时间：2022-04-19 08:38:02
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇服装设计论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
（1）设计创新式实践教学。结合当前服装行业的需求，设计人才的创新能力培养尤为重要。本课程的一个重点改革就是利用211院校的平台优势，将大学生创新创业训练计划项目与服装设计实践环节课程紧密结合。申报立项的创新课题与课堂上学生的设计选题紧密结合，学生通过获得的项目基金组成设计团队共同完成实践环节的设计。在实践环节中，以3~5人团队为单位，共同完成1个设计主题，每人分工明确，分别负责设计，面料采购，工艺制作，展示陈列，平面拍照，设计总结等，全部由学生自主完成。经过一年的训练计划，项目的结题成果包括创新系列作品，学术论文，专利，竞赛获奖等。为学生设计创新能力培养的过程。吉林大学服装专业学生已获得大学生创新训练计划39项，其中国家级课题5项，校一类11项，校二类19项，大学生创业训练计划校一、校二类共4项，其中5项创新创业课题获优秀结题，并创新保送硕士研究生。这些课题应用于服装设计实践教学中，获得了很好的教学效果。本科生以第一作者公开发表学术论文12篇，实用新型专利授权2项。
（2）企业合作式实践教学。主要通过与企业签订合约，成立校外实践实习基地，建立长期联系，除毕业实习外，学生还可利用寒暑假进行实习。不同实习单位可以锻炼学生不同方面的能力，如在服装企业的专卖店实习，可锻炼学生的营销能力，在设计部门实习，可以提供设计能力，在生产车间实习，可以了解服装生产的整个流程，提高自己的工艺能力和全面的管理能力。同时打造精品暑期实习项目，每年暑期选一个集团或企业，根据实习岗位选拔优秀的学生，由企业负责培训，学生上岗实习，为期一个月，由企业支付酬金。对表现好的学生进入人才库进行跟踪，在其毕业时优先考虑就业。如本专业与绫致集团合作，从三个年级中选拔30多名学生在其旗下的四大品牌专营店进行为期一个月的产品销售，卖场陈列，销售数据整理分析等实习。学生们通过这样的锻炼，对专业的认知更加成熟。
（3）专业赛事式实践教学。参加大赛是学生得到多方面锻炼的好机会。本专业团队教师十分重视服装设计大赛，指导并鼓励学生积极参与，并将每年的赛事特点和主题融入服装设计的课堂训练中。本专业学生参与的服装专业赛事，覆盖了时装设计，时尚买手，皮草设计，面料设计，时装画等多种形式的比赛，共获得110项专业奖项，其中国家级15项，省级95项。如2012年8月进行的中国泳装时尚买手大赛，同学们经过专业培训后，通过店面陈列、实战销售、知识问答等环节的比赛，经过7天的激烈角逐，在27所全国院校中脱颖而出，最终获得亚军。
（4）毕业秀场式实践教学。通过举办毕业作品会的形式，让学生从作品设计、服装制作、宣传拍摄、制作作品集、举办会宣传、模特选用培训，彩排至正式演出的所有环节均亲力亲为，这极大地锻炼了学生的综合素质。
2优化教学手段，拓展教学空间，建立精品课程网站及微信公众平台
在此基础上建设了服装设计学网络课程，完整地呈现了服装设计学的理论内容和实践特色，教学资源丰富，为服装专业学生提供了学习平台。同时为了拓展教学空间，增强交流与互动，还建设了服装设计与工程专业网站和吉大纺织服装微信公众平台，在公众平台中开通了专业快讯、课堂实录、教师有约、秀场直击、市场解析、服装技术与纺织科学等栏目，通过每天及时最新的专业资讯让学生掌握时尚前沿与专业技术；通过丰富多彩的在线课堂讨论，让学生与教师及时互动，这些平台与课程网站共同支撑服装设计学精品课程的建设。
3优化师资结构，建立优秀教学团队
精品课程的建设需要一支优秀的教学团队。本课程团队十分重视青年教师培养，3人赴加拿大，韩国，美国留学1年，2人次赴香港理工大学交流访问，经常性参加国内各项专业交流与学术交流。通过学习，提高了教师的专业技术水平，开阔了眼界，扩大了交流范围。
4积累了丰富的教学资源
扎染工艺“扎染”一词表明了操作过程，即指先“扎结”后“染色”，这是2道最重要的制作工序，简称“扎”和“染”。具体工艺流程为：设计构思选择面料绘制图案扎结浸水染色冲洗拆线漂洗晾干熨烫完成。扎染的扎结方法有基本扎结方法，包括捆扎、缝扎、结扎、包扎、夹扎等，以及综合扎结法、扎绘结合法、扎结注色（助染）法等［2－4］。
2、第1款服装扎染工艺
前片用缝扎和捆扎的方法。在右侧下摆采用缝扎，为达到设计效果，此处缝扎时力度要小。整个前片、后片用捆扎的方法，从面料的任意一角开始，用两手将整块面料随意均匀抓起，用尼龙绳随意捆绑成球形，在染液中恒温煮15min。
3、第2款服装扎染工艺
上身采用捆扎法，力度大一些，这样可使最后出来的花纹白底较多一些。上身的大裙摆下摆部分采用包扎法。在离下摆边缘10cm处，用塑料薄膜将面料包住，保证留白部分为15cm，然后扎紧。最后在染液中恒温煮15min。第3款服装扎染工艺上身及前后裙片均采用捆扎法，将整块面料随意均匀抓起，用尼龙绳随意捆绑成球形，在染液中恒温煮15min。上衣花边部分是将3块条形面料以辫编法编结形成条状，然后用尼龙绳将两端扎紧。裙子腰带部分采用的是缝扎法。最后将扎好的面料在染液中恒温煮15min。
4、缝纫工艺
4．1第1款服装缝纫工艺流程合侧缝（三线包缝机）挽领口、下摆（三线绷缝机）。4．2第2款服装缝纫工艺流程上衣缝纫工艺流程：合侧缝、合肩带（三线包缝机）挽领口、底边（三线绷缝机）上肩带（平缝机）。裤子缝纫工艺流程：合侧缝（三线包缝机）挽腰口、裤口（三线绷缝机）上花边（平缝机）。4．3第3款服装缝纫工艺流程上衣缝纫工艺流程：合侧缝（三线包缝机）挽边（三线绷缝机）上花边（平缝机）。裙子缝纫工艺流程：腰带合侧缝（三线包缝机）合前后片（三线包缝机）上腰带（三线包缝机）包边（三线包缝机）。
5、效果展示
第1款服装给人一种复古的感觉，在整个廓形上采用了青花瓷瓶的形式，在面料上采用青花图案，传统扎染的运用形象逼真地再现了青花瓷的晕染效果，再加上针织面料的柔软弹性特点，更加凸显了女性的柔美曲线，达到一种古典美的效果，如图4所示。第2款服装以瓷盘为灵感来源，通过扎染的晕染效果巧妙地将其造型体现在夸张的后摆中。纯白色的修身喇叭裤，衬托出女性身体的修长美感和高雅的气质。再加上裤口瓷片形式的花边装饰，让整个服装更显时尚、优雅、大气，艺术性与实用性相结合，其效果如图5所示。第3款服装整体采用白底青花花纹，色彩淡雅清新。上身为斜肩吊带，以荷叶边及白色珍珠做装饰，裙子整体为前短后长，造型新颖，性感、时尚与个性并存，充分展现了女性的魅力，性感中又带有一种飘逸和灵动，如图6所示。
6、结语
纺织CAD/CAM作为服装设计的系统，其在服装设计领域的运用涉及到多方面的内容，在不同工序层次都发挥着不同的作用。具体来讲，我们可以以子系统的角度去分析其效能：
1机织物设计软件的应用
针对于机织物的组织以及模拟织物纹理专门研发的机织物设计软件，其能够实现从原料纱线、组织，到织物的转换过程。类似于这样的软件优势主要体现在以下几个方面：其一，在处理有规则的织物组织的时候，服装设计者不再需要进行组织图的绘画，而是以设定参数的方式自动完成，无论是组织图，还是穿梭图，或者是纹板图，都会在软件的帮助下实现；其二，可以更加高效地完成纹织大提花设计过程，是纹板图生产的主要方式。尤其在服装设计系统的应用后，只需要图案扫描输入，凭借组织点以及填充工具，即可达成上述目标；其三，能够模拟生成纱线，并且展现出更加理想的效果图，也是进行纱线配色方案设计的理想化方式；其四，改变了以往机试织工作方式，以好的纱线组织进行织物模拟，由此展现出良好的模拟效果，可以使得设计的周期得以不断降低。
