺直,颈部也要保持可以自由活动的感觉。弹奏者可以上身略向前倾,使中心略向前,便于力量的传送。坐的姿势切忌过于僵硬或松懈;手型在弹奏过程中,最自然的手型往往就是最正确的手型;注意手指的独立性和灵活性;当然弹奏的力量也要注意,在弹下琴键的同时要达到一定的力度,而且要能够控制力度的大小;均匀,练习基本功的目标是要让十指具有相同的能力。 (二)重视课后的第一次练习 在练习过程中要求慢速练,边看谱,边看标记,边动脑,手、脑、眼并用,反复练习几次,这样有助于及时消化上课内容。而对于新布置的曲子,要回想老师在课上讲到的对曲子的要求和需要掌握的技术难点以及练习方法。 (三) 全面读谱 首先,我们应该通过读谱去思考一下乐曲的作者、创作年代、创作背景以及作品的风格类型。其次,要注意谱面上的各种音乐表情术语、力度标记以及速度变化标记。再次,要仔细读谱面上的细节问题。最后,在读谱时,除了上述内容,还要注意从作品的调式、调性、和声、旋律等方面去仔细研究。 (四)分解式练习 钢琴作品具有多声部、多层次的特点,弹奏时左右手分担着不同声部、不同节奏、不同织体的任务。为了更快更准确地掌握作品,采用分解式的练习是行之有效的。 1.分手练习。分手练习不仅仅是学习一首新乐曲的开始阶段,即使在弹奏熟练之后,仍需时常使用分手练习这一方法,有分有合、分合交替才能加深对乐曲的理解以及提高练琴的效率。 2.分声部练习。在练习钢琴的过程中,应当养成把各个声部和层次区分开练习的习惯。对于声部较多的乐曲,就必须对每一个声部进行单独练习,使多个声部层次清晰,使恰当的音色、清晰的和声进行与旋律声部默契配合,不断提高练琴效率。 3.难点练习。遇到难点,应努力克服,这就需要我们将难点部分抽出来单独反复进行练习,只有这样,困难才会迎刃而解,才会提高练琴的效率。常见的难点大致包括速度难点、音色难点、技术难点。 (五)听觉训练 听觉训练是指倾听音乐作品结构、音色、音响效果等方面的训练。如果学生会运用听觉来指导自己练琴,不再是手指盲目的机械动作,就会更加有目的性,大大提高练琴的效率。 钢琴的练习必须遵循科学的方法,上述几种方法并不是截然分开的,应当把它们与实际情况结合在一起并灵活运用,不断地探究、认识、发现并解决问题,苦练加巧练,保证练琴质量,从而提高练琴效率。 音乐钢琴教学论文:大学音乐教育专业钢琴教学方法探讨 摘 要:目前我国大学音乐教育专业钢琴教学的效果之所以不尽人意,教师教学方法的运用不切合实际应是其主要原因之一。音教专业钢琴教学可用“因势利导”、“难易无序”、“不求甚解”等方法,达到其专业的最终目标。 关键词:音乐教育;钢琴教学;弹奏技能;综合能力 随着我国业余钢琴教育的蓬勃发展,不少青少年学生在钢琴弹奏技巧方面已经表现出较高水平,然而,对于业余钢琴教育最重要的成果接受者——大学音乐教育专业钢琴学生而言,受以考试、考级或比赛等为目标的应试教育倾向影响,虽然绝大部分学生进校时的钢琴弹奏技巧已达相当程度,但由于过去的某种“功利性”目的始然,其在基本弹奏技术方面仍然还有许多需要梳理或改进之处。如何在教学中根据其特点选择与运用恰当的教学方法,取得较好的教学效益,让学生在已有技术程度基础上进一步提高钢琴弹奏水平,是值得业界认真研讨的问题。 一、因势利导 从心理学的角度思维,人从小到大的知识水平提高和能力发展的过程,必然受到“学习远期效应规律”影响。 对于业余钢琴教育而言,这个规律表明:处于幼年、儿童、青少年时期的学生,一方面思维反应灵敏但思想单纯、情感单一,在学习过程中倾向于严格按要求专注于纯技术方面,同时,由于处于生长发育时期的青少年不仅身体机能活跃,记忆力较强,而且与钢琴弹奏相关的身体机能如手指、骨骼等的发育也正处于活跃期,因此,更容易使钢琴基本的弹奏方法及相关的身体机能等,通过他们的练习过程实现定型、提高与稳定发展。所以,尽管处于业余教育中的青少年学生理解力较弱导致其在音乐情感及内涵等综合素质方面表现不足,但仅凭借年龄上的优势也仍然容易从弹奏的熟练程度方面得到人们的赞许。 随着学生年龄的增长,其弹奏技术的进步速度在进入大学后会明显有所减缓,但在青少年时期(或在业余学习期间)所建立的钢琴弹奏技巧上的“童子功”优势,不仅仍然能够继续得以发挥,甚至音乐的情感与内涵等也可以被充分地表达出来。这种提高和能力发展正是“学习远期效应规律”。 《四川音乐学院音乐教育系钢琴教学大纲》中明确:“钢琴基础课是音乐教育专业的基础课程,目的是培养学生听觉、识谱、节奏感、音乐感和对作品的理解及表现力;丰富音乐知识,增强音乐修养,能弹奏各个风格的音乐作品,能适应今后的教学工作。”这个大纲不仅对学生已有基本钢琴弹奏技术水平程度的认可,也不单纯地强调其钢琴弹奏技术在大学教育中拔高等具体问题;不仅有对学生自身已有钢琴弹奏能力和水平的尊重,也没有超越音乐教育发展对未来教师的知识结构和程度的预期。也就是说,在学生进校时的基本钢琴弹奏水平与能力已定的前提下,我国许多大学音乐教育专业的钢琴教学大纲中对“全面培养”的教育目标的强调,明显受到了这个“学习远期效应规律”的影响。 遗憾的是,现实中个别教师在钢琴教学已将这个可供参考的“学习远期效应规律”抛弃了——在个别音乐教育专业钢琴教学中,不论学生已有弹奏方法及技术水平程度高低或谬误与否,一概强调钢琴弹奏技术技巧方法的改进与提高——单纯关注基本钢琴弹奏技术的训练,着重关注弹奏方法的所谓科学化、规范化,为了达此目的甚至不惜一味加难作品程度。此类无视学生实际能力且颇具“功利性”的做法,使大学音乐教育专业的钢琴教学,无形中成为了业余钢琴教育或“应试教育”模式的演变与继续。 现在大凡能进音乐教育专业学习的学生,估且不论其钢琴弹奏方法或技术科学、正确与否,一般都已经历了备考期钢琴“应试教育”的突击过程,即已经具备有一定程度的钢琴弹奏技术能力和水平。仅鉴于此,符合“学习远期效应规律”的“因势利导”的教学方法,应该是获取最佳教学效益的有利选择。 所谓大学音教专业钢琴教学中的“因势利导”,即是关注与认可音教专业学生所具有的基本钢琴弹奏技术水平和能力,并根据学生现有弹奏技能这个“势”,来制定“乘势而上”的目标计划。钢琴教学不仅可以使学生不至于将4年不太长的学习时间,单纯地视为钢琴弹奏技术或技巧提高的过程,还可以有的放矢,帮助学生明确自身的弹奏技术技巧程度及改进与提高方向,增强学习自信心。同时,还能够帮助学生明确钢琴弹奏水平程度及能力提高与音乐和教育学方面的综合素质培养、共同发展的音教专业的教育目标,从而增强学生钢琴学习的主动性与广泛性。 在具体的钢琴教学过程中,教师应根据学生现有钢琴弹奏技术技巧程度,来决定其技术改进方向和水平及能力提高的基本教学原则,而且,在基本教学原则的制定上,还应该遵从学生弹奏技术技巧进阶的连贯性与连续性,使弹奏技术能够在教师“因势利导”的教学中既不拔苗助长,又能在原有水平与能力程度上有较大的发展,还能使学生为自己钢琴弹奏技术程度及水平和能力的提高方面增添信心,帮助学生对科学的钢琴基本弹奏方法准确掌握,以及建立良好的学习和练习习惯。 二、难易无序 大学音乐教育专业钢琴教学的过程如何安排?问题一提出,一些人的脑海中首先便会闪出“循序渐进”的原则。正因为此,一些钢琴教师长期冥思苦想,费心尽力地希望寻找到钢琴教学如何渐进的那个“序。”然而,“循序渐进”果真是大学音教专业钢琴教学的一个最基本的教学原则吗? 当然,从教育学的广度看,“循序渐进”的确是一个有效地基本教学原则,理论上不存置疑。然而,对于当今的大学音乐教育专业钢琴教学来讲,“循序渐进”的原则就值得商榷。 原因在于,虽然音乐教育专业学生的钢琴弹奏方法因人而异,技术也可能参差不一,但其基本的钢琴弹奏能力和水平却应该是通过了严格的入学专业考试,并得到了相关专家的充分肯定。于是,在大学音教专业学生钢琴基本弹奏水平与能力已定的前提下,钢琴教学并不应该都是由简单到复杂,由易到难,由浅入深,一步一趋“循序渐进”的,即“循序渐进”的方法对于大学音教专业钢琴教学并不具有普遍性意义。 实际上,在今天科学技术日新月异的信息时代,随着我国教育体制改革的不断深入,加强素质教育,注重全面培养已逐渐成为当今我国教育改革的重点,具体的教学重心也开始从过去注重于“做”的单一模式,向既注重实践又强调“知”,更注重“知”“做”并重,即向提高学生素质、拓宽知识面以及重视能力培养全面发展的全新教育观念转变。而建立在有一定弹奏水平和能力基础上的大学音乐教育专业的钢琴教学,理当从具体的弹奏技术水平提高的钢琴演奏型人才培养的单一模式,向未来需要全面发展的音乐教师培养的教学思路转变,以适应当今我国教育教学改革的步伐。 然而,目前有个别音乐教育专业的钢琴教学似乎将这个现实问题忽略了。例如,现今按“循序渐进”的原则编写的音教专业钢琴教材,似乎就并不认同这种观点,似乎编者们普遍都觉得大学音乐教育专业学生的钢琴弹奏技术程度较低、水平较差,所以,如何提高学生钢琴弹奏水平才应该是教学重点。例如,四川地区过去普遍采用的是某大学2000年所编大学音教专业钢琴教材,在这套4册8级教材中,每级除大量用于弹奏技术技巧训练的练习曲外,只安排有4~5首钢琴音乐小品或是少量的中小型作品;而在其2009年最新出版的《高等音乐师范院校钢琴分级教程》的10级丛书中,中小型钢琴音乐作品总共不足20首,而较大型的钢琴音乐作品就更少,总共还不足8部。 其实,大多数大学音乐教育专业学生的基本钢琴弹奏技艺在其业余学琴时就已经形成,因此,他们入学后除仍需要教师在教学过程中对一些有误的基本弹奏方法进行纠正,对一些弹奏技术技巧进行更加科学化的训练外,教学已然没有必要仍从“由浅入深”的传统教学模式重新开始。因为,这样的“循序渐进”反而容易得到“少慢差费”的教学效果。从实际来看,现行大学音乐教育专业教材的“序”也不尽合理。根据音乐教育专业学生一般都应当具有一定的钢琴弹奏技术技巧水平的特点,钢琴教学本就理当是一种跳跃式思维的“序”进,而不应当是亦步亦趋爬行式的“渐”进。 可见,虽然人类对任何知识的获取过程肯定都是有“序”的,但作为具有独特性的大学音教专业钢琴教学所的“序,”却并不一定就必是过去那种“由易到难,由浅入深,由简单到复杂”的传统思路。因为,鉴于自身学科以及学生的专业技能水平及程度特点,钢琴教学要取得良好的教学效益,就必须重视客观存在的“序。”在这一点上,“难易无序”应该是又一值得关注的方法。 三、不求甚解 将古人“好读书,不求甚解”的做法,来表述大学音教专业钢琴教学的一种方法,应该是一个有意义的提议。 从人生命发展过程规律看,大学生已开始处于记忆力有所下降、理解力大幅上升的成长期。青少年时期学习钢琴弹奏,许多方法与技术掌握的科学性或是作品情感与内涵等相关方面的内容,在当时并不能被完全理解、消化,也无法自内心主动产生表达的冲动或是能够被准确地表达出来。然而,当他们进入大学后,随着理解力的飞速发展,那种由理解而引发出的情感冲动,就很容易促使其借助已具有的钢琴弹奏技术水平和能力,将音乐作品的相关情感内涵准确地体现并表达出来。 这种由知识积累和水平提高而生成的钢琴弹奏技术能力表现,包含了“量变到质变”这个人类知识进步发展规律。也就是说,在大学音教专业钢琴教学过程中,即使是有学生在音乐理解上出现了某些问题,在作品演奏上也可能并未完整熟练,在弹奏技术上也可能存在某种难点,但却不一定马上在课堂上予以彻底纠正或根本解决,有时甚至可以暂且不管并让其一带而过。因为“熟能生巧” ,只要钢琴弹奏的基本方法和对音乐的理解基本能达到教学及弹奏要求,教师就完全可以在此基础上给学生布置新的作业,提出新的要求,以保证教学进度的正常进行。 当然,学生的弹奏技术出现了问题应当立即指出并予以纠正,是教师在教学过程中应尽的责任和义务,但体现出职业技术教育特点的钢琴教学,却不宜斤斤计较。因为,惟恐学生在弹奏的方法学习、技术的练习,或是在钢琴音乐与艺术知识吸收和积累过程中有一点不完美,于是,抓住一点便一味纠缠,结果必然侵占和浪费了学生并不太充足的宝贵学习时间。 相反,随着学生弹奏及练习时间的增加,以及所浏览与接触的不同钢琴音乐作品的广泛和数量的逐步增加,不仅因弹奏水平不够所造成的技术问题或难点可能会迎刃而解,而且,还有益于学生在钢琴音乐与艺术教育的知识性和广泛性方面得到充实并获得提高。从这个意义上看,大学音教专业钢琴教学的“不求甚解”不是不能求“解,”而是暂不求或暂缓求“解,”甚至暂不求“甚解,”一切皆应“因势利导”并以适可而止为宜。 四、发展音乐表达能力 由于大学音教专业钢琴教学的主要目的是培养学生钢琴音乐表达能力——未来音乐教师应当具有的综合素质,于是容易产生一个误解:钢琴弹奏水平属于技术问题,而音乐表达则属于能力的问题。由此,导致一些大学音教专业钢琴教学大纲对这个问题混为一谈,表述模糊不清。 其实,无论是钢琴的弹奏技术还是音乐表达,需要发展的都是学生的综合素质,而且还必须是包括音乐的、艺术的、文化的等综合素质在内。对于钢琴艺术来讲,钢琴弹奏技术技巧具有工具性,它的训练与提高不一定需要有情感内涵表达等艺术与文化方面的内容。而音乐表达能力却是弹奏者综合素质及能力的体现,而这个体现虽然应当建立在坚实的弹奏技术水平和能力之上,却也未必需要高超的钢琴弹奏技巧程度。钢琴弹奏技术指的是弹奏者以钢琴为媒介的音乐表达行为,而音乐表达能力则体现的是其钢琴艺术与文化方面的综合实力。两者虽然在钢琴演奏家的艺术创造活动中是同步的,但在任何钢琴学习与训练活动中却应有着明显的区别。 例如,在音教专业学生进校前的应考阶段,原则上解决的就主要是钢琴的弹奏技术(为应考的几首钢琴作品服务),这属于钢琴学习的低级阶段。而进入大学后的主要教学方向应该属于学生钢琴艺术发展的较高级阶段,原则上主要应该解决的是其音乐表达能力及其发展问题。二者在实际应用中的差异具体表现为:1、弹奏技术及方法是单纯的,原则上在任何时间段、任何年龄段的弹奏者那里都是一成不变的;音乐表达能力一般则会因为弹奏者自身年龄、知识结构的变化而表现出不同程度。2、掌握弹奏技术的活动允许历经思辨、重复、稳定、提高的内容和过程。在这个过程中,具体的技术技巧可被肢解与重复的成分比比皆是;而音乐表达能力的体现则是这一切内容和过程经历之后具体应用的结果,它要求精炼、准确,限制或根本禁绝重复或多重意义的表现形式。3、在教学过程中,各类具体的钢琴弹奏技术技巧难易程度的学习与掌握,虽然有大致规定的过程要求和质量标准,但顺序却并不一定是严格的,它可以由教师根据学生弹奏水平,来定制技巧难易程度教学的时间表,学生对已知或未知的某些难易程度不同的弹奏技术,原则上也可以不分先后。而较强的音乐表达能力与弹奏技术水平基本上是成正比的,不可能出现有倒装的情形。4、学习者针对某部具体的钢琴音乐作品,根据与完成作品技术要求相适应的自身条件,对某些并不急用的技术技巧可以允许有选择性的吸纳。而音乐表达能力的体现一般则是有一个较为恒定的艺术标准,不能见人见智具有随意性。5、相关弹奏技术技巧的方法要求具有同一性,因此,学习与弹奏的训练和掌握过程应当是科学的、严格的,不允许因人而异。而音乐表达能力虽然也能够具体体现弹奏者技术技巧水平和能力,但更主要的是其综合素质及能力和个性品格的展示,它可以是因人而异的。6、围绕各类弹奏技术技巧训练的练习曲或钢琴音乐作品可以是有限的,且掌握即可。但围绕音乐表达能力的提高与发展,接触与积累广泛的、风格各异的钢琴音乐作品却是必须的。 一般说来,音乐教育专业学生的钢琴音乐表达能力的发展,主要是在上述这些方面的提高,这应该是音乐教育专业钢琴教学的一个基本内容。现行的一些教材的编写之所以并不能起到令人满意的教学效益,原则上就是没有将上述内容的训练和掌握严格地认识与区分开来。 上述所论实属一孔之见,敬待有识之士指正。 音乐钢琴教学论文:试论音乐高考中的钢琴教学 [论文关键词] 音乐高考 钢琴教学 创新 要点 心理素质 钢琴教学体系 [论文摘要]随着教学改革和艺术类高考政策的改变,传统的教学理念也必须不断更新。本文通过对弹好钢琴的几个要点的论述,简洁地阐明了如何对音乐高考生的钢琴演奏进行科学正确有效的辅导,用更新的教学理念与教学方法完善我们的教学,以帮助更多的考生取得优异成绩。同时,这对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系也是具有深远意义的。 引 言 近几年来由于高考中艺术类的分数线较低。很多学生纷纷报考艺术类作为上大学的捷径之一。但从2005年高考录取的情况看,艺术类专业的录取分数线在不断提升:文化课成绩较好的学生走这条路的也比往年有所增多;今年各高校均没有扩招计划,艺术类高考竞争越来越激烈。同时,专业课考试的形势也越来越严峻:以辽宁省为例,今年全省的艺术类考生均于2007年1月26日在沈阳音乐学院集中考专业课。由此可见,专业的成绩确实更加真实、更加透明了,但另一方面,也确实增加了专业实力的竞争的力度。 怎样才能在这样激烈的竞争中脱颖而出,无疑给音乐高考的学生,尤其是辅导教师提出了新的挑战。面对高考形势的改变,教师的教学方式和手段也必须相应地改变,要有一个与之相适应的配套工程。笔者仅以辅导钢琴学科的音乐考生的教学实践,总结如何教好钢琴专业考生的一些手段和方法,供大家讨论与研究,希望以为高校输送高质量的音乐艺术人才为终极目标,在交流中碰撞出更好的教学思路。 本文从演奏钢琴的技术是基础,慢练是途径,音乐表现是目的,临场发挥的心理素质培养与训练的全过程,畅谈了考生在练琴中从纵向、横向,个体与综合训练中形成的音乐技能对智力要素中想象力创造力的启智作用,阐述了音乐高考中的钢琴教学,对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系具有深远的意义。 一、钢琴演奏的技术是基础 钢琴演奏是技术性很强的艺术,技术是到达钢琴艺术顶峰的基础。而这种基础的含义是丰富的,它包括钢琴演奏的技法和表现规律.独立理解以及处理音乐的能力等等。 教师要在第一节课对音乐考生进行全面了解,即通过考生的演奏听学生的音准、节奏,听调试中各种音色的不同触键技术技能,听音乐的表现内涵。通过对学生的初步了解是迈出教与学的第一步。有了这第一步,此后的教学安排便都是有针对性的了。 1.技术是音乐的前提 首先分析学生所弹乐曲、练习曲中都包括哪些音乐材料,这些音型都应选择什么样的触键方法才能符合作品内容的需求和风格。然后,再将这几种不同的触键方法归纳起来,分阶段依次练习。采用难点分散解决。各个击破的战术,将每一个技术动作做到位。如:手指技巧中的“勾指”、八度的“伸展”、特殊的“拇指”、手指技巧的适应性变化——“快拨”、“慢抹”、“轻触”,手掌关节的“支撑”与“放弃”,音阶、琶音、和弦结构认知的手架把位技巧,手腕的“落滚”技巧、“刚柔相济”技巧,肘部下垂与提高技巧,腰部的协调,臀部的作用及肢体语言的融入。这些基本功训练结束后,还要引导学生认识旋律起伏.和声的色彩变化,节奏的错落有致,对音乐语言本身的规律和文法等等,都必须学会看懂和听懂它。要把技术和音乐统一起来,这才是练习基本功的目的。 2.技术为音乐服务 (1)基础训练要从培养听力入手 训练敏锐的听觉是打好基础的最重要一环。它是通过培养学生仔细倾听、检查自己弹奏的每一个音的质量、时值、力度、音色及上下左右的关系长期形成的。高考学生尽管时间有限也不能忽视这一环节,要尽可能地创造时机去训练。 对考生更要注意对他们听觉、视觉、大脑和心灵的协调一致的训练,挖掘并提炼他们的潜能。要反复提醒学生,要用自己的耳朵来监听自己的琴声。能听出弹奏的毛病才能及时纠正,才能提升自己的乐感。时时都要牢记培养听力是钢琴演奏的最基本的技术训练。 (2)视觉、听觉和记忆的协调 视觉演奏快慢,是衡量学生学习效率的标准。视奏快,能有效地缩短学时,并能增强读谱能力和背谱能力.为钢琴演奏打下坚实基础。所以辅导考生要在着重安排强化视奏能力训练的基础上,还要增强背谱弹奏的训练。背谱亦即背奏,是训练大脑记忆力的最好方法,它需要调动听力、心灵,掌控琴声和音乐结构。是一种技术手段。能够背谱背奏便可腾出眼力来关注手指训练,从而增加手指弹奏的准确性和力度,迅速掌握演奏技巧。 (3)全方位训练 在进入多元化钢琴教育的今天,全方位训练自然是集中外著名钢琴大师教育思想之大成的新理念,我们要为之实践而竭尽忠诚。强调技术与艺术并重,是相辅相成相得益彰的关系。以音乐艺术带动技术训练:以技术训练保障艺术的完美,使技术与艺术和谐共荣。造就创新的音乐人才。 二、钢琴演奏的慢练是途径 慢练不是简单地把乐曲的速度放慢,它是一个内涵丰富的概念。其涵义就是要把乐曲中所标注的音的时值延长,把音与音之间的间隔拉大。实际上是把乐谱所承载的音乐元素放大了。放大了的实际效果是使阅读者对乐谱一目了然,心领神会,从而在弹奏过程中能够从容、准确地兑现乐谱。换一个角度来说,就是慢练能使人的运动神经有比较充足的时间,根据视觉、听觉反馈的信息,调整并改正演奏上的缺点、错误,从而建立起运动神经的正确习惯反映和条件反射。 所以对音乐考生的辅导中,要充分利用慢练这一手段,仔细分析每一个乐句的技术与音乐的关系,根据需要慢练。可以采取分解式慢练(分声部慢练:分手慢练),充分体验多声部多层次多音色的触键感觉,特别是难点之处,更是要用慢练这把钥匙开难点这把锁。 当然,慢练不是目的,而是一个过程,慢练的目的是快练。当考生能在慢练中准确无误地兑现乐谱时,就要逐渐加快速度,直至达到乐谱所示的要求。这时考生的演奏已经是优美动听,今非昔比了。 三、钢琴演奏的音乐表现是最终目标 钢琴演奏是一门表演艺术,是演奏者通过钢琴用音乐语言来揭示作曲家深刻而广阔的内心世界活动的。同时也表现了演奏者的内心感受,并进而感染广大听众的。这种音乐表现的涵盖极为丰富,它包括美感、情感、情绪、情调、联想、想象、音乐意境、音乐形象以及音乐语言、音乐逻辑、音乐思维、音乐语调、音乐涵义、音乐趣味、音乐韵味、音乐哲理、音乐风格等等,都属于表现的范畴。 钢琴的表现力是极其丰富的。人们常常把钢琴比做是一个乐队。它既能显现整个乐队气势磅礴的效果,又能模仿某一件乐器,甚至可以模仿人的歌声。在钢琴上.我们可以自由转调,使用丰富多彩的和声,发挥多声部的作用,惟妙惟肖地展示各种生动的事件、场面、背景,人物肖像、性格、内心活动等等。 钢琴的音乐表现是考生综合素质的反映,是弹奏技术和音乐情感的结合体。要使音乐考生在有限的时间内,对以上所述各点有所领悟。关键在于辅导教师在传授弹奏技艺的同时,还要千万百计地开启学生丰富的音乐情感之门。 首先,在技巧训练时要细心培养学生的声音分辨能力。音乐是听觉艺术,钢琴是通过音响来描绘音乐形象,表达思想情感的。声音分辨能力既是感受音乐内容最重要的保障,也是表现音乐情感的最基本条件。在教学中最值得注意的就是弹奏技巧和辨音能力两个方面。一定要使考生养成“听”的习惯,提高考生“听”的水平。 同时,从简短的乐句入手培养学生对音乐语言的感受能力。乐句是音乐的语句,是音乐表情达意的基本单位。它是理解音乐的基础,也是表达音乐的基础。乐句有长短。有高低起伏,有抑扬顿挫。乐句与乐句之间是有内在联系的。惟其如此,乐曲富有旋律,流畅而优美。组成乐句的最小单位是音符,音符与音符之间也是有内在联系的。考生惟有理解了乐句的内涵,把握了其中的内在联系。才能感受音乐语言,才能产生音乐情感,才能把内心从音符中感受到的东西,通过手指触键弹出乐音的方式显现出来。也就越能揭示乐音之间,乐音之中,乐音背后的音乐内涵,从而完成带给听者音乐感受的使命。 音乐表现是音乐考生弹好钢琴的终极目的。 四、临场发挥的心理素质培养和训练 确保音乐考生的临场正常发挥,是师生和家长共同关注的关键词。因为在演出或考试的关键时刻,由于学生过度紧张而使演奏效果大打折的情况屡见不鲜。甚至在关键时刻由于过度紧张而使得手足无措,甚至头脑一片空白而无法弹奏下去的情况也时有发生。使得长时间的准备,多年的学练付之东流,令人扼腕。按常理,一般的演奏者,尤其是阅历不深的考生,初次登场都会有不同程度的紧张情绪。为了增强考生的心理素质,能以一颗平常心在考场上正常发挥,我做了一些探索。 1、在慢练的过程中,用视唱法,对每个音符的固定唱名做强化训练,借语言神经的兴奋点,强化旋律的准确记忆。以避免由于紧张而形成大脑一时记忆空白。 2、在视唱中,要反复推敲每一个音符的触键感觉,找出最佳音色,反复练习,以形成动力定型。以听觉掌控技术,从而避免由于紧张造成的记忆浅薄,手无章法。 3、进入角色。要尽可能地引导考生深入到作品的情景中去,展开想象的翅膀,敞开情感的大门。使外部世界的形象暗淡下来。使音乐成为唯一的真实世界。牢记德国伟大的音乐巨匠贝多芬的一句名言:“音乐应当使人类的精神爆发出火花”。 4、营造考试氛围。多次请几位老师或家长作为“评委”,模拟考试现场。要求考生每次入“考场”只能将所准备的曲目演奏一次。以避免在家长时间练习所形成的手记谱的“熟练”,总是第一遍不如第二遍,第二遍不如第三遍的只能逐步进入状态的不良习惯。这种模拟形式在一段时间内多次进行,情况表明是卓有成效的。 结束语 本文以为音乐高校输送优秀人才为终极目的,从技术、慢练、音乐表现、临场发挥四个方面阐述了音乐高考中钢琴专业考生的教学与辅导。实践证明它是行之有效的。但愿对考生与辅导教师能有参考价值。 随着钢琴教学与钢琴艺术的社会化,音乐高考中的钢琴教学已成为钢琴教育体系中的重要一环。而且随着音乐高考形势的日益严峻,它的重要性更是在社会上日益突现出来。它不仅关系到考生能否得到继续深造的机会,更关系到音乐高校能否招收到优秀学苗,从而培养出钢琴英才的大事。殷切期望更多的音乐教师、音乐理论家涉足这一领域.为我国音乐高校钢琴专业教育的成果,为我国钢琴教育体系完善做出贡献。 音乐钢琴教学论文:试论音乐高考中的钢琴教学 [论文关键词] 音乐高考 钢琴教学 创新 要点 心理素质 钢琴教学体系 [论文摘要]随着教学改革和艺术类高考政策的改变,传统的教学理念也必须不断更新。本文通过对弹好钢琴的几个要点的论述,简洁地阐明了如何对音乐高考生的钢琴演奏进行科学正确有效的辅导,用更新的教学理念与教学方法完善我们的教学,以帮助更多的考生取得优异成绩。同时,这对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系也是具有深远意义的。 引 言 近几年来由于高考中艺术类的分数线较低。很多学生纷纷报考艺术类作为上大学的捷径之一。但从2005年高考录取的情况看,艺术类专业的录取分数线在不断提升:文化课成绩较好的学生走这条路的也比往年有所增多;今年各高校均没有扩招计划,艺术类高考竞争越来越激烈。同时,专业课考试的形势也越来越严峻:以辽宁省为例,今年全省的艺术类考生均于2007年1月26日在沈阳音乐学院集中考专业课。由此可见,专业的成绩确实更加真实、更加透明了,但另一方面,也确实增加了专业实力的竞争的力度。 怎样才能在这样激烈的竞争中脱颖而出,无疑给音乐高考的学生,尤其是辅导教师提出了新的挑战。面对高考形势的改变,教师的教学方式和手段也必须相应地改变,要有一个与之相适应的配套工程。笔者仅以辅导钢琴学科的音乐考生的教学实践,总结如何教好钢琴专业考生的一些手段和方法,供大家讨论与研究,希望以为高校输送高质量的音乐艺术人才为终极目标,在交流中碰撞出更好的教学思路。 本文从演奏钢琴的技术是基础,慢练是途径,音乐表现是目的,临场发挥的心理素质培养与训练的全过程,畅谈了考生在练琴中从纵向、横向,个体与综合训练中形成的音乐技能对智力要素中想象力创造力的启智作用,阐述了音乐高考中的钢琴教学,对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系具有深远的意义。 一、钢琴演奏的技术是基础 钢琴演奏是技术性很强的艺术,技术是到达钢琴艺术顶峰的基础。而这种基础的含义是丰富的,它包括钢琴演奏的技法和表现规律.独立理解以及处理音乐的能力等等。 教师要在第一节课对音乐考生进行全面了解,即通过考生的演奏听学生的音准、节奏,听调试中各种音色的不同触键技术技能,听音乐的表现内涵。通过对学生的初步了解是迈出教与学的第一步。有了这第一步,此后的教学安排便都是有针对性的了。 1.技术是音乐的前提 首先分析学生所弹乐曲、练习曲中都包括哪些音乐材料,这些音型都应选择什么样的触键方法才能符合作品内容的需求和风格。然后,再将这几种不同的触键方法归纳起来,分阶段依次练习。采用难点分散解决。各个击破的战术,将每一个技术动作做到位。如:手指技巧中的“勾指”、八度的“伸展”、特殊的“拇指”、手指技巧的适应性变化——“快拨”、“慢抹”、“轻触”,手掌关节的“支撑”与“放弃”,音阶、琶音、和弦结构认知的手架把位技巧,手腕的“落滚”技巧、“刚柔相济”技巧,肘部下垂与提高技巧,腰部的协调,臀部的作用及肢体语言的融入。这些基本功训练结束后,还要引导学生认识旋律起伏.和声的色彩变化,节奏的错落有致,对音乐语言本身的规律和文法等等,都必须学会看懂和听懂它。要把技术和音乐统一起来,这才是练习基本功的目的。 2.技术为音乐服务 (1)基础训练要从培养听力入手 训练敏锐的听觉是打好基础的最重要一环。它是通过培养学生仔细倾听、检查自己弹奏的每一个音的质量、时值、力度、音色及上下左右的关系长期形成的。高考学生尽管时间有限也不能忽视这一环节,要尽可能地创造时机去训练。 对考生更要注意对他们听觉、视觉、大脑和心灵的协调一致的训练,挖掘并提炼他们的潜能。要反复提醒学生,要用自己的耳朵来监听自己的琴声。能听出弹奏的毛病才能及时纠正,才能提升自己的乐感。时时都要牢记培养听力是钢琴演奏的最基本的技术训练。 (2)视觉、听觉和记忆的协调 视觉演奏快慢,是衡量学生学习效率的标准。视奏快,能有效地缩短学时,并能增强读谱能力和背谱能力.为钢琴演奏打下坚实基础。所以辅导考生要在着重安排强化视奏能力训练的基础上,还要增强背谱弹奏的训练。背谱亦即背奏,是训练大脑记忆力的最好方法,它需要调动听力、心灵,掌控琴声和音乐结构。是一种技术手段。能够背谱背奏便可腾出眼力来关注手指训练,从而增加手指弹奏的准确性和力度,迅速掌握演奏技巧。 (3)全方位训练 在进入多元化钢琴教育的今天,全方位训练自然是集中外著名钢琴大师教育思想之大成的新理念,我们要为之实践而竭尽忠诚。强调技术与艺术并重,是相辅相成相得益彰的关系。以音乐艺术带动技术训练:以技术训练保障艺术的完美,使技术与艺术和谐共荣。造就创新的音乐人才。 二、钢琴演奏的慢练是途径 慢练不是简单地把乐曲的速度放慢,它是一个内涵丰富的概念。其涵义就是要把乐曲中所标注的音的时值延长,把音与音之间的间隔拉大。实际上是把乐谱所承载的音乐元素放大了。放大了的实际效果是使阅读者对乐谱一目了然,心领神会,从而在弹奏过程中能够从容、准确地兑现乐谱。换一个角度来说,就是慢练能使人的运动神经有比较充足的时间,根据视觉、听觉反馈的信息,调整并改正演奏上的缺点、错误,从而建立起运动神经的正确习惯反映和条件反射。 所以对音乐考生的辅导中,要充分利用慢练这一手段,仔细分析每一个乐句的技术与音乐的关系,根据需要慢练。可以采取分解式慢练(分声部慢练:分手慢练),充分体验多声部多层次多音色的触键感觉,特别是难点之处,更是要用慢练这把钥匙开难点这把锁。 当然,慢练不是目的,而是一个过程,慢练的目的是快练。当考生能在慢练中准确无误地兑现乐谱时,就要逐渐加快速度,直至达到乐谱所示的要求。这时考生的演奏已经是优美动听,今非昔比了。 三、钢琴演奏的音乐表现是最终目标 钢琴演奏是一门表演艺术,是演奏者通过钢琴用音乐语言来揭示作曲家深刻而广阔的内心世界活动的。同时也表现了演奏者的内心感受,并进而感染广大听众的。这种音乐表现的涵盖极为丰富,它包括美感、情感、情绪、情调、联想、想象、音乐意境、音乐形象以及音乐语言、音乐逻辑、音乐思维、音乐语调、音乐涵义、音乐趣味、音乐韵味、音乐哲理、音乐风格等等,都属于表现的范畴。 钢琴的表现力是极其丰富的。人们常常把钢琴比做是一个乐队。它既能显现整个乐队气势磅礴的效果,又能模仿某一件乐器,甚至可以模仿人的歌声。在钢琴上.我们可以自由转调,使用丰富多彩的和声,发挥多声部的作用,惟妙惟肖地展示各种生动的事件、场面、背景,人物肖像、性格、内心活动等等。 钢琴的音乐表现是考生综合素质的反映,是弹奏技术和音乐情感的结合体。要使音乐考生在有限的时间内,对以上所述各点有所领悟。关键在于辅导教师在传授弹奏技艺的同时,还要千万百计地开启学生丰富的音乐情感之门。 首先,在技巧训练时要细心培养学生的声音分辨能力。音乐是听觉艺术,钢琴是通过音响来描绘音乐形象,表达思想情感的。声音分辨能力既是感受音乐内容最重要的保障,也是表现音乐情感的最基本条件。在教学中最值得注意的就是弹奏技巧和辨音能力两个方面。一定要使考生养成“听”的习惯,提高考生“听”的水平。 同时,从简短的乐句入手培养学生对音乐语言的感受能力。乐句是音乐的语句,是音乐表情达意的基本单位。它是理解音乐的基础,也是表达音乐的基础。乐句有长短。有高低起伏,有抑扬顿挫。乐句与乐句之间是有内在联系的。惟其如此,乐曲富有旋律,流畅而优美。组成乐句的最小单位是音符,音符与音符之间也是有内在联系的。考生惟有理解了乐句的内涵,把握了其中的内在联系。才能感受音乐语言,才能产生音乐情感,才能把内心从音符中感受到的东西,通过手指触键弹出乐音的方式显现出来。也就越能揭示乐音之间,乐音之中,乐音背后的音乐内涵,从而完成带给听者音乐感受的使命。 音乐表现是音乐考生弹好钢琴的终极目的。 四、临场发挥的心理素质培养和训练 确保音乐考生的临场正常发挥,是师生和家长共同关注的关键词。因为在演出或考试的关键时刻,由于学生过度紧张而使演奏效果大打折的情况屡见不鲜。