时间：2022-06-20 16:32:38
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇音乐教学论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
关键词：音乐表演多元化教学
音乐表演的种类有很多，其中包括声乐、器乐、舞蹈、钢琴等专业的人才培养。多元化教学是指多种渠道、多种形式的教学，在音乐表演中，如舞台演出、教学实践、举办音乐会、参加录音录像，包括欣赏、观看录音录像等，都属于多元化教学范畴。当然舞台的演出形式是多种多样的，仅以器乐演奏形式为例，就有很多种，如独奏、重奏、合奏、伴奏等，这些都属于多元化教学中的一部分，都可以称之为多元化教学。实践证明，在音乐表演专业的教学过程中，在以传统教学为主的基础上与时俱进，对学生有计划地、弹性地采用多元化教学，具有良好的效果。这一教学方式受到学生的普遍认可和欢迎，学生普遍感到受益匪浅。笔者认为科学地采用多元化教学，在科技飞速发展的今天，具有深远的现实意义。
一、多元化教学的几种形式
1.舞台演出
这是音乐表演最主要的表现形式之一，是最终要达到的目的。舞台的演出形式繁多，这里重点例举器乐演奏的舞台形式。器乐演奏的舞台形式包括独奏、重奏、合奏、伴奏。
（1）独奏
只要具备演奏基础，有一定的基本功训练，具备一定数量的演奏曲目，老师就应尽可能地创造机会让学生上舞台进行表演，让学生多参加独奏的演出。独奏也需要经验的积累和心理素质的调试、培养。首先要把上台前的准备工作做好，例如，检查一下乐器的状态如何，音准调试得是否准确等。调整放松自己的心情，有了充分的思想准备，在舞台上才能充分发挥并展示自己的技术水平。一般音乐表演的考试大都以此种形式出现。笔者抓住考试前的机会，给学生上公开点评课，也就是每个学生上舞台演奏准备要参加的考试曲目，其他同学进行点评。同时寻找不足，当场改进。能解决的问题马上解决，一时解决不了的问题，下去反复练习，下次必须解决。通过公开点评课的训练，学生进步很快，而且在考试过程中，每个学生的进步幅度都非常明显，收效极佳。
（2）重奏
重奏不同于独奏。它讲究相互配合。因此双方的互相配合十分关键，二者是一体，在演奏自己声部的同时，也能倾听到或感受到对方的演奏声部的进行，要使两个声部有条不紊地结合，这样才能够配合好。要倾听和声的整体效果，积极主动、和谐合作、默契配合。在短学期教学期间，笔者采用多元化教学，给学生布置两首器乐重奏作品，要他们亲自演奏，体会音乐感觉。虽然刚开始对于没有过合奏经历的学生来讲，挺有难度，但最终还是坚持下来了，而且得到了很好的锻炼和提高。学生热情很高，都主动找老师给他们安排重奏训练。
（3）合奏
合奏是器乐演奏最常见的一种演奏形式，是非常重要的一个环节。平时要多积累这方面的经验，会对将来的工作有很大的帮助和影响，很多人就缺少合奏意识及合奏经验，最终无法胜任合奏。除了依靠学院的合奏课，还要寻找各种机会多参加合奏训练，及时总结，不断积累经验。
（4）伴奏
伴奏是音乐表演中的另一种形式，如独奏伴奏、独唱伴奏、舞蹈伴奏等，是大家非常熟悉多见的一种形式。伴奏所处的地位不同，它处于辅助地位，起配合和烘托、衬托的作用。伴奏时要突出主旋律，要做好陪衬和铺垫工作。学生要多参加社会实践，克服困难，多参加伴奏，有意识地培养自己的服务意识。
2.录音
录音和平时演奏不同，一说到录音学生就都会有一种紧张感，不过这样他们会更加认真对待，必要的紧张还是要有的，但不能失控。在没有录像的条件下，笔者就组织学生录音，每次的考试都要录下来，反复听，帮助学生查找不足之处。这对学生的提高非常有帮助。录音时演奏者本身所用的力度和平时也有所区别，因为麦克风的灵敏度极高，它所处的位置、角度的不同都会产生不同的音响效果，包括演奏者的松弛度和紧张度等，都会对录音产生影响。所以在录音时，要多讲究音色和音质。这样对录音的效果有益。在录音时，往往不用平时舞台演出时的力度，则会有更好的音响效果。否则，麦克风的灵敏度大，用平时的力度来演奏带来的噪音大，效果极差。录音时，应该多在演奏技巧上下工夫，例如，在进行琵琶演奏时左手要多加些“吟”弦的技巧，这会使声音更加有润性，音色柔美好听，获得很好的效果。
有时笔者把学生带进录音棚，进行多元化教学，表面上看给人比较松散的感觉，其实更接近于现实。实际上更接近实际，这就是实践，是学生在一对一的课堂上所学不到的知识，也是超前实现目标的良好途径。如果没有实际操作，就没有以上经验的积累。
就像学生在学校学习，只有理论基础，没有社会实践是不完美的。年轻时应抓住大好时光，勇于创造，拼搏进取，我们就会有收获，就会有成绩。如果在学校时就积累经验，等到走上社会后就能够很快地适应社会，满足社会需求。采用多元化教学，能解决这一难题。
3.录像
录制音乐要讲究声情并茂，这是表演的进一步升华，必须自然松弛，美观大方。这是听觉艺术和视觉艺术的完美结合，不可紧张或松懈。有的演奏员，一录制作品就很假，很做作，或录制不好反复地接录，这些都会对录制产生一定的影响。在学校学习期间就要定时安排录像，可以在学期的期末考试时给学生录制。先讲录制的要求，然后再由有经验的老师进行点评，找出每个学生存在的不同问题进行总结，不断积累提高录制效率。这也是多元化教学的体现。
4.举办演奏会
定期组织学生举办演奏会，对积累舞台经验大有好处。有的学生基础不好，弹奏几首曲子就没劲了，弹不动了，基本功匮乏。这样的同学就要求多练习基本功，练习力度、速度、耐力等，这些提高后，方可上台演奏。有的学生怯场，无法控制自己紧张的情绪，导致不能正常发挥和演奏。所以要多为他们创造演出机会，多锻炼从而缓解紧张度。对于特别爱紧张的同学，刚开始可以安排和其他同学一起演奏，经过锻炼逐渐适应后，再让他自己进行表演。这样就逐渐缓解了学生的紧张心理，让他们更加松弛，从而达到自由发挥的境地。5.参加教学实践
要有计划地让学生亲自参加教学实践。在短学期教学工作期间，笔者安排了两名大一年级的学生，来给两名小学生授课。课的内容是一首短小的琵琶复调二重奏作品，这些内容笔者事先并没有教过他们。对他们来说都是刚刚接触的新作品，笔者在旁边现场指导，学生们换位了，现在他们不是学生，是老师。老师在教学时，就要有迅速试奏的能力，科学安排指序、把位，还要回答学生提出的问题。这时他们的注意力是绝对的高度集中，这时他们的试谱、安排指序指法等就显得更加积极主动了。当遇到问题，笔者认为这个问题他们解决起来有难度时，就会主动有意识地引导学生一起分析解决。这样他们在小学生面前既不失去自尊，又可以进一步增强他们的自信心。当发现他们的演奏姿势懈怠时，笔者就在旁边提醒他们，注意自己的演奏形态，学生会学你们的。小同学也是不一样的，有的小同学，积极主动配合老师的思维，主动试奏，很快可以学会。有的小同学试奏本来就不快，也不主动配合老师，就等着老师一句一句地教，这就考验老师的耐力和耐心了。等到笔者送两位同学离开课堂的时候，他们异口同声地说：“老师，其实你当老师也挺不容易啊！”笔者开心地笑了。通过实践，首先，让他们懂得了老师的辛苦和用心。这样回到他们自己的课堂，他们会更加积极地配合老师的教学。其次，他们得到了教学上的训练，也为将来教学积累了经验，为他们逐渐适应社会做准备。这就是多元化教学带来的益处。所以，有计划地采用多元化教学，结合多媒体进行教学，多看、多听大师及演奏家的演奏和表演，解放思想，开阔视野，声情并茂，更有助于学生的学习和进步。
二、如何采用多元化教学
要做好多元化教学，教与学是相互的。无论是对老师的专业素质还是对学生的本身素质要求都是较高的。
