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动画设计毕业论文:数字媒体技术影响动画设计论文 我国信息化技术不断延伸到各个产业领域内部,数字媒体开创出多元服务架构形态,包括书籍、动漫与摄影艺术等都产生着翻天覆地的变化。数字技术与文化内容高度结合换取了稳固的文化产业基础,并且在人们逐渐熟悉且广泛应用背景衬托之下,中国动画设计工作也势必焕然一新,相信会随着改革开发政策的科学布置,将富有中国民族特色的文化元素宣传到世界各地,绽放更高水准的中国艺术青睐业绩。 1数字媒体技术特征论 述数字媒体主要利用二进制形式进行各类信息记录,其中可应用的载体包括事物、感觉与逻辑因素等。其中狭义数字媒体就是透过感觉突破口获得解放的,表现形式包括数字化声音与动画等。计算机在数字媒体过渡发展历史上贯彻着独特的支持功效,经常会把计算机软件程序作为展示工具并科学放置于其余媒体框架之中,就是所谓的多媒体设备。包括平面广告、字体定制以及插图布局等。目前大多数设计学院已经开始借助计算机接口研究虚拟现实环境。不可忽视的是,数字媒体保留一定程度的交互性特征,透过各类硬件、软件以及用户参与进行媒体生命力赋予,提升艺术创作内涵同时挣脱纯数字技术炫耀弊端,需要相关艺术创作主体多加关注。数字媒体技术表现直接决定后期作品视觉效果,是一种切实的包装手段。在数字媒体创作空间中,艺术摒弃独立观赏特性,一切功能都为贯彻主题视觉、音效效应服务,杜绝个人、总体风格混乱状况。因此,包括色彩、界面非线性设计都彰显着开发人员独特的认知水准,这也决定着参与数字媒体动画设计活动的个体都必须保留一定技术应用潜质,这样才有助于尽量发挥想象空间并丰富艺术表现手法。 2中国动画设计事业发展现状研究 动画产业作为特有文化产品构造与宣传模式,已经在我国社会中产生巨大的反响效果,大部分青少年群体纷纷投入关注力度并换取相应的经济效益。动画作品颁布与宣传能够激发少年爱国情怀与民族意识,丰富社会大众精神文化层次,适当缓解长期工作带来的疲倦效应。而后经过与国外动漫生产厂家经验交流,加上数字生产技术的大量引进,使得具备中国特色的动画制作体制产生多元形式改变迹象,包括一专多能动漫人才亦获得健康成长。动漫企业理所当然地迈进市场前沿并注重产品样式丰富工作,维持着电影电视、服装设计行业的同步带动效应。以上裙带关系对于数字媒体技术科学应用产生以下启示:首先,数字媒体技术若想过渡成为完整的价值链系统,就必须主动完善创造、供应、流通传播机制。其与传统价值链形态相比,更加注重在数字化背景下的存在意义,希望带动观众参与,使得既有价值链更加多元。其次,涉及各个链接结构实际上保留相互联系特征,组合模式特同步维持动态效应。最后,数字媒体技术发展历程不具备顺序特征,主要是围绕优秀价值系统进行专业化品牌改进,确保在市场竞争中保留宣传优势。 3数字技术与数字媒体对于动画设计工作的影响细节解析 自从我国动画透过电视过渡到数字媒体领域之后,市场需求量一再扩张,各类受众人群也开始对体裁模式与情境质量产生严格要求,而各类媒体之间的多元竞争现象更加会提升优秀内容价值牵引功效,令国产动画在数字媒体技术发展渠道上更加兴旺。在数字媒体技术视角下,包括一切外在物质表象束缚都得到挣脱,而纯粹化自由心灵领域之门终于大开。这一切现象都赋予着艺术创作空前的自由空间,相应地会全方位引发艺术形成的当代重构格局。 3.1动画创作形态的有力丰富此类功效 具体透过创新材料与艺术语言表现手段呈现,大部分艺术家已经开始学会将固定作品传输到计算机程序内部,并依照个人想象与情感基调进行特殊效果赋予,包括3D立体效果等。 3.2内容表现空间的拓展 传统动画艺术表现形式经常会受到材料与空间各类限制因素影响,但目前随着计算机媒体技术的广泛应用和影响,艺术表现便可以透过宏观、微观层面进行细致展现。例如在大部分电影作品中表现远古时代场景,单纯利用物资搭配需要耗费一定数量的成本资金,而数字媒体便可以在操作者天马行空想象之下进行合理配置,令一切如梦幻般的场景清晰呈现在观众面前。 3.3提升动画作品设计效率 由于计算机技术的发展,创作人员在进行艺术创作时操作更加方便快捷,而且作品的、宣传的渠道也更加广泛畅通。这对于作品优秀理念有效地传达给观众来说,是十分有利的;但对于创作者来说,运用便捷的工具进行大批量的艺术品生产,把艺术创作这种带有神圣灵感的人类活动,变为理性机械的生产活动,将艺术生产这种特殊的创新活动,与一般的商品生产活动相混淆,对艺术创作的发展也非常不利。长此以往,必将使艺术作品更加商业化、模式化。流水线式的商业运作,也必然会消减艺术性,减少作品中人性化的创作成分。数字媒体全面强化人员文化交流效率同时改善既定生活质量,目前传统视觉设计成果已经难以满足观众多元欣赏需求,而数字化技术恰巧顺利迎合历史过渡趋势。作为创新时代下的设计主体,必须积极联合外国先进经验与技术成果进行多媒体产业环境改造,促使我国数字动画艺术能够快速成熟起来。 作者:韩杏雨 单位:四川省商业服务学校 动画设计毕业论文:平面构成运用于动画设计论文 动画设计是集合了文学、音乐、美术等门类的综合艺术,也涉及媒体传播、商业、娱乐、教育等社会媒介领域,是综合性的学科和独特的艺术形式。动画的画面构成是对设计元素的理解和创造,不同造型的角色和场景构成了动画画面。点、线条、光影面、色彩等都是画面的重要组成部分,这些元素通过对比与统一、和谐与韵律等形式美法则把各个元素结合成一幅完整的画面。