甚至在关键时刻由于过度紧张而使得手足无措,甚至头脑一片空白而无法弹奏下去的情况也时有发生。使得长时间的准备,多年的学练付之东流,令人扼腕。按常理,一般的演奏者,尤其是阅历不深的考生,初次登场都会有不同程度的紧张情绪。为了增强考生的心理素质,能以一颗平常心在考场上正常发挥,我做了一些探索。 1、在慢练的过程中,用视唱法,对每个音符的固定唱名做强化训练,借语言神经的兴奋点,强化旋律的准确记忆。以避免由于紧张而形成大脑一时记忆空白。 2、在视唱中,要反复推敲每一个音符的触键感觉,找出最佳音色,反复练习,以形成动力定型。以听觉掌控技术,从而避免由于紧张造成的记忆浅薄,手无章法。 3、进入角色。要尽可能地引导考生深入到作品的情景中去,展开想象的翅膀,敞开情感的大门。使外部世界的形象暗淡下来。使音乐成为唯一的真实世界。牢记德国伟大的音乐巨匠贝多芬的一句名言:“音乐应当使人类的精神爆发出火花”。 4、营造考试氛围。多次请几位老师或家长作为“评委”,模拟考试现场。要求考生每次入“考场”只能将所准备的曲目演奏一次。以避免在家长时间练习所形成的手记谱的“熟练”,总是第一遍不如第二遍,第二遍不如第三遍的只能逐步进入状态的不良习惯。这种模拟形式在一段时间内多次进行,情况表明是卓有成效的。 结束语 本文以为音乐高校输送优秀人才为终极目的,从技术、慢练、音乐表现、临场发挥四个方面阐述了音乐高考中钢琴专业考生的教学与辅导。实践证明它是行之有效的。但愿对考生与辅导教师能有参考价值。 随着钢琴教学与钢琴艺术的社会化,音乐高考中的钢琴教学已成为钢琴教育体系中的重要一环。而且随着音乐高考形势的日益严峻,它的重要性更是在社会上日益突现出来。它不仅关系到考生能否得到继续深造的机会,更关系到音乐高校能否招收到优秀学苗,从而培养出钢琴英才的大事。殷切期望更多的音乐教师、音乐理论家涉足这一领域.为我国音乐高校钢琴专业教育的成果,为我国钢琴教育体系完善做出贡献。 音乐钢琴教学论文:浅析音乐教育专业钢琴教学及提高练习效率的方法 摘要:钢琴教学作为音乐教学的必修课,一直在寻找一条有利于自身发展的途径,以使自己的学生更加适应社会的需要。钢琴教学是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。但是对于钢琴学习者来说,选择正确的练琴方法,从而有效地提高演奏水平,是一个极其重要的问题。本文针对在练琴过程中存在的不足找到练习方法,从而解决问题,提高练琴效率。 关键词:音乐教育;钢琴;问题;提高效率;方法 钢琴技术教学在我国已初具规模,适应社会业余钢琴教学的需要,占领这一广阔的教育领域,是钢琴教学不容推辞的义务。在学生学习钢琴弹奏的同时,要把将来如何教好钢琴课作为教学的重要内容之一;要把那些效果较好,引人入胜的钢琴教材介绍给学生,便于他们以后用于教学;音乐教育专业钢琴教学需要注意的问题如下: (一)教师要根据学生的程度因材施教,学会分级教学 随着扩招政策的实施,音乐教育专业的学生入学率大幅提高,学生们的钢琴水平参差不齐。有的学生入学前已经学过多年钢琴,基本功扎实,音乐表现力丰富,他们大多数会选择钢琴主修专业。对于这样的学生,老师们教学难度不是太大,主要侧重丰富学生的技术方面,提高其音乐表现力,锻炼学生的意志品质与耐力。 还有的学生入学之前只学过一年左右的钢琴,本身钢琴演奏的技能很薄弱,基本功不扎实,弹奏动作僵硬,识谱很慢。对于这类学生,钢琴教师应在教学中给予更多的关注,他们需要老师更多的细心,耐心与爱心。老师在教学上进行严密的安排与部署,需要最大限度的去开发其潜能,加强他们的基本功训练,在有限的时间中,使他们除了掌握一定的表演技能以外,还能够掌握钢琴即兴伴奏的知识。 (二)教学中应贯彻融合性原则 音乐教育专业的课程设置目的是突出“一专多能”甚至“多专多能”的培养目标,走的是一条培养综合素质高的音乐人才的道路。它要求学生不仅具有一定的演奏能力,同时对其他相关的学科的理论知识也应熟悉和了解,并且有独立的研究能力和教学能力。音乐教育的学生,除了会演奏钢琴以外,还有会教钢琴,用钢琴为个唱,合唱伴奏,在音乐欣赏课堂会用钢琴教学等等。 (三)教学目标要明确,要细致分析教材 钢琴教学的内容制定与教学目标,对象密切相关。老师在教授演奏技术的同时,应重视理论的教学,二者是相辅相成的。 (四)拓宽教学视野,提倡创新意识 教师在钢琴教学中,应大胆实践,不断拓宽自己的新的教学思路,不能拘泥保守,一成不变。钢琴课作为音乐教育的重要技能课,优秀课,基础课,本身应该具备开放,多元,发展的特色。教师不应将视野只局限在狭窄的琴房内,应该更加关注我国音乐教育发展的大方向,关注国内外新的教育理念,通过学习再学习,使自己的教学与时俱进,不断创新。 大家都知道钢琴演奏是一门技术种类繁多、技巧性极强的艺术,艰苦反复地练习是每一位钢琴学习者学习过程中极其重要的环节。对一名钢琴学习者而言,寻求和遵循正确的练习方法是至关重要的。 以下就从几个方面阐述一下如何提高钢琴练习的效率方法! (一)坐位、坐姿 座位方面:我们要调整好坐位与钢琴之间的距离,上身坐直,将双手轻轻放置于键盘之上,上臂与前臂形成一个稍大于90度的角;找好中心点;调整坐位的远近和高低。在坐姿方面,我们要注意以下的问题:双脚踏实着地,放置于踏板之前;臀部只能做琴凳的一半,臀部的坐感应当是稳定当中又时刻配合着其他的动作;腰要挺直,颈部也要保持可以自由活动的感觉。弹奏者可以上身略向前倾,使中心略向前,便于力量的传送。坐的姿势切忌过于僵硬或松懈;手型在弹奏过程中,最自然的手型往往就是最正确的手型;注意手指的独立性和灵活性;当然弹奏的力量也要注意,在弹下琴键的同时要达到一定的力度,而且要能够控制力度的大小;均匀,练习基本功的目标是要让十指具有相同的能力。 (二)重视课后的第一次练习 在练习过程中要求慢速练,边看谱,边看标记,边动脑,手、脑、眼并用,反复练习几次,这样有助于及时消化上课内容。而对于新布置的曲子,要回想老师在课上讲到的对曲子的要求和需要掌握的技术难点以及练习方法。 (三) 全面读谱 首先,我们应该通过读谱去思考一下乐曲的作者、创作年代、创作背景以及作品的风格类型。其次,要注意谱面上的各种音乐表情术语、力度标记以及速度变化标记。再次,要仔细读谱面上的细节问题。最后,在读谱时,除了上述内容,还要注意从作品的调式、调性、和声、旋律等方面去仔细研究。 (四)分解式练习 钢琴作品具有多声部、多层次的特点,弹奏时左右手分担着不同声部、不同节奏、不同织体的任务。为了更快更准确地掌握作品,采用分解式的练习是行之有效的。 1.分手练习。分手练习不仅仅是学习一首新乐曲的开始阶段,即使在弹奏熟练之后,仍需时常使用分手练习这一方法,有分有合、分合交替才能加深对乐曲的理解以及提高练琴的效率。 2.分声部练习。在练习钢琴的过程中,应当养成把各个声部和层次区分开练习的习惯。对于声部较多的乐曲,就必须对每一个声部进行单独练习,使多个声部层次清晰,使恰当的音色、清晰的和声进行与旋律声部默契配合,不断提高练琴效率。 3.难点练习。遇到难点,应努力克服,这就需要我们将难点部分抽出来单独反复进行练习,只有这样,困难才会迎刃而解,才会提高练琴的效率。常见的难点大致包括速度难点、音色难点、技术难点。 (五)听觉训练 听觉训练是指倾听音乐作品结构、音色、音响效果等方面的训练。如果学生会运用听觉来指导自己练琴,不再是手指盲目的机械动作,就会更加有目的性,大大提高练琴的效率。 钢琴的练习必须遵循科学的方法,上述几种方法并不是截然分开的,应当把它们与实际情况结合在一起并灵活运用,不断地探究、认识、发现并解决问题,苦练加巧练,保证练琴质量,从而提高练琴效率。 音乐钢琴教学论文:圣彼得堡音乐学院钢琴系教学体系的比较研究 内容摘要:俄罗斯国立圣彼得堡里姆斯基·科萨科夫音乐学院(简称圣彼得堡音乐学院),是俄罗斯最早的高等音乐学府,也是世界最著名的音乐学院之一。一百多年来,音乐学院钢琴系培养了众多著名钢琴演奏家和教育家,他们表现出的是不同的艺术风格和趋向。钢琴系的人才培养模式和教学体系是完善和成功的,值得我们借鉴。 关 键 词:圣彼得堡音乐学院 钢琴专业 教学体系 合理借鉴 俄罗斯国立圣彼得堡里姆斯基·科萨科夫音乐学院(简称圣彼得堡音乐学院),是俄罗斯最早的高等音乐学府,也是世界最著名的音乐学院之一。学院的钢琴系于1862年与音乐学院同时诞生,它是西欧钢琴表演艺术的优良传统与俄罗斯原有钢琴学校教学体系相结合的产物。一百多年来,音乐学院钢琴系培养了众多著名钢琴演奏家和教育家,他们表现出不同的艺术风格和趋向。钢琴系的人才培养模式和教学体系是完善和成功的,值得我们借鉴。 钢琴系的本科课程包括全国性的公共文科课程、公共专业课程和地方院校专业课程。公共文科课程有:哲学、经济学、历史、劳动法概论、心理学和教育学、外语、体育。公共专业课程包括:文化艺术史、美学、音乐心理学、音乐信息学、和声、复调、作品分析、外国音乐史、俄罗斯音乐史、20世纪俄罗斯音乐史、专业技能课、室内乐、排练课、钢琴艺术史、现代钢琴艺术、钢琴演奏教学法等。地方院校课程包括:20世纪音乐记谱法、生命活动安全课。学生自选课程包括:古钢琴(羽管键琴)、管风琴、古代音乐起源和诠释法。 首先,从公共文科课程的设置来说,对提高学生的综合文化素质非常有益。学生对文学艺术、历史以及美学、心理学等方面知识的积累,有助于提高他们对音乐作品的分析能力,并且能够对不同时期、不同地域文化背景下的作曲家的作品风格有更深刻的理解与把握。而公共专业课程中的音乐心理学、音乐信息学则是针对性和应用性很强的课程,前者对舞台表演具有现实意义,后者则对将来希望从事表演理论研究的学生可以提供最新研究领域和音乐发展动向。这两门课程在我国师范专业的课程设置中是欠缺的,只有少数音乐学院作为选修课开设,并且研究范围较浅。这是应该值得我们借鉴和推广的。 其次,在公共专业课程设置方面也有一些值得我们思考和学习的问题。除了在我国的音乐学院课程设置中也有和声、复调、曲式、作品分析及外国音乐史、钢琴艺术史、钢琴教学法等基础课程以外,圣彼得堡音乐学院还开设了20世纪钢琴艺术史和20世纪音乐记谱法。俄罗斯的音乐学院都非常重视对现代钢琴作品的演奏与教学,而对于我们的钢琴专业学生来说,演奏20世纪的钢琴作品较少,对一些现代的作曲手法和记谱法更是缺乏了解,学习并尝试开设这类课程会满足学生对现代音乐学习和掌握的需要。 除了传统的与我们的教学形式相同的钢琴技能课以外,圣彼得堡音乐学院钢琴系还对一年级学生开设了双钢琴课:老师根据学生的程度选择曲目,当堂视奏并合作,老师会指挥学生并且对作品进行分析与讲解,曲目多为四手联弹作品,也有少量的较为简单的双钢琴作品。这门课程可以训练并提高学生的视谱能力,并为以后的室内乐课和协奏曲的排练积累合作经验。 他们从大学二年级开始直到毕业,开设室内乐课(其中包括声乐伴奏和与其他乐器的重奏)。俄罗斯的音乐学院都对室内乐课程极为重视,不仅为每个专业的学生都开设四年课程,而且室内乐课和专业课同样被列为毕业年级的“国家考试”科目,由俄罗斯国立莫斯科柴科夫斯基音乐学院和国立圣彼得堡音乐学院的权威室内乐专家和钢琴教授所组成的国考专家组,于每年的五月下旬开始在各大音乐学院巡考,考试以音乐会形式进行,对学生演奏水平、作品风格的把握、伴奏及重奏能力都要进行全面和细致的评定,考核成绩直接影响到学生的毕业。钢琴室内乐课,无论是声乐伴奏还是重奏,对钢琴专业的学习都有着积极的促进作用,可以全面提高学生的艺术和技术水平;在欧美的很多音乐院校中,室内乐课都被列为必修科目;很多世界一流钢琴家也非常热衷室内乐的演出;不少国际的重要钢琴大赛也将其纳入比赛项目。我们的一些专业音乐学院已经开设并重视室内乐课,但在师范音乐教育中还很少见,我们可以根据自己的学生水平选择相应曲目来丰富我们的钢琴教学,提高学生的综合专业能力。 圣彼得堡音乐学院钢琴专业的另一个具有实践意义和特色的课程就是钢琴教法课。它与我们现在的较为普遍的教法课的授课形式有所不同。我们的课程都是老师自定教材,在课堂上讲解,学生则在下面记笔记,这种授课形式往往容易脱离实践,犯“纸上谈兵”的错误,当然一些老师也逐渐认识和注意对学生实际教学能力的培养,但收效甚微。而圣彼得堡音乐学院钢琴教法课是完全从实践入手培养学生的授课能力,具体授课形式是这样的:专业老师在附中授课时,教法课的学生同时参加,然后由学生对附中学生授课,老师在旁边指导教学,并与学生讨论具体的教学方法,传授自己的教学经验。这种授课形式完全调动了学生学习的主动性,并且有很强的实践性,活学活用,大大促进了学生对教学原则和方法的掌握。 除了上述课程以外,圣彼得堡音乐学院还为每个学生提供尽可能多的表演和舞台实践机会。学生可以在老师的安排下在学院的各个音乐厅举办独奏或重奏会,学院作曲专业的老师和同学的作品音乐会也为学生提供表演机会,学院还会为学生安排与著名的玛林斯基剧院合作演出的机会。总之,学生在众多的演出中得到了充分的表演和锻炼,并随时接受老师和演奏家们的指导。 俄罗斯国立圣彼得堡音乐学院钢琴系的教学体系和课程设置是有自身特点的,并且也是比较成熟和成功的。我们的钢琴教学也有自己的优点,但也存在着一些不足,我们可以从对他们的教学体系的研究中受到启发,借鉴他们的长处,与我们的实际情况相结合,探索并制订出新的、更有实践意义的教学体系和课程设置,提高我们的教学能力。 音乐钢琴教学论文:大学音乐教育专业钢琴教学方法探讨 摘 要:目前我国大学音乐教育专业钢琴教学的效果之所以不尽人意,教师教学方法的运用不切合实际应是其主要原因之一。音教专业钢琴教学可用“因势利导”、“难易无序”、“不求甚解”等方法,达到其专业的最终目标。 关键词:音乐教育;钢琴教学;弹奏技能;综合能力 随着我国业余钢琴教育的蓬勃发展,不少青少年学生在钢琴弹奏技巧方面已经表现出较高水平,然而,对于业余钢琴教育最重要的成果接受者——大学音乐教育专业钢琴学生而言,受以考试、考级或比赛等为目标的应试教育倾向影响,虽然绝大部分学生进校时的钢琴弹奏技巧已达相当程度,但由于过去的某种“功利性”目的始然,其在基本弹奏技术方面仍然还有许多需要梳理或改进之处。如何在教学中根据其特点选择与运用恰当的教学方法,取得较好的教学效益,让学生在已有技术程度基础上进一步提高钢琴弹奏水平,是值得业界认真研讨的问题。 一、因势利导 从心理学的角度思维,人从小到大的知识水平提高和能力发展的过程,必然受到“学习远期效应规律”影响。 对于业余钢琴教育而言,这个规律表明:处于幼年、儿童、青少年时期的学生,一方面思维反应灵敏但思想单纯、情感单一,在学习过程中倾向于严格按要求专注于纯技术方面,同时,由于处于生长发育时期的青少年不仅身体机能活跃,记忆力较强,而且与钢琴弹奏相关的身体机能如手指、骨骼等的发育也正处于活跃期,因此,更容易使钢琴基本的弹奏方法及相关的身体机能等,通过他们的练习过程实现定型、提高与稳定发展。所以,尽管处于业余教育中的青少年学生理解力较弱导致其在音乐情感及内涵等综合素质方面表现不足,但仅凭借年龄上的优势也仍然容易从弹奏的熟练程度方面得到人们的赞许。 随着学生年龄的增长,其弹奏技术的进步速度在进入大学后会明显有所减缓,但在青少年时期(或在业余学习期间)所建立的钢琴弹奏技巧上的“童子功”优势,不仅仍然能够继续得以发挥,甚至音乐的情感与内涵等也可以被充分地表达出来。这种提高和能力发展正是“学习远期效应规律”。 《四川音乐学院音乐教育系钢琴教学大纲》中明确:“钢琴基础课是音乐教育专业的基础课程,目的是培养学生听觉、识谱、节奏感、音乐感和对作品的理解及表现力;丰富音乐知识,增强音乐修养,能弹奏各个风格的音乐作品,能适应今后的教学工作。”这个大纲不仅对学生已有基本钢琴弹奏技术水平程度的认可,也不单纯地强调其钢琴弹奏技术在大学教育中拔高等具体问题;不仅有对学生自身已有钢琴弹奏能力和水平的尊重,也没有超越音乐教育发展对未来教师的知识结构和程度的预期。也就是说,在学生进校时的基本钢琴弹奏水平与能力已定的前提下,我国许多大学音乐教育专业的钢琴教学大纲中对“全面培养”的教育目标的强调,明显受到了这个“学习远期效应规律”的影响。 遗憾的是,现实中个别教师在钢琴教学已将这个可供参考的“学习远期效应规律”抛弃了——在个别音乐教育专业钢琴教学中,不论学生已有弹奏方法及技术水平程度高低或谬误与否,一概强调钢琴弹奏技术技巧方法的改进与提高——单纯关注基本钢琴弹奏技术的训练,着重关注弹奏方法的所谓科学化、规范化,为了达此目的甚至不惜一味加难作品程度。此类无视学生实际能力且颇具“功利性”的做法,使大学音乐教育专业的钢琴教学,无形中成为了业余钢琴教育或“应试教育”模式的演变与继续。 现在大凡能进音乐教育专业学习的学生,估且不论其钢琴弹奏方法或技术科学、正确与否,一般都已经历了备考期钢琴“应试教育”的突击过程,即已经具备有一定程度的钢琴弹奏技术能力和水平。仅鉴于此,符合“学习远期效应规律”的“因势利导”的教学方法,应该是获取最佳教学效益的有利选择。 所谓大学音教专业钢琴教学中的“因势利导”,即是关注与认可音教专业学生所具有的基本钢琴弹奏技术水平和能力,并根据学生现有弹奏技能这个“势”,来制定“乘势而上”的目标计划。钢琴教学不仅可以使学生不至于将4年不太长的学习时间,单纯地视为钢琴弹奏技术或技巧提高的过程,还可以有的放矢,帮助学生明确自身的弹奏技术技巧程度及改进与提高方向,增强学习自信心。同时,还能够帮助学生明确钢琴弹奏水平程度及能力提高与音乐和教育学方面的综合素质培养、共同发展的音教专业的教育目标,从而增强学生钢琴学习的主动性与广泛性。 在具体的钢琴教学过程中,教师应根据学生现有钢琴弹奏技术技巧程度,来决定其技术改进方向和水平及能力提高的基本教学原则,而且,在基本教学原则的制定上,还应该遵从学生弹奏技术技巧进阶的连贯性与连续性,使弹奏技术能够在教师“因势利导”的教学中既不拔苗助长,又能在原有水平与能力程度上有较大的发展,还能使学生为自己钢琴弹奏技术程度及水平和能力的提高方面增添信心,帮助学生对科学的钢琴基本弹奏方法准确掌握,以及建立良好的学习和练习习惯。 二、难易无序 大学音乐教育专业钢琴教学的过程如何安排?问题一提出,一些人的脑海中首先便会闪出“循序渐进”的原则。正因为此,一些钢琴教师长期冥思苦想,费心尽力地希望寻找到钢琴教学如何渐进的那个“序。”然而,“循序渐进”果真是大学音教专业钢琴教学的一个最基本的教学原则吗? 当然,从教育学的广度看,“循序渐进”的确是一个有效地基本教学原则,理论上不存置疑。然而,对于当今的大学音乐教育专业钢琴教学来讲,“循序渐进”的原则就值得商榷。 原因在于,虽然音乐教育专业学生的钢琴弹奏方法因人而异,技术也可能参差不一,但其基本的钢琴弹奏能力和水平却应该是通过了严格的入学专业考试,并得到了相关专家的充分肯定。于是,在大学音教专业学生钢琴基本弹奏水平与能力已定的前提下,钢琴教学并不应该都是由简单到复杂,由易到难,由浅入深,一步一趋“循序渐进”的,即“循序渐进”的方法对于大学音教专业钢琴教学并不具有普遍性意义。 实际上,在今天科学技术日新月异的信息时代,随着我国教育体制改革的不断深入,加强素质教育,注重全面培养已逐渐成为当今我国教育改革的重点,具体的教学重心也开始从过去注重于“做”的单一模式,向既注重实践又强调“知”,更注重“知”“做”并重,即向提高学生素质、拓宽知识面以及重视能力培养全面发展的全新教育观念转变。而建立在有一定弹奏水平和能力基础上的大学音乐教育专业的钢琴教学,理当从具体的弹奏技术水平提高的钢琴演奏型人才培养的单一模式,向未来需要全面发展的音乐教师培养的教学思路转变,以适应当今我国教育教学改革的步伐。 然而,目前有个别音乐教育专业的钢琴教学似乎将这个现实问题忽略了。例如,现今按“循序渐进”的原则编写的音教专业钢琴教材,似乎就并不认同这种观点,似乎编者们普遍都觉得大学音乐教育专业学生的钢琴弹奏技术程度较低、水平较差,所以,如何提高学生钢琴弹奏水平才应该是教学重点。例如,四川地区过去普遍采用的是某大学2000年所编大学音教专业钢琴教材,在这套4册8级教材中,每级除大量用于弹奏技术技巧训练的练习曲外,只安排有4~5首钢琴音乐小品或是少量的中小型作品;而在其2009年最新出版的《高等音乐师范院校钢琴分级教程》的10级丛书中,中小型钢琴音乐作品总共不足20首,而较大型的钢琴音乐作品就更少,总共还不足8部。 其实,大多数大学音乐教育专业学生的基本钢琴弹奏技艺在其业余学琴时就已经形成,因此,他们入学后除仍需要教师在教学过程中对一些有误的基本弹奏方法进行纠正,对一些弹奏技术技巧进行更加科学化的训练外,教学已然没有必要仍从“由浅入深”的传统教学模式重新开始。因为,这样的“循序渐进”反而容易得到“少慢差费”的教学效果。从实际来看,现行大学音乐教育专业教材的“序”也不尽合理。根据音乐教育专业学生一般都应当具有一定的钢琴弹奏技术技巧水平的特点,钢琴教学本就理当是一种跳跃式思维的“序”进,而不应当是亦步亦趋爬行式的“渐”进。 可见,虽然人类对任何知识的获取过程肯定都是有“序”的,但作为具有独特性的大学音教专业钢琴教学所的“序,”却并不一定就必是过去那种“由易到难,由浅入深,由简单到复杂”的传统思路。因为,鉴于自身学科以及学生的专业技能水平及程度特点,钢琴教学要取得良好的教学效益,就必须重视客观存在的“序。”在这一点上,“难易无序”应该是又一值得关注的方法。 三、不求甚解 将古人“好读书,不求甚解”的做法,来表述大学音教专业钢琴教学的一种方法,应该是一个有意义的提议。 从人生命发展过程规律看,大学生已开始处于记忆力有所下降、理解力大幅上升的成长期。青少年时期学习钢琴弹奏,许多方法与技术掌握的科学性或是作品情感与内涵等相关方面的内容,在当时并不能被完全理解、消化,也无法自内心主动产生表达的冲动或是能够被准确地表达出来。然而,当他们进入大学后,随着理解力的飞速发展,那种由理解而引发出的情感冲动,就很容易促使其借助已具有的钢琴弹奏技术水平和能力,将音乐作品的相关情感内涵准确地体现并表达出来。 这种由知识积累和水平提高而生成的钢琴弹奏技术能力表现,包含了“量变到质变”这个人类知识进步发展规律。也就是说,在大学音教专业钢琴教学过程中,即使是有学生在音乐理解上出现了某些问题,在作品演奏上也可能并未完整熟练,在弹奏技术上也可能存在某种难点,但却不一定马上在课堂上予以彻底纠正或根本解决,有时甚至可以暂且不管并让其一带而过。因为“熟能生巧” ,只要钢琴弹奏的基本方法和对音乐的理解基本能达到教学及弹奏要求,教师就完全可以在此基础上给学生布置新的作业,提出新的要求,以保证教学进度的正常进行。 当然,学生的弹奏技术出现了问题应当立即指出并予以纠正,是教师在教学过程中应尽的责任和义务,但体现出职业技术教育特点的钢琴教学,却不宜斤斤计较。因为,惟恐学生在弹奏的方法学习、技术的练习,或是在钢琴音乐与艺术知识吸收和积累过程中有一点不完美,于是,抓住一点便一味纠缠,结果必然侵占和浪费了学生并不太充足的宝贵学习时间。 相反,随着学生弹奏及练习时间的增加,以及所浏览与接触的不同钢琴音乐作品的广泛和数量的逐步增加,不仅因弹奏水平不够所造成的技术问题或难点可能会迎刃而解,而且,还有益于学生在钢琴音乐与艺术教育的知识性和广泛性方面得到充实并获得提高。从这个意义上看,大学音教专业钢琴教学的“不求甚解”不是不能求“解,”而是暂不求或暂缓求“解,”甚至暂不求“甚解,”一切皆应“因势利导”并以适可而止为宜。 四、发展音乐表达能力 由于大学音教专业钢琴教学的主要目的是培养学生钢琴音乐表达能力——未来音乐教师应当具有的综合素质,于是容易产生一个误解:钢琴弹奏水平属于技术问题,而音乐表达则属于能力的问题。由此,导致一些大学音教专业钢琴教学大纲对这个问题混为一谈,表述模糊不清。 其实,无论是钢琴的弹奏技术还是音乐表达,需要发展的都是学生的综合素质,而且还必须是包括音乐的、艺术的、文化的等综合素质在内。对于钢琴艺术来讲,钢琴弹奏技术技巧具有工具性,它的训练与提高不一定需要有情感内涵表达等艺术与文化方面的内容。而音乐表达能力却是弹奏者综合素质及能力的体现,而这个体现虽然应当建立在坚实的弹奏技术水平和能力之上,却也未必需要高超的钢琴弹奏技巧程度。钢琴弹奏技术指的是弹奏者以钢琴为媒介的音乐表达行为,而音乐表达能力则体现的是其钢琴艺术与文化方面的综合实力。两者虽然在钢琴演奏家的艺术创造活动中是同步的,但在任何钢琴学习与训练活动中却应有着明显的区别。 例如,在音教专业学生进校前的应考阶段,原则上解决的就主要是钢琴的弹奏技术(为应考的几首钢琴作品服务),这属于钢琴学习的低级阶段。而进入大学后的主要教学方向应该属于学生钢琴艺术发展的较高级阶段,原则上主要应该解决的是其音乐表达能力及其发展问题。二者在实际应用中的差异具体表现为:1、弹奏技术及方法是单纯的,原则上在任何时间段、任何年龄段的弹奏者那里都是一成不变的;音乐表达能力一般则会因为弹奏者自身年龄、知识结构的变化而表现出不同程度。2、掌握弹奏技术的活动允许历经思辨、重复、稳定、提高的内容和过程。在这个过程中,具体的技术技巧可被肢解与重复的成分比比皆是;而音乐表达能力的体现则是这一切内容和过程经历之后具体应用的结果,它要求精炼、准确,限制或根本禁绝重复或多重意义的表现形式。3、在教学过程中,各类具体的钢琴弹奏技术技巧难易程度的学习与掌握,虽然有大致规定的过程要求和质量标准,但顺序却并不一定是严格的,它可以由教师根据学生弹奏水平,来定制技巧难易程度教学的时间表,学生对已知或未知的某些难易程度不同的弹奏技术,原则上也可以不分先后。而较强的音乐表达能力与弹奏技术水平基本上是成正比的,不可能出现有倒装的情形。4、学习者针对某部具体的钢琴音乐作品,根据与完成作品技术要求相适应的自身条件,对某些并不急用的技术技巧可以允许有选择性的吸纳。而音乐表达能力的体现一般则是有一个较为恒定的艺术标准,不能见人见智具有随意性。5、相关弹奏技术技巧的方法要求具有同一性,因此,学习与弹奏的训练和掌握过程应当是科学的、严格的,不允许因人而异。而音乐表达能力虽然也能够具体体现弹奏者技术技巧水平和能力,但更主要的是其综合素质及能力和个性品格的展示,它可以是因人而异的。6、围绕各类弹奏技术技巧训练的练习曲或钢琴音乐作品可以是有限的,且掌握即可。但围绕音乐表达能力的提高与发展,接触与积累广泛的、风格各异的钢琴音乐作品却是必须的。 一般说来,音乐教育专业学生的钢琴音乐表达能力的发展,主要是在上述这些方面的提高,这应该是音乐教育专业钢琴教学的一个基本内容。现行的一些教材的编写之所以并不能起到令人满意的教学效益,原则上就是没有将上述内容的训练和掌握严格地认识与区分开来。 上述所论实属一孔之见,敬待有识之士指正。 音乐钢琴教学论文:民族民间音乐在高校钢琴教学中的传承 摘要:目前,国内高校钢琴音乐教学过程中,使用的教材、教学内容、教学体系和教学方法,都以西方钢琴教学培训方法为主。长久的“西为中用”的教学方式,虽然在一定程度上,帮助中国快速吸收西方先进的教学方案,改善教学方法,但是由于其中使用的本土化音乐较少,民族民间音乐所占比重尤其小,导致钢琴音乐的本土化教学始终没能顺利开展,其中不少学生和教师甚至认为,西方钢琴艺术比国内的钢琴音乐更加高级,这非常不利于中国钢琴文化艺术的传承和进步。以下,笔者将以中西方音乐文化的特征对比和现代高效音乐教学体系为基准,分析民族民间音乐在高校钢琴教学中的现状、问题,并就国内钢琴艺术本土化发展提出具体的解决方法。 关键词:民族民间音乐本土化研究中西方音乐特征对比 音乐艺术的长久发展,必须建立在健康和适应的文化环境中,正如中国古典音乐中,有诗词韵律这样的内在基础,也有琵琶古筝等民族乐器的外在表现形式,这是几千年中国文化历史演变之下的艺术产物,这种音乐表现形式,和儒家的宗教哲学体系的内涵是一致的;同样,西方依靠自己的文化背景发展出了篇幅较大、气势恢宏、逻辑清晰、叙事强烈的交响乐。只有适应的文化土壤,才能帮助音乐在新的时期获得新的生命力和创造力,才能利用新的艺术文化背景发展出新的伟大作品。因此国内钢琴音乐教学的本土化推广,就是给钢琴艺术的进步奠定基础,其中最具体和最关键的一环,就是对民族民间音乐的挖掘、改编、创作和练习。 一、民族民间音乐在高校音乐教学体系中的现状和原因分析 1.教学现状和问题 近年来,随着国内艺术文化教育的不断引进和发展,钢琴艺术的教学已经成为很多高校音乐教学体系中重要的一个部分,其中民族民间音乐也在一定程度上参与到钢琴教学中来,国内的钢琴比赛中也会将国内音乐作品作为硬性指标。但是强制的规定并不能够真正引起师生的兴趣,可供教学和练习的国内改编的钢琴曲,无论是数量上,还是质量上,都和国外钢琴曲有不小的差距。经一项山西省内针对高校钢琴专业学生的调查研究可知,通过民族民间钢琴音乐作品的练习和训练,能够有效培养学生对于音乐的理解,提高学生的钢琴技巧。但是由于可供选择的民族音乐钢琴曲有限,教师在日常教学过程中,依然选用西方欧洲的大型钢琴曲,并对国内的钢琴曲抱有偏见,整体看来,钢琴艺术的高校教学活动中,民族民间音乐的地位不高,有待进一步发展和应用。 2.具体原因分析 第一、钢琴教学体系不完善,由于钢琴是舶来的音乐艺术,与西方完善的发展体系相对比,国内的钢琴艺术无论是音乐作品,还是教学方式,都较为薄弱。现代高校的音乐教学过程中,还要向西方学习他们的体制和管理方式。①此外,由于信息技术的不断发展,国内外音乐交流如比赛、演出类的机会日益丰富,国内的教学工作者倾向于直接借鉴国外的教学经验,而不是根据国内的具体国情和文化性质,西为中用,发展我们自己的音乐教学方式,而教学体制的质量水平,决定了我国音乐演奏的普遍水平,现代国际音乐领域,技法最高超和技术最优秀的演奏家,也是国外占大多数。第二、相关民族民间音乐钢琴音乐创作作品少。与欧洲在18、19世纪古典音乐繁荣发展不同的是,我国的钢琴艺术的训练近代才被引进,真正的全民教学活动也是近年来才开展,由于钢琴音乐并非在我国文化艺术土壤之上成长出来,因此国内对于钢琴的理解还依赖国外的艺术理论和分析研究,这就在一定程度上限制了国内钢琴艺术的发展和教学活动的开展。目前为止公开发表过的国内的钢琴乐曲,据不完全统计仅有400多首,高校平日会在教学训练中使用到的是其中的100多首,其中的大部分作品,是从中国古典音乐和民间音乐中改编而来的,如《梅花三弄》、《上去高山望平川》、《茉莉花》、《牧童短笛》等等。此外,这类作品虽经过改编,却依然保守中国传统音乐性质、结构、文化和风格的影响,真正的可与西方宏大的钢琴变奏曲相对抗的作品,几乎可以说没有。民族民间钢琴曲的量少质不高,限制了高校的钢琴教学活动和创造。第三,中西方文化特征对比,钢琴曲创作的本土化困境。文化历史决定意识形态,意识形态反映了文化历史。在工业化大生产之前,中西方的文化和经济形态截然不同,因此在各自的文化背景之下,形成了风格迥异的美术、诗歌和音乐。就音乐形态而言,中国的古典音乐结构以散体性和线性结构为主,章节之间可各自独立,表现方式和具体情景相结合,情感的发展演变是主要推动力;而在西方的艺术形态下,音乐独立成章,逻辑性很强,并且按照“对立统一”的原则组建结构,开篇展现矛盾,而后激化矛盾、解决矛盾、结尾升华等循序渐进,是一个整体。②在这样的基础背景之下,想要将原始的民族民间音乐和传统的钢琴教学相结合,困难重重,因此想要在钢琴领域发展我国的民族民间音乐,首先就要进行本土化的创新,加强中西方音乐艺术的内在联系,提高文化的衔接性和兼容性。 二、推动民族民间音乐在高校音乐教学中的重要性研究 1.钢琴教学本土化的具体要求 钢琴教学,已经成为我国高校音乐教学体系中重要的一环,因此促进钢琴教学的本土化成为不可忽视的问题。一方面利用钢琴教学的全民热度,提升民族民间音乐的认知度,提高民族音乐的层次性,按照上文所述,民间音乐在适应钢琴艺术的过程中,需要不断改编和创新,从而实现音乐层面的“中西结合”;另一方面,高效钢琴教学的民族化呼声甚高,保存民族文化代代相传,是每一个艺术从业者不可推脱的责任,音乐来自民间,更要回到民间。我们的艺术有自己的根源和基因,只有充分利用自己的长处来发挥艺术的创造性,才能不断除旧立新,突破体制的阻碍,发展出更加优秀的作品。 2.钢琴音乐自身发展的内在要求 现代的钢琴音乐教学,不仅仅我国延续了向西方古典音乐学习的方法,国外也持续着传统保守的教学体制,现代高校体制下进行钢琴研究学习的对象,始终以十八世纪被谱写出的经典乐谱为主,国际大赛的参赛项目也是如此,因此钢琴文化艺术的发展,需要国内外民族文化的共同推动。钢琴的文化内涵和意境,在不同时代应当被赋予不同的特性,现代社会在电影、音乐等艺术领域,都有了各种突破,乐器作为背景、配乐也有了新的生态和传播方式。③在现有的教学体制中,将民间音乐艺术,和商业化的产品相结合,如为影视作品设计背景音乐等,能够帮助钢琴音乐在具体背景和结构下,产生坚实的依托。 三、民族民间音乐在高校钢琴教学中的具体策略 1.提高民族自信,坚持本土化教学 中国高校广大钢琴教育工作者们,肩负着培养下一代接班人的重要任务。大学期间正是学生完善个人价值观、人生观、世界观的重要环节,音乐的熏陶帮助他们不断在艺术文化领域汲取知识和信仰。我们要始终坚持培养有民族意识的学生,因为只要怀有对自己民族的自信和自豪,才能从音乐之上回归到生活之中,钢琴的学习和演奏凭借的不仅仅是指法技巧、琴键质量,还需要演奏者对于生活和个人的思考,在最广大人民群众的衣食住行中,在自然森林的影响之下,都有哲学的思考和本质之声。