2针织设计软件的应用
这种软件关注的是针织物的设计和模拟。服装设计者可以凭借纱线、针法、图案等因素的应用，使得设计针法图模拟织物展现出理想的效果。具体来讲，此类型的软件优势在于以下几个方面的内容：其一，仿真纱线设计工具，依据设定的纱线原料等参数达成模拟纱线的实际效果，看起来如同逼真的毛羽一样；其二，通过不同的处理手段，可以更加方便地进行针法图设计，不仅仅可以保证针法效果，还可以实现针法设计的效率和质量提升；其三，色纱映射功能的发挥，不仅仅可以使得纱线颜色和类型得以改善和调整，还能够实现纱线产品的丰富化；其四，在图案设计工具和图像处理的帮助下，可以更加快捷地生成针法图，由此展现出更加好的提花效果，这样的效果可以以打印文件的方式展现出来，是比较直观的。
3图案设计软件的应用
图案设计软件是针对于图案设计和配色功能而研发的软件。在图案设计软件的帮助下，设计师可以更好地发挥其想象力，设计出更多的面料图案，并且以模拟效果展示，推断其方案的合理性。具体来讲，其效能主要体现在以下几个方面：其一，强大的设计工具，可以展现出不同的效果图案，更可以依据服装设计要求，对于图案进行重新编辑处理，由此得出全新的面料图案，在电脑和手工创作方式的融合过程中，展现出设计的艺术效果，以满足服装设计的需求；其二，软件内置的各种款式，都是符合市场流行趋势的，并且还会不断地实现更新和维护，能够将其成为服装设计的信息库，服装设计者可以将其作为款式模拟的存储空间，以实现服装设计工作经验的不断积累；其三，在通过对于多种面料图案进行模拟之后，从面料、图案和配色等角度去实现服装设计，由此去选择最佳的服装设计方案，也是比较重要的。
4印花分色系统的应用
印花分色系统是针对于印花环节的软件应用。一般情况下，将需要印制的图案进行分色处理，以黑白稿的方式展现出来，并且以胶片的方式实现制网，在强大矢量图案的帮助下，将色块图案、曲线图案展现出来，是比较理想的处理手段。具体来讲，其强大效能主要体现在以下几个方面：其一，分色功能，不仅仅可以顺利地实现分色，更可以在处理水彩，相片之间区别的过程中，制作出高难度花型；其二，对于图像的尺寸没有过高的要求，没必要去担心图像的大小问题；其三，可以提供不同类型的网型，比如纱网、标准网等，可以极大程度地满足平网、圆网或者转移印花的设计需求；其四，可以在分色软件的帮助下，实现对于黑白稿的处理，并且由此实现制网机的构建，可以最大限度的缩减设计环节，使得设计精度得以全面提升。
5数码喷射印花系统
作为一种全新的环保型印花系统，不仅仅可以分色制版，还可以将图案直接喷印到面料上。这种软件的系统在于：工艺简单化，打样快捷，可以依照设计师的设计需求对于设计图案进行变更，是服装个性化产品的制作之路。具体来讲其优势主要体现在以下几个方面：其一，不会受到印制数量的影响，长度范围没有多大要求；其二，对于生产模式没有过多要求，无论是小批量，还是大批量，都可以进行直接操作；其三，印花速度和质量的提升，使得用材也不断降低，并且成为大批量生产的必备工具设备；其四，基于数码喷印的花型和色彩，难以进行复制和仿冒，是保证厂家和设计师知识产权的良方；其五，生产过程不会产生污染，是处理服装生产与生态环境关系的重要途径。
二发挥纺织CAD/CAM在服装设计中的作用
CAD/CAM系统的确可以在服装设计过程中发挥着积极的效能。从目前系统应用现状来看，还需要积极做好以下几方面的工作，以保证服装行业朝着人性化和信息化的方向发展和进步。首先，服装设计企业应该不断采购先进的服装设计软件和硬件，为构建CAD/CAM系统打下夯实的物质基础，并且注重系统维护和更新，以保证其与实际的服装设计工作需求是相互吻合的；其次，注重专业化培训工作的开展，使得服装设计人员懂得如何利用各种设计软件去实现设计质量和效率的提升，以发挥纺织系统的最大效能；最后，积极摈弃传统的服装设计理念，树立信息化的服装设计理念，将CAD/CAM系统作为现代服装设计的重要工具。
三结论
1芭蕾舞及其服装的发展演化
芭蕾舞，由法语ballet音译而来，通过舞蹈、音乐和舞台布景、服装，表现戏剧情节故事；或者没有故事内容，只以舞蹈作为手段从视觉上解释音乐。芭蕾舞出现于15世纪～16世纪文艺复兴全盛时期的意大利，与此同时，芭蕾舞服装也随之产生。此后，随着芭蕾舞内容、题材和舞蹈技术的改变，芭蕾服饰也随之经历了数次变革。最早出现的芭蕾舞也称作“宴会芭蕾”，结合了意大利宫廷祭神舞蹈和民间游戏，演出将歌、舞、剧结合中央芭蕾舞团芭蕾舞服装设计实践魏世兴（中央芭蕾舞团，北京100050）在一起在宫廷宴会中上演。那个时期的芭蕾舞服装设计得繁琐夸张，相当奢华。17世纪，意大利的“宴会芭蕾”被带到了法国，在法王路易十四时期发展到了鼎盛，称之为“宫廷芭蕾”,芭蕾舞剧由于都是由宫廷组织，优秀的舞者均是法国皇室成员，芭蕾舞服装多带有浓厚的“巴洛克”风格，服装风格异常华丽，装饰细节比较多，剪裁、缝制固然精致，但更重视衣服表面的装饰效果。由于早期的芭蕾舞服装十分注重奢华和细节，给人一种隆重夸张的感觉，但缺少了服装的功能性和舒适性，限制了表演者的自由度，很大程度上阻碍了芭蕾舞的发展。
18世纪，芭蕾舞服装进行了一次重大改革。法国大革命之后，出现了“浪漫芭蕾”。在这个时期，芭蕾舞服装确定了沿用至今的经典款式——紧身胸衣加钟形薄纱舞裙，裙子的长度可以短到小腿的中间位置，整件舞衣用多层纯白的绸布与薄纱重叠制成，质地柔软飘逸。舞蹈者还要穿上紧身的底裤，配浅红连袜裤，服饰朝着轻薄化发展，便于演员展现大跳、打脚等舞姿。如《仙女》中，首演玛丽•塔里奥尼身穿的舞裙，它的上半身为露颈的紧身胸衣，短而夸张的泡泡袖，胸前佩戴一朵小花，下半身的裙子像一朵倒置的、半盛开的花朵，长度到脚踝以上、膝盖以下，背上装点着白纱制成的小翅膀，整件舞衣质地柔软、飘逸，成为“浪漫芭蕾”时期的典型舞裙。“白色纱裙”的形式对后世的芭蕾服装产生了决定性的影响，在芭蕾舞发展史中具有里程碑的意义，推动了芭蕾舞的革新和发展。到了1880年，芭蕾舞裙继续缩短，开始出整条腿，称为芭蕾短裙（tutu），在十九世纪成为芭蕾舞的标准裙。20世纪，芭蕾舞进入了“现代芭蕾”时期，芭蕾舞服装的样式又发生了巨大的变化，不仅舍弃了过去那些古典传统款式中隆重的装饰，服装设计形式也多采用艺术化和功能性强的服饰。演员在表演的过程中，服装的束缚越来越小，服装设计着力体现表演者的舞蹈线条和身体曲线。1912年瓦斯拉夫•尼金斯基编导的《牧神午后》出现在芭蕾舞台上，牧神穿着画有彩色斑点的紧身上衣，头上戴着两只弯角，而女神则身着宽松薄纱上衣，画着粉红眼线，这种服饰打破了当时芭蕾固有的形式，引起了轩然大波。而后不久上演的《春之祭》更是引来了激烈的争论——祭祀舞蹈时男演员都穿着宽松的黑色长裤，上身，女演员则穿着透明的丝质吊带长裙。这些充满争议的芭蕾作品使得芭蕾服装的设计有了更大的空间。随着社会的发展，芭蕾舞的服装与造型历经多次变革，如今，芭蕾服装在设计时多会以历史背景为前提，融入不同时期的不同元素，也会依据所在国家和地区的服饰特点进行相应的设计。
2中央芭蕾舞团芭蕾舞服装设计