构成是对造型方法、原理、规律的研究。我们将动画设计的元素类型化、结构化,通过观察感知自然形态、人化形态、抽象形态的变化规律,对其结构、功能进行研究,达到在动画画面表现上的新形式。平面构成是视觉元素在平面上,按照美学的原理和美的视觉效果进行的编排和组合,它可以解决构图问题,丰富动画画面,同时又保持镜头风格的统一和连续。平面构成也创造新图形,并对新的图形作多种形式的组合,是理性和感性相结合的产物。平面构成可以解决镜头中画面上各种因素之间的内在联系和空间关系,增强动画作品的生动性、丰富性、层次性、秩序性。将不同要素组织在一个画面上,形成一个和谐统一的整体,可以强调画面中主要的角色或场景,分层次地表现主次之间的关系,使作品更完善、更加典型。 动画的表现手法和艺术形式也越来越趋向多元化,虽然画面中有些单一元素也许简单,但不同的处理,也会有极强的视觉效果。例如重复的形显示出整齐划一、气势磅礴的力量,极具视觉冲击力。画面中所见到的点、线、面、体、色彩、材质就像是文学中的字、词、句一样,是视觉语言的构成要素,其中的对称、对比、均衡、统一等形式美法则就如同视觉语言的语法。比如均衡的视觉效果在心理上就会平和、安静一些,均衡也就成为动画设计中追求视觉平衡的一种形式。而将现实中本来庞大的事物缩小,或微小的东西放大,并置在一起,就会产生不真实的强烈对比效果,是动画中常常使用另一种构成画面的方法。 点是一切造型的基础,单个的点传达给人孤独、沉默,两个点有一种张力感,三个处于任意位置的点具有流动感,大小不同的点组合在一起会使人感到节奏、韵律的变化。在动画设计中,角色的五官、商标、文字等元素都可以作为点来处理,起到点缀、呼应、平衡视觉的作用。 线在几何学意义上是一个看不见的实体,没有粗细之分,只有长度与方向。简练的线条清晰明快,繁杂的线条给人混乱模糊的印象;淡而柔的线让人感觉轻松活泼,舒展飘逸;浓而刚的线结实、朴素、浑厚。线的内涵功能在于线给人以运动、力量和速度等主观感觉,各种线的内涵均表现为不同的性格与表情。 面是由于线的移动而形成的,面的移动产生立体。面的形式有几何形、组合形、偶然形成的面等,各具有不同的内涵。几何面给人以明朗、庄重、规范、简洁的理性感受;有机形态的面,亲切、圆润、富有弹性,带给人一种充满生命活力的印象。组合形由两个相同或相异的形连接,重叠或分离后组成,内涵语义较丰富,会产生各种不同心理认知。 构成元素是动画构图的重要组成,在画面组织上具有极大的造型概括力,能将画面中复杂的内容归纳得简练、有序,这样能够直截了当、明确清晰地突出画面的主要意义和隐藏的含义。构成中的点、线、面关系同样是动画构图中的重要组成元素。例如,在大全景的动画设计,其中的建筑群或天空我们就可以看作是面,角色人物和交通工具等可以看作是点,路灯绿植树木等就可以看作是线。如果是中景拍摄表现空旷的场景和孤独的人物,那么其中的角色人物就是面的关系;地平线就是线的关系;远处的小景、植物、动物就是点的关系,而场景中所有这些元素都随着画面的运动而不断交替变化。在动画制作中,如能流畅恰当地运用这种关系进行镜头画面调度调整,能让动画画面更加活跃。 这些动画设计的基本规律是以图形中各种点、线、面的关系在画面中不断地运动变换位置,而产生空间感和动感的画面效果。如果加一些辅助性的电脑特效,画面将变得更饱满和谐、绚丽多彩,这就是平面构成在数字动画设计运用的一种典型例子。线与面的结合运用是动画设计表现最多的元素之一,线条的韵律运动配合音乐的节奏使得画面丰富多变、动感十足。动画影视画面的线条运动能引导观众的视线走向,也是转换镜头与变换画面元素切合点常用的手法。 任何动画作品中的形态都是由这些基本的形式构成的。动画造型的塑造主要是以体的形式存在,动画角色造型的各个局部,点、线、面都在动画设计的外延功能和内涵功能方面起着重要的作用。在动画角色造型外延功能方面来看,这些元素构成了动画作品最直观的视觉特征,是具有实用功能的;而从内涵功能方面来看,这些元素都是构成动画形态符号的主体,具有象征意义。 无论是平面的、三维的、写实或者写意的动画造型都是由这些基本点、线、面、体构成的,它们通过不同的组合搭配,塑造出了形象生动的动画视觉形象,又向外界传达着其动画作品特有的文化价值并被观众所认知。动画设计中,构图配置了画面场景、角色造型的比例、安排画面中的点、线、面等元素,这些让画面更丰富有趣,强调了动画的焦点,是表达动画主题思想和体现艺术美感的重要手段。从具体的角度来说,动画画面是由角色、场景、道具组成的;而从抽象的构成角度来看,这些画面是不同造型的点、线条、面、光影和色彩,把这些元素合理得当地组成所要的画面,这种构图的方法就是构图的形式美法则。我们所知道的形式美法则—变化统一、对称平衡、对比调和、韵律与节奏等讲的都是同一个道理。一部动画画面的构图与景别是相互联系的,在一部动画作品中,镜头画面不是单独存在、毫无关系的。完整的动画画面构图是由一系列颇费心思的构图组合形成的。在一组画面中,每一个画面都有承上启下的作用,让每一帧都息息相关;然后利用画面构图的关联性,运用重复、变异等手法,连接每组画面,利用元素延展引起下一个画面。 平面构成是在形象思维与逻辑思维方式引导下的造型形式和设计思维的训练。在大自然中、在日常工作生活中、在休息娱乐中,都包含有点、线、面关系,是我们动画设计中,构图形式美感的一个重要源泉。