学生在高校中能接触到的音乐范围越广,越能够在日后从事的行业和工作中,听从内心的声音,找到最适合的音乐,民族和民间音乐的改编和创作活动,应当由每一个有使命感的演奏者不断坚持下去。高校教学过程中,通过课堂上的民族艺术演绎,将东西方音乐理论进行分析比较,参加相关的音乐活动的创作,不断将民族化的精神和理念传递下去。 2.完善教学体系,扩充教学内容 与国外高校的钢琴教学体制相比较,我国的钢琴教学还有很大的差距,相关的教学教材完全引进,而且没有形成有民族特色的教学理论,可训练的民族音乐钢琴音乐和极少,等等。以上的问题出现,除了中西方基本音乐文化不同,且钢琴音乐“中化”时困难重重之外,还因为我国钢琴教学发展进程晚,速度慢有关。因此,为了提高高校的钢琴教学质量和教学方法,需要完善相关的教学理论,根据不同的音乐内容、音乐评级标准、音乐表现形式等构建一个完整的体系和结构,并且在其中纳入中国民族民间的音乐作品,提高学生的鉴赏能力和演奏能力。④此外,为了完善钢琴音乐在中国发展的基础,应当鼓励民间从事钢琴音乐的改编和创作,形成自己的作品。通过高校之间的合作,提高教学资源的配置效率,增加教学培训和合作,鼓励新的音乐形式的展开,也通过开放的教学环境促进教学活动更有活力。 3.调整课程体系,扩充民族音乐 要想通过课程教学和指导训练,将民族民间音乐彻底融入到钢琴的教学活动中,就需要教学工作在日常传统的教学体系之外,增加一部分民族音乐的教学活动。⑤如“民间音乐作品赏析”、“中式古典乐器讲解”、“古典音乐的结构和特性研究”,学生只有真正掌握了民族音乐的特性和来龙去脉,才能在可能的将来对钢琴乐进行创新时,真正把握民族音乐的内涵,创造出有生命力的作品,并不断提升学生对于民族音乐的赏析能力,提高民族文化的自信心。 四、结语 中国高校的音乐教学方式,在经历了几十年的发展之后,虽然在具体的教学体制、教师资源、硬件设施等方面有了极大的提高,但是钢琴音乐的文化软实力一直有待升级。钢琴虽然是自欧洲传入的一种音乐艺术,但是在国内受欢迎程度不低于任何一种传统乐器,这种现象的而背后展现的是人们对于这一种音乐形式的欣赏和认可,但是又从侧面展现了我们自己的文化不自信。高校的音乐教学作为我国文化艺术教学的前沿,始终把持着教学方向,要坚持发展自己的文化,提高对钢琴文化的认识,并且将这种艺术作为弘扬民族民间文化的一种工具,通过音乐的创新,教学方法的改革,提高我国文化软实力。 作者:胡枫 单位:四川音乐学院 音乐钢琴教学论文:钢琴教学中奥尔夫音乐教育体系的运用 摘要:当前世界上影响力最大的三大音乐教育体系之一奥尔夫音乐教育,将音乐动作、舞蹈、语言这些因素结合到了一起,让幼儿能对音乐内涵进行理解,将幼儿的即兴创作能力激发出来,在语言、理解、表演方面也能有效提高。本文对奥尔夫音乐教育体系进行论述,以学前教育的实际情况为基础,提出了一些对奥尔夫音乐教育体系的实际应用方法。 关键词:学前教育;钢琴教学;奥尔夫音乐教育体系;运用 学前教育中的钢琴教学,可以有效地锻炼幼儿的身心协调能力,培养幼儿在音乐学习中的主动参与和主观能动性。不过钢琴的学习对于幼儿来说有非常大的难度,如果教学方法使用传统教学,则很容易让幼儿产生厌学情绪。所以,教师需要将幼儿自身的生理和心理特点考虑进来,选择科学的的学前音乐钢琴教学方式。在幼儿教学当中应用奥尔夫音乐教育体系,着重对幼儿的个性发展与潜能重视起来,能有效提升钢琴课程的教学质量。 一、奥尔夫音乐教育体系的原理 (一)将幼儿的创造性激发出来 由于幼儿的生活经验非常少,同时想象力非常丰富,老师在进行钢琴教学的过程中,需要提供给幼儿充分的创造力和表达空间,在合适的机会上对幼儿大力赞赏和鼓励,逐渐培养出幼儿在音乐方面的创造性。比如,教师向学生表达一个场景,让幼儿对这个场景做出理解并且进行即兴表演,也可以用一些乐器进行即兴演奏。引导幼儿积极地参与进教学活动中,全身心的投入到钢琴学习中来,并且用身体语言和乐器将自身情感表达出来。 (二)与本土音乐相结合 奥尔夫音乐教育体系在世界上很多国家广为流传,还在幼儿音乐教学当中被广泛应用,主要是因为奥尔夫音乐教育体系具有很大的开放性。在传播奥尔夫音乐教育体系的过程中,与当地传统民族音乐相结合,让音乐变得更加通俗易懂,降低音乐的教学难度,所以奥尔夫音乐教育体系非常适用于学龄前儿童的音乐教育。比如我国引入奥尔夫音乐教育体系之后,把奥尔夫音乐和童谣、民歌结合在了一起,让幼儿对音乐教学产生更加深刻的理解。 二、在学前教育中运用奥尔夫音乐教育体系进行钢琴教学 (一)节奏教学 幼儿的钢琴教学初级阶段,对音乐的感知全都来自乐谱的节奏。音乐节奏是音乐的优秀,也是音乐的基础教学内容之一。钢琴曲谱节奏感强,则能将幼儿的想象力充分激发出来,并且对曲谱的记忆也会更加准确,提升儿童的学习积极性。奥尔夫音乐教育体系将节奏教学分为两方面:第一种,声势教学,把身体当做乐器以特定的动作和声响来培养幼儿的节奏感。第二种,语言教学,让幼儿朗读一段歌词,或是唱一段歌曲,先对歌曲产生大概认识,然后老师再唱一遍,能很大程度上降低学习难度。 (二)演奏艺术教学 钢琴学习对于儿童来说学习难度较高,所以在教学过程中钢琴教学比其他乐器更受重视。传统钢琴教学当中,教师会让幼儿对演奏步骤死记硬背,这对幼儿来说是很大的学习压力,对儿童的身心成长有很大影响。奥尔夫音乐教育体系更加注重幼儿对于音乐的体验和感受,主要是将学生的学习主动性和能动性激发出来。奥尔夫音乐教育体系中要求,在钢琴课堂教学中,需要动静结合,让学生有灵感上的启发,将学生的想象力、创造力培养出来,在钢琴演奏中将自己的思想表达出来。 (三)教学过程游戏化,提升音乐兴趣 最好的教学方式就是孩子们一起游戏,在做游戏的时候,孩子们的天性能够最大的发挥。年幼的小学生对游戏有着非常大的热情和激情,他们会因为游戏而提起十二分的精神,全身心的投入进游戏之中。因此,假如能在进行小学音乐教学的过程中,把音乐教学课程融入游戏之中,让孩子在喜欢的游戏环境中学习,在快乐玩耍的同时学习到音乐课程,这样做能非常高效的让学生参与学习课程中来,让学生能有非常高的学习热情和积极性。 三、遵从幼儿的音乐成长发展 学前音乐教育要根据学生的自身特点,再加上教育自身的性质联合决定。在进行学前音乐的教学时,要能维持学生的整体情绪在较高状态,保持适度的兴奋进行音乐教学,这需要教师有足够高的教学素养。 (一)将幼儿对于音乐的创造能力完全激发出来 我国的素质教育规定了,要在教育的过程中对学生的创造力进行有效开发和挖掘。据有关研究,孩子成长到4岁就可以获得一半智力,剩下的一半一直到17岁逐渐获得。由此可知,在幼儿时期对于孩子的创造性教育是至关重要的。音乐中有很强的创造性,这对于幼儿来说能够获得很多想象空间和创造思维,儿童也能从音乐中获取到各种信息。因此在进行学前教育的时候,应该充分利用儿童的这个思维特点,将其利用到教学活动中,比如在游戏中加入音乐元素,让儿童在玩耍的同时对音乐也进行了学习,在学习过程中进行了有效的思考。 (二)对家长提出要求,配合幼儿对音乐的学习 多数家长并没有重视孩子在音乐方面的培养,在家庭中对培养幼儿的音乐水平需要做到以下几点:首先家长要主动培养幼儿听音乐的习惯,营造出良好的环境供孩子进行音乐学习;其次,为孩子创建优良的艺术氛围,平时可以带孩子去参加一些音乐会、儿童剧之类的节目,让孩子在音乐氛围中生成对音乐的兴趣;最后,找到多种多样的音乐素材,对孩子的音乐识别能力进行锻炼,让孩子能够将自身的音乐能力展现出来,来提升儿童对音乐的感知力。 (三)对幼儿音乐课程进行改进提高 教师在进行学前音乐教育时,在提升幼儿音乐课堂教育的有效性同时,还应把合适的音乐素材融入到课程之中,这里就有很多音乐教学的课程设计在里面。对学前音乐课程提前做好设计工作,需要教师先了解到每一个孩子的目标和实际情况,使用各种方法让儿童能一直朝目标前进。现在很多学前音乐老师都是用这种方法进行课程设计,在每次课程设计的过程中,教师就像是裁判员和规则设计员,幼儿像是参长跑运动的运动员,幼儿在跑道上不断奔跑,完成自己的目标,而老师这时候也有引导和带领的作用,帮助学生完成老师所布置的任务。 四、结语 将奥尔夫音乐教育体系引入到中国教育当中,再经过了长时间的实践与推广,现在已经能很好地适应儿童音乐学习的需求,并且让幼儿在学习音乐时更加得心应手。钢琴老师也应该更好的掌握幼儿的生理和心理特点,再结合长期的教学经验,对钢琴课堂教学的手段和方法进行不断地优化创新,为幼儿打造出良好地学习环境,将幼儿的创造性思维更好的激发出来,为学生将来专业的钢琴学习打下坚实的基础。 作者:卢璐 单位:新疆师范高等专科学校学前教育学院 音乐钢琴教学论文:高等院校音乐教育专业钢琴教学初探 摘要:钢琴教学作为高等院校音乐教育专业教学的重要方面和有机组成部分,在音乐教育中占据着重要的位置。伴随着社会和时代的发展以及高等教育教学改革的不断深入,音乐教育专业钢琴教学取得了一定的成绩,培养出许多的音乐专业的优秀人才,但同时也存在着一些问题亟需解决。文章简要分析了现阶段我国高等院校音乐教育专业钢琴教学的现状以及存在的一些问题,提出了改革和创新钢琴教学的相关策略,以期高等院校能够更好地开展和进行钢琴教学,培养出更多的音乐高端人才。 关键词:音乐教育;钢琴;教学 一、我国高校音乐教育专业钢琴教学现状以及存在的问题 现阶段,高等院校音乐教育专业的钢琴教学仍然是传统的音乐教育,钢琴教学和训练的主要内容还是一些复习曲、练习曲和乐曲,教师还只是音乐知识、钢琴技能的传授者,学生还只是各方面知识和技能的接受者。在教学中,由于教师和学生之间的互动很少,以致于教师对学生学习过程中遇到和出现的问题不能够清晰的了解,对学生的学习情况也不能有比较准确的认知。学生在经过了长时间的钢琴学习之后,却不能取得良好的成绩和有效提升自身能力,教师教学也达不到预期的目标和效果。由此可见,在社会和时代快速发展的今天,音乐教育面临着诸多挑战,钢琴教学也存在着一些问题。 (一)学生水平的差异性 近年来,由于高校扩招使得受高等教育学生数量增加,学习音乐艺术的学生也是逐年增加,音乐教育专业也得到了广大学生的青睐,越来越多的学生也感受到了钢琴的无限魅力,更加积极地学习钢琴相关知识和技巧。虽然说学习音乐教育专业的学生在入学之前都具备一定的钢琴基础,但是学生入学时的钢琴水平和基础也存在着一定的差异,主要表现在学生受教育的环境以及受教育的程度都不同。有些学生因为文化课成绩不是太理想,迫于升学压力在高考之前才开始接触音乐,接触钢琴,内心没有对音乐由衷的热爱,以致于基础薄弱;有些学生是从小就喜欢音乐、喜欢钢琴,从小就开始学习音乐以及钢琴的相关知识、练习钢琴,基础扎实,进入高校学习音乐教育专业、学习钢琴是为了更好的锻炼自己、提升自己的水平。因为学生接触钢琴、学习钢琴的时间不一样,一些学生错过了学习钢琴的最佳时间,他们在手指的灵活方面也不处于一个比较优势的状态。众所周知,从小开始学习钢琴的学生和高考之前才开始接触钢琴的学生他们对钢琴的理解力和学习能力也是有非常大的不同的,从小开始学习钢琴的学生理解力相对更强,也更容易进行学习,以致于学生在接受大学音乐教育、钢琴教育之后所呈现的状态和水平也各不相同。 (二)师生比例不协调 随着高等教育的改革和发展,高等院校的扩招使接受高等教育的学生数量增加,学习音乐教育专业的学生数量也在一定程度上逐渐增长,但是高校扩招带来的音乐教育专业学生人数的增加也为学校师资力量带来了新的压力。部分高校音乐教育专业在学生数量增加的同时并没有相应的增加和提高师资力量,而是仍然维持原先的状态,难以满足现阶段的音乐教育专业钢琴实际教学的需要,钢琴教学的质量和效果也和目标有所差距。另外,教师的水平和能力也是参差不齐,有的教师能够随着社会和时代的发展不断提高自身的业务能力和水平,适应现代化教学的需要;但也有部分教师能力有限,又不注重能力和水平的提升,教学思想传统,逐渐落后于改革和创新中的现代化教学需求。随着我国文化艺术的蓬勃发展,许多音乐方面的高端人才受各种环境和条件的影响不太愿意进入高校进行日常的教学工作,这也一定程度上制约着高校师资队伍的发展。 (三)教学模式与资源滞后 在现阶段的钢琴教学中,传统的钢琴教学模式仍然被采用,如笼统的一刀切、满堂灌的教学方式,对于钢琴课程的内容设置不够丰富,对于学生的评价方式也不全面、合理。以往的教学内容主要是以西方相关文化为主,学生在课堂教学中接触的也大都是莫扎特、贝多芬等国外艺术家的经典作品。而我国也有许多的钢琴艺术家,也有很多优秀的作品但是都很少被引用,这在一定程度上不利于学生了解我国的钢琴艺术的发展,不能对我国的优秀的钢琴艺术作品有比较清晰的认识。在教学中过于注重钢琴技能的训练,而忽视了理论知识的传授,不利于学生对音乐文化以及理论知识的认识和了解,弱化了理论基础也不利于学生的未来良好的发展。另外,高校资金来源相对有限,受资金影响教学设备也没有及时的进行更新,依然有比较老旧的设备在使用,无法满足现代化教学的需求。虽然部分设备得到了更新和补充,但是在数量以及品质上还不能完全、充足的满足教学需要。 二、高等院校音乐教育专业钢琴教学改革和创新的策略 (一)因材施教 在钢琴教学中要正确认识音乐教育专业学生的钢琴水平存在的差异化问题,要充分了解和掌握学生的真实钢琴水平以及个性,根据不同的个体情况因材施教。但不能够急于求成,如果单纯、片面的追求教学速度,那么学生对于钢琴的学习也只会是一知半解,不能深刻领悟到钢琴学习的乐趣和本质,而应该循序渐进的进行钢琴教学,为学生以后的发展打下基础。对于基础相对薄弱的学生,教师可以首先安排多做一些曲目的练习,以锻炼学生的手指独立性和灵活性,在此基础上在进行一些手指的跳跃和跑动练习,对于基础较好的学生可以引导他们进行钢琴演奏和创作,在实践的过程中不断提高自己。 (二)加强高校师资队伍建设 面对教学资源的匮乏,高校要通过多种手段努力提高学校师资水平,加强学校师资队伍建设,打造一支高素质、高水平、高能力以及具有创新精神的师资队伍,改变一个教师教授大量学生的教学形式,积极实现精细化教学,提高教学质量和教学效果。高校可以通过招聘的形式,以优厚条件吸引音乐、钢琴方面的高端人才进入高校进行音乐教育专业的钢琴教学。由此同时,还要加大培训力度,对现有教师组织和开展定期的业务水平的培训,使教师掌握和了解比较前沿的音乐方面的知识和文化。教师水平的高低直接影响着学生的学习效果和学习品质,教师不但要对钢琴文化有比较充分的了解,还要对钢琴相关知识和技能有比较充足的理解和掌握。只有这样,教师才能更好地投入到现代化的教学中去,让钢琴教学能够不断的提升学生的艺术欣赏力和表现力,而不再仅仅是单纯的技术性教学,让学生在了解音乐文化底蕴的基础上,更好地进行钢琴学习。 (三)教学模式的科学化改善 要针对音乐教育专业学生的特点以及就业方向进行科学教学,教师不但要在钢琴教学过程中为学生讲述钢琴学习的基本方法,使学生形成正确的学习习惯,还要能够把钢琴教学法能融合、渗透到课堂中,让学生不但知道怎么学习,还要学会怎样进行教学。对于钢琴学习的基本内容可以通过优化课堂教学细节进行大课堂的钢琴教学,在保证教学质量的前提下不断提升教学效率。例如可以对学生的钢琴水平进行必要的评估,在此基础上进行小组划分教学,让水平一致的学生划为一个小组,教师根据该小组的实际水平进行相应的教学;对于基础较为薄弱的学生可以在教师有针对性的教学之外,利用课余时间进行学生之间的互帮互助,以相互弥补各自的不足;还可以让基础和水平较好、较高的学生利用空闲时间进行指导,在提高自身的教学实践能力的同时实现同学之间的共同进步;对于水平相对较高的学生还可以实行一对一的个性化教学,进一步提升钢琴水平和能力。在教学内容上要适当的对我国优秀的钢琴艺术作品予以引用,使学生对我国现阶段钢琴艺术的发展有比较清晰的认识和了解,并在此基础上弘扬我国的钢琴艺术作品。在钢琴教学中要建立科学、合理的评价方式,全面的对学生进行评价,重视评价结果也要重视学习的过程。钢琴是一门实践性较强的课程,重视其实践性固然是正确的,但是也要注重学生对音乐文化、音乐理论的学习,在提升学生教育教学技能的同时使学生各方面素质都能得到提高,为学生的长远良好发展奠定坚实的基础。另外,高校还要加大资金投入,及时更新教学设备,使之符合现代化教学的需要,以促进钢琴教学的顺利、有序开展。 三、结语 随着社会的发展,时代的进步,高等院校音乐教育必须与时俱进的进行改革和创新,只有这样才能培养出符合社会需要的高素质优秀人才,才能不断提高钢琴教学的质量和水平,在提升学生能力的同时促进学生的全面发展。 作者:杨虹 单位:漯河职业技术学院音乐舞蹈系
音乐教育心理学论文:儿童音乐教育心理学论文 一、对儿童音乐教育中应用音乐教育心理学的重要性进行分析 (一)可全方位启发儿童学习积极性在儿童时期 因为儿童的心智发育并不成熟,其认知能力和思维能力有限,对于音乐虽然具有强烈的好奇心,但是在教育上如果不能够引导他们的好奇心转换为对音乐的学习积极性,激发儿童的主动的学习性,那么随着时间的流逝,儿童的好奇心将会逐渐转移到其他方面,丧失对音乐的兴趣。因此,怎样去了解儿童的好奇心,知道儿童对什么样的音乐感兴趣,并引导儿童主动积极地去学习音乐,则就要看教师的教学能力以及引导能力是否能担任这一任务。站在心理学的角度来讲,儿童一般对活泼生动的、具有很强感染力和情趣的事物感兴趣,且容易接受,积极性强。因此,在儿童音乐教育的教学过程中,教师可以预先准备与所教学音乐歌曲相关的,具有童话故事背景或是生动形象的文字图片来引起学生的兴趣,或者可以在教学课堂上采用各种各样的小游戏,比如拍手、点数等节奏小游戏,将音乐充分融入教学之中,并结合儿童特有的爱表现,想接受赞扬的特点,尽可能地举办音乐演出,在班里定期或者不定期地举行各种多样化的音乐小比赛,活跃课堂的学习氛围,增加学生对音乐的兴趣的同时,解决儿童学生的一些教学活动中的问题,提高儿童在学习方面的积极性和热情。 (二)使儿童全面集中注意力注意力是人们对事物认知过程的开端 经过大量的注意力实验表明,人们随着年龄的增长,注意力集中持续时间也随之变化,小学生的一节课时间为四十分钟,而在中学,大学期间,课堂时间则延长至四十五或五十分钟,就是根据不同年龄阶段的学生的注意力来制定的,如果学生在课堂上无法集中注意力,则难以学习到该学科的知识。而在儿童阶段的小学时期的课堂上,学生能长时间集中注意力的实际时间其实更少,这是因为儿童的注意力容易被其他事物影响,导致注意力的集中时间自然不长,在课堂上集中注意力的时间大多在前半节课。因此,在儿童音乐教学过程中,教师通过运用相关的音乐教育心理学的知识,抓住学生的心理特点,在前半节课的时间里,快速明确地讲解教学内容,而在后半节课则利用游戏等手段来调动学生的积极性,活跃课堂的同时也是对教学内容的巩固和复习,让学生对课程学习的注意力集中更为全面、专注。 (三)全方位启发儿童创造性思维音乐教育 不仅仅是让儿童来学习音乐知识,在学习的过程中更重要的是要发展儿童的记忆能力、协调能力和集中注意力的能力。教师在音乐教育教学过程中,有意识得对儿童创造性思维进行启发,在教授音乐知识的同时,提高学生对音乐的理解,让儿童运用自身丰富的想象力来理解音乐的内涵,提高对音乐节奏的体验,提升自身乐感,发展音乐素质。在教学课堂上,运用综合的教学方式,比如,准备大量的教学用具,通过用游戏的方式让儿童认识音符和曲目名称,用形象直观的画片让学生联想音乐,或是反过来听音乐画图等等,在学习音乐的同时能够表现音乐,更能事半功倍地启发儿童的创造性思维。 (四)符合儿童个体心理差异的发展 正如同“世界上没有完全相同的两片叶子”一样,世界上也没有完全相同的两个人,每个人都是独一无二的个体。个体的心理差异表现在能力、素质、性格三个方面,就如同在音乐上具有音乐才能的人所具有的曲调感、听觉表象能力和节奏感来说,大多数儿童具备的只有其中之一。例如,有的人擅长唱歌,有的擅长跳舞,有的觉得自己是“音痴”,教师在教学过程中,可以以此举例,吸引学生对这个话题关注的同时,对不同的形象的例子作出分析,结合学生不同的心理表现,因材施教,对唱歌好的进行赞扬,对其他的进行安慰,鼓励他们根据自身实际,找出属于自己的长处或优点,朝着不同的方向发展。 二、儿童音乐教育中实施音乐教育心理学的相关对策 在音乐教育史上,著名的音乐心理学家们在教育过程中有很多实施成功的案例和方法,下面就借鉴几位著名音乐家的方法来分析。 (一)使用创造性教学对策 提高教学有效性德国的著名音乐教育学家,奥尔夫的元素性音乐教学法是一种创造性教学法,元素性音乐教学是结合音乐和语言,舞蹈以及乐器在儿童教育过程中激发儿童的兴趣,能够充分培养儿童的创造性思维,从心理学角度出发,在儿童音乐教学中将此音乐教育心理学的理论用于指导,在相同的旋律或音乐上,不同的学生所变现的是不一样的,表达出来的是属于自己创造的作品,“让孩子自己去寻找,自己去创造音乐”,教学效果能够得到明显的提升。 (二)加大情感体验力度 使儿童乐感得以培养根据音乐教育心理学的分析,在儿童的音乐教育过程中,儿童在欣赏音乐的过程中享受到了音乐中的情感,诸如生日歌,健康歌等。因此在培养以及引导学生在音乐上的理解时,结合学生不同的心理特征及其行为表现,教授不同的、与学生情绪相适应的音乐知识,让学生更能体验到音乐中的情感,培养学生对音乐的感受能力。 (三)通过音乐节奏 全面调动儿童积极性音乐教育家达尔克罗兹所提倡的体态带动,在儿童音乐教育中,通过音乐的高低起伏,节奏鲜明来激发儿童的兴趣,在儿童感受音乐的同时可以加上肢体动作的律动,这样既让学生学得开心,也能够唱的准确,还能在课堂上愉快的跳动,借鉴音乐教育家达尔克罗兹提倡的体态带动,儿童积极性在音乐教学的节奏中更能全面调动。 (四)运用体验式教学措施 提升儿童体验乐趣学习音乐课程时,综合教学大纲和教学内容,在有乐器的配合使用中,教师先示范,提高学生兴趣的同时,让学生来学习使用乐器演奏乐曲,在对儿童进行例如唱歌等音乐教学课程时,教导学生亲身学习,这类型的体验式教学措施能让儿童在体验音乐课程的乐趣的同时,完成后的成就感更能激发学生的积极性。 三、结束语 在教学过程中,音乐教师应该具备相应的专业心理学知识,借鉴科学的教育方法,掌握学生的心理活动表现,在儿童音乐教学中恰当运用音乐教育心理学,来确保音乐教学的有效性。 作者:李亚男单位:河北艺术职业学院 音乐教育心理学论文:我国音乐教育心理学论文 一、关于音乐教育心理专题 上海音乐学院的张晖介绍了法国的音乐认知教育体系,她建议音乐认知体系的培养要先于乐器的学习,音乐认知能力的培养应该贯穿始终并与演奏紧密结合。她指出法国音乐认知教育在理论上欠缺以及我国的音乐基础教育和专业教育的衔接上的不足。在认知方面,她认为法国是“知”多过“认”,而我国则相反,因此我国在互补过程中还有大量工作要做。北京师范大学的李红菊博士基于“莫扎特效应”的研究,介绍了音乐教育对人的智力发展的影响。李红菊认为,学习的兴趣会影响学习的效果,甚至影响智力的发展,由于学业的压力、家长和老师的逼迫,学生在本身并不感兴趣的基础上学习课外特长,机械地投入,可能会降低认知能力的发展。青岛大学的韩忠玲指出在大部分高校中,有关音乐教育的课程存在音乐多、教育少,中小学工作的音乐教师对理论性知识的匮缺这一现状,因此,音乐教育方面的专业性课程应包含《音乐教育学》、《音乐教学法》、《音乐教育心理学》、《音乐教师技能》这四门必不可少的课程。 二、关于音乐治疗专题 北京市东城区特殊教育学校的陈硕的《“儿歌—节奏”训练对改善听障儿童言语障碍的实验研究》论文中,从听障儿童的言语问题入手,通过他们用骨传导的方式感知节奏的特性,同时借鉴了奥尔夫的节奏朗诵训练,采用边打鼓边念儿歌的方式加以训练。经过一个月的实验,发现被试的语言节奏水平均有所提高,言语障碍和紧张、焦虑的心理得到一定改善。陈硕在另一篇论文《一例孤独症儿童钢琴学习方法与效用的分析》中,针对一例孤独症儿童的具体情况制定了治疗目标和治疗方法,通过对这名孤独症儿童进行钢琴训练,提高了患儿的注意力,加强了与他人合作与沟通的能力,同时在舒缓紧张情绪和自信心的增强方面均有改善。 三、关于音乐表演心理专题 西南大学音乐学院的郑茂平教授在论文《音乐表演“七因素”心理模型探讨———音乐表演偏离理论与实践研究之一》中指出音乐表演的学科理论与具有科学意义的实践研究相对滞后,特别是与表演心理学理论与实践研究尤为缺失这一现状,并总结与分析了影响和制约表演行为反应形态和特征的七种心理因素。天津音乐学院艺术心理研究室主任谢鸿雁在《专家和新手钢琴演奏者乐谱阅读的眼动研究》论文研究中,采用眼动记录仪记录被试阅读简单和复杂五线谱时的眼动数据,考察了不同演奏经验的被试阅读不同复杂程度的单声部和多声部钢琴乐谱的规律和特点。此外,在声乐心理学方面,四川师范大学音乐学院的徐行效介绍了中国“声乐心理学”和对研究生培养的基本情况,提出用交叉学科思想指引声乐理论创新、宣传“部编教材”、开设“声乐心理学”课程和培训班等措施来扩大学科影响。 四、关于音乐与脑神经机制专题 台湾大学音乐学研究所的蔡振家教授探讨了抒情歌曲“主歌-副歌”形式对于听众脑部活化形态及周边生理反应的影响,通过功能性核磁共振造影发现副歌出现前后眼眶额叶皮质的活化区域的变化,以及聆听整首歌曲的情况下手指温度呈U形曲线等,总结出副歌的酬赏性质与抒情歌曲的引导宣泄效果。李小诺博士以两个音乐片段的音响刺激的fMRI实验观察以及音乐结构分析为例,阐述其“对人脑的刺激作用”与“音乐结构特征”之间的关系和“音响信息刺激”与“音乐审美体验”的不同特征,并思考音乐心理学研究的实证性与人文性结合的必要性和可行性,以及研究“方法、理念、视野、胸怀”真正跨界的急迫性。美国俄亥俄州立大学心理学系的侯建成博士研究了多巴胺、儿茶酚氧位甲基转移酶、5-羟色胺转运体基因(5-HTT)与精氨酸-血压激素1a(AVPR1a)对音乐的认知能力起到的不同作用,并提出音乐认知能力的发展,还应参照基因与环境交互作用的研究方法,这将对音乐心理学的研究进展起到了一定的帮助作用。 五、关于音乐能力专题 华东师范大学心理与认知科学学院的何昊先后提出了感觉运动失映射说以及反向模型来解释唱音不准的感觉运动机制,在此基础上提出导致唱音不准的感觉运动失映射存在着映射缺失和映射错误两种类型,并提出了这两类失映射的判别方法。首都师范大学音乐学院的佟雪的论文《蒙特利尔音乐能力成套测试在中国青少年中的应用》和中国科学院心理研究所的马谐的论文《3-5岁儿童对中-西音乐表达情绪感知能力的发展研究》也都从实证研究的方法出发对音乐心理学领域有关音乐能力方面的问题做出了相应研究。会上,何昊、佟雪两位代表和不少学者提出将“失歌症”的称呼改为“失乐症”更为恰当。七、音乐与学习专题中国音乐学院的王腾宇通过引进和研究美国NESS,测量中国专业音乐院校学生投入各项有效学习活动的程度,同时开展教学质量评估,旨在推动中国高校教学评估改革。哈尔滨师范大学音乐学院宋蓓对在英国伦敦大学举办的“音乐教育中的心智与脑:连接教育学、心理学与神经科学的世界”国际学术研讨会作出评介。 六、会议总结与建议 1.本届会议的特点第一,从研究方法上,较之以前更加科学化、多样化、更加注重心理学的学科特点,得出的研究结果更具准确性,对实证研究的重视进一步加强;第二,研究成果多样化,除心理学之外,还涉及脑科学、统计学、测量学等学科;第三,在研究领域上,与神经、认知、景观设计接轨,还涉国外的研究成果及国际研讨会评介。宣读论文中涉及多种研究领域,其中音乐教育心理学的研究在此次会议上有较多的体现,应用性心理的研究较活跃;第四,学会新会员的数量占与会代表总人数的半数以上,呈年轻化发展,一批年轻学者的涌现让我们看到中国音乐心理学学科发展的光明前景。 2.不足之处第一,到目前为止,开设音乐心理学这一门课程的院校还为数不多,影响力有待进一步提升,部分音乐专业的学生对音乐心理学这一学科的存在知之甚少;第二,在跨学科问题上没有相关的理论支撑,论文没有说服力。其次,结论部分的方法策略的层次过于浅显,没有深入探讨出具体的解决方法。再次,在陈述论文的语言界定上不规范;第三,实证研究占论文总数比例虽然上升但比重还有待增加。 3.建议第一,在学科影响上,培养音乐心理学课程的本科生、研究生,设列学科的基础必读书籍,宣传音乐心理学的学科教材,争取降低学习门槛和难度,扩大学科影响,争取更多教育部门的重视;第二,在学科建设中要加强跨学科的合作,特别是与心理学、神经科学之间的合作,自然科学和人文科学,即科学技术与音乐的结合。研究者不仅要学习本学科知识,还要加强研究中涉及的其他学科的基础性知识和理论概括能力。在研究态度上,要使用严谨的学术语言和推理思维;第三,在研究方法上重视实证研究,也要重视实证与思辨研究的结合。我们应借鉴其他学科的研究经验,同时关注国外最新研究成果,利用国外前沿的研究方法,有机的选择本土的研究问题进行研究。 作者:孙玮崎宋蓓单位:哈尔滨师范大学音乐学院 音乐教育心理学论文:音乐教育心理学论文 一、音乐教育心理学在小学教育中的重要性 1.1有利于学生学习兴趣的启发 莎士比亚曾经说过:学问必须合乎自己的兴趣,方才可以得益。只有对音乐感兴趣了,才能将注意力集中到音乐当中去。然而小学生的心理尚未完全发育,因此在认知和思维能力方面,不能很好的转换和应用,时间一久,对于音乐的学习兴趣慢慢降低,甚至出现厌恶情绪。此时,音乐教育心理学就显得尤为重要,它可从心里教育方面,让学生提高对音乐的兴趣。例如,教师可以根据学生的喜好和表现特点,将音乐教学以做游戏的方式呈现,先使他们对音乐产生好奇心,慢慢的将其兴趣提高。 1.2有利于学生注意力的集中 心里学实验表明:人的注意力并不能达到持久状态。尤其对于身心处于发展中的小学生来说,他们的注意力很容易受到各种因素的影响,例如教师枯燥乏味的讲课方式等。古语有云,心不专一,不能专诚。作为学生,只有集中注意力听老师讲课,才能更好的学到知识。在音乐教育心理学中,教师可以通过了解学生注意力转移的因素,结合教学内容,充分利用课堂时间,采用综合教学的方法,集中学生的注意力。 1.3有利于学生创造性思维的启发 托尔斯泰曾经说过:知识,只有当它靠积极的思维得来,而不是凭记忆得来的时候,才是真正的知识。现在的教学强调对学生能力的全面发展,因此在小学音乐教育教学中,不仅要让学生学习音乐本身,还应使他们通过音乐的学习,培养一定的鉴赏力,使记忆和感受能相互协调,达到全面发展的目的。通过在音乐教学中运用音乐教育心理学,可以有效的启发他们的创造性思维,提高对音乐的理解力和欣赏力,还可提高学生的乐感和节律感。 二、音乐教育心里学在小学课堂中的应用 2.1运用音乐节奏,激发学习兴趣 小学生在各个年龄阶段,学习音乐的能力也各不相同,因此教师需要了解不同阶段的学生在学习音乐方面的认知和心理特征,因材施教,达到更好的教学效果。音乐当中美妙起伏的旋律和鲜明生动的节奏,可以激起学生肢体的反应,因此教师可以根据这一特点入手,将音乐与肢体动作结合,形成具有音乐节奏的体态动作,集中学生学习音乐的注意力,将节奏与记忆结合,学习音乐当中的流动美。 2.2注重情感体验,培养学生乐感 音乐的本质是对情感的自然反映,因此,在教学中,让学生体验到音乐的情感,对于教学有很大的帮助。在音乐教育教学中,教师要尊重学生的内心感受,让学生亲身体验音乐当中的情感,而不是机械的告诉他们音乐表达的东西。倾听是很好的教学方式,教师要学会倾听学生的心理感受,倾听他们对于音乐的特殊理解,培养他们自己的音乐乐感。例如在放一些具有催眠效果或者悲伤情感的乐曲时,学生会出现睡着或者伤心的现象,此时教师不应该打断他们,而是让他们慢慢感受,再通过讲解和表扬来加深他们对于音乐的理解。 2.3创造科学教学法,突出教学效果 我国传统的音乐教学方法过于枯燥,使得学生学习音乐的兴趣慢慢降低。因此,从心理学角度出发,一些具有创造性、科学性的教学方法很是需要在音乐教学中提倡。根据心理学原则,一些音乐学家在传统音乐教学方法的基础上,将音乐教育心理学理论作为指导原则,创造出了许多科学的教学方法,例如日本铃木教学法、匈牙利柯达伊教学法和德国奥尔夫教学法等。 作者:周陶陶 单位:广东省茂名市第二小学 音乐教育心理学论文:音乐教育心理学在小学音乐教学中的应用 随着时展的需要,自上个世纪中叶开始,音乐教育心理学成为音乐教育中一个新兴的交叉学科,开始引起教育者的关注,得到很多人的重视。对这一领域的研究,是人类自身发展的需要,是民族发展的需要,更是音乐教育学科建设的需要,对小学音乐教学具有很重要的推动作用。 那么,什么是音乐教育心理学呢·音乐教育心理学是研究和分析音乐教育过程中教和学的心理活动的学科。它是一门从心理学的角度来研究人类对教音乐与学音乐的心理和大脑反应的学科。其对受教育者的品质形成的影响和作用做出了心理分析,为音乐教育教学的方法和原则提供了理论依据。正如赵送光老师在主编的《音乐教育心理学概论》中所说:“它是音乐教育学和音乐心理学发展到一定阶段,相互渗透的产物。它既汲取了与音乐学相关的诸学科的丰硕研究成果,又受到教育学与心理学深入发展的影响,并在学科的构建中确立了自己的研究对象、范围和目的。使之既具有一定的整合性,又有相应的独立品格。” 随着我国音乐教育课程改革的不断推进,小学音乐教师不仅仅要有专业的技能和渊博的知识,还应该有音乐教育心理学知识,把握了解学生在心理上的规律和发展,结合小学生的心理进行教学活动,从而既对教师课堂教学的有效性起到很大的作用,又有助于学生得到更好的发展。 小学阶段正是儿童创造能力和思维能力得到发展的重要阶段。新的课程改革提出音乐教育应以审美发展为优秀,以学生为主体。