期刊收录:北大期刊(中国人文社会科学期刊) 上海图书馆馆藏 CSSCI 南大期刊(含扩展版) 知网收录(中) 国家图书馆馆藏 维普收录(中) 统计源期刊(中国科技论文优秀期刊) 万方收录(中)
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在发展少数民族经济时要解决如何激发民众自我传承文化意识和如何扩大非物质文化遗产的生存空间,并使承载地受益等问题。解决这些问题首先要激励公众参与,建立公众参与平台,鼓励人们在文化资源基础上的自主创新,使非物质文化遗产转变为推动社会和经济发展的资本,建立文化与经济协同发展的作用机制,推动文化与经济共同发展。 1少数民族文化产业对于区域经济发展促进作用 (1)促进制造业发展。少数民族在发展过程中,可以通过发展与少数民族文化有关的制造业来提升区域经济,设计研发和制造产品进行销售来创造经济价值,推动地区经济发展,特别是旅游市场,成为少数民族区域经济增长突破口。另外还可以使少数民族文化得到保护和传播,形成良性循环。将少数民族特色文化图标印在人们日常生活中的水杯、背包、雨伞、毛巾、湿巾等上面,依托旅游业进行售卖,逐步扩大产品类别,并提高产品销售范围,实现民族文化在制造业领域落地。少数民族还可以通过售卖与本民族相关的文化产品如文化书籍出售、印刷、文化用品制造,影像资料出售等获利,让少数民族传统文化项目及文化产品得到展示推广,是独具特色的少数民族产品成为城市的名片。在发展过程中,需要协调各种要素进行配合,最终促进一个又一个产业的发展。(2)实现历史文化旅游与区域经济的互动发展,促进民族地区产业协同发展。少数民族特色旅游被越来越多的被消费者所选择。开发地域特色历史文化旅游可以吸引区域外旅游者的兴趣,产生良好的效应,带动区域经济增长。交通住宿餐饮业的发展,可以提高旅游景区知名度,推动人们加大投入和开发,为当地旅游业注入新的活力,有利于区域文化、经济、社会协调发展。少数民族文化旅游创意产业以民族文化为内核,构筑以民族文化为中心的产业载体,促进资源整合、产业集聚,以此来实现产业协同发展,并带来民族地区旅游产业的价值提升,成为当地经济发展的新引擎。首先,少数民族文化旅游创意产业可以促进相关产业的资源整合,并将当地独特的民族文化,比如独特的民俗、信仰、节庆、服饰、饮食、民居等,与影视娱乐、舞台表演、故事传说等相融合,对传统少数民族文化进行包装、演绎,拓展旅游资源的内涵。其次,少数民族文化旅游创意产业与上下游产业关联密切,可以实现产业集聚,拓展产业链,推动产业协同发展。少数民族旅游创意产业要主动与传统产业融合形成产业链,并产生集聚效应和品牌效应,带动更多相关产业发展,提高区域产业的综合实力。(3)加强政府主导,调动社会力量。通过政策优惠与相关行业扶持等政策,使行业与行业之间通力合作,文化旅游与社会经济发展的紧密结合点,特色乡镇文化旅游。完善管理体制,与资源管理部门协调好,实行规范化和现代化的经营管理模式;在遵循非物质文化遗产保护严格保护原则的基础上合理开发整合开发文化旅游资源,实现其可持续发展,使少数民族经济逐步成为当地国民经济发展中的新型增长点和独特亮点。 2外国经验的借鉴 目前少数民族往往比较偏远,非物质文化遗产保存的比较完好,而非物质文化遗产成为区域文化旅游的主要项目。随着通讯、信息、交通的日益发达,闭塞的地区外部世界接触增多,少数民族地区的居民向往城镇繁华的物质生活,对自己民族的生活方式产生排斥。没有人认识到本民族祖祖辈辈传下来的文化遗产在未来将是多大的财富。如果不能改善少数民族聚居区人们的生活,改变他们的观念,那么丰富多彩的非物质文化便会逐渐消失。随着工业化的进程,规模化的生产模式使手工艺品在机械产品的挤压下失去了往日的市场。同时,劳动力转移,农民涌向城市,直接导致非物质文化遗产创作主体的流失,许多宝贵技艺面临后续无人的惨状。城市化过程中造成了对古城人为破坏,传统的文化氛围和风土人情逐渐变淡或消失,这些都使非物质文化遗产濒危。(1)韩国从全民参与到商业化操作。在韩国,大众对非物质文化遗产非常重视。全国各地有很多传统民族文化遗产学习班,电视上经常播放民间艺人的技艺展示,街区广场、剧院、节日舞台上表演民族舞的比比皆是;很多传统祭祀、庆典等情景穿插进了韩国的电视剧里。商人们注重把韩国的文化遗产开发成商品、面具、戏装、玩偶和书刊等到处宣传并销售。车站广告栏,飞机座背上、外国游客服务中心,随处可见韩国非遗的宣传广告。在各大宾馆为外国游客提供韩国传统歌舞演出,传统技艺传承人的表演都有出场价目表。民俗节日、民间庆典等非物质文化成为韩国旅游观光开发的热点。非物质文化遗产转化为大量的文化资本,带动了区域经济和文化的繁荣和发展。(2)日本的社区营造。日本比较重视挖掘非物质文化遗产的经济价值,日本的城市化要比我国早,城市化导致城乡差距过大,对于这类问题,日本进行了社区总体营造活动。把一个村庄、一条街道、一个小镇都当做一个社区,而居民具有共同体社区的认同意识。宫崎清教授认为:“社区乃是各自有其固有历史的人类生活空间”。该由热爱自己生活和工作环境的部分人发起,通过发挥自己的创意思维创造有独特文化气息,充满吸引力的生活和工作环境,他们从内心深处想希望自己所生活的区域变得更好。在这个过程中,当地人民自发维护自己生活范围内的传统文化,并对传统民俗和节庆活动进行保护与宣传,申请非物质文化遗产。新潟县津川町有狐狸娶亲传说,从当年要结婚的情侣中扮演狐狸和新娘,美容师免费化装,举行化装游行,吸引游客前来观赏。游客们可以感受津川的历史风俗和品尝风味饮食,此外,还在生活工艺馆、举办生活工艺展上出售传统手工艺品。日本的社区总体营造运动实现了非物质文化在社区中延续促进了人与自然、社会的和谐发展。狐狸娶亲习俗使这个地方具有了新的生命力和吸引力,本地民众也了解到历史、受到教育,看到了传统文化所创造的经济效益,积极加入到社区建设中来,从而带来了旅游业及相关产业的协调发展。传统的非物质文化在现代社会可以成为地方产业转型的支柱。将非物质文化遗产转化为文化资本对于区域经济发展有重要意义。实现其活态传承,完成资本转换的过程就是文化资本化。随着通讯和交通的发展,非物质文化遗产保护区与外界接触增多,不能停在原地不变,需针对当地特点进行创新,日本和韩国发展文化创意产业的做法为我国少数民族非物质文化遗产保护走向可持续发展的道路,提供了宝贵的参考经验。 3非物质文化遗产保护与少数民族经济协同发展的启示 我国正处在经济转型期。非物质文化遗产要走产业化和创意产业之路。非物质文化随着社会变化而不断创新。采取合理的资本运作可以使非物质文化遗产在现代经济发展中赋予新的内涵和新的发展与保护空间,获得新的价值。将文化遗产转化为文化资本是非物质文化遗产活态保护的重要模式。意大利政府为抢救和保护木偶戏,创建木偶戏学校等。制作精美的木偶成为西西里岛著名旅游商品,使濒危局面得以解决,又实现了经济价值。韩国通过将传统节日经过商业化开发,举办现代庆典活动,使全民参与到保护和开发非物质文化遗产的活动中来。(1)注重对新业态的培育。创意产业与旅游业融合而成的旅游创意产业是旅游业发展的新业态,旅游业面临转型升级的挑战,旅游业之间的竞争不再是传统意义上价格、质量的竞争,而是全新理念和创意的竞争,其中优秀竞争力便是文化创意。少数民族文化旅游创意产业促进民族地区经济结构转型升级,可以以独立的形式存在,成为促进民族地区经济长远发展的产业,也可以通过影响、改造、集聚传统产业的方式,拓展产业价值链。少数民族文化旅游创意产业凭借创新思维、创意理念以及数字化高科技手段的利用,创造地优化传统产业结构,以形成新产业的增长点。如东北的少数民族为例,可以在传统种植业基础上发展现代创意观光农业,即将种植业与传统民族歌舞、农事风俗节庆联系在一起,供游客观光体验。将各种民族乐器与种植业、渔业、牧业相关的舞蹈,甚至把劳作方式搬上演艺舞台荧幕,以情景剧来展示,在创意思维的建构下,少数民族农业耕种功能逐渐在弱化,不断提升其观光功能,挖掘依附于其上的创意价值。另外,少数民族文化旅游创意产业通过创新旅游产品丰富旅游产品体系,引领并提升消费结构,在消费需求与经济发展之间形成良性循环,以此推动区域产业结构优化。(2)注重文化科技人才的培养,提升民族文化旅游创意产业的创新能力。科技人才是技术创新的主体。政府应尽快制定有利于民族文化旅游创意产业发展的人才政策。培养数字软件开发人才,文艺创作人才和文化旅游经营管理人才。鼓励和支持大学和科研院所参与创意型人才的培养和培训;拓宽人才选拔渠道,创造有利于优秀人才的发展环境等。满足少数民族地区对文化创意产业的人才需求,推动少数民族文化创意产业发展。通过对旅游创意才能人才的引入来提高管理效率,同时也要做到对本土少数民族人才的创意性培养,同时兼顾企业的发展和少数民族文化的传承。(3)注意将科技与民族文化创新有机结合。发展少数民族创意产业只有将科技与民族文化创新有机结合,才能推动民族文化旅游创意形态的出现。科技与民族文化结合,衍生出具有民族文化特色的旅游纪念品制作等新业态,创造出艺术精品,还能衍生出新的艺术门类业态等;通过挖掘少数民族的语言文字、民俗、传统建筑等资源,创造出艺术品交易等业态。通过商业包装、市场运作等,使少数民族传统文化获得新的生命,获得经济效益。在此过程中,政府和企业应该特别注意对创新成果的有效保障,激励产业不断创新发展。 参考文献 [1]吴海伦.基于实践视角的民族文化旅游创意产业发展研究——以湖北省武陵山少数民族经济社会发展试验区为例[J].中南民族大学学报(人文社会科学版),2016(1). [2]王兆峰.湘西民族文化旅游创意产业发展研究[J].中央民族大学学报(哲学社会科学版),2011(6). [3]齐丹丹.黑龙江省少数民族旅游文化创意产业发展研究[J].中国商论,2018(30). [4]何昭丽,米雪.“少数民族非物质文化遗产保护”与“旅游开发”双赢发展研究[J].广西民族研究,2017(5). 作者:齐丹丹 周清林 单位:哈尔滨商业大学经济史研究所 哈尔滨商业大学
美术学生小论文:初中美术教育旨在激发学生艺术的兴趣 初中美术教育旨在激发学生艺术兴趣,帮助学生挖掘艺术潜能,发现自己,成就自己。剪纸作为一门中国传统艺术,是激发学生爱国热情、增强民族自豪感的一门重要民间美术课程。 【学情分析】 本节课为本学期剪纸课的第四课时。在前几课时中,学生已初步认知了剪纸的基本知识和三瓣花、五瓣花等剪纸的剪刻方法,基本掌握了剪纸的折法和画法。在此基础上,本课除了要求学生结合所学知识和已有经验探究四瓣花剪纸和八瓣花剪纸的折法和画法,还希望学生能够创新纹样设计,培养形象思维,剪刻出独一无二的、有创意的剪纸作品。 【教学目标】 1.观察、讨论剪纸作品,总结四瓣花剪纸的折法和画法。 2.通过动手实践,掌握四瓣花剪纸和八瓣花剪纸的剪刻技法。 3.创新纹样设计,培养形象思维,加深学生对剪纸艺术的喜爱。 【教学重点】 通过引导学生思考、讨论,探究四瓣花剪纸的折法和画法。 【教学难点】 激发学生创意,设计独特的剪纸纹样。 【教学过程】 一、导入 教师讲述:同学们,今天老师为大家带来几件剪纸作品,大家觉得它们漂不漂亮?(生:漂亮!)我们看到,这几幅作品中,有我们已经学习过的三瓣花剪纸、五瓣花剪纸等,而这一幅是四瓣花剪纸(出示作品),今天就让我们共同学习四瓣花剪纸以及由此延伸的八瓣花剪纸。 【设计意图】由学生身边熟悉的同学作为切入点,能够让学生更快、更自然地进入课堂情境。同时,运用榜样的力量,能鼓励学生保持积极的学习态度和发展愿望。 教师衔接:说到目前所学习的折叠剪纸,我们知道折法是非常关键的一步。那么,四瓣花剪纸的折法是怎样的呢?接下来让我们通过小组的力量来解决这个问题。 二、欣赏探究 结合以往学习三瓣花、五瓣花的经验,观察下面的作品,小组合作探讨四瓣花剪纸的折法。 (一)讨论(学生边折边讨论) 教师提问:那个小组派代表上台来展示你们的折法? (二)学生上台展示 【设计意图】学生结合所学知识和已有经验,由他们自己讨论、探究发现折法,有利于学生更好地理解。同时鼓励探索多种不同的方法,发散学生思维。 教师衔接:看来同学们已经掌握了四瓣花剪纸的折法。那么在解决了它的折法后,“画”又是重要的一步。下面让我们通过一个游戏来解决画法问题!现在我们把班上的三列同学分为红、黄、蓝三队,让我们来看看哪队同学的表现更棒吧! 三、游戏——巧夺先机 根据完整的四瓣花剪纸作品,尝试画出剪刻之前的画稿。 游戏规则: 1.各队在3分钟内按照画“半个图案”达成四瓣花的方案还原画稿; 2.画稿要尽可能规范; 3.各队上台展示的同学将个人方案画完后快速回位,由其他同学进行修改或补充,直到认为正确为止; 4.按画完且画对的先后,队伍分别获得5分、3分、1分,画错不得分。 (1)比拼过程;(2)教师评价。 【设计意图】学生在3分钟的紧张、刺激的游戏时间里通过团队协作将已剪刻完成后的四瓣花剪纸还原回剪刻之前的纹样,能够帮助学生进一步理解四瓣花剪纸制作过程中的折法和画法等各个环节,同时通过这种“根据一个图形画出另一个图形”的练习,培养学生的形象思维能力。 四、画稿比比看 小组合作探究,讨论出不少于2种的有创意的四瓣花剪纸纹样,展示在黑板上。 要求: 1.纹样新颖、别致、有创意,具有可实施性; 2.画稿需把去除部分和留下的部分标注清楚; 3.展示同学高效展示,非展示同学尝试把小组讨论的纹样剪刻出来。 (1)讨论;(2)展示;(3)点评:剪刻成功与否、美观程度、创意性等方面。 【设计意图】课堂进行到这一环节,学生对于四瓣花剪纸的制作过程已经有了一定认识和理解,此环节旨在使学生在掌握方法后更加灵活、自由地创作更多有特色的四瓣花剪纸纹样,使学生得以充分展现创意和想法。 教师衔接:现在黑板上已经画满了同学充满创意的四瓣花剪纸纹样,看来同学们对于四瓣花剪纸已经掌握得相当不错了。那么,接下来让我们一起来思考一个问题。 五、动动脑 八瓣花剪纸的折法和画法是怎样的? 【设计意图】此环节在于启发学生通过已经习得的四瓣花剪纸,以此类推地发现八瓣花剪纸的方法。以此来鼓励学生在学习中能够举一反三,在学习一种方法后能够通过自己的进一步思考获得更多收获。 教师衔接:通过学习,相信同学们已经跃跃欲试了。现在,就让我们动起手来吧! 六、展示 【设计意图】给学生一个展示的机会,培养学生的语言组织能力和表达能力,激发他们的自信心,鼓励创造。 教师衔接:刚刚我们一起欣赏了同学们充满创意的作品,非常棒!老师也带来一些充满创意的剪纸作品与同学们分享。 七、创意剪纸欣赏(PPT图片链接展示) 【设计意图】结合生活当中运用到剪纸元素的事物,启发学生认识到生活中处处都有美,剪纸艺术也可以为生活增添魅力。生活广大,创意无限。 老师很高兴今天与大家共同学习了四瓣花剪纸和八瓣花剪纸,同学们让我看到了你们的一双双巧手和无限创意。就让我们在今后的生活当中,把思考当作一种习惯,让创意成为一样必不可少的调味剂,相信生活会更美好! 美术学生小论文:美术教学中如何促进学生全面发展 摘要:随着教育事业的发展,人们对于孩子的素质教育要求越来越高,而伴随着信息化社会的到来,未来社会对于高素质新型人才的需求也越来越大。在学校教育中,不但要“传道、授业、解惑”,而且要开发小学生的智力,促进小学生全面自主地发展。 关键词:美术教学;兴趣;能力 在小学教学中,美术教学在培养和发展小学生的观察能力、想象能力、创造能力和思维能力等方面起着非常重要的作用,对小学生将来的发展有深远的影响。小学阶段是每个孩子美感启蒙的重要时期,与以往应试教育背景下的小学美术教育相比,现在的美术教育抛弃了“填鸭式”的僵硬方式,更加注重学生全方面的均衡发展。 一、激发学生学习兴趣 兴趣是学生最好的老师。兴趣是学生思维发展的极大推动力,学生对于一件事情有了兴趣,那么就会很自然地聚精会神地去做好,集中精力,积极思考。美术课对于小学生来说,本身就是一个很有趣的活动——画画!因此,我们应该抓住这一点,从而激发孩子的创作灵感。利用美术教育轻松自由的条件,启发、诱导、培养学生对美术的兴趣。通过一系列的有趣的活动,让学生有愉快的心情,强烈的欲望,坚定的信心,自觉自愿地去主动学习,然后引导学生进行美的体验,美的创造。动画片《喜羊羊与灰太狼》深受小孩子的喜欢,那作为教师,我们就可以将喜羊羊或者灰太狼之类讲给小孩子听。这样一来,美术就起到了培养学生兴趣的作用,让学生在以后的学习中,都可以找到学习的动力,带动学习的乐趣,从而提高学习的成绩与效率。 二、培养学生丰富的想象能力 美术活动始终离不开想象,没有想象力就无法进行创造性创作。爱因斯坦说:“想象力比知识更重要,因为知识是有限的,而想象力概括着世界的一切。”充分发挥自己的想象力,对培养儿童的创造思维十分重要。小学美术教师,要提高儿童的创造力,使用启发式教学是最有效的方法之一。这种方法可以使学生的理性思维得到挖掘和发展。让他们展开想象的翅膀,使其创造力得以启发和培养。由于儿童的控制力弱,想说就说,想做就做,喜欢使用好奇的眼光看世界、想象世界,有着天生的求知欲,我们应启发他们,培养学生的想象力,发挥学生的表现才能,使儿童多思、多想、多问,自觉养成比较和概括的思维习惯,同时让学生夸张想象,积极引导学生从生活中吸取素材,从生活中学习,要把瞬息变化,美丽多姿的生活反映到艺术作品中去。学生在完成一件作品时会有意无意地注意表演对象,并加以记忆。观察得越多,记忆内容越丰富,这样就会将那些本来无联系的内容随意地组合在一起,并进行一些细节的“添枝加叶”,时间一长,他们的想象力就会更丰富,就能在作品中体现儿童的个性思想。 三、发展学生积极的思维和创造能力 美术重在创造、求异。越表现出和别人不同的就越有自己的特点,越有个性,这就产生了创造性。而美术作品的这一特点来源于思维,只有在学习过程中对周围事物多提几个“为什么”进行思考,才能拓展学生的思维。为什么要这样画?为什么要这样添?为什么要这样构思……这些都是一个创造过程,是培养创造能力的具体途径。 因为儿童本身潜意识的童真、稚拙的造型特点,学生往往会把水果画成人画,并赋予一定的面部表情;把画一个人侧面的眼睛可以画成正面人的眼睛,人物手脚可以按照自己的意识随意安排,全身比例也可以没有一定的规律。在他们眼里,观察到的不仅只是自然形态的模拟。也不受固定模式的束缚,随意性的人物夸张变形,呈现出具有独特的童趣稚拙,他们习惯用手中的线条去描绘自己的现实生活。因此,创造力是孩子活跃的灵魂,是推动孩子智力发展,带动孩子健康成长的一个极为重要的环节。当前来说,随着社会的发展,素质教育的要求越来越高,艺术创造因其所具有的特性,在艺术教育以至在整个教育中都占着独特的重要位置,我们要积极而充分地发挥它的作用。 四、发展学生全身心的协调能力 在美术作品的形成过程中,观察、记忆、想象和理解能力不是孤立出现的,而是在眼、脑、手、体相互协同作用下,集中注意力才表现出来的。也就是说,美术课教学是实践性很强的课程,是对学生进行多观察、多动脑、多动手的基本活动,能使学生的脑、眼、手等多器官协调并用,锻炼和调高学生观察力、判断力、表现力和创造力,从而促使学生全面发展。 五、陶冶儿童的性情,塑造美好心灵 鲁迅先生曾指出:“美术可辅助道德,美术之目的,虽与道德不尽符,然其力足以渊遂人之性情,崇高人之好上,亦可辅道德以为治。”美术教育用视透形象刺激人的思维意识,让人潜移默化地接受某种道德观念,是进行精神品质和思想意识的教育,能触动灵魂的向往而达到优美崇高思想境界的效果。如静物写生,真实而客观地反映现实生活中美好的东西,激发学生热爱生活的情感。如画校园题材的游戏,反映了学生天真烂漫和多姿多彩的校园生活,让学生为童年生活和学习而陶醉。产生爱学习、能与人友好交往,并会互相关心、团结向上的好品质。在进行一些《我的家乡》《难忘的旅游风光》《蓝天白云下的农村》等记忆画训练中,让学生大胆表现祖国江山的美,家乡改革开放的迅速发展,大自然的美好风景,培养学生爱祖国、爱家乡、爱大自然的美好情感。在这些思想健康、情趣高尚、有益身心的各种活动中,使他们在感官上愉快、情感上受到感染,心灵上得到触动,达到陶冶情操,塑造美好心灵的目的。 总之,在新形势下,美术教育被赋予了新的内涵,这对从事美术教育和教学的广大教师提出了新的、更高的要求。小学美术教育只有从儿童特点出发,结合生活实际,培养儿童的创造性思维,才能适应现代教育的要求,使学生全面发展,具有良好的综合素质。 美术学生小论文:谈美术新课程标准对学生积极性的调动 【摘要】本文通过对美术课程标准的分析,结合心理学对个体积极性的调动的心理分析,论述了美术课程标准对学生学习积极性的调动因素、方式、方法、措施等,并结合自己在运用现有的美术教材进行的美术教学实践中,对新课标理论的一些探索和运用阐述了美术课程新标准从课程建设的角度,促进了美术教育观念的转变,促进了美术教材模式、学生学习方式和课程评价方式的变革,有效地运用各种资源,增强了美术教学的效果,充分发挥了美术教育在素质教育中的作用。 【关键词】课程标准、积极性、需要、动机、目标、态度、调动、实践我国基础教育正经历着由应试教育向素质教育转变的历史性变革。从素质教育的角度看,美术课程是一门对学生的发展具有重要促进作用的课程。由于各种原因,人们对美术课程的重视度不够,加之我国中小学美术课程,长期受专业美术教育的影响比较深,使课程目标的定位产生了偏差。新的课程标准,特别注重导向性和选择性,能有效地传承文化,尽量使每个学生积极参与美术学习,并且促使每个学生在各自的基础上获得不同程度的发展,陶冶情感,提高学生的审美能力,促进学生感知觉和形象思维能力的发展,促进学生创新精神和技术意识的形成,促进学生的个性形成与全面发展。 课程标准能充分调动学生的学习积极性。积极性是人的一种心理能动状态,具有指向性、协调性和绩效性。它包括认识的活跃、情感的兴奋和意志的努力等多种心理成分。学生的积极性不是天生的,它是在需要-动机-目标的推动、引导下产生的。当人的需要具有确实的目标并呈现出实现目标的可能性-目标期望时,需要便转变成动机推动人积极行动。在这一过程中,人对客观事物的态度,起着不可忽视的控制和调节作用。所以,学生个体积极性结构的心理分析,包括需要、动机、目标、态度等方面。美术课国家课程标准,基于这几个方面,采取了相应的措施,使之对学生的积极性进行了有力的调动。 一、对新课标调动学生积极性的理论分析 一) 、学生需要的满足与调节 需要是人在社会生活中所必须而又欠缺的事物在头脑中的反映倾向。它产生于人在生活中受到的各种刺激,通常以愿望、意图、理想等心理状态反映出来。它是人的积极性的动力源泉。一切经济活动、人类活动发展的内部动力是人的需要,人的积极性最终来自人的需要。培养人重要的是培养人的需要。所以重视并解决学生的需要问题,是美术新课程标准的一个重要内容。 1、课程标准提出具有一定概括性和导向性的内容标准,并提供这些标准可供选择的教学活动方式建议。不具备强制性,使教材编写或教师教学时,可根据实际情况灵活选择。如果条件不允许,学生不需要,可以不采纳。另外,相同的需要可用不同的对象来满足,同样的内容标准教师可以根据需要自己设计具体的教学活动。这样,充分考虑了教师、学生的需要心理,为教师的教和学生的学给予了更大的发挥空间,充分调动了学生的学习积极性。 2、课程标准与生活紧密相连,激发了学生的需要强度,并依赖目标诱因的出现,提高学生需要的自我意识水平,满足了学生联系生活,美化生活的物质和精神需要,从而调动学生的积极性。例如,中学“设计.应用”学习领域的内容标准是:了解主要的设计类别、功能,运用对比与和谐、对称与均衡、节奏与韵律、多样与统一等组合原理,媒材特性,进行创意和设计,美化生活,形成初步的设计意识。对以上内容标准的教学活动建议,其中有“为自己喜爱的书籍、影集、纪念册等设计封面”、“为校运动会或文艺活动设计招贴画”、“对竹木、废导线等材料进行加工,设计制作小装饰品和实用工艺品,装饰自己的学习、生活空间或馈赠他人”等建议,这些紧密联系生活的活动,充分调动了学生的积极性。 3、课程标准没有为所有学生制定一个必须达到的硬性发展标准,并用一种统一的尺度来衡量学生的发展水平,而是尽量使每个学生积极参与学习,并且促使每个学生在各自的基础上获得不同程度的发展。既重视结果激励,更重视过程激励。满足学生成功的情感和精神需要。但同时,在制定内容标准时,又充分考虑,不轻易让学生的这种需要得到满足,使学生不会产生消极的体验,从而调动学生的积极性。 二)、对学生学习动机的激励 动机是直接推动并维持人活动的内部心理动力。动机具有指向性、强度性、清晰度、力距等特点。动机与需要不同,需要的动力作用是潜在的,动机的动力作用是直接的,现实的。需要可转化为动机,但需具备需要目标诱因的出现、引发行动的足够强烈的刺激、提高意识和态度的调节等条件。课程标准对学生学习动机的激励,主要采用了以下方式。 1、直接性学习动机的激励。课程标准为学生创设宽松、多样、活泼的学习环境,学习方式多样化,丰富化,从而产生新颖感、增强趣味感。学习中注意使每个学生都能获得充分发挥自己特长的机会,以增强学生兴趣,更好地满足其成就需要;让学习具有挑战性,使学生学习后能获得一种从事创造性劳动产生的满足感;扩大了学习的自主性,使学生能独立自主地处理问题,增强了学生的自尊满足;在可选择的条件下,学习尽量照顾了学生的志趣,使学生能通过学习获得内心的快乐。从而对学生的学习动机给予了强大激励。 2、“精神报酬”激励。课程标准让学生在学习的过程、结果中能够表达自己的观念、情感、思想,给学生以精神回报,激励学习动机,调动了学生的积极性。 3、目标直接激因的激励。课程标准摆脱了长期受专业美术教育的影响,使美术课程面向全体学生,降低了知识、技能难度,使学习具挑战性的同时,能让每个学生都有发展和进步,都有成功的体验。 三)、通过目标管理调动学生的积极性 目标是指人的行动所追求的预期结果。目标管理是以目标为依据,对组织系统进行管理的一种现代管理的形式。从心理学角度解释,目标实质是一种期望,是人的行动所追求的预期结果在主观上的超前反映。目标具操作性、可检测性。目标对人的行为的重要作用包括启动作用、导向作用、激励作用、聚合作用等。实践证明,在教学中目标确立适当,目标管理运用恰当,将调动学生的积极性,提高管理效能。课程标准重视学生的价值选择心理和成功概率的心理,能引导和调节学生的期望心理,以美术学习方式划分学习领域,确立学习目标,加强学习活动的综 合性、探究性,从而调动学生的学习积极性。 美术新课程标准从美术学习方式出发,划分出“造型.表现”、“设计.应用”、“欣赏.评述”、“综合.探索”四个学习领域。 1、“造型.表现”强调自由表现,大胆创造,外化自己的情感和认识。通过此领域学习,学生应达到以下目标:认识与理解线条、形状、色彩、空间、明暗、质感等基本造型要素,并能运用对称与均衡、节奏与韵律、对比与和谐、多样与统一等组织原理进行造型活动,激发想象力和创新意识;通过对各种美术媒材、技巧和制作过程的探索及实验,发展艺术感知能力和造型表现能力;体验造型活动的乐趣,产生对美术学习的持久兴趣。 2、“设计.应用”既强调创意的形成,又注意活动的功能目的。要求学生达到以下目标:了解“物以致用”的设计思想,并运用设计和工艺的基本知识和方法,进行有目的的创意、设计和制作活动,发展创新意识和创造能力;感受各种材料的特性,合理利用多种材料和工具进行制作活动,提高动手能力;了解艺术形式美感及其与设计功能的统一,提高对生活物品和自己周边环境的审美评价能力,激发美化生活的愿望;养成事前预想和计划的行为习惯以及耐心细致、持之以恒的工作态度。 3、“欣赏.评述”注重通过感受、欣赏、领悟、理解和表达等活动方式,内化知识,形成审美心理结构。要求学习达到以下目标:激发参与活动的兴趣,学习多角度欣赏和认识自然美和美术作品的材质、形式和内容特征,了解中外美术发展概况;逐步提高视觉感觉能力,掌握运用语言、文字和形体表达自己的感受和认识的基本方法,形成健康的审美情趣,发展审美能力;逐步形成崇尚文明,珍惜优秀民族艺术与文化遗产,尊重世界多元文化的态度。 4、“综合.探索”指通过综合性的美术活动,引导学生主动探索、研究、创造以及综合解决问题的美术学习领域。要求学习达到以下目标:了解美术与其他学科的差异和联系,学习灵活运用各学科的知识设计探究性活动的方案,进行探究性、综合性的美术活动,并以各种形式发表;认识美术与生活的密切关系,发展综合解决问题的能力;开阔视野,拓展想象的空间,激发探索未知领域的欲望,体验探究的愉悦与成就感。 四)、形成学生良好态度促进积极性调动 态度是指个体对一定的客观事物相对稳定的心理反应倾向。态度具有内隐性、特指性、比较稳定性、复合性等特点;具有影响效率与成绩,影响人的挫折耐受力和对环境的适应,影响人的社会性认识,自我激励等功能。要形成并巩固态度,应使人的认知、情感、行为意向成分由不协调变为协调。课程标准注重对学生良好态度的形成,以促进学习积极性的调动。 1、课程标准注重激发学生学习美术的兴趣,并使这种兴趣转化成持久的情感态度。兴趣是学习美术的基本动力之一。美术课程强调突出美术教育的趣味性,充分发挥美术教学特有的魅力,使课程内容与学生的情意和认知特征相适应,以活泼多样的课程内容呈现形式和教学方式,改变课程过去过于注重知识传授的倾向,激发学生的学习兴趣,形成对美术课程良好的态度,调动其学习积极性。 2、课程标准明确指出中小学的美术课程“具有人文性质”,并在内容标准中渗透美术的社会功能,即审美教育、陶冶情操、认识社会和自我、交流、发展形象思维和空间智能,开发潜能、提高物质产品的审美价值和文化含量等功能,使学生潜移默化,明白美术课程的重要性,转变过去对美术课程的偏见,树立良好的学习态度,调动其学习积极性。 3、评价标准体系对态度的形成。课程标准贯彻素质教育的精神和“以学生发展为本”的思想,旨在促进学生的学习,改进老师的教学。在美术学习评价方式中,要求评价有目的性、注重全面性、全程化和评价方法的多样化,对学生的成功体验,积极参与,自我反思,素养提高,个性发展,态度进步,合作精神等作完善、肯定的评价,形成学生积极向上的态度,以促进其学习积极性的调动。 二、我在现有美术教材中对新课标理论的探索运用 在九义教材初中第四册《美术作品中形神兼备的形象》一课中,我依据美术新课程标准对学生积极性的调动因素的要求和中学生的心理,结合“课程是活动,是经验,教师是‘主持人’,是‘沟通者’”的课程改革新思想,进行了大胆的创新和设计,将美术课堂设计成“东芝美术乐园”,旨在充分调动学生的积极性,让学生在轻松愉快的活动中完成本课内容,使学生人人参与,都有成功的体验,增强学生的自信心,培养学生的创新思维和表现能力、合作能力等。 一)、在教学环境的设计上,安排学生在美术教室内按小组团坐(组长为代表前坐,中心为活动区),营造一种平等融洽、轻松愉快的气氛,满足学生的需要,力求让学生在活动的乐趣中学习知识,增强学生的合作参与意识,真正达到素质教育的目的。 二)、在活动过程的安排上,我设计为五个环节,并且都用形象生动的词语概述,从调动学生积极性的需要、动机、目标、态度等因素上入手,体现新课程标准的理念。 1、猜一猜:内容安排为人物模仿表演与猜测。老师准备一些描述人物的纸条(如“炸碉堡”、“年迈的老婆婆”等),让每组代表抽出并且表演,本组同学进行猜测,迎合学生好奇心理,使学生在表演与猜测中体会“形”、“神”塑造人物的重要性,培养学生的表现力、观察力与竞争意识。 2、想一想:引导学生思考,哪些同学表演的好?为什么?引出“形”、“神”,展示课题;培养学生的发散性思维及归纳总结能力。 3、学一学:组织学生讨论美术作品中“形”、“神”的含义及二者关系,对学生的答案教师一律板书,并引导学生讨论以“去伪存真”;培养学生的研究性学习能力和积极的心态,树立学生的自信心。然后引导学生欣赏分析国画作品《竹》和油画作品《纺织女工》以巩固加深。 4、用一用: 教师用电脑展示以下作品名称,组织学生进行活动: 中国作品:《跃马》、《晴雯》、《蕉蝉》、《高逸图》、《说书俑》、《春香闹学》、《狼牙山五壮士》 外国作品:《复信》、《沉思》、《教皇》、《少女》、《格尔尼卡》、《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》 1、必答:每组代表任选一幅作品共同欣赏分析“形”与“神”(不扣分) 2、自由答:每个同学均可任意选择一幅作品欣赏分析“形”与“神”(若成功则小组加分,一般不扣也不加,不好则扣分) (此环节教师注意与学生沟通,及时对学生的表现做出肯定,培养的参与意识,创造性思维,表现能力等。部分作品可进行师生活动和表演再现以帮助理解。) 综合以上论述,美术新课程标准在调动学生积极性的需要、动机、目标、态度等各方面都采取了切实可行的措施、方式和方法,改进了原来美术课程和教学中存在的不足,从课程建设的角度,促进了美术教育观念的转变,促进了美术教材模式、学生学习方式和课程评价方式的变革,有效地运用各种资源,增强了美术教学的效果,充分发挥了美术教育在素质教育中的作用。 美术学生小论文:浅论师范院校美术专业学生美术素养的培育 一、当代意象油画的语言特征 与典型西方油画相比,意象油画没有抽象油画过分的夸张,也没有写实油画如此的真实,它仿佛摆脱了传统时空概念的束缚,呈现出一种“超然”的姿态,开放、自由的空间也赋予了创作意象油画更多的可能。事实上,意象油画的语言是其极具表现力的真实再现,想要对意象油画有所认知就必须以了解其语言特色。 1.笔法自然 在油画创作中,笔墨对于西方画家来说只是作画的工具,而对于追求意象的中国画家来说,他们将自身情感与生活感悟倾注其中,以笔写意,以笔诉情,笔到之处皆自然,描绘的过程即是画家人格、意志、精神的集中体现。在意象油画中,我们不难发现,画家运笔笔触与肌理的形态较为随性,淡而轻的笔墨给人以飘逸、秀丽之感,浓而重的笔墨给人以凝重、深邃之感,毛而干的笔墨给人以华丽、滋润之感……而这与中国传统绘画的表达相契合。意象油画和中国传统绘画一样,同样注重笔墨、运笔力度及方式,运用不同笔法可以产生不同的视觉效果。 2.色调显韵 色彩作为绘画语言的重要组成部分,直接展现了油画艺术最为丰富多彩、最具艺术感染力的一面。对于当代意象油画来说,色彩是油画艺术表现最有力的绘画语言,它一方面借鉴了中国画的色彩运用,另一方面又将西方印象派色彩优势纳入其中。如此,当代意象油画既有中国绘画艺术的音韵之美,又有西方油画色彩的绚烂之美。这种突破时空色彩的限制,充分运用色彩的意象油画能够超越自然表象一般性特征,直观地揭示物象多样化特征的规律性,从而表现出意象油画的深层次的意境、韵味。 3.意境高远 中国绘画普遍存在一种造境的思想,即在形式结构、题材内容或是思想观念上,追求一种诗意的表达方式,画面注重构图形式的含蓄,善用虚实相映的手法,以实现存乎世间而又超脱世外的境界。意象油画则广泛吸收了中国绘画诗化的语言,打破西方油画对时空的限制和焦点透视的束缚,根据表达的需要进行立意,实现意象的自由组合,这也使得所造之境具有独特而多变的美感,从而做到真正的意由所感、境由心生。 二、意象油画所体现出表达需求 在中国绘画的发展进程中,绘画者总是反对呆滞刻板地对某一物象的描绘,相反的,他们往往追求一种“神似”,企图以所创造的意境,引发欣赏者情感上的共鸣。而这样的艺术审美主张也是与意象油画的表达相契合。从长远的角度看,意象油画从来都不是简单艺术风格的塑造,它代表了中国传统优秀文化无西方艺术相互交流碰撞的成果,是不同文化相互融合的产物。当前,意象油画已成为中国民族文化的特色内容,故其所展现出的表达需求是有着由内而外的诉求。 一方面,意象油画所体现出的表达需求是其发展所必不可少的内在动力,即牢牢扎根于意象油画的优秀--民族传统。意象油画在其中兼容并蓄,不仅继承发扬了传统油画的特性,而且将中国写意精神纳入其中,使表达方式更加自由。它实现了一种新的艺术表达方式,将西方传统油画语言与中国传统绘画中的写意精神相融合,以做到真正的中西合璧。而有了民族传统的积淀,无形之中增加了意象油画历史的厚重感,这也能够为实现意象油画在新时代的厚积薄发做铺垫。 另一方面,意象油画所体现出的表达需求是其自我发展必不可少的时代因素。现如今,文化艺术在中国得到极大发展,油画艺术为了更好地融入发展的潮流,经历了不同程度的分化、筛选、整合,继而意象油画的独特艺术魅力开始彰显。意象油画不是单纯客观的临摹,也不是主观上的臆造,而是特点物象的有机提取和概括,这样的表达方式切合人的内心,也是符合事物发展的规律。因而,油画意象性表达的提出和实践,是符合艺术的一般发展规律和中国文化的特点,相信这是时代所赋予意象油画发展的契机,是历史的必然。 三、当代意象油画中语言和表达的结合 1.形与色的交合 尽管自然物象表面上是纷繁复杂的,但是其背后必然存在某种秩序。将其呈现在画面上,没有秩序的画面会显得主次不分,没有确定的表达对象;而过于规整秩序的画面则会显得单调不堪,出现乏味而表达无力的现象。这就需要绘画者在创作时注意平衡有序和无序之间的关系,达到在变化中实现统一。而油画创造或以形式结构区分画面、或以色彩关系分解画面,无论采用何种画法,都要对画面不同元素进行取舍,实现统一的空间关系。这时候形与色的协调对意象油画中的意向表达就显得格外重要。形式对物象的合理选取,色是对画面质感的整体把握,形色合一,方显气韵。 2.物象色彩与意象色彩的相互转化 在中国传统绘画中,我们会发现画面总“留白”的现象,这是传统美学思想的集中体现。这种以无形代有形的手法,大大增加了人们对绘画内容产生的联想、想象,而这些空白也常被解释为空间、意境、虚空,企图实现此时无声胜有声的成效。这些“留白”恰恰是意象色彩的真实写照,它给人以充分思考的空间。在特点的条件下,通过物象色彩与意象色彩的相互转化,可以实现虚实、多少、复杂与简单等相互之间的转化,这大大丰富了意象油画的表现语言。西方绘画着力描绘物象色彩,而东方绘画旨在展现意象色彩的神韵,透过物象色彩与意象色彩的转化,使得绘画作品既充满西方象征主义情调,又兼具东方温婉细腻的创造风格,如此便实现了东西方文化、思维的交流融合。 3.意境与情感相互渗透 我们理解意象油画无非是将“意象油画”拆而视之,分为“意象”和“油画”.其中“油画”是主体,是呈现的对象;“意象”是修饰,是呈现的方式、手段。我们认识意象油画着重是对意象展开分析:在认知中,意象是客观物象经由创作主体独特的情感活动而创作出的特定艺术形象。绘画者依据对客观物体的印象与感悟,不再局限于固定的形象、思维,从而创造出特定的意境、境界、意蕴,而境界的高低则完全取决于艺术家内心、情感、气质。因此,意象成为意境与情感转化的媒介,它表达了绘画者超越物质本身,转而表现自我的内心。在意境与情感相互渗透的过程中,意境得到了提升,情感也得以升华,这必将使得意象中语言与表达结合得更加密切。 四、当代艺术语境下意象油画表达的现实意义 当代的中国,艺术发展呈现出百花争鸣的姿态,艺术发展逐渐进入优胜劣汰的高速发展时期。而意象油画面对的也不再是解决发展进程中的自我构建,而是明确意象油画艺术表现的现实意义,具体来说可以从以下几个层面分析。 首先,意象表达的自由化为艺术创作提供了无限的可能。现如今,由于艺术创新不断的深化,艺术的纯粹性逐渐成为当今文化艺术所孜孜追求的。意象表达,一方面受到中国传统的影响,另一方面又面临着不可预知的现实构建,因而这种自由化的表达,是符合中国意韵的语言表现,也是时代的选择。其次,意象表达的人文性为艺术的传播发展提供了有力的支撑。中国意象油画之所以能够在动荡的艺术潮流中得到不断发展,离不开其特有的文化积淀。油画在意象表达的过程中,广泛吸收文化审美因素,它完全展现了中国文化审美传统内核,成为发展之中不可或缺的重要一环。而意象油画中对于传统的沿袭,无疑成为其实现自我价值凸显的重要体现。再者,意象表达的互动性为艺术的交流提供了契机。意象表达的实现本身就是一种具有互动性的体现,它由此及彼地传递意象油画所要表现的内涵。这种互动性既是欣赏者与画面互动的结果,又是创作者与欣赏者内在情感的相互交流。通过这种互动很容易实现意象的深入以及意象的交流,这无疑增强了意象油画的意象表现力以及艺术感染力。 最后,意象表达的艺术表现力确立了中国油画在世界艺术之林的地位。由于油画艺术引入中国的时间较短,这也直接影响了油画本土化的进程。依托于意象油画中独特的艺术气质及中国文化深厚的文化背景,意象表现精神很容易在纷繁的油画艺术之林得到恰如其分的彰显,所以这种表现力对意象油画发展具有广泛的现实意义。 在当代油画语言日益增长的今天,我们对意象油画的理解已经不能停留在原有的认识中,而应该认识到意象油画艺术的发展是一种必然的趋势,我们 要做的就是紧跟意象油画艺术发展潮流。事实上,意象油画的表达从来都没有标准的答案,因为很多时候我们认识、理解意象油画是基于自身对意象油画的习惯性认知。唯一能够揭示意象油画表达的就是从意象油画的语言上去展开。而通过分析意象油画语言了解当代意象油画表达的目的在于用更为确切的视角,解读当代意象油画的表达。 美术学生小论文:分析中学美术素描教学中学生能力的培养 【摘要】初中美术教学要培养学生观察和欣赏美的能力。初中素描教学对于培养学生对物象的观察、审美以及表现能力至关重要,学习素描基础知识和方法,可以让学生对物象的感受更加客观、真实。作为一名美术教师,如何才能更好的培养中学生的素描造型能力呢?本文结合自己美术教学的一些理解和经验,谈谈初中美术素描教学的问题。 【关键词】美术 素描教学 学生能力 培养 素描是一切美术造型的基础,只有掌握正确的方法,进行严格系统的训练才能达到逐步提高的目的。学生在基础素描的学习训练过程中,会产生许多阶段性的问题,而且每一位学生由于基础与天性的差异,所表现出来的问题又是不尽相同的。美术教师在素描教学中如何将教师的“教”转化为学生自主、有效的“学”,使学生由“学会”转化为“会用”,并能在教师的作画影响下逐渐形成个人的创造风格,最终形成自己的表达语言,已成为目前素描教学中急需解决的根本问题。那么作为初中美术老师应当怎样进行美术素描教学呢?下面结合教学实践谈谈自己的看法。 一、素描教学是基础教学,应以掌握好基础知识和技能为目的 素描教学训练要以培养学生对物象的认识能力、观察能力、表现能力和审美能力为目的,即要达到基础训练所必须具备的各项要求,掌握好基础知识和技能。同时,又应指导学生以客观物象为依据,表现物象的真实,以写实的手法表现对物象的真实感受。不管什么风格的基础素描,它的基本要求是一致的,只是对素描造型要素各有不同的侧重而已。在基础素描教学中应本着现实主义的原则,要求用写实的手法表现对物象的真实感受。作品应以客观物象为依据,在教师的指导下,让学生根据对物象的认识和感受,艺术地表现一定环境与光影下的具体物象。学生的主观感受应依据客现物象并受制于客观物象,所谓“艺术地表现”是指概括、取舍、加强、减弱等艺术处理。 二、素描基础教学应抓住轮廓准确和注意整体两个环节 这两个环节是:轮廓准确和注意整体。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描的第一阶段就细抠轮廓。第一阶段打轮廓时能做到构图恰当、比例准确、要点鲜明、形象明了,就应该说是轮廓准确了。在素描训练过程中,应要求学生在每一阶段都不断使轮廓更精确,特别是要求学生不要迁就轮廓的错误,那种明知有错而凑合了事的态度是非常有害的。如果在基础训练中老是犯轮廓不准的毛病,就不能获得物象结构的知识,就会造成不善于敏锐准确地表现物象特征的缺陷。 注意整体是观察物象和处理画面的一种方法,这个方法掌握得是否恰当直接影响作品的质量。教师在向学生讲授技法时,要重视引导学生学会正确观察物象的方法。整体观察是造型艺术的根本法则,它的实质是便于比较。学生能否把所要刻画的物象整个地控制在自己的视域之内,在处理局部时能否考虑到整体,是教师在教学中需要不断提示和强调的重要方面,要让学生养成自觉地进行整体观察的习惯。 三、遵循“由浅入深,由表及里,由简到繁,循序渐进”的原则进行素描训练 在不断循序渐进和适当重复的过程中,才能牢固掌握造型规律及其有关知识和技能,得心应手地表现各种环境下的复杂事物。为了打好坚实的基础,习作应以长期作业为主,这样便于领会教师的指导,便于深入理解,反复校正和进行探索,教学上的严格要求也主要体现在长期作业中。教师要向学生说明长期作业的重要性,对各种不良倾向要及时加以纠正。同时,也要布置一些短期作业作为辅助,使写生与构图相结合,记忆、想象和速写相结合,以避免学生在长期作业中容易出现的观察力迟钝以及画面板、腻的缺点。习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度,取决于艺术修养和技术水平的高低。因此,教师对学生的“画外功夫”要正确引导,鼓励学生多掌握一些课外知识,如文学、美学、历史等方面的知识,使他们多了解不同素描流派产生和发展的过程,以及它们的主张和特点。这样能够使学生扩大知识面,开扩眼界,有助于提高绘画水平。 四、素描训练要求学生善始善终 有的学生开始画的时候积极性很高,新鲜感强,观察力也比较敏锐,但经过一段时间后,观察力多少有些迟钝,不能保持一种清醒和整体的感觉来检查画面的表现效果。有些学生则急于求成,时间一长就有种画烦了的感觉。这时,教师应及时提醒学生,不要轻易地把调整修改这一步看做是作业结束时的修饰,而应认真对待,感到有不妥当的地方,一定要找出原因,下决心把它修改过来。调整修改应本着整体的原则,反复分析研究,反复比较,理解形与神的关系。要用第一眼看到物象时那种新鲜强烈的感觉来检查画面效果,找出画面与物象之间的差距,检查物象与物象之间的组织结构、形体比例是否准确,质量、空间关系是否恰当,主次虚实是否有序。这些因素的调整,主要是想通过反复的校对和比较,能够更深入地研究对象和表现对象。要求表现就是要讲究线条,讲究黑、白、灰,讲究概括,讲究画面的构成和组织,要力求形神兼备,要像写文章那样讲究文采,像戏剧那样讲究韵味。要通过表现使素描基本功成为创作性的艺术活动。 总之,我们在素描课上也要提倡一种个性的张扬和创新意识,并鼓励学生去探索未知的领域,给老套的素描课堂赋予新的语言与活力,使其和别的画种一样成为独具特色的情感表达方式,即一种有意味的绘画形式。 (作者单位:甘肃省通渭县第三铺乡初级中学) 美术学生小论文:如何激发农村学生学习美术的兴趣 兴趣是学习的基础和前提,也是主要动力。有位着名心理学家曾指出:教师不应企图将知识硬塞给儿童,而应该找出能引起刺激儿童兴趣的材料,然后让儿童自己去主动学习。在小学美术教学当中,如何提高学生对美术课的兴趣是至关重要的。但受经济条件所限,农村的美术教学难以吸引学生的兴趣。这不仅需要社会、学校的努力,更需要我们一线的美术教师为之付出努力来发展农村的美术教育。一些客观因素我们无法改变,我们能改变的就是根据学校的具体情况,从实际出发,了解学生,转变观念,激发学生学习兴趣。 一、引人入胜的课堂导入 一节课的前五分钟,学生刚回到教室,他们或玩游戏玩得意犹未尽,或参加课间体育活动尚气喘吁吁,大多数同学都情绪激动。心绪难平,如果这时候老师立即传授新知识,效果肯定是不理想的。这个阶段中老师应该发挥多媒体教学优势,增强教学的形象性。可以用多媒体课件引入新课,通过生动形象的画面、声音,对学生的视觉、听觉等感官系统造成直观的刺激,从而留下深刻的印象。还可以通过利用多媒体教学设备展示一些与课文内容相关的小笑话、小谜语、小故事等,巧妙地激发起学生的学习兴趣,或者是听一首优美的音乐、欣赏一下精美的图片,把学生的心收回来,回到课堂中,然后再不失时机地揭示教学目标,让学生轻松愉悦地明确本节课的学习任务,激发学生的学习兴趣,为进入新课的学习做好铺垫。 二、创设教学情境,营造和谐氛围 学生学习时仅有老师一个人说教,学生听,这样枯燥的课堂最不受学生欢迎的,美术课必须做到轻松、有趣。作为教师要为学生创设轻松、和谐的学习环境,让他们更喜欢上美术课,乐于学习美术知识,接受美的熏陶,对学生不仅具有启发、展示的作用,更是一种学习动力的催化剂。教师可选用艺术作品中和现实生活中美的形象感染学生,激发学生的感情,陶冶高尚的情操,更好地理解教学内容,提高教学效果。教师还可以利用精美的多媒体课件和游戏有效结合的方式来吸引学生。如在教学《图文并茂》时,用多媒体展示几幅漫画,下面展示几段文字,让学生用“连连看”游戏的方式进行连线,将每幅图画与所对应的文字匹配起来。通过生动形象的多媒体课件和小游戏,增强了学生浓厚的兴趣,提高学习的有效性。 三、利用乡土材料,激发学生学习兴趣 利用自然条件上好工艺美术课小学美术大纲规定工艺美术课占教学内容的45%到50%。众所周知,上美术课,要准备很多材料,如:橡皮泥、积木等等,要购买这些材料对于农村的孩子来说是一笔不小的花费。为了改变现状,激发学生的想象力和学习美术的兴趣,我提倡学生将乡村随处可见的材料引入课堂。农村学生“出门望山河,抬头见树木。”这就给我们培养学生的艺术才能,把学生引向工艺美术的殿堂提供了绝好的条件。 例如,可利用石子、树叶进行贴画造型艺术教学。在农村的小河旁、小山上,石子随处可见,如在“多种形状的脸”一课的教学中,就可以引导学生按教学要求选择不同形状的石子,结合造型,设计加工成各种形状的脸。教学中我们经常要求学生按“选”、“看”、“粘”、“彩”这四个过程制成作品后放在窗台边或书桌上,在老师适时点拨的前提下,让学生之间相互进行评比。又如,可利用秸秆、麦草秆、树枝进行造型教学。在农村房前屋后、田边地头,麦草秆、秸秆、树枝随处可见。教师在“巧妙的穿编”一课之后,可让学生收集一些秸秆、麦草秆、树枝等整理干净、修剪整齐,指导学生像课本中介绍的纸条穿编一样进行构图穿编,设计精美的图案。这样不仅能培养学生的创造想象能力,也使农村美术课内容得以充实和丰富。 四、鼓励式的教学方法 在美术教学过程中,教师应保护学生独特的个性,并给予其自由发挥的空间,鼓励学生立足于自身实际,将自己的内心世界以独特的方式大胆地表现出来;同时能对他人的作品发表自己与众不同的见解。教师要发现和充分肯定他们的优点,看到他们的进步,使他们对自己的才能产生自信心,让不同先天素质、不同智力水平和个性特点的学生通过美术活动都得到发展。让每一个学生都能充分感受到成功所带来的喜悦和自豪,使学生树立起学习的自信心和自觉性。 教师不能通过简单的分数等级来进行评价,不要指望用某种固定的方式判断每个学生的进步。学生们需要的是有感情的语言,需要教师找出其闪光点。大名鼎鼎的沃尔特·迪斯尼小时的经历就值得我们借鉴。他上小学时。曾把老师留的作业“盆花”的花朵画成人脸,叶子画成手,这神奇的幻想非但没有得到称赞,反而得到老师的一顿毒打,差一点让这位艺术家早年夭折。教师和蔼可亲的态度、平等温和的语言.及时给予鼓励、表扬和耐心的疏导、帮助,不仅有利于学生真情实感的培养,为学生形成健康的心态,更能激发学生的学习兴趣。 五、利用实地写生,激发学生学习美术的兴趣 农村是个广阔天地。蓝天白云、山川河流、奇峰秀岭、红花绿叶、水中的鱼、空中的鸟、天上的彩虹等五彩斑斓的大干世界为农村的孩子发现美、欣赏美,提供了丰富的素材。实地写生,这是学生最感兴趣的课。很多东西仅凭教师说教,该怎么选景,该怎么构图,哪些画面需要,哪些画面不需要,然后让学生去完成作业,这样闭门造车,学生是表现不出来什么的。要想表现得真切,学生必须有实地的体验,认真的观察才行,因为艺术来源于生活。把学生带到大自然中,让他们去听、去看、去触摸、去感受,尝试直接用色彩去表达,去抒发。让他们在真实的环境中去感受美,这样一来,大大地激发了学习兴趣,增强了感悟能力,提高了绘画能力。 结语: 总之,要激发学生的学习兴趣,还需要我们一线的美术教师继续为之努力。我们期待我们的教学环境越来越好,只要我们要善于挖掘和利用农村特有的自然条件,为学生创造一个轻松、和谐的学习氛围,让农村的孩子们接受更多的美术知识,受到更多美的熏陶,农村小学美术教学就一定会带给农村孩子一片更美的蓝天。 美术学生小论文:在美术教学中培养学生创造思维能力 不少老师认为:美术课上只要让学生依葫芦画瓢,画出几张画,课堂不出问题就行了。其实,并非这样简单,培养学生创造性思维是美术课程的重要组成部分。创造性思维是思维活动的高级水平,即是指人在已有知识经验的基础上,从问题中找出新关系,寻求新答案的过程,这种思维具有新疑性、独创性、发散性。美术课中如何培养学生的创造思维,笔者认为应做好以下几点。 一、绘画中 用发散思维的方式去想象 美术教学中,让学生进行艺术创造并非易事,因为他们完成作业大部分是临摹,这样一年两年之后,学生的创造性思维在临摹中逐渐减弱,已经习惯了照抄别人的模式,习惯性思维占据了学生的脑海。因此,当设题让学生创作时,学生会说:“我什么也画不出来”,“太难了”,“还是照抄课本上的吧”。出现这种状况,原因之一就是让学生长期临摹,缺乏想象力的训练,发展下去,只会使学生变成墨守成规,将来离开书本,离开学校,离开老师将一事无成的人。故在教学中,每一节课先不急于完成作业,而应围绕每节课的内容,尽可能多的去设想,比数量,看谁的想法最多,最有独到之处。如四年级《鞋的设计》一课,先安排10分钟让学生大胆想象画出各种不同功能的鞋的草图,有的学生一口气画出五、六种,有的画出三、四个,无论多与少,此时学生想象的闸门已打开,毫无顾忌的画所见、所想、所感受,在这个过程中,学生逐步完成从量变到质变的过程;又如装饰画中画树,他可以画出春天的绿树,秋天的红树,那么可以不可以画出兰树、黑树呢?通过引导学生从光的角度看,从装饰寓意手法表现,学生明白了,只要画面需要,什么颜色都可以去画,以此类推,学生敢于用多种手法表现事物,表现内心的情感。事实说明:发散性思维对摆脱习惯性思维的束缚很有益处。 二、 提供培养创造思维能力的情景 苏联教育家苏霍姆林斯基曾说过:“在人的心灵深处,都有一种根深蒂固的需要,这就是希望感到自己是一个发现者、研究者、探究者。而在儿童的精神世界中这种需要则特别强烈。”作为教育者应多给学生提供这种探究的机会,并让他们感受到成功的喜悦,这将激励他们不断的去探索,从而走上成功之路。 (1)在写生课中培养创造思维能力 实践性强是美术学科教学的重要特点,丰富多彩的实践活动是学生创作的源泉,学生新奇的想法来源于实践,创造思维的萌发,更取决于学生头脑中接触过的、熟悉的事物,多感才能多知。如教五年级《各种各样的房屋》一课,让学生来写生校园内极普通堆柴房,屋前堆放许多木头,如完全写实照搬画面肯定不好看,因此,在写生中引导学生观察的是自然中的结构、形状,要求学生用减法方式,减去不入画的部分,补充一部分,使构图完美,意境更充实。要求学生用夸张变形手法表现高的更高,矮的更矮,根据主观感受,表现情趣,加强艺术感染力,这样的效果是,全班几十人的作业,一人一模样,共性中有个性。看学生的写生作业:有的是一棵大树下的一间小屋,有的是一笔一划的勾房瓦,有的屋前一条小路,引起人的遐想。写生提供了创作的源泉,经过艺术概括,去粗取精,创造出的是比现实景物更有个性,更为鲜明的形象。 (2)在动脑动手中培养创造思维能力 四年级《我为祖国造大桥》这课,要求学生用橡皮泥捏出桥的立体造型,这并不难,关键是培养学生的创造能力,体会一下当建筑设计师的滋味。在看过优秀桥的建筑的照片基础上,同学们迫不及待的动手,许多同学把对未来桥的发展变化憧憬于设计中。好多同学改变了原来桥的形状和结构,大胆地想象、运用夸张表现手法,设计出有主题,有自己个性的立体桥型。这一课给同学提供了展示才能的机会,学生不仅仅是动手制作,动脑构思,立意的思考,升华了主题思想,培养了创造思维能力。 (3)鼓励学生难能可贵的创造思维 创造需要勇气,需要有一定的气氛烘托,在创造活动中,有的学生怕自己的作品特殊,怕同学起哄,更怕得不到老师的认可,因此,提倡学生有创造意识,就要求老师敢于表扬标新立异的同学,尤其在评判作业时,不以干净规矩为唯一标准,而看谁的作品不随大溜,有独到之处,谁的作业就是最好的作业,成功的作业。 三、 教师自身素质对学生的影响 教师在教学中处于主导作用,是因为教师担负着在知识与学生之间架起一座桥梁,使学生在掌握知识的过程中,尽可能少遇困难,少走弯路。好的教师应通过仪表、语言、板书、范画、演示、辅导,评定成绩等一系列活动得到学生的信任与尊重。同时,教师要通过对学生情感上的交流影响感染学生进行创造思维的活动,试想:面对一个面目冷冰冰的教师,一个不负责任的教师,学生怎敢各抒己见呢?在课堂上,教师也要以一个探求者的身份出现,对有些问题,可以回答“我也不清楚,我们一起来琢磨”。从而激发学生的探究性。 教师要培养学生创造性思维活动,首先要使自己成为一名创造者,她的首要任务就是要不断探求新的教学方法,创造出富有个性的独特的新颖的教学方式,力争使更多学生积极参与教学活动。现代社会,发展很快,只有不断学习,不断获取最新信息更新固有观念,才能使自己保持艺术创造,教学中的青春活力。 除了教学,教师还要大量创造自己的作品,读万卷书,行万里路,不断充实自己,凡是要求学生完成的作业,教师要尽可能先尝识一下,试图从多方面,多种途径去考虑,对随时涌现的想法,只要有价值,就要付诸实践,这样即可锻炼自己的创造思维能力,也可以对可能出现的教学效果有所设计和预见。 除此,课堂上教师领画、带画,示范都因直观性强易于学生更快更好掌握。如果我们的教师具备浓厚的业务功底,有潇洒的画风,有独特的创作精神,不仅能博得学生深深敬佩,还将对学生产生较大的影响。 创造力是人人都有的,只有将蕴藏在学生身上的宝贵资源,积极开发,才能培养真正具有创造性的人才。 美术学生小论文:对中学生美术成绩测评新模式探索 一、学生美术课内情况综合测评表的设计和运用 学生美术课内情况综合测评表 班级___组别___姓名___(附图 {图}) 这张表把学生美术作业情况与学生在参与整个美术活动中表现态度,努力程度以及在美术活动中良好素质 的培养,三者结合了起来。本表确立了以测评对象为主体的,教师评价、学生群体评价和学生自我评价三结合 的民主测评形式。 测评表简明扼要,完成每次测评仅需二、三分钟,所以操作简易。每次教学活动中让学生进行这种自我测 评活动,意欲促进学生良好学习习惯的形成与发展。其具体步骤如下: 1.测评表发放。每次上课前由科代表到教师处领取后发给学生本人。 2.测评表的填写和回收。每次散课前二、三分钟,由教师统一安排,按规定内容让学生自行填写,填写后 由每一行的组长验收签名,上交教师保管。 3.期末总结。由学生对一学期的自我表现作回顾总结,测算出各项的平均分和各项总平均分。然后估算出 自己的学期总评成绩。学期总评成绩估算方法:以作业平均分为基数,参照各项平均分向上或向下靠到上或下 一个分数段。作业平均分=全学期作业总分÷全学期应交作业总数,各项总平均分=纪律、画具、完成情况和 清洁卫生这四个单项平均分之和÷4.例如,作业平均分72,各项总平均分达4.9或以上的,属优秀的,可上靠 到75,然后再上升一分数段,达到80,学期总评就为80分,若各项总平均在4.5与4.9之间,属较好,就上靠到 75,总评就为75分,若各项总平均分在4与4.5之间,属一般,就不作浮动,学期总评就是作业平均分,若各项 总平均分在3.5与4之间,则72应下靠到70,学期总评就为70分,若各项总平均分低于3.5,则72下靠到70后再下 降到65,则总评分为65.若各项总平均处于临界分,难于决定究竟是上靠还是下靠时则可再参照作业上交时间 、互助友爱,表格整洁程度等其它因素来决定。 4.集体民主评议。由班组同学根据该生测评表的各项数据,对照标准、全面衡量,决定是否认可或另给一 个合适成绩。 5.教师综合评定。教师在学生自评和集体民主评议后,根据自己平时积累的资料,综合分析后评定出该生 的学期总评成绩。 6.测评结果反馈。学生本人在接受班组和教师对其测评信息反馈后,应在有关栏目中填写对测评结果的意 见,即写明同意,或不同意及其原因,民主测评制度允许学生在正当理由下与教师“争分”和进行“讨价还价 ”。 测评项目的填写,标准是什么,如何计分等都应在第一次测评时由教师统一指导学生,各个年级组以及不 同内容的课填写内容可以有所不同。如表中第一周,是素描,该生纪律很好,画具和课本都带齐,故这两个单 项均记5分。课内完成情况是以大多数同学完成的进度为标准来定的,达到这进度的记5分,不到的酌情扣分。 作业上交时间栏,准时上交就填准时,迟交的则填迟交的天数。清洁卫生和互助友爱这两栏目,不是每次都必 须填的,看情况而定,如第三周剪纸课,要求学生不弄脏地面,若散课时能收拾干净就可在清洁栏目中记5分, 否则酌情扣分,另外如能出借学习用品给同学,帮助其解决忘带画具而不能作画的困难,则可以在互助友爱栏 目中记上符号。 备注栏主要是记病事假或其它特殊情况,如作业被选为优秀范作等。 测评表应如实填写,不涂改,不弄虚作假。组长课前应检查学生画具的准备情况,做到心中有数,验收测 评表时,如发现填写情况不实,可以拒签并反映给老师。 测评表可以印刷在16开铅画纸上,左右各一表,供一学年使用,表格也可以让学生自画,以锻炼制表能力 .表格要保持整洁无损,期终考核时,表格整洁程度也可作为一个评比内容。 二、对学生作业的评价和处理 1.评价作业的三标准。我看学生作业,主要看这三方面,一看是否有创新意识,二看画技是否好,三看作 画态度是否认真。画得好、认真、有创意,给最高分。画技不很好,但很有创意和画得不很好但十分认真,我 也都给高分。画技不好并不影响作业的及格,只要态度认真。只有画技、态度均不好时,才有可能不及格。 2.作业允许迟交。我这节课布置的作业,做不完允许带回家继续画,下星期美术课带来交,这就算准时。 如果没画好,或没空画,可以迟交,放在下几周的美术课中交,但迟交天数应如实填到测评表里。平时,不收 作业。 3.作业不进办公室,当面批阅。因为学校没有美术专用办公室和专用教室,教师无地方堆放十几个班级的 作业,所以我实行作业不进办公室,每次在美术课学生作画时,逐个走到学生面前,批阅上节课的作业,当面 肯定作品的成功和指出不足之处,有时亲自动手帮他修改,优秀的,我还当场出示,进行表扬。作业不进办公 室,减少了科代表和教师不少麻烦,面批又对学生帮助教育较大,而且还为任教六、七百位学生的教师提供接 触、了解、熟悉学生的难得机会,一举三得。 三、对美术课成绩测评的理论思考 在国外,人们把美术称为“无错误的学科”,它对错误的谅解和新的尝试有着更宽松的态度。在数学中2+ 3=5,似乎不存在解释的余地,然而在美术中,黄加蓝就可以调出许多不同的绿。所以学生设计一幅画时,严格 地说是不应有任何限制的,也不存在什么正确和错误的方法的。作品中表现出的差异是可贵的,因为它丰富了 我们对世界的看法。在美术中,学生作品里显示出的想象力和个性特征应得到尊重而且应 受到赞赏才好。从正 面评价学生的美术活动,表达对他们与众不同的欣赏,会对学生产生积极的影响。因此评定美术成绩时,不仅 要看作业质量,而且还要考虑整个美术活动中,学生的参与态度,努力程度和进步状况,根据上述理论,传统 的以作业水平评价学生学习成绩的作法显然有待改革。 学生个体存在着很大的差异,有绘画天赋的毕竟是少数,大多数同学并不善画。我们的着眼点是要从学生 实际出发,善于向他们提出经过努力能够达到的目标,促使他们形成良好的学风,不断提高技艺。新的测评模 式不但使少数优秀者可以得到优良成绩,而且也使大多数愿意积极参与美术活动、态度认真的“作画困难者” ,也有可能达到良好成绩,这就为不同层次与不同水平的学生在不同的程度上获得成功与表现自己提供了机会 . 新测评模式要求教师改变过去只关心画的质量的片面做法,而要更关心学生、关心学生创造这幅画所付出 的劳动和画这幅画的心理变化过程。 把测评的责任全部交给学生自己承担,从心理角度看,是帮助学生提高自我意识水平,完善自我意识同一 性的重要途径。 新的测评方法有助于学生在自我测评中不断认识老师对他们的期望,集体对自己的评价,从而使自我评价 能较好地与客观评价相符合。新的测评模式激发了学生参与自我评价的积极性。起到了帮助他们发现自己,发 展自己,从而形成良好的内部学习动力机制的作用。 从本校最近三、四年及本区部分中学最近一年试验的结果看,这项教改试验已收到比较明显的成效。 美术学生小论文:培养学生创新能力--小学美术创新教育之我见 马约尔先生,写下了一句耐人寻味的话,“我们留下一个什么样的世界给子孙后代,在很大程度上取决于我们给世界留下什么样的子孙后代。”现在的学生正是未来的创造者,他们的创新能力将影响着一个民族能否自立于世界之林,能否位于科学技术的制高点。而这一切又深深依赖于一个国家和民族创新教育能否得以顺利实施。 科学技术从未像今天这样,以巨大的威力和人们难以想象的速度深刻地影响着人类经济和社会的发展。新课标指出要以创新精神和实践能力的培养为重点,建立新的教学方式,促进学习方式的变革,所以创新教育已成为目前和今后学校教育的主题歌。 从宏观角度来看,在知识经济时代,创新能力往往决定一个国家和民族的综合实力和竞争力。总书记曾经指出,创新是一个民族进步的灵魂,是国家兴旺发达的持久动力,没有创新的民族是难以自强、自立,稳固发展的。 从微观角度来看,创新教育对于个人良好素质和人格的形成发展具有重要作用。 不论从国家民族,还是从个人发展的角度来看,实施创新教育,已日益迫切。那在知识经济时代应如何进行创新教育,在小学美术教育中要如何实施创新教育又需要哪些条件呢?我有几点认识: 一、对创新教育内容的认识 创新不同于“无中生有”的创造,随着社会的不断发展变化,创新一词的意义也在不断深化。从字面上看,创新既包括事物发展的过程又包括事物发展的结果,包括新的发现发明、新的思想和理念、新的学说与技术以及新的方法等一切新事物。简单说来,创新既包括“无中生有”,又包括“有中求新”。创新教育也就是以培养学生具有独立性和自主性,引导学生质疑、调查、探究,在实践中学习,使学习成为在教师指导下主动的、富有个性的过程。 1、创新意识 创新意识的培养是在小学美术教育中实施创新教育的基础内容之一。人人都有创造能力,只是开发培养与否。心理学家曾做过这样一个试验:把一个跳蚤放在一个瓶子里,给它罩上一个透明的玻璃板,它一跳就撞回来了,一跳又撞回来了。跳来跳去形成了条件反射,当再把玻璃板拿开时,人们发现了一个奇怪的现象:这个跳蚤再也跳不出这个瓶子了。试验告诉我们一个真理:在培养孩子的时候,千万不要限制了孩子的才能。在美术教育中要培养学生的创新意识,首先应注意保护学生的独特个性,并给予学生充分发挥个性的自由。 2、创新思维 创新教育的第二方面内容是创新思维的培养,它是指发明和发现一种新方式用以处理某种事物的思维过程,它要求重新组织观念,以便产生某种新的产品。培养创新思维就是要使思维具有积极的求异性、敏锐的观察力、创造性的想象力、独特的知识结构以及活跃的灵感五个的特征。具有这五个特征的创新思维能使学生更顺利地解决对他们来说的新问题,能更深入地掌握知识,并能把这些知识广泛的迁移到学习新知识的过程中,使学习活动更轻松、更顺利。在小学阶段的美术教育中,培养创新思维可以说是构建整个创新活动的智能结构的关键,是创新力的优秀。 3、创新技能 创新教育的第三方面内容是创新技能的培养,它是实践能力的体现,是在创新智能的控制和约束下形成的,属于创新性活动的工作机制。仅就小学阶段美术教育而言,要培养学生通过自主参与学习活动,获得亲身体验,逐步形成一种日常生活与学习中喜爱质疑、乐于探究、努力求知的心理倾向。还应培养其发现问题、提出问题和解决问题的设想能力,收集资料的能力,分析资料和得出结论的能力,以及表述思想和交流成果的能力。 4、创新情感和创新人格 创新教育的第四方面的内容是创新情感和创新人格的培养。创新过程并不仅仅是纯粹的智力活动过程,它还需要以创新情感为动力,比如远大的理想、坚定的信念、强烈的创新激情等因素。在智力和创新情感的双重因素作用下,学生的创新才能才可能获得综合效应。从某种意义上可以说,学生具有优越的创新情感和良好的个性特征是形成和发挥创新能力的底蕴。 二、培养学生创新能力应有的要素 1、教师更新观念很重要: 在新课程标准的实验和实施过程中,教师既是课改的实践者,又是课改的主体。能否把新课程标准的新的理念、新的教材以及新的学生观融入教师的实际工作中,成为课改工作能否继续深入发展的关键所在,它直接关系到教学的合理实施。教师的教育思想、教育观念,树立正确的教育观、人才观,是课程改革的前提。提倡学生是学习的主体,发挥学生的自我能动性,同时教师要面向全体学生树立全新的教育观。使美术教育真正做到面向全体学生,为学生学会做人、学会求知、学会劳动、学会生存、学会健体、学会审美打下坚实的基础,培养学生热爱祖国、热爱家乡,逐步形成良好的世界观、人生观和价值观,养成健康的审美情趣和生活方式,提高学生的鉴赏能力和创造能力。其次,教师要从观念上改变教师独占讲台满堂灌的做法,增强教学的趣味性,创设活泼的课堂气氛,创造民主开放的教学局面,将教学过程视为师生共享经验的过程。课改要求我们教师必须从传授知识的角色向教育促进者、组织者等角色转变。作为教育组织者、促进者的教师,其任务应该是:以学生为主体;充分启发和调动学生积极参与教学活动,引导学生自己去研究问题、分析问题、解决问题,以提高学生的认知兴趣和求知欲望。同时教师给予适当的点拨,多研究、多讨论、多交流。甚至是有机会时多合作,只有如此,教师这个组织者,促进者才能在新课改中发挥自己的作用,用自身的创新意识、思维、能力等积极因素去感染、带动学生 意识的形成,逐步培养学生的创新意识。如:在上《叶子上的小“血管” 》一课时,按以往的传统教学方法是由教师带着学生认识叶子、叶脉的基本形状和特点,然后让学生按照规律把叶子的外形和叶脉画出来。而现在的教学方法就可以进一步的多样化,在教师的提示下,放手让学生发挥,学生的气士大增,发挥自己的想象,作业中涌现出了很多让教师惊讶和值得学习的好作品,有的同学用拟人化的方法画两片叶子在游戏;有的同学用卡通图案设计叶子中的 “血管”的走向;有的同学将叶子上的“血管中的血液”设计成五颜六色;还有的同学把作品用立体化表现等等,这些作品举不胜举,那些原来对美术不感兴趣的同学也来了兴趣,也有东西可画了。 2、教师的素质很重要: 教师自身素质非常重要,它直接关系到教学水平的高低。现在学生在学校中,接受知识最直接的地方就是课堂。课堂教学不应是教师单方面的灌输,它是一个响应的过程,作为教师不但要观察每个学生的响应,同时予以反馈。这个过程非常快而且每次都有所不同,其实这个过程就是检验教师素质的过程。 有良好素质的教师,知识面广、专业知识扎实,对学生提出的问题应对自如。作为一名高素质的教师要像一台钻井机一样去挖掘学生的潜能,学生的潜能非常大,取之不尽。同时,教师的素质也是可以不断提高的,这就要求我们像学生一样不断的去学习,去多接触新鲜的事物,不断去充实自己,俗话说艺不压身,你有一瓶水才能给学生半瓶。所以教师的素质提高是非常重要的。 3、学生的创新能力与学习氛围密切相关: 和谐的学习气氛可以减少学生的压力。如:在上《泡泡飞呀飞》一课时,我让学生亲自动手用洗衣液、洁洁灵等材料做吹泡泡的原液,学生们很快融入了课堂情境中,把一堂以往只是画画的课变得有动手、有动脑、有游戏、有绘画。学生更乐于接受新知,寓教于乐,这种教育形式学生非常喜欢。把愉快教育融入惯穿课堂,学生学有兴趣,在一种轻松乐学的气氛下学习知识会掌握的格外牢固。愉快并不是美育教育的目的,目的是培养其创作能力,绘画表现力,审美能力等等方面,最终是为了培养人。 4、利用科学的评价方法可以保护学生的创作激情: 没有评价就无法客观、公证的判断课标是否达成,就不能有目的地改进教学和提高教学质量。我们要本着素质教育的精神和“以学生发展为本”的思想,把评价优秀放在建议性的指导学生,鼓励学生的创新思想和动手能力等多方面能力上。学生的自我评价也非常重要,它是使学生学会学习并形成一种“可持续发展”的学习能力。例如:我建议可以采取阶段性的评议,比如:一个月左右让学生选择自认为比较好的作品进行对比评价。作业纸可以设计出学生、家长、教师三方的评价表。学生给自己的作品评出几个,定期分析自己有无进步。同时也能让家长,老师看到自己的进步。 三、对如何实施创新教学的体会 在小学美术教学中能否顺利地实施创新教育很大程度上取决于教师的启发、引导和学生对美术和其他各学科各类知识的拥有量。因为知识是创新活动的阶梯,知识贫乏、头脑中只有零星的低级的自然状态的信息堆积,而没有系统的知识体系的储存,就不可能占在人类已有的成果基础上提出问题、分析问题进而创新知识。 创新能力离不开人的智力因素,但是高智力并不直接等同于高创新能力。因为创新能力还决定于人的心理素质。教师要培养学生有的洞察力、预感力。在课堂教学中激发学生强烈的好奇心。比如:在上《有趣的象形文字》一课时,我就采用创设情境教学法,从欣赏岩画、壁画、甲骨文,到假设我们都是原始人不会使用现有的文字,但我们也要设计壁画讲述故事,调动学生的好奇心,使学生一开始就愿意参与愿意动脑。 小学作为学生直接接受教育的场所,它的创新教育环境和氛围,对学生创新意识的形成、创新思维的培养以及创新技能的提高具有很重要的作用。仅就美术学科而言,它在小学阶段的教育目标、教育环境和美术教师等是否具有创新性,将直接导致在小学美术教育中能否成功地实施创新教育。 1、师生互动 在小学美术教育中实施创新教育应有创新型的美术教师。这主要是因为:首先,教师在教学过程中同时肩负着向学生传授美术知识和培养美术能力的双重责任,其教学理念、采用的教学方法、营造的课堂气氛、评价学生的标准等,对学生的创新能力的形成有很大程度的影响。其次,教师本人的创新性品质对学生创新性品质的培养具有榜样和示范作用。小学阶段的学生模仿能力较强,如果教师很有创新意识,不断的在教学活动中表现出创新倾向,就会在无形中激发和促进学生的创新能力。教师目前已从单纯的知识传授者转变为对学生的学习方式、学习愿望、学习能力的培养者。在课堂教学中,应强调师生互动、平等参与。 如何去开发学生的潜能,教师有没有这个意识至关重要。用美术课举例来说,课堂教学可分为以下几步: 第一步是自由式绘画:如:在新教材《彩线连彩点》一课中,要求学生用点点线线连成画,创造多彩的新天地。我在课上出示了各种各样的线材并把纸和其它的绒线剪成小的碎片,引导学生观察其变化,然后再让学生欣赏大师的作品,最后要求他们独立的用自己的办法想,用自己的办法画。鼓励有个性的孩子,不限制他们的才能发挥。作品完成的非常好,有的产生了特殊效果,学生自己也得到了满足。当然,教师还可以用语言、动作、直观演示、实物、电教等手段启发学生内在心灵的觉醒是基础。 第二步为引导式绘画:是理性的,重视后天培养,为吸收知识阶段。这里关键是要教活,如:在上《鱼儿游游》一课时,我给学生放映了有关海底世界的录像,使学生了解到海洋里的鱼千奇百怪,数也数不清,然后让他们闭上眼睛随意用纸撕出不固定的形状,并借助这个不固定形画出象形中的鱼,使他们自由地运用这个规律,不但开发了学生的想象力而且保持儿童化的原状态和最基本特点是重要的。 第三步为领悟性自由式绘画:是对学生的悟性开发阶段。如:《我在空中飞》一课中我引导孩子们想象说出如何才能飞到空中。像坐飞机、长翅膀、骑会飞的马、热气球、龙……孩子们的想象力异常丰富,自在天然。从感性到悟性,从常规到创造,在于引导与开发。引导学生学会用心去画,把后天的显意识又返回到先天的潜意识中是必要的。 2、相互合作积极参与 新课程强调教学的组织形式应由原由的灌输学习逐步转变为师生交往的互过程,共同发展。教师应尽可能的组织学生运用合作、小组学习等方式,培养学生的合作与交流能力,调动每一个学生的潜能和学习积极性。比如:像《闪光的烟花》、《我在空中飞》等课,都可以按照学生的年龄特点创设教学情境,引导让学生根据自己的兴趣、爱好和特长选择自己喜欢的形式进行创作,把学生的思维自然的转变成“我想画”、“我要画”、“我一定能完成好”。然后把个人作品组合成完整的合作品,即可相互学习又可培养学生的集体观念,课堂气氛和谐,使每个学生都能积极参与。学生的学习方式应该开始多样化,乐于探究、主动参与、勤于动手成为教学过程中的新气象。师生关系的和谐使学生更乐于积极参与学习使课堂更具有生气。 教师角色改变了,教师不在是活动中的观众,而是活动中的主角。教师传授美术基础知识的同时也培养学生美术创新能力,这比直接灌述知识更加重要。任何个人的美术知识创新活动,都必须首先具备一定的基础,尤其是在现代社会中,倘若没有良好的美术知识结构、思维方式、活动能力和心理品质,要想创新知识那简直就是缘木求鱼。小学美术教育恰恰承担着这种“奠基”重任。我们将继续努力学习美术课程标准,在实践中不断理解,不断提高认识水平,从课程改革的理念出发,改进我们的教育教学活动方式,将其作为一个整体加以贯彻,在给予整体优化的同时,真正在学习中不断更新自身的观念,为更全面地实施美术课程标准而努力。总之,教育教学改革还任重道远,为了下一代,为了社会的进步还需要我们不懈的去努力,去探索。 美术学生小论文:浅谈在美术教育中培养学生正确认知和理解民族艺术的能力 论文关键词:民族艺术 美术教育 审美取向 论文摘要:本文拟从民族艺术的重要性出发,来谈如何借助美术教育来培养学生树立科学的审美取向,从而形成正确认知和理解民族艺术的能力,实现保护、借鉴和弘扬民族艺术的目的。 随着世界的多元化发展,中国在国际舞台上发挥着更加重要的作用。这充分带动本民族的艺术文化走向新的高度。但是随着时代的进步,国与国之间的文化交流也随之加强。不少人在吸收他国文化艺术形态过程中开始忽略民族艺术。这无疑是一个非常危险的信号。艺术无国界,求他但不能舍我。因为我们的民族艺术经历千年的洗礼,如同硕大的砾石经过风雨的磨砺呈现出美玉一般,为我们留下了丰厚的艺术宝藏。这都等待着我们去挖掘并将其发扬光大。在国际舞台上,只有自己民族的东西才能博得喝彩,相反,他人的东西真正用在自己身上又有几分话语权呢?因此,本文拟从民族艺术的重要性,来谈谈如何借助美术教育来培养学生正确认知和理解民族艺术的能力。 何为民族艺术?它是由民族共同体艺术家所创造的,具有鲜明民族特色的艺术总体,每一个成熟的民族都有自己的民族艺术,每一种民族艺术都有其鲜明的个性特征,民族艺术具有该民族所具有的艺术构造方式及表现手段。 民族艺术之所以如此重要,是因为它让人们充分了解本民族美的文化,并给予了一代又一代的艺术工作者创作的养分,使得创作赋有民族特色和世界眼光。例如,“衣食住行”这个古人创造的词语,揭示了日常生活中最基本的行为,而“衣”字又排在首位,对人们来说有着突出的意义。随着生活节奏的加快,服装也发生了很大的变化,但中国的旗袍可谓一朵奇葩屹立在世界服装界,是什么成就了旗袍在今天服装界的地位呢?这主要还是源于其自身强烈的民族色彩和所蕴含的民族文化,它体现了一个民族对服装的诠释,具有着鲜明的东方色彩。而且,旗袍的设计也体现了艺术设计者们对民族艺术的关注,它选用的纹样、花式和制作工艺等等,无不体现民族特色。又如,苗族的蜡染,用蜡绘花于布而染,花纹分明。由于特殊的制作工艺,在蜡冷却后产生的自然龟裂纹,染色后形成一种特有的装饰效果。试问,用这样的民族布艺来搭配服装又怎能不令人耳目一新呢?人们在欣赏的过程中可进一步领会民族艺术美的内涵。 此外,随着时代的发展,人性化设计思想已成为21世纪的主导,但怎样从五花八门的设计中脱颖而出呢?这就需要设计元素的重新组构,寻找自己的特色,而民族艺术与民族精神的加入正好弥补了这一不足。我们可通过实例来进一步说明。 正如图(1)所示,中国联通的标志设计,选用了中国红与中国结为搭配元素。两个具有鲜明中国民族艺术特点的设计元素重新组构,充分凸显民族文化,给国人一种亲切感。在标志造型中,又有两个明显的“心”型,上下相连,体现着心与心的交流。 图(2)是靳埭强先生在八十年代为中国银行设计的标志。该标志采用外圆内方的“孔方兄”为构图元素。这一元素主要代表金钱滚滚的银行。而且,在图形中的“中”字赫然,简洁明了地传达标志的含义。从整体上看,标志选用了红色,并在设计中融合了“天圆地方”,“没有规矩不成方圆”等设计思想。这些民族文化的加入,使得整个设计更有中庸之道,大气沉稳,并且多了一些人情味,少了一点铜板臭,创造出一种温馨和亲和的形象。① 由此可见,随着创意产业的发展,艺术设计者们对传统民族艺术元素的提炼也随之加大。设计出具有鲜明民族艺术内涵的现代作品,不但对现代设计有重要意义,而且对我国的精神文明建设起到推动作用。 如此一来,在面对民族艺术时,人们如何正确评判它就直接决定了民族艺术价值的发挥。这种根据自身的评判标准来对事物个性特征、构造方式和表现手段等等作出评价的心理活动过程,就是我们通常所说的审美。 每个民族大都经过长期的历史积淀,具有鲜明的群体特性。这直接影响了审美观念的发展。再加上世界的融合、文化的碰撞和艺术的交流等等,都带领着民族艺术迈向一个新的高度,也使得审美观念朝着不同的方向发展。简单的说,一件好事可以引起他人的注意,而一件坏事同样可以引起注意。在这个信息高度发达的世界,一个民族的艺术往往会或隐或现的体现其民族特色与地方特点。这种民族特色优势,很容易引起外人的兴趣和关注,但它给别人呈现出的可以是有价值的、高品位的,也可以是浅薄的、粗俗的,甚至是伪民俗化的。 须特别指出的是,在当前中国的民族艺术领域中,有人为凸显民族性、地域性的行为,这表现出了浅薄和粗俗的一面。他们搜奇寻异,亏幽探秘,甚至对一些荒诞愚昧的东西大加展示,或牵强附会,任意夸饰,不顾应有的文化底蕴作表面文章。这样的民族艺术可能会引起其他民族或其他国家的注意,但这不过是满足人类的猎奇心理,而并非真正的美学欣赏。这样的民族艺术无疑是自己给自己的一耳光,又怎么禁得起时间的推敲,最后的结果必然是消失在这大浪淘沙之中。 因此,虽然任何优秀的民族艺术都是具有独立的品格和丰富的审美内涵,但只有树立正确的审美取向,才能正确评判它,才能为民族艺术披沙拣金,充分发挥其价值并发扬光大。 而要树立正确审美取向的方法有多种,其中借助美术教育是方法之一,即在美术教育过程中,培养学生正确认知和理解民族艺术的能力。 在传统的民族艺术教学中,传授方式一般以“技”、“艺”两种方式,虽然它们在中国传统美术教育中有着重要的部分,但形式仍偏陈旧。在这个社会发展日新月异的年代,老一辈的方法固然重要,但也要大胆尝试新的想法,从而培养学生认知和领悟民族艺术的能力。 第一,构建民族艺术的教育理念。 美术教育工作者要清楚自身的责任和义务,提高自身素质,改变固有的教育教学理念,拓宽知识面,主动去探究和把握民族艺术深层次的东西,从培养学生兴趣爱好的角度出发,对学生进行指导,培养他们对民族艺术的兴趣,努力做到理念先行,真正从思想上认识民族艺术。如此一来,学习才能事半功倍。 第二,开发新的教学模式,提高学习兴趣。 教学模式的成败一定程度上影响了学生对其内容的兴趣程度。如果是老一套的灌输模式,既枯燥又乏味,学生在学习当中会产生一种抵触排斥心理,这样的结果并不是我们大家想看到的。这就要求我们美术工作者要紧随时代步伐,了解新东西、掌握新东西和运用新东西,通过自己的智慧把民族艺术的内容艺术地传递给学生,引导学生在学习的过程中正确地理解和认知民族艺术的内涵。 此外,在笔者看来,教育是人与人的沟通。这就需要教师用换位思考的方式来考虑学生。当你自己是一名学生时,想怎样学习民族艺术。这种投其所好的学习方式会带来不错的效果。例如,在教学中,可以适当地加入民族电影鉴赏课,或者是学生自己动手制作些民族工艺品并将其在校内外展览,展示他们对民族艺术的认知和理解,从而增强学生的民族自豪感和自我成就感。我们的目的不是让他们做的有多么好,多么精美,而是为了让学生在亲身参与中提高学习的积极性,从而更好地学习民族艺术。 中华千年的灿烂文化,为我们留下了绚丽多彩的民族艺术。这对艺术工作者来说,既是一笔丰厚的物质财富,亦是一笔可贵的精神财富。历史给予了我们财富,我们就不能辜负它对我们的厚望,我们要将民族艺术发扬光大,就必须树立科学的审美取向,正确认知和理解民族艺术的内涵,方能充分发挥其价值,这也是美术教育应有的题中之义。尤其是在这个世界文化交流碰撞的年代,美术教育对民族艺术的传播将任重而道远,需要我们一代又一代共同的努力。 美术学生小论文:浅谈美术教学中学生创造能力的培养 论文关键词:美术教学 创造能力 主体地位 论文摘要:美术作为一门艺术课程,对于学生的全面发展和素质教育起着重要的作用。特别是在培养学生创造能力方面起着独特的作用,是其它任何学科不可替代的。而如何培养学生的创造能力不仅是美术教学中的重要任务,也是衡量和评价教学效果、实现教学目的的重要标准。教师在美术教学过程中应创造一切条件激发和培养学生的创造性思维和创造性能力。 美术作为一门艺术课程,对于学生的全面发展和素质教育起着重要的作用。它不仅赋予学生敏锐的眼睛、灵巧的双手、丰富的想象力,还可以提高学生对美的感受能力、鉴赏能力和艺术创造能力,帮助学生形成良好地思想品德,并能促进其智力的发展;也通过对学生审美知识的传授和美术技能的训练,使其成为社会需要的美术方面的专业人才。而美术教学也因其思维方式的独特性,想象力的丰富性,绘画、手工的操作的专业性和实践性在学生的成长和发展中承担着不可替代的作用。特别是在培养学生创造能力方面起着独特的作用,是其它任何学科不可替代的。因此,如何培养学生的创造能力成为美术教学中的重要任务,也是衡量和评价教学效果、实现教学目的的重要标准。 教师在教学过程中应创造一切条件激发和培养学生的创造性思维和创造性能力。 一、扩大学生欣赏范围,开拓学生的视野。 开拓学生的视野可以为创造能力的培养打下良好的基础。美术学科所包含的门类众多,且中外美术史上形成了众多的流派,有着不同的风格和艺术表现形式。所以艺术欣赏在开拓学生视野方面显得非常重要。教师要从美术教学的各个环节入手,让学生尽可能地多接触各种艺术形式、艺术风格、艺术流派,体验不同的艺术形式带来不同的艺术感受,领悟其中不同的思想风采,为创造性思维的培养打下基础。比如在“外国美术作品欣赏”中,可以重点突出不同文明、不同时期所创造出的不同艺术形式,并将它们进行比较,找出它们的相同点和不同之处,启发学生的思维方式。在创作上,要让学生多学多看一些不同创作形式、创作方法、创作技巧的作品,鼓励学生尝试用不同的创作技巧和表现形式来创作出艺术效果不同的作品,从中体会创作的乐趣。并在创作中不断拓展自己的思路。学生接触的东西多了,视野和思路开阔了,才能谈的上创造。 二、培养学生的创造性思维能力。 创造性思维能力是培养创造能力的主要内容,也是培养创造能力的先决条件,只有思维上的创新,才会有能力上的创造性。在美术教学中激活学生思路非常重要的,一个充满生命活力的课堂教学,能使学生在知识的探索和学习上,在创作和发现上,达到最佳状态。学习的过程是一个主动探索的过程,在课堂教学中,充分运用启发式教学方法,启发学生的直接感受、想象和灵感,激发儿童自身存在的潜能,促使学生的创造思维能力在不断的主动探索和积极发现中得到发展。 1、创设丰富生动的教学情景,激发学生的学习兴趣。 兴趣是一种内驱力,它可以使学生保持一种经久不衰的热情,从而转化为直接的学习动机和学习主动性。所以,教师在教学过程中要以丰富充实的教学内容,生动活泼、灵活多样的教学方法,创设恰当的学习情境,充分调动学生的各种感官,激活学生的思维,使他们积极主动地进入学习状态,成为学习的主人。比如,在人体素描课中,教师可以让学生自己轮流做模特,然后将作品在全班展示,让学生自己组织评比和评价;在静物课中,让学生亲自设计摆放静物;在设计课中,让学生不受约束天马行空去构思创作。这样,在看、评、讲、创作中,学生真实地投入和参与其中,每个人都有一种跃跃欲试的冲动,感觉自己真正成了课堂和学习的主人,激发了学习和创作的兴趣和积极性。触摸感受,使学生一开始就产生课堂气氛一下活跃起来。教师紧接着提出问题,许多学生举手,争相发言。在此基础上,再引导学生仔细观察,分析讨论得出结论。在学生的浓厚兴趣中提出问题,解决问题,并使学生在解决问题中尝到成功的喜悦,枯燥的课变得生动活泼了。 2、根据知识点设计不完全或无结果的问题或情景,使学生有积极思考、设想和探索的可能。 巴尔扎克说过:“问题是开启一门科学的钥匙。”科学地设置问题。可以诱发学生的求知欲,从而引起学生的思考和钻研,帮助学生克服浮光掠影的缺点,对培养学生主动获取知识,主动开启知识宝库,发展思维能力都有益处。所以教师应在深入研究、挖掘教材和广泛了解对象的基础之上,经常设置一些不易发现和不同层次的问题,让学生主动参与课堂教学,努力开启他们的创造型思维,在参与和解决问题的过程中,让学生体会到探索性自主学习的乐趣和感受成功的喜悦。苏联教育家苏霍姆林斯基曾说过:“在人的心灵深处,都有一种根深蒂固的需要,这就是希望感到自己是一个发现者、研究者、探究者。”作为教师应多给学生提供这种探究的机会,使他们成为教学中的主体,让他们感受到成功的喜悦,这将激励他们不断的去探索和创新,从热作像真正的成功之路。 3、在写生课中培养学生的创造思维能力 美术教学的重要特点之一是实践性强,丰富多彩的实践写生不仅能锻炼学生的绘画技巧和能力,而切能使学生的思想和大自然融为一体,陶冶学生的情操,激发学生的创作灵感和创作欲望,使学生充分感受自然界的变幻莫测,扑捉到自然和生命变化发展的不同表现形式,提升作品的立意和思想。因此,教师应注重实践课堂,经常带领学生外出写生,让学生在领略自然风光的同时,展开想象的翅膀,扩展自己的思维空间,不拘泥于事物本身,构建自己对自然、对生命独特的感悟,从对事物的感性认识上升到理性认识 创作出能表现自己创造能力和有生命意义的好的作品。 三、 提高教师自身的素质 教师在教学中处于主导作用,是因为教师担负着在知识与学生之间“转识成智”的重任。一个好的教师不仅能够“传道、授业、解惑”, 更重要的是他肩负着怎样把“以知识为导向的教育” 转化成一种“以创造为导向的教育”,通过教育开发人的创造性潜能,培养真正具有创新意识和创新能力的人的重任。所以,教师要培养具有创新意识和创新能力的学生,首先要使自己成为一名创造者,他的首要任务就是要不断探求新的教学方法,创造出富有个性的独特的新颖的教学方式,力争使更多学生积极参与教学活动。除了教学,教师还要大量创造自己的作品,读万卷书,行万里路,不断充实自己。要试图从多方面,多种途径去考虑问题,对随时涌现的想法,只要有价值,就要付诸实践,这样即可锻炼自己的创造思维能力,也可以对可能出现的教学效果有所设计和预见。教师深厚的业务功底,独特的创作精神,不仅能博得学生敬佩,还将对学生产生较大的影响。 总之,在美术教学中提高学生的主体地位,增强学生的自我意识、主体意识,使学生学会参与,学会选择,学会自主学习和民主发展,是培养学生创新思维和创造性能力的重要途径。另外,还必须尊重学生在学习过程中的情感因素,教学过程是一个师生互动的过程,它是由认识系统和情感系统构成的,只有二者协调一致,才能顺利地完成这一过程。爱和尊重是教育的出发点,教师的爱最具有吸引力,它能激发学生的学习热情。因此,在教学中要尊重学生,爱护学生,构建一种融洽、和谐、愉悦的课堂气氛,提高学生学习的积极性和主动性,从而有效地激发他们的创造性。 美术学生小论文:赏识学生--美术课堂活力的源泉 内容摘要:在美术课堂教学中,恰当地运用赏识,可以提高学生学习美术的兴趣,使课堂充满活力,进而有利于促进学生个性的形成和全面发展。笔者结合教育、教学实践经验,从赏识学生打破教材;赏识学生的问题;赏识学生的“闪光点”;赏识学生的创意;尊重差异,赏识后进生;把“赏识”与“批评”结合起来等六个方面分析了在美术教学中如何赏识学生。 教育不仅是一门科学,也是一门艺术。赏识,便是教育的一种艺术体现。随着教育改革的深入发展,赏识教育正在学校教育和家庭教育中被确认和推广,并且在很多个体范例中取得了丰硕的成果。笔者认为,赏识学生是美术教学活力的源泉。在美术课堂教学中,恰当地运用赏识,可以提高学生学习美术的兴趣,使课堂充满活力,进而有利于促进学生个性的形成和全面发展。 一、赏识学生打破教材。 按照传统,教材具有绝对的权威性,不容置疑。教材安排什么,教师教什么,学生学什么。从内容设置到教学进度都周密计划,具有普遍性、划一性。一般来说,教师不敢轻易质疑教材,也不允许学生脱离教材的学习,否则便被视为“不务正业”。然而,往往存在一些“不务正业”的学生,他们对课本视而不见,另有所好。如:按照新课程标准,岭南美术出版社出版的美术九年义务教育五年制、六年制小学教科书第九册(以下简称美九)《桌面上的物品(写生画)》,要求学生认真观察家里、教室里的桌子上摆放的物品,并把它画出来。学生作业交来后,我发现有几个学生画的不是“桌面上的物品”,而是“书包里的物品”、“铅笔盒里的物品”,甚至是“商场里的物品”!是批上“不符合作业要求”发回给学生重做,还是给予肯定?经过考虑,我暂且撇开作品的质量,给这些“标新立异”的学生全部评为“优”,并在课堂上公开表扬,鼓励学生勇于质疑,大胆创新。 事后,其中的一位学生对我说:“老师,真没有想到,我还等着挨批评呢!”经过类似的几件事之后,学生的思想得到了充分解放,他们在课堂上、作业中表现出了更多的创新意识、挑战意识和超前意识,出人意料的作品不断涌现。 二、赏识学生的问题。 有人说过,发现问题比解决问题更重要。在传统的美术课堂中,教师采取讲授式,“我讲你听”、“我教你学”,学生长期处于被动学习的地位。加上教师有意或无意地偏爱某些学生,使得课堂出现了“一边倒”——回答问题成了少数学生的“专利”,大多数学生不敢问、不想问、不善问。为了鼓励学生勇于提出问题,我放下“教师”架子,甘当“小学生”,常常采用“问得好,老师也不是很清楚,我们一起来学习”、“老师都没有想到这个问题,你真聪明”、“你真棒,可以上台当小老师吗?”等赏识性语言。 比如,教学美九《平衡式纹样(设计)》一课时,有学生提出:为什么要根据方、圆、三角形等外型来设计纹样?纹样和外型有什么关系?由于“平衡”这个概念比较抽象,学生不容易理解。解决这个问题,有利于学生突破学习难点。因此,我摆出一副惊讶的神态,充分赞许了那位学生,并反问大家:“不根据方、圆、三角形等外型来设计平衡纹样行不行?”一石激起千层浪,学生展开了热烈的讨论,思维一下子活跃起来。经过讨论、分析,最后得出了设计平衡式纹样必须参照外型的结论。 三、赏识学生的“闪光点”。 小学生虽然喜欢受表扬,渴望被赏识,但他们不需要“不切实际”的表扬和赏识。如果学生不加思考地回答问题或作业只是一般,而老师和家长不是从鼓励进步的角度去评价,而是敷衍式地、不合实际地去表扬:“做得很好”。这样的表扬不但不能起到积极的作用,反而会被看成是讽刺,会疏远双方的情感,甚至产生逆反心理。表扬应有实在的内容才能体现出赏识者的真诚。 我曾经作过实验,将学生作业随机平均分成A、B两组,在批改A组学生作品时,仅采用空洞的语言“很好”、“画得不错”;批改B组时,我仅抓住学生的“闪光点”,具体地提出学生在哪些方面有进步,哪些问题上表现还不错。结果我发现,B组学生学习的积极性更高,学习美术的兴趣也更浓。 四、赏识学生的创意。 市场经济飞速发展的今天,教育的目标不再是知识型的、刻板式的人才,而是创新式的、开拓型的人才。如果在我们的教育过程中,一味地要求学生循规蹈矩,教条式的接受知识,这是不符合时代要求的。而要培养有创见的,有个性的有用之才,赏识教育是必不可少的。 在课堂教学中,我尤其赏识学生的创意。对于学生的创意,我的理解是:只要突破了一般学生的思维,只要学生能自圆其说,便可称为“创意”,而无须要求合乎实际,更不能把学生的“创意”与成人世界的“创新”相提并论。再如,美九《台灯(写生画)》一课,就有学生别出心裁,凭空想象画出了“可折叠、便携式台灯”。面对如此创意,我毫不犹豫地评价她:你比老师更聪明! 正如有经验的教师说过的:在教育和教学过程中,教育者对学生的不同见解,不同的解题方法应大加鼓励,大加赞赏;要允许学生提出不同意见甚至反对意见,长期下去,学生就会养成积极思维,努力创新的优良品质,逐步成长为开拓型人才。 五、尊重差异,赏识后进生。 不光是语文、数学、英语等学科存在后进生,美术学科中也同样存在后进生。这些学生的色彩感知能力、形象思维能力、审美能力、与人合作能力等相对较低。教育经验告诉我们,学生之间的差异是客观存在的,作为教育者只有尊重差异,因材施教,才能取得最佳的教育、教学效果。赏识教育,不仅要赏识优秀学生,也要赏识后进生。 有关研究表明,在人的本性中,都渴望得到别人的赏识,尤其是少年儿童,他们的知识粗浅,意志脆弱,但又极力地想表现自我,想得到别人的承认。他们的一些想法不可避免的带有幼稚性和不成熟性。如果此时教师和家长们过分地去求全责备,不支持、不信任,甚至蔑视,会严重伤害他们的自尊心,认为自己什么都不行,不是成大才的料子。反过来,如果我们都以赏识的眼光和态度去对待他们,从积极的方面去肯定他们的成绩和进步,则可使他们看到自我的价值,从而向更高的目标去努力。 曾有一位很调皮、懒惰的学生,语文、数学、英语学科的成绩非常低下,常常不交作业。即使是美术作业,也通常胡乱涂抹一气便交上来,可谓“硬着头皮完成任务”。尤其是手工作业,由于懒得去找材料,“找不到材料”、“没有工具”成了他不交作业的极好借口。无计可施之下,我尝试着“赏识”他,发现他只对一些简单的线条画作业完成得比较好。于是,在一次手工制作课中,我给他单独布置了这样的作业:利用两个圆形、一个三角形、两根直线进行画画,要求画出5种图形。结果令我十分兴奋,他画出了眼镜、天平、葫芦等7种图形!鉴于他的“超常”表现,我给他颁发了“美术作业最高奖”——一个我精心制作的小矮人。自此,他觉得“脸上很有光”,逐渐树立了学习的信心。 六、要把“赏识”与“批评”结合起来。 “只要表扬不要批评”,这是赏识教育的误区。我们经常听到家长说,“我这孩子要哄、要捧”。如果认为这就是赏识教育,那是片面的,有失偏颇的。赏识教育也包含批评。少年儿童,由于知识的不足,缺乏足够的辨别是非的能力,成长过程中不可避免的要犯这样或那样的错误。对这些,如果教育者视而不见,听之任之,甚至违心地表扬,这样下去,学生就会看不到自己的缺点、弱点,失去努力的方向。这样在表扬声中成长起来的孩子,往往心理素质差,不能经受挫折,一旦在学习、工作或生活中出现失败,就会怨天尤人,强调客观找出若干理由来原谅自己,终究不能成长为有用之才。因而赏识教育不是不要批评,而是批评的方法要巧妙,要在适当的氛围中恰如其分的提出批评,要以帮助提高认识的语气和态度,诚恳地提出批评,要在被批评者能够接受和愿意接受的基础上提出批评,要把批评与赏识有机地结合起来,批评中有赏识,赏识中有批评。 总而言之,赏识学生是美术教学活力的源泉,灵活运用“赏识”艺术可以使美术课堂焕发青春活力,使教师的教育、教学事半功倍。 美术学生小论文:培养学生创新能力--小学美术创新教育之我见 马约尔先生,写下了一句耐人寻味的话,“我们留下一个什么样的世界给子孙后代,在很大程度上取决于我们给世界留下什么样的子孙后代。”现在的学生正是未来的创造者,他们的创新能力将影响着一个民族能否自立于世界之林,能否位于科学技术的制高点。而这一切又深深依赖于一个国家和民族创新教育能否得以顺利实施。 科学技术从未像今天这样,以巨大的威力和人们难以想象的速度深刻地影响着人类经济和社会的发展。新课标指出要以创新精神和实践能力的培养为重点,建立新的教学方式,促进学习方式的变革,所以创新教育已成为目前和今后学校教育的主题歌。 从宏观角度来看,在知识经济时代,创新能力往往决定一个国家和民族的综合实力和竞争力。总书记曾经指出,创新是一个民族进步的灵魂,是国家兴旺发达的持久动力,没有创新的民族是难以自强、自立,稳固发展的。 从微观角度来看,创新教育对于个人良好素质和人格的形成发展具有重要作用。 不论从国家民族,还是从个人发展的角度来看,实施创新教育,已日益迫切。那在知识经济时代应如何进行创新教育,在小学美术教育中要如何实施创新教育又需要哪些条件呢?我有几点认识: 一、对创新教育内容的认识 创新不同于“无中生有”的创造,随着社会的不断发展变化,创新一词的意义也在不断深化。从字面上看,创新既包括事物发展的过程又包括事物发展的结果,包括新的发现发明、新的思想和理念、新的学说与技术以及新的方法等一切新事物。简单说来,创新既包括“无中生有”,又包括“有中求新”。创新教育也就是以培养学生具有独立性和自主性,引导学生质疑、调查、探究,在实践中学习,使学习成为在教师指导下主动的、富有个性的过程。 1、创新意识 创新意识的培养是在小学美术教育中实施创新教育的基础内容之一。人人都有创造能力,只是开发培养与否。心理学家曾做过这样一个试验:把一个跳蚤放在一个瓶子里,给它罩上一个透明的玻璃板,它一跳就撞回来了,一跳又撞回来了。跳来跳去形成了条件反射,当再把玻璃板拿开时,人们发现了一个奇怪的现象:这个跳蚤再也跳不出这个瓶子了。试验告诉我们一个真理:在培养孩子的时候,千万不要限制了孩子的才能。在美术教育中要培养学生的创新意识,首先应注意保护学生的独特个性,并给予学生充分发挥个性的自由。 2、创新思维 创新教育的第二方面内容是创新思维的培养,它是指发明和发现一种新方式用以处理某种事物的思维过程,它要求重新组织观念,以便产生某种新的产品。培养创新思维就是要使思维具有积极的求异性、敏锐的观察力、创造性的想象力、独特的知识结构以及活跃的灵感五个的特征。具有这五个特征的创新思维能使学生更顺利地解决对他们来说的新问题,能更深入地掌握知识,并能把这些知识广泛的迁移到学习新知识的过程中,使学习活动更轻松、更顺利。在小学阶段的美术教育中,培养创新思维可以说是构建整个创新活动的智能结构的关键,是创新力的优秀。 3、创新技能 创新教育的第三方面内容是创新技能的培养,它是实践能力的体现,是在创新智能的控制和约束下形成的,属于创新性活动的工作机制。仅就小学阶段美术教育而言,要培养学生通过自主参与学习活动,获得亲身体验,逐步形成一种日常生活与学习中喜爱质疑、乐于探究、努力求知的心理倾向。还应培养其发现问题、提出问题和解决问题的设想能力,收集资料的能力,分析资料和得出结论的能力,以及表述思想和交流成果的能力。 4、创新情感和创新人格 创新教育的第四方面的内容是创新情感和创新人格的培养。创新过程并不仅仅是纯粹的智力活动过程,它还需要以创新情感为动力,比如远大的理想、坚定的信念、强烈的创新激情等因素。在智力和创新情感的双重因素作用下,学生的创新才能才可能获得综合效应。从某种意义上可以说,学生具有优越的创新情感和良好的个性特征是形成和发挥创新能力的底蕴。 二、培养学生创新能力应有的要素 1、教师更新观念很重要: 在新课程标准的实验和实施过程中,教师既是课改的实践者,又是课改的主体。能否把新课程标准的新的理念、新的教材以及新的学生观融入教师的实际工作中,成为课改工作能否继续深入发展的关键所在,它直接关系到教学的合理实施。教师的教育思想、教育观念,树立正确的教育观、人才观,是课程改革的前提。提倡学生是学习的主体,发挥学生的自我能动性,同时教师要面向全体学生树立全新的教育观。使美术教育真正做到面向全体学生,为学生学会做人、学会求知、学会劳动、学会生存、学会健体、学会审美打下坚实的基础,培养学生热爱祖国、热爱家乡,逐步形成良好的世界观、人生观和价值观,养成健康的审美情趣和生活方式,提高学生的鉴赏能力和创造能力。其次,教师要从观念上改变教师独占讲台满堂灌的做法,增强教学的趣味性,创设活泼的课堂气氛,创造民主开放的教学局面,将教学过程视为师生共享经验的过程。课改要求我们教师必须从传授知识的角色向教育促进者、组织者等角色转变。作为教育组织者、促进者的教师,其任务应该是:以学生为主体;充分启发和调动学生积极参与教学活动,引导学生自己去研究问题、分析问题、解决问题,以提高学生的认知兴趣和求知欲望。同时教师给予适当的点拨,多研究、多讨论、多交流。甚至是有机会时多合作,只有如此,教师这个组织者,促进者才能在新课改中发挥自己的作用,用自身的创新意识、思维、能力等积极因素去感染、带动学生 意识的形成,逐步培养学生的创新意识。如:在上《叶子上的小“血管” 》一课时,按以往的传统教学方法是由教师带着学生认识叶子、叶脉的基本形状和特点,然后让学生按照规律把叶子的外形和叶脉画出来。而现在的教学方法就可以进一步的多样化,在教师的提示下,放手让学生发挥,学生的气士大增,发挥自己的想象,作业中涌现出了很多让教师惊讶和值得学习的好作品,有的同学用拟人化的方法画两片叶子在游戏;有的同学用卡通图案设计叶子中的 “血管”的走向;有的同学将叶子上的“血管中的血液”设计成五颜六色;还有的同学把作品用立体化表现等等,这些作品举不胜举,那些原来对美术不感兴趣的同学也来了兴趣,也有东西可画了。 2、教师的素质很重要: 教师自身素质非常重要,它直接关系到教学水平的高低。现在学生在学校中,接受知识最直接的地方就是课堂。课堂教学不应是教师单方面的灌输,它是一个响应的过程,作为教师不但要观察每个学生的响应,同时予以反馈。这个过程非常快而且每次都有所不同,其实这个过程就是检验教师素质的过程。 有良好素质的教师,知识面广、专业知识扎实,对学生提出的问题应对自如。作为一名高素质的教师要像一台钻井机一样去挖掘学生的潜能,学生的潜能非常大,取之不尽。同时,教师的素质也是可以不断提高的,这就要求我们像学生一样不断的去学习,去多接触新鲜的事物,不断去充实自己,俗话说艺不压身,你有一瓶水才能给学生半瓶。所以教师的素质提高是非常重要的。 3、学生的创新能力与学习氛围密切相关: 和谐的学习气氛可以减少学生的压力。如:在上《泡泡飞呀飞》一课时,我让学生亲自动手用洗衣液、洁洁灵等材料做吹泡泡的原液,学生们很快融入了课堂情境中,把一堂以往只是画画的课变得有动手、有动脑、有游戏、有绘画。学生更乐于接受新知,寓教于乐,这种教育形式学生非常喜欢。把愉快教育融入惯穿课堂,学生学有兴趣,在一种轻松乐学的气氛下学习知识会掌握的格外牢固。愉快并不是美育教育的目的,目的是培养其创作能力,绘画表现力,审美能力等等方面,最终是为了培养人。 4、利用科学的评价方法可以保护学生的创作激情: 没有评价就无法客观、公证的判断课标是否达成,就不能有目的地改进教学和提高教学质量。我们要本着素质教育的精神和“以学生发展为本”的思想,把评价优秀放在建议性的指导学生,鼓励学生的创新思想和动手能力等多方面能力上。学生的自我评价也非常重要,它是使学生学会学习并形成一种“可持续发展”的学习能力。例如:我建议可以采取阶段性的评议,比如:一个月左右让学生选择自认为比较好的作品进行对比评价。作业纸可以设计出学生、家长、教师三方的评价表。学生给自己的作品评出几个,定期分析自己有无进步。同时也能让家长,老师看到自己的进步。 三、对如何实施创新教学的体会 在小学美术教学中能否顺利地实施创新教育很大程度上取决于教师的启发、引导和学生对美术和其他各学科各类知识的拥有量。因为知识是创新活动的阶梯,知识贫乏、头脑中只有零星的低级的自然状态的信息堆积,而没有系统的知识体系的储存,就不可能占在人类已有的成果基础上提出问题、分析问题进而创新知识。 创新能力离不开人的智力因素,但是高智力并不直接等同于高创新能力。因为创新能力还决定于人的心理素质。教师要培养学生有的洞察力、预感力。在课堂教学中激发学生强烈的好奇心。比如:在上《有趣的象形文字》一课时,我就采用创设情境教学法,从欣赏岩画、壁画、甲骨文,到假设我们都是原始人不会使用现有的文字,但我们也要设计壁画讲述故事,调动学生的好奇心,使学生一开始就愿意参与愿意动脑。 小学作为学生直接接受教育的场所,它的创新教育环境和氛围,对学生创新意识的形成、创新思维的培养以及创新技能的提高具有很重要的作用。仅就美术学科而言,它在小学阶段的教育目标、教育环境和美术教师等是否具有创新性,将直接导致在小学美术教育中能否成功地实施创新教育。 1、师生互动 在小学美术教育中实施创新教育应有创新型的美术教师。这主要是因为:首先,教师在教学过程中同时肩负着向学生传授美术知识和培养美术能力的双重责任,其教学理念、采用的教学方法、营造的课堂气氛、评价学生的标准等,对学生的创新能力的形成有很大程度的影响。其次,教师本人的创新性品质对学生创新性品质的培养具有榜样和示范作用。小学阶段的学生模仿能力较强,如果教师很有创新意识,不断的在教学活动中表现出创新倾向,就会在无形中激发和促进学生的创新能力。教师目前已从单纯的知识传授者转变为对学生的学习方式、学习愿望、学习能力的培养者。在课堂教学中,应强调师生互动、平等参与。 如何去开发学生的潜能,教师有没有这个意识至关重要。用美术课举例来说,课堂教学可分为以下几步: 第一步是自由式绘画:如:在新教材《彩线连彩点》一课中,要求学生用点点线线连成画,创造多彩的新天地。我在课上出示了各种各样的线材并把纸和其它的绒线剪成小的碎片,引导学生观察其变化,然后再让学生欣赏大师的作品,最后要求他们独立的用自己的办法想,用自己的办法画。鼓励有个性的孩子,不限制他们的才能发挥。作品完成的非常好,有的产生了特殊效果,学生自己也得到了满足。当然,教师还可以用语言、动作、直观演示、实物、电教等手段启发学生内在心灵的觉醒是基础。 第二步为引导式绘画:是理性的,重视后天培养,为吸收知识阶段。这里关键是要教活,如:在上《鱼儿游游》一课时,我给学生放映了有关海底世界的录像,使学生了解到海洋里的鱼千奇百怪,数也数不清,然后让他们闭上眼睛随意用纸撕出不固定的形状,并借助这个不固定形画出象形中的鱼,使他们自由地运用这个规律,不但开发了学生的想象力而且保持儿童化的原状态和最基本特点是重要的。 第三步为领悟性自由式绘画:是对学生的悟性开发阶段。如:《我在空中飞》一课中我引导孩子们想象说出如何才能飞到空中。像坐飞机、长翅膀、骑会飞的马、热气球、龙……孩子们的想象力异常丰富,自在天然。从感性到悟性,从常规到创造,在于引导与开发。引导学生学会用心去画,把后天的显意识又返回到先天的潜意识中是必要的。 2、相互合作积极参与 新课程强调教学的组织形式应由原由的灌输学习逐步转变为师生交往的互过程,共同发展。教师应尽可能的组织学生运用合作、小组学习等方式,培养学生的合作与交流能力,调动每一个学生的潜能和学习积极性。比如:像《闪光的烟花》、《我在空中飞》等课,都可以按照学生的年龄特点创设教学情境,引导让学生根据自己的兴趣、爱好和特长选择自己喜欢的形式进行创作,把学生的思维自然的转变成“我想画”、“我要画”、“我一定能完成好”。然后把个人作品组合成完整的合作品,即可相互学习又可培养学生的集体观念,课堂气氛和谐,使每个学生都能积极参与。学生的学习方式应该开始多样化,乐于探究、主动参与、勤于动手成为教学过程中的新气象。师生关系的和谐使学生更乐于积极参与学习使课堂更具有生气。 教师角色改变了,教师不在是活动中的观众,而是活动中的主角。教师传授美术基础知识的同时也培养学生美术创新能力,这比直接灌述知识更加重要。任何个人的美术知识创新活动,都必须首先具备一定的基础,尤其是在现代社会中,倘若没有良好的美术知识结构、思维方式、活动能力和心理品质,要想创新知识那简直就是缘木求鱼。小学美术教育恰恰承担着这种“奠基”重任。我们将继续努力学习美术课程标准,在实践中不断理解,不断提高认识水平,从课程改革的理念出发,改进我们的教育教学活动方式,将其作为一个整体加以贯彻,在给予整体优化的同时,真正在学习中不断更新自身的观念,为更全面地实施美术课程标准而努力。总之,教育教学改革还任重道远,为了下一代,为了社会的进步还需要我们不懈的去努力,去探索。 美术学生小论文:美术教学中激发学生创新能力发展的教学策略 美术绘画课要明确教学目标,安排富有情趣的教学内容,通过看看、想想、讲讲、画画等方法,培养学生的观察能力、表现能力,发挥学生的想象力、创造力,使学生全面提高并且主动发展,使课堂教学素质化得到真正体现。经过多年来教学的实践,我制定了有利于激发学生创新能力发展的教学策略,确定"创境探究,个性表现"课堂教学模式,充分发挥育人效应,让学生学会学习,学会创造,收到了事倍功半的效果。 一、创设情境 教师是创设情境的主导者和调节控制者,通过设置一定的情境,让学生感知,对美术内容尽快了解,产生探究欲望,明确学习的目标。例如:在教学《小鸟的世界》一课时,为了使学生了解鸟和鸟、背景和鸟的关系,激发他们的绘画兴趣,活跃思维,设置一个童话故事,森林里的树丛被人们砍伐,只有光秃秃的山坡,小鸟的家没有了,怎么办呢?使学生明白鸟与大自然的关系,并采用欣赏录像或多媒体教学手段创设情境,动静结合,丰富学生的感官,增强兴趣,为画出丰富的画面打下良好的基础,同时也培养了学生爱自然,观察大自然的一草一木。 培养学生的想象力,要从孩子们的心理特征、知识、社会环境、自然环境等方面出发,引导他们张开想象的翅膀,创造更新、更奇的图画。我的做法是:引导学生多进行添画、组画、记忆画等练习,培养、调动学生的想象力,教会学生运用发散思维的方式大胆创新,将课本内容拓宽、画活。 如教学《愉快的课间活动》一课时,对四年级学生来说,人物比例关系及“像”与“不像”,我认为不是主要的,关键是画面想象、布局、环境衬托及色彩搭配等,在我给学生讲清楚人物大比例后,我又启发他们想象人物的多种姿态:如跑、跳、蹲等,同时我又在黑板上画出动态线进行引导。学生兴致勃勃,跃跃欲试,最后,一幅幅《愉快的课间活动》展现在孩子们的面前。 二、探究释疑 探究过程是一个学生自我钻研熟悉教材的过程,教师精心设计所提出的问题,让学生的个性在探究中得以充分的发展,在同学的相互作用和教师的点拨指导下,思维由浅显入纵深,最终目的是解决问题,并有新的发现和启迪,提高其独立取得知识的本领。 ??如在三年级教学《三原色与三间色》一课时,运用电脑教学,引出童话人物“豆豆”,在整个电脑演示过程中,都是由“豆豆”提出问题,再解决问题。比如说,三原色有哪些?三间色有哪些?怎样调和出三间色?答案在书中,看哪一组回答的快;电脑中“原色和间色”的动画演示,以及精美的范画等等,通过教师的设置疑难问题让学生互变交流解决问题,给学生创设参与的时间和空间。分组讨论决定,并自己动手尝试调色,从中发现问题,激发、调动学生的学习积极性;师生之间、生生之间的信息交流中使每个学生的思维能力更加活跃,内在的求知需要得到满足,为自我表现创新打好基础。 三、表现发挥 这一环节是学生主体性实践和认识活动阶段,是学生对所学知识的巩固和深化。教学指导时一方面要让每个学生的能力进一步提高,另一方面又要顾及层次不同学生的表现状况,有针对性的辅导,使学生对自己能力的提高获取自信心。特别强调进行合理的想象和夸张,使作品更具有童趣性。 培养学生既要善于动脑,又要善于动手。如何更好地向学生传授美术知识和绘画技能呢?要在课堂教改和技能训练中来体现,培养学生用线条、色彩、图像表现自己的意向和技能。例如在教学《海底世界》一课时,我首先在黑板上出示一幅海底的背景图画,要求学生描绘形态各异的鱼放在其中。随即,学生运用平日所学的绘画表现技能,开动脑筋各出新意。不到二十分钟,学生的作业画好剪下来,陆续展示在黑板上的“海底世界”中。有大鱼,有小鱼有的局部是一条光怪陆离的鱼妈妈身后带着一群漂亮的小鱼;有的是一群三角形燕鱼围成圈像绽开的花朵;两只大螃蟹挥动铁钳正在比武。通过添添画画、剪剪贴贴,一幅美妙、奇幻的海底缩影展现在孩子们面前。生动迷人的“鱼乐图”伴随着旋律优美的“海之诗”音乐吸引了全班学生,不时发出赞叹声。 本课不但完成了教材中要求的内容。而且学生情绪盎然,课堂教学形式活,质量高,效果好。充分调动了学生的丰富想象力和逻辑思维能力,巩固了绘画技能的学习。 又如,教学《反转构成》一课,在向学生传授知识方面,为了给学生建立完整的知识体系,我通过旧知识的《切割移位》导入新课《反转构成》,用电脑演示翻转的过程、我的制做演示过程,以及《切割移位》与《反转构成》相同之处与不同之处,使学生的表现得到发挥,并学会与他人合作,探究事物的发展规律,这是现代学生具有的重要素质,同时也是创造意识的组成因素,让学生去讨论、发现、总结。这种表现发挥主要是培养学生的创新意识。 四、讲评拓展 这环节是对整节课完成教学目标情况的反馈和验证。目的在于领会学习方法,体会思想感情,总结经验教训。在教师的提示下,对学习目标的认识由课内向课外延伸拓展。例如在教学《反转构成》一课,对照学习目标,通过三个方面进行评价:一看是否有创新意识,二看工艺制做是否好,三看制做态度是否认真。让学生通过互评、自评形式围绕要求展开评价,自己提出鲜明的看法。评出等级,给予学生小小的奖励,同时给学生讲美育教育。如反转构成的图案可运用到广告、装潢设计、马路边的花墙等,都是向学生进行美育教育的极好内容。 总之,在作业评价上,要为学生的创新意识和创造力能营造宽松的发展条件,鼓励学生发挥自己的才能和具有个性的表达方式。注意保护和发展每个人的独特性和兴趣爱好,培养学生一丝不苟、不怕困难的工作精神。 改革教学方法,把学习策略让学生自己掌握,能促进独创性思维的发展。创新能力的培养是起到了把具体思维阶段过渡到形式思维阶段的桥梁的作用。多角度,多渠道的综合训练,能使独创性思维进一步升华。
艺术毕业论文:谈艺术类毕业论文的写作 摘要:毕业论文是学生综合素质的集中体现,是检验学生四年本科成绩的重要手段,是检验学校和教师教学质量的重要环节,也是学生和学校向社会提交的一份重要答卷。因此,毕业论文的写作尤其关键。对于艺术设计专业的学生来说,这不仅仅是对写作能力的检验,也是对设计能力和思维分析能力的检验。要写好毕业论文,除了教师和学生主观上给予足够的重视外,还要了解毕业论文的性质、要求和写作规范,追求论文的专业性、理论性、严谨性和创新性。写作中不断的精益求精,这样才能写出有一定价值的毕业论文。 关键词:艺术设计;本科;毕业论文;写作指导毕业论文的写作是一个循序渐进的过程,从最初的选题构想到正式开始撰写论文,需要一段时间的准备工作,并且这个阶段是至关重要的,“工欲善其事,必先利其器”,一个好的选题、一段时间充分的准备工作可以避免写作过程中的徒劳返工,也会对论文最终的价值有所保证。因此,学生在写作之初需要对文章选题的技巧和方法、资料的搜集等做一个深入的了解。 1把握具有一定价值和意义的选题 避免题目缺乏价值。“题好文一半”是颇有见地的经验之谈。究竟如何进行选题,到哪里选题,怎样才能选好题是写作毕业论文的关键性环节。可见毕业论文写作要考虑的问题从论文的选题就已经开始了。因此,在进行选题时,要从大学本科四年专业学习的总体着眼,进行宏观把握。选题要有意义和恰当,毕业论文写作的各环节如论题的最终确定、论证角度的选择等就能顺利进行,文章也容易写好。选题直接影响并制约着论文的写作价值和效果。写作效果和价值取决于论文写作的最终完成和客观的评定,但选题有其不可轻视的作用。这是因为,选题不仅仅是给论文定下题目和简单的勾勒范围,而是毕业生对四年所学专业知识、基本理论、基本技能的一种确定。这种确定不只是对论文具有引发性,同时也具有一定的预测性。能够提前对毕业论文做出基本的评估。一般来说,只有选择了有研究意义和价值的论题,才能写出有意义和价值的文章。论题毫无价值,即便费了很大的精力也是徒劳。因此,论题是毕业论文写作的重要环节。针对艺术设计专业学生大多偏爱于图片而忽略文字的特点,在毕业论文的要求上应该有所着重点。比如统一把握选题的范围和相对具有较高研究价值的论题进行推荐,结合学生的兴趣爱好进行自主选择。目前本科院校对毕业论文的评估不仅仅要看论文的质量,还有看选题的水平,甚至把评定论文成绩的标准第一个就放在论题的选择上。通常状况下,初步研究工作可以获得预期效果时,其选题就可以作为论文的题目,成为文章的重要组成部分,如《论情趣化在产品设计中的应用》《论古典园林的山水画语言》等。 避免题目大小不当。选题的方向对了,题目的大小也要把握合理,量力而行。选题有分量而不能胜任,论文写作就无法顺利进行,缺乏分量写的轻松又不能把能力充分发挥出来。达不到真正锻炼的目的。太大的题目难以驾驭也不可能用短短几千字分析论述清楚,如《论传统元素在现代设计中的应用》,传统元素太多,现代设计的种类也很广。因此,题目范围太大,完全可以用一本书来阐述,岂能用一篇论文完成?相反,如果题目过小,手脚难以伸展,观点得不到应有的展开,使内容空泛,论述肤浅,文章也不会有较为宏观的气魄。因此,选题要大小适当,以便于开展研究和论述。一个好的论文题目,能够提前对文章做出基本的评估。这是因为在确定选题钱,作者总是先在前期接触大量的资料,然后从中确定自己的方向直到定下题目。 优秀的选题可以深化对专业知识的理解和实践能力的提高。选题是毕业论文的起步,是专业研究的开始,大多数本科生在四年来一直致力于专业设计而忽略系统的文字表达,以至于连表达自己思想的设计说明都写不完善,这不能不是一个值得深思的问题。我们要培养的学生不仅仅是一个会作图的技师,更重要的是一个全面发展的,系统性综合性的设计师。通过毕业论文的系统化训练,学生可以进一步树立自己大学四年所学的知识,调整自己的知识结构,确定研究任务的方向。甚至成为他们以后学习的航标。并为毕业后的专业实践与发展打下良好的基础。一个好的选题如果在写论文的过程中研究的比较透彻,就会为毕业后的继续深造和从事该项工作或科研、创作、美术教育等带来很大便利。并且容易获得成果。及时在写作过程中对此问题 没有研究透彻,也会为以后继续同类研究奠定基础,可以在进一步深造的过程中写出系列性的文章甚至专著。 2遵循选题的基本原则 专业性原则。毕业论文的选题和写作是正规教学的一个重要环节,它检验学生掌握知识的程度和分析问题,解决问题的能力,也是大学专业学习的系统总结和独特展示。在很多情况下,那种不能集中反映四年学习而形成的基础状态的论文,往往不是选偏了题目就是写起来力不从心,只有把专业学习与研究对象的关系吃透了,好的文章才有可能诞生;其次,毕业论文是专业水平的文本依据,它是对自己的毕业创作或毕业设计理念的逻辑陈述。一次来表明这种陈述的过程是否能自圆其说或过人一等。 注意发挥自己的特长和兴趣。一般来讲指导教师会对毕业生的论文在各自的专业范畴内设定一个可行的大方向,但在以往的毕业论文选题中,有部分同学因为个人的兴趣爱好而选择了稍微偏离自己专业方向的文章题目。事实证明这种选择并不是完全不可行的。之所以要限定大的方向是因为学习不同专业的学生对不同专业的知识各有所长,比如环境艺术的、工业设计的,即便是同样专业方向的学生,也不可能对学科知识有相同程度的掌握。所以论文的选题必须根据自己掌握的知识情况进行,选择有利于自己知识特长发挥的主题,容易开展也容易深入。另外选题要兼顾兴趣,是指在专业知识领域内对某一学科的热爱,迷恋而产生的强烈的追求与探索。有人在选题前就已经对某论题产生了浓厚的兴趣并且进行了一定的前沿研究,那么写作起来就得心应手。有的在深入探索后对选题产生了浓厚的兴趣,但如果在研究过程中一直没有兴趣只好放弃选题,另辟路径。几年的大学生活,丰富多彩的课程安排,大家往往都会在学习的过程中对自己专业方向的某些环节或知识点非常感兴趣,回顾一下,这些点在哪里,它是否适合发展成一个恰到好处的论文选题。找到自己的兴趣点之后,将其强化、集中、明确起来,再进一步进行资料的收集。 3掌握选题的基础方法 在掌握了选题的原则之后,在资料文献的积累基础上进行选题的方法通常有两种。一种是泛读捕捉法。这种方法就是通过对占有的文献资料快速的、大量的阅读,在比较中来确定题目的方法。一般可按照如下步骤进行广泛的浏览资料。在浏览中勤做笔记,记下对自己影响最深的观点、论据等,并写下对此观点自己的体会。然后将泛读所得到的知识进行分类整理,组合,从中找出问题,如对某一问题的研究状况,不同的观点,最新研究成果等。将自己在研究中的体会和资料分别加以比较,找到新资料,新观点或在已有的成果基础上深化主题,研究的深入了,就更加容易有自己新的观点和看法。及时捕捉这种灵感把它转化成文字并记录下来。 另外一种方法是追溯验证法。以主观的意向为出发点,沿着一定方向对已有研究成果进一步探究,从中获得自己的见解,这种意向并不是凭空想象,要以客观事实为基础和依据。在调查过程中看自己的观点是否弥补了研究的空白、是否在原有成果的基础上更加深化或起到一定的补充作用。如果得到认定,再客观评估自己的能力是否能顺利完成该选题,然后做定夺。在生活和学习中要善于捕捉瞬间想法,在看到某张图片,某件产品,或者某幅广告时突然激发的灵感是很可贵的。尽管这些想法很不成熟,但是不要轻易放弃。因为这可能是对某一方面做了大量研究后潜移默化的理论升华,研究下去直至成为自己的观点。 4准确全面的搜集资料 在论文写作的整个过程中,资料的搜集是贯彻其中的。选题前要广泛的涉猎资料,以便找出可行性的方向和范围。在确定好大的方向后,再进行针对性的资料搜集,包括图片,闭门造车是不可能的。我们需要对所要研究的范围内现有的成果做一个详细的调查,一方面迅速了解该范围内那些已经被研究过,研究到什么程度,还有没有继续下去的可能。也就是该选题有没有研究的价值和意义。另一方面可以垄断资料,以便在以后的写作中游刃有余,既可以作为参考也可以作为引领。因此,文献综述的制作是必要的。对于艺术设计专业的学生,文字资料的搜集和图片同等重要。因为我们需要大量的图片分析,并作为论据出现在论文中,以便辅助论述。尤其是一些造型色彩方面的阐述,图片比文字更加直观,更清晰易懂。搜集资料的方向方法大致如下。 搜集第一手材料。第一手资料的搜集主要是通过田野考察 的方式实现,尤其对于一些民俗性的特色艺术,需要深入到乡村和民众中调查。这些实践经验和采集到的图片等资料非常珍贵,会成为以后研究的重要依据。尤其对于艺术设计专业的学生,最好的素材来源于自己亲身实践,实地考察,并以图文并茂的方式记录、思考或者感受,这样得来的材料,真是可靠,说服力强。如很多论题,中国民族服饰、民间美术、地域文化等方面,都可以通过实地考察获得第一手资料,这样写出的论文根基深厚,逻辑性强,论述鲜活生动有说服力。 搜集相关背景材料和学术研究性材料。除了第一手资料外,背景材料的掌握也很重要。搜集各种与课题有关的资料,有助于打开写作思路,比如研究一件作品,要研究它所处的时代的审美特征,社会背景,甚至政治经济状况等。背景材料了解的越充分,文章的底气越足。并且可以在答辩过程中顺利的回答遇到的问题。有了第一手资料和背景资料,就有了很好的论文写作基础。但要使自己的理性认识更上升一步,视野更加开阔,还要了解该领域内或相关领域内的学术研究成果及进展情况。这些资料可以通过学校图书馆和网络资源获得。总之充分可靠的研究材料才是成功的前提。 5结束语 无论是何种专业何种层次的毕业论文,都要在踏踏实实做研究的基础上进行写作,急于求成或者抱着侥幸的心理来对待毕业论文都是不明智的选择。古人曰,大学问者必经的三种境界之三为“众里寻他千百度,蓦然回首……”,比喻人在知识宝库中,探求钻研后终于有了发现和创新后的惊喜。相对于毕业论文的写作过程,准备阶段或许更加艰辛,让我们有意识的自我修炼,知难而进,以便发现更深的知识领域和更完善的自己! 艺术毕业论文:环境艺术设计毕业论文 经过科学家的分析宇宙里存在的大约有1900万种颜色,一个正常人可以辨别大约680种的色彩,能感受到的主要是环境色彩和固有色。英国物理学家牛顿是第一个发现太阳的七色光谱,从而是人类科学的认识地认识了色彩。在室内装饰中每一个地方和物体都是有他的色彩的,主要包括吊顶,墙地面,家具,织物色彩等。随着时间,文化,区域,制度,科技等等的发展和变化使人们对建筑的功能和要求也有不同的追求,从而出现了很多的流派和风格。 在我看来色彩对我们每一个人来说都是离不开的,色彩是对我们今天的社会非常重要的。对于建筑室内装饰也是一样,从人类认识色彩的那一刻起人类就对每一种色彩的认识有了一个基本的概念,随时间的发展和各个区域对人类对每种色彩的不同爱好,在加上每个民族区域的风俗习惯和地理环境的不同是每一个区域的建筑也有很大的区别,从而使每一个不同的建筑风格有他相对统一的色彩。 室内的色彩包括吊顶,墙地面,家具织物色彩的设计和选择。科学的用色有利于人的身心健康,除了视觉产生影响外,还直接影响人的情趣和心理,要充分利用色彩的多种变化,既符合功能要求又要能获得更美的效果,室内空间不论的吊顶的处理还是家具的款式,大小,形状和色彩等,都不能脱离它所处的实体空间环境,色彩和形态具有同样重要的作用,有时候甚至色彩比形态更重要。 室内装饰风格流派的色彩体现 1.色彩的搭配的价值和重要性 (1)论述色彩的属性 谈到色彩我们都知道它有三大属性:明度、色相、饱和度 所谓明度就是表示色所具有的亮度和暗度被称为明度。色彩可以分为有彩色和无彩色,但后者仍然存在着明度。 作为色相,指的是这些不同波长的色的情况。在色相环上排列的色是纯度高的色,被称为纯色。在色相环上,与环中心对称,并在180度的位置两端的色被称为互补色。 用数值表示色的鲜艳或鲜明的程度称之为彩度。 有彩色的各种色都具有彩度值,无彩色的色的彩度值为0,对于有彩色的色的彩度(纯度)的高低,区别方法是根据这种色中含灰色的程度来计算的。彩度由于色相的不同而不同,而且即使是相同的色相,因为明度的不同,彩度也会随之变化的。 (2)论述如何更好的搭配色彩 在室内的装修中色彩的搭配是有很重要的讲究的,如何能利用色彩的合理搭配创造出更好的居住空间,要从自己对色彩的喜爱程度,色彩对个人的心理属性以及自己对空间的心理需求来确定的。不同的颜色进入人的视野,刺激了大脑,使人产生冷,热,深,浅,明,暗的感觉,也产生了安静,兴奋,紧张,轻松的情绪效应。一般小型化结构的住宅以单色为宜,采用较明亮的色彩,如浅黄、奶黄,以增加住宅的开阔感,利用住宅色彩衬托您的家具使住宅或显朴素大方或显庄重高雅。一般来说每种风格居住空间的色彩搭配都有他自己的原则。具有‘阳光味’的黄色调会给人的心灵带来暖意;如果不想要统一的色调在整体中带点新的变化,采用活泼的色彩组成,粉红色配玫瑰白,搭配同样色系组成的沙发,窗帘,靠垫委婉而多情;冷灰色常给人粗糙,生硬的印象。但在宽敞的明亮的空间,大胆选用淡灰色,反而使你的白色床具和窗棱更为肃静高雅。不过也要穿插一些讨自己喜欢的鲜艳色彩;蓝色有镇定情绪的作用,非常适合有理智感的选择。 2.各种装饰风格的色彩搭配体现和分析 (1)古典欧式风格 欧式风格的底色大多采用白色、淡色为主,家具则是白色或深色都可以,但是要成系列,风格统一为上。在古典欧式风格只能中主要分为巴洛克式,洛可可式等类型。起主要构成手法有三种,第一类的室内构件要素,如柱式和楼梯等;第二类是家具要素,如床,桌椅和几柜等,常以兽腿,花及螺钿雕刻来装饰;第三类是装饰要素,如墙纸,窗帘,地毯,灯具和壁画等 巴洛克式,产生于公元17世纪,它的主要特点是在造型上以椭圆形,曲线和曲面为主要形式,强调变化和动感;将建筑空间设计与绘画和雕塑结合营造出富丽堂皇的室内效果;室内色彩以红,黄等纯色为主,并大量饰以金箔,宝石和青铜等材料进行装饰,表现奢华的效果。室内和家具的豪华,富丽的特点,充满了强烈的动感效果。 洛可可式产生与公元17-18世纪,他在设计上追求华丽,精致和繁复的艺术效果,主要特点是室内装饰呈平面化,注重曲线的使用,室内色彩以鲜艳的颜色为主,比较明快,如靛蓝,嫩绿和玫瑰红等;线脚多用金色,还采用大量中国式装饰和陈设,喜欢闪烁的光泽,大量镶嵌镜子,悬挂晶体玻璃的吊灯,墙面多用磨光大大理石,喜欢在镜前安装烛台,造成摇摆的迷离的效果。 (2)现代风格 现代风格它是比较流行的风格,追求时尚和潮流,以造型简洁新颖,实用为目的,注重室内空间的布局合理与使用功能的完美结合。没有过多的复杂造型和装饰,也不追求豪华,高档和绝对的个性,重视家居的选用及色彩的搭配,追求‘少就是多’的观点。现代设计派大师赖特提倡室内设计与建筑设计协调一致,不仅满足现代生活需求,而且强调艺术性,具有当今时代感的建筑形象和室内环境。如一间现代风格的居室,利用不规则墙面形成壁面家具,同时这一墙面也起到美化居室的作用。地面、天花板均朴素、淡雅,无一多余饰物,显得简洁、舒适、大方,令人赏心悦目。 (3)后现代风格 它是由对现代主义纯理性的逆反而出现的一种设计风格,反对现代主义‘少就是多’的观点,强调建筑的复杂性和矛盾性,使得室内设计繁多复杂。 ①强调室内设计应具有历史的延续性,崇尚隐喻与象征手法,提倡多样化与多元化。它通过传统建筑原件以新的手法加以组合来实现。 ②多用夸张,变形,断裂,折叠,二元并列等装饰主义的设计手法,在表现上具有刺激性,使人有舞台美术的视觉感受,达到了雅俗共赏的目的。 (4)混合形式风格 混合形式风格是指把不同时代,不同风格,统一时代不同风格和不同民族,各不相同的东西糅合在一起,把同一民族和新旧各不相同的东西结合在一起,也就是说把不同国家,不同风格元素结合在一个室内空间里,呈现多元化的风格特征。 用非传统的元素结合传统构件,给人以现代传统室内装饰的种种联想。但并不是将各种形式任意拼凑,互不协调,缺乏整体感,而是把传统文化脉络与现代设计观念和方法相结合,是多样丰富的设计语言。例如贝聿铭先生在北京香山饭店的设计中,以中国的影壁,牌楼,粉墙,灰砖,天井,方圆母题,民间磨砖对缝的工艺,以及云南的石头,东北和山东的卵石作为传统的设计元素。 兼容并蓄,推陈出新,反映时代性,民族性与地方性。在室内设计中,采用传统,民族,地域或自然等元素并加以简化,提炼,在用新的手法组织这些简练了形式,构成具有新意义的形式。既趋于现代实用,又吸收传统的象征,融古今中西与一体。 (5)简约风格 简约风格现代主义建筑和室内的主流风格之一,是一种符合审美规律的艺术简化,追求的是由发杂趋于简单的视觉效果。装饰要素有金属灯罩、玻璃灯,高纯度色彩,线条简洁的家具。它主张设计中突出功能,强调自然,形式简洁,在设计时奉行删繁就简的原则,减少不必要的装饰,色彩的凝练和造型的力度也是“少就是多”更高层的体现。简洁要克服现代主义的单调乏味,缺少人情味的缺点,追求丰富,多层次和多方位的表现,但丰富的表现并不是无意义的堆砌,而是经过提炼后符合时代精神的简洁形象。简洁与丰富是并存的,简洁的设计形式是现代社会的特点和发展趋向,具有丰富的包含性,丰富的词汇融合在简洁之中。在简约室内设计中空间简约了色彩就要跳跃出来。苹果绿、深蓝、大红、纯黄等高纯度色彩要大量运用,大胆而灵活,不单是对简约风格的遵循,也是个性的展示。(6)中式风格 中式风格中国室内设计的传统风格比较讲究端庄气质和丰富的文化内涵,从家具的陈列到陈列品的布置,常采用对称的手法来达到稳健,庄重的效果。装饰要素有红木灯、羊皮灯+咖啡色、适当的金色+中式家具,在色彩方面很多人都感觉中式的室内色彩略显呆板,其实只要是搭配好都很漂亮,中式家具或配饰一般颜色较深,而适当的金色则会让中式更有味道。因为在中国传统文化中,金色是权利和地位的象征。金色的小面积点缀和运用,可以与深色家具形成鲜明对比,使色彩变化更丰富。主要用色有红,黄,紫色,金色等,装饰品及黑、红为主的装饰色彩上。室内多采用对称式的布局方式,格调高雅,造型简朴优美,色彩浓重而成熟。新中式家具偏重暖色调,表面大都作亚光处理。避免繁复的“雕梁画栋”造型,简简单单更能体现典雅大方。 (7)地中海风格 地中海风格地中海周边国家众多,民风也各有不同,但独特的气候特征还是让他们出现了一些相同的特点,他们的设计元素主要是白灰泥墙,连续的拱廊与拱门,陶砖,海蓝色的屋瓦和门窗。这种风格的灵魂目前比较一致的看法就是''''''''蔚蓝色的浪漫情怀,海天一色,艳阳高照的纯美自然’。他的主要色彩搭配有蓝与白,这是比较典型的地中海颜色搭配,希腊的白色村庄与沙滩和碧海,蓝天连成一片,甚至门框,窗户,椅面都是蓝与白的配色,加上混着贝壳,细沙的墙面,小鹅卵石石地,拼贴马赛克,将蓝与白不同程度的对比与组合发挥到机制。 黄,蓝紫和绿,南意大利的向日葵,南法的薰衣草花田,金黄与蓝紫的花卉与绿叶相映,形成一种别有情调的色彩组合,十分具有自然的美感。 土黄及红褐,这是北非特有的沙漠,岩石,泥,沙等天然景观颜色,再辅以北非土生植物的深红,靛蓝,在加上黄铜,带来一种大地般的浩瀚感觉。 3.案例分析 案例来自成都一个普通白领阶层的装修方案,由于是年轻人,不喜欢太过复杂的装饰,采用了现代的装饰风格。住宅是一个100平方左右的住房,主人暂时没有孩子,把原有的老人房改为书房。 主人在色彩方面喜欢大面积的暖色,特别是乳黄色所以在设计的时候客厅和餐厅的背景墙上实用了大面积的淡淡乳黄色,看上去比白色稍黄一点,即达到了主人的意思,也更好的使空间不完全被同一种色所包括。电视墙是用黄色的硅藻泥材料做成,使主人刚刚进门的感觉给人一种温馨家庭的感觉,同时在家居方面特别是沙发点缀了一点是冷颜色,因为如果在大面积的黄色背景下没有一点冷色,会使人的心情变的急躁,长时间会有抑郁的趋向,所以在家居的选用上我们选用的了冷一点色彩。在地面的色彩选用上,地砖还是采用了淡黄色的地砖,但是在客厅的中沙发的地毯我们选用了黑色的地毯,一方面是考虑在整个空间里没有重颜色的沉稳,还有就是搭配一点黑色能使空间看着更加的舒服。再在空间配置一点绿色的植物,使主人进门的感觉即温暖又清新。 总结 我对室内装饰风格色彩体现的主要认识是,由于时代的进步,精神,物质等诸方面都有了很大的提高,在室内装修色彩的方面也同样如此,很多的现代人把原来固定风格的装饰色彩给打破,注入新的血液。在我看来不管是原来某种风格内的主要传统用色还是现在的新色彩都能接受,因为色彩搭配的一个重要的基础或者是底线就是色彩没有绝对的对和错,只有合理的和不合理的区别。所以在室内装饰色彩的搭配上,利用每种风格的传统用色和客户自己的喜爱色彩,最后在根据设计师的统一调和处理。总之不管怎么搭配都是为了室内色彩的效果更好的体现出来。 艺术毕业论文:艺术设计毕业论文指导书 毕业论文是应届大学毕业生在导师指导下,运用在大学期间所学的基础知识、专业知识和基本技能,来分析和解决本学科的某一问题的总结性作业。写作毕业论文是大学生掌握正确地提出问题、深入地分析问题、科学地解决问题的方法、培养科研能力、从事专业实践工作的能力和写作能力,提高思考力和创造力。为毕业生独立从事科研和实际工作打下良好基础的一次综合考核。 一.艺术设计学院各专业毕业论文的特点与撰写目的 1.文理结合紧密。它是形象思维和逻辑思维的相互渗透,是自然科学和社会科学的交融,是科学技术与美学及经济学共同编制的综合性学科。因此,它既反映了学科自身具有强烈的创造想象的特性,又具有逻辑思维的严密性,还具备各学科相互交融的系统化、条理化的逻辑性。 2.涉及知识面广。它包括:产品造型、形态学、色彩学、设计学、仿生学、价值工程学、心理学、生理学、人机学、美学、构成学等学科。 3.设计实践性强。这是艺术设计学院各专业最为显著的特点。它在思维方式上与文学相同,但在表达方式上有所不同。文学是用语言和文字表达思想,而艺术设计则多运用图形和少量的文字表达视觉艺术。因此,艺术设计学院各专业论文都是从设计实践中提炼出来的。 综上所述,撰写艺术设计学院各毕业论文的目的如下: (1)培养学生独立发现问题、分析问题和解决问题的能力。 (2)引导学生具有创造性的思维方法。 (3)提高学生的视觉表述与理论阐述能力。 (4)学会科学的艺术设计研究方法。 (5)培养学生收集信息、分析信息、综合信息的能力。 二、艺术设计学院各专业论文的撰写程序 根据艺术设计学院各专业的特点和实际情况结合艺术设计的基本原理,建议将艺术设计学院各专业论文的撰写程序分为七个阶段。在确定论文题目,充分地阅读与论文相关的信息材料后,作者头脑中已经基本有了初步的认识。然后便可以进行构思,拟定撰写提纲、形成初稿、修改审定论 文,按照毕业答辩的要求,准备论文。 (一)确定选题阶段 在艺术设计学院各专业毕业论文撰写的前期,如何选择论文的选题是学生所关注的重要问题。由于论文题目选择的好坏直接影响论文的质量,因此如何选择好毕业论文的题目,是论文成败的关键。建议在撰写艺术设计学院各专业学术论文的选题定位上,应从以下几个方面着手: l.选择毕业论文选题的目的性。 选择艺术设计学院各专业的论文题目,应有较强的目的性。一篇专业论文,要解决什么问题,对问题的发现、分析、解决有多大可能性,都是十分重要的。此外,在选择题目上,还要根据自己的知识结构、从对题目的理解能力、感兴趣的程度出发,来筛选课题。切记不宜选择 离自己所学的知识面较远,而且还很陌生的、毫无基础、没有深刻理解和认识,况且自己又不感兴趣的题目。 2.选择毕业论文题目的重要性。 在选题的过程中,要选择人们关心的课题,要紧密结合当前艺术设计界发展的潮流以及各门学科相互渗透、相互关联的关系。 另外,选择的题目应是人们颇为关注的课题,注重焦点问题,尤其是目前学术界争议较大的课题。课题的选择是一篇论文成败的关键。题目的重要作用就在于读者、引导读者,使人看上去有一种“新、奇、特”的感觉,从而使人们对这个选题产生浓厚的兴趣。所以说,主题应鲜明,而不能泛泛无味。 3.选择毕业论文题目的合理性。 毕业论文题目合理与否,是撰写毕业论文的重要因素之一,也是写好论文的前提。论文题目的命题关系到一篇文章所涉猎的范畴。按常规推论,指导都是虚拟一些课题后,提供给学生参考,但并不完全是合理的题目,为它与每个学生的知识层面、自身特点,以及所涉猎的范畴很难相应对号。因此,学生应根据导师的选题范围,斟酌自己的实际情况,在选题的大范围内,给自己确定一个具体的、相对的课题,再反馈给指导老师。 这里提醒大家注意的是,在选题的过程中,题目不宜过大或过于含糊。通常,在设计毕业论文的选题上“宜小不大”,因为小题也可以做大文章。但是,毕业论文的选题不宜过窄或过小。我们前面所说的论文题目宜小不宜大、小题也可以做文章,这个“小”是应有尺度,如果太小了,也会出现设计师平淡的现象。例如:“浅析水龙头的色彩设计”、“谈谈移动电话的商标设计”、“暖水瓶功能的探讨”等等,这样的题目由于过小过窄,内容就很难展开。因此,我们说,毕业论文选题大了固然不好,小了也不适当,一定要在大小的选择上有一个适当的定位,这样才能达到论文题目的合理性。 4.选择论文题目的学术性。 做好一篇毕业论文,首先是选择的课题要有意义,还要做到能够提出自己的独立见解,这是做好论文的基本要求。具体地说,(1)选取有学术价值的课题。就是在艺术设计学科的基本范畴和基本理论为研究内容,对学科的丰富和发展是否有意义。学术性是学术论文的灵魂,没有学术性的论文是称不上是学术论文。(2)了解本学科研究的历史与现状。比如前人提出过什么问题,这些问题研究、解决到什么程度,还有哪些问题尚未解决;或是本学科当前正在研究什么问题,取得了哪些进展,学术上有什么分歧,选取那些学术研究的“前沿”问题,或是热点问题,这样才能走在学术研究的前列。如果选取了别人已经提出并解决了的问题,重复别人己经阐述的观点,甚至达不到别人的研究水平,这就没有什么学术价值。 5.选择毕业论文题目的创新性。 时代在发展,设计在进步。在选择毕业论文题目的过程中,应注意论文题目的创新性,充分发挥想象力,使论文的题目给以全新超前的感受。在现代设计领域,人类智慧的升华,是优秀论文题目产生的开端。那些传统的选题方式己经很难跟上现代设计理论研究的步伐,也不适应艺术、技术与经济相结合的综合学科的特点。例如:“论陶瓷的传统工艺”、“浅淡几种包装的设计方法”。题目似乎合情合理,但却显得平淡无味,缺乏创新精神和现代气息。题目的创新应是各学科相互渗透中产生,跟上时代的步伐亦是关键所在。例如:“信息时代中产品设计的研讨”、“服装款式的流行之我见”。 6.选择毕业论文题目的实用性。 具有实用性的毕业论文题目也是选题的重要因素之一。题目是否实用,是否切合实际,直接关系到一篇论文的价值。一篇好的毕业论文能引导学生的观念,指导其今后的设计实践。因为理论的研究最终还要应用于实践。从实践中产生设计理论,理论又指导着实践,反过来实践又验证理论,这样的论文就有很强的实践意义。 (二)收集资料、信息阶段 撰写艺术设计学院各专业毕业论文,应有充分的思想准备和资料基础。当题目选择好后,首先我们应考虑到的是收集与题目相关的材料与信息。只有广泛地收集资料,收集与题目相关的各个层面、各种类型,各种特色的参考资料,才可能拓开思路,探索新的知识领域,探索新的设计与意识。根据各种资料中的感受、经验与联想,按照自身独立的思考方式,将不完整的观点,分散的想法、系统地总结,理清整体的思路,使之抒情达意,进而提出自己的见解,完美地表现所构想的学术论点,使得虚拟的设想变为撰写的现实。 1.收集和掌握与选题有关的设计资料 收集资料的方法是多种多样的。例如:市场调查法、访问会谈法、文字资料收集法、网络资料收集法等等。这些方法是围绕着选题所进行的,选择与选题内容有关的国内外、古往今来的信息资料,进行广泛、全面的收集,认真的分析比较,这种分析比较的方法就是研究、撰写论文的开端。分析比较的方法是在了解前人对选题不同层面的论述基础上进行的。 2.了解和掌握艺术设计专业的学术信息 要想撰写出优秀的论文,首先应了解艺术设计学院各专业在国内外的学术动态,掌握与选题有关的信息。了解前人在此方面的论述,解决了哪些问题,另外还有哪些问题没有解决。我们是在前人的基础上去探索问题,做到心中有数,才能为选题的内容作好充分的准备工作。 3.独立思考、勇于创新的准备 在了解和掌握艺术设计学院各专业现状后,我们就应该首先考虑到选题和文章的组织结构,是否是前人没有论述的问题。如前人所谈的课题同我们的选题重复,我们一定要将前人的论述理解清楚,认真地分析,看一下还有没有新的问题,新的视角再去切入。否则我们将做无用功,解决不了实际问题,这样的文章意义不大。 在撰写毕业论文的前期,我们一定要查清所有与论文题目有关的资料,做到心中有数。一篇优秀的毕业论文,首先是考虑前人所没有研究过的课题,掌握前人所没发现的规律。而自己对此课题又有独特的见解。这种独特的见解必须在学术界是先进水平,哪怕是在前人的基础上,再向前推进一下。目前,从艺术设计学院各专业的毕业论文的调研情况来看,学生在大学的几年中,学到了一些专业知识,但是,这些专业知识还没有在真正的实践中应用,因此很难有自己的独立看法,形成独立的创见。尤其是在艺术设计学科的广阔海洋中,要想形成自己的见解并不容易,往届的毕业论文,我们分析有以下几种情况: (1)谈出了自己的看法,但题目的选择面很窄小,论文的组织不系统,大白话,学术语言甚少。 (2)文章的题目选择后,对此没有充分的思想准备,照书本、或别人的文章乱抄一通,甚至不加思考将很多别人的东西照抄照搬。对此没有理解,不能将学习别人的认识转化为自己的认识,变成自己的东西。造成一种混乱的被动局面。 (3)自己没有掌握基本的专业知识,又不善于收集资料信息,找出往届毕业生论文,去头加尾、敷衍了事。这样的毕业论文,很难达到培养学生、锻炼学生、检验学生、启发学生、引导学生的目的。带毕业论文的指导老师,一定要注意学生的上述倾向,指导学生步入正规的航线,让艺术设学院各专业的毕业论文,能够驶向理想的彼岸。 (三)构思、创意阶段 构思的过程也就是想象、创造的过程。想象是能过已知走向未知的思维活动方式。每一个已知都伴随着一个新的未知而诞生。所以想象活动始终处于己知和未知的中界线。它包括着过去,预知未来,总结旧的经验,创造新的理论和新的认识。 (四)拟定提纲阶段 拟定毕业论文提纲,首先应根据选题的要求、设立于标题,按照各标题的设置,把材料加以分类,从中心观点出发,考虑协调各部分之间逻辑关系,系统、规范地拟出一个总的策划。这个提纲的拟定,通常由略到详、由粗到细。经过系统的分析、思考推敲,最后形成较完整、详实的提纲。 (五)形成初稿阶段 初稿的形成是根据提纲进行的,在拟定的过程中要从大局出发,使论文统一协调,同时也要考虑文章结构的严谨性、各部分的层次性、文字表达的流畅性等方面。论文的结构是作者有目的地设定起来的,是作者根据设计专业的发展规律、学术动向及其它学科相互的内在联系,按照选题、中心思想的需求,将构思好的设想,加以分类组织、调整,使其条理分明,整体与局部相互和谐、统一。从整体到局部,又从局部到整体,进行反复细致的地推敲。初稿的形成是提纲展开,对文章内容的深化。 (六)修改、审定阶段 初稿完成后,需要认真地修改审定。论文的修改审定应注意四个方面,一是审定论文题目选择是否合理;二是文章的组织结构是否完善,各部分内容之间的逻辑关系是否合理;三是论文的语言是否准确流畅、简洁通俗;四是论文是否专业化、规范化、系统化、条理化。 (七)准备答辩阶段 艺术设计学院各专业毕业论文一般要求4000字以上。论文答辩的要求:一是要准备大约1000—2000字的论文提要,将论文的主要论点、论据、论证表述在提要中。答辩时以论文提要为主要阐述材料;二是将论文语言规范化。毕业论文是比较严肃的学术论文,从整体来看,应是严谨、朴实的。不直追求华丽的词藻。根据艺术设计专业的特点,也可适当使用一些修辞手段和展示一些图片,使其更加生动。 三、艺术设计学院各毕业论文的要求 艺术设计学院各专业的毕业论文要求符合客观的发展规律,用唯物主义观点来分析问题。它的题目应有鲜明的论点和详实的论据。理论观点正确,文章结构严谨、层次分明,运用己学的专业知识和收集到的一些专业信息,经过大脑贮存。分析、综合,建立起一个崭新的理论体系。因此,在论文的格式方面、参考文献方面以及所插入的图表方面有其不同要求。 (一)毕业论文应具备的基本要求 1.论点正确 2.论据充分 3.论证准确 4.结构严谨、层次分明 5.语言准确、简洁流畅 (二)毕业论文的格式 毕业论文一般由题目、内容提要、关键词、主体、参考文献、注释等部分构成,下面分别加以说明。 1.题目。毕业论文的题目是直接表达或揭示论文主题思想或中心论点的,因而要鲜明、准确,使读者一看题目,就能基本上了解论文的基本观点。避免用一些偏僻、怪异的词句做题目。 2.摘要 摘要是论文内容不加注释和评论的简短陈述,摘要要能够反映出全文的精华,摘要的内容应包含与论文同等量的主要信息,供读者确定有无必要阅读全文以及供文摘等二次文献采用。 摘要一般应包含以下几个部分: (1)研究的目的:简明指出研究工作的目的(目标)及研究范围(对毕业设计(论文)而言,主要指任务书中所提出的要求) (2)研究方法:简要说明研究课题的基本做法,包括研究对象、材料、方法等要素。 (3)研究结果:简要列出主要结果、数据、统计学意义等,并说明其价值和局限性。 (4)结论:简要说明从该项研究结果取得的正确观点、理论意义或实用价值、推广前景。 (避免将摘要写成序言、评论或反映的仅是研究中某一部分的信息) 3.关键词。指论文中所涉及或是属于作者原创的中心词。 4.主体。毕业论文的主体由绪论、本论、结论三部分构成。绪论在正文的开头,目的在于说明研究这一课题的意义和动机,介绍写作论文的指导思想和论文的基本内容,也可以对论文的结构作必要的解释。绪论要写得简明扼要、篇幅不宜太长。本论是论文最主要的部分,应该充分论证、分析绪论中提出的基本观点。可以是正面论述自己的观点,也可以通过反驳对立的观点以阐明自己的观点。本论部分在全文中所占篇幅最大,应该注意结构的严谨。结论部分是论文的收尾部分。在结论中提出的基本观点,经过本论部分的分析论证之后,结尾部分要作出答案,总结全文。一般情况下,结论比绪论所占篇幅还要小些。 5.参考文献。撰写毕业论文必须参阅别人的研究成果,这是进行科学研究的基础,也是作者产生创见的出发点。作者采用的参考文献的多少和水平的高低,对毕业论文的质量起着重要的作用。毕业论文后面附参考文献,可以使读者在一定程度上了解论文的深度和广度,同时也是为研究相同课题的人提供材料索引。 6.注释。在论文写作中,有些问题需要在正文之外加以阐释和说明,这就是注释一般分为两类。一类是补充内容的注释,如在行文中,对不易理解的概念,或是不便在正文中展开的论述,可以在注释中说明。另一类是说明资料的来源注释。比如:图书、期刊、报纸等。注明作者、书名、出版时间、版次、页次、期刊名称、期号等。 艺术毕业论文:艺术系毕业论文试析艺术民族性与世界性 文章以生动的语言、丰富的材料探讨了艺术民族性与世界性。提出艺术世界性不等于美国化,也不等于欧洲化。艺术的世界性不以某一国、某一地区的艺术样式为标本,它同样处于发展之中。保持艺术的民族性不能夜郎自大,不能无视他民族艺术精华;吸收他民族艺术精华也不是将民族个性消解。我们不能祈求拥有一种包含一切艺术之优点的艺术,应不断吸收他民族艺术的精华,以完善和发展本民族艺术。在世界艺术的大舞台上,民族性才有意义,离开这个舞台不仅其艺术的民族性将失去光彩,艺术的世界性也不复存在。 艺术的民族性是指“运用本民族的独特的艺术形式、艺术手法来反映现实生活,使文艺作品有民族气派和民族风格。”①具有民族性特点的艺术作品立足于本民族的文化艺术传统及审美意识,采用传统艺术形式创作,主要表现本民族人民群众的生活、思想感情、愿望和艺术审美情趣。 艺术的世界性主张摆脱桎梏、解放思想、抛弃民族文化传统,是一种超阶级的势力扩充。②就艺术而言,是一种能为多民族所接受、容纳的形式、内容。 关于艺术民族性与世界性的关系有以下两种观点,其一认为艺术的世界性超越民族性:由于时代的前进,文化艺术同经济一样会在相互借鉴的基础上趋于统一,形成具有同一特点的超越民族性的世界性艺术潮流,这种具有世界意义的国际化艺术将成为今后世界艺术发展的主流;其二认为艺术的世界性同样具有民族性。持这种观点的人认为:随着艺术的发展,以及人们对艺术民族性认识的深入,只有在积极吸收外来文化的基础上,不断发展民族艺术,才能使艺术作品具有真正的民族性。 同志曾指出“近代文化,外国比我们高,要承认这一点。艺术是不是这样呢?中国在某一点上有独特之处,在另一点上外国比我们高明。……中国文化应该发展。……象西太后反对‘洋鬼子’是错误的。要向外国学习,学来创作中国的东西。……我们接受外国的长处,会使我们自给的东西有一个跃进。中国的和外国的要有机地结合,而不是套用外国的东西。……外国有用的东西,都要学到,用来改进和发展中国的东西,创造中国独特的新东西。”③ 应当看到西方文化对经济落后的民族有着不可抵御的吸引力。正确认识艺术的民族性与世界性的辩证关系,对于处在世界各民族联系愈来愈紧密的今天尤其具有现实意义。 笔者以为艺术的民族性与世界性既不能等同,也不能截然分开。二者是互相联系又互相区别的一对矛盾的两个方面。 首先,保持艺术的民族性不能夜郎自大;不能因为本民族艺术曾滋养过他民族文化而藐视他民族文化。 正如当我们看到一个乞丐大言不惭地向人们诉说其祖其父曾经是如何如何的高官巨富时,相信任何人都不会同情他,甚至有人会骂他是败家子。先贤的荣耀是我们民族的光辉历史,它应成为我们今天发奋图强的动力,而决不是我们招摇撞骗的旗帜或涂脂抹粉的面霜。当我们夸耀中国画的写意境界如何之高:气运生动、骨法用笔等等,而贬斥西画虽工亦匠,不入画品时,在某种意义上也在承认中国水墨画粗枝大叶,西画精雕细刻。二者相辅相成。有阳光照射就会有阴影存在,这是人们早已深悉的道理。中国水墨画追求无暗面的画面效果,实则是在表达一种理想的追求、美好的向往,向往着这个世界没有黑暗、没有阴影,希冀我们的主人前途明媚、无上荣光。世界上能找到没有明暗对比的事物吗?孔雀开屏时,难免会将它难看的屁股展现无疑。万事万物无不如此。艺术应该保持本民族的独特个性。艺术世界的缤纷多彩由无数不同民族、不同艺术个性的艺术家组成。很难想象有一天各民族艺术失去本民族的艺术特色,全人类仅拥有一种艺术样式、艺术风格、艺术语言甚至表现内容时会怎样。这一天不仅难以想象而且根本不可能存在。即使到了共产主义社会,艺术的民族性也会象自然界中的花花草草千姿百媚一样,呈现出一派缤纷的景象。如果存在一种世界性的艺术样式、艺术风格、艺术语言,那么这不仅标志着艺术的消亡,也是人类社会的悲哀。花红柳绿相辅相成,世界艺术的繁荣也要求必须保持各民族艺术的个性。 斯大林同志曾把“表现于共同文化上的共同心理素质的稳定共同体”作为民族特点的一个必不可少的标准。那么,是否存在艺术民族性的标准?或者说,什么样的作品才称得上是具有民族性的作品?这不是一下子能够回答的。艺术的民族性本身也不是一种样式,而是百花齐放的。这“花”来自艺术家各自对传统的选择,来自个人的生活体验、人生体验、情感体验,甚至来自艺术家对民族艺术因素独特的吸收、借鉴。正是这些相异性使艺术的民族性本身也是多样的。艺术的民族性相对于艺术家个人创作而言又是一个共性的概念。艺术家的“个性”是它的基础。没有艺术家的创作个性也就没有民族艺术。所以,倡导艺术民族性时必须同时提倡艺术家的创作个性。 其次,保持民族性不能无视他民族艺术精华,吸收他民族艺术精华也不是将民族个性消解。 艺术世界性不等于美国化,也不等于欧洲化。艺术的世界性不以某一国、某一地区的艺术样式为标本,而且随着各民族艺术的发展,艺术的世界性同样处于发展之中,不是一成不变的。 中西融合不是将一瓶红墨水、一瓶黑墨水倾注在一起的黑红不分、非此非彼、非驴非马。就艺术而言,这不仅不必要,而且不可能。中西融合之“融合”是为了吸收他民族文化艺术之营养,正如人吃猪肉、羊肉,不是为了使自己变成猪、羊一样,这种吸收、借鉴,绝不是外表的摹仿、复制、克隆,而是为我所用,用以滋养我们的身心、我们的艺术,强我们的身、健我们的体,发展我们的民族艺术。 “如同我们对于食物一样,必须经过自己的口腔咀嚼和胃肠运动,……然后排泄其糟粕,吸收其精华”。④众所周知,西方现代主义艺术吸收了东方乃至非洲原始艺术的精华,但西方艺术没有被东方艺术淹没。我们今天吸收、借鉴他民族的艺术精华,必须具有明确目的,即为了促进本民族艺术的发展。 在今天这样一个被称为“地球村”的信息时代,若要求一民族艺术洁身自好、守身如玉不受他民族艺术丝毫影响,象牛郎、织女隔河相望而又互不倾慕,实在太难;如果要求艺术家在艺术荟萃的大花园中只采摘本民族艺术之花而对他民族艺术的奇花异草毫不动心,也实在难为我们的艺术家。“物以稀为贵”那种他民族拥有而本民族缺乏的事物,常常具有极大的诱惑力。正如人们常常不满足粗茶淡饭而追求饱眼福、饱口福一样,吃腻了大鱼大肉的贵族会对布衣之食垂涎。在不断的喜新厌旧和怀古中人类创造了今天的文明、今天的艺术;人类也会在新一轮喜新厌旧和怀古中创造出明天的新生活和新艺术。 只要各民族间的交往存在,艺术的交流就不可避免地会存在。艺术的民族性只有在与他民族的交往中,在世界艺术的舞台上展现自己的美丽并不断改变自己的舞姿,才真正具有魅力。对待西方艺术、西方文明既不必咬牙切齿,也不必趋之若骛。西方各种艺术既不是洪水猛兽,也不是济世良药。 我们不能祈求拥有一种包含一切艺术之优点的艺术,这不仅不可能,而且无意义。我们也不必抱残守缺、孤芳自赏,我们应不断吸收他民族艺术的精华,以完善和发展本民族固有之艺术。同样我们也应看到,有些民族艺术、民间艺术并不具有世界性。我们的民族与世界其它民族一起构成一个大部队。我们不必裹着小脚、拖着长辫在世界文化的行列中行走。任何民族都不必亦步亦趋地跟在他民族艺术后面接轨。出污泥而不染的荷花并不拒绝污泥提供给它的养料。只有站在本民族及他民族前辈两个肩膀上,才能成为当代艺术的巨人。无论是艺术家还是艺术欣赏者,不仅要对本民族的艺术传统进行选择,对他民族的艺术也必须用我们的量规加以规范、选择。我们应提倡创造性地继承吸收,避免奴隶般地因袭。 在世界艺术的大舞台上,民族性才有意义,离开这个舞台不仅其艺术的民族性将失去光彩,艺术的世界性也不复存在。 艺术毕业论文:影视艺术系毕业论文—生命的凝视 毕业论文 享誉国际的波兰电影大师奇士劳斯基(kieslowski),已于三月十三日走进人生旅途的最后一站,弃世而去;享年五十四岁。消息传来,令许多关心电影文化发展的爱好者感到痛惜,国际影坛又失去了一位具有人文省思的导演(注一);没有想到他的「三色电影─《蓝色情挑》、《白色情迷》与《红色情深》─竟成为绝响之作。 此刻在我的脑海里,不断地交替浮现《红色情深》里孤寂的退休老法官和奇士劳斯基黯自思索的脸孔;不知他会如何看待自己的一生和这世界?在一股扼腕叹息与信仰探求的驱使下,尝试从奇士劳斯基惊艳欧洲的成名之作《十诫》和「三色电影,一窥他的宗教信仰和人生信念。 其实,奇士劳斯基的电影事业是滥觞于记录片;独特的拍片风格使他在六十、七十年代的波兰影坛独领风骚。在他的片中不断地揭示共产社会制度之下的生活困境,以及共党政府的不实宣传,企图唤醒当时社会的良知;后来与电影界菁英份子,如华依达(wajda)、赞努希(zanussi)等人,推动『道德焦虑电影(cinemaofmoralanxiety),强调政治和社会改革的意识。 奇士劳斯基视记录片这个媒体可以忠实地描写人世;他曾说过:『当我拍记录片的时候,所拥抱的是生命,接近的是真实的人物、真实的生命挣扎,这驱使我更了解人的行为─人如何在生活中克尽其责地扮演自己。因此,他常投注许多的时间来观察周遭之人的生活,并关心人在波兰这样的社会现实中如何自处。 然而,奇士劳斯基亦了解到拍摄记录片先天上有一道难以逾越的门槛:在真实的生活中,人们不会让你拍到他们的眼泪,人们想哭的时候便会把门关上。当摄影机接近人这个主体时,人就渐渐在镜头前消失了(注二);于是,他便将拍摄兴趣转向剧情片。但是,在后期的剧情片作品当中,仍然是以一些想法和信念为主;重视个体的生命和生活,仍旧维持早期拍摄记录片的原则。 奇士劳斯基宣称他所拍的每一部电影,除了《工人》之外,都是在讲论人的,而非政治的故事。经过三、四十年社会政治动荡不安的生活历练之后,他觉得政治其实并不是如此的重要。当然,从某个角度而言,政治可以决定我们的社会角色、生活型态、以及外在的生活举止;但是却无法干预或是解决最重要的人性内在问题。 因此,当他摆脱政治的压迫性桎梏之后,电影的创作主题就明显地深入触及普遍而人性化的生活课题─人性的本质为何?何以为人?以及人的命运等问题(注三)。 八o年代中期,紊乱和脱序的社会现况宰制著波兰,紧张无望的情绪,以及对未来生活的恐惧,弥漫在社会各阶层人民的心中。奇士劳斯基说道:『我们生活在一个艰难的时代。在波兰任何事都是一片混乱,没有人确切知道是什么是对的,什么是错的;甚至没有人告诉我们为什么要活下去。或许,我们应该回头去探求那些教导人们如何生活,最简单、最基本、最原始的生活原则。(注四) 他尝试回头从民族文化传统中撷取灵思:改编圣经伦理道德诫律─十诫;拍摄十部描述关于十到二十位都会男女的故事,他们各自面对生活中道德与伦理抉择的困境。每部电视剧情短片所讨论的道德议题,并不是直接引自圣经十诫中的某一条诫律;相反地,他却将十诫教义重新诠释(注五),或是根本的偏离,以背道而驰的辩证态度,反映出将十诫教条化的荒谬性(注六),逼使观众思考它的真义。 因此,对于每部影片所提出的道德困境,奇士劳斯基从未提出任何的解答,而只是留下一个开放式的结尾,让观众自己去思考评判。所以,在他许多部电影的结尾,总会出现主角黯自思索的画面,让观众直视生命中道德两难的抉择困境;因为,这是我们无法逃避或是摆脱的,必须勇敢无畏地面对它。 奇士劳斯基拍摄《十诫》时,已将拍摄的重心从外在政经环境的描述、社会事件的影响,转为人物的内心世界的挣扎,尤其是那些回到家里,便关起门面对孤寂自我的人们;他尝试去发觉他们到底是怎样的人,以何种的生活原则与他人互动。因此,他抽离影片的社会政治背景,架构在一个封闭的生存空间、人物故事反覆循环的结构中,在在地显示他想要建筑一个空中阁楼,以探索人的精神和信仰世界、宗教与道德的冲突,以及人际间的疏离异化关系。 奇士劳斯基认为每一个人─不论生活在何种政治制度之下──都有两张脸。一张脸适合在外面的世界装戴,戴给陌生人看;另一张脸则是赤裸地摆在孤寂自我的面前。因此,在每天的人际互动与人事处理过程中,我们所有的作为和决策,都是没有其他出入的结果,永远不能十分笃定地说:『我很诚实或是『我不诚实;『诚信是个极其复杂的组合--常是两害相权取其轻的选择。 在构思《十诫》的期间,他常想到这些问题:什么是对的?什么是错的?什么是谎言?什么是真相?何谓诚实?何谓不诚实?它们的本质为何?又该以何种态度来对待它们?奇士劳斯基认为能够提供绝对的仲裁标准的确存在。不过,当他说他想到是上帝时,指的是旧约的,而非新约的上帝。 旧约的上帝给予所造人类极大的自由与责任,他观察我们的行为而加以赏罚,想求得他的宽恕是不可能的;而新约的上帝却是为蓄著白发,宽容而良善的老头子,无论我们做任何事,都可以得到他的原谅。但是,他却不认为这个世界有绝对正义这回事,而且我们永远无法得到它。唯一的正义存在我们心中的那把秤上,而我们的秤又非常微小;我们又卑微,又不完美(注七)。 事实上,在《十诫》影片中,最被奇士劳斯基看重的是对生为人与做人价值的尊重;因为『新生命的降临是美好的(出自《第二诫》中丈夫安德瑞之口),以及『没有任何的思想和理念比孩童的生命更为重要)(出自《第八诫》中伦理学教授苏菲亚之口)。 然而,上帝的问题在片中并未直接地被提出来讨论;在《第八诫》中只是被引喻为「那个住在我们内心的人,作为良心的声音与道德评判的标准;只有在《第一诫》中小孩保沃问其姑母:『上帝是什么?姑母并未直接回答他,而以拥他入怀的方式来说明上帝是爱。可是当保沃因溜冰而溺毙时,奇士劳斯基似乎藉著其父推倒教堂里圣坛之举,质疑了千古以来虔诚信徒心中坚守不移的信念。 《十诫》影片中的每一诫都是可以成为各自独立的单元,而导演也动用了不同的演员和摄影师,来赋予此一系列不同的情感、风格、与视野;不过,各诫影片中也有一些相同的基调,例如单调的色彩、同一样式的房屋、以及一位神秘的「沈默目击者,贯穿各诫主角面临抉择的关键时刻。 这个神秘人物曾引起各界人士臆测纷纷,他到底代表了什么?命运?天使?上帝?还是奇士劳斯基自己?奇士劳斯基曾如是说道:『他对情节没有什么影响;但是,当他出现时,会引导剧中人去思考他们正在做的事;他是一个思考的源头。他凝视剧中的角色人物,让他们对自己提出问题。但是,我个人认为这位『沈默的目击者是奇士劳斯基心中『不说话的上帝。当他颁布人间的道德规范──十诫──之后,便以冷冽的目光,偶而带点责难,注视著芸芸众生的一言一行;当人们面对生活中的道德困境时,十诫却成为逃避抉择的藉口。 在《第一诫》片头开始,这位「沈默目击者的出现极具象徵意义;他坐在湖边取暖,而这个湖却淹死了《十诫》影片中唯一问『上帝是谁?的小孩。因此,我个人认为神义论(theodicy)应是奇士劳斯基信仰的障碍;在他的绝响之作--「三色电影,就放弃了与「不说话上帝的对话,而代以机缘巧遇(chancemeeting)来面对生命中不可知与不可解的挣扎。 如果说《十诫》是八十年代末期最重要的信仰反思之作,那么「三色电影--《蓝色情挑》、《白色情迷》、《红色情深》--便是九十年代初期最深刻的人文探索瑰宝。 奇士劳斯基延续《十诫》影片的构想--以当代的观点,从人性心理出发,深究现代都会男女的心灵困境,并印证旧约圣经的宗教诫律关系和价值意义;重新探索西方世界追求的人类文明精神--自由、平等、博爱,并尝试从人性化、隐私和个人的层面,来探求它对人类心灵重建的现代功能与意涵。 《蓝色情挑》的序场始于一场突如其来的车祸,顿失丈夫和女儿的女主角茱莉,选择了斩断所有人际关系,逃离旧时生活的「自由;影片中从未出现她探访墓园或是观看过去的居家生活相片。茱莉已下定决心,刻意遗忘过去:拍卖旧宅家俱、安排佣人与年迈母亲的晚年生活、丢弃丈夫生前未完成的音乐稿件,以及隐居在无人认识的小公寓里,重新开始「新而自由自在的生活。 但是,因著情感和嫉妒的缘故,茱莉又不可避免地卷入他人的生活之中:与丈夫助手奥利维的情感纠葛、妓女露西耶的友情发展,以及丈夫情妇多明妮的爱妒交杂,这些人事情感威胁著她的新自由,这是她无法逃避和控制的一面。 奇士劳斯基在剥除所有表象的自由之后,让我们看到更深一层自由的真义--精神与灵魂的自由;受造有限的人类到底拥有多少自由呢? 《白色情迷》片首的法庭答辩词--「平等何在?,道出了一位旅居异国、言语不通、性生活失调,因而导致婚姻失败的波兰男子卡洛的不平之鸣。 因此,当他历经千辛万回到祖国波兰之后,便不断地藉由不法的经济手段,快速地累积财富;最后,计诱前妻飞抵波兰,在证明他的男性雄风之后,就诬陷前妻以谋害亲夫之罪入狱,使得女主角多明妮饱尝身为异乡人的不平等对待。 奇士劳斯基选择法院--现代文明制度用以落实「法律之前,人人平等理念的机制--开展「平等追寻的主题,正显示出他洞悉人类追求平等的矛盾:每个人都想「更平等。 「平等在「白色情迷影片中隐含一种权力的拉扯,带有强烈的政治气味,包括两××*情的政治、法国与波兰两国社经发展的政治、波兰与苏联两地人命生死的政治,以及因落实平等理念所需威权的政治;显示出人类除了出生与死亡二个生命环节平等之外,在生存的过程中,何尝真正平等过? 《红色情深》是三色电影系列的最后一部,亦为奇士劳斯基导演生涯画上完美的句点。由《蓝色情挑》唯心观点,诠释精神与灵魂存在的自由真谛,转入《白色情迷》由唯物观点剖析欲望扭曲下,人世间追求平等的种种假相;而《红色情深》则综合以上二片的大成,无论在视觉上、主题上都为三色电影作了博大精深的总合(注八)。 《红色情深》开场那段电话线路的推轨镜头,音轨满布了密密麻麻的对话,点出了电话作为二十世纪科技产物,不仅不是沟通人与人之间情感的工具,反而常使相爱之人陷入猜疑、困顿的情境;电话线两端的人藉著话筒刺伤对方,彼此煎熬。 《红色情深》是一段孤寂老法官和热情少女相互提携、启聩的生命成长之旅:老法官的窃听行为,使得女主角范伦媞娜明了人心灰暗的一面,即使我们关心别人,替别人著想,亦是从自己的角度出发;而女主角的热情关爱,则将生命的阳光引进老法官灰黯萧寂的心田,使得他能够破茧而出。 博爱的精神在本片中显现于法官对待小狗的情感上;老法官曾对他的牧羊犬希妲的生死无动于衷,随著希妲产下七只小狗之后,他将它们抚抱于身,对小狗态度的改变,亦如实反映他重新以悲悯的眼光关注人世(注九)。 此外,「三色电影中的角色,时常在他们的生活中相互擦身而过,却从未与对方生命发展具有意义的关系;甚至两个未曾谋面且身处不同时代的人,竟不断重覆彼此的生命轨迹,例如《红色情深》中老法官与年轻法官奥古斯特的故事,生命情境中似乎充满了许多同样难解的机缘巧合之事,有待每位角色真诚地面对与抉择。 奇士劳斯基似乎比我们多一对眼睛,看到生命困境的映象不时地在人生角落中重演,必须以爱来回应。在「三色电影中有一椿共同出现的小插曲,便是一位佝偻的老太太吃力地要把玻璃瓶放入垃圾桶内。 《蓝色情挑》的女主角茱莉沈浸在新生的自由里,未曾意识到她的存在;《白色情迷》里顿失一切的男主角卡洛,看著比自己更无助的老太太,嘴角漾开幸灾乐祸的微笑;直到《红色情深》的女主角范伦媞娜才伸出援手,帮助老太太将瓶子放入垃圾桶(注十)。 奇士劳斯基透过此一小插曲,道出了「三色电影的主题与他的人生信念:孤独的个体惟有靠著彼此的关爱和互助,才能重建心灵与自我救赎。然而,这样的救赎仅止个人的责任和能力范围之内;作为一个导演的他,也仅能救助他所创造的角色--《红色情深》片尾海难幸存的人。 「三色电影是奇士劳斯基用现代的眼光诠释法国大革命以降,人类追求自由、平等与博爱的努力,以及其中所遭受到的挫折与失落感。他对此问题并没有提供一个标准的答案,只是深刻地刻划生命中的困境供我们深思;因此,三部影片的结尾都是主角流泪黯自思索的脸部特写。 然而,在这人们挣扎思考的尽头,却潜藏了上帝流泪启示的开端(约翰福音11章35节:耶稣哭了。这是圣经最短的经文,表露出最深的情感)。惟愿圣灵光照世人,让世人看见只有在基督里才有真正的自由,--「天父儿子若叫你们自由,你们就真自由了;真正的平等--「以谦卑束腰,彼此顺服;以及真正的博爱--「恒久忍耐,又有恩慈,不求自己的益处,不计算人的恶。时处台湾社会失序、价值混乱、以及心灵受创的今天,盼望上帝的救赎大爱能透过他的儿女们,早日降临在失去生命方向的台湾人民身上;以此救赎之爱作为心灵重建的泉源。 艺术毕业论文:陈醉绘画艺术解读 常言,眼睛是心灵的窗户。这么多年来,我始终觉得陈醉先生的“窗户”不仅明亮,而且总有一种带着冲击性质量的“光子”透射而外。尽管熟悉往往会抹掉感官印象的棱角,但它丝毫没有削弱我从陈醉目光中所领略的这种特别。反倒是熟悉的缘故,每当我遇到“犀利”“穿透力”一类的概念时,多会联想到他那特别的目光。 陈醉平时很随和,没有学者式的矜持。他时不时“幽”一“默”的“高级语言”玩笑,往往让人乐得前仰后合。虽然如此,我依然不敢妄加心理打探,以解这位长者目光的蕴含。但我相信,那是他超群禀赋、才情和旺盛精力的自然流露。再深入地接触到那些掷地有声的学术见解和别具一格的艺术风采,我深信赋予陈醉目光以“犀利”以“穿透力”的终究,是他用丰厚学养和人生阅历铸就的文化眼光。 承家学渊源,陈醉少时饱读诗书,抚琴习画,且因父亲戎马倥偬的不乏射骑精神的潜移默化,可谓“六艺”皆备。青年时,于大学追随敬业良师,刻苦学习绘画艺术。学成不久却赶上动乱,以致在“下放劳动”的“待遇”中,把沉甸甸的底层生活“课本”啃读一遍。1978年,命运垂青,陈醉在竞争中以优异成绩,考中恢复招生的第一届研究生,成为著名美学家王朝闻先生的入室弟子。从此,陈醉如鱼得水,学术与艺术并驾齐驱,一路辉辉煌煌,直执蟪芍场?lt;BR 由“我要当总统”的稚子之愿,到“不能把名字仅仅留在粮本里”的青年大志,早先就奠定了陈醉文化眼光的高远取向。后来的理论研究,尤其对“形式感”和“裸体艺术”的深入探索,则为其文化眼光注入更加明确的理性因素。概略地了解其学术的追求,对认识陈醉绘画艺术的神采无疑是必要的。 精神分析学家弗洛伊德对力比多的揭示,为本世纪文化哲学的发展提供了一个重要的视角。在弗洛伊德看来,文明以持久地征服人的本能为基础。人的本能需要的自由满足与文明社会是相抵触的,只有克制和延迟这种满足,才能保障文明的进步。因此,人类发展的历史,乃是人被压抑的历史。在此历史中,人被规定为理性的存在,情欲、幻想、激情和希望等丰富的人性构成,则被逐出理性的现实,归入文明的禁忌或心理学的冷宫。如何解放包括情欲在内的丰富的感性世界,以“实现人性的全面复归”,便是以批判和改造压抑文明为己任的文化哲学的探索主题。 总体来看,陈醉的学术思考,属于文化哲学一路。拜读他一系列的学术著述,尤其那部影响深广的《裸体艺术论》,文化哲学的探索主题——他表述为“文化超越”,赫然纸上,通篇贯穿。 然而,陈醉的学术贡献不在于他以独立思考策应了世界范围的文化哲学思潮,而在于他立足中国文化的现实,把“文化超越”这一主题,径直导向被现实原则严密封堵的千古禁区——性意识和裸体艺术。这本身就有很强的现实意义,当年《裸体艺术论》的出版所产生的核爆炸似的影响,便是一个明证。更重要的是,陈醉秉承中国文化的人文精神传统,把艺术和人生问题相联系,使自己的学术思考以至艺术创作具有深刻的人生实践价值。锐利果敢的学术思锋,使陈醉相信人体美是人类对自身的审美感受,却特别强调这种审美情感的物化实践,即裸体艺术的创作与欣赏,始终是与人的潜意识欲望和性意识紧密关联的。正是因为它永远保持着与现实伦理既互相冲突又互为余补的微妙关系,裸体艺术才具有一般艺术或现实人体文化所不可替代的、特别而又永恒的文化功利。对此,陈醉表述为“欲望的升华”,“净化心灵,陶冶情操”,或“人生情结的解脱”。即如他所指出:“裸体艺术,是人对自身审美感的物化,它是对现实人体文化的超越,以前者更上升了一个层次,不知多少人生情结,在这里得到了解脱!”(《裸体精神的追索》) 显而易见,陈醉没有像有些西方学者那样,以颠覆现实的偏激去寻人性复归的出路,而是慧眼识得现实生活可以拥有的“更高的层次”。在他看来,这个足以寄托人类更高理想的层次,由“欲望的升华”即“一种文化的超越”所构成,它的现实形态便是艺术。具体到人类感性世界的情欲或性意识方面,那就是裸体艺术。在陈醉的学术视野中,艺术不只是审美的,还是有文化功用的,是诉诸审美的人生问题的解决。这当然是深刻之见。 文化哲学式的艺术思考,作为意蕴深刻的理性成分,构成陈醉文化眼光的主体。凭着这种眼光,他不仅把“文化超越”的主题写在自己的著作上,而且将它表现在自己的画面里。在一定意义上说,陈醉的绘画创作,是其“裸体艺术论”的继续和展开,是其对艺术文化功用的验证和发挥,是其追求“欲望的升华”或“人生情结的解脱”的自我实践。他曾用“苦恼时的创造”一言概括自己的作品,其绘画创作的价值取向是自觉和鲜明的。 在我看来,陈醉80年代以来创作的一系列作品,都是“主题性”的,即追求“文化超越”的。但是,与一般主题性绘画力求物化思想概念的旨趣大不相同,陈醉绘画的“主题性”不是强调对某个确切概念的表现,而是将这种表现本身或者整个绘画行为本身,作为“文化超越”之实践主题的贯彻与实行。对他来说,画画和画面的形式化,不是手段而是目的自身。即如他的坦率表白:“我的一些作品,大多不是为了竞选展览而去绘制,所以对诸如题材、主题等‘常规项目’并未认真推敲。……更多的往往还是出于抑郁的排遣。”(《苦恼时的创造》) 本着别样而意深的“主题性”追求,他的作品包括油画和国画,尽管不乏情节性的具体描绘,却无法归结到某个思想中心。只因为在画面上展开的一切,不是概念,而是或眷恋,或创痛,或欣喜的情绪的吐露,是画家内心或潜意识中激越而又纠缠不清的感性心力的直陈。这种绘画追求,比之对概念的阐释或事件的记叙,更贴近绘画的特性,且有更高的要求。着意于心灵世界的排遣,特别需要解决的技术问题是:如何在流动的情感体验和静态的形式结构间找到一个最佳的结合点。陈醉在这方面作过深入的探索,并颇有心得。他的代表作《空间,我们的》(油画,1982)和《熔》(油画1982),最初的画面是对留有美好记忆的自然景象的再现,然而实际呈现的具象“风景画”效果,却让画家深感“词不达意”。几经修改,仍不满意。后来,于琢磨中逐步将原先的自然形象抽象、幻化、“直至觉得寻找到了构成与心灵的透明点的时候,再一气呵成地将它画出来”,(《苦恼时的创造》),于是成就了目前的这种理想效果。他所找到的那个“透明点”,正是心理时间与形式空间的最大程度的契合。出于这次成功的探索,他80年代创作的大部分油画,多取抽象手法或表现式、印象式手法。显然,陈醉在艺术手法的选择上,绝不是唯表现形式的,而始终以“升华”、“净化”、“解脱”等绘画目的实现为准则。 陈醉不同凡响的绘画价值观,使他在追求自我理想目标的创作中,并不计较家派手法的纯粹性和构形逻辑的一贯性。在这方面他显得非常灵动,颇为“意识流”,甚至会不知不觉地顺随性情自动而形出偶发。《火祭》(油画,1985)一画,手法来源甚为丰富,它综合了写实主义的造型、表现主义的笔法、印象主义的色彩以及象征主义的构思和寓意。在画面上,画家唯我地调遣各家各派的手法,让它们各司其职、各显其能,并最终统一于、圆满于“我”的“文化超越”。就创作手法而言,最能体现陈醉个性的作品是《追思》(油画,1986年)。据画家自己介绍,在最初的草图中,他只画了一对抽象隐约的手。然而,画着画着,就多出了一只手;再画着画着,又多出一只手……等到作品完成时,线条交错构成的画面竟出现了五只手。手的“自动”增殖,不免让画家心生疑窦。但绝妙的是,有意或无意为之的画面,却有十分完美的效果。得意于出乎意料的成效和美好的过程体验,他权当一切是潜意识的驱遣,而不劳追根问底。现在来看,发生在陈醉创作过程中的这种偶然现象,自有必然之理。把人生问题诉诸审美解决的绘画目的论,自会使陈醉“沉醉”于绘画的展开过程,以致画笔不知不觉地随着心绪的流动漫游,在画布留下突破理性“草图”的灵动之迹。所呈迹象何以为手形,那只能说画家心中积郁了许多未曾释怀的关乎于“手”的人生情结。就这一点,我依然不敢打探他究竟为何的心理秘密。但我相信,陈醉作此画时,真的进入了“物我两忘”的境界,陈醉,沉醉矣。 以画为目的,固然比以此画为手段更利于也更需要达到这种大化之境。即便如此,要以油画取之,难度还是很大。此非画家不能也,乃油画“天性”之限也。油画对作画物理时间的相当要求,似乎注定它是为“写实”而存在,它不善于接纳变化无常的心理时间。陈醉在《苦恼时的创造》文中,坦述过自己面对面布却不得配合的深深的苦恼——他恨不得将一番惆怅洒落画布,画布却说:“先生,您得慢慢地来。”这种感觉真切而实在,没有商量的余地。画家日益高涨的“意写”心气,自然与之相去甚远。 也许这是原因之一,陈醉于90年代更多地投入国画创作。学贯中西的陈醉,以前也画国画,只是在这一时期,他对国画的“写意”品格有了更新的认识。凭着不断锐化的文化眼光,他洞察了国画的写意性与“文化超越”主题的默契。这种默契,于“升华”、“净化”、“解脱”的社会实践尤其是自我实践,无疑深具价值。于是,陈醉欣然向往,全力以赴,创作了一大批兼具审美意义和人生实践意义的优秀画作。 这批几乎皆以女性的万千仪态为母题的国画作品,体现了陈醉按自己的学术观点阐释女性美、人体美的推进过程,也体现了他将自己的丰富修养集结于绘画的渐入过程。以《女娲》系列(1995)为界,他的国画创作实践可分为前后两个阶段。 1995年以前的国画创作,其总体格局和倾向一定程度地延续了他表现在油画上的一般兴越,“陈醉式油画风”由强渐弱地吹过这一阶段的画面。它表现为对情节、情景的相对的讲究,对画面构成性、装饰性的追求;手法上有糅合中西的倾向,但更多地运用了现代绘画的造型手段,如抽象、分解、重构等;作品之间的画风变化,频繁而跳荡,多样而异趣。很明显,画家是在努力地探索各种可能性。这一系列的探索,赋予《故园明月在》(1992)、《长恨歌》(1989)《二泉》(1989)《乡思》(1990)、《谁染霜林》(1991)、《榕荫古渡》(1993)等作品,以殊异的风格和别样的情调。画家旺盛的创作热情和广泛的审美趣味,深厚的艺术功底和超强的变革能力,都在这些异彩纷呈的画面上得以说明。 与后期的创作相比,这一阶段的作品着重表现了一种“现实”的女性美。作为女性美的载体,画中女子不是来无踪去无影的仙女,她们有这样或那样的“现实背景”,来龙去脉是清晰的、合乎逻辑的。譬如,沐浴于盛唐温泉的贵妃(《长恨歌》1898)、踟蹰于断墙残垣间的摩登女郎(《传人》•1993),还有或徘徊椰林或掩以蕉叶的农家少女(《椰林深处》,1991;《细雨沙沙》•1992),等等。不言而喻,嵌入“现实背景”的女性美,使审美具有一种“合理性”。 《女娲》系列的推出,开启了一个更有深入之得的创作阶段。该系列依凭“神话”的支持,将女性美从“现实背景”中“抽象”出来,成为几无障碍和遮掩的“赤裸裸”的美。尽管《女娲》仍有某种过渡的性质,譬如它来源于神话,但端绪已经理清,把女性美提升到生活中的“更高的层次”的路数已经明了。“神话”很快就脱离了神话,显现出它的“理想”本质;“抽象”也不必委身于抽象手法或抽象的形,它的确切意义就是“理想化”。于是,接踵而至的裸体女子,虽有“现实”的感性特征和魅力,却毫无可供盘根究底的“现实背景”。女性美在后来这些裸体形象上,升华、净化为毫无羁绊和伪饰的“赤裸裸”的纯粹之美。“理想化”使女性美从现实中“超越”,它赋予审美以更多的“合情性”,审美对象也因此突破了“女权主义”的狭隘,成为抚慰人类感性世界的妩媚女神或观音。 诸多苦恼问题的解决,使画家的创造力得到进一步的解放。它带着画家激涌的热情、抑郁的思绪甚至或原始的欲望,带着画家化为心理图式的文气和诗、书、画、文的全面修养,喷薄而出,直泻卷面。迹化于幅间的,是一个出神入化的境界。对创作者来说,它包含着一种走笔如神游的快畅审美体验;对欣赏者来说,它透射着一种静观如神抚的沁心审美慰藉。 陈醉以往常用的画面意味的“线段”,在这一时期的创作上发展为中国气派的“线条”。它已非单纯的构形要素,而已然扩张、升腾为总揽全局的造型手法。“线条”的时间性,向变化无常的心理时间显示了无限的适应弹性。恨不得将全部情怀倾诉一尽的陈醉,终于得到了回答。画纸说:“先生,您看着办!” 他早年练就一手狂草好功,终于有了用武之地。他以书入画,写得或潇洒狂放、或缠绵细劲、或朴拙老辣、或天真简约的画面形象;他以书载文,兴起或哲理淡出、或趣味雅逸、或情意缱绻的画外意象。《空楼待归图》(1997)拙线漫笔勾一散坐沉思女子,竖长幅间的纯素空白把“等待”的时间性心理体验,和不曾迹现的丰富空间意象,表现得淋漓尽致。《闲卧图》(1998)以偏侧右边的题诗草书,和左边的一斜垂花枝一懒卧女子,构成疏朗空旷的画面。诗为半阙《蝶恋花》:“闲来懒卧惜花丛,爱赋歌诗,却意倦情慵。欲睡难眠心事重,漫捻芬芳数落红。”诗意和着斜枝垂花,在欣赏者的感觉印象中,形成一种荡漾般的动感,仿佛处处飘扬着闲思散绪。如果说在他的《西窗夜雨》(1996)、《沐泉图》(1997)、《青丝有韵》(1997)中还有较明显的西画造型、构图甚至构成成分的话,那到了《追梦》(1998)、《浅海无浪》(1999)和《初尝榴莲》(1999),则是在画面上纵情书写“狂草”了。再往后到2000年,在《窗外何人唤阿娇》、《一阵金风》和《香飘恨是又一秋》中,简直是将心中的美人随心所欲地颠倒摆弄,更获得了犹如太空失重般的飘逸自由。 画家的“欲望的升华,实现于画面,表现于画面。画家所理想的一切,以形、以书、以文,综合地获得于画面,获得于绘画的过程。我想,如此境界,是审美的,但更是人生实践的。 注重人生实践价值的艺术,追求“文化超越”的艺术,纯化语言是必要。因为,现实生活中的这种“更高的层次”,只能靠摆脱了现实羁绊、抖落了现实浮尘的艺术方式,才可能真正达到。这意味着艺术的人生事功价值,根本地取决于它的形式化。 由而,造型艺术语言的锤炼,是绘画创作最基本也最重要的工作。陈醉一贯重视这方面的修养,以致对绘画的形式特性和形式美规律有深度的领悟。早在大学期间,他凭聪慧和勤奋,深得周本义先生的真传,对西画语言有很好的把握。他画于六十年代的一批水粉风景写生,如《水乡清晨》(1963)、《太湖落日》(1963)、《明日起航》(1965)和《古老的曲调》(1965)等,在构图、用笔、调色和整体控制方面,都显示了上乘的修养。而且,他利用形式因素表达主观情感的才能,是非常突出的。他的这批画颇有印象主义、表现主义的趣味,这在当时肯定是比较前卫的,甚至今天看来仍不失新鲜感。《水乡清晨》一画的形式感尤其强烈。画家以轻逸灵动的笔法,简括而细腻地捕捉了蓝紫灰调中的微妙色彩变化;流畅的冷暖转换、明快的色度比照、中性灰的均衡把握以及恰当的轮廓线起伏处理,使整个画面透着一种沁人心脾的优雅和清冷的“薄意”。这种兼得绘画性和装饰性之微妙的形式感,不仅普遍见于他包括作于时期早期作品,而且一直延续到晚近的油画,甚至于新近的国画。《空间,我们的》、《追思》、《圆,扩大的外延》、《熔》等油画代表作,都是在这种形式感的基础上向新的方面推进的。值得强调的是,这几幅作品以及《福》等,在以形、线、色彩分割或构筑画面空间方面,都有出色的表现。均衡中寓飞扬之势、统一中见巧趣变化的画面效果,显示了陈醉把握构图规律和空间形式品格的深度。 陈醉有很好的色彩感和色彩修养。他的油画作品色彩亮丽丰富、细腻雅致,加上形态运势颇有考究的笔触效果,显得既有节奏平和的装饰味又不失油画所注重的厚重感。他并不在意描绘光照效果,但恰到好处的色彩对比和灵活的笔触处理,使其画面往往能给人以“透亮”的明快感。 在形式特征上,最不能忽略的就是陈醉国画上的“肤色”处理。我觉得尤其像《惜秋图》和《追梦》(1998)那样的幽趣的“肤色”,是陈醉在国画人物用色上所取得的绝妙成就。毫无疑问,这项成就得益于他的西画色彩修养,也得益于他在国画化方面所下的探索功夫。这种“肤色”,感觉上很厚,圆润而丰腴,有一种若玉的蕴藉,仿佛带着女性肌肤的弹性和体温。但近前细看,它不过平平铺就且色性略为偏冷。其中奥秘除了色彩配比关系的恰到好处外,恐怕还与花青的渗透性和一些矿物质颜料的沉着性在既融合又分离状态中所呈现的微妙变化有关。另外,讲究的用笔方式,也是有关系的。 诚如一些论者的评价,陈醉是一个画家型学者,又是一个学者型画家。这种评价看到了他在事业上的统一性。依我之见,统一陈醉事业两方面的,是他以丰厚学养铸成的文化眼光。这使他既可以“一分为二”地深入学术和艺术;也能够“合二为一”地融学理为绘画,化绘画为学理。正因如此,陈醉从未在理论家和画家之间感受到“鱼”和“熊掌”不可兼得的屏障,反而觉得是一体的两面。不隔的理论与实践、思考与创作、学理与画趣,恰恰构成陈醉独步于世的学术境界和艺术境界。 艺术毕业论文:影视艺术系毕业论文—生命的凝视 享誉国际的波兰电影大师奇士劳斯基(kieslowski),已于三月十三日走进人生旅途的最后一站,弃世而去;享年五十四岁。消息传来,令许多关心电影文化发展的爱好者感到痛惜,国际影坛又失去了一位具有人文省思的导演(注一);没有想到他的「三色电影─《蓝色情挑》、《白色情迷》与《红色情深》─竟成为绝响之作。 此刻在我的脑海里,不断地交替浮现《红色情深》里孤寂的退休老法官和奇士劳斯基黯自思索的脸孔;不知他会如何看待自己的一生和这世界?在一股扼腕叹息与信仰探求的驱使下,尝试从奇士劳斯基惊艳欧洲的成名之作《十诫》和「三色电影,一窥他的宗教信仰和人生信念。 其实,奇士劳斯基的电影事业是滥觞于记录片;独特的拍片风格使他在六十、七十年代的波兰影坛独领风骚。在他的片中不断地揭示共产社会制度之下的生活困境,以及共党政府的不实宣传,企图唤醒当时社会的良知;后来与电影界菁英份子,如华依达(wajda)、赞努希(zanussi)等人,推动『道德焦虑电影(cinemaofmoralanxiety),强调政治和社会改革的意识。 奇士劳斯基视记录片这个媒体可以忠实地描写人世;他曾说过:『当我拍记录片的时候,所拥抱的是生命,接近的是真实的人物、真实的生命挣扎,这驱使我更了解人的行为─人如何在生活中克尽其责地扮演自己。因此,他常投注许多的时间来观察周遭之人的生活,并关心人在波兰这样的社会现实中如何自处。 然而,奇士劳斯基亦了解到拍摄记录片先天上有一道难以逾越的门槛:在真实的生活中,人们不会让你拍到他们的眼泪,人们想哭的时候便会把门关上。当摄影机接近人这个主体时,人就渐渐在镜头前消失了(注二);于是,他便将拍摄兴趣转向剧情片。但是,在后期的剧情片作品当中,仍然是以一些想法和信念为主;重视个体的生命和生活,仍旧维持早期拍摄记录片的原则。 奇士劳斯基宣称他所拍的每一部电影,除了《工人》之外,都是在讲论人的,而非政治的故事。经过三、四十年社会政治动荡不安的生活历练之后,他觉得政治其实并不是如此的重要。当然,从某个角度而言,政治可以决定我们的社会角色、生活型态、以及外在的生活举止;但是却无法干预或是解决最重要的人性内在问题。 因此,当他摆脱政治的压迫性桎梏之后,电影的创作主题就明显地深入触及普遍而人性化的生活课题─人性的本质为何?何以为人?以及人的命运等问题(注三)。 八o年代中期,紊乱和脱序的社会现况宰制著波兰,紧张无望的情绪,以及对未来生活的恐惧,弥漫在社会各阶层人民的心中。奇士劳斯基说道:『我们生活在一个艰难的时代。在波兰任何事都是一片混乱,没有人确切知道是什么是对的,什么是错的;甚至没有人告诉我们为什么要活下去。或许,我们应该回头去探求那些教导人们如何生活,最简单、最基本、最原始的生活原则。(注四) 他尝试回头从民族文化传统中撷取灵思:改编圣经伦理道德诫律─十诫;拍摄十部描述关于十到二十位都会男女的故事,他们各自面对生活中道德与伦理抉择的困境。每部电视剧情短片所讨论的道德议题,并不是直接引自圣经十诫中的某一条诫律;相反地,他却将十诫教义重新诠释(注五),或是根本的偏离,以背道而驰的辩证态度,反映出将十诫教条化的荒谬性(注六),逼使观众思考它的真义。 因此,对于每部影片所提出的道德困境,奇士劳斯基从未提出任何的解答,而只是留下一个开放式的结尾,让观众自己去思考评判。所以,在他许多部电影的结尾,总会出现主角黯自思索的画面,让观众直视生命中道德两难的抉择困境;因为,这是我们无法逃避或是摆脱的,必须勇敢无畏地面对它。 奇士劳斯基拍摄《十诫》时,已将拍摄的重心从外在政经环境的描述、社会事件的影响,转为人物的内心世界的挣扎,尤其是那些回到家里,便关起门面对孤寂自我的人们;他尝试去发觉他们到底是怎样的人,以何种的生活原则与他人互动。因此,他抽离影片的社会政治背景,架构在一个封闭的生存空间、人物故事反覆循环的结构中,在在地显示他想要建筑一个空中阁楼,以探索人的精神和信仰世界、宗教与道德的冲突,以及人际间的疏离异化关系。 奇士劳斯基认为每一个人─不论生活在何种政治制度之下──都有两张脸。一张脸适合在外面的世界装戴,戴给陌生人看;另一张脸则是赤裸地摆在孤寂自我的面前。因此,在每天的人际互动与人事处理过程中,我们所有的作为和决策,都是没有其他出入的结果,永远不能十分笃定地说:『我很诚实或是『我不诚实;『诚信是个极其复杂的组合--常是两害相权取其轻的选择。 在构思《十诫》的期间,他常想到这些问题:什么是对的?什么是错的?什么是谎言?什么是真相?何谓诚实?何谓不诚实?它们的本质为何?又该以何种态度来对待它们?奇士劳斯基认为能够提供绝对的仲裁标准的确存在。不过,当他说他想到是上帝时,指的是旧约的,而非新约的上帝。 旧约的上帝给予所造人类极大的自由与责任,他观察我们的行为而加以赏罚,想求得他的宽恕是不可能的;而新约的上帝却是为蓄著白发,宽容而良善的老头子,无论我们做任何事,都可以得到他的原谅。但是,他却不认为这个世界有绝对正义这回事,而且我们永远无法得到它。唯一的正义存在我们心中的那把秤上,而我们的秤又非常微小;我们又卑微,又不完美(注七)。 事实上,在《十诫》影片中,最被奇士劳斯基看重的是对生为人与做人价值的尊重;因为『新生命的降临是美好的(出自《第二诫》中丈夫安德瑞之口),以及『没有任何的思想和理念比孩童的生命更为重要)(出自《第八诫》中伦理学教授苏菲亚之口)。 然而,上帝的问题在片中并未直接地被提出来讨论;在《第八诫》中只是被引喻为「那个住在我们内心的人,作为良心的声音与道德评判的标准;只有在《第一诫》中小孩保沃问其姑母:『上帝是什么?姑母并未直接回答他,而以拥他入怀的方式来说明上帝是爱。可是当保沃因溜冰而溺毙时,奇士劳斯基似乎藉著其父推倒教堂里圣坛之举,质疑了千古以来虔诚信徒心中坚守不移的信念。 《十诫》影片中的每一诫都是可以成为各自独立的单元,而导演也动用了不同的演员和摄影师,来赋予此一系列不同的情感、风格、与视野;不过,各诫影片中也有一些相同的基调,例如单调的色彩、同一样式的房屋、以及一位神秘的「沈默目击者,贯穿各诫主角面临抉择的关键时刻。 这个神秘人物曾引起各界人士臆测纷纷,他到底代表了什么?命运?天使?上帝?还是奇士劳斯基自己?奇士劳斯基曾如是说道:『他对情节没有什么影响;但是,当他出现时,会引导剧中人去思考他们正在做的事;他是一个思考的源头。他凝视剧中的角色人物,让他们对自己提出问题。但是,我个人认为这位『沈默的目击者是奇士劳斯基心中『不说话的上帝。当他颁布人间的道德规范──十诫──之后,便以冷冽的目光,偶而带点责难,注视著芸芸众生的一言一行;当人们面对生活中的道德困境时,十诫却成为逃避抉择的藉口。 在《第一诫》片头开始,这位「沈默目击者的出现极具象徵意义;他坐在湖边取暖,而这个湖却淹死了《十诫》影片中唯一问『上帝是谁?的小孩。因此,我个人认为神义论(theodicy)应是奇士劳斯基信仰的障碍;在他的绝响之作--「三色电影,就放弃了与「不说话上帝的对话,而代以机缘巧遇(chancemeeting)来面对生命中不可知与不可解的挣扎。 如果说《十诫》是八十年代末期最重要的信仰反思之作,那么「三色电影--《蓝色情挑》、《白色情迷》、《红色情深》--便是九十年代初期最深刻的人文探索瑰宝。 奇士劳斯基延续《十诫》影片的构想--以当代的观点,从人性心理出发,深究现代都会男女的心灵困境,并印证旧约圣经的宗教诫律关系和价值意义;重新探索西方世界追求的人类文明精神--自由、平等、博爱,并尝试从人性化、隐私和个人的层面,来探求它对人类心灵重建的现代功能与意涵。 《蓝色情挑》的序场始于一场突如其来的车祸,顿失丈夫和女儿的女主角茱莉,选择了斩断所有人际关系,逃离旧时生活的「自由;影片中从未出现她探访墓园或是观看过去的居家生活相片。茱莉已下定决心,刻意遗忘过去:拍卖旧宅家俱、安排佣人与年迈母亲的晚年生活、丢弃丈夫生前未完成的音乐稿件,以及隐居在无人认识的小公寓里,重新开始「新而自由自在的生活。 但是,因著情感和嫉妒的缘故,茱莉又不可避免地卷入他人的生活之中:与丈夫助手奥利维的情感纠葛、妓女露西耶的友情发展,以及丈夫情妇多明妮的爱妒交杂,这些人事情感威胁著她的新自由,这是她无法逃避和控制的一面。 奇士劳斯基在剥除所有表象的自由之后,让我们看到更深一层自由的真义--精神与灵魂的自由;受造有限的人类到底拥有多少自由呢? 《白色情迷》片首的法庭答辩词--「平等何在?,道出了一位旅居异国、言语不通、性生活失调,因而导致婚姻失败的波兰男子卡洛的不平之鸣。 因此,当他历经千辛万回到祖国波兰之后,便不断地藉由不法的经济手段,快速地累积财富;最后,计诱前妻飞抵波兰,在证明他的男性雄风之后,就诬陷前妻以谋害亲夫之罪入狱,使得女主角多明妮饱尝身为异乡人的不平等对待。 奇士劳斯基选择法院--现代文明制度用以落实「法律之前,人人平等理念的机制--开展「平等追寻的主题,正显示出他洞悉人类追求平等的矛盾:每个人都想「更平等。 「平等在「白色情迷影片中隐含一种权力的拉扯,带有强烈的政治气味,包括两××*情的政治、法国与波兰两国社经发展的政治、波兰与苏联两地人命生死的政治,以及因落实平等理念所需威权的政治;显示出人类除了出生与死亡二个生命环节平等之外,在生存的过程中,何尝真正平等过? 《红色情深》是三色电影系列的最后一部,亦为奇士劳斯基导演生涯画上完美的句点。由《蓝色情挑》唯心观点,诠释精神与灵魂存在的自由真谛,转入《白色情迷》由唯物观点剖析欲望扭曲下,人世间追求平等的种种假相;而《红色情深》则综合以上二片的大成,无论在视觉上、主题上都为三色电影作了博大精深的总合(注八)。 《红色情深》开场那段电话线路的推轨镜头,音轨满布了密密麻麻的对话,点出了电话作为二十世纪科技产物,不仅不是沟通人与人之间情感的工具,反而常使相爱之人陷入猜疑、困顿的情境;电话线两端的人藉著话筒刺伤对方,彼此煎熬。 《红色情深》是一段孤寂老法官和热情少女相互提携、启聩的生命成长之旅:老法官的窃听行为,使得女主角范伦媞娜明了人心灰暗的一面,即使我们关心别人,替别人著想,亦是从自己的角度出发;而女主角的热情关爱,则将生命的阳光引进老法官灰黯萧寂的心田,使得他能够破茧而出。 博爱的精神在本片中显现于法官对待小狗的情感上;老法官曾对他的牧羊犬希妲的生死无动于衷,随著希妲产下七只小狗之后,他将它们抚抱于身,对小狗态度的改变,亦如实反映他重新以悲悯的眼光关注人世(注九)。 此外,「三色电影中的角色,时常在他们的生活中相互擦身而过,却从未与对方生命发展具有意义的关系;甚至两个未曾谋面且身处不同时代的人,竟不断重覆彼此的生命轨迹,例如《红色情深》中老法官与年轻法官奥古斯特的故事,生命情境中似乎充满了许多同样难解的机缘巧合之事,有待每位角色真诚地面对与抉择。 奇士劳斯基似乎比我们多一对眼睛,看到生命困境的映象不时地在人生角落中重演,必须以爱来回应。在「三色电影中有一椿共同出现的小插曲,便是一位佝偻的老太太吃力地要把玻璃瓶放入垃圾桶内。 《蓝色情挑》的女主角茱莉沈浸在新生的自由里,未曾意识到她的存在;《白色情迷》里顿失一切的男主角卡洛,看著比自己更无助的老太太,嘴角漾开幸灾乐祸的微笑;直到《红色情深》的女主角范伦媞娜才伸出援手,帮助老太太将瓶子放入垃圾桶(注十)。 奇士劳斯基透过此一小插曲,道出了「三色电影的主题与他的人生信念:孤独的个体惟有靠著彼此的关爱和互助,才能重建心灵与自我救赎。然而,这样的救赎仅止个人的责任和能力范围之内;作为一个导演的他,也仅能救助他所创造的角色--《红色情深》片尾海难幸存的人。 「三色电影是奇士劳斯基用现代的眼光诠释法国大革命以降,人类追求自由、平等与博爱的努力,以及其中所遭受到的挫折与失落感。他对此问题并没有提供一个标准的答案,只是深刻地刻划生命中的困境供我们深思;因此,三部影片的结尾都是主角流泪黯自思索的脸部特写。 然而,在这人们挣扎思考的尽头,却潜藏了上帝流泪启示的开端(约翰福音11章35节:耶稣哭了。这是圣经最短的经文,表露出最深的情感)。惟愿圣灵光照世人,让世人看见只有在基督里才有真正的自由,--「天父儿子若叫你们自由,你们就真自由了;真正的平等--「以谦卑束腰,彼此顺服;以及真正的博爱--「恒久忍耐,又有恩慈,不求自己的益处,不计算人的恶。时处台湾社会失序、价值混乱、以及心灵受创的今天,盼望上帝的救赎大爱能透过他的儿女们,早日降临在失去生命方向的台湾人民身上;以此救赎之爱作为心灵重建的泉源。 艺术毕业论文:试析艺术民族性与世界性 毕业论文 毕业论文 文章以生动的语言、丰富的材料探讨了艺术民族性与世界性。提出艺术世界性不等于美国化,也不等于欧洲化。艺术的世界性不以某一国、某一地区的艺术样式为标本,它同样处于发展之中。保持艺术的民族性不能夜郎自大,不能无视他民族艺术精华;吸收他民族艺术精华也不是将民族个性消解。我们不能祈求拥有一种包含一切艺术之优点的艺术,应不断吸收他民族艺术的精华,以完善和发展本民族艺术。在世界艺术的大舞台上,民族性才有意义,离开这个舞台不仅其艺术的民族性将失去光彩,艺术的世界性也不复存在。 艺术的民族性是指“运用本民族的独特的艺术形式、艺术手法来反映现实生活,使文艺作品有民族气派和民族风格。”①具有民族性特点的艺术作品立足于本民族的文化艺术传统及审美意识,采用传统艺术形式创作,主要表现本民族人民群众的生活、思想感情、愿望和艺术审美情趣。 艺术的世界性主张摆脱桎梏、解放思想、抛弃民族文化传统,是一种超阶级的势力扩充。②就艺术而言,是一种能为多民族所接受、容纳的形式、内容。 关于艺术民族性与世界性的关系有以下两种观点,其一认为艺术的世界性超越民族性:由于时代的前进,文化艺术同经济一样会在相互借鉴的基础上趋于统一,形成具有同一特点的超越民族性的世界性艺术潮流,这种具有世界意义的国际化艺术将成为今后世界艺术发展的主流;其二认为艺术的世界性同样具有民族性。持这种观点的人认为:随着艺术的发展,以及人们对艺术民族性认识的深入,只有在积极吸收外来文化的基础上,不断发展民族艺术,才能使艺术作品具有真正的民族性。 同志曾指出“近代文化,外国比我们高,要承认这一点。艺术是不是这样呢?中国在某一点上有独特之处,在另一点上外国比我们高明。……中国文化应该发展。……象西太后反对‘洋鬼子’是错误的。要向外国学习,学来创作中国的东西。……我们接受外国的长处,会使我们自给的东西有一个跃进。中国的和外国的要有机地结合,而不是套用外国的东西。……外国有用的东西,都要学到,用来改进和发展中国的东西,创造中国独特的新东西。”③ 应当看到西方文化对经济落后的民族有着不可抵御的吸引力。正确认识艺术的民族性与世界性的辩证关系,对于处在世界各民族联系愈来愈紧密的今天尤其具有现实意义。 笔者以为艺术的民族性与世界性既不能等同,也不能截然分开。二者是互相联系又互相区别的一对矛盾的两个方面。 首先,保持艺术的民族性不能夜郎自大;不能因为本民族艺术曾滋养过他民族文化而藐视他民族文化。 正如当我们看到一个乞丐大言不惭地向人们诉说其祖其父曾经是如何如何的高官巨富时,相信任何人都不会同情他,甚至有人会骂他是败家子。先贤的荣耀是我们民族的光辉历史,它应成为我们今天发奋图强的动力,而决不是我们招摇撞骗的旗帜或涂脂抹粉的面霜。当我们夸耀中国画的写意境界如何之高:气运生动、骨法用笔等等,而贬斥西画虽工亦匠,不入画品时,在某种意义上也在承认中国水墨画粗枝大叶,西画精雕细刻。二者相辅相成。有阳光照射就会有阴影存在,这是人们早已深悉的道理。中国水墨画追求无暗面的画面效果,实则是在表达一种理想的追求、美好的向往,向往着这个世界没有黑暗、没有阴影,希冀我们的主人前途明媚、无上荣光。世界上能找到没有明暗对比的事物吗?孔雀开屏时,难免会将它难看的屁股展现无疑。万事万物无不如此。艺术应该保持本民族的独特个性。艺术世界的缤纷多彩由无数不同民族、不同艺术个性的艺术家组成。很难想象有一天各民族艺术失去本民族的艺术特色,全人类仅拥有一种艺术样式、艺术风格、艺术语言甚至表现内容时会怎样。这一天不仅难以想象而且根本不可能存在。即使到了共产主义社会,艺术的民族性也会象自然界中的花花草草千姿百媚一样,呈现出一派缤纷的景象。如果存在一种世界性的艺术样式、艺术风格、艺术语言,那么这不仅标志着艺术的消亡,也是人类社会的悲哀。花红柳绿相辅相成,世界艺术的繁荣也要求必须保持各民族艺术的个性。 斯大林同志曾把“表现于共同文化上的共同心理素质的稳定共同体”作为民族特点的一个必不可少的标准。那么,是否存在艺术民族性的标准?或者说,什么样的作品才称得上是具有民族性的作品?这不是一下子能够回答的。艺术的民族性本身也不是一种样式,而是百花齐放的。这“花”来自艺术家各自对传统的选择,来自个人的生活体验、人生体验、情感体验,甚至来自艺术家对民族艺术因素独特的吸收、借鉴。正是这些相异性使艺术的民族性本身也是多样的。艺术的民族性相对于艺术家个人创作而言又是一个共性的概念。艺术家的“个性”是它的基础。没有艺术家的创作个性也就没有民族艺术。所以,倡导艺术民族性时必须同时提倡艺术家的创作个性。 其次,保持民族性不能无视他民族艺术精华,吸收他民族艺术精华也不是将民族个性消解。 艺术世界性不等于美国化,也不等于欧洲化。艺术的世界性不以某一国、某一地区的艺术样式为标本,而且随着各民族艺术的发展,艺术的世界性同样处于发展之中,不是一成不变的。 中西融合不是将一瓶红墨水、一瓶黑墨水倾注在一起的黑红不分、非此非彼、非驴非马。就艺术而言,这不仅不必要,而且不可能。中西融合之“融合”是为了吸收他民族文化艺术之营养,正如人吃猪肉、羊肉,不是为了使自己变成猪、羊一样,这种吸收、借鉴,绝不是外表的摹仿、复制、克隆,而是为我所用,用以滋养我们的身心、我们的艺术,强我们的身、健我们的体,发展我们的民族艺术。 “如同我们对于食物一样,必须经过自己的口腔咀嚼和胃肠运动,……然后排泄其糟粕,吸收其精华”。④众所周知,西方现代主义艺术吸收了东方乃至非洲原始艺术的精华,但西方艺术没有被东方艺术淹没。我们今天吸收、借鉴他民族的艺术精华,必须具有明确目的,即为了促进本民族艺术的发展。 在今天这样一个被称为“地球村”的信息时代,若要求一民族艺术洁身自好、守身如玉不受他民族艺术丝毫影响,象牛郎、织女隔河相望而又互不倾慕,实在太难;如果要求艺术家在艺术荟萃的大花园中只采摘本民族艺术之花而对他民族艺术的奇花异草毫不动心,也实在难为我们的艺术家。“物以稀为贵”那种他民族拥有而本民族缺乏的事物,常常具有极大的诱惑力。正如人们常常不满足粗茶淡饭而追求饱眼福、饱口福一样,吃腻了大鱼大肉的贵族会对布衣之食垂涎。在不断的喜新厌旧和怀古中人类创造了今天的文明、今天的艺术;人类也会在新一轮喜新厌旧和怀古中创造出明天的新生活和新艺术。 只要各民族间的交往存在,艺术的交流就不可避免地会存在。艺术的民族性只有在与他民族的交往中,在世界艺术的舞台上展现自己的美丽并不断改变自己的舞姿,才真正具有魅力。对待西方艺术、西方文明既不必咬牙切齿,也不必趋之若骛。西方各种艺术既不是洪水猛兽,也不是济世良药。 我们不能祈求拥有一种包含一切艺术之优点的艺术,这不仅不可能,而且无意义。我们也不必抱残守缺、孤芳自赏,我们应不断吸收他民族艺术的精华,以完善和发展本民族固有之艺术。同样我们也应看到,有些民族艺术、民间艺术并不具有世界性。我们的民族与世界其它民族一起构成一个大部队。我们不必裹着小脚、拖着长辫在世界文化的行列中行走。任何民族都不必亦步亦趋地跟在他民族艺术后面接轨。出污泥而不染的荷花并不拒绝污泥提供给它的养料。只有站在本民族及他民族前辈两个肩膀上,才能成为当代艺术的巨人。无论是艺术家还是艺术欣赏者,不仅要对本民族的艺术传统进行选择,对他民族的艺术也必须用我们的量规加以规范、选择。我们应提倡创造性地继承吸收,避免奴隶般地因袭。 在世界艺术的大舞台上,民族性才有意义,离开这个舞台不仅其艺术的民族性将失去光彩,艺术的世界性也不复存在。 艺术毕业论文:在毕业论文写作中开展经典艺术作品专题探讨的研究意义 摘 要: 在毕业论文写作中开展经典艺术作品专题探讨的研究,是检验教学情况的综合体现,是学生从学校走向社会的桥梁。在探讨中,我们不仅要把文化知识与艺术专业融会贯通,而且要把探讨的过程视为校园文化建设的一个组成部分,同时也是对民族文化艺术经典作品的一次继承和创新的尝试;在探讨中,要注重已有的文化知识和艺术专业特长,善于使用思维方式,使毕业论文写作各具专业特色;在探讨中,努力做到真正地掌握学习方法,树立良好的文风,使得艺术实践与理论分析的能力得到锻炼和提高,努力使自己成为祖国和人民需要的德艺双馨的艺术人才。 关键词: 毕业论文写作 经典艺术作品专题探讨 意义 在毕业论文写作课堂教学中开展经典艺术作品专题研讨,不仅是为了有效地提高毕业论文写作的水平,提高毕业论文写作课堂教学的实效性,更是为了端正学生毕业论文写作的态度,树立正确的认知观念,摸索毕业论文写作教学指导的方法,寻求提高学生写作质量的途径。其意义主要体现在以下几个方面。 一、在毕业论文写作中开展经典艺术作品专题探讨的研究,有利于经典艺术作品的继承和创新。 同志曾经指出:“推进文化发展,基础在继承,关键在创新。继承和创新,是一个民族文化生生不息的两个重要轮子。”从他的讲话中我们可以明确地知道,继承和创新是紧密地联系在一起的,是辩证的统一。没有继承就不会有创新,继承是手段,创新是目的。缺少了继承,创新便会成为无源之水,无本之木。法捷耶夫在《谈文学》中说:“现代世界进步文学是过去文学发展中一切优秀成就的自然而然的――可以说是――合法的继承者,同时他们又在人类艺术发展中向前迈进了新的一步。”海明威1954年荣获诺贝尔文学奖,但他并没有去参加授奖仪式,由美国驻瑞典大使代读的书面发言中有这样一段很著名的话:“对于一个真正的作家来说,每一本书都应该成为他继续探索那些尚未到达的领域的一个新起点。他应该永远尝试去做那些从来没有人做过或者他人没有做成的事。”[1]这些论述,阐明了继承和创新的优秀精神,就是要求人们不断地去研究、探索、前进。继承和创新不仅延续着传统的艺术特点和优势,创造着新颖鲜活的内容和形式,更应该具备时代的理想和精神。对此,无论是伟大的革命家、思想家还是艺术家都有过深刻的阐述。马克思曾经指出:“希腊神话不只是希腊艺术的武库,而且是它的土壤。”[2]这里我们可以认识到艺术的继承性体现在内容和题材方面。画家吴冠中说:“风筝不断线。”[3]他告诉我们继承和创新必须立足于民族的土壤。“只有站在前人的肩膀上,才能跨越前人探索过的阶段,并以前人的成果为基础,去进行更高层次的探索和创造。”[4]从这句话里,我们清楚地看到继承和创新是艺术发展的历史趋势。艺术是无国界的。任何民族的优秀的艺术成就,既是民族的,又是世界的。所以继承和创新不仅体现在毕业论文写作教学对经典艺术作品的专题探讨上,而且体现在平时日常的文化与专业的学习的各个方面。 在毕业论文写作中开展经典艺术作品专题探讨,不仅仅是对文化艺术继承和创新的尝试,而是要运用恰当的思维方式和已有的知识与专业实践,致力于使自己的学业与社会保持零距离的一次冲刺。所以在毕业论文写作课堂教学中,我们选择舞剧《一把酸枣》作为专题研讨的材料,其目的就是希望通过这样的研讨以点带面,起到举一反三的作用。文化艺术的海洋,经典作品不计其数,但该剧在舞蹈艺术领域和学术上不仅对中华民族文化作出了独特的贡献,而且曾获得过国家舞台精品剧目等多项大奖,它不仅是舞蹈艺术中的一朵奇葩,而且是山西打造文化强省的一个窗口。如今该剧已成为晋商文化的一个闪亮标志,是全国艺术职业教育走产学研相结合发展道路的成功典范。翻开中华人民共和国建立以来的舞蹈史,人们就可以清楚地了解舞剧《一把酸枣》在民族文化艺术上的地位和贡献。 大型舞蹈史诗《东方红》,第一次用歌舞的形式,展示了中国共产党领导中国人民翻身得解放的历史;民族舞剧《丝路花雨》,第一次用民族舞的形式,赞扬了丝绸之路上,英娘不畏强权同当地恶霸斗争的故事;《黄河儿女情》《黄河一方土》《黄河水长流》,这三部作品凭着土美、怪美和丑美,歌颂着浓郁的民族风格、地方风韵和时代风采;《红色娘子军》《白毛女》第一次用芭蕾舞的形式把中国人民在中国共产党领导下打土豪、斗地主,妇女翻身得解放的故事展示给了观众;舞剧《一把酸枣》却是第一次把晋商搬上了高雅的舞蹈艺术的舞台。 再从艺术职业院校的学习状况看,无论是文化还是专业课的学习,平日里教师们传授的虽都在文化艺术经典的范畴,但是有些学生往往在学习中把教师传授的技巧简单化,一味地只是找窍门;有的遇到一些问题解决不了,就只好把艺术专业的学习“神秘化”,其结果是“望艺兴叹”;还有一些学生虽然学了一着两势,就感到足可以称“星”了。这些学习现象直接影响到毕业论文的写作。在毕业论文写作课堂教学中,开展舞剧《一把酸枣》的专题研讨,不仅可以继承和创新艺术的内容和形式,而且可以把日常的学习做个总结和比较,更可以激励学生们发扬舞剧《一把酸枣》的制作精神:“探索、创新、开拓”。在教学的同时突出学院的艺术品牌,体现学院的办学定位,对于形成地方院校的乡土校园文化风格,提高毕业论文程序性认知规律的掌握,培养学生创新思维,突出课堂教学的实效性,探讨晋商独特精神的生命状态和生存状态,以及晋商对人类文化艺术的贡献都有着十分重要的意义。 二、在毕业论文写作中开展经典艺术作品专题探讨,不仅需要继承和创新,而且需要运用写作知识、民族文化常识和艺术概论常识。 “常识是人们普遍掌握的道理。不管到什么时候,艺术总难免要承担普及某些社会常识的任务”。[5]但是这些常识和“知识本身并没有告诉人怎样运用它,运用的智慧在于书本之外。这是技艺,不体验就学不到”。[6]现代社会信息的时代,知识是公益性的,经验才是专利,从知识的学习中获取智慧才是学习的最高境界。在毕业论文写作中开展经典艺术作品专题探讨,就是运用智慧,促进学生自觉学习毕业论文知识完成毕业论文的一个过程。教师的任务就是指导学生运用毕业论文写作知识,开展经典艺术作品专题探讨,解决写作中遇到的问题,以至于将来步入社会时能“承担普及某些社会常识的任务”,从而体验“写作则能使人精确”,[7]能够自我认识的快感。正如罗丹所说:“艺术,就是所谓静观、默察;是深入自然,渗透自然,与之同化的心灵的愉快;是智慧的喜悦,在良知照耀下看清世界,而又重现这个世界的智慧的喜悦。”[8]毕业论文写作就是运用语言艺术分析音乐、舞蹈、色彩等艺术现象的一个过程,它是促使学生了解世界的一个认知过程。因此,在毕业论文知识学习的过程中,不仅要像学习艺术专业那样充满感情和耐心,而且要用“锐利的眼光能够发现‘性格’,换句话说,就是能够发现在外形下透露出的内在真理;而这个真理就是美的本身”。[9]这里的“性格”,在毕业论文写作中的运用就是要求学生写出自己所学专业的特色,发现在艺术外形下透露出的内在规律。 在展开经典艺术作品专题研讨时,还要注意区别艺术专业学习与毕业论文写作思维上的不同。艺术,就是“通过塑造形象具体地反映社会生活、表现作者思想感情的一种社会意识形态”。[10]余秋雨在《艺术创造论》[11]中引用了克尔希奈的一段话: 立在周围世界一切过程与事物背后的伟大秘密,常常影像似的现出来或可感,如果我们和一人谈话,站在一个风景里,或花及物突然对我们说话。你设想,一个人坐在我对面,而在他诉说他自己的经历时,突然出现这个不可把握的东西。这个不可把握的东西赋予他的面貌以他的最个性的人格,却同时提高他,超过那人格。如果我做到,和他在这个我几乎想称之为狂欢状态里联系上了,我就能画一幅画,而这画,虽然紧紧接近他自己,却是一种对那伟大秘密的描绘,它归根到底不是表现他的个别的人格,而是表现出了世界里荡漾的精神性或情感。这样远的摆脱了自己,以至于和一个别人能进入这项结合,这个可能性。……从这个阶段,用任何手段,例如通过文字或色彩或音调来创作,这就是艺术。 从这些论述中,我们可以知晓艺术及艺术创作使用的多是形象思维。形象思维是通过感性形象来反映和把握事物、创造文学艺术的思维方式。其思维特点是:以表象为思维的中介,形象地反映事物和创造成果。也就是古人所说的“神与物游”、“思与境谐”;它不排除情感体验的因素,情感因素和理性因素可以在形象思维中相交织,相渗透;可以借助想象,超越时空界限,跳跃形式逻辑的思维程序,完成新形象的创造。正因为如此,艺术是以形象思维为主要的思维方式。无论是语言艺术,还是表演艺术、造型艺术、综合艺术,它们都是在刻意创造生动感人的艺术形象,塑造出一种艺术意象和意境,一种心灵生活的图景。而毕业论文写作却是运用概念、判断、推理等方式,对艺术现象的感性材料进行分析综合、抽象概括、推导判断,作出结论。王力先生曾说:“撰写论文,第一点,也是最重要的一点,就是要运用逻辑思维。如果没有科学头脑,就写不出科学论文。所谓科学头脑,也就是逻辑的头脑。”[12]逻辑思维要求人们必须冷静客观,周密严谨,认识、分析、总结事物时要剔除表面的东西和偶然的因素,达到对事物本质和内部规律的认识。但是同时我们还必须清楚地认识到“在艺术里最高的层次是哲理性的艺术作品”。[13]例如舞剧《一把酸枣》,主人公小伙计虽然历经艰难获得了巨大的财富,但却误食了有毒的酸枣,以致命殇荒漠。这种财富与情感的巨大落差,充满了哲理,给人精神上巨大的震撼和惊醒。其中的《团扇舞》,不仅婀娜多姿,深受观众喜爱,而且表现了中国地域性的某时期的一种特有的人文现象:小脚女人的典雅、端庄。但在我们的习惯思维中,一提起小脚女人便认为那是中国女性耻辱的象征,是很不情愿示人的。鲁迅曾在《藤野先生》一文中提到:“但他也偶有使我很为难的时候。他听说中国的女人是裹脚的,但不知道详细,所以要问我怎么裹法……”舞剧编导抓住了女性这一时期的生存状态,运用逆向思维的方法,使观众能够从另一个角度审视历史文化现象。这就是艺术运用哲理的魅力。这正如余秋雨先生所说:“艺术进入哲理的领地,也是人类在审美领域的一种整体性超越。”[14]这样看来,在毕业论文写作中开展经典艺术作品专题探讨,既要运用形象思维,又要使用逻辑思维。这不仅仅因为“逻辑修辞使人善辩”,[15]而且逻辑思维可以指引你理解艺术 形式的最高境界。 三、在毕业论文写作中开展经典艺术作品专题探讨,注意各种知识的融会贯通和思维方式的运用,有利于改变学习方法,端正文风。 这种研讨可以从课堂结构上改变满堂灌的教学形式,进一步明确教师的任务。教师不仅要教学生“学会”,更重要的是教学生“学活”。这种结合与改变是“学活”的一次努力,是发现真理的一次锻炼。这种锻炼,主要强调的是亲自动手的能力。这种结合与改变正如第斯多惠所说:“一个坏的教师奉送真理,一个好的教师则教人发现真理。”[16]这种结合体现了“教学做三者合一”[17]的教学理念,这种教学理念的运用将改变学生从被动接受知识到主动学习,从只听毕业论文写作知识到与教师一起研究材料,从感性地接受模仿到理智地总结分析,从互联网上拼凑材料到专研学院的品牌,从接受法到问题法,从填鸭法到研究法。这些学习方法的改变,使学生由被动地接受知识转变为自觉地进行研究性学习,在接受知识的同时学会如何学习,同时发挥自主性和参与性,提高思维的创造性。从学生的角度说,这是调动所学知识独立完成某论题研究的一次“实战”,是获得治学能力的一次严格的锻炼,是学习阶段获得最佳学业成绩的最后冲刺、拼搏。从学院来说,是对学生几年来学习成果的一个全面的考查、衡量,是对其独立动手分析问题、解决问题能力的一次综合检验。在毕业论文写作中,开展舞剧《一把酸枣》的专题研讨,不仅是对毕业论文写作的强调和看重,而且锻炼了学生学习方法的运用,实际上是学生对知识的自我检验,是对将来职业能力的一个重新认识和定位。它不仅有利于独立思考的形成,更有利于适应社会就业能力的提高。 在毕业论文写作中开展经典艺术作品专题探讨,不仅使我们的学习方法得到改变,艺术实践与理论分析的能力得到提高,而且有利于端正文风,避免拼凑、堆切、应付、抄袭现象的发生。这样的专题研讨,可以从各个专业的角度,系统地分析、鉴别、对比、吸收经典艺术的精华,收到学习实效。欧、美等国的高等学校对学生写作论文的能力都有严格的要求。像哈佛大学在有关的“校规”中就明文规定:学生论文写作如不及格,必须照章补课。日本的很多大学,毕业论文写作如果不合格,学生是不能毕业的。学生论文写作的水平直接影响到学生学位的获得和职业的谋求,因此学生岂敢等闲视之、草率应付,而是视为学习阶段中的一件大事。[18]如今我们国家在“科教兴国”思想的指导下,教育的考核制度渐趋严格。尤其是艺术院校,这几年对学生毕业论文写作的撰写逐步规范化,要求也很严格。这样不仅极大地锻炼了学生艺术实践与理论相结合的能力,而且检验了教学,更在全社会产生了积极的影响。现在许多用人单位把毕业论文写作考核制度的情况作为招才引将的必备条件进行考虑,因为这是提高单位人才素质、提高办事效率的一个非常必要的措施,同时也保持了论文制度的生机和活力,必将会进一步促进院校毕业论文写作及考核制度更加规范合理,使教学结构更加符合社会经济发展的需要,为祖国和人民培养德艺双馨、和谐发展的艺术人才。 艺术毕业论文:谈艺术类毕业论文的写作 摘要:毕业论文是学生综合素质的集中体现,是检验学生四年本科成绩的重要手段,是检验学校和教师教学质量的重要环节,也是学生和学校向社会提交的一份重要答卷。因此,毕业论文的写作尤其关键。对于艺术设计专业的学生来说,这不仅仅是对写作能力的检验,也是对设计能力和思维分析能力的检验。要写好毕业论文,除了教师和学生主观上给予足够的重视外,还要了解毕业论文的性质、要求和写作规范,追求论文的专业性、理论性、严谨性和创新性。写作中不断的精益求精,这样才能写出有一定价值的毕业论文。 关键词:艺术设计;本科;毕业论文;写作指导毕业论文的写作是一个循序渐进的过程,从最初的选题构想到正式开始撰写论文,需要一段时间的准备工作,并且这个阶段是至关重要的,“工欲善其事,必先利其器”,一个好的选题、一段时间充分的准备工作可以避免写作过程中的徒劳返工,也会对论文最终的价值有所保证。因此,学生在写作之初需要对文章选题的技巧和方法、资料的搜集等做一个深入的了解。 1把握具有一定价值和意义的选题 避免题目缺乏价值。“题好文一半”是颇有见地的经验之谈。究竟如何进行选题,到哪里选题,怎样才能选好题是写作毕业论文的关键性环节。可见毕业论文写作要考虑的问题从论文的选题就已经开始了。因此,在进行选题时,要从大学本科四年专业学习的总体着眼,进行宏观把握。选题要有意义和恰当,毕业论文写作的各环节如论题的最终确定、论证角度的选择等就能顺利进行,文章也容易写好。选题直接影响并制约着论文的写作价值和效果。写作效果和价值取决于论文写作的最终完成和客观的评定,但选题有其不可轻视的作用。这是因为,选题不仅仅是给论文定下题目和简单的勾勒范围,而是毕业生对四年所学专业知识、基本理论、基本技能的一种确定。这种确定不只是对论文具有引发性,同时也具有一定的预测性。能够提前对毕业论文做出基本的评估。一般来说,只有选择了有研究意义和价值的论题,才能写出有意义和价值的文章。论题毫无价值,即便费了很大的精力也是徒劳。因此,论题是毕业论文写作的重要环节。针对艺术设计专业学生大多偏爱于图片而忽略文字的特点,在毕业论文的要求上应该有所着重点。比如统一把握选题的范围和相对具有较高研究价值的论题进行推荐,结合学生的兴趣爱好进行自主选择。目前本科院校对毕业论文的评估不仅仅要看论文的质量,还有看选题的水平,甚至把评定论文成绩的标准第一个就放在论题的选择上。通常状况下,初步研究工作可以获得预期效果时,其选题就可以作为论文的题目,成为文章的重要组成部分,如《论情趣化在产品设计中的应用》《论古典园林的山水画语言》等。 避免题目大小不当。选题的方向对了,题目的大小也要把握合理,量力而行。选题有分量而不能胜任,论文写作就无法顺利进行,缺乏分量写的轻松又不能把能力充分发挥出来。达不到真正锻炼的目的。太大的题目难以驾驭也不可能用短短几千字分析论述清楚,如《论传统元素在现代设计中的应用》,传统元素太多,现代设计的种类也很广。因此,题目范围太大,完全可以用一本书来阐述,岂能用一篇论文完成?相反,如果题目过小,手脚难以伸展,观点得不到应有的展开,使内容空泛,论述肤浅,文章也不会有较为宏观的气魄。因此,选题要大小适当,以便于开展研究和论述。一个好的论文题目,能够提前对文章做出基本的评估。这是因为在确定选题钱,作者总是先在前期接触大量的资料,然后从中确定自己的方向直到定下题目。 优秀的选题可以深化对专业知识的理解和实践能力的提高。选题是毕业论文的起步,是专业研究的开始,大多数本科生在四年来一直致力于专业设计而忽略系统的文字表达,以至于连表达自己思想的设计说明都写不完善,这不能不是一个值得深思的问题。我们要培养的学生不仅仅是一个会作图的技师,更重要的是一个全面发展的,系统性综合性的设计师。通过毕业论文的系统化训练,学生可以进一步树立自己大学四年所学的知识,调整自己的知识结构,确定研究任务的方向。甚至成为他们以后学习的航标。并为毕业后的专业实践与发展打下良好的基础。一个好的选题如果在写论文的过程中研究的比较透彻,就会为毕业后的继续深造和从事该项工作或科研、创作、美术教育等带来很大便利。并且容易获得成果。及时在写作过程中对此问题没有研究透彻,也会为以后继续同类研究奠定基础,可以在进一步深造的过程中写出系列性的文章甚至专著。 2遵循选题的基本原则 专业性原则。毕业论文的选题和写作是正规教学的一个重要环节,它检验学生掌握知识的程度和分析问题,解决问题的能力,也是大学专业学习的系统总结和独特展示。在很多情况下,那种不能集中反映四年学习而形成的基础状态的论文,往往不是选偏了题目就是写起来力不从心,只有把专业学习与研究对象的关系吃透了,好的文章才有可能诞生;其次,毕业论文是专业水平的文本依据,它是对自己的毕业创作或毕业设计理念的逻辑陈述。一次来表明这种陈述的过程是否能自圆其说或过人一等。 注意发挥自己的特长和兴趣。一般来讲指导教师会对毕业生的论文在各自的专业范畴内设定一个可行的大方向,但在以往的毕业论文选题中,有部分同学因为个人的兴趣爱好而选择了稍微偏离自己专业方向的文章题目。事实证明这种选择并不是完全不可行的。之所以要限定大的方向是因为学习不同专业的学生对不同专业的知识各有所长,比如环境艺术的、工业设计的,即便是同样专业方向的学生,也不可能对学科知识有相同程度的掌握。所以论文的选题必须根据自己掌握的知识情况进行,选择有利于自己知识特长发挥的主题,容易开展也容易深入。另外选题要兼顾兴趣,是指在专业知识领域内对某一学科的热爱,迷恋而产生的强烈的追求与探索。有人在选题前就已经对某论题产生了浓厚的兴趣并且进行了一定的前沿研究,那么写作起来就得心应手。有的在深入探索后对选题产生了浓厚的兴趣,但如果在研究过程中一直没有兴趣只好放弃选题,另辟路径。几年的大学生活,丰富多彩的课程安排,大家往往都会在学习的过程中对自己专业方向的某些环节或知识点非常感兴趣,回顾一下,这些点在哪里,它是否适合发展成一个恰到好处的论文选题。找到自己的兴趣点之后,将其强化、集中、明确起来,再进一步进行资料的收集。 3掌握选题的基础方法 在掌握了选题的原则之后,在资料文献的积累基础上进行选题的方法通常有两种。一种是泛读捕捉法。这种方法就是通过对占有的文献资料快速的、大量的阅读,在比较中来确定题目的方法。一般可按照如下步骤进行广泛的浏览资料。在浏览中勤做笔记,记下对自己影响最深的观点、论据等,并写下对此观点自己的体会。然后将泛读所得到的知识进行分类整理,组合,从中找出问题,如对某一问题的研究状况,不同的观点,最新研究成果等。将自己在研究中的体会和资料分别加以比较,找到新资料,新观点或在已有的成果基础上深化主题,研究的深入了,就更加容易有自己新的观点和看法。及时捕捉这种灵感把它转化成文字并记录下来。 另外一种方法是追溯验证法。以主观的意向为出发点,沿着一定方向对已有研究成果进一步探究,从中获得自己的见解,这种意向并不是凭空想象,要以客观事实为基础和依据。在调查过程中看自己的观点是否弥补了研究的空白、是否在原有成果的基础上更加深化或起到一定的补充作用。如果得到认定,再客观评估自己的能力是否能顺利完成该选题,然后做定夺。在生活和学习中要善于捕捉瞬间想法,在看到某张图片,某件产品,或者某幅广告时突然激发的灵感是很可贵的。尽管这些想法很不成熟,但是不要轻易放弃。因为这可能是对某一方面做了大量研究后潜移默化的理论升华,研究下去直至成为自己的观点。 4准确全面的搜集资料 在论文写作的整个过程中,资料的搜集是贯彻其中的。选题前要广泛的涉猎资料,以便找出可行性的方向和范围。在确定好大的方向后,再进行针对性的资料搜集,包括图片,闭门造车是不可能的。我们需要对所要研究的范围内现有的成果做一个详细的调查,一方面迅速了解该范围内那些已经被研究过,研究到什么程度,还有没有继续下去的可能。也就是该选题有没有研究的价值和意义。另一方面可以垄断资料,以便在以后的写作中游刃有余,既可以作为参考也可以作为引领。因此,文献综述的制作是必要的。对于艺术设计专业的学生,文字资料的搜集和图片同等重要。因为我们需要大量的图片分析,并作为论据出现在论文中,以便辅助论述。尤其是一些造型色彩方面的阐述,图片比文字更加直观,更清晰易懂。搜集资料的方向方法大致如下。 搜集第一手材料。第一手资料的搜集主要是通过田野考察的方式实现,尤其对于一些民俗性的特色艺术,需要深入到乡村和民众中调查。这些实践经验和采集到的图片等资料非常珍贵,会成为以后研究的重要依据。尤其对于艺术设计专业的学生,最好的素材来源于自己亲身实践,实地考察,并以图文并茂的方式记录、思考或者感受,这样得来的材料,真是可靠,说服力强。如很多论题,中国民族服饰、民间美术、地域文化等方面,都可以通过实地考察获得第一手资料,这样写出的论文根基深厚,逻辑性强,论述鲜活生动有说服力。 搜集相关背景材料和学术研究性材料。除了第一手资料外,背景材料的掌握也很重要。搜集各种与课题有关的资料,有助于打开写作思路,比如研究一件作品,要研究它所处的时代的审美特征,社会背景,甚至政治经济状况等。背景材料了解的越充分,文章的底气越足。并且可以在答辩过程中顺利的回答遇到的问题。有了第一手资料和背景资料,就有了很好的论文写作基础。但要使自己的理性认识更上升一步,视野更加开阔,还要了解该领域内或相关领域内的学术研究成果及进展情况。这些资料可以通过学校图书馆和网络资源获得。总之充分可靠的研究材料才是成功的前提。 5结束语 无论是何种专业何种层次的毕业论文,都要在踏踏实实做研究的基础上进行写作,急于求成或者抱着侥幸的心理来对待毕业论文都是不明智的选择。古人曰,大学问者必经的三种境界之三为“众里寻他千百度,蓦然回首……”,比喻人在知识宝库中,探求钻研后终于有了发现和创新后的惊喜。相对于毕业论文的写作过程,准备阶段或许更加艰辛,让我们有意识的自我修炼,知难而进,以便发现更深的知识领域和更完善的自己! 艺术毕业论文:艺术类本科毕业论文写作刍议 艺术类学生写论文一直是难点,学生如此,教师亦然。 写论文的目的是大学生对自己4年的高等艺术专业本科学习进行一番梳理与总结,将艺术感性经验,以理性论证的方式写出来,供人供己以鉴真确,以存参考。然而,自上世纪80年代以来,艺术类学生写论文,常出现不是学生发愁,就是教师头疼的现象。究其原因,是学生能力较差,教师经验不足。故而,形成今日高等艺术教育中艺术论文写作的怪相。 笔者通过几年来的毕业论文辅导,以及与其他院校教师的交流,剖析艺术类本科学生论文存在的问题,总结自己的实践经验以提供一些有益的参考。 许慎《说文解字》说:论,思也、叙也、议也。文,错画也。其意是对事物进行整体把握、反复论证、交错描述,以求正解。因之,论文是一种特殊文体,是运用理性和逻辑方法提出和解决问题的一种文体。17世纪笛卡尔在方法论中提出理性主义,把如何有效地获取知识变为可能。笛卡尔强调人要正确地运用才智。他所说的才智就是判别真假是非的理性。自笛卡尔的方法论问世后,世界各大学均采用这种文体来分析和解决问题。目前,大学论文目的是检验学生通过4年本科的专业学习后,是否能熟练运用所学的专业知识分析和解决问题。论文并非要求学生有什么重大的科学发明和发现,而是通过论文写作教学环节,让学生学会和掌握一种比较思考、分析范式、逻辑推理、辨析结论的科学认知方法,为一生的人生实践打好基础。 然而,艺术类本科学生在论文最基本的选题、结构、内容、用词等方面存在一定的问题,分析如下。 首先是选题。很多学生写论文论题很大,论文喜欢冠以“中国”“社会”“西方”等大而不当的标题。以学生20多岁年龄,尚未步入社会的学识和经历而言,如此大的论题是难以驾驭的。由于论题过大,学生在写作时,常常出现跨出和超越专业知识边界的情况,降低其专业性。针对以上问题,探究原因,不外乎三方面:一是教师、二是学生、三是社会。从教师的层面来分析,可能是论文指导教师受知识结构所限,不能深入指导,未达到庄子所谓“尽精微,致广大”的治学境界,反而出现指导粗疏的情况。学生“跨出和超越专业知识边界”写作的现象,实质上是对自己专业内涵和定位认识是否清楚的问题。不同专业有不同的专业知识体系,如果说学生借用其他专业的知识来论证自己的论点尚可,但如果是专门研究一个新的专业领域就是严重的“跑题”。教师至少要起到“把关人”的作用,让学生在正确的道路上深入下去。也可能是教师在指导过程中没有把知识有效传达给学生,讲述方法不得当,学生未听明白;也有可能是“教不严,师之惰”,教师自身教学、科研、管理等诸事繁多,无暇顾及等。从学生方面来说,这和自身对论文写作的认识态度有关,有些学生写论文只是毕业需要和求职需要,并非兴趣所在,也并非要试着去研究一个问题。当然,也不乏有学生想认真写篇好论文,但苦于不知如何下手,对于这种情况,即使有教师的指导,但时间有限,对学生从头开始的论文写作训练也非短时间内能明显奏效。解决此问题,应从整个课程设置上全盘考虑,要提前安排与未来的毕业论文写作有关的课程,对学生进行提前训练,至少要先掌握写论文的方法。从学校环境小社会来讲,由于受到时下浮夸、躁动风气的浸染,与《大学》中所谓“格物、致知、诚意、正心、修身、齐家、治国、平天下”八条目的要求,多少已出现了背离。 其次是结构。大多数学生的毕业论文结构宏大,章节繁复。一般格式是绪论概述、案例分析、未来展望、结论教条的新八股论文模式。一篇几千字的论文可以拼装成5—10章10—20节的庞大结构。造成论文论题还未展开、论点还未摆出就草草结论,因而出现论证不够、字数拼凑的问题,形成章节与文字、章节与章节、章节与题目之间的脱节。 分析其原因,此类书籍章节似的论文写作,与大学之前的应试教育有关。学生习惯往现成的框架里填材料,根据框架结构去找资料,不是从收集材料到发现问题或有兴趣点的有感而发,很多学生是想当然地开始写论文,常有学生还没收集多少资料,题目和大纲已经完成,写到后面的结果只能是削足适履。章节之间的逻辑联系问题,则反映出艺术类学生理性思维能力薄弱的问题,对此问题,就得在教学过程中,教学内容按科学和理性的方法进行讲授,这早在上个世纪的德国包豪斯大学就已经进行了探索。如何激发和培养学生的理性认识能力,在教学上不妨好好研究和利用国外成功的培养模式以合理进行课程设置。此外,艺术类本科生论文写作依然要遵循文科生论文写作的要求,体系规范,逻辑严谨,非艺术感想和散文写作。最后,教师可以鼓励学生多阅读,也可有意去选修一些人文课程,比如哲学和理工科课程,完善知识结构,丰富认知。 再次是内容。由于毕业论文题目太大和结构繁杂,论文内容自然不实,论述时凑字数,论证自然也无以构成有说服力的逻辑链,因为所有论据不是来源于生活和实践,甚至有学生从网上拷贝、剪贴、拼凑论文。出现论点与论述不符、行文论述不平衡、论证无力等问题。 论文写作要有感而发,发现问题,又有兴趣之后,就要用科学、理性的方法去研究和分析,不能停留在现象表面,要努力揭示现象背后的本质。无感而发或为论文而论文的写作,只能是凑字数,论证无力。 “读万卷书,行万里路”对于学习艺术的学生来说同样重要。社会生活是艺术创造取之不尽,用之不竭的源泉,“手中之竹”是建立在“眼中之竹”和“胸中之竹”的基础上的。北京高校的艺术类学生有着地方院校无法比拟的资源和信息优势,798艺术区、草场地艺术区、中国美术馆、今日美术馆、首都博物馆、故宫博物院、高校内部艺术馆等艺术类展览集中的地方,都是学生课本学习之外丰富学识、获取灵感的地方。虽不要求学生有一鸣惊人的创新研究,但至少要有感而发,通过论文写作学会和掌握一种理性分析和思考问题的科学认知方法。 最后是用词。论文语言表述要求准确无误。这里涉及语文的词汇运用问题。论文写作一般从解词入手,特别是关键词理解和使用尤为重要,而学生毕业论文中忽略对基本词义的准确理解,常常望文生义,似是而非,结果失之毫厘谬以千里。这是一个语文基础问题。主要是缘于学生语文基础知识的薄弱,以至于对遣词造句和语法没有很好地掌握。针对此类问题,主要是大量阅读经典范文,在老师的指导下根据兴趣和专业方向,有针对性地阅读一些治学严谨的大家、学者的专著或论文,在接受知识的同时,书中流畅、规范的用词造句自然会对学生起到潜移默化的影响作用。 如何有效、科学地解决以上问题,以提高国内艺术类本科生论文写作水平,笔者有以下三点认识。 一、转变认识 师生要对毕业论文写作有正确认识,不能只肤浅地认为毕业论文只是写一篇文章而已,关键是要认识到通过论文写作,使学生掌握一种科学的逻辑思维方式,即能用所学的专业知识来分析和解决问题。所谓“授人以鱼,三餐之需,授人以渔,终生之用”。 二、论文课程设置 艺术类学生论文写作能力的提高,需要在课程设置和教学内容上进行深入研究和分析。简单地讲,就是上什么课、怎么上的问题。比如,高校开设的大学语文课程,在教学内容上就不能仅仅局限在对经典名著的赏析上,还要让学生了解和掌握不同文体写作的规范模式,这对从高中到大学从未经过正规论文写作训练的学生来说很重要,这门课至少要做好这种衔接。艺术类专业理论课程在教学内容上就不能局限在艺术现象的解读上,更要透过现象发掘本质,而这个学习过程就是理性分析和研究的过程。艺术院系可以开设论文指导课程,提前了解和掌握专业学术论文写作的要求和方法,为日后的毕业论文写作奠定基础。 三、论文指导应由理论教师负责 很多学生为了自己方便,论文和毕业设计都选择了一位教师指导。专业老师既指导艺术创作,又指导论文写作。但论文写作毕竟是一个理论研究的过程,不管从资料的搜集和整理还是论点论证的把握,理论老师比专业教师经验可能更丰富些。因此,建议理论和专业教师各负其责,分别指导论文和毕业设计,这样责权明确,使每位教师对学生论文的指导更专业、更有效。 总之,学生论文写作能力的提高,需要院系领导、教师和学生的共同努力,首先在思想上重视,合理设置课程,然后在具体的教学环节有计划、有步骤地进行,来提高艺术类学生理性分析问题和解决问题的能力,从而培养真正有创新意识的学生。 作者单位:北京航空航天大学新媒体艺术与设计学院 艺术毕业论文:民办院校艺术设计类毕业论文的指导 摘 要: 毕业论文与毕业设计是每个艺术设计类毕业生的必经之路,也是他们这四年来设计学习生涯的一个总结。作者结合实践教学经验就此作出探索,旨在找出适合民办院校艺术设计类本科生的指导方法。 关键词: 民办院校艺术设计类本科生 毕业论文 指导方法 毕业论文与毕业设计是每个艺术设计类毕业生的必经之路,也是他们这四年来设计学习生涯的一个总结。对于民办院校艺术设计类本科生这一特殊群体来说,论文与设计往往使他们绞尽脑汁,烦恼不已。那么,艺术设计系的教师如何指引他们交上满意的答卷,为四年的学习画上一个完美的句号呢?我结合实践教学经验作出探索,旨在找出适合民办院校艺术设计类本科生的论文指导方法。 一、民办院校艺术设计类毕业论文现状及存在的问题 针对民办综合性院校艺术设计专业的特殊性,通过实际教学指导实践,我总结出了民办综合性院校艺术设计类的毕业生在论文方面存在着以下种种问题。 1.有一小部分学生重设计而轻论文。 这与许多学生头脑中存在着重设计轻论文的观念有关,平时忽视基础理论知识的学习,认为论文无关紧要,只要设计能过就行了,有的甚至认为自己是设计师,不屑于将自己的设计理念、构思过程用文字表达出来,认为艺术是只可意会不可言传的。有的学生不按规定的时间完成初稿,对指导老师的修改意见不予以理会,从而使毕业论文的质量不高。 2.大部分学生文化底子弱、写作功底差。 大部分艺术设计类毕业生对于论文有心无力。艺术设计专业学生在高考中属于艺术类考生,总体文化考分普遍偏低,而入学后,大部分时间都侧重专业技能学习,对《艺术概论》、《中外设计史》等专业文化课程普遍学习热情不高。这样的学习态度导致毕业论文写作理论功底较差。如有一学生论文题为《浅谈中外卡通发展史》的论文,首先这个选题就有假、大、空的潜在问题,中外卡通发展史本身已经是一门历史,历史是已经发生过的事实,这些事实是一些真实性的记录,而不是谈出来的,这是假。而大呢,中外,包括中国和国外,而国外包括各个大陆上的国家,卡通包括卡通人物、场景、剧本等,题目选题范围太大,自然就难以写得详细,从而产生了空的问题。 大部分学生写作基本功底差,语言表达不清晰,结果论文颠三倒四、牛头不对马嘴,连自己都看不明白。对自己所要论述的观点不能从几个方面分清条理来论述,也分不清主次。如谈“古代龙凤纹在现代包装设计中的运用”,重点应在“运用”上做文章,但学生却用大半篇幅来解释什么是“龙凤纹”、“龙凤纹的由来和历史”,等等,而对龙凤纹究竟如何在现代包装设计中“运用”却聊聊数字,草草结束,还没说到重点就没有下文了。 二、民办院校艺术设计类论文指导探索 针对民办综合性院校艺术设计专业的特殊性,通过实际教学指导实践,我进行了一系列的教学改革和探索,总结出以下几点。 1.端正学生的写作态度,提高对毕业论文重要性的认识。 这一点对艺术设计类毕业生来说尤其重要。应该在平时的教学工作中端正学生对毕业论文无所谓这一错误认识,让他们了解到毕业论文质量如何会影响整个毕业设计过程。 2.加强写作训练。 可以结合专业课学习,进行针对性的小论文,重点在于寻找相关资料和建立个人论点,对论文字数和规范性要求不高,但应符合论文的基本格式。以包装设计课程为例,学生独立确定主题、选择材料、制作1―2套包装成品;以论文形式完成相应的课程报告。具体报告可能包括“设计背景、设计构想、设计形式、材料应用、后期问题、市场定位等”。通过应用和分析促进学生对设计基本知识的综合理解,能够用更理性和研究性的方式对待设计,对于学生独立参加各种比赛、毕业实习和毕业设计的顺利完成相当有益。另外,文献检索对于培养学生的自学能力和查找学术资料非常重要,因而在二三年级阶段有必要开设文献检索课程。 3.实行理论与实践现结合的模式。 为了提高毕业论文质量,让论文内容更充实,同时也是为了提高毕业生综合能力和毕业设计的质量,应当实行理论结合实践的操作模式,即学生在完成毕业设计的同时,还要完成与设计紧密结合、息息相关的毕业论文的写作。这种模式要求学生在论文中大篇幅是对自己设计的一个阐述,相当于一个完整版的设计说明。这个设计说明字数要求在3000字以上,其他格式及具体要求与普通本科论文要求相同。这种模式通过对作品的创作过程、构思和材料等方面进行阐述,形成论文,由于都是自身亲身经历过的事情,因此说明详尽、到位,能够很好地阐释设计思想,不仅可以弥补毕业论文无话可说,毕业设计说不出口的缺陷,而且可以有效地避免抄袭现象,提高毕业生论文与设计质量。 4.加强指导环节。 在论文的写作过程中,老师的指导十分重要,只有在论文写作的各个阶段及时给予学生针对性的指导,学生在写作时才能避免走弯路。如:选题时要指导学生选择自己感兴趣的题目,要大小合适,便于操作;修改文章时主要从调整结构、充实内容、修改文字等方面进行。 总之,民办综合性院校的艺术设计专业有其特殊性,也正是因为这种特殊性,作为艺术设计系的教师,我们应当因材施教,针对其特殊性制订特殊的指导方法。毕业论文与创作的指导不是一成不变、完全一致的,每个高校需要不断地改革、尝试、总结,找到一条适合自己的操作管理模式。 艺术毕业论文:艺术设计类专业“毕业设计”课程教学研究 摘要:本文主要针对地方本科院校艺术设计类专业毕业设计存在的与社会需求、学科发展不相适的教学现状,探讨“理论与实践实操两手抓—选题多角度类型化—过程全监控”三位一体教学模式。以培养社会急需实践性应用型、技能技术型专业人才,为地方经济、文化建设建设作出积极贡献。 关键词:艺术设计类专业;实践教学;毕业设计;教学模式 艺术设计类专业的毕业设计是针对学生专业理论学习、实践实操、技能技巧、创新创造及综合素质能力的一次最终考核,更是检验高校教育教学水平、提升学生就业竞争力的重要指标。而对于地方本科院校艺术设计类专业毕业设计还存在与社会需求、学科发展不相适的教学现状,如:选题老旧、设计虚拟、评价单一、监管松散等,基于此本文以昌吉学院为例,探讨“理论与实践实操两手抓—选题多角度类型化—过程全监控”三位一体教学模式。以培养社会急需实践性应用型、技能技术型专业人才,为地方经济、文化建设建设作出积极贡献。 1地方本科院校艺术设计类专业“毕业设计”课程教学模式现存问题 1.1教学与监管体系尚未健全 毕业设计教学实践只是依靠以往的教学经验,缺少理论指导,带有很大的盲目性。[1]艺术设计的教育已是大众教育,地方院校招收的学生中有极大一部分是“专业突击”考入大学,系统学习专业知识的意识没有形成。在实践教学尤其是毕业设计中却需要系统的应用专业理论知识加以具体实践呈现,显得有点无所适从。毕业设计监管体制还不健全,设计初期工作量要求不明确、不具体、不规范,设计中期由于学生大多在外实习、找工作,缺乏指导教师的监督检查和督促改进,设计后期缺乏严格质量控制等,这一情况在地方本科院校中普遍存在,昌吉学院也不例外。毕业设计教学环节持续时间长、自由度大、随意性强等已成为普遍现状,为此强化过程管理和质量控制尤为必要。[2] 1.2选题及表现形式单一、深入度不够 毕业设计的选题关系到能否深入探讨一个具体的设计问题、社会现象或提供一种可能性的解决方案,关系到能否有效培养学生理论联系实际、综合实践实操、分析解决问题以及综合素养等能力。但现绝大多数地方本科院校艺术设计类专业在毕业选题上,存在着较大比例的与社会设计实践脱节、缺乏时代气息与实用价值,更无个性和创新性的选题。[2]大多课题是对专业课内容的复制,只是作品数量扩充,表现形式及方法与专业课作品相比“换汤不换药”。[3]毕业设计最终呈现的表现形式单一化,深入度不够,经不起推敲。 1.3师资实践经验、指导能力有待提高 设计学科是一个新兴学科,加之近几年高校扩招,一时间专业师资建设难以跟进,大多高校专业教师多为跨专业及刚毕业离开高校没有专业岗位实践经验的老师,这种现象尤其在地方本科院校中普遍存在。昌吉学院艺术设计类专业更是如此,其教师的专业实践性、实操性、实战性都相对局限;与此同时还存在教学任务重、学历、职称提升等压力。以上种种缘由,教师在实践经验、指导能力方面都有待进一步提高。 1.4实践实操及创新性导向不明显 近几年艺术设计类专业毕业设计的成果已成开放态势,从相关网站及其他公众平台展播的情况看,绝大多院校尤其是地方院校的毕业设计还以虚拟设计为主,与时下社会的需求还相差甚远,与国家近两年倡导的地方高校要以服务地方经济建设的大政方针结合还远远不够。艺术设计类专业毕业设计在对学生的设计实践、实际操作技能技术、创新性研发上还需院校、相关社会职能部门给予高度关注,提供切实有效提升艺术设计类专业学生实践能力的措施方案以及必要的培养平台。通过积极有效措施、培养平台的运行,强化学生实践实操、创新创造能力的培养。 2地方本科院校艺术设计类专业“毕业设计”课程教学模式创新探讨 2.1针对市场需求修订教学方案与监管体系 教育部已明确要求2000年以后升本院校应向应用型大学转型,并明确提出应培养为地方经济、文化建设服务的应用型、技能型人才。昌吉学院作为昌吉地区唯一的本科院校就应肩负起历史使命,艺术设计类专业的毕业设计要理论教学与实践教学两手抓。理论教学方面,可安排有针对性的专题讲座,以此加强学生对毕业设计理论知识的认知,强调选题以区域经济和文化为基础,引导分析市场需求,启发学生找线索寻思路。引导学生深刻认知毕业设计的内涵、毕业设计的程式、毕业设计的方式方法等。在实践实操上尽可能引导学生实践真题,让评判的第三方介入,打破纸上谈兵的趋势,搭建真兵实练的平台。在监管体系上,针对第七学期全学期的学生专业实习、第八学期毕业设计较松散的学习状态,制定措施得当、管理有效、井然有序、全程监控的毕业设计监管制度,进一步研究毕业设计期中检查评价以及对教师的辅导管理体制。 2.2多角度宽领域引导设计选题意向 毕业设计的选题是毕业设计的首要环节,选题直接关系到毕业设计其他程序的质量。[1]随着教育部对学科门类的进一步调整,其设计学的学科方向也随之更为具体更为丰富;加之新技术、新产业的不断涌现,使得艺术设计类专业施展的范围越来越广,这就要求其毕业设计实践教学更应该多角度宽领域涉猎。作为地方高校应更加关注当地发展动向,抓住实践机遇,合理引导学生切合自身兴趣理性选题,杜绝盲目跟风、舍近求远。可结合当地社会新现象、存在的新问题、民众关注的新焦点、市场新需求、消费新观念、本学科发展对社会的新影响等角度引导学生选题。就一题可以引导多名学生展开不同领域研究,通过选题在研究过程中对同一问题调研,培养学生的组织能力、协作能力、辨析能力,通过借鉴他人的调研成果丰满自己的调研不足,让研究成果更具可行性、更具深度、更具审视性。 2.3多举措提升师资实践实操及科研能力 师资队伍实践教学能力直接影响对学生实践能力的培养。面对师资综合实践能力薄弱的情况,应该积极探讨有效提升师资队伍实践实操及科研水平的途径,确保指导教师具有较强的对应用型人才培养的能力。针对昌吉学院可尝试以下措施:第一,建立科学管理制度,合理有序地安排教师短期到对口企业公司一线参与实践实操设计事务,系统学习了解设计实操程序、方式方法、加工工艺、技能技巧等,了解市场需求、大众审美现状。第二,建立奖励机制,鼓励教师参加各级各类行业协会组织的设计赛事,培养教师对学科前沿动向的认知能力。第三,提供便利条件,鼓励有一定实践能力的教师组建设计工作室,以建促学、以学促练、以练促教;第四,搭建交流平台,请进来、走出去。定期邀请知名设计公司一线专家、设计师来经验交流,不定期组织教师团队去知名企业公司考察学习。通过以上措施方法,逐步形成长效机制,营造良好的师资教育教学、实践实操、科研创新风气。高效稳步提升师资队伍实践教学能力,为培养应用型、技能型社会急需的专业人才而打下坚实的基础。 2.4加大力度营造实践实操及创新性教学氛围 良好的教学氛围,尤其是学生自我养成的科学有序的实践实操及创新性学习氛围,需要科学合理营造。大学最后一个学期,毕业生受就业、前期学业、实习等影响其专注程度要低于二、三年级,针对艺术设计专业毕业设计教学更需要教师团队积极引导;让学生能够静下心,从思想上重视起来,认识到毕业设计是专业学业水平提升更高层次的关键环节。第一,以教师科研带动学生实践创新能力培养。有科研、实践项目的教师应积极将自身的科研课题、实践项目化整为零,分解成多个任务量和难易度适中的子课题项目提供于学生毕业设计选择。一方面,可以避免学生毕业设计“假题假做”的现状,最大限度地发挥导师研究课题的资源优势,形成研究合力;另一方面,学生又能通过教师的研究直接学习教师研究课题的方法步骤、思考问题解决问题方式方法。由于师生研究的课题有着众多的交集,教师的研究潜移默化影响学生,既能起到监控的作用又能引导学生深入研究,实现教学双赢。[4]第二,以专业实习实践培养学生的实践实操能力。毕业设计导师团队可以通过审核学生专业实习期间实践的项目,梳理学生的闪光点,指导学生找到毕业设计的切入点。引导学生就实习中的某个项目展开深入而细致的研究,让学生少走弯路并能就前期思考的问题得以连贯,在研究过程中还能让第三方介入指导与评价。通过实习项目的再研究,让学生更深入地思考社会市场需求,探寻设计的本质意义。第三,以设计赛事为蓝本找创新突破口。近年来,部级、省部级及有一定影响力行业协会组织的设计赛事越来越多,这给大学生的毕业设计提供了一个实战平台,借此机会可以通过梳理对口赛事,以赛事主题、项目为毕业设计选题的着力点,也是培养当代大学生专业实践、创新能力培养的突破口。专业赛事一般都有明确的研究目标及要求,这对学生来说在选题、设计内容上已指明了方向,减少学生盲目选题。引导学生关注往届大赛成果,在梳理往届获奖作品中审视他人的构思、创意、表现,分析评审专家的点评,这无疑是间接学习他人的成功经验的最佳途径。专业赛事一般都专业性强、要求严格,项目的训练对于学生的原创性要求也相对较高,大赛项目将有效锻炼学生的创新意识、创新思维的能力。大赛项目都有具体的进度要求,顺理成章就会督促学生毕业设计的进程,鞭策学生的惰性。达到以赛促学、以赛促管的目的,同时通过大赛方案的评定评审结果(获得名次或奖项等)将有效激励学生对专业学习的自主性、积极性。 3结语 艺术设计类专业的毕业设计是学生对在校期间学习成果的一次总体汇报,亦是学校对学生综合专业技能的一次全面考核。[5]在近两年教育部倡导的高校教学改革策略下,针对地方本科院校向应用型大学转型,以培养服务地方急需的应用型、技能型人才的时代背景下;艺术设计类专业教学与管理工作者,应该积极研究适应时代、学科发展的毕业设计的理论及实践教学与监管体系。积极探寻适应地方经济发展需求的契机,走出一条以培养学生实践实操技能、洞察社会市场需求、服务地方经济文化发展为目标,以专业化高质量就业为导向的教学培养模式。 作者:黄伟斌 张雪坤 单位:昌吉学院 艺术毕业论文:洛可可艺术在服装设计专业毕业设计中的应用 高职院校服装设计专业都有毕业设计这个环节,此环节是学生在老师的指导下相对独立的进行创新设计,它综合检验了学生从选题,到效果图绘制、款式分析、结构设计和工艺制作的能力。洛可可服装风格非常具有视觉美感,若将此风格应用于毕业设计中,完成好的话无疑是一组非常优秀的毕业作品。 1引导学生选题,分析洛可可艺术的特点 选题是毕业设计最开始的部分,要让学生了解洛可可艺术的特点,吸取灵感,从而激发自己的创作欲望。洛可可风格流行于18世纪欧洲,服饰大多使用了裙撑和紧身胸衣,造型夸张妩媚,装饰精致。在袖子上会使用蕾丝花边做装饰,胸衣上装饰有缎带蝴蝶结,衬裙华美,罩裙上会装饰褶皱飞边,蕾丝、缎带、蝴蝶结和鲜花等。洛可可艺术强调曲线和繁缛,流动和华丽,注重表面的装饰性,色彩柔和淡雅,带有明显的女性审美趋向特征。在引导学生选题时,可以布置学生查找洛可可风格的相关资料,包括洛可可艺术的相关服装图片、影视资料或当代设计师的洛可可艺术的会等。洛可可艺术的相关服装图片可以在网络、书籍上进行查阅,影视资料中《绝代艳后》里有大量的洛可可风格服饰,当代服装设计师如我国的著名设计师郭培经常设计具有洛可可风格的服装。学生在查找资料的同时,也对洛可可艺术进行了欣赏、了解洛可可风格服装的特点。在学生了解洛可可风格特点的基础上,引导学生结合当代流行趋势,运用现代的面料和工艺手段对现代洛可可风格服装进行分析。 2绘制洛可可风格服装效果图 现代洛可可元素多在礼服设计中使用,为准确表达设计意图,此风格服装效果图可采用更为夸张的手法进行绘制。如一般的服装效果图会采用8-9个头身的比例,洛可可风格为更好的表达女性曲线和繁缛的特点,可把比例夸张为10-12个头身的比例,服装的轮廓造型、衣服的褶皱和蕾丝、蝴蝶结、缎带等要细节刻画。一些设计的新意和要点,可在人的动态上加以强调,或在绘画上作些夸张处理。 3结构分析并进行打样试制 在确定好服装效果图的基础上,对结构进行分析。一般洛可可风格服装多使用裙撑、紧身胸衣,且现代的洛可可风格服装强调健康、时尚,在造型上以A型、X型为主。固在服装结构设计中多采用立体裁剪方式进行。在造型上多做立体褶饰,对服装的面料进行缝缀再造,增加服装在视觉上的浮雕感、立体感。裙撑很重要,而且裙撑的方式有很种,如呈“吊钟形”从腰至下摆逐渐扩大的、左右宽前后扁的,或是轮胎形裙撑,在试制阶段可先利用胚布和钢丝制作缩小比例版的裙撑,或利用树脂衬将布变得硬挺以便利于造型,或使用多层纱使得裙摆扩大。在制作好裙撑后,再做外部的罩裙及细节装饰处理。一般毕业设计为一个系列至少三套服装,因此在裙撑的造型及细节的处理上各套之间应存在差异。 4裁剪、缝制并进行细节调整 在试制的基础上,将样片拓展下来,形成所需要的样板,接着进入裁剪环节。裁剪是服装制作的关键工序,裁剪质量的好坏影响后期的整个缝制效果。面料大量使用斜裁技术,因此提醒学生要注意排料、布的丝绺,同时要注意放松量。面料的选择上可以富丽华贵的绸缎为主,同时其他梭针织面料,硬度不同的网纱、皮毛等昂贵面料也可使用。面料的色彩上以粉红、嫩黄、草绿等明度高、纯度低的粉嫩色系,若是婚纱礼服,面料的颜色则以白色为主。面料的图案可选择以自然花卉为表现对象的,缝制不是单纯的衣片缝合,在缝制前要先对缝制工序进行分析,对不同的衣料性能和服装式样,采用不同的缝制工艺。最后进行细节的装饰。因洛可可风格服装多蕾丝、缎带、蝴蝶结等装饰,这些装饰可在完成服装整体造型后进行。细节装饰的时候要注意与服装面料自身的图案要协调,并结合服装形式美法则进行布局。切不可将所有细节全部用上,每套服装应各有侧重点。 5表演、评比阶段 此阶段是最后一个阶段。通过动态走秀将学生辛苦制作的服装展示出来。因洛可可风格服装多为婚纱或礼服类,因此在音乐的选择上可选择旋律缓、节奏慢一类的音乐。在发型上多为盘发,鞋子为高跟鞋。模特在走秀的同时可结合服装造型设计一些妩媚的姿势。这是一次全方位的检阅,既体现了学生自身的价值,又激发了低年级同学的创作热情。提高学生服装设计的积极性和主动性。 6结语 如今洛可可风格已经成为一种经典,且对现代礼服设计有很深的影响。因此风格趋向于富丽、精致、优雅,具有很强浪漫化的装饰性,因此毕业设计中使用洛可可风格会使整个毕业作品展示视觉效果更好。在毕业设计中使用洛可可风格,学生不仅要了解洛可可风格的服装特点,同时要结合当代的服装流行趋势,进一步巩固加深所学的基础知识和基础技能,并且将欧洲的服装风格转化为自己的设计理念,体会优雅女性的着装风格和高贵品味。 作者:欧阳晓龙 单位:重庆工贸职业技术学院 艺术毕业论文:艺术学院本科毕业设计要求 毕业设计(论文)是教学工作中的一个重要环节,是学生的学汇和再提高的过程。学生将综合所学的专业知识及技能,完成广告设计专业的整个毕业设计任务。设计作品应符合市场,具有独特构思,甚至是超前的,以展示学习成果。学生在参加毕业设计(论文)工作之前,必须修完教学计划中规定的全部课程(即规定的学分),毕业设计(论文)按排在第7、8学期,时间约8周。 一、毕业设计(论文)的目的和要求: (一)毕业设计(论文)的目的: 1.巩固和加深已学过的基础和专业知识,提高综合运用这些知识独立进行分析和解决实际问题的能力。 2.掌握广告艺术设计专业设计的基本程序和方法,了解我国有关的建设方针和政策,正确使用专业的有关技术规范和规定。 3.学会针对要解决的问题,广泛地搜集国内外有关资料,了解国内外的水平和状况。 4.培养深入细致调查研究,理论联系实际,从经济、技术的观点全面分析和解决问题的方法及阐述自己观点的能力。 (二)毕业设计(论文)的基本要求: 1.为综合同学们四年所学知识,设计内容项目较多,一般选择典型性较强、风格鲜明、难度较大、任务较重的题目,这是同学们创作高设计水平的难得机会,因此要求学生认真对待,按时完成设计。毕业设计风格可以根据具体情况自定,设计尺寸统一要求,可手绘,也可用计算机辅助,设计效果要求明快、简洁、富有设计内涵,突出自己的想法。由于展览需要,还需进行装裱,装裱材料可根据需要和可能统一制作。 2.毕业设计是学生走向社会发展自己事业的桥梁,因此要求教师有较高的学术和先进的设计水平,在辅导过程中随时启发性地给予学生更广阔的设计思路,引导学生把自己的思维能力在作品中体现出来,真正把设计做到极致。 3.毕业论文为8000字以上。论文应力求研究计划和方案合理、论点正确、论据可靠、层次清楚、文理通顺、书写工整。 4.毕业设计(论文)文本按规范化要求装订。 二、指导教师 1.由从事本专业工作的,具有中级以上职称的教师或工程技术人员担任毕业设计(论文)的指导教师。 2.每位指导教师指导的学生人数不得超过10组。每组1-3人。 3.指导教师负责指导毕业设计的全过程,并对学生的设计成果设计表现作出评价。 4.指导教师应认真负责,树立正确教育思想,认真指导学生查阅文献,做好开题报告,制定毕业设计进度计划,及时检查学生工作进展情况,发现问题及时予以纠正,并对实际完成情况做好记录。 5.指导教师应加强对学生毕业设计说明书方面的指导,做到论文及设计说明书条理清晰、逻辑性强,符合科技写作规范。并严格要求学生按照规定的文本格式打印和装订。指导教师要对论文及设计说明书、图纸认真审阅,并及时将问题反馈给学生,要求学生进一步修改,保证毕业设计质量。 三、毕业设计内容 设计题目可以根据四年的学习经历以及自己感兴趣的事件自定,做成系列招贴形式,也可结合实际项目来做。总体设计要求布局合理,构图富有创造性,色彩搭配符合设计需要,风格不限。 建议辅导方法:指导和观摩相结合,其间多学习国外大师的先进表现方法,使学生了解国外的先进经验,增加同学门对大师作品的感性认识,提高自己的审美趣味和作品的品位。 四、毕业设计(论文)选题 (一)选题原则 1.毕业设计(论文)应按照教育要“三个面向”的要求,选题要符合培养目标的要求,能达到综合训练的目的,毕业设计(论文)应当有利于学生巩固、消化所学知识,有利于培养学生综合运用所学知识分析和解决实际问题的能力。 2.选题要尽量选取既能满足教学基本要求,又能联系生产和科研实际的题目,提倡“真题真做”。选题也可模拟实际工程。 3.选择课题的份量和难度要适中,使学生能在规定时间经努力可以完成为宜。 4.鼓励一人一题,若多人同做一个课题,每人必须完成个人基本内容,其设计内容及工作量应与小组人数相符。 (二)选题类型 论文参考题目 1.突破传统的传统—平面设计中的传统与现代 2.谈平面设计中的创意 3.非纸类材质在书籍装帧中的运用 4.浅谈对以文字为主题的招贴的视觉感受 5.包装设计的价值观 6.创意思维与图形设计 7.书籍装帧中的文字版式设计探讨 8.汉字标志设计漫谈 9.浅析现代包装设计中的色彩表现 10.平面设计中的精神与物质 11.版面设计中的“平面空间” 12.浅谈沟通在文化性广告中的重要作用 参考评分标准:创意构思(35%)、理论畅述(25%)、文字表达(25%)、答辩表现(15%)。 毕业设计参考选题: 1.酒类包装系列 2.茶叶包装系列 3.饮料、咖啡系列 4.电子产品系列 5.2008北京奥运会招贴系列 6.中、外文学名著装帧设计系列 7.环保海报设计系列 8.和平海报设计系列 9.文化、艺术博览会招贴系列 10.商业广告、艺术摄影系列 11.企业形象识别设计系统设计 12.挂历、台历设计 13.DM手册设计系列 毕业生设计作品要求:整体设计构想有创意、设计实体的制作有整体、系列效果、制作精良。 参考评分标准:设计构思(35%)、设计实体(35%)、制作精良(30%) 五、毕业设计的一般步骤: 本专业毕业设计大体分为三个阶段,选题收集资料、方案比较、设计计算绘图、编写毕业设计说明书。 毕业论文可分为三阶段:选题、调查研究、收集资料;提出论点、阐述论据;撰写毕业论文。 六、毕业设计的成果要求: 学生在规定时间内在教师指导下,独立完成毕业,设计(论文)工作,最后提交毕业(论文)文本,包括图纸及毕业设计文本。除作品要求中展板正标题统一为“山东艺术设计学院广告艺术设计专业本科毕业设计”外,其它内容一律体现景德镇陶瓷学院艺术设计专业本科毕业设计(论文)。 (一)毕业设计论文: 论文要求 1.毕业设计论文封面(详见附表); 2.毕业设计论文的任务书(详见附表); 3.毕业设计(论文)目录; 4.论文摘要; 5.毕业论文及工程设计说明书; 6.参考文献; 7.附录; 以上内容的要求 1.任务书:包括设计(论文)题目、论文主要的内容及进度安排、论文主要指标及要求、主要参考文献; 2.摘要:一般为400汉字,摘要介绍设计(论文)的研究课题,本人见解和主要结论; 3.目录:按论文章节次序编好页码,设计图纸要有标号; 4.论文或说明书要求论证严格,层次分明,语句通顺,表达确切,字体端正。 5.参考文献按以下格式列出 [序号]作者姓名,期刊、名称、卷号、期数、页码(年份) [序号]作者姓名、书名、出版单位、页码(年份) 6.附录:与论文有关的数据表、计算机程序、鸣谢等。 论文完成后按(一)文本结构的顺序排列好,加以封皮,进行装订。 (二)作品要求 1.设计手册一本 A4规格,16页以上,主要包括封面、封底、目录、设计说明、设计草图、成品效果图等,全硬质封面、封底,并设计版面,彩色打印。版式体现“山东艺术设计学院广告艺术设计专业本科毕业设计”字样。 2.展板两张 规格:800mm×1200mm,输出时最低分辨率:300dpi。展板中不少于4张电脑效果图,展板正标题统一为“山东艺术设计学院广告设计专业本科毕业设计作品”,副标题自定或指导老师拟定,并设计版面、装裱。 3.毕业生实习鉴定表(详见附表)。 七、毕业设计的组织领导及成果评定 1.本大纲及根据本大纲所制定的毕业设计任务书,是毕业设计工作的具体依据,指导教师必须在毕业设计工作开始前阅读并领会这些文件的含义,学生要认真阅读毕业设计任务书,熟悉资料并明确自己的任务; 2.毕业设计在教师指导下由学生独立进行;指导教师应给所指导的学生指定题目,给予必须的原始资料,并下达设计任务书。在毕业设计过程中,指导教师对学生应严格要求,启发诱导,全面负责; 3.指导教师应根据毕业设计的内容由有关单位选派,必要时还应指定有关课程的教师作为答疑教师; 4.指导教师的业务领导人应分阶段检查毕业设计的进展情况,并及时解决存在的问题。 5.毕业答辩 (1)学生完成毕业设计或毕业论文后,经指导教师评阅,并写出评语和平时成绩,方可进行答辩;毕业设计无成绩或成绩不及格,将根据有关规定,取消毕业答辩资格。未参加毕业答辩或毕业答辩未通过者,将影响该生的本科毕业。 (2)答辩委员会由本专业中级以上职称5~7人组成,其中高级职称不少于两人,答辩小组成员备案; (3)答辨分设计情况介绍(10分钟),基本问题(5分钟)和追加问题(5分钟)的答辩。 (4)成绩评定: 毕业设计(论文)成绩评分的办法,按百分制评分。 艺术毕业论文:艺术设计专业毕业生就业能力 近年来,艺术设计专业毕业生的就业状况逐渐引起社会和高校的关注,为了深入分析艺术设计专业的就业状况,笔者带领在校学生调研了往届毕业的不同工作年限的11位毕业生和6家毕业生所在的工作单位,深入了解了近几年艺术设计专业毕业生的就业状况和就业单位对毕业生的需求状况。 一、艺术设计专业毕业生就业情况 在调研的11位毕业生中,目前从事行政人员和技术研发人员的占27.2%,业务人员占9%,另外63.8%中从事主编,教师,自由艺术家等职业。有超过一半的毕业生从事基本符合他们专业的工作,另外近一半是完全相关;在调研的单位中,公司招聘的员工多以广告专业为主,也有招聘相当一部分数码传媒方面的人才。在招聘员工时,很看重员工的实践经验和综合能力,同时选择此两项的公司占66.7%。其次是技能,有50%的公司选择重视技能,16%的公司选择重视专业知识。对于专业对口问题,三分之一的单位需要完全对口,三分之二的单位要求专业基本对口。工作内容主要是担任技术支持,也有三分之一的公司聘用毕业生担任项目管理。单位对学生的专业技能和岗位适应性上多数比较满意,也有单位评价为一般。 二、提升艺术设计专业毕业生就业能力的思考 从以上就业状况调查可以看出,除了专业知识要精深以外,落实职业规划、增加实践教育、加强综合素质教育、拓宽相关知识面等都是提升就业能力所必需的。 1.落实职业生涯规划,提升就业综合能力 职业生涯规划是指个人在对一个人职业生涯的主客观条件进行测定、分析、总结的基础上,对自己的兴趣、爱好、能力、特点进行综合分析与权衡,结合时代特点,根据自己的职业倾向,确定其最佳的职业奋斗目标,并为实现这一目标作出行之有效的安排。良好的职业生涯规划和较强的综合能力是学生在校期间不断学习、实践、提高和逐步积累起来的。那么,如何指导艺术类学生进行职业生涯规划呢?应该从大学生入学开始就指导他们进行职业生涯规划,针对不同年级的学习重点和心理特点,分别通过开设就业指导课、举办专家报告会和经验交流会、印发《学生生涯发展手册》、制作就业服务信息网、就业政策宣传和进行日常咨询等方式,贯穿于整个大学四年过程中。 落实学生的职业规划,不仅要学校就业部门教师和辅导员的力量,还要发挥学院及各系在学生就业工作中的主体作用,动员院系一大批有学科和专业背景的学科带头人、毕业设计导师和专业教师等全员参与。例如,可以根据学院的总体就业要求和目标,提出就业率目标,签定就业责任书,积极调动广大教职工的参与积极性,特别注意发挥与实习单位联系密切的教职工的作用,积极推荐毕业生就业。 2.增加实践教育,加强实践动手能力 教育家杜威曾说,走出教室一步,就意味着对学科的超越。加强室外实践教学,指导学生利用课余时间参与课外设计项目的锻炼和实践,真正做到专业知识与实践技能培训结合起来,如室内设计课可以到设计公司或施工现场去教学,检验所学到的知识,提高实践能力。社会实践和专业实践可以使学生走出校门,走进中小学,走进广告公司和设计院等,在实践期间积累经验,完善课堂所学的知识,丰富知识结构,在实习过程中为寻找就业岗位创造更加有利的条件,为以后的就业打好基础。具体举措,比如学校可以为学生提供拥有自己的虚拟项目的机会,让学生尽快接触真正的设计要求,可以为学生提供一位虚拟客户,学生可以体会真正的设计师应该如何完成他们的作品,让学生拥有自己的客户,这样不仅可以增加学生的专业知识,也可以提高学生的交流技巧。这种与整体设计流程结合起来的指导和教育,既有助于让学生真正了解设计,又可以加强学生的就业实践能力。 3.加强综合素质教育,提高社会适应能力 现代企业最需要的是能够全面适应社会发展,在个人素质、学识和经验、合作与交流、创新与决策等方面都拥有足够潜力与修养的高素质人才,不仅要求学生在某个专业拥有深厚造诣,还要求他们了解甚至通晓相关专业和领域的知识,并善于结合实际情况,综合应用于具体问题。综合能力主要包含敬业精神、学习能力、沟通表达能力、外语水平、事业心、责任心等,这是要从众多设计人员中脱颖而出,必须拥有的综合素质。市场希望的人才不是单一性的,而是希望多元化发展的交互型人才。 综合能力强非常有助于适应公司工作的多样化需求,很多单位要求的人员是能对公司业务有一定技术支持并且能对公司项目进行相应管理的人才,即过硬的专业技术水平和对事件独当一面的工作能力和在社会交际中的应变能力。专业知识是毕业生初入社会进行面试就必须通过的基本条件,然而每个人对事件的处理方法方面的能力和经验在学校积累的是不同的,所以会产生一定的差异性,例如,有些毕业生的创新能力与手绘能力比较强,但不够严谨,随意性比较强,缺乏一定的责任心,这也是综合素质有待提高的表现。由于综合素质达不到要求而转行的也不在少数。加强综合素质的培养和教育学习,能有效的帮助毕业生应对将来进入社会后的方方面面。 4.拓宽相关知识面,提高社会竞争能力 如今就业压力非常大,竞争相当激烈,作为平面设计师应该尽量开阔自己的眼界,提高自己,如果环艺设计师学习些建筑理论,有利于环艺设计师拓宽性发展。还有一个很重要的环节,就是适当补充一些相关专业法规的学习,加强学习专业法规重要性的意识。对于建筑、环艺类学生,学校还应对其加强制图规范的学习。还有,语言的学习也很重要。例如,被调研公司中,建筑类公司对于外语水平相当重视。设计师需要无时无刻的学习,学习资料有许多都是国外语言,在做项目过程中也有许多与外国交流的机会,精通外语的设计师就能够及时吸取新的理念,有利于设计工作的提高。 艺术毕业论文:透析艺术毕业设计质保制度的革新 专科三年学习时间短,基础薄,部分学生对于毕业设计不够重视或者教师在制定毕业设计课题上存在问题,等等。都可以影响毕业设计的质量。如何避开不利,充分调动一切积极因素,改变思路,创新形式,以确保毕业设计高质量地完成,确实是很值得研究和探讨的问题。下面就是笔者关于毕业设计质量保障的一些改革思路,与大家切磋: 毕业设计课题层次化,评价标准合理化 教师在制定毕业设计课题时,要充分贯彻“以人为本”的原则,从毕业生的综合素质和主体地位出发,对设定课题和自主课题进行精心设计,包括课题的方向,难易程度,必须对不同层次、不同兴趣的毕业生设计不同内容的可选课题,明确评价标准。课题的设计要求体现对学生综合素质和创新能力的考察,结合专业特点,采取案例观摩、作品展示、校企联手评比留用等多种形式,发掘毕业生的主动能量,注重毕业生多方面知识的考察,综合能力的实践,能够由小到大、由单一向综合逐步过渡。 坚持贯彻创新原则,鼓励毕业生个性设计 艺术设计专业是培养毕业生创新意识和设计能力及其实践能力为目标的。学生在三年求学过程中,不仅要掌握系统全面的美学基础和专业设计理论知识,掌握基础软件设计技能,从专业发展的角度看,仅仅掌握这些是远远不够的。无论掌握多丰富的理论知识,软件操作如何熟练,如果没有自己的创新立意,没有自己风格的形成和突出,也就失去了就业竞争力和长期从事专业工作的活力和动力。我们应该清醒地认识到三年教学中的任何一个环节都应该贯穿创新这个基本原则,毕业设计也不例外。因此,毕业设计作为体现专业教学理念和成果的最终检验,设计评价标准也要充分考虑到这一原则。毕业设计不要求百分百原创,允许借鉴、整合、融会他人成果,但必须有自己的创新立意。 指导教师要转变态度,改教为助,找准定位 毕业设计指导教师在认真按照任务书进行各阶段任务完成过程的指导时,充分尊重毕业生进行独立完成课题的实践要求,把学生放在前沿舞台和主演角色上,而教师要改变态度和助演的角色分配,分清楚毕业指导与专业课教学的区别。在毕业生从确定方向,明晰思路,设计形式和过程实施的环节中,教师提供的是从宏观到细节的帮助,而不是引导,使毕业生在毕业生合计过程中逐步学会计划、实施自己的毕业设计。指导教师包括顶岗实习指导教师都要认真记录每一个毕业生毕业设计每一个阶段的完成情况,根据学生特点进行设计过程评分。毕业生在每一个过程中的态度和完成工作量会直接反映到毕业设计成绩评价中。 注重毕业设计答辩环节毕业生综合能力考查 在毕业生毕业设计展示和答辩环节中,改变原有单一固定的考核方式,除了展示完整的设计成品之外,要求毕业生自己或团队制作多媒体课件、视频、文案等进行充分的设计说明,包括如何选题,如何考察、如何设计定位、如何组织素材、如何进行创意、如何设计草图、如何使用软件进行达成,如何进行后期润色和整合等,并且能够以敏捷的思路、流利的语言、严谨的逻辑接受和回答教师评委的问题。旨在考查和锻炼学生们的语言组织能力、设计阐述能力和团队协作能力。 毕业设计与奖励展示与留用等多渠道结合,促进毕业设计的意义升华 在毕业设计环节,要改变原来停留在设计文案和设计图的最终设计结果,改变学生为了完成最后一向学习任务而被动设计的观点和态度,院校和教师要充分利用和联络社会资源,与企业、商家等进行合作,有针对性的有实战性的进行毕业设计的意义拓展,结合作品展示评比、企业录用与物质奖励等形式,促成毕业生毕业设计的高质量达成。 以上是笔者关于高职艺术设计专业毕业设计质量保障的几点建议,因个人能力有限,见解不够全面。衷心希望我国高职教育日新月异,更加成熟稳健的发展,在艺术设计教育中出现的不够理想的方面会得到改善和提高,为社会培养更多更出色的设计人才。 作者:崔凤英单位:衡水职业技术学院 艺术毕业论文:艺术专业毕业生就业策略 一、创业者居多,但成功率偏低 从近几年独立学院艺术生的就业情况来看,越来越多的毕业生将目光投向了自己创业,并且国家与政府方面也制定了相关政策来鼓励和支持大学生创业,这就更加增强了他们创业的自信心。艺术毕业生走向创业的另一个主要原因是由于社会就业压力不断增强,而社会提供的岗位数量有限,这就迫使他们不得不寻找其他途径来谋求生存与发展。而且艺术类大学生一般都有一技之长,这为他们创业提供了一定的条件。但是很多大学生在创业过程中或由于经济问题,或由于竞争问题,或由于技术问题等多种原因而致使其创业前期一般比较艰难,尽管也有一小部分取得了相当不错的成绩,但是大部分艺术毕业生选择了放弃,使得独立院校艺术专业毕业生的就业率一直较低。 二、解决独立院校艺术毕业生就业难现状的有效措施 1.独立院校要加大力度提高艺术专业的教学水平和教学质量提高独立院校艺术专业教学水平和教学质量,是缓解艺术毕业生就业难现状的最根本途径。提高教学质量和教学水平并不是件容易的事情,具体到艺术专业而言,独立院校除了要控制好生源,还要进行现代化教学改革,建立一支高效的教学团队,注重教学模式的创新。其一,学校要把艺术专业的教学内容与其就业形势紧密结合,着眼于社会需求,科学安排教学实践活动,做到与社会的紧密结合。其二,要有足够的师资力量,注重培养教学团队的整体素养,发挥他们中的骨干力量,打造具有特色的高质量教学队伍。其三,在加强学生的艺术理论知识学习基础上,独立院校还要重视对学生实践能力的培养,可以与社会相关企业组成伙伴关系,学校为企业提供所需要人才,而企业为学校艺术生提供实践场地,从而达到双赢的目的。 2.独立院校要重视艺术生的综合素质教育独立院校只有培养出具有综合素养的复合型艺术生,才能够使学生在走出校园后从容不迫的面对各种社会竞争与挑战。独立院校要运用校外、校内等多种途径来提高艺术生的综合素养。许多艺术生在本专业上具有一定的造诣,但是通过对已参加工作的毕业生调查显示,他们都强烈反映自身的文化知识不能够满足现实的发展需求,缺乏应有的交际能力。这就要求独立院校在对艺术毕业生进行校园教育期间,要平衡专业教育和人文类教育,使他们无论是在专业还是在文化课上,都得到全面的发展,这样才能够培养出优秀的艺术人才,才能够提高艺术毕业生的实力和竞争力,进而在社会上能够轻松就业。 3.独立院校要重视对艺术生的职业规划教育,提高他们的就业能力独立院校应该根据当前社会发展行情,强化对艺术生的职业规划教育,使他们对自身的职业生活有一个良好的规划与发展。首先,独立院校要培养艺术领域的职业辅导教师,使之成为学校职业规划课程的优秀带头人,为艺术生在大一阶段就接触该课程,为自己的职业规划打好基础;其次,独立学院的艺术院系要定期邀请一些有权威性的专家开展大型职业规划讲座,积极鼓励学生参与,使他们对自己的职业有一个正确的认识。再次,艺术专业的相关职业规划课程教师,可以在教学之余,开展模拟面试,求职技能等活动来提高学生的面试技巧。最后,要对即将离开院校的艺术毕业生收集各种就业信息,为他们就业提供宝贵意见,从而提高他们的就业能力。 独立院校相比较普通高校来说,毕业生的就业压力更大,尤其是艺术专业毕业生的就业现状一直是独立院校就业的发展瓶颈。因此,积极研究和探索提高艺术专业毕业生就业率的有效途径是独立院校艺术专业应该为之努力而奋斗的目标,这样才能够促进艺术专业的健康稳定发展。 作者:邵叶鑫单位:东南大学成贤学院