在进行动画构图设计时,要利用我们在平时积累的经验,整理归纳和选取动画场景画面的各个个体之间的关系,通过特殊手段,提炼出有用并且可以让动画角色造型更夺目的构成元素。动画设计创作,就是要善于运用我们所想到和看到的各种点、线、面关系来再现和创作画面的视觉形象,创造出有吸引力的动画画面。 结语 平面构成在动画设计中有着极其重要的意义,可以体现在对于动画形象塑造、场景空间布局、动画时间空间的控制等,也是对思维的训练和形式语言的研究。平面构成特有的视觉形态和构成方式带给我们一种特殊的视觉美感,只要我们好好学习并能合理地将其融入动画设计中,必定会给动画设计带来新的活力。 作者:杨尹 单位:沈阳理工大学艺术设计学院 动画设计毕业论文:数字艺术三维动画设计论文 一、三维动画设计的含义 随着我国的数字电子技术的深入发展,为了适应动画市场的需求,在数字电子技术的基础上加强了三维动画技术的运用。在三维动画设计中,主要是静与动的结合,将动画生动形象化,运动赋予动画更多的艺术感染力是动画设计的本质,而动画是运动的一个基础,是运动艺术表现的一种形式。动画设计的本质就是将画面以动态的形式表现出来。简而言之,动画设计包括两个方面,动态的画面以及动与静相结合的画面。随着动画设计技术的提高,改变了传统的动画设计形式,将每一副画面以动态的形式表现出来,真正意义上赋予画面动态感和形象感,提高动画的艺术表现力。随着三维动画设计技术的逐渐成熟,数字艺术设计中的动画设计采用和传统的动画设计相同的原理,运用计算机技术和相关的设计技术,实现动画的设计与制作,在基本原理相同的情况下,加强技术的改革与完善,从本质上提高了动画设计的表现效果。数字艺术电子技术的利用为动画设计提供了一个新的发展方向和表现形式,满足了设计者对动画的更多的主观思想的表达,提高了动画设计的光影、画面、纹理、运动等各个方面的表达效果,实现动画设计一个新的飞跃。在三维动画设计的过程中,运用数字电子技术建立一个真实的三维空间场景,使动画设计更加的形象化和生动化。在数字电子技术日趋成熟的今天,很多先进的运动原理被引入了三维动画设计软件,这些设计者在设计三维动画时,根本不需要设计每一帧画面。只需要设计好动画之间的连接点,满足动画的自动转化,从而形成动态的画面。这种技术方法有效的提高了设计效率,并且使画面之间的衔接自然、流畅,形成一个整体动态画面的感觉。通过三维动画设计软件,将静态的画面先设计出来,然后运用运动学的理论,设计出关键转折点的画面,最后从整体的画面表达出发,达到三维动画效果。 二、数字艺术设计中三维动画设计的应用分析 1.广告三维动画设计三维动画设计最主要的一种类型就是广告三维动画设计,以商业化广告为目的,利用多媒体技术,丰富广告内涵,提高广告的表现力,从而吸引消费者,引导购物。广告三维动画设计具有很强的目的性,时间短,但是所要展示的内容却要有针对性,能够吸引人、感染人,实现商业化广告效果。所以在广告三维动画设计中一般为了将广告内容更加的形象化、生动化、具体化,往往采用多种特效技术,如:粒子效果、滤镜效果等,将广告动画美化,提高广告动画的表现力和吸引力,达到引导消费者消费的目的。 2.影视三维动画设计影视三维动画设计主要是与影视相结合,将影视作品中特殊的镜头和画面通过三维动画设计合并成影片需要的特效。随着影视制作技术和设备不断提高和完善,人们对影视动画的要求也越来越高。在影视作品中为了能够有效的提高特殊镜头的感染力,给人以更大的视觉冲击和巨大的视觉震撼,提高影视作品的艺术性。在影视作品制作中采用三维动画设计,结合多种多媒体软件,使影片发挥最大的表现力,以达到特殊的影视效果。利用三维动画设计,影视动画的展现将更加的真实,更能够促动观众的情感,为影视作品提供更多的展示平台,实现影视作品的真实化,给人以更广阔的视觉享受空间。 3.游戏三维动画设计游戏本身就是一个绚烂的,跳跃的,丰富的场景和画面,游戏不同于一般的影视作品,具有真实存在的人,而是一个完全虚拟的平台。三维动画设计在游戏的开发设计中起着关键性的作用。游戏中的场景、人物、活动等都是通过三维设计制作的。利用三维技术,将游戏中的人物、场景生动形象化,利用环境效果,运动效果等特效,构成一个虚拟却真实的世界,从而使游戏更加的吸引人,使游戏者在游戏中感受到乐趣。 4.工业三维动画设计三维设计运用在每一个所需要的行业中都发挥着巨大的作用,在工业设计领域,三维动画仍然起着十分重要的作用。利用三维动画技术将工业的设计以立体的、空间的形式表现出来,能够完整的、真实的模拟工业设计的流程和布局,这样就能更加简单的观察设计中存在的不合理的地方,能够有效的调整方案规划设计,使工业设计流程布局更加的合理化和科学化,这样就有效的减少了工业施工过程中存在的问题,提高了工业的成功率,有效的节约了时间。 5.建筑三维动画设计建筑三维动画设计与上述工业三维动画设计类似,都是利用三维动画技术,将建筑进行全方位的展示,提高建筑设计的效果。三维动画设计技术将想象变为现实,以有限的视觉设计效果展示无限的设计空间。在未来建筑设计要求不断增加的前提下,为了节约建筑成本,减少建筑施工过程中存在的问题,就必须将三维动画设计具体的应用在建筑设计中,以三维动画技术展示建筑设计的空间效果图,使人们能够更加全面的、立体的感受整个建筑的整体效果,提高建筑价值。 6.