怎样在小学音乐教学中不断贯穿这一理念和思想,调动学生的主动性,发展学生的创造力,前提是知道学生学习心理发展的特征,了解学生心理发展的规律,在教学过程中运用音乐教育心理的方法作为指导,这样教师才能以相应的教学方法和有效的教学设计更好地开展教学活动,使课堂教学更加精彩。下面我谈谈几种以音乐教育心理学为理论指导的教学方法在课堂教学中的应用。 一、体态律动教学法 在小学阶段,学生随着年龄的增长,音乐学习的能力也会随之提高。通常根据年龄分为低年级、中年级、高年级三个阶段。教师要对每个阶段的学生在认知、心理特征等方面有所了解,掌握施教的分寸,以使教学活动得到良好的教学效果。低年级学生,特别是一二年级的学生,好奇、好动、好玩是他们的主要特点,这就要在教学过程中增强学习的情趣,激发学生学习音乐的兴趣,吸引注意力,以音乐起伏的旋律、鲜明的节奏,激起学生形体动作的反应,在肢体律动中感受音乐的流动,这也是表现人的内心情感活动,从身心两方面同时入手训练学生。世界上著名的音乐教育体系,都把律动教学放在相当重要的位置,比如世界著名的音乐教育家达尔克罗兹提倡的体态律动的教学法,他认为音乐的本质在于对情感的反映。人类通过身体将内心的情绪转译为音乐,这就是音乐的起源。体态的律动把内心听觉和肌肉感觉记忆结合在一起,体态律动是一个审美的过程,必须使用新鲜的、有趣的和审美上令人满足的音乐,教师要指导鼓励学生动起来,体验音乐流动的美。 二、情感的体验,内在的乐感 在小学音乐教学中,抓住体验是关键。学生心灵的陶冶和审美观的确立,必须以审美体验为基础,以丰富的审美经验积累为前提。音乐是声音的艺术,是通过听觉来感受的,听觉是学生探索音乐的手段。比如在音乐欣赏课上,抓住“听”这个重点,学会倾听,亲身体验,使教育者的审美情感不断深化。这也是著名的音乐教育家柯达伊强调的培养学生内在的乐感。例如:我在一年级的音乐课上,让学生们欣赏舒伯特的《摇篮曲》。在欣赏前我引导学生轻轻地闭上眼睛,体验音乐带来的感受。有一个小朋友听了一会儿就躺在了地上,对此我并没有立刻叫起他。音乐结束后,他站起来说:“听这段音乐我好像快要睡着了。”我并没有批评他刚才的举动,他真实地表现了自己的感受,对于一年级的小学生,感受体验最重要,我表扬了他。这就是一年级学生的特点,他们更多的是大胆地用具体的动作把感受表现出来。传统的音乐教学忽视了学生的感觉,更多的是枯燥的机械的技能训练,结果是学生的音乐鉴赏能力和审美能力并未得到真正的提高,慢慢地学习兴趣渐渐消失殆尽。小学生心理发展的特征是沿着由具体形象思维占优势逐渐向抽象逻辑思维占优势的趋势发展。正是因为音乐不具象性,使得我们更加注意培养学生具有音乐感的耳朵,这对学生全方位的发展和音乐的学习有重要的作用。 三、探究创造教学法 新课标提出:音乐教学以学生为主体,最主要的就是要提高学生学习的主动性。教师在课堂上要激发学生学习音乐的兴趣,兴趣是人跨进艺术殿堂的敲门砖。比如,课堂上教师要创设良好的和谐的学习氛围,一些特别的情境,根据学生的心理特征,设计一些游戏,让学生在“心理安全”和“心理自由”的环境下不知不觉地开始学习。有了兴趣,就能在探究中发掘创造力,发掘创造力是以学生为主体,教师是一个发掘者,要引导学生自由探索、发现、掌握和创造性地运用知识,使学生的创造力不断发展。要摆脱以教知识技能为主的传统教育,转入以培养学习能力和发展新知识为主的现代教育。比如,课堂上,我们让学生在探究声音的过程中总结,老师更多的是引导补充,多给学生鼓励,重视创作的过程,培养学生的音乐性创造思维,使学生充分沉浸在音乐体验中,得到美的享受。当然除了以上几种教学方法,还有很多方法值得教师去思考,去研究,以便更好地为教学服务。 我们研究、学习音乐教育心理学的目的在于应用这门学科,提高教学质量,这也是时展的需要。正如达尔克罗兹所强调的音乐课最重要的是唤醒儿童的音乐意识,这不仅仅是音乐学习的需要,更是儿童本能的需要。相信有了音乐教育心理学作为理论指导,结合学生的心理发展特点,运用灵活、创新的教学方法,音乐教学会更加生动、活泼,音乐课堂一定会硕果累累、百花齐放。 音乐教育心理学论文:音乐教育心理学研究 一、音乐教育心理学 音乐教育心理学是音乐教育学与音乐心理学的有机融合,是一门交叉学科,具体指音乐教学中,从心理学角度出发,为教育者做出正确心理分析,为音乐教育教学提供方法和原则的理论依据,从而提升教学效果。在音乐教育心理学中,教师可通过对学生注意力转移因素的研究,适当调整教学内容、教学环节和教学方式,并采用综合教学的方法有效集中学生注意力,这对培养学生的思维能力大有裨益。音乐教育心理学将音乐的学习与感受能力、记忆能力以及鉴赏能力的培养结为一体,不仅大大提升了学生的乐感和欣赏能力,还有力启发了学生的创造性思维。 二、和声教学 所谓和声,即两个或两个以上的音按照一定的规律与原则同时发生而构成的一种音响组合。而和声学,则是一种多声部音乐教学中的基础学科,是我国音乐专业学生的重要必修课程之一,也是一种研究和声产生与构成原理、和弦的连接和相互关系,以及它们的应用和写作关系的理论。有些音或和弦组合起来符合和声规律,听起来就悦耳;有些和弦组合起来不规律,会让人产生不舒适感。因此,在高校中开设声乐课,让学生在和声学习中掌握基本的和声语言,以及不同和弦所产生的不同音响效果显得尤为必要。事实上,自20世纪和声学由欧洲引入我国以来,和声教学便以其独特的魅力在音乐教学中日益发挥着重要作用。 三、当代大学生的心理特征分析 (一)综合性 随着社会与教育的发展,大学生心理特征也发生了显著变化,这主要是因为影响学生心理因素的综合化。当代大学生心理受多方面因素的影响,不仅包括自然因素、社会因素,还包括个人主观因素。其中,自然因素有生理基础、遗传以及成熟度等;社会因素则包括生产力发展水平、社会政治制度、教育制度、民情风俗以及科学水平等;个人主观因素则包涵心理特征、心理倾向、身体素质以及实践活动的深度和广度等。这些因素导致学生心理呈现出综合性特征,要求和声教师在实际教学过程中,运用综合观点对学生的心理特征及状态进行有效分析与把握,从多维度提升和声教学质量。 (二)思维灵敏、活跃 思维灵敏、活跃是当代大学生的重要心理特征。大学阶段学生的思维已完成了“经验型”向“理论型”转变,其逻辑思维也逐渐占据整个思维活动的主导地位。在和声课堂中,他们更愿通过自己的发现、分析与探索来揭示事物的本质与规律,而非单纯听教师的讲解与传授。除此之外,学生思考问题的独立性也得到了增强,具体表现为十分注重个人的亲身体验,不盲目跟从其他人,敢于提出不同于和声教师观点的看法与意见。 四、音乐教育心理学对和声教师心理素质的要求 (一)奉献爱心、关爱学生 爱和奉献不仅是和声教师,还是所有教师必须具备的一项重要心理素质。和声教师担负着传道授业的重要教学职责,不但要有专业的技术能力,还要具备良好的心理品质,唯有如此,才能更好地教育、影响学生。因此,和声教师应将培养学生的综合能力、促进学生身心健康作为教育目标,在日常教学工作中关爱学生成长,帮助学生学习,并以学生的进步与成长为事业成功的标志,把教育当成一种责任。 (二)创造性思维 随着社会人才素质的不断提升,以及教育改革的不断深入,传统、单一的教学模式显然已不能满足当代学生及教育的发展需要。因此,创造性思维也成为和声教师必备的心理品质之一。和声教师应与时俱进,以教学环境和学生实际情况为重要依据,不断改良与创新和声教学方法,促进学生全面发展。例如,针对理论性基础知识的记忆,教师可以根据以往教学经验总结一套记忆口诀,便于学生更加有效地探索其内部规律,帮助学生理解与记忆,与此同时,不断激发学生进行独立思考与钻研,提高学生学习自主性。 五、在和声教学中应用音乐教育心理学的策略 (一)结合学生实际因材施教 由于我国高校和声课程开设课时较少,再加上大学生对事物的认识能力各有高低,大大增加了和声教学的难度。因此,在符合学生心理特征以及认知水平和接受能力的基础上,科学制定和声教学方案,促进学生音乐学习能力提升显得尤为重要。教师应从学生实际心理状况出发,按照循序渐进、由浅入深的原则对和声学各个知识点进行仔细讲解,并将不同的知识点串联起来,帮助学生从整体上构建一个系统的知识体系,促进学生对新知识的理解与掌握。另外,引导学生自己去发现、消化、解决问题,充分调动学生学习的积极性和主动性,并在学生学习过程中加以有效指导,及时解决出现的问题。 (二)引导学生掌握和声学习方法 在社会经济及科技不断发展的进程中,我们已跨入了一个“知识爆炸”的信息时代,而传统以灌输式为主的和声教学模式显然已不能满足当代教育需要。因此,相关和声教师应充分注重对学生智力方面的培养,有效改良传统教学模式,启发学生主动求取知识与组织知识,教会学生如何思维、如何在求知过程中获得属于自己的知识。例如,在讲解“原位正三和弦为旋律配四部和声”时,教师可以在学生掌握基本的正三和弦连接方法的基础上,选用一些学生熟悉且相对简单的乐曲片断作为谱例,让学生配以正三和弦。这种方式不仅有效活跃了课堂气氛,调动了学生学习的积极性与主动性,还将课堂知识与生活实际紧密结合,在激发学生学习兴趣的同时,有效促进学生对新知识的理解与把握。 (三)利用多媒体技术丰富和声教学 在我国传统音乐教学中,教师通过板书谱例、钢琴弹奏等方式进行和声教学,学习方法过于单一、枯燥。因此,教师应在和声教学中,从心理学角度出发,在传统音乐教学基础上,将教育心理学理论作为重要教学指导原则,创新教学方法。利用电脑及多媒体等先进教学设备和技术,将声谱投影在大屏幕前,同时运用音乐制作软件做好四部和声音响,并通过不同乐器组合进行演奏,以此激发学生的学习兴趣,让学生在感性认识和逻辑思维的运转下,将感性直觉升华到理性思维高度。 六、结语 和声教师要将音乐教育心理学有效应用于和声教学中,就需要在具备一定音乐教学能力的基础上,了解学生以及自身心理特征,并以此为依据,根据音乐教育心理学理论对音乐教学活动进行不断改进,通过引导学生掌握和声的学习方法、差异性教学,以及利用多媒体技术丰富和声教学的方式,提升和声课堂教学质量。 作者:刘敏 单位:伊犁师范学院 新疆哈萨克文化与民族现代化研究中心 音乐教育心理学论文:音乐教育心理学的实践课程革新 从学科性质上看,音乐教育心理学是介于音乐学与教育心理学之间的一门交叉学科,既是心理学的一个分支,又是音乐学的一个部门。具体来讲,音乐教育心理学是研究音乐与人类教育、心理的关系、人类的音乐反应及行为的科学。它包括人的听觉对音高、音值、音色、音强、调式、调性、协和与不协和音以及稳定与不稳定音的反应,包括对乐曲整体艺术结构的感知。还包括音乐的心理功能,即音乐对人身心的调节,对人的情感、智力的作用;环境音乐对人生产效率的调节;音乐对疾病的治疗;音乐创作过程的动机与心理动态;创作的心理规律与灵感;音乐表演再创造的心理特征;欣赏者在欣赏过程中各种心理因素的综合作用,以及不同欣赏客体、不同欣赏主体、不同欣赏场合在心理现象上的规律等。此外,还包括音乐才能的研究与测试,建构音乐人才最佳心理结构的社会环境、家庭环境、教育条件、群体力量等许多内容。 20世纪上半叶,我国音乐教育心理学研究声音与人的教育关系、音响与人的心理关系等问题,以此作为音乐教育心理学的研究对象。而现在一般将音乐教育心理学学科与音响心理学作为既独立又有联系、既互相交叉又有区别的学科来对待。《音乐教育心理学》是一篇以音乐教育心理学的学科概念为名发表的学术论文,阐明了音乐教育心理学的研究对象和学科的性质,并将20世纪上半叶我国音乐教育心理学的研究成果归纳为五个基本方面:(1)以音乐音响学与教育心理学的研究为基础,把音乐的基本要素与人的听觉感受对应起来加以实验和研究;(2)从审美的需要出发,对音乐欣赏的心理研究。这是音乐教育心理学最基本的课题之一,许多音乐教育家和心理学家从不同的角度运用不同的方法进行实验和研究;(3)从对音乐欣赏心理的研究发展到对音乐创作心理进行研究;(4)关于音乐表演的心理学方面的研究;(5)关于音乐才能的研究,这是音乐心理学研究的又一重要课题。 20世纪下半叶,在我国音乐教育心理学研究中,音乐教育心理学的元理论研究是十分突出的。《音乐心理学基础》这本书,是目前国内第一本以音乐教育心理学元理论为研究对象的专著。这本书的内容主要包括:人对音乐的认识、情感过程,人的个性特征,人的才能和音乐学习,以及音乐与人的关系;涉及音乐的特性、音乐的要素、声音和听觉、神经和大脑、嗓音和歌唱、空间和时间、记忆和注意、意象和想象、出神和联觉、情感和审美、兴趣和意志、气质和性格、音乐才能诸问题、音乐学习等方面,描绘出当前音乐教育心理学的学科发展的基本面貌。虽然本书涉及的音乐教育心理学问题比较广泛,但只是做了一般性的知识描述,还缺乏与音乐本体的对应性研究和实证性的研究。在这本书里,作者给音乐教育心理学的研究对象和研究方法的独特定位,标志着我国音乐教育心理学的学科的研究已经逐步走向成熟。作者围绕着音乐教育心理学的研究对象,展开了对音乐教育心理学的各个方面、各个环节的探索。 20世纪50年代以来,我国音乐教育心理学研究状况总结如下:由原来的状况逐步转向音乐心理学、音乐教育学与音乐美学的结合,促进了音乐教育式音乐心理学和音乐美学的发展,并成为现代西方音乐美学的主要方向;音乐教育心理学也涉及到音乐社会学,二者的结合开辟了音乐社会心理学的新领域;音乐心理学与音乐教育学的结合,建立了音乐教育心理学这一新生的学科。作为一门基础学科,音乐教育心理学还把参与民族音乐学的研究、参与为人们提供舒适环境的生活音乐的研究、参与以调剂精神为目的的研究、消除疲劳的研究、提高劳动生产率的生产性音乐的研究、参与利用音乐所具有的心理效果、医治某些精神病症和异常心理的音乐治疗学的研究等方面作为应用部门。20世纪50年代以来,我国注重音乐心理学理论与音乐教育学的研究,提出许多音乐教育心理学的研究课题,拓展了音乐教育心理学的研究领域,而且在音乐教育心理学与其他音乐学科的内在联系等方面也做了科学的理论分析。这是一段具有理论价值和指导意义的音乐教育心理学研究和发展的重要时期。 当前,应该比较多地给予学生触及身心的教育。教师应该努力让现在的教育理念和学生的实践行为相互密切关联。学习心理学的学生都知道心理学的原理和教育学的原理,但就是无法用这些理论去指导自己的实践,正确的做法应该是学会审视自己。音乐教育学与音乐心理学的研究方法论中缺乏的是实证方法论。掌握良好的方法对学科的研究是很重要的。科学的实证的方法虽然不是唯一的方法,却是很重要的方法。在以往的音乐心理学与教育学的研究中,这方面是比较欠缺的,这就需要教育部门加强艺术实践课程的改革,强调在实践当中增长知识。在上音乐教育心理学这门课时,要完全改变以前传统的讲授形式,让学生在老师的指导下学会查阅各种资料,总结规律;再把每个章节的知识做成电脑课件给同学讲出来,教师要给予批评和指导。在讲述的过程中,老师给学生提出问题,然后再指导,并一起探讨问题。这种教学方式会使学生在学习的过程中充分发挥主观能动性,动手、动脑、动口,这不仅让学生学到了专业知识,同时锻炼了学生的心理素质;既培养了学生探究性的思维能力,又能够有效地提高学生的语言组织能力和语言表达能力。 众所周知,一门学科的健康发展是离不开理论与实践相结合这重要一环的。因为,理论的研究是这门学科发展的基础,失去了这个基础,就谈不上学科的成熟。基础理论是要通过实践来检验正确与否的,所以,在许多音乐教育学和音乐心理学研究者的不断努力和探索下,将我国音乐教育学与音乐心理学的理论建设推向了一个前所未有的研究高度,奠定了音乐教育心理学的学科发展的基础,初步构建起音乐教育心理学的学科体系,这是值得肯定的。然而,如何在这个研究基础上将音乐教育学与音乐心理学这两门学科研究更深入地进行下去,还需要广大音乐心理学家和音乐教育家艰苦的努力才能够完成。 音乐教育心理学论文:儿童音乐教育心理学改进策略 摘要:音乐心理属于人大脑中的一种特殊身体机能,将客观的音乐事实通过大脑主观反映出来。音乐心理学对于教育教学的发展具有促进作用。本文首先对音乐心理学进行了概述,其次探讨了音乐心理学在儿童教育中的应用,再次针对儿童的心理特点,给出了针对性的儿童音乐教学改进策略,最后进行了全文总结。 关键词:音乐心理学;儿童音乐教育;改进策略 一、音乐心理学概述 音乐心理现象是人们在音乐活动中较为熟悉的音乐现象,每个音乐活动参与者都能够获得亲身体验与经历。音乐心理本质及其发展不同于其他心理现象,音乐心理现象依托于人类心理学,属于人类心理不断发展过程中,到特殊阶段的产物,属于一种较为特殊的心理现象。音乐心理基于一般心理现象,在音乐意识产生、发生与发展的过程中,不断进化。音乐心理并非与生俱来,需要在实际的音乐活动与教育中,在大脑不断完善的过程中,慢慢形成具有个性特点的音乐意识和心理过程。成长阶段不断的学习与接受的过程,也是音乐心理形成的过程。从婴幼儿时期到成年再到老年,经历了发生、发展与衰退的整个过程。 二、音乐心理学在儿童教育中的应用 (一)儿童音乐接受能力的发展 提升音乐听力是提升儿童音乐接受能力的基础与前提,相对来说是最为重要的部分。部分儿童不能把音唱准,大多数人会从唱的方面找原因,认为是五音不全,其实应该是儿童听觉方面的问题。生理研究表明,12岁之前人的听力能够在合理培养下提升。因此需要在儿童阶段重视对儿童的听力培养,奠定音乐能力发展的基础,儿童音乐听觉能力包括:音乐要素听辨能力、整体音乐形象听辨能力以及内心音乐听觉能力这三个部分。音乐要素听辨能力包括节奏、旋律、和声与音色等。听觉能力需要循序渐进、慢慢培养。对音乐要素的听辨是提升音乐能力的基础。整体音乐形象听辨能力包括三个方面:一是把握音乐情绪,领悟音乐内涵。这种听辨力需要基于音乐要素听辨能力而发展;二是曲式结构的听辨力。曲式结构是分析音乐层次、条理、章节的关键;三是音乐体裁听辨力。如舞曲、进行曲、交响诗等体裁的听辨。内心音乐听觉能力也叫做内心听觉想象能力,基于此获得音乐体验。儿童音乐教学,需要契合儿童音乐接受的心理特点展开,依托音乐音响,在音乐活动中提升儿童的音乐听力。 (二)在音乐教学中培养儿童审美能力 音乐是一门艺术,它能让人体验美、感受美和创造美,且能愉悦身心。儿童音乐教学主要是培养儿童的音乐欣赏能力,及音响的感受与辨别能力,且深化儿童的情感体验,培养儿童注意力、记忆力和审美能力。音乐教学包括这几个部分:一是音乐乐曲欣赏。其主要教学目的是培养儿童的音响辨别能力(节奏、力度、音高、音色等)及感受能力。另外,还培养儿童的创造力。二是歌曲演唱。运用发音器官,表达与再现歌曲的音调、节奏与旋律能力的培养,以及演唱技巧的掌握、歌曲内涵的把握等。三是乐器演奏教学。主要是乐器演奏技巧的教学。四是乐理知识教学。乐理知识学习包括音乐知识、音乐概念、五线谱识别、音乐简谱学习等,掌握识谱、用谱的技巧,为今后独立学唱、演奏歌曲奠定基础。 三、基于儿童心理特点改进音乐教育策略 (一)践行以人为本,促进儿童自主参与 儿童音乐教学,应该凸显出儿童的主体地位。在实际的音乐教学过程中,将儿童作为教学的主体,基于儿童的认知水平、身心发展规律,以儿童发展为导向,实施多元化、针对性、开放式的儿童音乐教学模式,以此促进儿童自主参与、发散思维、互动合作,在儿童真正的自主学习实践中,强化学习能力,掌握音乐知识、技能与方法,提升音乐素养。 (二)结合舞蹈元素,提升儿童学习兴趣 音乐与舞蹈本是一体,音乐是舞蹈的灵魂,舞蹈是音乐的外在表现形式。若想要儿童更加深刻的学习、领悟音乐,更好的创造音乐,那么可以将音乐与舞蹈结合起来展开综合学习。儿童年龄小,活泼好动,可塑性强,将音乐教学与律动表演结合起来,激发儿童的创造力、想象力,在创造性表演中,诠释幼儿对音乐的理解,如此能够提升儿童的学习兴趣,也能强化儿童综合能力。 (三)运用技术手段,创设丰富教学情境 技术的快速发展和进步给与教育工作很多便利。音乐教学中,可以运用多媒体设备等创设教学情境,让学生置身其中,感受音乐的律动和魅力。如《春天在哪里》歌曲的教学,播放繁花似锦的春天幻灯片,及叽叽喳喳鸟语花香的音乐录音,让儿童感受鲜活的生命和真实的春天气息。如此,在置身其间中,儿童加深了对歌曲的感悟。 (四)培养创造思维,强化儿童音乐素养 音乐是一门艺术学科,在感受、体验和创造音乐时,能够激活人的思维,让人在想象和联想中发现美和创造美。音乐心理学理念为,基于儿童的音乐心理发展特点,需要在儿童阶段重视对儿童创造力的培养,从这些方面出发:一是培养儿童的创造兴趣。兴趣是儿童想象力和创造力提升的前提,兴趣不能凭空产生,需要依托一定的环境、内容而产生。由此需要基于儿童音乐心理特点,营造和谐的环境,组织趣味活动,给与儿童创造的时间与空间,让儿童在兴趣导向下,思维自由发散,获得创造成功的愉悦感。二是强化儿童创造性思维。需要将儿童的抽象思维与形象思维结合起来,还需要重视对儿童直觉思维、求异思维、发散思维等思维的培养,运用开放式、活动式、自主探究式的教学方法,促进儿童个性发展,培养儿童创造性思维。三是创造性表现力的培养。儿童创造力培养以后,还需要儿童能够将其表现出来,如此才能体现出创造性的作用。音乐新课标中也重点提出了“表现”这一项内容,在音乐表现中凸显出儿童的创造性。包括这些内容:创造意识、独特个性、合作能力、知识基础、协调能力等。知识与技能是创造性表现能力提升的基础,如此需要引导儿童重视知识与技能学习,加大力度培养儿童创造性。 四、结语 结合文章叙述了解到,音乐心理是后天形成的,且可以培养。儿童音乐教学中,需要基于儿童音乐心理特点及其发展规律,采取科学、合理的音乐教育策略,通过融入多学科元素,践行以儿童为本,借助先进的技术手段,重视对儿童创造性思维与能力的培养,以此在音乐教育中,真正实现感染人、培养人和塑造人的目标,实现音乐教育价值的最大化,为儿童今后的发展奠定基础。 作者:王悦 单位:北京师范大学艺术与传媒学院 音乐教育心理学论文:音乐教育心理学视野下歌唱教学 声乐,是以唱歌中的人体作为乐器,以其心理活动为基本要素的一种艺术形态。声乐教学不同于其他学科,声乐艺术的质量,不仅仅受老师教学水平的影响,更主要取决于学习者自身的生理、心理等方面。这几个方面训练效果的好坏,以及它们之间相互协调配合的程度,直接影响了演唱者的状态。声乐学习和演唱中总是充满着复杂、艰难与抽象,演唱者时刻都会产生各种各样的心理现象.并影响着声乐艺术的呈现。有经验的教师,往往会把心理学的知识用到教学中,对学生的性格、音乐基础、学习环境,条件等细致了解后,选择适当的教材和教学方法教学。这不仅能提高教师的教学质量,更加能让演唱者发挥更好的水平。本文从学生心理因素和歌唱影响因素两个方面,简要探讨音乐教育心理学在声乐教学中的运用,对学生形成养成良好的歌唱心理状态的帮助。 一、针对不同学生,实施个性教学 在声乐演唱教学中,首先要了解学习者的心理特征、对音乐知识掌握、自身技能的程度,从而运用不同的教学方式,最大可能的挖掘出不同学生的最高水平。 (一)学习心态中的心理学 根据我自身多年的学习和教学经验,发现学生的学习心理状态,是随其声乐学习进程和所处的环境而不断变化的。学生刚开始接触时,并不了解学科的困难,因此,一般呈现出乐观、积极、向往的学习状态。经过初步的学习以及多次练习,学习者体会到的声音及歌唱感觉的多变性,加上缺少实践经验,使得大家会在唱法上做各种尝试,对声音的追求处于摸索阶段。当再进一步学习时,或多或少的发声和演唱方法,会促使学习者在否定与肯定交错中不断得到提高。可是由于声乐所具有的复杂性,随着学习的深入,遇到困难、停滞不前,甚至退步都可能。但在这基础上继续研究学习,一次本质上的提高就会产生。但不久之后可能又遇到新的困难……这种循环往复的状态,就是学生学习进步的过程。在这样不定的学习进程中,学生很容易对自己学习能力产生怀疑,失去学习的信心,甚至会半途而废。因此,教师必须把握好学生思想技术上的变化规律,通过观察和分析,准确的了解学生的心理状态,实施个性教学。帮助学生跨过瓶颈期,取得进一步提升。而不是一味的批评学生,导致学生是去学习的动力。 (二)知识及技术运用中的心理学 学生在学习过程中如有明确的学习目标、有坚定意志不断的推动,其积极的情绪和心理状态就会促进知识和技术的学习。我们在生活中听到音乐会或电视节目中优美歌唱时,不禁会跟着哼唱起来;在平时的学习中,听到其它演唱者好的声音状态,即使自己状态不佳,也可能跟随他人的状态唱出优美的歌声。因此,声乐老师在教学中应当不断激发学习者的积极状态,引导学生对美好的声音和形象进行想象,用丰富的情感来分析歌曲,使学生在歌唱中形成画面感并融入其中。以此来培养和丰富学生的想象力从而引起学生歌唱的欲望,产生共同歌唱共鸣。让歌者更好的发挥出自身水准,展现出最佳的演唱状态。不同的学习者有着不同的心理状态,运用合适的音乐教育心理学的知识帮助学习者调整状态,这样才有利于歌者对作品的理解以及对演唱技术的运用。 二、激发学生健康的演唱状态 演唱者的情绪在歌唱中往往是最关键的。我们在学习中常常会发现,如果今天情绪不佳,状态不好,那么演唱效果也不佳。没有激情,歌曲高音常常唱不上去。情感上没有变化,歌曲唱出来就没有生机,极其死板。歌唱自己感兴趣的作品往往表现的会比兴趣不高的作品要好得多。这一系列情况都表明:成功的演唱不单单依靠演唱者个体的生理机能,良好的心理状态和情感支配下的二度创作对歌曲的完美表现同样重要。将枯燥的音乐符号语言转化成丰富的歌唱表演形式,才是演唱的最佳状态。因而,声乐教师们不仅要教会学生们演唱技巧和方法,更要重视学生心理素质的培养,帮助学生激发最佳的演唱状态。然而,在演唱过程中心理失衡也时常有的事情,最为多见的就是紧张心理。歌唱技巧不成熟、缺乏自信,实践经验不足,方法不当,老师的教学方法与态度、自身的健康状况等等,都是演唱者心理紧张的直接因素,从而导致演唱者表演失常。这样一来,自然放松的良好的心理状态就显得极为重要: (一)反复练习,让良好状态成为习惯 在演唱时,我们常常会想歌曲的处理,吐字及发声位置。希望自己能达到好的状态。而这样的行为就会导致紧张的心理形成。如果我们在平时的不断训练中,不断反复练习,记忆性学习,使得自己的发声乐器有一定的习惯性行为,久而久之让这样的状态形成一种习惯。这样在演唱时,我们就可以自如的将平时的良好演唱状态运用其中 (二)培养兴趣,集中注意力 兴趣是人们学习的最大动力,选择自己感兴趣的音乐作品,或培养自己对多种形式音乐作品的兴趣则会促进自己对音乐作品的理解。从而最大化的调动自己的身体机能,以最高的热情投入到声乐演唱中。不仅使得演唱者状态良好,教师教学的成就感也会在这当中自然生成。从而促进教师投入更大热情在教学中。如此良性循环,会不断推进演唱者的进步。在声乐教学中,学生的注意力也十分重要。时刻用眼睛、耳朵,甚至全身的感知能力去跟随教师教学的进度。及时改正自己演唱时的误区,纠正不完善的发音和不到位的情感表达。不断提升自己,帮助自己时刻保持良好状态歌唱。运用科学的声乐方法训练与教学,让学习者的技术训练在良好的心理状态下进行,从而稳定状态,集中精力,愉悦身心,完美呈现。实践证明,娴熟的技术和充分的准备有利于歌者心理的稳定性,而良好的心理状态才能促使歌唱者在演出时正常甚至超常发挥自身演唱水平。科学合理的将音乐教育心理学运用到声乐教学中,不仅提高了教师的教学水平,教学质量,也为学生学习声乐培养良好的心理状态,进而提高学生的声乐技能,和演唱水平,也必然对声乐艺术的发展起到促进作用。 作者:张璐 单位:南通大学 音乐教育心理学论文:浅论音乐教育心理学 音乐教育心理学是一门新兴的、交叉的学科。它是音乐教育学与音乐心理学发展到一定阶段,相互渗透的产物。它既汲取了与音乐学相关的诸学科的丰硕研究成果,又受到教育学与心理学深入发展的影响,并在学科的构建中确立了自己的研究对象、范围与目的,使之既具有一定的整合性,又有相应的独立品格。 一、研究对象与范围 音乐教育心理学研究的对象是音乐教育行为中的心理现象及其发展规律。它既包括音乐教育活动中的教师与学生的心理结构的研究,亦内含教与学行为中相互作用的心理规律。正如曹理教授强调的:“音乐教育心理学,既不是简单地应用心理科学的理论知识来解释或说明音乐教育教学现象,也不是把音乐教育和教学过程当作心理活动的一般过程,而是要揭示在音乐教育教学情境中,学生的外部信息和内部信息的交换过程和师生交互作用中所引起的机能系统的变化与控制的规律。”笔者认为这种注重内外交换与师生交互作用的研究思路显示了国内音乐教育心理学研究的新动向。 音乐教育心理学作为音乐教育学与音乐心理学的交叉学科,与教育学和心理学既有内在的联系,又有一定的区别。与音乐教育学相比,它研究形成外在教育形态的心理基础,与主客体相关的人的心理现象,分析各种教育现象中深层的心理规律。与音乐心理学相比,它关注的是和音乐教育相关的心理过程,音乐传承、传授、教学与学习的心理规律,尤其是音乐教育情境中人类的心理与行为的特征。音乐能力的诱发、培养、发展,音乐人才的培育亦是其研究的重要方面。音乐心理学研究的成果对音乐教育心理的研究有重要的参照作用,但不能代替与等同它的研究。 音乐教育心理学研究的范围应包括:对学科性质、研究对象和目的的分析及研究方法的介绍。对中外音乐教育心理学研究史的回顾与评价。对音乐学习、教师与教学的心理研究,如从发展心理学角度,研究学生在不同年龄发展阶段音乐学习心理的特征;从音乐感受能力的层面分析学习者对音乐各要素的感知能力的培养;探索音乐反应与审美意识建构的关系;音乐技能训练的心理规律等。再如音乐教师心理结构的分析、差异与建构,教师的听赏能力与技能的研究、发展的规律,音乐教学法的心理学分析和课程设置的心理学依据,音乐教学成果的测试与评估等。 二、研究目的 音乐教育心理学研究的目的在于:一是人类自身发展的需要。任何一种学科的创建与发展,其存在的合理性与价值和人类的基本需要或特定需求是密切相关的,与人类发展的总体目标是一致的。二是民族发展的需要。众所周知,21世纪的竞争是人才资源的竞争,高素质人才的培养在于教育。音乐教育心理学的研究,对音乐教育改革的深化、对音乐人才与师资的培养,对音乐生活的健康发展都有重要意义,它对民族的振兴作用亦不言而喻了。三是音乐教育学科建设的需要。音乐教育心理学的发展和繁荣,体现了音乐教育的研究由表及里、逐步深化,从现象的描述进入深层的剖析。心理学的实证研究方法使教育学的研究更准确、规范,更具科学品格。比如,对学生能力的评估,仅依据课堂表现和考试成绩,是不准确和不充分的。通过音乐心理学制定的系列音乐能力测试,对其音乐能力的结构会有较全面的把握。 三、研究方法 音乐教育心理学研究的方法基本上依循心理学的几种主要方法,如测量法、实验法、观察法、调查法、个案法。 1.测量法。以测量的方法来分析人的各种心理特征均属于此方法。如智力测验、能力测验、情绪测验等。按测量的方法分类,有个人测验与团体测验之别;以测量的素材划分有文字测量与非文字测验的不同。在音乐教育心理学研究中一系列音乐能力和音乐成就测试都属于该类型。 2.实验法。可分为实验室试验法与自然实验法两种。实验室实验法是在具有与研究目的相关的设备和条件的实验室中进行,研究者根据研究课题对被试者在严格的条件下进行观察得出较精确的结果。如通过实验室录制的歌唱家演出录谱与原谱对照,分析歌词中最佳的振动音在音高、音强和音色上的处理。自然实验法是在日常活动中进行的试验,研究者可依照研究目的对被试者的实验条件进行必要的控制和变化来获取结果。 3.观察法。观察法分为客观观察法和自我观察法。前者是在自然的条件下,对被试者的行为进行有目的、有步骤地系统贯彻,以便掌握研究对象的心理状态和活动规律。自我观察法是研究者对自己的心理活动、内在体验进行观察、分析和反思的一种方法。 4.调查法。调查法是通过当面的对话与书面的问卷,搜集被调查者的有关资料,从而掌握其心理活动的方法。调查法可以分为谈话法和问卷调查法。 5.个案法。是研究者对一个或几个研究对象进行长期的、全面的、系统的分析和追踪研究。 由此可见,音乐教育心理学已开始成为一些高师培养新型师资的必修课,也是在职教师继续提高的研讨学科。 音乐教育心理学论文:浅谈音乐教育心理学在儿童音乐教育中的重要性 摘要:音乐教育心理学是一门交叉性学科,其心理现象直接影响着儿童音乐教学的质量。笔者结合自身在儿童音乐教育中的实践阐明音乐教育心理学知识的重要性,音乐教师只有把科学的教育心理原则应用到音乐教学之中去,音乐教学质量才能得以保证。 关键词:音乐教育心理学;儿童音乐教育;重要性;应用 20世纪80年代以来,有关音乐教育心理学的研究已经成为不断升温的热门课题,越来越多的音乐教育工作者加入到了这个研究领域中,在这种新形势下也涌现出了许多新问题值得我们去思考和解决。例如:当儿童参与各种音乐教学活动时,他们如何思维?什么类型的教学对他们最为合适?如何使音乐教学适合儿童的年龄特征?这些问题的答案,只有当音乐教师充分掌握了解音乐教育心理学方面的一定知识,并加以充分学习利用这些科学的问题,才能真正地了解自己,才能把这些科学的教育心理理论运用到儿童音乐教育实践中,不断地提高音乐教学技巧,使音乐教育符合儿童的发展特征。 一、音乐教育心理学在儿童音乐教育中的重要作用 在音乐教育的实践中,我们深深地感到一些值得考虑的问题:如何唤起儿童对音乐的兴趣?怎样培养儿童的创造力?在音乐教学中如何掌握儿童的一般心理特征和心理的个别差异?所有这些问题,都涉及到音乐教育心理学的问题。因此,要当一名合格的音乐教师,仅仅掌握音乐知识、音乐理论和音乐技巧是不够的,正如英国哲学家洛克所说的:“当你教一个学生时,你真正教的,并必须与之接触的东西,是学生的心理。” (一)在音乐教学中启发儿童的学习兴趣 兴趣,就是人们力求认识某种事物或爱好某种活动的倾向。