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油画艺术创作方法探讨:油画艺术创作方法之间的关系 本文作者:王玮 单位:首都师范大学 对于马蒂斯的油画作品,有些人曾批评道:“画中女人的胳膊太长了。”而马蒂斯的回答是:“这不是一个女人,而是一幅画。”不论是油画还是其他艺术的创作,都不可能依靠一成不变的经验支撑,而需要各种方法的综合运用。虽然油画不像平面设计那样需要不断求新、求异、求变,但是画者也不可掉入思维的固定范式。中国当代油画艺术创作存在同质化现象,这显然不是中国当代油画的发展方向。那么中国当代油画需要遵循怎样的方法理论呢? 一、油画艺术创作方法的构成 我们一般把艺术创作分为三个方面,第一是创作精神,用来处理艺术与现实本身的关系;第二是艺术原则,主要是从现实生活出发,以现实生活为归宿,或者从主观意念出发,以自我为归宿;最后是表现手法。这三点有机统一,并以创作精神为优秀。 1.创作精神 创作精神尤为重要,其体现的是艺术家的精神生活深度。笔者认为创作精神的重要性远远高于其他原则,有了创作精神,才能利用艺术形象传达思想。不管用什么艺术手法表现作品,都必须以精神为支撑,有些艺术家也喜欢把创作精神称为灵感。当然,没有好的表现手法,创作精神也很难更加明确地表现出来,因此它们是相辅相成的关系。综上所述,创作精神体现了艺术家的精神生活深度,是作品审美的高度体现。 2.艺术原则 艺术原则的作用同样不言而喻,艺术家都有自己独特的艺术语言,通过这种特有的语言去表现其丰富的精神世界,这样才能使其思想的表现过程独具特色,从而充分表现艺术家的性格。这种艺术风格是基于精神表现的,艺术家在创作中通过发掘独特的表现形式,不管形式如何变化,其都有着创作者独特的精神印记。这种印记随作品而产生,是作品不可或缺的一部分。创作者的艺术原则在作品中服务于其特有的创作精神,从而形成一种更加个性化的艺术特色。 3.表现手法 艺术家的表现手法是艺术家的审美体验和艺术思想的最直观体现,是其表现思想的直观手法,也是指导创作的基本原则,对艺术作品有着全局性影响。艺术家利用特殊的线条、色彩、技法等塑造形象、反映生活、突出主题。表现手法是思想和技巧的有机统一体,其不仅仅是技巧、技法、艺术手法等,而是它们的有机统一体,创作者利用这些表现手法为作品增添艺术特色。 二、油画艺术创作方法之间的关系 1.创作精神为精髓 在国内的当代艺术作品中,大部分艺术作品都可以从创作手法中反映艺术家的独特思想,这些创作精神在作品中体现为一种特有的表现形式,也就是将思想符号化,从而表现作者独特的艺术风格,因此如果作品中没有创作精神,作品就成了一种单纯的形式,成为单纯的模仿,从而失去作品的本来意义。当代艺术家岳敏君将人们喜闻乐见的笑脸形象作为一种特有的艺术符号,在此基础上增加一些小的细节,比如让人物脸上多一些皱纹,或者头上长出了角。他的场景系列作品则把别人作品中的主体事物去掉,然后不断复制,形成一种独特的观念行为,从而突出特有的创作精神。 2.艺术原则为基础 绘画艺术并没有统一的原则,特别是中国绘画艺术,其绘画技法千变万化。过去艺术家喜欢用毛笔作画,且文人画以突出意境为主,对构图等并无严格要求;西方画作的写实感更强,画家通过颜料及画布去描绘其特有的内心世界。随着时间的推移,画家创作理念的多元化趋势愈加明显,后现代主义画作层出不穷,技法也在原有的基础上不断改革,但唯独不变的是画家的艺术原则。 3.表现手法为措施 要创作出富有新意的作品,画家不仅要在素材上下工夫,还要在思想上有独特感受,在技法上别出心裁。新的观念和技法是同生的,创作精神、艺术形象和表现手法有机统一。如,现实主义善于运用朴实的语言,组织符合生活逻辑的情节;浪漫主义则采用一些特殊的语言形式,设计曲折离奇的情节;等等。这些手法都是不同的艺术手法的有机统一,从而形成了特定的作品。 结语 艺术的创作手法因人而异,因此具有明显的独特性和历史性,在不同时代,艺术家总是采用不同的同时又适合自己的创作手法。而作为艺术的表现形式,艺术创作手法不是孤立存在的,因为不同的思想会相互交流,不同的创作手法也会相互影响,如现实主义和自然主义、浪漫主义和神秘主义、立体主义和未来主义、超现实主义和抽象主义等有可能相互转化,艺术创作方法也始终处于发展变化之中。正是这种变化和无限的组合可能性向我们揭示了艺术创作的奇妙魅力。艺术创作方法是与艺术家的世界观、价值观、审美旨趣、天赋秉性紧密联系的,是艺术家借以认识生活和表现生活的创作指向和原则。从创作方法的发展中窥一斑而知全豹,我们得以饱览人类艺术的博大精深和变幻无尽。 油画艺术创作方法探讨:关良油画艺术创作的流变 1.早期的写实主义(20世纪20年代中期至40年代末) 1917年关良远赴日本东京学习油画,至1922年的五年间他跟随中村不折、藤岛武二两位写实主义绘画大师学习,练就了坚实的油画基础,而且当时西方盛行的各种绘画作品经常在东京展出,使得关良近距离接触了印象主义、表现主义、立体主义等欧洲画派,为其早期写实主义油画艺术风格的形成奠定了基础。回国之后,关良结识并跟随齐白石、吴昌硕、黄宾虹、潘天寿等国画大师学习中国画,逐渐习得中国传统绘画艺术的理论要义,也使得当时关良的油画创作尽管具有明显的西方写实主义风格,但还是透射出些许中国画风貌。这一时期,关良的油画作品虽然数量不是很多,但内容和题材却是相当丰富,有人物、有风景、也有静物,作品主要有《少妇肖像》(1928)、《裸女坐像》(1930)、《母女肖像》(1936)、《村景》(1943)、《嘉陵江之晨》(1945)、《花果静物》(1947)等。这些作品从构图、色彩、造型等方面都体现出写实风格,但由于受到当时国内战乱不断、政治氛围沉闷的影响,作品的格调显得犹豫低沉,比如《少妇画像》就是一幅典型的此类作品,画面中除了一位神情犹豫惆怅的少妇之外,只有一个似乎在滴答作响的钟表,好像诉说着青春的一去不复返,极具西方象征主义表现风格。简约的画面,加上对五官不画阴影的线条勾画,使得画面效果的立体感有意识淡化,烘托出一种情景交融的艺术效果,也从另一方面透露出画家对于美好人生的眷恋与渴望。 2.中期由写实走向写意的转型(20世纪50年代初至60年代中期) 新中国成立之后,全国呈现出欣欣向荣的景象,这种安定祥和的大环境为关良的艺术创作带来了无限生机与活力。经历了前期对中西绘画艺术的研究探索,加上这一时期深入农村、工厂的生活体验,关良的油画艺术创作在这一阶段发生了很大改变,除了题材依然多样化之外,创作了诸多反映社会主义建设的作品,如《丰收图》(1954)、《山区风景》(1955)、《山乡农忙》(1958)、《新安江水电站》(1962)等。形式上表现为从写实主义向写意的转变,不仅摆脱了之前日本画风与西方现代画派的深刻影响,而且突出了中国式的写意方法,尤其是把中国的写意水墨技巧淋漓尽致地展现出来,使画面不再犹豫低沉,而是充满了明朗清新、乐观向上的积极色彩。在画面处理上,他有意识淡化传统的素描关系,通过线条表现力的强化和造型的简化概括,突出平面化趋势,比如作品《颐和园》(1950)、《白屋眺望》(1957)、《园林》(1960)、《天柱岩》(1962)、《花果》(1963)、《上海苏州河》(1964)、《太湖风景》(1965)等。可以看出,这一阶段关良的油画作品以静物和风景为主,在技法运用方面,多以稀薄的用色与方笔使用,发挥出民族画风的流畅特性以及含蓄性特色,即尽可能以简练的形式表达出真实情感。创作于1960年的《渔父图》就是太湖一景的缩写,充分展现了我国江南的独特自然风光,也完全显现出关良风景油画“用笔简练概括、平淡天然”的特质,颇有古风笔意,既有倪瓒“隔江山色”式的平远构图,又有吴镇轻盈闲适的“笔墨”意趣。 3.晚期“意”、“形”、“神”结合的成熟(20世纪70年代前期至80年代初期) 这一阶段,关良经历了多重洗礼,受到政治运动的影响,十年间他几乎中断了油画创作,而是以“隐忍”态度在深思和等待,20世纪70年代中后期中国终于迎来了一个崭新的历史时刻,关良也迎来了一个新的创作黄金时期。正是经历了前期的诸多艺术探索与人生思考,关良的油画艺术风格走向成熟阶段:他大胆地采用油画的一切工具、颜料,按照水墨画的画法,不再考虑用油画的背景作陪衬,而是运用了我国传统绘画的一些精湛理论,通过极其简练的造型,明快的色彩,深邃的意境,实现“意”、“形”、“神”的完美结合,这一时期其主要作品有《三岔口》(1973)、《风景》(1975)、《三峡》(1976)、《初夏之晨》(1978)、《戏曲人物》(1978)、《钟馗》(1978)、《舞蹈》(1978)、《武松打虎》(1979)、《贵妃醉酒》(1980)、《绽放》(1980)、《构图》(1981)等。可以看出,这一阶段关良除了在静物和风景油画方面继续探索油画的中国本土化之路外,他开创性地创作出一系列戏曲人物油画。当然关良早在20世纪四十年代就开始尝试创作戏曲人物画,但这一阶段无疑是其戏曲人物油画创作的巅峰。在其戏曲人物油画作品里,他似乎都在漫不经意中塑造出一个个得意传神的戏曲人物形象,让观者在这看似随意、实则煞费苦心的形象中感悟到一种至高致远的艺术境界。比如在取材自明代高廉《玉簪记》的同名作品《秋江》中,画家避开虚拟的马、船与实景的矛盾,把寥廓寒江、白云碧柳、船桅林立的镜头虚去,表现的仍是戏曲,背景以深色为主,不交待具体物象,以鞭代马,以桨代舟,让画面充满流动的空间感,虚实对比愈加强烈,突出画面的整体意境,这种手法在《戏曲人物》、《武松打虎》、《贵妃醉酒》等其他戏曲人物油画中同样体现得酣畅淋漓。 4.结语 作为我国20世纪早期画坛的一位先驱人物,关良尽管经历了诸多风云变幻,但是他对绘画艺术的挚爱始终如一,这正是使他绘画精品层出不穷的关键。当我们品鉴关良的油画作品,特别是其极具开创性的戏曲人物油画时,我们看到的不仅仅是一个个融合色彩、造型、情趣、意境于一体的艺术形象,而更是一种永不停息、特立独行的艺术创新精神,这也正是中国油画艺术深化发展所亟需的内在特质。 作者:管艳 油画艺术创作方法探讨:油画艺术创作中民族审美意识 一、前言 时光荏苒,光阴似箭如梭,油画艺术作为一种先进的外来文化在中国已然得到了持续性的百年发展。中国油画创作艺术家对西方油画的材料使用、风格技法和文化内涵的理解和运用也得到了实质性的突破理解。民族的才是世界的。中国的油画在未来不该仅仅作为承载西方油画艺术的载体而存在,中国油画更应该立足于本民族的文化和精神诉求,具有中华民族的文化内涵和审美意趣,成为真正意义上的中国油画。 二、两大主要民族审美意识发展之源 如果仅凭常识和自己的大脑来认知世界,世人对许多事物的理解和体会往往有着谬误之处。诚然,东方人保守安分,西方人敢于冒险;东方注重感性思维,西方侧重理性思考;东方注重精神世界的探索和自由,西方侧重物质世界的获取和改进。中华传统文化可以被归类为最大生存限度下的伦理道德结构,在此结构下的人类的观念和行为都会受到限制,西方的文化活动则为人类社会居于主导地位放大了人性的力量的强势世界。这似乎给大众带来了一种错觉,东方民族的审美意识秉承的是静态观,西方民族的审美意识秉承的是动态观。答案恰恰相反:东为动,西为静。 (一)动观———东方民族审美意识发展之源 东方油画在民族观念意识的影响下是动观。东方更加注重写意、感受、象征、追求美和善的和谐统一。在东方文化中,天地与我并生,万物与我为一。在“天人合一”的观念下,物我相忘,和谐相亲。东西方截然不同的审美意识形成了不同的艺术观和价值观,由此观察和表现事物的方式恰恰相反。东方油画的创作需要接触自然、观察自然、感受自然和领悟自然。一切景语皆情语。以我观物,则万物皆着我之色彩也。画家在行动中观察事物,观物如观人,万物皆着人之意趣,万物皆着我之情致。水情乃我情,水清则我清;春池如美人,秋泉如高士;山性即我性,山行为我行;夏峰如猛将,冬岭如孤人。古梅如高士,坚贞骨不媚。花、蕊、枝、干皆有君臣、父子、夫妻之分。花也,叶也,兽也,鱼也,皆人也。画家眼中的物,气质与情态皆与人的精神气质相契合,不受此时此刻此情此景之制约,不受一时一地一知一解之束缚,目之所见得于心而会于意,最终展现在笔末毫端。 (二)静观———西方民族审美意识发展之源 与东方的“天人合一”相反,西方对人与自然的关系自始至终持“天人相胜”观。首先,宇宙本身就不是一个独立的整体,它合二为一。其次,人与自然也是两个相互独立的个体。人是主体,物为对立。由此,西方油画艺术创作中,油画艺术家着笔于写实、模仿、再现、追求美和真的统一。西方油画最初多为在室内描摹事物的形态、质感,注重事物的空间感和存在感,以求达到栩栩如生、以假乱真的效果;随着时间的变革,西方油画得到了长足发展,开始打破常规,由室内转为室外,追求事物在变换的光线下的光感和趣味;最终西方油画家开始致力于油画创作的创新和内在精神特质。西方信任认知自然、把握自然,从而改造自然、驾驭自然。可以这样说,西方人的精神特征是偏向于动态的,但其研究和观察事物的方式则倾向于静态,偏好审视。 三、油画艺术创作中东方审美意趣的演绎 (一)概论 东方油画的历史与西方比起来诚然短暂,但是在一批文化探索先驱的不懈努力和庞大的东方文化体系的承载下,注定会走上一条阳关大道。部分学者未免有失偏颇:内在的精神气韵已然达到,为何要追求事物的表象和外观?殊不知西方油画的伟大之处不在对视觉上的色彩和形态的征服,在于感性和理性的理念的交织中人性的力量展现。艺术的理念来源于哲学。而在西方的哲学家黑格尔的眼中,东方画家虽然也可以将事物描绘得纤毫毕现,但他们并未在事物的光影变化中解释美所之所以为美,也没有掌握崇高理想的瑰丽的艺术技巧。而东方油画的精髓也并不在于表观世界的构建和再现,而在于其秉承的笔墨气韵和人文情怀。由此,我们自然可以认识到东方文化和西方文化二者自身的无可取代和艺术价值以及在自己文化体系中所具有的价值与意义。但是在文化现象光怪陆离亟待矫正的社会大前提下,中国少年渐渐走失在探索油画的道路上,他们知道怎样作画,如何作画,却忘记了为何作画和怎样创作油画。这些现象不仅仅是技术上的矫正就可以纠正过来的。 (二)东方审美意趣的演绎 “象”既指自然的物体形态,又象征着宇宙人生,所以大象无形,大象无声。“意”既是美学观念,又是哲学观念。东方审美中,油画创作是偏好于侧重于事物的意象化表达和寻求创作的衍生和结合的。各种具象的色彩、造型、结构都有着一定的文化指向性。中国的油画创作相比较于西方的油画创作而言,更在乎虚实和主次的布局和安排。主体和客体相互区别对立,也相互结合统一。国画中的重要的“留白”是世界上首次正式提出的关于虚实的概念。有限的实体和无限的虚体丰富和延展了传统的油画创作观。画面的疏密与色彩则能够体现画家本人对画面的掌控,画面的层次感和节奏感都能够在画家的关于疏密和色彩的艺术主张之中体现。在现代人的视觉经验下,梅兰竹菊、山石沟壑的精神气质都实质化起来,积淀着丰富的人文气质。这一点在中国画的运用和东方油画的运用上都有着共通之处。成功的东方画家在汲取了西方艺术精髓之后创作的油画作品仍然能够明显区别于西方绘画有赖于画面的布局、留白、置色、意境等都来自于东方艺术熏陶下的审美视角,这一点颇值得后人学习和借鉴。 四、油画创作中中华民族审美意识的应用 (一)绘画创作中中华民族审美意识的体现 1.绘画观念本文说过:艺术创作的观念来源于哲学。中华民族的审美意识秉承着客体和主体相互结合统一的“天人合一”观。所以在艺术创作中,画家时常融合个人的思想主张,“一切景语皆情语”,绘画的构图安排也时常汇集了画家的文学素养、哲学观念和宗教信仰。个人的精神世界展现在绘画之中,画家本人的中华民族传统价值观和充满民族意识的审美视角也在绘画中展露无遗。油画作品不仅呈现着自身形态,而且展示了画家创作时的精神世界和理想追求。 2.艺术元素华夏民族的历史悠悠五千年,汇聚了无数传统价值符号、美术意象和创作素材。瓷器、屏风、戏剧、锦绣、壁画等风格独具的中华民族传统装饰元素在油画创作中逐渐平面化和实体化,复杂或简化,力求以其风格别具一格的民族特色文化推进中国油画的发展和油画的民族性意识思维的发展。 3.绘画风格中国油画创作的色彩使用有一定的局限性———偏好于素色的使用,其色彩的使用基本围绕着青色、红色、白色、黑色和黄色五色。白色是本真,是虚无;黑色是坚守,是纯厚。中国的传统绘画风格的笔墨的风格技法的借鉴意义颇大。中国画的平笔、圆笔、留笔、重笔、变笔“五笔”以及浓墨法、泼墨法、淡墨法等“七墨”在中国油画创作中的使用也很多,而这些西方油画创作者都难以掌握和领会。 (二)油画创作中中华民族审美意识的实际运用 1.国内艺术大师的中华民族审美意识的实际运用艺术大师吴冠中先生站在国画界的边缘,其油画创作对中华民族的审美意识进行了叛逆性的传承。其油画作品《长江万里图》从绘画构图到点线置色、意境处理无不透露着他对民族文化精髓的深入了解。它以中国画卷传统的打开形式展开,短小精悍,尺幅千里,融时间和空间概念为一,作品充满了叙事性和独特美感。艺术大师林风眠先生的传统文化底蕴十分深厚,变革了西方绘画的造型观念形成了自身别树一帜的精神面貌。他的作品体现着强烈的东方意味,以作品来表现自己的善恶观和美丑观,在油画的东方意味之路上的探索远超前人,看似轻轻松松、散漫不羁,实则充斥着浮世的积极意义。 2.国外绘画大师对中华民族审美意识的探究奥地利画家古斯塔夫•克里姆特深受东方艺术和传统思想的影响,精心研究了中国的书画作品。他的油画作品的装饰韵味浓厚,思想内容深刻。生命的诞生和衰竭的意义在于认知生命并能够不断把握其中的过程。将绘画上升到了对人生哲理的探索和追求,他的画作中不乏对生命意义的理解和把握。我们还可以看到他的许多作品中都有着中国文化的影子,隐约而随性。 五、结语 今时今日,东方和西方的民族审美意识已然失去了从前的对立和冲突。百年的岁月和时光的洗礼之后,中国油画已经成为了中国艺术必不可少的组成结构之一,油画艺术作为思想和理念的重要载体之一也成为了各民族不可或缺的艺术创作手段。东方油画创作中秉持的审美意识理应回到东方是归来,再到西方是归去,最后终究又归来。多媒体科学技术的出现和运用让油画创作遭受了更多和更大冲击,也让油画艺术得到了机遇,可以在绘画构图方面得到多元化发展。一切艺术都是为了寻求美的根源。坚守心灵的净土,秉承追求“真善美”的观念、善于发现美、不懈地探究美,这样油画艺术创作事业就一定能够得到蓬勃发展。 作者:秘云腾 单位:武汉科技大学艺术与设计学院 油画艺术创作方法探讨:油画艺术创作的情感体现分析 情感是艺术的本体,是一切艺术创作的动力和支撑之一。真挚的情感作为艺术创作的主宰与灵魂,在整个油画创作中日益显得重要。 一、油画艺术创作情感的时代性 油画艺术的创作与演变离不开它赖以生存的社会与时代。时代和社会经济情况成就了一大批杰出的油画艺术家和极具影响力的艺术风格,一定意义上讲,他们是与时代相融的。一个人在自己心里唤起曾经一度体验过的感情,并且唤起这种感情之后,用动作、线条、色彩,以及言辞所表达的形象来传达这种感情,使别人也能体验到同样的感情,这便是艺术活动。1816年“,梅杜萨”号军舰由于指挥者的无能,触礁沉没。军官乘救生艇逃命,并对试图登舰的士兵开枪。剩下150多名乘客被抛在临时搭制成的一只木筏上,在大海里听凭命运摆布。几天过去了,在饥渴和酷暑的折磨下,许多人开始绝望,面包师深信没有获救的可能,投入大海中自杀了,还有一些人撬开酒桶,灌醉自己,企图忘却死亡的痛苦。不久,这种绝望的情绪越来越疯狂,一些人砍断缆绳,妄图让所有人一块儿完蛋。另一些人去拦阻,于是爆发了一场激烈的搏斗。有个叫多米尼克的机械工参加暴乱被扔进海里后,哀号着求救。工程师可怜他,跳下水抓住他的头发,将他拖回木筏上。但没几天,这个忘恩负义的家伙,又加入第二次暴动。经过三次暴乱和平息后,木筏上尸体横布。又过了几天,食物和水的短缺成了更大的威胁,两个黑人士兵饥渴到极点,于是违反规定,将最后一桶酒剜个洞用吸管偷喝,暴露后,被人无情地扔进大海里。有些人把刺刀弯成大鱼钩,希望可以钓鲨鱼。但鲨鱼咬住后一扯,鱼钩又变成笔直的刺刀了。经过这番折腾,木筏漫上许多海水,一些受伤的人的伤口被咸水浸泡,惨叫不绝。最后,木筏上仅剩下27个人了,其中15人还能支撑一段时间,其余12人,受伤太重,神志不清,不大可能熬下去了。而且食品不足以维持所有的人,有些人甚至开始偷偷啃噬刚死去同伴的手肘,于是那15个人经过辩论,终于做出一个决定,把那些在三次反暴乱斗争中和他们并肩作战、甚至救护过自己的伤病员,统统抛进大海。150多人,最后只有10人幸存下来,无论如何,这也是一场特大的惨剧。但是路易十八政府怕此事张扬出去受到舆论谴责,只在官方报纸上发了一条简短的消息,悄悄通过军事法庭判处船长降职和服刑三年就了事。两位木筏上的幸存者不服,向政府上书,却遭到打击,被解除公职。在忍无可忍之下,他们将这次船难经过如实写成报道,印成小册子公开发售。这一举动立刻轰动了国内外,舆论一片哗然,籍里柯也格外愤慨。在人民有冤无法诉说的情况下,26岁的籍里柯,走访了生还的船员,听他们讲述真实的遭遇,并到医院亲自看望了受伤的船员和已经死去的船员的家属。他把聆听幸存者的叙述作为灵感的来源,同时也对腐烂的尸体、重危的病人等进行现场写生,搜集素材。他要以此为题,创作一幅饱含激情和想象力的画,让它再现出那惊心动魄的场面。为了这幅画,籍里柯还托筏上一个生还者木匠制作了一只木筏模型,让黄疸病人做模特儿,在上面摆出各种惨状。为了能够更真实地表现出海浪和天空,他也亲自去海边进行研究。籍里柯用了18个月的时间终于创作出了震动法国、波及欧洲的《梅杜萨之筏》这幅“写实”的巨作。《梅杜萨之筏》从画面的构图、光线、色彩到人物的动态表情以及丰富的想象力,都是无与伦比的。画家以金字塔形的构图,把事件展开在筏上仅存者发现天边船影时的刹那景象,刻画了遇难者的饥渴煎熬、痛苦呻吟等各种情状,画面充满了令人窒息的悲剧气氛,开创了浪漫主义先河。在画面上,船帆与木筏上的幸存者正好构成一个三角形,成为画面的中心,向观众明白展现出木筏在海上飘荡的情景。有的人已经死去,有的人奄奄一息,有的人抱着亲人的尸体陷入沉思而一群振臂向前的人冲破了稳定的大三角形的束缚,又构成一个动荡的、富于激情的三角形。他们一个推一个,直到最高处的人被高高举起,挥舞着一块红巾。顺着他们呼喊的方向,细心的观者能够在远处的浪尖上发现一个细微的船影,与迫在眼前的死亡相比,它意味着生的希望。而画家有意在背景上画一风帆,逆风将木筏往后吹行,这就营造了遇难者向往救生船与逆风逐渐将木筏往后吹的对立紧张的气氛。画家用了18个月的时间来描绘这幅力作,以后又做了不断的修改。当作品第一次公开展出的时候,已经到了1819年。展出时的轰动效果恐怕连作者本人也不曾料想到。尽管这一事件已经过去许久,但当人们站在画作前,似乎又看到了汹涌的海浪,又看到了士兵们孤立无援的境况,画面不是在四平八稳地叙述,而是通过匠心独具的布局和触目惊心的描绘,强烈地刺激了观赏者的情感。情感的寄托与转化带领观众进入作者所规定的特定环境,使人们为之感动,从而产生共鸣。“动之以情,晓之以理”。人们在进行艺术欣赏时通常要联系创作者的创作背景等因素。一件好的艺术作品要使其具备一定的感染力,必须拥有其创作背后与创作过程中的情感因素。在人类社会发展的长河中,任何一种表达方式要想为人们所接受,都是以一定的情感传递为基础的。正如设计的表达是以情感的形式化为基础,音乐的表达是以情感的波动为基础,言语的表达是以情绪化文字为基础,同出一辙,绘画情感的表达是通过情感视觉化过程来完成的,是“一种情感审美过程的转化”。油画是真实感情的记录。1937年4月26日,德国法西斯空军恣意轰炸了西班牙历史名城——风光旖旎的小镇格尔尼卡,当时恰逢集市,2000名无辜平民丧生,格尔尼卡被夷为平地。这一事件震撼了全世界,也震撼了毕加索。 愤怒的画家毕加索,挥笔创作了大型油画《格尔尼卡》。七十年过去,这幅杰作已经成为警示战争灾难的文化符号之一,也使格尔尼卡的悲剧永远留在了人类伤痕累累的记忆中。画面里没有飞机,没有炸弹,却聚集了残暴、恐怖、痛苦、绝望、死亡和呐喊。被践踏的鲜花、断裂的肢体、号啕大哭的母亲、仰天狂叫的求救人、断臂倒地的男子、濒死长嘶的马匹这是对法西斯暴行的无声控诉,撕裂长空。画家以半抽象的立体主义手法,以超时空的形象组合,打破了空间界限,蕴含了愤懑的抗议,成就了史诗的悲壮,在支离破碎的黑白灰色块中,散发着无尽的阴郁、恐惧,折射出画家对人类苦难的强大悲悯。毕加索自己曾解释此画图像的象征含义,称公牛象征强暴,代表的是凶残的德国法西斯;受伤的马象征受难的西班牙;闪亮的灯火象征光明与希望当然,画中也有许多现实情景的描绘。画的左边,一个妇女怀抱死去的婴儿仰天哭号,她的下方是一个手握鲜花与断剑,张臂倒地的士兵。画的右边,一个从楼上跳下来的人高举双手仰天尖叫,在他后面,是熊熊的火焰。离他不远处,那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶,以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切,都是可怕的轰炸中受难者的真实写照。零乱的肢体从各个角度诉说着当时德国法西斯的残忍。在这里,毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过,画中那种剪贴的视觉效果,并不是以真正的剪贴手段来达到的,而是通过手绘的方式表现出来。那一块叠着一块的“剪贴”图形,仅限于黑、白、灰三色,从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。在创作手法上,这幅画显然是侧重表现主观强烈的思想情感;但如果没有这次的狂轰滥炸,也就不会激起毕加索的义愤,从而使他在短短一个月的时间内完成这幅名垂画史的伸张正义、控诉暴行的杰作。作为一个具有强烈正义感的艺术家,毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。 二、油画艺术创作情感的民族性 人类的情感是一种物质化的外向表达。一个人只要一出生,就必定存在于一个特定的、不可自我选择的文化环境中,客观上接受一种绘画风格。果戈理说:“真正的民族性不在于描写农妇穿的无袖长衣,而在于具有民族的精神。诗人甚至在描写异邦的世界时也可能有民族性。只要他是以自己民族气质的眼睛,以全民族的眼睛来观察它,只要他的感觉和他所说的话使他的同胞们觉得,仿佛正是他们自己这么感受和这么说似的。”别林斯基发挥了果戈理的观点:“无论诗人从哪一个世界提取他的创作内容,无论他的主人公们属于哪一个国家,诗人永远是自己民族精神的代表,以自己民族的眼睛观察事物并按下他的印记。”罗中立的油画《父亲》,在当时引起过强烈的反响,与其说罗中立创作了《父亲》,还不如说是那个年代选择了《父亲》。含辛茹苦的父亲一路走来,他那张布满皱纹的脸见证了中华民族沧桑的历史,他养育了罗中立,养育了那个时代的每一个人。今天,当我们再次面对曾经打动过无数人的《父亲》时,仍能领略到一种逼人的烧灼感“。农民是这个国家最大的主体,他们的命运实际上是这个民族和这个国家的命运。”罗中立说。有一天,罗中立在路边公共厕所看到一个收粪的农民,这个场面触动了罗中立“。看到他的时候天已经黑了,而且外面的天气阴雨绵绵,非常湿,非常冷,当时我看他还是很麻木的,完全不知道已经是大年三十这样一个感觉,所以当时一下子很震动,然后回去马上画了很多关于收粪农民这样一个场面。”他认为是又脏又臭的农民支撑着国家,农民才是支撑国家和民族的真正脊梁。《父亲》不论是在题材内容上,还是在形式语言上,都有革新的意义,开辟了刻画农民的复杂性格和表现内心思想的新领域,给20世纪80年代的艺术界以巨大的震动,使人们开始思考过去、现在、未来。有人说《父亲》的形象不是某一个农民的父亲,而是中国经历十年浩劫的八亿农民的父亲,也是当代中国农民的形象,这个形象所体现的力量,是支撑我们整个民族,整个国家从过去走向未来的伟大力量,这个形象有很大的概括性,又有巨大的包容性,它具有划时代的意义《。父亲》在一定程度上反映了当时的社会特征,它更像一座纪念碑,屹立在那个年代人们的心中。每一个民族,不论其大小,都有自己的而其他民族所没有的特殊性。由于各民族生活的特殊性必然造成民族精神和审美情趣的差别性。民族精神与审美情趣的差别性必然造成民族艺术的多元性。同志指出:“艺术有形式问题,有民族形式问题。艺术离不了人民的习惯、感情以致语言,离不了民族的历史发展。艺术的民族保守性比较强一些,甚至可以保持几千年。古代的艺术,后人还是喜欢它。”正是由于各民族艺术的独特性、差别性与多样性,决定了各民族艺术相互交流的必然性。某一民族具有先进思想的艺术作品会有力地影响其他民族的艺术,各民族艺术的形式都有自己的特点,因而,通过不同民族艺术的相互影响可以使艺术形式更加丰富多彩。黑格尔说,一切优秀的艺术作品都表现了人的本性。现实中的一切人和事都是暂时的、易逝的;只有人的普遍本性才是永久的、长存的。艺术如果仅仅表现具体的人和事,必然是暂时的、易逝的,只有表现人的普遍本性才是永久的、长存的。尽管各民族之间以及许多世纪的历史发展过程的各阶段之间有一些差别,但是作为共同因素而贯穿在这些差别之中的毕竟有共同的人性和艺术性,所以这一民族和这一时代的艺术对于其他民族和其他时代同样还是可理解、可欣赏的。油画作为外来艺术形式,在中国走完了百余年的历程,它始于写实,至20世纪50年代学习苏联油画,接受的也是现实主义画风。它从稚嫩的枝丫成长为相当结实的枝干,开花结果,且果实累累。而后,在全国一片“解放思想”的大背景下,国家经济发展,外国各种艺术思潮不断涌入,中国油画家也敢于接受并融合西方当代艺术的表现形式,丰富了创作实践,开创性地以西方语言形式解构中国民族图式的新思维。 三、当代中国油画创作之思考 油画创作必定反映创作者的一种情感。情感是“人对于客观现实的一种特殊的反映形式,是人对于客观事物是否符合自己的需要和目的所做出的一种心理反应形式”。情感始终贯穿在油画的创作过程中,在情感的推动下,油画家以情取形,以形抒情,赋予现实的真实存在以新意义,创造出景物与他自身情感的统一物。艺术需要情感,艺术来源于生活,生活需要美,油画创作需要发现美、创造美。我们需要建立“可持续发展的艺术生态体系”“,中国的油画艺术前景是多样的,类似生态关系那样的局面”;写实油画“不是‘唯一的‘’最好的’,也不好叫作‘主流的’”,但“必须是其中一种”。中国油画是中西方文化的碰撞与融合。“现代与后现代的东西没有人刻意调度,而是事有其所必至,毕竟是时代给予了后起的、发展中的中国以不同的需要和条件”。创新不守旧。但我们的文化,我们的传统,我们的油画需要做到审美归真。蓬勃发展的当代中国油画将人们的视野引到了一个新的立体化审美境域。中国的民间艺术有其特有的审美形态、语言内涵、价值取向,这是我们该保留、珍视、继承和发扬的。中国油画的发展道路也该是不断探索与发展的和谐与冲突之过程,要求切入文化本体中去探究,索求其有益于启迪当代中国油画的深层内涵。 作者:彭伟时 单位:沈阳理工大学 油画艺术创作方法探讨:主观性油画艺术创作论文 一、油画艺术中主观性色彩的语言特点 在油画艺术的创作中,主观性色彩摆脱了客观真实色彩,并成为具有独立审美意义的艺术表达语言,其运用过程也是艺术家在进行艺术创作过程中,强调自我情感以及思想表达的过程。 (一)主观性色彩具有主观性 荷兰后印象派画家文森特•梵高是表现主义的先驱,可以说他是主观性色彩的创始人,其油画艺术作品中,色彩表现具有强烈的个性特征。在他的作品中能够强烈地感受到画家在创作过程中的内心情感。例如1890年创作的油画作品《乌鸦群飞的麦田》被称为是梵高的“绝命书”。整幅作品画面色彩鲜明而强烈,绿色的小路在大片黄色的麦田中伸向远方,乌云密布的天空压抑着金黄色的稻田,流露出阴郁与不安,让人感觉空间凝固,无法喘息。低飞的乌鸦以及狂暴跳动的笔触增强了压迫感与反抗感,让骚动的画面增添了激动、振奋与不安的情愫,整个画面被蒙上了一层紧张与不祥的预兆,充满着恐怖、不详的感觉。画面中没有表现出自然物象真实色彩之间的对比关系,却表现出画家本人内心的思想与情感体验,而这极具个性的艺术语言,成功地使整个画面获得了强烈的视觉表现效果与精神感染力。法国画家、野兽派创始人亨利•马蒂斯认为,艺术创作色彩的选择应该是以创作者个人观察感受的经验为基础,色彩表现的目的是表达创作者的情感意识,而不是复制客观存在事物。 (二)主观性色彩具有象征性 色彩因联想而具有象征性,红色能够联想到火与血;黄色能够联想到太阳;蓝色可以联想到海洋、天空等。不同的色彩能够令人想到不同的事物。然而,色彩不仅能够象征不同事物,还可以象征一些抽象意义的概念,比如精神信仰等。在油画艺术创作中,色彩的象征性特点表现得尤为突出,并且为艺术家提供了更加广阔的油画艺术创作的空间。与塞尚、梵高合称后的印象派三杰——法国后印象派画家保罗•高更就是一位善于运用象征色彩来进行油画艺术创作的优秀画家,其代表作之一——《雅各与天使的搏斗》看起来像是宗教题材的作品,实际上是以象征主义为特点,运用红、蓝、黑和白色组成的画面。整幅作品显得十分神秘,运用强烈的对比与大面块的设色。而这种独特的色彩选择与结构安排使得画面表现内容极具象征特性。 (三)主观性色彩具有表现性 德国画家、思想家约翰•沃尔夫冈•冯•歌德曾经对色彩与人的关系进行阐述,并从人的心理与情绪的角度进行分析,他认为色彩可分为主动色彩与被动色彩,能够传达出人们内心积极或者是消极的情绪,这也就是色彩的表现性。在油画艺术创作中,客观描摹对象的色彩不是用来被复制的,而是使之升华用于表达情感。 (四)主观性色彩具有装饰性 画家在进行艺术创作活动过程中,为了充分表现自身的情感体验,往往采取平面性、秩序性的手段将貌似简单的各种色彩有规律地组合在一起,形成线条与面块,将画面中的色彩元素进行分割或者是重叠,利用点、线、面的相互映衬,使得画面内容丰富且生动起来。如高更的作品《塔希提妇女》,画面中描写的对象没有立体感,而是用近乎是平涂的手段,使画面产生一种原始的韵味。画中盘里鲜红的水果色彩与人物赭石、红棕的色彩,以及人物腰部裙衫的苹果绿与深黑等色彩形成了鲜明的对比。再如一直追求艺术探索的马蒂斯,其曾经从东方艺术中汲取了绘画表现手法以及平面的表达手段,使画面极具装饰感。 (五)主观性色彩具有节奏性 绘画艺术如同音乐一样,能够表情达意,抒发内心情绪。内心情感的迸发表现在油画创作中,借助色彩冷暖与明暗的表达,就形成了富有思想和灵魂的节奏。如同俄罗斯画家瓦西里•康定斯基创作的一系列作品,其画面中所表现的内容充满了节奏感,并且是伴随着创作者的情感波动而产生变化的。其作品《在褐色中展现》描绘了一个人从呈褐色微暗的室内登上向外的台阶的情景,当门打开时便出现了明亮的光,显然这个人走向了光明。画面中褐色与白色的面块相互映衬,明亮与灰暗之间巧妙地产生了不同的节奏,同时又清晰地表达出创作者的内心情绪。 二、在油画创作中对主观性色彩运用的思考 (一)油画创作主观色彩的产生源于创作主体的艺术个性与艺术感悟 在油画创作中,主观性色彩的运用就是创作者艺术个性表现的重要表达方式与手段。而油画色彩语言是由不同创作主体来决定的。不同主体的主观性会创作出不同的色彩语言形式。主观性色彩是创作者艺术个性的体现,而艺术个性也代表着主体对客观描绘对象的主观性认知。因此,主观性色彩与艺术创作者的艺术个性是一致的。在具体的创作过程中,绘画作品中的主观性色彩体现着创作者的个人审美、个性特征与思想情感。如同有的艺术创作者喜欢意象表达、有的喜欢象征主义、有的偏爱表现主义一样,不同的创作主体的自我情感与精神不同,因此在艺术创作中,其对于色彩的运用也就有着不同的内涵与意义。 (二)油画作品中主观色彩的产生是创作者在创作中的主观思维表现 主观性色彩在油画中是创作者主观性的直观展现。在油画创作中,虽然艺术表现的内容是客观性的,但是形式与色彩却是主观性的。客观存在的表现内容是艺术家创作的基础,而主观性的色彩表达就是要将其中蕴含的美表现出来,并使之升华为艺术美。油画作品的主观性色彩就是创作语言的主观性,其与创作者的主观性一致,是艺术家在具体的创作过程中主观思维的艺术化体现。在实际的创作过程中,艺术创作者的主观性思维体现在多个方面。首先,在绘画内容上,不再像以往那样按照主题来进行创作,艺术家可以根据自己的喜好来决定题材,只要是感兴趣的题材都可以进行创作。其次,绘画创作材料与技法的主观性。伴随着时代的进步以及科技的发展,各种各样的材料都可以作为艺术家进行绘画艺术创作的工具。在现代举办的很多画展中,很多优秀的绘画作品很难看出是什么样的画种,却同样具备很高的艺术价值。再次,绘画形式上的主观体现。以往的绘画创作都有条条框框的规定,需按照规则进行作画,然而在今天的绘画创作中,很多艺术家已经突破了固有形式,抛开观念上的束缚,创作出了属于自己的画作,有着自身独特的表现形式。色彩是油画艺术创作的基本构成元素,其本身就带有非常强烈的主观特征,但是因为有不同的表达方法,色彩又有了主观与客观之分,而现代艺术家们在油画艺术创作中,越来越多的表达出自己内心情感世界与精神世界,在画面中有意识的去构建属于自己的色彩规律,尤其是带有寓意以及象征性的色彩语言,成为绘画作品的主体色彩。 (三)情感与精神是主观性色彩的优秀 现实主义的色彩一般是以客观再现为主。而具有代表特性的主观色彩则是以表现情感为主要目的。在油画艺术创作中,艺术家主观世界心理与情感的表现,必须要有客观存在的限制,用表达强烈的色彩语言,或夸张、或对比、或变形等方式去表现情感。艺术家将整个世界看作是“自我”的空间,就能够用主观性的情感去看待整个创作,用主观精神去对客观存在的物象进行再创造,重新组织画面的色彩规律,融入更多的个人意识,体现出个人的审美情感。比如在现代画派中,同样是一片天空,不同的艺术家会有不同的创作表现,有的画成蓝色,有的画成绿色,即同样的描绘主体,因不同情感的左右而产生不同的视觉心理,便有着不同的情感定位。艺术创作中,主观性色彩在形成一定规律的同时,上升到精神层面的表达,以突出主题思想以及创作者的精神观念。在很多画展中,我们都会看到一些作品,其内容与形式都很虚无,但整幅画面的色彩表现却有着很强的感染力,能够吸引观者去思索,这就是绘画中主观性色彩的精神性,同时也是其根本优秀。 三、总结 油画艺术创作的主观性色彩是一个艺术家综合艺术修养与艺术个性的展现,是一项值得长期探索研究的课题,需要在更多的艺术探索与实践中去论证。主观性色彩是一个仍在不断发展变化的、具有生命力的创作元素。目前,有许多油画艺术家会从不同的角度展现其独特主观性色彩语言。这对主观性色彩在艺术创作中的研究、对于油画艺术创作的发展创新有着积极的推动作用。 作者:赖琳 单位:四川文理学院美术学院
园林规划设计论文:园林规划设计课程改革论文 1课程设置 1.1 课程定位 1.1.1本课程针对就业岗位与能力目标要求制定教学任务。 针对园林工程技术专业培养目标(设计员、绘图员、助理景观设计师岗位),分析各类设计单位和园林工程公司对学生在设计方面的要求,制定课程的主要教学任务。通过此课程的实践和教学,培养学生认识、分析、研究园林规划和设计的基本能力,初步了解园林规划和设计的特点和思维方式,掌握园林规划设计的基本原则和方法,以及园林规划设计中的经济技术问题,掌握各类园林设计项目的分析和设计技巧,具备设计中小型园林绿地的基本技能,锻炼和提高学生的调查分析能力、综合设计能力、综合表达能力,培养独立进行各类景观设计方案图纸的分析理解能力,识图能力,为园林施工技术类课程做铺垫,为后续课程打下坚实的专业基础。 1.1.2本课程既是专业优秀课程,也是专业基础课。 本课程前导课程为《美术基础》、《画法几何与阴影透视》、《园林设计初步》、《园林树木与花卉学》等专业基础课,后续开设的课程有《计算机园林设计》《毕业设计》、《顶岗实习》专业课和实践课等。《园林规划设计》课程是本专业一、二年级教学的优秀主干课程,既是对前期各个课程的综合应用与演练,也是系统学习园林规划设计方法、技术要求与设计技巧的教学过程,是园林规划设计理论联系实践的重要教学环节。 1.2课程设计的理念与思路 1.2.1课程设计依据。 (1)以就业为导向,突出针对性;(2)以国家职业标准为依据,突出技能性;(3)突出工学结合、校企合作。 1.2.2课程设计原则。 针对“园林工程技术”专业岗位的职业标准和岗位需求,实施突出应用能力的培养为目标,体现工学结合的课程体系,依据理论学习与实践探究相结合,技能训练与思维培养相结合原则,按照“学、做合一”的教学模式,选择典型园林工程项目来设计课程标准,配置各项教学资源,实现课程教学内容与市场需求相对接,职业能力培养与岗位能力需求相对接。 1.2.3课程教学设计体现。 园林规划设计课是园林工程技术专业重要的专业优秀课程,为了更好地把握这门课的教学环节,适应社会需求,实现该专业能力的目标,我们主要从理论知识够用,加强“工学结合”的教学理念入手,进一步对此课程进行了教改和实践,着重培养以下几个方面的能力:(1)具备创新能力;(2)具备较强的中小型园林设计的方案规划设计能力、园林艺术鉴赏的能力和方案表现能力;(3)具备运用语言(包括外语)表达思想和写作的能力;(4)具备沟通与协调能力、独立工作能力、自主学习能力;(5)团队合作能力。 2教学内容 2.1教学内容的针对性与适用性 课程内容的选取打破传统的学科体系,根据“岗位适用、市场需求、技能为主”的原则进行取舍,根据地区、行业经济和社会发展的需要合理安排教学内容,具有较强的针对性与适用性。 2.1.1岗位适用。 通过调查研究发现,目前毕业生从事设计工作的类型份额不同,从事居住区景观环境设计的占45%,从事单位附属绿地设计的占20%,从事街道小游园、广场绿地设计的占15%,公园绿地规划设计的占9%,其它占13%。课程的设计围绕园林景观行业的职业岗位和岗位需求,结合各岗位职业能力的需求开展课程的设置。 2.1.2市场需求。 课程教学采用“项目教学”将实际工程项目导入教学当中,把技能关键点与岗位相结合,采用任务驱动和现场教学、互动教学的方式,实现课程教学内容与市场需求相对接,职业能力培养与岗位能力需求相对接。 2.1.3技能为主。 根据工程项目职业岗位能力进行课程内容的设计,分析技术关键点,加强学生的岗位职业能力综合训练,进行园林规划方案设计、方案交流与修改、方案文本制作、成果展示与汇报、园林景观工程施工图绘制训练等。 2.2教学内容的重新组织与安排 2.2.1课程体系结构。 课程体系结构主要由3个层次组成:园林规划设计基础层次、园林规划的设计方法模块和园林规划的综合设计应用模块。 2.2.2教学内容安排。 根据学习规律,本课程分第二、三学期完成,第二学期84学时(其中理论教学48学时,实践教学36学时),第三学期84学时(其中理论教学16学时,时间教学68学时),每学期对应的知识与能力有所侧重。园林规划设计(一)侧重基础理论、设计方法、设计分析的学习与实践。园林规划设计(二)侧重中小型园林规划项目的设计应用实践。 2.2.3教学重点和难点。 重点:居住小区道路系统规划设计的原则和设计方法,根据主题确定各功能区域的景观布置。难点:景观的立意构思,确定设计主题。解决方法:通过案例分析、讲解,以及学生亲自动手实践,学生能够初步掌握居住小区道路系统规划设计的原则和设计方法;合理布置各功能区域的景观。 3独创的考核方式 园林规划设计是园林工程技术专业的一门优秀课程。本课程教学主要培养学生掌握园林规划设计基本理论知识和训练学生具备详细规划设计与绘图技能,使学生在接受命题后,从最初方案到成稿,有正确的思维步骤、合理的立意构思、科学合理的细部,直到最后准确而形象地绘制。本课程平时作业较为重要,兼专业周成绩与最后成果演示汇报考查,从公正、合理、全面的角度评定学生对本课程的学习成绩,特制定本考评办法。 3.1成绩项目 园林规划设计课程成绩设置理论课成绩及专项方案设计成果汇报成绩2个项目,理论课成绩经过平时作业成绩和考试评定,专项方案设计成果汇报通过方案大作业进行评定。 3.2理论考试评分办法 3.2.1平时作业成绩(70%)。 包括学习态度、出勤情况、课堂发言情况、参与讨论情况、课堂作业完成情况等几部分,按各次作业的最终平均分评定。若平均成绩低于60分者不参加期末考试。 3.2.2期末考试成绩(30%)。 期末考试范围是教学大纲规定的本学期全部理论教学内容中的掌握及理解部分,以基本理论和基本概念为重点,有理论阐述题、填空选择题和有关作图题等题型,总体难度以中等偏难为控制水平,时间以2个学时为准。 4教学方法与手段的创新 在教学过程中,在注重培养学生基础扎实、知识面宽的基础上,积极开展教学改革,注重因材施教和素质教育,通过加强校内外教学基地建设,结合高职园林工程技术专业学生特点,逐步形成“项目驱动教学法”与企业紧密结合,与实际项目紧密结合。教学中采用“项目带动、六步教学法、教学做一体化等教学方法。新的教学模式以真实项目为载体,共6个步骤实施教学,提高了教学效率,效果显著。典型的工作项目由教师提出要求,组织学生进行实施,必要时用成功案例进行示范,让学生在任务实施中掌握相关的职业能力,提升其职业综合素养,学生成绩的评定由学生的工作能力、工作态度和工作成果综合评定。同时,积极探索、总结并推行符合学生学习规律而学生又乐于接受的教学方式即:我学———我忘———我看———我有印象———我做———我记住,通过学生参与实际项目,提高学生参与实践教学的积极性和主动性,对操作性强的专业优秀课程,通过完成相关项目来掌握优秀技能,把课堂、企业、现场结合起来组织教学。 5总结 园林规划设计作为园林工程技术专业培养的一项优秀技能,其课程内容基于生产实践、教学过程“工学结合”,创造性地应用了学校和企业建立的“校中厂、厂中校”长期合作的新型模式,是课堂理论学习与实践相结合的重要融合和提升阶段,对园林工程技术专业的园林设计方向起到重要的支撑作用,同时为后续的施工和实践课程夯实基础。园林规划设计课程的教学内容和教学方法需要切实与市场需求和行业、企业需要密切联系,并在教学实践中不断探索、创新和改进。永无止境的创新精神决定了人才培养的美好方向,只有不断地进取,才能培养符合新时代社会需要的高端技术型人才。 作者:宋丹 单位:内蒙古建筑职业技术学院建筑与规划学院 园林规划设计论文:城市园林规划设计理论论文 1宜居城市园林规划设计的相关理论 从严格意义上讲,宜居城市应该融合自然环境、人文环境两种,形成一种特殊的结合体,在这样的城市中,自然环境主要是由原始型自然与人工型自然共同组成;人文环境主要是由社会文化、政治经济等元素组成。在建设宜居城市的过程中,对园林规划设计进行系统的研究,相关的理论建设应该坚持“践行规划先行”的原则,以建设园林型城市作为城市发展与规划的最终目标,并科学合理的布局宜居城市园林,要以美化城市生态环境,促进城市经济水平的发展作为根本目标,从而制定出完美规划蓝图。 1.1站在高起点进行规划设计 在宜居城市进行园林规划设计,一定要是坚持“高起点”理论,站在起点较高的位置进行来整体布局,将发展宜居城市当作一项艰巨的任务放置在全国这样的大环境中,让宜居城市的整体发展空间能够更为广阔、更具思想、更有韵味。 1.2品味极高的编制与规划 除了上述理论之外,在宜居城市进行园林规划与设计还需要提高自身的品味,在高品味、高水准的基础上进行设计。如此一来,城市可以向社会广泛征集建议,如果有更好的条件,相关的设计决策机构还可以向国家园林设计院或者是一些极富经验的设计专家请教,提高设计水平,更新设计理念。除此之外,还可以组建一支高水平的设计团队,为城市的园林规划设计提供方案。 1.3高标准、严要求的园林规划 在园林的规划设计中,应当坚持“树木为主、花草为辅、自然融合、美中取胜”的原则,将“绿色”与“美丽”贯穿到园林设计当中。同时,园林规划设计必须要因地制宜,保证整体的规划具有实践性以及可操作性。另外,在层次规划上,应当保证错落有致,提倡敞开化、景观化、艺术化的园林设计理念。如果是选择树种,一般可以考虑采用速生树种配合长寿树种、常绿树种配合落叶树种等方式,要坚持本地树种为主,外来引进的树种为辅,进行树木种植。在布局与搭配方面,必须要保证乔、灌、花、草之间的科学性与合理性,重点突出自然景色,彰显出宜居城市中的独特韵味与特殊风格。 1.4复合型规划,坚持宏微观结合 宜居城市在建设中的重点应当是为普通居民提供生活、休息、工作的优质空间,这就需要从宏观、中观以及微观,三个层面进行研究与设计。宏观的规划设计主要表现出区域演变的真实规律,以及人类、城市、园林本身、自然环境之间的影响方式,宏观的设计应是对宜居城市建设的整体认知;中观的规划设计重点表现出的应该是依照系统逐渐演变,呈现出来的规律性,以及不同结构、不同层次、不同布局的特殊的规划方式,中观设计应是园林规划设计的指导所在;微观的规划设计重点表现出来的是园林设计的主要方式,微观设计就是建设宜居城市的基础所在。 2在宜居城市中进行园林规划的具体方法 2.1依靠城市自身的条件,架构绿色体系 建设宜居城市最重要的一点就是要坚持因地制宜的方式,充分地依靠城市本身的自然条件,通过科学的整合与规划,架构绿地的实际分布。主要的自然要素应该是河流、湖泊、丘陵等,这些都要同城市的生态景观相连,如公园、林荫道等,从而形成一个布局合理且层次分明的绿色框架。例如:早期的巴黎城市,以罗马古道穿过塞纳河的位置最为中心,以罗马古道、塞纳河作为两条主线,逐渐发展,形成巴黎城的主要框架。 2.2加强城郊建设,提高城市内部绿地规划水平 宜居城市的建设不能够仅仅围绕某一单一领域,要依靠城市所有的绿地,无论是市内还是郊区,都要容纳进来。在城市内部的绿地应当作为整体进行统一规划,决不能单独进行设计,而割裂了整体的环境建设。除此之外,在规划的过程中,应当整合相应的管理职能,形成一个统筹全局的管理体制,让城郊建设以市内建设能够真正的融为一体,保证园林规划设计能够在统一的环境下完成。 2.3保证区域联系,建设绿色系统 在城市的发展过程中,面积会不断增加,从生态环境保护的角度出发,我国绝大部分的城市都要依赖与城市周围的大面积自然区域,只有这样才能够从根本上提高城市生活的质量,保证城市环境的良好。但是,值得注意的是,城市扩张已经破坏了周围的生态环境,这一定会给宜居城市建设带来负面影响。因此,在进行园林规划设计时,要保护城郊区域的自然景观,尽可能的保证景观的原始结构,在此基础上将城郊景观同城市内部景观相融合相连接。同时,城郊区域被誉为是城市周边的原始型绿色空间,将其当作是城市绿地发展的延伸区域,这样可以最大限度的将其引入到城市内部,从而真正实现城市绿地与城市周围环境的高度统一。 3结束语 园林是城市与自然之间的和谐所在,更是重要纽带,要想打造宜居型城市,必须要加强园林的规划与设计,保证园林与城市的相互依存性,只有这样才可以从根本上提高城市的环境质量,为我国、为人们打造出更多更好的宜居型城市。 作者:张凌 刘志军 孟南 单位:河南农业大学林学院园林系 园林规划设计论文:宜居城市园林规划设计理论论文 1在宜居城市营建中园林的作用 1.1园林对宜居城市自然环境的作用 城市自然环境保包括生态环境与人工环境2方面。在建设城市自然环境的过程中,园林的营建能够实现生态环境与人工环境之间的协调,实现园林环境的舒适宜人。在宜居城市营建的过程中,园林系统包含有经济、社会与环境等多个方面的效益,同时还能够对城市的面貌进行塑造。 1.2园林对宜居城市文化的作用 城市文化中包括历史文化、现代文化等,在园林进行营建的过程中,要在园林结构中融入城市的自然景观风貌与历史文脉特征,一方面要体现城市的精神内涵与文化内涵,另一方面要体现城市的文脉。此外,园林还能够实现对城市历史遗迹的保护,使其能够在城市文化精神中进行延续。 1.3园林对宜居城市安全的作用 在宜居城市进行营建的过程中园林能够发挥防灾减灾的作用:一方面城市中的绿地能够作为应急避难场所,能够在出现紧急情况之后为市民的居住、医疗、生活、防疫、传播等提供便利条件;另一方面通过园林能够实现居民建筑及街道、广场等环境安全性的提高。 1.4园林对宜居城市生活的作用 在宜居城市营建的过程中,园林在居住环境与社会氛围营造的过程中发挥着重要作用。园林能够充分发挥自身自然条件方面的优势,为宜居城市居住环境与社会氛围的营造提供物质支持,充分发挥自身蕴含的文化与历史,为宜居城市居住环境与社会氛围的营造提供精神支持。 1.5园林对宜居城市经济的作用 城市的经济发展水平决定着城市绿化的水平,园林作品质量的提高需要有非常雄厚的经济基础。而城市园林同样具有经济效益,能够多方位地对城市经济发展进行协助:首先,园林能够改善城市景观,创造良好的投资环境;其次,园林能够促进城市旅游业的发展;最后,绿化植被带动了园艺产业的发展。 2宜居城市园林规划设计理论 2.1在城市自然条件的基础上实现城市绿地的架构 在宜居城市营建的过程中,在城市绿地分布的架构过程中,要将城市的自然条件作为依据,实现绿地分布规划与架构的合理性。城市的自然环境要素包括山川、河流、湖泊等,依据这些城市中已有的自然环境实现对城市中公园、道路、广场等绿色空间的设置,实现城市绿色空间与城市郊区自然环境实现连通与融合,从而形成城市绿地的层次分明与合理布局。 2.2对城市内部与城市郊区的绿地进行总体规划 在营建宜居城市的过程中,不能够仅仅依靠城市范围之内的绿地,还需要对城市郊区的绿地进行充分利用。园林营建的过程中要将城市内部与城市郊区的绿地从整体上进行整体规划,从整体上实现城市园林建设,充分发挥园林在宜居城市建设过程中的重要作用。 2.3实现区域绿地系统框架之间的相互联系 随着城市的快速发展,城市建筑面积不断扩大。在这种情况之下,很多城市在生态环境保护的过程中都过多依赖城市周边的自然区域,通过这些区域来实现对城市生活环境质量的提高。在城市快速扩张的过程中,已经对城市周边的自然环境造成了一定破坏,而对郊区环境过多的依赖则会进一步加重城市周边自然环境的破坏。第一,要对城市郊区的自然景观进行设法保护,使其能够维持其原有的景观结构,真正实现城市内部景观与郊区自然景观之间的相互融合与连接。第二,城市周边的绿地空间被视为是城市绿地的延伸,要实现周边绿地空间最大限度的引入到城市中,实现城市绿地系统与周边生态环境之间的高度统一。 2.4实现城市园林规划设计理论的系统化 在城市空间中包含多种要素及要素之间的复杂联系,在宜居城市营建的过程中不仅要对各种要素进行考虑,同时还要考虑要素之间关系的处理。在城市园林规划设计理论的过程中,要在城市环境实际情况的基础上进行系统规划,对城市环境的发展进行引导与限制;要将城市自然特征保护与恢复作为宜居城市营建的出发点,实现各个要素的相互融合。 3总结 在城市发展过程中,园林在城市与自然关系进行协调的过程中发挥着非常重要作用,在园林规划设计理论过程中包含了与宜居城市营建各个要素之间的关系,研究内容非常广泛。本文将宜居城市的园林规划设计理论作为研究点,对园林与宜居城市营建之间的关系,并提出了园林构建的方法,通过园林的构建进一步促进宜居城市的发展。 作者:吴凡 单位:湖北工程学院 园林规划设计论文:现代城市居住区园林规划设计论文 改革开放以来,人们的物质生活水平得到了极大的提升,对居住环境以及居住的舒适度提出了更高的要求。在城市化日益发展的今天,城市居住园林规划不仅要满足人们基本的居住需求,更要满足人们的审美需求,这也是目前建筑工程行业发展的一个方向。本文首先对当前城市居住区园林设计中的存在的问题进行分析,进而提出了有效的设计策略,供相关行业人员参考。 一、现代城市居住区园林规划中存在的问题 近年来,园林规划作为一种新的设计理念走进人们的生活,在现代城市居住区设计中得到了广泛地应用。传统的城市居住区设计更多的是满足人们的基本居住需求,而居住区园林规划则更多体现了生态性与舒适性,是对传统城市居住区设计的突破。然而在当前的城市居住区园林设计中也存在一些问题。首先,大部分城市居住区园林设计单纯为了绿化而进行绿化设计,一些草坪、花坛等尽管能够美化环境,然而周围都有栅栏围挡,人们的活动场地十分有限,这些园林设计难以发挥实用价值。其次,当前的居住区园林规划缺乏创新性,降低了其审美价值,容易使人产生视觉疲劳。另外,园林景观设计方面存在软质景观与硬质景观不协调的现象,难以给人舒适感以及美的享受。这些都是现代城市居住区园林设计亟待改进的问题。 二、现代城市居住区园林规划设计策略 1.注重景观环境共享 当前,人们对居住环境有着更高的要求,因此在居住区园林设计过程中,要注重园林景观效果,能够为人们营造一种温馨、舒适的生活环境。在设计过程中,可以充分利用区域环境条件,将现代人工景观设计理念渗入其中,使小区内的各个住户都能够享受到舒心的生活环境。另外,小区的空间范围比较广,要对这些空间进行科学设计,对各个领域进行有效划分,提升层次感,为人们创建能够活动、交流、沟通的场所,使居民能够在享受美好生活环境的基础上,增进联系,满足人们的审美与社会交往需求。 2.渗入优秀传统文化 中华文化博大精深、源远流长,其在城市居住区的园林设计中也有着广泛地应用,因此,在园林规划中,可以深入我国古老的传统文化,增强园林设计的艺术性。尤其要注重与城市历史文化的结合,当地涌现的一些历史名人或优秀的传统文化都可以运用到园林设计中,这不仅能够美化环境,而且能够增强人们对传统文化的认识,传播优秀的历史文化。另外,也可以在小区园林建设中设计假山、水景以及凉亭等,在假山上刻古代文人的名作,增强艺术气息,而且凉亭等设计不仅可以作为观赏的艺术建筑,具有一定的实用价值,为人们提供了休息、娱乐的场所,兼具审美功能与实用功能,提升了城市居住区园林景观的艺术性。 3.体现园林设计功能性 现代城市居住区园林设计不仅要具有观赏性,更要体现一定的实用价值,能够为人们提供便利,在亲近自然、文明生态的基础上,增强园林设计的实用性。这在居住区的道路景观设计中有着鲜明的体现。城市居住区的范围往往比较广泛,在对道路进行规划设计时,一方面要能够满足人们出行、车辆出行的需求,而且要规划合理,根据居住区的设计情况进行道路规划,车辆行驶道与人行道要明确划分。可以利用线性分割对道路功能区进行区分,不仅具有线条美,而且便于人们出行。在居住区园林道路的周围,可以种植花草树木,美化环境、吸收噪音,不仅能够给人赏心悦目之感,而且体现了一定的功能价值。 三、结束语 新时期,现代城市居住区园林规划设计增添了更多的内涵与时代意义,因此,在对园林进行规划设计的过程中,一定要与时俱进,将生态理念、绿化理念充分融入到园林设计中,并融入我国优秀的传统文化,为广大居民创建一个优美又具艺术气息的居住环境,这也是新时期城市居住区园林设计的一个方向。 作者:陈竞 单位:北京麦田国际景观规划设计事务所 园林规划设计论文:园林规划设计论文 1园林规划设计的步骤: (1)接受设计任务书、现场实地踏勘,同时收集相关基础资料;(2)提交初步规划文本,提出总体构思及规划目标;以供业主认可(3)编制详细规划并召开评审会。由业主组织的专家评审组,集中时间,进行评审(论证)会,根据专家评审组意见,落实调整和修改工作。(4)进行扩初设计并提交工程概算书;(5)基地的再次踏勘施工图的设计;(6)施工图预算编制和施工图的交底;(7)设计师的施工配合。 2园林规划设计需要论证的内容 (1)园林绿化应考虑绿化的功能。无论是公园游园,风景名胜区,居住区,城市广场和道路,厂矿企业和机关单位及校园环境的规划设计;还是象世博园等大型专类园的规划设计.应根据其服务对象不同,明确功能和主题。 (2)提高园林作品的艺术品味。高品味的园林工程是一幅美丽的立体图画,不仅要有点线面的合理运用,还要有四季特色的变化,它是各种园林要素的艺术组合,是巧夺天工的人造大自然的再现,使人在其中有融于大自然之感,有较高的艺术水平。 (3)应有历史文化内涵。将自然与历史文化紧密联系,是园林造景应注意的,能否画龙点睛,使历史人文景观与周围环境或其他方面协调,并符合人们的审美情操及心理要求,要经充分论证才有说服力,被人们所接受,景点宜恰到好处,忌贪多、太杂。 (4)对园林绿化的各项指标进行认真计算。包括绿化覆盖率、人均绿地率、立体绿量、多层次植物配置、保持水土、有效地吸收有害气体及灰尘和是否符合生态效益等。只有这样才能决定是选择单一的草坪还是乔灌木与林下草坪相结合,避免盲目追求草坪的现象,使草坪与树林相得益彰。 (5)树种选择的论证。实践证明,以什么树作主体,配置什么树都有讲究。不同植物在一起要考虑相互间的生长速度、影响能力、阴阳性,观花、果、叶的树如何映树,病虫害的交叉性,同种树的连片与分隔的统一,病虫害防治的难易程度,耐湿耐旱性等都是选择树种的重要因素。 (6)科学估算园林工程的建设成本及管理维护费用。不同设计方案的园林工程,建设成本和维护管理费用不尽相同,很多本是比较好的规划设计,由于建设成本和建成后维护管理费用超过单位经济实力,只有低水平维护,最后观赏效果不理想,很多应有的功能丧失,有的草坪被杂草挤占.应正确把握建筑,铺装,水体,绿地等要素的比例,严格控制建设成本,我们近几年的经验是既发展一部分高档次、管理要求高的绿化景点,也积极探索大众化、低成本、低维护费的绿化方法,并不断推广,得到了较好的效果。所以在设计时对植物根据性状的合理选用,论证其管理费用高低,有利于绿化单位更好地达到绿化效果。 3我国园林的发展方向 对于处于起步阶段的中国现代景观规划设计,鲜明的视觉形象、良好的绿化环境、足够的活动场地,这是基本的出发点,随着景观环境建设的发展,仅仅满足这3方面,肯定还远远不够。但这毕竟是远期景观建设发展的基础,对于未来景观建设的腾飞将起到重要的作用。正是基于景观规划设计实践的三元,在众说纷纭的各类景观规划设计流派中,3种新生流派正在脱颖而出:(1)与环境艺术的结合:重在视觉景观形象的大众景观环境艺术流派;(2)与城市规划和城市设计结合的城市景观生态流派:以大地景观为标志的区域景观、环境规划;以视觉景观为导向的城市设计,以环境生态为导向的城市设计;(3)与旅游策划规划的结合:重在大众行为心理景观策划的景观游憩流派。这3种流派代表着现代风景园林学科专业的发展方向。 4建议 (1)园林设计上植物多样性与适应性同时并重。这几年,城市绿化提出了增加绿化树种、提高生物多样性的目标。于是许多城市一味求新,盲目引进外来树种。为求好心切引进新品种不是不可以,但如果忽视了苗木的适应性,则不仅达不到预期的目的,而且会带来意想不到的损失。 (2)完善园林设计法规。首先是对于《建设工程勘查设计管理条例》(2000)有关条文的修改,如第二章资质资格的管理等等。 其次是一系列园林设计法规的建立,如注册园林师签字制度、注册园林师条例、设计收费标准、工作量范围标准、后期跟踪服务标准、园林设计标准合同、园林师事务所设立标准等等。 (3)实施专业教育的大调整,培养适合新时代的园林规划与设计工作者。 首先是专业教育结构层次的调整。要使中国风景园林学科具有持续发展的生命力,其专业教育需要有3个层次:①面向学科:为长远学科建设培养的高层次博士、硕士人才;②面向社会:为国家园林管理和规划设计建设部门培养的大学本科、硕士人才;③面向中国数量与质量日益高涨的风景园林建设市场:为各类规划设计院所、园林工程公司培养专科、本科、硕士、博士多层次人才。其次是专业知识结构的调整。一方面,要考虑引入环境艺术、旅游策划的专业课程;同时,还要引入建筑学科、地理学科、计算机与信息学科、社会人文学科等专业知识。这是以课程设置为实质的专业知识结构调整。 (4)规划设计人才的知识结构有待完善。 现有的规划设计人才有来自城市规划专业院系的;也有艺术院系的;有建筑院系的,还有农林院系,来自不同院系的人才都各有各的特长,同时也存在各自的不足,由此,根据目前的专业状况,应该有一个合作互补的专业团队。 摘要:园林规划设计就是要运用地貌、植物、硬质材料、建筑等园林物质要素,以一定的自然、经济、工程技术和艺术规律为指导,充分发挥综合功能,因地制宜地规划和设计各类园林绿地。随着人们物质生活水平的提高,园林工程的建设越来越被重视。 关键词:园林;规划;设计;步骤;建议 园林规划设计论文:园林规划设计论文 1园林规划设计的艺术性 园林规划设计是从审美的角度出发,以实用功能为目的再创造。艺术形式层出不穷,纯艺术与其他艺术门类之间的界限日渐模糊,艺术家们吸取了电影、电视、戏剧、音乐、建筑、自然景观等的创作手法,创造了媒体艺术、行为艺术、光效应艺术、大地艺术等一系列新的艺术形式,而这些反过来又给其他艺术行业的从业者以很大的启发[1]。现代园林规划设计,从一开始就从现代艺术中吸取了丰富的形式语言。而对园林规划设计中影响最大而且稳定不变的主观因素是人类的感官对园林景观的感觉。因此,自然景观也好,文学绘画也罢,对于园林景观的规划设计,以三维空间为主的园林景观视觉毕竟是其优秀基础。从现代艺术早期的立体主义、超现实主义、风格派、构成主义,到后来的极简艺术,每一种艺术思潮和艺术形式都为设计师提供了可借鉴的艺术思想和形式语言。因此,园林规划设计既要考虑园林景观的使用功能,同时还要考虑园林景观的艺术性,我国园林规划设计艺术正是传统与现代文化的综合。 2园林规划设计对民族文化的继承与扬弃 园林规划设计离不开生活,并与历史和文化相联系[2]。一个国家园林规划设计的发展都是以本国的民族文化底蕴作为背景的。对于园林景观的艺术创作,如果没有传统的、历史的、文化的、人文的东西,就不可能成功。中国园林是世界三大古典园林之一,对世界园林的发展有着巨大的影响。但我们还要接受现代园林的设计理念,结合我国优良的传统文化和民族艺术进行创造,以促进中国具有世界性、有中华民族艺术特色的园林规划设计学科的迅速形成。 3园林规划设计的前卫性与多变性 园林规划设计既然是艺术,就要有一定的时代性。在最近的半个世纪中,艺术设计从一开始就扮演着前卫的角色。园林规划设计发展至今,无论是社会的进步,还是城市的发展,园林规划设计都起着先锋的作用[3]。因此,作为园林规划设计师,必须把握住那些相对稳定而不变的园林规划设计元素,并能接受新的设计元素,包括新理念、新材料,紧跟时代的发展。事实上,要设计一个好的园林景观,不管其形式有多么新颖,如果没有传统的精华,没有未来的展现,就很难能成为打动人心的艺术珍品。 4园林规划设计的意境创造 园林规划设计的意境美是指通过园林景观的结构、图案和文字所反映的情意使消费者触景生情、产生情景交融的一种艺术境界。园林景观的意境产生于园林景观境域的综合艺术效果,给予游客以情意方面的信息,唤起以往经历的记忆联想。当然,不是所有园林景观都具备意境,更不是随时随地都具备意境,然而有意境更令人耐看寻味、引兴成趣和深刻怀念。所以意境是我国多年来园林规划设计的名师巨匠所追求的优秀,也是中国园林景观外形设计具有世界影响的内在魅力[4]。通过这种意境的创造,在空间物质化的表现与无限的联想之间,以空间、形体、文化、寓意所呈现出的信息载体,它涉及这样一种理念:即存在着一种超越个人理解力并能借助于一种中间媒介达到的群体共通的普遍的状态。挖空心思,想尽办法,来寻求、创造、组织、表现这些中间媒介,这是工业规划设计中最为基本而重要的工作。 5人性化设计理念 人性化设计理念就是以人为中心,设计师从关注园林景观转移到关注到园林景观的使用者上来,以设计出更人性化、使用更便利、使人愉悦的园林景观为重要目标的设计思想。使人愉悦是人性化设计的审美原则,使用过程中使用者感受到设计的精巧而产生愉悦感,同时,将这种愉悦感升华为一种审美意象,从而真正体现出设计为人、以人为本为中心的人性化设计思想。园林规划设计其主题是人本身,设计的使用者和设计者也是人本身,人是园林规划设计的中心和尺度。因此,把心理学、行为艺术等学科引入到园林规划设计领域,研究设计的目的与人的行为在不同人、不同环境、不同条件下的互补关系,扩展园林规划设计的内涵。分析现代成功的园林规划设计实例,不管无心还是有意,所有的设计大都取自人们对于大自然的印象,取自历史上由于完全不同的社会原因创造出来的园林景观。6生态性设计 由于工业化、现代化的发展,生态环境逐渐恶劣,席卷全球的生态主义浪潮促使人们站在科学的视角上重新审视景观行业,景观设计师们也开始将自己的使命与整个地球生态系统联系起来。尊重自然发展过程、倡导能源与物质的循环利用和场地的自我维持、发展可持续的处理技术等思想贯穿于景观设计、建造和管理的始终。人本身来自于大自然、属于大自然,只不过是由于生活和工作将其强行分开。人是需要回归自然来放飞心情、解除疲惫、张扬个性的,户外园林景观是居住环境中不可分割的一部分,而只有可参与性的景观才能让环境与居住最大限度的融为一体。因此,充分考虑到园林景观环境对人心情的影响力,注重实用、生态、功能、观赏性紧密联系是至关重要的一环[5]。正如斯坦利•怀特所阐述的那样,“如果我们的设计能含纳草地、森林和山,那我们能占据的景观将富含原土地之奥妙。景观特征应被加强而不是被削弱,而最终和谐应存在于一个复合体上,这些人为化的景观是最动人、最可爱的,只要景观的结构和灵魂能被保留,我们就会感到快乐和兴奋。” 因此,园林规划设计必须根据实际情况和项目条件,把所设计的园林景观与周围环境相协调、与当地的民族信仰和传统文化相结合,并恰当地融入现代元素,同时注重成本,从而以最少的投入,获得最优美动人的园林景观。 论文关键词园林规划;人性化;生态性设计 论文摘要在园林规划设计中,要注重园林景观的艺术性、对传统文化的继承并突出园林规划设计的前卫性,重视园林景观的人性化设计及生态性设计等基本理念。同时,在设计中要考虑经济合理性的原则,以最少的投入创造出宜人的的景观环境。 园林规划设计论文:园林规划设计分析论文 一、问题提出 作为世界园林之母,我国园林有着悠久的历史,早在商周时期就出现了园林的雏形——囿,历经秦汉、唐宋至明清的两千多年的发展,造园理论与工程技术得到了丰富和发展,不断走向巅峰,形成了以皇家园林、私家园林、风景园林、寺庙园林等为代表的中国古典式园林。也正是由于有了这样深厚的文化底蕴,有时也框住了我们的思维,阻碍了开拓创新的步伐。现今暴露出来的一些问题,使得园林绿化未能充分发挥好在城市中的作用。 二、原因剖析 在祖先留给我们丰厚遗产的同时,我国的园林规划设计仍走了一些弯路,面临种种困境和困惑,追根溯源、究其原因,可从以下几个方面得到一些解释。 (一)消化传统过多 总结我国古典园林的风格和形式,不外乎以下几个特点:一是效法自然的布局;二是诗情画意的构思;三是园中有园的手法;四是建筑为主的组景;五是因地制宜的处理。但不管哪一种风格和形式,它们都打上了产生其特定历史时期的社会政治、经济、文化的烙印,建筑比例过大等与现今条件相违背的弊端。 比如皇家园林,它是帝王将相、达官贵族权力财富的炫耀与象征,只是为少数人服务的,与现时期所倡导的“为社会大众服务”的方针相悖的。一些私家园林体现的深刻内涵、脱俗境界,须仔细琢磨才能悟出来。如今的生活节奏加快,人们需要的是直观、疏朗、明快的大色块、大效果。因此,我们继承传统的同时,要懂得先进行过滤,取其精华、去其糟粕。 (二)吸收外来欠妥 受欧洲哲学和科学发展的影响,文艺复兴时期以意大利为代表的园林设计思想得到了空前的发展。像法国的凡尔赛花园,围绕中轴线的对称式布置,形成宏大气势,不失为精妙绝伦之作,透出西方人注重遵循游戏法则的文化背景。日本的枯山水园林,精心构思,巧妙借喻,小中见大,给人久久回味。今天我们流行的却是人家过时的,像如今到处拔地而起的欧式建筑。 当然,西方的园林也包含了个人的喜好和猎奇的心理。限于地理环境不同,缺乏我国古代文人骚客的那种只能意会的脱俗境界。在局部处理时,我们可吸收对称式布置的美妙之处,学习他们独具匠心的带有高超技艺含量的创新作品。 三、可行依据 尽管目前我国的园林规划设计存在这样或那样的弊端,在基层县(市)水平一直上不去,但也应可喜地看到,在新世纪里随着中国经济的突飞猛进和思想意识的空前活跃,园林绿化有着良好的发展基础和令人欣慰的前景,可从以下几个方面找到“让绿色艺术与生态建设相得益彰”在理论与实践上的依据。 (一)有着良好的绿化意识氛围 渴求清新空气,把绿色带回家,已深入到每个老百姓的心中。家庭生活中鲜花的时尚,社会租摆业的发展,城市建设中见缝插绿,就是一个个鲜活的例子。如上海,放弃地产开发带来的丰厚利润,在繁华地段舍得开辟绿地。最近在意大利热那亚召开的八国首脑会议,就温室气体排放问题,将《京都议定书》摆到桌面上,说明生态建设的重要性,已得到普遍认可。 另外,看看建国后我国城市绿地系统理论的发展三个阶段:50年代至70年代,以苏联城市绿地规划建设理论为指导;80年代,以生态学理论为指导;90年代后,以可持续发展的理论为指导,说明理论上已走向成熟、理智、科学。因此,浓烈的意识氛围为提高规划设计水平打下了坚实的思想基础。 (二)有着先进的科学技术支持 随着人类基因密码的逐步解译,生物工程技术的发展又上了一个新台阶。通过转基因手段诱发突变形成植物嵌合体,或者直接嫁接,一种植物能开多种花;根据基因遗传特性,引种、选育、驯化出许多优良品种;采用组织培养方法,挽救濒临灭绝物种;电脑自动化控制温室为人们创造出四季色彩纷呈的鲜花艺术景观;无土栽培技术的应用,将绿色艺术带入每一个角落成为可能。 据报道,2001年5月13日,浙江省甬台高速公路三门段岭口互通区,科技人员利用先进的工程技术,花费三百万元,将一千年古樟挪了窝,这在过去想都不敢想。所以有着这些先进科学技术的支撑,生物多样性的建设理论就有了实践的可能。四、解决措施 在深刻剖析原因之后,从园林绿化发展的喜人形势中找到了解决依据,接下来思考的就是在创作中如何既要体现艺术,给人享受,又要维持生态平衡,保护好环境,我认为关键是要找准切入点,拿准解决问题的钥匙。 (一)把握住正确的指导思想 在规划设计中要以中央作出的关于绿化工作的方针政策为指导思想,深刻领会,准确把握其中的深刻内涵。这就是:以加强城市生态环境建设,创造良好的人居环境,促进城市可持续发展为中心;坚持政府组织、群众参与、统一规划、因地制宜、讲求实效的原则;以种植树木为主,努力建成总量适宜、布局合理、植物多样性、景观优美的城市绿地系统。 (二)从比较差异中继承传统与吸收外来 中国的古典园林博大精深,与现代城市园林相比其产生的背景、形成的条件不同:气候环境条件没有受到污染,社会文化背景有差异,思想相对保守、封闭,服务对象只是少数人,实施的技术手段比较落后,建设的目的、出发点只是为展示奢侈和供享乐之用,并没有考虑大多数人的需要。规划设计中必须考虑这些不同,有所为,有所不为。 总之,今后园林绿化规划设计应具有鲜明的时代特色,应符合特定的环境条件,应正确把握好艺术美和生态保护之间的关系——生态保护延续了艺术美,艺术美也支撑着生态保护。具体实践中,应注重因地制宜,因境而异,有选择地吸收古典园林、西方园林的艺术精华,从事新的创造,应注重综合利用城市学、环境保护学、城市生态学、环境心理学等方面的理论来指导园林规划设计;应在满足生态环境质量提高的前提下,去营造景观,去创作雅俗共赏的园林艺术美,为实现“优良的人居环境、优质的生态环境、资源的可持续利用”的总目标而努力。 园林规划设计论文:园林规划设计理念研究论文 论文关键词园林规划;人性化;生态性设计 论文摘要在园林规划设计中,要注重园林景观的艺术性、对传统文化的继承并突出园林规划设计的前卫性,重视园林景观的人性化设计及生态性设计等基本理念。同时,在设计中要考虑经济合理性的原则,以最少的投入创造出宜人的的景观环境。 园林景观的美学功能和艺术性是园林规划设计的目的之一。当景观设计解决了园林景观的技术课题与使用功能,艺术便成为其永无止境的追求。当园林景观在其功能基本一致时,园林景观的艺术设计风格符合大众的审美心理,这种园林景观就能受到人们的欢迎,通过人们在心理上对这种设计形式的接受,以便实现设计师在经济、道德、大众审美等方面的影响,强化所设计园林景观的社会认同感。因此,在园林规划设计教学中,强调基本理念在园林规划设计理论与实践中的重要性具有十分积极的作用。 1园林规划设计的艺术性 园林规划设计是从审美的角度出发,以实用功能为目的再创造。艺术形式层出不穷,纯艺术与其他艺术门类之间的界限日渐模糊,艺术家们吸取了电影、电视、戏剧、音乐、建筑、自然景观等的创作手法,创造了媒体艺术、行为艺术、光效应艺术、大地艺术等一系列新的艺术形式,而这些反过来又给其他艺术行业的从业者以很大的启发[1]。现代园林规划设计,从一开始就从现代艺术中吸取了丰富的形式语言。而对园林规划设计中影响最大而且稳定不变的主观因素是人类的感官对园林景观的感觉。因此,自然景观也好,文学绘画也罢,对于园林景观的规划设计,以三维空间为主的园林景观视觉毕竟是其优秀基础。从现代艺术早期的立体主义、超现实主义、风格派、构成主义,到后来的极简艺术,每一种艺术思潮和艺术形式都为设计师提供了可借鉴的艺术思想和形式语言。因此,园林规划设计既要考虑园林景观的使用功能,同时还要考虑园林景观的艺术性,我国园林规划设计艺术正是传统与现代文化的综合。 2园林规划设计对民族文化的继承与扬弃 园林规划设计离不开生活,并与历史和文化相联系[2]。一个国家园林规划设计的发展都是以本国的民族文化底蕴作为背景的。对于园林景观的艺术创作,如果没有传统的、历史的、文化的、人文的东西,就不可能成功。中国园林是世界三大古典园林之一,对世界园林的发展有着巨大的影响。但我们还要接受现代园林的设计理念,结合我国优良的传统文化和民族艺术进行创造,以促进中国具有世界性、有中华民族艺术特色的园林规划设计学科的迅速形成。 3园林规划设计的前卫性与多变性 园林规划设计既然是艺术,就要有一定的时代性。在最近的半个世纪中,艺术设计从一开始就扮演着前卫的角色。园林规划设计发展至今,无论是社会的进步,还是城市的发展,园林规划设计都起着先锋的作用[3]。因此,作为园林规划设计师,必须把握住那些相对稳定而不变的园林规划设计元素,并能接受新的设计元素,包括新理念、新材料,紧跟时代的发展。事实上,要设计一个好的园林景观,不管其形式有多么新颖,如果没有传统的精华,没有未来的展现,就很难能成为打动人心的艺术珍品。 4园林规划设计的意境创造 园林规划设计的意境美是指通过园林景观的结构、图案和文字所反映的情意使消费者触景生情、产生情景交融的一种艺术境界。园林景观的意境产生于园林景观境域的综合艺术效果,给予游客以情意方面的信息,唤起以往经历的记忆联想。当然,不是所有园林景观都具备意境,更不是随时随地都具备意境,然而有意境更令人耐看寻味、引兴成趣和深刻怀念。所以意境是我国多年来园林规划设计的名师巨匠所追求的优秀,也是中国园林景观外形设计具有世界影响的内在魅力[4]。通过这种意境的创造,在空间物质化的表现与无限的联想之间,以空间、形体、文化、寓意所呈现出的信息载体,它涉及这样一种理念:即存在着一种超越个人理解力并能借助于一种中间媒介达到的群体共通的普遍的状态。挖空心思,想尽办法,来寻求、创造、组织、表现这些中间媒介,这是工业规划设计中最为基本而重要的工作。 5人性化设计理念 人性化设计理念就是以人为中心,设计师从关注园林景观转移到关注到园林景观的使用者上来,以设计出更人性化、使用更便利、使人愉悦的园林景观为重要目标的设计思想。使人愉悦是人性化设计的审美原则,使用过程中使用者感受到设计的精巧而产生愉悦感,同时,将这种愉悦感升华为一种审美意象,从而真正体现出设计为人、以人为本为中心的人性化设计思想。园林规划设计其主题是人本身,设计的使用者和设计者也是人本身,人是园林规划设计的中心和尺度。因此,把心理学、行为艺术等学科引入到园林规划设计领域,研究设计的目的与人的行为在不同人、不同环境、不同条件下的互补关系,扩展园林规划设计的内涵。分析现代成功的园林规划设计实例,不管无心还是有意,所有的设计大都取自人们对于大自然的印象,取自历史上由于完全不同的社会原因创造出来的园林景观。 6生态性设计 由于工业化、现代化的发展,生态环境逐渐恶劣,席卷全球的生态主义浪潮促使人们站在科学的视角上重新审视景观行业,景观设计师们也开始将自己的使命与整个地球生态系统联系起来。尊重自然发展过程、倡导能源与物质的循环利用和场地的自我维持、发展可持续的处理技术等思想贯穿于景观设计、建造和管理的始终。人本身来自于大自然、属于大自然,只不过是由于生活和工作将其强行分开。人是需要回归自然来放飞心情、解除疲惫、张扬个性的,户外园林景观是居住环境中不可分割的一部分,而只有可参与性的景观才能让环境与居住最大限度的融为一体。因此,充分考虑到园林景观环境对人心情的影响力,注重实用、生态、功能、观赏性紧密联系是至关重要的一环[5]。正如斯坦利•怀特所阐述的那样,“如果我们的设计能含纳草地、森林和山,那我们能占据的景观将富含原土地之奥妙。景观特征应被加强而不是被削弱,而最终和谐应存在于一个复合体上,这些人为化的景观是最动人、最可爱的,只要景观的结构和灵魂能被保留,我们就会感到快乐和兴奋。” 因此,园林规划设计必须根据实际情况和项目条件,把所设计的园林景观与周围环境相协调、与当地的民族信仰和传统文化相结合,并恰当地融入现代元素,同时注重成本,从而以最少的投入,获得最优美动人的园林景观。 园林规划设计论文:园林规划设计理念研究论文 论文关键词园林规划;人性化;生态性设计 论文摘要在园林规划设计中,要注重园林景观的艺术性、对传统文化的继承并突出园林规划设计的前卫性,重视园林景观的人性化设计及生态性设计等基本理念。同时,在设计中要考虑经济合理性的原则,以最少的投入创造出宜人的的景观环境。 园林景观的美学功能和艺术性是园林规划设计的目的之一。当景观设计解决了园林景观的技术课题与使用功能,艺术便成为其永无止境的追求。当园林景观在其功能基本一致时,园林景观的艺术设计风格符合大众的审美心理,这种园林景观就能受到人们的欢迎,通过人们在心理上对这种设计形式的接受,以便实现设计师在经济、道德、大众审美等方面的影响,强化所设计园林景观的社会认同感。因此,在园林规划设计教学中,强调基本理念在园林规划设计理论与实践中的重要性具有十分积极的作用。 1园林规划设计的艺术性 园林规划设计是从审美的角度出发,以实用功能为目的再创造。艺术形式层出不穷,纯艺术与其他艺术门类之间的界限日渐模糊,艺术家们吸取了电影、电视、戏剧、音乐、建筑、自然景观等的创作手法,创造了媒体艺术、行为艺术、光效应艺术、大地艺术等一系列新的艺术形式,而这些反过来又给其他艺术行业的从业者以很大的启发[1]。现代园林规划设计,从一开始就从现代艺术中吸取了丰富的形式语言。而对园林规划设计中影响最大而且稳定不变的主观因素是人类的感官对园林景观的感觉。因此,自然景观也好,文学绘画也罢,对于园林景观的规划设计,以三维空间为主的园林景观视觉毕竟是其优秀基础。从现代艺术早期的立体主义、超现实主义、风格派、构成主义,到后来的极简艺术,每一种艺术思潮和艺术形式都为设计师提供了可借鉴的艺术思想和形式语言。因此,园林规划设计既要考虑园林景观的使用功能,同时还要考虑园林景观的艺术性,我国园林规划设计艺术正是传统与现代文化的综合。 2园林规划设计对民族文化的继承与扬弃 园林规划设计离不开生活,并与历史和文化相联系[2]。一个国家园林规划设计的发展都是以本国的民族文化底蕴作为背景的。对于园林景观的艺术创作,如果没有传统的、历史的、文化的、人文的东西,就不可能成功。中国园林是世界三大古典园林之一,对世界园林的发展有着巨大的影响。但我们还要接受现代园林的设计理念,结合我国优良的传统文化和民族艺术进行创造,以促进中国具有世界性、有中华民族艺术特色的园林规划设计学科的迅速形成。 3园林规划设计的前卫性与多变性 园林规划设计既然是艺术,就要有一定的时代性。在最近的半个世纪中,艺术设计从一开始就扮演着前卫的角色。园林规划设计发展至今,无论是社会的进步,还是城市的发展,园林规划设计都起着先锋的作用[3]。因此,作为园林规划设计师,必须把握住那些相对稳定而不变的园林规划设计元素,并能接受新的设计元素,包括新理念、新材料,紧跟时代的发展。事实上,要设计一个好的园林景观,不管其形式有多么新颖,如果没有传统的精华,没有未来的展现,就很难能成为打动人心的艺术珍品。 4园林规划设计的意境创造 园林规划设计的意境美是指通过园林景观的结构、图案和文字所反映的情意使消费者触景生情、产生情景交融的一种艺术境界。园林景观的意境产生于园林景观境域的综合艺术效果,给予游客以情意方面的信息,唤起以往经历的记忆联想。当然,不是所有园林景观都具备意境,更不是随时随地都具备意境,然而有意境更令人耐看寻味、引兴成趣和深刻怀念。所以意境是我国多年来园林规划设计的名师巨匠所追求的优秀,也是中国园林景观外形设计具有世界影响的内在魅力[4]。通过这种意境的创造,在空间物质化的表现与无限的联想之间,以空间、形体、文化、寓意所呈现出的信息载体,它涉及这样一种理念:即存在着一种超越个人理解力并能借助于一种中间媒介达到的群体共通的普遍的状态。挖空心思,想尽办法,来寻求、创造、组织、表现这些中间媒介,这是工业规划设计中最为基本而重要的工作。 5人性化设计理念 人性化设计理念就是以人为中心,设计师从关注园林景观转移到关注到园林景观的使用者上来,以设计出更人性化、使用更便利、使人愉悦的园林景观为重要目标的设计思想。使人愉悦是人性化设计的审美原则,使用过程中使用者感受到设计的精巧而产生愉悦感,同时,将这种愉悦感升华为一种审美意象,从而真正体现出设计为人、以人为本为中心的人性化设计思想。园林规划设计其主题是人本身,设计的使用者和设计者也是人本身,人是园林规划设计的中心和尺度。因此,把心理学、行为艺术等学科引入到园林规划设计领域,研究设计的目的与人的行为在不同人、不同环境、不同条件下的互补关系,扩展园林规划设计的内涵。分析现代成功的园林规划设计实例,不管无心还是有意,所有的设计大都取自人们对于大自然的印象,取自历史上由于完全不同的社会原因创造出来的园林景观。6生态性设计 由于工业化、现代化的发展,生态环境逐渐恶劣,席卷全球的生态主义浪潮促使人们站在科学的视角上重新审视景观行业,景观设计师们也开始将自己的使命与整个地球生态系统联系起来。尊重自然发展过程、倡导能源与物质的循环利用和场地的自我维持、发展可持续的处理技术等思想贯穿于景观设计、建造和管理的始终。人本身来自于大自然、属于大自然,只不过是由于生活和工作将其强行分开。人是需要回归自然来放飞心情、解除疲惫、张扬个性的,户外园林景观是居住环境中不可分割的一部分,而只有可参与性的景观才能让环境与居住最大限度的融为一体。因此,充分考虑到园林景观环境对人心情的影响力,注重实用、生态、功能、观赏性紧密联系是至关重要的一环[5]。正如斯坦利•怀特所阐述的那样,“如果我们的设计能含纳草地、森林和山,那我们能占据的景观将富含原土地之奥妙。景观特征应被加强而不是被削弱,而最终和谐应存在于一个复合体上,这些人为化的景观是最动人、最可爱的,只要景观的结构和灵魂能被保留,我们就会感到快乐和兴奋。” 因此,园林规划设计必须根据实际情况和项目条件,把所设计的园林景观与周围环境相协调、与当地的民族信仰和传统文化相结合,并恰当地融入现代元素,同时注重成本,从而以最少的投入,获得最优美动人的园林景观。 园林规划设计论文:园林规划设计理念分析论文 论文关键词园林规划;人性化;生态性设计 论文摘要在园林规划设计中,要注重园林景观的艺术性、对传统文化的继承并突出园林规划设计的前卫性,重视园林景观的人性化设计及生态性设计等基本理念。同时,在设计中要考虑经济合理性的原则,以最少的投入创造出宜人的的景观环境。 园林景观的美学功能和艺术性是园林规划设计的目的之一。当景观设计解决了园林景观的技术课题与使用功能,艺术便成为其永无止境的追求。当园林景观在其功能基本一致时,园林景观的艺术设计风格符合大众的审美心理,这种园林景观就能受到人们的欢迎,通过人们在心理上对这种设计形式的接受,以便实现设计师在经济、道德、大众审美等方面的影响,强化所设计园林景观的社会认同感。因此,在园林规划设计教学中,强调基本理念在园林规划设计理论与实践中的重要性具有十分积极的作用。 1园林规划设计的艺术性 园林规划设计是从审美的角度出发,以实用功能为目的再创造。艺术形式层出不穷,纯艺术与其他艺术门类之间的界限日渐模糊,艺术家们吸取了电影、电视、戏剧、音乐、建筑、自然景观等的创作手法,创造了媒体艺术、行为艺术、光效应艺术、大地艺术等一系列新的艺术形式,而这些反过来又给其他艺术行业的从业者以很大的启发[1]。现代园林规划设计,从一开始就从现代艺术中吸取了丰富的形式语言。而对园林规划设计中影响最大而且稳定不变的主观因素是人类的感官对园林景观的感觉。因此,自然景观也好,文学绘画也罢,对于园林景观的规划设计,以三维空间为主的园林景观视觉毕竟是其优秀基础。从现代艺术早期的立体主义、超现实主义、风格派、构成主义,到后来的极简艺术,每一种艺术思潮和艺术形式都为设计师提供了可借鉴的艺术思想和形式语言。因此,园林规划设计既要考虑园林景观的使用功能,同时还要考虑园林景观的艺术性,我国园林规划设计艺术正是传统与现代文化的综合。 2园林规划设计对民族文化的继承与扬弃 园林规划设计离不开生活,并与历史和文化相联系[2]。一个国家园林规划设计的发展都是以本国的民族文化底蕴作为背景的。对于园林景观的艺术创作,如果没有传统的、历史的、文化的、人文的东西,就不可能成功。中国园林是世界三大古典园林之一,对世界园林的发展有着巨大的影响。但我们还要接受现代园林的设计理念,结合我国优良的传统文化和民族艺术进行创造,以促进中国具有世界性、有中华民族艺术特色的园林规划设计学科的迅速形成。 3园林规划设计的前卫性与多变性 园林规划设计既然是艺术,就要有一定的时代性。在最近的半个世纪中,艺术设计从一开始就扮演着前卫的角色。园林规划设计发展至今,无论是社会的进步,还是城市的发展,园林规划设计都起着先锋的作用[3]。因此,作为园林规划设计师,必须把握住那些相对稳定而不变的园林规划设计元素,并能接受新的设计元素,包括新理念、新材料,紧跟时代的发展。事实上,要设计一个好的园林景观,不管其形式有多么新颖,如果没有传统的精华,没有未来的展现,就很难能成为打动人心的艺术珍品。 4园林规划设计的意境创造 园林规划设计的意境美是指通过园林景观的结构、图案和文字所反映的情意使消费者触景生情、产生情景交融的一种艺术境界。园林景观的意境产生于园林景观境域的综合艺术效果,给予游客以情意方面的信息,唤起以往经历的记忆联想。当然,不是所有园林景观都具备意境,更不是随时随地都具备意境,然而有意境更令人耐看寻味、引兴成趣和深刻怀念。所以意境是我国多年来园林规划设计的名师巨匠所追求的优秀,也是中国园林景观外形设计具有世界影响的内在魅力[4]。通过这种意境的创造,在空间物质化的表现与无限的联想之间,以空间、形体、文化、寓意所呈现出的信息载体,它涉及这样一种理念:即存在着一种超越个人理解力并能借助于一种中间媒介达到的群体共通的普遍的状态。挖空心思,想尽办法,来寻求、创造、组织、表现这些中间媒介,这是工业规划设计中最为基本而重要的工作。 5人性化设计理念 人性化设计理念就是以人为中心,设计师从关注园林景观转移到关注到园林景观的使用者上来,以设计出更人性化、使用更便利、使人愉悦的园林景观为重要目标的设计思想。使人愉悦是人性化设计的审美原则,使用过程中使用者感受到设计的精巧而产生愉悦感,同时,将这种愉悦感升华为一种审美意象,从而真正体现出设计为人、以人为本为中心的人性化设计思想。园林规划设计其主题是人本身,设计的使用者和设计者也是人本身,人是园林规划设计的中心和尺度。因此,把心理学、行为艺术等学科引入到园林规划设计领域,研究设计的目的与人的行为在不同人、不同环境、不同条件下的互补关系,扩展园林规划设计的内涵。分析现代成功的园林规划设计实例,不管无心还是有意,所有的设计大都取自人们对于大自然的印象,取自历史上由于完全不同的社会原因创造出来的园林景观。6生态性设计 由于工业化、现代化的发展,生态环境逐渐恶劣,席卷全球的生态主义浪潮促使人们站在科学的视角上重新审视景观行业,景观设计师们也开始将自己的使命与整个地球生态系统联系起来。尊重自然发展过程、倡导能源与物质的循环利用和场地的自我维持、发展可持续的处理技术等思想贯穿于景观设计、建造和管理的始终。人本身来自于大自然、属于大自然,只不过是由于生活和工作将其强行分开。人是需要回归自然来放飞心情、解除疲惫、张扬个性的,户外园林景观是居住环境中不可分割的一部分,而只有可参与性的景观才能让环境与居住最大限度的融为一体。因此,充分考虑到园林景观环境对人心情的影响力,注重实用、生态、功能、观赏性紧密联系是至关重要的一环[5]。正如斯坦利•怀特所阐述的那样,“如果我们的设计能含纳草地、森林和山,那我们能占据的景观将富含原土地之奥妙。景观特征应被加强而不是被削弱,而最终和谐应存在于一个复合体上,这些人为化的景观是最动人、最可爱的,只要景观的结构和灵魂能被保留,我们就会感到快乐和兴奋。” 因此,园林规划设计必须根据实际情况和项目条件,把所设计的园林景观与周围环境相协调、与当地的民族信仰和传统文化相结合,并恰当地融入现代元素,同时注重成本,从而以最少的投入,获得最优美动人的园林景观。 园林规划设计论文:园林规划设计论文 摘要:园林规划设计就是要运用地貌、植物、硬质材料、建筑等园林物质要素,以一定的自然、经济、工程技术和艺术规律为指导,充分发挥综合功能,因地制宜地规划和设计各类园林绿地。随着人们物质生活水平的提高,园林工程的建设越来越被重视。 关键词:园林;规划;设计;步骤;建议 1园林规划设计的步骤: (1)接受设计任务书、现场实地踏勘,同时收集相关基础资料;(2)提交初步规划文本,提出总体构思及规划目标;以供业主认可(3)编制详细规划并召开评审会。由业主组织的专家评审组,集中时间,进行评审(论证)会,根据专家评审组意见,落实调整和修改工作。(4)进行扩初设计并提交工程概算书;(5)基地的再次踏勘施工图的设计;(6)施工图预算编制和施工图的交底;(7)设计师的施工配合。 2园林规划设计需要论证的内容 (1)园林绿化应考虑绿化的功能。无论是公园游园,风景名胜区,居住区,城市广场和道路,厂矿企业和机关单位及校园环境的规划设计;还是象世博园等大型专类园的规划设计.应根据其服务对象不同,明确功能和主题。 (2)提高园林作品的艺术品味。高品味的园林工程是一幅美丽的立体图画,不仅要有点线面的合理运用,还要有四季特色的变化,它是各种园林要素的艺术组合,是巧夺天工的人造大自然的再现,使人在其中有融于大自然之感,有较高的艺术水平。 (3)应有历史文化内涵。将自然与历史文化紧密联系,是园林造景应注意的,能否画龙点睛,使历史人文景观与周围环境或其他方面协调,并符合人们的审美情操及心理要求,要经充分论证才有说服力,被人们所接受,景点宜恰到好处,忌贪多、太杂。 (4)对园林绿化的各项指标进行认真计算。包括绿化覆盖率、人均绿地率、立体绿量、多层次植物配置、保持水土、有效地吸收有害气体及灰尘和是否符合生态效益等。只有这样才能决定是选择单一的草坪还是乔灌木与林下草坪相结合,避免盲目追求草坪的现象,使草坪与树林相得益彰。 (5)树种选择的论证。实践证明,以什么树作主体,配置什么树都有讲究。不同植物在一起要考虑相互间的生长速度、影响能力、阴阳性,观花、果、叶的树如何映树,病虫害的交叉性,同种树的连片与分隔的统一,病虫害防治的难易程度,耐湿耐旱性等都是选择树种的重要因素。 (6)科学估算园林工程的建设成本及管理维护费用。不同设计方案的园林工程,建设成本和维护管理费用不尽相同,很多本是比较好的规划设计,由于建设成本和建成后维护管理费用超过单位经济实力,只有低水平维护,最后观赏效果不理想,很多应有的功能丧失,有的草坪被杂草挤占.应正确把握建筑,铺装,水体,绿地等要素的比例,严格控制建设成本,我们近几年的经验是既发展一部分高档次、管理要求高的绿化景点,也积极探索大众化、低成本、低维护费的绿化方法,并不断推广,得到了较好的效果。所以在设计时对植物根据性状的合理选用,论证其管理费用高低,有利于绿化单位更好地达到绿化效果。 3我国园林的发展方向 对于处于起步阶段的中国现代景观规划设计,鲜明的视觉形象、良好的绿化环境、足够的活动场地,这是基本的出发点,随着景观环境建设的发展,仅仅满足这3方面,肯定还远远不够。但这毕竟是远期景观建设发展的基础,对于未来景观建设的腾飞将起到重要的作用。正是基于景观规划设计实践的三元,在众说纷纭的各类景观规划设计流派中,3种新生流派正在脱颖而出:(1)与环境艺术的结合:重在视觉景观形象的大众景观环境艺术流派;(2)与城市规划和城市设计结合的城市景观生态流派:以大地景观为标志的区域景观、环境规划;以视觉景观为导向的城市设计,以环境生态为导向的城市设计;(3)与旅游策划规划的结合:重在大众行为心理景观策划的景观游憩流派。这3种流派代表着现代风景园林学科专业的发展方向。4建议 (1)园林设计上植物多样性与适应性同时并重。这几年,城市绿化提出了增加绿化树种、提高生物多样性的目标。于是许多城市一味求新,盲目引进外来树种。为求好心切引进新品种不是不可以,但如果忽视了苗木的适应性,则不仅达不到预期的目的,而且会带来意想不到的损失。 (2)完善园林设计法规。首先是对于《建设工程勘查设计管理条例》(2000)有关条文的修改,如第二章资质资格的管理等等。 其次是一系列园林设计法规的建立,如注册园林师签字制度、注册园林师条例、设计收费标准、工作量范围标准、后期跟踪服务标准、园林设计标准合同、园林师事务所设立标准等等。 (3)实施专业教育的大调整,培养适合新时代的园林规划与设计工作者。 首先是专业教育结构层次的调整。要使中国风景园林学科具有持续发展的生命力,其专业教育需要有3个层次:①面向学科:为长远学科建设培养的高层次博士、硕士人才;②面向社会:为国家园林管理和规划设计建设部门培养的大学本科、硕士人才;③面向中国数量与质量日益高涨的风景园林建设市场:为各类规划设计院所、园林工程公司培养专科、本科、硕士、博士多层次人才。其次是专业知识结构的调整。一方面,要考虑引入环境艺术、旅游策划的专业课程;同时,还要引入建筑学科、地理学科、计算机与信息学科、社会人文学科等专业知识。这是以课程设置为实质的专业知识结构调整。 (4)规划设计人才的知识结构有待完善。 现有的规划设计人才有来自城市规划专业院系的;也有艺术院系的;有建筑院系的,还有农林院系,来自不同院系的人才都各有各的特长,同时也存在各自的不足,由此,根据目前的专业状况,应该有一个合作互补的专业团队。 园林规划设计论文:景观园林规划设计步骤分析论文 环境艺术是一门研究城市空间景观设计的综合学科,它运用植物、水、石材、不锈钢、灯光多种材料,吸收文化、历史等人文内容,并结合特定环境创造出色彩丰富的、形态各异的活动空间。近年来,随着城市现代化进程的加快,环境艺术已广泛应用于城市规划、园林设计和环境建设之中。 园林规划设计步骤 1、接受设计任务、基地实地踏勘,同时收集有关资料 作为一个建设项目的业主(俗称"甲方")会邀请一家或几家设计单位进行方案设计。 作为设计方(俗称"乙方")在与业主初步接触时,要了解整个项目的概况,包括建设规模、投资规模、可持续发展等方面,特别要了解业主对这个项目的总体框架方向和基本实施内容。总体框架方向确定了这个项目是一个什么性质的绿地,基本实施内容确定了绿地的服务对象。这两点把握住了,规划总原则就可以正确制定了。 另外,业主会选派熟悉基地情况的人员,陪同总体规划师至基地现场踏勘,收集规划设计前必须掌握的原始资料。 这些资料包括①所处地区的气候条件,气温、光照、季风风向、水文、地质土壤(酸碱性、地下水位)。②周围环境,主要道路,车流人流方向。③基地内环境,湖泊、河流、水渠分布状况,各处地形标高、走向等。 总体规划师结合业主提供的基地现状图(又称"红线图"),对基地进行总体了解,对较大的影响因素做到心中有底,今后作总体构思时,针对不利因素加以克服和避让;有利因素充分地合理利用。此外,还要在总体和一些特殊的基地地块内进行摄影,将实地现状的情况带回去,以便加深对基地的感性认识。 2、初步的总体构思及修改 基地现场收集资料后,就必须立即进行整理,归纳,以防遗忘那些较细小的却有较大影响因素的环节。 在着手进行总体规划构思之前,必须认真阅读业主提供的"设计任务书"(或"设计招标书")。在设计任务书中详细列出了业主对建设项目的各方面要求:总体定位性质、内容、投资规模、,技术经济相符控制及设计周期等。在这里,还要提醒刚入门的设计人员一句话:要特别重视对设计任务书的阅读和理解,一遍不够,多看几遍,充分理解,"吃透"设计任务书最基本的"精髓". 在进行总体规划构思时,要将业主提出的项目总体定位作一个构想,并与抽象的文化内涵以及深层的警世寓意相结合,同时必须考虑将设计任务书中的规划内容融合到有形的规划构图中去。 构思草图只是一个初步的规划轮廓,接下去要将草图结合收集到的原始资料进行补充,修改。逐步明确总图中的入口、广场、道路、湖面、绿地、建筑小品、管理用房等各元素的具体位置。经过这次修改,会使整个规划在功能上趋于合理,在构图形式上符合园林景观设计的基本原则:美观、舒适(视觉上)。 3、方案的第二次修改文本的制作包装 经过了初次修改后的规划构思,还不是一个完全成熟的方案。设计人员此时应该虚心好学、集思广益,多渠道、多层次、多次数地听取各方面的建议。不但要向老设计师们请教方案的修改意见,而且还要虚心向中青年设计师们讨教,往往多请教讨教别人的设计经验,并与之交流、沟通,更能提高整个方案的新意与活力。 由于大多数规划方案,甲方在时间要求上往往比较紧迫,因此设计人员特别要注意两个问题: 第一,只顾进度,一味求快,最后导致设计内容简单枯燥、无新意,甚至完全搬抄其他方案,图面质量粗糙,不符合设计任务书要求。 第二,过多地更改设计方案构思,花过多时间、精力去追求图面的精美包装,而忽视对规划方案本身质量的重视。这里所说的方案质量是指:规划原则是否正确,立意是否具有新意,构图是否合理、简洁、美观,是否具可*作性等。 整个方案全都定下来后,图文的包装必不可少。现在,它正越来越受到业主与设计单位的重视。 最后,将规划方案的说明、投资框(估)算、水电设计的一些主要节点,汇编成文字部分;将规划平面图、功能分区图、绿化种植图、小品设计图,全景透视图、局部景点透视图,汇编成图纸部分。文字部分与图纸部分的结合,就形成一套完整的规划方案文本。 4、业主的信息反馈 业主拿到方案文本后,一般会在较短时间内给予一个答复。答复中会提出一些调整意见:包括修改、添删项目内容,投资规模的增减,用地范围的变动等。针对这些反馈信息,设计人员要在短时间内对方案进行调整、修改和补充。 现在各设计单位电脑出图率已相当普及,因此局部的平面调整还是能较顺利按时完成的。而对于一些较大的变动,或者总体规划方向的大调整,则要化费较长一段时间进行方案调整,甚至推倒重做。 对于业主的信息反馈,设计人员如能认真听取反馈意见,积极主动地完成调整方案,则会赢得业主的信赖,对今后的设计工作能产生积极的推动作用;相反,设计人员如马马虎虎、敷衍了事,或拖拖拉拉,不按规定日期提交调整方案,则会失去业主的信任,甚至失去这个项目的设计任务。 一般调整方案的工作量没有前面的工作量大,大致需要一张调整后的规划总图和一些必要的方案调整说明、框(估)算调整说明等,但它的作用却横重要,以后的方案评审会,以及施工图设计等,都是以调整方案为基础进行的。 5、方案设计评审会 由有关部门组织的专家评审组,会集中一天或几天时间,进行一个专家评审(论证)会。出席会议的人员,除了各方面专家外,还有建设方领导,市、区有关部门的领导,以及项目设计负责人和主要设计人员。 作为设计方,项目负责人一定要结合项目的总体设计情况,在有限的一段时间内,将项目概况、总体设计定位、设计原则、设计内容、技术经济指标、总投资估算等诸多方面内容,向领导和专家们作一个全方位汇报。汇报人必须清楚,自己心里了解的项目情况,专家们不一定都了解,因而,在某些环节上,要尽量介绍得透彻一点、直观化一点,并且一定要具有针对性。在方案评审会上,宜先将设计指导思想和设计原则阐述清楚,然后再介绍设计布局和内容。设计内容的介绍,必须紧密结合先前阐述的设计原则,将设计指导思想及原则作为设计布局和内容的理论基础,而后者又是前者的具象化体现。两者应相辅相成,缺一不可。切不可造成设计原则和设计内容南辕北辙。 方案评审会结束后几天,设计方会收到打印成文的专家组评审意见。设计负责人必须认真阅读,对每条意见,都应该有一个明确答复,对于特别有意义的专家意见,要积极听取,立即落实到方案修改稿中。 6、扩初设计评审会 设计者结合专家组方案评审意见,进行深入一步的扩大初步设计(简称"扩初设计")。在扩初文本中,应该有更详细、更深入的总体规划平面、总体竖向设计平面、总体绿化设计平面、建筑小品的平、立、剖面(标注主要尺寸)。在地形特别复杂的地段,应该绘制详细的剖面图。在剖面图中,必须标明几个主要空间地面的标高(路面标高、地坪标高、室内地坪标高)、湖面标高(水面标高、池底标高)。 在扩初文本中,还应该有详细的水、电气设计说明,如有较大用电、用水设施,要绘制给排水、电气设计平面图。扩初设计评审会上,专家们的意见不会象方案评审会那样分散,而是比较集中,也更有针对性。设计负责人的发言要言简意赅,对症下药。根据方案评审会上专家们的意见,我们要介绍扩初文本中修改过的内容和措施。未能修改的意见,要充分说明理由,争取能得到专家评委们的理解。 在方案评审会和扩初评审会上,如条件允许,设计方应尽可能运用多媒体电脑技术进行讲解,这样,能使整个方案的规划理念和精细的局部设计效果完美结合,使设计方案更具有形象性和表现力。 一般情况下,经过方案设计评审会和扩初设计评审会后,总体规划平面和具体设计内容都能顺利通过评审,这就为施工图设计打下了良好的基础。总的说,扩初设计越详细,施工图设计越省力。 7、基地的再次踏勘施工图的设计(上) 在园林规划设计步骤(一)中,我们谈到过基地的踏勘。这次所谈的基地的再次踏勘,至少有3点与前一次不同:1、参加人员范围的扩大。前一次是设计项目负责人和主要设计人,这一次必须增加建筑、结构、水、电等各专业的设计人员;2、踏勘深度的不同。前一次是粗勘,这一次是精勘;3、掌握最新、变化了的基地情况。前一次与这一次踏勘相隔较长一段时间,现场情况必定有了变化,我们必须找出对今后设计影响较大的变化因素,加以研究,然后调整随后进行的施工图设计。 现在,很多大工程,市、区重点工程,施工周期都相当紧促。往往最后竣工期先确定,然后从后向前倒排施工进度。这就要求我们设计人员打破常规的出图程序,实行"先要先出图"的出图方式。一般来讲,在大型园林景观绿地的施工图设计中,施工方急需的图纸是:1、总平面放样定位图(俗称方格网图);2、竖向设计图(俗称土方地形图);3、一些主要的大剖面图;4、土方平衡表(包含总进、出土方量);5、水的总体上水、下水、管网布置图,主要材料表;6、电的总平面布置图、系统图等。 同时,这些较早完成的图纸要做到两个结合:1各专业图纸之间要相互一致,自圆其说。2、每一种专业图纸与今后陆续完成的图纸之间,要有准确的衔接和连续关系。总的说,每一专业各自有特点,在这里就不赘述。 8、施工图的设计(下) 社会的发展伴随着大项目、大工程的产生,它们自身的特点使得设计与施工各自周期的划分已变得模糊不清。特别是由于施工周期的紧迫性,我们只得先出一部分急需施工的图纸,从而使整个工程项目处于边设计边施工的状态。 前一期所提到的先期完成一部分施工图,以便进行即时开工。紧接着就要进行各个单体建筑小品的设计,这其中包括建筑、结构、水、电的各专业施工图设计。 另外,作为整个工程项目设计总负责人,往往同时承担着总体定位、竖向设计、道路广场、水体,以及绿化种植的施工图设计任务。他不但要按时,甚至提早完成各项设计任务,而且要把很多时间、精力花费在开会、协调、组织、平衡等工作…上。尤其是甲方与设计方之间、设计方与施工方之间、设计各专业之间的协调工作更不可避免。往往工程规模越大,工程影响力越深远,组织协调工作就越繁重。 从这方面看,作为项目设计负责人,不仅要掌握扎实的设计理论知识和丰富的实践经验,更要具有极强的工作责任心和优良的职业道德,这样才能更好地担当起这一重任。 9、施工图预算编制 严格来讲,施工图预算编制并不算是设计步骤之一,但它与工程项目本身有着千丝万缕的联系,因而有必要简述一下。 施工图预算是以扩初设计中的概算为基础的。该预算涵盖了施工图中所有设计项目的工程费用。其中包括:土方地形工程总造价,建筑小品工程纵总价,道路、广场工程总造价,绿化工程总造价,水、电安装工程总造价等。 根据笔者的设计项目所得经验,施工图预算与最终工程决算往往有较大出入。其中的原因各种各样,影响较大的是:施工过程中工程项目的增减,工程建设周期的调整,工程范围内地质情况的变化,材料选用的变化等。施工图预算编制属于造价工程师的工作,但项目负责人脑中应该时刻有一个工程预算控制度,必要时及时与造价工程师联系,协商,尽量使施工预算能较准确反映整个工程项目的投资状况。 应该承认,某个工程的最终效果很大程度上有投资控制所决定。近几年本市街头绿地建设中出现了单位单位面积造价节节攀升的现象,在这里我们不讨论此现象的孰是孰非。笔者认为项目负责人有责任为业主着想,客观上因地制宜,主观上发挥各专业设计人员的聪明才智,平衡协调在设计着一环节中,做到投资控制。 我们相信,整个工程项目建成后良好的景观效果,是在一定资金保证下,优良设计与科学合理施工结合的体现。 10、施工图的交底 业主拿到施工设计图纸后,会联系监理方、施工方对施工图进行看图和读图。看图属于总体上的把握,读图属于具体设计节点、详图的理解。 之后,由业主牵头,组织设计方、监理方、施工方进行施工图设计交底会。在交底会上,业主,监理,施工各方提出看图后所发现的各专业方面的问题,各专业设计人员将对口进行答疑,一般情况下,业主方的问题多涉及总体上的协调、衔接;监理方、施工方的问题常提及设计节点、大样的具体实施。双方侧重点不同。由于上述三方是有备而来,并且有写问题往往是施工中关键节点。因而设计方在交底会前要充分准备,会上要尽量结合设计图纸当场答复,现场不能回答的,回去考虑后尽快做出答复。 园林规划设计步骤写到这期应该是到此为止了。但在工程建设过程中,设计人员的现场施工配合又是必不可少的。 11、设计师的施工配合(一) 设计的施工配合工作往往会被人们所忽略。其实,这一环节对设计师、对工程项目本身恰恰是相当重要的。 业主对工程项目质量的精益求精、,对施工周期的一再缩短,都要求设计师在工程项目施工过程中,经常踏勘建设中的工地,解决施工现场暴露出来的设计问题、设计与施工相配合的问题。如有些重大工程项目,整个建设周期就已经相当紧迫,业主普遍采用"边设计边施工"的方法。针对这种工程,设计师更要勤下工地,结合现场客观地形、地质、地表情况,做出最合理、最迅捷的设计。 如果建设中的工地位于设计师所在的同一城市中,该设计项目负责人必须结合工程建设指挥的工作规律,对自己及各专业设计人员制定一项规定:每周必须下工地一至两次(可根据客观情况适当增减),每次至工地,参加指挥部召开的每周工程例会,会后至现场解决会上各施工单位提出的问题。能解决的,现场解决;无法解决的,回去协调各专业设计后出设计变更图解决,时间控制在2~3天。如遇上非设计师下工地日,而工地上恰好发生影响工程进度的较重大设计施工问题,设计师应在工作条件允许下,尽快赶到工地,协调业主、监理、施工方解决问题。上面所指的设计师往往是项目负责人,但其他各专业设计人员应该配合总体设计师,做好本职专业的施工配合。 12、设计师的施工配合(二) 如果建设中的工地位于与设计师不同城市,俗称"外地设计项目"而工程项目又相当重要(影响深远,规模庞大)。设计院所就必须根据该工程的性质、特点,派遣一位总体设计协调人员赴外地施工现场进行施工配合。 笔者从1999年11月参加昆明世博园二期工程的"设计方案全国招投标"工作起,至2000年12月工程施工结束,经历了一个园林工程的方案设计、方案修改设计,扩初设计、施工图设计、施工图修改设计、施工现场配合等一整套过程,历时一年零两个月,其间无任何一个其他设计项目穿插设计。现工程即将竣工,本人感触颇多,获益匪浅。 在此项目中,我学到了风景园林工程的各方面知识,其中包括:规划设计知识施工图设计心得;施工现场配合经验教训等。尤其要提的是,云南是个多民族地区,这座园子如何利用中华各民族博大精深的文化内涵,与园中各景点有机、有形的结合成了一个至要的关键。由于篇幅所限,笔者将就这一内容另出拙章,与同行及读者共同学习,探讨。 笔者在这个项目的施工配合中。感受最深的是基地地形极其复杂。在上海地区,基地地势都较平坦,偶有暗浜、河流,小山丘等地形地貌,高差不大。而昆明世博园二期工程用地内,有被雨水常年冲刷塌方而形成的峡谷、峭壁,高差近20米;有被植被茂密覆盖着的山坳;有地势北高南低,一览无遗的茶树园等。整块基地最小高差也有2~3来。这些地形条件在上海附近自然环境中是不可能遇到的。怎样把这些看似不利的客观因素变成园中各处美景的地形背景基础,这就需要设计师因地制宜,结合自然山水地形,加以合理规划设计,最终形成"虽为人作,宛自天开"的景观效果。 其实,设计师的施工配合工作也随着社会的发展、与国际间合作设计项目的增加而上升到新的高度。配合时间更具弹性、配合形式更多样化。俗话说,"三分设计,七分施工".如何使"三分"的设计充分体现、融入到"七分"的施工中去,产生出"十分"的景观效果?这就是设计师施工配合所要达到的工作目的。 园林规划设计论文:景观园林规划设计管理论文 摘要:作为景观规划设计领域的一代先驱、首届国际景观规划设计师联合会(IFLA)主席以及历届IFLA的名誉主席,杰弗里·吉利柯的经历与国际景观规划设计学科专业的发展紧密相关。 1前言 作为景观规划设计领域的一代先驱、首届国际景观规划设计师联合会(IFLA)主席以及历届IFLA的名誉主席,杰弗里·吉利柯的经历与国际景观规划设计学科专业的发展紧密相关。杰弗里·吉利柯的景观规划设计理论研究与设计实践长达70多年,从1925年出版第一部著作《文艺复兴时期的意大利花园》(与J.C.亚特兰大合著)起,到1992年规划设计亚特兰大市历史学会庭院,杰弗里·吉利柯一生出版发表专著论文数十部,完成的建筑与景观规划设计100多项。其中,《人类的景观造园》(TheLandscapeofMan)[1]一书被译成多国文字,在规划设计界广为流传。 回顾国际规划设计界发展的历史,建筑和景观曾经是相互分离的两大部分。过去,建筑凌驾于景观之上,支配着景观;如今,这种情况不复存在,甚至已截然相反。在人类步入21世纪的今天,景观成为重要的因素,随着世界各国关注焦点的转变,生态环境问题已被优先考虑,这些都促使景观规划设计学进入了重要的中心舞台。虽然起初杰弗里·吉利柯是个建筑师,并且在学生时代最初也与其他建筑师一样得到了建筑学的严格训练与实践,但是在这场景观第一、生态第一的观念转变进程中,他是景观园林规划与设计界当之无愧的主帅。 2专业教育背景 本文着重在杰弗里·吉利柯作品的扼要分析介绍,并非个人传记。但是,对于许多问题的理解有赖于对于其生平的了解,因为,规划设计作品自身无法解释发生在杰弗里·吉利柯长达70年的规划设计生涯中的这样和那样的转变。对这样一个职业变迁的真正理解,不仅需要单纯的设计作品方面的知识,更需要对其设计动机的了解、痴迷以及兴趣。 杰弗里·吉利柯1900年出生于英国伦敦,1996年9月逝世。他最早的建筑经验源于建造其父母的住宅。在寄宿学校,他接受了古典而正统的教育。之后,他幸运地遇见了建筑师C.F.A.福塞(C.F.A.Voysey),被引导进入位于贝德福特(Bedford)广场的建筑联合学校,就读于建筑学专业。在那,杰弗里·吉利柯与其学友J.C.(约克)斯费尔德(J.C.(JOCK)Shepherd)合作,进行长达5年的意大利文艺复兴花园的研究,并出版了专著。那时,几乎没有关于该领域的权威著作。通常,只有建筑物被细心地记录下来,其他要素则被排除在外,与建筑邻近而不可分割的花园也不例外。因此,这一研究极大地影响了杰弗里·吉利柯后来事业的形成。 对意大利文艺复兴时期的研究激起了杰弗里·吉利柯对于景观园林设计哲学领域的好奇心。凭借其古典主义方面坚实的基础,他开始研究文艺复兴时期的人本主义。这种将设计与哲学相联系的习惯,最初只是暂时的、尝试性的;后来得以确定和继续,最终贯穿其整个规划设计生涯。同时,这一习惯也扩展了其作品范围。 3专业实践的发展与追求 杰弗里·吉利柯的规划设计实践可以分为三大阶段:1927~1960年、1960~1980年、1980~1996年。 第一阶段从1927年获得建筑师从业资格开始,长达30年之久,极大地影响到杰弗里·吉利柯的整个规划设计生涯。其间,主要有三件事影响了杰弗里·吉利柯的规划设计。第一,当他还是学生时,获得一个机会,转向研究《文艺复兴时期的意大利园林》,这启发了他思考建筑物及其环境的整体关系;第二,在此后的一段时期,他留校任教达五年之久,学生们对于那个时代现代建筑的狂热追随以及对于勒·柯布西耶(LeCorbusier)和尤里奇·门德尔松(ErichMendelsohn)作品的狂热崇拜深深地影响了他。这两种不同特征的影响使他既能深刻理解历史传统,又能跟上时代潮流。第三,在花园设计和建筑设计中,他都得到了家具设计师高登·罗素(GordonRussell)友好的专业支持。 20世纪五十年代末,杰弗里·吉利柯在专业上已具备巩固的地位,1960年,他被委任领导首届国际景观规划设计师联合会。对于大多数规划设计师来说,这也许意味着整个职业生涯,然而,对于杰弗里·吉利柯来说,20世纪五十年代末所获得的成就只是一个开始。1960~1980年期间,其景观与园林规划设计实践发生了比以往任何时期都更为深刻的变化。他改变了与一系列富有成效的伙伴的合作关系,从而使自己能够更加专一地应用自己所积累的知识技巧。这一单纯的转变对其设计图产生了深刻的影响,使之变得更加富有特色并极具个性。同时,也深化了其景观设计哲学思想,这可以从他作图的线条、构思以及完成的项目中看出。 与其设计哲学的追求一样,杰弗里·吉利柯不断发展的技巧也是注重实效的:设计形式的表达在不断地进化并得到提炼升华。出于对于现代主义运动的同情,早期的古典主义手法得到了修正;当后现代主义理论迷惑了许多出色的设计师之时,其“二元论”使他在20世纪七十年代期间具有巩固的地位。总之,他总能轻松自如地游离于现代世界与古典主义世界之间,对于二者驾轻就熟、胸有成竹。 杰弗里·吉利柯的景观规划设计作品,绝大部分属于环境设计。不管是城市的、还是乡村的,生态方面的考虑总是占着主导地位。对于生存环境这一人类的根本资源,杰弗里·吉利柯认为,通过保护全球的环境来达到保存人类文明的目的是关键而优秀的任务,其中,景观规划与设计是不可缺少的要素,起着至关重要的平衡作用。在其名著《人类的景观造园》一书中(1975年,1986年、1992年),杰弗里·吉利柯写道:“今天,作为历史上的第一次,正在逐步展开的世界面貌表现出了集体性的物质主义而非规定的宗教性。在先进国家,个人在其所拥有的家园住区之中产生、演化、并形成其个人信仰。对他(她)存在的最大威胁可能并非商业第一主义,并非战争、污染、噪音以及主要能源的消耗,甚至亦非断子绝孙的危险,而是由于鉴赏力的严重缺乏和历史上价值观念的相继解体毁灭所导致的盲目无知,而这种相辅相成的鉴赏力和价值观念正是那种单纯而伟大的理念的象征。”[1] 4杰弗里·吉利柯作品解读 对于杰弗里·吉利柯来说,设计与其环境背景之间的关系一直是最为重要的。无论是什么地方的项目,他总能探索出该地的场所精神,并将这一精神清晰地定义下来,从不脱离和歪曲事实。这样的案例在他最早的一些项目中就已有所体现,例如查达·乔治(CheddarGorge)或作为对照的迪奇雷(Ditchley)公园。在查达·乔治,基地本身所具有的戏剧化效果通过水平安排的建筑物得到突出,并通过水池的反射进一步强化;在迪奇雷公园,被赋予历史意义的长平台完全合适,使得整个建筑物成为后来加建的景观环境的一部分(图1)。又如在拉尼麦德(Runnymede),肯尼迪纪念碑被建造在到草地北坡的途中,要到达纪念碑,必须穿过自然林地,这是一条寓意深刻的“朝圣者之路” 之后,分析场所各方面的条件成了杰弗里·吉利柯工作的中心。在许多园林设计中,他首先将主体建筑安排在景观环境中,使之成为其中一员,而不是简单生硬地安放在环境中。在大约20个项目中都曾运用了长平台或长步道,其中也包括小尺度的平台。随着这一设计技巧的发展,它更多地浓缩了场所的历程。在拉尼麦德,它被设计成联系圣地和自我反省座位的一条线;在克罗伊斯特(Gloueester,1961年),长步道被改换成城市背景下的步行路线的形式,连结哈尔(High)街和花园;在莫丹拉(Modena,1980年),步道位于长水体的旁边;在心境园(1986年)中,它又变成一条水上游线,一条通过综合场所的主要游线。对此,迪奇雷公园的委托人提到:“无论怎样,平台是杰弗里·吉利柯的一项伟大成就。” 透过林荫道的狭长景观视轴(vista)是杰弗里·吉利柯景观设计的另一个主要词汇。在任何可能的地方,它们都被合乎逻辑地设置,与其余的景观要素相辅相成。在诺丁汉(Nottingham)大学(1955年),哈特威尔(Hartwell,1979年),布列斯卡(Brescia,1981年),圣保罗的沃登拜里(WaldenBury,1983年)和休特(shute,1987年)以及其他无数的项目中,这一特殊的景观被杰弗里·吉利柯创造或再创造。尤其在贝克汉姆·布鲁德(BuckenhamBroad,1977年),贝尼威尔·麦纳(BarnwellManor,1981年)和唐德克姆(Tudcombe,1989年)中,这一手法更为突出。在埃汶顿(Everton)中,许多技巧被有效地用于遮掩直接的视线,以使游人在经过此步道时能观赏道路两边的景色。 水是又一个使杰弗里·吉利柯着迷的景观元素。在许多项目中,水成为占统治地位的景观要素,例如休特(1970年)和莫丹拉(1980年)等。同时,水也常常作为一种现状特征被加以开发利用,例如撒顿场所(SuttonPlace)(1980年)和心境园(1986年)等。在撒顿场所中,水如瀑布般泻下;休特项目则充分开发具有视听双重感受的涓涓细流;在为迪奇雷(图1)等所做的规划中,杰弗里·吉利柯特别增加了泉水,以作为一种最主要的水的表现形式。 为了增强上述景观要素之间的联系,许多辅助设计要素被或者联合、或者单独地使用。这些辅助设计要素的范围从凉亭、坐凳到棚架、雕塑、水缸,到装饰性的花瓶、篮子等等。它们被有计划地、有效地应用在许多项目中,并取得了很好的效果。其中,许多要素还被确立为花园设计行业必不可少的原材料。然而,即使这样,杰弗里·吉利柯一直十分谨慎、节俭地应用它们,以求获得高质量的景观环境效果。 在杰弗里·吉利柯的作品中很难找到精彩的植被规划。仅仅在三个案例中,植被规划被证实是成功的:克里汶顿(Cliveden),埃汶顿和撒顿场所。实际上,前者是由他的妻子苏珊·吉利柯(SusanJellicoe)设计的;后两者则是由海利·斯莱福(HilaryShrive)设计的。杰弗里·吉利柯只是与他们共同商榷设计方案。事实上,杰弗里·吉利柯是第一位敢于承认自己不是种植设计师的景观规划设计师。 从以上可以看出,杰弗里·吉利柯作品的尺度涵盖极广,从小规模的城市花园到大面积的游憩综合场所。我们不禁要问,什么是这些作品的共同要素呢?首先,在理性分析方面是考虑人性的尺度。其次,是以一种开放的心态关注人类的天性。杰弗里·吉利柯认为,下意识的心理活动在领悟、感受景观中扮演着重要的角色,人们将依此行动。这体现在两个方面:一是个体的,二是人类群体共有的。在创造力面前,这是一种十分谦逊的态度,至今,只有他认真并坚定地用了几十年的时间来思考研究这一规划设计界的根本问题。 杰弗里·吉利柯还是第一位声称自己是现代主义者的设计师。如果说他是现代主义者,那么其现代主义是不受特定时间影响并且更加专业化的。对于新事物,他总是以一种不断考察的态度对待它们。在每个项目中,出于灵感的需要,他总是涉猎得更加遥远、更为广泛。自20世纪三十年代以来,出自对于文艺复兴艺术的热爱,杰弗里·吉利柯成了一位热衷于评价现代绘画和雕塑的人,特别是对于保罗·克利(PaulKlee)、马列维奇(Malevich)、康达斯基(Kandinsky)、毕加索(Picasso)、亨利·摩尔(HerryMoore)和安东尼·卡罗(ArthonyCaro)的作品。其更多的设计灵感还来自于广泛的文化方面的积累,尤其是20世纪的各种哲学思潮。对于古代中国的哲学思想,他也兴趣盎然、长久不衰,这启发了他关于景观布局结构的概念。 5代表性作品简介 杰弗里·吉利柯最具代表性的景观园林规划设计作品创作于1980年至1996年期间,包括:撒顿场所,莫丹拉市民公园(Modena),心境园(第一期、第二期)和休特住宅花园(见彩图),此外,还有曾被提议但未实现的特尔尼公园(1989年)以及为开罗所做的设计(1992年)。 5.1撒顿场所 撒顿场所的对称式布局形成于1526年左右文艺复兴初期的修建和1905年的扩建。现在的景观始建于1980年,是对创造力、生命和志向抱负的巧妙隐喻,其中东墙花园(EastWalledGarden)则展现了天堂乐园与圣地园。从这一作品可以看出意大利文艺复兴时期的花园对杰弗里·吉利柯的深刻影响,撒顿场所花园与干布瑞尔别墅同样表达了其个人头脑中的理性与非理性。 5.2莫丹拉市民公园 莫丹拉市民公园和撒顿场所一样,结构上是古典主义的,但是二者的目标不同。表面上,如同任何一个市镇公园一样,莫丹拉市民公园为集体性的都市社会提供娱乐和休闲;实际上,它意在打开基于尊严之上的潜意识的窗口,表达当今人类社会与古典主义世界的联系,从而强化旧城中心区的价值。这一作品体现了作者广泛的文化方面的积累。正是古罗马诗人维吉尔(Virgil)开阔的视野和对于人文主义的热爱启发了这一设计。 5.3心境园 心境园1985年立项,位于得克萨斯州卡尔文斯顿的不宜居住的墨西哥湾海岸。在这一著名的景观设计中,诸文明被组织在一起,各类植物被精心培育,并与其花园的多样形态结合为一体。富有教育意味的校园和玻璃房,架在沼泽之上的步行小径和苗圃,以及通过步行或乘船穿越伊甸园和激动人心的诸文明世界……,在游览过程中,你将发现,宇宙之中诸文明的存在方式是多么的脆弱而不稳定。值得注意的是,苗圃被指北针从稳定的古典主义摆向了不稳定的浪漫主义;充满敌意的海神波塞冬(Poseidon)和友善的谷物女神黛麦特(Demeter)的巨大头颅从外太空越过保护墙注视着我们这个星球上的奇特的、充满希望的、美丽的产物,那样的踌躇而迷茫。 5.4亚特兰大市历史学会庭院(AtlantaHistoricalSociety''''sGardens) 1992年设计的亚特兰大市历史学会庭院景观,体现了公元前5世纪希腊哲学家赫拉克里特(Heraclitus)提出的观点:“下意识与意识相互协调”的论点。这是一种崭新的、涉及西方人与环境关系的哲学思想。 亚特兰大市的历史学会庭院的场地(33英亩)长满了本地生的树木,被深壑与河谷一分为二。北半部为斯旺住宅占用,其宏伟的意大利风格宅邸和庭园始建于1927年,当时该城市的社会历史景观方才开始。南半部有两个现代博物馆,附带一个停车场和村庄。对景观设计师来说,如何将这些分离的元素统一起来,形成一个恢弘的理念——一个穿越历史的景观城市,这是设计的难点。常规的几何式的古典主义方法强调中央景物,不论对场地还是设计意图均不合适。通常的英国浪漫主义景观设计方法是用一条假设的河流统一整体,这在统一诸景观要素方面是可行的,但同样与该计划的真正意图不符。 故而,受赫拉克利特的启示,杰弗里·吉利柯产生“穿越时空的宇宙的运动”这一设计概念。基于这种能力,借助于这种能力,人类的潜意识能如河流一般在脑海中记录下经历过的事物。为了创造自身运动的感觉,一连串的体验被组织成一个整体,如同一曲交响乐。路径则被刻意设计成不抢不显,往往掩蔽在树丛之中很难寻觅。为了与设计概念协调,避免有交叉路口。整个路径方案,其原理如同一个圆,从起点到终点,再回到起点,又重新开始。 顺着小路,生命的起源是巨大台地台阶前的狩猎场。从这里,穿过一片昔日是印第安人居住地的树林,到达一个建于1830年的白人村庄。向下走,从一座木桥上跨越小溪,爬上通往十字路口下方那个象征着1863年城市消亡的洞穴之路,展现在眼前的是一个新亚特兰大。穿过一个又一个棚架下的花园以及一个维多利亚式的游艺室后,进入斯旺住宅花园和充满亚特兰大狂欢喜庆的气氛之中。参观过这些敬献给意大利文艺复兴的辉煌礼物,沿着那条有着水池、喷泉、绿荫穹架以及斯旺宅邸特有景观的小路前行,不知不觉中就徜徉在一个温馨的中世纪室内花园之中了。再穿过一条疑惑重重的山谷,就能战战兢兢地攀上一个大台地,见到一片赫拉克利特的小树林。这样的景观感受让人不禁想起一句常言:“万事流转,永无止息。” 6结语 “一开始你用正常的方式准备进行一个设计,你会发现这种设计索然无味;然后,你将设计图纸放在一段距离之外,并且最好将其上下颠倒……,……你逐渐意识到它为你建议出一种与原设计方案完全不同的但又十分友好的设计思想雏形。” “按照C.J.休(C.J.Jung)的理论,现在我们拥有两个截然不同并且相互分离的世界——意识世界和下意识世界。二者对抗时,我们处于混沌状态;二者分开时,我们不受影响;然而,当二者协调时,那就是艺术”。“如果可以,别告诉任何人,因为这种感觉是从一个下意识到另一个下意识的启示,并且会被理智破坏。” “所有的艺术都出自于下意识”。“虚构的不可见世界的理论在原本一片空白的迪奇雷公园的多样的形式中得以效法;在30年后的同一家族的休特住宅设计中,这一理论成为我设计的关键。” “我要最深切的感谢我的业主们,他们的理解、鼓励和参与是非常重要的”。“设计图纸是向项目委托人介绍规划设计的媒介。建筑是静止的,但是在景观设计中就连所运用的材料也是处于运动变化之中的;同时,接替原先业主的新业主的品味和要求也是变化的。我的思想的真谛都在这些独一无二的设计图中。” “我们的世界正在进入一个新的时期。现在,我们还是不得不承认这样一个事实,即景观设计是各类艺术当中一门最为综合的艺术。这样一种认识基于三重理由:(1)在生物圈中,现存微妙的自然平衡秩序以及地球的保护层,正在受到人类活动的干扰破坏,而且,似乎只有通过人类自身的努力才能恢复这种平衡,以保证生存。(2)在这些努力当中,首先需要的是诉诸生态,这些生态系统无非都是可持续存在的有效的动物状态的回归。(3)由于人类自己就是从这样的充满生机的动物状态进化过来的,所以人类所创造的环境,实际上,也就是他的抽象观念在自然界中的具体体现。第一重理由在人类的生物学层次上,引发了一种直觉的要求,并且由此导致了"绿色革命",这就像1972年在关于人类环境问题的斯德哥尔摩会议上所描述的那样;第二重理由鼓励着专家们进行综合的生态规划;而第三重理由正在以历史上从来没有构想过的尺度和规模,推动着景观艺术的发展”[1]。 杰出的景观园林作品首先来源于深刻杰出的思想,在初步了解了杰弗里·吉利柯作品及其专业生涯之后,对于杰弗里·吉利柯以上的思考言论,我们就不难理解了。 总之,将景观与园林规划设计视为艺术,从艺术创作的理论、方法、途径寻求景观园林设计的独特风格,眼光面向古今东西,目标瞄准全世界景观园林事业的发展,实践行动具体落实在亲手绘制的设计图纸上,孜孜不倦,勤奋一生,这就是杰弗里·吉利柯的景观园林规划设计作品及其专业生涯的缩影。 今天,人类已步入第三个千年,景观与园林设计从来没有像今天这样,遍及全球,深入人心。作为景观园林规划设计领域的一代先驱,鉴于他大部分职业生涯的国际化,勿容置疑,杰弗里·吉利柯已成为景观园林规划设计理论与实践活动方面的首席人物。 参考文献: [1]刘滨谊等译.图解人类景观-环境塑造史论[M].台湾田园城市出版社,1996. 园林规划设计论文:园林规划设计研究论文 论文关键词园林规划;人性化;生态性设计 论文摘要在园林规划设计中,要注重园林景观的艺术性、对传统文化的继承并突出园林规划设计的前卫性,重视园林景观的人性化设计及生态性设计等基本理念。同时,在设计中要考虑经济合理性的原则,以最少的投入创造出宜人的的景观环境。 园林景观的美学功能和艺术性是园林规划设计的目的之一。当景观设计解决了园林景观的技术课题与使用功能,艺术便成为其永无止境的追求。当园林景观在其功能基本一致时,园林景观的艺术设计风格符合大众的审美心理,这种园林景观就能受到人们的欢迎,通过人们在心理上对这种设计形式的接受,以便实现设计师在经济、道德、大众审美等方面的影响,强化所设计园林景观的社会认同感。因此,在园林规划设计教学中,强调基本理念在园林规划设计理论与实践中的重要性具有十分积极的作用。 1园林规划设计的艺术性 园林规划设计是从审美的角度出发,以实用功能为目的再创造。艺术形式层出不穷,纯艺术与其他艺术门类之间的界限日渐模糊,艺术家们吸取了电影、电视、戏剧、音乐、建筑、自然景观等的创作手法,创造了媒体艺术、行为艺术、光效应艺术、大地艺术等一系列新的艺术形式,而这些反过来又给其他艺术行业的从业者以很大的启发[1]。现代园林规划设计,从一开始就从现代艺术中吸取了丰富的形式语言。而对园林规划设计中影响最大而且稳定不变的主观因素是人类的感官对园林景观的感觉。因此,自然景观也好,文学绘画也罢,对于园林景观的规划设计,以三维空间为主的园林景观视觉毕竟是其优秀基础。从现代艺术早期的立体主义、超现实主义、风格派、构成主义,到后来的极简艺术,每一种艺术思潮和艺术形式都为设计师提供了可借鉴的艺术思想和形式语言。因此,园林规划设计既要考虑园林景观的使用功能,同时还要考虑园林景观的艺术性,我国园林规划设计艺术正是传统与现代文化的综合。 2园林规划设计对民族文化的继承与扬弃 园林规划设计离不开生活,并与历史和文化相联系[2]。一个国家园林规划设计的发展都是以本国的民族文化底蕴作为背景的。对于园林景观的艺术创作,如果没有传统的、历史的、文化的、人文的东西,就不可能成功。中国园林是世界三大古典园林之一,对世界园林的发展有着巨大的影响。但我们还要接受现代园林的设计理念,结合我国优良的传统文化和民族艺术进行创造,以促进中国具有世界性、有中华民族艺术特色的园林规划设计学科的迅速形成。 3园林规划设计的前卫性与多变性 园林规划设计既然是艺术,就要有一定的时代性。在最近的半个世纪中,艺术设计从一开始就扮演着前卫的角色。园林规划设计发展至今,无论是社会的进步,还是城市的发展,园林规划设计都起着先锋的作用[3]。因此,作为园林规划设计师,必须把握住那些相对稳定而不变的园林规划设计元素,并能接受新的设计元素,包括新理念、新材料,紧跟时代的发展。事实上,要设计一个好的园林景观,不管其形式有多么新颖,如果没有传统的精华,没有未来的展现,就很难能成为打动人心的艺术珍品。 4园林规划设计的意境创造 园林规划设计的意境美是指通过园林景观的结构、图案和文字所反映的情意使消费者触景生情、产生情景交融的一种艺术境界。园林景观的意境产生于园林景观境域的综合艺术效果,给予游客以情意方面的信息,唤起以往经历的记忆联想。当然,不是所有园林景观都具备意境,更不是随时随地都具备意境,然而有意境更令人耐看寻味、引兴成趣和深刻怀念。所以意境是我国多年来园林规划设计的名师巨匠所追求的优秀,也是中国园林景观外形设计具有世界影响的内在魅力[4]。通过这种意境的创造,在空间物质化的表现与无限的联想之间,以空间、形体、文化、寓意所呈现出的信息载体,它涉及这样一种理念:即存在着一种超越个人理解力并能借助于一种中间媒介达到的群体共通的普遍的状态。挖空心思,想尽办法,来寻求、创造、组织、表现这些中间媒介,这是工业规划设计中最为基本而重要的工作。 5人性化设计理念 人性化设计理念就是以人为中心,设计师从关注园林景观转移到关注到园林景观的使用者上来,以设计出更人性化、使用更便利、使人愉悦的园林景观为重要目标的设计思想。使人愉悦是人性化设计的审美原则,使用过程中使用者感受到设计的精巧而产生愉悦感,同时,将这种愉悦感升华为一种审美意象,从而真正体现出设计为人、以人为本为中心的人性化设计思想。园林规划设计其主题是人本身,设计的使用者和设计者也是人本身,人是园林规划设计的中心和尺度。因此,把心理学、行为艺术等学科引入到园林规划设计领域,研究设计的目的与人的行为在不同人、不同环境、不同条件下的互补关系,扩展园林规划设计的内涵。分析现代成功的园林规划设计实例,不管无心还是有意,所有的设计大都取自人们对于大自然的印象,取自历史上由于完全不同的社会原因创造出来的园林景观。 6生态性设计 由于工业化、现代化的发展,生态环境逐渐恶劣,席卷全球的生态主义浪潮促使人们站在科学的视角上重新审视景观行业,景观设计师们也开始将自己的使命与整个地球生态系统联系起来。尊重自然发展过程、倡导能源与物质的循环利用和场地的自我维持、发展可持续的处理技术等思想贯穿于景观设计、建造和管理的始终。人本身来自于大自然、属于大自然,只不过是由于生活和工作将其强行分开。人是需要回归自然来放飞心情、解除疲惫、张扬个性的,户外园林景观是居住环境中不可分割的一部分,而只有可参与性的景观才能让环境与居住最大限度的融为一体。因此,充分考虑到园林景观环境对人心情的影响力,注重实用、生态、功能、观赏性紧密联系是至关重要的一环[5]。正如斯坦利•怀特所阐述的那样,“如果我们的设计能含纳草地、森林和山,那我们能占据的景观将富含原土地之奥妙。景观特征应被加强而不是被削弱,而最终和谐应存在于一个复合体上,这些人为化的景观是最动人、最可爱的,只要景观的结构和灵魂能被保留,我们就会感到快乐和兴奋。” 因此,园林规划设计必须根据实际情况和项目条件,把所设计的园林景观与周围环境相协调、与当地的民族信仰和传统文化相结合,并恰当地融入现代元素,同时注重成本,从而以最少的投入,获得最优美动人的园林景观。 园林规划设计论文:风景园林规划设计管理论文 论文关键词地域特征;风景园林;规划设计 论文摘要结合北京798艺术区的案例和景观设计师布雷·马克思的设计作品,从场所精神、文化传统对景观元素地域性进行研究,论述了风景园林如何结合场地特征进行规划设计。 人类与自然环境相互联系,相互作用,在风景园林学科中,这种关系体现的尤为明显。风景园林设计是一门运用自然因素特别是生态因素、社会因素来创建优美的、生态平衡的人类生活境域的学科。 风景园林规划与设计不仅能够反映不同地域的地理、地貌等自然环境特征,还在一定程度上折射出人类社会的各个侧面。在不同的国家或地区,由于自然因素及社会因素的不同,导致当地具有独特的地理、地貌和文化传统特点,使当地的风景园林出现风格迥异的面貌。风景园林设计总是敏感的反映着这种当地文化思潮、思想体系、社会生活需求以及经济技术条件,这样风景园林设计就会具有某种倾向性,而这种倾向性往往就引导着当地风景园林出现其独特风格而又包含其内在的逻辑发展轨迹,也就形成了当今世界千姿百态风格迥异的风景园林。 1对场所精神的的表达 20世纪末,随着工业的逐步萧条,景观设计也慢慢开始转向后工业景观,北京798艺术区改造就是在对原有的历史文化遗留进行保护的前提下,将原有的工业厂房重新定义、设计和改造,带来了对建筑和生活方式的全新诠释[1]。 后工业景观作为后工业时代一种新的景观形式,伴随着工业废弃地的改造、工业遗产旅游的开展而兴起,这种工业文化的独特表达越来越受到业内人士认可,也为后工业国家生态修复做好了铺垫。这种趋势很好的反应了城市更新理念对工业历史的追寻以及对现代艺术的表达。 波尔多植物园是一个以分类为主题的植物园,风景园林师通过运用当地的乡土植物和普通的自然生境来展现不同植物景观的特点,将全园划分为水花园、生境走廊、耕作田、植物林荫道等几个部分,以表现生物多样性、自然资源的循环利用以及景观艺术变化,较好的展现了城市历史及园林师对艺术的追求。 2对文化传统的深层挖掘 人类文明发展到今天,文化传统最能代表一个地区独特的景观风貌。因此,一个地区的文化传统的体现最能反映当地的地域特征。巴西著名设计师布雷•马克思将巴西当地的地域特征与他的风景园林作品完美结合,展现了独特的个性和不凡的艺术天赋。布雷•马克思早期主要受巴西本土文化和当地自然植物景观的影响,同时也受到当时现代主义思潮的影响,但先锋艺术并没有把他完全给淹没。布雷•马克思发挥他独特的艺术天赋,结合当地的文化特色和现代主义设计思想,通过丰富的图形,夸张的色彩打破了那种完全模仿自然的设计方式,同时也与世界其他的现代主义思潮划分界限。他对民间艺术和抽象、立体主义很感兴趣,创作的方式多种多样,灵感来源极其丰富,陶瓷贴面、花岗岩废料构筑的景墙和铺地,像绘画一样的设计平面,利用棕色、黑色、白色等马赛克组合形成有机线形的图案以及富有动感的铺装效果,与周边环境完美融合[1]。正如布雷•马克思所说:“一个好的风景园林设计是一件艺术品,对比、结构、尺度和比例等都是很重要的因素,但首先它必须要有思想。”这个思想就是对场地文化传统的深层挖掘[3]。只有这样的设计作品才能够体现出出色的艺术特质,也才能够很容易让大众接受。 3科学、艺术、文化的融合 通过科学合理的规划设计途径和方法,发挥艺术构思,才能体现结合场地特征。而L.麦格哈格的设计方式就是这3个方面的完美结合。L.麦格哈格在1969年出版了《设计结合自然》,书中直观的揭示了景观设计与环境后果的内在联系,并提出了计算机辅助叠图分析法。麦格哈格在《设计结合自然》中指出,“西方的傲慢与优越感是以牺牲自然为代价的,东方人与自然的和谐则以牺牲人的个性而取得”,似乎目前还没有很好的解决这一矛盾的办法。由于人类的行为正成为景观可持续性、稳定性的决定因素,在自然与人之间,在发展与保护之间,人们必须有正确的认识,可持续发展与环境生态观在风景园林规划与设计中必须坚持。 4结语 风景园林发展到今天,很多好的作品都是完美的结合了场地规划设计,而现代化城市对人们生活的影响,使得人类更加注重结合场地的风景园林设计。地域性的表达成为现代风景园林规划设计所最求的目标,如何将科学、艺术、文化完美的融入设计是风景园林发展不变的主题。
服装艺术设计探讨:论服装艺术设计专业课程开发及教学改革 摘要:服装设计师不但要对服装款式设计有良好的造诣,也要有市场分析和样板分析的能力。所以服装设计专业在课程设置和教学模式上需具有前瞻性、先进性和可行性。要适应企业发展,及时更新教学内容,调整课程结构,创新教学模式。确立以能力为本的课程价值体系,抛弃不适合专业发展特点的陈旧的、过时的课程,删减实用性不强的偏难、偏深的理论内容,将更实用的更适应企业岗位需求的专业知识运用到教学中,根据层次的高低以模块形式授课。教学手段的改革上要打破单一的课堂教学组织模式,可把教学内容带入企业生产现场、品牌专卖店,带领学生参加服装博览会,使学生获得更直观的感性认识,加强学生综合素质能力的培养。推广基于工作过程的教学模式,建立以工作过程为导向,以教学方法与手段创新为主的教学模式。教学中以学生为主体,通过调研,设计拟定典型的项目工作任务,通过教师与学生共同合作、练习、评价达到掌握技能的目的和要求。 关键词: 教学模式课程开发;改革;艺术设计;职业能力;创新能力 针对服装企业对设计类人才的需求。服装设计专业在课程设置和教学模式上需具有前瞻性、先进性和可行性,这样才能够培养出合格的、更具竞争力的专业人才。设计部门是服装企业的生产命脉,设计师掌控着对企业产品的品牌定位和发展方向。设计师对服装款式的把控、结构的分析、甚至样板绘制、工艺流程等工作岗位起着整体监控,协调的作用。所以设计师不但要对服装款式设计要有良好的造诣,也要有市场分析和样板的能力。而服装艺术设计专业要适应企业发展,及时更新教学内容,调整课程结构,创新教学模式。 一、确立以能力为本的课程价值体系 (一)、课程内容的改革 考虑到服装行业的技术更新和生产设备的发展,我们必须抛弃不适合专业发展特点的陈旧的、过时的课程,应以实用性为主,删减实用性不强的偏难、偏深的理论内容,将更实用的更适应企业岗位需求的专业知识运用到教学中,力求真正做到学有所用。跟据企业对设计人员的需要,在专业优秀课程方面可以把传统的素描、色彩等基础类美术课改成人物速写和色彩搭配,使之和效果图、款式设计形成专业课业群,根据层次的高低以模块形式授课。款式设计和立体裁剪作为服装类优秀课程,也是服装艺术设计专业的必修课程。根据服装企业特点和区域经济差别。增加市场营销和品牌设计课程,可以使学生对款式流行与市场供求关系有正确的认知。 (二)、教学手段的改革 教学手段上要打破单一的课堂教学组织模式。可把教学内容带入企业生产现场、品牌专卖店,进行现场上课。要经常带领学生参加服装博览会,服装订货会拓展眼界,使学生获得更直观的感性认识,从而更好地掌握理论和实践知识。可以和企业合作完成设计项目,带领学生参加设计比赛等方法,增强学生的理论实践能力,强化角色认知,并弥补学校理论教学与生产实际经验的缺憾,最终确立以学生为主体的课堂教学理念。 (三)、加强学生综合素质能力的培养 有良好的职业道德和思想素质,是现代企业用人的首选标准。不断加强学生综合素质能力的培养,让学生掌握一定的自学方法,提高获取专业知识的能力。建立专业教学网络平台,时时更新行业资讯,使学生在学校学习期间掌握行业最新动态,不仅掌握专业知识和技能,还能了解行业动态和发展。利用现代教育技术、教师与学生互动方式组织教学,有效地提高教学质量与教学效果。 二、基于工作过程的教学模式 以工作过程为导向的教学模式,是根据产品的工作过程确定学习领域,强调以学生为中心,以学生的直接经验来掌握融合在各项实践行动中的最新知识和最新技能。根据学生课程进展情况,布置工作任务,把培养学生的职业能力作为主线并贯穿始终。以企业真实工作任务为载体,让学生按企业的实际设计要求完成作业,将众多的专业知识,通过完成工作任务进行串联。这种基于工作过程的培养模式对学生的职业能力和促进职业素质的养成方面占有重要地位。 在教学中,专业教师可以把企业的真实产品、工艺标准引入课堂教学活动中,充分利用校内外实训基地,学生在教师的指导下参与新产品开发与技术创新。在为企业做项目的过程中,由企业提供项目、课题任务。从市场调研到产品开发,再到样品试制,组织大货生产一条龙的跟进,让学生在实战中学会灵活应用专业知识,在为企业赢得利益的同时,也为自己赢得在校内学不到的知识和技能。 三、以教学方法与手段创新为主的课堂教学模式 课堂教学不仅是学生学习成长的地方,也是一个再创造的过程。在课堂教学中,教师应根据学生的发展需要对教学方法和手段进行大胆的合理的调整和重构,所以要求教师要学会探索、开发、整合教学资源,要善于利用一切现代化的信息技术,丰富教学内容,增进教学的趣味性,使学生从实践中获得理论的升华,提高动手能力。 (一)、“以学生为主体,以能力为本位”的课堂教学模式 根据现代学生成长环境,特别是艺术类学生学习能力差别很大,因此要避免单一化、公式化、模式化的教学方法。这就要求专业教师具有丰富的专业知识和较强的实践能力,能够根据不同的学生,布置不同层次的训练任务,在实际操作过程中来接受专业知识,从而让每个学生的实践能力得到很好的发展,帮助学生树立好的职业意识。 教师在教学中以学生为主体,采用项目教学、任务驱动法,通过调研,设计拟定典型的项目工作任务,采取演示或讲解等方式来分析任务,引导学生“边学边做,边做边学”,并给予学生完成该任务的方法和步骤。学生则针对提出的任务按要求去独立完成训练,在此基础上,充分发挥学生的主体作用,实现“学中做,做中学”,通过教师与学生共同合作、练习、评价达到掌握技能的目的和要求。 在实践教学环节和服装产业运作相对应,建立校内服装实训基地或校办产业,采用企业的真实案例训练岗位能力,创造模拟仿真教学环境,教师与学生以双重身份的形式融入到课堂教学中,例如在实训课时,给学生以不同角色分工,分别委以设计主管、制版主任、生产班长、市场调研员等身份,分别完成不同阶段的职能作业,教师则通过岗位分析,让学生融入实际的企业环境中,促进学生技能的获取和吸收,最大限度调动起学习积极性和主动性,发挥其主体作用。 (二)、以创新能力培养为主导的课堂教学模式 面对变化频繁快速的今天,服装承载更多的是着人们的思想和观念,蕴含着当代人文精神,服装是艺术与科技、物质与文化的综合体现,同时它又极具时代感,永远走在时尚的最前沿。服装艺术设计专业学生的创新能力也就显得尤为重要。 要发挥学生的创造能力和创新能力,教师要研究学生特点,启发学生多思巧做,使学生的思维得到激发。在课堂中有针对性的布置趣味作业,比如对喜欢做手工的学生可以在在教学中穿插拼布、布艺等创造性技能,针对爱时髦的女生可以插入流行的发卡、头饰、手包等制作工艺,这些看似即兴变化的课题项目对于学生职业素养的养成十分有利。另外,创造良好的学习氛围也是激发学生创新能力的重要因素。教育心理学研究表明:民主和谐的师生关系,有利于创造宽松愉悦的课堂学习气氛。学生在这种宽松的氛围内没有任何心理压力,情感也将会随着教师的激励,越来越多地去主动思考。 教师的职责不仅是传递知识,而是做到传道、授业、解惑。在教师的鼓励、启发下学生就会有话敢说,有话可说,思维活跃,从而更加轻松的投入到学习过程中。 总之,服装艺术设计专业的课程改革要依据社会的需求、企业的需要及学生的认知来进行,既要做到科学具体还要及时调整。只要我们坚持不懈地探索和实践,让课程改革跟上时展的节拍,不断探索引用先进的教学方法和手段,把教学水平提高到一个新的高度,就会为社会培养出更多的复合型技能性人才,就会为企业输送更多具有实践操作能力的高素质的设计技术人员。 服装艺术设计探讨:服装设计与其他艺术设计的共融性研究 摘 要:现代服装设计已不是单纯的设计服装,它越来越多的融合了其他形式的艺术设计,如:建筑、音乐、绘画、电影、科技等等。任何艺术形式都有其共同性,只要找出它们的共性并加以融合就能创造出有特色、艺术性和文化内涵的时装。 关键词:风格;融合;元素;设计 服装是时代的一个重要标志,作为社会文化的物质载体,随着时代的发展不断注入新的精神、新的观念,融合了其他类型艺术设计的精髓,那些设计形式给服装设计提供了更广阔的创造空间,同时也满足了人们求新、求异的着装心理。 一、建筑与服装设计 建筑艺术是通过建筑物质实体进行表现的空间造型艺术,与服装一样,是人类为自己创造的物质生活条件,是人们重要的物质文化形式之一。从近代女装的发展可以看出服装发展的趋势是立体与平面设计的融合。建筑的结构和廓型等在建筑中备受关注的元素也成为时装大师们关注的焦点。 (一)哥特建筑艺术 哥特式建筑始于12世纪40年代,通过频繁使用纵向延伸线条,使建筑高耸入云,使人有置身于天国感受,如尖顶建筑,四根大柱支撑高高的拱顶,由此产生出直线和流线型的外观效果。 (二)哥特式建筑风格在服装设计中的应用 现代哥特风格服装在造型上呈现锐角三角形、筒形和喇叭形,着力强调肩部的突出效果,借鉴传统长及地面的罩衫款式,大多采用短装配长裙,裙身极长,甚至拖地,裙摆向外展开。服装上的分割线、装饰线多采用纵向的,垂直的线条。色彩上,神秘、庄重的黑色和深红色最能传递哥特风格的精髓。在2007年秋冬时装秀中,Alexander McQueen以神秘的深红色为主调,搭配黑色和米色,硬朗的上装分明带有哥特烙印,现代的、古典的、异域的、时尚的、交相辉映。整体造型上,稍宽松的针织外套由腰带束起,微蓬的超短A型裙形成完美的X型造型。 二、绘画与服装设计 绘画是人类最早的艺术形式之一。作为一种造型艺术,服装常以绘画艺术为其创作根源。但作为兼具实用性、功能性的综合造型艺术,服装在满足审美要求的同时,又不能失其实用性。最具代表性的绘画风格在服装上的应用当属波普。 (一)波普艺术风格 波普艺术是与时装结合最为紧密的现代艺术形式之一,并成为主流现代时装风格一。波普艺术产生于20世纪50年代末,兴盛于60~70年代,指的是一种“大众化的”、“年轻的”、“便宜的”、“趣味性的”、“即时性的”形态与精神的艺术风格。 (二)波普艺术风格在服装设计中的应用 在时装中,波普艺术找到了可以自由发挥的空间。主要体现在服装面料及图案的创新上。波普风格的服装将文字、色彩、线条搭配运用到服装上,加以夸张和变化,往往富含意味和情趣,卡通、幽默、的标语、艳丽的色块对比,报纸印刷图案、随手的涂鸦、连环画或是肖像拼贴都是波普风格的素材,展现着生活的睿智和幽默感。伊夫・圣・洛朗1956年秋冬推出了以抽象画家蒙德里安的几何绘画为主题的作品,20世纪90年代,范思哲也曾以玛丽莲・梦露头像图案的长裙表他了他对波普艺术的推崇,可见波普艺术风格对服装的影响非常大而且深远,它已经从最初的艺术形式变成与人们随影随行的生活文化。 三、音乐与服装设计 音乐艺术是通过有组织的音响运动,创造音乐形象、表现思想和情感,反应社会生活的艺术形式,这与服装设计有着共同的作用。时装设计不断从音乐中汲取灵感,20世纪60年代一直到现在,无论是朋克、披头士、摇滚等音乐文化,还是众多的流行音乐它们都为设计师提供了丰富的想象空间。 (一)朋克音乐风格 朋克风格诞生于70年代的英国,青少年们对社会产生不满的情绪。他们崇尚自由,他们反叛世间的丑恶,却又创造出新的丑恶。朋克精神是一种自由和解放的象征,也代表着人性的另一面,挣扎、不安于现状的矛盾。 (二)朋克风格服装 朋克风格主张DIY,把廉价服装和布料进行再造加工,使服装呈现出一种新的粗糙的风格。不规则的缝线设计、高高的黑色网眼丝袜、皮带上大大的环扣、格子超短裙、黑色皮革、铆钉……提到朋克就不得不说有“朋克教母”之称的设计师Vivian Westwood,她始终是朋克时装的先驱者,她的设计常常表现为不对称的剪裁结构,凌乱的缝线处理,坚持走性感路线,特别突出胸部和臀部,胸线挖得很低,搭配夸张的大领,故意将文胸穿在外面,开创了衣外穿的先河。 现代服装设计已不是单纯的设计服装,它越来越多的融合了其他形式的艺术设计,艺术是没有界限的,任何艺术形式都有其共同性,服装本身也是一种文化,并与其他的文化类别相互影响,作为服装设计师应多了解世界各时期、各地区、各民族具有代表性的文化,从中获得灵感,创造出有特色、艺术性和文化内涵的时装。 服装艺术设计探讨:论我国服装艺术设计的传承与创新 摘 要:中国服装艺术设计能够在世界时尚舞台上占有一席之地,树立自己的品牌,离不开对传统文化的传承。面对服装设计向多元化、民族化、个性化方向发展的趋势,我们应该继承传统文明的精髓并发扬光大,并在此基础上发挥我们的创新精神,使设计既富于创新精神,又不失时代特征和民族特色。 关键词:服装艺术设计 传承 创新 服装艺术设计的发展一方面受到自身发展规律的影响,另一方面又受到其他民族或艺术设计形式的影响。继承是艺术设计的基础,创新则是艺术设计发展的动力。服装艺术设计要想取得好的发展,就必须探讨现代艺术设计与原来艺术设计的关系,探讨本民族的艺术设计与其他民族艺术设计的关系以及服装艺术设计和其他艺术设计之间的关系。服装艺术设计的创新问题也正是对这些关系充分理解和把握的基础上,使设计者更自觉地继承本民族的传统艺术,并且更加主动地借鉴世界各民族及其他艺术设计门类的优秀元素,从而创造出更好的服装艺术设计的产品,促使我国服装艺术设计水平达到一个新的高度。 1 我国服装艺术设计的传承 我国服装艺术设计将传统艺术很好地融入到服装艺术设计中间,将传统民族艺术与现代服饰有机结合,它们成为互为包容、相互协调的统一体。他们之间既相互包容,又相互对立。我国服装艺术设计传承的有以下几个方面。 1.1 对意境的传承 我国传统民族艺术的特点是对意境的追求,特别喜欢通过图案及图案的方式来表达吉祥喜庆的寓意。我们祖先为了表达追求美好的愿望将吉祥和图案结合在一起,是一种传统的风俗习惯。 人们对吉祥喜庆的图案赋予积极向上的内涵,表达了人们热爱生活、热切盼望幸福生活的心态。中华民族的图腾象征是“龙”,它代表勤奋、勇敢、高贵和威武。传统艺术利用了这些吉祥图案的寓意,比如雕刻、瓷器、剪纸和装饰等艺术,中国人将精神寄托在带有吉祥寓意的图案上,这些图案带有了生命力。这些宝贵的传统艺术遗产成为了当代设计师们表现的法宝,设计师祁刚为电影明星高圆圆设计的“喜上眉梢”惊艳戛纳电影节,通过中华民族传统的吉祥图案来传递中国传统文化。 1.2 对图案的传承 我国传统图案的发展历史十分悠久,中国文化从出现之初就认可并强调纹饰的作用。我国图案类别众多,内容反映社会的方方面面。传统图案变幻莫测、美轮美奂、风格迥异,显示了各个历史时期的工艺水平,同时反映了中国的文化传统。许多图案现在仍然受到人们的追捧,历经数百年还保持着旺盛的生命力。我国的服装设计师在现代服装设计的过程中,将包涵传统艺术形式的图案融入进现代服装中,现代服饰中巧妙引入传统图案,使服饰具有古典美。服装设计师为了将传统图案完美融合到现代服装中,在服装设计的过程中,注重图案与服装结合的形式美感,形态与功能的关系、形态与材料以及工艺的关系,有效地体现传统文化在服饰中的内涵。 1.3 对色彩的传承 中国人是世界上最早懂得使用色彩的民族,确立了自己独特的色彩结构,形成了中国人特有的色彩喜好。“青花瓷”、“唐三彩”等以色彩命名的传统艺术形式体现了中国人对色彩的爱好。“婆金”、“描金”这些传统镀金工艺,也体现了古人对色彩的爱好,引起现代人的无限遐想,现在国际社会上仍然以“中国红”这一红色的命名来显示中国人对红色的偏爱。 1.4 主题风格的传承 中国古代的服装设计主题可以简单分为崇拜、节令、习俗、品格、愿望、价值观、时尚、伦理道德、礼仪、权威、环境、社会秩序、美感及情趣等十四大类。古代服装设计的过程中,既有体现单一主题的更多的是多个主题相融合的情景。不同主题的服装设计包含着不同的特色,这些主题都是服装的风格、面料、款式、装饰、色彩及服饰搭配等因素集体作用的效果。直线裁剪、平面展开、强调线型和装饰的抽象化语言,以此来表现社会政治、伦理观念的组合审美观是古代服饰的设计风格。 2 我国服装艺术设计的创新 服装艺术设计的发展离不开传承,但是传承只是积累知识、掌握技巧的手段,是其发展的基础;服装艺术设计要想取得更大的发展就必须依靠创新,创新才是其发展的根本动力。我国现代服装艺术设计的创新可以从以下几个方面入手。 2.1 重视我国传统配色的原理在服装设计中的作用 各民族优秀的艺术设计家在创作古代服装艺术设计作品或其它艺术作品时积累了大量的配色经验,发明了大量的配色组合,这为我国现代服装艺术设计的创新提供了有益的启示。 2.2 借鉴和吸收传统文化的优点 在吸收的过程中,不是简单的拿过来就用,照抄照搬传统文化,而是要对传统文化的材料进行再认识、再加工,主要是文化内涵的改变和艺术表现形式的变换;设计者要把激发创作灵感的原型因素转化为切身的心灵感受,分析、总结原素材的主要优点并进行提炼,最后通过一种准确的、适当的、与现代社会时展需求相适应的形式表现出来。比如旗袍,最开始是满族女子穿的一种类似于长方形的大袍,刚开始出现时的造型不能体现出女性的性感特征,也不能将体现女性的形象美显现出来。1911年,但随着辛亥革命的发生,西方先进的理念开始影响我国,西方女装的先进观念、现代人文精神和设计、造型艺术特点被旗袍所吸收并引用,旗袍的款式和裁剪制作得到极大的提高,将中国传统服饰的优点和西方女装的长处有机地融合在一起。经过吸收再创造以后的旗袍收紧了腰身,将长度缩短、提高开衩的幅度,甚至出现低领无袖的形式,将高领逐渐改变降低直到取消领子,甚至把领子开低,使美丽的颈部完全显露出来,充分展示人体的曲线美,这种中西合璧的服装款式既是借鉴西方优秀服饰文化的结果,也是中国传统服饰文化的传承和发展。 2.3 从传统服饰的角度吸收各种历史时期的配色、图案和精致的传统工艺 艳丽的民族色彩,传统的凤凰、牡丹、祥龙等吉祥图案,精致的刺绣、盘扣,这些具有民族特色的元素越来越多地被设汁师们吸收到服装设计中,借助于打散、错位、变异等方法将传统图案运用到服装设计,进行新的设计重组,实现理想的效果。 3 结语 我国的服装设计只有立足于自己的传统,运用现代设计理念,将中国元素进行感性的运用与理性的重组,融入多种艺术风格,从而创造出真正的中国风格。 服装艺术设计探讨:手绘在服装艺术设计中的运用 摘 要:随着社会经济的发展,人们的物质生活水平日益提高,对服饰审美的要求也不断提高,更加追求多元化和个性化的服装设计。当手绘融入服装艺术设计领域时,受到了人们的青睐和普遍关注。手绘技艺是一种古老的染织艺术,具有悠久的历史特点,当古老的手绘技艺与现代服装设计融合时,充分显现了不可比拟的特征和风格,使服装设计大放异彩。 关键词:手绘;服装;艺术设计 在人们的生活质量改善、服装审美越来越高的前提下,个性化、多元化的服装艺术设计成为潮流和趋势。许多服装艺术设计师采用极为巧妙、精致的方式,将古老的手绘技艺融入服装艺术设计之中,不仅增添了服装设计的新颖性和创意性,也凸显了别具一格的崭新模样,极大地推动了服装艺术设计的创新和发展。 1 手绘技艺的源流与发展 手绘是一种古老的染织艺术,特指在面料上用手工绘制的方式,绘制染织而成各种变化丰富的花样及图案。[1]它历史悠久,早在人类的远古时期就已出现。当时,由于生存环境极其恶劣,人们为了保护自己、恐吓野兽,就将赭石等天然颜料涂抹在自己的身体之上,形成了各种与自然环境相接近的图案,以更好地保护自己、适应环境。当服装面料进入人们的日常生活中时,手绘技艺就成了服装设计的一种独特的装饰纹样和图案。到了现代社会,随着科学技术和社会生产力的进步,手绘技艺在现代印花技术的发明之后略显褪色,然而这种古老的手绘技艺并非失传,而是成了一种古老的艺术被留存和传承,并在现代服装设计领域绽放出其独特的光彩。手绘技艺中自然、纯朴、个性化、丰富化的纹样和图案极大地吸引了人们的眼球,成了独树一帜的服装设计装饰方法和技术,掀起了服装设计界崭新的设计思潮和风尚。 2 手绘技艺在服装艺术设计中的价值 2.1 填补了现代印花技术的不足 在科学技术不断发展和进步的过程中,出现了机械化的作业方式,也衍生了应用于服装设计领域的机械印花技术。由于机械化不可比拟的快速生产模式,机械印花技术被普遍应用于服装的面料上,极大地促进了服装领域的发展。然而,现代机械印花技术仍存在自身的不足和缺憾,主要表现为以下两点: 一是由于模板制作成本较高,加工企业通常会采用同一个机械印花模板进行生产,将消费者的个性化追求置于其次,由此出现了与现代时尚不相符合的缺陷性。二是机械印花需要在制作出花样模板之后,方可投入生产制作过程,这不仅无法充分体现设计者的创意化思想,还容易导致服装图案单调化、生硬化,无法与消费者的多元化需求相匹配。 与之相比,手绘技艺则具有更为独特的优越性,具体表现为以下几点: 一是手绘技艺制作而成的纹样和图案更为简洁和灵活,同时也更具个性化和多元化的特征和风格。服装艺术设计者可进行自主的创意想象,尝试新颖别致的图案和纹样,极大地满足消费者的个性化、多元化的审美需求。二是用手绘技艺制作图案和纹样具有极其便利的条件和优越性,它无需大型设备和更多的场地,具有更低的成本优势,从而获得了人们的青睐。三是针对性较强。手绘技艺制作而成的图案和纹样可以针对性地应用于不同种类的面料之中,并根据设计者的创意想象,有选择地形成风格迥异的纹样和图案。 2.2 手绘技艺制作而成的纹样具有极大的商业潜能和价值 随着人们物质生活水平、审美要求的提高,服装不再仅限于遮体避寒,而更多是出于对服装的审美与装饰的需求,对于服装面料的颜色、图案也力求唯一。[2]这就需要服装生产企业生产出种类丰富、图案各异的服装面料。对此,服装艺术设计者可以利用人们的心理,探寻手绘技艺独特的商业潜能和价值,利用个性化的手绘图案和纹样,对服装进行创新设计和富于想象的创意设计,使消费者可以感受到别具一格的服装艺术审美享受,领略到手绘技艺所带来的服装审美震撼,极大地满足消费者的需求。 3 手绘技艺在现代服装艺术设计中的应用 3.1 遵循手绘技艺在现代服装艺术设计中的原则 在手绘技艺在现代服装艺术设计中应用的过程中,要遵循以下几项具体原则: 一是手绘图案与纹样应与服装的整体风格相吻合。在手绘技艺应用于现代服装艺术设计的过程中,由于手绘图案或纹样可以选材于各种丰富的题材内容,这些题材内容必须与服装艺术的整体风格一致,否则就会显得画蛇添足,削弱服装艺术本来的魅力,降低服装的品位和格调。二是手绘图案或纹样要搭配合理,体现与整体布局的协调性。在现代服装艺术设计中应用手绘技艺时,要顺应和迎合消费者的心理需求和审美需求,不仅要传递出服装艺术设计师的独具匠心,还要满足服装设计的整体布局,在和谐、统一的搭配运用之下,较好地满足人们的观感。三是要注重手绘图案或纹样与面料搭配的协调性。在应用手绘图案或纹样时,要注重手绘图案或纹样与服装面料的搭配,采用相应的手绘艺术手法,使手绘图案与面料形成良好的视觉效果。 3.2 手绘技艺在服装面料中的具体运用 在服装面料中,以材质轻薄、光滑的面料为手绘技艺运用的最佳条件。[3]通常来说,凝重而深沉的服装面料不太适用于手绘技艺,而华贵的丝缎和柔美的真丝面料,则可以成为手绘技艺运用的美丽载体和平台。例如,在桑蚕丝服装面料上所展示的手绘技艺具有色彩斑斓、变幻莫测的审美效果,灵活多变的图案或纹样使服装展现出流光溢彩的效果,极大地弥补了机械印花技术生硬、刻板的缺憾。在丝缎面料之中,手绘技艺可以随心所欲地挥洒和想象,根据服装的不同风格实现不同的图案套色和花样回纹,表现或粗犷或纤细的审美艺术效果。 3.3 采用变幻多端的手绘技艺手法 在手绘技艺应用于服装艺术设计过程中时,可以融合运用丰富变幻的手绘技艺和手法。[4]通常来说,有三种技法――直接绘、防染绘、型染绘,这三种不同的手绘技艺和手法各具特色,在设计师的创意想象之下可以不断创新和变化。比如,黑白水墨画系列的中国民族风服装,凸显了多变的服装艺术风格,以面料的沉稳与厚实、色彩的和谐与自然,展示了东方独具风格的魅力和色彩。再如,在服装设计中嵌入灵动的京剧水袖服饰,配以直观而形象的立体裁剪方式,则可以凸显女性窈窕的身段和温雅的气质。 4 结语 手绘技艺在服装艺术设计中的应用有着不可比拟的艺术价值和商业价值,它区别于现代机械印花工艺,可以更为灵活、更为自如地变幻和创新。服装艺术设计者可以通过创意想象和恣意发挥,运用手绘技艺和手法,并遵循一定的原则,赋予服装以灵动的色彩和风格,从而呈现色彩斑斓、流光溢彩的艺术审美效果。
民族化在平面设计中的表现:平面设计的民族化表现 多年来随着我国经济的快速发展,综合国力也在进一步的提高,我国也在世界舞台上崭露头角,越来越多的现代化设计观念、国外新颖设计理念也逐渐传入到我国。那么作为我们有着几年千年历史的国家,中国文化博大精深,56个民族都挥洒着不同的民族文化,这种民族化的存在也是先人智慧的结晶,给我们留下了宝贵的非物质文化遗。那么,在我国逐渐与国家化设计理念接轨的同时,如何更恰当的把我们本民族的文化体现在我们设计中,让更多的国家和人们接触到我们独有的民族文化,是值得我们每一个从事平面设计工作人员所思考的问题,同时也是我们当前所面临的挑战。本文通过对中国传统民族文化在平面设计中的表现,进一步烘托民族文化在我们平面设计中的重要性。 各国民族化在平面设计中的表现 众所周知,平面设计对于信息的传播具有不可磨灭的功绩,可以帮助人们快速的得到、记住并在头脑中保持一些信息,那么纵观世界上的一些国家,例如日本平面设计受到东西方民众的长期厚爱的原因,是因为其设计中把东方所具有的本土化、民族化拿捏的虚、实、空灵并伴有东方所具有的韵律。日本的平面设计中不乏本国所具有代表性的自然事物和民族传统图案,如:雪花、圆月等,颜色也多以白、青、灰为主具有干净、素朴、简洁之美。正式日本设计师把本土文化所存在的特点巧妙的融入到平面设计作品中,使之与欧美一些国家的设计有效的区分开来,形成自己独有的特点,使得其或得更多的设计追崇者。同时也把本民族的文化表现的恰到好处,也展现出了不同的东方韵味。 那么一方水土滋养一方人,独具特点的德国设计不难发现在得过的平面设计中,更多的看到是的沉着、严谨、大气的设计风格。这也渗透着德国本土化民族所具有的这种严谨的做事风格和沉着、冷静的做事态度,那么德国的设计在世界上也占有其独特的一面。 由此可以看来,民族化风格是平面设计的有力的灵感来源,不仅能降本国的传统文化、本土特色融入到设计中去,更关键的是能把一个民族的特色华丽的展现出来。 中国民族化在平面设计中的运用 中国文化博大精深有着悠久的历史和文化积淀,随着我国逐渐进入信息化时代,受全球经济发展的影响,我过设计的发展也逐渐向世界现代化靠拢,本民族的文化特色也慢慢的消失。放眼望去,在我们过许多优秀的平面设计作品中,有很多具有本民族文化特色的优秀作品,如2008年北京奥运会火炬的设计,就融入了中国传统的图腾文案―祥云,设计师充满智慧的将极具代表中国的图案运用到世界的舞台上。2008年北京奥运会会徽在设计上也是汲取了中国印章的纹样,传统的北京2008书法字体,都体现了我国博大精深的文化传统并很好的在世界舞台上进行了展示。还有我们众所周知的中国银行的标志设计,香港设计师也是利用中国古代铜币的图案与现代化、充满商业气息的银行结合在一起。充分体现中国所特有的民族特色,同时也为中国传统文化的形态推向了一个高度。 诸如此类的设计还有很多,近些年随着平面设计专业在我国各大院校的相继开设,使其成为了一门独立的学科得到了迅猛的发展,在信息化快速发展的今天 我们每一个设计的学习着在向着世界现代化设计看齐的同时更有义务将中国辉煌的传统艺术和民族文化,展现在我们的设计作品之中。 民族化在平面设计运用中存在的阻碍 21世纪是信息化的设计,是看图的时代,平面设计在社会经济的不断增长的时代,更多的是为产品而竞争,平面设计作为一种品牌有力的宣传标志,也是平衡其所代表产品的成败的重要指标。我国年轻人过“洋节”胜过了本土的传统节日,中国传统文化的逐渐丢失。那么商家更多的看重的是产品效益,随着科技的不断发展,计算机等一系列电脑绘图软件工具的出现,不仅提高了平面的工作效率而且也加大了设计的生产量,同时也更好的对产品进行了更高水品的表现。然而盲目的崇拜国外的优秀设计忽略本土设计,也是在现代设计中所存在的客观问题。 那么在这种情况下,在面对技术方面的饿冲击和面对西方优秀设计的影响,如何在适应全球化发展潮流的同时这是我们怎样使我们的本土文化、民族文化更恰当的应用到我们的设计当中,每一个从事平面设计行业工作人员所值得深思的问题,也是我们所面临的正面挑战。 结语 在社会经济高速发展的同时,传统民族文化在平面设计中的表现尤为珍贵,中华民族传统文化中优秀的图形艺术、色彩表达方式以及意义象征都能给我们的设计带来很多精彩的灵感,我也希望更多的从事平面设计的工作者都能把中国民族文化艺术发扬光大、走向世界! (作者单位:山西师范大学) 作者简介:苗 甜(1988-),女,山西师范大学,2013级硕士,研究方向:平面设计; 关梦盼(1991-),女,籍贯:山西,山西师范大学,2013级硕士,研究方向:平面设计。 民族化在平面设计中的表现:民族化风格的平面设计研究 摘 要:平面设计是当今生活中最常见的视觉艺术形式,随着科技的发展,平面设计的国际化特征越来越明显,其艺术语言也趋向同化。这一现象引起了学界的关注,吸收更多的民族文化养分,以民族化风格推进平面设计的发展前进,就成为平面设计研究关注的重要话题。文章论述了民族化风格在平面设计中的意义,就平面设计如何走民族化风格发展道路做出了分析。 关键字:平面设计;民族化风格;研究 从十九世纪中期至今,平面设计在人类物质文明和艺术群体中扮演了重要角色。如今,平面设计表现出更加直接的国际化趋势,这对民族化风格的平面设计来说,是一个不小的挑战。为了推动中国民族化风格平面设计的发展,在更高的审美层次上就平面设计的发展进行探讨,就显得很有必要。 1、民族化风格的平面设计及其作用 民族化是民族的特有标志,民族化风格的平面设计则是在民族特定社会结构、审美心理和文化环境中产生出来的,它是民族化产物与现代平面设计的结合,是其他艺术形式无法代替的。民族化风格的平面设计常常会用到的民族化元素有民族文字、绘画、文化理念、审美方式、民族图腾等,这些事物不但给予平面设计更加丰富的内涵,还能使平面设计形成独特的设计风貌。近年来,我国许多具有民族化特征的设计元素如青铜器、唐装汉服、宋元刺绣、明清家具等都被广泛运用到平面设计中来,很多产品凭借这一表现手段赢取了更多的关注,拉近了与消费群体之间的距离,取得了巨大的成功。民族化风格的平面设计之所以受人欢迎,因为民族化元素本身就带有一定的时尚性,其构成和表现手法也是及其成熟而有规律的。以平面设计中常用的中国传统纹饰图案为例,许多图案在色彩、对称排列、造型和构图上都极具美感,图案线条变化也具有高度的条理性。 个性与创新是平面设计的生命和灵魂,民族化风格的平面设计同样要坚守这一原则。许多民族元素结构复杂、样式陈旧,不适合直接应用到平面设计中去,这就需要平面设计师对之进行概括、提炼、加工后使用。如许多正形、负形相叠的传统装饰花纹,设计师可以直接将其简化利用,也可以通过切割、错位等方法对之进行有效加工。总之,在民族元素应用的过程中,设计师可结合社会需要,准确把握现代与传统的最佳结合点,使现代平面设计在民族文化传承的基础上做到神韵兼具、美善统一。 2、如何推进民族化风格平面设计发展 2.1以民族元素为创新的起点 事物的发展都是辩证的,每一种事物的产生都需要一定的条件,这个条件有可能是它对其他事物的取代和掠夺。同样,当其发展受到阻碍时,它也有可能会被新事物所取代。现代平面设计从根本上改变了我们所处的物质世界,改变了人类的思想方式、文化特征。随着社会的发展,人们对它的要求会越来越高,这就迫使它必须具备“好学”品质,积极从其他事物如民族文化、民族艺术身上汲取养分,以实现自身的可持续发展。传统的自然民族元素,虽然粗糙,但是生动,在这一点上,一些经过加工的艺术形式都无法与之相媲美。以民族化元素为创新的起点,加大民族化风格平面设计创新,即使是在文化国际化趋势明显的今天,也不失为完善自身的良策。鉴于此,平面设计师要抓住时代机遇,将更多的精力放在文化创意上,创新性地将传统视觉元素应用到现代平面设计中来。具体来说,平面设计师要结合时代审美心理、视觉传达形式,以文化为基础对平面设计消费市场进行深入剖析,充分吸收传统文化中的营养成分,利用民族艺术拓宽平面设计表现路径,以形成新的平面设计视觉形式。 2.2实现民族化风格与国际化发展的统一 民族的即是世界的。不论是维多利亚时代的有机形装饰设计,还是工业大革命之后的功能生产设计,皆是如此。这一点,放之世界而皆准。民族化元素与现代平面设计之间存在着相互影响的关系,这种关系在一定的条件下会产生巨大的作用。平面设计的国际化发展具有强劲的生命力,民族化风格则是平面设计发展创新的灵感之源。片面地探讨民族化与国际化的区别与联系,并无太大意义,最重要的是将本国文化融入到国际化设计中去,争取使民族化风格的平面设计和民族文化获得更大范围的认可,这才是我们应该努力的方向。因此,即使世界各国风土人情不同,民族优秀文化底蕴都有共通之处,每一个民族皆可以民族文化精神为骄傲,以民族文化为主干走独具民族特色的现展之路。具体到现代平面设计中,设计工作者应增强民族自信心,在迈步走向国际化发展征途的同时,始终将民族风格放在设计的首要位置;一方面加强与外界沟通,运用娴熟的技巧解决中外文化冲突问题。一方面深入发掘、吸收民族文化宝库中的精髓,以民族文化反哺现代文明,努力设计出更多优秀的具有民族化风格的现代平面设计作品。 综上所述,在中外文化碰撞频繁、文化形式日渐多样化的今天,探讨民族化元素与现代平面设计之间的关系,是很有必要的。平面设计工作者在工作中,关注民族文化元素的创新使用,不断革新创作意识和创作理念,以提高现代平面设计的艺术性。 作者简介:张围(1991.5―),汉族,四川巴中人,本科,研究方向:平面设计。 民族化在平面设计中的表现:平面设计中视觉符号的民族化研究 摘 要:现在的世界,是一个经济全球化,政治多极化,文化多元化发展的时代。世界范围内各种民族文化之间的相互碰撞,激发了多少设计大师的创作灵感。生活现代的我们也是有幸可以看到这种民族文化的吸收和融合,看到许许多多的杰出设计创意依托着民族文化。目前,在平面设计领域,视觉符号的民族化发展已经得到了设计师的认可,但要如何运用好民族文化更是对设计师文化素养的考验。 关键词:民族化 写意美学 视觉符号 艺术表达 在我理解里的平面设计是一个集图形、色彩与文字一体的一种视觉传达,是一种很独特又常见的传播手段。在当今世界里,报纸、电视、网络中不乏看到各种各样的平面设计广告,广告大师们也毫不吝啬地发散自己的创新思维,创作出脍炙人口又平易近人的平面设计作品,可谓让人大饱眼福。而视觉符号的民族化也是设计师在平面设计中必须重视的一个方面,艺术作为一种由多种文化符号所构成的交流方式,不可避免的承载着创作者的文化基因与人文素养。平面设计作为一种重要的艺术形式,更是创作者与受众的审美观与文化修养的综合体现。 在我所学的知识里,靳埭强先生是经常被我的老师提及的人物之一。靳埭强,1957年定居香港,做学徒,当过裁缝师,如此以往10年之久。其后在香港中文大学部攻读设计课程。1967年开始从事设计工作,屡获奖项,享负盛名。靳埭强先生1967年创办设计公司,所创作的作品受高度评价,成为驰名中外的设计师。在我的老师们的介绍里,靳埭强先生是平面设计界当之无愧的大师级人物。在他的设计作品中,充满了中国传统文化的精髓,同时融合西方现代设计的理念,而他强调的这种相融并不是简单相加,而是在对中国文化深刻理解上的融合。他所设计的中国银行的标志,整体简洁流畅,极富时代感,标志内又包含了中国古钱,暗合天圆地方之意。中间一个巧妙的“中”字凸现中国银行的招牌。这件作品至今仍被称为经典中的典范,被无数人所称赞。在我欣赏的靳埭强先生的作品中,他最常使用的就是带有中国传统文化元素的水墨画风格。水墨画是我国优秀的传统民族文化,写意传神,是我国文化的最具韵味的代表之一。行云流水之间,创意怡然跃纸上,这就是我在看靳埭强先生作品时感受到的徜徉美感,笔墨勾画,了然于心,一份惬意,一份深意。这也是我国平面设计界中视觉符号的民族化的最好的代表。 德国的设计大师冈特.兰堡,更是让人吃惊的设计大师。冈特.兰堡被称为“德国视觉诗人”,并与日本的福田繁雄、美国的西摩.切瓦斯特并称为当代“世界三大平面设计师”。 在其30年的设计生涯中,大师设计了几千幅招贴,并且多次在国际艺术大展和双年展上获奖,被多国博物馆、大学以及文化机构收藏。在大师的设计思想中,他力图通过设计表现个人的艺术思想、意识观念和形态立场,在基于视觉传达功能的基础之上,把设计当成诗歌一样创作,高度地个人化、自由化。他强调自我意识和对生活的领悟,在视觉效果上追求视觉冲击力,强调平面效果的突破性。我印象最深的就是他的土豆系列的招贴画。那充满奇幻而又显得十分和谐的色彩带给我很大的震撼,好像看到了一种发自内心的融合,并且诗意地表达出来。土豆陪伴着大师渡过了他苦难的青少年时期而深深地留在了他的脑海里。大师认为土豆就是德国的民族文化,对此十分钟情。他的土豆系列有着近乎传奇的魔力,奇特的创意,和谐且有着强烈视觉冲力的色彩都令人着迷。我似乎在这些招贴画里看到了大师深邃的文化内涵和执着的设计追求。立足于本民族文化的冈特.兰堡创造了属于自己的设计风格,他理性的思维,艺术的表达,新颖的创意也将平面设计的未来拓展了,带给了受众心灵的震颤。 民族的就是世界的,我很认同这句话。平面设计中视觉符号的民族化趋势必然也是未来设计界不可或缺强大力量。 人的眼睛总是在第一时间看到最吸引自己的东西,而人的思维却会受到刻板效应和近因效应的影响,进而产生主观的臆断。比如在一堆大的东西里,我们可能会一眼看到较小的东西,这就是视觉符号的魅力所在,总能不经意间抓住你的注意力。每个人从小所接受的文化在我们的一生里都会有着潜移默化的力量,民族文化在你的意识里就是主流,而蕴含着民族文化的设计作品就能在第一时间引起你全部的注意,在瞬间找到文化的共鸣,这就是民族文化的魅力所在,也是为什么平面设计中越来越重视其视觉符号的民族化研究,这是发展的潮流与永恒。 民族化在平面设计中的表现:民族化在平面设计中的表现 1各国民族化在平面设计中的表现 众所周知,平面设计对于信息的传播具有不可磨灭的功绩,可以帮助人们快速的得到、记住并在头脑中保持一些信息,那么纵观世界上的一些国家,例如日本平面设计受到东西方民众的长期厚爱的原因,是因为其设计中把东方所具有的本土化、民族化拿捏的虚、实、空灵并伴有东方所具有的韵律。日本的平面设计中不乏本国所具有代表性的自然事物和民族传统图案,如:雪花、圆月等,颜色也多以白、青、灰为主具有干净、素朴、简洁之美。正式日本设计师把本土文化所存在的特点巧妙的融入到平面设计作品中,使之与欧美一些国家的设计有效的区分开来,形成自己独有的特点,使得其或得更多的设计追崇者。同时也把本民族的文化表现的恰到好处,也展现出了不同的东方韵味。那么一方水土滋养一方人,独具特点的德国设计不难发现在得过的平面设计中,更多的看到是的沉着、严谨、大气的设计风格。这也渗透着德国本土化民族所具有的这种严谨的做事风格和沉着、冷静的做事态度,那么德国的设计在世界上也占有其独特的一面。由此可以看来,民族化风格是平面设计的有力的灵感来源,不仅能降本国的传统文化、本土特色融入到设计中去,更关键的是能把一个民族的特色华丽的展现出来。 2中国民族化在平面设计中的运用 中国文化博大精深有着悠久的历史和文化积淀,随着我国逐渐进入信息化时代,受全球经济发展的影响,我过设计的发展也逐渐向世界现代化靠拢,本民族的文化特色也慢慢的消失。放眼望去,在我们过许多优秀的平面设计作品中,有很多具有本民族文化特色的优秀作品,如2008年北京奥运会火炬的设计,就融入了中国传统的图腾文案—祥云,设计师充满智慧的将极具代表中国的图案运用到世界的舞台上。2008年北京奥运会会徽在设计上也是汲取了中国印章的纹样,传统的北京2008书法字体,都体现了我国博大精深的文化传统并很好的在世界舞台上进行了展示。还有我们众所周知的中国银行的标志设计,香港设计师也是利用中国古代铜币的图案与现代化、充满商业气息的银行结合在一起。充分体现中国所特有的民族特色,同时也为中国传统文化的形态推向了一个高度。诸如此类的设计还有很多,近些年随着平面设计专业在我国各大院校的相继开设,使其成为了一门独立的学科得到了迅猛的发展,在信息化快速发展的今天我们每一个设计的学习着在向着世界现代化设计看齐的同时更有义务将中国辉煌的传统艺术和民族文化,展现在我们的设计作品之中。 3民族化在平面设计运用中存在的阻碍 21世纪是信息化的设计,是看图的时代,平面设计在社会经济的不断增长的时代,更多的是为产品而竞争,平面设计作为一种品牌有力的宣传标志,也是平衡其所代表产品的成败的重要指标。我国年轻人过“洋节”胜过了本土的传统节日,中国传统文化的逐渐丢失。那么商家更多的看重的是产品效益,随着科技的不断发展,计算机等一系列电脑绘图软件工具的出现,不仅提高了平面的工作效率而且也加大了设计的生产量,同时也更好的对产品进行了更高水品的表现。然而盲目的崇拜国外的优秀设计忽略本土设计,也是在现代设计中所存在的客观问题。那么在这种情况下,在面对技术方面的饿冲击和面对西方优秀设计的影响,如何在适应全球化发展潮流的同时这是我们怎样使我们的本土文化、民族文化更恰当的应用到我们的设计当中,每一个从事平面设计行业工作人员所值得深思的问题,也是我们所面临的正面挑战。 4结语 在社会经济高速发展的同时,传统民族文化在平面设计中的表现尤为珍贵,中华民族传统文化中优秀的图形艺术、色彩表达方式以及意义象征都能给我们的设计带来很多精彩的灵感,我也希望更多的从事平面设计的工作者都能把中国民族文化艺术发扬光大、走向世界! 作者:苗甜 关梦盼 单位:山西师范大学 民族化在平面设计中的表现:平面设计民族化表现探讨 摘要:随着我国经济的快速发展,我国在国际上的地位也在逐渐提升,这使得我国在各种国际事务中占据的地位也在逐渐上升。而在当今社会,其是一个信息和科技高速发展的时代,平面设计作为人们日常生活中的一种重要艺术形式,对人们的日常生活影响越来越大,且应用范围逐渐扩大。对于我国的平面设计发展,其中的民族文化融合对我国的传统文化继承和发展具有非常重要的作用,通过平面设计中的民族化表现增多,我国的传统文化受到的关注也越来越多。为了能够促进我国平面审计的民族化表现,本文对当前我国平面设计中的民族化表现存在的问题进行了简单的分析,并提出了作者的一些建议,帮助我国的平面设计发展更好的继承民族文化。 关键词:平面设计;民族化;传播 随着国家经济的发展,我国的人民生活水平也在逐渐提高,因此,平面设计在人们的日常生活中占据的比例也在增加。但由于我国的平面设计发展时间较短,大部分的平面设计内容都是从西方国家传播过来的,因此,无论是在平面设计的宣传形式还是设计表现,其都没有我国传统民族文化的影子,这使得我国的平面设计缺乏对应的民族性。为了更好的促进我国平面设计的民族化表现,本文对当前我国平面设计民族化表现中存在的问题进行了简单的分析。 一平面设计中的民族化表现 近些年以来,随着我国同世界各国的贸易增多,我国同国际市场接轨的领域也在逐渐增加,这使得很多的外国品牌逐渐进入到中国市场中,想要在我国并不成熟的市场经济中分一杯羹。当前比较成功的有可口可乐和肯德基等,这些公司在进入我国的市场之后,通过自身品牌的特殊性以及对我国人民生活习惯的调查,迅速占领了我国的市场。而在这些产品的宣传和包装等领域中,其采用的也是我国人民比较常见和喜爱的泥娃娃和舞龙等,这些具有我国传统文化特色的宣传使得其更加受到我国人民的欢迎。随着这一现象的发展,我国的民族文化传承和发展也受到了一定的挑战,如何保护我国的民族文化是当前所有企业面临的一个重要问题。但在这种环境下,我国的传统文化并没有被丢弃,相反,随着我国的各个行业发展,其对我国传统文化的认识也在逐渐提高,各种传统文化元素在人们日常生活中占据的比例也在增加。对于平面设计,其在我国的发展时间还很短,这使得大部分的平面设计都是对西方文化的模仿,不具有属于我国自身民族特点的平面设计,而我国悠久的传统文化使得我国的平面设计正在逐渐向着民族化表现发展。在当代的中国平面设计中,其一方面对西方平面设计中的优秀内容进行吸收,改善自身发展中存在的问题,通过这种发展模式,我国的平面设计正在逐渐向着属于我国的特殊美学风格和特点。另一方面,受到西方平面设计文化的影响,我国的传统文化在平面设计中的应用也在逐渐增加,并试图寻找适合我国平面设计发展的民族化表现,使我国的平面设计能够更加符合我国人民的需求。近些年以来,我国的平面设计中出现了一大批具有民族化特征的作品,其通过亲切的面貌和厚重的文化积淀,吸引着我国人民的关注,同时也是对我国传统文化的一种价值增分。比较著名的作品有《爱护自然》和《自在》等,其中具有中国传统文化代表性的事物描述是对我国传统文化的良好宣传。 二民族化在平面设计中的地位 对于民族发展,民族化是其必然的历史产物,同时也是民族发展中的主要代表。通过民族文化的应用,其将我国发展中的优秀知识和历史沉淀进行全面的陈述,同时也是我国历史文明发展的代表。在民族文化发展的过程中,其拥有独立的语言和象征图像等,这些代表物质和文明是对我国传统文化的重要表现,但由于我国社会的快速发展,加上人类科技的进步等,使得很多的优秀传统文化被舍弃,这是历史发展的必然趋势,但一些具有代表性的民族文化是不能够舍弃的,这些民族文化是我国发展的文化根本,只有保持这些传统文化的有效发展才能使我国在发展的过程中具有自身的独立性。平面设计是一种将民族文化融入到实际事物中的表现形式,对于我国的平面设计,其需要将我国不同时期的文化传统和产物融入其中,通过平面设计能够更好的促进我国的传统文化发展,同时形成属于我国发展的平面设计形式,因此,在我国的民族文化发展中,平面设计具有非常重要的作用,是促进我国民族文化发展的一项重要手段。 三平面设计中的民族化表现错位问题 对于平面设计领域,民族化的表现越来越明显,这为我国的平面设计师提供了非常丰富的灵感,同时也带给了观众各种各样的新奇体验,增强了我国的民族凝聚力,我们在为此感到欣慰的同时,也需要对当前平面设计中存在的错位问题进行解决。对于平面设计的民族化,其主要是对平面设计的传播主题及存在的文化内涵中等进行挖掘,然后通过我国的民族特征产生的一种表现方式和方法。平面设计在发展的过程中是通过商业传播方式实现我国传统文化的传播和发展,发挥其应用的社会责任。对于平面设计中的民族化表现,其中比较重要的一个问题就是民族化的错位问题,对于这一问题的出现,最主要是由于其将民族文化的内涵完全抛弃,仅仅是从民族文化的表面形式上对其进行简单的堆砌,缺乏自身对民族文化的理解,导致民族文化在平面设计中的体现仅仅流于表面。在当前我国的平面设计民族化中,很多的平面设计仅仅是以民族文化为噱头,然后通过一些无关民族文化的平面设计吸引观众的眼球,这对平面设计的民族化表现具有较大的影响,长此以往,会对观众的积极性产生较大的打击。此外,一些平面设计师在进行作品的设计时,仅仅是对不同地域文化的简单陈列,而对文化之间的连接性完全不了解,造成平面设计作品中出现一些滑稽现象。对于平面设计,实现民族化指的是将民族传统文化同现代的表现形式进行有机的整合,从而形成一种民族文化和现代科技的结合产物,促进民族文化的现代化发展。比较常见的有:传统的佛学文化中,包含着非常丰富的民族文化,对于不同时期的佛学文化,其对当时的社会形态以及社会问题等都具有丰富的表现,但一些平面设计人员在进行平面设计的过程中仅仅是单纯的对一些佛学元素进行堆砌,对于其中的内涵完全没有涉及等,对于这些问题,其使得对应的平面设计作品缺乏内涵,影响观众对平面设计民族化的信心和关注度。 四平面设计中的民族文化表现错位问题应对策略研究 对于很多的观众来说,其对平面设计的民族化不了解,认为只是单纯的将民族文化中的符号或者其他元素在平面设计中罗列就是民族文化在平面设计中的应用,这种看法是对平面设计民族化的错误认识。平面设计的民族化,其不应仅仅停留在简单的文化复古层面,而是需要将民族文化中的内涵结合当前的社会发展,在平面设计中将两者进行有机的结合,实现对民族文化的继承和发展。对于平面设计师来说,其在进行平面设计民族化的过程中,首先需要对当地的文化精髓进行了解,然后同观众进行沟通,了解观众对平面文化的了解,然后在此基础上进行平面设计作品的制作,将民族文化和人民的需求在平面设计中进行完美的体现。对于当前我国的平面设计中的民族化表现问题,可以通过以下几个建议对其进行改善:首先,需要设计人员和观众放平心态,随着经济发展浪潮的推动,我国社会中逐渐出现了一种浮躁的风气,人们无论是在经济发展还是文化发展中,过分的追求功利,而失去了一颗对待文化和对待事物的真诚之心,但文化创作是一个平和的过程,设计人员在创作的过程中需要对民族文化进行深刻的思考,同时结合当前观众的需求,将两者有机的结合在平面设计中,为此,平面设计师需要尽快摆正自身的位置,明确自身的责任,保持一个平和心态进行作品的设计。另外,还需要加强自身的知识沉淀,通过文化的理解创作优秀的作品,为观众呈现更多具有民族文化的设计理念,将自身对民族文化的理解以及观众的需求表现在作品中。然后是对本土文化的挖掘,平面设计的民族化表现首先是对民族文化的继承和发展,因此,设计人员在进行作品的设计时首先需要的是自身对民族文化的了解,通过对民族文化的深刻理解,将其表现在平面设计作品中,实现作者和观众的文化共鸣。而当前的平面设计民族文化堆砌是对民族文化和观众的不负责现象,这种问题会造成观众对民族文化的信心逐渐缺失,同时,对我国的民族文化发展也是一种严重的限制。最后是引导观众和社会风气,平面设计是一种大众化的民族文化表现形式,通过平面设计中的民族化表现,能够帮助观众更好的了解我国民族文化中包含的优秀传统和文化精髓,通过这些文化继承能够引导社会风气向着更好的方向发展,为此,平面设计人员在进行作品的设计时需要了解当前的社会发展现状,同时结合人民的实际需求创作具有正确价值观和人生观的作品,通过这些作品引导社会风气的发展,为此,有关人员需要尽快纠正当前平面设计民族化中的错位问题,促进我国的平面设计和民族文化良好发展。 五总结 随着我国经济的快速发展,我国人民的生活水平也会逐渐提高,同时人们的审美水平也在逐渐提高,为此,我国的平面设计艺术需要不断创新,结合我国的民族文化,将两者进行有机的整合,实现我国平面设计艺术的民族化。 作者:柴虹 单位:洛阳师范学院
水墨元素在平面设计中的应用:水墨元素在平面设计中的应用 水墨元素在平面设计之中有着相当重要的应用,在实践操作和应用的过程当中不仅需要加强对元素本质的分析,同时还需要提升整个元素应用的审美意象。文章将针对这一方面的内容展开论述,详细的分析了水墨元素在平面设计之中的应用,同时对应用过程之中审美意象的体现、现代文化的深层诠释等进行了综合性的研究,旨在不断促进水墨元素应用的水准和技术,为现代化的平面设计工作稳步发展奠定基础。 引言 我国的水墨有着相当悠久的历史传统,同时我国的水墨经历了长时间的发展和改良,已经逐步形成了自己独有的艺术语言,在我国的绘画领域之中发挥着重要的作用,并且对我国现代的艺术家思想及创作思维等均产生了重大的影响。在现代化的平面设计之中,需要更多的引入一些传统的思想观念,并且真正意义上以现代化的文化背景为支撑,更好的增强信息与现代化社会之间的交流,满足各方面的需求。在平面设计工作之中,需要加强本土文化的宣传,在保持了平面设计独特性和设计的艺术性基础上,更加侧重意境和思想文化的表达,通过水墨元素的运用,则可以使得平面设计作品展现出更加深层次的内涵,为平面设计发展奠定基础。 水墨元素在平面设计之中的审美意象 水墨元素的运用可以展现出一种全新的审美意象,由于水墨是我国的传统文化精髓之一,在我国的艺术发展历史之中有着相当悠久的历史传统,另外,水墨元素在理论创新和技术工艺方面,也有着相当强大的发展水平。水墨的艺术特征体现在其简洁的艺术语言形式以及简约的艺术风格之上,其可谓是简约而不简单,通过对形象的创新、对寓意和表达的丰富描述,使得元素可以展现出更多的文化和信息,表达出深层次的内涵。在平面设计之中,水墨的运用应当更加注重内容,在很好的结合了形式设计研究的基础之上,全面的追求一种简约的特征,使得整个画面可以集中在一点之上。通过水墨元素的使用,可以使得画面之中的各种元素组合更加简约和明了,诸如水墨的嫩叶、水墨的枝条等等,通过一种书法的线条运用,使得整个平面设计的画面感得到增强,体现出独特的水墨效果,给人以诗一样的已经,并且很好的展现出独特的人文情怀和文化品位。 水墨设计艺术思想是我国传统思想文化的重要体现,水墨更加注重运用人格化以及灵活性的线条,通过具有艺术表现力的手法和独特的线条,勾勒出抑扬顿挫的意境,展现出独特的人文思乡情怀。通过水墨元素的应用,可以使得创作者的思想情感以及审美等得到集中体现,通过线条展现出主观的思想感情,而水墨所独有的严谨、扼要、简洁、明快的特征,都使得整个平面设计作品的意境得到提升,形成一个全新的、含有更多丰富信息内涵的作品。通过水墨艺术元素的使用,可以使得平面设计的意境更加深远,体现出了对美学的崇高 追求。 平面设计中的现代文化诠释 同样的,现代化的水墨艺术在平面设计的现代文化诠释之中也有着重要的体现。水墨艺术通过对文化的积淀以及对精神物质的崇高追求,使得民族的文化得到集中展现,这一点是水墨元素艺术发展的重要道路。平面设计作为一种富有思想情感并且具有极强弹性的大众艺术作品,在应用的设计和纯粹艺术等方面,存在有交叉点,并且很好的将设计的特征和绘画的艺术性相互结合,具有高度的浓缩型和象征性,是可以充分展现出我国传统民族文化思想情怀、崭新出我国浓厚人文思想底蕴的重要艺术表现形式,同时也是今后的重要视觉形态表达方式之一。 所有平面设计设计者都力求通过对本土文化的表达,形成一种独特的风格,而一味的对国外作品进行模仿,其本质上难以体现出独特的艺术思想。在平面设计之中合理的融入水墨艺术文化,使得现代化的艺术思想可以与传统的情怀相互结合,形成简约之美,形成意境之美。由于水墨具有相当浓厚并且鲜明的韵味,其对于虚实相生的关系、对于空间的运用等,都可以展现出崇高的思想境界。在平面设计之中融入水墨元素,可以使得我国传统文化之中的色彩、肌理造型等得到集中体现,在展现出了独特节奏和气韵的同时,还可以提升设计的艺术性,形成全新的艺术语言。当代平面设计已经从中国传统绘画中汲取了丰富的营养,然而水墨画的随意笔触和虚实关系更为现代设计所普遍借鉴,它的不规则性和渗透性与商业设计的严谨性巧妙而又奇特地结合在一起,显示出一种非凡的视觉力量。随着人们审美的不断改变,将传统的文化融入至平面设计之中,已经是当前艺术设计的重要发展趋势之一,只有更好的运用传统文化设计的相关理念,将传统的元素融入至现代化艺术之中,使得艺术的发展全面进步,才能够真正意义上开拓本土的文化,促进艺术事业的发展。在今后不论是对传统文化的继承还是对国外文化的借鉴,都应当加强创造工作,加强创造性的转换工作,以促进艺术视觉效果的提升。 结束语 综上所述,根据对平面设计之中水墨元素的运用进行综合性的研究,从实际角度出发深入的论述了水墨元素与现代化平面设计文化的完美融合,同时对应用过程之中审美意象的体现、现代文化的深层诠释等进行了综合性的研究,旨在不断促进水墨元素应用的水准和技术,为现代化的平面设计工作稳步发展奠定基础。 (作者单位:吉林艺术学院动漫学院) 水墨元素在平面设计中的应用:现代平面设计中水墨元素的创新运用 【摘要】传统水墨画历史悠久,经过长期的发展已经形成了自己独特的绘画艺术语言,平面设计通过与传统水墨艺术元素相结合,能够形成简约之美、空间之美、意境之美等审美特征。现代平面设计可从中国水墨画元素中得到许多有益的启发和借鉴,使平面设计既具有强烈的现代性,又具有鲜明的民族特色。对水墨元素的借鉴不应仅仅是形式的模仿,更需要发掘其深层次的内涵,理解水墨文化的深层意蕴,将这些元素转化为设计师自身独特的设计语言,唯此才能扩大借鉴的广度和深度,为中国当代的平面设计带来更新的设计纬度。 【关键词】水墨元素;平面设计 ;创新;本土化 水墨画在中国传统艺术中的地位很重要。它的水平与内涵是超时代的,对于古人和现代人而言,水墨画在历史上存有我们都能理解的共通的内涵,深刻影响了中国当代设计师的创作思维。现代平面设计需要多元文化背景的支撑,以适应现代社会信息交流和沟通的需要,立足于本土文化,保持本土平面设计的特性,则具有重要的意义。 一、水墨元素概述 (一)水墨与水墨绘画 水墨即水和墨,是具有中国民族特色的元素,在中国书法及绘画领域里产生着深远的影响,也是中国传统书法与传统绘画中不可缺少的材料。 "水墨绘画"则指用水和墨所作之画。一般由墨色的焦、浓、重、淡、清产生丰富的变化,表现物象,有独到的艺术效果。是以纸、绢、毛笔为主要工具,色彩为辅,将水墨流动的特性和丰富的墨色层次充分发挥与表现意境的一种绘画。 (二)中国绘画中水墨元素的特点及其作用 相比西方其它绘画形式,水墨画是有其独特之处的,与一般的元素不同,水墨没有轮廓线,水墨在宣纸上自然渲染,浑然天成,一个个场景就是一幅幅出色的水墨画。水墨画动态丰富,所以现代图形设计者可以借鉴书法的黑白效果,创造出具有现代感的动感图形。在这种视觉张力的引导下,平面传达的效果颇为显著。同时,水墨画质感丰富,墨意味的图形在视觉上也极具质感,传达出一种拙扑的意韵。同时还强调笔、墨、水的关系,并籍此表现一种丰富和谐的精神,那么具备这种笔墨效果的现代图形便能传达出一种生动的人情味。水墨画还具有文化品位,中国书法在漫长的发展历程中已经成为一种具有高度文化个性、文化品位的艺术形式。那么当现代的视觉图形借鉴这种形式时,它所具有文化品位也容易获得人们的认同。水墨元素体现了中国画似与不似之间的美学,意境深远。水墨画已有非常长的发展历程,相传始于唐代,宋、元、明、清是中国水墨画的巅峰。水墨画强调自然、天趣、不拘形,讲究写意,越来越受到设计师的欢迎。 二、水墨元素与现代平面设计的关系 (一)水墨元素的绘画性特征符合平面设计的特点要求 现代平面设计中大量运用水墨艺术元素符号大体有以下两种原因:一方面设计师追求艺术表现的自由创新;另一方面是一些有责任的艺术家对传统文化存有深厚感情,对传统文化传承的一种责任。这就需要现代设计师立足传统,挥运水墨,加之于西方设计理念的借用,把水墨元素的传统性与时代性、个性与共性整合为一个富于生机的新图式,抒写出富有中国气派的设计理念。在传统文化传承方面卓有成绩的是著名设计师靳埭强先生,靳先生作品的和谐之美,是他以中国人文精神观照宇宙,获得"人与自然在精神上同享生命无穷的喜悦与美妙。其墨与色、黑与白、拙与巧、实与虚等的交融与和谐,使观者感受到他艺术精神与心灵的浸润。水墨艺术元素已成为他海报创作的最为重要的表现形式和文化内涵。 水墨画作为中国传统艺术瑰宝之一,其表现形式已被许多平面设计师所成功采用。作为中国绘画艺术发展的主要形式,水墨画讲求神韵,水和墨的多少使画面的笔触呈现浓淡和润枯的变化,通过笔触的变化来表达物体的结构和肌理等。我国著名国画大师齐白石说过:"太似为媚俗,不似为欺世,妙在似与不似之间也",形象地说明了中国水墨画的意境和追求。我们可以把这种理念,应用到现代平面设计中去。中国2008年申办奥运会标志,大家都不陌生,是运用水墨画的表现形式创作出的具有中国特色的申奥标志。中国结的形象结合中国绘画的表达技法,把奥运五环体现出来,用一个正在打太极的形象来突出中国的文明和对奥运会的热望,表达得非常生动。其中把中国传统的水墨画的用笔技巧和我们的创意结合得天衣无缝,充分体现了中国水墨画独特的韵味。 (二)水墨元素的民族化特点有助于现代平面设计的本土化发展 其实无论是对于古人或是现代人,水墨在历史上一定有我们都能理解的共通内涵,这也是水墨一直在设计中追求的永恒的韵味。对空间的运用,虚实相生的关系,阴阳的关系,都非常值得设计师去好好思考。水墨设计时可以考虑大面积留白,如同中国画以白当黑的美学境界,这也是中国文化的表现形式之一。中国画的色彩、题款、印章、笔墨肌理等造型元素以及书法的气韵、节奏都丰富了水墨平面设计的造型语言。 (三)水墨元素的亲和力有助于平面设计中对信息的传达 水墨意象主要是以灵活性、人格化的线为造型,笔法的抑扬顿挫,表现出水墨的意态情趣。行笔滞慢者则有苦涩之感,行笔流畅者则有轻趣之感。创作者的思想、审美好恶等内蕴性的修养都是通过线得以体现和表达的,线已经成为创作者主观情感与创造的外化形式。水墨的扼要,水墨的旖旎,水墨的严谨,水墨的雄奇与恣肆,都不事小巧地营造出一种交泰的意象,构成一个凝聚的图示。 (四)有利于对传统文化的发扬 平面设计艺术是作为一种极富弹性的大众媒体,是由审美与非审美交融渗透构成的,它由审美动机与非审美动机所引起,并由审美能力与非审美能力所实现。平面设计处在纯粹艺术和应用设计的交叉点上,兼有绘画和设计的特点,具有高度的象征性、浓缩性和自然性,是最能透射出深厚民族文化底蕴的视觉效果。 三、现代平面设计中水墨元素运用的方法创新 (一)表现形式上的创新 中国传统元素和中国人的情感是一脉相承的,在平面设计中运用这些元素可以使平面设计作品与受众产生情感共鸣,有利于广告宣传。然而"中国传统元素"不应该仅仅将其视为是与国人之间的情感纽带,而应该作为一种新鲜的血液与现代设计风格相结合,使中国的平面设计能够成为世界的焦点。 (二)表现技法上的创新 在水墨风格的画面上,除了水墨痕迹以外,画面上还需要有图、文字以及线条的组织运用,综合给主体服务。一般来说,如果想把画面做的比较传统的话,字体的选择一般是宋体、隶书、楷书以及篆书,和古代现代的书法名家的手书体等,但是由于篆书比较难于识别,在使用的时候应慎重。在主体画面处理的时候,可以综合考虑到画面的效果,对图片做加减法处理,把画面中影响主题表现的地方虚化,并且可以嫁接别副画面中你认为比较欣赏的部分。画面的色彩是为更好的衬托主题而服务,并不是图片越美观越好,对于喧宾夺主的图片,有时候甚至可以做单色处理(如图一、图二)。 水墨铸民族魂魄,意象绘时代风采。颂扬水墨,缘情水墨,依意选形,依理炼形,用心创造出富有民族意味形式的平面设计,这是民族设计的源头与母体,是根基性、稳固性和原生创造性的视觉展现,更是民族设计本质、全面、自由、发展的强大驱动力。只有这样"寻根"设计,才能在世界设计的艺苑中展示出应有的民族魅力。去奢从俭、弃繁华而近朴素,以柔克刚的含蓄力量,悲喜有度的处世思想,以器明道的高雅情趣,衔古接今的水墨技艺,融会东西的现代思潮,使我们要重新梳理艺术的精神,树立起民族文化的自尊,超越形式和文化的根性,把意蕴丰厚、编排张扬的平面设计,推向世界设计的大舞台,这是一种义务,一种本领,一种民族艺术展现的责任。 现在房地产广告做得很火热,楼书的设计有的是相当不错,只能用好水墨的"形", 在水墨的"神"的表现上不是做得很好,这和我们的知识结构是有着很大的关系的。由于我们对中国文人水墨画的了解和学习多停留在对画家生平、作品、画派等方面,这些知识对于提高设计师的知识修养无疑很重要;但是除了了解这些知识之外,还需要加深对中国文人水墨画的研究,从不同的角度来研究、挖掘、应用它,丰富我们的本土化平面设计语言(如图三、图四)。 很多设计师都希望能创造出具有本民族文化风格,同时又具有个人特点。能为他人认可的平面设计作品,而不仅仅只是一味模仿国外作品的各种外表形式,这样中国设计师文化上的那种归属感逐渐被唤醒,开始注意到本土文化中的平面设计元素,并把目光转向本土文化,希望在本土文化中找到合适的平面设计语汇,中国文人水墨画是其中的一个方面 四、结语 综上所述,无论是对传统的继承还是对外国文化的借鉴,都要重视做好创造性转换工作,做到"古为今用,洋为中用"。继承传统,不是食古不化;讲设计的民族特色、中国气派,决不是要将中国符号生搬硬套到现代设计作品中,而是着力于对民族的审美意识和审美心理的把握,站在时代的高度进行综合创造,这样设计出来的作品才能自然而不做作的流露出东方文化气韵,从而既是民族的,又是世界的。 水墨元素在平面设计中的应用:浅析传统水墨与平面设计元素间的联系性 摘 要:中国水墨是具有中国传统艺术韵味及特色的民族文化符号,是中国传统哲学与艺术的的智慧和结晶。水墨文化讲究构图,骨法,用笔等。随着现在化进程的加快,时代的进步,艺术交流越来越广泛,艺术发展呈现出一种多元化的趋势。西方艺术对中国传统艺术的影响也渐渐凸显出来。其中设计是指以“视觉”作为沟通和表现的方式。透过多种手法将符号、图片、和文字进行创造和结合,借此作出用来传达想法或讯息的视觉表现。将中国传统水墨与现代平面设计元素进行比较,归纳总结两者的联系性,为传统水墨在当代的延续与发展寻求方向。 关键词:传统水墨 平面设计 联系 中国水墨画这一艺术形式具有悠久的历史,自出现到现在已有千年之久。随着时代的变迁,各种文化的融合,不但使传统水墨画的技法越来越丰富,更拓展了传统水墨画的表变现力,使传统水墨画在继承中得到发展。当我们以现代的眼光来看传统水墨文化时不得不感慨我们的先辈们对艺术的深刻认识,在基本的构成关系上,画面处理上与现代的设计理念都有相似之处。正是这些相似与联系使得传统水墨与现代文化融合的更为妥帖,对传统水墨在当代的继承与发展具有重要启示。 一、从构成要素上来看 平面设计中三大构成要素是点、线、面。而传统水墨画中往往有点睛之笔,以线为骨面为肉之说。 1、点。在数学概念中点是空间中只有位置,没有大小的图形。而在设计中,点作为设计要素之一起了重大的作用,首先它是无处不在的,再次它的大小是相对的,要根据实际的环境和观察角度来讲。点在设计中可以集中、聚合用以吸引视线或产生新的视觉形象。在设计构成中离不开点的存在。而在传统的水墨艺术中自古就有点睛之笔之说。 2、线。线是点的定点移动轨迹,当点在一定方向上足够密集的时候就形成了线。线的分类繁多有直线、弧线、曲线等等,设计中不同的线带给人的情感特征也不相同,其中垂直的线会给人以生命力,力度感,伸展感等。而水平线就会给人以稳定感但略显呆板。设计中可以用线来表现轮廓,可以用线来表现图像等,可见设计中线的不可或缺性。在中国的传统水墨中线即时骨,“谢赫六法”中提到骨法用笔,骨法是指人物的外形特点,后来泛指一切描绘对象的轮廓。用笔就是中国画特有的笔墨技法。骨法用笔总的来说就是指如何用笔墨技法恰当的把对象的形状画出来,而这轮廓就是由线勾勒的。 3、面。在几何意义中,面是线的移动轨迹,具有长度、宽度而无厚度。面的形态十分丰富有偶然形、几何形、不规则形等。设计中不同的形也是具有不同特点的,偶然性顾名思义是偶然产生的具有不可重复性,富有个性、怪异、新奇的特点;几何形是明快、理性、秩序的;不规则形式指有意识,有目的的人为创造的形具有不受限制,不具规律的造型。面在传统水墨画中的直观体现就是墨法的应用,团墨为面,虽然墨为黑色,但中国画古代有墨分五彩之说,即黑、白、浓、淡、干、湿六种效果,墨法可以说是一种用水的方法,水分的多少来体现绘画的丰富变化,“笔为骨,墨为肉”。 终上所述,无论是中国传统水墨画还是现代平面设计构成都以点线面为构成要素。中国传统水墨画是不同于西方传统绘画的,西方传统绘画是以明暗关系、调子来体现空间关系的,而传统的中国水墨画室运用线条的对比,墨色的变化以及线条与面之间的穿插来体现前后、主次关系的,而这就要要求创作者具有较强的空间概括能力,设计也是如此,因为设计是将商业的信息通过艺术的形式表现出来显然这两者都是理性与感性的结合。由此构成上不难看出中国传统水墨与现代平面设计存在着联系性。 二、从意境营造上看 如果说在构成上来看中国水墨与平面设计的联系是表面的,那中国水墨画中的意境营造与现代平面设计的设计理念则有千丝万缕的联系。意境是中国传统水墨的灵魂是艺术创作的最高追求。中国传统水墨画受传统哲学的影响注重空间的营造,讲究阴阳互补,虚实相生。 1、空间 中国传统水墨画的空间表现以黑白为主。中国传统水墨画受阴阳学说影响十分注重黑白的整体布置和运用。留白是中国传统绘画里边常见的一种形式。南宋画家“马一角,夏半边”就是运用留白的最好实例。张氏《画潭》中也提到:“空白,非空纸。空白即画也”在中国传统水墨画中,空白是画面的重要组成部分,是形的延续是意的延伸。在设计中,用简单的寥寥数笔勾勒塑造空间韵味的楼盘广告也不少见。 2、虚实 “我们画面的空间感也凭借一虚一实、一明一暗的流动节奏表达出来。虚(空间)同实(实物)连成一片波流,如决流之推波。明同暗也连成一片波动,如行云之推月。”(宗白华《中国诗画中所表现的空间意识》)虚与实的变化可以形成一种生命感、节奏感与律动感。化实为虚、化虚为实、虚实相生与中国传统哲学中的阴阳学相辅相成。 现代平面设计中的“意向”就是体现中国特有的文化特征,中国文化博大精深,在几前年的历史长河中源远流长,逐渐形成独特的审美与认知。在平面设计中充分展示中国传统艺术的魅力与文化内涵是十分重要的一部分。 中国水墨人物画是具有中国文化符号特征与哲学智慧的优秀民族艺术,水墨的简约、空灵、的空间营造意念等方面与设计理念有着异曲同工之妙。中国水墨人物画要更好的在国际文化层面交流就要吸收多元化的元素,设计中的构图、构成等元素就是其中的一部分。本文就是将中国传统水墨画与现代设计元素进行联系与比较从而为中国传统水墨的继承与发展寻求新的方向。 作者简介:赵燕静(1988.05-),女,山东汶上人,曲阜师范大学美术学院2011级艺术学国画专业研究生。 水墨元素在平面设计中的应用:水墨元素在平面设计中的视觉表现 摘 要:水墨元素作为中国文化最具代表性的符号之一,其特有的黑白视觉效果在世界视觉艺术长廊中堪称经典。水墨元素被大量的运用在平面设计中,独到的视觉表现力极具东方审美意蕴,本文从水墨元素的应用优势出发,探讨水墨元素在平面设计中的视觉表现。 关键词:水墨元素;平面设计;视觉表现 由古至今,水墨画以其独特的绘画艺术语言、深厚的文化底蕴以及艺术气息感染了历代的中国文人艺术家。虽然在角度、着重点之间不完全一致,但浓浓的水墨情结,影响着艺术家的设计理念和实践。水墨画对平面设计的影响是必然的,在现代平面设计“全球化”成为不可逆袭的趋势下,“民族性”设计成为所有艺术工作者的热门话题[1]。平面设计从中国水墨元素中得到启发和借鉴,二者完美结合,将“民族性”设计表现的淋漓尽致。 1 水墨元素的在平面设计中的应用优势 在人们精神追求不断提升的今天,平面设计作品的目标不应只停留在介绍和宣传产品信息。而应该是满足信息传播功能的同时,给人们带来视觉审美的享受。良好的视觉效果必然在信息传播时能发挥更高的效率。要达到这样的要求就必须不断增加作品的视觉冲击力[2]。水墨元素作为中国传统艺术文化的最高代表之一,在平面设计中的应用优势主要表现在:水墨元素能唤起人们对优秀传统文化的自豪感;给平面设计带来了独特的视觉感受。 1.1 水墨元素唤起了人们对优秀传统文化的自豪感 水墨元素在中国古代平面设计中早有应用,载体形式包括早期的彩陶、岩画、青铜器等,并逐渐形成了早期装饰艺术。纸以及印刷术被发明出来之后,书籍、广告、标志等等便开始一步一步的融入人们的生活。如宋朝时期的“认门前白兔儿为记”,目前是我国发现的最早的一种广告形式。水墨绘画及书法在人们心中有着举足轻重的作用,中国早期的平面设计大多离不开水墨艺术。20世纪90年代后,中国平面设计开始进入成熟时期。设计工作者们开始不断的开拓创新,力求与国际接轨的同时,在设计中大量融入中国的传统元素,逐渐形成了中国特色的视觉风格。因此,水墨元素在平面设计中运用,唤起了人们对灿烂的传统文化的自豪感,不仅因为水墨艺术与平面设计相结合的悠久历史,更是因为水墨艺术本身的灿烂文化给人们带来独特的视觉感受和视觉冲击力。 1.2 水墨元素给平面设计带来了独特的视觉感受 水墨元素在信息传播时,就其独特的黑白视觉效果便足以吸引人的眼球,再加上水墨元素本身所具有的视觉张力的意蕴美——水墨的形式美及艺术精神美,将平面设计作品由视觉形式上升至精神气质层面[3]。如图1是靳埭强为08年奥运会设计的海报招贴,采用动态构图及大量留白,水墨笔触构成流畅、简洁的人物造型,舞动的人物姿态。给我们最深刻的印象便是充满无限生机,正如奥运会的主题,“运动、阳光与健康”,水墨元素彰显北京奥运的人文气息与民族精神。正是这样的“空处不空”,“以虚代实”的处理方法,显示出中国人道家式的哲学思想,通过水墨艺术精神内涵与大众产生共鸣。 将水墨元素接运用于现代平面设计的例子比比皆是,图2为贺卡内页设计,将中国传统的龙纹与水墨结合,以墨为主,以色为辅,在笔墨与空白中形成图案的明暗虚实。其共同点是,都是巧妙地运用水墨元素来增加视觉冲击力[4],以水墨元素独有的黑白视觉效果及本身蕴含的文化底蕴来凸显设计作品的主题及思想。 2 水墨元素在平面设计中的视觉张力表现 视觉张力一般是指一种能吸引人们的目光从而使人们在其面前驻足的力量,正如物理中常说的内力与外力[5]。而水墨元素中的内力和外力通常可以被理解为是水墨元素的艺术精神文化的熏陶和水墨元素的视觉形式表现。 2.1 水墨元素的视觉表现形式 作为外力存在的水墨元素的表现形式分为两个部分:传统水墨绘画及书法和水墨符号及行迹。 2.1.1 传统水墨绘画及书法的运用 传统水墨绘画及书法是水墨元素最常见的呈现形式及载体,将水墨画及书法直接运用于平面设计是众多设计工作者偏爱的一种方式,此方式的最大优势便是将水墨蕴含的精神文化跃然纸上,使人一目了然。图3为茶叶包装设计,背景中的水墨绘画意境深远,仿佛能净化心灵,修身养性;将广告语以优美的书法形式表现于茶叶包装上,形成独特的韵味,勾画出一幅恬淡闲适的意境,东方艺术的风格情调,仿佛让大众在欣赏美的同时体会设计者的思想和观念。 2.1.2 水墨符号及行迹的运用 与前者相比,水墨符号及行迹的运用在海报设计,标志设计中屡见不鲜。水墨符号、笔墨行迹则是指水墨画中的墨点、墨迹、甚至是一根线、一支毛笔或是一块极小的局部,如一个圈、一根草、一片花辨……经平面工作者的精心设计布置,通过强化、组合、编排、呼应及利用“飞白”、“墨痕”所形成的肌理效果来呈现的一种新的视觉效果[6]。如图4,成都城市识别标志,以中国笔墨的一笔构成chengdu的c,以成都的特色——熊猫为视觉中心,熊猫整体的黑白色调恰如水墨笔触的延伸,与水墨的黑白视觉体系相呼应。图5,为靳埭强设计的《中国国际海报双年展》招贴和《水墨的年代》招贴,同样以水墨墨点墨迹所形成的肌理效果来表现主题。如《中国国际海报双年展》中,利用水墨相溶所形成的墨点来增加视觉感,看似排列整齐的点,本身就形成了一种视觉冲击力,却又因为水墨相溶的比例位置不同,墨点呈现出不同的形态,正符合传统美学中的统一与差别的对比。 《水墨的年代》广告招贴 2.2 水墨元素的文化内涵及意境营造 水墨元素的文化内涵体现,是指在平面设计实践中巧妙地运用水墨的哲学思想、美学观念、审美取向。设计工作者可以在这些思想、思维、观念的基础上再设计,不断创新,这不仅大大的扩宽了设计空间[7],还营造出新的视觉气氛,且赋予了这些作品浓厚的文化氛围。 将水墨元素的气韵应用于平面设计,增加其审美意境,是水墨融于设计的最高境界。而意境是从静态的、毫不含糊的视觉画面中呈现的,这也是水墨艺术的独特性。意境实际上是中国文化中那些最深刻的内涵及精神在设计中的再现,通常与水墨中的笔、墨、空白、色、构图、手法等等可见因素相关[8]。如图6,“武当山灵”广告招贴设计,值得一说的是,招贴使用水墨笔触勾勒出“太极”、“古鼎”等代表性较强的元素,渲染出武当山气势雄浑、香火永盛的视觉效果,无形中完美的营造出了“武当山——第一名山”的气韵与灵性,其采用的上下组合构图形式与视觉平衡方式充满了强烈的道家中庸哲学思想。而右下角的“武当山灵”的“灵”字采用红色,恰好与水墨中的“治印”的手法相呼应,且赋予了画面一丝生机及意蕴。如图7,《符号古都》——鸟巢、国家体育场。设计者齐鹏以一个新的视角及手法来展现我们国家的标志性建筑,将水墨元素完美的融入现代设计,画面中既有中国传统元素的变形与重组,又利用西方光影效果的处理手法。似乎所有与中国地域文化或者文化底蕴相关的作品都毫不例外的选用传统水墨来加强视觉表现。设计者采用水墨笔触的叠加与重组,重视笔墨的干、湿、浓、淡,合理的利用“飞白”、“浓墨”形成的黑、白、灰,正如西方的阴影、高光、灰调的处理手法,异曲同工之妙来重现光影效果。线条是构成画面的灵魂,线条组合看似随意实则为设计者精心布置设计而出的,线条的长短、粗细组成了画面的整体节奏与气势,整体画面大气磅礴,古典意蕴呼之欲出。整幅作品无论从时间还是空间,达到了动与静、虚与实的统一,意境与气韵的完美结合。 3 总结 水墨元素与现代平面设计相结合,对于确立平面设计的中国风格以及其自身的发展都具有长远的意义。在中国平面设计“国际化”的前提下,如何运用宝贵的传统文化及保存水墨元素质朴的传统美,如何在平面设计中巧妙融合水墨 ,从而在国际舞台上展示本土文化,这将是我们面对的一个永恒话题。 作者简介:季荣(1979—),男,江苏南通人,研究生,盐城工学院设计艺术学院讲师,研究方向:视觉传达。