2.1《红色娘子军》的服装设计芭蕾舞剧《红色娘子军》是中央芭蕾舞团几十年来的保留剧目，也是最早的具有中国特色芭蕾舞剧的典范，它为传统的芭蕾舞服装带来了一次全新的革命。《红色娘子军》结合了中国的国情，根据中国人的欣赏角度、中国民族舞蹈的特点，史无前例地将有中国特色的军装搬上了舞台。剧中，娘子军战士一律身着军装式上衣、短裤、绑腿，展现了典型的形象，再加上齐耳的短发、带红星的军帽，使演员们显得精干利落，同时也折射出故事发生地海南炎热的地域特征，既符合现实生活中海南人的生活习惯，又为芭蕾舞腿部、脚部的技术运用创造了条件，可谓一举两得。剧中各色人物的服装也都具有独特的年代和身份特点，比如反面角色南霸天、老四、南太太，设计师从服装的面料选择到款式设计都有意体现出每个角色身份的不同：带有光泽的真丝缎，印有吉祥图案的织锦缎，长衫马褂，这些都是那个时期典型的土豪劣绅形象。在群舞舞段的设计上，设计者借用民族舞的服装特点，与芭蕾舞大胆结合。比如第二场的“五寸刀舞”，肥大的蓝色长裤，红色背心外面配上白色的扎腰短衫，形象地刻画了海南赤卫队员火热的革命斗志；第三场中的“黎族舞”，选用海南特有的少数民族——黎族的服装样式，在其特色服饰中加上巧妙的补丁设计，充分表现了海南地区黎族姑娘被压迫的境况；第四场中的“斗笠舞”，用粗糙、朴实的面料和简单的中式造型设计，表现了父老乡亲慰问，军民鱼水情，军民一家亲的热烈场面。此外，男女主演的服装也具有独特的人物特点，女主演琼花开场被恶霸地主南霸天鞭打时，服装是带有伤痕、破洞的，袖口和裤脚参差不齐，男主演洪常青在“就义”时，为表现受伤被俘、慷慨就义，服装也都是破破烂烂、布满血迹的，这与传统的芭蕾舞服装风格很不同。众所周知，传统的西方芭蕾舞剧模式，主人公多是王子与公主的形象，芭蕾舞服装也讲究精致、华丽，并且能够很好地展现演员自身的形体条件，但是娘子军的服装打破了传统。这种朴实、保守、具有年代特点的服装却十分符合中国观众的审美心理，也拉近了芭蕾舞这种西洋“舶来”艺术与中国观众的距离。
2.2《大红灯笼高高挂》的服装设计2001年，中央芭蕾舞团将电影《大红灯笼高高挂》搬上舞台，该剧除了用“足尖上的艺术”展示凄婉的戏剧情节外，在舞蹈中还融入了大量的民族舞、现代舞和京剧手法。服装设计上，处处体现着中国元素。故事发生在中国20世纪30年代，讲述了妻妾成群的“老爷”与其3个姨太太以及姨太太与昔日恋人之间畸形、曲折的关系。为准确营造故事的历史环境，设计时大胆使用了具有年代特点的旗袍作为女演员的舞台服装。旗袍是中国女性的传统服饰，能够体现出中国女性的端庄、秀丽，这在芭蕾舞剧表演上绝对是一次新鲜尝试。为了不妨碍演员形态多变的舞蹈动作，在制作过程中，所有旗袍都在必要部分进行了特殊处理，并包裹紧身的袖子，这样可以清楚地欣赏到演员的手臂动作，裙摆的高开衩和褶纱处理方便演员的舞蹈动作。演出中，旗袍的设计不仅没有影响演员的舞蹈动作和表现力，反而给观众留下了深刻的印象。剧中男群舞演员则身着形似中国古代铠甲的家丁服装，每次出场时都能烘托出一种严肃、威严的气氛。舞剧中最大的亮点是采用了原汁原味的京剧，打扮得花团锦簇、全身披挂的京剧演员在前面表演武打场面，唱念俱全，穿着绣有传统花卉图案戏袍的芭蕾舞演员在后面迈方步、掷着水袖，这在舞台的声、色效果上有大胆的创新和突破，极富震撼力。此外，每个角色的服装都有各自的色彩，每种色彩都表现着角色独特的人物性格。老爷的三套服装均为黑色，是权力和封建势力的象征，胸前的文字图案，简单明了的表现了剧情的发展——迎娶时，胸前绣有“”字的喜袍，做寿时穿的绣有“寿”字的寿袍，还有当捉住大胆越轨的三太太时穿着绣有代表愤怒图案的怒袍。女主演的服装一直是中国人喜欢的红色，抢眼的红色即代表人物的身份，也表达着不同的含义。从上花轿、做寿时喜庆的红，到与青梅竹马的恋人相会时，充满热情、喜悦的红，再到结尾时被家丁乱棍杖毙残忍的、血腥的红，虽都是红色，但是不同的红色服装代表了不同的剧情发展。可以说，《大红灯笼高高挂》对传统意义上的芭蕾做了多种突破，整个演出的服装充满了浓厚的东方情韵，在保留传统芭蕾元素的同时，将中国京剧、中式特色服装与当代芭蕾进行了完美结合，是一部极具观赏性并有着深厚中国文化特色的经典舞剧。
3结语
用西方古典的芭蕾舞演绎中国的故事，中央芭蕾舞团在一部部舞剧经典中，成功地用中国特有的民族文化为芭蕾增添了新的活力，也为芭蕾服装这一造型艺术注入了新的生命力。《红色娘子军》、《大红灯笼高高挂》等舞剧的服装设计，无疑是中国芭蕾舞造型的成功例证。可见，服装是芭蕾舞艺术的重要组成部分，对展示人物性格、推动剧情发展起着重要作用。其设计需要考虑舞剧的时代背景、民族特色、人物身份，并为演员提供足够的舞蹈舒展度，保证演员的不同舞蹈动作伸展自如，都能给观众以美的感受。
作者：魏世兴单位：中央芭蕾舞团
（一）了解学生掌握Photoshop课程的技术操作情况，是做好项目设计的基础
教师在进行项目的选择时，首先要充分了解学生Photoshop课程技术操作情况。如果学生对操作软件的功能都不是很清楚，那么项目的设计就会很难进行，或者会出现在实施阶段进行不下去，学生自信息受挫，很难着手实施。如果学生萌生了挫败感，就会降低实施项目的积极性，至于项目的创意性更是无从谈起。在了解学生的课程软件掌握情况后，教师要考虑学生的接受能力，既不能太容易，也不能太难，太容易学生没有积极性，太难了学生很难进行。因此，教师要给学生流出独立想象和进行创意设计的空间，从而激发学生内在的创意设计潜能。
（二）与企业合作获得项目，使得学生模拟实际项目整个操作流程，提高学生解决实际问题的能力
教师可以通过和企业合作获得设计项目，通过竞赛的方式，激发学生努力做好项目。对于被企业采纳的作品，企业给予学生经济上的奖励，同时学生还能证明自己的实力，也为以后走上工作岗位积累了实际操作经验。这样也避免了学生为了完成作业而做项目的情况，强化了学生的学习效果。
二、项目实施过程中，教师提点学生总结，确保项目顺利有效的完成
（一）项目实施过程中，教师发挥提点的作用，给学生留有创意的空间
在项目实施的过程中，学生会按照自己的设计进行实操，利用Photoshop软件将自己的设计展现出来。这个过程是将自己抽象的设计转化成图像的过程，涉及到软件的技术操作，同时也检验着学生是否真正掌握Photoshop这门课程的能力。在实操过程中，学生会遇到这样那样的问题，教师可以从中进行提示，尽量让学生独立解决问题，提高学生将理论运用与实践的能力。
（二）项目实施过程中，教师提供类似案例作品，以便学生进行比对，确保项目实施的方向不产生误差
有很多时候，学生们的服装设计构思的很完美，但实际操作的时候是有些误差的。比如服装德尔颜色、尺寸、大小等方面，都会产生和自己的构想有出入的情况。毕竟前期设计的时候是在纸上，没有立体感，一旦转换到电脑上，就有了不一样的视觉感。此时学生可以根据教师提供的案例，进行比对及时进行修正，总结自己的不足，获得实际工作经验，为以后设计做出更加优秀的作品奠定基础。
三、教师对学生的作品进行客观科学的评价，以便帮助学生更好的提升
对于完成的作品，教师应该客观的给予作品指导意见，将学生做的好的方面，讲出来，好在哪里，让学生充满自信，明确自己的优势。对于做的不好的地方教师应该给出方法，不好在哪里，应该怎样作。学生最好将这些意见都记录在本子上，以便为以后走上工作岗位做准备。
四、结束语
1.我国服装设计的现状对服装教学影响的反思
改革开放以来，我国逐渐成为了服装的大国，但是要是从品牌的角度出发的话，我国的品牌和其他国家的品牌相比，差距太明显了。而且一些内地的服装设计风格还不是特别的成熟，传统的思想还是控制着设计者的创新意识，比如说很多的设计师会忽视服装多工艺的要求，一说到服装马上就会想到精雕细琢，这和现代的服装意识是想抵触的，再有就是我国的大部分设计师在设计服装的时候底气不足，对一些新材料也不敢去选用，第六感觉存在盲区，整体的服装设计给人的感觉就是俗气，这一点在我国的香港地区就没有，我国香港气度的服装基本上是紧跟时尚前沿的，所涉及的服装也都非常的由创新的意识，服装中透漏着大气和自信，由于香港地区是我国对外贸易出口最为频繁的区域之一，所以这一地区的服装设计也是非常的时尚，能够体现出一个地区的朝气，所设计的服装品牌完全能够和国际顶尖的设计大师设计的服装相媲美。有的服装在设计上甚至还超过了国际大师的设计水平，在服装的设计上，香港的服装相对比较大胆，每一件服装作品都能够体现出服装的活力，而在服装的制作工艺上，香港的设计师成功的运用绣花、手绘等精美的工艺，创造出来的作品非常的时尚大气，受到了很多外国设计师的赞美。所以说好的设计师能够设计出好的服装，而新的服装设计就需要有高质量的创新型人才才能够完成。