爱因斯坦曾经说过:“我认为,对一切来说,只有热爱才是最好的老师,他远远超过责任感。” 对于儿童来说,兴趣的培养则更显重要。儿童的心理发育尚不完全。他的认知和思维能力有限,不可能对某一事物做出理性的判断。虽然他们的好奇心很强,但如果不能及时将好奇心转化为对音乐的浓厚兴趣,久而久之必然对音乐学习产生厌恶情绪。那么儿童对怎样的音乐会产生兴趣呢?一般来说,儿童最容易接受生动活泼、感染力强和富有情趣的事物,老师在教学中应采取启发、诱导、激励的方法培养和加深他们对音乐的兴趣。比如,儿童喜欢形象思维,教师在示范前最好用形象的语言或用童话故事的形式,将乐曲的内容、情境讲给孩子;在教授学生视唱时,学生对新出现的附点节奏和休止弱起节奏不容易掌握,教师就可以黑板上写出节奏型,让学生拍着手做节奏游戏,这样既能引起学生的极大兴趣,课堂气氛也会活跃起来,待学生掌握后再回到视唱练习中,节奏的问题也就解决了。另外,根据他们爱表现、喜欢得到赞扬的特点,音乐老师尽可能的多让他们看一些音乐会视频、观看实际演出,经常举办一些小型音乐会,让孩子们互相观摩、互相找差距,这样既能锻炼他们的表演能力,又能让他们产生竞争意识。通过上述列举的方法,孩子们会逐渐对音乐产生浓厚兴趣,并能自觉地完成教师布置的学习任务,同时还会产生较强的自信心,从而对音乐更感兴趣。 (二)在音乐教学中集中儿童的注意力 注意是一切认识过程的开端,学生只有注意听教师的讲课,才能学到知识。心理学的实验表明,人的注意力是不会持久的。特别是对儿童来说,他们的注意力更是每时每刻都会被转移、理解教师的指令有困难。即使当他们知道要做什么的时候,那些注意力不集中的学生仍然无法平静下来做事。 要使学生的注意力整节课都保持集中是件很难的事情,但经过教师的努力也是可以做到的。一般来说,前半节课学生的注意力比较集中,教师应抓紧这段时间,把新课内容和较难理解的内容安排在这段时间,后半节课用来复习、巩固或进行唱歌练习。目前,儿童的音乐教学多采用综合课教学,这对于集中学生的注意力也是很有好处的,避免了单一课的枯燥乏味。有时,由于教师的授课枯燥乏味,也会使学生的注意力不能集中,既使强打精神,也不行。这种情况下,音乐教师就需要改进教学方法。 (三)在音乐教学中启发儿童的创造性思维 音乐教师的责任是向孩子讲授音乐知识,发展他们的形象思维能力,培养学生对音乐的感受力和鉴赏力。而儿童学习音乐的目的也不仅仅在于学习音乐本身,要重要的是通过学习音乐,使孩子的记忆、协调和集中注意的能力得到发展,使孩子全面发展,成为具有高度文化素养的人,为今后的学习和工作打下一个良好的素质基础。在音乐教学中有意识地去启发儿童的创造性思维,不仅可以提高儿童对音乐的理解力,还能通过丰富想象力充分理解音乐内涵,提高音乐感、节律感等音乐素质。为了充分发挥幼儿的创造性思维,作为教师本身也应充分发挥创造性思维,用一些直观、生动、形象的手段,充分调动学生的感官,激发他们的创造性。例如可以制作一些形象的教具,以游戏的形式让孩子们自己去认识各种节奏谱;通过一些画面介绍音乐内容,使学生通过视觉配合听觉来感受音乐形象;反之,让学生通过听音乐产生联想,让学生将其感受到的音乐形象画出来,也是启发学生创造性思维的好方法。总之,让学生充分感受音乐再充分表现音乐,激发学生用创造性思维方法学习音乐,可以起到事半功倍的作用。 (四)音乐教学中学生的心理个别差异 人的心理个别差异,是人们在各自不同的素质基础上,在各自不同的社会物质生活、文化教育环境中,接受不尽相同的影响,从事不尽相同社会实践活动的结果。我们在教儿童学习音乐的时候,往往会遇到这样的现象:有的学生学习能力很快,有的学生却很难教会,其实这是很正常的,正如世界上没有两片相同的树叶一样,每个儿童的认知、心理、能力都是不同的,因此,我们只有分析儿童的心理个别差异,提出改变和发展这些特点的教育措施,才能取得良好的教学效果。学生的心理个别差异主要表现在以下三个方面: 第一,能力方面的差异。一个具有音乐才能的人,他必须具备三方面的基本能力,即:曲调感、听觉表象能力和节奏感。对于儿童来说,很少有人同时具备这三种能力,一般都是在某一方面比较突出。多数学生的曲调感和节奏感较好,而听觉表象能力较差。有时,我们还会遇到这样一些学生,他们似乎没有任何音乐方面的才能,连他们自己也认为没有“音乐细胞”。对于这类学生,我们首先要解除他们的思想包袱,去掉自卑感,并且注意观察,发现他们在音乐方面的“闪光点”,及时给予表扬、鼓励,激发他们对音乐的兴趣和自信心。 策二,素质方面的差异。素质是指人们生来具有的解剖生理方面的特点,它是能力形成、发展的自然前提。例如:有些乐器对于学生手指的要求是非常严格的,而声带的条件则是一个学声乐的学生的必要前提。生理是心理的基础,生理的变化,会引起心理的变化。老师应从生理学与心理学的角度,根据学生的物质基础和心理特征,预测他们的音乐前途,为学生 指出发展方向。 第三,性格方面的差异。性格是人的个性心理特征的重要方面,人的个性差异,首先表现在性格上。如:有的学生热情活泼,积极主动地回答教师的提问,而有的学生胆小、拘谨,回答问题时十分紧张。了解学生的性格,是做好因材施教的必要前提。如:有的学生好胜心强,喜欢出风头,积极回答教师的提问,但不求甚解。教师在提问的过程中,先肯定他学习的积极性,然后,适当指出他的问题所在,并要求他多用脑子思考,不能没考虑好就急着回答;有的男孩子脑子很聪明,但特别好动,上课时常不能集中注意力,有的女孩子性格内向,不爱吐露自己的观点,这时教师应给他们机会,让他们在公众场合下发表自己的看法。 二、儿童音乐教学的心理学应用 在现代音乐教学中,音乐教育家们更重视心理学原则的应用。一些音乐教育家们通过运用教学心理原则,创造了科学的音乐教学法,如奥尔夫、科达伊、铃木等。这些音乐教学法都是在传统的音乐教学法的基础上,以音乐教育心理学理论为指导,得以形成、确立并发展,几乎所有的著名音乐教学法都与心理学不无关系。 德国著名音乐教育家奥尔夫所创立的元素性教学法在国际上影响较大。元素性音乐教学法表现出奥尔夫较全面而深刻地了解音乐教学方面的心理因素。他之所以提倡音乐与语言、舞蹈、乐器等紧密相结合,这是因为如此做法可以启发并引导学生用尽所有的人体感官,而不只是听觉器官或言语器官,还包括其它感官(视觉器官或触觉器官)一同参与音乐的学习,使之对音乐音响有更全面而深刻的声音表象。正如奥尔夫指出的“元素性音乐绝不仅仅是指音乐本身,它是同动作、舞蹈和语言联系在一起的。它是一种必须由人们自己参与创造的音乐。人们不是作为听众,而是作为表演者参与到音乐中去。”“让孩子自己去寻找,自己去创造音乐。”体现出奥尔夫从心理学的角度思考问题,应用音乐教育心理学的原理充分培养人的创造性的一种充满活力的教学法:比如,相同的一个节奏型或一段旋律,根据个人的不同感受演化成各种不同的动作表现,强调并鼓励哪怕是细微的与众不同之处,让学生全身心地投入音乐创造学习,其效果更加突出。 匈牙利音乐教育家柯达伊根据儿童心理特点,在他的音乐教学中突出应用移动性节奏,通过步行和跑步使儿童认识理解四分音符与八分音符的区别,让儿童逐步理解不同音符的时值长度。在音准训练方面,他应用了七种不同的手势来表示七个不同的音高,这种手势能使学生产生一定相应的音高知觉。柯达伊音高手势的心理学特点在于,学生根据视觉可获悉手的空间方位,并通过通感联想到相应的音高,这是运用视觉与听觉的通感联系进行音乐教学的具体体现。 日本铃木教学法也是以心理学原则为基础,除了“祖国语言教法”以外,他的提琴教程独具特色,传统的提琴教科书是从没有升降号的枯燥练习曲开始,而他的教程首先从三个升号的乐曲开始,之所以这样做,是基于儿童心理学的原则:儿童的中指与无名指自然地较为靠近,三个升号的曲调恰好最适应这一自然的手型,这是以儿童心理条件为基础,而避免在生理条件达不到的情况下而分散学生的音乐注意力。铃木还经常强调要让学生聆听高水平演奏家的一些录音,以优秀的音响效果来影响孩子,这样孩子们可获得良好的声音直觉和表象。 三、总结 在当今科技、文化高度发展的时代,音乐教育心理学这门新的学科业已形成,并逐渐趋于完善。在儿童音乐教育中,我们除了要求教师要具备一定的音乐技巧外,更重要的则是需要教师具备一定的音乐教育心理学知识,了解学生,为学生设想,发挥教师的主导作用。同时,掌握学生的心理发展规律,借鉴科学的音乐教育法,把心理原则应用到音乐教学之中去,这样不仅有利于提高音乐教学质量,也会推动我们以人文主义精神为本,以教育为重任的社会不断发展的动力。 音乐教育心理学论文:音乐教育心理学应加强艺术实践课程的改革 【内容摘要】音乐教育心理学是音乐学、教育心理学与音响物理学交叉的一门新兴学科,它研究音乐与人类心理、教育、行为的关系。20世纪以来,音乐教育心理学领域的研究取得了较大的成果。任何学科的健康发展,都离不开理论与实践相结合的重要一环。在当前的教育背景下,应该加强艺术的实践课程。 【关键词】音乐教育心理学 音乐学 心理学 艺术实践 从学科性质上看,音乐教育心理学是介于音乐学与教育心理学之间的一门交叉学科,既是心理学的一个分支,又是音乐学的一个部门。具体来讲,音乐教育心理学是研究音乐与人类教育、心理的关系、人类的音乐反应及行为的科学。它包括人的听觉对音高、音值、音色、音强、调式、调性、协和与不协和音以及稳定与不稳定音的反应,包括对乐曲整体艺术结构的感知。还包括音乐的心理功能,即音乐对人身心的调节,对人的情感、智力的作用;环境音乐对人生产效率的调节;音乐对疾病的治疗;音乐创作过程的动机与心理动态;创作的心理规律与灵感;音乐表演再创造的心理特征;欣赏者在欣赏过程中各种心理因素的综合作用,以及不同欣赏客体、不同欣赏主体、不同欣赏场合在心理现象上的规律等。此外,还包括音乐才能的研究与测试,建构音乐人才最佳心理结构的社会环境、家庭环境、教育条件、群体力量等许多内容。 20世纪上半叶,我国音乐教育心理学研究声音与人的教育关系、音响与人的心理关系等问题,以此作为音乐教育心理学的研究对象。而现在一般将音乐教育心理学学科与音响心理学作为既独立又有联系、既互相交叉又有区别的学科来对待。《音乐教育心理学》是一篇以音乐教育心理学的学科概念为名发表的学术论文,阐明了音乐教育心理学的研究对象和学科的性质,并将20世纪上半叶我国音乐教育心理学的研究成果归纳为五个基本方面:(1)以音乐音响学与教育心理学的研究为基础,把音乐的基本要素与人的听觉感受对应起来加以实验和研究;(2)从审美的需要出发,对音乐欣赏的心理研究。这是音乐教育心理学最基本的课题之一,许多音乐教育家和心理学家从不同的角度运用不同的方法进行实验和研究;(3)从对音乐欣赏心理的研究发展到对音乐创作心理进行研究;(4)关于音乐表演的心理学方面的研究;(5)关于音乐才能的研究,这是音乐心理学研究的又一重要课题。 20世纪下半叶,在我国音乐教育心理学研究中,音乐教育心理学的元理论研究是十分突出的。《音乐心理学基础》这本书,是目前国内第一本以音乐教育心理学元理论为研究对象的专著。这本书的内容主要包括:人对音乐的认识、情感过程,人的个性特征,人的才能和音乐学习,以及音乐与人的关系;涉及音乐的特性、音乐的要素、声音和听觉、神经和大脑、嗓音和歌唱、空间和时间、记忆和注意、意象和想象、出神和联觉、情感和审美、兴趣和意志、气质和性格、音乐才能诸问题、音乐学习等方面,描绘出当前音乐教育心理学的学科发展的基本面貌。虽然本书涉及的音乐教育心理学问题比较广泛,但只是做了一般性的知识描述,还缺乏与音乐本体的对应性研究和实证性的研究。在这本书里,作者给音乐教育心理学的研究对象和研究方法的独特定位,标志着我国音乐教育心理学的学科的研究已经逐步走向成熟。作者围绕着音乐教育心理学的研究对象,展开了对音乐教育心理学的各个方面、各个环节的探索。 20世纪50年代以来,我国音乐教育心理学研究状况总结如下:由原来的状况逐步转向音乐心理学、音乐教育学与音乐美学的结合,促进了音乐教育式音乐心理学和音乐美学的发展,并成为现代西方音乐美学的主要方向;音乐教育心理学也涉及到音乐社会学,二者的结合开辟了音乐社会心理学的新领域;音乐心理学与音乐教育学的结合,建立了音乐教育心理学这一新生的学科。作为一门基础学科,音乐教育心理学还把参与民族音乐学的研究、参与为人们提供舒适环境的生活音乐的研究、参与以调剂精神为目的的研究、消除疲劳的研究、提高劳动生产率的生产性音乐的研究、参与利用音乐所具有的心理效果、医治某些精神病症和异常心理的音乐治疗学的研究等方面作为应用部门。20世纪50年代以来,我国注重音乐心理学理论与音乐教育学的研究,提出许多音乐教育心理学的研究课题,拓展了音乐教育心理学的研究领域,而且在音乐教育心理学与其他音乐学科的内在联系等方面也做了科学的理论分析。这是一段具有理论价值和指导意义的音乐教育心理学研究和发展的重要时期。 当前,应该比较多地给予学生触及身心的教育。教师应该努力让现在的教育理念和学生的实践行为相互密切关联。学习心理学的学生都知道心理学的原理和教育学的原理,但就是无法用这些理论去指导自己的实践,正确的做法应该是学会审视自己。音乐教育学与音乐心理学的研究方法论中缺乏的是实证方法论。掌握良好的方法对学科的研究是很重要的。科学的实证的方法虽然不是唯一的方法,却是很重要的方法。在以往的音乐心理学与教育学的研究中,这方面是比较欠缺的,这就需要教育部门加强艺术实践课程的改革,强调在实践当中增长知识。在上音乐教育心理学这门课时,要完全改变以前传统的讲授形式,让学生在老师的指导下学会查阅各种资料,总结规律;再把每个章节的知识做成电脑课件给同学讲出来,教师要给予批评和指导。在讲述的过程中,老师给学生提出问题,然后再指导,并一起探讨问题。这种教学方式会使学生在学习的过程中充分发挥主观能动性,动手、动脑、动口,这不仅让学生学到了专业知识,同时锻炼了学生的心理素质;既培养了学生探究性的思维能力,又能够有效地提高学生的语言组织能力和语言表达能力。 众所周知,一门学科的健康发展是离不开理论与实践相结合这重要一环的。因为,理论的研究是这门学科发展的基础,失去了这个基础,就谈不上学科的成熟。基础理论是要通过实践来检验正确与否的,所以,在许多音乐教育学和音乐心理学研究者的不断努力和探索下,将我国音乐教育学与音乐心理学的理论建设推向了一个前所未有的研究高度,奠定了音乐教育心理学的学科发展的基础,初步构建起音乐教育心理学的学科体系,这是值得肯定的。然而,如何在这个研究基础上将音乐教育学与音乐心理学这两门学科研究更深入地进行下去,还需要广大音乐心理学家和音乐教育家艰苦的努力才能够完成。 作者单位:哈尔滨师范大学音乐学院 音乐教育心理学论文:音乐教育心理学在幼儿钢琴教学中的价值探析 【摘 要】音乐教育心理学就是研究在音乐教学过程中老师和学生的心理现象以及发展规律的学科。幼儿由于其自身特点的影响,形成了特有的生理和心理特征,这些特征与幼儿的钢琴学习有着重要的联系。学习钢琴是一件长期的、枯燥的、辛苦的工作,在幼儿学习钢琴的过程中每一个音符、每一点成长都需要家长的积极参与和老师的精心培养。老师要因材施教,正确定位幼儿钢琴教学,才能提高教学质量,实现育人成才的教学目标。 【关键词】音乐教学心理学;幼儿钢琴教学 一、幼儿钢琴教学的现状 音乐属于情感教育,可以通过音乐教学培养幼儿的音乐情感,从而提高幼儿的音乐情商。有关调查表明,只有高情商的人才可能成为高智商的人。因此可以看出,音乐可以培养出高智商的人。随着我国经济的不断增长,人们的生活水平越来越好,加之市场经济的影响,望子成龙已成为现代家长普遍的教育心态。目前,钢琴热逐步在社会上兴起,幼儿钢琴教学也越来越受到社会各界的重视。但是从现有的幼儿钢琴教学定位来看,存在一定的偏差,主要表现在教学目的性太强。许多家长以及老师在培养幼儿时总以成为音乐家、钢琴家为目的,过分注重技巧的培养,而忽视了幼儿的审美与情感的开发,甚至让幼儿失去了本应该拥有的快乐童年。笔者在指教的过程中经常会发现幼儿在练习钢琴时的无奈与厌烦情绪,甚至会出现过激的厌学情绪,这样的钢琴教学质量可想而知。这些问题的出现进一步说明了无论是何种教育,都必须以育人为主要目的,切勿拔苗助长,好高骛远。 二、音乐教育心理学在幼儿钢琴教学中的重要性 新课改后,我国也进一步修订了钢琴教学教材,以适应更多年龄段的钢琴学习,体现了以人为主的音乐教学优秀。目前,我国的幼儿钢琴教材比较浅显易懂,适合幼儿年龄段的学习。教学中的技巧练习则融入到可以理解的曲调当中,结合耳熟能详的儿歌、民歌等,基本上满足了幼儿心理成长过程中的情感需求。但这仅仅是基本,要想进一步提升钢琴教学质量,进一步满足幼儿的心理需求,使其产生钢琴学习兴趣,最关键的还是教师的教学方法。音乐教育心理学以音乐教学中老师与学生的交互行为为研究对象,以音乐教学中的各种心理现象以及变化规律为主要研究内容,能进一步了解和掌握幼儿的心理活动。由于幼儿钢琴教学属于一项非常专业、非常特殊的学科,每一个幼儿的实际情况不尽相同,如果用统一的教学模式就不可能收到理想的教学效果。在幼儿钢琴教学中,通过运用音乐教育心理学可以全面掌握每一个幼儿的心理和生理特点,教师可以根据不同幼儿的不同特点,制定不同的教学计划,因材施教,教学效果才会事半功倍。由此可以看出,音乐教育心理学的运用在幼儿钢琴教学中非常重要。 三、音乐教育心理学在幼儿钢琴教学中的价值体现 (一)可以促进幼儿心理健康发展。音乐不但可以舒缓压力,也能陶冶情操,使人产生一种愉快的情感,而这种情感对于幼儿形成健康的心理有着重要的意义。音乐可以将人们最浓厚的情感展现出来,让人感受到一种无法形容的审美快感,给人以美的享受。在幼儿钢琴教学中,同样要让每一个幼儿感受到这种美感。在传统的应试教育体系下,沉重的文化课使学生压力倍增,而钢琴学习则为孩子带来了最快乐、最愉悦的时光。教师应利用情景教学模式,创设适当的情景模式,让学生充分参与,寓教于乐,让学生获得精神上的愉悦和美感,从而有效减轻学生的学习压力,提高学习效率,杜绝不良情感的产生,促进幼儿心理健康发展。 (二)可以培养幼儿的创造性思维能力。在教育心理学中,发展智力的优秀是培养学生的创造性思维能力。在幼儿钢琴教学中,运用音乐教育心理学激发幼儿的创造性思维,对于提高幼儿对音乐的理解以及幼儿智力的开发都有着重要的意义。在幼儿钢琴教学中,作为音乐教师必须发挥创造性思维,通过一些直观的、生动的、形象的教学手法,调动幼儿的感官,从而激发起创造性思维。老师经过正确的引导让幼儿在感受音乐之后能够主动地表现音乐,通过创造性思维学习音乐,学习效果必然事半功倍。 (三)有利于实现育琴育人的教学目标。教学的目的就是育人,同样,幼儿钢琴教学的目的也应该是“育人”,不应仅仅局限于“育琴”。作为音乐教师,也要进一步加强音乐教育心理学的理论学习,并将其很好地运用到实际教学当中,在发展个体的同时激发其创作能力,形成一种学习激情。这种激情不但有助于音乐学习,更是为其他学科的学习增添了更加强劲的动力,在提高教学质量的同时,促进了幼儿心理健康的发展。在幼儿钢琴教学中,只有调动幼儿的学习兴趣,才能实现教学目标。另外,还要培养幼儿坚强的毅力,遇到困难、克服困难的良好品质,帮助幼儿解决难题并完成各项音乐技巧的练习,充分利用音乐教育心理学,创设多种教学模式,实现钢琴教学目标。 作者简介: 朱 婕(1991-),女,山东滕州人,研究方向:音乐教育心理学。 音乐教育心理学论文:论音乐教育心理学视野下的初中歌唱教学 摘要:歌唱是一种表演艺术,是人类表达情感的特殊音乐活动,而歌唱能力的培养主要体现为乐感的培养、情感的培养和心理素质的培养。歌唱表演中的情感主要来源于主体音乐表演中情绪体验程度,从音乐教育心理学研究视角分析,这个过程主要包括情绪的刺激、情绪的记忆和情绪的强化三个阶段。歌唱是音乐教育的主要手段,很多音乐家和教育家都十分重视歌唱的作用,因为歌唱可以给人的直接的音乐感受和体验。本文从音乐教育心理学的角度来阐述了在初中音乐课中歌唱教学是如何进行情感体验教学,提出了歌唱教学中应更多的关注学生对歌曲内在的情感体验与表达,提高学生们的品位赏听能力,全身心的投入到歌唱之中,使其身心得到愉悦和美化,从而树立良好的人生态度和正确的价值观。 关键词:初中音乐课,歌唱教学,情感体验,情绪刺激,情绪记忆,情绪强化 歌唱是一种表演艺术,是人类表达情感的特殊音乐活动,在柯达伊的音乐教学体系中他将歌唱教学看作是音乐教育的主要手段,同时很多音乐家和教育家都十分重视歌唱的作用,因为通过歌唱可以使学生直接感受到音乐旋律和曲调的美感,从而更好的体验和感受音乐所表达的情感内涵。新的音乐课程标准提出:“通过音乐教学及各种生动的音乐实践活动,培养学生爱好音乐的情趣,发展音乐感受与鉴赏能力、表现能力和创造能力,提高音乐文化素养,丰富情感体验,陶冶高尚情操。”[1]学生们通过歌唱的学习和表演是实现新课标内容的第一步,也是非常关键的一个环节。 音乐教育心理学是一门交叉学科,它涵盖心理学、教育学及声乐学,主要研究的是歌唱者在艺术表演过程中的心理活动规律。由于生理条件、心理状态因人而异,使得声乐教师在教学中更应遵循教学法则之间的内在本质联系,这种联系在一定条件下决定着学生学习过程中的心态变化,最终将其培养成能够独立进行声乐艺术表演或声乐教育实践的高级专业人才。 一、初中音乐歌唱教学中情感体验的重要性 新课标的第一项就指出了音乐教育的情感态度和价值观要求,这体现了音乐这门课程是一门独特的表情性、审美性的人文艺术课程。而音乐课最常见的也是最重要的表现形式就是歌唱,在歌唱的学习和表演中,学生们能直接的感受音乐作品带来的旋律音调美,通过对旋律音调把握,才能很好的感受音乐作品给我们带来的情感内涵。 音乐它是一门能启迪和表现情感的艺术,只有通过音乐情感的体验才能达到音乐教育过程中“以美感人,以美育人”的目的。对于初中学生来说,他们进入了人生的青春期,面临着人格再塑造的第二诞生时期,他们的内心交织着错综复杂的矛盾和思想。因此,这个阶段对于初中生来说,音乐歌唱教学中的情感体验与培养是非常至关重要的。具体表现在以下几个方面:首先,加强歌唱情感的体验,可以使学生能用音乐的形式来表达个人的情感,并能学会很好的与他人沟通、融洽相处;其次,音乐作为“教化”人的一项艺术,它可以使学生们的心灵得到净化,陶冶学生的生活情操;再次,歌唱中情感的体验能使学生们从中享受到审美的愉悦,从而培养其更积极、乐观的生活态度。 二、音乐教育心理学视野下的情感体验的特质 从心理学上讲,“情感是人对客观现实的一种特殊的反应形式。它是人对外界事物的态度,是人对客观现实是否符合自己的需要而产生的体验。从艺术价值上看,音乐是最富情感的艺术,是最容易激发和调动情感的,并能很好的实现个人的修养。”[2] 相关的研究认为,“音乐的情感体验是指音乐欣赏者和表演者在进行音乐作品欣赏和实践时,将自身的内在情感与音乐作品本身所要表达的情感内涵进行交流,以获得对音乐情感的认知过程。” 在音乐教育心理学这个研究领域里,将音乐的艺术情感分为三种形态:第一种是音乐的基本情感,即非喜、怒、哀、乐这些特殊化情感,它仅是一种直觉层面上存在的情感色彩,具有时间的限制性和无法控制性等特点;第二种是音乐的特殊情感,即我们常说的喜、怒、哀、乐这些带有色彩的特殊性情感;第三种是音乐中联觉引起的情感,也即说音乐活动中由联想引起的与音乐本身相关的情感体验。 那么,何为歌唱中的情感体验呢?歌唱在普通音乐教学中占有重要的地位,它是学生们进行艺术实践、音乐表现的常用手段,通过人自身的“乐器”来传递音乐的情感内涵。歌唱者可以通过两个途径来切身体会歌曲的情感:首先是通过自身的听觉,感悟音乐的旋律色彩、节奏快慢、歌曲体裁等;其次就是根据文本的歌词意思来领悟和理解歌曲是革命意志、英雄赞歌或是对生活的热爱等情感内涵。 三、影响歌唱表演情感的声音载体 影响歌曲情感的表达有诸多因素,从音乐音响形态的本质上看,情感直接与歌唱表演的速度和力度有关系。 (一)歌唱表演中速度影响情感的表达 音乐的速度要稳定,不能随意变化,演唱快速的曲子时内心应该有稳定的节奏感,要做到快而不抢,否则就会破坏全曲的节奏,譬如歌曲《你们可知道》它的速度标记是Andante con molto,中速稍快一些,如果把它唱得很快,音乐显得比较轻佻,没有莫扎特式的典雅,特别在中段连接再现段前面的几句宣叙句,常常会出现抢拍的现象,所以一定要注意旋律的相对稳定连贯。而演唱慢的曲子时,应该强调流动感,要做到慢而不拖,否则就会显得沉重呆板,就会失去丰富的表现力。例如歌曲《红豆词》,它的速度标记是Andante―行板,也应该较缓慢,在缓慢中融入气息的流动感,才能唱出那种哀怨的、如泣如诉的情感。 一个优秀的歌唱家在有表情的演唱歌曲中,往往会存在这样一种现象:歌曲中某些音的时值会被他们不同程度的延长或缩短,有些长时值的会被演唱的更长,短时值的被演唱的更短。这主要是歌唱者们对歌曲有主观个性和有意义的把握。 当然,对于一个杰出的音乐表演家来说,速度在任何时候都是一个极其活跃的变量,哪怕是在演奏或演唱最为严肃的音乐作品时,他们对速度的把握并不完全对照乐谱,而是会站在乐曲的全局来宏观把握速度,根据自己对歌曲所表达意境和内涵的理解来进行相应的速度变化,因此,每个音的实际速度变化非与乐谱中的实际速度不太一致,甚至非常频繁和剧烈。 (二) 歌唱表演中力度影响情感的表达 歌唱发声的力度变化是歌唱艺术表现的重要手段.力度的变化主要表现在声音的强弱对比和起音发声的力度控制上.我们知道,任何一首作品都不可能从头到尾采用相同的强度,失去了力度变化,声音会显得十分机械和呆板,歌曲所内涵的情感意境就无法正确的表现,让人感到单调乏味。歌唱力度变化的意义如此重要,那么影响力度变化的因素有哪些呢? 音乐力度变化有时体现在逻辑强弱关系的变化方面,如有节拍位置决定的固定强弱关系;有时体现在节奏强弱关系的变化上,如切分节奏的节拍重音与节奏重音形成的强弱关系;有时体现在语言力度强弱的变化上,如为突出语言意义人为造成的语音力度变化;有时体现在音程,和弦,音型,调式等音乐因素张弛关系的强弱变化发面,如大三和弦明亮给人强的感觉,小三和弦暗淡给人弱的感觉等诸如此类的强弱感觉关系;有时体现在语气和情感情绪的强弱变化方面,如由情感,语气引起的语音力度强弱的感觉;有时会体现在规定的力度记号的强弱变化方面,如音乐作品出于表情需要,在创作阶段由作曲家以书面符号形式设定的音乐强弱关系等。上述许多歌唱音响的力度关系,并不是由单纯的音强等级变化所引起,但毫无疑问,它们都会以各自方式影响着歌唱的艺术表现。 四、从音乐教育心理学视野下的角度来探讨歌唱教学的情感体验策略 音乐课程最优秀的目标是丰富学生的情感体验,培养学生审美情趣。音乐教育的主要效应不在于知识和技能的多少,而是体现在熏陶、感染、净化、顿悟等的情感层面上。因为音乐是情感的载体,情感是审美教育的基本特征之一,音乐的特质就是情感抒发、情感撞击和情感审美。所以在音乐教育中要牢牢把握情感审美这条主线。通过音乐情感的特质,不断丰富学生情感,特别在接触具体的歌曲时要培养学生发现美、辨别美、享受美的能力,即使基本技能的训练也要有美的因素的渗透其中。同时要培养学生丰富的歌唱情感,善于用歌声表达和表现美的能力。久而久之,学生的美感自然就会提高,并且乐意在美的环境里学习活动,这无疑将会促进良好的课堂歌唱教学环境的建立,使歌唱学习与课堂教学环境形成和谐的统一。那么,在初中的音乐歌唱教学的课堂上,教师讲解了如气息、声带振动、共鸣、咬字吐字等相关的歌唱技能方法后,就要在如何恰当表达歌曲的情感内涵上下功夫。那么,从音乐教育心理学的角度如何来实施歌唱中情感的体验与表达呢?笔者从三个方面来阐述。 (一) 对学生进行情绪上的刺激 情绪刺激,即是对音乐作品进行感官上的欣赏与认知。音乐是听觉的艺术,在课堂上教师们只有让学生们多听即将要教唱的作品,通过听觉感官上的刺激,使学生对歌唱作品所要表达的意境和情感能真实的感知。音乐是情感的艺术,歌曲中所表达的喜怒哀乐的情感会感染着学生们的情绪,使他们的情绪随着音乐所表达的情感变化而变化,甚至学生们的情绪会与音乐作品中的情感形成共鸣,从而使他们进入某种情绪状态。初中音乐课歌唱教学中,倡导完整而充分的聆听音乐作品,也即用音乐的实际音响来刺激学生们的听觉,使学生在聆听的过程中获得相应的情绪感受与体验。所以,音乐教师在教授学生们歌唱时,可以先让学生们提前感受歌唱作品中的情绪,除了直观的听觉刺激之外,还可以通过外化的姿体动作来给学生们形成视觉上的刺激。 情感因素在歌曲当中主要由歌词、体裁、结构这三个要素决定的。其中歌词是以文本形式来呈现,属于隐形的情感要素;体裁和结构等相关的音乐语言符号所呈现的音乐情感属于显性情感要素。在进行歌唱教学时,教师不仅要让学生通过听觉体验直观的把握好显性情感要素,同时更要体验其内在的隐性情感要素。 如教唱《长江之歌》时,在进行歌曲的有关背景知识介绍和引导之后,然后播放歌曲,欣赏音乐的材料,用实际音响来刺激学生们的听觉感官,让学生们根据旋律线条和节奏的舒缓程度直观的体验歌曲的意境和所表达的情绪。通过视听,同学们初步感受到《长江之歌》是一首抒情风格的进行曲,它的气势磅礴,宽广宏大;当学生对歌曲中的显性情感要素有了初步的体验后,教师就要向学生讲解歌词,适当的时候让学生朗诵歌词,发掘歌词的深刻内涵,在朗诵的过程中去体验音乐的隐性情感因素。 (二) 激发学生的情绪记忆 何为情绪记忆呢? 情绪记忆又叫情感记忆,以过去生活经验为主体,保存在人脑中的某种强烈或深刻的情绪、情感体验,这种体验来自主体对其所经历过的某种情境或事件的感知。情绪记忆依赖于主体对过去生活经验的情绪体验和最近新接触的情景体验或刺激,它可以是一段特殊的经历,也可以是一首音乐作品情绪的刺激。学生们在面对特定的声乐作品所呈现的情绪内容时,这种情绪内容就激活了他在生活中过去相应的情绪体验,并会以这种情绪体验为前提来恰如其分地解读和表达歌曲中的情绪和情感。 如教师在教唱《踏雪寻梅》这首歌曲时,老师播放了音乐让同学们初步欣赏和体验歌曲所带来的情绪刺激,学生们在情绪刺激的阶段主要体验到的是《踏雪寻梅》在情绪上总的特点――兴奋、愉悦。情绪刺激完成之后,教师又将音乐播放一遍,让学生带着思绪和问题聆听,同时引导学生们回忆和想象自己类似的赏花经历或雪中寻梅的情景,促使学生感觉自己放佛身临其境,这样的情绪记忆就更容易使学生体验音乐抒发的情感基调,学唱起来也能更好的把握歌曲的主题,并能声情并茂的将歌曲演绎完整。 总之,情绪记忆在歌唱学习和表演中起着举足轻重的作用,只有有了相应的情绪体验和情绪记忆,才会准确的领悟作品所表达的情感意境和情感内核。反之则无法领略作品内在的、深切的、真诚的情感。 (三) 对学生们进行情绪强化 何为情绪强化呢?心理学家认为:“所谓强化,一般指影响有机体在活动过程中产生某种反应可能性的力量。”[3]那么怎样进行情绪的强化呢? 首先,情绪强化不可能对多种情绪同时进行强化,而应有计划、有侧重、有针对的根据歌曲所蕴涵的情绪和表演者的情绪记忆特点分类进行。在歌唱教学中不能让学生时而进行这种情绪的体验,时而进行那种情绪的强化,而是要以一种稳定的情绪表演形态呈现。如在教唱《踏雪寻梅》这首歌曲,新课结束之后,教师可以进行教学拓展,将有关赞美雪、梅的歌曲如:《沁园春・雪》、《我爱你塞北的雪》、《红梅赞》、《梅花引》等等,通过欣赏这些歌曲来强化学生们类似的情感,使学生们正确的体验到了相应的情感的同时,能形成自己的个性化情感体验。 其次,歌唱中情绪的强化必须以一定的时间和次数为基础。如果强化的时间和次数太少,学生们在情绪体验的广度和深度上很难形成情绪刺激和语音运动的联结。因而,音乐课堂上对歌曲作品的情绪体验要进行多次的强化和巩固,已形成学生们的更有深度和广度的情感体验。 第三,歌唱中的情绪强化还应具有时间的连续性,即音乐训练中同一类型的情绪体验最好连续不断的出现,以便学生对某一类型的情绪体验有一个清晰的认识和感受。 结语:歌唱教学是中学音乐教学中的基本内容之一,也是学生们最易于接受和乐于参与的音乐实践活动,而情感作为一种心理因素,其在审美、艺术创作和艺术欣赏活动中都起着非常重要的作用。②所以在歌唱教学中,除了要注重歌唱技能的教学实践,更要注重学生歌唱情感的培养,积极引导学生们去体验和表现歌曲的内在思想情感,激发他们富有感情、声情并茂的歌唱。通过情感体验的歌唱的学习,使学生们的情感世界受到感染和熏陶,在潜移默化中建立起对亲人、对他人、对人类、对一切美好事物的挚爱之情,进而养成对生活的积极乐观态度和对美好未来的向往与追求。由此可见,情感教学是初中音乐教学中的重点。(作者单位:贵州师范大学音乐学院) 音乐教育心理学论文:浅析古希腊音乐教育心理学的思想 摘 要:古希腊文化孕育了西方千年音乐思想的发展,也是西方哲学的发源地。在古希腊,人们认为世界原来就有的,并不是谁创造的,哲学家们开始用思维的方式代替了原始社会的神话意识状态。人们探究知识本质的哲学领域,其中就包含了许多心理学的观念。因此本文就从古希腊哲学家的思想中了解古希腊音乐教育心理学。 关键词:希腊;音乐;哲学;心理学 一、毕达哥拉斯―音乐“净化作用” 从有关万物之源的探索到对音乐数理原理和心理功能的认知,毕达哥拉斯对后世的影响较大,他把“数”看做是万物的本原体,认为世界上的一切事物都是由一定的数及其相互关系构成的,并表现出数的和谐性。他多次提到了音乐和数的关系,音乐的和谐与数是离不开的,认为没有了数也就失去了音乐。他是最早探讨声音感觉的人,通过实验发现音的高度按照琴弦的长短而定,声音的高低与琴弦的长度成反比例而变化。如从音程中低音与高音的弦长比例看,八度2:1,五度3:2,四度4:3。 