时间：2023-07-05 16:58:00
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇艺术创作的基本态度，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
1（略）。
2首饰设计专业MFA培养要求
在西方国家，专业学位教育是高等教育里一个非常重要的组成部分。它的职业指向非常明确，就是针对职业要求培养职业领域需要的应用型人才。因此与学术型研究生的培养不同，研究生阶段的学位课程的学习以及学位论文的写作可以提高人才的艺术理论修养，对艺术创作有着很好的指导作用，但他不能代表培养的全部环节，甚至不是主要环节。如何进行人才培养的目标定位，在此基础上针对性地加强相应的专业技能实践训练是首饰设计MFA的人才培养要求。首饰艺术不同于其它纯艺术，它是一门应用性非常强的学科，它强调的是艺术与技术的结合，它的创作不是停留在纸面上的，而是要完成最终的物化过程。在创作物化的过程中，各种工艺手段和技术是实现创作的重要支撑。首饰艺术还承担着服务大众，满足大众不断增长的精神和心理上的消费需求，因此首饰艺术又具有较强的商业性。故围绕首饰艺术创作的艺术性、技术性和商业性，培养学生相应的艺术修养和创作表现能力是培养的最终目的。
3首饰设计专业MFA实践培养模式
3.1加强各种工艺技能的实践
首饰艺术不是单纯的纸面艺术，需要通过工艺技术来实现，这是首饰创作物化的基本要求。因此尽可能多地掌握首饰工艺技法并且提高技法使用的熟练程度，才能保证首饰艺术创作能最终完美实现。因此在MFA实践环节中，要强调工艺技能的训练。要注意突出两个方面：一方面是技能学习的广度，另一方面是技能训练的深度。广度是提升首饰艺术创作的表现空间，深度是提高首饰艺术创作的细微表现力。在广度方面，要求掌握首饰或者是与首饰相关的其他艺术领域的工艺技法，如金属中的金属起版工艺、錾花工艺、花丝工艺、木纹金属工艺、木头中的漆器工艺、纺织中的刺绣工艺，陶器中的陶瓷工艺、玻璃中的琉璃工艺等等，甚至是其他工业领域的彩色钛合金技术、彩色电镀技术、金属染色技术等，同时作为研究生水平的MFA，应该还要关注先进的计算机技术在首饰行业的应用，因此对计算机首饰设计和计算机首饰快速成型的各种技术也应该了解和掌握。这些工艺技法和技术的教学除了正常的课堂学习以外，也可以以大师讲座和培训的方式让学生直接接触该领域的最高水平，开阔学生的眼界。深度训练则是侧重于体现学生自我的学习态度。该训练是在老师的明确要求下去实施，对训练结果也就是作品的考核是非常重要的，同时深度训练也是广度学习基础上的进一步要求。实现工艺技法实践的广度和深度，是MFA实践人才培养的基本要求。
3.2加强实践基地的建设
教育部在已明确要求：加强研究生培养基地建设，强化创新意识、创新精神和创新能力的培养；努力使我国研究生培养质量和研究生教育的整体水平接近或达到发达国家水平。对于MFA实践型人才的培养，实习基地的建设更为重要。走出学校和课堂，在行业学习和实践中实现创新人才培养的开放性、研究性、创新性和前沿性。围绕首饰创作的艺术性、技能性和商业性的不同要求，基地的建设也应该有不同的类型和层次。比如云南大理鹤庆新华村有着悠久的民族手工艺加工历史，众多的银器工坊，还有著名的国家工艺大师。在这样的地区建立首饰实践和创作基地，不仅可以通过对民族文化、民族工艺的采风和思考提高学生对艺术思想以及艺术表现的理解，基地这些优越的资源条件，也有助于提高学生的工艺技能，将实践与创作融为一体。而在珠宝首饰行业内建立实践基地则是培养学生理解首饰商业创作的要求，将艺术与商业完美结合的必需的桥梁。进入各种实习基地进行实践是首饰设计MFA的学生必须经历的一个培养环节。
3.3实行进阶式实践能力培养
由于首饰设计MFA研究生的生源不同，专业基础不同，所确定的研究方向不同，对其实践能力的培养应该确定符合其自身条件和研究方向的实践程序。目前首饰设计专业MFA研究生主要有三种类型：第一种是经过本专业的四年专业学习并且有一定的实践经验（如辅助导师做过项目，或在行业内从事过首饰设计工作），需要在更高层面上提高首饰创作水平，提升创作规划能力；第二种是经过本专业的四年专业学习，直接免试推荐或通过全国研究生考试正式录取的研究生，他们具备比较好的专业基础和专业技能，但不足之处在于：实践能力以及研究能力缺乏，需要进行宏观思维和创新研究能力的培养；第三种是跨专业进入的研究生，由于缺乏首饰设计的专业基础，对首饰设计的技法，尤其是商业首饰设计的要求不很了解，对首饰工艺和首饰市场的了解更是空白。针对三种不同类型的研究生，需要不同类型的产学研基地为他们的成长提供实践和进一步研究深化的机会。基础薄弱的学生需要首先加强各种工艺技能的教学和训练，在进入研究型的实践基地；基础较好的学生可以直接进入实习基地进行实践和创作的融合通过进阶式的实践能力培养，最终应使每一位首饰设计MFA的学生都具备较强的首饰创新实践创作能力，实现MFA人才培养的目的。
3.4加强与国际合作和交流
首饰设计MFA的培养应该立足于国际化。艺术是无国界的，但艺术表达的文化和思想却是各族人民传统文化遗产的表现和传承，在国际合作和交流的过程中，一方面可以了解国际首饰艺术创作的现状和趋势，学习国际先进的艺术创作理念和技法，另一方面可以将自己的创作意图以更加国际化的手法进行表达，在交流中弘扬中国文化，让中国首饰艺术在世界艺术领域占有一席之地。国际交流可以通过要求学生参加国际首饰设计大赛，积极参加各种国际首饰展览，与国外高校的同专业学生沟通、交流，共同完成一项课题等等方式来进行。与国际合作和交流也会更加开阔学生的视野，促进艺术创作能力和水平的提高。
3.5重视首饰创作展示
首饰创作展示也是首饰设计MFA人才培养应该注重的一个环节。展示本身也是一个艺术创作过程，首饰展示可以看作是首饰艺术创作过程的延伸。如何在展示中进一步烘托和表达首饰艺术创作的主题情感诉说，传达首饰材质之美，都是值得思考和感悟的。因此在整个MFA的实践培养过程中，应规定学生完成明确次数的创作作品展示，并对学生作品展示的过程和效果进行评估，给予一定的实践学分。
关键词：现当代油画；江苏油画；文人趣味
江苏地区是国内油画艺术发展的一个重要区域，更是形成了中国油画风格多元化的艺术特色，在这里，一大批的著名绘画艺术家都为我国油画艺术的拓展作出了非常大的贡献，如刘海栗、徐悲鸿、苏天赐、盛梅冰等。总体来看，江苏地区的油画艺术家们在油画艺术创作的整体表现上，通常采用将西方油画创作的色彩及笔触技法与我国传统绘画创作讲求中的意境、韵味相结合的方法，使其在油画创作上带有传统文人画的精髓，并且追求一种极具诗情画意的意蕴表达，体现出一种带有浓厚东方特色的油画艺术风格。
1 江苏现当代油画创作与传统文人画的艺术关联
探讨现当代江苏油画的文人趣味性，就一定会联系到中国传统绘画中的文人画。在现阶段的油画作品，很多画家并没有一个统一的风格，而江苏现当代的油画艺术创作多追求画面的意境表达，现代的油画中的部分作品其审美表达与文人画中的诗意、墨韵有很大的相似之处，很多作品中强调对个人情感的渲染也与文人画主观主义个人精神的表达相一致。绘画艺术的创作往往是要求突破物象本身固有形态，重点在于创作者的个人感受，外在的表现仅做参考，进行绘画创作的是感受，而非物象的写实再现。
我传统文化对于现当代的艺术创作者们影响是深刻的，很多油画艺术家一直在尝试将中国传统绘画精髓融合到现在的绘画创作中。精神层次追求已经成为现代人们致力的一个方向，艺术创作者们也正努力将这一主题引入到油画创作中，将传统文化中有价值的元素运用到油画创作中。例如现南京师范大学博士生导师盛梅冰教授作为当代江苏油画界的翘楚，对于文人笔墨风格非常的青睐。在盛梅冰教授的众多油画作品中无不传递出一种江南画家特有的意趣和性情。虽然画家在作品中仍然忠实于西画的绘画技巧，但作品大都显示出了平淡、质朴的绘画风格。在盛梅冰教授近期的一些创作中，我们能明显地感受到画面中具有的宋画意味，在许多的风景画面中他将日常生活中我们所感受到的自然之间的关系以一种质朴浑厚的笔触表达出来，这正符合盛梅冰教授“以平淡之心造写天成之物”的创作理念，也代表了当代中国油画家对待自然的真诚态度。
艺术创作的主体行为者是创作者本身，传统的文人画通过从事艺术创作的艺术家自身的影响与感染从而影响其艺术行为，在江苏地区不少油画创作者都或多或少的受到了文人画的影响，文人画艺术创作在促进古代绘画发展的历程中有着不朽的功绩，在今天，关于我国油画艺术事业的拓展也是一笔宝贵的财富。
2 江苏现当代油画创作中的民族地域特色以及时代性特征
江苏地区油画创作从整体上来看，写意油画多引用传统绘画中南派画的表现，传统的民间绘画用色等也能够从很多油画作品中看到其踪影。例如当代著名油画艺术家苏天赐的创作，其风景油画作品中的写意性，将传统的中国山水画的精髓融入笔触当中，写意是其创作中的核心，其清新略带朦胧的画面，明亮而又婉约的色彩，交织出一幅幅灵秀飘逸、静谧温婉极具文人趣味的优秀油画作品。从苏天赐的诸多优秀作品中可以看出其作品具有非常鲜明的地方特色，给人一种温婉、惬意之感，与江南美丽的风景一样温润、清新，这也是他油画创作的一大特色。不能不说，作品风格的形成与民族地域风情有着很大的关系。
绘画创作的时代性是指相对于传统而言，并与当代的作品相比较得出的时代特征区分，江苏诸多优秀油画作品每个时期都带有着其鲜明的时代特征。中国现代油画家徐悲鸿是将西方现实绘画主义以及审美观念引入中国的先驱之一，在其留法期间和归国初期是其油画创作的巅峰，他的油画作品与西方油画的热烈、丰满、敦实是有所区别的，在其写实主义风格的油画创作中，也体现出了一种含蓄、内敛、宁静、优美的东方意蕴，有着鲜明的文人趣味色彩。而徐悲鸿的艺术人生与时代是紧密相连的，他的写实主义风格与苏联的社会主义现实主义风格相似，个人认为这也是其能够确立在中国美术史重要地位的原因之一。
3 江苏现当代油画创作中的笔触与意蕴的书写性
绘画艺术的创作在西方文化中讲究的是形式美感，在我国艺术领域讲究的是节奏与韵律，艺术表现形式一直是所有艺术门类共同关注的。我国绘画艺术在历经各种绘画风格流派的一番洗礼，对于艺术创作材料技法的探索研究越来越重视，并在创作中与超越现实自然物象追求诗意一般的意境相融合。从诸多现当代的油画作品中看，江苏油画更加重视从中国传统文化与绘画技法中吸取养分，创作的材料以及表现语言，很多在创作中便体现了浓重的文人趣味性。
我国的绘画家常常在真实客观的表现描绘物象时，更加注重的诗将个人的思想情感与艺术审美融汇进去，通过对用笔的轻重缓急、抑扬顿挫来控制笔触，传递情感。江苏油画诸多作品中，无不重视对点与线的运用，尤其是风景画的创作，在画面中恰当地运用表现使之形成别具一格的艺术特色。当代江苏籍画家王荣先生，他的风景油画创作享誉国内外，他在清淡雅致的画布上，时而轻点细勾，时而提按点画，对于点与线的运用得心应手，王荣先生的杰作《春山多胜事》油画作为国礼赠送给了他国总统，这幅作品让人感觉到春意盎然的暖，朦胧意境的雅，画面中如诗如梦般的意境，让人深深沉醉其中。
我国艺术创作领域，本就有“书画同源”之说，书法与绘画艺术的融合，恰好塑造了中国绘画的基本艺术特征，一方面是绘画技术上的书法用笔，另一方面，是艺术家本身在创作中修身养性的写气，我国传统的文人画艺术特征可以说就是汲取了书法艺术的审美。江苏现当代油画家杜璞，其油画作品《牡丹亭》等系列作品中鲜明地体现出对笔法的书写特性，尤其是对人物衣带的刻画，汲取了书法用笔行云流水般的飘逸美感。书法艺术中线条的魅力，对于绘画艺术的创作影响是非常大的，很多艺术家在创作中运用线条艺术，既是个人化的一种表现形式语言，同时又是一种富有表情与意象的一幅图像，在油画创作中，线条的完美运用就像是创作者心灵的轨迹与艺术生命状态。
4 结语
江苏油画创作中的文人趣味性，根本上讲是由其“写意”本质来决定，作品中是对画家精神思想与内涵的体现。绘画艺术创作本身就是对画家自身意识与心灵的一种映射，是画家精神情感的表达，而油画艺术的发展与进步是需要在继承传统中寻找新的东西，在发挥油画技法材料与特征的基础上，更要不断汲取传统文化的养分，重视意境与诗意的追求，以使具有东方特色的油画创作地位更加稳固。
参考文献：
[1] 王刚.浅议中国当意油画中的文人画精神[J].青年文学家，2009（15）.