1.多元化教学对学生的要求
（1）学生要具备较好的基础和音乐素质。人人知道，无论做什么，基本功都是最重要的。然而基本功的训练往往是一些学生的弱项。如何有效地调动学生的学习热情，苦练基本功，提高学生练功的积极性。对于这个问题，笔者采取了集体练功的形式，互相勉励、互相促进的方法，一起练功，从而调动起学生的积极性。他们听到同学在练功，马上放下手里的工作，主动要求参加到练功的行列，取得了很好的效果。
（2）吃苦耐劳，任劳任怨。基本功训练往往很枯燥，还需要一定的体力、毅力。有的传统乐曲很长，不好背谱。这需要有能吃苦耐劳的精神，任劳任怨，不厌其烦地反复训练才能达到要求。
（3）德艺双馨。学生不但要有吃苦耐劳的精神，而且要有严禁谦虚的学风，品学兼优，德才兼备。要培养人情、人格、人性等全面发展的人才，要以此为积淀培养合格的人才。
2.多元化教学对教师的要求
教师在多元化教学中主要应实现以下方面的内容。
（1）引导启发。音乐表演本身就是对音乐作品的艺术再创造，要求学生有创新，有自己的构思和想法，教师不要过多干涉其思路，关键在于引导。在不违背音乐规律和原则的前提下，允许学生尽情发挥，给学生充分展示自己的空间。
（2）归纳重点。教师要调动学生的学习积极性。让学生有计划地学习、复习学过的乐曲，预习不同时代的新作品，分析它们的结构和特点。老师可以归纳重点，鼓励学生改编创作。通过实践，充分调动学生的学习积极性。
（3）由浅入深。音乐表演是综合性的艺术，教师要把握难度和进度，做到循序渐进，由浅入深。有了老师的正确引导，学生的积极配合，多元化教学才会取得好的效果。
当今社会需要全面发展的优秀人才，就应采用多元化教学的培养方式，培养全面发展的合格人才，更有效地满足社会发展的需求，培养合格人才。
三、实行多元化教学带来的社会效益
1.自食其力，信心倍增。笔者在多年的音乐表演的实际教学中，尝试着采用多元化教学的方式。有的学生在校期间就不断地实践，逐渐积累经验，自食其力。通过多种形式的锻炼学习，学生增强了学习热情和自信心。多元化教学收到了很好的效果。
2.理论密切联系实际。在大学生接受高等教育期间，对学生采用多元化教学，可使教学更加灵活、切合实际。这是一种非常有效的、理论联系实际的教学。
(一)多媒体教学的优势。
1．运用多媒体能突出教学重点难点，提高教学效率和质量
学生的理解记忆效果同教学内容的性质有关。如果教学内容枯燥无味，那么在课下学生很难记住;如果教学内容新颖有趣，那么就很容易在学生的头脑中形成清晰的记忆。所以教师可以根据教学内容的难易，对于一些较难理解的、较难把握的内容，使用多媒体方法来创设新颖的、容易理解的教学环境。通过情景再现、多感官刺激、直观化较为抽象的教学内容等方法，将教学内容的重难点加以突出，并化难为易，突破重难点，提高教学效率和质量。
2．运用多媒体能激发学生学习兴趣
众所周知，兴趣是学生学习任何一个学科的内动力，只有对学科内容感兴趣，才会发自内心地想要去学、去接触。教师利用多媒体课件进行教学，可以用文字、图像等将教材上死板的教学内容直观化，为学生营造一个集听觉、视觉、感官为一体的逼真的教学情境，并进一步激发学生的学习兴趣。实际调查数据表明:94%的学生和70%的老师均认为运用多媒体能较好地激发学生的学习兴趣;85%以上的学生更愿意老师用多媒体进行教学这样能使自己更专注、知识更容易接受。
3．运用多媒体能培养学生音乐素养
运用多媒体能培养学生的音乐听觉感知和肢体语言能力。音乐的听觉感知是通过听觉来感受音乐的一种情绪的体验能力。在音乐教学中，恰当地利用多媒体制造音乐气氛，通过“听”这个具体的感知手段，能更好地帮助学生准确地理解音乐形象。体会作品思想。如在节拍节奏教学中，运用多媒体播放曲子或演出录像，让学生跟着音乐的特点用手脚打节奏或模仿录像中指挥家的动作打拍子，这无形中锻炼和培养了学生的音乐素养。此外，运用多媒体还能激发学生的音乐想象力和创造力，我们可以运用多媒体创设的情景引导学生，激发他们的想象力和创造力，进行音乐作品的在创作。
(二)多媒体教学存在的误区。
1．喧宾夺主、主次不分
由于多媒体是视觉、听觉、感官为一体的新型教学手段，因此很多教师在制作多媒体课件时，会不由自由的想如何制作出画面新颖、动感十足的课件，在课下没有及时与学生进行沟通，没有及时掌握课件的实际教学效果。尤其是近几年，在各大高校进行的公开课与评优课中，教师没有考虑到实际教学内容是否需要多媒体，都一律的使用多媒体进行教学。以笔者曾经听过的一节公开课为例，教学内容是一首久唱不衰的抒情叙事歌曲———《听妈妈讲那过去的故事》，由于歌词具有较强的叙事性，所以教师利用其中的情节，将歌曲编成了一个动人的故事，并配上音乐、文字制作成微动漫的小视频。虽然极具渲染色彩的画面和动人的故事情节吸引了学生的注意力，调动了学生学习的热情，却忽略了学生听觉联想。一节课下来，学生记忆中最深刻的印象不是歌曲的旋律，而是故事的情节与动画形象，可见并没有取得预期的教学效果。
2过于依赖、沟通缺乏
在前文之中，我们着重分析了多媒体音乐教学的优势，可以说相对于传统的音乐教学，多媒体教学优势较多，这也无形之中导致部分教师过分依赖多媒体，很多教师没有根据教学内容进行科学的分析，而是从始至终都将多媒体教学贯穿与教学之中，甚至达到没有多媒体课件就无从下手的地步。教师过于依赖多媒体，导致师生之间缺乏有效的沟通。
二、普通高校多媒体教学现状所引发的思索
(一)多媒体应用应注重实效性
在高校音乐教学之中，要学会在恰当的时机运用多媒体。首先要紧紧围绕教学目标进行深入思考，思考本课时内容是否适合使用多媒体进行教学?如何针对教学目标进行多媒体课件设置?如何避免过分渲染不重要的附属教学内容?坚决不能单纯为了表面的热闹，而忽略了教学的时效性。切记不宜用时不用，宜少用时不多用，紧紧围绕教学目的，对一些附属的内容不宜过分装饰、渲染。
(二)多媒体应用应注重选择性
虽然多媒体课件具有投影、幻灯等教学手段无法比拟的优点，但是我们不能因为其优势多，就忽略了它的本质，多媒体的优越性能再高，也无非就是一种教学手段，最终也是为了教学目标的顺利实现。而传统的灵活设计板书、实景播放幻灯片以及投影的静态展示功能，与多媒体课件相比，各有所长。如果两种教学手段所取得教学效果是一样的，那我们必须选取价格低廉、制作方面的媒体。
(三)多媒体应用应发挥教师主导性
音乐理论是指有一定音乐成就的学者，根据自己对于音乐学习的经验，对音乐作品、文献资料中的音乐逻辑和音乐规律长期进行总结和探究，研究出来的结果可以供音乐学习者参考，并结合音乐学习实践最后达到提高自己音乐水平目的的具有教学指导意义的理论知识。
二、音乐理论在钢琴教学和演奏中的作用
音乐理论主要包含乐理知识、视唱练耳、和声理论、作品欣赏和分析等，钢琴弹奏是一个需要长期、全方位学习的学科，对于学习钢琴弹奏的人来说，只有把学习实践和音乐理论知识融合在一起，才能真正提高自己的钢琴演奏技能，提升自己在钢琴学习方面的综合水平。
三、音乐理论在钢琴教学和演奏中的应用
（一）乐理知识在钢琴教学和演奏中的应用
如果连最基础的钢琴乐理知识都不懂，那么想要弹出流畅且动人的音乐，必定是不切实际的想法。举个简单的例子，假如你还没有学好乐理知识就想去学习弹奏钢琴，那么在学习的过程中，老师不仅要花更多的时间为你讲解乐理知识，而且你会发现，在实际练习弹奏练习的乐谱中有很多不认识的音乐符号，那就必须在有限的练习时间里花费更多的时间去请教老师和同学或自己查阅资料，这样不仅浪费时间，还可能因为强烈的挫败感而打击自己学习钢琴的积极性。所以，在钢琴弹奏和教学中，首先要掌握好乐理知识，对乐理知识烂熟于心并透彻理解，才能在练习过程中掌握娴熟的弹奏技巧，才能在音乐弹奏中真正理解音乐术语，把握音乐弹奏速度的快慢缓急，演绎更加流畅动听的乐曲。只有掌握好乐理知识，才能从乐谱中感知作者真正表达的思想感情，进而在演奏中投入自己的思想感情，演绎出一曲有血有肉的音乐作品来。