他还提出了音乐的“净化”作用,音乐使人的心灵得到净化,他认为:“音乐的节奏和旋律能够对人的心灵起到某种作用,可以教育人,用乐曲中某段旋律、节奏能够治疗人得情欲和脾气,并且内心能够平静和谐”。这是最早关于音乐心理与音乐治疗的研究。对后世的学科发展起到了很大的作用,可以看出早起的古希腊哲学家对音乐心理功能的认知。 二、苏格拉底―归纳论证法与艺术形式应表现人的心理活动这一观念的产生 苏格拉底认为相信神安排世界的一切以适应人得需要,认为人的理性中就含有知识,而教育只是设法把人所固有的知识引出来。亚里士多德称他的这个方法是“归纳的论证”。他认为表现人的心理活动,才是艺术表现形式的优秀,艺术应该通过它们的表现形式、表现手段来刻划人得心理。这对后来柏拉图、亚里士多德的美学思想影响很大,是心理学所要研究的一个重要部分。 三、柏拉图、亚里士多德―以唯心与唯物两种哲学观对音乐教化作用 柏拉图是苏格拉底的弟子,他吸收了苏格拉底以及毕达哥达斯的思想,构成了他的客观唯心主义哲学。他的认识论称:感性知觉,由于它要依靠身躯,所以生来就不可靠。由感官而来的信息只能作为参考,抽象的观念本身才是事物真正的知识本体。他认为音乐教育除了注重道德和社会目的以外,还要把美的事物作为培养自己的目的来探究,这是音乐教育对人心里美的塑造重要性。要判断音乐或别的艺术好不好,首先就要看它描写的是什么,是否正确,其次是了解语言、歌唱节奏是否好,柏拉图就认为那我们就不能同意,音乐艺术的尺度是娱乐。 他还强调音乐和美学的双重重要性,人们听正经的音乐就会成为正经的人,反之,听不正经的音乐就会成为不正经的人,还强调单单学习音乐是不够的,还要辅助于体育。因为这两方面的教育是相互依附互不离开的。偏离其中一面就会导致文弱或粗野。因此,他认为只有几种音乐适用于培养治理理想国家的人才的教育中。这些思想观点,表达了他及其肯定和重视音乐教育对于人身心发展的重要作用。 亚里士多德在音乐教育方面与柏拉图的观点有点相近,他也重视音乐的道德力量和教育作用,对人的性格有着深远的影响,所以应该加入到青年的教育课程里。因为音乐本身就令人愉快的,在和谐的乐调中,仿佛存在着和人的心灵的一种和谐,让年轻人能够自愿的去学习。这就表明了他的音乐教育心理学的思想。 道德教育、消遣闲暇和精神方面的享受,是亚里士多德认为音乐能够达到的三种目的,这种观念即使对今天的普通音乐教育来说,也颇具有启发意义。他还用它的模仿说进一步阐述了音乐如何通过人得心理因素而达到教育目的,从而影响人们的意志品质。他认为,音乐能够模仿人得七情六欲―温柔、善良、愤怒、勇敢以及其他方面的特性,所以人们在聆听模仿某段音乐时也就能产生同样的感情。既然是这样的,那么我们就应该关心培养正确的判断力以及高尚的品质和行为的喜爱了。 古希腊哲学家们的哲学思想,给音乐教学心理学带来了一个开端,为音乐教育心理学产生了深远影响,同时也影响着人们对美学、哲学、心理学的探讨。 音乐教育心理学论文:音乐教育心理学在声乐教学中的实践研究 摘 要:音乐教育事业是一项需要全社会关注与支持、同时对和谐社会的构建有着重大作用的事业。它所承载的不仅是音乐学科知识的传授,还承载者人格培养的重大责任。成功的音乐教育可以给予多元情感体验,从而使人不但拥有综合的艺术修养和专业技能更重要的是拥有美妙丰富的人生。本文重点研究注意、记忆、思维等心理活动在声乐教学中的实践作用。 关键词:音乐教育心理学;声乐教学;注意;记忆;思维 音乐教育心理学是研究音乐教育过程中“教”与“学”的心理活动。音乐教育心理学既包括音乐教育活动中教师与学生的心理结构的研究,也内含教与学行为中相互作用的心理规律。心理学研究表明人的任何活动都是在心理调节下进行的。心理活动直接关系到人的综合实践能力,声乐教学的主要目的旨在培养学生熟练地掌握声乐的技能与技巧,从而提高对声乐艺术的感受力、表现力、创造力。但在声乐教学中,人们往往比较重视的只是歌唱的各种技能、技巧的训练,容易忽略另一个重要问题,歌唱心理在声乐演唱和教学中所起的作用和影响。 音乐教育心理学是研究音乐教育过程中“教”与“学”的心理活动。属于心理学的应用学科之一,是心理学与教育学的交叉学科,其旨在探讨学生学习的心理规律,及根据这些规律创设有效的教学情境从而促进学生的学习,使学生提升专业技能的同时得到了多元的情感体验。我们从心理学中得知,人的任何活动都是在心理调节下进行的,心理活动直接关系到人的实践能力。声乐教学不同于其他学科,发声时的状态是看不见摸不着的一个较为抽象和想象化的过程,是一种极为复杂的生理心理活动过程和快速的思维、记忆、想象的过程。它与生理机制和心理活动素质有着紧密的关系,因此,声乐教学作为一门独特的教学艺术,需要从生理和心理两个角度进行研究,从生理层面上讲,教师需要教授学生如何调配各个发声器官;从心理层面上讲,声乐教学更是一种心理活动,它贯穿于声乐教学,歌唱练习与舞台表演等全部过程。就心理学而言,歌唱是心境和情感的艺术,是歌者内心思绪和情感的表现形式,意大利声乐教育家荷伯特・凯萨利曾说“好的声音主要是心理创造通过精神操纵完成”不难理解这句话中的“精神操纵” 指通过神经和意识调节发声,因此在声乐教学中我们必须结合音乐教育心理学中的注意、记忆、思维等心理活动,培养学生获得健康良好的心理素质,只有当学生准确地将心理、情感与发声技巧完美结合在一起,我们才能事半功倍获得理想的教学效果! 1 心理教育开始于教学活动之前(思维) 思维是人脑对客观事物的一般特性的一种概括的、间接的反映过程,思维的基本过程就是分析和综合。在分析和综合的过程中又包括比较、分类、抽象、概括、具体化和系统化等。师者,所以“传道授业解惑也”传道是教育的第一要素,现在的声乐教学采取的是一对一的口传心授式的教学模式,教师和学生之间有一种微妙的依赖关系,如果教师不能让学生信服则很难取得理想的教学效果,因此教师的思维模式直接影响学生对专业、对学习、对社会、对人生的理解和定位。每一个学生都有自己的特点和个性,教师需要充分关心和尊重学生,认识到学生的个体差异性并根据自己对每个学生的准确认识与判断,使用不同的教学方法。例如:有很多学生来自湖南湖北从很远的地方考来,报到后发现自己考取的是综合类的大学,觉得离自己理想中专门的音乐院校有差距,感觉没有了目标和动力心里有落差感这时候就要求教师要在第一时间关注学生的内心动态,有了这样的思维模式学生会有厌学、旷课等不良情绪,教师要及时地引导和开解学生从而改变她的思维模式和思维理念,转换角度看问题使学生从困境中走出来,有良好的状态去投入到学习中。所以良好的思维是高效授课的重要前提。 2 心理教育贯穿在教学活动之中(注意) 注意是指心理活动对一定事物的指向和集中。注意不是一个独立的心理过程,而是表现在感觉、知觉、记忆、思维、想象等心理过程当中,成为这些过程的一种共同的特性。在教育领域,如何吸引并维持学生的注意力是教师必须考虑的,而在音乐教学中,如何培养学生在演唱作品时始终保持注意力集中,投入到歌曲情境中去,把全部的注意力都放在歌曲演唱以及歌曲角色的扮演中,也是教师必须考虑的。 例如:歌唱教学中首先是发声训练,这要求学生把注意力完全集中到歌唱上,教师在纠正和指引如何正确歌唱时很多时候是看不到也摸不着的,声音的靠前靠后喉咙位置的放下等都是靠教师的形容指引学生的注意听认真做相结合的所以保持注意力集中尤其重要。其次,是对学生歌唱心理状态的培养。在声乐教学中经常会听到有的同学会说今天没感觉或今天感觉不错这里所谓的“感觉”主要是指歌唱心理状态歌唱是一个极其复杂的过程,我们的发声器官“呼吸器官”“共鸣器官”的运动都是在心理的调节控制下进行协调有序的工作的,而这些器官的协调又会随着心理的变化而变化,因此歌唱训练的过程本身就是一种在心理控制下的生理活动,而训练学生歌唱状态的稳定性在某种意义上就是培养其歌唱心理和歌唱意识的稳定性。在演唱作品时,需要营造一种和谐轻松的课堂气氛,让学生在紧张的情绪中放松下来,轻松愉悦的教学氛围是形成良好歌唱心理的必要前提。教师本身需和谐的心理沟通和暗示,认真耐心地讲解示范启发让学生尽快投入角色完美轻松的演绎作品。 声乐是一项“感知的艺术”而非理论学科,因此获得正确的声音感觉应是第一位的。这时教师更要引导学生不要过于“注意”,有的学生过于注意自己的歌唱技巧反而忽视了音乐的本质,就是情绪的表达,过于注意会引起演唱时的紧张,表情呆板目光无神看起来很像在思考问题,跟学生交流后发现多数的学生都遇到这样的问题,就是在歌唱时过于注意演唱的方法和声音的位置,所以就会很紧张导致声音没有感染力自己也无法放松地投入到歌唱中去。由此可见“简单直接放松的去表达情感”不仅能让学生正确地掌握歌唱方法,更容易让学生发自内心的去歌唱。 综上所述,教师要根据学生的实际情况适时引导,什么时候集中“注意”什么时候放松“注意”最终达到完美的演唱效果和授课效果。 3 教学活动之后的心理活动(记忆) 记忆就是我们过去生活实践认识过的事情在头脑里留下的印记的过程。记忆的特征表现为形象性、概括性和综合性。记忆又可包括感觉记忆、短时记忆、长时记忆,并且可分为无意识记忆和有意识记忆。在歌唱教学中,学生结合多种记忆来达到完美的学习效果,例如:发声训练时,学生完全要靠教师的指导语言上的形容以及声音的示范来完成良好的发声训练,这就需要学生有很好的感觉记忆,能够很快地做到老师的要求达到声音的效果。而在授课过程中学生对正确声音的记忆是短时的记忆,会出现下课后自己找不到“感觉”这里指的是声音的感觉,为了延长短时记忆,教师会采取让学生录音,记录下上课时正确的声音,课后认真反复地听对的声音并进行练习,稳定声音的感觉延长短时记忆把瞬间的感觉记录下来反复的研究琢磨炼习形成长时记忆,使声音得到提高,达到完美的教学效果。 音乐教育心理学论文:教育心理学视角下探析音乐教育的心理塑造功能 摘 要:音乐作为一种艺术形式,其实施教育的根本目的在于通过审美以及情操的培养,使人们的心理素质乃至思想境界得到进一步提升甚至升华,促进人格的全面发展。人的教育是全面的,音乐作为一种教育形式,如果仅仅从乐理或者音乐技能的方面去探寻教育功能是不够的,在多元化教育理念下,音乐教育还要从教育心理学的角度去探寻实施音乐教育的根本功能,实现音乐教育与心理教育两者的结合。在教育的实际过程中探寻彼此互相的影响以及促进关系,才是未来教育的趋势。从音乐教育的本质入手,着重从教育心理学的视角探寻音乐教育在人的心理素质培养中的作用以及教育心理学和音乐教育之间的关系,希望对未来的音乐心理塑造教育有一定的帮助。 关键词:心理塑造;教育心理学;音乐教育;关系 音乐作为一种基本的艺术形式,其产生和形成是人类在漫长的发展历史进程中的智慧结晶,是人们抒发情感、寄托情思的一种工具。随着社会的发展,音乐教育也逐渐向着专业化、全面化方向发展,其教育的根本目的不单单是传授音乐技能,而成为一种心理塑造和心智培养的手段。 一、实施音乐教育的根本目的 1.音乐教育的本质 实施音乐教育的目的,是通过情感、审美、心理等各方面的教育,实现人才的全面培养、自由发展的目的。在音乐教育的诸多功用中,情感教育的方向是最容易引起关注的,这在人的素质培养中所起到的作用最为明显。情感教育是一种综合的教育形式,囊括了社会、艺术、心理等各个层面,其作用是非常重要的。音乐教育在实施过程中通过对美的感知体验,在人们的内心与外界之间架构了一座桥梁,使内外之间协调发展,最终塑造出健康的心理、丰富的情感、广阔的内心世界以及与外界社会融合的能力。这是音乐教育的目的,更是音乐对人类情感世界塑造的结果,所以,音乐教育通过对人审美以及心理等各方面的塑造,最终达到塑造人丰富健全的情感世界,才是音乐教育的本质所在。 2.音乐教育的功能 音乐的产生是源于实际的生活,是精神生活和物质生活的综合产物,其教育的功能当然也反映在精神和物质的各个层面,具体来讲,有以下几种作用。 首先,音乐教育最为直接的作用就是提升人的审美能力。这主要通过音符、旋律、节奏的学习欣赏来实现,通过训练来理解音乐的内涵进而欣赏音乐的美,最终实现审美水平的提高。这是音乐教育最重要的责任。 其次,音乐教育的功用还体现在心理素质的塑造方面。音乐有很多种风格,不同的音乐风格能够引起人不同的感官刺激,这些刺激最终会带动人不同的情绪变化,这就是一种心理的内在反馈。通过教育学习,通过不同的音乐风格带动不同的心理反应,不仅能够健全人的心理素养,还能有目的地用一些风格的音乐来调节人的心态,激发人的主观能动性,甚至还可以达到治疗心理疾病的目的。 最后,音乐教育的根本作用在于实现人的全面发展,这是教育的最终目的,也是人才培养的最终目的。音乐通过其在人的情感心理等方面的教育功用,在培养健全的人格、丰富的情感以及综合的心理素养等方面的作用是不容忽视的。 二、从教育心理学视角分析音乐的心理素质培养 1.走向多元整合的心理教育 随着全球化的趋势不断深化,多元化不仅成为经济、社会的发展方向,对于教育而言,单一的学科教育已经不能满足教育的实际需求,多元整合已成为当下的教育指导理念。心理教育在新的教育理念下要遵循社会发展的潮流,立足实际整合多学科之间的联系,跨学科实施关联教育,多视角探寻心理教育的教学方式是心理学教育的最终归宿。 同时就音乐教育而言,在新的时代背景下,也不能从单一的音乐视野谋求音乐教育的实际效果,作为一种能够发挥很好的心理教育功用的学科,音乐教育要充分结合心理学教育的革新成果,实现音乐教育向着培养健康心理的方向发展,也能提升音乐教育的有效性、针对性,同时心理学在这个过程中也能实现多元化发展。因此心理教育和音乐教育的结合是促进教育多元化发 展的大势所在,也是培养有自由健全的心理素养的人才的关键 所在。 2.心理素质培养中音乐教育的作用 音乐虽然看不见摸不着,但是它凭借着听觉的刺激更能深入人的内心世界,因此对于听众的心理变化更容易进行把握。同时音乐教育具有多元化的表现方式,不仅仅可以通过单纯的歌唱进行表达,在舞台剧、舞蹈中甚至可以作为一种背景音乐融入影视作品中,各种场合、各种类型的应用和表现都能使音乐的多元化启迪方式得到发挥。音乐教学是课堂课外学习的结合,不同类型音乐作品的学习不仅能提高人的审美能力,同时也培养了人的健全心理。随着科学技术的发展,音乐教育可以借助先进的多媒体等技术发挥更加灵活的教育效果,不仅易于被大众喜爱,更与时代的发展密切相关,同时根植于传统的民族音乐的肥沃土壤,音乐的多元化启迪教育方式对弘扬民族文化、培养具有民族特色的心理素质也大有裨益。 三、音乐教育与教育心理学结合的实现 音乐不仅仅是一门艺术,在时代的不断发展下,已经融入社会的各个层面,在心理的塑造方面,音乐教育在培养情感、促进人际关系和谐方面有巨大的作用。在现代教学中,根植生本理念,转变单一的教学模式,因材施教,激发学生的主动性和积极性,这是使音乐教育与教育心理学结合的基础所在。 同时,在音乐教育中,要注重学生独立性的培养。独立性是一个人的优秀心理素质的集中体现,不仅在音乐的 欣赏创作上保持独立,同时也要教育学生将独立性引申到精神品格中。在教学中,引导学生发散思维,通过丰富的教学方式增长学生的知识技能,以提高其自主性,完成独立的鉴赏和创作工作。独立精神的形成对培养学生的心理素质非常重要。 对于教学方式,要注重把音乐教育与教育心理学相互结合, 促进音乐教育与教育心理的共同发展。首先音乐教育要采用开放式的教学手段,吸收其他学科的教学资源,同时根植生本理念,引导学生自主创作,深入实践,从整体上把握音乐的内涵,促进学生能力的全面提升。教学方法的改变离不开学生这个主体,在丰富多样的教学方法中教会学生尊重、分享、合作等意识,有效调整个人心理变化,保持健康良好的心态是他们面对复杂多变的社会现实的有力武器。 通过上文论述,对在心理学视角下音乐教育的心理塑造功能的实现有了初步了解。音乐作为一种大众化的艺术形式,在发挥心理塑造功用上具有无可比拟的优势,从音乐教育的本质入手,着重从教育心理学的视角探寻音乐教育在人的心理素质培养中的作用以及教育心理学和音乐教育之间的关系。两者是相互联系、有机共生的。通过相关的分析论述,充分论证了音乐教育对心理塑造的作用。在多元化的教育理念下,心理塑造要充分结合除心理学之外的其他学科的教学优势,尤其是音乐教育,两者的结合更要进一步的研究革新,使未来对学生的心理塑造更加有效。
学前教育专业毕业论文:学前教育专业人才的个人科学素养培养论文 论文关键词:学前教育准幼儿教师科学素养 论文摘要:科学素养是现代人综合素质的一个重要方面,科学素养的培养得从娃娃抓起。幼儿科学素养的培养离不开幼儿科学教育的实施,幼儿教师科学素养的高低直接决定了幼儿科学教育的质量。学前教育专业学生的科学素养是幼儿教师科学素养提高的前提和基础。针对目前学前教育专业学生科学素养偏低的现状,应该从重视科学教育,改变课程设置、运用多种途径等方面来提高学前教育专业学生的科学素养。 一、科学素养的内涵及相关概念 “准幼儿教师”是指学习学前教育专业学生的统称。根据所在学校级别的不同主要分为三大类:本科层次及以上的高等师范院校学前教育专业学生,专科层次的高等师范专科学校学前教育专业学生,还有就是一些中等职业技术学校的学前教育专业学生。在文章中将这些统称为学前教育专业学生或“准幼儿教师”。 学前教育是指对出生至六、七岁前儿童的教育,包括幼儿园教育、学前社会教育和学前家庭教育。学前教育主要培养全面和谐发展的、具备学前教育专业知识和实际工作能力的各类学前教育机构的教师、科研人员及相关教育行政部门的管理人员,广播、影视、书刊等各类大众传媒的策划与制作人员,相关企业(如儿童玩具、儿童服装和食品等)的设计与制作专业人员。 目前,国际上公认的科学素养主要指以下三方面的内容:一是对已经被人所接受的科学知识的理解,主要是一些概念性知识,诸如一些事实、法则以及有关自然世界的理论;二是对一些科学探究方法和程序的理解,主要是了解科学知识如何产生,如何发展,以及科学研究中的创造性思维能力的培养等;三是对科学作为一项社会文化事业的理解,了解科学与社会之间的内在联系,了解科学的应用问题,了解其中的问题、争论以及它们的解决方法。文章中将学前教育专业学生的科学素养主要概括为以下几个方面:具有正确的科学世界观及良好的科学精神和态度;具有较强的科学探究、创新、思考及实践能力;具备较扎实的、系统的科学知识体系。 二、学前教育专业学生科学素养的现状 2006年1月9日全国科学技术大会颁布了《国家中长期科学和技术发展规划纲要(2006-2020)》,总书记在这次大会上指出要在全社会广为传播科学知识、科学方法、科学思想、科学精神,使广大人民群众更好地接受科学技术的武装,进一步形成讲科学、爱科学、学科学、用科学的社会风尚。科学素养的培养得从娃娃抓起,幼儿园是实施幼儿教育的主阵地,幼儿科学素养的培养离不开幼儿科学教育的实施,幼儿教师科学素养的高低直接决定了幼儿科学教育的质量。学前教育专业学生的科学素养是幼儿教师科学素养提高的前提和基础。当前学前教育专业学生的科学素养偏低,现状不容乐观,主要表现为以下几个方面: (一)科学学习的兴趣和热情不高 “五四”时代陈独秀曾经述说当年平民百姓科学思想的不足:“农不知科学,故无择种去虫之术。工不知科学,故货弃于地,战斗生事之所需—仰给于异国。商不知科学,故惟识阁取近利,未来之胜算,无容心焉。”今天我们放眼看去,应当承认,上述科学知识层面的欠缺虽有所改善,但科学精神的匾乏仍是不容忽视的现象。 学前教育专业开设的课程范围比较广,既有普通心理学、人体解剖生理学、教育学、教育统计与测量、中国教育史、外国教育史、教育心理学、教育社会学、课程与教学论等专业基础课;又有学前心理学、学前教育学、学前卫生学、幼儿园课程、幼儿游戏、中外幼儿教育史、幼儿教育科学研究方法、幼儿玩具设计与制作、幼儿园管理、幼儿园评价等专业主干课;还有钢琴、声乐、舞蹈,乐理、视唱、练耳,幼儿园实用美术、幼儿园教育活动设计与指导等专业技能技巧课。大多数学生比较喜欢儿童舞蹈、钢琴演奏等技能技巧课,对于专业主干课程与专业基础课程的学习热情不高。另外,当前我国基础教育教学模式中存在的一些问题,如有限的科学知识的教学中,多注重对知识结论的学习;重视演绎、忽视归纳;重视结果、忽视过程;重视机械记忆、忽视思考存疑;很少实践探究式学习等。科学学习的本身是很有乐趣的事,但由于各项科学知识的逻辑性、抽象性等特点,再加上不恰当的教学方式致使不少学生对科学学习产生枯燥感和排斥感,削弱了学生本应有的科学兴趣和热情,导致学生科学精神的缺失。 (二)科学基础薄弱,科学素养水平较低 目前在学前教育专业招生中,除个别院校文理兼收外,绝大多数只招收文史类学生。这些学生在高中阶段接受的是文理分科教育,造成学生文理知识结构的不对称。此外,升学利益的驱动,文科学生对数学以外的自然科学基础知识也往往“无暇顾及”,虽然他们在初中阶段曾学习过物理、化学、生物、地理等自然科学课程,但这些课程均是各自范围内一些分立、具体的概念和规律,对自然界一般性、统一的概念、原理重视不够。对于天文学、宇宙学方面的常识,他们在中学阶段更是较少系统学习。至于一些对现代社会生活产生重大影响的科学技术知识,特别是前沿知识,中学阶段更是涉及不多。她们虽然已顺利考人大学,但是,文史类学生的自然科学知识基础普遍薄弱,科学探究、创新、思考及实践能力较弱,科学素养水平较低。 三、提升学前教育专业学生科学素养的对策思考 学前教育专业学生科学素养水平较低的现状不适应社会及学前儿童全面发展的需要,提升学前教育专业学生的科学素养势在必行。 (一)重视科学教育,激发学生科学学习的兴趣 科学学习的兴趣是科学素养的重要组成部分,对幼儿来说,科学的启蒙更多的是科学兴趣的培育。一个缺乏科学兴趣的老师怎能唤醒幼儿的科学兴趣呢?而学前教育专业的学生通常是文史类出身,高考时之所以选择文科,有的是因为理科基础薄弱,有的则是对理科知识不感兴趣,再经过专门的文科学习,造成了自然科学认知结构的不良,渐渐失去了科学学习的兴趣和信心。因此,唤起兴趣是学前教育专业学生有效学习科学教育的重要前提和保障。美国教育心理学家奥苏伯尔说过:“每当我们致力于影响学生的认知结构,以便最大限度提高意义学习和保持时,我们就深人到了教育过程的优秀。”为此,要注意知识学习的基本性与基础性,有效激活学生认知结构的知识生长点,以保持学生学习的内驱力。在内容的选择上考虑学生的已有经验和生活实际的需要;在教学方法和形式上要多样化,尽可能运用多媒体和实践操作方法等,开展多种科学兴趣小组和科学知识竞赛,改变因中学阶段过高的学习压力导致的对科学的枯燥看法和态度,逐渐营造校园科技创新的氛围。 (二)建立系统的科学教育体系,提升学生的科学素养 课程建设是当前高职高专及高等师范院校推动素质教育的优秀举措,也是提高学前教育专业学生科学素养的主要渠道。要提高学前教育专业学生的科学素养水平,就应该建构新的科学课程体系,实现文理渗透,面向学生增设科学史、科学社会学、科学哲学、STS等综合课程,使科学素质教育真正落实到实处。科学教育要与专业教育相结合,而且要贯穿于专业教育之中,掌握科学方法中的哲学方法、一般方法和具体方法,培养大批基础扎实、宽厚、经过两个或两个以上领域专业训练的复合型人才,以增强社会的适应性。学生应该重点掌握通用的一般方法,如自然科学中的常规方法(如观察与实验、分析与综合、比较与分类、归纳与演绎、理想化等)与非常规方法(如自觉与灵感、科学美学思想等)。通过科学方法教育,使学生比较全面系统地了解常用的科学方法及其在科学发展中所起的作用,掌握具体的科学方法,并进行必要的科学思维训练(包括严格的逻辑思维训练和非理性、非逻辑的创造性思维训练),培养学生运用科学方法解决问题的能力及创造性解决问题的能力。 当前,国外许多先进大学奉行的都是“通才教育”模式,即大学科学教育课程应覆盖所有学生,尤其是文科学生,应接受一年或一年以上的基本科学教育,这种教育不是专业教育,而是一种通识教育,旨在提高科学素养,其开设方式主要通过开设科学教育必修课。 然而在学前教育专业的课程体系中,科学教育课程的比例很少,而且这些课程主要是分布在第一、二学年,课时量也不多,到了第三、四学年的课程体系中,有关科学教育的课程更是少之甚少。学前教育专业学生的学习集中在学前专业主干课程和技能技巧课,据了解,很多学生在钢琴、舞蹈、活动设计等技能技巧课程上花费了绝大部分时间,在课程体系中缺乏系统的科学教育课程。可以把科学教育内容渗透于人文社会课程中。若对学前教育专业学生开设过多的科学教育课程,可能负担过重。一方面,可以建构一种文理融合的课程,如科学史和科学哲学的内容可以放在人文社会科学(历史和哲学课程)中,把科学、科技与社会关系的内容可以安扫浓社会研究课程中学习。另一方面,从人文学科中挖掘科学素养的内涵。从而构建系统、有校的科学教育体系,促进学生科学素养的提高。 (三)在多途径中开展科学教育,丰富学生的科学知识 1、组织各种科学兴趣小组,开展科普讲座 学生需要定期和不定期地举办科普讲座,组织参观科普展览,科普论文评奖活动等,对提高其科学素养很有帮助。第一,鼓励学生阅读大量的科普书籍。如阅读现代科技方面的书籍,可弥补他们对现代科学知识及其发展状况的空白。很多科普读物,都是科学发明的开拓者或诺贝尔奖获得者自己的著作,既有趣,又很适合学前教育专业的学生阅读。第二,鼓励学生走进实验室,让他们探究自己感兴趣的问题。杜威认为,儿童生来具有四类兴趣或本能:“社会本能”“制作本能”“探究本能”与“艺术性本能”。探究是儿童与生俱来的一种本能,科学教育最适合发展儿童的探究本能,教师要为其提供广阔的空间和舞台,这就要求高师学前教育专业培养能熟练实施探究式科学教育的幼儿教师。学前教育专业学生应在学校期间就有意识地提高自己的探究式科学学习的能力。 结合学生的不同需要组建各类科学兴趣小组。如“天文兴趣小组”、“数理爱好者协会”、“自发组织理论讨论会”、“摄影爱好者协会”、“环保兴趣小组”、“机器人研究会”、“家用电器小发明小组”、“现代通讯研究会”等等。科学兴趣小组可以让产学研相结合的办学思想变成现实。发动兴趣小组学生的积极性,利用各种废旧或容易得到、价格比较便宜的材料或工具,自己建立实验室,自己管理,这比实验室开放更切合实际。为了更好地鼓励学生搞研究,在科学教育教学内容的选择上,要考虑学生头脑中的已有经验及与日常生活的密切联系;在教学方法上,可以实施发现式学习、小组合作学习,还可以运用先进的多媒体教学手段等方式,激发学生学习;在教学成绩的评定上应该灵活、科学而多样化。这是一种很好的产学研相结合的尝试。让学生真正感觉到学有所乐.学右所长.学有所用。 2、营造良好的、崇尚科学的教育环境 营造良好的、崇尚科学的教育环境,可以通过组织系列人文讲坛,建立积极活动的科技协会,创办科技小刊物,举办校园科技节、体育节、文化节等活动,丰富学生的学习生活,活跃校园科学文化氛围。在继续大力普及科学知识和实用技术的同时,紧跟时展步伐,采取灵活多样的方式,丰富科普宣传内容,切实加大科学思想、科学精神、科学观点和科学方法的传播力度,不断提高学生在科普工作中的参与程度。充分发挥科技场馆、博物馆、动植物园、科技活动场所和科普宣传画廊等基础设施的平台作用,坚持培训与宣传相结合,研究和探索符合学前教育专业学生实际的科普发展措施,从而切实提高学前教育专业学生的科学素养。 3、开展各类科学知识竞赛,加深对科学知识和概念的理解。 在课余时间里,可以组织开展各类科学知识竞赛,活跃气氛,提高学生学习科学的热情。如精心举办“天文知识竞赛”、“环保知识竞赛”、“大学生科技创新大赛”、“大学生电脑机器人竞赛”等这样的科技活动,开展各种科学知识竞赛意义十分巨大,它不仅能促进学生学习“科学技术概论”这门课程,还能丰富学生的业余生活,又能让一部分有特长的人有机会表现自己。在竞赛过程中,观众的科普水平会在轻松愉悦的环境下不知不觉得到提高。从而,加深和巩固学生对科学知识和概念的理解与把握。 学前教育专业毕业论文:中职学前教育专业计算机基础论文 1中职学前专业计算机应用基础课程教学方法 1.1利用兴趣爱好和专业特色,创设情境教学法 作为任课老师,我们一定要从抓好第一堂课开始,每个老师必须给学生立下规矩,让学生了解机房管理制度和上机操作的注意事项。比如,每一个学生每一次上课时要正常开关机,爱护机房内的设备,注意保持机房的卫生等,让学生养成一个良好的行为习惯,让他们终身受用。根据学前教育学生的专业特点,设计各种与学前教育专业相关的内容作为学生上课的内容,避免内容单一、枯燥。依据新课程标准,注重培养学生的自主、创新、合作的学习方式。创设情境,导入新课内容,每一项任务,师生共同分析,尽量用已知的知识为基础去寻求新知,再通过学生演示、教师讲解等形式理清每个要求的知识点、操作、效果等,以此来突破难点,实践重点。创设情境、巧妙设问,引导学生进行探究式学习。这种探究式教学有助于发挥学生主动性,培养学生的基本科学素养和良好的思维习惯,促进学生的深入发展。用生活中鲜活的例子启发学生思考,让学生自己认识到所学知识的用处,从而激发他们学习的动力。课堂上注重和学生的互动,提升学生的学习兴趣,让学生带着兴趣参与课堂教学,带着兴趣训练学生的思维能力。教室在课堂上鼓励学生去尝试,去发现问题,分析问题,解决问题。允许学生提出不同意见。教学过程中充分调动学生的学习积极性,让课堂动起来。 1.2在教学过程中引入差异教学法 例如在刚开始的教学过程中,有些学生从未接触过计算机,连开关机都不会,也有一少部分学生对计算机的操作已经很熟练,因此如何平衡这两部分同学之间的矛盾?如何充分发挥有一定操作基础学生的带头作用?这里我们就引入了差异教学法,差异教学使如何实施的——将学生进行分组,每组里由学得快的同学教学得慢的同学,对的学生讲给做错了的学生听,合作学习小组成员由不同性格的学生组成。让有一定计算机基础的学生积极主动地参与教学活动,不仅增强了这部分同学的自信心,也有利于带动没接触过电脑的同学及时理解和掌握知识。发挥学习探究小组的集体优势,学会倾听同学间的不同观点,学会交流、分享,共同体验成功的喜悦和快乐。为学生的个性化学习提供了广泛的资源。 1.3在教学过程中应用任务驱动法 教学设计的任何环节都应当为了学生更真实、更方便、更有效的进行学习。不管教学内容怎么繁杂,训练的形式如何千变万化,都要紧紧抓住教学的重难点这个着力点,设计和提炼出有序有效的教学环节,留更多的时间给学生理解和内化。为了更好的提高学生在实践中的操作技能,在教学方法上采用任务驱动法。例如,在给学生讲解文件和文件夹的基本操作时,这一部分的操作是学习计算机最基本的操作,内容较多,对于初次接触计算机的同学还是有一定的难度,任务驱动式教学方法就会贯穿教学的每一个环节,每个任务的完成,主要是通过教师重点讲解或学生示范、学生自主学习、矫正练习这几个过程,让学生熟练掌握文件和文件夹的相关操作方法。而且每一个任务环环紧扣、承上启下、自然流畅,使学生在轻松愉快的情境教学氛围中,主动地学习计算机知识。 1.4在教学过程中采用案例教学法 案例教学法也叫实例教学法,它是在教师的指导下,根据教学目标和内容的需要,采用案例组织学生进行学习、研究、锻炼能力的方法。这种方法具有不可替代的实效价值。它能创设一个良好、宽松的教学实践情景,把真实的典型问题展现在学生面前,让他们去思考、分析、讨论,对于激发学生的学习兴趣,培养创造能力及分析、解决问题的能力十分重要。在计算机应用基础这门课的授课过程中采用这种教学方法,教学效果非常好。以任务为主线,以教师为主导,以学生为主体,改变了传统的教师讲、学生听的被动的教学模式,极大地激发学生的学习兴趣,提高了学生的自主学习能力。在授课过程中我发现,学生对结合实际的东西更感兴趣。只要讲课的内容能和实践挂钩的,都和实践联系在一起。所以案例就以学生就业为导向,围绕实际应用进行设计。例如同学们利用Word文档设计编写个人简历,同学们会通过网络检索找到自己所想要的模板,这样在实践中遇到问题,再去学习知识解决问题,就把他们的兴趣调动起来了。到案例结束,他们每个人做的个人简历就可以相互比较、评比优秀,这样大家就有竞争意识了。 2结语 总之,相比于传统的教学方法,新的教学方法能让学生更加喜欢和享受学习的过程。传统、创新和卓越对于我们来说是非常重要的。是否能够提高学生的计算机实践能力,是评估中职计算机应用基础课教学质量的最重要的指标。职业教育更加注重让学生学以致用。我们遵循的一个教育理念就是“授之以渔”,教会学生捕鱼而不是吃鱼,培养学生的自学能力。另一个就是“自主学习”,把学生的能动性调动起来,让学生去学,这样他们的动力是十足的。我们的教育教学改革的教学宗旨始终是始终围绕如何调动学生的学习兴趣,让他们最终走上自主学习的道路。 作者:杨芳 单位:宁夏民族职业技术学院 学前教育专业毕业论文:学前教育专业美术教学改革论文 一、学前教育专业美术教学改革研究 1.对教学方法的改革 通过以上的分析可以看出,在当今学前教育专业美术教学中,教学方法使用不当会对美术教学效果产生负面的影响,甚至会影响到学生学习美术的兴趣以及对美术的认知。对此,笔者建议,应对教学方法进行深入改革。首先,在学前教育专业美术教学中,教师需要对学生的现有水平以及接受能力等进行全面的分析,根据个体差异性,对学生因材施教,更有效地将对学生的整体教学与个体教学进行结合,全面提升学生的学习效果,及时解决个体学生的个别难题。其次,教师应采取引导式教学方法,将学生的主体性充分发挥出来,引导学前教育专业学生认识美术、了解美术、学习美术以及积极地探索美术知识等,避免以往教学中存在的单向教学方式。教师要加强与学生之间的互动教学,通过互动交流让学生对美术重难点知识进行定位,这样对于拉近师生关系,为学生营造良好的教学环境有着重要的作用,从而有效地激发学生的学习热情。