[2] 黄炜.写意油画与文人情怀――从苏天赐绘画意境谈起[J].科技信息（科学教研），2008（14）.
数字媒体艺术是指利用计算机为核心的数字信息处理设备，通过各种软件，硬件创作平台，对艺术创作理念进行描述和实现，最终完成数字技术基础上的艺术作品的创作和传播。追溯数字媒体艺术的发展历史，在上世纪50年代初期，人们根据数控机床的原理，将用绘画笔代替数控机床上的刀具这一设想变成现实，发明了世界上第一台平板绘图机，从此便打开了由计算机辅助绘图仪代替人工绘图的历史大门。数字媒体艺术发展到现在已经进入到艺术形式更为普遍且为大众所接受的新的发展形态。与传统艺术形式的区别在于，数字媒体艺术是基于计算机技术进行各种创作的，例如已经相当成熟的数字绘画艺术、数字影像、3D动画、数字音乐等艺术，都是依托计算机技术进行创作。众所周知，大多数依托计算机技术发展的领域本质上提供给我们的是一个虚拟的世界，数字媒体艺术也不例外。用专业一点的术语来讲，数字媒体艺术采用了区别于传统的艺术创作手段——数字化，并且将这种创作依托互联网技术，使得艺术接受者或者说欣赏者通过网络感受到一种全新的艺术世界，这一全新的艺术世界本质是一个虚拟的数字化世界。了解了数字媒体艺术的基本概念，不难归纳出数字媒体艺术的一些基本特点。1.1数字媒体艺术依附于数字技术的发展。对于数字媒体艺术的这个特点用一个词概括就是“数字性”。不管是数字媒体艺术的创作基础还是作品的创作质量，都高度依附于数字技术的发展。换句话说，数字技术的发展程度基本上决定了数字媒体艺术的发展程度。数字媒体艺术已经不再像传统艺术那样，完全依赖于艺术家本身的艺术创意和艺术家将自己的创意通过自身动手物化成艺术作品的创作能力。一句话概两者的差异性就是传统艺术更多的是“人的艺术”，而数字媒体艺术更多的是“技术的艺术”。1.2数字媒体艺术具有更强的可交互性。数字媒体艺术基于数字技术存在，然后依托互联网呈现给这一艺术的欣赏者，这一点与传统的艺术创作方式一样。除了这个特点外，数字媒体艺术还具有传统创作艺术不具有的特点，那就是交互性。传统的艺术创作具有很明显的单向性特点，即艺术家们创作，创作的结果呈现给作品的欣赏群体。数字媒体艺术则使得依托数字化技术创作出的产品往往能够和欣赏群体产生交互的过程。举个简单的例子，大家都有过点击、打开网页的经历（网页设计和开发是数字媒体艺术中的一个具体应用实例），你每进行一步点击鼠标的操作，界面都会产生相应的响应，如点击打开一个视频的播放键，那么该界面就会响应你的这一操作即播放视频。这种交互性大大提高了数字媒体艺术作品的欣赏者的参与积极性。1.3数字媒体艺术具有虚拟性的特点。数字媒体艺术的虚拟性很好理解。一方面数字媒体艺术的创作离不开互联网这个虚拟的平台尤其是在现如今互联网高速发展的时代；另一方面数字媒体艺术作品的呈现过程是通过互联网这个虚拟的平台呈现给大众的。
2数字媒体艺术的发展阶段
2.1计算机自动绘图成为可能。在介绍数字媒体艺术的概念时提到过利用计算机辅助绘图仪代替人工绘图的世界上第一台自动绘图机，这一历史性的发明是数字媒体艺术的起源。它实现了由人创作到利用计算机程序控制的自动创作。这一发展阶段中另外一个具有突破性发展的要数在1963年，美国麻省理工大学伊凡•苏泽兰提出的使用键盘等输入设备通过计算机程序实现一系列绘图等操作，最终在计算机屏幕上输出所绘作品的绘图模型。特别是最终这一理论模型称为世纪可操作的技术之后，为后来计算机辅助绘图技术的大发展奠定了坚实的基础。尽管这一阶段已经基本实现了利用计算机代替人工进行自动绘图，但是这一阶段创作的图形仍然是以二维为主，并且还未使这一项技术可以成为艺术家们通用的创作手段，就更别说在大众中发展开来，当时能够操作这一技术进行基本绘图的只能是那些技术研发人员。2.2发展与应用均走向成熟。虽然说在第一阶段的初步探索中，使用计算机进行艺术创作的人员中大部分还是科学家和工程师，而且作品还是以平面几何图形为主。但是第一阶段的初步探索为后期数字媒体艺术的进一步发展具有相当大的贡献，因为数字媒体艺术的模型已经成型而且有了一定程度的实现。后来个人计算机面世，这就为数字媒体艺术的进一步发展提供了技术性支持。有了这个技术支持，制约数字媒体艺术发展的就是它的“艺术性”还不够成熟。随着大量研发人员投入到新的数字媒体艺术创作系统的研制中去，成果以突破了之前的二维创作限制进入到全新的三维创作时期最为突出。三维创作的大门被打开之后，利用计算机进行艺术创作进入到一个崭新的成熟阶段。在这一阶段，除了大批的商业性图形图像设计和排版软件面世，数字媒体艺术也进一步影响到传统的美术绘画领域，促进了计算机三维动画迅猛兴起。随着计算机动画的不断向前发展，数字媒体艺术还渗入到影视制作领域，尤其对影视特效的发展起到了关键的作用。这一阶段利用计算机进行数字媒体的艺术创作已经非常成熟，这就为数字媒体艺术在新时代—互联网时代结合时代特征发展与创新奠定了坚实的基础。2.3网络时代的发展。对互联网的认识首先要意识到互联网是一个充满无限可能性的一个虚拟的世界。数字媒体艺术的独特魅力也正是因为它借助了互联网的这个平台并且依托高超的数字化技术进行创作，让数字媒体艺术在现如今这个已经离不开互联网的世界大放光彩。互联网使得数字媒体艺术的发展更加趋向于大众化。随着音频、视频等多媒体内容在互联网上得到普遍应用，而且随着具有更强交互特点的网络技术的出现以及现如今移动设备的高速发展都使得为数字媒体艺术的大众化普及提供了条件。以上是从纵向的角度分别介绍了数字媒体艺术发展的三个阶段，有了这三个阶段的了解，就可以对数字媒体艺术的发展进程有一个总体的认识。此外，通过数字媒体艺术在不同领域的应用实例让大家对数字媒体艺术有一个更加直观的了解。在这样一个依托互联网高速发展的时代，数字媒体艺术的应用可以说是无处不在。包括日常几乎每个人都要用到的网页信息浏览、各种游戏的娱乐、网络动画的欣赏等都是数字媒体艺术的体现。此外，数字媒体艺术还在数字绘画、数字印刷、数字影视制作、影视特效、虚拟现实艺术、数字音乐、新媒体与数字装置艺术等方面均有卓著成就。
3数字媒体艺术的五大技术支持
通过以上的介绍，大家对数字媒体艺术本身应该有了整体的把握和认识，作为数字媒体艺术本身的一个重要的特征—“数字化”，下面就着重介绍一下实现数字化创作手段的五大技术支持：文字的数字化、数字图形图像、数字音频、数字视频、网络与通信。3.1文字的数字化。文字是人与计算机交互过程中最基本的信息，要使计算机能够识别、处理、存储文字信息，目前采用的技术是对文字进行编码。最早的编码表示美国的《美国标准信息交换码》，简称ASCLL。常用的汉字编码采用GBK码，共收录了21886个字符其中汉字21003个。后面又出现了Unicode统一编码，从理论上讲Unicode编码能够覆盖几乎任何语言的编码表。解决了文字的在计算机与人交互过程中的最基本的存储与转换的问题，就要考虑如何采取合适的方式将文字信息输入。最早的文字输入方法是键盘输入方式，随着技术的发展，文字的输入方式也得到了丰富的发展。例如智能手机中的手写输入、语音输入等。3.2数字图形图像。数字图形图像是指由图像输入设备如数码相机、摄像机、扫描仪等，并以数字化方式存储在计算机中的信息，可以是绘图、照片等。除了数字存储的特点外，数字图形图像的另外一个重要参数就是图形图像的色彩，色彩不仅要求强调色彩的亮度、色调、饱和度等基本属性还要注意不同的色彩空间。3.3数字音频。数字音频是相对于传统的模拟音频而言的。数字信号处理技术已经逐步取代了模拟信号处理技术。数字音频是一个表示声音强弱的数字序列，通过计算机及相应的数字音频设备以二进制数字组合的方式记录和编辑声音，实现音频信号的模拟信号到数字信号的转换，最终以数字信号存储到计算机中。当需要这些音频信号时，计算机还可以将存储的数字信号还原为原来的模拟信号然后输出用户所需要的音频。3.4数字视频。同模拟音频与数字音频之间需要转换实现，数字视频也是需要将传统的模拟视频通过一定技术实现转换为数字视频。设计原理同数字音频与模拟音频之间的转换一致。3.5网络与通信。网络最初只是作为一种用户获取信息的重要渠道，但是随着互联网的快速发展，网络更加注重与用户之间的交互作用（互联网的交互性在上文已有介绍）。可以说数字媒体艺术的“艺术交互性”要很大程度上以来网络的这种“技术交互性”。最早的移动通信是依赖无线电的发明，如今已经发展到现在的4G时代。
4数字媒体艺术的审美特征
数字媒体艺术作为数字时代新兴的媒体形式，是科学技术和艺术相结合的产物，与传统媒体艺术相比，数字媒体艺术有着自身独特的艺术创作手法和艺术审美特征。特别是21世纪以来，随着计算机技术和网络技术的迅猛发展，数字媒体艺术也得到了空前的发展，成就斐然。有些人会惊叹其发展的成就，陶醉于欣赏颇丰的艺术成果，有的人却发出了反对的声音，认为数字媒体艺术并不能够进行真正意义上的艺术创作。高度依托计算机技术的数字媒体艺术能够进行艺术创作吗？如果计算机能作画，那么要画家干什么？诚然，科学技术人员现在已经能够利用计算机，将自然界或者真实世界中的物象模拟得十分逼真，但是从艺术的角度来讲，从美术创作方面也只能说是美术创作上写实性绘画的成就。艺术的灵魂是创造，而创造的灵感来自于哪？肯定是来自于艺术家本身的艺术创意或者说是一种艺术创作冲动。因为有了创意，创作才成为了可能。其实创作就是将创作者的思维和意识物化的过程。从这个角度讲，技术手段是永远不可能代替人的创造性思维，进行艺术创作的。数字媒体艺术同样不例外。我认为，认识数字媒体艺术千万不能只片面的认识到其“数字性”的特点，同时还要把握其作为一门艺术的“艺术性”。这不光是艺术家们对数字媒体艺术的特征的把握应有的认识程度，也是在如今数字媒体艺术更加趋向大众化发展的今天对大众的要求。时刻要认识到数字媒体艺术离不开人的审美意识才是我们对数字媒体艺术本质把握应该持有的态度。那么我们应该如何正确深入领悟到数字媒体艺术的审美艺术特征？在前面的论述中，已经说明数字媒体艺术的审美特征离不开数字媒体本身的特征。首先，数字媒体艺术与传统经典艺术相比是缺乏规范的，比如，在数字媒体艺术是带着娱乐性质的，例如，很多网民在网络上进行网络艺术创作，创作的目的很大程度上是为了娱乐自己和他人。数字媒体艺术还有一个特点是：从审美的角度讲，数字媒体艺术吸收了传统艺术中的美学特性，同时又深刻地影响着传统艺术的传播及艺术表现形式。数字媒体的迅速发展和普及以及媒体传播形式的深刻改变使得数字媒体艺术更加大众化和平民化，这就引出了数字媒体艺术的另一个特点：具有较强的参与性。与单向的由创作者到受众群体的传统媒体艺术相比，数字媒体艺术更加鼓励人们参与进来。这种双向的参与是离不开技术层面的支持，比如：人机交互的发展。