民族文化在广告设计的运用:民族文化对平面广告设计的影响 一、平面广告设计以中华民族文化为基础的创意特点 广告设计师们以民族传统文化作为养料设计创作广告,充分挖掘其潜能,大胆地在这片肥沃的土地上汲取吸收营养,以其为创造灵感,创作广告并更好地服务人民,拉近商品与消费者之间的距离。以中华民族传统文化为基础的广告设计,从传统民族文化着手,以光辉灿烂而又源远流长的民族文化作为滋养,掌握了民族性的手段,将使其作品拥有更为广阔的发展空间、更为深厚的文化底蕴和更为深层次的文化内涵。平面广告设计以传统的民族文化为基础,强调“意”字,具有意境美和审美意蕴以及视觉美。这些可以从以下优秀的、完美的设计作品中看出。 奥运会每四年一次,各个国家为了争取举办奥运会的机会,使出浑身解数设计深奥标志。我国2008年的深奥标志造型独特,独具匠心,整个造型运用我国特有的似与不似的写意手法,没有对传统造型的照搬照抄,而是充分发挥想象,大胆地创作,恰到好处的传递出“运动员”和“中国结”之间的视觉意象。申奥标志不仅得到了全世界的认可,同时也体现了中国传统文化特有的审美意蕴,将我国传统文化向全球传播和推广。 香港的著名设计师陈幼坚为“李锦记”设计调味品包装的系列,运用我国传统的图像“娃娃”、“年画”、“龙”、“祥云”等,与现代的文化内涵相结合,进行创造性的处理和安排,以传统图像的方式对中国传统文化特色进行突破性的改造,使其适应现代人的视觉特点和审美特点,并与产品个性充分融合。把老字号“李锦记”这一调味品的文化内涵和文化氛围进一步提升,使其在同类产品中出类拔萃,独树一帜,别具一格,并成为一种平面广告文化,可以传达这个商品标识的文化。 二、民族传统文化和平面广告设计的关系 已经进入“视觉化时代”的后现代社会,平面广告设计的图像对传统民族文化的借用应比一般的广告设计更具有视觉震撼,现代平面广告设计的最主要特征就是具有强烈的视觉冲击。平面广告设计的图像有三层内在含义:能引起信息交流的视觉符号;生动的、具体的、直观的形象;通过视觉途径进行。其画面具有动态特点,在文化领域扮演着重要的角色,以其特有的魅力吸引着广大群众的注意力,并迅速而有效地传递着个性化的商品信息。“图像”作为平面广告设计中的最基本的传达工具,它是外界与主体交流沟通的唯一渠道,人们习惯把其称作是形态语言。形态语言借助视觉元素,并通过点、线、面和色彩等生成的某种形象和状态,以生动的形态语言表达内容,吸引观众,最终通过视觉感受而完成情感交流。平面广告的设计师们一定要尽量使图像趋于视觉化,如果无法做到便于沟通和视觉化的话,其设计也就失去了意义,无法表达其灵魂深处的内涵。在信息如此发达的今天,文化资源是铺天盖地,信息资源如此丰富,传播途径更是便捷。平面广告的设计无法摆脱与文化自身的裙带关系,并受民族文化的限制。设计师在设计平面广告时,应加深对民族文化的理解并将其合理运用,把现代的广告设计理念与传统的文化内涵结合起来,运用具有代表性的抽象或具象的图像,来表达民族文化的内涵,丰富平面广告设计的创作方式,促进平面广告设计的发展和繁荣。 三、结语 在经济文化如此发达的今天,新旧时代不断地更替转型,我们必须坚持不懈的继承和发扬传统民族文化,立足于优良的民族传统文化,注重文化内涵和文化价值的积淀。我国的传统文化焕发无限魅力,吸引着更多观众的侧目,广告中的民族文化内涵,不仅充分显示我国古老而神秘的文化底蕴,而且能与国际更好地交流与沟通。运用现代广告设计理念和传统民族文化,切实有效地推动广告业的发展。 作者:王晓红 任欢 单位:保定职业技术学院 民族文化在广告设计的运用:民族文化与广告设计论文 1中国民族文化元素在平面广告设计中的运用价值 1.1文化价值 文化价值有两层含义:首先,通过提取中华民族文化当中的精华元素,将其灵活的运用到平面广告设计当中,这自然会提升平面广告的文化内涵,使得平面广告体现出其独特的文化特质,提升其文化品位。其次,平面广告设计中民族文化元素的应用实际上是对民族文化的具体化和形象化展现,是对文化传统的一种审美再现和传承发展,是将传统文化特色、风俗习惯等于现代时代气息有机结合创造出来的新型的文化形式;平面广告除去商业价值之外,在文化的传承和发展上发挥着不可忽视的作用,而这正是民族文化元素应用于现代广告设计中所展现出主要的文化价值所在。 1.2美学价值 从审美角度而言,中国民族文化有着独特的美学价值,它反映着中国历史发展、社会风貌等众多方面,同时也展现着人们的精神世界。将民族文化元素应用到平面广告设计当中,实现文化元素与广告设计的完美契合,从多角度、多层次探寻和创造民族文化的审美特质,让现代平面广告能够符合人们的审美取向,是平面广告应当追求的美学价值。事实上,广告设计是一种艺术创造性活动,虽然与现代商业活动息息相关,功利化气息较重,但是也不能掩盖其美的创造;而且只有通过迎合大众的审美情趣,平面广告才能够真正发挥其价值。 2中国民族文化元素在平面广告设计中的运用体现 中国民族文化元素包含十分丰富的内容,在平面广告设计运用中往往有如下几个方面的体现: 2.1色彩搭配 作为一种视觉传达的方式,平面广告对于色彩的运用自然是不可或缺的。色彩通过直观的视觉冲击,能够让消费者感受到产品的显著外在特征;同时也能够给予消费一定的文化体验和精神享受。在平面广告设计中,设计者通过运用具有本民族特色的色彩搭配能够恰到好处的传达产品的理念和魅力,吸引并引导消费者。青、黄、赤、白、黑五色,为中国传统的“五色观”,这些颜色在平面广告设计中会经常用到,而且往往是以两种及其两种以上颜色的搭配进行运用,例如:红与黄的搭配,麦当劳平面广告就采用了这样的色彩搭配;黑与白的搭配,凸显强烈对比,舍得酒的平面广告就运用了这样的色彩搭配。再如:蓝与白的色彩搭配。代表蓝与白色彩搭配经典风格的莫过于中国的青花瓷,在外国人看来,青花瓷白如玉、蓝如天,正是中国文化的典型代表,富有浓郁的中国特色。蓝色给人以宁静,白色则彰显纯洁之美,两者结合给人典雅静怡、超凡脱俗之美,独具浓郁的中国文化神韵。 2.2形的演绎 在平面广告设计当中,对于中国民族文化元素行的运用方面,不少设计是直接运用文化元素,即将文化元素进行简单的拼凑,直接表现表现设计作品的含义。但是必须看到,民族文化尤其是传统的民族文化距离现代社会有较长时间,而且商业的需求也具有较强的针对性和倾向性,所以必须在民族文化元素的基础上,通过运用简化、错位、夸张、强化等方式对民族文化元素进行形式的转移、演绎,对其进行在此处理或重新组合,是为人们所熟悉的视觉文化元素产生新的艺术表现形式,向人们呈现出全新的而又不失民族文化特色的设计作品。奥运会海报的设计就是在传统京剧脸谱则以原有文化元素的基础上,进行了形的演绎,在脸谱上绘制出一个个运动员的形象,完美的将奥运会的运动主题与中国传统京剧脸谱结合起来,一方面体现出了北京与奥运会的关系,另一方面也展现了浓郁的民族文化特色。 2.3神韵传承 每一个中国文化元素背后都蕴藏着中国文化的哲学理念,体现着中国文化的神韵和意境。中国文化讲求悠然禅意和超然的境界,这在中国文人的诗词以及书画文化当中都能够得到充分体现。在现代平面设计中,借鉴并传承中国文化的神韵与意境之美,能够让设计作品展现出极富民族特色的魅力,让作品发挥潜移默化的感染、熏陶作用。2008年北京申奥标志的设计采用了中国传统吉祥图案中国结和太极拳,运用了中国书法艺术中的“笔不到而意到”的写意手法,将中国结、太极拳运动员意象与吉奥运五环有机结合,具有行云流水般的生动和谐,一方面表达了中国人民对奥运会的期待,另一方面彰显了中国人民对承办奥运会的自信。”可以说,这一个设计是完美结合传统文化元素与现代设计的典范,是对中国民族文化元素神韵的完美展现。 作者:赵喆 单位:长春工程学院 民族文化在广告设计的运用:平面广告设计中的民族文化元素应用 人类社会中商业文明元素的兴起和发展,使得广告逐步融入世人的基本生活实践环境之中,近现代历史发展时期,伴随着报纸、电视、以及广播电台等各式媒体形式的出现和发展,使得广告的形式以及内容承载领域逐渐向着多元化的方向悄然演化。广告事业的不断发展壮大,使得广告行业领域逐步成为现代化社会文明建设事业的深刻象征。伴随着文明的发展以及全球化进程的不断深化,我国当代广告设计业,在元素选取以及设计思路确定实践过程中,对西方国家已有的部分广告作品进行了借鉴,造成了不良影响,为了有效解决这一发展路径过程中的不良现象,结合中国古典文化本身具有丰富底蕴,探索平面广告设计实践的全新实现策略,意义深远。 一、水墨技法在平面广告设计中的运用 1、在平面广告设计中运用水墨艺术技法的重要性简析 现阶段,之所以会有一部分当代设计师在开展平面广告设计的过程中使用水墨技法,其主要原因可以简要分析如下:其一,水墨技法在平面广告作品的设计构图过程中,能够发挥相对充分的画面烘托作用,所谓烘托,就是要将单调化的主题表现元素放置于专门设定的特定化效果呈现背景之下,实现元素表现效果的丰富性、情趣性以及内涵性特征,切实增强画面表现内容的可欣赏性,进而实现设计工作的预期效果。第二,水墨技法在平面广告设计工作中能够发挥视觉观感层次的引导效用。当平面广告的呈现画面中仅仅包含文字排版表现元素时,使用水墨表现技法,就可以在视觉层次给广告观赏者提供充分的观赏引导,实现广告表现内容的最佳呈现效果。第三,水墨技法应用在平面广告设计中,能够比较有效地提升设计工作面的层次感,通过浓淡与干湿、虚实相称的章法布局,在有限的平面内容表现空间内,展现出相对丰富且完美的空间布局以及设计内容,提升平面广告设计作品的可观赏性以及艺术价值水平。这里有一点应当引起特别的注意,并不是所有类型的等待推销产品都适合使用水墨美术技法来进行设计,要针对具体广告商品对象实际具备的属性特征,有针对性地决定是否选取水墨美术技法参与设计工作,并针对具体商品的实际生产销售实践状况,决定水墨表现技法的实际应用模式。 2、平面广告设计中水墨表现技法的应用模式 就形式和内容角度的比较而言,水墨艺术与平面广告设计本身就具有较为鲜明的差别,随着当代国人思想观念体系的多元化发展趋向,传统艺术形式与现代广告设计艺术之间的结合出现了充分可能。水墨绘画艺术,其基本的表现技法可以划分为烘、染、破、泼、积等,在艺术应用的过程中,对笔的运用技巧具有着较为深切的关注,并以此来实现对广告设计艺术作品的意境创造目标。水墨绘画表现艺术,为平面广告的设计实践提供了较为丰富的效果表现资源,实现了平面广告设计艺术作品在外在表现以及内涵创造层面的深刻拓展。 二、中国画元素在平面广告设计中的应用 1、写意元素的应用 “写实”与“写意”是全世界范围内的美术研究者,在分类美术作品表现技巧过程中的基本评判角度。“不求形似”但求“意趣之浑然天成”是中国文人画的代表性特征,中国画家在创作实践过程中,往往会经常性地趋向于借助外物来实现对内心意趣的表现,在较大程度上,借助于客观存在的外物,来展现内心世界中含蓄内敛的情愫。在现代平面广告作品的设计实践过程中,缘于照相机设备以及当代多媒体图像信息采集技术的日渐发展成熟,使得原本的写实性图象艺术实践技法日渐缺乏了在艺术领域的发展优势,与此同时,“写意”化的艺术表现技巧日渐成为当代艺术家群体的追寻目标,在“似”与“不似”的画面设计与呈现实践的过程中,实现平面广告设计艺术作品的最佳表意目标。 2、境由心生的空间处理技巧在平面广告作品设计实践过程中的应用 中国画艺术在处理空间关系问题的过程中,比较侧重于关注虚实关系的处理,致力于强调境由心生的艺术表现理念,中国绘画大师在运笔和用墨的过程中,比较深刻地强调对气和韵的表现,使作品的观赏者,在有形的表现场域中感受无形世界的内在底蕴。如果将中国古典绘画艺术在处理空间关系问题过程中的相关技法迁移到现代平面广告设计作品的设计中,势必会给广告作品的接受者带来别样的心理感受。虚实关系的营建可以通过画面表现内容的疏密安排来实现,在疏密相异的线条安排结构与内在性的相互对比中,展现含蓄而隽永的表现意境。优秀的广告艺术设计作品不能仅仅局限于优美的画面表现,还应当扎实实现画面空间内部的色彩、图形以及材质等要素的创意化组合与处理,意在逐步形成美观、和谐,以及出人意料的表现意境。传统的水墨画往往依靠虚实切换且疏密相间的线条,以及画面构图中留白空间区域来实现画面表现的含蓄性目标,这一点给现代提供了充分的借鉴空间,相比元素和表意工具慢慢分布的广告作品,包含适当留白空间区域的设计作品,无疑具备了更加充分的表意内涵,值得推崇。 三、结语 实现中国民族元素在平面广告艺术设计中的应用,应当切实保障广告设计人员对水墨画以及中国画初等表达技巧的学习和掌握,并在设计实践中逐步增加相关元素的应用比例,实现广告作品表意内容丰富性层次的有效提升。 作者:武敏 单位:中北大学艺术学院 民族文化在广告设计的运用:广告设计中民族文化的渗入探讨 摘要:随着社会信息化的高度发展,简单的报纸及杂志已经不能满足时代的要求,21世纪的我们已经进入了一个无法估量的影像时代,其中平面广告便是本时代的集大成者。广告设计不仅仅是对一些图片的乱拼乱凑,相反,它是文化的象征及精神的一种体现,其传达了商品及服务的有关信息,并且传递出一种美的感觉。在广告设计中,大部分设计者的灵感往往来源于我国历史悠久的传统文化。因此,广告设计应该走民族化发展的道路,植根于传统文化的土壤中,吸收传统文化的精华,并在此基础上对文化精髓进行创造性的转化,在广告设计中既体现出传统文化的民族性还得体现出其时代性。 关键词:广告设计;传统文化;民族性;时代 一、引言 世界的全球化带来了社会的现代化及信息化,广告已逐渐深入我们的日常生活,渐渐地影响着我们的生活国内国外错综复杂的思潮不断涌入。给广告设计带来契机的同时,也带来了前所未有的冲击。当今,如何将民族传统文化与广告设计相融合,是对本土设计者的重大考验。通过浏览近代的广告设计作品可以发现,其中不少能称之为经典,就是基于这些作品在某种程度上结合了传统文化中的一些审美因素。这些经典作品不仅体现了广告设计的观点及潮流的变化,还反映出民族历史文化的审美倾向,彰显出传统文化和现代广告设计向融合的艺术魅力。 二、广告设计总的民族传统文化因素 民族传统文化就如营养成分一样,不断滋润并支撑着广告设计,而设计师们不断的从传统文化中吸取营养,获得知识,最大化地发挥他们的设计才能,从而更好的为商品服务。一个好的设计和创意,可以直接缩短设计师和顾客的距离。从文化入手,用文化来充实,深刻掌握民族的特征,让设计的作品充满深厚的文化底蕴并具有宽广的发展空间,广告设计中通常渗透一个“意”字,并体现出传统文化的魅力。只有巧妙完美地将传统文化与广告设计结合在一起,才能映射出中国文化独有的审美韵味及时代感。 三、广告设计与民族文化的关系 (一)广告设计对民族图案再生性的运用 在广告设计中,可以对一些图案和色彩的搭配进行再生,从而在继承民族文化的优点同时又创造出新的东西,这样就可以和时代实现完美接轨。广告设计的创新即是对民族文化特点的发展和传承,我国各个民族都有其自身的特征,诸如:藏族人的豪放、傣族人的温柔善良、哈尼族人的热情、独龙族的严谨沉稳等等,在广告设计中都可以利用这些特点进行广告创意。中国的传统文化源远流长,设计师们要想将民族文化象征符号在广告设计中进行延伸发展,就必须在理解的基础上对民族文化象征符号进行在创造。通过提炼民族艺术风格元素,将其巧妙合理的用在形式美的法则中,进而设计出既有民族风格又有时代感的作品。 (二)民族传统文化使得广告设计产品更受广大群众的青睐 由于国内外文化的相互渗透,不同思潮的不断出现,在某种程度上改变了人们的价值观念和思维模式。尽管广告设计受到了新思潮的冲击,但是人们并没有丢弃传统文化,我国五千年的文明文化仍然在影响着人们的思维。所以,彰显传统文化的广告设计相对可以更好的吸引观众的眼球,也在一定程度上更加符合人们的文化品位和风俗习惯。民族文化使得广告设计产品更加具有说服力、影响力及艺术魅力。所以,如何更好地把民族传统文化广泛的运用于广告设计中,这是我们设计师的最终目标和不懈的追求。在一方面,广告能够长期生存的关键在于其能否打动人心并得到广大群众的认可。这样就需要广告在构思上具有一定的文化底蕴,能够触动人们的心弦,进而使他们产生共鸣之处。广告设计采取各种行为来表达商品的内涵,且通过视觉引起居民的关注,最终实现其目的――购买。成设计产品能够成功的重要决定因素便是安排好民族文化在广告设计中的角色,并巧妙地凝练出文化的精华部分。在广告设计中融合民族文化,不仅能减少广告设计中的商业气息,而且还增加了其自身的品位,从而增强了广告作品的表现力和艺术魅力。 四、总结 在经济全球化的大背景下,随着传统文化成为广告设计的生存基石,我们必须注重积淀传统文化的价值,发扬中国优良的传统文化。要想实现广告设计的完美精致,设计师必须有效吸收传统文化,并将历史的底蕴和悠久文化运用于广告设计中。这样不仅能映射出我国神秘的东方文化底蕴,而且还能与国际进行沟通和传播。因此,我们需要找到我们自己的新形象,走向世界,使得传统文化符号在广告中体现出民族性、时代性及世界性,进而促进社会主义和谐社会的建设和发展。 作者简介: 李敏,男,江西赣州人,江西理工大学应用科学学院助教,研究方向:视觉传达。
戏曲有着深厚的中华民族文化底蕴,蕴藏着中华民族的优秀价值,是中华民族宝贵的精神支柱,为发扬我国传统艺术,落实“弘扬传统民族音乐”理念,在各个学段的音乐教材中都穿插着戏曲教学内容。戏曲教学内容在音乐教材中相对独立,同时又是多领域的综合教学。小学音乐课程的教学中“戏曲课”作为既能向学生传递传统音乐知识又能培养学生综合性音乐感官的一种课程,是非常有必要进行深入实践与探究的。 一、小学音乐“戏曲课”教学模式的目标及内容结构 (一)小学音乐“戏曲课”教学模式的目标 戏曲教学内容在每一个学龄阶段针对学生的接受能力、理解能力、学习能力都有不同层次的教学安排。然而在实际教学中,大部分音乐教师并没有根据学生学龄阶段的不同进行不同模式的音乐教学,这就导致了小学学生因为教学模式的不适宜对戏曲课程理解不了或根本没有兴趣。因为小学生学习音乐的目标是多听、多唱、多动,通过身体的感知能力,积累感官的音乐经验,因此应针对小学生的特点创立独特的戏曲课教学模式,使学生对戏曲感兴趣丰富学生的感官达到理解教学内容为目标。 (二)小学音乐“戏曲课”教学模式的内容结构 一般音乐课程教学内容结构是从音乐的整体出发,按照其内容的分类逐一为学生讲解。以“京剧”教学为例:学生要学习京剧的主要构成,京剧的唱腔、念白,京剧的表演特点、音乐以及京剧的舞台美术。这种模式虽然课堂内容丰富,知识结构完整,但对于小学学生来说一方面缺少趣味性无法让学生专注课堂,另一方面课堂信息量比较大,学生无法理解消化知识。因此针对小学学生戏曲课应以一个经典的戏曲表演片段作为主要教学材料,以片段为优秀,辐射相关的戏曲知识,学生通过学习一段表演来了解一个戏曲剧种,知道一部经典剧目,了解到相关的戏曲知识。以教学豫剧《花木兰》为例,教师可以选择一个唱段如经典的《谁说女子不如男》为主要的教学内容,目标是教学生有韵味的演唱这一段唱腔,同时引申出豫剧的主要概况,学生就能够非常深刻的感知豫剧这一剧种。 二、小学音乐“戏曲课”模式的策略及建议 (一)以模仿的形式进行表演模式的教学 在小学学生这个学龄阶段,应针对学生的好动、爱模仿这些特点进行戏曲课的教学,让学生在模仿某一戏曲片段来学习教材内容。小学戏曲音乐的教学是以点带面的教学模式,从简单的一个主体任务来引申到其他方面。因为教学内容化繁为简,那么就要提高教学的质量。如果一节课的主要内容是模仿一段简单的选段的唱腔那么学生就应该在学习的过程中唱出这一剧种的韵味,这样才能提高课堂的教学质量。由于戏曲唱腔不同于一般的歌曲,有很多的行腔韵味,只有通过模仿才能学到其中的精髓,所以教师的范唱非常重要,在教唱中充分发挥自己专业特长,用直观、形象的教学法吸引学生,在示范的时候需要突出韵味细节适当的夸张,学生才能关注到唱腔的重点。以《谁说女子不如男》为例,从河南方言的感受模仿入手,带领学生进行豫剧唱腔的学习,当老师教唱时,学生在充满期待的同时都会报以热烈的掌声。表演形式的范唱往往能达到事半功倍的教学成效,一方面能够调动学生的学习兴趣,另一方面学生能抓住咬字行腔特点,并很快掌握其中演唱方法,且能完整地唱好它。 (二)戏曲知识教学应化繁为简注重趣味性 虽然小学音乐的教学可以利用由点及面的教学模式,但是戏曲的相关知识也是教学的一部分内容,教学内容要根据学生的兴趣点进行化繁为简。因为小学学生接受知识能力有限,不能根据学生的教材一味地灌输知识点,要结合学生的兴趣对教材进行筛选,这样学生对知识点的认知更加清晰。另一方面在为学生介绍戏曲剧情时,需要教师深入浅出的为学生进行讲解,尤其是古代戏剧,剧情曲折脱离现代思维,比如古代的价值观、古代的社会现象等,这些都是学生无法理解的东西,所以教师在教学时应对教材进行现代化、减龄化还有趣味化的处理。例如,湖南省教研员薛晖推广的《动漫京剧》系列就深受广大师生的喜爱,采用动漫的方式来讲解京剧剧情,激发学生对戏曲的兴趣。这种模式的讲解剧情就是抓住了学生爱听故事的特性,用诙谐有趣的方法寓教于乐。举个例子,可以在执教京剧《三岔口》一课时,可以先让学生观看《三岔口》的舞台表演片段,初步接触剧中的主要人物,在让学生观看《三岔口》有关的《动漫京剧》可以引起学生的兴趣,然后在教授一段京剧唱腔,通过这些可以穿插一些京剧的知识,这样一堂生动的戏曲课就完整了。 (三)提高教师的戏曲修养 由于戏曲只是音乐教学的一小部分,所以大部分学校的音乐老师并没有对戏剧有非常专业的学习。那么就导致教师在教授戏曲课程时基本是按照课本的流程来讲解戏曲,因为自身对戏曲知识缺乏导致课堂枯燥乏味,所以教师应提高自身的戏剧修养,才能做到在向学生输出知识时胸有成竹。总而言之要使学生热爱戏剧、表现戏剧、理解戏曲并参与到戏曲课堂中,其中教师的引导起了决定性的作用,假如教师具有一定的戏曲修养和基本功底,那么其“戏曲课”也必定更具魅力,戏曲教学需要教师能够带动课堂气氛,并充分利用新颖的模式激起学生对戏曲的浓厚兴趣。当然,戏曲教学不能仅仅追求学唱层面,我们更应关注的应该是该课程蕴含的人文价值。作为中华民族艺术精华的一部分,每一位教师都有责任将其传承下去,小学音乐课程中的戏曲课程需要针对学生的特性制定其模式,让学生更好地接受、喜爱、理解戏曲,通过由点及面的模式让学生能更好地理解戏曲,并让学生在模仿中得到感悟,让学生通过模仿产生兴趣并辐射到戏曲知识的教学,基于此,小学音乐教师自身的戏曲修养也需要不断地提高,通过不断积累,总结教学经验,将戏曲教学切实融入音乐教育体系之中。 参考文献: [1]何艳.链接戏曲艺术点亮小学音乐课堂[J].中华少年,2018(03):87. [2]陈楚阳.小学音乐戏曲鉴赏创新设计[J].知识窗(教师版),2017(08):79. [3]陈晶.巧用戏曲点亮小学音乐课堂[J].科教导刊-电子版(下旬),2018(2):108. 作者简介:洪琳璟,福建省漳州市,漳浦县实验小学。
海报设计论文:海报设计论文 (一)民族文化的传承与海报设计 中华民族的文化艺术是一座蕴藏丰富的宝库,对海报设计有着深刻的启迪与借鉴作用。面对丰富的民族文化资源,我们可以多层次、多角度的进行再认识、再发掘。 1.从艺术手法方面借鉴。 中国五千年文明的发展,无论是宫廷美术还是民间美术,无论是文人画还是宗教画,经过历代的画家、艺人、工匠的创作实践,积累了大量丰富多样的艺术表现手法和表现形式。从新石器时代的彩陶到殷商时期的青铜,从战国时期的器皿、帛画到汉代的雕塑画像石,从唐宋的绘画到明清的瓷器,以及民间广为流传的剪纸、木版年画、建筑、纹饰、戏装、面具等等,充分体现了或恢弘灵巧,或简约或精致,或工整或粗放或热烈或娟秀,或质朴或奢华等多种手法。无论是逸笔草草的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案;无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画,这一切无不为现在海报设计提供着丰富的表现形式和图式语言。靳埭强为日本“自在”纸坊创作的一种具有中国文化特色的海报,在纸纹上运用了传统手造纸的毛边,宣纸竹纹变化构成中国山水自然绘画意境疏散的意象,表现了中国人文性情无束,悠然自得的生活态度,整幅海报制作结合中国传统艺术表现手法,把作品风格淋漓尽致突显。对于今天机械工具,电脑技术带来的表现手法单调划一的理性倾向,传统民族艺术表现手法对于现代手段与智灵手法的协调,发挥重要的平衡作用。 2.从图像元素方面借鉴。 中华民族文化艺术在经过漫长的历史凝炼后,逐步形成各具典型文化内涵的图形和纹饰。他们包括人物、植物、动物、图腾、几何符号等形式在内的图像,以及一些流传广泛的典故、成语、传说中的人物、景物,一些约定俗成的事物及组合。如梅竹松岁寒三友象征坚贞的友谊,三羊开泰象征吉祥如意,莲花与鱼寓意“连年有余”,喜鹊与梅花寓意“喜上眉梢”等。这些乡土味浓郁的图像元素是民族文化的重要组成部分,正如张道一先生指出的“民间艺术是一种本元文化”,如果将这些富有民族形式特征的元素有机的组合到现代海报设计中,无疑会给单调枯燥的现代设计风格带来一股清新的空气。 如韩秉华把冰裂纹(开片)结合汉字引用与“苏州印象”海报作为创意概念。开片纹图案窗格及“三点水”的笔法,组成“州”字的主体,并突出“姑苏城外寒山寺”牌匾中的“苏”字以展示苏州。背景衬以山水影波光和一叶小舟的照片,并以黑色和银色印刷,展现了中国艺术古朴淡雅的诗般意境。 3.从思维方面借鉴 中国传统文化中整体的、辨证的、因果循环的思维方式,强调事物各方面辨证统一和相互间的联系,其思维过程重综合、重归纳。反映在自然观上,强调“天人合一”,“浑然天成”,“物我不分”和“因势就成”。其思想发轫于先秦的道家,儒家以及禅宗理念,是原始朴质的混沌思维方法论的基本优秀。中国特有的思维方式,为现代科学技术解开某些知识密码提供了科学辨证的有力思想武器。现代科学的三大发现——量子力学,相对论和混沌论中所包含的概念和思维方法,与中国民族文化中所蕴含的注重整体、和谐、相对、转化的传统思想方式相当吻合。中国的绘画理论和设计原理与这种思维方式有着密切的渊源关系,古代太极图中的阴阳回转,青铜器纹饰的抽象多义,国画中大写意虚实相生中无不透出这种思维方式的精髓。我们知道思维方式转化到海报设计上,往往促成创意的产生,它是人所共知的潜意识中存在的思想意念。一个好的思维意念的生成,能够超越任何阻碍人类之间相互交流的因素,达到更高层次的彼此交流,它是使“中国海报设计”登向国际设计舞台的不可或缺的条件之一。我们的设计师在进行海报设计时,能够把作品的创作思维糅合到中华民族传统的自然观、哲学、思维方式中,往往会有意想不到的效果产生。 二)民族传统文化与当代海报设计 中西文化的互动和双赢,成为世界多元文化格局发展的必然趋势。海报设计要根植于本土文化精华的土壤中,深入领悟传统中的“中国特性”,汲取外来优秀的意识、方法、兼收并蓄,融会贯通,做到既有自己的独到之处,又不落后于国际潮流的设计理念与实践体系。 1.对民族文化精髓的创造性转化 对我国的民族文化,即要发掘出其中蕴藏的丰富资源,又要看到其中存在的不是和缺憾,在进行海报设计时,要活学活用。很多设计师还存有“借古人以自重”的倾向,认为套几件古装或搬出典故神话就是弘扬民族文化,设计就有了文化内涵,殊不知这恰恰是远离文化的一种流于表面的吸收,刻意模仿穿衣戴帽的行为表现。 那么如何在海报设计中将民族性与时代性创造性相结合,是体现其本土文化设计的关键之一。我们认为,首要的就是将中国文化传统中视觉的符号和价值系统加以改造,使这些符号与价值系统变成有利与时代变迁的种子,根植于国人心中,使其保持文化的认同。因此,我们所要努力把握的不仅是形式与内容,更重要的是抓住中国传统视觉符号所蕴含的精神方式与审美内涵,并自然地将它转化到我们当代的海报设计之中,亦即将传统文化符号转化为现代视觉语言。例如余秉楠1995年创作的《海峡两岸一家亲》是为台湾印象海报会设计的“汉字”海报。作品选用了最古的篆字“家”,家是屋顶下的猪,一个多么美好的形象,多么安定和幸福的家庭,它虽然经历长期的形制更叠,繁衍出行,仍离不开造字的初衷,隐喻出海峡两岸一家亲的主题。刘小康设计的《新北京,新奥运》,背景是北京故宫九龙壁中的一条栩栩如生,威武动感,再加上一个跑步人形及科技感的线条造型,重叠龙形和人形,把传统文化,现代思维和运动精神结合起来,表达新时代北京的气象,还有很多成功作品,陈幼坚1987年设计的《Hello香港》,李永铨1993年设计的《现代香港设计师八人展——八仙过海》海报等等,都是从视觉文化的角度来重新看待中国传统视觉符号,深化了对中国传统文化精髓的把握,这对于发现具有新时期民族特色的海报设计艺术具有启发的意义。 2.“全球化”中的现代中国海报设计 在全球一体化的今天,海报作为信息与观念交流的载体,成为人们生活中不可缺少的成分,一个成功的海报设计应将不同地区,不同文化背景的人的共通性意念,通过图形文化方式表现出来,以求人们免去因文化、地域、语言、种族等,使人类交流产生阻碍的因素,通过视觉图形而达到心灵之间的直接沟通。 真正理想的“现代海报设计”,应该更多是一种融古通今,关怀人性的思考方式,是多种文化并存,是人与自然协调的“现代化”的体现,是庄子所畅想的“天地与我并生,万物与我为一”的人生境界。当然,对传统的珍视,并不是一味的沉溺与审美的情感体验,我们所希冀的中国海报设计是在理性秩序下借西学之风,熔铸古代传统,培育拥护中国的文化生命的强大力量,而不是盲目裁切我们古代图形中的优秀片段,凭空移植外来文化。“民族的才是国际的”,把海报设计穿上民族的盛装,让它在世界各种文化的击撞中接受挑战,汲取营养。 (三):结束语 面对“西方文化”的强势入侵,我们的文化艺术也必然受到前所未有的挑战。“与狼共舞”并不可怕,相反,每一次异质文化与中国民族文化的交融,都将会带来民族文化质的飞跃。面对设计全球化的浪潮,思想的贫瘠和信念的过失将成为每一位海报设计师共同的劲敌。因此,在这片具有悠久灿烂文化史的土壤中,我们的海报设计师要“善学邯郸,不失故步。中西结合,以中为主,源流结合。以源为主,形成民族个性,这样我们的民族文化将得以不断传承,我们的海报设计艺术在本土化的土壤里也必定大放异彩。 在设计国际化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言的失语视觉现象非常突出。 摘要:在设计国际化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言的失语视觉现象非常突出。作为当今社会人与人交流载体的海报设计,要走出一条“民族个性”的道路,就必须根植于民族文化土壤中,向传统学习,并进行具有创造性的转化,使传统文化符号在当代海报设计中既具有“民族个性”又有“时代性”,这样,我们海报设计才能真正走“国际化”。 关键词:传统民族文化海报设计本土化国际化 视觉传达设计是一种以“图”作为信息载体的艺术,也是与传播相结合的设计艺术形式。其中海报便是一种非同寻常的充满信息与传达的交流载体,它往往可以不通过文字的阅读或提示,让人们一目了然地快速识别图形中所传达的内容和含义。德国设计大师皮尔·门德尔认为:“海报不仅是为了引起人们的关注和理解,而且更是一种美的语言,它映射出一个国家的民族传统与社会文化。” 然而,在全球化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言“失语”现象非常突出。世界设计的大同之日就是它的末日到来之时。当设计失去了民族个性时,不仅达到“世界水平”的目标无法实现,实际上也正在迈向衰败的道路。真正的“中国设计”应该是试图去发现一种既根植于我们民族的本土性又对整个当代设计语言有意义的东西。一个好的海报应该是在寻找表现某种可以识别、分析、解读我们的传统艺术中渗透的我们民族的智慧、意境、精神的“中国特性”。我们要为“中国设计”寻觅正确的方向,也为国际海报艺术设计的丰富性提供来自把握们本土的智慧和想象力。 海报设计论文:海报设计的研究论文 摘要:在设计国际化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言的失语视觉现象非常突出。作为当今社会人与人交流载体的海报设计,要走出一条“民族个性”的道路,就必须根植于民族文化土壤中,向传统学习,并进行具有创造性的转化,使传统文化符号在当代海报设计中既具有“民族个性”又有“时代性”,这样,我们海报设计才能真正走“国际化”。 关键词:传统民族文化海报设计本土化国际化 视觉传达设计是一种以“图”作为信息载体的艺术,也是与传播相结合的设计艺术形式。其中海报便是一种非同寻常的充满信息与传达的交流载体,它往往可以不通过文字的阅读或提示,让人们一目了然地快速识别图形中所传达的内容和含义。德国设计大师皮尔·门德尔认为:“海报不仅是为了引起人们的关注和理解,而且更是一种美的语言,它映射出一个国家的民族传统与社会文化。” 然而,在全球化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言“失语”现象非常突出。世界设计的大同之日就是它的末日到来之时。当设计失去了民族个性时,不仅达到“世界水平”的目标无法实现,实际上也正在迈向衰败的道路。真正的“中国设计”应该是试图去发现一种既根植于我们民族的本土性又对整个当代设计语言有意义的东西。一个好的海报应该是在寻找表现某种可以识别、分析、解读我们的传统艺术中渗透的我们民族的智慧、意境、精神的“中国特性”。我们要为“中国设计”寻觅正确的方向,也为国际海报艺术设计的丰富性提供来自把握们本土的智慧和想象力。 (一)民族文化的传承与海报设计 中华民族的文化艺术是一座蕴藏丰富的宝库,对海报设计有着深刻的启迪与借鉴作用。面对丰富的民族文化资源,我们可以多层次、多角度的进行再认识、再发掘。 1.从艺术手法方面借鉴。 中国五千年文明的发展,无论是宫廷美术还是民间美术,无论是文人画还是宗教画,经过历代的画家、艺人、工匠的创作实践,积累了大量丰富多样的艺术表现手法和表现形式。从新石器时代的彩陶到殷商时期的青铜,从战国时期的器皿、帛画到汉代的雕塑画像石,从唐宋的绘画到明清的瓷器,以及民间广为流传的剪纸、木版年画、建筑、纹饰、戏装、面具等等,充分体现了或恢弘灵巧,或简约或精致,或工整或粗放或热烈或娟秀,或质朴或奢华等多种手法。无论是逸笔草草的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案;无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画,这一切无不为现在海报设计提供着丰富的表现形式和图式语言。靳埭强为日本“自在”纸坊创作的一种具有中国文化特色的海报,在纸纹上运用了传统手造纸的毛边,宣纸竹纹变化构成中国山水自然绘画意境疏散的意象,表现了中国人文性情无束,悠然自得的生活态度,整幅海报制作结合中国传统艺术表现手法,把作品风格淋漓尽致突显。对于今天机械工具,电脑技术带来的表现手法单调划一的理性倾向,传统民族艺术表现手法对于现代手段与智灵手法的协调,发挥重要的平衡作用。 2.从图像元素方面借鉴。 中华民族文化艺术在经过漫长的历史凝炼后,逐步形成各具典型文化内涵的图形和纹饰。他们包括人物、植物、动物、图腾、几何符号等形式在内的图像,以及一些流传广泛的典故、成语、传说中的人物、景物,一些约定俗成的事物及组合。如梅竹松岁寒三友象征坚贞的友谊,三羊开泰象征吉祥如意,莲花与鱼寓意“连年有余”,喜鹊与梅花寓意“喜上眉梢”等。这些乡土味浓郁的图像元素是民族文化的重要组成部分,正如张道一先生指出的“民间艺术是一种本元文化”,如果将这些富有民族形式特征的元素有机的组合到现代海报设计中,无疑会给单调枯燥的现代设计风格带来一股清新的空气。 如韩秉华把冰裂纹(开片)结合汉字引用与“苏州印象”海报作为创意概念。开片纹图案窗格及“三点水”的笔法,组成“州”字的主体,并突出“姑苏城外寒山寺”牌匾中的“苏”字以展示苏州。背景衬以山水影波光和一叶小舟的照片,并以黑色和银色印刷,展现了中国艺术古朴淡雅的诗般意境。 3.从思维方面借鉴 中国传统文化中整体的、辨证的、因果循环的思维方式,强调事物各方面辨证统一和相互间的联系,其思维过程重综合、重归纳。反映在自然观上,强调“天人合一”,“浑然天成”,“物我不分”和“因势就成”。其思想发轫于先秦的道家,儒家以及禅宗理念,是原始朴质的混沌思维方法论的基本优秀。中国特有的思维方式,为现代科学技术解开某些知识密码提供了科学辨证的有力思想武器。现代科学的三大发现——量子力学,相对论和混沌论中所包含的概念和思维方法,与中国民族文化中所蕴含的注重整体、和谐、相对、转化的传统思想方式相当吻合。中国的绘画理论和设计原理与这种思维方式有着密切的渊源关系,古代太极图中的阴阳回转,青铜器纹饰的抽象多义,国画中大写意虚实相生中无不透出这种思维方式的精髓。我们知道思维方式转化到海报设计上,往往促成创意的产生,它是人所共知的潜意识中存在的思想意念。一个好的思维意念的生成,能够超越任何阻碍人类之间相互交流的因素,达到更高层次的彼此交流,它是使“中国海报设计”登向国际设计舞台的不可或缺的条件之一。我们的设计师在进行海报设计时,能够把作品的创作思维糅合到中华民族传统的自然观、哲学、思维方式中,往往会有意想不到的效果产生。(二)民族传统文化与当代海报设计 中西文化的互动和双赢,成为世界多元文化格局发展的必然趋势。海报设计要根植于本土文化精华的土壤中,深入领悟传统中的“中国特性”,汲取外来优秀的意识、方法、兼收并蓄,融会贯通,做到既有自己的独到之处,又不落后于国际潮流的设计理念与实践体系。 1.对民族文化精髓的创造性转化 对我国的民族文化,即要发掘出其中蕴藏的丰富资源,又要看到其中存在的不是和缺憾,在进行海报设计时,要活学活用。很多设计师还存有“借古人以自重”的倾向,认为套几件古装或搬出典故神话就是弘扬民族文化,设计就有了文化内涵,殊不知这恰恰是远离文化的一种流于表面的吸收,刻意模仿穿衣戴帽的行为表现。 那么如何在海报设计中将民族性与时代性创造性相结合,是体现其本土文化设计的关键之一。我们认为,首要的就是将中国文化传统中视觉的符号和价值系统加以改造,使这些符号与价值系统变成有利与时代变迁的种子,根植于国人心中,使其保持文化的认同。因此,我们所要努力把握的不仅是形式与内容,更重要的是抓住中国传统视觉符号所蕴含的精神方式与审美内涵,并自然地将它转化到我们当代的海报设计之中,亦即将传统文化符号转化为现代视觉语言。例如余秉楠1995年创作的《海峡两岸一家亲》是为台湾印象海报会设计的“汉字”海报。作品选用了最古的篆字“家”,家是屋顶下的猪,一个多么美好的形象,多么安定和幸福的家庭,它虽然经历长期的形制更叠,繁衍出行,仍离不开造字的初衷,隐喻出海峡两岸一家亲的主题。刘小康设计的《新北京,新奥运》,背景是北京故宫九龙壁中的一条栩栩如生,威武动感,再加上一个跑步人形及科技感的线条造型,重叠龙形和人形,把传统文化,现代思维和运动精神结合起来,表达新时代北京的气象,还有很多成功作品,陈幼坚1987年设计的《Hello香港》,李永铨1993年设计的《现代香港设计师八人展——八仙过海》海报等等,都是从视觉文化的角度来重新看待中国传统视觉符号,深化了对中国传统文化精髓的把握,这对于发现具有新时期民族特色的海报设计艺术具有启发的意义。 2.“全球化”中的现代中国海报设计 在全球一体化的今天,海报作为信息与观念交流的载体,成为人们生活中不可缺少的成分,一个成功的海报设计应将不同地区,不同文化背景的人的共通性意念,通过图形文化方式表现出来,以求人们免去因文化、地域、语言、种族等,使人类交流产生阻碍的因素,通过视觉图形而达到心灵之间的直接沟通。 真正理想的“现代海报设计”,应该更多是一种融古通今,关怀人性的思考方式,是多种文化并存,是人与自然协调的“现代化”的体现,是庄子所畅想的“天地与我并生,万物与我为一”的人生境界。当然,对传统的珍视,并不是一味的沉溺与审美的情感体验,我们所希冀的中国海报设计是在理性秩序下借西学之风,熔铸古代传统,培育拥护中国的文化生命的强大力量,而不是盲目裁切我们古代图形中的优秀片段,凭空移植外来文化。“民族的才是国际的”,把海报设计穿上民族的盛装,让它在世界各种文化的击撞中接受挑战,汲取营养。 (三):结束语 面对“西方文化”的强势入侵,我们的文化艺术也必然受到前所未有的挑战。“与狼共舞”并不可怕,相反,每一次异质文化与中国民族文化的交融,都将会带来民族文化质的飞跃。面对设计全球化的浪潮,思想的贫瘠和信念的过失将成为每一位海报设计师共同的劲敌。因此,在这片具有悠久灿烂文化史的土壤中,我们的海报设计师要“善学邯郸,不失故步。中西结合,以中为主,源流结合。以源为主,形成民族个性,这样我们的民族文化将得以不断传承,我们的海报设计艺术在本土化的土壤里也必定大放异彩。 海报设计论文:海报设计技法论文 这是一种最常见的运用十分广泛的表现手法。它将某产品或主题直接如实地展示在广告版面上,充分运用摄影或绘画等技巧的写实表现能力。细臻刻划和着力渲染产品的质感、形态和功能用途,将产品精美的质地引人入胜地呈现出来,给人以逼真的现实感,使消费者对所宣传的产品产生一种亲切感和信任感。 这种手法由于直接将产品推向消费者面前,所以要十分注意画面上产品的组合和展示角度,应着力突出产品的品牌和产品本身最容易打动人心的部位,运用色光和背景进行烘托,使产品置身于一个具有感染力的空间,这样才能增强广告画面的视觉冲击力。 突出特征法 运用各种方式抓住和强调产品或主题本身与众不同的特征,并把它鲜明地表现出来,将这些特征置于广告画面的主要视觉部位或加以烘托处理,使观众在接触言辞画面的瞬间即很快感受到,对其产生注意和发生视觉兴趣,达到刺激购买欲望的促销目的。 在广告表现中,这些应着力加以突出和渲染的特征,一般由富于个性产品形象与众不同的特殊能力、厂商的企业标志和产品的商标等要素来决定。 突出特征的手法也是我们常见的运用得十分普遍的表现手法,是突出广告主题的重要手法之一,有着不可忽略的表现价值 对比衬托法 对比是一种趋向于对立冲突的艺术美中最突出的表现手法。它把作品中所描绘的事物的性质和特点放在鲜明的对照和直接对比中来表现,借彼显此,互比互衬,从对比所呈现的差别中,达到集中、简洁、曲折变化的表现。通过这种手法更鲜明地强调或提示产品的性能和特点,给消费者以深刻的视觉感受。 作为一种常见的行之有效的表现手法,可以说,一切艺术都受惠于对比表现手法。对比手法的运用,不仅使广告主题加强了表现力度,而且饱含情趣,扩大了广告作品的感染力。对比手法运用的成功,能使貌似平凡的画面处理隐含着丰富的意味,展示了广告主题表现的不同层次和深度。 合理夸张法 借助想象,对广告作品中所宣传的对象的品质或特性的某个方面进行相当明显的过份夸大,以加深或扩大这些特征的认识。文学家高尔基指出:“夸张是创作的基本原则。”通过这种手法能更鲜明地强调或揭示事物的实质,加强作品的艺术效果。 夸张是一般中求新奇变化,通过虚构把对象的特点和个性中美的方面进行夸大,赋予人们一种新奇与变化的情趣。 按其表现的特征,夸张可以分为形态夸张和神情夸张两种类型,前者为表象性的处理品,后者则为含蓄性的情态处理品。通过夸张手法的运用,为广告的艺术美注入了浓郁的感情色彩,使产品的特征性鲜明、突出、动人。 以小见大法 在广告设计中对立体形象进行强调、取舍、浓缩,以独到的想象抓住一点或一个局部加以集中描写或延伸放大,以更充分地表达主题思想。这种艺术处理以一点观全面,以小见大,从不全到全的表现手法,给设计者带来了很大的灵活性和无限的表现力,同时为接受者提供了广阔的想象空间,获得生动的情趣和丰富的联想。 以小见大中的“小”,是广告画面描写的焦点和视觉兴趣中心,它既是广告创意的浓缩和生发,也是设计者匠心独具的安排,因面它已不是一般意义的“小”,而是小中寓大,以小胜大的高度提炼的产物,是简洁的刻意追求 运用联想法 在审美的过程中通过丰富的联想,能突破时空的界限,扩大艺术形象的容量,加深画面的意境。 通过联想,人们在审美对象上看到自己或与自己有关的经验,美感往往显得特别强烈,从而使审美对象与审美国微软公司者融合为一体,在产生联想过程中引发了美感共鸣,其感情的强度总是激烈的、丰富的。 富于幽默法 幽默法是指广告作品中巧妙地再现喜剧性特征,抓住生活现象中局部性的东西,通过人们的性恪、外貌和举止的某些可笑的特征表现出来。 幽默的表现手法,往往运用饶有风趣的情节,巧妙的安排,把某种需要肯定的事物,无限延伸到漫画的程度,造成一种充满情趣,引人发笑而又耐人寻味的幽默意境。幽默的矛盾冲突可以达到出乎意料之外,又在情理之中的艺术效果,勾引起观赏者会心的微笑,以别具一格的方式,发挥艺术感染力的作用。 借用比喻法 比喻法是指在设计过程中选择两个在本拷贝各不相同,而在某些方面又有些相似性的事物,“以此物喻彼物”,比喻的事物与主题没有直接的关系,但是某一点上与主题的某些特征有相似之处,因而可以借题发挥,进行延伸转化,获得“婉转曲达”的艺术效果。 与其它表现手法相比,比喻手法比较含蓄隐伏,有时难以一目了然,但一旦领会其意,便能给一以意味无尽的感受。 以情托物法 艺术的感染力最有直接作用的是感情因素,审美就是主体与美的对象不断交流感情产生共鸣的过程。艺术有传达感情的特征,“感人心者,莫先于情”这句话已表明了感情因素在艺术创造中的作用,在表现手法上侧重选择具有感情倾向的内容,以美好的感情来烘托主题,真实而生动地反映这种审美感情就能获得以情动人,发挥艺术感染人的力量,这是现代广告设计的文学侧重和美的意境与情趣的追求。 悬念安排法 在表现手法上故弄玄虚,布下疑阵,使人对广告画面乍看不解题意,造成一种猜疑和紧张的心理状态,在观众的心理上掀起层层波澜,产生夸张的效果,驱动消费者的好奇心和强烈举动,开启积极的思维联想,引起观众进一步探明广告题意之所在强烈愿望,然后通过广告标题或正文把广告的主题点明出来,使悬念得以解除,给人留下难忘的心理感受。 悬念手法有相当高的艺术价值,它首先能加深矛盾冲突,吸引观众的兴趣和注意力,造成一种强烈的感受,产生引人入胜的艺术效果。 选择偶像法 在现实生活中,人们心里都有自己崇拜、仰慕或效仿的对象,而且有一种想尽可能地向他靠近的心理欲求,从而获得心理上的满足。这种手法正是针对人们的这种心理特点运用的,它抓住人们对名人偶像仰慕的心理,选择观众心目中崇拜的偶像,配合产品信息传达给观众。由于名人偶像有很强的心理感召力,故借助名人偶像的陪衬,可以大大提高产品的印象程度与销售地位,树立名牌的可信度,产生不可言喻的说服力,诱发消费者对广告中名人偶像所赞誉的产品的注意激发起购买欲望。偶像的选择可以是柔美风流的超级女明星,气质不凡举世闻名的男吸星;也可以是驰名世界体坛的男女高手,其它的还可以选择政界要人、社会名流、艺术大师、战场英雄、俊男美女等。偶像的选择要与广告的产品或劳务在品格上相吻合,不然会给人牵强附会之感,使人在心理上予以拒绝,这样就不能达到预期的目的。 谐趣模仿法 这是一种创意的引喻手法,别有意味地采用以新换旧的借名方式,把世间一般大众所熟悉的名画等艺术品和社会名流等作为谐趣的图像,经过巧妙的整形履行,使名画名人产生谐趣感,给消费者一种崭新奇特的视觉印象和轻松愉快的趣味性,以其异常、神秘感提高广告的诉耱效果,增加产品身价和注目度。 这种表现手法将广告的说服力,寓于一种近乎漫画化的诙谐情趣中,使人赞叹,令您发笑,让您过目不忘,留下饶有奇趣的回味。 神奇迷幻法 运用畸形的夸张,以无限丰富的想象构织出神话与童话般的画面,在一种奇幻的情景中再现现实,造成与现实生活的某种距离,这种充满浓郁浪漫主义,写意多于写实的表现手法,以突然出现的神奇的视觉感受,很富于感染力,给人一种特殊的美感受,可满足人们喜好奇异多变的审美情趣的要求。 在这种表现手法中艺术想象很重要,它是人类智力发达的一个标志,干什么事情都需要想象,艺术尤其这样。可以毫不夸张地说,想象就艺术的生命。 从创意构想开始直到设计结束,想象都在活跃地进行。想象的突出特征,是它的创造性,创造性的想象是新的意蕴的挖掘开始,是新的意象的浮现展示。它的基本趋向是对联想所唤起的经验进行改造,最终构成带有审美者独特创造的新形象,产生强烈打坳人心的力量。 连续系列法 通过连续画面,形成一个完整的视觉印象,使通过画面和文字传达的广告信息十分清晰、突出、有力。 广告画面本身有生动的直观形象,多次反复的不断积累,能加深消费者对产品或劳务的印象,获得好的宣传效果,对扩大销售,树立名牌,刺激购买欲增强竞争力有很大的作用。对于作为设计策略的前提,确立企业形象更有不可忽略的重要作用。 作为设计构成的基础,形式心理的把握是十分重要的,从视觉心理来说,人们厌弃单调划一的形式,追求多样变化,连续系列的表现手法符合“寓多样于统一之中”这一形式美的基本法则,使人们于“同”中见“异”,于统一中求变化,形成既多样又统一,既对比又和谐的艺术效果,加强了艺术感染力。 海报设计论文:电影海报设计管理论文 摘要:本文着力探讨在不同文化背景中电影海报所呈现的民族性问题,以及设计师如何受到传统文化影响,进而在电影海报中体现出鲜明的民族性倾向。而电影海报设计师只有立足文化传统并挣脱其束缚,方能在中西文化之间达到完善自身的终极目的! 关键词:电影海报,设计,文化背景,民族性 世界电影自诞生之日已有百余年历史,“电影海报同月份牌、年画、宣传画一样可统称为招贴画,也可称为电影宣传画。一般张贴于影剧院、广告栏或是张贴在大街马路等公共场所。”电影海报属于平面广告设计,其作用在于推销电影内容,在颇具审美性的艺术形式下,电影海报因设计者的文化背景差异,导致了强烈的民族性艺术风格,因而也成为时代的忠实记录者。 由于美学文化背景的差异,以及客观条件的限制,电影海报设计必定带有民族性特质。设计师的成长环境决定了设计理念的民族性差异,他的作品体现着历史发展的清晰脉络,在多元化的沟通与理解中,电影海报图形语言的国际性趋势并没有消解民族性内涵。相反,拥有国际背景的民族性设计才是电影海报的发展趋势,因为国际性基于民族性得以产生、发展,否则电影海报设计的国际化将成为空洞的说谈。以德国为例,它是现代设计与现代设计教育的发祥地,包豪斯的设计理念至今仍影响着我们的生活,而欧洲传统文化对冈特·兰勃的广告招贴设计作品存有显而易见的影响。源于同一文化土壤的设计师,必定具备相似的设计观,德国HeinzSchulz-Neudamm亲自设计的《大都会》(由弗里兹·朗使执导)国际版电影海报,在美国拍出六十九万美元,因为作品绘制于1927年且存本较少,设计师采用艺术装饰主义手法,极力营造出充满未来世界的审美性效果,进而成为具有收藏价值的艺术珍品。不同文化背景决定了电影海报的设计理念差异,在提升电影主题的过程中,电影海报也因设计者的民族性,无形之中成为时代风貌的见证者。 电影海报设计伴随着世界电影而产生,经历了由黑白到彩色的发展历程,逐渐由单纯介绍电影内容的招贴画,变成一种平面设计艺术作品。从海报设计角度研究,世界电影海报大致经历了手绘海报和电脑(设计)海报两个阶段。二十世纪二十年代,手绘海报首先出现于观众视野,直到五十年代,新中国的电影海报均采用手绘的形式。这种绘画方式强调了平面设计者的主观能动性,采用大胆的夸张造型以及鲜明的色彩,充分表达了设计者对电影内容的文化解读。此时的设计要求在于着力刻画影片内容,多写实性描绘,如影片的主人公以及重要场景皆成为手绘对象。1939年由维克多·弗莱明导演的《乱世佳人》成为影坛经典,电影海报以剧中亚特兰大的火光冲天为背景,配合火红的暖色调,夸张而鲜明地表达出英雄怀抱美人的浓烈爱意。1941年由奥逊·威尔斯导演的《公民凯恩》成为划时代的一部影片,它的一款海报(西班牙)采用写实性手法描绘出男主角的半身像,在色彩处理上因降低了纯度造成偏灰的效果,与电影所要阐发的深刻内涵相符合。 二十世纪九十年代,大型摄影加工器材的应用以及电脑合成技术的广泛普及,世界电影海报逐渐步入电脑设计时代。设计师采用先进的电脑合成技术,突破了传统的写实性描绘,丰富了电影海报的象征性寓意以及文化的多义性表达,成为电影商业化运作中的一个亮点。萨姆·门德斯(SamMendes)导演、AlanBall编剧的《美国丽人》为一部家庭伦理片,海报以少女性感、美丽的腹部为背景,一朵玫瑰花尽显青春的甜美,画面呈现粉红色娇嫩的绘画色调,温暖、鲜艳的色彩与深刻、复杂的故事内容形成鲜明对比。它没有任何写实性描绘,暧昧的电影主题通过人体的肌肤得以表达,含蓄而深刻。大导演斯皮尔博格的经典之作《外星人E·T》为一部科幻片,海报以一轮明月为背景,一个穿雨衣的小男孩正骑着单车向月亮奔去。画面前方男孩和外星人用食指相通,温情的友谊成为这部科幻片的感情基调。海报选取湛蓝的色调,象征着对未知世界的探秘,正如影片内容注重电脑特效的运用,海报设计在奇幻性的视觉语言中向受众讲述了一个美丽的孩童之梦。导演韦斯·克莱文于2000年制作的《惊声尖叫·3》为一部喜剧类惊悚片,电影海报选取黑色调造成了某种视觉压迫感,左边从黑暗中飘来一张变性的骷髅脸,右边为一个白色数字“3”,其中透出一个女子惊恐的眼睛。海报以黑白形成强烈的对比色,营造出恐怖的画面视觉效果,它在设计理念中摒除了叙事性概念,抓住“惊悚”这一优秀元素,为电影做出了较好的市场宣传。 可以说,一部出色的电影海报可以提升电影的艺术品味,甚至成为电影内容所成就的某种文化的象征性代表。譬如顾长卫于2005年的处女作《孔雀》,它的海报以麦地为背景,左上方是一个白色的降落伞,右下方的女主角推着自行车,出神地望着远方天空。画面选取纯度较低的灰绿色为基调,呈现出略带感伤的怀旧情绪;女主角凝视远方天空的默默神态,以及象征着个人梦想的白色降落伞……这些设计元素与影片的主题意义相得益彰,观后令人无限回味八十年代社会转型期的历史风貌。当然,出于电影内容的实际需要,在电脑时代的电影海报设计中仍会出现若干手绘海报,这也不失为一种文化怀旧的经典性回归。 早期的手绘海报多出自画家之手,之后为专业设计师,无论其何种身份,电影海报制作者的文化修养对设计理念起着至关重要的作用。在东方文化内部,包括中华民族、大和民族以及朝鲜民族,他们秉持着传统的儒教思想,却又各具特色,这种细微的文化差异对电影海报设计存有至关重要的影响。在斯皮尔博格执导的《艺妓回忆录》中,它的海报设计将目光聚焦在一张苍白的脸上,搭配鲜艳的红唇、翠绿的眼珠、飘动的黑发,形成强烈的视觉冲击力。黑白的眀暗关系,色彩的冷暖对比,平静的表情与舞动的头发,这些设计元素如同剧情一般,在中西文化间以及儒家文化圈内得到了莫衷一是的反响。在文化禁忌中,东方文化享有悠久的历史传统,中国人历来忌讳“流星”以及数字“四”,韩国人忌讳“菊花”,而日本人却忌讳“白手帕”。三国都对红墨水书写的名字表示反感,因为这也代表了“死亡”的意义。东方文化中的民族传统也各具特点:中国的“阴阳”学说在现实中对应着相应的象征物,如日、月对应着“阳”与“阴”;在日本和服礼仪中,只有死者的头部右侧方能佩戴头饰……中日文化间的差异,导致中国人在设计中注重平衡性理念,推崇中庸思想,而日本人却崇尚简约的设计风格,反映出大和民族平和、细腻的文化风貌。另外,中国的汉字不仅成为表情达意的语言工具,也成为一种审美性图案,它们或行云流水,或万马奔腾,只因字体的变化即可完成语义之外的情感表述。由此可见,文化背景的多样性呼唤着设计师必须具备专业性知识,只有立足本民族文化传统,方能在设计中显示出超越文化形态的包容性。 新中国成立以来,电影海报设计伴随着中国电影发展而逐步成熟,尤其在二十世纪七八十年代形成了自身的民族性风格。在更早的三十年代,中国电影海报业已出现,但那时并未形成规模,与西方的设计理念差距较大。建国后中国电影海报设计者借鉴多种艺术手法,在手绘海报时期,他们多采用水粉,还有油画、素描、摄影、雕塑、国画、版画、连环画以及剪纸等艺术形式,可以说他们在传统文化中找到了丰富的文化补给。 二十世纪七八十年代,传统文化中的国画、工艺美术以及少数民族装饰艺术,对电影海报的民族性颇具影响。中国传统绘画粗略分为写意和工笔两大类,前者重在意境,用极简笔墨勾勒出物象的形神;后者运用工整、缜密、细致的技法来描绘物象。1959年出品的电影《林则徐》,邀请国画大师程十发进行海报创作,他用中国水墨的表现手法塑造了林则徐的英雄气势,成为手绘海报中难得的精品。电影海报的作用在于吸引眼球、传递信息,同时也要具备艺术审美。中国写意绘画要求笔墨简单且形神兼备,寥寥数笔便表现出物象特点以及现场氛围状况。电影《小街》海报即是此例,一个人物头像仅用去些许笔墨,简单、醒目的笔墨语言,黑白相间的虚实对比,形成一种强烈的视觉冲击力。同时,这种传统绘画方式也易于拉近与中国观众的距离,因为受众在迅速接受电影内容的宣传中,容易产生审美性共鸣。对于中国戏曲电影,借鉴传统绘画方式进行电影海报设计,可以起到事半功倍的效果。二者皆为中国传统艺术珍品,讲求简约以及意境悠远,在设计中通过国画笔墨的“气韵生动”,可以达到两种艺术形式在审美取向上的精神性共鸣。 在电影海报设计中,工艺美术中的版画和剪纸艺术,也成为颇具中国特色的设计元素。版画是以“版”作为媒介,进行绘画创作的一种艺术形式。二十世纪二三十年代,鲁迅倡导的新木刻运动在文艺界产生了广泛影响,他们在理论上吸收了了来自欧洲版画界诸如麦绥莱勒和珂勒惠支的艺术思想,以及当时苏联版画界的革命主义精神,于是中国版画界成为“左联”活动的一个重要领域。在抗日宣传中,他们将版画视作革命斗争的有力武器,因而版画艺术与民族情感相融合,在中国得到广泛普及。电影海报《红色娘子军》以木刻版画的形式,着力刻画了娘子军的飒爽英姿;八十年代电《聂耳》和《早春二月》的电影海报设计,也都取得了木刻版画的艺术效果,令人印象深刻。 剪纸作为中国最为古老的民间美术之一,至今仍在民众中拥有影响力。早期的剪纸多见于丧葬以及祭祀仪式,发展至今,成为一种产生广泛影响的民俗艺术。剪纸讲究图案式构图,虚实相间以及明暗的强烈对比,这一艺术形式被电影海报所借鉴,设计的民族性愈发强烈。基于民间故事拍摄而成的电影《白蛇传》,它的电影海报采用民间剪纸设计元素,取得了良好的视觉效果。一方面,剪纸艺术为群众喜闻乐见,易于为受众接受;另一方面,剪纸与民间故事在审美上具有相通性,民俗艺术赋予民间故事以更多传奇性因素,颇具吸引力。 中国是一个多民族国家,因而民族装饰类图案也经常出现在电影海报设计中,成为一个亮点。由于地域广阔,各地民族风俗习惯亦有差异,于是别具风情的民族性装饰类图案可以获得更多关注,并发挥艺术审美的功用。在电影海报《金银滩》中,设计师手绘了少数民族典型服饰,不但符合剧情需要,也起到吸引眼球的作用。电影海报《相约在凤尾竹下》传递出浓郁的苗族风情,不仅适合少数民族影片的内容宣传,在艺术审美上更是获得了相当成功。 直至九十年代,中国电影海报设计多采用电脑三维技术与摄影图片结合的方式,这一阶段的时代创新仍在积极探索中。告别了传统手绘的设计方法,设计师需要在国际性图像语汇中找到自身的民族性内涵,正如七八十年代的努力探索一样,在新世纪中以民族性姿态走向世界影坛。 纵观电影海报的发展历程,从手绘阶段到电脑设计时代,这一艺术形式越来越需要设计师具备专业性知识。电影海报设计开始成为一个相对独立的新兴设计门类,文化的差异性注定其具备显著的民族性特征。电影海报设计师只有立足文化传统并冲破其束缚,方能在中西文化的激烈碰撞中,逐渐达到完善自身的最终目的。 海报设计论文:剪纸艺术海报设计论文 一、传统民间剪纸艺术的概述 1.传统民间剪纸的特点 (1)传统民间剪纸的材质传统民间剪纸大都使用那些价格比较低廉和纸质非常轻薄的大红毛边纸。正是由于在材质、工艺以及手法上面所呈现出来的不同,才使得传统民间剪纸和其他传统民间艺术相比,具有独特的表现力。 (2)传统民间剪纸的主题传统民间剪纸最初是在关乎生死祭祀、庇佑祈福等民俗活动中以旗幡的样式出现的。随着我们生活节奏的不断加快以及生活水平的不断提高,有许多民俗礼节已经被人们所遗忘了,但是那些表现夫妻恩爱、多子多福、风调雨顺等的主题,依然是民间剪纸艺术最为重要的主题。 (3)传统民间剪纸的题材传统民间剪纸表达了人们对美好生活的向往,其来源于人们的日常生活,题材非常丰富,无论是随处可见的花鸟鱼虫,还是人们耳熟能详的神话和民间故事等,都能成为剪纸艺术的素材和表达对象。 (4)传统民间剪纸的手法传统民间剪纸主要是利用剪刀来完成的,随着剪纸艺术的快速发展,剪纸也需要进行批量生产,这样就出现了刻刀。刀刻工艺相比于剪刀,其更能从细节上表现出剪纸艺术的魅力。 2.传统民间剪纸的发展趋势传统民间剪纸艺术蕴含着中华民族独特的审美观念和创造精神。工业文明的飞速发展,以及世界经济和文化的大融合,使得很多传统的艺术财富正在被我们所淡忘。在对剪纸艺术进行学习和了解过程中,我发现剪纸就是设计,一门独特的设计,它的文化底蕴、纹样以及色彩的独特性给现代设计带来了无限的发展空间。且现代设计离不开民间文化,因此现代设计要得以发展,就必须继承和发扬民间文化,对民间文化兼收并蓄、融会贯通,寻找传统与现代的切合点。这样才能找到真正属于我们本民族的,同时又能够为国际社会所认同的现代设计。如何借鉴和吸收传统文化的精髓,如今已经成为了现代设计师所共同面对的新课题。所以本民族的民间文化越来越被当今设计师所重视。很多华人设计师在创作的过程中,都不同程度地借鉴了中国传统民间文化作为素材。例如“2010上海电影节”的宣传海报就是以剪纸窗花的形式来表现的,它运用了剪纸的表现手法,对胶片与摄像机进行了变形,通过镂空透雕,成功地将剪纸艺术融入到了现代海报设计中。可见,将剪纸艺术的表现手法融入到现代艺术技巧里面,是更好地发扬我国文化的一个有效途径。 二、民间剪纸艺术融入现代宣传海报设计的必要性与作用 1.将民间剪纸艺术融入现代宣传海报设计中的必要性民间剪纸艺术在现代海报设计中的应用白露摘要:本文在介绍了中国传统剪纸艺术的概念、特点及发展趋势的基础上,着重分析了民间剪纸艺术融入现代宣传海报设计的必要性与重要作用,并进一步探讨了民间剪纸艺术在现代海报设计中的应用与创新。关键词:民间剪纸艺术;现代海报设计;应用艺术设计海报在我们当代社会可以说是无处不在的,然而有很多海报设计却令我们着实感到费解,非但没有得到人们的喜爱,反而因为丧失文化个性而被人们厌恶。为此,将传统的剪纸艺术经过加工和升华融入到现代海报设计中,无疑能起到意想不到的良好效果,同时这也是我国现代海报设计未来发展的必然趋势。我国民间艺术所具有的影响力对海报设计的影响是非常大的。从表面上来看,民间剪纸艺术与海报设计是两种不同的艺术形式,看上去毫无关联,但二者的本质却潜藏着一种天然的联系。这需要我们努力地挖掘出它们二者之间的联系,这样才可以使它们更好地融合。 2.民间剪纸艺术对现代海报设计的作用 (1)中国传统民间剪纸题材广泛、内容丰富,能够为现代海报设计提供丰富的视觉艺术资源传统民间剪纸艺术表现的题材非常丰富,包括花鸟、鱼虫、民间故事、传奇人物、原始图腾等。这些表现题材能够为我们的现代海报设计带来丰富的灵感和资源。如在“2010上海世博会宣传海报”设计中,设计者运用民间剪纸当中中国传统吉祥物的题材,把中华文化巧妙展现在了世界人民眼前。 (2)中国传统民间剪纸艺术的视觉思维方式能够给现代海报设计带来无穷的启迪传统民间剪纸艺术体现的是原发性的思维方式,其不是对自然对象进行的机械复制,而是在对这些现象和问题有一个准确的把握以后,在此基础上所进行的变形和创造。如在“2010上海世博会宣传海报”设计中,我们不能单纯地借用事物的图形,而要在抓住事物的特点的基础上,对事物进行变形再创造。比如在“2010上海世博会宣传海报”中设计师运用剪纸的手法把复杂的中国馆简约地展现了出来,同时又没有失去中国馆原有的形态。 (3)中国传统民间剪纸艺术蕴含的审美思想和审美意蕴,可以升华现代海报设计的内涵和底蕴中国传统剪纸和国画等艺术形式一样,追求的是一种意境美,讲究每一幅图都要有其特定的含义,而且这些含义都要是吉祥的,这些都源于我国传统文化对尽善尽美与幸福圆满的不懈追求。如在“2010上海世博会宣传海报设计”中加入中国传统代表吉祥喜庆平安的符号,并将这些主题、意境融入到海报设计中,以丰富现代海报设计的内涵和底蕴。 三、民间剪纸艺术在现代海报设计中的应用 1.现代海报设计对传统民间剪纸色彩的创新我国传统民间剪纸一般喜欢把大红色作为主色调,主要是因为红色在我国具有寓意吉祥和喜庆的意蕴,这和剪纸艺术所要表达对吉祥幸福的追求以及喜庆气氛的烘托是不谋而合的。现代海报设计不仅可以对传统民间剪纸艺术进行利用,还可以在融入剪纸艺术的过程中进行创新,在剪纸中加入千变万化的色彩。如“2010上海世博会宣传海报”设计就以剪纸的大红色为主,表达出了喜庆吉祥的气氛,再以其他颜色为辅,不仅解决了剪纸艺术当中色调单一的问题,还使得海报设计更加多彩化。 2.现代海报设计对传统民间剪纸纹样的创新传统民间剪纸的材质决定了它的外部轮廓必须完整,不能刻断,所以民间剪纸艺术讲究“千刻不落,万剪不断”,它不允许形的破碎,即使发展到了今天,这也是剪纸艺术中一个非常重要的特色。然而在现代设计中,人们的思想更加开放了,已经没有了这种限制,完全可以按照主体形象的要求,在没有对纹样造成破坏的基础上进行大胆的变化和删减。在“2010上海世博会宣传海报”设计中,设计师把中国馆与上海的标志性建筑物——东方明珠的图形通过剪纸的形式表现了出来,把复杂的图形简约化,不但突出了海报所表达的中心,而且形象地把上海世博会的风貌展现了出来。3.现代海报设计对传统民间剪纸内容的创新我国传统的民间剪纸与皮影戏、风筝等民间艺术一样,都具有非常明显的本土特征。剪纸基本上表达的都是劳动人民对美好生活的向往,吉祥如意是其永恒的主题。但是在现代设计里面,在对剪纸元素进行利用的同时,还可以进行创新,将更多的元素融合进来。也就是说,在一幅图像中,可将不同的元素结合起来来讲述不同的故事。在“2010上海世博会”的宣传海报设计中,设计师把上海东方明珠与传统的剪纸元素相结合,既有浓浓的剪纸韵味,又给人以时尚简洁的感觉。 四、结语 当前,我国海报设计理念受西方思想的影响比较深,不少设计师一直在努力去模仿其他国家海报设计的理念,但是这些海报在我国并没有取得预期的反响,这说明我国民族文化已经淡出了艺术设计领域。而传统的剪纸艺术为当前的海报设计提供了非常多的新元素。当然,如何将我们传统的剪纸艺术和海报设计完美地结合起来,仍是一个比较重要的问题,还需要我们继续研究下去。 作者:白露单位:河南牧业经济学院 海报设计论文:当代绘画对海报设制影响探究 本文作者:黄润生作者单位:西华师范大学美术学院 现代绘画的特征 现代主义绘画的艺术特征可从两点来分析,以下就以毕加索的《格尔尼卡》和德拉克洛瓦所绘的《希阿岛的屠杀》为例作出简单的分析。 特征之一:现代绘画的表现形式从传统的具体化转化为意象化、抽象化。就毕加索所绘的《格尔尼卡》来看,其是代表现代主义绘画立体主义的主要作品之一,而德拉克洛瓦所绘的《希阿岛的屠杀》则是代表传统绘画的浪漫主义作品中的经典之一。虽然二者的表现题材主要是战争,然而就作品表现形式分析,可谓大相径庭。德拉克洛瓦在所绘的《希阿岛的屠杀》中采用了明暗造型法,对耀武扬威、趾高气扬的侵略者与孤立无助、绝望挣扎而倒在血泊之中的受欺压人民的残酷现状进行了真实的刻画,而且还是具象、真实的画面,而在毕加索所绘的《格尔尼卡》中,其画面主要是单纯的几何图形和活动的曲线,互相交错拼贴成近似于马头、牛头以及支离破碎的妇女和孩童的抽象化的画面,这主要是由于画家在其中赋予了自己的主观情感和人格化的东西。 特征之二:从再现的客观世界转化成表现的主观世界。在毕加索所绘的《格尔尼卡》中,其采用的手法具有象征性,加上形体变形,尤其色调采用的是灰暗色调,从而表现了战争带来的灾难和罪恶的悲剧。其中,画面中的牛头象征着法西斯的残暴,而支离破碎的人体则代表人民受到残害的残酷现状。画面中与普通灯泡一样大小的眼睛则揭露了法西斯的暴行,变形之后的形体互相交错,形成一种视觉效果混乱、气氛残暴恐怖的画面。但这就是毕加索脑海中对战争的主观反映之一,其借助极大夸张而又变形的表现形式,充分表达了内心对德国法西斯暴行的强烈不满和仇恨。因而现代主义绘画特征之二,就是从再现的客观世界转化成表现的主观世界。 现代绘画在海报设计中的应用 视觉传达设计的概念被认定为现代设计的一个主要类型,它是通过视觉媒介表现并传达的设计,将一些复杂的精神内容赋予视觉语言并体现在物质形式中。设计史上将卡桑德拉的风格称为立体主义,他说“:有人称我的广告是立体主义的,从某些方面来讲,他们是正确的。我的造型表现方法基本上是几何化的,具有一种永恒的性质。立体逐一的价值在于它的主导性倾向,这种倾向和人类视觉先天所具有的变形和异化现象作斗争。”再看日本的福田繁雄,他是世界三大平面设计师之一,他的设计理念对20世纪后半叶的设计界产生了深远的影响。他创作的极具个性特征的大量招贴画使他享誉全球,成了全世界最引人注目的平面设计家之一。福田的设计观念源于他不断探索的精神,他善于学习,既深谙日本传统,又掌握现代感知心理学,具有将各种创意革新并融会贯通的能力。几乎每件作品都反映出他主观想象力的飞跃以及他营造作品品位的独具匠心的才能,看似荒谬的视觉形象中往往透析出种种理性的秩序感。福田繁雄的招贴设计作品紧扣主题、富于幻想,设计语言单纯、简洁、幽默,善于用幻觉创造一种怪异的情趣。显而易见,在当时传统绘画占主导地位的年代,他的成功在于借助海报表达了其独特的艺术观念。由于他在设计理念及实践上的卓越成就,福田繁雄教授被西方设计界誉为“平面设计教父”。现代绘画艺术的新观念、新流派总是最直接、最快捷地反映在海报设计之中。现代绘画艺术诸多流派的大师们的各种观念、风格、样式为海报的绘画性提供了丰富多样的艺术设计思路与方法。 海报设计论文:电影海报设计走向世界的根本的认识论文 【摘要】设计符号的选择和重构,使得电影海报在不同文化背景中呈现出鲜明的民族性。民族民间美术元素是中国传统文化的符号积淀之一,它所拥有的传统符号元素为当代设计的艺术语言注入了新的生机,将其与现代电影海报设计语言合理结合,使作品更具本土文化性,是多元文化语境下的今天的中国电影海报设计走向世界的根本。 【关键词】设计符号电影海报民族文化现代设计 1895年12月28日,卢米埃兄弟在巴黎的一间餐厅里,向观众放映《火车到站》,电影由此诞生。据说当时还制作了题为《卢米埃电影》的宣传画,这恐怕就是最早的电影海报。电影海报即电影广告,属于平面广告设计类,其作用在于推销电影内容。通常,创作者需要在一张约27×40英寸的纸上完成传达影片信息的艰巨任务——它能简明扼要地总结电影,它要吸引观众的注意力。电影海报因设计者的文化背景差异,导致艺术风格多变,因而也成为时代的忠实记录者。 二十世纪二十年代,首先出现造型大胆夸张,色彩艳丽鲜明,主要描绘影片内容的手绘海报,直到九十年代,大型摄影加工器材的应用以及电脑合成技术的广泛普及,电影海报设计才开始成为一个相对独立的新兴设计门类。步入电脑设计时代,设计师需要在国际性图像语汇中找到自身的民族性文化内涵,突破传统的写实性描绘,丰富电影海报的象征性寓意以及文化的多义性表达。其中,成功的作品不胜枚举,例如,斯皮尔博格《外星人E·T》的海报,以一轮明月为背景,一个穿雨衣的小男孩正骑着单车向月亮奔去,在奇幻性的视觉语言中向受众讲述了一个美丽的孩童之梦,温情的友谊成为这部科幻片电影海报的感情基调《星银岛》电影海报,以寻宝少年手抚桅杆凝视充满梦幻色彩的星际太空为主题……这些设计弥漫着勇敢与冒险、乐观与进取的精神:《51号星球》、《怪物史莱克》、《功夫熊猫》的海报则展示出张扬个性和夸张童心,洋溢着欢乐气氛:《街舞少年》海报以不同肤色的几个少年头像为主题,充满开放的状态和创新的活力,反映出剔除掉文化冲突、种族歧视和主流文化优越感因素之外“美国式的自由、平等和竞争”:特别是《女招待》的海报,画面以淡粉绿灰美式格子为底,衬托着甜蜜微笑的女招待,娇美可爱的表象下却是女性主义眼中堪忧的地位和命运……这些电影海报以“美国梦”的方式向世界展示出资本飞速发展所带来的普遍富裕的图景,这种非剧情式的海报设计展示出承载美利坚民族精神与性格的美国文化的一部分,体现出美国文化的独创性,文化的多元化和现代性,而这种非剧情式的海报设计使电影海报在色彩、光影、造型上极具特色同时又与其电影风格保持一致,成为了当今海报设计的主流。 非剧情式的海报设计,图形语言的国际性趋势并没有消解民族性内涵,在多元化的沟通与理解中,国际性基于民族性得以产生、发展,拥有国际背景的民族性设计成为电影海报的发展趋势。顾长卫2005年的《孔雀》,海报以麦地为背景,左上方是一个白色的降落伞,右下方的女主角推着自行车,望着远方天空。画面选取纯度较低的灰绿色为基调,天空下女主角的沉默神态以及象征着个人梦想的白色降落伞,呈现出感伤的怀旧情绪……这些设计元素与影片的主题意义相得益彰。斯皮尔博格执导《艺妓回忆录》的海报设计将目光聚焦在一张苍白的脸上,设计元素如同剧情一般,在中西文化间游走:鲜艳的红唇、翠绿的眼珠、平静的表情与舞动的头发,等等。任何事物,都可以是当今非剧情式海报设计的元素,任何一种物质都可以成为非剧情式海报设计图形变异的工具。文化背景的多样性呼唤着设计师只有立足本民族文化传统,方能在设计中显示出超越文化形态的独创性。电影海报也因设计者符号选择的民族性,无形之中成为时代风貌的见证者。 符号学(Semiotics)是研究符号系统的学问,20世纪初由瑞士语言学家索绪尔(Sauaaure)、美国哲学家和实用主义哲学创始人皮尔士(Pierce)提出。所谓符号就是负载、传播信息的基元,是认识事物的一种简化手段。在有限的时间、篇幅内,以简洁明了的视觉图形,快速、准确的传达宣传目的和设计者的设计意图——设计中的构成要素就是代表信息的符号。任何人类社会都离不开文化,文化是人类社会赖以生存和发展的基础,人类文化生活都是符号形式——一切文化形式即是符号活动的现实化。设计作为文化活动的一部分,也是符号活动的现实化。因此,设计本身就是符号的一种表达方式。设计中选用的符号是用来传达创意讯息的,设计师在运用符号时,要充分考虑到不同的符号情境要素,必须对其进行编码,将传达的讯息转换成易于理解、耐人寻味的创意,在这个过程中民族民间美术文化符号生成了不同的意义,所要表达的主题也就在作品中得到无限延伸——受众也乐意去“破译”、去“解码”讯息。只有双方在文化、知识背景和审美情趣等方面的标准一致,才能保证讯息意义被畅通无阻的传达。受众对于消费需求的标准,包括物质和精神两个方面。设计的创意就是要针对受众的精神层面,通过符号消费来使受众得到满足。 设计时对美术符号进行重构,要选取最具特征的部分符号对象,打破原有的图形组织结构形式,才能按照符合现代受众审美和文化价值的取向,最终产生新的符号形体,使其既具有民族民间美术的形神韵,又有现代设计的意味。如以木刻版画为表现形式的电影海报《红色娘子军》、《早春二月》和《祝福》,根据影片的故事情节、人物、风格等进行艺术的再创造,对主题进行诠释和渲染,令人印象深刻。在设计上运用一些具有民族艺术特点的艺术表现形式,如借用年画形式的《朝阳沟》、国画形式的《林则徐》等,将民族民间美术符号的造型法则渗透于设计的图形之中,体现出中华民族的气质、精神和理念:电影《白蛇传》的海报采用民间剪纸设计元素,这种以民间美术符号为基本元素的设计,民间美术符号意义的沿用与发展,使现代设计少了一些商业气,更多了一些文化气息和亲和力——传统语境产生约定的意义,而设计符号的创新意指则传达出作品主题的寓意,受众在解读符号意味的同时获得文化认同的愉悦——在跨文化的交流传播中,能够简洁有效的表达设计创意,最易达到“是民族的也是世界的”这一文化传播的最高境界。超级秘书网 民族民间美术也是这样——民族民间美术符号本身是一种存在,它的载体形式十分丰富,它是民间艺人创造的具有审美因素、情感因素和表现因素的特殊符号,具有民族民间的审美情趣和审美尺度,独特的造型系统和色彩系统,更具有完整的表征和意指方式,在传承远古文化符号的基础上,积累构筑了一个独立的、丰富多彩的视觉符号系统。将中国传统文化作为一种符号元素融入设计,凸显地域文化、民族特色和人文特征——中国的传统文化为现代海报设计带来了新风格。《那山那人那狗》、《我的父亲母亲》、《卧虎藏龙》、《白银帝国》等海报的成功说明,运用于平面设计特别是在电影海报设计中的民族民间美术符号,是对受众符号消费需求的满足,也会对受众的消费心理和精神产生影响,它应当是设计师对民族文化理解后的一种自然的情感流露。独特的中国元素到底应该怎么用从来也没有一个教科书式的案例,它需要设计者、受众,对相应文化的理解延伸。21世纪的市场竞争,是设计的竞争,而设计的竞争背后则是文化的较量——秉承和发展一切优秀传统文化,是设计创新的前提。 海报设计论文:电影海报设计内容异同的研究论文 摘要:本文着力探讨在不同文化背景中电影海报所呈现的民族性问题,以及设计师如何受到传统文化影响,进而在电影海报中体现出鲜明的民族性倾向。而电影海报设计师只有立足文化传统并挣脱其束缚,方能在中西文化之间达到完善自身的终极目的! 关键词:电影海报,设计,文化背景,民族性 世界电影自诞生之日已有百余年历史,“电影海报同月份牌、年画、宣传画一样可统称为招贴画,也可称为电影宣传画。一般张贴于影剧院、广告栏或是张贴在大街马路等公共场所。”电影海报属于平面广告设计,其作用在于推销电影内容,在颇具审美性的艺术形式下,电影海报因设计者的文化背景差异,导致了强烈的民族性艺术风格,因而也成为时代的忠实记录者。 由于美学文化背景的差异,以及客观条件的限制,电影海报设计必定带有民族性特质。设计师的成长环境决定了设计理念的民族性差异,他的作品体现着历史发展的清晰脉络,在多元化的沟通与理解中,电影海报图形语言的国际性趋势并没有消解民族性内涵。相反,拥有国际背景的民族性设计才是电影海报的发展趋势,因为国际性基于民族性得以产生、发展,否则电影海报设计的国际化将成为空洞的说谈。以德国为例,它是现代设计与现代设计教育的发祥地,包豪斯的设计理念至今仍影响着我们的生活,而欧洲传统文化对冈特·兰勃的广告招贴设计作品存有显而易见的影响。源于同一文化土壤的设计师,必定具备相似的设计观,德国HeinzSchulz-Neudamm亲自设计的《大都会》(由弗里兹·朗使执导)国际版电影海报,在美国拍出六十九万美元,因为作品绘制于1927年且存本较少,设计师采用艺术装饰主义手法,极力营造出充满未来世界的审美性效果,进而成为具有收藏价值的艺术珍品。不同文化背景决定了电影海报的设计理念差异,在提升电影主题的过程中,电影海报也因设计者的民族性,无形之中成为时代风貌的见证者。 电影海报设计伴随着世界电影而产生,经历了由黑白到彩色的发展历程,逐渐由单纯介绍电影内容的招贴画,变成一种平面设计艺术作品。从海报设计角度研究,世界电影海报大致经历了手绘海报和电脑(设计)海报两个阶段。二十世纪二十年代,手绘海报首先出现于观众视野,直到五十年代,新中国的电影海报均采用手绘的形式。这种绘画方式强调了平面设计者的主观能动性,采用大胆的夸张造型以及鲜明的色彩,充分表达了设计者对电影内容的文化解读。此时的设计要求在于着力刻画影片内容,多写实性描绘,如影片的主人公以及重要场景皆成为手绘对象。1939年由维克多·弗莱明导演的《乱世佳人》成为影坛经典,电影海报以剧中亚特兰大的火光冲天为背景,配合火红的暖色调,夸张而鲜明地表达出英雄怀抱美人的浓烈爱意。1941年由奥逊·威尔斯导演的《公民凯恩》成为划时代的一部影片,它的一款海报(西班牙)采用写实性手法描绘出男主角的半身像,在色彩处理上因降低了纯度造成偏灰的效果,与电影所要阐发的深刻内涵相符合。 二十世纪九十年代,大型摄影加工器材的应用以及电脑合成技术的广泛普及,世界电影海报逐渐步入电脑设计时代。设计师采用先进的电脑合成技术,突破了传统的写实性描绘,丰富了电影海报的象征性寓意以及文化的多义性表达,成为电影商业化运作中的一个亮点。萨姆·门德斯(SamMendes)导演、AlanBall编剧的《美国丽人》为一部家庭伦理片,海报以少女性感、美丽的腹部为背景,一朵玫瑰花尽显青春的甜美,画面呈现粉红色娇嫩的绘画色调,温暖、鲜艳的色彩与深刻、复杂的故事内容形成鲜明对比。它没有任何写实性描绘,暧昧的电影主题通过人体的肌肤得以表达,含蓄而深刻。大导演斯皮尔博格的经典之作《外星人E·T》为一部科幻片,海报以一轮明月为背景,一个穿雨衣的小男孩正骑着单车向月亮奔去。画面前方男孩和外星人用食指相通,温情的友谊成为这部科幻片的感情基调。海报选取湛蓝的色调,象征着对未知世界的探秘,正如影片内容注重电脑特效的运用,海报设计在奇幻性的视觉语言中向受众讲述了一个美丽的孩童之梦。导演韦斯·克莱文于2000年制作的《惊声尖叫·3》为一部喜剧类惊悚片,电影海报选取黑色调造成了某种视觉压迫感,左边从黑暗中飘来一张变性的骷髅脸,右边为一个白色数字“3”,其中透出一个女子惊恐的眼睛。海报以黑白形成强烈的对比色,营造出恐怖的画面视觉效果,它在设计理念中摒除了叙事性概念,抓住“惊悚”这一优秀元素,为电影做出了较好的市场宣传。 可以说,一部出色的电影海报可以提升电影的艺术品味,甚至成为电影内容所成就的某种文化的象征性代表。譬如顾长卫于2005年的处女作《孔雀》,它的海报以麦地为背景,左上方是一个白色的降落伞,右下方的女主角推着自行车,出神地望着远方天空。画面选取纯度较低的灰绿色为基调,呈现出略带感伤的怀旧情绪;女主角凝视远方天空的默默神态,以及象征着个人梦想的白色降落伞……这些设计元素与影片的主题意义相得益彰,观后令人无限回味八十年代社会转型期的历史风貌。当然,出于电影内容的实际需要,在电脑时代的电影海报设计中仍会出现若干手绘海报,这也不失为一种文化怀旧的经典性回归。超级秘书网 早期的手绘海报多出自画家之手,之后为专业设计师,无论其何种身份,电影海报制作者的文化修养对设计理念起着至关重要的作用。在东方文化内部,包括中华民族、大和民族以及朝鲜民族,他们秉持着传统的儒教思想,却又各具特色,这种细微的文化差异对电影海报设计存有至关重要的影响。在斯皮尔博格执导的《艺妓回忆录》中,它的海报设计将目光聚焦在一张苍白的脸上,搭配鲜艳的红唇、翠绿的眼珠、飘动的黑发,形成强烈的视觉冲击力。黑白的眀暗关系,色彩的冷暖对比,平静的表情与舞动的头发,这些设计元素如同剧情一般,在中西文化间以及儒家文化圈内得到了莫衷一是的反响。在文化禁忌中,东方文化享有悠久的历史传统,中国人历来忌讳“流星”以及数字“四”,韩国人忌讳“菊花”,而日本人却忌讳“白手帕”。三国都对红墨水书写的名字表示反感,因为这也代表了“死亡”的意义。东方文化中的民族传统也各具特点:中国的“阴阳”学说在现实中对应着相应的象征物,如日、月对应着“阳”与“阴”;在日本和服礼仪中,只有死者的头部右侧方能佩戴头饰……中日文化间的差异,导致中国人在设计中注重平衡性理念,推崇中庸思想,而日本人却崇尚简约的设计风格,反映出大和民族平和、细腻的文化风貌。另外,中国的汉字不仅成为表情达意的语言工具,也成为一种审美性图案,它们或行云流水,或万马奔腾,只因字体的变化即可完成语义之外的情感表述。由此可见,文化背景的多样性呼唤着设计师必须具备专业性知识,只有立足本民族文化传统,方能在设计中显示出超越文化形态的包容性。 海报设计论文:电影海报设计中如何灵活运用大脑的研究论文 [摘要]电影海报是随着电影的产生而产生的。一幅优秀的电影海报不仅能招徕观众,还能使其对电影作品产生美好的印象。电影海报的魅力源于创意表现,借助图形、线条、符号、色彩、文字以及独到的表现手法,在海报中突出所宣传的电影的精华部分。联想是诱发灵感重要的思维方法之一,是创意的关键,是形成创意思维的基础。 [关键词]联想思维电影海报设计创意思维共鸣 在电影海报设计中,通过联想的创作手法,将人们脑海中储存的审美习惯与审美对象套用到大多数人自己的或与自己有关的经验,美感往往显得特别强烈,不但突破时空的界限,扩展艺术形象的容量,更能加深海报画面的意境。从而使审美对象与审美者融合一体,发生联想的过程中引发美感共鸣。客观事物之间是通过各种方式互相联系的,这种“联系”,正是联想的“桥梁”。通过这座桥梁可以找出表面毫无联系,甚至相隔遥远的事物之间内在的关联性。运用联想思维进行电影海报的创意设计,可以开阔创意思维的天地,打开设计思维的通道,将无形的思想朝着有形的图像转化,联想的具体方法有如下几种: 一、虚实联想 构成图形主题思想的许多概念常常是虚的看不见的,但它却与看得见的形体相关联而构成虚实联想。在“踏花归来马蹄香”中,“香”这个概念是虚的、看不见的,而飞在马蹄之后追逐香气的蜜蜂则是实的、看得见的;“和平”这个概念是虚的,而“鸽子”和“橄榄枝”则是实的;“战争”这个概念是虚的,而枪炮、硝烟和作战的士兵则是实的。越战影片《野战排》的海报再现了越南战场的真实情景,使人有一种身临其境之感。画面上一个倍受战争创伤折磨的美国士兵,迸发出绝望的呐喊,映射出战争的疯狂、混乱和非理性。揭示了战争给美国人民留下了巨大的肉体上和精神上的伤害,让人们去思索战争的真正含义。 二、接近联想 在接近的时间或空间里发生过两件以上的事情,会形成接近联想。当我们想起甲的时候,就会容易地想起乙,看到闪电就会想到雷声;看到南飞雁就会想到秋风凉;看到江河就会想起船舶;看到蓝天就会想起白云等等。电影《美国丽人》的海报整个画面充满了女性腹部肤色,人的面部被省略掉了,腹部、肚脐、手,都呼应着那朵点睛之笔的红玫瑰,整个画面使人联想到主人公独特的娇艳之美。海报作品上没有什么耀眼的明星头像和那些符号、图案,但同样设计出了很高的品味。 在电影海报设计中运用接近联想将事物的形态通过逻辑思维建立联系,使形意升华,创造内涵独特的新形象。 三、类似联想 有些事物在外形、结构和内容上有相似的特点,因而产生类似联想。是一事物的感知或回忆,引起了对和它在性质上接近或相似事物的回忆。如由圆形想到月亮、足球、轮胎、烧饼,张大的嘴,还有完美、包容等。看到火柴,由发光、发热而联想起机会;看到乌瓦、白墙,就会联想起苏州园林等。类似联想是一种“托物言志”“借景抒情”的表现手法,把受众知晓的事物的形意与要传达表现主题定位点的形意进行关联,并将该事物的形展现于画面中,通过意的转换联想到要传达的主题中。电影《达芬奇密码》的海报设计在卢浮宫的标志性珍品——达·芬奇的《蒙娜丽莎》上做文章,结合电影中名画真品上的密码线索,“蒙娜丽莎”神秘的微笑伴随观众一同踏上破译解读密码的旅程。海报设计通过利用名画家笔下人物作为谐趣的图像,经过巧妙的整形手术,使名画与影片产生谐趣感,给消费者一种崭新奇特的视觉印象和轻松愉快的趣味性,使人赞叹,过目不忘,这种手法的运用极大提高了海报的诉求效果和影片的注目度。电影海报中视觉形态的相似性,引发受众对主体形象的回忆,产生意的延伸,达到形意完美感的共鸣。 四、对比联想 有些事物在外形上或内容上正好相反,我们想起这一事物就会联想起与之相反的事物,称为对比联想。是一事物的感知或回忆,引起了对和它在性质上相反或对立事物的回忆。例如:白天与黑夜;大与小;静止与运动等等。对比联想即反映事物的共性,又反映事物相对立的个性,有共性才能有对立的个性。电影《朝夕之间》海报上主人公两个截然不同的表情对比,把影片的主旨勾画的淋漓尽致。影片《万夫莫敌》取材于美国历史上著名橄榄球选手文斯·帕培尔的真实经历,影片讲述了已是而立之年的他加入球队之初,受尽怀疑和白眼,但他凭借不懈的努力和自身条件,终于赢得了掌声和喝彩,摆脱了底层的地位,成为一位事业辉煌的职业球员。他从几乎一无所有到克服重重困难、最终实现梦想的故事。海报上将主人公成功后的风光和成功前的训练画面进行对比,悠扬地叙述了属于那个时代的情怀。超级秘书网 五、因果联想 因果联想是指对事物产生的原因和结果而引发的联想。世界万物都有其存在、发展的原因和导致的结果。环保纪录片《难以忽视的真相》是一部有关气候变迁的纪录片,其中揭露了气候变迁的资料并对此做出预测,其中特别关注全球暖化现象。此片获得第79届奥斯卡金像奖最佳纪录片。系列海报画面上过量的废气排放,让人联想到大气的污染形成酸雨、植被的破坏导致土壤沙化;全球变暖,冰川消失给人类带来巨大危害。观者会被海报上让人难以忘怀的画面深深触动。 电影海报的创意设计千姿百态,风格各异。人的视觉感觉具有一定的相同性和互转性,只要事物的关联要素,运用逻辑思维和形象思维将其联行组合,就能引出观者心理上的共鸣,诱发一种深思或是回味,创造出既能准确传达信息又具有视觉冲击的作品。 海报设计论文:工学结合海报设计论文 一、工学结合课程改革探索 1)课程目标 课程的理念与目标决定了课程的方向,改革课程的中心目标旨在推动网络媒体下的海报设计课程工学结合教学模式改革,培养适应电商时展需要的设计从业者。尝试以交叉课程内容的整合教学内容,情境化、项目化的教学方式培养学生的设计观念,并掌握相应的技能素养。 2)课程内容 信息时代下的海报设计课程既需要各种相关软件课程的支持;也需要网页设计、新媒体设计等学科知识的支撑。这需要对课程知识体系进行合理再配置,大幅增加应用较多的新媒体设计内容,适度地删减现今使用较少的知识内容。同时改变原有的理论—实践的单一教学方式,尝试理论——实践——理论——实践——理论的教学方式,将大模块的教学内容分解由各个小单元解决,强调学生在不断的实践中学习理论与技能知识,加强知识的吸收。 3)课程实施 a.综合性和多导师制长久以来艺术设计的各个科目教师独立完成自己的课程教学,学生也很自然的独立看待各科目的知识内容,这造成学生的学科知识呈现碎片化的趋势。这也是造成学生学到的知识在实际工作岗位时往往用不上或者用不好的重要原因。综合性的课程内容可以在一定程度上解决我们所面临的问题,但是对于以往由单个教师掌控的课堂来说是很难实现的,教学的改革必须结合课堂实施方式的革新。基于这样的教学目的笔者尝试在教学中以大课堂、宽视野的原则,以项目化、实验性的教学内容配合多导师的形式进行教学。大课程与宽视野指的是课堂中的教学内容不再局限于以往的单一的海报设计课程知识,尝试将各个相关学科的知识融入教学。以期改变过去独立课程造成的知识碎片化倾向,使高职学生更好的贯通所学知识层。另一方面在教学过程中请相关电商企业中的一线资深设计师进入课堂,同时将其他相关课程的教师引入课堂,形成多导师的教学形式。这个过程中尝试了请毕业工作多年有一定成绩的师兄师姐回课堂讲课作交流的形式,取得了较好的效果,出身于一样教学环境下的他们对自己所学知识技能的优点与劣势有比较清晰的了解,在交流中也更有针对性更有带动性。b.实验性与实用性结合同时运用实际课题与虚拟课题相结合的项目教学法进行情景式教学。联系实际的课题设计并不意味着一味的强调商业化设计。作为新兴的媒体形式,不论是行业本身还是从事教学的教师和学习角色的学生对于其特性的了解都是不全面的,这使得新的海报设计课程会融入更多探索性、实验性的因素。本课程的实验性涵盖着两方面的意义,第一层的实验性指的是教学过程一方面应该严格按照设计企业的流程来进行,前期的市场调研对相关信息的积累;中期的整合分析吃透主题,通过合适的创作方式,如头脑风暴(BrainStorming)进行创意突破;后期以一定的输出规范进行符合业界要求的设计。另一方面则强调设计中的艺术性,培养学生的艺术设计审美能力和自己独特的设计观点。摆脱商业化带来的流水线设计风格。设计的特质注定只有同时具有富个人色彩与实用性两部分特点才能够培养一流的设计从业者。具有实验性的设计摆脱了僵化的约定成俗的商业设计模式,而更倾向于艺术创作,这样的方式会使学生的作业初看起来缺少一些实用性,但是却更有生气。这可以培养学生活跃而有生机的设计思维意识,这是学生应该在专业学习的三年中首先掌握的。许多的设计理论知识都会随着环境的变化而过时,只有设计思维方式是相对稳定的,好的思维方式可以指导学生在毕业后不断学习,迅速适应设计工作的需要。c.情景化与项目化课程采用理论教学配合模拟一线设计项目实际操作的形式进行,打破以往一人做作业的方式,以个人设计与团队调研、策划、实施相结合的形式,以模拟投标或网上实际项目竞标项目进行。一方面让学生初步体验了设计的实际操作,锻炼了自己的能力,从实践中学到知识,又将知识应用于实践。另一方面增加了课程中的不确定性,丰富了教学内容,使课堂变得更加有乐趣,强调快乐地学习在教学中的作用。d.课程置换在设计课堂中的应用一段时间以来,课程置换一直是不少院校在校企合作工学结合改革中研究的课题,它解决了将学生的工作作为学校专业培养计划的一部分,学校通过过程管理和考核,并给予其工作相应的学分的实际操作问题。在海报设计课程的工学结合教学改革中笔者尝试在教学中承认学生在此期间的实际设计项目,并通过考核计入成绩。在具体操作中要求学生完成一定量的实际设计项目,并计入该课程成绩。设计项目的来源一般由校企合作的设计单位或网络设计交易平台(如八戒网等威客网站)提供,学生可以根据自己的实际情况和兴趣自由选择,并按工作量情况由个人或小组完成。在考核中按照委托方的采用情况给予相应的分值。 二、课程评价 课程的评价形式对于课程中教师的教和学生的学的方式有着很大的导向作用。笔者认为在工学结合下的海报设计课程评价中可以采用模糊等级制和社会效益评价结合的形式进行。在现有的教育方式中由于我们对于分值评测的依赖程度,我们的学生在课堂中的表现被单一的分值所表示,这使得所有的可以或不可以被数值衡量的能力都被一些定量化的数据表示了。从表面上看这些数据是这么的精确,当我们看到数据时就会下意识的假设这些数字能客观的表现学生的全面情况。但实际上不论这些数字看起来有多么精确,在对于学生实际能力的衡量方面的有效性都是非常有限的。分值式的评价方式会让艺术设计课程这类直觉思维、形象思维为主,以个体创造为主要形式的没有标准答案的特质的课程的评价出现困难。所以模糊式的等级评分制反而在艺术设计课程中更具有合理性。同时将学生在实际设计项目中的作品作为总成绩的一部分计入评价中,特别是对被采用的设计进行适当的分值奖励以鼓励学生参与设计实践。以比较综合的打分方式给学生较为全面、合理的评价。 三、总结 海报设计是一门理论与实践紧密结合的设计专业课程,工学结合的教育模式十分适用于该课程。通过对专业情况的分析,利用现有资源以教学内容综合性,教师结构多导师制,教学方式实验性与实用性结合,教学评价可置换性等多方面进行工学结合教学的改革探索可以建立一套有一定特色的设计教学模式。 作者:魏争驰单位:浙江同济科技职业学院 海报设计论文:多模态海报设计论文 一、海报《千万别让我走》的多模态解析 电影《千万别让我走》的宣传海报(英国版)是一幅典型的多模态图像,其设计内涵能通过克雷斯和莱欧文的视觉语法得以解析。《千万别让我走》是一部根据“英国文学移民三杰”之一的日裔英语作家石黑一雄2005年的同名畅销小说改编的影视作品。该电影讲述了三个在寄宿学校一起长大的伙伴露丝、凯西和汤米的生命故事。三人从小在一个看起来如田园诗般的寄宿学校中过着与世隔绝的生活。这个寄宿学校的孩子们都没有父母,却接受着十分良好的教育。随着年龄的增长,他们渐渐发现自己生活世界的异样,并最终了解到自己原来是克隆人,其存在的唯一价值是给有需要的顾客提供鲜活的移植器官。虽然他们有灵魂,在成长中也体会着爱、嫉妒和背叛等真切的情感,但他们的短暂生命终究会在第四次器官移植后自然终结。导演马克·罗曼尼克通过该片在科幻的外表下承载了一个关于爱情、迷失以及自我身份追问的电影主题。影片发行上映后即在全球赢得好评如潮:2011年获土星奖最佳编剧提名,并与《盗梦空间》《钢铁侠2》同获当年土星奖最佳科幻电影提名。影片能取得诸多专业殊荣,电影海报的宣传作用不应小觑。下文拟运用克雷斯和莱欧文的“视觉语法”来解析该影片的宣传海报如何通过图像多模态手段构建电影主题和折射影片文化内涵,塑造电影的外在形象并激发大众的观影兴趣。 (一)海报图像的再现意义 克雷斯和莱欧文区分了图像的再现意义的两种模式:叙事再现和概念再现。叙事图像展示了发展中的行动和事件,以及变化的过程和瞬间的空间安排,包括行动过程、反应过程、言语过程和心理过程。电影海报《千万别让我走》(英国版)是一幅叙事图像和概念图像巧妙结合的综合海报。该海报由3幅图片和3组文字说明错落拼接而成。海报右上角图片中露丝忧郁的目光直视正前方,左手做挥手状,似乎在向观众传递“千万别让我走”的主题寓意。左下角图片中汤米深情注视凯西并用手轻托她的脸庞,目光的凝视和手托面庞形成两个动作矢量,表达了汤米想要亲近凯西的心理活动。同时,两者间的深情对视也传递了情人间的浓浓爱意。右下角图片中汤米和凯西并肩奔向木质走廊的尽头,前倾的身体形成了两个类似矢量,寓意他们奔向光明和希望的急迫心情;但图片背景中过分对称的建筑结构似乎暗示了他们将要遭遇的冰冷的体制化现实。海报的3组文字说明实现了图像的概念再现功能。左上角的文字说明呈现了三位主演的名字及所斩获的突出电影奖项。这样简洁、直观的文字信息能够瞬间吸引影迷们走入电影院追踪他们所喜爱的明星的最新影视作品。海报中部的文字说明“改编自最畅销小说《千万别让我走》”又能吸引大批喜欢该类文学作品的人,尤其是那些阅读过原著的人们:他们或许特别好奇小说的故事如何在影片中得以诠释。海报右下角文字则主要提及大卫·卡梅尔发表在英国《每日邮报》上对影片故事的一句影评“无声的抗争与令人心恸的感动”。如此高的评价再次凸显影片扣人心弦的情节,并将促使更多海报阅读者购票观影,一探究竟。 (二)海报图像的互动意义 克雷斯和莱欧文认为图像和观看者之间可以产生互动关系;图像可以提示观看者对图像所表征的事物(包括人)应该持有的立场态度。影响互动意义的四个要素是接触、社会距离、态度和情态。接触指图像中的参与者和海报观看者间有目光交流,海报中人物对观看者有情感诉求,向观众索取反馈;反之,无接触或无目光交流则仅限提供信息。海报右上角图片中露丝的目光直指海报观众“你”,形成直接互动;她那幽怨的眼神似乎在邀请观众走进她的故事,并给予她理解与帮助。汤米和凯西在图片中与观众没有目光交流,他们只是在向观众传递着爱情的信息。社会距离指图像中的参与者与海报观看者间的亲疏关系;主要通过镜头取景的框架来实现,如特写提示亲密的关系、长镜头表示非个人的关系。右上角图片中的露丝试图通过直接接触同观众建立亲密关系,并以忧郁的气质搅动观众的好奇心去探究在她身上究竟发生了怎样的故事。海报右下角图片运用长镜头捕捉汤米和凯西两人的背影,展现的是疏远的社会距离,象征着现实的残酷。态度提示海报观看者对图像中的参与者所应持有的主客观态度。态度由图像取景的“视角”来体现。正面取景表明“卷入”(邀请观看者去体验和感受),侧面视角意味着“超脱的介入”(要求观看者以旁观者的身份客观地分析和评价),水平视角寓意平等。该海报采用水平视角的方式既邀约观众以平等的心态走入克隆人的生命故事,又提示观众客观冷静地看待克隆技术,并启发观众思索如果克隆人同人类一样拥有爱情、友情、愤怒、高兴等情感,人类该如何面对他们?人类是否有剥夺克隆人生命的权利?该海报有效利用这些意义资源展现出露丝的幽怨、汤米和凯西间的真挚爱情,以及对美好生活的向往等信息都是同人类共通的真实体验,使得影片的叙事具有很强的真实性,更能激发广大影迷的观影兴趣。 (三)海报图像的构图意义 克雷斯和莱欧文特别指出视觉语篇的构图意义展示再现、互动意义如何相关并协同构建一个完整的多模态语篇,其本身由信息价值、凸显度和取景来表现。海报《千万别让我走》被深红色线条分割为3幅图片和3组文字说明,形成表现形式的对照并相互凸显。图片的基本色调为灰色,而文字说明的背景是红色。灰色传递着压抑、宿命的氛围并寓意希望的渺茫。红色是血液的颜色,喻示着残酷的人体器官移植,同时也象征着鲜活生命的可贵。两种背景颜色的反差表达出影片中人类对克隆人的冷酷无情和克隆人对生命的不舍。海报右下角的图片以两个少年的背影取景,与其他两幅以人物正、侧面取景的图片在镜头层面形成对比,预示着克隆人虽对不公平的命运努力抗争,但残酷的现实却并未给他们些许曙光。左边的图片比右边的图片更吸引眼球,它通过主人公面部神情的特写凸显了电影主题———爱情。另外,海报在中间位置,用与红色底框形成巨大反差的白色字体标示出电影片名,即原著名,有效地突出了影片的文化内涵并借此来吸引观众观影。 二、结语 电影海报能有效利用语言文字、图片、色彩、光影、亮度等多种模态资源来构建图片意义与传递丰富信息内涵,属一种典型的多模态叙事语篇。根据克雷斯和莱欧文的视觉语法,电影海报《千万别让我走》通过图片、色彩、光影和文字等多种视觉模态的巧妙组合和协同互动,以实现再现、互动和构图三种意义的方式构建了一个完整的多模态语篇。因此,该海报语篇在设计中有效调配了多种模态,通过多种视觉模态协同互动、交织配合,渲染了电影情节、凸显了电影主题,从而强化了海报的宣传效果。 作者:吴林单位:湖北工业大学外国语学院 海报设计论文:意境营造的海报设计论文 1.利用色彩营造意境 色彩是人们感知事物的第一要素,一个色彩亮丽的事物可以给人以强烈的视觉冲击力,一个色彩灰暗的场景也可以让人觉得倍感压抑,其直接作用于人的情绪。而意境本身就是情感的产物,和色彩有着千丝万缕的联系,设计者要根据设计对象的实际情况对色彩进行有机的运用,让色彩成为意境营造的有力工具。具体来说,利用色彩营造意境主要有以下三种方法。 首先,利用色彩对比表现意境。色彩对比是色彩学中的重要内容,在对比中能彰显出色彩存在的意义。对色彩对比进行合理利用,不但能够使画面层次得到丰富,而且能够用一种强有力的视觉冲击力将观众的眼球牢牢抓住,使海报信息得到更充分表达。如设计大师卓思乐设计的一则“保护森林”的主题海报,在画面中就使用了大红色和深绿色的对比。画面中是一片被砍伐过的森林,背景选用了象征着森林的深绿色,但是在那些被砍伐过的树桩上却使用了大红色,远远望去,就像是鲜血在汩汩流出一样。这种对比传达出了两层意思:一是树木也是有生命的,它们被拦腰斩断,也会因为疼痛而流出鲜血;二是对人们破坏森林的行为进行的谴责,这是一种血色的警告,更是血淋淋的代价。可见,色彩对比的运用可以使画面获得发人深省的艺术效果。 其次,利用色彩调和表现意境。色彩调和是指色彩之间的相互混入,被选用的色彩往往处于同一个色系中,将其有机调和后,能够获得新鲜的、协调的色彩感受。如微软产品MSN的海报设计就使用了色彩调和的意境表现法,画面中由蓝、绿、红、黄四色组成的蝴蝶的四种颜色全都使用了透明色设计,这就使得图案的重合部分也实现了色彩的重合,即蓝色和绿色的重合、红色和黄色重合,产生了一种新奇的色彩效果,使人看着这只振翅欲飞的蝴蝶,就感受到了一种“心有灵犀一点通”的味道。 最后,利用色彩联想表现意境。色彩在发展过程中,因为和人们文化、生活的紧密结合,形成了联想性的特点。如看到白色想起白云、雪花;看到绿色想到草坪和山脉等。对色彩这种联想性特征的有机运用,将会使作品获得一种“此时无声胜有声”的意境体验。设计者应该对色彩法则有扎实和深入的掌握,根据作品的实际需要把握色彩的心理变化,使色彩成为意境营造的有力工具。 2.利用文字营造意境 文字也是海报设计中不可或缺的重要元素,其不但能够对图形和色彩进行补充和说明,很多时候还能起到画龙点睛的作用。中国文字博大精深,其本身就是一门艺术创作,有着独具特色的外部形态和丰富深厚的文化内涵,将中国文字运用于海报设计中,能给海报以无尽的想象和意境。具体来说,利用文字表现意境有以下两种手法。首先,利用文字含义来营造意境。在充满意境美感的海报设计中,文字所起到到已不再是单纯的说明作用,或者说其不再是一种阅读符号,而是通过对其含义的挖掘使其本身以一件艺术品的形态展现出来。如香港著名设计大师靳埭强设计的《汉字》系列海报,其主题是宣传汉字、展示中国汉字之美。对此靳埭强就对汉字的含义进行了深入挖掘,其选择了“山、水、风、云”四个汉字,将其与中国的“笔、墨、纸、砚”相结合:“笔架山”的巧妙、“静止(纸)水”的灵动幽远、“沿(砚,意沿海)台风”的骤动无影、“墨色云”的飘逸非凡,无不表现出书法独特的形式美和极高的文学素养。设计者在单纯的汉字中追求厚重感和丰富感,使画面表达出富有魅力、朴质飘逸的东方意境美。 其次,利用文字形态来营造意境。中国文字的形态十分丰富,楷书字体的端庄优丽、隶书字体的严谨秀美、行草书的婉转飞扬等,都可以在海报设计中得到广泛的运用,使其和图形、色彩等形成良好的配合与互动,使作品的意境特别鲜明。如中央电视台综艺频道的海报设计选用了盛开的鲜花作为画面主体,寓意着百家争鸣和百花齐放,而在画面的下方则是一个用草书书写的繁体“艺”字,而且其笔画也是由一朵朵鲜花构成。草书素来给人以潇洒飘逸之感,在此用来表现艺术,可谓是再合适不过。又如,汶川地震的一则海报设计,其将“济”字进行了解构处理,其上部是一个“汶”字,下部是一个“川”字,使原三点水偏旁中的最下方一点得到了双重运用,既是“汶”字三点水偏旁中的一点,又是“川”字中的一撇,一个简单的文字处理,既表明了主体,又表达出了一种同舟共济的深意。所以说,文字是中国海报设计意境营造的重要资源,设计者要通过不断学习来加深对汉字的理解,并将其更好地运用于设计中。 综上所述,海报作为平面设计中的重要组成部分,在各类信息的传播、交流中发挥着重要的作用。虽然近年来的中国海报设计已然有了长足的进步,但是相对于欧美发达国家来说,无论是在创作构思还是表现手法上都还有一定的差距,如何缩小这种差距,并体现出中国海报设计的特色,是当下迫待解决的一个问题。意境是东方美学中特有的范畴,中国各类艺术创作中的意境表现都是独一无二的,将其作为海报设计中的重要追求,不但能够使海报设计的信息得到更加艺术性的表达,同时也能够彰显出中国海报设计的民族性风格。故本文对海报设计中意境的营造进行了具体分析,希望能够起到抛砖引玉之用,引起更多同行对意境问题的重视,为中国海报设计的发展贡献一份力量。 作者:江水明单位:苏州高博软件技术职业学院数字艺术系 海报设计论文:田中一光的海报设计论文 1日本美学与现代设计的结合 田中一光被誉为游走在西方现代感与日本传统美之间的设计大师。究其原因,是其作品精妙地把握住了日本传统美学概念与西方理性结构,并将二者结合得天衣无缝,如间(Ma),禅寂(Wabi-sabi)等传统日本美学概念,都被他体现在了作品中。由于二战前西方文化已影响到日本,当时日本设计徘徊在西方现代设计风格与传统审美文化之间。现代设计注重理性、完整的视觉感受,而日本的美学则强调唯美、意象的视觉享受。例如,禅寂就表现出了质朴美感。田中一光将几何结构的规整性视觉效果作为开拓,加上运用传统的日式美感,使得设计更具有视觉享受。在其1958年所创作的著名能剧海报(如图1)中,海报中的主体图像为日本传统歌舞伎演员的面部扮相,简单淳朴的曲线与婉转粗糙的边缘,精确地将整个面部图像加以层次地展现出来。严谨的视觉元素结合日本书法的柔和笔触,让画面充斥着一种禅寂的不规则与残缺的美感。而背景的规整色块无疑是现代主义理性的完美诠释,我们可以看到在这幅海报中,作者试图将人脸从海报中抽离,极具画面层次感。田中一光通过面部图像的刻画,使得现代主义与日本传统的高度融合,解读了理性韵律与感性意韵之间的互补,极强丰富了海报的视觉冲击力。 2传统色彩与几何结构的调和 除图像的运用方法之外,运用日本传统色彩理念来调和海报中的几何结构,也是田中一光独特的设计方法。在其海报设计中既用理性结构分割,又蕴含高纯度的互补色彩。前者展现了西方现代主义,后者则展现了浓烈的日本色彩审美观念。收缩张弛的色彩不仅满足了精神象征,也完善了装饰功能。例如,浮世绘版画与歌舞伎(Kabuki)剧服的色彩等。起源于日本江户时代(1603~1867)的浮世绘版画,经常使用丰富斑斓的对比色。例如,黄与紫,红与绿等,此风格影响了诸多日本艺术家,田中一光可谓其代表性人物,这种对比而又和谐的色彩元素形成了与众不同的日本色彩理念。 在第一届日本文化节海报设计(图2)之中,田中一光一方面将海报中的互补色转为富有节奏的跳跃。例如,顶部明艳的紫色与底部单纯的黄色呼应,这种源自于浮世绘色彩理念的视觉冲击力,给观者耳目一新的体验快感。另一方面,他精准地把握住了黄紫之间的秩序,并巧妙地运用白色背景作为调节二者色彩关系的虚实需要。单纯的几何色块又构成了日本传统妆扮的女性形象,海报中并无曲线,但却打破了现代主义僵硬呆板的形象。田中一光还钟情于浓烈色彩的运用。例如,日本平安时代(794~1192)女性服饰上的色彩运用。在其为SalvatoreFerragamo所设计的展览海报中,繁多的色块通过对比,进而组合成海报的中心图案。他的色彩风格在80年代现代主义盛行的日本设计界引领了一种新的风潮。 田中一光毕生都在探寻西方现代主义与传统日本文化的交融,他探索性的设计为20世纪中期的日本设计做出了巨大的贡献。通过他的海报设计可知,他的每一幅作品都完美地将日式美学与西方现代主义相融合。田中一光独特的设计理念,深远地影响了日本的设计,甚至影响了世界的设计。在当今世界,随着经济的发展和文化的交流,东西方文化进行着碰撞与交织,对于当代设计师来说,怎样理解民族传统文化,并且将其融入现代设计中,田中一光的作品体现的形式和蕴含的理念,都值得借鉴。 作者:秦臻珍单位:安徽师范大学 海报设计论文:传统陶瓷艺术下的海报设计论文 一、传统陶瓷的艺术形式 中国传统陶瓷的艺术形式主要表现在陶瓷的造型样式和装饰纹样两方面。中国传统陶瓷有着自身独特的整体风貌和各个历史时期及地区的风格特点,有着新颖的形式和特定的艺术内涵,在世界陶瓷艺术发展史上拥有一致的赞誉和高度的评价。陶瓷艺术的本质特征体现在陶瓷造型和陶瓷装饰上,二者完整地展现了陶瓷艺术的审美价值。 1.陶瓷造型陶瓷造型的“造型”一词主要指陶瓷器物的形态和样式,与广义的“造型”有所区别,特指具有一定抽象特征的陶瓷器型。在中国传统陶瓷中,各种不同的造型因时代、地域以及生活需要而形成。它们包含着生活美学、生活意蕴、生活习俗,渗透着创作者对生活的理解和适应,并“物化”为具体的陶瓷造型形态。正因为如此,陶瓷造型是制陶人的艺术思想和文化修养的载体,也是某一时期文化特征的载体,体现了民族精神和民族文化。中国传统陶瓷造型从模拟开始,进而发展为象形取意的方法,通过长期延续和演变创造了许多优秀的陶瓷造型。象形取意的造型方法的长处在于能够借助自然界的植物、动物形态以及人工的各种器物形态和样式的启发,发挥想象、开展构思,创造有别于“原型”的优美的陶瓷造型,甚至比“原型”更为美好、更为动人、更具特点;在完成造型的象形取意过程中不受“原型”的限制,而是根据所创造的陶瓷器物的特点,充分发挥作者的创造性,把个人对“原型”的观察、理解、感受、爱好表现出来。象形取意的造型方法在我国传统陶瓷艺术发展的很长时期内一直是一种比较重要的方法,贯穿于各个不同时期的陶瓷艺术制作中。虽然在某些时候会有所调整和突破,但基本制作方法离不开象形取意这一制作理念。象形取意首当其冲的是汉字,中国汉字是最具代表的象形文字,制陶者在制陶过程中会将陶瓷器型与汉字匹配,以此区别其形态特点。如“由”字形的天球瓶、油锤瓶、玉壶春式瓶等,“甲”字形的梅瓶、鸡腿坛等,“申”字形的橄榄尊、柳叶瓶、莱菔尊、链子观音瓶等,大都是根据造型的大致轮廓、主体部分所处的位置与某字形相像而加以区分的。如果从深层的造型观念来分析,汉字的造字原则在一定程度上与陶瓷的造型方法有着某种内在的联系,存在所谓的“通而同之”的造型意识。中国传统陶瓷造型的名称更明确地反映着这种象形取意的造型意识,如蒲锤瓶、石榴尊、葫芦瓶、马蹄尊、蒜头瓶、纸锤瓶、灯笼罐、角篓罐等陶瓷造型样式,都是以自然形态或者其他器物造型为基础加以概括、变形、转化而形成的。象形取意的造型方法是优秀的传统,与国外陶瓷造型相比给人留下的印象是含蓄、丰富,更富于情感表现,展示的是诗意的韵味,体现了中国传统文化的基本精神。 2.陶瓷纹样新石器时代晚期的几何印纹陶,常见的纹样有水波纹、米字纹、回字纹、方格纹、编织纹、云雷纹等几十种。商代有饕餮纹、方格纹、回纹等。战国时期有云纹、花瓣纹、鸟兽纹。六朝有铺首纹、联珠纹、莲花纹、忍冬纹等。宋代陶瓷的装饰方法多种多样,有刻花、印花、绣花、画花等多种,刻花、印花是传统方法,绣花则是用针刺出花纹,画花则为后来的绘瓷开创了新纪元;宋瓷的装饰题材喜用折枝花以及飞鸟虫鱼,纹样秀丽、线条流畅,规矩的几何纹很少,体现了清新、典雅的艺术特色。明代,我国陶瓷工艺又进入了一个新的阶段。如果说在明代以前我国陶瓷的釉色是以青瓷为主,明代以后则主要是白瓷。白瓷的发展为陶瓷工艺的装饰开辟了广阔的新天地,唐宋时期普遍采用的刻花、划花、印花等方法已经逐渐衰落;画花的装饰方法主要是青花、五彩等,成了陶瓷的主要装饰方法。 二、在现代海报设计中应用传统陶瓷造型和纹样的实例 1.陈幼坚先生与他的罗汉式瓷碗陈幼坚先生设计的海报作品《民以食为天》,其作品元素选自中国传统饮食工具筷子和端庄的罗汉式瓷碗造型。设计表现形式采用正负形构成,为了更好地凸显罗汉式瓷碗这一传统造型而将筷子密集化处理,密集的中国筷子款式多样,不但有传统木筷、竹筷,还有现代的不锈钢筷子等。围绕着一口碗,留白的处理手法一下子抓住了所有观众的眼睛,把所有的视线都集中于一口瓷碗上,而这一空碗形象很好地体现了设计师的设计意图,深化了主题“民以食为天”。密集多样的筷子正映射出中国现实社会中的多样性与复杂性,对于一个现代社会问题,陈幼坚先生采用几千年来一直沿用的传统材料,利用现代设计手法精彩地展现出来。碗的选择更加说明设计师对传统文化要有深度的学习和了解,如此才能恰如其分地在现代设计中发挥传统素材所蕴含的传统人文精神。 2.赵清先生与他的青花瓷赵清先生的海报作品《在中国》很直白地给人留下“中国”的概念。同样的正负形构成处理,同样的传统陶瓷器物,赵清先生选用的“申”字形青花瓷,且不考虑与青花瓷里负形“CHINA”一词有何隐喻,就曲线优美的“申”字形瓷器造型加上以制作精良著称的青花瓷,直观上就为观者展示了中国传统工艺的精美和令人着迷的传统文化精神。赵清先生的作品又一次把“陶瓷”推上了当代文化的海报设计前沿。 3.何见平先生的《中国》何见平先生的《中国》拥有传统书法造型和中国风景画的设计元素,其中同样离不开蕴含大量传统文化精神的陶瓷。圆润的笔触内含青花的云气纹,使作者的设计意图传达得更含蓄。作品中国画梅花的意味或许更多的是对中国传统文化的一种委婉的视觉传达。这是一件优秀的后现代设计作品,也是一种文化的传承,它提醒我们在当下的现代社会生活中面对中国传统文化问题时需要谨慎处理。 4.杭春晖先生的《苹果电脑标志》2003年靳埭强先生就任汕头大学长江艺术与设计学院院长一职后大力倡导传统文化在现代设计中的应用,特别是对传统文化的继承和发展问题努力探究,因此就有了2004年的“靳埭强全球华人大学生平面设计大赛”这一隆重赛事,此赛事后来成为中国大学生平面设计的重要大赛之一,是一个有益于整个华人设计界的教育和学习平台,而这一年的主题恰恰就是“传统文化与现代设计的结合”。此赛事最高奖项“未来设计师大奖”由当时就读于中央美术学院的杭春晖先生的海报作品《苹果电脑标志》获得。这件烙印明显的后现代作品表达是现代科技在成为主流文化的同时对中国传统文化的一种融合以及给人们带来的新思考,或许也更想说明现代科技文明对传统文化的一种新形式的继承和发展。用苹果电脑公司标志作为主要图案在图形处理上没有什么新颖独特的手法,只不过把标志主体部分换成了代表我国璀璨传统文化的青花瓷图案,那片蓝色的叶子最耐人寻味。作品最终传达出的是中国这个拥有五千年深厚传统文化的国家在现代科技面前正生发出新的嫩叶,完美地演绎了此次大赛的主题思想,获得“未来设计师大奖”当之无愧。 三、结语 传统陶瓷艺术蕴含着丰富的中国传统文化精神,对我们的审美习惯和生活方式的影响从未间断,一直在潜移默化地陶冶着现代人的情操。带着传统的记忆和情感,我们必须坚定不移地继承优良的文化精华。运用现代科技,将历史文化展现在日常生活的方方面面,是当下设计师的艺术使命;推动传统文化的可持续发展,进而将其发扬光大,是我们义不容辞的责任。无论是过去还是将来、传统还是现代,我们的文明都应该光芒四射、繁荣昌盛。所以,现代设计中无论是平面还是立体,传统文化的点点滴滴都值得我们学习和领悟,我们要运用现代设计手段实现中国风、传达中国美。 作者:潘振华单位:武汉理工大学艺术与设计学院 海报设计论文:当前电影海报设计原则分析探讨论文 摘要:电影海报兼具绘画和设计的特点,既能传达特定的观念和信息,又能提升电影的艺术品位和价值。在政治、经济、文化多元化发展的当今社会,图形作为一种用形象和色彩来直观地传播信息、观念以及交流思想的视觉语言,可以极大地拓展电影海报的表现空间,使其具有更深刻的内涵,从而在信息传达方面发挥重要作用。 关键词:电影海报图形设计表现设计原则 电影海报是海报设计的一个种类,但是比一般的海报更富有情节性,具有传递电影信息、吸引观众注意、刺激电影票房收入的作用,因此也被称为电影的“名片”。电影海报设计是一种自我形式的推广,更是电影灵魂的直接表达,这种直观的信息传达有时甚至比电影更有说服力。 1895年12月28日,法国的卢米埃史弟在巴黎的一问餐厅里,向观众放映《火车到站》,当时还制作了题为《卢米埃电影》的海报,这大概是世界上最早的电影海报设计。 由于电影海报兼具绘画和设计的特点,以及对电影宣传所产生的巨大影响,后来的许多艺术家和设计师纷纷参与电影海报设计,他们将绘画和设计的各种风格相互融合,把多种表现形式、手段和技法综合运用,使电影海报设计很长一个时期内呈现出风格迥异、精彩纷呈的多元化发展格局。这些优秀的设计既传达了特定的观念和信息,又提升了电影的艺术品位和价值,同时,也使电影海报成为具有历史和艺术价值的收藏品。 随着社会的进步,政治、经济、文化都在多元化发展,东西方文化日益频繁的交流和融合,现代科技、文化、广告都给电影海报设计带来新的观念,设计师们也在不断尝试、突破常规,在注重电影信息传达的同时,力图使设计出的电影海报独具风格和富有创意,电影海报成为沟通思想、交流情感的媒介。图形,作为海报设计的重要构成要素之一,在这种设计思潮中成为设计师设计的重点,起着不可替代的作用。 一、图形在电影海报中的功能 图形是一种用形象和色彩来直观地传播信息、观念以及交流思想的视觉语言,具有只可意会不可言传的独特魅力,它能够超越国界、排除语言障碍并进入各个领域与人们进行沟通和交流,是被称为“世界语”的人类通用的视觉符号。因此,在电影海报设计中,图形具有吸引人们的注意力、易于理解以及将视线引向文案的诱导功能。将不同的图形通过创造性的组合能够产生新的图形语义,使电影海报具有更深刻的内涵,从而极大地拓展电影海报的表现空间,并在信息传达方面发挥重要的作用。 二、电影海报中图形的具象和抽象表现 具象图形与抽象图形是海报设计最基本的表现方式,这种相对意义上的具象与抽象一直都在相互影响、并行发展着。在电影海报设计中,两者有着各自的优势和局限,因此在实际应用时,两种表现方式有时会同时出现或者以相互融合的形式出现,设计师通常是根据电影形式和内容的不同。以及观众层次的不同需要而灵活应用的。 1、具象图形 具象图形具有一种亲近有趣和感人的魅力,是人们乐于接受和喜爱的一种视觉语言形式。在电影海报设计中,具象图形能通过表现客观对象的具体形态来突出电影主题,同时也能表达出一定的意境,其富有美感的写实形象在一定程度上满足了人们的审美需求。电影海报运用具象图形来传达某种观念或信息,往往可以取得较好的宣传效果。如电影《佐罗传奇》的宣传海报设计,画面中佐罗的形象英俊潇洒,黑面具、黑帽子、黑斗篷、佩剑和长鞭,以及人物坚毅的面部表情和身体动态,准确地刻画出一位行踪不定、行侠仗义、除暴安良、劫富济贫的蒙面游侠。不仅增强了画面的表现力和吸引力,提高画面的被注意值,而且还使电影宣传更富有成效。 具象图形以其直观的形象性、真实的生活感以及强烈的艺术感染力。易于快速从心理上取得人们的信任,从视觉上激发人们对电影本身的兴趣和需求欲望,尤其是极具创意的写实图形,其被设计师主观放大的高度逼真的形象,超越了视觉的一般状态,会给人以强烈的视觉冲击力和心灵上的极大震撼。 由于电影海报设计中具象图形的表现空间十分宽广,所以它的作用不可估量,它以其独特的魅力,至今一直占据着电影海报视觉表现的主导地位。 2、抽象图形 抽象图形,是“从具体物象出发,不断反复地剔除物的细节,忽略、忘却它的原形,超越它的具体性,从整体意象上把握它的结构形态,也就是要予以抽象化”,是高度理念化的一种视觉表现,集中体现了客观科学技术和时代精神的形式美。 抽象图形的独创性可以使电影海报设计不受任何对象和表现技巧的束缚。不受时空的限制,它通常是通过对构图、形象、色彩的单纯化表现强化电影主题,并使主题更为强烈鲜明,更具有典型性和情感化的特征。如电影《黑暗中的舞者》的宣传海报设计,斑驳的黑色背景,散落的白色文字,突起的盲文。不需要具体的形象,简洁的画面给人们留下了足够的幻想空间:在想象的明亮和现实的滞重问隐约进发出塞尔玛的歌声,也许此时塞尔玛的灵魂正徘徊在无边的黑暗当中,但天堂的光线就在她的前方,她会在那里看见吉恩清澈的双眼,将在那里用她的天籁嗓音歌唱天堂里的颤音。 抽象图形具有宽泛的象征性,所以在电影海报设计中表现的范围也是广泛的,既可以表现社会政治、经济方面电影主题,又可以表现科技、文化、体育等电影主题。与具象图形的相互结合、互为渗透,可以对电影主题进行更深层次的表现,这种两者结合的画面,具有简洁、明快的效果和强烈的现代感、形式感和装饰性。 没有一种图形能够如抽象图形的千变万化和象征特性一样涵盖更多的内容。也正是由于这种宽泛的象征性,要识别和理解它需要依赖于人们的感受与文化程度。不同地域、民族、文化程度、生活经历、性格、欣赏习惯等因素都会使人们对于抽象图形产生不同的理解,因此,在选择与运用抽象图形进行电影海报设计时,必须以了解和掌握人们的文化心理、欣赏习惯为前提,加强针对性和适应性,避免因为视觉语言晦涩模糊出现的歧义性和负面效应,以利于抽象图形准确地表述电影主题并发挥其应有的作用。 抽象图形在电影海报中的运用,打破了具象表现的单一模式,极大地拓展了电影海报的表现空间。 三、电影海报中图形设计的基本原则 首先,电影海报中的图形设计应该遵循“阅读最省力”的原则,形象要高度简洁、富于创意。直观形象性的图形阅读越省力,越能增强其被注意值,进而使人们对所要宣传的电影产生明确而又深刻的印象。 其次,电影海报中的图形要符合社会与大众的道德观念,在所传递的信息和社会形态的主流文化相吻合的基础上,画面形象应生动鲜明并给人以美的感受,使人们看后能够产生生理上的舒适感和心理上的亲近感,既设计中通常所说的感情的愉悦性。 再次,图形的形象要主次分明,主要形象应与设计诉求的目标相一致,为电影主题服务,不能喧宾夺主。单纯的追求形式美和自我意识的表现。或者不知所云,都会使人们的注意力分散、转移,从而导致电影海报偏离传递电影信息、吸引观众注意、刺激电影票房收入的目的。 最后,电影海报中图形的形象应做到情与理的高度统一,以情感人,以理服人。因为情理交融的形象有助于调动人们的感情因素,图形的情感色彩越浓重,就越能激发起人们的兴趣并使之产生情感上的共鸣,这种双向的沟通与交流有助于人们对电影海报所传达信息的关注、理解和记忆,并产生强烈的观看欲望。 二十一世纪在平面设计领域也被称为一个“读图信息时代”,当今的电影海报随着人们的个性化需求和设计形式的日渐发展,明显的呈现出多重发展的形式。但是无论怎样发展变化,电影海报作为视觉设计的一个代表、一种表达方式、一种文化的载体。都必须起到传播与展现的作用,这也是一幅优秀的电影海报所应具备的基本功能。 海报设计论文:当代海报设计论文 (一)民族文化的传承与海报设计 中华民族的文化艺术是一座蕴藏丰富的宝库,对海报设计有着深刻的启迪与借鉴作用。面对丰富的民族文化资源,我们可以多层次、多角度的进行再认识、再发掘。 1.从艺术手法方面借鉴。 中国五千年文明的发展,无论是宫廷美术还是民间美术,无论是文人画还是宗教画,经过历代的画家、艺人、工匠的创作实践,积累了大量丰富多样的艺术表现手法和表现形式。从新石器时代的彩陶到殷商时期的青铜,从战国时期的器皿、帛画到汉代的雕塑画像石,从唐宋的绘画到明清的瓷器,以及民间广为流传的剪纸、木版年画、建筑、纹饰、戏装、面具等等,充分体现了或恢弘灵巧,或简约或精致,或工整或粗放或热烈或娟秀,或质朴或奢华等多种手法。无论是逸笔草草的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案;无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画,这一切无不为现在海报设计提供着丰富的表现形式和图式语言。靳埭强为日本“自在”纸坊创作的一种具有中国文化特色的海报,在纸纹上运用了传统手造纸的毛边,宣纸竹纹变化构成中国山水自然绘画意境疏散的意象,表现了中国人文性情无束,悠然自得的生活态度,整幅海报制作结合中国传统艺术表现手法,把作品风格淋漓尽致突显。对于今天机械工具,电脑技术带来的表现手法单调划一的理性倾向,传统民族艺术表现手法对于现代手段与智灵手法的协调,发挥重要的平衡作用。 2.从图像元素方面借鉴。 中华民族文化艺术在经过漫长的历史凝炼后,逐步形成各具典型文化内涵的图形和纹饰。他们包括人物、植物、动物、图腾、几何符号等形式在内的图像,以及一些流传广泛的典故、成语、传说中的人物、景物,一些约定俗成的事物及组合。如梅竹松岁寒三友象征坚贞的友谊,三羊开泰象征吉祥如意,莲花与鱼寓意“连年有余”,喜鹊与梅花寓意“喜上眉梢”等。这些乡土味浓郁的图像元素是民族文化的重要组成部分,正如张道一先生指出的“民间艺术是一种本元文化”,如果将这些富有民族形式特征的元素有机的组合到现代海报设计中,无疑会给单调枯燥的现代设计风格带来一股清新的空气。 如韩秉华把冰裂纹(开片)结合汉字引用与“苏州印象”海报作为创意概念。开片纹图案窗格及“三点水”的笔法,组成“州”字的主体,并突出“姑苏城外寒山寺”牌匾中的“苏”字以展示苏州。背景衬以山水影波光和一叶小舟的照片,并以黑色和银色印刷,展现了中国艺术古朴淡雅的诗般意境。 3.从思维方面借鉴 中国传统文化中整体的、辨证的、因果循环的思维方式,强调事物各方面辨证统一和相互间的联系,其思维过程重综合、重归纳。反映在自然观上,强调“天人合一”,“浑然天成”,“物我不分”和“因势就成”。其思想发轫于先秦的道家,儒家以及禅宗理念,是原始朴质的混沌思维方法论的基本优秀。中国特有的思维方式,为现代科学技术解开某些知识密码提供了科学辨证的有力思想武器。现代科学的三大发现——量子力学,相对论和混沌论中所包含的概念和思维方法,与中国民族文化中所蕴含的注重整体、和谐、相对、转化的传统思想方式相当吻合。中国的绘画理论和设计原理与这种思维方式有着密切的渊源关系,古代太极图中的阴阳回转,青铜器纹饰的抽象多义,国画中大写意虚实相生中无不透出这种思维方式的精髓。我们知道思维方式转化到海报设计上,往往促成创意的产生,它是人所共知的潜意识中存在的思想意念。一个好的思维意念的生成,能够超越任何阻碍人类之间相互交流的因素,达到更高层次的彼此交流,它是使“中国海报设计”登向国际设计舞台的不可或缺的条件之一。我们的设计师在进行海报设计时,能够把作品的创作思维糅合到中华民族传统的自然观、哲学、思维方式中,往往会有意想不到的效果产生。(二)民族传统文化与当代海报设计 中西文化的互动和双赢,成为世界多元文化格局发展的必然趋势。海报设计要根植于本土文化精华的土壤中,深入领悟传统中的“中国特性”,汲取外来优秀的意识、方法、兼收并蓄,融会贯通,做到既有自己的独到之处,又不落后于国际潮流的设计理念与实践体系。 1.对民族文化精髓的创造性转化 对我国的民族文化,即要发掘出其中蕴藏的丰富资源,又要看到其中存在的不是和缺憾,在进行海报设计时,要活学活用。很多设计师还存有“借古人以自重”的倾向,认为套几件古装或搬出典故神话就是弘扬民族文化,设计就有了文化内涵,殊不知这恰恰是远离文化的一种流于表面的吸收,刻意模仿穿衣戴帽的行为表现。 那么如何在海报设计中将民族性与时代性创造性相结合,是体现其本土文化设计的关键之一。我们认为,首要的就是将中国文化传统中视觉的符号和价值系统加以改造,使这些符号与价值系统变成有利与时代变迁的种子,根植于国人心中,使其保持文化的认同。因此,我们所要努力把握的不仅是形式与内容,更重要的是抓住中国传统视觉符号所蕴含的精神方式与审美内涵,并自然地将它转化到我们当代的海报设计之中,亦即将传统文化符号转化为现代视觉语言。例如余秉楠1995年创作的《海峡两岸一家亲》是为台湾印象海报会设计的“汉字”海报。作品选用了最古的篆字“家”,家是屋顶下的猪,一个多么美好的形象,多么安定和幸福的家庭,它虽然经历长期的形制更叠,繁衍出行,仍离不开造字的初衷,隐喻出海峡两岸一家亲的主题。刘小康设计的《新北京,新奥运》,背景是北京故宫九龙壁中的一条栩栩如生,威武动感,再加上一个跑步人形及科技感的线条造型,重叠龙形和人形,把传统文化,现代思维和运动精神结合起来,表达新时代北京的气象,还有很多成功作品,陈幼坚1987年设计的《Hello香港》,李永铨1993年设计的《现代香港设计师八人展——八仙过海》海报等等,都是从视觉文化的角度来重新看待中国传统视觉符号,深化了对中国传统文化精髓的把握,这对于发现具有新时期民族特色的海报设计艺术具有启发的意义。 2.“全球化”中的现代中国海报设计 在全球一体化的今天,海报作为信息与观念交流的载体,成为人们生活中不可缺少的成分,一个成功的海报设计应将不同地区,不同文化背景的人的共通性意念,通过图形文化方式表现出来,以求人们免去因文化、地域、语言、种族等,使人类交流产生阻碍的因素,通过视觉图形而达到心灵之间的直接沟通。 真正理想的“现代海报设计”,应该更多是一种融古通今,关怀人性的思考方式,是多种文化并存,是人与自然协调的“现代化”的体现,是庄子所畅想的“天地与我并生,万物与我为一”的人生境界。当然,对传统的珍视,并不是一味的沉溺与审美的情感体验,我们所希冀的中国海报设计是在理性秩序下借西学之风,熔铸古代传统,培育拥护中国的文化生命的强大力量,而不是盲目裁切我们古代图形中的优秀片段,凭空移植外来文化。“民族的才是国际的”,把海报设计穿上民族的盛装,让它在世界各种文化的击撞中接受挑战,汲取营养。 (三):结束语 面对“西方文化”的强势入侵,我们的文化艺术也必然受到前所未有的挑战。“与狼共舞”并不可怕,相反,每一次异质文化与中国民族文化的交融,都将会带来民族文化质的飞跃。面对设计全球化的浪潮,思想的贫瘠和信念的过失将成为每一位海报设计师共同的劲敌。因此,在这片具有悠久灿烂文化史的土壤中,我们的海报设计师要“善学邯郸,不失故步。中西结合,以中为主,源流结合。以源为主,形成民族个性,这样我们的民族文化将得以不断传承,我们的海报设计艺术在本土化的土壤里也必定大放异彩。 摘要:在设计国际化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言的失语视觉现象非常突出。作为当今社会人与人交流载体的海报设计,要走出一条“民族个性”的道路,就必须根植于民族文化土壤中,向传统学习,并进行具有创造性的转化,使传统文化符号在当代海报设计中既具有“民族个性”又有“时代性”,这样,我们海报设计才能真正走“国际化”。 关键词:传统民族文化海报设计本土化国际化 视觉传达设计是一种以“图”作为信息载体的艺术,也是与传播相结合的设计艺术形式。其中海报便是一种非同寻常的充满信息与传达的交流载体,它往往可以不通过文字的阅读或提示,让人们一目了然地快速识别图形中所传达的内容和含义。德国设计大师皮尔·门德尔认为:“海报不仅是为了引起人们的关注和理解,而且更是一种美的语言,它映射出一个国家的民族传统与社会文化。” 然而,在全球化的影响下,中国现代视觉设计中充满了受西方影响的视觉语言,“国际化”视觉符号的泛滥与“本土化”视觉语言“失语”现象非常突出。世界设计的大同之日就是它的末日到来之时。当设计失去了民族个性时,不仅达到“世界水平”的目标无法实现,实际上也正在迈向衰败的道路。真正的“中国设计”应该是试图去发现一种既根植于我们民族的本土性又对整个当代设计语言有意义的东西。一个好的海报应该是在寻找表现某种可以识别、分析、解读我们的传统艺术中渗透的我们民族的智慧、意境、精神的“中国特性”。我们要为“中国设计”寻觅正确的方向,也为国际海报艺术设计的丰富性提供来自把握们本土的智慧和想象力。
民族文化在动画设计中的应用:动画设计中民族文化元素的应用 摘 要:中国民族文化元素底蕴深厚,这些千百年流传下来的文化是一种艺术的积淀,我们如果能够把握好这样的一个机遇,将会给中国动漫事业发展带来新活力。 关键词:水墨动画;民族元素;设计 一、中国传统艺术将成为中国动漫产业中的优秀部分 发展民族动画定会给我国的经济和文化产业带来巨大变化,动漫产业是当今最具发展力也最被看好的一个行业,这是一个机遇,如何找到发展的点是最重要的。中国民族文化元素底蕴深厚,这些千百年流传下来的文化是一种艺术的积淀,我们如果能够把握好这样的一个机遇,将会给中国动漫事业发展带来新活力。我们可以利用具有民族文化元素的动画片,将民族的东西带入到动画片中,使其在人的心里留下印象,那么如何做到这一点是我们需要深思的,一部具有亮点的动画片才能给人留有深刻印象,怎样去寻找这样的一个亮点,已成为了我们所探究的重点。 二、发展水墨动画就是这个亮点所在 国内著名的环球数码公司制作过一部水墨题材的影片,叫《桃花源记》,它以趣味的故事情节讲述了一个渔翁在捕鱼时进入了桃花源的故事,其引用了古诗词,将整部影片及剧情带入一个全新的高度,影片中对人物的刻画十分生动,远处的高山、近处的小船、桃花的飘落、河塘荷花的水墨再现,都是中国传统文化艺术的展现。整部片子中无不透露着浓厚的中国水墨画效果,这是对中国民族文化元素的肯定,所以说中国发展民族动画并不缺少题材,而是需要一个切入点。好多动画制作公司也都在寻求这个切入点,也都尝试着去发展民族的动画,但做了一段时间后发现这并非是一件简单的事情,要做出具有灵魂的动画片,我们必须要首先提高自己的艺术修养与对本土文化的了解,只有这样我们才会推动中国本土动画的创作水平,才能使得中国民族动画在世界上有地位。制作水墨动画效果有着一定的难度,我们如果追求真实的效果就必须去反复实验它,比如我们要用墨水滴在水里,去观察滴入时所产生的变化,然后我们将利用动画制作软件对它进行模拟制作,不但要观察其运动规律,而且还要观察它的晕染效果,在模拟的过程中,我们还要考虑到很多物理问题,比如它自身的重量,外界给它的影响等,都是我们要预先考虑到的。这些特效中的因素考虑过以后我们还要对环境中的建筑物有所考虑,比如古建筑的色彩上,以及建筑物的年代上都是需要我们去推敲的,如何能让一个短短几十秒的片子带来如此多的内容,我们就要对民族文化的深入了解后才能做到,我们把所有的元素进行提炼与压缩,从中获取到我们在影片中所需要的元素,而这个元素也是被大众所能理解与接受的,而且还要具有代表性。这些都需要我们艺术工作者们细心的研究与揣摩。我们不但要学习这些传统的艺术,也要将这些艺术引用到技术当中,我们可以利用国外先进的设备,对我们的民族元素进行转变与加工,就会成为具有代表性的一种文化,因此,作为一个动画艺术工作者一定要积极的去学习先进的技术,然后在将其应用到民族元素当中去,只有这样才能够更好的去发展民族特色的动漫产业。 三、水墨动画制作的精彩之处 我们在运用墨的同时也增添了它的韵味,通过墨在笔触间的展现,使得水墨动画更加生动富有灵性。说到灵性,其实我们在创作任何一部作品的时候都是要赋予它生命的,只有这样我们创作出来的作品才够精彩。一个有生命的东西,我们在给它一个特定的性格,这就是艺术的魅力,水墨动画也同样如此,在我们对水墨中的人物进行刻画的时候,我们是根据所刻画任务的故事背景、体态、形象等方面给予其特有的性格,这是艺术的一种表现手法,也是艺术对事物的再现。在国内很多作品中的人物都很活灵活现,其最主要的原因就是动画制作者们在对整部片子进行策划的时候,早已对人物与人物之间的性格进行了定位,而且定位完以后会依次依据每个角色的性格特征安排在什么时间出现,做什么事,这样就能在动画片中产生剧情,一个好的剧情不单单是导演的凭空设想,而更多的是来源于生活的启示,对于中国传统的水墨动画来讲,更多的题材多数来源于古诗词当中,在谈到水墨动画时,许多人不由自主的想到中国的古代,这样的一种思想固有是可怕的,难道我们就只能停留在过去而不去发展了么,就仿佛我们一提到中国民族文化元素一样,难道只有那么几个么,不是的,那几个显著的民族文化元素仅仅起到了一个代表性而已,就如我们现在发展的水墨动画一样,它也只是民族文化中的代表之一,那么为什么我们要努力的在动画方向发展水墨动画,其原因就是水墨画的特点所带来的影响,由于水墨画的主要特点就是意境的一个表达,没有具体的轮廓也没有一个界定的标准,而正是这样的一种表现形式为动画做了很好的铺垫,在水墨动画的制作中我们可以很好的运用这样的一种特性来让动画制作的更加具有韵味,无论从线的表现上到整个大的感觉上我们都能够感受到水墨的独特魅力的强大,也正是这样的一种力量,将传统的水墨动画推向了世界的舞台。在水墨动画中大量的运用了墨与墨之间的对比与反差,从而更加强化了水墨动画的艺术特性,这也是水墨动画的魅力所在,也是对民族文化的一种肯定。 四、民族化元素的融入 让动画设计中增添更多的民族化元素是有利的,因为现在大多数的动画工作者都在盲目地去效仿国外的一些制作风格,而对自主的创新意识不强烈,从而导致迷失了原本的方向,在国际舞台上慢慢的被疏远了。如何改变这一现状,那就必须将我们最原本的本土文化融入到动画设计元素当中来,用中国传统文化的内涵去感染世界,这不仅仅是一个创新,而是在面对激烈的国际动漫产业竞争下生存下去的新思路,只有保持好中国的民族特色,才能够与国际强手进行抗衡,才能够让中国的动漫产业顺利的发展下去,也能让国人在国际文化产业上得到地位的提升,发展中国传统文化元素的动画,将是一块将中国动漫产业带向光明的重要基石,只有将中国民族的文化的内涵与底蕴展现给世界,才能体现出中华民族艺术的强大魅力,那么发展中国传统文化元素的动画,我们就要找到最有代表性的一种表现形式,水墨动画就是最恰当的一个选择,通过水与墨的交融,展现出中国人的那种宽广豪迈的胸怀和独特的艺术气息,在加上水墨动画的表现那似与非似的感觉,更能让这个古老的国度增加更多的神秘色彩。 我们可以看出,在很多展现中国艺术气息的地方我们大多都在用水墨画做代表,从中我们可以反思到,中国传统水墨画的影响性有多么广泛,所以在动漫产业当中,我们要改变对国外动漫产业的照搬,而应该花时间去思考如何利用我们现有的文化资源进行动漫产业的改革与规范,水墨动画只能代表其中的一部分而已,更多的中国传统文化都在有待于我们动画工作者的开发与制作,有了形象才会有更多的市场,相信在若干年以后,中国的动漫产业将会有很大的发展,无论从产业经济上还是到发展上,都会在世界动漫产业中有所地位与影响。相信不久的将来,这股中国元素风将吹遍整个世界。 作者简介: 孙正元(1984-),男,满族,吉林省长春市人,吉林动画学院教师,助教,硕士,研究方向为动画。 民族文化在动画设计中的应用:论民族文化因素在动画设计中的应用 【摘要】动画是一种综合艺术门类,它集合了绘画、电影、摄影、音乐、文学、数字媒体艺术等诸多艺术门类于一身的艺术表现形式。民族文化在动画中的应用,不仅是对动画本体的理论研究,还是对民族文化资本化过程中基于动画产业规律的现象研究,更是对全球一体化背景下提升中国动画优秀竞争力的应用研究。本文将主要探讨民族文化因素在动画设计中的应用。 【关键词】民族文化因素;动画设计;应用 改革开放后,随着国外动画的大量引入,国外动画形象在中国年轻一代生活中的渗透和影响成为不容回避的社会现实,中国动画艺术面临着巨大的挑战。在世界经济一体化的发展阶段,我们更应该提倡中国动画的本土化,以一种对这个有着五千年文化历史的古老民族现实的生存状态和文化状态的热切关怀,并结合时代的发展,继承中华民族独特的审美文化和民间艺术传统,创造出具有中国特色的动画形象,并作为一种文化战略去开拓国内外的动画市场。 一、动画艺术创作的基本元素 讨论动画艺术中的民族文化元素应用,首先需要对动画艺术创作的基本构成元素进行分析和描述。从画面内容的构成看,动画创作的主要基本元素有:角色设定、场景设定和色彩设定。 (一)角色设定 动画艺术创作有其自身的特殊性,这种特殊性决定了动画片中的角色不必拘泥于日常所见或惯有思维的人或物的外形,这就为创作者提供了极大的发挥空间,没有了现实逻辑的拘束,作者可以大胆的想象和创造。动画艺术可以通过动画片中形象和情节反映客观的审美价值,同时也会表达出动画创作者对它们的主观态度川。但动漫角色作为片中矛盾冲突的主体和情节的轴心,这些角色的造型必须能与剧本情节的发展产生紧密的联系。在此基础上,经过创作者大胆的夸张和幻想,动画艺术中的角色往往能够拥有更加鲜明和独特的个性,比如在《玩具总动员》当中,就是由两个玩具担任主角―老式的牛仔布偶胡迪和另一位被定义为宇宙英雄的塑料玩具巴斯光年,他们在故事的安排下,被赋予了不同的角色性格,一个机智聪明,一个勇敢坚强,但却互不服气,从而产生了一系列令人啼笑皆非的搞笑剧情。 (二)场景设定 动画场景在动画片中有着举足轻重的作用,它离不开故事的情节演绎、角色的矛盾冲突,并且为故事发生的地点和角色表演的气氛起到不可或缺的烘托渲染作用。场景的造型和形式,直接体现出画面的空间结构,也为整部动画奠定了时间与空间的基本背景。动画场景的概念属于造型艺术的范畴,也是一种电影语言。不能简单地理解为对空间的衬托,而是在特定时间内对具有某种功能的特定空间。和角色设定一样,场景设定也不受现实逻辑的条条框框的拘束,可以任由创作者自行发挥想象,比如日本动画大师宫崎骏在《天空之城》中,就绘制出了一个神奇的空中岛国拉比达,它飘浮在令人无法企及的云海深处,里面蕴藏着巨大的宝藏。 (三)色彩设定 色彩是构成画面基本格调的重要元素之一。色彩是独立的语言,具有人类共同的感知和心理体验,可以使人产生联想,并唤起人的精神共鸣。人们对色彩的感受来自于自然界的客观存在,人们在长期的社会生活与实践中对不同的色彩也逐渐形成了某些特定的含义、感受和心理反应。毕加索就曾经指出,色彩,就像面容,会随情感而变。动态的画面在构成元素上与平面静态画面有很多共同之处,但动态画面是随着时间的变化而运动的,这种运动使色彩在动画的表现中除了具有象征性和寓意性之外,更加强了色彩对情绪的催化作用。 二、传统民族文化因素在动画设计中的应用 (一)发挥民族文化在文化观念转型中的作用 加强民族文化资源在动画产业开发中的运用,可以避免一些民族群体面临其文化主体地位不断被消解的社会风险。同样,以动画作品的传播作为民族文化表现的载体和平台,可以强化民族文化在中国观众,尤其是青少年观众中的影响力和辐射力,从而增强受众对于民族文化的了解和认同,或使古老、沉寂的民族文化焕发出新的生机与活力,成为文化研究和主流价值认同中的显学。 当前,转变经济发展方式已经成为“十二五”时期我国国民经济与社会发展的主线。动画产业作为文化产业的重要业态,是低碳型、低污染、高附加值的战略性新兴产业,在实现发展方式的转变中将起到愈加突出的作用。伴随着动画产业经济功能的不断强化,其作为文化产品所具有的意识形态属性,所承载的文化价值观传播性质,所承担的提升文化软实力的功能,都将在发展观念的转型中进一步凸显。而转变经济发展方式优秀是转变观念,这也对民族文化资源的开发提出了观念转型的进一步要求。 (二)提高民族题材动画作品的国际接轨能力 文化产品的生产、交换、消费与其他物质资料生产不同,在其作品中会自觉或不自觉地渗透着社会意识形态属性,动画产品也不例外。因此,在动画产品的内容创作环节,对作品内容的优秀价值观的表达提出了进一步要求。在以往的中国动画作品中,尤其是以民族文化为题材的动画作品,在很大程度上均以中国传统文化作为作品的主流价值观,而中国的传统文化揉合了儒家的“仁者爱人”“忠恕中庸”、道家的“天人合一”、佛家的“因果报应,与人为善”等学说,整个社会孕育了一套特有的文化传统和体系,这一内容体系在进行文化传播时,因为文化“语境”的差异和鸿沟,难以为全球受众所接受,而西方发达国家的商业动画作品,往往以全人类共同关注话题,诸如环境问题、贫困问题、人类未来问题等作为优秀价值观,这样一些题材内容文化产品更易于使文化产品变成普适性的人类共同需求的精神产品。 (三)树立表现形式服务于创作的观念 在中国商业动画长片创作中,观众常看到美国式的造型与套路似的运动规律及典型日本动画式的停格剪辑镜头。在中国艺术动画短片创作中,常看到把中国的京剧或皮影的老形式、旧题材原封不动地用新媒体的形式搬上银幕。这种简单的“拿来主义”足以说明动画创作队伍存在着一种艺术投机心理和日益膨胀的浮躁情绪,用外国表现形式和创作手法来标榜作品的时代性,实际上已经丧失了自己民族艺术的表现语言。而动画片创作中的民族民间文化艺术应是服务于作者创作的一种元素,不是为了表现民间文化而形成的束缚。这样的作品既不具备中华民族文化精神,又缺乏真正的民族文化的时代性特征。 美国迪斯尼动画片的可贵之处在于,对于不同主题的需要,他会以独特的方式去表现,而不是套用现成的方法去解决,这种独特的解决方法来自于创作者对主题深刻而独到的理解和认识,以及对各种表现手法的娴熟运用。 结论 总之,反思国产动画电影中传统文化缺失的问题,将多年来被我们忽略与遗忘的中国传统文化元素重新挖掘,只有汲取了足够多的养分,中国动画才能够成长,才有可能创作出独具民族特色的动画电影,续写曾经的辉煌。 民族文化在动画设计中的应用:民族文化在动画设计中的应用 摘 要:目前动画制作业发展越来越好,人们对文化的定义和过去也有了很大的改变,其中民族文化也是动画设计实践研究过程中不可或缺的元素,应该得到一定程度的灌输与改造处理。因此,本文首先分析年动画设计中民族文化元素的应用现状,然后又总结出在动画中应用民族元素的困境,根据这些困境又提出改进措施。使得动画应用开发项目能够成功摘下另一种文化特色面纱,收获更多受众群体的关注与认同,并联合创新技术引领中国动画朝着多元方向不断跨越。 关键词:民族文化;动画设计;应用 0 前言 我国文化资源丰富,民族文化的多样性为发展动画产业提供了良好的素材。同时,全球一体化冲击下本土民族文化的式微、Y本主义发达国家的强势文化在动画媒介的传播,对我国动画产业的发展和文化软实力建设形成威胁。在此背景下掌握和了解民族文化在动画中的应用现状、客观分析民族文化在动画应用中的困境并提出民族文化在动画应用中的建设性路径,是中国动画提高优秀竞争力的出发点。 1 动画设计中民族性文化元素应用现状 对全球民族文化的汲取是好莱坞动画的特征动画和电影等视听艺术一样,“除了在物质属性的价值外,它们借由声音、影像、图画、文字等元素交织而现的象征符号与意理信念,则与文化领域有着关联,同时这也与主导社会集体价值与民族文化内涵的政治领域形成一种张力”。正是因为这一文化艺术产品在推进国家文化软实力方面发挥的重要作用,发达国家开始“越重视依赖其经济力量和文化力量进入不发达国家开辟更具活力的市场,获得更廉价的生产和生活资料,在创造利润的同时创造一种消费意识形态” 以美国好莱坞动画为例。好莱坞动画电影《花木兰》和《功夫熊猫》对于中国元素的国际化应用是较为典型的个案。《花木兰》的背景设置中融入了大量具有典型中国特征的文化元素,例如宛若水墨画一般的开场字幕,具有浓厚中式庭院风格的民居,以及具有资源排他性的长城、庙宇、故宫等文化遗产,代表中国传统文化特点的饺子、火炮、舞龙表演、针灸、武术、中国功夫、猴拳、蛇拳、螳螂拳等,这些对中国传统文化形式生动逼真的再现,无疑为西方观众了解东方,认识中国打开了一扇窗。而动画所宣扬的主题则是“实现自我价值”的木兰成长史,在《花木兰》的故事情节和角色性格上,或多或少地呈现出女性主义的张扬和自我价值的提升这一被西方普遍接受的文化价值观。《功夫熊猫》同样在动画电影的背景设置、装饰元素、建筑风格和文化题材上借用了中国文化的形式,在表达手法和叙事方式上,依然沿用了好莱坞式商业模式: 老套的关于成长、梦想和为梦想而付出努力的情节,一如既往地融入最新数字技术和特技效果的精良制作,而正是这一迎合西方人的思想观念和文化传统的价值体系的商业电影模式,让“一个原本具有浓厚封建传统色彩的故事,以一种崭新的理念和风貌呈现在全世界的观众面前”,而影片所描述的故事: 阿宝的成长历程,更是对美国文化和美国精神的一种折射,体现了美国人崇尚自由,追求个性解放,崇拜个人英雄主义的价值观念和思维方式。相似的例子还有动画电影《风中奇缘》中对于印第安群落区域文化资源的描摹,在印第安文化的质朴和淳厚的表象下却表现出好莱坞文化的强大同化能力;《阿拉丁》对阿拉伯风情的精致表现,《大力士》对希腊神话的文本诠释,同样《狮子王》《马达加斯加》和《埃及王子》或从影片的背景和环境中渲染出日落生息的古老非洲、神秘威严的埃及古堡不同的民族文化生活,或从影片的情节和角色中反映了非洲文化的多样化和非洲生态的独特化,但却无一例外在角色塑造和情节表达中渗透着强烈的“美国精神”。 2 民族性文化元素在动画设计中的作用和意义 民族性文化元素在动画设计中的应用,有利于动画设计的发展,开拓新的领域。当前动画设计者简单地照搬、模仿国外的动画设计风格,一味地走纯技术的主流路线,而放弃我国传统文化,失去了“自我”,迷失了方向,在主流国际动画交流平台上渐渐地失去了话语权。融入民族性文化元素的动画设计,其所具有的内涵和审美特征超越了时代性,文化元素渗透到多数国人的血液之中。它不仅能延续和创新动画设计的形式与风格、强调东方韵味,更能在动画全球化的趋势下,使我国的动画设计保持民族特色,逐渐树立具有中国烙印的动画设计风格,在全球化的动画市场中,增强自身竞争力,在国际市场占有一席之地。 当动画艺术通过民族性文化元素进行审美表达时,文化大众的亲切和情感认同感被激发出来,产生文化的归属感。毫无疑问,民族性文化元素是动画民族化的一块重要基石,我们只有对它的多重审美和内涵进行重构,才能有利于动画设计的创新与发展,向世界展示中华民族动画艺术的巨大魅力。如在2008 年北京奥运会中张艺谋导演充分运用我国民族性文化水墨元素,结合现代的多媒体动画数字技术,取得了奥运会开幕式的巨大成功。开局给人梦幻般的意境,气势磅礴、荡气回肠,一幅上下五千年文化的巨大画卷展现了中国悠久的历史文化和人文气息,增强了民族自信心,对政治、经济、文化等产生了深远的影响。这类动画给由欧美、日占主导地位的动画文化市场带来一股强烈的冲击波,提升了华夏民族的文化影响力。由此可见,我国动画从业者应该认识到,要在动画创作中对具有独特的审美特征和内涵的民族性文化元素重新认识和利用。既要走向世界,注重创新,又要立足民族,承载内涵,借鉴传统的民族性文化元素的影响力,造就现代的中国动画艺术。笔者相信,在世界动画领域将会掀起一股中国动画民族风,彰显中国文化的影响力。 3 民族文化在动画应用中的困境 3.1 全球一体化冲击下民族文化逐渐式微 民族文化是一个民族国家的精神魂系。一个国家和民族具有什么样的自身文化特色,不仅关系到民族的生存与发展,还关系到国家的前途和命运。尤其在当今世界,西方文化借世界文化交流空前开放之机,以强势经济作后盾,在国际交往中积极开展了新一轮的“文化殖民主义”渗透,妄图将其他文化沦为自己的附庸,以维护其世界霸权地位,这一现象体现在全球一体化过程的不同方面,不管是好莱坞的文化植入,还是日本动画的文化影响,可以说,“西方的价值观念通过餐饮、电影、娱乐文化的形式,潜移默化地影响着各国人民的头脑。”随着全球经济一体化的深入发展,不管从生产、流通还是消费形式等诸多维度来看,文化市场正在逐渐全球化的过程中变成一个统一的大市场,而国家的边界越来越不那么森严。具有强大优势的美国文化产业很容易就可以穿透国界,以投资、购并、参股的形式在海外建自己的分支机构,其各种文化产品则更是风行世界。西方文化特别是美国文化在世界范围内的大规模传播,对地区文化和民族文化如国家及地域性的传统、风俗、神话等构成了极大的威胁。面对这种威胁,世界上许多国家,并不限于弱小的第三世界国家,开始担心、军事力量和科学知识进行全球统治外,还会把它的生活态度、价值观念、语言以及思维和娱乐方式强加给其他民族,使其他民族丧失其精神信仰和文化认同。 3.2 民族文化题材动画作品形式大于内涵 中国文化历史悠久,民族资源丰富,但是中国动画作品中对民族资源的利用却相对比较薄弱,对民族文化的动画呈像形式大于内涵,更多地注重外在的民族化的表现方式,注重民族文化元素的符号表达、形式借鉴、故事模仿和情节套用,却忽视了对“民族精神”这一优秀价值观内涵801诠释。以中国动画在全球获得广泛关注的“中国学派”①作品为例。“中国学派”是中国动画对民族文化的应用中较为成功的典范,让中国动画在世界舞台上获得了历史的成就。在汲取传统艺术和民族文化的过程中,无论是战国帛画的墨线勾勒,汉代画砖的细致精巧,敦煌壁画的生动恢宏,以及唐代青绿勾祈的金碧山水,两宋的水墨梅竹,明清的水墨山水花鸟,还有民间剪纸、年画等都成为中国动画电影造型风格生长的沃土,使中国动画电影在世界动画之林中形成了独具特色的“中国学派”。 彼时的中国动画在水墨动画上找到了适合自己的表现形式,写意而不写实,注重意境,计白当黑,诗意的栖居,意境的渲染,让《小蝌蚪找妈妈》《山水情》《鹿铃》等一系列水墨动画在国际上获奖。这一艺术形式探索上的成功,诠释出古东方人的理念情感和自然生态观。或许这些正是中国水墨不同于西方写实手法的特色,让充分本土化的中国动画获得了世界性荣誉。然而几十年过去了,除了“中国学派”不断地被神圣化、理想化,中国动画在世界舞台中的声音却不断式微。由于长期以来动画界对于“中国学派”予以仰视观望,而期待获得再次复兴的中国动画创作群体又常常以“中国学派”的成就作为努力的方向,而且是我们难以用一种冷静的心态和全球化的眼光去思考和审视中国动画国际化的发展路径。因此,在今天的国际文化产业竞争中,中国动画往往延续了昔日“中国学派”成功的“外衣”,即在外在形态上不断追求民族化和本土化,并在追求表现形式民族化的过程中无法跳出水墨、剪纸、戏剧戏曲的园囿,在故事题材上也难以脱离于民间故事、神话、童话,其中又以古代题材偏多,如此一来,便很大程度上导致动画作品对文化消费时代性的把握、对流行商业元素的驾驭的现代性的不足,改编的生硬和缺乏文化内涵的内容设计,难以迎合知识经济时代消费者的生活节奏和精神需求,从而使作品难以为全球语境下的世界观众所接受。 3.3 民族文化题材动画作品经济效益缺失 从中国动画生产的实际状况看来,目前仅有的为数不多以民族文化为主题或融入民族文化元素作为表现形式的动画作品,均未在商业化的道路上取得较大的成功。其优秀原因是因为在民族题材动画作品的创作中,尚未掌握动画艺术创作和商业运行的双重规律。而要理清民族文化题材动画作品经济效益缺失的根本原因,首先应当明确动画创作中的几个本体性规律。 其一,并不是所有的民族文化资源都适合转化为动画创作的素材,也并不是所有的民族文化资源都适合进行动画产品的商业化开发。对文化资源进行选择,并通过动画的方式进行二次开发和二度创作时,首先要符合动画产业的创作规律和艺术生产规律。选择什么样的文化要素,而如何对这些文化元素进行二次创作,使其既能够保留鲜明的民族文化特点,又能够在叙事主题和角色性格上具有普适性,在角色形象和创意设计上具有进行产业链后续开发和衍生产品多性开发的便利性,对于中国动画而言,无疑是一次严峻的考验。 其二,文化与经济的发展存在着一定的不平衡性,文化的产业化受制于经济发展条件的限制,同时也在市场经济发展规律下展开。民族文化也不例外,一方面,民族文化资源的产业转化依托于经济资本的支撑。从某种意义上讲,民族文化主要是以文化符号作为“股份”参与资本运作的,其本身并不能直接产生经济效益,一旦脱离了实在的经济资本的支撑,它的经济价值往往就无从体现,因而从一开始就注定了它对经济资本的依附性。而另一方面,随着资本化程度的不断提高,民族文化的这种依附性被进一步强化。由于在与经济资本的利益博弈当中,作为民族文化主体的民众往往处于弱势地位。在现实的经济利益面前,他们对于民族文化存在形式的保留和发展,没有太多的话语权。这种窘况的出现,可能会导致民族文化的发展偏离其基本方向,并进一步受制于外来的经济资本,从而为民族经济与民族文化的长远发展带来不利影响正式受制于经济不平衡性这一根本性条件的制约,使得民族文化资源丰厚的地区在进行产业化选择时,往往陷入茫然和盲目的误区中,以至于过于依赖或沉浸于现有的资源形态中而缺乏创新和创意,过于局限在文化元素的低层级产品开发上,即产业链的下游环节,从而使其文化附加值过低,难以在经济效益上取得更好的成绩。 4 推进民族文化在动画中表现的具体措施 4.1 注重传统文化在动画设计角色创作中的应用 角色创作于设计是一个动画设计的主体部分,对于动画整体的效果起着最为关键的作用。因此,为了促进民族文化与动画表现的融合最为有效的方式就是进行动画角色的科学选择,选择具有中国文化特征的形象有利于中国民族文化的直接表述。 上海美术电影制片厂推出了《骄傲的将军》这部动画电影。摄制这部动画电影的艺术家们,远赴北京#山东#河北等地搜集大量古代绘画、雕塑、建筑等资料,经过一年多时间的辛勤工作完成了这部20多分钟的动画片。这部作品中的角色设计大量借鉴了中国传统的京剧元素,是传统文化的集中体现,同时也获得了很好的评价。 4.2 注重传统文化在动画设计场景创作中的应用 前文已述,动画的设计场景对于动画的整体表现方式具有十分重要的意义和价值,在实际的设计过程之中,我们应该充分注重场景设计中民族文化元素的植入。例如,在动画电影“哪吃闹海”的开场,映入眼帘的是一片宽阔的海山相接的景象,随后近景镜头中出现的山石上刻有篆体“陈塘关”字样,紧接着的中景镜头中海浪翻滚、聚合、四条神龙从海浪中直冲云霄。这样的背景创作是明显的民族文化植入,对于作品的表现具有十分重要的意义和价值。 4.3 提高民族题材动画作品的国际接轨能力 文化产品的生产、交换、消费与其他物质资料生产不同,在其作品中会自觉或不自觉地渗透着社会意识形态属性,动画产品也不例外。因此,在动画产品的内容创作环节,对作品内容的优秀价值观的表达提出了进一步要求。民族文化素材的动画作品也要尽量做到与国际接轨,既接受外来理念,同时也融入本国文化,这样的设计作品必将获得较好的评价。 民族文化在动画设计中的应用:动画设计中对民族文化元素的应用探析 一、我国动画设计发展中存在的问题分析 我国动画事业曾经在动画领域内占据领先地位。上世纪20年代开始,我国动画事业不断发展,在动画领域内展现了我国民族文化的博大精深,动画题材的丰富性、动画形象的生动性、动画内容的生动性都使得我国动画声名远扬。在我国动画的发展史上,大量的动画作品成为众人皆知的经典作品,如《三个和尚》《猴子捞月》等。这些动画都是从中国民族文化中选取题材,并通过动画形象的塑造使得民族文化精神形象化、具体化。但是进入80年代以后,动画市场设计人才的短缺、创新能力缺失、知识产权保护制度的缺位使得动画市场开始趋向落后。另外,日本动画及欧美动画开始积极创新,大幅拓展其动画市场,我国的动画消费市场遭到挤压。日本动漫以更加先进的动画技术、更加流畅动画画面、更加完善的动画品牌制度促进动画产业化的发展,这也导致我国动画市场丧失了其发展优势,动画市场几乎被日本及欧美的动画完全占据。当前我国的动画市场虽然也设计出了不少的动画作品,但是这些作品都以低龄化的育儿题材为主,儿童们都动画的观看兴趣并不高。现代动画忽视了对中国传统文化精髓的挖掘,也不愿意从文化形式上进行创新,因此,虽然动画越拍越多,但是动画作品的质量差强人意。而日本及欧美动画在中国的渗透不仅仅占据了大范围的中国市场,也以动画为载体不断向中国民众渗透其文化意识及价值取向。面对动画事业的衰落,如果我国动画设计者不能勇于创新,积极拓展,深入挖掘,那么中国动画必然无法超越其他国家,甚至会被其他国家动画产业吞噬掉。 二、将民族文化应用于动画设计的重要意义分析 (一)拓展动画设计领域,促进动画形象创新。将民族文化应用到动画设计领域能够为动画设计者提供开拓创新的思路,能够引导动画设计者的设计理念,防止动画设计者一味照搬日本及欧美的动漫风格,过度重视对技术的引用,促使我国动画事业的特色化发展,推动我国动画设计民族特色的渗透,保持我国动画发展的独立性,形成独具中国特色的设计风格,从而在国际动画市场中占据有利的竞争地位。 (二)激发民众文化认同感,提高动画设计的传统魅力。我国传统的动画设计中,往往从中国的历史文化、民族文化中寻找动画素材,挖掘具有中国本土特征的中国文化精神,将中国文化中的儒家文化、道家文化、法家文化渗透到动画形象的设计中,我国的动画艺术作品可以视为中国传统文化的象征,其蕴含着丰富的文化意识形态及深厚的历史底蕴。民族文化是中国人民精神意志的象征,也充分代表着中国人民的价值取向。如果在动画设计中引入民族文化,就能够充分激发中国民众的情感,促使中国民众发挥自身的情感引导,增加动画设计的亲民感,激发民众文化认同感。 三、动画设计中民族文化元素应用策略分析 (一)挖掘中国民族文化精神,提高动画文化底蕴。在我国的传统文化中,许多具有典型民族性色彩的文化因素能够运用于动画设计中。因此,要发展具有中国特色的动画产业就需要从我国的民族性出发,将具有文化积淀的中国元素引入到动画设计中,并通过先进技术的运用、现代化传播方式的诱导,推动综合3G技术与民族特色的中国动画风格,实现动画设计领域的创新和突破。例如,环球数码动画设计公司设计和推出的《桃花源记》以具有中国民族特点的水墨画为背景,并通过现代技术将皮影文化与剪纸艺术结合进来,以现代文化精神为指导,塑造出一系列具有画面管、形象感、动作感的动画人物,并通过细节的打造、场景的布置为民众展现了一个具有写意色彩的水墨动画,为民众打造了一个全新的桃花源文化体验,激发了民众对小桥流水般静谧环境的追求。 (二)引进欧美先进技术,吸收日本动画设计理念。要促进我国动画事业的发展也不能忽视对先进技术的运用,更不能脱离现代化动画设计理念的指导。因此,我国的动画设计者要充分研究中国传统文化元素的特点,要重视对水墨画、剪纸、皮影等文化艺术形式在动画设计中的运动规律,并结合先进的三维技术,利用先进的动画设计软件,强化对人物动作的捕捉,发展具有现代化特点的中国民族动画,提高中国动画对民众的吸引力,激发民众的观看兴趣,拓展我国动画的国际市场。 四、结束语 总之,我国动画设计人员要充分拓展设计思路,积极进行创新和发掘,以多维度的视角发掘中华民族的审美特点,加强对民族文化中动画元素的探索,利用先进的技术发展中国民族特色动画事业,塑造中国动画的民族风格,增强民族文化的影响力。 作者:单丽 单位:山西省太原市高级技工学校 民族文化在动画设计中的应用:动画设计中对民族文化元素的应用 摘要:我国的动画设计起步较晚,发展速度相对缓慢,我国的动画设计因此被贴上“舶来品”的标签。随着我国现代动画设计的不断发展,越来越多的动画设计师开始意识到民族文化的重要性。在动画设计中应用民族文化元素,不仅能使我国的动画设计更具有本土化的特性,还能使动画作品更好地达到情与境的融合,使我国的动画设计更具人文精神和思想内涵。 关键词:动画设计;民族文化元素;应用 动画设计是一项现代化的艺术展现手段,主要是指对动画中的场景、人物、服饰、建筑等进行创作和艺术加工的一种影像工作。动画设计是一门涉及美学、色彩学、绘画学、漫画、电影、数字媒体等诸多领域的综合性艺术。动画设计师通过点、线、面、形、色等丰富多彩的表现方式,将动画的表现技巧、艺术风格等精准而生动地呈现在观众的面前。 一、动画设计中应用民族文化元素的意义 我国的动画设计起步较晚,发展速度相对缓慢。虽然我国的现代动画设计已经有了较大程度的革新,但总体而言,我国的动画设计产业是参照西方动画设计逐步发展而来的,作品风格、绘画技巧、展现形式等各个方面汲取了西方动画设计的成果,我国的动画设计因此被贴上“舶来品”的标签。随着我国动画设计的不断发展,越来越多的动画设计师开始意识到发扬民族文化的重要性。我国民族文化中的各种古典艺术形态和元素等,反映了中国的传统文化和社会环境。我国的许多民族文化元素将趣味、氛围和意境相互融合,不像西方文化元素讲究点、线、面等细节的真实表现,而是更加注重情与境的完美结合。动画设计师在现代动画设计中融入民族文化元素,不但能使我国的动画设计更具有本土化的特性,还能使动画作品更好地达到情与境的融合,使我国的动画作品更具人文精神和思想内涵。这对于我国动画设计行业的发展和创新有着极其重要的意义。设计师在动画设计中加入民族文化元素,可以形象地展现动画中的人物和景物,使动画作品形神兼备。因此,民族文化元素对于提升动画作品的艺术效果具有极其重要的作用。 二、动画设计中民族文化元素的应用 我国的许多民族文化元素不仅具有对称、统一、和谐、对比等突出的美学特征,而且往往蕴含着各种吉祥和美好的寓意。在动画设计中应用这些民族文化元素,不仅是爱国情怀的体现,更是现代影像艺术与传统文化之美的完美结合。1.动画设计中民族色彩元素的应用我国民族文化元素的色彩并非斑斓、绚丽,而是以朴素、简洁见长,色调并不丰富,以青花蓝、朱砂红、月光白居多,讲究色不在多的和谐之美。设计师在动画设计中应用民族色彩元素,能够使动画中的人物形象和服饰更加素雅。这些简洁的色调可以凸显出我国民族文化和民族精神的深厚魅力。此外,民族文化元素中灵动而优雅的色彩能够反映民族文化的审美特征。2.动画设计中民族纹饰元素的应用我国民族元素中的纹饰元素不仅丰富,而且多具有吉祥的寓意。我国民族文化元素中的图案格外简单、朴实,并保留着原始的艺术痕迹。设计师在动画设计中运用这些民族纹饰元素,不仅能点缀动画作品,还能提升动画作品的精神内涵。中国民族纹饰元素的设计和构图都较为随意,但具有深厚的文化内涵。设计师在我国现代动画设计中运用这些精美的民族纹饰元素,可以使动画画面清新、典雅,充满自然的气息和文化底蕴。 三、结语 随着时代的不断发展,现代人追求民族文化的意愿越来越强烈。设计师将民族文化元素运用到动画设计中,既能传承我国的民族文化,又能促进我国现代动画设计的发展和创新。动画设计师要重视我国民族文化元素,并将之合理地运用到具体的创作中,以促进我国动画设计的发展。 作者:李珊珊 单位:河南省工艺美术学校
一、国内旅游现状分析 目前国内旅游业往往将旅游作为一种盈利的工具,看重的是旅游对当地经济发展的推动作用,甚至将其看成民族地区摆脱贫困,经济增长的一种最快捷、有效、省力的方式,但是旅游者在旅游活动中希望能“求知、求新、求乐”,尤其对于民族地区旅游来说,旅游者更容易被“异文化”所吸引。因此,旅游活动应是一种人与人,人与文化的交流关系。厦门大学彭兆荣教授认为现在旅游已演变为一种“人与钱,钱与游”的交流关系。[1]游客抱着一种“我花了钱,我是上帝,我是来消费“被服务”的心态,旅游地东道主则抱着一种“只要能挣钱,什么都可以接受的”心态。游客与旅游地东道主之间利益关系居于首位,这造成旅游活动中双方之间不是一种平等的关系,进而敌对。即使很多地方打出“在保护中开发,在开发中保护”的口号,但在执行过程中仍无法抵御钱、权的诱惑,遂将开发利用放在首位。人类学向来秉持文化发展的整体性、多样性的观点,倡导旅游活动中人与人之间平等的关系,关注旅游活动对旅游目的地文化、环境及其居民的影响,倡导正确处理人与人、人与自然之间的关系。因此,我们应运用人类学视角,对民族地区旅游发展进行多学科的研究。 二、灵渠旅游的研究背景及发展历程 灵渠位于广西省桂林市兴安县,是秦始皇应军事要求而修筑的一条沟通中原与岭南的水上运输通道,至今已有两千多年的历史。灵渠现由铧嘴、大小天平、南渠、北渠、大小泄水天平和陡门等组成,设计建造科学、精巧。灵渠的修建对促进古代南北经济、文化交流及中华民族的统一做出了重要贡献,亦有“北有长城,南有灵渠”之美誉。如今,灵渠已经被列入世界文化遗产预备名单,其申报世界文化遗产的工作正在进行中。纵观灵渠旅游的发展历程,道路曲折坎坷。起初是由居住在灵渠附近的南陡村居民搞起来的,在景区内经营烧烤、跑马等小生意,随后游客逐渐增多,政府开始参与其中。1973年冬,灵渠正式对外开放。1986年,兴安县园林管理处开始对灵渠景区进行售票经营。20世纪90年代,兴安县旅游局在灵渠设立了灵渠管理处进行专门管理。2000年,县政府政府与桂林旅游股份有限公司合作成立了桂林兴安灵渠旅游有限责任公司而共同经营。2009年,县政府将灵渠的经营权授权给广西国悦企业投资有限公司。至今,灵渠景区一直由国悦公司经营。其间,兴安县政府分别于2004年、2005年开发建设了水街、秦皇宫。如今的灵渠景区是集灵渠公园、水街及秦皇宫为一体的旅游景点。 三、灵渠旅游开发过程中出现的问题及建议 近年来,灵渠基础设施及人文环境不断改善,同时列入世界文化遗产预备名单,相应知名度也在日渐提升,灵渠旅游已逐渐成熟。但笔者在田野调查之后,发现其中仍存在众多问题。灵渠文化遗产旅游不仅是一种经济产业,更是是一种文化活动,文化是灵渠旅游的灵魂。文化结构分为三个层面,外层的物质层面,中层的制度层面、内层的精神层面。灵渠旅游发展的一系列问题侧面反应了灵渠旅游规划的基本思想存在一些偏差,致使出现一系列不利于旅游发展的矛盾。笔者在此运用人类学理论对灵渠旅游发展提出几点建议。 (一)秉承以人为本、整体性的理念,坚持可持续发展观 旅游业往往以盈利为主要目的,对资源及环境以不计后果的开发方式来谋取最大利润,而在可持续发展观念中,资源、环境、经济和环境保护协调发展与人类学的理念是一致的。人类学向来坚持“以人为本”“整体性”的理念,在旅游开发及活动中更应注重环境、生态的承载力,注重作为旅游目的地的社区人民的感受和生活质量。因此,从人类学角度出发,景区发展应有整体性的发展规划,构建一个良性的循环系统。虽然灵渠旅游日渐成熟,但游客数量相对较少。据笔者对广西师范大学40名本科生的问卷调查,其中百分之九十九同学反映景区内的环境差强人意。笔者田野调查发现,灵渠景区内环境方面存在诸多问题,如杂草丛生、植物类型单一、色彩单调、缺乏美感。垃圾随处可见,一些次干道或游客罕至的地方,环境污染十分严重。景区内一位村民刘大妈说:“现在景区内的环境真是差的要命,你看这灵渠水,跟我小时候简直没法比,都是旅游造成的!你是没等到节假日来,那水面上全漂着塑料瓶!”景区人文景观也破损不堪,景区亭子内的柱子、墙上乱涂乱刻,文化标识物字迹模糊、缺角少边、颜色陈旧。众所周知,旅游活动中游客的满意度来自于对旅游目的地认可。因此,灵渠景区发展规划中应将“环境保护“放在首位,坚持可持续发展观,不要只图眼前利益,因小失大。 (二)秉承自下而上参与发展的理念,发挥社区主导作用 发展人类学强调自下而上的参与发展理念。一是对人类学传统的长期田野调查方法加以改进,创造出了适应项目需要的快速田野调查—参与式乡村评估(PRA)。它秉承文化相对论,承认多样性和差异性的存在,鼓励人们坚持不同的观点,对他们自己的情况进行分析,从而调动乡村社区的力量为实现他们所设想的未来而采取行动;[2]二是以PRA的普及为契机,力图将在PRA过程中所实现的发展人类学者与发展对象之间的权力倒置贯彻于整个发展过程,倡导一套民本主义的参与发展模式,赋权于发展对象,使之有机会表达自己的声音,参与整个发展的过程。[3]参与式发展理论的不断完善势必为经济带来更有力的推动与发展。灵渠在经历了经营权的多次改变后,其中各个集团之间存在着不同层面的矛盾。它们追求经济利益,忽略灵渠遗产旅游的整体性发展。公司与政府不满村民在景区内占用土地谋利,多次劝说村民搬出景区。政府曾作出的若村民搬出景区,就给予一定的经济补偿及修建集资房供村民居住的承诺一直未能兑现,村民对此也表示无奈。据景区内一家经营农家乐的李大叔说:“我们就生在这里,祖辈父辈都守护着灵渠,凭什么不让我们在这居住,不让我们在这做生意。最早的景区旅游还是我们村民搞起来的,现在倒不让我们做了。这个国悦公司一心只想着挣钱,开始我们当地居民来景区都要求收费。我一直就在这住,孩子在县里打工,这么大年纪,现在又不让我在这做个小生意,我出去能干什么!你现在让我们搬出去,搬到哪?那好,搬,政府以前承诺的集资房还有补偿金兑现给我们,我们就搬。”从李大叔的话中可以看出,南陡村居民对灵渠这片故土充满了熟悉感及乡土情,只要能够挣个基本的生活费用就行,除非迫不得已是不愿搬迁。南陡村居民作为陡军的后代而不断在此繁衍生息,他们目睹着灵渠景区的变化,是灵渠文化和精神的传承者,也是灵渠发展的各个环节中最有发言权的一部分。[4]因此,从发展人类学自下而上参与发展的理念出发,无论是灵渠景区的规划、管理、运行,还是收益都应让当地居民尤其是南陡村居民参与其中。应鼓励南陡村居民大胆发表自己的见解,及时进行沟通、商讨、反馈。为居民提供景区工作机会,使居民的工作绩效与国悦旅游公司的股份分红挂钩,使社区居民以主人翁的姿态对灵渠旅游发展规划、管理、运营做出贡献,同时使居民对灵渠旅游及文化具有一种民族文化的认同感与自豪感。[5] (三)保持民族文化传统,促进灵渠历史文化的传承与发展 现代旅游中,旅游目的地文化难免受到外来文化的冲击,尤其是少数民族地区。保持传统文化遗产的原真性,发扬和传承其历史文化和民族文化是重中之重。人类学家认为应注重文化的深描。文化符号、标识是传递文化的一种有效途径,应借助文化标识、符号等传递出灵渠文化的内涵,进而增强游客的互动感、体验感、认同感。民族旅游地工艺品作为民族文化的载体,本质是民族文化的商品化,不仅具有象征与符号意义,也隐含着旅游目的地人群的民族或族群的文化认同。在文化的生产、消费与展示中,要注重民族或族群文化认同,有意识地重构与强化。来到景区,在导游的带领下,如流水线般一套快速讲解,不时有村民过来问要坐船吗,偶尔更会看到骑着摩托从大小天平路边飞驰而过的村民,这对来此顾略灵渠文化内涵及灵渠之美的游客来说,应该会大所失望吧。灵渠本身就位于少数民族居多的广西省兴安县,充满富有民族特色的文化元素。景区内应适当增添展现民族特色的表演及文化商品,使游客从听觉、味觉、视觉上感受特色文化,从而增强对景区文化的记忆及认同感,同时也增强当地居民的文化认同及凝聚力。可在景区内演绎“梳头、刺绣、纳鞋底、献绣球”等展现民俗民风的小情景剧,身着民族服装的姑娘们用当地方言演绎着传统文化,增强了文化的趣味性及互动性。兴安向来以米粉的发源地著称,还有油茶、粑粑等特产,文化产品可以结合这些特色,更加彰显当地的风土人情。避免千篇一律,打造特殊的历史文化特色,塑造民族文化品牌。旅游活动本身就是一种文化的生产与消费的过程。在旅游活动中,民族文化难免受到外来文化的影响。灵渠作为历史文化遗产,不仅要注重其价值的发扬与传承,更要注重重构与强化民族历史文化认同,保持民族历史文化的原真性。在灵渠旅游发展中,坚持以人为本,整体性的可持续发展观。关注旅游活动对当地居民、文化、环境带来的影响,倡导社区村民参与模式,使其以主人翁的姿态更加积极地投入灵渠旅游发展中。[6]开发民族文化特色旅游商品,打造民族文化品牌,在文化的生产与消费过程中增强当地居民的幸福感及认同感,从而促进灵渠文化的传承与发展。 参考文献: [1]彭兆荣.旅游人类学:学术风华系列[M].北京:民族出版社,2004:30-37. [2]杨小柳.发展研究:人类学的历程[J].社会学研究,2007(4):196. [3]周大鸣,秦红增.参与发展:当代人类学对“他者”的关怀[J].民族研究,2003(5):44-50. [4]王莎莎,初晓.人类学在旅游规划中的应用研究[J].资源环境与节能减灾,2009(1):130-131. [5]廖杨.象征符号与旅游工艺品中的民族文化认同[J].民族艺术研究,2006(2):39-44. [6]孙铃.族群的建构与维系:灵渠守陡人的历史文化与认同[D].南宁:广西民族大学,2016:1. 作者:苏倩 单位:广西师范大学
中国美术论文:中国美术馆的采光设计 美術馆的任务就是把美術作品真实、正确地供给观众欣赏。观众常常要在一件杰出的作品前面停留徘徊、细细玩味,研究它的造型、色彩和技法。如果光线不好,就会影响展出的效果,增加观众视力的负担。因此,无论从尊重艺術品或是关怀参观者来看,都必须保证馆内有良好的光线。 为了达到这一目的,消除展览室内光线不足或过强、反射、炫光等缺点,我们在着手进行美術馆的初步设计时,就对采光问题进行了研究,以求结合建筑设计及展览方式的特点,提出合理的断面形式,采取有效的光线调节措施。 就大家熟悉的国内外设计经验来看,顶窗采光是美術馆最常用的一种采光方式。它的优点是采光效率高,整个展览室内都能有充分而均匀的光线,因而展品的布置可以不受光照的限制,但只有单层的或顶层的展览室才能利用顶光,多层展览馆除顶层外,只能用侧窗采光。至于究竟采用单层还是多层建筑,这主要从建筑上各种因素综合考虑。 普通的低侧窗是在小型展览室(50~120平米)用的,这种采光方式的照度变化很大,如果房间进深大,则房间深处光线一定不足;在面对窗子的墙面上虽然能得到比较高的照度,但是窗子位置低、亮度大,窗子造成的反射炫光几乎是无法避免的。 为使房间内照度分布均匀,避免反射炫光现象,可以把窗子的位置适当地提高,这就是高侧窗采光。不过高侧窗也不是十全十美的,在只有一侧采光时,窗下布置展品的墙面处于暗影之中,和明亮的窗子形成强烈对比,容易产生炫光;观众站在离墙面较远的亮处,二次反射就十分显著。北京帅府园美術馆采用这种采光形式,直接观察和客观测定的结果都证明,采用这种采光方式如果处理不当,会产生严重缺点。当然,如果展览室两面都开高窗,两边墙面都能受到从对面窗子射入的光线的照射,情形可以好些,但是,如果房间跨度大而高度不够,也难免产生一些缺陷。 中国美術馆建筑设计的要求给采光带来了许多困难:一层和二层展览厅的跨度达20米,而层高却只有7米,展品又是用三线陈列的布置方式,这样的条件在侧面采光的展览厅里是少见的,因此,能不能保证展览厅内有必要的照度?如果层高确实受到限制,怎样才能避免反射和炫光?怎样才能得到合理的照度分布?一系列复杂的问题,要求我们做新的探索和尝试。 美術馆的光照要求首要的是适宜的照度,照度低了画面就会显得暗淡,细致的部分看不清楚;光线过强又会增加观众视力的负担,同时会把绘画的布纹、裂痕等过分暴露出来。据调查,适于观赏的照度至少在80勒克司以上,平均为100-200勒克司;根据当地的光气候条件,可以很容易得出应有的天然采光系数标准。在设计中,我们主要是根据对北京已有的几个展览馆的调查,并参照苏联标准,预先确定了如下的指标: e3——在观众眼睛的高度(距地面1.5米)垂直面上的天然照度系数;观众到展品的距离为画高的1.5-2.0倍。 达到这两个指标,一般地就可以避免和减弱二次反射现象,这样一来,墙面显得明亮,观众的注意力会自然地被吸引到墙壁上的绘画作品上去。这也是一种利用光学效果的建筑设计手法。 消除对观众视力最有害的直接炫光和反射炫光的主要措施是:把窗子布置在必要的高度,有大于14。的保护角,并严格防止阳光进入室内。室内有阳光,不仅炫目,增加眼睛的负担,分散观众的注意力,更严重的是会损坏美術品。 为满足上述光照要求,我们主要采取遮蔽窗子以减低亮度,并用调光装置调节光线分布的办法,来克服一般常见的光学缺陷,因为展览室跨度很大,靠加大层高来避免反射炫光是不现实的。根据计算,如果考虑画面倾斜10°,窗底所需的标高也要在8m以上,这不仅不经济,而且也未必能得到良好的光照质量。 在各种调光装置中,遮光片能起遮光、散光和改变光方向三种作用,是一种有效的工具。我们首先设想在窗下加一排向墙面倾斜的遮光片(图3甲),可以在视线范围内遮蔽窗子,也能把一部分光线反射到墙上去。但是这种简单的处理就好像火车车厢里的行李架,看起来令人厌烦。于是,我们就想用第二方案(图3乙),在展览厅的中央部分做成毛玻璃的吊顶,这对室内的建筑形式虽然有了改善,但是空调设备的体积庞大的管道却不好布置,而且玻璃吊顶的面积很大,在维修、清扫和构造上也诸多不便。最后,由于结构的原因要在室内增设两排列柱,我们就结合柱子把室内室间分成三部分,中间一跨的高度比两边提高一些,利用这个高差开一排小窗,使中间部分取得间接光线,两边靠窗子的地方在折光片以上形成了三角形的采光井,斜置的反射面可以向墙面反射光线,空调管道也有了比较妥当的位置。(图3丙)。 这个方案的意图得到建筑师、结构和设备工程师以及美術家们的共同赞许,但是光照质量能否达到预期的效果,还需要进一步实验;同时,开多大的窗子合适也没有现成的计算方法,要用实验的方法决定。为此做了一个1:4比尺的模型,模型内按照使用要求布置了绘画和雕塑,经过主观评价和光照测量,证实了这个方案的许多预期的优点:照度达到基本要求,光质良好(表4)。 这个方案在施工过程中,采光设备所选用的材料、作法和实验条件有一些出入(图4、图5),主要参数是:开窗面积率为1/4,镶单层5毫米厚透明玻璃;透光片是方形的,长、宽、高各80毫米,保护角45°,用白色塑料涂面层的三夹板做成;三角天井内的反射面水平倾角23°,涂白色油漆。 建成后,实际光照效果的测量结果和实验数据大体相近(表4)。主观评价认为展览室的光照条件合乎理想,布置展品的墙面上很明亮,由于折光片的多次反射,光线也柔和、均匀,消除了常见的反光现象,形成了适于美術欣赏的雅静气氛。 因此,我们认为,这种间接高侧窗采光方案在特定的条件下基本成功。它的特点有以下几个方面: 1.利用斜置的反光面和大面积折光格片把光线有效地反射到挂画的墙壁上,从而使光线分布合理。实际证明,由于反光面的反射,墙面上的照度增加1/3左右;在加了折光片以后,照度分布系数K由0,53提高到0.78,而k3则由2.0降低到0.91。避免了发射炫光现象。 2.技術设备层布置在和窗子相同的高度,节约了层高。 3.室内的空间富有变化,有利于建筑处理。 4.人工照明可以装在采光天井内,夜间可使展室内明亮而看不见灯具,而且获得和白天相似的照明效果。在建筑上也显得洁净。 大面积使用折光格片是一次新的尝试,目前还有一些缺陷,对于存在的问题,还应当做更进一步研究。 我们在现场实验和模型试验以后发现,正方形的折光片虽然能够扩散和反射光线,但对于美術馆还不是最理想的形式。从图6的实验数据来看,60°的折光片(向墙面倾斜所成的水平倾角)能得到最好的照度分布;墙面上的平均照度则以75°时最高。这是由于当折光片的倾斜角度改变时,投在受光面上的直接光和反射光的比例也会随之改变,直接光的比例愈大,照度也就愈高,所以,为了得到均匀的光照,把几种角度不同的折光片组合使用是有利的。方形折光片多了横向格板,也就相应地增加了光线在反射过程中的损失,因而即便在横隔墙上的照度,也低于用90°和75°的单向折光片。 为了使折光片表面的亮度均匀,避免在太阳高度角大于折光片保护角时,阳光射入室内,应该在窗子内侧设置反射能力好的遮阳板或采取其他有效措施。 在美術馆四翼的角厅和主体部分的三层用顶窗采光。因为顶窗所造成的水平照度高于垂直照度,所以也用折光片散射光线,以取得合理的照度分布,室内空间处理上也可以和高侧窗采光的展览厅取得协调。 顶窗采光的展览厅光线非常充足,由于开窗面积比高侧窗还大(1:2.9),所以实际照度水平大大超过高侧窗的展览厅’以至有些过亮了(表5)。看来开窗面积率可以减少一些。 顶窗呈三角形,采用5毫米厚的磨砂玻璃。窗子沿墙连续布置成带,以便在墙面上有均匀的照度,中央部分的顶窗按相等间隔布置,在展览雕塑时可以有比较好的效果。 从美術馆的采光设计中,我们感到可以总结出以下几方面的经验: 1.采光口的形式、大小和位置对采光质量有决定性的影响,因此,在初步设计时就应当充分考虑采光要求,慎重决定平面和断面形式。看来,美術馆最好用顶窗采光,在侧面采光的情况下,建筑跨度在10米左右比较适宜,否则就要采取适当的辅助技術措施。 2.折光片可以有效地改变室内照度分布,根据美術馆要求,应该选用60°~75°的单向折光片,其宽度及合适的分布位置最好通过实验来决定。折光片倾斜了,积尘的可能性也加大了,对面层材料的要求要更高些。大面积的方形折光片只适于在要求均匀扩散的水平照明时应用。如果把折光片按倾斜率的不同分成几条带,它的光照效果比较理想,但是建筑艺術效果如何,可能还须进一步研究。 3.在朝南、东、西开窗或开水平天窗的情况下应该考虑遮阳措施,或是采用指向性玻璃砖,使光线在投入建筑物之前先经过调整,这无论从完全防止直射阳光、降低或控制室内温度,还是从使透光天棚的亮度均匀来看,都是必要的,不过建筑物的立面造型处理就复杂了。 4.各展览室之间的照度不能相差太大,应该考虑到人眼的视觉特点,一般不应使观众由展览室内直接看到室外,以免由于亮度的强烈对照而引起炫光。特别对于外门的安排,在建筑布局上应该加以注意。 5.展览室内除天棚以外,墙壁和地面应该选择中性的、明度不大的颜色作为美術品的背景,在视野内有舒适的亮度比利用反射光更重要。 中国美术论文:走近中国美术的延安时代 在纪念同志《在延安文艺座谈会上的讲话》发表70周年的日子里,举办大型主题性展览,以回顾和展示70年来中国美术的历程,对于认识中国美术在《讲话》精神指引下所发生的历史性变化和发展,对于宏观地研究70年来中国美术在思想观念和创作方法上所形成的方向性特征,具有重要的现实意义和学术价值。70年的中国美术“从延安走来”,70年的故事也要从延安讲起,因此,中国美术的“延安时代”成为展览的序篇。在整个20世纪中国美术史上,延安美术具有独特的创造性文化新质,是革命美术发展的重要篇章,而更为重要的是,亲历过延安时代的一代美术家以及他们在延安的成长与战斗、生活与创作,都开辟了后来中国美术发展的新的征程。从策展团队的构思酝酿到专家研讨会上大家的建言献计,都一致认为,在主题为“从延安走来”的展览中设立“延安时代”篇章,是十分必要的。通过历史文献及实物,营构延安时代的艺术氛围,再现《讲话》发表的历史情境,将让人们走进美术的延安时代,认识延安美术的特征,由此进一步理解《讲话》的价值与意义。 在大型展览中运用文献资料形成展出作品之外的延伸阅读,是美术展览发展的新的特点。但是,在展览中专设文献资料篇章,则是一种新的尝试。美术学界近些年急切呼吁抢救和收集20世纪以来老一辈美术家的文献资料,让它们和美术作品共同形成“活”的美术史,就是因为经过战争和动荡的岁月,许多珍贵的史料或损坏遗失,或零星散落,或缺乏整理。因此,借这次展览的机会,对延安美术文献进行寻访、汇集和编排展示,是一次初步的开端性工作。通过那些已经变旧发黄的老照片,那些留有老一辈美术家手温的创作工具,那些当年的出版物、日记、手稿以及其他实物,美术上的延安时代开始变得清晰起来。 1938年以后,当吴作人等一批艺术家纷赴欧洲、美国学习西洋绘画时,在中华民族奋起的抗日战争全面展开之际,一大批文艺工作者们来到延安开展文艺创作与宣传,他们中有新兴木刻运动的健将,有参加过抗日宣传活动的骨干,也有从国外留学归来即投身革命美术的人才,构成了充满活力的延安美术工作者群体。曾经参加过“一八艺社”现已103岁的延安美术老人汪占非先生回忆说,他们当时在城市中到处奔走呼号,宣传抗战,但是受到反动派的强烈阻拦甚至迫害。为了团结更多的革命力量,为了实现民族的独立与复兴,也怀着和平与艺术的理想,他们最后都选择去往延安。在当时烽火硝烟的岁月,延安对画家们来说如同圣地和避风港,老先生向我们讲述延安时,不断喃喃道“到达延安如同回到故乡啊”。著名木刻家胡一川在日记里也记录了他到达西北时的心情:“我已经看到金沙帐,更看到了少鱼沟。你不亲身到西北来,是不知道西北的真正面目……金色的阳光毫无自私地照耀着任何一个处所,清新的空气更充满着任何一个角落,你可以挺着胸自由地呼吸。”在滔滔延河边,巍巍宝塔山下,在绵延无尽的黄土高坡上,满怀激情的美术家们开始了艺术人生新的征程。 当年的“鲁艺”(创建之初称“鲁迅艺术学院”,后改称“鲁迅艺术文学院”)校园如今依然保存着原来的面貌,带有五彩镶嵌玻璃窗的礼堂(原为教堂)在阳光下仍然映射出神圣的光辉,如果不是看到那些老照片和文献史料,任凭怎样丰富的想象力,都无法穿越历史的时空回到彼时当地,回到革命文艺的新起点上。“鲁艺”是延安文艺发展的第一阵地,被认为是革命文艺新的摇篮。1938年2月是一个重要的历史节点,、、林伯渠、徐特立、成仿吾、艾思奇、周扬等七人,联名发出“鲁艺”的《创立缘起》。《创立缘起》指出:“艺术——戏剧、音乐、美术”等是宣传鼓动与组织群众有力的武器。艺术工作者——这是对于目前抗战不可缺少的力量。因之培养抗战的艺术工作干部,在目前也是刻不容缓的工作。我们决定创立这艺术学院,并且以已故的中国最大的文豪鲁迅先生为名,这不仅是为了纪念我们这位伟大的导师,并且表示我们要向他所开辟的道路去踏步前进。此后,“鲁艺”逐渐成为延安美术发展的中坚力量,并对整个20世纪中国美术创作和美术教育产生深远的影响。 “鲁艺”建立之初,在教学上设戏剧、音乐、美术三个系,后增加文学系。1941年,改设戏剧部、音乐部、美术部和文学部,美术部下设美术学和鲁艺美术工场。其中,美术学课程分为必修、专修和选修三大类,教学内容既有马列主义哲学、政治经济学、艺术论和美术史论,也有美术基础课、写生课和创作课;教学美术工场则是一个综合性的机构,设有创作科、研究科、工务科,负责美术研究、创作和宣传,在创作科内设绘画、木刻、雕塑、工艺美术、建筑设计、摄影等小组,研究科设美术理论、技术练习、政治学习等小组,工务科包括工场管理,材料产品等小组。“鲁艺”的美术教育在教学内容、教学方法上所形成的新型美术教育模式既延续了先前的某些合理的因素,更有发展创新,而创新是本质的。在教学的组织系统上,“鲁艺”美术教育注重教学、创作、研究、制作各有分工,相互促进,其中最重视创作,这也是20世纪以来中国美术教育崭新的事物,因此,在延安奠立起来的美术教育模式成为后来美术学院的基本结构。此外,“鲁艺”还出版专门的校刊,及时反映创作成果,交流创作思想,构筑了较为合理的教学与创作格局。在以后的70年现实主义美术创作和新中国美术教育体制的建立中,都显示着“鲁艺”的影响,正如《成立宣言》所指出的那样,“一方面,我们的一切工作是为了抗战。另一方面,我们要在这些工作中创造的新中国的艺术。我们接受各时代的中国的和外国的艺术遗产,使新的中华民族的艺术更迅速地成长。” 以“鲁艺”为起点寻找延安美术创作的轨迹,可以发现江丰、古元、胡一川、彦涵、刘岘、华君武、力群、张仃等一大批斗志高昂、激情满怀的美术家的身影,他们将创作与革命实践相结合,研究与创作相结合,创作与技术制作相结合,以勤奋的劳动创作了大量作品。一方面,他们讨论美术创作的民族化、大众化等严肃的学术课题,留存至今的一些杂志上记录了当时热烈的学术论争,胡蛮的《论美术上的民族形式与抗日内容》、江丰的《绘画上利用旧形式问题》等讨论绘画的民族形式问题的专论在当时都产生了很大影响。另一方面,美术家们也深入到农村、工厂和前线,走进群众生活,积极吸收民间美的元素,特别是结合延安剪纸艺术创造了新的木刻语言,并成为20世纪美术史上的代表性图式。由此,延安的美术创作出现了“新鲜活泼的、为中国老百姓所喜闻乐见的中国作风和中国气派”。 延安美术的发展也与活跃的文艺出版事业紧密相关。美术家们印行了专门的画刊,也为各种文艺刊物作美术设计,如《前线画报》《战斗美术》《文艺突击》《中国文化》《文艺战线》等都留有他们的印迹。其中,《前线画报》创办于1938年,一直坚持出刊长达7年之久,记录了当时美术创作和研究的丰富面貌,在延安出版的杂志中,它的存在时间最长。这些杂志刊登的美术作品和文章成为人们认识延安美术的重要文献。此外,《新中华报》《解放日报》刊登的美术作品及美术研究文章,也是构成延安美术面貌必不可少的部分。更为有意义的是,在极为艰苦的条件下,延安仍然努力介绍和传播国外的优秀艺术,曾举办毕加索、柯勒惠支等外国名家的美术作品展,体现出宽阔的文化视野和面向世界的理想。同时,也成立了研究外国美术的社团,例如,“延安d.h.孚.宗版画研究社”就经常介绍欧洲版画及其技术。延安美术的活跃态势也引起了国际美术界的关注,当时的作品也被介绍到国外,20世纪40年代的美国《生活》杂志曾多次介绍中国的木刻作品。此外,1946年在美国出版的《黑白教职里的中国木刻集》,集中介绍了在解放区和国统区的木刻作品,该书的编著者巴克·皮尔(Pearl S.Buck)在序言中说,“这本书出版的木刻作品客观公正地反映了发生在中国的故事。令人感兴趣的是,木刻成为了首选的媒介,这是因为木刻与旧中国的木版印刷之间存在着一种关联,同时通过这些作品可以发现,年轻的木刻家们将一种源自西方的技艺成功地与中国木版印刷结合,并运用在表现中国的主题上,但从实际上讲,他们选择木刻这种媒介可能与油彩颜料和画布的极大缺乏有很大程度的关联。无论如何,研究这些木刻作品都是令人兴奋的,……整体上说,通过将这种高超的技艺媒介运用到适当的主题,它们表达了真实的感受。” 延安文艺的发展始终得到了以同志为优秀的党中央的关心指导和支持。对当时的美术创作给予了极大的关注,他曾多次邀约艺术家到枣园讨论美术问题,并通过与美术组织、美术家的通信、座谈,通过对美术作品的点评、指导,通过美术界多种会议和活动,发表了重要的指示和见解。例如,同志给刘岘的回信中写到:“我不懂木刻的道理,但我喜欢看木刻。刘岘同志来边区时间不久,已有了许多作品,希望继续努力,为创造中华民族的新艺术而奋斗。”另外,在看了“讽刺漫画”展览之后,专门与华君武进行了交谈。对整个延安文艺的关注和中国文艺的思考促成了那个历史时刻的到来。 1942年,当在延安的美术工作者们收到那张粉红色的邀请时,包括美术在内的延安文艺也开启了新的篇章。那是一份来自党中央的邀请函,而不是会议通知。对参加过座谈会的画家来说,这本身就是一种新的方向。1942年5月2日,延安文艺座谈会在杨家岭中央办公厅小会议室召开,会议上同志所作的“引言”报告简明扼要地讲述了召开座谈会的目的和革命文艺的重要作用,提出为了实现这种作用应该解决的五个问题:即立场问题、态度问题、工作对象问题、工作问题和学习问题,会议引发了空前热烈的文艺讨论,以至于到5月23日座谈会才结束。在发表的那么多会议讲话中,也只有《延安文艺座谈会上的讲话》被人们简称为“讲话”,它是珍贵的马克思主义的文献,在中国革命事业和中国文艺发展的进程中,永远闪耀着不可磨灭的光辉。 《讲话》延安美术的发展而言具有承前启后的作用,既总结了前面一段美术发展取得的成果与存在的问题,也为未来的发展指明了方向与道路,其中的理论思想时至今日仍旧具有重要的价值。在此后的日子里,《在延安文艺座谈会上的讲话》成为指引中国文艺健康发展的一盏明灯。在《讲话》精神的感召和激励下,包括美术在内的延安文艺形成了新的创作热潮。美术家们遵循《讲话》的精神,奔赴前线,深入敌后,走向部队和农村,反映根据地和解放区火热的生产生活和人民群众的精神风貌,在向民族民间艺术学习的过程中,形成了清新明快、让人民群众喜闻乐见的艺术风格,美术创作呈现出更加蓬勃发展的态势,展现出中国现代型态美术新的文化内涵。 中国美术论文:当代中国美术之南通现象 一向桀骜不驯的陈丹青在演讲中这样评价南通:“一座城市能够产生如此众多的杰出画家,实在让我感到惊讶和佩服。” 在十七至十八世纪间,南通出了两位著名画家,一位是李方膺,一位是丁有煜。 李方膺是当时极负盛名的“扬州八怪”之一,善画梅、兰、竹、菊,与其同时代的郑板桥曾以“束云归砚匣,裁梦入花心”的诗句赞其绘画的神奇和高妙。 和李方膺处于一个时代的丁有煜同样名噪大江南北,郑板桥曾数次来南通拜访这位与他一样以画竹子闻名的大师——之所以愿意屈驾,是因为在他看来,丁有煜笔下的竹子比他的飘逸、洒脱得多。丁有煜晚年号“个道人”,在他去世之后,当时的文坛领袖袁枚在南京惋叹:“个老亡,江北无名士矣。” 然而,在此后的近200年时间内,除吴昌硕的弟子王个簃之外,南通人在中国画坛竟整体归于寂寞。但是,到了当代,南通深厚的文化底蕴终于孕育出一大批成就卓然的画家,并且呈现出井喷的态势。 说到当代画坛的南通人,首先不得不提到的无疑是范曾。 1938年出生于南通的范曾于1955年考入南开大学历史系,1957年转入中央美术学院学习,1962年毕业分配至中国历史博物馆随沈从文先生编绘中国历代服饰资料。1978年调入中央工艺美术学院任教,1984年调南开大学东方艺术系任系主任。在这个喧嚣、浮躁的时代,范曾先生提倡“回归古典、回归自然”,身体力行“以诗为魂、以书为骨”的美学原则,开创了被称为“范曾的艺术”的“新古典主义”艺术。2006年,中央新闻纪录电影制片厂拍摄了纪录片《范曾》——那一年,作为中国文化的符号性人物,同时开拍的还有纪录片《梅兰芳》。 “胡润艺术榜”始于2008年,榜单内容为前100位中国在世国宝艺术家按照前一年年度公开拍卖市场作品总成交额的排名。“胡润艺术榜”的推出旨在为中国企业家提供一个艺术品收藏的标杆。几年来南通籍当代书画家频频亮相该榜。2012年,74岁的范曾以9.38亿元的年度总成交额蝉联艺术榜榜首,再次成为 “国画之王”。 在同一个艺术榜上,油画家中排名第一的是91岁的画家赵无极,他以6.1亿元的年度总成交额蝉联“油画之王”。 令人称奇的是,这位“油画之王”同样是从南通走出的艺术家。 1921年出生的赵无极在14岁时从南通中学考入杭州国立艺专(现中国美院),师从林风眠学西洋画,1948年赴巴黎继续深造。他早期研习意大利、荷兰和法国的古典绘画,并深受毕加索、马蒂斯和克利等西方现代派艺术大师影响,创作以人物和风景为主的具象油画。自1954年起,他的绘画转入抽象,类似于甲骨文或钟鼎文的抽象符号,浮动于虚无的空间和变幻的色彩之中,充满东方神秘的象征意味。以后,符号逐渐解散、消失,画面为自由的笔触和大片的颜色所代替。 深受中国传统文化熏陶的赵无极将中国哲学所特有的天人合一、虚静忘我的精神意境作了西方式的诠释,从而使作品始终洋溢着生动的气韵和东方气息。 赵无极曾获法国荣誉勋位团第三级勋章、国家勋位团第三级勋章、艺术文学勋位团一级勋章、巴黎市荣誉奖章等。2002年12月,赵无极当选法兰西学院艺术院终身院士。建筑大师贝聿铭曾这样评价:“可以毫不夸张地说,赵无极是当今欧洲画坛最伟大的艺术家之一。” 几乎与范曾同时走出南通的著名画家还有袁运甫、袁运生兄弟。 1949年,16岁的袁运甫考入杭州国立艺专,后转入中央美院,1954年毕业后至中央工艺美术学院(现清华美院)任教。 在温和、儒雅的外表下,袁运甫有着特立独行的性格。半个多世纪来,他在艺术创作上倾注了大量心血,力图在中国画和公共艺术创作上有所突破和创新。从庄严的人民大会堂、纪念堂、邓小平陈列馆、中华世纪坛,到城市地铁、公园、大型建筑等公共空间,袁运甫近30年来的作品无不向人们展示着他在艺术道路上的精益求精、孜孜以求。 袁运甫的艺术以乡土文化和东方传统文化为出发点,熟练地运用西方绘画——特别是印象主义表现手法,从现实社会中发现生活的美和美的规律,形成了中西合璧艺术风格的现代中国画艺术语境。 袁运甫的弟弟袁运生是南通第一个考上中央美术学院的学生,那是1955年的7月,他以第一名的身份被中央美院油画系董希文工作室录取。毕业后,袁运生曾在中央工艺美术学院、中央美院任教。 1979年10月,袁运生为首都机场创作的大型壁画《泼水节——生命的赞歌》完成,海外媒体称,“中国在公共场所的墙壁上出现了女人体,预示了真正意义上的改革开放”。也正因为如此,这件作品引起了一场轩然大波,反对者甚至将对作品的评价上升到了政治的层面,史称“机场壁画事件”。然而,多年以后,袁运生的机场壁画与他老师董希文的《开国大典》被艺术界公认为是建国后最重要的两件艺术品。 在中国当代中青年国画家中,范曾的侄子范扬无疑又是执牛耳者。现为中国国家画院国画院副院长的范扬有着深厚的传统根基,综观他的作品,不乏吴镇、王蒙的茂密深邃,更具赵孟頫、董其昌的沉稳雍容。他的山水画取法传统,却又不同于一家一派,有着鲜明的自身风貌:潇洒而能出尘,傲放而得沉着,淋漓而又劲挺,华滋而致清健。 评论界认为,范扬的画在形而上的精神气象上着力,在画格与人格上去俗亲雅,在道技兼修上更重悟道,因此,最能体现中国画学的精神。 著名美术评论家、中国美术馆馆长范迪安谈起范扬的绘画更是不吝溢美之词:在他的作品面前,可以真切地感受到他作画之际“情驰神纵、超逸优游”的状态——就笔墨的意态而言,他浓笔酣墨,落在画幅上皆成“文章”,显示出解衣磐礴的畅快,达到了通权达变的火候;就描绘的内容而言,他打通了山水、人物、花鸟原有的门类界限,只要面对自然,便能“临事制宜,从意适便”,信手拈来皆得理法,在散乱的节脉中荡起形象的生机。 袁运甫、范扬等也在胡润艺术榜上占据了重要位置。 中国古代绘画的艺术价值已经被前人推到了极致,因此,这些年来,国际画坛一直期待着中国的当代艺术能够对接自己的传统,并在传统之路上有所推进和再造——这样一个迟迟不能完成的任务终于因为有了南通人徐累和徐累作品的出现而得以实现。 中国美术论文:中国美术教育的现状及未来发展 文明从后现代艺术的此消彼长已经开始进入了一个新的尴尬时期——大师消失了。我们再也看不到亚里士多德、尼采或达·芬奇那样的人,甚至连格罗皮乌斯也离我们远去,可我们又没理由因此而怪罪自己亲手发明的新经济体制。值得当代中国人重视的是,市场经济的快速发展使人心浮躁,自身文化丢失以及对外来文化一知半解。但这对我们来说也是一个契机,我们开始反省自身的文化状态,重新发掘中国文明的内涵以及再次审视西方文化意识,我们和世界重新站在同一个起点,而目标就是重新建立一个可以出现大师的环境,而这个建造过程的优秀环节也就是本文所要论述的重点——美术教育。 一、什么是美术教育 美术教育是一种制度,在这一系统下,培养出更多的艺术家,但这一制度在不同时期也是可变的。从古代的师徒模式到近代的学院制,这种制度通过变革延续了自身的存在。在大学美术教育中,从事美术教育的人一般都具备两种身份——艺术家和教育者。一个教育者首先应该是一个艺术家,他对世界有着自己的看法,对艺术有独立的评判;其次他也是一个教育者,为自己的学生提供自己的经验和观念作为他们在艺术活动中成长的参考。需要强调的是,教育者自身的构成基础是艺术家,优秀是教育者,这两种身份的价值是并存的。 作为一个真正意义上的美术教育者,他的职责在于牺牲的勇气,以肯定的方式教育年轻人正确地分辨艺术的价值,甚至可以为了自己的观念去否定以往的经验以及价值,这就需要一个艺术家不仅具备专业水准,更要有一个堪称典范的人品。 二、中国美术教育的现状 中国自五四新文化运动开始引进西方美术教育制度,这也是现代中国美术教育的开端。在制度更迭之际,中国人的救亡图存也直接导致美术教育跟随社会文化范式的变迁而变迁。新中国成立后,中国美术教育在废墟中移植了一套全新的模式,但随着市场经济的逐渐平淡稳定后,教育者们却发现了一个尴尬的现象:在这个平稳的时期,很多艺术家都养成了一种思维定式,即接受国外的艺术思想,缺乏思考与解构的能力。思维空白已经是艺术家感到无奈的事实。学院内的教育者不仅发现了中国美术的残缺状态,更要面对大学教育制度下来自管理体系的压力。教育制度的变质最直接的受害者就是年轻的学生。中国的大学扩招使得更多的学生选择了艺术专业,社会矛头直指美术教育。 三、中国美术教育的发展方向 虽然当代中国美术教育已经伤痕累累,但值得庆幸的是还有一部分教育者在坚持美术教育的初衷,他们更多接收及时的对外信息并思考、批判地理解,在基础教学外增加开发学生创造力的教学方法。这已经足够预兆一个新时代的开端。 在当代中国美术教育中,设计教育的革新最为突出。正如工业革命后设计的出现宗旨一样,它更接近于应用,与社会接受能力最大限度调和,也正是这种特性使得设计教育率先改革,教育者们意识到他们没有像绘画那样宣称艺术的精英属性的借口,设计首先是为应用而产生的,大学越来越多地邀请从业设计师授课,使得设计教育更具时效性。 美术教育的其他门类也面临同样的问题,年轻的学生们最大的压力就是生存,4年的本科教育能否完成这些教育者最迫切的愿望。当代中国美术教育的任务也以此为开端,已经存在的教育制度和教育模式不可能被瞬间改造,这可能是一个需要投入几代人的努力的过程,而首先要做的就是接受真正来自当今社会的信息。中国的学院教育需要更多的社会实践转化成学术成果。 目前的设计实践中,以靳埭强先生为开端的一批设计师已经开始着重发掘中国本土艺术语言的尝试,他们在实践中不断尝试这些文化符号的重新应用,甚至打破原有的设计与绘画的分科,这种学术尝试显然对起初的造型艺术是一个巨大的冲击,但这也确实带动了学院教育进行新的变革。在未来,中国教育将首先使年轻的艺术家生存下去,给与他们更多的“儿童般的自由”和人文关怀,而后才能真正诠释本土艺术的内涵。 四、新教育精神下的教育方法 任何艺术创作或艺术教育都是时代精神的写照,它无法回避与时代的血肉关系。这首先是对教育者的要求,成功的教育应该是在不断的突破之间完成的,教育者必须使学生清楚地知道当今社会美术思潮的最新动向,基础训练应被保持在最低限制的分量上。美国有一位教授曾经让学生在破烂不堪的纸上做素描练习,在我看来,这类方法完全可以使学生清醒地意识到基础训练在整个美术教育中实际的位置和作用。我们更应当明白,基础训练不是一个阶段或是整体中的一部分,而是伴随人终身学习的最重要组成部分。这样,人才能清楚地认识到自己。 事实上,美术教育应该是打破现有学科分类的,用各种方法来完成视觉艺术基础课的尝试,向学生提供社会方向的课程参考议题:生命、生存、人格、疾病、微距、信仰、文化、战争、生态、自由、地球等。学生的作品不仅仅是为了符合某种形式、技术和私人的情感价值的需要,更重要的是和社会议题进行直接的沟通和对话。中国高等美术教育的优秀是文化教育,而非单纯的技术培训。还有就是激发学生的创造力,在对社会进行思考后,不局限于绘画技巧或设计语言等的分类,甚至尝试新的视觉元素的创造来表达自己的感受。 只有这样,才能真正发挥教育体制的作用,造就出懂得独立思考而又不惧怕时代的艺术家。 作者单位:东北师范大学人文学院设计学院 中国美术论文:中国美术史研究中文献系统与图像系统二重关联问题 摘要:中国美术史研究将美术史的性质归列到历史学的范畴,其目的在于重构美术历史。美术史研究应以图像为主干,尽力摈弃以文献为主导的研究格局。但在实践中,对图像的解读仍需依凭文献的记载,形成了文献系统与图像系统的既相互契合又相互悖离的二重格局。在“昭君出塞”这一典型个案中,历史记载与故事传承这一文献系统直接诱发了其图像系统的产生与形成,同时图像系统又极力超越文献系统形成的思维定势,产生新的图像系统格局。在中国美术研究视域中,这种文献系统与图像系统的二重关联是一种普遍现象,值得认真研究。 关键词:中国美术史;历史研究;文献系统;图像系统;昭君出塞 对于几乎每一个美术史家而言,他们都包含着许多重要的、潜在的“已有观念”。这种“已有观念”是一种知识体系的先验存在。这种已有观念虽然可以通过某些图像系统获得,但是,毫无疑问,其绝大部分是通过文献系统获得的。对于美术史研究而言,图像系统是其研究的主干,图像的色彩、绘画技法等因素是其研究的根本对象,美术史学的研究回归到图像本体上来,才是美术史学研究的目的。但是,长期以来,由于图像复制的困难及图像独立审美功能的缺失,图像在真正的美术史研究中所处的地位相对尴尬。因此,还原美术史研究视域中图像系统应有的地位,结合文献系统与文图关系的实际,方是美术史研究应有的立场。有鉴于此,本文以“昭君出塞”这一典型个案为中心,探讨中国美术史研究中的文图关系,以期为中国美术史的研究提供有益借鉴。 一、文献系统:“昭君出塞”的历史记载与故事传承 “一去紫台连朔漠,独留青冢向黄昏。”(杜甫《咏怀古迹·其三》)王昭君当年出塞和亲,而今在茫茫大漠上只留下矗立的青冢,她的哀婉、悲怨以及为国为民的大义成为两千年来文人题咏与画家刻绘的重要题材。在此过程中,围绕王昭君的出塞,衍生出各类不同的民间传说、历史故事与文学创作,呈现出内容不断丰富,情节不断延展,形式不断变换的状态,形成了独具特色的多种文献系统。 一是历史文献。昭君出塞和亲,是正史载记的真实历史事件,有历史文献的依据。根据班固《汉书》的《元帝纪》和《匈奴传》的记载,王昭君,名嫱,字昭君,西汉南部秭归人。王昭君本是“良家子”,汉元帝时被选入宫。竟宁元年春正月,匈奴呼韩邪单于入汉朝见,请求与汉朝和亲。汉元帝将“待诏掖庭”未被皇帝御见的宫女王昭君赐给呼韩邪单于作为阏氏。建始二年呼韩邪单于死,前阏氏子代父立为单于。王昭君依照当时匈奴的习俗,嫁给后单于。这就是昭君故事的简单史实。 其后,南朝刘宋史学家范晔撰写《后汉书》时,又在《南匈奴传》中写入王昭君的事迹。他在史书中明说:“呼韩邪来朝,帝敕以宫女五人赐之,昭君入宫数岁,不得见御,积悲怨,乃请掖庭令求行。”也就是说,王昭君因入宫多年未得皇帝恩幸,而主动请求去匈奴和亲,并非《汉书》所言被动地被汉元帝赐给呼韩邪单于。《后汉书》不仅写明王昭君的态度和心理,而且对她的仪表也有生动的描绘:“呼韩邪临辞大会,帝召五女以示之。昭君丰容靓饰,光明汉宫;顾影徘徊,竦动左右。帝见大惊,意欲留之,而难于失信,遂与匈奴。”在这里不但有对王昭君容貌衣饰、风采仪态的描绘,同时也描述了汉元帝欲赐不忍,欲留不能,既爱怜昭君国色天姿,又不肯失信于匈奴的矛盾心理。此外,《后汉书》还交代了昭君在呼韩邪单于死后,不愿嫁给继任单于的继子,曾“上书求归”,但“成帝敕令从胡俗,遂复为后单于阏氏”的情形。 由上可见,《后汉书》所记载的昭君故事,已经不像《汉书》那样简略,可能吸收了部分民间传说,而且加上了一定程度的文学描写,王昭君已初具悲剧人物的雏形。 东晋葛洪所撰《西京杂记》也记录了王昭君的事迹。与《后汉书》相比,《西京杂记》的杂史记载更具传奇色彩。在此书中记述了王昭君之所以多年未被元帝宠幸的原因:“元帝后宫既多,不得常见,乃使画工图形,案图召幸之。诸宫人皆赂画工,多者十万,少者亦不减五万。独王嫱不肯,遂不得见。”于是,王昭君故事中又增添画工索贿的情节。及至“匈奴入朝,求美人为阏氏,于是上案图,以昭君行。及去,召见,貌为后宫第一;善应对,举止娴雅。帝悔之,而名籍已定。帝重信外国,故不复更人。乃穷案其事,画工皆弃市,籍其家,资皆巨万”。被斩画工共有毛延寿、陈散、刘白、龚宽、阳望、樊育等六人。 二是音乐文献。与《西京杂记》几乎同时的音乐文献《琴操》一书中也记载了王昭君的故事,与《后汉书》、《西京杂记》相比,《琴操》虚构成分更多。其中最明显的一点便是,该书记述王昭君不肯依“胡礼”再嫁,“乃吞药死”。这是从封建礼教的贞操观念出发,对《汉书》所载王昭君史实做出的重大改动。此外,《琴操》还写王昭君死后葬于匈奴境内,“胡中多白草,而此冢青”,交待了“青冢”这一说法的文献由来。 王昭君出塞事迹与音乐文献关涉的,还有创作于《西京杂记》与《琴操》之前的西晋石崇的《王昭君辞》,在该辞序文中,石崇曾说:“王明君者,本是王昭君,以触文帝讳,改焉。”为避晋文帝司马昭之讳,王昭君从西晋始又被称为明君或明妃。石崇还写道:“昔公主嫁乌孙,令琵琶马上作乐,以慰其道路之思,其送明君亦必尔也。其造新曲,多哀怨之声。”从此,王昭君又与琵琶结下了不解之缘。 至此,在历史文献与音乐文献系统中,后世昭君出塞故事的所有元素均已基本具备,如入宫、不见御、画工毛延寿索贿、昭君心存怨恨、和亲、再嫁、思乡、琵琶、青冢等,一个比较成熟的故事开始形成。加之魏晋南北朝时期,南北分裂,国势颓败,北方边疆又饱受异族侵扰,许多家庭离散,不少人被掳而离开家园,在动荡中惨死他乡。所以,王昭君的命运便得到民众的深切同情,他们纷纷在昭君故事中倾注他们自己的爱憎,从而使昭君故事得以广泛流传。 三是文学史文献。到了唐宋乃至元明清时期,昭君出塞的主题元素又屡屡被文人利用,并以诗歌、小说、戏剧的形式敷衍传承。唐宋时期,包括李白、杜甫、白居易、欧阳修、苏轼、王安石等人在内,几乎所有著名的诗人,都有歌咏王昭君的诗作。与此同时,《王昭君变文》为后世昭君故事小说化开了先河。元明清时期戏剧的隆兴,使昭君出塞的故事又被大规模地搬上了戏剧舞台。据《录鬼簿》载录,元有关汉卿《汉元帝哭昭君》、吴昌龄《月夜走昭君》、张时起《昭君出塞》杂剧,皆已亡佚。现存剧作只有马致远的《破幽梦孤燕汉宫秋》。马致远的《汉宫秋》是一部著名的悲剧作品,也是昭君出塞故事系列中最有影响的文学作品,同时也是迄今为止能见到的最早的昭君戏。这部杂剧集中了前记小说、文人诗词和民间讲唱文学的成果,根据时代的需要,使昭君出塞故事有了重大的发展。明代以昭君出塞故事作为题材的剧本有陈与郊的杂剧《昭君出塞》(现存《盛明杂剧》本)、无名氏的传奇《和戎记》(现存明万历年间金陵富春堂本),以及《青冢记》三种。清代以昭君出塞为主题的戏剧有尤侗的《吊琵琶》杂剧、薛旦的《昭君梦》杂剧等。不过,明清时代,昭君戏曲虽广为流行,但多歌颂昭君与元帝爱情,昭君自杀,既为朝廷殉身,又为元帝尽节,这些戏曲主题统一于爱国、忠君观念中,皆与史实背离。独《昭君梦》,以梦境结构全剧,并遵照史实令其和番,下嫁呼韩邪单于,与众剧迥异。 谈美术批评与中国美术主体精神的建构 在有关中国美术主体精神建构的讨论中,美术批评的地位不容忽视。从宏观层面上看,美术批评在美术史的“形状”的塑造上起着举足轻重的作用;从微观层面上看,美术批评是某些艺术家、艺术流派在特定艺术风格、美学思想甚至技术手法的探索和形成上的重要幕后推手。如在西方美术史中,18世纪法国的狄德罗对夏尔丹和格瑞兹的积极评介,19世纪英国的罗斯金对拉菲尔前派的热情支持,20世纪荷兰哲学家苏恩梅克尔(M.H.J. Schoenmaekers)对“风格派”的影响,都是“批评”深度参与“创作”的实例。 从根本上讲,美术批评的作用不在于片面地表达支持或反对,也不在于就作品的题材、内容或图式、色彩、技法等视觉要素进行文学式描述或哲学式阐释,而是在于“发现”作品具有的审美气质、追求的文化品格、传递的价值观念等,从而帮助作者理清思路,使其更明确地意识到自己想要表达什么,以及为什么要表达、如何更好地表达等问题。在国外艺术资本翻云覆雨,艺术创作以迎合市场为时尚,批评话语严重西化的当代中国,具有鲜明中国文化立场、坚持民族审美观念的美术批评的在场显得尤为迫切和紧要。换言之,批评家积极地参与,而不是被动地跟风,清晰地表达,而不是暧昧地声援,对于当代中国美术主体精神的建构具有的重要意义不言而喻。相应的,这对美术批评家提出了更高的要求。 首先,美术批评家应具有深厚的中国传统文化的修养。它一方面体现在对民族传统文化怀有真挚的情感,另一方面体现在重视对民族传统文化的学习。对于美术批评家而言,学习传统主要体现在对中国美术史的学习。这种学习是对中国古典绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术等方面的史实,以及其基本发展脉络、审美判断标准、优秀价值观念等知识有深入、系统和全面的学习与掌握,而不是浅尝辄止、临渴掘井式的功利主义使用。除此之外,对中国古典文学、诗歌、音乐、戏剧、陶瓷、园林等方面的知识也应该有所了解。因为中国艺术精神并非单纯地在蕴含绘画和书法艺术中,而是渗透于中国文化浸润下的所有实体器物和精神产品中。归根结底,学习传统的目的在于涵养和陶冶一种中国的格调与气质,建立对本民族文化的深刻自信,从而在美术批评活动自觉做到两点:一是用中国的艺术审美标准与文化价值观念评价和衡量中国的美术作品,即“以中国解释中国”;二是能够站在中国的文化立场对西方的美术做出独立自主的阐释,即“以中国解释西方”。 其次,美术批评家应对西方美术史、重要文艺理论及哲学观念有比较深入的了解,其中要特别重视对西方美术史的学习。只有完整地了解了西方艺术的发展历程,才能全面、客观地看待面貌多样、良莠不齐的西方现当代艺术。至于西方文艺理论及哲学观念,最重要的是要做到“消化”和“吸收”,而不是囫囵吞枣、断章取义。“向西看”的目的有两个:一是在美术批评活动中习惯于把西方美术置于西方特有的文化情境与历史语境中予以认识和考察,而不为其表面的主题、形式、材料、技术的创新所遮蔽;二是能够从西方的视角观察和反思中国的美术及其在“世界美术史”中的价值和地位,从而更加坚定对其未来的信心。另外,美术批评家还要对西方的政治、经济、社会体制有比较深刻的认识和了解,对西方的文化输入策略,以及国际艺术资本背后看不见的政治经济利益之手,保持清醒的认识。无论官方还是民间,西方各类艺术机构在展览、收藏、拍卖活动中或多或少都有着政治的考量,并非如其宣传的那样赞助具有普世价值的人类艺术成果。在这方面,英国记者弗兰斯·桑德斯(Frances Stonor Saunders)的《文化冷战与中央情报局》(《Who Paid the Piper?: the CIA and the Cultural Cold War》)值得阅读。该书通过大量鲜为人知的历史档案,揭示了美国政府在冷战时期大力赞助艺术以助力意识形态斗争的真正目的,这对我们认识当代西方艺术资本的本来面目不无帮助。 第三,美术批评家应具有历史责任感和使命感。具有崇高历史责任感和使命感的美术批评家在研究和写作中不仅要对作品负责,对艺术家负责,更要对中国文化负责。党的十七届六中全会审议通过的《中共中央关于深化文化体制改革、推动社会主义文化大发展大繁荣若干重大问题的决定》提出,文化是一个民族的精神和灵魂,是国家发展和民族振兴的强大力量。在当前和今后一段时期内要推动文化大发展大繁荣,提升国家文化软实力。总书记在中国文学艺术界联合会第九次全国代表大会、中国作家协会第八次全国代表大会上的讲话强调,广大文艺工作者要始终坚持正确方向,更加自觉、更加主动地承担起用社会主义先进文化引领社会进步的历史责任。作为文艺工作者群体的重要组成部分,美术批评家要顺应时代要求,立足优秀民族传统文化,以开阔的视野和无私的情怀,扎扎实实地研究真正具有中国精神和气度的优秀画家、雕塑家、建筑家、设计师、工艺美术师和民间艺人,把他们推介出来,使之成为建构中国美术主体精神伟大事业的领导者和生力军。 中国美术主体精神的建构固然需要美术批评家的努力,但国家的支持也是不可或缺的重要因素。回顾新中国美术史,国家在美术创作领域从来都是强有力的推动者。如始自1949年的“全国美术作品展”以部级的标准深刻塑造了新中国美术史的面貌,培养和成就了一大批杰出的美术家,直到今天还在发挥着无可替代的美术创作风向标的作用。继2005年由、文化部和财政部投入亿元巨资主办的“国家重大历史题材美术创作工程”之后,2011年底,中国文联、财政部和文化部又启动了“中华文明历史题材美术创作工程”。与国家对美术创作活动持续和强劲的赞助形成鲜明对比的是,国家还未曾主办过一次部级的美术批评或美术理论方面的奖项评比活动,这不能说不是一个缺憾。视觉艺术的历史需要作品实体,更需要批判性思维的参与、支撑和引导。当国家吹响文化大发展大繁荣的号角之时,希望有识之士能呼吁建立类似“国家美术批评基金(奖)”之类的奖励和赞助机制,从国家层面对美术批评家和美术理论家的研究和写作提供支持,从而兼顾创作和理论,推动新形势下美术事业更好的发展。 中国美术主体精神的建构不是一蹴而就的事业,其目标在于建立和完善中国美术价值判断的尺度,使中国的美术具有中国的精神气质与文化品格。就美术批评而言,其优秀内涵在于,不再以他者的标准为标准审视和衡量中国的美术,拒绝成为他文化的点缀和附庸。 (作者单位:商丘师范学院美术学院) 中国美术论文:当下中国美术教育发展面临的问题 教育学科在中国不过两百余年,借道日本取法“西洋”,后又由“中道”日本转向“直捷”西方。教育著述也是由先编译后编著的路线,中国教育学科是“西学东渐”的产物,是在译介西方教育学科的过程中形成的,本文从学院的学生、教师、评价体制包括作品评价、美院教育与师范教育来探讨中国美术所面临的问题。 拔苗助长的考前美术教育 青年人是早上七八点钟的太阳。而我们的太阳,考前的考生们却在不断训练概念性的考前素描中抹杀了学生发现自然的能力,使学生训练了一套“好活”,从而失去了自身发现世界的眼睛。最好的年龄,最有发展的年轻人只为功利考学,在不断的考前重复的概念性的训练中葬送了自己本有的敏锐的洞察力与感受力,而现行的素描、色彩、速写的考前模式与中国自身美术观念没有任何关联,也就是说我们为这样的考前培养模式培养出来的几代人的将来艺术前景堪忧。 大学本科的教育问题 1.美术教育没有自身的教学体系。现今的学院教学是百年前引进西方的学院的写实造型、写生训练并借助民族传统形式与材料加以表现,逐渐形成了临摹、写生、创作的中西结合谱系,现今体系与百年前学习西方的体系的并没有太多改进。体系落后,方法老化,专业教学与史论教学互不相干,没有产生互渗关系,中国传统画论美学更没渗透到艺术理论的教学中,美院之所以比其他综合类美术大学“好”,主要是靠美院有一批名师,而不是美院的教学体系。 2.重“技术”的培训,不重“人才”的培养。大学是培养“人才”的地方,其次才是专业或技术。现今的美术学院是“技术学院”,是“绘画技术”、“雕塑技术”、“设计技术”、“计算机技术”学院,仅是技术的训练,也提高不了学生的素质。再加上学生高中之前及家庭教育的综合素质没有跟上,想在大学提高,只是天方夜谭。 叶圣陶说,若有人问我干什么,我的回答是“帮助学生得到做人做事的经验”,我决不说“教书”。大学教育是“人”的教育,而不是“技术”或“职业”的培训地,也就是说,即使你毕业不从事你的专业,你也能很好地完成、做好你所想做的其他行业。如果在成长的过程中你没有完成自我的人格与意志品质等,你不但本专业学不好,更干不好其他专业,那么这样的结果必会为社会造成后患。这种教育不只是大学单方面能完成的,它需要我们的社会、家庭、学校及本人共同完成。 硕士、博士泛滥 盲目的提高学历层次及社会对学历的需求造成了硕士、博士泛滥,出现了绘画水平硕士水平比不上本科生,博士水平比不上硕士生。实际上美术学博士原本就是以理论研究为宗旨的。 现今,艺术升级为一级学科门类,全国美院或地方院校拼命争设博士点,许多并不够条件的也在争抢这份“羹”,又并不是从事理论研究的人员也能享有“博导”的头衔,这样的“博导”在制造一批一批怀揣着不同目标的“博士”们。官方高举引导名利的大旗,并设定了名利等级,高等美术教育便成为了集体追逐名利的竞技场。 不规范的评价体系 1.学科、教学评价体系。以往美术学在学科制度上一直在“文学”门类下作为三级学科方向,而中国的教育是起步是引进西方的,现在艺术学科升级,各方面也都是在探索过程,关于学科评价建设还没有形成一个行之有效的合理的现行方式。要建构中国自身的教育谱系,艺术理论思想与有系统的教育教学观念、方法、目标,有与之配套的实践教育系统。教育教学成果如何评价?教师的创作成果、设计作品,靠获奖。学生的成绩如何评价?靠分数。 2.职称评定体系。这是一种不平和的体制,休想让教师清闲,大学教师的任务繁重,要教学,要教好学,又要搞好“科研”,“科研”这一词界定本身就存在问题,艺术家要搞“科学研究”?“体制”希望大学教师:(1)有出色教育教学能力;(2)又要有超群的外语水平;(3)还要有顶级的绘画水平;(4)还要有“高级”的“学术”水准,要求教师要在部级优秀期刊,或者CSSCI的期刊上,才算有学术水准;(5)要有“科学研究能力”在职称评定过程中要求美术教师要有省级或者部级的“项目”方可符合所谓的相称的职称。 教师大量的时间忙于论文、项目及参加美协的展览活动,自由的时间被迫出卖。无欲则刚,给教师更大更多的自由空间,让高校美术工作者静下心来做事吧! 3.艺术创作评价体系。中国近百年美术评价体系也是西方的,又是在浅层的画面制作效果或工作量多少来“计算”作品的“优劣”。国家展览给艺术设定了错误的目标与错误的导向,展览多是虚假的矫情之作,没有深入骨髓的真正的现实主义作品。更见不到也不存在传统中得“逸品”的作品了。现今,急需建立一整套符合自身文化传统的美术作品评价体系,即不同于传统又不同于西方,要引导提倡创作符合中国自身审美要求的有相当艺术格调与境界的美术作品。 学科与职称评定的结果:1.对高校教师的身心压力;2.忙于职称,疏于教学;3.为社会制造更多“著作”、“论文”垃圾;艺术评价的结果是为社会制造了一批虚假的“大垃圾”。 给九大美院自由,他们自身更懂得评定体系。下属师范类院校及综合性大学,定位要准确。 研究学术需要评定吗?学术研究首先是自身的爱好与兴趣,再加上自身所具有的使命感与责任感才能做好学术研究。它不需要哪个单位或机构来评定这属于什么。不能一味地追逐而要问为什么追逐?大学沦为了实用与适应主义,变成了世俗化与功利化的场所,大学应是培养精英的地方,是引领而不是去盲从。康德认为艺术和审美具有超越功利性的“自由”秉性。太多实用与现实而缺少精神,缺少那自强不息的“富贵不能淫,贫贱不能移,威武不能屈”的“大丈夫精神”,这也正是我们的“大学精神”。 师范教育的问题 师范类学校过分强调专业教育,而教育应把培养目标确立明确。 课程设置不合理,教学内容陈旧,没有教学法。高等师范类美术教育从课程设置到教育实习都与中小学美术教育实践相脱节。一方面是高校本身的问题,另一方面是中小学的问题,中小学、高中对美术教育不重视。美术在中小学不能得到健康正常的发展必将影响将来的发展前景。现今美术被升为了一级学科,是否在中小学中,美术也可以从“副科”升为“主科”呢? 师范类院校培养目标应该明确:为中小学培养优秀的教育人才,而不是把目标定的跟美院一样,大学教育有其共同性和一致性,但各个大学办学应该有自身的特色,更应该发挥自身的地域及历史文化优势。 解决的出路 1.爱好从小培养——兴趣是最好的老师。 美育可救国,从幼儿园开始着手对孩子进行美育教育,小学、初中、高中要逐步加强,而不是到高中学生学习成绩下降了,那么赶快学美术吧,家长、学生都有这种心理,学生不爱自己的职业,没有兴趣一定学不好。米开朗基罗十三岁进基兰达约工作室学绘画,老师认为他学晚了,毕加索十三岁的素描作品已经相当于世界级大师的水准了。艺术是一个高尚而崇高的行业,不要玷污了她,想要成才,爱好是最好的老师。 2.大学前的多样化的学习,国画、版画、油画、雕塑、设计等要在考前有相当的基础与熟悉程度,而不是到大学毫不知其主业为何物。 3.建立“大美术教育”系统。 中国美术教育从小学、初中、高中到大学是一个应该是一个连贯的完善的自成系统的整体体系,一环扣一环形成一个连贯的培养计划。而现今,这几个环节互相并没有干系和联系,更没有形成一个系统。 小学、初中、大学他们之间要形成一个纽带,他们之间要建立一种纽带关系。如果形成一个“大美术教育”的系统,那么美术人才会从小学或幼儿开始就会有一个很好的健康的起步,通过初中及高中的逐渐的美育培养,学生的艺术素养和实践能力绝非今日的考前一两年所能企及,那么大学美术教育就自然可以想象。 中国在两千余年以前就有自己的教育思想,但现今美术教育没有形成一个完善的中国自身的体系,这需要一批人或几代人来不断地完成。发现问题是未了更好的解决问题,我们期待着中国美术教育不断前行,它会不断完善。 作者单位:西安美术学院中国画系 陕西西安 中国美术论文:中国传统文化在当代中国美术创作中的运用 改革开放以来,随着物质生活慢慢的提高,更多人需要的是精神上的生活,作为艺术创作也慢慢进入了思想的潮流当中来了。把人们从理想化的想象带入到了视觉上的审美当中来了,更具民族精神状态。国内许多艺术家现在都着力去探索与研究着中国传统文化在当代美术创作中的体现与运用,最具代表性的如吴冠中先生,他的作品体现特具民族气息,用当代西方油画语言来表达中国传统文化,提倡并推崇了中国文化,具有夸时代的意义,再如,徐冰的烟草计划,展望的假山。又如,周春芽的桃花系列,都体现了中国颇具特色的文化,从艺术创作方面来体现中国传统文化,并受到世界大众的关注与认可,它使中国当代绘画走上了一个更高的台阶,从这一点能说明中国传统文化在当代中国绘画艺术中具有意义的,值得我们去研究与发展。 在当代画坛里有很多艺术家都在把中国传统民族文化在绘画上的体现也做的非常的好,强有力的展现出作品的极大魅力。正如“吴冠中先生运用当代艺术的综合性创见解构了中国传统的艺术形式,从而独树一帜。从吴冠中先生作品丰富的意象表现中,既有中国传统绘画风格内涵,又有中国传统艺术的时间与空间、动态与静态的文化内蕴,在他的后期绘画作品当中并以意象的符号重构了中国传统艺术的现代意识和当代性,阐发出时代的强音 。说到蔡国强的火药,使他在当今世界艺坛无非也享有盛名,也是我们年轻一代的艺术追求者应关注并了解的对象,他的艺术语言,很明显具有很强烈的民族气息,作为四大发明的火药,他以它来作为绘画表象的主题,具有很强的民族意义,整个创作作品的场面气势压人,颇具东方气息,一见其作品就让人震撼与兴奋,他让火药再一次让世界所认识。再一次说明了中国民族文化在世界的地位与所做出的贡献。为世界的发展具有不可缺少的意义。作为艺术家就应该为民族文化做一份自己的努力。 看看我们生活的每一个角落,不得不让我们反思传统文化何去何从?面对外来文化的冲击,我们自身的文化已经失去了很多很多。从古至今,中华民族遇到过多少次的入侵?但是从来没有被征服过!那是因为我们有一股韧力,很强的抵抗力量,——民族传统文化。然而它却在渐渐流失。这不能不让人深深忧虑,如果当我们再一次面临武力或是文化入侵时,我们是否还具备极强的抵抗力? 现象实在严重。现在发出此呼声意识到此现象的人确实不少,但是只是都停留在喊叫声当中,能意识到问题的却往往缺乏解决问题的能力,在此我们来看看吴冠中先生,吴冠中先生就在努力的付出他实际的行动,以他个人微薄的力量通过绘画的形式去提倡传统文化。?他的绘画在后期有人说呈现出来的是绘画功底薄弱,而没有真正的去反思其真正的意义价值,这是当今所谓一些美学评论家的一种悲哀,我只能在此对他说说的说上两个字“无知”。个人觉得他后期的绘画,越来越倾向于人文价值、审美熏陶等方面,它却可以让一个人受益一生。 他的提倡也许仅仅只是表现在美学方面的传统文化,但这可以使我们意识到传统文化的其他方面,指得是其中适合人性、社会的理性部分,我们应该做到下一代从意识形态方面意识到对社会的关注、对家庭的责任、对自我的认识、对人性的尊重、对师长的尊重,应该具有为人处世恻隐之心,应该具有对民族忧患意识,应该具有赤子之心,应是一个立足与中华民族文化为基石的具有改造社会,改造自我改造世界的有能之人,以正直、宽容、大度、睿智、善良、仁和的形象立于世界民族之林! 吴冠中先生传统文化的倡导在绘画当中对于我也有着及其深刻的影响,它让我从思想上自身本质的本族民族文化能通过绘画艺术的体现形式来表达自己的情怀,在新世纪中国美术已面对着和上世纪八九十年代完全不同的文化形式与状态下,这意味着新时期美术已经进入世界当代多元文化格局中,对于民族艺术的自觉和民族艺术的当代性以及民族艺术在当今世界文化格局是否占有一席之地有着重要的意义。在这种世界文化多元化的格局中中国美术界教育界以及审美界应着重探索和研究中国开放式的文化心态中对民族文化的坚持与开拓。 我觉得中国美术要在国际拥有自己的独特地位,只有通过传统文化民族化的形式才能实现其目的。如果没有其民族特色,那将失去地位,剩下的只是躯壳,留下的只是笑话,有人说在艺术的国度中,越是具有民族的,才是越世界的,我也觉得越是自己的,才是越生动越真实的,越是具有说服力的,比如说当代中国艺术家吴冠中先生,蔡国强,等等知名艺术家,在国际上占有一席之地的艺术家在自己的艺术作品表现出来的都是具有民族的自我的真实的感受的体现,当然这一点已经成为共识。也就是说,民族化是当代中国美术发展的目标和价值追求。民族化并不是简单的传统化,更不是固守成规自己局限与自己的圈子当中成为井底之蛙,而是在继承传统和借鉴外来的基础上,对当代中国美术的一种创新。在很长一个时期内,中国的油画创作受到西方的影响过分模仿西方,轻视甚至否定中国传统文化,漠视并脱离了中国人民大众长期以来所形成的独特审美习惯,完呈现给我们的是与我们完全陌生的语言,对民族文化已经没有任何的概念基本忘却了民族文化的精髓所在,更不知道在艺术创作方面应该如何下手,更没有勇气去下手,创作。因此,我们在油画艺术的传入的同时,首先因加强民族文化的广泛性,对中国民族文化进行重视,去了解研究中国传统文化,然后再面对外来的西方文化相结合的体现在艺术创作方面。在通过熟练的绘画语言的表现方面为基础外,更需要的是再作品做表达的精神内涵方面要体现的更加的充分。因为精神语言才是绘画艺术作品的灵魂所在。它才更具意义。我一直认为作为一幅艺术作品,不管你的技艺有多高,你的画面呈现的形式感有多么的独特,你的画面在色彩方面是多么的触目惊心,那都是浮云,很表象的。这样的画面在上个世纪都已经被人家用烂了,难道我们的审美都还停留在上个世纪?确实在面对很多国内所展的很多画展,使我感受到的就是,思想落后,没有创造性思维去面对自己的艺术创作,我只能说他们大多数只是一种抄袭,而且是表面的抄袭,基本没有任何使我产生共鸣,看起来就觉得恶心。其实更重要的是面对一幅艺术创作,有没有其思想,其内涵,从中说明一个很深刻的含义。油画在绘画艺术的民族化过程,也是一样。注重民族文化内涵和审美观,要体现中华民族美学思想,因此,当代中国美术创新通过中国传统文化的民族形式具有很强的现实意义。 中国美术论文:从“四个认同”的高度谈新疆高校中国美术史教学改革 【摘 要】在新疆,高等教育的使命更重,它关系到新疆的长治久安、和谐发展,关系到祖国的领土完整和国家民族的文化传承。对新疆的未来而言,培养什么人、传承什么文化才是新疆教育的重中之重。当前,我们要紧紧围绕“四个认同”教育主线,将正确的国家观、民族观、文化观渗透到艺术教育中去,引领广大青年学生胸怀祖国、建设边疆,为新疆的跨越式发展、为新疆的长治久安、和谐进步,为各民族团结奋进的大美新疆的到来努力奋斗! 