再次,应加强对学生的实践教学。如,可以将一些影像资料、图片等作为学生绘画的精品模板,一方面可以引导学生将其作为参照物尝试去画,另一方面可以引导学生将自己对精品模板的观点表述出来,并与其他同学进行分享,活跃课堂教学氛围,这样更有利于学生的学习和发展。 2.对教学内容的改革 教学内容的不合理会对学前教育专业美术教学效率带来直接的影响,因此,在课程改革背景下,应对教学内容进行改革。首先,应加强教学大纲的优化,合理修订学前教育专业美术课程教学计划,并在原计划的基础上分析美术课程教学规律,丰富教学内容,并引导学生自主完成教学内容探索,给学生足够的时间,将学生的主体性充分发挥出来。其次,应适当增加实践教学内容,相比之下,实践教学内容对加深学生对知识的理解效果更佳,同时对培养学生的动手能力也有着很大的作用,而美术本身对动手能力的要求较高。因此,作者建议在教学内容改革中,应多增加实践教学内容,这样才更有利于学生的学习和发展。另外,要适当调整学前教育专业美术课堂教学,尤其是在学前教育专业要求不断提高的情况下,更要注重对学生综合能力的训练。因此,在学前教育专业美术教学中,应对课程进行合理设计,加强学生对知识的理解,同时,在丰富教学内容的前提下,培养学生的学习热情。另外,教师可以充分发挥多媒体设备的作用,将多媒体技术应用到学前教育专业的美术教学中,充分引入网络资源库中的教学案例,不断丰富美术课堂教学内容,为提升美术教学效率提供支持,拓宽学生对美术的认知面。 3.对教学体系的改革 学前教育专业美术教学体系的改革,首先,应确定改革的方向,结合院校的实际发展情况以及实际教学情况等合理改革教学目标,打破以往大纲式的教学目标设置,注重对学生创新能力、专业能力、审美能力等方面的培养,帮助学生树立正确的价值观。其次,应对教学专业课程设置进行改革,做到理论与实践结合、课堂与生活结合等,主要以培养学生学习兴趣、积极性等为目的,让学生自主学习美术、探索美术知识,从而有效提升学前教育专业美术教学效果。再次,应注重教学评价方式的改革,打破以往问卷考试的评价形式,要从学生的实践实习中进行评价。如,针对学生在幼儿园进行的试讲,对学生开展实践性评价,让学生清楚地认识到自身的不足,并不断改进。另外,要通过丰富教学评价的方式,从多种角度、多个方向对学生展开评价。如,以学生自评、生生互评、教师总结等方式提高教学评价的有效性,从而促进学前教育专业美术教学工作高质量完成。 二、结语 随着教学改革的不断推进,幼儿教育也越来越受到重视,尤其是幼儿教师的培养,更为关键。学前教育专业美术教学主要是对幼儿教师美术教学能力的培养,应对其进行不断的改革,才能更好地满足当今教育发展的要求。笔者通过对学前教育专业美术教学改革的研究,结合自身多年的工作经验,对当今学前教育专业美术教学中存在的问题进行剖析,同时也提出了教学方法、教学内容、教学体系等几个方面的改革策略,希望通过文章的分析为提高学前教育专业美术教学质量提供一定的帮助,进而为社会培养更多的学前教育人才。 作者:崔贺 单位:沈阳师范大学学前与初等教育学院 学前教育专业毕业论文:学前教育专业音乐教学改革论文 一、高校学前教育专业音乐课程的改革策略 1、对课程的目标定位进行明确 学前教育人才培养目标很大程度上决定了学前教育音乐课程的目标定位,高校在确定学前教育音乐课程目标之前需要对人才培养目标是培养具备一定音乐专业技能复合型人才还是培养音乐专业人才进行科学确定。培养全面发展的、能够满足学前教育事业发展需要的、具有一定幼儿教育专场的学前教育工作者和研究者是学前教育专业的定位。根据这一培养目标可知在学前教育专业人才培养的整体方案中的音乐教育应当将专业技能、专业能力实践运用、自主学习和研究能力作为培训重点。学前音乐课程的教育目标应当服从于培养全面发展的幼儿教育人才这个整体目标。 2、对课程体系进行完善 实现学前教育人才培养目标的重要途径就是合理的设置高校学前教育专业音乐课程。高等院校应当以国家教育方针和高校学前教育专业的培养目标为依据,在对音乐学科教育的特殊要求和各学科培养学生全面发展协调功能进行充分考虑的情况下,对学前教育音乐课程进行科学设置。在具体的设置学前教育音乐课程的过程中,相关人员应当充分协调音乐课程的特殊性和学前教育专业的特色,让设置的课程既能够满足学前教育专业学生音乐学习的需求,又能促进学生素质的全面培养和提升。 3、对课程实践进行强化 与高校学前教育专业的教育理论和技能的学习相对应的是成为一名合格幼师应当实际操作能力的培养,所以高等院校应当对学前教育专业学生实践能力进行强化,进而提升学生教育能力并且为未来的工作积累经验。培养合格的具备实践操作和自主研究能力的幼教工作者是学前教育专业的培养目标,在对学生的实践能力进行培养的过程中通过在学前教育专业的音乐课程教学中融入幼儿园课堂实践的教育内容,有机结合学生专业技能的掌握与幼儿园课堂中专业技能的实践运用,从而推动我国高校学前教育专业音乐课堂改革的优秀任务的实现。 4、对教学方法进行改进 影响课堂教学质量的重要因素之一就是教学方法,而学前音乐课程教学相对于其他音乐课程教学具有特定的规律,所以学前教育专业音乐教师教学中应当在对基础问题、常识问题进行充分考虑的基础上,对针对学生的不同能力基础怎样进行因材施教进行深入研究。在具体教学中学前教育专业音乐课程教师应当采取有效措施对学生的主动性和积极性进行充分调动,在对技能表现的方式方法进行切实掌握的基础上,对音乐活动的组织教学方法进行深入学习,进而使得未来幼儿园课堂实践的运用需求得到不断满足。高校学前教育专业音乐课程教师应当对传统的教师主导课堂教学模式进行变革,从当前学前教育的特点出发,对多样化的教学模式进行探索。如可以由能力较强的学生对分课堂的小组教育模式进行组织;开展以学生为主体的师生联合评价模式,通过在音乐课堂教学中的有效应用提升学前教育音乐教学的效率和水平。 5、对课程评价标准进行完善 教学活动的重要组成部分之一就是课程评价,它以教学目标为优秀,通过对有效评价手段的运用,实现对教学过程和结果的测定、分析,进而做出最终价值评价。学前教育专业音乐课堂教学改革的成败很大程度上取决于课程评价能够正确有效实施,具体音乐课程教学围绕课程评价展开,同时对学前教育音乐教学质量的监控也有赖于此。在具体教学活动评价中学前教育专业音乐课堂教职人员应当充分贯彻评价方式多元化原则、知识和能力并重的评价原则、综合性原则、实践性原则。高校学前教育专业音乐课程教师应当在设置音乐课程教育评价标准的过程中,对学前教育转的本质和特点进行深入了解和掌握,不仅要对学生的音乐专业技能能力进行评价,还要从学前教育实践运用和岗位需求特点出发有机合格课程评价和人才培养目标。 二、结语 在新的就业形势下高等院校应当从社会人才发展需求出发,采取有效措施提升本校学生的竞争力。音乐教学作为幼师工作中的重点内容应当得到高等院校学前教育专业教学的充分重视,高校应当对学前教育专业的音乐类课程进行科学设置,对教学目标、教学方式、教学课程体系、评价标准、课程实践各个方面进行改革,以适应新形势下的人才培养需要。本文分析了当前学前教育专业音乐类课程教学中存在的问题进行了分析,并据此探讨了相应的改革措施。但本文还存在一定局限,希望教育行业人员能够加强重视,不断提升学前教育专业音乐类课程教学水平,进而满足人才培养需要。 作者:何晴利 单位:洛阳师范学院学前教育学院 学前教育专业毕业论文:学前教育专业学生舞蹈教学论文 一、语言表达能力的培养 (一)培养学生准确的语言表达能力 教师的言语是学生接受知识的主要途径。如果教师在授课过程中,语言不准确,极容易导致学生接受错误的信息。相反,如果教师用准确的言语进行表达,不仅可以减少学生误解的情况,还有利于学生的学习,从而为教学的顺利进行提供保障。当然,语言表达能力不仅体现在对舞蹈理论知识的讲解,也体现在对舞蹈动作要领的传递。在模拟课堂中,可以让学生尝试讲解舞蹈动作,也可以向学生提问动作要领等问题,从而达到培养学生准确语言表达能力的目的。 (二)培养学生生动的语言表达能力 生动的语言表达在教学过程中同样十分重要,它不仅可以调节学习气氛,还可以唤起幼儿对舞蹈的兴趣。舞蹈教师生动的语言表达能力主要体现在将需要讲解的舞蹈知识形象化,例如在教幼儿芭蕾舞时,有些幼儿的手型动作不到位,可以提醒幼儿想象一下天鹅挥动翅膀的样子,这时幼儿就会注意到自己的手型,每个孩子都希望自己的手型像天鹅的翅膀一样美丽动人,这样更容易使得幼儿记住在舞蹈中正确的手型是如何摆放的。培养学生生动的语言表达能力,不仅拉近了学生与幼儿之间的距离,更提高了幼儿舞蹈教学的质量。 二、舞蹈动作示范能力的培养 教师在授课过程中不仅语言要生动准确,动作也要规范标准。教师是学生模仿的对象,教师在进行动作示范时,全面协调身体的各个部位,并配合适当的面部表情,以优美的舞姿获得学生的认可,从而在学生中建立威信,获得学生的尊重。而在舞蹈教学过程中,学生完成舞蹈动作的能力可以从动作技能和表现能力两个方面反映出来。动作技能是对舞蹈基础动作的掌握,而表现能力是对舞蹈艺术性的体现。只有两者完美结合,才能更好地表现出幼儿舞蹈的特点。因此,在培养学生示范舞蹈动作能力的过程中,要着重注意学生动作技能和表现能力的学习。不仅要加大对学前教育专业学生的肢体语言能力训练,还可以在学前教育专业幼儿舞蹈教学的内容中,增加各个种类舞蹈的动作训练,如芭蕾舞、古典舞等的基本功训练,使学生更大限度地了解以及掌握不同舞蹈的风格特点以及动作要领,以便在以后的学前教育工作中为幼儿传播更多不同风格的舞蹈知识,更全面地为幼儿打开舞蹈新天地。 三、编创幼儿舞蹈能力的培养 在舞蹈教学过程中,还要着重培养学生编创舞蹈的能力,以满足学生未来的学前教育工作对编创幼儿舞蹈的需求。进行幼儿舞蹈的创新,首先,要求学生对幼儿的心理特征有一定的掌握。幼儿在不同的阶段会有不同的心理特征,他们接受舞蹈能力也会不同,因此要根据幼儿的记忆、模仿、接受能力等各方面心理特点进行编创舞蹈。其次,在实际教学过程中,教师也可以将学生分组轮流进行创编作业练习,让学生互相观摩、互相纠错、互相促进。学生熟练掌握基础知识时,教师可以引导学生根据自己对生活的理解,用自己的舞蹈语言表达所学到的动作,进而学会思考、有意识地进行舞蹈组合创编。最后,注重锻炼学生对于生活细致观察的能力,因为在今后的幼儿教学工作中,要认真观察幼儿的喜、怒、哀、乐等不同的情绪,在幼儿表达不同情绪的过程中,教师可以在其中得到灵感,从而编创出能反映幼儿生活的舞蹈。 四、结语 综上所述,学前教育专业学生幼儿舞蹈教学能力要从语言表达、示范动作以及编创舞蹈能力三个方面来培养,准确、生动的语言表达是教学的前提,动作的示范是教学的桥梁,舞蹈的编创是教学的升华。相信只要在教学过程中遵循因材施教的教学原则,突出幼儿舞蹈的特点,使学生学有所长,就一定能培养出符合社会需求的合格的学前教育优秀人才。 作者:何辉 张海红 单位:张家口教育学院 学前教育专业毕业论文:学前教育专业班级管理论文 一、礼仪教育在学前教育专业班级管理中的必要性 礼仪教育既是文明传承的需要,又是时展的需要,更是班级管理的需要。我国作为文明古国,文明礼仪世代相传,同时随着新时期精神文明建设的发展,人们对尊重、宽容、温馨、真诚、互助、友爱、诚信、和谐生活环境的要求越来越高,文明礼仪作为精神文明建设的重要组成部分,不仅对良好生活环境的形成具有巨大的推动作用,而且是一个人优秀品质和个性形成的基础所在,同时也是提高全民族道德素质,振兴民族精神的基础教育。因此,在学前教育专业班级管理中必须抓好学生文明礼仪教育,这不仅是提升学生素质的需要,而且是建设一个优秀的、班风良好的班集体的需要,同时也是保证学生进行正常学习,教师开展正常教学活动的前提。 二、礼仪教育在学前教育专业班级管理中的重要性 班级管理从严格意义上来说就是对学生的管理,只要对学生的管理到了位,班级管理自然而然就达到了标准。对于学前教育专业的学生来说,礼仪教育有哪些重要性呢? (一)改变幼儿教师观念,增强责任心 传统观念认为,幼儿教师就是看护孩子的“保姆”,每天的任务就是在保证孩子安全的前提下带领着孩子玩耍,这种观念具有一定的片面性,安全看护孩子固然重要,礼仪教育也非常有必要。幼儿是我国的未来和希望,是国家进步和发展的源泉动力,我国优秀的文明礼仪需要通过教师传授给学生,代代相传,而幼儿时期正是进行礼仪教育的绝佳时期,孩子的内心对外界一切充满着好奇和渴望,而幼儿教师的一言一行都会成为孩子模仿的榜样。好行为,好习惯,我们提倡;坏行为,坏习惯,我们禁止。如何防止幼儿教师自身坏习惯,坏行为成为孩子模仿的对象呢?这就需要学前教育专业的学生认真学习礼仪知识,加强自身的礼仪文化修养,增强责任心,充分意识到新时期礼仪教育对幼儿教育的重要性,改变传统的幼儿教育观念,给孩子树立良好的礼仪形象,从而保证孩子快乐健康地成长。 (二)提升学生自信,促进学生素质全面提高 进入21世纪以来,人们的生活水平有了显著提高,生活节奏也越来越快,我国家庭中的“独生子女”现象越来越多,由于从小深受各种溺爱,孩子长大后各方面的能力表现都有所欠缺,动手能力差,合作能力差,好高骛远,在对外交往的过程中,经常以自我为中心,自私自利,不懂尊重别人,礼让别人,缺乏应有的礼仪。还有的学生在家里“称王称霸”“性格活泼”,在学校却是另一种状态,性格孤僻。有的甚至表现出胆小、懦弱的形象,不敢与别人交往,缺乏自信心。如果学前教育专业的学生毕业以后以这样的“状态”从事幼儿教学,教育出来的孩子是可想而知的。在我国大力提倡“中国梦”的今天,人与人之间的交往最需要的就是相互尊重,相互宽容,相互理解,自尊,自爱,团结合作的精神,通过对学前教育专业学生的礼仪教育,可以培养学生自尊、自爱、独立、礼让、团结合作、以礼待人的优秀品质,使他们学会如何做人,如何交往等,提升学生的自信,促进学生素质的全面提高。这是我们的学前教育专业的学生所必须具备的礼仪修养,也是管理好班级的前提和保障。 (三)建设文明班集体,促进班级和谐 学生文化知识的学习是学生的主要任务之一,但是只知道学习文化知识,缺乏自身相应的内在礼仪修养做支撑,缺乏最基本的做人礼仪,就是学问再广博也是徒劳的,缺乏礼仪修养的学生是不会组成文明班集体的,班级的和谐更是无从谈起。教师在对学前教育专业的学生教学过程中,要根据学生的实际情况,实施“情感”教学,关心、爱护、尊重每一个学生,深入学生中间,善于发现学生学习和生活中的“问题”并及时解决,建立起深厚的“情谊”后,能够让学生主动向教师敞开心扉,把自己学习和生活中的“问题”或“烦恼”向教师倾诉,教师成为学生感情上的“大哥哥”“大姐姐”,学习上的“良师益友”,从而培养学生尊重教师,热爱同学,热爱班集体的良好品质,进而达到建设文明班集体,促进班级和谐的目的。同时教师组织丰富多彩的活动,如每周一班会的开展,关于礼仪如何使班级管理更和谐的主题演讲等,潜移默化地传授给学生,然后组织学生谈谈自己的感受,最后教师做总结发言,帮助学生牢固树立礼仪对其自身,对班级管理的重要性。 三、结论 文明礼仪作为我国精神文明建设的重要内容,符合时展的潮流,是教师正常开展教学活动的内在需要,也是学生成长过程中所不可或缺的教育内容。只有学生的礼仪修养提升了,学生的全面素质才会得到提高,文明班集体的建设才会成功,班级和谐管理才能实现。同时我们应该清醒地认识到,在学前教育专业班级管理过程中开展礼仪教育,是一项系统的、复杂的工程,不可能一蹴而就。礼仪教育的方式、方法也多种多样,这就要求教师从实际出发,敢于探索,勇于实践,从而实现礼仪教育给班级管理带来的新突破。 作者:吴丽 单位:湘南幼儿师范高等专科学校 学前教育专业毕业论文:学前教育专业学生文学素养论文 一、提升学前教育专业学生文学素养的内涵界说 何为文学素养?学前教育专业学生又须具备怎样的文学素养?文学素养可以从两个层面加以理解,一方面通常是指一个人借助语言文字表达自己思想、情感等方面所表现出来的能力和水平,即一个人的口头表达能力和书面创作能力;另一方面是指一个人对文学作品的理解和感悟能力,能通过自己的理解和感悟,较好地再现文学作品的内涵和意蕴。一般而言,文学素养包括以下几个方面: (1)具有一定的文学基本理论,包括创作理论、鉴赏理论等; (2)掌握一定的文学基本常识; (3)能够具备一定的文学创作能力; (4)能够具有良好的文学作品阅读感悟能力及习惯; (5)能够对文学作品的阅读具有一定的鉴赏能力和表达自己见解、观念的能力等。作为高师院校所培养学前教育师资的学生而言,在具备以上文学基本素养的同时,还要结合自身专业特点,凸显学前儿童文学的阅读对象心理特征、接受能力以及儿童文学的教育理论等,才能建构起适应专业需要的文学素养。为此,他们还应该具备以下一些适应未来职业需要的文学素养。掌握学前儿童对文学的接受心理。学前儿童文学主要是以婴幼儿为阅读对象,然而,他们的心理还处于成长期,有其特殊的心理特征。首先,他们生活经验不丰富,心理机能发展不完善,在接受文学作品时主要靠的是视觉和听觉,甚至是借助动觉即演示来接受和理解文学,因此,作为未来的教师就要了解他们特有的接受心理。其次,他们注意力不够集中或集中时间短暂,容易受外在事物干扰,在教学中就要了解这一特点,增强教学的趣味性和生动性,以吸引他们注意力,保证教学顺利实施。第三,他们思维形式主要是一种直觉性思维、形象性思维,要求在教学中注意通过创设丰富情境,尽量将文学作品内容进行再次创编,以诉诸于他们感官体验,增强动感。第四,他们的心理还具有幻想性特征,那些夸张的、超现实的形象和故事更易于激发他们的兴趣。只有了解学前儿童的这些心理特征,才能在儿童文学教学中真正发挥其教育功能。具备基本的艺术表演素养。由于学前儿童对文学的接受具有视和听的特性,儿童文学作品中很多内容是通过形象直观的表演形式才能让他们接受和理解,基于此,在一定意义上儿童文学也是“听”的文学,“看”的文学,“演”的文学,所以,作为我们培养的学生,就要具备一定的艺术表演素养,才能适应未来教学需要。比如做游戏,是学前教育中最常见的教学形式。游戏作为人类的一种原始本能,也是婴幼儿的一种天性,最为学前儿童所喜爱,那么如何实施游戏教学,就离不开教师的艺术表演能力,通过游戏来引导学前儿童感受生活、体验情感、理解社会。再如,儿歌、童谣等都是儿童最早接触的、也是最喜闻乐见的一种文学形式,这一教学实施也是伴随表演而被学前儿童所接受。 能够进行儿童文学二次创编能力。由于学前儿童特有的心理特征和思维能力,他们对文学的接受缺少直接的领悟和感受能力,在教学中教师就必须具备对文学作品进行二次创编能力。教师通过自己对文学作品内容的理解和感受,然后用优美动听、抑扬顿挫、高低起伏的声音,以及适度的夸张表情传达出真挚的情感,进而对学生产生潜移默化的影响,引领学生自己走进儿童文学世界,实现他们对文学作品的理解和体验。对文学学前教育专业建设作品的二次创作和改编就理应成为学前教育专业学生具备的文学素养之一。因此,我们在培养未来学前教育师资过程中,就要注重培养学生具有创作和改编能力,促进学前儿童文学教学更加贴近儿童本位,体现学前教育专业的职业性和儿童性,提早实现由单纯的知识教学向职业需要转变。具备对儿童文学语言的感受能力。儿童文学具有自身的语言特色,这也是学前儿童语言心理机制决定的。由于学前儿童生活经验不多,知识词汇较少,作品中的语言简单易懂,明白浅显,生动逼真,力求能够有助于儿童直觉感知和思维想象。无论写人写事还是写物,都具有形象直观性,作品中的艺术形象大多具有色彩鲜明、形态活泼、声音清晰、富有动感等特性。同时形象描绘上多用比喻、拟人、夸张等修辞手法,以此激起学前儿童的丰富想象。语言表达上还注重音乐性,节奏明晰,音韵和谐,朗朗上口。有时候,还通过重章叠句、反复排比等形式增强语言的童趣。对于我们学生来说就要掌握学前儿童文学的语言特点,在教学中才能让儿童所喜闻乐见。 二、提升学前教育专业学生文学素养的路径 儿童文学是高师院校学前教育专业的必修课程之一,也是该专业课程体系中最重要的内容或教学资源,同时,在幼儿园目前开设的语言、常识、计算、美术、音乐等五大学科课程中,都或多或少涉及儿童文学,可以说,儿童文学是一门基础性、奠基性课程。但毋庸置言,目前学前教育专业儿童文学课程的开设还存在着很多瓶颈,比如学科建设滞后、师资力量匮乏以及职前职后脱节等问题,不可避免地制约了高师院校培养具有适应未来学前教育专业需要的、具备较高文学素养的师资需求。根据目前高师院校实际,我们可以从以下几个方面提升学前教育专业学生的文学素养。加强学前教育专业儿童文学课程建设。近年来,我国学前教育专业中儿童文学课程建设取得了很大进展,越来越规范有序,但由于在我国高师院校中开设的学前教育专业儿童文学课程大多借鉴中文专业而来,而忽视了作为学前教育专业开设的儿童文学课程本身的特点,因此也就不可避免地存在一些问题。第一,沿袭中文专业重视理论研究的特点,而忽视学前教育专业的儿童文学教学具有较强实践应用的性质。第二,重视学科理论建设而忽视了学前教育的专业特色。显然,沿袭中文专业而来的儿童文学教学体系不能适应学前教育专业的教学,更不能适应培养学前教育师资的需要。高师院校学前教育专业儿童文学课程建设必须紧密围绕该专业人才培养目标、专业特色、职业需要等建构具有自身特色的儿童文学课程教学体系。 因此,如何建设一个既能提升学前教育专业学生文学素养的课程体系,又要注重指向未来职业需要的儿童文学课程成为当务之急,同时还要突破原有中文专业文学教学的藩篱,建构既与中文专业文学相联系,又彰显学前教育专业特色的课程体系。拓宽学前教育专业儿童文学内容的边界。儿童文学在教学内容上首先要切合专业特点,力求全面、系统地掌握文学及儿童文学学科的理论知识,在进行文学的基本理论、文学史及文学鉴赏等通识教育同时,还要让学生较好地把握中外儿童文学发展的历史脉络,扎实掌握儿童文学的基本原理及文学鉴赏知识,使儿童文学成为学前教育专业学生知识结构中的重要内容。在儿童文学教学内容的选取上,我们还要不断突破狭义的儿童文学观念,要构建“大儿童文学”的观念,形成既凸显儿童文学自身特色,同时又要形成与儿童文学相联系的知识结构。这是学前教育专业服务对象的特殊性所决定的。因为在幼儿园教学实践中,教师不仅仅具备文学基本素养,还要将文学作品内容通过演示、表演、语言等形式再现出来,才能被学前儿童接受,因此,在儿童文学的教学中不断拓展教学内容边界,增加音乐、美术、舞蹈、表演等知识,丰富学生的知识结构,体现他们将来所从事儿童文学教学的科学性、现实指向性。加强从事儿童文学教学的师资队伍建设。有一批合格师资是保证学前教育专业学生提升文学素养的重要保证。然而,在现行的高师院校学前教育师资队伍中存在明显的缺陷。近年来,各类高师院校受办学市场化的影响,社会需要什么人才,学校就培养什么人才,哪个专业就业前景好,学校就增设哪个专业,不管条件具备与否,不具备条件创造条件也要增设相关专业。这虽然适应了社会需要,但因各类学校办学条件不一、师资力量不等,这势必会带来很多问题,特别是那些并不具备相应条件的学校也办起了学前教育专业,很多教师原来都是中文专业出身甚至教育专业出身临时转为学前教育专业,从事儿童文学教学,他们在知识结构、教学观念等方面明显受原有专业影响,更多的是他们边学边教,现学现教,很显然不能适应学前儿童文学需要,更何谈培养学生的儿童文学素养?为此,我们就要适时注重学前教育专业师资队伍培养,转变他们观念,及时适应儿童文学教学需要。目前国内一些办学水平高、师资力量强、介入学前教育专业早的一些大学开设了相应培训班,为提升学前教育师资队伍做出了积极努力,对推进学前教育专业发展起到了积极作用。 另外,还要注重儿童文学理论研究工作,培养儿童文学的理论研究者,能更好地指导实践,进一步推进儿童文学教学发展,提升学生文学素养。推进职前、职后对接与互动。学前教育专业学生文学素养的真正养成还离不开在实践中升华。我们高师院校学前教育专业培养的学生最终是为从事学前教育服务的,这是我们培养人才的起点和归宿。为此,我们就要注重将理论与实践结合起来,促成知识向能力转化。首先,在学前教育专业的儿童文学教学中就要注重实践性教学,教师要指导学生积极开展探究式学习,学会尝试儿童文学的创编,注重儿童文学剧目的编排和参演等,这样既能提升学生的文学素养,又能为将来职业做好储备。其次,要积极开展见实习活动,要适时向幼儿园延伸,在幼儿园建立实践基地,将高师院校学前教育专业学生引进课堂,感受儿童文学教学活动,开展听课评课,见习实习等。一方面有助于学生加深对儿童文学理论知识的理解,另一方面又能反思实践,找出不足,为进一步提升自己文学素养提供内驱力。 作者:秦春 单位:阜宁高等师范学校 学前教育专业毕业论文:学前教育专业音乐素养教育论文 一、加强音乐素养教育在学前专业人才培养中的重要性 幼儿教育重在保教结合。幼儿园一日常规教学需以游戏为主,倡导快乐学习、自主学习、协作学习,而这一切都同音乐教育形影不离。不论是儿童故事、儿童剧、歌谣、舞蹈律动还是其他游戏设计组织和幼儿智力和身体协调发展,都离不开音乐元素。因此,一名合格的幼儿教师,必须具备良好的音乐素养。音乐素养属于学习音乐以及与音乐相关的艺术活动的基础性理论性课程中的综合素质教育范畴,基本涵括读谱能力、听音能力、节奏能力以及和声、创编能力的综合训练,经过严格规范的教学训练,可以具备较全面的音乐理论知识、音乐发展史知识和较强的音乐欣赏能力、器乐声乐表现能力。鉴于学前教育专业所培养的人才,主要从事幼儿教育教学工作,而幼儿课堂教育活动的主要形式几乎都与音乐有关,幼儿需要从舞蹈、歌唱、器乐弹奏和音乐剧中学习愉悦身心的节奏、和谐美妙的声音,体会优美氛围的环境创设,一个不懂得音乐内涵、不理解音乐和不会欣赏音乐、表现音乐的人,只是在机械地重复各种声音排列的人是不可能达到课堂教学基本要求的,是不可能成为一名合格的幼儿教师的。所以,在学前教育人才培养工作中,一定首先重视音乐素养的基础教育,只有给学生坚实厚重的基础,才会使他们拥有将来持续持久的专业发展能力。 二、目前学前教育专业音乐教育存在的普遍问题及对策 正是因为有了国家和各级地方政府的教育中长期发展规划的政策利好刺激,近两年学前教育事业有了跨越式、爆发式的快速发展,随之而来的是大量各级学校开设学前教育专业,加快提高培养速度和规模以满足日益增长的社会需求。但是,任何一个学科领域的人才培养,都需要几个完整的包括计划、实施、反思、调整、提高、完善等教育环节的发展周期,以努力适应社会市场对人才规格的变化需求,才能获得一个较为成熟的人才培养方案和人才培养模式。所以,在大而快的发展形势下,学前教育专业教学上也出现了一些不和谐的现象,学前教育专业以及学前音乐教育存在的问题一般有以下几个方面: 一是学前教育专业教学中对音乐素养教育未给与高度重视。大多学校的学前专业非常注重基本文化理论课程,特别是初中起点专科,在课程设置上为了体现全科教育,只注重了文化理论厚重扎实,语数英理化史地生政各学科齐全,三学六法必修,却忽略了幼儿教师最为需要的音体美课程,而其中的音乐课程再分散到键盘、器乐、声乐、合唱等门类中,每周学生只有三十几个课时,音乐素养类的乐理视练和声欣赏教育教学时间少到什么程度就可想而知了。因此,一定要在教育思想上重视综合素质培养,更加注重教师教育技能教育,首先加强音乐素养教学,必须进行课程体系调整,在教学时数上对音乐素养课程予以保证,并引导教育学生在音乐素养学习上投入更多的精力和时间。音乐素养课不是可有可无的,它是所有艺术类包括语言类技能的必须基础,其在学前教育人才培养中技能学习和人文素养提高的重要作用不可忽视。 二是急功近利思想影响音乐教育教学。毋容讳言,各类学校特别是学前教育专业扩招速度和办学规模迅速加大,使学生入学质量根本难以保证。且不说学前教育招生现在基本没有了入学面试,艺术技能考查更是无从谈起,学生入学只有一条标准,那就是高考或者中考成绩。如此一来,虽然我们搞了几十年的中小学素质教育,但我们的青少年学生艺术素养特别是音乐素养基础,就连学前教育这样的非艺术专业也很难谈到满意,这就使得我们的课堂教学遇到很大困难,首先是音乐基本能力水平差距过大,五音不全、不识简谱线谱、没见过钢琴的学生,同业余器乐或声乐十级的学生按专业划为一个教学班,这种情形怎能一个分类施教或者区别教学解决得了。其次是教学计划和教学任务必须在规定时限内完成,教师面临着各种教学考核,这就势必造成在音乐技能教学上的急功近利思想,往往在学生还没有受到良好音乐素养教育的基础上,就开始进行键盘学习和声乐学习,结果学生只是掌握了应付考试的曲目,简单机械地毫无音乐艺术美感地完成所谓学习任务,根本不能达到承担幼儿园教学活动组织要求,更枉谈愉悦身心的综合素质培养和进一步的教师职业持续发展,这种忽视音乐素养教育为基础的人才培养做法其危害不言而喻。 三是教育教学方法必须改革改进和提高。面对这如此现状的教学局面,我们的教育管理者和音乐教师,必须改革和改进教学方法,必须坚定地把音乐素养教育当做课堂教学的首要任务来抓好抓牢,切记不可违背教学规律而急功近利。首先,所有的音乐、舞蹈老师利用一切条件和机会加强学生音乐素养教育,使学生最起码能够具有听辩、唱读、视奏、欣赏四项能力;其次,鼓励学生克服畏难心理,一定打好音乐素养基础,除了学习规定教材,平时加强练习学习,特别是中国音协考级委员会的音乐基本素养考级教程,特别适用于无音乐基础的学生,属易教易学的普及教材。再次,教学要理论与实践密切结合,切忌简单枯燥,特别是理论教学,更应以激发兴趣为主,可以听音模唱、节奏游戏、儿歌竞赛、欣赏演说等多种形式组织教学,并同其他音乐课程如器乐和声乐学习内容相结合,使学生学习过程感同身受,全面提高学生感受音乐、欣赏音乐、创造音乐的积极性,就会使音乐教学和整个艺术教学步入和谐、融洽和学生身心、思想情操全面发展的较高育人境界。 作者:张宏 单位:潍坊学院 学前教育专业毕业论文:中职学校学前教育专业教育心理学论文 一、中职学校学前教育专业学生现状 1.学生学习目的不相同,学习的主动性千差万别。在教学过程中,笔者发现一些学生喜欢学前教育专业,喜欢小孩子,对幼师这一职业充满向往,因此在学习中积极主动,总是希望尽可能多的学习知识,掌握技能;还有部分学生对学前教育专业没有兴趣甚至对小孩子十分反感,但在家长的坚持下才不得不选择这一专业的,因此她们对于专业课的学习充满敌意,别说主动学习,就连必须上交的作业也采取投机取巧的方式完成。 2.学生缺乏教师的认可,自信心明显不足。有的学生一直以来被扣以“差生”的帽子,也是因为学习成绩不理想,无法继续升学而不得不就读中职院校的。她们往往认为自己天生就不聪明,无法在学习中取得良好成绩,因此不会用心读书、学习知识。 二、教育心理学课程的特点 1.心理学是一门涵盖多种专业领域的科学,其研究涉及认知、行为、人格等多方面,目的是为了描述、解释、预测和影响行为。 2.教育心理学作为一门交叉学科有着更为丰富的内涵,它既有教育学的性质任务,同时还有心理学的性质任务。教育心理学研究的对象是教育过程中学生的各种心理现象及其变化规律、并根据这些规律研究如何有效地学与教。 3.教育心理学是一门基础研究和应用研究并重的学科,相对实践课来说,显得枯燥,往往很难调动起学生的兴趣。另外,对于大多数学生而言,在以往的学习中很少会接触到理论性较强的学习,因此,她们常常找不到适合的学习方法来学习一门全新的课程。 三、中职学校学前教育专业教育心理学的教学策略 想要达到良好的教学效果,就要使用相应的教学策略。针对中职生现状和教育心理学课程的特点及教学难点,笔者在教学过程中使用了如下策略: 1.启发式教学策略。填鸭式教学可以在较短的时间内传授大量的知识,但就长期效果来看优势远不如启发式教学。教学目标不仅是教学活动结果的预见,而且是学生学习的目的。大量的事实证明,如果学生缺乏对事物的好奇心和求知欲,那么即使他们掌握了新方法和技术,也很难有效地运用到实际生活中去。运用启发式教学策略可以激发学生主动参与学习的积极性,使学生在学习知识的过程中,提高理解和运用能力。一种方式是先提出有针对性的问题,如“写出在你心目中小孩子有哪些独特的方面”。根据学生的回答情况既可以了解到她们对问题的认识情况,又可以调动她们参与课程的积极性。另一种方式是在教学过程中不把全部教学内容“和盘托出”,而是有意在内容上制造一定的“空白地带”,让学生拥有创新的“开发区”,同时训练了她们的创造性思维的灵活性、综合性和独特性。例如,在讲解时间知觉这一比较抽象的概念时向学生们提出这样的问题:新入园的孩子哭着问你“老师,妈妈什么时候来接我”时应该怎样回答。这是一个很容易出现的问题,学生们大多积极动脑,给出了不同的回答。有的学生说:“妈妈下班就来接你了。”我问:“小孩子问妈妈什么时候下班,该怎么回答?”学生答:“妈妈四点钟下班。”我问:“小孩子继续问什么时候到四点钟,又该如何回应?”学生答:“……”此时,学生没能给出更好的答案。我引导道:小孩子对于时间概念并不清晰,什么样的事情能让他们有时间有大致的概念呢?学生们答道:“他们熟悉的事情。”随着引导和讨论,学生们最后得出了“吃完晚饭妈妈就来接你回家”这个比较恰当的答案。 2.多种教学方法相结合的策略。讲授法是在课堂教学中应用最广泛的一种教学方法,但是单纯的讲解往往不能够达到最好的教学效果。多媒体教学是现在较为常见的一种教学方法,它具有直观的特点,比起传统的讲授它更容易吸引学生的注意力。中职学生实践经历较少,对幼儿的了解不够,只依靠理论讲解并不能让她们了解小孩子的心理特点和心理状态。