时间：2023-07-06 17:15:31
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇电影艺术的特征，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
[关键词] 电影 音乐美学 融合
1、电影艺术所具有的审美特征
电影艺术作为一门独立的艺术，其本质被克拉考尔说成为“物质现实的复原”。电影艺术是一种运动的视觉艺术。首先它和摄影绘画一样具有最基本的物质元素光、影、色、形。电影艺术能够像戏剧、舞蹈艺术一样，可以通过视觉和听觉的功能，艺术地表现和再现出现实中的生活情景。
电影艺术所具有的审美特征是真实性、价值性和娱乐性。
电影艺术的真实性，真实，其实质是艺术的真实，是艺术对生活准确的提炼和概括。它包括有内容和形式两个方面的真实。内容的真实是艺术对社会生活内在规律的深刻反映，是社会生活本质规律的揭示。形式的真实是艺术对社会生活外在规律的反映，是社会生活外表的再现或是表现。我们通过所说的艺术源于生活，而又高于生活，就是这样一个意思。
电影艺术的价值性。电影艺术具有特有的观赏的艺术价值和净化心灵、移风易俗的教育价值。电影能让你亲临其境，亲身感受。进入到你想像中，或是未曾想到的世界中去体验，使你将你的全面情感投入到电影的情节和音乐中，你的思想感情都会随着影片中的思想情感和主人翁的命运，随着电影音乐的节拍而起伏变化。
电影艺术的娱乐性。电影艺术通过现代化的技术手段，依托现代化的音画设备，给人带来高级视听享受。使人倍感身心愉悦和畅快。
2、电影艺术所具有的知觉特征
电影艺术所具有的美感是它的知觉特征的集中体现。电影艺术的美感首先是电影的形式美，其中包括我们视听感受中的绘画和音乐美。还有电影艺术本身的电影语言美，即蒙太奇运动表现的美。在电影中往往是音乐和语言相结合，音乐和场景相结合，电影美术的声光色影相交织，通过这样一种综合艺术表现形式创造出电影艺术所特有的美来。其次是电影的内容美。电影通过故事内容深刻地揭示社会发展规律，反映广大人民群众善良愿望，或是批判现实，或是揭示丑恶的东西，或是颂扬美的东西，形成一种为大众所接受的批判现实主义的美。通过形式与内容最佳结合，让人感觉到一种意蕴深远的更高境界的美。
二、音乐美学的特征
1、音乐美学的审美特征
第一，音乐美学的艺术语言美。音乐是以声音为表现手段，以听觉为对象的声音的艺术，或叫听觉艺术，音乐艺术的声音，主要是由人们根据审美原则，加工创造出来的，而且由一系列乐音根据不同音高排列有序构成一个有机的整体，即音乐学中所讲的乐音体系。在音乐美学的乐音体系中，它依据自己特有的律动美的法则构成了音乐艺术语言美的形式。
第二，音乐旋律的运动的时间性。音乐主要是在时间中运动的一种时间艺术。由于音乐的物质材料是声音这一特点，这样又赋予了音乐美学的另一个审美特征，即音乐旋律的运动的时间性。对于音乐的审美欣赏，随音乐的演奏、演唱而开始而开始，结束而结束。
第三，音乐美学的抒情性。这种审美特征是真接区别于造型艺术的。造型艺术讲究以直接表现的手段再现外部现实生活，而音乐艺术，则是通过内心的表现，来反映人的感情、意志、命运等。
它的表现方式，既可以直接地抒发人的内心情感，也可以采取间接方式，借音乐的语言来描绘社会生活场景或自然景物来抒发人的感情和意志，表达人们对于生活及生命的思考和体验，造成一种音乐艺术特有的意境，塑造出特有的音乐艺术形象，《春江花月夜》、《汉宫秋月》等这些古典音乐就是采用了间接表达的手段。
2、音乐美学的表现手段
“情动于中，故形于声”，“声音”声之象也。2这是古人对于音乐美学的最初理解。音乐美学的表现手段，最基本的表现手段是声音，准确的来说应该是乐音。以乐音体系为载体，音乐美学才可以充分地表现和反映现实生活场景，抒感。声音有其特质，不同的声音可以表现不同的情感。音乐有着许多影响因素，民族、地方风格的不同，时代环境音调的不同，所表现出来的音乐也不同。这也就是音乐艺术塑造音乐形象，再现一定外部现实生活的特性。
三、音乐美学在电影艺术中的应用
1、音乐美学在电影艺术中的应用手段。
随着电影艺术的不断发展，音乐作为电影综合艺术的一种表现形式，在电影艺术中对于表现故事情节等许多方面发挥越来越重要的作用。电影中音乐的演奏通过现代技术处理，随电影放映而被观众所感知。电影音乐与对白、旁白、音响效果等其他声音因素结合后，如与画面配合得当，能使观众在接受视觉形象时，补充和深化对影片的艺术感受。电影音乐如脱离画面单独存在，则失去其视听统一的综合功能。在电影中，可以通过改变音乐的力度、密度、音色，突出某些乐器或增加立体感、增减混响程度等等，随着电影情节的发展而变化。所以音乐在电影中的作用不可忽视。
2、举例说明音乐美学在电影作品中如何与电影情节融为一体
在电影中音乐美学通过音乐来渲染烘托画面的情绪及气氛。一种是以此来加强画面所表现的事物的节奏特征，如火车奔驰、紧张追逐、风暴雷鸣、海潮起伏等；一种是以此来对加强对于辽阔的草原、晶莹的海底世界、科幻片中的外空间这些特定场景所作的色彩性、气氛性图景描绘等。
关于电影艺术与电视艺术之间关系的讨论从未间断过，笔者在本文中试图把二者的关系放在影视语言、历史和技术的维度之中，考察技术和媒介演进，并在媒介形式基础上的内同进行了考察，剖析电影艺术和电视艺术之间的关系。最后证明电影艺术与电视艺术是同一艺术形式在技术和媒介的作用下的不同发展阶段。
一、 将电影艺术和电视艺术的关系放在影视语言的维度考虑
对语言的理解有广义与狭义之分。狭义语言指的是人类自然语言，它是语言学的主要研究对象。广义语言则指所有具备某种信递功能的符号系统。从这个意义上讲，动物语言、身势语言、形式语言、逻辑语言、计算机语言、影视语言等等，均可视为语言，其种类可谓五花八门、数不胜数。本文的重要概念——影视语言，既不是广义语言，也不属于狭义语言。影视语言是广义语言与狭义语言合二为一的产物，因此兼备两者的特点。由此可见，影视语言是一种综合语言。具体讲，影视语言由画面语言与人物语言（人物对白，独白，旁白）两部分组成。画面语言是影视作品受众通过视觉解读的部分，而人物语言则是通过听觉理解的部分。因此，影视语言也可以称为视听语言。如果将一部影视作品看作一个文本，那么，影视语言是由画面文本与言语文本构成的有机整体。画面文本与言语文本又分别由大量子文本组成。画面子文本包括镜头、场景、段落等。而这些画面子文本又由利用各种角度拍摄的景别，即全景、远景、中景、近景、特写等构成。言语子文本则包括与上述画面子文本紧密相连的人物言语。这些子文本中的最小表意单位属于影视语言的“词汇”部分。
电影艺术和电视艺术的共同载体视听语言是没有本质的分别的。电影与电视剧，无论是画面语言还是人物语言，他们都是通过记录与表现人物特征或者通过记录故事情节的方式向人们传播一些思想与情感，通过视听语言达到和受众产生共鸣的效果。从这个角度来讲，电影艺术与电视艺术在本质上是没有区别的。
二、将电影艺术和电视艺术的关系放在影视艺术的历史和技术演进的维度考虑
亨利·布雷切斯还指出：“从技术上说，大众传媒技术越来越靠拢，呈趋同现象。从制作上说，电影、录像、电脑技术间的差异正在消失，从技术角度来区别电影、电视的不同在如今已失去意义。一部价格最便宜的高清晰度电视摄像机事实上就是一台电影摄影机。而我们学生们未来制作电影的方法将极大地依赖于录像和电脑技术。”
《第七艺术宣言》中把电影称为第七艺术，而自贝尔德发明电视以来，电视已愈发被世人认可为第八艺术，于是电视艺术的概念也随之产生并被广泛认可。影视艺术的关系，即电影艺术和电视艺术的关系。所谓电影艺术，是以现代科技为手段，从纯粹的视觉艺术演变为视听艺术，以声音和视觉形象为媒介来表现现实生活的人们情感以及视觉奇观等各种内容的一种艺术。而电视艺术，则是以电子技术为传播手段，以声画造型为传播方式，运用艺术的审美思维把握和表现客观世界，通过塑造鲜明的屏幕形象，达到以情感人为目的的屏幕艺术形态。我们可以看到，两种定义都是以媒介不同特征为定义的坐标。如果把这个坐标放在历史的维度中，可以看到二者的差别在消失。
1895年12月28日，法国鲁米艾尔兄弟在巴黎卡普辛路14号咖啡馆放映成功之后，电影诞生了。1924年，英国人贝尔德发明了最原始的电视机，用电传输了图像。二者之间相差了29年的时间。虽然一直有着电视严重冲击了电影市场的观念，但是他们现在依然沿着不同的轨迹发展着，并行不悖，相得益彰。在时间产生的先后顺序上，电影技术是先于电视技术的。电视的艺术表现形态是基于电影的艺术表现形态基础上发展出来的，因此说二者是同一门艺术的不同发展阶段。从技术诞生的先后顺序角度来说，电影是影视艺术的低级阶段，电视是影视艺术的高级阶段。但是随着科技的发展，二者的关系也在发生变化。
从传统意义上来说，电影是在电影院里投放的。影院以宽大的屏幕，高保真的音响，黑暗的观影环境的媒介特点营造了一个特殊的环境。观众能在众多观影者的影响和黑暗中达到一种“沉浸”的状态。现在借助于更高科技的3d技术更是将这种媒介特点发挥的淋漓尽致。电影艺术的特点总是依托于电影这种媒介形态的特点。电视艺术由于其屏幕小，音响效果不是那么出色，而且由于观看环境的限制，观众不能达到所谓的“沉浸”状态。媒介特性似乎在遥控着内容>文秘站:<。电视剧中播放的很少有奇观异景，大多都是以情节和情感取胜。但是以历史的关照我们也会看到随着技术的进步，电视机作为一种技术进步的产品，正在悄无声息的发生着变化：屏幕越来越大，清晰度越来越高，屏幕正在朝着电影的长宽比例演进。随着电视的变化，电视所表现的内容正在发生变化。比如在美国，像《太平洋战争》这样的上亿美元的大制作，是作为电视剧形式播放的，它可以作为一个典型的例子。而且现在流行于互联网上的美剧大多都是采用边播边拍的制作方式，而且画面的清晰度与制作手法都是以电影的标准进行的。电视制作人也多是之前从事电影制作的人，而且投资商不惜花费大量资金拍摄具有电影艺术特点的电视剧以赢得市场利润。因此，在现在技术发达的美国，电视这种媒介形式正在呈现电影艺术的特点。
美国电影理论家亨利·布雷切斯教授在《为电视制作电影：影视趋融最佳案例》一文中指出的那样：“在影视媒体目前演进阶段，我们最好不要把两者看成是相互分离的两种不同技术，而是看成制作、发行结合的实体，在美国和欧洲很多国家，很多从电视接收的节目实际上是由电影业制作的。事实上，所有的电影公司和电视节目制作人和发行人有着千丝万缕的联系。”我们可以以技术为基础，以媒介演进的历史为核心，假设电视的屏幕大小、清晰度等技术指标能达到电影的水准，那么电影艺术和电视艺术之间的差别将会消失。也就是说技术锻造的形式基础上的内容也会趋向统一。
三、电影和电视技术层面的趋同也会带来电影和电视艺术层面的趋同
电影艺术和电视艺术是依托于各自的媒介形式才呈现出自己的特点的。英尼斯在《帝国的偏向》中对不同形态的媒介具有不同的偏向性，媒介形式所承载的内容形式会影响到一个敌国的兴衰。以此思考，电视技术的发展会带来电影和电视内容的趋向同一。基于等离子或者液晶技术为基础的平板电视生产成本越来越低，普通老百姓对大屏幕电视的消费能力不是遥不可及的事情。3d效果的影片已经可以