作者:潘威 单位:浙江海洋大学
[参考文献]
关键词：摄影艺术；情感；作用；影调
中图分类号：J405 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）23-0023-01
摄影是技术与艺术的完美结合，其作为一门造型艺术，它是现代生活中不可或缺，且又是一种表达人类思想和情感的艺术，摄影更是一种表达体系，是摄影者传递内心情感的一种最佳方式，就像人们用语言来说话、用文字来书写、作家用小说来传递自己的观点、画家用画笔描绘生命的色彩、歌手用歌声传递内心的情感。摄影作为一种精神生产，就在于摄影家把强烈的主观因素参与到作品的创作中，乐与苦、美与丑、善与恶、爱与恨、生与死等，几乎所有与人相关的主题都能在影像上表达出来。本文就摄影家如何把自己的情感蕴含其中和情感在摄影艺术创作中发挥怎样的作用进行论述。
一、摄影艺术创作中的情感蕴含
通过了解摄影史和摄影艺术发展，我们发现人类摄影艺术的发展，无论是在技术、技法、理论、观念抑或是在器材等等层面发展的根本原因，其中必然有人类社会各个领域在不断发展的种种外因因素，但究其根本的推动力是在于人，那些将时代的背景环境，科学理论，艺术理念，技术技法以及对于摄影科学、摄影艺术的不断探索研究与其自身对于这个世界和人生的深刻认识及内心思想情感的完美有机结合的摄影艺术大师们。
安塞尔・亚当斯（19O2―1984）的“区域曝光”理论和“想象”理念对于后世的摄影艺术发展与探索具有举足轻重的历史意义和指导价值，在亚当斯的一生中，从未停止过对于摄影艺术景致优美和“触景生情，以情写景”的不懈追求与研究，最终完成了现代摄影基本体系的创立进程。亚当斯的风光摄影作品在世界摄影史的发展历程中有着里程碑式的重要意义，亚当斯的作品每一副都是基于他对于景物有着某种强烈的思想感受，有着丰富的情感内涵而进行的构思、创作。
二、情感对于现代摄影艺术创作的作用
摄影术以1839年法国人路易・雅克・芒代・达盖尔公布其“银版摄影法”为标志起正式诞生，发展到现在历经了170多年的历史，作为一项与绘画，音乐等历史传统悠久的艺术相比还很年轻的艺术门类，摄影艺术在这170多年中一直在不断的发展和演进，历经摄影初创期的艰辛探索与实践，早期画意摄影的崛起与逐渐落寞，经历了摄影转型期的变奏与分离，以及发展步人现代摄影的滥觞，迎来过摄影艺术发展的三个“经典时代”，现代主义摄影的演替与变革，终于迎来现代摄影鼎盛期的到来以及在转变中的当代摄影。
黑格尔曾说过：“思想的普遍性乃是一种事业或者一桩成就的元素，没有思想，就没有客观性，这个客观性乃是基础。”纵观世界摄影史的发展历程，正是摄影家们凝结在摄影作品中的思想体现，集中概括了摄影思想历史发展的精华。而作为人心理活动和思想的组织者，情感则具有近乎决定性的深远意义。
“摄影触及人类各种境界之追求与关照，它并不只贡献吾人以客观的知识。摄影源于生命感动，并创造生命意境，最后，摄影成为生命之呼喊，人生隋感感悟之源泉，铭刻着生命丰富特质的世界”。（《穿越图像的艺术》第一章）
社会纪实摄影，毫无疑问是当代摄影思想形成进程中重要的一部分，它有意识地记录了某种社会形态和所处的时代特征，进而发挥了影响、推进社会进步与发展的作用。
刘易斯维克斯・海因（1874―1940）曾经自称他的成就实际上就是“社会摄影”的成就，他一生的摄影研究与创作历程一直在坚持着摄影镜头要以社会意识为导向，内心情感内涵为依托，他的这种理念和宗旨也为社会纪实摄影的发展奠定了理论基础。作品《童工》（1908）是海因摄影事业一生中最具影响力的作品，采取对比反差的手法反应了儿童悲惨的劳动场景和颠沛流离的命运，以真诚的感情态度和追求真理的创作风格、极富思想情感内涵的表现手法赢得了观众与支持者，从而引起了全社会的深刻反思和政府的重视，激起了人们内心深处的怜爱之心。海因的不懈探索与坚持，推动了纪实摄影成为一种社会舆论导向，并深刻影响着社会改革和历史发展进程的一方面因素，其中所蕴含的强烈人道主义情怀，跨越时代，超越国籍、种族，成为了人类反省自己，反思历史、以史为鉴的一面镜子。
摄影绝不仅仅是一种艺术门类，更为重要的是它具有深远的社会效益与历史、政治、文化等层面的综合影响力，情感表达和思想感情内涵的最终抒发与表现是任何艺术创作形式的根本目的和原始最真切的宗旨。纵观摄影艺术的发展历程，我们不难发现，任何在历史上产生过深远影响，具有里程碑意义的思想、理念、风格流派、组织群体抑或是技术理论，之所以能够在摄影艺术的发展历程中起到决定性的推进作用，根源在于蕴含在这些方面背后的深刻实质一腈感内涵。
三、影调在摄影艺术创作中的情感表达
摄影是一门光影的艺术，光线和影调是摄影的灵魂。摄影作品画面的影调构成是传达、表现作者思想情感内涵、观念想法的最重要创作手法和表现方式。
摄影史上的任何一副具有深远影响力的名作，其共性的特征都是将摄影艺术语言与内心情感、思想感情内涵完美地结合。而影调作为摄影艺术最为根本、关键的表现方式，则更成为了创作者在摄影艺术创作中表达内心情感，表现思想感情内涵，传达观念想法的最主要途径和艺术表现方式。爱德华・韦斯顿（1886-1956）是摄影的第二个“经典时代”的代表人物，他通过一生的不懈努力与追求使摄影艺术第一次以自己的视觉接触世界，对于后世的摄影艺术发展具有决定性的意义。韦斯顿一生的摄影艺术生涯中，有着许多为后世广为传诵、奉为经典的作品。韦斯顿的审美观察方式与众不同，在无论从构图的创意构思、光线的布置、曝光的控制、聚焦的精确度等技术层面做到近乎完美的基础上，将其独特的观察方式与他对于世界，对于人生的深刻感悟和情感内涵完美地通过对于光影和影调的控制与把握而使作品达到了摄影艺术的最高境界――“一种对生命的绝对诠释”。
作品《人体》（1936），是韦斯顿的代表作品，在20世纪乃至整个摄影艺术的发展历程中具有里程碑式的重要地位和深远意义。《人体》这幅作品，韦斯顿非常出人意外地打破了人们对于人体艺术的传统、常规的理解。以交叉的四肢和低埋着的头部构成了画面的主体，在影调的精心布置和控制上也近乎达到了冷酷的完美，追求对于人体艺术造型可能所能够达到的某种极限。这种打破传统、非同寻常的观察力和想象力以及“摄影视觉”的理念，体现了韦斯顿对于摄影艺术的创新探索与研究，更蕴涵了他对于世界、对于生活、对于人生的深刻感悟和深挚的思想情感内涵。
从《青椒30号》（1930）、《贝壳》（1930）到《卷心菜》（1931）、《沙丘，奥西诺》（1934）再至《人体》（1936），这些韦斯顿的摄影艺术生涯巅峰之作，对于摄影艺术的发展、整个20世纪的艺术进程和文化视野具有里程碑式的深刻影响和意义。尤其是在对于影调层面的完美布置与把握，无一不蕴含着韦斯顿深厚的文化、哲学、艺术造诣与底蕴，更是深刻得反映出韦斯顿对于摄影艺术、对于世界、对于生活的无限热爱与深刻真挚的情感。
光线和影调是摄影艺术的创作基础与根本，在现代摄影艺术的发展历程中，任何一位摄影家，任何的一个摄影艺术发展阶段，任一的流派、风格、思想理念其作用于摄影艺术本体的摄影语言都无法脱离光线和影调，而真正赋予摄影艺术以不朽生命和灵魂的恰恰是一种用语言和文字无法完全清楚表达、诠释的深刻内质―情感。
四、结语
综上所述，摄影艺术创作过程，就应该投入自己的感情，以情动人，这是摄影艺术最大的一个特点，且艺术创作具有主体性，摄影者在进行审美创造和艺术加工被摄对象时，总是自觉或不自觉的渗透进自己的创作态度与审美情绪，其创作思维与审美情趣直接影响和支配整个艺术创作的过程。只有投入了自己的感情，才能使作品也富有感情。
参考文献：
2012.8.25-10.7 | 北京市朝阳区草场地村319-1艺术东区A区 站台中国B空间
成功学作为催化剂在加速消解年轻人的刻苦心态，以至于失去人生稳重而扎实的根基。而同为年轻人的艺术家毕建业则在此次展览中更为关注内心，自我的本真。他故意给自己制造麻烦，欲求生命的丰富体验。在新作中，艺术家有意避开艺术创作中的唯题材论，试图回到绘画的体系中创造新的可能，以微乎其微的“物”作为此次绘画的主题，用一种目的性明确的方式来处理画面之间的无关联性和不确定性。毕建业企图通过艺术创作来反叛人们习以为常漠视的态度看待物的属性，给人提供物多维度的观察方式，进而隐射到人对生活方式，处事态度，社会空间的思考与反思。
自旋 ― 新世纪的十年
2012.9.1-9.28 | 北京市朝阳区百子湾路32号苹果社区4号楼 今日美术馆1号馆2层
新的世纪刚刚走过第一个十年，与中国当代艺术共同成长起来的七零后一代也迎来个人创作的高峰年。此次展览，策展人张晴从中挑选了六个个案――陈可、贾蔼力、欧阳春、仇晓飞、王光乐、韦嘉，以年代为线索，梳理和研究个人的艺术成长史和创作脉络，以期窥见当代艺术近十年的发展。“自旋”借自一个物理名词，在量子力学中，自旋（英语：Spin）是粒子所具有的内在性质，并因此产生一个磁场。当代的青年艺术家在自己的舞台上独舞，同时他们脱离意识形态的影响转而与历史纵横轴上的同类共舞着人类命运母题的状态似乎和基本粒子的自旋有某种相似之处。
无知：1985-2008耿建翌做作
2012.9.7-10.12 | 上海市淮海西路570号F座 民生现代美术馆
本次展览展出了艺术家自1985年至2008年间的作品逾百件。耿建翌是中国当代艺术上世纪80年代中期以来深具开拓精神的艺术家之一。更可贵的是，在此后20余年，他一直持续着这种精神，探索着如何表达自己的体验。他广泛运用了各种不同的艺术创作手段，并给予了作品内在的统一性。这种统一性是针对那些人类处境夸张的问答，旨在唤醒观众对于“发生了什么、正在发生什么以及他们在这个过程中的角色”的清醒意识，并通过作品的那些微小普通的细节，对自己保持一种清醒状态，我们的存在和潜在的清醒意识开始浮现。
欢迎再次来到鸟头世界 ― 北京2012