【关键词】四个认同 新疆高校 艺术教育 教学改革 新疆古称西域,自古以来就是我国神圣不可分割的一部分。千百年来新疆与内地经济文化相互影响,潜移默化,形成了难解难分,血肉相连的内在联系。同时,新疆各族人民长期共处、相互学习,成为推动新疆历史前进的巨大动力。历史证明,新疆自古就是一个多民族聚居的地区、一个多种宗教并存的地区、一个多民族共居共建的家园。 当前,国际形势复杂多变,对新疆来说,近些年国际敌对势力和境内“三股势力”对新疆不断渗透破坏,妄图将新疆从祖国大家庭中分离出去。此时,“四个认同”理论的提出及如何贯彻学习“四个认同”就显得尤为重要。我们知道,“四个认同”即是对祖国的认同,对中华民族的认同,对中华文化的认同,对中国特色社会主义道路的认同。而 “认同”又称“归属感”,没有认同感,就不可能有凝聚力。 我们认为,“四个认同”是爱国主义的基础,是解决新疆民族关系、维护祖国统一、保持新疆长期稳定发展的重要治本之策。纵观世界许多国家的分裂,都是国家认同、民族认同、文化认同、道路认同出现危机,进而造成国家民族的危亡。 新疆处于反分裂前沿,青少年由于受地域、宗教、民族、经济社会文化等因素的影响,价值观的培养和塑造就显得更为重要,这就等同于与敌对势力争夺未来。当前,新疆各高校在青年学生中都开展了“四个认同”教育以及新疆地方史、马克思主义“五观”教育等理论课程的学习,这对青年学生正确树立国家观、民族观意义非常深远。针对“四个认同”教育,新疆各高校也建立了切实可行的评估体系。多所院校的教师及理论研究人员对“四个认同”教育的落实提出了独到的见解,研究并发表了相关的论文。如新疆师范大学吴常柏教授的《新疆高校坚持“四个认同”教育的经验》一文,新疆农业大学的寇新华、何建忠教授的课题《新疆高校马克思主义“五观”“四个认同”教育现状的调查与分析》,该课题先后在新疆多地三十余所高校进行了调研,掌握了有关“四个认同”教育的第一手翔实资料。 新疆石河子大学政法学院、中央民族大学哲学与宗教学院的李瑞君、贺金瑞教授也撰写了对《新疆“四个认同”教育的思考》一文,对新疆高校“四个认同”教育提出了自己的思考。同时,新疆各高校抓住重要纪念日、少数民族传统节日等契机,举办丰富多彩的校园文化活动,促进各民族文化交流融合,增强各族学生对祖国的认同、对中华民族的认同、对中华文化的认同、对中国特色社会主义道路的认同。但是,落实“四个认同”教育,仅仅通过理论教育这一途径,对于大学生思想意识的形成及对其行为倾向的引导是远远不够的。 鉴于此,如何在学习“四个认同”理论的基础上,通过大量的实例、历史资料、考古发现来引导教育学生加深对“四个认同”的更深入理解,切实增强新疆青年学生对祖国的认同、对中华文化的认同这一点就显得尤为重要。目前,有关新疆与祖国内地政治、经济、文化从历史的角度不可分割的考古发现、现存历史遗迹、文化遗存数不胜数,但新疆高校中国美术史教学在利用此类视觉历史资料完善“四个认同”教育方面的探索和尝试尚属空白。针对这种情况,特别是新疆特殊的区情、政情,如何在新疆高校中国美术史课程教学中引入此类教育就具有既迫切又极其重要的现实意义。 一、新疆高校中国美术史课程教学改革的重要性 我们知道,美术史课程的学习是培养全面发展的高素质人才、增强各学科学生对古今社会的认识,提高修养,形成正确的人生观、价值观,获取高尚的精神享受的重要途径之一。对于新疆高校的学生来说,在中国美术史课程中充实、完善新疆与祖国关系内容的学习,目的就是强化“文化认同”, 明晰“归属感”。而这种“认同”的学习是直观的、可视的、有翔实史料可查的。这种学习就是对“三股势力”分裂新疆图谋的正面回击。从而使学生从艺术史学习的角度观照新疆的历史文化以及与祖国几千年的脉络关系。这是“四个认同”教育的需要,同时也是新疆未来长治久安、民族团结、和谐发展的需要。再者,新疆高校中的教育类专业毕业生主要就业于新疆各中小学。教师队伍的价值观认同,直接关系到新疆未来人才的培养、塑造,关系到孩子们正确国家观、民族观的形成。因此,在新疆高校中国美术史教学中从艺术教育的角度导入新疆与祖国关系内容的学习是十分必要的。 二、充沛翔实的视觉资源为新疆高校中国美术史教学改革提供了条件 新疆与祖国内地的文化联系源远流长,从先秦时期,中原文化在西域就已经开始传播,这种传播丰富和发展了西域文化,从各个侧面影响了西域政治、经济、文化、民俗的形成。它不仅包括语言文字、儒家思想、典章制度而且还包括生产技术、社会习俗等,从而奠定了西域与祖国密不可分的政治、文化关系。这种联系主要体现在以下几个方面: (一)政权建制 众所周知,从公元前60年汉设“西域都护”开始,整个西域地区就处于中央王朝统辖之下, 新疆从此成为祖国不可分割的一部分。而大量的考古挖掘史料也有力地证明了新疆和祖国内地的关系,这为新疆高校中国美术史教学改革提供了第一手资料。 (二)中原绘画艺术在西域的传播 中原绘画艺术在西域的传播可谓源远流长,盛唐时期乃至魏晋南北朝都有传播,它主要体现在新疆现存的大量佛教壁画中,这些壁画作品如在美术史教学中加以利用、学习,势必大大增强新疆大学生对祖国文化与新疆关系的认同。 (三)中原生活方式、习俗在西域的体现 随着中原地区人民与西域人民不断加强往来,中原内地的生活方式、习俗在西域也得到传播。这种传播从日常生活到丧葬习俗都有体现。不仅如此,中原彩陶、丝织工艺品以及中原书法、建筑艺术在西域也大大得到普及。这也足以证明汉文化在西域的传播已由物质领域深入到精神领域,从上层扩展到了民间。总之,丰富的现存及考古艺术资源为新疆高校中国美术史教学改革提供了必要条件,为“四个认同”学习的实践性教育提供了翔实的客观依据,为新疆的长治久安、青少年正确的国家观、民族观的形成奠定了基础。 中国美术论文:解构与重组——关于中国美术教育的现状分析与改革 摘 要:美术教育的目标是为了提高学习者的艺术文化素质,建设社会主义精神文明和物质文明。而作为新世纪的美术教育在快速发展中也暴露了一些问题。这些问题在某些方面上也阻碍了美术教育发展的进程。而只有正视这些问题,美术教育研究才能蕴含着高目标的要求和超前的思想意识、进而提升知识文化教育的广度、高度和深度。 关键词:民国;中国美术教育;发展历程;改革 教育是增进人们的知识和技能、影响人们的思想品德的活动。它泛指人类社会活动中专门培养人的一种活动,是人类进行生产、生活、物质、文化交流的一种重要方式。而其中隶属教育系统的“美术教育”则是社会教育活动中培养学习者的艺术观念和审美趣味、增进学习者的美术知识和训练技能的活动。 中国的真正意义上的美术教育的开始形成是在民国前期,这是近代中国美术教育变革的关键时期,也是近代中西文化相互碰撞与融合的特殊时期。这个时期在蔡元培先生的“以美育救国”的号召下,从外国留学的徐悲鸿、林风眠、颜文梁、庞薰琹、刘海粟等美术家毅然归国,希望通过引入西方美术教育来改革中国传统美术教育。他们一生致力于以中国传统精神为主题,消化和融合西方文化艺术的探索,丰富和发展了我国的文化艺术,并将毕生主要精力用在革新美术教育事业上。在这个过程中,在他们的教育思想和教育方法的影响下,中国美术教育形成了丰富的、多样化的教育特点。但凡是人,总存在差异性,艺术工作者更是如此。中国的美术教育家们在当时的教学理念与艺术主张一方面有着共同性,另一方面又存在着差异性;在这个教育背景下,这有着积极的作用,但是又有消极的影响。比如:徐悲鸿在美术教育中推崇“写实主义”,也就是外国古典写实主义;但是林风眠则侧重“现代主义”,即西方19世纪印象派以后的现代主义艺术。这似乎是一个典型的例子,直至今日,在这两个美术教育家的教学改革下的中央美术学院和中国美术学院在教学风格上依然呈现出大相径庭的差异性。现在,中国美术教育从20世纪初发展至21世纪的今天,已经是跨过了一个世纪。那么,它的教育思想理论、实践方式可以说已经到了比较完善的阶段。当我们把视野转从中国美术教育的历史转向现状,从中可以发现它在快速发展的同时存在着不少问题。其中较为突出的问题为中国现代美术教育一方面传承了传统的艺术教育理念,但抛弃了其中更为重要的人文观念;另一方面对上世纪50年代引进的苏联艺术教育模式缺少革新和变化。当人类逐渐步入知识经济、网络社会、新技术和信息不断涌现的二十一世纪,未来的美术教育观念较之以往旧的美术教育,也必然要发生其深刻的根本性的变化。 关于对中国美术教育的改革——首先,我们要知道,美术教育的特点及其功能所决定了它是我们人类进步与发展的重要因素。了解美术教育在社会上的内在意义和其本质功用是必要的。美术教育作为一门学科教育,包涵学科本体与教育功能两个方面,它延伸和发展美术学科的知识与技能,满足人类社会经济、精神和文化的需求以及通过美术学习影响学习者身心发生良性变化,形成他们的基本美术素质和能力。其次,美术教育在每个时期所产生的历史影响也是要重视的。因为美术教育本身就是社会活动之一,社会的发展离不开美术教育的推动作用,从而我们应该认识到美术教育不只是为了培养社会中的美术家,实际上应该更加认识到它可以通过美术绘画语言提高大众的审美修养,通过美术活动中的观察记忆活动来启发大众的智力,通过对作品的历史背景等来促进大众的思想政治水平和道德品质。再者,美术课程具有人文性质,美术教育凝聚着浓郁的人文精神,它对提高和完善人的人文素质方面有着独特的作用。 所以,我们应当准确地把握美术教育发展的脉搏,确定美术教育的发展方向,让美术教育适应当代社会发展需要,体现其价值。为发扬我国传统文化提供一种思路与途径,注重学生个性与创新精神的培养。而作为美术教育体系的主要实施者——当代美术教师在进行教育活动时应站在时代和社会发展的高度调整其教育策略,注重综合性美术素质教育和美术基础教育。在这个改革过程中,我们还要认识到改变美术教育理念的重要性,才能深入文化理论课程设置,提高教师水平,加强美术教育理论研究等方面着手,以推动我国高等美术教育的改革与发展。这样才能真正地以创造教育为优秀,素质教育为目标,培养全面发展、适应性强的现代高素质的素质教育人才。 中国美术论文:论中国美术元素在远古和当代的价值 摘 要:在当今流行复古的时代,中国元素不仅是中国设计师及前卫艺术家的宠儿,也越来越得到世界时尚界和艺术界的青睐。中国美术元素之所以有这样的魅力,与其神圣的意义、美观的造型和深厚的历史积淀有关。本文选取中国古代美术元素中的图腾纹样和雕塑图案作代表,论述美术瑰宝在远古和当代的价值。 关键词:传统纹样;雕塑艺术;象征意义;审美意义 中国是世界四大文明古国之一,无论是在科技文化还是在社会生活方面,中国的起步都早于世界上大部分区域,在史前及先秦时期就有了长足的发展。 中国的文化博大精深,艺术是体现文化形式多样的重要表现形式之一。早在史前的新石器时代,绘画艺术就有所发展,主要体现在彩陶的装饰纹样上,“其中以半坡和庙底沟类型的彩陶,艺术成就最为杰出。”当时流行的装饰纹样除各式各样的花纹图案外,还有相当发达的动物图案,如鱼纹、鸟纹、蛙纹等。这些纹样造型活泼美观,色彩和谐热烈,格调格外华丽优美。然而在远古时期,这些纹样的装饰作用是次要的,其主要作用是表达远古居民的原始信仰,就像李泽厚在《美的历程》中所说的“审美或艺术这时并未独立或分化,它们只是潜藏在这种种原始巫术礼仪等图腾活动之中”。现代人审视古代艺术品,往往是以其审美程度来评价,不探寻这种美丽背后的历史溯源,往往忘记艺术是一种“有意味的形式”。而原始纹样正有着庄严而神圣的意义:这是先民对于自然和生命的解读,是对劳动生活的提炼,象征着一种思想的意识和精神的力量。 历史留给后代的不仅仅是经验,还提供着借鉴。在现代化的二十一世纪,这些纹样不仅可以在博物馆的艺术品中观赏到,它们还被艺术家运用到了后现代的一些作品里。这些图腾纹样在现在看来仍是前卫时尚的,它们以高度的抽象和符号化、平面化风格博得了世界各地艺术家和设计师的青睐。原始图腾纹样以其博大的内涵,独特的审美意蕴和丰富的表现形式,给当代艺术带来新的冲击和闪光点。“处于信息时代的今天,高强度、快节奏的生活方式使人们更加追求时尚,民族性、个性化风格备受人们重视。”因而几千年前地古老艺术被现代社会重新发掘,显示出不可多得的伟大与深邃。 在新石器时代中晚期,雕塑艺术出现。远古的雕塑艺术虽不成熟,但也不乏优秀作品。这些艺术品手法稚拙而纯真,给人以强烈的震撼。和图案一样,它们的象征意义也往往大于审美意义。例如在河北滦平后台子出土的石刻女神像的造型,就与当时红山文化崇拜女神的宗教观念相关;在反山和瑶山墓葬出土的大量礼玉,是良渚部落尊崇的神圣旗帜,代表军事或宗教首领的权威……总之,雕塑艺术的演变发展根本上受制于“社会结构和原始意识形态的发展变化”,是为种族信仰和观念服务的。 在现代设计中,中国的造型艺术承袭了中国传统美术观。人们将很多雕塑技术和作品运用到现代设计中来,既表现了中国远古传统文化的包罗万象,丰富了中国人民的民族自豪感,又使作品达到了别具一格,耳目一新的效果。拿内蒙古翁牛特旗三星他拉村出土的碧玉龙来说,这件玉雕作品“龙首似猪,斜目方鼻,鬃鬣向后贴身弯曲上翘,龙神蜷曲,尖尾,无四肢及鳞甲”,造型非常独特。现代人虽然可能并不了解这件作品,但一定记得华夏银行的图案标志。没错,这个图案标志正是取材于远古时期红山文化的碧玉龙。这些设计让被人们遗忘的古代元素在现代重新演绎,古典找到了新的价值。 总之,透过原始艺术的历史延伸脉络,我们可以总结出这样的规律:艺术是一个开放的系统,旧的元素受到新的技术与意识观念的冲击而不断创新发展,然而其精神内涵的实质是不会改变的,这是中华民族特有的民族精神,是中华民族特有的精神积淀。把中国古老文化的精神及物质元素融入到现代的艺术创作中,不仅提高了现代艺术品的价值,同样提升了古老文明产物的作用。古老与现代,二者虽表面矛盾,其内涵却是高度统一的。原始文化和现代文明,二者相得益彰,使社会的发展更加具有文化性和统一性。 中国美术论文:“当代的人”的当代中国美术 摘 要:在中国艺术领域,当我们面对与“当代”相关的任何一个问题时,无论对其概念、内涵还是外延,我们其实难以给出准确的界定。究其原因,既有源自时间进程中已有的相关讨论和实践所产生的影响或所遗留下的争论,也有当下的相关思考和探讨本身就处于一种“理性”的进程之中,更有源自于“当代”自身属性所具有的开放性、复杂性、多元性及辩证性。那么,作为油画创作者的我们该怎样理解“当代”?“当代”的作品到底是什么样的?它又是被谁所创造,为谁所接受呢? 关键词:当代;中国美术;当代的人;艺术形式 一、关于“当代”的思考 在中国艺术领域,当我们面对与“当代”相关的任何一个问题时,无论对其概念、内涵还是外延,我们其实难以给出准确的界定。究其原因,既有源自时间进程中已有的相关讨论和实践所产生的影响或所遗留下的争论,也有当下的相关思考和探讨本身就处于一种“理性”的进程之中,更有源自于“当代”自身属性所具有的开放性、复杂性、多元性及辩证性。 曾几何时,几乎大部分从事当代艺术的艺术家,其所有思考都主动或被动地围绕着“当代不当代”的非此即彼的认知判断。而这种认知判断的实质则是对“前卫、反思、批判等”价值判断的几乎极端的理解。相应的为了追求“当代”这一殊荣、呈现这一理解,我们各抒己见,标新立异,甚至不惜牺牲自己的身体健康以几乎病态的作品来予以表达。 对于各种现象我们不必一一描述或讨论,因为相关的探讨实在太多。而又正是这些探讨引领我们进一步的思考,这种思考表现在当下——在一定意义上——反应为一种“理性”的回归。这种回归,既表现为对其辞源意义的考证、相关权威论述的梳理及其一般表现形式的总结、探讨和更新,也表现在当下的具体的艺术创作之中。当然这所有的表现,本身也还处于一种不断调整的“理性”之中(当然,我们也不能否认这种“理性”本身的感性因素,只是这种“感性”并不在本文的讨论之中,因此暂不多论)。 只是,这种“理性”的进程,即摆脱不了前期因素的延续,又无法从根本上对“当代”进行绝对的界定。因为,无论是历史的看待还是理性的分梳,对“当代”的理解都不是绝对的,而是开放的、辩证的,其内涵是丰富的,其外延则是多元的。但是有一点是明确的,那就是对“当代的人”的界定,因为当代的人才是当代的经历者和当代艺术的创造者和消费者。 正如鲁明军在其《“移动的桃花源”——不合时宜的“绘事”与“画意”》的引言中论述以“视觉考古与心态史的交界”进入“当代”一样: ……阿甘本援引了罗兰·巴特(Roland Barthes)在法兰西学院讲座时的一则笔记中所说的,当代就是不合时宜(The contemporary is the untimely)。实际上,“不合时宜”一词最初源自尼采1974年的著述《不合时宜的沉思》。尼采告诉我们,真正当代的人,是那些既不完美地与时代契合,也不调整自己以适应时代要求的人。因而在这个意义上,他们也就是不合时宜的(inattuale)。但正是因为这种断裂与时代错误(anachronism),他们才比其他人更有能力去感知和把握他们自己的时代。阿甘本指出,所谓当代,就是一种与自己时代的奇异联系,当代既附着于时代,同时又与时代保持距离。更确切地说,当代是通过脱节或时代错误而附着于时代的那种联系。反之,与时代过分契合的人,并非当代人——这恰恰是因为他们(由于与时代的关系过分紧密而)无法看见时代;他们不能把自己的凝视紧紧保持在时代之上。 虽然阿甘本对当代进行了界定,但是这种界定的内涵本身充满了哲理的思考,因为那是一种“与自己时代的奇异联系”,那种“联系”才是关键,而思考这种联系、并把这种联系付诸于艺术实践的无疑是尼采所说的不合时宜的“当代的人”,同时也是这样的人才会是真正接受这一艺术的主体。 二、“当代的人”的艺术 基于对这个时代的一般认识,作为这个时代的一般性的人,我们或许可以以一种包容的态度对待所有的艺术形式——无论它是传统的、现代的,还是当代的或伪当代的。 但是这并不是说我们没有一个根本的艺术底线。只是这个底线我们既不能以传统的艺术标准为标准,也不能简单的以舶来的观念为基础。清代学者王国维的《宋元戏曲史序》谓:“凡一代有一代之文学:楚之骚,汉之赋,六代之骈语,唐之诗,宋之词,元之曲,皆所谓一代之文学,而后世莫能继焉者也。”那么在我们当下的时代,我们的艺术评判标准或许还是要基于我们这个时代本身,基于我们自身对该时代的认知、理解。这样,无疑的是首先我们必须确定自己是怎样的人,知道“我们是谁?我们从哪里来?我们向何处去?” 因此,或许我们站在“当代的中国”以一个“当代的人”的身份介入该一问题的讨论,或许更能保持一种超然或理性的态度。这种态度源自我们中的个体对这个时代的关注,更多的“保持在(这个)时代之上”而形成的一种普遍的共识。这种共识既非来自于主流意识,也非偏激的个人感官;既非出自地域、文化和民族的争论,也非是对个体差异、自由和个性的否定。同时,它又既是对现有相关艺术讨论的可发展的理性延续,也是自身对未来的认识的一种肯定。而根据这种共识创作的艺术作品,或许才更具有一种“当代性”,这种当代性是属于这个时代的,属于这个民族的,无疑也是属于世界的,它是开放的、多元的、辩证的——它属于“当代的人”。 那么,根据这一论述,基于对尼采的“……真正当代的人,是那些既不完美地与时代契合,也不调整自己以适应时代要求的人”的理解,我们其实可以不断地超越自身的有限,通过我们(在这一时代之上)对这一时代的凝视而得来的认知和理解,并能以恰当的艺术形式表达出我们真正的内心感情。 三、恰当的“当代艺术形式” 那么怎样的艺术形式才是符合“当代的人”的“当代”中国呢?或者说怎样的艺术形式才是恰当的“当代艺术形式”呢? 中国美术论文:《中国美术分类全集》出版工程竣工 (本刊讯)我国规模最宏大、内容最丰富、最具有文献价值的“中国美术全书”《中国美术分类全集》至2011年年底圆满完成出版工作。这项倾全国之力,耗时25年、多达302卷的世纪工程展示了我国有史以来的艺术风采;凝聚了34家出版社和数千位学者专家的智慧和心血。 为深入总结编辑出版工作经验、表彰为此项工程作出突出贡献的专家、学者和出版工作者,由、新闻出版总署联合举办的《中国美术分类全集》出版座谈会3月20日上午在京举行。中共中央政治局委员、中央书记处书记、部长刘云山发来贺信。 新闻出版总署署长柳斌杰作重要讲话,副部长蔡名照宣读贺信。原新闻出版署署长宋木文、求是杂志社原社长高明光等出席会议。会议由新闻出版总署副署长邬书林主持。 和新闻出版总署共同向在编纂出版过程中作出突出贡献的35家集体和520位个人颁发荣誉证书。会上特别向已故的《中国美术分类全集》领导工作委员会常务副主任许力以颁发唯一一份特殊荣誉证书及奖牌,以表彰他在《中国美术分类全集》编纂出版工作中作出的重大贡献。许老的两位儿子上台代领。 刘云山在贺信中高度评价了《中国美术分类全集》在中华优秀文化艺术积累和传承中的重要作用,充分肯定了参与这一美术遗产抢救整理工程的专家学者和编纂人员所取得的成绩,并希望出版工作者认真总结实施重大文化出版工程的成功经验,以对社会负责、对历史负责的态度,以“十年磨一剑”的精神,倾力打造更多具有中国风格、中国气派、在人类文明史上能够传之久远的文化精品,谱写出当代中华文化新的绚丽篇章。 柳斌杰在讲话中指出,《中国美术分类全集》的编纂出版,是新时期国家重大文化出版工程的生动实践,不仅取得了累累硕果,也积累了丰富的经验,为我们实施精品战略提供了许多有益的启示。 《中国美术分类全集》总编辑出版委员会副总编辑、中国美术出版总社原总编辑程大利介绍了编纂出版情况,文物出版社名誉社长苏士澍、上海人民美术出版社社长兼总编辑李新、故宫博物院原副院长杨伯达分别代表出版单位和专家学者在会上发言。出版局局长陶骅、新闻出版总署出版管理司司长吴尚之、中央美术学院教授金维诺等有关方面的负责人出席会议。 中国美术论文:中国美术史研究的方法 按 语:巫鸿(Wu Hung)教授是著名的美术史家,芝加哥大学教授。早年于中央美术学院毕业后,在1972-1978年间一直在故宫博物院书画组、金石组任职,1978年回中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980-1987年就读于哈佛大学,获美术史学与人类学双博士学位,在哈佛大学人文学院美术史系任教,于1994年获终身教职,后受聘芝加哥大学“斯德本特殊贡献教授”讲席教授,并于2000年建立芝加哥大学东亚艺术研究中心并任主任,兼任美国古根海姆(Guggenheim)基金会研究员,是美国在中国美术史研究领域享有盛誉和权威的学者。他在方法论上兼具中国传统美术史和美国美术史的研究方法的优点,重视人类学和美术学的跨学科融通,并且推陈出新,形成了自己的独特方法论。他还致力于推动对中国当代美术的研究,有力地促进了这一领域的发展。巫鸿教授著述甚丰,目前我们国内的三联书店和上海人民出版社等出版社,迄今已翻译出版了他的《武梁祠:中国古代画像艺术的思想性》、《中国古代艺术与建筑中的纪念碑性》、《礼仪中的美术》、《时空中的美术》、《黄泉下的美术:宏观中国古代墓葬》等学术专著十余种,对中国美术界、美学界和相关人文科学领域的学术研究产生了广泛的影响。鉴于此,华东师范大学中文系教授朱志荣博士于2011年5月5日下午一点在美国芝加哥现场采访了巫鸿教授,并就美术史研究的方法等问题请巫鸿教授作了深入阐述。本刊欣闻此举,特地全文刊发本次访谈的相关内容,以期望学界在有关美术史、论研究领域与巫鸿教授进行更进一步、更深入的研究与对话,以使本学科领域内的学术探讨更加细致、透彻。国民之魂,文以化之;国家之神,文以铸之。学术为公,文以载道,站在推动中西方文化交流、塑造国家艺术形象、实现中华民族伟大复兴的现实基点上全力促进学术研讨的深入展开,既是为天地立心、为生民立命,同时也是为弘扬中华传统文化、重塑中华艺术精神,尽到《艺术百家》应有的责任和力量。 朱志荣:陈寅恪将王国维的考古与文献相互参证归纳为“二重证据法”,在中国大陆产生了广泛影响。您认为中国美术史研究应当如何利用考古发现? 巫鸿:这是一个非常重要的问题。王先生的“二重证据法”在史学研究中具有划时代的意义。但是我们应该注意,文献研究主要是研究古代遗留下的书籍,考古学则研究出土的文物。王国维当时研究注重的主要是文字材料,也就是文献文字。他所谓的“考古”因此基本上指的是安阳出土的甲骨文、还有青铜铭文等材料。他想通过二重证据的考证,得出一个历史研究的更为可信的结论。这些结论一般都是和历史事实相关的,比如历史事件发生的时间、历史人物行为等。 用两种方法互证,这在中国近代学术研究中非常重要,在今天也很重要。但是一百年之后再来看二重证据法,我们会发现它给人以一种现代性的思维启示:一个结论不是一个证据就可以论证的,而需要多重视角的检验。虽然王国维当时只提出二重视角,但这种学说已经显示出多重视角的潜能——二重可以发展到三重,也可以发展到四重。现在我们看问题就不只二重了,这种新的思考和王国维、陈寅恪的思想有一定的关联性。 如果说二重证据法主要还是作为史学研究的方法,现在我们研究的问题就更多了,学者们对美术史、文化史等历史书本以外的问题有了更多的兴趣。作为证据的考古材料的定义也发生了变化。如果说过去所说的考古证据主要还是甲骨文、铭文一类,现在由考古提供的“证据”种类就多多了,比如城市空间、实物、中西文化交流、人的审美习惯等。虽然历史考据在我们现在的研究中仍然很重要,但除此之外历史研究中还有很多别的问题。研究这些问题仅靠文字材料是不能够完全说清楚的。比如说如果要研究古人的审美习惯,除了文字材料,我们还要使用器物、图像、墓葬等材料,所有这些都有证据意义。 所以,在精神上我们还是要继承两位先生的二重或者多重证据法。但与此同时,我们还要注意两个问题。一个是:什么是证据,什么东西可以构成证据;另一个是:使用证据想要证明的是什么。这两个方面的问题是连在一起的。 朱志荣:古代美术史的研究要运用和借鉴考古学的成果。您认为在研究出土文物的时候,应当如何使用历史材料和文学材料?需要注意哪些问题? 巫鸿:我刚才已经提到一点。美术史研究主要涉及的是视觉问题、看的问题、美感的问题,也涉及到物质性的问题,比如艺术品的材料构成、空间等。中国历史考古学中,墓葬是一个重要部分。墓葬里面有很多器物、图像——对这些个体进行研究是大家比较熟悉的方法。但是我们还应该注意墓葬内的空间安排和一些消失了的东西,比如当时摆的食物、香料、灯火等。这些东西在考古中已经看不见了,但是可以根据其留下的痕迹、空间安排,重构当时的视觉或者物质的环境。 考古学者有自己的一套学术规范,比如如何发掘、如何记录等。如果有些材料不属于这种研究重心的话,他们就不一定记录了。特别是如果对象牵扯到墓葬设计者的主体感觉、审美感觉、世界观等内容的时候,就比较难于进入考古报告。还有,如果对有些东西无法进行直接的考古分类的时候,比如“空间”——考古报告也容易忽略。但是这些信息对美术史研究却非常重要。这就需要在考古发掘和记录的时候,由美术史学者和考古学者进行学术互动。 朱志荣:在美术史研究中如何利用“重构”的方法分析材料? 巫鸿:对历史状况的“重构”现在变成美术史研究的一个非常重要的手段或目的。这和历史研究的学术发展密切相关,特别是在西方。现在的历史研究,已经从研究一个重要人物和宏大历史事件转移到更为具体的、空间的和物质性的向度。甚至在研究一个人的时候,也要和他的整个的生活环境、文化环境联系起来,而不像原来那样做著名人物的传记性研究。 这种史学转向在近些年中对美术史的影响非常大。我在《武梁祠》一书里面对以前的汉画研究做了一个梳理,想看看不同时代的学者是怎么看问题的。经过这种研究我发现,开始的时候大家都是对每张画发生兴趣,所关心的是这张画的出处何在,那张画画的是什么。但后来就有人开始对整个的祠堂中的画像程序和结构有兴趣了。我写这本书时的希望就是 把武梁祠中所有的画像连在一起考虑,希望知道这些画像之间到底有没有一个叙事结构,其背后显示的又是怎样一种逻辑思维。这也就像是研究《史记》,其中的每篇都可以单独来读,但是也可以作为整部书的组成部分来看。后面这种读法所发掘的不但是司马迁对全书的想法,也可能反映出当时历史的某种观念。这种研究方法是首先重构一个基本的建筑体,然后通过这个建筑内的整体图像程序重构当时的审美和思想,其中包括家庭关系、君臣关系、政治观念等。 “重构”有不同的层次。首先,美术史研究离不开实际的东西,因此还是得从具体的图像、建筑、器物入手。然而,我们继承下来的往往是一些离开了原来原境(context)的历史碎片。因此我们需要从这些很具体的碎片出发来重构原来的实体。特别是我称为“礼仪艺术”的碎片,它们原来都是为了某种宗教、政治目的服务的,背后往往都有一个建筑体。因此我们需要探讨的是:这些碎片能不能重新拼起来?它们背后的建筑体是怎样的?如果这种重构能够做成,就可以接着去想,接着去重构更高层次上的东西。比如像武梁祠,我们就可以进而考虑武梁祠和武氏墓地中别的祠堂的关系,考虑武梁祠石刻的大环境,甚至整个东汉时期墓葬的理念。这都可以算作是“重构”。很多领域,像物质、社会、政治和宗教的原境——实际上都需要重构。但是在美术史研究中,研究者需要将这些领域分得比较清楚。有的时候学生会操之过急,还没把第一步做好,没把完整的、具体的东西做好,就一下子跳到很高的层次去谈政治、历史的问题,显得缺少中间环节。 中国美术论文:中国美术馆藏民间玩具精品展再现民间玩具历史面貌 遗产日”,由中国美术馆特别策划的“大器‘玩’成——中国美术馆藏民间玩具精品展”,于2012年5月30日在中国美术馆展出,共展出约370组八百多件民间玩具精品,将于9月3日结束。此次展览的作品均是从中国美术馆六千余件(套)藏品中精心遴选而出,一件件异彩纷呈、稚拙可爱的玩具精品将为观众带来一次视觉盛宴。据中国美术馆介绍,该展既是中国美术馆首次举办的大型民间玩具专题陈列展,也是中国美术馆多年征集、收藏民间玩具的研究成果的一次较大规模的集中展示。展览按照儿童成长和认知能力的发展顺序,以“成长”和“成才”主线分为“希冀”、“启智”、“尚德”3个部分。从婴幼儿的生命呵护、祝福祈愿,到低龄儿童的智慧开启、创造力、观察力的培养和少年儿童的知识学习、树德立志,3部分内容紧密相连,层层递进,将“寓教于乐、玩中启智”的展览主旨不断深化。我国民间玩具有着悠久的历史,早在距今约6000至10000年的新石器时代,就有陶响球、陶连环等玩具出现。千百年来,民间玩具以其造型的稚拙可爱、色彩的鲜明亮丽和内涵的丰富多彩,成为我国民间美术资源中最独特和最有趣的类别之一。 中国美术馆是部级造型艺术博物馆,征集、收藏、研究、展示我国优秀的民族民间美术作品,是其一项长期而又艰巨的重要工作,有计划、大规模的收藏民间玩具始于20世纪80年代初期。历经30年的积淀与几代人的共同努力,中国美术馆宏大而丰富的民间玩具收藏体系已具规模。中国美术馆的民间玩具收藏内容十分丰富,既涵盖泥、陶瓷、竹木类的民间玩具,也包括风筝、花灯、小脸谱、面人和彩塑;既有名家名作,如部级“非遗”传承人陕西凤翔胡深的泥塑作品,也有偏远山区佚名艺人的天才创作,如中国美术馆收藏的云南建水与贵州牙舟的陶瓷玩具。因而,中国美术馆的收藏既体现了我国现当代民间玩具的发展历程,也系统的保存与再现了民间玩具的历史面貌。 此前,结合“从延安走来——纪念同志《在延安文艺座谈会上的讲话》发表70周年美术作品展”,中国美术馆公共教育部推出“从延安走来”专场少儿赛”颁奖仪式的少儿代表、指导老师及家长,在“从延安走来”展厅现场参与了一次艺术体验活动。参与此次活动的少儿,是来自中国儿童中心、北京市少年宫、思奇培训学校、艺格文化艺术工作室等20余家北京校内、校外教育机构的“绘画大赛”获奖少儿代表。(杨子) 中国美术论文:培养问题意识乃当今中国美术教育之变法 (广州科技贸易职业学院,广东 广州511442) 摘要:当今中国美术教育,培养国人问题意识促使本国美术教育有新之转机,注重图像之读解,关注美术与文化之积淀,重塑观察世界之眼光。 关键词:中国美术教育;问题意识;变法;图像;文化传统;观念;媒材 一、问题意识与美术教育的关系 (一)当今中国美术教育需要变之缘由。 中国几千年的璀璨文化,美在很早的原始社会中已经有所体现,在原始人制作的器具中便可寻找到他们审美的趣味。商周青铜器造型之多样,鼎上饕餮纹之神秘;唐朝白瓷、青瓷、釉下彩瓷的雅致;明清家具之精巧、简练等都流露出中国人对美的本质的执著追求。在古代,中国画和书法是得到普及教育的,也是考取功名的重要途径。到了近代的中国,受外国列强的入侵等历史原因,美术教育与中华传统文化的严重脱节。蔡元培认为“教育者,养成人格之事业”,提倡将教育的目标定为“育国家之良民”,也就是教育应在于培养健全的人格。当代中国美术教育在审美意识教育和人格培养方面相对比较弱,这样的美术教育要需要改革和变化。 (二)当今中国美术教育之变法――培养问题意识。 蔡元培认为“学校美育分普通美育和专门美育两种。普通美育属于小学到中学这一阶段。专门美育属于大专阶段。这两个阶段是衔接着的,随着年龄、学识的增长,美育的内容和标准也要随着加深和提高。”事实上这两个阶段我们已经在门面上达到了,但从内容上看却还有长远的距离。当代父母都很注重子女儿童时期的艺术教育,且不少家长愿意资付不少金额请艺术家庭教师。这符合了蔡元培的理论:“儿童时代,形成概念之力尚弱,则倾于直观。故无论开智陶情,均以利用美术为适宜。”在当代社会人云亦云的大环境中,很容易缺乏独立思考,变得墨守陈规、麻木不仁,没有“问题意识”。问题意识是看清事物本质的关键。中国当今的美术教育有部分只是浮于表面,如果加强培养问题意识,对事物深入研究,中国美术教育会有更好的发展。 二、具备问题意识,看透事物的本质――问题意识在美术教育中的作用 (一)对艺术的理解更加深入。 1.图像问题。 绘画是要把事物的真实表达出来,但并不等于把事物现实的造型、色彩等外观逐一刻画,达到“一模一样”。这里的真实是指表达真实的情感,是一种触动心灵的震撼。吴冠中要求自己做出撼人的作品而不是娱人的作品。娱人之作只达到趣味的层面,撼人之作乃大师人格之流露,有感染的力量。图像在艺术中就象文字在文章中一样是一种语言,这种语言是靠视觉来再现的,往往不是直白可得,需要观者去“读解”。当然对观者的要求很高,他必须了解艺术史、哲学、心理学等学科,找出相应的关系。 (1)技术与观念问题。 前面说到绘画不必将具体的事物如实地绘制在画布上,可是当我们在幼儿时期还没学习过画画时,也不能忽略模仿这一重要步骤。只是提醒大家在掌握了绘画技法之后不要过度炫耀这种技能,应该注重观念的表达。对于“当代艺术”的评价众说纷纭,假如我们没有意识探讨当代艺术的形成发展和对艺术家个案研究的话,很容易把“观念”概念化。艺术作品不能简单地用好或坏来评价,而是从作品中找寻艺术家看问题的角度。不要过分地把技术与观念分开来讨论,经典的作品往往是技术与观念的结合,它有艺术家独特的视野,并用符合表达这一概念的技术来完成,虽说高超的技术不容易,但找到恰如其分的技术却更难。 (2)传统问题。 众所周知,中国有几千年的文化传统,在今天“传统”一词也被广泛运用。可是,不是所有的传统都可以直接拿来用。必须了解其历史背景和发展过程。传统文化在当今中国的美术教育中做得不够成熟。首先,国画在中小学没有得到普及教育。其次,教授国画只教技法缺乏国学教育。学习文化传统最重要的是领悟其精神的真谛。中国人的宇宙世界观源于《易经》:阴阳二气化生万物,万物皆禀地之气而生。这种精神渗透在水墨画中,强调直觉、人与自然的和谐。通过学习国学,领悟水墨精神,对于人生态度有更深层的意识探讨。 三、培养美术领域中的问题意识 当今物质消费已经变得理所当然了,这种购物的行为已经不需要问为什么,潜意识驱使我们这样做。假如我们对早已习惯的产生疑问,新的东西才会出现,进步才可见。“问题意识”其实是一种观看世界的角度。大自然的观看术是靠学而知之,问题意识也是靠学而有之。 (一)中国美术教育应重新调整对图像的认识。 首先,要让学生有清晰的概念――图像不只是技术和技法。中小学是认识事物的最佳阶段,绘画中模仿事物能让他们认识物体,可仅有这种方法会抹杀他们的创造力。在教学中应该培养他们怎样去观察事物,从而使他们产生问题然后自己解决,通过这种方法所得到的图像会深刻得多。通过美术史,使我们提高自身的艺术眼光,面对现实生活提高问题意识。大学美术学习应注重问题观看之方法,从纯绘画来说不可只针对图像的表面,更应注重图像背后所反映的观念。从设计来说,不能总是设计符合大众口味的图案,要以引领潮流,提高大众欣赏能力为目标,也不可仅追求设计图案之精美,而是透过设计传达观念。 (二)中国美术教育应与文化紧密结合。 陈丹青说过:最好的教育是自我教育。在美术教育中培养洞察力可引发自身的问题意识。许多有名的艺术家也是通过观察身边的普通事物创作出伟大的创作的。埃舍尔观察阿尔汗布拉宫发现了规则空间分割的关系,根据简单的“上下前后左右”来探索灭点的相对性等。香港设计师余志雄利用点、线、面来探讨艺术的故事,他对日常各个细节很敏感,例如看到线会联想到他的各个空间,它不只是一条平面的线。文化传统是一种精神,是需要全国人民共同了解并坚持的,重要的在意识中对文化传统有执著追求的信念。 (三)中国美术教育要发挥媒材的魅力。 有位学者曾经说:“艺术家是通过媒材来思考的。”媒材是产生问题意识的另一种途径。日常生活中许多不起眼的实物如果了解其特性可以加以利用来创作,只要能表达好的观念,任何媒材都具有价值。毕加索是首个在绘画上加入现成品的人,他加入了廉价的稻草,却打破的对绘画的理解。塔皮埃斯的创作总是“变废为宝”,传达任何东西都有其自身价值的概念。在美术教育中注重给学生多种媒材的尝试机会,例如把报纸变成蔬菜、透明胶片代替画中的窗户、牙膏盒子做机器人、锡箔纸做肌理图案……多种材质引发学生的联想力和创造力,还提高了学生的动手能力。 所有新颖形式的转变、高新技术的引进、人才出国深造等之变法是进步的一种策略,提高图像读解能力,注重美术与文化的学习积累和研究,培养细腻的洞察能力找寻媒材的各种关系,培养学生的问题意识是进步的长远之计。培养问题意识也就是培养观看世界的新视角,同时,也是人格培养的磨练过程,培养对艺术执著追求的坚持态度。 中国美术论文:浅谈艺术创作的方法与中国美术史的关系 [摘要]我的艺术创作方法,我的思维,我的人生正在迎接历史性的转变。随着顺利考上重庆大学艺术学院研究生,我的艺术生涯即将展开里程碑式的转变。随着更高的艺术殿堂的洗礼,把我本科阶段的单纯无知和稚嫩洗涤荡尽。反思总结我在之前的艺术创作,更多是纯粹的课堂习作、对前人的临摹和基础技法的练习。 [关键词]艺术创作 中国美术史 创作上少之又少,属于自己的艺术创作语言尚未进行探索,就连毕业创作也是偶发的一念冲动和被动地进行加工,之后就没有进行深层次的挖掘以形成艺术创作的持续。历经一年的社会工作经历,再次回到艺术的怀抱,仿佛阔别已久,初次执笔,犹如年幼时咿呀画图,思绪万千。既然再次走上这条道路,我就要毅然地走下去,并且要有实质性的收获。 咋一谈到艺术的创作,感觉无从下手。再不能返回本科时期的盲目绘画中去,要想有实质性的突破,必须要结合自己对艺术的理解和自己现有的作画手段,探讨新的艺术创作方法。而对于艺术创作来说,创造性思维无疑是极其重要的,但是之前的我,太多重视绘画基础,轻视了创造思维能力。这是一个很大的弊病。要想成为一个艺术家,只有绘画的技法,这和画匠、木匠、石匠等技师没有什么区别。那些真正有才能的艺术家,有对其所处时代的敏感、对当下文化及环境高出常人的认识、能对旧有的艺术从方法论上进行改造,并用“艺术的方式”提示出来,才能真正地创造出艺术的价值。就像上世纪80年代罗中立的《父亲》,90年代张小刚的《大家庭》等等。细细揣摩他们这些成功艺术家的创作方法,无一不是敏感地触摸其所处的时代,发现并提出“问题”,在自己的创作上结合当时艺术的发展对旧的艺术创作方法进行改造,最后通过自己的艺术语言进行阐释。这其中就介入了自己的创作方法和中国艺术史上下文的关系。 作为一个“80后”,我应当怎么去进行我的艺术创作呢?从中国当代艺术发展史来说,经历了“伤痕美术”“无名画会”和“星星画会”“85新潮”“新文人画”“实验水墨”“玩世现实主义”“政治波普”“观念艺术”“艳俗艺术”等等艺术观念,我应该走像罗中立、何多苓等等他们的乡土艺术?像80年代的一些艺术家搞抽象?还是去疯疯癫癫玩行为艺术?亦或是跟风中国当代艺术领军的诸如张晓刚、王广义、方力钧和岳敏君等当代艺术F4的艺术道路模板? 我想,这些都不属于我应该去走的道路。我没有生活在乡土艺术家们所处的年代,没有插过队,去乡村体验那种艰苦的岁月,不可能创作出《父亲》《春风已经苏醒》《西藏组画》那样的作品;我没有经历过那个动荡的岁月,体验不到“”结束后带来的那种欢欣鼓舞,还有失意落寞和精神缺失的情绪,不可能创作出《1968年×月×日雪》《春》《大家庭》那样的作品;也没有亲身接触过“85新潮”,怎么会勇敢、真诚地用相应的视觉图式来唤起社会的感奋。 作为一个四川美术学院到重庆大学的学生,从本科到研究生,我是否应该转向“图式化”的创作方法,“卡通式”的画面表征,“肤浅性”的无聊心理这种新风格呢。身边的人都说,中国社会的创作风格正在发生转变,“卡通一代”势必雄起,你也走这条路子吧。 我观察了一些和我相同从事当代艺术创作的同龄人,他们正在进行的艺术创作不完全像书面上对“80后”描述那样,80年代出生的人从事当代艺术创作并没有一种统一的性格,也不存在一种完全相同的生活方式。因为这种差异,他们所持的艺术观是多元化的,进行创作的形式和方法都不尽相同。有些人如沈桦、黄淋是两位出生在70年代的艺术家,但他们不同于朱其等人对70年代人以青春残酷、卡通等的定位,而是将自己的视角转向社会,展现了艺术家的社会责任感,都关注社会矛盾;有些人走向抽象与观念,何桂彦在2006年策划了“无中生有,超越抽象”的展览中,我们可以看到抽象绘画正在不断扩大自己在川美的影响力,为我们展示了“70、80后”一些艺术家的另一种创作状态;有些人则跟风“卡通一族”,“卡通”一时间成为“过街之鼠”。 我要怎样进行我的艺术创作呢?要有一个怎样的方法呢? 首先,我要尽可能地忠实自己,做能够真实表达自己感觉的作品。我会避免让自己产生8:“我要做一件让世人惊讶的作品”。之前我做作品,脑子里总想着一鸣惊人、惊世骇俗,或者是想“不鸣则已,一鸣惊人”,这个动机肯定是值得质疑的。“忠实自己”是忠实自己加以反思过的某种真实,是从独立意识中出来的某种需要去试探的真实,这时候的自己也许成为了需要去判断的对象。“忠实自己”意味着一种关系的建立,是作品与“问题中的自己”的关系建立。为什么我们要在作品背后做如此长期的思考,就是要在常见的忠实中去寻访出“问题中的自己”来。这个寻访的过程,有时我把它视为自我批判的过程。我要贴近自身,表达自我的生活,无论是积极的还是颓废的,且不计较,这应该是我创作的主要题材。 其次,艺术是件独立的事,能够得到的只是内心的共鸣,因此我要成为一个独立的人。艺术家的独立是艺术独立的前提。现实中,也许有许许多多能够引起内心共鸣的东西,而这种东西为何会让我最感动,我要用一个独立的思维去记忆并转化。然而,共鸣断然不是“瞎碰”碰出来的,“瞎碰”出来的共鸣断不能长久。都说与我们相关的,可以说更多的是物质而非精神,而这些又要依靠自己的父母、亲人的支援,从这个层面上说,我们是无法独立的。但是在此又有必要指出,这并不能说明我们“80后”就是堕落的。现在人生对于我们而言仅仅是开始,而在现代的生存压力之下,我们不关乎时代深刻的命题,找活命的东西,难道这是不能理解的吗?在这个环境下,我们就更应该独立。我要培养自己独立的人格精神,只有具有这种精神的人,才具有某种担当的意识,对自己的行为规范也有着别样的要求,看待现实的眼光也是独特的、锐利的。 再次,要去发现“问题”,解决“问题”。要想作为一个艺术家,就要敏感地触摸其所处的时代,发现并提出“问题”,寻找问题的根源和发展。许多人都评论我们这一代承担不了这个时代的变革命题,不会指望我们会像80年代的年轻人那样激烈地燃烧起理想的火焰,去预示、发现、再现着社会的问题。但是我们更现实,更现实地流露出了在这个即将属于我们时代的社会“自我”的重要性。正是因为这样,我们才能更深刻地发现“问题”。我要勇敢地阐述社会极端腐败的现象,或是人心的丑恶,或是社会的各种风气,或是其他的方方面面,用自己的作品去说明问题,给现代人一个启示。 1980年以后出生的人应该说都是年轻人,年轻人的行为举止、思想状况总能得到社会的关注,毕竟“少年智则中国智,少年强则中国强”。毋庸置疑,年轻人总为未来代言。我就要以我们这种年轻人的态度、年轻人的思维、年轻人的活力去创造出更好的艺术作品来回馈这个时代。
声乐教学论文:发音基本功视角下声乐教学论文 一、咬清字是声乐教学的重要要求 我们在歌唱时,一定要借歌曲来传情达意,或通过歌曲创造出一定的意境,或优美或深邃,而这样的意境表达除了凭借旋律之外,就属歌词了。可见歌词能否入耳,能否传情,就要看歌唱者是否能表达清晰。一些初学者,也许受方言的影响,有些声母在平时就发不清晰,导致发声时发不准声母的音。例如b的发音,有的学生会很短促,有的就会狭长些,导致发音不清。这时就需要教师仔细指导,例如声母的发音部位和发音的气息等方面,教师都要反复地为学生作出示范,尤其针对一些吐字不清的发音动作,更要反复进行强调,有意识地矫正学生发音,以使其发音慢慢趋向于准、平、稳,并且可根据学生发音情况,制定出相应的训练计划和步骤,使学生对发音的控制力不断加强,然后再督促学生把声母和韵母结合起来,进行音阶练习。实践证明,这种方法对于咬字不清的学生来说,是十分有效的。 二、抓好学生的基本功训练 中专学生音乐知识和音乐水平参差不齐,这就需要教师在声乐教学中,一定要抓好学生的基本功训练,并采取相应的措施来加强学生的基本功练习,为学生将来继续深造打下坚实的基础。因此,教师在教学生练声前,应先给学生讲清各个发音部位,并且要强调指出发音时的要领:喉咙放稳,舌根和下巴都要呈放松状态,类似打哈欠,使声音上下通达自如。练声时,一般从C′练起,所练曲目应按照由易到难的顺序,母音练习时应以a、o、i、u、mi、ma、ye为主。待在中低音区练习熟练之后,再开始练习高音区。只有遵循这样的练习步骤,学生的发音器官才能得到很好的锻炼,不至于会出现难度突然提升而造成嗓子的负担过重。另外,因为每个学生个体情况存在着差异,其发声器官也有所不同,唱歌时,发出的声音也会存在着差别,有的声音较清脆,有的却不够圆润。针对这样的情况,教师要根据学生的发音情况,采用不同的教学方式和策略。例如,对那些发音较清脆却又缺少集中的声音,教师要使用o、u音来加强学生的练习,使学生的发音渐渐圆润起来;相反对那些发音低缓,不够流畅的声音,教师要进行集中训练,如可让学生反复练习d、t、n的发音,还可以通过使用录音机,来查找自己的不足,直至发音到位、顺畅。教师在抓学生的基本功训练时,要从一般到特殊来筛查,针对个别学生,再进行辅导,努力使学生的音准、音色有一个大的提高。 三、声乐教学要注意方式方法 声乐教学不单单是为了处理音高、节奏等问题,更重要的是让学生对音乐有更充分的认识,对歌曲有完全的理解,能借助音律反映歌曲的意境,准确地诠释作品的情感和含义。教师给学生讲清楚音乐的无穷魅力,让学生懂得音乐是有生命的,它充满了朝气,充满了阳光,富有激情和感染力。不能仅仅把“动听”作为音乐单纯的目的,这样学生就会渐渐重视发音的练习,并会做到坚持不懈。在声乐教学中,教师往往会遇到这样的现象,觉得讲得非常明白了,可总会有学生不理解、做不到位。这时教师要注意讲课的方式和方法。比如学生急于求成,对教师所讲的发音器官貌似听懂了,其实对一些发音部位或器官的专业术语还是很糊涂。如在做发音训练时,教师可以先让学生把发音器官的位置弄明白,再通过自己的示范发音,让学生领悟发音规律,或教师也可以先进行生动讲解,再由学生试着来发音,教师根据学生的发音进行及时的纠正。还可以借助多媒体来播放一些发声视频,让学生自己感悟正确发音和发音不准的内在区别,以增强学生的学习兴趣,提高声乐教学效果。 四、结语 总之,声乐教学中,教师若想让学生掌握科学发音的发声方法,就必须严格地要求声音频率的稳定度,发音不能做作,要有自然的、顺畅的波动,这样的声音才会产生共鸣,才会有感染力。俗话说得好,“台上一分钟,台下十年功”,要想发音准,音色美,声音圆润清亮,离不开学生刻苦的练习,在练习的同时,要提醒学生多感悟、多体会、多请教,才会有大的改进和提高。另外,声乐教学中,还需要学生对声乐产生高度的热情,拥有良好的心态和美好的情绪。这样反复练习,学生才不会感到乏味,才会真正地投入到声乐课堂中来,领悟到音乐的乐趣。 作者:侯琳 单位:河北省石家庄铁路运输学校 声乐教学论文:艺术学校声乐教学论文 一、声乐教学理念的革新 文化艺术不断发展的今天,声乐教学也应该顺应时展的潮流进行改革。为适应时展的要求,中等艺术学校声乐教学有必要改变旧的教学理念,要用发展的眼光看待新生事物,探索新的教学理念。一方面,从我国博大的声乐文化中摄取精髓。我国很早就展开了声乐理论研究工作,研究成果颇丰,如唐代《乐府杂录》中就有“善歌者,必先调其气,氤氲自脐间出,至喉及噫其词,即分抗坠之音,既得其术,既可致遏云响谷之妙也”。我国声乐理论中自古就有“气为声之本,气乃音之帅”的说法。我们应当潜心研究并继承和发展丰富多彩的民族声乐文化,吸收其精华,才能推动我国声乐教育事业的发展;另一方面,借鉴国外先进的声乐教学理念。“对于声乐训练的本身,科学唱法和技巧是共性,是中外各种唱法共有的。在中国传统民族唱法中有科学性,在外国声乐中也有科学性。”因此,我们改进声乐教学理念,仅仅继承民族声乐文化还不够,更应吸取国外各种风格声乐学派先进、科学的演唱方法和艺术表现手段,丰富和发展教学理念,这样才能更好地发展我们的声乐教学。 二、声乐教学模式的改革 目前我国中等艺术学校声乐教学课沿用“一对一”的小课教学模式,教师对每位声乐专业的学生一周安排两节小课。这种教学模式的优点是针对性强、因材施教,但是也有弊端,如费时费力、学生之间缺乏探讨、束缚学生的视野等。时代在发展,我们面对的授课对象与过去不同,如果仍沿用传统的教学模式,势必制约中等艺术学校声乐教学的发展。因此,笔者认为我们应根据授课对象的年龄、学习程度等实际情况,对现有的教学模式进行必要的、适当的调整和改革。 1.对刚入学的一年级学生应采取“一对二”的教学模式。 如今,中等艺术学校声乐专业学生的入学年龄为14~16岁,比以往学生的入学年龄小很多。学生正处于变声期,如果一节课之内对他们进行连续的声乐训练,他们的嗓子容易疲劳、沙哑,影响其发声器官的健康发育。因此,我们对他们应采取“一对二”的教学模式。这种教学模式在训练当中不仅使学生的发声器官得到休息,而且能使两位学生互相观摩,有利于他们对技巧的掌握。 2.对二年级的学生要采取“一对一”的教学模式。 通过前一年的学习,二年级学生掌握了一些声乐技术技巧,有了较好的基本功,发声器官的承受能力也随着年龄的增长而提升。我们对他们应该采取“一对一”的教学模式,加大声乐训练力度,适当地拓展音域,为三年级的高考冲刺打好基础。 3.对三年级的学生应采取“一周三节课”的教学模式。 对三年级的学生来说,绝大多数要参加艺术类高考,他们的学习任务非常重,需要加强专业和文化课的学习。因此,对他们的声乐课应从“一周两节课”增加到“一周三节课”,使他们的声乐水平得到提升,在激烈的竞争中能够脱颖而出。 4.对演唱方面有问题的学生老师们要采取共同“会诊”的教学模式。 在教学当中,教师会遇到演唱方面具有不良习惯的、有问题的学生,这类学生教起来非常困难。一个人的能力是有限的。像我国著名声乐教育家沈湘教授那样辅导男女各声部的学生,而且还能够让他们在国内外声乐大赛上屡次获奖的人,在声乐界是罕见的。教学当中,有些教师善于解决男生提喉头的问题,有些则善于解决女生真假声不合的问题。因此,当声乐教师遇到难教的学生时,声乐教研室的老师们就会及时“会诊”,各显其能,彼此交换意见,指出解决问题的途径及方法,使学生受益匪浅。 三、声乐教材的改革 教材是教学的一个重要内容,是教学的一个重要环节。但当前我国中等艺术学校还没有统一规范的声乐教材。我们使用的教材基本照搬高等师范院校或高等音乐学院的声乐教材。由于中等艺术学校与高等音乐学府在声乐技能技巧要求、培养目标等多方面有着很大差别,二者在教学内容上有所不同。“声乐教学内容决定于不同教育层次的培养目标。”声乐教学内容的选择是有针对性的。然而在教材的选择上,有些教师喜欢按照自己的意愿为学生布置练声曲或声乐作品,随意性很大,缺乏明确统一标准和依据;有些声乐教师甚至列出一张声乐作品名单给每位学生一份,根本没有考虑学生的具体情况,缺乏针对性;有些教师布置声乐作品时范围狭窄,局限在旧作品上,不主动积极地布置新作品,曲目缺乏横向突破,不能充分调动学生的学习积极性。由此可见,没有统一规范的声乐教材就会影响声乐课的实际运用和操作,进而影响教学质量。教育部门应组织教学经验丰富的声乐教师编撰一套适合中等艺术学校的声乐专业教材。在教材内容的选择上可以参考高等音乐学府教材,对它进行提炼、简化并在内容上进行适当的增补。教材要明确体现出中等艺术学校声乐专业学生的培养目标,要强调教材的针对性、通俗性和趣味性,使学生能够“寓学于乐”、易于理解和接受,为学生在专业学习道路上的良好发展奠定基础。教师在教材的选择上应考虑到以下方面的问题: 1.教材必须有针对性。 在教学当中,有些教师不论是男生还是女生都用同一个练声曲;不论舌根紧的还是提喉结的都用i母音练声;无论一年级学生还是二年级学生都用同一个声乐作品进行训练,缺乏针对性,严重影响学生的进步。每个学生的具体情况不一样,学习程度也不一样,因此,教师选择教材内容时必须有针对性,要考虑到学生的训练程度、存在的问题以及哪些练习适合,避免盲目性。如对提喉结演唱的学生多用下行的u母音练习;舌根紧的学生多唱a母音的跳音练习;初学者唱《月之故乡》《大海啊!故乡》《花非花》等简短易唱的作品;具备一定演唱能力的学生唱《长城永在我心上》《妮娜》《草原之夜》等难度稍大的作品。针对性的原则就是从实际出发,实事求是,教师只有有针对性地选择教材,才能使每位学生扬长补短,收到教学效果。 2.教材内容要丰富多彩。 在教学当中,我们基本上一直沿用那些旧作品,学生很少接触新作品。当然有些旧作品是经典曲目、经典教材,诸如《红豆词》《叫我如何不想他》《我的太阳》《祖国慈祥的母亲》等。然而艺术本身是发展的,人们的审美标准也是随着时代的变化而发展的,新时代涌现出了一批被声乐专业学生和广大群众喜爱的具有艺术性、思想性的新作品,如《往日时光》《跟你走》《呼伦贝尔大草原》等。这些作品不仅在声乐技巧运用方面有较大的发展和提高,作品风格上也多样化,深受学生们的喜欢,易于调动他们的学习积极性。因此,教师在教材内容的选择上不仅要选择旧的经典作品还要敢于开发新作品。把这些新作品充实到教材内容中不仅起到丰富教材内容的作用,还有利于提高教学效率。 四、结语 总之,要发展就要改革。中等艺术学校的声乐教学改革不是一朝一夕之事,而是一个漫长的过程。我们还要积极探索先进的教学理念,寻求有效的教学模式,丰富完善教材内容才能促进声乐教学可持续发展。 作者:刘胜 单位:内蒙古大学艺术学院附属中学 声乐教学论文:民族声乐教育教学论文 一、在秉承传统与民族的基础上贯彻多元化的教育思想与理念。 当前,在绝大多数人的概念和意识中,多元化的艺术教育理念和思想是一种标准的外来文化,但正如前文已经提及的,我国的现代民族声乐艺术,民族声乐教育从诞生、发展之初就具有鲜明的多元化特质,可以说多元化是我国现代民族声乐艺术与教育发展的肇端,但因为种种原因,我们在新的世纪,新的时期将这种思想和理念一直坚持继续秉承和发扬。总体来讲,我国现代民族声乐的发展与形成主要分为四个主要阶段:第一阶段是20世纪四五十年代。这一时期中华人民共和国刚刚成立,我国的民族声乐学科教育与建设还没有完全走上正轨,这时的民族声乐无论在教学和演唱上都受到传统民族声乐的深入影响,无论是在演唱方法还是作品艺术风格层面,如郭兰英演唱的《一条大河》、郭松演唱的《乌苏里船歌》、王昆演唱的《秋收》《南泥湾》等等。这时的民族声乐作品或改编自少数民族或地方性民歌,或源自戏曲曲艺的曲调,在演唱的处理与表现上也带有鲜明的传统民族声乐的唱腔和韵味。第二阶段是20世纪六十年代至七十年代末,这一时期对于我国的民族声乐艺术来讲是一个较为特殊的时期。这一时期因为很多特殊的原因我国的社会十分封闭,动荡不断,一切艺术都陷入停滞甚至倒退,但我国的民族声乐艺术却仍在夹缝中取得了一定的进步和发展。由于极端的思想影响,在我们的学术界出现了一种否定外来文化的思想,武断的否认一切外来文化的作用和价值,而一批早年有过欧美留学经验的声乐教育家则坚决的抵制这种思想,并与其进行针锋相对的斗争。主张我国现代民族声乐的发展必须走一条“土洋结合”的道路,这便是我国现代民族声乐发展史中非常著名的“土洋之争”。而随着我国社会动荡的结束,改革开放的开始,我国开始再次走上正常发展的轨道,而争论的结果自然是“土洋结合”道路的胜利。而这次争论的积极意义则在于从此明确了我国现代民族声乐的发展理念与发展防线,使我国的民族声乐艺术和教育重新走上了正常发展的轨道。第三个阶段是改革开放开始至20世纪末。这一时期我国各项事业蓬勃发展,我国的高等教育体系也重新开始发展和完善,民族声乐也正式作为一种艺术学科进入了我国高等教育体系。因为我国的高等音乐教育一直完整的沿用西方音乐教育体制,因此,这时“土样结合”的音乐教育理念与思想在我国的民族声乐教育教学过程中得到了进一步的贯彻和发展。通过以中国音乐学院、沈阳音乐学院为代表的一批声乐教育家不懈探索和努力,我国的民族声乐艺术在科学性、系统性。规范性上都取得了长足的发展和进步。培养出了大量优秀的具有较高艺术水准和演唱水平的民族声乐教育家与歌唱家,如、阎维文、宋祖英、等等,我国的民族声乐艺术也取得了空前的成功和繁荣。而大量具有新时代气息的专业化声乐作品也大批的出现,这些作品同这时的民族声乐演唱方法和风格一样,鲜明的带有欧洲古典音乐的艺术特征,无论是在音乐形式还是在音乐风格上。可以说这一时期堪称是我国民族声乐艺术发展的黄金时期,无论是在演出市场的繁荣程度还是在教育教学的学科建设上。而当我们回顾这段历史,我们不难发现,这时我国民族声乐艺术的成功并不是偶然的,而是必然的。这时我国的高等民族声乐教育完全起到了民族声乐艺术进步发动机的作用,在借鉴和吸收外来声乐文化,尤其是欧洲美声唱法上完全做到了多元化的理念和思维,在坚持本民族艺术特征与审美特质的前提和基础上最大限度的做到了开放性与包容性,兼收并蓄,才使得我国现代民族声乐的艺术形态最终确立。第四个阶段是21世纪初至今。这一时期我国的社会的各个层面都进步、发展和转型。伴随着社会的进步和人们实际需求的变化,我国的民族声乐艺术演出市场和舞台上出现了很多新鲜的元素。 “原生态”的抬头“,跨界风”的盛行“,学院派”的坚守,等等。一批新生代民族歌手也相应而出,如融“民声”与“美声”为一体的吴碧霞,“民声”与“通俗”无痕跨界的谭晶,“神曲制造者”龚琳娜等等。多种多样的声乐演唱方式、表演方式、声音理念、审美理念纷至沓来,对我们高等民族声乐教育提出了严峻和现实的拷问和鞭策。我们的高等民族声乐教育在教育理念与思想、学科建设、课程设置等等层面上何去何从,是当前我们民族声乐教育工作者们必须要正视和重视的一个重要课题。前文已有所提及,我国的现代民族声乐艺术是在我国传统民族声乐的基础上创立和发展的,民族性是其发展的前提和基础,因此,要想使其在新时期进一步发展和进步,我们在实际的教育和教学过程中就一定不能忽视对于传统的秉承和发扬。而民族性的保持本身就是多元化音乐教育理念与思想重要部分与明显特质。重视传统民族声乐,更加全面和深入的从传统民族声乐中发掘和提取艺术养分本身也是多元化思想更加全面和彻底的贯彻。“事实上如果我们对我国的戏曲艺术有一个较为全面深入的理解的话就会发现,几乎我国每个地方和民族戏曲艺术都有着自己明确、鲜明的发声理念和规范系统的发声方法。例如我国的最大地方戏曲剧种京剧,其演唱发声方法就极具系统性、规范性和科学性。与美声唱法相比甚至在很多方面更为具体,要求更为严格,有很多专用的声乐演唱学术名词,如:真嗓、假嗓、左嗓、调嗓、喊嗓、丹田音、云遮月、塌中、脑后音、黄腔、冒调、走板、不搭调、气口、换气、偷气、嘎调、长吭、杂夯等。每一个名词都是一种十分具体的声乐演唱要求或声乐演唱标准,并且这些声乐演唱术语与西洋美声唱法中的学术名词相比更加易于国人的理解和掌握,如果能够在声乐教学中适当的运用和融入诸如此类的一些声乐名词和声乐演唱概念和要求对我们的民族声乐演唱与教学都是大有裨益的。”诚然,科学性的声音理念与意识对于我国民族声乐发展的作用、价值和意义是不容否定的,这是高水准声乐演唱声音质量的最基本保证,但如果在演唱中一味片面的强调科学性,而忽视或者忽略了民族性的概念和意识,或者对民族声乐作品本身没有一个清晰全面的认知,那么无论如何完美的声音也不能引起我国听众的情感与思想共鸣。因此,在我们的民族声乐实际的教学过程中一定要将传统民族民间音乐和声乐艺术作为必修科目系统的纳入我们的教学计划,并有效的开展和实施,这样才能使学生对我国民族声乐艺术的艺术本质与内涵有一个更加全面和深入的认知和理解,也只有这样才能使学生在学习过程中逐渐建立起牢固的民族意识,才能最终在演唱中完美的表现出来。另外,加强对于各地方,各民族的原生态民歌的学习、理解和掌握也是十分必要的,对于原生态民歌的概念,价值和意义我们已经有过很多研究,了解也比较详细,无需过多赘言,但需要之处和强调的是,当前,从民族声乐的实际教育教学过程中,对于原生态民歌一定要避免矫枉过正的态度。我国原生态民歌众多,类型多样,举不胜举,每种原生态民歌的自身性质、类型、状态也都不尽相同,我们在实际的教学过程中我们必须要认识到,我们学习原生态民歌,最重要的是要从其中理解和掌握更多的优秀审美特质,并将这些潜移默化的应用于我们的民族声乐演唱,而不是浅显的学习某些特殊的发音方式、民族语言、方言或曲调,或是将其生硬的套装于课堂教学或者实践舞台、这样才是实事求是,从实际出发,尊重艺术发展的科学规律,切不要形而上学。只有这样,才是真正符合了多元化的艺术发展精神与思想,也只有这样才能真正促进我们民族声乐教育教学的有效开展、进步与完善。 二、在坚持民族与传统的基础上进行创新性多元实践探索与尝试。 近年来,谭晶、龚琳娜、吴碧霞等“跨界民族歌手”的不断出现,以宋祖英为代表的学院派歌手与其他类型歌手“混搭”取得成功效果,都不停的冲击着人们的视听感受,同时也在极大程度逐渐突破了人们以往对于民族声乐概念的认知和理解。但从严格的声乐学科种类划分的角度来看,这些看似不同类型的歌手都属于民族声乐的范畴,但又各自具有鲜明的特色,吴碧霞本身具有深厚的传统民族声乐功底,她在艺校期间学习的是湖南花鼓,进入大学后正式开始学习民族声乐专业,而在研究生阶段却转而攻读美声专业,这种中西合璧的学习经历极大的拓展了她的艺术道路,展现出更强的艺术感染力与表现力。但如果我们对整体声乐艺术或者声乐理论有一个较高的认知水平就不难发现,如果单单从演唱的专业性与规范性来讲,吴碧霞的美声演唱只具其形,不具其实,是较为业余的,其根本性质上是一名非常标准的民族歌手,但即使她的美声演唱较为业余,只表现出一些皮毛,但这也极大的丰富了她的歌唱艺术层次,增强了她的艺术规格。再比如“民俗”唱法为代表的民族歌手谭晶,虽然她的民族与通俗唱法结合只是简单用民族声乐的演唱方法演唱流行性质的歌曲,在声音的运用于表现层面上并没有突破民族声乐的范畴,但至少为我们实际的教育教学和演出实践上拓展和丰富了曲目的选择。再比如凭一首神曲《忐忑》,以奇葩形象出现在人们视线里的龚琳娜,则以民族声乐为基点,开创了一条极为独特的蹊径,树立起自己鲜明的风格。如果我们深入的分析它的演唱风格,不难发现其实她无论从声音的运用还是表现的方式上人属于民族声乐的范围,首先,她的声音具有明显的非常正统和规范学院派特征,但在具体的艺术处理和表现上融入了非常多元的艺术风格。比如《忐忑》、《金箍棒》因为编曲和配器上完全由她的德国音乐家丈夫操刀,所以表面上带有一定的后现代风格,但究其实质,她此类型的声乐作品则运用了我国传统戏曲音乐的元素,也正是这种民族与现代结合所产生的非常独特的,甚至有些怪异的、令人啼笑皆非的艺术效果才给人耳目一新的视听冲击,使人们在最短的时间内认识了这位其实成名已久的民族唱法的歌手。同时,无论你对她的这种演唱风格是喜爱还是厌恶,认同或者唾弃,我们都无法否认其对于我国民族声乐演唱风格丰富和多元化产生的积极作用和意义。上述事例说明,首先,我国民族声乐艺术的多元化的基点是民族性为基础与科学唱法相结合,而民族声乐多元化的方向一方面是继续深入挖掘传统民族民间音乐中的艺术元素、精神与气质,同时要继续秉承包容性与开放性,兼收并蓄的吸收外来音乐的艺术元素,从艺术处理与表现上不断的丰富和拓展自己,而现有的成功经验也为我们的民族声乐教育教学提供了新的思路和方向。因此,在实际的教育教学工作中要进一步更加彻底和完善的贯彻多元化的理念和思想,我们主要应从两个方面入手,一方面在坚持民族性的基础上继续加强学生声乐演唱的科学性、专业性与规范性,紧跟国际上美声声乐艺术发展的潮流,吸收先进的声乐演唱理念,另一方面还要在演唱的艺术处理、曲目选择、演唱实施上大胆的探索、创新和尝试,鼓励学生在合理的艺术范畴内,在教师的指导下最大限度的发挥主观能动性,展开多元的声乐演唱实践。我国民族声乐艺术与美声唱法的借鉴和融合对我们来说已经是一个非常熟悉的概念和课题,这本身也是我国民族声乐发展多元化的最根本体现,但需要指出的是,美声唱法本身也是多元化的,也是在不断发展的。 中华人民共和国建立初期,受到意识形态的影响,我国对于美声唱法的概念、意识都源自俄罗斯,改革开放以后,我国对于美声唱法的理解和认知才真正与国际接轨,20世纪八九十年代,可以说意大利的声音理念占据主流,而21世纪初,随着世界经济形势的变化,意大利的美声艺术发展逐渐陷入停滞,但在德奥地区美声声乐艺术则得到了更好的保护和发展,这时德奥的美声声乐理念与风格独占鳌头,而近年来,随着我国与法国之间交流的广泛和深入,我们发现法国的美声声乐艺术风格与我们的亦有很多契合和相融之处,所以,可以说,我们对于美声声乐艺术的借鉴与应用要具有发展性和国际性的眼光和视角,这样才能使我国的民族声乐艺术更具普世性,才能更好地走向国际声乐舞台。同时,我们要在实际的教育教学过程中加强学生的市场意识。作为新时期的民族声乐教育工作者,我们必须对当前社会的艺术发展形势与艺术市场需求有一个清晰、全面的了解与认知,并从社会实际需求的角度出发,在教学中不断加强培养学生的社会实践能力,增强学生的社会适应能力。我们必须明白这样一个道理,我们的高等教育不是空中楼阁,我们的学生在大学期间除了学习“高大上”的基本声乐演唱技能以外更要面对毕业后残酷的职业竞争,因此,在大学期间仅仅具有专业的歌唱技能是远远不够的,我们应该在保证学生专业演唱的基础上最大限度的拓展学生的艺术表现力。首先要不断的拓展教学曲目,传统的教学曲目固然很多是必须要学习的,但音乐是社会生活的实际表现,必须要积极鼓励学生演唱更多的新创作的曲目,而在选择类型上也不应拘泥于固有思维,无论是传统的民族声乐曲目还是新创作的曲目,无论是流行歌曲还是音乐剧选曲,只要是符合民族声乐演唱的风格与特质就可以为我所选,为我所用。而在演唱的表演形式上也要尽量的拓展,鼓励学生在课堂、考试和实践演出中选用对唱、重唱,甚至可以与流行唱法、美声唱法、民族乐器、西洋管弦乐器进行组合,然后教师要对其进行规范和指导,这样不但能够极大的拓展学生的艺术表现能力,同时更为重要的是能够培养学生多元化的、富有创造力的艺术思维和意识,在“授人以鱼”的同时“授人以渔”,使学生在走进社会后真正适应多元文化为主导的社会实际需要,成为具有较高实践能力、适应能力和社会竞争力的民族声乐专业人才,同时这也能够最大限度的杜绝教育资源的浪费。 三、结语 总之,多元文化是21世纪世界文化发展的主导潮流,作为我国民族声乐艺术发展和前进发动机的高等民族声乐教育教学要想真正取得实际性的发展就必须具有全球化的视角,开拓思维,锐意进取,实事求是,从实际的角度出发,摆脱形而上学的束缚,将多元化的意识和思想在我们的教学工作中更加全面深入的贯彻和实施,也只有这样才能培养出更多符合社会文化发展实际需要的专业人才,才能使我国的民族声乐艺术真正健康的、可持续性的发展,并最终在国际的声乐艺术之林占有一席之地,向世界展现出中华民族艺术之真正魅力。 作者:李抒丹 单位:沈阳音乐学院 声乐教学论文:朗诵歌词专业声乐教学论文 一、朗诵在声乐教学中的地位 我国的声乐教学历史非常悠久,在这悠久的声乐教学实践历史中,朗诵一直都是歌唱语言训练的主要方式,而且训练效果一直很明显。从语言上讲,朗诵和歌唱都有共同的语言基础,在发声方法和运气方法上,朗诵和歌唱也能够互相借鉴。我国传统的歌唱理论中很多的理论都是以口语朗诵为基础,如明代魏良辅的《曲律》中说:“曲有三绝,字清为一绝。”这表明了古代歌唱家对字、声的重视。在西方的声乐理论中对这一方面也有着独特而又专业的阐述,例如意大利的歌唱家卡鲁索在《卡鲁索的发声方法》一书中认为“歌唱者读字比起歌唱者的声音更为重要,在歌唱中扎实的读字是正确发音的重要基础。”这也是在说明在歌唱中字正腔圆的重要性。字音不正确,歌唱就会难听,或者有歧义,影响了歌唱的效果。要想提高对字音的掌握,朗诵是最为直接的训练方法。所以在学习声乐的过程中,必须要不断地进行朗诵的训练才能够更好地掌握和提高声乐技巧。 二、在声乐教学中朗诵歌词的重要性 (一)有利于规范歌词的语音 歌唱和歌词朗诵都有一定的语音要求,只有标准而又清晰的发音才能够让朗诵和歌曲更加悦耳。在歌唱时,不正确、不清晰的歌词发音往往会被歌曲的旋律所掩盖,这样一来,通过单纯的歌唱训练就不能够提高自己对字、声的掌握水平,很难在歌唱时纠正自己的咬字、吐字问题。所以,在朗诵训练中,对歌词的发音练习在规范语音的作用上要比声乐练习更大。 (二)有利于歌唱者对歌曲情感的体会 每一篇文章和每一曲音乐都有着自己的情感,所以歌唱和朗诵都是以情感的表现为主的艺术。要想提高自己的朗诵水平和歌唱水平,就要对作品的情感有一个深刻的把握,了解作者的思想内涵,将自己的情感融入到自己的声音中去,这样自己的朗诵和歌唱才能更加具有感染力。只有对作品有了很深刻的体会,再加上歌唱时的歌曲旋律,歌曲中蕴含的思想感情才会完全的爆发出来,效果也会更好。提高对歌曲感情的理解,最直接的方法就是提高对歌词含义的体会,朗诵歌词有利于更好地体会歌曲蕴含的情感。 (三)有利于提高歌唱的艺术表现力 声乐是一种非常有技巧性的艺术。歌唱技巧训练的过程,就是对歌曲进行艺术加工的过程,朗诵歌词的目的就是更好地对歌曲进行加工。朗诵对纠正学习者在日常生活中的各种不正确发音有着非常重要的作用。在唱歌中融入朗诵技巧训练可以让学生更好地处理音乐作品,将歌曲的内容和形式、感情和技巧、体验和方法完全的结合起来,让歌唱声情并茂,从而提高歌唱的艺术表现能力。 三、歌词朗诵的几个关键点 (一)对歌词的分析和理解 歌词往往语言精美,感情丰富,灵动而又朗朗上口。学生不能仅仅满足于歌词的表面意义,还要对歌词的深刻含义有所掌握,这样才能够对作品产生更加深刻的理解。对歌词的逻辑感受和形象感受要不断地调和,从而提高自己的感情抒发度和词语的准确度,让自己的声音更加起伏。在训练中也要特别注意各种语言的区分,注意语言的规范和准确。 (二)以朗诵增加对歌词的体会 书读百遍,其义自见。从歌词的朗诵出发能够更好地体会歌词的语气和歌曲的韵律。对歌词进行反复的朗诵非常有利于增强学生对歌词的理解和体会。朗诵要格外注意重点、基调、语气和韵律,做到把歌词的每一个部分的思想感情都完整地渲染出来,对全篇的情感变化也要体现出来,用不同的声音来让语气更加灵活生动,加强对歌词的理解,更好地抒发激情和美感,让作品更加鲜明、鲜活。 四、结语 21世纪以来,我国的幼儿教育改革不断深入,教育水平不断发展,对幼儿教师的要求也越来越严格。声乐教学是提高幼儿园教师专业素质的一个重要教学课程,在学前教育专业中,声乐教学有着非常重要的地位。朗诵歌词不仅仅能够让学生避免吐字不够清晰、不够标准的问题,还能够加强学生对音乐作品的理解和体会,全面地提高学生的声乐学习效果,提高学生的歌唱水平,有利于培养出教学能力过硬、基础理论扎实的优秀幼儿教育人才。 作者:陈永海 单位:江门职业技术学院 声乐教学论文:高校民族音乐声乐教学论文 一、 现代高校声乐教学中民族音乐融合的现状 自上世纪50年代中期,我国各高校的声乐教育中就融入了民族音乐的教育形式,短短五十多年的发展使得各高校声乐教学取得了丰硕的成果。中央音乐学院就先后走出了一大批深受广大人民群众喜爱的著名歌唱家,、张也、阎维文、德德玛、吴雁泽等各具民族特色与个人风格的国内外知名的音乐艺术家。上世纪80年代,我国各高校的声乐教育师资力量雄厚、教学专业化较强、教学设备不断更新、教学曲目更是具有较强的可选性,这些优势带动了我国高校声乐教学的专业化、现代化发展。但是,发展的道路总是那么艰辛、那么曲折,我们在看到各高校声乐教学不断进步的同时,不能不认真审视一下在声乐教学中存在的明显缺陷与不足。虽然学术界对我国声乐教学的研究从未停止,但是其中存在的问题仍不容忽视。众多的歌手在接受了多年来形成的统一的、固有的声乐教学模式后,从高校走出了一大批唱法统一的歌手。这一点我们可以从国内较为权威的全国青年歌手大奖赛中看出其统一的特性,很多观众都反映在民族唱法中歌手几乎是千人一声。面对广大观众的质疑与指责我们不得不反思,我们的高校声乐教学究竟怎么了?我们在借鉴西洋唱法的同时,中国民族传统韵味如何体现?多年的教学经验让我深思,如何才能突破中国传统音乐文化发展的瓶颈问题? 1.盲目崇拜西洋唱法 改革开放三十多年来,中国人看到了西方科技的发展与进步,面对新鲜事物,中国人为了不断追求经济与科技的发展,将传承了几千年的中国传统文化抛之脑后,转身去迎接这些来自西方的新鲜事物。虽然中国历史上也曾经辉煌过,在某些朝代我国确实走在了世界的前列,但是由于上个世纪初我们中华民族遭受的屈辱史与血泪史使得我们中华民族产生了强烈的自卑感,带着对西方文化、科学技术的盲目崇拜心理,中国人开始学习西洋唱法。虽然大部分声乐教育家只想借鉴西洋唱法来发扬并传承与改进中国民族唱法,但是,声乐教学发展到今天,很多人仍旧认为中国民族唱法缺乏科学性、规范性、是一种落后的唱法。随着人们思想观念的在不断变化的社会经济环境中的转变,很多人发现中国的民族音乐逐渐走向一个极端的空间,在青年歌手大奖赛中,很多歌手的参赛曲目越来越难、越来越大,但是风格却趋于统一。因此,在高校声乐教学中我们教育者应该以一种平和的心态重新审视我们民族音乐的优美韵味,以公平的态度与心理对待中西方唱法的不同与融合,在高校声乐教学中注重学生多元化、个性化的发展方向与培养模式。 2.缺乏对我国民族音乐的学习 目前,我国的高等音乐教育还无法脱离学校这一有形的载体,一般而言,高校音乐专业基本采取的都是“一对一”、“一对多”的教学模式,而从事声乐教学的教师也基本是从这一模式中走出来的,由于受西方音乐教学与西洋唱法的影响,基本上所有学习声乐的学生都是先学习西方的演唱方法、音乐基础知识,然后再学习中国的传统歌唱艺术,在这种体制怪圈的影响下,已经形成一种不断重复的、固有的教学模式。而一部分声乐教师在高校就读期间也没有系统的接触过民族音乐,于是在高校的声乐教学中就形成了一种“老师教什么,学生学什么”的被动局面。这主要是由于教师与学生在西洋美声唱法的影响下并未走出校园、没有走进民间、没有深入群众、没有到各民族中去采风、感悟、体验,并且他们对传统民族音乐的风格与声乐理论并不了解,这种没有想法、没有体验的方式就形成了高校声乐教育与民族音乐相对隔离的状态。王昆、郭兰英等老一辈艺术家们大多数人曾经是曲剧、戏曲的演员,经历了长期的传统艺术、民族音乐的熏陶,他们已经探索出了一套适合人民群众需要的、备受人民群众喜欢的民族唱法,这一时期的民族音乐已经深深植入了这些优秀声乐教师的心中,他们培养出的声乐歌手都是十分优秀的。上世纪80年代末,以为代表的学院派新生民族唱法中不仅蕴含了西洋唱法的圆润与通畅,更继承了传统民族音乐唱法中的明亮与细腻。这种新兴的唱法很快就取得了巨大的成功。但是,也正是这种成功的唱法使中国高校声乐教育逐渐失去了民族音乐的唯美韵味。 3.严重忽视了因材施教的特点 造成我国高校声乐教育中教学模式统一的一个主要原因,是由于高校的声乐教师在授课过程中,长期以来将教学的重点放在了对学生发声技巧的训练上,这就导致一些学生总是将学习的注意力集中在那些高难度的乐曲作品上,并对其进行模仿演唱。而教师在教学过程中也忽视了对学生进行作品的情感处理的正确引导。虽然有的学生也对作品进行了一些感情上的处理,但是这也仅仅局限在对歌唱名家、艺术家的声调、语音、润腔的简单模仿。大学学习四年后并没有形成自己独特的处理能力。 4.课程设置存在一定的缺陷 声乐课是一门结合了心理学、生理学、教育学等多门学科在内的综合类的艺术。但是,目前我国各高校中并没有开设生理课。作为学习声乐的学生,必须对人体的发声器官的性能、构造等有个全方位的了解与认识,这样才能真正了解呼吸器官、共鸣器官、发声器官的主要功能,才能够有目的的掌握与运用这些器官的技能并促进自己歌唱的进步。民族音乐中的很多乐曲具有一定的艺术性,有的还是根据小说改变而成的,因此,学习声乐的学生还必须了解一定的文学知识,具有一定的文学功底才能更好的在歌唱中诠释作品的真正内涵。但是,在很多高校中,从未开设过语文或文学欣赏这门课程。如果连演唱者自己都不能真正了解歌曲的内涵,又如何使观众真正了解呢? 二、 高校声乐教育中民族音乐融合的创新 我国是一个多民族国家,不同民族具有不同的人文背景、地域环境,因此也就孕育了异彩纷呈、绚丽多姿的多民族风格的民族音乐文化。几千年的发展为我国民族音乐的传承奠定了基础。作为声乐教育者,我们应该承担起培养与传承中国民族音乐的重大责任,为建设与发展我国民族音乐提供良好的环境。 1.不断优化高校声乐教学师资队伍 声乐教学改革的创新与发展需要一支专业素质高、精通声乐、熟悉民族音乐的教师队伍,这是基本条件。一个优秀的声乐教师必须具有过硬的专业技术与知识技能,并已经在中国民族音乐方面积淀了自己独具特色的演唱技巧,深入了解我国各民族的传统文化,在一些特殊的民族民间音乐的演唱技巧上能够充分的、深刻的进行运用与研究。否则,一切都是纸上谈兵。这就要求高校声乐教师必须静下心来潜心钻研并不断探索民族音乐的精髓。充分利用多媒体教学手段,不断改革教学方法,努力使自己成长为一名德才兼备、技艺兼通、教研相融的优秀声乐教师。 2.积极组织学生到各民族采风 声乐学科具有较强的实践性。因此,为了更好的使民族音乐融合到高校声乐教学中,各高校可以根据学校的实际情况每学期定期组织教师、学生深入到各民族聚居地采风,深刻体会并理解当地民俗文化的特点,为今后的歌唱事业积累资料。只有充分了解并积极参与和感受才能真正了解各种艺术形态带给人们的震撼。 3.努力构建特色课程体系 教材是实现教育目的的重要工具,也是提高学校教学质量的关键因素。建设具有本校、本地区特色的课程体系是培养高水平人才的基本保障。各高校的声乐课程应该根据本校的实际情况或本校所处地区的少数民族的特点,在充分考虑毕业生将来的就业压力的前提下,加强基础建设、加快整体优化步伐、突出本校特色,优化课程特色,努力探索出多样化的人才培养模式,为本校的发展与我国声乐事业的发展积极构建具有特色的课程体系。 4.不断创新教学方法的研究 探索民族音乐在声乐教育中的渗透与融合的关键环节就是进行教学方法的改革与创新。对于声乐教师而言,必须掌握新的声乐教学方法,突破传统声乐教学方法中存在的框架与局限。在平时的声乐教学中,教师可以根据教学内容的不同、根据学情的不同,积极引导学生进行独立的创新思维,激励学生以主动探索的态度进行学习。理论与实践的脱节是声乐教学中的一个瓶颈问题,在高校声乐教学中,可以采取多种方式来帮助学生实践民族音乐的魅力。 三、结语 总之,随着我国声乐教学改革的不断深入,民族音乐应该成为我国高等高校中声乐教育的重要组成部分,努力建设具有中国特色的民族音乐教学体系是声乐课程面临的重要课题。我们必须在借鉴与吸收西方音乐教学风格与唱法的基础上,勇于探索,将我国民族音乐作品渗透、融入到声乐教学中,使民族作品更具有系统性、特殊性、专业性。全国各地的高校应根据本地区特色与民族民间音乐、文化特色在声乐教育中进行渗透与融合,使中国民族音乐立足东方走向世界,在世界音乐中绽放出美丽的中华民族音乐之花。我们坚信,在所有声乐艺术工作者的共同努力下,中国的音乐教育一定能够开创出一片崭新的天地,一定会为中国声乐教育的发展再创辉煌。 作者:魏菲 单位:黑龙江省齐齐哈尔市高等师范专科学校 声乐教学论文:文化视角下声乐教学论文 一、国内研究述评 从文化的宏观角度对声乐教育教学的思考和研究可以归纳为三个方面:学术论文、专著及学术会议。经本人收集和整理,可供借鉴的论文有郭克俭《传统声乐文化特质及其当下意义》,文章从声乐背后的文化语境谈到我国的民族声乐应该在智慧地吸收西方科学声音技术的基础上发扬具备本民族文化特色的民族声乐,而没有提到具体解决措施。张晓农《人文传统背景与中西声乐文化差异之比较》,文章从历史文化的角度从图腾意识、宗教观念、学者主体、审美传统、理论基础五个方面比较中西方声乐文化之差异,而笔者是从我国文化的视角谈到我国声乐教学的现状,并提出了解决对策。李泉《中国声乐教育的回顾与展望》,文章以声乐不是技术是文化这一声乐教育观念的转变为线索,论证了专业技术与音乐文化相依相伴的关系,提出了声乐教育要走上科学、规范的轨道,要从教育体系的健全和基础理论建设做起。笔者则从沉淀声乐文化、提升综合素质、提倡创新氛围三方面谈到的解决对策。专著有郭建民著《声乐文化学》,本书是迄今为止国内唯一一本声乐文化理论研究的专著,文化的视角则是贯穿《声乐文化学》研究的第一要素,本书具备宽泛的学术视野,主要涉及声乐文化理论概述。邢延青著《民族声乐艺术的文化研究》,作者运用边缘学科类比的研究方法,有比较地将传播学、语言学、心理学等相关部分纳入对民族声乐的研究之中。学术会议则仅有辽宁师范大学于2005年9月举办的首届《全国高师音乐学院办学特色与声乐文化学学术研讨会》,王耀华先生、余笃刚教授、郭建民教授肯定了从大文化的角度审视声乐文化的积极作用。 二、文化与声乐教学的关系 1.文化是声乐教学的底蕴和基础 一定时期的声乐艺术现象与当时社会文化背景息息相关,联系紧密。从历史上看,“五四”运动时期,民主、科学、进步的思想和强烈的爱国精神,其文化启蒙作用极大地促使了中华民族的觉醒,也辐射到了我国的声乐教学领域,留美的黄自,留德的青主、赵元任等,这批留学回国的音乐志士,不再满足于填词的学堂乐歌或单旋律的歌曲创作,开始运用和声及作曲技法,并将中国文人的浪漫气质融入到艺术歌曲的创作之中。40年代末到新中国解放后,我国的声乐教育领域,开始思索如何继承和发扬民族文化遗产,探索具备本民族声乐特点的声乐教学,采集和改编了大量优秀的民间歌曲,如丁善德的《玛依拉》、黎英海的《嘎俄丽泰》;根据民族音调创作的《草原上升起不落的太阳》等,都是我国民族风格歌曲中的佳作,这些歌曲至今仍然广泛使用在我国的声乐教学中。在“”的特殊年代里,“样板戏”代替了歌唱艺术,衡量声乐艺术的标准不再是优美和抒情,“宽、厚、亮”是唯一的强制性的审美标准。这种违背科学的标准扼杀了许多优秀的声乐人才,使我国刚刚有所成就的声乐艺术教育惨遭摧残,也使开始繁荣的民族声乐艺术事业落入深渊低谷。 2.文化与声乐作品 纵观我国古代史、近代史,一定时期的声乐知名作品无不是当时文化的综合体现。以《秦王破阵乐》为例,此作品反映的就是初唐时期,秦王李世民率军击败叛将刘武周使得唐朝政权转危为安后,人们在凯旋庆功时演唱的歌曲。《松花江上》,产生于上世纪30年代,九•一八事变使国内政局发生了急剧的变化,军阀割据的局面暂告段落,国难当头,民族矛盾迅速激化,抗日救亡的呼声响彻大地,《松花江上》就是在这样的社会历史文化背景下诞生的一首脍炙人口的抒情歌曲。而《乡恋》则是改革开放之初,经过“主张墨守成规”和“提倡解放思想”两种思想的激烈碰撞下,后者最终战胜了前者的历史条件下诞生的,深刻反映了当时的社会文化背景。 三、从文化角度审视我国声乐教学现状 1.文化整体环境浮躁、校园学习氛围淡薄 目前,各类声乐比赛、选秀活动充斥着各大媒体,诚然,这种形式给年轻人提供了展示才能的舞台,但很多青少年正处在人生观、价值观的成型期,容易抱有急功近利、一夜成名的心态;并且即使因天时地利的原因一时成名,但是由于缺乏扎实的音乐技能功底和深厚的文化底蕴,很难在艺术道路上走稳、走远。而由于社会快速的经济发展,社会上流行着权钱至上的价值理念,有象牙塔之称的学校,同样也受其一定的影响,艺术院校的声乐学生耳濡目染社会及身边的各种观念和事物,很难端正学习态度,扎实掌握知识,苦练声乐基本功。 2.声乐学生重技术轻文化、重文凭轻学习 由于长期以来社会对于音乐的偏见以及目前一切向经济和短期时效看的人文氛围,声乐教学领域普遍存在重技术、轻文化;重高音、轻基本功;重演唱、轻理论;重短期效应、轻长远发展的问题,声乐学生因为招生考试文化门槛低,导致没有全面的文化素质,声乐学习过程中浮躁,有的光想在演唱技术上一步登天、有的抱有速成成名的功利心态,缺乏踏实治学的态度、有的因文凭和未来出路学习声乐、殊不知提高声乐水平需要耐得住寂寞,苦练声乐基本功,加强文化修养,去除内心的浮躁,慢慢积累生活感悟,循序渐进才能得到厚积薄发。 3.声乐创新环境欠缺、成果凤毛麟角 2005年,钱学森先生曾对前去看望他的总理说:“现在中国没有完全发展起来,一个重要原因是没有一个大学能够按照培养科学技术发明创造人才的模式去办学,没有自己独特的创新的东西,老是‘冒’不出杰出人才。”在声乐教学领域,存在着师生缺乏独立思考能力的现象,因两千多年的封建制度对社会的长期影响,人们的创造力和活力受到了一定的遏制,声乐领域里,师生普遍缺乏把习得知识和时代结合再创造的能力,教师往往习惯了照本宣科,而学生总是习惯了被动接受知识,加上长期以来教师为主导权威地位的教育模式,学生的独立创造能力自然不高,“自己独特的创新的东西”在目前的中国大学和中国社会很难成为主流的、被鼓励与提倡的对象。 四、找到文化定位,提高声乐教育教学质量 1.沉淀文化底蕴,优化学习氛围 我国目前文化环境浮躁、各大媒体为了收视率,制作各类声乐娱乐选秀节目,快节奏的生活方式,导致人们生活方式以快速、便捷为主,读报刊、看书这种传统的精神熏陶方式被用手机浏览新闻、听歌、看视频替代,一味地追求速度、效率、数量导致声乐文化成果质量不高。在声乐教育领域,应该大力提倡中国传统文化的精华价值观,在宣传教育方面重塑人们的精神家园,倡导读书、读报,多弘扬声乐领域的正能量人物和事物,创造起优良的声乐学习氛围,激发声乐学生的学习兴趣,使其树立正确的学习观和事业观。 2.提高学生文化修养,提升其综合素质 声乐教师要抓好声乐学生思想教育,引导学生具有一个正确的声乐是非观、声乐学习观、声乐事业观,逐渐改善学生对声乐学科的不全面认识,在提高声音技术的同时,加强文化修养,摈弃浮躁的求艺心态,教育部门要提高声乐学生文化课入学门槛,提升艺术院校的文化氛围,创造优良的声乐学习环境,多和人文院校沟通合作,加强和人文学科生的相互影响和交叉,加强学生的声乐实践能力和理论修养,开设声乐文化史、声乐赏析课,声乐论文写作等,注重声乐学生的兴趣,增添声乐理论课的趣味性。 3.提倡声乐创新,重视社会实践 1988年9月,邓小平同志根据当代科学技术发展的趋势和现状,提出了“科学技术是第一生产力”的论断。国家、社会、学校、和家庭应当创造重视知识,鼓励创新的氛围,声乐教师应多鼓励学生进行独立思考,鼓励其创新并参加社会实践,再看我国的声乐作品及其表演:例如李玉刚的《新贵妃醉酒》,就是在京剧的基础上所做的独特创新;被大家称为神曲的《忐忑》,也是龚琳娜借助扎实的民族声乐专业基础和技巧,整合、重构中国传统文化元素进行创作、创新的作品;而流行音乐界的代表作品,诸如陶喆的《苏三说》、周杰伦的《菊花台》、小虫的《龙文》,均是带有浓厚中国传统意境美并在演唱方式及作曲技法上有创新的作品。同时,我国的声乐教育应该多建立成人教育、在职培训、社会教育中心等机构,给社会各行各业人员提供再学习、再深造的平台,大学教师通过教授社会声乐课程,了解社会需要,社会人员通过学习高校声乐课程,能提高音乐修养,掌握发声技巧,提高声乐鉴赏能力,同时声乐教师应当端正观念,多进行社会实践和舞台实践,这样才能给学生带来更新鲜的知识,而高校,应定期请社会名人多回校讲学、讲课,激发学生的学习热情! 五、结论 声乐教学和文化息息相关、密不可分,文化是声乐教学的基础,声乐教育又综合体现着我国文化的广度和高度。从当前文化大环境看我国声乐教育教学现状,我们声乐教育工作者应当重视起祖国的传统文化,并跟紧时代脉搏,重视提高自身的文化素质、提高创新意识,提升创新能力,加强与社会实践的联系,为我国的声乐教学领域做出自己的贡献。 作者:解伟 单位:沈阳音乐学院艺术学院 声乐教学论文:高校声乐启发式教学论文 一、高校声乐教学的优势及其问题分析 在音乐欣赏课当中学生在深刻理解音乐情感的基础上也促进课堂文化氛围的形成。作为一项较为特殊的高校音乐课程,声乐教学的过程除了需要涉及声乐相关理论知识的传授之外,还应当针对学生的特点实施个性化歌唱技巧辅导,这对于学生审美能力的提高极为重要。相较于其他高校课程而言,高校声乐教学在课堂组织方面表现为大班集体授课与一对一授课的相互结合,然而考虑到学生的性格差异和能力差异,现阶段高校声乐教学中的问题不可忽视,这对于声乐教师的教学技巧与教学能力也提出了更高的要求。 二、启发式教学法在高校声乐教学中的应用路径 (一)歌唱气息启发 高校声乐教学过程中教师可借助学生熟悉的案例来营造特定的教学环境,可以是卖菜声,也可以是吆喝声,引导学生在特定的环境中感知声音的发出过程,感受最自然的声音应当采取怎样的方式发出。在情境训练的过程中学生能够加深对高位置声音的理解,掌握深呼吸的技巧。除此之外,针对跳音的训练也可对声音和气息的处理把握得更加准确。演唱跳音时,可借助叹气放松的方式保证腹部位置的放松状态,通过跳音练习可让学生腹部肌肉在有效锻炼的过程中变得更加具有弹性,这对于气息控制力的把握极为重要。 (二)歌唱吐字启发 对于高校声乐教学而言,关于歌唱吐字练习与学生普通话掌握程度有着密切联系,当然这其中不包括方言类歌曲。作为单音节语言体系的重要组成部分,中国汉字讲究吐字清晰,这同时也是高校声乐教学在歌唱吐字方面首要解决的问题。通过对汉字发音的划分,笔者认为汉字发音中的首尾及腹部位置极为重要,它是衔接字与字之间关系的优秀支撑。因此,在正式的声乐演唱过程中,启发式教学法的应用在于字与字之间的转换和衔接方面,通过启发发音的方式指导学生感受字与字之间的变化,通过处理好字与字之间的衔接关系尽可能保证吐字与声音之间的和谐与统一。发音的过程中,无论字呈现出何种变化,咽喉的打开状态都应当是稳定不发生变化的,保持舌根的放松状态,于共鸣点位置寻找发音的正确处理方式。针对不同的字点变化,可从声点的统一性方面突出不同发音之间的相互转换与衔接,其直观表达效果显然更加丰富。 (三)歌唱表演启发 启发式教学法在歌唱表演中的应用突出表现在课堂气氛的营造方面,在和谐有序的教学氛围下开启学生的发声练习,借助有效的心理调整方法提高音乐表达的情感效果。这一过程中,教师的肯定和鼓励是不可缺少的,这对于学生情感抒发与表达至关重要。从学生个体的差异性角度分析,启发式教学的应用显然与学生艺术素养的形成休戚相关,因此在作品演绎方面也表现出一定的异同。这就需要在声乐演唱之前,引导学生对作品创作背景和作者生平进行详细介绍,明确作品的感情基调,并以此作为基础借助启发式教学的方式促进音乐情感的表达。 三、结语 综上所述,相较于传统高校声乐教学中的填鸭式教学法而言,声乐教学中启发式教学法的运用在激发学生主观能动性方面有着更加显著的优势,能够从学生声音的时间性和多变性特征着手,切实提高学生的声乐演唱技巧。在自我分析的过程中学生在音乐情感表达方面也势必将有所进步,这对于高校音乐教学效果是重要的保障。高校声乐教学课堂是丰富多彩的,对应的教学方法也应体现出必要的层次性,通过启发式教学法与声乐教学的相结合能够极大地提升高校声乐教学的实施效果。 作者:王静 单位:曲阜师范大学音乐学院 声乐教学论文:校外少儿声乐教学论文 一、声乐教材的新旧结合 校外教育不同于校内教育,校内音乐课上总有一套固定不变的教材和培养目标。而校外教育在遵循最终的培养目标不变的条件下,要发展与校内教育不同的教学模式。现如今有关校外声乐教育的教材比较单一,多为一些流传多年的经典儿歌。经典固然是好的,但是随着社会的发展与进步,这些歌曲已完全满足不了少儿的求知欲与对外来事物的新鲜感。对于这些从小已经听到滚瓜烂熟的音乐,孩子们已失去了对它们的学习兴趣。 在每年的教材编写中,笔者都尽可能的去发掘更多更新的少儿歌曲,这些最新的歌曲创编很容易就会调动孩子的学习积极性。而对于那些经典曲目,笔者亦不会舍弃,而是采用其他的教学方法来抓住孩子们的学习兴趣。比如经典儿歌《小红帽》,很多小朋友在幼儿园里就已经学会唱了,那么在曲调已经熟记的情况下,笔者会设计故事情境请学生表演。将学员们分角色表演,小红帽、大灰狼、邀请家长表演、加入诗朗诵、配合舞蹈等等,经过“包装”的经典儿歌同样能让课堂上充满欢声笑语。 二、声乐教学环节的生动有趣 有人说小孩子学唱歌不就是扯着嗓子大声喊吗?有什么学习的?其实不然,在少儿阶段,孩子的发声器官还十分稚嫩,如果一味的蛮唱会造成声带甚至其他身体机能的永久损伤。但对于理解接受能力远不及成人的孩子来说,枯燥的声乐理论知识、技能练习有时又会成为斩断孩子兴趣的刽子手。如何用简单、通俗、生动、有趣的方法来传授这些基础知识又成为了声乐教学中一个重难点。 笔者在教学中不断总结经验教训,将教学中的几个重要环节归纳出了以下几点方法:首先,基础的乐理知识是必不可少的,有些孩子在学习唱歌几年后还无法自己识谱,基本乐理知识的缺失对于学员以后的发展产生了很多不良的影响,作为老师,不仅要授之以鱼,更要授之以渔。对于基本乐理的教学,教师们可以采用图片法、童谣法进行教学。将“1、2、3、4、5、6、7”这七个音配合形象的图片,比如“2”就像只鸭子,“5”像挂钩等等,联系生活中最易想到的事物,配合简单的童谣———“1”是老大像铅笔”、2“是老二像鸭子……直观又形象的教学将会把这些枯燥的理论学习变得有趣味,学生们学习起来也不会感到生涩难懂。其次,对于少儿来说,爱动爱玩是天性,在教学过程中,教师如果一味压抑孩子的这种天性反而会适得其反,但是过度纵容又会打乱课堂秩序。在这里,掌握好一个“度”非常重要。 当教师发现课堂气氛不够活跃,学生热情不够高涨时,一个小游戏就会解决这个窘境。比如简单易学的绕口令、你来比划我来猜、歌词接龙等等都会成为调动孩子兴趣的不二法宝。最后,要鼓励孩子们对所学歌曲进行“二度创作”,给学生发散思维的空间。可以尝试给歌曲配上简单的诗朗诵,加上表情动作,甚至是对歌词的改编等等。教师对创编活动中好的部分给予鼓励,不好的部分引导大家一起再改编,让孩子们在动脑动手的活动中得到自我价值的肯定,提升荣誉感。此外,尽可能多的给学生提供表演舞台、多与家长进行沟通、对特殊情况的孩子给予更多的关怀等都是提高学生学习兴趣的有效方法。 三、总结 综上所述,“兴趣是最好的老师”、“兴趣是能力提升的源泉”,兴趣是声乐教学获得成功的前提条件,作为一名教师,良好的职业修养、风趣幽默的语言表达能迅速建立学生对声乐学习的直观感受。笔者也将在今后的教学中不断完善自己的教学方法、提升自己的专业素质,做好一名“兴趣”的引导者和培训师。 作者:高莉莉 单位:重庆市少年宫文艺部 声乐教学论文:高校民族声乐教学论文 在实现高校民族声乐多元化教学的过程中,必须要形成相应的多元化教学模式,这就要求对民族音乐文化进行深入的理解和探索,转变学生对民族声乐的态度和观念,将多元化教学理念渗透到实际教学过程中的所有阶段,在学习和借鉴国外先进文化的基础上,塑造学生的多元文化价值观念,只有这样才能培育出优秀的民族声乐人才。 一、对传统的民族声乐教材进行改革,优化课程设置 传统文化精神和文化的继承、声乐基本技能两方面是高校民族声乐教学的优秀。在高校多元化教学改革过程中,一方面要应用传统的课堂教学方式,让学生掌握基础的声乐技能、理念;另一方面,还要注重多样艺术形式、表现手法的代表性曲目,将典型曲目同教学内容有机结合起来,丰富教学内容,激发学生的学习兴趣,提高多元化教学的质量。 1.合理调整民族声乐教学的课程设置。应在保证基础教学效果的基础上,适当增加民族音乐的比重,让学生尽可能多的接触不同形态的民族声乐。要把握世界民族声乐的发展趋势,遵循民族声乐的本质特征,开设专项的民族声乐课,深化对东方民族声乐的探索和分析。民族声乐教师作为教学主体,对多元化教学工作的开展起着关键性的作用,高校应加强对教师专业素质和技能的培训和教育,督促教师强化自身学习,并涉猎心理学、教育学、历史学等多方面的知识,提高自己的综合素质,提高教学效率。 2.对民族声乐教学内容及教材进行改革。根据我国当前高校声乐教学现状来看,很多高校仍存在仅将曲谱作为教材的现象,忽视了音像材料、音响材料的重要性,使这些教学材料的作用得不到充分的发挥,影响多元化教学效果。高校应丰富教学内容,选取其他形式、内容的教材,通过图像、音像等多种方式让学生更加直观、全面地理解声乐知识,透彻地分析演唱技巧及作品的风格特色,提升自身的审美观。 二、提高对原生态民歌的重视 在实际教学过程中,可以扩大对原生态民歌能力较强的学生的招收,由于这些学生所生活的环境各不相同,所以多带有本地民族声乐基础,对这部分学生进行针对性的教育和改造,能够使学生自身的优势得以充分的发挥。此外,高校也要提高对以原生态歌手出身的教师的重视,教师在民族声乐多元化教学中发挥着主导作用,可以更好地带动学生们了解民族地域特点,透彻地掌握民族声乐专业的内涵,将民族特色更鲜活、强烈地表达出来。 三、构建完善的音乐学知识结构 在多元化教学的过程中,不仅要提高学生对声乐基础知识和技能的掌握程度,还要加强对音乐学知识结构的完善,构建一套促进学生发展的知识结构体系,将民族生活渗透到教学内容中,将声乐教育生活化,让学生深刻体会当地民族文化和习俗,提升情感认知。 四、结语 高校民族声乐的多元化教学改革是一项长期而艰巨的任务,对民族声乐专业学生未来的发展有极大的影响,是提高民族声乐教学质量的关键措施,只有坚持将这项教育改革落到实处,转变教学理念,更新教学方法,才能培养出综合素质较高的民族声乐人才,践行高校的教育职能,为我国民族声乐教育事业的发展做贡献。 作者:孟娟 单位:焦作师范高等专科学校音乐学院 声乐教学论文:高职院校非音乐专业声乐教学论文 一、高职声乐教学对于学生综合素质培养的意义 (一)学习声乐有利于扩大学生知识面 声乐的学习离不开音乐基础知识的掌握和运用。学生在学习声乐的过程中,首先需要掌握音乐的基础知识。同时每首歌曲的创作年代及创作背景不同,在学习和演唱的过程中,学生能够投身到作者创作的时代,结合歌词来理解歌曲表达的故事和思想感情。增长了学生的历史知识、文化知识以及民族风俗等。 (二)掌握声乐的演唱技巧,提升学生的自信心 随着人们生活水平的不断提高,科技的创新也越来越多的运用到我们的日常生活中来。近年来,卡拉OK的兴起,促进了KTV行业的发展。走进KTV,拿起麦克风已经成为许多人日常消闲娱乐的方式之一,“麦霸”也成了大家耳熟能详的词汇。大学生的业余生活同样离不开KTV。但是仍有许多人由于不自信而采取只听不唱,或者没有经过专业的声乐训练,导致“声嘶力竭”以及“带同伴去旅游”(跑调、走音)的现象。大学生活中也会经常组织一下文娱活动,能够站在舞台上一展歌喉,甚至拥有大批的“粉丝”无疑会给学生增添无比的自信心。 (三)培养学生的音乐素养、艺术审美能力,激发大学生的创造潜力 声乐演唱是作品的二度创作。在演唱声乐作品的过程中,歌者往往会根据自己对歌曲的理解来演绎作品,这种做法对于培养学生的艺术表现力,激发大学生的创作潜力都有非常积极的意义。同时,随着声乐学习的不断深入,在掌握了乐理的基础知识和歌曲创作的基本手法,一些有思想的年轻人也会将自己内心的感情世界通过歌曲创作的形式表达出来。 (四)促进高职院校大学生综合素质的提高 声乐教学能以健康向上的内容、优美动听的旋律,在潜移默化的过程中陶冶学生的情操,使学生的心灵得到净化。同时,通过学习和演唱不同题材的声乐作品,体会作者的意境,扩大了文化视野,提升文化修养,促进大学生综合素质的提高。 二、高职院校针对非音乐专业学生声乐教学的现状及原因分析 (一)声乐开设的条件缺失 声乐课是教师示范和学生演唱相结合的授课方式,需要专业的一体化的音乐教室,其中,最重要的是钢琴。同时,为了避免在上课的过程中对他人造成打扰,一般要求音乐教室的隔音效果较好。但是目前在许多非音乐专业的高职院校中,还不具备这样的条件,导致声乐教学成了虚设,只能通过多媒体来开设音乐欣赏、影视作品欣赏等课程。 (二)声乐教学的不延续性 高职院校音乐课一般采用公共选修课的方式开设,公选课的授课范围要覆盖整个学院,因此班级人数都比较多。而声乐课的教学和学习存在着特殊性,每个人的声音特点都是不同的,而对于同样一段曲目的演唱,不同的学生存在不同的问题,这就需要老师与学生进行一对一的交流和指导。另外,高职院校的公共选修课一般是一学期选择一次,在选课的过程中,由于选课人数较多,可能导致想要继续选修声乐课的学生由于人数过多而选不上声乐课。有些院校甚至规定学生不能重复选修公共选修课,导致每一学期的声乐课都是从头开始。而每个学期的课时也很少,这根本不能满足学生学习声乐的兴趣和实际需要,也会影响老师教学的积极性。 (三)学生的音乐基础知识缺乏 通过两个学期的声乐公选课的教学发现,学生喜欢唱歌的非常多,但是对于音乐的基础知识十分匮乏。大部分同学都不会识五线谱和简谱,也不会视唱。唱歌只是跟着MP3学习。对于节奏、节拍等知识更是知之甚少。导致授课老师每次都要在有限的课时分出一部分普及音乐的基础知识,既耽误了学习的进度,也影响学习的效果。另外,学生对音高和调的了解非常少,甚至不能准确地唱出钢琴上的某一音高。在教学过程中需要教师多次带唱才能到正确的音高上。 (四)选课学生人数要求多,教师没得选 高职院校音乐课一般采用公共选修课的方式开设,公选课的授课范围要覆盖整个学院,因此班级人数一般都要求多少人以上才开班。而声乐课的教学和学习存在着特殊性,每个人的声音特点都是不同的,而对于同样一段曲目的演唱,不同的学生存在不同的问题,这就需要老师与学生进行一对一的交流和指导。高职院校学生在学期初通过选课平台来选择声乐课,选课的人数有限,但是老师不能选择学生,只能随机选到哪些就是哪些,也许错过了基础条件好的同学,这也是声乐教学的缺失。 三、江苏食品药品职业技术学院声乐公选课的开展 (一)学院重视声乐课的教学音乐教育对于塑造学生的人格,提高学生综合素质具有重要意义。江苏食品药品职业技术学院为了推进学生素质教育的发展,开设了音乐欣赏、声乐等公选课,同时根据课程开设的需求,提供必要的硬件设施,主要表现在以下几个方面。 1.完备教学设施,鼓励教师开设声乐课 学院在原有的多媒体教学设施的基础上,购置了钢琴等硬件设施,尽量满足声乐课上课的需求,更好地促进声乐课的开展。同时,成立组织音乐专业毕业的老师成立艺术教育教研室,鼓励老师开展各种类型的音乐专业课程教学。如:音乐基础、音乐欣赏、声乐入门、声乐提高班、节奏与打鼓等。 2.开设不同级别的声乐公选课,师生双向选择 由于公选课的延续性不强,声乐公选课在以往总是重复带新生的情况。既挫伤了教师的积极性,对学生的专业学习和水平提高也起不到好的作用。为了改变这种情况,江苏食品药品职业技术学院特地从学生大一上学期就开设了声乐基础课,授课内容主要是基础乐理知识以及声乐的入门。选课人数控制在50—100人,教师在上课的过程中,逐渐了解每一个学生。学生也通过10次课的时间了解声乐课的知识点和上课的形式。在学期末师生根据对对方的满意度进行双向选择,进入下一学期的声乐提高班。为了进一步提高教学效果,保证每位学生的有效学习时间,第二学期的声乐提高班在人数上会有大幅度删减。 3.教师灵活组班,选课学生梯队式排列 针对声乐课的授课特点,改革传统的教学模式,以分组的形式进行小班式教学。采用小组一起练声和个人单独练声相结合的方式。小组一起练声或演唱时学生可以听老师整体地讲解或指导,单独指导时可以有针对性的对某一错误发声提出指正。小班制教学使学生学唱与听唱相结合,即使学生在听老师单独指导别的同学,也能体会到别的同学的发声方式是否正确,发声位置是否科学,与自己的发声有哪些区别,自己存在类似的问题以及如何改正等。通常第二学期选修声乐课的同学已经熟悉了这种教学模式,极大地促进他们的学习热情,也使学生的演唱水平有显著提高。 (二)加强学生音乐基础知识普及 大学生对音乐普遍存很高的学习兴趣,渴望更多地了解音乐作品和知识,提高自己的演唱水平,是自己能自如地进行声乐表演。针对大学生音乐基础知识匮乏的问题,江苏食品药品职业技术学院艺术教育教研室经过讨论,提出解决方案。在学生入学的第一学期开设《音乐基础》公选课,课程采用大班授课的方式,主要是向学生介绍音符、旋律、节奏、节拍、音程、和弦、调与调式等基础乐理,让学生对音乐的学习有一定的了解。为学生后续的选择音乐专业的公选课打好基础。同时请几位教授不同科目的老师轮流授课,展示声乐、器乐、舞蹈、健美操、音乐欣赏等课程,让学生在了解的基础上有目的、有计划的选修。 (三)声乐教师加强自身专业学习,不断提高个人的教学水平 作为教授声乐课的教师,首先要具备基本的理论和教学能力。其次还应具备较高的艺术修养和教育科学修养,良好的钢琴即兴伴奏的能力。最后为了提高声音的教学质量、提高学生的声乐演唱能力,专业教师必须保持持续学习的能力,基本功扎实。在教学过程中,思想集中,在教学中与学生做好配合,并能准确发现问题,解决问题。改进教学方法,因材施教,在教学中不断融入新鲜的元素,使学生更容易、更愿意接受。 (四)选择学生喜欢的曲目教学,卡拉OK进课堂 针对学生对传统声乐曲目和近代流行通俗曲目的好恶,组织校内音乐专业的老师根据学生的爱好,结合传统声乐的教学方式,选择学生熟悉的部分传统曲目和喜爱的通俗歌曲,编写校本教材,组织实施。在教学中重复利用多媒体等教学设备,将KTV接入课堂,让学生在课上练习KTV里的曲目,指导学生如何更好更轻松地演绎歌曲,使学生在K歌中体验到声乐学习的乐趣。同时鼓励学生积极参加校内外组织的声乐表演活动,极大地促进了学习学习声乐的积极性。 (五)鼓励学生参加校内外的声乐表演机会,促进学生学习兴趣 随着人们精神生活水平的不断提高,各类选秀节目也是风靡校园内外。传统的声乐演唱一般是选取美声或民族唱法的作品,但是如今的选修走的都是通俗嘻哈的路线。声乐选曲的施行以及卡拉OK进课堂,使学生平时就是在演唱、在表演。遇到活动鼓励学生勇敢地走上舞台展示自己的才艺,让学生体会到强烈的成就感。声乐公选课在传统声乐演唱与通俗歌曲表演之间架起一座桥梁。 作者:董秀芳 单位:江苏食品药品职业技术学院
艺术设计研究论文:全球化现代艺术设计研究论文 全球化是我们当前议论最多的话题之一,不论你是否情愿,它都将对你,对你的生活,或者你所从事的工作和专业产生巨大的影响。我们曾经很热烈地讨论过全球化对科学与技术,对文化与艺术的种种影响。作为科学与技术、文化与艺术载体的现代设计,也不可避免地受到全球化的巨大影响。问题的关键不在于全球化对现代设计产生多大的影响,而在于我们怎样应对这种来自全球化阴影。 对全球化的再认识 今天竭力鼓吹全球化的始作俑者是美国人,因为亨利·基辛格说得明白:“全球化对美国是好事,对其它国家是坏事……因为它加深了贫富之间的鸿沟。”美国人鼓吹的全球化,即美国化,不但遭到了世界众多国家的坚决反对,也同样遭到了西方国家的强烈抵制。那么,美国人为什么如此热衷于鼓吹全球化呢? 美国人竭力鼓吹全球化,恐怕只有两个原因:第一个原因是文化层面上的。美国是一个立国仅仅二百年多一点的国家,没有中国人常常说起的“博大精深”的民族文化,有的只是移民文化。也正是因为这种移民文化的种种特征,才使得美国能够比世界上任何一个国家,都更容易接受、吸收来自世界各个国家、各个地区、各个种族、各个民族的文化。仅从这一点上说,把美国的文化称为“杂交文化”,或者“融汇文化”也是十分贴切的。大家知道,在生物学上,“杂交”是生物优生的最好途径,因此,生物学家对“杂交优势”情有独钟,常常以此来培育生命力更强的优生品种。美国二百年的发展历史证明,其成功的绝大因素是得益于这种“杂交文化”。所以,出于移民文化的印痕,美国人总是自觉不自觉地接受和吸收一切外来文化。不问精华,亦不论糟粕,只要你不反对它的统治者,什么都可以容纳。这就是移民文化对待外来文化的最显著特征,也是美国所独有的,是其它国家和民族难以学得来的。美国是由早期的欧洲殖民和后来的移民建立而成,移民给美国带来了世界各地的科学家、工程师、艺术家。正是因为人口构成的多种族性、多民族性,才有了独特的移民文化,这种移民文化又常常带有殖民色彩。全球化正是适应移民文化这种杂交性文化需要的最佳方式,所以美国人竭力鼓吹全球化,是有它极深刻的文化背景因素。 第二个原因是实利层面上的。在今天的世界上,无论从哪个意义上说,美国都是独一无二的“超级大国”。不管你愿意不愿意,在一个可以预见得到的未来,谁都无法取代它。美国的总统,不论他自己是否真的情愿,还是假的情愿,或者根本就不情愿,只要一上台,就是七分管世界,二分抓竞选,一分应付国内。这是美国“世界警察”身份始然,不能简单看成是个人性格原因。正是因为这种“世界警察”的特殊身份,使得美国的政治、经济、文化、军事等等,始终面对全世界,而很少面对国内。譬如美国的军事机构,从来就没有象其它国家那样,以自己的国土划分战区,而是以全球划分战区,什么太平洋、大西洋、印度洋等等。美国在联邦政府内不设教育部、文化部、宣传部,联邦政府也从来不统一管理国民的教育、文化和宣传,但它却向全世界推销它的教育,灌输它的文化,鼓吹它的意识形态。所有这一切,都是从实利出发的。政治上,美国需要统治这个永远动荡不安的世界;经济上,美国需要世界这个再大不过的市场;文化上,美国需要自己的文化走遍全世界,成为世界主流文化。现在人们常常把美国人讲的英语,称为美语,美国讲授英语的教材也称为“走遍世界”或“走遍美国”,也是这种移民文化用意。因为它的祖先之一,大英帝国就曾经有过“日不落”的辉煌;军事上,美国需要控制全世界,以保证它上述目标的实现。因此,从实际利益出发,美国人也必须鼓吹全球化。回到文章开头,亨利·基辛格的说法,也正是上述两层意思的集中体现。 但是,全球化的概念不是美国人的发明,其滥觞是马克思主义。在马克思主义出现前,有很长一段时间,世界上许多国家基本上是一种隔绝状态。马克思主义的出现代表了一种真正意义上的国际主义。如果你还有什么疑惑,以为“全球化”这样时髦的理论,怎么可能会是一百多年前的马克思想得出来的呢?那么,就请去读一读马克思和恩格斯在150多年前发表的《共产党宣言》。他们说:“大工业建立了由美洲的发现所准备好的世界市场。世界市场使商业、航海业和陆路交通得到了大的发展。这种发展又反过来促进了工业的扩展,同时,工业、商业、航海业和铁路愈是扩展,资产阶级也愈是发展……资产阶级,由于开拓了世界市场,使一切国家的生产和消费都成为世界性的了。” 马克思和恩格斯在发现经济全球化,即“资产阶级,由于一切生产工具的迅速改进,由于交通的极其便利,把一切民族甚至最野蛮的民族都卷到文明中来了……一句话,它按照自己的面貌为自己创造出一个世界”的同时,还发现“在资产阶级的统治下有一个将把整个旧社会制度炸毁的阶级发展起来”。正是因为马克思和恩格斯发现资本主义社会的这一趋势,他们才在《共产主义宣言》中说,将有一个世界性的人权,他们相信人类将有一个共产主义社会,那才是真正意义上的全球化。所以他们大胆地说出:工人阶级无国界。无产阶级只有解放全人类,才能最终解放无产阶级自己。至于他们自己,马克思说,他是世界公民,他是为世界被压迫人民而战斗。仅从这一点上说,马克思主义的全球化与美国鼓吹的全球化,是有着本质上的区别的。 上个世纪90年代,苏联土崩,东欧瓦解,随之而来的是所谓的社会主义阵营不复存在,西方世界为此高兴了好一阵子。一个叫福山的人写了一本《历史的终结》,他说人类的历史已经发展完了,资本主义已经统治了全世界,世界已经形成文化大一统的格局,资本主义的思维方式、行为方式已经取得全球性的胜利。于是就借此楔机鼓吹全球化。那么,美国鼓吹的“全球化”将给世界带来什么呢?亨利·基辛格的话说得再明白无误了。亨利·基辛格是资产阶级政治家,他不可能不维护在资本主义社会占统治地位的资产阶级的利益,可是连他也不得不承认:“全球化对美国是好事,对其它国家是坏事……因为它加深了贫富之间的鸿沟。”如果我们还对今天的美国式全球化抱有某种不切实际的认识,不是自我陶醉,就是别有它图。当我们惊叹世界经济神奇般发展的同时,也不要忘记,世界上最富有的三个家族的财富总和,比世界上最不发达国家六亿人口的年收入还要多;当我们赞美高科技给人类带来现代文明的同时,也不要忘记,20世纪末的海湾战争和科索沃战争给人类留下的难以治愈的后遗症;当我们欢呼互联网便捷的同时,也不要忘记,在美国买一台电脑只需花一个月的薪水,而在孟加拉国就要花掉八年的积蓄……地球上有限的资源和少数人无限膨胀的占有欲,不可能使人类都成为华尔街老板。 所以,资本主义社会中的有识之士,开始反思全球化的价值体系。美国一位叫威廉·普法夫的作者,在美国《国际先驱论坛报》上发表文章说:“全球化的价值观完全是实利主义的。它的倡导者完全以积累财富为衡量进步的依据。经济行为和人类工作的最终目的,以及对人类行为的定义,都被归结为回报投资者。也就是说,由此才能谈到其它方面的利益。这种自私的思想已经上升为经济原则。”与此同时,曾经担任过数位美国总统顾问的杰里米·里夫金也对记者说:“每时每刻,我们的生活都可能成为金钱和商业的来源。这是一种挑战,是注定的。能这样生活下去吗?这是我们的美好梦想吗?”1999年诺贝尔文学奖得主、法国作家格拉斯说:“随着21世纪的来临,资本主义世界感兴趣的,只是以最快速度赚取大量金钱。”这就是美国鼓吹的全球化的今天和明天。 邵大箴先生在谈到全球化与民族化的问题时,也有着一种清醒的分析,他说:人类在二十一世纪有很多问题,有许多共同面临的困境。全球化实际上是个普遍化原则。一方面,除了科技界外,文艺领域也将面对这个大趋势。另一方面,各个民族又要寻根,又要去挖掘自己的文化传统。他又说:现在有一个认识上的误区,好像全球化了全世界就要走一样的路,都要作一样的选择。实际上,这种选择是西方的选择,归根到底是美国的选择。美国除了强调经济的全球化之外,还强调文化艺术的全球化,其实质就是推销美国的文化艺术,推销美国的文化价值观。欧洲已对此进行了抵制。要承认普遍化原则,更要承认差异性原则。文学艺术假如没有了民族的差异性,就谈不上全球化,因为民族文化的差异性、个别性是各个民族的特色,而全球化就是要强调对各个民族差异性、个别性的涵盖与包容。从人类文艺发展的阶段来看,20世纪是现实主义和西方现代主义对立融合的时代,也是社会主义现实主义成为主流的时代。 诚然,全球化的经济,是由现代科学技术的迅猛发展与普及带来的,是由“不断扩大产品销路的需要,驱使资产阶级奔走于全球各地。它必须到处落户,到处创业,到处建立联系”带来的,这是我们无法回避的。其实也用不着回避,资产阶级在全世界构筑的资本主义联盟,同时也在促成着全世界无产阶级的联合!这个马克思主义的预言,在经济全球化的今天,谁还能说它过时了呢?!经济的全球化,并不意味着全球经济的资本主义化。如果是那样的话,当年由中国人创造的、具有社会主义公有制性质的《鞍钢宪法》,就不会成为日本许多著名大企业的学习典范,资本主义也就不会向社会主义学习什么工人参与管理、员工持股、社会福利制度等等方法了。经济的全球化,也不意味着全世界的美国化。如果是那样的话,欧洲社会就不会对美国人的全球化加以抵制,也就没有世界各地的民族求解放、国家要独立。 按照马克思主义的全球化观点,全球化不是一种某一个阶级、某一个政治集团、某一个国家的人为的强制,而是社会发展的必然。既然是一种社会发展的必然,那么它就不可能是清一色的、单边主义的、一元性的,而应该是多色调的、多边主义的、多元性的。在这种意义下的全球化,才是真正意义上的全球化,它是统分结合的。以文化艺术为例,那些被人类绝大多数所接受的文化艺术,即代表了整个世界文明前进方向的东西,自然就可以变成一体化。这就是“统”的概念;而那些仍然成为某一个民族、某一个地域文化艺术特征的,而且被当地种族与民族所接受和继承的东西,自然是会保留下去。这就是“分”的概念。我们必须清醒地认识到,只要世界上还存在不同的种族、不同的民族、不同的地域,人类的这种个性和共性的关系,总是会存在下去的。这一点是不以人们的意志为转移的。 以我们的中华民族文化为例,中国是一个有几十个民族组成的大家庭,在数千年的发展过程中,经过不断的融合、演化,最终形成了中国各民族认同的中华民族文化。但是,并没有因为大家都认同中华民族文化,从而排斥或否定各个民族自己的文化艺术。相反,这个自古就大一统的中华帝国,不但各个民族的文化艺术相互学习、借鉴、融合,而且长期共存。著名藏族画家尼玛泽仁,是十世班禅命名的班禅画师,在新藏画的创新和研究方面,取得举世瞩目的成就,曾经获得过许多殊荣,被认为是对世界文化作出杰出贡献的人物。英国剑桥和美国国际人物传记中心把他选入《世界最著名五百名人录》和《二十世纪最杰出贡献人物传》,并授予金质奖章;1994年,英国利物浦市政府授予他“国际杰出艺术家”奖牌;1999年美国路易斯安那州巴特鲁治市政府授予他“荣誉市长”证书,并请他亲自将中华人民共和国国旗升起在市政府门前。我们在尼玛泽仁的作品里,看到的是中华民族文化的神韵,也有西方现代艺术的影子,他的代表作《元番瑞和图》、《雪域》、《牧马图》等,就体现了藏、汉民族文化和西方现代艺术相融合的整体风格,充满了玄思妙想,涌动着庄严肃穆的宗教情怀,深刻地描绘出藏民族对世界的神秘感知。但是,一看他的画,你就会立即感知到,这是藏民族艺术。在藏民族艺术的个性中,寓含了中华民族的共性。关于这个哲学命题,同志有过一段精辟的论述,他说:“这种共性,即包含于一切个性之中,无个性即无共性。假如除去一切个性,还有什么共性呢?”中华民族文化艺术,与中国各民族的文化艺术,正是这种客观规律的反映。 我们可以作某种假设,如果这个世界上只剩下美国人,只有美国文化与艺术,那么,美国人还能存在吗?美国的文化与艺术,还能称其为美国文化艺术吗?事实上,美国人所鼓吹的全球化,即美国化,其实质就是在宣扬一切,包括政治、经济、文化等等在内的一元化,这是违背事物发展客观规律的。所以我们说,真正意义上的全球化,应该是全球一体化包含于世界多元化之中。有了这个多元化,才能有你那个一体化,舍此,便不会有你那个一体化。 综上所述,全球化的定义,应该是多元化中的全球一体化,它是世界上各个种族、各个民族、各个国家文化与艺术相互借鉴、相互融合,不断文明的过程。我们对全球化的再认识,特别要认清这一点。 全球化应该使民族文化与艺术得到极至发展 与全球化相对应,国内许多专家学者提出民族化、地域化,以此与全球化抗衡,或者并存。这是不言而喻的事情。但是,在变幻无穷的信息社会,在科学与技术、文化与艺术急剧发展的时代,在全球化不断深入的大背景下,民族化、地域化,也要重新定义。这是符合马克思主义辨证唯物论和历史唯物论的,是符合同志实事求是原则的。这是中国自己的事情,同志说过,中国人首先要把中国自己的事情办好。中国当代艺术家和设计师应该有这种历史责任感和使命感。 从中国五千年文明史发展的进程看,中华民族,国内各民族,都在不同的历史阶段,为发展和丰富中华民族文化与艺术,做着应有的贡献。许多少数民族艺术家,在艰辛探索,努力发展本民族文化与艺术的同时,也丰富和促进着整个中华民族文化与艺术的发展。上面提到的十世班禅画师尼玛泽仁,就是这千百万少数民族艺术家中一位有突出贡献的艺术家。尼玛泽仁认为,他的绘画是从本民族文化的载体上生长出来,其中每一个形象,每一个符号都浸染着历史感。他说:在藏民族看来,自然是神圣的,人只是自然界的一分子。无论多么伟大的创造,大自然瞬息间就能将之毁灭,人类只有依靠精神的力量与自然和谐相处。在恶劣的自然环境中表现出顽强生命力,就是藏民族的精神。正是这种精神,贯穿了藏民族的历史、文化和艺术的全过程。有人将尼玛泽仁新时期的画称为“新”唐卡。尼玛泽仁却认为唐卡是作为宗教附庸存在的,并不是独立的艺术品,作为宗教供奉品的唐卡在今天被注入了更多商品化的内容。尼玛泽仁认为,唐卡大都以佛为内容,无法传达新时代鲜活的文化信息。所以,他在自己的绘画中保留了藏画设色鲜明、造型夸张和超时空的特征,融汇了中国画的线条和西方艺术的立体造型手段,拉开了与传统唐卡画之间的距离。十世班禅大师曾经给他以鼓励,对他说:“你既懂佛教文化,又懂汉文化和西方文化,应该将三者结合起来,发扬光大藏族文化。”并准许他用“十世班禅画师”的称号。 尼玛泽仁1993年分别在美国波士顿、洛杉矾、华盛顿三大城市举办个人画展;1994年在英国伦敦、曼彻斯特、利物浦、康沃、乌斯特五大城市举办个人画展;1995年在印度新德里现代美术馆、奥地利维也纳霍恩弗尔森宫、瑞士日内瓦联合国万国宫和瑞士苏黎世、西班牙马德里国家人类学博物馆等地举办个人画展;1996年分别在香港中华文化城展览厅、美国亚特兰大洛斯维尔市市政府、中国美术馆举办个人画展;1997年在法国巴黎皮尔卡丹美术馆举办个人画展;1999年分别在北京全国政协礼堂、美国路易斯安那州州立大学博物馆举办个人画展;还在日本、新加坡、台湾、阿尔及利亚参加美术作品联展。尼玛泽仁的成就,是现实主义与浪漫主义相结合的新形式西藏题材绘画艺术的成功,也可以说是全球化进程中,文化与艺术民族化、地域性探索的伟大胜利。瑞士藏学家、美术史论家霍伊斯对尼玛泽仁的艺术探索,给予很高的评价,他认为,尼玛泽仁的作品“赋予不可见的精神世界以生命形体和自然风格”。 尼玛泽仁的探索,应该给我们今天的艺术家和设计师以深刻的启示,即在全球化的阴影下,艺术家应该怎样根据新形势来探索民族化和地域性;怎样使民族文化与艺术成为融汇世界文化与艺术的重要力量。许多历史经验是值得我们认真思考的。中华民族在漫漫五千年历史长河中,从来没有鼓吹过“化”世界,“化”别人,但是在疆域强盛的秦汉;在文化发达的唐宋;在经济发展的明清,中华民族文化与艺术,仍然远播欧亚,甚至影响美洲大陆。这是为什么?这是中华民族文化与艺术的魅力。这魅力来源于中华民族不屈不挠的创造。在发展和创造中华民族文化与艺术的过程中,中国各民族都付出了艰辛的努力。不仅是汉民族,藏民族,其它民族也都是一样。南北朝时的北魏,是由鲜卑族的拓拔氏建立的政权,前后148年,在中国中世纪的统一过程中做出了重要贡献。为了政权的长治久安,北魏学汉学,祭孔子,提倡胡汉联姻。北魏中期,冯太后和孝文帝积极推行一系列的民族融合改革政策,孝文帝又把首都由大同迁到洛阳,改拓拔氏为元姓,讲汉语,习汉俗,着汉装。这些改革使鲜卑族的优秀文化与艺术被中原汉民族文化与艺术所吸收,特别是鲜卑族畜牧生产的经验和技术,在北方汉民族中获得传播,对北方的经济生活起着一定的影响。孝文帝时的《李波小妹》描写李波小妹“褰裙逐马如卷蓬,左射右射必叠双”,这无论从服饰上或从风度上,都显示了汉民族生活中所受鲜卑文化的影响。南北朝时在南朝和北朝都作过官的颜之推,比较南北方语,认为“南染吴越,北杂夷虏”,也说明北方汉语吸收了鲜卑语的若干成分。北魏改革取得的文化与艺术成果,今天我们仍然可以从大同云岗、洛阳龙门的石窟艺术中看得到,它可以给我们今天的全球化某种积极的启示。 中华民族文化的博大精深,可以说是长期兼收并蓄的结果。这种兼收并蓄,事实上也可以说是国内各民族文化与艺术的一体化过程,他不仅表现在中国各民族之间文化与艺术的融合上,也表现在对外来文化与艺术的吸收和融合上。沟通中国与欧亚的古代丝绸之路,使中华民族文化千百年来一直与西域各国保持着密切的交往,这种交往不仅是经济上,也是包含有文化与艺术的内容。郑和七次下西洋,也不仅仅是向太平洋、印度洋和亚非远播中华民族文化,同时也是把世界的文化与艺术吸收到中国的过程。 著名艺术家兼设计师韩美林的艺术作品在国内外都取得了极大的成功,他认为,艺术要想真正取得成功,必须有“根”。这个根就是中华民族之根,有根的艺术才能够枝繁叶茂,日益强大,没有根的艺术最终不过是浮萍一叶,昙花一朵,经不起时间的雕琢。而艺术的根,是扎根在多姿多彩的生活当中的,扎根在我们本民族几千年来的优秀民族文化当中的。因而,生活和民族性,是艺术创作的两个不可或缺的必要因素。韩美林还讲过一段令人为之动容的肺腑之言:“我酷爱民族和民间艺术,我一生也不能离开这个‘根’,它是抚育每一个中华大地艺术家的母亲。等我们长大成人了就得自己站、自己走、自己养自己。在困难面前或是在胜利面前,不要忘记回一回头,看一看这个赋予你的母亲。不要一辈子不断奶,但也不要跟着别人去姓人家的姓。”靳埭强是香港很有成就的设计师,他认为一个好的设计师不仅应该掌握现代的设计语言,还应具备市场分析能力,对市场有敏锐的触觉,为产品进行市场定位,这样才能创造出出类拔萃的品牌形象。同时他还主张把中国传统文化的精髓,融入西方现代设计的理念中去。他强调这种融入并不是简单相加,而是在对中国文化深刻理解上的融合。 所以举上面一些例子,就是说明一个问题,在全球化步伐越来越加快的今天,世界各国之间的政治、经济、文化的交流速度也越来越快,在这种形势下,我们更应该保持一种清醒的头脑,从古人那里取得一些有可借鉴的东西,以应对全球化阴影下复杂多变的局面。但是,有一点是必须明确和肯定的,那就是,如果在全球化的过程中,中华民族文化与艺术,不能得到继承和发展,那就是我们的失败。这种失败,不仅仅是我们一代人的问题,而是这一代人可能成为“吃祖宗饭,造子孙孽”的败类。作为个体的中国人,你可以移民到美国,你可以美国化,甚至你可以成为华裔美国人,站在美国的立场上审视自己的祖国。但是作为整体的中华民族,它不可能移民到美国,它也不可能站在美国的立场上看世界,它必须,也只能在中国这块土地上发展和创造中华民族的文化与艺术,用中华民族的文化与艺术,为世界和人类的文明贡献着自己应该贡献的力量。 中国现代设计要走出中国自己的道路 讨论中国的现代设计,不能脱离中国的实际情况。一个是中国的文化背景,一个是中国的社会环境。中国的文化背景是积淀了五千年底蕴的传统文化;中国的社会环境是建设中国特色社会主义。如果脱离了这两点,中国的现代设计将一事无成。 吃过洋面包的中国新生代艺术家和设计师,可以拿着西方种种“主义”,种种“流派”,去把玩,去神侃,但是一旦要用于实践,就必须与中国的实际相结合不可。我们的一些大师,如韩美林,如靳埭强,都是近些年很有成就的艺术家和设计师,他们也把玩西方的“主义”,也神侃西方的“流派”,但是一经深入到创造之中,却都扎扎实实地研究起如何把现代科学与技术,传统文化与艺术,更好地结合起来。韩美林强调“根”,靳埭强强化民族文化意识,总括起来就是寻找中国传统文化与艺术在全球化中的最佳切入点。正是因为他们孜孜不倦地追寻,才使得他们的艺术创造在国内外赢得极大的声望,在社会上深受不同阶层的喜欢。 一些有民族自强感的艺术家和设计师,对全球化给中国艺术与设计带来的消极影响,表现了深深的忧虑,他们对新生代艺术家和设计师中的盲目西方化,很是担心。这种忧虑不是空穴来风,在中国学习和生活多年的外国人,也有很多人持有这种观点。在中国学习京剧表演的美国留学生罗红梅(中文名字)就曾经在电视上直言不讳地说:我很后悔没有更早一点来中国,那时会见到更多真正的中国东西,现在越来越少了,恐怕再过几年就很难见到了。在这些外国朋友的眼中看到的是什么?是我们的城市在被“曼哈顿”化,是我们的广告在被“可口可乐”化,是我们的时装在被“巴黎”化,是我们的快餐在被“麦当劳”化,是我们的视觉在被“花花公子”化,是我们的艺术在被“纽约”化……等等,不一而足。这只是表象,但是就在这些无数的表象中,也的确使人看到了在全球化阴影下,我们的一些艺术家和设计师的浮躁、肤浅和盲目。我们可以通过下面这个案例看一看所谓很“前卫”艺术的浮躁、肤浅和盲目。 记得媒体上曾经有这样一则报道:《三裸女做画笔,艺术何为?》说的是2002年4月10日,在南方某城市的一次博览会上,一位行为艺术家与三名袒胸露乳、着T型三角内裤的模特,激情现场表演了一场“裸体做画笔”的行为艺术。记者写道:三模特相视着缓缓脱下花袍,仅着白色三角小内裤,露出性感健美的胴体。她们每人拿起一个红色木鱼,依次登上了T型台。这时,坐在台子前端,披着满头长发、穿一身深色中山装的艺术家,左手拿汉堡包,右手抓大瓶可口可乐,狼吞虎咽吃喝起来。钢琴叮叮铛铛演奏着不知名的曲子,三模特扭动腰肢,敲着清脆的木鱼,梆、梆、梆……围着台子转。突然,艺术家抛掉汉堡包、可乐瓶,站起身,抓起旁边一只装满红颜料的可乐瓶,仰头灌进一大口,猛力喷在模特雪白的胸脯上,霎时,血红的颜料以她的乳房为圆心,放射状布满小腹、手臂、脖颈,象一簇熠熠绽放的鲜花,随后又变成散落的雨滴,交汇成弯弯曲曲的细流散布在下体。继而,三模特以不同姿势躺倒台上。艺术家拖起她们在白布上四处滚动,白布印上了斑驳缤纷的人体图案。观众愤愤,反映十分强烈。但艺术家说:“我在尝试新载体绘画,你看到的汉堡包、可口可乐、钢琴、裸体,还有人体彩绘,都代表西方文化;脸谱、木鱼、这些汉字笔画,等一会我还要喷洒茶水,它们都象征东方文化。这次行为艺术的主题,就是表达东西方文化碰撞融合的意念。”观众大惑。艺术家抹着嘴巴上的颜料继续道:“这幅白布布满了许多艺术符号,就是一件艺术品了。经过简单的修饰开版,它将被制成床上用品源源不断地进入市场。许多行为艺术只注重过程而非结果,表演完了也就完了。”许多人发出质疑。艺术家回答:“西方女子把裸体模特看作很自豪很荣耀的职业,女性人体的美感能让更多的人接受。比如维纳斯、蒙娜丽莎就被广泛喜爱,大卫有多少人喜欢?” 这就是所谓新生代艺术的“前卫行为”。事实上,这不是什么新东西,而是“东施效颦”的舶来品。西方抽象表现主义艺术家,在20世纪40年代,就开始把注意力从画布上转移到人体行为本身,这一运动被称作“行动绘画”(ActionPainting)。艺术家通过绘画过程而使自己在作品中“出现”,导致艺术家的躯体成为运用颜料的工具,类似画笔。身体的痕迹直接留存在作品中。把身体直接当成“画布”,供绘画之需。行为艺术家的鼻祖杜尚在1946年搞了一个名曰《任性的风景》,赠给自己的情人、巴西艺术家MariaMartins。Martins的身体曾为杜尚的作品《Given》(1946-1966)和《PleaseTouch》(1947)用作模特。《任性的风景》是一幅材料不明的神秘抽象绘画。1989年,化学分析显示,它是由精液做成的。杜尚将另一作品——由取自头部、腋窝和阴部的毛发压成的树脂玻璃,献给了艺术家RobertMatta。1956年10月第2届日本东京具体艺术展上,ShozoShimamoto通过投掷颜料瓶作画。他将颜料罐猛掷到放在地板上的画布,画布并未固定起来。画布上形成了玻璃状的表面,鲜艳的红色、橙色和黑色,使人联想到火和毁灭。据说这是强调绘画的随机性和自然性。1960年YvesKlein(伊夫·克莱因)和巴黎国际当代艺术画廊的老板MauricedArquian一起,在100多位艺术界人士面前策划了一次壮观的表演,演示了人体绘画的过程。身穿燕尾服,打着雪白的领结,克莱因指挥两个裸体模特在画布上移动。模特身上涂有蓝色颜料,从而在画布上用身体留下蓝色的痕迹。被称为“蓝色时期的人体绘画”。于是,就有中国“精英”艺术家把“展死尸”、“吃死婴”、“割人肉”、“杀生灵”等灭绝人性的残暴行为,罩上“艺术”、“文化”的光环,请上了审“美”的殿堂。 上面只是纯粹艺术的个案,反映到现代设计上也是大同小异。虽然因为产品设计(包括建筑设计)所具有的科技与艺术的双重性,使这种追随西方艺术受到了极大的限制,但在平面设计、包装设计、装潢设计等等方面也不甘示弱。中国现今的所谓“前卫”、“先锋”很大程度上,在自觉不自觉之间把自己纳入西方的颓废派一族,或者干脆成为西方意识形态的鼓吹手。《文艺报》曾经发表了一篇署名汉伟的评论,题目是《美术,意识形态较量与争夺的热点》,举证了现代国内外案例,对标榜为远离政治的“前卫”艺术,表示了批评。 当然,要想使中国的现代设计走出一条中国自己的道路,也并不容易。有些问题不仅仅存在于艺术家和设计师层面上,也存在于决策的层面上。譬如,《美术,意识形态较量与争夺的热点》文章的作者,对突破残缺的红墙和象征马克思(头像)坠落的《我的梦》和血淋淋地撕剥生灵为快事的《欣慰中的年轻人》,分别被授予全国油画展优秀奖、银奖;号称“大胆地以黑色的背景来衬托”,“突破了红底金星的“禁区”的“破碎残缺”的《五角星》,荣获九届全国美展金奖;“揭示了中国历史严峻的一面”的《综合景观》(原名《红墙叙事》),也要问鼎金奖,在遭坚决抵制后,有人粗暴地取消了当年所有金银铜奖的设置等等的批评,就说明有些问题的更加严重性。 但是,我们是唯物论者,在全球化阴影下的中国现代设计,应该有清醒认识。在未来的发展中,中国现代设计必然要出现大分化、大改组的局面。这种局面可能呈三种态势:一部分将在物欲横流的商品化大潮中完全被西方化。这部分有两种前途,一是成为西方艺术的附庸;二是成为西方艺术“化”中国的马前卒。但是,这部分最终将成为极少数。另外一部分仍然沉醉于传统文化艺术中,不知糟粕,无论精华,凡是祖宗的就是好的。这部分也是极少数,他们的前途也有两种,一是抱残守缺,从一而终;二是从围城里走出来,追上时代步伐,求得新生。最后,也是中国艺术与设计的绝大多数,遵循同志倡导的“古为今用,洋为中用;百花齐放,推陈出新”的文艺方针,坚持中国文化与艺术的正确前进方向,积极探索民族文化与艺术的继承、发展和走向世界。这也许是一个十分艰辛和痛苦的过程,但是能够成为中华民族文化艺术脊梁的力量,只有走上这条正确的道路,从炼狱中飞出凤凰,才能使中华民族文化艺术立于世界文化艺术之林,求得大存在,求得大发展。这就是中国现代设计应该,也是必然要走的道路,要前进的方向。 综上所述,中国现代设计的前进方向,必然是立于世界文化与艺术之林的,融合了世界先进文化与艺术和中华民族文化与艺术精华的、中国特色的现代设计。代表这种中国特色现代设计的力量,不是自诩为“精英”的少数“前卫”艺术家和设计师,而是为数众多的,生长在中华民族文化与艺术殷实土地上的艺术家和设计师。这一点是毋庸质疑的,在旧中国,日本军国主义在中国的东北推行了十四年的奴化教育,在台湾推行了近五十年的奴化统治,虽然曾经产生过少数殖民主义文化现象,但它从来就不是中华民族文化发展的主流;上海等一些曾经被殖民主义占领过的城市,也没有被彻底殖民化,相反,许多殖民者被他的对立面——被殖民者“中国化”的现象却是屡见不鲜。诚然,历史的事实,并不能说明我们今天中国的艺术家和设计师,可以放任自流,我们必须付出艰辛的努力,为探索中国现代设计之路,做出无愧于时代的伟大贡献。 艺术设计研究论文:环境艺术设计教学改革研究论文 摘要:随着市场环境的不断变化,做好对环境艺术设计教学的改革对于实现对环境艺术设计人才的培养具有重要意义。文章先对环境艺术设计教学现状进行分析,之后着重探讨了市场环境下环境艺术设计教学改革的对策,希望能够为高校环境艺术设计教学进步提供支持。 关键词:市场环境;环境艺术设计;教学改革 环境艺术设计专业是环境设计行业在高校教育模式当中的直接体现,其对于培养环境设计专业人才目标的实现具有重要意义。在社会环境不断发展与变化的背景下,其对于环境设计专业人才的需求也在逐渐变化,这为高校环境艺术设计专业提出了新的要求,如何紧紧围绕市场环境对环境设计人才的需求开展教学活动,以实现对环境艺术设计教学人才培养目标的实现,是高校环境艺术设计专业发展的重要目标。 一、环境艺术设计教学现状分析 从当前的环境艺术设计教学水平来看,其存在着较为明显的教学方法与市场需求不相符的情况,这使得环境艺术设计教学遇到了发展问题,其表现形式主要有以下几个方面,需要我们予以重视。 1、学生积极性不高 根据相关调查数据显示,很多学生对环境艺术设计学习兴趣不高,笔者认为导致学生产生这一现象的原因主要有以下两方面:一是,环境艺术设计学习内容较为复杂,所涉及的知识面广泛,该学科的复杂性使学生提不起对这门课程学习的积极性,教师始终采用单一的教学方式开展教学活动,学生在学习中极易产生疲劳感,最终导致学生学习积极性不高;二是,环境艺术设计教学模式以传统教学中的教师教授为主,学生始终被动的接受知识,学生的学习主动性并没有被充分发挥。 2、过于注重理论教学 环境艺术设计学科对实践性要求较高,这要求教师在开展教学活动时要随时掌握市场环境的需求,在传授学生理论知识的基础上培养学生的实践能力,将理论与实践有机结合,培养出综合能力较强的设计人才。高校环境艺术设计教学由于受到外部因素、师资力量等因素的影响,教学活动的开展仍然采用传统教学模式,过于注重理论知识的教授,而忽视了学生实践能力的培养。 二、市场环境下艺术设计教学改革分析 1、转变传统教学观念 环境艺术设计教学的最终目,是使学生能够具有解决实际问题的能力,提高学生的实践能力和综合素质,这也是环境艺术教学的主要方向。传统封闭的办学模式要彻底改变,要满足市场环境的需求,要与社会接轨,就要转变为开放式的办学模式。环境艺术设计教学所面向的是经济建设主战场,在可持续发展观与了彩色设计、环保节能理念等方面对教学内容和教学方式进行探索研究。环境艺术设计属于一种综合性的边缘学科,传统教学中单一的学科发展观要转变,要朝着学科群方向转变,将环境艺术设计学科发展为交叉学科。对于学生的培养方面,也要做出改变,由传统教学中只重视设计技能和表现技巧的教育,转变为向综合型艺术设计教育、环境艺术设计等社会职能方向,进而使得环境艺术设计人才能够满足市场多方面的需求,成为一名优秀的专业的设计人才。 2、从“实践中来”到“实践中去” 环境艺术设计是一门应用性、实践性较强的综合性专业科学。在环境艺术设计教学中,学生只在课上学习扎实的理论知识是不够的,还需要配合实践,将学习的理论知识应用到实践中,使自身的专业技能得到锻炼和提升,这样才能够达到环境艺术设计专业的教育目标。环境艺术设计专业的传统教学模式,需要在教学内容、教学方法上做出调整和改进,以满足市场环境下社会对环境艺术设计人才的需求。笔者认为环境艺术设计教学改革,要将重点放在实践教学环节,加强环境艺术设计与市场环境的对接,使学生在掌握了扎实的基础知识后,能够更多的参与实践活动,将课上学习的理论知识运用到实践中,使理论知识得到巩固,培养出具有创造能力、设计能力的设计师,否则环境艺术设计教学将成为无本之木。在环境艺术设计教学改革中要建立以实践为主的教学模式及,将校内教学与市场需求进行完美对接,加强与企业间的联系,与企业签订协议,建立学生实践的实习基地。使学生在实践中能够灵活运用理论知识,逐渐的接触到社会,并了解市场环境和需求,学会与各种客户如何交流,在实践中提高自身的技术水平,增强实践能力。在基地实践过程中,学生在学习中会更加的积极主动,通过实践,环境艺术设计的课堂教学效果得到了很大的提升。另外,如果条件允许还可以建立专业的实训室,如建筑材料工作室、设计车间、灯光效果实验室等,将其作为补充学生课堂不论不足的实践场所,帮助学生在学习理论知识的同时,能够对学习的内容有更真实的认识。 3、注重学生创造性思维的培养 创新是环境艺术设计的灵魂,设计就是寻找创新的生活环境、新的设计理念、新的造型符号。校方可以定期开设相关内容的讲座,使学生通过听讲座使自身的视野更丰富,聘请高级讲师、该领域专家学者,讲授最新的设计理论和实践中的真实案例,提高学生的设计语言能力和设计表达能力。现代设计语言包括现代设计思维方法、现代设计观念、现代设计表现手法、现代设计理念。简单来说,在环境艺术设计教学过程中注重技术和理论原理内容的教授,培养学生的实践动手能力,充分发挥出计算机的辅助设计作用。在环境艺术设计教学中充分运用计算机辅助教学,使学生具备计算机熟练运用的能力,从而更满足市场环境对新型设计人才的需求。另外,还要对学生进行拓展教育,提高学生的借鉴、吸纳异域文化的能力,在理论教学中以艺术原理发展为基础,建立可以科学表述出产业发展与艺术设计属性关系的体系。 三、结束语 综上所述,想要发挥出环境艺术设计的专业环境设计人才培养目标作用,就必须要保证其教学目标与环境行业市场对专业人才需求标准的一致性,为此高校环境艺术设计专业教师必须要发挥出自己的教学引导者作用,通过超前的教学观念、先进的教学方法来实现对环境艺术设计教学课程的改革,在保证教学目标与环境行业市场人才需求目标一致性的同时,最大限度提高学生的专业水平,为他们的环境设计专业技能提升创造条件,也为他们未来的环境设计职业发展打下良好的基础。 作者:姚辉 单位:湖南科技学院 艺术设计研究论文:艺术设计高校教育的变革研究论文 摘要:数字化时代的来临,给艺术设计专业的高校教育带来了巨大的冲击,影响着教育环境、教育方式、教育理念、教育目标等方方面面,如何根据本校的实际情况,顺应变革的潮流,是各个院校的当务之急。 关键词:变革;数字化;计算机;网络;教育;艺术;教学 当下,数字、信息、网络正在无时无刻、无所不在地渗透到人们的学习、工作和生活中,改变着人们的生产方式和生活方式,改变着人们的思维方式和学习方式。信息技术的飞速发展,同样对高等教育产生了史无前例的巨大冲击,从教育环境、教育模式到教育理念、教育目标,都在这场冲击中发生着变革。 国内大学相继投入到了这既是严峻挑战,同时也是千载难逢的机遇中。然而,尽管有些学校已经采用了一些先进的设备和工具,但是还在沿用数十年来的传统教学方法和管理模式。电化教学设施设备变成了利用率很低的简单摆设,真正起决定性变化的管理和教学的方法和模式却没有随着社会发展的大趋势进行相应变革。面对知识全球化和民族素质提高的教育要求,以及一系列的教育市场化竞争的挑战,如何根据本校的实际情况,顺应变革的潮流,是各个院校的当务之急。 1、教育环境的变革 信息时代是一个快捷的时代,效率之高、信息量之大,都是前所未有的。教学环境的变革是信息有效共享与集成,它建立在计算机技术、网络技术、多媒体技术等现代信息技术基础之上,其优秀是指用全数字化的信息获取、存储、传输及处理技术,来控制和操纵整个专业系统的教学和管理事务,对教育教学过程必将产生巨大的影响。 数字化技术有利于艺术设计高校教育的信息交流、教学互动、资源共享,计算机实现了设计数据的储存及再利用,各种设计素材、设计草图、效果图、制图、图形艺术、模型等资料都可以用数据来储存,并且可以随时方便地进行检索。专业考试与成绩管理系统中可以做到课程设置,试题编辑,自动出卷,试题库整理,成绩录入与查询等多项功能。数字化工作室可以使学生自主培养自己的协同工作能力,以及探索知识,获得知识的能力。 此外,多媒体课件的开发、网络技术和远程教育给学生以更多的信息知识,通过局域网或Internet网,可实现院、校之间的网上教学,一些知名的专家教授可以足不出校而面向全国艺术设计教育机构。网络也拓展了艺术设计存在的空间,使艺术设计走向了更广泛的数字化,让受教育者轻易地接触大量艺术设计资讯,有利于学生形成开阔的、前瞻性的视野。 2、教学方式的变革 目前在我国的教育领域已经广泛采用现代数字技术辅助教学,提高教学效益,并由此引发的教育观念、教育手段、教学模式和教育结构的改革已成为共识。 这样一来,教学组织形式更加灵活,课堂教学不再局限在有形的教室中,教学活动的时间和空间得到了无形的扩展,使随时随地学习成为可能。学生可以按照自身的条件,选择最适合于自己的发展途径,使因材施教进入一个新的阶段,课堂教学可以达到更加多元化及协作化的学习模式,进一步体现了教师的主导作用和学生的主体地位。在丰富的教育资源面前,教师不再是唯一的信息源,学生的个性得以觉醒,创新精神得以彰显。所有这一切,都将最终导致教育理念的转变甚至教育理论的创新。 在数字化教育平台上,可以提供多方位的教学服务。在教学实践中,教师可以把教学、试验、科研有效结合起来。如网络教学平台中可将教师的课堂教学、反馈练习,课后辅导,乃至个别化学习,在线学习、电子邮件、远程教学等各个部分包容进来,形成大容量,开放式,交互式的符合学生认知规律的新的教学形式。更有价值的是,因为每个教学内容的数据都储存在服务器上,数据在任何时候都可以被调用,教学信息更容易分享,教学环节更容易整合。 3、教学管理的丰富 通过数字化技术,我们可以还原本真课堂,通过数字监控进行公开课的课堂教学观摩,给予课堂上的教师、学生尽可能少的影响。 我们可以实现教师自我教学水平的提升。很多鲜活的事例告诉我们,教师的个人发展,不仅是听专家报告、参加教研活动,更在于自身的针对性的实践和思考。数字化设备可以为每一位愿意提高自己的教师自动记录着真实的课堂,无需外人帮助,需要的只是上课后在网络上静心点击和自我对课堂的感悟。 通过数字化技术,我们欣喜地积累着优秀的教学资源。很多好的教学课案如果不及时地记录下来,会随着时间的流逝而被丢失。借助数字化设备,一些优秀的课堂实录、设计过程等将被忠实地记录下来,不仅使宝贵的教学资源数字化后便于知识管理,为学校积累具有本校特色的优秀教学资源,也为每一位成长中的教师保留着一份宝贵的财富,一段成长的足迹。 通过数字化技术,我们还可以突破时空限制,将教学实况直接变为网络上可以实时播放的视频流和音频流。这种技术手段的改进,为远程专家实时点评、课后专家远程诊断、教师互评、学生学习、自我反思、网络教研、行政考核等提供了真实感性的第一手资料。 通过数字化技术,我们可以实现更多的人性化教学管理,提供更贴心的教学服务,建立起更好的保障教学质量不断提升的长效机制,深化改革,持续创新,使学校向一流高校的美好前景稳步迈进。 4、设计专业的新增 随着时代的发展,传统艺术在与计算机技术、工业、建筑、管理等学科的不断交叉中,衍生出许多新专业,如广告设计、工业设计、环境艺术设计等。目前,在数字时代的大背景下,动漫制作、游戏策划、游戏设计等数字化专业亦成为了热门。 不过,就其归属而言,数字化艺术设计还是艺术学的分支。它虽然以计算机为依托,不可避免地要涉及到技术问题,但始终以艺术作为自己的出发点,在题材、技巧、观念等方面深受传统艺术的影响。当数字化艺术设计的作品数量还不是很多,影响还不是很大时,数字化设计只是艺术设计学科的课程之一,随着数字化艺术设计的日益普及,创意经济、文化产业、数字影像、体验时代,成为当下使用最为频繁的关键词。DV、Flash、电子杂志、动画、网络游戏日益成为新生代生活中不可缺少的一部分。在这样的背景下,数字设计艺术作为新的艺术门类,正在以新产业主体的形象迅速涌入我们的视野,数字化艺术设计已成为艺术设计领域的专业之一。 5、辅助设计的帮助 数字化时代为艺术设计创作提供了新的艺术创作手段,新的载体,新的工具,新的传播手段,新的创作角度,许多计算机软件具有绘图、三维动画、数据统计、资料检索等功能,一些特殊软件甚至能够进行人工智能、虚拟现实、人机交互技术。数字科技与设计艺术的交叉融合,主要涉及计算机辅助设计与概念设计、面向艺术与设计的虚拟人技术研究、数字艺术与新媒体研究、面向艺术与设计的软计算研究、交互式艺术、计算机辅助艺术绘制、非语言艺术、非物质文化遗产保护、民族文化与风格研究、商业媒体研究、计算机辅助卡通动画、虚拟设计技术、CAD/CAM等。其理论成果广泛应用于产品创新、CAD、数字会展研究、虚拟服装展示等 。同时在计算机美术、计算机书法、计算机动画等领域也取得了丰硕的科研成果。数字技术已经成为部分艺术家离不开的创作帮手和伙伴。 艺术设计高校专业建设变革是一项长期,艰巨的任务,需要在调整中发展,在建设中提高。当前艺术设计教育的同质化现象严重,数字化时代的到来带来了一个发展的机遇,院校应该在数字化时代的众多变化中,懂得取舍,舍得放弃,专注于几个自己的特色专业与数字化时代的接轨,做精、做专、做强,寻求艺术设计教育的个性化发展方向构,建适应信息社会要求的新的高等教育模式。 艺术设计研究论文:艺术设计中的民族文化风格研究论文 摘要:自20世纪80年代以来,中国的艺术设计受国际化趋势的影响和现代新媒介新技术的挑战与西方强势文化的侵蚀,在中国年青一代设计者中存在一种轻浮的“时尚”之风,认为在设计创作中追求“新、奇、怪”即为“时尚”。盲目的“拿来主义”借用西方形式之风盛行。如何在艺术设计中加强民族文化的教育提升设计中的民族文化内涵,如何继续和发展民族文化将是艺术设计工作者应该深刻思考的问题。 关键词:艺术设计;民族文化;风格 当今世界的艺术设计伴随着信息科学技术的迅猛发展和普及,“信息技术把世界日益变成一个地球村”。艺术设计因图形语言的交流便捷和获取信息的优势,及大地推动了艺术设计在世界范围内的交流与发展。 中国的现代艺术设计起步较晚,现代设计教育的年青化和不成熟,使设计教育体系中引用借鉴西方教学内容与方法较多,因而受西方现代设计观念与设计思维的影响较为严重。特别是对民族的传统文化教育的不够重视与忽略,导致了大多青年设计者民族文化底蕴的匮乏,缺乏自己的思想与创新能力。因而在设计创作中盲目模仿借鉴西方的设计形式风格导致了设计创作只流于表面形式,而缺少了作品的文化内涵和精神追求。没有自己的文化风格和艺术个性,更谈不上既有民族文化内涵又具中国特色风格的设计。 如何使中国的设计走向世界,创造出中国风格的艺术设计,把握和坚持设计中的民族性,将传统的中国文化内涵与现代的艺术风格有机的结合尤为重要。 我们提倡艺术设计中的民族文化与民族化内涵。民族文化是指该民族成员历代相传的共有价值观、思想意识,它是思想情感、风格习惯、审美情趣、道德观念、宗教信仰等因素的综合。而设计与文化有着千丝万缕的联系,它不仅反映着文化,就它本身而言,也是一种文化和文化的传播形式。 在世界的发展日益呈现多元化的今天,中国的艺术设计应在国际化艺术设计中将民族化的元素进行有益的补充,使本民族的设计文化得到发展,并创立出具有民族化特色的艺术设计风格,在国际艺术设计领域中,提升中国艺术设计地位。 国际主义趋势的同一性,必然形成一种单一、僵化的艺术语言,设计师的个性不能得到充分发挥,形成单一性,它必然导致视觉传达效果的削弱,不利于艺术设计的进一步发展。日本在民族风格溶入现代设计中取得了很大成功,日本的设计起步阶段也是西方化盛行,但最终还是回到了传统,创造了极具民族文化风格又是现代设计观念的艺术设计成为了民族特色与现代时尚观念相结合的优秀典范,使日本的艺术设计颇具世界影响力,在日本设计中,传统文化元素的应用是其最重要特征之一。 从艺术的发展史可以看到任何主流艺术或文化的发展都曾受到民族传统艺术的影响和滋养。传统文化艺术能够流传至今,也证实了它具有永恒的生命力,坚持现代设计的民族性很大程度上要求对民族传统文化艺术的学习与借鉴。尊重传统,发扬传统,从优秀的民族传统文化中去吸取精华丰富素养,民族优秀的传统文化是每一个中国设计者的必修课。 民族文化是丰富多彩的,民族文化有共性,又有历史阶段性;同时也具有社会阶层性,民族的多样性。汉族和各少数民族共同创造了灿烂的中国文化,各少数民族文化是中国民族文化的重要组成部分,它个性鲜明、千姿百态,有着取之不尽,用之不竭的创作源泉。传统民间艺术的亲切感,是人与人、人与物、人与世界的直接接触与碰撞的结果。它即朴实又生动感人。因此,在每一件民间艺术作品中都融入了创作者们对世界、对生命、对社会的理解。它再现了每一代人的生活、观念与情感,成为最直接的艺术之源,所以说传统的民间艺术是最具原创力的艺术。设计归根到底是为人类服务的,个性化是它的重要特征。设计不仅要有民族性,也要具有世界性,而且世界性某种意义上是民族性的归纳和概括。只有个性的,民族性的东西才能被世界人士所发现并在相互交流中得到认同。同样设计作品的民族性是其具有世界性的前提,这也是我们的中国画、书法、京剧等艺术能在世界艺术领域大放光彩的重要原因。 以我国传统民间彩色剪纸为例,它不仅是融绘、刻、染于一体的工艺美术品,也是极具装饰魅力的设计作品。在造型上,它追求自我完美的中国民族装饰形式美;在构图上,强调对称、均衡、有稳定感;在形式上,通过点线面的对比,色彩的映衬,效果上虚实动静,产生节奏和韵律感;方法上,重归纳和概括,将自然形态规律化,更符合装饰美的要求,手法上,多采用夸张变形,并赋予象征和寓意。用色上,色彩鲜艳,感情色彩浓郁,这些对我们现代艺术设计都起到典范和启示作用。 设计艺术的是在空间中的设计活动,其涉及的内容包括字体设计和插图、摄影的采用,把图形、字体、插图、色彩、标志等以符合传达目的的方式组合起来,用于传达信息及指导、劝说等目的,达到准确的视觉传达功能,同时给观众以视觉心理满足。由于民间美术与现代设计的某种巧合,以及传统艺术本身的艺术魅力,传统艺术受到了前所未有的青睐,特别是那些优秀经典的作品,往往以很高的审美价值引起现代人们的赞叹与兴趣,并对艺术设计起着一定的影响,以致在一些现代设计大师的作品中,我们不难发现传统艺术的踪迹和设计应用的经典范例。 有很多设计师就是把中国传统文化的精髓,融入现代设计的理念中去设计出了成功的作品。例:我国著名艺术设计大师韩美林先生为中国国际航空公司设计的标志就取材于传统的凤纹,该标志简洁有力,三条主线粗重,垂直稳健圆满,每一笔的开端和收尾都处理成尖头,使视感粗中有细、刚中与柔,飘逸的凤纹婉曲秀丽、妩媚生动,头部水平,胸部处理为垂直的线条,整体显得器宇轩昂,寥寥数笔刻画出一个姿势动人的凤纹,表明该公司能够像神鸟凤一样给人们提供舒适的飞行服务和安全保障,该标志属于现代设计中民族化风格的典范之作。再如中国银行的标志,整体简洁流畅,极富时代感,标志内又包含了中国古钱,暗合天圆地方之意。它巧妙地把中国的“中”字和中国传统的圆形方孔币作为金钱象征,结合在一起。这是一种很自然的运用传统寓意,这是民族、地域所拥有的“集体表象”,使设计显示出丰富的想象力与造型上的合理性。了解中国传统文化背景的人,就能从中一目了然地解读其标志的内在涵意,这个标志可谓是香港平面设计大师靳埭强融贯东西方理念的经典之作,他在对传统民族心理、民族感情的理解和研究基础上,把民族的内核与国际化的语言完美的结合在了一起。 综上所述,我们应该清楚的认识到在现代艺术设计中对本民族优秀传统文化的学习和传统文化素养的深厚积累,对一个中国艺术设计师来说是何等的重要。要创造出中国艺术设计的特色与风格,提升中国艺术设计在世界设计界的地位和影响离开了优秀的民族传统文化是行不通的。正如我国老一辈设计大师韩美林先生说的一样:“我始终坚信,我的路在中国。” 艺术设计研究论文:艺术设计教学研究论文 摘要:新时期人们的一切生活方式都在不断变化,论文为此,我们的现代高等教育艺术设计教学也应该逐步有所改变,所以本文就高等教育的教学内容、教学方法、教学手段等谈一点自己的看法。 关键词:艺术设计;教学;看法 一、以前的高等教育中艺术教学的模式是在当时中国的经济、科技和信息都还很落后的时期制定的,如今我国经济持续高速发展,科技和信息都进入了一个崭新的时期了,如果我们现在依然用以前的教学模式去教学,可能就有些不适应不断发展变化的社会了,所以应该在遵循以前大的教学原则的情况下适当作些改变,使之符合当今社会的实际和需要。以理论教学和实践教学改革为重点,以强化艺术设计、施工、管理为支柱、以加强教材建设、师资队伍建设、实践教学基地建设、实验室建设为保证,遵循人才培养规律和专业教育规律。 二、艺术设计专业教学必须在原来的基础上进行改革,艺术设计专业教学改革必须从艺术设计的实际出发,对培养目标、培养规格、教学模式、课程设置体系、教学内容和教材等方面进行全面、系统的改革,突出综合素质培养,强化岗位技术教育,建立以艺术设计、施工和管理能力培养为主线的教育模式。针对艺术设计教学我提出自己的几点看法: 1.教学艺术设计专业的教学改革,职称论文应该体现专业教育特色,从社会实际需要出发,有针对性地构建学生的知识、能力、素质结构;强化岗位知识的学习和运用;完善、充实教学内容;加强操作技能、工艺实习等为主的实践环节;加大实践教学环节所占比例;加强产学合作,逐步建立学校与企业合作培养人才的机制。毕业生上岗后,进入状态快、动手能力强,经过一段时间的磨炼,可成为工程设计、投标报价、材料选择、施工技术、施工机具操作、施工项目管理、项目验收、工程预算等技术人才。我觉得教学中应该目标很明确,艺术设计专业是应用型人才,实践性强的专业,艺术设计专业教学的课程设置就应该强调其针对性,强调基础课教学的适应性,强调专业课教学的实用性,强调实践教学的连续性,和渐进性等,具体表现如下: 2.课程设置强调的针对性 艺术设计专业起步晚,发展快,所以我们要从社会实际需要出发,按照“实际,实用,实践,必需,够用”的原则和专业技能培养的实际需要,对课程设置作一些调整,突出技术应用能力培养。在新的教学计划中,我们应该着重从以下几个方面去完善: (1)在设计模块中,注重理论教学,突出动手能力培养,加强计算机辅助设计教学,强化计算机辅助设计在工程设计中的作用,建立专门的计算机实验室,使得学生有充分的操作机会,能够熟练地掌握,以便适应社会的需要。 (2)在施工技术模块中,以施工操作技能培养为基础,强化施工技术指导。留学生论文在教学过程中,以校内操作实验室为依托,让学生在学中做,在做中学。通过实践,提高动手能力,初步掌握施工操作规程,施工操作方法和施工机具的操作、使用、维护和保养;掌握工程质量的控制方法及检查、验收标准,理论联系实际,培养学生施工技术指导能力。 (3)基础课教学强调适应性 艺术设计专业教学应该纠正以往基础课与专业课工作总结“各自为政”的脱节现象,打破原有狭隘的基础课教学格局,超越单纯技巧和经验的传授。为纠正基础课教学与专业课脱节的现象,改调子素描为设计素描;改绘画色彩为装饰色彩,并加大室外写生训练。 (4)专业课教学强调实用性 一种理论只有用于实践才有其存在的价值和意义:如果不能指导实践,那便是毫无意义的空话。在制订改革方案时,经认真调查研究,按照专业教育特点、强调专业课教学、理论教学的实用性、实践性、着眼于培养技术应用型设计人才,总结过去的教学经验,结合具体的情况和实际需要,对专业课教学、理论教学内容加以调整,强调实用性。 (5)实践教学强调连续性和渐进性 艺术设计是需要理论教学和实践教学不断的交替,互相渗透的。艺术设计是多学科的知识的综合集结和运用。在具体的设计中,难以确认固定的秩序和搭配关系。在今天这样的开放的社会中,对外设计服务已是不可逆转的趋势,以教师带领学生走向社会,使专业必修课在社会实际设计中完成,为保证实践教学的落实,学校应该与用人单位合作,建立校外实践教学基地。 艺术设计研究论文:当代艺术设计研究论文 【摘要】艺术设计植入我国之后,一直以来借鉴、模仿、学习西方设计形式,造成了缺乏自身思想与文化内涵的创作方式,抑制了创造力的生成,形成了对借鉴的依赖心理,设计出来的作品往往貌似而神离。艺术设计应该保持本民族的独特个性。对于设计者而言,立足于本土文化根基上,透过形式把握实质,将其精髓转化为自身修养,并达到遗貌取神的境界,就能源源不断地为设计注入持久的生命力,这也是艺术设计的灵魂所在。 【关键词】艺术设计;民族性;传统文化;国际化 中国是一个有着五千多年历史的文明古国,具有丰富的文化底蕴,但近年来,随着中国与世界文化交流的日益增多,大量西方设计观念和设计作品涌入我们的视野,相当一部分人一味的推崇西方现代设计流派,漠视中国传统文化,轻视本土文化资源,做一些肤浅的形式上的挪用、拼凑甚至抄袭,使我们的设计丧失了民族传统文化的内涵和个性。这对于中国当代艺术设计的发展是有害无益的。艺术设计国际化不等于美国化,也不等于欧洲化。它不以某一国、某一地区的艺术样式为标本,它同样处于发展之中。任何一种所谓的“国际化”的艺术设计,都不可能脱离其赖以生存的民族文化土壤和根基。所谓“民族性”是指民族文化的精华部分,设计者应有意识地挖掘民族文化的精华,应将民族文化放在全球的背景上,以全球的视角来俯视民族文化,这样才能设计出为全球所认同的精品来。“民族性”是艺术设计的灵魂,继承的目的是为了创造和超越。没有民族灵魂的设计作品最终是无法矗立于世界设计之林的,大民族才是真正的国际化。 对于中国设计的发展方向也要注意如何正确理解“民族性”与“全球性”的关系。“民族风格”的形成并非简单的模仿,而是一个创新的问题。这种创新必须依赖全球性的视野,对其他民族有一个全面的了解。以现代的思维方式反思传统,以提取传统中的神韵。“全球化”也不等于盲目引进西方潮流,而应认识到本民族是全球所有民族中不可缺失的部分,树立自己的信心,避免在学习和借鉴中迷失自我。面对先人留下的博大精深的中华民族文化,我们在此基础上,将如何努力发掘传统文化,合理运用传统文化对艺术设计进行提升、利用和重构,创造性的理解民族文化精神,创造出既具有鲜明的中国气派,又具有国际性的中国当代设计,是摆在当下艺术设计及艺术设计教育面前的重要课题。 “中国传统文化”是中华民族智慧的结晶,是先辈在漫长的岁月中向往美好、追求光明而上下求索的精神沉淀,是一个民族生存发展的生命线。传统的文化价值对于一个具有悠久历史的国度来说是一种巨大的资源,不仅体现为一种对过去历史的怀旧情节,对传统的历史记忆,一种可以安慰、表现和确认自身历史性的东西,而且也体现为一种传统的人文精神和价值体系及展示某种能够体现自我、民族和国家身份的文化形象。其范围广而丰富,如中国的哲学思想、古典文学、艺术精神、审美境界、书画篆刻艺术、民间艺术、汉字、园林、建筑、陶瓷、雕塑、木刻以及音乐、诗词、戏剧、典故、传说、民间故事,另有中药、针灸、武术、围棋、饮食、茶道……这些都是我们当代设计者取之不尽、用之不竭的宝贵的文化资源和中国元素。纵观在国际上有影响的设计国家,如德国、意大利、日本、法国、英国、芬兰、美国以及中国香港的设计风格和在国际上有影响的设计大师作品,在他们所谓的“国际化”设计语言中都不难窥探出其所透射的社会文化背景和传统文化根基。 德国是现代设计诞生的国家,对世界各国的现代设计有着深远的影响,在世界设计中占有举足轻重的地位。德国的现代设计具有自己鲜明的特色和风格,其设计风格受其严谨的哲学思维方式影响,赋予理性设计的传统特征,这与德意志民族的文化传统和文化情调有着密切的关系。德国设计大师冈特.兰堡的设计风格被设计史家称为“视觉诗人”,他那极具震撼力的独特风格的形成,正是他热爱德国古典诗歌、戏剧以及作风的严谨所致。 意大利视艺术设计为一种文化和哲学。在现代设计和“国际化”风格时代,他们坚定自己鲜明的文化立场和民族传统,不盲目抄袭,强调设计与传统的关联,强调设计中人文主义的重要性,专心地发展自己的设计体系,被称为“意大利路线”。因此,意大利现代设计具有异常鲜明的民族特色,在国际现代设计中独树一帜。意大利的这种设计精神和经验是值得那些一昧追求所谓“国际风格”而丧失自己民族特色、民族传统的设计者好好学习和研究的。 日本的艺术设计用30年的时间走完了西方近一个世纪的发展历程,其设计融汇了大量的日本传统视觉文化因素,同时又带有强烈的时代感,形成了独特的“日本风格”。他们在吸取外来文化的同时,更加强烈地意识到弘扬本民族文化传统的重要性,如强调平面性,注重留存空间,追求平淡内敛的阴柔美的意境等。因此,日本设计既有强烈的国际语言和时代感,又蕴含着深邃的东方文化精神。我们从日本设计大师龟仓雄策、福田繁雄、田中一光、五十岚威畅、一川屯仓、荒田矶崎那里可以清晰的感受到其深厚的日本民族传统文化底蕴和民族人文精神的火花。他们在国际上设计地位的奠定一方面依赖于自身的天赋及对新材料、新工艺、新科技的深刻理解,另一方面也得力于他们注重设计中发掘日本民族最具深远意义的传统文化。 法国的艺术设计呈现着一种融设计与艺术精神于一体的鲜明特色。我们从法国设计大师的作品中也可以明显的感觉到法国的人文精神以及幽默、风趣、自由、浪漫的传统文化气息。从芬兰、瑞典、丹麦等北欧国家的设计作品里我们同样可以看出其社会、历史、人文思想、传统文化、民族特色等在作品背后振荡的涟漪。 中国香港设计大师靳埭强,对中国文化有着深厚的感情,非常注重延续中华人文精神的文脉,他挖掘出中国传统文化的精髓和韵致并巧妙的运用于现代艺术设计中,使用中国传统水墨与现代几何纹形产生独特的韵律,创造出了极具中国精神和现代感的优秀作品。 分析以上各国以及设计大师的成功案例,对中国当代设计的定位和发展具有重要的启示意义。随着现代主义观念的崩溃,设计更强调人情味和幽默感,设计也由标准化转向追求个性化、多样化,传统又被重视,民族风格再次得以强调。中国当代惟有放眼世界,把握自身的民族特色,将传统文化注入现代设计中,才可能创造出富有中国民风的又具时代精神的好的设计作品。中国的设计才能真正走向世界并在国际设计领域中占有一席之地。 众所周知,西方现代主义艺术吸收了东方乃至非洲原始艺术的精华,但西方艺术没有被东方艺术淹没。我们今天吸收、借鉴他民族的艺术精华,必须具有明确目的,即为了促进本民族艺术的发展。艺术世界的缤纷多彩由无数不同民族、不同艺术个性的艺术家组成。我国五千年灿烂的文明史,造就了中国传统文化的博大精深,五十六个民族共同缔造了个性鲜明、绚丽多彩的民族文化,这些不正是构成设计丰富内涵的独特资源吗?因此,对传统文化认识越深,设计才越有深度和魅力。 同志曾指出“近代文化,外国比我们高,要承认这一点。艺术是不是这样呢?中国在某一点上有独特之处,在另一点上外国比我们高明。……中国文化应该发展。……要向外国学习,学来创作中国的东西。……我们接受外国的长处,会使我们自给的东西有一个跃进。中国的和外国的要有机地结合,而不是套用外国的东西。……外国有用的东西,都要学到,用来改进和发展中国的东西,创造中国独特的新东西。”艺术设计并不反对有益于设计的借鉴和模仿,但也仅限于在学习阶段,长期倚靠必将抑制创造能力的生成。因而,“借”要借的适时,对设计初级阶段而言,要学会创造首先要学会借鉴和模仿,它是人类一种重要的自学能力,是一种认识规律的有效途径;“借”要借的适当,并非生搬硬套,削足适履,否则就如“东施效颦”;“借”要借的适度,这里所指借鉴和模仿不是抄袭或克隆,是建立在理解基础上的模仿,借鉴过程中的再创造。 艺术设计要做强做大,光靠虚心学习和甘为绿叶的谦虚态度是不够的;光凭一腔热情高呼口号,只说不做也是不行的;安于现状、不谋发展,在外来文化的渗透与垄断攻势下,我们只有坐以待毙。现代艺术设计的母体原型是文化,富有生命力的设计作品必须是建立在文脉的基础上的,否则就如“无源之水,无本之木”,没有感染力和竞争力。随着艺术设计的发展,以及人们对艺术设计民族性认识的深入,只有在积极吸收外来文化的基础上,不断发展民族艺术,才能使艺术设计作品具有真正的民族性。 设计具有民族性,更具社会性,它是人类活动的精神延续。设计在不同的时代具有不同特征与价值诉求。当代艺术设计已不仅仅是为了满足广大人民群众的消费标准化、人性化,而是在此基础上对设计本身所追求的一种精神上的升华。所以设计所创造的物品,不但体现了生活方式的全部,更体现了这个时代赋予它的特殊的人文主义民族风韵。在全球走向一体化之前,设计语言来自民族内部,因而民族风格非常鲜明,比如中国传统的建筑设计大都是木架结构宫殿式的风格,供君王居住;其他民族如希腊神殿、伊斯兰建筑、哥特式教堂等,主要用石质材料,供养神灵。这种民族风格的形成,都是由中华民族的实践理性精神决定的。 面对这个现代化、数字化的时代,为培养具有国际竞争力和创造性的设计人才,中国当代艺术设计高等教育,应充分重视和加强学生对中国传统文化的教育,努力构建具有中国民族特色的课程设置和教学体系,以便创造出更具中国元素的国际性设计作品。 艺术设计研究论文:艺术设计教学研究论文 摘要:新时期人们的一切生活方式都在不断变化,论文为此,我们的现代高等教育艺术设计教学也应该逐步有所改变,所以本文就高等教育的教学内容、教学方法、教学手段等谈一点自己的看法。 关键词:艺术设计;教学;看法 一、以前的高等教育中艺术教学的模式是在当时中国的经济、科技和信息都还很落后的时期制定的,如今我国经济持续高速发展,科技和信息都进入了一个崭新的时期了,如果我们现在依然用以前的教学模式去教学,可能就有些不适应不断发展变化的社会了,所以应该在遵循以前大的教学原则的情况下适当作些改变,使之符合当今社会的实际和需要。以理论教学和实践教学改革为重点,以强化艺术设计、施工、管理为支柱、以加强教材建设、师资队伍建设、实践教学基地建设、实验室建设为保证,遵循人才培养规律和专业教育规律。 二、艺术设计专业教学必须在原来的基础上进行改革,艺术设计专业教学改革必须从艺术设计的实际出发,对培养目标、培养规格、教学模式、课程设置体系、教学内容和教材等方面进行全面、系统的改革,突出综合素质培养,强化岗位技术教育,建立以艺术设计、施工和管理能力培养为主线的教育模式。针对艺术设计教学我提出自己的几点看法: 1.教学艺术设计专业的教学改革,职称论文应该体现专业教育特色,从社会实际需要出发,有针对性地构建学生的知识、能力、素质结构;强化岗位知识的学习和运用;完善、充实教学内容;加强操作技能、工艺实习等为主的实践环节;加大实践教学环节所占比例;加强产学合作,逐步建立学校与企业合作培养人才的机制。毕业生上岗后,进入状态快、动手能力强,经过一段时间的磨炼,可成为工程设计、投标报价、材料选择、施工技术、施工机具操作、施工项目管理、项目验收、工程预算等技术人才。我觉得教学中应该目标很明确,艺术设计专业是应用型人才,实践性强的专业,艺术设计专业教学的课程设置就应该强调其针对性,强调基础课教学的适应性,强调专业课教学的实用性,强调实践教学的连续性,和渐进性等,具体表现如下: 2.课程设置强调的针对性 艺术设计专业起步晚,发展快,所以我们要从社会实际需要出发,按照“实际,实用,实践,必需,够用”的原则和专业技能培养的实际需要,对课程设置作一些调整,突出技术应用能力培养。在新的教学计划中,我们应该着重从以下几个方面去完善: (1)在设计模块中,注重理论教学,突出动手能力培养,加强计算机辅助设计教学,强化计算机辅助设计在工程设计中的作用,建立专门的计算机实验室,使得学生有充分的操作机会,能够熟练地掌握,以便适应社会的需要。 (2)在施工技术模块中,以施工操作技能培养为基础,强化施工技术指导。留学生论文在教学过程中,以校内操作实验室为依托,让学生在学中做,在做中学。通过实践,提高动手能力,初步掌握施工操作规程,施工操作方法和施工机具的操作、使用、维护和保养;掌握工程质量的控制方法及检查、验收标准,理论联系实际,培养学生施工技术指导能力。 (3)基础课教学强调适应性 艺术设计专业教学应该纠正以往基础课与专业课工作总结“各自为政”的脱节现象,打破原有狭隘的基础课教学格局,超越单纯技巧和经验的传授。为纠正基础课教学与专业课脱节的现象,改调子素描为设计素描;改绘画色彩为装饰色彩,并加大室外写生训练。 (4)专业课教学强调实用性 一种理论只有用于实践才有其存在的价值和意义:如果不能指导实践,那便是毫无意义的空话。在制订改革方案时,经认真调查研究,按照专业教育特点、强调专业课教学、理论教学的实用性、实践性、着眼于培养技术应用型设计人才,总结过去的教学经验,结合具体的情况和实际需要,对专业课教学、理论教学内容加以调整,强调实用性。 (5)实践教学强调连续性和渐进性 艺术设计是需要理论教学和实践教学不断的交替,互相渗透的。艺术设计是多学科的知识的综合集结和运用。在具体的设计中,难以确认固定的秩序和搭配关系。在今天这样的开放的社会中,对外设计服务已是不可逆转的趋势,以教师带领学生走向社会,使专业必修课在社会实际设计中完成,为保证实践教学的落实,学校应该与用人单位合作,建立校外实践教学基地。 艺术设计研究论文:环境艺术设计思维研究论文 内容摘要:人类的不断进步带来了对自身生活环境的更高要求,因此环境艺术设计成为了十分重要的设计门类。效果图作为环境艺术设计的表达方式,越来越被人们所重视,手绘效果图和电脑绘制效果图都有自身的优缺点,把两者合理地结合,就能使环境艺术设计思维得到最优秀的表达。 关键词:环境艺术手绘效果图计算机绘制效果图 环境艺术是人与周围的人类居住环境相互作用的艺术。 著名环境艺术理论家多伯说:“环境艺术作为一种艺术,它比建筑艺术更巨大,比规划更广泛,比工程更富有感情。这是一种重实效的艺术,早已被大众所瞩目的艺术。环境艺术的实践与人影响其周围环境功能的能力,赋予环境视觉次序的能力,以及提高人类居住环境质量和装饰水平的能力是紧密地联系在一起的。” 环境艺术设计是设计师对环境的设想与规划,如何把设计师对于环境的设想与规划呈现出来,作为客观的具体方案展现在受众面前,这就涉及到了环境艺术设计思维的表达方式。 环境设计的表达是通过效果图这样一种载体呈现的,效果图是借助设计师的设计思维,用徒手绘制或计算机软件勾画出建成后的效果而生成的静态表现图。效果图能较准确表达设计方案,使设计师和非专业人士都能提前清楚地看到项目建成后的效果、概貌。在方案的形成、修改与确定的过程中起到非常重要的作用。由于效果图所特有的直观视觉效果,很便于与业主进行沟通与交流。效果图也是在工程投标中不可缺少的设计图纸,它也是投标过程中业务竞争必不可少的步骤。 早在十几年前,计算机的运用远不及现在广泛的年代,手绘曾是设计人员的必备功夫。自从有了电脑模拟真实环境的能力,很多搞规划、设计的人就开始向这方面努力了,当今,环境艺术设计的表现方式就出现了这样两大类:手绘效果图和计算机绘制效果图。这两种绘图方式有着根本的区别,但是也有着紧密的联系。下面就从这两个方面作一下论述。 一、手绘效果图的特点 1.从思维方式上 设计徒手绘制效果图实际上是一种图示思维的设计方式。在一个设计的前期尤其是方案设计的开始阶段,最初的设计意象是模糊的、不确定的。而设计的过程是对设计条件的不断“协调”,图示思维的方式即把设计过程中有机的、偶发的灵感及对设计条件的“协调”过程,通过可视的图形将设计思考和思维意象记录下来。这样一些绘画式的再现,是抽象思维活动的适宜的工具,因而能把它们代表的那些思维活动的某些方面展示出来。 徒手设计草图这种形象化的思考方式,是对视觉思维能力、想象创造能力、绘画表达能力三者的综合。这个过程的目的,不在于画面效果,而在于观察、发现、思索,强调脑、眼、手、图形的互动。徒手设计草图的训练,无疑是培养形象化思考、设计分析及方案评价能力,以及培养开拓创新思维能力的有效方法和途径。2.从图面效果上 手绘的效果图生动、含蓄,富有活力和表现力。 手绘效果图有着多种多样的绘画方法,有用铅笔、钢笔绘制的速写效果图;有色彩淡雅、明快的水彩效果图;有空间感、光感、质感都比较强的水粉效果图;有快捷、方便、表现力强的马克笔绘制的效果图;还有与喷绘技法结合的模仿真实效果的喷绘效果图。 由于手绘的技法种类很多,所受的限制较少,因此这种效果图所表现出的人文性和风格性较强,就像绘画一样,可以利用各种不同的表现手法,直到最终表现出设计师想要的空间意境和风格。因此,手绘效果图可以产生多种多样的艺术效果和文化空间,这种表现不是单一的,它可以有板有眼,生动逼真,也可以罗曼蒂克,带有浪漫情调,所有这些都取决于设计和表现的灵活性。 3.从设计程序上 手绘表现是设计前期的根本阶段,整体布局、室内空间的基本形态、外立面的造型、大致的明暗对比关系,都可以通过手绘表达。 用铅笔或钢笔的快速手绘可以帮助设计师更好地将自己的设计观念展现给客户,在与客户进行初次交流时,快速手绘是很重要的。因为设计师可以根据客户的口述画出装修后室内的大体效果,也让客户有了初步的了解,然后在这个图的基础上再对客户提出的要求进行改进,对促进设计师与客户的交流很有帮助。 在设计的中、后期,手绘的表现也是值得提倡的。由于徒手绘制的效果图与设计师的设计思维联系紧密,是设计师驰骋的设计理念最真实的表达。因此所表现的人文特质与文化内涵都比较深厚,画面轻松奔放,洋溢着一种画的情趣,尤其是环境的处理,并非十分逼真的效果,而是渲染出一种气氛,很有观赏性和艺术性。这种艺术性较强的绘画作品,在设计的竞标中,也会起到重要的作用。 二、计算机绘制效果图是把“双刃剑” 计算机技术在设计学科中的广泛运用,带来了设计方法和观念的变革,成为设计和创作的新趋势和新动向。计算机绘制效果图是利用三维软件精确地按照设计图比例,将准确勾画出的模型经过平面软件处理成逼真的效果,它具有直观、真实、准确的特点。电脑绘制效果图,具有手工绘图不可替代的优点。 1.能准确无误地真实反映空间及用材的质感。“以假乱真”,让人看到工程装饰完毕的真实效果。 2.画面整洁、清爽,让人耳目一新。 3.修改方便,可以在短时间同时推出多种方案。 4.雅俗共赏,水平、素质不同的客户均可以满足。 然而,如同一切高新技术一样,电脑技术在设计学科中的运用亦存在着众多的负面效应。如电脑技术带来了设计的“异化”,反映在具体的设计中即为重“表现”轻“设计”,设计方案招投标变成了电脑效果图竞赛;学生设计时在电脑效果表现上所花的时间大大超过设计方案构思的时间,重“结果”轻“过程”的情形十分严重。同时,电脑技术其本身特点也在一定程度上束缚了设计思考过程“幻想”的翅膀,电脑技术及其软件本身的局限和操作者的水平影响了设计构思,扼杀了方案构思过程中的转瞬即逝的设计灵感,让使用者不得不放弃方案初始阶段的模糊性和随机性,而向电脑“投降”,使设计艺术创作变成简单的工业化“生产”。再如在设计教学中,学生过分依赖电脑和沉湎于电脑,忽视了严格的基本功训练,对设计徒手草图的训练和运用失去了应有的热情和追求,最终导致设计分析、思考、创作能力的丧失,也使学生设计素养降低。 计算机辅助设计作为设计手段,为设计空间注入了活力,为设计过程与优化最终效果提供了可能,我们应在手绘创意表现的基础上,通过电脑美术辅助设计,使设计意图发挥到最佳效果。 艺术设计研究论文:艺术设计专业色彩教学模式研究论文 、色彩教学的目的与意义 色彩是一种感情符号,是一种旋律,是设计者表达创意和传达审美意识的重要手段。 色彩是高校艺术设计类专业的必修课,对培养学生的色彩观察能力和色彩表现能力起着主导作用。色彩作为艺术设计类专业基础课,对其提高艺术审美修养与审美判断能力,激发学生色彩的创造性都是至关重要的。 二、色彩教学现状及问题 1.传统绘画写生色彩教学 传统绘画写生色彩教学是先学习色彩基础理论知识,再以色彩写生实践为主进行传统的静物写生训练,这种教学模式很容易引导学生进入纯绘画的领地,而对引导学生色彩形象表现的多样性和对色彩应用功能的训练不够,导致教学目的实现形式单一,不能充分调动学生对色彩表现的主观能动性,对学生今后的设计起不到指导性作用。 2.现代设计色彩教学 设计色彩不同于绘画色彩,它需要强化学生的色彩构思和创意性思维能力,同时要充分发挥学生的主观能动性,通过色彩训练,融入设计意识,打破狭隘的色彩观念,这样要求学生具备较强的色彩表现能力。由于近几年艺术教育的大众化,部分学生美术基本功不强,如果盲目要求学生进行设计色彩的训练,将使学生不知所措,相反会更加茫然,达不到预想的目的。 三、色彩教学模式的探讨 通过多年的教学实践,笔者认为,艺术设计专业的色彩基础教学,应在重视色彩基础理论知识与写实色彩一般表现形式的基础上,针对专业特点和学生实际能力,由浅入深、循序渐进地结合人的主体色彩意识传达,并吸收各种表现形式,着重研究设计色彩的认识表现及应用,帮助和引导学生逐步构建一套较为实用的色彩体系,并给予宽泛而自由的色彩语言选择,来表达自身的审美情感和富于个性的创造性的色彩设计思维空间,着力培养和提高学生的色彩素养与设计色彩的原创性审美能力。基于这种认识,笔者认为色彩课程教学可按以下三个模块来进行训练。 1.写生色彩训练 写生色彩是指通过写生来研究色彩的规律与方法,了解物体在光的作用下产生的变化规律,从物体的形、色、光等因素中探寻色彩的本质规律。色彩是绘画中十分重要且富有魅力的艺术语言;色彩写生是再现自然、再现生活的非常有效的艺术表现手段。通过色彩写生,能提高色彩的分辨能力和使用色彩造型的能力。 写生色彩教学中强调色彩三要素的原则,强调色彩的冷暖对比和物体在特定光源下受光与背光不同的色彩变化,强调在相互比较中建立色彩的整体关系。注重色彩的色相、明度、纯度、冷暖的差别,注重在色彩弱补色对比下的微妙变化,强调画面的色彩意识和整体的色彩气氛,培养学生正确的、整体的表现方法。整体的观察表现方法永远是写生色彩训练的重点与优秀,训练中应时刻提醒学生坚持并遵循这一方法,不断改正与整体观察方法相对的习惯认识,巩固整体观察的概念,规范整体观察下的作画程序。整体观察的方法其实就是一种紧密联系的相互比较的方法,写生色彩的整体观察方法仍然要遵循色彩三要素的原则,在比较中确定它们的色相、明度与纯度,在比较中产生冷暖关系。 写生色彩训练,一般以静物为主,静物在造型、色彩、质地等方面都有非常丰富的变化。写生中画某个具体物体时不要只盯着这个物体看,还应该着眼于它周围的东西上,用眼睛的余光去感受要画物体的色彩关系,眼睛始终在整个色彩环境中巡视。写生色彩除了训练学生整体的观察方法,还要训练学生整体的表现方法及表现技巧,更好地为下阶段的训练打好基础。 2.归纳色彩训练 归纳色彩是通过写生的方式,在写实色彩的基础上,面对同一组静物,以归纳为表现手段,进行概括、提炼的实践过程。归纳色彩训练侧重表现客观色彩的主观感受,通过对形与色的提炼、概括,使画面形成丰富而现代感的装饰效果。概括与提炼并不是以减少色彩为目的,原则上尽可能保留各种色彩的一席之地,保全色彩的丰富性,只减弱一些极其微弱不起什么说明性作用的小部分色彩的种类和数量。 归纳色彩将复杂的色彩关系通过概括、提炼、归类等方法进行删繁就简的处理和组织,传统写生色彩要充分表现客观物象的固有色、光源色、环境色属“加法”练习,色彩归纳写生是在做“减法”,但并不是简化,而是一种艺术语言上的以少胜多。 归纳色彩的表现特征是化繁琐为简约、化杂乱为条理、化写实为夸张、化立体为平面,它能有效地培养学生对色彩进行深层次的认识,同时培养和启发学生对色彩装饰性的领悟与兴趣,从中也可看到画面已向二维方向转化,向设计表现方式转化,为日后走向设计奠定基础。常见的归纳方法有写实性归纳、平面性归纳、意向性归纳等。 3.装饰色彩训练 装饰色彩是在自然色彩的基础上运用概括、提炼、想象、夸张后形成的色彩,在视觉中它是最活跃、最具冲击力的。它不以模仿、再现真实事物为满足,它不依附于规律,而是对自然界色彩的一种整理、归纳和概括,并按照美的法则和主题需要,对色彩进行变色、变调的加工,强化主观感受,力求创造出某种特定的艺术氛围和效果,使色彩成为反映设计者审美观点和设计意图的强有力手段。装饰色彩往往带有理想化倾向,以象征的手法,明确、清晰地概括和表现自然,画面所营造的装饰性色彩改变了客观物象所显示的颜色,给人以启示性的感受。 写生色彩重模仿,重视视觉在感官上的外在形式和特征,关注光、色、体在视觉上的真实性,具有客观表现的特征;装饰色彩则重直觉、重表现、重味觉触觉在心灵感知上的内在形式与诗意表达,它十分注重形与神、色与意的多重关系,具有主观性的特征。 装饰色彩着重于发现和研究自然景物色彩的形式美,研究自然色调中各种色相、明度、纯度、冷暖之间的对比、谐调规律,它不受光源色、环境色和固有色的束缚,完全根据画者的主观意识和需要来表现色彩的色调、冷暖及色彩之间的相互配置与变化,使画面达到和谐、优美、统一的效果,从而揭示色彩艺术的普遍规律。装饰色彩常用的表现方法有概括与提炼手法、夸张与变形手法、分割与勾线手法等,教师在教学中可根据学生具体情况和专业特点来进行大胆的想象和创造。 总之,色彩训练对艺术设计专业的每个学生来说都是非常重要的。艺术教育中色彩教学的研究也是一项复杂而系统的工程,不可能一蹴而就,教师应根据学生不同的专业特点来具体研究色彩教学的方法,寻求理想的教学模式。 艺术设计研究论文:产品艺术设计研究论文 内容摘要:人是设计的前提,是设计的对象和主体。人的需求是产品设计的主要依据,了解用户的行动结构和行为心理所得出的设计思路是优秀产品艺术设计产生的重要因素。 关键词:产品艺术设计行为心理学人性化设计原理 产品艺术设计从萌芽到发展,经过了漫长的岁月,经历了多种多样的设计风格的变革。从以纹样装饰为主的装饰风格和古典艺术风格的复兴,到注视功能和有机形体的现代主义,艺术设计似乎都停留在造型的范畴上。对艺术设计的内容与形式方面的探讨,却都反映了一个经济现象,那便是以产品为主导的经济现象。以往的产品艺术设计过多地重视了产品的制造,产品销售的利润,却忽略了产品的使用者——人的因素。 北欧的产品艺术设计,因其一贯坚持的人性化,在不牺牲功能的“软性现代主义”的设计风格下,产生了许多被人们所接受和喜爱的产品。它们便是重视了人的因素,才使得北欧设计代表了优秀设计的高品质,成为世界优秀设计的代名词。 一、人的需求是产品设计的主要依据 随着社会的不断进步,最高效率地掌握和操作产品,是当今设计的关键和优秀。现代生活的人们工作节奏加快,面临的是竞争激烈的世界,当然不希望在使用日常生活用品的过程中也碰到许多意想不到的麻烦。产品的功能设计要根据消费者对产品的生理需要,力求达到产品的方便性、使用的科学性和相应的价值观。如果一件新产品,人们需要事先阅读说明书才能明白操作的要领,那么它绝对不是好的设计,因为没有一个使用者会愿意去看说明书里枯燥而烦琐的内容。 简单和功能单一的产品逐渐受到人们的喜爱,因为人们曾经陷入科技发展而导致的产品设计的误区。多功能的、过于饱和与功能的重复堆砌不仅仅造成资源的浪费,也容易引起人们的误操作。而多功能必然导致设计的复杂性,要设计师们合理安排各种设计界面的穿插也是很不容易的,因此,功能饱和的设计仅仅是对科技发展的炫耀,而不是人的实际需要。事实上,有一些产品的功能,用户使用的频率极小。 比如,对有关微波烤箱的消费者调查显示:烤箱的功能很多,可绝大多数的消费者在使用过程中只是将食物放入烤箱,设定所需时间,然后开机。至于其他复杂的附加功能从未使用过。因此,根据消费者的动态的心理变化和需求,产品的功能设计有几个趋势: 1.自动化程度提高; 2.向“轻、薄、短、小”方向发展; 3.从提高生活质量出发,注重整体设计效应; 4.一看就懂,易于操作,功能适度。 二、行为心理与产品设计 人是设计的前提,是设计的对象,是设计的主体。如何设计使用方便、结构合理的产品,需要人们研究工程心理学和工效学方面的知识,了解产品的功能设计与人的生理和行为特点的匹配关系。因此,在产品设计中,要考虑消费者的行为规律,力求做到人——机——环境的和谐。怎样设计才能更简洁明了?怎样才能迅速引起操作者的注意?怎样传达正确的信息才能使得使用者有正确的理解?因此,想要有合理的、科学的设计,必须对使用者行为心理有一定的研究,才会有效地设计产品。 首先,要了解人在做一件事时所经历的步骤,即行动的结构问题。要做一件事时,人首先要明白做这件事的目的——行动目标;然后,要采取行动,自己动手或利用其他的人和物;最后是看自己的目标是否已达到。所以简单地说要考虑目标,对外部世界所采取的行动、外部世界本身以及查看行动在外部世界中所形成的后果。行为本身又包括两个方面,去做什么和检查做的结果,又称为“执行”和“评估”。 实际生活中,这个过程却不那么简单。因为最初的目标也许并不十分明确,目标并不会准确表明行动的具体内容——在哪做,怎么做等等,所以要想采取行动,还需要将目标转化为明确的行动步骤,即“意图”。 假设坐在沙发上看书,天色已晚,需要光线亮一些。目标:要得到更多的光线。目标转化成意图是:开台灯。但还需要明确如何移动身体,如何伸手触摸开关,如何用手指去操作开关,还可以有其他意图,请一个人帮忙开灯。这样目标没有发生变化,可意图和具体的动作却有不同。 然而,人们在实际的行动过程中,充满了不确定和随机性,有的时候很多活动不是靠单一行动所能完成的,或者一次行动无须经过所有的阶段,所以活动的复杂性使得行动中产生执行和评估阶段的断续。 在使用产品的过程中,人们常弄不明白自己心理意图及解释,与实际操作及外界状态之间的关系。每一个断续的产生都是人内心对外界的解释与外界实际状态这两者的差异造成的。某种产品的操作系统是否与用户设想的一致?执行阶段的断续即指用户意图与可允许操作之间的差距。在评估阶段,容易得到并可轻松地解释系统提供的有关信息一致,则所产生的差异很小。 这两个断续,正是一些日用品设计的瓶颈,一些看似简单的日用品,结构并不复杂,却因为没有处理好这两个断续的解决方法,就难倒了用户,让用户自己来承担操作困难的责任。于是,根据这些基础的行为心理知识,为设计师提供一些基本依据,以便检查设计有没有出现执行和评估的断续或将它们处理好。 如何使用户轻松地确定某一操作?有哪些可能的操作?具体如何操作?如何建立操作意图与操作行为之间的匹配关系?如何建立系统状态与用户解释之间的匹配关系?用户如何知道系统现在的状态?这些都需要设计者有所考虑。当然,行动的每个阶段都需要自身独特的设计策略,根据每个阶段的情况来确定设计方案,这就得到一个重要的设计原理: 1.可视性,用户一看就知道的物品状态和可能的操作方法。 2.正确的概念模型,使操作键的设计与操作结果一致。 3.正确的匹配,建立可判定的操作与结果,控制器和功能,系统状态与可视提示之间的匹配关系。 4.反馈,用户可以接收到有关操作结果的完整,持续地反馈(转第103页)(接第109页)信息。 三、设计原理中的心理学思维 设计优秀的物品容易被人理解,直接给用户提供了操作方法上的线索;而设计拙劣的物品使用起来很困难。它们不具备任何操作上的线索或给用户提供一些错误的信息,使用户陷入困惑,破坏了正常的解释和理解过程。可以利用以上原理对现有设计做个评估,从而可以知道,有问题的设计问题出在哪,向哪个方向改进会避免问题的出现;也可以用这些原理指导我们的设计,在创新的过程中创造出有效、易于操作的使用方式。 可视性,要表现操作意图与自己和产品之间是否实现了互动,即操作意图与实际操作之间的匹配,并且要让用户看出物品之间的关键差异。基于可视性,才可以把事物区分开来。操作结果的可视性能够让用户知道使用的方法是否正确。 可视性只是原理的一点,更重要的是建立正确的概念模型。这里需要提到预设用途的概念,指物品被人们认为具有的性能及其实际上的性能。预设用途为用户提供了操作的明显线索。比如手板是用来推的,旋钮是用来转的,狭长的方孔是用来插东西的等等。如果预设用途在设计中得到合理的利用,用户则无须借助任何图解、说明就知道如何操作了。在概念模型中,物品的表面结构,限制条件和匹配可以帮助人们了解物品的使用方法。以剪刀为例。剪刀柄上的圆环显然是让人放东西进去,而唯一合乎逻辑的就是把手指放进去。圆环的大小决定了使用上的限制,限制了放的手指的数目;同时剪刀的功能不会受到手指位置的影响,放错了手指,照样可以使用剪刀。所以就算是第一次使用剪刀,用户也可以弄明白它的使用方法。因为剪刀的各部分显而易见,功能清楚。剪刀的设计突出了概念模型,并有效利用了预设用途和限制条件。 匹配原则,以汽车为例,想要把车往右转就需顺时针转动方向盘,这里有两种匹配关系,方向盘是唯一负责汽车方向的,方向盘不是向左转就是向右转。匹配性使得用户的操作动作与操作结果之间表现出紧密可见的关系,信息反馈很迅速,也非常好记。 反馈原则在原来经典的电话概念模型中有很好的体现,按下按键用户会听到确定的声音来帮助辨别工作状态。功能设计上要注意到对人的视觉有及时的反映,以判断操作的正误。 了解用户的行动结构和行为心理所得出的设计原理是产生优秀设计的重要依据。贯彻以人为本的科学发展观,也是产品艺术设计中的关键。研究人的行为心理可以更好地为人类服务。 市场经济的不断发展,研究消费者心理已成为生产者和设计师的出发点。如果没有对消费者心理深入的了解,设计出来的产品再好,也只能是放在柜台里,不能产生市场效益,所以重视对消费者的需要、动机、个性、情感的调查和了解,做到产品设计理念上新颖,视觉上好看,使用上方便,品位上满意,价格上合理,就一定能推出受市场欢迎的优秀设计,实现生产者、设计师和消费者共赢,达到市场经济不断繁荣的目的。 艺术设计研究论文:艺术设计教育体系研究论文 引言 如同所有的理论总是滞后于实践一样,艺术设计教育也总是落后于现代设计的实践。这一点在中国现在的艺术设计教育中,表现得更为突出。 一方面,迅速崛起的经济建设高潮,一浪高过一浪,信息时代的产业更替几乎冲击着一切领域。在中国植根的现代艺术设计,不得不仓促上阵,以非常不成熟的理论与实践,迎接着信息时代快节奏产业革命的挑战,为中国的产业化提供着力不从心的服务。 另一方面,信息时代对现代设计人才需求的高起点,批量化,又逼迫着中国的艺术设计教育,尽快为社会提供着必须的现代设计人才。这一点可以从现阶段中国高等院校遍地开花式地开设艺术与设计学科看得真真切切。 再一方面,中国现实的艺术设计教育状况,又十分令人难以满意,社会,或者说市场不能满意,业内不能满意。社会不满意,主要是人才数量和质量不能适应市场需要的问题。业内不满意,最优秀的就是没有一个基本可以成为指导思想的设计教育理论,教育的方向还无法清晰透彻,教学方法还不能适应设计教学实践的需要。甚至可以说,仅仅有二十几年历史的中国现代艺术设计,还拿不出一个自己满意,社会满意,比较完整的教育体系。反映到教育实践中,就是艺术设计教学的无序,师资队伍的不整,教材取用的随意,教学方法的陈旧,招生制度的落后。反映到社会上,就是学生因受教学校的不同,专业水平、职业素质、工作能力等等,有着极大的差异。 高等教育,历来就是出人(培养社会需要人才)、出理论(总结和建立专业理论体系)的地方,高等艺术设计教育也不例外。现代设计的实践,要求艺术与设计教育积极回应社会的这一要求,尽快建立起,适合中国传统文化与现代科学技术相结合的艺术设计教育体系。 第一章转变思维方式 仅从教育着眼,我们的教育革命已经进行了上百年,从20世纪20年代的五四新文化运动开始,就有鲁迅、蔡元培等人发起的教育革命运动,使中国的传统文化与传统教育方式,走向了与现代科学和现代教育相结合的道路。新中国成立后,又有同志发动的教育革命,提出两个“必须”,即“教育必须为无产阶级政治服务,教育必须与生产劳动相结合”。改革开放以后,我们的教育,又恢复到从前的轨道上,近些年,我们又开始大力提倡“素质教育”。我们暂且不论过去进行的教育革命的内容,以及取得的成果如何,至少说明,在一个世纪的时间里,我们从未停止过对教育的革命。 教育革命最重要的是思维革命 这是葛鹏仁先生积极提倡的教育革命观点。葛鹏仁是中国美术学院的教授,被称为:当北京的一批知识分子在九十年代渐渐脱胎换骨进入当代后,唯有葛先生还执著地留在现代。 葛鹏仁自欧洲游历数年之后,一直在中央美院倡导艺术教育应引入后现代艺术内容,而且竭力鼓吹后现代主义。为此,葛鹏仁放弃了第四工作室,办起了“当代艺术研修班”。葛鹏仁认为,因为我们的教育和传统文人封闭的心理模式,中国知识分子有一个致命的弱点,即缺乏一种大文化观。他们看问题只是从专业的、局部的、个人的、地域的角度,这是非常狭隘的。比如很多画家现在所关注的还是“语言”本身,其实现在的“第四画室”也局限在“语言”里,什么语言的“张扬”了,视觉的“满足”了,根本没有涉及到文化观念和文化信仰问题。 葛鹏仁认为,教育革命主要是思维革命。不论是教授者还是被教授者,其思维都要进入信息时代,以全球化的眼光去选择知识。革命是先进的代替落后的,教育革命不但要有新的知识内容,还要有新的知识传授形式;具体地说,就是从“内容”到“形式”必须体现社会化、信息化、智慧化、创意化。对于美术院校的教师和学生来说需要塑造的不是形式,而是思想。他说:进入20世纪90年代,西方人明白了一个问题——艺术变成思想者的新思想,也是人类当前所面临的新问题。中国当前的教育和美术教育存在的问题很多,但本质是体制问题,本质的症结所在就是一种建立在农业文化基础上的教学观。从目前美术界一些现象来看,那种靠小技巧投机、小技巧卖画的行为泛滥就是一种很强的农民意识的反映——只顾眼前利益,现买现卖。这与我们目前的教育和美术教育滞后有直接关系。从美术教育的水平来看,还停留在印象派和后印象派之间。因此,我们总是用过去的眼光和方式来解决当前的问题。这种教育对于我们民族的长远发展毫无益处,尤其是现在进入到后工业时代了,其危害性我们不能小看,它不仅限制了人的创造思维,削弱人的自信和参与竞争的实力,甚至会泯灭人格和人性。这不是危言耸听。为了挽救我们的民族,我们必须实行“超前教育”。 在如何培养未来的艺术家的问题上,葛鹏仁认为,在纯艺术教育领域,应侧重对旧的知识结构的改变和思维观念转换上。艺术教育,实际上包括两个方面,即,有形资产和无形资产。有形资产是可以拿来的,在教学中也比较容易实现,但有形的同时也是有限的。另一个是无形的资产,即人类的、民族的文化精神和文化意识。它是无限的。它包括性格品格、性格品质、观念产生和实现过程的勇气和能力。有形和无形看起来比较虚,但在具体教学中如果不改变以前的模式,加入这种无形的东西,我们就只能在形式上改变,而不能从思维观念上改变,这不是本质意义上的改变。有形资产只能让你重复,而无形的资产却能让你有新的开拓和建树。其实,不只是在艺术界,就是在科学技术领域这种无形的资产也有着非常重要的作用。应该说,前卫精神在各个领域都是相通的,它有着一种警示和启迪人类智慧潜能的作用;虽然它反映的形式有各种各样,虽然它有可能有些极端,但很可能是未来的走向。这种前卫精神即源于这种无形资产的教育。 葛鹏仁认为,文化人如果没有一个终极信仰、终极目标,那么他只是一具躯壳。海德格尔说过:“艺术作品的真正意义在于,把真理植入你的作品中,带回到人间,别人才能从中得到感悟”。哥白尼为真理而牺牲,他有改变信仰的机会,也有生的希望,但他选择了真理。我们的知识分子特别缺乏这种东西。有了它,真我才能存在。 葛鹏仁按着自己的教育思想,执著地进行着教育改革,实施着被称为“自新教育方式(开办讲座)”的教学。他遵循开放性教学原则,要求学生创作要面向社会。使学生有目标、有驱动力,把文化参与落实到社会中来。创作面向社会,就会产生意义,产生参与感、责任感,在文化意识上发生作用,并把个人和现实文化联系起来。他要求学生不要把自己圈在小文化背景里,要多交艺术专业以外的朋友,建立起一个大文化背景。他认为当代艺术首先要解决的是生活方式问题,什么样的生活方式出现什么样的作品。 为了共同创造一个共同研究的氛围,他甚至允许学生可以不画素描,不做雕塑,而是每星期请学院内外的艺术家、批评家和策展人做后现代艺术讲座。他甚至把通县的流浪艺术家都请去美院上课。他鼓励学生相互之间多交谈,谈艺术、谈社会、谈人生、谈一切感兴趣的内容。包括请文学批评家谈社会问题。他认为,现代艺术产生在沙龙、咖啡馆。从印象派开始,每次革命都是在咖啡馆,包括俄罗斯的强力集团、巡回展览画派。只有不同的文化观在一起碰撞,才能产生大社会文化。他认为教思想,教会学生一种思考艺术的能力,比教技法和传统历史更重要。中国艺术教育体系从不教学生思想,中国的许多艺术家就像中国的足球运动员,除了搬用西方艺术形式套用中国题材外,基本上毫无创意可言。 他提倡直接进入创作,通过创作去综合运用个人的能力,找寻适合于自己的感受点,带动其他因素,诸如技巧、材料、载体等。直接进入创作的优势在于激活其内因对生活、对社会反映的敏感力、认知力、艺术表现力和责任感。他通过一次次的展览,推动不是载体,而是思想上的变化。 葛鹏仁探索的道路也许还十分艰辛,但我们似乎看到了当年包豪斯艺术教育改革的影子,也似乎看到了教育思想的某些影子。葛鹏仁教育革命即思维革命的观点;教思想、教思考艺术能力比教技法和传统历史更重要的观点;自新教育方式、开放性教学原则、直接进入创作、理论与实践相结合的方法,都会给未来艺术与设计教育以极大的启发。 新思维成就了包豪斯的教育伟业 在以前的章节中,我们已经就包豪斯的艺术设计理论与实践,进行了许多讨论,下面我们再从艺术设计教育的角度,探讨一下包豪斯的影响。20世纪以来,包豪斯几乎成了现代艺术设计教育成功的代名词。包豪斯的实际影响,以及它所具有的广泛积极指导意义,早已经超出了它本身的工作效果和教育成就。那么是什么使包豪斯能够取得如此之大的成就呢?简而言之,就是思维方式的根本转变。 弗兰克·惠特福德(FRANKWHITFORD)在《包豪斯》一书前言中写道:“在眼下的这个时代里,还是会有人不断地问起那些包豪斯当年曾经提出过的问题——进行艺术与工艺的教育时,应该采取什么样的方式;优秀设计的本质是什么;建筑对于生活在里面的人们会造成一些什么样的影响——同时,这些问题象以往一样,迫切地需要得到解答。设计我们的生活的那些人,还是继续从包豪斯的作品当中汲取着灵感。而遍布世界各地的许多艺术院校里,包豪斯的艺术教育方法依然普遍地影响着它们现在的教学。” 包豪斯前后经历了三个发展阶段: 第一阶段(1919—1925年),魏玛时期。格罗皮乌斯(WALTERGROPIUS)任校长,提出“艺术与技术新统一”的崇高理想,肩负起训练20世纪设计家和建筑师的神圣使命。他广招贤能,聘任艺术家与手工匠师授课,形成艺术教育与手工制作相结合的新型教育制度; 第二阶段(1925—1932年),德绍时期。包豪斯在德国德绍重建,并进行课程改革,实行了设计与制作教学一体化的教学方法,取得了优异成果。1928年格罗皮乌斯辞去包豪斯校长职务,由建筑系主任汉内斯·梅耶(HANNSMEYER)继任。这位共产党人出身的建筑师,将包豪斯的艺术激进扩大到政治激进,从而使包豪斯面临着越来越大的政治压力。最后梅耶本人也不得不于1930年辞职离任,由密斯·凡·德·罗(MIESVANDEROHE)继任。接任的密斯面对来自纳粹势力的压力,竭尽全力维持着学校的运转,终于在1932年10月纳粹党占据德绍后,被迫关闭包豪斯; 第三阶段(1932—1933年),柏林时期。密斯·凡·德·罗将学校迁至柏林的一座废弃的办公楼中,试图重整旗鼓,由于包豪斯精神为德国纳粹所不容,面对刚刚上台的纳粹政府,密斯终于回天无力,于该年8月宣布包豪斯永久关闭。1933年11月包豪斯被封闭,不得不结束其14年的发展历程。 包豪斯虽然已经成为历史,但是它的两大特点至今不能被人忘记:一是决心改革艺术教育,想要创造一种新型的社会团体;二是为了这个理想,不惜做出巨大的牺牲。包豪斯的创办者兼校长格罗皮乌斯(WALTERGROPIUS)亲自制定了《包豪斯宣言》和《魏玛包豪斯教学大纲》,明确了学校目标:一要挽救所有那些遗世独立、孤芳自赏的艺术门类,训练未来的工匠、画家和雕塑家,让他们联合起来进行创造,他们的一切技艺将会在新作品的创造过程中结合在一起;二要提高工艺的地位,让它能与“美术”平起平坐。包豪斯声称,“艺术家与工匠之间并没有什么本质上的不同”,“艺术家就是高级工匠……因此,让我们来创办一个新型的手工艺人行会,取消工匠与艺术家之间的等级差异,再也不要用它树起妄自尊大的藩篱”;三要把包豪斯与社会生产、市场经济紧密结合起来,把自己的产品与设计直接出售给大众和工业界。包豪斯声言,他们将“与工匠的带头人以及全国工业界建立起持久的联系”。 按照《宣言》和《大纲》,包豪斯建立了自己的艺术设计教育体系——包豪斯体系。这个体系的主要特征是:一、设计中强调自由创造,反对模仿因袭,墨守陈规;二、将手工艺同机器生产结合起来;三、强调各类艺术之间的交流融合;四、学生既有动手能力,又有理论素养;五、将学校教育同社会生产挂钩。 从以上介绍看,在包豪斯发展的每一步,都有一个能够跟上时代步伐、符合时代要求的新思维代表人物,这个人物就是包豪斯这艘驶向远方航船的舵手。我们不难想象,如果没有政治原因,包豪斯至今仍然会生活在我们的时代。包豪斯的创始人格罗皮乌斯,针对工业革命以来所出现的大工业生产“技术与艺术相对立”的状况,提出了“艺术与技术新统一”的口号,这一理论逐渐成为包豪斯教育思想的优秀。 包豪斯以前的设计学校,偏重于艺术技能的传授,如英国皇家艺术学院前身——设计学校,设有形态、色彩和装饰三类课程,培养出的大多数是艺术家而极少数是艺术型的设计师。包豪斯则十分注重对学生综合能力与设计素质的培育,为了适应现代社会对设计师的要求,他们建立了“艺术与技术新统一”的现代设计教育体系,开创类似三大构成的基础课、工艺技术课、专业设计课、理论课及与建筑相关的工程课等现代设计教育课程,培养出大批既有艺术修养、又有应用技术知识的现代设计师。实用的技艺训练、灵活的构图能力、与工业生产的联系,三者的紧密结合,使包豪斯产生了一种新的“艺术+技术”的设计风格,其主要特点是:注重满足实用要求;发挥新材料、新技术、新工艺和美学性能;造型简洁,构图灵活多样。包豪斯艺术方向和艺术风格使它成了二十世纪欧洲最激进的艺术流派的据点之一。 格罗皮乌斯有一个很重要的思维方式:从本质上讲,美术与工艺并不是两种截然不同的活动,而是同一个对象的两种不同分类。艺术家比较注重艺术理论,容易接受新思维,他们教育学生,一定能胜过旧式工匠。这类艺术家可以向学生强调并解释一切艺术活动的共通要素,让学生了解到美学的基础。他们可以利用自身的经验,帮助学生创造出新的设计语言。基于这一点,格罗皮乌斯聘任了画家约翰·伊顿、里昂耐尔·费宁格(LYONELFEININGER)、雕塑家格哈特·马克斯(GREHARDMARCKS)、穆希(MUCHE)、施莱默(SCHLEMMER)、克利(KLEE)、施赖尔(SCHREYER)、康定斯基(KANDINSKY)和莫霍利--纳吉(MOHOLY--NAGY),他们在1919年到1924年之间,陆续来到了魏玛,这些人极富原创性、同时也极擅长自我表达。他们全都有兴趣研究基本问题的理论。除开这些艺术家,格罗皮乌斯还聘请了许多作坊大师,他们在各自的工艺类别上,都是技艺精湛的人。艺术家激励学生开动思想,开发创造力,作坊大师教会学生手工技巧和技术知识。 包豪斯的新思维还体现在包豪斯的宣言中:“建筑家、雕刻家和画家们,我们都应该转向应用艺术……艺术不是一种专门职业。艺术家和工艺技师之间在根本没有任何区别。艺术家只是一个得意忘形的工艺技师。在灵感出现并超出个人意志的珍贵片刻,上苍的恩赐使他的作品变成为艺术的花朵。然而,工艺技术的熟练对于每一个艺术家来说都是不可缺少的。真正创造想象力的根源即建立在这个基础上面……让我们建立一个新的设计家组织。在这个组织里面,绝对没有那种足以使工艺技师与艺术家之间树立起自大障壁的职业阶级观念。同时,让我们创造出一幢将建筑、雕刻和绘画结合成三位一体的新的未来殿堂,并用千百万艺术工作者的双手将其矗立在云霄高处,成为一种新信念的鲜明标志。” 包豪斯在纳粹统治时期,遭到了难以避免的关闭命运,但是它的教育思想并没有停止,逃避纳粹压迫、寻求新发展的包豪斯教育家格罗皮乌斯在英国居留三年后,又于1937年赴美国任哈佛大学建筑系主任。密斯·凡·德·罗1937年赴美国,任教于伊利诺工业技术学院,希尔伯西摩和彼得汉斯等也前往该校任教。1937年包豪斯的教师莫霍利--纳吉,在芝加哥筹建了“新包豪斯”(THENEWBAUHAUS),继续弘扬德国时期的包豪斯精神。后来更名为“芝加哥设计学院”(SCHOOLOFDESIGNINCHICAGO)。以后又与伊利诺工学院合并,成为美国最著名的设计学院(INSTITUTEOFDESIGN)。芝加哥设计学院一象被认为是包豪斯设计与教育思想在美国的前沿阵地。 1953年被称为战后包豪斯的德国乌尔姆(ULM)艺术学院建立,地点就在物理学家爱因斯坦诞生的小城市乌尔姆,平面设计的重要人物马克斯·比尔(MAXBILL)担任第一任校长。在他和教员的努力下,这个学院逐步成为德国功能主义、新理性主义和构成主义设计哲学的中心,虽然学院已经关闭多年,但是它所形成的教育体系、教育思想、设计观念直到现在,依然是德国设计理论、教学和设计哲学的优秀组成部分。乌尔姆致力于设计理性主义研究,几乎全盘采用包豪斯的办学模式,它的最大贡献是完全把现代设计——包括工业产品设计、建筑设计、室内设计、平面设计等,从以前似是而非的艺术、技术之间的摆动立场坚决地、完全地移到科学技术的基础上来,坚定地从科学技术方向来培养设计人员。 包豪斯的办学宗旨是培养一批未来社会的建设者。他们既能认清20世纪工业时代的潮流和需要,又能充分运用他们的科学技术知识,创造一个具有高度精神文明与物质文明的新环境。正如格罗皮乌斯所说:“设计师的第一责任是他的业主。”又如纳吉所说:“设计的目的是人,而不是产品。”所以,它在艺术设计教育的诸多方面做出了难以磨灭的贡献:一,打破了将“纯粹艺术”与“实用艺术”截然分割的陈腐落后的教育观念,进而提出“集体创作”的新教育理想;二,完成了在“艺术”与“工业”的鸿沟之间的架桥工作,使艺术与技术获得新的统一;三,接受了机械作为艺术家和设计师的创造工具,并研究出大量生产的方法;四,认清了“技术知识”可以传授,而“创作能力”只能启发的事实,为现代设计教育建立了良好的规范;五,发展了现代设计风格,为现代设计指示出正确方向;六,包豪斯坚决反对把风格变成僵死的教条,只承认设计必须跟上时代变化的步伐。 包豪斯的教育思想也影响了中国的艺术设计教育。1942年成立的圣约翰大学建筑系,一开始就引进包豪斯的现代设计教育体系,强调实用、技术、经济和现代美学思想,成为中国现代主义建筑的摇篮,开创了中国全面推行现代主义建筑教育的先河。它的影响不仅反映在圣约翰大学建筑系的人才培养上,也反映在一系列建筑作品,包括大上海都市计划的制定。1951年,圣约翰大学解散,各系并入有关院校,包豪斯的教育思想和设计理论在同济大学得到延续。后来包豪斯的教育思想和设计理论被当成西方资本主义的东西遭到批判,包豪斯的设计与教育思想在中国逐渐被淡化。 对工艺美术的影响,则反映在田自秉的《工艺美术概论》一书中,田自秉在书中写道:“20世纪初的包豪斯工艺思想体系……主张艺术与工业结合。认为在工业十分发达的时代,应当利用科学成果,在工业技术的基础上,创造合乎功能的新的工艺美。机器产品虽然单调枯燥,但是机器只是工具,我们应当解决机器生产与艺术表现的矛盾,使设计、生产、经济得到有机的统一。包豪斯的工艺思想,重视现代材料、现代技术、现代结构的应用,并由现代工业直接创造美学价值,这对工艺美术创造,适应时展,结合生活需要,工艺美术新领域的开拓,工艺思维的启迪,具有重要的价值。但是,包豪斯工艺思想强调工艺美是体现功能和运用结构的必然结果,并认为传统是阻碍机器产品设计的因素,因而认为功能就是美,并忽视民族文化传统的作用。” 从上面两个例子看,中国的现代设计虽然起步很晚,但是也曾经受到包豪斯的影响。不过,中国在接受包豪斯的设计与教育理论的时候,比较注意了与中国传统文化与艺术的结合,并没有完全照抄照搬。事实上,中国艺术设计很容易接受包豪斯的思想,其中有一个很重要的文化背景原因。我们在前面已经提到,包豪斯的教育思想,在很大程度上,受到中国传统文化,即易学文化、老庄道家哲学思想和孔孟儒家哲学思想的深刻影响。譬如,格罗皮乌斯“把人作为尺度”,“平衡的全面发展”的观点;约翰·伊顿把老庄的道家哲学思想与西方的科学技术相结合,直接用于教学实践当中等等,就是中国传统文化中,“天地人为贵”、“有之以为利,无之以为用”和“有教无类”、“因材施教”等等哲学思想的具体体现。 包豪斯的出现,是现代工业与艺术走向结合的必然结果,它是现代建筑史、工业设计史和艺术史、艺术设计教育史上最重要的里程碑。包豪斯的成功为我们提供了许多值得学习和借鉴的经验,其中最重要的一条就是:紧随社会进步,不断更新观念,积极创立新思维。 创立新思维比艺术设计教育本身更重要 任何改革,当然也包括教育改革在内,都是对不适应新形势的旧体制的改造,从而建立适应新形势的新体制。改造旧体制,建立新体制,首先就需要思维方式的转变,没有这个思维方式的根本性转变,就不可能建立起与新形势相适应的新体制。中国的现代艺术设计,刚刚从传统的美术中分离出来,一切都还不健全,所以更需要我们转变传统的思维方式,尽快适应新形势下社会对现代艺术设计的要求。 首先,冷静分析我们的传统文化与艺术。我们现在有一种怪现象,一谈起中华民族的文化与艺术,抽象时,满口的大话、空话,又是博大精深,又是五千年文明,可是一到具体时,就连篇的丑陋中国人,老祖宗的劣根性,没有一点可爱的地方,“博大精深”、“五千年文明”,都成了口诛笔伐的对象。这种历史文化的沙文主义和历史文化的虚无主义,同样都是要不得的。 近二十多年,由于在学术上恢复了正常的秩序,我们在对待传统民族文化与艺术问题上,提倡辨证唯物主义和历史唯物主义,对过去的传统文化与艺术,采取了比较科学的客观态度。譬如对易学文化,对孔孟的儒学、老庄的道学、中国化的佛学的研究,对巫术、风水术,或者叫卜筮文化的研究等等,已经形成了一个比较宽松的、民主的学术讨论空气。这正是同志一贯提倡的“百花齐放,百家争鸣”的学术讨论的观点。对此做过详细的解释,他说:“艺术上不同的形式和风格可以自由发展,科学上不同的学派可以自由争论。利用行政力量,强制推行一种风格,一种学派,禁止另一种风格,另一种学派,我们认为会有害于艺术和科学的发展。艺术和科学中的是非问题,应当通过艺术界科学界的自由讨论去解决,而不应当采取简单的方法去解决。为了判断正确的东西和错误的东西,常常需要有考验的时间。历史上新的正确的东西,在开始的时候常常得不到多数人承认,只能在斗争中曲折地发展。” 在对待历史文化与艺术传统上,我们也不能采取实用主义的断章取义的态度。关于传统文化与艺术的研究,我们在前面的章节里已经多有讨论,这里仅从学术角度上举艺术的个案,对思维方式的转变加以简略的讨论。 从20世纪90年代以来,“洋插队”的热回国,国内马上做出了积极影响,而且一浪高过一浪,掀起了不小的波澜。这当中有谋求商机的商人;有暴富后的收藏家;有怀旧的有闲阶层;有为学术探索的学者,等等,不一而足。新加坡的收藏家、心理医生杨新发在新加坡HOUSEOFMAO(毛家餐厅)搞了一个最具轰动效应的展览。他将这次展出的二百件收藏品,归纳为十三个主题。在“数风流人物还看今朝”主题下,展出的塑像和瓷板画;在“会捉老鼠的猫就是好猫”主题下,展出以猫为主题的作品。其他主题还包括:儿童是国家未来的主人翁、英雄人物、、革命样板戏、救死扶伤等。 艺术界对艺术的研究,则是出于艺术家对历史的责任感。艺术家郑腾天与温哥华不列颠哥伦比亚大学(UBL)贝尔金美术馆馆长史华生教授(SCOTTWATSON)、深圳画院美术史学家严善淳三人,在温哥华不列颠哥伦比亚大学举办艺术展,目的是为了“追寻中国现代美术史上被遗漏的篇章”。郑腾天在后来的文章中说:“在中国、学在国外,这是许多中国学者不无感慨的政治现实。近年来,国际上越来越多的学者开始关注20世纪中国的文化艺术,包括不同时期的大众文化。越来越多的海外华人批评家和历史学者也在运用新的方法探讨时期的文学艺术。” 研究美术史,更是一件十分艰难的工作。艺术史学家王明贤和严善淳耗时近十年,完成了《新中国美术图史:1966—1976》,为读者提供了一幅完整的时代画卷。正如作者在后记中所说,“在‘史无前例’的中产生的美术作品,也是非常奇特的艺术”,“美术家关注‘’美术史”,“在于其中蕴含着的史学价值及它与整个20世纪美术史的联系”。 批评家认为,该书是一本具有很强学术意义的著作。重新审视历史,从学术上、艺术上、史学上对美术史进行研究是十分必要的。 生活在美国的中国画家高名潞,也在研究美术史,高在《论的大众艺术模式》中,对大众艺术进行了探讨,文章说:“的大众艺术并不是一个独特的现象,它可以纳入20世纪艺术发展的整体潮流之中。”高把大众艺术分为三个发展阶段。1942年至1949年延安时期的稚拙时期;1949年至1966年“苏化”时期;1966至1976年的成熟期。高认为,自1942年发表《在延安文艺座谈会上的讲话》后,大众艺术就成为此后半个世纪中国艺术的标准。大众艺术无疑拥有最大的优势。中,《去安源》一次发行9亿张,并在全国掀起了一个全民请宝画的热潮,这种现象可堪称世界流行艺术之最。 从以上这些有一定代表性的案例中,我们可以看到,不论基于什么样的出发点,艺术家正在用比较客观的思维方式,对待中国不同历史时期的文化与艺术。我们姑且不论他们的立场、观点、方法是否正确,理论是否成熟,研究是否成功,这只能留给实践证明。但是,至少可以说明,他们还没有把我们的历史、文化、艺术,虚无到零的程度,还能够在急剧变化的信息时代,及时调整思维方式,重新审视我们的艺术。仅此一点,就是非常可取的。 其次,要正确对待国外的艺术与设计。在我们的文化传统中,有一种非常有害的,但又是根深蒂固的坏东西,这就是“上有好之,下必兴焉”。表现在社会上,就是大众的“起哄”心理,一种潮流来了,大家都跟着起哄,虽然他们的出发点和目的不同,但是推波助澜造成的后果却是十分恶劣的。表现在学术上,就是专家的“盲从”心理,一种潮流来了,大家都跟着追逐,实践上紧跟照办,理论上狗尾续貂。20世纪50年代,我们提倡向苏联学习,于是,“苏化体制模式”、“苏化经济模式”、“苏化文化模式”、“苏化艺术模式”、“苏化教育模式”……苏化模式遍地开花,甚至那个时代出生的孩子,也要起一个苏化模式的名字。后来中苏关系恶化,唇枪舌战,互相攻击,我们又全盘否定苏化模式,把苏化模式批得体无完肤。人人“谈苏色变”,沾上点“苏”字边的统统被斥为“修正主义”,连学俄罗斯语言的也自愧形陋。如今苏联解体,社会主义苏联的光辉已经成了“昨日黄花”,苏联人都成了“乱离人不如太平犬”,我们对苏联的东西,从“讳莫如深”,转到“不屑一顾”,或者干脆“嗤之以鼻”。假使我们冷静一下,用辨证唯物论和历史唯物论的思维方式仔细分析一下,苏联的那块“他山之石”,也还是有许多“可以攻玉”的东西。 改革开放以来,我们提倡向发达国家学习,有些人又走极端,一切都是西方先进,中国落后。不分青红皂白,什么都以西方为美,以美国为美,到处都重复着当年狂热追逐“苏化模式”的故事。西化之风,比之当年的苏化之风,更甚,更烈。假使我们仍然冷静一下,再用辨证唯物论和历史唯物论的思维方式仔细分析一下,西方的那块“他山之玉”,也并不都是白碧无暇。至少,叫人一味欣赏性器官的“花花公子”、充斥肉欲的败德“新视觉”……就未必是我们必须要去攻的文化艺术之“玉”;巴尔扎克、莎士比亚、罗丹笔下的资本主义的种种丑恶,也决不是我们今天必须效仿的文学与艺术。 在对待外来文化与艺术,也包括教育,所采取的正确态度,应该是一种积极分析的、批判吸收的、扬弃选择的思维方式,全盘否定不是马克思主义的观点,全面看齐也不是辨证唯物论和历史唯物论的思维方式。同理,如果追求上述的极端态度,也不是一个学者,或者专家、艺术家、教育家应该采取的科学态度。如果是那样的话,我们的文化、科学和艺术,也将无从谈起。鲁迅先生曾经提倡“拿来主义”,那是指对我有用的“拿来”;提倡“古为今用,洋为中用;去粗取精,去伪存真”,也是一种非常科学的扬弃选择。事实上,西方人在对待东方文化与艺术,从来不是“刘姥姥大观园,捡到筐里都是菜”。西方有先进的科学,也有落后的文化;有美的艺术,也有丑的设计……一句话,西方有真善美,东方也不净是假丑恶。 第三,对艺术与设计教育而言,转变思维方式,更是刻不容缓。这是上面讲到的艺术设计的实践需要,或者说是市场的需要,也就是说,客观形势逼迫艺术设计教育必须转变思维方式。当然,这里有一个怎样转变的问题。 我们的艺术设计,是随着市场经济在中国的兴起而兴起的,是为了适应市场经济的需要而产生的。应该说,在中国,艺术设计从诞生的那天起,就与市场经济发生了割不断的联系。我们搞市场经济,原本就是“摸着石头过河”,所以,艺术设计更是摸着石头过河,作为滞后于艺术设计的艺术设计教育来说,就更是盲人摸象,难以掌握要领。但是,经过二十几年的摸索,即使没有经验,也会有许多教训。所以,现在是我们应该冷静下来的时候,认真回顾一下这二十几年的实践,找出一些经验教训,总结一些可以作为指导思想的东西,这是十分必要的。 同时,对已经搞了上百年的西方艺术设计教育,要加以分析,一个是分析他们的成功经验,一个是分析他们的失败教训,从中找寻一些适合我们的东西,采取鲁迅先生的“拿来主义”方法,大胆引进,大胆消化,使它变成中国化的东西。历史上,舶来品的佛教,由印度传入中国,经过长期的经典传译、讲习、融化,与中国传统文化相结合,形成具有中华民族特点的、各种学派和宗派并存的中国佛教。大家知道,传到朝鲜、日本和越南的是中国佛教,而不是印度的佛教。 在建立新思维上,我们可以借鉴包豪斯。如果包豪斯没有一批锐意改革的教育家,就不会有后来成为世界艺术设计教育楷模的包豪斯。包豪斯的教育改革,是建立在国家和人民,乃至整个社会的要求基础之上的。从19世纪末叶开始,德国人一直在努力寻找一种新的教育方式,想要用它来取代原有的学院体系,并且把工艺与美术紧密结合起来。德国人认为,艺术教育的改革问题,是关系到德国经济生死存亡的大事。德国比不得美国和英国,它不是一个资源丰富的国家,因此,它必须依靠熟练工人和工业,生产出复杂细致的优秀产品用于出口。社会对设计师的需求与日俱增,要想满足这种需求,必须在艺术教育中采用全新的方法。教授们得出一个惊人的结论,认为进行教育改革是符合自己利益的。把美术学院与工艺学校合并起来的教育改革,不是政府官僚提出的,而是教授提出的。他们认为,不应该由自己的人,即美术家来掌管新创办的学校,而应该把它交到一位建筑师的手里。于是,格罗皮乌斯就成了包豪斯的掌舵人。 如果说包豪斯能够给我们提供的最重要的启示,那就是,教育改革,首先是,而且应该是教育家的责任,教育家应该主动挑起这副重担。如果我们今天还没有这样的认识,那我们的艺术设计教育将无法设想。当今的世界,是正在走向全球化的世界,与世界同步也好,与国际接轨也好,如果没有思维方式的根本转变,中国的艺术设计教育将面临重大危机。这不是危言耸听,我们应该有这种“生于忧患,死于安乐”的忧患意识。 重新定位艺术设计教育 在现行的教育体系中,艺术设计教育基本上按照两种模式进行。一种是在综合性大学、专业美术院校和师范院校;另一种是在各种工科院校,如建筑、机械、轻工、纺织等。前者偏重美术理论和美术基础训练,后者偏重不同专业的工艺与专业技术训练。这一点可以从他们开设的不同的课程上明显看出来。这两种教育模式本来可以互相借鉴,互相补充,但因为现存的教育管理体制,如综合性大学隶属教育部门;专业美术院校隶属文化部门;工科院校隶属各产业主管部门,它们之间常常“鸡犬之声相闻,老死不相往来”。这种“不相往来”,是天生就决定了的。我们知道,中国的高校招生,历来分文理两大类,演变到今天,这种体制已经波及到基础教育的中学分科问题。而艺术设计学科,也因为这个招生体制,被人为地割裂开来。所以,以文科考试进入美术院校的学生,得不到良好的工艺与技术训练,以理工科考试进入工科院校的学生,得不到良好的美术理论和美术基础训练。这个问题早已经在我们的社会上,即学生就业的工作岗位上反映出来。又有近二十几年的商品化大潮的冲击,各地各校,不分是否具备条件,一窝蜂地上艺术设计专业,更使艺术设计学科的教育模糊不清。不仅学科教育本身模糊不清,也使艺术设计专业在社会上产生许多混淆不清。 在这个问题上,我们可否转变一下思维方式,打破文理科界限,把艺术设计教育统一起来,不论其设在什么学校,工科也好,文科也好,都用一个标准确定教育对象和教学方法。这样既能避免学生接受知识上的偏差,也能衡定各类学校的师资和教学水平,同时,也使学生来源得到合理配置。譬如,工科院校招生,强调理工科成绩,所以使一些不具备艺术素质的学生进入建筑设计、产品设计等专业。而一些艺术院校的学生,又对文化课程,特别是数理化课程望而却步。现在,由于实行“三加X”考试,这一点在招生上基本上没有障碍,主要是思想再解放一点,把这种选择学生的方式再向前推进一步,就可以达到这一目的。 在具体教学课程的设置上,也应该打破现行的画地为牢的方法,艺术院校的设计专业要开设相关的工艺课程,工科院校的设计专业也要开设更多的美术基础课程。专业之间要有更多的融通性,不要把落在不同学校的相通专业,搞成针插不进,水泼不进的“独立王国”。 在师资方面,我们完全可以借鉴,或者仿效包豪斯的作法,走艺术家和设计师结合的道路,不要搞孤芳自傲,专业上的“沙文主义”。有一点需要指出,自从我们开始把艺术设计独立出美术(THEBEAUTIFULARTS)以来,由于艺术设计自身的诸多原因,美术师对设计师总是不屑一顾;工程师对设计师也多有讥讽。这是十分有害的,也是十分要不得的。我们不能把“大师”与“工匠”对立起来,大师与工匠之间,并没有不可逾越的天然鸿沟。 加强基础教育,为专业艺术教育提供人才保证 本书虽然讨论的是艺术设计的高等教育问题,但是,从中国的现实情况看,这个问题又不能不联系到艺术的基础教育。所以有必要简略地讨论一下艺术的基础教育问题。 在中国,对艺术和艺术教育的认识,还远没有达到相应的程度,更不要说与国际接轨的问题。这一点从我们的初级教育就体现得非常明显,从幼教到高中,几乎是把艺术教育置于从属的、可有可无的地步。近些年虽然有所改变,但也只是理论上的变化,实践上并没有根本性的改变。在这方面,我们还有很长的路要走。但是,为了尽快实现艺术教育的根本转变,以尽可能短的时间走完这段路,我们可以借鉴国外的比较成熟的经验。 许多国家都有专门的艺术教育标准,用法律的形式强化艺术教育。从许多国家的标准和实践看,能够为我们所借鉴的,大致有如下几点。一是艺术教育对象的普及化。把艺术教育作为义务教育中一项必不可少的内容,纳入教育计划;二是艺术教育目标的整体化。从提高学生整体素质的高度,提出艺术教育“真正重要的是要唤起创造的热忱,帮助人们提高到一个更高的生活水平”;三是艺术教育的多元化。实施艺术教育多渠道、多层次,主要有艺术学科教学、渗透性艺术教育,即在语文、数学等学科教学中渗透艺术教育、课外艺术教育活动等;四是艺术教育的个性化。所谓个性化,就是重视学生的个体差异,注重因材施教,充分开发学生艺术创造潜能;五是艺术师资的专业化。艺术师资都要经过专门培养,取得高等艺术教育资格。 美国在1994年制订的《艺术教育国家标准》,就是一部非常完善的艺术基础教育的法规,不仅为美国的艺术教育提供了法律依据,还为高等艺术教育夯实了预备人才基础。《艺术教育国家标准》从幼儿园至十二年级,对每个学生提出了四门艺术学科(音乐、舞蹈、戏剧和视觉艺术)教育标准。 《标准》提出:艺术教育是为全体学生的,不论其背景、天赋或残疾,都有权享受艺术教育。艺术有助于学生理解和辨别充满形象与符号世界。《标准》要求每个学生了解什么是艺术?艺术家如何工作,他们运用什么工具?传统的、通俗的和古典的艺术形式是怎样互相影响?艺术对自己、对社会的重要性何在?在寻找这些答案的过程中,学生要逐步理解每门艺术学科的本质,以及赋予每门艺术学科生命力的知识和技能。《标准》还对我们当前讨论热烈的艺术与科学问题,给予了极大的关注。它认为,艺术的心智方法与科学发现、技术开发的思维过程相仿;科技不仅是改造经济的力量,还是推动艺术的动力;艺术能够启发学生认识和运用科技手段与达到理想目之间的关系。 《标准》对视觉艺术的规定,涵盖了素描、绘画、雕塑、设计、建筑、电影、电视和民间艺术。视觉艺术可以作为创造活动、历史和文化的探究或分析的基础。学生必须学习视觉艺术中与各类作品相联系的语汇和概念,必须能够运用视觉、口头和书写形式展示自己的能力。帮助学生通过广泛的材料、符号、形象和视觉表现,学习视觉艺术的各种特性,反映他们的观念、感受和情绪,评价他们的艺术学习成果。对不同年级的学生,《标准》又提出了步步深化的具体要求。 美国的《艺术教育国家标准》是根据《2000年目标:美国教育法》的要求制定的,其根本宗旨:一,建立全面、透彻、坚实的知识和技能体系;二,明确艺术教育对学生全面发展和建设文明社会的作用;三,强调学科的合理联系,力求实现整体教育;四,把艺术产生的历史、文化、民族背景作为艺术课程的基础,强调艺术教育的文化多样性;五,强调现代科学技术的有效运用,准确理解技术手段、艺术技法和艺术追求之间关系;六,为艺术教育的实施及评估提供严肃的学术准绳和成就衡量尺度。 从以上介绍可以看出,美国政府把艺术确定为基础教育的优秀学科,享有与其他七门优秀学科同等地位的作法,应该引起我们的注意。这种在基础教育中强化艺术教育的作法,提高了全体中小学生的艺术修养,不但保证了高等艺术教育的学生质量,而且减轻了高等艺术教育中的基础知识教育压力,对早出人才、快出人才,十分有力。这种早期抓普及的教育方法,实质上就是同志曾经倡导的普及与提高的教育方法。 《在延安文艺座谈会上的讲话》中详尽地论述了普及与提高的问题,他说:“普及工作和提高工作是不能截然分开的”,“我们的提高,是在普及基础上的提高;我们的普及,是在提高指导下的普及。”就艺术设计而言,普及教育不是高等艺术院校的工作,而是中小学和幼儿园的工作。但是,提高高等艺术设计教育,则有赖于基础艺术教育的普及。 第二章走中国化现代设计教育道路 现代艺术设计在中国,只有短短的二十几年历史,而这二十几年,恰恰又是中国各个领域大分化、大改组最为激烈的时期,商品化以从来未有的攻势,在中国各个领域占着上风。也正是这个原因,一开始就与市场经济结下不解之缘的现代艺术设计,从来就无暇冷静下来,审视自己的理论,研究自己的教育。二十几年一贯制,艺术家和设计师们,急匆匆追赶着商品经济的末班车,即使不叫人疲劳,也会令人枯燥、厌倦。如果说中国现代艺术设计的第一代(也就是二十几年前从美术中分离出来,扯起现代艺术设计大旗的艺术家和设计师),为完成了开天辟地的使命,那么,发展到今天的现代设计,则需要我们新生代艺术家和设计师,探索和建立中国现代艺术设计理论和教育。 教育思想是建立现代设计教育体系的指导思想 我们在包豪斯的教育理论和实践中,很容易发现许多教育思想的影子。教育思想,简而言之,就是人民教育的思想。 新中国成立之初,同志就提出“恢复和发展人民教育是当前重要任务之一”。(《人民教育》创刊号1950年5月1日)非常重视教育与生产劳动相结合,认为在资本主义社会里,这是改造社会的最强有力的手段之一,在无产阶级取得政权以后,这是培养理论与实践结合,学用一致,全面发展的新人的根本途径,是逐步消灭脑力劳动与体力劳动差别的重要措施。早在1934年在论述苏维埃文化教育的总方针时就提出:“使教育与劳动联系起来。”(同志论教育工作人民教育出版社,1992年8月)在《关于正确处理人民内部矛盾的问题》一文中,提出:“我们的教育方针,应该使受教育者在德育、智育、体育几方面都得到发展,成为有社会主义觉悟的有文化的劳动者。”以后在中央批转的高等教育六十条、中等教育五十条、小学教育四十条等条例中,又明确提出“教育必须为无产阶级专政服务,教育必须与生产劳动相结合。劳动人民要知识化,知识分子要劳动化。” “教育与生产劳动相结合”是马克思主义教育思想的一条基本原理,继承和发展了这种思想。早在一百多年前,马克思针对资本主义旧式分工造成人的片面畸形发展的弊端,基于现代大工业生产对人的要求,提出人的全面发展,其方法就是教育和生产劳动相结合,“生产劳动和教育的早期结合是改造现代化社会的最强有力的手段之一”,(《马克思恩格斯全集》第3卷,第24页)“未来的教育对所有已满一定年龄的儿童来说,就是生产劳动同智育和体育相结合,它不仅是提高社会生产的一种方法,而且是造就全面发展的人的唯一方法。”(《马克思恩格斯全集》第23卷,第530页)列宁也曾经指出:没有年轻一代的教育和生产劳动的结合,未来社会的理想是不能想象的,无论是脱离生产劳动的教学和教育,或是没有同时进行教学和教育的生产劳动,都不能达到现代技术水平和教学知识现状所要求的高度。 对教育思想有过非常准确的解释,他说:“德育、智育、体育这三方面是相互联系,相互结合的,而不是相互对立或互不相关的”,“我们向社会主义,共产主义社会前进,每个人要在德、智、体、美等方面的均衡发展,不均衡发展,一定会有缺陷,不仅影响个人能力的发挥,对国家也不利。均衡发展是要思想和身体健康。思想健康和身体健康是相互影响的。”因此,他要求学生“好好学习,加强劳动观点,热爱祖国,提高政治思想觉悟,树立艰苦朴素作风,为准备做一个有文化有技术的工人和农民,做一个体力劳动和脑力劳动相结合的知识分子而努力”。 改革开放以后,邓小平在新的历史条件下,对教育思想又有新的发展。他说:“我们的学校是为社会主义建设培养人才的地方。培养人才有没有质量标准呢?有的。这就是说的,应该使受教育者在德育、智育、体育几方面都得到发展,成为有社会主义觉悟的有文化的劳动者。”他在总结历史经验的基础上提出:“为了培养社会主义建设需要的合格人才,我们必须认真研究在新的条件下,如何更好地贯彻教育与生产劳动相结合的方针”。“现代经济和科技的迅速发展,要求教育的质量和教育效率的迅速提高,要求我们在教育与生产劳动相结合的内容上、方法上不断有新的发展。”邓小平强调指出:“更重要的是整个教育事业必须同国民经济发展的要求相适应。不然,学生学的和将来要从事的职业不相适应,学非所用,用非所学,岂不是从根本上破坏了教育与劳动相结合的方针?”后来,根据形势的发展,邓小平进一步提出:“教育要面向现代化,面向世界,面向未来。”这一战略指导思想,充分反映了时代精神、时代要求。 从上面的论述中,我们可以看到,教育思想与马克思列宁主义教育思想,是一脉相承的。具体地解释了这个思想,邓小平在新的历史条件下,发展了这个思想。包豪斯是工业革命初期的产物,从它成功的教育实践活动中,我们也可以看出,马克思主义教育思想的正确。那么,在新的历史条件下,我们可不可以把教育思想应用到现代艺术设计教育的实践中来,用以指导我们的现代艺术设计教育改革,建立新的艺术设计教育体系呢?回答是肯定的。教育思想讲“实事求是”;讲“理论与实践相结合”;讲“实践是检验真理的唯一标准”;讲“教育与生产劳动相结合”等等,都可以作为我们建立中国现代设计教育体系的指导思想。 理论联系实际,这既是马克思主义思想的精华,也是教育与生产劳动相结合的必然要求。认为“读书是学习,使用也是学习,而且是更重要的学习。”(《著作选读》,上册,第100页。)要把书本上学到的理论运用到实际工作生活中去,解决实际问题,理论要和实际联系,学习的目的是为了解决问题,增长才干,而不是为了读书而读书。他说:“任何思想如果不和客观的实际的事物相联系,如果没有客观存在的需要,如果不为人民群众所掌握,即使是最好的东西,即使是马克思列宁主义,也是不起作用的。”(《选集》第4卷,第1515页。)1964年8月,他在接见尼泊尔教育代表团时谈到:“清华大学有工厂。它是一所理工科学校,学生如果只有书本知识而不做工,那是不行的。”在教学方法上,早在1929年同志提出的红军大学十大教授法,其中重要一条就是倡导启发式、废止注入式。提出,教师教育学生要充分注意学生的情况,要把精力集中在培养学生分析问题和解决问题的能力上。 同志提出:红与专,政治与业务的关系是两个对立物的统一,一方面要反对空头政治家,另一方面又要反对迷失方向的实际家。在新的历史条件下,邓小平继承和发扬同志这一光辉思想说:“我们要掌握和发展科学文化知识和各行各业的新技术、新工业,创造比资本主义更高的劳动生产率,把我国建设成为现代化的社会主义强国,并且在上层建筑领域最终战胜资产阶级的影响,就必须培养具有高度科学文化水平的劳动者,必须造就宏大的又红又专的工人阶级知识分子队伍。” 在如何对待古代文化和外国文化上,说:“中国的长期封建社会中,创造了灿烂的古代文化,清理古代文化的发展过程,剔除其封建性的糟粕,吸收其民主性的精华,是发展民族新文化提高民族自信心的必要条件。”“中国现实的新政治、新经济是从古代的旧政治、旧经济发展而来的,中国现代的新文化也是从古代的旧文化发展而来的;因此,我们必须尊重自己的历史,决不割断历史。”他还说,我们要批判地继承从孔夫子到孙中山以来的一切优秀文化成果。对外国文化,认为,“采取排斥主义的方针是错误的,应当尽量吸收一切进步的外国文化,作为发展中国文化的借鉴”。但是“盲目搬运的方针也是错误的,应当以中国人民的实际需要为基础,批判地吸收外国文化”,“中国应当大量地吸收外国的进步文化作为自己文化食粮的原料。”邓小平对在新形势下发扬了“古为今用、洋为中用”的光辉思想。他在1992年视察南方的重要谈话中,提出“社会主义要赢得与资本主义相对比较的优势,就必须大胆吸收和借鉴人类社会创造的一切文明成果,吸收和借鉴当今世界各国包括资本主义发达国家的一切反映现代社会化生产规律的先进经营方式、管理方法。” 同志非常重视普及教育,强调知识分子劳动化,劳动人民知识化。他在《新民主主义论》一文中提出新民主主义的文化是民族的,科学的,大众的文化。它应当为全民族中百分之九十以上的工农劳苦群众服务,并逐渐成为他们的文化。在《论联合政府》一文中说到“农民——这是现阶段中国文化运动的主要对象。所谓扫除文盲,所谓普及教育,所谓大众文艺,所谓国民卫生,离开三亿六千万农民,岂非大半成了空话?我这样说,当然不是忽视其他约占人口九千万的人民在政治上经济上文化上的重要性,尤其不是忽视在政治上最觉悟,因而具有领导整个革命运动资格的工人阶级,这是不应该发生误会的”。 教育思想和邓小平教育理论,同属于马克思主义教育思想体系;都是理论与实践相结合的产物;都着力于全民族文化素质的提高;坚持社会主义办学方向,培养德智体诸方面全面发展的人才。教育与生产劳动相结合,是教育思想的精髓。科教兴国教育为本,尊重知识,尊重人才,把教育摆在优先发展的战略地位,坚持教育的“三个面向”和培养“四有新人”,探索有中国特色的社会主义教育体系,是邓小平教育理论的精髓,既继承了教育思想的精华,又抓住了时代特征,体现了现代教育改革开放的精神风貌。 综上所述,教育思想,是指导我们建立现代艺术设计教育的正确思想,它不仅为我们提供了正确的理论,也提供了正确的方法。这一点不但从中国的教育实践中得出结论,从包豪斯的教育实践中,也完全可以得到证明。我们在建立现代设计教育体系中,可以有许多不同的作法,不同的形式,但最本质的一条不能动摇,那就是必须走理论与实践相结合的唯一正确的道路。 建立教学、研究、创造三位一体的教育模式 从上面的讨论中可以看出,如果说教育思想(这其中也包括、邓小平的发展)具有普遍的指导意义,那么,从包豪斯的教育实践中,我们仍然可以总结出对我们今天有启发性的东西。这就是教学、研究、创造(生产)三位一体的现代设计教育模式。在完成正常的教学任务的同时,教学为研究和创造服务;研究为教学和创造提供理论指导;创造为教学和研究提供实验基地,同时也为现代设计教育提供可能的经济支持。这种良性循环的教育体系,自包豪斯开始,几乎无一例外地被西方国家的现代设计教育所采纳。新中国成立后的相当一个时期,我们一直采取这样的教学方式,只是到了,在极左思潮的影响下,整个国家教育走上了停顿状态,这种教育体系也被破坏了,后来学校虽然逐渐恢复教学,但是,极左思潮却把“生产劳动”推上了极至。以至于在推翻极左思潮统治之后,我们对这种曾经取得很大成绩,积累很多经验的“三位一体”的教育模式讳莫如深。近些年,我们学习国外的先进教育经验,提倡素质教育,才开始回顾这种教育体系对于素质教育的重要性。 教学、研究、创造三位一体的教育模式,对于我们今天大力提倡的素质教育,是非常必要的。我们今天的学生来源,基本都是“独生子女一代”,他们从家门走进学校门(有小学经中学而大学校门),从未接触过社会,与包豪斯的学生有很大不同。包豪斯的学生,有点象我们后期的工农兵大学生。弗兰克·惠特福德(FURANKWHITFORD)在《包豪斯》一书里这样描绘当时的学生:“最早到魏玛包豪斯来上学的那些学生们,彼此之间并没有多少共同之处。其中有一些人已经是条成熟的大汉,早就被兵役打磨得粗砺起来了,有些人有炮弹震荡后遗症,有些人已经成为残疾。另外一些人还是孩子,已经开始在美术学院里学着绘画或者雕塑,或者已经在工艺美术学校里学着一门工艺技术,他们只是在两校合并的时候,箭简单单地随着老师转到了这里;有一些学生是跟着伊顿从维也纳来的;有些人在此之前已经是合格的艺术家和教师,因为包豪斯前所未有的教育方向而兴奋不已。” 面对我们今天的学生群体,实行三位一体的模式,不仅是必要的,而且也更能培养出社会和市场上急需的合格人才。在这种教育模式下,学生不但可以学到更多的专业知识,而且可以具有相当深厚的理论素养,还可以掌握比较熟练的实际操作能力。这样,他们可以在社会上具有较强的竞争实力。事实上,今天的社会和市场,需要的不是书呆子型的学生,而是具有较强综合能力的复合型人才。我们在社会上,或者市场中,常常看到这样一种情景,一些知名的大企业,一些经济发达城市,对刚刚毕业的学生,甚至清华、北大这样一流学校的毕业生,也表现得相当冷漠,而对在中小企业取得二至三年工作经验的学生,表现了极大的兴趣。这说明,我们的学校教育并没有达到社会,或者市场需求的标准,后一部分理应学校完成的教育,事实上是由大量的中小企业代替学校完成了。调查中我们发现,这些中小企业叫苦不迭,认为自己成了大企业的员工培训基地和人才储备库。但是,市场经济的游戏规则,又使这些中小企业无可奈何。这种现象的长期存在,而且在持续升温,折射出我们学校教育的严重缺陷。 诚然,我们今天已经步入信息时代,与包豪斯不可同日而语,譬如,包豪斯由学校作坊进行的教学活动,我们今天可以通过与相应企业的联合进行。大量高新技术的出现,也可以使我们直接采取高新技术进行实践教学活动。前面提到的美国《艺术教育国家标准》,虽然是针对初级和中级教育而言,但也十分明确地提出学生必须掌握新媒体技术的要求。仅就这一点,也足可以给我们很大的启发。有些人认为,现代主义已经走向死亡,作为现代主义据点的包豪斯的理论和经验也已经过时,不能再老抱着旧东西不放。这种观点有些片面,当年德国古典哲学、英国古典政治经济学、法国空想社会主义,都相继退出历史舞台,但它们当中那些科学的东西,却被马克思主义批判地接受过来,成了马克思主义的三个来源。现代主义虽然在逐渐被更新的理论所代替,但它所具有的科学合理的部分,却也以另外的形式,被取代它的新理论所吸纳。所以,就个别意义上说,也许包豪斯的理论与实践有过时的问题,但是,如果我们从包豪斯的理论和实践中,总结出一般的、可以借鉴的规律性东西,那么,包豪斯的理论与实践经验,仍然可以为我们提供一些有指导意义的东西。正如我们上面提到的教育思想,以及上溯到马克思主义的教育原理那样。 马克思主义教育原理,是在资本主义工业革命高潮时提出来的,它正是看到了未来社会的发展前景,以及未来社会对劳动大军的需求,才产生了那样的思想理论。今天,我们在教育改革中,以适应时代需要为方向,逐步建立起教学、研究、创造三位一体的教育模式,这既符合信息时代对人才培养的客观需要,又充分体现了马克思主义教育原理。 建立专科、本科、研究生三点结合教育体系 当前,在我们的教育认识上有一个很大的误区,认为必须强化本科教育,后来又开始强化研究生教育。事实上,这是一种违背实事求是原则,不顾客观需要的,带有理想主义色彩的教育思想。这种理想主义色彩的教育思想的直接结果,就是导致了全国不顾条件具备与否,不顾教学质量,一律办大而全的高等院校的风潮;导致了学校不顾条件具备与否,一律搞大而全的学科教育。这种风潮产生的恶果,是使我们的高等教育有数量而没有质量。 通过社会调查,我们会发现,第一,社会对人才的需求,总是在梯次结构上进行,从来就没有单一需求的状况,社会或者市场,需要“阳春白雪”,同时也需要“下里巴人”;第二,本科毕业生素质个体差异越来越大,甚至出现研究生不如本科生,本科生不如专科生受欢迎的局面;第三,在近几年的人才交流会上,我们发现,上海、北京、广东等一些经济发达,高科技产业密集的地方,许多知名度很高的行业和企业,专门聘用专科学生,甚至连清华、北大的研究生也不屑一顾。他们说,我们第一线急需要高级、熟练的技师,而本科生和研究生,大都眼高手低,难以适应生产需要。