一、电影艺术和电视艺术齐头并进的发展
在艺术的大家庭中，电影和电视是一对最年轻的成员。在所有的艺术门类中，也唯有电影和电视是我们迄今知道其诞生日期的艺术品种。尤其是电影与电视共同组成的一种文化――影视文化，对20世纪人类社会生活产生了巨大的影响。
电视的的起源比电影足足晚了半个世纪，他没有经历过向电影一样的“伟大的哑巴”时期。但电视的发展速度几乎是其他传播媒介无法企及的，随着科技的发展，电视很快追上电影发展的速度。
两者从起源之初就作为同一门艺术的不同表现形式，共同为社会带来了巨大的影响。一部优秀的影视作品，可以让人从中获得丰富的社会历史知识和生活知识，可以提高人们观察生活、认识生活的能力，可以培养人们高尚的思想情操和健康的审美观念，并从中学会如何区别生活中的真伪、善恶、美丑。一部庸俗、低级趣味的影视作品，也会给社会尤其是青少年带来极坏的负面影响。
二、电影艺术和电视艺术在竞争中互补
电影艺术和电视艺术在出现那天起便处于不断的竞争当中，这主要表现在电视的出现对电影播放载体的严重冲击，而在现实生活中，当电视对电影的冲击没有造成必须解决的社会问题是，这一现象便不会引起太大的关注。因此，这一问题就日复一日的循环下去，然而，随着时间的发展，部分学者发现，电影院入座率的下降跟电视并不存在本质上的联系，之所以出现这一困难，主要是因为电影院的服务和环境不佳所造成的。
而这种竞争同时也造就了电影艺术和电视艺术的互补。主要表现在，首先，信息传输的互补策略。主要指电视对电影的信号传输。其次，技术、艺术的互补策略。最后，宣传上的互补。电影可以通过电视的影响力宣传自身，以强化电影宣传对电视的渗透，电影利用电视宣传可采用广告宣传、新闻宣传、专题宣传等等。
三、电影艺术和电视艺术是同一门艺术的不同形式
电影艺术和电视艺术属于不同的艺术表现形式，它们有着不同的表意符号体系，这种固有的差异使我们不同将电影艺术和电视艺术混为一谈。但这种差异并不能看成是本体的本质上的差别。
（一）电影艺术和电视艺术是同一门艺术
电影艺术和电视艺术属于同一门艺术，在本质上有很多相似性和共同性。下面，我们就两种艺术表现形式的内在联系加以讨论。
1.电影和电视都是由影像构成的视听艺术。首先，两者都是流通逼真的画面。画面是影视艺术的语言，影视艺术在再现生活的流程和客观事物的运动态势时，给观众以身临其境的感受。正因为如此，才有活动的照相之称。影视艺术的画面，与镜头的长短有及其密切的关系。其次，两者都有独特的蒙太奇结构。这不仅创造了影视艺术独特的时空，而且丰富了画面的内涵。最后，两者所二次传达的艺术形象的定型化。影视艺术形象与观众的当场反应没有直接的联系，影视艺术观众的鉴赏态度和鉴赏心理都不同于其他艺术。
2.电影艺术和电视艺术都是一种文化产业。与传统的小说、绘画的艺术不同，电影、电视不是那种仅仅靠个人的想象与创造就能完成的的作品。他们需要进行社会化的集体生产，需要大量的资金投入和标准化、规模化的播出、放映渠道。从根本上讲，电影和电视都是一种在既定的体制下进行的集体创作，任何个人的艺术想象只能被纳入整个生产体系中才能够真正完成。
3.从艺术语言上讲，电影和电视都属于一种语言符号，他们具备符号系统的一系列语言特征，它与音乐、绘画具有同质性。影像语言中的事物永远是单一的事物。
4.从传播学的范畴来讲，电影艺术和电视艺术都是一种大众传播媒介。他们不仅向人们展示重大事件，而更多的向人们奉献奇观、趣闻、妙事。电影和电视艺术通过大众影院向观众传输各种信息，满足他们的不同心理需要。于此同时，完成对大众的精神向导。目前，还没有比电影和电视更普及、更逼真、有效的传播方式能够将其取而代之。
（二）电影艺术和电视艺术的区别
从本体上看，电影艺术和电视艺术同样存在差异性。
1.从审美特性上来看。电影艺术和电视艺术有其各自的美学特性。从表现手段上来看，电影比较注重画面的视觉效果。声音处于从属地位。比较中注重画面和场地的描写。从欣赏上看，电影的观赏更正规、严谨，电影屏幕宽大、空间广阔，给人的感受强大，有震撼力。从内容结构上来看，电影选材广泛，不论是生活事件还是历史事件都能当成素材。从理论研究上看，电影成熟期较早，理论研究更专业更深刻。相比来讲，电视艺术则是一种“新的概念”它是一种独立饿艺术形式，所以更重要的是一具电视艺术的本体美学属性，以全新的方法、全新的概念，系统的研究阐述，全方位的探讨。电视艺术的创作，要给观众独特的审美享受。
2.电影艺术和电视艺术运作的差异。首先，表现在物质载体的差异。电影所依赖的是摄像机，和胶带，而电视所依赖的是摄像机和磁带，这就决定了电影和电视在视觉表现上有很多的差异。其次，电影和电视的艺术构成有差异。电影包括动画片、教科片等，不过数量最多的还是故事片。电视除了人们所熟知的电视剧外，还有体育、综艺等节目都属于电视节目。最后，篇幅各有不同的长度。电影艺术的传播环境是影院，电视艺术则是家庭。观众在影院的时间不能过长，这是一个具有世界性的规定，太长了会使观众疲劳。
关键词：绘画；电影；绘画元素
绘画是一门历史十分悠久的传统艺术，早在原始社会时期的彩陶就已开始萌芽了，那时的早期原始人就开始了在粗糙陶器上进行对客观动植物的刻画，直到今日，绘画艺术已十分成熟了。而电影则是一门十分年轻的艺术，它是以绘画艺术为基础而发展起来的，从而绘画艺术被人们认为是电影艺术的母体艺术，而不同的优秀美术作品中的绘画表现手法及绘画审美独特的艺术角度为电影艺术的视觉形象打下了坚实的基础。
电影艺术是由每一个瞬间不同画面的构图、色彩、光影等元素构成的，一个优秀的电影导演在对影片画面处理上要有自己独特的艺术观点、角度及很深厚的艺术修养，才能创造出具有很强的视觉冲击力的影像画面及很生动感人的故事情节，从而体现出独特的电影艺术风格，由此可以看出一部优秀的影片是要以深厚的绘画艺术功底为基础的，它们紧密相连。
一些电影大师在电影创作里巧妙地运用绘画艺术的多种元素，让电影艺术更富内涵，从而体现很深的美术修养，电影不再仅仅是一个对人物对事件的述说，更多体现了一种艺术美。如前苏联一位天才导演格拉杰诺夫，同时他也是一位画家，他在导演影片的过程中，就非常好地运用了绘画艺术的原理，对影片中各个场景里的布局、道具都进行十分合理的安排，从而影像结构巧妙而均匀，影片画面中所运用的色彩也采用了绘画艺术的技巧及表现手法，从而使影片中的色彩艳丽、明快，布局和构图自然而和谐。日本电影大师黑泽明在幼年时就开始学习传统绘画技法，从而深受日本国传统绘画的影响，他所拍摄的影片古朴、纯净，具有十分传统的气息，他对影片里的画面构图也十分讲究，在拍摄之前画好镜头画面的各个场景及简单色彩。有时候在他拍摄影片的过程中，他甚至要求演员按照他所描绘的构图中站在指定的位置来表演，这种严谨的态度，使黑泽明所拍摄影片中的画面在构图上十分均衡，从而使观众在观看影片过程中有很舒服的视觉效果，同时由于他对日本传统绘画的深入了解，让他的影片作品拥有深厚的日本传统气息。
通过以上的这几个例子，更加深刻地让我们意识到绘画与电影的紧密联系，它又彼此影响，当然在这个相互交融的过程中，绘画艺术处于一个相对重要的给予的角色。
首先。绘画艺术中的画面色彩在电影中的呈现。
色彩是一个绘画艺术作品基本元素之一，同样它也是电影艺术的重要元素。我们之所以能看见色彩，主要有两个客观物理的原因：其一，光，即是指太阳光。上帝创造了我们，又创造了地球上的一切，同时又给一切赋予了美丽的色彩，色彩即便是再美丽，没有了太阳没有了光，黑夜里我们是不会看见色彩的；其二，眼睛，有了色彩有了光，如果我们没有一双明亮的眼睛，色彩再美丽，阳光再明媚，对于我们来说都是暗淡的。美丽的色彩由于它给我们不同的视觉效果而产生不同的心理感受，通过这一方面，我们把色彩分为冷色、暖色；由于不同的明亮程度，我们又把色彩分为高明度色彩、中明度色彩、低明度色彩；由于不同的色彩饱和度，我们把色彩的纯度分为高、中、低。
绘画作品通过色彩的不同明度、纯度、色相，去表达作者的思想感情，把自己的内心感受运用色彩去传递给观看者，去感染观看者，比如，画者想要给人激情的感触时，画面会采用明度稍中、饱和度饱和的暖色的色彩，比如说红、橙、黄，这三种暖彩会准确地传递画者的感受，《花样年华》的电影海报就主要采用这两种色彩，体现了电影中主人公炙热的感情，深切让我们感受到影片中的一段对白“在时光流逝前，好好地再依恋你一段”，准确表达了影片中主人公深沉的爱恋。当一个画面想要给人传递理性、冷静、严峻的时候，画者多会采用冷色调的色彩，如《辛德勒的名单》的电影海报，所用颜色主要是无彩色系的黑、白两色，准确传递了画者所要传递的思想感情。色彩在任何艺术中都具有非常的表现力，电影当然也不例外，色彩是表现作者浓烈感情最有效的无声语言，犹如一把利器，穿破我们外在的面具，刺入我们心灵最深的地方。
不同的色相、明度、纯度的色彩能赋予画面不同的思想感情，同样地，它也是影片剧情、感情产生的有效手段。同时也是制作人审美特点及绘画修养的一个深刻反映。影片《十面埋伏》中出现很多竹海的景象，大片大片翠绿的颜色，让我们观者心旷神怡，同时也预示着在这宁静的竹海中将会有一场厮杀；《满城尽带黄金甲》中，导演大面积地运用了黄色，如皇帝、皇后及王公贵族的穿戴、各种饰物、各类服饰、官兵所穿戴的战袍、手中的兵器包括宫中的各种生活器皿、各种装饰品都运用了不同纯度和明度的黄色，黄色这一颜色既是皇权的象征，又和片中所要体现的“黄金甲”相符合，同时又是片中情绪的宣泄，可见色彩的选择在一部影片中至关重要。电影画面色彩的表现力也常体现在服装方面，如《雷雨》中塑造了一个对现实生活不满的繁漪，她渴望自由、独立，同时又深深渴望爱情，但客观现实与她的愿望相差甚远，影片中的服装从淡淡的紫到后来越来越深，这个色彩的运用及紫色明度越来越低的变化正与她心灵中越来越多对生活对爱情的绝望相吻合；在影片《花样年华》中，女主人公在片子中换了将近几十套的旗袍，不同的花样不同的颜色，以此来表示女主人公内心世界的丰富多彩，对爱情的深切渴望，在整部影片色调上的把握，导演王家卫采用了明度很低的色彩去表现，没有运用明度很高、纯度很高的色彩，这种很暗淡的色彩，很符合影片中人物的情绪，也很符合当时社会的现状。由此可见，电影中的色彩和绘画中的色彩一样，不仅仅是客观生活的再现反映，同时也是艺术的体现。
其次，绘画艺术中对人物、动物、植物的塑造表现方式在电影中的呈现。
在绘画艺术中，美术家为了更充分地表达自我的情感，除了运用色彩来表现，还常采用变形、夸张的艺术表现手法去对客观人物、动物、植物的外形进行描绘，从而更好地传递美术家的内心世界。西方著名现代派画家毕加索的画中我们常会看到这种表现手法的运用，比如他的作品《牛》，第一张画的是一个很写实的牛，它的外形、比例和现实生活中的牛一致，但之后每一张对牛的刻画都进行了变形的处理，直到最后一张把牛抽象成了几个几何形的组合，画面对牛的复杂外形进行了高度概括的处理。让我们对生活中牛的形态有了一个新的观察角度，有了新的认识理解。