2012.9.1-10.8 | 北京市朝阳区机场辅路草场地261号 香格纳画廊北京空间
本次艺术家组合“鸟头”个展――“欢迎再次来到鸟头的世界―北京2012”，是“鸟头”在北京的第一个个展。此次将展出的超过200张的摄影作品，也是继去年（2011年）威尼斯双年展主题展――“光国”之后，首次在国内的集中呈现。“鸟头”组合自2004年成立以来，其作品受到了广泛关注。成员宋涛、季炜煜通过摄影这种记录方式，更多的是忠实的起到帮助记忆的作用。也许这只是一张张或黑白或彩色的照片，却串起了他们的整个世界。这个“世界”也许不属于你，但是他们欢迎你的到来。
关键词 抽象绘画 平面设计 康定斯基 克利 蒙德里安
中图分类号：J524 文献标识码：A
抽象绘画作为一种绘画种类，不仅丰富了绘画的艺术种类，其理论研究和创新也在一定程度上影响着平面设计的发展。
1形式的构成
康定斯基认为，我们所生活的世界的纯粹形式都是抽象的，而所谓的“纯粹的物象形式”是不存在的，所以画家想要通过自己的绘画而复制自然界中的物象，那是不可能的，这种情况下画家只能通过对其抽象精神的描绘和表达才能实现纯粹形式。因此，画家笔下要思考画作的构成问题。基于这种理论认识，康定斯基著有《点线面》一书，在书中他专门对不同的绘画形式的各种属性和元素进行了探讨，并对其中存在的和表达的情感态度以及价值思考进行了分析。
克利对于这种看法是持肯定态度的，另外他还说过：“艺术创作的本质是创造形式”，即在绘画的过程中如果没有自由的发挥和创造，那么将无法实现艺术的绘画。克利对于绘画过程中的各种自由运方式的运用有着较为深入的研究，他认为画家只有实现了对线条和颜色的自由运用，才能实现真正的艺术造型。他认为处理这些绘画元素时，应该注意的不是有规律的排列，而是要产生一个新的秩序，并在新秩序中寻求更合理的艺术创作。
通过上文的分析，我们可以看到康定斯基和克利关于绘画的理论都带有较为强烈的表现主义的色彩创作理念，而与他们不同的是，蒙德里安对于抽象绘画的理论分析中，对于垂直以及水平的线条的艺术表达问题有着不同的看法，他认为在对称图形中，这种有规律的水平或者垂直线条是一种抽象的几何切割，也即是说通过这类线条画家可以实现更加和谐的造型关系，因此，在蒙德里安的研究中，将线条、平面和色彩的构成关系作为重点内容，并认为这三种因素才是艺术表达的最主要的手段。
2色彩的意蕴
康定斯基对于绘画中的色彩的理论分析认为，单独的色彩在表达的过程中可以划分为冷暖和明暗两种，具体来说，也就是将色彩分为不同的四大类，即亮暖色、暗暖色、亮冷色和暗冷色四种。冷色调的色彩主要是偏向于蓝色，而暖色调主要偏向于黄色。由于将颜色做了冷暖的对比，所以如果冷色和暖色放在一起，就会产生一种水平运动的感觉，也就会形成一种分离的视觉运动效果。
上文中我们说过康定斯基和克利是表现主义画家，所以康定斯基对于抽象绘画的形式和色彩的理解还会带有一定的精神意蕴的表达，也就是说在色彩表达的过程中，由于颜色的轮廓的模糊性，使得其呈现方式要更加的抽象化，这种情况下就必须拥有色相和外形。而形式除了外在轮廓的表面意义，还具有内在的表达意义，两个层面的意义决定了它的目的。康定斯基说“色彩通过心理联想引起眼睛及其他感官的生理反应”，所以他认为黄色是粗俗的、不安的，而蓝色是脱俗的、深刻的，白色是静谧的，黑色是死寂的。这些理论感性而情绪化，构成康定斯基抽象绘画理论的重要部分。
蒙德里安关于色彩的理论分析要更加的理性，他对于色彩的理解更加形式化，他认为“所有的艺术风格都有一个永恒的内容和一个短暂性的外在表现”，为获得一种普遍的形式，除了抽象的形体，纯粹的色彩也是画面构成中的合理要素。蒙德里安受逊马克的“物质世界是由纵横两种结构组成的，世界上的三个基本颜色是红色、黄色和蓝色”的哲学理论的影响，选择红黄蓝三原色和黑白两色作为其创作的主要表现手段，与传统绘画中以光为表现中心的方式区分开来。
通过画面中的造型关系，线、面、体的张力和强弱度，自然色彩的纯度和和谐搭配，蒙德里安走向了“直线化、平面化和均衡化的发展”。而由蒙德里安绘画发展起来的设计风格渐渐成为“风格派”运动的“核心视觉因素”，这种“简单的、理性的、数学统计的、纵横直线的形式和单纯的原色计划”成为新时代的形式特点。
3结论
王受之在《世界平面设计史》中写到，真正造成包豪斯基础课程与众不同的地方在于其理论基础课程，“无论是伊顿、克利，还是康定斯基，他们的基础课程都建立在严格的理论体系基础之上……基础课程对于技术的强调是本质内容，理论的依据和支持则是基础课程的精神内容，两个方面相互协调，因此，基础课程的本质和精神，可以说是一脉相承的”。通过理论的教学，开拓学生的视野，激发他们的创造力，从而为进一步的设计之路打下基础，这是包豪斯学院的成功之处。康定斯基、克利和蒙德里安这三位在现代平面设计史上具有影响力人物留下的关于形式的构成和色彩的意蕴的理论阐述，一方面可以有助于我们加深对其艺术创作的理解，另一方面对当代平面设计也依然具有重要启示。
中图分类号：J022 文献标识码：B
现实主义艺术创作是一个古老的话题，当下又开始得到了人们的关注，可能是自己从小所受的教育使然，对现实主义的艺术作品总有一种莫名的钟爱，在艺术创作的过程中也总离不开这条轨迹。再现生活，真实表达人们的思想情感和自己对现实生活的感受，这已成了我艺术创作的原动力。因为我一直偏爱主题性绘画，而主题性绘画的一个主要特点就是将绘画的触角直接指向社会现实，直面人生、正视历史、追求真善美，因此也就决定了参与者本身要有丰富的生活经验，要有彭湃的艺术激情，而且还要有能触动其心灵的社会事件。2003年突如其来的“非典”疫情正是这样一个重大事件，回想当时广大白衣战士奋不顾身的挺身而出，用自己的身躯铸成一道坚强屏障来抵御“非典”的肆孽，我就感到激动不已。正是这种激情激发着我、鞭笞着我一再重访这个题材。经过半年的架上耕耘，在一个炎炎夏日的早晨，我终于收笔，完成了我第二幅以抗“非典”中医务工作者为主题的粉画作品《洁白的屏障》。这段创作历程像树木的年轮一样深深刻录于我的美术履历中。随着阅历和年龄的增长，每一次创作对我来说都是一次精神和肉体的历练，这一次尤为深刻。我深知艺术是人类心灵的创造物，是艺术家感情激荡和审美经验相结合的硕果，而这一过程只有在时代、社会、人和自然的感召下才能得以实现。这也就是说，要画出一幅成功的作品，一幅思想深邃、积极奋进、代表这个时代风貌的艺术品，作者必须要走进生活，努力贴近人民大众。这对我来说是一个忠实自己的艺术使命和作为一个艺术家的责任的问题，绝对不容含糊。当初我创作我的第一幅抗“非典”主题粉画《众志成城》时就是这么做的。
当时在强烈的创作冲动的驱使下，我多次来到广中路地段医院，与白衣战士们促膝交流。他们的言行举止使我更深刻地理解，他们的献身精神是源于对自己职业的深刻理解。他们知道面对任何疫情，光有献身精神是远远不够的，他们还需要严格的科学态度和严密的组织保护措施，只有这样他们才能真正担当起保护人民群众生命安全和社会稳定繁荣的重任。同时也深切地体会到自己在工作中的任何大意和闪失都将是置人民群众的安全健康于多么危险的境地。因此他们在工作中从不敢掉以轻心，不管是一个常规动作，还是一件普通消毒器具的放置，他们都做得小心翼翼、一丝不苟。记得有一次他们为我演示如何穿戴防护服的全过程，一件件、一层层的衣服由里及外，做得是那么娴熟严谨，仿佛从模子里翻出来一般。我忍不住问他们：“每天这么穿真的有必要吗？你们不烦吗？不热吗？”他们回答我说：“科学的东西是容不得半点马虎大意的，身为一名医务人员，只有先有效地保护了自己，才能确保在治疗过程中病人和其他人的安全，才能打赢这场艰苦的战役。为了这个目标，再烦、再热、再苦、再累我们都不会有怨言。”与这些白衣战士的真诚交流使我原来的创作构想由朦胧逐渐变得清晰起来，作品的雏形一点点从我的脑海中浮现出来。终于，我决定把创作的切入点定在白衣战士们的那些日常小事上，这些小事常人看来十分平淡无趣，但又正是这些小事最真实最直接地反映着他们最高贵的精神内涵――平凡工作中的伟大，我的画作正是在这点上立足。对此我十分激动，然而我也知道，赋予一件作品最终生命的路才刚刚开始。我记得一位著名画家曾说过，情感的投入是很重要的，画家在创作过程中自始至终地处在某种感情状态下，作品才能富于生气和灵魂。我想当一个画家将自己地理想与现实生活真正融合在一起，并时时不忘艺术的本质规律所在，全身心投入，那你离实现艺术的梦想也就为期不远了。
在画完《众志成城》之后，一方面我感到卸下了心里的一个重担，但另一方面却依旧有一种不满足的感觉在心中。由于《众志成城》是为讴歌抗“非典”的英雄人物而创作的作品，画中的人和事都是真人真事，以特定的人物和环境作为绘画的主角，在创作过程中不可避免的受到了许多束缚，但这些现实的“束缚”也在另一方面使我从中得到了大量的实际体验和精神感悟，为我下一步的再创作打下了良好的基础和充分的精神准备。因此当我再一次拿起画笔的时候，胸中创作激情告诉我，还有许多东西积淀在我的内心深处，还有许多东西没有在画布上得到充分的表现。突然，一个念头跃入我的脑海：何不再画一幅更大的作品呢?这个念头时时冲击着我的思绪，终于乘着十届全国美展的东风，我进入了新一轮的构思创作中。我知道绘画创作需要激情，但我更是深深了解创作中的激情是必须通过漫长而艰苦的劳作才能最终收获成功的果实的。浮躁仓猝绝对画不出好作品。于是，我再一次从最基本的工作做起，深入生活一线，重新走访创作对象，收集创作素材。由于有了上次的经验基础，这次一切进行得都要顺利得多，从中我深切地体会到，在新的市场经济时代，要搞好创作，要高举真善美地大旗，是离不开各级领导地支持关心帮助和广大人民群众的鼎力支持协助的，没有他们的支持很难想象我的这次创作之路会这么顺畅。而有了这种平台的大力帮助，就可以使创作者无所顾虑地把自己地满腔激情全情投入到创作中去，用时下流行的话说就是：亲近生活，或曰：走进生活。上个世纪我们都知道这叫作“深入生活”。但不管是怎么叫法，艺术家要出作品，而且要出为广大受众所欢迎的、能受的起历史检验的经典之作，是万万离不开“生活”二字的。不能想象没有生活怎么会有列宾的《伏尔加河上的船夫》、王式廓的《血衣》……还有无数国外或本国的，在世或已故的画家的传世之作，都无不深深地打着生活这个去不掉地烙印。生活是所有艺术创作活动的真正也是唯一的源泉，离开了这个源泉，再巨大的艺术才能也终将流淌殆尽，这样例子比比皆是。而在我的绘画创作之路上，大凡稍有收获之时，便是在对生活的本相有所亲近体悟之时。说来也奇怪，作为社会一份子的艺术家本人，每天都在生活中忙碌，再谈什么亲近、走近、深入似乎有些别扭多余，但实际情况并非如此。