1.1高质量的服装教师缺乏
为了进一步的适应市场的需求，外国很多的综合性大学都开设了服装设计这一专业，目的是为了满足日益增长的服装专业人才的需要，但是这样一来就会严重的分散本来就不多的高质量服装设计教师，使得高质量服装设计教师出现了缺乏的现象，与此同时，我国的各大院校由于不断的扩招，也让学生的整体素质出现了下降的情况，而有的学校还没有达到创办服装设计专业的条件和要求就开设了这一专业，这也在一定程度上制约了服装设计专业的整体教学质量。针对这一情况，我们的各大院校应该逐渐的整合专业的教学资源，科学的规划服装设计专业学科的体系，此外，学科和学科之间也要进行交叉的交流，在市场上有很多知识在书本上是学不到的，所以我们的学院设计师可以适当的邀请一些专业的设计师来到学校进行授课教学，将一些生动的案例讲给学生听，这样一来，学生在听闻新鲜事物的时候也将知识学到了。
1.2服装设计教师的教学方法落后
我国的教学手段始终是单一的填鸭式教学，这一点在服装设计专业也是相同的，我国的服装设计专业在教学方法上还是沿用着传统的教学模式，缺乏创新意识，学生只是在服装的效果图上写写画画，并没有真正的去了解服装设计的内涵，现代性的设计创新理念完全没有，而有的高校为了进一步的培养出实用性的人才，在整个教学的课程当中逐渐加大了剪裁和缝制工艺的训练，忽视了设计的教学，这样出现的结果就是，大批的新设计师所设计出来的服装都是非常的低廉，而我们的服装市场需要的是高素质的高水平的具有创新能力的服装设计师，显然目前的教学方法根本就满足不了市场的真实需求。针对这一情况，我们的各大高校要对服装设计专业课程做一个课程性质的评价，要以培养学生的创新思维和创新能力为主要的指导思想，因为服装设计师离不开创新思维和创新设计能力的，没有这两点的支持，服装设计是出不来的，此外还要全面的提高学生的综合素质，提高学生的服装设计能力。
1.3缺乏对服装设计专业学生的基本技能训练
随着科学技术的发展，多媒体技术逐渐的走入了教学的课程当中，而多媒体的介入，使得服装设计专业的学生逐渐的对学习产生了兴趣，学生可以在教室中享受丰厚的信息资源，而原先的学生手绘也变成了现在的点鼠标，虽然这是教学中的一大进步，但是从长远角度想，学生过分的依赖电脑和相关技术软件，使得自身的手绘基本功底都出现了松懈，再加上学生不去联系这些基本的训练，最终就会导致学生连握笔的姿势都不会了，再有服装设计中面料的重要性不言而喻，但是学生此时是通过电脑来选择面料的。针对这一情况，我国的各大高校服装设计专业在初级阶段还是要加大对学生的绘画基本功的练习，要先把学生的基本功练扎实了，然后再去使用网络技术，在使用网络技术的同时也不要搁置对基本功的练习，我们知道服装设计是目前变化最快的行业之一，不仅要强调实时额艺术性，还要强调实用性，因此我们的服装教学要和市场的行情紧密的联系在一起，要正确的处理好艺术和技术之间的关系。
2.我国服装设计对高校服装教学的影响
服装设计行业的思维变化是最快的，我们的大部分服装院校的服装教育还是遵循着传统的教育大纲，教育的手段还是和其他的教学课程手段相同，也没有将高科技信息应用在服装设计专业的课堂上，针对这一情况，我们的教育部门要根据这一实际情况来组织对服装设计教科书进行相应的编写和完善，增加一些高科技的内容，根据市场的变化来实时的更新教学的内容，要把服装设计专业的教材变活，紧跟市场的轨迹，此外，高校还可以组织学生去参观服装工厂，让学生近距离的了解服装的生产流程，丰富学生的知识面。学生只有开阔了眼界，才能够创造出更好的服装作品。
作者：李剑文 单位：哈尔滨市服装工业研究院
教师在教学的过程中占有很重要的地位，要想培养学生的创造性思维，首先老师就应该建立相应的创新意识来进行教学。要建立创新意识可以从以下几点做起：
1.巩固原有知识，打好专业基础
老师要想建立创新意识，首先就要有扎实的专业基础。如今教学的现状就是一个老师任教的科目通常是比较固定的，时间久了之后难免会产生松懈的想法。所谓“温故而知新”，老师要不断的巩固原有的知识，打好专业基础，才能在已有的知识里琢磨出新的感悟。
2.汲取新的知识，更新原有观念
服装设计一般是随着潮流不断的发展变化，要想设计的衣服时尚，任课的老师就需要通过不断的加强自身的知识面，结合时代的发展来不断的更新设计观念。只有老师建立创新意识才能培养学生的创新精神。老师可以通过观察当季的时尚会来总结如今的潮流走向，不断的提高自己对时尚的认识，总结出新的服装设计经验，以便提高学生的创新能力。
3.勇于挑战自我，创造科研成果
创新意识不仅要靠专业知识和观察时尚会来培养，还需要老师不断的挑战自我，勇于创造科研成果。这样的方式可以激发老师的创新意识，为培养学生的创新思维提供一定的理论基础。在进行科研的过程中有利于教师对自身的知识进行巩固，同时还可以在通过跟别人的交流过程中汲取到好的教学方式，有利于总结出新的教学心得。
培养学生创新思维的策略
受传统教学方法的影响，如今的教学模式停留在老师一味的传授知识、学生一味的接受这个层面。这样的教学模式不利于培养学生的创新思维。在服装设计教学的过程中，除了要让学生学好专业知识外，还要增强他们的动手能力，毕竟实践出真知。
1.将教与学巧妙结合
在如今的服装设计教学中，还是老师教学的时间比较长，老师通常在课上占有主导的地位，学生只是一个被动的学习状态。这样的情况会让学生的学习积极性变得越来越低，在这样的学习环境下只会让学生的思维变得不灵活，不利于创造性思维的发展。在教学的过程中，老师要将教与学的关系协调好，教虽然很重要，但是不能占用太多的时间，要留给学生思考的空间，让他们有时间去吸收知识，在理解了教学内容的基础上再进行设计。调整师生之间的关系，老师和学生之间是平等的，拉近老师和学生之间的距离，鼓励学生多提问，激发的学习积极性，开拓他们的思维发展。
2.运用先进的教学手段
如今的科技水平发展较快，在教学中也应当进行适当的应用来提高教学的质量。老师需要摆脱传统的教学手段和教学观念，不再是枯燥的板书和文字教学，不再是一味的照本宣科，在教学过程中可以适当的利用网络和多媒体设备来进行更直观的教学，通过播放视频和音频、PPT等，方便学生更容易接收新的知识和时尚信息。
3.积累更多的灵感来源
服装设计的灵感可以来源于生活中的各个方面，因此只学习专业课程是远远不够的。要想培养创造性的思维还可以通过学习其他的文化知识，比如艺术、歌曲、文学等。通过这些方面的学习更容易激发学生的创新精神，有利于培养他们的创新思维。比如在上课的时候老师可以通过放一首古典的歌儿，让学生们根据自己的理解来进行服装设计。在学生设计好之后老师要对每个作品进行评价，不管设计方案的好差老师都应当对学生予以鼓励的态度，这样的方式有利于发散他们的创新思维，让他们有信心设计更多更好的作品。
4.将服装设计教学融入实践
除了需要对教学的模式进行调整外，不能只拘泥于传统的课堂设计，学校应当提供适应的场地让学生真正的去感受真实的设计氛围，根据市场的需求不断的调整自己的设计思路，便于创新思维的培养。学校如果资金充足可以建立本校的实践基地，在老师的引导下让学生进行服装设计。在建立实践基地资金不够的情况下，学校可以跟校外的企业进行合作，在跟企业合作的过程中让学生切身实际的在工厂车间和设计室里感受工作的氛围，有利于学生进行创新设计。学生在企业实践的过程中，能让他们的创新思维与社会的需要接轨，让他们了解市场需求的同时也给自己增加了工作经验，事半功倍。