电影艺术这一种新的艺术表现形式是在绘画艺术的基础上发展起来的，是绘画艺术的子艺术，所以在它的表现手法中自然是离不开绘画艺术中的对人物、动物、植物的 表现塑造方式，在电影艺术中处处体现了绘画艺术的绘画表现形式。
这方面的体现在动画影片中体现较多，比如国外十分受小朋友喜爱的《小鸡快跑》讲述的是在一个农场中，农场主想把鸡舍中所有的鸡都杀掉，小鸡们就运用智慧创造了用飞机逃跑的故事，影片中对鸡的形象塑造也使用了绘画艺术的表现手法，首先对鸡的外形作了拟人的处理，给鸡穿上了衣服，母鸡戴上了农家妇女戴头顶的头巾，其次对鸡的外形作了夸张的处理，如影片中有一只自命不凡的公鸡，为了表现它的这一特点，对它的外形上作了相关的艺术绘画处理，采用了夸张的绘画艺术手法，把鸡脚刻画得很大以及它的胸脯刻画比客观鸡形象比例大，这一系列的夸张绘画手法都是为集中表现这只公鸡的自大的性格特征；又如在《超人总动员》中，影片中的人物都采用了夸张、变形的绘画手法，影片中人物的头、四肢、身体都不符合我们现实生活中人的正常比例，头部刻画得比正常比例大，身体相对比较瘦小，它的这种绘画手法的运用，使影片中人物在外形上更能吸引观者，因为我们看到影片中反比例反常规的人物形态，从而在视觉上更能吸引我们观看者；《冰河世纪》中，对影片中动物的刻画也采用了绘画艺术中的夸张、变形的表现手法，在创作这部影片前期，美术工作者做了大量的绘画投入，画了很多影片中动物的图片，反复做修改，其中大象的形象就集合了多种动物的特征，头顶还采用了拟人的夸张手法，作了一团头发的绘画处理，从而让片中大象的形象更加生动、可爱。
绘画艺术中构图意识元素在电影中的呈现。
一幅画要去表现画者的内心世界同时又要感动观者，除了运用画面色彩、夸张的外形塑造外，还要有绘画艺术的构图的运用。在我们传统的绘画艺术中，画面构图比较传统，它追寻的是一种不偏不倚、均衡的视觉美，这种均衡的构图方式常带给人一种宁静平和的心理感受，在中国传统国画中运用比较多，如徐悲鸿的《马》、齐白石的《菊》等，这些画面构图传统均衡，传达一种文人的内心宁静的艺术情怀；但在我们现代的绘画艺术中，画面往往打破传统的构图方式，不去遵循构图法的常规，而去追寻一种强烈的艺术视觉效果。
在新的电影艺术中每一个呈现给我们观众的影像画面，都运用到了绘画艺术中的构图意识，一是传统的画面构图，表达均衡的艺术视觉效果，另一种是现代的画面构图，给观众十分强烈的视觉冲击力，从而在视觉效果上更加吸引观众的眼球。
在电影艺术中运用传统的画面构图的表现形式，多运用在一些文艺片和爱情片里，如张艺谋导演的《山楂树之恋》这部影片，它描述的是一段很纯的恋情，里面没有掺杂金钱、地位任何世俗的东西，片中女主人公静秋单纯，“老三”执著而热忱，一种让人人内心都感到而又渴望的爱情，影片故事情节缓缓向人们道来，述说着纯真年代纯真的爱情，所以导演在整部影片影像构图中采用了传统的绘画构图形式，影片中每一个画面影像构图均衡而又和谐，这种采用传统常规的构图方式，更加有力地体现了那个年代的整个社会气氛及对当时人们内心的反映，更加突出了片中所要表现的爱情的真挚。
[摘要]文学剧本是电影艺术的“母体”，电影的创作应该注重其特有的文学性。然而近年来电影制作的商业化气息越来越浓厚，与此同时电影的文学艺术性也大打折扣。本文认为应该从电影的含蓄性、语言以及思想主体等方面加强电影的文学性。
[关键词]电影艺术；文学性；加强
[作者简介]李鸣，南京特殊教育职业技术学院讲师，硕士，研究方向：中国古代文学
电影和文学作为两门各自独立的文学艺术样式，有着彼此不可替代的艺术特性和思维规律。电影作品是以导演为中心的摄制组集体创作，是作用于大众感官的视听艺术；而小说则属于个体创作，是作用于单一读者的想象艺术。后者通过文学描绘，可以反映既丰富又复杂、深度广度兼具的社会生活内涵，在突破时空限制、刻画人物细腻心理等方面也十分灵活、自由；前者则以身临其境、感同身受的影像魅力见长，有些蒙太奇段落所蕴涵的意象性多义性和信息量，又是任何文学语言难以表述、无法媲美的。
但是，电影和文学同为叙事艺术，天然地存在着某种难以割舍的关系。古往今来大量优秀的文学作品，为渴望最完美地发挥电影特长的艺术家提供了多姿多彩、游刃有余的“半成品”，使导演们得以从中汲取素材、灵感和文化底蕴。而相当一批融人了导演对社会、对人生独特体验和天才创造力的优秀影片，也使得文学原著及作家陡然扩大了影响。
尽管电影的发展离不开文学性，尽管电影与文学的结合曾经碰撞出不朽的经典，但如今我们面对的却是这样一个严峻的现实：当下中国电影的创作正越来越缺乏文学性。如果把电影与文学比作两条相交的波浪线，我们可以这样认为：虽然它们有着各自的发展路径，但二者又呈现出很有规律地交叉状，交结点就在揭示人的内心世界、探索人性的复杂上。而现今我国电影界的发展状况正显示，自电影与文学结合以来，这两条波浪线间的波峰距离已然达到了历史之最，隐然有了分道扬镳的迹象。时下的电影艺术创作由于商业化的过度炒作，已经完全定位在票房记录和追求感观刺激，和70至90年代的电影相比，时下的电影艺术在很大程度上是缺乏文学性的。
加强电影艺术的文学性，丰富电影的文学意蕴，是一项复杂的系统工程，渗透到电影创作的各个层面。这一工程要考虑的首要因素便是观众，因为电影只有被观众接受其艺术价值才能得到充分彰显，而观众爱看什么样的电影本身就是一个难以回应的问题。针对近些年一些被人们热议的电影缺乏文学性的现状，电影创作中应该重点从以下几个方面来加强电影的文学性。
第一，注重电影的含蓄美。文学作为语言的艺术，在情感抒发和动作表现时都具有比较间接和含蓄的艺术特点，这种含蓄蕴藉的艺术表现更是中国文学的重要特征。作为视觉、听觉艺术的电影与之比较当然有很大的不同。画面空间的直接性，视觉色彩的生动性，叙事方式的直觉性，人在运动时空中的活动性，都显示了电影艺术表达生活的直接和外在特点。但是，这一特点并不妨碍电影艺术适当借取文学艺术的特点，将生活和情感表现得含蓄委婉一些。这不但能够将文学韵味融入电影艺术之中，增加电影的艺术魅力，而且也能增加观众的思想参与和艺术回味，从审美接受上促动观众的审美积极性。
第二，注重电影的语言美。艺术是表现生活的，而这种表现并不是简单的原生态生活的照搬，而是生活的诗意化呈示。电影艺术也是如此，电影是生活在屏幕上的直接再现，它要求人物语言具备完全的生活化特点，这一点是电影语言的基础。但是作为艺术，它所表现的生活，也应该是有所提炼、有所修饰和美化的生活。在这方面，适当借鉴文学语言的优点和长处，使人物语言更具个性化、更具美感，是非常有必要的。可以说，对电影语言的适度提炼和加工，增强其语言的表现力和感染力，是拓展电影艺术魅力的一个重要手段。
应该说，对此电影界已经有所自觉，并做了很大努力，也取得了丰硕成果。如《可可西里》、《暖》、《孔雀》和《暖春》等作品就表现出对语言艺术的较好把握，它们的成功，与其精致优美的语言艺术不无关系。至于前两年出现的电影《卧虎藏龙》，也明确表现出有意识的追求语言美的倾向，《天下无贼》在语言的诙谐幽默等方面也做了很大努力。我们不能说它们是完全成功的，但是，它们有这个追求，就是意识到了电影语言美的重要性，其方向是值得充分肯定的。然而这样的电影毕竟只是少数，缺乏语言美感的电影仍比比皆是。电影语言缺少美感主要表现为人物语言逻辑混乱，严重违背语言规范；粗俗粗暴语言、调侃用语使用频率过高；当下时尚用语任意运用，不考虑特定语境。这种缺乏基本文学性的电影是难以给观众带来审美愉悦的，遭到观众拒绝和远离是其必然的结果。
第三，注重电影的思想美。电影的文学性对一部电影体现的主题和思想是至关重要的。电影是以直接的艺术形象表现生活的，形象的真切和美是它的突出特点。但是，如果电影仅仅只具有这一特点，而忽略了对于思想和精神的表现的话，那显然要严重损害电影的发展。在电影艺术的发展中，加强电影艺术和文学的联姻，适当吸取比较侧重思想内涵表现的文学艺术的特点，丰富电影艺术的思想内涵，使思想美真正进入电影艺术中，绝非多余之举。
【关键词】传统文化元素；电影艺术；镜像呈现；价值观
中华文化博大精深、源远流长，在漫长的历史演变过程中，演变出了丰富的文化样态，诞生了无比多样的文化元素，这对于推动我国优秀传统文化发展产生重要意义。中华文化以广博的艺术形式、深厚的哲学积淀和多彩的文化表达，散发出耀眼的光芒。传统文化元素在电影艺术中的有机融合和巧妙植入，极大地拓展了电影艺术的视觉呈现效果和艺术张力。本文将重点对于传统文化元素在电影艺术中的有效渗透进行有效地解读和深度分析，从而充分探讨传统文化元素与电影艺术的契合点，从而更好地实现传统文化元素的创新表达，不断延伸电影艺术的底蕴和气质。
一、传统文化元素的具体表现形式
我国悠久历史中积淀下来的传统文化已经融合到每个人的言行、生活、工作中，这些独具特色、各有千秋的传统文化元素是中华民族每一代人智慧的结晶和传承。中国传统文化元素博大精深，是我国通往世界的一张名片，具有极大的艺术魅力。从组成上来划分，中国传统文化元素总共分为三大类：第一类，艺术类传统文化元素。艺术类传统文化元素包括琴棋书画等以艺术为载体的文化元素样态，比如笛子、二胡、古筝、箫笛、鼓、古琴、琵琶；中国象棋、中国围棋，棋子、棋盘；中国书法、篆刻印章、文房四宝（毛笔、墨、砚台、宣纸）、木版水印；国画、山水画、太极图等，这些形式的艺术中都蕴含着丰富的文化元素。比如以绘画为例，中国绘画会以工笔及写意等技法来描绘山水、花鸟、鱼虫，能够在艺术创作的过程中充分展示出中华民族的审美意趣和民族精神[1]。绘画形式所展现出来的传统文化元素能够充分反映出中华民族对大自然、社会及宗教、政治等各方面的认知。中国绘画最大的特征是十分注重塑造意境，讲究以形写神、画尽意在，强调意和神的完美契合。绘画中的传统文化元素并不拘泥于条条框框，而是讲求洒脱和自由，能够让观者在无形之中感受到创作者充满韵律的内心世界。第二类，文学类传统文化元素。文学类传统文化元素包括诗词曲赋、经典名著、古典戏剧、语言文字等等，比如《诗经》《楚辞》《西游记》《红楼梦》《牡丹亭》《三国演义》《水浒传》《聊斋志异》等都属于文学类传统文化元素的代表。比如，书法、汉字在中国传统文化中也占据着十分重要的地位。汉字是历经数千年历史变迁唯一仍然在使用的象形文字，囊括着中华民族深厚的文化底蕴。书法艺术在中国传统文化中同样占据着十分重要的地位，世界上没有哪一种文字的书写可以像汉字书法一样发展为一种独具特色的艺术形式。在书画艺术漫长的嬗变历史中，书法凭借其独特的魅力，淋漓尽致地释读出中国传统文化的内涵[2]。第三类，社会类传统文化元素。中国传统文化无处不在，传统亭阁牌坊、园林寺院、《黄帝内经》《针灸甲乙经》、太极拳、咏春拳、武当拳、红木家具、景泰蓝、中国结、泥人、面人、中国漆器、彩陶等构成了社会类的传统文化元素。诸如篆刻、剪纸、陶器、春联等形式也是对我国古代生活的一种呈现，能够展现出古代文人墨客的精彩生活以及古代庄严肃穆的祭祀活动。装饰品中的构图和线条搭配能够实现整体和局部之间的有机结合，协调地展现出我国古代人民的真实生活场景。又比如大红色也是独具中国特色的一种文化元素。在中国传统文化中，红色象征着喜庆与热情，能够真正体现出传统文化中儒家思想的核心，即独善其身、兼济天下的使命与侠义[3]。诸如春联、剪纸、中国结等其他传统文化元素也都使用大红色来传递喜庆、和谐的浪漫气息。