（二）视唱练耳在钢琴教学和演奏中的应用
学习钢琴的基础之一是对于音乐乐谱的熟练识别，在识谱技能的练习中，视唱练耳是一项十分重要的训练，这项训练的目的主要是为了培养学生对于音乐的敏锐感知能力，同时也加强了学生在音乐学习方面的视觉和听觉练习，逐渐锻炼学生的独立识谱能力，也培养了学生在音乐演奏实践中的随机应变能力。学生在练习识谱时，会看或听大量的音乐素材，不仅可以获得丰富的学习材料，也增强了对音乐的感知能力，培养了自己在音乐欣赏方面听觉和视觉的敏锐度，对音乐世界的领悟能力得到了提高，在进行钢琴弹奏时可以更深入感知乐符间蕴含的节奏和情感变化，可以更轻松地完成对不同作品的完美演绎。
（三）和声理论在钢琴教学和演奏中的应用
和声理论是钢琴教学和演奏中的核心内容，音乐教师在教学过程中巧妙地将其融入到钢琴教学中，可以让学生在音乐学习中将理论和实践相结合，增强钢琴学习的趣味性，为学生提供展示自我能力的机会，增强学生的音乐鉴赏力，使学生可以全面了解钢琴学习的内容。在钢琴教学和演奏中，和声是必不可少的组成部分，教师在钢琴教学中会特别重视对于和声知识的传授和讲解，同时还辅助大量的和声练习，以增强学生在音乐方面的情感表达能力。将和声理论应用在钢琴教学和演奏中去，可以使学生开阔眼界，鼓励学生即兴表演的积极性。只有扎实掌握在钢琴演奏中对于和声的恰当应用，才能将音乐作品所蕴藏的思想境界淋漓尽致地表达出来，才能真正用音乐去感染观众，让听众产生情感上的共鸣。
（四）作品欣赏和分析在钢琴教学和演奏中的应用
（一）教学模式落后
受传统教学课程的长期影响，在幼儿钢琴教学中，课堂教学仍然把教师讲授作为教学重点，并且片面地侧重钢琴基础理论知识的学习，对钢琴实践教学活动缺少探索。受传统教学模式的影响，导致钢琴教学中，学生被动的接受学习，并且对钢琴的实践操作技能较差，影响了学生的全面发展。
（二）教学形式和内容单一
随着素质教育改革，幼儿钢琴教育也进行了教学形式和教学内容上的改革，取得了一定的成效，但是，在钢琴教学形式和内容上仍然比较落后。教学形式单一，课堂气氛活跃不起来，教学内容纯粹地按照课本内容来学习，缺少创新性，在很大程度上影响了幼儿钢琴教学的效果。
（三）教学评价体系不完善
目前，“现场演奏”通常是幼儿钢琴教学评价的主要方式，成为学生期中和期末的钢琴考核的标准，而演奏乐曲也成为考试的主要内容，这样通过演奏来进行钢琴教学评分。这种评价方式在一定程度上，为学生提供了钢琴演奏的机会，也检查了学生的基本钢琴技能，但是考核方式太过简单，并不能从整体上客观评价学生的钢琴水平。
二、探讨幼师钢琴教学改革的措施
（一）优化教学模式
长久以来，钢琴课堂都会定义为传授音乐知识、训练钢琴技能为目标，这种形式已经被人们深深地刻在了脑海中，可以说成了金科玉律。因此，基于这一现象，要想更好地在钢琴教育过程中培养学生的创造性思维能力，就应该引导学生学会自己思考，让他们由被动学习逐渐转变为主动学习，这样可以更好地调动学生的学习积极性。另外，还应该将课堂教学模式进行相应的转变，并积极引导学生参与各种音乐活动，以便在过程中充分了解音乐和其他艺术之间的内在联系。同时，还应该让学生根据自己所掌握的知识，来认识音乐和社会生活之间所存在的潜在关系，以便让学生更加具有音乐鉴赏的能力，从而为以后的音乐学习和自身创新精神的实现起到良好的承上启下作用。
（二）丰富钢琴教学形式和内容
在幼儿钢琴教育中，从幼儿的学习特点出发是必须要考虑的方面。幼儿好玩爱动，且模仿能力强，因此在钢琴教学中不能按照固定的教学模式来教学。为了提高幼儿学习钢琴的效果和兴趣，不断变换钢琴教学形式和内容，对活跃钢琴教学气氛有重要意义。举例来讲，在钢琴教学中，老师可以结合某一具体的乐曲，通过多媒体先让学生认真听乐曲，然后再结合乐曲来讲解钢琴理论知识。另外，为了发挥学生的创造性，老师还可以创新教学内容，从日常生活中选择教学素材，丰富钢琴课堂。这都有利于钢琴教学质量的提高。
（三）完善评价体系
为了客观地反映学生对钢琴水平的把握程度，要完善钢琴评价体系，建立多种评价标准。首先，对于不同水平的学生，要设定不同难度级别的钢琴曲目，避免水平较低的学生不能完成钢琴弹奏情况。其次，不能仅仅把期中和期末的考核成绩作为评价学生的唯一标准，还要关注学生的日常表现，进行综合打分，评价更加客观。最后，对于钢琴考核的内容要全面，考核过程中不能仅仅考核学生的单一钢琴水平，要综合考核学生的钢琴演奏、伴奏以及钢琴理论和技能等方面，使钢琴考核更加全面和客观。
三、结语
一、音乐教学与素质教育的关系
音乐教学与素质教育是一种互相促进的关系。素质教育的目的是培养全面发展的人才，而音乐教学培养的是人的欣赏能力，这正是素质教育中全面发展的一部分，所以，素质教育能够促进音乐教学的发展；而音乐教学对素质教育有着重要的作用，音乐教学可以陶冶情操，从而促进素质教育的不断发展。近年来，随着我国的不断进步，对文化的重视越来越高，素质教育与音乐教学得到发展，它标志着我国文化的健康发展。只有通过素质教育，才可以将已掌握的知识进行分析，不断创新。而音乐教学在这种素质教育的环境下也要思考如何不断提高,只有在不断地通过学习和了解音乐作品，为音乐的创造提高条件、打好基础。一方面，素质教育对音乐教学具有一定的促进的作用。受到人文科学的影响，不同的地域、民族有着不同的文化特征，正是这种不同的文化特征才能创造出不同风格的音乐。因此我们在学习音乐的同时还可以学习地理、历史、民俗等有关的人文科学知识，用这些在音乐中学到的来充实自己的文化素质，陶冶情操。在素质教育的影响下，我们的学生需要德智体的全面发展，这就要求我们也要掌握一定的音乐知识；同时，在素质教育的影响下，我们不断地丰富自己的知识，在这种不断地学习中，我们的音乐也可以得到提高。另一方面，音乐教学也对素质教育具有一定的影响。第一，音乐教学可以培养人们高尚的道德品质和思想感情，而在素质教育中也强调要培养学生的道德品质。所以，音乐教学在素质教育中的具有重要的作用，它可以有利于我们人格的健全发展，有利于我们未来的发展。第二，音乐教育可以激发青少年的想象力、创造力，有利于培养具有创造力的人才。培养具有创造力的人才正是我们我国素质教育的目标。
二、在素质教育中发展音乐教学
我国的素质教育是以培养提高受教育者的知识能力、品质等基本素质为目的进行的教育活动。而音乐教育是对素质教育的全面发展。因此，在当前我国提倡素质教育的环境下，我们的音乐教学应当以鼓励为主，激发学生对音乐的兴趣，让学生积极参与到音乐的教学中，从而实现师生的互动。第一，营造音乐氛围，培养音乐兴趣，启发学生的想象力。创造性思维是一个人成功的重要因素，而这种思维在音乐教学中也具有重要的作用。音乐教学应当以学生为中心，培养学生的创造性思维，只有这种创造性的思维才可以让学生在音乐教学中真正成为主体，而不是那种被动的参加教学的方式。想象力在人类的实践活动中具有重大的作用，而且是人的智力发展的一个重要因素。一个想象力丰富的人，在他思考问题的过程中会有异于他人的想法，会用自己的较强的想象力来创造出不同的作品。第二，创设情境，激发热情，培养学生的创造力。在培养学生的创造力可以从以下的几方面着手：一，通过音乐表演教学，来提高学生的素质。在音乐表演教学中，让学生自己亲身参与到教育中，真正的调动学生的积极性与主动性，学校可以为学生举行文娱晚会，组织学生参加文艺表现，发挥学校的作用。二，提高学生的审美能力，培养学生的美感与情感。审美是音乐教学的核心，只有学生的审美能力得到提高，才有助于学生音乐素养的发展。例如，我们可以在课堂上为学生播放音乐作品，让同学们对音乐作品发表自己的看法，在这种交流中提高音乐素养。三，以音乐创作教学，促进学生素质的提高。在音乐课堂中，不仅仅的是以老师的讲解为主，而是以学生为中心，老师可以在音乐课堂上鼓励和指导学生已掌握的知识来独立的创作，在这种不断地创作中调动学生的主动性，让学生真正的融入音乐教学。第三,在音乐教学中提高身心健康素质。科学证明，音乐教学可以提高人的身心健康，陶冶人的情操，愉悦身心。所以，在学生紧张的学习之余，可以通过音乐教学使同学得到放松，使学生在课堂上精力集中，提高学习的效率。总之，音乐教学在素质教育的中重要性越来越高，学校应当注重学生的音乐教育，通过音乐教学来提高学生的全面素质，以培养全面性人才。