机械设计中的三维动画机械设计中的三维动画能够有效的将机械的各个部分以及各个零件的运动关系,通过电脑真实的、客观的表现出来,使其能够从整体上把握机械设计,还能较快发现机械在细微之处存在的不足,并加以更正,避免了生产出产品后再进行更正,节省了大量的原料和时间,提高了生产效率。在机械设计中运用的三维动画,要掌握相关的软件,电脑系统配置要高,要满足软件的运行。在机械设计中的三维动画的创造是有步骤,分过程进行的,一般而言主要分为三个部分:第一,动画编导。它是机械设计的一个前期的准备工作。首先,设计人员对产品进行大致的一个三维模拟,将回路中的线路设计成场景,展示产品流程原理。其次,最重要的,单个的装置可以按照准备好的路径运行,在电脑上面放大检测,观察其运行情况。最后,合理的配置相关的配件,掌握好它们之间的工作原理,使整个流程更加的快速、顺畅。动画编导需要掌握相应的知识和技术,能够灵活的运用软件设备,有效的减少机械设计中的错误和偏差,提高机械设计的合理性。第二,资料收集。资料收集的途径有很多种,如:网上查阅、图书馆等。主要收集的都是机械设计相关的内容和设备,如:收集路径、机械设备,基本流程、三维几何尺寸等。提高机械设计的效率。第三,建立模型。一般而言建立模型也分为设计水平不高的产品和设计难度系数大的产品。前者建立模型的方法有很多种,并且都简单易操作。但是对于后者模型的建立就必须贴近原产品,模型建立难度大、时间长。下面主要就设计难度大的产品模型建立提出集中方法:第一种方法:创建实体模型,通过微调相关的比例修改产品尺寸,准确的把握好尺寸大小,抓住关键点建立基础模型。第二种方法:通过函数程序在客户端应用程序中创建对象,然后再分别创建一些子对象,最后通过这些子对象来完成实体的构建和编辑。编辑完成后再保存结果与原模型进行对比。在创建子对象以及对于实体的构建和编辑都可以通过软件内部的宏功能轻松的实现。这种方法相对比较省时省力,适合创建一些结构单一、建模步骤较多的零部件。但是如果所需要创建的模型需要很多宏的时候,就比较容易出现差错。 三、数字艺术设计中三维动画设计过程 在数字艺术设计中设计三维动画,第一步要先确定动画脚本,建立模型;第二步要制定出三维动画的材质贴图,设定好光源和摄像机后,加入一些三维动画的特用效果,进行调试;第三步是输出三维动画设计,进行后期合成。数字艺术设计中的三维动画设计过程和传统的动画设计方法有着很大的区别,数字艺术设计中的三维动画设计主要以数字电子技术为基础,利用多种设计软件,实现三维动画设计的快捷化、科技化发展,极大地改变了我们的工作方式。随着数字电子技术的快速发展,三维动画设计在各个领域的作用显得越来越重要。三维动画设计主要利用数字电子技术,以多种设计软件为平台,让文字、图像、音频等艺术元素进行完美结合,为不同的行业提供或虚拟或真实的三维动画场景,衍生了数字艺术设计产业。 总之,随机数字化技术的不断发展和完善,三维动画设计在数字艺术设计中的各个领域都起着十分重要的作用,它通过利用数字电子技术,满足人们的想象创造,利用相关的软件将图、文、形、声等各种艺术元素融合在一起,提高其艺术的表现力和感染力,适用社会发展的需求。 作者:侯承 单位:贵州大学艺术学院 动画设计毕业论文:当代艺术与动画设计论文 一、当代艺术的特点 (一)当代艺术的抽象风格现代社会是以信息科技作为社会发展基础的,简约、时尚成为当代社会人们所追求的风尚,当代艺术作品也显示了当下的时代元素,伴随着数字化和网络化,当代艺术作品无论从文字还是图像方面,都具有极高的抽象性,符号的使用是当代艺术作品表现中最常用的一种,将复杂的事物采用艺术加工,抽象成艺术作品,是当代艺术的主要风格。 (二)当代艺术中的复古元素很多当代艺术家对当代艺术作品中过多的抽象和过于超前的创造性进行了反思,于是,当代艺术作品在抽象风格的基础上显示出许多复古元素,也表达了当代艺术对传统文化的继承和发扬。无论是文学作品还是影视作品乃至服装设计,到处都可以见到以色彩、图案为主的复古元素的出现。 (三)当代艺术的社会文化价值艺术是社会文化的升华,因此当代艺术也极具现代社会文化价值。传统艺术在表现形式和艺术价值方面极具两极性,民间艺术和高雅艺术的区分十分明显,而在当代艺术中,艺术的层级界限模糊了,艺术成为民众精神文明生活中不可或缺的组成成分。另外,当代艺术的经济价值越来越明显,各种专门为艺术作品而诞生的经济实体越来越多。 二、当代艺术与动画设计的关系 动画设计是动画片制作的基础,包括动画人物形象设计、场景设计、音乐设计等多个环节。动画设计按照其工作特征来讲属于艺术设计中的一部分,为动画设计作品的表现形式又与美术作品和影视作品类似,可以说动画设计是当代艺术的一部分,探讨当代艺术与动画设计的关系,对丰富当代艺术作品、发展动画设计来说都是十分必要的。 (一)动画设计中体现了当代艺术的特点动画设计的目的是为了制作动画作品,为人们的精神生活提供资源。动画片是儿童所喜爱的电视作品,因此,动画设计要符合儿童的认知模式,即动画设计作品力求简洁而色彩丰富,易于儿童理解。从这个角度上,我们可以分析出,动画设计体现了当代艺术的“抽象风格”,例如《喜羊羊与灰太狼》这部动画作品中,懒羊羊的头部以螺旋形代表了丰厚的羊毛,突出了懒羊羊“爱吃”、“小胖子”的特点,在这部动画作品中,无论是动画形象还是动画场景设计,都具有极高的抽象性,却将羊和狼的形象表现的淋漓尽致。 (二)动画设计是当代艺术的表现手法之一艺术作品有众多的表现形式,并且随着社会文化的发展而展现出不同的魅力。