二、传统文化元素在电影艺术中的有效渗透
（一）回温民族传统，实现传统文化元素与电影艺术的融合在电影美学艺术中，通常具象化地去展现传统文化符号，从而在荧屏中营造出一种文化意境，让观众在影像的传递中感受到电影中蕴含的思想和价值观，让观众在潜移默化中感受到传统文化的熏陶和影像。《霸王别姬》，展现了一场淹没在旧时光里的繁华；《金陵十三钗》中的“她们”勇敢、坚强、细腻、出色，展示了中华民族千年传承过程中宝贵的坚定品质；《一代宗师》中，人们看到了中华传统文化中独特的江湖文化，一招一式一武林，一山一人一世界；《哪吒之魔童降世》中的经典“哪吒”形象唤醒观众的文化情怀；《匠心》为人们演绎了中华民族文化不朽的匠心精神；《白鹿原》中的秦腔、《百鸟朝凤》中的唢呐、《红高粱》中的陕北民歌以及《刘三姐》中的山歌都是对民族文化符号的具象化表达，能够在电影的叙事过程中渲染出独具魅力的气氛，增强影片整体的艺术感染力。不管是有形的符号，还是抽象的民族精神，都是传统文化元素的有力表达，其通过强烈的视觉冲击和美学冲击来展现民族文化的独特魅力，加深了影视作品的艺术效果，同时也在一定程度上推动了民族文化的广泛传播，这对于提升传统民族文化的影响力具有无比重要的促进意义。
（二）把握时代价值，将之融入电影艺术创作中去在电影艺术中呈现传统文化元素必须紧紧依托于叙述结构，融入电影的人物关系和故事情节中。借助电影光影化的视觉符号以及跌宕起伏的故事发展变化，观众能够在无形之中感受到电影屏幕所传递出的时代特色以及生活印记。例如在《一个人的皮影戏》中，揭示了传统文化被现代影视和现代娱乐方式所替代的现实，此时皮影不单单作为传统文化的象征而出现，同时还具有极强的时代意蕴，透过这部作品，可以回温一流的皮影手艺，形态各异的皮影在老艺人笔下复活，彰显出独特的艺术魅力；《黄飞鸿》中，镜像表达采用大面积的色块来带给观众一种非常强烈的视觉冲击感，借助浓墨重彩的色调搭配让观众感受到民族生死存亡间的强烈震撼。该部影片使用乌云密布的镜头画面来传递那个时代的特有元素，即清末民初之际，中华民族备受凌辱时代背景。
三、传统文化元素与电影艺术的融合发展
中国优秀传统文化源远流长、生生不息，不仅包括文化类、艺术类、社会类等多样化的传统文化元素，更主要的是在历史积淀中所传递下来的伦理道德、价值观等无形的文化价值。在新的时代背景下，必须要实现传统文化元素与电影艺术的融合发展，从而向观众传递出中华民族的爱国情怀和文化精神，从而利用这种无形的力量把民心凝聚到一起。
（一）深入挖掘传统文化体系中的精神文化五千年历史积淀出的传统文化固然要继承和发展，但是随着时代的发展和社会价值观的变化，传统文化理念也要跟随社会主流与时俱进地发展。在我国从不缺少弘扬主流价值观，体现民族精神的优秀电影作品。这些电影作品蕴含的传统文化元素，能够在时展的过程中不断激励每一代人去传承和弘扬中华民族的优秀传统文化。例如影片《推手》为人们展现了亲情与爱。吴淡如曾说：“家的概念与贫富无关，和房子无关，他只和你生命的意义，生命的感觉有关。”“孝”是中华民族的传统美德，它是一份责任，更是一种对于爱的肯定。
[关键词] 电影音乐;音乐形态;审美情趣
我们在感叹被影片《2012》震撼的同时,思考和重新审视着我们的审美观念。我们看到,音画形态高度完美结合的《2012》,对人的思维、视觉感受,产生了空间上质的飞跃。它已经超越了原有的以激发人的情感来达到和满足人的审美视觉的影片。其电影艺术“形态”本身已经超越了自身具有的审美价值,提升了人们对新的音画形态的认知和审美情趣。该电影画面制作的精彩与音乐形态的完美结合,以及人物的情感色彩的展现,增加了电影音乐的形态表现所传达的音乐的内在情感,更加突出了影视效果和意义。
纵观影片的音乐与情节,以及音乐画面的相互制约紧扣、景象连生、一环扣一环,充分体现了在音乐、情节、人物、画面结合下的影片效果与含义。综合了思想性、艺术性、情感性、观赏性于一体,使观众在置身音乐形态的感受中,对画面的展开与视觉效果有了更深的感受与期盼。由此也改变了人们的思维与想象,真正体现出电影艺术的价值,好像在那一刻忘记了音乐所带来的效果而置身于情景之中。此时的音响形态已经超越了自身的效果,而置身于画面的整体效果,已经被画面紧紧吸引,忘记了一切。这种新的音乐形态的审美,已经被电影艺术的表现形式所融化,此时人的审美已经完全被场面中的影像效果与音乐形态效果所净化。回眸时总在思考,为什么你的思维已经飞跃时空的屏障,使你的心灵得以碰撞……
一、电影音乐形态中的情感审美
音乐作为根植于文化背景下的一种特殊形式,当它作为一种传播媒介运用于电影艺术,就使得电影的动态环境更加人性化,更增强了其感染性。因为,人的心灵是通过情感的外化获得表达的,其音乐形态必然与人的千丝万缕的情感休戚相关。电影艺术的发展也正是基于此目的,使动态行为与音乐形态相互融合,加之数码时代的到来与高科技的飞跃发展相结合,重新诠释了电影艺术的价值观念。
一方面,音乐将人的情感的内在心理体验,以其特有的形式予以表现。电影艺术是以影像为手段,蕴含的丰富的情感因素,来自于剧情的需要发展,依附于人物、环境、表演之中。因为,情感审美是一个人的情绪、心理反应得到转移,这个情感转移恰恰是影视艺术的目的,它是人的“精神文化”营养与需要。所以,电影的动态与其音乐形态的结合,恰恰是人类获得“精神文化”的需要和满足的最佳途径。
另一方面,电影音乐形态以其特有的精神内涵引导着人的情感体验,并通过音乐中的情感表达实现精神的外化。音乐魅力的核心在于提升人们的情感境界,即一种“艺术精神”世界,这种艺术精神是对自然、和谐以及美感的追求与呈现。从知识论和社会文化影响的角度来看,“中国艺术倾向于人文,西方艺术倾向于科学,形成各自对人文精神与科学精神的偏重”。[1]11对于运用音乐来表达情感和审美,中国的音乐总是体现和表示某种人文精神与情感,并且通常通过音乐的渲染与引导的作用达到人们精神与审美追求。西方音乐由于受社会化环境和发展路径的制约,其音乐常常被视为这种特定环境下的人们对情绪的宣扬与表达,或者是纯商业化的运作,追求科技化与超前意识领域里的标新立异。近些年看到,我国电影艺术在秉承人文精神的同时正在逐步与国际接轨,新的理念已经渗透在一些国际化的商业大片之中。
人们可以在创作音乐、聆听音乐、感受音乐的过程中,直接感受到音乐所包含的情感内容,以及喜、怒、哀、乐的情绪体验。这种情感与心理反应在电影动态与其音乐形态的方式中渗透,使人们感受到了电影艺术与音乐艺术相结合的魅力。诚然,音乐本身所蕴含的丰富的情感因素,以及影音之“艺术精神”所引导的情感体验,这两者相互融合,达到满足人的情感外化的需要。而音乐之所以在这两个方面能满足人的情感外化的需要,是由音乐的性质及其表现的形态所决定的。因为音乐与电影的元素存在共性,音乐的音高、节奏、节拍、旋律的起伏与电影人物、画面、情节、发展是相互融合的,对人的内在精神追求有着天然的一致性。
此外,以叙事为主题的电影有了新的发展,即由电视剧来戏说。总体看电影艺术的发展方向,向着高层面的技术化、科技化、知识化、理性化方向发展,并且更加注重大众的观赏性和审美视觉。但是,我们从聆听与感受《一条大河》亲切质朴的音调,《台》的缠绵与悠扬的同时,体会到音乐旋律唤起人们情绪的起伏,由此而产生的审美情趣不变,也就是人们在音乐形态下的情感审美不变。
二、电影音乐审美的立足与发展
电影音乐的审美是视觉与音乐结合的共同产物,二者共同存在于一种集合动态之中。电影艺术离不开音乐的动态化效果,其存在价值与上升的空间需要通过音乐的动态化才能得以实现,二者相辅相成。作为一种传播媒介电影与音乐共同创造“美”的特性,并且以此来完成“美”的形态表现。
“音乐的存在首先是音乐行为的存在,即操作行为与参与行为两类。所谓操作行为指的是音乐技术上的操作行为,音乐参与行为指的是所有与音乐活动相关的行为”[2]271。电影这种艺术形式恰恰为音乐所需要的行为与动作要素提供了最佳的模式。影片画面的层次与推进和音乐节奏因素的吻合,直接影响人的音乐视觉与听觉的审美,使人产生对二者行为动态表现的美的感受。在影片《2012》中,我们充分体验到一种实现艺术的,强烈的美的震撼之感。
音乐的审美始于音乐模仿自然音响的混沌状态时主体而产生,即音乐模仿自然音响为美的狭义解释;另外,以人物动态、性格、情感模仿为主导思想的审美思想。音乐情感在承认人类情感是自然的一部分的同时,更强调人类的情感是受外界自然音响刺激和模仿的产物。情感说的一派主张,音乐所表现的情感是内在的自我意识的表现,人的意识深处本能的对美的追求,是促成画面与音乐合成一体的重要因素。可见,音乐情感强调的是人性化的理论,揭示人的内心世界在音乐中的地位。音乐愉悦说强调的是音乐传达过程中的愉悦、娱乐效果,其对象是以社会中的大众化、通俗化艺术阶层的欣赏、评论、审美为目的。卢梭则定义音乐为“将声音组合成悦耳的东西的艺术”[3]37。音乐将电影与人的感观反应联系起来,由此给人的审美带来深远的影响。同时,正因为音乐强调对人的感觉,从而更突出了电影艺术的人性化色彩在音乐中的体现。电影艺术的发展与审美总是不会脱离人性化的主体特征。因为,人是艺术创作的主体,电影与音乐是人的视觉与听觉结合的最佳艺术形式。
审视当今中国电影艺术的发展不难看到,西方艺术审美理念已经渗透在影片之中。我们可以看到很多影片在立足感性审美的同时,突出地添加了理性审美的成分在其中。其实,西方艺术在音乐艺术精神发展路径上与中国大相径庭,其中一个主要的原因在于西方哲学观是一种受几何学、原子学等科学影响深远的哲学观,当它影响到西方音乐艺术精神时,其影响的程度与内容已因为主体及内核的差异而不可能相同。在主体上的不兼容,毕竟自然科学与艺术在思维方式、技术含量、知识基础要求等方面有巨大的差异,主体上的不兼容看起来会导致西方艺术在西方社会的发展因素中起主导作用的科学影响的程度有所降低。但西方社会的内核――作为科学存在基础的形式逻辑思维方式,却依然深层次地影响了西方艺术与审美的发展。
三、电影音乐审美的行为导向
当今电影艺术已成为主要的社会文化内容之一。人们通过观赏各种类型的影片,达到自身欣赏和审视电影的整体艺术价值的目的,由此产生对人的审美、性格、情感、心理、感官意识、世界观、人生观等因素的影响,这是人现实的社会生活的直接体现。其中最主要的途径之一是音乐审美对人的行为起到了导向作用,并由改变人的行为而改变人的生活。其音乐创作与贯穿、围绕和代表艺术作品创作者和音乐创作者对生活、对情感、对人生、对世事等的理解,并通过影片传达给大众。当创作者使自己的作品观念化的时候,音乐作品已不再以自身存在的意义与价值为指向,其观念化了的作品自然会以作品中的观念传播给大众。电影的观赏性在于符合大众的审美视觉与自身的创新行为与大众的思维想象的一致性,达到了这种“一致性”,其艺术化、观念化、音乐化的理念与审美价值才会被大众接受和欢迎。其中,最基本的条件就是达到艺术作品的整体的“一致性”。