作者：刘敬敬单位：临沂大学教育学院
（一）分析学情，实施教学的前提
教师在中等职业学校音乐课中采用体验式教学法首先就应该分析学情，即了解学生的音乐知识基础及其思维水平，这主要是由于：第一，学生的音乐基础影响到学生对音乐知识的接受程度，如声乐课课程强度对歌曲节奏的特殊处理，有过相关知识的学生接受起来明显比无相关知识的学生更为快速简单；第二，音乐思维作为一种精密细腻的思维状态，对学生的思维水平要求较高，因此教师制定教学方案时首先就应该结合学生实际思维水平从而制定合理的教学方案。中等职业学校的学生思维活跃，接受音乐知识能力较强，特别是对流行时尚更会有着独特的理解。作为教师更要了解所教班级学生的音乐特长，有意识地让其在课堂上有表现的机会，让他们获得体验带给他们的。
（二）把握目标，瞄准教学的耙心
教师在了解中等职业学校音乐教育的教学学情之后，首要任务就是明确课堂教学的目标，只有目标明确才可能取得良好的课堂教学效果。主要应把握两点：第一，教师可通过课前备课逐渐掌握本节课程的教学内容，从而明确相应的课堂教学目标。声乐课是中等职业学校音乐教育的主干课程。在声乐课中运用体验式教学，可以让学生通过音乐所表现出来的音乐的内在魅力。例如，学生在学习发声的基础练习时，教师在讲解歌唱的发声原理时，学生在学习声乐课之初，难以找到呼吸和共鸣相结合来歌唱的感觉。如果教师单纯的按照字面意思教授学生，学生如果未经一定时间的练习，是很难找到这种感觉的。此时教师应该运用体验式教学法，通过创设生活情景，如让学生拿起作业本卷成喇叭状，然后用嘴对其大喊，让其体会发声原理，然后让学生将这种体验和感受运用到歌唱上，对促进其理解和掌握歌唱的发声的作用较为显著。第二，教师在制定教学目标时还应该结合学生的实际心理特征以及音乐知识接受能力，将教学目标进行分解。中等职业学校音乐教学的课堂要突出学生的体验性，因此，制定目标时，要突出这一点，让学生每一节课都能得到愉悦，都能有所收获，以往音乐教学无法取得良好效果的原因便在于未能紧紧围绕着学生心理来进行，错误的选择了音乐教学的范本或者切入形式，如能以兴趣为基本点，主动去了解学生想要在音乐学习中获得哪些提升，然后逐一尝试满足这些心理需求，那么中职音乐教学的效果则能够得到升华。
（三）情感体验，理解音乐的内涵
创设情境是体验式教学法的重要内容，教师在中等职业学校音乐课堂中创设情境的方法主要有生活展现情境、图画再现情境和音乐渲染情境等。教师在创设情境时应该结合每节课的任务和教学内容从而创设有针对性的教学情境。以音乐渲染情境为例，教师运用音乐特定的节奏和旋律营造出特定的音乐氛围，并将学生带入其中，如学生在学习《高水流水古筝曲》时，教师可以运用电脑创设春秋时期的社会氛围，并介绍钟子期和伯牙的友情和经历，让学生在感受高水流水这一中国古代十大名曲音乐魅力的同时，理解友情的高洁和可贵，让学生在情境体验名曲的魅力，如果班上有学生会古筝，这时更可以让学生现场“秀”一把。体验式教学法的主要目的是通过创造有意义的认知情境，促进学生对音乐知识的理解和掌握，而在此过程中注入“情”有助于学生学习动力的激发。例如，在学习贝多芬名曲《命运》时，学生在学习这一中世纪钢琴名曲的同时，透过音乐感受贝多芬一生的沉浮，体会其和命运进行抗争的勇气，将自身命运和音乐中所传达出来的感情结合起来，深化自己对人生和命运的体会。中等职业学校的学生正处风华正茂的年纪，情感细腻丰富，在音乐教育中增强其情感体验对促进其课程学习和心里健康发展均有着积极意义。因此，教师在设计活动时，应该更关注学生的情感体验。学生在学习《光阴的故事》这首歌曲时，可以在课堂上增设讨论环节，使学生深入了解歌曲背后蕴含的故事，与此同时，教师也可以在课堂上放映电影《中国合伙人》，通过电影和歌曲，深化学生对国家时展的认识，让学生感受时光易逝，更应该珍惜年轻的时光，做一番事业，这对学生的正确人生观和事业观的树立无疑具有积极的促进作用。
（四）设计活动，创设体验的氛围
设计活动是体验式教学的重要组成部分，教师在设计活动时应关注中职学生的心里特点和个性特征，结合其职业发展需要，激发其对学习的积极性。我们可以设计如“校园好声音”、“歌手大赛”、“我是歌星”等活动，让学生有参与的激情。同时，教师在上课时，可以结合学生专业的特点，有意识地结合所学专业，选择合适的歌曲，让学生去欣赏。如教师在给数控专业学生上音乐课程时，教师可以选择《咱们工人有力量》之类的革命歌曲，引燃其对生命的热情和奉献精神。一般来说，中等职业学校音乐教育教学设计活动主要可以通过以下两种方法开展活动：第一，通过联想和想象手段培养学生的音乐欣赏技巧；第二，学生作为学习的主人，设计活动时应以学生为中心，设计学生感兴趣的并能投入精力去学习的活动，而说起参与性强的音乐教学活动，几乎都伴随着表现性质，让学生可以在课堂中表现自己的方法有很多，例如独唱、合唱、演奏与评价，更多的将课堂时间交给学生，既能满足学习想要表现自我的心理，也可以增加音乐课堂的趣味性。
二、总结
使用模拟音频传输技术，有较大的制约性。数码钢琴教室和MIDI音乐教室在设备间的连接及与主控设备（或称教师机）连接时，大多都是使用模拟或是数模结合的形式，而在音乐教学系统中最重要的信号——音频信号则都是使用模拟信号传输。模拟信号传输对教学系统的制约性主要体现在几个方面：一是失真大。传输线越长，失真越大。二是不能同时多机传输。如果几台学生机想要同时向教师机传输音频信号，其结果必然是多路音频信号交织在一起，教师无法听辨。三是效率低。模拟音频信号传输时，时间只能是1︰1等时传输，传输信号时要耗费大量的时间。四是距离制约性。模拟音频信号只能在教室内传输，如果教师想在家里批改作业则无法实现。
2实验室的组建原则
2.1音频信号传输使用数字化网络技术
新型音乐教学实验室充分利用网络资料交换技术的优越性，将模拟音频信号经过A/D转换（模数转换）后的音频信号或音乐数据文件，通过标准TCP/IP网络协议传送给用户终端。实验室系统运用成熟、先进的IP组播技术，能全面支持主流的数字音频格式，具有良好的音频质量，并且能同时接入多路模拟音频信号，实现语音信号和音乐信号同时传送。系统能支持网络广播，支持教学内容和文件的分发，无缝地接入高速的校园网或互联网。
2.2使用软件技术实现核心功能
传统的音乐实验室的技术核心一般有两种形式：一种是纯硬件，以数码钢琴教室为代表；另一种是专业硬件加软件。两种形式对硬件有很强的依赖性，师生使用不方便，新增内容导入复杂，维修保养难度大。一旦生产厂商破产，或该型号设备停产，实验室的整套系统则不能够保证售后服务，其结果就是设备瘫痪，实验室成为摆设的道具。