在信息时代,艺术创作也受到加工处理手段的影响,除了传统的以文学、美术、音乐等为代表的艺术作品外,电影和电视剧也成为艺术作品的主要形式。而在动画设计中,也不乏当代艺术的元素使用,例如,宫崎骏的动画电影诞生于动画手稿的创作,其中对动画场景的设计无不是借用了许多日本明治时期的绘画风格和社会元素,并通过服装设计的细节和色彩展现了绘画艺术之美,同时,也介由绘画艺术,使得动画片制作更加丰富,深受青年们喜爱。由此可见,动画设计作品不仅应用了许多当代艺术的设计理念,同时也为当代艺术作品的展示提供基础,从艺术创作的角度来讲,动画设计是当代艺术的表现手法之一。 (三)动画设计与当代艺术发展的趋同性动画设计与当代艺术除了在艺术表达特点和艺术表现手法方面展现了千丝万缕的联系之外,动画设计与当代艺术发展还展现出相同的脉络。当代艺术的一大特点就是艺术作品具有十分有影响力的社会文化价值,一方面,艺术作品服务于大众而非专门的某个人群;另一方面,艺术作品具有十分明显的经济价值。而动画设计正是当代艺术社会文化价值的表现,很多动画电影不仅对儿童具有十分重要的教育意义,也为成年人所喜爱,例如《功夫熊猫》、《驯龙高手》等,另外,以动画设计为中心的动画产业链也逐渐发展起来。动画设计将遵循着大众的审美口味和市场的需求进一步发展,这与当代艺术的发展模式是相同的。 三、对动画设计的几点建议 (一)在动画设计过程中重视艺术手法的使用当代艺术与动画设计的联系,使得动画设计工作者们必须重视在设计过程中有规律的使用某种艺术手法,以展现动画设计的艺术价值,使动画设计成为动画影视和动画周边作品创作的基础,使动画设计作为当代艺术的一部分,能够更加完整的履行艺术对社会文化和经济发展的责任。 (二)在动画设计中展现艺术精神艺术是对社会生活的提炼和升华,其中蕴含了巨大的社会文化价值,从艺术作品中,人们能够感受到当代社会的主流思想,并且经由艺术作品欣赏产生审美感受,通过评论艺术作品抒发内心的想法,这就是艺术精神的体现。因此,在进行动画设计的过程中,也必须考虑到如何展现动画设计和动画作品的艺术精神,这也是提升动画设计作品质量的根本。 四、总结 综上所述,与传统艺术相比,当代艺术在艺术风格、元素使用、社会文化价值方面都具有十分明显的特点。动画设计作为动画影视作品制作的基础,与当代艺术有着千丝万缕的联系,不仅动画设计体现了当代艺术的特点,复古元素的使用也使得动画设计成为当代艺术不可或缺的形式,并且,动画设计与当代艺术在发展脉络上可谓是一脉相承,不可分割的。要做好动画设计,就必须清楚地认识到动画设计与当代艺术的关系,重视动画设计中的艺术性展示。 作者:万卫青 单位:江西泰豪动漫职业学院 动画设计毕业论文:课程教学下的动画设计论文 1教学过程中综合实施多种教学法,培养学生的实践和创新能力 1.1项目教学法的运用 项目教学法是以项目为载体,以学生为主体的教学方法.结合FLASH动画设计教学大纲和课程特点,在教学过程中将课程内容分为基础动画制作、电子贺卡设计与制作、广告设计与制作、课件制作、MTV设计与制作五个教学项目单元.根据每个教学项目单元的知识内容结构,参照教学要求将教学项目单元分解为多个子任务,每个子任务都配备精心选取和设计的教学案例.项目教学法的实施,实现了FLASH教学的理论与实践有机结合,通过“课堂教学案例分析讲解操作-课后案例操作练习-思考案例选择操作”的循环教学和实训,使学生的FLASH操作技能和解决实际问题的能力得到了提高. 1.2案例教学法的运用 将FLASH动画设计课程内容分为多个教学项目单元,每个单元又分为多个子任务,在每个子任务的教学中采用案例教学法,精心选取和设计教学案例,通过对案例的分析、讨论和操作演示等活动实施教学.案例教学法有助于学生对动画知识、原理和操作方法的理解掌握,有助于学生将理论与实践有机结合.教学案例的选取 教学案例选取的好坏直接影响教学效果,因此,案例选取时应确保案例具备以下要求:(1)案例应具备生动性和有趣性,能激发学生的学习兴趣;(2)案例应具备典型性和代表性,能基本覆盖FLASH动画设计的基础知识和操作,并较好的诠释FLASH的动画精髓;(3)案例应具备层次性,使教学能针对不同层次的学生,做到因材施教.教学案例的安排 教学应遵循由浅到深,由易到难、循序渐进的原则,便于学生理解和掌握.教学案例分为课堂授课案例、课堂练习案例,课后练习案例和课后思考案例.(1)课堂授课案例,一般比较简单,用于教师课堂讲解,方便学生对基础知识和基本操作的理解;(2)课堂练习案例,教师通过分析讨论和操作演示,使学生通过思考和操作,达到知识的简单应用;(3)课后练习案例,是课堂练习案例的补充,以便学生能透彻掌握相应的理论知识和实践操作,做到“举一反三”;(4)课后思考案例,难度最大,涉及知识的综合性应用,提供给有能力的学生思考和操作.案例教学法的实施 在案例教学过程中,教师应充分调动学生学习的积极性,以启发、引导为主,可实现良好的教学效果.实施过程分为授课案例的引入、授课案例的分析、授课案例的操作演示和归纳总结、课堂和课后案例的操作完成等.(1)授课案例的引入.通过案例引入吸引学生的注意力,并通过提出的问题鼓励学生对案例进行分析思考,如介绍引导动画时,通过播放老虎在林中穿行奔跑的效果,提出问题思考:a.老虎在树林中穿行的效果如何实现;b.老虎的奔跑路线是非直线的,不规则的,应如何实现.(2)授课案例的分析.