影片《2012》的音乐形态与行为动态的结合堪称完美精湛,更是让人赏心悦目。人们在欣赏和感受一种惊心动魄的同时,又恰似身临其境,之后更会回味无穷。由此,总让人联想起《泰坦尼克号》和那首魂牵梦绕的《我心永恒》,壮观的场面与凄美色彩的音乐,就像幽灵引导着你,在大海上漂游。影片《2012》的创作,跨越了陆、海、空三个层面,较之《泰坦尼克号》的大海畅想曲,内容更加丰富,更增加了观赏性。两部影片的结尾,均表达了人类“爱”与“生”的永恒。这两部影片的成功,符合了大众审美的观念和思维意识下的基本标准,其创作理念及内涵与大众达成了一致。
此外,现代大众对艺术流行元素审美的视觉也在发生改变,艺术偶像的形式与思维模式观念与其存在方式也正在趋于新的发展之中。其观念与标准通常是艺术家的观念,依赖于其见识的品质、对艺术的领悟、揭示艺术的特殊能力等要素,但其最重要的影响要素是艺术家的文化背景以及在特殊文化背景下形成的文化观念。虽然不同文化背景与文化观念影响下形成的观念不同,但是从审美视觉来看中西方艺术家的影视作品,当代艺术审美的差异在逐渐地接近。
中国的艺术作为强调线条感的特殊艺术,它与音乐及诗词曲韵之间具有深厚的渊源相关,具有表现刚、柔,清新脱俗、妩媚大方等丰富情感和内容的能力。我国的音乐自生成之初就形成了一种人文化的非几何化线条,常自由穿行于时间、节奏中,即便是多声部旋律线条,也不像西方音乐旋律线条那样,拘泥于几何空间与和弦对位――“光影透视的立体设限”[1]4。艺术就是一种创造,这种创造是人在技术制作的过程,这种制作技术就限制了人的行为,使其具有确定方向性质的导向,其实也是一个审美过程与审美导向的形成。
总之,电影音乐自身的审美功能不可扩大化,其音乐形式应该立足和体现影片的本质,将声、像结合效果与人物表演相融合,把握人性化因素的感召力,使之更好地体现人的审美情趣,这也是人们需要与期盼的。电影音乐形式对于推动新世纪音乐风格流派和丰富电影艺术的多样化发展有着巨大的推动作用,电影音乐已经成为电影创作不可分割的一部分,音乐的可塑性与人性化因素增强了电影艺术的感染力。这是两种艺术形式结合的共同点,都在追求的审美理念的人性化。
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[关键词]声乐艺术；电影；积极作用
声乐艺术的特征性分析
所谓声乐艺术，通俗地说就是歌唱艺术，是指歌唱者以人嗓为工具，进行歌唱的艺术形式。声乐艺术有着自身鲜明的艺术特征。首先是情感性，《乐记》中记载：“情动于中，故形于声。”意思是说当人们情感受到了触动之后，就会不自觉地歌唱起来，以表达和抒发自己的情感。或者说，任何形式的歌曲都是一种情感的抒发，不含情感的歌曲是不存在的。其次是叙事性。歌曲和器乐在形式上最大的差别就在于，歌曲是有歌词的，且歌词本身就是一门独立性很强的艺术。或者是一个事件的描述，或者是一段景色的描写，又或者是一段情感的抒发，等等，歌词创作者们创作出了歌词之后，歌曲就因为歌词的存在，而有了叙事性特征。再次是感染性特征。一些优秀的歌曲，总是饱含着创作者们的深情，在此基础上，用精湛的音乐创作手法，将这种情感以歌曲的形式传递给听众，从而让听众获得感染，收获了与观众的共鸣。声乐艺术的这三个特征，同时也是其在电影音乐中的重要作用。因为艺术之间都是相同的，声乐艺术可以抒感、说事说理和感染观众，电影艺术也同样需要类似的艺术效果。这种一致性让两者的结合变为了可能，并且一起配合，出色地完成了情感抒发、叙事和情感共鸣等艺术过程。
声乐艺术在电影中的积极作用探析
抒发人物的情感，突出情感的主题
影片人物的情感，就是指影片中的人物，在影片所营造的具体环境下发生的各种的、一系列的情感变化。因为电影是一门强于叙事的艺术，所以在人物情感的刻画方面并不见长，但是情感的刻画又是电影创作的根本目的之一。这种情况下，就需要有一门强于抒情的艺术，和电影相配合，从而推动片中人物情感的抒发。而前文中提到，声乐艺术正是一门最为常见的、有着广泛群众接受力的抒情艺术，很多影片画面所不能表达出的情感，与声乐艺术结合之后，就会迎刃而解，且为影片增色不少。声乐和电影结合，突出人物情感刻画的例子比比皆是，甚至成为一个重要的创作技巧。要想让主人公给观众留下深刻的印象，就为其量身定做一首声乐歌曲，让观众的情感体验和情感抒发更为强烈。
中国电影史上，在20世纪五六十年代中，几乎所有的电影中都有歌曲，或者是主题曲，或者是插曲，一时间获得了电影和歌曲的双丰收。1953年，当时的中央电影局专门组织已经在电影音乐或电影歌曲创作中取得很大成就的雷振邦、王云阶等人担任教师，负责对国内的音乐创作者进行集中的培训，这批参加培训的电影音乐人，今后都成为电影音乐创作的主力军。主要作品《上甘岭》的插曲《我的祖国》；《铁道游击队》中的《弹起我心爱的土琵琶》；《英雄儿女》中的《英雄赞歌》；《冰山上的来客》中的《怀念战友》《花儿为什么这样红》；《柳堡的故事》中的《九九艳阳天》；《咱们村里的年轻人》中的《人说山西好风光》等。《上甘岭》中，卫生员王兰在战斗的间隙，在坑道里，一边为战士们包扎着伤口，一边深情地唱起了这首歌。一时间坑道中一下子都安静起来，目不转睛地注视着王兰的演唱，甚至连眼部受伤的战士，脸上都露出了微笑。这里显然已经不再是王兰个人的革命乐观主义精神的抒发，而是借王兰之口，抒发了所有志愿军战士，保家卫国和热爱祖国的精神。影片和这首歌曲再将这种精神传达给全国的观众，继而获得与全国观众的共鸣。时至今，这首歌曲，这部电影，都是中国歌曲史和中国电影史上的经典之作，在一定程度上来说，这部歌曲的艺术魅力，甚至超过了电影本身。
介绍影片的背景，推动影片情节的发展
尽管电影艺术本身就是一门强于叙事的艺术，但是随着人们审美水平的提高，对于影片的叙事形式，也有了更高的要求，单纯的电影文本的叙事，已经不能满足观众们的需要了。于是出现了多种新的叙事方式，如认同化叙事、戏剧化叙事、理想化叙事、动作化叙事等。音乐叙事正是诸多新型叙事手法中的一种。总体来说，声乐艺术对于情节的推动。主要表现为两个方面。
第一个方面是通过歌曲，介绍出影片的背景。这类歌曲多出现于片首，有少数影片也会以插曲的形式出现，从而将影片的时空背景和人物背景介绍出来。作为时空背景来说，是没有什么限制的，可大可小，既可以是某一段历史的再现，也可以是一个成长片段，但是其所起到的作用却是一样的，即不论时空背景的描绘是大还是小，都是那个历史时代的整体代表。而人物背景，则是对人物的形象进行描绘，通俗说，就是告诉观众们人物是谁，是做什么的，有什么特点等。例如由金城武主演的香港电影《堕落天使》，金城武就是在一首闽南老歌《思慕人》中出场的，从歌曲中就可以得知，整个作品讲述的是闽南人的金城武和父亲移民的场景，从而对影片有了一个大致的了解。影片《青蛇》中，一开场，是辛晓琪演唱的《人生如斯》，歌曲旋律婉转悲情，歌词采用古文形式写成，道出了对于爱情的无助和悲伤。音乐作为引子，从而引导着观众迅速地进入到电影所刻画的氛围中。对于人物背景的体现，则较为复杂了，主要是由影片的具体内容所决定的。或者是人物身份、职业，或者是人物的情感状态，等等。影片《知音》描写的是蔡锷和小凤仙之间的爱情故事。影片的一开始，小凤仙身着一身旗袍，抚琴唱起了“山清清，水碧碧，千古知音最难寻觅”，不但道出了小凤仙和蔡锷两人的职业，还唱出了小凤仙对于蔡锷的情谊。
第二个方面是指对影片情节的控制。这里所说的控制，并不是说歌曲完全决定着影片的发展和走向，而是指歌曲在影片中所起到的暗示、提示等作用。通过歌曲的出现，能够帮助观众更好理解影片。因为很多的时候，歌曲本身就已经带有了一定的叙事内容。比如时下非常流行的一首歌曲《因为爱情》，出自影片《将爱情进行到底》，仅从歌词中就可以知道，这首歌曲对于情节的发展起到了一种主导动机的作用。“给你一张过去的cd，听听那时我们的爱情，有时会突然忘了，我还在爱着你。”本身音乐就带有对于情节的提示功能，特别是作为歌曲来说，又加了歌词的元素，使得原本对音乐不敏感的观众，借助于歌词的提示，有了一个相对明确的情感指向。当这首歌多次出现的时候，观众们也就会自然被歌曲所暗示的情节所指引，从而完成了情节的提示。又比如姜文导演的《太阳照常升起》中，周韵扮演的疯女人突然消失了，唯有她的衣服和鞋漂在河中，镜头至此，响起了一首名为《美丽的梭罗河》的歌曲，“美丽的梭罗河，我为你歌唱；美丽的梭罗河，你将永远在我心上。”一边是歌曲的深情演唱，一边又将镜头转向了第二个故事的男主人公黄秋生，观众们自然就将这首歌曲和人的死亡联系在一起。不出所料，当这首歌曲再次响起的时候，黄秋生扮演的男主人公吊死在城楼上。可能观众本身对于歌曲并不熟悉，但是歌曲在电影中被赋予了新的意义，观众们经过聚精会神的聆听之后，就会随着对歌曲的感知而迅速地进入到影片的情节之中，这也正是歌曲对于电影情节发展的功用之所在。
再现历史风貌，复现时代精神
从声乐的发展角度来看，每一个时代都有其作为主流形态而存在的音乐形态，比如20世纪初的学堂乐歌，革命时期的革命歌曲，80年代兴起的通俗歌曲，90年代的流行歌曲等，所以声乐本身也具有一定的记录历史和展现时代文化精神的作用，特别是和电影结合之后，两种艺术的这种功能结合在一起，不仅能够给观众以极大的情感刺激，而且还能复现影片所表现的当时的文化精神。比如红色经典电影《英雄儿女》中的同名主题歌《英雄儿女》，影片所表现出来的爱国情、父女情、兄妹情等，都深深感染了每一个观众，特别是英雄王成那种“向我开炮”的呐喊，成为人们的经典记忆之一。歌曲作为电影的传声筒，向我们展现出了那个时代，人们主流的价值观和文化精神。很多时候，当我们重温这些影片的时候，能带给我们以情感触动的，除了电影本身，还有这些歌曲。
渲染影片的气氛，推动影片的宣传
所谓电影的气氛，包含整部影片所体现出来的艺术风格、艺术情感等，在很大程度上反映出了电影创作者们的审美取向和审美心理。不同的歌曲会给影片塑造出不同的氛围，从而成为影片氛围营造的好帮手。电影《小花》是一部在中国电影史上有着不同历史意义的作品。同样是革命题材，却选用了一种浪漫主义的创作风格，所以整部影片充满了浪漫主义的特质，有着一种清新和深邃的美感特征。这其中，主题曲《妹妹找哥泪花流》的作用是功不可没的。当衣衫褴褛的赵小花，站在行进的队伍面前，瞪大了眼睛寻找自己的哥哥的时候，她的眼神中充满了焦急、委屈和渴望，多么希望自己的哥哥能够一下子就出现在自己的面前，这时候的心情已经难以用语言来描述了，于是我们听到了她从内心深处发出的歌声，“望穿双眼盼亲人，不见哥哥心忧愁”。演唱者李谷一用她所独具的气声唱法，将每一个字都唱到了观众的心里，仿佛她就是小花一般，用歌声宣泄出了自己的苦闷和烦恼。望不见哥哥的小花，禁不住跟着行进的队伍跑了起来，跑跑停停，停停看看，给人以极大的视觉震撼和想象空间，更是将这种催人泪下的氛围渲染到了极致。歌曲的旋律先后在影片中出现了13次之多，为影片的氛围营造起到了突出和关键的作用。