服装是最能体现当季流行趋势的一种要素。在社会不断发展的过程中，人们对个性化的追求越来越明显，面料再创造已经成为服装设计的一个新方向。它不仅与服装时尚化的发展要求相适应，也体现了设计观念的转变。面料再创造为设计师提供了更为广阔的创作空间，使其可以更加淋漓尽致地展现自身的设计思路，充分发挥面料的可塑性，打造出一种全新体验的服装创作效果。就社会生活层面来说，面料再创造可以让一些细碎的面料得到再次利用，实现了节约社会资源的目的，同时也满足了面料创新的要求，可谓一举多得。从服装公司的角度分析，旧材料再改造改变了原有服装材料的质感、观感和使用性能，实现了成本降低和服装产值增加的目的，而让服装变成了一种获取高利润的产品；从我国传统设计工艺的层面分析，面料再创造传承和发展了传统工艺的内在精华。
2面料再创造的方法
面料再创造的方法多种多样，使用概率较高的有印染、编织和刺绣，其中，最能够体现设计师创造力的是使用适当的手段对已有的面料进行二次艺术加工。面料二次艺术加工的核心思想在于将面料的纹理、性能和样式等元素打散，之后重新组合，形成一种全新的纹理样式。在实际使用过程中，面料再创造的方法主要包括以下几种。
2.1加法原则
加法是指运用排列组合的方式将一些相同材质或者不同材质的材料组合成立体、和谐、有创意的服装面料的再创造方法。加法能够实现强化服装表现力和渲染力的目的，为服装带来丰富、立体的视觉效果和强烈的艺术感染力。加法原则的使用方式包括绣、印、染、绘、拼、贴、缝、堆和叠等。
2.2减法原则
减法是指将原有的面料使用抽、烧、烙、磨、撕、剪等方式，将局部去除或者破坏，从而达到一种特殊的肌理表达效果。减法原则与加法原则表现出的风格完全相反——减法原则给人一种含蓄、简洁的感觉。
2.3变形法
变形法是指在原本整齐、单一的基础面料上，用抽褶、皱缩、挤压等方式进行变形处理，赋予面料更加丰富多样的浮雕表现效果的一种再创造方法。
2.4综合法
综合法是指在面料的再创造过程中，联合两种及以上面料的再创造手法。为了满足服装设计的个性化要求，设计师可以依照服装的具体风格和造型特征选择面料。采用综合法创造出的面料，其外形表达更加丰富、生动，能够呈现出一种亮眼的视觉表达效果和纹理显示效果。不管采用以上哪一种面料再创造方法，所遵循的基本原则不变，即为了让服装产生和谐的美感。再创造后的服装给人一种画龙点睛的感觉，而非画蛇添足。服装设计的面料再创造为的就是给服装创造全新的设计点和创意点。
3面料再创造和服装设计的一体化表达
3.1面料再创造和服装款式
设计师在设计、创作服装的过程中，会特意突出已完成的服装设计成衣面料的表现力，甚至会将服装造型款式以弱化表达的形式突出面料的表达，依托经典款式的基本形态将人们的目光吸引到服装面料上，那些大同小异的服装款式会因为不同的面料而绽放出更加夺目的光彩。不管本身的面料多么单一，只要设计师将其合理搭配，再使用各种创新技术和手段，就会表达出不一样的色彩模式和纹理状态。
3.2面料再创造和服装风格
服装风格包含了整个民族的精髓、整个时代的特征或者某种思想流派。服装风格用单独的作品或者成组的作品表达了各种设计风格的要素，不管是服装独立展示的部分，还是其整体组合呈现模式，都能让人感受到艺术的个性化特征。如今的设计师们都在找寻创意突破点，其实质是在找寻独具自身风格的定位点。在追求服装设计风格的过程中，设计师们会加入时代化和社会化的审美情趣，将自己对这个世界的理解融于服装中。在服装设计中，即使是同样一种服装款式，只要更换了面料，其成衣风格是完全不一样的。正是因为服装面料这种多变的特点，设计师们才会创造出无数的服装设计风格。
4结束语
一、传统元素的构成内容
中国是世界上唯一没有断续文化的文明古国，除汉民族以外，还有众多少数民族，这些少数民族的人口虽然不到全国总人口的10％，却分布在中华大地四周面积的60％以上，不同的种族历史发展、不同的信仰崇拜宗教、不同的居住地理环境、不同的社会发展经济状态、不同的文化历史背景、不同的民风习性和不同的审美标准以及不同的价值概念，组成了不同民族以及民族内部不同支系民族服饰文化的差异特点和风格，体现在服装上则呈现出款式丰富、造型多样、服饰色彩搭配鲜艳、纹样图案精美、制作工艺精熟。今天，很多民族依旧承继保留先人留给自己的服饰，这为我们研究历史传统服饰文化提供了最有力的实物证据，也为我们设计服装提供了最好的创作素材。可以说，丰富多彩的民族服饰是中华民族服饰文化的重要组成部分，既是我们民族的物质财富和精神财富，也是世界服饰文化中不可缺少和替代的历史文化价值。少数民族穿着的服装不但有很强的实用功效，还有很高的艺术价值性。特别是传统的民族手工制作技术非常发达，人们在长期的生存环境和劳动生产实践中总结、归纳出了装饰服装的各种各样工艺手段，如在刺绣、印染、挑花、盘花、镶滚、编织、皮革鞣制等方面积累的大量丰富实践经验。特别是贵州地区的苗族刺绣、布依族的蜡染、云南大理地区的白族扎染，以及著名的壮族、黎族、傣族、土家族的织锦织物，新疆地区的维吾尔族艾特丽丝绸，、青海地区的藏族氆氇织物，东北地区的满族镶滚等传统手工工艺技术已达到很高的水平。同时，彝族、土族、哈尼族等也有很高的服饰色彩搭配技巧。苗族、彝族、藏族、蒙古族等内部支系繁多，不同的生活环境、不同的生活方式、不同的着装习俗等，形成了至今也数不清的各种服装造型款式。黎族、傣族、德昂族、崩龙族等有大沿袭祖先纹身习俗，有的纹身已经达到很高的艺术境界。民族服饰还有很好的文化价值，少数民族的文化性是经过漫长的历史传承和文化沉淀逐渐形成的。由于受居住环境偏僻和经济落后等多种历史遗留因素的制约，少数民族服饰发展变化相对缓慢、稳定，没有被时代大潮所冲刷，也没有被西方现代文明服饰所渗透和影响，仍然保留着先人留下来的原汁原味服饰文化特色，为我们保存了完整的原始遗风。每一个少数民族服饰从上到下都反映了自己民族发展的辉煌与屈辱的历史文化，是我们国家历史服饰文化的活化石，也是世界服饰文化遗产的重要组成部分。研究和挖掘民族服饰文化就是证实历史，传承我们的优秀文化，避免自己的服饰文化被外来强势服饰文化所侵占而被人为流失，使我们祖先留给后人的传统文化不至于在我们这代人手中断档缺损而逐年消亡，使中华民族服饰文化继续一代一代传承下去。从历史上看，汉民族服饰文化从先秦的战国时期到动荡的南北朝时期、服饰的鼎盛大唐时期再到近代的满清时期都离不开少数民族服饰文化对其的影响，而少数民族服饰更是受到汉服影响，吸收先进的汉民族服饰文化而发展起来的。中国传统文化是以中原地区为主的汉民族文化与周边地区少数民族文化不断的碰撞与融合、不竭的相互吸收与磨合发展而逐渐形成的一种多元文化。传统的服饰受当时社会经济、文化滞后发展的制约，在物质生存与精神生活匮乏的过去，人们对服饰的审美标准与现代大不相同，多以华丽鲜亮、宽大繁多、装饰繁缛、显眼突出为时尚，以物质生存、区分等级为主，美化装饰为辅，服饰没有主次疏密对比，整体统一配套“设计”概念，整套服装从头到脚到处是繁缛的装饰，体现出前人对服饰美的评判标准。随着社会进步发展，服饰受西方文化思潮影响，不断吸收与接受外来服饰文化，逐渐使人们对带帽穿衣的审美标准随着社会观念的改变而随之改变。当今在物质条件富足，文化娱乐生活丰富下，人们的生活节奏像自由落体加速度一样逐年加快，昔日对传统服饰审美的标准已不适应当代服饰变化的要求。简单的服装造型平面二维结构、对比强烈的色彩搭配和没有主次的繁缛装饰等。这种靠刺激人的视觉眼球来满足服用者的生理和心理需要的服饰，已经不适应现代社会快节奏生活和有沉重工作压力的准则，大家普遍希望在复杂的社会、繁杂的环境中有一个安静休息的地方，不被外人影响打扰的私人空间，不需要让外界过分关注自己而成为社会生活空间的焦点人物。所以，当代的实用服装设计标准不需要过多的视点对比，服装上的装饰也不需要繁缛张扬、刺激色彩吸引周边的路人。