案例引入后,开始分析讲解案例涉及的理论知识点和动画原理,并对案例的实现方法展开讨论,如上面的案例,在效果播放完引出引导动画的内容介绍,通过师生讨论得出案例效果实现的操作方法,如a问题可通过图层方式解决,b问题可通过引导动画的路径实现.(3)授课案例的操作演示和归纳总结.经过案例分析之后,进行示范案例操作过程的演示,讲解操作技巧,并归纳总结案例的重点、难点、技巧和方法,强化学生的对理论知识和操作方法的理解和掌握.(4)课堂案例的操作完成.选取类似案例让学生在课堂操作,教师以启发、引导方式对学生操作进行指导.(5)课后案例的操作完成.通过课后练习案例巩固学生的理论知识和操作技能,做到举一反三,并通过具备一定综合性的课后思考案例操作,提升学生的动画操作能力和解决问题的能力. 1.3任务驱动教学法的运用 在FLASH动画设计课程的后期教学中,通过任务驱动教学法的实施提高学生的思考能力和创新能力.任务驱动教学法是围绕一个既定任务开展教学活动,设定的任务有:电子贺卡设计与制作、广告设计与制作、课件制作和MTV设计与制作.根据任务的大小可分为个人创作和团队协作.团队协作时,以小组方式进行创作,人数2-3人,这种方式有助于学生良好的团结互动协作能力的培养.任务教学法实施中,应“以任务为主线,教师为主导,学生为主体”,如围绕电子贺卡设计与制作任务,要求以圣诞节、感恩节或新年为主题,制作电子贺卡,贺卡要求主题突出,有创意,画面和动画效果好.任务制定后,教师提供相应的作品进行分析,提示和引导学生在贺卡制作过程中可用的FLASH技术和可行的动画效果,如制作圣诞贺卡时,提示学生可将礼品盒制作成按钮,通过鼠标点击触发礼品盒打开现出圣诞礼物的动画.学生通过个性化电子贺卡制作,实现FLASH技术和方法的融会贯通,对完成教师布置任务的信心和积极性大大提升. 2结束语 教学实践证明,在FLASH动画设计教学中通过以上三种教学方法的综合灵活应用,激发了学生的学习兴趣,在掌握FLASH基本操作技能基础上,大大提高了学生的综合设计能力和解决问题的能力,教学效果显著. 作者:陈星娥 单位:福建江夏学院 电子信息科学学院 动画设计毕业论文:艺术元素与动画设计论文 1中国传统艺术元素在动画设计中的应用 (1)中国民族美术元素应用于现代动画设计。以水墨画为代表的中国绘画艺术博大精深并具有自己独特的艺术魅力,将具有“线条流畅、色彩微妙、意境丰富、气韵生动”特点的水墨画应用于现代动画设计可谓是中国动画历史上的一大创举,它不仅强调了动画的深远意境,并且表现出中国传统艺术中的美学精神,体现鲜明的民族文化特征,例如《小蝌蚪找妈妈》。除此之外,皮影、木偶、年画、剪纸、刺绣、编织、染织、彩塑、壁画等民间美术样式对现代动画设计提供借鉴,例如剪纸动画片《猪八戒吃西瓜》。(2)中国民族音乐元素应用于现代动画设计。音乐作为艺术的一种载体,承载着一些语言、画面无法表达的信息,在与动画片巧妙结合时可以起到渲染剧情背景、表现情感氛围、提炼角色特点等作用。我们不仅拥有自己独特的传统音乐形式如京剧、花鼓戏、豫剧等,还拥有自己独特的民族乐器如唢呐、二胡、琵琶等,这些都给现代动画设计以借鉴,例如没有对白、旁白,完全靠音乐构建全片的《三个和尚》。 2中国传统艺术元素对动画设计的影响 中华民族的祖先创造出体现民族风貌、展现民族特征、反映民族精神的优良文化,世世代代的华夏儿女将这些优良的文化汇集、演化、继承、传承,并最终形成璀璨的中华文明。我们把其中的中国传统艺术元素运用于现代动画设计中,将会产生深远的影响,具体来说: (1)把中国传统艺术元素运用于现代动画设计有助于本土文化氛围的营造。 一个民族没有自己的文化是可怕的,中国五千年来凝结的智慧结晶需要我们去继承发扬,这就要求我们把中国传统艺术元素运用于现代设计,向动画市场注入本土的血液,营造良好的本土文化氛围,弘扬本土文化的魅力。上海美术电影制片厂于1961~1964年制作了一部影响几代人,堪称是中国动画历史上的里程碑式的经典彩色动画长片《大闹天宫》。这部动画片根据中国古典文学名著《西游记》前七回改编,并在主要角色孙悟空身上运用夸张的外形、浓厚的色彩、典型的性格等艺术手段塑造成中国式的神话英雄,不仅仅在角色造型设计中我们可以看到浓厚的中国传统艺术元素,在雄伟壮丽的场景、特征鲜明的形象、跌宕起伏的情节、荡气回肠音乐中我们同样可以见到中国传统艺术元素的印记。可以说这样的动画片传播了本土文化、开拓了本土动画市场、融入了本土文化气息。 (2)把中国传统艺术元素运用于现代动画设计有助于传承中华民族文化。 聚集世代人民智慧结晶的中国传统文化的传承和发展需要一个稳定的媒介,而中国动画片和动画市场勇于担此重任,完成这一光荣的历史任务。少年儿童作为动画片最多的受众人群和动画市场最大的潜在消费人群在观看动画片时,潜移默化中自觉接受中国传统文化教育,感受动画片中的中国传统艺术元素,认知中国传统文化符号,承接中国传统文化结晶,传递中国传统文化价值。例如,中国第一部大型武侠动画连续剧《秦时明月》,这部动画连续剧讲述的是从秦始皇统一六国到咸阳被楚军攻陷结束这一时期内,英雄少年荆天明励志的故事。整部动画连续剧从时代背景、历史典故、成语故事到天文历法、儒家礼仪、建筑装饰无不展示其“中国风”的注入,可以说是一部教育意义广泛的动画连续剧。 (3)把中国传统艺术元素运用于现代动画 设计有助于多种文化形式并存的动画市场新格局的形成。