2.3实验室可开设的课程覆盖面要广
实验室可开设的课程覆盖面广将成为新型实验的最大亮点。现行国内音乐教学实验室少，其原因是多方面的，而最主要的原因是水土不服，可开设的课程较少。通过对国内多所学校进行考察，要么是没有实验教学系统，要么是从其他学科移植到音乐学科的，对音乐课程并不能很好的支持，除能开设部分音乐理论课程外，音乐技巧课程。例如，声乐、钢琴、器乐等核心课程都无法使用。而新型音乐教学实验室的组建将能实现音乐技巧类实验课程的教学。
2.4实验室要易用且有前瞻性
实验室教学环境内的设备要易学易用。在音乐实验教学中只有学会并善用现代教学工具，才能拓展和丰富新的教学手段，给学生丰富的展现空间。［1］实验室的建设应该充分的考虑用户需求，满足5～8年内音乐实验课程教学模式改革的需要。既要满足于在实验室内推广现有的成熟实验教学方法，又要有一定的前瞻性，使得教师在新型的教学环境创造出更好的实验教学方式。
3实验系统的基本原理
3.1系统的组建
新型音乐教学实验室是在普通PC机上安装软件进行音乐教学，根据不同的课程辅助配备外置设备。例如，USB音频卡、高保真电容话筒、监听耳机、MIDI键盘、USB吹管控制器等。设计集合了计算机、网络、数字音乐设备等领域的最新技术，开发出新型的音乐教学系统。它把MIDI音乐教室、多媒体网络教室、数码钢琴教室集等功能集合成一个整体，整合丰富的多媒体音乐学习资源，学生在听到声音的同时还能感受丰富的画面效果，充分发挥了多种媒体形式的优势，给学生综合性的感官刺激。通过声像结合的形式辅助音乐学习，可以达到事半功倍的效果。实验室突破了传统的音乐教室单一的教学模式，在实验室内外师生都能进行良好的教学交流。既是对传统音乐教学模式的一种创新，同时充分利用学校既有的数字化设备，避免建设功能单一的音乐实验室，造成教学资源的浪费。
3.2联网络集成
音乐教学实验室可以支持网络协议，能够与现有的校园网络无缝连接。随着数字化校园建设和“宽带中国”战略的逐步实施，教学实验室将有更为广阔的领域和空间。师生可以随时浏览相关的网页和点播视频资源，教师的课件夹、本地硬盘等，能与学校教学资源库无缝的连接。拥有管理权限的老师或实验室管理能实时掌控学生端的动态，即使解决学生在学习过程遇到的问题。
3.3音频品质的控制
音质的处理在音乐教学实验室中尤为重要，它将关系到整套系统的成败。在音乐数字化教学实践的过程中，音频的品质有两方面因素决定的。一是声音的延时。二是声音采样率。
（1）声音的延时。声音的总延时不能超过0.1秒,即100毫秒。超过会让使用者感觉有“回声”效应，并且我们应该通过各种手段尽可能的缩减延时。声音的总延时是采样延时、处理延时、网络传送延时三方面的总和。采样延时是有音频卡的性能决定的，主板集成的音频卡一般延时在150毫秒以上，而独立的专业音频卡延时可以控制在2～10毫秒。处理延时和网络传送延时是由系统架构和网络硬件决定的。通过实验，选用现行成熟的系统架构和1000M网络设备，能将延时控制在30～50毫秒的范围。
（2）声音采样率。采样率越高，音频的品质则越好，失真也越小。除专业录音棚使用192K和96K的采样率以外，一般达到44.1K的采样率，也就是我们CD级的采样率则足以满足音乐教学的需要。主流的实时声音处理架构，如Matrix等，采用48kHz超高采样率，使声音表现更为逼真，近似于CD级的音频品质。经过测试，声音的丰满度、明亮度、颗粒感、音色感都达到了预期的目标。
4音乐实验教学与考试功能应用
音乐实验教学与考试功能是由系统的一个或多个模块共同作用完成的。音乐教学实验室系统的常用功能模块有：广播、推送、分组讨论、监控、收发作业、音视频采集、考试及阅卷等。
4.1实验教学
声乐、钢琴、器乐等音乐实验课程是高师音乐学习的骨干课程，对提高教学质量，培养应用型音乐人才具有举足轻重的作用，受到每一位音乐学习者和音乐教育者的高度重视。传统的实验室能解决音乐理论课程教学的问题，但能对音乐实验课程教学提供支持的教学实验室可谓是凤毛麟角。新型的教学实验室的设计除能完成传统理论课程的教学，它还能对音乐实验课程教学提供支持。例如，声乐课时，系统可以将多角度的视频图像、钢琴伴奏声音、演唱声音在实验室里同步、高速的广播到几十人、几百人的电脑系统中。学生可以选择同步收看和收听所有的图像和声音，也可以对具体某个角度的视频图像放大观看。而在声音的处理上更是体现出音乐教学实验室系统的专业性。音频是通过多声道技术采集传送的，学生不但可以收听伴奏和人声合成的声音，而且课后也可以单独收听教师的伴奏，方便进行演唱训练，还可以去除伴奏声音的干扰，只听老师演唱的声音。高保真的采集设计，能使学生清晰的听辨每个字的字头、字腹、字尾及呼吸换气的声音等。
4.2评阅作业
音乐实验课程作业完成的优劣对教学质量有着重要的影响。有的学生刻苦练习，每天2～3小时，有的上课前一天才在临阵磨枪。在现有的教学环境下，教师对学生实验作业的检查只能是在课堂上进行。即占用了大量的教学时间，也不能对学生的作业情况进行全面的了解。学生在作业回课时也许会受到多方面因素的影响，如心理紧张，状态不好，体育课刚刚下课等等。同时，教师对每位学生的整个学期实验作业完成情况也只能凭主观印象，缺少音像记录。而音乐教学实验室则恰恰能解决现有的问题。学生在完成好实验作业后，可以去到实验室的采集间，采集2～3次完成作业的过程，选择最好的一次提交给专业课的老师。而教师在上课前一晚能对作业进行评价，即节约上课的时间，又能建立好学生整个学期、甚至大学四年的专业学习档案。
4.3数字化考试
美好的音乐作品是能带给人以美感的,其实音乐审美的本质应是美感。法国作曲家圣桑说:“音乐是人的精神最精致的产物之一。人生其智慧的深处有一种独特的神秘的感觉,即美的感觉,借助于它,人才能领悟艺术……”人的音乐美感属于社会意识。美感必须是“赏心悦目”“悦耳动听”的,“是经过感官到达于情感、想象、理智、意志等方面的高级心理活动,是在感性直觉中积淀着理性内涵的审美体验”。因此,音乐教师在教学中应该熟悉音乐教材,面向全体学生,制定好每一节课的教学目标,把握住每一个教学环节,充分挖掘教材的歌词美、旋律美、节奏美、力度美……以教师动情的演唱、演奏,生动有趣的讲解,结合使用直观形象的教具,启发学生细细品味音乐,以达到培养学生正确的审美趣味、积极进行审美体验、提高学生的音乐鉴赏力、音乐表现能力和创造能力的目的。
二、扩展学生的审美趣味,开阔音乐视野
在美学界流行着一句话:“趣味无争辨。”这是说,一个人喜爱什么音乐,不喜欢什么音乐是因人而异的,我们没有必要让人们都有相同的爱好。相反的,我们应该尊重每个人的兴趣和爱好,但这并不意味着我们放弃了引导和教育。小学音乐教学负有不断扩大学生音乐审美视野的任务,要让学生不仅喜欢当代的音乐,对古代、近代、现代的优秀音乐作品也能逐渐欣赏、喜欢。除此以外,还可以利用课外音乐教学活动,如学校艺术节中让有文艺特长的学生演奏民乐,演唱民歌、名歌,有的放矢地介绍民族乐器、乐曲、民歌或历史上有名的声乐作品,让学生更多地了解和热爱民族音乐。