90年代之后，中国电影顺应世界电影的发展潮流，开始更加注重电影的商业化和娱乐化，为了使电影取得更好的宣传和票房，电影主创方，不惜重金，为影片量身打造主题歌，邀请时下当红的明星来演唱。比如孙楠为《不见不散》演唱的同名主题歌《不见不散》，张信哲和李玟为《宝莲灯》演唱的《爱就一个字》《想你的365天》等，这些歌曲都有一个共同的特征，即曲调大都较为简单，节奏较快，具有很强的流行元素，适合于广泛的传唱。很多影片，甚至在上映之前，就广泛宣传电影的主题歌，等到电影上映的时候，主题歌已经成为时下流行的金曲，聚集了大量的人气。为影片的宣传做出了重要的贡献，也为影片的票房收入提供了强有力的保障。
综上所述，21世纪是一个文化多元化的发展社会，这种多元化的一个重要特征和表现，就是各种艺术门类之间的融合。声乐艺术和电影艺术不但有着悠久的结合历史，而且两者珠联璧合，交相辉映，使两者本身都获得了极大的发展。新时期下，继续加强两者之间的结合，将更加有利于两者的发展，给观众带来更多的审美感受。
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美术设计与电影艺术的关联性探究
1.艺术表达方式的关联
美术艺术和电影艺术的表达方式的不同是不能仅仅从字面含义上去理解的，要综合运用辩证法以及对立与统一的方法，只有这样才能更有效地利用电影与美术的表达方式上的不同来舍弊取利，达到美术艺术和电影艺术的有效结合，创造出不同的艺术效果。美术的创作主要是依靠不同的画笔、画纸等工具，综合运用美术的基本元素即线条、色彩和结构等来表现，它的表达方式是在平面上的且是静止不动的，而电影艺术则是一种具备了时空性和流动性的艺术表达形式。美术艺术在电影艺术中的应用表现就是在造型、色彩和光影等的使用上，美术使电影更加具有色彩性和艺术化，而电影则是动态性地把多个静止的美术画面转换成动态的、连续的影片。
2.二者特质的内在联系
美术和电影在时间和空间观念上具有共同的特质，美术的创作理念和表现手段为电影的创作和拍摄做了最基本的铺垫，是电影进行创造性拍摄的艺术源泉，也是电影的载体。在人们的审美需求逐渐转向更高层次的当代，美术艺术和电影艺术是同源异流的两种具有紧密关系的艺术表现形式，是动静结合的统一体，能使人们从简单的纸上文字转化为在实际时间和不同时空里的审美。电影与美术艺术都具备观赏性，美术艺术是在二维空间里表现时空观念所变换的艺术场面，而电影能将时间和空间的流动性表达得更加形象生动。美术借助电影艺术和电影特有的电、光、声形式而使其艺术魅力得到空前升华；电影因美术的线条、造型、色彩、渲染等各种艺术元素而更加年轻、富有生命。总体来说，电影艺术和美术艺术一样，都是把人们对现实的美好向往和对时代的审视、历史的回顾和未来的憧憬都表现得淋漓尽致。
美术对电影的作用
电影发展到今天，它是借助先进的电子技术、机械技术，并综合了各种艺术表现手法而日趋成熟的。但美术与电影是密不可分的，电影的发展是以美术艺术为基础的，美术也依然是电影构架的基本元素。电影美术师就是专门为影片的造型进行设计和制作的美术创作。
1.美术是电影的基础
电影是用整体连续的画面、光影与色彩表达来构建其独具特色和丰富新颖的艺术表现与视觉效果的，它将动态的照相技术与幻灯有机结合起来，发展成为一种现代的艺术形式，将空间与时间的艺术想象通过音效与画面展示在荧幕之上。电影将美术绘画这一静态的人物及事物的画面转变成为一种动态的表现形式，它是美术发展到一定程度之后派生出来的产物，其构架的基本元素是美术，是集合了视觉、听觉等各感官的一种综合性的艺术。电影的发展是建立在对美术的关注、重视以及发展之上的。一部电影，首先展示在人们面前的是它的画面，这就少不了美术的影响，除了优秀的故事情节以外，整体的美术视觉感观在电影中起到很大的作用。许多优秀作品都具有让观众心里为之震撼的唯美的画面，许多影片中画面与气氛的表现全都是以美术的艺术元素为基础形态的。美术在电影制作中占有举足轻重的地位，是电影生产的关键环节，是电影艺术的最基本元素。
2.美术是电影形象的艺术性和典型性的保证
电影首先展示给观众的就是人物、景物等形象，形象是电影艺术中最基本的因素。每一部优秀的电影作品，总会有一些不可磨灭的形象令人难以忘怀，并根植于观众的脑海中。但如果没有进行美术艺术的处理，无论演员将这些形象演得多好，观众的印象也不会很深刻。另外，通过美术艺术的造型，即便同一个演员在不同的作品中分饰不同的角色，也会让人耳目一新，印象深刻。典型的艺术形象都是通过美术手段来塑造的，都是美术创作的结果。
3.美术在电影光线、色彩运用以及意境表达上的艺术体现
在电影中巧妙地运用美术的光线、色彩，可以感染人们的心灵，给人一种强烈的震撼。在美术和电影艺术表现中，主体色彩的使用与变换，光线的配合使用，光线与色彩相结合的和谐统一，其所创造出的特殊的艺术场面与意境，直接撞击着人们的心灵，震撼着人们的灵魂。因此光线、色彩在电影中扮演了非常重要的角色，若要使其艺术得到升华，必须使美术色彩达到与电影的相互交集和融合。
4.美术为电影造型留住了美感
艺术离不开美，电影作为一门艺术，是通过美术来获得美的。动画电影中的卡通人物形象都是用简单的线条进行勾勒，通过电影美工进行创作，以达到动画的效果，这一点在动画电影中就表现得尤为明显。许多深受儿童喜爱的动画影片，都是运用写实的美术手段制作出来的，是美术的作用使得这一系列的电影获得了好评，给人留下了深刻的印象。在电影艺术中，场景的布置需要符合人物的身份、性格、气场等，人物、道具、环境既要相互协调，又要情景交融，浑然一体，给整体的电影艺术增光添彩。
5.美术为电影提供了光影、创造了色彩
每部影片都要有一个统一的基调，光影和色彩是表达浓烈感情最有效的语言，光影的变化、色彩的基调有效地促进了电影剧情、在感情上产生了张力，是电影中两个非常重要的因素。为增强电影的艺术效果，在影片中融入色彩和光影，就要充分发挥美术的作用。电影美术即一部电影根据剧情的发展需要，为了体现导演的意图，在拍摄的过程中设计制作的关乎视觉及美术方面工作的人物造型、拍摄场景等。美术师在电影的初始阶段为了把握主题，要通过阅读剧本来确定基调，进而确定造型，最后才能进行场景的拍摄。想要达到良好的艺术效果，在电影的后期制作中更要使用美术手段进行处理。在每部电影的制作过程中，其美术属性的表现都被看作是影片水平的重要标志。电影艺术的进步与美术的发展是相互促进、相辅相成、共同发展的。美术不仅为电影中的环境、光影、色彩提供了依据，也为电影形象的典型性和艺术性提供了保证。可以说，如果失去了美术，电影就没有了生命。
总结
[关键词] 数字电影艺术的产生；数字电影艺术的审美；数字电影艺术的未来
回顾电影历史，短短百余年，电影制作技术已经历从无声到有声、从黑白到彩色、从单声遭到立体声道的一次次的技术革新，这一次次的技术飞越，给电影的艺术形式创造了无穷丰富的演变和美的意味情趣。新世纪，伴随着全球数字化和网络化的迅猛发展，电影正经历着一场数字化革命。数字电影突破了思想与绘画、摄影机与胶片的技术基础，将电影数字技术化。数字技术与电影的结合大约始于20世纪70年代，从最初直接反映生活的画面，到创造性突出视觉奇观，再到银幕中隐含的特殊效果，使观众逐步体会电影的真实性。无论是电影幕后的制作，还是在电影载体的数字更新，无论是电影中主人公的灵魂形象或者是电影观众的欣赏认可，都彰显出数字技术不可忽视的主导作用，数字化技术已经成为未来国内外电影发展的必然之路。
一、数字电影艺术产生的价值意义
每当听到人们谈论好电影或是电影好时，笔者一直在思考。什么是好的电影?从赏析角度上看，一部经典大片的数字技术特效带给观众的视角冲击，绝对算得上是一部好电影。从主观上讲，我们首先总会以自己的审美需求为先准。然后强加于他人，希望别人也能赞同自己的观点。然而客观的眼光是一切真理的基础，进入数字电影时代，哪怕是最微不足道的观点，也已经黯然失色。从艺术表现上，我们总是喜欢积极的东西，数字电影带给我们的总是极富想象与超前的，具有挑战性与先进性的东西，这时对于欣赏者而言，主观评价的来源只是区别于对某个艺术作品的欣赏角度而已。
数字电影作为一个深受大众喜爱的媒体艺术形式，深深地影响着人们的思想观念和生活方式，它到底给我们带来了什么呢?在电影只反映现实性的年代，许多传统电影制作达不到镜头需要，要借助电脑才能更完美。运用电脑技术将传统电影引入数字化技术后，会使影片更完美，更富有艺术效果。电影数字化技术最大的好处，直白地说，那就是把不可能变成可能。在数字化技术的帮助下，电影创造的世界给人以更为强烈的真实感。不论是《天下无贼》里刘德华用玻璃杯剥鸡蛋，还是《英雄》重李连杰的剑穿水珠，如果没有数字化技术的介入，这种出神入化的场面是不可能有的。据媒体报道，外国影片《拯救大兵瑞恩》中通过数字化技术，仅用200人就演绎出第二次世界大战数万人参加的诺曼底登陆，当影片上映时，几乎没有人能感到是科学的巨大力量在推动着这场银幕上的战争。在这历史与现实、现实与电影之间，真实抑或不真实，真真假假没有人讨论，因为没有人否定历史!
总之。数字化技术所造成的影像奇观和科幻效果，尽管无法改变我们对现实世界的真实感受，但是它却已经改变了传统电影艺术真实的最终意义，给了我们思维想象力自由发挥的空间。
二、数字媒体艺术成就电影美学效应
数字化技术改变了电影本身的现实性和时空连续性。因而。在数字技术出现以前或者在数字电影还未曾与电影结合的时代，无论对电影的本身有多少种看法，一个最基本的也似乎是大多数理论家都赞同的，是电影的现实性本性。一些有影响的电影美学家在他们的著作里都曾经指出，电影区别于其他艺术的特性，在于它“绝对的现实主义”。马赛尔・马尔丹在其《电影语言》一书中断言：“电影艺术是高度‘现实的’，或者更准确地说，是最能向我们传达现实感的艺术，因为它能最忠实地再现现实的外部特征……我觉得可以断言，电影是比任何其他艺术表现方法更为现实的语言，电影也许首先便是一种语言，甚至它就是现实本身。”
然而，数字电影的产生与飞速发展，已经逐渐湮灭了电影的这种现实性，它成为不可逆转的潮流。另一方面，电影艺术美学形式发生转变，艺术的表现形式也多种多样，甚至作为一门学科拿来研究。从数字电影中，生活美的真切，人性美的光辉，自然美的雄壮，我们都可以真真切切地体会到。于是，便提高了我们的鉴赏美和认知美的能力，在这丰厚的美学中，数字技术的成就是无穷大的。
哲学上说。每一个事物的产生和发展郡与周围其他事物相互联系，即数字技术的诞生与发展离不开相关的社会背景，而数字电影的产生，又带来了相关的艺术形式。从艺术的角度上说，数字电影是电影创作在时间和空间上的拓展，目前可以说是电影艺术的支柱，它的成就并不只在技术上。无论是从电影影像还是电影创作方面探讨，或是从电影受众角度观察，数字技术总能满足电影影像的虚拟真实、电影创作的无限可能。从观赏角度分析，数字电影可以满足电影受众的审美期待，由于这种可视的影像或意象与他们的生活经验相一致。所以会使他们产生认同感。电脑艺术家们可以凭借影视制作软件打造出栩栩如生的人物、动物形象和几乎可以以假乱真的自然景观、劳动场景和生活场景以及各式各样心灵象征的意象。美国好莱坞《星球大战》《侏罗纪公园》《骇客帝国》等一大批科幻影片在全世界风靡，与其说是数字技术的成功，不如说是电影寻找到了表现心灵和思想欲望的新形式更为准确。因此可以说，数字电影是科学技术与艺术的完美结合!