二、服装设计中传统元素的提炼摘取
在设计服装教学中，任课教师一般都要求学生在设计民族风格的服饰中把握两个最基本设计原则：是要有传统文化性，就是本民族历史中曾经出现过的本土文化元素符号；二是要有当代性，就是现代社会正在流行的时尚元素服饰符号。在民族风格服装设计中传统元素与时尚元素两者既有矛盾，又相互支撑、相互依存，缺一不可。如何把握好传统元素与现代设计元素之间的比例关系，是初级学习服装设计中所需要掌握的一种基本能力。现代人所穿着的服饰必须与当代社会时尚流行相同步，所以在民族风格服装设计定位时首先将主流时尚元素放在第一位，把本土传统元素放在从属次要地位，传统元素只能起点缀作用。如以藏族服饰为元素设计一套现代民族风格的服饰为例，先要全面了解藏民族服饰文化，分析藏族居住我国西南海拔最高的地区，分布在、青海、四川、云南等地，四季气候冷暖变化无常，每天早、中、晚温差比例大，早上是春秋天，中午变为炎热的夏天，夜晚可能就变成冬天。残酷的地理气候环境使藏族先人养成不对称穿衣习俗，即一只袖子穿在衣服外边，用来调节人体内部温度平衡，日久天长就形成了藏族人民独特的着装方式，使服装整体造型产生立体不对称自然形态，也形成藏民族服饰文化的典型元素特征。由于藏民族分布广，大多以畜牧游猎为主，其最大特点就是生产活动流动性大，白天穿着服装是防暑保暖、装饰美化；夜晚休息宽大的服装变成了被子遮盖身体。所以，藏民族外衣面料多采用厚重毛皮材料制作，内衣多选用柔软轻薄衣料缝制，这既满足了其功能实用需要，又形成内外厚薄面料的强烈对比效果。另外，藏民族一般都居住分散，地处广阔山地草原，人们沟通交往贫乏，文化生活单一匮乏，为满足单调的生活和弥补生理视觉的需求，服装的色彩搭配多采用强对比设计手法，明度色差对比大、装饰繁缛夸张，到了节日喜庆期间浑身上下挂满祖辈遗留下来的贵重装饰品，以显现家族的荣耀与富有，形成藏民族豪放朴实的民族服饰特征。在学习藏族服饰与文化时，我们如何收集藏族文化素材提取这些元素进行现代民族风格服装设计？首先，从各种信息渠道（包括图书馆书籍、网络图片等）收集的藏族服饰与文化资料进行分析研究，找出藏民族服饰的共性因素和个性特点，确立设计定位方向。其次，从整体造型上把握藏族服饰的宽大厚重的特点，选用不同材质的面料进行反差对比设计，款式采用不对称造型设计方式，使服装款型从门襟、到领子、袖子、口袋以及下摆等处理成大小差异、宽窄不同的比例关系，整体造型也可采用左右非对称、长短各异的设计手法。再次，在色彩搭配运用方面，将藏族原有的强对比色彩减弱，削弱其纯度对比、明度反差，在服装的中心视点部位采用含灰度的色彩，使用逐步递增的色彩对比手法进行设计，来迎合当代人的审美标准和心理需求。如果在民族风格服装造型方面传统元素使用比例过多，就要调整色彩对比设计，使服饰色彩尽量体现现代流行元素，从灰度色彩对比、抽象色彩对比、渐变色彩对比到现代流行色彩的运用，处处体现当代社会时尚元素；如果色彩搭配借鉴藏民族色彩元素比例偏大，我们就应该调治服装外形款式，采用简洁的造型、流行的款式、时尚的内容图案以及现代工艺技法和缝制手段等来增加服装的现代时尚感。我们设计的民族风格服装不是给前人穿的，也不是简单地模仿、重复少数民族现有的传统服饰。我们学习民族风格服装设计的宗旨，是传承华夏民族服饰文化，为当代社会大众服务的。所设计的服装应符合当今人生活审美标准，不管是从服装造型上、色彩搭配上、图案内容以及面料与工艺选用上都应符合现代人快节奏的生活方式习惯，民族风格的服装设计应采用整体大统一，局部小对比的设计原则，在服装的主要部位用小面积的传统元素做点缀装饰，更能满足现代人的生理和心理以及视觉观赏习惯。
三、时尚服饰与传统文化元素的运用
传统元素在服装设计中可以从历代服饰文化和少数民族服饰色彩、纹样图案以及造型款式中寻求，可以从传统建筑文化中得到探寻，也可以从民间的生活用品、传统家具等某些元素中得到参考；还可以从古代文化书籍中得到感悟。服装设计作品中使用传统元素必须遵从设计主题、穿着人的目的以及穿着的环境场合，不能全盘盲目使用。只要我们把握好传统元素适度的使用，处置好传统元素符号与现代流行元素的比例关系，设计出来的服装才能顺应社会现展的需要，被普通大众所接受。20世纪90年代初期，国内有史以来第一次举办国际性服装比赛，被誉为中国艺术成就最高的“兄弟杯”服装设计大赛中，基本上获奖作品无一例外都具备传统元素的合理使用。服装作品成为标识每一位参赛选手的国家名片，展示自己本土文化的最佳平台。从第一届金奖获得者吴海燕的“鼎盛时代”到马可的“秦俑”，武学伟、武学凯兄弟俩的“剪纸儿”以及金奖获得者美国设计师戴维•铁里特的“美国冲浪”等，均是本土文化展示的典范。如第五届“兄弟杯”大赛主题“水上旅游”，我们的同学同样定位选择“水上冲浪”，服装作品从造型款式、色彩搭配、配饰附件等到流行时尚都不逊色美国选手的“美国冲浪”设计作品。但就是忽略本民族传统元素符号的展现，同样是冲浪的泳装造型，怎样才能让观者看出这个选手作品的文化性、本土民族语言性？第一名的美国选手戴维•铁里特做到了。服装作品一出场就充满了美国本土文化元素，蓝、白、红美国国旗主色调控制着整套系列服装，用大小不同的五角星造型、条纹图案，体现星条旗美国元素，用不对称造型和当前最新涂层材料以及高科技的激光配饰，反映美国人敢于创新，独具个性的文化特色，紧扣设计主题给人留下深刻印象，当之无愧获得金奖。
四、结语
服装设计离不开传统元素的支撑，传统元素必须依靠现代时尚设计所进行弘扬传承，二者相互依赖相互支撑衬托，缺少传统元素的服装设计就是缺少灵魂的无主设计，服装造型再新颖，服饰色彩再时尚流行，面料配饰再创新也无法表现服装设计真谛；缺少当代流行时尚元素的服装设计，就是前人服装的克隆品，设计的服装再好看也是重复昔人的作品，不被现代社会大众所接受，必被时代大潮所抛弃。国际性服装设计大赛服装设计宗旨，必须将自己国家优秀传统文化元素与国际时尚流行元素相结合，合理分配传统元素与现代时尚元素的比例关系，充分发挥我们的优势条件，处理好服装版型、工艺制作、服饰搭配等设计要素，才是我们服装设计大赛追求的目标。在全球经济逐渐一体化、互联网文化信息资源共享、设计风格趋同化的大环境下，服饰设计更需要多元化、本土化。越是有自己传统文化语言的服饰设计，就越能代表这个国家独特的文化特征，也就是世界服饰文化宝库中不可缺少的精华内容。
作者：赵刚 单位：山东工艺美术学院服装学院
（一）东西方文化的交流对服装设计的本土化启示
随着东西方文化的不断渗透和交融，国内服装的设计已经抛弃我们自己民族的传统服饰和纹样逐渐，随处可见的是西化的设计理念和方式。而国外的服装设计，却越来越多的出现了中国风格的服装设计。许多国际著名设计师将目光放在中国，不断地对中国传统元素进行发掘，并将其运用在服装设计中：DIOR将中国青花器作为纹样运用在设计中；AlexanderMcqueen将中国清朝的袍服风格运用在造型里。作为大师级人物，他们的作品从很大程度上说明了中国传统元素不仅可以作为本民族设计语言，同样也可以作为世界性的设计语言出现。有不少设计师开始注意到这一现象，并通过自己的努力开始设计富有传统元素的服装了。“只有民族的才是世界的”[2]，在文化全球化的趋势下推动下，作为首批非物质文化遗产的凤翔木版年画，一样能为服装设计带来一定的启示：立足于传统的凤翔木版年画和当地的风土人情，运用现代的设计手法，并借鉴其他地域的艺术形式和特征，融会贯通，将凤翔木版年画发扬光大，彰显其独特魅力，丰富现代服装设计。