低年级学生往往对本民族、本国家的音乐作品感到亲切,因而感兴趣。然而,世界上每一个国家和民族都有自己的优秀音乐作品,这就形成了丰富多彩的音乐风格和式样。人们常说:“音乐是没有国界的。”这正是音乐教学的优势所在。我们不仅要教好本民族、本国的歌曲、乐曲还要让孩子们欣赏外国歌曲和乐曲,喜爱外国歌曲和乐曲。一位教师在教唱美国歌曲《祝你生日快乐》时,做了这样的导入尝试:(1)创设生日情景:在一个生日蛋糕上点燃腊烛;(2)教师手持贺卡,声情并茂地表演《祝你生日快乐》,熟悉的情景、熟悉的歌声唤起学生强烈的共鸣,学生情不自禁地拍着手跟着老师唱起来,老师也拍着手鼓励学生用情演唱这首歌。在学生充分体验歌曲欢快的情绪和因为成功演唱而获得创造美的喜悦时,教师向学生介绍了《祝你生日快乐》是两位美国老师在1893年创作的歌曲,不少学生感到意外,教师抓住时机发问:为什么一首歌曲能长上翅膀超越时空飞过万水千山,飞遍世界?为什么在100多年后的今天,男女老少在过生日的时候还会常常唱起它?学生回答:“它有意义”,“它有感情”,“它好听”。教师总结:“对,同学们说得好,一首好的歌曲不受时间的限制,它永远不会老;一首好的歌曲不受国界的限止,可以传到世界的各个角落!让大家都喜爱它!”这个导入设计非常浅近,非常生动,非常煽情,视觉、听觉获得的美感,情感想象获得的审美喜悦,音乐无国界的道理深深地留在孩子的心里。
当然,审美趣味的扩展是以生活经验、知识结构和情感体验的增长为基础的,进行扩展审美趣味教育时不能脱离这个基础。音乐教师要不断地加强自身文化素养,特别是音乐素养的积累,不断进行音乐教改的探索,由浅入深、循序渐进地培养学生从古今中外的优秀音乐作品中汲取精神养料,扩展音乐审美趣味开阔音乐视野。
三、提高审美品位,培养高尚情操
音乐是一门很特殊的艺术,一方面它很抽象,一方面它却又能最深刻、最细腻、最准确地反映人的情感!欣赏者从这门特殊的艺术中感受歌曲(乐曲)的丰富情感和思想内涵,从中获取精神力量,使思想得到升华,这就是音乐的社会功能。许多哲学家和音乐大师对音乐的这一功能作用都作出了充分的估量,给予高度评价。
当前,文化市场发展不平衡,在相当范围内主旋律不响亮,优秀民族文化不占主导地位,流行歌曲作为一种商品进入市场,渗透到各个角落,学校也不例外。音乐老师应从中省悟自己身上的重任,在音乐教学中充分利用教材提供的优秀音乐作品,精心设计音乐教学课内外活动,通过听听、唱唱、讲讲、跳跳、演演、比比等教学手法,让学生体验每一个音乐作品的美感和思想内涵,同时教给他们必要的音乐知识以促进学习,引导学生树立健康高尚的审美观念;提高音乐审美品位;逐步培养学生对高雅艺术的好感、兴趣,从而净化学生心灵、培养高尚情操。在音乐游戏“好朋友来了”的教学过程中,让学生们愉快地边唱边进行角色表演:“客人”来了,轻轻“敲门”,主人“开门”,互相问好;主人招待客人“请坐”,告别再见。在唱唱、动动的活动中学生体验了朋友见面的快乐,懂得了团结友爱、礼貌待人的重要……事实就是如此,提高学生审美品位,培养学生高尚情操,对学生德智体全面发展会产生不可估量的作用。
总之,在中小学低年级音乐教学中,一方面,音乐老师要加强美育、音乐审美教育理论的学习,正确地认识音乐审美趣味的作用;一方面,在教学实践中,教师要重视对学生审美趣味的培养,从而达到提高学生艺术素质的最终目的。
关键字:音乐教学中的情境教学
情境教学中的“情境”，是指教师根据教学内容与学生共创的一种能激起学生学习兴趣的场景，这种场景能把学生带入与教材内容相应的氛围中，师生在此情此景中进行情景交融的教学活动。下面谈谈音乐教学中的情境教学。
一、生活展示情境“音乐源于自然”。
音乐教学不能只把学生拘泥于室内的学习，应当让他们回归生活，走进自然，在大自然中体味音乐的存在。比如：课外郊游时，带领同学们在森林里漫步，树叶沙沙作响，小溪欢快地流淌，鸟儿放声歌唱，这不就是大自然演奏出的美妙乐曲吗？在不知不觉中，同学们都随着这美妙的自然音响哼唱起来，曲调清新、自然、淳朴，脸上露出了幸福的微笑，感受到了音乐的存在，生活的美好。
二、图画、录音再现情境
在歌曲教学中，适当给学生设置情境，能收到良好的效果。
比如：我在教《春天在哪里》这首歌时，先让同学们想象春天的景色，然后播放春景幻灯片和“鸟语泉鸣”的录音。伴随着美妙的音乐，学生们看到了碧绿的田野、烂漫的山花、快乐的小鸟、飞舞的蜜蜂，听到了潺潺的流水声，仿佛置身其间，感受到了浓郁的花香和青草气息，加深了对歌曲内容的理解。然后再教唱此歌，学生们很快进入了歌曲的意境之中，学的非常认真，曲调掌握也非常快。有的同学还能伴着音乐边歌边舞，课堂气氛十分活跃，收到了良好的教学效果。
三、表演体会情境
“音乐是舞蹈的灵魂。”音乐与表演是密不可分的，要想充分表现歌曲的内容，通过有声有色的表演能收到良好的效果。
比如《大鹿》这首歌曲，从歌曲曲调上看比较平淡，而且音准不容易掌握的“4”多次出现，如果直接教唱，学生不易学会。根据这种情况，我先给同学们介绍了歌曲的内容，然后找两个同学分别扮成小兔和大鹿，随着优美的旋律进行表演。扮演小兔的同学充分表现了兔子为了逃命的那种急切心情，扮演大鹿的同学也表现出那种乐于助人的精神。游戏表演进行的顺利而愉快，课堂气氛非常活跃。在分组表演后，同学们很快掌握了歌曲的旋律，随后教师在同学们情绪高涨时进行歌词教唱，同学们轻松愉快地学会了这首歌。
一、坚持音乐思维训练，正确读谱是前提
读谱主要是解决视觉问题。学会读谱是学生应具备的最基本的能力。要让孩子看清谱面上所有的符号，这些视觉符号为看不见的音乐作了最好的注解，使音乐的每一个细腻的表情变化（如强弱、快慢、高低、音色等）都清晰可见，从而使音乐变得可以指认、感受、理解。教孩子时，还要特别注重看清指法，以便将来弹奏时保持正确的指法习惯。读谱训练需要口、手、耳、脑的准备及相互协调的能力，这是一个由大脑指挥，眼看、口唱、手敲（可借助节拍器）、耳听的综合协调能力思维过程的反应。经常练习读谱，使你在反复的练习中，不但记住了音高、速度、节奏……还训练了音乐记忆力，这样的训练会使音乐思维更加敏锐。按线间相隔一个音的音乐思维方式来记忆五线谱的音位，有其独特的优点。因为它正好与三度音程关系构成的三和弦、七和弦不谋而合。弹奏和弦时，由低到高，手指一个比一个用力更多一点，旋律音是最响亮的。
二、坚持训练是支点，专注敏锐的听觉
如果没有及时有效地为孩子提供音乐教育环境，那么，孩子们与生俱来的对音乐的敏感与喜爱将会日复一日地丧失。让孩子每天接触音乐、听音乐，慢慢地就能一点点地听懂音乐，进而也学着去爱音乐、表现音乐，欣赏能力也随着提高了，孩子对音乐的表演兴趣和能力也随之提高。您要培养孩子们像科学家做实验一样去寻找每一个好声音。既要专注于手指触键瞬间的声音，还要静心听到发音的过程，更要倾心于弹奏之后的延音。先发好一个音，再发好第二个音，继而，一个乐节、一个乐句，逐渐扩大。在发好每个声音的前提下，再链接整个作品的分句、语气、各种力度、表情……在多次反复的练习中，将记忆的链条串接成一条宛如珍珠般的项链，形成一种独特的学习音乐的思维方式。使你真正享受音乐、创造音乐、领悟音乐魅力。音乐是一种声音艺术，要用听觉仔细分辨。手指的触键和感受是练琴的重要任务。断奏是每天都应进行的练习，它可以说是连奏的分解动作。连奏是将声音一个个的延续、发展。一个大连线就是一句话，没有句子的整体感觉，就会弹得支离破碎。弹连奏的技巧应从两个音的连线开始学起，再学三个音的连线、四个音的小连线，最后再弹大连线。
三、触键音色是指标，掌控练琴的过程
学琴是学习选择一种好声音的过程。练琴也是不断寻找好声音的过程。不断地去做，你的手指、耳朵、就会有变化。用力的多少、下键的快慢，每一个音触键前都要有充分的心理、生理准备。在不断地寻找、巩固中，你把这种感觉像程序一样调出来，你就自如了。寻找声音的过程，完全是主观的愿望，你是用心感受、反复推敲，还是没心没肺的乱拍乱压、硬敲硬砸，完全取决你自己。子曰：“兴于诗，立于礼，成于乐。”他认为造就一个完人的最终环节是“乐”。“乐”对人的德性的培育不是依靠外在的强制，而是“寓教于乐”，以自然之美感化人的心灵，使“仁”成为人的内在情感的自觉需要。