这说明社会对人才的需求总是高、中、底按梯次结构进行的;第四,就我们国家当前,或者今后一个相当时期的实际情况看,不可能,也办不到普及大学本科或者研究生教育。如果勉强的人为普及,那也是以牺牲中国长远教育利益,甚或是国家利益为代价的。如果中国的大学生、研究生,甚或博士、博士后,连国外的技术学院毕业生都不如,那么,我们还谈什么与国际接轨,有什么能力与国际竞争! 有鉴于此,我们在现代设计教育上,应该按着市场化的运作方式,把培养人才的教育目标与市场需求结合起来,按专科、本科、研究生梯次分开。它们之间的比例关系,可以随时根据市场需求进行调整。在课程设置上,也要有所区别。譬如,专科教育,以实际操作能力为主;本科教育,必须具有扎实的理论功底,并且要有较强的实践指导能力;研究生教育则可以完全理论研究化。此种体系的建立,有利于中国艺术设计人才的培养,同时,因为目标明确,线条清晰,也可以避免现实中的学生素质事实上的参差不齐,滥竽充数。 从实际情况看,社会或者市场需要更多的是能够在第一线从事实际工作专业技术人才,并不总是需要硕士、博士、博士后,特别是那些图有虚名的研究生。所以,我们不能因为强调教育产业化,就把学校搞成以追求最大经济利润的企业,抓住社会上人人都想上大学的从众心里,盲目扩大招生,人为拔高教育身价。事实上,我们许多世界著名的艺术家和设计师,常常不都总是有着博士头衔的人。第二次世界大战之后崛起的美国艺术设计界,它的众多从业的艺术家和设计师,并没有象他们欧洲的同行那样,有着一整套的哲学理论,但是,他们却成为领导当今世界艺术设计新潮流的群体。中国香港的靳埭强,是世界著名设计大师,但他并没有十分耀眼的博士头衔。记得一位哲人说过:世界上第一个大学生是由小学生培养出来的。美国工业设计的重要奠基人雷蒙·罗维(RAYMONDLOEWAY),创建了20世纪世界上最大的设计公司,他宣扬现代设计最重要的不是设计哲学、设计概念,而是设计的经济效益问题,他说:“对我来说,最美丽的曲线是销售上升的曲线。”尽管这种说法有些失之偏颇,但是从中也可以感觉到市场经济对人才需求的实用性、目的性。 为了使中国的现代艺术设计,在激烈的国际市场竞争中站有一席之地,我们必须对专科、本科、研究生三点结合的教育体系,进行深入的研究,尽快使它成为我们艺术设计教育的主导体系。 第三章整合现代艺术设计教学体系 就艺术设计学科当前的教育情况看,整合艺术设计教学体系,是艺术设计教育改革中很重要的一个环节。这个问题涉及到教学内容、课程设置、教学方法、教学评定、教师配置等等诸多问题,需要统筹解决。在中国,虽然搞了几十年的工艺美术教育,又搞了二十几年的现代设计教育,但是,到目前为止,上述问题并没有得到很好解决。譬如,我们目前的现代设计教学,还没有统一规范的教学内容和相应的课程设置,也没有一套成熟的教学方法和相应的教学评定标准,教师资源配置也不尽合理。尤其是新兴的、科技含量比较高的一些学科,如电子艺术、新媒体艺术等,必须得更为突出。这些问题直接造成现代设计教育的混乱和学生获取知识的不平衡,同时也是导致学生能力参差不齐的重要原因之一。 充实教学内容,整合课程设置 充实教学内容,整合课程设置,主要体现在教材的改革上。我们目前尚无统一的艺术设计教材,各个高校艺术设计专业采取的教学方法也不尽相同。但是,基本上大同小异,都在“摸着石头过河”。我们下面以一些学校的本科教育课程设置为例,具体比较分析各自的特点。 第一,香港中文大学艺术系 必修科目:素描基础、书法基础、油画基础、國画基础、見微知著──艺术导论、中國艺术传统、西方艺术传统、毕业创作、毕业论文。 术科专业科目:人体素描、实验素描、创意水彩画、设计、摄影基础、凹凸版画制作、立体设计基础、混合媒介、陶艺基本技法、行草、楷隶、篆书与篆刻、山水初阶、花鸟初阶、人物初阶、現代水墨初阶、书法专修、丝网与平版版画制作、西画进阶、空間与裝置艺术、陶塑艺术、雕塑─造型与物料、摄影进阶、山水进阶、花鸟进阶、人物进阶、現代水墨进阶、绘画创作室、当代绘画创作室、国画创作室、书法创作室。 学科专业科目:中国宮廷绘画、传统与变化──中国文人画、考古与入门、港澳考古、東亚宗教艺术──印度、南亚、中国、韓国、日本、中国古典书法传統、士人的艺术──宋至清书法、西方現代艺术──現代主义与理想世界的追求、新时代的挑战──二十世紀中国绘画、当代西方艺术──后現代时期的艺术取向、艺术游观、后启蒙运动、革命时代到現代世界──1750至1860的欧洲艺术、三城记──意大利文艺复兴时期的佛罗伦斯、威尼斯与罗马的艺术、东西相遇──香港的艺术、中国佩玉和葬玉、中国陶瓷──历代名窯擷英、吉金──中国古代青铜礼器、中国艺术史专题研究、瓷都景德镇──晚期中国陶瓷史。 第二,台湾大叶大学造型艺术系 课程设计 造形艺术的三大领域为: (一)绘画组:包括油画、水彩画、水墨画、膠彩画、粉彩画以及插画、版画等课程。以此基础,可向“应用绘画”发展; (二)雕塑组:包括雕刻(含石雕、木雕)、塑造二类立体造形以及裝置艺术等课程內容;將來除了当雕塑艺术家之外,并可向各类工艺及产品造形方面发展; (三)工艺组:包括有陶艺、金工、编织、漆艺等工房。在应用上,可向相关产品创作上发展。 课程安排 校定必修:国文及应用文、英文、英语听力、生活英语、本国历史、立国精神与宪法与立国精神、通识、法学素养、心理学、計算机概论I、军训、体育。 院定必修:英语文能力检定、計算机概论Ⅱ、工厂实习I、Ⅱ、艺术概论、素描I、色彩学I、造形原理、造形基础I、摄影学、艺术史I、设计概论。 系定必修:素描Ⅱ、Ⅲ、Ⅳ、造形基础Ⅱ、综合素材I、Ⅱ、西洋艺术史、本国艺术史、当代艺术史、美学概论、艺术哲学概论、专题研究I、Ⅱ、毕业制作I、Ⅱ 专长分攻(任选一组):绘画組:绘画I、Ⅱ、绘画材料学I、Ⅱ。雕塑組:雕塑I、Ⅱ、雕塑材料学I、Ⅱ。工艺组:工艺I、Ⅱ、工艺材料学I、Ⅱ。 共同学修:图学、艺用解剖学、进阶艺用解剖学、工艺概论、金工工藝I、Ⅱ、纤维艺术I、Ⅱ、染色、陶瓷工艺I、Ⅱ、漆工艺I、Ⅱ、水墨画I、Ⅱ、版画I、Ⅱ、油画I、Ⅱ、水彩画、粉彩画、膠彩画、书法、插画、石材艺术I、Ⅱ、木属艺术I、Ⅱ、塑造I、Ⅱ、裝置艺术I、Ⅱ、民俗学、裝饰图案、光影艺术I、Ⅱ、玻璃工艺I、Ⅱ、台湾艺术史、艺术心理学、素描研究I、Ⅱ、雕塑結构研究I、Ⅱ、西洋雕塑史、中国雕塑史、传统漆工艺研究、漆画创作、油画研究、绘画创作研究I、Ⅱ、浮雕創作、环境艺术、喷砂艺术、铸造、雕塑与环境研究I、Ⅱ、艺术评论、艺术管理、文化人类学、研究方法学、特別讲座I、Ⅱ、电脑艺术I、Ⅱ、、音乐鉴赏。 第三,东华大学美术学院 装璜艺术设计主要课程:一、平面设计:设计概论、构成设计、图形设计、色彩设计、字体设计、广告设计、包装设计、书籍设计、标志设计、插图设计、摄影技法、计算机辅助设计、企业和机构视觉形象设计、销售环境设计;二、广告设计:综合造型基础、综合设计基础、广告概论、广告文案与创意、市场营销、媒体研究、广告摄影、计算机图形设计、平面广告设计、立体广告设计、平面设计等。三、摄影专业:摄影史、摄影机械、感光材料、摄影技术技法、暗房工艺、构成原理、平面设计、人像摄影、广告摄影、产品摄影、摄影艺术创作、计算机图形设计;动画专业:综合造型基础、综合设计基础、透视学、影像表现编排设计、字体设计、图形设计、动画美术设计、原动画技法、影视广告、漫画、计算机辅助设计、电影、动画赏析等。 工业设计主要课程:美术史论、设计史论、设计美学与设计文化、设计思维、综合设计表达、综合造型基础、设计概论、材料及成型原理、计算机辅助设计、人机工程学应用、设计程序与方法、创新性产品设计、改良性产品设计、网络设计、虚拟现实设计、多媒体艺术设计、三维动画设计、展示概论设计、展示环境与空间设计、博览策划与设计、汽车设计程序、空气动力学、汽车造型设计、非机动交通工具设计。 环境艺术设计主要课程:环境艺术设计概论、环境行为心理学、中外建筑史、建筑设计基础、人体工程学、设计方法与程序、设计标准与预算、室内设计、装修构造设计、陈设艺术设计、家具设计、景观设计、广场设计、园林设计、专业调研与实习、工程项目实践。 第四,清华大学 工业造型设计主要课程:马克思主义哲学原理、当代世界政治与经济、马克思主义政治经济学原理、思想概论、邓小平理论概论、法律基础、经济管理基础、体育、大学英语、计算机基础、计算机软件技术基础、计算机组成及网络、3D-STUDIO、素描、色彩画、基础图案、平面构成、色彩构成、立体构成、摄影、中国工艺美术史、设计基础、雕塑、画法几何、模型技法、设计制图、设计与消费心理、人体工程学、材料与加工、设计概论、设计思维与方法、专业史论、工业设计史、平面设计史、中外建筑及室内设计史、专业课程、材料表面与装饰工艺、视觉设计、三维电脑设计、环境设施设计、日用器具设计、工作机具设计、改良性产品设计、开发性产品设计、展示设计、装饰造型、实习课程、毕业展览、毕业设计(论文) 第五,吉林大学艺术学院 艺术设计主要课程:马克思哲学原理、马克思主义政治经济学原理、思想、邓小平理论、法学基础理论、体育Ⅰ、体育Ⅱ、体育Ⅲ、素描Ⅰ、素描Ⅱ、计算机应用、色彩Ⅰ、色彩Ⅱ、绘画透视、艺术概论、英语Ⅰ、英语Ⅱ、平面构成、美学原理、装饰绘画、中国画(人物、花鸟、山水)、设计概论、文字设计、立体构成、摄影Ⅰ、摄影Ⅱ、色彩构成、黑白画、实用工艺美术设计与民间艺术、图形符号设计、数据库原理与应用、室内外装饰与装修、包装设计、丝网印刷工艺、广告设计、摄影、色彩写生、电脑美术平面设计、容器造型与纸结构设计说明、书籍装帧、平面广告设计、销售心理学、电脑创意、印刷工艺、学年论文Ⅰ、学年论文Ⅱ、毕业设计、毕业论文 上述五个学校,横跨两岸三地,虽然不能代表所有艺术设计学科,但是也很说明问题。第一,艺术设计学科交叉广泛,加大了各地各校在课程设置上的随意性。除清华大学美术学院严格划分专业界限外,全体学校都是以某一专业为主,向其它专业延伸,延伸的深度和广度则视自己的情况而定,这一点在吉林大学艺术学院和上海东华大学表现得最为明显。第二,对专业实行三级细划,严格界定专业,各自形成独立的教学系统,互不介入。清华大学美术学院是原中央工艺美术学院,长期的工艺美术教学,使它们形成了这种模式,所以,在它们身上就表现得十分突出。第三,极为重视政治理论教育,除香港中文大学外,都在这方面显示了非常突出的特征。清华大学没有列出这方面的课程,但也决不会少,虽然这种教学常常流于形式,但是学校却从来没有放松。第四,忽视传统文化教育。这一点在内地的学校中表现最为明显。譬如对艺术设计都能产生巨大影响的易学文化、儒、道哲学,以及中国传统文学中的诗辞歌赋。第五,对艺术设计的媒体,或者说使用的技术手段,表现了十分明显的传统观念,对影响艺术设计的科学技术,几乎被所有学校忽视。而这一点在美国等发达国家的艺术基础教育中,都已经给予了高度的重视。 通过上面的概略分析,我们是否可以整理出下面这样的思路: 第一,承认艺术设计学科的相通性,加大共同性专业课程设置和教学内容。产品设计(包括建筑、工业等等)、平面设计、环境设计、装置设计等等,在艺术设计这个大概念下,大范畴里,它们之间的总体共同性,远远大于个体差异性,从理论上讲,它们之间的个体差异性,更多的体现在它们各自的不同工艺上,而这又是它们各自学科研究和解决的问题。所以,加大共同性课程的设置,是十分必要的,也是培养高素质艺术设计人才必须的。这种加大,不但要有广度,而必须要有相当的深度。香港中文大学和台湾大叶大学基本上是按着这个思路进行教学内容设计,从他们的课程设置上,我们可以看得出来,共同性专业课程的比例,远远大于个体性专业课程。这种模式,可以使学生在学校受到更加完整的艺术设计专业教育,同时也能够大大提高学生的综合专业素质。表现了明显的市场取向意识。 第二,在共同专业教育的基础上,允许学生自由选择各自深化的专业。香港中文大学和台湾大叶大学在这方面显示了更多的灵活性。在接受比较全面、完整的艺术设计学科教育基础上,由学生自己根据各自的喜好选择不同的专业课程,进行更深入的学习。不必事先划定更细的专业界限,譬如清华美术学院对专业的三次划分。此种方法,有利于学生全面掌握艺术设计专业总体知识,也有利于学生走向社会后的就业选择。这里所说的就业选择,并不是指学生对工作岗位的选择,也包括社会岗位对学生的选择。这里有一个现实的个案,某内地重点大学的一位艺术设计专业学生,去某用人单位应聘,在试讲课时,这位学生讲CI设计,这是当前很受社会重视的一门课程,讲的很好,在现场听讲的用人单位的领导、教授、学生,都非常赞赏,表示了几乎一致的满意和接受。但是,后来有领导说,这位学生的确比几个工业设计专业的学生讲的都好,但我们这次招聘的岗位是工业设计教师,而他是艺术设计毕业生,于是就出现了用人上的以细划专业画地为牢的局面。通过这个案例,我们可以看出一次、二次、三次细划专业,并不一定很科学,这种思路既不符合综合素质教育的思想,也不利于人才市场上的双向选择。从根本上讲,就是于有意无意之间,制约了人才的最佳配置。所以要改变一下目前专业划分上的误区,使整个艺术设计专业的学习更具有融通性。 第三,增加中国传统文化、古典文学与艺术教学内容。中国传统文化、古典文学与艺术,应该说,在某种意义上,是保证设计师创造力的必不可少的功底,我们应该在现代设计教育上有所充分的体现,增设这方面的课程,加大这方面的教学力度。具体教学方法上,可以采取专题讲座、沙龙式研论和传统授课等不同形式。这方面,不但要讲技法,如中国书画的技法。更要把重点放在研究它们的思想上,它们所体现和展示的深邃意境上。譬如晋代的著名画家顾恺之,可以从曹植的《洛神赋》、张华的《女史箴》等文章中激发出流传千古的名画;唐代的著名诗人、画家王维,写出了美妙的辋川诗歌,创造了著名的辋川园林艺术,作出了绝伦的辋川山水画,这是为什么?所以,要使学生在学习中国传统文化和古典文学和艺术时,在“博大精深”、“融会贯通”八个字上下功夫。 第四,在学习和掌握传统艺术设计知识的同时,应该提高对新媒体这个艺术设计载体的认识。这就是说,要积极学习和掌握新的科学技术,能够使学生熟练运用高新技术工具和表现手法。比如我们现在还把爬图板的手工绘图,当成产品设计的必不可少的手段,岂不是太滑稽了吗?现在我们到处都在宣传艺术与科学的结合问题,科学家讲,艺术家也讲,设计师更讲,但体现在现代设计教育上,却还是各走各的老路,这就有点“叶公好龙”的味道。我们的艺术设计与市场结合的那么紧,与工业化结合的那么紧,这本身就要求我们的现代设计教育,把最新的科技成果直接应用于教学实践中来。这方面,一要提高认识,二要加大投入,三要全面推广。 第五,加大材料科学的教学力度。对于现代设计来说,材料的掌握和熟练运用,是必不可少的。这一点在产品设计上表现得更为突出。譬如建筑设计,没有对新材料的认识和熟练运用,就不可能设计出集艺术与科学一体的优秀作品来。信息时代,材料科学发展很快,一个面向未来的设计师,必须及时的掌握他的变化,熟练运用它的优越性能。当前材料科学正沿着两个方向发展,一个是高科技含量的新材料,一个是可持续发展的生态材料,必须让学生掌握这些材料科学的发展趋势,在设计中熟练的运用它们。 第六,加大实践课程的内容、方式和课时。现在我们过于强调“学院化”教学,在教学实际中,常常把实践,或者叫实习,当成儿戏,流于形式化。教的不认真,学的很马虎,根本起不到提高学生实际操作能力和增强理论教学知识的效果,这几乎成了中国内地学校的通病。事实上,这种必要的实践课程,对艺术设计这门具有较强应用性质的学科,是非常必要的。前面已经讨论过,这种实践课程,今后可以走与企业和社会联合的路子,使学生有针对性的做,而且做出的东西就叫它成为产品,进而成为市场上的商品。这是一种主动的实践教学方式,可以从根本上改变过去被动实践教学带来的不良因果。 如果把上面的思路整理一下,我们可以这样表述教学内容的整合,一,思想理论教育,包括马克思主义和思想、邓小平理论,更包括东西方艺术与科学、设计与技术思想理论等;二,传统文化、古典文学艺术教育,包括东西方传统文化的交融、易学文化、老庄学说、中国古典文学艺术(含有诗辞曲赋)等;三,专业技能教育,包括基础知识、专业技能、创造能力、操作水平、科技运用等。三者之间,前两者是学生的软件,后者是学生的硬件,互相依存,互为因果如同一台计算机,软件、硬件缺一不可。按着这个思路设置课程,不是在旧基础上的课程表的简单增删,而是在新思维下的总体整合。 中国传统文化、古典文学与艺术应该成为教学的重要内容 艺术设计,归根到底是通过艺术与科学共同的合成手段,创造着人们的全新生活,在这全新生活里,体现的就是一种文化。所以,一个对中国传统文化,对中国古典文化与艺术,知之甚少,或者根本就一无所知的艺术家和设计师,就不可能有什么优秀的创意。世界著名建筑设计大师贝聿铭,因为有着深厚的中华民族文化的底蕴,所以才能在世界上取得今天的可圈可点的艺术设计成果;靳埭强、韩美林等人,如果没有中国传统文化的功底,也决不可在申奥会徽的竟标中,一举夺魁。 在以前的章节中,我们已经比较详尽地讨论了中国传统文化、中国传统艺术,在现代设计的巨大影响,这是传统文化与艺术在现代设计实践中的体现。那么,作为为社会培养设计人才的教育,也应该理所当然地把传统文化与艺术,作为教学的重要内容。但是,中国传统文化博大精深,中国古典文学与艺术浩如烟海,从何而教?从何而学?诚然,我们不是历史专业,也不是哲学专业,更不是文学专业,我们不可能叫学生作为专业学者去研究它们,我们只能学思想,学方法。特别是易学文化思想、老庄哲学思想,以及中国古典文学与艺术中包含的意境美、语言美、形式美。这些都可以为我们今天的学生,明天的艺术家和设计师,打下坚实的创造基础。我们许多著名的艺术家和设计师,甚至科学家,都曾经从我们民族文化与艺术中,引发出创造的灵感,从而完成了自己的不朽之作,成就了自己的一世英名。前面已经多有讨论,这里不再赘述。 那么,究竟应该采取什么样的教学方法,使学生在接受完整的艺术设计专业教育的同时,得到良好的传统文化、古典文学与艺术的熏陶呢?这里提出三种可资借鉴的方法,供大家讨论。一是专题讲座;二是学术报告;三是沙龙式讨论。 第一种方法,可以在每学期,规定出若干的专题讲座,系统地、概论式地对易学文化、老庄哲学思想、中国古典文学中的诗、词、曲、赋等,进行专题讲座。这种专题讲座,要有知识性、趣味性、针对性。所谓知识性,就是使学生获得比之以往的泛泛学习,掌握更多的有关传统文化、古典文学与艺术的信息;所谓趣味性,就是使学生在专业学习之外,有更浓厚兴趣、更自觉的意识去探讨中国的传统文化、古典文学与艺术的相关问题;所谓针对性,就是使学生能够把中国传统文化、古典文学与艺术,与自己的专业知识联系起来,通过相互之间的比较、介入,使学生在尽可能短的时间里,获得综合性的创造能力。 第二种方法,可以不定期举行学术报告会,就某一课题,或者某一方面内容,进行学术讨论。可以有专人讲演,也可以大家都发表自己的学术报告。这种学术报告会,必须具有较强的实际针对性,理论与实践结合的紧密性。前者要求把传统文化,或者古典文学与艺术,有针对性地运用于自己的专业;后者则要求两者之间的互动作用。 第三种方法,可以由任课教师,在学习的不同阶段,根据实际情况,召集学生进行讨论,使学生在接受一种新知识后,有机会反刍消化,并且有机会通过讨论,产生一些新奇的艺术或设计灵感。大文学家苏东坡有诗云“旧书不厌百回读,熟读深思子自知”,常读常新,这是大家都能在学习中经常体验得到的。 当然,上述三种学习方法,也不是绝对的,也可以有更多样化的形式,譬如专题讲座与沙龙讨论的结合,与学术报告的结合,与学生作品展示的结合,甚至可以多种方法交替进行,穿插进行等等。目的只有一个,就是通过不间断地、持续地教与学的互动,激发学生的学习热情,增强学生的自学能力,从而提高教与学的质量。 科技成果应该反映和促进艺术设计教育水平的提高 现代艺术设计在西方已经有一百多年的历史,其间已经形成了一整套的理论,在实践中也取得了显著成果。尽管这种理论和实践成果,仍然伴随着人类的不断文明,社会的不断进步,经济的不断发展,更新着,变化着。但是,有一点是可以肯定的,那就是必须紧跟时代的发展,随时把科技成果反映、或者应用到现代艺术设计上来。现代设计艺术是一种实用艺术(THEUSEFULARTS),或者是应用艺术(APPLIEDARTS),它与“纯粹艺术”或者美的艺术(THEBEAUTIFULARTS)不同,设计,原本就是美的艺术与科学技术的结合体和两者的载体。所以,现代艺术设计教育,理所当然应该把两者紧密结合起来,紧紧追踪现代科技的发展方向,及时把高新技术成果引入现代艺术设计教育之中。我们不能,也不应该总是用旧的知识、旧的方法,教育未来的艺术家和设计师,使他们背负着旧的知识走向新时代。信息时代,知识更新速度已经由过去的上百年、几十年,发展到三至五年,所以,必须用不断更新的知识武装未来的艺术家和设计师。 信息社会,高新技术在层出不穷的涌现,譬如电子艺术、新媒体艺术的发展,正在冲击着传统艺术的载体;材料科学的进步,纳米技术的广泛应用,正在促使产品的加速更新换代;建筑科技的发展,也正在使智能建筑、生态建筑走人们的生活,等等这些,逼得我们应顾不暇。站在时代前沿的教育,不可能、也不应该再去传授手工艺时代的技法。在前面的章节中,我们已经讨论许多有关艺术与科学的互相介入、互相结合,即艺术与科学的互动问题,这里不再展开讨论,只是强调现代艺术设计教育,没有理由不加快观念的更新,把艺术与科学紧密地结合起来,把高新技术直接应用到教学实践中去。至于那些已经变成历史知识科技成果,我们可以把它们放到艺术史,或者设计史里面去讲,也可以作为常识性知识讲授,但不必作为学生必须掌握的重点。信息时代的交通工具正在飞速发展,我们再去讲授马车的美学原理、马车的造型艺术,不是天大的笑话吗?如果是那样的话,我们的现代艺术设计教育,不可能把学生引向高新技术时新日异的信息时代。 知识经济时代,知识成为第一生产要素,科学技术成为第一生产力,从而引起了产业结构、劳动力结构及科技与教育地位的深刻变化。产业结构的变化必然使教育面临大幅度的、根本性的、结构性的调整。办学体制、招生制度、专业设置、培养目标、培养模式、课程体系、教学内容和教学方法等都将根据社会需要,发生革命性的变化。劳动力结构的变化使直接从事生产的工人比例大幅度减少,而从事知识生产、传播和应用的人员比例大幅度增加,社会对人们受教育程度的要求越来越高。不断开发人的潜能,提高人的素质,建立终身学习制度,已成为时代的要求。知识经济的优秀是科技,关键是人才,基础是教育。在知识经济时代,科技与教育不再仅仅是服务的、从属的,科技与教育已从社会的边缘走向社会的中心,并在工业经济向知识经济转变的时期起着重要的作用。 21世纪,我们面临的将是全球经济一体化的新环境。由于信息技术的发展,因特网的普及,已将世界连接成为整体,各领域的发展也越来越依赖知识创新,技术创新和高新技术产业化。要想在世界民族之林占有一席之地,参与全球性的经济合作与竞争,其教育培养的人才必须具有参与国际竞争与合作的知识,能力和素质。2l世纪的教育观必然是国际化的教育观,必须把我们的教育放在全球化竞争与合作的大环境中进行思考和定位,没有这样的理念就难以搞好未来的艺术设计教育。 综上所述,现代设计教育可以成为艺术设计的制约因素,也可以成为艺术设计的促进力量。这一点,完全取决于我们的教育模式、教育体系是否适应时代的要求,取决于我们的艺术设计教育工作者,是否能够及时更新观念,建立新思维。如果把这一章节讨论的问题加以归纳概述,只有三句话:树立全新思维,整合教育资源,建立适应时代需要的教育体系。 本文关键词:艺术设计教育体系 艺术设计研究论文:社会发展与艺术设计研究论文 摘要:现代社会一方面以极快的速度发展,带来科技巨大进步,另一方面却展现给人类以前所未有的压力和陌生的生活环境。艺术设计是一种介于艺术与科技之间的新学科和职业,不仅要实现各种以肉体为对象的实用功能,而且,在这种压力和陌生地生活环境面前还应该尽量体现对人类精神进行抚慰的功能。 关键词:现代社会艺术设计慰藉功能 就艺术设计这一创造性的活动而非名称来说,它是伴随着人类物质生产活动和器物文化的出现而出现的。它实际上就是“人类为生存而进行的造物活动,是人为实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值,因而是一种艺术质的造物。”⑴所以,虽然艺术设计在20世纪以前没有能成为一门系统的学科,没能作为一种特殊的职业出现,但是其上述的一些特点却能在历史发展的各个阶段被体现和发挥得淋漓尽致。按照以往的社会发展来看,人们拥有关于衣、食、住、行、乐的各种造物所包含的形式及功能基本能达到相互统一。然而,随着社会化大生产地到来,随着科技进步引发的又一次工业革命地出现,艺术设计所应囊括的各种价值及功能或多或少地产生了某些偏差和遗漏。至少就现阶段而言,艺术设计所要体现的慰藉功能没有完全得以实现。这是始料未及的。 从第二次世界大战以后到现在,人类社会进入了一个高速发展的新阶段,物质领域和精神领域的各类产品都得到极大地丰富,而作为弱小个体的“人”由于被分布在一个节奏飞快、人造物充斥周围的环境中,其心理及生理则难免会出现种种不适。这时,属于上层建筑文化领域的艺术设计应该分担起缓减这一压力的重责。而本文试图将现代社会发展的影响与艺术设计相联系,谈点有关艺术设计的慰藉功能。 一 丹纳很早就在《艺术哲学》一书中阐述过艺术作品须臾不可与环境分离这一观点。同样的道理,在谈及艺术设计的慰藉功能之前,我们应该先分析艺术设计正处在一个怎样的环境中以及这种环境对艺术设计产生了什么样的影响。毕竟,艺术设计是属于上层建筑范畴的,它应该对社会生活作出反映,同时还要反作用于社会。 第二次世界大战以后,人类社会步入了一个科学技术跳跃发展的时期。所谓“跳跃发展”是因为当今人类进步呈现出连锁式的阶段性飞跃。由于人们在有限的生命中不可能始终获取直接经验,只能借助于纷繁复杂的各类知识、信息及技术等间接经验,才能进行再加工再创造。所以,当一件新的造物出现以后,以该造物为基础的其他产品会应运而生,从而使这个世界以比以往快几十甚至几百倍的速度迅猛发展。人们最熟悉的例子便是建立在大科学和大科技基础之上的计算机的发明及应用。它标志了又一轮科技革命地到来,并始终以其独特地生产方式不断地为现代社会注入发展的活力。而设计的本质是“为人造物的艺术”⑵,它在这种“跳跃发展”中更能体现自己的优越性,不仅可以借助科技成果丰富自己的素材及制作手段,而且还反作用于科技,为其提供具有艺术特征的产品。由此,我们可以得出一个结论:科学和技术对生产方式的改变在推动社会进步的过程中扮演了重要的角色,并日益与艺术设计相联系,与其共同成为人们关注的焦点。 同时,新工艺新技术新材料的研制开发及应用为艺术在形式及内容的多样性上提供了可能因素。“仅以现代家具为例,就有单元系统家具、塑胶吹气家具、纸板家具、聚脂家具和超高堆积家具等等,名目繁多,不一而足。”⑶此外,科学技术对思维方式的改变产生了新的设计理念及思维,使艺术设计呈现多元趋势。特别是后工业时代的波普艺术、欧普艺术、幻觉艺术、偶发艺术等等都对现代生活观念及设计观念产生了深远的影响。正因为如此,艺术设计在这个时代更能体现风格化创作倾向,同时其系统化和专业化的程度也伴随着科技进步而更为加深。 二 但是,科学技术一直被誉为一把“双刃剑”,它既造福了人类,变革了社会经济、政治、文化,开辟了广阔的前景,同时也带来了很多全球性问题、社会问题、心理问题……布热津斯基说过:“世界正在形成一个‘技术电子’的社会:一个在文化、心理、社会和经济多方面都按照技术和电子学,特别是计算机和通讯来塑造的社会。”⑷所以,如果科技的负面影响波及到整个社会的时候,其产生的破坏力是相当惊人的。一直困扰人类的能源短缺、资源枯竭、环境污染、生态破坏、人口膨胀、粮食匮乏等问题就是最好的证明。 艺术设计在这种环境中所受到的影响也是有目共睹的。就现状而言,很多艺术设计作品给人的印象多是局促、不安、焦躁、机器味过重、多种类设计间缺乏必要的联系和沟通。尤其是电脑艺术兴起以来,人们更加依赖计算机这种工具,想方设法摆脱传统思维方式和传统手工工艺的设计,制作。尽管在一定时期内计算机与网络艺术创造出了巨大的价值,开拓了多种新的设计领域,但是机器痕迹过于明显的问题一直是电脑与网络艺术挥之不去的阴影。 与艺术设计领域一样,其他艺术创造领域也在不同程度上被这个尖锐的问题困扰着。就拿音乐创作来说,计算机技术赋予其自身主题和风格以过分的焦灼和狂乱。使人与人之间好像产生了机器零件相互摩擦碰撞的特殊感受。例如,西方社会在80~90年代的时候,出现了一种电子舞曲--Techno,它的诞生使一种动作狂乱、奔放不羁的新舞蹈“锐舞”(Rave)变成人们发泄焦虑不安的渠道。“Techno音乐、昼夜狂舞的Rave舞蹈以及舞场上广泛使用的,给人带来的,是被一些英国作家称为‘集体脑休克’和‘借助化学手段对黑夜无感知’。”⑸但是,无论在哪种形式下的艺术创造领域,这种发泄终归不是一种健康的方式,它那种特有的畸形的性格可能会最终没落社会文化艺术。人类自身已在这个社会下承受了太多的压力,社会进步的步伐迈得越大,走得越快,人们内心的局促、不安、恐慌及压抑的感觉就越强烈。如果再对其精神世界给予缺乏人情味的冲击和刺激的话,人类心理和生理状态必然会相应地产生与周围环境格格不入的变化。 虽然,20世纪人类社会的经济基础在科技的影响下取得了一系列成功的变革,但是文化上层建筑的反作用却表现为时不时地利用可能与经济基础不相适应的甚至落后的意识形态阻碍着经济基础的长远发展。因此,缩小到艺术设计领域中看,人们正需要一种全新的观念来寻求一种解放自己心灵使身心压力得以缓减的有效手段,只有这样,才能将健康的思维方式投入到正常的物质生产实践中去。这时,设计艺术慰藉功能就应该被立即提上议事日程。 三 就字面理解,慰藉有抚慰,安慰的含义。功能则是指事物应发挥的作用。但是,要想在较深层面上去了解其含义,先从艺术设计的目的性方面着手分析则不失为一种有效的方法。 艺术设计发展到今天,大概不会有很多人否认其明确的目的性。“不过,这种目的有双重本质:既是具体功利的,又是社会的”。⑹根据设计的本质可以推导出艺术设计是一种按照美的规律为人造物的活动,是一种具有艺术质的造物行为。因此,它所具有的社会目的性是通过作为“人类与世界调解的工具”⑺这一面貌展现的,它具有多种的复合价值。既然是调解工具,艺术设计在满足功利目的的同时应更多地关注如何实现社会价值。换句话说,艺术设计不仅是通过造物和实现物品的实用性来服务于人类群体,还必须给人以审美的享受,在某种程度上表达一类人的情感,并非只就是设计者实现自我价值的唯一途径。艺术设计的慰藉功能则是体现社会价值的一种载体,肩负起就设计领域来说应该具有的抚慰、安慰作用。一方面,人们在享受艺术设计成果时净化解放了心灵;减轻了身心压力;抚慰了焦躁的情绪;舒缓了疲惫的感、知觉。另一方面,艺术设计为达到这一目的(内容)而采用了适应人类心理及生理的功能外在手段(形式)。因此,慰藉功能实际上是内容与形式在为达到统一过程中而努力具备的一种合目的性的理性因素,它的任务是在快节奏的社会生产、交换、分配、消费等各环节中调节人际关系,引导竖立较为正确的生活消费观念,舒展和升华人类灵魂,使人们在体验物质生产发展成果的同时更加重视精神文化领域的同步发展,逐渐达到人类全面发展,从而既体现人的自我价值,又服务于社会,改善社会发展所具备的综合素质。 艺术设计的目的性决定着其功能性,但这些目的归根结底还源于人类的需求。人的需求是多层次的,既有物质的又有精神的,所以功能的概念也应该是多层次的。设计者的职责便是将人们朦胧的需求转化为具体的产品功能目标。在当今时展中,人类物质需求虽然复杂并且繁多,但对这种要求的功能性满足相对容易实现,且较直观,甚至具有可视性,易于衡量。然而那种在局促焦躁环境中不断增长的精神需求却不是很直观的,可具体操作的。满足这种需求就要以一种包含在设计作品中的气质或魅力为载体的慰藉功能来实现。诚如李泽厚先生曾经说过:“……吃、穿、用等物质需要都有一定限度,比较起来容易满足。但精神的追求却不是这样,它常常是无限的,不好解决,难以满足。”⑻所以,艺术设计才必须在造物的同时考虑到其产品的精神含量。当艺术设计所体现的精神气质或魅力在目标市场的精神追求中寻求到共鸣时,艺术设计的慰藉功能就得到了实现。这其实遵循了格式塔心理学派所提出的“异质同构”原则。也就是说,当艺术设计作品在生产、分配、交换、消费各环节中所定位的目标群体的心理感受能在该或该类艺术设计作品中得到肯定的释放的时候,或者说,艺术设计作品使目标群体在心理和情感上获得一种最简单,最规范和最对称结构的时候,艺术设计才慰藉了目标市场,从而使其在精神上感到满足。说到底,这是一种心理平衡。人类由于前述的各种原因,在现代社会发展中或多或少失去了一种内心的平衡机制,而艺术设计则可借助多种手段来平衡人们的内心机制,使其在精神上感到舒适。如果从这个角度上讲,艺术设计慰藉功能还是从属于功能实用性的,是其实用功能在精神方面的体现,即因为它可以满足人类精神需求,所以应该是有用的。 不过,艺术设计的这种慰藉功能最终还必须通过物质手段表现出来。这里就涉及到表现方式的多元化。正如李泽厚先生认为的那样:“真理是一个由许多方面构成的整体。因而,可以从不同的角度、不同的途径、不同的问题、不同的要求去接近它……”⑼从这层意义上说,慰藉功能的形式可以是多样的,这也进一步丰满了艺术设计作品,从多种角度改善其质量提高数量,满足人们精神和物质的需求。此外,马斯洛曾经把人的基本需求分为五种:生理的,安全的,爱的,尊重的和自我实现的需求。设计的慰藉功能则可通过各种物质手段,根据这五种需求由浅入深地逐一实现,体现不同阶段功能目标。而在这层意义上,慰藉的对象不同,被要求的内容不同,最终导致其表现方式的不同,这也从某种意义上规定了慰藉功能的多样形式。 然而,强调多样性不等于孤立统一性。在保证表达方式由多种语汇构成的同时,还应该将设计作品的品格统一到对目标人群进行心灵安慰及教化这一主旨上来。任何设计都不能以牺牲这一原则为代价来获得谄媚于多样性的途径。如果舍本逐末,脱离其慰藉功能宗旨抽象地谈论多样性,那么结果只能使设计作品得不到共鸣,实现不了其社会价值,而仅仅成为设计者孤芳自赏的个性表现品。 综上所述,艺术设计在现代社会中应该找到合理解决科技发展与文化心理之间矛盾的方法,实现自己多种价值结构,服务社会。然而,目前艺术设计的慰藉功能还未能得以充分体现,这不能不说是艺术设计要发展所面临的困境之一。因为,为了实现慰藉功能就必须先了解社会问题,研究造型心理、色彩心理、人体工学等等各类复杂学科。只有从这些方面入手才有可能在一般意义上体现艺术设计对目标市场的抚慰效用。如果要更深地把握慰藉功能的实质的话,还应该研究历史、哲学、民族民俗学等等。这些学科从某种意义上更能让人们在作品中得到共鸣,但这不是一蹴而就的简单性研究活动,而是几代人共同努力,不断摸索的长期过程。所以,艺术设计的慰藉功能所牵涉的问题是很广泛的,它不是单靠一两句话就能完全解释清楚的。但是有一条原则是可以肯定的,那就是艺术设计的慰藉功能应该注重“以人为本”,而此处说的“人”并非指单个的人,而是整个人类群体。只有坚持这一理念,艺术设计在现代社会发展中就能起到调解人与自然,人与社会的作用,在社会实践中创造更大的价值,从真正意义上体现“天人合一”的思想。 艺术设计研究论文:艺术设计中逻辑思维与形象思维关系研究论文 摘要:逻辑思维与形象思维是艺术设计在计划与实施阶段主要的思维方式,二者有着各自的特点,而它们在艺术设计中的有机结合则会提供一种处理理性与感性之间关系的较为正确的科学方法。 关键词:理性感性逻辑思维 形象思维当谈到理性与感性时,人们很自然就会联系到“感性认识是认识的初级阶段,理性认识是认识的高级阶段”:“感性认识是理性认识的基础,理性认识是感性认识的必然发展”:“感性认识阶段必须上升到理性认识阶段”等等这一系列的哲学论题。的确,就认识事物的过程来看,认识必须经历多次反复最终形成无限发展。同样的道理,作为20世纪新兴学科的艺术设计,其被认识的过程也是必然要经历这种阶段的。虽然今天它所涵盖的内容及形式应该说已基本完善。但是,科学的思维方式和所谓的纯艺术思维方式之间的矛盾纠葛一直是如何较为正确认识艺术设计所面临的课题之一。人们通常孤立地看待逻辑思维和形象思维,认为前者过于理性,是哲学家的思考方式,而后者比较感性,这才是真正的艺术思考方式。一些从事设计艺术实践创造的工作者很容易陷入所谓的纯感性的经验思考中去,并且始终把持着这种不科学的思维方式而津津乐道。甚至连某些相关教育工作者也只是流于表面地利用一些思路不甚清晰的经验或教条来传道授业,而很少能在较深层次去探讨设计艺术在思考与制作过程中的科学因素。毋庸置疑,这种做法是极其有害的,这种现状是令人担忧的。因此,本文试图就艺术设计在创造及实践过程中逻辑思维与形象思维之区别与联系谈一点不成熟的看法,旨在引起对设计思维如何以更科学面貌出现这一问题的关注。 一、艺术设计中的逻辑思维 “逻辑”和“思维”是两种不同的概念。一方面,在传统逻辑影响下,“逻辑”被认为是研究思维的科学。而在现代逻辑中,它却被普遍定义为研究推理的科学。事实上,由于传统逻辑把逻辑和心理学的研究对象混淆了,带有严重的心理主义色彩,因此“逻辑研究推理并且主要是研究推理形式”⑴这一解释则更显得合理一些。逻辑本身存在着一种内在机制(也可以说是本质),即“必然地得出”。逻辑创始人亚里士多德在《论辩篇》中这样写到:“推理是一种论证,其中有些被设定为前提,另外的判断则必然地由它们发生。”⑵亚里士多德通过其创立地四谓词理论和三段论具体阐述了这种“必然地得出”乃是可以依据一种能行的方法一步一步进行的。现代逻辑在传统逻辑观念上有了重大突破,并且得出了逻辑的两个明显特征:一个是构造形式语言,另一个是建立演算系统。在今天,通过这两种特征的实施及运用,“必然的得出”有了更明确的有效性。因而,我们可以看出逻辑是一种有规律的,严谨的科学方法。 另一方面,“思维”相对来说则主要在于心理范畴,它是“感觉、知觉、记忆、思想、情绪、意志这一系列心理过程中的一种心理活动”⑶。它的类型也是非常繁多的,“譬如从表述的角度说,有形象思维、技术思维、逻辑思维;从认识的角度说,有抽象思维、形象思维、知觉思维、灵感思维;从哲学的角度讲,有具体思维、抽象思维,此外还有单一性思维和系统性思维,顺向性思维和反馈性思维,等等”⑷。 逻辑因素在思维领域中起作用就是一种“逻辑思维”(或“抽象思维”)。逻辑思维是以推理为表征的,极不同于想象、联想,也不同于音乐、美术所体现的形象表达(虽然音乐、美术中也有某些逻辑因素的存在,但主要还是以形象因素为构件的)。推理不仅可以使人们获得不能由经验直接得到的知识,而且还能获得不能由感觉和知觉直接得到的知识,因此可以说是一种较纯粹理性思维活动,更多地以必然的前提推导出必然的结果,尽管其推理形式可以是多样的,但最终“必然地得出”却是唯一的。 逻辑思维对于艺术设计来说是有重要意义的。逻辑思维的进行是通过一系列的推理而寻求“必然地得出”。而正如我们前面所说的那样,艺术设计具有强烈的目的性,它的最终结果就是要获得“必然地得出”——在社会生产、分配、交换、消费各领域中满足目标市场,体现多种功能,实现复合价值。因此,当逻辑思维被引入设计领域时,它便可以成为一种行之有效的理性方法或工具,从而指导艺术设计的思考及实践过程。 艺术设计在实施制作之前肯定受到某种需要、目的或精神趋向的限制和驱使,这就需要运用一定的逻辑思维对各类相关因素进行充分理性的分析和理解,从而力求在造物过程和造物产品中体现这种需要、目的或精神趋向。在这一阶段,艺术设计首先获得的是一些必然的前提(在此可被称为“命题”),逻辑思维的作用就是以这些命题为基础,通过多样性的推论形式最终获得“必然地得出”这一结果。我们以对一个椅子的设计为例来进一步说明逻辑思维的运用。在设计椅子之前,设计者获得了如下信息:A.人们正需要一种造物,可以满足“坐”(有时可能是“躺”)的需求;B.这种造物必须让人在生理上感到舒适;C.此造物应符合一类人的文化心理;D.这一造物须被安置在恰当功能空间中。首先,根据第一条命题的规定,设计者通过逻辑思维得出这样的推论:应该设计出一种有一承重面一支撑体或有多承受面多支撑体的造物;其次,通过第二条命题,设计者推导出了需要一种符合人体工学的一承重面一支撑体或多承重面多支撑体的造物;第三条命题则进一步使推论走向对造型和色彩以及心理因素的思考中去;而在最后一条命题中不难发现,这种逻辑推论最终结果必然会要求一种实用的、体现功能的、在一定条件下体现文化内涵的、多联系的造物。需要指出的是,这里的例子只能体现一个简单的逻辑思考过程,实际设计思维中可能会有更复杂的成分,推理顺序可能并不像此例一步一步进行,推理的形式也可能是多样化的,并且还可能伴随着形象思维的参与。但值得肯定的一点是在这种理性思考过程中,设计须掌握较为清晰、明确的设计目的,以便通过随后相关思维活动将其转化为设计方案或实际造物。 前面我们已提到过现代逻辑的两个特征:构造形式语言和建立演算系统。当建立演算系统这一特征体现在思维活动中时就能转化成一种科学的方法对艺术设计过程予以指导,尽可能摆脱盲目的经验化技术表现。 众所周知,物质世界存在着三种规则基本形:圆形、矩形和三角形。艺术设计总是以这三种基本形为基础创造出千变万化的复杂形态的。但是,如果缺乏演算系统推论的话,设计者所创造的复杂形很可能存在着过于感性的因素。换句话说,当没有逻辑演算参与形的创造时,感性直接创造的复杂形很难以规律的形式体现,符合功能和审美造型原则的几率是很小的。这就会导致浪费大量资源、资金和时间用于经验的探索,得不偿失。所以,建立了演算系统的艺术设计就有了产生造型推理规则的可能性。同理,艺术设计如果在色彩领域运用逻辑思维进行演算推理一样可以掌握适当的色彩规律,尽量避免了视觉或感觉带来的误差。以色彩调和为例,孟谢尔从均衡的角度提出了互为补色的一对色彩调和关系上的分量方法。他用公式表示了色面积的均衡,这可以通过色彩明度数字与纯度数字的乘积比例来完成,即 (A色的明度×纯度):(B色的明度×纯度)=B面积:A面积。 综上所述,在艺术设计中引入逻辑思维是大有裨益的。至少,逻辑思维可以作为一种方法或工具被用来减少可能由感性材料和认识局限所产生的偏差,拓展了形象思维的作用发挥范围,并与之共同发展构成较科学的方法论。 二、艺术设计中的形象思维 在谈及逻辑思维重要作用的同时,我们也决不能忽视和否认形象思维的存在和意义。作为思维方式的一种特殊状态,形象思维是一种较感性的思维活动,具有与其他思维方式极为不同的特征。 首先,“形象”要素是其优秀。 人类对事物的感知最初是通过感觉器官进行的,这些事物的信息以各种形式的形象作为载体,通过感觉器官传达给人类大脑,从而形成诸如视觉、听觉、味觉、触觉、嗅觉等感觉形象类型。艺术设计“既是艺术的,又是科学的一个部门”⑸,其成果既是艺术品又是一种产品。从艺术的角度说,形象是艺术作品的基本特征,从产品角度说,形象是设计产品的视觉叙述。没有了形象,设计艺术就没有了思维载体和表达语言。它与文学、音乐等其他文艺形式有所不同:“文学作品中的形象是不能凭感官直接把握的,需要通过语言的中介,经过读者的联想与想象才能得以实现;音乐虽可以直接作用于人们的听觉,但其创造的形象却是不够明晰、不够确定的,仍然需要通过声音的中介,引起听众的联想与想象。”⑹艺术设计中的形象则不同,它是一种视觉形象,在时空中有明确的形式,感官可直接把握。 第二,“想象”是形象思维的基础。 古代哲学家很早就把想象力看作是人类认识自然,认识自我的一种心理机制。黑格尔曾说过:“如果谈到本领,最杰出的艺术本领就是想象”⑺。心理学通常认为:“想象是人脑对已有表象加工改造而创造新形象的过程”⑻。因此,想象是形象思维的较高级阶段,也是艺术设计过程中较为常见的思考方式。一般情况下,它要通过两个阶段才能体现创造性。第一个阶段是掌握现实形象阶段。此时,想象通过各类感觉器官获取大量具体详实的形象资料。这就为进入下个阶段做了一个现实预备,从而使形象思维的运转拥有了切实的原材料。第二个阶段是选择加工阶段。在这一阶段中,理性因素已开始启动,即通过蕴涵在设计作品中的目的性和设计者自律的目的性对感性形象进行规定,去伪存真,由表及里,筛选出合目的性的形象素材。 第三,“联想”是形象思维重要手段。 休谟曾认为:“当心灵由一个对象的观念或印象推到另一个对象的观念或信息的时候,它并不是被理性所决定的,而是被联结这些对象的观念并在想象中加以结合的某些原则所决定的”⑼。在想象的基础上将各类因素观念进行有机结合,艺术设计的创造性便可以得到发挥。因为设计者经历过想象过程后,在思维中已有了一个感性到理性上升的阶段,而联想则将理性阶段再次溶于一种感性范围中去,并通过感性形式表现,从而取得合乎设计要求的形象。 由此可见,形象思维是一种不受时间、空间限制,可以发挥很大的主观能动性借助想象、联想甚至幻想、虚构来达到创造新形象的思维过程,它具有浪漫色彩,并也因此极不同于以理性判断、推理为基础的逻辑思维。 那么形象思维在进行过程中有哪些方式呢?从一般意义上说,设计者在运用形象思维创造时通常采用三种方法:第一种是“深化法”,即通过对来自生活但比生活更典型更集中的形象进行加工和深化,在思维中创造较为生动的新形象。值得强调的是这种加强和深化必须以现实生活为依据,在客观基础上进行分析。第二种是“分化法”,它类似于图案中的写生变化,即由一种形象拓展出多种形象,并保持原形态的基本特征和主要符号。这种方法在心理学上被称作再创造,它主要是以再想象为基础的。第三种是“变异法”。在这种方法指导下,思维活动中往往带有某种虚构和幻想成分,同时也最具创造性。设计者可以不受时空限制,在已有的形象资料基础上分解、组合、打散、构成为不同新的形象。这种思维方法在毕加索的绘画中比较常见。他的《亚维农少女》就曾将处在右下方的一位少女形象通过打散构成创造出一种耳目一新的造型。 形象思维通过上述的特征及方法在设计过程中体现了非常重要的指导意义。它作为设计思维的重要组成部分,给设计者提供三种具体表现形式:首先是原形模仿表现形式。这是一种建立在深化法形象思维基础上的表现形式。设计者在设计实践中以各种原始的生活形象为原型,通过深化法,以一种模拟写实的手法表现出来,使目标消费市场产生共鸣,达到最终审美目的和实用目的,完成多种价值的实现。其次是象征表现形式。它可被视为分化法形象思维的具体表现。设计者主要从原始形象中提炼出一般性共同特征,并以自己创造的抽象、形象语汇和符号以象征的手法分化出一般性质的形象。这种形式多用于标志设计中。最后一种是规定性表现方式。这种表现形式是建立在变异法形象思维之上的。一般来说它又可分为两种规定性:其一为原始规定,即设计者以约定俗成的形分接、组合成其他约定俗成的形,或以抽象、再造形象创造出约定俗成的形;其二为现场规定,即设计者以约定俗成的形象打散、构成为另一种新的抽象、再造形并在与目标市场交流过程中现场传达新形象的特性,或以新的抽象、再造形组合构成另一种新的抽象、再造形并在与目标市场交流过程中现场传达新形象的特性。总之,无论哪一种表现方法都是形象思维在设计活动中的具体应用,它是一种实用的方法,在实践中具有很大的灵活性。 三、逻辑思维与形象思维的联系 无论是逻辑思维还是形象思维,它们在艺术设计中总是互不可分的,既有本质不同又是相互统一紧密联系的。一方面,二者是有区别的。前者以抽象思维活动为主,而后者则是一种具像的思维活动方式,其各自特点前面已有阐述,而二者的联系则表现为: 一、逻辑思维的推进往往伴随着形象思维的发生。以刚才那个椅子的设计为例,在涉及每个命题步骤时,设计者不可能抛开一切形象只单纯抽象地进行推理或只是以抽象概念为理解基础进行抽象推理,而肯定会在大脑中浮现与各个命题步骤相关的形象。比如,第一个命题规定的是一种造物,可以满足“坐”(有时可能是“躺”)的需要,这时设计者至少可以通过想象和联想得出这种“坐”或“躺”的情景以及用于“坐”或“躺”的承受物一般意义上的形象。另外,在建立演算系统进行推理而获得符合规律的形式及色彩关系活动中,基本形和色彩形象是肯定会伴随推理发生。 二、在设计中,以逻辑思维为主的理性思考指导着形象思维的具体运用。前述形象思维的“深化法”、“分化法”、“变异法”等多是在推导或建立演算系统的方式下进行的。以一个或多个命题为基础,建立多项演算系统,得出符合设想或构想的最终形象,体现审美规律的同时,满足市场需求。 三、形象思维与逻辑思维发生的先后次序不以二者各自特点而孤立地、明确地体现出来。更多情况下,二者可能同时发生或间歇式发生,并无先后顺序。在逻辑推理和逻辑运算的过程中包括了各种对形象的运用和理解;在运用形象思维进行发散和创造时,也有逻辑规律的运用和指导。 需要指出的是逻辑思维和形象思维在实际操作中往往要共同经历两个阶段:第一个阶段是将理性与感性互溶,第二个阶段是通过感性形式表现出来。也就是说,在第一个阶段(接受计划酝酿方案时期),以逻辑思维为主的理性思考及创作思维需要和以形象思维为主的感性思考及创作思维结合,但设计者偏重于理性的指导,寻求规律,抽象地或概念性地描述设计对象;在第二个阶段(表现方案逐步实施时期),理性和感性的思考及创作思维成果需要通过感性的表达方式体现出来,设计者需要以形象、想象、联想为主要思考方式,抓住逻辑规律,运用形象语言。总而言之,虽然我们将形象思维和逻辑思维相互界定,但是二者的统一性却不能被湮没在纯的对立性中的,设计者需要把握逻辑思维和抽象思维的特性灵活运用。 对于感性与理性在艺术相关问题上的探讨由来已久,并且形成了多种不同的但都相对完善的理论和观点。然而,认识是不断发展的,对感性与理性对立统一的进一步认识只能会更趋成熟。设计艺术作为一种较为年轻的艺术科学,也是应该努力寻求其感性与理性最佳契合方式。而在通过对逻辑思维和形象思维的分析中,这种契合的可能性和有效性已初现端倪。艺术设计既具有严谨、理性的一面,又有轻松、活泼、感情丰富的一面,只有将理性和感性共同融会于其中,科学与艺术那种紧密的结合才会以独具特色的方式在艺术设计中体现出来。 艺术设计研究论文:艺术设计教育研究论文 内容摘要:艺术设计教育相对落后于现代设计的实践,学生因受教学校的不同,专业水平、职业素质、工作能力等有着较大的差异。为此,我们应重视设计管理的作用和影响。企业层面的设计管理,包括设计目标管理、设计流程管理、设计作品的品质管理以及知识产权的管理,在现在以及未来的发展过程中,设计管理其内涵、外延将不断丰富,发挥更为关键的作用。 关键词:艺术设计教育设计管理设计设计师 一、艺术设计教育的现状 20世纪以来,人们在探讨艺术设计教育时,不能跳过和忽略的就是“包豪斯”,它几乎成为了现代艺术设计教育的代名词。人们不断研究其带给艺术设计教育的广泛指导意义,表现在其本身的工作效果和教育成就,以及思维方式的根本转变等,而后者才是包豪斯能够取得如此大成就的优秀和根本。 包豪斯体系强调的是: 1.设计应自由创造,反对模仿抄袭,墨守成规; 2.将手工艺同机器生产结合起来; 3.强调各类艺术之间的交流融合; 4.学生既有动手能力,又有理论素养; 5.将学校教育同社会生产挂钩。 如果说,现在的艺术设计教育和从业人员都达到了以上几点的要求,或许今天也就不需要来探讨这个问题。可以说,艺术设计教育相对落后于现代设计的实践。纵观国内的艺术设计行业,社会不满意,主要表现在艺术设计人才的数量和质量不能满足和适应市场需要的问题;业内不满意,最优秀的表现就是没有基本可以成为指导思想的设计教育理论,教育的方向无法清晰透彻,教学方法一定程度上不能适应设计教学实践的需要。仅有二十几年历史的中国现代艺术设计,还没有建立一套自己满意、社会满意、相对完整的教育体系。正因如此,各个院校的艺术设计教育都存在着较大水平上的差异。但是,经过二十多年的摸索,艺术设计教育有经验也有教训,这些都是我们艺术教育过程中宝贵的指导思想。 二、设计和设计师 何谓设计?它指的是把一种计划、规划、设想、问题解决的方法,通过视觉的方式传达出来的活动过程,“设计还同时肩负着把制造产业与尖端的软件产业一同吸纳进创造磁场的重任。”①而设计师,则是从事设计这一职业的人的一个统称。 设计师,是特殊的族群,与设计师们的对话有时可显示出更宽广的胸怀,改善环境的渴望,打造更美好的世界,提高大众对艺术、设计的品位,去帮助或改变这个社会等。但是,不可否认的是,很多时候,有些设计师们的世界是很“窄”的。 笔者认为这和中国的一些知识分子的弱点是一样的。有些知识分子大多缺乏一种大文化观,他们看问题多只是从专业的、局部的、个人的、地域的角度出发,这对于整件事情和整个层面来说,是相对狭隘的。而有些艺术设计师,将自己圈在一定的小文化背景里,其认识和境界或许就停留在较窄的层面。 设计师以及设计师的创作,应面向社会。对于社会,设计师应积极参与并有责任感,在文化意识上发生作用,并把个人和现实文化联系起来。相应来说,艺术设计教育教会学生一种思考艺术的能力,教他们对生活、对社会反应的敏感力、认知力、艺术表现力和责任感。推动的不是某一层面的技术载体,而是思想上的变化,这比教技法更重要。 三、设计和设计管理 管理需要设计,设计必须加以管理,设计管理作为一门新兴学科的出现是现代经济发展的必然结果。日本学者认为,日本产品之所以具有国际竞争力,是因为他们在设计的应用和行销上经常进行创新,其重要因素就是掌握“设计管理”,强调在设计部门中所进行的管理,以提高设计部门活动的效率化,将设计部门的业务体系化进行整理,以组织化、制度化进行管理。 设计管理,很多人对于这个词还是比较陌生的。1965年,英国皇家艺术协会(TheRoyalSocietyofArts,简称RSA)颁发“设计管理最高荣誉奖”。此奖目的在于借以“鼓励企业设计活动,经由广泛性、合理性、计划的步骤,使顾客、公司员工及相关人员对公司有整体品质的认同”②。有一个问题不能忽视,设计管理的最终目的是使顾客、公司员工及相关人员对公司有整体品质的认同。设计管理的第一个定义,是由英国设计师MichaelFarry于1966年提出的,他认为:“设计管理是在界定设计问题、寻找合适的设计师,并且尽可能地使设计师在既定的预算内及时解决设计问题。”③他把设计管理视为解决设计问题的一项功能,侧重于设计管理的导向,而非管理的导向。不难看出,MichaelFarry是站在设计师的角度提出定义的。 设计管理,从企业层面的理解指的是企业领导从企业经营角度,以企业理念和经营方针为依据,对设计活动进行组织与管理,是借鉴和利用管理学的理论和方法对设计本身进行管理,使设计更好地为企业的战略目标服务。设计管理,企业的设计管理,在目前看来还处于较初级的阶段,企业品牌形象CIS战略的运用,是最典型的设计管理的实例,也是目前企业运用的设计管理。 四、如何进行设计管理 在现代的企业行为中,不管是以设计为背景,还是以管理为背景去理解设计管理,其基本的内涵已渐渐走向统一。那么,设计管理的主要内容有哪些,又该如何进行设计管理呢?相信这是很多人目前真正关心的,下面,笔者以多年的教学和从业经验谈一些理解。 第一,设计战略和策略管理。 设计战略和策略,是企业根据自身情况(企业情况、市场情况、产品情况等)作出的针对设计工作的长期规划和方法策略,是对设计部门发展的规划,是设计的准则和方向性要求。它是提高产品开发能力、增强市场竞争力、提升企业形象的总体性规划。企业必须要制定自己的设计战略,并加以良好、有效地管理。 第二,是设计目标的管理。 设计必须也应该有明确的目标。除战略性的目标要求外,企业的设计部门应根据企业的近期经营目标制定近期的设计目标,这一点很重要。前面在说到设计师们是一个特殊的族群,一般较为感性,在目标的设定、执行等方面最好能有强有力的管理,使之切实有效地完成既定目标。 第三,设计程序管理。 设计,是一个讲究创意、思想的工作,但并不表示设计就不需要流程。设计的流程管理,是为了对设计实施过程进行有效的监督与控制,确保设计的进度,以在既定的时间内完成目标和任务。 第四,设计作品的品质管理。 设计作品的品质管理,是使设计师的设计方案达到预期的目标,并在生产阶段达到设计所要求的质量。在设计的过程中发挥集思广益的作用,有利于设计质量的保证与提高。这里特别要强调的是“集思广益”,即发挥集体的智慧,达到最理想的效果,这在设计管理过程中应给予足够的重视。 另一个环节是我们不能忽略的,即设计成果转入生产以后的管理对确保设计的实现至关重要。在生产过程中,设计部门应当与生产部门密切合作,通过一定的方法对生产过程及最终产品实施监督,才能使设计的效果得到最完美的体现。 第五,知识产权的管理。 随着知识经济时代的到来,知识产权的价值对企业经营有着特殊的意义。对设计工作者来说,首先要保证设计的创造性,避免出现模仿、类似甚至侵犯他人专利的现象。应有专人负责信息资料的收集工作,并在设计的某一阶段进行审查。设计完成后应及时申请专利,对设计专利权进行保护。 结语 设计概念的内涵和外延在“软件、技术和管理”这一大背景下不断发生变化,设计管理的定义和影响也在发展过程中。作为一门新的研究领域、一种应对激烈竞争的最具潜力的工具,设计管理愈来愈受到人们的关注和讨论,这是一个好的现象。在目前以及将来,对设计管理的探讨和发展应当被我们关注和重视。 艺术设计研究论文:动漫艺术设计教育研究论文 摘要:中国动漫设计艺术教育快速发展的同时,也面临着巨大的挑战。动漫设计艺术教育的根本是培养综合素质得到全面发展的“人”,与此相关,教学模式、教学方法、教学手段等应该得到很大的改变。 关键词:动漫设计艺术教育;目标;模式;方法 动漫产业,是二十一世纪最具发展潜力的朝阳产业。据经济专家预测:中国动漫产业拥有200亿元的大市场,并将拥有超千亿元产值的巨大发展空间!近年来,国家相关部门也连续出台了一系列相关的文件与政策,鼓励与扶持中国原创动漫产业发展。 动漫产业红火带动了动漫人才的需求。也必然带动了动漫教育的发展。直到上世纪末本世纪初才刚刚起步的我国的动漫教育短短几年问发展到2005年正式面向社会招生、有学历文凭的动画专业学生的院校已达到200多所,在校学生7000多人。据调查,仅仅是湖南动漫设计艺术教育行业,到2005年。共有长沙理工大学、湖南师范大学、长沙师范、湖南大众传媒学院等9所院校相继开设动画专业,专职教职人员110人,在校动画学生总计约700余人,另外还有相关的动画培训机构9家,合计年招收动漫学生总人数达到l千余人。 与此同时,我国的动漫设计艺术教育也面临巨大的挑战:办学历史短,师资短缺,系统全面的教材严重缺乏,教学环节不规范等等一系列的问题得以呈现。一方面,学习动漫艺术设计的学生人数在不断地增加,就业形式逐渐严峻:另一方面,动漫界的人士却在抱怨动漫设计专业人才缺乏!中国动漫设计艺术教育向何处去的问题日益突显! 然而由于种种原因,国内学术界对于动漫设计艺术教育的研究却严重滞后。当今学术界对中国动漫(动画)产业研究相对较多,对动漫教育研究却较少,相当多的文章都是在谈论动漫产业时稍稍涉及动漫教育问题,而且谈论多为从动漫设计艺术所需人才角度来切入。如王永利《迎接中国动画产业的春天》只是蜻蜓点水地谈到动漫人才培养的重要性;范黎明《中国动画的昨天、今天和明天》指出了中国动画事业繁荣的基础在于依靠动漫设计艺术教育多规格人才的培养:国内从事动漫设计艺术教育发展战略的有关研究(包括研究论文和研究著作或系列报告等)目前还非常缺乏,《2004国际动漫、游戏教育与产业发展论坛论文集》(辽宁美术出版社,2004年版)涉及到动漫教育及其发展战略的论文只有少数几篇。尤其是对动漫设计艺术教育整个流程缺乏必要的分析,从而使得动漫设计艺术教育缺乏可借鉴的理论成果。要彻底改变这种状况,必须对我们当前的动漫艺术设计教育进行全面的反思。 一、关于动漫设计教育目标 我们的动漫设计艺术教育脱胎于传统的工艺美术教育,最初从事动漫设计和动漫产业的工作者都是从事工艺美术教育领域的学人。“人是历史生成的高级动物。”往昔人才教育的一个根本目标就是要使得这种人才成为“精”和“深”,专注于动漫本身的技能培养,着重于动漫本身的艺术形象的设计技能和方法,使之成为一种技术性专门人才。时展到2l世纪,社会的发展,科技水平的提高,对传统的媒艺动漫设计人才教育观念和教育目标提出了挑战。媒艺动漫设计艺术教育人才培养目标应该是由以往的专家技能型转向博学面广的复合型人才。即:不仅仅要求这种人才只注重技能训练与培养,还要求他们能够成为“熟技能、懂策划、会管理、能经营”的复合型高级人才。这样,教育目标也由以往的技能教育为主转变为以设计艺术素质教育为主。 这种以设计艺术素质教育为主的动漫设计艺术教育中应该是以突出创造性思维培养为主的素质教育。但由于当今中国的内部环境种种局限,伴随着政治、经济、历史条件和社会条件的限制,要真正达到素质教育目的还有很长一段路要走。在发达国家的设计艺术教育概念中,就自始贯穿着独立与创新的思想,同时。在中小学教育阶段艺术与设计的基础教育是十分普及和重视的,它同样是素质培养的关键环节,大多学生在还未进入高等艺术院校之前,其审美能力、判断标准已达到一定高的层次,虽然艺术表达能力没有跟上,但艺术设计的构思创造能力却远比中国通过强化训练或临时改变职业目标考入艺术院校的学生强。其实,从某个角度看,高等艺术院校教育成败的衡量标准也并非是培养出多少单纯的“绘画机器”和“设计工具”,而是让其掌握艺术技能,会创造贯通的“通才”创作者,无论他们将来在哪一个领域作出贡献,都有动漫艺术设计教育中所受到的创新思维素质培养的功劳,这应该就是素质教育与职业定位在动漫艺术设计教育概念上的根本区别和意义。在设计中,自由的创造及想象才是对时代心灵应当有的回应。真正的设计自由可以象直觉绘画般的畅快淋漓。法国艺术学家丹纳在《艺术哲学》中分析设计作品质量下滑的原因总结为:“思想感情的薄弱,伟大原创的淡薄,只凭回忆和传统才保持那个观念,但手艺却更熟练了。” 这种动漫人才的培养最终要落实到教育教学课程的建设上,所以动漫设计人才的素质教育不是简单地对传统课程的增删和归并,而是使学生在自身设计能力方面得到持续提高的同时,全面加强其综合素质的培养。为了适应素质教育的需要,应当在学科建立、专业设置和课程、教材建设等方面增强其互融性、交叉性、应用性等功能。动漫艺术设计教育的互融性,是指设计学科与其它人文学科乃至自然学科的相互渗透与融合。任何与本学科相关的知识和成果,都可以融合到设计学科中,对其发展起到重要的整合作用。动漫艺术设计教育的交叉性,是指设计学科内部各门类的相互交融和贯通。学科专业方向划分要相对合理,打破专业方向之间的屏障,加强其共同点和交叉性,拓宽专业面。动漫艺术设计教育的应用性,是指艺术设计教育要适应社会生活的需求,以及对于社会生活的广泛渗透。教学课程的设置、教材的编撰和筛选,都要充分考虑社会各方面需求,及时不断地作出调整。只有这样,才能保证媒艺动漫设计人才全面健康快速地成长。 二、关于教学模式 媒艺动漫人才的成才与否的关键因素之一是和学校教育的模式密不可分。纵观媒艺动漫艺术设计教育的发展,可以分为三种教育模式:技能型、观念型和素质型。所谓“技能型”,即传统的培养模式,其特征是以具体的设计手法和技巧为训练内容和培养目标。这种模式的共同特点是忽视现代设计的发展性、多样性以及学生创造性思维的发展,使人才的培养走向技能束缚的匠人型,跳不出旧观念的窠臼,这种模式最终付出的惨重的代价就是培养的没有思想的没有创造性能力的“设计工具”。所谓“观念型”,即追随现代西方各种设计思潮的发展,这种模式使其设计有过多的追求,一味强调自我主观意识,而忘记设计的本质乃是一种造物活动,使得设计离开现实的丰厚土壤,显得飘忽不定。当然,结合到我国的媒艺动漫设计艺术教育现实,这种教学模式对传统技能型教育模式的冲击,具有一定的积极意义。现代媒艺动漫艺术设计主张的教学模式是“素质型”,是以增强设计综合能力为培养目标的崭新模式,着眼点是学生的综合能力和综合素质的培养。这些综合能力包括设计逻辑分析能力、创造性思维能力、社会文化的洞察力、设计表达的驾驭能力等等。它具有现代建构多元化发展的深刻内涵,体现了民族、地域、文化、历史等方面的特色。 总体来说,媒艺动漫设计艺术教育是一种非常特殊的专业性教育,它培养的不仅仅是熟练掌握和应用技艺的人才,更重要的是培养具有健全文化修养,人文品格精神的设计“人”才。这是21世纪对中国媒艺动漫设计艺术教育提出的更高要求。一方面由于科技的飞速发展,各种媒体手段已深刻而直接的牵制了设计者的思维判断方向。媒体手段一方面以前所未有的巨大能量开拓出了视觉模拟新形式语言,为艺术设计提供了大量的设计空间;另一方面,这种设计空间的力量最终产生出一种令人难以摆脱的制约和心理寄托,使得媒艺动漫艺术设计的原创性、真实自然性、人文思想情感性得以全面消解。媒介时代对当下媒艺动漫艺术设计产生最为直接的影响是挪用、照搬、拼制成了设计者创作的有效快捷手段;随机、重构、拼接代替了创新、真实、情感。没有情感的驱动力,没有基本的逻辑线索,没有深刻的思想内涵。媒艺动漫艺术设计作品承载的只能是欣赏当下视觉感染力和冲击力的过眼云烟! 从动漫设计艺术教育的角度分析,动漫设计艺术它重技能,重画面功夫,但更重“画外功”和“画后功”,这“画外功”指的便是多方向的诸如文学、哲学、道德等修养,这也是中国当下动漫设计艺术竞争不过美国、日本、韩国等国外动漫设计艺术的根本原因。如何让受我们的媒艺动漫学生在有限的时限内掌握知识要领(技艺),既能够获得造型基础能力,又能够在艺术追求多元发展的结构中选择自己深入的方向及可能性,以及在此基础上形成的创新精神,是每一个媒艺动漫设计艺术教育工作者应该深思的问题。 在媒艺动漫艺术设计教育中,我们认为当务之急应当梳理学科和专业,改革学科发展结构和教育机制乃至教学计划,在保持传统基础学科发展的前提下,综合各相关各种学科的特色优势,创造出既有利于基础互通,多元发展,又有利于学生自我整合能力提高和创新能力培养的教学模式和系统的形式来。三、关于教学方法 在知识经济时代,媒艺动漫艺术设计教育的教学方法必将发生深刻的变革。从事设计教学的教师的职责将不仅是向学生的头脑填塞过去的文化和灌输现成的知识,而且是着力于开发学生的智力和创造力,鼓励学生独立思考,培养知识广博、思维敏捷、富有创新精神的具有国际文化视野、中国文化特色的动漫艺术设计师,更重要的是引导学生学会科学的方法论,树立正确的人生观和价值观。教育在于把人的思想提升到较高的境界。这有赖于教育者自身素质的提升。从事动漫艺术设计教育的教师如果没有哲学家对认识世界的思索,没有艺术家对审美意识的敏感,没有自然科学家对人类自身的关怀,就很难做好教育工作。只有采取切入学生心智,唤起学生探究欲的教学方法,才能给学生以足够的发展空间。21世纪是一个信息爆炸的世纪,更是一个信息传播速度异常迅疾的世纪,这也意味着传统教育教学方法将教师当作知识“仓库”观点的终结和将教师教学只是当作可以复制粘贴的“拷贝式”方法的休止。这种背景更要求动漫设计艺术教育应该彰显“创新精神”,发挥每一个学生的主观能动性,教师应视学生为教学主体,最大限度地“钻探”每一个学生的潜质和潜能,采用更为开放的授课方式,探索研究型课程,尝试运用“适当讲课+公开讨论+研究探索”的教学方法。教师的作用重在引导,让学生学得主动,重在掌握独立思考、独立分析问题和解决问题的方法。教师在教会学生学习方法的同时,还要注意充分开发具有不同禀赋的学生的潜能,让每个学生都有发展和提升的机会。整个教育教学过程应注重发现学生的创新精神和创造能力,及时给予鼓励和支持。在教学中注重设计过程的体验和实践,建立新的设计作品评价体系。支持学生新颖独特的想法、做法,创造宽松的气氛,以利于学生的成长。 四、关于教学手段 今天,艺术设计教学手段已经全面抛开了一支粉笔、一支画笔打天下的年代,图像处理、印前技术、三维动画、虚拟现实多媒体技术等已经为每一个从事动漫设计艺术教育的工作者熟悉,感受到他们带来的便利及快捷。我们相信艺术设计教育在不远的将来将全面融入全新的数码技术,多媒体技术在教学中的充分利用,使得教学效率和教学质量有非常大的提高。一方面,要加强“硬件”的建设。即学校加大信息技术的投入和建设,提供满足教学需要的精品软件与数字化教学信息,因为这是数字教育的物质基础与技术保障。另一方面,还要强调“软件”建设,即教育者应强化自己开发精品艺术设计教育软件的意识,全面融入全新的计算机软件硬件技术,丰富自己的教学经验,提高自我修养,融合现代设计的最新理念,在教学过程中激发学生独立思考能力和创新意识,培养学生开放性的探索精神。 在教学过程中教师要充分发挥计算机存储信息的便捷、快速、大容量的特点,进行直观全景式教育,培养学生的学习兴趣。互动式教学手段和方法的应用改变了以往单向线性的教学模式。使教学在充满乐趣的传播与反馈中获得成效,学生在老师的引导下讨论设计课题,学生可以随时通过网络与设计师、工程师、生产者保持联系。互动式教学打破了时空的限制,并最大限度地支持个性的发展。虚拟现实教学手段,再造了一个艺术设计教育的空间。 总之,我们始终不应忘记的是,动漫艺术设计是将自然界或人类繁杂的现象本质抽象出来成为人类社会精神、意识的载体——设计艺术作品,并使之服务于人类。为科学和艺术的结合——动漫艺术设计,不仅要睁着眼睛观察世界的表象,更要学会闭上眼睛体验世界之本质。只有通过这种观察理解方式,才能将客体重新分解——提炼——表现——再组合,那么其作品给人提供的全新审美形象,便更能感悟和净化人的灵魂,提升人的境界。当今中国动漫艺术设计教育是从工艺美术过渡而来的,还笼罩在技能培养以及职业化教育的阴影之中。作为从事艺术设计教育的我们,更应认真实际地处理好美术与设计的关系,认识传统与现代的功用,调整技能培养和素质培养的重要性,源自心灵和思考的艺术创作必然会浮出水面,只有这样,动漫艺术设计教育才能够迎来灿烂的阳光。 艺术设计研究论文:易学现代艺术设计研究管理论文 以《易经》为代表的易学文化,是中华民族创造最早的一种文化现象,自易学文化诞生之日起,他就对之后社会的政治、经济、军事和人们的日常生活,以及种种文化艺术现象等等,都产生了巨大的影响。讨论易学文化对现代艺术设计的影响,不能不先了解易学文化。所谓易学文化,是应该包括以《易经》为中心的一切文化现象。《易传》是一部内涵丰富的哲学著作,它以独特的结构形式和思想内容,在中国传统文化大观园里筑起一座神秘的宫殿。在以政治、伦理为主要内容的中国古代意识形态领域里,开辟了广阔的哲学天地。《易经》的哲学思想涉及诸多问题,但是倘若简化一下,无非就是研究“天人关系”,所谓“天、地、人”;所谓“天人合一”,都是这个意思。应当说,中国古代哲学的基本问题,即“天人关系”问题,在《易经》中表现得最为突出,中国古代哲学思维的有机整体性特征,在《易经》中表现得最为明显。所以《易经》成了众经之首,易学文化也就成了能够为所有文化艺术提供指导和借鉴的东西。 伏羲氏开创了中华民族文化的新纪元 在中国的远古时代,也就是三皇(三皇有多种说法,这里取伏羲、神农、女娲说,传说我们的先民就是由伏羲、女娲交合而生)的那个时代,发生了一件很了不起的事情,不亚于盘古开天地的伟业,对后世产生影响之深远和巨大,无论怎样评价都不过分。这就是《尚书·序》开篇的第一句话:“古者伏牺氏之王天下也,始画八卦,造书契,以代结绳之政,由是文籍生焉。”产生了文字,这是人类历史新纪元的开始。但“造书契”是第二位的事,第一位的是“画八卦”。八卦的诞生,一是说明:伏羲时代先民们不但有了太极、两仪、四象和八卦的理论,而且有了太极图、阴阳爻这样的图形符号,以及由这些图形符号千变万化而成的阴阳卦象(仍然是线条图形符号);二是说明:易经的诞生,在伏羲时代就已经有了相当的基础。于是就有了八卦衍生出来的六十四卦,就有了围绕易经的文化现象,人们把它统称为易学。与此同时,还产生了河图、洛书。 太极图是研究易学原理的一张重要的图象,它包含宇宙万物运行规律,有人说它是宇宙的模式。太,有至的意思;极,是极限之意,即至于极限,无与伦比。它包含了老庄哲学的“道”的至极之理,也包含了老庄哲学的“天”的时空极限。《庄子·天下》说:“一尺之棰,日取其半,万世不竭。”这就是太极。“太极元气,含三为一”,从太极图可以得出结论,太极图的圆圈,就是代表一,代表宇宙,代表无极。图象的黑白二色,代表阴阳两方,天地两部;黑白两方的界限就是划分天地阴阳界的人部。白中黑点表示阳中有阴,黑方白点表示阴中有阳。道生一,就是无极生太极;一生二,就是太极生两仪;二生三,就是阴阳交感化合;三生万物,就是太极含三为一。宇宙有无限大,所以称为太极,但是宇宙又是有形的,即有实质的内容。然而,有形又来自于无形,所以无极而太极。太极这个实体是健运不息的,即宇宙在运动,动则产生阳气,动到一定程度,便出现相对静止,静则产生阴气。如此一动一静,阴阳之气互为其根,无穷运转。自然界也是如此,阴阳寒暑,四时的生长收藏,就是万物的生长规律,这种规律无不包含在阴阳五行之中。阴阳交合,则化生万物,万物按此规律生生不息,故变化无穷。这些内容提出了立天、立地、立人的三才之道,所谓“六爻之动,三极之道也”。 河图以十数合五方、五行、阴阳、天地之象。图式以白圈为阳、为天、为奇数;黑点为阴、为地、为偶数。并以天地合五方,以阴阳合五行,所以图式结构分布为:一与六共宗居北方,因天一生水,地六成之;二与七为朋居南方,因地二生炎,天七成之;三与八为友居东方,因天三生木,地八成之;四与九同道居西方,因地四生金,天九成之;五与十相守,居中央,因天五生土,地十成之。河图是根据五星出没的时节绘成,故称五星为五纬,是天上五颗行星。木曰岁星;火曰荧惑星;土曰镇星;金曰太白星;水曰辰星。五行运行,以二十八宿为区划,由于它的轨道距日道不远,古人用以纪日。五星一般按木火土金水的顺序,相继出现于北极天空,每星各行72天,五星合周天360度。由此可见,河图就是五星出没的天象,也是五行的来源。 洛书古称龟书,说有神龟出于洛水,其甲壳上有此图象,结构是戴九履一,左三右七,二四为肩,六八为足,以五居中,五方白圈皆阳数,四隅黑点为阴数。洛书数字本太一下九宫而来,以四十五数演星斗之象。古人观测天象,认为北极星(太乙)之位恒居北方,可以作为中心以定位的标准。九宫是据北斗斗柄所指,从天体中找出九个方位上最明亮的星为标志,便于配合斗柄以辨方定位,发现九星的方位及数目,即洛书的方位和数目。洛书九宫数,以一、三、七、九为奇数,亦称阳数;二、四、六、八为偶数,亦称阴数。阳数为主,位居四正,代表天气;阴数为辅,位居四隅,代表地气;五居中,属土气,为五行生数之祖,位居中宫,寄旺四隅。由此可见,洛书九宫是观测太一之车,即北斗斗柄从中央临御四正四隅而形成的,洛书九宫与八卦的阴阳变化存在着密切关系。 易学深刻地影响了中华民族文化的发展 从伏羲时代造作的卦画开始,到周文王,被囚禁羑里的七年时间,于大忧患中,作大开创,成就了周易彖(卦)辞。后来周公姬旦又为每卦六爻作了爻辞,开创了兴周八百年基业的哲学思想。到了孔子,又赞周易十翼之传,一脉相承,这就是我们今天所看到,包含《彖》、《象》、《系辞》、《文言》、《说卦》、《序卦》、《杂卦》在内的《易经》。这四位作者,从伏羲到孔子,相距上千年,但他们对易学的见解却是惊人的一致,反衬了中华民族文化的一脉相承。 在中国近代史上,曾经有过如火如荼的五四新文化运动,口号很响亮,就是“打倒孔家店”。但却没有人提出“扫除易学”、“挖掉老庄店”,太极八卦图仍然在神州大地上招摇过市,道教建筑仍然占有着中国最美的山水。这足以说明易学文化和老庄哲学在中国的影响力,即易学文化,以及尔后受它影响最深的老庄哲学,为中国人提供了普遍的方法论。它们不但是统治阶级文治武功的宝贵经典,也是大众精神的一种寄托和生存的教科书。鲁迅先生曾经说:“中国的根柢全在道教。”(1918年8月20日《致许寿裳》)鲁迅这句话其实也是包含了易学文化在内的。道教缘于道家,用了老庄的哲学思想,还把老庄认成是祖师爷,道家也因此扩大了自己在广大民众中的影响,成为中国文化巨鼎的三足之一。然而,不论是在广大民众中有着巨大影响的道教,还是作为道教理论基础的道家哲学,都与易学文化有着天然的不解之缘,而道家与易学的缘分,又是儒家和佛教所不能同日而语的。所以西方人并不细分道家与道教的区别,而是统而言之:TAOISM。 易学文化包含着民主性的精华,对后来中国社会的政治多有启发。它十分强调国家的统一,反对分散割据,保持了中国几千年的大一统山河,维护了中华民族的团结和睦(中国历史上虽然有纷争不已的战国、三国、南北朝、五代十国等等分裂时期,但是在文化继承关系上,却没有一个脱离中华民族文化的。北魏是鲜卑人建立的政权,但是却一直弘扬着中华民族文化,这一点从现存的云岗石窟和龙门石窟中,都能见到,孝文帝甚至把姓氏拓拔改为元);它提倡“首出庶物,万国咸宁”,主张天下一家,同邻邦友好相处;它主张发展农业,安定人民生活,国家要节约开支,“节以制度,不伤财,不害民”;它主张发展手工业,使物产丰富,方便人民,“备物致用,立成器,为天下利”;它主张发展商业,促成物资交流,满足人民生产生活需要,“日中为市,致天下之民,聚天下之货,交易而退,各得其所”。 易学文化有浓厚的民本思想,要求统治者时时注意“聚人”、“安民”,如果人民离散,心无居安,社会就不会稳定。它教导历代仁人志士“与民同患”,把人民的忧患放在心头。易学也重法治,主张“明罚清而民服”,一切法令制度都贯彻“抑恶扬善”的原则。中华民族富有革新精神,每到历史危急时刻,总有仁人志士奋起进行革新运动,这正是易学文化持久熏陶的结果。《易经》最早提出“革命”主张,“天地革而四时成。汤武革命,顺乎天而应乎人”。这里的“革命”,虽然与马克思主义的革命有本质区别,但它主张,“革命”必须“顺乎天而应乎人”,既符合历史发展的客观规律,又适应人民的利益和愿望。 易学文化讲“穷则变,变则通,通则久”,事物发展到极点就会引起变化,变化了就会畅通,畅通才能持久,所谓“时止则止,时行则行”。易学文化又始终贯穿着“生于忧患,死于安乐”的忧患意识,所谓“君子安而不忘危,存而不忘亡,治而不忘乱,是以身安而国家可保也”。易学文化的确包含着相当丰富而深刻的朴素辩证法思想。《易经》最有名的哲学命题是“一阴一阳之谓道”。“易”就是变,它是一部讲宇宙万物与人类社会变化的书,是古代辩证法思想最重要的源泉。更值得一提的是,它指出这种变化,不是来自世界的外部,不是靠超自然的神灵主宰,而是在事物的内部,在其固有的一阴一阳的矛盾性,这就是事物变化的内在动因。《易经》认为,整个宇宙不是静止不变的,而是生生日新的“大化”之流。同这种生生不息的宇宙观相适应,它劝诫人们树立“自强不息”的人生哲学,指导人们的实践活动。它认为人在自然、社会的变化面前,不是无所作为,应当发挥人在改造自然和社会过程中的主观能动作用。它讲“物极必反”,“知进而不知退,知得而不知丧,知存而不知亡”,势必要垮台的。如果我们认真地研究思想,在最能代表哲学思想的《矛盾论》和《实践论》中,都能见到易学文化的深刻体现。 易学文化为中国古代科学家提供了科学的世界观,同时也为科学研究提供了一套别开生面的象数思维模式。象数思维方法的基本特征是:取象比类。思维借助“卦象”,极富形象思维特点;取象为了“比类”,又是逻辑思维的特性。因此,取象比类是两种思维相互作用的思维方法,更具有强烈的辩证法特征。黑格尔自己就公开宣称,他所创立的辩证法,就是来源于中国的易学文化。 易学文化在我们的实践活动中,无时不刻地起着潜移默化的影响,甚至有时赤胳上阵,指导着人们的具体行为方式。易学讲阴阳对称。一阴一阳,一刚一柔,相反相成,对称互补,构成统一和谐的大千世界。这一对称协调原理,在传统的中国医学、医药学中得到了广泛运用;在中国的书画艺术中更有精妙的表现;在中国古典建筑和古典园林布局中,又是运用得淋漓尽致。易学讲整体思维。人体小宇宙,自然大宇宙,都是有机统一的整体,由小及大、由表及里、由外及内,包含了现代系统论思想。中医的望、闻、问、切,调理阴阳,辨证施治,以及中医的经络理论等等,都是这种系统论思想的具体体现。易学强调序列,注重节律。易学特别注意宇宙运动的周期性,主张“先天而天不违,后天而奉天时”,从太极图到384爻的渐变演化,从河图洛书到五行九宫的相生相克,虽然千变万化,却都遵循着事物自身的发展规律。现代计算机的鼻祖莱布尼兹,说他所创立的二进制原理与易学的术数演变完全一致。又比如中国古典建筑,从不强调个体的美,而是强调总体布局的强烈韵律感。看北京的皇城、天坛等,无比恢弘的气势,正是这种强调序列,注重节律的结果。 易学的确是一种了不起的文化,对中国社会的各个层面,政治、经济、文化、艺术、科技等等,都有着不可估量的影响。数千年来,注释、阐发、评议《易经》的著作,就有三千多种,而且吸引了许多外国学者参加其中,经久不衰。清朝纪晓岚在《四库全书总目提要》上,对此种文化现象有过这样评论:“易道广大,无所不包。旁及天文、地理、乐律、兵法、韵学、算术,以逮方外之炉火,皆可援《易》以为说;而好异者又援以入《易》,故易说愈繁。”今天易学文化的研究领域更加拓宽,它对中国艺术的影响也是极为深远的,它为中国美学建立了理论基础,其“意”与“象”结合的思维模式,孕育了中国书画艺术的创作方法。美术家多认为“太极图乃书画秘诀”;舞蹈家更把八卦的无穷变化看成是审美标准的符号,对民间和宗教舞蹈影响最甚。易学关于阴阳协调的原理,又产生了世界上独一无二的中国古代风水学,数千年来影响着中国的建筑学、规划学、园林学、环境科学、生态建筑学、环境艺术和工程技术等诸多学科。易学文化是融象数与义理于一体的独特思想体系,具有创造性、灵活性,富有开拓未来的精神,是中华民族文化的珍贵遗产,也是世界文化宝库中一颗璀璨的明珠。 易学也极大地影响着西方文化 易学的伟大自不待言,如今满世界的“易经热”就足以证明了这一点。有一个例子说,美国的大学早在上个世纪六、七十年代,就开设有“算命”学科,不但西方的学子去学,而且中国港澳台的学子和世界上许多华人子弟也跑去选修。台湾学者南怀谨说他的一些学生,就跑到美国去选修“算命”学。为此,这位先生还发了一通感慨:年轻的国家(指美国),文化草昧的民族(指美国人),正以大胆的创见,挖掘、开发自己文化的新际运,不管是有道理或无道理,研究以后再作结论。但有祖先留下来五千年庞大文化遗产的我们,却自加鄙弃而不顾,一定要等到外人来开采时才又自吹自擂的宣扬。我们姑且先不去管南先生所说的美国“算命”学科,是否在教授中国的易学文化,或者中国古代巫师术士的一套东西,还是别的什么东西,至少可以说明易学影响的广泛。 在哲学方面。易学对西方哲学的影响是很大的,我们知道,作为马克思主义哲学的理论来源之一的黑格尔哲学,即黑格尔辩证法,他的创始人、德国著名哲学家黑格尔,就是受了中国易学和老庄哲学的深刻影响,创造了正反合辩证逻辑定律。我们说黑格尔是创造也行,说他是在贩卖中国的易学文化也可以,因为易学比他的那套理论起码早了不知几千年。马克思主义经典作家对黑格尔给予很高的评价,马克思说:我要公开承认我是黑格尔这位大思想家的学生,辩证法在他的手中被神秘化了,但这决不妨碍他第一个全面地有意识地叙述了辩证法的一般运动形式。列宁说:要继承黑格尔和马克思的事业,就应当辩证地研究人类思想、科学和技术的历史。恩格斯在《反杜林论》中指出:“黑格尔第一次——这是他的巨大功绩——把整个自然的、历史的和精神的世界描写为一个过程,即把它描写为处在不断的运动、变化、转化和发展中,并企图揭示这种运动和发展的内在联系。” 黑格尔提出了辩证法的三个基本规律——质量互变规律、对立统一规律、否定之否定规律,实现了辩证法的系统化。黑格尔的辩证法,正是黑格尔研习和运用中国易学的结果,《易经·系辞上》说:“一阴一阳之谓道。继之者善也,成之者性也。”黑格尔在自传中承认,他所创造的正反合辨证逻辑定律,正是得自《易经》的启发。并且在《哲学史讲演录》上称赞道:“《易经》包含着中国人的智慧。”据说,黑格尔曾经感叹地说,他一生中最大的遗憾是没有完全学透中国的《易经》。从上述意义上说,马克思主义通过黑格尔哲学,也充分体现了中国易学中的某些伟大思想,特别是辩证法。 在科学方面。爱因斯坦是相对论的发明者,他曾试图解决统一场论的课题,这个课题起源于法国著名科学家拉普拉斯。拉普拉斯曾经幻想:“如果有一种智慧能了解在一定时刻支配自然界的所有的力,了解组成它的实体各自的位置,如果它还伟大到足以分析所有这些事物,它就能用一个单独的公式概括出宇宙万物的运动。从最大的天体到最小的原子,都毫无例外,而且对于未来,就象对于过去那样,能一目了然。”(《爱因斯坦对二十世纪下半期物理学的影响》)拉普拉斯是18世纪末19世纪初的法国人,他产生了比他早五千多年的中国先哲的想法,而又引起了比他晚了近一个世纪的爱因斯坦的苦苦探索,遗憾的是他们都没能解决这个问题。这也不奇怪,比拉普拉斯早了整整一个世纪,比爱因斯坦早了近两个世纪的物理学家牛顿,对于自己发明的力学规律,始终解释不了行星绕日运动的第一推动力问题。于是就陷入唯心主义的怪圈,把它说成是上帝给的力。据说拉普拉斯提出的问题已经由中国科学家解决了。中国科学家以《易经》为基础,完成了“宇宙物质成因学”。发现者是在破解伏羲古太极图的过程中,完成了拉普拉斯一爱因斯坦的统一场论。这一突破,将建立起一整套新的自然科学理论的基础,对当今世界一系列科学观念进行一次总体上的大清理和根本性的大改造。 据说爱因斯坦曾经百思不得其解,为什么16世纪以前,中国古代科学技术发展水平远远领先于西方。他说:西方近代自然科学的发展,主要是由于科学家们得力于以欧几里德几何学为代表的形式逻辑思维方法和以培根为代表的近代科学实验方法。这两大法宝,中国古代科学家都不具备,然而值得惊奇的是,西方科学家做出的成绩中,有许多早已被中国古代科学家完成。后来有人说,这是因为中国古代科学家从小就受到易学文化的熏陶,所以能很客观地看待我们这个物质的世界,很辩证地研究我们这个物质的世界。 英国著名科学家李约瑟博士,曾以编著《中国科学技术史》而流誉全球。李约瑟也对中国的易学文化产生浓厚的兴趣,他对易经卦象用于练丹术极为倾心,在他编著的《中国科学技术史》里,特辟十二消息卦与纳甲、《周易参同契》、外丹说与丹术等章节进行详细论述。他在研究了莱布尼兹的二位进制数学与中国《易经》的相互关系后说:“我们看到他的关于代数语言或数学语言的概念也是受到中国的影响,正如同《易经》的排列系预示二进制一样”。这一点莱布尼兹本人也从来不否认。 量子力学的创始人玻尔,曾经选择要求政府把授予他的爵士徽章设计成太极图形式,这不是因为太极图美丽,而是因为量子力学有一条定律,叫“测不准定律”,这个定律正是深受了易学文化的影响产生的。对此,物理学家李政道是这样解释的:“牛顿力学已被量子力学代替了,在量子力学中有条很基本很重要的定律,‘测不准定律’……从哲学上讲,‘测不准定律’和老子所说:‘道可道,非常道,名可名,非常名’的意思,颇有符合之处,所以近代物理学有些看法,与中国太极和阴阳二元学说有相似的地方。”可见,玻尔的量子力学是受了中国易学文化的深刻影响,不然他就不会在自己的爵士勋章设计上,想到中国的太极图。著名物理学家杨振宁在学习《易经》以后,对奇偶性不灭定律也产生了怀疑。后来他和李政道从《易经》的阴阳消长的原理中得到启发,提出了原子能态二组的奇偶性虽是不灭的,但不是不变的,而且存在着盛衰消长的变化,这一重大发现使他们获得了诺贝尔物理奖。 在艺术方面。易学文化对西方艺术与现代设计方面的深刻影响,将在以后专门论述,这里暂不赘述。 太极图和八卦,河图和洛书,本身就是伟大的设计 易学把深奥的逻辑思维,图解成易于研究的形象思维,这本身就是一个伟大的设计。据说如今的日本很时兴漫画书籍,就连为日本军国主义招魂的《台湾论》,作者小林善纪也是用了文字与图象的手法,企图争取更多的读者。这不能不说是借了中国易学文化的表现方法,来侮辱和挑衅中华民族。 历代说《易》者,不外乎义理、象数两途,义理是《易》的内容,象数是《易》的形式。先民们有了太极的概念,然后产生了太极图;有了阴阳的概念,然后产生了两仪;有了四时的概念,然后产生四象;上观天象,下看地理,又观察大地万物,近取法于人体的解剖图形,远取法于万物的各种形象,然后造作了八卦,又交叉重迭衍生六十四卦;又造作河图、洛书。《易经·系辞上》说:“易有太极,是生两仪,两仪生四象,四象生八卦,八卦定吉凶,吉凶成大业。”所以说,以六十四卦为内容的卦象系统,以五行九宫为基础的河图洛书,都是易学文化的图象形式。卦画的最小单位是爻:“—”为阳爻,“--”为阴爻,阴阳爻、阴阳卦正是阴阳思想的符号化(线条符号)。太极图的黑白相间、首尾交合,正是阴阳对立统一、消长流行、互根互动的最佳图示(图形符号)。混沌之气——太极,于旋转中生出阴阳——两仪,阴阳于互动中生出四时——四象、八卦、六十四卦;五行于相生相克之中,演化出十分逼真的河图;九宫于循环往复之中衍生出洛书。正是这种无穷变化,才启发了后人,不断地探索,不断地创造。我们的艺术家和设计师就是从这个让人无限遐想的太极图、无穷变化的阴阳爻、相生相克的河图、循环往复的洛书中,激发了灵感,产生了奇思妙想,于是就有了寓意深刻的中国书法和绘画艺术;有了美不胜收的中国古典建筑和园林艺术;有了精妙绝伦的中国民间艺术。看了汉代张衡设计制造的浑天仪和地动仪,有谁不认为这两件科学仪器是两件堪称世界之绝的艺术设计作品,又有谁不认为其中蕴涵了中国易学文化的精髓。所以古代的艺术家和科学家都说:太极图本身就是艺术和科学的秘籍。 太极图被称为“中华第一图”。从孔庙到道观的标识物;从道教的服饰到游方术士的招摇旗;从中医、气功、武术及中国古典书籍的书刊封面、会徽、会标,到韩国国旗图案、新加坡空军机徽、玻尔的爵士勋章等,太极图无不跃然其上。太极图除了阴阳鱼图形外,还有五层图形(即“周敦颐太极图”)、空心圆图形、黑白半圆图形等等。阴阳鱼太极图,早期称作先天图、河图、先天自然河图、先天自然之图、古太极图等;五层太极图又称无极图、太极顺逆图、太极顺生图、丹道逆生图等。 关于太极图的起源,历来说法不一,有原始时代说,有太古洪荒说,有生殖器崇拜说,不一而足。宋朝的朱震认为,太极图是由五代末宋初的道教鼻祖之一陈抟传下,他在《汉上易传·进易说表》中说:“陈抟以先天图传种放,放传穆修,穆修传李之才,之才传邵雍。”但是陈抟的太极图是谁传的,他没说,但恐怕也不会是陈抟自己创造的,因为有无数的出土文物证明。台湾的陈立夫在《关于太极图的一些问题》中认为:“大陆先后所出土之古太极图,较《周易》及《乾凿度》之成书,尚早三、四千年。诸如陕西永靖所出土六千五百年前(伏羲时代)双耳彩陶壶上之双龙古太极图(藏瑞典远东博物馆),乃使用毛笔中锋所画,竟早于孔子四千年。又出土商代及西周之多件青铜器上,亦契有雌雄双龙相互缠绕之太极图。”陈立夫所称“双龙太极图”实际上就是华夏始祖“伏羲女娲交尾图”,陈立夫的说法比较科学,远古先民没有今天这样的科学手段,借助图象来推演天文地理、宇宙万物,那是十分自然的。至于陈抟,也许只是把太极图当成道教的标识物而已。 还有人认为太极图出于道教徒之手,是道教内丹学的产物。据说有人利用EF扫描技术,给进入气功功能态下的气功师作脑电图,并结合中医学和气功学有关记载,对气功师的脑电图进行了测试研究,发现大脑存在一个太极结构,以此证明太极图最早是人体气功功能态下内景感受(或内视)记录的丹象,也就是人体气功功能态下的脑电图。因此提出狭义与广义太极图之说,狭义的“太极图”(从它的原始起源的意义上说)是一张脑电图,广义的“太极图”(从它发现并描述了某种普遍的物质运动原理与结构的意义上说)是一种宇宙物质运动模型。也就是说,要想获得这种丹象——太极图,只有气功修炼达到出神入化的程度,否则就不可能获得。但是用什么来修炼呢,还得求助古人,丹家的经典《周易参同契》就说,修炼的理法依据仍然是《易经》的原理和《易经》的太极模式。也就是说,丹家内景感受(或内视)到的丹象,是在易理易法的指导下修炼出来的。无论是汉代的魏伯阳,还是以后的陈抟等道教徒,他们都得研习《易经》,不研究《易经》,就不能发现内景感受(或内视)到的丹象与伏羲八卦原理及图形相一致。 太极图产生以后,在流传的过程中,或配以八卦,或配以六十四卦,于是便陆续出现了“先天太极图”、“天地自然之图”、“河图太极图”、“洛书太极图”等各种不同名目的太极图。有人又据此得出结论:属于意义世界的太极图是以丹家内景感受(或内视)到的丹象为原形,以伏羲八卦方位为参照系,在《易经》原理的指导下画出来的。太极图产生以后,由于它具有与伏羲八卦方位图相同的宇宙意义,而其描述的简易性和生动性又容易为人们所接受,于是人们便用它来解说宇宙现象,从而使之具有普遍真理性和适用性。这种观点是否正确,留待专家去研究而后得出结论。但是有一点是可以肯定的,太极图的创造者,或者叫设计者,一定是根据大量的资料和研究,在大脑里产生了某种图形,然后逐步加以完善,也许这种完善,不是一个人、一个时间内完成的。 河图和洛书的创造,更带有一种神话的色彩。传说,在伏羲的时代,有龙马出于黄河,身上的花纹恰如八卦,于是,伏羲就取法于此,创造了八卦。又传说,在夏禹的时代,有神龟出于洛水,背上有文字,大禹取法于此,创造了洛书。这当然都是神话故事,不足为凭,但是,也有可取的地方,那就是,任何创造——包括一个伟大的艺术设计作品,都离不开客观实践。无论从哪一个学科、哪一个角度,用什么样的手段去研究易学象数的起源,这些象数自身都是一件伟大的艺术设计作品。它们给我们艺术家和设计师以深刻的启发,艺术创作的形象思维,离不开逻辑思维的指导;而理论创立的逻辑思维,在形象思维的表现下,将更加深刻。二者的结合,将是艺术创作的最高境界。 易学文化把艺术创造和现代设计推向颠峰 深受易学文化熏陶的中国艺术家和设计师,其作品都在自觉与不自觉、有意与无意之间,打上易学文化的烙印,体现着中华民族文化的深刻内涵。不但太极图和八卦、河图和洛书这样的设计作品为中华民族文化所独有,就是中国书画艺术,也不是外人很容易就揣摩和掌握的。还有我们现在出土的许许多多青铜器,其文饰,清一色都是易学文化的产物。中国的民间艺术,更是深受着易学文化的影响,剪纸、年画、蜡染、刺绣、雕刻、陶瓷、彩绘,还有最为称道的中国古典建筑装饰,无一例外。 我们今天许多的设计作品,也都深受着易学文化的影响。香港设计大师靳埭强和国内著名美术家、雕塑家韩美林,他们都是世界上很有名气的大家,在他们的诸多作品中,几乎每一件都带有易学文化的影子。甚至青铜器的文饰符号、太极图和八卦、河图和洛书等等,都直接或者间接地成了他们的设计符号。还有世界著名建筑师贝聿铭,他在20世纪80年代为北京设计的香山饭店,虽然如今已经很少被人提起,但那却是一件深受易学文化影响的现代设计作品,从总体布局到细部处理,设计者几乎是在不断地、反复地运用易学的象数与符号,以此来强化建筑本身的民族文化与艺术的内涵。 下面我们再举两个前面初步提到的案例,来说明易学文化是怎样在潜移默化地影响着艺术家和设计师。 2001年6月,在北京举行了首届《艺术与科学国际作品展暨学术讨论会》,据说这个《艺术与科学国际作品展暨学术研讨会》,是为了以实践创造和理论探索的方式,回答两位世界著名学者关于“艺术与科学殊途同归”的思想。著名科学家李政道说:“科学与艺术是一个硬币的两面。”著名艺术家吴冠中说:“科学揭示宇宙的奥秘,艺术揭示情感的奥秘。”两位学者虽然身居不同的创造领域,但是他们的思想表述却不约而同地指向了一个主题:人类生存和存在的终极境界——艺术与科学的融合。这种“融合说”本身就带有易学文化的烙印。 在作品展上,最引人注目的是两位学者自己的作品。一件是身在大洋彼岸的物理学家李政道的雕塑——《物之道》,表现了物质结构微观世界的运动形式;另一件是久居国内的艺术家吴冠中的雕塑——《生之欲》,表现了生命结构微观世界的存在形式。这两件雕塑作品反映了科学领域的两个世界,一个是正负电子对撞机粒子对撞揭示的物质运动的情景;一个是蛋白基因结构揭示的生命存在的途径,这两个领域是我们人类迄今为止探索未知世界的最高境界。 《物之道》体现了李政道在自己研究的科学领域里,所具有的睿智与浪漫,以及他对物质存在的哲学悟性。李政道为自己的雕塑题写了这样的说明:“道生物,物生道,道为物之行,物为道之成,天地之艺物之道。”并进一步阐述道:世界是由带电的粒子构成的。通过他们的相互作用,形成原子、分子、气体、固体、地球和星球。这种负电荷与正电荷的对偶结构,或称“阴”和“阳”,可以通过太极图恰当地表现出来。《物之道》用雕塑语言,将科学探索的物质结构的最高境界放到易学文化当中,根据太极图的基本构成形式,演化出富有哲学意境的艺术形式结构和语言,通过艺术语言的纯粹性和形式,使物质雕塑要表达的科学内涵的最高审美境界和哲学境界得以形象再现。《物之道》在雕塑形态上,参照远古时代彩陶艺术的语言形式和表现物体内涵的方式,运用中国传统艺术形式中点、线、面运动变化所具有的丰富内涵和表现力,以中国传统造型艺术典型形式——线的单纯、简洁、绵延不断的性质,以及螺旋线生生不息的运动视觉效果,表达了正负电子对撞机优秀普仪螺线管线圈的科学技术特征。一根变化丰富的螺旋线,以哲学的理念反复生成,推至象数概念中最大极数的九根螺旋线,九根螺旋线排列组合成旋转运动。九根线的一端收敛极心,意味着指向太极;另一端发散太空,意味着指向无极。在黑与白之间,那恰似九条升腾的龙,在太极与无极的世界里,“赤橙黄绿青蓝紫,谁持彩练当空舞?” 李政道凭借自己对易学文化,以及老庄哲学的深刻理解,穷尽了点、线、面构图,使足了色彩、材料和技术,使易学文化在《物之道》中得到了极至的张扬。 《生之欲》则体现了吴冠中在自己探索的艺术领域里,所具有的深厚人文修养和充沛的艺术激情,以及对真善美抽象概括的敏锐性。吴冠中在科学家发现的蛋白基因里,找寻着尽善尽美的艺术语言,来表达我们不曾看到过的生命形态。生命除开它的物质形式之外,还有一种精神的、情感的形式,吴冠中紧紧抓住生命主题的本质和蛋白基因的形态结构特征,按照中国哲学思想对生命认识的境界,把中华民族艺术表达哲学思想的形式——寂静之中的激动,激动之中的寂静,全部倾泻在《生之欲》上,这就是“穷元妙于意表,合神变乎天机”的易学文化意境。 易学文化是以生命来感悟道的深境,而中华民族艺术则是以道来诠释生命。那狂草般飞舞、转折、起伏的线条,展示着生命的韵律、节奏、秩序。线的表现力既有狂草的“舞”,又有音律的“美”,使生命在天地之间充满无限生机。为了加强生命的张力和音乐性的色彩表现,使线的空间变化表现得更具浪漫性,吴冠中以中国民族民间的传统色彩:粉绿、桃红、淡黄、银灰依次作为主色调的色标,并用红、黑线贯穿这生命之春的明快色彩。使人产生心理暗示和审美联想:生命源自于太极,又将回归于太极,没有个体的死亡,便没有生命的生生不息。于是,人类发生、成长、回归的终极状态,全部展现在我们面前。吴冠中以充沛的情感和诗人的浪漫,为《生之欲》划上了最后的一笔:“似舞蹈,狂草;是蛋白基因的真实构造。科学入微观世界揭示生命之始,艺术被激励,创造春之华丽。美孕育于生之欲,生命无涯,美无涯。”这又是对易学文化的理解。 这是两位有着不同人生阅历,又是在不同的领域——科学与艺术的无限而又有限的时空里,奋力拼搏的学者,用着一种共同的思维方式——易学文化的哲学思想,一种共同的科学与艺术笔法,创造着艺术与科学的融合。 风水术导引着中国古典建筑艺术的发展 在易学文化中,风水术对于建筑艺术和园林艺术的影响非常之大,上到皇家的宫殿和园林,下至民间百姓的茅舍庭院,都十分讲究风水,因此也就一代又一代地产生了无数的风水术士,同时也流传下来一部又一部的风水著作。不但对阳宅——活人的住房讲究,对阴宅——死人的陵墓也讲究。流传了上千年的《葬经》,几乎就成了“阴阳仙”(风水术士的民间称呼)手中的法宝。晋代的郭璞被后世风水家推为鼻祖,郭璞在《葬书》中对风水解释道:“《易》曰,气乘风则散,界水则止,古人聚之使不散,行之使有止,故谓之风水。”风水家认为,宅地或祖宗墓地的吉凶,在某种程度上可以导致住家或葬者一家,以及子孙后代的祸福。因此,反其道而行之,风水家可以通过仔细观察人家宅地或墓地周围自然环境的好坏,来推算住家或葬者一家的吉凶,这就是由风水术引发出来的相宅与相墓之法。先不论这种风水定吉凶的观点的非科学性,在风水术中,选择最佳自然环境为第一要义的观点还是能够为科学所接受的。 风水术在中国历史上不但很早就出现了,而且流传的十分久远。传说,“禹始肇风水地理、公刘相阴阳,周公置二十四局,汉王况制五宅姓,管辂制格盘择葬地”。那时,在国家的管理中,就有了专门官吏来管理风水。考证实际,至少在战国末年齐、燕一派的方士中,就已经萌生了风水的雏形。《水经注·易水》记载燕国宫殿兆遗址说:“一水经故安城西侧,城南注易水,夹塘崇峻,邃岸高深,左右百步,有二钓台,参差交峙,迢递相望,更为佳观也矣。”可见,择地筑宫,配合山水景观的建筑美学,在战国的燕国等地已经取得相当的成就。 帝王们是最重视风水的,据说秦始皇就非常相信风水,有方士对他说,金陵有天子气,将来必出王者。于是,秦始皇为了保住自己家的江山,就派遣“朱衣三千人凿方山,疏淮水,以断地脉”。按照风水家的说法,地脉一断,风水自然就遭破坏,天子气就没有了,王者也就不会出现了。当年明朝的末代皇帝崇祯,就和农民起义领袖李自成之间展开了一场风水战。当李自成的农民起义军已经动摇到明王朝江山的时候,崇祯就派出专人,跑到陕西米脂去挖李自成的祖坟,想借助风水的法宝,斩断李自成农民起义军蒸蒸日上的生气。李自成也有着与崇祯一样的风水观,当他的农民起义大军攻占了朱元璋的老家安徽凤阳时,李自成命令将士,一把火烧毁了崇祯祖辈的皇陵。结果,出于历史的巧合,崇祯自缢煤山,李自成兵败身亡。然而,断了金陵地脉的秦始皇,也没有使秦王朝逃脱二世而亡的命运;挖了李自成祖坟的崇祯,也没有挡住农民起义大军攻进北京城;烧了崇祯祖坟的李自成,也没有使大顺王朝成为历史上的一代霸主。 也很迷信风水,当年为了尽快消灭日益强大起来的红军,就命令湖南军阀何键去的老家韶山,挖的祖坟。和共产党,却没有学李自成,解放后还把的祖坟整修一番。据说败退台湾的,有一次从美国入侵中国大陆的侦察机拍回的图片上,看到蒋家宗祠保护得如此之好,感慨万千,唏嘘不止。但是,挖了祖坟的,终于被领导的人民大众打败,而整修了蒋家宗祠的,却依然成为中国人民最敬仰的伟大领袖。当然,如果我们去其糟粕,取其精华,把风水术当作有关建筑学、规划学上选址、布局的生态环境学,于现代设计还是有一定积极意义的。 中国古代的风水术,一直受到阴阳五行、天干地支和周易八卦,即易学文化的支配。《易经·系辞上》说:“一阴一阳之谓道。”《老子》说:“万物负阴以抱阳,冲气以为和。”《素问·阴阳应象大论》说得更具体:“阴阳者,天地之道也,万物之纲纪,变化之父母,生杀之本始,神明之府也。”风水术里面的阴阳说,也是来源于群经之首《易经》中的太极图。运用易学文化中阴阳对立统一思想,正确掌握物极则反的规律,准确把握阴阳转化的条件,对于建筑规划和园林布局都是非常有益的。任何事物,当它发展到尽头的时候,都会走向反面。所谓“子时爬到晌午,再走月淡星稀”,正是形象地描述了这种对立统一规律。生命的尽头是死亡,死亡的反面是新生。物极谓之变,物生谓之化,生生死死,变变化化,宇宙的阴阳变幻转化,就是这样的不可抗拒。《素问·阴阳离合论》说:“阴阳者,数之可十,推之可百,数之可千,推之可万。万之大,不可胜数,然其要一也。”就是说,宇宙万物变化虽然多得不可胜数,然而它的要领却只有一个,这就是阴阳对立统一规律。 五行是组成宇宙万物的物质基础。易学文化在探索宇宙奥秘时,把触角伸向了物质世界最原始、最基本的组成部分,并把它归纳为:金、木、水、火、土五种元素,称为五行。五行均有自己的性质,《尚书·洪范》归纳为:“水曰润下,火曰炎上,木曰曲直,金曰从革,土爰稼穑。润下作咸,炎上作苦,曲直作酸,从革作辛,稼穑作甘。”宇宙不断运动,永无休止,一面是生命和物质的不断生化,一面是生命和物质的不断消亡,生生灭灭,变变化化,可以归于五行的相生相克和阴阳的交互作用。五行相生就是:木生火,火生土,土生金,金生水,水生木,循环往复,永世不竭;相克就是:木克土,土克水,水克火,火克金,金克木,依然是循环往复,以至无穷。五行之中都有我生、生我,我克、克我的双边关系。五行既然是物质世界的五种基本元素,就必然和宇宙万物发生无法分开的关系,自然也就无法割断它们之间的联系。作为易学文化的一部分,风水术也必然和五行发生不可分割的联系。 古代传说,天干地支是远古时代的大挠发明的。天干有十个,依次为甲、乙、丙、丁、戊、己、庚、辛、壬、癸;地支有十二个,依次为子、丑、寅、卯、辰、巳、午、未、申、酉、戌、亥。十个天干和十二个地支顺序相对结合,便可纪年、纪月、纪日、纪时。这种结合轮转一周,恰好是六十年,谓之六十花甲子。在风水术中,除了用干支纪日外,最主要的是结合干支的五行属性和方位,阐述风水术上的一些问题。天干的五行属性和方位可以归纳为五句话:东方甲乙木,南方丙丁火,中央戊己土,西方庚辛金,北方壬癸水。地支的五行属性和方位可以归纳为:寅、卯属木,巳、午属火,申、酉属金,亥、子属水,辰、戌、丑、未属土。在方位上,由于十二地支彼此瓜分着东、西、南、北四个方位,其方位可以列成图象,即:子是正北方,午是正南方,卯是正东方,酉是正西方,丑是正北偏东,寅是正东偏北,辰是正东偏南,巳是正南偏东,位是正南偏西,申是正西偏南,戌是正西偏北,亥是正北偏西。 正因为有了这么多的说法,再加上世人的诸多禁忌,风水术才在风水术士的手里变得异常复杂和神秘。但那复杂和神秘,于科学并无什么用处,大体是风水术士骗人的把戏。 风水术虽然宗派很多,但是方法只有一个,那就是讲究龙、穴、砂、水。《管氏地理指蒙·乾流过脉》上说:“黄帝葬于乔山,在大河之南,脉自积石逾河,衍者丰饶而广被也。舜葬于苍梧,在大江之南,脉自荆汉逾江。”是说黄帝和舜都葬在龙脉之上,福泽江河。历代帝王对于陵墓择基的龙、穴、砂、水,都讲究得叫人叹为观止。当年那个在康乾盛世时承前启后的雍正就是一个,他曾把选好的东陵九凤朝阳山作为寿宫,后来忽然变卦,最终选在距离东陵一百多里远的河北易县泰宁山作为自己百年之后的长眠之地,是为泰陵。清宫档案《起居注册下》记载了当时雍正的手谕:“此地(指九凤朝阳山)近依孝陵(顺治陵墓)、景陵(康熙陵墓),与朕初意合,及精通堪舆之人再加相度,以为规模虽大而形局未全。穴中之土又带砂石,实不可用。今据治亲王、总督高其倬奏称,相度得易州境内永宁山太平峪万年之地,实乾坤聚秀之区,阴阳合会之所,龙、穴、砂、水,无美不收,形势理气,诸吉咸备等语。朕览此奏,其言山脉水法,条理详明,询为上吉之壤,但与孝陵、景陵,相去数百里,且与古帝制典礼有未合之处,著大学士九卿详悉会议,具奏。”这位为大清江山殚精竭虑的雍正,也和所有帝王一样,为自己的死后费尽心机。 何谓龙、穴、砂、水?就是说,选择生气积聚的风水宝地要按照“龙真”、“穴的”、“砂环”、“水抱”四个原则推定。所谓“龙真”,是指生气流动的山脉。风水术以山脉为龙,把山势起伏绵亘,逶迤曲折的脉络称为龙脉,气脉所结之处为龙穴。“龙真穴便真,龙假穴便假”,寻龙是为了点穴,点穴必须寻龙。所谓“穴的”,是指生气凝聚着的吉穴的位置所在。地脉停顿之处为龙穴。俗话说:“寻龙容易点穴难”《葬经》也有“三年寻龙,十年点穴”的说法。所谓“砂环”,是指穴地背侧和左右山势重叠环抱的大好自然环境。所谓“水抱”,是指穴地面前有水抱流。《葬经》上说:“风水之法,得水为上,藏风次之。”总之,相宅(阴阳宅)之术,“龙真”、“穴的”、“砂环”、“水抱”四个原则,一个都不能少,必须依次而进行。龙、穴、砂、水的排列组合得当,才能使气聚而不散。所以,相风水的最终目的是为了寻求好气场,也就是我们今天所说的环境学。 如今全世界兴起“风水热”,在中国大陆沉寂了三十多年的风水术,也从海外归来,但是我们要有冷静的科学分析头脑,不要以为国外风靡,老祖宗的东西就都是精华。由于有巫师术士的妖言惑众,加之人们对未知世界迷惘与渴求,所以在社会上流传的风水术,一直是科学与迷信搅合在一起,使人真假难辨。如果我们把它看成是一种纯粹的技术,那么,风水的优秀问题实质上就是探求建筑的选址问题,也就是为了找寻最佳的人居环境。至于为了寻找死后的风水宝地,那实在是无稽之谈。千百年来,哪个帝王没找一块“风水宝地”,可是又有哪个帝王的江山永固、万代长存了?!古人讲天时、地利、人和,这是易学文化有关天、地、人理论的延伸,它们之间有着辨证的关系,在风水术中把它推向了唯心主义的绝地,是不可取的。 英国科学家李约瑟称中国古代风水术是“准科学”。所谓“准科学”,就不是完整的科学,其中也有不是科学的东西。李约瑟对风水有过一段中肯的评价,他说:“在诸多方面,风水对中国人民是恩物,如劝人种树和竹以防风物,强调流水靠近屋址之价值都是。”“就整体而言,我相信风水包含显著的美学成分,遍中国的田园、房屋、乡村之美,不可胜收,都可以籍此得到说明。”很显然,李约瑟取的是中国风水术中的科学内容,而摈弃了那些不科学的东西。这是一种非常正确的辩证唯物论和历史唯物论的观点。 中国古代的科学家和思想家,对风水术中的伪科学都做过极为严厉的批判,东汉时期的大思想家王充,在他的传世之作《论衡》里,对风水术的迷信惑众,扰乱社会,给予了口诛笔伐;宋代著名的政治家、史学家司马光,曾经写下《葬论》、《论山陵择地札子》等文章,对当时流行的风水吉凶说,作了实事求是的批判;明朝的张居正是当时反“风水吉凶说”的猛士,他在《书经》上说:“作善降祥,作恶降殃。”其实《易经》上早就说得明白:“积善之家,必有余庆,积不善之家,必有余殃。”就连被后人神化了的刘伯温,虽然因为写过《堪舆漫兴》,被风水术士奉为祖宗,但他也并不相信“风水吉凶说”,他在《司马季主论卜》上说:天道何亲,惟德之亲;鬼神何灵,因人而灵。有过去就有现在,今天的碎瓦颓垣,昨天也是歌楼舞馆;今天的荒榛断梗,昨天也是琼蕤玉树;今天的露蚕风蝉,昨天也是凤笙龙笛;今天的鬼磷萤火,昨天也是金缸华烛;今天的秋荼春荠,昨天也是象白驼峰;今天的丹枫白荻,昨天也是蜀锦齐纨。一昼一夜,华开者谢;一春一秋,物故者新。 如今我们正在把风水术应用到现代设计中去,理应本着科学的态度和方法,尊重科学,反对伪科学。 综上所述,我们从什么意义上说,易学文化都为我们的现代艺术设计,提供了取之不尽,用之不竭的思辩方式,它可以指导我们在现代艺术设计的探索之路上,跨越历史,跨越时空,创造出自立于世界文化艺术之林的中国现代艺术设计颠峰。
音乐学专业论文:高校音乐学专业钢琴教学论文 一、教学目标要更明确 (一)注重对学生学习观、人生观的培养 每位教师在钢琴教学的初期就应该注重对学生学习观、人生观的培养。教师应该有计划的、有方向的对学生的思想进行引导,使学生不论是在生活中还是学习上都能明确自己究竟怎样做才是正确的,帮助学生树立“不积跬步,无以至千里”以及学无止境、知难而进的学习态度,从而逐渐地帮助他们树立正确的学习观、人生观。 (二)注重对学生审美能力的培养 培养高校音乐学钢琴专业学生的审美能力是十分重要的,它不仅可以让学生的音乐鉴赏能力得以提高,还可以使学生们对钢琴艺术更加热爱,更重要的是它可以使学生的心灵得到净化。因此,一方面,高校钢琴专业的教师在授课时可以适当的插入历史知识、文化知识、舞蹈知识等,拓宽学生的知识面,让学生明白钢琴艺术与其他学科是有着千丝万缕关系的,而不是单独存在的。另一方面,教师可以引导学生在课余时间阅读文学名著、参观艺术展览,鼓励学生多亲近自然,寻找灵感,使学生在知识、艺术与自然的熏陶下渐渐提高自己的审美能力。 (三)注重对学生学习兴趣的培养 兴趣可以使学生在钢琴学习过程中表现的更加积极、主动和认真,教师应该加强对学生兴趣的培养。可以从三个方面入手:第一,言传身教必不可少。教师在授课过程中要全面展示作品的内容,积极表达对钢琴音乐的热爱,以此来感染学生,让他们对钢琴艺术产生浓厚的兴趣。第二,聆听优秀的钢琴音乐很重要。为了提高学生对钢琴艺术的兴趣,教师应组织、鼓励学生多听一些优秀的钢琴音乐,多参加音乐会,多了解音乐家的人生经历。以此使提高学生对钢琴艺术的兴趣。第三,学以致用是关键。教师要合理引导学生们应用课堂所学知识来分析理解钢琴音乐作品,培养学生对音乐作品的感受力和想象力,让学生在实际应用中体会到钢琴音乐的魅力。 (四)注重对学生音乐才能的培养 学生的各项能力是建立在高超的钢琴才能的基础上的。教师在钢琴教学中要注重对学生以下几方面的培养:首先是培养学生的节奏感。节奏是组成音乐的主要部分之一,教师在教学时要引导学生细心体会节拍的律动,指导学生正确认真地弹奏乐曲。其次是培养学生的音乐感。教师在钢琴教学的过程中要充分展示作品的内容,带领学生感受作品的意境,引导学生运用想象力想象作品描述的内容,体会作品的内涵。最后是培养学生的记忆力。教师应鼓励学生注重乐曲弹奏的连贯性,鼓励他们多做练习,多弹奏、背诵一些名作,增强学生的记忆力。 二、教学内容要更完善 完善高校音乐学专业钢琴教学的教学内容是高校钢琴教学改革的重点。 (一)教学内容丰富多样 为了让学生得到全面的发展,高校的钢琴教学不能只注重教授知识,传授技术,这是十分片面,十分单一的。高校应结合社会要求以及学生特点完善教学内容,使教学内容更加丰富多样。巴洛克时期的优秀钢琴作品内容丰富,结构系统,对提高学生对钢琴作品的理解十分有帮助,高校可以多引进这一时期的作品;高校可以建立一个数据库,收藏大量与钢琴艺术有关的资料供学生们下载使用;高校还可以使用钢琴教学法,让学生了解钢琴教学,提高学生实践能力。 (二)钢琴技巧与理论相结合 首先要引导学生认真学习各种有关钢琴的知识及技巧,为学生将来的钢琴演奏技能打下夯实的基础;其次要泛弹精弹相结合,提高学生的视奏能力和实践能力。这样理论与实际相结合,让学生在理论中学会知识,在实践中理解知识。 三、教学模式要创新 高校音乐学专业钢琴教学教学模式的创新是高校钢琴教学改革的关键。 (一)钢琴教学的针对性要增强 了解学生个体的差异,针对不同的学生个体确定不同的教学内容是增强钢琴音乐教学针对性的关键。教师应在日常教学中细心观察和了解学生所存在的问题,对读谱有困难的学生应帮助其学习谱号、音符等,使其学会正确读谱;对触键有困难的学生应帮助其学习触键准则,学会触键方法;对不会指法的学生要指导其进行正确的指法练习,帮助其进步。 (二)钢琴教学的灵活性要增强 高校可以通过不定期开设讲座等方式向学生介绍钢琴音乐的最新动态;通过组织学生参加高水准音乐会的方式让学生们领略钢琴艺术的魅力;通过组织学生开展学生音乐会的方式让学生得以展示自己的才华,增强他们的信心,使他们更加热爱钢琴艺术。 (三)钢琴教学的互动性要增强 教师应充分调动学生的积极性和合作意识,引导他们参与到钢琴教学中来。一是高校钢琴专业教师在教学过程中要尽力营造和谐民主的课堂气氛,告别传统的老师讲学生听的模式,让每个学生都能在师生共同探讨中学到知识,实现师生之间的互动;二是教师可以将学生分成不同的学习小组,让学生在小组中合作学习,互相帮助,共同探讨,实现学生与学生之间的互动。 四、结语 改革创新对高校音乐学专业钢琴教学教学质量的提高具有十分重大的意义。在改革过程中明确教学目标可以使学生的审美能力、音乐技能和学习钢琴的兴趣都得到提升;完善教学内容可以使学生得到更加全面的发展,培养符合社会需求的高素质人才;创新教学模式可以提高钢琴教学的效率,增强师生间的互动。 作者:郑雅丽 单位:华中师范大学武汉传媒学院 音乐学专业论文:音乐学专业钢琴教学改革论文 钢琴教学是高校音乐学当中一门较重要的课程。对于钢琴教学的模式一直在研究和探索。努力实现完善的教学课程系统话,丰富课程内容。使这门课程具有科学性,实战性。随着新时期的到来,社会需求的日益加大。逐步反映出现在如今的钢琴教学还是按照传统的思路来学,忽视学生对钢琴技能的实战。高校音乐学专业其特殊性,使其在教学过程当中占有既特又重要的地位。由于素质教育重要组成部分是音乐教育,其专业的重要职能是向社会输送音乐教育者。这就要求合格的高校音乐学专业师资必须要有好的钢琴基础。高校音乐学钢琴改革,会影响到音乐学的前途和发展,会对今后的钢琴事业产生重大和深远的影响。钢琴教学的改革是在新的体制下的必然产物。教学应向多样化发展趋势进行。在改革的同时也要同步发展,既要有扎扎实实的基本功,还要有一定的即兴伴奏能力,同时还要学以致用,这些也是我们要从各个方面去考虑的。在这就钢琴培养的目标,钢琴教学的内容,钢琴教学的理念来浅析高校音乐学钢琴改革。 一、钢琴培养的目标 当下,学钢琴的学生越来越多。喜欢的钢琴的学生也多。原来传统的钢琴培养目标是就是单一的练好钢琴作品。随着时代不断进步,社会上需要大量的可以即兴演奏钢琴的人员。而目前培养的学生中大多数都不太会弹奏即兴这部分,这就使得大多数学生不可以积极适应社会,不能够很好的融入社会。这就使得我的钢琴培养目标该进行调整,在保证正常的钢琴作品的演奏情况下,也熟练掌握即兴的演奏.以便更好地服务社会。按照《新课程标准》的要求,音乐学专业最终目标是为了培养合格音乐教师。《新课标》要求音乐学专业的学生在钢琴上要好的演奏教学能力,同时还要有好的钢琴教学能力。而学生到今后的工作岗位上缺乏实践锻炼,心里素质差,一上台就会出现各种各样的问题和毛病。更多的希望学生在校期间大好良好的基础。音乐学的学生必须要会往实践中走,而后又返回学习当中去,不断的提高自己。我国一直都在开展素质教育,大大地增加了音乐学科的课外活动。为了符合社会发展趋势,在培养音乐学学生在钢琴方面的登台表演经历和艺术实践活动能力,那音乐学专业钢琴教学必需作出改革。改革的目标就是让每一名学生都参加艺术实践活动中,多去校外实践基地实习。 二、钢琴教学内容 传统的钢琴教学当中,大量的都是世界名家做的钢琴作品。比如有拉赫马尼洛夫音画练习曲,柴可夫斯基的四季等。更具不同人的喜好有些同学喜爱巴洛克时期的作品,有的喜好古典主义时期的作品,有的喜好浪漫主义时期的作品。那有些学生喜好拉格泰姆,爵士,布鲁斯等黑人音乐风格音乐元素的借鉴。在音乐学学生走上工作岗位之后,即兴伴奏的强与弱,对学生来说是极其重要的。在钢琴教学过程中不仅要有钢琴的课程,更开设即兴伴奏这门课程。但是这门课开设,在这些年也反应出。由于学生钢琴基础水平的高低不一样,使得教师在实践中遇到很多难题。即兴伴奏是钢琴技能,基础课程融合的一个综合性科目。在学之前应该要学生具备车尔尼599,849水平,学习内容该重点强调说有大小调音阶琶音和弦。同时还要求学生具备很好的和声基础。在钢琴教学内容中多多了解内容,情绪,风格。好的伴奏能力是通过多次的实践长期练习获得的。学生该主动多完成谢曲目,在完成老师留作业以外,还要多去找比较生疏的曲目进行练习,这样可以提高识谱能力。生选用的教材上太单一化。可以通过改革实现巨大的包括性,把钢琴基本的弹奏技能知识与即兴连起来,进行重新编写。那这样的教材也大大提升的教学效果。授课时时会对学生进行集成练习部分,有音阶,琶音,和弦以及哈农还有各种练习曲以外,可以加入伴奏音型,和弦的连接训练。这样使我们学生在刚刚开始学习内容中就得到丰富。同样要严格要求学生弹奏内容同时,更该让学生多多弹奏乐曲的伴奏部分。让学生多听旋律和声以及伴奏织体。例如学生弹拉赫马尼洛夫的作品时,就应该注意多多分手练习,多体会和领悟旋律的走向。 三、教学理念 破原有思维模式,敢于创新。音乐学的学生是要求钢琴,即兴伴奏,艺术实践活动三个大方向合成的。这三个部分是依托关系,缺一不可。虽然在学习过程当中这三课程由不同主教老师分开教学,但是为了学生能够更好的将这三门课紧密的联系在一起。这三个课程的老师应相互协商,相互探讨。如何让这三门课有机的结合在一起。这就需要突破我们教师原有的教学理念,使更多的教师参与进来,多交流,多合作。并长期教师之间形成很好的交流,大大提倡教师之间的合作交流。三门课程的教师该多多找找科目的通性,及不同的地方一并解决。在基础和的同学生身上要多多发现好的学习方法,也可以让老师和同学共同总结和完善教学方法。这样会有利于学生的学习进度。同样在每个学期中,举办组织学生进行教学观摩。根据音乐课的特点,定期开展以系部,班级为单位的教学观摩,同时也较强的促进学生之间的学习,以提高他们学习积极性。对于考核我们要多样性发展,把艺术实践的成果也计算学生的成绩之内。这样学生会更主动的学习。对于高校的音乐学钢琴的改革,必学坚持以科学为主导,主动放弃陈旧的课程观念,使钢琴这个大学科能够互相促进,这样才能使这一学科培养更多的人才高校的改革是一项系统工程,它考虑的面广,量大。应该从实际出发,克服困难,勇于突破和大胆创新。这样的音乐学钢琴教学的实质发生了改变。才可以真正推动我国高校音乐学钢琴教育事业的发展更稳,更科学,更有活力。最终使学生好老师都满意,社会高度认可的改革。 作者:方飞 单位:广西民族师范学院 音乐学专业论文:音乐学专业创业教育论文 一、音乐学专业开展创业教育的必要性 1.适应市场经济发展的需要 随着社会的发展,科学技术的不断进步,经济全球化的背景下,出现以创造力为优秀的创意文化产业。这一新兴产业,强调一种主体文化或文化因素依靠个人(团队)通过技术、创意和产业化的方式开发、营销知识产权的行业。创意经济迅速崛起,并席卷全球。中国创意文化产业在这种思潮的影响下也得到很大的发展,并以前所未有的规模和速度发展壮大。创意文化产业的快速发展,为音乐学专业毕业生的就业和创业提供了非常广阔的市场空间。学校通过积极开展广泛的创业教育,培养大学生自主创业的各方面知识,为以后学生成功创业铺平道路。 2.满足音乐学专业教育内在要求 音乐学专业教育是培养文化创意人才的重要来源,在音乐学专业教育的过程中既要重视学生对音乐基础知识、基本技能掌握,也要对学生进行创新思维、创新能力的培养。创业本身就是对现实的超越,就是一种创新。任何真正获得成功演出作品只有依靠创新,才能不断得到提升和可持续性发展。通过全方位的创业教育,让学生不仅能领悟创新对于创业的重要性,也会激发学生自身创新意识,同时还能让学生从创业者成功的事例中得到激励和启发。并结合本专业的专业知识和技能通过社会实践,不断提高自身创新能力。 3.增加就业途径、缓解就业压力 随着高校扩招,音乐学专业的招生人数也在不断递增,大学毕业生的人数远远超过传统的就业市场需求,传统的就业方向主要是基础教育。计划生育基本政策的推行多年,我国音乐基础教育的学生也逐年减少,音乐教育师资也逐年超编,传统的音乐教育人才需求趋向饱和,就业市场日渐萎缩。音乐学专业是一门专业性极强的学科,就业面相对较窄,就业压力也更大。通过开展创业教育,转变教育理念,改革音乐人才培养模式,培养和提高学生的社会适应能力,引导音乐学专业大学生积极创业,提升优秀竞争力,缓解和解决就业压力。 二、音乐学专业创业教育中亟待解决的问题 1.创业观念滞后、缺乏科学的创业理念 中国的创业教育发展较晚、基础比较薄弱,而且大部分高校对创业教育在新形势下的教育体制改革战略意义认识不够充分,缺乏对有关学生创业教育的专项课题研究,对创业教育与素质教育区分点的认识比较模糊,导致在创业教育的课程设置上培养目标不明确,在教育教学过程中势必缺乏科学的、标准化的指导思想,学生得不到真正的创业方面的培训和提高。由于受传统观念影响,绝大多数毕业生毕业之后,喜欢去一些经济发达的大中型城市,认为市场前景广阔,以期待更大的发展。现实情况不容乐观,音乐学专业人才的市场需求已接近饱和,创业业机会越来越少,这就需要音乐学专业的毕业生要转变创业观念,适应社会需求。 2.学生创业综合素质匮乏 大学生成功创业要具备科学合理的知识结构,目前高校音乐学专业的课程设置不够完善。音乐学专业的学习只要基础知识、实践技能方面的。在创业能力、创业素质方面的培养力度不够,没形成创业所需要的独有品质。毕业的音乐人才在虽然专业知识、专业技能方面学有所长,但知识结构相对单一。学生对社会、对市场、对产业、对经营都缺乏应有的了解,在创业过程中毫无头绪、到处碰壁,甚至导致创业失败。从近几年毕业生创业的反馈信息来分析,音乐学专业学生的创业素质不容乐观。受传统择业观的影响,学生大胆创业的意识不强,即使参加创业活动,往往是头脑发热、跟风创业,一旦遇到挫折,就缺乏长久坚持的创业意志。一些学生眼高手低,只到条件好的大中城市创业,不愿意到拥有广阔天地的乡镇基层创业,创业情感投入欠缺。这些充分显露出学生的创业知识层次和结构不完善,创业素养要不断加强。 3.创业教育课程设置不完善,学生创业实践缺乏 创业教育课程的合理设置是创业教育的基础,也是创业教育实施的媒介,在国外有着较为完备的创业教育课程体系,中国高校将创业教育融入专业教学体系的课程设置还不普遍。在教学内容上缺乏具有社会主义特色的市场经济接轨的统一教材。在教育方法上以以校园为中心、教师为中心,忽视社会实践环节,忽略对学生自主能力的培养。学校的人才培养模式相对来说比较封闭,势必会影响学生的个性发展,与创业教育中提倡的创新能力的培养、冒险精神的培育还相差一段距离。音乐学专业是一门实践性、技能性很强的专业,在常规教学中要理论联系实践,以实践为主的教学理念。教学实习、校外实践演出等都只是专业实践,并不能让学生全方位地了解创业者在经营管理方面的知识。创业经验的缺乏使得学生对于自主创业缺乏评估、顾虑重重,缺乏开拓市场能力,对市场潜在风险的防范不够,在创业过程中把握不了方向,创业难以成功。 4.创业教育师资队伍薄弱 高校的创业教育起步较晚,目前大多音乐学专业的创业教育由学校招生就业部门的科员及一部分音乐学专业教师担任创业教育课的工作。前者虽然直接在招生就业部门工作,了解就业市场的一些知识和信息,但毕竟也缺乏专业的创业教育学习,创业教育课也只能是就业指导课。不能把专业教育与创业教育很好地融会贯通,进行全方位的深度指导。后者由于传统学校管理中,限制在职教师开展第二职业,部分教师有一定的本专业的社会实践经验而非真正意义上的创业经验,创业教育也只是专业教育的的拓展。即具备的教学经验又有创业经验的创业师资比较缺乏,成为制约高校音乐学专业创业教育向深层次发展的瓶颈。 三、音乐学专业开展创业教育的策略 1.营造校园创业氛围,培养学生创业意识 四年的大学生活对学生性格和品质的形成具有潜移默化的作用,对学生今后的人生有着非常强大引导和激励作用。学校在常规的教育教学过程中,要千方百计营造良好的创业氛围,让学生不出校园就可以深刻地体会到浓厚的创业氛围,以培养学生的创业意识,激发创业热情。利用校园信息平台、广播站、宣传栏、展览馆等校园媒体积极宣传创业教育,使创业意识渐入人心。举办以围绕音乐学专业的模拟创业大赛,让学生通过模拟创业体验创业的酸甜苦辣。定期举办创业讲座,邀请音乐界创业的成功人士现身说法,给学生讲述创业经历和创业经验,引导和组织学生参加社会实践活动,以促进学生创业能力的提高。还可以在校园成立学生创业协会,邀请各个系部学生参加创业协会,并通过协会成员在各系部宣传创业教育,培养学生锐意进取、敢于创业的创业精神。 2.优化人才培养方案,更新教学内容 音乐教育应重视并开展创业教育,将创业教育和专业教育融合在一起。优化创业教育的人才培养方案,促进课程设置改革和实践,培养学生合理的创业知识结构。提高学生创业综合素质,增强学生自主创业能力。把培养具有创业意识、创业精神、创业技能的教学计划和培养目标纳入到音乐人才培养方案中去,把培养创业型人才定为音乐学专业人才培养目标的重要组成部分,并且落实到人才培养的全过程。同时,围绕培养音乐创业人才的目标进行创业教育课程设置改革,在创业理论教学中增加创业理念、市场营销、财务管理、文化产业法律法规等知识的教学。通过创业案例进行讨论交流提升学生的创业意识,拓宽其思想认识。在实践教学中,组织学生到文化传播公司、音乐培训学校、地方演出市场、工商、税务部门等实地了解熟悉市场导向、创业政策、和法律法规等,为学生将来创业做好充足的思想准备。 3.组建科学合理的创业教育师资队伍 培养出具有创业精神的音乐人才,需要一支专业素质高、创业知识、创业经验丰富的教学师资队伍。音乐学专业要想改变当前创业教育师资不足的现状,学校应积极创造各种条件,努力构建一支符合本校、本专业创业教育师资队伍。一方面,要加强对音乐学专业教师自身创业知识相关教育培训,选拔一批具有创业意识的青年教师到在创业教育走在前列的院校去调研学习。安排有创业潜力的青年教师到企业去兼职,鼓励专业教师直接参与到创业实践中去,并定期开展创业教育案例示范教学和研讨会。另一方面,可以从校外聘请创业成功人才作为特聘教授对创业的学生进行现场指导,现身说法,让学生熟悉创业过程中市场运作方式,从而提高创业成功率。 4.加大创业教育的资金投入,建立切实有效的运行保障机制 在校学生虽然想创业敢创业,但缺乏创业所需要的环境和资金,这就使得一部分有自主创业意识的学生对创业望而却步。音乐学专业学生在创业活动开展的过程中资金就成了他们创业最大的障碍。学校应该积极筹措资金加大对创业教育的投入,建立创业综合实训基地,更新实验实训设备,拓展校企合作框架等,为音乐学专业学生创业提供必要的创业后续保障。此外,学校制定出台相应的激励保障措施,设立创业投资基金,成立创业教育协会,出台创业资助计划等。将创业教育纳入学校教育教学总体规划,保障创业教育可持续发展。随着“十二五”规划建设的圆满完成,“十三五”规划建设时代即将到来,“中国梦”的崛起,中国将进入崭新的时代。社会经济的发展越来越需要具有创新精神的创业人才。预示着创业市场大繁荣的到来,对音乐学专业的学生的创新能力提出了严峻的挑战。创业教育是一项系统性工程,需要充分综合社会优质资源,与时俱进,锐意进取,积极开展音乐学专业创业教育,不断推动高校创业教育前进。 作者:廖星麟 单位:湖南郴州湘南学院 音乐学专业论文:音乐学专业设立意义论文 一、弁言 音乐学(musicology)是一门研究音乐的学问,来自于西方。萧友梅先生在建立上海国立音乐专科学校时,虽然引入了至今仍在延续的欧洲音乐教育体系。但是,音乐学专业课程的设置,在我国的音乐教育中是比较晚的事情。新中国建立之前几乎没有,即使在新中国建立之后,大部分专业音乐院校音乐学专业课程的设置也很晚。除了中国艺术研究院音乐研究所于1954年,中央音乐学院于1956年较早建立以外,其它音乐学院音乐学专业的建立都较晚。上海音乐学院、中国音乐学院分别于1978年和1980年设立了音乐学系,武汉音乐学院于1986年成立音乐学系。而象天津音乐学院、西安音乐学院、沈阳音乐学院、四川音乐学院、星海音乐学院等,则都是在二十世纪的九十年代之后才逐渐挂牌成立了音乐学系。几所音乐院校的音乐学专业被批准为硕士和博士学位的授予点则是更晚的事情。1982年中央音乐学院被批准为硕士学位授予点,1988年被批准为博士学位授予点。上海音乐学院硕士学位授予点是1982年获得的批准,博士学位授予点是1989年获得的批准。 在我们的西洋音乐教学、研究队伍中,有不少是在西洋文化的社会和生活环境中受过熏陶的学者。我们在西方音乐学的传播、教学、研究等方面,也的确取得了不少的成绩。但是,说音乐学在我国是一门年轻的学科,也许一点也不过分,这一点也反映在我们过去,以及今天许多人对音乐学的认识中。譬如,我们历来要求学习音乐的人,一定要“底子好”、“基础好”。所谓的好“底子”、好“基础”,在多数情况下主要指的是“音乐技术”和“音乐技能”方面。且不论表演、甚至作曲等专业方向的学生,是否仅仅只是具备了“音乐技术”和“音乐技能”方面的能力就够了这个问题。就音乐学为学习和研究方向的人而言,除了应该要求具备“音乐技术”和“音乐技能”方面的能力之外,还应该有文史修为和写作能力的“底子”、“基础”,要具有音乐理论的思考能力。也就是说,对于从事音乐学专业工作与研究的人们来说,必须掌握音乐形态、音乐技能等音乐本体的知识,以及掌握中外历史、文学、语言、宗教、风俗、文献典籍等社科文化知识,要有两个方面的基本功。对于这一点似乎大家早有共识,似乎也是一个简单的问题。但是,在我国音乐学的实际教学中却没有加以实施,至少做得很不够。而且,在我们还没有对原有西方音乐学领会得十分清楚的情况下,又有许多其它西方音乐研究理论,以及一些音乐研究新领域、新知识不断为我们所认知,使得我国这门本来就很年轻的学科,受到了不同程度的冲击。譬如,对于民族音乐学(Ethnomusicology)、世界音乐(W0rldMusic)、多元音乐文化(ManyMusicofManyCultures)等新学科、新概念的系统解读,以及与原有音乐学之间的关系;等等。 就目前国内音乐学的教学和研究现状来看,急需思考如何在借鉴西方音乐学学科体系、消化西方其它成熟音乐理论体系的同时,在所谓西方音乐学的构架中,建立符合我国音乐的发展历史、符合我国音乐文化生活存在的状况,以及符合我国音乐理论学习与研究现状的教育体系及教学体制等问题。也即,如何在我国现有音乐学的专业教育中,在音乐学专业学生的培养与训练中,无论是在教学的指导思想和培养目标方面,在学制的设定和课程的设置上,建立具有我国特色的音乐理论研究的学科。 二、音乐学专业从附中开始设立的意义 音乐学的专业方向应该从附中开始设立,至少,在附中的高中阶段一定要设立音乐学的专业。要思考符合附中音乐学专业方向的课程设置,而且,对于演奏、作曲等其它专业也要补充音乐学常识方面的课程。从近二十年来音乐学发展的情况来看,如果在附中的高中阶段开始设立音乐学的专业方向,对于我国音乐理论的学习风气、研究水平等,都会带来很重大的意义。仅仅就在附中的高中阶段开始设立音乐学专业方向的教育意义而论,将会产生以下两个方面的意义: 第一,观念上的意义。 不知什么时候开始,有了这样一个谬论:“学表演不行就改学作曲,作曲再不行就学理论。”除了可以认为人们缺少对音乐学以及音乐理论研究的认识之外,是否更应该对我们自身所存在的问题加以检讨。 这个局面的形成,一方面,应该说与音乐学系历来的要求标准有关。音乐学系历来视附中其它专业被淘汰后进入音乐学系的学生为“嫡系”,并把其作为音乐学系的后备师资。然而,关键的问题是,这些人中的大多数人并不喜欢音乐理论这门功课,不是把音乐理论视为一门专门的学问来加以钻研。甚至,其中一部分人根本就瞧不起音乐理论的教学与研究工作,其结果是可以想象的。我们不去妄断、怀疑许多人有从事教学与研究的能力,有着很高的智商。但是,遗憾的是他们确实没有什么研究成果刊布于世,没有几篇论文为同行们所知晓。我们知道,科研与教学是相互促进的,没有科研水准和研究基础的教学水平,究竟又怎样就不得而知了。历史的原因,人为的认识,瞧不起音乐学专业的人士,大有人在。这已经成为一种人所共知的事情。甚至,一些在音乐学专业方面授课多年的教师,也常常讲自己曾经是学习其它专业,而羞愧自己如今从事的音乐学教学工作。因此,从附中开始设立音乐学的专业,还有一个重要的意义就是培养学生的志向,是一个立志的大问题。“立志”音乐学的学习与研究绝对不是一句空话、大话,音乐学系不应该把其它专业被淘汰后进入音乐学系的生源作为培养的“嫡系”,不应该视有一点音乐技能,但并不喜欢音乐理论这门功课的人为“宝”。其实,表演学不好,作曲学不好,也就更不可能在音乐理论方面能够有所作为了。一些音乐学院今天在音乐理论教学与研究上出现的窘境已经作了充分的证明。如果要从根本上改变人们对音乐学以及音乐理论研究的错误认识,要改变别人的认识,那么,首先要从自己做起,应该首先使我们的学生立志音乐学学习与研究。必须在附中阶段设置音乐学的专业方向,使得我们的学生从进入音乐学院的大门之始就立志于音乐学的学习,就确立了一个大的研究方向。这样升入音乐学系的本科学生,从今天的自卑心理到立志音乐学的学习与研究,这是一个很根本的问题。 另外一方面,在当今发表的音乐理论论文里,的确有许多缺少对音乐本体进行的研究,让人们误以为音乐学的研究就是文字的工夫,认为音乐学的基本功就是背熟几本音乐史书。这也有其历史的原因,在目前音乐学的教学、研究,以及学习的队伍人员中,有许多人曾经学习的是其它专业,他们有的或是在外语,或是在历史、文学等方面受到过较长时间的训练,或在其它文化方面有较高的水平,较强的能力,等等。这部分人利用自我的优势从事了音乐学的工作,譬如,中文和中国历史专业方向的人,对中国古代音乐文献进行着辑录、校释,或从事着缺少音乐形态研究的中国音乐史的工作;而外国语专业方向或一些外语比较优秀的人,则从事着西方音乐文献的翻译,或从事着【清】毛奇龄在《竟山乐录》中所讲的“乐书不是乐,乐器不是乐”的工作。客观上讲,这类人中间的部分学者,为我国音乐理论的研究工作做出了很大的贡献,完成了许多音乐学基础性的工作。音乐学的研究需要其它文化学方面人士的加入,音乐学者也需要具备文化学方面的学识,只是不能过于偏颇。如今就有些“过”的现象,因此,使人们产生了对音乐学的错误认识。这也许是我国音乐学这门学科发展中必然要经历的一个阶段。 第二,本科生源数量和素质保障的意义。 目前,人们普遍认为音乐学的生源数量不足,学生的素质更是不尽人意。 一方面,为了扩大生源,大大降低入学标准,有的音乐院校甚至以缩短音乐学本科学习的时间来吸引生源。另一方面,许多音乐学的出题老师抱怨目前音乐学的试题过于简单,认为如今学生的素质差。试想,要让从来没有学习过音乐学理论的应届高中学生,应考音乐学院音乐学专业的试题,其效果肯定不好,其水平肯定很低。即使是那些从小就接触音乐的“琴童”、“天才”等,对音乐学理论可能也是知之甚少。没有学习过的东西,不可能考出好成绩;没有成体系的音乐学的教育机制,也就没有生源量和质的保证。所以,我认为要从根本上解决上述两方面的矛盾,必须从附中阶段开始设置音乐学的专业方向,或在普通中学中协商选择一些学校,定点开设音乐学方面的课程。由于今天的许多考生没有进行过音乐学方面的系统学习和训练,在出题老师看来再简单的试题,对于考生也是难题,老师和学生都不好把握考试试题的深浅难易程度。如果从附中阶段开始设置音乐学的专业方向,一来不仅能够使升入音乐学系本科的学生数量有所保证,使本科生源的数量具有一定的稳定性。而且,更能保障这部分学生在音乐学方面的素质和能力方面有一个较高的水平。如果学生在中学阶段已经学习了音乐学方面的常识,升本科的试题自然能够上一个台阶,自然有一个深浅难易的层次。 我们经常争论是否让音乐学本科阶段的学生进行专业方向选择的问题,然而,如果在附中阶段设置了音乐学专业,学生们经过几年音乐学方面能力的训练,在进入本科阶段之后,通过第一学年的适应阶段,在第二学年中,完全可以进行有所目标的专业方向的选择。这样以来,音乐学专业学生的整体素质和能力就会得到很大的提高,使得我国音乐学的教育、学习与研究水平获得一个真正的提高与发展。同时,这也给从事音乐学教学工作的教师也提出了一个比较高的要求。音乐理论的教学与研究,本身应该具有前瞻性,教学上落后,会使我们在音乐理论的研究方面更加置后。我们要按照上述标准来检验今天音乐学学人的知识结构和学术经验,要求提高从事音乐学工作和研究的队伍人员的专业能力和素质。以前我们对于这一学科的认识不全面,对音乐学这门学科建设的思考也不多,特别是对音乐学专业方向的课程设置更没有做深入研究。今后当尽快补上,不能让这种现象继续存在下去。 三、附中、本科课程的合理衔接与音乐学专业的层次教育 如果能够在音乐学院附中,甚至其它普通中学开设音乐学专业的课程,那么,这些课程要与本科招考的内容基本衔接。音乐学专业本科阶段设置的一些课程,在一定程度上一定应该是附中及普通中学音乐学专业课程的延续。因此,课程的设置就十分的重要了。目前,在音乐学院的音乐学专业所开设的所谓专业课程,被认为就是音乐学的学习科目。它让本专业的学生一进入这门专业的学习后,就以为这些课程就是音乐学学科的学习内容。但是,这些音乐学学习的科目,是否真正体现了音乐学这个学科所应该包含的内容,这就很有讨论的必要了。仅从对中国传统音乐的学习与研究来看,今天音乐学课程中的中国传统音乐课程这个科目,就需要添加许多的内容进去。譬如,中国传统音乐理论体系的重构和建立,缺少的是文献学的基础,中国传统音乐文献学是中国传统音乐理论的一个组成部分,是中国传统音乐理论能否建立的基础性工作。就音乐学专业的学生而言,对于音乐文献的掌握是十分重要的,音乐文献和书籍的了解是学习的前提,是基础的基础。目前的课程设置中就很是欠缺这方面的内容。即或是以西方音乐为研究方向的人,可能也首先应该去了解“西方的文献学”,或“西方文献批评”类似的“学问入门”课程。目前的音乐学专业教育中这些课程也没有开设。而从中学阶段开始就开设音乐学的课程,则更加应该注意课程设置的系统性、科学性和层次性。除了中学阶段的音乐和文化的诸多课程有其自身的特点之外,还要顾及音乐学专业本科课程设置的系统性。需要一个系统、合理的,符合我国音乐理论教育的课程设置体系。重要的是我们要把这个体系延续到本科音乐学教育与教学的系统中去,要注意音乐专业与文化等各门课程的衔接。就是说,学生一旦在中学学习期间选定了音乐学的学习方向,那么,就应该学习在本科招考、录取时的一些基本课程和内容。譬如,现在每个音乐学院的音乐学系都开设有:音乐学概论、中国音乐史、西方音乐史、中国传统音乐、音乐美学、和声、复调、作品分析、钢琴等课程。这些课程肯定不可能全部都从中学阶段开始开设,即使那些能够开设的课程,其内容的数量和程度也必须有所限定。具体的课程设置、教学内容,要广泛征求意见,还应该进行理论上的研讨工作。而且,这里一定要考虑本门学科所存在着的层次教育问题。长期以来,我国的音乐学专业缺少层次教育。目前,我国在音乐学的升学考试中,仅就专业而言,所出考题的标准,在本科与研究生,甚至博士生考试之间的差别不是太大。这与我国音乐学的课程设置和教育内容缺少层次有关?N颐敲挥醒刑殖鲆惶子泄乇究啤⒀芯可⒉┦可际钥颇俊⒛谌菁八蕉ㄎ坏牟馐员曜肌SΩ盟担杂谝衾盅ёㄒ档目纬躺柚谩⒉煌愦嗡降难芯浚唤瞿芄槐阌谥贫ㄒ衾盅ёㄒ笛难翱颇俊⒎较颉⒛谌莸龋遥苑且衾盅ёㄒ等嗣堑囊衾盅У难耙簿哂屑匾囊庖濉K裕颐鞘紫纫饩龅氖且衾盅ёㄒ档牟愦谓逃侍狻9赜谝衾盅ёㄒ档牟愦谓逃欠窨梢宰饕韵录父霾愦危?nbsp;一、音乐基础层次 二、专业知识、技能层次 三、文化修养层次 四、方法论层次 而不同的层次又必须要有不同的几个阶段,不同的阶段中要解决不同学科的课程、不同音乐学内容。因此,层次教育是与阶段性教育结合在一起的。 譬如,初级阶段:也许应该进行的是中西音乐概论性与感性知识的基础教育;中西音乐理论基础知识及音乐技能、技巧的基础教育;中西文史、文化、语言基础教育等。在第二个中级阶段则应该进行音乐学概论课程;其它音乐学各门学科概论性的课程。到了第三个高级阶段就应该进入所谓专业论题方面的研究,和专攻方向的研究,以及音乐学专业论文的写作阶段了。在这些不同的学习阶段中,哪些课程、哪些内容,以怎样的程度,针对哪些层次的学生又是很重要的问题了。譬如,强调音乐本体技能与音乐学基础能力并行、音乐专业课程与文化基础课程并重的中学阶段音乐学专业课程学习的同时,还必须把这些课程的初级性质考虑进去。也就是说,在对音乐学专业的学生进行音乐基础知识能力和基本音乐技术、技能训练的同时,还要加强要中外历史、文化知识、语言能力等方面的培养。我个人以为音乐学专业,毕竟首先是一门以音乐技术、技能,以及音乐文化为基础性质的特殊学科,因此,如果不是在音乐学院附中一直专门学习音乐的普通中学的音乐学基础教育,还是应该放在对音乐本体理论所进行的学习上。就音乐学专业方向的学生而言,首先应该具备音乐本体技术、技能、音乐学基础的基本功。对于音乐形态本身的不了解,今后很难深入进行音乐学的研究。今天,有许多没有经过音乐学院音乐学系系统学习的学生,可能在音乐基础知识和基础技能上就要欠缺一些。譬如,今天,我们都承认那些毕业于师范大学音乐系,和其它艺术院校音乐系非音乐学专业的学生,在综合文化知识和能力方面要强于音乐学院的学生。同时,也指出这些学生对于音乐本体了解的欠缺,音乐技能水平的低下,这的确也是事实。而且,这种情况也许还会在今后相当长的时间里存在下去。这正是我国音乐学发展所要解决的关键问题。这种情况下,就要求在进入硕士的研究生阶段要弥补这方面的不足。在课程的设置上就要与音乐学本ㄒ当弦档难鹂础U庖卜稀耙虿氖┙獭钡慕逃枷搿S捎诶返脑颍写笈且衾盅ёㄒ档难芯可乇鹗欠且衾盅г旱难芯可蛐枰股细有枰衾旨寄芊矫娴目纬獭8荼究扑ёㄒ担凳虑笫堑恼攵匝芯可那榭鲋贫ㄑ凹苹C运车募忧恳衾旨寄艿牟钩溲啊6遥捎谀芄唤胙芯可锥窝暗难壤⒉淮螅裕衾盅У闹饕纬毯湍谌萦Ω迷诒究平锥瓮瓿伞L乇鹗且衾旨寄芎图际蹩纬谈Ω迷诒究平锥瓮瓿桑蛭杂谝衾中翁旧淼牟涣私猓苣焉钊虢幸衾盅У难芯俊R环矫妫绻衾掷砺鄣难芯柯畚模皇谴罅科桌亩鸦挥械览砜山玻蚪驳亩际谴蟮览怼⒕傻览淼龋鞘遣恍械摹5牵硪环矫妫绻皇谴永砺凵稀⑽幕辖擦诵矶嘁衾值牡览恚荒芤砸衾值氖导世又髌涞览淼目蒲浴⒑侠硇裕踔谅畚闹辛芯俚囊衾掷踊蚯灼桌肫淅砺鄄幌辔呛希蚋尚ΑR虼耍⒁桓龌境商逑档摹⒂胁愦蔚囊衾盅Ы萄Э纬碳匾R韵钟械囊衾盅У慕萄Э纬躺柚媒械髡⒉钩洹F┤纾肥涤幸恍┦粲谝衾盅У目纬棠谌荩怯值娜防胍衾直咎灞冉显叮衾治南籽У木褪鞘粲谡庋囊桓隹纬獭R严低车囊衾治南籽У慕萄谌莘旁诟呒兜牟愦谓逃腥淌凇F涫担夜澄幕难芯恐校丫幸徽壮商逑档姆椒ǎ凶懦墒斓奈南籽啾冉希颐强吹皆谝衾掷砺鄣难芯恐校;咕啦谘芯康亩韵蟆⒎较虻任侍獾奶致壑惺呛苡字傻摹T谌鲜读宋南籽У幕痉椒ㄖ螅颐蔷筒坏貌凰伎既绾伟颜庵址椒ㄔ擞糜谝衾盅У难芯恐校绾谓⒁衾治南籽У任侍狻N南籽欠椒郏跹颜庵址椒ㄔ擞糜谝衾掷砺鄣难坝胙芯恐兄档盟伎肌?nbsp;即使在音乐的本体教学上,今天的音乐学专业的教学内容也缺少一些重要的门类。譬如,不可缺少直接接触民间音乐的教学内容就应该放在相应的层次里。在新的音乐研究思想和观念的指导下,以新的理念和手段开展民间音乐的采风工作。什么是新的音乐研究思想?什么是民间音乐采风工作的新理念和手段?那就是民族音乐学的思想和方法。今天社会音乐文化生活中的民间音乐,不仅仅指的是山野之曲,同时也包括了城市中的音乐文化。而且,在课程的设置中,还要有意识地注重中国音乐理论课程的设置。 四、结语 在西方音乐学构架中的我国音乐学的专业教育及课程设置、教学内容等等都不完善, 如果能够在附中或普通中学设立音乐学的专业,并使其系统化、体系化,以及具有层次和阶段性,相信其作用及影响会更为明显和深远。 音乐学专业论文:音乐学专业声乐教育的缺失 一、知识性方面 知识性方面指的是音乐的一般基础训练,包括音乐操作技能的训练,音乐的综合感觉,从拍子到节奏以及节奏的变化,从五线谱、音程到各个唱名、音名、调号、以及调式等等;同时包括音乐的理论部分,如曲式分析、音乐术语以及对各种乐器的了解,音乐的相关常识及各个乐派的音乐史及风格的掌握。世界各民族歌曲一般都是经过岁月洗礼而流传至今的艺术瑰宝,因具有朗朗上口的歌词,鲜明的节奏,旋律充满民族生活特色的风格,所以,演唱民歌时是最能直接感受到音乐性的特征。 二、审美教育 对于音乐的审美包含了对音乐审美的美学范畴,也就是激发学生对音乐“美”的感受力与敏感度,对于音乐的审美能力的培养需要时间和经验的积累,民歌的创作主题一般是描写大自然与人类的爱情、以及劳动人民生活劳动场景,演唱者在演唱当中会很快的和自己的一些生活经历联系在一起,也就是心理学家通常称之为的“联觉”,通过这样的过程,学习者往往会很直接的体验到音乐的“美”,从而不断提高学生对于音乐美的感受力。 三、品格修养方面 高等教育中的“德育”是放在首位的,将培养学生的人生观和价值观放在重要位置,而树立良好的人格品行首先是培养学生的民族性,因为有了民族性学生才具有爱国情操,由于民族歌曲本身具备强烈的民族性特征,所以,在学习的同时就培养了他们的爱国主义情操。现结合我国高等音乐学声乐教学的课程设置和教学内容,分析存在的若干问题。我国高校中的音乐学专业在课程设置上分为以下几种情况:一是主修声乐专业的学生,另外一种是辅修声乐的学生,上课的过程一般是“一对一”,上课的主要内容是解决演唱中的一些发声的基本技术问题以及学习演唱一些经典的美声教学曲目;除此之外,学校设有“民族民间音乐”的公共课,上课的内容一般是我国各地方的一些民族民间歌曲,本人认为主要存在以下几方面的不足: 1、对声乐学习的重要性认识不够,总觉得学习声乐应该是声乐专业的学生的事情,辅修声乐只是走个过场,考试要个成绩,这完全违背了柯达伊音乐教育理论的思想。 2、声乐教材资源的缺乏,无论是音乐学声乐专业的教学,还是辅修声乐的教学,所选教材应区别于声乐表演,但实际上没有任何区别,也没有可选性。 3、对民族歌曲的演唱曲目选择过于单一,学校即使设置了民族民间音乐的公共课,但是老师一般所教授的都是我国各个地方民歌,没有把学习范围放到全世界,更没有将世界的各民族歌曲拿过来转化为本民族的音乐资源加以利用。民族的繁荣,国家的富强,不仅仅体现在经济方面,更重要的是文化的繁荣,世界各民族的民歌学习给学生打开一扇了解世界的窗户,如果高校的音乐学专业的声乐教育在课程设置与教学内容还是走传统道路的话,就势必将这扇窗户关闭,这样的后果不仅仅影响到学生,更加严重影响到我国音乐基础教育。 作者:尹辉单位:西北民族大学音乐学院 音乐学专业论文:专业音乐学院教学管理现状分析 摘要:对音乐学院教学管理现状进行分析,结合实际情况提出合理化建议。实现教学质量的提高及音乐学院的长远健康发展。 关键词:专业音乐学院;教学管理;现在;对策 在社会与经济不断发展的情况下先人们的物质生活得到充分满足,人们对精神生活的需求也逐渐提高,在此种趋势与背景之下人们对文化艺术活动提出越来越高的要求,这也可在一定程度上实现对强大社会需求的直观体现。音乐在艺术领域受到人民群众的广泛喜爱,经过长期的实践与发展,我国音乐事业已经取得显著成就,在专业音乐学院在实际进行管理时还是存在诸多问题,必须提高重视程度。 1专业音乐学院的教学管理现状 1.1教学管理机制不完善 我国的专业音乐学院的院校管理工作存在起步较晚的现象,在实际经营与管理中会受到各方面客观因素的影响,教学管理机制对教学质量有直接影响,也就是说管理机制不健全会导致教学质量下降现象的出现。现阶段专业音乐学院不仅缺乏专职的教学管理人才,同时不能实现对教学管理机构的科学设置。部分学院存在管理人员不是专业管理专业毕业的现象,部分任课教师需要兼任管理人员,甚至部分学院存在教学管理与学生管理混在一起的现象,这对音乐学院教学管理工作的顺利开展有极大的阻碍作用。 1.2课程设置不合理 丰富多样是现代大学生对知识的主要要求。传统的课设置模式已经不能实现对社会发展与学生需求的有效满足,为实现对上述现象的有效改善,必须结合实际情况与先进的科学技术对其进行合理的改革与创新,这不仅对教学质量的提高有促进作用,同时对学生管理工作的顺利进行有积极意义。为实现对社会需求与发展的不断满足,我国教育事业在结合实际情况的基础上不断进行课程改革。部分学院并不能实现对课程改革的贯彻与落实,在实际开展教育教学活动时依旧采用陈旧的教学模式,这对学生音乐潜力以及综合素质的发展有极大的阻碍作用。部分学院在实际对课程进行设置时还存在照搬照抄的现象,不能实现对自身实际情况的有机结合。这是导致学科建设不完备以及课程设置不科学现象出现的主要原因,在此种情况下不能实现对良好学习效果的获取。学院以及相关领导人员必须提高对上述工作的重视程度,在借助先进技术与结合自身情况的基础上实现对上述现象的有效改善。 1.3教学与实际脱节 在做任何事之前都必须实现与实际情况的有机结合,艺术更是来源于生活。艺术在精神产品的涵盖范围之内,但现实生活仍是其主要来源,音乐教学必须实现与现实生活的紧密结合,防止音乐出现失去灵性的现象出现。首先从专业学院教学角度对其进行分析后发现,学院的教学放方法多数普遍存在生搬硬套的现象,在引进国外先进教学方法的同时没有实现对民族音乐之间融合性的充分考虑,这就是课堂教学没有实现与情景教学有机结合的直观体现,最终对教学效果造成不利影响。 2解决措施 2.1完善教学管理机制 为在真正意义上实现对音乐学院教学问题的有效解决,首先需要满足的条件就是对教学管理机制进行完善,这可从根本上保障音乐教学实现可持续发展,人员的合理配置对管理机制的配置有直接影响,管理结构设置的完备性与管理制度的实用性也在上述范围涵盖之内,因此在实际对管理机制进行设置时必须实现对上述因素的充分考虑。一个专业的音乐学院必须实现对学科专业建设的高度重视,教学管理人员要在遵循音乐教育规律的基础上实现对教学管理制度的严格执行,这不仅对教学管理工作的顺利进行有极大的促进作用,同时可在一定程度上促使教学质量得到有效的提高。增强服务意识,为教学服务、为师生服务,有计划、有步骤地组织专业教师进行学术交流,开展研讨会议,为教师提供良好的学术交流和研究平台;鼓励教师大胆创新,充分利用多媒体教学,熟练使用网络媒体等现代教学手段进行教学传播工作,不断完善专业音乐学院教学管理机制。 2.2有效调整课程结构 有效调整课程结构,必须重视音乐教学学科设置,抓住重点专业,联系学生实际,从具有社会影响力和老百姓乐于接受的专业做起。一方面,为了满足学生知识面的扩展,可以开设与专业密切相关的选修课和知识讲座,除了音乐表演专业和音乐教育专业必修的专业课、音乐理论课和史学课程,其他课程都可以调整为选修课程,并且在不同学期设置电脑音乐制作、舞蹈创编、弹唱等课程,以供学生选修。另一方面,可以适当的增加社会艺术实践类课程,为学生创造更多的接触社会、适应社会的机会,使他们更多的展示自己并从中提高业务水平和专业素养,为今后走向社会、增强就业竞争力奠定坚实的基础。尽管当前我国对音乐教育的重视程度在不断上升,但是我国专业音乐学院的教学管理工作尚存在许多问题,只有及时解决这些问题,才能更进一步提高专业音乐学院的教学水平。 2.3引导教师更新教学观念 为了有效解决当前专业音乐学院教学管理存在的问题,还应当提高教师的教学改革意识,不断引导教师更新教学观念。在教学过程中,教师必须积极向上,大胆尝试,不断完善教学大纲、教学计划,完善教学方案,最大限度地做到“传道、授业、解惑”的育人准则。在满足这些条件的情况下,教学管理人员可以帮助任课教师结合课堂实际的教学情况,及时更新教学观念,接受学院定期开展的教师培训和教师考核活动,及时学习先进的教学方法,促进学生主自学习,同时采用微信、微博、校讯通等多媒体教学管理手段与学生互动,加强沟通与交流,努力实现专业音乐学院教学管理水平的大幅度提高。 3结论 通过分析专业音乐学院教学管理现状,提出了几点解决措施,尤其是多媒体教学管理方法运用于教学已是大势所趋,也是中国当前高校教学管理改革的重要方向。当然,在新的时代背景下,人们也一定要从切合教学的实际出发,逐步完善专业教学管理体系,不断培养综合素质较高的音乐人才,满足社会和时代对于新型音乐人才的需求。 作者:范田佳 单位:沈阳音乐学院 音乐学专业论文:音乐学专业器乐课程教学探讨 器乐是一门融知识性、技能性、专业性、实践性为一体的高校音乐学专业课程,对提高学生的音乐综合素养和能力、适应社会对音乐教育人才知识和实践的要求,认识和理解多元化音乐教育,具有十分重要的意义。随着高校音乐教育理念和方法的不断改革进步,在音乐学教育中,器乐课程的教学比例逐渐得到提升,取得了不错的成效。然而,不容忽视和否认的是,在我国,大部分高校器乐课程设置以选修课为主,片面强调器乐演奏的技术高难度、专业性,忽视了学生综合能力的提高。此外,在教学理念、课程设置、教学方法、教学质量等方面与培养适应基础音乐教育的、社会需求的、专业化的器乐人才相比还存在很多不合理的地方。因此,新形势下,高校必须从音乐教育改革发展的需求出发,对音乐学专业器乐课程进行多元化的改革和实践探讨。 一、高校音乐学专业器乐课程的现状 器乐课程作为高校音乐学专业中的一门重要课程,对提高学生的音乐素养以及学生学习音乐的主动性和积极性,起着十分重要的作用。但是,目前,在高校音乐学专业器乐课程的教学中,存在很多亟待解决的问题。主要表现为以下几个方面: (一)专业培养目标不明确 高校音乐学专业是培养掌握音乐学科基础知识理论和基本技能,具备在中、小学以及其他中等职业学校从事教学、教学研究的合格的音乐教师。换句话说,其专业培养目标在于为基础音乐教育而服务。而专业的音乐院校的培养目标是培养具有较高音乐素养的高级专门音乐艺术人才。长期以来,大部分高校的专业培养目标并不明确,导致器乐课程设置及其不合理,只片面强调提高学生的专业演奏水平,而忽视了学生基础知识以及综合能力的训练和培养;只注重器乐演奏的技术难度,而忽视了学生所应具备包括对音乐的审美、鉴赏能力在内的音乐素养以及人文情怀的培养。 (二)课程设置不合理 受传统教学观念的影响,对器乐教学的重要性认识存在偏颇。认为高校音乐专业应重点突出声乐、钢琴、舞蹈课程的教学,器乐课程的设置可有可无,而事实上,器乐课程在高校音乐学专业中只是选修课程,课时十分有限,器乐学习难度大,教师不重视,学生没兴趣是十分普遍的现象。高校音乐专业的学生入学时器乐知识和技能水平存在很大的差异,这对到器乐课程的设置有着十分重要的影响。一般来说,学生的器乐水平可以分为完全没有基础、有一定的基础、有着较高的水平等三种。对于不同水平的学生,如果套用相同的教学大纲和教学计划、教学侧重点,教学效果不佳也就在情理之中。 (三)教学方法单一 高校音乐学专业器乐课程教学方法普遍单一,普遍采用音乐学院的教学模式和方法,不注重对教学方法的创新,缺乏对其他教学方法的研究与实践,无法建立起符合高校学生发展的、具备自身高校特色的教学方法。 (四)缺乏对实践教学的重视 正如前面所说的那样,高校器乐是一门对实践性要求很强的课程。要想使高校音乐专业学生毕业之后能够顺利从事音乐教育工作,就必须加强实践训练,将理论知识及时转化为专业技能,在不断的实践过程中巩固所学知识、积累经验、提高自身的实践能力。而现实情况恰恰相反,学生往往毕业了,在实践中还是无法灵活自如的演奏。 二、高校音乐学专业器乐课程的多元化改革与实践探讨 高校音乐学专业器乐课程的改革是具有创新性的、实践性的,也是势在必行的,改革的内容也是多元化的。在新时期,高校应当充分利用教学资源,结合本校实际情况,积极探索适合本学校的教学培养目标、教学方法、教学模式,提高器乐教学的质量,培养出更多基础知识扎实、具有实践能力和音乐素养的复合型音乐教育人才。 (一)明确课程目标 高校的器乐课程需要明确培养的目标,即不是为了培养高级的艺术人才,而是以基础知识和基本技能为优秀,不仅要注重学生专业技能的提升,也要让学生牢固掌握基础的理论知识;不仅要强调器乐的演奏,更要通过器乐课程来培养学生对音乐的兴趣和积极性,提高艺术审美和鉴赏能力,陶冶情操,丰富情感体验,最终提高学生的综合能力和音乐素养,更好的成为一名适应社会需求的基础音乐教育或教育研究者。 (二)合理设置课程体系 在高校开展器乐课程教学,必须首先对器乐课程的重要性有足够的认识。器乐课程的艺术性、实践性特点本身就决定了其对音乐教育的重要性,器乐课程和声乐、钢琴课程并不矛盾,音乐课程之间是相通的,将器乐课程与其他音乐课程相结合,有助于让学生涉猎更多的范围,更多的理解多元音乐文化的魅力,提高学生的音乐素养和音乐造诣,成为一名全面发展的音乐教育人才。因此,在高校音乐学专业中,器乐并不是一门可有可无的课程,而是必须设置的一门课程。其次,高校器乐课程必须从学生的实际情况出发,制定不同的教学大纲和教学计划,同时调整相应的教学方法和教学重点。比如,以笛子为例子:对于完全没有器乐基础的学生设置“笛子必修课程”,设置在本科一、二年级,以2-3人为单位,每周安排一次课程,侧重于基础知识的讲授,加强演奏、欣赏等教学内容。这最大程度的满足了学生的实际需求,因材施教,让这些基础较差的学生经过一到两年的学习,初步掌握了器乐的相关知识和演奏技能。 (三)采取多元化的教学方法 在高校器乐课程的教学过程中要让教学效果得到迅速提升,关键在于创新教学方法。教师要在“口头心授”等传统教学方法基础上,灵活的运用多元化的教学方法,充分借鉴国外先进的音乐教学方法和手段,比如奥尔夫教学法,重视培养学生在音乐学习中的主体性、主动性、个性和创造性,通过激发学生本能的唱、凑来让学生得到不同程度的满足,教师在这样的教学过程中,必然成为了学生的引导者、诱导者和参与者,帮助学生达到学习各种音乐技巧和能力的最佳状态。总而言之,高校音乐学专业器乐课程的多元化改革和实践有助于实现各种技能全面的音乐教育人才的培养目标,有助于充分凸显高校音乐学科的特色。新形势下,我们将进一步与时俱进,以新课程改革的先进的教学理念和教学方法为指引,促进高校器乐教育事业的健康持续发展。 作者:刘园园 单位:河南许昌学院 音乐学专业论文:提高音乐学专业舞蹈教学成效途径 一、音乐学专业舞蹈教学的目的与意义 课堂教学都是为人才培养目标所服务。音乐学专业的学生就业方向大致分为两个方向———在中小学担任音乐教师并组织各项校内文体活动或在事业单位、文化产业从事与音乐相关的各项工作。面对市场需求,普通高校音乐学专业人才培养的目标是具备良好的人文素养与知识素养,掌握音乐学科的基本理论与技能,具备与表演、教学、创作相关的综合素质人才。舞蹈作为一种专业技能,在音乐学课程设置中起着不可忽视的重要作用。首先,舞台表演具有直观动态性,要求表演者在舞台上具备优美的体态和良好的气质。舞蹈可以塑造人的外在形体,使学习者拥有良好的体态,从而达到提升个人气质的目的。其次,舞蹈教育能够加强学生艺术鉴赏能力从而激发丰富的艺术想象力和创造力。舞蹈是一门综合的舞台艺术,由音乐、灯光、舞美、服饰等多种艺术成分组成。舞蹈鉴赏课将引导学生从不同角度对舞蹈艺术作品进行客观分析与评价,不仅强化了学生的艺术鉴赏能力,同时在思考与评价中激发了学生丰富的艺术联想。心理学上认为“肢体动作是大脑思维的基础,动作逻辑是思维逻辑的前身”,在有关舞蹈编导的课程内容中,教师鼓励学生大胆参与创作,从舞蹈的选材、结构与编排等方面引导学生完成创编过程,这种脑力与体力相结合的学习方式,是激发学生个性化思维与艺术创造能力的最佳方式。 二、音乐学专业舞蹈教学的内容与特点 在当前普通高校音乐学专业的本科教学中,舞蹈课程为基础必修课,大多只开设一个学年。由于课时量少,学生基础薄弱,同时没有针对音乐学专业舞蹈教学的统一规范教材。在教学过程中,很多教材大多照搬专业舞蹈教学的模本,内容涉及舞蹈理论和舞蹈技能两个部分。理论教学通常以舞蹈鉴赏为主要内容。通过众多舞蹈作品的鉴赏,使学生对舞蹈艺术有了直观地感受,同时也为进一步的舞蹈技能学习奠定基础。技能课包含了形体训练、民族民间舞、舞蹈创编、艺术实践等四个部分的内容。从内容上看音乐学专业舞蹈教学与专业舞蹈教学无异,但却有着自身的特点。 (一)非专业性 由于音乐学专业的生源特点以及课程设置等因素,音乐学专业的舞蹈教学不能与专业舞蹈院校看齐,将各种训练和考核要求等同于专业的舞蹈生是不现实的。首先,在内容安排上不需要也不可能将各舞蹈种类的学习进行细致分类;其次,在学习的深度和精度上也要根据学生的程度适当调整,教师要在短时间内使一批批“舞盲”爱上舞蹈,并具备舞蹈表演与舞蹈创编的基本技能,在某种意义上教学难度比专业的艺术院校更高。 (二)课程交叉性 音乐、舞蹈自古以来就是密不可分的姊妹艺术。舞蹈在创作与表演中,始终离不开舞者对音乐的理解。音乐的旋律性、节奏感、情感的表达,无不对舞蹈有着极大的启示与衬托作用。对音乐专业的学生开展舞蹈教学,教学对象无疑有着学科上的优势,音乐学专业的音乐鉴赏、视唱练耳、和声等相关课程使音乐学专业学生对舞蹈音乐的旋律、节奏、感知能力以及对音乐情感的把握等诸多方面事半功倍。 (三)理论与实践的统一性 对于音乐学专业的同学来说,走上舞台的机会很多。不管是校内外的文化活动还是本专业的艺术实践晚会,都是将课堂所学运用到实践的最直接的表现。学生在实践中不仅能体会到理论与技能学习的重要性,也能意识到自身各方面的不足。例如,舞蹈课的形体训练没有过关,体现在舞台上的一举手一投足就不能自如流畅。没有学习舞蹈创编基础,就不能进行简单的歌舞节目编排。二者相辅相成。因此,音乐专业的舞蹈教学有着理论学习与实践的统一性[1]。 三、提高音乐学专业舞蹈教学成效的途径 人才市场的激烈竞争促使相关的教育工作者必须对当下学科教学体系中的不合理、不科学因素进行反思与改革。通过完善教学管理提高教学成效,将能更好地满足社会对音乐学专业毕业生的人才需求。 (一)制定科学的教学计划和合理安排教学内容 长期以来,舞蹈虽然作为专业必修课纳入音乐学专业课程体系,但对于大多数学生甚至教育者来说,系统的舞蹈教学应该只针对专业的舞蹈学习者,对于非专业的学生,舞蹈只是附属课程,不具备较高的学习价值。造成这一个观点形成的因素有两个。第一,舞蹈技能并未纳入音乐类招生艺考的基本内容。生源特性决定了音乐学专业学生入校时大多不具备舞蹈表演所要求的身体柔韧性、肢体协调性与舞台表现力。入学后接触系统的舞蹈训练,学生常常因达不到课堂要求而对舞蹈训练产生畏难情绪,久而久之便敷衍了事或是干脆放弃,最终舞蹈课程在专业学习中形如虚设;第二,在音乐学专业的课程设置中,舞蹈课程只开设一个学年,每周两个课时。舞蹈不是一蹴而就的艺术,短时间的学习很难达到效果。一年的短暂学习,有的学生刚建立起舞感或对舞蹈产生兴趣,课程却已经结束。基于这一点,也挫伤了师生的教与学的积极性,最终使舞蹈课程流于形式。 从以上因素可以得出,认识舞蹈教育本体价值,加强音乐专业学科对舞蹈课程的重视程度是提高舞蹈教学成效的基础。音乐专业的课程设置,应该在现有课程基础上,加强舞蹈教育比重,在注重基础教学的基础上加强学生对舞蹈基础创编能力的培养。首先体现在课时的增加,任何艺术的学习都有着循序渐进,由浅入深的规律。课时的不足将严重影响到舞蹈训练的完整性与连续性。舞蹈课程应该在第一、第二学年贯穿始终。学生到了三、四年级,艺术实践的活动增加,虽然没有再开设舞蹈课,但学生可以在实践中得到学习与锻炼;其次,科学制定教学大纲安排教学内容,避免生搬硬套。目前,大多数音乐专业的舞蹈教学内容同样取自专业舞蹈院校的教材。在组合内容的编排上没有顾及到音乐专业学生特点,是造成了教学成效不理想的主要因素。 笔者认为,一年级的舞蹈课程应当以基础训练为主,避免涉及到技巧练习,以强调动作的基础性与规范性为目的展开教学。课堂组合的编排上,不能拘泥于单一的芭蕾基训或古典舞基训,可以采用把上芭蕾基训与把下身韵组合相结合的原则,使学生的柔韧性、协调性以及肢体表现力在一节课中都能得到训练,同时难度的降低可以使学生更容易接受;二年级的教学内容可汇聚理论教学、民族民间舞、剧目排练、舞蹈基础编导等相关内容。四者可相辅相成,融会贯通。以蒙古族民间舞蹈教学为例。第一堂课教师可以先讲解蒙古族人民的性格特征、蒙古族的音乐特点以及舞蹈的风格与特征,并给学生欣赏极具代表性的蒙古族经典剧目。这是学生在技能学习前的理论基础;通过对蒙古族舞蹈的上肢动作与典型步伐的课堂练习,使学生掌握蒙古族民间舞蹈的基本体态与动作风格;排练具有代表性同时难度适中的蒙古族舞蹈作品,加强学生的舞蹈表现力;布置蒙古族民间舞蹈的创编作业。教师可以通过为学生做编创示范以及对学生完成作业后评价等方式使学生掌握一些基本的编创技巧[2]。 (二)利用互联网延伸课堂教学 一方面,随着科技进步,互联网为人们开创了一个有别于现实社会的公共空间———网络世界,它使人们足不出户便晓知天下之事。互联网为传统的教学模式带来了拓展与延伸,同样,也为高校音乐学专业舞蹈教学带来诸多便利。首先,随着各类舞蹈网站的兴建,对舞蹈的接触与参与,不再局限于高精尖的专业人才。网站中不断更新的文字、图片、信息等各种形式的舞蹈信息,缩短了非专业人才与舞蹈之间的距离,使学生在虚拟空间中与舞蹈有了不同程度的交流。对学生在互联网学习中的引导,将使音乐学专业的舞蹈教学在课外得到延伸。其次,教师可通过互联网为学生传输与课堂相关的教学资料与视频。音乐专业学生在舞蹈课堂中的理解与接受能力大多表现得差强人意,由于还未达到自主学习舞蹈的能力,没有教师的适时指导,课后的练习与巩固就成了一大难题,互联网使这个问题迎刃而解。学生在课后可以根据老师传送的教学视频加以巩固与练习。同时可以将课堂教学视频作为课堂笔记加以保存。由此可见,互联网是音乐专业舞蹈教学中不可或缺的辅助工具[3]。 另一方面,发挥互联网教学的优势要求学习者合理规避互联网所带来的信息大爆炸以及其它弊端。互联网让人们真正进入大众传媒时代,网络的自由性导致人人都是信息制造者和传播者。音乐学专业舞蹈学习者通过互联网能获取众多舞蹈信息,海量信息让学习者应接不暇,其中包括民众上传的各类舞蹈视频与文字信息。由于信息量庞大与复杂,容易使学生一叶障目或只见树木不见森林。不规范或水平较低的舞蹈视频容易给学生造成误导,产生负面的教学影响。例如:为了完成课后布置的创编作业或艺术实践的演出需要,学生往往会在互联网上搜索相关视频进行参考,但专业水平的薄弱使学生不能对互联网信息准确地判断与筛选,接收了不规的舞蹈信息,导致互联网教学成效的失败。对此,发挥互联网教学优势要求教师引导学生对互联网的舞蹈相关信息进行正确筛选,例如提供专业的舞蹈门户网站或提供准确有效的舞蹈关键词让学生在互联网进行搜索。总之,互联网教学方式应当因势利导,使之成为新时期舞蹈教学模式的新手段。 (三)实践性教学是提高音乐学专业舞蹈教学成效的重要手段 实践性教学在舞蹈教学中有着不可或缺的重要作用,它不仅实现了舞蹈课堂的教学目的,同时也使学生在实践中不断提高自己的舞蹈能力,其中包括舞台表演、舞蹈教学、舞蹈编创等方面。例如,摒弃以往音乐学专业的学生钟爱展示声乐与器乐能力,通过每年的艺术实践要求学生必须展示一定数量的舞蹈作品,通过舞台表演的实践,让学生明白舞蹈表演在一场综合演出中的重要性,了解舞蹈与舞美、灯光、道具、服装等方面的相互关系与作用,同时学会运用综合的艺术手段完成舞蹈的舞台呈现;音乐学专业的学生是综合性大学校园文化活动的骨干成员,承担着院系间的艺术交流以及校内各项文艺演出的任务,为其它院系的活动排练舞蹈或为了某个校内活动编排节目都是实践中音乐学专业学生所面临舞蹈能力的考验。 在这个过程中,学生从挑选音乐、确定主题、构思作品、排练演出,都是对舞蹈技能更深层次的思考与学习,其舞蹈编创能力、教学能力、以及自身的艺术表现力都在实践中得以提高[4];加强实践性教学还应当鼓励音乐学专业学生根据自身的兴趣爱好与特长积极参与社会实践、自主实践,例如到艺术培训机构兼任舞蹈助教、积极参与社会公益演出、参加各类舞蹈比赛等,通过多样化实践形式,达到提升学生综合实践水平与舞蹈能力的目的。音乐学专业舞蹈由于本身的特殊性,既不能像舞蹈专业教学那样深入与系统化,但也不能完全脱离舞蹈的基本理论与实践。加强音乐学专业舞蹈教学是培养高素质音乐人才的重要环节,教学者要注意拿捏分寸,扬长避短,为音乐学专业的舞蹈教学总结出更多的方法与途径,以达到人才培养的最终目的。 作者:吴红叶 单位:闽江学院 音乐学院 音乐学专业论文:音乐学专业学生的计算机软件操作能力 一、课件制作能力 一名合格的中小学音乐教师所应具备的最主要能力是能够胜任音乐课的常规课堂教学。作为一名教师,应具有扎实的语言表达能力和板书水平。随着时代的进步,信息量更加丰富、相对粉笔板书更为直观,且集视、听效果为一体的多媒体教学课件出现。多媒体教学课件是指在教学过程中,通过教学设计,利用多媒体综合处理文字、声音、图像、影像等多种信息的一种教学手段。音乐艺术以声音为载体进行传播。音乐课教学应充分遵循这一特性,把声音的输出作为音乐课最为重要的教学手段。因此,精心设计、制作多媒体课件,并能在课堂上娴熟操作,是每一名音乐学(教师教育)专业学生应掌握的技能。目前,多媒体课件制作的主流软件是美国微软公司出品的MicrosoftOfficePowerPoint(以下简称PPT),这是一个“演示文稿”功能的课件制作软件。在制作音乐课课件时,该软件可以导入文字、课件背景、图片(包括乐谱图片)、音频、视频等素材,且能使其按照设计好的顺序出现,以动画的方式展现每一张幻灯片中的视听素材。它能很好地满足中小学音乐课教学中唱歌、音乐欣赏等几种常见课型对多媒体课件的需要。 二、乐谱制作能力 音乐教师在常规音乐课教学、音乐节目排练活动中,经常要和乐谱打交道。因此,音乐教师的乐谱制作能力也非常重要。在利用多媒体课件辅助的常规音乐课堂教学中,有时需要在课件中向学生展示音乐作品的乐谱,以便教师做示范,这就需要在课件中插入乐谱。在PPT中可以以图片的形式很方便地插入乐谱,但乐谱需要用专业打谱软件制作,才能以图片的形式导入PPT中。中小学音乐教师经常会负责组织学校的合唱队、乐队排练及重大节日演出的任务。在这种活动中,乐队总谱不可缺少。或许有些经典作品的乐谱可以从专业乐谱网站下载,但更多情况是教师根据歌曲乐谱自行编配小型乐队总谱。因此,为了使学生在排练时能有乐队总谱方便视奏,用专业制谱软件制谱就显得至关重要。目前,国内通行的制谱软件根据乐谱类型分为简谱和五线谱两大类。在简谱绘制方面比较出色的有作曲大师、雅乐简谱等;五线谱绘制软件相对来说比较多,初级阶段的有Overture,高级阶段的有Sibelius和Finale。以上这些制谱软件都可以对乐曲的调式、节拍、声部、速度等进行设置,完成乐曲音高、节奏型、歌词的输入,以及对乐谱布局的排版和调整。因此,能够使用制谱软件绘制乐谱对于中小学音乐教师来说非常重要,是一项基本职业技能。 中小学音乐教师在日常教学中必然会涉及音频编辑方面的工作。在音乐欣赏课的教学中,很重要的教学理念是向学生阐述乐曲的曲式结构,然后进行分段欣赏。切忌采取从头播放到尾,囫囵吞枣式的听赏,特别是像交响曲、奏鸣曲等较大型曲式结构的音乐作品,重复播放会使学生产生倦怠心理。正确的做法是欣赏多段体音乐作品时,如A—B—A结构,用音频编辑软件将作品按顺序依次截开,让学生分而听之,去感受前后两段与中间段落的对比。或者在欣赏奏鸣曲式时,把主部主题和副部主题的段落分割,让学生分段感受奏鸣曲式的优秀内容,然后让学生单独聆听连接部和结束部,通晓奏鸣曲式各个乐章的段落进程,最后全乐章合而听之。以上做法可以加深音乐欣赏课中,学生对大型曲式作品的理解和感悟。中小学音乐教师一般要担任学校节日文艺汇演的组织工作,晚会演出也需要音频处理方面的工作。在制作歌曲联唱类节目的伴奏带时,需要从网上下载每一首歌曲的伴奏音乐,再利用音频制作软件将其串联起来,完成音响制作。这些工作都需要音乐教师具备一定的音频编辑能力。目前常用的音频编辑类软件有AdobeAudition、SoundForge等,大多都支持对WAV、MP3、MPEG、AVI、WMA等多种音频格式的转换和播放,支持剪贴、复制、粘贴、多文件合并和混音等常规处理,支持对音频数据进行扩音、衰弱、淡入、淡出、压限、延迟等特效处理。四、网络音乐信息收集能力进入21世纪,互联网成为人们生活中不可或缺的信息工具。作为音乐学(教师教育)专业的学生,应具备在互联网上搜索音乐信息的能力,包括在一些音乐类网站上检索音乐专业知识,从酷狗音乐、百度音乐等音乐搜索引擎上下载音乐作品,或是在优酷和土豆等视频网站上搜索中外音乐名作的演出录像等。通过以上信息的收集,学生一方面可以加深自身音乐文化知识修养,另一方面,这些从网上搜索到的内容可以成为音乐教学课件中的丰富素材。 结语 综上所述,作为音乐学(教师教育)专业的学生,应该对自己的专业发展方向有长远的规划,认清信息化高速发展的今天,电脑技术在中小学音乐教学领域所带来的革新和运用。音乐学(教师教育)专业学生应该从在校阶段就熟练掌握一名合格的中小学音乐教师所应具备的基本计算机软件操作技能,为将来从事音乐教育工作打下良好的基础。 作者:徐杰 陈瑶 音乐学专业论文:高师音乐学专业舞蹈教学改革 一、素质教育与美育、舞蹈教育之间的内在联系 (一)素质教育是推动人才发展的重要手段 素质教育的目的是使受教育者的身心得到全面发展。大学生是我国社会发展的主要动力和后备军,他们将成为推动社会发展的中坚力量。对大学生实施素质教育即重视培养学生的创新、实践和创业的能力,其实质是促进学生的全面、综合发展。因此,以素质教育作为人才发展的教育手段有利于学生综合素质协调发展,有利于学生适应未来社会的需要。 (二)美育是素质教育不可缺少的重要环节 美育即审美教育,是一种按照美的标准培养人才的形象化情感教育。在素质教育中,美育可帮助学生体验审美,从而达到对美的感受力、创造力和自我完善能力的提升。艺术教育是美育的最佳途径,通过艺术教育可以达到净化心灵、陶冶情操的目的。学生从艺术的角度体验审美,能够提高自身的素质和审美情趣。 (三)舞蹈教学是开展艺术教育的必备形式 随着社会的不断发展,非专业性的舞蹈教育逐渐演变成一种有特色、有体系、有目的的艺术教育形式,舞蹈艺术作为人体的动态文化有助于对学生的审美能力、想象力和创造力的开发,不但锻炼了形体,也丰富了他们的课余生活。发挥舞蹈教育独特的艺术魅力,能够对当代大学生综合素质的培养起到积极的促进作用。 二、高师音乐学专业舞蹈艺术教育的特征 高师音乐学专业的舞蹈课程属于非专业的舞蹈素质教育,主要以提高学生的整体艺术素养为目的,学生将通过舞蹈课堂认知舞蹈、融入舞蹈、热爱舞蹈乃至传播舞蹈艺术。高师音乐教育舞蹈教学具有以下两点特征: (一)音乐学专业广泛的教育对象决定了舞蹈课程形式的非专业性 舞蹈课程面向全体音乐专业学生,通过舞蹈课程的形式和舞台实践提高受教育者的艺术鉴赏与审美能力,达到综合素质全面发展的目的。因此,作为一种普及型舞蹈教育,在课程设置和教学内容上应相应有所调整,如授课形式的多样化,增强教学内容的生动性和趣味性,开展舞蹈知识讲座、校园舞蹈比赛等形式会让更多的学生积极主动的参与其中。 (二)舞蹈教育的特殊性决定理论传授与艺术实践相结合的统一性 音乐学专业的舞蹈教育包括舞蹈艺术理论知识和艺术实践活动两个方面。舞蹈基础理论的学习是对学生进行艺术教育的主要途径之一,其目的是奠定学生欣赏和实践舞蹈艺术的基础,提高艺术修养。艺术实践则注重增强学生的参与力度,让学生积极地投入到舞蹈实践中,获得更多的艺术体验与审美经验。在教学中,理论和实践相辅相成、缺一不可。 三、高师音乐学专业中舞蹈艺术教育的功用 (一)音乐学专业的舞蹈教育在素质教育中的作用 舞蹈艺术教育,是人类最早的文化艺术教育活动之一。舞蹈可以使人体各个器官变得灵活敏锐,有助于受教育者的体貌匀称发展。舞蹈在帮助学生增进思维、发展智力的同时,使其养成优雅的举止和正确的体态习惯,以及形成良好的审美观和价值观。随着现代审美多元化的发展,观赏性与娱乐性的舞蹈作品增多,舞蹈艺术与社会道德情操、现代生活产生了更为密切的关系,因此成为高校素质教育中不可或缺的教育形式。 (二)音乐学专业舞蹈教学的美育功能 舞蹈艺术是一种民族文化的呈现,影响着人们的道德情操以及文化素养。它通过肢体动作的形象美和艺术作品的内容美来展现对现实生活与理想的追求,达到情感抒发和精神追求的协调统一。通过学习舞蹈,学生不仅有了美感体验,还在潜移默化中受到美的熏陶,进而使道德情操和思想情感得以升华,艺术修养得以提高,这是舞蹈美育的重要作用。 四、高师音乐学专业舞蹈教育发展的改革与探索 (一)把握时代脉搏,更新音乐学专业舞蹈课程的教学理念 社会在发展,高师音乐学专业的舞蹈教育模式也在不断完善,唯有教学理念的突破才能带动教学改革的创新。提倡以“人”为本的教育思想是指:根据学生的具体情况因材施教,从强调专业对口转向适应社会需求。注重综合性、跨学科教育的发展,将推动教学改革的探索与更新,舞蹈课程的教学理念应具备以下几点转变 1.以学生为主体开展教学 “兴趣”是学生探索求知、自主学习的内在动力。能否上好舞蹈课与学生自身的主观能动性有着直接联系。在学习过程中,学生潜意识的选择有助于学好感兴趣的学习内容,兴趣不足则会出现各种学习障碍。舞蹈教师在教学中要注重观察学生的心理变化,主动激发学生的主观能动性,引导学生不断增强对舞蹈课程的学习兴趣。如在开展教学活动时主动营造良好的学习氛围,运用精彩、新颖而富有启发性的语言等,引导学生变被动为主动,顺利开展课堂训练与艺术实践。 2.充分锻炼和发掘学生的潜在能力 随着舞蹈教育在高校的普及,更多的学生有机会接触到舞蹈艺术。面对大多数没有舞蹈基础的音乐专业学生,教师需要以鼓励为主,无论学生能力大小都要平等对待,给学生充分的空间与时间去领会和感悟舞蹈艺术。舞蹈教育对学生潜在能力的开发离不开教师恰当的教学方法,从实际出发给予学生参与的动力和实践的机会,创造相对宽松的环境让学生去感受舞蹈艺术,由此必然会帮助他们达到健美体魄、提升气质、增强审美、丰富感知能力等目的。 3.引导和鼓励学生主动参与创新和实践 在舞蹈课程的教学过程中,学生之间存在着个体差异,教师应保持宽容的心态让学生各展所长,充分给予他们成功的体验。学生在学习过程一旦拥有了自信,将会乐于尝试和自愿追求下一个学习目标,这对他们的身心发展至关重要。在舞蹈创作中既要保持训练的规范性,也不能忽略相关文化理论的修养筑造,加强师生间的合作,互相启发、取长补短,对舞蹈进行原始创作或二度创新将有助于师生共同进步。 (二)完善音乐学专业舞蹈课程的教学内容、明确培养目标 1.高师音乐学专业舞蹈教学内容的设置 舞蹈教学内容应遵循“形体基础训练”“民族民间舞蹈文化传承”“舞蹈艺术名作赏析”“中小学舞蹈编创与教法”相结合的原则。没有优美的体态,舞蹈艺术就失去了基本的载体,所以开展舞蹈教学时首先要进行形体基础训练。其次,民族民间舞蹈训练的介入,不但可以帮助学生感受各民族舞蹈艺术的特点,还可以通过不同的体态特征、运动规律以及优美的民间音乐等给学生带来更为生动直观的审美体验。再次,学生在积累了一定量的舞蹈理论和形体训练后加入舞蹈名作的赏析,可以更加充分的感受舞蹈艺术,顺利从感性认识上升至理性认识。最后,通过舞蹈艺术实践与教学法规范学生对舞蹈普及教育的正确认知,在学生懂得和喜爱舞蹈文化的基础上激发他们的想象力,开展基础的舞蹈创作,为今后步入社会和进行中小学艺术素质教育打下良好的基础。 2.高师音乐学专业学生舞蹈教学的培养要求 培养音乐学专业学生具备基本的舞蹈普及教育能力,不必苛求学生的外在条件,只需具备一定的软开度和准确的舞蹈基础动作示范能力即可。任课教师需要着重培养学生拥有良好的道德修养和无私的奉献精神,且忠诚于艺术教育事业。在教学实习中可引导学生从事舞蹈普及工作的热情,帮助他们了解教学对象,懂得如何培养学习兴趣,营造良好的学习氛围。同时完善学生的人文知识,让他们懂得欣赏和理解舞蹈艺术作品,具备一定的舞蹈表演、舞蹈创作、舞蹈理论的基本能力,便于毕业后开展与舞蹈艺术相关的普及教育工作。 (三)改革和探索音乐学专业舞蹈课堂的教学模式 1.丰富音乐学专业舞蹈课堂教学的教育途径 从素质教育的观点出发,在音乐学专业舞蹈教学中努力开发学生的潜能,改变过去单一的口传身教和学生被动学习的教学方法,充分发挥学生的积极性和创造性。一方面,教授舞蹈的基础知识可以从单一的动作组合入手,使学生掌握基本的舞蹈动作与运动规律。另一方面,广泛使用舞蹈术语,鼓励学生在学习舞蹈的过程中学会运用专业性语言和科学的练习方法,加强对舞蹈训练的系统认知,以便形成正确的运动记忆,并提高自身的感知能力。 2.拓宽音乐学专业学生的视野提高舞蹈艺术素养 随着教育体制改革的不断深化,高等院校开始注重学科间的交叉运用,在教育过程中融入了很多新的思想观念。相关学科与舞蹈艺术的有机结合,既丰富了舞蹈的内涵又扩展了学生的知识结构。通过生动的形象,多维角度开阔视野,学生可以更广泛地参与到舞蹈实践中去,达到既能歌善舞又能投身于舞蹈普及教学与艺术创作的目标,真正成为具备一定艺术修养,适合中小学需要的艺术教育人才。 3.加强少儿舞蹈元素的渗透 音乐学专业的毕业生将来大多会从事中小学的艺术基础教育工作,因此教师在日常教学应有针对性的实施教学构想,注重加强少儿舞蹈方面的知识技能普及,为学生以后就业打下良好的基础。教师可以组织学生观摩中小学校举办的各类文艺汇演,让他们更为直观的了解少儿舞蹈的特点和规律,区别成人舞蹈与少儿舞蹈的不同,突出青少年的身心特点。学校可以利用艺术实践组织学生设计活动方案参与少儿舞蹈编创,从编排简单的少儿舞蹈组合开始,加强对学生舞蹈艺术创作能力的培养。 4.注重基础教育中舞蹈教学实践操作能力的培养 在日常的教学活动中应注重学生教学能力方面的培养,从教学设计、教学组织、教学指导等多方面出发,要求学生根据青少年不同年龄阶段的舞蹈动作特点编排舞段,锻炼学生组织舞蹈活动的能力,并在相关的艺术活动中予以实践,指导学生自主设计节日演出方案、组织毕业晚会排演,加强理论与实践相结合的能力。以课堂听课的方式让学生走进中小学舞蹈课堂,让学生进一步了解儿童舞蹈活动的基本要求与内容,积累有效的教学方式与方法。综上所述,通过舞蹈艺术特有的手段与途径对学生进行全方位的整合教育,是现代音乐学专业舞蹈课堂教学的责任与使命,它不局限于传授学生基础的舞蹈知识与技能,而是致力于从多方位培养适应中小学需求的艺术教育综合型人才。 作者:盛慧 单位:郑州师范学院音乐与舞蹈学院 音乐学专业论文:音乐学专业学习目标研究 一、音乐学专业现状 虽然频频设立,但是对“音乐学”的学习内容,课程安排往往并不清晰,不仅是学生不太明白所学专业究竟学些什么,教师们对此概念也是相当模糊。很多人将“音乐学”看做是学习音乐中的理论方向,当音乐作曲或者表演不能很好的学习时就选择“音乐学”理论加上实践的方式,似乎这样就可以为专业的音乐或者表演的缺失找寻弥补的方法。在录取上,“音乐学”专业的同学有时就是从表演专业或者其它专业调剂过来的。这些同学通过“音乐学”专业继续深造。同样的情况也发生在“美术学”、“舞蹈学”、“戏剧学”等学科上。油画家、文化学者陈丹青曾经在清华大学美术学院“美术学”任教,后来主动公开辞去职务,当时,他就公开申明表示不理解什么是“美术学”,又为何要完成科研任务,以论文作为科研成果。这种情况不单是在一人身上发生,就连一些专门从海外聘请的人才专门担任“音乐学”教授、博导的老师也不能完全明白“音乐学”究竟是什么学,什么人才能胜任“音乐学”教授、博导,心中也不太有数。 二、音乐学学习目标 “音乐学”的学习内容学习目标是什么,其实在很多著述中早有论述,例如,中央音乐学院教授俞人豪先生在《音乐学概论》中已经将这个概念的来源和学科内容讲述的十分清晰:“‘音乐学’这个词在欧洲最早见于米茨勒1738年在德国成立的团体名称“音乐学协会”(SocictactdermusikalischenWissenschaft),这个德文字的意思为‘音乐的科学’。”俞先生还说明,后来有加提(A.Gathy)的《科学手册》,把当时的音乐学(Musikwissenschaft)作为一个门类排列在其科学分类体系中。被后人认为是这门学科确立者的德国音乐学家克里桑德(F.Chrysander),1863年编撰《音乐学年鉴》不仅使用了音乐学这个名称,还指出“音乐的研究,特别是历史的研究,应该提高到自然科学和人文科学中长期采用的那种严肃而精确的标准上来”,他还主张“音乐学应该与当时呈上升趋势的‘实证科学’相联系,应成为受到尊重的、完全意义上的科学”。俞先生指出,在西方,“音乐”这一概念包括音乐实践和音乐理论的研究,后来逐步则分化为既有联系又有分工的“两个领域”:“音乐本身逐渐向艺术化的方向发展,而音乐研究则向人文科学或精神科学的方向发展,因此,不能简单地把音乐学或音乐研究看做是音乐艺术的附属品。现在西方的学术体系通常是把音乐学看做是人文科学的一个部门。”当前,音乐学专业的学生在校期间都必须撰写论文,通过答辩才能毕业,这种情况不只是硕士和博士,本科生也是同样的制度。这样的教学制度显然不同于一般的表演专业的学生,以音乐演奏会或者音乐作品的创作作为毕业任务。音乐学就其对象和主要方法而言,属于人文科学或精神科学的范畴,所以,在西方“音乐学系被设在综合大学的人文科学学院之中”。在我国,音乐学系(或专业),大多设在音乐学院或艺术院校音乐系中,把音乐学放置在这样的院系中致使这一学科不同于音乐(或艺术)的独特性质即科学性质,不易显现。因此,很容易产生对此学科的模糊看法,甚至是误解、偏见。音乐学的主要研究对象是音乐,音乐学的学习目标和内容自然是接触音乐、了解音乐、分析研究音乐,也就是要对音乐进行感知,尽可能深刻的懂得音乐。包括音乐概论,音乐的起源学说,音乐史。但音乐学基本性质是科学,归属艺术科学领域,将其再引申一步,它还属于人文学科和精神科学范畴,与人类学、文化学、心理学、美学、哲学等等诸多学科。由于音乐的载体是声音,声音是一种物理现象,所以,音乐学也要相应的了解一些物理声学和其它一些相关的自然学科。除此以外音乐学还与生活息息相关,因此音乐学还要学习民族学、传播学、社会学、政治经济学等等。 作者:吴梦萍 音乐学专业论文:高校音乐学特色专业建设探索 《黑龙江高教研究杂志》2015年第六期 当前,我国地方高校音乐学专业学科建设出现长足稳健发展的良好局面。但不可忽视的是,绝大多数高校存在办学模式趋同、专业方向一致、教学思路单一、缺乏特色等问题,既影响音乐学专业学科建设水平进一步提升的进程,又影响民族艺术资源的保护、传承与挖掘,还影响学生就业。在经济与社会转型时期,地方高校音乐学专业特色化建设迫在眉睫。因而,从保护、传承、挖掘我国民族艺术资源的角度,深入进行地方高校音乐学专业教学改革,探索构建特色专业理论与路径,具有重要理论价值与现实意义。 一、保护民族艺术资源与建设特色音乐学科的互动效应 广义地讲,特色是一个事物显著区别于其他事物的风格,是其所属事物独有的品行。特色音乐学科,是高校在特定的办学思想指导下,在长期的音乐理论探索与反复的教学实践中,逐步在教学目标、师资队伍、课程体系、教学条件、教学方法等方面形成的具有鲜明特色,高水准、高质量、高标准,并产生良好效应的人无我有、人有我精、人优我特的专业。形成自身特色的路径有很多,如依托优势研究成果设立特色专业;依托优势师资队伍设立特色专业;依托地缘音乐艺术资源设立特色专业等。新中国成立后,我国的高校大致可分为综合与多科性大学、单科学院和应用性高等专科学校等三种类型。自20世纪80年代以来,高等教育发展迅速,至2014年7月我国高等学校总数已达2540多所,其中地方高校2240余所。而设置音乐学专业的就有400多所。研究发现,众多的地方高校音乐学专业普遍存在培养目标、学科设置、教材选用及教学方法雷同、办学方向不够明确,学科及专业设置特色不够突出等问题。音乐学学科设置与办学方式基本上仍沿袭以欧洲音乐为中心,民间音乐在学校教育中处于附属地位的体制。导致学生对我国民族音乐文化了解甚少、民族音乐传承遭遇困境、学校办学特色不鲜明、生源竞争激烈,学生出口窄小、就业难、专业不对口、学无所用的问题凸显。大学音乐学专业设置不应当雷同,不同学校应有所区别,就如同企业和人一样,要有自己的特色和个性。事实上,大量的普通高校特别是地方高校,在音乐学专业设置、办学特色等方面都有一定的地缘优势及特色潜力。 以琼州学院为例,该校扎根于少数民族地区,常年致力于民族教育,少数民族音乐文化特别是黎族音乐文化对其影响深远,其音乐学专业教师中有一部分是省内知名的黎族音乐编创、演唱与演奏人士。该校坚持开展民族文化研究,在研究与教授黎族文化理论和黎族民歌、乐器方面有着天时、地利的优势。但是长期以来,该校音乐学专业定位仿照学术型、专业型大学,其结果是教学成果泛泛,理论研究平平。这也是众多地方普通高校多数专业发展面临的困境。高等教育大众化的前提是教育的多样化,只有以教育的多样化才能适应社会需求的多样化。民族音乐文化的传承与高校音乐学特色专业设置是一个良性互动的关系。定位于教学型的地方普通高校应以应用型教育为主,应根据社会需要和地缘及自身优势,把民族音乐教育引进课堂,改革音乐学专业的人才培养模式和课程体系,以创建音乐学专业的地方民族特色。立足于地缘优势的应用型高等教育既可以培育本学校的专业特色,又可以构建适应人才培养需求的课程体系,避免了普通高校专业课程的雷同,有利于实现办学特色化目标。蔡元培先生指出,欲知明日之社会,看今日之校园。高校既肩负着教书育人为国家输送人才的使命,也肩负着促进民族音乐艺术文化传承、保护与发掘的历史使命和社会责任。将民族音乐文化,融入高校音乐学专业课程体系建设之中,有利于发掘、研究、保护和传承民族文化资源,溢出良好的社会效益与文化效应。 二、优化配置民族音乐资源,构建特色音乐学专业 海南是黎族的聚居地和黎族文化的发源地,其特殊的文化环境、地理环境、生活习惯等,锻造了黎族传统音乐具有的独特文化与民族性。黎族民歌曲调有近30种,黎族民间歌曲从其反映的题材与内容角度来看大致可分为六类:劳动歌、生活歌、情歌、时政歌、仪式歌、儿歌。黎族有5个方言区,各方言区因居住的地域不同又形成不同的土语,而每个土语的民歌所唱出来的曲调和唱腔风格也略有差异,形成若干支系。黎族特色的民族乐器主要有独木鼓、叮咚、口弓、唎咧、哔哒、口拜、鼻箫、灼吧等八大件,制作原料多是就地取材,手工制作。黎族民间存在大量的音乐人才,著名黎族歌手符其贤曾在全国20多个省市演唱100多首黎族民歌;黎族乐手卢玉昌1980年参加全国少数民族文艺会演,吹奏的“口拜”乐器连续20多分钟不换气,博得满场喝彩;乐手黄会基吹奏的唎咧乐曲《相会在山兰园》,从1984年至1992年先后应邀到新加坡、法国、西班牙、意大利等国家演出,享誉国内外,这些都印证了海南黎族音乐文化的精深和鲜明的民族个性及其特色。 近年来,为振兴地方民族音乐文化,推进黎族音乐可持续传承发展,海南省政府和有关部门做了大量工作,组织力量收集、挖掘、整理了大量黎族民歌、器乐资料以及民间传承人的影音资料;发现、培养了部分黎族音乐艺术人才;2002年、2007年分别出版了《中国民间歌曲集成•海南卷》、《中国民族民间器乐曲集成•海南卷》。而且多年来海南省省内高校对于黎族音乐的研究一直没有停止过,且有规模化、系统化趋势,但遗憾的是多限于理论研究而鲜于教学实践。毋庸置疑,学校教育是文化普及与创新的重要途径,它可以通过选择文化、传授文化、创造文化,进而促进文化的传承与发展。普通高校顺应市场经济和高校办学及专业竞争的趋势,创建教学特色、打造专业品牌、提升办学层次,是应对时代变革的必要选择。通过系统、深入的民族音乐艺术的挖掘,让黎族音乐文化在海南地方高校音乐学专业课程中占有一定比例,就能形成新的课程体系、教材体系和教学特色,从而使黎族音乐文化在较高的层次上得以提升和发展;地方高校在实施多元文化教育的同时又可彰显专业特色建设的创新力,实现专业课程设置人无我有、人有我优、人优我新的教学特色,增进专业教学活力。 三、在发掘民族艺术资源视域下地方高校音乐学特色学科建设的路径 只有把学科的特点、特长拓展成特色,才会有生命力和吸引力。而这种特色不仅体现在目标确立上,还体现在教育者、教育对象、教学资源、教学过程、教学成果等诸方面,是一个系统工程。 (一)激发学生学习兴趣长期以来,我国高校的音乐学教育基本是一个模式,教材选择、教学方法、教学成果考核等基本大同小异。注入新的教学内容后,这一切都将出现根本性改观,要让师生认同这种改变,特别是要学生理解和认知。“知之者不如好知者,好知者不如乐知者”,也就是说,兴趣是学习民族音乐的基本动力。确立民族音乐教育为专业特色的学校,在招生方面可适当向少数民族考生和有意民族音乐学习的考生倾斜。在教授民族音乐时,要首先启迪学生的认同感,要让学生对民族音乐产生兴趣,获得音乐经验。要重视环境对人的影响,鼓励学生参加社会实践,实行开放式教育。可以通过“听赏—体验—兴趣”这一流程来操作,听赏就是组织学生观摩专业民族音乐艺人的演唱、演奏及音像作品,从音乐欣赏教学入手,把民族音乐融入到音乐教学中去;体验就是教师示范及学生自己操作练习;兴趣则是听赏、体验所要求达到的效果。通过这些措施激发学生学习热情,让学生做自己想做的事情,在灌输民族音乐知识的同时,努力提高学生民族音乐素质,进而达到教学目的。 (二)选订或编创优秀民族音乐教材音乐教材是进行音乐教学的载体和保证,是音乐教学中最重要的资源。目前,民族音乐教材资源并不平衡,一些边缘民族的音乐教材较少,有些器乐教材基本难觅踪影。音乐教材的选择应坚持突出民族音乐的教育特色,体现特色的民族音乐观。民族音乐教材的选订不一定局限于出版部门,也可邀请专家学者或民族音乐表演家协助编写教材。理论教材要注重与民族知识教育相结合,在相关的民族文化背景中,民族音乐更容易感染学生,为广大学生所接受。专业教材要去粗取精,立足素材挖掘,搜集整理民间资料和乡土教材,提炼精华。也可采用田野调查法,让师生深入民间,通过采风、调研、访谈等拓展发现、发掘范围,让散落和湮灭在民间的民族音乐资源成为新教材的宝贵素材。通过这些活动让学生明白民族音乐是一切音乐创作源泉的道理,使学生从心理上崇拜民族音乐,提高对民族音乐的感情,为进一步实施民族音乐教育打下浓厚的情感基础。提倡高校教师教学、科研并重,鼓励专任教师编撰本专业民族音乐教材。 (三)提升教师自身的民族音乐文化底蕴目前,普通高校音乐教育课程基本仿照专业艺术院校,课程设置都是以西方音乐理论、西方音乐辅以民族音乐作为学习基础。多数教师没有系统地学习过民族音乐的相关知识和相关技能,这在一定程度上制约了民族音乐教育的全面开展。提升教师素质和教学能力首当其冲,教师要在教学实践中加强学习提高,使自己具备三种素养,即基本音乐素养、民族音乐素养和民族音乐教育素养。对于一些由于教师原因影响开展民族音乐教育的学校,必要时可以外聘专业教师。对于确立开展民族音乐特色教育的学校,要及时对教师进行业务培训,必要时可选派教师到国内专业音乐院校、地方文化艺术团体和民间教育机构进修、学习、深造,以适应教学需要。 (四)通过开门办学巩固办学成果提升特色民族音乐教育要坚持以服务区域经济社会发展需求为导向,优化应用型人才的培养,力求使学生达到适应需求、通专结合、创新自立。教学过程循序渐进,在注重音乐理论学习的同时更要注重实践能力,要加强基础训练,要给学生更多自学和实践的机会。这里不一定需要增加这类课程的课堂教学时间,但有必要拉长它们的学习期限,从而腾出足够的课外时间来开展采风、调研、演出等实践活动。通过这种方式改变过去只有通过教师教才能学到知识和技艺的传统教学模式,让学生在实践中使用学习到的东西,再通过自学获取新的东西,进而创造新知识。专业教育要和开门办学相结合,改变现存的音乐教育与社会需求不相适应的局面:一是与地方文化部门及民间教育演艺机构合作,建立文化艺术基地,共同开展民族音乐艺术教育,共同培养民族音乐艺术的领军人、传承人。现代教育手段使民族音乐文化的书面传承获得了更大的可能,如果能与以传承民族音乐文化为目的地方文化部门及民间教育演艺机构结合起来,将会收到更好的效果。二是与企业界合作,建立实习基地,共同进行专业建设。校企合作既可以及时反馈、检验教学结果,又可以了解人才需求动向,增强专业建设与人才培养的契合度。高等学校的专业特色教学除了一般性的校企合作还可以有更深层次的合作,如以企业命名或出资设立专业或建立独立学院,这对普通高等学校探索教学改革、解决办学经费不足、增加学生就业都是一个新路子。三是加强横向联系,通过与省内外高校文化艺术教育的合作交流,实现优质教育文化资源共享,交流开展民族音乐专业特色教育经验。 普通地方高校专业特色应该是一种独特的文化。通过挖掘地缘民族音乐艺术资源,创立高校的音乐学专业教学特色,使其具有独特性、优质性、稳定性和发展性,增强学校和专业教学的竞争力以及学生的知识实力,从而推进普通地方高校的教育创新和彰显办学特色。 作者:唐宁 单位:琼州学院 艺术学院 音乐学专业论文:音乐学专业从附中开始设立的含义 【摘要】音乐学是一门研究音乐的学问,只有具备了较好音乐知识和技能、具备了较高中外文化知识和驾御中外语言及写作能力的人才能胜任。对于西方音乐学构架中的我国音乐理论教育要加以改革。音乐学的专业教育要从附中开始设置。音乐学的课程设置要具有中国特色的系统性,要求不同阶段的学习和教学有不同的内容。不同的培养方向要有不同层次的教学内容与训练手段。 【关键词】音乐学音乐教育音乐理论教育音乐学课程设置 一、音乐学 音乐学(musicology)是一门研究音乐的学问,来自于西方。萧友梅先生在建立上海国立音乐专科学校时,虽然引入了至今仍在延续的欧洲音乐教育体系。但是,音乐学专业课程的设置,在我国的音乐教育中是比较晚的事情。新中国建立之前几乎没有,即使在新中国建立之后,大部分专业音乐院校音乐学专业课程的设置也很晚。除了中国艺术研究院音乐研究所于1954年,中央音乐学院于1956年较早建立以外,其它音乐学院音乐学专业的建立都较晚。上海音乐学院、中国音乐学院分别于1978年和1980年设立了音乐学系,武汉音乐学院于1986年成立音乐学系。而象天津音乐学院、西安音乐学院、沈阳音乐学院、四川音乐学院、星海音乐学院等,则都是在二十世纪的九十年代之后才逐渐挂牌成立了音乐学系。几所音乐院校的音乐学专业被批准为硕士和博士学位的授予点则是更晚的事情。1982年中央音乐学院被批准为硕士学位授予点,1988年被批准为博士学位授予点。上海音乐学院硕士学位授予点是1982年获得的批准,博士学位授予点是1989年获得的批准。 在我们的西洋音乐教学、研究队伍中,有不少是在西洋文化的社会和生活环境中受过熏陶的学者。我们在西方音乐学的传播、教学、研究等方面,也的确取得了不少的成绩。但是,说音乐学在我国是一门年轻的学科,也许一点也不过分,这一点也反映在我们过去,以及今天许多人对音乐学的认识中。譬如,我们历来要求学习音乐的人,一定要“底子好”、“基础好”。所谓的好“底子”、好“基础”,在多数情况下主要指的是“音乐技术”和“音乐技能”方面。且不论表演、甚至作曲等专业方向的学生,是否仅仅只是具备了“音乐技术”和“音乐技能”方面的能力就够了这个问题。就音乐学为学习和研究方向的人而言,除了应该要求具备“音乐技术”和“音乐技能”方面的能力之外,还应该有文史修为和写作能力的“底子”、“基础”,要具有音乐理论的思考能力。也就是说,对于从事音乐学专业工作与研究的人们来说,必须掌握音乐形态、音乐技能等音乐本体的知识,以及掌握中外历史、文学、语言、宗教、风俗、文献典籍等社科文化知识,要有两个方面的基本功。对于这一点似乎大家早有共识,似乎也是一个简单的问题。但是,在我国音乐学的实际教学中却没有加以实施,至少做得很不够。而且,在我们还没有对原有西方音乐学领会得十分清楚的情况下,又有许多其它西方音乐研究理论,以及一些音乐研究新领域、新知识不断为我们所认知,使得我国这门本来就很年轻的学科,受到了不同程度的冲击。譬如,对于民族音乐学(Ethnomusicology)、世界音乐(W0rldMusic)、多元音乐文化(ManyMusicofManyCultures)等新学科、新概念的系统解读,以及与原有音乐学之间的关系;等等。 就目前国内音乐学的教学和研究现状来看,急需思考如何在借鉴西方音乐学学科体系、消化西方其它成熟音乐理论体系的同时,在所谓西方音乐学的构架中,建立符合我国音乐的发展历史、符合我国音乐文化生活存在的状况,以及符合我国音乐理论学习与研究现状的教育体系及教学体制等问题。也即,如何在我国现有音乐学的专业教育中,在音乐学专业学生的培养与训练中,无论是在教学的指导思想和培养目标方面,在学制的设定和课程的设置上,建立具有我国特色的音乐理论研究的学科。 二、音乐学专业从附中开始设立的意义 音乐学的专业方向应该从附中开始设立,至少,在附中的高中阶段一定要设立音乐学的专业。要思考符合附中音乐学专业方向的课程设置,而且,对于演奏、作曲等其它专业也要补充音乐学常识方面的课程。从近二十年来音乐学发展的情况来看,如果在附中的高中阶段开始设立音乐学的专业方向,对于我国音乐理论的学习风气、研究水平等,都会带来很重大的意义。仅仅就在附中的高中阶段开始设立音乐学专业方向的教育意义而论,将会产生以下两个方面的意义: 第一,观念上的意义。 不知什么时候开始,有了这样一个谬论:“学表演不行就改学作曲,作曲再不行就学理论。”除了可以认为人们缺少对音乐学以及音乐理论研究的认识之外,是否更应该对我们自身所存在的问题加以检讨。 这个局面的形成,一方面,应该说与音乐学系历来的要求标准有关。音乐学系历来视附中其它专业被淘汰后进入音乐学系的学生为“嫡系”,并把其作为音乐学系的后备师资。然而,关键的问题是,这些人中的大多数人并不喜欢音乐理论这门功课,不是把音乐理论视为一门专门的学问来加以钻研。甚至,其中一部分人根本就瞧不起音乐理论的教学与研究工作,其结果是可以想象的。我们不去妄断、怀疑许多人有从事教学与研究的能力,有着很高的智商。但是,遗憾的是他们确实没有什么研究成果刊布于世,没有几篇论文为同行们所知晓。我们知道,科研与教学是相互促进的,没有科研水准和研究基础的教学水平,究竟又怎样就不得而知了。历史的原因,人为的认识,瞧不起音乐学专业的人士,大有人在。这已经成为一种人所共知的事情。甚至,一些在音乐学专业方面授课多年的教师,也常常讲自己曾经是学习其它专业,而羞愧自己如今从事的音乐学教学工作。因此,从附中开始设立音乐学的专业,还有一个重要的意义就是培养学生的志向,是一个立志的大问题。“立志”音乐学的学习与研究绝对不是一句空话、大话,音乐学系不应该把其它专业被淘汰后进入音乐学系的生源作为培养的“嫡系”,不应该视有一点音乐技能,但并不喜欢音乐理论这门功课的人为“宝”。其实,表演学不好,作曲学不好,也就更不可能在音乐理论方面能够有所作为了。一些音乐学院今天在音乐理论教学与研究上出现的窘境已经作了充分的证明。如果要从根本上改变人们对音乐学以及音乐理论研究的错误认识,要改变别人的认识,那么,首先要从自己做起,应该首先使我们的学生立志音乐学学习与研究。必须在附中阶段设置音乐学的专业方向,使得我们的学生从进入音乐学院的大门之始就立志于音乐学的学习,就确立了一个大的研究方向。这样升入音乐学系的本科学生,从今天的自卑心理到立志音乐学的学习与研究,这是一个很根本的问题。 另外一方面,在当今发表的音乐理论论文里,的确有许多缺少对音乐本体进行的研究,让人们误以为音乐学的研究就是文字的工夫,认为音乐学的基本功就是背熟几本音乐史书。这也有其历史的原因,在目前音乐学的教学、研究,以及学习的队伍人员中,有许多人曾经学习的是其它专业,他们有的或是在外语,或是在历史、文学等方面受到过较长时间的训练,或在其它文化方面有较高的水平,较强的能力,等等。这部分人利用自我的优势从事了音乐学的工作,譬如,中文和中国历史专业方向的人,对中国古代音乐文献进行着辑录、校释,或从事着缺少音乐形态研究的中国音乐史的工作;而外国语专业方向或一些外语比较优秀的人,则从事着西方音乐文献的翻译,或从事着【清】毛奇龄在《竟山乐录》中所讲的“乐书不是乐,乐器不是乐”的工作。客观上讲,这类人中间的部分学者,为我国音乐理论的研究工作做出了很大的贡献,完成了许多音乐学基础性的工作。音乐学的研究需要其它文化学方面人士的加入,音乐学者也需要具备文化学方面的学识,只是不能过于偏颇。如今就有些“过”的现象,因此,使人们产生了对音乐学的错误认识。这也许是我国音乐学这门学科发展中必然要经历的一个阶段。 第二,本科生源数量和素质保障的意义。 目前,人们普遍认为音乐学的生源数量不足,学生的素质更是不尽人意。 一方面,为了扩大生源,大大降低入学标准,有的音乐院校甚至以缩短音乐学本科学习的时间来吸引生源。另一方面,许多音乐学的出题老师抱怨目前音乐学的试题过于简单,认为如今学生的素质差。试想,要让从来没有学习过音乐学理论的应届高中学生,应考音乐学院音乐学专业的试题,其效果肯定不好,其水平肯定很低。即使是那些从小就接触音乐的“琴童”、“天才”等,对音乐学理论可能也是知之甚少。没有学习过的东西,不可能考出好成绩;没有成体系的音乐学的教育机制,也就没有生源量和质的保证。所以,我认为要从根本上解决上述两方面的矛盾,必须从附中阶段开始设置音乐学的专业方向,或在普通中学中协商选择一些学校,定点开设音乐学方面的课程。由于今天的许多考生没有进行过音乐学方面的系统学习和训练,在出题老师看来再简单的试题,对于考生也是难题,老师和学生都不好把握考试试题的深浅难易程度。如果从附中阶段开始设置音乐学的专业方向,一来不仅能够使升入音乐学系本科的学生数量有所保证,使本科生源的数量具有一定的稳定性。而且,更能保障这部分学生在音乐学方面的素质和能力方面有一个较高的水平。如果学生在中学阶段已经学习了音乐学方面的常识,升本科的试题自然能够上一个台阶,自然有一个深浅难易的层次。 我们经常争论是否让音乐学本科阶段的学生进行专业方向选择的问题,然而,如果在附中阶段设置了音乐学专业,学生们经过几年音乐学方面能力的训练,在进入本科阶段之后,通过第一学年的适应阶段,在第二学年中,完全可以进行有所目标的专业方向的选择。这样以来,音乐学专业学生的整体素质和能力就会得到很大的提高,使得我国音乐学的教育、学习与研究水平获得一个真正的提高与发展。同时,这也给从事音乐学教学工作的教师也提出了一个比较高的要求。音乐理论的教学与研究,本身应该具有前瞻性,教学上落后,会使我们在音乐理论的研究方面更加置后。我们要按照上述标准来检验今天音乐学学人的知识结构和学术经验,要求提高从事音乐学工作和研究的队伍人员的专业能力和素质。以前我们对于这一学科的认识不全面,对音乐学这门学科建设的思考也不多,特别是对音乐学专业方向的课程设置更没有做深入研究。今后当尽快补上,不能让这种现象继续存在下去。 三、附中、本科课程的合理衔接与音乐学专业的层次教育 如果能够在音乐学院附中,甚至其它普通中学开设音乐学专业的课程,那么,这些课程要与本科招考的内容基本衔接。音乐学专业本科阶段设置的一些课程,在一定程度上一定应该是附中及普通中学音乐学专业课程的延续。因此,课程的设置就十分的重要了。目前,在音乐学院的音乐学专业所开设的所谓专业课程,被认为就是音乐学的学习科目。它让本专业的学生一进入这门专业的学习后,就以为这些课程就是音乐学学科的学习内容。但是,这些音乐学学习的科目,是否真正体现了音乐学这个学科所应该包含的内容,这就很有讨论的必要了。仅从对中国传统音乐的学习与研究来看,今天音乐学课程中的中国传统音乐课程这个科目,就需要添加许多的内容进去。譬如,中国传统音乐理论体系的重构和建立,缺少的是文献学的基础,中国传统音乐文献学是中国传统音乐理论的一个组成部分,是中国传统音乐理论能否建立的基础性工作。就音乐学专业的学生而言,对于音乐文献的掌握是十分重要的,音乐文献和书籍的了解是学习的前提,是基础的基础。目前的课程设置中就很是欠缺这方面的内容。即或是以西方音乐为研究方向的人,可能也首先应该去了解“西方的文献学”,或“西方文献批评”类似的“学问入门”课程。目前的音乐学专业教育中这些课程也没有开设。而从中学阶段开始就开设音乐学的课程,则更加应该注意课程设置的系统性、科学性和层次性。除了中学阶段的音乐和文化的诸多课程有其自身的特点之外,还要顾及音乐学专业本科课程设置的系统性。需要一个系统、合理的,符合我国音乐理论教育的课程设置体系。重要的是我们要把这个体系延续到本科音乐学教育与教学的系统中去,要注意音乐专业与文化等各门课程的衔接。就是说,学生一旦在中学学习期间选定了音乐学的学习方向,那么,就应该学习在本科招考、录取时的一些基本课程和内容。譬如,现在每个音乐学院的音乐学系都开设有:音乐学概论、中国音乐史、西方音乐史、中国传统音乐、音乐美学、和声、复调、作品分析、钢琴等课程。这些课程肯定不可能全部都从中学阶段开始开设,即使那些能够开设的课程,其内容的数量和程度也必须有所限定。具体的课程设置、教学内容,要广泛征求意见,还应该进行理论上的研讨工作。而且,这里一定要考虑本门学科所存在着的层次教育问题。长期以来,我国的音乐学专业缺少层次教育。目前,我国在音乐学的升学考试中,仅就专业而言,所出考题的标准,在本科与研究生,甚至博士生考试之间的差别不是太大。这与我国音乐学的课程设置和教育内容缺少层次有关。我们没有研讨出一套有关本科、研究生、博士生考试科目、内容及水平定位的测试标准。应该说,对于音乐学专业的课程设置、不同层次水平的研究,不仅能够便于制定音乐学专业学生的学习科目、方向、内容等,而且,对非音乐学专业人们的音乐学的学习也具有极为重要的意义。所以,我们首先要解决的是音乐学专业的层次教育问题。关于音乐学专业的层次教育,是否可以作以下几个层次: 一、音乐基础层次 二、专业知识、技能层次 三、文化修养层次 四、方法论层次 而不同的层次又必须要有不同的几个阶段,不同的阶段中要解决不同学科的课程、不同音乐学内容。因此,层次教育是与阶段性教育结合在一起的。 譬如,初级阶段:也许应该进行的是中西音乐概论性与感性知识的基础教育;中西音乐理论基础知识及音乐技能、技巧的基础教育;中西文史、文化、语言基础教育等。在第二个中级阶段则应该进行音乐学概论课程;其它音乐学各门学科概论性的课程。到了第三个高级阶段就应该进入所谓专业论题方面的研究,和专攻方向的研究,以及音乐学专业论文的写作阶段了。在这些不同的学习阶段中,哪些课程、哪些内容,以怎样的程度,针对哪些层次的学生又是很重要的问题了。譬如,强调音乐本体技能与音乐学基础能力并行、音乐专业课程与文化基础课程并重的中学阶段音乐学专业课程学习的同时,还必须把这些课程的初级性质考虑进去。也就是说,在对音乐学专业的学生进行音乐基础知识能力和基本音乐技术、技能训练的同时,还要加强要中外历史、文化知识、语言能力等方面的培养。我个人以为音乐学专业,毕竟首先是一门以音乐技术、技能,以及音乐文化为基础性质的特殊学科,因此,如果不是在音乐学院附中一直专门学习音乐的普通中学的音乐学基础教育,还是应该放在对音乐本体理论所进行的学习上。就音乐学专业方向的学生而言,首先应该具备音乐本体技术、技能、音乐学基础的基本功。对于音乐形态本身的不了解,今后很难深入进行音乐学的研究。今天,有许多没有经过音乐学院音乐学系系统学习的学生,可能在音乐基础知识和基础技能上就要欠缺一些。譬如,今天,我们都承认那些毕业于师范大学音乐系,和其它艺术院校音乐系非音乐学专业的学生,在综合文化知识和能力方面要强于音乐学院的学生。同时,也指出这些学生对于音乐本体了解的欠缺,音乐技能水平的低下,这的确也是事实。而且,这种情况也许还会在今后相当长的时间里存在下去。这正是我国音乐学发展所要解决的关键问题。这种情况下,就要求在进入硕士的研究生阶段要弥补这方面的不足。在课程的设置上就要与音乐学本专业毕业的学生区别开来。这也符合“因材施教”的教育思想。由于历史的原因,有大批非音乐学专业的研究生,特别是非音乐学院的研究生则需要补上更加需要音乐技能方面的课程。根据本科所学专业,实事求是的针对研究生的情况制定学习计划。名正言顺的加强音乐技能的补充学习。而且,由于能够进入研究生阶段学习的学生比例并不大,所以,音乐学的主要课程和内容应该在本科阶段完成。特别是音乐技能和技术课程更应该在本科阶段完成,因为,对于音乐形态本身的不了解,很难深入进行音乐学的研究。一方面,如果音乐理论的研究论文,只是大量谱例的堆积,而没有道理可讲,或讲的都是大道理、旧道理等,那是不行的。但是,另一方面,如果只是从理论上、文化上讲了许多音乐的道理,而不能以音乐的实际例子证明其道理的科学性、合理性,甚至论文中列举的音乐例子或曲谱谱例与其理论不相吻合,则更为可笑。因此,建立一个基本成体系的、有层次的音乐学教学课程极为重要。要对现有的音乐学的教学课程设置进行调整、补充。譬如,确实有一些属于音乐学的课程内容,但是又的确离音乐本体比较远,音乐文献学的就是属于这样的一个课程。要把系统的音乐文献学的教学内容放在高级的层次教育中去教授。其实,同我国传统文化的研究中,已经有一整套成体系的方法,有着成熟的文献学相比较,我们看到在音乐理论的研究中,经常还纠缠于研究的对象、方向等问题的讨论之中是很幼稚的。在认识了文献学的基本方法之后,我们就不得不思考如何把这种方法运用于音乐学的研究之中,如何建立音乐文献学等问题。文献学是方法论,怎样把这种方法运用于音乐理论的学习与研究之中值得思考。即使在音乐的本体教学上,今天的音乐学专业的教学内容也缺少一些重要的门类。譬如,不可缺少直接接触民间音乐的教学内容就应该放在相应的层次里。在新的音乐研究思想和观念的指导下,以新的理念和手段开展民间音乐的采风工作。什么是新的音乐研究思想?什么是民间音乐采风工作的新理念和手段?那就是民族音乐学的思想和方法。今天社会音乐文化生活中的民间音乐,不仅仅指的是山野之曲,同时也包括了城市中的音乐文化。而且,在课程的设置中,还要有意识地注重中国音乐理论课程的设置。 音乐学专业论文:白俄罗斯国立音乐学院钢琴专业教学体系构置 笔者于2004年9月至2006年7月由学校公派,赴白俄罗斯国立音乐学院留学,就读该院钢琴系,师从钢琴家H.C.格罗玛娃攻读硕士学位。在两年的学习过程中,对该院的钢琴教学有了较全面的认识;并且就教学工作中感兴趣的话题走访了该钢琴系主任沙斯基、明斯克国际钢琴比赛评委会主席阿罗夫里阔夫和其他几位教授。本文从该院钢琴系的主课教学及相关专业课程的课程设置、上课形式、上课要求、各年级专业考试的内容和形式等几个方面分析总结其教学特点。 白俄罗斯国立音乐学院创建于1932年,至今已有七十余年历史。该校是白俄罗斯共和国文化部直属的一所历史悠久、师资雄厚、人才济济的高等学府,设有钢琴、管弦乐器演奏、作曲、指挥、民族乐器演奏、声乐、合唱等系,为白俄罗斯培养出大量优秀的音乐人才,现有在校生一千一百多人。本科学制为五年,在五年时间里,学生们除了学习共同的公共课和音乐基础课之外,还要根据不同学科系部的特点,学习不同的专业课程。下面就除公共课和音乐基础课之外的钢琴系的专业教学进行介绍说明。 一、钢琴系的主科教学① 白俄罗斯国立音乐学院钢琴系有着实力雄厚的师资队伍,每个老师都有着极强的演奏能力,许多老师本来就是职业演奏家,在音乐学院任教的同时在国家音乐厅和室内乐团任职,经常在世界各地举行各种形式的音乐会,像我的导师H.C.格罗玛娃就是白俄罗斯国家音乐厅的专职演奏家,几乎每个星期都有不同的演出任务,仅在我就读的两年中就观看了她9场曲目和风格完全不同的钢琴作品专场音乐会;其中包括了和乐队一起演出的巴赫协奏曲专场音乐会;法国作品专场音乐会;俄罗斯作品专场音乐会;拉赫玛尼诺夫作品专场音乐会;德国作品专场音乐会;改编作品专场音乐会;舞曲专场音乐会等等。 钢琴演奏课的教学授课多为一对一的形式,学校安排每个学生一周有2次课,上课时间一般为1个小时,所有的教室均设有2台音乐会使用的大三角钢琴;教师要求学生上课时要能够熟练完整地背谱演奏,许多老师对于学生即使是第一次上课的新作品也是同样的要求。 根据学生的具体情况和自己的习惯,每个老师在具体上课的时候有所不同: 在上课方式上,有的教授喜欢在上课的时候听学生演奏完全部上课的作品才进行讲解,并且有意识的安排自己其他的学生在一旁听课,有点类似小型的观摩音乐会或者大师班;有的教授则喜欢在上课的时候边听学生演奏边讲课,并且不允许有其他人在旁听课。 在上课的内容上,有的教授给学生上课时会针对学生的演奏或作品中出现的一些问题,在课堂上进行详细的讲解和讨论.并引用相关的例子加以说明解释,使每个学生都参与到上课的过程中;有些教授上课则比较侧重培养学生自己演奏的音乐个性.只针对一些原则性的问题进行纠正和提出要求。 白俄罗斯音乐学院钢琴教学的形式和方法是多种多样的,各有所长,老师会根据每个学生的个人能力。在完成钢琴系规定的各种考试曲目要求的基础上,再学习不同数量的其他作品。音乐学院每学期进行两次专业考试,但期中考试不计成绩,学生必须完成钢琴系规定的相应年级的考试曲目,考试一般在学校的音乐厅公开举行。 毕业的国家考试――包含巴罗克、古典、浪漫、现代四个不同时期的作品,体裁也不能相同,整套曲目中要求有复调作品、一套完整的大型作品或协奏曲、一首现代作品或白俄罗斯民族作品,其中一首允许重复过去几年考试里使用过的作品。规定整套曲目演奏的时间在50分钟左右。 以上是钢琴主科专业教学的课程设置和教学安排。虽然有许多教学特点无法仅从教学课程设置和考试要求中体现出来,仅仅从表面上看待这些课程及教学安排也是十分有局限性的,因为一些专业课程授课的具体内容。完全是由教师个人决定的,不仅仅拘泥于教学计划或教学大纲,有一定的临时性或机动性,在这里无法具体说明。但是笔者通过在该院学习的两年,还是深刻感受到了其钢琴专业教学的一些突出特点: 1.所有的上课都要求能背谱演奏。这样的要求不仅使学生在上课的时候能够最大限度的投入到音乐演奏风格的学习中,更重要的是最大限度地激发了学生练琴时的主动性,让学生在练琴中主动去寻找乐谱上的各种规律,充分的调动了自己的听觉、视觉、触觉来强化记忆,从而大大地提高了学习效率。 2.教学中准确出色的示范。在教学过程中,在针对某个难以用语言表述的问题时,老师都会进行准确出色的示范,让学生对演奏所需要的不同的触键感觉、踏板的灵活运用、丰富多变的音色、弹性速度等要求一目了然。 3.严格规范、因人而异的教学内容。严格规范是指教师严格按照教学大纲的要求实施、安排教学,所有的教学曲目、训练规格绝不降低;因人而异是指在不受到学生个人的音乐偏好的影响下,针对学生的个人特点调整教学内容,扬长的同时绝不避短。 4.强调音乐风格的学习。在注意学生钢琴演奏技术发展的同时,将音乐的表现力、音乐风格的准确性放在首位,力求技术、音乐的协调发展,使技术为音乐服务。 5.注重学习俄罗斯和白俄罗斯作曲家的 作品。白俄罗斯音乐学院不仅是前苏联最好的音乐学院之一,也是白俄罗斯民族音乐发展的摇篮,学院不仅开设了大量俄罗斯与白俄罗斯音乐相关的课程,例如俄罗斯音乐史、白俄罗斯音乐史,而且在教学实践中一直有所侧重,例如在钢琴的主科教学中、室内乐和钢琴伴奏等课程里,老师就坚持使用许多俄罗斯作曲家和白俄罗斯作曲家的作品来进行教学,如肖斯塔科维奇的《24首前奏曲与赋格》就经常出现在复调音乐的训练曲目当中;而拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾、普罗科菲耶夫等人的练习曲、前奏曲、奏鸣曲、协奏曲和各种乐曲更是课堂和音乐会上的常见曲目。 二、钢琴系的专业必修课的教学② 钢琴艺术发展史:上课形式为集体课,课程设置是2年,主要介绍钢琴艺术的形成与发展进程以及各历史时期主要的音乐风格特点、代表人物及其代表作品;不同的钢琴演奏流派及一些著名的钢琴演奏家。主要由教师结合音响资料进行系统授课,要求学生在课后查阅相关的文字和音响资料。考试是以师生一对一的问答形式进行的,老师就平时上课中学习过的知识点提出相关的问题。学生则需要运用自己平时学习积累的相关知识.临时组织材料,条理清晰的回答。 钢琴伴奏课:上课多是以一对一的形式进行,课程设置为4至5年,部分学生可以在第4年的考试后申请免修。专门学习钢琴作为伴奏乐器,如何为声乐的不同声部进行伴奏,以演奏为主,结合部分声乐理论知识,由浅入深的系统的学量不同作曲家、不同风格、不同声乐声部的作品;其中看谱转调的训练贯穿于全部的教学过程。考试是以音乐会的形式在音乐厅进行,由主考老师现场指定曲目和转调。毕业时需要参加统一的国家考试,要在近百首的歌曲中演奏由评委指定的作品。 室内乐课:上课是以一对一的形式进行,课程设置为4年。目的是培养和锻炼学生和其他乐器的合作能力,需要学习与单簧管、小号、长笛、小提琴、大提琴等管弦乐器合作,也同时涉及到和俄罗斯民间乐器的合作学习;学习内容多是一些代表性的经典乐曲、奏鸣曲或室内乐重奏作品。平时的考试是以音乐会的形式在音乐厅进行,毕业时需要参加统一的国家考试。 钢琴合奏课:上课是由两个学生一起进行,课程设置为1年。主要是学习钢琴历史上各个时期的四手联弹和双钢琴作品。考试是以音乐会的形式在音乐厅进行。 钢琴教学法:上课形式为集体课,课程设置为1年。教师系统的传授钢琴启蒙时可能遇到的一些问题与解决办法;基础的教学方法;科学的练琴方法以及老师与学生的沟通等内容。这些内容涵盖了教育学、心理学和各个其他方面的东西,目的是要让学生学会怎么去教钢琴,但重点是在如何和学生进行效果良好的沟通与合作上。考试也多是以师生一对一的问答形式进行。 钢琴教育学:上课形式为集体课,课程设置为1年,这门课主要是学习如何教授那些已经有一定专业基础和技能的学生,如何准确的理解音乐.有分寸的处理音乐;用什么样的手段来表现音乐,并介绍一些前人已总结出的优秀教学经验和教学方法。与钢琴教学法不同的是,这门课重点是从老师这个角度来学习作为一个钢琴老师应该学习和知道的东西,重点在老师自己身上。 钢琴教育学实践课:上课是以一对一的形式进行,课程设置为1年。主要是培养学生实际的钢琴教学能力。上课有两种形式,一是由老师亲自示范怎么给学生上课,学生在旁边学习怎么样安排、组织和进行教学;二是由学生自己给学生上课,老师在旁边给予指导、及时的纠正学生在教学过程中存在的问题。这两种上课形式相互结合,是由授课老师自己安排的。被钢琴系学生授课的小朋友,是由指导教师根据学生的教学能力、学习程度的深浅白行安排,有可能是音乐小学的学生、也可能是业余初学钢琴的小孩。考试不仅要看学生自己的学习情况,还要看学生上课的教学成果。 当然,这些仅仅是和钢琴专业的演奏特性紧密相关的一些课程,学院还安排有许多让学生学习的一些阶段性、综合性、基础性的课程,例如学生不仅要学量的基础音乐理论课程,还需要学习世界、俄罗斯、还有白俄罗斯的音乐历史;以及与音乐相关的不同历史时期的美学观点、艺术观点等课程。这些课程目的是让学生透彻的了解音乐的本质,正确理解不同时期、不同风格的音乐,逐步树立正确的音乐观,这里不做详细说明。 通过对白俄罗斯国立音乐学院钢琴系专业必修课的教学课程设置及教学安排的了解,可以发现一些值得我们借鉴的突出特点――课程的设置不论在深度还是在广度方面,都体现了钢琴教育体系系统、科学、完善的特点③: 1.全面系统的教学体系。在课程设置上安排了许多对教学和演奏起到积极作用的关联性课程。学生除了学习钢琴主课之外,还要学习室内乐、钢琴伴奏、双钢琴演奏、钢琴教学实践等与钢琴演奏和教学紧密相关的课程,这些课程不仅大大地丰富了学生们的音乐视野,提高了他们的演奏及合作的能力,还对钢琴主科教学起到了良好的辅助作用。 2.理论与实践科学的结合。学生在学习钢琴的教学方法时,设置了钢琴教学、钢琴教育学、钢琴教育学实践课三门相关的课程,虽然都是关于如何教学生学习钢琴和教学法的课程,但在学习过程中有先有后并相互关联,课程设置上有着一定的连续性,既有理论课程又有教学实践,将理论结合实践的原则很好地运用在具体教学中,使学生学有所用,既能够学习到相关的理论知识,又能够在实践中运用和检验。 以上对白俄罗斯国立音乐学院钢琴专业的主课教学和专业必修课的课程设置和教学安排进行了介绍,并且从两个方面分析总结了其特点,当然,只从表面上看待这些特点是十分有局限性的,还有许多钢琴专业的教学特点无法从中体现出来,尤其是一些细致的音乐处理、具体的训练方法、音乐会曲目的安排等等,更无法在这里具体说明。本人在学习期间通过观摩学生考试、欣赏音乐会、多方面的访问、收集整理出的这些相关资料,是想能够对国内的各所音乐学院和艺术院校的钢琴专业教学提供有益的教学参考。 音乐学专业论文:德国音乐学院钢琴专业的培养模式 德国专业音乐教育,由于音乐史上德奥音乐大师辈出及其深厚的音乐人文底蕴,一直在世界范围内享有盛誉,使得德国成了世界音乐学子的朝圣之地――德国各地音乐学院已经有越来越多的外国留学生,中国留学生的数量也在飞速增长。2001年至2005年笔者获得德国学术交流中心(DAAD)奖学金在法兰克福音乐与表演艺术学院攻读音乐教育学博士学位(钢琴教育方向),对德国音乐学院的钢琴专业培养模式有亲身经历,并怀着浓厚的兴趣收集相关文件资料进行了研究。本文谨以法兰克福音乐与表演艺术学院钢琴专业为例,介绍其三种不同的培养模式――它们在德国其他音乐学院都大同小异。或许能够给有志于到德国深造的钢琴学子一些信息,以及能够为我国音乐学院的钢琴专业建设提供一些启示。 德国很多音乐学院专业齐全,但不像我们设置很多的系,而是按照其共同性质划分几大专业范围(Fachbereich),例如法兰克福音乐与表演艺术学院所有专业分别归属于三个专业范围:(1)音乐表演;(2)作曲与音乐教育、音乐学;(3)舞蹈与戏剧。钢琴专业有三种不同的培养模式,全部设在第一专业范围“音乐表演”之内。它们在入学要求、课程设置以及就业出路等方面都各不相同,下面分别介绍。 1.钢琴演奏专业(Klavier) 主要培养职业钢琴家。高中毕业,年龄在25周岁以下者,通过专门的入学专业测试即可申请入学。标准学制为10个学期①,整个学习过程分为基础学习(Grundstudium)和主科学习(Hauptstudium)两个阶段:一般4个学期之后举行一次学习中期考试(Vordiplomortifung)。通过后进入主科学习,在第10个学期进行毕业考试(DiplomprÜfung),获得硕士文凭。主科毕业成绩特别优秀的,可以申请继续学习(Aufbaustudium)4个学期,毕业获得“音乐会考试文凭”(Konzertexamen)②。 入学考试要求:(1)钢琴演奏:4首不同风格的高难度的乐曲,要求完整地(包括奏鸣曲和组曲)背谱演奏,总演奏时间不低于40分钟;视奏总成绩在25分的总分内至少必须超过13;(2)视唱练耳:包括45分钟的听音笔试(听记一条单声部、一条两声部旋律、和弦听写)和10分钟的口试(音程、和弦的听辨,旋律听唱、视唱,节奏听辨模仿与视奏);(3)基本乐理:包括60分钟的笔试(音程、和弦、音阶,为旋律配多声部等)和10分钟的面试(和弦功能与曲式分析)。 学习内容:课程设置见下面表1。第2栏“学习学期范围”是推荐的一个大致的学习时间范围,学生实际上可以根据自己的时间和学习能力自主选择在哪一个学期学习该门课程。第3栏是必须总共参加几个学期的课程学习。所有课程中,只有钢琴演奏、作曲学、曲式学、作品分析、音乐史、视唱练耳等课程需要有考试成绩,作为通过中期考试和毕业考试的证明,其他课程只需要按规定的学期数参加听课,认可教师出具参加证明即可,而不规定必须考试。其中钢琴演奏作为主科不在每一个学期考试,而只在学习中期考试和毕业考试中进行。代替学期考试的是,每一个学生必须在学习期间至少在校内各种音乐会中公开登台钢琴独奏演出两次。 学习中期钢琴考试:1首高级练习曲,3首不同风格的高难度乐曲,总时间至少40分钟,要求全部完整地背谱演奏;钢琴视奏。 毕业钢琴考试:首先向考试委员会提供一份演奏曲目单,其中包括至少1套巴赫平均律中的前奏曲与赋格和另外1部巴罗克时期的大型作品(后者也可以用另外的两套巴赫平均律或一些斯卡拉蒂奏鸣曲代替)、2首练习曲(至少1首是肖邦练习曲)、古典奏鸣曲、浪漫派作品、印象派或新古典主义作品、1950年以后的现代作品、钢琴协奏曲、较大型的钢琴室内乐各1首/部。所有曲目必须是在本院未参加过考试的(招生入学考试除外)。曲目审查获得通过后将分两次考试:1场公开的钢琴演奏音乐会,曲目从所报演奏曲目单中自选,总时间50至80分钟;1场不公开的考试演奏,包括30分钟的钢琴演奏(曲目由考试委员会从未参加公开音乐会演奏的其他曲目中现场挑选指定)、1首现场学习演奏的新曲目(有3小时的准备时间)和视奏。 2.钢琴教育专业(Klavierpadagogik) 该培养方向归属于“器乐与声乐教育学”专业(Instrumental―und Gesangspädagogik,简称IGP),主要培养钢琴教师。高中毕业,年龄在25周岁以下者,通过专门的入学专业测试即可申请入学。标准学制8个学期,也分为基础学习和主科学习两个阶段(4+4),需要通过中期考试和毕业考试,获得硕士文凭(Diplom)。 入学考试内容包括三个方面:(1)钢琴演奏:4首风格不同的、具有相当程度的曲目,总演奏时间至少20分钟,加视奏;(2)选修乐器:原则上要求选修一种管弦乐器,演奏3首不同风格的简单乐曲,总时间10分钟内;(3)基本乐理和视唱练耳:基本与上述“钢琴演奏”专业相同。 表2中是从IGP整体培养计划中提炼出来的钢琴教育专业培养方案。“课程名称”栏目里列出的只是课程方向,例如“演奏实践”课程,包括歌曲即兴伴奏、即兴演奏、爵士和流行音乐、改编弹奏等;“作曲学”为分析并掌握各种典型音乐风格作品的特点;可能以风格流派或者作曲大师为单元逐步学习,所以有些课程要学习好几个学期。“学习证明”栏目的“考试证明”(Leistungsschein)表示该课程需要参加考试,“参加证明”(Teilnahmesschein)则可以只参加课程学习而选择不考试,教师出具参加学习证明即可。该栏目的两项之和等于“必修学期数”栏目的数字,代表该门课程总共必须修几个学期。其中“视唱练耳”课未规定学期数,但总共必须通过四个级别的考试,学生可以根据自己的实力选择上课或者直接参加考试。 学习中期钢琴考试:至少3首不同风格的高难度曲目,大型作品可以是其中的一个乐章,总演奏时间不低于25分钟;视奏。中期考试最迟必须在第4学期完成,以显示学生具备继续深入学习该专业的能力。申请参加中期考试必须出具参加了以下课程学习的证明:钢琴和选修器乐每学期一份证明,室内乐、演奏实践、音乐学、教学法各1学期,音乐与器乐教育学4学期,曲式学和音乐史各2学期,视唱练耳和作曲学各1学期。中期考试未通过者可以在1学期之后补考一次,补考仍不合格必须退学。 学生按照要求修完全部课程后,即可申请毕业考试,毕业考试可以申请按科目分期分批进行,或者申请在一个学期内全部完成。毕业考试钢琴演奏为4首完整的、不同风格的乐曲,其中1首必须是协奏曲或室内乐合 奏曲目,总演奏时间约50分钟,另加1首现场抽签指定的新曲目,有60分钟准备时间,然后是10分钟视奏。此外,递交一份毕业论文,论文的选题由考试委员会和学生谈话商定,从开题到完稿提交时间为6个月。 与“钢琴演奏”专业相比,钢琴教育专业在钢琴演奏要求上稍低,但增加了音乐教育学、钢琴教学法以及教学实践等课程,而且全部要求考试成绩,作为毕业条件之一。 3.钢琴室内乐、钢琴伴奏(艺术指导)专业(Aufbaustudiengang Klavierkammermusik und/oder Liedbegleitung) 主要培养音乐会合作演奏人才。报考者必须已经获得音乐学院钢琴演奏专业毕业文凭,所以称之为深造学习(Aufbaustudium)。标准学制为6个学期。学习者可以在第四个学期之后选择到底将钢琴室内乐、还是钢琴伴奏、或者两者都要作为毕业考试重点。毕业获得硕士文凭(Diplom)③。 入学考试:分为钢琴独奏和钢琴室内乐/钢琴伴奏两部分。前者包括3首不同风格的、高难度的作品,1首练习曲,总时间不少于40分钟,加钢琴视奏;后者包括与本院师生合作演奏1部钢琴室内乐的一个乐章,2首歌曲伴奏,曲目在考试前四周公布。 学习内容:表3是具体课程设置。由于这是深造学习,所以要求的必修课全部是演奏实践性的课程,而没有其他音乐理论课程。当然学生如果有兴趣,所有课程都是敞开可供学习的。此外,钢琴室内乐方向学生必须参加乐器演奏主科学生的课堂伴奏,钢琴艺术指导方向学生必须参加声乐主科的课堂伴奏以及学院合唱排练伴奏。 在一些其他音乐学院,该专业方向也如同钢琴演奏、钢琴教育一样作为常规硕士专业设置。例如莱比锡音乐学院称之为合奏专业,培养音乐会演奏的职业音乐家,标准学制为10个学期(4+6)。分为不同的重点方向,其课程设置也稍有不同:(1)钢琴室内乐方向,除主科外,学习古钢琴(Cembalo)、歌曲伴奏、即兴演奏、视奏、总谱弹奏、指挥、为其他乐器主科的课堂伴奏等;(2)钢琴艺术指导方向,除主科外,学习古钢琴(Cembalo)、室内乐合奏、即兴演奏、视奏、总谱弹奏、指挥、为声乐主科的课堂伴奏、嗓音训练、意大利语音、法语语音等,在主科学习阶段要参加一次戏剧排练演出实习。其他音乐基础课程为共同课程,例如作曲学、视唱练耳、音乐史、乐器学、曲式学、音乐分析等。在学习阶段学生可以申请双主科或者另外一门副科学习。 以上简要介绍了德国音乐学院钢琴专业的三个培养方向的基本情况。这些方向在我国音乐学院中实际上已基本存在,入学、毕业考试要求也大致相同,在课程设置上由于各学院师资力量的不同而有变化。其不同主要体现在: (1)课程考试的灵活性。不是所有的课程都必须要考试,一些课程可以选择只参加学习而不考试,这样可大量节省学生的时间和精力,使其能够毫无畏惧地、尽可能地多听课,或钻研感兴趣的课程。尤其是主科钢琴演奏,在整个学习过程只有中期考试和毕业考试两次。而我们是每一个学期都要考试,学生常常为了准备考试曲日而花费几个月的时间,有的人甚至整个学期就为了准备考试的几首曲目,导致无暇、也无心学习其他乐曲,严重阻碍了学生广泛涉猎各种风格的作品、扩展音乐视野。 (2)学生学习的自主性。学生对自己的学习具有充分的自主选择权利,包括学习时间、学习内容都可以根据自己的需要而“量身定做”。这在某种程度上可以更好地因材施教,主要得益于其全学分弹性学制。而我国的现行模式是固定的四年制,所有课程按照教学计划固定在某一学期,学生必须按照规定的时间表来学习。 (3)课程内容的灵活性。一些重要课程要求学习多个学期,但并不一定非得具有连续性,而可以选择在不同的学期参加不同专题或由不同的教师主讲的课程的学习。例如“钢琴教学法”课程,至少有两位教师同时开课,都没有固定统一的教材,而只推荐参考文献,教师根据自己的研究成果和实践经验以专题的形式授课,其内容可能在各个学期轮流开设或不断补充,学生可以根据兴趣试听,然后选择听谁的课程和听哪一个专题。这样的好处,对于教师而言,体现了一种竞争性,可以形成以教学促进研究和以研究促进教学的良性循环;对于学生而言,不必硬去听自己不喜欢的某位教师的课程,由于教学内容常换常新。能够不停地接触到新的成果和观点,而不会局限于某一位教师、某一本固定教材的“一家之言”。 笔者认为,这些不同之处正是我们在学科建设和教学改革中值得学习和借鉴的。在当前越来越多的中国钢琴人才获得国际比赛奖项,显示了中国钢琴教育的丰硕成果的同时,愿我国的钢琴学科建设更加完善发达! 音乐学专业论文:音乐学专业传统和声学“深入浅出”的教学策略 音乐学(教师教育)专业的和声课究竟应该怎样上,关于这一问题的讨论与探索从未停止过,至今虽仍未形成一个普遍认同的原则,但各方也都达成了一个基本的共识,那就是传统和声学已越来越不能适应音乐学(教师教育)专业的教学需要了。 多年来,学界以不同的方式进行过许多有益的探索,试图建立一套有别于传统和声学、而更符合音乐学(教师教育)专业特点的教学模式。无论是2007年在教育部音乐学(教师教育)专业课程改革试点工作中,由王安国教授倡导的《多声部音乐分析与写作》课程,还是2009年在北京中国音乐学院召开的“全国和声复调教学研讨会”,都对传统和声学的教学提出了大胆而深入的改革设想与实践。 那么,传统和声学真的已经不合时宜了吗?它真的在音乐学(教师教育)专业中毫无作用吗?其实,如果能够正确地认识传统和声学的价值,并能针对音乐学(教师教育)专业的专业特点,采用行之有效的教学方法,传统和声学对音乐学(教师教育)专业还是有着积极的意义与作用的。 一、传统和声学的价值 对于音乐学(教师教育)专业而言,传统和声学的价值至少体现在两个方面: 其一,自1772年拉莫发表《和声学教程》以来,传统和声学已经历了两百多年的发展,已形成一个完整而成熟的理论体系,在整个音乐发展的过程中,有着极为重要的历史地位和价值,它是对过去数百年音乐发展过程中的各种和声现象的高度提炼,无论是功能的进行原则,还是和弦的连接方式,其中都蕴含着深刻的哲学思想与严谨的理论逻辑,无论从事作曲还是演奏、研究还是教育,传统和声学都是重要的基础。对于音乐学(教师教育)专业而言,对于传统和声学的掌握或许无需达到作曲专业那样的学术高度和专业深度,但作为音乐学科中的一部分,也不可避免地受到传统和声学理论的深刻影响,若完全脱离传统和声学的理论与原则,也就难免会使教学偏离专业课程的严谨性与科学性。 其二,作为一名合格的专业人才,必须具备多种能力,其中理论概念与逻辑思维是其中必不可少的重要部分。但在音乐学(教师教育)专业,一个不能否认的事实是,由于其专业特点和性质的限定,在课程设置上,突出的是表演技能与教育实践,学生普遍缺乏对理论的敏感认知,更缺乏基本的逻辑思维。而传统和声学恰恰注重的就是对学生理论概念与逻辑思维的培养,通过教学,能较好地解决学生这方面的不足,从而更广泛地引起对理论的兴趣与重视。传统和声学可以说是音乐学(教师教育)专业最为基础与重要的理论课程,如果完全放弃其教学模式,而取而代之的改革课程又不够成熟和完善的话,就会使学生失去培养理论概念与训练逻辑思维的机会,这对于整个专业教学而言不能不说是一大缺憾。 二、传统和声学的尴尬现状 既然传统和声学对于音乐学(教师教育)专业有着重要的价值和意义,那为什么又越来越不适应专业教学了呢?以至于要求改革的呼声越来越高。事实上,这是因为传统和声学在教学模式上的僵化与刻板,已使得课程教学陷入了一个艰难的瓶颈之中。 迄今为止,音乐学(教师教育)专业的和声教学基本都是以音乐院校作曲专业的“四部和声”为规范、以前苏联斯波索宾等四人经典的《和声学教程》为模本进行教学的,在讲授功能进行原则与和弦连接方法同时,还要遵守一系列复杂琐碎的繁文缛节,如考虑到和弦原位与转位的排列,和弦的重复音,和弦连接的平稳与跳进,七和弦的解决方法,避免横向连接中的增音程,避免四部同向,禁止平行与反向五、八度,禁止隐伏五、八度、禁止声部交错与超越、禁止声部对斜等等,这样的教学模式,对于音乐学(教师教育)专业而言,有三大不足是较为明显的: 其一,课程内容既深奥晦涩,又枯燥抽象,与专业的实际需要脱节,即便艰辛地学了下来,也是除了能刻板地做一些和声连接习题外,基本都无法有效地运用于专业实践之中;其二,教学上仅仅是“为了配和弦而配和弦”,常纠缠于和弦连接的各种原则,小心翼翼地遵守着那些清规戒律,如同做数学题一般地进行演算,而对和弦与整个旋律的关系、和弦功能在旋律中的作用却无法做到有效地认识和理解;其三,教学过程中,往往注重于单个音的和弦配置和单个和弦的连接,却不能从完整和流畅的音乐中直观地把握和弦的意义与作用,因此在实践运用中基本无用武之地,与学生专业学习的进一步需求相距遥远。 由于这样的弊端,使得传统和声学的教学越来越体现出僵化的教条主义倾向,与音乐学(教师教育)专业的实践需要也脱离甚远,使得“和声学”这门重要的专业基础课,既难教又难学,且没有在学生整个专业音乐学习的积累、提高和成长的过程中起到应有的作用。 三、“深入浅出”的教学策略 鉴于此,音乐学(教师教育)专业的传统和声学教学就有必要实行一套既能保持其课程体系,又能直观高效的教学策略。实际上,对于音乐学(教师教育)专业,大可不必按照作曲专业的教学模式,那样高深精密,以“深入浅出”的方式进行教学,则是较为理想的策略。 所谓“深入”,就是要坚持传统和声学的课程体系,贯彻其基本理论与原则;所谓“浅出”,则是要抓大放小,去繁就简,以最简洁直观的方法,最大程度地直观体现和声在音乐中的作用与意义。 1、构建清晰明确的理论逻辑 传统和声学的体系复杂,理论深厚,作为作曲专业的学习与研究,在具备扎实理论功底的前提下,尚需一个较为长期的过程;而在音乐学(教师教育)专业有限的学习时间里,面对的是普遍理论基础薄弱的学生,则不可能如此面面俱到了。所以,对于音乐学(教师教育)专业来说,传统和声学的教学,首要的就是要根据本专业的特点,从整体到局部,逐一理清和声的理论逻辑,以简明通俗的理论,构建清晰明确的理论逻辑。 将传统和声学复杂的理论简而化之,可以得出一个较为清晰的理论逻辑,即以和声功能为框架、以正三和弦(含属七和弦)为优秀、以副三和弦(含副七和弦)为补充、以重属与副属和弦(含重属与副属七和弦)为色彩、以转调为新动力。其整体关系如图1所示: 这个理论逻辑基本上清晰地概括了音乐学(教师教育)专业的传统和声教学所需的内容。在此理论逻辑的指导下,便可按部就班地进行教学了,对于音乐学(教师教育)专业的学生,既简明扼要,又通俗实用。 2、以首调唱法贯穿始终 人们对音乐的听觉感受大多是以首调为基准的,而传统和声学的教学,却多强调固定调思维。这对于音乐学(教师教育)专业的学生而言,就显得十分抽象了,因而很难产生对旋律的完整流畅的概念,只能一音一和弦地进行机械地和弦连接,无法有效地把握旋律与和弦的直接对应关系。 所以,在整个教学过程中,贯穿首调唱法,让学生形成对完整旋律的感性认识,使旋律成为和声编配的直接依据。然后再用固定调概念进行谱面写作。这样既可使编配直观简洁,又能锻炼学生对首调与固定调对应关系的熟练与敏捷。 在首调概念中,所有大小调的调式音阶与和弦的首调唱法见图2表: 3、和声编配的四个步骤 有了和声理论逻辑的指导,结合首调唱法的帮助,在进行和声编配时,以简单的四个步骤,便可较为轻松地完成了。第一步,反复吟唱旋律,在明确调性的同时,充分感受流畅的旋律中对和声的某些暗示;第二步,为旋律标记相应的和弦级数。同时,要尽量事先预计到低音声部的流畅性,以及与高音声部尽可能地反向进行;第三步,根据所标配的和弦,写出相应的低音声部;至此,四部和声中已具备了高低两个声部,已完成了和声编配中最重要的步骤,余下的工作,仅需填充中间声部即可。第四步,根据已有的外声部,填充中间声部。中间声部的填充,是非常清晰明了的,只需按照和弦排列与重复音的要求,根据已有的两个声部,看还差什么音就填充什么音,其横向进行的原则就是以平稳连接为主,跳进连接为辅;而在同和弦转换时,则无需连接,只需根据需要转换一个合适的排列即可。 以斯波索宾等四人经典的《和声学教程》中“正三和弦的六和弦”一章中的习题为例,将四个步骤展示如图3: 由图所示,和弦编配的过程清晰流畅,易于操作。至于为低音配和弦,无需作为主要内容。如需涉及,也可照此步骤,举一反三地进行操作。由于低音题已经给出了和弦级数,只需在第三步根据已有和弦,写出相应的高音旋律即可。 总而言之,只要能针对音乐学(教师教育)专业的特点,正确地认识传统和声学的价值,并着眼于准确的理论概念与清晰的连接逻辑,而不受诸多教条的约束,那么传统和声学的教学对于音乐学(教师教育)专业仍有着重要的作用和积极的意义。当然,同时还应该结合实例作品进行必要的和声分析,以此作为和声运用的有力支持,那教学的效果就更能事半功倍了。 张力:湛江师范学院音乐学院