人在生活之中，这是一个不可辩驳的客观事实。但一个人是否真正了解生活，理解生活的真谛，掌握生活的内在本质涵义并能用健康积极的审美理念来艺术地表现它，这又是另外一回事了。这种外在和内在的完美结合不是每一个会画画的人所能真正理解和把握的。我记得著名美术理论家王仲先生曾说过这样一段话：“任何国家任何民族的艺术想要蓬勃地发展而不枯萎衰落，必须要做到五个基本上的不脱离：不脱离自然，不脱离社会大众，不脱离人类的审美良知，不脱离艺术规律，不脱离艺术技能。”我想，艺术家要出好作品同样要以这五个不脱离作为基本点。这五个不脱离告诫我们首先就要走进自然，走进生活，走进社会大众去寻找去发现去发掘创作的源泉。在创作中我的偏好事以日常生活中的平凡小事或看似无奇的平常场景作为创作的主要灵感来源，就像齐白石大师所经常说的那样：“说话要说人家听得懂的话，画画要画人家看过的东西。”罗丹也曾说过：“所谓大师，就是这样的人：他们用自己的眼睛去看别人看见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。”这些东西可能是很凡俗的、耳熟能详的，但在它们普通的外表下往往蕴涵着伟大的精神力量。在这种画作前，观众立刻就会进入画家为他们安排的角色中去，体验到画家创作时体验过的激情。我想人们都不会忘记上个世纪80年代那幅著名的油画《父亲》，这样一个简单朴实的农民形象，使很多陌生的人在它面前激动到泪流满面，不能自已。这正是因为这个看似简单的形象背后隐藏着深刻的历史文化积淀和浓厚的民族精神内涵。
因此，我再一次回到抗“非典”这个题材，把它作为我创作的一个重要源泉也是基于这个精神和历史层面的考虑。2003年的“非典”疫情对我们国家和人民来说是一个大的历史考验，在这个考验前全国人民勇敢地挺过来了，这其中那些医务工作者起到了中流砥柱的作用。在创作中我回想和他们的接触，他们给我的印象总是那么得平静，那么普通。就是在那世人眼中极其可怕得战斗得最危急时期，他们也显得那么镇定，那么悄无声息。然而就是在这样的寂静中，在明知被死亡包围的恐怖中，他们依旧忠实地履行着自己的职责。我被这种不事张扬的奉献精神所深深打动，因此我就在创作中努力捕捉他们的这种淡定，从他们每天都要做的穿防护服这一小细节入手，发掘生活表象背后的伟大忘我精神。我看到了，并力求用我的画笔去赞美这生活的伟大和魅力无限的美。
绘画作品，本质上是画家真实感受的一种载体，而这一载体是通过笔墨来完成的，其完成的结果如何，全仰仗作者的激情，这激情正是来自于生活，来自于社会，来自于人民，来自于当下的时代。现实主义艺术创作的重新被认识和关注是我国社会发展的必然，艺术创作形式繁多，千变万化，而我心恒静如一，路漫漫其修远兮，现实主义艺术的创作之路是漫漫长路，惟有虔诚和甘于寂寞者方能达到理想的圣地。囿于多年铸就的性格使然，我仍将在这故道上跋涉前行。
一、传统文化积淀下的笔墨语言
作为中国画基本造型手段的笔墨语言不仅是绘画应用中的媒材，更是被逐渐内化为一种文化、一种精神，笔墨语言是传统文化积淀下的本体词汇，渗透出了传统文化的核心内容。董其昌曰：“士人作画当以草隶奇字之法为之，树如屈铁，山如画沙，绝去甜俗溪径，乃为士气。”（《画禅室随笔》）可见，笔墨是依附于“胸中赋丘壑”又游离于心灵之外的价值体现，艺术创作的主体源自画家的心灵，故而学画当先修身，修身则心气平和，自古至今未有心不平而能书画者”。（张式：《画坛》）无论是凝神遐想、妙悟自然，还是对创作心理的构建，都是从画家个人修养的角度来讲。“澄怀味象”是画家虚静空明的心境，也是创作过程的内心感受。只有具备了这种素养，所创作出的作品才能与画家真实的生命和心灵连接在一起。
二、中国传统文化与中国画
如前所述，中国画是心灵的艺术，它从始至终都受“儒”“道”及“禅宗”思想影响至深。注重个体心灵的感悟，于静观中往返于自己心灵深处的节奏。中国画的独特魅力正在于它自身蕴涵的文化基因。
儒家文化的核心是人品正。孔子指出：“人而不仁，如何乐”（《八佾》）也就是说人只有行仁道，“乐”才有意义。孔子反对脱离社会理性而去追求形式美，要求美的实质要与社会生活和道德品质联系起来，认为只有将仁义、道德完全统一才可称之为君子。君子在山川自然中寻求“真”“善”“美”。“山杳水匝，树杂云合，目既往还，心亦吐纳。”《文心雕龙·物色》因而，中国画之所以成为“君子”所关照的对象，是因为这是主体触目而生情，也正是人们在山水中“比德”所获得的欣悦。
禅宗强调的是“心识”并且提出了“心不孤起，托境方生，境不自生，由心故显，”的审美观。进而产生了“实有境无，境假识真”的意境论，对境而言是人们对客观事物的主观认识，所以一切万法尽在自心之中，凡所见“色”皆为见“心”。王微在《叙画》里说：“古人之作画也，本乎形者融，灵而变动者心也。……。”正所谓“师古人师造化得心源”可见“心源”才是创作的根本所在。
庄子打开了人与自然之间的屏障，人开始与天地精神往来，“死与生与，天地并与，神明往与。芒乎何之？……万物毕落，莫足以归。”这是庄子在《天下篇》中的自述。这正是一个被艺术化了的人格的内心表述，正所谓“鱼相忘乎江湖，人相忘乎道术”（《庄子·大宗师》）能忘故能游，这是道家哲学实际受用之所在。“游”与“忘”的人生恰恰是艺术精神所呈现的人生本质，所以庄子的真正目的在于寻求精神的解放。“大美”仅仅存在于寂寞无谓的天地之中。而“天放”就是天然放任，率性而行。既然自然的本性之真是美的基础，所谓真者，所以受于天地，那么任何艺术作品之美就必须首先出于真。
中国传统绘画基于中华民族深厚的文化土壤中，融合了独特的民族文化素养、哲学观念、审美意识和思维方式，从而形成了一个完整独立的艺术体系。
三、传统文化的精神内核在中国画创作中的价值
一、培养学生的艺术兴趣与成就动机，提供创造性思维的动力
兴趣是创新源泉，思维的动力。在美术教学活动中，教师就着重培养学生的艺术兴趣与成就动机。增强学生进行创造性思维的内驱力，解决学生创造性思维的动力问题。
(一）形象感染法，培养学生的直接兴趣
绘画艺术兴趣的产生，从最初的儿童心理来看，是直接兴趣起主要作用。在绘画艺术中的兴趣形成过程中，美的艺术品以及生活中美的形象等信息的现刺激，在游戏和认知过程中增添了许多乐趣。美的形象吸引着学生的强烈的好奇心，使他们产生一种强烈的探求欲望，促进了他们认知能力的发展。在教学中，我注重用强烈的艺术感染来激发学生的艺术兴趣。如在教学国画时，我先向大家介绍一些大师的作品，如齐白石、李可杂等，以齐白石的《对虾》为例，我让大家现场观察活虾的特征及画中虾的形态，让学生产生一种审美的痕迹。
（二）成就激励法，培养学生的间接兴趣
要形成学生持久的、强烈的创造热情，仅有直接兴趣是不够的，还必须培养学生的间接兴趣，可以转化为一种特殊而强烈的心理需要，进而产生一种强烈而持久的动机，即成就动机。这种成就动机是从事艺术创作的信念和意志的基础，是高层次的自我实现的基本动力，它将在艺术家终生的创作实践活动中起着重要的作用。正是有了这种艺术成就动机，才使人能画画“穷昼夜而不厌”，激发学生极大的创造热情。心理学的研究指明，成就动机主要由三方面的需要组成：认知的需要；自我提高的需要；归属的需要。培养学生的成就动机及理想信念，可以众以下几方面的外部因素着手：带领学生参观一此画展，实地感染美术作品的震撼力；利用身边楷模的作用，请一些身边在美术领域内取得一定成就的老师、名人现身说法，并对学生作品进行指点，肯定其绘画的天赋；将学生的美术作品进行专辑编排，展览，引发学生的成就感。
二、维护学生的自尊心和自信心，鼓励艺术个性的创造性发展
艺术个性是指学生的艺术观念、审美情趣以及艺术表现手法等方面独特的倾向性，体现于艺术作品的形式美感的总体特征之中，具有创造性。每个学生都有独特的艺术个性。自信和自尊心，作为自我意识的一部分，不但是个性重要组成部分，而且也是艺术个性中不可或缺的个性心理特征之一，它在具体的创造活动中表现出来。美术教师的责任之一就是要使学生的艺术个性得到充分的发展。
（一）放弃权威态度，平等式教学
良好的心理气氛能使学生充分施展自己的艺术个性特征，表现出旺盛的学习热情和机智敏捷的思维活动。教育心理家肯尼迪?哈伍德曾比较了以“高”和“低”创造成果表现特征的两组年轻科学家，发现前一组表现了相当的自信和对抗于“社会压力”的能力。教师与涟生之间的教学关系，如处理不当，则容易打击学生的自尊、自信，使学生产生以下几种消极心理，不利于艺术个性的发挥。
（二）延迟评价，开放式教学
教师对学生作品的评价，是学生的艺术创作在教师心中引起的反应，又作为一种鲜明而直接的信息反馈于学生。评价信息不仅会直接影响到该学生的艺术创作发展走向，而且会对其他学生产生间接影响。及时、客观而有针对性地评价则不可能达到上述效果，甚至往往适得其反。因此，我在美术教学过程中，常常着急地持有一种开放态度，并不对学生的作品作出立即的评价，而是留出一定的时间和空间给学生。比如说，带学生到一个自然环境中进行风景写生，他们对于自然美的感受是互不相同的，有的欣赏云彩和天空的色彩变化，有的喜欢某些树木的形象特征，有的留心观察近地和远山的空间关系，这时侯他们的着眼点已经各不一样了，在构图选择中就会出现差异，有的构图天空部分较大，有的选了一个竖幅构图，有的以“宽银幕”的画幅来取景，而这些差异，就是未来的艺术个性的雏型。
三、探寻有效方法，加强创造性思维的训练
美术创作的构思过程，是通过形象思维和创造性想象活动进行的。尽管在人的思维发展历程中，形象思维是较初级的形式，但是它在创造性思维和美术思维中却占着主要地位，而想象则能在创作构思初期使思维空前地活跃起来，产生灵感。
（一）接触自然，促进形象思维能力的培养提高