一直以来,欧美动画和日本动画长期占据动画产业的主导地位,而他们通过动画所宣扬的文化也是他们的国家文化。例如,在美国的动画片《人猿泰山》中可以看到“人格独立、求异思维、英雄主义”的美国文化精神,日本动画片《千与千寻》的创作背景是日本传统的沐浴文化。而我国的动画片融入中国传统艺术元素,不仅能够宣扬中国传统文化,更多的是可以形成具有中国文化特色的动画产品,打破长期以来欧美动画和日本动画占据动画产业主导地位的旧格局,构建多国文化形式并存且和谐发展的新格局,从而推动整个动画产业的稳定而迅速地前进和发展。从20世纪40年代在亚洲产生极大轰动的《铁扇公主》到20世纪50年代在国际上获奖的《神笔》,再到20世纪80年代在国内外获多项大奖的《鹬蚌相争》《山水情》,一直到21世纪收视率和票房稳定上升的《喜洋洋和灰太狼》,无不显示这一新格局的形成。 3结语 由此可见,历史悠久、传统优良、民族特色鲜明、内涵博大精深的中国传统文化是我们宝贵的历史财富,而其中的中国传统艺术元素给现代的动画设计提供养分和创作源泉。我们只有将中国传统艺术元素注入现代动画设计中使其相互融合,才能创作出观众喜闻乐见的好作品,在以继承发展中国传统文化的前提下推动中国动画产业的新发展。 作者:曹娜 单位:琼州学院 动画设计毕业论文:国画元素中动画设计论文 1国画内部造型元素在当前我国动画设计中的主要应用 (1)国画造型元素中的相关特点描述。 国画以线造型特点和国画意向造型特点二者均是当前我国国画中主要绘画风格和主要造型特征,同时也是国画中的主要表现元素。国画绘画山水、国画绘画花鸟和国画绘画人物,三者皆为国画绘画元素中的三大分科,其自身表现因素也由此三者所促进构成。应该了解到,国画绘画以线造型特点和国画绘画意向造型特点,二者相辅相成、相互影响,产生此种状况的主要原因就是线条并非实际绘画物象,其实质上是主观视觉对相关绘画客观事物的对应抽象传达和抽象表现,国画绘画线条表现力极为明显且国画绘画中的精神内涵也展露无遗,但从此方面来看,二者自然是相同的,二者相互融合也为后续物象构成奠定了强有力基础。 (2)动画造型与国画绘画造型的合理融合。 就动画设计流程而言,动画造型在整个动画设计过程中占有相当部分的比重,也可以说,无论是何种动画作品创作,其首要一点都是对其基础性动画角色和动画人物的创作,动画造型概括、动画造型简练、动画造型符号化、动画造型夸张变形等特点预示着动画设计的多变性,上述种种动画设计特点均与国画绘画特点间相契合,国画绘画意向造型与当前我国动画设计中的特点持等同态势,动画形象表象特征十分明显且也丰富多彩,最为成功的动画作品《大闹天宫》、动画作品《小蝌蚪找妈妈》、动画作品《牧笛》、动画作品《哪吒闹海》、动画作品《三个和尚》等,这些国产动画作品中均充斥着身后的国画文化底蕴和国画艺术内涵,在动画作品《大闹天宫》中。张光宇成功借鉴了国画绘画中相关艺术元素,将仙女这一形象展现的活灵活现,之后在此基础上将敦煌飞天想象也“据为己有”。在作品中,无论是任务线条创作还是任务表情描绘,其皆为上乘之作。 (3)线描在当前动画设计过程中主要应用。 众所周知,线描手法是现下我国国画绘画中的基本表现形式之一,作为中国画最基本的表现方式,线描不仅有多种不同的表现形式,而且,就是同一种表现手法,也能被演绎出多种风格。比如线描表现手法中就有写实风格、写意风格、装饰风格等多种风格。而同样是装饰风格的线描,由于画家不同的个性语言和表达方式,又各具特色,既有方圆对比,又有夸张变形。这些,都可以为动漫造型中不同性格、不同形象的设计提供强有力的参考。 2当前我国国画绘画中其自身表现元素在基础性动漫设计过程中的主要应用 (1)国画绘画中其自身笔墨语言的独特绘画形式和表现手段。 国画山水绘画和国画花鸟绘画以及国画人物绘画统称为国画绘画中的三大绘画科目,国画绘画章法、国画绘画笔墨和国画绘画设色等也有着独特的国画绘画表现语言。在国画绘画章法布局过程中,其以宾主呼应绘画形式和虚实相生绘画形式将相应基础性审美思维展现得淋漓尽致。需要注意的是,在国画绘画笔墨语言表达上,其在一定程度上形成了笔墨融合神韵以及国画绘画形神兼备神韵等。国画绘画基础性表现因素和国画绘画基础性表现形式多种多样,在表现形态中,国画绘画笔墨挥洒表达、国画绘画意境表达、国画绘画色彩应用、国画绘画叙事处理以及相应国画绘画空间表现等共同构成中当前我国国画的表现性特征。 (2)当前我国国画绘画笔墨语言在动画设计中的主要应用。 在国画绘画的众多因素之中,笔墨语言表达形式显得尤为重要。传统山水式国画具有不断变化之特性,将其科学合理的展现到动画设计当中可以达到意想不到的视觉效果。因为当前我国国画绘画笔墨语言造就了中国动画产业的升级,其有效吸取了本土文化中积极元素,将国画绘画山水和国画绘画人物以及国画绘画花鸟等融入到基础性动画作品创作中去,之后在此基础上有力吸收了笔墨语言中的优异特点,使整个动画画面中满满的充斥着国画绘画审美情趣和国画绘画审美意境以至被世人广为称赞。水墨画以墨代色,用墨的方法也异常多样,渲、泼、破、积等,创造了墨色中的明度变化和纯度变化,使得水墨动画的画面空间和层次更加深远。因此,中国动画中的人物造型与背景在采用了水墨这一艺术形式之后,不仅凸显了水墨画这一中国传统的艺术特色,更是扩充了动画的艺术情调。 3结束语 中国传统形式绘画思维元素和中国传统形式绘画造型元素以及中国传统形式绘画表现元素等在当前我国动画设计中应用较为广泛。