三、数字电影艺术情趣的培养与提高
我们观看一部电影作品，总是带着不同的主观色彩，有人喜欢画面艺术效果，有人喜欢波折的故事情节，而有些受众群众则看得更远、更深刻一些――它们寓意着什么，体现了什么?凡是美的东西都有它的两面性，但是数字电影并没有只浮躁地夸大现实，它在极力追求艺术效果的同时，将现实中不可能完成的愿望放大，加以理解运用，然后又真实地反映现实，是超理想的现实，更进一步。科幻片《E，t外星人》呈现给观众的是具有浓郁人情味的一面。它表现了人类和外星人之间的相互友爱，从而改变了人们以往对未来这陌生世界的恐惧感。而《星球大战：魅影危机》和《最终幻想》等数字科幻电影，给观众以感官上愉悦之处，就在于它可以使观众以超常的视角去体会，从而满足了人们极大的好奇心理。因此，在数字电影中，一切科幻片甚至近些年来陆续出现的魔幻片，都有它存在的理由与价值。我们欣赏表象，体会意境，却不为表象和眼前的东西所牵制，我们生活的世界才是真实的!早在1997年，迪士尼推出了第一部以中国为背景的动画片《花木兰》，该片以中国千百年来家喻户晓的传奇故事为题材，据说是经过上百位动画大师历时两年才完成的。呈现在观众眼前的电影画面，其整体风格运用了中国画的一些技法元素，画面柔美轻巧，意境唯美悠远，极富东方韵味；其音乐也是具有中国特色的。这部电影巧妙地将现实的内在立意与富于神秘色彩的东方经典传说相结合，获得了不同地域、不同文化、不同年龄观众的普遍认可。他们的成功正 说明了，优秀的电影作品都是本着这样不断追求与创作而来的。
我们知道，欣赏任何形式的艺术，都必然会经过感知、想象、理解与认知这三个步骤，这是审美境界得以塑造与提高的必然选择。数字电影的审美情趣只存在于受众人心里，它只会让你去感叹、去赞美、去理解、去想象。当受众认识到自己的审美需求与审美欲望是什么的时候，这就标志着他们的审美能力提高了。数字电影是集技术、故事与表现形式为一体的，这三个层面共同作用。技术是保证电影质量的关键因素，故事是必不可少的因素，而表现形式则是电影追求的最高层面。正如上文所提到的，好电影带给观众的不仅仅是故事情节这么简单，技术与故事情节必不可少。但电影表现形式犹为重要，它能开拓视野，突破时间与空间的限制，充分发掘人们的想象力与能动力，并且提高观众的审美情趣，陶冶情操。
四、数字电影的未来之窗
数字技术的发展总是和科技文化的发展联系在一起的。技术的进步将会把数字媒体艺术带向何方，这是一个无法预测的问题。但是，随着科学技术的发展，特别是数字技术的发展，高科技在为电影提供了制作技术的同时，也拓展了电影的创作领域。纵观各发达国家，他们的科技文化发达。数字电影技术已经很纯熟，创作人员已从过去单纯地运用数字特技逐步转化为将其与传统摄制、传统特技融为一体的表现手法。以科幻、超现实、未来和宇宙为主题的电影已渐渐成为好莱坞电影前景的一个重要环节。
在我国，电影的数字化也已经成了势不可挡的必然趋势，我们期待着日臻完善和更新的数字电影给我们带来更加完美的感观体验。虽然我国的电影产业近年来获得了长足发展，市场前景日趋看好，但是和欧美等发达国家相比较。仍有许多经济技术要素与市场发展要素问题没有彻底解决。据有关资料显示，我国的数字电影院创下1.2亿元票房收入的最高记录，在全世界处于前列。目前，中国数字电影的拍摄、放映数量和票房产出皆创新高，发行、运营网络和技术支持服务体系已经初步建成，数字影院建设正在加速展开。
数字电影实际上并不仅仅在改变电影的画面，它在改变着电影的全部制作方式、传输方式、发行放映方式。总而言之，由于数字化技术的引进，整个电影领域产生了革命性的历史变化，并还要不断变化着。数字艺术的诞生和飞速发展是一件令世人瞩目的新鲜事，而数字电影就其影响来说，随着不同题材的电影越来越多地出现，它们反映的内容给我们的生活方式、思维方式、价值观念和审美情趣等带来了深远的影响。数字技术有良好的发展前景。正因如此，数字电影才有更广袤的生存和发展空间。我们要及时把握现状，立足于丰富多样的事物形态，不断总结各种电影艺术产生的形式，归纳其发展规律，为电影业和电影美学的进一步生产实践提供人才上的支持和理论上的指导。
五、结论
关键词：电影艺术 电影 译制
引 言
电影诞生于十九世纪末，是一种综合性艺术，在成长发展过程中，它不断地吸取着文学、戏剧、绘画、音乐、舞蹈、雕塑、建筑、摄影等各种艺术的成就与经验。电影又是科学技术高度发展后的产物。高度的综合性和生产上的高度技术要求，规定着电影艺术不同干其他艺术的许多特点。中国电影所指涉的历史和地理范围非常之广，它包括中国大陆、台湾、香港并且在某种程度上还包括海外华人社区。自从80年代中期以来，中国电影工作者们开始大胆地在世界舞台上展示自己。中国电影获得许多国际大奖，而且逐年增多。在文化产业中，电影作为最国际化的媒介产业，一直扮演着重要角色。从某种意义上说，好莱坞从一开始就在向全世界推销着美国。美国电影很早就具有国际视野。20世纪第一个10年，好莱坞制片人就开始在主要的国外市场设立办事处。第一次世界大战开始，美国电影乘欧洲陷于战争的混乱中，逐渐取代法国、英国、德国等传统的欧洲电影基地．形成国际化的电影市场。
一、简述电影的起源与发展
1．世界电影的起源与发展
1893年，T.A爱迪生发明电影视镜并创建“囚车”摄影场，被视为美国电影史的开端，也是世界电影史的开端。1896年，维太放映机的推出开始了美国电影的群众性放映。19世纪末20世纪初，美国的城市工业发展和中下层居民迅速增多，电影成为适应城市平民需要的一种大众娱乐。它起先在歌舞游乐场内，随后进人小剧场，在剧目演出之后放映。1905年在匹兹堡出现的镍币影院(入场券为5美分镍币)很快遍及美国所有城镇，到1910年每周的电影观众多达3600万人次。当时影片都是单本一部的，产量每月400部，主要制片基地在纽约。如爱迪生公司、比沃格拉夫公司和维太格拉夫公司。1903年E.S.鲍特的《一个美国消防员的生活》和《火车大劫案》，使电影从一种新奇的玩艺儿发展为一门艺术。影片中使用了剪辑技巧，鲍特成为用交叉剪辑手法造成戏剧效果的第一位导演。第一次世界大战前夕，镍币影院逐渐被一些条件较好的电影院所取代，电影专利公司的垄断权势逐渐消失，终于在1915年正式解体。此时以格里菲斯为代表的一批新的电影艺术家已经出现。制片中心也从东海岸移到好莱坞。第一次世界大战不同程度地破坏和损害了欧洲各国的电影业，却促成了美国电影的勃兴。美国电影源源不断地涌入欧洲市场。到第一次世界大战结束时，已经建立起在欧洲的霸权地位。
卓别林于1914年拍摄了第一部影片《谋生》。立即吸引了全世界观众。1919年，卓别林、范朋克、壁克馥3位著名演员和格里菲斯一道创办了联美公司，以发行他们独立制作的影片。20年代，美国影片生产的结构从以导演为中心逐步转化为以制片人为中心的体制。“制片人中心”模式形成了20年代的“明星制度”．各大公司均拥有一批明星。
“好莱坞”此时己成为“美国电影”的同义语。由于在明星制度鼎盛时期有些明星的行为不检点招致公众的抨击，美国电影业成立了“美国制片人与发行人协会”，在W.H.海斯的主持下这一组织制订了“伦理法典”，以便在审查影片时剔除其中不合乎美国公众道德观念和生活方式的情节、对话和场面。这就是著名的海斯法典，它对美国电影的约束一直延续到1966年。
严格的审查制度使美国无声电影的主要成就表现在喜剧片、西部片和历史片3个方面。喜剧片的佳作首推卓别林的《寻子遇仙记=》(1921)、《淘金记》(1925)和《马戏团》(1928)等。
20年代中期，豪华的电影院已基本上取代了镍币影院。20年代末期，好莱坞电影为战胜商业无线电广播这样的竞争对手，在音响方面进行了一次革命，产生了有声电影。
2．中国电影的起源与发展
1905年，任景丰在他的北京的照相馆里拍摄了中国最早的电影《定军山》。他拍摄的是著名演员谭鑫培所表演的京剧。郑正秋于1913年拍摄的家庭短剧《难夫难妻》。被认为是最早的中国故事片。不过，它是由美国人布拉斯基在中国的制片厂、亚细亚影戏公司拍摄的。同年，黎民伟与布拉斯基拍摄了香港的第一部电影《庄子试妻》。布拉斯基后来又把这部片子带到美国。因此它成为最早在国外放映的中国电影。
由此可见，中国电影从诞生之初便是跨国资本的产物。在以后的岁月里，中国的民族电影是在引进的西方的电影技术、意识形态、艺术手段的背景下产生和发展壮大的。程季华等人在1960年代初所写的《中国电影发展史》是一项具有里程碑意义的研究。在这本代表官方观点的著作中，中国的左翼进步电影的发展是在与外国电影、特别是美国电影霸权的斗争中成长的。中国民族电影工业所作的生死搏斗与作为20世纪民族国家的中国的困境息息相关。除电影的生产制作之外，电影审查、制片厂的所有权、政府干预以及公众舆论等都是建立一个新的、象征性的中国的重要方面。1927年统一中国后，中央政府很快便成立了电影审查委员会，来审查外国片在中国的上映。该委员会一直持续到1937年爆发。
在同一时期，人们都自觉地努力阻止外国人在中国拥有电影制片厂。知识分子、民众以及政府经常组成“统一战线”来保护弱小的中国电影TA，抵制外国的“文化入侵”。整个20世纪的中国，电影审查和对民族电影业的保护一直都维持和继承下来。
1949年中华人民共和国建立以后，民族电影变成为国有企业。民族电影是时代中国培育大众民族文化的一个关键要素。中国竭力利用电影来建立一幅民族认同的单一化图画。不论是从电影工业还是从电影文本或电影美学的层次都可以看到这一点。电影制片厂不再为私人所有。它们经过重新组合之后形成一个新的国家电影工业。整顿调整后形成的一些大制片厂有：长春电影制片厂、上海电影制片厂、北京电影制片厂、八一电影制片厂等，它们都受到文化部和宣传部的监控和领导。国家对于电影的生产与销售拥有绝对的权利。电影常常成为政治宣传与灌输意识形态的工具。国内外影片都受到严格的审查。允许中国观众观看的外国电影主要都来自于社会主义国家。好莱坞电影实际上已从中国消失。
1988年，张艺谋的第一部电影《红高梁》在柏林国际电影节上获得了金熊奖。这是中国电影第一次在西方电影节上荣获大奖，也标志着一个时代的终结与另一个时代的开始。
90年代中国电影进入一个新的发展时 期，因而要求有新的理论描述。它正在经历着前所未有的国际化过程，并且在全球资本主义所创造的条件下逐渐成为跨国电影。尽管中国电影起初主要的目标是国内观众，但是今天它已成为世界电影市场整体的组成部分。许多起源于中国文化中心(大陆、台湾、香港)的电影已为海外公众所欣赏和接受。中国电影也被卷入电影工业全球化的潮流之中，加入了世界电影市场的跨国生产、放映、销售和消费的网络。若要使电影面向国际消费而非国内观众，那么著名的第五代导演张艺谋与陈凯歌等人就有必要对他们的艺术风格与电影主题有所改变。
二、电影艺术
电影经过漫长的发展过程，逐步发展成为20世纪最广泛和最具影响力的艺术。它通过摄影机以每秒拍摄若干格画幅的运转速度，将被摄物体运动的时空转换过程记录在条状胶片上，然后将不同的胶片衔接起来，经过显影、定影、干燥、加工成电影拷贝的过程，制成可以放映供许多人同时观看的影片。影片从最初拍摄一些活动的日常生活景象片断，发展到现在已能够拍摄丰富多彩、复杂变化的现实世界．具体形象地反映社会生活的能力和生动的艺术感染力。由于电影的样式和片种繁多．有注重完整故事情节、刻画人物性格的故事片：有报道某一政治、经济、文化教育、军事或历史事件活动的记录片：也有运用各种美术手段和材料制作的美术片：还有记录舞台艺术表演的戏曲片等等。在这些种类中又包含若干片种。如故事片中有喜剧片、西部片、爱情片、科幻片等，美术片中有动画片、木偶片、剪纸片：记录片中有传记记录片、文献记录片、新闻记录片等。它包括文学、戏剧、绘画、建筑、音乐、舞蹈等各种艺术成分。所以被称为综合艺术。