形象思维是以创造特定艺术形象为目的，由抽象思维指导和配合，渗透着情感活动的自觉表象运动过程。美术创作的思想内容是熔铸在作品形象之中的，否则就没有形象性、形象感可言。自觉表象运动是反映客观事观，进行艺术构思，结出艺术成果的主要手段，贯穿于绘画的全过程，它在整个创作的心理活动中占有巨大的比重。在美术教育中形象思维的一种训练的方法是“接角自然法”。这就是到大自然中去，大自然中接触各种各样的事物，接受大自然对视觉、听觉、嗅觉、触觉等方面感知形象的陶冶，发展表象系统，提高对事物的敏感性。深刻的表象来源于深刻的实践和反映，让学生在社会实践中获得对客观事物的认识，这认识就包含着对客观事物的形象的反映，也就是富于感性的表象，从而促进形象思维能力，培养创造力。
（二）积累知识，促进想象能力的培养提高
关键词:艺术创作;艺术作品;构图;构形;构色;构意;形式语言
中图分类号:J08 文献标识码:A
A New Study on Painting Art Language
XUE Yi
绘画是运用线条、色彩、形等艺术语言,通过造型、设色和构图等艺术手段,在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象。在新世纪,随着时代的发展,这些绘画理论的内涵应赋予新的意义。油画创作要用当代艺术手法去对现实阐述,油画语言随着观念的变化而变化,现代人应有现代人的艺术思维观念。
一、构图的个性化语言
“构图”在中国传统绘画中称作“经营位置”,其意义就好象是建筑房屋,首先要做好房屋的构架,这种构架决定房屋的最后样式。在绘画中构图能引导观者产生幻象,由构图所引起的视觉冲击使作品的精神内涵产生意义[1](P.13)。构图是一幅绘画作品中最重要因素之一,也就是第一个视觉刺激因素,是艺术家表达自我情感的首要手段,它是艺术家与观者交流的视觉桥梁。构图过程是画家对客观事物的认识过程、理解过程、内化积累的过程,它表现着作者对美感认识理解的程度和水平。油画传统中的构图形式有S形、三角形、C形、并列式、角形等等形式。构图中所要思考的是如何利用光组成明与暗,面积、比例、形状上的关系引起的视觉反应,画面中的黑、白、灰构成关系,画面的节奏和韵律感以及审美心理感受。但值得注意的是,人们的视觉经验随时代的变迁而变化,不同时期的艺术家运用构图的方式也不同,古希腊艺术的造型与构图、比例上的完美,体现了空间分割的静态节奏与秩序。中世纪艺术造型带来的是冷漠和神性,文艺复兴时期受人文主义思想的影响造成理想而又优美的秩序,现代油画构图和造型的独特性应该从新的节奏与秩序的感受中开始。构图要素包含着画面中点、线、面、体、质感、色彩。构图既不神秘,也没有固定公式可依,画家要对前人在此方面所取得的成果有所了解和掌握的基础上有所创新。重要的是构图要有特点,有独创性,探求符合自己特性的方法。但这些又必须要遵循美的原则――“多样统一”,它是一切绘画的根本法则,多样就是变化、不同、对照与对比等。统一就是一致性、秩序性。由此根本法则而衍生出诸如对称、均衡、虚实、节奏、韵律、开合、疏密等原理。构图是表现作品内涵思想的重要因素之一,是作品中全部绘画艺术语言的组织方式,构图不能成为目的本身,它是为了展示艺术家的构思和意念思想,构图是内容与形式统一的产物,现代绘画应是对艺术形式语言不断创新演进的运动。
二、构形的风格化语言
当我们感知事物时,我们主要依据两种方式;一种方式是对自然物象的客观性观察。形状的特征、外形、结构、比例、透视的准确性,我们称之为客观的描写,非常逼真地复制事物的基本外貌,再现原事物的特征,它是再现的、写实的方式风格。另一种方式则依据想像的、主观的方式,运用变化无穷的形状幻觉,所有主观想像成为可信的事实。这种方式来自于艺术家对客观事物个人情感化,主观化的认识[1](P.63)。无论是客观的再现还是主观的表现,构形的目的都是为了表达对作品的内在涵义及其潜藏的更深层意义上的关注。
赋予形象一种意义是艺术创作的基本要求和功能之一。绘画中的形不同于自然中的形,自然中的形是固态物的固有性质和存在形式,是客观的,而绘画中的形,无论是写实形,还是抽象形,都有人的主观因素干预,即人对形的认识和态度,所以在艺术创作中,为了使造型形象更具典型性而进行的非常个人化的造型处理,使形带有很强的主观性、表现性,体现着人的情感因素,通常会使作品更有感染力。造型中常常通过伸与曲、曲线与直线的运用、外形结构的处理、简约与繁复、突出和加强对象的部分特征、夸张局部、颠倒造型的比例关系、透视的倒错、多焦点的方式等手段来增强造型的象征意味。研究形的问题对于我们的绘画实践是很有必要的,艺术创作的过程是一个赋“形”的过程,在这一过程中,艺术家也就是形的发现者和创造者。在不同的历史阶段,绘画中的形是不同的。西方传统的绘画创作形式是沿用叙事,以主题性绘画为主。创作方法、创作风格与技巧,具有时代的局限性的弊端。印象主义绘画开拓了革命性道路。不仅对传统主题改头换面,而且意味着对绘画和造形艺术方法、目的和观念的完全改变。当今时代,随着资迅的发展,文明正以前所未有的速度向前演变,高科技突飞猛进。在经济全球化的浪潮之中,新媒体如丛林般地生长起来[1](P.73)。这一历史阶段的最大特点就是“迅变”,环顾世界,各种新技术、新材料、新产品、新思想、新理论、新观念、新制度、新时尚铺天盖地而来[2](P.64)。在艺术领域,各种媒体迅速介入到艺术语言中,艺术语言具有其多样性、个性化。在文化形态上,如大众文化、商业文化、传媒文化和图像文化等公众图像日益成为现代社会的公共话语,并且成为现代社会的语言方式。画家们更加注重自己作品中的风格,也因此构形这一传统词语与现今画家作品的风格形式有着密不可分的联系。技术和形式的目的都是为了表达某种观念,可以说现代架上绘画艺术都是与观念有关的画面形式的表达,现代艺术的“画面形式”的完成是现代精神的需要。所以,我们也要将画面中的形与观念相结合,体现时代精神。当代艺术是多元化的,多元化给艺术家提供了多方面探索发展的可能性,画家可以自由地以自身的情感和精神需要以及审美偏爱作为选择的依据,来创造属于时代的个性的形。
三、构色――真实性与主观性
在油画作品中,色彩是油画语言的灵魂,它有着独特的魅力,是进入我们艺术视觉信息的第一个信号,是构成画面思想情感和精神内涵的重要要素之一。色彩是一个较为复杂的知识系统,在传统的学院派以及古典绘画中,多采用单一的颜色进行明暗变化来塑造形体,时代变迁,不同历史时期画家对色彩的选择和运用也在不断地更替,不断地演变。从西方油画的发展过程来看,在一个非常漫长的时期,色彩只是作为素描的补充而存在,而色彩走到今日,在现代画家的大胆应用与演绎下,呈现了一片辉煌,从描绘事物的手段最终走向了表现自我不可或缺的重要因素。近代由于不同的艺术观念形成了不同的流派,绘画语言的不断创新打开了艺术多元发展的新局面。油画在色彩观念上发生了很大变化,传统油画技法中的某方面因素往往为艺术观念的形式体现被强化,甚至被推向极端,油画形式语言受到高度重视。画家们都把色彩作为一种新的观念的体现,作为区别其他人的手段,色彩在现代艺术中被演译成一种“色彩游戏”。这给发挥色彩自身优秀的表现性艺术家提供了机会,由此展现出丰富多彩的艺术表现形式和风格语言。
色彩是绘画表现的重要手段,它是绘画得以打动观众的第一要素,它依托形象传达着作者的美感、生活的经验与潜意识的认同以及联想赋予了色彩表情和生命,这其实是一种视觉心理,一种人类普遍和共同的心理积淀。但正是这种共同的认知才使绘画的色彩得以成立[3]。掌握色彩知识只算是掌握了一种工具,而支配使用这种工具的是内在情感。在绘画中要观照内心的感受,尊重自已在此时此地产生的想像力、创造力,色彩要为我所用,不要被常识所束缚。绘画是画家与心灵对话的过程,使用不同的语言会造成不同的语境,作为构成油画最情感化的语言因素,色彩可以在瞬间唤起视觉注意和达到情感共鸣。
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四、构意――观念性与时代性
“意”在这里指“创意“、“创造性思维”。它是不甘守旧,刻意求新,不惧艰辛,志在变革的勇气和毅力。
观念是一种对客观事物的主观认识,是一种思想观念或者是精神上的抽象,而艺术创作的观念指的是艺术家在艺术创作中所体现出的内容、形式、色彩和表达观点。当一定的观念形成的时候,它需要一种手段来实现这种实现的过程,艺术创作的最终成就来自于观念,艺术需要观念,没有观念就谈不上艺术。观念对艺术的进步起到很大的推动作用,不同历史时期绘画的题材和形式都不同,这种不同从根源上来看就是观念的不同。新的社会制度会产生新的社会观念,所以艺术也会有新的发展,艺术家的观念也会有新的发展。
对绘画语言的形成,时代感和当代性也是需要关注的问题。油画起源于西方,大师们在油画的材料、技巧等方面己做了大量的研究,并取得了辉煌的成就,创作出许多传世之创,为我们今天的油画创作提供了宝贵的经验,也是我们学习油画中必须研究和继承的传统。继承与发展是一个永恒的主题,传统是动态的、传统是发展的、传统是一个过程。[2](P.112)向传统学习,没有传统就没有创新,传统提供出一块坚实的平台,以便艺术家向上跳跃。我们继承的不能是表面形式,我们的时代在变迁,我们的生存环境在改变,我们的认知在拓展。因此,要用我们当代人自己的思考、自己的语言来表达自己的感受,通过对新观念、新技术的不断探索等各方面的努力,才能达到自己的艺术目标,这才是绘画的真谛。[4]每个时期的优秀作品,无不打上时代的烙印。今天,我们处在一个信息图像时代,科学技术的高速发展,电子技术及数码技术的广泛应用,都给绘画带来了极大的冲击和挑战,同时,也带来了机遇,它给绘画提供了图像形式想象的无限可能和绘画手法创新的课题,借鉴影像、数码,利用新材料等科技手段,己成为当今艺术家常用的手法。在这样的一个时代,我们如果还是完全用以前的绘画方式来创作的话,那必将被淘汰。因此,油画语言在继承传统的同时必须要发展,要有当代性,这是时代的要求。
五、结语
时代的变化带来生活的变化,艺术家在使用他的语言时也是随时代变化而变化。艺术随着时代的发展而变化,并产生出相应的形式和造型语言。当代人的审美需要是广泛而多样的,不能只提倡一种艺术门类和一种艺术题材,更不能只鼓励一种艺术风格与样式,艺术家作品的个性语言是艺术价值的必由之路。
参考文献:
[1]皮道坚.美术创作与论文指导 [M].北京:高等教育出版社,2002.