四、快乐弹琴是终端，把握练琴的节奏
学琴是苦差，如何才能学得快乐，单从技术层面来讲是有法可依的。俗话说：慢工出细活。慢的过程中才有时间去听、去寻找、去感受、去体味。教师要教会他们懂得音乐的意思，让钢琴歌唱起来，会讲故事，赋予它喜怒哀乐的智慧与情感。使孩子们不但学会倾听音乐、理解音乐，从听觉到心灵都沉浸在音乐之中，才有可能感受到音乐中流淌着的智慧和人格力量，真正被音乐打动，从而使自己也变得更高尚，更有智慧。综上所述，运用“以感受为核心的音乐链条终端衔接法”去学习钢琴，可以更加高效，才能使您真正具备纯正的音乐趣味，敏锐的音乐听觉，良好的音乐技巧和准确的音乐知识，才能真正激发孩子们对于音乐美的热情，才能真正胜任一个钢琴教师的工作。
作者：李伟 单位：西北民族大学音乐学院
1．科学性原则
科学性原则，即课程评价应体现中学音乐学科自身特点并符合中学音乐教学的发展规律。课程评价应在公平、准确和客观的基础上体现中学音乐教学的价值，并符合中学生音乐学习特点，从而促进音乐教学良性发展。
2．可操作性原则
可操作性原则，即课程评价标准应做到通俗易懂，便于具体操作和推广使用。音乐课程评价标准中应减少专业词汇的使用，多使用社会化用语，使全体师生尤其是中学生对课程评价标准能够有全面的了解，而且评价标准应囊括音乐课程的所有内容并对具体措施进行细化，从而使评价标准在具体操作上简便易行。
二、中学音乐课程多元化评价体系
1．考试评价
考试是对教师教学成果与学生学习效果的最直接评价方法。中学音乐考试有别于语文和数学等科目以试卷的方式进行考试，而是教师规定演唱曲目，要求学生轮流演唱规定曲目，并对演唱效果进行评分。教师在此考试方法中占据主导地位。学生无法选择自身擅长的表现方式完成教师规定的曲目，并且并不是所有学生都具有学习音乐的条件，部分学生由于声带先天受损或患有咽喉部位疾病等原因，无法对教师规定的曲目进行演唱，这就会造成音乐考试的不公平。因此，中学音乐教学应采取更加人性化的方式对学生进行考核，从而使音乐考试趋向多元化、个性化与合理化。
2．日常形成性评价
日常评价应贯穿于中学音乐教学全过程，学生的音乐素养和音乐水平的提升需要一定的时间，因此学生平时在音乐课堂上的表现能够体现其音乐水平，教师对学生平时表现的考查就显得极其重要。教师在音乐教学中应注意观察学生在歌曲演唱和回答问题时的表现，并在固定时间对学生进行阶段性测试，以了解学生对音乐理论知识的掌握情况和音乐水平是否有所提升。
3．特长评价
教师可在学期伊始对学生进行音乐能力测试，以了解学生在音乐方面的特长，并在音乐教学过程中对每个学生就其特长进行重点教学，使学生能够在演唱、舞蹈或编曲等擅长的音乐领域有所突破。学期末考核时，教师可根据每个学生不同的特长，对考核内容做出个性化安排，考核学生在自身擅长的音乐领域的学习效果，从而实现学生在音乐方面的个性化发展。
4．自主评价
自主评价是学生对自身音乐学习效果的评价，强调学生应积极参与到评价中以提高音乐学习的信心和自主性。自主评价分为自评与互评两种。自评能够提高学生的音乐自我认知。互评则可以培养学生的互助意识，并且使学生学习他人音乐方面的长处，从而提升自身音乐素养和水平。
5．教师评价
一、朝鲜族风格节奏与《海兰江畔》
《海兰江畔》由集小提琴演奏、教学和音乐创作于一身的朝鲜族音乐家金再清创作，这部小提琴与钢琴的重奏作品具有浓厚的朝鲜族风格韵味。《海兰江畔》的旋律主题没有采用任何一个现成的曲调，完全是作曲家内心流淌出的“新篇章”，“这些新音调饱含着作曲家对家乡热爱的深情”。全曲的旋律主题朴素自然，乐思陈述清晰、完整，且富于诗意，在实际教学中，其节奏训练具有重要价值。因此，笔者将它作为音乐会的开场曲。朝鲜族是一个能歌善舞的民族。朝鲜族音乐最具特色的应该是它的切分音节奏和三拍子律动。由于中国乐系的音乐品种大都具有均分律动的非功能性，也就是我们通常说的“不规律的强弱弱”。怎样对这种节奏进行把握，也是一个重要的教学问题。中国音乐与西方音乐相比，音乐形态上必然会有很多的不同。笔者试图借助乐系的概念来进行几个方面的梳理。中国的汉族音乐基本属于三大乐系中的中国乐系，中国乐系与西欧乐系和波斯－阿拉伯乐系相比，特点在于带腔性，即为表现某种音乐意图而产生的音高、音强和音色等因素的变化。根据三大乐系的概念，中国乐系具有四个特殊的音乐形态表现:乐音的带腔性、节奏的均分律动的非功能性、旋律的五声性和织体的单声性，而音乐风格在钢琴演奏上最好的体现则是地域风格性润腔和特殊节奏这两点。钢琴音乐有其自身的特殊性，它无法像弦乐器那样通过细腻的滑音去展示腔的变化，但可以在节奏的均分律动非功能性上发挥其表现功能。随后是小提琴部分的进入，旋律主题开始出现，钢琴变成了伴奏声部，但一直沿用了前面的节奏律动。在这段音乐中，我们从旋律和节奏上都能感受到鲜明的朝鲜族音乐元素。音乐会上，这首作品的演奏者是一位朝鲜族的大一学生，虽然演奏的是本民族的音乐作品，但由于该学生平常不生活在朝鲜族聚集区，接触到的朝鲜族民族音乐素材过少，导致视谱过程中，在音乐形象的把握上不能做到有的放矢。鉴于这种情况，笔者建议这位学生在练习这首作品的同时多接触一些朝鲜族民间歌曲，尤其是朝鲜族抒情谣，如《阿里郎》、《桔梗谣》等，还有民族特色乐器长鼓、伽耶琴的演奏以及朝鲜族说唱音乐“判索里”。朝鲜族民间音乐种类虽然广泛，音像制品也很多，但笔者始终强调要学生去听这些音响的原生态版本，因为只有在这样的音响中才能追溯到朝鲜族音乐最本质的特征。在朝鲜族民间音乐中，“均分律动的非功能性”表现得尤为鲜明。参阅有关的理论文献，对朝鲜族民间音乐的节奏总结出以下特点:即节奏的均分律动非功能性，即强、弱拍不像西方音乐那样有规律地出现，朝鲜族民歌中绝大多数为三拍子的节奏，往往第二拍并不是严格的出现在拍点上，而要比谱面上的第二拍晚出来一些，这种弹性的节奏确实只可意会不可量化，而在实际的记谱当中作曲家抽象为附点音型。演奏者在演奏时就不能机械地按照西方古典音乐中的附点节奏来弹，而要把这种弹性的节奏尽量表现出来。在《海兰江畔》这首作品中，钢琴部分除了要将以上说到的风格性律动表现出来，在处理乐曲中的技术难点时还要掌握一些技巧。比如，在快板部分，钢琴的节拍变化较多，学生在视谱初期经常抓不住拍点，导致与小提琴部分合不到一起。后来我们发现，这一段中小提琴部分的节奏非常规律，于是在解决完钢琴声部自身的技术难度之外，笔者指导学生采取根据小提琴部分找重音的方法，这样就找到了这段音乐的律动，进而使小提琴与钢琴的合作也变得更容易。通过笔者的指导，以及师生共同大量聆听原生态民歌录音之后，这位同学在音乐会准备过程中能迅速准确地抓住弹性的节奏，其演奏在音乐会上取得了非常好的效果。
二、维吾尔族风格节奏与《第二新疆舞曲》
音乐会的第二首曲目是丁善德的《第二新疆舞曲》，由一位来自新疆的汉族学生演奏。这首作品节奏上模仿新疆手鼓的节奏，烘托出了整个乐曲的基调氛围，凸现了新疆少数民族粗犷、豪爽、明朗、热情的气质和性格，描绘了新疆人民载歌载舞，气氛热烈欢快的节日景象。作品的旋律素材来自作曲家参加1953年“文代会”时，一位新疆代表提供给他的优美的新疆曲调。作品的第一主题如谱例4。在视谱阶段，这位学生很快发现全曲的节奏动机就是主题的前两个小节，但他自己总觉得在演奏中找不到脑海中熟悉的新疆音乐风格。通过笔者和该学生共同研究发现，如果是在常规2/4拍中，小节第一排四个连续的十六分音符应将重音放在第一个十六分音符上，后面三个十六分音符是通过惯性省力地带出。但这首作品中的四个连续十六分音符都不能用这样的演奏法:在谱例第二小节的第二拍上有一个重音记号，之前的四个十六分音符应作渐强的处理来过渡到重音上。这位没有受过系统训练的学生，在演奏这段谱例时遇到了两个技术难题:掌关节支撑问题与指尖下键重量的控制问题。为了解决这两个问题，笔者指导学生在练习中以《莫什科夫斯基练习曲集》第四条练习曲做辅助练习。在该学生可以轻松驾驭以上两个技术难点之后，为了进一步丰富音乐形象，笔者与学生发现作品创作的动机与维吾尔族的手鼓律动相吻合，而手鼓式的切分节奏型应当是最能表现出维吾尔族风格形象的因素之一。若用手鼓谱来表示维吾尔族音乐中常用的固定节奏型，符干向下的音符表示用右手击鼓心，发“冬”音，一般用在节奏强位上;符干向上的音符表示用左手击或右手击鼓边，发“答”音，一般用在节奏弱位上。