为了让学生们了解幼儿真实的生活情况,笔者播放过一部叫做《幼儿园》的纪录片,该片呈现出湖北武汉一家全托制寄宿幼儿园,一群天真无邪的可爱孩子在镜头前展现他们最真实的一面:他们会为了对父母的依恋而大声哭闹、会为了和小朋友偶然的争执大打出手、会为了穿不上衣服以及摆不好椅子而脾气大发、也会为了星期四和星期五的先后顺序讨论不休。在看过此片之后,很多学生表示之前对于幼儿和幼儿园的认识存在误差,通过看片自己对幼师这份工作有了新的认识,也表明了自己会避免片中老师的错误做法。角色扮演教学法也是一种常用的方式,在扮演不同角色(幼师或幼儿)的过程中,学生能更好地体会工作中可能面临的问题及幼儿的各种想法、反应。 3.小组合作学习策略。美国著名教育评论家埃利斯曾说过:“如果让我举出一项符合‘改革’这个术语的教育改革的话,那就是合作学习,因为它建立在坚实的基础之上。”该学习策略不但能够提高学习能力,同时也增强了她们的团队合作意识。在讲授幼儿的气质类型时,笔者先介绍了气质的概念、类型和代表人物。然后将学生们分成四个小组,让她们根据幼儿在生活中的表现对典型气质类型的案例进行分析(每个小组负责一个类型)。在小组讨论环节学生们变成了课堂上的主角,她们积极思考,共同讨论,更好地掌握了所要学习的知识。 作者:张宇婷 单位:黑龙江省妇女干部学院 学前教育专业毕业论文:学前教育专业人才培养论文 一、幼儿教师应具备的能力 1.认识自己 做一个谦逊、沉静、有爱的教师。教师在职前要做的重要事情就是认识自己,系统地剖析自己,以便发现身上某些阻碍其理解儿童的缺点,比较典型的表现如专制和容易发怒的脾气,这两种元素叠加在一起使儿童的需要被成人指引或压制。作为准教师,必须检查自己摒弃专制,变得谦逊和有爱,这也是教师必须经过训练获得的美德。另外,幼儿教师还得是一个沉静的人,这里所说的沉静是指谦逊的品质和理智的头脑,是理解儿童所不可缺少的。做一个有专业技能的教师。《幼儿教师专业标准》明确提出,幼儿教师需要掌握系统的专业知识和专业技能。在职前应该多方面培养自身的专业技能:艺术技能,如声乐、钢琴、舞蹈和绘画;体育技能,如编排儿童体操、儿童体育游戏和运动;教学技能,如熟练掌握应用信息技术教学;组织设计技能,如活动设计、环境设计等。其中,最为优秀和个性的能力体现在教师的观察、沟通、对教育环境创设及教育活动组织、实施和评价上。 2.认识儿童 要做一个合格的幼儿教师,首先要认识儿童,认识儿童才能帮助儿童。认识儿童要做到两点:第一要有丰富的知识储备,应具备自然、人文、社会科学等方面的知识,以能够影响儿童健康的审美,满足儿童天真、好问、求真的特性。重点是要掌握教育科学知识,精通儿童教育学和心理学,了解儿童心理发展与需要;第二要有较强的观察能力,观察是幼儿教师必须具备的素质,作为一位出色的观察者,才会耐心而不是粗暴地干涉儿童的各种自由活动。当然观察能力不是自然生成的,它需要在教师培训的基础上,采取一系列有效的措施来加以训练,包括观察技术的提升、科学观察态度的养成和强烈观察欲望的激发等。 3.学会共处 “学会共处”是联合国教科文组织报告《教育—财富蕴藏其中》提出的教育四大支柱之一。和谐的师生关系是指基于双方对人格、地位及主体权利的尊重,在合作意向上的交往关系。但在实际教学中,教师与儿童往往处于一种不平等的地位,教师是活动的掌控者,幼儿常处于服从、依赖的被动地位。教师应该基于平等对话的基础上,以伙伴关系来指导儿童,学会倾听儿童的声音,并掌握好对儿童活动进行干预的时机,过早、过晚或全程干预都得不到好的效果,不利于和谐师生关系的形成。 二、高职院校学前教育专业人才培养策略 1.明确人才培养的目标 高职院校与本科院校有显著差别,高职院校更加注重技能的培养,将学生定位于技能应用型人才。鉴于此,学前教育专业的人才培养目标是:培养具备谦逊、慈爱的美德,宽广的知识结构,具有先进的幼教理念和较强的保教能力,兼具琴棋书画的教学技能,较强的观察能力,善于交往,勤于思考的学前教育一线教师。 2.科学设置课程 在课程内容设置上,一般院校都会根据《幼儿园教育指导纲要》中规定的幼儿园健康、科学、社会、语言、艺术五大领域来开设课程。一般分为四类课程:公共课、专业理论课、专业技能课和实践性课程。课程设置上更为重要的是课时比例的安排。高职学前教育专业培养技能应用型人才,要增强应用实践性课程的设置。3.教学模式理念的革新。幼儿教师是幼儿活动环境的创设者、学习活动的指导者、心理活动的研究者,这种角色期望要求教师懂得幼儿心理发展的规律及影响因素,能创设有利于幼儿发展的环境,具备与幼儿互动的知识与能力。所以在教学模式、理念上都要进行一系列革新。 (1)专业理论课技能化。在专业理论课的教学中,教师应始终以学生为教学活动的基点,贯穿儿童中心的理念。将枯燥的理论知识学习项目化为观察儿童、回应儿童、解读儿童能力的获得。理论知识学习目的是为了发现儿童,熟知儿童的特点和需要。所以观察就显得尤为重要,使学生学会记录,并进行解读,以此来制定符合儿童需要的教学活动。 (2)专业技能课教育化。学前教育专业的技能课主要是艺术技能,对艺术技能的学习不能是单纯的技能训练,技能是工具而不是目的,这些技能的学习是为了更好地贴近儿童心理发展的特点,适应儿童发展的需要,帮助教师掌握正确的教育方法。所以,技能课的学习要将学前教育学、心理学等认识儿童的理论知识融入其中,让儿童中心的理念贯穿始终,让技能课不再是冷冰冰的技艺训练,而是充满更多教育的元素。 作者:文璠 单位:恩施职业技术学院 学前教育专业毕业论文:英语教师专业化学前教育论文 一、学前教育专业英语教师素质要求 学前教育专业的学生既要进行专业英语学习,还要能够对幼儿进行英语启蒙,培养幼儿的英语兴趣、吸引幼儿的注意力等。这些表明他们必须具备相应的英语能力,如,地道的语音语调、英语儿歌、幼儿园常用英语、英语游戏设计和幼儿英语教学法等。这对学前教育的教师提出了新的要求,他们也必须具备地道的英语语音语调、英语儿歌教学能力、幼儿园常用英语教学、英语游戏设计和幼儿英语教学法,运用相关的英语教学法进行专业英语的教学。 二、学前教育专业英语教师专业化培养 教师的专业化指的是在整个职业生涯中,通过专门训练和终身学习,逐步习得教育专业的知识与技能并在教育专业实践中不断提高自身的从教素质,从而成为教育专业工作者的专业成长过程。教师专业化是一个过程,遵循一定的成长规律。 (一)职前教育 职前教育指在从事岗位工作之前所进行的学校教育,在大学或者相应的机构接受学科专业知识和教育专业知识的教育,学习基本的教学技能,进行初步训练,具备教师的初步品质,为从事教师职业打下基础。职前教育主要完成基础教育,专业知识和初步的实践知识。目前我国的职前教育一般是在本科教育和研究生教育阶段来实现。在本科和研究生阶段将来从事学前教育专业英语的教师要具备教育学和心理学的专业英语知识,具备标准的语音面貌,掌握英语教学法,初步形成教师品质。 (二)岗前培训 学前教育专业英语教师的岗前培训阶段和其他学科专业的岗前培训阶段相似,都是要强化职业教育工作者的基本职业意识,并进一步学习职业道德、心理学、教育学等知识,掌握职业教育的特点和规律,并明确职业教育的特殊性,提高从业者的职业意识,让其快速进入角色,适应岗位要求和工作纪律规定。一般来讲,从事学前教育专业英语教学的师资来源主要有师范院校毕业的研究生、职业技术师范院校毕业的本科生以及综合性院校毕业的学生,还有在学前机构工作过的教师。职业技术师范院校及师范院校毕业的新教师在职前教育阶段都基本掌握了心理学教育学知识,并具有初步的实践经验。但综合类院校毕业的新教师在职前教育阶段由于学科原因和院校课程设置差异,一般没有较系统的心理学、教育学等相关知识,也没有进行相关的教学实践体验。职业师范院校的从教人员,有着相对成熟的学前教育机构的一线经验,却在专业基础知识方面相对匮乏。以上三种教师要分别采用不同的岗前培训。前两种新教师缺乏教学实践经验,缺少教学实践的基本技能,对其重点培养教育教学基本技能,对第三类新教师的岗前培训则突出强化其专业基础理论知识。 (三)入职教育 入职教育在新教师入职初期角色转换和适应阶段进行。此时可采取“老带新”、“传帮带”的形式进行。对新教师的入职教育,通常由经验丰富的教师采取“一对一”的方式进行,这种导师制的指导训练让新教师更好更快地适应新角色,真正帮助新教师解决“入职”过程中遇到的问题和困难。目前,“老带新”的做法在国内各大高校较为流行,效果良好,它可以使新教师较快成熟成长,更好地适应新的岗位角色,获得轻松愉快的入职体验。在“传帮带”的过程中,老教师要善于发现新教师教学工作中的优点和亮点,帮助新教师分析自己教学方法方式的利弊,引导其分析问题成因。通过相互听课及课后讨论分享教学体验和经验教训。还要因人而异,灵活指导新教师的教学实践。老教师也要不断自我充电,加强学习,弥补知识缺口,扩充知识库,以获得更饱满的精神和信心。另外,老教师要利用信息手段,为新教师提供网络资源,供新教师学习参考,并听取新教师的学习报告,给予评价或指点。 (四)在职教育 职前教育为新教师提供基础知识,为新教师成为基本合格的教师提供初步的条件。但新教师入职之后,要成为优秀的教师,必须在任教之后,不断学习,提升自主学习能力,使自己成为终身学习的教师。在职教育阶段,应更进一步的学习理论知识,深化专业教学实践,时刻进行教学实践反思。在职教育强调理论与实践的结合。既鼓励主动参与,又倡导终身学习。让新教师制定职业发展规划,明确自己发展的方向,使职前教育和在职教育有效衔接。强化教学实践,通过参与幼儿园英语的教学设计和教学工作实践,独立开展专业英语的教学工作。结合教学实践,开展教学改革和教学研究,提高新教师教学能力。职业教育教师发展的中心是教师的专业成长。教师的职业理想、职业道德、职业情操是不断成熟、不断提升、不断创新的。因此,教师在整个职业教育过程中都是教师不断学习、提高、成熟的过程。学前教育专业英语教师的专业化培养也不例外,教师在专业英语教学中务必通过专业训练,掌握幼儿师范教育的专门教育技能,提高综合教学素质。 作者:朱利勇 单位:江西科技师范大学外国语学院 学前教育专业毕业论文:专业专业优秀课程学前教育论文 1学前教育专业专业优秀课程实践教学模式的适用性 学前教育专业学生必须具备8项技能:普通话、三笔字、教学简笔画、幼儿园环境创设、幼儿园教育活动设计与组织、音体美舞、幼教英语、现代教育技术。在教学活动设计、教学目标的确定、教学内容的选择以及教学方法的选用上,都要考虑学生所掌握的技能应是当今时代要求和社会需要的,应使学生学有所获、学有所用。2.3学前教育专业专业优秀课程实践教学模式的情景性 2情景设计常常是现代教学的中心内容,新课程与幼儿园活动 设计的多媒体课件更需要情景与主题的多样性。在教材内容的组织中,根据不同的内容,教材的情景大致可以分为认知情景、审美情景、道德情景和综合情景。情景与教学主题密不可分,这就要求教师根据教学内容的特点来创设适宜的情景,以承载特定的教学主题。 3学前教育专业构建专业优秀课程实践教学模式的要点 3.1建立学前教育专业专业优秀课程的反馈模式 在实践教学中应该尊重学生在学习和实践上的主体地位,以完整的体系和协调的机制来观察、评定学生对学前教育专业专业优秀课程的掌握情况,并将形成的结论与评价全面交付学生,使学生通过学前教育专业专业优秀课程实践教学形成学习——实践——评价——反馈的循环逻辑链条,让学前教育专业专业优秀课程的实施更为有效,使学生对学前教育专业专业优秀课程的掌握更为彻底,从意识上和能力上做到对学前教育专业学生全面发展的促进。 3.2建立学前教育专业专业优秀课程实践教学的微格训练模式 学前教育专业专业优秀课程的开展应该利用多媒体技术的直观性、针对性和客观性优势,进行辅助教学,可以在优秀课程实践教学过程中应用录摄设备和多媒体采集系统记录学生在实践教学中的细节与过程,然后与教学和指导教师一道观看形成的资料,针对录像、音频的分析和研讨找出实践教学中学生存在的问题与缺点,形成改进实践方法的策略和方案,如此循环、大量训练直到学生掌握学前教育专业专业优秀课程内容,达到课程要求的目标和任务位置。 3.3建立学前教育专业专业优秀课程实践教学的交叉模式 交叉模式是以学前教育专业学生得到专业资格为“经线”,以学前教育专业学生知识成长为“纬线”相互交叉的信息学前教育专业专业优秀课程的教学模式,交叉模式的一项重要目标是通过学前教育专业专业优秀课程的教学来让学生获得专业资格证书和学历文凭,使学生得到社会的承认;交叉模式的另一项重要目标是通过学前教育专业专业优秀课程教学和各类研修培训来提高学生的专业能力,使学生能力得到提升。在交叉模式中要做到双重目标的共同建设,通过实践教学将两个侧重点统一在一起,深层次地提升学前教育专业学生专业优秀能力与素质。 3.4建立学前教育专业专业优秀课程实践教学的多元化模式 在学前教育专业专业优秀课程实践教学过程中应该注意学生在学习能力、兴趣和基础等方面的个体差异,要从实践教学的内容和要求入手抚平这一差异,使不同的学生在学前教育专业专业优秀课程实践教学面前获得统一的平台,进而实现差异个体的共同发展。在学前教育专业专业优秀课程实践教学中应该将内容适当地延伸和深化,以多种形式、多元化的时间活动为学生提供不同要求、不同层次的要求与目标,使实践教学的形式灵活多样,多个维度、多个层面地促进学生发展。在多元化实践教学中,相关教学要素要相互渗透,相关教学内容要相互穿插,相关教学目标要相互支撑,使教学真正成为有地的、多元的统一体和综合体,在充分体现教师教学特点和能力的基础上,全方位地促进学生认知水平、知识结构、能力素质的有效提升,为学前教育专业学生长远发展和专业优秀课程实践教学的提升创新出新的模式与方法。 作者:熊洪娟 单位:哈尔滨科学技术职业学院 学前教育专业毕业论文:学前教育专业物理教学论文 1、在物理教学中突出教师教学的示范性 1.1语言的示范性 语言是教师用以向学生进行教育、教学、交流思想、表达感情的工具。教师的语言要从语言的科学性、精确性、启发性和趣味性四个方面给学生做出示范:第一,科学性。语言的科学性一是指讲话内容要符合科学原理,不能信口开河。二是用词正确,表达准确,达到传播知识准确无误。第二,精确性。语言的精确性一是指教学语言要严谨,符合逻辑原理。用来表达概念、定律的语言不能多一字,少一字。二是措辞恰当,一就是一,二就是二,不能含含糊糊。第三,启发性。具有启发性的语言既能引人人胜,发人思考,又能示范启发式教学的语言特点及组织形式。第四,趣味性。语言的趣味性不仅仅是一个语言的技巧问题,也是教师深厚教学功底的体现。富有趣味性的教学语言能够刺激学生对头脑中的记忆表象加工改造,激发学生再造想象和创造想象。 1.2实验的示范性 教师进行课堂演示实验时,要用规范的操作方式向学生示范正确使用仪器,认真读取数据,尊重事实,不涂改、不凑数据,科学分析实验结果。1.3板书的示范性教师的板书对学生起着示范作用。因此,板书要力争做到构图简单,布局合理,比例恰当,原理正确,形象逼真。 2在物理教学中从教技能的训练 2.1表达能力的训练 教师语言表达能力的强弱,直接影响着教学质量。所以,语言表达能力的培养和训练在中师物理教学中显得尤为重要。语言表达能力的训练应从以下四个方面来考虑:第一,对教材中某些内容片断可以有选择地让学生讲解。第二,课堂复习提问时,请学生到前面回答教师提出的问题。第三,讲解新课时,提出具有启发性的问题让学生互相讨论,发表见解。第四,讲完新课后让学生到讲台前面小结。 2.2实验能力的训练 实验能力的训练主要是从两方面考虑:一是基本仪器使用的切l练,使学生掌握仪器的用途、使用注意事项及保养措施。二是实验操作能力的训练。学生实验对学生操作能力的培养起着决定性作用。在实验教学中,有计划、有步骤按教学大纲要求开展各项学生实验,并把一些验证性的实验改为探索性实验,一些演示性实验变为分组实验。在实验过程中,可以制造一些故障,让学生来排除。每个实验让学生自己设计实验过程,包括原理、仪器的使用、步骤、注意事项、结果分析。在实验能力训练方面,还可以让学生自找材料做一些小实验、小制作,这样既能增强了实验能力,也培养了学生的创造力。 2.3自学能力的训练 在教学中,对内容比较浅显、难度不大的课节,安排学生自学。学生在阅读教材的基础上,提出问题,然后大家讨论,最后教师总结、讲评。还可以结合教材中的阅读材料、小知识,以作业的方式留给学生,让学生认真阅读,课后教师检查学生阅读情况。 3在物理教学中突出知识的拓展性 随着科学技术的飞速发展,新科学、新知识、新技术不断产生,远远超过了教材范围。所以,在教学中除了进行基础知识和基本技能的传授之外,有必要让学生了解一些新知识、新技术,拓展学生的知识面。采取的方式可以是:通过课堂教学把新知识、新技术有机渗透到教学中,如讲电阻率时,向学生介绍超导体及超导体的作用;结合教学内容,把教材中的阅读材料、小知识作为课后作业,要求学生认真阅读;结合教材内容,有针对性地进行科普讲座,介绍现代技术的重要成果;面向农村、面向小学介绍农村用电知识、电教设备的应用。 作者:张素英 单位:鞍山市广播电视学校 学前教育专业毕业论文:专业手工制作学前教育论文 1实地调研,明确教学目标并制定相应的教学计划 长期以来,很多专业教师在上手工课时,往往根据教材内容制定教学目标,忽视结合社会需求明晰教学目标。高师学前教育专业担负着着向学前教育机构输送合格师资的重任,相关课程教学目标的确立需结合幼儿园现实需求,以促进学生专业化发展。为了更好地开展“手工制作”这一课程,在开课之前,我走访了南宁、钦州几家不同等级的幼儿园,并对一些之前在我院就读学前教育专业,现在幼儿园工作的往届毕业生就我院开设的手工课程教学情况与幼儿园实际需求进行访谈。根据调研结果,明确了“手工制作”课程教学的目标:(1)掌握不同阶段幼儿生理、心理及思维发展规律;(2)能根据需要制作玩教具;(3)能按要求进行环境创设;(4)能上好幼儿园手工课。在此基础上,我结合人才培养方案课时要求,制定相应的教学计划,保证教学目标的实现。 2根据教学目标结合调研结果,有针对性地选择教学内容 教学内容选择科学与否直接关系到学前教育专业学生的培养质量。在教师教育专业化背景下,教学内容应同时兼顾当前学习和未来教学要求的特点,真正实现教师教育一体化。为使学生掌握更为实际和适用的职业技能,我根据教学目标结合调研结果,选取泥塑、折纸、剪纸、布艺、拼贴画、废旧物品做教玩具、果蔬造型、种子贴画、树叶粘贴画、手指画等项目作为“手工制作”课程的主要内容。与此同时,我采纳多位幼儿园老师的建议,根据每个项目的不同特性,在该项目下制定详细的子项目,并对学生提出不同的具体要求,以保证整学期的教学有章可循,也在最大程度上保证学生系统地学习相关的知识技能,利于教学目标的实现,进而提升学生的培养质量。 3改革教学方法,提倡参与式、探究性学习 3.1理论讲授先行,让学生掌握手工课学习的意义及要求 传统的手工课教学重视技能技巧训练,忽视相关理论知识的建构。然而专业化的幼儿教师不仅需要掌握熟练的专业技能技巧,还必须掌握扎实的专业理论知识以指导教学实践。为此,在要求学生动手制作玩教具之前,我安排六个课时就“手工制作”课程学习的意义及手工制作基本原则、注意事项、本学期将要学习的内容等与学生进行交流。通过几个课时的探讨,学生深切意识到“手工制作”这门课程对他们将来从事学前教育事业的重要性,端正了学习这门课的态度;此外,学生还掌握了制作玩教具、进行环境创设时在材料选择及制作过程中应遵循的基本原则及要求,这为接下来的手工制作训练打好基础。 3.2创设教学情境,激发学生学习兴趣 俄国文学泰斗托尔斯泰曾说:“成功的教学所需要的不是强制,而是激发学生的兴趣。”兴趣是学生学习的巨大推动力,有兴趣的学习能使学生积极主动参与到教学当中,学生对学习的积极情绪将直接影响其学习的效果。为激发学生学习手工课的兴趣,积极为学生创设良好的教学情境。在学生自己动手制作玩教具之前,让学生欣赏我课前制作的作品和往届学生及幼儿园制作的作品,并分析作品的优缺点,让学生能够感受到作品的美,激发学生学习的兴趣。同时,在网上收集相关主题的视频、图片,直观、唯美的画面及深入的讲解加深学生对该主题的理解,这进一步发散了学生的思维,为学生后续的创造性制作玩教具奠定了基础。 3.3采用教师传授与“小先生制”相结合授课方式 传统的手工课程教学中,以强调学生学习知识、技法与模仿作品为主,没有考虑学生的文化基础及生活背景、忽视手工制作的地域特殊性及学生的实践训练,使学习与现实脱离关系,学习的主体地位没有得到尊重。针对这一问题,在授课方式上,根据不同内容主题采用教师传授与“小先生制”相结合的授课方式。如与学生相比,泥塑、剪纸项目是我的强项,在要求学生针对该主题进行作品制作时,我作为指导老师负责对该主题相关的历史、制作技巧及要求等内容进行讲解示范,并进行随堂指导。而有些主题如利用各种贝壳制作玩教具中,因我们学院地处沿海地区,很多学生从小在沿海地区长大,对各种贝壳种类非常熟悉,也见识过很多由贝壳制作的手工艺品。结合这一实际情况,我把该主题的指导老师角色交给这些自告奋勇的学生,由他们组织小组成员搜集相关材料,并结合制作的玩教具必须符合幼儿园教育教学及环境创设的要求制作出多样化的作品。教师角色的双重转换保证了教学质量的提高。 3.4有针对性地布置课后作业,以个人、小组相结合方式完成 专业化的幼儿教师必须具备自主学习的能力。教学的目的不仅是使学生掌握新的知识,更重要的是培养他们独立获取知识的能力与方法。手工课在注重课堂教学的同时,还应注重课外学习,培养学生自主学习的能力,以促进学生在课堂所学知识技能的进一步提高和发展,为他们发挥创造力和积极性创设有利条件。针对某一主题进行相关理论知识讲授、相关知识经验拓展及制作技巧演示结束之后,基于完成的作业作品必须具有一定的创新性要求,按照不同的主题要求让学生以个人或小组合作完成的形式完成作业。针对较简单,个人能独立完成的主题则要求个人完成,如泥塑等。某些手工制作有困难且不易达到效果的主题,如结合幼儿园教学要求用贝壳装饰主题墙,要求学生组建团队共同完成作业,培养学生具备互相学习,共同合作的能力。通过有针对性地完成作业,学生在课堂中所学到的知识技能得到进一步强化。与此同时,完成的作业作品必须具备创新性的要求,也使学生主动探索、发散思维,在掌握共性的基础上进行个性化创作,适应幼儿教师专业化的要求。 3.5组织学生到幼儿园开展手工教学活动 幼儿教师专业技能是幼儿教师在幼教实践中运用幼教专业知识和经验,并通过练习而形成的顺利完成幼儿教育教学任务的能力。③20世纪90年代以来,随着教师专业化研究与实践的日益升温,教师教学技能被视为与专业精神、专业理论等教师专业化的内涵相并列的“专业技能”。④幼儿园教师最根本的能力是教学活动组织能力。根据课前对已毕业的学生走访了解到,很多学生手工课理论知识、技能掌握很好,但是在组织幼儿开展手工教学活动时,未达预定效果。其原因主要是我们之前的手工教学安排忽视了对学生进行组织教学能力训练的培养。为此,我把每一个学生必须到学校附属幼儿园组织一次手工教学活动作为整个学期教学计划重要一环节。在学生到幼儿园组织手工教学活动前,组织学生编写幼儿园手工活动设计教案,严把教案设计关,落实课前试讲制度,全程参与学生组织手工教学活动过程,并请幼儿园老师协助点评、指导。学生通过亲自组织幼儿园手工教学的实战演练,进一步提升了自身的专业素质。 3.6举办手工作品展,增强学前教育专业各年级学生互动交流 成果展示是以美术课程为优秀的手工制作课程的一个很好的形式。每个人都希望得到别人的认可,成果展示能够提高学生的自信心,满足他们的成就感。在手工课程开课之初,明确告知学生在将近期末之时将面向全校举办手工作品展,届时将分两个展区,一个是平时课堂作业展区;另一个是参赛作品展区,学生个人设计符合幼儿园教学实际的玩教具参赛,由专业老师组成的评委团对学生作品进行打分,分出一二三等奖,并予以奖励。手工作品展成为让学校其他专业学生了解学前教育专业的重要平台,也是学前教育专业各年级学生相互学习、取长补短,不断提高自己的重要平台。 4结合幼儿园教师资格证考试大纲要求,采用理论考试与技能考核相结合方式进行考核 建立健全合理的考核机制是提升教学质量的重要保证。考核机制的建立必须以实现教学目标为出发点。学前教育专业手工课结合教学大纲要求的情况下,对不同年级学生设置不同的教学子目标。按年级、分阶段层层考核,循序渐进,逐步实现教学总目标。随着我国教师资格证制度的全面启动,2012年广西省实行幼儿教师资格证考试改革,2012年及以后入学的学前教育专业学生,申请幼儿教师资格须参加国家教师资格考试,国家统一考试标准、统一考试大纲、统一考试命题。幼儿教师资格证考试大纲涉及“手工制作”课程相关理论知识,为使学生顺利通过幼儿教师资格证统考,把理论知识考核作为考核的一环节就显得尤为重要。为此,我把各年级的考核评价分为四环节,即平时作业占20%,幼儿园手工教学实践20%,闭卷理论考试20%,技能考试40%。通过多角度的综合评判方式,有针对性地检测学生实际能力的达成情况,在最大程度上保证教学目标的实现。 作者:农丽华 单位:钦州学院教育学院 学前教育专业毕业论文:改革学前教育专业钢琴教学论文 地方高校学前教育专业的培养目标是培养热爱学前教育教学工作,具备一定理论基础、教学技能和实践能力较强,具有现代教育理念的合格学前、幼儿教师。其有别于艺术院系培养的专门艺术专业人才。在地方高校学前教育钢琴教学中,如何正确引导学生学习钢琴,充分调动学生的学习积极性,在有限的教学条件下,取得较好的教学效果,是我们钢琴教师所要关注并给予解决的优秀问题。因此,如何针对地方高校学前教育专业钢琴课的教学目标,改革钢琴教学内容、授课方式和教学课堂,提高钢琴教学质量,培养合格的幼儿教育工作者是我们地方高校学前教育钢琴教师的工作目标。下面笔者以自己所在单位河池学院为例来谈谈地方高校学前教育的钢琴教学改革。 一、河池学院学前教育专业钢琴教学现状 河池学院是2003年经教育部批准成立的一所全日制综合性普通本科院校。学校坐落在风景秀丽的全国优秀旅游城市、历史文化名城、壮族歌仙刘三姐的故乡———广西宜州市。学校成立以来,曾三次开展办学特色大讨论,明确了办学指导思想和办学定位,积极依托地方特色资源优势,发扬传统办学优势,各项事业取得了显著进步。经过十几年的努力,学校在人才培养中探索出了一条适应自身发展的、具有少数民族地区特色的办学之路,为社会输送了大批合格的应用型专门人才。但是,由于种种原因,在教学工作中,学前教育专业的钢琴教学大纲尚未得到很好地完善,学生在钢琴方面的学习还存在许多不足之处。 1.学生现状。河池学院学前教育专业学生来自广西、贵州、福建等地。他们大部分在高中阶段没有接受过专门的音乐教育,许多学生更是从来没有接触过钢琴,来到大学后基本都是从零学起。笔者通过对河池学院学前教育2012级93名学生调查发现,在对音乐的态度中,学前教育学生喜欢音乐的有86人,占92.5%,对音乐觉得一般的有7人,占7.5%。在对钢琴课的态度中,学前教育学生喜欢钢琴课的有68人,占73%,一般的有17人,占18%;不喜欢的有8人,占9%。由此看来,多数学生是喜欢音乐的,他们对钢琴都有一种普遍的好感,喜欢钢琴课的人数远远多于不喜欢的人数,这为教师开展钢琴教学活动提供了良好的氛围基础。 2.教师现状。河池学院学前教育专业设在其二级单位教师教育学院。目前,教师教育学院只有声乐方向的音乐教师2人,没有专门的钢琴教师。2008年开始,教师教育学院都是外聘宜州市文工团的教师担任学前教育的钢琴课教学,但文工团的教师本身有自己的工作任务,其经常利用双休日或者周一到周五晚上时间上课,对学生的课外学习或课外活动产生较大影响。因此,从2011年起,学校教务处决定教师教育学院学前教育专业每年的钢琴课由河池学院艺术学院的钢琴教师来承担,而艺术学院的钢琴教师本身有自己的钢琴课教学工作,有的钢琴教师工作量超过25节每周,教学任务很重,他们经常没有太多的精力来应付非本单位的教学任务。因此,每年在安排学前教育专业钢琴教师授课对教师教育学院来说压力十分大。 3.教学现状。在河池学院学前教育钢琴教学中,由于学生素质高低不齐,教师在选择教学内容上碰到许多想象不到的困难,平时,有些教师总是忽视学生的基础训练,喜欢布置难度偏大的曲子给学生练习,学生在弹奏时在手指力度、触键音色、理解能力及表现能力的掌握等方面都达不到相应的要求。有些同学一周内根本无法完成教师布置的作业,这样就严重影响了教师的教学进度,从而影响教学效果和人才培养质量。另外,由于教学设备和教学场地不足,学生除了集中上大课外,课后都是以班为单位集中在大教室一起练习,练习效果不好,质量不高。 二、河池学院学前教育专业钢琴教学改革思路 河池学院学前教育专业的办学目标是培养合格的幼儿教育工作者,在人才培养方案中设置的钢琴课属于必修课,开设时间一般为两年。笔者认为,河池学院学前教育专业的钢琴课教学要避免像音乐专业一样的专业化,应以“注重基础训练,提高应用能力”为主。为实现这一培养目标,改革河池学院学前教育专业钢琴教学十分必要。那么,我们应该从哪些方面入手进行钢琴教学改革呢? 1.教学内容的改革。河池学院学前教育专业的钢琴教学要考虑整个教学内容的科学性、系统性、目的性和实用性。因此,在教学内容的选择上,我们不能照搬艺术院校钢琴专业教材,而是要有针对性地选择教学内容。首先,教师选择教材要注重教学内容的趣味性。学前教育专业钢琴教学的目的是使学生通过钢琴基础课的学习,掌握钢琴的基本弹奏方法和基本演奏技能,为学生走上工作岗位打下良好的基础。在教学过程中,我们可以多选用一些具有趣味性的乐曲,这样的乐曲音乐形象鲜明、内容生动,学生很容易理解和接受。为拓宽学前专业学生的音乐视野,教师还可以选择不同时期的、适合学生特点的更多作曲家的代表作品作为教学内容,学生通过学习能了解各个时期音乐的不同风格及特点,丰富学生的音乐修养,提高学生的学习效果。其次,教师选择教材要注重教学内容的实用性。河池学院学前教育专业钢琴基础学习应与伴奏实践相结合,体现钢琴学习的实用性。幼儿歌曲的即兴伴奏应当从基础学起,着眼于简易,力求简洁精练地表达幼儿歌曲的基本内容。因此,教师在两年的钢琴教学中,应在最后一学期适当安排即兴伴奏课,给学前教育专业学生传授即兴伴奏知识,可结合《学前幼师歌曲伴奏演奏曲集》、《幼儿师范钢琴即兴伴奏教程》等教材选择合适的曲目给学生练习,引导学生分析伴奏音型、伴奏织体及和声进行等,使伴奏知识始终贯穿其中。同时,在练习的过程中要坚持练习常用的柱式和弦、半分解和弦、分解和弦等伴奏音型,尤其是要对Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ级正三和弦的连接做常态化地练习。只有这样,才能提高学生的伴奏能力。 2.授课方式的改革。地方高校学前教育钢琴教学的授课方式主要有集体课、小组课和个别课等多种。由于河池学院教师教育学院钢琴师资紧缺,几年来,其钢琴课都是采用集体授课方式,每周开设两节钢琴课。这样的授课方式对学生的学习效果影响较大,因为每个学生对音乐的理解能力和感受能力及动手操作能力均不尽相同,他们在接受知识时总会存在参差不齐的现象。接受能力强的学生一周可以弹奏多首曲子,而接受能力稍差的学生一周一首简单的曲子也弹不下来,这给钢琴教师的教学带来了很大的困难,既影响了教师的教学进度,又打乱了教师的教学计划。通过几年的教学实践,笔者认为,河池学院学前教育专业钢琴课授课方式必须改革,一定不能在两年的教学时间内都采用集体课进行教学,应适当采取小组课、个别课的教学形式授课,以提高教学质量。首先,学校要开设小组课。从第二学期开始,教师可以将程度相近的10~12名钢琴学生组成一组统一授课。这些学生的学习内容大致相同。在教学过程中,教师针对每个学生存在的问题逐个分析,既要充分肯定每位学生的优点,又要及时纠正每位学生的不足之处,引导学生有比较地学习,向优秀的学生学习,让学生形成“你追我赶”的学习氛围。对同一作品的学习,教师要善于用生动、形象的语言描述每首作品所要表达的内容,要充分发挥学生的想象力和思维能力,引导他们置身于每一部音乐作品,让学生在宽松的小组课中获得更多的知识。其次,学校要开设个别课。教师主要针对程度较高、悟性较好、学习刻苦的学生进行个别辅导。采取这样的授课方式,会极大地提高学前教育钢琴教学效率,使学生的演奏能力得到充分地提高。 3.教学课堂的改革。地方高校学前教育学生掌握钢琴的相关知识、弹奏技能技巧和弹奏方法不止在课堂中获得,更重要的是要通过音乐实践课得到巩固和提高。河池学院学前教育的音乐实践课现在还并未真正开展起来,在平时的教学或其他艺术实践活动中,只有个别演奏程度较好的学生有机会弹奏一些难度较大的作品,有时能登台表演,而大多数学生几乎没有在公众面前表演的机会。因此,在学前教育专业钢琴教学中,教师应通过音乐实践活动,丰富学生的情感体验,培养学生的审美意识,提高学生的审美能力,促进学生的个性和谐发展。著名钢琴家巴拉基列夫认为:优秀的音乐教学必须让学生欣赏并参与艺术实践。我们可以在课堂上让学生多进行音乐实践,例如,规定每节课让部分学生上台表演一周的作业,并按月举行钢琴作业汇报,让学生一个个登台表演。这样不仅锻炼了学生的胆量,还激发了学生学习的积极性,提高教师的教学质量。因此,河池学院应尽快把音乐实践课列入学前教育专业钢琴教学计划,并尽快得以实施。 总之,地方高校学前教育钢琴教学改革必须从教学内容、授课方式、教学课堂等方面入手,要在钢琴教学中强调基础知识,不断提高学生的应用能力,培养学生良好的儿歌伴奏能力,在实践中不断探索学习方法,不断总结学习经验,走出一条适合地方高校钢琴教学特点的路子,为社会输送一批批合格的幼儿师资。 作者:谢姿媚 单位:河池学院