[2]王健.创新启示录:超越性思维 [M].上海:复旦大学出版社,2005.
[3]叶强、王朝刚、郑力.抽象绘画语言简明教程[M].重庆:重庆出版社,2006.77.
关键词：数字时代 动画艺术 变相之美
中图分类号：J218.7
文献标识码：A
文章编号：1003-0069（2016）02-0050-02
动画艺术在数字时代的大潮中受到了极为显著的冲击，不仅为动画艺术的发展带来了更为多元化的发展机遇，同时也对其艺术性形成了明显的制约，在许多方面为动画艺术的发展造成了一定的困境。目前数字技术与理论的研究仍然在持续提升，推动着我国数字化时代的不断创新与发展，在这种背景下如果不能将数字技术与动画产业的发展提升结合起来，必然无法促进动画艺术的长远发展，甚至会对动画创作的艺术性形成负面影响。一数字时代为动画艺术传播带来的机遇
（一）日渐丰富的动画创作
数字时代的到来对于世界来说可谓一个极大的变革性事物，由于数字技术与视听媒介密切作用很快就席卷了动画界，并对动画的创作产生了深刻的影响。由于数字技术的应用动画艺术有了更加丰富的表现手法，所以就为动画创作提供了更加宽广的空间，使动画创作者们能够更好地发挥其创作力、想象力，开发出更多的动画产品。在数字时代背景下动画创作的日渐丰富主要表现为以下三个方面：
首先，数字技术的支持使动画的创作能够有更多的选择空间，传统技术制约下无法作为动画创作主体的事物因数字技术的支持，能够作为很好的创作主体，使得动画创作的选择范围更大。数字时代之间的动画创作不仅有着创作主体的限制，同时从专业性的创作硬件设备投入上看就足以使许多有创作意向与梦想者望而却步，而数字技术将动画创作变得更加程序化，仅仅依靠计算机讲述及专业的软件操作即可完成基本的动画创作。
其次，从动画创作的风格取向上也具有了更加多元化的可选空间。数字技术自从开始用于动画创作中以来，一直在不断得到进一步发展，技术水平的不断提升、操作难度的不断下降，都为动画创作提供了更加便捷的条件，同时动画制作水平及画面效果的不断优化，使许多原本需要复杂技术性操作才能实现的动画风格或者效果都能够在简单的数字技术操作下实现，所以极大地丰富了动画创作的风格。
最后，随着信息化时代的深入发展，动画艺术与其他传媒形式的融合得到了不断的开发、应用，为动画发展提供了多元途径。在多元动画开发及应用途径的背景下，动画创作的空间更为宽广动画艺术形式更加丰富。
（二）日益顺畅的动画传播
动画传播在数字时代不仅从传播方式上发生了明显的改变，传播力度也得到了明显的加大，这对于动画产业的发展及动画传播带来了更大的机遇。在动画艺术的传播过程中曾经面临过一次严峻的低谷时期，造成这种低谷发展状态的主要原因就是对动画的定位出现了问题，使许多人产生了对动画艺术价值的怀疑态度，对动画传播造成了非常不利的影响。随着后来动画产业的不断发展以及数字化技术为动画传播提供的更多机遇，动画产业目前的发展模式日渐成熟，为动画艺术的价值体现和文化传播带来了新的有利环境。
首先，数字时代动画传播渠道更加多元化。传统媒体形式之外更多的数字媒介形式为动画的传播提供了适合的渠道，诸如网络、移动终端等信息技术的产品为动画艺术传播带来了更广阔的空间。尤其是在当今社会网络发达的环境下，基于数字技术的动画产品更是受到了多元化的广泛传播。
其次，数字时代使动画传播力度得到加强。在传统动画传播形式中其传播力度的主要控制者是电视、电影媒体传播形式，对于动画受众来说受客观影响比较明显，而数字时代不仅使动画传播渠道增加，同时在网络技术、信息技术的支持下，传播力度也得到了明显的加强，能够依赖于较高的观众主观性来实现动画的传播效果。
（三）不断加深的动画接受程度
数字时代带来的社会变革是多方面的，随着动画传播渠道的不断拓宽，人们与动画的接触范围也在不断扩大，各种国内、国外优秀动画作品得到了良好的传播，使人们有了与动画密切接触的机会，同时也加深了对动画艺术的理解，所以说从整体来看，因数字时代变革所引发的动画艺术改变也表现接受程度的不断加深上。首先，当人们在更多的途径与方式中接触动画作品时使整体的受众群体数量得到了显著提高，动画对人们的影响更加深刻；其次，随着多元化动画作品被不断开发与创作，动画艺术已经跳出了儿童卡通艺术的约束，成为一种文化内涵更加深刻、受众群体更加多元的综合性艺术类型，根据其应用方式的不同被赋予了更多的价值，因此也有了更多的艺术发展成果，并且得到了更多人群的接受和理解。
二 数字时代背景下的动画艺术“变相”美之表现
（一）虚拟美学突出
虚拟美学是当前数字化时代中动画变相之美的重要表现，自数字技术被用于动画艺术以来就以其高度先进的技术征服了许多动画创作者，许多在现实中难以实现的情景、事物、影像等都能够以数字形式表现出来，并制作为动画作品。由于数字创作动画成本更低，能够达到创作者预期的效果，同时还能够使很多现实中无法实现的操作在数字技术支持下实现，这就为动画艺术提供了更多的创作空间，而对于这些虚拟创作力度的不断加大，也形成了当前动画作品中虚拟化现象严重的问题，通过虚拟数字技术创作出来的动画形象、背景等加重了动画作品的虚拟美学特点。
（二）动画情感表达“罐装化”
随着数字技术的不断强大，为动画创作提供了更加便捷的控制手段，许多动画人物或表演行为都能够通过软件系统功能实现，任何一个细节都不需要创作者、画师直接参与，仅仅是对电脑发出指令，就可以完成对动画表演、人物表情等“罐装化”操作。这种“罐装化”明显的表现―方面体现在角色创作上，另―方面体现在风格创作上。首先，基于数字技术创作的动画作品完全脱离了对演员的依赖，一个专业的动画创作者就能够通过软件操作独立完成角色的动作、表情等生成过程，这些目的只通过罐装化的电脑操作即可完成。其次，数字动画创作中的表演全过程以及其风格、效果都是由即成程序、数据组成的，任何一部分都能够被自由读取、修改，动画风格的变化仅仅是由于电脑操作时的软件参数输入差别形成的，这就是明显的电脑“罐装化”动画情感表达。
（三）动画艺术生活化
动画艺术的最初创作初衷是充满着各种想象、与生活脱离的思想的集合，能够给人以深刻的思想体验。在数字技术的影响下，动画创作的生活化表现日益显著，这是由于数字技术的操作将更多的生活化元素加入动画创作中，使其表现出明显的艺术生活化。数字技术带来的社会变革不仅是对生活的影响，也将更多时代特点的事物加入动画艺术创作中，而且在动画产业化发展的环境下其生活化需求也得到了不断加强，更促进了数字技术对动画创作生活化的支撑，使动画与生活的关联日益密切。
三 数字时代动画艺术发展趋势
（一）奇观化
数字时代对动画艺术的影响是多方面的，在动画美学上因数字化技术造成的影响在许多方丽决定着动画作品的美学风格和特点。受数字技术影响，当前时代的动画艺术未来将会产生更加鲜明的“奇观化”发展。所谓奇观化就是指数字技术在不断的发展过程中能够满足所有动画创作欲望，一切在现实中无法完成的动画效果、情节，都能够以数字动画形式展现出来，更多地存在于人们大脑中的奇观将会以数字动画得到实现。例如三维动画的产生使动画画面效果更具真实性、动画场景更具震撼力、视觉感受更加丰富和精彩，《玩具总动员》作为全球首部基于三维数字动画技术创作的动画作品，为观众所带来了绝对的视觉震撼。
（二）拟物化
传统动画艺术中具有着明显的拟人化特点，而受数字技术以及时展背景影响，目前的动画艺术已经日渐向着拟物化发展。传统的动画创作中由于创作对象与受众对象的特点，更多的童话故事、卡通角色被创作出来，这些创作素材中的角色几乎都将卡通人物赋予了A性特点，如迪斯尼角色中的唐老鸭是一个极爱发脾气的小动物，但由于创作者对其赋予的人性特点，使人们感觉它就是一个活脱脱的动画人物彤象。但目前的数字时代动画作品从创作主题上发生了明显的改变，创作中对人性的关注逐渐减少，而对人类行为的反思却逐渐增加，由于人类社会发展对环境、资源等造成的影响已经成为当前时代的发展主题，因此未来基于数字技术的动画创作也更加偏向于物质化、拟物化的现实。如《机器人总动员》，虽然情节的主要推动是以瓦力追求美好爱情为主线，但其中对人类行为带来的地球污染物化现象，用几近残酷的画面展现出来，体现了对人类污染环境、浪费资源的反思。
（三）融合化
近年来数字技术的发展带动了动画艺术创作的新飞跃，3D技术的普及使3D动画成为当前的主流，多种数字技术的应用将动画创作元素变得更加多元化，并且呈现出融合化的发展趋势。例如实景与动画的融合、照片与动画的融合、平面设计技术与动画的融合等，这些融合都是在数字动画技术条件下实现的，最终完成多种技术手段与数字动画创作的融合，使动画作品的表现力得到更加广阔的发展。另外动画与传统艺术的结合也成为当前数字动画创作的方向之一，如我国的戏曲艺术与动画的结合。
四 数字时代动画“变相”之美遭遇的负面效应