水墨元素在现代广告设计中的运用:浅谈中国水墨艺术在现代广告设计的运用 摘要 水墨艺术与广告设计,因其创作目的不同,在创作手法、创作要求和内容上必然存在差异,然而广告设计的第一诉求是引人注目,只有关注的人多了,才能有广而告之的效果。因此广告设计要体现美感,这就与水墨艺术的追求相一致。从这个共同点出发,笔者以为水墨艺术可以在广告设计中找到用武之地。 关键词 水墨传统文化广告设计构图色彩 广告设计由于其目的是要把商品和服务推向市场,其侧重点在于介绍产品的特点或者优势,设计是以市场为依据,市场变则设计变。因此其在设计上会更多的体现商业化特征,从而对设计的美感会有所忽略。而对审美有着极致追求的水墨艺术,则是一种纯粹的艺术形式,创作者是要通过作品来表现和传达自己的审美感受和审美理想,欣赏者则是透过水墨作品来获得视觉上的美感冲击,以满足自己的审美需求,水墨艺术的美感与简洁无疑会给广告设计带来新的灵感和气象。 中国的水墨艺术,具有悠久的历史,是中国绘画艺术形式的独特代表,是中国人文精神中最具代表性的文化遗产之一。水墨艺术的发展和中国文化的发展一样,脉络清晰,是目前世界上少数具有独特传统意识的画种。传统水墨画的画风与中国人的传统信念息息相关,水墨之间既能渲染出道的清静无为,佛的禅机与顿悟,也能使儒风的浩然正气跃然纸上,无处不彰显着中华民族的精神和追求。 中国的广告设计意欲在国际领域独领风骚,广告设计的民族特色不可或缺。如何创造出既具民族风情亦不乏时代感的设计,就显得尤为重要。笔者以为把中国传统绘画之精华的水墨艺术元素融入到现代广告设计中,既能提升广告设计的艺术感染力又能彰显审美之意味,水墨艺术中的传统文化底蕴和构图及色彩的运用都将会在现代广告设计中有所作为。 一、水墨艺术中的传统文化底蕴益于广告设计的个性化需求 当代中国设计存在的一大问题是设计理念深受西方设计思想的影响。因为我国当代设计来源于西方现代艺术,中国设计自产生之时一直带有向外国设计借鉴的痕迹,设计作品中带有浓郁的西化色彩。虽然近年来,中国现代设计开始倡导本土化、民族化的设计理念,但是主体设计潮流仍然是以西方的设计旋律为主。鉴于此,现代中国设计应该从深厚的中华传统文化艺术中汲取丰富的设计元素,向着本土化、民族化、个性化的方向上发展。只有注重运用中国传统艺术元素的精神和根本,重新体味、感受和理解传统文化的意蕴精髓,并且把传统和现代完美地结合并体现在设计中,才有可能实现具有独特的富有中国风格的当代设计。 为了避免广告设计陷入程式化的困境,需要提升设计创作的个性化追求。个性化是设计者在广告设计上的个体差异,是设计者表现自我,尽情施展和宣泄其差异性的平台。这一点和艺术创作的托物言志是相似的。在广告设计中,广告设计者们通过对设计素材的利用和构建,来探寻在应用中的个体差异,追求设计的多样性。充分表现设计中个人之不同情感和理想诉求,是实现设计个性化的有益途径。 设计中民族性与时代性的具备是相辅相成的,只有巧妙地把民族特质和时代气息糅合运用,才是中国本土广告发展的合理方式。如果中国现代广告设计中缺失中国文化、民族精神的内涵,就会失去本土广告的韵味和魅力,无法为本国受众所接纳。但是如若一味的强调民族性,忽略了时代特色和意义,现代广告就会变成愚昧的东西,不能为国际受众所认可。本土化和全球化,民族性和国际性是一个相通又对立的联系。 发展具有强烈中国文化独有特色和中华民族根本精神的现代广告已成为势不可挡的方向。 二、水墨艺术之构图在现代广告设计中的运用 水墨艺术独一无二的简洁特征,顺应了现代设计求之简洁、传神的要求,是水墨元素走进现代设计的合理契合点。在广告设计中,通过对水墨的点线面造型元素和黑白灰的色彩因素的重组、对比等手法,使水墨溶于广告设计之图形。力求以最简洁的方式构成画面,实现设计主题的高度概括,使画面中的表现元素简单大方,而毛笔笔触的特殊表现和渲染感觉,将使水墨之意境在现代广告设计中得以完美呈现。这样,观赏者会对设计者所要推销的产品铭记于心,也会感受到艺术本身之无与伦比的魅力。 在图像造型的设计上,设计师要将技法、图形与广告主题相结合,以要表现的主题要素为依据,进行笔法和墨法上的创作。笔法上需要具备形式美感,墨法上要注意墨的意境与趣味,并要与图形创意融合在一起。这样笔触的不同表现会给人带来轻松、异样的情感体验。 三、水墨艺术之色彩在现代广告设计中的运用 将水墨艺术之黑白色在广告设计中加以运用,将会使图案清晰、视觉集中。在色彩缤纷的现实社会和五彩斑斓的广告天地里,广告传达中视觉色彩复杂无序,致使受众视觉注意涣散,没有突出色彩体现反而使传达效果无法集中。而水墨的朴素色彩体系会给广告设计带来强烈的感染效果,因为人对色彩有丰富而又细微的心理感受,黑白两色能够表达情感的深厚与凝重,并提升人文情感关怀。 水墨艺术虽然色彩朴素,但会使视觉感受丰富多样,能够营造出不可捉摸且变化万千的意境。墨的多寡,将会显现设计中不同的力度和品性。水墨艺术“计白当黑”的巧妙手法是以墨为彩的与众不同的艺术表现形式,纯粹的黑白水墨风格的广告,朴素、淡雅而又含蓄,饱含深厚的文化底蕴,符合中国人长期的审美心理追求,在大众宣传中有得天独厚的优点。 将水墨元素紧密融入到广告设计中, 二者互相辅助,合理地发挥彼此的作用,势必为双方带来创造性的发展。水墨元素的简洁明快、端庄神秘而富有韵味,会使得现代广告设计表露出独特而又迷人的中国气质。设计的民族性和国际趋势使得中国水墨表现与现代技术更加完美的契合交织。水墨艺术以具有中国特色的语言形式,与国际发展的设计理念相契合,必将收获同时具备民族审美标准和具有国际时代特色的完美的现代广告设计之经典。(编辑王影) 水墨元素在现代广告设计中的运用:水墨元素在现代广告设计中的运用 【摘要】本文对中国水墨元素的发展历史及表现特点进行梳理,进而对中国水墨元素在现代广告设计中的独特运用和表现效果进行研究,分析并解决现代广告设计中中国水墨元素的表达特点及地位问题。 【关键词】广告设计;水墨元素;文化根源 当今社会中,越来越多融合民族元素的广告设计作品逐渐成为一种潮流,在以中国文化为根基的广告设计领域里,包含水墨元素的广告设计作品越来越受到人们的喜爱。为什么水墨元素在历经百年时间后依然屹立不衰,并且大量出现在现代广告设计作品中?水墨元素作为一种中国传统的艺术表现形式,它的独特魅力在何处?它体现的中国文化是什么?这种种问题促成了目前中国广告设计界一直不断追求与探索的课题。 一、中国水墨元素的特点及发展 首先,中国水墨绘画简约、大方、寓意丰富,以少许胜多许,以最简练的表现语言表达出最丰富的内涵。其次,中国水墨画讲求用墨和墨色的变化技巧。由毛笔中含有的水与墨的量的多少,以及笔法的抑扬顿挫,可呈现出不同的干、湿、浓、淡的墨色变化。变化丰富的墨色效果可以产生色彩丰富的画面表现,渗化的水墨效果和飞白效果的结合更是可以营造出诗样的意境和特殊的视觉张力,从而展现画家的修养和对古老中国文化的品味与人文情怀的传承。 水墨绘画在中国绘画史中的出现要追溯到唐代,后历经宋、元、明、清逐渐成为画坛主流。现代的水墨画家逐渐具备了开阔的文化视野,这样开放式的艺术态度也逐渐将水墨画从画种推向了艺术的高度。而水墨画之所以能从一个封闭的天地进入一个敞开的艺术空间,是无数艺术家大胆革新和开创的结果。虽然这中间经历了曲曲折折,但最终水墨画不再是陈旧的领地,艺术家可以自由地出入与回归,也正是因为有了这样出出入入的流动变换,中国水墨元素才逐步融入现代广告设计领域中。 二、现代广告设计与水墨元素的融合 现代广告设计是随着时展所形成的一种多元化、创新化的艺术表现形式。而中国水墨元素以其独特的表现形式和艺术语言,逐渐引起了现代广告设计界的高度重视和运用。 在当今文化多元的时代,经济的全球化逐渐影响了文化的全球化,而国际化、全球化并不意味着牺牲文化的民族特点和地域特征,顺应文化全球化的趋势是与之融合、学习进而进步,而不是盲目跟从某一种文化而导致本土文化的丧失。当代的中国广告设计界需要具有海纳百川的文化胸怀和综合创新的能力,只有对国外优秀先进的设计文化和理念进行学习和借鉴,再创作出具有自身民族特色的现代广告设计,才能在世界广告设计领域中独树一帜,展现出中国作为世界文明古国的霸气和风采。 现代广告设计中大量的水墨元素符号的出现,一方面是广告设计界追求艺术表现的自由创新,将其进行融合;另一方面也是一些具有传统修养底蕴的广告人对中国水墨元素及所表达的传统文化有着深厚的情感,自身认识到对传统文化的传承具有不可推卸的责任。所以说,水墨元素运用于现代广告设计中,更需要设计师立足传统,学习西方设计理念,赋予水墨元素以传统性与时代性的结合、共性和个性的统一,最大化地对中国水墨元素进行运用和传承。 中国水墨元素是千百年来中华民族文化精髓的表现形式之一,是民族设计的源头,它所具有的精神力量和文化底蕴却是当下广告设计领域所缺乏之处。当下广告设计中往往过于注重形式主义,只存在表层意义,经不起深层的推敲和挖掘。水墨元素的融入恰好弥补了这一点,它以最深厚的内涵为基础,以现代的设计形式为表现,呈现出精神和外在相统一的设计形式,这一点在广告设计中的海报设计中有着生动的体现。 三、中国水墨元素在现代海报设计中的独特表现 (一)现代海报设计与中国水墨元素 海报作为一种传达信息、诱导与说服、刺激需要的媒介形式,最终目的是宣传和推销,分为商业海报和公益海报。现代多数海报是由商业功利动机作为驱动,是以满足商业传达、实现传播信息为目的。由于人们对图形的偏爱是天生的,一本书中人们对插图的关注往往先于并且多于对文字的关注,所以图像作为海报中不可缺少的一部分,一直是广告设计师们进行研究和设计的一个重要内容。而水墨元素在海报设计中的融入与结合,在进行宣传的同时让人领略到了一种深层的文化底蕴,更彰显出了一种独特的意境。 中国水墨元素作为一种具有独特特质和精神内涵的民族文化形式,其精神是博大的,传统墨分五色的多变浓淡效果,其本身就有着独特的精神内涵,广告设计师在追求这样的效果的同时,也是对自身文化精神的追求。水墨元素对整个东方的美术都产生了深远的影响,在海报设计中,东方人更容易接受和关注有水墨元素的作品。由于东方文化的相似性和共通性,无论从形式还是深层内涵上,水墨元素都更容易引起东方人情感的共鸣,从而达到良好的传播效果。 中国的海报设计起步较晚,在发展过程中难免受到西方海报设计元素的影响,所以造成了很多的广告设计师一味效仿西方设计,照搬西方成功设计从而制作出大量“山寨”设计,缺乏自己的设计语言,丧失了民族特色,也就丧失了设计的生命力和竞争力。 要想在设计上有新的突破,就必须重新认识和利用传统的形式。海报设计是现代的宣传媒介,中国画的水墨形式借鉴海报设计的现代意识,海报设计继承水墨的传统表现形式,互相取长补短相辅相成,在表现形式上对传统重新挖掘,在设计中独具匠心,对现代海报设计有很大的启发,也是现代海报设计立足传统并发展的根基与大趋势。 (二)经典水墨元素海报分析 现代招贴设计和传统水墨艺术的融合,已经越来越多地被设计师认可并加以运用。靳埭强作为当代设计师,他主张把中国传统文化的精髓,融入西方现代设计的理念中去。而这种看似容易的相融并不是简单的相加,而是在对中国文化深刻理解的基础上进行的融合。 在靳埭强的作品中经常可以看到水墨的遗痕,他的中国画颇有功底,并且对中国画的笔墨认识和理解都有着较为独特的见解和深刻的悟性。他的作品中往往存在的并不是水墨绘画,也不是水墨文字,而是经由饱蘸水墨的毛笔在画面上简单而随意勾画的水墨线条,由于干、湿、浓、淡的不同和笔触技巧的不同而呈现出富有节奏感和东方韵律的作品(见图一)。 以靳埭强的海报《岁寒三友》为例,《松》(见图二)是以中间一道厚重深沉的墨迹作为松树树干的形象,但这只是树干的上半部分,在下半部分中,靳埭强将雕刻后的实物松木作为松树树干,把墨迹和实物进行衔接,再以较为淡灰色的水墨在树干中部进行松针的描绘,将“松”这个字以松针形象为基础进行字体设计,笔画设计较细,置于画面顶端,并且只有个别笔画使用了和松针颜色一样的绿色进行填充,寓意新芽和希望。 在《竹》(见图三)中,靳埭强同样以墨迹和竹子的实物进行结合,但墨迹颜色较浅,与竹子呼应,从上而下进行设计,分为左右两部分,在墨迹和竹子的衔接处进行了简单的设计,形象地凸显了竹节的特点,再对“竹”这个字进行字体设计,笔画较为粗重,将“竹”字的两撇进行与竹叶相类似的形状设计和颜色填充,乍看仿佛真的竹叶一般。 而在《梅》(见图四)的设计中,靳埭强并没有一贯地将梅花的枝干和墨迹做结合,而是单纯使用了自上而下的墨迹线条,在画面中部,则根据梅花冬季盛开的特性进行了一朵抽象且鲜艳的梅花形象设计,而在“梅”的字体设计上,将“梅”中的几个点部笔画进行了颜色的填充,并且依附在主线条枝干上,借以比喻枝干上含苞待放的梅花花苞形象。三幅作品整体统一,都充分地运用了水墨元素,静盈而端庄,大片的留白更显得简洁清亮,如清风拂过。 靳埭强讲:“水墨画在中国传统艺术中的地位很重要,它的水平与内涵是超时代的。不能用西方主导的艺术观去评价我们自己的艺术。对于古人和现代人而言,水墨在历史上一定有我们都能理解的共通的内涵,这也是我一直在设计中追求的永恒的韵味。”[1]这段话充分说明靳埭强在继承传统水墨元素进行艺术设计时的文化观,给当下广告设计界以启发。 现代中国的海报设计中,要真正地将其民族化、世界化,就要继承传统,而作为传统艺术媒介的水墨艺术,经过了漫长岁月的洗礼,在当代更是存在诸多的挑战和机遇,二者要想更好地发展,必须互相交流、互相渗透、互相提升。只有敢于吸收和继承、不断探索和创新,民族的艺术和设计才能独具一格,才能有更长远的发展。 四、结语 现代广告设计不能脱离传统文化,中国的传统设计源头是水墨文化,具有相当的根基性、稳固性和原创性的独特民族魅力。中国水墨元素铸就了民族的文化魂魄,将水墨元素与现代广告设计进行融合是民族化设计的趋势。当代中国广告设计师需要有更广阔的胸襟和长远的目光,做好传统文化的传承和对外国文化借鉴的创造性转换工作,着力于对民族的审美意识和审美心理的把握,重新梳理中国艺术的精神,将民族的艺术推向世界的舞台,设计出流露东方文化气韵的作品,从而既是民族的,又是世界的! 水墨元素在现代广告设计中的运用:水墨元素在广告设计中的现代诠释 摘要:水墨元素是中国特色的民族文化符号的设计形式,其艺术地位和艺术价值不言而喻,水墨元素作为实用图形元素和绘画的构成要素,可以同广告设计融合并用,本文在了解水墨元素涵义的基础上,分析水墨元素在广告设计中具体的表现,深入探讨在广告设计中如何运用水墨元素及其文化内涵。 关键词:广告;水墨元素;广告设计 一、广告设计中水墨元素的表现 当今设计界越来越多的传统元素开始在广告设计之中得到关注和应用,尤其是水墨元素在广告设计中的表现非常成功,其在广告设计中的表现值得研究。 (一)水墨元素与现代广告设计形式的结合 艺术的本质在于其开放性。广告设计的灵魂在于其创意,各个民族的艺术只有在保持独特传统的前提下,吸收外来艺术的养分,才能丰富本民族的艺术形式和表现手法。 靳球强先生善于发掘传统文化艺术精髓,他的设计方式是把西方版式结合到的水墨的深层元素,在版面中运用虚实和疏密对比,再现水墨画惯用的空间感、虚实感,将文字、几何图形等通过有渗透感的水墨表现出来,运用简洁明了的排版,借用立体的构图手法,营造出丰盈的比照,极大提高了画面中的视觉效果。干脆利落的水墨笔触,轻盈简练的线条,一点即通。这种设计包含了多样的韵味,堪称中法西用的典型。二十世纪八十年代他设计的香港艺术展海报,用本民族的太极图为模型,将粉彩运用到水墨中去表现,粉彩与水墨对比,黑墨与粉墨对比,湿墨与干彩对比,融合西方版式与东方元素,展现了东西艺术的和谐融会共生。[1]时代在进步,生活、感情也随之变化,新的生活感受,要求以新的笔墨技法,赋以新的生命,寻找新的形式,改革、创新,才能发展。 (二) 水墨元素在广告中的体现 水墨是我国传统绘画和书写的最小单元,具有较强的不可涂改性。尤其是讲究利落干脆的风格,造就了特有的表现手法和表达语言。[2]伴随国际上设计艺术交流的频繁,很多设计关注中西艺术形式的融合。水墨元素表现的图形在汉字印刷的编排中的运用和主题说明中的诠释,表现出广告设计的基本特征。 对水墨元素传承的方式就是要在保留传统的前提下,发展创新,使其以全新的形式丰富生活。艺术形式是随社会进步而发展的。科技的进步要求设计也要同步前进。电脑作为重要工具使得创作多样水墨效果成为可能。水墨元素通过电脑设计就清除了水墨落笔难以修正的遗憾,特定的设计软件能够重复操作,直至出现理想的视觉效果。如黄胜英大师创作地“东情西韵”,先以水墨元素表现大剧院的外在形象,然后以淡墨描绘人工湖映照的剧院倒影,在此基础上施以浓黑的水墨,最后通过设计软件修正到最理想的剧院外形,简约的版式设计,鲜明的水墨主体图形,表达思想一目了然。 二、广告设计中的现代思想与水墨元素的融合 我国的水墨画是艺术史上别具一格的传统文化珍宝,尤其是水墨在视觉造型艺术表现上的深度,使得水墨艺术在当前广告设计中的运用成为传承传统艺术,发扬传统文化的突破口。 (一)水墨艺术与广告设计的共融性 水墨艺术最初源于我国传统绘画艺术和传统书法艺术。其最大的特点主要表现为“计白当黑”等雅素的表现手法,彰显出水墨独到的表达形式和简约洞明的艺术话语体系。简洁的美感形式在广告设计中也是屡见不鲜,尤其需要指明的是广告设计作为艺术形式中极具张力的大众媒体,它时刻处于纯粹艺术与实用设计的中间点上,将水墨元素的传统与广告设计的现代相结合,就是要在传统与现代间找寻一种平衡,展示其灵动简约之美感,丰富多样之空间,营造出优美淡雅之意境,故二者具有根深蒂固的共融性。 (二)水墨艺术和广告设计的互补性 中国传统平面设计艺术进入时代的轨道必须建立在深度思考与合理扬弃的前提下,现代设计必须从历史积淀下的文化艺术中挖掘民族艺术的精髓,这样才可能正确体悟使用水墨元素的方法和形式,找寻妥当的路径弘扬和改良华夏文明悠远独特的文化精髓。 设计师关注的切入点很多,但以时代与传统的融合居多,这点也展现在广告设计革新与改良的形式上。我国传统艺术表现形式也应当在开放的环境中进行适度的创新和改良,以广告设计为例,不仅需要传承和弘扬,更需要引领时代精神,体现当前审美意向,把握艺术文化的深层内涵。 (三)水墨艺术的传统性与广告设计现代性结合的必然性 尽管水墨画和广告设计分属不同的两种艺术形式,但是彼此却存在很多可供借鉴的因素。水墨艺术和广告设计存在着颇为深远的渊源。我国传统绘画通过水墨描绘物象,以水墨形式表现审美情趣,借笔墨之变幻体现灵动、简约、质朴的艺术效果,勾勒出独具东方艺术魅力的艺术表现体系。[3]广告设计作为现代艺术门类的一种,虽然在工具和素材甚至表达方式上与传统绘画大相径庭,但是二者都关注画面的建构,注重形态表达的横平与节律的联系。均倾心于视觉图像展现给受众的视觉引导之效果。可以说水墨元素在广告设计中的运用,绝不限于艺术造型领域,即使是在色彩表现的各方面也存在很大的可能性。对于中国现代广告设计来说,传统水墨元素为发展传统民族文化特色广告设计提供了思路,同时为民族化的广告艺术设计注入了新鲜的表现手法和表现元素。 三、水墨元素于广告设计中的现代诠释 水墨艺术特有的表现形式主要体现在水墨艺术独特而简洁的形式语言方面。尽管水墨艺术的画面非常简洁但并不表示简单,而是通过简洁单纯的形象蕴含深刻丰富的寓意,其妙处体现在能用最少的元素传达最丰富、深刻的信息。广告设计需要借鉴这些有意义的审美追求,好的艺术设计,带给人们更多的东西是思考,不是赤裸的告诉。所以,设计的构思必须可以超载现实,设计的构图需要概括集中,设计的形象需要简洁地夸张,通过去繁为简的艺术手法,凸显所要表达的事物,将更深沉的涵义赋予画面之中,以便观赏者能够在有限的画面中体会到更为宽广的空间,体味与众不同的深义。 在广告设计中引入中国水墨元素的艺术理念和意境,开辟一条具有民族特色的设计之路,有着异常深远的现实意义。水墨艺术是表现意境最为贴切的艺术形式之一,[4]只要不断深入地研究我国传统的美学意境和美学理念,深入研究水墨艺术在意境表现领域的表现形式,我们的广告设计一定可以具备现代性和民族性,这有利于我国的广告设计在国际层面独树一帜。 关于广告设计借鉴水墨元素的关键,在现实中首先是关于审美意识、设计理念的互相渗透和融合,之后才是对处理手法的关注,当然较理想的实现水墨艺术元素在广告设计中的运用,必须是三者的有机结合。 “只有民族的才是世界的”,水墨艺术通过特有的审美方式和浓郁的文化蕴含,成为升级广告设计的蕴涵和表现形式的宝库,可以说把自己民族的传统文化艺术的精华糅合到现代广告设计中去,对于我们开创一条富含中国特色的广告设计之路是十分有利的。弘扬水墨艺术,精心打造具有民族意蕴的广告设计风格,体现了民族设计之本质,因为只有立足本土的设计艺术才是真正具有强大生命力的设计艺术。我国的现代广告设计只有彰显民族特点,体现民族气质,才能真正在国际设计界独树一帜。必须指出的一点是,追求民族特色本身与文化艺术的国际化、全球化之间并不是必然的对立冲突关系,相反的它们是可以相得益彰的。这里所强调的广告艺术设计领域的本土化,绝对不是鼓动一种盲目排斥外来优秀设计理念和文化的倾向,相反的,我们所倡导的是当代中国优秀的设计师群体和新生代,需要在立足本土的前提下培养“容异集粹”的文化情怀和“海纳百川”的文化底蕴。(作者单位:武汉纺织大学) 水墨元素在现代广告设计中的运用:传统水墨绘画的广告设计及应用 作者简介:刘华(1977-)女,汉,江苏丰县人,新乡学院艺术学院讲师,研究方向:艺术设计。 摘要:水墨绘画是我国传统绘画技法之一,因为水墨元素的独特黑白效果,能够将中国的山水韵味很好的表现出来,并且将中国文化当中注重意蕴之美的效果很好的表达出来,因此在各种艺术形式当中得到了广泛的应用,例如电影、舞台艺术,而很多广告设计也开始融入了是水墨情结,借鉴水墨画的表现形式和表达方式,用来展示产品的文化底蕴,论文重点阐述了广告设计当中对于水墨元素的借鉴和运用,对于启迪广告设计思路,拓宽广告设计的方法提供借鉴。 关键词:水墨、广告设计、表达方式、文化底蕴 一、序论 二十一世纪是一个视觉文化多元化发展的时代,眼球经济迅速发展的过程中,广告起到了非常重要的媒介宣传作用,而面对琳琅满目的广告宣传,人们的视觉开始进行个性化的选择和甄别。而作为中国艺术瑰宝的传统绘画因为坚持传统性以及文化的独特性,曾经不被研究人员看好,国际研究人员曾经认为中国的绘画艺术在国际文化交融的冲击之下,已经走到了穷途末路。但是作为国际文化交流重要媒介的广告设计,引入了水墨绘画元素,将中国传统绘画技法融入到商业宣传当中,不仅起到了亮眼的宣传效果,而且将中国的水墨画进行了发展,引入到了更广阔的发展空间之中。对于现代广告而言,传统的水墨绘画赋予了广告设计深厚的文化底蕴,广告设计有了民族化和本土化特征,不仅有了较强的文化代表性,而且在世界经济范围内也展现出了独特性。 二、传统水墨元素在广告设计中的应用 水墨艺术代表的不仅是一种传统文化的表现形式,其中更是蕴含了中国的一些深刻的哲学思维,水墨是中国民族精神追求的代表表达,水墨画对于广告设计有着重要的影响,现在大量的广告设计作品当中都运用了水墨画的散点透视的方法,以及画面意蕴的表达。在中国传统水墨绘画追求的内在的节奏性和平衡,计白当黑的绘画技法,在形象描绘上的似与非似指教的形象变化的随意性等,这些都在广告设计当中重新得到了鲜活的运用。 (一)留白技巧的应用 中国水墨绘画构图当中讲究留白的作用,在绘画过程中事先留出一定的空白,或者是保留纸的本色,最后演变成为一种独特的构图方式,在这种构图之下,不满的画面反而给人们一种虚实相生的已经感觉,空白处带给人们的是一种无尽的联想和想象。与整个画纸铺满要更有韵味。在中国宋代的山水绘画作品当中非常注重留白技巧,有著名的“马一角、夏半边”的称呼,著名的画家马远和夏圭在绘画当中多采用半景构图,画面留出空白,巧妙的构图彰显了绘画的独特性,带给人们的是一种强烈的绘画效果。 如图一就是典型的留白水墨技巧在广告设计中的应用,这是一幅中国形象广告,一道简单的墨迹,中间蕴藏了中国的传统礼仪汇聚形成的文字,包括忠、孝、礼、义等,画面三分之二的部分完全都是空白,这种空白却映衬出中间的墨迹道路显得更加清晰而独特,画面的主题是“品中国”,我们从整个画面可以读出中国是一条黑白分明的道路,而这条道路是由中国的道德信念铺设形成的。这条路指向空白的地方留给人们的是无尽的联想和想象,可以使这条道路的无限延伸,也可以是信条影响的无限放大。这就是我们所说的留白的作用。这种随意的空白,由实处向外扩张形成一种强烈的视觉效果,起到了此处无声胜有声的效果。 (二)水墨色彩计白当黑 水墨色彩非常单一,与现代的有着强烈视觉感的广告设计形成了鲜明的区分,但是这种区分却让具有水墨色彩的广告设计显得别具一格,在色彩学当中黑色和白色代表的是无色,简单的黑色水墨,仅仅依赖于水比例的加入从而呈现出千变万化的色彩效果,这就是中国绘画的其他之处。自然界的很多物象基本上都有一种虚实之间的朦胧之美,这种美在很多时候都很难采用写实的方法将其表现出来,例如晨雾中的山水,而正是这种朦胧之美才是自然界难得一见的造化。 图2是中国在纽约做的一个形象宣传广告“从无形到有形”不仅是画面形象的表达,更是整个画面意蕴的表达。自然流动的山水画面,在似与不似之间的物象,有着强烈的流动感和节奏性,在中国传统美学当中,讲求和谐的美学已经营造,而和谐是中国传统文化的最高理想,整个画面其实是在虚实之间,简洁的构图和灵动的笔墨表达丰富深邃的文化和民族精神意义。借用山水之景,来表达一种含蓄和朴素的精神之美。 (三)广告画面中的水墨元素应用 现代广告设计当中有很多,不仅借鉴了水墨山水画的意境和构图,而且利用水墨画的典型物象元素,用来表达朦胧的景观美感。以及中国文化当中“天人合一”的思想。 图3是一幅房地产广告,这幅广告采用了中国山水水墨的元素,墨迹晕染开中间是远去的小舟和盛开的桃花,虽然是房地产宣传广告,但是没有任何关于房地产的要素,这是一种隐逸美的表达,用晕染的墨迹和真实的物象,虚实结合,表达的是早春的意蕴之美。而人们在欣赏广告的时候从中能够想象出带有强烈景观美和文化美相结合的建筑环境。人们在挑选自己房子的时候最注重的就是这两个元素,一个是自然景观的是适合居住,另外一个是有着强烈的人文景观底蕴。而传统水墨画元素在画面当中正是代表着房地产项目所具备的文化底蕴。 三、结论 水墨元素与现代中国流行文化的结合点丰富,而且融合性强,现在的服饰设计、电影、电视、广告设计等多种艺术载体都借鉴和运用了水墨画的手法,不论是绘画技巧还是绘画思想、以及绘画的常用物象元素等等。中国传统水墨画与广告设计之间的融合,是文化与经济的接轨,是文化对经济发展所起到的促进作用,同时利用广告设计这一国际交流平台能够将中国的传统文化带到世界流行舞台当中,为中国传统文化的发展寻找到更加广阔的空间。(作者单位:新乡学院艺术学院) 水墨元素在现代广告设计中的运用:浅谈水墨之美在现代广告设计当中的意义 摘要:水墨艺术之美是中国传统文化的神韵,历经千余年的发展,国画家们将笔法,墨法,以及水法结合运用巧妙至极,或清雅氤氲或酣畅淋漓,水墨艺术一直以其独特的艺术语言在国际审美艺术中独树一帜,而广告设计呢?是将信息通过图形、色彩、文字的编排以平面的形式呈现出来的形式,那怎样去使用水墨以增强设计表现的美感和艺术效果呢?作者认为在现代广告设计中恰当地运用水墨之美去表达作者的思想诉求,可以丰富现代设计的表现形式。 关键词:美;广告设计;水墨元素 广告设计是大众传播的一种商业形式,以艺术形象为载体,能够引起受众的积极心理态势去被引导性地审美,因此可以说广告设计具有审美价值的实用艺术形式,好的视觉传达与创意表现是使广告艺术化的手段。而传统水墨艺术的独特韵味,给现代广告设计提供了丰富的创意和视觉语言。水墨元素在现代广告设计中的审美特性主要体现在如下几个方面。 一、简约之美 中国水墨艺术最推崇简约精炼,没有一笔废话,遵循物象在“似与不似之间”为标准,意在笔先,寥寥数笔,力透纸背,用有限的形线去说话,“以少胜多”“留白”当然,简约却绝不简单,虽说形象简洁、却不失意义的精彩丰富。笔有限,意无穷,比如一股流泉、一缕轻烟、一座亭台,都带给人无穷的遐想。对比我们现今生活的快节奏,人心的功利和急躁,生活的压力,信息科技的速度,人们需要的是快速,立杆见影,一目了然,熨帖亲切,所以广告作品要使人能够一见钟情,久久回味的话,这就必然需要对精心布置你的画面,换位消费者心理,起到有效传播信息的作用。在运用较好的水墨元素广告设计中,经常可以见到画面诉求集中于一点,设计者将尽量去简化背景并且去将画面主题元素单纯化,使得图形质朴明朗,辨识度极高,更加容易记忆,这也正好跟了水墨的“简约性”如出一辙。 二、意境风格之美 传统的水与墨相互融汇互渗产生出氤氲微妙的特殊的意境,这是水墨艺术异于其他艺术的意象美,使其他艺术手法无法望其项背的独特之处。当水与墨嬉戏于宣纸之上、随之渗化开来,晕染,一点一划,甚至看不出明确笔触和具体描摹对象,也总是可以让人浮想联翩到高山流水,飞泉瀑布,云水,雾气之类,或者什么也不象,却意味深长,单单是让观赏者品位起来觉得妙不可言,美不胜收,可以放任自己的想象力在水墨交融的气氛里荡漾开来,经常,你也会见到展示墨色的微观世界中水墨交融的细节是创作者通过多媒体技术手段来实现,以此来实现如绘画中明确的黑白灰的层次变化;还有一种方式是精心将实景的图像通过软件处理成朦胧浅隐约淡雅的调子,再制作出酣畅淋漓,水墨交相辉映的效果,这个是通过笔墨基本技巧勾皴点染来实现、最后将水墨形式的图形图象的元素进行综合精心的虚实编排,进而创造出优美恬静、简约含蓄的美妙情境。 “无笔无墨不成画。”水墨画的精彩是通过利用笔墨的变化来实现的。而墨色的奇妙效果是通过靠成熟的运笔产生的,笔的轻重是靠墨来呈现,笔墨关系相辅相成。笔墨中流淌着艺术的生命,是作者性情,个性的显露,追求笔墨情致是中国水墨画的典型爱好。运笔的讲究速度的疾徐、笔的提按及转折、顺畅,意态情趣生动有气韵;勾、皴、点、染、擦、泼等笔墨基本方法的灵活变通,“外师造化,中得心源”的创作境界,使得水墨形象展示出稳重大气、或枯涩旖旎,或雄奇壮阔的灵动形象,也使得现代广告设计中的水墨元素气质个性独特突出。 三、黑白色彩空间之美 有些广告设计作品中黑白对比使用鲜明,常带给人活泼的惊艳感,而黑灰白的柔和配色,又让人感受到雅致和谐,这是在水墨艺术的黑白色彩空间之中的审美感受。以黑白的无彩色为灵魂色彩的传统水墨十分注重墨色使用的技巧以及墨色层次的分布,墨又分五彩就是枯湿浓淡的丰富变化,在干净的宣纸上渲染出物象空间的虚实变化,创造出深邃悠远的意境。水墨画在逐渐变化的黑白色彩中摸索生命的真相,人类存在的本质。而且可以说,水墨画的运用中集结着大道无形无象的智慧,体现出独特的东方美学之韵味。老子有言:“道可道,非常道;名可名,非常名。”随之而行的是“知白守黑”、“虚实相生”的墨色观。黑白色是经典色彩,与任何色彩搭配都不冲突,反而更衬托出其他颜色的个性,低调而沉稳,这与现代设计崇尚黑色为经典有着异曲同工之妙,广告设计师们都热衷使用。 四、结语 现今将水墨艺术之美运用在现代广告设计中,使之具有符号,审美和文化特性,越来越受人们的欢迎,这个契机是由水墨语言随着时间的积淀以及设计师对艺术表现形式的不断探索引发的,是中国传统文化情节和民族文化责任感与自信结合的必经之路,同时,亦反映出,广告设计与水墨艺术之美高度融合是适应人类精神需求高级需要的一种艺术形式,可以赋予广告对象以高品位的文化内涵,中国现代平面设计从中国水墨画元素中能得到许多宝贵的启发和借鉴,使平面设计既具有鲜明的民族特色,又具有强烈的现代性。
艺术学类论文:作为人类审美的意识形态的艺术学理论学科建设 摘 要:文艺是一种人类审美的意识形态。当前,应当把文艺作为党的一项极其重要的意识形态工作的范畴加以高度重视,提高它的社会地位。整个思想战线上的任务是如此,艺术学学科建设的任务也是如此。我们要弘扬社会主义主流价值体系,要弘扬主旋律,传播正能量。人类的精神生产包括电影生产应该将价值导向放在首位,应该强调社会主义的主流价值导向。当下艺术的创作与鉴赏缺乏理论支撑,缺乏明确的价值导向,这是很值得艺术学门类学科建设和艺术学理论学科建设自身关注的。要巩固马克思主义文艺学、美学、历史学的基本观点在中国艺术学学科建设中的指导地位。在2013年8月全国宣传思想工作会议上的讲话中的“四个讲清楚”,跟我们艺术学和艺术学理论学科建设密切相关。作为人类审美的意识形态的艺术学学科建设和艺术学理论学科建设理应以文化自觉和文化自信的姿态参与到党的极其重要的意识形态工作里面去,做出自己独特的思想理论贡献。 关键词:当代中国;文化建设;艺术学学科;艺术学理论;学科建设;意识形态;价值导向 一、文艺是一种人类审美的意识形态,应当把文艺作为党的一项极其重要的意识形态工作范畴加以高度重视,提高它的地位。整个思想战线上的任务是如此,艺术学学科建设的任务也是如此,要弘扬社会主义主流价值体系,要弘扬主旋律,传播正能量。[HT5”,5SS][KH*2] 2013年8月19日,五年一度的全国宣传思想工作会议在北京召开,做了重要讲话,旗帜鲜明地提出了“经济工作是党的中心工作”,按照小平同志当年的话,一百年不能变。接下去的一句话是,“意识形态是党的一项极端重要的工作”,然后对党的意识形态这项极端重要的工作做出了一系列的重要指示。 学习了总书记的讲话之后要重新思考文学艺术,特别是我们的艺术学、艺术学学科建设、艺术学理论学科建设究特别是艺术学理论本身竟是人类的一种什么形态的存在?马克思的一个基本的观点,“人类愈文明,社会愈进步,人把握世界的方式就愈应多样化。”他论证了主要的几种方式,摆在最前面的是经济的方式把握世界,也即物质的方式把握世界。人之为人不能只是物质的方式,必须还要考虑到独特的精神家园的坚守,还要有精神的方式。后面的几种方式是政治的方式、历史的方式、宗教的方式、哲学的方式,还要有艺术的方式。艺术是作为人类把握世界的一种方式而存在的。按照他关于上层建筑与经济基础的辩证理论,文艺是一种悬浮在上层建筑之上的东西,什么东西呢?过去翻译的是叫人类审美的艺术形式,后来在“马克思主义理论研究和建设工程”文学组里边引起争议了——人类审美的艺术形式能不能就过渡到人类审美的意识形态?我觉得翻译问题,不要搞文字游戏,艺术形式不就是意识形态吗?《文艺报》刊登的中国社会科学院的老所长张炯同志的文章《论文艺的意识形态性》,他明确地支持文艺是人类的一种独特的审美的意识形态,文艺跟其他的意识形态是有不同之处的,但是文艺总体上是有意识形态性的。为什么要说清楚这个问题?我派生下来的结论、推论就是,既然承认文艺是一种人类审美的意识形态,那么理所当然地文艺就应当进入党的一项极其重要的意识形态工作范畴而加以高度重视,就应该提高它的社会地位,特别是思想文化地位。这正是我们本届国务院学位委员会艺术学科评议组继承前几届学科组的不懈努力,最终终于实现了把艺术学升格为国务院学科目录的一个门类的最根本的理论依据。明白了这一点有什么好处?我以为才可能从理论根源上彻底地驳倒当下在市场经济条件下只承认艺术的商品性,而否认和排斥艺术的意识形态属性那种错误的思潮;才能进而驳倒肆意泛滥的过度娱乐化倾向甚至于娱乐至死的错误倾向;也才能从理论上、从根本上驳倒形形色色的戏说历史、消费历史、颠覆经典等等倾向。如果这一条不明确,艺术学的学科建设是很难实现8·19讲话中讲到的两个“巩固”——“巩固马克思主义在意识形态领域的指导地位,巩固全党全国人民团结奋斗的共同思想基础”的明确目标的。明确了这一点,才能使中国特色的社会主义文化建设持续地健康地繁荣发展在一条正确的历史轨道上。在当代中国,整个思想文化战线上的任务是如此,艺术学理论学科建设的任务也是如此,要弘扬社会主义主流价值体系,要弘扬主旋律,传播正能量。我历来主张高等学校是民族思维的先锋阵地,高等艺术院校是民族艺术思维的先锋阵地。先锋阵地是要搞理论建设的;是要密切地注视创作实践、进行理性抽象和科学概括的;要为整个民族的艺术创作和鉴赏提供思想引领、舆论推动、精神激励、文化支撑的;是要提供正能量的。这一条必须旗帜鲜明。 二、人类的精神生产包括电影生产应该讲价值导向,应该讲社会主义的主流价值导向。当下艺术的创作与鉴赏缺乏理论支撑,缺乏明确的理论导向,这是很值得引起艺术学学科建设和艺术学理论建设关注的。[HT5”,5SS][KH*2] 不用否认,我联系实际讲给大家交交心,说点真话,诉点真情,求点真理,虽不能至,心向往之。最近,我有幸连续参加了电视剧作品的全国政府奖“飞天奖”的评审,接着又参加了电影作品的政府奖“华表奖”的评审工作,再参加了电影的学术大奖“金鸡奖”的评审工作。我们在艺术学的鉴赏活动、创作实践里面已经呈现了这种情况,不能不联系实际,而联系实际就必须旗帜鲜明的坚持自己的学术观点和理论立场。比如对最近上映的一部电影艺术作品《小时代》,我们面对这个作品的舆论导向是什么呢?因为票房收入很高,于是在我们党和政府的最大的机关报上就刊发了文章说,《小时代》展示了大意义,这个电影叙述了“90”后们的审美需求、文化需求。同时也是在这张报纸上的“文艺评论”栏里面,又发了另一篇文章《不能无条件纵容小时代2、3出现》,对此作了严肃批评,认为这部电影的价值取向有问题,对少年儿童成长不利,在这篇文章中,作者说了一句非常尖锐的话,“不能无条件纵容《小时代2》、《小时代3》的出现”,这引起了有关部门的不满。这些有关部门说,国家审批不是你的权力啊,你们报纸应该发挥的是舆论监督作用,怎么能随便说谁在纵容啊?于是又在这张报纸的海外版上发了一篇文章《整顿世风不能靠打压〈小时代〉》,有这么一段话,“给一个拜金的人看100遍《焦裕禄》,他也不会变得省吃俭用;给一个不拜金的人看100遍《小时代》,他也不会出了电影院就去狂shopping。”这篇文章中,在汉语中夹杂使用了英文,这个文风就不对,不符合新闻出版法规,非常不规范。“为祖国语言的纯洁健康而斗争”,这是当年就说出的话,哪能用汉语表述祖国语言时就随便插入一句西文呢?而且,这句话从根本上抹煞了艺术的意识形态属性,抹煞了艺术教育、熏陶、提升人的灵魂的功能。这说明,我们艺术作品的创作与鉴赏缺乏理论的支撑,缺乏明确的价值导向,这是很值得我们引起广泛关注的。我们的高等学校不能说不发言。诸位去看一看那些电影作品,究竟包涵有多少文化含量和审美品位?但是因为它十几亿的票房,于是堂而皇之地就通过了电影艺术政府奖的初选,而且进入了最后的终评阶段。入选的理由是什么呢?说要由市场导向。这句话是由一位电影艺术政府奖评审的负责同志说出来的。那么我请问一下:人类的经济建设、物质生产需要市场导向进行资源配置;那么人类的精神生产包括电影生产能单一地讲市场导向吗?我看应该讲价值导向,应该讲社会主义的主流价值导向。为什么不能讲单一的市场导向呢?我建议我们都重读一下《资本论》,而且我是认真重读了的。马克思的经典理论著作都很伟大。马克思是研究剩余价值的,他是第一个发现剩余价值的人,其理论优秀就是讲资本生产最大的原则只有一个——追求利润的最大化。他同时说,人是一种高级形态的理性的情感动物,不能够只追求经济效益,同时要坚守精神家园;因此,人类除了经济地把握世界之外,还须要艺术地把握世界。而实际上包括宗教地把握世界目标都是建设精神家园,都是要讲信仰的。因此,他就提出了需要艺术地把握世界,艺术地把握世界又是审美的把握世界。谁都知道,从柏拉图、亚里士多德到康德、黑格尔,从老子、庄子、孔子到王国维、宗白华、朱光潜,概莫能外,都承认人类审美的最佳境界——“超功利”。于是矛盾来了:资本运作即市场运作是要追求利益的最大化;而审美的艺术创作要追求超功利的思想境界。马克思说,“资本生产对于精神生产的某些部门说来,如艺术、诗歌相敌对”。有的版本、有些翻译家谨小慎微,在“资本生产”之间加了两个字叫“资本主义生产”。意思就好像是说我们今天搞的是中国特色社会主义,这个原理不适用。我当着中央编译局的领导说:第一,请问,马克思写《资本论》是研究资本运作规律,那个时候人类社会还没有资本主义社会和社会主义社会之分,何来资本主义?第二,既然指出可以添上“主义”两个字,那么就要把此书叫作“资本主义论”,你敢吗?这肯定不行。恕我直言,近十余年来中国电影艺术创作的发展主要是依靠市场导向。今天的结果大家都可以看到。我跟北京师范大学艺术与传媒学院院长周星教授一起做“金鸡奖”评委时,我们在苏州艺术中心里面一看,成天排满电影放映室的影片,基本上是被《小时代》之类的电影作品被占满了,观看电影的大都是些文化素养还有待提高的谈情说爱的青年们,还有的带着未懂事的小孩儿的观众。所以,我曾经说过一个问题,为什么像上世纪80年代初我们成长的时候,中国电影观众是争先恐后地去看《天云山传奇》、《牧马人》、《人到中年》,看《野山》、《黑炮事件》;为什么到了今天《中国电影的市场报告》中客观反映的情况却是,观众们争先恐后去看《泰囧》、《小时代》之类的影视作品?还有一种说法——《失恋三十三天》是划时代的作品。这是一位中国电影学会一位领导同志的话,我下来就叫他“老划!”“你叫谁啊?”“你不是姓划名时代吗?……”这部电影在某些方面的成就我一点都不反对,但是不能把“划时代”乱丢啊。我看谁在“划时代”?钱学森先生在“划时代”:他进入21世纪提出了科学跟艺术不要在掐架了,要结缘复合,人类要高度重视艺术,甚至号召学自然科技的人也要学点艺术。这才是划时代的理论主张。 电视剧同样是这个情况。现在正在播的《大秦帝国之纵横》,他把那段时期围绕着赢驷跟张仪合纵造就大秦帝国的历史艺术地再现出来了,非常严肃。看看这样电视剧是需要历史文化的知识储备和理论修养的,看完了之后才会明白,哦,伟大的中华人民共和国原来在两千多年前的时候是这样统一起来的。从中吸取历史智慧、历史营养,乃至于上升到历史、哲学。那是非常有意味的事情。但是我们今天更多的电视剧作品不需要文化,天天都是“婆婆妈妈”,今天好老公,明天好婆婆,后天又是好媳妇。这些需不需要?需要。但是,成天都是这些“婆婆妈妈”中,把整个民族观众引领在聚焦个人的小悲欢,你拿这些小悲欢当大世界,谁来把握历史的整体走向呢?民族的文明程度何以得到境界的提升呢?有许多问题是须要我们艺术学理论来回答的,需要艺术学理论来给予阐释的。比如浙江理工大学中国美学与艺术理论研究中心主任金雅教授提出了一个新概念:在艺术学理论自身的建设当中,要自觉地进行一种民族学理的建设。民族学理,确实要各美其美,先美自己民族以及中华民族优秀文化艺术传统美的东西,然后再以开放的眼光美人之美,见好就拿,拿来就化,进而登上美美与共的台阶,从而去建设好中国特色的艺术学理论。但是在实际当中,我们碰见了一些错误思潮,有一种是基本上把艺术非意识形态化了,说艺术有意识形态,太保守了太落后了,就把它排斥了。对西方的一些东西,没有做到李瑞环同志在20世纪90年代初所说的,对西方的文化、对古代的传统文化“见好就拿,拿来就化”。关键在“化”上,“化”就是与共,就是费孝通先生讲的“美美与共”;“见好就拿”,好是好,如何辨别,就要靠眼光。现在是不好的也拿来了,就是放在西方社会算是好的东西也要有一个结合中国国情、为我所用的现实问题。 我们要巩固马克思主义文艺学、美学、历史学的基本观点在中国艺术学学科建设中的指导地位。在全国宣传思想工作会议上的讲话中强调的“四个讲清楚”,跟我们艺术学学科建设和艺术学理论建设有紧密关系。所以,我觉得在高校里面教书的老师们,在这些问题上有时候应该向新一代的党的领导集体的领班人、总书记的讲话学习。现在《人民日报》、《光明日报》天天发学习体会。不要只讲套话,要联系点实际回答点实际问题。我个人觉得应该注意两个观点: 一个是两个“巩固”,“自觉地巩固马克思主义在意识形态领域里的指导地位”。我可以旗帜鲜明地说,我主张要巩固马克思主义文艺学、美学、历史学的基本观点在中国艺术学学科建设中的指导地位。大家看看,现在博士学位论文引“马列”经典著作的不多了,通篇都是西方文论。对此,我不反对,但是有些问题明明就是马克思、恩格斯讲的就好,就彻底。比如全国文艺界理论评奖理论类著作抱来一本,有一位大学老师写的著作,引了西方翻译的,唯独不引用恩格斯的《家庭、私有制和国家起源》中的话“没有爱情的婚姻是不道德的”。马克思、恩格斯经典著作的重要性不言而喻,全党全国人民共同奋斗的思想基础就在这里,这是党章甚至宪法的定论;放弃了它就放弃了立国之本。讲了两个“结合”,我感触很深。一是“一定要把服务群众同教育引导群众结合起来”。我们现在只讲“服务”,不讲“教育引导”,或者淡化教育引导。这很危险。最明显的是,电视只看收视率,电影只看票房,出版物只看码洋,都是只追求这些外在的东西。一部电视剧作品是否优秀,不能拿收视率来衡量;收视率高的未必优秀,收视率不高的未必这部作品就不优秀。以收视率统计本来就不是很科学,年年统计起来除了赵本山的,就是一些极其庸俗的娱乐节目高居榜首。 二是“把满足需求同提高素养结合起来”。我们过去只讲“需求”,不讲“提高素养”。在讲话中讲,“要继续推进文化体制改革,推动文化事业全面繁荣和文化产业快速发展”,“无论改什么、怎么改,导向不能改、阵地不能丢。”我跟楚小庆总编说,你在《艺术百家》杂志社当主编就牢牢把握了这个思想舆论和知识理论阵地,这个文化阵地没有丢,坚持了正确地舆论导向跟你个人的努力也有很大的关系。全国人大常委会副委员长许嘉璐教授问过我,《中国电影年鉴》还是人民的吗?他感慨于中国电影有太多类似《小时代》这些,优秀的电影不安排,安排也到了深更半夜,因为没有票房收入。这还不叫丢了阵地了吗?在全国宣传思想工作会议上的讲话讲了“四个讲清楚”,跟我们艺术学理论很有关。一是“要讲清楚每个国家和民族的历史传统、文化积淀、基本国情不同,其发展道路必然有着自己的特色。”艺术学学科建设和理论建设须要补这门课。中华民族是一个有悠长艺术传统的民族,我们的艺术传统究竟是什么样的?在这个问题上我赞成金雅教授所说的,加强把民族学理的自觉意识注入到艺术学理论的研究里面,才能够把我们都艺术积淀讲清楚。我们有那么多画论、书论、印论,《文心雕龙》、《诗品》、《书品》等,都积淀了丰厚的艺术。北京大学编了二十本“美学资料汇集”,很有价值。二是要“讲清楚中华文化积淀着中华民族最深沉的精神追求,是中华民族生生不息、发展壮大的丰厚滋养。”中国古典戏曲有那么多优秀的戏剧,积淀着中华民族的精神追求,是这个民族的灵魂,而且各种地方戏曲都是地方之人用戏曲形式审美地把握世界的精神生态。美术、舞蹈也是一样,有很多宝贵的历史文化积淀在里面。三是要“讲清楚中华优秀传统文化是中华民族的突出优势,是我们最深厚的文化软实力”。软实力在哪?现在盲目地叫“走出去”,走出去的都是糟蹋了传统的、颠覆了经典的,走出去的越多,其中涵盖的这个国家和民族的软实力就越被人家看不起。报纸上有文章说,看完了《小时代》中国人的道德现在怎么会这样呢?所以才讲“优秀传统文化是中华民族的突出优势”。比如2012年度的艺术学理论年会上我曾经说过,元杂剧里面优秀的经典《赵氏孤儿》,提倡中华民族的优秀文化传统,然而电影《赵氏孤儿》却把忠诚的程婴的历史形象给矮化了。这就弱化了我们的文化软实力。现在有一部电影票房也很高,描写了一个中国的女青年在自己的国土上,道德懦弱了当了“小三儿”,怀了别人的孩子,然后混进西雅图海关到美国的国土上待产,这一切所发生的故事。简单说来,在那块土地上完成了道德的转化、灵魂的进化,找到了真正的爱情,最后屏幕上扬起了美国的国旗,完成了一个美国梦。我是理解和赞成新近被任命为中国艺术研究院副院长的贾磊磊研究员的观点的,这样“造成了民族欣赏心理的健康的正能量的流失”。四是要“讲清楚中国特色社会主义植根于中华文化沃土,反映中国人民意愿、适应中国和时展进步要求,有着深厚历史渊源和广泛现实基础。”最后落到了中国特色的社会主义文化上,艺术是文化的重要组成部分。所以,大家要看到除了过度娱乐以外,大量颠覆经典、戏说历史、消费历史的。这不外乎就两种形式,简单说来,一种是显性的表现出来的,用一种假定,说历史如果这样发展就不会怎么样。历史本来就这样发展过了,但是他假定一下,把历史的发展走向给颠覆了。比如说,如果“五四”时期如果如何如何,中国早就富强起来了。还有一种最通常的,专门去解构、矮化甚至于颠覆那些重要的、已有的历史经典作品的例子。这些不是站在唯物史观的立场上去研究,而是有意反过来说。比如重庆教育台,从来都是说反抗侵略者,坚持了数十年,等等。现在坚持战争,灭绝人性,投降才是和谐,才是正确主张,才符合今天构建和谐社会的追求。这些都是很明显的显性的。在艺术创作和鉴赏实践里面,都须要我们理性地分析和抽象。还有一种很明显的隐性的东西,这些发现起来还要靠一些理论功底的。最明显的就是打着写实招牌把历史碎片化,通过把碎片化的某一个历史细节无限扩大之后得出了一个与原先完全相反的结构。比如说,找一个在某个时期留下的表明他抗战主张的片段,最后的结论就说,抗日战争真正打赢是领导的国民党,共产党领导的八路军、新四军等人民军队都是打游击战、东躲西藏的没有发挥多大的决定性作用。文学界在上个世纪有一段时间流行政治先锋格局,写出来的小说总是着意于形式上和语言上,这些探索了新的东西,有贡献。但是它的主要美学思想是形式美学。后来,主张生活的原汁原味、民众判断,取消了正确的价值判断。这其实就是含混美学。这里面还有很多问题。这些,都是值得我们深入讨论、认真开展文学艺术领域中的理论研究的相关问题的重要方面。[HT5H][KH*2]四、作为人类的审美的意识形态的艺术学学科建设和艺术学理论建设理应以文化自觉和文化自信的姿态参与到党的极其重要的意识形态工作里面去,做出自己独特的贡献。 我坚持认为,作为人类的审美的意识形态的艺术学学科建设和艺术学理论建设理应以文化自觉和文化自信的姿态参与到党的极其重要的意识形态工作里面去,做出自己独特的贡献。艺术关照的对象里面有很多复杂的现实问题是需要我们进行抽象概括的,需要艺术学理论,尤其需要中国特色的艺术学理论来深入阐述和展开评论的。这样才能真正做到古为今用,洋为中用,去伪存真,去粗取精。所以,我的结论就是,作为人类的审美的意识形态的艺术学学科建设和艺术学理论建设理应以文化自觉和文化自信的姿态参与到党的极其重要的意识形态工作里面去,做出自己独特的思想理论贡献。当然,作为审美的意识形态是有特殊性的,我们要牢牢吸取过去把文艺完全意识形态化,从属于政治,驻足于意识形态的公式化、概念化的惨痛教训。但是,我们不能非此即彼,二元对立,从而又走向另一个极端,完全排斥和否认文艺的意识形态属性,片面强调文化艺术产品(艺术作品)的商品属性。 我们应当提倡坚守与时俱进的马克思主义唯物史观与辩证法,执其两端,把握中间,掌握好度,兼容整合,辩证思维地看待艺术学理论的生存状态和理论抽象,从而真正做好中国特色的艺术学理论建设和艺术学学科建设。(责任编辑:楚小庆) 艺术学类论文:自省与突破:艺术学升门类后的艺术教育新思路 艺术学升格为学科门类是艺术教育界一件具有历史意义的大事,自2011年2月国务院学位委员会通过了将艺术学升格为学科门类的决议后,时至今日,诸多专家学者纷纷发表文章,或阐述艺术学升门类后面临的机遇与挑战,或思考艺术学科今后的发展走向。那么,在近两年的时间里,通过适应、调整与改革,各高校艺术教育部门该如何应对这一变化、艺术教育面临哪些新问题、艺术教育工作者又该如何转变心态等,都需要重新梳理与总结。 在建设文化强国的背景下,艺术学升门类后艺术教育面临的一系列问题,已经不只是理论问题,更是紧迫的实践问题,如何使艺术在文化大发展大繁荣中发挥应有的作用,是艺术教育工作者亟待思考与践行的课题。在2012年第七届全国艺术院校院(校)长高峰论坛召开之际,本刊针对艺术学升门类后艺术教育面临的新形势邀请业内专家学者进行了探讨,希望能够对今后高校艺术教育的改革与发展带来一些启示。 “艺术院校自身规模的负重、学科设置的单一及滞后、与市场及行业的脱离等诸多问题日益凸显。”//“把本来让孩子自由发挥天性的艺术教育,又变成一种新的应试教育,很多孩子是被逼着去学艺术的,这样艺术教育就失去了它真正的意义。” 从专家开始呼吁将艺术学从文学门类中独立出来,至今已有10余年的时间,这期间业内学者对艺术学自身的学科地位、学科属性和学科方向等问题已进行多年的思考,而升门类后艺术教育及艺术学科内仍然存在一些问题需要进一步完善,北京大学艺术学院教授彭吉象对艺术学升门类后存在的问题进行了总结: 盲目扩招——受经济利益的驱动,有些学校艺术类专业为了收学费进行扩招,比如某理工大学的二级影视学院,每年招上千名学生,却没有一个全国知名的学科带头人,这种情况是必须制止的。目前全国在校艺术类本科生近100万人,约占中国高等教育的十分之一,数量太多,其实不需要这么多人考艺术,而且很多人学了艺术之后也没有从事与艺术相关的工作。 缺乏规范——艺术学升门类后,有5个一级学科,每个学科都需要理顺。一是艺术学理论升级为一级学科,但是里面有很多问题,这个学科到底应该怎么发展,并没有一个统一的思想,各个学校自行其是,一些规模较大的学校还比较好,而一些规模较小的学校完全随心所欲,甚至个别学校连一个搞艺术学理论的教师都没有,居然也有这方面的硕士点,这样教出来的学生能合格吗?再有,比如戏剧与影视学方面,问题更严重,现在影视热,一些学校便盲目扩招。升门类后,这5个一级学科,都有规范自身的问题。建议教育部组织每个学科的专家进行研究,比如艺术学理论,到底应该开哪些课?学生的培养目标是什么?课程设置有哪些?甚至每个一级学科里面有哪些二级学科也没有讨论。另外,还应该对师资进行培训,比如原来没有艺术学理论这一专业,教师是改行去做的,所以应该规范师资。 层次不清——现在艺术教育只是分门类,实际上还应分层次,比如在戏剧影视学里面,应该有少数是培养精英的,第二部分是培养电视台或电影的从业人员,第三个层次是培养技能型的人才。这样分出三个档次,一是精英型,二是一般型,三是大众型。很多学科都涉及这样的问题。艺术教育还是应该培养尖子的,比如像北京电影学院,重点就是培养电影演员。 定位不准——目前艺术教育往往是专业艺术教育,其实还有广义的艺术教育问题,比如现在各个学院都在招艺术特长生,艺术特长生在招生时会加分,这是应该的,但现在搞成了一种新的应试教育,有些家长逼着孩子从小弹钢琴、跳舞、唱歌等,不管孩子喜欢不喜欢,因为以后可以加分,这样艺术特长就成了上大学的另外一块敲门砖,把本来让孩子自由发挥天性的艺术教育,又变成一种新的应试教育,很多孩子是被逼着去学艺术的,这样艺术教育就失去了它真正的意义。另外,目前还有一些学校没有真正进行艺术教育,甚至个别学校团委认为艺术教育只是搞活动,认为唱歌、跳舞等就是艺术教育,其实不是,真正的广义艺术教育,是要把艺术当成人们心灵的家园,这就是蔡元培讲过的以美育代宗教,这个宗教其实就是一种精神家园,是精神的寄托。 吉林艺术学院院长冯伯阳认为,自上个世纪90年代以来,中国高等教育在快速扩张发展的同时,高等艺术教育的办学格局也经历了一场令人始料未及的分化与重组,尤其是在中国社会变革的激流中,在各种观念的冲击下,在理想的坚守与利益的博弈的同时,艺术院校自身规模的负重、学科设置的单一及滞后、与市场及行业的脱离等诸多问题日益凸显。面对当下中国文化大发展大繁荣的形势,面对艺术学升格为门类后的艺术学科建设,面对中国日渐融入世界艺术发展潮流的趋势,艺术院校能否尽快实现内涵的拓展及转型发展,抓紧构筑跨门类、跨学科专业和全口径、紧密服务于行业的艺术人才培养体系,重新进行办学定位,将成为未来一个时期的重要任务。 “艺术院校的竞争,从来就不是规模的竞争,各院校的生存基础,也不会绝对地建立在规模之上,对规模的限制,即是提升质量的前提,未来的社会发展对艺术人才的选择和需求,会永远是以质量作为考量人才的唯一标准。” 彭吉象教授在其代表作《中国艺术学》中用六个字概括了中国传统艺术的精神,即道、气、心、舞、悟、和。把艺术的各个门类打通,它们的特点都是相同的。他认为艺术学这个学科,有很多种划分法,第一种划分法,比如艺术学理论,应划分为艺术理论、艺术史、艺术批评,这是参考文学的划分法。第二种划分法,是根据艺术概论,一是艺术创作、二是艺术作品、三是艺术鉴赏。第三种划分法,即在艺术学理论中,现在常用的划分不同门类的理论,比如艺术学理论包括音乐理论、美术理论、影视理论、戏剧理论等,把这些理论的共同点抽出来进行研究,也是一种方法。第四种划分法,艺术学在西方发达国家,近一二十年来衍生出很多新的学科,比如艺术人类学、艺术心理学、艺术社会学、艺术文化学、艺术管理学、艺术传播学,还有比较艺术学,我们现在还没有很好地开展起来,比较艺术学在中国没有发展起来,是因为以前在中国搞艺术理论的人非常少,各个艺术院校都重视创作和实践,艺术理论起步较晚。 与彭吉象教授关于艺术学学科建设及专业结构调整相呼应,冯伯阳认为,在建设文化强国的背景下,在艺术教育使命的感召中,面临新的历史机遇和挑战,艺术院校应尽快实现办学的内涵拓展和转型发展。他提出以下建议: 突破院校名称对办学内涵拓展的限制 我国目前的专业艺术院校名称多半是在上世纪计划经济时代确定而沿用至今的,其间,伴随着我国人口基数的不断增长,尤其是上世纪90年代末高等教育扩招以来,各院校的办学规模都相应地扩大了几倍、十几倍,甚至数十倍,与此同时,社会经济文化的发展对各类艺术人才的需求,以及艺术学科自身的发展已经悄悄地改变着艺术院校的办学内涵,然而,人们将艺术院校的名称与学科专业设置对应的观念,或多或少地限制着艺术院校的进一步发展。 目前,我国一些省份设置的几所综合性艺术院校均已处于超负荷状态,在此情况下,按行政大区设置的单科性艺术院校就更难满足区域经济文化发展对各类艺术人才培养的需求,于是,在艺术人才培养被盲目分流的状态下,专业艺术院校的生源质量受到严重削弱,进而导致人才培养质量受到相应的制约和影响。有鉴于此,专业艺术院校理应主动突破院校名称的限制,大力拓展学科专业方向,整合艺术教育资源,在培养多学科高端艺术人才方面承担更多的重任。 突破学科专业设置对院校发展的限制 2011年,当艺术学上升为独立的学科门类后,标志着专业艺术教育从此有了自己的学科属性,按照新的艺术学学科门类下设的五个专业类,从当下社会对艺术人才的需求和艺术院校的现状来看,在学科规划和建设方面仍具有很大的拓展空间。艺术院校在学科专业类别方面的跨越和突破,将成为艺术院校内涵拓展的途径之一。 在教育部2012年新颁布的《普通高等学校本科专业目录》中规定,除了艺术学门类下设的五个专业类中所包含的29种专业外,在教育学、工学、管理学等门类中的若干专业也可授艺术学学士学位。此外,许多学科门类中的专业都具有与艺术学门类跨界的可能,尽快构建学科门类内部的学科群以及跨学科的学科群,将对艺术人才的培养产生积极的推动作用。 突破传统人才培养模式的限制 高等教育的扩招,曾一度使传统艺术教育模式陷入了严峻的困境,一方面体现在艺术教育规律对办学规模的制约,另一方面则体现在办学规模对人才质量的制约,这几乎成了艺术院校面临的共同难题。近年来,随着各院校教学条件的改善,教学投入的增加,硬件条件虽然有所提升,但人才质量问题仍不容乐观。为此,创新人才培养模式,已成为大家共同寻求的改革目标。 自创新型人才观念提出以来,对传统型艺术人才培养模式已产生深刻的影响。创新型人才观念的提出具有重要的时代意义。在我国教育规模达到一个空前发展的阶段时,大家探讨创新型人才培养,实际上也是在寻找大众化教育背景下新的精英教育模式,也正是艺术教育在寻求的新的教育理念。 突破内部管理体制与运行机制方面的限制 作为公办艺术院校,一方面享受着政府主管部门在财政拨款及公共资源配置方面的巨大优惠,另一方面也受制于多年来形成的带有计划经济色彩的管理体制及运行机制。随着市场经济的发展对高校带来的冲击,艺术院校内部现行的人事分配制度已经不断地出现尴尬境况。近年来,被广泛关注的高校管理行政化的趋势,近期内仍难以转变,学术的力量、专家的声音还不足以影响和控制学校的决策。 艺术院校内部管理体制与运行机制的改革与突破,既有待于国家政治体制与教育体制改革的逐渐推进,更需要院校自身的改革与创新,随着高校办学自主权的进一步落实和强化,随着高校自身办学实力的不断增强,以及对高等艺术教育规律认识的不断深化,艺术院校必然会摆脱各种束缚,形成具有自身特色的发展模式。 突破单纯追求规模效益发展的限制 时至今日,如果不是国家教育主管部门对招生计划的宏观调控,我国艺术院校的办学规模仍有扩张的空间和可能。由于我国社会经济的快速发展,带动文化市场对艺术人才的需求以及大众对接受高等艺术教育的渴求是规模扩张的外驱力,而艺术院校自身发展的需要和对经济效益的追求则是规模扩张的内驱力。然而,艺术院校的转型发展,必定要实现从规模发展向质量发展的转变。这不仅仅是对艺术教育规律认识的回归,更是对未来艺术人才社会需求的理性判断。 “多年来,由于诸多方面的需求及利益所致,‘艺考热’一直持续升温,丰富的艺术生源在支撑艺术类院校规模扩张的同时,也造成了艺术教育虚假繁荣的景象。而随着我国人口红利期的逐渐退去,尤其是当人们对接受艺术教育的动机逐渐趋于理性之时,艺术教育必将面临一次新的转型。我们应该看到,艺术生源数量的下降,将为艺术类院校寻求规模与质量的协调发展创造新的机遇。而且,近年来在高校提高办学质量呼声日益增强的同时,社会评价大学的视角也发生了一些变化,专业特色、学生就业、为社会服务能力等方面已成为衡量和评价大学办学质量和影响力的基本着眼点。”正如冯伯阳所说,“艺术院校的竞争,从来就不是规模的竞争,各院校的生存基础,也不会绝对地建立在规模之上,对规模的限制,即是提升质量的前提,未来的社会发展对艺术人才的选择和需求,会永远是以质量作为考量人才的唯一标准。” 要实现办学的内涵拓展和转型发展,从而进一步实现高质量的人才培养,必然涉及改革。针对教学改革,星海音乐学院副院长雷光耀提出教学中融合的必要性,包括:课程设置的融合,如合理合并一些相近的课程,如公共课程中的和声与曲式、乐理与视唱练耳等。教材的融合,指伴随着课程的融合而新编必要的教材。教学内容的融合,指教师有意识地加强本课程与其他课程的联系,改变由于过分强调完整性与系统性而造成的课程之间内容割裂的情况。雷光耀认为,无论是一类学科、一个专业或是一门课程,只有在有纵横发展坐标的参照下,才能明确自己的定位,也才能了解自己的发展方向。另外教学观念的转变也很重要。包括教学管理者的前瞻性:政策的制定方面,要发挥主导作用,引导教师转变观念,积极参与改革。因为在现行体制机制下,改革若没有广大教师的参与支持,是难以为继的。教师要能在大视野背景下做学问,搞教学。古人说“不谋全局者不足以谋一隅”,即此道理。 “通过‘录音笔’工程,将教师授课中的精华记录下来,形成体系,提升至理论高度,这样做可以帮助艺术类教师从一点一滴抓起,提升理论修养。”//“树立多元文化音乐教育的理念,强化民族音乐课程和地方音乐文化课程建设,实现知识结构的多元化和知识结构与地方文化的对接。” 在艺术学升格为学科门类后,各艺术院校及高校艺术院系均不同程度认识到自身的不足,对艺术学科今后的发展进行理性思考,也为学校的长远发展不断探索。 重视科研:调整理论与实践杠杆的平衡 上海师范大学谢晋影视艺术学院执行院长赵炳翔介绍说:“艺术学升门类后,学校召开艺术学科发展和建设研讨会,发现了很多不足,以前我们只重视艺术专业的技能性,而忽视了艺术类专业的理论性与科研方面,这些方面始终是我们的一个软肋,这对学校的长远发展是非常不利的,梳理一下,主要有两个方面的原因:一方面,教师还是轻理论重实践,轻科研重技能,几乎所有艺术专业都存在这样的问题。现在我们在这方面调整杠杆,包括科研的奖励力度、教师的考核机制以及一系列的规章制度,都做了调整,我们充分认识到,艺术学科升格门类后,我们应拿到一级学科的硕士点和博士点,几个艺术学院资源共享,同时加大引进人才的力度,加大对人才的投资。另外,从长远发展看,学科的整合,把每个学科的薄弱环节找出来,着重去加以弥补、修正,这时我们从本科专业开始梳理,严格按照教育评估的要求去做,至少理清我们还缺少什么,需要怎样去做,把艺术类专业抓实抓好。我们引进相关理论专家,辅导相关技能教师,帮助他们渡过难关。做到‘两条腿走路’,一方面调整奖励机制,另一方面引进理论专家,促进教师申报科研课题。另外,学院通过‘录音笔’工程,将教师授课中的精华记录下来,形成体系,提升至理论高度,这样做可以帮助艺术类教师从一点一滴抓起,提升理论修养。” 赵炳翔认为,通过全国艺术院校院(校)长高峰论坛,全国各高校管理者及教师聚集在一起,共同探讨艺术教育的发展及未来,了解各高校的发展情况及问题,共同探讨策略,共商发展大计,非常有意义。同时传达了上海师范大学谢晋影视艺术学院的一些办学理念: 一是作为一所学校不可能所有学科都很成功,我们的原则就是“有所为,有所不为”,提出“1+X”设想,如将准备申报博士点的“艺术学理论”学科作为“1”,其他学科是“X”,成熟一个,支持一个,学校加大力度支持“1”,鼓励作为其他学科的“X”,这样就调动了所有人的积极性。 二是错位竞争,所谓错位,就是要比较同类院校有什么优势,相互取经,取长补短,这样就可以知已知彼,赢得一席之地,这样对学生的就业是非常有好处的。要看全国重点高校的长处是什么,作为市重点学校我们应该怎样错位,比如培养艺术类的师资,如表演师资,将来那么多高校总会需要教师,从2007年开始我们将表演分为影视戏剧表演和表演师资两个方向,这样就可以融入到师资队伍中去,几年下来,我们的很多学生毕业后进入高校做了教师。 整合资源:将校园文化与民族特色融为一体 湖南文理学院音乐学院院长吴修林介绍了湖南文理学院在教研实践中的一系列作法:一是整合资源,将民族民间优秀文艺纳入大学艺术教育课程讲台;二是精心编排,把本土非物质文化遗产项目作品搬上校园文艺舞台;三是策划创意,塑造具有地域特色、时代风采的文艺精品推上国家大奖台;四是服务社会,将校园文化与地方文艺融合为一体,高校师生浓情献演地方大舞台。 “在课程设置上,强化民族音乐课程和地方音乐课程建设,促使课程结构与地方文化的对接。学院的课程设置,强化在公共基础课程、公共选修课程、专业基础课程、专业选修课程中民族民间优秀文艺的纳入。重构专业课程体系,努力形成音乐、艺术和文化三位一体的整体课程结构。树立多元文化音乐教育的理念,强化民族音乐课程和地方音乐文化课程建设,实现知识结构的多元化和知识结构与地方文化的对接。将民族民间优秀文艺纳入大学艺术教育课程,其特色体现在多方面:一是指导思想明确。‘挖掘民族传统之艺术,围绕专业教学搞研究,立足学生成才重实践’一直是学院紧紧围绕的目标和动力。二是地方特点鲜明。常德丝弦、汉剧高腔、澧州大鼓等颇具地方特色的部级非物质文化遗产均纳入了课程。” 地方院校结合自身所处地理优势开展特色专业课程及教学研究,并非只是在艺术学升为门类后才开始的,但在传统文化日益受到重视的今天,艺术教育的本土化呈现出蓬勃的发展态势,正如湖南理工学院音乐学院副院长柳青所说:“从近年正式刊发的教研论文与教育新闻报道及地方高校专业建设数据可知,自上世纪80年代以来,随着以中华文化为‘母语’的音乐教育意识的增强,国内不少地方高校的本土音乐教研意识明显提升,地方高校的音乐教育本土化办学特色日渐鲜明:福建泉州师范学院音乐学本科开设‘南音’方向,并申报成功‘南音’部级人才培养模式创新实验区(2003),后又创立南音专业,成立南音学院等;评弹走进苏州大学的课堂;九江学院成立青阳腔戏曲艺术中心与青阳腔戏曲艺术教学实践基地;涪陵学院与长江师范学院开展乌江流域民间音乐的研究与教学活动;漳州师范学院成立闽南民俗文化研究所;安庆师范学院开展黄梅戏艺术教育,成立黄梅戏艺术学院;昆曲成功地走进中国多所高校;绍兴地方戏曲进入绍兴文理学院的音乐教学课堂等事例说明,不少地方高校在新时期努力履行地方高校音乐教育服务区域经济文化建设的高校职能的同时,逐渐彰显出了强势的区域音乐文化研究态势与鲜明的地方高校本土音乐的教育特色。蓬勃的地方高校本土音乐教研教育势力,同时引领着地方高校公共艺术教育也将区域音乐文化的教育传统纳入到地方高校校园文化生活当中,大幅度强化了地方高校的本土文化特色。” “目前很多高校的公共艺术教育并不理想,也没有好的师资,很多高水平的艺术教师不愿意开艺术普及课,呼吁各位专家学者要给本科生上课,而不是只带博士生。高水平的学者要开一些普及课,要面向大学生讲课。” 今天的高等艺术教育在整个中国高等教育的格局中已占据十分重要的地位,从高等艺术教育学科设置的覆盖范围、生源的数量、社会影响力等方面,都可看出高等艺术教育已经取得了长足进步。尽管如此,艺术院校在办学模式、招生计划、资源配置、管理方式等方面仍然存在很大的提升空间,高等艺术教育乃至整个中国高等教育自主办学空间有限。作为艺术教育工作者及管理者,如何在自己的领域里以改革的态度与创新的精神,在教学管理和教学实践中积极探索,更好地实现艺术学学科调整后对人才培养的优势效应,是当下需要思考的问题。 不可否认,艺术教育是提高人的修养的重要组成部分。无论是精英教育还是普及教育,要培养有文化的知识分子,加强学生的人文精神和提高其艺术修养尤为重要。采访中彭吉象再次重申艺术教育包含两个方面,即专业艺术教育和公共艺术教育,二者同样重要。他说:“目前很多高校的公共艺术教育并不理想,也没有好的师资,很多高水平的艺术教师不愿意开艺术普及课,而低水平的艺术教师又影响了学生的胃口,这样就形成了恶性循环。呼吁各位专家学者要给本科生上课,而不是只带博士生。高水平的学者要开一些普及课,要面向大学生讲课。” 在艺术学升为门类后,在大力弘扬传统文化的今天,艺术教育构筑人类精神家园的旨归已经足够明晰,相信通过有识之士的共同努力,通过高等艺术教育自身办学理念的完善,高等教育必将真正实现大学的理想和精神。 艺术学类论文:艺术学升门类后中国影视传媒教育发展分析 艺术学升为门类后,影视教育迎来新的发展契机,如何培养新形势下的影视传媒高端人才,需要新的发展思路。回顾中国影视传媒艺术的发展历程,深切感受到坚守精神价值的意义。探究传媒艺术的新时展需要观念正确认知,也需要把握现实状况。 一、影视传媒艺术发展状况分析 毫无疑问,影视传媒是历史发展的需要促发了快速发展现状。传媒艺术是现代文化的重要组成部分,已经成为当代文化构成的最为重要的对象之一,在影响人心、陶冶精神上举足轻重。而围绕传媒艺术的教育事业更是突飞猛进大规模扩展。按照原有学科门类,传媒艺术长期以来一直置身于文学门类中,分别驻足于文学门类的新闻传播学科和艺术学科中,其生存规则和发展所限也和其所依托一样得失相间。而2011年2月,国务院学位委员会提过决议,将艺术学独立为国家第13个门类,其中设立5个一级学科,“戏剧影视学”成为包容于传媒艺术的一个一级学科。这既和中国艺术文化的地位得到高度重视、社会对于艺术精神价值的更多认可息息相关,也是传媒艺术在新形势下跃升到新的平台与获得新的发展机遇的契机。随着社会经济迅猛发展,也伴随着艺术与传播文化的高速扩展,传媒艺术理应顺应时展需要成为一级学科来进一步建设。将视野放大到社会历史背景中看,传播的力量不亚于物质生存的力量,而随着国力不断增强,重视艺术文化和传播价值是衡量国家文化发展平衡与否的重要因素。可以说,中国艺术文化建设和传播力量的发挥顺乎自然,而21世纪的第二个十年所迎来的新的契机,使得传媒艺术教育格局也将发生重要变化。 影视传媒艺术教育因为艺术学成为学科门类而获得新的发展生机,就艺术而言,是伴随人类精神发展史而存在的重要对象,更是人类情感抒发历史的主要呈现。艺术学是公认的独立研究对象的学科,但作为研究人类艺术思维和艺术表现形态规律的学科,从来就存在却并非被格外重视,在阶级纷争和艺术形态至上的年代,艺术只是修身养性和小资娱乐的对象,不登大雅之堂的意识也表现在艺术学不太为学术所认可。但传播的兴起改变了艺术学的地位,某种程度上,依赖传播而走出象牙塔的艺术,在社会的认可度大大提升,而随着社会生活质量的提高,艺术传播也日渐具有影响,但限于旧有学科划分,其在众多学科中没有得到专业人士预期的高度认可,不断涌现的对于艺术学地位的议论就情有可原了。人们抱怨的只是被轻视的不满、被划归门类的错误、被另类要求的误解等,所以,合理性的学科门类定位的渴望滋生奔涌也是事理所然。如今艺术学升级为门类后,名分真正确立,接着需要的就不只是理论上成立与否,而是需要观念的进步和自身完善的支持,甚至需要在自立门户时让自身理论基业得到夯实,同时应当在自身独立的精神支柱上论证强化。 首先,随着艺术门类的独立建制,影视和新媒体艺术自身的独立性研究需要加强,确立自身独立身份和自有规律的意识需要强化。其次,有了自主掌握学科发展规律的可能性,对于影、视、广播、动画、新媒体等自身差异性与共通性的认识需要更为扎实的理论支持。接着,“传媒艺术”的综合性特征的认知需要梳理,学科包容了戏剧戏曲、影视广播、动画新媒体等,其相互影响使得艺术既有本质如何把握,传播导致变化的异同都需要更为深入的探讨。 二、新形势下的传媒教育认知 艺术学升级门类后,艺术传播教育所面对的现实也有了不小的变化,我们所应对的任务也随之而生。 (一)首当其冲的就是传统传媒的单一性教育面临综合性教育设置的问题。艺术学升格为门类后,直接带来学科教育影响的就是一级学科的大幅膨胀。此前,在2010年一次全国范围的一级学科调整中,原有文学门类下的整个“艺术学一级学科”增加了包括艺术学一级博士点和硕士点在内的130多所学校,其中包括电影学和广播电视艺术学的艺术传媒学科。按照2011年新门类建立后相应对应调整的原则,这些刚刚获批还没有静下心来的学科迅速跃入快车道:2011年申报新的学科门类下的五个一级学科的学校猛增,一下子就有424个学科申报点,其中报一级学科硕士点356个,一级学科博士点68个。和传媒相关的一级学科申报超过100个学科,其中报博士点一级学科中的“戏剧影视学”有17个学科,报硕士点一级学科“戏剧影视学”的有89个。显然,过度增长的学科遭遇到共同的问题:如何适应获批后新的学科建设和方向调整,尤其是综合性的人才培养问题。比如,即将实施的普通高等学校本科目录中“戏剧影视学”初拟设定11个专业:表演、戏剧学、电影学、戏剧影视文学、广播电视编导、戏剧影视导演、戏剧影视美术设计、录音艺术、播音主持艺术、动画、影视摄制等。其中几乎都涉及或包容影视传播。而研究生培养的二级学科目录初步确定为:戏剧戏曲学、电影学、广播电视艺术学、戏剧影视表演、戏剧影视导演、戏剧影视编剧、戏剧影视美术设计、戏剧影视摄影、戏剧影视音乐与录音、播音主持艺术、戏剧影视教育。其中也几乎都涉及或包容影视传播。影视传媒的时代需求不言自明,但综合性的传媒艺术学理建设还需要假以时日来巩固提高。 显然,综合性是时代走向,也是传媒更好发挥时代影响力的内在要求,而影视传媒在成为文化产业的先导定位上,不能不扩大自身的视野,而影视传媒教育的综合性设置变化无论是实际需要还是学科要求,都已经迫在眉睫。 (二)传媒的学术理论阐释需要加深。在综合性明显的趋向中,学科自身、学科与学科交融的机理需要更为合理的理论阐释。在电影与电视、传播与艺术、新媒体与传统媒体的融合之中的各自性状、交织可能都需要进行理论的探究。作为技术性强的已有学科,影视传媒学科在自身学科基础认知上一直有游弋和漂浮的成分,在艺术的精神性和传播客观性认识上都需要更为扎实的学理透视。实际上,艺术学科自身整体上也遭遇到门类建立后的理性认识矛盾,我们以往强调艺术门类确立对于艺术学科发展意义重大无可置疑,引起艺术教育界的不断研究也是必要之举。但5个一级学科的现有格局也未必被全部认同,主要原因在于艺术门类之间的差异性较大,而影视和戏剧在表现形态上也差异大于归同,但为了学科独立的大归类而聚合的格局基本合理,但回到自身的划分就难免凸显一些矛盾。尤其是戏剧戏曲与影视广播的分立要求明显,却需要合理联系的麻烦不小,而传播特性和影视艺术之间的关系梳理更为迫切。显然归类的学科建设还有很多事情要做。将来还将遇到如何考量一级学科的学术含量问题。理论如何梳理,理性如何对待技巧创作、学术理论和传播客观性的关系,正是影视传媒需要正视的问题。 (三)传媒学科教育的质量提升应该提到议事日程上。尽管影视传媒迅猛发展是绝对的好事,但鱼龙混杂和缺乏明确门槛的问题也将凸显出来。不能不说,在此前原艺术学目录下放宽的一级学科点申报,也许在别的学科门类发展中比较自然,因为没有门类升格的新跃进,艺术学科在旧体制下的大膨胀和新规中的一级学科核定显然不是一个层面的问题,却不能不交织而造就学理和逻辑的难题。传媒艺术也是如此,迅猛发展的需求与扎实学历的支撑之间还有不小的裂痕需要弥补。简言之,艺术学科和传媒学科的质量忧虑相伴而生。专家们一般都认为艺术学科需要发展,但质量跟进十分必要。由于上一轮的学科论证有归于宽泛之嫌,而且是准许在8个原二级学科划分范围中的三级学科方向上进行一级学科申报,要由此来进行归并复杂化的新一级学科在学科门类意义上的对应,其拔苗助长的一些渴望,就容易催生刚刚建立的艺术门类大膨胀的一级学科局面。传媒学科也难以避免。在传媒学科申报者中,一些学科学理基础不好,而学科拼凑现象明显,教学科研带头人学术影响力很弱,队伍的质量也不高。如此这般的学科发展不免影响着影视传媒学科的发展质量。严格新生学科的对应理应成为重要问题。而在审核程序和甄别步骤上,依赖学科评议组的学术判断,与制定有步骤的删选规则,可以最大限度地减少既有膨胀发展的不利因素,也为真正需要并且也有条件的学科上台阶提供机会。及早规范传媒艺术学科的入道门槛和学科建设规格已经迫在眉睫,实施必要的准入制与质量监督也势在必行。而关键是确立学科在人才艺术质量把握与传媒水准的衡量上,否则,我们一些学科教学基本准则就难以确立,人才质量也必然不能提高。 总之,传媒艺术学科教育在适应时展大局与学理规范要求之间,在传媒的客观规律把握与宣传的意识形态性之间,在理论要求和实践性之间,都有新的探究问题需要细致的质量把控。艺术学升门类后传媒艺术学科获得更为开阔的发展空间,意义不可低估,按照艺术传播规律进行学科建设,更多依赖行家来评判、推进发展学科,促进传媒艺术学理更为扎实的深度建设,都具有了更为有利的条件。“独立成人”也就意味着更为宽广的心胸和视野。艺术学门类将要开始新的建设,必须从观念上重视学科门类是一个理论体系的建立,而不是简单的番号变化,艺术学科性质内容的介定,才是学科为自立门户建设的重要事情。艺术传媒的自身理论基础建设和学科定位将会是下一步重要的工作,我们期望在传媒教育中,中国特色的传媒学科和传媒教育经验将得到确立,独立精神的艺术传媒摒弃随波逐流的屈就市场和娱乐放纵,高扬艺术人文精神的高尚性和传播的客观公正精神,适应新背景下传媒艺术发展规律,造就健康发展的新局面。 三、新形势下综合大学复合型优秀影视高端人才培养构想 我们已经到了重新思考影视人才培养变化的新阶段,而其中电影成为国家文化产业的先导性对象,这里着重从适应时代需要的电影高端人才入手来窥视如何培养影视传媒人才,首先要对电影人才基本认识: (一)中国艺术教育包括电影教育经历着历史性的变化,包括观念变化和社会需求现实变化 一般而言,在20世纪90年代以前的艺术教育,限于传统局限和艺术教育较为狭隘的局面,几乎等同于艺术技巧教育,艺术教育以培养专业艺术人才为唯一标准,以艺术表演对象和个人技艺突现为设置目标,课程体系基本沿袭苏式表演体系的路子。这是和物质基础条件薄弱相关的培养艺术专才的旧式路径,口耳相传的师徒教育和注重技巧忽略文化的教育成为简单精英教育的伴随物。包括电影教育在内,遵循的是艺术是个人技巧技艺的体现,看家的本领和吃饭的本事都在于技艺高低,于是推崇的就是艺术专一技巧教育。就整体社会形象而言,艺术也是高雅的代名词,专业艺术教育就是培养艺术专才的教育。这导致的是传统艺术教育成为精英艺术表演专才,技巧成为衡量标准,单一专才教育的时代必然性和人才培养必要性都无可置疑,以电影学院为代表的电影教育取得了门类区分、各自掌握专业分工的基本路子。其长处是以技能精到为目标分工合作的电影创作体制,保证了电影的综合性的聚合。但不能不看到其弊端可能是突现了在获得技巧专一的同时,其他关系到人的全面的价值的让位和文化素养的低落。电影人才适应少而精的专才教育也是时代之需,却不是长远之态。 近10年,被时展促发而逐渐醒悟的艺术教育开始观念和体系上的变化,综合性人才的需求越来越凸显,具有人文素养的综合性人才在实践中凸显其价值。电影创作从单一性的电影学院分科教育到跨科类的创作(如摄影、美术系毕业生成为导演等),再逐渐扩展到戏剧学院等其他艺术门类人才崛起成为电影创作专才(包括在编剧、导演、表演人才上非电影学院分科培养人员成为电影创作崭露头角角色),综合性人才慢慢地从综合高校的各类学科学生中涌现成为电影创作的新生力量等。而这一新现象在电视台更为明显:越来越多非学电视人员成为创意主体的骨干。于是,时代需要高素养、综合素养艺术人才的趋势日渐明显。艺术教育对人的全面成长的要求,和电影创作需要综合型人才的期望,超越了仅仅是技能教育阶段,而引起大规模的综合性高校影视专业的发展热潮。综合文化进入电影艺术学科教育视野、技巧之外的文化素养的迫切性要求加强、认可培养艺术家需要综合功底的认识扩大等,都在某种程度上改变了以艺术专才为唯一目标的人才培养模式。中国电影教育的多样化开始呈现。 而环顾国外,以电影教育发达的美国为代表的综合性大学(南加州大学、纽约大学等为代表)成为高端电影人才基地,跨学科人才深造成为美国电影创作主力、综合性大学培养电影出色人物的例子越来越明显,创作人才迭出于综合大学的现实,大大鼓舞了中国电影教育的综合性发展步伐。中国电影学科在综合性大学或综合性艺术学院发展迅速已经令人惊讶。 与此同时,综合大学的电影专业教育注重研究生层面的高端人才的优势得到展现,博士、硕士点的迅猛发展,改变了电影创作的技术型单一人才的景观。以MFA专业硕士人才为目标的电影艺术教育格局开始形成。中国电影教育已经走到专业院校和综合院校并驾齐驱的阶段,但专业分科性占据电影实践主力的长处和发展局限、与综合性人才增多却还不能影响创作大局的现象凸显出来。 (二)复合型高端电影人才培养的现实分析 综合性大学进入电影人才培养肇始于1993年,当时教育部批复北京师范大学和华东师范大学设立影视教育专业,这是综合性高校第一次染指电影教育。次年,北京师范大学被教育部批复设立了“影视艺术与技术”硕士学科,开始招收电影学硕士,后按照学科目录调整自然变成“电影学”和“广播电视艺术学”两个学科点。综合性大学的电影学科有别于专业电影学院的培养体系,在北师大教育教学实践中逐渐成熟,在2001年获得北京市教学成果奖。2005年北京师范大学获得中国高校第一个电影学博士点,随后以此电影学博士点为优秀,北京师范大学又获得中国第一批为数不多的艺术学博士后流动站。高端电影人才培养在研究生不同层面得到发展。 与此同时,专业艺术院校如电影学院也开始在研究生层面招收高端电影人才,开始转变电影创作只要分科性人才的观念,综合性意识逐渐渗入专业艺术学院。而综合大学的电影高端人才培养则驶向快车道。 在这里,重要的是艺术教育观念的变化:包括电影创作不仅仅是分科技术人才培养而需要综合性素养教育,综合院校的电影人才培养自有其时代需要和独特性,专业艺术院校的电影人才也必须在人文综合素养和超越技术技能培养上扩展。 随着时代的变化和数字技术的发展,DV影像创作的普及性时代到来,电影的技术创作门槛降低,而创意的文化水准越来越重要。社会需要更多的影视影像创作人才,更多跨专业人才进入影视创作,电影人才期望高端提升的愿望增强,几所重要的首批MFA培养高校的艺术硕士报名人数高涨,更多电影人才培育学校跟进,高端电影人才教育需求增加。 在包括《阿凡达》带来的3D技术的风行和乔布斯的苹果手机所引发的创意创造的现实面前,电影创造性思维的价值得到高度重视。随着视觉时代已经到来的现实,综合性电影创造人才的意义更得到广泛认同。中国电影教育迎来了综合性教育与专业性人才相互融合的时代。将专业性提升为综合性创造人才和综合性培养需要拓展跨学科意识,以及专业与综合相互为用的认识,促发电影培养新观念,恰逢其时人才培养意识促发了需要多校整合资源、联合培育电影人才的时代,复合型电影高端人才培养研究生学位计划肯定会带来电影高端创作人才涌现的新景观。 (三)如何创设复合型高端电影人才培养的思考 复合型高端电影人才需要强化理论观念和技能操作的结合,北京师范大学的电影人才培养除了前述的最早开设综合性大学电影在职硕士、第一个综合高校电影硕士点、第一个高校电影学博士点以及第一个开设高校电影制作专业(培养出如演员潘粤明、导演宁浩),以及创设至今的大学生电影节为电影多样人才实践打下基础等外,形成对于综合性复合型电影创作人才培养多层次培育的经验。其中,综合性电影人才培育观念的确立第一重要,而培育课程和方式成为实现的保障,理论和创作实践结合的实施要求是促发因素,以师资保证和教师素养提高来支撑也是必要的措施。 北京师范大学艺术与传媒学院获得国家唯一的中国电影史重大攻关项目的资助,周星教授和于丹教授的电影与电视课程分别获得国家精品课程,周星教授还获得北京市教学名师,北京师范大学艺术与传媒学院的多位教师入选教育部新世纪人才培养计划,在电影历史与理论、纪录片理论、影视创作实践等方面获得突出成就。 由此,建立复合型电影高端人才培养机制势在必行。并由此提出如下贯彻设想: 在观念认知上:高端电影创作人才的概念,应该是具备综合人文素养又具有扎实的专业电影认知、理论思维观念先进和形象创作能力突出、把握综合性电影创作眼光又有操作动手能力的高端硕士以上人才。对象多样性:应当包括:A.现有艺术专业硕士;B.包括创设艺术专业博士和部分学术硕士在内的电影研究生培养对象;C.连通电影创作专业的5年制电影本科硕士连读培养对象;D.为在职电影行业人员专设的多校专修学位办在内的培养体制。在选拔方式上:A.以专设复合型电影高端人才培养指标和招收计划为主,兼顾从联合培养高校入学后电影专业学生中考核选拔结合的全日制人员;B.针对在职人员的选拔结合艺术硕士招生单独进行;C.针对已有成绩的从业人员培训学位班单独考核。在培养方式上:A.多校生源共同招收聚合、分阶段培育和分校综合培育结合;B.各校分别招生、多校交叉授课、集中优势专家讲授课程;C.分别培养小学期聚合交流创作研讨;D.各校分别和共同实践创作机构合作培养。关于毕业标准:毕业阶段多校互请专家答辩考核;创作作品需要校外专家参与评审;课程共同制定规定动作与各校自主设立差异性课程;毕业签章多校认可签署等。 作者系北京师范大学艺术与传媒学院院长, 国务院艺术学科评议组成员 艺术学类论文:艺术学独立为门类之后的四个优秀问题 摘要:该文研究认为,当中国的艺术学科独立为门类之后,有四大优秀问题是必须尽快着手研究和解决的。即:新的艺术制度确立问题、艺术本土学理研究的问题、艺术教育规划问题、确立学术艺术观念的问题。 关键词:艺术学;艺术学理论;独立门类;优秀问题;学科建设;学术艺术 中国的艺术学科建设在2011年的春天具有了新的、历史性的起点。因此,如何适应和推动中国的艺术学科之整体、完善的建设与发展,当下有四大方面的问题亟需研究解决。 一、新的艺术制度确立问题 从艺术体制批评的视点看,当下中国如何构建确立艺术学科新的体制,是一项首要的工作。构建艺术学科新的制度及其体系,在当下是容易被人们忽视的现实问题。目前已经开始出现了——有人用习惯于原有学科制度来看艺术学科的新问题,长期如此是会极大地危害艺术学科的生存与发展的。 构建中国的艺术学科运行体制势在必行。这从2011年2月和3月国家有关部门相继颁发的学科文件之差异就可以证明。在2011年2月13日国务院学位委员会会议最新通过的将一级学科的艺术学升格为学科门类的议案内容中,将“艺术学门类”下设了四个一级学科:1301艺术学理论、1302音乐舞蹈艺术学、1303戏剧影视艺术学、1304美术设计艺术学。而在2011年3月由教育部印发的《学位授予和人才培养学科目录(2011年)》(2011年3月8日起实施)中,艺术学下辖的一级学科不仅变更为五个,而且在名称表述上也有变化,即:1301艺术学理论、1302音乐舞蹈学、1303戏剧影视学、1304美术学、1305设计学(可授艺术学、工学学位)。因此,涉及中国艺术学科建设的根本问题——艺术学体制问题是当下和最近未来亟待研究和解决的问题。 首先,艺术管理系统的制度问题。在当下及最近的未来,中国艺术学界及其社会学、政治学、文化学、行政学界等都应该好好研究中国艺术学科的社会地位和管理体系的问题。研究构建中国的艺术新管理体制的方法论是,在辨析原有合理内容的基础上,以调适和创立的方法予以完善建设之。比如:现有的“中国文学艺术家联合会”的管理模式是否有变化?按照现有学科逻辑,其理应该分出一个名为“中国艺术家联合会”的新机构。如果从学理逻辑上看,文学应该纳入艺术学范畴,继而,“中国文学艺术家联合会”就应该变更为“中国艺术家联合会”。如此,涉及艺术学的相关协会、学会等组织机构,以及有关艺术的法律、政策等等都应该有新的调整、构建、补充和完善。诸如中国艺术市场法等法规制度就需要加快建设。2011年4月11日的《参考消息》(13版)就刊文说中国的《美术作品维权“任重道远”》①。 其次,艺术教育系统的制度问题。这是艺术学独立为门类之后最实际的一个问题。在学校艺术教育系统,如今,虽然教育部颁发了艺术学的《学位授予和人才培养学科目录(2011年)》,但是,各个一级学科下设哪些二级学科的问题并没有解决,这是亟待研究解决的问题。比如:“书法学”是美术学的二级学科呢?还是三级学科?曾经一段时间,不少从事书法教育的人一直把书法学与美术学并列称谓,并由此认为提升了书法的学科地位。然而,从中国视觉艺术传统看,书画不分家。即,书法艺术是美术学科中的一个子学科,书法学最多与绘画学相并列。再从艺术学科学理看,书法这种形态的视觉艺术内在逻辑地应归属于美术学之中。在非学校艺术教育系统,目前更是需要重点关注的问题。比如,美术馆教育问题,在我国目前都是亟需完善的新问题。总之,这些关于艺术教育的现实问题是当前亟待解决的实际问题。 再次,艺术传播系统的制度问题。艺术传播系统是一个庞大的系统,它涉及艺术意识形态系统、艺术市场等形而下操作系统。艺术博物馆、影剧院、画廊、画院、大学、艺术品拍卖机构、艺术节等等的构建与传播的制度问题,在当下都是应该全面讨论的问题。 最后,艺术评价系统的制度问题。艺术批评关系到艺术创作、艺术历史书写、艺术文化传播等多方面的问题。然而,中国长期以来的艺术批评不说落后,至少是较为虚弱的状态。比如:艺术展览作品的评审标准问题、影视艺术作品的艺术审查标准问题、大众艺术评价观念引导问题等等。如今,应该趁着艺术学门类独立之机好好梳理性、原创性构建中国艺术评价系统的制度,以确保中国艺术学科的健康发展。 二、艺术本土学理研究的问题 目前,至少有三个现实的理由让笔者提出这个问题。一是,打开目前市面上流通的艺术理论著作中关于艺术起源论和艺术批评论等内容多是欠缺中国的艺术学说。二是,2010年9月北京师范大学出版社出版的《艺术学经典文献导读书系·美术卷》里没有收入一篇中国的艺术理论文献。三是,专门论述中国艺术理论及其体系的著作较少。尤其是缺乏20世纪以来的中国人自己建构的艺术学说。这从一个侧面反映出目前及最近的未来,中国艺术学科建设的重任是要花大力气研究和构建中国自己的艺术学理。即,在艺术学独立为门类之后,如何有效构建中国的艺术学理是一个很急迫的现实问题。 首先,急需揭示总结出中国人自己完整的艺术学科理论。20世纪以来,如果说中国对于西方艺术理论、艺术历史、艺术批评等艺术学科的了解和认识还有盲区和不足的话,那么,中国人对自己的艺术理论、艺术历史、艺术批评的认识就更是盲区加误区了;如果说中国近现代以来艺术界有许多的创造贡献,那么,其主要是偏向于艺术作品的创作上。换句话说,当下一个准备去念大学的艺术专业的人,他接触的艺术内容基本上是非中国的艺术文化。比如,在绘画课上,首先是缺乏系统理论的教育,即使有一些零散的所谓艺术理论也是外来的。如,精神分析主义、符号学理论、接受理论、酷儿理论、结构主义理论等等。在美术史课上,基本不涉及艺术史观和艺术批评学说。即使有,也是人家的而非本土的艺术历史学说和艺术批评理论。现代主义、后现代主义、女性艺术、形式主义分析、图像学艺术史、社会学艺术史、经济学艺术史、体制批评、价值批评、社会批评、心理批评等等没有一样是中国本土的。然而,有一个事实是不可回避的,那就是:中国艺术学科的发展和厚实不能缺失中国自己的艺术学理。笔者在2008年出版的《审艺学》②,就是在研究总结艺术变迁历史和自己的艺术理解与艺术创作基础上,在期望形成本土艺术理论的理想牵引下完成的。总之一句话,中国的艺术学科应该有自己本土的“中国艺术芯片”。中国艺术学科如果长期没有本土厚实的“中国艺术芯片”,中国艺术学科的一切发展都将会出现贫血征候,那是令人可怕和沮丧的事件。 艺术学类论文:独立学科门类的学域扩张与学理建构 摘 要:艺术学成为独立的学科门类,是从“文学”这一学科门类中独立出来;促成这一“独立”的学科目录调整,是对1997年颁布的《授予博士、硕士和培养研究生的学科专业目录》的调整。这是一场历时14年之久的“独立战争”。艺术学力争成为学科门类的“独立战争”,不是向统摄自己的“文学”开战,而是向“文学”与“艺术学”之间的逻辑关系开战。这场“独立战争”之所以历时弥久,在于“逻辑理性”的水到渠成,但并不意味着“学科实际”的瓜熟蒂落。艺术学赢得“独立战争”的胜利,主要是实施着学域扩张的业绩;而艺术学学理建构的成就,至少在目前就其主导方面而言,仍然是“文学”统摄的结果。探讨艺术学学理建构的独特性,没有必要、也不可能彻底摆脱所谓的“文学思维”。所谓“文学思维”是一个比拟性的词语。就文学与艺术的创作思维而言,我们通常称为“形象思维”,它以始终伴随着形象、充溢着情感、运演着联想和想象以区别于“抽象思维”。但实际上,形象塑造的材料成为思维运演的材料是“形象思维”更深层的本质特征。对于艺术学的学理建构,事关学科门类独立后的学科品质。艺术学各艺术样式学理建构的特质,在于其具有极高技术含量的实践性,如何将这种“实践性”上升为“实践理性”,是艺术学学理建构的优秀课题。应当注意到,艺术学近十余年的学域扩张主要是“解牛”之术而非“屠龙”之道的扩张,这是我国教育事业对职业教育高度重视和大力加强的结果。作为独立学科门类的学科建设,要重新审视和调整艺术作为职业教育的若干关系。 关键词:艺术学;学科门类;独立;文学;关系;学域扩张;学理建构;学科建设;发展 中图分类号:J0文献标识码:A 2011年2月,国务院学位委员会审议批准了经过调整的《学位授予和人才培养学科目录》。这个“学科目录”的颁布顺应了我国艺术界长期的、强烈的诉求,因而理所当然地引起了艺术界持久的、热烈的反响。国务院学位委员会艺术学学科评议组召集人仲呈祥先生更是称“这是我国高等教育史、学科建设史和人才培养史上一件具有里程碑意义的大事,是21世纪中华民族伟大复兴历史进程中艺术自觉、艺术自信、艺术自强的一项重大举措。”这个“具有里程碑意义的大事”是艺术学成为“学科目录”中第13个“学科门类”。 一、艺术学成为独立的学科门类,是从“文学”这一学科门类中独立出来;促成这一“独立”的学科目录调整,是对1997年颁布的《授予博士、硕士和培养研究生的学科专业目录》的调整。这是一场历时14年之久的“独立战争”。 据我所知,14年前或更早些时候,艺术教育、特别是研究生层次的高等艺术教育是比较薄弱的。这个薄弱主要体现在三个方面: 其一,普通高校除师范院校外,基本上没有高等艺术教育。师范院校的艺术教育由于定位于为中、小学培养音乐、美术师资,学科界域、学科层次都有所规限;而一些普通高校所设“艺术教研室”,基本上行使着开设美育共同课和课外活动课的职能。 其二,作为独立院校的艺术教育,其主体部分是培养艺术从业者的职业教育。这使得我们的艺术院校理所当然地把技能教育放在比学理教育更重要的位置,这也使得艺术教育在既定的“重道轻术”的教育理念中被“矮化”,特别对某些“早期专业型教育”(即在孩童时期便开始技能训练)的表演艺术更是如此。 其三,艺术教育由于艺术样式本身的多样性,各艺术样式的学理建设“存异”容易“求同”难,因而从各自不同的视角不同的需求借助文学理论、美学理论(这已属“哲学”学科门类了)的“他山之石”。这一方面体现出艺术学学理建设对于文学、美学学理的“追随性”,一方面其实还体现出艺术学各艺术样式学理之间的“排他性”。 从以上三个方面来看,在高等教育特别是研究生教育层次上,艺术学在“学科专业目录”中从属于文学,在当时不仅有其合理性而且有其针对性——针对文学学理在艺术学学理建设以及艺术学学科提升中的积极影响和实践意义。这是我们在艺术学升格为“学科门类”的今天仍应铭记的一段历史。 二、艺术学力争成为学科门类的“独立战争”,不是向统摄自己的“文学”开战,而是向“文学”与“艺术学”之间的逻辑关系开战。这场“独立战争”之所以历时弥久,在于“逻辑理性”的水到渠成但并不意味着“学科实际”的瓜熟蒂落。 其实,早在1992年由国家技术监督局颁布的《学科分类与代码》中,就确定中国学科分类的国家标准是自然科学、农业科学、医药科学、工程与技术科学、人文与社会科学五大门类。在这个学科分类中,“艺术学”与“文学”是并列在“人文与社会科学”门类下的一级学科。 实际上,如果需要一个学科门类统摄并且仅仅统摄“文学”和“艺术学”的话,将原来统摄着“艺术学”的文学改称“文艺学”也未尝不可,只是本身还涵括着“语言学”庞大学科家族的“文学”未必愿意就范。事实上,“文学”作为独立的学科门类,不仅在于其数千年来可考可研的文献积累和有知有识的学理建构,而且在于其作为社会交往工具和思维编程语码的普遍性。 相形之下,在“艺术学”的各艺术样式中,许多久远的艺术形态(特别是表演艺术形态)一部分靠“口传身授”来延续,一部分在只鳞片爪的文献记述中难以复原;而那些依托科技进步出现的新兴艺术业态,一时半会儿似乎还难以为传统人文科学的话语体系所接纳。 一个显见的事实是,艺术作为学科教育的迅速扩张和高速发展,对应的是一个“浅阅读”的读图时代,是一个“娱乐至上”乃至“愚乐至上”的接受境遇。成为独立学科门类的艺术学,在赢得“独立战争”的胜利之时应清醒地认识到,实施着广袤的学域扩张并不意味着实现了伟岸的学理建构。 三、艺术学赢得“独立战争”的胜利,主要是实施着学域扩张的业绩;而艺术学学理建构的成就,至少在目前就其主导方面而言,仍然是“文学”统摄的结果。探讨艺术学学理建构的独特性,没有必要、也不可能彻底摆脱所谓的“文学思维”。 艺术界在欢呼“艺术学”升格为独立的学科门类之时,溢于言表的是自信、自尊和自豪(似乎少了些自觉和自强)。学者们似乎更乐意喋喋不休地去说艺术的发生早于文学的发生,说艺术的内涵丰于文学的内涵,甚至说《周礼·地官》便有“六艺”之说,而《汉书·艺文志》更把“艺”排在“文”之前……其实,这些说法都不是当下“艺术学”升格为学科门类的主打理由,其不容忽视的理由主要在于学科的学域扩张和学理建构。 顺带说一句,“六艺”的“礼、乐、射、御、书、数”并非今天意义上的艺,对它的言说只是比照出今日之“艺”的式微;而“艺文志”作为《汉书》的史述,关注的主要是“经史子集”中“集部”的文字而非“艺术”,《汉书》、《后汉书》另有“礼仪志”、“礼乐志”录述乐舞之类的艺术。 之所以提及这一点,是因为面对“艺术学”提升为“学科门类”,我们更需要的是超越自尊、自豪的自觉与自强。说到“自觉”,人们必然会想到“艺术学”旗号下各艺术样式的本体研究及学理建构,又必然会提及“文学”统摄时学理框架的借助和学理思维的限制。 事实上,从事艺术学学理建构的学者,由“文学”步入“艺术”领域者为数可观且成就甚丰。正如对于“美学”的研究有“自上而下”(自哲学领域走出)和“自上而上”(自艺术领域步入)之分,对于“艺术学”的研究也可以有文学学理的参照和艺术本体的升华。 艺术学类论文:文化视野中的艺术学门类建构思考 摘 要:艺术是否具有独立价值应当在文化精神层面上来认知,艺术学门类的建构同样需要文化视野的认知和阐释。文化背景下的艺术学门类的建立,不仅是翻身或者归位这样简单的问题,而是承认艺术精神是人类创造精神、艺术文化是人类生存的重要组成部分这一要义。从艺术学一级学科到艺术门类的跨越,不仅是观念形态和等阶意义上的转变,其实还有文化构成的考量。从文化精神发展的角度看,艺术学科升为门类是中国文化建设的大事,给予艺术文化和艺术教育更为开阔的空间,是需要艺术人珍惜学科发展机遇而不是放纵乃至于泛滥学科扩展,这才是艺术文化成熟与否的标志。 关键词:当代中国;艺术学;门类建构;艺术学学科;文化视野;文化认知;文化建设 在经济迅猛发展的今天,文化不由自主地被裹挟入经济盘算的快车道似乎心安理得,人们计算文化指标也不可避免地用收益数据来证明,这里隐含了正常的不合理和合理中的不正常,因为,文化艺术另有精神层面的判定标准,是不是具有精神层面的价值才是艺术的最终判断指标。应当承认,艺术文化建筑在经济发展的基础上理所应当,因为从根本上而言艺术文化生存发展需要经济支撑推动。但更为根本的是艺术文化依存于超越物质利益之上自由畅快的跃进,艺术创造力和文化精神品格绝不取决于经济的赐予。所以,量化的增长需要辨析,而内涵的深浅更要澄清。就艺术学科而言,快速膨胀已经是事实,学科疾驰入快车道也不可阻挡,在2010年一次全国范围的一级学科调整中,原有文学门类下的整个“艺术学一级学科”从原本不过20多所学校,猛然增加了包括艺术学一级博士点和硕士点在内的130多所学校。紧接着,按照2011年新门类建立后相应对应调整的原则,这些刚刚获批不到3月还没有静下心来的学科,又一次迅速跃入高歌猛进的漩涡中:2011年申报新的学科门类下的5个一级学科的学校猛增,一下子就有600个学科申请报点,其中除了设计学170余个申报点外,报一级学科硕士点356个,一级学科博士点71个。按照基本对应标准,大部将得到批准,于是短短时间内,艺术学一级学科硕士点将猛增十倍以上,艺术学科的数量发展春天似乎到来。 但我们需要进行艺术文化视野的得失思考。 在中国文化的建构中,艺术文化始终是优秀所在,古代文人的文化标志除了科举就是书籍书写所代表的文化高下,而大众的有文化与否不是琴棋书画就是吟诗作对,能不能赏鉴词曲,会不会沉溺戏曲唱段都是一种判别的标志,孔子的成就包括有关对于六艺的注解和听了韶乐叹赏若干时光、李煜皇帝的误国也因为过于沉溺歌舞升平等等。艺术文化是文化含量的重要组成部分的认知延续不衰,一直达到当今创意文化的认可层面——因为创意文化的要害是艺术的观念形态的创造性认定。国家在2010年第一次将创意文化作为国民经济的主要支柱之一几乎就是高峰之态的认识了。 在艺术认知的另外一端,也显然是充满了无关社会经济利益获取的文化推进的热情。艺术学科的增长是和以往所谓关涉无用、休闲之类认识相反的精神认知高涨相关的。这就是如同巴尔扎克所论述的:“帝王统治的人民不过一朝一代而已;艺术家的影响却能绵延整整几个世纪。”①艺术不是短期的效益增长而是世道人心的濡染,所以,在文化的历史观中,艺术不亚于物质财富的意义和艺术创造对于精神的影响作用巨大而深远。 一、文化视野的认知 艺术学门类建立标志着艺术学科发展进入文化建构的新阶段。我们谈论问题的背景已经今非昔比,艺术具有了独立的门类,可以按照艺术文化标准和发展独特性来建设,其认知的视野就不同以往。首先,艺术文化的蕴积其实不在于外在的变化,艺术的积累是渐进性的,大起大落未必是福音,也难免不会混乱,自然,艺术学门类建立绝对是大得——因为在国家文化层面认可和社会文化的认知上,艺术地位猛然上扬有利于站到进一步发展的新平台。但同时,艺术的精神性文化价值却还没有得到同步理解,数量的外在功利需要还影响着艺术文化内涵的发挥。于是,艺术是不是具有独立价值就应当在文化层面来认知。 在人类历史上,艺术的审美精神和价值一直是备受尊崇的,诚如鲁迅先生所言:“文艺是国民精神所发的火光,同时也是引导国民精神的前途的灯火。”②何等崇高的艺术价值认定!但在很长一段时间中,以学术评价为标准的肯定却一直将艺术学作为边缘而漠视。艺术其实是独立而个性的精神创造对象,但艺术研究和艺术学术的被看轻,和艺术学没有独立门类、以及集中到艺术门类的被忽视的问题上却是事实。奈何如此?个中的历史文化和时代局限造就了缺憾的现状。艺术学一直屈居于文学门类中而缺乏昂首挺胸的气度。艺术与文学原本具有亲密关系自不待言,艺术和文学不仅是兄弟关系,按照艺术学家的认知,艺术在某种程度上包容了文学,至少应当说,艺术伴随着人类精神创造就得以出现,从发声而有歌唱、狩猎而有岩画,欢悦就有载歌载舞的肢体舞动开始,艺术已经成为与人类文化创造相互依存的对象。艺术精神是文化精神的重要标志,她的呈现兴旺与否也是文化兴旺几何的标志。 可惜,在艺术学被长期淹没在文学门类的不恰当时期,艺术的明显被忽视伤害了艺术学科的正常发展,只是到了最近这一局面才彻底改变。艺术一直是文学门类中的一个分支,无奈安分守己几十年后终于得以分门别类而独立成人,这无疑是和艺术自身的发展壮大、中国艺术文化的地位得到高度重视,和社会对于艺术精神价值的更多认可息息相关。艺术学门类建立是艺术学科2011年最为值得关注的大事,因为这一举措牵一发而动全身,从此开始的艺术将以独立身份开始自身的强身健体和布兵排阵的一系列工作。强调这一事件的背景,也不能不将视野放大到社会历史背景中来梭巡——随着国力不断增强,重视艺术文化建设成为衡量国家平衡发展的重要因素。由此,中国艺术文化建设在21世纪的第二个十年迎来新的契机有其应运而生的经济文化必然背景。2011年初,国务院学位委员会会议上,通过将艺术学科从原隶属的文学门类中的一级学科,升格为独立的“艺术门类”——下设五个一级学科:1301艺术学理论、1302音乐舞蹈艺术学、1303戏剧影视艺术学、1304美术学、1305设计艺术学。从2011年起,占据全国招生人数超过5%大数的艺术学生,将迎来全新的“艺术学学士”,自2012年开始,研究生将按照“艺术学硕士”、“艺术学博士”等艺术门类学位招生。2012年艺术学门类下的艺术各类型学生将按照艺术的课程培养计划实施教育。按照惯例,编号为第13门类的艺术学成为最新的发展学科门类。在2011年5月开始的一级学科大调整中,艺术学科成为最大动态规模的调整门类,也向学术、教育界证明艺术学的重要地位。 放置在文化背景下看待艺术门类建立,不仅是翻身或者归位这样简单的问题,而是承认艺术精神是人类创造精神、艺术文化是人类生存的重要组成部分这一要义。“人类,只有人类,能创造自己想要的环境,即今日所谓的文化。”③这当然意味着人类具有文化建设的独有品性,也因为文化才是人类独有存在的精神意义。艺术与人类精神创造的普泛性价值还包含了艺术的个性创造的独一性意义的认同。如果说,在生存意义上,人类是趋同的群体追求,而艺术的意义则是求异的个性追求,那么强调艺术不是经济盘算,也不是群体创作的趋同自有其道理。 艺术学类论文:关于艺术学升级为门类的缘起\争议和一致意见的达成 摘 要:2002年,学者们呼吁将艺术学升级为门类。2009年,这种呼吁得到了国务院学位委员会办公室的支持,国务院学位委员会艺术学学科评议组开始组织讨论并草拟升级方案。2010年,升级方案在全国艺术学学科专家之间进一步得到论证,最后于2010年4月达成一致意见。这个方案就是把艺术学升级为门类后下设5个一级学科(基础艺术学、音乐与舞蹈学、美术与设计学、戏剧戏曲学和广播影视学)的最终确定的方案。 关键词:艺术学;学科;升级;门类;基础艺术学 中图分类号:J120.0文献标识码:A 自2002年起,以国务院学位委员会第三、四届艺术学科评议组召集人、中央音乐学院原院长于润洋教授为首的许多学者就呼吁把艺术学从文学门类中独立出来,作为一个单独的门类来设置。这种呼吁持续了八年,期间,不少院校的学者都加入到这种声音中来。直到2009年下半年,艺术学升级为门类的呼吁才得到了国务院学位委员会办公室的确定性支持,绝大多数国务院艺术学学科评议组成员也对这种支持作出了积极响应,并制订了相应的方案。2010年4月13日,国务院学位委员会办公室学科调整工作组成员、中央音乐学院院长王次教授在该院召集了全国具有代表性的艺术院(校)长和专家会议。在这次会议上,绝大部分国务院艺术学学科评议组的新、老成员都出席并做了发言,大家就艺术学升级为门类的基本方案达成了一致意见。 从学科升级动议的提出到国务院学位办对学科升级的实质性支持是一个漫长的过程,但也是一个促进艺术学思考自身学科地位、学科属性、学科对象和学科方向的过程。 根据国务院学位办1997年颁发的《授予博士、硕士学位和培养研究生的学科、专业目录》,现文学门类下共有四个一级学科,分别是中国语言文学、外国语言文学、新闻传播学和艺术学。艺术学目前隶属于文学门类,是文学门类下的一个一级学科,共包含8个二级学科。最初把艺术学放在文学门类下,可以说是与艺术学的学科特征基本吻合的。因为学科是一个学术研究和研究生培养的概念,其主要作用还是体现在学术研究以及研究人才的培养上。此外,艺术学与文学相比影响也比较小。但随着艺术的快速发展,艺术学在文学门类下就受到了诸多限制。其最大的限制就是被“文学化”,其学科个性也进而受到文学门类学科制度的限制。其次,在近20年的文学艺术发展过程中,艺术的地位和作用越来越突显,甚至从广度上已超越了文学。因此,再用文学的学科制度来约束艺术学,就必然会出现不少问题。譬如,对于学科的评价、对于学者的评价、对于学生的评价、对于学术成果的认定等等。 文学是语言的艺术,文学研究的对象就是以语言文字为表达符号的形象,而艺术学所研究的对象则是以图像、声音、动作以及上述因素综合运用的形象。文学形象依靠人的想象在人的脑海中映现出来,而艺术的形象则是通过人的视听感受感觉出来。针对文学形象的研究可以大量依靠以语言文字表达的论文来表述,而针对艺术形象的研究则不仅仅依靠以语言文字表达的论文表述,许多通过田野调查所得到的图像资料、声音资料以及通过文物考古所得来的实物资料、通过艺术展演所得来的形象资料都能显示艺术学的学术成果。文学资料的种类相对单一,其研究过程相对短暂,而艺术学资料种类比文学要更加丰富,其研究过程也相对漫长。由此可见,不能将文学学者的研究成果与艺术学学者的研究成果放在同一个标准下用量化的方法来衡量。因此,学者们呼吁提升艺术学的学科地位,呼吁把艺术学从文学当中独立出来、升级为一个单独的门类,这样,既符合时代的要求,又符合学科特征的要求。 但在将艺术学上升为门类的过程中,艺术学自身的问题也同时涌现出来。这个问题源于国务院学位办对艺术学升级为门类后下设的一级学科数量的限制。因此,原先设在艺术学属下的8个二级学科如何在升级过程中被体现出来就成为最大的问题。面对这个问题,最直接的做法有两个:一是删减,二是合并。学科制度是体现学科地位的重要标志,目前许多专业艺术院校和综合性大学的艺术院系都是根据现有的学科目录来设置的,如果目录变化了,就直接影响到艺术院校和艺术院系的设置问题。因此,哪些学科可以被删减、哪些学科可以合并就在艺术学科自身引起了争议。 这场争议首先体现在被删减的学科当中。根据国务院艺术学学科评议组的初步方案,原先在一级学科艺术学下的、与一级学科艺术学同名的二级学科“艺术学”被率先删减。其次体现在学科合并中,原先各自发展的美术学与设计艺术学被合并起来,成为美术与设计学;音乐学与舞蹈学被合并起来,成为音乐与舞蹈学;而戏剧、戏曲、广播、电视、电影被合并起来成为戏剧戏曲广播影视学。说实话,这种方案也是不得已的方案。但即使这个不得已而为之的方案仍与目前的学科设置以及目前艺术院校、艺术院系的设置之间有着诸多矛盾。 二级学科艺术学自1997年设置以来,全国已有东南大学、北京大学、北京师范大学、南京艺术学院、中国传媒大学、中国艺术研究院等6家培养单位培养博士,61家培养单位培养硕士。如果被删减,首先面对的就是这些学生怎么办、如何安置,其次面对的是要不要打破艺术门类之间的壁垒、要不要研究不同艺术门类之间关联性问题、要不要寻找不同艺术门类之间的共通规律、要不要从宏观上来认识艺术现象等问题。而诸多相近学科的合并则使目前的单科艺术院校和艺术院系觉得尴尬,一方面他们认为自己作为一个培养单位没有完整的学科,另一方面他们认为自己的学科与别的学科放在一起无法明确学科重心,在学科线路上显得不够清晰。 二级学科艺术学被删减所引起的震动最为明显。那么为何这个学科被删减呢?许多学者认为,每个艺术门类都有自己的历史及理论研究,因此就不需要一个涵盖所有门类的二级学科艺术学了;第二个原因是国外没有这个学科,中国的学科需要同国际接轨。但二级学科艺术学的学者们对此提出了不同看法。 二级学科艺术学最初是国务院学位委员会艺术学科评议组原召集人之一、东南大学教授张道一先生号召并于1997年在东南大学率先设立的,这个学科的设立得到了当时全国约60位知名学者的支持,其宗旨是要打破艺术门类之间的壁垒、寻找艺术的共同规律、促进不同艺术门类之间的互相影响。经过十多年的发展,二级学科艺术学在学术研究和人才培养方面已取得了初步成效。虽然门类艺术学有自己的历史及理论研究,但长期以来,由于各自局限于自身的门类,许多问题都无法看清。至于国外有没有二级学科艺术学(德国、俄罗斯、日本均有),已不是中国该不该设置二级学科艺术学的理由。与国际接轨的同时,还需要考虑到中国特色。如果单纯地认为国外没有,中国就不能有,就会使中国的学术研究失去自信。问题的关键在于该学科合理与否,有没有相应的学科可以替代该学科。事实证明,经过十余年的建设,尽管二级学科艺术学仍然存在不少问题,但其学科平台、学科成果都说明了设立这个学科的必要性。而在艺术学升级为门类的过程中,人们对于学科删减与合并的思考其实也是一个十分现实的、属于二级学科艺术学的问题。因此,以于润洋教授、仲呈祥教授为首的部分知名学者都表现出假如把这个学科删减之后的焦虑。2010年3月初,他们在北京召集部分国务院学位委员会艺术学学科评议组成员和专家进一步讨论艺术学升级为门类的方案。这次讨论把二级学科艺术学纳入重新考虑当中。 2010年3月27日,国务院学位委员会办公室学科目录调整工作组秘书、中央音乐学院丁凡教授分别给东南大学凌继尧教授和笔者打来电话,征求对学科升级方案的意见,凌继尧教授和笔者都明确反对把二级学科艺术学删减的做法。因此,丁凡教授希望东南大学草拟一个将二级学科艺术学升级为一级学科的方案。事实上,在此之前相关方案已由中国艺术研究院和南京艺术学院起草过,这次重新起草主要是鉴于东南大学的艺术学学科是国家重点学科。笔者在征求了多位学者的意见后,起草了两个方案,两个方案在学科名称上都倾向于采用“基础艺术学”的称谓。因为“基础艺术学”表现出对艺术的基本脉络和基本原理进行研究的特点。作为针对所有艺术门类的最基本的脉络和原理进行研究的学科,“基础艺术学”从名称上可明显区别于门类艺术学。为谨慎起见,2010年3月31日,东南大学在北京召集全国十余所院校的二十余位知名学者针对这两个方案进行论证。经过大家论证,倾向于第二种方案。会后,笔者进一步吸收了专家们的意见,修订之后于4月6日提交给了丁凡教授。 2010年4月13日,在中央音乐学院院长王次教授召集的全国艺术院校院(校)长和专家的工作会议上,仲呈祥教授向大家通报了近期与国务院学位委员会办公室主任张尧学院士协商的结果,提出了把艺术学升级为门类后下设5个一级学科的较为确定的方案。这个方案包含基础艺术学、音乐与舞蹈学、美术与设计学、戏剧戏曲学和广播影视学共5个一级学科。针对这个方案,虽然许多单科艺术院校代表提出了不同看法,但处于学科升级整体目标大局的考虑,大家通过了这个方案。会议委托国务院学位委员会艺术学科评议组召集人、中国美术学院人文学院院长曹意强教授牵头对这个方案进一步完善后上报国务院学位办。最后,于润洋教授发表了自己的看法。他说,虽然许多单科艺术院校觉得学科合并会有不少问题,但总体上艺术学的学科地位还是提高了,相近学科合并后从原则上不会对学科发展产生负面效应,也不影响各单科院校建设自己的学科。他高兴地表示,今天是个值得纪念的日子。艺术学科升级为门类主要是考虑到维护艺术学科自身的特点。本项工作自2002年就开始努力,今天终于有了希望。艺术学学科升级为门类后将会大大推进艺术学学科的发展,也将会有力推动我国艺术事业的繁荣昌盛。本次会议之后,受丁凡教授叮嘱,笔者参照原先由中国艺术研究院和南京艺术学院起草的方案,并征求了张道一教授、凌继尧教授、黄教授、夏燕靖教授、李心峰研究员的意见,对方案作了完善(见附录),于2010年4月16日提交给了丁凡教授。这个总的方案就是把艺术学升级为门类后下设5个一级学科(基础艺术学、音乐与舞蹈学、美术与设计学、戏剧戏曲学和广播影视学)的最终确定的方案。(责任编辑:楚小庆) 附录:基础艺术学一级学科设置说明 基础艺术学一级学科设置说明 方案草拟单位:东南大学 一级学科名称:基础艺术学(或一般艺术学、普通艺术学、宏观艺术学、理论艺术学、艺术学理论) 所属学科门类:艺术学 一、该学科简要概况 基础艺术学旨在打通各艺术门类之间的壁垒,构建涵盖各艺术门类的宏观艺术学理论体系。有关该学科的研究自我国的先秦时期和古希腊时期业已开始,分布于不同的学科当中。有关艺术学问题的研究在美学当中涉猎最多。19世纪末期,鉴于美学研究对象不能涵括所有的艺术现象,德国学者康拉德•费德勒主张把艺术学从美学当中划分出来。1906年,德国学者玛克斯•德索出版了他的《美学与一般艺术学》,并创办《美学与一般艺术学》杂志,从而确立了基础艺术学的基本地位。这种主张得到世界各国学者的响应。我国学者最早于20世纪初致力于该学科的专门研究,代表人物为宗白华、滕固、马采。该学科在原文学学科门类下的艺术学一级学科中属于二级学科艺术学,与一级学科同名,学科代码为050401,设置于1997年。1998年,东南大学率先设置该学科的博士点。迄今为止,该学科在我国高等院校和科研院所已有61家单位设置硕士点,6家单位设置博士点,1个国家重点学科,13个省级重点学科,2个省级人文社会科学重点研究基地,在读硕士生和博士生约2000余人。 二、该学科培养目标 基础艺术学主要培养研究贯穿于各个艺术门类的艺术的总体规律的专门人才。与各具体门类艺术学不同的是,本学科培养的人才具有较为宏阔的视野和较为综合的素养,可以在更加广泛的范围发挥作用。 该学科吸收的生源为具有较好艺术理论基础的学生。因此,可根据社会需要,选择条件优厚的学校和应用性较强的方向设置少量本科专业,如艺术管理、艺术产业、文化遗产保护等。该学科的人才培养应着重放在硕士生和博士生层次。 基础艺术学的主要方向为艺术史、艺术原理和艺术批评学。 艺术史主要培养研究艺术总体发展历史规律的专门人才。 艺术原理主要培养研究不同艺术门类之间关系进而研究艺术共通规律的专门人才。 艺术批评学主要培养针对艺术价值、艺术思潮、艺术流派、艺术家等艺术创作和其他实践现象进行批评的专门人才。 以上方向在硕士生层次可侧重于基础性教学与研究,在博士生层次则需要更深程度的教学与研究。 三、该学科的主要研究方向及研究内容 基础艺术学的主要研究方向为艺术史、艺术原理、艺术批评。 艺术史主要研究艺术的总体发展脉络和历史发展规律,如艺术的起源、艺术的形成、艺术的发展规律、艺术的发展过程、艺术的未来前景与走向等。与各门类艺术学研究艺术史有所不同的是,基础艺术学的艺术史研究着眼于带有普遍性的艺术观念和艺术形式的发展脉络。 艺术原理是基础艺术学的基础与优秀,针对艺术的各种基本理论与实践问题和各门类艺术共通规律,以及艺术学自身的发展与建构等进行理论探讨,如艺术的本质与特性、艺术创作规律、艺术作品的构成、艺术接受原理、艺术传播规律、艺术学自身的地位、作用与建构,以及艺术政策、艺术管理、艺术产业、艺术遗产等领域提出的各种基本的理论与实践问题。 艺术批评学作为“运动中的美学”,主要着眼于艺术在现实社会文化语境中的实际进程与发展态势,对现实中出现的各种具体的艺术作品、艺术现象、艺术思潮进行富有实践性的批评,引导社会的艺术鉴赏。艺术批评关乎艺术在现实中的健康发展及在社会中的影响与传播,其研究的对象十分广泛,如艺术鉴赏、艺术价值、艺术思潮、艺术风格、艺术影响等。艺术批评一方面针对存在于各个艺术门类中的普遍现象确立评价标准、适时进行批评,另一方面将这种评价标准与各个艺术门类中的具体现象有机结合进行批评。 四、该学科的理论和方法论基础 基础艺术学一方面要以门类艺术学的研究成果为基础,另一方面也要关注美学和文艺学的研究成果。基础艺术学从具体的艺术现象出发,主要采取自下而上、横向比较等方法,探究艺术的本质属性、总结艺术的共通规律。同时,基础艺术学还借助社会学、心理学、人类学、传播学、管理学、经济学、宗教学、民俗学、教育学等学科进行跨学科交叉研究。 基础艺术学下设的三个二级学科的优秀课程分别如下: 1、艺术史:中国古代艺术史、中国现当代艺术史、外国艺术史、艺术史专题、艺术史哲学、艺术史方法论、艺术史学史、艺术思想史、艺术考古学等。 2、艺术原理:艺术学原理、比较艺术学、艺术社会学、艺术心理学、艺术传播学、艺术教育学、艺术人类学、宗教艺术学、民俗艺术学、艺术管理学、艺术产业理论研究、艺术政策研究、非物质文化遗产学、艺术原理专题等。 3、艺术批评学:中国艺术批评学、西方艺术批评学、艺术批评方法论、艺术批评专题等。 五、社会对该学科的中远期需求情况及就业前景 在技术高度发达、社会结构趋于复杂、经济全球化背景下,艺术现象越来越纷纭多变,社会对于具有综合性素质的艺术研究、管理、教学和创作等方面的人才的要求也越来越广泛而迫切。单纯的美学人才局限于哲学,单纯的门类艺术学人才局限于各艺术门类自身。因此,在未来数十年乃至上百年当中,从总体上了解艺术与政治、经济、文化、宗教、传播等社会形态之间的关系和熟悉各个艺术门类、懂得不同艺术门类之间关系、了解艺术的本质属性和共通规律的人才将越来越受到社会的欢迎。尤其是近年来,在党中央、国务院的高度重视下,文化建设被提升到增强国家综合实力的重要地位,与文化建设密切相关的文化艺术产业、文化艺术管理、创意产业、非物质文化遗产保护研究等领域,都急需从总体上谙熟艺术基础理论和共同规律的综合性艺术理论人才。该学科人才就业前景普遍看好,可到文化艺术研究、艺术教育、文化艺术管理、文化艺术遗产保护与管理、报刊杂志图书网络广播电视等各种媒体有关文化艺术的编辑采录等十分广泛的行业、部门就业。 六、该学科的主要支撑二级学科 1、艺术史(中国艺术史、外国艺术史、艺术史哲学); 2、艺术原理(艺术学基础、比较艺术学、艺术跨学科研究); 3、艺术批评学(中国艺术批评史、外国艺术批评史、艺术批评原理); 七、该学科与哪些现行一级学科密切相关 基础艺术学与美学和门类艺术学密切相关。 美学属于哲学范畴,基础艺术学与美学交叉的内容为对于艺术美感的研究。基础艺术学涉猎美学,但不止于美学。基础艺术学与美学互为参照,互为借鉴,互相促进。 门类艺术学分别是对各个艺术门类的研究。基础艺术学与门类艺术学的关系为普遍与特殊的关系。基础艺术学从门类艺术学中获得经验与实证的基础,门类艺术学从基础艺术学中获得原理与方法论等方面的理论支撑。 此外,基础艺术学与文艺学也有较为密切的关系,其交叉之处主要体现在方法论方面。文艺学主要针对语言艺术进行研究,基础艺术学则针对造型艺术、表演艺术以及与现代媒介相关联的新兴艺术进行研究。 基础艺术学与美学、门类艺术学、文艺学既各自独立,又互相关联、互为补充。 八、新增设一级学科请说明增设的原因和理由 增设基础艺术学主要有如下4个方面的原因和理由: 1、门类艺术学培养的人才往往以门类为界,拘于一隅、互不往来,无以从宏观上审视艺术、促进不同艺术门类之间的相互影响。因此,增设基础艺术学可加强艺术宏观理论的研究,满足社会对于宏观艺术理论人才的基本需求,促进艺术创作的活跃与繁荣。 2、基础艺术学与门类艺术学之间可以建构起一个普遍与特殊相互依存、互相促进、共生共赢的科学合理的艺术学学科结构。 3、门类艺术学无以从整体上与政治、经济、文化、宗教等社会形态之间进行对话,不利于促进国家软实力的提升,使艺术在国家文化事业和文化产业发展中发挥重要作用。增设基础艺术学可以弥补此种缺憾。 4、基础艺术学便于从整体观念上使艺术与社会成员之间发生关系,增设基础艺术学符合科学发展观的基本要求,可对提高国民的艺术修养和文化素质,对于促进人的全面发展和社会的和谐进步都具有重要的现实意义。(责任编辑:楚小庆) 艺术学类论文:艺术学升格门类后戏剧影视学科的发展前景 艺术学科由文学下的一级学科升为与文学并行的门类,这种层面的学科调整,其带来的影响是巨大的。艺术学升格门类后戏剧影视学科发展前景会越来越好。 一、促进戏剧影视学科发展 原来艺术学放在文学门类,艺术学是一级学科,戏剧影视是二级学科,比较而言,戏剧影视学科发展的空间受到一定限制。 艺术学升格门类后,戏剧影视成为一级学科,发展的空间增大了很多,促进了戏剧影视学科发展。 戏剧影视成为一级学科,对戏剧影视学科目录、人才培养规模与层次,以及课程和院系设置带来新的变化。可以预料,各人才培养单位博士和硕士学位授予点的主动性和规模会有所增加。 戏剧影视成为一级学科,我国戏剧戏曲学科的发展和研究方向逐渐完备、完善,各高校在原有戏剧戏曲史、戏剧戏曲理论、戏剧戏曲美学、戏剧曲艺史论、话剧理论研究的基础上,积极拓展与现代社会文化发展紧密关联的新的学科领地,又新增了比较戏剧、少数民族戏剧、戏曲创作、戏曲民俗学、戏曲文化传播等理论研究以及戏剧戏曲表导演等实践类研究方向,丰富了学科建设,实现了学科教育的全面培养。 戏剧影视成为一级学科,电影电视学科主要发展和研究方向逐渐细化、多样化,并且向纵深挺进,例如中国电影艺术史、外国电影艺术史、非线编辑、摄像与实践、电视新闻与采编、大众传播、电视纪录片、电视剧研究、影视语言、电视频道及栏目研究、录音与剪辑、媒介传播、影视制片管理、照相与实践、摄像与实践、影视策划、电视艺术研究、港台电影研究、广告理论与实务、世界电影美学思潮、世界传媒发展研究、新媒体传播与发展、媒介运营与管理、中国电影现状研究、媒体发展策略研究、美国电影研究、网络电视研究等。 戏剧影视成为一级学科,我国戏剧戏曲学科与电影电视学科的互动与融合会进一步加强,戏曲电影、戏曲电视会进一步得到重视。有关戏剧戏曲改编成电影电视,有关电影电视改编成戏剧戏曲,这种改编与融合的研究会得到进一步深化、细化。因此,戏剧影视学科内涵会变得丰富,外延也会得到拓展。 二、推动艺术教育发展 戏剧影视教育是艺术教育的一个重要组成部分。艺术学升格门类后,戏剧影视成为一级学科,会促进戏剧影视教育的发展,也会推动艺术教育的发展。 戏剧影视成为一级学科,中国戏剧影视学科会呈现出强劲的发展势头。随着国家艺术教育政策的力度加大和资金投入的不断增多,戏剧影视学科尤其是电影电视学科会进入全新的大发展时期。伴随着各地高校的电影电视专业或电影电视方向如雨后春笋般建立,电影电视学科在原有的业务教学、理论教学和素质教育的基础上,更拓展了产业发展、文化研究、数字技术等多个教育领域,以期更好地应对世界电影电视产业化、数字化、全球化发展的新形势。全国数百所高校陆续加入电影电视教育的行列,或者创办专门的电影电视学院,或者将电影电视作为独立学科加入艺术学院的拓展范畴,或者在原有的中文系或文学院范围内将电影电视拓展成为全新的专业方向,形成了高校电影电视学科教育的新潮流。电影电视学科体系在专业内容、人才培养、教育层次等方面多元化建构,形成了专业教育、理论教育和素质教育齐头并进的良好局面。因此,会培养出更多优秀的戏剧影视人才。 在国民艺术素养和综合性人才的素质培养方面,戏剧影视教育越来越显示出其不可替代的重要作用。电影课程已经纳入了从少儿到大学生等系统化的美育教育范畴。国家有关部门出台多项措施,下发多个文件,对影视教育提出具体要求,并以附件形式列出百部优秀影片推荐片目,进一步强化中小学和大学影视教育。2004年,电影频道增加了“少儿影院”节目时段,各地也把收看“少儿影院”播出的优秀影片与学校的德育课、艺术教育课等内容结合起来。 值得一提的是,除了专业艺术教育领域向纵深发展之外,在学科的普及教育上也有了很大的进步,如京剧进中小学课堂、“教育戏剧”概念的推广等,使戏剧戏曲在素质教育和文化环境建设方面的问题越来越得到社会的高度重视。 三、有利于文化产业发展 戏剧影视是文化产业的一个重要组成部分。艺术学升格门类后,戏剧影视成为一级学科,有利于文化产业的发展。 戏剧影视成为一级学科,有些高校对有关戏剧影视的课程设置、人才培养等方案进行了适当的调整,突出了信息社会和传媒经济时代对戏剧影视人才能力的新要求,与产业经济、新媒体和传媒文化有关的课程也成为戏剧影视艺术教育的重要内容,如世界传媒发展研究、新媒体传播与发展、媒介运营与管理、媒体发展策略研究等。 在一些影视艺术学院还新近设立了文化产业管理专业。该专业作为一个交叉学科,涵盖了管理学、影视学、经济学等多个学科的相关理论和课程,是对影视教育的一个有力补充,符合当下电影电视产业发展的人才需求,也体现了我国影视教育发展的一个大方向――与产业的联系越来越紧密,与其他学科的交叉和融合越来越积极。 戏剧影视人才培养在戏剧影视学科稳定发展的大背景下,呈现出专业方向涉猎面越来越广、交叉性和文化内涵越来越强、与数字媒体交融逐渐增加的特点。同时,各类型和层级的戏剧影视人才培养各有重点,特色更趋明显。如师范类院校专业方向以培养戏剧影视教育方面的师资为主,专业院校和职技学校戏剧影视人才培养则多随戏剧影视市场上实际人才需求方向转型,更注重编导类、表演类与剪辑类等方向,专业的倾向性、应用性高于对其文化的要求。 当今的戏剧影视教育,基于戏剧影视的专门领域与信息技术,体现了戏剧影视在信息时代的发展趋势,即面向创意文化产业的发展需要,代表了信息科技与文化艺术结合的新方向。从人才培养目标来看,戏剧影视教育注重学生艺术的原创能力、整合能力和策划能力,培养具有新的人文、艺术、科技观念和素质的综合型人才,体现了戏剧影视学科交叉发展和国际化的趋势,会促进文化产业的发展。 作者系北京师范大学艺术与传媒学院教授、 艺术学类论文:艺术学升格为门类背景下的文化自觉和文化自信 今年的全国艺术院校院(校)长高峰论坛有了一个新的、特殊的背景,这就是:国务院学位委员会正式批准艺术学升格为门类。首先应该感谢文化部、教育部对艺术教育的领导和指导,同时也不能忽略我们全国艺术院校院(校)长高峰论坛的功绩。我们的论坛,一届又一届地呼吁艺术学升格为门类,一届又一届地论证这个问题,终于获得了上下各界的一致认同。 艺术学升格为门类,彰显了中华民族的文化自觉、文化自信。众所周知,十七届六中全会绘制了建设社会主义文化强国的宏伟蓝图。 总书记在纪念党的90周年诞辰会上的讲话中指出:社会主义先进文化是马克思主义政党思想精神上的旗帜。面对当今文化越来越成为综合国力竞争重要因素的新形势,我们必须以高度的文化自觉和文化自信,着眼于提高民族素质和塑造高尚人格。我们要以此为着眼点,以提高全民族的美学修养和鉴赏素质,营造良好的文化环境和氛围为出发点。艺术学升格为门类之后,党和政府为我们搭建了施展才华的广阔平台,为我们中华民族艺术地审美地把握艺术提供了新的时代条件,这是艺术教育的幸事,也是全民族的幸事。 我认为,所谓从文化自觉到艺术自觉,主要有三方面内容―― 第一,要自觉认识艺术和艺术教育在坚守全民族精神家园中的独特地位和重要功能。 孙家正同志再三讲,文化如水,滋润万物,悄然无声。艺术亦如水,是流淌在民族肌体里的无处不在的一种文化软实力。文化和艺术都要靠长期积累,水到渠成。艺术究竟具有什么独特功能?它与人类政治的、经济的、历史的、宗教的、哲学的方式把握世界相提并论,成为一种独立的、不可或缺的把握世界的方式。 一个脱离了艺术教育正确轨道的民族,乃是一个不健全的民族;一个善于发挥艺术教育的作用,并且彰显艺术的自觉功能的民族,是一个有希望的民族。我们应该站在新的时代高点上,特别是在人类进入21世纪之后,重新认识艺术的功能和作用。钱学森是站在当代人类科学思维与艺术思维交汇峰巅上思考人类面临的新课题的大师。他力倡学科技的人也必须学点艺术。这不仅在于艺术可以开启人类右脑的形象思维和想象能力,更在于可以培养每一个人的善良的人性和美好的感情,这是十分重要的。在今天构建和谐社会的时代潮流下,如果我们的国民缺失了善良的人性和美好的情感,那将是不堪设想的事。所以,每一个艺术教育工作者应该深感使命光荣、责任重大,作为人类灵魂的工程师,应该担当起时代赋予的使命,把艺术学科建设好。 第二,要自觉认识和把握艺术教育和艺术学科建设的客观规律。任何违背规律的做法,都是毁文化、毁艺术的。高等院校,是民族思维的先锋阵地;高等艺术院校,是民族艺术思维的先锋阵地。高等艺术院校的艺术学科建设要科学揭示艺术各门类的独特规律,要对形形色色背离艺术独特规律的盲目做法发出科学的批判的声音,这是极其重要的。艺术学学科建设的重要任务,就是要把艺术学科下支的5个艺术学科几个门类学科规律真实、深刻、完整地总结出来,然后变成广大艺术工作者的一种理论导向和创作指南。 恕我直言,时下打着创新的招牌违背艺术规律的现象时有所见。比如对待改变了自己民族命运的重要历史题材的艺术创作,是否严格遵从艺术规律?就很值得反思。一个敬畏自己民族重要历史的民族,才是有希望的民族,解构、颠覆、戏说重要历史的民族,是可悲的民族。我们应以一种敬畏的心态,带领自己的人民小心翼翼地走进历史,认认真真地感悟历史,老老实实地从创造历史的历史人物的艺术形象里获取历史营养,此乃正道。而万勿反过来借历史人物的英灵包装明星,通过炒作,赚取票房,堕入鲁迅先生当年所反对的“名人的遭殃,不在生前,而在死后,一瞑之后,注家蜂起,借死尸以卖钱”的泥潭。 第三,要自觉承担艺术工作者的历史使命和社会担当。作为高等艺术院校,面对纷繁复杂的艺术创作、鉴赏现状,不能没有科学指引。我们应在艺术学学科建设中,理论联系实际,发出与时俱进的马克思主义的文艺批评的科学声音,这是艺术学学科建设的题中之义。要倡导艺术家永葆“独立之精神,自由之思想”,要以马克思主义与时俱进的历史观、科学观和忠于人民的艺术家的良知和艺术操守,步步为营,扎扎实实地推进艺术学学科建设。 其次,在艺术自信上,我也体会到―― 第一,我们要坚持对与时俱进的马克思主义指导的充分自信。我们从事的是中国特色的社会主义的伟大事业,十七届六中全会指出:“要坚持马克思主义指导地位,坚定中国特色社会主义共同理想,弘扬以爱国主义为优秀的民族精神和以改革创新为优秀的时代精神,树立和践行社会主义荣辱观。”社会主义优秀价值观如何用简练的语言表述出来?这对我们艺术学科也是很关键的,社会主义的优秀价值当然提倡民主、和谐、公平、幸福,离开马克思主义的基本原理、基本理论的指导,对中国特色艺术学学科建设是没有出路的。 第二,要对中国优秀的传统文化、传统艺术永恒的魅力充满自信,有的人不仅不自信,反而自卑,千方百计地拾人牙慧,鹦鹉学舌。我们艺术高校的老师应充满自信感和自豪感,我们从事的是人类灵魂精神世界重要建设的一项工作。对我们先辈流传下来的经过历史和人民检验的经典作品和经典艺术形象,万勿采用颠覆、戏说、解构的手段。所有的经典作品,我们都可以改编创新,但要有原则,必须是按照经过历史、人民检验的,由作品所体现出来的有生命力的价值取向和人类道德准则,顺势方向丰富、深化发展,反对那种反方向、逆势方向的解构、颠覆和拆卸。如果那样做,中华民族就失去了自立于世界先进民族之林的文化艺术之根。须知,民族的文化艺术大厦,是靠一部部经过历史和人民检验筛选的经典作品为支柱而矗立起来的。解构、颠覆、拆卸下这些支柱,大厦就会坍塌。这是对历史和人民的犯罪。所以,我们艺术学科建设应旗帜鲜明地表明我们的艺术主张和美学理想。 第三,应坚持对中国共产党领导下创造的革命文化充满自信。从中国共产党诞生以来所领导人民创造的井冈山精神、延安精神、红岩精神,一直到新中国成立以来的雷锋精神、抗震救灾精神等,都要充满自信。这是我们的人民在中国共产党领导下创造的红色文化。中国特色社会主义的艺术学学科建设,不能也不应去颠覆、解构这种红色文化。 第四,我们要具有开放的视野,对别的国家、民族的优秀文化成果为我所用,要充满自信,不能闭关锁国。而应该坚持费孝通先生的主张,“各美其美,美人之美,美美与共,天下大同”。美美与共的过程,就是将我们民族优秀的东西,与他民族的优秀文化艺术营养在改革开放的伟大实践中交融、整合、创新,从而创造出既富民族精神,又富时代精神的社会主义先进文化。艺术学学科建设,应该成为社会主义先进文化的组成部分,必须在坚守中华民族文化价值取向和仁义道德的底线的基础上来建构。 艺术教育和艺术学学科建设说到底,就是为现实社会营造一种看不见摸不着的,但是令每一国民身处其中,都能够深切地感受到心灵滋润、灵魂提升、精神提高的文化环境和艺术氛围。环境塑人,氛围养人。所以,我要反复强调文化化人,艺术养心,重在引领,贵在自觉。只有靠文化把人的素质提高,搞艺术把人的心境养高,高素质高境界的人才能保障社会经济的全面、协调、可持续发展,这就是科学发展观的要求。如果以牺牲人的素质为代价,急功近利地让文化“化钱”,让艺术止于养眼甚至花眼乱心,那么低素质低境界的人就会把即便搞上去的经济也吃光花光消费光的!社会就会堕入精神生产和文化消费的二律背反即恶性循环,那是非常危险的事情。 我要恳切地呼吁,所有高等院校,团结起来,优势互补,共建中国特色的艺术学学科。我们有三支大军。一支是我们的单科专业院校,如中央音乐学院、中国美术学院、北京电影学院,他们对某一艺术门类本体和规律的研究最为深入,他们是中国特色艺术学学科的奠基者。第二支是以云南艺术学院、南京艺术学院、山东艺术学院、吉林艺术学院等为代表的综合性的艺术院校,他们有他们的优势。他们的优势就在于打通了艺术门类下的美术、音乐、舞蹈、戏剧、电影、设计等一级学科,他们配备齐全。优长于从艺术各个学科的相同处寻找普遍的规律。第三支,如北京师范大学、北京大学等综合性大学也有他们的优势,他们依托于相对广阔的人文科学和自然科学背景,他们擅长从哲学思维的层面,提出高屋建瓴的贯通于各个艺术门类的艺术学的一些普遍的规律。这三支大军,应该各扬优势,互补生辉,这是中国特色的社会主义高等艺术教育的特色,大家都做了很多遵从规律的扎实工作,比如,东南大学就不断出版《艺术学》的不定期刊物,又如上海大学出版关于艺术学建设方面的丛书,同时我们还有很多学校都在做这些工作,如福建师范大学的《中国古典音乐文献集成》,这是件了不起的事。中国需要这种为了民族的艺术学术建设踏踏实实,做艰苦浩繁的、享受孤独的工作的人。他们把所有的古典的文献全部集成起来。这一群学者潜心治学,享受孤独。相比现在流行的所谓“学术明星”,我更崇敬这些学者。曹意强教授编的《美术》学刊,长期以来就在这方面进行学术积累;傅谨教授在中国戏曲学院,以一人之力团结了多少同仁,对中国的戏曲、中国的京剧事业做出了很多水到渠成的贡献。这种工作,才是真正的艺术理论,这样的学者才是真正的“艺术之星”。 我们从事文化建设,包括艺术建设各界的同仁,应该懂得,文化建设的规律在常态,而不在非常态。所谓在常态,就是要靠艰苦细致的日积月累的工作。正因为如此,我来到了云南。这次文化部委托我参加评审国务院出台的特需人才培养的博士项目,云南省委提出了“两强一堡”――文化强省,旅游强省,桥头堡。云南是面对东南亚的桥头堡。从这些特殊需求出发,他们研究少数民族艺术的传承与创新。《“两强一堡”与少数民族艺术的传承与创新》就是一个课题项目,就是一种特需人才,这不仅对云南有益,对整个国家的文明发展、民族的团结都有意义。 此次全国艺术院校院(校)长高峰论坛的工作非常细致,安排得井井有条,使我们在这样一个美丽的环境当中顺利召开此次论坛。让我们敞开我们的思维,为中国特色的艺术教育、艺术学科建设出谋献策。所以,我们更应该团结,愿国务院学位委员会艺术学科组团结,进而愿三方面的艺术院校团结,发挥各自的优势。尤其我们要尊重在艺术学科的建设中长期做出的重要贡献的一些院校。没有几代人的共同努力,艺术学升门类是不能实现的。这也表明了党中央、国务院在新的时代条件下,对于艺术的一种高度自觉和高度自信。也给我们提出了新的更高的要求。 所以,大家都围绕着提升民族精神素质和塑造高尚人格这个着眼点,把我们的艺术学学科建设既培养高端人才又能让民众都获得善良的人性、美好的情感,使中华民族富于想象、富于创新的思维传统在21世纪得到更大的发扬。 (注:本文节选自仲呈祥在2011’第六届全国艺术院校院(校)长高峰论坛上的报告) 作者系中国文联原副主席,国务院学位委员会艺术学科评议组召集人 艺术学类论文:理工科类院校艺术学科专业发展途径的探讨 摘 要:近年来国内教育体制的逐步转变促使综合类学科、交叉学科以及边缘性学科等新兴学科相继出现,随之而来的是我国各类大学相继设置了艺术类学科和专业。目前,综合性大学开设艺术专业课程已成为一种普遍的现象,其中又有不少理工类院校在原有强势学科的基础上衍生出相关艺术学科专业。然而,伴随近年来生源的减少以及人才市场的饱和,理工类院校背景下的艺术专业教育的发展整陷入了严重的困境。文章在此背景下,针对理工科类院校背景下的艺术学科专业的发展在定位发展、师资配备、教学管理等多个方所面临的问题进行了分析,并对其未来的发展途径提供相应的对策。 关键词:理工科类院校;艺术学科;困境;发展途经 作者介绍:文雅(1986-),女,江西南昌人,华东交通大学艺术学院助教,研究方向为音乐学教育;杨婷(1975-),女,湖南长沙人,华东交通大学艺术院副教授,研究方向为音乐教育。 基金项目:华东交通大学校立科研基金资助项目“对我国理工科类院校艺术学科专业发展途径的探讨”(编号:14YS02),主持人:文雅。 近年来,国内教育体制的逐步转变直接造成了综合类学科、交叉学科以及边缘性学科等新兴学科相继出现,随之而来的是我国各类大学相继设置了能够与之相互支持的艺术类学科和专业。综合性大学开设艺术专业课程已成为一种普遍的现象,也成为我国现代大学发展的一大特色。在综合性大学中,不少理工类院校处于在原有强势学科的基础上衍生出相关艺术学科专业,其办学的意义主要表现在三个方面。首先,理工类院校传统学科的专业教育对于解决现实的问题确实存在着很大的优势,然而,在面临出现知识体系无法解释相关问题的困惑时,艺术教育所培养的感性认知能力通常可以激发人的创造力。工科类院校开设艺术学科专业,从人的全面发展来看,是期望学生利用从艺术教育中获得敏锐的感受力和创造力为专业学习研究提供动力和源泉。其次,根据理工类院校自身发展的的学科特点和需要,开办艺术类学科专业在课程设置上可以对其他学科内容进行补充,从客观调整文理学科的比例,优化学科结构,形成学科之间的互补与交叉性。再次,工科背景下艺术学科的办学模式在专业教学、学科发展及建设等方面更易于开拓新的思路,创建学科品牌,为其在艺术教育领域争得一席之地。 我国高等教育的人才培养理念与培养方式根据时代的变迁正在发生转变,以往的应试教育体制已逐步向素质教育体制倾斜,在理工类院校开设艺术学科专业是我国对创新型复合人才的素质教育要求的必然趋势,也是我国高等教育结构调整和优化的必然结果。然而,目前虽然大部分理工类院校都成立了艺术学院(系),开设了相关的艺术学科专业课程,但是,随着近年来生源的减少以及人才市场的饱和,理工类院校背景下的艺术专业教育的发展正面临严重的困境。大规模理工科院校重复建设艺术专业,使其尽管在建设规模与教育模式上有所区别,但大多数的院校在学院系部设置、教学手段、师资来源、学科和专业发展方向、人才培养方向的定位等方面存在着诸多相似之处,这些矛盾一方面直接造成教育资源的浪费,另一方面影响了学生的就业。如何探寻破解之道,走出理工类院校艺术专业发展所面临的尴尬困境是目前艺术学科专业教育相关人员急需思考的一个紧迫问题。 一、理工类院校艺术学科专业发展面临的困境 我国现行的艺术学科专业教育体系目前基本上存在两种模式,一种是自1952年全国进行一次高等院校院系调整后,从综合性大学设置的艺术学院中拆分出来的单科艺术院校,如:中央美院、中央音乐学院、中央戏剧学院等。另一种是改革开放以来,以1983年厦门大学设置艺术学科,开办艺术专业为代表的综合性大学成立的艺术学院。如:1997-1998年,北京大学、清华大学、浙江大学相继成立艺术学系或艺术学院,随后,2001-2005年,吉林大学、兰州大学、同济大学、武汉大学、中国人民大学、复旦大学也陆续成立艺术学院。至今为止,除中山大学之外,全国重点综合性大学,都成立了艺术学院或开办了艺术专业。 在上述的第二类院校中,不少综合性大学都是工科类作为强势学科的理工类院校。原本,在理工类院校开办艺术学科的初衷是处于学科结构优化及人才素质培养的需要,然而,由于理工科院校长期以来受到“重科学,轻人文”的传统教育观念的影响,艺术学科的建设往往没有受到应有的重视,尤其是在学科建设以及人才培养方面,艺术专业的从属地位,直接影响了艺术学科专业的发展进程。目前,理工类院校背景下的艺术学科专业的发展主要面临以下几点困境。 (一)办学定位模糊不清 学科办学定位则与学科所在地域的相关资源、社会人才需求和所在学校师资特色、科研力量相关,它确立了学科培养什么类型人才、怎么培养、培养目标等。理工科院校开办艺术学科从动机上来看主要有两点:一是出于学科结构的优化,推动学校素质教育,二是“艺考”带来的丰厚利润可以作为学校增长经济收入的一种方式。对于理工类院校来说,艺术学科的建设首先是定位于为理工类专业服务的附属地位,其价值在于培养复合型人才,打造良好的人文环境,履行艺术教育的社会职责。 目前,国内大部分理工科类院校的艺术学院(系)的学科建设在实际的人才培养方案中与专业的艺术学院并无差异。比如:理工科类院校的艺术学院(系)课程设置的参照对象往往是专业艺术学院。这样直接的影响是使其学科专业很难依托于学校的优秀资源摆脱专业艺术教育体制带来的弊端,尤其在课程设置上会出现严重的混乱局面:课程体系不合理,各门课之间难以形成一定的关联性,无法设立出属于本校特色的艺术学科专业。学校的办学定位与艺术学院(系)定位的不相一致性,是一些院校的艺术专业迷失办学方向的主要因素。 (二)专业发展受到限制 理工类院校开设艺术专业的动机及定位的困惑,直接反应在艺术学科专业的发展受到多方面因素的限制。国内理工科类院校艺术学科专业的设置主要分为两类:一类是由单一的艺术设计专业为主要学科专业所成立的艺术学院(系),一般来说,在专业的设置上通常由产品设计、环境艺术设计、数字媒体设计等专业作为主要专业方向。如:青岛理工大学艺术学院的室内设计等相关专业,他们最早源于学校原有的建筑学科。第二类是由综合性艺术学科专业所组建的艺术学院(系),如笔者所在的华东交通大学是一所以工、理学科为主的学校,2006年从原有土木学科分支出环艺设计等相关专业,与人文学院分支出的音乐学专业共同形成了艺术学院的主要学科专业方向。以目前艺术学科专业设置的比例上来看,相较于音乐学专业,由于艺术设计专业大多是从机械类相关学科衍生而来,因此,在各大理工科类大学的发展已形成一定较大规模。 事实上,艺术专业自开设于理工类院校之后,便受其院校和原有的教育体系的制约。一方面,在工科院校中,由于艺术学科专业不是传统优势学科,也不是重点专业发展方向,加上专业的设置常常由筹建艺术学科专业的专家根据自身所从事的学科角度出发进行建设和管理,因此在学生管理、教学管理、课程设置、教学评价及办公场所等诸多环节上存在着“先天”的不足。另一方面,社会认知度、师资来源及学生就业等诸多问题在一定程度上左右了艺术科学专业的办学理念。从招生方面来看,理工类院校的艺术专业招生在生源逐年减少的状况下还要与专业院校争夺生源。而在就业方面,由于理工类院校艺术专业设置的社会认知度不高,难以与专业院校相抗衡,再加上目前市场的人才过剩的局面,使得艺术学科专业在人才输出上一开始就面临严峻的形势。这内外两方面因素正逐步影响其专业可持续发展。目前,大部分理工科院校,尤其是地方性院校开办的艺术学科专业在经过多年的教学实践后,由于无法形成具有专业特色的艺术学科,已出现了逐渐衰败的困境局面。 (三)师资配备结构失调 武汉大学表演研究所所长彭万荣先生在《综合性大学艺术教育的现状与发展趋势》一文中对2008年重点综合性大学艺术师资做了一个初步的数据统计。数据的调查结果显示大多数综合性高校的艺术学科专业教育师资在总量上存在这明显的不足,尤其是艺术学科带头人的普遍匮乏,严重制约了所在大学艺术专业的长远发展。实际教学需要与教学评估需要是目前理工类院校艺术学科专业师资压力的主要来源。前者是为了保证教学的正常运作,后者则是从师资结构上来考核专业办学的规模[1]。 相对其他传统学科,艺术学科在国内的硕士和博士点为数不多。目前,大部分理工科类院校已成立了专门的艺术学院或机构,但是,在师资来源上与一般专业院校并无差异,并且在学历和职称上也普遍偏低,造成了师资配备在学历结构上的不合理。与此同时,作为教学的主力,年轻的讲师和助教在教育观点和意识上能够为艺术学科专业注入新鲜血液,可是,由于年轻教师大多数为刚走出校门的年轻学生,在教学经验上严重不足,而自身业务能力也难以担当与其他专业相匹敌的学科建设的重任,因此年轻的教师在自己的学科领域内没有归属感,从而引发一些潜在的问题。 当然,为了完成教学评估或学科建设工作,大部分理工类院校也会对师资结构进行调整,通常采用的办法是高薪从兄弟院校引进与艺术学科专业相关的教授或专家,或者是直接将从事相关专业实践活动的专家经过岗位转换成为高级职称。这样的做法虽然扩大了高级职称教师队伍,弥补了师资年龄结构上的缺陷,但是,前者由于年龄偏大,容易产生对学科知识补充和缺乏热情与动力的问题,后者则是因为长时间的社会实践使得转岗教师无法短时间内适应新的工作性质,准确认识教育教学规律。此外,从某种程度上来说,由于长期以来具有高级职称的教师在艺术学科专业发展中具有强大的话语权,甚至可以左右着其学科专业的发展方向,也就为其长足发展埋下隐患。 (四)教学管理难以进行 由于学科背景不同,理工科类艺术教育与专业院校的艺术教育在办学过程中会形成不同的办学形态和办学模式。理工类院校经过长期的积累,已经建立了完善的管理机构和机制,同时形成了一套自己的教学和管理体系。就艺术自身的创作和艺术教育而言,有其积极的意义。然而,由于艺术学科专业自身的特殊性,使其在教学管理、课程编排、教学评价等方面与学校自身的管理模式产生了矛盾和冲突。我国艺术学科专业长期以来所执行是专业艺术学院的教学和管理模式。如果硬性的将艺术学科专业的教学管理嫁接到理工类院校上,也就加大了管理机构的工作难度。 目前,虽然越来越多的理工类院校已经意识到过于理性的管理模式和政策在客观上对艺术学科专业的发展会产生消极的影响,同时也在努力探寻艺术学科专业特殊性与理工类院校原有的规范性相结合的教育管理,而至今通用的办法一般是实施院校两级管理,下放部分管理权力到艺术学科专业,同时给与一定的政策倾向性,但是,从目前所产生的效果来看,这种方法仍然无法从本质上解决理工科类院校艺术学科专业在教学和管理方面的困境。 二、理工类院校艺术学科专业未来的发展途径 加强艺术学科专业特色与创新教育是我国各大高校提倡素质教育发展的必然。作为理工类大学也必须同样思考如何利用自身办学的优势,改进和完善目前艺术学科专业教育的培养模式,形成学科专业品牌。笔者基于当前理工类艺术学科专业教育现状所面临的问题,结合当前艺术学科专业发展的实际情况,对理工类院校艺术学科专业未来发展途径提供几点建建议。 (一)明确学科办学定位 从现代社会与经济的发展形势来看,艺术类专业只设置在特定的艺术院校内这种传统的教育模式已不利于多学科交叉和互补的办学思想。在理工科类院校,艺术学科专业的设立所体现的办学价值主要表现在两个方面:一是承担推动所在高校素质文化教育的角色,二是依托于高校办学特色,优化学科结构。 首先,从承担推动所在高校素质文化教育的角色来说,艺术学科专业的开设首先要突破传统的艺术教育观念。具体来说,一方面是大力开展公共艺术教育,本着培养高校复合型人才的理念,对理工类大学生进行艺术学科专业中的通识性教育。例如成立“大学生艺术教育中心”,针对全体学生在艺术设计或音乐审美等学科进行常识的普及性教育。另一方面依托艺术学科专业教育的平台,积极开展艺术技能培训,承办校园艺术文化活动。比如以艺术学院为承办方,艺术专业学生社团为主体,策划和举办类似于“艺术文化节”等相关艺术展演活动,既可以推动工科院校人文环境的发展,也可以锻炼学生的社会实践能力。 其次,从优化高校学科结构的角度来说,理工科院校艺术学科专业的设置实际上是国内交叉性学科兴起的必然产物。因此,在艺术学科的办学定位上,必须重视其学科的专业结构、层次结构、类型结构和地区结构,一定要依托于学校自身的学科优势,利用学科交叉的背景,培养创新型艺术专业人才以适应国内市场经济发展的人才需求。具体的措施主要有:(1)专业设置以高校自身强势学科作为支持,创建学术品牌。如在交通类工科院校中,艺术设计专业的开设通常是源于土建、机械等工科专业(如作者本人就职的华东交通大学艺术学院设计系最早源于土建),从学术积累和学识品牌的角度考虑,其学科建设在教学与科研方面必须与交通领域紧密相连;(2)在教学体系中,不仅要重视艺术学科专业中,同时也要重视相关学科诸如:文学、美学、哲学、心理学、经济学等方面的知识。在具体的课程设置上,应区别于传统艺术教育模式中单一的专业教育,强调其它交叉性学科的地位和作用,并将相关学科知识纳入必修课程体系。 (二)改革人才培养模式 长期以来,我国艺术学科专业的人才培养一直受到传统教育模式的影响。单方面的灌输式、示范式、教师主导教学模式已无法满足目前社会对复合型人才需求的要求。目前,国内高等教育将艺术人才的培养方向基本分为三类:第一类是艺术表演和设计型,主要方向是培养艺术家,如中央音乐学院、中国音乐学院、北京电影学院、中国戏曲学院、中央美院、中国美院、北京舞蹈学院及地方性专业的艺术学院开设的艺术表演和设计专业。第二类是艺术教育型,主要方向是培养小学、中学和大学的专业教师,如诸多师范高校所开设的艺术学科专业。第三类是消费市场型,主要是培养商业或市场流通领域的专业人才。在这三类人才培养方向中,第一种类型较为集中,第二种类型较少,第三种类型几乎是空白,而这一类专业的人才正是目前社会急需的,也是理工科类大学艺术学科专业人才培养的主要方向。由于它主要从消费者的角度出发,探索消费者、(艺术)商品与市场之间的关系,内容涉及经济、技术、社会、人文等方面,因此在专业设置及培养模式上必须区别于前两类。 理工类院校艺术学科专业人才培养模式的改革应该着重于两个方面:一是优化课程教学模式,依托于理工类院校科学研究的特点,在注重对传统文化继承的同时,积极借鉴和吸收先进的理教学理论、教学思想和教学方法,避免传统夫的灌输式、示范式、教师主导式的教学模式,增加实践教学与课程讨论环节,形成教与学的互动。二是根据社会人才需求开设专业和设置课程。目前,国内市场对于艺术人才的需求是多方面的,例如技术型、管理型、交通型等等。因此,错位培养艺术学科专业人才,是理工类院校可以考虑尝试的途径。具体的途径可以是在尊重基本的艺术教学规律的前提下,将艺术策划、艺术传播、艺术营销等新型应用门类作为主要教学研究内容融入艺术学科建设,同时以案例调研、专业实习和媒体技术运用作为特色教学手段,依托于学校资源,与国内外知名学院、艺术团体及公司建立广泛交流合作,积极为文化事业和文化产业部门,如各级政府文化芝术管理部门、各类艺术院校教育管理部门、各类表演艺术团体、设计公司、影视业、演出公司、群艺馆等部门输送优秀的复合型艺术人才。 (三)调整教师配备结构 理工科院校艺术学科专业教育大部分由于学校办学起步晚,经验不足,而在高校扩招的情况下,开设专业又较为全面,包括有艺术设计专业、动画设计专业、艺术管理专业、广告策划等专业同步进行使得师资队伍建设无法满足高校教学和科研需求。大部分理工类院校的艺术专业师资力量受到专业特点的限制在学历层次和知识结构上存在较大差别。为了能在理工类高校艺术学科专业的建设中形成合理的阶梯式师资结构,必须在人才引进和培养两方面双管齐下。 出于实际教学和教学评估的需要,理工类院校艺术学科专业教育的人才引进和培养一方面要着重于建设具有专业知识水平的专业教师队伍,保障教学的正常运行;另一方面则是在师资结构的角度上考虑办学的规模和学科建设方向。因此,从兄弟院校引进具有高职称的教授、副教授,在职称评审政策上区别于工科专业要求,根据专业特色给予一定的政策倾向性,加大力度培养本校讲师、助教,使其合理师资年龄结构在老、中、青三个年龄层次上合理搭配等,都是调整师资结构的良好途径。 此外,根据理工科类院校的艺术学科专业特色的多元化特征,针对“本土”艺术教师,可以考虑采用跨学科的培养模式。一来在科研上易于形成综合性的专业团队,完善学科的发展;二来在教师实践教学中,利于培养学生触类旁通的的学习能力,使得通识教育和专业教育能够精密结合,发挥最大的作用。 (四)提高综合管理水平 这里所提的综合管理水平一是教学管理水平,主要体现在教学质量的保证方面,二是学科建设的科研管理水平,主要针对科研团队管理水平的提高对学科建设产生的影响。 艺术专业原本属于应用型学科,然而在理工类院校背景下其学科的建设是无法避免其教学型和研究型的特点。从教学管理上来说,长期以来,由于学科特性,艺术学科专业的教师和学生在教学和学习中形成了自由化、随意化的倾向,教师教本的老旧,随意教授内容,更改教学时间,学生自由散漫,迟到旷课及上课睡觉等陋习已普遍存在。原本作为一个有机整体的教学活动,常常被分解为教学管理和学生管理两个单位。为保证艺术学科专业教学质量,在教学管理上,需要严格按要规章制度落实日常教师的上课、调课、听课和查课工作,对于教学事故要查明原由,公平处理。在教学活动中,教学管理与学生管理应该形成相匹配的联动机制,共同了解和管理学生的上课情况。例如:教师在课堂上需及时记录学生的考勤与课堂教学情况,并同时将相应问题反馈给负责学生管理工作的辅导员。针对教师提出的问题,辅导员及时对学生做相关工作。教学管理和学生管理相互协调,通过高效、严格进而人性化的管理方式确保教学质量的提高。 此外,科研团队的建设和管理水平的提高对艺术学科专业的建设有着重要的影响。近十年来,综合性大学在艺术学科建设领域的声誉和影响力日渐隆厚,甚至在学术研究领域可以与单科艺术院校并峙,如清华大学、北京大学、北京师范大学、南京大学等推出了不少在学术界产生重要影响力的学术成果,而越来越多的艺术界学术精品、学术大师相继在综合性大学中产生,从艺术学科专业建设的角度来看,取得这样的成果与他们学术团队的发展是密不可分的。因此,工科院校背景下的艺术学科专业建设可以借助其严密、规范、有序的学科,逐步由个体创作的状态转为集体合作的模式,以依托和抱团发展的方式提高科研团队的建设和管理水平,注重学术及品牌创立,并最终以团队的形式为工科类院校艺术学科专业的建设提供可持续发展的动力,使其在学术界占有一席之地。 艺术学类论文:理工类院校艺术学院教学管理探索 【作者简介】田颖颖,女,江苏沛县人,南京信息工程大学研究实习员,主要从事高等学校教务管理研究; 韩帆,女,湖南长沙人,南京信息工程大学教授、博士,主要从事数字媒体教学与高等学校教学管理研究; 朱珠,女,江苏南京人,南京信息工程大学助教,主要从事插画教学与创作研究。 【基金项目】本文受南京信息工程大学2013年度教学改革研究项目基金(编号:13JY006)、南京信息工程大学2013年度高等教育调研及政策研究项目基金(编号:2013GJ01)资助。 近年来,随着我国经济飞速发展,市场需求不断增加,很多理工类院校都陆续成立了艺术学院,开设艺术类相关专业,如数字媒体艺术专业、艺术与科技专业等。这有一定的办学优势,可将技术性与艺术性紧密结合,在艺术实践教学中更倾向于科学性,有利于开拓创新。然而就理工类院校而言,对艺术这个特殊的行业领域,在没有培养艺术类学生的基础和经验的情况下,如何培养具备扎实的专业知识、过硬的专业技能,更具备充满创造能力的艺术人才,是艺术学院教学管理的重要任务和目标,也是艺术学院的教学管理人员必须要思考的问题。 一、艺术学院专业教学的特点 (一)艺术学院专业教学更注重实践教学环节 艺术专业教学是以艺术创作为载体,通过创作来提高学生的观察能力、设计理念及设计能力等,没有精湛的艺术技巧就无法表现高妙的艺术境界。因此,在艺术学院专业教学中,实践教学环节相对较多,包括上机操作、动手制作以及风景写生等集中性实践教学环节。课堂教学中常常也是将理论教学与实践操作训练相互结合,促使学生将所学知识融会贯通,转化为实际应用能力。艺术学院不仅要重视实验室建设,还要开拓社会实习实践教学基地,培养学生的市场意识,为将来走向社会打下坚实基础。 (二)艺术学院专业教学更注重教学方法 理工科专业教学是运用统一的概念、定义、推理及运算方法传播知识,而艺术专业的教学是重视师生间的交流与互动,教师不仅要向学生传播已有的观点和技法,更重要的是启发和引导学生求异创新、寻求新的设计理念和创意思路。艺术专业学生是大学生中的特殊群体,自我意识强烈,注重个性发展,重专业,轻文化。教师在教学过程中,要善于发掘学生独特的个性,因材施教,促使学生标新立异,在已有理念和知识的基础上,通过思考和分析,产生新奇的创意构思。理工类院校要打破传统的学徒式的教育方式和管理模式,将艺术的本质规律贯穿于课程教学中,培养学生的艺术眼光和批判精神,把培养学生艺术思维创新能力作为教学的目标。 二、艺术学院教学管理的特殊性 (一)艺术学院教学的专业属性 一般理工类院校经过多年岁月的磨砺和自身的沉淀,都积累了许多属于自己的规范化和模式化的东西,也形成了行之有效的适合理工科教育的教学管理潜在的标准。用这些标准来衡量艺术学科教育,却有着本质的差异性。对于新开设的艺术类专业,这些理工类院校也不可能很快地改变现有的教学管理观念和模式来适应艺术学科教育的发展,不得不使用非艺术类教学的管理模式。但是,艺术学科教育与理工科教育在教学方法、教学内容、教学形式甚至在授课地点、授课人数上都有着本质的区别。在这种管理模式下,艺术类专业教学的专业属性被淹没了,没有形成突出的专业特性,并制约了专业的发展。 (二)艺术学院师资配备的特殊性 由于理工类院校往往过于重视教师的学历,招聘要求多为博士学位,但具备博士学位的艺术人才大多偏向理论方向,缺少实际动手操作等应用实践环节的相关能力。学校所设置的艺术专业(如数字媒体艺术、艺术与科技专业)应用性较强,这些高学历教师无法胜任技术性与实践性较强的艺术课程,譬如虚拟现实技术、数字合成、材料与施工工艺等。 (三)管理对象的特殊性 从艺术学院教师本身而言,多为专业艺术院校毕业,个性突出、情感丰富,在思维方式、工作方法等方面和其母校的教学体系和规律是一致的,对理工类院校的很多管理规章和要求表现出极大的不适应,在工作上难免存在抵触情绪,在落实学校下达的有关任务和要求上常常拖拉、工作不严谨。 艺术专业的师生天性及专业性使其个性突出,他们比理工类专业的师生更富情感,工作学习易受情绪影响。艺术专业管理者在教学管理中,不仅要充当管理者、组织者,还要做协调者、服务者等多种角色,努力使教学管理与其它管理之间统筹安排,默契配合,协调一致。 三、理工类院校加强艺术学院教学管理的一些举措(一)根据艺术专业属性改变教学观念,合理安排教学 学校应根据艺术专业的特殊属性,从实际情况出发,适宜地制定出有助于专业长远发展的教学计划,合理安排教学,不能以理工类专业的教学管理模式来对艺术专业进行单纯的管理。例如,在时间安排和课程设置上不能全部按照理工类专业的形式进行,应以专业教学为主,公共课程或其它教学活动应在适当之时予以补充,甚至单独进行授课,形成以专业教学为主的良性教学秩序。 (二)建立有效的艺术专业实践教学环节,并切实落到实处 艺术专业实践教学环节在整个专业教学中占有非常重要的地位,建立有效的实践教学环节,是艺术学院及专业教师共同来完成的一件大事。首先,应该建立完善的校内实验室,合理进行部分专业课程的教学实践;其次,建立社会实践教学基地,学院要根据专业发展方向,利用各种途径联系公司或企业,签订实践教学协议。通过校内和社会双重的实践教学安排,保证教学活动的顺利实施,同时也为学生将来的就业提供有力保障。 ・文化艺术田颖颖,韩帆,朱珠:理工类院校艺术学院教学管理探索(三)优化师资结构,提高师资综合实力 目前,国内理工类院校开设艺术类专业时间较短,教育水平与国外同类大学相比还存在很大差距,因此需要利用好现有条件,采用多渠道优化师资结构,提高师资综合实力。1.培养在职在岗的教师。根据教师的教学科研成果,选拔优秀骨干教师进行重点培养,带动专业团队形成更好的教学科研氛围,团结协作,共同发展;组织有潜力的青年教师出国培训学习,充实自身专业素养,力争专业教学与国际发展接轨。2.引进海外高层次留学人才,吸收国外先进的艺术理念和专业水平。 (四)充分运用激励手段,创建良好氛围 艺术学院的教学活动是一种多样化和灵活性并存的活动,艺术教学的管理工作,在确保制度权威的前提下,要时刻注意遵守艺术规律的弹性原则,在“以人为本”的管理理念下,创造宽松的教学环境和富有个性的艺术氛围。 良好的教风、学风不仅要靠监督管理,更重要的是靠引导和激励。完善激励机制,充分调动教与学的积极性。对老师,学院要极力创造条件满足其在教学过程的合理需求,引导其将需求与教学目标相结合,从根本上提高教学质量;对学生,学院将其优秀作品展出和收藏,颁发优秀作品收藏证书,并要引导和组织学生参加各种竞赛或展览活动,以开阔眼界。 (五)加强自主学习,提高服务水平和管理创新能力 教学管理人员必须围绕教学这一中心工作,最大限度地满足教师的工作需要,保障其最好地完成教学任务,也要为学生成才服务,为其终身发展打下坚实基础。随着高校教学改革的逐步深入,教学管理工作不断发生新的变化,工作能力要求越来越高。要想成为优秀的教学管理者,必须加强学习,探索新方法,勇于创新,充分发挥主观能动性,不断提高综合工作能力和工作效率。 理工类院校的艺术学院正处在成长发展阶段,教学管理者必须利用合理的教学管理方式,严肃而灵活地处理好教学中的各种问题,力争高标准,高质量,高效率,更要不断探索完善艺术专业教学,提升教学管理水平,提高艺术人才培养的质量。 艺术学类论文:艺术学升门类后综合艺术院校学科建设中的思考 【内容摘要】艺术学升格为门类后,为高等艺术教育在学科建设方面提供了机遇,同时也面临着生存与发展的一系列挑战。文章基于地方综合性艺术院校自身的特点,从学科建设在综合艺术院校发展中的重要性、发展中的现状分析,以及建设中的重点环节几个方面进行了梳理,得出以下结论:艺术院校在学科建设中首先要发挥和调动自主发展的内动力,构建合理的学科组织结构;其次,借力于社会文化发展的外动力,充分发挥艺术院校服务于地方的优势,找准自身在高等教育大系统中的学科空间定位,发展优势、特色学科,带动整体发展。 【关键词】综合艺术院校 学科建设 目标定位 随着国务院学位委员会下发的《关于下达按进行学位授权点对应调整结果的通知》(学位办[2011]51号)的公布,艺术学升格为学科门类后,名正言顺地成为第13个学科门类,下设艺术学理论、音乐舞蹈学、戏剧与影视学、美术学、设计学5个一级学科,标志着专业艺术教育从此有了自己的学科属性,同时也为学科发展提出了更高的要求。但学科门类的提升并不代表学科整体水平的提升,从当下社会对艺术人才的需求和艺术院校的学科发展现状来看,在学科规划和建设方面各艺术院校仍具有很大的拓展空间。在学科专业类别方面的跨越和突破,将成为艺术院校内涵拓展的途径之一。经过两年多的适应、调整与改革,各综合艺术院校越来越强烈地认识到学科建设在艺术高等教育发展中的重要性,学科发展水平不仅决定着艺术院校的发展水平,还影响着人才培养的质量和特色的彰显。如何在新形势下提升综合艺术院校的竞争力,如何在发展中保持自身的特质,如何使艺术类院校之间在艺术学升格后把握发展的机遇强强联合,形成合力,“突出重围”已成为大家关注的话题。 面对当下中国文化发展的趋势,面对艺术学升格为门类后学科的构架,面对中国日渐融入世界艺术发展潮流的趋势,作为综合艺术院校需要重新审视以往的办学定位、学科构架,并尽快地、有效地实现其内涵的发展,在提升本体学科的同时,拓展艺术类跨学科专业和交叉专业,将成为未来一个时期各艺术院校的重要任务。 一、学科建设在综合艺术院校发展中的重要性 “学科”在英文里的解释具有多种含义,包括学科、学术领域、课程、纪律、严格的训练、规范准则、戒律、约束、熏陶等。在《辞海》里解释为:“学术的分类,指一定科学领域或一门科学的分支”。学科是人类在认识和研究活动中针对对象,而将自己的知识划分出来的集合,是相对独立的知识体系。学科是指对同类问题所进行的专门科学研究,从而实现新旧知识的更替,学科活动不断导致某学科内现有知识体系的系统化和再系统化。学科建设是高校发展中的首要任务之一,同时也是一项复杂的系统工程,其内容覆盖学校的人才培养、科学研究、学术交流、实验室建设、校园文化等各个方面。协调可持续是关键,在不断深化和拓展中,任何一个环节的不协调都会影响整个学科的发展。 学科建设是艺术院校综合性和全局性的工作,学科发展水平是高等学校质量和水平的主要标志,也是实施人才培养、科学研究和为社会服务的基础,是社会衡量一所大学教学质量、科研水平、学术地位等综合竞争力的重要因素,它不仅直接体现艺术院校的办学实力和办学水平,更决定着学校的发展特点和优势。因此,学科建设始终是高校各项建设工作的优秀,是带动学校发展,提高学校教学与科研及社会服务能力和整体水平的基础。 21世纪高等艺术教育的竞争,其本质就是学科实力和学科水平的竞争。哪一所高校在学科建设中有一批高水平的学科群、高水平的学科研究成果,以及高水平的专家学者,就能在激烈的竞争中脱颖而出,立于不败之地。反之,就会被激烈的竞争所湮没。 二、综合艺术院校在学科发展中的现状 2011年,在清华大学举行的大学校长全球峰会暨环太平洋大学联盟第15届校长年会上,来自五大洲近40个国家和地区的130多所大学校长齐聚清华园。“中国建设世界一流大学”成为中外校长热议的一个话题。艺术类高校同样要有这样的眼界与胸怀,能否将地方综合艺术院校建成国内一流、国际一流的艺术大学是各艺术院校的共同目标。十年树木、百年树人,教育发展是长期的、脚踏实地的事业,浮躁、急躁是无法建成世界一流大学的。建设一流大学是长期而艰巨的过程,需要几代人锲而不舍的付出艰辛的努力。牛津大学用了800多年的时间才拥有目前的学术地位和国际影响。此外,美国哈佛大学、耶鲁大学及英国剑桥大学等一批国际公认的世界一流大学均是历经数百年时间才建成的。艺术院校要抓住艺术学升门类的机遇,迎接挑战。 艺术学升门类后,地方综合性艺术院校学科发展面临着严峻挑战。其一是综合艺术院校在激烈的竞争中学科发展不平衡、学科结构不合理、人才知识结构单一等诸多问题日益凸显。在学科建设中架构合理的体系结构是重中之重,在近几年的学科建设中,各艺术院校都有不同级别的重点学科建设项目,有的院校还专门成立了学科办,但在发展建设中宏观思考和整体布局,以及发挥重点学科的引领作用是不够的。重点学科与一般学科、学院整体发展与学科发展、学科办与学科之间的关系有待于进一步理顺。在学科建设中不是只建重点,不关注一般。而是在项目建设过程中各学校可根据本校的优势和实际选择、调整学科方向,注重学科本体的发展,并利用综合性艺术院校的优势,构建各学科之间的联合与协作,优势互补,整体推进。 其二是来自部属艺术院校在资源等领域优势地位的压力和各类非艺术院校无序竞争、盲目扩招的生源与就业压力。首先,由于部属艺术院校先天的优势,在人才资源、学术资源以及国家的经费投入方面的保证,使得地方性院校在日益激烈的竞争中显得先天不足,后天乏力。有限的资源、有限的经费投入,留不住优秀人才,以及各地区经济、文化发展的不平衡,都制约着地方艺术院校在学科发展方面的步伐。其次,受经济利益的驱动,有些非艺术类院校无序地抢占艺术生源,盲目扩招,使综合艺术院校的招生质量日益下滑,有的非艺术类高校的舞蹈学院在校生近两千人。还有的高校没有舞蹈专业的教师也在招收舞蹈硕士研究生。利益像被放出笼子的恶魔,破坏了大学之间平衡的学科生态环境。当然,没有哪一个高等学校是以规模取胜的。艺术院校之间的实力竞争,从来就不是学生数量的竞争,而是靠培养出优秀学生的质量说话,各院校的生存基础也不会只是建立在规模之上。任何一所高校发展的关键是学科建设水平,这是提升质量的前提,更是保证优质的基础。艺术类高校培养造就高水平的艺术人才并接受社会的选择和检验,唯一标准是学生质量。一所合格的艺术院校,培养出的学生要有学术发展的潜力或者要有社会职场的竞争力,因此建设一流的学科是艺术人才培养质量的有力保障。 其三是地方综合艺术院校师资团队领军力量不足压力。由于地方院校的先天不足,从外因看缺少使教师成长为学科专家的土壤与空间,缺少本学科高层次国内外交流的平台。从内因来分析教师比较安于现状,满足于在各类比赛中获奖或在刊物上,缺少对本专业教学、科学研究卓越追求的精神。美国哈佛大学文理学院前院长亨利・罗索夫斯基认为:“迄今为止,衡量大学状况最可靠的指标是该校教师队伍的优秀程度。这几乎能决定其余的一切,一支优秀的教师队伍能够吸引优秀的学生、基金以及校友和公众的支持,并能赢得国内国际的承认,保持和提高高校声誉的最有效的办法,就是改善教师队伍的质量。”此外,教师、学生之间的缺乏纯学术交流和不同观点论战的文化环境,这与全国大的学术氛围和文化环境有关。艺术从来就是仁者见仁、智者见智的,没有百家争鸣哪有百花齐放。芝加哥大学校长罗伯特・齐默说:“芝加哥大学崇尚激烈学术论战是高产诺贝尔奖得主的‘秘诀’,学生和教师团队始终在‘充满挑战性’的氛围中做学术,任何研究成果都必须要经受得起来自多方面的、激烈的论战才能‘站得住’。” 其四是优秀的、有影响的原创艺术成果缺乏。综合艺术院校教师来源――以舞蹈专业为例,主要源自北京舞蹈学院、中央民族大学以及本校优秀的毕业生。相同的教育背景和学缘结构是导致优秀的创作成果缺乏的原因之一。因为相同或相近的学习背景、知识结构、人文环境会导致具有“同质性”的教学群体和相对固定的思维方式,教师与学生之间的关系更像父子、母女、师徒,学生对教师更多的是言听计从,很难产生彼此间不同思维方式的“撞击”,无法形成创新思维的火花。当学生成为教师后只会延续师父的教学内容与教学方法,无法挑战权威、挑战自我,无法营造浓厚的学术氛围和开放的平等交流的空间,更无法产生具有创新意识的优秀成果。 三、综合艺术院校学科建设中的重点环节 (一)准确的学科发展定位,逐步形成结构合理高水平的学科群。学科群是若干个学科间相互渗透,围绕共同领域有机结合在一起的学科组合,学科间交叉、联合、协作,形成网络状学科结构。合理的高水平的学科群可以产生学科协同效应,其发展脉络是:学科点──学科系──学科群。综合性艺术院校可以有效地发挥若干个学科系有机结合而形成的跨学科群体,是学术领域的组合。在学科建设中注重学科间的联合协作,以发挥各学科互补的优势。这种联合有两种情况,一是以重点学科为优秀,带动其他学科。加强重点,突出特点,带动一般,由若干学科合理搭建组成学科群,这种联合的优点:1.集各学科的专长,取长补短、优势互补;2.在有限的资源内集中优势力量完成重大科研项目的突破。二是列入学院重点建设的学科本身是联合交叉学科,如艺术院校的音乐学与舞蹈学可以联合协作民族音乐学、民族舞蹈学、美术学和舞蹈学的联合等,这种联合有利于产生新的学科生长点,促进学科之间的科研、教学不断发展。 (二)凸显学科建设中的特色。艺术院校在学科建设中坚持各自独有的风格,具有不可替代的独特内涵,是存在的价值和水平的体现。具有相对的稳定性、持续性,对整体教学质量的提高效果明显。全国五所综合艺术院校的巨大财富是在百年和几十年的发展历程中形成了各自较稳定的发展方式,并具有被社会公认的、独特的、优秀的办学特色,并使之有别于其他院校。第一,特色凸显其学科建设中的优势,特色确定着在全国同类艺术院校中的地位与影响。著名的大学一定是具有特色的,但有特色不一定就能成为著名的大学。第二,形成特色的关键是在学科建设上注重特色、重视特色、体现特色;在本学科领域中努力处于知识前沿的方阵之中;在成果的转化中努力为社会的文化发展做出贡献,在专业领域和社会领域中产生影响,从而提升学校的知名度。 各综合艺术院校还要充分利用各自所处的地缘优势,利用地域文化特色来加强学科建设,凸显学科优势。所谓地域文化,就是最能够体现一个区域、一个空间范围独特的文化类型。所谓独特,就是与众不同,跟其他区域、其他地方的显著区别。俗话说,一方水土养一方人,地域文化具有很强的地域性、传统性和独特性,它是中华民族文化的一个重要组成部分。在艺术院校的学科建设中地域文化是十分重要的教育资源,将本地区特有的历史背景、自然环境、民族结构、社会条件、人文精神下形成的地域文化与学科建设紧密结合凸显学科特色优势,这是综合艺术院校的地缘优势、资源优势。 在学科建设中要将地域特色体现在教学、科研、社会服务的各项成果上。例如,新疆艺术学院地处素有“歌舞之乡”“丹青之乡”美誉的新疆,在古老西域文化的深厚底蕴衬托下,其对于各民族民间文化艺术的传承和保护成为显著的特色。舞蹈学科根植于丰富多彩的新疆各民族民间舞蹈之沃土,音乐学在古老的十二木卡姆的乐声中徜徉,美术学在中西交融的浓墨重彩中绽放,多民族、多元文化的氛围成为学科建设的特色,在50多年的办学历史中,各学科的发展始终将独特的地缘、民族、多元文化优势和艺术资源优势转化为教学和科研优势,在地域文化的氛围中显现自己的艺术品格。 (三)学科建设的关键是学科队伍建设。正如季羡林所说:“一个大学,人才不是在课堂中教出来的,而是在大师所创造的氛围中熏陶出来的。没有一流的大师,就没有一流的学生。”可见优质的师资队伍对打造优质学科建设的重要性。 首先,学科队伍是学科发展的主体,是学校发展的依靠力量。没有一流的学科队伍,就没有一流的学科,也就无法有一流的大学。“所谓大学者,非谓有大楼之谓也,有大师之谓也”。大师对学校而言是实力的象征、地位的象征。在艺术院校中大师体现着所在学科的学术思想、学术水平,因为大师的存在,学科发展才得以步入良性发展的轨道。 其次,学科建设中合理的学科组织结构同教师成长为专家学者的过程相辅相成,学校应该对内搭建合理的学科组织结构,为教师的学术研究提供发展平台;对外搭建起一个通往国内外学科领域的桥梁,为教师提供交流、成长的土壤。两者之间互为条件,学科的发展、提升需要专家学者,而专家学者更需要具有优势的学科作为平台体现其学术的价值。 综上所述,艺术院校在学科建设中,从自主发展的内动力而言,要做到学科定位准确、学科特色凸显、学科结构合理、学科带头人及团队具有良性发展的学术空间;从社会发展的外动力而言,要做到适应社会经济、文化发展的需求,能够将学科建设的成果转化为服务于社会、服务于群众的有效资源,能够拓展出更为广阔的学科发展领域空间。 学科建设作为高校的基础性建设是一项长期艰苦的工作,需要付出极大的努力,方法多种多样。各个学校的学科基础不同,办学条件不同,运筹资源的环境和能力不同,学术底蕴、传统特色不同,因而需要因时因地制宜,寻找适合本校学科发展的最佳途径。在艺术学门类下,每一个艺术院校都有着自己的定位与学科生存空间,在各学校大的学科生态系统中准确有效地拓展自身的学科生态空间,合理科学地定位本校的发展目标,从而有效地推动学科建设进程,提升综合艺术院校的竞争力,是艺术学升门类后,综合艺术院校在我国高等艺术教育格局中可持续良性发展的首要任务。 作者系新疆艺术学院舞蹈学院院长、教授 艺术学类论文:“升门”后的艺术学学科与艺术分类 摘 要:2011年2月,国务院学位委员会审议批准了经过调整的《学位授予和人才培养学科目录》,艺术学从文学学科中分离出来,成为独立的学科门类。在新的学术视野下,艺术学理论建设面临许多新的任务,新的艺术分类理论呼之欲出。本文对当代应用较广泛的几种艺术分类方法进行了具体分析和再认识,并就此提出一种新的分类设想。同时还就新的艺术分类设想的内容、分类原则及其实践意义进行了阐述。 关键词:艺术学;艺术学理论;艺术学门类;艺术分类;学科建设 艺术分类是艺术学学科基础建设任务之一。艺术学学科的分类理论因其内涵的丰富性、形象化和多元交叉等特点,要实现“多层多角”的分类理想,尚需时日。2011年2月,国务院学位委员会审议批准经过调整的《学位授予和人才培养学科目录》①,艺术学由此脱离“文学”学科门类,成为“学科目录”中第13个独立的学科门类。“升门”后的艺术学,在“调整后”和“学域扩张”②的新的学术视野下,分类问题再一次成为学科亟待解决的理论问题。 一、艺术分类所面临的基本形势 在艺术范畴中,音乐、舞蹈、戏剧、杂技、绘画、建筑、雕塑等传统艺术形式已经具有了广泛的影响力,电影、电视、动漫等后起形式更是呈现出快速发展的势头。当下,艺术呈现出总体繁荣的趋势。然而,我们必须看到,各种艺术形式在追求最佳艺术效应的同时,也自觉不自觉地开始追求艺术手段的综合性和多样化。原本意义上的单个艺术形式出于特定历史时期的生存本能而发酵、膨胀和扩张,如:杂技戏剧化,器乐演奏歌舞化,声乐演唱伴舞常态化,戏曲表演话剧化,行为艺术的出现,新媒体的产生等。各艺术形式之间你中有我,我中有你,在内涵和外延等方面都已发生了不小的变化,随之产生了新一轮艺术形式的交叉与融合以及新形式的出现。艺术分类自然要直面如此多彩多姿的艺术形态。倘若照旧原封不动地以各艺术形式的名义进行分类组合,必然会遇到诸多新的问题。“升门”后的艺术学,首先需要迅速厘清文学与艺术的学术分界,更要在立足艺术现状,对既有的艺术分类做出新的判断、分析,并就此提出一种新的分类设想。 二、既有艺术分类方法分析 一般认为,在艺术学史上,首先提出依据某种原则对艺术形式进行分类的,是古希腊哲学家亚里士多德。他认为艺术是模仿,并根据模仿的媒介、对象和方式的不同,区分了绘画与音乐、悲剧与喜剧、史诗与戏剧等。我国先秦时期的《尚书・虞书・舜典》和汉代《毛诗序》中都涉及到对艺术分类的思考。20世纪以来,出现了真正具有现代形态的艺术分类学研究。 根据不同的分类原则和分类标准形成的,并在当代被广泛应用的艺术分类方法主要有以下几种: 依据艺术形象的存在方式可分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。时间艺术如音乐、文学;空间艺术如建筑、雕塑、绘画、书法;时空艺术如戏剧、电影、电视、舞蹈。 依据艺术形象的审美方式可分为听觉艺术、视觉艺术和视听艺术。听觉艺术如音乐;视觉艺术如建筑、雕塑、绘画、书法;视听艺术如戏剧、电影、电视。 依据艺术的物化形式可分为动态艺术和静态艺术。动态艺术如音乐、舞蹈、戏剧、电影、电视;静态艺术如绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术。 依据艺术分类的美学原则可分为实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术。实用艺术如建筑、工艺,造型艺术如绘画、雕塑,表演艺术如音乐、舞蹈,语言艺术如文学,综合艺术如戏剧、电影、电视等。 依据艺术形象的表现方式可分为表现艺术和再现艺术。表现艺术如音乐、舞蹈、抒情诗;再现艺术如绘画、雕塑、戏剧、叙事文学等。 依据艺术行为的表现方式可分为行为艺术、肢体艺术、语言艺术、表情艺术等。行为艺术是艺术家以自己的身体为媒介,通过某种行为方式展示其文化观念和美学态度的艺术;肢体艺术如舞蹈;语言艺术如文学,表情艺术如音乐、戏剧等。 从媒介的角度艺术形象可分为视象、听象、心象和视听形象。视象如绘画、雕塑等;听象如音乐;心象如文学;视听形象如戏剧、电影、电视等。 大体上看,上述分类方法中有些是按照“大艺术”的概念来分类的,譬如:“时间艺术”、“语言艺术”“心象”等类别,已把文学整体性的纳入艺术的范畴。这种大艺术观虽然从其实践的角度出发,但是作为更加精细、缜密的学科理论建设工程,不仅与“升门”后艺术学的独立学科思维相矛盾,也与早已成为独立学科的文学学科建设思想不相符。那么,如今做艺术的分类,首先,需要请文学③出局,并要对艺术中的文学元素如戏剧、电影、说唱艺术中的文学内涵做出新的恰切的阐释。再者,“听觉艺术、视觉艺术和视听艺术”之分与“视象、听象、心象和视听形象”之分显然有着异曲同工之趣,特别是在作为“心象”的文学出局后,两者已别无二致,两相存在则缺乏理论的独特性和实践意义。第三,“实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术”与“行为艺术、肢体艺术、语言、表情”的两种分类方法即使在文学出局之后也还有相类和缺乏自洽之处,也需要再斟酌。当然,既有的几种分类方法在学科建设和艺术发展过程中所做出的重要贡献是不言而喻的,这里意在立足于新的理论基点,发现和认识过往各种艺术分类方法的历史局限,从而为新的分类设想提供参考。 具体来讲,依据艺术形象的存在方式划分的时间艺术、空间艺术和时空艺术的分类方法所反映的是生活中最常见、应用最普遍的一种时空观,是基于人类生活经验的一种由三维空间和一维时间所构成并被人们所普遍感知的艺术存在方式。在特定的感知范围内,以这种时空形式解释艺术,把艺术的创作与审美过程置于一个与客观存在相一致的特定的界域来进行,不仅符合人们的生产生活习惯,也与人的认知能力相契合,是一种具有共识基础和便于应用的分类方式。然而,又不能不看到,科学体系中的时空观是多样的,是挣脱了人的日常生活经验和感知局限的对宇宙天体及其客观存在的创造性发现。譬如:以霍金为代表的现代物理学是用十一维空间来解释宇宙的。高维空间不会因为它不被人类所感觉而不复存在,就如我们人类听不到超声波、看不到红外线的客观存在。现代科学认为,宇宙的许多自然之谜如黑洞、超自然力、意志力、时空通道等,以更多空间的理论才有可能存在和解释。看一看时间的“穿越”理论,空间的一维、二维、三维……十一维……二十六维、N维等理论,就不能不说采用时间和空间的概念为艺术分类或多或少地显得有些奢侈和粗疏。时空概念更多的应用于超越生活经验的天文物理科学,也适用于几乎所有客观事物,并且是多义的、相对的,其内涵远远大于人类的艺术生活。现代艺术正以开放的姿态在作品中表现科学的、更加多样的时空观。一句话,时空概念不是艺术所独有的,这样的艺术分类不易真正触及艺术的特殊本质。 依据艺术形象的审美方式将艺术分为听觉艺术、视觉艺术和视听艺术的分类方法,与上述的时空分类方法似乎有相应之处――听觉艺术对应时间艺术,视觉艺术对应空间艺术,视听艺术对应时空艺术。所不同的是,以人的视听功能作为艺术分类的依据,能够从人的感官感受出发,体现了人类感知外部世界的基本路径和人性特点。尤其是关于“视觉艺术”的理论和实践,已使绘画、书法、建筑、雕塑等依赖视觉而呈现的艺术形式有了坚实的理论支撑,进而在“读图时代”获得了时代认证和现代意义。与之相比,“听觉艺术”显得有些寂寥,其同类较少,并且,作为听觉艺术主体的音乐艺术只能依赖“音乐的耳朵”来感受,又大大减弱了它的接受群体及其影响力。作为分类结构中的一支,听觉艺术的提法虽然明白无误,但是结构性的支撑力还显得薄弱。对于“视听艺术”的框定似乎也有些笼统和松散,致使戏剧、电影、电视等所谓视听艺术形式无需借助其理论,甚至完全抛开视听艺术这个称谓而竟自发展。这不禁使人产生疑问:这种分类方法是否更偏爱视觉艺术? 依据艺术的物化形式将艺术分为动态艺术和静态艺术已然显得过于粗疏,因为世间万物无外乎动与静两种运动形式,并且,物质的动态和静态存在方式均具有相对性,这一分类方法对于认识各种艺术形式的艺术特性到底能有多大帮助? 依据艺术分类的美学原则将艺术分为实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术。在去掉“语言艺术”之后,还应该看到,其中“实用艺术”与其他艺术种类的关系是一个历史的、动态的关系。实用艺术确实有着十分广泛的实践意义和重要的历史价值。一般认为,在人类发展史上,最古老的原始艺术都曾是实用艺术。随着技术的发展和社会的进步,人类越来越追求实用物品的审美性质,致使一部分实用物品最终发展成为纯艺术品。这一变化过程还将继续。再者,从理论上讲,能与实用艺术并列和相对应的,也许只能是非实用艺术或纯艺术,而不是其细类。 表演艺术与综合艺术其实也是有交叉的,尽管类似的分类方法在王朝闻主编的《美学概论》等一大批原理性著述中均可找到,即使在作为经典释义的工具书《辞海》(1980版)中,也在“艺术”一词的释义中作了类似的表达:“艺术”是“通过塑造形象具体地反映社会生活、表现作者思想感情的一种社会意识形态。……由于表现的手段和方式不同,艺术通常分为:表演艺术(音乐、舞蹈)、造型艺术(绘画、雕塑)、语言艺术(文学)和综合艺术(戏剧、电影)。”不难看出这也是一种大艺术观。问题还在于,被作为一种综合艺术形式的戏剧,又何尝不是一种表演艺术?但是,无论如何本文仍认为,这是几种分类方法中的一种最为贴近艺术特性的分类方法。 依据艺术形象的表现方式将艺术分为表现艺术和再现艺术的分类方法也是值得慎思的。艺术源于生活高于生活。与其说该方法所列举的表现艺术如音乐、舞蹈、建筑、书法,再现艺术如绘画、雕塑、戏剧、电影,不如说以上每一种艺术形式无不渗透着表现与再现的艺术手法。任何对生活的模仿和再现都反映着艺术家的审美理想和美学判断。尽管歌剧中含有主要用于叙事的宣叙调和主要用于抒情的咏叹调,舞蹈中有抒情性舞蹈和叙事性舞蹈,绘画有写实和写意、抽象与具象,但是,在操作层面上特别是在综合艺术形式里,表现艺术与再现艺术在同一形式乃至同一作品中的截然分离几乎是不存在的,每每使人难于分辨。表现与再现不过是艺术家艺术审美经验的主观倚重或曰同一形式的不同侧重而已。表现与再现作为一种艺术思维方式是有其特殊意义的,而将其运用于艺术分类则往往使各艺术形式和作品难分难解,以致不能真正实现其分类意义。 依据艺术行为的表现方式将艺术分为行为艺术、肢体艺术、语言、表情等的分类方法同样需要首先除去“语言”类。同时,其中的“行为艺术”与“肢体艺术”二者也存在矛盾,因为所有行为艺术都是通过肢体来完成的,有些肢体艺术本身就是典型的行为艺术。 尽管行为艺术不断地僭越艺术学学科规诫并获得新发展,但是它仍然“能够被匡正为艺术史和艺术批评对象”,被认为是传统架上艺术形式(绘画、雕塑)的观念化移置或拓扩,尤其是抽象表现主义之“行为绘画”(Action Painting)和“无形式艺术”(Art informal)的延伸和变异。④由此,行为艺术被作为艺术分类中的一个大的类别会引起质疑。本文认为,它起码不适于位居艺术类别的第一层级。 该分类方法将行为艺术、肢体艺术之外的其他艺术形式均以“表情”来概括,其做法也同样值得商榷。一般认为,表达情感是艺术的基本特征,一切艺术形式都是表情的,都是创造出来的表现人类情感的知觉形式。行为艺术、肢体艺术又何尝不是如此?也有将表演艺术统称为表情艺术或单纯的将音乐和舞蹈称之为表情艺术,那么,这些基本特征也一定能够从行为艺术和肢体艺术中寻找到。可以说,这种分类方法没能在同一层面上进行。 三、新的分类设想、分类原则及其基本形态 受既有艺术分类研究成果的启迪,本文所要提出的新的分类设想立足当下,是从实践的、经验的、具体的事物出发,并力求对艺术学学科门类进行整体性思考,来寻找和思考各艺术形式间的同一性、关联性和方向性。新的分类设想遵循如下原则: 1.只适于艺术学特性,反映学科内在联系原则;2.顺应与其他学科的外部关系原则; 3.从艺术形式的主体出发,去表象化、综合化,力推原型、元素和基本特征原则;4.力求穷尽类项,规避将不易归类的或具有综合性质的现象归入“综合”类、“假设”类、“其他”类等把问题堆积一隅原则;5.兼顾新形式的归属和未来发展原则。 本文认为,在艺术学范畴里,在艺术学与音乐、舞蹈、美术、戏剧、电影、电视等具体学科之间,还实际存在着一个中间层级――它集中了某些艺术形式的共通特性,并使各艺术形式相互联系与区别。为此,本文提出一种新的分类设想,即依据艺术呈现方式的介质不同分类,将艺术划分为动作艺术、声音语言艺术⑤、材料艺术、操作艺术、音像制作艺术。 第一,动作艺术。动作艺术是以人体动作为主要表现手段的艺术形式。包括舞蹈(含戏曲舞蹈)、杂技人体技巧、哑剧等。其主要特征是:1.人的表演的本真性;2.人体技巧的真功夫;3.动作语言体系的特殊性和包容性;4.动作语言的民族性、地域性、传统性、时代性及个体差异。 值得一提的是,当前一些重要艺术活动中,包括国家艺术学社科基金项目的评审工作,杂技是被放在戏剧类中进行评审的。这从一个角度充分肯定了杂技与戏剧都是以人的自然身体为媒介的基于身体表现的艺术,以及身体技能对于二者的重要性,也肯定了当代杂技与戏剧在戏剧性、情节化方面的相关性。但是本文认为,这种做法模糊了杂技与戏剧在主体方面的重要区别――杂技是一种以人体技巧作为主要表现手段的艺术,戏剧则是以声音语言为主、以对话或以歌舞演故事的艺术。从基本属性来看,杂技与舞蹈更为贴近,二者同为动作艺术。 第二,声音语言艺术。声音语言艺术是以人的声音和语言为主要表现手段的艺术形式。包括话剧、戏曲、曲艺、声乐等。其主要特征是:1.由人的声音创造出的语言和音乐艺术形式;2.多以艺术中的文学元素作为创作的基础。正如曲艺形式被直呼为“说唱”艺术。话剧突出一个语言功能。尽管戏曲以唱、念、做、打著称,但是一般的剧目还是以“戏”甚至以唱念为主。即使是以武生、武净、武丑、武旦、刀马旦唱头牌的戏曲武戏,也还是以戏为主,以武为辅,如:《挑滑车》《伐子都》《长坂坡》等。为此,还出现了专供欣赏武功表演的折子戏,如:《三岔口》《挡马》《杀四门》等。 这里之所以把声乐与器乐分离开,是更加看重声乐和器乐的相对独立性。声乐是由人的发声器官――声带产生振动所产生的音乐效果,而器乐则是由人操作物,使物体发出音响、音律、音频等的音乐效果。二者的发声材料和发声原理明显不同。在艺术实践中,声乐与器乐也常常被分开来应用,凡单纯的人体人声艺术都是声乐的近亲或本是它的归属。例如:声乐训练被作为戏剧学院学生的必修课;民间常见的艺术表现形式为载歌载舞。器乐学习和训练是另一套功夫,它是人与自身之外的其他器物共为介质的音乐艺术,当属于操作艺术。 第三,操作艺术。操作艺术是指由人操作物、人与物共同完成,乃至以物的某种性能作为主要审美对象的艺术形式。即:通过人的技能所产生的物理的艺术呈现。它包括器乐、木偶、皮影、魔术、驯兽等。其基本特征:1.人与物一同进入创作的共时性;2.始终在人的操控之中,使物的某种性能成为审美对象,“驭物为灵”;3.以人的艺术技能为主导,并由此决定艺术品水平的高下;4.离开人的操作其艺术效果便不复存在。操作方式一般有演奏(吹、拉、弹、打),耍弄(耍皮影、耍木偶、耍杂技道具),魔变(变魔术),驯化(马戏、驯兽)等。吹、拉、弹、打基本包容了乐器演奏中的所有管乐、弦乐、打击乐器;耍皮影、耍木偶、耍杂技、变魔术、马戏、驯兽……等,更是呈现出了人操作物的千姿百态和无限可能。 动作艺术中包含了杂技人体技巧。这里的杂技道具节目(如:手技、蹬技、顶技、走钢丝、抖空竹、舞流星等)和魔术、驯兽被作为操作艺术形式,在于着意强调人与物(动物、实物)在艺术呈现过程中的相互依赖关系,如实反映杂技艺术⑥所含纳的“杂”之属性和技术特点。 第四,材料艺术。材料艺术是物化了的艺术形式。包括绘画、雕塑、摄影、书法、建筑等。材料艺术是艺术家审美创造的一种可见形式,是艺术家将自己的艺术才华完全依托于物、显现于物的艺术。其基本特征:1.依材质、材料性能、形态等特性在材料上形成;2.艺术品是为审美对象,艺术家与艺术品分离。例如:绘画由水墨、水粉、水彩、油彩和宣纸、绢、画布、画笔等材料实现画家的创作。艺术家的审美创造一经凝聚于物,便就此形成一个艺术品实体而凝固不变。因此,从某种意义上讲,材料艺术也是一种遗憾的艺术。 第五,音像制作艺术。音像制作艺术是指录音录像艺术形式。即:以镜头形式、录音效果等录制技术呈现的,对社会现象和自然现象的各种活动影像、声音效果的摄录、创制及放映与传播的艺术形式。包括电影、电视、广播艺术等。其基本特征:1.跨介质⑦;2.技术的作用显著;3.艺术家的现场参与与艺术成品相分离,即“缺席的在场”;⑧4.具有音像记录、合成双重属性;5.专业化、规模化、产业化的制作;6.机构、团队形式的集体劳动。 音像制作艺术的跨介质性质不同于以往的综合艺术。它不仅是戏剧、音乐、舞蹈、美术等艺术形式的集合体,它还汇集了人、物、特定材料和技术设备等共同作用共同参与的艺术创作,突出了技术的特点。它是一种异质性综合媒介系统。 音像制作艺术与物化了的材料艺术的主要区别在于,它是先进技术引导下的成像方式和录音、传输方式,其物质介质本身均具有科技含量。譬如:当前影视技术已经出现了光-电子-数字成像方式,并有最终替代传统的光-化学成像方式和光-电子-模拟成像方式的趋势。由于人的审美需要,音像制作艺术还将继续积极引入高技术手段为之所用。 四、新的分类设想的实践意义 1.自始以来,宏观艺术学与各艺术门类之间缺乏理论打通与拓展,即缺乏对艺术总体的分解、分析,对艺术个体的归纳、综合。构建艺术总体与艺术个体之间的中间层级是艺术学理论建设的根本任务。这为新的分类设想提出了学理性、实践性要求。 2.“要不要打破艺术门类之间的壁垒、要不要研究不同艺术门类之间的关联性问题、要不要寻找不同艺术门类之间的共通规律、要不要从宏观上来认识艺术现象”⑨等问题是当下艺术学的重要理论关切。新的分类设想具有建设性、创新性意义。 3.新的分类设想既是宏观的又是可以细致入微的,有望成为研究当前纷杂繁复的艺术现象的一个把手,把实践引向深入,具有基础性、工具性价值。 4.新的分类设想从艺术实践的、经验的、具体的事物出发,企望与既往的分类科学切磋、互补,所产生的科学价值和认识价值也不过是多一个看待问题的角度。历史所赋予我们的使命唯有――尊重过去,建设未来! 艺术学类论文:艺术学门类艺术教育路径探讨 摘要:自2011年3月,我国国务院学位委员会和教育部颁布修订的《学位授予和人才培养学科目录(2011年)》规定开始,艺术学就成为了我国第13个学科门类。艺术学升格为门类,标志着我国的艺术教育终于迎来了一个重要的历史性发展阶段。今天,本文主要就课程研究的基础进行了简要的阐述,而后针对艺术学成为门类后的艺术教育路径之思考进行了深入研究,并结合本次研究提出了相关的教育路径,最终希望借助于本次研究,能够为相关的专家学者,提供一些可供参考的内容。 关键词:艺术学门类;艺术教育;路径;思考 从2011年5月开始,一级学科的大调整中,艺术学科最为调动最大的调整门类,一共下设了五个一级学科,包括:艺术学理论(1301),音乐与舞蹈学(1302),戏剧与影视学(1303),美术学(1304),设计学(1305)(可授艺术学、工学)。这表明艺术学开始在中国教育界中得到正名,表明了艺术学的重要地位。但是在现实的发展过程中,还是存在很多与取得的实际成果相矛盾的教学现状。足以证明研究艺术学成为门类后的艺术教育路径之思考,具有十分重要的现实意义。 一、课程研究基础 (一)学科门类的涵义 学科门类是对具有一定关联学科的归类,是授予学位的学科类别。根据国务院学位委员会、教育部引发的《学位授予和人才培养学科目录设置与管理办法》(学位{2009}10号)的规定,学科门类由国务院学位委员会和教育部共同制定,是国家进行学位授权审核与学科管理、学位授予单位开展学位授予与人工培养工作的基本依据。 (二)我国的学科分类 2011年3月,国务院学位委员会和教育部颁布修订的《学位授予和人才培养学科目录(2011年)》,规定我国分为哲学、经济学、法学、教育学、文学、历史学、理学、工学、农学、医学、军事学、管理学、艺术13个学科门类。 二、我国艺术教育学的现状 (一)教学方法不完备 艺术教学一般包括美术、音乐、舞蹈、戏剧、电影等,需要掌握技能知识学习的一门教育,一般对艺术生的教学也需要注重技术层面知识的传授。但是实际在我国的艺术教学体系中,科学技术越来越发达,人们对艺术教学的敏感越来越多的来源于对生活的敏锐感知和创造性的表现,但是针对这类敏感、创新思维的体现,至今在对艺术学生的教育并没有找到一套比较完备,行之有效的教学方法。在我国的艺术教学中,长期具体表现出一种招生比艺术教学的专业设置更为重要的局面,导致很多学生和家长都认为艺术教学就是“没文化”的“烧钱”教学。 (二)教学设备不健全 具体的艺术教学的设备不健全是指,由于艺术学科门类教学的特殊性以及专业设定的单一性。导致要想实现艺术教学,就需要对其进行很强的实践性教学。艺术教学往往需要专业的设备来进行实践,不能仅停留在课本和理论层面,不然在一定程度上,就会遏制学生的创造思维。但是由于很多不是专业类艺术院校的学校对艺术生的教学设备资金和师资力量投入不到位,导致很多学生在实现艺术创作的基础上,缺乏了专业的实践平台和足够的教学设备,因而使艺术创作得不到完善的发挥和体现。 (三)艺术生的教学质量落后 由于受到市场经济和社会文化产业的冲击,越来越多的高校在艺术生的文化教学上,将主要的精力和资金都投入到了招生和顺应市场需求的专项型人才的培养上。一味的扩大招生就招致出现了学生的数量上去了,但是质量却下降了的教育弊端;同时如果学校方面对于艺术生的培养仅将对学生的培养重点放在顺应市场需求的发展中,就会导致出现学生的教学质量过于表面,顺应市场的经济发展需求固然重要,但是大量低劣艺术产品的市场充斥,也在一定程度上削减了学生对于艺术追求的审美品味,进而影响到国家的社会风气等,这种不重视培养高质量艺术人才的行为无疑是不利于建设我国的艺术文化发展。 三、艺术学成为门类后的艺术教育路径 (一)将艺术教育转化为理性教育 将将艺术教育转换为理性教育一方面,是指针对认为艺术教学就是“没文化的烧钱行为”的学生家长和学生而言得,引导学生家长和学生正确认识艺术学,将艺术教育作为一门传授特殊技艺的理性教育,来提高学生的审美修养和基本素质,进而引导人们正确认识艺术教育。另一方面,将艺术教育转化为理性教育,是针对一些高校出现的不重视培养高素质的艺术人才的行为,倡导高校理性教育,在顺应时展的同时,提高对学生素质要求,在充分引进学生数量的基础上,普遍提升学生高质量的艺术教育。 (二)对艺术教学做出适当调整 具体是指,在各有侧重的艺术教育中,既要将学生向更深、更高的专业领域进行纵向发展;又要打破现代艺术向传统艺术的明显界限。指导学生将单一的教学领域,不断扩充,向综合甚至混合的方向发展。充分在专业的师资力量引导和专业的教学硬件支持下,实现个人的专业突破。同时还要注意不断提升学生的自身素质,在提升学生专业能力的基础上,提升学生的品德素质教育,使学生在市场文化冲击的“诱惑”下,能够保持清醒的头脑,依靠自身过硬的专业素养,创造更多,更好,更优秀的作品出来。 (三)提高学生的文化修养 艺术学升格为门类,就应该具备国家对于专业学科门类相应的文化修养。不断提升艺术学作为学科研究的水平和实力,在培养学生艺术创作的同时,既要重视艺术作品,还要重视对作品的诠释,即培养学生浓厚的学科意识,改变艺术学“没文化”的恶名,大力加强艺术学生的文化课成绩。 四、结语 本文主要就艺术学成为门类后的艺术教育路径之思考,进行了相关的分析与探讨,首先针对此项课程的研究基础进行了简要的阐述,而后主要针对我国艺术教育学的现状展开了深入探究,并进而提出艺术学成为门类后的艺术教育路径,包括将艺术教育转化为理性教育、对艺术教学做出适当调整、提高学生的文化修养等一系列可实施的教育路径。最终希望通过对本文的分析研究,能够给予相关的研究学者一些更具个性化的参考与建议。 作者:王鹤 单位:太原市文化艺术学校 艺术学类论文:艺术学类跨专业毕业设计团队教学模式分析 摘要:艺术类跨专业毕业设计能够让作品更具实用性和特色,同时也可以让不同专业的学生通过团队合作进行交流和学习,加强团队的协作能力和实践能力,这些都是现代社会对于高素质复合型艺术人才的要求。通过这种跨专业毕业设计活动,还可以为跨专业毕业设计团队教学模式提供一些有益的经验,以期今后为艺术类学生的毕业设计提供更好的指导和帮助。本文从艺术学类毕业设计教学模式的现状出发,着重探讨这类教学模式在艺术类毕业设计中的开发和运用。 关键词:跨专业;毕业设计;团队教学 毕业设计是本科教学各项环节的一个最后环节,是对学生四年学习的一个总结和鉴定,也是本科教学计划中一个必不可少的实践环节,这一点在艺术类专业学生中体现的尤为突出。学生通过毕业设计,可以综合运用课堂所学的理论知识,结合自身专业发展和社会实际需求去完成,这样可以让学生在大学毕业之后更快地适应今后的工作环境和工作需要,实现自己的人生价值。随着社会的迅猛发展,对于人才的需求愈发的挑剔和严格,复合型人才的需求量不断增大并受到用人单位的欢迎,这让传统的毕业设计教学模式不能够满足社会的需求,因此需要及时对这些显现的弊端进行修正。因此,有必要对毕业设计教学模式进行不断的创新。笔者认为,通过运用跨专业毕业设计模式,能够对学生的综合能力、创新能力以及团队协作能力起到一个很好的促进作用。通过这种毕业设计模式,能够扩大学生的专业领域,提高学生的专业水平,更好地提高学生的就业竞争能力。 一、艺术学类毕业设计教学模式现状 大部分高校采用的毕业教学设计过程首先是让学生从学院指定的题目中进行选择,或者自己拟定论文题目,然后通过文献法、调查法等对所选题目进行论证完成毕业设计;最后出具毕业设计作品或论文并参加相应的论文答辩。可是这种传统模式的毕业设计存在着以下几点弊端: 1.毕业设计选题方向单一,缺乏跨专业选题意识 不利于学生跨专业综合能力与创新能力的培养在以往的毕业设计选题过程中,大部分专业的学生都会选择和本专业相关的题目去研究和创作,很少有学生进行跨专业选题。这样做导致学生的跨专业能力不足、创新精神缺乏,不利于学生对跨专业知识的融会贯通。 2.毕业设计的完成单打独斗,缺少团队协作意识 现在的大部分工作要求员工具有良好的沟通和团队合作能力才能够出色的完成。但是,以往的毕业设计很多都是学生自己个人去完成的,这种独立精神固然尤其值得肯定的地方,但也存在弊端:在毕业设计完成的过程中,学生单打独斗、孤军作战,使得学生之间缺乏必要的交流,其作品设计也只能说是“闭门造车”。 3.学生专业知识狭窄,就业选择面单一 以往的毕业设计,关注面主要在学生对于本专业知识的运用能力掌握如何,忽视毕业设计中跨专业知识的运用,导致学生毕业后可选择的就业方向单一,影响到学生的就业质量。 二、跨专业毕业设计团队教学模式 针对艺术学类毕业设计教学模式现状,结合艺术类学生特点以及他们今后选择从事的职业进行针对性的专业能力培养,特别是在毕业设计的教学模式上,要进一步推进改革。 1.何为跨专业毕业设计团队教学模式 所谓团队教学模式是指在通过不同学科人员之间共同去参与涉及课程教学的一种合作模式。其中“团队”一词含义广泛,可以是教育者,也可以是受教育者。团队教学的最大特点是学科的融合、协作和传递。跨专业毕业设计团队教学模式则指的是在学生毕业设计过程中,去打破各自专业的隔膜,不同专业的教师和学生各自组成相应的团队,教师团队去帮助和指导学生团队,完成毕业教学设计。 2.跨专业毕业设计团队教学模式实的施过程 (1)毕业设计的团队组成。从概念出发,这种团队教学模式首先必须打破各自的专业限制,由视觉传达设计、珠宝首饰设计、服装设计等不同专业背景出身的老师来组成一个指导团队,同时选择其中一名老师来担任组长。相应地,让不同专业的学生组成毕业设计团队,选定一名同学为组长。以小组为单位,去共同完成要给教学设计作品。 (2)毕业设计的选题确定。题目的选择可以让教师团队共同商量决定,其原则是毕业设计的选题无论从选题的内容还是形式上,都应该同传统毕业设计不同,应该更加突出综合性和融合性。只有这样的选题,才能提升学生的能力,达到拓宽学生知识面的作用和目的。具体应兼顾以下几点:①选题要求:以能体现视觉传达设计、珠宝首饰设计等专业的综合性和融合性为选题对象。②选题内容:以视觉传达设计、珠宝首饰设计、服装设计专业等的交叉点作为选题的内容。 (3)教学实施方法。首先由每组设计团队去顶一个题目,通过教师团队和学生团队的集体协作,共同完成这一设计创作。具体的指导与完成步骤如下:①将选定的题目按照不同专业分解为相应的子课题,由相应专业的老师分别给予学生指导;②指导老师将子课题继续进行分解,根据学生的兴趣特点和能力下达给每个学生,分别让他们去完成;③在这一过程中,要定期召集团队老师和学生进行交流和探讨,完善各自的设计任务;④学生根据计划完成各自的任务,撰写毕业设计说明书。 (4)毕业设计的成绩评定。学生毕业设计的成绩评定依据有四部分组成,分别是平时成绩、毕业设计说明书成绩、毕业设计成绩以及答辩成绩。 (5)毕业设计展览。毕业设计的展览是按照项目进行划分。同一项目的各专业学生再同一区域进行展示,确保展示的完成性。 3.跨专业毕业设计团队教学模式的管理 (1)指导教师的管理。在毕业设计过程中,管理至关重要。每组教师组长要根据毕业设计的时间来认真计划,并监督项目的整体完成进度,确保毕业设计的整体质量,并定期组织本组各专业指导教师见面讨论、汇报毕业设计进展情况等。 (2)学生的管理。在毕业设计过程中,每组学生组长要负责不同专业学生之间的日常沟通与交流,协调他们之间的关系。同时,随时同指导教师进行联系。教师应不断激发学生的主动性和积极性,维护学生团队合作、沟通的协调性,使学生在跨专业毕业设计团队教学模式中,不断提高自身的各项能力。 作者:魏敏 单位:武汉工程科技学院
室内设计中装饰艺术探讨:软装饰艺术在室内设计中的应用探究 摘要:近年来,随着社会的进步和经济的发展,人民的生活水平在不断提高,衣、食、住、行等条件都得到了有效改善。在新世纪,当满足了基本温饱问题后,人们便将目光转移到生活质量的提高上来,过上更加舒适的生活已经逐渐成为现代人,尤其是年青一代人不断追求的目标,而这一点在居住条件上的体现就是人们越来越重视室内设计问题。作为室内设计的重要内容,软装饰艺术的作用是不可忽视的。本文主要探讨的就是软装饰艺术在室内设计中的应用问题。 关键词:软装饰艺术;室内设计;应用 前言:软装饰指的是与墙面、地板、家具等硬装饰相匹配,用于对室内进行深入装修的一系列家居用品的总称,如地毯、窗帘、工艺品、盆栽等。其最大的特点就是不受原有装修风格的限制,主人可以根据个人喜好随意改变。近年来,随着人们审美水平的提高,越来越多的人将目光投向软装饰艺术,而软装饰艺术也凭借其更能体现艺术美感的优势,得到了设计师的青睐。将软装饰艺术应用于室内设计中,不仅仅是对家的美化,同时也是家中艺术气息的渗透与表达,能够让家变得更加温馨。 1、室内软装饰艺术的概念分析 软装饰的设计理念指的是合理的运用建筑自身的可以更换的装饰物以及位置特点,对硬装修进行加强与改良,并且通过相关构件,实现对室内空间的重新改造,对室内的基本布局形式和基本的陈设进行重新的设计。总的来讲,软装饰是当前现代化建筑室内设计的一种新型的理念,是对空间视觉感官的一种全新发展和延伸,通过软装饰的相关技术,可以将室内原本不可移动的。固定的以及可以移动的装饰物品完美的融合在一起,使得室内的环境更加舒适 并且可靠。另外,软装饰对于各种材质和物品之间的色彩有着很高的要求,对于材质的形状。不同材料和装饰物的互相搭配也有着较高的标准。所以,也正是因为上述的原因,在相关设计工作当中首先应当全面确定出整体的家具风格,并且选择一致的。优质的装饰物品可以起到较强的画龙点睛的效果,而成功的室内软装饰设计,也是居住者自身兴趣爱好。个人修养。阅历以及审美的集中体现,有时甚至可以体现出一个人的情感和世界观。软装饰在通常的情况之下随意性较强,并且经费较少,简便,容易操作,在清洁过程当中也为人们创造出了巨大的便利条件。所以软装饰的设计理念受到了更多人们的青睐。 2、软装饰艺术在室内设计中的作用及应用策略 如果按照应用功能进行分类的话,软装饰可以分为布艺、壁挂与书画、绿色小品和灯具等四类。下面将一一对这四种软装饰在室内设计中的作用及其应用策略进行介绍。 2.1布艺 布艺,又称室内纺织品,主要包括窗帘、床罩、地毯、桌布等,是室内设计过程中不可或缺的家居。在舍内设计中,布艺起到的是调和作用,能够营造出一种柔和的氛围,让地板、墙面、家具等不再那么生硬。例如,地毯一方面能为冰冷的地面增添色彩,另一方面也能为地面增添几分柔软的感觉。在实际应用中,每一种布艺都有着各自的特点,设计者需要根据其特点将其合理应用,并应处理好各种布艺之间的关系,将颜色、样式等进行合理搭配,因为只有这样,设计出来的房间才能主次分明、舒适温馨。 2.2壁挂与书画 壁挂以其色彩绚丽、图案丰富、质感柔软的特点常被设计师用来作为立而软装饰的必备元素。壁挂选材广泛,绒、泛、棉等均可成为壁挂材料。在画而色彩和图案的选用上,设计师常常使用较为柔和对比色,这样既能吸引人的注意力,又不会显得突兀。壁挂的题材选择就更加广泛了,简洁现代的几何图案、复古精致的抽象图案都可以运用到壁挂构思中,再配以流苏和小规则边缘的处理,使得壁挂增添了几分民族韵味,更加具有文艺气息。接触壁挂时,其材料会给人以舒适亲切之感,远观壁挂时,其色彩与图案又会给人以温暖高贵之感。总之,只要精心设计,壁挂往往能带来独特的软装饰效果。 书画作为软装饰的要素之一,其品类可谓枝繁叶茂,它包括书法和绘画两部分,其中仅绘画部分就涵盖油画、国画、水彩画、版画等多种形式,书法部分的笔体风格更是数小胜数。这两种软装饰品的运用小但能提升居室的文化意境,还能陶冶观者的情怀,提高观者的修养。在软装饰设计中,设计师多选用西洋油画和国画作为陈设画种。油画以其色彩浓郁、层次丰富、具象饱满、空间透视感强的特点被当做软装饰上品。尤其是风景油画常常给人一种亲近自然的感觉,受到大部分居室主人的喜爱。讲求意蕴的国画和书法则更能体现居室主人的深厚思想和文化内涵,成为玄关和书房软装饰的佳品。 2.3绿色小品 植物美化是软装饰的一项重要内容,恰当地应用植物美化能够创造奇特的装饰效果。室内环境山于相对隔绝,人工制造的内部环境们们缺乏生气和艺术感染力,而绿化小品和花艺这些植物美化元素的使用则使得空间里有了纯自然的、有生命的风景,缓解了“硬装修”和家居陈设带来的生硬感,达到美化室内环境、陶冶居者情操的目的。绿化小品的形式多种多样,从水培到土培,从灌木到乔木都各具风格、怡然清新。通常较为高大的土培灌木可放置于客厅一角,既起到填充空自空间的作用,又起到软装饰的作用。而水培的小型植物则适合厨房、卧室等较为狭小的空间,使得空间更为精致。 2.4灯具 作为室内设计所要用到的重要元素,现代化的灯具不再只是单纯的照明作用,它还能够通过光与影的来进行氛围的烘托与意境的强化,起到调节视觉和心理的作用。现代灯具不论是功能还是造型,都是多种多样的,因此在选用灯具时,设计师或居住者一定要以设计主题为前提,选择造型、材质、光照度均与室内装修相协调的灯具。例如,客厅、走廊等地方可选用简约、大方的吸顶灯,厨房则可以选择造型时尚、独特的吊灯。此外,在室内设计中灯光的选择也是非常重要的,不同种类的灯光适用于室内不同的区域。例如,暖色调的灯光适用于大多数的室内区域,尤其是卧室和餐厅;而冷色调的灯光则适合用于办公区、学习区,如书房、客厅等。当然,光的照射强度以及光色的选择则可以根据居住者的个人喜好和适用情况而定了,这样让灯具既完成了照明的基本使命,又能为室内的软装饰作出贡献。 3、重视以人为本的个性化设计 现代技术的高速发展给人们的生活带来了无尽的便利,人们的生活和工作方式因科技而改变。但凡事都具有两面性,技术给我们带来便利的同时也在渐渐改变着我们生活的轨迹:人们生活在钢筋水泥构筑的“森林”中,心中却对大自然更向往。使用大量材料装饰的室内空间中,却有无形的“杀手”在危害着人们的健康。人们生活和工作的空间越舒适,而耗费的资源就越多。从而越来越多的问题出现使我们不得不重新审视室内设计,让我们重新回到起点去关注“人”这个主体。室内设计的目的是创造满足人们物质和精神生活需要的室内环境,这就要求我们在设计中一定要坚持人性化的设计原则,综合考虑使用者心理。视觉感受等全方面的需求。只有对不同的消费群做深入研究,才能创造出个性化的室内软装饰;只有把人放在首位。以人为本,才能使设计人性化。 4、结束语 总之,软装饰艺术虽然在室内设计中所占比重并不是很大,但其表现出了点缀室内空间、营造情感氛围、提升视觉享受、调整区域空间的独特装饰功能。软装饰艺术代表着时代的发展和人民生活水平的提高,在进行室内设计时,设计师要顺应这一潮流,重视室内设计中软装饰艺术的应用,将软装饰艺术同时代气息和群众审美有机结合,设计出更多更好的软装饰作品,装点人们的生活。 室内设计中装饰艺术探讨:室内设计中装饰艺术探讨 伴随人们物质文化生活水平的持续提升,其对室内空间环境的要求更加细化,进一步促进装饰艺术的多元化发展,并渐渐成为现代社会中与大众息息相关的重要门类。现代社会的快速发展进程中,装饰艺术发展变成了大众创造艺术审美的重要优秀。美观实用的室内设计则需要运用独到的装饰艺术,方能符合大众丰富多彩的需要。室内设计中,运用装饰艺术并非单纯的几个线条、几种形式或几类色彩,而是要通过合理的设计符合人们更为深层面的追求与需要。本文就室内设计中的装饰艺术展开了进一步研究,对提升设计水平,优化装饰效果,展现装饰艺术魅力,有重要的实践意义。 装饰艺术运动与室内装饰艺术 装饰艺术通过独具特色的风格形式符合了大众对美的向往与追求。装饰艺术运动为上世纪在英法等国开展的独具风格的一次设计运动,并对大众生活形成了深刻影响。室内设计中,通过装饰艺术运动可以在设计方式以及装饰运用上提供丰富的参考素材,并可在室内装饰装修的风格上给设计师们更多的启示。例如应用新型装饰材料,各个设计师持续尝试应用新鲜元素,颠覆传统,使室内设计装饰艺术更为独特与新颖,并富有人文气息。色彩装饰则符合了人们不断变化的心理需要,可使人们一回到家中便体会到温暖以及舒适。装饰形式的运用则力求做到艺术同功能的良好结合,尽可能的在居室空间中开创一类舒适和谐并体现时代特色的装饰艺术,使室内设计不断求新求变,凸显了美学价值。 室内设计中的装饰艺术 1.室内设计中装饰艺术体现简约美感 室内设计中,运用装饰艺术体现的美感为内部空间美的具体化以及典型化,为形式以及内容的有效统一,可令人们体会到一类更高品质的美感享受。当前,简洁的形式对室内装饰艺术设计产生了更为深远的影响,可使大众生活以及认识理念形成质的变化。他们不再一味的强调繁琐以及奢华,而是更加注重结构以及形式的全面整体性与简洁性。应用装饰材料则注重新颖独特、功能实用、设计人性化以及绿色环保性。借助高新科技,可使室内空间装饰设计更具深度,更体现内涵。应用简洁的艺术形式,清晰明了的线条组合,可令室内空间更为浪漫、更为完美。形式上,可利用不同块面组合穿插,点线的良好结合,使得更为复杂的形式变得一目了然,栩栩生动。也就是说简约已经成为一种时尚,一种认识与态度。空间为装饰设计的根本,是进行简约设计的重要构成元素,通过简洁的艺术形式方能展现空间构想的独特魅力,并形成新的意念。 事实上,简洁的审美性会由于人们年龄、经历、学识、素质、生活背景、兴趣爱好以及品味的不同而不同。装饰形式力求简约的同时,还可在色彩运用以及选择装饰材料上体现简单明快的风格。例如,对色彩进行高度的凝练以及造型方面的精炼,在符合功能标准的基础上,可使人物同空间有效的组合,通过简练的设计,呈现出生动多彩的空间效果。实际上这恰恰是室内设计装饰艺术的高层境界。 2.室内设计中装饰艺术特征 室内设计中装饰艺术为科学性同功能性、延续性、人文性、和谐美的有效统一。设计的终极目标需要为大众服务。伴随现代社会的快速发展,今后室内设计会充分体现人性化,即时下人们倡导的舒适、宁静与自然的生活态度。进行室内设计根本任务在于采用综合技术手段,顾忌四周环境条件影响,借助各项有利条件,主动的创造出良好的室内空间环境,真正契合人们的生理与心理需要。该过程中,需要不断创新,可应用新的装饰形式、独特的材料、崭新的色彩,表达个性。应与时代保持同步,体现前卫感,确保物质以及精神功能的有效统一,最终实现和谐发展的目标。即室内各类物品的造型、整体风格与色彩、采用质料等应做到协调组合,进而使整个空间变成极为和谐的整体。在客厅的设计装饰环节,家具应尽可能的选择简单轻便的设计款式,凸显时尚性。而装饰物则应与之协调配合,不应过度的繁琐以及厚重。在墙壁设计装饰环节,可选择一些抽象寓意的画作,或摆放小型饰品,造型应力求灵活方便。倘若客厅为传统设计风格,陈列物品古色古香,则一些设计饰品应凸显浓厚的文化特征,进而营造出一种厚重的效果。例如可选择红木家具,并配以根雕、书法以及国画作品等。这样一来整体风格将更加统一和谐。倘若在古典家具上悬挂具有强烈反差的抽象画作品,将使人们产生文化断层之感,无法达到良好的设计效果。 3.室内设计中装饰艺术风格 室内设计装饰艺术风格多样,更多的设计人员运用淳朴的风格,达到了回归自然的效果。久而久之,装饰的比重超过了装修的比重,人们则更倾向于简约艺术的装饰风格。空间处理上,通常注重明亮宽敞性,强调通透性。平面设计上则倾向于不受承重墙影响限定的自由。在地面处理,墙面以及顶棚处理上,家具的陈设上,均注重造型简约,做工精细、质地纯正,尽量避免多余的设计装饰,而是衡量如何使形式更好的服务于功能。当然,这里所说的简约并非简单,而是将以往的浮华尘俗摆脱开来,应用新型材料以及工艺手段,同人们不断发展的思想,不断完善的认识全面统一,进而营造出天人合一,人本化的理想境界。也就是说简约主要针对无法移动或难以改变的各类硬装饰,通过功能完善尽可能的做到简约处理,确保为再装饰营造出更大的空间,实现功能以及审美的全面统一。 结语 总之,优秀的室内设计需要合理的运用装饰艺术,注重精神环境的协调规划,进而营造出室内环境相互融合的良好效果,使人们产生愉悦之感,真正达到使用功能、艺术性与和谐型的完美统一,提升室内设计整体水平。 (作者单位:广西工业建筑设计研究院有限公司) 室内设计中装饰艺术探讨:新时期室内设计装饰艺术符号化研究 摘 要:室内设计是我国建筑装饰的一种,在建筑物的使用过程中,发挥了重要的作用。随着社会经济的发展和科学技术的进步,室内设计艺术也正在逐步完善,形成了一种新的理论知识。装饰艺术是在一定的时间积累下形成的一种具有欣赏发展和美学规律的艺术,是对社会美和自然美的一种高度概括。符号是一种具有代表意义的特殊符号,通过对一些复杂事物的概括,在一定的艺术化处理之后形成。在新时期内,实现对室内设计装饰艺术符号化的研究,可以提高室内设计水平,促进室内设计的发展。 关键词:室内设计;装饰艺术;符号化 一、新时期室内设计装饰艺术符号化的形式 在建筑物的装饰和设计过程中,不同的装饰艺术手法会表现出不一样的建筑美感,体现出不同的装饰艺术和室内设计风格。装饰艺术的符号化在经过了一定的历史沉淀和积累之后,可以体现出不同的民族、历史和地域特点,在室内设计的应用过程中,主要的形式包括装饰纹样的符号化、装饰颜色的符号化、结构形态的符号化和原始构件的符号化。下面简述装饰纹样的符号化、装饰颜色的符号化和结构形态的符号化: (一)装饰纹样的符号化 装饰纹样是一种特殊的图案,具有一定的隐喻意味。例如,我国传统的“福寿纹”,一般都是寿桃、蝙蝠或者团寿组成的,根据谐音翻译而来,代表福寿绵延。新时期中,在室内设计中的使用也越来越多,具有与众不同的意味,不再只是单纯的装饰。 (二)装饰颜色的符号化 装饰颜色的符号化,主要是利用一些固定的颜色进行组合搭配。这些颜色主要是原始陶器中应用的黑色、红色和白色,通过不同的组合搭配,可以实现丰富的变化。在室内设计中应用装饰颜色的符号化,对不同的色彩进行重新组合,可以体现出新的活力。例如,在室内设计中应用中式青花瓷瓶中的青色和白色进行设计,进行墙面装饰或者地面铺装,都会让人产生联想,感受到新的东西。 (三)结构形态的符号化 结构形态的符号化,主要是指一种象征性的符号,具有方便记忆和可以重复的特点。这些结构形态的符号,具有很久的历史。例如,我国的阴阳八卦图、犹太教的十字架和埃及的日轮翅膀等。这些都是比较常见的结构形态,在建筑设计中有着广泛的应用。新时期中,这些结构形态符号也有着大量的使用,从空间机构的划分到建筑中不同界面的装饰等,都有具体的应用。 二、新时期室内设计装饰艺术符号化的方法 随着艺术形式的不断发展,我国的艺术设计水平正在不断的提高。在新时期中,室内设计装饰艺术符号的应用,需要经过一定的艺术处理方法。这些艺术处理方法,现在已经很常见。简述单体装饰符号的变形处理、装饰符号的交互与共融和装饰符号使用范围的变化: (一)单体符号的变形处理 在新时期中实现对装饰艺术符号的应用,可以通过对单体符号进行变形处理实现。例如,在进行室内设计的过程中,对全部的室内空间标识进行处理,可以利用夸张的手法,对单体符号进行缩小或者变大。这种方式可以让人们,因为符号的适度夸张,而留下比较深刻的印象。 (二)装饰符号交互与共融 装饰符号的交互和共融也是新时期中室内设计过程中,经常用到的设计方法。这种方法,主要是通过融合两种或者两种以上的符号特性,形成一种具有新的特点的装饰符号。在室内设计的过程中,应用这种装饰符号艺术处理方法,属于一种加工组合方式,是对原有符号限制的一种突破,应用了现代技术和新型材料,成为一种新的装饰语言。 (三)装饰符号使用范围的变化 新时期,室内设计的要求不断的发生变化。为了满足新时期中室内设计的变化,设计师可以在应用装饰符号的过程中,根据室内设计的要求,对原有的装饰符号功能或者使用位置进行改变,形成一种新的仅仅是装饰的元素,或者为这些符号添加新的使用价值。 三、新时期室内设计装饰艺术符号化的发展 新时期中,室内设计水平有了很大的提高,装饰艺术也得到了一定的发展。随着社会经济的发展和科学技术的进步,装饰手法越来越丰富,新的技术和材料不断更换。面对更多的选择,很多的室内设计师,不能掌握它们的特点,根据实际的室内设计要求,设计出具有自己设计风格的作品。例如,目前我国的室内设计师有很多,设计出的作品也有不同的特点。但是,在这些绚丽的装饰手法背后,很多设计作品都缺乏灵魂,比较空洞乏味。针对这种现象,室内设计师在进行室内设计的时候,应该运用真正的装饰艺术符号化元素体现装饰水平,保证运用符号的统一性,体现室内设计的艺术美感。 四、总结 新时期中,不论是室内设计还是装饰艺术,都有了新的发展。为了适应新时期中,人们不断增长的室内设计新的要求,设计师可以应用装饰艺术符号化的元素,经过一定的艺术处理,实现装饰符号的良好运用,提高室内设计水平,促进我国室内设计的发展。 室内设计中装饰艺术探讨:谈装饰陈设艺术品对室内设计的影响 摘要:装饰陈设艺术品不仅是一类具有独立性的艺术品,同时也是更具适应性的艺术品,更多的功能体现在辅助整个室内环境设计进行深入美化。从装饰陈设艺术品对室内设计的影响来看,无论在什么情况下装饰陈设艺术品的艺术完美性和实用舒适性一定要相融合。本文从二者相互作用等几个方面进行研究。用自己的研究解释来说明装饰陈设艺术品对室内设计的影响。 关键词:装饰陈设艺术品;室内空间;点缀;协调 装饰陈设艺术品对于当代社会是一个很时尚的话题它引导着人们对室内设计的审美导向,更重要的是对室内设计表达效果有着较强的影响。当下室内设计的流行趋势是重装饰与轻装修,本文的论点也是以探讨装饰陈设艺术品多为重点。以下从六个方面来谈谈装饰陈设艺术品对室内设计的影响。 一、相辅相成的互利作用 在室内空间里整体基础的装修是必要的,但这样还不完美,需要装饰陈设艺术品的后期补充;但对于装饰陈设艺术品来说,放什么样的装饰陈设艺术品,是需要借鉴室内前期定位与环境营造等条件的要求。从而突显装饰陈设艺术品的审美与使用功能。 二、画龙点睛的点缀作用 对于室内来说,装饰陈设艺术品是对室内的二次装修,有着对室内空间环境的点缀、美化的作用。装饰陈设艺术品与室内设计两者在这一节突显重要关系,不一样的装饰陈设艺术品在不一样的设计中会产生不一样的效果、作用。在室内设计确定整体风格后,将利用装饰陈设艺术品的点睛之笔,就会给整个室内带来无限生机与趣味。 三、对比统一的协调作用 一般来说,大空间里装饰陈设艺术品其面积或体积就较大;在小空间里装饰陈设艺术品则面积或体积应小。无论怎样设计,装饰陈设艺术品要和空间体量感相一致。在这一节中关键词则是协调,我们从协调的意思可以探索出另一个名词――和谐。在这一节中一定要注意整体与局部的关联性、统一性,布局之间的协调性。在室内空间中有着相同的元素则可以将这些元素搭配进行组合,达到一种协调和谐的气氛。 四、分合自如的分隔作用 装饰陈设艺术品对室内空间起着分隔的作用,将室内空间得到可变性,像是把大的空间分成小空间,从中提升空间利用率和舒适性,也可以用装饰陈设艺术品来暗示出虚拟空间。在当下无论是居室还是公共空间,用装饰陈设艺术品来暗示虚拟空间的手法很多,利用这种手法既可美化空间又可以起到分隔的作用。如在酒吧里,利用具有装饰性的珠帘或藤帘将每个雅座隔开,这样美化环境、装饰了空间,也起了对部分空间的分隔;在雅鲁藏布大酒店里,餐厅处则是利用了每一个不同形状的铜质佛像或金属器皿,将用餐区域进行分隔,这种手法就利用了虚拟分隔。 五、出奇制胜的个性体现 说到个性,这一环节对于人们现代社会来说是很重要的关键词,在说到室内设计中人们都要个性。室内装饰逐步走向追求个性化风格,追求生活舒适度的理性消费。人们终于明白,室内装修永远不肯能一步到位,因而过多的室内硬装饰实际上是限制了室内装修理念,“轻装修,重装饰”越来越深入人心,出现了现代简约装修风格就是这一时期应用而生的。可有时一件雕塑,一件工艺品,一幅画甚至一块有特色的桌布能为室内空间增添色彩和文化品位,通过自己对空间装饰的创造和参与,使室内装饰风格深深打上了个性化文化品位的烙印,对室内的创造得到很好的满足。这种室内文化的创造方式,在现在和未来相当时期内,将是中国室内装饰的主流。生活来自于自我,在我认为自我才能突显个性,装饰陈设艺术品只有来自生活,才能反映个性,这样才是自己的独一无二的,潮流的。 六、综合营造的掌控作用 室内空间里装饰陈设艺术品在不同程度下需要恰当的把握摆放与布置,也要把握好它们的数量、色彩、形态、比例、位置与室内空间整体定位及环境营造等条件相联系、相融合,达到二者相辅相成的作用。装饰陈设艺术品在对室内空间里的装修、改造、美化、点缀时也要把握住它的人性化。装饰陈设艺术品和整个空间要一样,动静有别,声色兼俱,从中要表达出空间的品味和趣味。 从环境上说装饰陈设艺术品在美化室内环境时,必须做到由室内环境来选择装饰陈设艺术品,达到两者的融洽、相联。目前,装饰陈设艺术品对市场具有很大的潜力,人们生活水平越来越高,对于室内的装饰改造,要求也越来越高,从而使装饰陈设艺术品的样式、风格也具有了不同的种类。在设计师和业主的共同努力下利用装饰陈设艺术品将室内空间表现得更加人性化、更具有了时代感,在室内设计中起到了举足轻重的作用。 室内设计中装饰艺术探讨:中国传统装饰艺术在室内设计中的应用 摘要:中式的室内设计不管是在空间的布局上,还是在装饰风格上,也都体现了中国传统装饰文化内在的一些思想风格,在整个空间的感觉上和设计理念上追求比较自然和谐的风格。 关键词:传统装饰艺术; 室内设计 中国传统的文化理念对室内设计有着很深远的影响,现代室内设计里的各种造型、装饰、陈设等都表现了人们对美好生活的追求和向往,也反映出一个民族的文化精神。随着时代的发展,我们需要为现代设计注入新的灵魂与血液。因此,将传统的文化理念及装饰艺术手法融入到室内设计中是十分重要。就装饰艺术而言,中国传统装饰艺术因为历史、地域、宗教、文化、经济、习俗、环境等因素的不同,形成了各式各样的艺术形式。 一、中国传统装饰艺术特点及作用 中国传统装饰艺术突出两个特点:一个是整个空间的庄严典雅,另一个是空间氛围意境深厚。传统的室内布局就是把内部空间和装饰陈设放在一起,进行总体的设计。中国的传统住宅把伦理道德的价值观转化成了美的意识,因此这也把建筑和室内设计的审美观念放在了一个比较理性的的环境中来。伦理上的精神已经成为中国传统建筑和室内设计的一个特点。可以这样说,我们可以把空间当成一张白纸,把装饰手法当成一支画笔,通过内部空间的自由的组合来完成对空间布局、立面造型和家具陈设的协调,使它们能够形成和谐统一的画面。 传统装饰艺术在现代室内设计中的作用主要体现在这几个方面:烘托室内气氛、创造环境意境,丰富空间层次、调节环境色彩,突出室内环境风格、反映民族特色等。装饰艺术通过再现、点睛、提炼等表现手法在本质上传递着一种内在的、深层次的可延续的传统。在室内陈设一些具有民族特色的装饰品,增加自然的意境;或者在墙上挂上书法或者国画作品,再配上一些盆景植物,会使人感到清新、舒畅,跟自然达到完美的结合,这些使空间环境显出高雅、优美。而那些具有文化内涵的装饰品使人赏心悦目,陶冶情操,这些装饰品已超越其本身的美学界限而赋予室内空间以精神价值。中国的传统文化一般都比较崇尚自然的事物,这种崇尚自然和谐的精神内涵,经常运用在室内设计的处理和装饰物的摆设上,把自然的元素运用到空间的布置中。这样就可以建立起一种和谐、自然的生活环境,这也体现人和自然的和谐相处的境界。再有就是利用建筑构件,营造开敞的和半开敞的空间,把室外的景观“借”入到室内;绿色的植物和自然景观与室内环境融为一体,可以让室内增加亲近自然的感觉。 二、中国传统装饰艺术中的书画在室内设计的应用 我国古代就有“坐卧高堂,究尽泉壑”的说法。在室内装饰中挂书画已经成为中国人居家装饰的一种风气,也是体现民族文化的一种表现,在室内空间悬挂书画等艺术作品,可以渲染艺术气氛,增添美感。 书画在中国传统室内装饰里是一种高雅的装饰品,是大家都比较推崇的装饰品,是传统室内装饰的最好选择物之一。悬挂书画是在中国是一种吉祥意境的象征。在家里挂字画,有助于表达空间的文化特色,烘托出室内的书香气息,有助于提升主人的文化生活品味。清代著名学者魏青红在《辨宅气色》中说:“一进门,觉红光闪烁,霭气腾腾,其家必有非常之喜,登科甲,报升迁,生贵子,发横财。”通过悬挂书画来体现屋内的喜气吉祥的氛围,吉祥题材的书画作品最常用的是象征荣华富贵的牡丹花画,象征年年有余的莲花和锦鲤图,象征健康长寿的松鹤延年图等等这一类型的作品。 现代人无论在精神和生理的享受上都有很强烈的追求生活质量的愿望,在布置空间上更是希望能体现生活的品质,特别是对悬挂书画的选择上。悬挂书画的选择往往寄托了现代人对自己人生发展的美好追求。这时候书画不仅仅是一种装饰品了,更是居住者的思想寄托和追求。将带有吉祥意味的书画当做一种对美好生活的向往寄托,悬挂在客厅,可以为室内空间锦上添花,给所处空间的人内心带来美好的感受,也就是寓意为“福气”。悬挂书画在室内设计中已经成为了一种象征的装饰手法,是一种中国人所追求吉祥幸福意境的表现形式,也是中国传统文化中的一种表现形式。 三、中国传统装饰艺术中的吉祥图案在室内设计的应用 中国传统装饰艺术的起源和发展都经历了很长时间的发展变化,但装饰艺术里的吉祥图案的象征意义却一直延续到现代,这也是中国传统装饰文化所具有的强烈的民族特点。象征性装饰在中国传统的装饰设计中被广泛运用,形成了吉祥、礼教、避邪等许多的表现特征。具有很强烈的象征意义和美感的装饰设计直到现在都还在被应用,而且将传承下去。中华民族在几千年的发展变化中形成了有属于自己民族的文化特点的艺术风格,慢慢的也形成了拥有各种文化内涵的图案和装饰纹样。 中国传统文化在慢慢的发展和变化的过程里,已经产生了非常深厚的文化底蕴,这也是中国传统文化可以一代一代继续传承下去的原因。把它深厚的文化底蕴运用到室内的装饰装修里,表达出了传统文化蕴含的比较内在的气质。用图形符号这样比较表面的表达来体现内在的特点,但外在的形态,是一种比较观念化的表现。在中国的传统文化艺术中一般都喜欢用吉祥意味的装饰手法,利用字和字之间的谐音,来暗示着吉祥的意思。比如说在很多传统室内设计中室内厅堂案桌上摆设花瓶和镜子,用“瓶”和“平”的谐音,“镜”和“静”的谐音寓意家里平静。再用 “蝠”和“福”的谐音表现出福的寓意;“鱼”和“余”的谐音可表现成年年有余的寓意。还有就是多用“梅、兰、竹、菊”等植物图案,借着植物的一些自然生态特征,来表现居者所追求的生活意境和做人原则。用竹子图案,因为竹子有“节”寓意着人有“气节”;梅花耐寒寓意着人应该顽强,不畏艰险。选用石榴作为图案,因为石榴的子很多,象征为“多子多孙”,还有就是因为鸳鸯成双成对出现,这个可以理解为“婚姻美满”,当然还有类似用松鹤象征延年长寿等等。 中国传统室内设计的图案元素包括了人物、植物、动物、几何符号等等各类形式的图像,以及一些中国传统文化中的精华,成语典故、人物、景物等各种组合,这些元素有着传统的内涵和比喻意义,比如各种动植物,经常都被当做反应生活意象符号,在传统室内装饰中应用的非常多。中国室内装饰设计的最突出的特点就是体现民俗、礼教、宗教等人们对美好生活的向往方面,这些拥有寓意和意象的美感的图案型把高雅和通俗联系在一起,烘托出文化底蕴的内涵深厚,表达了这个民族特有的风俗习惯、民族心理的特点和观念上的意识。这些由风俗人情、社会风尚、民族心理和民族崇拜等很多方面的因素联系在一起,并且是人们平日生活里观察听到的意象的符号,在室内设计中都会受到非常广泛的运用,在石雕、砖雕、木雕的图形上都会用到这个,用以表达喜庆、祥和的祝愿、祈福的心愿还有比较隐藏性的寓意。装饰象征性在变现手法上不但是影响我国传统室内设计思路的一个比较重要的内容,更是我国传统室内装饰的一个重要的特征,还是我国传统室内设计中用来表达意象的美感的因素。 四、中国传统装饰艺术中的传统家具在室内设计中的应用 中国传统家具是中国传统装饰艺术的一个象征,它具有端庄、沉稳的造型特点、精湛的工艺,表现出了古朴、典雅的气质,也拥有了中国传统文化深厚的底蕴。在当今的室内设计里最常用的就是明清的家具了。明清家具造型运用了传统美学的原理,利用简练、流畅、又有力的线条和沉稳、坚实的质感来表现它的设计理念,既简洁、舒展又朴素,设计上考虑到人体比例,并突出家具的美观,给人舒适、恬静的美感,中国传统家具的结构很明确,做工精细,技术一流,可以说是各种优点都聚集在一起,这也展现了它优雅大方的古典气质,也给人以一种很有内涵的感觉。传统家具因为有优美的线条、原始的木质纹路,所以很容易与现代的家具、电器等搭配在一起。传统家具有严格的做法,首先也是最重要的,选择材料需要讲究,传统家具一般都采用大量的优质木材,比方说紫檀木、黄花梨木、楠木等等,还要根据材料的特性来塑造家具的造型,而且还要善于根据家具的不同部位,判断出木材的材质、色泽和纹理,除了这些还需注重功能和木材的天然纹理,表现表现自然朴实的美感。传统家具在室内设计中的运用,也可以跟现代室内设计的元素很好的结合,突出传统文化的深刻内涵,体现居住者的文化品位。 五、结语 中国传统装饰文化在室内设计中的应用,既要与现在人们思想相适应,更要尊重民族艺术的独特性。努力寻找我们民族传统文化中与其他民族所不同的价值所在和独特风格,并把它们学以致用,在设计中得到体现,在设计过程中与传统文化相结合,弘扬中华民族文化,展示传统风采。