（二）凤翔木版年画的传统纹样对现代服装服饰设计的启示
凤翔木版年画在样板的创作中，包含着大量的民间艺术内容和题材。凤翔年画“品种亦有门画、十美画、戏剧故事画、风俗画、六神画、窗花画六大类。”吉祥喜庆题材是年画中常见的表现题材。这些年画多用谐音和吉意进行创作设计，大量运用象征手法进行创作。年画《大门神》（图3）的创作中，就包含了如龙纹、仙鹤、水浪、鹿等吉祥纹样，组成加官进禄的吉祥寓意；如此类型的年画数不胜数。中国传统服装的款式和纹样有着丰富多彩的变化。无论是男女老少，都会根据自身的要求，在制衣时进行大量刺绣装饰，其装饰的纹样也大多为吉祥纹样，如龙凤纹、百鸟、蜂蝶、人物等；有时也会以植物纹样为主，如石榴、牡丹、折枝等。这些纹样的来源无一不是源自古老的民间文化，与民间艺术有着千丝万缕的关系。在现代服装设计中，将这些纹样作为单独的或组合的纹样在进行应用，不仅会为现代服装的设计语言拓宽新颖的思路来源，同时也是对年画中传统元素的发扬和推广（图4）。
（三）凤翔木版年画的设色方式对现代服装服饰设计的启示
凤翔年画在艺术处理上很注意装饰和形式美的效果；在形式处理方面，凤翔年画继承了我国民间艺术的质朴古拙和明代刻板的规整装饰传统，整体简约明丽，淳朴大气，痛快淋漓。而其中的着色，或采用黑色、大红这种浓烈的单色进行创作、或采用块大而色调对比强烈的方式进行，大红大绿，看上去明艳抢眼，而这种色彩表现，也正和服装色彩的设计有着千丝万缕的联系（图5）。凤翔年画的表现中，以“黑、白、红、黄、青”五色为主打色，对应“五行”中“土、水、火、金、木”的关系，而中国自古以来就有服装和五色相对应的文字记载。这时，再从现如今的服装色彩来看，年画的色彩搭配又正好符合了服装色彩学里有彩色和无彩色的搭配方式。在大面积运用了鲜明的色调之后，加入黑白两种彩色作为调和，由于它们的无彩色中性性格作为主要颜色间的缓和出现，可以化解有些服装设计中色彩因为颜色过多而出现的矛盾感和刺激感。在现代服装设计中，设计师们为了达到标新立异、特立独行的效果，故意忽视这一色彩搭配原理，直接运用大红大绿的色彩进行搭配，设计出的色彩或浓郁、或鲜明，带有明显的个人风格和表现力。因此这种大红大绿的服装在近两年的服装设计中也是一种常用表现手法，可以说是反映了当下人们的一种审美情趣。如此，无论是古老的木版年画，还是现代的服装设计，都是一种对美的理解的再创作、分解和重组。
（四）结语
无论是古老的民间艺术（如凤翔木版年画），还是走在时尚流行前端的现代服装设计，其本质所包含的内容是息息相关的。在某种程度上说，服装的创作是以古老艺术为基础的，在学习和传承着古老的传统艺术的同时，通过新的艺术形式发扬古老的传统艺术，不断提升两者的艺术生命力，是一种大胆的创新和改革，也是继承和发扬我国传统文化的精髓之所在。现代服饰的发展离不开古老的艺术，在传统与现代之间、在表层与内涵之间、在传承与创新之间都由着无尽的碰撞和语言。两者的结合将对民族文化与现代流行起到更好地融合作用，也能获得人们的理解、接受。因此，我们要把握时代的机遇和契机，紧跟社会的潮流趋势，不忘肩负着的使命和责任，发扬传统文化的精髓，将古老艺术与现代潮流紧密结合，让未来的服装绽放出更多绚丽灿烂的中国光彩。
作者：张宇帆 潘登 杨西惠 单位：西安外事学院
服装的发展历程，是社会文明变迁的一个重要的展现形式。在原始文明时期，人们过着茹毛饮血的生活，穿着动物毛皮和树叶，这一时期的服装材质都是直接来源于自然界。在农业文明时期，出现了棉麻丝毛等天然纤维服装，并且通过极少的剪裁制成服装，最大限度地减少材质的浪费。受中国传统道、儒观念影响产生的“天人合一”思想催生了一种独特的设计观念，把服装看作自然界的一个部分，从一个宏观整体的角度去考虑服装设计。服装并不应该仅仅考虑人的需求，而是要同时根据自然界中环境、季节、材质和裁剪方式的变化等去进行思考设计。所以在这一时期的服装都是遵循着自然规律而发展演变的，服装、人与自然三者之间的关系是协同发展。通过工业革命，人类进入了工业文明时代，服饰材料从天然纤维扩展到化学纤维，服饰造型也更加多变。这一时期是人类改造自然，征服自然的阶段，服装的染料和面料对自然产生了巨大破坏和污染，服装从与自然协同发展的状态转化成利人主义和对环境的索取与破坏。从服装这一演变史中，可以看出，不同时期社会文明形态的发展，对服装设计所产生的影响都是不同的。在工业文明时期，人类迅速发展对自然造成巨大破坏所导致的一系列社会危机，迫使人类开始思考解决方法，提出了人类应该进入一个新文明时期，用新的社会伦理形态去发展。因此，提出了生态文明，而设计领域中关于解决相关问题的方法之一就是慢设计的提出。
慢设计和生态文明是近年来提出的新的理论话题。慢生活源于1986年意大利专栏作家CarloPetrini在罗马发起的慢食物运动。为抵制快餐，保护当地传统食品。自此“慢运动”在欧洲拉开序幕，“慢”开始广泛涉及各个领域当中，并产生影响。慢设计并不是字面所显示的意义，相对来说是一种更加积极意义上的快速发展。AlastairFuad-Luke的论文中提出:慢设计是为了平衡个人的需求、社会、文化和生态环境的整体利益。目前，被世界公认的“慢设计”定义，是指因人类文明发展过快所带来的一系列社会问题，进而对当前设计模式的重新思考，力求用“慢设计”改善商业化快设计模式的弊端。而生态文明是指以人与自然、人与人、人与社会和谐共生、良性循环、全面发展、持续繁荣为基本宗旨的文化伦理形态。在卢风等人撰写的《生态文明新论》一书当中提出生态文明的维度是很宽泛的，它包括生态文明的理念、语言、艺术、风俗、制度、技术和器物。服装设计属于生态文明的艺术范畴。慢设计理念就是在设计服装时减少对自然环境的破坏，达到人、服装与自然环境适度和谐的状态。所以在对本质的追求上慢设计和生态文明是有一定联系的。在生态文明这一新的社会形态下，慢的设计理念可以更好地促进服装的发展，从而使服装能够在满足人体的需要的同时减少对资源的浪费和环境的破坏。以慢的设计理念，慢的生活态度和慢的思考方式去诠释在生态文明这一新的时代背景下，服装的一个未来发展方向。
2生态文明背景下的“慢设计”在现代女装设计的应用影响分析
2．1慢设计对服装设计理念的影响
人类社会从工业社会向生态文明社会转变，是对待人与自然关系上的进步。解决环境等社会问题仅仅依靠科学技术的发展与改进是不够完全的，应该树立新的价值观、生活方式和社会制度，才能逐步解决问题。而生态文明主要体现在两个方面:其一是人对人与自然关系的觉悟所产生的新理念。其二是这种新理念所派生的人类在人与自然关系方面的价值观和行为修养。慢设计的要求提到促进行为改变、社会文化转型、设计为可再生环境利益和健康。在设计领域，慢设计所体现的生活态度和价值观念，很好的协调了人、服装与环境之间的关系。
2．2慢设计对服装设计造型风格的影响
慢设计起源于保护传统美食的慢食运动，所以它的一个主要的特征就是民族性、本土化。慢设计服装的造型风格更加注重民族特征，体现民族文化价值。渔品牌以对生活的憧憬，将东西方文化进行融合，用真实的方式传播东方文化，并始终洋溢着以人为本、顺其自然的精神内涵。正如那个慢字给人带来的那种缓慢的、轻松随意的感觉，慢设计的另一种造型风格就是自然随意、温馨淡然。它不突出，但在设计师深思熟虑后，使细节之处充满创意。无印良品是慢设计理念的主要代表之一，它将慢的理念融入不同的生活用品中。无印良品设计的系列产品简单朴实，却在细节处注入了对人性和自然的关怀。它简单到不见丝毫装饰的产品上却展现了无穷的魅力。它设计的一款可随着穿着者身高进行裁剪的雨衣正式展现了它的设计理念。
2．3慢设计对服装设计面料选择的影响