数字时代为动画艺术发展带来了更加广阔的发展空间与良好的发展机遇，使许多动画创作形式得到充分发展，为人们提供了更加高水平和多元化的动画作品与视觉体验，然而拥有诸多创作推动力的同时，动画艺术美学的发展也受到了数字时代的负面影响，使动画变相之美面临不利的发展环境，要实现动画艺术美学的健康发展明确这些负面效应，并在动画创作中充分发挥数字技术对动画美学的积极影响，才能实现动画艺术美学水平的不断进步和动画产业发展水平的不断提高。首先，数字动画对技术性依赖更加明显，这就会制约动画创作对艺术性的坚持，过多的数字化动画语言将会影响动画艺术美学功能的发挥；其次，数字动画形式将许多动画“罐装化”，使其丧失了一定的动画意韵；再次，受数字动画冲击，传统动画面临着前所未有的挑战，例如数字动画创作中传统图像绘制方法的抛弃；最后，数字技术对动画艺术变相之美不断吞噬，将更多具有真实性特点的影像呈现在动画中，使其“变相之美”的本性不断迷失。
一、现代艺术教育的现状
针对当前艺术教育的现状，就必须要转变学生艺术学习的方式，即转变目前学生被动的、规定性的艺术学习模式，发挥学生的学习主体认知意识、能动性和创造性。对学生而言，艺术学习方式的转变在于其课程练习量上减少了不少，但是实际的艺术运用能力和创新能力的要求却越来越高。虽然，在一定程度上减轻了目前学生普遍存在的作业压力，增加了自我学习的时间，提升了求知的欲望，增强了学习的主动性，真正学到了有用的知识。但是，对教师而言，新的艺术学习方式开拓了课堂教学的新纪元，这是一个新开辟的方向，有着广阔的挖掘空间和研究层面，随着新的艺术学习方式的推行，对教师的综合能力的要求也越来越高。艺术课堂的驾驭能力、学科知识的艺术实践运用能力、各学科之间的相互渗透能力以及不断学习、不断更新自我的能力等要求越高，教师的水平也就越高。实际上，艺术学习方式的转变也是艺术教师能力提高的动力和目标。相对其他方面，学生学习方式的变革，间接地促进学校的管理机制和课程安排的调整，也影响着艺术考试内容和艺术考题方向的转变，为学生们的终身学习打下坚实的基础，为艺术专业培养出优秀的合作型、创新型、复合型人才。为了有效地解决现代艺术教育实践中的实际问题和各种状况，经过调查分析，笔者认为主要存在以下四个方面的问题：
（一）艺术类学生关于“美”的认识
尽管不同艺术门类中的媒介不同，标识符号系统不同，“美”也不尽相同，但各类艺术家都要借助特殊艺术媒体和艺术符号对文化审美形式因素（色彩、乐音、对称、均衡等等）充分发掘运用，使作品既具有丰富的感性形式，同时又能塑造出丰富的艺术形象，传递丰富的文化社会信息。譬如中国画，不仅墨有七法（黄宾虹），而且彩用七色，创作出一幅幅江山多娇、百花争妍的生动画卷；画卷中不仅有传统笔墨情趣，而且色墨交响，充满现代气息，寄寓着画家高逸情趣和哲理意味。显然，正是在这种艺术媒体操作和艺术语言运用、艺术表现形式中才体现出创造者的智慧，才表现出艺术家的才气，才产生出艺术品的文化审美价值。所谓内行看门道，对艺术品来说-“-美”就是艺术家形象创造中，这种化难为易、举重若轻、灵活自由、大胆独创的技巧运用与高尚意境结合。再比如，欣赏国画，画家一笔一墨、一丘一壑、一花一叶的背后，都有着无穷奥秘，有些甚至可能让人看到画家几十年的笔墨功夫，看到中国文人画几百年的承传轨迹。但对于普通观众来说，色彩就是色彩，形象就是形象，他们的目光被由自然物质媒介所构成的艺术形象躯壳所挡住了，它们的注意力为艺术的感性魅力所吸引了，因此，他们所欣赏的主要是艺术的文化审美价值和艺术的惩善扬恶之类内容。所谓外行看热闹，“美”就是艺术形象或形式的构成，是否新奇，是否好看，是否刺激，是否能引人如胜以及善恶报应的大团圆结局等等。对于形象背后的艺术家所匠心运用的高难技巧，所寄寓的丰富内涵，则无法理解，或根本不感兴趣。因此，“美”的着眼点和标准不同，所着重欣赏的艺术价值的层次不同。真正认识“美”是一个渐进的过程，“美”的品位和层次的也有高下、优劣与善恶之分，都需要积极地认识、学习、继承和创新。
（二）关于艺术类学生自我学习习惯的培养
1.学生艺术学习被动化。大多数艺术学生没有专业自学的习惯，“偶尔”有自学习惯的学生达66.3%，没有自学者达10%；课堂上喜欢老师讲解的占51.7%，“发现问题”和“回答问题”的同学分别占8.7%和7.7%。
2.学生的艺术学习方式单一。多数学生在课堂学习活动中，习惯于听老师讲解，即被动性学习；课堂上及时向老师提问的学生只占6.4%，可见学生不善质疑；还有11%的学生更喜欢电脑设计、平面艺术类专业作业，习惯于被动和静止的学习；多数学生并未充分有效地利用现代化教学设备，喜欢上网聊天和电玩游戏；想通过社会艺术实践与锻炼的方式学习的也只占10.7%。
3.许多学生对艺术自主学习的效果持怀疑态度，认为自主学习的效果更好的只占22.7%，这是应试方式教育的结果。对于国外艺术学生来说，国内学生思维面狭窄、定式、同化和单一。与此同时还存在艺术学生合作和团队意识淡薄，自我个性意识强。调查表明有17%的学生在创作学习中最愿意充当“倾听者”，还有1.3%的学生表示“什么都不想干”。艺术专业学生都比较有个性，独立性强；学生艺术学习方式的转变没有真正进行。艺术研究性和创新性学习尚未落到实处，有的学校甚至没有真正研究这种艺术方式的意义和价值；艺术教师在新课程理念下，对方式转变、创新能力培养的理性认识与教学实践相差甚远。艺术教师普遍认为自主、合作、探究，可以培养学生艺术创新能力和转变学生艺术学习方式。而培养学生艺术创新能力的教学方式主要有联想式、合作式、启发式等，但这些仅只停留在思想认识上，而没有有效地落实在艺术教育教学实践中，在实际教学中仍然是以讲授和说教为主，艺术教学手段陈旧、方法单一。诚然，现代艺术教育中学习方式大都是按照临摹——练习——创作这三个环节渐次展开的。这种学习方式，有其成功之处，但也暴露了一些弱点。其不足主要表现在以下两个方面：其一，现代艺术学习方式过于程式化。而“艺术是时代的镜子”，教师往往只是以教材中的艺术经典临摹和训练为基本讲解，这些艺术教材作为艺术教学的目标资源，其现实的联系性与创造性价值是相当微弱的。其二，现代艺术教学方式中的学生主体作用和创造精神未能充分发挥。对学生的要求过多，限制过严，这样把本应该表现为学生独立思考的、有个性的艺术学习，变成了千人一面，万人一腔，艺术趋同化、类似化的倾向。
二、现代艺术教育中创新能力的培养
为了使艺术教学取得理想的成果，艺术学习方式就应当冲破思维定势，拓宽艺术教学的途径，认识学生艺术创新能力可以从两个方面进行思考。一方面，需要走出艺术教育的框定，拓宽艺术教学实施途径。老师除了要求学生深入生活之外，还有引导学生自己体验生活，在艺术创作中指导学生的心灵与生活产生强烈的共鸣，激发其艺术创作的鲜活灵感。只有拓展艺术教学的内容，让学生自选内容，自由命题，才能摆脱传统创作的束缚，学生的艺术创作才能情绪愉悦，思维活跃，表达自由。并且，还需强调在艺术创作内容上要广博、丰富多彩，进行开放式艺术创作教学的实践。强化现代艺术教育发散式思维训练，提高学生艺术创新能力。在艺术教育中，拓展发散思维的应用大致有以下三种方式：其一，相同主题进行多角度艺术选材。为培养学生艺术创新思维，教师在指导时，要注意引导学生围绕统一主题多种角度选材。其二，同类形式进行多种选材。有些艺术主题由于限制了艺术创作的材料，学生在艺术创作时更容易出现雷同，这更需要老师引导学生摆脱思维定势的束缚，创作出各具特色的艺术作品来。比如可采用对比的手法，选取两种或两种以上的不同材料来表现主题；可以打破只创作某个特定人物形象的思维定势，创作一个或者采用一群人的形象来表现主题；也可以通过刻画一个人物特定状况的变化来反映艺术的主题。其三，相同材料进行多种艺术构思、逆向与立意。指导学生进行艺术扩散思维，即多侧面、多方位地观察、思考、联想、想象，找出尽可能多的立意角度，然后再进行集中思维，通过分析、综合、比较、判断，选择最佳角度。因此，教师在立意指导时，要循循善诱，引导学生发表自己真实、新鲜的见解和积极、健康的思想。由此，学生的学习方式要冲破思维定势、定向，艺术教育要创新模式，对于培养学生全面、客观、辩证地分析问题、解决问题的能力，提高学生艺术教育水平是大有裨益的。而面对现代艺术教育教学，要培养学生的艺术创新能力应从以下几个方面进行：第一，实施开放式艺术教学，让学生真正具有学习艺术的主动性，进行学习方式的嬗变。第二，坚持鼓励为主的原则，培养学生艺术专业的自信心和憧憬。第三，激发学生艺术专业兴趣和定力，让学生养成勤练习、勤于思考的良好习惯。第四，因势利导，让学生学会运用多种艺术想像和联想。第五，加强艺术教学与实践、实习相结合，使学生的艺术创新能力具有“源头活水”。
同时，为了实现对现代艺术教育创新点的培养，主要从以下四个方面来进行加强：首先，创新教育观念，培养更具创新意识的艺术教师队伍，“领头羊”比较关键。
（1）教师需要正确理解新课程改革的动因。
（2）教师应树立有新课程改革、创新意识的教师观。创新教师的素质包括：深厚的文化底蕴、教育的思想和观念、教育的智慧，包括批判地使用教材的能力及教学机智等。