纹样图案在室内设计的运用:传统纹样图案在室内设计中的运用 中国传统图案内涵丰富,作为有特色的文化符号更能彰显它的语言价值。它是古代先人对文化的理解,也是现代人对于新生活的期盼和向往。创作的纹样分为三种类型,一则是古代劳动人民对于生活的感悟所绘制出的图案,这类图案多以朴实、粗犷的风格为主。二则是根据传说故事绘制的纹样,此类纹样多是被神话的图形。三则是为皇帝官宦所绘制的图案,这类图案多以华丽、大气风格为主。如今,这些传统的图案已被运用到各个方面,在室内的装饰中更是不能缺少的重要元素。 一、中国传统纹样图案所体现的价值取向 中国传统纹样是祖先们在生产生活中运用智慧创造发明出来的,表达了人们对于自然的敬仰和感激之情,其中“日月生辰”等中国传统纹样是最为常见的。当然,中国传统纹样还表达了祖先们对于未来幸福的美好祝愿,例如象征富贵的“牡丹盛开”等美好寓意的植物图案。传统纹样在室内外设计中的运用,把中国儒家文化的思维方式合理地与现代生活融入到了一起,大大的促使新创意的产生。而且,它还将“天时、地利、人和”合理地相交到一起,充分体现了中华民族的智慧和创造能力,在现代设计中取得了满意的效果。比如道家文化的“八卦图”,在方圆之中都体现了从零到有,从有到零的万物生的进化过程,使美学与哲学达到了协调与统一。中国人民的智慧绘制出了多样的传统纹样,并赋予其更高的价值性。“纹样”是中国传统图案中运用的最多的基本设计元素,“纹样”作为中国传统纹样中重要的组成部分具有很高的修饰性、工艺美术性及审美性。从古至今,中国人民用智慧绘制出了多样的传统纹样,并赋予其更高的价值性。中国传统图案内涵丰富,作为有特色的文化符号彰显了其语言价值。例如,在商周时期严肃、敬畏的“饕餮”纹样图案就代表了权利的至高无上,然而“松、梅、竹”三君子就充分体现了文人墨客的不屈高贵品格。 二、中国传统纹样图案的分类 1.云纹 “云纹”是在传统装饰图案中较为常见的一种,它历经了数千年的变化,并巧妙融合了时代特色文化,形状造型变幻多样。“云纹”传统图案中的“云彩”有着美好的寓意,其代表着节节高升。“云纹”的形式多种多样,其中最为典型的是“多云”纹样、“云雷”纹样、“卷云”纹样等,一般会和其他图案如波浪、祥龙、寿桃、麒麟等含有吉祥寓意的事物结合使用,使之更有祥瑞之意。当然,云纹在现代社会最常用于的地方就是餐饮场所、娱乐地点以及家居装饰的隔断和屏风上。 2.回纹 回纹样是中国古代最常见的纹样之一,它的原型是由雷型纹样演变而来。它的图形来回曲直,好像汉字“回”,因此命名回纹样。当然,回纹样也被认为是具有寓意的纹样,深受百姓们的喜爱。在现代的室内装饰设计中,由于回纹属于淡雅古致的类型,具有节奏鲜明韵律明快等特点,一直以来受到设计师和用户们的青睐。用“回纹”来做的边纹修饰,能使室内装饰设计更具有连绵感及规整感。除此之外,回纹图案也被广泛运用在地毯的边纹装饰和织绣的花纹设计等软装饰层面。 3.万字纹 “万字纹”也就是“圻”字形,端符或宗教标志经常用“万字纹”,在东汉时期跟随佛教文化一起被传入中国。古时上层社会的热衷从而带动了民间百姓的热爱,如今“万字纹”主要运用在家居装饰设计、镂空的门窗设计、隔断设计上。“塥”字的四端都是向外伸展,可以通过这个字创造出更多的锦文,形式多种多样,因此也称之为“万字锦”。在当代中式的镂空门窗上就体现了“绗”字符为基础的设计,它不仅丰富了现代人的空间居住环境,也象征着福如东海,吉祥安泰的美好祝愿。 4.龙纹 历史上由于古人对于龙的崇拜,因此有了龙纹的起源。龙在古代被视为天子,因此龙纹也被用作皇家标志,有力的代表了中国的传统文化。龙纹自产生以来,其具体形象就不断的被世人完善修改着,有“具象龙纹”和“抽象龙纹”两大类。抽象龙纹具有形态夸张的艺术造型,形成了奔放洒脱,生龙活虎的特点,常被用于在宅邸的门禁大厅等处。 三、现代室内设计中的运用 1.在室内家具设计上的运用 中国传统图案的造型千变万化,同时它的寓意也被广泛的设计在了中式家具上。传统图案的设计形式极为丰富,其中必定有适合当代人的审美标准,设计师将这部分传统的图案恰当的用于家具的设计领域,取得了满意的社会效果。总体来说,直接引用和变形归纳是传统图案在家具设计上两种做法的分类。其中直接引用相对典型的图案当属“牡丹”。国色天香的牡丹被视为“国花”,历来象征吉祥富贵如意,受到大众的广泛喜爱。最常见的以牡丹形式为基础的“宝相花”造型被广泛运用于椅子背面、柜子立面的装饰上。除此之外“梅兰竹菊”四君子设计造型也被广泛运用,设计师将植物的原型设计于书架或陈列架之中。夸张和抽象这两种形态是对中国传统图案的变形和归纳使用。其中“龙纹”的运用是以夸张的手法来设计的,这样就更能突显龙的形象,使其性格表现的更为强劲猛烈,同时突出了它的神采奕奕和力大无穷,更加彰显了皇权至高无上的地位①。在现代室内设计中,龙早已不再是皇家的专属,它被广泛运用于家具设计中,譬如“床围子处”、“角牙处’’、“挡板处”等,并在浮雕、透雕等地方体现明显。当然,“云纹”传统纹样也在经过抽象的设计变化后合理的运用到了室内设计之中,装饰桌腿处、背板处、牙条处等。 2.在室内墙面设计上的运用 传统图案在运用到室内墙面进行设计时,需考虑到不同的室内空间所需要的不同类型的墙面设计装饰。通过合理的设计安排使空间的设计感最大化的体现出来。表现室内墙面的形式多种多样,比较常见的如壁画处、挂壁处、彩绘处、脚线处等。在现代很多的公众场所中,就有很多的传统纹样的出现,以前只有皇家才准许运用的龙纹样在现代也被广泛的运用。龙纹样多用于墙面吊顶灯装饰等地方。当今室内墙体设计的潮流是纹样图案,将传统图案和现代元素进行充分地结合,能达到不错的视觉效果。 3.在室内天花设计的运用 随着社会的发展,现代设计越来越注重天花板的设计,设计师也别出心裁的设计着不同的风格。如果天花板上有大面积的单一传统图案的装饰则会带有繁琐压抑之感,但种类繁多的传统纹样图案就可以解决这个问题。例如用回纹、万字纹等装饰天花就会呈现简洁的线条,也达到了现代人对简洁的追求。 4.在室内隔板设计上的运用 隔断是从古到今室内设计中不能缺少的部分,它既能使房间合理的分割开来又可以起到审美的效果。隔断可以根据室内空间的不同特征和功能区域将整体空间分割,隔断则以简洁的几何形态为主,也可以选择花、鸟、动物等多种纹样。当代简约主义的创意与古代几何纹样的运用如出一辙,譬如棋格纹等。而传统吉祥动物纹样和富贵植物纹样图案的运用都是古典元素设计的主要表现手法,这样做使深刻的文化内涵和高度的视觉美学达到完美的统一结合②。 四、仍存在的局限性 1.缺少现代文化和时尚性 虽然中国传统纹样在设计中运用的案例越来越多,但是仔细观察就不难看出,设计师们对于中国传统纹样的设计理解还不深入,只是单一的重复运用纹样图案,这样做有时会使得传统图案与现代造型建筑不相协调,让人产生风格不吻合的突兀之感。 2.运用材质较少 传统吉祥动物纹样和富贵植物纹样图案的运用都是古典元素设计的主要表现手法。木材具有再创造的特征,经过再设计就可以很好的展示设计的纹样③。由于木材的可塑性和利用性较强,这也导致了设计师与工匠们在制作传统纹样的材质往往只习惯局限于木材,而忽略了对其他材质的尝试。这就造成了在现实中很少见到能够巧妙的将塑钢玻璃、塑料材质与传统纹样有机融合在一起的成功案例,这也是传统纹样在现实社会运用的一大缺憾。 五、结论 随着我国这些年来经济政治的发展,世界各国设计师逐渐将目光投向了我国极具代表性的民族文化的研究中,而中国传统纹样图案在设计中的运用越来越广泛,将中国传统纹样图案发扬光大是每个中国设计师的责任与义务。在今后的设计实践中,我们要将传统纹样的创作来源和在现实中的运用相结合,打破传统纹样的传统格局,大胆创新。合理运用传统纹样,使之发挥最大的审美性,又与现代的风格相互协调。与此同时,身为设计师的我们,要更加深入了解和分析传统文化元素的来源和创作灵感,做到继承传统古典之美,又结合现代时尚之感,让中国传统纹样在当今社会发挥更大的作用。 作者:徐东升 单位:山东省艺术服务中心 纹样图案在室内设计的运用:服饰图案纹样室内设计应用价值 摘要: 本文以壮族服饰图案纹样为切入点,挖掘和提取图案纹样中可应用于现代室内设计的艺术字纹样、动植物纹样、几何纹样等元素,分析了不同类型纹样的艺术特点及其吉祥寓意,同时提出现代室内设计不仅要满足人们功能上的需求,而且还要注重空间的艺术性和文化品位。通过结合不同类型的图案纹样特点及其寓意,探讨了其应用于现代室内设计体现的艺术价值、传递的情感价值以及传承的文化价值,旨在为现代室内设计开辟一条传统与现代相结合的新道路,促进壮族传统文化的保护、传承与发展。 关键词: 壮族服饰;图案纹样;室内设计;艺术价值;情感价值;文化价值 壮族服饰是中华民族服饰文化宝库的一颗璀璨明珠,壮族文化的重要组成部分。图案纹样是服饰的重要装饰手段,是服饰的重要组成部分,它蕴含着丰富的民族文化内涵。壮族服饰中的图案纹样在题材内容以及纹样造型等方面都反映了壮族人民的民间习俗、宗教信仰等方面的意涵和特点,表现了壮民对美好生活的追求和向往,体现了壮民的物质生活和精神生活状况,折射出壮民族勤劳、智慧、和淳朴的独特气质[1]。随着人们审美意识的不断增强以及生活水平的不断提高,现代室内设计不仅要满足人们功能上的需求,而且还要注重空间的艺术性和文化品位。作为具有浓郁壮族文化特色的服饰图案纹样结合现代设计的方法经过提炼并加以运用,不仅能够使图案纹样在现代室内设计中表现出独特的魅力,也将成为传承服饰文化、壮族文化的新方向,唤起人们对少数民族传统文化的保护意识。 1艺术价值的体现 壮族服饰图案纹样是壮族人民通过丰富的想象和艺术构思,吸取现实生活和自然界中的素材,按照美的形式规律,结合高度的艺术提炼,运用夸张、变形、概括等手法,简化自然界中最真实、精美、简洁的部分,最终形成服饰装饰中的几何纹样、动植物纹样和自然纹样等[2-3]。图案纹样体现了壮族人民的生活情感和聪明才智,反映了人们对自然的热爱。从图案的布局构成到图案蕴含的文化内涵,壮族服饰图案纹样中的每一个纹样符号都可以为当代艺术设计的发展提供借鉴[4]。通过将其再设计、再创新,应用于现代室内设计中可以充分体现它的艺术价值。花、鸟、鱼等,都是自然界中常见的动植物,壮族人民通过抽象、概括其中最精美、最真实的部分,进而艺术加工以后形成服饰图案中的花纹、鸟纹、凤纹、鱼纹等,这些纹样比现实中的具体物体在形式上更自由、更具艺术魅力。龙纹样中,两条蔓生的枝藤组成了龙的长须,卷曲的花草组成了龙的身体,这种简洁的形式与中原地区把龙作为权力和神圣的象征是完全不同的。凤纹也是常见的一种纹样类型,但是纹样中的凤确是被完全理想化了的艺术形象,它概括了孔雀、锦鸡、孔雀的部分特征,成为公鸡头、锦鸡身、孔雀尾。这些抽象的艺术形象造型简洁、朴素大方,与现代室内设计“简约而不简单”的设计思想是一脉相承的。壮族人民在日常的社会劳动中形成了对线条造型的美感,这种线条造型的美感在壮族服饰几何纹样中表现的淋漓尽致[5]。壮族服饰图案纹样中的几何纹样是由点、线、面组成的菱形、多边形等有规则的图纹,包括以这些图纹为基本图形通过二方连续、四方连续、对称式等多种构成形式排列而成的几何图案。这些几何图案结构紧密,造型简练,画面雅朴明快,呈现出一种韵律感。如万字菱纹、方胜纹等都是以万字纹、方格纹二方连续或者四方连续组成的。这种单一的连续对称及重复的出现,产生一种对称平衡和庄重之美。对称重复的构成形式是中国传统装饰纹样显著的装饰特征之一,壮族服饰图案纹样强化了这一装饰特征,赋予了独特的艺术语言。 2情感价值的传递 壮族服饰中的图案纹样是少数民族多姿多彩民俗风情的一种物化形式。正所谓“有图必有意,有意必吉祥”。壮族人民对美好生活的向往、对大自然的热爱、对爱情的渴望等抽象涵义,运用自己的生活情感和聪敏才智通过图案纹样的形式表现出来,具有独特的民族色彩[6]。这些图案纹样涉及面广、内容极为广泛,寓意丰富深刻。现代室内设计不仅表现在对使用功能上的满足,而且还应该满足情感需求以及文化需求。壮族服饰中的图案纹样与人民的生活息息相关,是期盼幸福生活、安居乐业的真实写照,传递对美好生活的愿望。在现代室内设计中合理、适度的应用,不仅可以满足人们的情感需求,而且还体现了对传统文化的传承[7]。 2.1艺术字纹样 壮族是一个包容性很强的民族。在历史发展的进程中,壮族文化在保持本土特色的基础上也注重与其他民族的相互交融。壮族服饰中的艺术字纹样就是典型的表现形式。在壮族传统服饰装饰纹样中常见的艺术字纹样有:寿字纹、卍字纹、回字纹等。卍字纹是壮族传统服饰中出现频率最高的纹样。在唐朝时将它的读音定为“万”,它的寓意是“放大光明,吉祥万德”。字纹在服饰纹样中有不同的表现形式,有单独存在的,有绵延相连的字不到头的,但是不论是何种形式都代表着美好吉祥的寓意。 2.2植物纹样 具有独特壮族文化寓意的植物纹样是壮族人民把自然、劳动、信仰融为一体,结合艺术的方法创作而成的。稻穗纹、树纹、桂花纹、菊花纹等都是壮族服饰图案纹样中比较常见植物纹样。植物图案纹样既有具象的图案构成,亦有抽象的显示,但是不管样式如何,它们都反映了壮族人民的信仰、审美观念以及美好的生活愿望。在壮族人的民间传说中,主管人类生育的是一位女神——花婆,日常生活常见的花卉草木被壮族人当做花婆的象征,服饰又是人们日常生活必不可少的物品,人们就把植物纹样绣在日常服饰中,甚至是其他生活用品,如被单、背带等,表达了人们对人丁兴旺、祈求平安的希望。 2.3动物纹样 在壮族传统服饰中常见的动物纹样有:凤纹、龙纹、鱼纹、蝴蝶纹等。凤凰是壮族及先民崇拜的一种吉祥物,在壮族人民的心里,凤凰代表的是寓意是美丽、吉祥、富贵,将凤纹绣于衣服上,充分反映了人们对幸福生活的向往和追求。蝴蝶纹、鱼纹、蝙蝠纹等也都是具有吉祥寓意的纹样、都反映了人们对美好生活的向往。 2.4主题性纹样 在壮族服饰中,图案纹样更多的是由几种纹样组合而成的。比较常见的主题有蝶恋花、凤穿牡丹、狮子滚球等。蝴蝶在每次产卵时,因卵子的数量无以计数,所以壮族人民将蝴蝶赋予繁衍生命的意义,在壮族文化中将其寓意为多子多福。“蝶恋花”主题纹样中的蝴蝶和花的图案,是壮族传统稻作农耕社会和生育观的折射与反映。蝴蝶自古都是美的化身,与象征,类似于蝶花之恋的主题性纹样,都是壮族服饰中常见的图案纹样,折射出了壮家人通过服饰图案的展示,表达他们对美的憧憬和向往。 3文化价值的传承 壮族服饰图案纹样从功能角度来说是满足人们生活需要而创造的;从目的角度来说,是承载着壮民族追求美好生活、寄托美好理想的物质载体,不同的纹样类型能折射出时代背景、社会心态、民族心理和审美情趣。它体现出的文化价值,已经远远超出图案纹样本身所具有的价值和意义。壮族服饰图案纹样蕴藏着丰富的文化,是壮族文化的浓缩与精华,是壮族和中华民族的重要文化资源[8]。挖掘图案纹样背后的艺术价值和情感价值,将其与现代室内设计有机结合在一起,不仅有利于保护和传承壮族文化,而且对指导有民族特色的现代室内设计具有很强的理论意义和现实意义[9]。广西民族博物馆是广西自治区级博物馆,也是建国以来广西建设规模和投资规模较大的民族文化专题博物馆,博物馆的设计结合“民族、生态、实用”的设计理念,展示了广西各民族的灿烂文化。在博物馆设计中运用了大量的壮族服饰图案纹样,充分体现了图案纹样在现代室内设计中应用的文化价值。在博物馆大厅墙面装饰上,设计师提取了服饰纹样中的鱼纹等纹样,运用对称的手法,装饰在博物馆内厅墙面的两侧,在游客进入大厅时,可以感受到浓厚的壮族文化气息,同时装饰纹样通过直接运用的手法,借用夸张的艺术表现形式,给人以强烈的视觉冲击力。在博物馆其它界面的设计上,设计师根据提取的装饰纹样结合现代设计的手法和审美观念,对装饰纹样进行了简化、重构等艺术手法加工处理,然后将其综合应用于大厅的其它界面装饰中[10]。例如,在入口大厅的地面拼花图案上,设计师提取装饰纹样中的植物纹样图案,通过抽象、夸张、简化等手法进行重新设计。在大厅石柱的柱身上也雕刻有大方简洁的几何纹样。在二楼楼梯扶手栏杆上,设计师结合木雕工艺的手法,在扶手的顶端雕刻有回纹和植物纹的综合纹饰,在栏杆上结合木雕中的镂雕手法,运用了几何纹样进行装饰。壮族服饰图案纹样在广西民族博物馆空间设计中的运用,充分表现了装饰纹样在室内设计中的应用所传承的文化价值。当然,在应用的同时,设计师结合自己的主观意识对装饰纹样进行再设计再创新,巧妙运用了现代设计的手法,结合现代新材料、新技术的特点,将传统与现代相互交融,让设计更符合时代潮流,人们更容易产生心理上的共鸣。 4结语 现代室内设计已经不仅仅表现在空间功能上的满足,而且还应注重自然化、民族化、个性化、情感化的表达。壮族服饰图案纹样在艺术形式上造型简洁凝练、构图均衡;在情感表达上折射出了人们对美好生活向往;在文化价值上它是壮族文化浓缩的结晶,这些都成为其应用于现代室内设计的价值所在。在现代室内设计中,通过合理巧妙的运用壮族服饰图案纹样,可以有效的继承和发扬中国民族传统特色的室内装饰语言,为现代室内设计的发展增加新的思路,使这些“文化活化石”重新焕发勃勃生机,有利于现代室内设计朝着民族性、地域性、文化性的方向发展,充分展现艺术价值、体现情感价值、传承文化价值。 作者:宋国栋 单位:北海职业学院 纹样图案在室内设计的运用:纹样图案在室内设计的用途 中国传统纹样图案具有审美价值。传统图案中运用得最多也是最基本的设计元素就是纹饰,纹饰作为其重要组成部分具有很高的装饰性、工艺性及其审美性。其变幻无穷、种类繁多,古往今来一直受到能工巧匠的喜爱,并成为各种建筑室内装饰不可或缺的要素。中国传统纹样图案具有语言价值。纹样是形式独特的语言,中国传统图案作为具有丰富内涵的文化符号更能显示出其丰富的语言价值。譬如,商周时期庄严、凝重的饕餮纹代表了至高无上的权利,“松、竹、梅”则代表了文人的高贵气节。 一、中国传统纹样图案的分类 (一)云纹 云纹是我国装饰图案中最为典型的一种,其经过了几千年的历史演变,融入了各时期的不同风貌,造型变幻丰富。云纹图案以云彩为意象借喻步步高升、祥瑞合意,是居所主人文化品位的体现。云纹的主要形式有云雷纹、卷云纹、朵云纹、流云纹等,通常会和其它图案如海水、龙、蝙蝠、麒麟等祥瑞神兽结合使用,以更加突出祥瑞之意。云纹常用于餐饮、娱乐、居家等的隔断和屏风上。 (二)回纹 回纹是由陶器、青铜器上的雷纹衍化而来,是由折线组成的圆形或者方形的回环状图案,形如“回”字,故而得名。回纹形态整齐合闭、绵延不断,后世认为它象征万事深远,吉祥无边,民间也称为“富贵不断头”。在当代室内设计中,由于回纹的淡雅古致,节奏韵律感明显等特点,一直以来被设计师用作不可或缺的辅助元素。用回纹做边饰或底纹,能使室内设计具有连续感及整体感。除此之外,回纹图案还广泛运用于地毯、织绣等软装饰方面。 (三)万字纹 万字纹即“卍”字形图案,常用作瑞符或宗教标志,在东汉时期由佛教传入我国。“卐”(音“万”)梵语意为“吉祥之所集”,有吉祥如意、万福万寿之意。古时由于统治阶级的热衷带动了民间的追捧,万字纹被广泛运用于家居、镂空门窗、隔断上。“卍”字四端向外延伸,还可演化为各种各样的锦文,形式多样,又被称作“万寿锦”。当代中式镂空门窗的设计就是以“卍”字符为基础,通过变幻、解构、重组生发出其他具有设计感的变体图案,这很好地丰富了当代人的居住环境,也很好地传达了福寿无疆,吉祥如意的美好祈愿。 (四)龙纹 龙纹的起源一般认为是远古时期的图腾崇拜,它在人们印象中是力量和权利的象征。龙纹在多个朝代被用作皇家标志,是最能代表中国传统文化的符号之一。龙纹根据结构又可分为卷龙纹、爬行龙纹、两头龙纹、交龙纹等。龙纹自诞生以来,其具体形象就不断地被丰富完善着,通常可分为具象龙纹和类似龙的抽象龙纹两大类。抽象龙纹通过夸张的艺术处理形成自由奔放、洒脱俊逸的特点,常被用在成功人士宅邸的大厅、门禁等处。 (五)宝相花纹 宝相花纹是我国传统植物纹样之一,隋唐时期达到兴盛。宝相花以牡丹、莲花为原型演变而来,花瓣多层次有致排列,图案总体感觉中规中矩且雍容华贵,传其寓意富贵、吉祥美满,有“宝”“仙”之意,故被称为“宝相花”。佛教有语“神仪内莹,宝相外宣”,故宝相花纹常用于寺院的大殿装饰。而在当代室内设计中,宝相花纹常被用作椅背、楼梯间的装饰。 二、传统纹样图案在现代室内设计中的运用 (一)中国传统纹样图案在家具设计上的运用 中国传统图案以其变幻万千的造型和深刻的寓意被广泛地运用于中式家具的设计中。传统图案的内容极其丰富,其中必定有符合当代人审美标准的形式,设计师将这部分图案直接用于家具的设计领域,取得了良好的效果。概括来讲,传统图案在家具设计上可以分为直接引用和变形归纳两种。直接引用中比较典型的就是植物纹样中的牡丹图案。牡丹国色天香素有“国花”的美誉,历来象征富贵吉祥,广受历朝历代大众的喜爱。以牡丹及牡丹形式变种为基础的宝相花被广泛用于椅背、柜面的装饰上。除此之外还有“梅兰竹菊”四君子的应用也较为典型。它们分别代表了傲、幽、坚、淡四种品质,其在当代书房及会客厅的家具设计中运用得十分广泛,设计师甚至将其原型直接用在书架或陈列架的设计中。传统图案的变形归纳使用又可以细分为夸张和抽象两种。龙纹的运用多以夸张手法见长,夸张使龙的形象特征更为强烈,突出了它的神采和力量,更加显示了皇权的至高无上。在当代设计中,龙不再是皇家御用,它被用于家具的床围子、角牙、券口、挡板、腿足等地方,并且多采用浮雕、透雕等装饰手法。云纹是传统纹样在经过抽象变化后用于家具设计的典型图案,常常用来装饰桌腿、背板、牙条等。 (二)中国传统纹样图案在墙面设计上的运用 中国传统图案在对室内墙面进行装饰时,需根据不同室内空间的不同用途进行考量,通过恰当的运用来最大限度地发挥空间的功用。室内墙面设计的表现形式有很多种,比较常见的有壁画、彩绘、脚线、挂屏等。在展览馆、多功能大厅等公共展示空间,传统图案多以壁画的形式出现,出现频率较多的纹样是饕餮纹、青龙纹等。纹样图案是当今室内墙体设计的潮流,通过这种形式能将古典图案和现代艺术进行抽象结合,能收到很好的视觉效果。 (三)中国传统纹样图案在天花设计上的运用 在现代室内设计中,天花设计崇尚的是简洁明快之感。如果在天花上进行大面积的装饰则会带给人繁琐沉闷之感,而种类繁多的传统纹样图案则为这一问题提供了解决方式。回纹、万字纹是天花极简主义设计的良好素材,其清新明快的线条完全符合现代人的审美情趣。另外,更多的传统纹样图案还可以借助造型灯箱的方式运用到天花设计中,此时,植物纹样和动物纹样均可采用,如象征“花开富贵”的牡丹,象征“龙凤呈祥”“天地交泰”的龙凤图案等,其在灯光的交错下,相得益彰、美轮美奂。 (四)中国传统纹样图案在隔断设计上的运用 隔断属于半实体的空间界面,其表现形式有屏风、帷幔、隔断等。隔断依据空间的不同特点和功能将空间分割,隔断可以选择较为简洁的几何纹样,也可以选择花鸟等植物和动物纹样。几何纹样的运用与简约主义的创意不谋而合,如棋格纹、连线纹等。而传统动物和植物纹样图案如喜鹊闹枝头等图案的运用则是回归古典的表现手法,达到了文化内涵和美学的统一。 三、现代室内设计中传统纹样图案运用的局限性 (一)传统纹样图案在设计中的时尚性不足 虽然许多传统纹样图案会频繁地出现在室内设计的作品中,诸如卷草纹、宝相花纹、云纹等。但是经过仔细观察就会发现,设计师们对于传统纹样的理解还停留在表面,只是简单重复地使用纹样图案,而这种简单的拼接运用到现代建筑中有时难免会让人产生突兀之感。其牵强的设计方式不能紧跟时代潮流,时尚表现力欠佳。 (二)传统纹样图案在室内设计中应用的材质太少 中国传统纹样图案在设计中依托的材质主要是木材。木材作为装饰材料在再创造时较为容易,经过各种形式的雕刻加工即可很好地展示纹样的内容。然而在现代室内设计中,材料使用的广泛性使传统纹样图案的运用收到了冲击,能够与玻璃、塑料等材料有机结合的有关传统纹样图案的成功作品较少,这也是传统纹样运用中的缺憾。 四、结语 在中国传统纹样的运用上,我们要打破传统的定式思维和设计理念,努力实现现代设计元素和传统设计元素的有机结合,形成具有传统民族特色的室内设计风格。作为设计师,要深入剖析和解构传统文化元素,做到承袭传统与古典,连结现代与时尚,从而让传统纹样的运用翻开崭新的篇章。 作者:王晓瑜 单位:黄河科技学院讲师 纹样图案在室内设计的运用:回族传统图案纹样元素在现代室内设计中的应用研究 摘 要:纹样元素是回族传统民族文化的瑰宝,有着悠久的历史渊源和厚重的宗教色彩,同时也具有较高的美学价值。将回族传统图案纹样元素与现代室内设计相结合,不仅可以很好地传承本民族的传统文化,也为跨民族文化的交融做出贡献,更能体现出纹样元素在现代室内设计的发展中所表现出的新的时代特征。回族传统图案纹样元素主要包括植物纹样、几何纹样和文字纹样三种。 关键词:回族;图案纹样元素;现代室内设计 0 前言 回族传统图案纹样已经有数千年的历史,它不仅是本民族的文化特色,更承载着虔诚崇高的宗教思想和无与伦比的艺术造诣。图案纹样元素作为一种艺术表现,已经不再仅仅是简单图形或线条的堆砌和重复,而是一种伊斯兰文化文化下的民族价值观和民族精神文化的物质载体。特别是在现代室内设计中,合理适巧地将回族传统纹样元素加以运用,不仅可以继承回族伊斯兰文化中特色的室内空间装饰语言,也为现代的室内空间设计赋予了新鲜的设计思路和灵感。结合现代审美的需求,并借助新科技新材料的相关优势,将回族传统图案纹样元素的装饰艺术思想有效地运用到室内设计的各个层面,才能使现代室内设计打造得更加精致典雅、更具在民族文化内涵、更加符合现代人审美趋向及心理需求。 1 回族传统图案纹样元素的简介 1.1 回族传统图案纹样元素的历史渊源 回族信奉伊斯兰教,因此追溯回族传统图案纹样元素的历史渊源,最早可以追溯到阿拉伯图案艺术,是阿拉伯式装饰花纹体系,通常又被称为阿拉伯纹样。宗教的产生是社会经济制度和物质文化的产物,正是由于伊斯兰教的产生和扩张,伊斯兰教在吸收了当地阿拉伯纹样的基础上,融合东西方艺术不同的特点,再加上伊斯兰教独特的宗教特点和穆斯林本身对于审美的需求,最终产生了伊斯兰独特的装饰风格。由于伊斯兰教中反对动物、人物等具象物体的描绘这一影响,于是在回族传统图案纹样元素中多采用抽象线条的艺术形式来表现。 1.2 回族传统图案纹样元素的宗教意义 回族传统图案纹样元素本身就是伊斯兰教文化环境下的一种艺术产物,无论是哪一种图案纹样,都是体现对自然、对先知的无比尊敬和崇拜。纹样元素是阿拉伯文的一种变体,最早起源于手抄本的《古兰经》,也是上层社会流行使用的装饰纹样。在穆斯林的思想中,《古兰经》便是真主的化身,古兰经的每一个文字,每一句话都会被奉为圭臬。于是,纹样元素成为了另一种书写《古兰经》的字体,将真主的话语通过一定的艺术表现形式,展现在穆斯林生活的各个角落。随着社会文明的整体发展进步,回族传统的图案纹样元素组建走出了阿拉伯文字纹样的束缚,衍变成多种多样的艺术形式,原有的笔画也就弱化成形成了一种纹状线条,所体现的不再是《古兰经》里的章节或者词句,而是转化生自然植物纹样或几何纹样元素,采用更加艺术化的形式来表达宗教的内在含义。 1.3 回族传统图案纹样元素的美学价值 回族传统图案纹样元素是伊斯兰艺术中的重要组成部分,也是穆斯林精神追求的象征和代表。在伊斯兰美学中,运动是万生万物存在的基本形态,也是万物更新和持续发展的动力源泉,这种动态的伊斯兰美学思想赋予了传统图案纹样元素以鲜活的生命力,而不再仅仅是一种单调的线条或《古兰经》的文字图案载体,更表露出一种对真主的不断追寻,对艺术的不断升华,更是一种对生命的尊重和虔诚。 2 回族传统图案纹样元素的题材分析 回族传统图案纹样元素的种类较为繁杂,其图案装饰形式的工整、细腻和精彩华丽使其在世界艺术史上填上了浓墨重彩的一笔。在众多的艺术作品中,本文认为回族传统图案纹样元素根据不同的艺术表现形式,可以分为不同的题材,主要包括了抽象植物图案、多边形几何图案和文字图案艺术,这些都成为回族风格装饰的主题。 2.1 植物图案纹样 在伊斯兰艺术文化中,并不喜欢对自然生物或人物进行具象的临摹表述,而更侧重于植物的展现。但对植物同样也不是一种面面俱到的复制,而是使用纹样装饰的艺术手段,对自然界的植物图样进行高度的抽象和简化。在回族传统艺术品图案的植物图案装饰纹样中,由于植物图案被简化、抽象、变形和杂糅,很难找到具体的原型植物。笔者在对回族传统图案纹样进行多次实地调研和查阅大量文献的基础上,尝试采用从图案外形的构成角度出发,对抽象的植物纹样进行归类分析,而不是追溯其原本的具象植物是什么。按照这种思路,植物图案纹样主要可以分为抽象花纹、风格叶纹和卷须纹这三种艺术纹样形式。 2.2 几何图案纹样 回族传统建筑设计中大多采用镶嵌的方法构成几何图形来进行室内的装饰。这些几何图案应用于伊斯兰建筑的外墙贴砖中,通过铺设的瓷砖的边线接成装饰线,以形成连续的网络,平铺在整个装饰面中,构成了耐人寻味的完整图样。回族传统的几何图案纹样的组成有很多,其中以圆形、方形或菱形为基础,最早以棋盘形式或菱形出现在几何图案中,个别的单个图案只做轻微的变化,然后不断重复,形成丰富变化的图形。 2.3 文字图案纹样 穆斯林的文字艺术是文化概念的可视化的一种表达方式,为不同国度的伊斯兰的信仰之间提供了链接。在光辉灿烂的伊斯―文化中,书法是一个特别值得重视的艺术类型。伊斯兰书法文化底蕴丰厚,伊斯兰经文在发展历程中,大致分为两类:纯伊斯字体和利用书法经字勾画出的图案字体。 3 回族传统图案纹样元素在现代室内设计中的具体应用 在回族居住的环境中可以看到伊斯兰风格的建筑、粱柱、窗棂、外墙装饰灯都非常的宏伟壮观,但是室内的设计往往呈现一种相对简约、自然、适用的特点。回族传统图案的纹样元素不再仅仅体现出宗教的价值情感,而是与现代的室内设计理念融为一体,让人类的宗教理念和自我的升华达到了更高的一种境界。这种艺术上的享受和审美的追求,使极富有伊斯兰风格的回族传统图案纹样元素在现代室内设计中呈现出一种自由、放松、纯净的氛围,主要体现在软装材料设计方面。 软装材料设计:所谓软装饰,是指装修完毕之后,利用那些易更换、易变动位置的饰物与家具,如窗帘、沙发套、靠垫、工艺台布及装饰工艺品、装饰等,对室内的二度陈设与布置。将回族传统图案纹样运用在现代软装材料上,是民族艺术与现代艺术的有机融合,不仅丰富了现代室内设计艺术元素的多样性,也体现了一种民族传统艺术的时代性特征。在软装材料的设计中,根据不同的设计主题需要,可以灵活选择多种纹样元素。 4 结语 回族传统图案的纹样元素在现实室内设计中具有较高的艺术价值,逐渐被现代设计者们运用到各种室内设计中。它与现代室内设计的巧妙结合,不仅可以很好地传承本民族的传统文化,也为跨民族文化的交融做出贡献,更能体现出纹样元素在现代室内设计的发展中所表现出的新的时代特征。回族传统图案纹样元素的实践和运用,为现代室内设计的发展提供了新的艺术思路和理念。 作者简介:侯丹丹(1992―),女,山东菏泽人,贵州师范大学2016级工业设计工程专业硕士研究生在读,研究方向:工业设计。
民族文化在室内设计中的应用:民族文化对室内设计的意义 摘要:国际室内设计界思潮叠起,流派纷呈,涌现出大量设计名流及其杰出的设计作品,新风格的出现也是新文化到来的预兆。中国的传统文化在由形式上的层面上升到精神内涵层面的时候,应用到现代室内设计中就代表了中华人民的审美观念。 关键词:民族 文化 意义 随着现代主义建筑的发展,室内设计专业成长起来,并逐渐成为独立的专业,成为新兴的日新月异的行业。国际室内设计界思潮叠起,流派纷呈,涌现出大量设计名流及其杰出的设计作品,把建筑的功能性和艺术性提高到前所未有的高度。 这样民族风格的新发展是一件让我国设计师们共同追求的课题 ,要是盲目的发展民族风格,不加创新在现代社会只会让设计走向偏离发展的道路。新风格的出现也是新文化到来的预兆。适当的在一定程度上保持地域文化特点是为了将来、未来给子孙们留下一些历史的痕迹。运用传统的文化思想的香味,结合今天的科学技术创造出的作品自然会产生新的民族文化和风格,她的世界文化既民族综合创新探索追求。现代世界室内空间设计流行的风格就是民族共存,共追求的新风格。 一个好的设计师是将自己的民族和地域特色融入设计之中,材料和技术的大同化并不能代表设计风格和思路的大同化。 对传统的认识价值,包括文化史、民俗史、政治史、军事史、经济史、建筑史、科学史、技术史、教育史等等人类活动的一切方面的历史。现代室内空间设计是一部存在于空间环境之中的大型的、直观的、生动的、全面的史学书。 设计师本人就是一个比例尺。无论在任何环境里必须拿出这个比例尺(原本比例),对所处的空间进行比例、尺度的比较分析,时间长了自然成了一种职业的习惯。设计意识就是在日常生活中逐步对空间、环境、形态、比例观察而产生的一种职业习惯。 中国的传统文化在由形式上的层面上升到精神内涵层面的时候,应用到现代室内设计中就代表了中华人民的审美观念。中国传统文化的神韵用在现代室内设计中有些是可以直接应用:而有的则进行有理有节选择。这是传统文化在现代室内设计中应用的两个方面。现代室内设计建立在传统文化的基础之上扩融了现代设计语言,丰富了文化内涵。包含时代意义的传统文化特性正适时的靠向主流,将会建立起新的现代室内设计,我们将以新的积极的姿态应对外来文化在精神上的漫无边际的倾销。 要改变、引导全社会对传统观念的新认识。在现实的环境里找出一条中国民族风格的新表现方法。在五千年历史长河中,国人的建造物里面肯定有适合今天社会文化的精华,努力去寻找定会找出新的表现形式,寻找它为民族风格的发展发行了一张在空间设计领域中跨进21世纪室内空间设计的门票。 在室内空间设计中要是一味的去抄去搬,这样是设计的一大忌事。只有把传统的和时代的东西合理的融合在一起,它是在对传统文化的理解消化基础上所产生的一种时代风貌。这就是设计者今天要追求的时尚,它既要强调历史性、文化性,同时还要产生时代性。 认真对每一个细节进行分析,是对一个设计师的设计水平综合评判的唯一标准。把握整体大方的形态,仔细刻划是势态、形态、姿态加强的重要视点。新一代设计师追求的应该是去掉镜框的作品,有新的构思。 民族文化在室内设计中的应用:民族文化在室内设计中的应用 一、民族文化元素在室内设计中的重要性 现代室内设计师的着眼点通常丰富多样,所设计的作品也不再拘泥于某种单一的风格,随着各种现代化流行元素的涌现,近年来我国在室内设计上越来越偏向于西方风格,不断地效仿和照搬过程使得室内设计中的民族文化元素越来越少。但是中国人受根深蒂固的民族文化影响,在生活习惯上比较注重细节,在居住方面更是十分讲究空间的层次感,要求居室既简单又具有丰富的内涵,所以从总体上来看,中式风格的室内设计其实是现在最受国内欢迎的一种类型。中式风格凝聚了中国众多的民族元素,包含了中华民族的各种元素符号在内,达到的通常都是移步换景的效果,这样的设计风格给人带来的感受无疑是令人心旷神怡的。任何民族性的东西往往能够激发出中国人骨子里的民族情结,因此,以民族文化元素为基本载体的室内设计所体现的艺术美感也能够为大众所喜爱,并且经久不衰。 二、民族文化元素在室内设计中的应用 (一)民族文化元素在室内空间设计上的应用 中华民族的传统文化体现的一种辩证的、整体的、因果循环的关系,在中国的传统理念中十分注重天人合一,强调事物之间的辩证统一和相互联系,这种思想从古至今都贯穿人们生活的各个方面,室内的空间设计在这一方面考虑得尤为仔细。艺术创作受民族传统文化影响最大的是意象思维。意象思维实际上是一种创造性的思维,注重从特殊的、具体的直观领域来感悟真理,将这种思维能力转化到室内设计中,往往能够迸发出创意的火花。从横向维度来看,室内设计无论是从何种艺术风格出发,都代表了某种特定的精神和文化结构,整个设计的过程都是在具体的文化语境中完成的,因此,设计作品体现出来的审美价值观反映了当时的文化风貌。从纵向维度来看,任何时代的室内设计都会在一定程度上反映出当时的生产力和文化水平,设计来源于文化。室内设计的空间布局实际上也是基于特定的文化氛围来进行的,在空间上反映出所处时代的文化特点,这样的作品往往更能符合大众的审美要求。风水学是从中华民族传统文化中逐渐衍生出来的一个分支,我们先不论其是否合理,从其源头上来看,风水学也是中国“天人合一、自然协调”思想的产物,它的出现能够满足人们追求和谐的审美观,也就有一定存在的价值,所以风水学在室内设计中比较盛行。从风水学角度来看,在进行室内空间设计时需考虑空间的藏风纳气功能,灵活运用阴阳、虚实、曲直的变化。中国传统的文化观中,对于审美空间布局强调的是“隔而不断”,虽然有分隔,但是不是要达到真正隔断的目的,而是借助似隔非隔的方式来产生一种过渡或传递指示的效果。这实际上也就是体现了风水学中的阴阳、虚实结合理念。将一扇屏风、一卷竹帘应用到室内空间中,起到一定隔断、装饰、引导的作用,呈现出来的则是既虚灵典雅又意味深长的通透美感,其中包含的是中华民族文化中含蓄、虚实结合的文化内涵,同时也体现出人的独特审美情趣。 (二)民族文化元素在室内造型上的应用 中国五千年的文化艺术在经历了漫长的历史沉淀后,逐渐形成了具有民族特色的且包含一定象征内涵和比喻意义的艺术符号,这些符号经过历史的洗礼,渗透出的历史凝重感十分浓厚,生命力之强大令人惊叹。不同的室内设计所体现的风格是不一样的,其中对民族艺术符号的利用也就不同。室内设计的造型艺术主要体现在空间图案、装饰陈列物品以及色彩的应用上。 1.传统空间图案的应用 我国传统的空间图案大致有纹样和寓意两种题材,但是二者之间的界限并不十分明确,大部分的纹样图案通常都能够表现某种吉祥的寓意,例如蝙蝠图案可寓意福气,“鹿”同“禄”谐音,寓意财气,“鱼”可寓意年年有余,松鹤则象征健康长寿等。这些都是我们民族所特有的一种文化元素,将其运用到现代化的室内造型设计中,通过解读图案元素,能够使室内设计作品既体现完美的功能与理性追求,又表达出一定的文化特质,赋予作品深厚的人文关怀,同时满足人们在功能与精神层面的双重追求。传统图案应用的途径十分广泛,可用于墙面、隔断、顶面以及地面等地方。在墙面中主要是通过壁画、木雕、挂屏、建筑彩绘等形式来表现,在形式上可繁可简。用于隔断的图案多为吉祥装饰纹样,在题材上没有太多限制,以屏风最为多见。传统图案在顶面和地面的应用较少,大面积的应用通常会给人繁杂多余的感觉,但是用于小面积的局部装饰,效果比较理想。 2.装饰陈列物品的应用 民族文化元素在室内装饰陈列物品中体现得比较清晰,像刺绣、中国书画、陶瓷、剪纸等都是具有浓厚的中华民族文化气息的物品,虽然起的仅仅是装饰点缀作用,但是从现在看来,无论是视觉上还是心理上,体现的都是现代人民族化、个性化、多样化的审美追求。作为一种文化载体,传统的书画艺术在现代室内设计中应用较为广泛,但是应用时需要综合考虑诸多因素,在题材、形式以及色调的选择上都需要充分考虑对象、环境氛围、文化背景以及审美情趣等多个方面。不同的审美群体,书画的题材和表现形式皆有所区别,这样才能充分体现人与环境的和谐。书画艺术作为一种民族文化符号,对室内空间所起的装饰功能除了能够传递其自身的审美文化价值,还能够以其材质、色彩、尺度等影响室内整体的环境氛围,从而给人不一样的心理感受。例如匾额气势恢宏,带给人的视觉冲击力比较强烈;水墨画浓淡相宜,可以协调室内的色调;书法体现的是一种高雅的气质。陶瓷、剪纸、刺绣等传统工艺是中华民族智慧的结晶,不仅具有丰富的审美价值,而且包含着深厚的文化底蕴。传统工艺应用于现代室内设计中,其实践意义和价值较大。位于甘肃兰州的宁卧庄宾馆对于传统工艺的应用就比较充分,室内用于装饰的壁画、石柱、编钟等都将甘肃敦煌的璀璨文化体现得淋漓尽致,引人入胜。好的室内设计中往往不只是包含了一种元素,而是将各种具有典型性的元素恰到好处地融入特定的空间环境中,这样体现出来的文化气息更加浓烈。陶瓷作为中华民族文化的一种代表性符号,其在室内设计中的应用是相当广泛的,但是这并不意味着将一些具有代表性的陶瓷作品直接摆放于室内空间中就能够完整地体现出中国的传统文化气息,根据审美对象的具体要求来对陶瓷进行再创作往往更能达到理想的效果,这样可以利用传统的手艺制作出传统与现代完美融合的工艺作品。 3.色彩的应用 色彩属于一种视觉艺术,比功能更能体现出室内设计的空间情趣。中国传统的美学空间中通常强调的是情景交融、以景寄情,其间,色彩所起的作用是不容忽视的。中国传统的色彩以黑、白、黄、赤、青为主,黄色象征权力、地位、尊贵,赤代表热情、喜庆,因此,古代建筑多以黄、赤两种颜色为主色调。黑色庄严、神秘,蕴含多种不同文化意义,白色素洁、典雅,象征光明,黑色与白色永远是最为经典的搭配,青色不张扬,但是清爽,往往象征坚强与希望,传统的衣物、器物等多采用青色。在现代的室内设计中,任何一种元素都需借助中国传统的色彩来向大众传递其中的相关概念,将这些传统的色彩应用到室内设计中,不仅能够打破立体空间的单调之感,扩展空间形式,而且能使人产生丰富的联想,营造浓郁的空间意境。苏州博物馆就是成功应用传统色彩的经典之作,作者在进行色彩设计时充分考虑了当地的地域特色,青白相间的色彩搭配体现的是中国“道法自然”的传统宇宙观,在激发人们的亲切感的同时也体现出了我国民族精神中亲近自然、崇尚自然的内敛品质。 三、结语 作为一名室内设计师,吸收经典,推陈出新,将中华民族的传统文化元素与现代化的室内设计完美结合是一门必修的课程,在民族文化元素日益变得淡薄的今天,这一点尤为重要。室内设计的整体风格取决于设计师对民族文化的解读,充分应用民族文化元素,使设计作品摆脱传统的民间形式,散发出现代化的气息,磨合理性与感性之间的差异,营造出一个“时尚、东方、概念”的空间,这应是每一位室内设计师所关注的。 作者:隋睿正 单位:四川师范大学美术学院 民族文化在室内设计中的应用:室内设计中融入民族文化 文化是历史的积淀,它存留于建筑间,融汇在生活里,对城市的营造和市民的行为起着潜移默化的影响,是城市和建筑的灵魂。中国文化讲究“意境”,重在形神韵的结合。那么,中国的室内设计怎样在深厚的民族文化土壤中寻求创作构思,用现代建筑语言表现民族文化的内涵的呢? 一、室内设计与民族文化的关系 建筑物的使用性质、所处环境和相应标准是室内设计的根据。运用物质技术手段和建筑美学原理,创造功能合理、舒适优美、满足人们物质和精神生活需要的室内环境,是设计师的立足点。在现实中审视民族的历史和文化,将其与现代艺术设计紧密联系起来,形成独特的室内设计风格。 (一)室内设计体现社会文化风貌 室内设计是社会文化的有机组成部分。无论何种风格的设计,都是在一定的文化语境中展开和完成的,反映着不同的价值和审美观念,室内空间设计不能脱离当时的生产力和文化的先进性。 (二)民族文化影响室内设计 思想前卫的设计师,认为自己的作品是“无传统无民族”的,但现实不可能如此。设计从来就不是纯粹的个人行为,从媒介、语言、表现手法等显性传统到对设计认识的文化心态、思维方式、审美观点等隐性传统,均有意无意地影响着每一位室内设计师。 二、在室内设计中解读民族文化 欣赏具有民族传统又现代化的设计作品,表面上十分中国味,但从空间的整体效果看却只是一道舞台布景,这谈不上继承发展中国现代的室内设计;设计师追求意境,讲求神似,体悟美学取向等问题。才能对民族文化有深刻的了解,能在现代室内空间中体现出民族的形神韵,反映过去与今天的联系。(一)文化元素诠释民族文化“形”之意境感受人类文明脉络,室内设计诠释的或是人的文化修养,或是人的生活经历,或是人对艺术的理解,或是人对社会的追求等等。室内设计用文化元素诠释的“古老”或“复古”不正是传统的文化“形”之意境吗? 1.观建筑史,寻民族文化的足迹 “天人合一”是提倡人与自然的亲和性,即人与自然的和谐关系,这是室内设计在回归自然上的体现。中国五千年的文明历史就是建筑文化的记忆。空间的营造,封闭与开敞,厅、堂、廊、室等既“隔”又“通”;自然景物引入室内,崇尚“宛自天成”的境界,倾向朴实、自然的创作,真实的审美意象,是传统民族文化中提取出来的对自然的崇敬、依恋等情结。 2.室内设计基本语言,缩现汉文字 进行艺术加工提炼与抽象简化,是在结合现代的功能与技术的基础上使室内设计得到延续与发展的。如中国的“北京四合院”讲究室内设计的均衡对称、宾主得宜、和谐适度等,常用的基本语言是汉文字的简化,单纯的“几何图形”正是建筑物民族文化的内涵。 3.传统符号,匠心独用 中国的传统符号,有的是前人在生产劳动、建造居所时的经验与智慧的累积,有的则是精神生活的追求与体现。直接运用这些传统符号作为装饰元素,是营造传统的文化室内环境的有效手法。纯朴、精致,这是中国传统图案在室内设计上的匠心独用。设计师创造出虚实的围合,彼此交错共享,利用建筑的门窗,将室外景色引入室内,增加开阔感,这种意境空间的营造过程关键在于能引入虚静,引入祥和的心境。体现室内民族文化内涵的基础。 (二)环境艺术设计吻合民族文化“神韵”之意境 现代室内设计已从单一的产品设计,拓展到环境艺术设计,由“生存意识”进展到“环境意识”,再进展到“人性化”,从而吻合了构成世界之三大要素——自然、人、社会这三个坐标体系。设计师所面对不是装饰一幢建筑物,或是新颖而毫无意义的房子,它不是绝对唯一的方式,但如果能从设计表象之外,从现象到本质,从传统的脉络到现实的人文来进入设计的思考,他们将是对民族文化的“神韵”之意境的再现。 1.生活与自然——民族文化的“神韵”之基任何室内设计创造性的构思与创意都不是凭空产生的。美国创造工程学家奥斯本曾说:“所有一切创造发明,几乎毫无例外地都是通过重新组合或改进而产生出来的。”艺术设计要通过实地考察,从中寻找创作元素与文化之间的关系,找出地方文化内涵与自己个性的结合点,形成自己的设计风格。 2.怀旧心理——民族文化的“神韵”之用优秀的室内设计一定是根植于当地的历史,并与现代有机结合的产物。民族文化体现的不仅仅是一件物品,而是它所表现出来的精神内涵。人文主义精神是室内设计的发展趋势,展示出中国文化传统的多样性与民族性,其代表形式为特有的中国文化艺术元素与符号。将传统的艺术精神与现代意识相结合,是一种设计理念的创新,反映了人们的怀旧心理,成为室内设计的重要组成部分。 3.恬静淡泊——民族文化的“神韵”之向将传统文化融入到现代设计理念之中,是设计师关注的问题。譬如说国人欣赏具有高雅格调的物品,实际上是受老庄美学恬静淡泊的影响,遵循老庄的“大象无形”的创作理念。对历史或地方惯用的词汇进行有意识的提炼重新组合,将传统的造型、色彩加以整理,让繁琐的雕梁画栋图形化,设计出新的装饰构造形式并带动整个室内设计有机结合和动态发展。 总之,中国特有的民族文化元素都可以从现代居住空间设计上有所解读,民族文化中的“儒释道”哲思已经渗透到了室内设计中,掀起了中国民族风格的又一次浪潮,是真正全球化的装饰理念。 民族文化在室内设计中的应用:略谈民族文化对室内设计的影响 为了满足人们的需求,承载千年传统文化,所以室内设计不仅是一门建筑科学,更是一门文化艺术科学。现代室内设计在我国和谐社会、和谐文化的建设中具有非常重要的作用。从设计形式、设计风格来看,无论是哪种设计都是包含特定的文化和艺术理念的,涵盖着设计者以及需求者对生活的追求和向往。它体现了不同的文化理念和审美观念,呈现出不同的文化风貌。由于时代的发展,室内设计的艺术风格和人文风貌也随之发生变化。这反映了现代室内设计以传统历史文化为依托,以社会环境为基础,以满足人们的物质和文化需求为目的这一必然规律。 民族文化与室内设计两者的关系 民族文化对室内设计具有积极的影响意义。不论是民族文化还是室内设计都是我们社会文化中的重要组成部分,在这样一个文化体系中,注定了这两者不会孤立地发展,而是互为影响的,确切来说它们之间的关系是辩证的关系。民族文化对室内设计必然产生影响,它是室内设计的思想灵魂;室内设计必须得到民族文化的支撑才能具有强大的生命力。不管超前意识的后现代主义艺术风格还是具有怀旧思想的复古主义艺术风格,也不管是欧式或者美式等等各种室内设计的艺术风格,所有的这些设计元素都是在当代社会背景下呈现的,必然具有民族传统文化元素的特征。纯艺术的室内设计是不存在的,同样没有传统文化元素支撑的室内设计也是不存在的。室内设计应该是艺术形式和技术手段的高度结合、和谐统一。因此,室内设计的成功与否,不能以纯技术的标准进行评价。充分满足使用功能的需求以及具有鲜明的地域性和文化性是评价室内设计成功与否的最重要的也是唯一的标准。 中国文化元素在室内设计中的借鉴与运用 一部优秀的室内设计作品应该是在充分地吮吸民族文化元素之中创造出来的。它必须不断地汲取民族传统文化元素,将传统文化元素与室内设计相融合。以中国文化为基础,结合现代文化特征和其他艺术形式的特点创造出符合本民族审美意识和审美理念要求的、具有中国特色艺术风格的室内设计才是真正的优秀作品。 (一)文化元素的借鉴 我国的民族文化凝聚了几千年的智慧与精华的结晶,在五千年的历史洗礼中始终闪烁着自己的光芒。它博大精深,是我们取之不尽用之不竭艺术源泉。室内设计对其借鉴有如下几种表现: 1.整体环境的和谐统一。在我国传统文化中,“天人合一”“天、地、人”自然融和是儒家和道家的哲学思想,他将人与自然的关系理解为融合一致、顺其自然的关系,这正是室内设计审美意识的根源。它对人们的思维模式研究价值取向产生了重要影响。因此人与自然环境和谐统一应该是室内设计的重要借鉴。 2.室内设计中环境与空间的分割。道家和儒家是中国传统文化的精髓,它的等级严格和层次分明的哲学观点在室内设计中得到了运用。环境与空间分割布局是中国文化元素在室内设计中的具体表现。作为人们活动的室内场所,体现的等级就是要重视空间分割的规范化。文化元素的“中规中矩”“虚中有实”“实中有虚”的哲学思想,为室内设计提供了重要的艺术借鉴。 3.象征意义的借鉴。中国传统文化历史悠久,在中国文化元素中,如:梅、兰、竹、菊、木雕、瓷器等等在中国传统文化中代表着高风亮节、清廉正直的人品和作风。室内设计使用这类代表典型的文化意向的植物,表现了人们对于这种高洁品质的追求。又如:壁画、雕饰等,表现了“有图皆有意,有意必吉祥”的良好的祝愿。这些都是中华民族传统文化元素在室内设计中的借鉴,它象征着中华民族的高洁风雅、包容厚德的传统精神,表现出人们高尚的审美理念和对美好追求的志向。 (二)文化元素的运用 民族元素涵盖的意义十分丰富,中国传统的儒、道、禅思想精神的符号,传递着一种文化理念和哲学思想。它包括各种不同的引申意义和意向寄托,如数字、图形、文字、色彩等等。这些文化元素是人们对劳动的总结,是对美好的向往。只要室内设计一旦运用这些元素,就能使其充满独特的艺术风格和魅力。 1.数字上的运用。中国民族文化中对于数字以及图形都有自身的理解,通常都习惯趋吉避凶。室内设计对于有不吉利的物体、数字、形象等要避免或谨慎采用。应该多采用吉利的数字和图像。例如房间设计,中国人讲究数字的寓意,认为“九”为尊贵、“八”为发财、“六”为顺利、“四”与“死”字谐音等等。现代设计应该巧妙运用这些技巧,趋利避害,并进行延伸,满足人们心理诉求。这样的室内设计就能取得很好的效果,受到人们普遍的喜爱。 2.色彩与光处理上的运用。在中国民文化中对于热烈积极的色彩采用得比较多,这也是一种民族传统文化元素热烈向上的精神传达。辉煌的颜色彰显贵气与典雅,浅素色显示出心灵的恬淡。室内设计应该重视色彩与文化元素的融合,因为色彩能通过视觉作用于心理,不仅包括情绪还包括情感,甚至行为。色彩的组合和分配要反映室内设计所包含的文化意义,即传统文化元素的情调与意境。 3.空间与环境处理上的运用中国传统文化的哲学思想“天人合一”,提倡人与自然相辅相成、和谐统一。现代室内设计应该运用这一文化元素使设计得到升华。人们在紧张的都市生活中,回到室内,渴望精神放松,追求和谐共存的环境。如增设适当国画和盆景,以及古色古香鸟笼莺鹊等,就能让人们在充分享受自然天乐与室内温馨的融合之美的同时,在民族传统文化元素中深深陶醉,达到“天人合一”的理想境界,现代室内设计也因此而充满活力。 结论 一部平面设计作品如果没有传统文化的滋润就失去了自我,失去了特色,失去了风格,失去了方向,不存在任何意义。传统文化对现代平面设计具有极其普遍而深远的意义。在世界经济一体化的今天,室内设计会受到外来文化的影响,但是即便如此,中华文化在现代室内设计中仍然发挥着重要的作用。它是我们现代室内设计用之不竭、取之不尽的艺术源泉,是我们的传家宝。现代平面设计只有不断地允吸中国传统民族文化的甘露才能保持旺盛的生命力,才能在世界现代平面设计的艺坛上,大放光彩。(本文作者:廖夏妍、任素梅 单位:乐山师范学院) 民族文化在室内设计中的应用:基于民族文化的室内设计论文 1民族文化认同的社会背景因素 随着各国人民的交流日益频繁,全球文化多元的现象越来越明显,这也正在逐步侵蚀着民族文化的生存以及延续。因此,在新中式室内设计风格当中加入民族文化的特征不仅能够很好地去增强人们的民族认同感,同时也能很好地将民族文化进行更好的延续和发展。所谓的“新中式”的设计风格并不是纯粹的将传统文化当中的设计元素进行简单的整合、归纳甚至于抄袭到设计当中,也不是将复古明清、照搬古典的进行设计,而是设计师能够更好地对于传统文化进行分析理解之后,将民族文化元素运用到新中式室内设计当中,并与民族文化当中所蕴含的比较优秀的品质和精神能够通过动态的解读与现代人们的思想意识相结合,继而为以后提高人们的民族精神文化起到极为关键的积极作用。从文化本身的角度来看,人们主张只有民族的才是世界的,保护国家文化特色,将民族文化赋予世界意义,民族文化也意味着,在任何国家都有不可或缺的理论意义。“新中式”室内设计风格当中的精神内涵是建立在宗教文化以及中国传统的哲学思想之上的一种文化需求,在当今中国,传统的室内设计风格仍位于有设计行业的主流地位,其重要的特点是讲究设计的功能性特征以及实用性的特点,而对于“新中式”室内设计风格而言,其表现手法通常是将中式的建筑结构进行重新的设计和组合,同时传承传统元素中的设计风格及其精神内容。随着人们对于民族认同感的提高,许多国人逐步开始重新定义隐藏在文化当中的文化价值,根据本地区的文化特征与世界的文化相结合,将中国人在以前文化建筑中的传统民居文化特点与现代人们的生活方式相结合,这方面的设计问题逐步成了现今中国设计界最为热门的探讨话题“。新中式”的室内设计风格将中国的宗教文化很好地融入设计之中,分别表现出儒、禅、道三种不同的思想意境特征。在我国,促进和谐发展一直是一个重要的主题因素“,和”充分体现出本民族所追求的文化特征,和谐是表现一个社会和自然所生存的一种最为基本的状态。新中式的设计风格讲究纲常以及对称的特点,常通常是运用阴阳平衡的理论依据来对室内的生态进行调和,在装饰材料上则选用“金、木、火、水、土”这几种元素来体现禅宗式的宁静和理性的生活状态,同时充分表现出本民族的特点以及所追去的和平稳定的生活环境特征。 2现代人们审美意识的改变和需求 现代设计集中体现在通过艺术和设计去不断地改善和影响人们的审美观念和审美需求,同时也开始逐步提高现代社会人们的审美情趣。因此,为了提高艺术品位和设计的审美内涵,我们必须了解和掌握现代审美观念和审美意识的变化发展。审美意识是指在某一特定时期,由基本的认识和看法促使美感的形成。通过一定的社会群体和地区环境所表现出来的艺术特征。因此,在审美意识,审美情趣,审美心理特征以及其他审美观念和社会意识形态的指导下,受社会生产发展水平影响从而对整个社会的意识形态进行了一定的改变和影响。从艺术史的角度来看,审美理念的差异随着不同时期所呈现出来的观念也有所不同。因此,不同时期的审美观念以及人们所表现出来的审美特征也都有所区别。在当代社会中全球化,信息化的浪潮汹涌澎湃,已经影响到社会生活的各个方面。在这种潮流下,人们的审美观念也发生了巨大的变化。对于“新中式”室内设计的影响同样具有有非常大的变化,对于民族文化上也同样呈现出不同程度上的缺乏。(1)缺乏对于优秀文化的理解以及对其文化价值和意义的肯定以及认同感。(2)对于西方文化的过渡崇拜和盲目追求,从而互留本土文化特征。(3)对于比较朴质的本真的文化的一种冷落,对于异己文化的过度追求。(4)缺乏对先进文化的了解和对落后文化的判断。在这样一个文化背景下,人们更应该去发展和了解自己本民族的文化特征,作为中国传统文化复兴时期的新中式风格,我们应该更好的对其进行探索和研究,这样不仅能够很好地保护和传承本民族文化,同时能为以后更好地提高民族文化知识,普及对后代的教育文化都存在一定的积极作用。 3古典造型艺术的继承和现代科学技术的发展 新中式风格在家具室内设计语言上充满理性特点而不失简洁的效果,线条干练而方直、整体的造型显得尤为的大方,同简约风格的现代家具的轮廓有共同的特征。同时,新中式的家具同时也吸收了明式家具中的特点,并且摒弃了古典家具中比较繁缛的装饰特点。古典西欧流行在17世纪,法国是古典文学的主流。因为它在文学理论和创作实践与古希腊和古罗马相结合,被称为“经典”的例子。在法国,从早年的17世纪到1660年左右,已经到古典发展阶段,主要表现为古典文学语言去完成相关设计和建立各种文学流派,一直在欧洲流行了200年,可以说,许多国家在不同时期,不同层次,不同意义上说,有古典文学的时期。英国在17世纪后期形成的古典风格,但它不是直到18世纪初的发展;俄罗斯是第一个在18世纪,新古典主义一旦成为文学的主导倾向在那个时候。同样在中国的新中式室内设计风格中也继承了这一点,将古典主义中注重“理性”至上的精神,要求逼真但又不能纯粹模仿等精神融合在新中式的室内设计之中。并运用新型的材料,各种型号的玻璃、树脂以及金属等材料并结合一些环保的材料和各种高强度的胶合以及具有优美纹理的迷彩等新型材料。 4结论 对于新中式室内设计风格而言,对其影响的因素很多,特别是在当今各国交流比较频繁的基础之上,对于其文化的相互冲击以及各地区生活行为的不同都对当今新中式室内设计产生一定的影响。本文更好的对其影响因素进行分析和研究,不仅能了解新中式室内设计风格的发展趋向,同时也能很好的对新中式概念进一步的研究,为以后室内设计中的“新中式”设计风格的发展铺垫下理论依据。 作者:薄云辉 单位:曲阜师范大学日照校区美术学院
视觉设计论文:商品色彩视觉下广告设计论文 一、商品广告色彩的特征 在消费市场中,人们常常被一些商品的广告所吸引,所以说商品广告的作用就是能够很好的吸引消费者的注意力,对消费者产生一种引导的作用。但是广告更大的作用,则是对商品进行宣传,特别是对一些新的商品进行推广,而广告要想更好的达到这种宣传目的,就必须与多种多样的色彩进行结合,从而吸引人们的感官注意力,最后达到推销商品的目的。在任意一则商品广告中,广告设计的色彩与广告设计的之间存在着一种必然的联系,它们之间的关系是一种内在的关系,就如同每一则广告都有其不同的特色,为观众消费者留下深刻的印象,这就说明广告中是具有一些形象的色彩以及习惯的色彩的,人们可以凭借着广告的色彩对商品的性能、商品的作用、商品的定位进行评价。比如:不同的颜色总能使人联想到不同的事物,当人们看到橙色时,会非常自然的联想到一些水果,如果大片的绿色展现在人们眼前,人们将会想到植被或者蔬菜,浅黄色总是让人们联想到柠檬,等等。所以,设计师在进行广告设计的过程中,应当将色彩与商品进行充分的联系,可以通过以下几种方法,将所要宣传的商品与色彩很好的融合在一起。 (一)色彩的鲜明性效果 色彩之所以能够吸引消费者目光的主要原因,就是色彩本身具有一定的鲜明性,这种鲜明性能够使人们的注意力得到吸引。在设计商品广告时,设计师可以将不同的色彩进行搭配,搭配出的色彩要相互协调,一般情况下,某一种颜色的表现力是非常有限的,而将几种颜色搭配起来,就会形成非常具有视觉冲击力的一种色彩的效果,所以,广告中应当抓住色彩的鲜明性效果。 (二)色彩的特性效果 每种不同的色彩都具有其自身的特殊性,每种色彩都将给消费者带来不同的感受,因为色彩的特性不同,消费者会因为自己所看到的不同色彩对产品加深印象,设计师应当将商品的性能与色彩的特性联系起来,从而加深消费者对商品的印象,使这种商品拥有其自身的优势。 (三)色彩适切性效果 色彩所具有的适切性,指的就是色彩带给人们感官的不同感受,比如:在拍摄一些有关于化妆品的广告时,设计师就应当注意,消费者在选用化妆品时,一般比较喜欢粉色、蓝色、紫色等等相对比较干净的色彩。如果是做水果的广告,消费者则更喜欢绿色、橙色、大红色等等,因为这些颜色看起来更加可口。所以在对广告进行设计时,应当考虑到不同的色彩给人们感官带来的不同适切感,这样更加容易吸引消费者。 (四)色彩的注目性效果 在商品广告中,商品的注目性是最为关键的,商品所散发出来的色彩,如果能够吸引消费者的目光,那么才能使消费者对这个商品进行消费,要想加强商品的注目性,就应当选择一些搭配出来比较亮眼的色彩,在搭配过程中,一般要将一些能够互补的颜色或者一些对比性比较大的颜色进行搭配,这样才能产生更有力的视觉冲击感。 二、商品广告中色彩的功能性 作为商品广告,不仅仅要吸引消费者,还应当注重,要将商品的性能和商品的实用性向消费者展示。因为只有突出了商品的实用性,才能对商品起到一定的宣传作用,从而给予消费者引导的目的,在展示商品的实用性和商品的性能时,应当注意色彩的选择一定要符合商品的使用要求。比如:我们经常都能看到一些高档酒类的广告,设计师在设计这些高档酒类广告时,就应当设计出比较优雅,比较独特的色调,这种色调更加符合此种酒类的品味。而在一些服装、香水广告中,就要突出色彩的表现力,出了要使设计的风格与众不同以外,还应当对凸显出广告不同的魅力,不同的气质,并且表现出一些摄人心魂的情调。色彩在商品广告中的功能性还体现在,它具有一定的象性功能,色彩的象性功能主要就是指:当人们看到一种色彩在思想中会对这种色彩产生联想,或者说每种色彩都有其不同的心理暗示。而商品色彩的象性功能主要可以从两个方面展现出来,第一是不同的商品在人们的思想中都具有一种固有的特征;第二是在不同种类商品的广告中,都有相对比较标准但又不同的色系,这些色系能够使商品的销售得到提高,并且使商品的信息得到更快的传递,与此同时还与其他的产品有一定的区别。例如:绿箭牌口香糖,有其固有的颜色,那就是绿色,劲酒在做品牌广告时,大量运用了红色,所以给人们留下的印象中的主色调就是红色。如果我们在对一些企业进行形象宣传时,使用一种比较有代表性,并且比较醒目的颜色,这样就可以使宣传的广告具有比较强烈的视觉冲击感,广告进入人们的眼球时,就会迅速的传达到人们的脑海中,使人们对这个商品这个广告形成一种印象。在我们的日常生活中,色彩是最容易得到人们认知的,当商品以不同色彩的包装呈现在人们面前时,就会唤醒人们脑海中的某种充满力量的记忆,通过色彩唤醒人们的消费记忆以及对商品的认知度。 三、结束语 在当今社会中,我国的经济水平得到了迅速的发展,社会的水平在不断变革,随着社会的转变,消费者的观念也产生了很大的逆转,近些年,大量的时尚文化影响着人们的看法,转变着人们的观念,在许多平面的商品广告中,应用了非常丰富的色彩,通过色彩非常有针对的将商品的特性,商品的语言,商品的视觉效果传达给了消费者,从而满足了消费者的一些消费需求,与此同时也使商品的销售得到了促进,通过消费者对商品产生的视觉认识,也使色彩在广告中的使用范围越来越广泛。所以,只有不断了解色彩的特性,了解消费者的消费需求,才能不断设计出更好更新的商品广告,对商品进行推广,同时使消费者的心理得到满足。 作者:张贺 单位:长春市工业大学人文信息学院 视觉设计论文:地域文化视野下城市视觉形象设计论文 1城市视觉形象设计 20世纪末,城市形象设计的概念被提出,受企业形象设计的影响,城市形象包括城市的历史特色、传统特色、地域特色和城市功能,强调城市形象设计要注重地域文化与风格特点.它由三个基本要素构成:城市视觉形象、城市行为形象和城市理念形象.城市视觉形象是城市形象设计中最基础的工作,一般包括城市定位、城市标志、城市导视系统和基础设施等.系统的城市视觉形象是城市的宣传体系,是对城市形象的规范化设计,通过建立具有地域特色的视觉符号系统,在各种场所进行标准化的视觉传播.例如,苏州城市形象以古典园林和现代科技等为元素;杭州也确立了航船、城廓、建筑、园林、拱桥等为元素的城市标志,既具有地域特色又不失现代感,地域特色鲜明.重庆、大连、武汉等城市先后确立了城市标志、城市色彩和市民形象识别体系,得到广泛认同并让城市及市民收益匪浅. 2影响城市视觉形象塑造的主要因素 城市形象的最大魅力在于差异,差异形成特色,特色产生吸引力.每一座城市都位于一个不同的地理区域,这一地域中不同的自然环境、人文特色、经济水平以及历史变迁等因素构成了这座城市区别于其他城市的差异,形成了特有的地域文化.作为城市形象设计基石的地域文化一般可分解为自然、人文、社会三个层面: 2.1自然层面 阜阳地处于安徽省西北部,中国南北方交界处.属于暖温带半湿润季风气候区,属平原地带,是传统的农业和畜牧业产区.古时,阜阳因水而兴,水运便捷,战国时《中都志》载“颍寿,古今舟车交迹之地”.淮河的重要支流沙颖河、汾泉河穿境而过,支流星罗棋布遍及全城.位于市区西北部的颖州西湖,是我国古代的四大西湖之一.发达的水系可以南下长江,东达大海,为淮河以北城市中所独有.可见自古以来就阜阳地区就与水紧密相连,同时形成了有地域特色的水文化. 2.2人文层面 阜阳自古就是“襟带长淮,东连三吴”的灵秀之地.在阜阳文化史上,最辉煌、最有代表性的莫过于以老子、庄子为代表道教文化.在两千多年发展历程中,南北文化在这里碰撞交融,形成了以楚文化为主的多元文化特色.阜阳城周围遍布管子,老子,庄子,曹操,华佗、刘福通等名人的故址.境内出大量文物,其中汉简为首的汉代文物居多.同时这里丰富多彩的民间文化更呈现出刚柔并济的艺术特色.阜南嗨子戏、颍上花鼓灯、阜阳剪纸、界首彩陶等都以这一特色而享誉盛名. 2.3社会层面 阜阳地处南北要塞,由地势平坦,易攻难守.古代的阜阳地区,人民饱受战争之苦.同时,历史上阜阳地区水旱等自然灾害频发,淮河一直泛滥成灾.阜阳人经常流离失所,等灾难过后,人们又开始重建家园.这种敢于直面生存环境,以顽强的生命力拓展生存空间,成为阜阳人民极富于抗争精神的渊源.在新的时代,这种精神主要演化为王家坝精神和农民工精神.这种“忍辱负重、艰苦创业”的农民工精神,成为阜阳的城市精神之一. 3阜阳城市视觉形象系统构建 阜阳的城市视觉形象塑造应以深刻理解与尊重地域文化为前提,塑造出形象鲜明、人文与自然环境和谐的城市形象.根据城市视觉形象系统的内容,应该从以下几方面进行构建: 3.1以城市标志凸显城市特色 城市标志和城市色彩是城市形象视觉系统中的重要组成部分,是城市形象设计系统的优秀.阜阳城市形象标志的设计,在图形构思上,可以从城市自然环境、地域特色、城市精神等方面挖掘图形设计资源.以体现道家文化、南北兼容地域文化为基础,从中提炼设计元素.标准字的设计可以结合楚文化、汉简等进行字体设计.把文化层面的概念转化为形态、色彩、造型等要素来构成视觉符号.公众通过这一鲜明、独特、易于识别而又内涵丰富的标志识别阜阳. 3.2以城市色彩营造适宜环境 “城市色彩,是指城市公共空间中所有裸露物体外部被感知的色彩总和,包括土地、植被等自然环境色彩,生活的常用色彩等人文色彩,建筑物、广告、交通工具等人工色.”城市色彩是城市自身在发展过程中形成的色调,是城市给人们最为直观的视觉印象.已经有很多城市根据地域特色确立了不同的城市色彩.例如,北京的城市色调是灰色,来源于建筑的灰瓦、灰墙和绿树.城内的新建建筑和翻新建筑都必须遵循着一色彩原则.前几年的前门大街改造中,从垃圾筒到商业店面再到临街建筑外立面都以灰色为主色调.这一灰色的沿用透出了古都浑厚、朴实、宁静的文化底蕴,同时也衬托出紫禁城的金碧辉煌.阜阳的城市色彩根据植被与不同时期的建筑色彩,将城市色彩的主调定为“青、绿、灰”这三种朴实的色调.老城区以古商城为中心,资福寺等一系列的文物古迹延续了徽派建筑色调,以淡雅的青色为主,而东城河、西城河沿线为绿色覆盖.阜阳的主要街道,颍州路、颍上路的一些欧式建筑色多为米白色,即浅灰色调.在灰色的基础上,也可以加入一些亮色进行点缀.比如在一些商业街区,可以采用一些相对而言比较明快的颜色来烘托商业气氛. 3.3以视觉导视系统提升城市品质 城市的导视系统是衡量一个城市文明程度的重要标尺,是现代城市中不可缺少的组成部分.它在人们的生活中发挥着导向作用,如识别公共设施、寻找道路、提供警示等功能.城市导视系统一般包括交通视觉导视、公园视觉导视等.交通导向系统在遵循法规性管制的基础上,应该融入人性化设计和地域特色.如在公交站亭的视觉导视系统不仅要具有识别与导向功能,更应该集城市文化和艺术美感于一身,特别强调导视符号的地域性特征,在其形态、材质、色彩等方面加以体现.阜阳的交通导视系统可以在遵循简洁明快的基础上,融合当地优秀的美术资源进行设计,让人们透过标识产生联想,领悟城市文化.公园视觉导视系统同样以此为理念进行设计.阜阳有青颖公园、文峰公园、生态园、尤家花园、刘琦公园、迪沟公园、张庄公园等十几个公园,还有西三角、南三角、东三角等几个城市街心花园.通过实地调查发现,目前阜阳公园的导视标识大多破落不堪、严重缺失或各自为政,没有实现指引的基本功能,更谈不上视觉效果的美观.因而我们目前需要做的是统计需求数量、合理设置和精心设计,让它成为展示城市文化与特色的窗口.它的设计可以从当地优秀的民间美术文化中汲取营养结合景观化的设计手法进行设计.这样既凸显了标识的识别作用,给人们带来舒适的视觉感受,同时也传播了城市文化. 3.4以标识物强化城市特色 城市标识物是城市给人的第一视觉和第一印象,是这个城市的标识性符号.北京的故宫和天安门,上海的东方明珠,香港的中国银行大厦、巴黎的埃菲尔铁塔等,都是各自城市的标志性建筑,具有象征的意义.目前阜阳的标识建筑是什么?文峰塔、奎星楼?这些古建筑随着周围新兴建筑大规模发展,逐渐被淹没,标识作用已经逐渐退化.一截老城墙、一条古沟渠、一段老护城河、一幢古建筑只要保护起来,以标识的方式予以突出,就可以成为一个城市独特的标识物.阜阳是一座典型的北方滨水城市,“襟带淮河,怀抱西湖”水自古以来就是一大特色.历史上阜阳因水而建,水路交通的发达,促进了城市的形成.就是到了今天,水依然在城市发展中扮演者重要的角色———孕育了阜阳的城市精神“王家坝精神”.阜阳的城市发展首先要做好水的文章,按照水清河畅、岸青柳绿的思路,精心整治每一条河道.在打通阜十八条河流连接为一条水系的基础上,再适当添建凉亭、石凳、小游园等设施,贯以道家三子文化,建立以水系为载体的文化河流.同时应对被誉为阜阳城市后花园的西湖水域进行景观改造,形成曲水流觞、人文浓郁,城水相依的城市特色景观.因而“水系”这一地域存在物是阜阳城市的象征和符号,是城市独一无二的名片. 4结语 在新时代城市进程快速推进的背景下,很多城市迷失了自我,在发展中没能找准自身的城市定位,这会束缚城市的发展,甚至会给城市发展带来灾难性的后果.如何塑造有个性的城市形象,一个根本的出发点就是发掘地域文化.通过对阜阳地域文化中影响城市形象塑造的因素的挖掘与提炼,进一步融入城市标志、城市色彩、城市导视和城市标识物的设计中,不仅展现了城市精神,改善了城市环境,更能传播地域文化,增加城市的竞争力.相信植根于地域文化的阜阳城市视觉形象系统,一定能推动阜阳这座城市在未来健康、持续的发展。 作者:郭艳 李长福 单位:阜阳师范学院美术学院 视觉设计论文:视觉元素中网页设计论文 1视觉元素简介 对于视觉元素这一名词的阐述,我们可以说是能够用我们眼睛看到的一切事物或标志。举个例子就像拍摄、电视、影视、造型艺术、建筑物、弃取计划、都会修建和弃取科学、笔墨,也包罗舞台计划、音乐。上述所提及的都可以被我们的眼睛所捕捉,所以它们的本质上都可以说是视觉元素。在上文我们可以得出,视觉元素的存在是非常非常普遍的。而在网页计划中,视觉元素通常以笔墨、图片、图象、标识,色彩等情势要素和题目、信息菜单、信息正文、口号、单位名称等内容要素表现出来。视觉元素融入网页设计,索要遵守的规则就是必须要经过网络才可以进行传播,也就是说没有了网页的支持,它无法发挥自己的作用,向人们传播。传布信息,便是说信息的发起者应用标记向接收者传布谍报的进程。它可所以个别自己的转达,也多是个别与个别之间的转达。它包含“人物”、“信息”、“传达人群”、“成果以及反响如何”这四个阶段。这也是发起者把思想与设计观念转换成视觉元素的阶段,就是概念视觉化的过程,贯穿和联结这两个过程的就是视觉元素。 2网页中的视觉元素探讨 2.1网页中的视觉元素分析 网页计划中的视觉元素主如果笔墨、图片与色彩这三大范例。上述三种元素之所以被划分为网页设计中的视觉元素,是因为它们所存在的一个共性,不论是文字、图片还是色彩,它们都是眼睛可以直接接收的最简洁的元素。可以直接的刺激到人们的眼球,起到更瞬间的宣扬反应。近几年中,视觉元素的运用更好的融入到了网页的设计中,让网页设计变得更加纷繁复杂,多姿多彩。 2.2网页设计中视觉元素特点 第一,在网页计划中的视觉元素,最基本的特色便是具备注视性,这一特色是网页计划中视觉元素最主要的特色,也是表现网页计划最基本寄义的特色。因为,网页的设计便是满足人们获取信息的便捷性,增强了解性,只有保证网页具有一定的注目性,才能勾起读者的兴趣,让人们有想要去浏览的欲望。最终达成制作网页的最根本的目的。其次,适应性是网页计划视觉元素具备的另外一特色。网页中提及的适应性,指的是在网页之中的视觉元素应该是随着外在的环境不断的提升并发生改变的,已达到适应外部环境的目的。由于我们处在的是这样一个信息发展提升的时代,所以唯有确保网页设计中的视觉元素一直是向新时代前进的,增加全新的资料以及元素,才会让网页的浏览量进一步提升,适应好我们所处在的这样一个时代。第三,网页计划中视觉元素还具有被记忆性的特色。这一特色的发生,主要基于视觉元素的引人注目性和适应性特色。第一,视觉元素无疑是可以起到刺激眼球的作用的,所以可以从根本上刺激人们去阅读网页上的内容,在这样的同时,就会使人们记住这些元素,有了元素记忆。然后,这些视觉元素能够不断进行新的变化,反之又促进其注目性的提高,并且在这两方面的共同作用下,使人们对网页的记忆更加深刻。 3视觉元素在网页设计中的运用 3.1文字视觉元素在网页设计中的应用 从文字开始被创造出来,一直到如今社会,它都是我们文化中重要的符号形式。而在网页设计中,文字自然也是必不可少的组成部分,地位非常重要。网页设计里面,文字符号其实不仅仅被作为一种符号语言,更重如果被作为一种记实和传布信息的东西。进行网页设计的时候,对文字的大小排序进行合理安排,用多种形式的文字表达去编辑资料、网页和信息,让文字不单单起到传播信息的作用,更作为一种艺术和文化,去带给人们享受。要想是文字变得具有视觉效果,完成上述所说的对文字的变革,可以在编辑网页时采用艺术字的方式,让文字告别呆板,让其表现形式更加的动人多样,大小颜色吸引眼球。 3.2图像视觉元素在网页设计中的应用 图片在网页中的应用中也是极其重要的,扮演着极其重要的角色,图片在网页编辑中也占据了很大的一个篇幅,和上文的文字元素比较起来,图片所占的优势更加大,视觉效果也更佳。如果在网页里运用了视觉效果较强的图片,还会在一开始就给人留下很深的印象,产生的效果是立竿见影的。对于所说的图片的视觉效果更加强一些,并不是就否认了文字在网页中所发挥的效果,文字也是同样重要的。一般情况下,图片的解释说明少不了文字的参与,文字可以辅助图片吧效果发挥的更加淋漓尽致,有助于信息的快速传达。同时,这样一来不但可以使信息很好的传播了出去,也增强了其印象,让网页更加生动。 3.3色彩视觉元素在网页设计中的应用 颜色视觉元素是网页计划中必不可少的一种视觉元素。色彩本身就具有其自身的独特特性,同时还具备极佳的视觉效果。额昂也设计中色彩的运用,主要目的就是提升文字的解释能力以及增强视觉上的刺激,对特定的文字以及图片增添色彩,可以让文字与图像达到更好的表现效果,让网页的整体质量不断的升高。视觉效果更加的显著。此外,色彩自身还具备很多独特的性质和效应,并且每种色彩都具有不同的作用,例如绿色能够给人舒爽的感觉,代表着大自然的清新,是青春和希望的象征;红色象征着热情、奔放和活力等等。 4结束语 总之,在网页设计中的文字颜色以及图片的应用,使得网页设计的质量变得更加的高,这样的制作网页的方式顺应了信息时代的发展。是以,网页计划者应当不断加强视觉元素在网页计划中的应用。视觉元素作为网页设计中的一个非常繁复的工作,对其审美和所达到的效果都有很高的要求。因此,在实际工作中,必须吸取多种知识,从设计者角度出发,对视觉元素进行创新发展,在多种元素综合运用的过程中,提高网页设计应用效益。 作者:成思豪 单位:甘肃工业职业技术学院 视觉设计论文:视觉语言角度下招贴设计论文 一、传统设计中的视觉语言要素 1.图形要素 与音乐、文字不同,图形更为精炼、直观及含蓄,同时在印刷技术的帮助下便于大范围的传播。高质量的招贴设计成果在图形应用上无不具有新颖独特的艺术风格,以其强有力的视觉吸引性和不同方式、手法对受众者进行引导,实现信息传播的最终目的。此外,受社会、文化及审美趋势等的影响,招贴设计中的图形因素具有强烈的时代性,所具有的服务性质使其拥有在信息传播上的重要意义;图形是由身处不同社会历史背景下的人们为某目的而创作并绘制的,因此,招贴设计中的图形因素也具有很强的创造性,并凭借着创造性的加工将设计中所要表达的文化理念以更加生动、形象和富有感染力的方式传递给受众群体。 2.色彩要素 不同色彩含有各不相同的情感属性,因而带给人的视觉感触各不相同,这使色彩成为了招贴设计实现情感传递的重要方式之一,以色彩对人的印象及感知而对受众者产生更为深刻的印象。在招贴设计作品中,只有在色彩映衬下的图形和文字才能使作品整体发挥出最大的艺术感染力,同时色彩在明暗、浓淡、色相等方面的调和能够创造更为丰富的色彩联系,进而带给受众者以全新的视觉触动。据调查研究显示,色彩在人的第一印象中占据80%的比例,对招贴设计有重要意义訛譺。以画面构造而言,招贴设计中的色彩要素能够实现画面的进一步修饰,高超的色彩要素应用能够深化招贴设计的艺术文化内涵,加强画面的视觉影响力,深化受众群体印象;色彩的情感内涵及所蕴含的象征意义能够使受众群体在观察过程中产生一定的联想,取得受众深入理解设计主题的积极效果。 3.文字要素 作为招贴设计中重要组成要素,相对于图形及色彩而言文字要素更具备直接性訛譻。在文字要素的帮助下,受众者能够在繁杂甚至抽象的设计作品中,简单精确的掌握作品主题,实现信息的有效传播。文字要素在进行信息传播之外也同时具有不同于图形和色彩的艺术美感,能够有效加强设计作品的美学价值。招贴设计中的文字主要以字体装饰、形象设计及立体转化为表现方式,以取得独特的艺术感染力。字体装饰在汉字原有的方块特性基础上进行了再创新,利用投影、空心等处理方式使文字笔划加工重组,极大缓和了传统汉字的刻板性,文字留给受众者更加富有冲击力和立体感的印象,取得了极为新颖独到的艺术效果;将自然或社会中不同事物形象或特征进行概括和升华,并将文字与之相结合,就实现了文字的形象设计过程,具象同抽象的艺术融合将设计作品中的文字内涵以更为生动传神的方式传递给了受众群体;以透视、渐变、重叠等艺术处理方式赋予文字空间性是立体化表现方式的应用手段,文字由二维转化为三维,获得了极强的立体感与画面冲击效果。 二、招贴设计视觉语言要素发展的必要性 1.社会发展的刺激 在市场竞争日益激烈及科学技术高速发展等综合影响下,新兴媒体及有关技术不断涌现,传统招贴设计在媒体中的地位受到了极大冲击,其单一的形式、有限的内容表达而逐渐淡出了民众的视线。由此可见,招贴设计需要新的理论知识及创意性发展。 2.个体发展的推动 全球文化的大融合使我国设计人员在学习国际艺术文化知识理念的同时也出现了诸多问题:设计过于追求图形、文字及色彩等方面素材堆砌而忽视了表现及创意、过于注重对自身思想观念的表达而忽视了积极主流的思想价值观念、过多的模仿引用设计方法及创意理念而忽视了创新等。要适应快速发展的社会及市场需求,设计人员必须重视对招贴设计在艺术知识体系、原理及规律的等方面的学习、积累和升华,使招贴设计走出具有民族特色的创新发展道路。 三、视觉语言在招贴设计中的发展趋势 1.多维、互动发展 受科技发展影响,招贴设计的视觉要素由早期单一性的二维平面上的图、彩、字逐渐发展到了电视等三维传媒领域,并逐渐实现了在思维空间的构造成型。四维空间的招贴设计超越了传统的印刷范围,在三维立体的基础上实现了时空同构,同时在内在涵义及外示形态两方面对设计内容与现实场景进行了有机融合,使其彼此间的衬托,为招贴设计的多维发展开拓了新的方向。多维发展使招贴设计能够实现与周围场景的互动,受众者在信息接收的同时产生情理之中的意外感,进而产生心灵上的震撼。在传统招贴设计中,设计人员大都遵循着设计招贴画面,之后将其安置、粘贴在载体上并进行宣传的过程,设计思维局限于作品的合理性及传播的方便性上,较少注重与载体之间的互动性。传统招贴设计中的受众群体处于被动地位,不具有信息上的自由选择机会,单向的信息传播使传统招贴设计浮于表面。随着信息传播渠道的多元化发展,招贴设计模式也随之开始了多元化发展趋势,出现了双向性的传播方式,受众群体开始了对信息的主动接受,招贴设计更具有了人性化的色彩。 2.民族性发展 中华文明历史悠久,由古至今,无论是器具服饰上的精美花纹还是墙壁建筑上的彩色图绘,都呈现给世人一个多姿多彩的物质世界,传承着民族的精神和生命力。随着我国与国际之间交流的加强和深入,来自其他国家的招贴文化不断传入,在推动我国招贴设计飞速发展的同时,也同样带来了一定挑战,过于追求与国际的接轨将使招贴设计中的民族文化内容流失过多。当下,我国招贴设计以平衡世界与民族文化关系为方向追求着更高层次的发展,在传承本民族文化精粹的基础上,加强与国际之间的交流,探索与世界的共鸣。招贴设计在留存基本信息传递功能的基础上,最大程度地表达本民族的思想内涵及民族性文化理念,构造民族性本土化与世界性国际化有机融合的招贴设计作品。 3.手绘化发展 计算机技术的发展使招贴设计在画面的视角效果方面取得了极大进步,然而,素材的大量引用也导致了视觉语言的刻板。近年来,传统的手绘表现方式重新获得了设计人员的重视,与现代化手法相结合,焕发出全新的艺术魅力。从最初的写实发展为抽象继而转化为写实,招贴设计在不同时期呈现着不同的发展风格。受飞速发展的经济影响,手绘插图在招贴设计领域实现了延伸,与摄影作品等相互融合,逐渐发展并创造出众多具有高度艺术和商业价值的优秀作品。 四、视觉语言的编排应用 对视觉语言的编排是招贴设计中的重要部分,其实现了图、字、彩在限定空间内目的性和计划性组合,在明晰设计作品主题的前提下为其添加视觉冲击性与艺术文化内涵。优秀的招贴设计作品不仅能够明确、清晰的传递信息,更能在遵循受众者视觉规律的前提下,规划合理有效的视觉导向。 1.编排基本原则 (1)逻辑性 在招贴设计作品创编中,对各要素进行编排的首要原则就是其逻辑性,必须将设计内容以条理清晰、逻辑明了的方式展现给受众群体。以变化统一、对比融合等多种方式调节不同要素并构建流畅的视觉流程,赋予设计画面更强的艺术韵味,取得形式和内容逻辑合理、构成统一的效果,引起受众群体的心理共鸣。 (2)节奏感 招贴设计作品中,版面的安排同样需要掌握一定节奏感,这也是表现作品美感的重要方式。具有疏密结合、繁简有秩、松紧适度、大小共存等艺术特色的设计画面更加生动形象,更能够激发受众群体的兴趣。而缺乏节奏感将使设计作品的画面空洞无趣。 (3)可视性 可视性是招贴设计视觉语言要素应用与交流的重要元素,设计作品的逻辑性及节奏感都需要以可视性为前提,否则,缺乏识别性的设计作品只能引起受众者的迷惑,不能称之为优秀。只有具有可视性设计画面才能更好地实现招贴设计信息传递的功能。 2.编排中的美学 在招贴设计创造过程中,视觉语言要素的编排设计也是对形式美的一种探究,是对主旨与形式艺术结合的追求,以视觉语言要素的构建组合来实现作品主题含义的表达,超出了简单的画面构造这一目的,而是升华到了实现和传递设计作品形式中的美的意义。编排为招贴设计创造了广阔的想象空间,然而同时也需要遵循一定规律和法则,在统一的基础上创新变化,同时在变化的同时寻找规律创造统一,紧紧把握住不同要素的个性及之间的通性,并对其进行协调和融合,使其融为一体,同时又有出人意料的变幻,招贴设计作品才能具有无限活力,成功的实现其传媒功能。 五、结论 随着社会的发展,新的技术及观念不断涌现,受其影响,招贴设计有了更加多元化的创新发展,并对民众的审美产生着持续的影响,有了更多的人性化元素。在全球文化大融合的背景之下,传统文化的发展以迫在眉睫,我国招贴设计在发展中需要学习和借鉴国际优秀艺术文化内容,同时更需要坚持和创新具有中国传统文化特色的设计发展道路。我国招贴设计必将创造取得更为丰硕的成果。 作者:王茂霞 单位:盐城高等师范学校 视觉设计论文:古村落视觉形象设计论文 一、如何唤醒古村落的第二次生命 古村落的视觉形象便成为现在专家和学者关注的重点。品牌视觉形象的整体呈现和推广,更利于现代人们的认识和感知。古村落视觉形象设计是指,运用现代化图形符号语言结合古村落深厚的文化底蕴对其村落文化新的解读;易于当代人的理解、传承和发展的过程。 二、古村落视觉形象设计的必要性 1.提升品质和完善管理机制 视觉形象设计具有系统性和导向性,古村落的视觉形象的设计,使认识村落整体文化程度得以提高,进而推动其配套设施、基础规划的建设,完善其管理机制的功能。 2.利于引导识别 古村落视觉形象设计是基于当下和未来人们接受事物的思维和方式进行设计,古村落的视觉形象设计需要与时俱进,更易于引导和识别,这样才能保持古村落的生命力。 3.有助凝聚和传承文化 古村落拥有辉煌而又漫长的历史,但它又可以以新的姿态展示给人们。它的存在具有内在的和独一无二的优势,掌握它的优势将其发扬光大,展现出来,才能得以延续它的生命。古村落视觉形象设计需要从传统文化入手,延续传统的力量。新的认知方式与浓郁古韵的碰撞,使本地居民具有“荣耀感”和“归属感”。 三、结语 整体而又凝炼的古村落视觉形象对本村而言既是对外呈现整体形象的窗口,又可以培养居民的文化认同感,同时提升这个村落内在品质。对来访者来说古村落视觉形象就是一张极具说服力的“邀请函”和一位资深的“向导”,向来访者传递一个村落的浓郁古韵、风土人情、悠久的传统文化。 作者:路沙沙 单位:浙江师范大学 多维化视觉表现的平面设计论文 一、从平面设计角度分析“多维化“概念 (一)从几何维度角度 针对几何维度的概念,多维化打破了维度的制约,将平面设计的表现语言充分多样化,将原有的几何维度转变为新型发散性维度,并没有任何概念约束。平面设计元素视觉表现的形式将超越二维空间,以一种多维化的形式,多维化的视觉形态和视觉语言,将平面设计的内涵展现出来。 (二)从视觉表现元素角度 传统意义上的视觉元素表现形式,主要包括图形、文字、符号以及色彩等,它们都具有传达信息的作用,而“多维化”的视觉元素表现形式,在模式上大胆创新,表现形态多样,最终以多维表的状态显现。 (三)从表现手法角度 信息时代的到来赋予了视觉媒体新的含义,它不再局限于以往的平面设计元素本身,而是面向多维化媒体空间,更加注重对于新型材料和科技的把握,在适合的前提下充分利用光电和声音等多媒体技术,将平面设计元素视觉表现形式从静态转换为动态。此外,在语言表达上也更倾向于多维化,与视觉表现交相辉映。 (四)从信息传达角度 信息具有传达作用,信息的传达应该结合消费者的心理状态,同时把握好视觉语言的情境,增设互动环节,调节气氛,将消费者这一受体的被动接受状态转变为主动感受。 二、平面设计元素多维化的表现手法 在平面设计中,一般的视觉元素都是基于整体视觉形象而表现出来的,对于传统平面设计来说,设计语言与组织是重中之重,而多维化平面设计则将设计和设计所嫁接的媒体和环境作为首位。 (一)“多维化”表现手法注重设计本身 以雷辛格的德国反虐待儿童为主题的海报为例,作者将儿童、标靶以及黑色三角形等图形符号重新编排之后,形成了一套完整的设计元素系统,对于平面设计的表现力有极大的提高。由此可见,“多维化”表现手法不能凭空而论,要结合设计本身的语言组织和图形编排。 (二)“多维化”表现手法关注其承载媒体 平面设计视觉元素的“多维化”,同时结合其承载媒体,在很大程度上拓展了其表现空间,不再是以往的静态表现形式,已经开始走向互动式的动态模式。再加上虚拟再现等媒体技术的运用,呈现给人们的则是富于动感的画面。随着计算机技术的不断升级,平面设计“多维化”媒体艺术的发展也得到了很大的提高。此外,“多维化”平面设计还将真实存在的事物代替二维元素,实现视觉元素的再创造,力求表现力更加生动、形象。以某发乱扔垃圾宣传海报为例,设计元素设置为透明的灯箱,并将其作为虚拟的垃圾箱,长此以往,图形的符号变成了真实的垃圾,给观众以视觉震撼力,最终达到呼吁保护环境的目的。这一海报就将平面设计承载的媒体技术发挥到极致,实现设计元素视觉表现的多维化。 (三)“多维化”表现手法善于与环境结合 对于平面设计作品来说,其所要表达的信息与其所处的环境密切相连,环境可以塑造整体设计的表达效果,同样的这也是平面设计元素视觉表现多维化的重要形式之一。不仅如此,这里的“环境”还包括与平面设计相连的受众,只有与受众结合在一起,共同参与,才能将设计内涵更好地表现出来,并且发掘出视觉系统多维化的优势,增强其艺术表现力。 三、平面设计元素视觉表现“多维化”的应用 现阶段,“多维化”的视觉表现形式已经融入到现代平面设计当中,它广泛应用在广告、电视电影、海报等方面,以一种多元化的思想展现给广大受众,引起受众的共鸣,以达到信息传达的效果。以广告方面为例,在麦当劳户外广告中,就将光线投影这一计算机技术应用其中,从不断变化的光线中体现出信息的诉求,这也是这则广告所要达到的目标。总而言之,“多维化”应用已然无时无刻存在于人们生活当中了。 四、结语 当今时代是一个信息爆炸的时代,由于视觉信息不断地延伸、扩展、多元化,人们的思想以及审美观等都随着时代的改变也呈现出多种多样,而对于平面设计而言,创意是设计的灵魂,创意的形成基础则是视觉元素。现代社会多媒体技术的发展带动之下,视觉元素的“多维化”已经成为新时代平面设计的突破口,它将图形、文字、多媒体等相融合,不一定要选用高级计算机技术和印刷技术,最重要的是促进设计元素表现的多维化,将灵感注入到现代平面设计当中。 作者:庞娟 单位:广西壮族自治区人民医院 视觉设计论文:视觉文化元素与环境空间设计论文 1湖南现代环境空间设计中本土文化精神的缺失 随着工业革命技术的发展,西方的现代文化也随着经济和社会环境的巨变逐渐成为一种居于强势地位的文化,逐渐改变世界大部分人们的思维方式、价值观、生活习惯、行动方向和政治制度等诸多方面,并形成以西方现代文化为中心而建构起来的全球文化体系,造成了一种全球文化的趋同现象。随着大量的西方设计理论、思想以及风格流派的不断涌入,纷繁复杂的文化形式使得人们失去了冷静思辨的能力,为了迎合市场追求视觉上的快感,在创作过程中出现了一种对于各种理论、思想以及流派只是采用了简单的“拿来主义”的现象,设计师们盲目地将其直接套入本土的环境空间塑造中,将各种西方的视觉元素进行复制拼贴,在设计中完全忽视场地空间所处的文化背景以及设计语言与场地空间的和谐,于是生产出了大量与地域人文情感脱节的设计作品。由此可以得知,文化的趋同化发展有一个巨大的副作用,即令民族与地区性文化在发展上面临着丧失其主体意识的境况,导致在文化创造的各个方面丧失其“话语权”作用,进而消弭民族与地区性的文化特征。在湖南的环境艺术设计中也存在着同样的现象,空间的塑造中普遍忽视场地环境湖湘地域的特色和文化的多样性,没有将深层次的湖湘文化内涵作为设计支撑。最终呈现的场地空间表现出了单一的面貌,不但缺少了空间的独特性与可识别性,造成了整体空间氛围与传统湖湘文化的脱节,甚至丧失了城市的个性特征和艺术魅力。显而易见,这样的空间从情感上根本无法与本土民众产生互动和共鸣,他们对场地空间的心理期待层次自然也会降低,不能与民众产生情感交流的空间自然是失落的空间。在长沙湘江西岸沿江景观地段,千年学府湖南大学、湖南师范大学等与其毗邻,背靠岳麓山景区,深厚而独特的人文底蕴本应该使场地区域成为极佳的湖湘文化展示区,使其成为一个多层次、市民化的湘湖文化博物馆,但是现状设计中只是将片段性的视觉文化元素与符号进行了简单的陈列。这种对湖湘视觉艺术形式中的人文精神缺乏深刻理解的设计,不但没能准确传达出本土文化的寓意与内涵,也使其丧失了场地自身独特的个性魅力。当然在设计中,对传统视觉元素只是肤浅认识,流于一知半解、断章取义和形式主义,在新的时代环境中简单地再造和拷贝文化元素同样也会形成空间语言的单一化。随着时代的发展,人们的审美不断追求多元化以及文化寻根性需求的不断加强,同质化的设计现象逐渐得到越来越多人的反思,如何在文化的渗透性下拥有自己独有的文化语言,挖掘深层次的文化内涵创建出的空间形态使其尊重湖湘传统的生活方式和审美习性,满足湖湘人士的精神寄托亦成为湖南环境艺术设计当前亟须思考并践行的课题。每一种设计语言都必然与其所处的地域环境密不可分,湖湘文化亦然。其地域特征、视觉元素、意境情感等方面自然都会促进与制约着本土环境空间的设计,影响着环境空间的构建。因此,我们只有充分了解本土地域文化的人文内涵,并借助视觉文化元素为本土环境空间的情感需求寻找更加准确的定位。 2湖湘视觉文化元素在现代环境空间设计中的重生 环境空间的设计必须是有文化目的的视觉创造。日本建筑大师丹下健三曾说“:把传统加以破坏,加以革新,这才是正确继承传统的根本。”意指传统可以通过对自身缺点的挑战得以发展,通过发展与前进才能将传统创造性地继承。因此,湖湘视觉文化元素在融入现代环境空间的塑造中也必须积极地传承和锐意地发展才可产生出新的语义。湖湘大地上名胜古迹繁多、山川秀丽壮美,具有多样的自然风情与地貌特征。岳麓书院、橘子洲、岳阳楼、南岳衡山、洞庭湖、湘西凤凰、张家界等自然与人文景观都各具魅力。这些资源都为湖南本土的景观空间设计提供了良好的素材,将各种典型的自然景观元素进行相应的提炼、分类和重组,有机地融入环境景观的场地空间塑造中,往往能达到意想不到的艺术视觉效果。例如,在长沙市城市规划展示馆的环境空间塑造中,设计者创造出一种湖湘传统山水园林的连续空间,通过在有限的展示空间中将长沙“山、水、洲、城”的自然景观特征进行了再现与重塑。传统是社会文化与历史的积淀,是人们对民族精神和生活习俗的认同。虽然以现在的审美意识和基准来看,中国传统建筑的艺术形制在整体上确实已经滞后,但是其间途径千年而创造与承袭的大量弥足珍贵的元素、符号、语汇、思想理念和哲学精神一经被创造性地演绎和运用,都会成为相当珍贵的文化要素。因此,作为湖湘文化中极其重要的文化层面——建筑文化也必然会被现代景观空间设计所重视。湖湘建筑的平面布局强调均衡,青瓦粉墙,大多为前后两个一明两暗的三间组成,一般以内天井作为空间组织的中枢,墙内有风火墙,内部空间组织的形式流畅而富有韵律变化。在设计过程中设计师们不能仅仅是借鉴一些具体的建筑文化符号,而是需要在满足环境空间结构的基础上将现代建筑理念与传统视觉元素交叉融合,从而派生出既生动又厚重的空间形式。例如,在由博物馆、图书馆、音乐厅组成的长沙滨江文化园的“两馆一厅”设计案例中,在对建筑立面的处理上,设计者将被称为“世纪发现”的三国吴简进行了意象重构,将功能性的百叶塑造成竹简造型作为表层肌理符号运用到建筑的立面空间上,不但为建筑本身带来惊喜而独特的艺术效果,同时为建筑带来了更好的节能效益。“竹简”“、竹墙”“、竹形”铺地图案地糅合,使整体环境空间的形象更为灵动且意味深远;开放与内敛并存的规划空间、沉稳大气的建筑造型,使湖南人敢为人先、兼收并蓄的湖湘精神通过空间艺术的塑造凸显出来。由此可以推断,通过领悟湖湘建筑的空间情感并将其与现代环境空间相互融合,才可传递出本土艺术形式中被感知和意会的美。湖湘大地上共有五十多个民族,汉、土家、苗、侗、瑶、白、回等民族在此相互交融互相影响。由于地域习俗、文化差异等原因,各民族形成了在湖湘地域基础上但又各自特色的风格。例如,湘西的苗族、土家族、侗族、白族偏好蓝、黑、本白等纯色,色彩淳朴典雅,立意简略清晰,注重银器头饰和首饰的精致做工。将这些具有鲜明地域色彩、语义丰富的民族视觉元素作为环境场地空间设计的构成符号,营造出浓郁的民族意蕴和唯美气质,不但可以使景观空间具有显性的视觉艺术价值,还能很好地传播民族文化,更有利于城市形象的认知与旅游产品地开发。湖南的民间艺术更是变幻多姿,滩头年画、竹木雕刻、戏曲皮影、铜官窑等杰出代表中均都为现代环境空间设计提供了极其丰富的视觉文化元素,尽管形式各异,但湖湘民间艺术均具有造型奔放夸张、色彩浓烈厚重的特征,多采用写意和写实相结合的表现手法,整体呈现出豪迈、浪漫、自然、率直的湖湘艺术神韵。设计者只有深刻理解并把握其中的精髓,将造型多样、内蕴丰富的民间视觉元素进行抽取、整合使其演变为新的艺术设计要素,并使其在现代环境设计领域中获得新的传播和生命。任何一个地域和民族在历史长河中都是发展的,体现其地域和民族特点的文化亦随之变化,这种现象实质上就是文化的变迁。因此,将视觉文化元素运用到现代环境空间中,不应该是对传统地域性的完全妥协,也不是对屋顶样式、门窗形式与纹样、空间形态等的简单模仿与复现,而应该是设计中的再诠释与再创造。在保留地域文化原艺术形式精华的同时仍需吸收与借鉴外民族的文化精粹,使本土文化的艺术内容更具时代感与丰富性,这才是有效地维护一个民族或者一个地区历史文脉的正确文化态度。环境空间设计与湖湘视觉元素的相互借鉴、掺杂和交构,不仅对艺术设计本身是一种创新,对湖湘文化焕发新容同样不无裨益。 3结语 在传统文明与现代文明激烈冲突的时代背景下,各类文化艺术形式不断交融与渗透,具有本土特色和个性的区域文化正受到前所未有的冲击与侵蚀,其内涵和意义在转换的过程中可能被逐渐改变或悄然消失,这使得本土文化保护和研究的紧迫性和重要性凸现出来。在当前多元化的设计语境下,我们在进行本土环境艺术创作时必须深入研究传统文化与人文精神,通过纵深发掘和横向拓展来实现文化的创新与活力,从民族传统文化中抽取和提炼那些独特的符号、元素、词汇甚至精神内涵并用现代审美意识来重新演绎,使现代环境空间构筑出独特的形象特征,呈现出丰富的情感面貌,达到借助空间载体的塑造来实现本土特色文化拓展与延伸的目的。归根到底,湖湘视觉文化元素的运用只是一种外在的手段,我们在设计过程中需摈弃单一层面的追求,应该赋予视觉文化元素更多内在的含义,通过转向文化本源的追溯与现代情感的相互碰撞寻找更生的契机,借助于环境空间构建的创新来传播湖湘视觉文化,并进一步发扬和传承湖湘文化。 作者:李麟 单位:湖南涉外经济学院艺术设计学院 视觉设计论文:多维化元素视觉平面设计论文 1.图形的多维化应用分析 1.1摄影技术可以为平面设计提供更多的图像元素 图像是平面设计中非常重要的视觉元素组成部分,任何一个平面设计作品都需要图像的应用。随着摄影技术的快速发展,平面设计的图像收集渠道也更加丰富,目前摄影技术已经成为主要的图像路径,摄影技术提供的图像题材更多,风格各异,不仅丰富了平面设计的视觉元素,也大大提高了平面设计质量,赢得了更多受众的青睐。摄影师可以根据平面设计的主题拍摄出相符的图像,然后再通过计算机的二维技术、三维技术等适当加工、处理这些摄影图像,可以有效提高图像的现实表现效果,这样也可以使图像具备多维化特征,为广大消费者营造丰富的视觉映像,更加准确的向广大受众传达平面设计想要表达的主题以及设计理念。 1.2“图”与“形”有机结合大大扩展了平面设计元素概念 很多人都喜欢讲“图形”,其实“图”“形”是两种不同的概念,“图”主要是二维平面的浓缩;“形”主要是在平面设计中应用多维扩展。有机结合“图”、“形”大大拓展了平面设计的视觉元素概念以及范围。现代平面设计中通过计算机技术可以准确划分“图”与“形”,通过合理组合不仅可以充分体现出“图”的二维设计方式,也可以拓展“形”的多维化特点。因此,有机结合“图”“形”也可以算是现代平面设计表现多维化的形式之一。 2.文字的多维化应用 2.1叠加文字的多维化 通过叠加文字可以增加文字在平面设计中的多维化表现,这种设计理念主要是在其他图像上放置文字,或者是直接在文字上增加其他的文字。这种文字叠加的形式不仅可以让文字成为一种多维化的视觉元素,也可以丰富整个平面设计作品的表现效果,给广大受众带来更加强烈的感官刺激以及视觉冲击力。然而需要注意的是,在叠加文字时不能一味的强调文字叠加后的效果,而忽略文字本身,不然很容易导致文字缺乏识别性,对整体平面设计效果有所影响。 2.2艺术字的多维化 艺术字是一种新的文字形象组合方式,相对于传统文字而言主要改变了文字的形态及色彩。艺术字的多维化主要有以下几种表现形式:①突出。进行平面设计时,适当调节文字的大小,用大号字体将设计重点内容特别突出出来以示区别,这样有利于吸引受众的注意力。②调节文字字体。经过漫长时间的不断发展,文字的字体也表现出多元化发展的趋势,近年来产生了很多新字体,而字体不同,观众的感官以及视觉效果也会有所不同。在平面设计中,设计师可以将文字的字体进行适当的调整,可以给观众带来一种耳目一新的感觉,提高观众对设计作品的兴趣。③调节字体的颜色。色彩的感染力、表现力非常强,因此平面设计过程中可以通过改变文字的颜色,使重点内容的文字更加显眼、醒目,这样也可以提高观众对作品的兴趣。 2.3动画法文字的多维化 动画法主要是指通过波浪、上升、回旋等动画的形式添加在设计中,并不能直接以文字板书的形式出现。这种动画法文字表现会独立的展示给消费者,并不会依附在平面设计本身,因此这种文字表现方式更加灵活多变,也为平面设计的多维化设计提供了新的路径和想法。 3.色彩的多维化应用 色彩在现代平面设计中是最为重要的视觉元素,有利于提高整个平面设计的整体受众性,增强平面设计的视觉效果,在视觉感官以及情感等方面给予消费者更强烈的冲击。色彩其实在平面设计中是对图像、文字的一种辅助性解释,因为人们在接触到某一个事物时,最直接的感知便是色彩,通过合理的色彩设计有利于更加全面、准确的表达文字、图像想要表达的信息,使整个平面设计的主题以及设计理念更加直观、鲜明。每一种色彩都有其自身独特的性质以及功能,不同的色彩会给人们造成不同的心理感受,这也决定了色彩的多维化特征。因此在平面设计中只要合理运用不同的色彩,充分展示不同色彩的特性,并且用更明显的色彩来突出重点设计内容,相信可以使整个平面设计的表现力达到最佳的表现状态,为消费者提供多维化的视觉表现。 4.结语 综上所述,平面设计元素视觉表现的多维化是现代社会经济高速发展以及科技发展的结果,视觉元素的多维化发展大大增强了平面设计的表达效果,使平面设计的内涵更加深入。现代设计师应注重图像、文字、色彩等视觉元素的多维化运用,为广大消费者提供更丰富、更新颖、感染力更强的平面设计作品。 作者:王卓 单位:长春理工大学光电信息学院 视觉设计论文:视觉符号中电影海报设计论文 一、电影海报与视觉符号 视觉符号则是指一切能够以人类视觉感官角度传达信息的媒介载体。现代平面设计理论认为,视觉符号可以引起受众的生理反应,使他们产生联想,进而产生移情等心理效应,由此可见视觉符号在设计领域的重要地位。将电影海报中的诸多元素统括到平面设计视觉符号的范畴内,大大提高了电影海报设计的专业性。设计师可以通过视觉符号的重组、构成,以多种手段和形式生动地再现电影内容,传达电影主题,吸引受众注意,使受众产生观影欲望。 二、电影海报设计中的视觉符号研究 电影海报的视觉符号分类同平面设计一样,主要由文字、图形、色彩三大要素组成,它们是二维感官的基本要素,也是信息传播的重要载体。要想制作出优秀的电影海报,需要设计师不但从全局的角度把握整体构思,还要从微观角度对视觉符号展开分析。 (一)电影海报设计中的文字符号 文字本身就是人类记录事物、交流情感的符号,我们每天获得的信息大部分都通过文字传达。在电影海报设计中,文字被赋予了不同的文化背景信息和不同的情感传播目的,用以迅速展示影片主题。通常,电影海报文字符号有以下四种表现方式: 1.解构型文字。 解构型文字是由法国解构主义大师德里达根据解构主义而提出的海报设计方法,它是指对原文字进行有意识地破坏,剥离文字的整体性、突出文字的局部,从而形成的具有图形性的“文字”。这类文字能够降低文字的阅读性而增强其图形性,通过对文字进行分解、进行笔画的增减等使之符合某种视觉要求,是电影海报设计中常用的文字设计手法。对电影海报中的文字进行解构处理是经过精心设计的,它不但需要创造一种新的文字形式,更需要使文字信息与海报思想主题紧密连结。如电影《逆战》的宣传海报中,设计师将“逆战”二字进行了分解,每一个笔画都脱离了文字主体,呈现出一种支离破碎的视觉效果,这正同电影中兄弟两人失散多年的情节相吻合,实现了故事情节的隐喻传达。 2.重构型文字。 重构型文字是指对文字进行重新排列组合,使文字整体呈现出点线面等图形特征的文字形式。这类文字符号性极强,又非常具有趣味性,能够呈现出某些特殊的视觉效果,具有高度的象征性和趣味性,让人看完海报有深刻的印象。如《黑客帝国》的海报,画面中程序代码被编排成雨丝状从天而降,给人一种强烈的超现实感觉。又如电影《女人》的海报,设计师通过“sex(性感)”“beauty(美丽)”“passion(激情)”以及影片名“thewomen(女人)”等一系列文字的重组排列构成了一幅女性身材的轮廓图,实现了文字对电影主题内容的传达。重构型文字的另外一种表现形式就是不同大小、不同笔体、不同风格的文字之间组合形成的“文字”。这种形式的重构文字同样具有很强的视觉冲击力,如首部港产3D恐怖电影《童眼》就是用了这类重构型文字,设计师为了突出电影3D的形式特征,将红色的“3D”同绿色的影片名“童眼”进行组合设计,在介绍影片内容的同时实现了影片特色的传达。 3.手写型文字。 不同字体的文字所传达的信息感受也是不同的。近年来手写体文字大行其道,受到电影海报设计师的广泛重视。在世界语言文化中,无论是汉字还是英文或是其他语种的文字都有多种手写方法,比如汉字中的楷书给人冷静、认真、有秩序的视觉感受,草书给人随意、放松、流畅的感受,幼圆给人可爱、清新、活泼的心灵感受等等。总而言之,无论是汉字、英文还是阿拉伯文,手写体不仅能给 人一种自然、质朴、亲切的视觉效果,更能带给人效果各异的心理效用。如电影《爸,你好吗?》的海报,手写体的影片名,呈现出如同家书一般的和美、感人的效果,与电影主题完全一致。又如电影《龙门飞甲》海报中的影片名就选用了书法体,洒脱的草书搭配影片古装人物的武侠扮相将电影风格淋漓尽致地展现给了观众。 (二)电影海报设计中的图形符号 当代著名视觉设计大师霍格尔•马蒂斯曾说:“一幅优秀的海报作品,能够完全依靠图形符号传达信息,而不依靠任何文字注解。”由此可见,图形在人类视觉收集与情感传达中具有重要作用。在电影海报中,图形符号应力求简洁、富有创意,这样才能直观而迅速地使受众了解到电影的主题信息。一般来讲,电影海报中的图形符号有两种表现方式。 1.说明性图形符号。 说明性图形符号是我们最常见的电影海报图形形式,它主要对电影内容起到解释、说明的作用。说明性图形功用主要包含两层意思:第一,通过建立另一个全新具体形象的方式去解释说明目标对象;第二,选取目标对象的一部分或是有关联性的图像资源对其进行解释说明。无论何种意义层面上的说明性图形都能以最有力、最直观的方式让观众明白电影海报要传达的主题。如电影《塔拉星球之战》的宣传海报,画面中有各种宇宙飞船、太空战机、飞碟等,背景则是火光冲天的太空,整幅作品直观形象地说明了影片“星球之战”的主题内容,使观众一目了然。 2.象征性图形符号。 艺术设计的最终目的是打动人的内心,因此图形不仅要具有最起码的装饰功能,还要有内涵上的象征意义。象征性图形在电影海报中的应用能够间接传达电影的精神和寓意,实现观众同电影深层次的互动。通常,电影海报中的象征图形主要有三类。第一,传统纹样象征图形。这类图形取材于各民族、各地区的传统文化,内涵较为深刻。如电影《杨门女将》海报中穆桂英的帅服上雕虎绣凤,很好地凸显了主人公的社会地位和品格性情。第二,概念象征图形。这类图形同人类长期实践中形成的各种抽象概念图形相联系,是一种跨文化、跨地域的象征图形。如电影《切尔诺贝利》中就采用了我们常见的放射警示标志,以此象征这场危险的核泄漏事故。第三,科学象征图形。这类图形取材于医学、计算机科学、天文学等,以一种超自然、超现实的形态象征着未来或是不可知的领域,在众多科幻影片海报中非常常见。如电影《地心引力》的海报就以地球为背景描绘了一个没有引力的外太空世界,象征着故事情节的科幻性。 (三)电影海报设计中的色彩符号 色彩作为视觉传达中最直观的要素,不但能够先于文字、图形被人们感知到,还能够根据纯度、色相的变化使观者产生相应的心理感受,这种心理感受是一种发自精神深层的冲击与震撼。这就要求设计师在进行电影海报设计时,要关注色彩的心理效应,赋予色彩更深层次的心理暗示或精神意义,使之成为电影情感传达的重要媒介。一般来讲,电影海报设计中的色彩符号大致可分为冷调色彩符号和暖调色彩符号两种。 1.冷调色彩符号。 冷调色彩符号主要包括蓝色、绿色、紫色、棕色等短波较长的色彩,这些色彩可以根据设计师的具体配色方案呈现出多种效果,或是给人沉静、理性的心理感受,或是给人悲伤、孤寂的心理感受。以电影《唐山大地震》海报为例,画面中的两层背景均采用了棕色这一较暗的冷色调——阴冷的废墟和低沉的天空将整个电影的悲伤氛围衬托出来,寓意了灾难带给人们的心灵创伤,让观者体会到了其中蕴含的巨大的情感冲击。 2.暖调色彩符号。 暖调色彩通常是指黄色、橙色、红色等长波较长的色彩,这类色彩不但具有很高的色彩识别度,同时还能传递给人一种热烈、奔放的心理效果。以电影《英雄》系列海报组中的《如月》为例,这张海报运用红色暖色系作为色彩表达的主要基调,章子怡扮演的如月身穿红色衣服,神情镇静,眼神中带着决绝,周围是随风而舞的如火焰般的枫叶,整个画面的意蕴通过色彩被烘托了出来。红色在这里已经不仅表达了其本身含有的炙热、激烈、奔放,更是代表着忠诚、牺牲,还代表了影片的环境。这样的配色方式直接把人物复杂的内心世界视觉化、明朗化,也间接地把故事要表达的思想艺术化、纯粹化了。电影海报不仅是电影艺术宣传的重要手段,还是人类社会信息和文化行为的集中表现。优秀的电影海报是各种视觉符号完美搭配的结果,是设计师个性创意与理性思维的最佳体现。在现代电影飞速发展的今天,总结电影海报设计的内在规律和原理,探索电影海报设计的新思维、新方式日益重要,作为当代设计师,我们有责任和义务用最新的设计理论武装自己的头脑,为社会建立起电影与大众沟通的桥梁,不断设计出更多、更好的电影海报。 作者:孙丹 单位:东北农业大学艺术学院 视觉设计论文:视觉传达下的现代标志设计论文 一、标志的设计原则 1.独特性 独特性是现代标志设计的最基本原则。是指在标志设计应已原创为首要原则,不要雷同,要具备符合自身特征的个性,这就要求在现代标志设计中必须做到原创独特、简明扼要,创造与其他标志不同的视觉感受,给人留下深刻的印象。因此,我们在设计标志时,要求要区别其他已经应用的标志,避免与已经注册的和已经使用的标志雷同。只有富有原创性和符合行业属性和行业特色的标志图形才能在现代的市场竞争中具有时代特征与生命力。 2.注目性 注目性是标志所应达到的视觉艺术效果。是指我们的标志要具有强烈的视觉冲击力,来吸引别人的注意。因为只有吸引人的注意力,才能使标志所要传达的信息对人产生影响力。在标志设计中,我们可以通过增加对比来突出注目性。特别是在公共空间标志设计中,更要体现环境对于标志识别性的影响,尽力要考虑所设计的标志能够在不同的坏境材料中所呈现出注目性的特征。标志设计的注目性还要求标志能在不同的媒介中得以应用,如在包装、企业宣传品、展览展示设计、多媒体界面等媒介中保持独特的醒目性。 3.信息性 标志的信息传递有多种的形式。标志信息传递的形式,有图形式的、有文字式的,也有图形和文字结合样式的。人们对于信息的感受,有作为具象图形的表达,也有抽象图形的表达;对于信息所传达的语义,有明确传达的,也有含蓄委婉的传达。一般来说,对于信息在标志设计中的表现内容,应尽量追求以简练的造型语言,表达出既内涵丰富且容易被受众理解最为恰当。优秀的标志设计作品应该具有形象简洁、突出行业属性的特点。 4.文化性 文化性是标志本身的固有的属性。标志中的文化性是指通过标志能把民族文化与当代时代特色展现出来。只有民族的才是世界的,我们所说的民族文化性,并不是说把传统的民族图案拿来借鉴抄袭,而是真正要把民族情怀、民族精神植入于现代的标志设计中。在具体的标志形象中,所展现出出的这些民族文化属性,又是标志设计者不自觉的对于民族文化的反思,对民族精神的理解,自然而然地释放于标志的内容与形式之中的。 5.时代性 时代性是指标志设计所体现出的时代属性。是指我们的标志设计在随着企业间的竞争与企业经营项目的改变而重新完善标志形象。改革标志的一种方式是把原有的旧标志进行重新设计,以全新的面貌出现。这种重新设计,在经济上可能会付出较大的代价,因为老的标志已经在消费者心中得以确定,要重新确立新的视觉形象,就也重新的广告宣传应用于不同的广告媒介中,才能重新树立新的视觉形象。另一种方式是对老的标志图形的改造,在原有的标志图形上细微改变,这种手法又叫标志再设计,逐步改造和完善,既具有形象的延续性,易于被消费者接受,又富于时代感,让人在不知不觉中接受改变的新标志,这一演进的标志图形,就具有了视觉延续与现代化特征相结合的时代特征。 二、标志设计应注意的问题 好的标志设计,都围绕主题去完成构思方案,力求简介鲜明,富有感染力。标志设计当中,创新性构思起着决定性的作用,同时,又要注意以下几点: 1.主题单纯,形象简练 现代标志设计大都追求形体简洁、主题鲜明,这样做的目的是使得本品牌更加引人注目,且易于识别、理解和记忆。即由烦琐、复杂的物象转变为简洁的图形,由沉重的具象图形转变为灵巧、优美、舒展的图形,使之产生的视觉的美感。 2.以情动人,体现情感 随着社会的发展速度不断加快,人们的生活节奏也越来越快。社会在发展的同时,人与人之间的感情却在逐渐疏远。充满生气、自然活泼的人性化设计将备受关注。以真挚的感情打动人、感染人,被当代标志设计广泛采用。例如,全国妇联的心系新生命标志。该标志采取了以情动人的方法,通过标志的视觉造型,体现母子之间的亲情,心心相印的关系,十分鲜明地向人们传达了情感信息产生令人感动的效果。 3.现代标志设计的发展趋势 作为企业形象的优秀的标志设计,代表了社会企业的发展的方向与本身的企业内涵。因此,好的标志设计师必须了解当代标志设计的发展趋势。冲破传统式禁锢,更大胆、更前卫、更掠人视线的标志向我们展示出未来标志设计的视觉走向。丰富的想象力与新颖的面貌不禁使人技术对视觉的影响力。例如在当代标志设计中三维造型的广泛应用,材质和光泽的应用,更加复杂的生动形象,插画风格、涂鸦风格越来越多被应用于标志设计当中等。 作者:王禹 罗亚玲 单位:大连艺术学院 视觉设计论文:民族地域性视觉艺术设计论文 1.浅析视觉传达设计中的民族地域性特征 这种信息重组视觉化的过程本身就含有所要传递信息、设计师自身、信息受众所自身蕴含的民族地域性特征。一个设计师,一个视觉创作者在创作设计时通常会用自己日常生活中所运用的,受众能准确理解接受的语言和表达方式来表现自己的设计目的和设计想法,这种日常生活中的语言和表达方式就是民族地域性文化,它是由我们的母语以及亘古以来该民族所独有的物质文化、精神文化以及长期以来的生存特点、生活环境等所构成的一种属于我们自己的独一无二的民族文化。 2.视觉传达中的民族地域性思维和设计方法 在多元化社会的今天,世界需要在艺术设计领域中融入不同民族特点、不同文化表达方式,视觉传达设计也需要这样有自己独特民族特征的设计来抓住全世界的目光。融入民族地域性的设计不是一种争夺主权的设计方式,而是全世界共分享共创造的艺思维创作方法,所以这样带有民族地域性DNA的设计才会有一个广阔的未来,掌握了这一思考方式的视觉传达设计师才会产生赋予自己设计语言的源源不断的创新设计。民族地域性文化对视觉传达设计的影响无可厚非,因此为了满足视觉传达艺术设计的品质的提升,我们要先关注和学习国外相关方向的研究和实践,努力拓展国际视野。在“向外看”时,首先,我们要广泛涉猎世界化、多元化的艺术设计性态。其次,要从学习中提取其设计方法、思维精髓,再将之联系发展到自身的民族、文化中来,设计师应时刻保持着独有的民族地域性设计理念的设计思维,以超前的眼光预见时展趋势,做出具有自身特色文化的民族地域性视觉传达设计。在以往我们对视觉传达设计创新的讨论中可以发现,视觉传达艺术设计如何融入自身的民族地域性特征都在经历着一个被理解的过程。但毋庸置疑的是,中国有着上下几千年的文化积淀,并不是我们在具体设计时要多么鸿篇巨制,而是作为一名视觉传达设计师,应不断的从给养我们的优秀文化中吸收、积累、发觉自身民族文化所体现的思维方式、表达手法,再将之运用到我们自身的设计中来。比如,很多人都参观过文化古迹故宫,但作为一名视觉传达设计师,你有没有在欣赏游玩之余,思考过故宫的“模块化组建模式”,我们是不是可以将这样系统化、模块化的设计方法,运用到我们视觉传达设计VI设计实践中去,将民族地域性特征、民族地域性文化中的精髓通过观察、研究、转化,合理的运用到视觉传达设计的细节思维、设计方法中去,这样思考实践方式才是我国视觉传达的艺术设计能够具有自身优秀的民族地域性的有效方法之一。在全球化的今天,在国内的视觉传达设计作品中,我们经常可以看到具有立体主义、构成主义、印象主义风格等现代的绘画风格的设计作品。同时,在西方绘画作品及艺术设计方法上也多多少少可以看到东方艺术、东方文化对其的影响,尤其是中国传统绘画中所提出的虚实结合、留白、散点透视等艺术形式和艺术形态上的处理,都不容置疑的被西方艺术、设计所接纳和借鉴。这样看来,现代艺术作品、设计作品是可以从原有的艺术形态中提取满足现代设计需求的形式原理来进行重新设计利用的。从中国传统艺术形态中提取理论方法和行态,将原有的艺术形态加以视觉变化,重新结合要传达的信息内容,这样的方式也可以成为我国视觉传达的艺术设计能够具有自身优秀的民族地域性的有效方法。与此同时,当代视觉传达艺术设计大环境提出要更加突出了设计应以人为本,应顺应和发展人类精神文明需求。根据调查显示,青年人、中年人、老年人、不同国籍、不同民族人群他们的视觉喜好偏向都是各具特征的,所以视觉传达设计师要时刻记得设计是要满足人类生产生活需求的。在设计动工前要确定目标,明确不同地域、不同文化下各年龄段、各阶层人群需要的信息传达视觉风格是什么,再结合视觉传达设计理念进行创意及设计,这同样也是做具有民族地域性特征的视觉传达设计的有效手段。 3.具有民族地域性特征的视觉传达设计其发展前景 为了使现代视觉传达设计紧跟社会发展步伐,更加贴近生活,视觉设计师在创作设计作品时要注意当前社会经济状况、国家文化历史及发展、人群审美观点的转变、工业发展情况等,只有这样,其所设计出的作品才能与时代相适应,与世界接轨的同时具有自身的民族文化地域特色。虽然我们探索研究社会发展趋势的能力有限,但作为视觉传达设计者为其作品能更好的、有效的传递信息也应竭尽全力去尝试。在中国视觉传达艺术设计正在随着国家的经济、文化蓬勃发展,其发展前景是广阔的,并渐渐的深入到人们日常的生产生活衣食住行中,所以在汉字文本环境下的视觉传达设计师在坚持积极学习西方先进的视觉传达设计的创作手法和经验的同时,应更多的关注、学习、发展本国自身特有的艺术形态及民族特色的,并将它们不断的合理的融入到每一个设计细节中去。做有民族特色的视觉传达设计,做有中国特色的视觉传达设计。 作者:王倩 单位:吉林艺术学院 视觉设计论文:城市交通卡视觉形象设计论文 一、城市交通卡视觉形象设计主要包括三个方面 (一)公共交通视觉识别系统 在城市交通卡的设计上,一定要提前做好公共交通视觉识别系统的设计准备工作,因为这一方面的内容是整个交通卡的基础。如果没有这些设计,那么很难形成一个完好而有用的交通卡。毕竟交通卡是通过图形、图像、文字等视觉元素的整合从而做出的一个形象视觉。考虑到交通卡所需要传播的区域和人群,在设计的时候更应该达成一定的共识,比如城市公共交通的视觉形象应该偏向哪种设计方向?应该采用哪种设计风格?这都是在视觉识别系统的设计过程中应当考虑的。 (二)公共交通视觉环境系统 公共交通视觉环境系统的设计研究也是城市交通卡构造的主体。在完成一个完美的城市交通卡视觉形象设计时,一定要对这个城市公共交通环境形成一套更新的视觉环境系统。本文以杭州为例,进行探究城市交通卡视觉形象设计的具体内容和成果,笔者也针对杭州的城市交通卡视觉形象做了一些了解。发掘其视觉系统的设计就非常独到。包括在公交环境中的空间设计、色彩体系、视觉符号的设计运用,这都体现了杭州城市交通卡形象的独一无二。有了这样的交通卡,人们在使用时也会心情愉悦。毕竟是一个经过了精心设计的交通卡。这样的视觉效果可以给使用者提供一个公共交通的良好视觉环境,也能够帮助大众消费者自觉而安心的乘坐公交车。此外,在设计公共交通视觉环境系统时各类媒体广告等视觉元素整合的系统也可以融入其中,这样增大了公共交通视觉环境的利用率,为商机创造了更多的可能性。 (三)公共交通视觉导向系统 城市交通卡视觉形象设计的第三个方面就是公共交通视觉导向系统,这也是一个能够帮助传达有效信息的重要系统设计方面。在完善了这方面的设计内容后,人们在使用交通卡的时候可以有更完善的视觉信息。这样的视觉导向系统也可以帮助人们对公共交通到达目的地的信息进行整合。这个功能是设计人员通过实践和亲身经历做出的综合,这样人们使用交通卡就更为方便,甚至可以大大方便日常的公交生活。这个导向系统的功能主要是引导人们顺利地乘坐公共交通,而这一个想法一经提出就受到了人民群众的热烈欢迎。可想而知,如果一个交通卡都可以查询到从此地到达彼地的公共交通办法,那不是很方便吗!有了这样的交通卡,我们的现代公交生活就可以很完美了。这也是为何视觉导向系统包括了道路交通标志、街道名牌、导向牌以及城市交通地图等多方面因素的原因。 二、城市交通卡视觉形象设计研究常见问题 本文是以杭州为例研究城市交通卡视觉形象设计的,笔者在研究杭州公共交通的现状时发现其种类繁多,而且比起其他城市,杭州拥有一个独特的城市交通卡视觉形象。在这个视觉形象的设计中,地铁、公交、公共自行车等公共交通都有各自的视觉系统。这样充分的设计和实施系统表现了杭州城市交通的完善。但这些视觉系统的设计还处在简单的模仿状态,在长期的实施过程中,现有的城市交通卡视觉形象设计还存在一些问题。 (一)缺乏视觉形象的系统性建设 没有独特的视觉元素,无法体现杭州城市特点。这是设计师们公认的一句话。毕竟杭州的独特文化背景和城市内涵,就注定了杭州的公共交通应当具有自己的一个特色,让来往的游客都感受到轻松和随意,让本地的居民都能够享受到便利的出行。然而,现在所通行的城市交通卡缺乏视觉形象的系统性建设,这样的设计导致其基本的内容都有各自的视觉系统,然而却无法统一的结合起来去表现。这样的视觉形象是不行的,必须要有一个系统性的建设,才可以将不同的公共交通标志整合起来,让众人看的简单而放心。但在建设过程中却没有系统性考虑设计表现形式。笔者在了解了杭州的公共交通现状以及发行的城市交通卡视觉形象之后,认为想要将不同的公共交通标志在视觉形象和表现形式上有一个较大的改善,就一定要从缺点出发,将视觉形象的系统性建设做起来。这样才能够有改善、有进步。 (二)缺乏城市特色 我们都知道杭州是一个著名的旅游城市,它的风景秀丽、景色宜人。因此,当我们比较北京、上海、杭州三个城市地铁标志的时候,就会发现在这样三个截然不同的城市中自然会有三个个性分明的标志,这就跟该城市的视觉设计风格和方向有关了。每一个城市的视觉系统设计都会充分考虑到该城市的文化、环境特征,将这些都结合起来进行设计才会有各自特色的标志。然而,在城市交通卡视觉形象设计研究中,笔者发现,除了北京地铁在颜色上有所区别以外,其他两个城市的视觉形象设计都缺乏城市特色,这样的交通卡在外形方面就率先失了一分。每一个交通卡的视觉形象从设计思维到造型特征都应当经历过充分的改造,这样才能够展示出一个完整而精致的标志。如果每一个城市的标志都呈现出明显的相似性,那这还有什么乐趣,还有什么旅游的冲动?作为著名的旅游城市,杭州的城市交通卡视觉形象设计就更应当有城市特色,然而在这一样的圈形结合字母的设计上却没有看到应有的城市特色。笔者认为,这也是当前城市交通卡视觉形象设计的一大缺陷。 三、城市交通卡视觉形象设计改革研究 杭州,作为一个历史文化名城,有丰富的文化元素值得挖掘提取。在设计其城市交通卡视觉形象的时候,应当将这些元素充分地糅合在视觉形象的设计中,这样才有一个充满了视觉的想象力和文化的感染力的形象。如果是这样一个城市交通卡的形象,想必可以给城市中的人们一个新的享受,也能够真正带动杭州特色的公共交通,方便人民的生活。这也就是当初设计城市交通卡的初衷。 (一)视觉形象设计注意融入城市交通情况 杭州城市公共交通主要包括公交、地铁、出租车、公共自行车、水上巴士五类。这也是由于杭州特殊的文化背景,是一座值得挖掘和提取的文化名城。因此,在杭州的公共交通中,应当注意融入实际的交通情况,将这五类主要的城市公共交通情况都加进城市交通卡的设计中。这样才能够通过比较,形成新的具有特殊文化意义的杭州城市交通卡,也可以带给行走在杭州的人们一个更加棒的城市公共交通!笔者通过大量研究发现,标志都是需要结合一些相似的设计,也需要结合每一次不同情况下发生的特例,这样才能成为一个优秀的标志设计。那么在城市交通卡视觉形象设计的改革研究中,我们也可以注意融入城市交通的情况,发现杭州公交体系中的更多精彩,将这些都融入到城市交通卡视觉形象的设计中。 (二)注意城市的文化特征 笔者在前文中说过,城市交通卡视觉形象忽视了城市的文化特征,因此,才给人一种和其他城市类似,很难让人们产生深刻印象的感觉。如果要改革现有的城市交通卡视觉形象,那么一定要率先完成这方面的形成记忆。只有将城市交通卡的形象设计中融入城市的文化特征,才能够让人们快速地认识到这个公交标志,并且爱上这里的公共交通。我们构建和发展绿色的公共交通系统,就是为了给人们一个舒适放心的环境,如果所设计标志都无法给人这样的感觉,那么又怎能带动绿色交通的发展呢!例如杭州出租车的标志是由三潭印月图案抽象化设计而成,这种设计就能够让人印象深刻,因为是三潭印月,这在杭州是一个非常有意义的文化因素。因此,笔者认为,在改革城市交通卡视觉形象时一定要注意城市的文化特征,并将其应用到交通卡的形象设计中。 (三)注意对文化元素进行归纳 在杭州公共交通视觉系统建设的过程中,设计师肯定要先对杭州这个城市有一个整体的了解,了解其交通运输是怎样的。这样才可以建设一个完整有序的城市交通系统。若将杭州这个城市所具有的独特的文化元素进行归纳,对于建设公共交通卡的视觉设计有很大的帮助。这在于交通卡的形象设计需要符合城市的需求,并且具有一定的特殊城市文化。这也是前文中提到过的。笔者认为,要想改革完善好现有的城市交通卡的视觉形象,一定要在设计过程中注意提取、转化该城市的文化元素,并且将其进行归纳。只有这样才能够将多元化的文化元素融入到城市公共交通的视觉识别系统、视觉环境系统、视觉导向系统设计中。 四、结语 笔者以杭州为例,探讨并研究了当前实施的城市交通卡视觉形象设计现状。根据杭州当前的城市交通卡视觉形象设计的发展状况和其现存的明显的缺点,集中整理了一些关于改革完善城市交通卡视觉形象设计的研究。希望笔者整理出的这些关于改革方案的看法和建议对后期专家进行视觉形象设计更新有一些帮助。 作者:郑祎 单位:浙江长征职业技术学院计信系图形图像制作教研室 视觉设计论文:关于视觉要素的展示设计论文 一、现代展示设计的定义及应用意义 随着社会的发展,展示设计已发展成为了一条多元整合的设计链,真实的反映了当代社会的脉络和文化特征。无论是社会性还是商业性的展示设计都是公众传媒的一部分,并为人们提供商业价值、技术价值、文化价值和娱乐价值的参考标准,完整的诠释了人们的生活本能,是城市与文化的传承。 二、视觉要素在现代展示设计中的运用 现代展示设计是依赖于视觉形象而存在的,从展厅外部的形态到内在的图文内容都因视觉的共性而更加清晰化,展示设计的目的是使参观者在有限的空间范围内最有效的接受特定信息,而获得一种新的视觉体验。这些感受是依赖于的人视觉而产生的。因此,由视觉要素带来的人得心理的情感变化是值得我们研究的。关于展示设计的视觉要素,我主要从以下几个方面进行分析:视觉色彩、材料质感、文字图形。 1.视觉色彩 众所周知,色彩作为艺术表现形态中的第一要素,通过第一眼视觉,引起兴趣激发关注;传递情绪感染心理。在展示设计中,常常根据展示主题来确定展场空间的色彩基调。例如,对于历史性展示主题来讲,常常使用厚重、沉稳的色调,以反映出历史的变迁、文化的凝重。而商业空间的色彩定位则来源于企业的VI标准色及其辅助色彩,以达到企业形象识别和产品突出的目的。 2.材料质感 材料是设计的基本,任何的空间形态都需要依托一种材质来表现。因此材料质感在展示设计中的选择是非常重要的。同一个展示空间选择不同的材料、或者是同一种材料选择不同的加工方式都会给人带来不同的心理感受。例如自然材料传递出贴近自然的禅意感,新型材料传递出科技感。2010年由西班牙当代最具传奇色彩的女建筑师贝娜蒂塔•塔格利亚布设计的西班牙建筑外观,是用藤条、柳条编织物作为建筑外墙。藤是中国和西班牙的传统材料,女建筑师贝娜蒂塔•塔格使用这种传统材料结合编织的构成方式是希望搭建起中西文化融合交流的桥梁。另外从现阶段的行业发展来看,环保材料的使用也是未来发展的一个大趋势。在当今世界,节约能源、维持人类的可持续发展是全人类的共识,因此在展示设计中采用耗能低的材料成为展示设计师在设计时的重中之重。例如在美国犹他州室外零售销售展览上,巴塔哥尼亚服装公司的展台之所以获得最佳展台的桂冠,正是因为它完全使用再生材料制成,这种对环保的高度重视获得了评委的一致首肯。 3.文字图形 文字图形作为视觉要素的重要组成部分,它对展示空间的构筑起重要作用。在展示设计中,主要是指文字、图片、图表等几个方面,设计师通过使用最直接、简易、易懂、易识别、易记忆的画面、将企业产品相关信息传递给观者,增加信息传递的力度。传统展示设计,是将文字信息依附于展板设计而存在的,更多的是注重文字图形在展板上的版式设计。而现代展示设计中,把文字图形单独看作一个空间表现元素,使文字图形不仅作为信息传达的载体,而且是构成空间的一种视觉形态关系,更加注重二维与空间的结合,有着独立的审美情趣和设计效果。例如在2010上海世博会中国馆低碳生活展区中,设计师直接使用了承载发光字体的展台设计,把生活中衣食住行所排放的二氧化碳数据通过最简单、最直接的方式传递给了观众。 三、结论 展览行业的时效性很强,它是一种短期性的活动。很多设计师一味的追求独特新奇的视觉效果,以吸引参观者的眼球,利用很多繁复的装饰,使用大量的展示用品、展示道具,这样撤展后,使一个原本构思巧妙、施工精良的展厅变成了一堆凌乱不堪、无法降解的垃圾。当社会越来越重视环境保护意识,展示设计不能落后。展示设计中运用大量散发不良气体的材料、过渡照明形成的污染、强烈的噪音,都是与环保理念,绿色设计是不符合的。因此,新时代的展示设计师应该更加注重绿色设计、节约资源,应该更加朱注重以可持续的发展为出发点进行展览设计。应多以环保为出发点对展厅进行设计。这时更加要充分运用视觉要素的表现方法:视觉色彩、材料质感、文字图形,通过刺激参观者的视觉而引发起情感的变化。在未来的展示设计思路中会更加着力强调节约资源,减少由于加工繁琐展示道具所造成的浪费和污染。展示设计的艺术美与可持续性的结合,能够创造出美观性与实用性兼备的展示设计,这也是设计者对环保的自律、自觉,是现代展示文明的一个集中体现。 作者:刘依君 单位:成都东软学院 视觉设计论文:视觉元素及书籍封面设计论文 一、各具特色的少数民族视觉元素 (一)少数民族视觉元素的内涵和意义 少数民族视觉元素指的是那些能代表少数民族文化特质、充分体现少数民族文化特点的视觉符号。像我们所熟知的文字类元素,如藏族的文字;以及一些图形类元素,如吉祥纹案、苗族的头饰等等,这些都可以称作少数民族视觉元素。所谓的少数民族视觉元素其实可以指那些人们看到后会联想到某个少数民族的元素。它是一个在长期的发展过程中逐渐形成、积淀下来的,可以体现一个民族的面貌和审美的象征元素,也承载了一个民族的情感寄托,标志着民族共同的记忆。 (二)少数民族视觉元素的分类 少数民族视觉元素如果细分可以分为很多类,例如文字、器具、建筑、图形等等。少数民族视觉元素的特点是具有其独特的民族性,不同的民族之间的文化不同、历史不同,所形成的视觉元素必然也不相同。广义来说,根据表现形式的不同,我们可以将少数民族视觉元素分为以下三类: 1.文字类型元素 在所有的视觉元素中,文字可以说是最重要的一种。在书籍的设计中,文字是必不可少的。作为语言意义的载体,文字不仅有着记录文化、历史的作用,同样具有承载民族感情的作用。它是一种抽象符号的化身,文字不仅是少数民族日常生产生活重要的交际工具,也是民族的基本标识之一。 2.纹样类型元素 图案纹样艺术在本质上是人的意志和精神的物化。少数民族从生活中的各个方面搜集素材创造和保留了各种各样的图案纹样,例如:在建筑、服饰、生活用品等等方面。这些纹样给民族类图书的封面设计提供了丰富的素材。如果从表现内容分类,可以将纹样分为自然形纹样和几何形纹样两类。几何纹样是由几何图形排列组合成的纹样图形。而自然形纹样则是由自然界中的动物、自然景物、植物、人物等图案组合而成的。从另外一个角度分类,我们又可以将纹样分为单独纹样和连续纹样,这是从纹样的平面图案属性划分的,其组织形式和结构组合各有不同。连续纹样是单独纹样的组合。 3.色彩类型元素 在民族类书籍的封面设计中,色彩同样是最常见的表现手法。无论是运用哪种类型的元素其实都离不开色彩的烘托,纹样、文字的表达同样也需要色彩的衬托才能更好地表达设计者想传递的信息。不同的色彩具有不同的象征性特征,不同色彩具有的色相、色调也都不同,因此会带给人不同的心理感受。不同的色彩具有着不同的象征意义,这与少数民族在不同背景下长期形成的审美观念有关。所以,色彩的运用与社会意识形态、自然地理环境、历史文化、民族心理结构等因素紧密联系在一起。色彩是最强有力的表达情感的手段,用其表达情感有着超越语言的效果。 二、少数民族视觉元素在图书封面中的设计运用 (一)文字的运用 在民族类图书的封面设计中,文字具有多方面的表达功能与价值。单从内容表达上看,文字可以直接表达出书名、作者名、出版社名等重要信息;而从语言的民族性来看,文字则具有民族的族性和装饰功能。族性的体现,例如新疆维吾尔族民族的书籍在设计的过程中辅以维文,能让人一目了然看出书籍的民族属性。再者,由于文字的结构和书法的特殊性,文字还具有装饰性功能。例如朝鲜文、维文本身就可以体现出特殊的审美价值。巧妙地运用文字来设计封面不仅能很好地反映书籍内容与主题,而且还能给人以自然古典的美感。 (二)图形纹样的运用 图案纹样的运用是封面设计的重要手段之一。纹样可以用不同形式手法表现出来,在设计时需将纹样的造型与书籍的类别以及书籍内容巧妙地结合起来。因为纹样不同的根本原因是与不同少数民族的生活环境、历史文化、地理、自然等情况息息相关的。而这些会造成不同少数民族的审美取向和生活方式的不同。这些差异决定着它们在艺术上有着各自独特的风格。在使用这些纹样时,将纹样与书籍内容巧妙地融合在一起则成为了设计的关键。不同的少数民族都有自己经典的图案纹样,如蒙古族的云纹、犄形纹、卷草纹;土家族的藤藤花纹、虎皮花纹;藏族的八宝纹、六长寿图、四和瑞相等。通过不同的搭配与变化,可以将纹样造型设计成各种独特的构图形式。每种纹样都有特定的民族文化内涵和艺术美学元素,因此不同的纹样有着不同的意蕴,适合使用的背景与书籍封面选择也不同。而真正具有应用价值的纹样不仅要做到具有民族特殊性,更重要的是与书籍的主题相吻合。而最为巧妙的是,通过纹样的设计表达出不同民族的内在精神,创造性地运用纹样表达民族的内在气质,避免生搬硬套,自然而然地表现出对民族理想的追求。 (三)色彩的运用 艺术来源于生活。色彩是生活的基本元素,也是艺术的基本元素。随着时代的发展,色彩的表达在不同地域不同民族的背景下有着千差万别。色彩的使用不仅像文字、纹样那样可以单独使用来起到表意和装饰的作用;也可以作为背景与其他视觉元素搭配使用起到载体的作用,即色彩的表形价值。因此,色彩的运用对于民族类书籍封面设计具有非常重要的意义,合理恰当地使用色彩不仅可以正确地表达民族性,更关系到构图的品质与封面元素的和谐。不同民族有代代相传的色彩习俗。彝族使用最广泛的三种颜色是黑、红、黄。而彝族最崇尚的色彩是黑色,这是因为他们认为黑色是大地的颜色,是孕育万物的颜色,同时黑色也象征了高贵和典雅;而红色象征火,代表了热情、勇敢;黄色象征阳光,是万物的本源,给人以幸福和光明。除黑、红、黄之外,彝族也比较喜爱使用蓝色和白色。纳西族在色彩观上与彝族有许多相似之处。源于对牦牛的喜爱,纳西族偏爱黑色,除了黑白两色,他们也同样喜爱红、黄、蓝三色。 (四)将少数民族元素融入在艺术设计中的意义 图书的封面设计,具有传达书籍内容的功能。书籍封面设计兼具内容表达与美化书籍外在形态的作用,是功能与审美的结合,可以说是书籍设计中最重要的部分。民族类图书的封面不仅要与内容相关,还要给人以美感,这就体现出了设计中艺术的重要性。一目了然地显示出书名,让读者清晰地理解书籍内容,这是书面设计最重要的功能之一。所谓民族类书籍,是指主题与少数民族相关的书籍种类。其独特性在于它是与少数民族相关的书籍,要求在尊重少数民族、表达出民族文化内涵的同时又要有独特的民族艺术魅力并且要做到具备一定的商业性价值。民族类图书封面设计要将这些功能都结合起来才算完整。民族类书籍封面设计的艺术性从属于它的功能性,功能是第一位的,设计是以书籍为媒介来表达设计者的思想情感;通过设计这种艺术形式来激发书籍的商业性价值。设计为人,目的是为满足读者需求,吸引受众阅读,为更多的读者所接受和喜爱。设计是一种服务,对于服务来说,人性化则显得至关重要。图书封面的设计,既要反映该类图书的内容,又要体现少数民族特性。所以,在设计中,要熟练运用平面设计的技巧,将民族艺术元素巧妙地融合到平面设计中,达到书籍内容和精神的统一,通过精心的设计和规划使封面效果达到最佳。 三、封面设计中存在的问题 虽然将少数民族视觉元素用于民族类书籍会带来很多好处,但是在运用的过程中还是会遇到不少问题。这些缺陷影响了书籍的品质,也会对书籍的销售市场产生消极影响。首先,缺少民族视觉元素的图书标志识别性相对较低,不能鲜明地表现民族类图书的特色。这是很多民族类书籍封面存在的缺陷,不具代表性的民族视觉元素其实并不能引发人们的联想。其次,民族视觉元素的使用方法老套,缺乏创新意识。在一些民族类书籍的封面中,虽然使用了少数民族特色元素,但是生搬硬套,没有内容和创新,仅仅是形式上的摘抄。创新是文化之源,创新所产生的力量是无穷的,只有创新融合的运用才能设计出好的封面。再者,虽然封面运用了少数民族视觉元素,但是却使用了不恰当的应用,也会起到反效果,对读者产生误导。例如:错误地将一个少数民族的视觉元素用于其他少数民族,或者是将汉民族的视觉元素用于少数民族的图书封面上;以及错误地运用视觉元素类型,将历史类的视觉元素用于经济类书籍中等等。最后,民族文化图形元素使用繁杂也会影响读者的阅读欲望。即使使用了少数民族元素也要把握好量的尺度。 四、将少数民族视觉元素运用于封面设计中的建议 (一)正确地运用民族视觉元素 书籍封面的设计和任何艺术的创造都一样会涉及到形式与内容的协调关系问题。从理论方面来看,设计形式为书籍内容而服务,因此书籍内容对设计形式起到了决定性的作用。而从应用方面来说,实用是排在第一位的。设计师设计封面并不仅仅是为了通过外在形式来解释书籍内容,更重要的是,在对书籍内容进行解读的基础上,结合情感和创意,设计出艺术的作品。所以在设计过程中尤为重要的是协调好形式与内容的统一,不能张冠李戴。 (二)运用现代设计手段实现民族视觉元素的创新与恰当 在这个信息量巨大的时代,设计者如果只注重视觉形式,则人们会逐渐感到麻木和无趣,只有那些新颖的、具有高度创新的视觉信号才能给人们以刺激,让人们产生兴趣,更加容易接受并记住它们。而这些视觉信号,就是图形语言的表现。它们的设计和表现更需要独特的图式形式,而在表现形式的探寻和个性化创新则是设计师们需要努力的目标。 (三)体现少数民族元素与时代精神的有机结合 虽然运用现代设计手段设计出创新元素是至关重要的,但是一本具有艺术感的书籍,不仅要注重封面的视觉图形创意,更要注重整体的设计美感,这是在民族类书籍封面设计中所缺少的,应该引起设计者的足够重视。例如在书籍的封面设计上,不同质感类型的纸张适合不同类别的书籍,纸张材料的不同也会导致图书风格的截然不同。不同质感的纸给予了设计者更多的设计灵感和设计方式。有些纸质粗糙、有些细腻、有些轻薄、有些厚重、有些坚硬、有些柔软,各种类型的纸质会带给读者不同的感受。不同类型的纸质呈现出不同的纹路和肌理,配上不同的质感,所表达的思想情感也是完全不同的。可见优秀的封面设计,不仅要加入恰当的少数民族视觉元素,同时也要在触觉、嗅觉等感官方面增添一丝独特的民族特色。 五、总结 少数民族视觉元素与书籍封面的融合确实可以提升民族类书籍的影响力。它的效果不仅仅停留在吸引读者阅读兴趣的层面上,更重要的是,起到了促进不同民族文化之间相互交流传播,促进不同少数民族之间的和谐友好相处。随着科技的发展,图书市场的竞争日益激烈,无论是出版商还是读者都对书籍的质量和品质提出了更高的要求。而少数民族视觉元素的应用,在封面设计中应用的广度和深度两方面都给与了提高。所以说,少数民族视觉元素的合理应用对于书籍整体设计有着至关重要的作用,影响着书籍整体的品质。而这也对书籍的销量和民族类图书的发展有着决定性的作用。对于设计者来说,通过民族类书籍封面设计来丰富书籍形态和内涵、促进民族性及时代感的完美结合已经成为设计者一份重要的历史使命。 作者:朱瑞波 单位:西安建筑科技大学 视觉设计论文:品牌视觉形象设计中的图形设计论文 一、基于品牌风格需求对品牌标志进行阐解设计 利用标志的各种变形效果作为辅助图形,利用标志图形的多次强调与重复,使整体形象变化多端却又不失统一格调。目前在诸多利用这种设计手段的效果中,墨尔本城市形象设计是一个成功设计的代表。它以蓝绿色作为城市品牌形象的主色调来凸显其绿化覆盖率高达40%的海滨城市之地域内涵。在整套城市品牌形象设计中的辅助图形从多个角度变化来阐解字母M的视觉效果,各种设计效果就像光影般地折射出不同的风貌,其散发性的线条具有可延伸的特性,或平面或立体,或色块或线条,无论在黑色或白色的背景下其标志皆可展现出多样的变化,所以说墨尔本形象应用多元的切割面技巧形成的几何造型,在视觉设计延伸中应用得相当透彻。这种辅助图形或借助于变化多端的字母M,或从变形标志中取出几何色块进行透明度的变化,从而体现墨尔本城市的活力、新潮和现代化,在静止的平面设计中加入情节、光影、几何等元素,使得辅助图形不再是僵化不变的图案,而是立体和表情丰富的视觉符号,不再是充当背景图形或装饰图案,而是表现出其灵活的适应性与极强的延展性优势,整体设计运用灵活而又高度统一。如果说标志设计是品牌视觉形象设计系统中的灵魂,那这些变化多端的辅助图形则是品牌视觉形象设计的支撑骨架,是能够深入体现视觉识别系统的良好途径和手段。所以说,现代设计师应通过各种设计手段努力缩小标志和辅助图形之间的具体界限,以增强品牌的统一视觉识别效果。 二、大胆运用色彩变化和微妙的造型设计,结合不同的形态变化,传达统一的形象内涵感受,体现设计意境。 如MonsterMilk品牌视觉形象设计,利用三个辅助标志配合一个基本标志,来进行各种应用设计。辅助图形的设计既是对于标志的形象卡通化的造型,又是可以独立运用作为海报传播的图案。辅助图形的设计有所变化,但是给人的意境感受与品牌形象的设计里一致的、俏皮可爱的品牌形象,更容易让人亲近。这种设计手段能延续系统化的视觉观念,同时增加人们对于品牌形象的想象力,使品牌视觉形象设计更加丰富、饱满和富于变化。所以在设计时设计师应当意识到没必要过分地强调辅助图形与logo之间的主次关系和功能层次,无需刻意强调logo的色彩,重要的是受众接受设计的程度,以及设计效果在受众头脑中所形成的品牌形象,这不是一个图形或者一种色彩可以完全表达清楚的。 三、根据品牌形象设计的理念需要,变换辅助图形设计的内容,创造出一种独特的视觉效果。 辅助图形不再被规范为某种特有的造型和颜色,而是结合实际设计需求进行变化。匈牙利MYDll室内建筑工作室视觉形象全套视觉形象都是围绕标志MYD和11进行变化,其辅助图形并不以某一种图形为视觉中心,而是分别采用和室内建筑设计相关的字母、剪影图案和立体图案作为创意的视觉元素,文字和图案采用相同的设计色调,具有很强的视觉识别性。辅助图形在各种应用中也比较灵活,体现出设计的灵动性,效果不拘一格。所以在品牌形象设计中,既保持形象的整体性,又根据其使用的具体产品的不同,变换辅助图形,不再规范辅助图形的具体内容和具体描绘方法及效果,这样既在表现效果上体现形象设计的系统性,又能丰富视觉效果。利用立体化、动态化的表现形式展现辅助图形。辅助图形的展示不能保持一成不变的模式,应该保持与社会、经济的发展模式相符的动态发展和革新,传统的纸质印刷品已经不是辅助品牌视觉形象传达和辅助图形应用的唯一媒介,应该有更为丰富的形式。例如,巴西AlmeidaFrana工程公司品牌形象设计中标志和辅助图形的设计联系非常紧密,辅助图形是在标志的基础上设计成各种各样的几何图形,像是形式各异的建筑工程,传递品牌本身的含义,又像是道路崎岖的迷宫,补充品牌中尚未传递的内涵信息。在展示上采用gif动画的展示效果,显现辅助图形多变的形态,既不超越优秀标志符号,还要作为辅助图形出现在大家的视角内,并且具有个性化特征。所以,随着传播媒介的发展,无论是投影、手机、电脑、网络这些科技的出现,都促使辅助图形的展示从传统的平面化形式,逐渐变得多元化、立体化。一切可以想象的表现形式也许都可以成为品牌形象的宣传方式,从而使品牌形象传播的形式更加丰富,表现力也更强,使立体和动态的事物更具活力,从大众的审美视觉上说,具有张力与多维感知的识别形象,会带来更强烈的新鲜感和刺激感,更能让人长时间记忆。 四、结语 从以上几点可以看出,辅助图形不只是与品牌形象标志设计要素保持简单的主与辅的关系,单纯地起装饰和衬托的作用,而要有自己的视觉表现与信息传达内容。辅助图形通过各种设计形式,来丰富品牌视觉形象中所需要的多变性、灵活性以及某种程度的统一性,以其独特的形式尽量阐释品牌的经营理念和内涵,提高受众的接受程度和理解程度,加强对品牌的识别和记忆。辅助图形伴随着品牌视觉形象系统的一系列现实活动,通过其自由度与空间延展的特性,不只是在“量”上,影响着品牌视觉形象——在视觉形象系统中出现的频率最高,在“质”上成为品牌视觉形象系统中最为自由活跃的图形语言,对品牌形象的塑造功不可没。所以在进行品牌形象设计的时候要走出固有的设计模式,立足品牌的内涵与理念,从品牌形象的整体理念出发,充分开发和利用各种设计元素,通过恰当的设计手段,不仅不会造成辅助图形标志混乱的现象,反而会增强品牌形象的独特传达,对于提升消费者对品牌视觉形象的感知和认识大有裨益。 作者:杜平霞 单位:广东科贸职业学院信息工程系
艺术教育论文:非物质文化遗产公共艺术教育论文 一、高校公共艺术教育的现状 高校公共艺术教育作为一项重要教育内容,对于学生审美能力的提高有着非常重要的作用,它可以丰富他们的精神世界,培养团队意识和创造性思维,促进学生全面发展的实现。艺术教育能够加强学生的审美能力,提高学生的道德修养和综合素质,因此,高校公共艺术教育是其他任何学科都不能替代的一门重要学科。为了促进学校公共艺术教育的实施,我国教育部先后颁布实行了《学校艺术教育工作规程》、《全国普通高等学校公共意识课程指导方案》等条例,加快了公共艺术教育的制度化与规范化进程,并且已经取得了显著的成效。我们在为高校公共艺术教育取得成绩感到欣喜的同时,还要清醒地认识到其存在的突出问题。从我国高校公共艺术教育的整体情况来看,基本上都设置了相关课程,但是得到的重视程度却比较低,甚至没有配备专业的老师,存在其他学科教师兼职的情况。另外,公共艺术教育的课程体系不够合理,教学内容和形式比较单一、落后,只是机械地向学生灌输理论知识,忽视了实践的环节,学生上课的积极性和主动性不高,上课的目的主要是凑学分或者是单纯地觉得好玩,很难达到艺术教育原本的教学效果。 二、区域非物质文化遗产的保护与传承 在世界历史发展的长河中,中国以一个悠久的国家屹立于世界的东方,从古代中国到现在经济、综合国力等方面都很强大的现代化的中国,积淀了丰富的非物质文化遗产,是世界上唯一一个文化没有中断的国家。我国的非物质文化遗产包括表演艺术、传统手工艺、社会礼仪、节日、风俗等方面,与艺术之间有着非常紧密的联系。我国国务院于2005年颁布了《关于加强文化遗产保护的通知》,其中对非物质文化遗产做出这样的界定:“非物质文化遗产是指各种以非物质形式存在的、与群众生活密切相关、世代传承的传统文化表现形式,包括口头传述、传统表演艺术、民俗活动和礼仪与节庆、有关自然界和宇宙的民间传统知识与实践、传统手工艺技能及与上述传统文化表现形式相关的文化空间。”随着时代的发展变化,人们普遍热衷于追求快节奏、现代化的生活方式,对非物质文化遗产的认识和了解越来越少,如果任这种情况继续发展下去的话,将来的某一天,我们的子孙后代可能无法体会到优秀非物质文化带来的民族自豪感。保护与传承我国的非物质文化遗产,可以在潜移默化中加深人们对非物质文化的了解,也有助于弘扬优秀传统文化,让中国文化之魂在世界上长盛不衰。 三、高校公共艺术教育引入区域非物质文化遗产的策略 我国的非物质文化遗产是一种宝贵的教育资源,不仅可以增强学生的民族荣誉感和自豪感,还能发挥艺术的熏陶作用,提升学生的审美情趣。高校公共艺术教育的开展,应当实现与区域非物质文化遗产的结合,让文化的魅力得到充分的发挥,提高艺术教育的效果。 (一)树立传承非物质文化遗产的教育理念 我国高校公共艺术教育的专业性和系统性比较强,主要引用的是一些正统的文化和艺术,忽视了对本土非物质文化的引用,还没有正式把非物质文化遗产纳入课程体系中,因而造成公共艺术教育与非物质文化遗产传承的脱节现象。高校公共艺术教师要树立正确的教育理念,充分认识到非物质文化遗产的教育价值,逐渐养成“文化自觉”的思想,让优秀的传统文化发挥出现代价值,不断丰富高校公共艺术教育的内容,实现艺术教育与文化传承的有机统一。 (二)构建科学的非物质文化遗产课程体系 区域性的非物质文化遗产,是当地劳动人民生活与劳动的积淀,具有很强的地域性和针对性,对区域非物质文化遗产进行整理和提炼,挖掘其中的艺术内容和教育价值,并融入到高效艺术教育课程体系中,可以建立一套科学的课程体系,让非物质文化遗产的精神内涵继续发扬光大。高效公共艺术教育要实现与民间音乐、舞蹈、工艺美术、杂技等的融合,不断拓展其题材和内容,吸引更多学生的眼球。 (三)建设一支非物质文化遗产教师队伍 从高校公共艺术教育的师资力量来看,他们大都毕业于正规的艺术院校,正朝着年轻化的方向发展,他们掌握了丰富的艺术理论知识,但是对非物质文化遗产的认识和了解较少,很难实现文化传承与艺术教育的融合。针对这样一种情况,高校要加强对艺术教师的培训,让他们掌握一定的非物质文化遗产知识,鼓励他们深入研究与文化遗产有关的课题,不断提升教学素养和能力,为艺术教育效果的提高打下基础。 (四)实现课堂教学与参观实践的结合 非物质文化的教育功能,主要通过其艺术载体展现出来,如果单纯依靠老师的讲解或者是欣赏图片、观看影响的形式,则不能收到较好的艺术效果。高校公共艺术教育与非物质文化遗产的传承,要走出课堂的限制,让学生近距离与文化艺术进行交流,在辅助以必要的讲解,把遗产中蕴含的民族精神和艺术思想传达给学生,教会学生一些欣赏艺术作品的方法,引导学生提出新颖的看法,培养和提高学生的创造性思维。笔者于公共艺术教育与非物质文化遗产两者融合的实际教学中总结出如下一些经验。 1.将公共艺术教育当作融入非物质文化遗产的教学平台,并将其纳入专业课堂。随着我国经济社会的快速发展,这个教学平台必须要与社会需求相适应。因此在教学过程中必须让学生知道,知识应该更新换代,并不等于宝贵的非物质文化遗产就要遭到抛弃,与之相反,对其传承与发扬理念应当贯穿于公共艺术教育的始终。 2.在教学中抓住校内建立的非物质文化遗产保护中心以及一定数量的校外实践基地作为教学的基础元素,积极践行设计实践、采风实践以及假期社会实践和毕业实习,并且带率领学生进行实地考察,这样可以将民间工艺美术在校内外得到广泛传承和发扬。 3.使用多媒体以及校内刊物作为公共艺术教育的学术交流和专业教学的平台,配合与公共艺术教育相关的非物质文化遗产窗口和栏目,征集理论上有创新学术上价值的观点和论文,以便辅助高校公共艺术教育教学,从而提高设计的教学效果,达到设计的教学目的。 4.老师可以利用假期或周末,组织学生参观当地的博物馆,或者拜访一些民间艺人,让学生记下心得体会,鼓励学生发掘更多的本地文化遗产。 四、结语 综合上文关于高校公共艺术教育与区域非物质文化遗产传承的研究,非物质文化遗产作为世界文化宝库中一朵璀璨的奇葩,不仅是我们引以为傲的文化资源,还具有较高的教育意义,实现高校公共艺术教育与非物质文化遗产传承相结合,既能提高教育教学效果,又能传承与发扬中国的优秀传统文化。高校要充分认识到非物质文化遗产的重要性,并把其纳入到课程体系中,建设一支专业知识和业务能力较强的师资队伍,实现课堂教学与实践的结合,促进艺术教育效果的提升。 作者:王宏 单位:黑龙江大学艺术学院 艺术教育论文:课余艺术教育论文 1课余艺术教育的含义及本课题指标选择 1.1课余艺术教育的含义 在本课题中,课余艺术教育是指除普通中小学艺术课程教育和专业艺术院校全日制专业艺术教育之外的由社会力量利用中小学生课余时间举办的旨在针对中小学生艺术特长和兴趣提升艺术技能的教育。由含义可以看出,本概念不包含社会力量举办的全日制艺术类学校及非全日制高考、中考艺术技能提升短期教育。 1.2课题指标选择 本课题主要指标为:课余艺术教育机构数量,艺术门类设置,师资状况,学生数量,学生流向,教学质量,现存主要问题等。 2统计分析方法及问卷数量 本课题对石家庄市的长安、裕华、桥东、桥西、新华等五个主要辖区(为方便调查,没有按照新辖区划分调查,居住人口较少的辖区也未列为调查区域)就课余艺术教育机构师资状况、学生流向、教学质量、现存主要问题等几方面以问卷方式分别调查教育机构及学生(家长)双方。对于收集到的数据,采取了分类统计,定量分析、定性分析的方法。共面向教育机构及学生(家长)发出调查问卷各100份,回收教育机构问卷95份,学生(家长)问卷100份,回收率为97.5%,有效率为100%。 3现状分析 3.1取得的成绩 3.1.1弥补了中小学课堂艺术教育的不足,提高了学生的艺术素质,丰富了学生课余文化生活,提升了学生的艺术技能。 在笔者参与的另一民生调研课题中,调查结果显示,河北省中小学艺术教育存在的问题主要为:艺术课时总数达标率偏低,艺术课程类型陈旧且偏少,课外艺术活动偏少,学生对所在学校的艺术课程安排满意率低。可见,学生及家长对于艺术教育的需求很强烈,而学校做不到的,只能转求于社会,社会的课余艺术教育正好弥补了学校艺术教育的不足,这在客观上扩展了学生的艺术兴趣和爱好,提升学生的艺术技能,丰富了学生的课余文化生活。 3.1.2作为社会教育的一部分,活跃了社会教育市场,为社会教育市场注入了生机和活力。 调查结果显示,每门课余艺术教育课程一般收费为5000元/生/年,而一般艺术教育机构学生保有量在50人左右。据不完全统计,石家庄市现有课余艺术教育机构数量为210个左右,这样,每年课余艺术教育机构最低产值为5250万元。虽然,对于河北省的整体生产总值来说这个数字是微不足道的,但我们要看到,这只是一个最低估算值,况且它的发展潜力是无法估算的。 3.1.3对于艺术技能的传承、传播起着重要作用。 绝大多数艺术教育机构的主要目的为赢利,但只有做大做强,才能达到最大产值,为了达到做大做强的目的,艺术教育机构会在师资艺术水平、教育教学方法、教学质量等等方面殚精竭虑,不断创新,在客观上,这些对于艺术技能的传承、传播都起到了重要的推动作用。 3.1.4不断发掘艺术新苗,正成为艺术人才的摇篮。 课余艺术教育立足于中小学生,将发掘学生的艺术特长,培养学生的艺术兴趣,提升学生的艺术技能作为首要任务。可以说,课余艺术教育机构对于中小学生的艺术教育起到了启蒙的作用,对于有艺术天赋和潜力的中小学生的开发和培养起到了伯乐的作用。据课题组调查,许多艺术教育机构当年的尖子生已到部级专业艺术院校深造,有的毕业后已从事专业艺术表演或创作,而且,不少学生小学毕业或中学毕业就直接考入了省内外专业艺术院校从事专业艺术学习。由此可见,课余艺术教育机构也正在成为专业艺术院校的重要涵养生源基地。 3.2存在的问题 3.2.1构成复杂,管理难度大。 石家庄市的课余艺术教育机构构成比较复杂,经过调查,大致可分为以下几种形式:第一,由社会力量举办的经过正规注册的艺术教育机构。这类机构整个石家庄市共有210家左右。第二,由青少年宫等国家群众文化管理机构举办的青少年艺术教育班。这类机构数量极少,它的优点是国家机构举办,场地固定,师资稳定,管理正规。第三,专业艺术院校的业余培训班。这类机构数量很少,但它的优点很突出,除具备与第二类相似的优点外,还有数量足够、力量雄厚的专业教学师资团队支撑教学,有专业教学研究团队支撑艺术创新,它的缺点是由于灵活性差,艺术门类设置不全面。第四,从事艺术行业的专职人员利用业余时间举办的艺术辅导班。第五,由琴行、画室、工作室等形式兼营的艺术培训机构,这类机构管理难度也较大,因为有些涉及超范围经营,做的很隐秘,因此,监管起来难度自然很大。 3.2.2教育机构规模小,艺术教学门类单一,专业发展不平衡。 调查发现许多教育机构规模较小,学生量保有只有50人左右,且教学门类单一,75%的教育机构只开设1门艺术课程,21%的教育机构开设2门课程,开设3门以上课程的只占4%。在开设课程中,主要集中在舞蹈、乐器、美术三类,其中舞蹈类占45.2%,乐器类占18.1%,美术类占13.8%。而令人不解的是演唱类只占2%,比戏剧类还低1个百分点。经过座谈及定性分析,归纳原因有以下几点:①教、学双方成本投入高;②学习目的不明确及见到学习效果时间长;③师资来源是不充足。 3.2.3社会力量举办的艺术教育机构发展缓慢,成员更新频繁。 艺术教育机构大多数发展不快,75%以上注册年限为5年以下,而5年以上的机构中有70%左右承认进步不大,部分声称勉强维持,在所有被调查的教育机构中有10%左右有转行或停业的想法。经过分析,发展缓慢、更新频繁的原因主要有:艺术教育为长线教育,投入大,见效慢,许多艺术教育机构没有足够的资金追加投资,只能无奈退出;社会的功利性决定了学生和家长的功利性,多数人选择投入少,见效快的专业,使乐器类、演唱类等传统艺术专业教育逐步萎缩;优秀师资缺乏导致一些新专业无法开办,旧专业无法吸引生源。 3.2.4高水平师资和管理人员缺乏,教学的规范性和教学质量参差不齐。 课余艺术教育机构的举办者多为艺术类毕业生和艺术院校的教师、管理人员,他们或者具有某一门类专业背景,或者根本没有专业背景,而艺术类高水平师资的聘用费用相对较高,普通文化类教师的课时费为75元左右,而艺术类师资的课时费在100-200元不等,而学生的收费标准却相差不大,这就大大增加了艺术教育机构的办学成本,为降低成本,只能聘用一些专业水平不高、教学经验不足,但课时费相对较低的在校学生和新毕业生任课。 3.2.5缺乏行政监管和行业监管,导致许多行业问题的出现。 由于门槛不高,课余艺术教育机构数量庞大,无论是否具备足够条件,都想在这个行业分一杯羹,许多教育机构名为文化课辅导,实际也参与到艺术教育中来;许多机构不办理任何手续,租间民房就办班;许多个人因为从事的艺术工作或艺术教育工作,多年在家收徒上课。由于缺乏行政监管,地下艺术教育机构数量可能远远高于公开注册的艺术教育机构数量,他们灵活的授课时间,随意的收费标准给正规的艺术教育机构带来巨大冲击。由于缺乏行业监管,他们在教学上各行其是,自己学错的或理解错的东西再一直错下去,导致整个行业内的错错相传。 4参考对策 4.1行政层面:加大管理力度,建立市场准入机制,逐步规范课余艺术教育市场 对于行政管理机关来说,管理艺术教育机构确实不是件容易的事情,因为构成的复杂性、地点的隐蔽性、时间的随意性,都为监督、查处增加了难度,但所有事情不能因为难就不办或不好好办,而更应该想方设法办好,办好就要投入人力、物力、财力、精力。建议先易后难,先从建立市场准入机制入手,把能把控的先规范起来,然后集中力量,多部门联合,重点查处不规范的课余艺术教育行为,采用引导、强制相结合的方法逐步规范课余艺术教育市场。4.2社会层面:成立课余艺术教育行业协会或艺术教育集团,制定行业规范,形成行业合力建议由掌握优质资源的专业艺术教育单位或发展规模较大的课余艺术教育机构树立大旗,像其他行业一样,成立起行业协会或艺术教育集团,行业协会或艺术教育集团承担起组织、规范、协调、交流的重任,力争做到:规范共守,难题共攻,资源共享,红利共分。这样,就能够做到通过修炼内功来不断增强自身实力。笔者刚刚听到一个可喜的消息,河北艺术职业学院已经着手申请成立河北省艺术教育集团,集团成立后将制定河北省艺术教育的规范及标准,这无论对于河北省课余艺术教育市场,还是对于河北省文化教育事业都将是一个令人得欣喜的举措。 4.3专业层面:制定合理的评价指标体系,促进教学水平的不断提高 每个行业都应该有每个行业的评价指标体系,课余艺术教育市场也不例外,评价指标体系完备才能考核出机构的教学实力、教学水平和教学效果。现在河北省课余艺术教育市场还没有一个权威的行业管理机构,更谈不上行业评价指标体系,社会、个人对于艺术教育机构的认识只能是盲人瞎马。建议由文化艺术、教育管理部门牵头,由艺术研究单位、艺术教育单位、行业协会等共同制定课余艺术分门类教育的评价指标体系,再佐以教育部对高校的教育教学水平评估一样的行业评估,从教学、师资、教学效果等各方面对课余艺术教育机构予以督查、指导。 4.4个人层面:家长与学生要明确学习目的,端正态度,慎重选择课余艺术门类和艺术教育机构 艺术学习本身是唯美的超脱于现实社会的,不应该带有任何的功利性。但我国的社会现状、教育现状和艺术教育发展现状使艺术学习演化成了一部分人逃避社会竞争和高考竞争而走上成名、成功的捷径,这就为艺术学习带来了超强的社会功利性。于是,家长和孩子为了那些虚无缥缈的“明星梦”,为了那些触手可及的“大学梦”,纷纷投入了艺术学习的大军当中,创造出了让世界瞠目结舌的“艺考热”。 5结语 由于时间和能力所限,本课题组设定的指标、调查的数据、分析的结论难免偏颇,但我们确信:我们的研究从一定程度上,为管理部门、为社会、为行业、为个人正确认识课余艺术教育市场的发展现状,规划发展未来打开了一扇窗,我们希望通过这扇窗能有更多的阳光和空气透进来,从而让课余艺术教育市场成长得更加健康、茁壮。 作者:范瀛立 曹耀芬 单位:河北艺术职业学院 艺术教育论文:乡村中小学教育与艺术教育论文 一、艺术教育是乡村中小学教育中的重要组成部分 苏联教育家苏霍姆林斯基认为:“孩子只有生活在游戏、童话、音乐、幻想、创作世界中,他的精神生活才有充分价值。没有了这些,他就是一朵枯萎的花朵。”的确,在素质教育中,艺术教育占据了相当大的比重。德国的柯尼利亚曾这样说过,“诚实是艺术的最大要素。只要总对自己诚实,艺术就总在那里。”这说明艺术在德育教育中是不可缺少的。因此,在我国乡村中小学教育中,要加强艺术教育的高质量的实施,使学生在接受教育之始,能够有机会体味艺术世界的丰富、充实、自由和深邃,使人格更加高尚、独立、完美。 二、艺术教育有助于培养乡村学生健康的情感 艺术教育是以审美为优秀的,一个人对美的认识与其人生观、世界观和价值观密切相关。乡村中小学教育阶段,是培养学生人生观、世界观和价值观的启蒙阶段,而这又与学生对美的认识息息相关,因此,艺术教育是农村中小学教育中不可或缺、至关重要的一部分。美国哲学家、教育家兰格曾说:“艺术是情感的客观表现,也是本性的主观反映”,艺术对人的情感有着很重要的影响。在学校教育中,培养学生健康的情感是非常重要的,因此,艺术教育是培养学生健康情感的重要途径之一,它对培养学生健康的情感有着不可估量的重要作用。艺术蕴含着视觉之美、听觉之美、秩序之美、礼仪之美、和谐之美,艺术的美无处不在。即使如此,中小学学生自身却无法领会到其中的真谛,这就需要艺术教育课程在课堂中有效地实施,去引领中小学的学生去感受和领悟。艺术源于生活,而又高于生活。罗曼•罗兰曾经说过:“艺术的伟大意义,基本上在于它能显示人的真正感情、内心生活的奥秘和热情的世界。”为了培养中小学生的健康情感,就迫切地需要艺术教育在课堂上高质量地实施。艺术教育的目标是以美育德、以美启智、以美健体、以美益心,这就强调了艺术教育的作用之一是培养学生健康的情感,并为此提供有利的依据。 三、艺术教育有助于提高乡村学生的整体素质 众所周知,艺术教育的方向是“向真、向善、向美、向上”,它不断地激励着学生向真、向善、向美,而且不断地积极向上,越来越独立自主、人格高尚。乡村中小学艺术教育就更有其积极的作用。因为在笔者的亲身经历和查阅资料中得知,乡村的艺术教育不论是从师资、设备还是态度上都和城市里有着巨大的差距。因此,加强乡村中小学艺术教育必将能够提高农村整体素质。正所谓一切教育要从娃娃抓起,所以,艺术教育带着提高素质教育的理念步入乡村中小学教育的课堂。为了提高乡村中小学学生的整体素质,乡村中小学的课堂中艺术教育必须和其他学科一样,引领着乡村中小学生前进的步伐。 四、结语 综上所述,学校教育是为了让学生的全面素质得到培养,而我们的艺术教育就仿佛是一种促进剂,催化孩子们开花结果,使他们的整体素质得到更加全面的培养和提高。特别是针对我国农村中小学艺术教育的现实情况,这迫使我们对乡村中小学艺术教育要进行细致有效、切合实际地推广和重视。从而让乡村的孩子们的情感和整体素质得到更好、更全面地培养。艺术是为了人的性格的完善,为了人的修养的呈现,而不具有任何功利目的。因此,为了提高整个民族的人文修养和整体素质,为了国家的文明发展,我们必须认清艺术教育在中小学教育中的重要性,并为此贡献出自己的微薄之力。 作者:张浩 宋怡静 单位:哈尔滨师范大学音乐学院 艺术教育论文:通识教育下职校公共艺术教育论文 一、通识教育解读 (一)通识教育是一种全人教育 通识教育与全人教育的耦合之处在于对人的生活、道德、情感理智的和谐发展的关注。全人即完整的个人,强调个人智力、尊严、人格的完善和充分的自我发展。全人教育是指充分发展个人潜能以培养完整个体的教育理念与模式。全人教育是20世纪70年代针对现代教育中“非人化”回应的一种教育思潮。其强调人的整体发展,倡导培养完整的人,使人在包括身体、知识、技能、道德、智力、精神、灵魂、创造性等各方面得到全面发展。隆•米勒认为“全人”包括六个素质,即智能、情感、身体、社会、审美、精神。全人教育就是以这六项素质的整体发展为目标,以人的和谐发展为导向,培养具备完整知识、完善人格及拥有正确价值观和积极人生态度的人。全人教育可以缓解现代教育中人文关怀缺失、价值观错位、生命迷失等亟待解决的问题。全人教育理念下学校教育要求学识与人格的平衡、个人与群体的平衡、身心与灵魂的平衡。作为“全人”,完整的知识是必不可少的。而通识教育通过跨学科的互动和知识的整合,使学生的知识广度获得拓展,而且通识教育用整体观来构建知识,能使学生获得整体发展的能力。广博的知识基础和宽广的知识视野进而使学生人格完善。这与全人教育的目标不谋而合。正如1945年哈佛《自由社会中的通识教育》报告中提出,通识教育应着眼于学生身体,道德和智力的和谐发展,其目标是培养完整的人,即有全面的知识、广阔的视野和完整的人格的有教养的人。从这个意义上讲,全人教育是教育的诉求,而通识教育是实现这一诉求的有效途径。作为完善的人,需有完整的知识构建,认为不同的学科只是不同的视角看待生活,学科彼此间有着广泛的联系。而通识教育主张以整体观看待知识,认为知识不是割裂的,而是系统的。强调人文、社会、自然的互动和整合。从这个意义上讲,通识教育则体现出全人教育的知识取向。 (二)通识教育是一种人文素质教育 人文素质教育强调通过知识的内化进而转化为内在品质与外在能力与气质。通过人文素质教育可以增加学生的人文关怀,引导学生进行价值判断和道德判断,加强学生对周围事物的关心与思考。实质上,人文素质教育强调人的全面发展和素质的综合提高。通识教育主张文理会通、古今会通、中外会通。知识的贯通学习及自主掌握是人文素质教育得以实现的前提,是奠定学生人文精神的手段。 二、职校公共艺术教育释义 职校公共艺术教育是指职业学校对非艺术专业的学生开展的一种素质教育。它以提高受职校生的审美素质和艺术欣赏水平,发展职校生的创新思维,陶冶职校生的情操,塑造美的心灵,最终以促使其全面发展为教育目的,通过包含美术、音乐、舞蹈、书法等在内的课程学习或实践活动实施。与专业艺术教育不同,作为职校生的必修课程之一,公共艺术教育不以传授专业技能知识为目的,从人文角度,主要引导学生认识美、欣赏美,得到审美经验并内化为气质品质,从而形成完善的人格。这是培养职校生审美情感和创新思维,提高学生洞察力、理解力、表现力、交流能力和解决实际问题能力的有效途径。 三、通识教育理念下的职校公共艺术教育 唯物论认为,世界万物在一定条件下构建起联系。通识教育与艺术教育虽是两种不同的教育概念,但两者在内涵上却有着渊源。厘清两者的关系,可以为通识教育开拓研究领域,同时可以使艺术教育拓宽研究视野。 (一)通识教育与艺术教育的思辨关系 公共艺术教育与通识教育两者的契合之处是以通识教育的观念研究公共艺术教育的前提。艺术教育以艺术的方式提高学生的人文素质,通过艺术的陶冶和心灵的净化来实现人的完整、自由、和谐发展。公共艺术教育旨在通过学校公共艺术课程的学习,提高学生对艺术作品的欣赏和审美能力,从而陶冶情操、净化心灵、发展思维。这与通识教育的理念有着某种相通之处。 1.艺术教育与通识教育一样追求人的自由发展 从历史上看,通识教育源于亚里士多德的“自由教育”,主张人的自由发展,从而达到人格的完善。那时的“自由教育”中包含艺术教育。可见,艺术教育与通识教育同源。从艺术教育本质上看,艺术教育亦是使人获得更多的自由。文克尔曼认为“艺术之所以优越的原因是有自由”。这种“自由”实质上是追求人的精神上、心灵上的自由。这与通识教育一脉相承。联合国教科文组织形成的《艺术教育发展路线图》指出:“艺术教育应该为所有人提供参与文化和艺术生活的机会。”艺术作品中多数不充斥功利性,容易以最纯真、质朴、原始的情感打动人心。通过艺术教育,在艺术作品的欣赏中感受无功利性的喜怒哀乐,在情感领域中获得无限的自由。 2.艺术教育与通识教育一样诉求人的全面发展 人的全面发展追求的是感情和理性相统一,真、善、美相统一的理想人格,即完善人格的形成。完善人格的形成包括智能的发展、道德完善和品格的提升。追求完善人格的形成是通识教育的终极目标,而完善人格的形成离不开美的熏陶。《中国教育改革和发展纲要》指出:“美育对于培养学生健康的审美观念和审美能力,陶冶高尚的道德情操,培养全面发展人才,具有重要作用。”艺术教育的本质是审美教育。艺术所表现的美具有和谐有序的特点,其平衡性使人身心得到满足而愉悦,进而使情感纯洁、情操陶冶、心灵净化。艺术教育能够通过调节、改善、丰富和发展人的精神生活提高人的精神品质。通过艺术的审美教育,提升学生的审美趣味,培养其高尚情操,形成健康的心理和健全的人格,进而促进学生养成正确的世界观、价值观和人生观,最终使其心灵净化、情感升华。对于艺术教育能够使人身心合一的作用,古今中外有着共识。《论语•宪问》中孔子回答子路怎样成为完人时说:“若臧仲武之知,公绰之不欲,卞庄子之勇,冉求之艺,文之以礼乐,亦可以成人矣。”可见,孔子认为“诗、礼、乐”是培养完人的途径,对人的思想的启迪,“兴于诗,立于礼,成于乐”,即由诗开始,以礼为依据,最后由乐完成。《美国教育国家标准》指出:“艺术教育能够培养完整的人。”由此可见,艺术教育的实施为通识教育的目标达成提供了可能性与实施路径。艺术教育能够促进智能发展。智能是个体认知方面各种能力的综合,包括观察力、想象力、记忆力、思维能力等。其中,抽象逻辑思维能力是智能的优秀,创造力是智能的最高表现。近代心理学家在对世界知名的科学家和诺贝尔获奖者的大量研究后得出结论,天才的重大特征不是智商而是形象思维和创造能力。艺术可以增强人的想象力,同时也能改善认知思维品质,培养创造力。其原理是艺术本身是包括形象思维、抽象思维、发散性思维、创造性思维等在内多向思维的活动。通过艺术创作、欣赏等环节,调动多种思维运用,起到培养、锻炼智能的目的。生理学认为负责艺术形象思维的右半脑的启动可以抑制负责科学的左半脑抽象思维的兴奋,以至左右半脑平衡,人们可以在工作、学习之余得到暂时的放松,从而劳逸结合,达到事倍功半。科学史上很多杰出科学家都是这种平衡协调发展的典范,以至于国外很多综合性高等学府均把艺术课程列为必修课。可见,艺术教育的启智作用是真实存在的。艺术教育能够促进道德完善。康德说:“美是道德的象征。”在审美活动中通过审美形象唤起审美主体的情感来理解和体验审美客体。此时,美便是一种理想中的载体与道德境界紧密相连。对美的追求过程,实质上是在认识与道德、现实与理想之间作出了批判的选择。正如柏拉图说:“受过这种良好音乐教育的人可以很敏捷地看出一切艺术作品和自然界事物的丑陋,很正确地加以厌恶;但一旦看到美的东西,他就会赞赏它们,很快地把它们吸收到心灵里,作为滋养。因此,自己性格也变成高尚优美。”荀子在《荀子•儒教》中说:“诗言是其志也,礼言是其行也,乐言是其和也。”可见,艺术在思想志向上、道德规范中均发挥作用。 3.艺术教育与通识教育一样彰显强烈的人文情怀 “人文”见于《易经》:“文明以止,人文也。关乎天文,以察时变;关乎人文,以化成天下。”《辞海》对“人文”的界定为:“人文指人类社会的各种文化现象”。综上,人文是指人类文化中先进的、科学的、优秀的、健康的部分。通识教育是关注人的教育,通过跨学科的知识整合,传承人类文明。而艺术教育认知功能不仅同通过艺术作品来认识世界和历史,而且可以认识一个民族的精神和一代人的生活。雅思贝尔认为:“一个民族的精神层次是由这一民族的陶冶方式所决定的,究竟有多少人受到陶冶,人们又是以什么样的敬畏心来对待陶冶的本质,这些都可作为衡量一个民族精神层次的标准。”艺术是人类创造的最为辉煌灿烂的精神财富。艺术作品中蕴涵着悠久的民族历史、宗教信仰、生产方式;蕴藏着人类最具代表性的伦理哲学;承载着人类最美好和最理想的情感和趣味;折射着真、善、美的价值观;散发着浓郁而强烈的人文情怀。 (二)通识教育理念下职校公共艺术教育的实践 1.职校公共艺术教育的目标应诉诸于学生的整体发展 公共艺术教育作为必修课成为职业学校的课程的目的是解决职校“半人”教育现状。所以,职校生公共艺术教育有着比其他学校性质的公共艺术教育更为强烈的紧迫感和必要性。这就要求职校公共艺术教育要确立以学生整体人格的培育,素质全面发展为教育目标,强调以生为本,关注学生发展,面向所有学生的教育理念。通过艺术欣赏教学,使学生获得理解、想象、情感的艺术体验,实现受教育者与艺术作品的共鸣,从而将艺术作品中美好而高尚的情感内化为人的心灵,外化为人的行为,真正使艺术教育成为培养学生自由发展、完善人格的教育。 2.职校公共艺术教育的方向应从人文角度诉诸实践教学 从人文的角度实施公共艺术教学,从根本上说就是强调艺术欣赏能力和人文素养的培养,淡化艺术理论和技能培养。职校公共艺术教育的定位就在于实施对象是非专业的职校生,切不能把艺术课上成纯艺术理论的讲授或是艺术技能的传授,而是以人文的角度切入教学,拓展学生的人文知识,培养学生用人文的眼光和价值观去审美,从而看待所有的事物,达成豁达、包容的人文情怀,进而提升人文素养。 3.职业公共艺术教育的内容应以开放、多元的视角实施 开放、多元的视角审视职校公共艺术教育本身就把职校的公共艺术教育的内容定位在通识性上。对于艺术的内容进行连接和整合,或是艺术门类间横向交叉融合,或是某一艺术门类知识的纵向拓展,使其具有开放性和多元性,拓展公共艺术教育内容的广度。这在教育部刚刚颁布的《中等职业学校公共艺术课程教学大纲》中已做明确要求。通过跨学科、跨门类的知识的整合和对话,可以激活学生的灵感和想象,丰富学生的艺术体验,多层面的知识贯通、交叉可以开阔学生视野,增强文化底蕴。教育没有固定的模式,公共艺术教育亦然。既然如此,职校公共艺术教育应以多元化的视角审视自身的发展。期待通识教育理念下的职校公共艺术教育在解决职校“半人”教育现状,促进职校生完善人格的形成等方面发挥作用。 作者:丰欣欣 单位:江苏联合职业技术学院徐州经贸分院 艺术教育论文:艺术教育乡村中小学教育论文 一、艺术教育是乡村中小学教育中的重要组成部分 艺术教育自古以来就是教育的重要组成部分。在西方,早在古希腊时期,哲学家柏拉图和亚里士多德就提出艺术教育的教化作用和道德规范作用;在我国,也早在商朝时期就很重视礼乐教育,故有“殷人以乐造士,其学为瞽宗”的说法。随着时间的推移,时代的进步,艺术教育,特别是农村艺术教育,不但没有随着时代的发展而进步,反而越来越得不到应有的重视。当今很多乡村中小学只重视主科教学,忽视艺术教育或者根本取消艺术教育。这种现象不得不让我们深思,并加强关注乡村中小学艺术教育的真正推广和实施。我国的教育先驱孔子早在《乐记》中就提出了“移风易俗,莫善于乐”之说,他的意思是转移风气,改变习俗,没有比音乐更好的了,这一观点说明了艺术与社会有着密切的联系。科学家钱学森先生就建议“把艺术与科学相结合,以艺术的灵感来激发科学的想象力”,这些都表明艺术与我们的生活和教育是分不开的。因此,在学校教育中,特别是中小学教育阶段,艺术教育是其重要的组成部分,特别是在农村人口居多的我国,艺术教育自然也是农村中小学教育中重要的组成部分。苏联教育家苏霍姆林斯基认为:“孩子只有生活在游戏、童话、音乐、幻想、创作世界中,他的精神生活才有充分价值。没有了这些,他就是一朵枯萎的花朵。”的确,在素质教育中,艺术教育占据了相当大的比重。德国的柯尼利亚曾这样说过,“诚实是艺术的最大要素。只要总对自己诚实,艺术就总在那里。”这说明艺术在德育教育中是不可缺少的。因此,在我国乡村中小学教育中,要加强艺术教育的高质量的实施,使学生在接受教育之始,能够有机会体味艺术世界的丰富、充实、自由和深邃,使人格更加高尚、独立、完美。 二、艺术教育有助于培养乡村学生健康的情感 艺术教育是以审美为优秀的,一个人对美的认识与其人生观、世界观和价值观密切相关。乡村中小学教育阶段,是培养学生人生观、世界观和价值观的启蒙阶段,而这又与学生对美的认识息息相关,因此,艺术教育是农村中小学教育中不可或缺、至关重要的一部分。美国哲学家、教育家兰格曾说:“艺术是情感的客观表现,也是本性的主观反映”,艺术对人的情感有着很重要的影响。在学校教育中,培养学生健康的情感是非常重要的,因此,艺术教育是培养学生健康情感的重要途径之一,它对培养学生健康的情感有着不可估量的重要作用。中小学学生自身却无法领会到其中的真谛,这就需要艺术教育课程在课堂中有效地实施,去引领中小学的学生去感受和领悟。艺术源于生活,而又高于生活。罗曼•罗兰曾经说过:“艺术的伟大意义,基本上在于它能显示人的真正感情、内心生活的奥秘和热情的世界。”为了培养中小学生的健康情感,就迫切地需要艺术教育在课堂上高质量地实施。艺术教育的目标是以美育德、以美启智、以美健体、以美益心,这就强调了艺术教育的作用之一是培养学生健康的情感,并为此提供有利的依据。 三、艺术教育有助于提高乡村学生的整体素质 众所周知,艺术教育的方向是“向真、向善、向美、向上”,它不断地激励着学生向真、向善、向美,而且不断地积极向上,越来越独立自主、人格高尚。乡村中小学艺术教育就更有其积极的作用。因为在笔者的亲身经历和查阅资料中得知,乡村的艺术教育不论是从师资、设备还是态度上都和城市里有着巨大的差距。因此,加强乡村中小学艺术教育必将能够提高农村整体素质。正所谓一切教育要从娃娃抓起,所以,艺术教育带着提高素质教育的理念步入乡村中小学教育的课堂。为了提高乡村中小学学生的整体素质,乡村中小学的课堂中艺术教育必须和其他学科一样,引领着乡村中小学生前进的步伐。 四、结语 综上所述,学校教育是为了让学生的全面素质得到培养,而我们的艺术教育就仿佛是一种促进剂,催化孩子们开花结果,使他们的整体素质得到更加全面的培养和提高。特别是针对我国农村中小学艺术教育的现实情况,这迫使我们对乡村中小学艺术教育要进行细致有效、切合实际地推广和重视。从而让乡村的孩子们的情感和整体素质得到更好、更全面地培养。艺术是为了人的性格的完善,为了人的修养的呈现,而不具有任何功利目的。因此,为了提高整个民族的人文修养和整体素质,为了国家的文明发展,我们必须认清艺术教育在中小学教育中的重要性,并为此贡献出自己的微薄之力。 作者:张浩 宋怡静 单位:哈尔滨师范大学音乐学院 艺术教育论文:高等艺术院校诚信教育论文 一、高等艺术院校学生诚信面临的主要问题 1.恶意拖欠学费 近年来,国家加大了对在校贫困生的支持和鼓励,不仅给予政策上的倾斜,在奖补力度上也是大有增加。针对家庭贫困学生,有国家奖学金、励志奖学金、助学金等奖励,解决了贫困生的燃眉之急。另外,部分艺术院校还提供家教指导和有偿社会实践等活动,使艺术院校的学生在参加实践创造社会效益的同时,也为家庭创收,解决了自己的学费和生活问题。然而,正是由于艺术院校学生思路广、参与性强的特点,部分学生将学费用到创办公司、投资炒股等方面,故意拖欠学校学费。有些学生甚至没有从根本上认识到事情的严重性,不以为耻,反以为荣。这正是大学生诚信缺失的体现。 2.不能及时偿还助学贷款 国家助学贷款实行以来,为贫困家庭带来了福音,为贫困生顺利完成学业提供了坚实的基础。据调查,艺术高校贫困学生贷款率达到91.5%以上,按时偿还率却远远低于基本水平。导致很多家银行不再与学校合作助学贷款,也使近几年的新生贫困生无法正常贷款。国家助学贷款是一项利于民生的工程,得到家长和学校的支持和好评,却由于大学生缺乏对信用度的了解及对偿还贷款抱有侥幸心理而受到不良影响,这是大学生诚信缺失的具体体现和现实后果。 二、高等艺术院校学生诚信缺失的原因 艺术院校的学生具有自主能力强、自制力差的特点,他们常常思维活跃、精力充沛、创意无限,但总是不能很好地控制自己的情绪和激动时的行为。加之当代大学生大多为独生子女,不少人是在家庭的百般呵护之下长大的,多以自我为中心,临时毁约、不信守承诺的做法,在他们看来并非错误,这是导致学生诚信观不强的一个主要因素。此外,学校作为教育机构,一般以文化知识教育为主。诚实守信属于道德范畴,学校不能以纪律的形式约束失信行为、奖惩不同步导致了学生心理上的放松,也助推了失信行为在高校的发生。 三、建立高等艺术院校学生诚信教育体系 1.诚信教育是基础 培养德艺双馨的高等艺术人才是高等艺术院校肩负的责任和使命,而艺术高校的学生往往只注重自身专业的学习却忽略了德育教育的重要性。诚信教育是基础,艺术院校的教师应该切实提高自己的综合素质,为人师表,言传身教。艺术高校也应加强诚信教育的课程开设。除此以外,还可以通过一系列的校园活动,如开展主题班会、名家讲座等,营造良好的校园诚信氛围,创建诚信校园,从总体上提高学生的道德素养。 2.加强诚信校园建设 诚实守信应从校园抓起,培养诚信精神,建设诚信校园。高等院校尤其是高等艺术院校在培养艺术人才的同时更应该注重基础道德建设。在当今大学校园里,诚信教育是以思想政治课的形式存在,使得诚信教育显得较为抽象。但是随着近年来学生贷款进高校、招聘单位进高校等形式的普及,使得诚信教育更加具体化,也对高校的诚信教育提出了新的要求。强化诚信教育,培养大学生诚责任感、事业心和平等竞争的意识,应该得到更多的重视。 3.构建大学生个人诚信体系 在大学生中建立个人诚信体系有积极的引导意义。从根本上提高学生诚实守信的道德品质、构建大学生个人诚信体系刻不容缓。大学生在今后的经济生活和社会生活中要时时与诚信打交道,如住房贷款、购车贷款、创业贷款、信用卡透支消费等,如不守信用将寸步难行。艺术高校要引导大学生健康地“消费”自己的信用,树立正确的信用消费观念。要将诚信等级与学生的自身利益挂钩,使学生从自身利益出发,形成诚实守信的忠实守护者和捍卫者。 作者:刘宁 单位:四川音乐学院 艺术教育论文:孵化现象与艺术教育论文 1疑情的价值 孵化的时候,作为观察者,最重要的事情就是不能外力干预,强行使其破壳,这样反而会造成幼体早亡!揠苗助长,好心办坏事这样的事情在教育界并不鲜见,有些教育者由于急于看到结果,常常采用一些“授人以鱼”的教育方式,把本该让学生自己去思考的问题,变成模块化的直接给予,这样的结果往往会导致学习者思维习惯的僵化,等待情绪、怠懈能力的增长,提出具有启示性的问题,但并不急于公布答案,让学生产生“疑情”,进而提出异想天开且不成熟的答案,再进行深入思考完善。论语里所说的“不愤不启,不悱不发。举一隅不以三隅反,则不复也”,谈的也是这个道理,学生如果不经过思考并有所体会,想说却说不出来时,就不去开导他;如果不是经过冥思苦想而又想不通时,就不去启发他。教师应先让学生积极思考,再进行适时启发。如果只是单纯地将现成的答案灌输给学生,学生往往只知其然,不知其所以然,更加会缺乏灵活运用和独立思考的能力!比如,对于小空间的合理分割的问题,如果直接告诉学生对于该空间的成功分割案例,学生往往只会赞叹,并不能做到举一反三。因此要让学生自己去反复设计,不断问他们为什么这么分割,让他们告诉其他同学和老师如此分割空间的理由,最好让学生之间互相指出对方不合理的地方,最后等到合适的时机时,再宣布该空间的成功分割案例。那么这所达到的教学效果会远远高于直接告诉学生所谓的“答案”。这种教学方式可以通用于艺术教育的各类课程。目前美国艺术教育所采用的模式也是如此,老师提出问题后,让学生自己解答并给出解决问题的方案,然后不断地问学生为什么这么做。如果没有合理的答案就直接改方案。对于更改后方案,继续问为什么这么做,如此反复多次。很多时候对于该问题而言甚至没有一个所谓的正确“答案”,所谓的正确“答案”就是在老师同学生的交流中产生的,并且问题的解答者往往就是学生自己,老师只是扮演“引导者”的角色。老师这种“引导者”的角色在国内的许多学生的眼中只是“监督者”。对于这类“监督者”而言,国内的学生大都在情绪上是对其抵触的。因此对于只适应填“鸭式教学”的国内学生而言,是无法适应国外艺术教育模式的。既然现阶段我国的艺术教育水平远远低于国外的艺术教育水平,我们必须向国际接轨,让学生摆脱“填鸭式教学”的依赖。实际上,这种艺术教育形式的国际接轨,并不是国外艺术教育模式的创新,而是长久以来其本身就是我国古老的艺术教育模式。手工艺的传承就是我国古老的艺术教育模式的缩写,在很多情况下师傅不会直接告诉徒弟怎么去做,只是让徒弟自己去看,自己去实践,自己去体会。这样徒弟所学才能算成被其自己真正地、完全地掌握,而且才有可能在此基础上进行创新性的发展。因此艺术教育中“疑情的价值”就体现出来了。要让学生回归传统以来我国古老的艺术教育模式,首先老师必须认识到“疑情的价值”,在课堂上放弃填鸭式教育模式,其次引导学生认识到“疑情的”教育不仅是符合国际惯例,也是符合艺术教育特点的方式,最终让学生彻底摆脱长久以来对填鸭式教育模式的依赖。 2巧妙的譬喻 “启发”除了提出问题,还有进行恰当的譬喻的方式,当然这需要教育者自己吃透知识点,再灵活间接形象地表达出来,这里面隐藏着许多智慧的成分。教学中不直接给出答案,而是进行隐喻性的启发。藉譬喻来解释义理,使人经由譬喻而了解、而悟入。《大智度论》还提到,“譬如登楼,得梯则易上。”譬喻本身就像要上楼的梯子,借着这个梯子,使众生得入佛法的堂奥。在《大藏经》的每部经书里都描述了大量的故事和例子,在佛陀说法时,若遇弟子不懂的,佛陀就会用譬喻的方式,来带领弟子、教导弟子,使其了解佛陀的智慧及悲心。艺术的优秀是情感。艺术教育的重点就是让学生了解情感。然而情感是非逻辑性的,因此用语言很难准确地去表达什么是情感。所以根本无法用语言有逻辑、有条理地说明什么是艺术。那么对于艺术教育而言,用寓言故事、诗歌、比喻来举例说明是就一个很好的方法,容易让学生产生共鸣,理解情感,掌握艺术。从某种意义上来说,艺术教育实际上也只能采用这种隐喻性的启发的方式,因为只有这样才符合艺术的本质。 3合适的契机 孵化过程如果蛋壳出现裂缝而长时间不得出,观察者应该进一步耐心地等待时机,必要的话,在需要的时候借助外力,捅破蛋壳使其顺利出生。这里引申为:耐心观察,等待合适的时机,“顿悟”契入。其实,前面提到的我国古老的艺术教育模式中,虽然重视让学生自己去看,自己去实践,自己去体会;但是如果学生通过努力,仍不能领悟的情况下,需要老师在合适的时机引领学生去“顿悟”。虽然效果上不如学生自己去“顿悟”,但是一方面而言学生的资质不一样,而另一方面“高端艺术”本身是很难掌握的学科,为了便于学生最终掌握,也需要老师在关键点给予提示。因为对于艺术教育而言,很有可能有的学生无论怎样努力地学习也无法自悟;而有的艺术研究方向由于难于理解,学生也根本无法自悟。这为作为艺术教育者自身的艺术修为提出了很高的要求,否则便在不自觉中,很容易陷入填鸭式教学的怪圈之中。 4强化的训练 孵化需要一个较长的阶段,在这个过程里,作为学习者应该接受大量的实践训练来使自己具备足够的力量迎接“新生”!这个训练应该是由内而外地,自发地进行不断的实践,由技入道。养成一种思维习惯也需要练习,不断反复刺激,直到应用自如,出入无为之境。作为教育者就应该创造良好的外部条件。但我们也要看到,长期过度的高压学习,会让学生丧失学习的兴趣和努力的动力。因此国外艺术教育会用舒适的教学环境、高额的奖学金以及毕业后优厚的工作回报等方式提升学生的学习自主性。而我国的部级奖学金还是一刀切的政策,目前至少应该根据艺术生所缴纳的学习费用相应提高艺术学生的奖学金的额度。另外各大艺术学院、学校的教学设施还有进一步提升的空间。 5结论 深入挖掘“孵化”这一常见现象带给我们关于人才培养和创新教学的思考是很有益的。在艺术教育创新性思维培养中,教师需要把握的一个原则就是——不要敲破鸡蛋壳!简单的说就是不要直接给出问题的答案,不要过多地替学生思考,更不要给学生灌输标准答案。关键在于怎样启发学生自己去思考和琢磨,让学生尽可能地自己去“悟”,依靠自己的力量去捅破鸡蛋壳!这是今天的教育者在教育教学中应当思考和借鉴的。 作者:江伟贤 单位:中国地质大学机械与电子信息学院 艺术教育论文:校本课程公共艺术教育论文 一、当前地方院校公共艺术教育课程建设存在的普遍问题 1.公共艺术教育课程地位低,不受重视 虽然公共艺术教育在高校普遍存在,但是与专业课相比,公共艺术类课程基本都是“选修课”“通识课”的身份,不具备精品课程、优质课程的评选资格,导致教师授课积极性不高,学生为了学分而上课的现象多有存在。 2.课程体系缺乏顶层设计,教学内容“因师而定” 由于缺乏对公共艺术教育工作全面系统的管理,因此,公共艺术教育类课程没有形成整体规划思路,课程设置随意性很大,经常出现“因师设课”的现象,教学内容“因师而定”,随意性大,教学效果不明显。 3.课堂教学手段单一,缺乏“公共性”和“针对性” 高校公共艺术类课程面向全体非艺术专业的学生开设,具有“公共性”。但是,由于各种原因,授课教师往往按照专业教学的套路来授课,将公共艺术课程讲成了专业课程,偏离了通识教育的人才培养目标。同时,由于是选修课,教材选用的随意性大,教师往往不能做到针对授课群体的共性来教授教学内容,导致学生学习积极性不高,有混学分之嫌。 二、公共艺术教育校本课程开发需要坚持的原则 1.坚持党的教育方针 校本课程的开发必须坚持党的教育方针。以邓小平同志关于“教育要面向现代化,面向世界,面向未来”、同志“三个代表”和同志的“科学发展观”的重要思想为指导开展工作。 2.贯彻高校人才培养目标 校本课程的开发实质上是学校为达到自己的教育目标,以学校为基地进行的开放民主的决策过程与组织形式。因此,校本课程的开发必须与专业培养目标相一致,相配套。从专业的实际出发,本着学以致用,以生为本的原则,科学制定开发计划。 3.体现高校办学特色 在高等教育追求办学特色鲜明化、人才培养模式多样化的今天,对高校而言,开发校本课程的最大价值就在于它能够激活学校办学活力,形成高校自己的办学特色,真正做到“人无我有,人有我精”。因此,公共艺术教育校本课程的开发必须以体现高校办学特色为准则,时时处处体现之、贯穿之。 4.坚持艺术熏陶、潜移默化原则 公共艺术类课程的开发,不能等同于专业艺术类课程的开发,其主旋律仍然是普及性、趣味性、实践性。在教学的过程中教师须有意识地渗透艺术教育因子,从而达到用艺术滋润心灵,塑造学生人格的效果。 三、“一基两翼”公共艺术教育校本课程体系的构建 1.校本课程开发的内涵 校本课程开发指的是学校根据本校的教育实际,通过与外部力量的合作,采用选择、改编、新编教学材料或设计学习活动的方式,并在校内实施以及建立内部评价机制的各种专业活动。 2.“一基两翼”公共艺术教育校本课程体系的内涵 公共艺术教育与专业艺术教育不同,它着眼于提升学生自我修养,而非艺术技能的增进;它重在培养学生的全面人格,而非简单的传授艺术知识。因此,它的功能在于帮助学生进行艺术地感觉、科学地思考,在发现美、感受美、欣赏美的同时,提高创造美的能力,体会人生的意义、目的和价值,达到思想与行为的统一;在于营造健康向上、积极乐观的校园文化氛围,使学生在公共艺术类课程以及校园文化艺术活动中养成健全人格、德智体美劳全面发展。西安体育学院认真贯彻《学校艺术教育工作规程》和《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》文件要求,深挖本校教学资源,始终坚持优势课程与艺术课程有机结合的原则,形成了“一基两翼”艺术教育课程体系,其内涵是指:以八门艺术限定性选修课程为“基础”,以学院自主开发的体艺融合类课程为“第一翼”,以校园文化艺术实践为“第二翼”,通过三种方式的联动提高公共艺术教育的品味和水平,促使学生艺术修养和技能的提高,从而达到培养健全人格的目的。公共艺术教育课程涵盖了音乐、美术、舞蹈、书法、戏剧、影视等艺术表现类型,可以供具有不同爱好的学生选择。校园文化艺术实践包括课外艺术活动和校园文化艺术氛围等,学院通过社团活动、文艺汇演、竞技比赛等学生喜闻乐见的形式,让学生享有艺术实践的机会,享受艺术实践带来的乐趣,丰富校园文化生活。 3.“一基两翼”公共艺术教育校本课程体系的构建 ⑴完善公共艺术教育课程体系,充实显性课程教学内容 依照《学校艺术教育工作规程》和《全国普通高等学院公共艺术课程指导方案》等相关文件精神,学院从三个维度对公共艺术教育课程体系进行完善。首先,从知识的衔接性上将公共艺术教育课程分为普及、提高、实践三个层次。普及课程帮助学生构建艺术基础知识体系,提高学生人文艺术素养,初步建立健康的艺术情趣和正确的审美观,解决入门问题;提高课程针对完成基础课后希望进一步提高艺术修养的学生,培养学生欣赏美、创造美的能力;实践课程给学生提供艺术实践的机会,将课内与课外有机地结合在一起,通过学生亲身体验与实践来提高学生的艺术修养。其次,从选择性维度上做到限选课与任选课相结合。在课程开发的过程中要注意不断充实和更新课程教学内容,捕捉学生的兴趣点,帮助学生发现美、感受美、欣赏美;同时使公共艺术教育课程自成体系,特色鲜明,真正从“专业课的点缀、获得学分的工具”的地位中摆脱出来。再次,从课程性质维度方面讲,抓好显性课程与隐性课程建设。目前,学院共开设有28门公共艺术选修课程,如,《中国民族音乐欣赏》、《书法基础与鉴赏》、《中国传统文化概论》等18门体艺融合类校本课程,供学生选择,受到学生欢迎。同时,学院大力加强艺术教育教材建设,通过政策激励、资金支持等方式激发教师参与编写公共艺术校本课程教材的积极性,经过不断积累涌现出一批体现学院办学优势和特色的自编教材。 ⑵加强社团艺术活动建设,重视隐性课程发挥作用 艺术社团的建设是公共艺术教育隐性课程建设的重要组成部分,同时也是校园艺术文化的重要媒介,对艺术知识的传播、大学生艺术素养的提髙和知识结构的完善等方面都有着一定的影响作用。学生通过参加社团活动,可以学到很多在课堂上无法学到的知识,可以增强与其他同学的交流与合作,有利于团队精神的培养。对于没有加入社团的学生,社团活动可以起到宣传艺术知识和文化、培养艺术兴趣的作用。例如,西安体育学院已逐步形成以大学生科技文化艺术节、大学生风采辩论会、校园十大歌星卡拉OK大赛、主持人大赛、棋类大赛、迎新文艺晚会、书画作品大赛等为主体的校园品牌活动体系。以校园文化为主体的公共艺术教育活动由经常化、制度化,逐步向系列化、高层次、高水平的方向发展。 ⑶加强校本课程开发的软硬件建设,创建一流的艺术教育环境 软件建设方面,建设一支结构合理、比例协调的高水平公共艺术课程师资队伍是更好地开展普通高校公共艺术教育工作的基础。就校本课程开发而言还需要将这支队伍打造成精诚团结、熟知本校办学特色和学生特性的课程开发团队。硬件建设方面,学院应注重公共艺术教育教学设施的配套完善,如琴房、舞蹈教室、书画教室、声乐教室、学生活动中心等硬件设施的配备。 四、结语 总之,高校应重视物质环境、制度环境和精神环境建设,营造艺术教育的良好氛围,给学生以潜移默化的影响,使校园的审美功能、教育功能得以充分体现。 作者:张军 单位:西安体育学院 艺术教育论文:多声部协作性艺术教育论文 一、关于“协作性”能力的培养 在多声部视唱练耳的教学与训练当中,所用到的音乐作品通常是多声部作品,这就意味着单声部旋律视唱训练难以满足多声部“协作性”视唱训练的要求。因此,我们应当加强视唱训练中“协作性”能力的培养。这种能力的主要培养方式为:由多名学生共同完成一部多声部视唱作品,这里并不是指简单的齐唱或是旋律在最高声部,其他声部是陪衬的单旋律与伴奏样式的作品,而是通过“协作”式的多声部视唱作品训练使学生对多声部旋律产生概念,进而培养学生的立体的“协作性”思维能力。这种“协作性”视唱训练,是通过对音乐作品的分析,试图进行“理解——分解——再构筑”的一个复杂过程,通过其他基础理论学科的教学与训练(和声、曲式、复调)使学生具有对多声部视唱作品进行分析的能力(理解);具备找出多声部作品中每一线条并分析其音响效果的能力(分解);通过训练让学生把拆分出来的单一线条式的音响效果(即多声部作品中所分解出的单一音乐线条)以多人视唱的形式进行演绎,从而进行融合(再构筑),以提高学生对于多声部音乐声部之间“协作”的理解能力。通过此种训练来达到让学生在视唱训练过程中能“分清主次”,相互“协作”,共同完成一部多声部视唱练耳作品“二度创作”的目的,从而使学生对多声部视唱方式进行理念上的转变。 二、其他基础理论课对“协作性”能力培养的作用 (一)关于和声 这门基础理论课对“协作性”视唱训练起着至关重要的作用,它为我们提供了一个从微观上分析音乐作品的途径,这一点从和声学的定义中就能看出。和声作为音乐作品的“支柱”,往往使得音乐富有感情与层次。在主—下属—属—主的功能圈所营造出的和声进行中,蕴含着大量的富有“倾向性”的和弦连接,从“纵向思维”上来看,这些和弦连接在整个音乐作品中,不断地起到变换“色彩”的重要作用。反之,从“横向思维”上考虑,我们不难发现,不同和声之间进行的和弦连接在拆分成单一的音乐线条(声部)后,其带有向调式主音“倾向”的趋势依然明显,也就是说,这些音乐线条在整个和弦连接中被剥离后仍然可以独自成为一条单独的音乐素材(旋律或隐伏旋律)。如上所述,和声的特性为视唱练耳训练中“协作性”的研究,提供重要的理论依据,通过对和声的掌握与理解,学生可以分析出多声部音乐的色彩变化以及和声“倾向”,从而更好地演绎多声部视唱作品。 (二)关于曲式 曲式与作品分析这门基础理论课为我们提供了一个从宏观上分析音乐作品的有效方法。在这一点上,“结构”对于理解音乐作品的重要性不言而喻,而曲式与作品分析恰恰是研究音乐作品“结构”的科目。在针对“协作”式的多声部视唱作品演唱的训练当中,如何在宏观上更加富有感情并且准确表达作曲家的意图,一直是一个难以解决的问题。究其原因,则是因为学生对于多声部作品的曲式结构并不了解,从而无法明晰其作品中所蕴含的深刻哲理与隐藏在音乐作品“深处”的丰富情感。正所谓“不谋万世者,不足谋一时;不谋全局者,不足谋一域”。无法从音乐作品的整体结构来进行全局式的分析就不能洞悉音乐作品中每一个“节点”、每一个“动机”在其整体结构中所起到的作用。因此,使用曲式与作品分析这门基础理论课所传授的分析方法,可以从宏观上可以加深学生对于多声部音乐作品“结构”的见解。在明确的理解音乐作品的“结构”后,学生们会对于视唱训练中“协作性”能力有一个更深的理解,不再一味盲目的“机械式”的进行视唱训练,从而达到融会贯通整部作品,进而进行“协作性”的训练。 (三)关于复调 如果说和声学和曲式与作品分析这两门学科分别为我们提供了从宏观与微观上理解多声部视唱作品的途径,那么复调这门学科,就直接为培养视唱“协作性”能力提供所必需的大量且直观的“互动”式的研习音乐作品。因此,几个具有独立意义的旋律声部,在运动中同时结合在一起,构成丰富多样的织体形式,这种各自具有独立旋律意义的多声部音乐,称之为复调音乐。复调音乐演奏的真正难点在于,如何使其各声部进行有效地进行“协作”。简单地说,就是如何清晰地处理各声部之间的强弱对比,从而使其各个具有独立意义的声部融为一个整体。通过研习复调音乐作品不难发现,其具有独立意义的声部之间有着极其复杂的逻辑性关系,它们之间相互依存却又有相对独立的特性,为多声部视唱中“协作性”训练提供了完美的思维范式。在多声部视唱“协作性”训练中,复调作品的视唱训练,通常是让学生自主分声部并练习各自声部,通过这种方法使学生完成“理解与分解”的两个过程。然后大家进行协作练习,最终完成多声部复调音乐的诠释。 三、结语 目前,国内的视唱练耳教育尚处在发展阶段,多数音乐院校的视唱练耳训练模式或多或少的存在一些问题,例如片面的训练单声部旋律视唱,在一定程度上阻碍了学生对多声部立体音乐理解能力的发展。因此,笔者通过收集大量且种类繁多的多声部视唱作品,力求填补视唱练耳学科在教材建设方面的空白,并通过培养学生多声部视唱“协作性”能力,使其建立多声部立体化的音乐思维,从而更好地提高其对于多声部音乐的理解能力。 作者:郝丽娟 赵去非 单位:吉林艺术学院艺术教育学院 艺术教育论文:传统文化与艺术教育论文 一、中华优秀传统文化中的艺术教育思想 中国古代艺术审美教育,讲究琴棋书画一体,诗书画印相得益彰,从而达到综合审美教育的培养目的。我国的书法教育历来追求“心正则笔正”,通过笔墨来“正风俗,移教化”,所以人们常说“字如其人”、“琴音表德”。倘若把一个人的道德水准看作他学问的终极标准,那“琴棋书画”则是这一标准的具体表现。技艺的培养建立在德行修养的基础之上,也体现在自我人格的完善中。正如孟子所言“学问之道无他,求其放心而已矣”。在“以德立艺”的优秀传统中,发扬我国传统艺术教育思想,运用审美意象的感染力,提高人的综合艺术素养,进而实现人的全面发展和人格的完善健全,这是中国当代艺术教育值得思考的话题。中国传统艺术教育还有“神乎其技”的传统,高超的技艺往往会被神化,如顾恺之“画龙点睛”的传说、王羲之“画雨即下雨”的传说等。然而“神乎其技”必须“进技于道”,这才可能达到中国古代艺术教育的终极目标。“神乎其技”需要艺术研习者反复揣摩、刻苦训练,故有“熟能生巧,巧能生精,精可生慧”之说,并逐步克服呆板技法的束缚,在表现手法上运用自如。正如“庖丁解牛”表现的那样,不但表现出高超的技艺,也在认知层次有所提高。传统艺术审美教育在长期的历史发展进程中,积累了丰厚的经验,形成了优秀的教育理念与教育传统,发掘中华优秀传统文化中艺术审美教育的经验,对当代高等艺术教育有着十分重要的启示意义。现在我国高等学校一直以培养“以德立艺”“德艺双馨”的艺术人才为目标,这恰与中国古代的艺术审美教育理念相契合。随着我国现代教育体制改革的不断推进,艺术教育作为素质教育的重要内容之一备受瞩目。然而,艺术教育真正的实施和发展状况却不尽人意,来自社会大环境的压力加大,大学生就业机会相对减少,对专业知识技能要求的不断攀升,人们把更多希望寄托在学校培养的技能上,加上追求升学率以及与实际操作矛盾的教育教学方法,使得艺术教育在实际中没有得到足够的发展重视,甚至没有发挥其应有的素质效应。 二、高校艺术教育传承中华优秀传统文化的途径 (一)加强普及,积极引导,形成潜移默化的渗透力 艺术教育与中华传统文化相结合,即艺术的普遍性与中华传统文化的特殊性相结合。在艺术教育中,应自始至终以中华传统文化为基准。高校应当将艺术教育融入到每一位大学生的学习生活中,通过艺术教育提高学生的艺术审美能力和个人修养,然而,目前绝大部分高校将艺术教育课设为选修课,并不能实现艺术教育的普及,其原因在于部分大学生在入校前没有接受过艺术教育,缺乏对文学艺术的理解、缺少在艺术教育工作过程中的兴趣。如果完全采取自愿的原则使大学生对艺术教育课程进行选择,那么很可能导致部分大学生失去接受艺术教育的机会,无法弥补艺术教育的缺失,但如果采取强制性机制措施对所有大学生进行艺术教育,则有可能适得其反,导致部分大学生因不解、反感而对艺术教育产生厌恶、抵触情绪。因此,高校应当研究合理的教学体系,采取恰当的方法和形式,引导学生接受并学习中华优秀传统文化,增加艺术教育的影响力,提高学生的审美能力和个人文化素养。 (二)精心设计,注重品鉴,发挥经典作品的吸引力 高校艺术教育应当改变以往重艺技训练的思想,逐步转向重艺术欣赏和艺术审美的教育理念。大学生已经不是年龄的黄金时期,在艺术技巧、技法等基本功训练上,要比中小学生费力耗时。然而,大学的艺术教育,又不允许学生投入过多精力。面对这些“艺术技能”训练,显然不能成为大多数高校学生的兴趣所在。与初等教育学生相比,大学生知识储备优势明显,他们的认知与思维能力在大学学习中得到了很大程度的提高。因而,对于理性认知能力较强的大学生,可以尽可能地通过参观博物馆、艺术馆以及各种形式的艺术演出等,更多地去接触和感受艺术。另外,也可以不定期地举行各种艺术讲座、举办艺术活动等,在思想上积极引导,结合现场感受,促使大学生从理论上掌握中华民族艺术的特点,探寻蕴藏在艺术深层的民族文化精神,领略中华传统文化艺术的独特魅力。艺术教育应当是一个循序渐进、潜移默化的过程,通过不断学习和剖析经典艺术作品,从而达到提高大学生审美鉴赏能力乃至个人修养的目的。 (三)发掘传统,开拓创新,把握传统与现代的结合力 中国传统艺术文化是中国几千年发展过程中伟大劳动人民的思想精华、智慧结晶。徐复观先生在《中国艺术精神》中指出:“我国古代的教育以音乐为中心”,而“乐的正常本质,可以用一个‘和’字总括”。“和谐”一直以来被儒家所推崇,并以音乐为教育的中心主题,在音乐的感化中,人与人的关系变得“和敬”“和顺”“和亲”,进而呈现出社会的和谐统一。肇始于魏晋时期的中国山水画,是人们将自己复杂的内心世界和思想境界寄托于山水自然、表达于笔墨之下的产物。我国古代的建筑艺术更是将人们的居住环境融于自然,形成了中国独特的园林景观艺术。另外,中国的传统艺术器具也渗透着和谐之美,例如竹笛的清脆悠远、古筝的悠韵寂寥、琵琶的轻拢慢捻、二胡的绵邈深沉。当今大学生面对这些中华传统文化艺术时,在领略民族音乐、民族绘画艺术时,在感受传统园林艺术时,一定能体味到中华传统艺术在当今时代背景下依然未变的和谐、温暖、自然以及宏大的精神魅力。高校应当结合当今的时代背景和特征,开拓创新,引导大学生了解中华传统艺术,培养大学生的民族文化品格,并最终将中华传统文化艺术的精神传承下去,将中华传统艺术文化的精华发扬光大。 三、结语 纵观我国高等教育改革发展的重要历程,其中艺术教育成为高等教育体系中变化频率最快、最大的代表,但仍存在不少问题。比如,在一段时期内,一些高等艺术院校教育方法、理念和意识深受国外教育发展体系的影响,致使技术主义膨胀,功利主义攀升;社会环境的不断变化使当代艺术教育发展缺少生成与孵化空间,务必要高度重视并及时遏制和矫正这种现象,但是,我们也必须意识到自身的优势,即我国当代艺术教育体系与传统艺术教育并无明显断裂,我国艺术教育的文化传统薪火相传、生生不息。这种“兴于诗,立于礼,成于乐”的全面“乐教”教育,是当代艺术教育改革的重要立足点,为当代艺术教育的开拓与创新提供了坚实的基础和雄厚的支撑。要在传统与现代之间架起一座桥梁,让传承与创新并举,传统与现代同行。在“以德立艺”的优秀传统中,发扬我国传统艺术教育思想,运用审美意象的感染力,提高人们的综合艺术素养,进而实现人的全面发展,达到人格的健全和完善。同时,要统筹兼顾,高瞻远瞩,艺术教育并不在于对学生短期内的思想引导和教化,而应当在潜移默化中对学生的内心产生深刻而久远的影响,从而使学生在教育实践中有所提高、有所感悟,拓展其文化视野,丰富精神思想,树立正确的价值观念,并最终达到促进学生全面提高、塑造强大的中华民族精神、创建日益完美的和谐社会、实现中华民族伟大复兴的目的。 作者:朱博韬 单位:西北师范大学知行学院 艺术教育论文:农民工子女校外艺术教育论文 一、当前农民工子女校外艺术教育面临的主要问题 (一)公立学校不能无法完全容纳农民工子女入学问题 在民办学校,艺术教育是不被重视的。为了让子女接受更好的教育,很多农民工会把子女送去参加校外艺术培训,无形中加重了进城农民工子女的教育负担。 (二)校外艺术教育师资问题 农民工子女为了节省入学费用,大多选择一些教育费用较低的培训机构。但是由于受到教育经费的限制,这些入学费用低的校外艺术培训机构聘用一些职称较低,工资待遇较低的教师,教学质量与效果只能停留在低级阶段,农民工子女的校外艺术教育受到限制。 (三)艺术教学存在的问题 在一些正式的校外艺术教育培训机构中,比较重视教研活动的开展,包括教学理念、教学方法的革新等,这在一定程度上提高了艺术教学质量。然而,在一些非正规的艺术培训机构,往往会因为受到教学设备条件及教师能力的限制,出现不规范、随意现象,把艺术教育变成了简单的娱乐活动,不利于学生艺术素养的培养。 (四)农民工子女学习状况的问题 农民工子女的父母受教育程度普遍不高,很难在家里对子女进行艺术熏陶和辅导,他们比较注重技能的培训,对孩子综合素质的培养并不十分在意。从而造成了孩子学习艺术的兴趣与热情减退,进入校外艺术培训机构学习后,孩子们的学习情况十分不如意。 二、解决农民工子女校外艺术教育问题的可行性对策 以上问题表明,农民工子女校外艺术教育资源投入偏少,在艺术教育方面获得的资源和支持相对不足,而这是和农民工子女对校外艺术教育的渴求极不相称。以下就校外教育机构教育、家庭教育及国家政策三大方面提出可行性对策,力争全面提高农民工子女校外艺术教育质量。 (一)校外教育机构教育方面 第一,艺术教育的定位。校外艺术培训机构应从艺术教育定位入手,加强认识,从本质上认识到校外艺术教育是兴趣教育,是通过培养孩子的兴趣提高孩子的综合素养,并为国家培养具备艺术素养的人才。第二,校外艺术教育资源的完善。为了帮助农民工子女接受更好的校外艺术教育,校外艺术培训机构应从以下两方面入手,加强艺术教学工作。一是艺术团队建设。艺术团队建设是校外艺术培训机构艺术教育的重点内容,可以通过建设艺术团队提升机构在校外艺术教育领域的声誉,以此为农民工子女提供更好的受教育条件。二是提高教师素质。提高教师素质是提高农民工子女校外艺术教育质量的基础。教师的素质,主要包括教师的基本素质、理论水平,教书育人的能力,专业展示能力和工作创新能力,与人交往能力等。三是争取政府拨款扶持,以此为农民工子女提供免费的受教育条件。第三,家校合作。校外艺术教育是一项长期性的教育工程,缺少了家长的积极配合与家庭教育的实施,农民工子女难以完成学习任务。因此,促进家校合作,是解决农民工子女校外艺术教育问题的有效手段。学校可以利用家长会、家访、电话联系等手段与家长进行交流,向他们汇报孩子的思想和学习情况,争取得到家长的支持和配合,为孩子创造一个有利于艺术学习的家庭环境,引导学生培养艺术兴趣。 (二)家庭教育方面 家庭作为孩子成长、生活、学习的第一个场所,家庭教育不仅会影响他们个性的形成,还会对他们的艺术兴趣产生重要影响。在家庭中父母要为孩子创造培养艺术修养的条件,为孩子的个性化发展做好准备。 (三)国家政策方面 第一,根据国家的法规政策,结合当地实际情况,制定校外艺术教育法规。农民工子女教育是一个复杂的社会性问题,校外艺术教育问题急需国家立法,明确政府部门和学校责任。第二,可以出台政策鼓励社会团体、大学生志愿者到农民工子女学校进行支教和帮扶活动,组织城市学生与农民工子女共同活动,拉近农民工子女与普通市民之间的心理距离。营造全社会关心、支持农民工子女校外艺术教育工作的良好氛围。 三、结语 我们必须立足农民工子女校外艺术教育存在的问题,并结合实际,不断实践与探索,找出全面提高农民工子女校外艺术教育质量的可行性对策。 作者:何庆 单位:呼和浩特市玉泉区校外教育中心 艺术教育论文:动漫艺术与美术教育论文 一、动漫艺术与基础美术教育的关系 (一)动漫艺术是多种艺术形式综合对美术教学类别的拓展 动漫艺术是多种美术形式的综合,其中我国具有多种美术特征和风格的美术动漫作品举不胜举,如水墨风格的《小蝌蚪找妈妈》和折纸风格的《聪明的鸭子》、木偶风格的《神笔马良》,以及剪纸风格的《猴子捞月》等。这些具有多种风格的动漫艺术作品开创性地融合了中国传统的美术造型元素、审美特征和艺术表现手法,全面地展现了动漫艺术多种表现形式。 (二)动漫艺术独特的美学内涵丰富基础美术教育的意义 动漫艺术符合审美教育的特征并能促进审美经验的积累。动漫是通俗艺术,欣赏动漫的过程是主体主动参与审美的过程,使人在欣赏动漫艺术作品的同时产生审美感受、体验、判断、评价和创造。动漫审美是多种心理因素作用下的综合美感活动,欣赏动漫艺术的过程势必反作用于多种心理因素如感觉、知觉、情感、想象、理解等诸心理能力,使之得到提高和相互协调。因此,可以说动漫艺术适合青少年的天性,符合审美教育的特征,能够促进审美经验的积累,有利于提高青少年审美意识的成熟。 二、动漫艺术融入“欣赏与评述”学习领域 新课程标准从美术学习方式出发,划分出“造型与表现”“设计与应用”“欣赏与评述”“综合与探索”四个学习领域。改变了单纯以学科知识体系构建课程的思路和方法,从促进学生素质发展的角度,根据美术学习活动方式来划分学习领域。因此,笔者认为探索将动漫艺术引入基础美术教育各个学习领域的方法,具有重要意义。本文仅对“欣赏与评述”学习领域进行重点分析研究。 (一)在动漫艺术作品评述中,构建青少年的主体意识 纯粹的动漫艺术形象的美术技法讲解,将使得基础美术教学成为普通的技能培训,结合审美欣赏能力的培养和文化知识的相关拓展、评述是一条符合新课改要求的并值得探索的道路。 1.动漫艺术作品辩论 利用辩论法提高学生对动漫艺术欣赏的认识能力。那么,何谓辩论呢?辩论是辩论双方用一定的理由及观点来说明自己对问题的见解,相互揭露对方的矛盾以便最后得到正确的认识或共同的意见。美对我们是一种现象,是一种情感,而辩论可以很好的强化这种情感,提高欣赏动漫艺术作品的水平和能力。利用动漫艺术作品欣赏,引起学生情感的共鸣,教师可以找出该作品的艺术特点与课程内容的优秀问题,采用以辩论的形式进行动漫艺术评述。 2.动漫艺术作品解析 在教学中教师可以向学生具体分析国外动漫作品中的审美风格,引导学生对动漫艺术作品的形式语言进行分析,包括构图形式、色彩表现等,并感受作品中含有的独特艺术元素。在整个课堂教学中,教师为学生营造出一个积极思维的主体空间和时间,充分发挥了学生的主体性与思考的独立性,教育过程变成在教师的指导下,师生一起平等地、民主地共同研究、交流、讨论、探索的过程。 (二)动漫艺术教学在“欣赏与评述”学习领域的目标与价值分析 1.目标 第一,激发学生参与“欣赏与评述”活动的兴趣,提高学生欣赏动漫艺术的美术素养,引导学生主动探讨深藏在形形色色的动漫艺术影像背后的不同文化、社会、经济和政治等因素。培养学生对不良动漫艺术现象与作品的批判和反省的能力,通过批判和反思,进一步建立对优秀动漫艺术的认同。第二,激发学生参与“欣赏与评述”动漫艺术教学的兴趣,学习多角度欣赏和认识动漫艺术作品的形式与内容特征,获得初步的审美经验和鉴赏能力,了解中外动漫艺术发展概况。通过动漫艺术欣赏逐步培养学生崇尚文明、珍惜中国优秀民族艺术与文化遗产的责任与尊重世界多元文化的态度。第三,逐步提高动漫艺术的视觉感受能力,掌握运用语言、文字和形体表达自己的对动漫艺术的真实感受和认识的基本方法,形成健康的审美情趣,发展动漫艺术审美能力,并能独立对动漫艺术作品进行简短评述。 2.价值定位 在基础美术教育“欣赏与评述”学习领域的动漫艺术教学,不仅仅要“欣赏”,更重要的是“评述”。这里的“评述”是建立在教师、学生、文本三者之上共同参与,并在相互尊重、信任与平等的气氛中,学生以自己欣赏动漫艺术的真实感受与教师及其他同学坦诚的交流,进行心灵的沟通,以此加深学生对动漫艺术作品的认识与理解,不断丰富自己的审美经验;培养学生对动漫艺术作品的批判意识,建立属于自己的动漫艺术审美价值观,使学生更好地了解动漫艺术作品的艺术审美精髓。 三、结语 中国动漫艺术有着深厚的中华文化底蕴和优秀的动漫传统,随着我国动漫产业的发展逐步与国际接轨,更需要通过基础美术教育不断解读我国优秀的文化传承与历史积淀,拓宽动漫艺术的创作思路,创造出民族与世界相结合、传统与现代相呼应的优秀动漫艺术作品。 作者:薛曼君 单位:河南理工大学 艺术教育论文:高职高专学前教育与艺术教育论文 一、重新架构高职高专学前教育专业课程结构,调整艺术教育课的比例 诸多研究表明,3~6岁的幼儿正处于艺术能力形成的关键期,而影响幼儿艺术教育水平高低的关键则是幼儿教师的艺术素养。幼儿教师作为对幼儿进行艺术教育最直接的组织者、实施者、创造者,必须具有丰富的艺术专业知识、较高的艺术教育水平和较强的艺术教育技能。幼儿教师职业素质所包括的会写、会画、会唱、会弹、会舞、会做也正是对幼儿进行艺术教育所必需具备的基本技能技巧。课程结构是课程目标转化为教育成果的纽带,是课程实施活动顺利开展的依据。要使学前教育专业学生在职前教育阶段形成良好的艺术素养,就必须在课程结构中,重视艺术素养和技能的培养,调整艺术教育课的比例,删减那些用处不大,专业性不强的公共课程,适当地增设艺术课程,使学前教育专业的艺术教育有足够的时间强化学生基本艺术技能技巧的训练。如除开设必修的音乐基础(乐理、试唱练耳、琴法)、美术基础(素描、色彩、设计、简笔画、手工)、舞蹈基础(基训、民族舞、幼儿舞)和幼儿园艺术活动指导课等外,还应开设一定比例的选修课,如幼儿园实用美术、幼儿园环境艺术、幼儿音乐创编、儿童歌曲即兴伴奏、幼儿舞蹈创编等。开设这些丰富多样的选修课,不仅能提高学生的艺术表现能力和创作能力,而且还能增强学生对幼儿音乐、美术、舞蹈的审美情趣,并在表演、创编中获得丰富的艺术审美体验,从而提高其艺术素养。这不仅能使高职高专学前教育专业的艺术教育课程贴近幼儿园实际,而且能增强该专业的实践性,缩短其岗位的适应期。 二、激发学生学习艺术教育课的兴趣,提高学生对艺术教育课重要性的认识 兴趣是人们力求认识某种事物和从事某项活动的意识倾向。它表现为人们对某件事物、某项活动的选择性态度和积极的情绪反应。兴趣可以使人集中注意,产生愉悦的心理状态,兴趣能使人们目标明确,积极主动,从而能自觉克服各种艰难困苦,获取学习、工作的最大成就。因此,能否激发学生的学习兴趣,直接关系到教育的成败。只有当学生对其学习内容产生兴趣,才会乐意去学,才会去积极思维,才会受教育于轻松愉快之中,才会持续地专心致志地去钻研它,从而提高学习效果。要激发高职高专学前教育专业学生对艺术教育课的学习兴趣,最重要的就是要提高学生对艺术教育课重要性的认识。首先要使高职高专学前教育专业的学生充分认识到艺术素养是素质教育的重要内容,艺术教育是大学教育的一个重要组成部分,是实施高职高专美育教育的主要内容和途径,它对于提高人的审美情趣、审美能力,陶冶高尚的道德情操,促进大学生身心健康及德、智、体、美等全面和谐发展具有其他学科不可替代的作用。其次要使高职高专学前教育专业的学生充分认识到艺术素养是从事幼儿教育的基本素养。这就要求幼教工作者要有较高的艺术素养,具有音乐、舞蹈、绘画等方面的基本知识,掌握弹、唱,画、跳的基本技能、技巧,形成能够欣赏音乐、美术、舞蹈等作品的基本素质。再次要使高职高专学前教育专业的学生充分认识到通过艺术进行教育已成为当今世界上大多数国家幼儿教育的指导思想。幼教工作者的艺术素养是对幼儿进行艺术教育的职业素养,只有掌握较宽泛的艺术基本知识,形成扎实的艺术技能技巧,培养一定的艺术审美能力、艺术创造能力和艺术教育能力,并能将自己的艺术素养转化为实际的教育教学能力,才能为自己将来成为一名既具有一定的教育理论知识,又掌握扎实幼儿艺术教育技能的优秀幼儿教师打下基础。 三、改革高职高专学前教育专业艺术教育课的教学,提高艺术教育课的教学效益 1.要丰富艺术教育课的教学内容 高职高专学前教育专业的艺术教育课不同于艺术专业的艺术教育课,要以满足幼儿艺术教育的要求为原则,要在传授艺术教育基本理论与基本技能的同时,进一步体现学前教育专业独特的专业特性和要求,加强蜡笔画、手工制作、儿童歌曲的即兴伴奏、边弹边唱、幼儿舞创编等内容的教学。除乐理与视唱练耳、乐器演奏、声乐、舞蹈、音乐素养基础、绘画、手工制作这些基础内容外,可适当增设一些能训练学生弹(弹琴)、唱(唱歌)、舞(跳舞)、说(儿歌、故事创编)、画(画画)、做(手工、玩教具制作)等技能的课程。 2.加强教师队伍建设,提高艺术教育教师的素质 学前教育专业的艺术教育教师必须是高水平、高素质的,不仅要有正确的审美观点,较高的鉴赏美、体验美、表现美、创造美的能力,还需要有广博知识和较高的专业能力。可以聘请知名的画家、书法家到学校兼课,也可以聘请艺术团体有实践经验的设计师到校指导艺术教育。学前教育专业的艺术教育教师还应该是“双师型”教师。他们既要有深厚的专业知识、专业能力和较高的教学水平,能较为熟练地进行高职高专学前教育专业艺术教育的教学,又能深入幼儿园,了解当前幼教艺术教育动态和前沿理论,具有较强的幼儿园实践教学素养和丰富的实际工作经验,能够懂得幼儿园老师如何运用说、演、弹、唱、画、编等技能于教学之中进行艺术教育教学。 3.要改进学前教育专业艺术教育课的教学方法 苏联教育家孔德拉秋克说:“教学的成败在很大程度上取决于教师是否能妥善地运用教学方法。”承担高职高专学前教育专业艺术教育教学的教师要运用灵活、多样、针对性强、有特色的教学方法,让枯燥的课堂鲜活起来,吸引学生主动参与,主动完成教学任务。由课内走向课外,由学校走向幼儿园,构建一个开放的课堂,让学生实实在在地去接触原型,去感知,去领悟,从而激发学生学习艺术教育课的兴趣。 4.加强高职高专学前教育专业学生艺术实践能力训练 艺术能力的提高是一个从量变到质变的积累过程,必须多参与,多实践才会习得较强的艺术能力,因而应多给学生一些在实训室练习的机会。学生也应利用课堂内、早晚自习、课外活动等一切机会多到琴房、练功房、画室、手工室、陶艺室等实训室练习,并鼓励学生主动参与各种艺术课外活动。社团要多举行一些演出或术比赛活动,如声乐比赛、器乐比赛、幼儿舞比赛、儿童画创作比赛等,引导更多的学生参与到学生自己开展的艺术教育活动之中,给学生提供展示才华、创作及与同学间多交流的机会,以其提高学生的审美情趣和艺术素养。加强学生在幼儿园的见习、实习活动,采取集中见习、分散见习、参与式见习、实习、顶岗实习等多种参与教育实践形式,让学生观察、思考音乐、美术、舞蹈在幼儿园的各种活动、游戏中是如何运用的,幼儿园是如何组织艺术课教学的,并主动参与,使学生组织、实践艺术能力在真实情境的依托下得到培养,促使学前教育专业学生在离校前基本完成由学生到教师的角色转换。 四、结语 总之,在学前教育蓬勃发展的之际,通过对高职高专学前教育专业艺术教育课程结构的重新架构,随着高职高专学前教育专业学生对艺术教育课重要性的认识提高和教学的改革,我们一定能够培养出既有较高综合素质又能够适应幼儿园艺术教学活动的“应用型”、“艺术型”的幼儿教师。 作者:徐婧 单位:汉中职业技术学院 艺术教育论文:中职卫校艺术教育论文 一、艺术教育对中职卫校的意义及内涵 1.艺术教育影响着学生的道德培养。 艺术是用生动的形象来反映社会生活,它来源于生活又高于生活,是艺术创作者用来表达思想感情的媒介。优秀的艺术作品能够陶冶学生的情操,净化学生的心灵,提高学生的思想品质。中职卫校的学生大部分在初中阶段学习基础薄弱,成绩较差,他们贪玩、厌学、容易受外界不良习气的影响,加上外界传统观念对中职学生的歧视态度,也容易让学生形成不良的性格和行为。中职卫校为社会培养医药卫生类人才,不仅要求学生掌握牢固的医药知识,更加要有对病人的爱心、耐心和恒心。有句话说的是“学琴的孩子不会学坏”,从这不难看出,艺术教育对培养高尚的道德品格有着重要的意义。 2.艺术教育在教学的过程中 可以潜移默化地培养中职学生某些促进理想人格形成的因素,如认知能力、理解能力、判断能力、表演能力,对学习的积极性、自觉性等,这些因素最终将影响个体人格因素的形成。 3.艺术教育可以促进学生智力的全面发展。 人脑的左右半球具有两个相对独立的意识活动,左脑主管抽象思维,具有语言的、分析的、连续的和计算的能力;右脑主管形象思维,与知觉和空间判断有关,具有音乐的、图像的几何空间鉴别能力,对复杂关系的处理远远优于左脑。艺术教育可以促进学生的右脑发展。同时,人脑是一个有机的个体,右脑的发展势必也会带动左脑的提高。中职卫校开设的课程多与分析、计算、语言有关,主要集中在左脑的工作上。在专业课程学习的基础上适当加入艺术教育,不仅能让左脑得到适度的休息放松,更好地进行下阶段的学习和工作,还能促进左右脑协调发展,共同提高。 4.艺术教育有助于学生的职业发展。 同志曾经提出:“要迎接科学技术突飞猛进和知识经济迅速兴起的挑战,最重要的是坚持创新。创新是一个民族的灵魂,是一个国家兴旺发达的不竭动力。创新的关键在人才,人才的成长靠教育。”因此,不论是普通中学教育还是中职教育都在鼓励创新,培养创新性人才。而大部分中职卫校试图从强化专业教育方面入手,其实专业教育重在培养学生的逻辑思维能力,然而创造性思维是逻辑思维与形象思维相结合后的产物,仅仅依靠逻辑思维的提高是不能培养出创造性人才的。艺术教育是培养和提高学生形象思维能力的,让人的想象力得到解放,创造力得到提高。大量事实证明,有艺术修养的、形象思维较发达的专业技术人员,通常在专业活动中创造力更强。此外,根据近年来学生的就业情况及工作情况来看,有一定艺术修养的学生在企事业单位的发展明显优于一般的学生。例如,医院在招聘相关医护人员时,就会优先选择那些有舞蹈、书画等才能的,因为医院内也会经常性地举办某些晚会和活动,而具备这些才能的学生自然成为了“香饽饽”。 5.艺术教育有利于培养学生的团队精神和合作意识。 每个人在社会生活时都不是一个独立的个体,团队精神与合作意识是企事业单位得以生存和发展的重要因素。企事业单位不仅需要高素质、懂技能、会操作的技术工人,而且需要员工之间的和谐分工、倾力配合,才能促使整个单位发挥整体合力,在大竞争中取得胜利。中职学生在毕业后大多直接进入单位工作,且现在的学生以自我为中心的现象比较严重,眼高手低,常常觉得自己天下无敌,其他人则满身缺点,这种想法和行为往往影响他们今后的发展,阻碍事业的成功。团队精神和合作意识并不是一朝一夕可以形成的,也很难通过课本和教师传授来发展,最有效的方式是在潜移默化中通过大合唱、集体舞、朗诵等艺术表现形式来形成。在活动的过程中,学生会在理解、谦让、合作中形成具有统一意志和共同情感的团结的集体,参与的学生会自觉自愿地接受既定的规则和约束,也会体会到要想成功就必须具备团队精神和合作意识。艺术教育对于中职卫校学生的各方面发展都有着不可替代的作用,然而目前中职学校艺术教育缺失比较严重,艺术教育形同虚设,很难达到教育目的。因此,在中职卫校中如何有效开展艺术教育成为了亟待解决的问题。 二、加强中职卫校艺术教育的对策 (一)转变观念,正视艺术教育的重要性 现在艺术教育处于如此尴尬的地位都是由于各方面没有正确认识到艺术教育的价值。因此,要顺利开展艺术教育,首先要让教育行政机构的领导者、教师、家长和学生摆正观念。充分认识到中职卫校开展艺术教育的重要性,认识到艺术教育不仅对个人的全面发展,对社会和谐和可持续发展都有着重要意义。以本校为例,专门设立的校团委就经常性地组织相关艺术文化活动,如文化晚会、诗歌朗诵、大合唱、书法大赛等,还有每年的艺术文化月,这些都是在学校层面上对艺术教育的重视与推广。 (二)建立有利于艺术教育的考核制度和评价机制 考试是检验学生学习效果的有效手段之一,但是却不能成为教育的目的,不能为考试而考试。中职卫校的学习以专业知识为主,考试也主要是围绕国家相关资格证展开。这些资格证的考取与颁发并没有体现出艺术教育的身影,因此,教师与学生自然将学习的主要精力放在了专业课程的学习上,大大忽略了艺术课程的存在。要改变这种现状,需要在平时的考核中采用适当的评价方式,提高学生的学习兴趣。要求在完成专业课程的基础上必须完成一定量的艺术课程,具体的表现形式可以让学生自行选择,将它作为升学毕业的其中一环。这样不仅可以提高学生的素质,还能丰富学生的业余生活。 (三)以班级为单位,营造艺术氛围 班级是学校的个体,是个人的集体,因此,要在学校范围内形成艺术教育的氛围,就必须以班级为载体,从班级出发。学生在学校的生活、学习基本上是以班级为单位的,因此,要开展艺术教育,形成良性竞争应该充分利用班集体的力量。班主任或学生干部等可为班级设定一定的艺术方向,并努力将本班朝该方向进行打造。例如某护理班女生较多,且喜欢舞蹈,那么就可以引导将该班级重点打造为“舞蹈班”,让少数同学带动其他同学,在全班范围内形成学舞、跳舞的艺术氛围,进而在全校范围内进行同类型艺术活动的良性竞争,带动全校形成浓厚的艺术氛围。 (四)提供“与专业特色相结合”的艺术教育资料 现行的艺术教育课程是为全体中职学校服务的,专业特色并没有体现,要真正体现“以人为本”“以学生为本”的观念,需要学校在以下几点多加考虑:其一,加强师资队伍建设。学校应该引入并重视艺术专业人才,同时将艺术师资素质的发展列入学校师资队伍建设的整体规划中统一考虑。其二,充实、更新设备。巧妇难为无米之炊,试问没有符合艺术专业特征及需求的音响设施,又如何要求学生学会欣赏高雅音乐呢?其三,根据专业特色编写艺术教材。俗话说“隔行如隔山”,每个专业其实都有其特殊的艺术魅力与表现形式,想用一本书上完三百六十行是不现实的。例如护理专业多为女生,且今后从事的主要为医疗服务工作,因此,在艺术教育上应多选择柔美、积极、阳光的表现形式,在音乐欣赏方面可以多选择一些医院常放的轻音乐等。 (五)形成社会、学校、家庭三位一体的复合模式 在艺术教育的形式上,应该实行社会、学校、家庭三位一体模式。仅仅依靠学校的艺术教育是远远不够的。社会艺术教育包括少年宫艺术教育,以及通过博物馆、美术馆、各类展览以及互联网等开展的艺术教育;学校艺术教育是各类在校开展的课外活动及艺术活动;家庭艺术教育是在家庭中进行的艺术教育,一般由家长进行引导和开展。三位一体的模式把艺术教育与学生的日常艺术生活有机联系在一起,改变了传统的教师单方面传授的封闭式教学模式。利用这个方式进行艺术教育,需要学校做好家长的引导和指导工作。特别是一些已经具备一定艺术修养的学生,要鼓励学生学会坚持,不要仅仅着眼于现在,更要关注到将来对自己的职业发展带来的优势。艺术教育工作无论是课堂教学还是课外活动都是一项难度较大的工作,需要相关领导、艺术教师以及学生的辛勤付出才能收到效果。然而,正是在这个努力的过程中,可以极大地提高学生的艺术感知力和表现力,巩固艺术知识,提升人文素养,提高艺术技能,发展和锻炼各方面的能力,提高自己的综合素质,为今后走上工作岗位打下坚实的基础。中职卫校应该关注和重视艺术教育的重要性,将它作为德育和职业教育的必要一环。 作者:丁维敏 单位:桂林市卫生学校讲师 艺术教育论文:校校联合教学模式下环境艺术教育论文 1课堂专业理论教学的现状 课堂专业理论教学是高校主要的教学形式,是整个教学过程中的重要环节,直接影响着人才的培养质量。与艺术设计专业的教师和学生进行交流,座谈发现:学生不同程度上忽视了对课堂中理论知识的学习,认为理论知识不重要,课堂中不能进入学习状态,表现松散,不专心,影响教师的教学积极性。另外,一部分教师课堂内容准备得很充分,也很熟练,但在授课过程中先入为主的引导,按照自己以往的教学习惯和方式进行讲解,面面俱到,忽略了学生的感悟体验,没有把学生的积极性调动起来,所以更谈不上兴趣了。因此,就出现了学生认为课堂学习枯燥、单调,部分学生厌学;教师认为学生配合不好,教师厌教的情绪。教师教得没劲,学生学得无趣。这些都是教学模式单一,教学方式闭塞,教学观念不到位所造成的课堂教学现状。 2“校校联合”教学模式的必要性 高校是大学生研究学问,培养创新能力的重要场所。在学与教的过程中要及时补充更多的理论知识和前沿性研究成果,才是理论教学的最终目的。如何达到理想的课堂教学效果,单靠教师自己充实教材内容,本校师生校内进行交流和讨论是远远不够的。必须建立和尝试新的教学模式———校校联合。多年来,为了培养学生的实践操作技能,形成了“校企联合”的办学模式,学校与企业建立实习基地,让学生从学校进入企业,对学生的操作能力有了显著的提高。那么,课堂专业理论知识的讲授与学习也应该形成“校校联合”的教育新模式,使学生和教师从本校课堂走进其他院校的课堂,从在学校内部的交流扩大到学校与学校之间的交流。从中汲取更多、更广、更新鲜的专业理论知识和授课方法,学生的接触面扩大,有利于调动学生的学习积极性。学校之间也可以资源共享、优势互补、互相促进、共同发展。从多方面考虑,“校校联合”教学模式的尝试是必要的,有利于教学的发展。 3“校校联合”教学模式的初步设想 1)建立学习小组,创建管理制度。为推进“校校联合”的教学提供基础条件。避免管理上的混乱。 2)明确学习方向、学习内容、学习任务。再此基础上确定具体学习的课程,制定学习计划,确定学习目标。 3)成立教学小组,在“校校联合”过程中依据校校互通、专业结合、动态组合的原则,形成稳定的教师队伍,以便教师在教学和科研上能够互相学习和交流。 4)形成新的评分体系标准。在课程改革的同时,对评分标准也要做相应的调整。以往评分方式大多以作业成绩或考试成绩作为唯一标准,以授课教师的评价为主。根据教学方式的改革,应该由学校双方对学生和教师进行综合的评定。 5)确定学习课程结束后需要完成的作业形式。在作业完成的过程中,学生之间可以通过讨论,交流、合作多种形式进行。教学小组共同辅导。 6)通过对“校校联合”教学模式实施过程进行探讨,通过讨论:提出问题—进行分析—探索方向—总结优点、避免不足。 4“校校联合”教学模式预期效果分析 1)提升了教师的综合素质。通过改进教学模式,教师能够积累更多的教学新经验和方法,增强了课堂生命力和吸引力,对学生更具有吸引力。 2)增强了学生的专业能力。能有效地增加提高学生的知识面和思维能力,能培养和提高学生独立分析和解决问题的能力。 3)加强了教学的针对性和有效性,有利于新型师生关系和同学关系的建立。拉近教师与学生之间的距离。 5结语 “校校联合”需要互相支持、优势互补、资源互用,从而实现高校与高校之间的相互协助。在“校校合作”教学思想的指导下,通过具体操作的研究,希望能探索出一种具有特色的教学方法和教学形式,帮助学生和教师在专业上更进一步。 作者:连璐 段炼孺 郑培 单位:西安工程大学艺术工程学院