三、西南风格节奏与《多耶》
在音乐会上，笔者还选择了陈怡的钢琴作品《多耶》。钢琴曲《多耶》是美籍华裔作曲家陈怡女士于1984年创作的钢琴作品，此作品以广西侗族古老的歌舞形式“多耶”为素材。“多耶”又名“踩堂舞”，是一种踏歌形式。在音乐会上这首作品由一位来自广西的汉族学生演奏。《多耶》这首钢琴作品具有一定的演奏和音乐表现难度，笔者也尝试通过这首作品来让学生熟悉现代音乐语汇。目前，研究《多耶》这首作品的文论并不少，但是大多数文论都是从创作技法上来进行分析。从总体上看，这首作品的节奏律动一直在散板与二拍子的律动之间来换，而这种谱面上量化的标记与侗族民间音乐有着密不可分的关系。作曲家陈怡在《多耶》的谱面上这样写道:“‘多耶’的曲调与节奏都是即兴的。”笔者要求演奏者在视谱的过程中，不仅要接触侗族民歌原生态音响，同时还从学校的图书馆借阅相关的侗族“踩堂舞”的音像视频进行熏陶。通过欣赏侗族大歌的音像资料，表演时舞者的基本体态是上身梗直，目视前方，身子随脚跺地时左右摆动。前进时有三种舞步:进三停一步、进三退两步、一进一退步，同时舞者还要呼号伴唱。了解到这些舞蹈的节奏特点后再来看作品的节奏，作品中还含有大量的“三对二”的技术难点，这种节奏非常复杂，是全曲需要解决的首要技术难点。笔者要求学生演奏时切记不要硬数拍子，一定要在弄清楚“三”和“二”表达的音乐形象的基础上再去进行弹奏。例如，笔者认为“三对二”这个技术难点，不应采用准确的分拍进行对应，建议学生将左手二拍子的律动视为一个“有棱有角”的踏步者形象，而三拍子的律动视为一个“流畅”的舞者形象，“二对三”正是这两个音乐形象的叠加，如谱例7。对于演奏现代作品，乐句的划分是个重点，也是个难点。随着该学生对作品相关的音乐素材的深入了解，便能够从《多耶》看似繁复的音乐形态中找到较为清晰的脉络，从而更好地把握全曲。此外，笔者认为开头的引子也是全曲的难点之一。相对于传统音乐作品，现代钢琴作品更强调音乐形象的冲突和矛盾性，追求特殊的音响效果。乐曲开头的引子虽然标记有拍号，但根据作曲家的意图，演奏时的处理应带有即兴成分。此外，重音和力度的布局也非常特别，如开头的力度从中音区f突然转为低音区的pp。然而熟悉钢琴演奏的人都知道，这是违背钢琴的发声原理的，因为钢琴高音区的琴弦细而短，低音区的琴弦粗而长，这就造成高音区较之低音区理应适合奏出更轻的音响效果，而这首作品却恰好相反，低音区的音效追求遥远而朦胧，高音区的音响反而要铿锵有力。因此，在弹奏这些力度的变化对比时，学生需要细腻的指尖控制，通过下键速度的快慢和对重量变化的控制来演奏出相应的音响效果。这首作品是音乐会唯一的一首现代作品，而观众的反响却出人意料地强烈，这为演奏者接下来接触更广泛的现代作品奠定了基础。同时笔者也感受到，这首看似现代的作品，其核心还是建立在少数民族音乐特征的基础上，现代作品看似绚烂的外衣中往往包裹着最质朴的传统音乐元素。
四、音乐会上的其他作品
除了上述三首作品，音乐会上还演奏了其他风格的少数民族钢琴曲:《快乐的啰唆》、《新疆舞曲》、《内蒙古民歌主题小曲》。其中，由殷承宗改编的钢琴曲《快乐的啰唆》以鲜明的彝族风格营造出热情洋溢的氛围，通过快速的跳音连奏表现彝族人民节日里欢快的心情和热烈的舞蹈场面。《新疆舞曲》创作于1958年，作曲家郭志鸿先生以新疆哈萨克族的脍炙人口的民歌《加尔加尔》为动机创作而成。哈萨克族与维吾尔族虽然都主要生活在新疆地区，然而二者的音乐风格却迥然不同。《新疆舞曲》的第一部分全部在4/4拍上进行，节奏欢快跳跃;第二部分在如歌的行板上不断进行5/4拍与4/4拍的转换，更贴切地表现了人在深情吟唱时自由的拖腔，直到结尾才又回到活跃的4/4拍小快板，乐曲整体节奏都以活泼的形象为主。一场丰富的少数民族风格的钢琴作品音乐会自然少不了来自大草原的蒙古族音乐作品。作于1952年的《内蒙古民歌主题小曲》在中国民歌配置和声语言、和声变奏、和声织体的多样化上都取得了较好的效果。蒙古族同样也是一个能歌善舞的民族，其民歌以悠扬的长调和节奏紧凑的短调著称，在节奏、润腔等因素的表现上则更具有宽广的大草原气质。《内蒙古民族主题小曲》包含7首小曲，每首小曲都根据一首当地民歌加工而成，音乐会上选取了其中的《思乡》、《孩子们的舞蹈》和《舞曲》，由一位蒙古族学生担任演奏。这几首作品对于该学生来说，无论从演奏技术还是个性特点的转换上都是不小的考验，其中《孩子们的舞蹈》和《舞曲》在创作上吸收了蒙古族短调的音乐因素。与蒙古族的长调相比，短调更具有篇幅短小、节奏紧凑等特点。作为蒙古族的一位学生，他演奏《孩子们的舞蹈》和《舞曲》还是能够较好地将其韵味表达出来。但是对于《思乡》这首小曲，演奏者还是听了大量的蒙古族长调作品之后，才能够感悟到长调音乐有的“草原气质”———雄浑的气魄和历史的沧桑感，而演奏这一套个性迥然不同的组曲更是能够训练学生掌握作品中不同的戏剧性效果。通过举办这次音乐会，笔者结合这几年的民族音乐钢琴作品教学做出了一些思考:在当下的钢琴专业教学中，相较于历史悠久的西方钢琴作品文献来说，学生接触中国作品的数量相对较少，举行这种民族音乐风格专场作品音乐会则更是罕见。相对于西方作品来说，中国风味的钢琴作品讲究“虚实相间，虚由实生”，而对于学生来说，演奏出这种意境无论从技术还是从音乐组织能力方面都是一个不小的挑战。通过长期教学，笔者发现，钢琴专业少数民族学生虽然因为一些客观原因使他们所受的基础教育水平不如大部分汉族地区的学生，导致弹奏的“手上功夫”比较弱，然而他们在日常生活中大都能歌善舞，对于作品的节奏和歌唱性旋律的把握非常敏感，他们往往能够把舞蹈性节奏表现得非常生动，这与他们本民族的音乐环境密不可分，而这些也形成了他们的演奏优势。教师应进一步通过不同的触键和踏板的运用、音量的变化控制等，训练他们在钢琴上表达出丰富的情绪和语气变化，产生不同的音响效果，以达到作品的表现意图。笔者在德国求学时，导师Klaus．Bassler也经常强调节奏对于刻画音乐形象的重要性，“节奏是音乐的骨架，旋律和和声是肉和血液”。有趣的是，在长期的教学过程中，笔者发现学生演奏本民族风格的音乐作品时，大多数学生在第一时间就能够感受到本民族的节奏，这种感知力是人在幼年时期通过游戏等日常生活就能够轻松获得的。这些学生在演奏自己本民族风格的音乐作品时，音乐形象普遍能表达得得心应手。笔者深深感到，从音乐会的前期准备到上台演出，这个过程本身就是他们在享受音乐的心灵旅程。
五、结语
近年来，笔者也曾在音乐会上演奏过诸如钢琴协奏曲《哀牢》、独奏曲《山丹丹开花红艳艳》这样的颇具民族风格的钢琴作品。从1915年赵元任先生发表第一首钢琴作品《和平进行曲》到今天，中国民族风格的钢琴音乐作品走过了将近一个世纪的历程，大量优秀的民族风格作品一直活跃在舞台上。少数民族音乐蕴含着巨大的潜力，希望未来我们能够看到更多优秀的少数民族风格钢琴作品涌现出来。
作者：林璐 单位：中央民族大学音乐学院