所谓综合艺术，是指综合几种艺术成分而构成的艺术样式。其表现特征是：集体创作。包括编剧、导演、演员、美术、摄影、录音多个创作部门艺术创造的有机配合。电影有含文学成分的描写和结构：有含戏剧成分的对话、内心独白、形体动作、面部表情；有含音乐成分的歌曲和与画面融合的视觉形象。电影的构成是用活动着的画面和各种音响表达、表现世界各国的人和环境之间的关系以及由此形成的风俗习惯、生活方式、文化水平，且通俗易懂、明白晓畅。但是，电影的综合性并不是指各种艺术成分的简单相加，而是指将各种艺术形式包含的艺术成分融会贯通变成新的东西加以表现。它除具有一般文学艺术的共性特征外。还具有自己的个性特征。这在于电影艺术的表现工具与别的艺术表现工具不同。电影是用摄影机来反映的。摄影机具有真实记录反映对象及其运动的时空转换这一特点，由此形成特殊的电影表现手法和电影叙述语言。将各种艺术成分有机统一组合成新的艺术表现形象。正因为如此，作为艺术的电影．虽然是诞生于众多古老传统艺术如文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、摄影……之后的最新最年轻的艺术，但也是迄今为止唯一可以让我们知道它的诞生日期的艺术。自1895年12月28日卢米埃尔正式公映自己制作的世界最早的影片获得成功至今仅百年的历史。而古老传统的艺术，其中有的已经历了上千或数千年的沧桑，它们问世的时日，就连专门研究艺术史的专家学者们也无从稽考。电影和古老传统的艺术相比。它只能算个小弟弟。但是它后来居上，后生可畏，最年轻的艺术――电影，以其无可比拟的艺术魅力，闯进了世界艺术之林．一跃而成为最富群众性、最具影响力的、与世纪同龄的艺术巨人。其所以能如此，恰恰是由于它年轻，有它自己的优势。
早期的电影研究家们从电影像谁这一命题出发，探讨电影艺术的基本持性和电影美的奥秘。他们所持的观点和所得的结论各不相同，大相径庭。有人认为电影像文学．有人认为电影像戏剧。也有的认为电影像绘画，还有的说像音乐等等。不一而足。于是便有“可见的文学”、“电影诗”、“视觉交响乐”、“沉默的旋律”诸如此类的说法，试图从电影美学的层次上对电影美的本质做出界说。这些见解虽有其相对的合理性依据，但在今天看来，其各执一端的片面性。则是显而易见的。电影既像谁也不像谁。电影就是电影，因为电影是吸取、包容了文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、摄影……多种艺术的因素、集它们于一身的综合艺术。凡此种种，说明电影吸取了多种艺术门类，并不是各门艺术简单地相加拼凑在一起，而是经过了化合的有机的综合整体。电影吸取了多种艺术门类而形成综合性的审美特性，就其实质来说，乃是时间艺术和空间艺术的有机综合。正因为如此，作为时间艺术与空间艺术相结合的新型艺术――电影，它克服了传统的纯时间艺术难以充分表现空间和传统的纯空间艺术难以表现时间的局限与不足，既可以充分表现时间又可以充分表现空间，因而具有巨大的表现潜力和艺术可能性。由此也不难看出，包容了多种艺术门类的电影的综合性实质，还在于它是视觉艺术和听觉艺术的综合，它克服了纯视觉艺术难以满足人们对听觉形象的审美需求和纯听觉艺术难以满足人们对视觉形象的审美需求的局限，而具有可以融合视听两者之长的优势。成为一门最富群众性的艺术形式。
三、电影的翻译与欣赏
作为我国电影事业的重要组成部分。中国的电影翻译事业已走过了五十多年辉煌的历程。在这半个世纪中．电影翻译工作者给广大观众奉献出了许多优秀的译制片，观众从这些优秀的译制片中不仅领略、了解到了异国的风土人情同时也感受到了语言给人带来的无穷魅力。许多优秀译制片中的精彩对白已成为中国观众争相传诵的佳句。由此可见，电影作为大众传媒．其社会效应是无可估量的。
译制片又称翻译片，顾名思义，一些国外优秀的影片必须通过翻译方能为中国观众所接受。电影翻译与其它文学作品翻译具有共同性，即用形象化的语言来表达形象思维中高超的艺术意境。但电影翻译又有区别于其它翻译的特殊性，即其译文要做到能见之于文，形之于声，达之于观众。
电影译制是一种文化事业，一种经济产业：译制片是一种艺术创作形式．一种大众娱乐方式。经过译制配音的外国电影变成了中国的译制片，这是一个不小的变化，它在某种程度上改变了电影的性质．使它不再是纯粹的外国产品，而是一定程度上的中国电影产品。译制片是中外两种文化交相辉映而幻化出的一个奇妙世界。作为外国电影的中国观众．我们怀着一颗中国心通过我们亲切的母语倾听着外国人的心声，感受着遥远国度的风土人情，离奇怪异却又似曾相识。大众传媒使人们可以足不出户便知天下，使文化可以打破民族、国家、疆域的限制，在尽可能广泛的程度上得到传播，使人们的行为习惯、价值观念在不知不觉中发生变化。在这一过程中，电影所发挥的影响是显而易见的。其表现出的魅力也是有目共睹的。
摘要意大利新现实主义电影运动是战后发生在电影界的具有强烈社会进步和民主倾向的运动，它在电影美学上倡导的纪实美学对全世界产生了深远的影响。一个典型的例子就是若干年后深刻地影响了法国新浪潮电影运动。作为欧洲艺术的发源地之一，意大利艺术热烈和奔放的气质给我们留下了深刻的印象，无论是巴罗克艺术的巅峰还是文艺复兴的辉煌，意大利一直在创造着属于自己的艺术。今天，新现实主义的灵魂同样游荡在世界影坛的各个角落，只是有了不同的国家、民族的特色。在我国当今的影坛上，我们会发现一个有着明显新现实主义特色的影子---贾樟柯。
关键词意大利新现实主义实景拍摄非戏剧化模式贾樟柯
在欧洲电影中，意大利电影一直独树一帜。新现实主义电影流派的产生，则要归功于那本著名的《电影》杂志，它的编辑们在法西斯统治的恐怖中勇敢地站出来，抨击昔日的意大利电影而将希望寄托于明日的新现实主义。新现实主义张扬的纪实美学，通过巴赞和克拉考尔的理论研究，从实践升华到理论的高度。在这一背景下，被认为是第一部新现实主义电影的《沉沦》诞生了。上世纪40年代中期在意大利出现的新现实主义电影运动，继承了电影史上的写实主义传统，把纪实电影美学推向了高峰。
中国的导演也受到这一流派的影响，如贾樟柯的《小武》、张艺谋的《一个都不能少》、李扬的《盲山》、《盲井》等等，都使用了意大利新现实主义的表现手法，遵循了其美学法则，而今来我们来讲贾樟柯电影的美学特征应该是对意大利新现实主义进行中国式解读。
一、意大利新现实主义电影的美学追求
新现实主义电影作为电影艺术史上的一个重要流派，有着独居一新的美学审美。情节的淡化、在原生态的生活展现过程中阐释着普通人的生存本性，这是这一电影流派的一个共同的美学诉求。新现实主义电影并不追求格里菲斯的最后一分钟后大营救似的情节的紧张起伏。新现实主义电影淡化情节的叙事模式几乎达到了一种极致。当然，并不是说新现实主义电影没有一丁点情节的影子。因为任何一种叙述故事的过程都必然有着因果关系的主宰，因此也必然有着情节的影子伴随。淡化情节，纯粹对生活作原生态的银幕展现，在许多电影艺术家看来是一种电影艺术的倒退。实质上正是新现实主义电影大师们的高明之处。新现实主义电影大师们追求的就是这样的信条：生活本身就是这样，我们为什么要在电影艺术中虚构它对在戏剧和其它电影中作为命脉的情节的抛弃，成为新现实主义电影的一大特色，与以往的现实主义电影也有了大大的不同。
在对戏剧模式的电影手法的扬弃的背后，是新现实主义电影对普通人纯现实生活本性的关注。新现实主义电影中的人物都不是某种类型人物的代表，人物没有先入为主的模式（即人物不是首先就是某种思想的代替物）。“其实，在影片中，每个人物的存在都具有感人的真实性。任何人都没有被归结为一种物态，或一种象征。这就使你在恨一些人的时候，心情也是坦然的，不必事先超越他们复杂的人性。”人物的形象在生活的画卷中自然流露出来。巴赞对新现实主义的评论一针见血：“就内容而言，我愿意把当代意大利影片中的人道主义看作是影片最主要的价值。”
非戏剧化模式和对普通人现实生存本性的关注结合，使新现实主义电影的意蕴犹如中国古典诗歌中的意蕴，只有在不断的品味中才能咀嚼出其中的滋味。
二、意大利新现实主义的中国式解读
邵牧君在《西方电影史概论》中说，“新现实主义在意大利产生有两个因素，一个是战后经济萧条，一个长镜头、深焦距理论的兴起。前者使导演无法找到大的投资，从而对技术主义却步；而后者又恰恰给当时电影导演提供了一个理论支柱。”
如果把这两个因素放到中国也是成立的，只不过因素存在的原因不同而已。“第五代”中的张艺谋、陈凯歌等一直占据着中国电影的话语权，使“第六代”的冒头显得异常艰难。”第六代”的很多导演都是从“地下”开始的，贾樟柯也不例外。对于“地下”导演来说，最大的难处也就是重点就在于没有投资，或者是地下投资，或者是独立制片，或者是小投资纸片，这正和意大利战后的经济萧条所造成的意大利的导演资金极度的紧张有很大的相似之处，并且造成的效果也是相似的。
但这些并不是构成“意大利新现实主义风格”中国化的根本因素。贾樟柯也承认自己受“意大利新现实主义风格”的影响很大，他列举了十部自己喜欢的电影，对其中之一的《偷自行车的人》有着极高的评价，他说“我觉得，关于《偷自行车的人》，我们存在着很大的误读”。同样他对中国早期的现实主义作品有极大的兴趣，比如《马路天使》《新不了情》等。这些无疑都构成了他电影纪实美学特征的理论基础。
纪实性是贾樟柯电影极明显的一个特征，从《世界》和《三峡好人》可以很明显地看到他对长镜头的偏爱。《世界》开始的运动长镜头极好地展示主人公的生存环境；而《三峡好人》开篇的长镜头让我感动，那一张张脸让我觉得如此真实，特别是在看到一个人在给另外一个人开手相的时候。
贾樟柯认为新现实主义“把电影从摄影棚里解放出来，进入到了一个真实的空间里面进行拍摄”。这也是“长镜头”理论者的观点，巴赞以为电影画框是通往画框以外世界的窗口，这观点正好和爱森斯坦的“银幕是使影像成型的画框”观点相反。贾樟柯秉承了前者的观点，使他的电影表现出了极强的纪实性。
非专业演员的运用也是贾樟柯的一个明显特征，这同样是对新现实主义的一脉相承。他的首部长片《小武》全部由非专业演员出演，其他诸如《站台》《任逍遥》也都是如此。
再者是地方方言的运用。《小武》中的山西方言，《三峡好人》中原滋原味的四川方言。地方方言有利于增强影片的纪实性和观众的认同感。不只是贾樟柯，整个“第六代”甚至其他很多电影都表现出这样的特征，第六代中比如王小帅的《青红》、王超的《江城夏日》；再比如徐克的《七剑》、宁浩的《疯狂的石头》。
乡土情节或者叫乡愁是贾樟柯和很多艺术家甚至全人类的一个共性。很明显，乡愁可以为艺术家提供创作灵感和素材，可以给人以安全感、归宿感。《小武》的整个故事都发生在汾阳，《世界》的故事虽然发生在北京，人物却全部拥有汾阳背景，除了那个温州女人。不妨说《世界》是一部发生在北京的汾阳电影。同样北京是他上学和现在生活的地方，算得第二故乡。
平行视角和对底层的关注是贾樟柯以及整个“第六代”的一种情节。《青红》、《江城夏日》、《澜溪江》、《巫山云雨》无不如此。
这其实可以看作是对中国传统的“文以载道”思想的反叛或者颠覆。“第五代”――以陈凯歌为代表――有着很强的“文以载道”意识，他们把艺术的教育性质放到了首位，认为艺术就该表现真理。当然，我也不赞同把艺术的“服务性”放在首位。艺术仅仅是艺术，它无法载道、也载不动，载到是哲学的事情；同样服务性是娱乐的性质，而不是艺术的性质。艺术仅仅就是表现，是高度浓缩生活真实然后在还原于艺术真实的过程。
三、结论
在其他国家的影视艺术中，新现实主义的灵魂同样清晰的存在。亚洲电影的佼佼者之一的伊朗，我们可以看到两部有着新现实主义电影影子经典电影：《小鞋子》、《天堂的颜色》。现在备受国人青睐的韩国电视剧《澡堂老板家的男人们》、《孪生兄妹》等，都有着新现实主义的精神。
实质上，新现实主义的精神在我国的第六代导演中烙印相当深刻，贾樟柯只能说是一个典型的佼佼者。第六代导演中楼烨、王小帅的影片都以自己的视角阐释周围的现实。新现实主义电影的精神没有枯萎，而且在当今的世界影坛上扮演着一个重要的角色。
参考文献：
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