生态文明中要求人与自然和谐共生、良性循环。而慢设计要求之一是可再生环境利益与健康，所以慢设计的服装面料多选择天然环保或可再生、循环降解的材料。近年来，服装界掀起了复古潮流，不单单只是风格的回归，服装的材质也由化纤回归到自然环保的天然纤维材料。各个品牌的服装都淡淡的蕴含了慢的味道。
3结语
（一）课程体系的确立在艺术设计类
高职人才的培养实践中，存在两种现象：一是重点强调学生的艺术实践动手能力，忽视甚至轻视人文素养的发展；二是通识课程与专业课程各行其道，互不相关。如此培养出来的学生，在就业过程中，普遍上手容易，发展后劲不足；就业对口专业具备竞争优势，然而岗位迁移能力薄弱；知识结构单一，终生学习能力欠缺；习惯独自设计，与人沟通困难。然而，高等职业教育的目标，不仅要求拓展专业内涵，实现学生职业发展，更为重要的是把学生作为人的全面发展的塑造。在关注学生职业发展的同时，关注学生的终生可持续发展。在锻炼学生专业能力的同时，兼顾方法能力和社会能力。这也是高等教育与职业培训的本质区别。在这样的教学改革迫切需求下，确立了“双融合”的艺术类高职高专课程体系。让学生在学会专业能力的同时，学会工作，学会自学，更重要的是学会做人，学会与人相处。融合一体现在：网络课程、课堂课程、实践课程三位一体的教学模式的相互关联，融汇贯通。融合二体现在：专业课程与通识课程兼容并包，互为依托，相生相伴，完美融合。在这样的改革理论指引下开发的服装设计英语课程，将学生的职业发展渗透到大学英语课程之中，作为通识课程之一的英语课程与艺术小专业方向全面无缝对接，在三位一体的教学新模式的帮助下，发展学生创新性思维，完成个性塑造和培养。
（二）课程内容实现学生的职业和可持续发展
服装设计英语的内容按其功能主要分为三个模块：一是专业英语词汇的学习。包括服装的类型，部件的名称，设计图纸用词，身体部件词，材料，手法，美学与评论介绍用词，服装的结构，搭配，著名设计师及作品，文献用词等等。二是设计实例介绍：服装设计；品牌设计；室内软设计等。三是设计理念与作品介绍：如何演绎推销设计师的设计理念和作品，竞投标，个人简历及学业报告书的设计等。服装设计英语的课程内容不是专业知识的简单罗列，而是提取该专业典型的设计实例，并确定每一工作过程中的主要工作任务，并根据这些工作任务所需要的英语知识和技能设计英语学习的任务，因此本课程的内容不是专业知识的英文呈现，而是根据学生的专业职场及后续设计生涯的要求，提高学生相应的英语素养，不仅为就业服务，同时为学生的设计人生服务。
（三）教学模式贯彻学生的职业和可持续发展
服装设计英语的教学模式创新性的采用网络教学+课堂教学+实践教学的三位一体的教学模式，一改过去的满堂灌。采用网络+课堂+实践的教和学的模式，其理论基础在《礼记•中庸》十九章就有云：“博学之，审问之，慎思之，明辨之，笃行之。”这说的是为学的几个层次，或者说是几个递进的阶段。“博学之”意谓为学首先要广泛的猎取，培养充沛而旺盛的好奇心。好奇心丧失了，为学的欲望随之而消亡，博学遂为不可能之事。“博”还意味着博大和宽容。惟有博大和宽容，才能兼容并包，使为学具有世界眼光和开放胸襟，真正做到“海纳百川、有容乃大”，进而“泛爱众，而亲仁”。因此博学乃能成为为学的第一阶段。越过这一阶段，为学就是无根之木、无源之水。而网络课程即解决博学的问题。在教师授课前，学生必须先期进行网络课程的学习，通过对授课教师精心设计的网络课程内容的博览，为课堂学习做好准备。网络课程还不受时间、空间的限制，学生可以随时随地的学习浏览，大大提高学习效率。“审问”为第二阶段，有所不明就要追问到底，要对所学加以怀疑。通过对网络课程的学习，发现问题，提出问题，在教学的第二环节，课堂教学中，师生就问题进行讨论，分析，解答。问过以后还要通过自己的思想活动来仔细考察、分析，否则所学不能为自己所用，是为“慎思”。“明辩”为第四阶段。学是越辩越明的，不辩，则所谓“博学”就会鱼龙混杂，真伪难辨，良莠不分。这各过程正是课堂课程所要解决的问题。课堂教学再也不是教师的一言堂，满堂灌，而是学生唱主角，教师来引导，使学生学会提出问题，解决问题，明辨问题。“笃行”是为学的最后阶段，就是既然学有所得，就要努力践履所学，使所学最终有所落实，做到“知行合一”。“笃”有忠贞不渝，踏踏实实，一心一意，坚持不懈之意。只有有明确的目标、坚定的意志的人，才能真正做到“笃行”。而这正是整个教学的第三阶段，实践教学，师生根据具体课程共同设计菜单式的实践项目与活动，把前两个教学阶段的内容和成果在这个教学环节加以实践，锻炼和实施。让每个学生参与其中，正真学有所用，在检验学习效果的同时享受学习的成果与乐趣。正真将学习内化为学生的行动力，执行力和解决问题的能力，同时完善学生的学习策略，不仅为职业发展同时为学生的终生学习和可持续发展打下坚实基础。在各个教学阶段对师生的教与学的要求也各有侧重点。网络课程要求教师八仙过海，各显神通，围绕同一个主题，设计出独具个性的网络课程。而课堂课程则在有限的学时里坚持三有，有料、有趣、有效。要求教师在课堂教学中以学生为中心的前提下，同时注重课堂信息量、实用性与趣味性的结合，并在有限时间高效解决问题。实践课程的设计需要教师设计出丰富多彩的实践项目，确保学生的参与度，并在参与过程中学会做人和与人相处。三位一体的教学模式，在传授专业技能的同时，培养学生学习策略，教会学生为人处世。真正实现学生的专业和可持续发展。
（四）以教材为核心的教学资源
建立为确保课程的顺利开展，建立立体化、系统化的教学资源库。校本教材《服装设计英语》，作为课程的主要参考教材。同时开发5门网络课程资源，充实网络课程的内容。根据不同的教学主题设计相应的教学课件。设计实践课程的实践项目菜单。在教学评估中，建设课程试题库，全面进行网络教学测试与评估。
（五）师资队伍的配备
为实现学生的职业和可持续发展提供保障在课程开发和实践教学的全过程，始终坚持素质育化教师加专业教师加行业企业顾问的师资队伍配备。在客观上确保既强调学生的文化素养养成，又强调学生的专业掌握。在服装设计英语的开发过程中，开发队伍包括英语教师，负责语料选择，语言的准确性，材料整合编辑等；服装设计系专业教师则负责服装设计专业介绍，工作过程描述，专业内容帅选等；企业顾问则从行业角度对课程的内容、编排、评估、项目等各方面提出专业意见。在课程的实践环节，课堂课程由外语教师全程教学。网络课程由外语教师和行业顾问全程负责，为学生选取课程所需的各项背景材料，资源等。实践教学则由外语教师和专业教师共同负责。外语教师加专业教师加行业企业顾问的师资队伍配备，不仅确保了课程开发的专业性，学生的职业发展，同时极大保证学生的文化素养的形成，为学生的职业和可持续发展提供有力保障。
（六）教学评估手段
确保学生的职业和可持续发展在服装设计英语的课程开发中，其中一个创新点即教学评估方式的革新，一改过去一张试卷定终身，学生的成绩有三个部分组成，课堂成绩+网络成绩+实践成绩。其中课堂成绩考察学生的教学内容的掌握程度，考察学生的学习效果，为终结性评估；网络成绩考察学生的作业、平时表现、团队合作、师生互动等，考察学生的努力程度，为形成性评估；实践成绩考察学生的知识掌握，技能熟练，实际项目的完成情况，侧重鉴定学生的技能掌握，为真实性评估。因此评估的内容由三部分组成即终结性评估加形成性评估加真实性评估。评估的方式采用立体评估方式：从过去教师一人评估转变为评估小组共同打分，施行共同打分，集体评估。确保评估的公正、严谨、科学。评估小组的主体从单一走向多样：既有教师，学生还有行业专家。评估结果从打分变为撰写学生评估报告，不仅给出学生的评估等地，同时对学生的课程学习撰写全面的评估报告，鉴定学生的学习成果，学习研究的努力方向以及学习策略的建议。为学生的持续学习提供参考。
二、小结