教育教学方面论文:比较教育学体制下教育教学论文 一、比较教育学的现状剖析 1.对国外的比较教育停留在介绍层面。 比较教育学是因为“研究他国教育经验,推动本国教育发展”而出现在教育学科这个庞大的学科“族群”中。“关注国际教育发展,借鉴他国教育经验”为优秀的知识领域,建立起它在教育学科体系中的独特地位。然而当前很多比较教育学的研究停留在介绍层面,单纯的现象描述居多,缺少文化层面的深刻分析,而且借鉴的国外经验,针对性不强,“放之四海而皆准”,没有将比较教育学的学科优势凸现出来。例如谈中英高等教育改革和发展的比较研究,多数学者都会把英国概况、改革和发展的历史介绍一番,再说对我国宏观层面的启示,多是泛泛而谈,使这类文章参考价值甚微。 2.未能辩证看待国外理论。 对外国理论假设,要思考、质疑,保持对其的警惕性,对其适用性和有效边界要给予充分的反省。通过文献梳理,笔者发现很多研究者把建立在西方土壤上的理论框架奉为神明,把用西方理论视角引入论文中的研究视为创新,不免有牵强附会之嫌。试问不研究扎根于中国土壤的文化,怎么可能做出“接中国地气”的好文章来?因此,对中国当前国情的准确把握,是搞好教育科学研究的出发点。另一方面,外国教育也存在问题,它的“月亮不一定比中国圆”。就英国高等教育而言,它的质量世界闻名,可是也面临着一系列挑战。2010年12月,英国政府五次上调学费,加之政府对高校经费投入不足,高校的校外捐赠较少,导致高校建设资金短缺,引起社会动乱。再如,在牛津和剑桥这两所著名高等学府中,来自普通劳动者家庭的学生只有9%,亟待解决教育机会均等问题。可见辉煌的成就下也有阳光照射不到的阴影。因此我们在面对外国教育理论与经验时,必须辩证分析,使其在中国土壤里完成“意义转换”。 3.研究方法上普遍重“思辨”轻实证。 研究方法既是一种知识的体系(思维方式),又是一种行为规则(行为方式),还是一门学科的关键支点。比较教育研究之“比较”,并非只是把两国的教育现象放在一起进行对比性描述,绝不仅限于“形式”上的比较,而是要做因素分析,并在多种错综复杂的因素中,得出教育规律的新研究。然而纵观中英两国比较高等教育的文章,发现国内比较教育学者多从文献、官方数据中获取国外的教育信息,空想型的思辨文章大量涌现,鲜有植根于国外的教育土地进行实证分析的文章出现。众所周知,“没有调查就没有发言权”,写出来的文章自然缺乏文化内涵。 4.研究对象较片面。 一般认为,国家的经济发展水平与该国的教育发展水平成正相关,因此在比较教育研究中,长期存在着以英语为第一语言的经济发达国家和地区为中心的借鉴垄断局面,使得我国的比较教育学者对英美等西方发达国家的教育研究较多,而对拉丁美洲、亚洲和非洲的发展中国家研究较少。本研究在考察中英比较教育研究的同时,也关注其他国家。例如,我国对亚洲日本、新加坡、韩国、印度等国家的教育研究较多,而对亚洲其他国家的关注较少;对非洲的研究,主要集中在浙江师范大学非洲教育研究所,其他大学几乎没有该项目的涉猎;在拉丁美洲的教育研究上,也多是对巴西进行研究,对拉丁美洲的其他国家研究较少。由此可见,我国比较教育学的研究对象还是较为片面的,未能构建成一个以高校、研究机构为优秀的学术共同体来保证该学科的多方面可持续发展。 二、比较教育学去向何方 教育无论站在什么样的立足点,运用什么样的研究方法,“文化”都是所有探索与讨论必不可少的一部分。从文化的视角出发,批判吸收外国理论,形成比较教育学特有的研究范式,提高其在教育科学诸学科中的成熟度,是未来发展的根基所在。为此,比较教育学的学科建设应着重从以下方面提升: 1.多元文化与教育相融合。 多元文化既可以是一种政治态度、一种意识形态,也可以是一种历史观、一种教育思想,其优秀是承认文化的多元性,承认文化之间的平等和相互影响,打破西方文明作为强势文化在思维方面和话语方面的垄断地位。教育本身就是人类社会一种重要的文化现象,不同的教育反映的是不同的社会文化内涵。比较教育学的突出特点在于它所面对的是不同国家民族文化传统中的教育现象。由于社会环境和文化传统的差异,构成了不同国家与社会的教育差异。从长远的发展来看,需要采用兼容并包的态度,取其精华去其糟粕,将中国与外国的教育理念有效融合。 2.批判思考与有效借鉴相结合。 在我国比较教育学科体系尚未成熟之时,多采用翻译、引进等介绍性研究。然而教育研究中过分依赖外来理论而忽视本民族和文化的研究,这是当今教育理论不能解决实际问题的根源之一。我国著名教育家陶行知先生就曾批评那种不顾中国社会的实际情况,一味效仿西方教育模式、制度的做法,将其比成“拉东洋车”,是“害国害民的事,是万万做不得的”,主张要“敢探未发明的新理,敢入未开化的边疆”。由于基本国情、社会制度、文化传统等方面的不同,不能把英美发达国家的教育教学模式原封不动地搬到中国来。本土化才是中国比较教育研究必然的价值追求。在今后的比较教育研究中,应把国际化和本土化联系起来,互为条件,互为补充,具体问题具体分析,使其真正扎根于中国的社会土壤之中。多融入一些中国“元素”,少一些“拿来主义”,批判思考与有效借鉴相结合,才能真正地实现中国教育的大发展、大繁荣。 3.多样化学科与研究方法相完善。 近几十年来,比较教育学主动借鉴、引用其他社会科学的研究方法,形成了描述研究法、统计研究法、因素分析法、历史研究法、阶段分析法等较为成熟的研究方法,还积极运用社会学、人类学、心理学、经济学、政治学、统计学、语言学、数学等多样化学科来完善自身的学科建设。可喜的是,有不少研究者已将更多的社会研究方法运用于比较教育研究之中,给学界吹进一股清新之风。然而,我国比较教育研究起步晚于西方发达国家,所取得的成果基本上都是借鉴西方发达国家教育学界通用的研究方法和科学范式,整个比较教育学都充斥着西方化的术语。还应看到我国比较教育研究方法相对滞后,更多是形而上的、思辨型的,因而远没有形成比较教育学独特的话语体系和基本的学术规范,这在很大程度上影响了比较教育学的学科基础和发展潜力。作为一门社会科学学科,比较教育学必须加强自身的理论架构,最重要的是彰显其在教育科学诸学科中的独特地位,提供具有概括力、解释力和生成力的方法论体系。 4.全球化视野下的开放与综合相统一。 随着全球化进程的加快,比较教育学应该站到更高的层次去反观教育学自身,造就其开放性品质。开放性讲究四重境界:第一重境界是“输入”即“引进来”的策略,将外国的民族、文化、教育引进本国,以作参考,目的在于反思、理解、认识和改造本国的教育。如聘请国外专家、科研人员到我国讲学,参加学术会议,把国外先进的理念带到我国。第二重境界是“输出”即“走出去”的策略,将本国的民族、文化、教育介绍给外国,使中国走向世界,以确立本国在世界教育大家族中的地位,扩大对世界教育事业的影响力。当前国内的教育杂志多关注国外的教育研究动向,却忽视了我国教育科研成果的对外传播。教育文化的传播具有双向性,若只强调单方面,就会失去平衡,不利于学术的平等交流与合作。因此需组建专门的学术团队对外介绍我国的教育发展状况,促进我国在教育科研上的平等对话与交流。第三重境界是“重合”,推动教育事业的全球化运动,增进彼此的了解,促进本国教育与外国教育的交流与合作。其中加强高校间的国际合作,扩大跨国人才的培养比例是一个重要环节。第四重境界是“创新”,也就是在新的条件和水平下的自我更新,创新是一个民族发展的不竭动力。比较教育学需要注入创新的血液,无论是从方法还是眼界,都需要有专属于自己的东西。作为一门常有“舶来品”的学科,如何加强对西方教育思想本意的深刻把握、对其正确性的批判思考、对其在中国实行的可行性研究、对其研究对象的全局性把握等,有待于在跨文化研究中得以更深一层次地挖掘与探寻。 作者:翁楚倩 单位:陕西师范大学教育学院 教育教学方面论文:职业人园艺技术教育教学论文 一、我国高等职业教育兴起和发展回顾 在巨大困难挑战面前,全国高职院校坚持把好“人才培养”质量观和“改革为动力、创新图发展”的战略观,不断改革教育教学方法和创新人才培养模式,走“校企合作、工学交替”的技能型人才培养道路。在党中央、国务院大力支持和各级教育行政部门的正确领导下,全国高等职业院校始终采取一方面借鉴普通高校成熟的教学及管理办法,另一方面积极主动吸纳美国、德国、澳大利亚等发达国家职业教育的先进经验,切实加强师资队伍、实训条件建设,紧紧围绕就业市场开展以提高学生专业优秀技能为目标的教学改革与实践,力求使学生在真实场景中学习、在项目任务教学过程中训练,严把技能考核关,着力培养合格的高技能型人才。十年磨一剑,实践是检验真理的唯一标准,到2011年底为止,全国已批准建成两个100所部级“示范”和“骨干”高职院校,这些院校以鲜明的高职特色和产学优势引领我国高等职业院校朝着更加广阔的未来挺进,职教的明天更辉煌。 二、教育教学改革推动职业教育发展 我国高职院校一贯坚持以“服务为宗旨、市场为导向”的办学方向,切实做到专业开设依据市场需求、教学实践贴近岗位要求,严格实行理论与实践相结合,狠抓各教学实践环节,确保广大毕业学生的“知识、文化、技能”充分满足就业岗位需要。教育教学改革是提高职业教育人才培养质量和毕业生就业率的有效办法。我国高等职业教育自出现以来主要经历了任务驱动的“项目化教学”和基于工作过程的“行动导向”教学改革,每次教学改革实践都抓住了技术技能型人才培养的优秀与实质,顺应了用人单位的岗位需要,行业、企业肯定,学生、家长满意,社会反映良好,高职教育越办越红火、越办越兴旺。教学改革助推高职教育向前发展,纵观贵州省的部级“示范校”(省交通职业技术学院)和“骨干校”(铜仁职业技术学院)以及几所被评为“省级示范校”的高职院校,他们无一不是“教改有方略、办学有特点”。 三、对“职业人”导向教改的理解 基于“职业人”为导向的职业教育教学改革正在悄然兴起,我们认为它必将会成为我国高职院校新一轮的教改方向,理由如下。 1.基于“职业人”导向教改与以前的任务驱动的“项目化教学”及基于工作过程的“行动导向”教学改革有所不同,但它们之间并不产生矛盾和冲突,严格意义上来说“职业人”导向教改就是前两轮教改的延续和升华,“职业人”教改更加体现出对高技能人才的职业素养培育。 2.基于“职业人”导向教改更全面、更准确、更符合时代要求,它不仅强调对学生专业技能的培养,也强调对学生以后就业所需的职业道德、职业素养、竞争意识、创新能力等方面的培养及养成教育。 3.基于“职业人”导向教改符合职业教育发展方向,它突出高职学生“知识、技能、素质”的培养目标,这是时代的客观要求,也是党和国家赋予高职院校的神圣使命,作为职教人责无旁贷。 4.基于“职业人”导向教改紧扣时代节律和市场经济要求,能落实高职院校“服务为宗旨”的办学方向,能最大程度满足用人单位对高技能人才的综合素质要求,能使学生在促进产业发展和企业腾飞中发挥自身的重要作用。 5.基于“职业人”导向教改强调了对学生创业能力的培养,客观上为社会主义现代化建设储备了大量敢于拼搏、敢于挑战、具备创业精神的高素质人才。 四、园艺技术专业基于“职业人”导向教改的优秀要素 2014年6月,我院生物与环境工程系以“园艺专业基于职业人为导向的教育教学改革与实践研究”为项目名称获得院级课题立项。调研结束后课题组成员将所收集的资料进行梳理和分析讨论,最终提炼出园艺技术专业基于“职业人”导向教改的优秀要素。 1.有理论和娴熟的专业技能———满足应岗需求。 职业教育对人才培养的规格是专业理论基础够用,技术技能稳定娴熟。本次调研受访行业专家都提出:高职毕业生应适应区域优势和农业发展需要,牢固掌握园艺植物优质、高效生产的技术技能,而专业理论能满足一线工作需求即可。例如麻江精品蓝莓生产管理能力;雷山、丹寨、黎平生态绿茶种植管理能力;凯里、榕江、三穗有机蔬菜培植管理能力;台江外销魔芋深加工能力;从江、锦屏优质椪柑高产栽培能力。 2.有自我更新知识的能力———完成新技术引进。 闽孝镇“鱼粮农业公园”是铜仁江口县着力打造的重点项目。“公园”位于著名风景名胜区“梵净山”脚下,是贵州省100个现代高效农业园区之一,它以旅游观光为目标实施种养结合立体式农业发展模式。纽泰克农业技术开发公司率先落户于其中,是全公园科技含量最高最具亮点的地方。公司建造玻璃温室,引进以色列技术从事高端水果型番茄、小黄瓜、上海青叶菜的水培生产,温室内利用计算机智能技术控制光、热、水、肥以满足种植蔬菜生长结果需求,按照该公司的话来说这是透明植物生产;又如凯里舟溪镇云谷田园农业示范区引进台湾菌肥生产有机蔬菜、瓜果,吸引了大量市民前来游玩和采摘消费,其经济效益可观。以上两个公司的负责人亲口告诉我们:对学生必须加强知识自我更新的养成教育,方能适应现代高科技农业发展需要,也才能满足咱们企业发展的需求。 3.有高尚职业道德修养———树立企业良好形象。 当今社会人们对企业要求越来越高、越来越苛刻,企业员工的思想觉悟、道德观念、形体穿着无疑不在影响公司的社会形象,凡职工素质不高、责任心不强、做事不认真、言行举止不雅者,均会对公司造成不良影响,甚至引起声誉褪色。项目调研发放回收到的176份问卷中,100%都填写“毕业生除了应具备娴熟的专业技能外还必须有高尚的职业道德修养”。 4.有农业品牌和商品竞争意识———推动企业发展壮大。 企业在激烈的市场竞争环境下必须内炼功夫,增强商品意识和竞争意识。高职毕业生在企业既是一线的生产者,又是商品质量得以保证的中坚力量,凡没有做农业大品牌的思想、工作敷衍了事、经营上有以次充好行为的都将会影响企业的生存发展。高职院校加强学生品牌意识、商品意识教育是所有企业老总的共同心声。 5.有农村经纪人素质———助推农业产业发展。 毕节威宁位于贵州西部,海拔2000多米,那里土地肥沃、雨量充沛、气候凉爽,可满足冷凉型大白菜、结球甘蓝、白萝卜常年生长需要。威宁是贵州乃至西南片区夏秋季蔬菜生产基地,蔬菜产品可供应全省和远销上海、广州等大城市。贵州省农业推广优秀专家、农业推广应用研究员、威宁县农业局疏果站站长董恩省同志在座谈中说道:威宁非常适合大白菜、结球甘蓝等十字花科蔬菜种植,亩产1~1.5万公斤,种植规模大,产品质量优产量高,盛夏季节各种蔬菜供应充足。可是缘于信息不灵、销路不广,威宁蔬菜价格低迷、年年滞销,严重挫伤了菜农的生产积极性。建议园艺技术专业高职毕业生应具备经纪人素质,能初次应岗、多岗位迁移,助推农业产业发展。 6.有勇于拼搏的创业精神———解决剩余劳动力就业。 在这年轻的年代,大学毕业生要有敢于拼搏、敢于挑战的创业精神。一直以来国家在农业上都有许多优惠政策和项目支持,毕业生可带领群众创办微型生产、加工或销售企业。黔东南职院2010级园艺技术专业刚毕业不久的李丛波同学去年11月在贵阳金阳新区创办了“醉花轩”鲜花店,花店解决了他本人及另一名青年就业。按照李丛波同学的规划他打算明年接收1~2名师弟师妹到花店工作。 7.有过硬的职业素养———带领群众脱贫致富。 黔东南州森林覆盖率高、生态条件好,各县市形成了许多园艺作物特色产品,如丹寨澄江西瓜、凯里晚熟水晶葡萄、麻江兔眼蓝莓、从江椪柑、雷山线椒、三穗榕江坝区蔬菜等,在州内外享有盛誉,十分畅销,州委州政府号召大力发展生态农业。民族高职院要立足黔东南农业经济培养大批量的高素质、高技能后备人才,只有在加强园艺技术专业学生基本技能训练的同时重视职业素质培养,他们才能真正成为农村脱贫致富的带头人。 五、对“职业人”导向教改的展望 要实现这些目标和任务必须有大批量的高素质技能型人才作保障。高等职业技术院校是培养技能型人才的摇篮,只有在高度重视学生的实践技能培养的同时不放松思想道德教育,才能完成党和人民交给的任务;只有不断探索新时期新阶段用人单位对高技能型人才的新要求才能适应就业市场的需要;只有突显对学生职业素质培养才能拓展毕业生就业渠道。我们坚信,坚持以“职业人”为导向,扎实推进教育教学改革使青年学生在“知识、技能、素质”上全面发展,高职院校就会实现“质量、规模、效益”上的进一步提升,中国的职业教育道路才会越走越宽广,前景会更加辉煌。 作者:邹波 田景文 韦信祥 姜云平 常青馨 杨平 单位:黔东南民族职业技术学院 教育教学方面论文:工业设计教育教学论文 1、政府加强干预和调控 我省的工业设计协会成立于80年代,是国内较早成立协会的省份,然而协会的工作开展艰难:一没有较自由宽裕的资金来源和财政权,二没有决策权和话语权,这就形成了说了不算,算了也办不了的状况。而省内的工业设计公司自2008年“黑龙江省彩格工业设计公司”成立以来也再也没有出现第二家。在这种状况下,若省政府牵头与相关职能部门联合制定出有针对性的关于工业设计产业发展的扶植政策,并给予相应的资金等资源投入,必定能使我省的工业设计产业的发展得到良好的、有效的促进。在2014年7月,由黑龙江省工业设计协会举办的“国家设计政策与促进发展工业设计事业的高级研修项目学习”中,与会人员不仅有教师,还有很多政企代表参加,这说明,我省工业设计的发展正逐步得到政府的重视。 2、灵活制定人才培养目标 工业设计是一门综合学科,体现的是艺术和技术的结合。我省高校的工业设计专业多数设置在“机械学院”、“工程学院”这样的理工类二级学院中,受工科影响严重。其正面影响是培养学生规范性、技术性,但其负面的作用似乎也有不少。例如:受院系教学管理制度规定,很多工业设计系不能按其教学内容自由选择校外实习时间,往往错过企业学习参观或风景采风的最佳时机;有的特色教学模式不能给予学生学分上的承认,也不能兑现指导教师相应的劳动报酬,打击了师生的创新性。针对这种现实问题,学校层面上如能针对本校工业设计专业教学中各种需求,从专业特殊性出发、学生出发、从市场需求出发,灵活调整教学模式和教学制度,不走形式、不走过场,让学生真正能够从中受益,提高专业水平。 3、加强校企交流 工业设计专业注重学生动手能力的培养。然而,学校资源有限,往往不能满足学生实践训练的要求,学生就业后通常需要很长时间来学习新技能。校企合作则是解决这一问题的良好途径,一方面能利用学校和企业的资源与环境,发挥学校与企业在人才培养方面的优势,另一方面将理论教学与生产实训有机结合,实现学生职业能力与企业岗位要求之间对接的人才培养模。在浙江、广州等工业设计发达的省份,这一模式早已启用,企业甚至还向学生购买设计专利,进一步实现了互惠互利。 4、不断提高教师水平 教育质量的高低,关键取决于教师队伍的整体素质。这看起来似乎是老生常谈,但真正做到这一点不仅要靠政策的扶持、资金的支持,还要靠教师自身的积极性和不断的努力。教育教学机构为专业教师提供机会参与国内外学术交流,教师自身调动专业教师学术研究积极性,转变部分教师工作、教学观念,不等不靠不抱怨,从小处积累,不断地壮大我省工业设计的教育事业发展。 作者:张佳贺 单位:东北石油大学机械科学与工程学院工业设计系 教育教学方面论文:环境保护教育教学论文 1、德国中职建筑类工种教育教学中环境保护的做法 在德国为期八周的建筑技术专业中职教育教师培训中,不仅接触了建筑类工种的教学大纲和以行动为导向设计的工种职业教育教学过程,更使我们亲身感受在全教育教学过程中环境保护知识和理念是如何传授和灌输的。 (1)德国建筑技术职业教育是“三元制”(国家层面提的是“双元制”) 由职业学校、跨企业培训机构和企业三方共同培养学徒工,职业学校承担理论教学、跨企业培训机构承担实践性教学,企业承担实习任务。跨企业培训机构的实训周每学年逐渐减少,第一年有20周在这里学习,只有12周是在职业学校学习理论课。企业是逐年增加教学周时间的,但这三年在职业学校的学习时间基本都是12周。文化基础理论知识的学习贯穿在三个学年,理论学习是基础。跨企业培训机构,不仅接收职业学校的学徒实践课教学,而且还承担了成人职业培训以及7~10年级中学生认知教育,资源共享、优化组合。职业学校没有实训基地,避免了重复建设。实践教学在培训机构实施,如BIW培训机构承担砌筑工、筑路工、木工、外墙工等实训教学,这里有大型的实训车间,先进的实训设备,并且有大型的环保设备(除尘和排风设备)、严格的管理制度,指导教师都有企业工作经验,并且都是通过国家考试—师傅级别。在建筑材料试验室,如沥青(对人体有害材料)检测试验,采用的是封闭试验设备,旁边有淋浴设施。试验结束如皮肤上沾有沥青工作人员不出实验室就可以清洗,这样减少环境污染和人体的危害。 (2)在职业教育法BBIG(国家层面)中明确规定建筑18个工种的学习范围 其中第4条是环境保护的要求,具体相关环境保护知识内容在教材中体现;在职业教育法中关于职业教育体系考试制度明确规定了各个工种的考试要求,其中考试范围如砌筑工不仅有专业知识的还有经济和社会知识,在经济和社会知识范围内就有环境保护的考点。可见德国对环境保护不仅在法条中做出规定,而且要求参加部级别考试也是必考内容。 (3)教材中环境保护知识突出体现出来。 德国建筑类中职建筑类教育的教材,在前言后给出知识点的标识,在内容复述处再加以标识提示环保等相关内容,无论是学生还是教师以及相关建筑行业人员,使用教材不仅可以学习到相关的环保知识,更是起到醒世的作用,可见德国环境保护理念的强化度很高。 (4)在教育教学行为中体现环境保护的理念。 1)教学环境中环保场景设置。职业学校校园内和BIW培训机构场区内布置有专门的吸烟区,在教学场所设置分类垃圾箱。特别是我们参观的职业学校,教学楼、实训室处处窗明几净、物品堆放有序,在体育馆、木工实训车间采用天窗采光。环境保护不仅仅是说教,更是有这样的校园情境。2)教师的教学行为中环保理念的体现。我们进行砌筑工的工种实训,BIW培训机构不仅给我们发工装裤,而且有工装鞋(大头高腰皮鞋),要求着装进场。在车间内所有工具分组排放在工作台上,所用材料规整堆放,并且按人数计算出的用量,指导教师做专业指导,让我们在安全协议页上签字。在料斗中拌搅灰料,而不是在地面上;在清洗工具池下部设有接水箱,水经过沉淀,再排出室外。这样一方面不污染周围环境、另一方面可以节约材料。指导教师在示范演示时,不时将落地的灰料清入料斗,在实训结束时,与大家一起清理现场,工完场清。在课堂教学中,老师采用行动导向教学法授课,使我们亲身体验了多样的教学方法产生的效果,将教学内容中用到的常用知识,用翻页纸写好悬挂在教室,发给学员的讲义,就是简单PPT形式,没有过多的文字。老师真真切切以自己行为在进行环境保护,为保护生存环境尽心尽力。 2、我们教育教学工作中环境保护意识的强化 在德国为期八周的中职教师建筑技术专业进修学习,我们真真切切感受到埃尔夫特优美的自然环境、好的空气质量、以人为本的公共设施;更使我们亲身体验了保护生态环境在职业教育教学过程中丝丝入微的贯彻。作为一名中国中职学校建筑施工专业的教师,即是环境保护的践行者更是环境保护知识、理念的传播者,保护我国生态环境,减少施工过程的污染,培养即懂专业知识又懂环境保护和控制污染的建筑施工一线的技能型人才是我们的责任,借鉴德国的建筑类工种职业教育课程设置和人才培养方面的经验,进行优化整合我国建筑工程施工专业的课程体系,将环境保护知识有机地融入相关学习领域中,教师通过教学行为体现环境保护意识,强化学生在绿色建筑材料应用、建筑污染控制与安全管理等方面的能力,通过灵活的培养模式激发学生的专业兴趣,进一步培养学生的创新思维。教育部职成司司长葛道凯所说:“职业教育是所有人生活质量的保证,如果职业教育素质提高了,我们整个社会的生活质量都会提高,职业教育让生活更美好”。因此在职业教育中融入环境保护,提高学生的环境保护意识是当务之急。我们要继续构建建筑工程施工专业的其他学习领域融入环境保护知识的内容体系;将环境保护纳入教学质量评估体系中;编写有强化环境保护知识点的教材(借鉴德国教材)。环境保护在职业教育中任重而道远,经过不懈的努力,我们国家会有人心所向的生态环境。 作者:白丽红 吴承霞 单位:河南建筑职业技术学院 河南省建筑工程学校 教育教学方面论文:高职慕课教育教学论文 1“慕课”的特点 ①碎片化教学。 与过去的远程教育和公开课只是简单的把老师上课的内容录下来放到网上去不一样,慕课是将一门课的内容分解成若干个知识点,每节课都由10到15分钟的短视频组成。 ②个性化学习。 学生根据自己知识的掌握情况选择学习内容和难易程度。慕课每讲完一个知识点,就会有相应的测试题出现,像游戏过关一样,学生必须答对才能进行下一个知识点的学习。 ③多元化评价。 与传统的期中、期末考试不同,慕课可以通过软件实现课堂测验的评分,学生之间讨论的互评等多元化评价。 2慕课在高职教育教学中的应用 2.1形成区域化高职慕课联盟 慕课的制作需要投入大量的人力、物力、财力,还需要有强大的网络技术、视频拍摄、剪辑、合成等技术和人才的支持,而高职院校很难单独具备这些条件,这就需要同一地区的高职院校,整合资源,形成联盟组织,共同进行慕课的开发与运行。同一地区的高职院校可以根据自身专业优势,选择本院校最擅长的课程进行慕课制作;也可以由多名不同院校的高职教师共同制作某一门课程的慕课,共享到区域化慕课平台,联盟内各高职院校的学生注册即可学习,完成学分,即可获得本门课慕课学习的认证。 2.2“线上线下”多元化教学模式综合应用 高职教育与本科教育不同,除了理论知识的学习,更注重实际操作的技能训练。而慕课完成的只是“线上”理论知识的讲解和实际操作的演示,高职学生更需要在“线下”进行反复的实践操作训练,和老师的现场教学。高职教育应该将慕课与“翻转课堂”、项目教学法、任务驱动法相结合,采用项目教学法等方法录制慕课,学生通过课下“线上”慕课学习相关理论知识,与老师在“线上”进行探讨答疑,课上“线下”由老师进行知识的巩固和实操的训练,此时的课上不再局限于教室,实验室、操作间、生产现场都是“线下”进行实训操作的选择,学生在“线上”的疑问,在“线下”就会得到更好的解答,这样才能真正实现课堂的“翻转”,提高高职教育的教学效果,真正提高高职学生的职业技能。 2.3多层次考核评价 慕课这一新兴的教学方法给高职教育在考核评价方式上也带来了更多的选择。学校可以结合“线上线下”成绩综合评价学生。“线上”学生可以通过慕课学习完成测验,得到相应分数,论坛中讨论进行同学互评,老师还可依据讨论结果进行打分,每个人都有机会发言,弥补了传统课堂上讨论受限的弊端。“线上”的成绩不全面,还有一定的片面性和弊端“,线下”课堂上老师可以结合课程特点进行笔试、面试、实际操作等考试全面考核评价学生。 3高职教育教学中慕课平台的搭建 3.1高职院校统一搭建慕课平台 我国现在已有了一些初具规模的慕课平台,比如由教育部开发的“爱课堂”,清华大学的“学堂在线”,果壳网的“MOOC学院”,但针对高职教育的寥寥无几。由于高职教育的特殊性,区域内的高职院校应联合开发慕课平台,针对高职课程和学生的特点,开发高职慕课课程,同时有利于实现各高职院校的资源共享,加深“校校”合作。 3.2校企合作搭建慕课平台 企业可以提出他们对员工技能的需求,高职院校根据这些要求开发慕课,还可以聘请企业有经验的“师傅”加入到慕课的开发中。企业可以从完成这些慕课的学生中择优入取,这些学生为企业“量身定做”既有理论知识,实践技能又过关,同时满足企业岗位需求,免去了企业的很多招聘和培训的成本,真正达到了校企合作“共赢”的目的。 4结语 高职教育一直在进行适应时代特点的教学改革,“慕课”的兴起给高职教育改革注入了新鲜血液,带来了新的机遇与挑战。高职教育应结合现有教学模式,开发适合高职学生的慕课课程,形成区域化慕课联盟,“线上线下”多元应用。 作者:刘莹 单位:辽宁水利职业学院 教育教学方面论文:质量保证体系下教育教学论文 一、教学质量保证体系建设现状 (一)国内教学质量保证体系建设现状 在国内,各高校建立教学质量保证体系的时间并不长,中国人民大学于2000年设立了“中国人民大学本科教学质量体系”项目。目前各高校教学质量保证体系主要包括教学质量目标、教学资源管理、教学质量监控和教学质量改进等几个模块。如同济大学本科教学质量保证体系包括教学质量目标和管理职责、教学资源管理、教学过程管理和教学质量监控、分析和改进等四个方面;西南交通大学本科教学质量保证体系由目标、组织、管理、评价反馈和条件保障五大系统组成。课程评估不仅是清华大学教学质量评估的重点,而且是清华大学保障教学质量的重心。建立课程教学质量保证和评价体系的工作主要有以下几方面:确立课程总体结构的评价准则;有计划地建设重点课程;开展“一类课程”评选,坚持以评促建的工作方针;制定并落实激励政策,促进课程建设。学校对专家的评估采取直接评估和间接评估两种方式,并且把集中评估与日常评估结合起来。华中科技大学质量保证体系的基本要素由准确先进的培养目标、丰富优质的教学资源、规范有序的管理服务以及适度有效的监控评估四个方面组成。结合华中科技大学的实践,在形成学科大类课程平台、建设精品课程与实验室、建立院系教学自我管理机制、下移管理重心与增强服务意识等方面都取得了较大的进步。 (二)国外教学质量保证体系建设现状 20世纪90年代以来,世界范围内都开始掀起高等教育质量保证的热潮,已有100多个国家建立了高等教育质量保证机构。以美国为代表的质量认证模式、以英国为代表的院校审核模式、以法国为代表的政府评估模式、以日本为代表的自我评估模式等是目前国际上高等教育质量保证与评估的几种主要模式。美国的高等教育是由社区学院负责实施举办的,高校质量保证体系隶属于美国高等教育质量保证体系。为了保证高等教育的基本质量水准,应运而生的一些非政府组织对高等学府和学科进行了认证。美国通过对高等院校的认证进行教育质量评估,认证指标强调院校内部质量保证体系的建立。认证分为全面认证和局部认证两种。认证一般步骤为合格性评审、院校自评、现场访问、专家组书面鉴定报告、认证结论、监督。英国由高等教育质量保证总署组织实施高等教育质量评估,任务是提高公众对高等教育提供的质量及其判定标准的信任。英国一直主张高等教育质量与大学自治,大学自治的理念与市场经济有机结合,使英国高等教育质量保证体系呈现出多元特征。它的组成部分包括:质量监控,即为保证教育质量而实施的管理过程。质量审核,旨在对高校承诺的质量水平进行外部评估。质量评估,旨在教育质量的评估报告,评估有关大学的教学质量状况,提出有关的改进建议。社会评价,主要有三种形式:校外人员直接参与学校管理;专业团体及其他组织的质量评价;每年《泰晤士报》一次高校排行榜。法国高等教育质量保证体系主要由三个方面构成:国家高等教育研究委员会、高等教育国家评估委员会和其他机构。法国高等教育评估有别于英、美等国的质量评估,它不仅对单个高校进行评估,而且通过分析各高校的情况,着重评价整个高校管理系统。因此法国高等教育评估首先是对国家教育政策的评估。从保障体系的目的、过程、结果和主体四个方面来看,法国高等教育质量保证体系是政府主导、社会参与、责任导向、多层次的体系。在日本,高等教育评价的发展方向由国家主导,国家在给予大学更多的自主权的同时,将评价作为改革高等教育的政策工具和维持国家对高等教育影响力的重要手段,评价以学校内部评价为主,注重内外评价相结合。文部科学省对高等教育质量负首要责任。日本高等教育质量保证系统主要以国家进行授权和监管两种基本形式。日本所有高等教育机构都是自治的机构,高等教育机构自身有一个重要的任务,即高等教育质量保证。当然,也存在个别受政府委托的自愿评估组织参与确保和提高高等教育质量。 二、教学质量保证体系存在的问题 高等教育的教学质量保证体系尚处于探索式发展的阶段,综合国内各高校教学质量保证体系上存在的不足,主要表现为:信息反馈系统尚需完善;评估系统和评估机制尚需改进;与质量保证有关的权力机构和执行机构及其职责尚不明确;缺少教学质量目标体系的研究;尚未建立科学有效的教学质量持续改进的系统;开展国际合作的程度有待加强。 三、建议 1.教育质量保证体系应以学生学习成效为本。 学生应积极对工作后是否完全能胜任现有工作、是否在高校培养了自学能力及从事科学研究的能力等情况进行自我评价,并反馈给高校,从而帮助改进教育质量。 2.教育质量保证体系需要社会各界支持。 社会各界对高校培养的人才应进行客观评价,并提出社会需求,及时反馈给高校。同时,高校应正确对待社会各界对高等学校人才培养质量问题的批评,虚心接受其建议,完善自身的质量保证体系。 3.教育质量保证体系应重视教育评估。 根据目前国内外对高等教育评价的现实情况,在一定时期内,高校教育评估对教育质量的促进仍然是一种有效的手段。因此,应该尽快建立院校自我评估、合格评估、审核评估、专业认证及评估和国际评估等“多位一体”的教学评估制度。同时,面对纷繁的评估结果,高校应该建立与人才培养规律相适应的质量保证体系,不要被评估的结果过分干扰。 4.教育质量保证体系需要政府主管部门的主导与协调。 教育主管部门在高等教育质量保证体系中起着重要作用,教育主管部门应明确其责职,并积极引入和协调好第三方评价机构,正确客观地评价高等教育质量。 5.教育质量保证体系实施的关键在高校。 高校应建立明确的教学质量目标和持续改进的教育质量保证体系,国际上高等教育质量评价与保障措施在不断发展与更新,有条件的高校应该积极开展国际评估,通过与国外高水平专家开展合作,来了解国际高等教育质量评估前沿,完善自身的教育质理保障体系。 作者:杨坪 孙雪青 吴民晖 单位:同济大学土木工程学院地下建筑与工程系 教育教学方面论文:数学素质教育教学论文 一、在数学教学中实施素质教育是必要的 素质教育主要是以提高全体学生的基本素质为基准,注重开发学生的智慧潜能,同时还要培养学生的高尚品德以及丰富的知识和具体的实践能力等为主的教育,让学生的德、智、体、美等得到全面的发展。素质教育能更好地促进学生掌握一些数学知识和一些基本的学习能力,让他们更好地去接受更高层次的教育。数学是一门基础性的教育,也是一门重要的学科,学生数学素质的高低,直接决定着他们的学习和创新能力的发展。所以说,培养学生的数学素养也是提高他们素质教育的必经途径。在数学教学中,教师要将素质教育贯穿于整个教学当中,提高学生的学习能力,最终为提高他们的整体素质服务,这也是当前数学教学改革的中心议题,也是数学教学中实施素质教育的根本所在。 二、加强学生逻辑思维能力的培养,培养学生良好的思维品质 思维是指导人类一切活动的最终向导,其中,逻辑思维对人类的影响也是很长远的,它主要体现在人们生活中的方方面面。也正因为如此,现代教育对于培养学生的思维能力的要求也在不断地加强。作为一名数学教师,在传授给学生知识的过程中还要为学生创造一些真实的情境,让学生在特定的情境教学中探索数学知识的同时,锻炼自己的逻辑思维能力,让学生更好地将所学习的知识应用于实际的生活中,并且还要利用生活中的一些问题来激发学生学习数学知识的兴趣。比如,教师在授课的过程中,可以举一些生活中的实例,更好地吸引学生学习的注意力,在课堂上多为学生提供一些参与的机会,进而再全面地开发他们的逻辑思维能力。教师在传授一些新知识的过程中,还要注重引导学生将原有的知识与之相联系起来,进行有效的结合、整改成新的知识体系,这样也有利于他们更好地去理解这些新学的知识,在使用新知识的同时还能够及时地巩固旧知识。这样也能很好地锻炼学生的逻辑思维能力。 三、激发学生的兴趣爱好,提升学生的数学情感 初中数学是一门枯燥而繁琐的学科,又是学生比较畏难的一门学科,因为它具有很强的逻辑性,学习起来也比较的枯燥,导致很多学生在数学课上提不起精神来,时间久了,就会影响他们的数学成绩。因此,培养、激发学生学习数学知识的兴趣,能够帮助学生在主观的思想意识里添加一份对数学的爱好,还能够激发他们自觉主动地去学习和钻研教材内容。一旦学生对学习数学知识充满感情,他们就会喜欢上数学课,而且他们还会把数学课堂当成他们发现和创造的舞台。因此,教师要善于用情境教学来烘托出数学内容中的情感气氛来,教师还可以配合教学的内容,结合一定的数学手段,创设出某种教学情境,让学生更好地去体验教学内容中的情境,并且有效地理解学习数学知识的意义。同时,对一些本身不含情感因素的数学知识,数学教师也要尽可能地从外部赋予它以某些情感色彩,让学生在学习这些知识的过程中,还是能够感受到某些情感因素,慢慢地增强他们学习数学知识的热情。 四、鼓励学生去探索数学知识,提高学生钻研问题的能力 在教授数学知识的过程中实施素质教育时,教师要注重对学生创新能力的培养,因为我们需要培养一些善于钻研、发现未知的数学定理的人才,因此,这也就决定了数学教师在指导学生学习已有的数学知识的同时,还要注重培养学生钻研知识的能力和创新的能力。比如,在教会学生某一个定理知识的时候,还可以让学生对这个定理的发现过程和研究方法适当地进行探索,并且教师还要耐心地给学生讲解,教会他们探究知识的方法,因为“授之以鱼,不如授之以渔”。在教授给学生数学知识的同时,培养他们探究钻研教材知识和创新的能力,最终为提高学生的综合素质打好基础。 五、结语 综上所述,培养学生的数学素质与品质并不与学生的基础知识的学习相冲突,他们的关系是相辅相成、相互作用的。当学生的数学基础知识扎实后,可以更好的培养他们的数学素质;当学生的数学素质上升到一定的高度后,又能够反过来辅助他们学习数学基础知识。作为数学教师,在培养学生数学素质的同时,还需要讲究一个“度”字,就是要坚持具体问题具体分析的原则,和适度的原则,只有这样,才能更好地培养学生的数学素质与数学品德,进而才能更好地为他们的学习服务。 作者:吐尔逊江·卡德尔 单位:库车县比西巴格乡中学 教育教学方面论文:大学生非专业书法教育教学论文 一、改革非专业书法教育教学模式的必要性 第一,书法教学内容单一,书法艺术信息贫瘠化。高校非专业书法教育呈现出了一些弊端,如教材落后、因循守旧、缺乏新意。这些书法课通常把目光定格在让学生了解传统书法、获得一些历史知识或是进行纯粹的汉字书写训练上。这样简单地理解书法课,也会给学生造成一种误导:书法就是写字。第二,广大学生的人文素质有待提升。学生具备一定的专业素质和相应的人文素质是成长、成才的重要基础。然而,一些大学生特别是理工科学生的人文素质不高,对传统文化的了解较少。第三,以往的教学模式通常是以课堂为中心,缺乏对学生兴趣的关注,学生自主学习的能力也相对较弱。教师应改变书法教学以课堂为中心的模式,培养学生的学习兴趣,提高学生的自主学习能力。第四,文化传承与教书育人没有相结合。书法艺术中积淀着深厚的传统文化,而文化传承是育人之本。在书法教育教学实践中,一些教师往往忽视了文化的传承,单纯讲授技法。这种将文化传承与教书育人相分离的做法,使两者失去了血肉联系,缺乏有效结合。 二、非专业书法教育教学模式的改革措施探究 1.以提升学生人文素质为优秀,改革非专业书法教育教学内容 从历史发展的进程看,我国非常重视人文科学的发展。书法具有中国传统文化与生俱来的亲和性以及自身独特的艺术性。书法身兼文化与艺术的两重身份,不仅作为一种艺术存在,同时也作为一种文化、一种学问存在。在众多的文化现象中,书法是中国传统文化的优秀之一。书法可以作为深入传统文化、传统艺术的切入口。书法艺术课程的传授中渗透了人文精神,在书写实践、展览等活动中渗透了思想内涵、道德情操、认识能力和文化修养的教育。非专业书法教育的对象均是来自不同专业的学生,因此,在设计书法教学时应考虑不同学科之间的交叉与渗透。加强中国书法史、书法理论、大学语文、古代汉语、诗词欣赏等方面的教学,拓宽学生知识面。强调学科间的整合,培养综合型、复合型人才。以中国文化的人文关怀为出发点,提高学生对书法在中国文化中所处地位的认识,唤起学生对中国传统艺术的热爱。非专业书法教育必须以提升大学生的人文素养与综合素质为教学目标,为学生适应未来社会的需要奠定基础。 2.治学与治艺相结合 书法艺术在中华文化的历史中不断传承、延续、发展。如今,将书法艺术推而广之,让更多的学生认识传统文化、走进传统文化,需要教师在教学实践中使学生对中国文化的产生、发展脉络、艺术特征有所把握,激发他们对中国文化的继承和创新问题的思考。将治学与治艺相结合,在培养和提高学生学术修养的同时,注重治学方法的传授;在提高学生书写水平的过程中,兼顾其治艺理念的确立和提升。在非专业书法教育教学中,教师应更注重审美方式与审美理念,使学生将对艺术的感知拓展到生活中,自觉地感知生活中的美。 3.改进非专业书法教育教学方式 教师在非专业书法教学中要坚持以学生为中心,创设特殊的艺术情境,分析经典作品,展开多元的评价,加强对学生观察能力、思维能力、动手能力的培养。组织学生参加书法展览活动,引导学生运用所学技能展开创作,增强学生的学习兴趣,强化对学生创作能力和审美能力的培养。当前,各类艺术作品展出场合不断增多,传播媒介日新月异,应该着力实现书法艺术信息多元化。改变以往书法课堂教学,适当运用多媒体手段,使学生把握最前沿的书法艺术发展动态,对学生未来的发展具有积极意义。引导学生欣赏书法纪录片,获得丰富的审美体验,尽可能多地给学生展示的机会,鼓励学生互评,使学生在实践中获得自信,体现自我价值,从而进一步激发他们内在的学习动力。 4.加强第二课堂建设 在教学中合理设计“一书两刻”教学内容,以篆刻、书刻促进学生对书法的认知和对中国传统文化的理解,通过参与学科竞赛,开展书法书刻第二课堂、书法社团等活动,使学生将书本知识与实践融会贯通,激发学生的自主学习能力,锻炼学生的实践能力,激发学生学习与创作的热情。 作者:刘爽 全香春 单位:牡丹江师范学院美术与设计学院 教育教学方面论文:石油人文资源德育教育教学论文 一、高职德育教育教学的现状及存在问题简析 德育教育教学在从小学到大学的所有教育体系中,都占有重要地位。其在为国家培养人才的过程中,所承担的艰巨任务也是不言而喻的。高职德育与普通高校德育教育教学的定位略有不同。高职德育是为培养技术技能型人才服务的,所以,更加注重职业道德的培养和良好职业操守的养成。一般的高职学生的理性思维和综合素质往往较普通高校的学生稍逊一筹,故其更易受到外界不良环境和错误榜样的误导,这在无形之中,增大了高职德育教育教学的难度。为了给高职学生筑起更加牢固的思想“保护网”和精神“防火墙”,在客观上,高职德育就亟需引入更为强大的思想武器和更加丰富的人文资源。 二、石油人文资源融入高职德育教育教学的必要性和可行性分析 一个有灵魂的企业,会有自己的文化内核。一所有底蕴的学校,同样会有自己的精神气质。石油人文资源起源于新中国成立之后的艰苦创业时期,虽经历半个多世纪,但距离现在并不遥远。时间能让记忆褪色,却无法湮灭精神的光辉,一些老一辈的石油人虽已年迈,但都是“活生生”的学习榜样和道德楷模,具有现实感更高、生动性更强的特点,是不可多得的高校德育教育教学可借鉴的宝贵资源。更重要的是,石油人文资源是一个正在发展的、与时俱进的、开放的资源系统。“铁人”的继承者们在改革开放以来的新时期,不断以新的时代风采和形式展现和演绎新时代的石油精神和人文情怀。在石油院校这片以培育石油专业人才为使命的土地中,就浸润着与石油行业血脉相承的精神之源。以大庆精神、铁人精神为主要内涵的石油人文资源,不仅滋养了学校的办学理想,而且成为石油学子铸造油魂、砥砺意志的宝贵财富。 三、石油人文资源有机融入高职德育教育教学体系的有效模式初探 (一)将石油人文资源融入高职德育课程 在讲到“培育职业精神”部分时,可以将“宁可少活20年,拼命也要拿下大油田”的忘我拼搏精神,“有条件要上,没有条件创造条件也要上”的艰苦奋斗精神,“干工作要经得起子孙万代检查”的科学求实精神,“甘愿为党和人民当一辈子老黄牛”埋头苦干的奉献精神等等内容穿插进“职业道德素养”和“在艰苦中锻炼、在实践中成才”等章节,以辅助课堂教学。 (二)将石油人文资源融入高职德育第二课堂 所谓高职德育第二课堂是指,在高职德育课程教学之外的,与高职德育相关的各种学校、系部和班级组织的寓教于乐的系列学生活动。天津石油职业技术学院在第二课堂进行了许多将石油人文资源融入高职德育教育的有益探索和实践。比如,在新生进行入学教育之际,学院组织全体新生观看石油题材的老电影《创业》。《创业》的主人公周挺杉是以铁人王进喜为原型塑造的,观看这样的影片对于大多数“90”后新生来说,几乎算是和石油人文资源的“第一次亲密接触”,也是一次很好的学习和洗礼。很多同学都将“有条件要上,没有条件也要上”、“人没压力轻飘飘,井没压力不出油”等经典台词铭记在心,这无疑于在同学们的心底里种下了石油人文的“种子”。之后,在学生进行认识实习、顶岗实习时,学院继续利用多种形式进行熏陶和灌输,让学生们在贴近企业、贴近实践、贴近现场的真实工作情境中,切身感受和体悟石油人文资源的丰富内涵和精神实质,努力让大部分学生在毕业前,都能够逐步加深对“爱国、创新、求实、奉献”的石油企业精神、“诚信、创新、业绩、和谐、安全”的经营理念、“坚定执著、追求卓越”的团队精神,以及“健康至上、安全第一、环保优先”的HSE理念等石油人文资源的认识和理解。 (三)让石油人文资源为校园文化建设“添砖加瓦” 多年以来,很多石油院校在打造富于石油人文资源的校园文化建设方面进行了多方面的有益尝试,也取得了很多可资借鉴的经验办法。以天津石油职业技术学院为例,在主教学楼走廊的显著位置悬挂了很多石油文化宣传展板,组成了一个蔚为壮观的“石油文化长廊”。其内容涉及石油文化的常识性介绍、全国各大油田的基本概况、“石油英雄”们的感人事迹等等,使得走过路过的学生在举头注目的不经意间,就已经接受了石油人文资源的熏陶和洗礼。另外,学院的石油主题公园、校史馆和石油文化长廊都被列入了华北油田公司首批企业文化教育基地,实现了石油人文资源为校园文化“添砖加瓦”的建设格局,成为将石油人文资源有机融入高职教育教学体系的另一种有效模式。 作者:赵建利 段宏滨 彭志欣 单位:天津石油职业技术学院 教育教学方面论文:民族声乐教育教学论文 一、在秉承传统与民族的基础上贯彻多元化的教育思想与理念。 当前,在绝大多数人的概念和意识中,多元化的艺术教育理念和思想是一种标准的外来文化,但正如前文已经提及的,我国的现代民族声乐艺术,民族声乐教育从诞生、发展之初就具有鲜明的多元化特质,可以说多元化是我国现代民族声乐艺术与教育发展的肇端,但因为种种原因,我们在新的世纪,新的时期将这种思想和理念一直坚持继续秉承和发扬。总体来讲,我国现代民族声乐的发展与形成主要分为四个主要阶段:第一阶段是20世纪四五十年代。这一时期中华人民共和国刚刚成立,我国的民族声乐学科教育与建设还没有完全走上正轨,这时的民族声乐无论在教学和演唱上都受到传统民族声乐的深入影响,无论是在演唱方法还是作品艺术风格层面,如郭兰英演唱的《一条大河》、郭松演唱的《乌苏里船歌》、王昆演唱的《秋收》《南泥湾》等等。这时的民族声乐作品或改编自少数民族或地方性民歌,或源自戏曲曲艺的曲调,在演唱的处理与表现上也带有鲜明的传统民族声乐的唱腔和韵味。第二阶段是20世纪六十年代至七十年代末,这一时期对于我国的民族声乐艺术来讲是一个较为特殊的时期。这一时期因为很多特殊的原因我国的社会十分封闭,动荡不断,一切艺术都陷入停滞甚至倒退,但我国的民族声乐艺术却仍在夹缝中取得了一定的进步和发展。由于极端的思想影响,在我们的学术界出现了一种否定外来文化的思想,武断的否认一切外来文化的作用和价值,而一批早年有过欧美留学经验的声乐教育家则坚决的抵制这种思想,并与其进行针锋相对的斗争。主张我国现代民族声乐的发展必须走一条“土洋结合”的道路,这便是我国现代民族声乐发展史中非常著名的“土洋之争”。而随着我国社会动荡的结束,改革开放的开始,我国开始再次走上正常发展的轨道,而争论的结果自然是“土洋结合”道路的胜利。而这次争论的积极意义则在于从此明确了我国现代民族声乐的发展理念与发展防线,使我国的民族声乐艺术和教育重新走上了正常发展的轨道。第三个阶段是改革开放开始至20世纪末。这一时期我国各项事业蓬勃发展,我国的高等教育体系也重新开始发展和完善,民族声乐也正式作为一种艺术学科进入了我国高等教育体系。因为我国的高等音乐教育一直完整的沿用西方音乐教育体制,因此,这时“土样结合”的音乐教育理念与思想在我国的民族声乐教育教学过程中得到了进一步的贯彻和发展。通过以中国音乐学院、沈阳音乐学院为代表的一批声乐教育家不懈探索和努力,我国的民族声乐艺术在科学性、系统性。规范性上都取得了长足的发展和进步。培养出了大量优秀的具有较高艺术水准和演唱水平的民族声乐教育家与歌唱家,如、阎维文、宋祖英、等等,我国的民族声乐艺术也取得了空前的成功和繁荣。而大量具有新时代气息的专业化声乐作品也大批的出现,这些作品同这时的民族声乐演唱方法和风格一样,鲜明的带有欧洲古典音乐的艺术特征,无论是在音乐形式还是在音乐风格上。可以说这一时期堪称是我国民族声乐艺术发展的黄金时期,无论是在演出市场的繁荣程度还是在教育教学的学科建设上。而当我们回顾这段历史,我们不难发现,这时我国民族声乐艺术的成功并不是偶然的,而是必然的。这时我国的高等民族声乐教育完全起到了民族声乐艺术进步发动机的作用,在借鉴和吸收外来声乐文化,尤其是欧洲美声唱法上完全做到了多元化的理念和思维,在坚持本民族艺术特征与审美特质的前提和基础上最大限度的做到了开放性与包容性,兼收并蓄,才使得我国现代民族声乐的艺术形态最终确立。第四个阶段是21世纪初至今。这一时期我国的社会的各个层面都进步、发展和转型。伴随着社会的进步和人们实际需求的变化,我国的民族声乐艺术演出市场和舞台上出现了很多新鲜的元素。 “原生态”的抬头“,跨界风”的盛行“,学院派”的坚守,等等。一批新生代民族歌手也相应而出,如融“民声”与“美声”为一体的吴碧霞,“民声”与“通俗”无痕跨界的谭晶,“神曲制造者”龚琳娜等等。多种多样的声乐演唱方式、表演方式、声音理念、审美理念纷至沓来,对我们高等民族声乐教育提出了严峻和现实的拷问和鞭策。我们的高等民族声乐教育在教育理念与思想、学科建设、课程设置等等层面上何去何从,是当前我们民族声乐教育工作者们必须要正视和重视的一个重要课题。前文已有所提及,我国的现代民族声乐艺术是在我国传统民族声乐的基础上创立和发展的,民族性是其发展的前提和基础,因此,要想使其在新时期进一步发展和进步,我们在实际的教育和教学过程中就一定不能忽视对于传统的秉承和发扬。而民族性的保持本身就是多元化音乐教育理念与思想重要部分与明显特质。重视传统民族声乐,更加全面和深入的从传统民族声乐中发掘和提取艺术养分本身也是多元化思想更加全面和彻底的贯彻。“事实上如果我们对我国的戏曲艺术有一个较为全面深入的理解的话就会发现,几乎我国每个地方和民族戏曲艺术都有着自己明确、鲜明的发声理念和规范系统的发声方法。例如我国的最大地方戏曲剧种京剧,其演唱发声方法就极具系统性、规范性和科学性。与美声唱法相比甚至在很多方面更为具体,要求更为严格,有很多专用的声乐演唱学术名词,如:真嗓、假嗓、左嗓、调嗓、喊嗓、丹田音、云遮月、塌中、脑后音、黄腔、冒调、走板、不搭调、气口、换气、偷气、嘎调、长吭、杂夯等。每一个名词都是一种十分具体的声乐演唱要求或声乐演唱标准,并且这些声乐演唱术语与西洋美声唱法中的学术名词相比更加易于国人的理解和掌握,如果能够在声乐教学中适当的运用和融入诸如此类的一些声乐名词和声乐演唱概念和要求对我们的民族声乐演唱与教学都是大有裨益的。”诚然,科学性的声音理念与意识对于我国民族声乐发展的作用、价值和意义是不容否定的,这是高水准声乐演唱声音质量的最基本保证,但如果在演唱中一味片面的强调科学性,而忽视或者忽略了民族性的概念和意识,或者对民族声乐作品本身没有一个清晰全面的认知,那么无论如何完美的声音也不能引起我国听众的情感与思想共鸣。因此,在我们的民族声乐实际的教学过程中一定要将传统民族民间音乐和声乐艺术作为必修科目系统的纳入我们的教学计划,并有效的开展和实施,这样才能使学生对我国民族声乐艺术的艺术本质与内涵有一个更加全面和深入的认知和理解,也只有这样才能使学生在学习过程中逐渐建立起牢固的民族意识,才能最终在演唱中完美的表现出来。另外,加强对于各地方,各民族的原生态民歌的学习、理解和掌握也是十分必要的,对于原生态民歌的概念,价值和意义我们已经有过很多研究,了解也比较详细,无需过多赘言,但需要之处和强调的是,当前,从民族声乐的实际教育教学过程中,对于原生态民歌一定要避免矫枉过正的态度。我国原生态民歌众多,类型多样,举不胜举,每种原生态民歌的自身性质、类型、状态也都不尽相同,我们在实际的教学过程中我们必须要认识到,我们学习原生态民歌,最重要的是要从其中理解和掌握更多的优秀审美特质,并将这些潜移默化的应用于我们的民族声乐演唱,而不是浅显的学习某些特殊的发音方式、民族语言、方言或曲调,或是将其生硬的套装于课堂教学或者实践舞台、这样才是实事求是,从实际出发,尊重艺术发展的科学规律,切不要形而上学。只有这样,才是真正符合了多元化的艺术发展精神与思想,也只有这样才能真正促进我们民族声乐教育教学的有效开展、进步与完善。 二、在坚持民族与传统的基础上进行创新性多元实践探索与尝试。 近年来,谭晶、龚琳娜、吴碧霞等“跨界民族歌手”的不断出现,以宋祖英为代表的学院派歌手与其他类型歌手“混搭”取得成功效果,都不停的冲击着人们的视听感受,同时也在极大程度逐渐突破了人们以往对于民族声乐概念的认知和理解。但从严格的声乐学科种类划分的角度来看,这些看似不同类型的歌手都属于民族声乐的范畴,但又各自具有鲜明的特色,吴碧霞本身具有深厚的传统民族声乐功底,她在艺校期间学习的是湖南花鼓,进入大学后正式开始学习民族声乐专业,而在研究生阶段却转而攻读美声专业,这种中西合璧的学习经历极大的拓展了她的艺术道路,展现出更强的艺术感染力与表现力。但如果我们对整体声乐艺术或者声乐理论有一个较高的认知水平就不难发现,如果单单从演唱的专业性与规范性来讲,吴碧霞的美声演唱只具其形,不具其实,是较为业余的,其根本性质上是一名非常标准的民族歌手,但即使她的美声演唱较为业余,只表现出一些皮毛,但这也极大的丰富了她的歌唱艺术层次,增强了她的艺术规格。再比如“民俗”唱法为代表的民族歌手谭晶,虽然她的民族与通俗唱法结合只是简单用民族声乐的演唱方法演唱流行性质的歌曲,在声音的运用于表现层面上并没有突破民族声乐的范畴,但至少为我们实际的教育教学和演出实践上拓展和丰富了曲目的选择。再比如凭一首神曲《忐忑》,以奇葩形象出现在人们视线里的龚琳娜,则以民族声乐为基点,开创了一条极为独特的蹊径,树立起自己鲜明的风格。如果我们深入的分析它的演唱风格,不难发现其实她无论从声音的运用还是表现的方式上人属于民族声乐的范围,首先,她的声音具有明显的非常正统和规范学院派特征,但在具体的艺术处理和表现上融入了非常多元的艺术风格。比如《忐忑》、《金箍棒》因为编曲和配器上完全由她的德国音乐家丈夫操刀,所以表面上带有一定的后现代风格,但究其实质,她此类型的声乐作品则运用了我国传统戏曲音乐的元素,也正是这种民族与现代结合所产生的非常独特的,甚至有些怪异的、令人啼笑皆非的艺术效果才给人耳目一新的视听冲击,使人们在最短的时间内认识了这位其实成名已久的民族唱法的歌手。同时,无论你对她的这种演唱风格是喜爱还是厌恶,认同或者唾弃,我们都无法否认其对于我国民族声乐演唱风格丰富和多元化产生的积极作用和意义。上述事例说明,首先,我国民族声乐艺术的多元化的基点是民族性为基础与科学唱法相结合,而民族声乐多元化的方向一方面是继续深入挖掘传统民族民间音乐中的艺术元素、精神与气质,同时要继续秉承包容性与开放性,兼收并蓄的吸收外来音乐的艺术元素,从艺术处理与表现上不断的丰富和拓展自己,而现有的成功经验也为我们的民族声乐教育教学提供了新的思路和方向。因此,在实际的教育教学工作中要进一步更加彻底和完善的贯彻多元化的理念和思想,我们主要应从两个方面入手,一方面在坚持民族性的基础上继续加强学生声乐演唱的科学性、专业性与规范性,紧跟国际上美声声乐艺术发展的潮流,吸收先进的声乐演唱理念,另一方面还要在演唱的艺术处理、曲目选择、演唱实施上大胆的探索、创新和尝试,鼓励学生在合理的艺术范畴内,在教师的指导下最大限度的发挥主观能动性,展开多元的声乐演唱实践。我国民族声乐艺术与美声唱法的借鉴和融合对我们来说已经是一个非常熟悉的概念和课题,这本身也是我国民族声乐发展多元化的最根本体现,但需要指出的是,美声唱法本身也是多元化的,也是在不断发展的。 中华人民共和国建立初期,受到意识形态的影响,我国对于美声唱法的概念、意识都源自俄罗斯,改革开放以后,我国对于美声唱法的理解和认知才真正与国际接轨,20世纪八九十年代,可以说意大利的声音理念占据主流,而21世纪初,随着世界经济形势的变化,意大利的美声艺术发展逐渐陷入停滞,但在德奥地区美声声乐艺术则得到了更好的保护和发展,这时德奥的美声声乐理念与风格独占鳌头,而近年来,随着我国与法国之间交流的广泛和深入,我们发现法国的美声声乐艺术风格与我们的亦有很多契合和相融之处,所以,可以说,我们对于美声声乐艺术的借鉴与应用要具有发展性和国际性的眼光和视角,这样才能使我国的民族声乐艺术更具普世性,才能更好地走向国际声乐舞台。同时,我们要在实际的教育教学过程中加强学生的市场意识。作为新时期的民族声乐教育工作者,我们必须对当前社会的艺术发展形势与艺术市场需求有一个清晰、全面的了解与认知,并从社会实际需求的角度出发,在教学中不断加强培养学生的社会实践能力,增强学生的社会适应能力。我们必须明白这样一个道理,我们的高等教育不是空中楼阁,我们的学生在大学期间除了学习“高大上”的基本声乐演唱技能以外更要面对毕业后残酷的职业竞争,因此,在大学期间仅仅具有专业的歌唱技能是远远不够的,我们应该在保证学生专业演唱的基础上最大限度的拓展学生的艺术表现力。首先要不断的拓展教学曲目,传统的教学曲目固然很多是必须要学习的,但音乐是社会生活的实际表现,必须要积极鼓励学生演唱更多的新创作的曲目,而在选择类型上也不应拘泥于固有思维,无论是传统的民族声乐曲目还是新创作的曲目,无论是流行歌曲还是音乐剧选曲,只要是符合民族声乐演唱的风格与特质就可以为我所选,为我所用。而在演唱的表演形式上也要尽量的拓展,鼓励学生在课堂、考试和实践演出中选用对唱、重唱,甚至可以与流行唱法、美声唱法、民族乐器、西洋管弦乐器进行组合,然后教师要对其进行规范和指导,这样不但能够极大的拓展学生的艺术表现能力,同时更为重要的是能够培养学生多元化的、富有创造力的艺术思维和意识,在“授人以鱼”的同时“授人以渔”,使学生在走进社会后真正适应多元文化为主导的社会实际需要,成为具有较高实践能力、适应能力和社会竞争力的民族声乐专业人才,同时这也能够最大限度的杜绝教育资源的浪费。 三、结语 总之,多元文化是21世纪世界文化发展的主导潮流,作为我国民族声乐艺术发展和前进发动机的高等民族声乐教育教学要想真正取得实际性的发展就必须具有全球化的视角,开拓思维,锐意进取,实事求是,从实际的角度出发,摆脱形而上学的束缚,将多元化的意识和思想在我们的教学工作中更加全面深入的贯彻和实施,也只有这样才能培养出更多符合社会文化发展实际需要的专业人才,才能使我国的民族声乐艺术真正健康的、可持续性的发展,并最终在国际的声乐艺术之林占有一席之地,向世界展现出中华民族艺术之真正魅力。 作者:李抒丹 单位:沈阳音乐学院 教育教学方面论文:评价模式下教育教学论文 1深化教学模式改革 传统的中职职业教育、教学计划性太强,理论高于实践,普遍采用演绎式或灌输式的教学方法,由于学生没有良好的知识基础,无法掌握完整的学科体系知识。说明这种学科体系的教学模式已完全不适应中职职业教育,必须进行教学模式改革。深化学校教学模式改革,可以通过项目教学、模拟教学和岗位教学,提升以学生为主体,师生互动、生生互动,提高学生发现问题、分析问题、解决问题的能力,构建“教、学、做”一体化的教学模式。创新理论教学与实践教学的一体化教学模式,实现岗位化教学。 1.1创新实现理论与实践的一体化教学 教学模式改革的关键在于将理论教学与实践教学深入结合,创造性地运用新的教学方法实现“理实一体化”。使学生的课堂教学与企业实训相对接,理论课与实践课并进,穿插进行,理论学习与技能训练在时间、空间上有机地融为一体。项目教学就是在教师的指导下,将一个相对独立的项目交由学生自己处理,信息的收集、方案的设计、项目实施都由学生自己负责,学生通过该项目的进行,了解并把握整个过程及每一个环节中的基本要求,促进学生全面发展。项目教学的创新是教师根据教学目的和教学内容的需要,深入企业调研,与企业专家共同研究教学内容、确定教学目标、制定教学项目,并进行项目教学评价。将企业真实生产产品引入校内生产实训基地,并将真实产品经教学转化,开发出能够开展教学的教学项目。 1.2深化岗位化教学 实现课岗对接,即学生开设课程与企业岗位相对接。主要学习针对数控专业岗位的主要技能知识。突出职业岗位的针对性和实用性。岗位教学法根据企业具体岗位的工作情况设计教学方案,使学生的学习过程变成了工作过程,真正实现了学习与岗位的无缝对接,实践过程中,可以将学生分成多组,互相配合,按工作流程同时进行岗位实践。岗位化教学实际就是基于行动导向的教学过程,是针对与数控专业紧密相关的职业“行动领域”的工作过程,从中小微企业提取典型工作任务,按照企业的实际工作岗位,采用“资讯、决策、计划、实施、检查和评价”六步法组成完整的“行动”过程。在教师的组织、协调与引导下,以学生为中心,让学生通过独立自主与同伴合作中“获取资讯、制订计划、实施计划、反馈评价”,在亲自“动手加工零件”的实践中,掌握相应的职业技能、习得对应的专业知识,从而构建属于自己的经验、知识和能力体系。 2改革以技能鉴定为优秀的多元化评价模式 充分利用企业专家参与的专业建设指导委员会,根据行业发展趋势,运用行业前沿信息,共同制定和实施专业培养方案,调整教学计划,合理设置课程,修改教学内容,改革以技能鉴定为优秀的多元化评价模式。充分发挥专业教学指导委员会企业行业专家的作用,共同建立学校内部评价与社会外部评价相结合的、科学的、完善的多元化评价体系,具体内容如下。 2.1评价模式的多元化 在企业专家参与的专业建设指导委员会的指导下,将课程标准、教学设计、典型职业活动目标细化,以岗位和职业资格能力要求为依据,以岗位职业能力为优秀,制定多层面的评价标准。 1)根据工作过程中的表现,对学生专业知识、新工艺、新方法、工作态度、工作质量、合作态度、创新意识、客观处事能力等进行综合评价。 2)根据企业要求和专业实际,参照课程标准,将学生的职业素质和职业能力作为评价教育教学质量的依据,制定过程性考核方案,确定有针对性、分层次的考核内容和评价标准。一是评价标准细化,校企双方依据课程标准对考核内容、考核方式、考核标准、考核工具进行认真地设计。二是评价内容多元化,在评价标准中要体现学生在学习过程中的各种表现,如出勤、学习态度、行业规范、专业技能、任务效果、职业素养等。三是评价主体的多元化,教师、学生、企业共同参与评价。在专业课程中引入企业评价,使学生技能水平更接近工作实际。学生在自评、他评的活动中学会自我认识、自我评价、自我激励、自我调整。四是评价方式多元化,采用任务考核、项目考核、案例分析、技能大赛、成果展示等多种方式进行。 2.2建设以技能鉴定为优秀的评价模式 改革传统的理论考试形式,采用理论和实际操作相结合的技能鉴定形式。每年通过专业教学指导委员会会议,及时了解企业行业对学生综合素质和技能水平的要求,学校专业教师与企业行业专家共同制定理论考试内容和实际操作考核内容,并适时修改。技能评价分阶段评价、技能鉴定型评价、技能鉴定和生产评价。阶段评价采用学生小组互评、个人自评、专业教师抽查评价相结合方式进行,重点是实训过程中操作规范评价、过程质量达标评价。技能鉴定型评价是专业建设指导委员会根据教学计划结合国家工种职业标准,进行学生技能综合评价,重点是学生实训课业标准。技能鉴定由行业技能鉴定机构按照相关标准对学生进行国家技能水平鉴定。将学生各项考核情况及生产实习情况汇总、分析、反馈,进行生产评价。通过分析评价结果,结合社会需求动态调整专业教学内容,完善教学计划,提高学生综合职业素养,引导学生全面发展。以技能鉴定为优秀的评价模式虽然属于终结性评价,应该以具体的产品来实施评定。但是由于进行的是职业教育,所以在实施过程中也要同样重视项目加工过程评价,重视每个学生动手操作的每个步骤,重视每个个体的情感及职业素养,从而激励学生改进工作和学习,为企业培养输送优秀人才。 3结束语 总之,现代职业教育的改革和发展要求中等职业教育必须以学生为主体,以校企合作为切入点,必须依靠山西当地市场和企业需求,才能推进教学模式和评价模式改革。构建与企业生产实际紧密结合、具有区域经济发展和校本特色的数控专业课程,创新教学模式,扩大和深化校企合作、产教结合是实现改革的关键。学校必须在与原有合作企业进一步深化合作内容和提高合作质量的基础上,继续寻找新的实训基地,新的合作企业和合作项目,进一步提升学校与企业合作培养人才的水平。只有这样,才能实现职业教育的最优化培养过程,提高毕业学生就业质量。因此在实际操作和运行中会遇到多种多样的问题和困难,必须做好应对问题和解决困难的心理准备,从而使改革顺利进行。 作者:王小玲 单位:山西省工业管理学校 教育教学方面论文:高校教师职业道德教育教学论文 1高校教师职业道德修养的内容 2011年,教育部印发了《高等学校教师职业道德规范》,主要内容为“爱国守法,敬业爱生,教书育人,严谨治学,服务社会,为人师表”。 1.1爱国守法、敬业爱生 一名合格的高校教师,必须热爱祖国,拥护我们党和社会主义制度,严格遵守宪法及法律法规,自觉贯彻国家的各项教育方针。把依法执教作为自己的职业义务,坚决不做出任何有损于国家利益的言行。作为一名高校教师,其基本要求就是要热爱自己的教育事业、安心于教育工作,尽职尽责地做好本职工作,为教育事业奉献出自己所有的光和热。同时,我们要真心关爱学生。列夫•托尔斯泰曾经说过“:如果一个教师仅仅热爱事业,那么他只能是一个好教师;如果一个教师把热爱事业和热爱学生相结合起来,他就是一个完美的教师”。热爱学生是做好教育教学工作的重要因素,而高校老师对学生的热爱主要就体现在了对学生在学习和生活等各方面能力的培养。 1.2教书育人、严谨治学 《国家中长期教育改革和发展规划纲要》明确指出“:教师要把教学作为首要任务,不断提高教育教学水平”。所以,教师敬业的首要表现就是做好教学工作。科学研究是艰苦的、严肃的事情,需要严谨的精神和态度。但是在教师中也出现了求名争利、心态浮躁、治学不严谨等问题,突出表现形式就是科研成果的粗制滥造,重量不重质,甚至出现了伪造数据、抄袭他人学术成果等现象。南京大学韩儒林教授有一副对联:板凳须坐十年冷,文章不写半句空。作为高校教师要要摒弃浮躁情绪,有耐心下苦功夫去弘扬科学精神、恪守学术规范,要坚决抵制学术不端的行为。 1.3服务社会、为人师表 所谓服务社会强调要勇担社会责任,为国家富强、民族振兴和人类进步服务;而为人师表则要求教师品德高尚,才能卓越,既要言传,更要身教,要言行一致、做学生的措模。说过“:老师对学生的影响,离不开老师的学识和能力,更离不开老师为人处世、于国于民、于公于私所持的价值观。广大教师必须率先垂范、以身作则,引导和帮助学生把握好人生方向”。当代高校教师,要用自身的良好行为,从政治思想、道德水平、治学态度、行为举止等多方面成为学生学习的榜样。老师们通过堂堂正正做人、规规矩矩做事的处事态度,教给学生怎么做人、如何做学事。正是这种示范作用,一直以来“为人师表”都是学生们人格发展的重要影响因素,往往“胜于言教”。 2提升高校教师职业道德修养的途径 2.1提高高校教师法律素质 高校教师作为学生们在校期间最为密切的人,他们在管理和教学工作中所体现出的法律素质,会对学生们产生直接的影响。老师们应积极向学生宣传法律知识,培养学生们的法律意识、养成守法习惯,提高他们依法维护自身权利的能力。因此,高校教师必须注重自身法律意识的培养、树立法治的思维习惯,可以通过查阅相关法律专业的书籍、参加法律讲座、关注与学生有关的法律法规来提高自身的法律修养,树立法治意识。 2.2加强高校教师职业道德理论学习 品德高尚的教师不是天生的,而是通过后来的努力,尤其是通过不断的学习、自我修炼与自我完善而逐步积累形成的。只有以科学的理论为指导,才不会在提升道德修养中迷失方向,才能真正培养出高尚的师德。高校教师职业道德的理论学习主要是通过个人自主学习和相关部门组织集中学习相结合:自主学习不会受时间、地点得限制,有一定的机动性和灵活性,但是受个人水平和自控力等方面的影响,可能达不到预期的效果;而组织集中学习,就是一种有组织、有计划的职业道德学习,能够克服自主学习的不利因素,使高校教师的职业道德不断提升。 2.3加强高校教师的道德实践 道德实践是教师职业道德培养的最终归宿,只有通过在教育教学活动中进行道德实践,才能真正对自身塑造良好的师德起到积极的作用。具体做法有三点:一是钻研业务。二是科学研究。三是关心爱护学生。 2.4完善高校教师职业道德考核体系 建立和完善高校教师职业道德考核评价体系,把对教师职业道德的要求改变为业务操作规程和岗位职责要求,建立规章制度,形成制度保障。在这个考核评价中,要将教师各个方面的评价相结合,得出公平、公正的评价结果,并应将结果告知教师本人,以便改进其工作方法、优化自身行为。同时,应把考核评价结果和职称评聘、职务晋升、薪酬待遇、先进评选等利益相结合,把师德建设工作常态化,这样既能鼓励优秀教师,又能对道德低下的教师给予警告和教育,保持高校教师队伍的纯洁性,从根本上提高高校教师的职业道德修养水平。 作者:赵繁菲 王天珊 赵平 单位:河北联合大学冀唐学院 教育教学方面论文:师生互动模式下特校教育教学论文 一、“师生互动”中教师是参与者——“活” 课堂导入是一堂课教学成败的门户。我认为让学生在课堂的每一个环节都要动起来,开始部分尤为重要,因课堂导入能直接吸引学生,引起学生的重视,此时学生的注意力处于极顶时期,老师要不失良机最大限度的调动学生的积极性,使课堂步入轻松活跃的状态。老师态度随和、动作自然、语言流畅、灵活自如,导入贴切会让学生很快轻松下来主动的参与活动,获取知识。我在组织设计教学活动《红灯.绿灯》时,从课桌的摆放形式呈“十字形”,在上课铃响起时,我随意的站在“十字”中心,不像以前雁队式的坐堂,学生在人性化,生活化的主题场境中显得轻松,随意,且主动积极地参与和老师一起过马路的引题游戏,在游戏中孩子是最真实自主的,能使他们踊跃地表达出自己了的游戏体会,这样的情绪同时也感染了我,灵活自如的带着学生进入教学的主体环节。这样的“师生互动”是相互流动,互相传递的,如同有生命一般的是“活”的,老师像湿润的土壤,学生好似待发的种子,而“师生互动”犹如温和的空气,让种子充满了生命力,给土壤带来了生机。 二、“师生互动”中教师是追随者——“随” 在一堂课中主体部分要求教师必须突出重点,分散难点,才能达到课堂实效。教师在重点部分的讲解过程中与学生的互动尤为重要,而对于这些听力和智力受损的学生显得更为关键。在我的课堂进入主体环节时,我从参与者的角色转变成跟随者,在组织活动《红灯.绿灯》时,与学生一起破解新词“贪玩”时,学生举例:“李某某和孙某某昨天自习课在校园里打闹”,听到这里跟着他的表述立即提醒他:“他们什么时间回到教室的?”“放学时”大家抢着说,我问“那他俩的作业什么时候交的?”“还没交呢!”看着学生一脸责怪的表情问“所以像他俩这样一直只顾着玩,不做应该要做的事就叫什么?”学生们异口同声回答“贪玩”,接着请语言表达能力强的学生完整表述“贪玩”的词义,再让他们找出课文中的有关“贪玩”一词的句子一起理解,知道过马路时不能只顾玩,再用课文中的句子说明应该怎样做,说出课文重点内容:“过马路时左右看,红灯停,绿灯行,斑马线上最安全。”再进行演示说明,整堂课学生联系生活、利用课文、借助老师点拨顺利轻松的理解掌握了课文内容,我跟着学生的思路扮演了一个“跟随者”及时的点拨学生,避免他们的思维“冷”下来。让学生在整堂课中保持“热”度,这是由融洽的“师生互动”来维持的。 三、“师生互动”中教师是启发者——“点” 对于聋生和智障学生来说,因身体的某一方面缺陷信息量的接受受限,导致思维缺乏灵活性,所以在特校的教育教学中教师的启发、引导显得尤为重要,也就是我所说的“点”。在给聋生上律动课时,由于聋生对音乐听觉感知的缺失,对动作韵味的理解把握不准,表现欲望不强,因此教师要做好示范、启发和引导者,及时诱发学生的学习兴趣和表演欲望。我在给学生排练教授反映聋校师生情结的舞蹈《特殊支教》前,与聋生进行了两节课的交流讨论,主题围绕“我们初次相见和相处”先说再表演,我先将自己的当时的感受与学生交流后进行表演,我表演了《特殊支教》中老师与学生初次上课情景的老师动作片段,把聋生超强灵敏的视觉感知触动了,他们踊跃的和我一起表演,之后继续启发:“我想知道,你们听到有新老师要来时你们的咋想的?又是怎样做的呢?表演给我看看。”学生便主动互相商量将自己最真实的情感体验用自创的舞蹈动作做以表达,充分地调动起学生的积极性,激发起学生的表演兴趣,随机将他们的动作进行规范和个别指导,并作为这个舞蹈的开始部分,保持学生的少有的表现热情。整个舞蹈的排练和教授我利用启发谈论,牵引指导,联系学生,从聋生的缺障处找填补口拉近他们与实际生活的距离和师生间的心理间隔,解决聋生舞蹈表演与意境表达脱节的问题。这样的“师生互动”才是真正意义上的师生共进,合力双赢。 四、“师生互动”中教师是发动者——“用” 新课标明确指出:“让每个学生成为学习的主体,养成良好的主动学习的习惯,使学生不仅在课内学的生动,而且在离开教师、离开教材、离开课堂的情况下,也能主动学习,快乐成长。”从事幼教又步入特教,我有了“万事不求人”的超强自主能力,但我发现这些聋生和智障生,他们有惊人的动手能力,在平时的课堂中和日常生活中,我从他们的常规习惯、行为动作、语言表达、动手操作能力等方面一一对照找出每个学生的“潜能力”,平时不断地强化,直至学以致用。我在制作舞蹈《金喇叭》道具时,我用30个左右的学生跟我一起做13个泡沫仿真大鼓和13个仿真大喇叭,我和学生一起想办法看视频中的道具样式试着做,做出样品后,我将任务当做作业布置下去让学生自己利用课余时间分组完成,不到一周时间,学生便抱着自制的道具开始上台表演,一个个兴冲冲的,给原本很欢庆的舞蹈增添上一份少有的喜味,台下的“观众”看到自己的“作品”展示在舞台上个个兴高采烈,台下喝彩声不断台上精气神更足台上台下打成一片,学生在我的发动利用下施展了才能,充实了课余生活,互动实效从师生互动跨入生生互动,从课堂步入生活。“师生互动”模式的价值在于“教”与“学”的深度融合和相互促进,体现了一种人性化的教学方法。在自己特校教育教学中的尝试运用,实现了我所追求的奇效,同时也为自己今后的教育教学工作理清思路,努力让每一堂课都“鲜活”起来,让这些特殊的学生尽可能多的掌握一些基本知识和生存常识,提高他们的社会适应能力,为今后的人生道路奠定基础。 作者:王婕 单位:甘肃省武威市凉州区特殊教育学校 教育教学方面论文:大学生刑事犯罪案件教育教学论文 一、大学生刑事犯罪案件表现及特征 (一)大学生刑事犯罪案件表现 1994年,清华大学朱令投毒案,高校刑事案件开始进入公众视野;之后不断有数起大学生刑事案件发生。2004年震惊全国的云南大学“马加爵杀人案”,让大学生刑事案件逐渐成为社会关注的焦点。2009年11月,吉林农业大学学生郭力维因琐事用尖刀扎死同寝同学赵研。后郭力维被判处死刑,缓期二年执行,剥夺政治权利终身。2010年10月20日,西安音乐学院学生药家鑫于驾车撞人后又将伤者刺了八刀致其死亡。后药家鑫被判处死刑,剥夺政治权利终身。2013年3月31日,复旦大学研究生林森浩将实验室内的剧毒化合物带至寝室并注入饮水机槽,同寝室的黄洋在饮用后引发身体不适而死亡。后林森浩被判处死刑,剥夺政治权利终身。 (二)大学生刑事犯罪案件的特征 这几起颇受关注的大学生刑事犯罪案件的特征是: 1.犯罪主体方面: 呈现高学历层次。犯罪人员的层次除了普通本专科学生,重点大学本科生、研究生犯罪行为也日益突出。 2.犯罪动机方面: 以人际关系不和导致的报复性犯罪见多。云南大学“马加爵杀人案”、吉林农业大学学生郭力维案、复旦大学硕士研究生林森浩投毒案,无一不是因为日常人际关系的触礁、思维方式上的偏激而引发的报复杀人行为。报复性杀人这一动机似乎成了这几起大学生犯罪案件的致命因素。 3.犯罪心理方面: 缺乏良好的人际交往和沟通能力,自我调控能力差,易选择冲突和对抗的消极应对方式去解决问题;缺乏对自身及他人的正确认知和评价;极度自我和个人主义,缺乏对生命的尊重和敬畏;缺乏心理健康知识和心理防御技巧,在情绪失衡之时,找不到正确的方法调节和渲泄;法律意识的缺失和法律知识的匮乏,让他们不顾后果地轻易剥夺他人生命和健康的权利,走上犯罪的不归之路。 二、大学生刑事犯罪案件频发的原因 大学生刑事犯罪案件背后,隐藏着个人、学校、家庭和社会等多方面的深层原因。 (一)大学生个人综合素质的缺失 1.性格和心理缺陷。 生活在网络时代的当代大学生,习惯于沉迷个人心理世界,心理承受能力与自我调节能力较差,在嫉妒、自负、失落、压抑、自卑等负性情绪影响下容易采取极端措施。部分大学生由于性格和心理原因,在面对人际冲突时,不能够相互包容和妥协,不懂得与他人交流和寻求帮助,而轻易选择成本最高的对抗方式。 2.道德素养缺损。 社会主义市场经济背景下成长的当代大学生,在社会道德缺失现象、消极腐败行为的影响之下,容易出现是非、道德、情感等问题的认知矛盾和评价标准的模糊,从而造成道德素养的薄弱和缺乏。 3.责任感淡薄。 作为独生子女居多的群体,当代大学生从小就备受关爱,养成以自我为中心的生活习惯和思维方式,只注重自身利益,不懂得换位思考,缺乏使命感、责任感和对家庭对社会的感恩之心,一旦发生事情选择逃避责任。 4.价值观偏颇。 西方的价值观念、多元的文化及开放的生活方式,与国内市场经济发展下多元思想和社会风气的共同影响,让处于成长期的部分大学生消极低迷,丧失理想信念,学习动力不足,世界观、人生观、价值观偏颇或模糊成为当代大学生的真实写照。 5.法律意识缺乏。 长期以来,非体系化的普法教育实效性不高。2006年高校“思政课”将原来的《思想道德修养》与《法律基础》整合为《思想道德修养与法律基础》教程,改革后的教材,有关法制教育的内容只占到整部教材的1/4,且涉及法理性的内容居多,抽象、不易理解,实体法的内容较少,课堂教学中直接用于法律教学的课时可能不足8个学时。再加上“思政课”教师非法律专业出身,理论功底有限,法律知识的讲授容易流于形式,教学效果一般,大学生对法律的权威和作用无法产生深刻认识,更谈不上法律信仰以及对法律的敬畏,故法律意识薄弱和法律知识的缺乏成为常态。 (二)学校、家庭、社会教育的不力 1.传统教育的盲点。 国内应试教育体制下,过分注重成绩至上的衡量标准,考一个好的学校、培养一名大学生成了教育的主要目标。多年的考试技能训练把学生规范成了考试的“机器”,教育忽视了学生诚信、荣誉、世界观、人生观和价值观等德育培养,更忽略了学生的心理适应能力、人际交往能力、应对挫折能力等情商和逆商的综合培养。 2.高校思想政治教育的无力。 高校思政课程的教学内容相对沉闷,脱离学生思想实际,与社会现实存在一定距离,缺乏吸引力、感染力和说服力。教学队伍整体素质参差不齐,部分“思政课”教师教学方法刻板单一,缺乏创新,使高校“思政课”成为逃课率最高、学生热情度最低的课程,也使大学生对来自外界的思想政治教育产生较强烈的排斥心理。 3.高校教育管理的缺陷。 随着高校招生规模的不断扩大,为了保证生源收入或出于保护学校声誉等因素的考虑,学校在学生管理的过程中过度“包容”,令部分学生漠视校规校纪,甚至违纪与违法的基本界线不清。目前来看,国内大多数高校仍然停留于传统僵化的教育和管理模式上,注重学生成绩、考级、拿证、技能的培育和日常管理,忽略了学生的真正想法和需求。 4.家庭教育的不济。 国内传统“家长式”的教育模式下,多数家长忽视了跟子女的情感交流,忽略了对子女个人修养方面和情商及逆商的教育和培养,忽视了家长自身行为的示范和榜样作用。普遍的家庭溺爱让子女从小养成以自我为中心的习惯。进入大学后,面对复杂的集体生活,遇到问题和挫折时,一旦找不到处理问题的正确思路和方法,情绪容易走偏甚至失去理智。家庭教育的缺失是大学生性格缺陷形成与发展的重要因素,也为大学生犯罪埋下危险的种子。 5.社会风气的不良影响。 当下,“功利主义”、“个人主义”、“拜金主义”、“现实主义”的社会风气,让大学生的价值取向越来越偏颇或模糊,对人对事物的看法越来越功利化和现实化。在这种缺乏积极乐观、公益、公信的社会氛围之下,大学生的理想信念、人生观价值观的社会教育几乎是苍白无力的。 三、降低和减少大学生刑事犯罪案件的对策 (一)创新德育理念和方式 1.改变传统理论灌输的方法,强化启发式教学理念方式。 这就要求“思政课”教师积极引导学生,帮助他们正确区分社会现象和本质、主流和支流,校正他们的偏激观点和不良情绪,防止他们由于认识的偏差而误入歧途。强调“思政课”教师直面大学生困惑的社会现实、敏感问题,全面了解学生对“思政课”的认识和真实的思想动态,通过问卷调查、主题讨论、网帖交流等,找准学生关心的热点、疑点和难点问题,以课堂为主阵地,用具有说服力、感染力和启发力的针对性教育和问题解答,创造平等、自由、亲和的教育教学环境,引发讨论和辩论,启发大学生们主动思考、自愿体验并激发他们自觉养成良好的思想行为,树立牢固的道德信仰,坚定正确的理想信念。 2.在“思政课”教学过程中 运用案例和榜样的力量,帮助大学生树立正确的人生价值观。大量选择具有典型性、示范性,或是争议性、探讨性、创新性较大的案例,启发他们能够结合社会的实际和切身的生活体验、社会阅历,对案例进行理性分析,在深度参与中不断学会辨别、理解、把握事物的实质,让学生能自觉主动运用所学过的理论进行反思、判断,作出选择,并最终影响他们的观念和行为。实现知识传授、能力培养、素质教育的完美结合。 3.在“思政课”实践课教学中 以确立科学的世界观、人生观和价值观为基点,让大学生亲身体验社会、发现社会现象的复杂性、多样性,认识理论和实际的差距,通过验证理论、运用理论、认同理论,逐步达到内化理论的目的。高校应不遗余力地重视“思政课”实践课,在学校所在的城市及周边地区,选择与理论教学相适应的、具有代表性和针对性的,能引发大学生深刻体验和能量共鸣的地方。如:博物馆、纪念馆、福利院、养老院、监狱、贫困山区的学校等,建立丰富的实践教学基地,不让实践课流于形式,为学生实现知行的最大化统一提供必要条件。“思政课”教师应要求学生以社会调查报告、参观访问心得、主题讨论演讲等形式来实现总结和内化。 (二)加强法制教育力度,注重法律意识的培养 1.充分发挥“思政课”课堂的实际作用,把培养大学生法律意识深入课堂。 适当增加《思想道德修养与法律基础》课程中法律部分的课时,并将这一部分知识体系作一定扩充和细化,减少抽象、难以理解的法理知识,增加实体法的具体内容,教师在课堂讲授过程中,要大量结合案例和视频等多种方式,在传授法律知识的同时,引发学生的深度思考,感受法律的威慑力,从而形成良好的法律意识。 2.高校应高度重视法制教育,以培养和提高大学生的法治观念为重。 利用一切资源,充分发挥第二课堂的作用,通过法制宣传、讲座、模拟法庭审判、微博、大学城空间等方式进行不间断的法制教育宣传,并积极开展法制教育实践活动,如出席庭审、参观监狱或劳教所、邀请司法部门来校进行法制教育宣传、建立校外法制教育基地等方式,帮助大学生们在知法、懂法的同时,自觉守法,不断提升法律观念和意识。 3.建立高校法制培训长效机制并扩充辅导人力。 除对“思政课”教师、辅导员、班主任进行法律知识的常规培训外,高校应多提供外出参观或培训的机会,不断提升“思政课”教师、辅导员、班主任的法律素养,优化他们的法制教育能力,发挥预防大学生犯罪的一线作用。 (三)注重大学生心理健康知识的传授和健康心理的培育 1.建立高校大学生心理危机干预机制。 高校应建立大学生心理档案,配备专业的心理咨询人员,对高危人群实现心理危机干预,以便及时发现问题、解决问题。目前,各大高校基本建立了心理咨询中心,但在专业人员的配备上比例很小,让很多高校的心理咨询工作流于形式,力度和影响力较小,没有发挥广泛作用。这就需要高校投入更多的人力物力培养大学生寻求心理咨询的意识。作为高校班主任、辅导员,应注意学生信息搜集,关心性格内向或存在其它特殊情况的学生,及时发现学生间的人际纠纷和冲突,及时沟通输导和调解。加强与学生家长的沟通,把学校教育与家庭教育结合起来,降低心理危机发生的概率。 2.建立高校心理健康知识、心理健康教育培训长效机制。 减少教师、辅导员、班主任潜在的职业倦怠困扰,在提高自身心理健康水平的基础上,掌握一定的专业心理健康知识和心理健康教育手段以及心理疏导和沟通的技巧,以健康饱满的情绪和工作热情投入教学和学生日常管理中,顺利应对大学生的负性事件,注重大学生情商和逆商的培养,帮助大学生处理和减少心理隐患、培养健康心理。 3“.思政课”教师在教学中,要努力成为学生心灵的倾听者和引导者。 充分运用心理健康教育知识和技能,创造平等、自由、轻松、亲和的气氛和心理环境,通过课堂内外结合,促进教师与学生、学生与学生间的相互接触、积极交往。可在课堂内提出人际交往中的敏感和困惑问题,假设情境,分享健康、正确的自我调整方法和心理防御措施,讨论解决个案的最优方法,并及时反思自己成长的历程和缺失,帮助和引导大学生更加理性地认识自己、克服心理缺陷和性格弱点,提升人际沟通能力、人际关系的处理能力和抗挫折能力。鼓励大学生心理咨询习惯和行为,引导课堂外学生间的充分交流、分享,把当代大学生培养成积极、进取、善良、诚信、宽容、感恩,拥有好心态、好心情、好习惯和健康心理的国家所需要的高端人才。 作者:陈媛 单位:湖南环境生物职业技术学院 教育教学方面论文:案例库建设下教育教学论文 1.案例教学法在国际汉语教学中的重要作用 案例教学法最早于1920年,在哈佛大学法学院和商学院开始实行并取得显著的教学成果。随后几十年里,包括法学、商学和医学在内的专业教育领域都纷纷借鉴案例教学法。关于什么是案例教学法,学界并没有统一的定义。不同专业领域的不同学者都从各自的角度定义案例教学法。例如:在法学教育中,案例教学是一种以上诉法院判决为学习材料,用苏格拉底法的问答方式进行讨论或边界,学习者自己归纳观点的教学方法。(Langdell,1986)案例教学(casemethodteaching,又称案例法教学)是在教师的指导下,根据教学目的,大量使用案例,通过对案例的分析与讨论,来提升学生的实际管理水平和能力,它是不同于传统管理教育的新型管理教学方式。在师资教育中,案例教学法是一种以真实教学情境的事件为教学材料,鼓励学习者表达意见并听取不同观点,对案件交织的问题和困境进行分析,最终产生解决问题的方案(S.Wright,1996);是一种以教育事务工作情境为素材,分析或探究变通方案的教学方法(汪履维,1995;陈丽华,1997)。是藉由案例作为教学材料,结合教学主题,通过讨论、问答等师生互动的教学过程,让学习者了解与教学主题相关的概念或理论,并培养学习者高层次能力的学习方法(张民杰,2006)。等等。尽管在管理学、法学、教育学等领域内案例教学法的定义不一,但总体上都表现出一些共同点: 1.1以真实案例作为学习材料。 案例教学法所用的材料一般都是以真实事件为基础,由专门的案例编写人员进行加工、整合,以求尽可能地还原真实情境。 1.2学习者成为学习的主人,强调师生间的互动。 与传统课堂讲授不同,案例教学法鼓励学生积极参与,提倡师生间的平等关系。目标是让学习者独立思考,共同探讨最佳解决方案。 1.3重视学生综合能力的培养。 案例教学法不提供标准答案(有些提供最佳解决方案),而是引导学生发现问题,并多角度分析问题,作出判断和决策。案例教学法的这三个特点和我们致力于培养综合素质高,教学能力强的国际汉语师资力量的目标是十分吻合的。由于工作环境特殊,教学对象多元,学习者需求不一等复杂因素,国际汉语教师不仅需要具备基本的汉语教学能力、教学监控能力,还要有对异国文化风俗、宗教信仰的包容力以及良好的跨文化交际能力和沟通能力。又加之国际汉语教学中存在诸多没有明确解决途径,可多视角看待的问题,更要求国际汉语教师灵活变通,在教学困境中迅速作出反应。而这些都是传统讲授型课堂难以做到的。很多教学原则在具体的实践中都有不同的对应模式,需要多操作、多反省,总结经验教训才能真正理解。这也是为什么对于青年教师感到棘手的问题,资深教师常常能引刃而解。目前,国际汉语教师志愿者是我国汉语国际教育的中坚力量,志愿者们在国外的教学时间往往一年不到。若志愿者在这不到一年的时间里还要花大量的时间熟悉教学环境、摸清教学思路,教学的质量就会大打折扣。相反,如果在国内,这些职前教师就能通过案例教学法获得间接性经验,能够了解对于某个具体的知识点,应该怎么教,为什么这么教;了解面对某一个具体的情境,应该做出怎样的反应,或者什么样的行为是不恰当的,那么他们走出国门后的教学效率会大大提高。我们并不否认理论的作用,但传授的知识和实际的教学工作之间存在差距是不容置疑的。师资教育的关键除了学习理论,还在于感性知识,教育工作者应该为就职前的教师创造机会探索、发展和完善他们的感性知识(Kessels Korthagen,1996)。案例教学法能弥补学生在掌握惰性知识时被遏制的创造力和行动力,培养学生的反应能力、表达能力、分析和解决问题的能力。而且,案例作为现实的再现,比课本更为生动,更能激起学生较大的学习热情和主动性。 2.汉语国际教育教学案例库现状 在案例库的建设上,我国的工商管理教育学科起步较早,如教育部“九五”规划重大科研项目:中国企业管理案例库组建工程,其成果包括《中国企业管理教学案例》等丛书;建立了相关的教学案例库、研究案例库、纯素材库并建立了案例网络查询系统,目前我国三大管理教育案例库分别为大连理工大学中国管理案例共享中心、北京大学管理案例研究中心和清华大学中国工商管理案例库。在法学专业领域,走在前头的有北大法宝最高人民法院公报案例库以及中国法院网的中国审判案例库。这些案例库尽管还有许多不足,但已经可以作为其他专业领域案例库建设的榜样。然而在师资教育领域,几乎没有完整收录、开发案例的案例库实体网站。汉语国际教育教学案例库的建设工作更是刚刚起步。2007年,国务院学位办交指委的汉语国际教育硕士培养方案对案例教学作出了明确的要求,案例教学法逐渐受到重视。以国际汉语教师5P培训为例,其采用的培训材料就是与教学主题配合的案例,分为内容点拨(preview)、教师精讲(presentation)解决问题(problem-solving)、模拟练习(practice)和成果展示(performance)五个环节。5P培训模式充分发挥学生个体作用,让学生自主思考、自主分析、自主决策。除此之外,各高校也经常采取现场研究、现场训练来组织教学,或者举办讲座、座谈,邀请海内外专家介绍海外教学经验。学生论文也多有典型案例分析以及教学实验报告和教学设计的内容。很可惜的是,由于缺乏一个内容完备、更新及时的高质量案例库以及专业的案例库建设团队,无论是高校老师,还是培训机构,都只能各自为营,在教学时自行搜集、撰写案例,浪费了大量的人力、物力、财力。案例教学法本就要求老师花大量的精力备课,案例的准备和问题的设置,以及课堂的控制都对老师有很高的要求。如果还要自己搜集或撰写案例,必然增加老师的教学压力,可能导致老师教学热情的降低,甚至选择放弃案例教学法。即使有些老师恪守职责撰写案例,或者经验丰富的老师已积攒大把案例,也没办法保证案例的及时更新。而且可以料想,案例的质量也一定是良莠不齐。一个人的力量是有限的,如果能集合各方力量,在政府的支持下,由几所高校牵头,一起建立一个高质量的汉语国际教育教学案例库,给案例教学法提供一个坚实的支持系统,我们的国际汉语师资培养必然跨上一个新的台阶。 3.结语 全球化的“汉语热”的不断升温,使得优秀的国际汉语教师缺口不断扩大。只有通过建设汉语国际教育教学案例库,才能解决汉语国际教育专业学生的培养问题,才能真正推动我国的汉语国际教育事业不断健康、稳定的持续发展。 作者:李雅洁 张军 单位:广东财经大学华商学院文学系
中小学艺术教育论文:中小学艺术教育论文 一、当前中小学艺术教育活动的异化倾向 (一)“专业化”倾向 艺术教育是一种普遍的、普及的、基本的艺术素养教育。中小学艺术教育受专业艺术院校的影响,忽视学生现有的水平和接受能力,求全、求高,在开展艺术课外活动时,一味将重点放在艺术技能的展示上,变成纯粹的艺术技能训练的过程。如美术活动“术”多“美”少,甚至有“术”无“美”。音乐活动重“音”轻“乐”,重“知识技能”轻“审美体验”,使学生产生厌烦心理,导致学生喜欢音乐而不喜欢音乐活动。这种以艺术技能为主的专业化艺术教育活动不符合中小学艺术教育“育人为本”的根本宗旨,也不符合“审美育人”的基本要求。 (二)“精英化”倾向 中小学艺术教育承担着提高学生审美和人文素养的重要使命和责任,必须面向全体学生。而当前一些学校的艺术活动只顾及到少数有特长的“精英”学生,有的学校甚至只是为了应付艺术“特长生”升学与比赛需要而有针对性地开展活动,既省钱省时省力,又能取得成绩。如此“事半功倍”的举措,使广大中小学校趋之若鹜。 (三)“程式化”倾向 “艺术来源于生活,而高于生活”,即艺术要与生活紧密相连,同时又走在时代的前沿。同理,艺术教育不能脱离生活,脱离时代。学校在设计艺术教育活动时要充分尊重这一基本原则,要紧密结合学生的生活生长实际,紧跟时展的步伐和学生成长特点的变化,适时调整。而现实中的情况是,大多数学校设计一个活动维持数年,完全“程式化”,很少改变,以至于完全脱离时代特点和学生生活实际,致使学生的参与热情大打折扣。(四)“成年化”倾向中小学艺术教育是面向未成年人的,他们的所思所想是独特而新奇的,作为成年人的老师和家长是无法企及和掌控的。因此,学校在设计艺术活动时必须贴近学生、贴近生活、贴近校园。现在的大多数学校在设计艺术活动时,往往忽略对学生需求的调查和了解,几个老师在办公室“拍脑袋”决定。如此开展的活动“成年化”特征明显,与学生生长需要脱节,不能得到大多数学生的认可和接受,只能是学校老师和少数几个学生的自娱自乐罢了! 二、当前中小学艺术教育活动的异化成因分析 (一)认识不足,引导缺位 在“应试教育”还大行其道的中小学,属于“素质教育”特征之一的艺术教育难以取得根本性的改变。教育行政部门受“教育政绩观”的驱使,很容易选择性忽视艺术教育;在中小学校,艺术教育活动的工具性、边缘性功能逾越了作为优秀价值的美育功能,学校仅将艺术教育活动当作装点门面的形象工程;家长对艺术教育活动的参与热情随孩子年级的升高逐渐淡化,孩子的“素质”完全让位于“考分”等。“功利性”的认识,必将导致“功利性”的实践,很多中小学校出现重视培养少数特长生而忽视全体学生、重视艺术竞赛而忽视艺术体验、重视技能表演而忽视人文素养、重视成果展示而忽视过程准备的倾向就自然而然了。 (二)政策乏力,制度缺失 笔者通过北大法律信息网检索有关中小学艺术教育活动有关的政策文献,《教育部关于加强和改进中小学艺术教育活动的意见》是唯一一项与中小学艺术教育活动直接相关的文件。《学校艺术教育工作规程》和今年初刚颁发的《教育部关于推进学校艺术教育发展的若干意见》都有艺术教育活动的相关章节和内容。但是由于应试升学的强大“磁场”,以及与此相关的专项督导检查没有及时跟上,很多地方和学校在文件执行中缺乏热情,常常避实就虚,实施效果差强人意。很多中小学校举办艺术教育活动更多是一种临时性的举措,普遍缺乏中长期的艺术教育活动规划,缺乏系统可行的制度设计。 (三)资源不足,配置失衡 艺术教育活动资源主要包括与人财物相关的活动经费、场地、器材、师资等。在中小学校公用经费总量不足的现实情况下,位居学校“末节”的艺术教育活动的经费难以有效保障。场地、器材等硬件条件参差不齐,学生密度大的学校的场地、器材不堪重负,学生密度小的学校,场地器材长期闲置;少数农村学校还没有基本的艺术教育活动场地和器材。艺术教育活动指导教师也是一个大问题,艺术教育师资总量不足,且主要集中在城区和镇区,乡村学校严重缺乏专业的艺术教育活动指导教师。 (四)安全隐忧,进退失据 安全是悬在中小学校头上的一把剑,举办大型艺术教育活动尤其让广大中小学校纠结。举办活动,潜在安全隐患让学校惴惴不安;不举办活动,学校教育又不完整留有遗憾。安全隐忧,让广大中小学校进退两难。很多学校因安全原因,对待艺术教育活动采取“非必须不办”,甚至“多一事不如少一事”的态度,这严重制约了中小学艺术教育活动的正常开展。 三、进一步改进中小学艺术教育活动的建议 (一)提高认识,注重政策落实 《教育部关于推进学校艺术教育发展的若干意见》指出:“学校艺术教育对于立德树人具有独特而重要的作用”,《教育部关于加强和改进中小学艺术教育活动的意见》明确指出,“中小学艺术教育活动……对于丰富中小学生的精神文化生活,提高中小学生的艺术修养和审美素质,培养创新精神和实践能力,促进德智体美全面发展,具有重要作用。”国家对艺术教育和艺术教育活动越来越重视,都有重要而明确的规定。地方政府、教育主管部门、学校并引导家长要提高对艺术教育的认识,重视艺术教育活动的育人价值,切实将政策文件精神落到实处。 (二)强化均衡,注重配套保障 教育行政部门要加强统筹协调,要将艺术教育活动纳入教育年度发展规划,科学合理安排活动的时间和项目,避免给学生增加过重负担影响正常的教学秩序;学校要把艺术教育活动列入教育教学的整体工作计划,明确每周固定的艺术活动时间,每年组织合唱节、美术展览、舞蹈比赛等形式多样综合性的艺术活动。教育行政部门和学校要设立艺术教育活动专项资金,为开展艺术活动提供物质条件保障,要积极创造条件加强艺术活动专用教室和场馆的建设,不断改善艺术教育的条件。尤其是需要制定向艺术教育薄弱学校和农村学校倾斜的政策,强化艺术教育资源均衡配置。同时,学校要积极争取地方政府的支持,充分利用当地的音乐厅、美术展览馆、文化馆等社会艺术教育资源。教育行政部门和学校要切实加强艺术教育活动指导教师队伍建设,积极增补艺术师资,严禁占用艺术教师编制;通过培训、进修等办法,提高艺术教育活动指导教师的思想素质和业务水平;学校要积极聘请文化艺术节和民间艺人担任活动指导教师,帮助学校开展艺术教育活动,提高艺术教育的水平。 (三)规范创新,注重育人为本 中小学校在开展艺术教育活动时,必须自觉融入社会主义优秀价值观,在体现“向真、向善、向美、向上”正能量的同时,结合时展要求,与时俱进不断创新。中小学校艺术教育活动的内容和形式要贴近时代、贴近学生、贴近校园生活,符合中小学学生的认知水平和心理特点,活动要从学生中来,走进学生中去。中小学校艺术教育活动还要坚持面向全体学生,坚持课内外、校内外、普及提高相结合的原则,以学校为基础,以班级为重点,因地制宜,多开展小型、分散的艺术活动,注重活动过程,力求实效。 (四)加强领导,注重过程监管 地方政府要加强统筹协调,建立相关职能部门齐抓共管的长效机制,注重舆论引导,营造开展中小学艺术教育活动健康的社会舆论氛围。教育行政部门要切实加强艺术教育活动专项督导检查,在学校年度督导考核指标中单设艺术教育活动专项指标。教育行政部门和学校建立活动安全事故处理联动机制,成立安全事故处理第三方责任机构,有效缓解学校活动安全的后顾之忧,激发学校开展艺术教育活动的积极性。同时,中小学校要注重活动过程监管,坚决反对中小学艺术活动“庸俗化”和一味追求排场、追求时尚的不良倾向。 作者:陈立兵单位:四川省教育科学研究所 中小学艺术教育论文:论农村中小学艺术教育 摘要:艺术教育是实施素质教育的重要手段,对促进学生的全面发展有不可替代的作用,这引起了社会各界人士的积极呼吁,尤其是农村小学的艺术教育。 关键词:农村小学;艺术教育;现状;对策 艺术教育是实施素质教育的重要手段,对促进学生全面发展具有不可替代的作用。多年来,社会各界人士积极呼吁关注艺术教育,特别是农村学校的术教育问题。全面推进素质教育就成为一句空话。下面就本县的实际情况对农村小学艺术教育状况进行综述。 一、农村小学艺术教育教学的现状 1.对艺术教育的重视不够 虽然我国很早就提出了“素质教育”的口号,但考试这种评价手段将素质教育引进了死胡同,大家嘴上讲的是素质教育,事实上大部分农村学校实施的依然是应试教育,重视语数英,轻视体音美,重视成绩提高,轻视素质培养,始终以成绩的高低评价学生的好差,评价教师的工作实绩和学校管理者的治学水平。这就促使管理者和教师在工作中带有急功近利的心理,为了提高成绩,教师不惜违背教育规律,教育法则。在大多数学校,课表上的体、音、美课虽然也按要求排足了,但事实上很多老师将其上成语数英或者自习课,学生盼星星盼月亮,盼来一节艺术课,结果老师不上,学生失望、沮丧,甚至因此产生厌学情绪,如此情况,如何引导学生生动、活泼、主动地发展? 2.专业师资匮乏 从一定意义上讲,教师的质量决定着学生的质量,教师的水平决定着学生的水平。艺术课程师资力量严重缺乏是造成现状的原因之一。农村小学,受过艺术专业化、系统化教育和培训的教师为数甚少,很多艺术课教师都是半路出家,对音乐、美术等专业知识了解甚少。有的学校艺术课教学基本上是由语、数等主科老师兼任,由于教师水平有限,严重制约了小学艺术课程的发展,使得艺术教育发展不平衡。没有一支合格的师资队伍,又怎能实现艺术教育的正常化? 3.条件制约,教学设备短缺 大多数农村学校,体音美教学器材极其匮乏,只有一两架破旧的脚踏风琴,体育器材只有少数几个篮球、足球和几根跳绳,这数量根本不能满足孩子们的需求,孩子们从来没见过钢琴、二胡、长笛等,也不知道什么是画板,更别提画室、琴房了。这严重阻碍了农村艺术教育的落实,更谈不上开展艺术实践活动。这样的条件,怎能不使农村艺术教育浮于表面? 二、农村小学艺术教育教学的对策 针对上述我县农村小学艺术教育的现状,笔者认为可从以下几方面努力。 1.转变观念,提高对艺术教育的认识 学校艺术教育是面对全体学生的普及教育,学校领导和教师应坚定信念,更应该联合家长、学校、社会,建立起正确对待艺术教育的思想,从思想认识上到位,充分认识艺术教育在实施素质教育中的重要作用和突出地位,尊重艺术,尊重艺术教育,爱护艺术人才,形成良好氛围。 2.保证经费投入,加强教学设施等硬件建设 音乐、美术器材的配置是开展艺术教育的重要条件之一,也是顺利实施艺术教育的物质基础。多渠道争取艺术教育投入,加大器材设备的配备力度,改善教学条件,为艺术教育工作的开展提供硬件保障。学校可充分调动艺术教师的积极性,鼓励教师、学生自制一些适合自身教学特点的艺术教学用品,如:简易的画夹、画架、画板等;也可鼓励学生自带、自购一些民间乐器,如:二胡、笛子等,以补充教学设备的不足,为农村孩子也能走入高雅的艺术殿堂奠定坚实的基础 3.加强师资队伍建设 配好艺术教育师资,建立相对稳定的、合格的艺术师资队伍。 一方面是针对现有艺术教师,加强培训工作,提高教师的教学技能和水平,使教师尽快适应学校艺术教育的长远需要;另一方面录用教师时以专业技能为标准,同时兼顾录用人的综合素质。采用多渠道培养方式,壮大艺术教师队伍,建设一支有敬业精神、有较强业务能力的骨干教师队伍。“艺术不能容忍说教,审美不能依靠灌输”,[1]只有艺术教师的专业水平提高了,才能够激发学生的兴趣,提高学生的艺术水平。 美术教学中,根据教材内容和要求,给学生以创造的天地,引导学生运用有形材料,通过线条、色彩、光线明暗等艺术手段,去表现美和创造美;同时,拓展教学面,把板报美化、报头设计等引进课堂,通过教学,使学生掌握一定的绘画知识与技能技巧。 书法教学中,分层要求,软硬笔并重。教师不仅教学生写好汉字楷书,而且指导学生临帖,如:颜体、柳体、以及篆刻书法等,激发学生继承祖国优秀文化遗产的责任感和积极性。 音乐教学中,把识谱、唱歌、乐器演奏、欣赏、舞蹈律动等熔于一炉,改善音乐课堂教学结构,使歌曲与形体结合,声乐与器乐结合,促使学生手、耳、脑并用,增强节奏感,发挥小学音乐教学的合力作用。 “‘兴趣是最好的老师’。老师‘教’和学生‘学’应该互动起来。‘以教师为中心’、‘以教材为中心’、‘以课堂为中心’也应该被‘以人为本’、‘以人的发展为中心’”[4]所代替,教学形式应更灵活。要大力加强多媒体电化教学手段在艺术课中的运用,使教学内容更形象、更直观,如精心绘制板报,设计图案、书签,精心制作动画等。要积极开展艺术课教研活动,创设机会,让音、美教师相互交流经验,取长补短。 农村艺术教育的起点较低,决定了农村小学的艺术教育之路更艰难。我们要从实际出发,创造条件,营造良好氛围,着力特长师资队伍的建设,让农村小学的孩子与城市的孩子一样接受艺术的熏陶,享受优质教育,走在同一起跑线上,让艺术之花开遍农村小学校园。 中小学艺术教育论文:充分利用本地区,本民族艺术教育资源发展中小学艺术教育 二十一世纪的教育改革让艺术教育面临着新的挑战和难得的发展机遇。中小学艺术教育该如何发展?笔者以为:中小学艺术教育应充分利用本地区、本民族的文化艺术教育资源,陶冶学生的高尚情操,培养学生良好的审美情趣、文明的行为习惯,井以此启迪学生的智慧、发展学生的思维、激发他们对科学的想象力、创造热情和创造力等。 一、充分利用和开发本地区、本民族的文化艺术资源发展中小学艺术教育 一个民族继承传统的重要条件之一,就是首先继承本地区、本民族的传统文化。我国是一个有着几千年历史的多民族的文明古国,在几千年的漫漫历史长河中,各族人民创造了光辉灿烂的文化艺术。虽说中华民族的历史是由汉族人民和五十五个民族人民共同谱写的,但在实际生活中,汉族和少数民族之间却存在很大的差别。就目前各中小学使用的音乐教材来看,少数民族音乐和民歌只占了很小的比例,而汉族的音乐作品却占了大量的篇幅。这样的教材其实是“狭隘民族主义”的产物,而使用这样的教材往往伤害了部分少数民族的自尊心,不利于各民族音乐文化的平衡发展。只有充分利用和开发本地区、本民族的文化艺术资源发展本地区中小学艺术教育,我们的民族文化艺术才能代代相传、繁衍生息。 事实上,民族的音乐要想得到发展,除了要让人们一代一代受到自己民族创造的文化艺术的熏陶,培养强烈的民族自尊心、民族自信心和民族自豪感外,关键还要有接班人。而现实却与实际相差甚远。比如,说苗族、侗族,这两种少数民族从小就有学歌的习惯,但进入学校后,老师教的全是汉族的歌曲很多苗族、侗族或其他民族的学生不会唱本地区、本民族的民歌。这就严重影响了本地区、本民族优秀的音乐文化的继承和发展。 因此,充分利用和开发本地区、本民族的文化艺术资源、在本地区开设本土音乐文化艺术教育,让学生从小受到本民族音乐文化艺术的熏陶,不断丰富本地区的中小学艺术教育是十分必要的。 二、利用和开发本地区、本民镤的文化艺术教育资源发展中小学艺术教育的可能性 随着改革开放的不断深入,新的经济政策让人们的生活水平有了显著的提高,文化教育事业也有了长足的发展,这给艺术教育的发展提供了可能性。中华民族是一个能歌善舞的民族,随着党的民族政策的进一步贯彻执行,各民族的传统习俗得到了尊重,能歌善舞的优良传统得到发扬光大,民族文化也获得了新生,产生了新的活力。 国家教育制度的不断改革,重视人才,重视知识的政策的实施,也为艺术教育事业的发展提供了可能性。各种音乐培训、音乐活动的开展,不断推动着各民族的文化艺术向前发展,这对继承和发扬优秀的民族文化艺术起了极大的作用,也为切实加强中小学艺术教育提供了有利的条件。 无论是历史的原因,经济制度的改革,教育制度的改革,还是各地区、各民族对本地区、本民族的传统文化艺术的深厚感情,都为开发和充分利用本地区、本民族的文化艺术教育资源,发展中小学艺术教育提供了有力的保证。 三、充分利用本地区,本民族文化艺术教育资源发展中小学艺术教育的构想 1.欣赏和学唱本地区、本民族的地方戏曲、民歌是增强学生民族情感的重要手段。 我国很多地区都有地方戏曲、每个民族的民歌在音调、节奏上都有各自不同的风格、特点。如侗族大歌是多声部音乐,从来就被人们称为“山水和音”;彝族的民歌朴实、细腻、清新动人,节奏丰富多彩苗族的民歌高亢,悠扬,节奏宽广:花灯音乐蕴藏丰富,形态多姿,结构独特、声腔稳定、流布广泛。这些民族音乐颇有特点,如侗族“童声大歌”《小山羊》,结构紧凑,多声巧妙谐和,风格十分别致,它在合唱部分除了用美妙的声音模仿小山羊“咩、咩”的叫声外,两个声部还交替唱主旋律,使乐曲饱满、热烈而谐和。这种多声部的儿童歌曲是侗族特殊的“音乐产物”;彝族的《撒麻歌》以集体舞蹈歌唱的形式把“种麻、织布、做衣裳”的劳动过程作了艺术化的再现。突出了彝族民歌朴实,细腻的风格。欢畅、跳跃、并富有动作性,很有特点:苗族的《植树造林歌》曲调跳跃,热烈、富有芦笙舞益的特点,充分体现了儿童们劳动时的欢快情绪。教师应通过分析作品意义、了解作品背景、学唱、欣赏等手段对学生进行民族情感的熏陶,在进行民族教育的过程中,要强调音乐作品的内在美与外在美的完整统一,引导学生热爱和重视本地区、本民族音乐作品,使学生从艺术的角度深入,透彻地学习,了解本地区、本民族的传统文化,从而使学生增强民族意识,更加热爱自己的民族与国家。 2.营造民族艺术教育的良好氛围,培养学生热爱本地区、本民族的文化艺术。 要培养学生热爱本地区,本民族的文化艺术不是一朝一夕的事情,要依靠多方面的力量,为学生营造一个学习本地区、本民族文化艺术的良好氛围。这种氛围包含学校、家庭、社会三个方面:从学校来讲,不论在艺术课上还是在课外活动中,都要对学生进行民族情感的教育。如:举办有关本地区、本民族艺术文化知识和作品的讲座,组织民乐学习小组,开展本民族音乐演唱、演奏比赛等。在家庭方面,父母要鼓励子女学唱民歌、学习演奏民族乐器,让他们多听本民族的音乐。在社会方面,广播、电视、电影都要积极宣传本地区,本民族音乐,引导学生学习、热爱本地区、本民族的文化艺术,多给学生提供接触了解本地区、本民族文化艺术的机会,使他们对本地区、本民族文化艺术产生浓厚的兴趣,从而热爱本地区、本民族的文化艺术。 总之,充分利用本地区、本民族的文化艺术发展中小学艺术教育,让学生学会歌颂我们的祖国、人民,赞颂英雄人物,赞美祖国的大好河山,激发他们的爱国精神和报国之志,努力学习,奋发向上。在中小学音乐教学中,长期对学生进行民族文化艺术的教育,对学生民族情感的培养教育有着重要的渗透作用,让民族情感之花在学生的心中生根,它是向学生进行爱国教育的最好的内容,是增强民族情感的重要手段,也是艺术教育的目的所在。 中小学艺术教育论文:谈对农村中小学艺术教育的思索 艺术教育作为学校教育的重要组成部分,具有其他学科教育所不可替代的特殊作用。这已经成为广大教育工作者的共识。艺术教育的目的是为了提高学生的艺术文化素养,从而提高人的整体素质。在大力提倡素质教育的今天,艺术教育也出现了前所未有的好兆头,但其间也存在着某些令人思索的问题。作为一名从事艺术教育多年的工作者,我愿就农村中小学艺术教育的现状与改革谈谈自己的一些体会。 我国农村中小学艺术教育近几年来取得了可喜的成绩,但也存在着片面理解艺术课程的价值和目标,违背基础艺术教育规律,导致艺术教育非艺术化和艺术教育专业化的倾向。正是这些问题的存在,严重影响了艺术教育的进一步向前发展,特别是导致艺术教育难以适应素质教育的要求,在培养学生创新精神和实践能力方面难以发挥艺术教育所特有的作用。 目前农村中小学艺术课程本身存在的最为严重和突出的问题主要表现在以下几个方面: 第一,受应试教育负面影响,艺术教育被忽视。长期受应试教育负面影响,农村学校尤其是农村小学仍然把音乐、美术课看成是“杂课”,将艺术课变成自由活动课,艺术课变成随意唱歌、“涂画”课,甚至被语文、数学、英语等主课占用,音乐课、美术课形同虚设。加上学校长期的不重视,打击了艺术教师的积极性、主动性,片面理解艺术课程的价值和目标,导致艺术教育的非艺术化倾向。 艺术教育是学校美育的主要内容和重要途径。由于历史的原因,长期以来美育在学校全面发展教育中的地位问题,以及美育与其他方面特别是与德育的关系问题一直都未得到很好的解决,这就必然导致人们对艺术课程的价值和目标的理解产生严重的偏差。望子成龙、望女成凤是农村家长的一般心态,受“应试教育”根深蒂固的影响,农村学生的家长看重的往往是学生升学考试、学科的成绩发展情况。凡此种种,使学生的学习积极性得不到家长的支持,束缚了学生求知欲望和学习兴趣、个性激情的延伸。 第二,艺术专业人才缺乏,教师对新教材不熟悉。农村学校多数教师来源于民办转公办,年龄相对老化,水平较低,因上不好主要科目,学校就安排他们上艺术课。有的还让语文、数学教师兼任。由于没有艺术专业教师正确引导,没有系统的艺术教育理念作指导,也没有一定的基础知识做铺垫,教师的教学水平可想而知。如此恶性循环,学生无法学习新教材的思想精髓,不利于培养个性和创造才能。 农村人杰地灵,物产资源丰富,有着清新的田园风光和优美的山川景象;农村中小学是孕育艺术的土壤。但是,农村人文环境良莠不齐,因为主、客观原因的制约,农村中小学艺术教育的深度还不足,广度还不够,发展的空间还很大。就我所在学校基础教育发展的整体水平来看,艺术教育仍然是学校教育中的薄弱环节。观念滞后、师资短缺、形式单一、设备不足、保障机制不够等情况不同程度地存在着,极大地影响着农村中小学艺术教育的健康发展。 其实在农村中小学开展艺术教育有着更广阔的便利条件:我所在的农村中学附近是胶泥土的土壤环境,我们学校的美术教师利用地理便利,引导学生开展泥塑活动,并把那些生动的画面编成舞蹈《泥娃娃》,在学校新年联欢会上演出。这一系列活动引起了全校学生的关注,引发了学生主动探究艺术的兴趣,也提高了学生的审美能力,提升了农村学生的审美情趣。 第三,受传统观念影响,学生家长认识不足。农村学生家长大都见识少、文化低、思想封闭、观念陈旧,只是关心升学率,关心语文、数学等主要科目的成绩。针对这种情况,加强农村中小学硬件设施建设,改变传统观念影响,解决偏见造成的负面影响。农村中小学设施普遍简陋,没有专门的教室,更谈不上音、美器材的配置。“普九”达标检查开展以来,教育行政部门每年的教育费附加中拔出一定的经费,给农村中小学校逐步建立各种功能室,配置音、美教学器材,让农村中、小学的音、美器材配备上规模、上档次,以便顺利地实施新教材的艺术教育。 第四,学校教学设备严重缺乏,阻碍了农村学生的兴趣发展。农村中小学校艺术教学设备的配置,虽然在“普九”中得到一定改善,但还达不到真正实施新的课程改革艺术教育教科书所需要的完整教学设备。特别是农村小学,艺术教育教学设备还远远达不到配备要求。当城市的小学生在市区的青少年宫、活动中心载歌载舞的时候,农村学生连一些基本的音乐知识都不懂,连一些简单的乐器都没有见过,更不要提掌握一门乐器的技能了。 要解决这个问题就要开展丰富多彩文艺活动,营造良好艺术教育氛围。艺术本身来源于生活,直接影响人的身心健康发展,农村中小学校要通过书法展览、文艺汇演、节庆联欢会等艺术展示方式,争取社会、家长的支持与配合,营造良好的、广泛的艺术教育氛围。学校要经常开展丰富多彩的艺术活动,鼓励学生发挥艺术才能,能主动去探索美,并创造美。 面对农村中小学艺术教育的思索,我们发现了问题,解决问题的方式和方法也未必完善。那不要紧,千里之行始于足下,对农村艺术教育的思索,我们已经在路上行走。 中小学艺术教育论文:法国中小学艺术教育探析 摘 要:法国是世界公认的文化大国。法国政府一向重视青少年艺术教育。成功的中小学艺术教育对于提升青少年的艺术鉴赏能力和创造力起到了不可替代的作用,对促进社会文明的发展和艺术创作的繁荣具有举足轻重的作用,对法国经济、社会发展和大国形象的确立发挥了至关重要的作用。 关键词:法国;中小学;艺术教育 法国具有独特的文化底蕴和丰富的文化遗产。文化艺术的繁荣使得法国在工业设计、艺术设计领域取得了有目共睹的世界领先地位。法国一向重视艺术教育,而成功的艺术教育为其社会文明的提升和经济的发展注入了动力,使法国跻身经济和文化大国行列。 人们对艺术的兴趣很大程度上取决于其童年时代的接触和培养。艺术教育对于个体的全面发展和创造力的提升具有重要的推动作用。因此,在中小学开展艺术教育对于促进社会文明的发展和艺术创作的繁荣具有举足轻重的作用。 一、发展阶段 二战后,法国中小学艺术教育主要经历了三个发展阶段。 第一个阶段,1945年至1968年。二战结束后,法国的艺术教育主要由文化部主导。具有传奇色彩的法国首任文化部部长、反法西斯英雄安德烈・马尔罗鼓励民众在生活中欣赏艺术作品,在中小学教育拒绝任何教导性的艺术启蒙。该时期,除了音乐和美术必修课之外,学校没有为青少年开设任何艺术启蒙的系统课程。该政策持续了数十年,颇具浪漫主义和主观主义,在一定程度上影响了青少年艺术教育的发展。 第二个阶段,1969年至1985年。1968年以后,法国文化部开始考虑艺术教育在普通教育中的重要性。1969年,法国文化部制定了十年优先事项:每个大区都建立一所音乐学院、一个管弦乐队、一个音乐剧院和一个组织策划的服务机构; 与教育部协作进行音乐教育改革。之后,法国在中小学创建“灵活的课堂”,使有天赋的孩子、父母可以提供经济支持的孩子,以及在音乐方面领先、无需只埋头于普通教育的孩子在接受普通国民教育的同时,能够在“灵活的课堂”享有类似于国立音乐学院的学习机会。同时,法国文化部提倡坚持艺术教育平台和创新教育发展,平衡学生在智育、艺术、手工、体能和运动方面的需求。 第三个阶段,1985年至今。法国教育部和文化部开始深入合作,陆续推出艺术教育发展政策举措。例如,在高考中增设电影和戏剧部分,提供艺术教育学士学位,提倡在艺术表现、艺术史或创造性领域有专业能力者进行教师资格竞争,体育教育和农业教育亦可加入艺术教育范畴,在高中设立艺术史选修课等。2012 年,法国新政府推出了一系列教育改革,改革重点之一就是继续强化中小学艺术与文化教育。2013 年7 月,法国议会通过了《重建共和国学校导向和纲要法》,教育法典中的“艺术教学”正式被“艺术与文化教育”取代。 70年来,法国中小学艺术教育历经多次调整,其关注点已经从简单的课堂教学扩展到了学生的全面发展,其教育理念也从注重单一学科转变为注重多学科综合扩展。 二、主要内容和方式 法国中小学艺术教育以艺术教学为基础,贯穿学校教育的全部过程,强调理论与实践紧密结合,具有广泛的社会参与度。相关统计显示,法国60%的音乐剧或戏剧观众是青少年,8~12岁儿童在博物馆参观者中的比例高达76%。中小学艺术教育的蓬勃发展充分体现了法国民众一直以来对艺术的尊重和崇尚。 法国中小学校园艺术教育主要包括以下三个部分。 (一)音乐艺术教育 法国音乐教学始于幼儿园,小学和初中持续开展,高中阶段期望继续学习的学生也可以获得学习机会。教学内容主要包括声乐与合唱艺术、管弦乐实践等。合唱可以锻炼学生的记忆能力,增强团队凝聚力,并促使学生了解音乐遗产。除课堂声乐教学之外,音乐教学还强调歌唱实践活动,包括合唱团、管弦乐实践等。管弦乐实践将课程转变成乐团排练,通过集体排练促进学生乐器演奏水平的提升。 (二)视觉艺术教育 在初中开展初级视觉艺术教育,在高中开设“创造和艺术活动”选修课程,并开展艺术专业教学。同时,学校会根据自愿原则向学生提供大量课外活动,如艺术和文化项目班、艺术工作室、艺术家驻场等。通过参与文化活动,与艺术家及其作品面对面,学生能够增强求知欲,丰富个人的文化艺术世界。 (三)艺术史教育 面向中小学学生普及艺术史教育。艺术史教育能够使青少年通过发掘不同领域、时期和文明的艺术作品获得文化知识。不同科目的教师通常会围绕同一个方案开设多学科艺术课程,一般由历史、地理、美术和音乐教师担纲。 值得注意的是,法国中小学艺术教育注重青少年艺术启蒙,而非专业技能培养。民众对艺术的尊重、良好的社会环境、艺术教学与社会实践的结合,均有助于提高青少年的艺术鉴赏能力,并激发其创作热情。 三、发展特色 法国中小学艺术教育经过几十年的不断发展,极大地丰富了学生的文化生活,对于提升青少年的艺术鉴赏能力和创造力起到了不可替代的作用,同时取得了良好的社会效益。法国中小学艺术教育呈现以下显著特点。 (一)丰富多样的教学内容 法国教育部负责制定统一的教学大纲,各级教育部门只能对艺术教育的组织和实施提供指导性意见,对具体教学过程和安排不能进行行政干预。各校有权自主选择合适的教材,艺术课程内容丰富多样,包括声乐与器乐、视觉艺术、雕塑艺术、戏剧艺术、建筑艺术、影视艺术、视听表达、表演艺术等。此外,课程组织方式推崇自由、民主、平等思想。 此外,法国中小学艺术教育强调多学科综合学习。例如,艺术史教学融合了多个教学科目,贯穿中小学所有年级的必修课程,六大领域的教学内容涵盖建筑、文学、音乐、美术、绘画、手工艺、影视等学科。 (二)注重培养学生的艺术鉴赏能力 更确切地说,法国中小学艺术教育是青少年的审美教育。教师在教学过程中非常注重培养学生的观察和认识能力,并不要求学生立即动手,而是要求他们以小组形式进行观察和思考,学会探讨主题、设计实验和查找文献,踊跃参与学习,畅所欲言地讨论。在中小学艺术课堂上,教师经常指导学生学习使用艺术专业术语,对名家作品进行评论与探讨,也让学生相互评论对方的作品,以启发并提高学生的艺术鉴赏能力。 (三)社会团结和个人发展相统一 在现代西方国家普遍面对传统社会价值观与个性自由之间的矛盾的背景下,法国中小学艺术教育注重社会团结和个人发展相统一,并努力在教育教学实践中加以体现。例如,在音乐教学上既注重独唱和独奏,也重视通过合唱团和乐团形式培养学生的团结协作精神。法国中小学艺术教育提倡学生在尊重普世文化的基础上实现个人价值,肩负起应有的社会责任。 (四)良好的部际协调与合作 艺术教育仅凭教育部门和学校的努力是难以顺利完成的。因此,教育部门与掌握着大量文化艺术资源的文化部的协调与合作势在必行。法国教育部和文化部在中小学艺术教育方面所承担的职能有所交叉,但早已形成良好的协调与合作传统。教育部对校内艺术教育负主要责任,并从教学内容、课程设置、课时安排、师资力量调整等方面构建艺术教育平台。文化部的工作重点则放在艺术教育中所有与学生校外活动相关的部分,以其社会文化艺术资源丰富有限的教学资源。 (五)广泛的社会支持和参与 法兰西民族的优秀传统之一就是对艺术的尊重,因此,法国中小学艺术教育得到了广泛的社会支持与参与。大量的文化艺术机构,如博物馆、艺术中心、影剧院、戏剧舞蹈中心等积极参与学校的艺术教育。法国著名的小提琴家迪迪埃・洛克伍德认为,艺术家在艺术教育中应该起模范作用。多年以来,法国18 岁以下青少年均可以免费参观50多家国立博物馆和100多处国家历史古迹。法国国家文献中心、国家图书中心的大部分与艺术相关的资料都向中小学师生免费开放。总之,法国努力整合社会资源,构建社会大众广泛参与的艺术教育课程体系。 中小学艺术教育论文:推进中小学艺术教育区域发展的对策研究 【摘 要】随着基础教育改革的不断深入,艺术教育受到了前所未有的重视。浙江省临安市通过对本市农村中小学艺术教育现状的调查研究,分析了本区域内农村中小学艺术教育发展所处的困境,提出了加强与改进农村中小学艺术教育的若干对策。 【关键词】农村中小学 艺术教育 区域推进 随着义务教育均衡化的不断推进,义务教育阶段各学校办学硬件条件几无差距,但教师的素质性、结构性差距问题突出,尤其是艺术教育更是其中的短板,其发展面临诸多困境。如何因地制宜地采取有效的措施推进艺术教育的区域发展,是一个值得深思的问题。浙江省临安市地处浙西北,总面积3126.8平方公里,地势狭长,东西长百余公里。就整体而言,社会经济以及教育文化事业发展状况与杭州主城区相比还存在着一定差距。近年来,本市教育行政部门对本市中小学艺术教育的现状进行了广泛的调研,并推出了一些相应的举措,取得了一定的成效,为推进区域艺术教育发展提供了一定的经验。 一、农村中小学艺术教育发展面临的困境 (一)教育观念滞后 美育是审美教育,也是情操教育和心灵教育,不仅能提升人的审美素养,还能潜移默化地影响人的情感、趣味、气质、胸襟,激励人的精神,温润人的心灵。美育主要是通过艺术学科(音乐、美术)来实现的。但是很多学校的校长对美育的育人功能认识不到位,认识不到艺术课程自身应有的价值和作用,也认识不到艺术学科和自然学科及其他人文学科的相互作用。在他们心目中,艺术课程是“调剂课”,“口头上可能重要,心底里基本不要,忙起来全部抛掉。”因此,艺术课程缺师资,校长不着急,文化课缺教师,校长团团转;文化课缺课了,千方百计要补上,艺术课缺课了,最好不要补。 (二)教学管理粗放 学科建设视野还局限于有人上课这样的最低水平,部分学校甚至存在隔周开课现象,无视课程开设要求。在教学管理层面上,学校仅关注完成上级各类艺术竞赛等,并不太关心课堂质量。由于受教育观念的影响,学校在安排兼职教师时,并没有从学科长远发展的角度考虑,这使得艺术学科成为照顾学科、搭配学科、隐形学科。例如,往往将年龄大需要照顾的教师安排教艺术学科。又如,往往将一个年级或几个年级甚至全校的艺术课程进行肢解,由更多的其他学科教师来任教。一些农村小规模学校,几乎大部分教师都兼有艺术课,成为工作分工的搭配。还有些学校由于应试功利的影响,将艺术课程分解给语文、数学教师来教,使艺术课程在课表上成为摆设,实际上是隐性的语文、数学等考试学科。即使是兼职教师安排较好的学校,由于教师学科素养参差不齐而且几乎不参与教研活动,对于教材的结构、内容、进度的把握能力较差,因此教师上课存在随意及应付了事的现象。有些兼职教师由于身兼数职或多头教学以及学校考核环节缺失等原因,往往选择自己喜爱的内容进行教学,使得艺术课教学的整个过程成了既没有起点又没有终点的盲目运作过程。 (三)师资队伍匮乏 临安市义务教育普通学校中,初中14所,九年一贯制学校4所,小学39所(还有校区15个)。义务教育阶段小学教师1734人,初中教师1201人。在这些专任教师中,小学音乐教师53人、美术教师46人,初中教师音乐17人、美术教师23人,音乐、美术专任教师比例均处在杭州市平均水平以下。近几年来,尽管加大了招聘力度,但是由于符合教师资格条件人数少,兼职教师待遇低,又受教师行业规范所限,一些具备条件的人宁可在社会培训机构任职而放弃教师招考。以上因素在这些年发生了叠加效应,使全市招聘教师的难度不断增大。因此,艺术学科缺乏专职教师的现象可能还要持续较长的时间,许多农村学校尤其偏远学校艺术课程还得由兼职教师挑大梁。 (四)设施设备闲置 自从开展义务教育学校标准化建设、义务教育发展均衡县创建以及推进基础教育现代化以来,全市义务教育阶段学校设施设备投入很大,艺术教育设施设备的配备率也得到了快速提高。但从几次调研的情况看,使用情况不尽如人意。一是由于教师专业技能的缺乏,许多乐器或教具无法使用,有的学校甚至钢琴到校后一直未拆开包装箱;二是专用教室总体上还是缺乏,导致很多设备闲置;三是专用教室不具有学科特色,也看不到学生作品。 近几年浙江省义务教育综合评价监测结果表明,学生体艺兴趣的激发和满足,与其品德行为、学习品质、积极的心理特征、学业成就、创新能力等存在较强的正相关性,也是促进学生全面健康发展的重要保证。对于更多的学校来说,艺术教育发展并不是技术和条件的问题,又不完全是人员缺少的问题,而是观念问题,是对艺术教育的价值和功能的理解问题。有什么样的教育观,就会有什么样的管理行为和教学行为。因此,如果学校真正重视艺术教育了,那么人员的缺乏、结构的不尽合理、教师素养不高等问题都能够迎刃而解。 二、区域推进农村中小学艺术教育发展的对策 近几年来,市教育局在对农村中小学艺术教育进行多次调研的基础上,推出了不少针对性举措,收到了一定的成效。 (一)转变观念,明确思路 在具体实践中,通过修订学校综合业绩考核制度,加大艺术教育考核权重,以考核导向促进学校端正办学思想;实施艺术素养监测,将监测结果向社会通报,以舆论导向促进校长重视艺术教育;用好浙江省义务教育综合评价监测报告,使校长理性认识绿色教育质量及其影响因素,促进校长转变教育观念。 在转变观念的基础上,厘清工作思路,明确发展目标,健全发展机制。通过调研了解本市实际,结合上级教育行政部门要求,市教育局就促进艺术教育发展提出了几项工作重点:一是学校艺术教育要以育人为宗旨,面向全体学生,关注课堂教学;二是重视专兼职结合师资队伍的培养;三是加快形成和完善课堂教学、课外活动和校园文化三位一体的学校艺术教育发展推进机制;四是借深化义务教育课程改革之契机,开发和实施以体艺特长类为重要内容的拓展性课程体系,大力发展艺术社团和兴趣小组,逐步形成本地、本校学生艺术活动的特色和传统;五是建立和完善学校艺术教育和学生综合素质多元评价制度,建立和完善艺术教育保障机制。 (二)把握重点,项目推进 1.开足、开齐课程,灵活课时安排 根据《浙江省义务教育课程设置及课时安排(2015年修订)》相关要求,安排艺术课程课时,保证小学阶段达到830节左右,占六年总课时的13.8%;初中阶段艺术课程课时达到210节左右,占三年总课时的6%。在这个大前提下,音乐、美术可分别开设,也可分时段轮流开设,统筹使用课时,这为解决农村学校艺术教师不足,开展走班上课提供了可能。根据实际情况,市教育局提出了小班额学校在专职教师不足时可采用同年级合班上课的办法,但合班教学时班额一般不超过50人。同时还规定,除考试周可停课外其余时间不得停课,确保艺术教学课时不被挤占。同时,学校可以根据艺术课程特点,积极探索长短课时相结合的教学模式。 2.开设拓展课程,活跃教育形式 根据浙江省教育厅意见,完善学校课程结构,建设拓展课程。拓展课程中,小学一般为体艺特长类和实践活动类,初中增加知识拓展类。市教育局要求义务教育学校大力开设体艺特长类拓展课程,在所有拓展课程中不低于30%。学校要积极开展小型分散、灵活多样的学生艺术活动,因地制宜建立学生艺术社团和兴趣小组,而且其中必须要有合唱社团(兴趣小组),规模在12个班级及以上的学校必须建有鼓乐队。 3.推进“2+1”项目,丰富校园生活 以班级为基础,开展合唱、校园集体舞等活动,充分利用地域资源优势和特点,让每个学生都能根据自身兴趣爱好自愿选择参加,努力实现学生在校期间能够参加至少一项艺术活动,培养一两项艺术爱好。结合学校及当地实际,形成本地、本校学生艺术活动的特色和传统。每年举办艺术节,艺术节必须有班级集体齐唱节目。近年来,全市开展了两次学校体艺特色教育项目认定工作。对未通过认定的学校,逐个分析诊断,寻找差距,鼓励他们经过努力通过第二次评估认定。另外,在区域层面,每年举办一次演唱比赛和舞蹈比赛,助推学校工作。自2016学年起,每年将举办“班班有歌声”录像比赛。 4.开展书法教育,弘扬传统文化 市教育局要求,在义务教育阶段语文课程中,要按照课程标准要求开展书法教育。三至六年级的语文课程中,每周安排1课时的书法课,初中每周开设若干节硬笔或毛笔书法短课。在美术等课程中,要结合学科特点开展形式多样的书法教育。中小学校要在拓展课程中开展书法教育,组建书法社团或兴趣小组。 5.组织素养监测,监控教育实施 市教育局自2012年起,开始进行艺术素养监测的探索。2013年出台《临安市中小学生艺术素养监测实施方案》,其中音乐学科检测对象由教育局随机抽取学校类别和年级,有两个及以上平行班的学校,由测试人员到达学校后再抽取班级,被抽取的班级须全班学生参加测试;美术学科所有学校都要接受检测,由教育局随机抽取年级,由测试人员到达学校后再抽取班级。1~4个平行班的学校,抽测1个班级,5个及以上平行班的学校,抽测2个班级。音乐学科监测方式为音乐表现能力测试和问卷调查。美术学科为美术欣赏实践能力测试和问卷调查。监测结果在市教育网上公布并纳入学校综合业绩考核。每两年组织一次全市中小学生艺术节,为学生提供展示音乐、美术才艺的机会。 (三)创新管理,整合资源 1.合理使用师资力量 针对短时期内艺术课程专职教师无法完全到位,还要依靠大量兼职教师的现实,以及调研中发现的对专兼职教师使用不合理的现象,市教育局提出了要确保艺术专职教师从事艺术教育工作的要求。只有当艺术课程工作量不足时才可安排其他学科教学工作。要求学校安排兼职艺术课程教师时,要做到兼课交叉,不得安排其作为班主任或在任教文化课程的班级中任教,并保持艺术课程兼职教师相对稳定。针对存在艺术课程教师使用不合理现象的八所学校下发了行政指导意见书。同时还规定农村小规模学校实行全科教学的,艺术教师不纳入全科教师范围。鼓励学校外聘专业人士担任兼职教师。 2.加强兼职教师培养 利用各种资源和途径加大对兼职教师的培养、培训力度。2014学年以来,借助西泠印社、市美术家协会、硬笔书法协会等单位,组织了中小学美术教师篆刻培训班、国画培训班、硬笔书法培训班等。硬笔书法协会还动员部分会员为部分义务教育学校艺术社团兼课指导。市教育研训中心每学期均组织面向兼职教师的培训或教研活动,逐步提升兼职教师的教学水平。借助城乡学校互助共同体机制,建立城镇专职教师支教制度,每学期到无专职教师的学校支教3~4课时。按学校行政区域所在片区,建立片区艺术教研大组,以专职带兼职的模式经常性地开展教研活动。 3.落实教育保障机制 加强艺术教育网络资源建设,支持和辅导艺术教师用好多媒体远程教学设备,努力提升艺术教育的信息化水平,将优质艺术教育资源输送到偏远农村的学校和课堂。将艺术教育经费纳入年度预算,并确保艺术教育经费应有的比例和相应的增长。艺术课程日常教学中的耗材纳入学校公用经费支出。 尽管临安市中小学艺术教育的基础比较薄弱,但市教育局在努力提升推进学校艺术教育发展的工作力度,2013年出台《临安市中小学生艺术素养监测实施方案》,2014年调整学校综合业绩考核相关制度以及全市中小学生艺术节的比赛规程,2014年6月和2015年10月两次组织全市中小学艺术教育调研,在全面总结以往经验和问题的基础上结合上级文件精神,出台《临安市教育局关于加强和改进中小学艺术教育的实施意见》,将以前的一些行之有效的方法经验用文件的形式固化下来。同时针对当前的不足提出了刚性的措施和要求。另外,在顶层设计招生与考试制度改革、深化课程改革、学生综合素质评价改革、义务教育减负等重点工作时,都充分考虑了推进艺术教育工作。几年来,许多学校的艺术教育有了长足的进步。 2014年以来,国务院办公厅、教育部以及浙江省人民政府先后就推进中小学校艺术教育发展下达了一系列文件。这一系列文件的出台,标志着学校艺术教育受到了前所未有的重视。笔者长期处在艺术教育行政管理岗位,深深感受到农村中小学艺术教育的困境以及推进艺术教育发展的艰难,也为近期从国家层面到地方政府不断重视艺术教育的现状而感到欢欣鼓舞。我们有理由相信,中小学艺术教育必将迎来一个快速发展的春天。 (浙江省临安市教育局 311300) 中小学艺术教育论文:中小学艺术教育的困境与对策 从博物馆、美术馆、音乐剧场的门可罗雀,就可以窥见我国艺术教育的缺失。中小学阶段是对学生进行美育的重要阶段,艺术教育是学校美育的重要途径,然而我国中小学艺术教育质量不容乐观,应该引起相关教育部门和教师的警醒。相关教育部门和教师都应有所作为,以期提高中小学校艺术教育的质量,保障素质教育的顺利进行,为学生的全面发展打下坚实基础。 一、艺术教育及其重要性 学校现行的艺术教育不是为了培养美术大师、音乐大师,而是为学生提供一个了解艺术的渠道,让学生发现自己的兴趣爱好,培养学生良好的鉴赏能力、欣赏能力,能够发现美、体验美、欣赏美、表现美,提高自己的艺术修养,即我们所说的通识艺术教育。 美学家尼尔森・古德曼教授曾指出:“艺术不仅仅是灵感的产物,艺术过程也是思维活动,艺术思维是与科学思维同等重要的一种认知方式。”艺术教育对于个人认知的发展具有重大意义,艺术教育能够发展人的认知,激活人的思维,拓宽人的视野,是学生全面发展的重要方面。孔孟时代的教育大师,无不通音律,且都有着极高的艺术造诣,艺术对于他们的成就起了重要作用,对个人的发展是至关重要的。 青少年时期培养起来的艺术修养,对于人一生的发展都是极为重要的,然而我国中小学艺术教育质量不容乐观,这对于个人和社会的发展都是不利因素。许多学生进入大学后,开始所谓的“无追求”生活,沉迷于网络游戏不能自拔。究其原因,尚未养成健康的兴趣爱好,没有形成良好的艺术修养是其重要原因。进入大学,离开应试教育的压迫,学生反而变得无所适从,内心空虚,无所追求,不能不说是教育的一大失败。国际PISA测验中国学生取得的优异成绩,可以证明我国基础教育阶段学生智育是名列前茅的,但是以此牺牲德育或是艺术教育是不可取的。艺术教育的缺失对于个人的长远发展是极为不利的,对于整个社会的进步也会造成不良影响。实施素质教育是我国教育的不懈追求,艺术教育是实施素质教育的关键一环,对于个人和社会的发展都有巨大作用。 二、中小学艺术教育的困境与根源 在智育盛行的教育界,对艺术教育的忽视,严重影响学生的全面发展,甚至对学生的一生都是难以估量的损失。基础教育阶段,是打基础的关键时期,艺术教育对于人一生的发展其实是至关重要的,理应引起关注。学校艺术教育的主要途径是美术课和音乐课,然而这两课往往被认为是各科中最不受重视的科目。艺术教育不受重视,在中小学校里,甚至存在美术课、音乐课被其他课程占用的情况,使艺术类课程不能保质保量地实施。 学校艺术教育的另一主要途径就是各科教学中的艺术教育渗透。艺术教育不只存在于美术课、音乐课,艺术无处不在,各科教师也应加强艺术教育能力的培养,在学科教学中渗透艺术教育。艺术熏陶应无处不在,各科教学都可以进行艺术教育渗透,但是各科教师的艺术教育能力弱化问题却日益凸显,主要表现在各科教师缺乏艺术教育意识、缺乏艺术教育能力。艺术存在于学校生活中的方方面面,存在于各科教学中,但是各科教师缺乏基本的艺术教育意识。以语文学科为例,唐诗、宋词、元曲的学习,不应只限于背诵、默写,而是应该积极引导学生体会先贤的智慧,让学生体会唐诗、宋词、元曲之美,感受文学艺术的魅力。然而,由于教师缺乏艺术教育意识,使语文课堂未能发挥出其应有的艺术教育作用。 尚未健全科学的中小学艺术教育评价制度也是我国中小学艺术教育面临的困境。普通的学科课程可以通过考试进行教学评价,但由于艺术教育的特殊性决定了艺术教育不能只是通过考试评价学生,需要教师从多方面,多角度观察了解学生,在具体的情景和行动中对学生做出帮助和指导。艺术教育不应该以分数来衡量,艺术教育的特殊性需要教师做足细致的工作,切忌以智育成绩推断学生的艺术修养。 中小学艺术教育身陷困境的根源还是应试教育的影响,使艺术教育在整个教育体系中不受重视,这种不重视表现在学校监督不利、教师不予落实等方面。还有就是教师艺术教育能力的缺失,完善的艺术教育知识,强烈的艺术教育意识,合适的艺术教育时机,多样的艺术教育方法,优化的艺术教育评价方式是教师提高艺术教育能力的重要方面。有些教师虽然能够认识到艺术教育的作用,但是在教学中没有能力实施,不知道该如何实施,只能还是按部就班地实施智育。这些都导致我国中小学校艺术教育质量不高。 三、提高中小学艺术教育质量的策略 艺术教育关系到素质教育的落实,关系到学生个人的发展,关系到国民素养的提高,相关教育部门和教师都应有所作为,以期提高中小学艺术教育的质量。提高中小学艺术教育质量的对策有如下几点: 1. 艺术教育需引起教育部门重视。在以智育论成败的时代,艺术教育处于被忽视的边缘,这种现象必须引起相关部门的重视。我们的教育不应该培养出一群“满腹经纶”却内心空虚的学生。艺术教育对于个人认知的发展具有重大意义。艺术教育能够发展人的认知,拓展人的思维,拓宽人的视野,是人全面发展的重要方面,是培养高素质人才的重要一步。提高艺术修养对于提高民族气节、民族精神至关重要。教育部门、学校应加强监督,完善中小学艺术教育评价体系,保证艺术教育落到实处,使艺术教育保质保量的在学校教育中施行。 2. 引进专业的师资力量。专业的师资力量是艺术教育的重要保障,许多学校缺乏专业的美术、音乐教师,往往由其他科任教师代教,这是不可取的。美术课不只是让学生画画,更重要的是教会学生学会鉴赏美、欣赏美、表达美,了解各个绘画流派。音乐课也不只是教学生唱歌,也要教学生识谱、了解各种乐器、了解各种音乐流派,除此还有创作课、活动课等课型,教给学生欣赏音乐的能力。教学方法上,要学习奥尔夫、柯达伊、铃木以及美国综合教学法等世界先进教学法体系,学习他们先进的艺术教育教育思想,并在此基础上结合我国实际灵活运用,并且要不断创新。完善的艺术教育知识,强烈的艺术教育意识,合适的艺术教育时机,多样的艺术教育方法,优化的艺术教育评价方式是教师提高艺术教育能力的重要方面。这些需要专业的教师来完成,需要良好的师资力量作为保证。 3. 加强各科教师艺术教育能力培训。艺术教育不只存在于美术课、音乐课,艺术无处不在,各科教师也应加强艺术教育能力的培养,在学科教学中渗透艺术教育。艺术教育无处不在,各科教学都可以进行艺术教育渗透。以化学学科为例,各种化学实验产生的神奇实验结果,物质与物质之间相互作用产生的奇妙反应,都能增加学生对于自然界的向往,对于自然之美的感悟。化学教师如果在此时善于引导,就是一种良好的艺术教育。再以英语学科为例,教师在讲解单词时,配合使用相应的能展示人类优秀艺术文化的图片,让学生感悟人类优秀的文化遗传,增强艺术熏陶,是英语学科艺术教育渗透的有效方式。只有加强各科教师艺术教育的能力,才能使教师在教学中善于发现艺术教育的时机,以进行艺术教育。完善的艺术教育知识,强烈的艺术教育意识,合适的艺术教育时机,多样的艺术教育方法,优化的艺术教育评价方式是教师提高艺术教育能力的重要方面。提高教师的艺术教育能力是社会的要求,也是人民的要求,教师具备良好的艺术教育能力,才能保障艺术教育的顺利实施,提高艺术教育的实效性。培养学生良好的鉴赏能力、欣赏能力,能够发现美、体验美、欣赏美、表现美,提高学生的艺术修养,是培养全面发展人的重要方面,是我们教育的重要目标,需要每一位教师发挥作用。 中小学艺术教育论文:农村中小学艺术教育的现状及整改措施 一、现状概述 1. 基础薄弱。近年来,艺术教育在教育体系中仍处于薄弱环节,存在着诸多困难。音乐、美术课程开课率不足,艺术活动参与面小,师资力量短缺,教学设施有限的状况没有得到根本的解决。当地的艺术教育从小学到高中,从教育设施建设来看,基本没有专门的教学教室和设备,没有专门的艺术课教师,特别是比较偏远的农村更是如此。艺术课程设置中显然有音乐、美术等课,但大多数学校基本上都由老师们兼任。有些农村学校语数外老师很紧缺,学校在向教育主管部门申请老师时都要求下派德才兼备的老师,根本顾及不上所需的专业艺术课老师。从设施来看,基本没有固定的音乐、美术教室,且音乐美术课所配备的器材相对也比较少,因为学校经费有限,同时这些课程由于各种因素在家长、学生以及学校眼中不是特别重要,就是学生眼中所谓的“副”课,所以在这方面投入较少。 2. 观念落后。无论是从家长,还是从学校、社会来看,人们总觉得艺术教育是可有可无的,只要将文化课学好,能考一所好的大学就好了,音乐、美术、上不上都无所谓,更谈不上认真对待和学习了。正是因为这样的观念影响,学生把这些课充当了调味剂,音乐、美术课对他们来说只不过是休息课、娱乐课、放松课罢了,为此老师也就没有了热情,可上可不上。当文化课上课时间紧张,这些课就会被挤占,特别是毕业班的学生几乎不开艺术课,学生的学习时间全部被文化课填满了。 3. 重视程度不够。多年来,不论是从教育行政主管部门,还是从学校、教师、学生的角度看,艺术课的教学都没有得到足够的重视。艺术课的教学在学生成长过程中的作用几乎被忽视了,正因为人们没有认识到艺术教育在人的文化素养的提升、健全人格的形成、审美能力的提高中的重要性因而被淡化和忽视了。文化课固然重要,但缺少了艺术课熏陶,我们的人生是残缺的。此外,在教育活动中还经常出现在小学学习过程中抓学习,在初中甚至高中学习过程中抓习惯、礼仪、文明素养的“怪现象”。 二、整改措施 1. 转变观念,高度重视。地方政府要在社会上宣传艺术教育的重要性,让大家了解艺术教育在一个人的成长过程中起什么样的作用,逐步改变社会对艺术教育的看法。同时政府应加大对学校艺术教育方面的投入,提供专门的教室和更多的教学设备。学校要引进更多的艺术教育方面的专业教师和专门的人才,加强师资队伍建设,按要求开满艺术教育课程的课时,不再挤占艺术教育教学时间。与此同时,通过各种形式的活动让师生认识艺术教育的重要性,使教师、学生真正转变观念,重视艺术教育。教育主管部门要加强检查力度,定期或不定期地了解学校艺术课的开设及执行的情况,并将其纳入学校考核之中;对不开课或开课不足的学校进行通报批评,限期整改,营造一个更好的学习环境。 2. 走进课堂,陶冶情操。要真正保证艺术教育从小学到大学能始终如一地走进课堂,就要通过课堂教学、课外兴趣小组活动等,让学生理解艺术教育的实质,提高自己的艺术素养、审美能力、人文素养,在学习和活动中领略艺术教育的魅力,从根本上改变学生对艺术教育的看法,让学生在活动中更好地去实践艺术教育。 3. 走进校园,丰富课余生活。为进一步丰富校园文化生活,营造积极向上、清新高雅、健康文明的校园文化氛围,激发学生对艺术教育的兴趣和爱好,学校应从各方面进行引导,使得他们得到全面和谐的发展。如,近年来,我校通过专题报告、兴趣小组活动、校园文化艺术节、汇报演出等形式来展现艺术教育的重要性。为了丰富学生的第二课堂,我校还设置了专门的舞蹈教室、合唱教室、电子琴、书法教室、绘画教室、乒乓球室等。每年还有“体育之春暨校园文化艺术节”,主要针对学生的兴趣爱好开展体育、音乐、美术活动,体育活动包含每年两次的运动会。篮球、排球、足球、乒乓球等各个代表队每年还代表学校参加各种比赛且取得了很好的成绩;音乐活动主要包含校舞蹈队、校电声乐队、校合唱团、汇报演出等;美术活动主要包含摄影、书法、绘画、手工制作等。这样一来不但提升了学生的艺术修养,而且还丰富了学生的校园文化生活。 中小学艺术教育论文:中小学艺术教育之音乐课初探 摘 要: 音乐教学是一门艺术学科的教学,音乐课的教学结构自当追求艺术设计。当音乐教育真正遵循音乐艺术与艺术教育自身规律实施时,音乐教育才能成为审美教育。一堂成功的音乐课须有一定的艺术结构。教师做出这堂课的教学设计,犹如作曲家创作一首作品;上这堂课,便是这个作品的首演出;观摩这堂课,就是一次艺术欣赏。教学设计是教学成败的前提。课堂教学在摸索中探究,在探究中慢慢形成音乐教学模式。教学设计要实现预期教学目标,教师首先要转变教育观念,确定培养目标,研究教学方法。 关键词: 中小学生 音乐课 艺术教育 一、把握学生心理特征进行音乐教学 心理学认为,人的心理过程包括认识过程、情感过程和意志过程三个方面。 认识过程包括感知、记忆、思维、想象等;情感过程指人对事物喜怒哀乐的情绪表现和爱憎好恶的情感流露,如激情、热情、心境等;意志过程则是把想象、理想设法变成现实的心理过程。 青少年儿童的心理发展具有很强的可塑性。在中小学音乐教学中,教师应该了解学生的心理状态并能引导和控制学生的心理过程,即引导学生从感性到理性的认识过程,引发他们丰富的情感,培养他们的心理素质。体现在具体教学活动中就是教给学生感受、理解和掌握音乐内涵的本领,把握不同年龄学生的不同心理特征,合理安排音乐教学程序和方法。 二、改变教育观念,优化教学结构 实施音乐学科教育改革的关键不是教材,而是教师的教育观念。只有明确观念,才能优化教学,教师首先树立让全体学生都得到发展的教育思想,要面向每个学生,既然是非专业音乐教育,那么教师就必须用非专业音乐教育手段、方法、策略等进行课堂教学设计。确立以学生可持续发展为基点,以培养和发展学生的能力为重点,才能培养对未来社会有用的人,培养尽可能完善的人。 教育设计必须针对学生实际,确定教学目标,构建教学步骤,淡化知识,强化观点。在教学过程中处处体现教学思想,并根据每一课的教材特点优化课堂教学结构,把知识传授与能力培养、素质提高结合起来。 教师要讲求教育艺术,用充满智慧的提问,给学生的思维插上想象的翅膀。一堂生动的课应充满艺术力量,它的成功不但在于教给学生知识,而且在于吸引、感染、鼓舞学生为追求美、创造美而终身努力。 三、确立培养目标,提高全民素质 中小学音乐教学的目的是培养全面发展的人,促进全体学生多方面协调发展,而不是培养音乐家。在这一大目标的前提下,决定其性质是音乐艺术普及教育,而非专业音乐教育。中小学必须强化以审美为优秀的音乐教育,最终达到培养审美能力,陶冶高尚情操,提高人的素质的目的。马克思说:“社会的进步就是人们对美的追求的结晶。”审美活动是人类生活中不可缺少的内容,作为一个合格的公民,必须具有判断是非、识别真伪、区分善恶、鉴别美丑的能力和素养。美育在促进人的全面发展方面有特殊作用,它广泛深刻地影响着人的心理活动的各个方面,如情感、思想、意志、性格等。美育能陶冶人的高尚情操,鼓舞人为创造一切美好的事物而奋斗。 艺术教育是我国教育事业的有机组成部分,课内运用艺术美,自然美,社会生活美,培养受教育者正确的审美观和感受美,鉴赏美的能力的教育,它在提高人的素质方面有着其他教育学科不可替代的作用。 艺术教育有助于发展人的全面思维。思维分为逻辑思维(科学思维)和形象思维(艺术思维)两大类。音乐学科的优势在于发展人的形象思维。现代物理之父爱因斯坦认为“想象力比知识更重要,因为知识是有限的,而想象力概括着世界上的一切推动着进步,并且是知识进化的源泉”。必须把逻辑思维与形象思维、科学思维与艺术思维有机结合起来,才能够形成高质量、高素质的健全思维。 如果教师只重视专业知识技能,而忽视审美能力和艺术素质培养教学,那就偏离了艺术教育的方向,不利于人才培养。从战略的高度,从提高中华民族人口素质和促使我国社会主义现代化发展出发,教师进一步明确教育目标,研究教学方法。 四、研究教学方法,培养创新人才 著名教育家钟启泉认为,在教法上教师尤需确立三个新观念: 1.有效教学观 从科学教育学的高度探讨包括引进电脑技术在内的教学设计技术,追求“高效教学”。 2.学生进步观 教师是为每个学生的进步而教学的,每个学生进步与否是衡量教学质量优劣的尺度。 3.教学媒体观 用教材教,而不是教教材,让学生借助教材获得一定知识、技能、概念、认识的手段或媒体。 教师只有早转变教育观念,确立培养目标,研究教学方法,并在心理学、教育学知识做指导的前提下设计的课堂教学才符合现代学习论和教学论原理,才能使高中音乐教育实现哺育优秀听众,增强审美情趣,培养创新人才,提高全民素质的预期目标。 从课程特点性质来看,在学术上,音乐有着显著的知识性和技术性,但作为小学的教育客体,知识性和技术性的深度和难度在大纲和教材中有着恰当的限定,主要内容都是针对培养音乐基本素质的感悟性内容。从教材四部分内容来看,这一点是显而易见的。 总之,教学中追求对音乐的感悟,就是要求教学以培养学生音乐基本素质为优秀目标,转变教学观念,改善教学方法,从音乐课特点出发,教学活动以感悟音乐为优秀,“用音乐培养音乐的耳朵”,使音乐教育真正实现教育功能,在素质教育中发挥其应有的作用。 中小学艺术教育论文:中小学艺术类课程教育爱实施途径研究 【内容摘要】教育爱,是人类特有的感情,是师生之间紧密联系的基本保证。文章意在探求中小学艺术类课程的教育爱的价值所在,以及教育爱得以实施的保障,进而从政府层面、学校组织方面以及一线教师方面来探讨在艺术类课程中实施有效地教育爱,旨在提高教育质量,促进学生和谐、健康发展。 【关键词】中小学 艺术类课程 教育爱 教师关心学生幸福,是教育爱的精神宗旨;爱护学生,是教师人性光辉的体现;要求学生,是教师对学生理性的教育爱。教育家朱小蔓认为,教育爱是指教师对教育事业、学生和自我的尊重、关爱与平等的态度。教育爱是人性之爱、事业之爱,但归根结底是对教育对象的爱。无论是政府政策的制定与实施,还是学校组织规则的制定与约束,或者是教师管理的教育对策,教学方式的采取,都是为了学生的身心健康发展,树立正确的价值观、人生观,教育的目的就是为了人的幸福发展。中小学艺术类课程中,教育爱不仅是促进教育事业的发展,协调好师生关系,更是推动社会进步的良药,是人与人之间顺利沟通协作发展的纽带。 一、艺术类课程中教育爱的价值 (一)教育爱是促进教育公平的催化剂 随着社会的不断进步,经济的不断发展,人们对教育的需求越来越大。因为经济发展不平衡,师资素质问题、地域的差别等因素所引起的艺术类课程的教育公平问题越来越受到人们的关注。首先,中小学艺术类课程师资分配不均。经济发展不平衡,地域上有城乡的差别,师范生毕业后大多倾向于城市就业。大量优秀师资在城市的“扎堆”,使城市师资饱和甚至出现剩余。而农村师资短缺,人才稀少。其次,中小学艺术类课程教师的自身素养不高。教师素质上不去,权威心理下不来,教育理念摆不正,对学生不能一视同仁,只是单纯地喜爱艺术天赋好的学生,忽略“资质平庸”的学生。这些功利的思想致使这些教师不能对学生进行公平的教育爱,把人与人之间的爱看成是本体的存在和人类得救的保证。教育爱是教育的本质动力,教育的本质就是以爱为根本的文化传递过程。 (二)教育爱是基础教育艺术类课程实施的有力保障 党的十八届三中全会的召开,给中国的基础教育改革带来了新的血液。会中强调,教育改革,向着起点公平进发,向质量提升探索,向尊重个体全面发展努力;教育改革,就是为了“人民满意”。教师是改革中的重要参与者,教师的热情与主动性、对学生的爱是其参与基础教育改革的基础,对改革起着至关重要的作用。教师工作在教育的第一线,他们和受教育者时刻碰撞着,掌握着教育对象的变化,了解教育对象的需求,能更好地为深化教育改革献计献策,更好地在艺术类课程中有效实施教育爱,提高教育质量。艺术类教师体现在这其中的教育爱是深化的教育爱,是肩负民族发展大任的教育爱,更是为了人民幸福的教育爱。 二、实施教育爱的途径 (一)政府决策中的公平教育爱是实现艺术类课程教育爱的先决条件 《国家中长期教育改革和发展规划纲要(2010―2020年)》(以下简称“纲要”)中明确指出:“把促进公平作为国家基本教育政策”“教育公平的关键在于机会公平”。在国家制定中小学艺术类课程的教育政策时,要依据当前学生的意愿,教师的素质、技能水平,这样制定出的教育政策才是公平的,才能让教师在艺术类课程中发挥无差别的教育爱,才是在政府层级体现出的真正的全民教育爱。在纵向上看,在教育的不同阶段也存在教育爱的不公平或者说教育爱投入不足现象,如政府经费投入不均、不足。从地域方面来讲,城市和农村的教育还有差别,农村教育相对落后,不同地区的教育资源配置也不尽公平,师资也相对薄弱,艺术类课程更是形同虚设。所以要加强艺术类课程教育爱的实施,实现教育的公平是先决条件。 (二)学校组织中的教育爱是艺术类课程教育爱实现的有力保障 学校组织中的教育爱首先体现在校长对教师的爱,对教师的尊重与公平的对话,这体现了一所学校的办学理念与校风的优劣。首先,树立正确教育爱的理念。要尊重学生的差异、个性等,而不是爱学生的爱学习、听话等,这并不是真正的教育爱。其次,要组织教师进行学习和培训,提高教师的素质,更新教师陈旧的教育观念,采取奖励制度,激发教师教育爱的传递与践行。最后,要多组织一些课余活动,如运动会、郊游等,在游戏互动中,在自然的怀抱里,师生畅谈,各抒己见,知道学生的真实想法,了解学生真正的个性。学校必须有良好正确的教育理念,才能体现校长对教师、对学生、对教育事业的教育爱,才能鼓励艺术类教师放开手脚,大胆地去探索。因此,学习组织中的教育爱是艺术类教师实施公平、适宜的教育爱的一种有力保证。 (三)艺术类课程教师的直接教育爱 无论是来自政府的教育爱,还是来自学校组织中的教育爱,对学生这一主体而言,无疑都是间接性的教育爱,而教师与学生是学校教育生活和学习两个必不可少的组成部分,只有教师的教育爱才是对学生最直接、最有效的。首先,语言是艺术类课程教师与学生沟通的最直接、最有效的手段。教师需要有一种欣赏和寻找学生优点的“慧眼”,欣赏学生,学生才能给予教师爱的回报。在日常学习上,教师对学生要尽可能地使用积极语言,尽量避免一些消极词汇的出现。但是,对于在艺术类课上表现不积极的学生而言,教师在批评学生这一环节上,可以转化为对学生的期望说法。其次,以师为表是艺术类课程教师教育爱实施的关键,即教师一定要“言必信,行必果”,起到积极示范的作用。如承诺学生的事情要做到,或者经常鼓励学生,对学生而言,都是对自己的肯定与欣赏。教师的行为就成了教师践行教育爱的最有用的载体。最后,艺术类课程的教师实施教育爱不可忽略自己的表情,这也是教师践行教育爱常常被忽略的一面。在教育实践过程中,教师一定要多运用自己的表情,一个微笑,一个简单的点头,对学生来讲,都是莫大的光荣和鼓励。 中小学艺术教育论文:浅析中小学艺术教育政策 【内容摘要】随着教育改革的逐步深化,中小学艺术教育得到了进一步的加强,然而仍然有一些问题阻挡艺术教育的发展。作者通过阅读有关艺术教育的政策,分析中小学艺术教育的发展现状并提出解决对策,以期为中小学艺术教育发展方向提供一些参考。 【关键词】政策 艺术教育 舞蹈 中小学生 新中国成立以来,我国艺术教育走的是一条曲折前进的发展道路。近年来,随着教育改革的逐步深化,中小学的艺术教育得到了进一步的加强,然而层出不穷的问题成为阻挡艺术教育发展的障碍。笔者从艺术教育的认识、艺术教育的普及、艺术教育课程标准及教学大纲的制定、艺术教育的师资队伍、艺术教育的考核、艺术教育校内外课程衔接六个方面分析中小学艺术教育。 一、艺术教育的认识 笔者在考察中发现,学校领导的态度对艺术教育的发展至关重要,这关系到学校如何有效地普及艺术教育。在教育部颁布的[1997]2号文件《关于加强学校艺术教育的意见》中第一条明确指出,要提高认识,确立学校艺术教育在学校教育中的地位。但有一些学校领导认为艺术教育说起来重要,做起来次要,忙起来不要。这就是根本的认识问题。原全国妇联主席彭云同志曾说:“我认为要改变艺术教育落后的局面,关键是各级教育行政部门和各级学校的领导要提高对美育重要意义的认识。如果领导不真正重视,不采取切实有效的措施,什么问题都难以解决,就不可能逐步加强美育。”① 中小学的艺术教育活动是实施学校艺术教育的组成部分,是实施美育教育的主要途径,对于提高中小学生的艺术修养和审美素质、促进德智体美劳全面发展、培养学生创造力和想象力具有重要作用。实践证明,艺术教育的开展是利大于弊的。各级、各部门、各学校都应设置专门的艺术教育负责人,做好沟通、调查、研究、监督等工作,且每个负责人都应各司其职,只有对基层进行严密的调查研究后,才能着手于实践当中。可是现如今,制约学校艺术教育发展的因素有很多,最根本的就是相关单位负责人对艺术教育的认识不够深刻,导致学校的管理层面教师也不重视。因此,认识艺术教育的重要性,将艺术教育工作融入到各项教育工作当中,确立艺术教育在学校教育中的地位是现在应该做的。 二、艺术教育的普及 早在国务院制定的《中华人民共和国国民经济和社会发展第七个五年计划(1986-1990)》中就明确规定:“各级各类学校都要加强思想政治工作,贯彻德育、智育、体育、美育全面发展的方针,把学生培养成为有理想、有道德、有文化、有纪律的社会主义建设人才。”②包括舞蹈教育在内的艺术教育,开始步入健康发展的轨道。 1987年的春天,第一支由11个分团、600名学生组成的北京市中学生金帆艺术团诞生了。这是国内校园中出现的第一支高水平、大规模、成体系的学生艺术团体。金帆艺术团成为了首都学校艺术教育的标志和窗口,为推动学校美育、开展艺术教育工作,为校园精神文明建设做出了不可磨灭的贡献。金帆艺术团现已成为有十几个艺术门类,64个艺术分团和近万名团员的大型综合学生艺术团体,承办学校涉及全市60多所中小学和校外教育机构。由于金帆艺术团是为首都教育打造的精品、为校园文化创建的品牌,因此对金帆团员的培养是专业性质的;又因金帆艺术团这个响亮的名号使得所在学校荣誉感倍增,很多学校对金帆艺术团的支持要大过对全校艺术教育普及的支持。这就需要反思,如何能拿出对金帆艺术团的支持精神来发展各级、各类学校艺术素质教育的普及。 素质教育自1999年在我国开始实行,并提出《关于深化教育改革全面推进素质教育的决定》,随着我国素质教育的全面推进,明确提出中小学艺术教育必须以全体学生为对象,以普及为基础。但是从我国基础教育发展的整体水平来看,艺术教育仍然是学校教育中的薄弱环节。在教育部颁布的[1997]2号文件《关于加强学校艺术教育的意见》中第5条、[2002]13号文件《学校艺术教育工作规程》中第6条、[2007]16号文件《教育部关于加强和改进中小学艺术教育活动的意见》中第3条、[2008]8号文件《教育部关于进一步加强中小学艺术教育的意见》中第3条、[2014]1号文件《教育部关于推进学校艺术教育发展的若干意见》中第4条都分别提出要严格执行课程计划,开齐开足艺术课程,保证艺术教育质量,并且中小学艺术教育活动要坚持面向全体学生,坚持课内与课外、校内与校外、普及与提高相结合的原则。2002年,我国已普及九年义务教育地区的小学和初中音乐课、美术课开课率已达100%,2010年前这两门课在各地区也基本开齐。除了这两门课程之外,其他艺术课程的开设就没有那么顺利了,例如舞蹈艺术教育。 舞蹈艺术教育一直或明或暗的存在人们身边,不能被忽视也不能被无视。人从婴儿阶段开始,就用手舞足蹈的形式开启了人生旅程;在幼儿园时期,幼儿每天做的最多的、最开心的就是唱歌、跳舞、做游戏;小学低年级时,学生课余时间也多热衷歌舞、游戏。由此可以看出,舞蹈作为一种青少年之间互相交流的“媒介”和“工具”,在不同的学龄段都是不可缺少的。舞蹈是集视觉、听觉、动觉于一体的艺术,能够全方位的作用于人的多种感官。在实施舞蹈艺术教育的过程中,既可以通过观看舞蹈作品使受教者感受到美,又可以在实际操作中让受教者愉悦身心。由于中小学甚至高等教育院校对舞蹈艺术教育的冷淡和疏离,使得人们到了中年以后才想到通过舞蹈调节紧绷的神经,松弛疲惫的身心。 笔者通过仔细阅读国家有关艺术教育发展的政策发现,艺术教育的道路越走越明朗,然而舞蹈课程的开设仍是艺术教育中的薄弱环节。从教育部颁布的[1989]3号文件《全国学校艺术教育总体规划》(1989-2000年)到2014年的艺术教育政策,都是以音乐、美术两门课程为主。这两门艺术门类课程是最先进行普及的,其他艺术课程都排在后面,距离“开齐开足”的目标还很远。一些人认为舞蹈入门难,很难实现素质艺术教育。其实不然,《舞蹈艺术教育》一书中写到:“艺术教育是以审美为优秀,以受教育者的主体感知和实践操作作为主要方法,发展并提高受教育者的艺术感知、艺术修养和艺术创造能力的教育活动。作为艺术教育学的重要组成部分,舞蹈艺术教育的实施不是靠推理,也不是靠说教,而是借助具体可感的艺术形象,通过受教者亲力亲为的艺术实践来完成的。这是在载歌载舞的艺术审美感受中,个体之间的心灵得到沟通、情感达到交融的。舞蹈艺术实践活动能够使心灵得到净化,情感得到升华。从一定意义上讲,舞蹈艺术教育是使人类达到自我完善的重要途径。”③其宗旨就是通过舞蹈这种教育活动,使受教者达到健体悦心、陶冶情操、培养美感、激发想象力和创造力为目的。如今,应该反思这种有利于艺术素质教育发展的艺术门类课程为什么没有被重视? 三、艺术教育课程标准及教学大纲的制定 原国务院副总理李岚清同志在主管教育工作时,曾多次强调在大学和高中开设艺术课程的必要性。他认为课堂教学是进行教育的主渠道,学校教育的课程设置是实现培养目标和培养规格的中心环节。从一定意义上说,教学计划就是教师进行教学的“法”,对学校和教师教学都是有约束力的,课程设置与教学也是学校教育的关键环节。凡是教育活动必定要设置特定的培养目标,艺术教育也有其发展目标。根据对艺术教育的总体要求,各部门应制定相应的教学任务以及教学大纲。在教育部颁布的[2002]13号文件《学校艺术教育工作规程》的政策后,又发行了《艺术课程标准》,就北京地区而言,当时的中小学并没有完全按照此标准执行。在2011年,《艺术课程标准》进行了修订,将舞蹈涵括其中,然而据笔者了解也没有很好地执行。 在教育部颁布的[1989]3号文件《全国学校艺术教育总体规划(1989-2000年)》中、[2002]13号文件《学校艺术教育工作规程》中第7条、[2002]6号文件《全国学校艺术教育发展规划(2001-2010年)》中都对艺术教育的教学任务做出了明确的规定,并要求制定相应的教学大纲。然而,并不是所有艺术门类都有教学大纲或者教材,像舞蹈一直都没有一个统一的、符合素质教育要求的、高质量的教材,这或许也是舞蹈艺术教育没能全面开展的原因,教育部门应当给予足够的重视。 四、艺术教育的师资队伍 随着艺术教育的飞快发展,如何更好、更快的建设艺术教育师资队伍成为一个关键问题。在教育部颁布的[1997]2号文件《国家教委关于加强学校艺术教育的意见》中第6条,[2002]13号文件《学校艺术教育工作规程》中第14条,[2007]16号文件《教育部关于加强和改进中小学艺术教育活动的意见》中第5条,[2008]8号文件《教育部关于进一步加强中小学艺术教育的意见》中第9、11条,[2014]1号文件《教育部关于推进学校艺术教育发展的若干意见》中第6条都提出了关于艺术教育师资队伍建设的政策和意见。这些大多是表面层次上的问题,例如加快艺术师资队伍建设的步伐、完善艺术师资的培养以及培训体制、在各级学校配备艺术教师、稳定艺术教育师资等。笔者认为,现在不缺少艺术教育师资,最应该解决的是中小学舞蹈课程的重视程度问题。 专业类院校、综合类大学不断的培养人才,但岗位越来越少,并且门槛越来越高,这不得不让一些有能力者流失在外。政策中提到要尊重学校艺术教育老师,确认他们在校园中应有的地位,并且待遇要与其他学科的教师相同。事实上,艺术教育课程的教师经常兼顾做学校其他工作,忽视专业教学,这凸显出学校对艺术教育的认识不够。 艺术教育师资还存在一个有待解决的重要问题――教师资格。教育部颁布的[2002]13号文件《学校艺术教育工作规程》中第14条、[2014]1号文件《教育部关于推进学校艺术教育发展的若干意见》中第6条都提到:根据国家制定的教师资格标准,组织中小学校和中等职业学校艺术教师资格认定。据笔者了解,目前考试没有将艺术门类课程全部涵括在内,这是不科学的,有待扩充发展。此外,笔者建议将艺术教育教师资格认证的考试难度提高,为艺术教育筛选出优秀的师资人才。 五、艺术教育课程的考核 关于艺术教育课程的考核,笔者认为一方面要对教师进行培训和考核,另一方面也要对中小学艺术教育课程进行考核。教育部颁布的[1989]3号文件《全国学校艺术教育总体规划》(1989-2000年)中提出小学和初级中学阶段的艺术必修课应列入期末和毕业考试的科目。实际上,很多学校做到了将成绩计入学生的成绩册、算学分等,然而这些只是表面工作,并没有深入到学生的内心,又因其目的性太强,使得学生为了成绩而临时下功夫。在[2014]1号文件《教育部关于推进学校艺术教育发展的若干意见》中第8条明确了要建立中小学生艺术素质评价制度,并于2015年开始实施。只有建立评价考核制度,才能促进艺术教育的规范发展。 六、艺术教育校内外课程衔接 学校内外的艺术活动有着不可忽视的教育价值。艺术活动着力提高学生对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力,开阔视野,拓展思维,使其身心获得全面、和谐的发展。艺术活动不仅关注全体学生的参与,也关注有艺术特长的学生的发展,能够有效地丰富学生的课余生活,提高教育教学效率,从而建设健康向上的校园文化环境。而对于课堂教学来说,课外艺术活动是一种重要的补偿机制。④ 随着社会形势在不断变化,应该找出适应时代的理想发展之路,努力体现艺术教育各学龄阶段之间的互相衔接和不同特点,保持教学的系统性和连贯性,这也是《全国学校艺术教育总体规划》(1989-2000年)对艺术教育教学的规划,并且[2002]13号文件《学校艺术教育工作规程》中第9条、[2007]16号文件《教育部关于加强和改进中小学艺术教育活动的意见》中第3条、[2014]1号文件《教育部关于推进学校艺术教育发展的若干意见》中第7条都对此有所表述。艺术教育机构可利用学生的业余时间发展他们的艺术兴趣与特长,使学生以主动的学习态度去感受美。 教育部《学校艺术教育工作规程》中明确提出:校内、校外艺术教育活动是学校艺术教育的重要组成部分,这也是为艺术素质教育这条道路铺路。课内进行的艺术教育时间有限、经历有限、资源有限,而校外活动场所在组织、辅导学生艺术活动方面有很大的优势。《学校艺术教育工作规程》还总结了学校艺术教育实践的成果,提炼了学校艺术教育活动的经验,明确把课外校外艺术活动和课堂教学、校园文化环境并列为学校艺术教育的3个基本渠道。《教育部关于推进学校艺术教育发展的若干意见》中提出:“整合各类教育教学资源,形成推进学校艺术教育发展的合力。地方各级教育行政部门要充分调动社会力量关心和支持学校艺术教育,开发利用校外艺术教育资源,将更多的文化建设项目布点在学校,并尽可能向当地群众开放,实现艺术教育资源共享。要会同有关部门加强校外活动场所的建设和管理,指导学校充分利用当地各种文化艺术场地资源开展艺术教学和实践活动。鼓励学校与社会艺术团体及社区建立合作关系。” 中小学应坚持开展有正确导向性的艺术教育活动,要以全体学生为对象,体现艺术教育的公平性,在艺术活动中渗透人文内涵,引导学生在活动中“重参与、重体验、重学习、重提高”。在开展校外艺术活动时,应关注活动的内涵和学生参与的积极性。中小学应加强与校外机构的联系和沟通,建构共同体系,将校内教育与校外教育有效地衔接起来。 结语 上世纪80年代,我国艺术界的同志和专家呼吁重视艺术素质教育,并提出一些意见和建议,推动了我国美育和艺术教育的发展。如今,艺术教育的发展之路已经明确,我们应思考颁布政策后的实施方案、思考艺术教育门类发展的不平衡、思考对艺术教育的认识等,从而让我们的思路更加清晰。建立具有中国特色的艺术教育体系的道路还很长,需要更多有识之士做出努力。 作者系北京师范大学艺术与传媒学院舞蹈学专业2013级硕士研究生 中小学艺术教育论文:安顺市农村中小学艺术教育的调查与思考 [摘 要]在中小学生素质教育发展进程中,艺术教育是不可或缺的内容。但由于多方面因素的影响,我国中小学艺术教育仍是整个学校教育最薄弱的环节,其中又以农村学校的艺术教育中存在的问题最为突出。随着教育改革的进一步深入,国家对农村教育的扶持,教育观念的转变,教师队伍素质的提高,安顺市农村中小学艺术教育也在不断发生着变化。 [关键词]农村;中小学;艺术教育 安顺市农村中小学艺术教育由于受到当下的教育背景、区域区位、当地的经济条件、教师队伍等因素的影响,该地区的艺术教育的发展有其独特的特点,也面临着一些问题。比如社会对中小学艺术教育观念的偏见,城区与偏远农村对中小学艺术教育的差异性等。 一、艺术教育的文化与经济背景及研究问题的提出 (1)应试教育下的艺术教育 农村中小学艺术教育作为我国学校教育的重要组成部分,其发展深受我国传统教育的影响。我国千百年来形成的科举取士的传统,尽管在不同的历史时期被赋予了不同的内容和形式,但就实质来看,并没有发生根本性的变化。原因是:我国的考试制度历史悠久,发展完善,并获得了广泛的社会认可和理解,加之在选择人才时,大部分都是通过考试进行筛选的,以至于社会各界都认为,只有通过考试才能选拔出优秀人才。学校领导从思想上也非常重视各门文化课的教学,而艺术教育课则被视为唱歌、玩耍的/副科,得不到应有的重视。中国的85%左右的学校在农村,75%的学生在农村,农村因为教学设施和教育思想的落后,这种情况在农村更是普遍,所以我国的艺术教育更是难以开展。鉴于上述情况,校长不能完全摆脱来自各方面的压力,只能开展以升学为目的的各种教育活动,使学生成为应试教育的牺牲品。 《全国学校艺术教育总体规划》明确指出:艺术教育是学校实施美育的主要内容和途径,也是加强社会主义精神文明建设,潜移默化地提高学生道德水准、陶冶高尚情操、促进智力和身心健康发展的有力手段,艺术教育作为学校教育的重要组成部分,具有其他学科所不可替的特殊作用。因此,学校艺术教育主要指艺术课程教学、课外与校外艺术教育活动和校园文化建设等三方面。这三个方面无论在教学内容上还是在实施途径上,都相辅相成,共同发挥着显性和隐性的育人作用。 (2)经济基础决定艺术教育 我国城乡的经济发展和消费水平以及文化教育等存在着很大差别,教育需求与教育供给的矛盾很突出。一方面,入学率从城市、县镇到农村呈明显下降趋势,农村初中毕业生的升学率远远低于全国平均数;另一方面,办学条件、师资力量等方面的差异,导致了农村学校的办学水平不如城市。因此,艺术教育滞后、片面追求升学率成为农村边远地区最为严重的问题,应试教育越演越烈,素质教育、全面发展不能得到很好的贯彻和实施。对于维持生计都有困难的人来说,环境艺术,尤其是人造景观是一种奢侈。在我国,农村的屋前屋后种满了蔬菜甚至玉米,尽管它的古代园林闻名于世。在英国也有同样的情况:中上层阶级乐于谈论花园的优美雅致,而平民阶层想的更多的则是怎样维持生活。“景观为大众服务”通常是理想主义者和专家谈论的话题。 农村中小学艺术教育,是学校艺术教育的一个重要组成部分,它具有学校艺术教育的共性,但也有其特性。通过对艺术教育发展背景的分析,我们可以初步了解农村艺术教育发展的一般规律和存在的问题,进而为我们研究安顺市农村中小学艺术教育的情况做了理论准备。 二、研究对象 (1)安顺市周边农村经济情况 以安顺紫云县为例,紫云县的经济发展现状,我国的大多数农村现状与紫云相似。条件恶劣、起点低,但通过努力,结合实际、因地制宜农村的经济发展也是有较大潜力的,紫云县的经济发展要得到提高,只要解决好农民的知识技术问题,加上结合实际,同时加大对农民的补贴,农民的经济收入会大大提高,社会主义新农村的建设会早日完成,农民将过上幸福的生活。 紫云农村经济收入结构模式如图所示。紫云县的农村大多分布在边远的大山中,自然环境恶劣,特别是喀斯特地貌的影响,加上农民思想的落后,知识水平不高,制约着紫云农村经济的发展,经济收入结构简单,农民的收入主要是种植农作物、外出打工为主。 (2)安顺市周边农村教育条件 由于受经济条件的限制,农村学校对艺术课使用的各项设备、器材无力购置,在一定程度上影响了正常的课堂教学和学校文化活动的开展。另外,由于教育经费不足,致使学校师资严重匮缺,一名教师往往要担任两到三门以上的课程,没有更多地时间对自己所从事的学科做深入的研究。对此,学校领导在制订教学方案和实施教学的过程中,也是心有余而力不足,严重地影响了学校教育条件的教学质量和学生的全面发展。艺术教育的基本条件建设与别的学科相对薄弱,教学、科研和管理还相对落后的问题也普遍存在。 (3)安顺市周边农村艺术教育师资队伍 与其他学科相比,安顺市周边农村艺术教育师资队伍相对来说最为薄弱。据调查,安顺农村艺术教育阶段教师队伍学科结构仍多集中在语文、数学、英语、物理、化学等这些主要科目,而体育、艺术、地理等科目的师资则缺编严重,多由其他科目教师兼任,很多科目难以开齐。为了完成“一师多科”的重任,多达80%的农村教师不得不工作8小时以上,40%的教师需要完成18节以上的周课时量,一些教师的周课时数甚至超过25节。甚至有些学校连一个专业的美术老师都没有给学生上课的是由其他科任老师,还有些学校根本没开设美术课,有的开设了美术课,但是在上课的时候老师还是让学生学习其他的科目。另一方面是工资待遇的问题,工资待遇不仅决定着教师职业是否能够吸纳来优秀的人才,同时也影响着教师在职后工作的动力和热情。安顺市农村教师工资水平不仅在总体上低于城市教师,而且县、乡之间也存在着明显差异。农村教师的工资待遇差,教师生活水平低、工作环境艰苦、个人发展机会少已成为安顺市农村教育的普遍问题。长此下去,势必会加速教师职业倦怠感的产生,影响教师的工作表现,导致骨干教师流失或另择他业。 此外,当前很多艺术类的师范生不愿意到农村工作。笔者对一些将要毕业的艺术类大学生进行的抽样走访调查,调查显示,约有85%的大学生不愿意到农村及贫困地区工作,另有30%的学生不愿意到中小学去任教。原因是,他们觉得农村条件太差,对自己在事业上的发展不利。另有一部分大学生留恋大城市,认为做教师太穷、太苦,在社会上地位不高,想改行从事其他工作。高等师范艺术院校毕业生不愿到农村、不愿到中小学工作,导致师资队伍的脱节,直接影响了这些学校艺术教育的开展。 三、艺术教育的解决方式 (1)教育观念的转变 在农村,教师和学生对艺术教育观念的转变,家长和社会对艺术教育观念的转变,对于农村中小学艺术教育的发展都很重要。而今,教育界呈现出两种现象,一种是:由于该地受地域环境和传统观念的束缚和影响,家长与学校对艺术教育的认识不够,学校很难开展艺术教育也很难将艺术教育涉及到每位学生。一些家长和老师认为搞艺术教育是城里学生的事,农村孩子没有搞艺术的资本和天赋,甚至还认为教师热心艺术教育是不务正业,会误人子弟,学生热心艺术教育是走歪门邪道,只有认真学好语文、数学等科目才是正路,才能金榜题名和出人头地。同时,由于受农村经济收入的制约,家长不愿意或没有能力在学生艺术教育上搞艺术投资,甚至抱怨学校为他们的学生订了些没用处的书(音乐、美术教材),增加了他们的经济负担。 另一种是:由于我国由来已久的用人制度和高考选拔制度的原因,加上长期以来的文化传统和科举制度的影响,不仅在教育界,在社会上也存在着把考试成绩和升学率作为衡量教育质量好坏的标准,这在无形中给艺术教育带来了巨大的社会压力。由应试教育向素质教育转变,是一项复杂艰巨的系统工程,只有破除传统观念,确立新的教育观、人才观,才能为实施素质教育提供良好的思想基础和舆论氛围。以全面发展的教育观为指导的素质教育,才能适应我国现阶段发展的教育模式。素质教育可以使学生在思想品德、知识技能、身体、心理等方面形成合理的结构。素质教育把全面发展落到实处,达到最大程度的因材施教,以整体性、群体性、潜在性为目标,塑造受教育者的良好素质。我们要用新的视野、新的思维方式,以全面发展的教育思想为指导,努力培养适应社会主义现代化建设需要的德、智、体、美、劳等方面全面发展的新型人才。 (2)国家应加大对艺术教育的扶持 首先,有关部门尽快建立全面系统的评估体系,要依据素质教育的精神构建符合素质教育的评估体系,强化评估内容的全面性、评估方式的科学性、评估结果的准确性和评估过程的可操作性。同时也要把艺术教育的内容纳入教学评估之中;把教师艺术教育的业绩纳入教学评估之列。还要加强评估结果的运用,把艺术教育的评估结果作为评优的依据之一,年终考评晋升职称的时候把艺术教育作为的重要内容对待,使评价管理产生强大的驱动力,才能调动教师从事艺术教育的积极性。同时也要加强艺术教育督查,要督查学校在艺术教育方面做到即有教材、有教师、有教案、有场地、有器材、有效果。 其次,国家应增加对农村艺术教育的投入,以及各级政府和教育主管部门要认识到艺术教育在建设社会主义新农村中的重要战略地位。在经济发展的情况下,艺术教育事业与其他学科教育事业的投入应该持平、和谐发展,确保艺术教育经费的充足和利用的合理。然后,各级政府还要明确自己的义务和责任,依照安顺经济发展现状,国家和省两级财政应承担大部分的办学经费,县乡两级政府则也应适当承担小部分的办学经费。再次,有关部门要对艺术教育经费进行依法监督管理,确保教师工资的及时足量发放,教学设施的充足。 最后,健全法制,加强监管,完善机制,加强依法治教力度,提高艺术教育法规文件的规格。目前学校艺术教育最高规格的文件是2002年教育部颁发的《学校艺术教育工作规程》,作为部门规章,其法规约束力受到一定的局限。因此,建议国家有关部门提高学校艺术教育法规的规格,用行政法规来规范学校艺术教育,推进艺术教育的法规化,确保学校艺术教育的地位。同样,还要适当调整升学考试科目。政府可以适当调整中、高考升学考试的考试科目,打破传统的文化课垄断的局面,将艺术类课程按照一定比例成为升学考试中考查的一部分,从根本上提高人们对艺术教育的重视,使素质教育落到实处。 (3)学校应开展民间艺术教育校本课程。安顺地方文化资源非常丰富,不仅有知识教育和道德教育的作用,而且还具有审美教育的功能,这给安顺中小学艺术教育校本课程开发提供了丰富的课程资源。为此,安顺市农村中小学应将富有民族民间创意的地方歌舞文化、服饰文化、艺术作品、体育文化、民族节日文化等内容融入艺术教育教学之中,开发出适合本校特点的艺术教育校本课程,如选修课、专题讲座、生活技能性课程、艺术欣赏性课程等内容。同时,安顺市农村中小学在开展艺术教育校本课程的时候,应与培养学生具有一技之长结合起来,有条件的学校还可以聘请民间艺人进课堂教学,向学生们传授蜡染、木雕、刺绣、编织、剪纸、银饰等艺术创作技术,支持学生主动参与到当地的文化用品开发和民间艺术创作等文化产业建设中去,鼓励学生参与地方民间艺术的拯救和传承,这样不仅可以培养出一批培养出具有雕刻、刺绣、蜡染、民族舞蹈、山歌演唱、地戏表演等特长的劳动者,为当地乡村旅游业发展服务,还可以让学生把知识优势转换为文化产品,增加当地老百姓的收入,也为地方民间艺术教育提供可持续发展的空间。 尽管当前安顺市农村中小学的艺术教育在发展过程中还存在诸多问题,但只要教育主管部门和广大教育工作者能认识到艺术教育在素质教育中的地位和作用,并因地制宜地制订合理的教学方案和开展本土艺术教育,把艺术课真正作为实现素质教育、提高学生综合素质的主阵地,认真抓好,安顺市农村中小学的艺术教育就一定会展现出新的面貌。 中小学艺术教育论文:中小学艺术教育活动的异化与建议 党的十八届三中全会明确指出:“改进美育教学,提高学生审美和人文素养”。美育教育受到党和国家空前重视,引起社会公众极大关注。中小学艺术教育活动是美育教学和校园文化建设的重要载体,对于丰富中小学生的精神文化生活,提高中小学生的艺术修养和审美素质,培养创新精神和实践能力,促进德智体美全面发展,具有重要作用。 一、当前中小学艺术教育活动的异化倾向 (一)“专业化”倾向 艺术教育是一种普遍的、普及的、基本的艺术素养教育。中小学艺术教育受专业艺术院校的影响,忽视学生现有的水平和接受能力,求全、求高,在开展艺术课外活动时,一味将重点放在艺术技能的展示上,变成纯粹的艺术技能训练的过程。如美术活动“术”多“美”少,甚至有“术”无“美”。音乐活动重“音”轻“乐”,重“知识技能”轻“审美体验”,使学生产生厌烦心理,导致学生喜欢音乐而不喜欢音乐活动。这种以艺术技能为主的专业化艺术教育活动不符合中小学艺术教育“育人为本”的根本宗旨,也不符合“审美育人”的基本要求。 (二)“精英化”倾向 中小学艺术教育承担着提高学生审美和人文素养的重要使命和责任,必须面向全体学生。而当前一些学校的艺术活动只顾及到少数有特长的“精英”学生,有的学校甚至只是为了应付艺术“特长生”升学与比赛需要而有针对性地开展活动,既省钱省时省力,又能取得成绩。如此“事半功倍”的举措,使广大中小学校趋之若鹜。 (三)“程式化”倾向 “艺术来源于生活,而高于生活”,即艺术要与生活紧密相连,同时又走在时代的前沿。同理,艺术教育不能脱离生活,脱离时代。学校在设计艺术教育活动时要充分尊重这一基本原则,要紧密结合学生的生活生长实际,紧跟时展的步伐和学生成长特点的变化,适时调整。而现实中的情况是,大多数学校设计一个活动维持数年,完全“程式化”,很少改变,以至于完全脱离时代特点和学生生活实际,致使学生的参与热情大打折扣。 (四)“成年化”倾向 中小学艺术教育是面向未成年人的,他们的所思所想是独特而新奇的,作为成年人的老师和家长是无法企及和掌控的。因此,学校在设计艺术活动时必须贴近学生、贴近生活、贴近校园。现在的大多数学校在设计艺术活动时,往往忽略对学生需求的调查和了解,几个老师在办公室“拍脑袋”决定。如此开展的活动“成年化”特征明显,与学生生长需要脱节,不能得到大多数学生的认可和接受,只能是学校老师和少数几个学生的自娱自乐罢了! 二、当前中小学艺术教育活动的异化成因分析 (一)认识不足,引导缺位 在“应试教育”还大行其道的中小学,属于“素质教育”特征之一的艺术教育难以取得根本性的改变。教育行政部门受“教育政绩观”的驱使,很容易选择性忽视艺术教育;在中小学校,艺术教育活动的工具性、边缘性功能逾越了作为优秀价值的美育功能,学校仅将艺术教育活动当作装点门面的形象工程;家长对艺术教育活动的参与热情随孩子年级的升高逐渐淡化,孩子的“素质”完全让位于“考分”等。“功利性”的认识,必将导致“功利性”的实践,很多中小学校出现重视培养少数特长生而忽视全体学生、重视艺术竞赛而忽视艺术体验、重视技能表演而忽视人文素养、重视成果展示而忽视过程准备的倾向就自然而然了。 (二)政策乏力,制度缺失 笔者通过北大法律信息网检索有关中小学艺术教育活动有关的政策文献,《教育部关于加强和改进中小学艺术教育活动的意见》是唯一一项与中小学艺术教育活动直接相关的文件。《学校艺术教育工作规程》和今年初刚颁发的《教育部关于推进学校艺术教育发展的若干意见》都有艺术教育活动的相关章节和内容。但是由于应试升学的强大“磁场”,以及与此相关的专项督导检查没有及时跟上,很多地方和学校在文件执行中缺乏热情,常常避实就虚,实施效果差强人意。很多中小学校举办艺术教育活动更多是一种临时性的举措,普遍缺乏中长期的艺术教育活动规划,缺乏系统可行的制度设计。 (三)资源不足,配置失衡 艺术教育活动资源主要包括与人财物相关的活动经费、场地、器材、师资等。在中小学校公用经费总量不足的现实情况下,位居学校“末节”的艺术教育活动的经费难以有效保障。场地、器材等硬件条件参差不齐,学生密度大的学校的场地、器材不堪重负,学生密度小的学校,场地器材长期闲置;少数农村学校还没有基本的艺术教育活动场地和器材。艺术教育活动指导教师也是一个大问题,艺术教育师资总量不足,且主要集中在城区和镇区,乡村学校严重缺乏专业的艺术教育活动指导教师。 (四)安全隐忧,进退失据 安全是悬在中小学校头上的一把剑,举办大型艺术教育活动尤其让广大中小学校纠结。举办活动,潜在安全隐患让学校惴惴不安;不举办活动,学校教育又不完整留有遗憾。安全隐忧,让广大中小学校进退两难。很多学校因安全原因,对待艺术教育活动采取“非必须不办”,甚至“多一事不如少一事”的态度,这严重制约了中小学艺术教育活动的正常开展。 三、进一步改进中小学艺术教育活动的建议 (一)提高认识,注重政策落实 《教育部关于推进学校艺术教育发展的若干意见》指出:“学校艺术教育对于立德树人具有独特而重要的作用”,《教育部关于加强和改进中小学艺术教育活动的意见》明确指出,“中小学艺术教育活动……对于丰富中小学生的精神文化生活,提高中小学生的艺术修养和审美素质,培养创新精神和实践能力,促进德智体美全面发展,具有重要作用。”国家对艺术教育和艺术教育活动越来越重视,都有重要而明确的规定。地方政府、教育主管部门、学校并引导家长要提高对艺术教育的认识,重视艺术教育活动的育人价值,切实将政策文件精神落到实处。 (二)强化均衡,注重配套保障 教育行政部门要加强统筹协调,要将艺术教育活动纳入教育年度发展规划,科学合理安排活动的时间和项目,避免给学生增加过重负担影响正常的教学秩序;学校要把艺术教育活动列入教育教学的整体工作计划,明确每周固定的艺术活动时间,每年组织合唱节、美术展览、舞蹈比赛等形式多样综合性的艺术活动。 教育行政部门和学校要设立艺术教育活动专项资金,为开展艺术活动提供物质条件保障,要积极创造条件加强艺术活动专用教室和场馆的建设,不断改善艺术教育的条件。尤其是需要制定向艺术教育薄弱学校和农村学校倾斜的政策,强化艺术教育资源均衡配置。同时,学校要积极争取地方政府的支持,充分利用当地的音乐厅、美术展览馆、文化馆等社会艺术教育资源。 教育行政部门和学校要切实加强艺术教育活动指导教师队伍建设,积极增补艺术师资,严禁占用艺术教师编制;通过培训、进修等办法,提高艺术教育活动指导教师的思想素质和业务水平;学校要积极聘请文化艺术节和民间艺人担任活动指导教师,帮助学校开展艺术教育活动,提高艺术教育的水平。 (三)规范创新,注重育人为本 中小学校在开展艺术教育活动时,必须自觉融入社会主义优秀价值观,在体现“向真、向善、向美、向上”正能量的同时,结合时展要求,与时俱进不断创新。中小学校艺术教育活动的内容和形式要贴近时代、贴近学生、贴近校园生活,符合中小学学生的认知水平和心理特点,活动要从学生中来,走进学生中去。中小学校艺术教育活动还要坚持面向全体学生,坚持课内外、校内外、普及提高相结合的原则,以学校为基础,以班级为重点,因地制宜,多开展小型、分散的艺术活动,注重活动过程,力求实效。 (四)加强领导,注重过程监管 地方政府要加强统筹协调,建立相关职能部门齐抓共管的长效机制,注重舆论引导,营造开展中小学艺术教育活动健康的社会舆论氛围。教育行政部门要切实加强艺术教育活动专项督导检查,在学校年度督导考核指标中单设艺术教育活动专项指标。教育行政部门和学校建立活动安全事故处理联动机制,成立安全事故处理第三方责任机构,有效缓解学校活动安全的后顾之忧,激发学校开展艺术教育活动的积极性。同时,中小学校要注重活动过程监管,坚决反对中小学艺术活动“庸俗化”和一味追求排场、追求时尚的不良倾向。 中小学艺术教育论文:浅析中小学艺术教育的发展状况 摘要:随着社会的发展,作为学校全面发展教育的重要组成部分,美育已正式列入教育方针,艺术教育作为学校美育的最重要内容和最主要途径,因此获得了难得的发展机遇。然而,我国中小学艺术教育的发展虽取得一定的可喜成绩,但艺术教育的发展也令人担忧。 关键词:中小学;艺术教育;发展 随着我国现代化事业的蓬勃发展,社会的各个方面迸发出巨大的活力。为了适应社会发展的客观需求,教育也必须发生深刻的变革。作为学校全面发展教育的重要组成部分,美育已正式列入教育方针,艺术教育作为学校美育的最重要内容和最主要途径,因此获得了难得的发展机遇。正是在这种大时代背景下,中小学艺术教育的发展受到了前所未有的重视,并取得了可喜的成绩。例如:在中小学中涌现出了一大批优秀的艺术教育教师;学校开展了一系列有声有色的课外、校外艺术活动;编写具有一定质量的、适合地方特色的中小学艺术教材等,中小学艺术教育近年来所取得的成绩是大家有目共睹的,但是今后如何发展,艺术教育的路在哪里?也引起所有艺术教育者的认真思考。 目前,我国中小学艺术教育存在的主要问题主要表现为这样几个方面:首先,对艺术教育的认识不科学、不全面, 常把艺术技能的掌握作为教育的主要重点,忽视审美修养的培养;其次,受应试教育的影响,对待艺术教育的重视仅仅停留在口头上,真正投入去做的较少,多为应付上级部门的检查做表面化的工作。并且中小学里专业的艺术师资较缺乏,部分学校多数存在由略懂唱歌、画画的非专业教师来任职艺术课程的教学,这样必然导致艺术课程教学水平不高,开课没有质量的保障;再次,在中小学中艺术课程开课率较低,在个别地方的学校中仍然存在为了学校的升学率,艺术课程为数理化等主要升学考试课程让路的教学情况。在此,作为艺术教育者,我们必须清楚认识:普通中小学的艺术教育是面向全体学生的,是提高每一位学生的艺术审美修养的基础素质教育,而不是针对少数学生,提高他们的艺术技能技巧的职业培训教育。随着素质教育理论研究的不断深化和素质教育实践的向前推进,以往许多违背素质教育思想的艺术教育观念和行为都必须引起我们艺术教育者应该积极思考并更新我们的艺术教育观念。 1明确艺术教育并非培养艺术尖子而是面向全体学生的教育 面向全体学生是普通教育的本质属性与要求,也是素质教育的本质属性与要求。普通中小学的艺术教育是面向全体学生的,以提高每一位学生的艺术审美修养为主要目的素质教育。目前我国学校教育的主旋律是中小学由应试教育向素质教育转轨,作为应试教育“受害者”的艺术教育,理应成为这项“转轨工程”的排头兵。然而,被认为最能促进艺术教育工作的一项得力措施――艺术特长生在升学考试中能获得加分的褒奖,则在一定程度上助长了应试教育之风,同时也在一定程度上鼓励了普通中小学艺术教育面向个别尖子生培养的错误做法。艺术教育一旦与升学考试搅在一起,那么,我们交给学生的将极有可能不是艺术本身,而是如何应付艺术考试的方法。我们且不谈这样的艺术教育因此会冷落了多少同样有权利并渴望享受艺术教育的学生,单看那些“从中受益”的艺术骄子,他们接受的是真正的艺术教育吗?恐怕他们接受的只不过是一种与艺术教育的理想背道而驰的艺术技能技艺训的练罢了。死记硬背和机械运用所掌握的枯燥乏味的理性知识和技能技巧,而不是通过赏心悦目的教学过程,来培养出学生对艺术的兴趣爱好和提高学生的艺术表现和欣赏水平。因此,对于中小学的艺术教育者必须明确艺术教育的本质,注重全体学生的艺术兴趣和审美欣赏能力的培养。 2强调艺术教育的审美功能以此发挥辅德、益智功能 我们今天强调艺术教育的审美功能和作用,是有现实背景和针对性的。长期以来,我们总习惯于从德和智的角度去规范艺术教育目的,去评判艺术教育的成败,去争取艺术教育的地位,而忽视了艺术教育最本质、最独特的审美功能。强调艺术教育的审美功能,并不是否定艺术教育的德、益智功能,恰恰相反,艺术教育的辅德、益智功能的发挥必须是通过审美这一中介环节才能发挥这方面的作用。艺术教育只有使自身真正成为审美教育,并在审美育人功能的前提下,才能够实现其辅德、益智功能。也就是说,中小学的艺术教育所具有的辅德、益智功能是艺术教育审美功能发挥的必然产物。这些功能的实现方式是隐性的、潜移默化的,而非显性的、立竿见影的。因此,中小学的艺术教育如果只片面追求德育、智育等方面作用,那么不仅艺术教育的审美育人功能不能实现,而且其他方面所具有的功能也不可能实现。正是在这个意义上讲,强调艺术教育功能的审美功能,同样是在强调发挥艺术教育的辅德、益智功能。 3明确艺术教育本质,强调课堂教学的学生的参与性 在中小学的艺术教育中,很多教师往往在不经意中把艺术课上成了缺乏艺术性的纯知识传授的技能训练课,把学生无形中当成了没有少年儿童特点的专业艺术院校的学生,使艺术知识技能教学成为艺术教育的重要内容。我们并不是反对向中小学生施行必要的、基本的艺术知识技能教学,但对于中小学艺术教育来说,培养学生的艺术兴趣应比学习知识技能更为重要。只有在学生对艺术有了兴趣的时候,知识技能的教学才可能获得好的效果。因此,我们必须把培养学生的艺术兴趣作为艺术教学的最主要任务和目标来加以强调,同时兼顾一定艺术知识技能的传授,才可能真正实现我们中小学艺术教育的价值。 此外,针对艺术的教学特殊性,传统的“听讲”式知识教学模式,以及专业艺术教育的模仿式技能训练模式,远远不能体现出艺术教育的本色。在今天的教育教学改革的大浪潮中,我们提出中小学艺术教育必须注重学生的主动参与性,没有学生的主动参与,艺术教学就可能是名不副实的。教学中学生的主动参与与教师的主导作用发挥并不是矛盾的,相反,学生主动参与的程度与教师的主导作用发挥的程度是成正比的。只有教师遵循艺术的规律和学生的身心的发展规律进行教育设计,使学生充分发挥自己的创造性和主动性,才有可能启发和诱导学生主动参与到艺术教学活动中,真正体验到艺术教育的魅力,创造出具有个性的艺术作品。 总之,中小学艺术教育是面向全体的艺术教育,提高和完善艺术教育水平是我们每个艺术教育工作者都应该关注的问题。艺术教育有着自身的特殊规律,在中小学教育中应该使其具有一定的相对独立性。我们只有遵循艺术教育所特有的艺术审美规律,确保艺术教育在中小学教育中的独立地位,才可能真正发挥艺术教育所特有的审美育人功能。 中小学艺术教育论文:农村中小学艺术教育的缺失及其对策 【摘要】当前,许多农村学校至今仍把守着应试教育这根“缠身令”,以提高升学率为唯一追求,并以此衡量学校的教育质量和教师的工作成绩。加之农村学生从小就受一种只有考上大学才能脱离农村的“传统”教育。家里家外、校里校外,形成统一“思路”。尤其到了中学,只要是高考范围之外的课程,一律不去“浪费”时间。基于这一思想,音、美等艺术教育自然成为可有可无的“小三门”,被视为正常教学的附属品。尽管教育主管部门通过采取种种措施,诸如举办中小学文艺汇演、中学生教师艺术展演、中小学书画展等,藉此推动中小学生艺术教育。但所取得的效果并不明显,大多数农村中小学校临时抱佛脚,敷衍应付,有的甚至借口不参加。由此造成农村中小学校艺术教育的缺失,使素质教育仍然难以步入正常轨道,无法在农村中小学全面实施。 【关键词】艺术教育;农村中小学;缺失;对策 1艺术教育的目的和意义 艺术教育是培养少年儿童成为德、智、体、美、劳全面发展的新人所不可缺少的美育教育,是素质教育的重要一环。他是以艺术为媒介培养人的艺术能力与艺术境界的系统教育活动,素质教育所追求的目标,也是艺术教育追求的终极目标。艺术教育为实现素质教育的总体目标提供了生动的教育手段和教育内容,成为受教育者最易接受的、最有活力的一种教育形式。艺术教育主要包括美术、音乐、舞蹈、戏剧等学科的教学工作。通过在学校实施艺术教育,可以让学生的心灵产生长远的、深刻的和潜移默化的影响,最终使学生的人格趋向完美。著名教育家赞可夫说:“艺术不仅作用于学生情感,而且影响到他的理智。”因此艺术有助于培养人的道德和信念,充分开发学生的潜能,培养学生创新思维的能力,促进学生的个性健康发展和人格心智的完善。 2造成当前农村中小学艺术教育缺失的原因 2.1认识不够,艺术教育在农村遭受学校与学生家长忽视。 当前,不少学校尤其是农村中小学校仍然把音乐课、美术课等艺术课看成是可开可不开的“杂课”。即使在课程表上体现了规定的音乐课时量和美术课时量,但在执行中,有的被敷衍了事,成了唱歌课、图画课,有的被语、数等主课占用,更有的干脆让学生自习。安排在课表中的音乐课、美术课形同虚设。自然,农村中小学艺术课的任课教师,也只能是一个“杂课教师”,在课时安排上多于“主课教师”,在工作量却少于“主课教师”;每年的年终推优工作中,“杂课教师”自然靠边站。个别学校甚至取消了音乐课、美术课。 而农村学生家长的思想封闭,观念陈旧,文化素质低,知识面窄。由于长期受应试教育的影响,他们只关心孩子语数等“主课”的学业,认为自己的子女既不是歌唱家的“料”,也不是画家的“料”。音乐和美术,孩子学与不学,教师教与不教,没有多大关系,以至轻视甚至阻碍孩子学习音乐和美术。对于学校的一些相关的艺术活动,家长也不支持,有的甚至阻碍。在这双重因素的直接影响下,使学生无法接受应有的艺术教育。 2.2专业师资严重匮乏。 目前,在农村中小学教师中,艺术课教师从正规师范院校毕业,受过艺术专业化、系统化教育和培训的教师少之又少,大部分农村中小学教师对音乐、美术等艺术专业知识知之甚少。因此,在农村中小学,艺术教育师资出现严重不足,音乐课美术课完全由语、数等“主课”教师兼教,而且现有的任课教师在教学观念、教学态度、学识水平、业务能力等方面与艺术教学的实际需要存在着较大的差距。同时,受到中国多年的应试教育的影响,中小学艺术教育不受重视,艺术课看作“副科”,没有建立艺术教育的评价、测试体系,以致于教师的教学无压力,无动力,应付了事。 2.3艺术教学设备短缺。 目前,农村中小学艺术教学设备的配置,虽然在“普九”、“普图”、“普实”的工作中得到了改善,但有的学校管理不善,使用不当,导致艺术教学设备损毁、流失的现象较为严重,不能保证教学的正常开展。有些学校的艺术课因为没有设备,无从开展。 2.4对艺术教育管理机制不全:当前,农村中小学没有建立长期有效的艺术教育师资培训机制,使从事艺术教育的专任课教师成长滞后,岗位胜任率低。虽然上级教育主管部门每年举办艺术培训,但在农村中小学校选派的教师不固定,有的学校由教师自选,有的每年更换一名教师,致使教师艺术培训成为纯粹为教师增加每年必须的集中培训积分,而流于形式。同时农村中小学校存在艺术教育课的课时量与“主课”课时量不同等现象,艺术教师每上一节课只有0.8课时量,与所谓的“主课”(语文和数学)相比每节课按1.2课时相比相距0.4的课时量。在课时量的计算上忽视艺术教育,无法体现艺术教育的真正价值,同时学校在年终推优工作中理直气壮地把“杂课”(艺术课)教师拒之门外,严重挫伤艺术专业教师的积极性。此外,农村中小学没有建立健全艺术教育课程的相关科研机制,所以使学校艺术教育的发展十分缓慢。 3应对农村中小学艺术教育缺失应采取的对策 3.1加强艺术专业教师队伍的选用和师资培训。学校要重视对艺术教师和特长教师的选用和培训,采用脱产专职培训和自学成才、业余进修、集中培训相结合的方法,加强艺术教育的师资力量。一方面,可以通过严格的考试和面试,从中小学中选拔一些思想政治素质好,并具备一定音美知识的年轻教师到师范院校进行专业学习培训,充实艺术教学力量;另一方面,对边远地区、人员较紧张的学校采用假期集中培训。聘请一些有水平的艺术教育专家授课,使教师们在较短的时间内学到较系统、较实用的专业知识。“艺术不能容忍说教,审美不能依靠灌输”,只有艺术教师的专业水平提高了,才能激发学生的兴趣,提高学生的艺术水平。同时合理配置专业艺术教师上岗,在每次的教师人事录用中要安排一定数量艺术专业名额,有针对性加强艺术教育师资队伍建设。 3.2加强农村中小学校艺术教学硬件建设。器材的配置是开展艺术教育的重要条件之一,也是顺利实施艺术教育的物质基础。在巩固“普九”成果的基础上,进一步促进学校的硬件建设,利用有限的教育资金,购置各类音乐、美术教学器材,使学校的艺术教育器材配备上规模、上档次。特别是农村学校,要努力克服等、靠、要的思想,因地制宜,积极采取两条腿走路的办法。通过各种渠道积极筹措资金,购置艺术教育设备;同时尽量依靠自力更生和充分利用本地资源条件,自制部分教学用具和器材。如简易的画夹、画架、画板等,鼓励学生自带或自购一些民间乐器,如二胡、笛子等。另外,应妥善保管各种教学用具和器材,避免损毁和流失。 3.3开齐、开足、开好艺术课。 要严格按照国家规定的课程标准开齐、开足、开好音乐、美术等艺术课程。不能像以前那样把艺术类课程当成是可有可无的“杂课”,也不能走走形式每周上一节不专业的“游戏课”,不能只偏重于知识和技能的目标,而应重视学习过程的获得强调对学习过程的体验,更注重情感价值观的培养,因为这些因素都是使学生形成可持续发展能力的关键。 “兴趣是最好的老师”。老师“教”和学生“学”应该互动起来。“以教师为中心”。“以教材为中心”、“以课堂为中心”也应该被“以人为本”、“以人的发展为中心”所代替,因此艺术教育的教学形式应更灵活。要大力加强多媒体电化教学手段在艺术课中的运用,使教学内容更形象、更直观,如精心绘制板报,设计图案、书签,精心制作投影胶片等。要积极开展艺术课教研活动,创设机会,让学校艺术教师相互交流经验,取长补短。 3.4要充分利用地方文化艺术资源开展艺术教育:当前我国各地农村一直以来都延续着本地方丰富的文化资源,学校教育应该合理利用地方的民间艺术资源,把富有地方特色民间艺术融入到学校教育。有条件的学校可以合理聘请民间艺人到学校传授民间艺术,这让不仅可以丰富学校艺术教育内容,同时可以让富有地方特色的民间艺术得到有效传承。 综上所述,尽管当前农村学校的艺术教育较以前有了很大的改观,但为了更好的适应教学的改革,促进学生素质的全面提高,仍需继续加快农村艺术教育的改革步伐,为农村艺术教育开创一个更好的局面。 中小学艺术教育论文:论中小学艺术教育传承地方优秀文化的途径 [摘 要]全文从编写以地方艺术为主体的校本教材、开展富有乡土气息的课堂教学、创建极具地方特色的课外兴趣活动三个方面,论述了中小学艺术教育传承地方文化艺术的三种途径。通过这些途径,不仅能够有效地将祖祖辈辈创造和流传下来的优秀地方文化艺术资源传递下去,而且能使民族文化精神得到传承。 [关键词]艺术教育 传承 地方优秀文化 途径 中国传统文化教育是个由来已久的话题,也是国家常抓不懈的一项工作,2010年教育部办公厅《关于在中小学开展创建中华优秀文化艺术传承学校活动的通知》指出:“将中华优秀传统艺术教育作为美育的重要组成部分融入学校教育全过程,把中华优秀传统艺术纳入艺术课程课堂教学和课外艺术活动中,努力建设向真、向善、向美、向上的校园文化……中华优秀文化艺术传承学校要在教育行政部门指导下,与社区文化建设相结合,开发利用当地社会文化艺术资源,形成具有鲜明特色的校本课程和传统艺术项目”。作为传承中国传统文化艺术最重要的途径之一就是学校艺术教育,中小学艺术教育除了为学生提供审美体验,陶冶情操,启迪智慧;开发创造性发展潜能,提升创造力;关注学生人格的健全发展,充分利用学生的生活经验和社会文化资源,拓展艺术视野,提高整体素质,促进人际交往、情感沟通及和谐社会的构建。还承担了传承民族文化的重任,地方文化艺术既是中华文化的有机构成,又带有浓厚的地方特色,把它们继承和延续下去,对于保存优秀民族文化传统具有特别重要的意义。 潮汕文化是以现在的潮州、汕头、揭阳和汕尾四市为主,由讲潮州话的民系所创造的一种属于汉文化的地域性亚文化。1、以“开放融合。兼取互补、博采众长、为我所用”为其突出特征。潮汕地区民间艺术源远流长,如花似锦,驰名中外。其中潮剧、潮州音乐、潮绣、木雕闻名遐迩,潮汕民间的花灯、嵌瓷、香包、泥塑、剪纸、首饰等,都富有地方特色,驰名中处,成为民间不可或缺的装饰品和时节应用品。汕头市澄海区有着浓厚的潮汕民间文化艺术氛围和数量众多的地方艺术门类。近年来,澄海区中小学在利用潮汕地方艺术资源拓展艺术教育渠道方面进行了深入的探索。自1999年12月被教育部命名为“全国农村学校艺术教育实验县(市)”后,学校艺术教育的发展成绩斐然。2、2010年澄海区教育局被教育部命名为全国艺术教育先进单位,澄海实验学校和莲下中心小学2012年被教育部命名为全国特色学校,澄海实验学校小学2011年被教育部命名为全国中小学中华优秀文化艺术传承学校。另有四所学校被广东省教育厅确定为广东省中小学中华优秀文化艺术传承学校。经过多年的探索,澄海区各中小学在如何通过有效途径传承地方优秀文化艺术资源方面,形成了自己鲜明的特色,具体表现在以下三个方面。 一、 编写以地方艺术为主体的校本教材 教材是教学的基础,是学生知识的主要来源,教材的质量直接影响到教学的效果。在中小学艺术教育教学过程中,教师所使用的教材应适合中小学生的年龄和心智状况,如果在校本教材中融入他们熟悉的地方文化资源无疑能很好地做到这一点。澄海区中小学艺术课校本教材的编写就是一个很好的实例。 澄海位于广东省东部潮汕平原的韩江入海口,明嘉靖四十二年(1563年)置县,后几经易制,2003年成为澄海区,隶汕头市,现有面积402.5平方公里,人口75万(2008年)。在澄海民间,保存了大量具有浓厚潮汕文化特色的艺术门类,主要有:潮剧、潮州大锣鼓、丝弦乐,潮汕童谣、方言歌、版画,剪纸、纱丁、抽纱、嵌瓷、灯谜、香包艺术等,还有极具澄海地方特色的西门的蜈蚣舞、永新的鳌鱼舞、隆都的西头鹅舞等动物舞蹈。这些地方民俗文化、民俗风情的艺术门类,富有强劲的生命力,为澄海学校艺术教育的可持续发展提供了坚强的后盾。 近年来,澄海中小学通过对潮汕民间艺术的调查、收集、整理和归类,根据学校自身办学特色引进了大量民间艺术教育资源,并经过教学实践形成了众多的教学案例,成为地方、校本教材建设的雏形。如澄海实验学校的《少儿潮剧演唱基础训练》、《潮剧欣赏基础》、《潮语语音与合唱训练》、《潮汕动物舞蹈欣赏及训练》等音乐课校本教材,《潮汕儿童版画教程》等美术类校本教材,《硬笔书法》、《书法楷书训练》等书法艺术校本教材。又如建阳小学,通过对众多教学案例的整理、提炼,编写了《艺术教育校本教材资源包》,内容涵盖《潮汕童谣歌》、《潮汕民俗歌》、《潮汕锣鼓》、《潮剧行当》,《潮剧欣赏》等。再如华侨小学的《木刻版画教材》等。 在教学中运地方艺术教材,可使学生对民族民间艺术有一个正确的认识和了解,把一些有较高艺术性的以民族民间艺术为素材创作的艺术作品和经过改编的民族民间艺术作品介绍给学生,可使学生认识到民族民间艺术是当地文化的组成部分,从而培养学生热爱民族民间艺术的情感,增强学生维护、发扬光大民族民间艺术的责任心和民族自豪感。这种情感意识会对继承和发展民族民间艺术有着积极的作用。同时乡土艺术具有浓郁的地方和民族特色,通过学习乡土艺术教材,可加深学生对家乡的风土民情,民俗文化的认识和了解,对培养学生热爱家乡与热爱家乡的教育事业有着特殊的辐射作用。 二、 开展富有乡土气息的课堂教学 课堂教学是教师有计划地引导学生掌握艺术知识和技能、认识艺术世界的过程。澄海区的艺术教师们会在音乐课堂上有意识地加强介绍潮乐、潮剧、潮曲的特色和技巧,师生有时还会进行即兴表演。例如,树础小学的音乐教师在课堂教学时,先选择《天乌乌》、《桃花过渡》这样一些有吸引力的歌曲、短剧,让学生欣赏,然后利用《客鸟声客客》、《新编桃花过渡》等地方音乐素材进行示唱、演奏、表演等形式进行教学。在美术课上,他们会介绍澄海作为“版画之乡”的文化历史,使教学内容具有地方性和实践性,使课堂教学更为生动。在教学方式上,他们根据教材的基本内容,进行“经典引导”与“乡土渗透”相结合的方式,走出了一条把现行国家教材与乡土教材进行高度整合的成功之路:例如,澄海区建阳小学在音乐课教学过程中,进行了现行教材与乡土教材融合的大胆尝试,他们以现行教材作为教学的基本线索和主要内容,在此基础上,师生们把从周边社区采集来的音乐素材引进课堂,并对曲调节奏、歌词进行规范,对内容、形式进行修改、整合,这样既活跃了课堂气氛,又激发了师生的创造力,经过这些年的实践和探索,他们共整理出校本教材8个资源包;莲下中心小学的古筝队在各种比赛中以演奏潮筝曲而大获成功,这得力于该校音乐教师对古筝的创造性教学,他们既遵循古筝演奏的一般规律,又改进了潮筝演奏技艺,编配新的潮筝曲;实验学校教师则安排了一定数量和一定课时的潮州音乐教学,课余时间则加强潮乐的集体训练;莱芜中学把当地工艺美术引进了美术的课堂教学,如丝网版画、羊毛编织、民间玩具等地方工艺美术,均受到学生们的欢迎。 教师在教学过程中的作用至为关键,他们的艺术素养直接关系到文化传承的效果。澄海区现有中小学艺术科教师大多受过系统、规范的高等艺术教育,又主要来自潮汕地区,自幼受潮汕文化熏陶,对利用潮汕文化资源进行艺术教学有着天然的优势。近些年来,澄海区教育主管部门高度重视中小学艺术教育在传承地方文化中的作用,以第一批部级非物质文化遗产潮州音乐、潮剧、澄海灯谜,第二批部级非物质文化遗产蜈蚣舞等为主要传承项目,重点突出蜈蚣舞、潮州大锣鼓、澄海版画的传承,为此加强了对中小学艺术科教师的地方艺术知识与技能的培训,把一批本地民间艺人、艺术家被请进校园,为全区中小学艺术科教师举办潮汕地区音乐、曲艺、美术工艺以及其它艺术门类的讲座。 学校艺术教育将地方传统民间艺术引入课堂后将有助于学生具体生动地感受家乡的政治、文化、经济、历史传统等方面的变迁,增强学生的民族凝聚力。大力推进地方艺术进课堂,营造校本艺术教学的浓厚气息,在家乡悠久历史文化传统中体验生活、升华情感,提高其参与社会生活的素质和能力,这才是教育之根本所在。非物质文化的保护越来越受到各级各地政府的重视,让优秀的地方艺术内容走进课堂确实不失为对民间艺术传承和保护的一个行之有效的途径。 三、 创建极具地方特色的课外兴趣活动 课外艺术活动是中小学艺术教育的重要组成部分,是课堂教学的延伸和拓展,适当地开展课外艺术活动,对中小学艺术教育的发展能起到极大的推动作用。 澄海素有“海滨邹鲁”之称,文化昌明,民间艺术活动非常活跃。民间艺人队伍庞大,业余艺术团体遍布城乡。在上世纪五六十年代,业余剧社(团)最多时全县达到60多个,大量新旧剧目上演。澄海还享有全国“民族民间艺术(版画)之乡”、“民族民间艺术(灯谜)之乡”的美誉,产生了大批优秀的民间艺术作品。 在澄海这样一块具有浓厚地方艺术氛围的土地上,中小学生开展课外艺术活动具有得天独厚的条件。澄海区中小学校组建了大量业余课外兴趣小组,每所学校至少有5个以上的兴趣组活动,大部分学生能够得到学习的机会。这些课外艺术活动既符合艺术教育的普遍规律,又带有鲜明的地方特色,十分符合当地农村学校的艺术教学现状。例如,澄海区教育局自2003年来,坚持每年举行学生潮剧演唱比赛,参赛选手众多,为潮剧事业的发展挖掘了一批批新苗;华侨小学课外艺术活动以版画见长,几年来先后出版了学生版画作品集《大师的画》、《太阳花》,美术作品集《心灵的画》,五十多件学生作品发表于各级刊物或收集于画册;建阳小学经过多年的研究实验,形成了鲜明的“引进潮汕音乐教育,服务社区文化建设”的办学特色,潮汕民间艺术在该校开展活跃,从课内到课外,从校内到校外,涌现出一批潮艺爱好者,他们多次参加当地重大节日晚会,为当地的文化生活建设贡献了力量;澄海实验小学以“传承潮汕地区优秀文化艺术”为课题,积极探索自制的具有潮州音乐特色韵味的“竖吹竹笛”进入课堂,将澄海动物舞蹈和潮州锣鼓引入课堂等方面做了大量有益的探索,该校自编地方舞蹈、自创潮语童声合唱节目、鼓励学生创作反映澄海地域特色的美术作品,连续四届参加国、省、市中小学生艺术展演活动,取得了两个全国一等奖,四个省一等奖的佳绩;莲下中心小学将潮汕儿童版画和书法引入课堂和课外兴趣小组,经过几年的探索和努力,在全国第四届中小学生艺术展演活动中一举取得了一个全国一等奖,五个全省一等奖的佳绩。 一直以来,许多散落于群众中的传统优秀的潮汕民间文化艺术,由于受地方方言的局限,使青少年对传统文化的了解、兴趣越来越少,许多民间优秀艺术都面临着后继乏人的危机,更有一些民间音乐己经到了“人走歌息,人去艺绝”的程度。澄海区传承优秀地方艺术从中小学抓起,笔者认为,此举善莫大焉,值得提倡。地方艺术是当地文化土壤中的一枝奇葩,优秀艺术的传承是文化传承一个不可或缺的重要部分。民族民间艺术是一个民族地域的标志,积极将地方优秀文化艺术引入学校课外兴趣活动,是让地方文化艺术资源得到传承的最好的方式之一。 澄海区中小学将地方文化艺术资源纳入到中小学艺术教育教学中,通过编写以地方艺术为主体的校本教材、开展富有乡土气息的课堂教学、创建极具地方特色的课外兴趣活动三个方面,从而使学校传承地方优秀文化在途径方面形成了较为完整的链条。艺术不仅能够把祖祖辈辈创造和流传下来的艺术形式保存下来,传递下去,而且还培养了学生爱家乡、爱故土的健康情感,同时引领青少年学生增强民族自尊心、自信心和自豪感,培养文化自觉和文化自信,弘扬以爱国主义为优秀的民族精神和以改革创新为优秀的时代精神,促进青少年学生德智体美全面发展。 当然,让更多的青少年了解认识传统民族民间文化,喜欢,感兴趣,才有传承弘扬的可能。要做好这项工作,需要整个社会共同努力,才可以实现。家庭要发挥引导作用,青少年时期是人的价值观、世界观形成时期,家人在与孩子的言谈交流过程中,有意识地将优秀传统文化的知识一点一滴讲给孩子听,教给孩子学,引导青少年认识传统文化,这对青少年的传统民族文化教育可起到事半功倍的作用。学校应当发挥主渠道、主阵地的作用,诸如聘请民间知名艺人,在课外或课内担任艺术辅导员,开设民族民俗文化知识讲座或课程等,这是地方优秀传统艺术能走进校园、走进课堂的关键。教育、文化等政府相关部门应当发挥职能作用,整合社会资源,建设文化公益设施如博物馆、文化馆、书画院、青少年宫、青少年活动中心等,联合社区、村居加强传统民族文化艺术教育基地建设,创造一个展示认识传统民族文化的良好氛围,这是地方优秀艺术得以传承下去的重要保障。同时我们也应看到,地域文化有它的局限性,地方艺术往往比较质朴,因此,我们应不断提高自己的理论和人文素养,用一种世界的眼光,既能走进地方艺术的殿堂,又能摆脱它的局限,在一个更高的层面上充分利用地方文化艺术资源中的优秀成果更好地为学校艺术教育发展服务。
服装品牌设计研究:服装品牌设计模式论文 1中国定制服装的品牌模式分类 为了更好地定义中国本土定制服装品牌,本文作了如下界定:定制是一种消费行为;定制服装指的是商品性质;定制服装品牌是一种文化现象。将中国定制服装品牌定义为:基于本土文化与消费特征的,以消费者需求为驱动因素与品牌导向的,以个体消费者的体型特征、气质类型、个人品味、生活方式、购买习惯为设计基础的文化现象,并形成包括产品、价格、促销、渠道、人员、销售过程、环境等相关营销组合要素在内的品牌运营与管理体系。其作为一种文化现象,植根于本土环境与当代思潮。定制服装的品牌模式分类以经营模式、业务模式、服务模式、盈利模式为优秀维度,对定制服装品牌在生产、设计、销售、服务等过程中所形成的组合关系的相关探讨[6]。通过对现有国内定制服装品牌官网资料的整理与针对广州、南京、上海、深圳、北京、杭州等地区主流商场中的代表品牌展开为期3个月的市场调研,明确了定制服装品牌的市场份额、品牌运作方法与品牌类型。基于定制服装品牌模式的优秀维度分析,将定制服装品牌模式划分为3类:基于作坊式运营并专注于高级定制业务的定制服装工作室或品牌;基于成衣品牌多元化发展与品牌上延的定制服装子品牌;基于数字技术与流水线生产的大规模定制服装品牌或团购定制品牌。为了进一步说明3类定制服装品牌模式的差异,以业务模式、经营模式、盈利模式、服务模式这4个优秀维度为切入点进行逐一比对分析。表1示出定制服装的品牌模式分类及其优秀维度分析。 2定制服装品牌的动态多维定位体系 2.1定制服装品牌的定位特征 2.1.1系统性特征品牌价值链是指建立在品牌价值基础上的每个品牌运作环节的结合体,要求每个价值模块发挥最大的协同效应。整条价值链的无缝对接依赖于全部环节的合理规划,准确定位。因此,要建立系统定位的观念,从某个具体定位点切入,进行品牌运作的全盘规划[5]。服装品牌定位的内容与范围可以选自产品、价格、分销和沟通等全部营销组合要素中的任意一个,定位点的选择与实现均依赖于与其他营销组合要素的配合与所产生的协同效果。因此,借鉴品牌价值链理论的思想,形成具有系统性特征的定制服装定位理论。2.1.2多层次特征定制服装品牌的定位具有多层次特征。服装品牌的定位是展开营销战略战术的前提,服装品牌定位的内容包括:目标消费者、品牌文化、产品设计风格、品牌差异点、产品价格、品牌发展战略、产品功效、竞争优势、情感定位等多个方面。同时,由于世界的复杂性、环境的多变性和消费群体的多元性,很难用单一的市场组合满足所有的服装消费者。因此,基于统一定位对品牌不同层次要素的组合搭配才是确保品牌顺利实现溢价的基础。其中,处于多层次结构中优秀层的各定制服装品牌要素成为品牌定位点选择的备选项。2.1.3动态性特征定制服装品牌的定位具有动态性特征。在进行定制服装品牌定位时,一系列定位要素,如消费者、竞争品牌、品牌自身、行业环境、经济政治环境等都处于持续的变化发展中,因此品牌定位往往需要不断更新定制服装品牌要及时检查自身定位的准确性与时效性,因此定位又具有动态性结构特征。动态定位(DynamicPositioningModel),以品牌目标消费者、竞争品牌、品牌自身为定位的主维度,以宏观环境(政治、经济、法律、文化等)、行业环境等内容为定位的辅维度,从多个内外维度收集动态信息实现对品牌的精准定位。图1示出DPM动态定位图。该模型以“变化”为前提假设,从5个维度实现品牌的定位与再定位过程[7]。 2.2定制服装品牌的定位点分析 市场定位理论的优秀内容是基于品牌目标消费者的偏好和尚未被满足的需求,找到令竞争品牌处于劣势的营销要素组合。为了建立各营销组合要素间的协同关系,需进一步甄别出一个最能体现品牌差异化的点,即“定位点”的概念。定位点是目标消费者所关注的利益或价值点,也是品牌各项营销战略、战术制订的基点,准确有效的定位点识别还是品牌实现差异化的根本[8-9]。定制服装品牌定位点识别的具体步骤为:1)目标市场定位(即目标消费群的准确识别,并了解其需求);2)定位点识别(通过竞争分析,选取相应的品牌利益、属性、价值定位点);3)品牌定位(通过各项营销要素的组合运用实现定位)。表2示出不同定制服装品牌的定位点选择。定制服装品牌定位点选择的范围具有一定的局限性,定制服装品牌的利益定位点大多集中在产品、体验、服务上。对于定制服装品牌而言,消费者更加关注的是产品属性带来的体验利益,因此利益定位点来源于购买动机或消费动机,诸如社会导向层面的炫耀、地位象征、独特、赠礼、精致等。 2.3定制服装品牌的需求特征 定制服装市场消费层次丰富,不同层面、不同层次的需求共同勾画出一个多层次、具有特殊性的中国定制服装市场[10]。消费者的需求特征是品牌动态多维定位的起点,主流消费群的分类与需求特征分解是定制服装品牌动态多维定位体系建立的前提。采用K-均值聚类分析的方法,对100个定制消费者样本进行分类。根据聚类结果,将定制服装消费群体分为3个子群体,分别占比为31%,25%,44%。通过对3类定制子群体的比对分析,可以将定制服装消费群的定制需求归纳为以下3类:商务、社交定制需求;特体定制需求;婚庆定制需求。 2.4定制服装品牌的动态多维定位 为了更加准确地完成对定制服装品牌的定位,首先要基于动态定位模型,对5个主要定位维度进行分析;根据定制服装消费者对各个营销组合要素的需求,选择品牌相应的利益定位点、价值定位点与属性定位点。最后根据定制服装主流消费者的主要定制需求完成定制服装品牌的动态多维定位。通过调研找出顾客选择定制服装的影响因素,根据重要程度排列为:符合体型特征(64%)、产品可选择性强(58%)、符合工作及社交需求(55%)、享受定制服务(38%)等。将以上结论代入定制服装品牌的动态多维定位体系。定制服装品牌的动态多维定位体系可分解为3个步骤:S1动态定位过程,即对5个主要定位维度(消费者、竞争对手、企业自身、宏观环境、行业)进行分析;S2定制服装品牌定位点选取过程,即基于定制服装消费者需求导向的营销要素组合分析,选取相应的利益、价值、属性定位点;S3定制服装品牌优秀定位点识别与应用过程,即选取定制服装品牌的主定位点、次定位点、水平定位点,再完成定位范围、宽度、数量、过程的选择。定制服装动态多维定位体系的应用帮助定制服装品牌识别优秀定位点,并应用到营销要素组合(产品、价格、渠道、促销)中,即:S1S2S3。 3定制服装品牌的设计模式 3.1设计模式与模块化思想 设计模式是基于企业背景与品牌模式的设计完成方式与设计问题解决方案。定制服装品牌的设计模式是基于定制服装品牌模式与设计类型的设计方法研究。模块化是协调设计中多个需求,实现整体系统、创造多个不同的形态并降低产品成本的一种方法,采用模块化设计思想对定制服装的设计系统进行探讨,有利于标准化的设计和规范的管理[11-12]。组成一个完整事物的各个环节处于离散状态时,这些不能形成合力的环节的作用将极其微弱;反之,当这些环节进行有序连接后,就能相互助推,发挥出该事物应有的联动效应。图2示出定制服装品牌设计模式的子模块结构关系。本文对模块化思想的借鉴正是将品牌设计过程中相关优秀环节进行模块化整理,并使之相互连接起来并发挥联动效应。 3.2定制服装品牌的优秀要素 客户对品牌的认识往往是通过对最终产品的认识来形成的。一个完整的产品包括许多要素,然而在很多情况下,最终产品质量与功能的提高往往取决于其中几个关键因素。本文将对整个产品质量功能起到关键作用的要素称为优秀要素。通过对现有文献、3种访谈结果的整理,确定了定制服装品牌设计优秀要素评价体系,分为定制服装品牌形象、定制服装品牌产品、品牌定制服务、定制服装品牌市场网络4个二级指标及相关的19个三级指标,构建了如图3所示的中国定制服装品牌评价要素指标的递阶层次结构。采用专家评价和优秀定制消费者滚雪球调研法相结合的方法采集数据并构成判断矩阵。根据中国定制服装品牌要素评价的递阶层次结构关系,运用层次分析法,确定各准则层因素对目标层的影响权重并最终合成权重,表3示出中国定制服装品牌评价指标的权重分析。 3.3定制服装品牌设计模式的构成 对定制服装品牌的设计模式进行分解,定制服装品牌的设计模式包括以下4个模块:1)定制服装品牌的三维设计模块(ISS),即整合设计(IntegratedDesign)、标准设计(StandardDesign)、系统设计(SystematicDesign);2)定制服装品牌的动态多维定位模块(S3);3)定制服装品牌的要素分层模块(Y),即通过递阶层次结构的建立判断各个要素的权重,将19个三级指标划分为定制服装品牌的优秀要素层、次优秀要素层和外围要素层,从而实现对有限定制服装品牌资源的优化配置与品牌优秀定位点的选取;4)定制服装品牌的营销要素组合模块(MTM4P),即根据品牌定位点的选择过程,分别从利益定位、价值定位、属性定位的角度对各营销要素进行分析,进而识别品牌的优秀定位点、次优秀定位点和水平定位点。4个模块的有机复合,推导出定制服装品牌设计模式的复合架构。 4结论 1)归纳出定制服装品牌的3种定位特征:系统性特征、多层次特征、动态性特征。通过三维定位组合,结合定制服装品牌定位方法结构性重组,梳理出定制服装品牌的动态多维定位体系。2)采用K-均值聚类分析的方法,对100个定制消费者样本进行分类。根据聚类结果,识别定制服装主流消费群体,并归纳3种主流需求特征:社交商务导向的需求、特殊体型需求、婚庆场合需求。3)对定制服装品牌的动态多维定位的步骤进行分解,可分为S1(动态定位过程),S2(定制服装品牌定位点的选取过程),S3(定制服装品牌优秀定位点识别与应用过程),即:S1S2S3。定制服装动态多维定位体系的应用帮助定制服装品牌识别优秀定位点,并应用到营销要素组合(产品、价格、渠道、促销)中。将4个子模块(三维设计模块、动态多维定位模块、要素分层模块、营销要素组合模块)复合架构,构成定制服装品牌设计模式的基本框架。 作者:刘丽娴 单位:浙江理工大学 服装学院 服装品牌设计研究:现代服装品牌设计论文 一、选题来源 其一,根据国内服饰品牌发展的水平可以发现,品牌设计在一定程度上引起了服装设计师的思考,意识到仅从设计的角度出发而无品牌概念的设计,很难使消费者产生共鸣,也刺激不了消费者的购买欲。其二,现阶段的服装行业,由于各种设计风格与设计观念发生了冲突,并冲击着品牌设计师的创造力。于是,本土设计师大胆挖掘民族元素和色彩艺术,使两者之间相结合,并且在设计过程中不断转变服装审美趋向和设计风尚,使得中国本土的民族元素成为服装品牌设计中最重要的一部分。 二、研究现状 随着人类科学文明的发展,服装对于生产、生活的诉求朝着追求美的心理而转化。特别是在现代,设计师们己经打破传统观念,设计思潮向多元化发展:如文化混搭、戏谑、符号化,使设计成为一种玩耍和游戏,使服装的趣味性带给着装者全新的心理体验,使服装无论从内容、题材还是手法上都得到极大的拓展。在这种状态下,如何将炫丽的民族元素融入其间,形成独特的服饰品牌,这就需要我们深层次地研究民族元素的在现代服装设计的运用。有“丝绸之府”之称的杭州,是历史悠久的中国女装之都,是新时代崛起整体设计的产业区,民族底蕴深厚。但在建设初期却缺乏强势品牌精神,使规模经济盲目趋奉,服装整体设计中出现薄弱环节:产品种类繁多,但缺乏创意与特色,没有强化服装设计内涵,究其原因,就是缺乏品牌精神。21世纪初,有一篇为杭派女装代表品牌“江南布衣”写的《江南的布衣》,文中提到的“运用本土服装设计理念灌溉成功的江南布衣设计”,让我们感悟到了民族文化精神赋予的内涵,民族服饰的精华得到了传承,这是服饰品牌“江南布衣”得以在市场经济激烈的竞争中一枝独秀的秘诀。由此可见,它既适应现代服装设计的趋势,又融合了民族元素的设计,是值得我们进行分享、研究的成功案例。 三、研究价值 追溯服装市场发展的历程,价格的竞争已成为历史,企业抹平伤痕,清醒认识到质量才是企业生存的保障;而未来的市场将上升到设计理念的提升高度。通过服装设计来表现服饰产品的精神与功能的内在价值体现,由此可见,服饰品牌的作用不可估量。市场巨变,影响着服饰品牌设计风格的定位。服饰品牌的内在价值是品牌在可持续发展中的延续功能。如在制定女装品牌战略时,江南布衣的管理者,未雨绸缪,充分考虑到将来服装市场的发展的需要。为品牌的持续发展与延伸预留了充分空间:对于目前市场的细分化特点,创造了民族特色延伸性品牌。主要以原品牌和新概念元素来体现,既实现了对原产品的补充,又避免了同一品牌不同产品间的竞争,更好为彼此所接受,也进一步提升了品牌的知名度。 四、现代服装品牌设计与民族元素概述 (一)现代服装品牌设计概述 1.适应市场竞争力 服装市场的竞争要求:服装风格定位、细节特征、流行讯号、品类设计、饰品要素或设计的组合必须有自己的特点,其目的是很好的区别同行之间品牌的特征。实现服装企业与消费者之间的连接和沟通;为适应市场的竞争,服装企业家,经理人必须解决品牌在市场竞争中存在的问题,否则抢占未来市场的竞争将会越来越艰难。 2.品牌的诞生与成长 品牌战略,对于中国服装的市场来说已经不再是产品的竞争,而是企业最高层次的竞争,是企业形象、企业信誉、产品的质量和性能的整体体现,成为消费者信任的主要标识。一些服装企业充分运用本土元素融入服装设计中,在消费者心目中确立的品牌定位,利用民族元素的植入而使消费者产生征服感,从而更好地适应市场竞争。所以,要求服装设计人员必须充分了解市场,通过实践来积累经验,为品牌创建奠定良好的基础。 (二)民族元素概述 民族元素是民族精神的结晶,它承载着历史的记忆,是民族文化宝库的一朵奇葩。它的内容及及形式表现所涵盖的主题,是其它艺术形式不能替代的。由于其独特的性质,不同的民族元素体现在服装产品中,如服装款式、颜色、图案的选择,也就不同程度地强化了服装品牌设计深度和服装品牌定位以及独特性。现代社会中,国际化的民族文化已成为时尚设计工具,它表现出的神秘浪漫与独特性,更容易吸引人们的注意;国际时尚全球化的程度越高,独特的服饰文明所散发的魅力就越能波动人们的心弦;如东方元素中的文字、水墨画、龙图腾,以及经典细节如旗袍、盘扣、立领等设计,常常是服装大师的灵感源泉,民族元素国际化的设计,意味着:民族的即是世界的这一深层的内涵。服装民族元素的融入,不是拼凑和卖弄民族文化、不是脱离时代的死记硬背,不是细节的堆砌,而是发现美丽的构成因素。中国特色并不光是立领、盘扣、对襟、刺绣等元素的罗列,而是民族精神文化内涵的体现。在深层次的组合设计中中,需要抓住的是“形”与“神”的组合,是其形神间传递的一种独特语言。 五、服装品牌设计中民族元素的个性体现 (一)民族的服装品牌概念需要突破 1.体现民族与流行沟通的品牌个性特点 品牌的竞争是长远而持续的,如今,本土服装品牌需要将民族与流行之间进行沟通,二者要有统一的概念,要塑造品牌个性。因为,个性化的品牌,能够缩小与消费者的距离,使之产生良好的意愿并开始关注服饰品牌。个性化的沟通促使他们从品牌偏好转到消费习惯上来,并且逐渐据他们心灵。只有将民族元素和流行时尚结合,完美的阐释在服装品牌中,消费者就会明白品牌的文化精神。弘扬民族精神的品牌个性,不应该轻易改变,只能随着流行的变化不断充实。同样,民族服装品牌反映了设计师与消费者沟通的艺术。设计师必须了解消费者的生活态度和价值取向,在市场与流行间找到突破口,塑造出品牌个性的印象,使具有民族特征的服饰品牌具有普遍性,从而成为大众化服饰品牌。 2.独特的个性使品牌特点更清晰 民族风格特点的服装款式、色彩、图案、服饰配件等,传达给人们有形有色的形象。这些元素如符号般承载着内涵的品牌,影响着消费者的判断,消费者在不只不觉中了建立品牌个性形象,形成了品牌信任,进而产生品牌的广告效应。民族元素可视化的概念中,象征意义显得尤为重要,它是权衡设计是否恰当,是设计成败的关键。民族元素的融入,创意与内涵的延伸,使品牌具有了独特的个性。一旦品牌内涵与消费者的愿望结合起来,就会为品牌注入活力,使品牌形象清晰、个性独特。 (二)同类元素采取差异化设计 由于消费者在消费过程中,对不同民族的服饰品、色彩、图案、象征等会产生联想,将潜意识的感觉牵引出来,形成默契,产生共鸣,自觉抛弃成见,建立新知,从而获得独特的品牌效应。 1.关注目标消费群的审美变化 高度信息化的现代社会,人们的审美意识已经发生了深刻的变化,审美需求向多元化发展。高科技时代的消费者淹没在计算机技术使用的扩散之中,并开始厌烦图像强大的技术痕迹,注意力转向了传统的设计手法,返璞归真以及人性化的表达。这样,一些服装品牌设计师开始注重传统民族元素,不但将新的品牌创新设计手法与现代服装设计结合起来,而且更注重两者的结合。从现展的趋势来看,年轻人更注重追求自己的个性及独特的气质,在审美观上也倾注了不同的价值取向,所以当代品牌设计师应注重灵感的培养,把握灵感方向,让更多的品牌服装设计融入民族元素,用我国强大的民族文化精神感动消费者,用新颖创新的理念满足消费者需求。 2.采取设计差异化的手段 一些设计师由于过分忠实于传统民族元素的情感表达,生硬照搬,不能使消费者产生共鸣,究其原因,是由于没有在传承中创新,没有赋予服饰元素的艺术内涵,缺乏艺术品位,品牌也就不完善。所以,同类元素差异化设计是民族元素在服装设计中运用的关键,其个性特点及对消费者的影响都会与众不同。当今很多服国内服装企业为寻找新的设计素材、流行元素,已经转向长远的品牌战略。民族元素的融入,将民族与流行,传统与创新结合起来,形成了不可替代的民族品牌个性组合,来吸引消费者的注意,从而树立良好的印象,得到消费者认可。优秀的服装特色品牌(如裂帛、阿卡),在设计作品中渗透着浓厚的民族元素,独具特色;在款式与图案的设计以及面料的选择上,注意采用能引领时尚潮流的设计元素来吸引消费者,创造性的表达了明确的兴趣追求,有效地吸引消费者的注意力,民族元素体现在具体的设计中,具有直观、理性的宣传功能,它融合传统与现代结合,并在传承中创新。差异化的设计手段,使服装设计在现代与传统、传统与流行、流行与民族性、民族性与个性之间行走,在差异化中寻求平衡,这种新颖的服饰带来的视觉冲击力通常令人驻足。 民族元素完美地融入到现代服装品牌设计中来,为我们带来了灵魂的震撼;服装设计表现的魅力,为我们展现了伟大民族元素的精神所在。民族元素在服装设计上、灵活、合理的运用,可以创造独特的服装品牌形象特点,让我们深刻的体会民族元素的重要性,让服装品牌设计之路更专注于民族元素的创新,让具有民族特色的品牌服装设计立足于世界每一个角落,让服装品牌设计师为研究创新的品牌设计获得丰厚的艺术灵感;民族元素与现代服装品牌设计的合理应用,让品牌服装个性化,发展趋势明显化,是服装品牌设计行业的发展新领域。 作者:李巧云单位:湘西民族职业技术学院民族艺术系 服装品牌设计研究:国内服装品牌设计论文 1服装品牌与设计定位的概念 1.1服装品牌概念 服装品牌是指具有一定认知度和完整形象并有一定商业信誉的服装产品系统或服务系统。它是由名称、符号、设计、产品、文化、服务等综合构成的系统,其目的是要使自己的服装产品或服务有别于竞争者。服装品牌的价值是以依附在产品或服务上的附加值的形式体现的。 1.2设计定位的概念 美国著名广告专家Rise Trout(1972)说过:“定位使本企业与其他竞争者严格区分开来,使消费者明显感知到产品形象个性特征;市场定位并不是对一件产品本身做些什么,而是在潜在消费者的心目中做些什么”。服装设计定位,是指服装设计师为特定市场的特定消费对象,在特定的时间设计特定的产品所经历的思维过程和时间过程。它包括:市场调研;区分消费对象;把握社会时尚动向;研究自身和竞争对手的优劣势;确定销售对象和产品的档次;设计出应时的产品;确定恰当的价格和投产数量等等。其特征为:站在企业经营的角度去寻找自己产品在市场上最恰当的位置,建立准确的目标市场,使设计、经营处于主动状态,并在实践中不断校正定位的偏差。通过不断总结经验,其设计定位会越来越准确。 1.3设计定位的意义 以市场为导向的设计定位,正是设计商业性的要求和体现。设计定位的每一个步骤都须经过对市场的大量调研、比较和分析之后,才能进行有目标、有目的、有分寸、有针对性的详尽设计。服装设计定位不是简单草率的,它是品牌建立和发展的第一步也是关键性一步;更是设计实施的大前提,有利于后期产品上市一系列事物。例如,市场、营销、消费者喜好、对流行的把握等。设计定位还是企划步骤的一个重要环节,是开展其他一系列事物的准备、前提和基础。准确的设计定位可以创造销售业绩、生产出差异化产品,找到市场空缺,同时满足消费者需求,立足市场驻扎于消费者心中。 2服装品牌设计定位分析 服装品牌设计定位包括设计定位的原则,分类和策略。 2.1设计定位的原则 (1)以目标市场细分为基础。 以需求细分为前提条件是设计定位的原则之一,不进行需求细分,服装品牌设计的目标必定是盲目混淆与不清晰的,不深入分析各个细分市场的需求特点,就不能进行有针对性的产品设计。市场细分是依据消费需求的差异性,并不是以商品分析为依据。因此,市场细分可以解决市场消费需求的“多样性”与服装品牌资源“有限性”之间的矛盾,也可以为设计定位的第一原则。 (2)以流行为着力点。 服装产品属于时尚产品。无论大众或个性品牌,无论男装或女装品牌,都应该体现出它们的时代特点。服装产品之所以每季都有新款,靠的是流行的推动。而新品成功与否,除了要满足消费者的内在需求外,还要在消费群体需求中融入流行元素,后者是设计的亮点,是推动销售的关键。因为,目标群体的需求实质上也是以流行作为参考依据,尤其是那些具有前瞻性和个性鲜明的顾客,对时尚流行的触觉极其敏锐。 (3)分析目标消费群体需求。 在进行服装商品企划的消费者需求分析时,首先要明确目标消费者的特征,包括:形体特征、职业特点、受教育状况、消费水准趋向、对价格的要求、对具体产品的需求、个人生活方式、宗教信仰和审美倾向等,然后进行相应分析。 (4)保持设计风格,稳固市场定位。 独特的设计是服装品牌的优秀,更是消费者选择该品牌的着力点。设计风格是服装品牌的主旨和个性特色,它影响着品牌文化,品牌形象,品牌广告和品牌风格等一系列的设计和传达。虽然服装品牌会在每个季度有所突破和创新,但在消费者总体印象中要有前后一致感和风格的稳定性,所有的形式语言都是为了唤起和引起消费者对该品牌的联想、想象和记忆。这是赢得消费者忠诚度和品牌信赖感的必须法宝,更是稳固市场的有力策略。 2.2设计定位的分类 (1)顾客定位。 设计师在进行服装设计之前,要对该品牌服装面向的消费群体的年龄段,收入范围、职业特征、分布地区、性格爱好,做出正确的判断和划分。这就需要设计师首先要进行设计方案的初稿设计,并且进行市场调研,通过对城市特点、不同年龄段的顾客喜好、流行趋势的分析以及季节变化进行市场调研。 (2)风格定位。 风格定位是设计理念的传达和该品牌视觉符号的呈现,并且以品牌形象定位为基础。稳定的品牌风格符合消费群的认知习惯,经得起消费者检验。风格定位包括该品牌服装的款式定位、色彩定位、面料定位。例如,中性风格的服装中,款式上多以直线条为主,品类以正装、夹克、裤子、大衣居多,通常采用高档面料和沉稳的色彩,几乎不会出现甜美的色彩或女性化的款式。因此,品牌的风格定位决定着服装的款式造型,色彩和面料的方向。 (3)主题定位。 服装品牌每季度开发的产品种类丰富,数量繁多,通过设定主题的方式将所开发的服装产品进行归类整合,使产品具有符合市场需要。设计主题往往是设计师或设计总监对现实和时尚咨询的观察,体验,分析,研究,处理,提炼而得出的思想结晶。通过主题将个人灵感与市场趋势分析的结合,链接到消费者与此同时还可以加强自身品牌的DNA。更重要的是要选择适合自身品牌的主题类型,如果季节主题与公司的品牌价值不相符,会向你的消费者传达出混乱的品牌信息。 (4)价格定位。 在市场经济条件下,产品的最高价格取决于产品的市场需求,最低价格取决于产品的成本费用。合适的价格设定是服装品牌能在多大程度上占有市场的关键。价格设定要考虑面料价格,加工成本,工艺制作,销售环节等方面综合因素考虑,保证产品利润最大化的宗旨,制定合理又符合品牌质量要求的销售价格。 2.3设计定位的策略 (1)差异化策略。 差异化策略需要服装企业更加细化市场需求,挖掘出市场中的设计空缺,结合自身的优势进行定位。我国设计师品牌近几年内如雨后春笋般茁壮成长。分析他们成功的经验就会发现:设计师品牌将重点放在追求个性上,只在乎小部分的顾客喜好。通常设计师将生活中某一女性形象特定化,以她们为模特来进行设计同时以那些与设计师感觉相同的为消费者目标顾客。虽然这样会失去大量的消费者,但正因为如此,才能保持其特色明确和物以稀为贵的特点。差异化策略的优势是尽量避开竞争激烈的市场,发挥自己的长处,放大品牌的个性化和时尚化的定位。由此我们也可以看出,设计定位不仅仅是为了实现产品差异化,更是为了实现品牌差异化。 (2)多元化策略。 服装企业针对市场和目标消费者需要,将锁定的市场深入细分化,把总品牌延伸为多个不同风格的子品牌。这些子品牌可以为同一个目标群服务,却服务于不同的场合/穿着时间。或者相同时间场合下的不同用途。也可以按着性别、年龄的划分来进行品牌多元化策略。成立于1994年的杭州江南布衣女装推崇自然、健康、完美的生活方式,定位的消费群为心态年龄在20~35岁之间的都市知识女性。其旗下品牌“速写”男装基于江南布衣品牌的理念,以25~35岁左右的都市新贵男性群体为目标顾客群,他们追求人文精神,向往精神自由,鄙弃浮华和不被任意复制的人生理念。而“JNBYBYjnby”童装秉承JNBY品牌成熟自然的设计风格的同时,呈现孩子们生活中不加修饰而又独特的一面。面料款式与色彩也保持了与总品牌的一致性和相通性。多元化策略的正面效应可以吸引原有品牌忠诚顾客,使延伸产品迅速进入市场;有利于扩大企业规模和分散经营风险、增强品牌形象、满足顾客多样化的需求、有利于后续的品牌延伸、品牌保护。若经营的不成功,负面效应为损害原品牌形象、淡化品牌、招致零售商抵制等。 3结语 服装设计定位是十分必要的。从事服装品牌运营,一定要给自己的产品定位,市场空间在哪里,产品定位是什么,运作模式是什么,优势在哪里,这些问题都是必须去考虑去解决的。有些公司意识不到这一点,不愿意在此投入人力、物力,只是有初步设想后就盲目投入生产,造成被动局面,甚至导致投资失败。不管经营什么类型的品牌,都要以产品为出发点,发觉目标潜在顾客的需求,确立品牌个性。最后需要注意的是:定位是为全局考虑不能因为考虑因素过多而局限了设计师和产品种类,要用客观多元的思维接受定位。 作者:孙艳南单位:北京服装学院 服装品牌设计研究:服装品牌设计创意思索 一、服装品牌及创意的含义 服装品牌的含义,有着各门各派的说法。有人说“服装品牌是指企业经过行销及广告在市场及花销者心目中所树立的产物抽象化及性格,是产物的内在质量及外在特征的宗合反应”。也有人说“品牌就像把一种普通的东西,改进后变成更有所值、更故意义的东两”。按照美国市场营销协会的含义:做为一种市场观点,“品牌是指计划用来识别一个或者一群卖主的货品或者劳务的名称、名词、符号、意味或者设计,或者其组合,并计划用来区别一个或者一群卖主及其竞争者。”创意是传统的叛逆:是打破常规的哲学;是匹夫之勇的同义:是导引递增升华的圣圈;是一种智能拓展;是一种文化底蕴;是一种闪光的震撼;是破旧立新的创造及毁灭的轮归;是宏看微照的定势,是点题造势的掌握;是跳出庐山以外的思绪,超越自我,超越常规的导9I;是智能行业神奇组合的经济魔方;是思想能力库、军师团的能量开释:是深度感情及感性的思索及实践:是思想碰撞、聪颖对接;是创造性的系统工程;是引资未来、创造未来的经过。简而言之,创意就是即有新鲜性及创造性的观点。 二、服装品牌设计中的文化创意 1、服装品牌设计要立足于外乡文化外乡文化在广义上包含诡秘的民族文化、神奇的非常自然文化及神圣的历史文化。台湾写名杂志《汉声》创办人设计家黄永松先生在I—TAT2008中国服装论坛上说品牌的能量是源遥流长的传统文化.有了文化才可以构成永续营业。在经济全球化、服装行业竞争激烈的时代,各国设计师们应追求在服装设计中凸出外乡文化,体现民族特色。真实上,真正美好的东西,都是有深厚外乡文化底蕴的,这类东西除了受外乡欢迎外,也是受世界欢迎的。 2、外乡文化在服装品牌中的创意设计运用每个人天生都即有创意.成功创意的关键在于知识积累及积累的选取及组合。提炼外乡元素.以世界化及时髦的超前目光,重构服装文化的活泼鲜明的全新风采,这是服装创意设计的方向所在。处置传统文化及现代服装设计的干系.要注重论证学习及钻研,在文化精力的层面上掌握西方文化及中国传统文化,牢牢捉住中国传统文化的精力理念,避免符号化、外看化地组合传统元素,图解式、猎奇式的展览中国元素。 思索及感受中国文化的精力理念,关键是对比东方人及两方人对非常自然的不相同体会,这就需求设计者提升知识修养及对文化历史的理解能力。设计立意是设计师对文化理念掌握之后构成的抽象化,这需要长久的积累、消化,对传统文化体会后化为一种非常自然的感情。 三、服装品牌传播中的文化创意 1、服装广告图形设计的文化创意比利时时装设计师沃特•范拜伦东克(WaltervanBeirendonck)提出服装广告中的图形设计是给服装行业最重要的奉献.他门重要的用途体现在设计师及公众的沟通上,并可加深公众对产物的印象。一个品牌的个性在于展示自我,经过广告中的图形不仅能够表示它的市场定位.并且用这类独特的视觉语言向花销者传递信息。如果制作的广告图形及品牌所值相符而也富有个性,你会获得十倍的归报,反而定会严峻毁坏品牌的抽象化。从这些看来,服装品牌在投放服装平面类广告时,要非常注重图形创意设计,并要使之准确达意。在时装公司应有自己专职的图形设计师,使它们为企业设计广告活动,并聘请专业拍照师拍摄广告。准确宣扬品牌抽象化,清晰地传递设计作风及理念。 2、服装动态广告设计的文化创意动态广告平常指电视广告。广告不仅是贸易活动.也深具文化内涵。创意是广告的灵魂,创意能使本来寻常的产品富有魅力,使目不暇接的花销者瞬时聚焦。广告创意就是环绕产物销售信息,凭借直觉及技能,使用所获得的种种创造元素进行挑选、提炼、组合、转化并加以原创性体现的经过。广告创意越新奇则招引力越大,感染力越强,促销的成效越显著,这是因为人的求新求异的心理决定的。 3、服装广告标语设计的文化创意广告标语是广告主从久遥销售利益出发,在一段较长的期间内重复运用的特定贸易用语,是体现其相应定型的广告宣传的基本观点或者主题的短句,几乎全部的广告标语都是品牌文化诉求的点睛之笔。广告标语是最难决定的,因为它不仅要囊括品牌的理念,更要吻合目的花销者的心态,还要便于进行广告的多层面的创作。 广告标语的语言特征能够归纳为以下四个方面:招引力、创造力、说服力及影响力。一则优越的广告标语平常即有简洁明了、新鲜独特、亲切感人、时代感强、鼓推动力大等特征。它的重要目的在于维持广告宣传的连续性,促成花销者增强产品印象,增强记忆,以便取得花销者对产品的认同感,指导及指导花销者有目的地进行购置,然而使广告主盈利。衣饰品牌的广告标语,也要有非常强的文化性,要独特、简明、有文采。四、结语创意带动行业,及世界名牌服装对比.中国服装品牌的差距重要体现在文化创意上,创意不应该只是一句标语,而应该是深化企业的每个阶段,贯串于企业的每个活动中,尤其是在品牌设计及传播的阶段中,创意更应成为每个员工发自心里的追求。 服装品牌设计研究:服装品牌设计论文 一、服装品牌设计中的文化创意 1.服装品牌设计要立足于本土文化 本土文化在广义上包括神秘的民族文化、神奇的自然文化和神圣的历史文化。台湾著名杂志《汉声》创办人设计家黄永松先生在ITAT2008中国服装论坛上说品牌的能量是源远流长的传统文化,有了文化才能形成永续经营。在经济全球化、服装产业竞争激烈的时代,各国设计师们应追求在服装设计中突出本土文化,表现民族特色。事实上,真正美好的东西,都是有深厚本土文化底蕴的,这种东西除了受本土欢迎外,也是受世界欢迎的。 我国有56个民族,不同的民族有着不同的环境气候、不同的生活方式和不同的观念信仰,形成不同的民族文化,民族服饰作为文化的载体,呈现瑰丽多姿、五彩缤纷的面貌,是艺术设计取之不尽的灵感源泉。 我国广袤的土地也有着丰富的自然资源,崇山峻林绵延起伏,秀丽多姿;长江黄河滔滔不绝,气贯长虹;这些自然景观蕴含着深厚的文化气息,散发着清新的芳香。 历史文化(也叫传统文化)是由古至今衍生下来的习惯和生活,是历史的沉淀物。历史文化与今天的文化就像一条河,不可割裂。历史上各个时期的文化都起着承前启后的作用,它是现代文化发展的根源。 就目前我国服装品牌来说,其设计的文化创意要立足本土,定位明确,走差异化的道路,再与市场结合,定能产生利润。 2.本土文化在服装品牌中的创意设计运用 每个人天生都具有创意,成功创意的关键在于知识积累和积累的选择与组合。提炼本土元素,以国际化与时尚的超前目光,重构服装文化的活泼鲜亮的全新风貌,这是服装创意设计的方向所在。 处理传统文化与当代服装设计的关系,要注意理论学习和研究,在文化精神的层面上把握西方文化和中国传统文化,牢牢抓住中国传统文化的精神理念,防止符号化、表面化地组合传统元素,图解式、猎奇式的展览中国元素。思考和感受中国文化的精神理念,关键是比较东方人与西方人对自然的不同理解,这就要求设计者提高知识修养和对文化历史的了解能力。设计立意是设计师对文化理念把握之后形成的形象,这需要长期的积累、消化,对传统文化理解后化为一种自然的情感。 日本设计师的成功之路在于找到了东西方文化的结合点,继承了本土文化精神,却又在异域开辟出了让西方人接受而又耳目一新的作品。这对于希望在国际时尚舞台上占有一席之地的中国设计师来说无疑是一面镜子。日本的代表设计师三宅一生之所以能在西方服饰领域占有一席之地,就是因为他创造了一种传统文化与现代文化融为一体的独特设计。三宅一生的作品不仅具有强烈的时代气息,淡淡隐现出日本传统服饰宽衣博袖的特点,在他的作品中成功地融进了东西方文化的精髓,而且把古代精神与现代精神融为一体,又透着强烈的时代气息。他设计的服装造型是以日本传统的裁剪方法和服装空间意识为基础,隐现出作为东方的日本民族的哲学观念和对自然的态度,流露着东西结合、古今结合的气韵美感。 当然,我国也有在这方面崭露头角的例子。“天意”是带有鲜明的中国文化内涵而又具有国际时尚设计风格的服装品牌,设计师梁子崇尚天人合一的设计理念,以质朴的材料、宁静的色彩、简洁的形式、精致的细节无不透着中国文化的痕迹,在多年的实践中,这种透着中国本土文化的时尚设计不但在中国很受欢迎,在欧美国家更是倍受青睐。设计师张肇达在运用本土元素方面也是非常成功的,2008年春夏会上“黄河”系列,设计师曾游走黄河上下,历时一个月,经陕、甘、宁、川、晋、豫、鲁等数个省区,追根朔源,寻找华夏血脉发源地,汲取中国几千年的文化历史传统积淀,提炼母亲河两岸曾灿烂一时的中华古文化精髓。在寻根的过程中,从内心升发出新的灵感和创意,将其升华、创造,呈现在世人眼前的是系列新的篇章。 二、服装品牌传播中的文化创意 在经营品牌的过程中,往往有人忽视品牌的广告宣传,其实,仅有品牌的设计创意是远远不够的,品牌的形象风格传播是非常重要的。信息的传递依靠媒介来传达给受众,在形形色色的传播形式中,时装品牌对能清晰地呈现产品特征的图像青睐有加,同时也要在动态广告和广告口号的创意设计上大做文章。 1.服装广告图形设计的文化创意 比利时时装设计师沃特·范拜伦东克(WaltervanBeirendonck)指出服装广告中的图形设计是给服装行业最重要的奉献.它们重要的作用体现在设计师和公众的沟通上,并可加深公众对产品的印象。一个品牌的个性在于展示自我,通过广告中的图形不仅可以表明它的市场定位.而且用这种独特的视觉语言向消费者传递信息。如果制作的广告图形与品牌价值相符而又富有个性,你会得到十倍的回报,相反定会严重毁坏品牌的形象。 东华大学的一个课题组曾就六个具有代表性的著名服装品牌VERSACE、BCBG、Valentino、Dior、Burberry和淑女屋及其具有代表性的广告图片,对服装品牌用图片的形式所显示的品牌风格理念和品牌本身所要传递给消费者的理念是否一致进行调查,结果发现只有Burberry和BCBG能够很好地表达自己的品牌风格理念,而其它品牌的图片则不能很好地传达风格理念或传达得不十分明显。 由此可见,服装品牌在投放服装平面类广告时,要非常注重图形创意设计,并要使之准确达意。在时装公司应有自己专职的图形设计师,让他们为企业策划广告活动,并聘请专业摄影师拍摄广告,准确宣扬品牌形象,清晰地传达设计风格和理念。 2.服装动态广告设计的文化创意 动态广告一般指电视广告。广告不仅是商业行为,也深具文化内涵。创意是广告的灵魂,创意能使原本平凡的商品富有魅力,使目不暇接的消费者瞬时聚焦。广告创意就是围绕产品销售讯息,凭借直觉和技能,利用所获取的各种创造元素进行筛选、提炼、组合、转化并加以原创性表现的过程。广告创意越新奇则吸引力越大,感染力越强,促销的效果越明显,这是由于人的求新求异的心理决定的。 在电视广告的创作中,创意是第一位的。没有巧妙的创意,就不会成就好的电视广告,创意的好坏是电视广告成功与否的关键。而优秀的创意来源于设计者对产品内容的充分理解和深刻感受,来源于对生活的丰富积累和细心观察,来源于自身的阅历和修养。一个好的电视广告创意,必须从多方面、多角度去思索探求创意的突破点,以超前的眼光,打破陈规旧俗,通过联想产生新的创意灵感,并使之形成优秀的创意。 在创意构思时,可以根据企业提供的产品资料进行联想,但必须把握产品的主题轴心,将设计意图浓缩到最有典型意义的一点,这样的创意才是可取的。 独具创意的广告是最有效的。国际上成功的服装广告创意不胜枚举,通过创意化腐朽为神奇的例子也屡见不鲜,解读、学习、借鉴这些大师们的杰出创意经验和技巧,对尚处于摸索和发展阶段的中国服装广告在短时间内赶超国际水平无疑是有必要的。美国DDB广告公司1996年设计的一则“吉姆内裤”广告,可谓颇具胆识,构思奇巧。画面中5位站在中央身着西装革履、手捧高脚杯的男士,正与几位靓女谈笑风生,谈笑间一只无形的手早已从他们的胯间掠过,笔挺的西服下露出质地考究、颜色鲜艳的三角内裤,这戏剧性的场面令观赏者惊奇不已,换来了令人难忘的视觉奇效。中国的服装品牌要走上国际舞台需要世界级的服装广告创意。 3.服装广告口号设计的文化创意 广告口号是广告主从长远销售利益出发,在一段较长的时期内反复使用的特定商业用语,是表现其相对定型的广告宣传的基本概念或主题的短句,几乎所有的广告口号都是品牌文化诉求的点睛之笔。广告口号是最难决定的,因为它不但要囊括品牌的理念,更要吻合目标消费者的心态,还要便于进行广告的多层面的创作。 广告口号的语言特点可以归纳为以下四个方面:吸引力、创造力、说服力和影响力。一则优秀的广告口号一般具有简洁明了、新颖独特、亲切感人、时代感强、鼓动力大等特点。它的主要目的在于维持广告宣传的连续性,促使消费者加强商品印象,增强记忆,以便取得消费者对商品的认同感,引导和指导消费者有目的地进行购买,从而使广告主获利。服饰品牌的广告口号,也要有很强的文化性,要独特、简明、有文彩。 看金利来的广告词,充满文化的、形象的、情感的内容。如斜纹代表勇敢果断;碎花代表体贴温馨;圆点代表爱慕关怀;方格代表热心慷慨;丝绒代表温暖爱护;金利来,男人的世界!金利来的广告活动更注重民族文化、社会公益和历史背景介绍。从金利来在1970年父亲节前第一次推出“向父亲致意,送金利来领带”的广告大获全胜之后,便一发不可收拾。这次广告活动为金利来通向国际名牌奠定了坚实的基础。 当然,服装形象的传播还有其它的方式,如品牌代言、卖场展示等,倘若创意独特,出奇制胜,也能使受众品味到惊喜,留下难以忘记的印象,促进商品的销售。 三、结语 创意带动产业,与世界名牌服装相比,我国服装品牌的差距主要表现在文化创意上,创意不应该只是一句口号,而应该是深入企业的每个环节,贯穿于企业的每个行为中,尤其是在品牌设计和传播的环节中,创意更应成为每个员工发自内心的追求。