中国国画的完美融入可以将其自身文化特点和造型特点以及相应表现元素等于动画设计有机结合,之后在此基础上使动画设计内容、动画设计形式和动画设计格调以及动画设计表现手法等都相继发生变化。随着科学技术的飞速发展和人们生活水平的不断提高,当前人们逐渐对动画行业领域的发展重视起来,适时在其中融入国画元素可得到事半功倍的效果。 作者:王腾 单位:渤海大学 文理学院艺术系 动画设计毕业论文:高校动画设计教学论文 一、Flash课程建设和教学改革实施的具体措施 1、教学模式上“讲”与“习”合一Flash动画设计课程教学内容以动画制作为优秀,包括基本动画制作、高级动画制作、元件创建、动画编程等技能课,以及基础理论课,既让学生进行基本的Flash动画设计理论学习,也要让学生花费大量的时间去练习,所以教学模式上应强调“讲”与“习”合一,一次理论课,两次实习课,尽量为学生创造更多的练习时间。尤其是遇到教学难重点的时候,更要贯彻“讲”“习”合一的模式。例如,Flash的教学难重点——遮罩动画,由于其概念比较抽象,讲解时要借助生活中的实例,如KTV字幕等,再做动画演示面,之后让学生练习。在这种教学模式下,学生边听边练,边练边学,有了教师的现场辅导,使得教学效果大大提高。 2、教学内容上要技术与艺术统一Flash作为一门综合性艺术,涉及了文学、美术、音乐、戏剧等诸多领域,综合了摄影、计算机等许多科学技术手段,所以Flash动画制作上既要使用视频、音频、摄影等工具,也要应用戏剧、动哂美学等艺术原理,以期达到技术与艺术的统一。从这一方面看,Flash动画设计课程教学脱离艺术只重技术是不行的。诚然,实践教学有不可比拟的重要作用,但也不能忽视对学生艺术修养和文学素养的培养,所以教学内容要更丰富,多囊括一些文史内容,使技能课与文史科交相呼应,使教学内容达到技术与艺术的统一。比如,开设赏析课、美术课、文学课等,使学生受到艺术与文化的熏陶。在互联网时代里,教学资源是开放共享的,作为一种依托于计算机技术存在的课程,建议构建属于Flash教学的教学资源库,它不仅能不断更新教学内容,也具有较强大的教学影响力。因为它的成立,让原本单方面的书本知识传授转变为灵活的互动教学,建立师生互动课堂,这对提高学生的实战能力是有所裨益的。 3、教学方法上要多样化与多元化为培养学生的动手操作和创新能力,Flash动画设计与制作课程的教学方法要摆脱传统教学方法的枷锁,针对该门课程的特点,采用陈案例法、项目教学法、任务驱动方法等教学法,力求做到多样化和多元化,更利于学生理解知识。目前,案例教学法是Flash教学最常用的方法,运用有趣味的实例讲解启发学生,引发学生讨论,鼓励学生一起参与教育教学活动,以达到寓教于乐的目的。案例法实施步骤:第一步,案例演示,学生观看;第二步,案例分析,引导学生理清设计思路;第三步,案例讲解,让学生掌握Flash动画设计技能,并融会贯通;第四步,案例设计,让学生运用所学技能去设计与制作Flash动画,以锻炼学生的动手操作能力。此外,教学中要着力培养学生的创新力和创造力,学会从周围生活中寻找创作灵感,搜寻素材,清楚知道如何运用自身所掌握的专业知识及软件、工具等去制作Flash动画。至于怎么做?如何做?等一系列问题,则需要教师因材施教,善于运用教学渠道、教学工具去达到目的,如下面提到的创业园,让学生结合园内项目独立设计、创作,一点一滴的促进自身创新能力的提升。 4、教学手段上要电教化和网络化众所周知,Flash动画是一种数字动画,以计算机技术为依托,其教学手段自然也应采用符合自身特殊性的多媒体网络教学,所有的教学活动都必须在多媒体教室进行,或计算机机房。例如,在实例教学法中,利用多媒体作案例演示,能让学生更直观的看到整个操作过程,分析讲解后,也可让学生立即进行机上操作。与此同时,多媒体机房链接互联网,随时搜索需要资源,实现资源共享,最大限度的为学生提供设计资源。当然,为防止学生玩电脑游戏,教师要严格机房管理,演示阶段控制电脑,练习阶段巡视课堂,确保课堂教学质量和效果。同时,还可利用网络远程授课,例如建立学习论坛,Flash动画制作相关技术、软件等,为学生提供充足的学习素材供。最为重要的是,师生、生生之间通过学习论坛可实现无障碍的交流互动,这样的学习方式利用调动学生的学习兴趣和积极性,亦可增进师生间的情感交流,构建和谐平等的教学环境。 5、课堂考核要综合化Flash作为一门实践性很强的课程,有必要通过课程考核来考核学生对Flash工具的实际操作和创意能力,督促学生学习。在考核上采用模块化、项目测试相结合的方式,重点测试学生对基础知识、基恩技能的掌握程度,以及学生的创新能力和综合能力是否达到了能把设计技能学以致用的水平。除了阶段性考试之外,还要关注学生在每一节上机课上的学习过程、学习成果,并及时给予学生反馈,及时肯定学生的学习成果,或更正学生的错误。总之,考核模式以过程考核、期中和期末考试为主,教师评价与小组内评价相结合,给学生一个客观、公正的考核成绩。在考试形式上,可以采用机试,内容包括填空、选择、问答,以及实践操作题,既测试学生的理论知识掌握情况,也考研学生的实际操作能力。例如,考试题目:制作动画短片或MV。考试要求:主题的表达形式新颖,构思独特,有一定的技巧;情节人物、语言等设计引人入胜;人物角色生动,富有艺术想象力;画面美观,色彩和谐;结构设计独到,想象力丰富。这样的考试题目及要求,旨在夯实学生对Flash动画制作技术的操作能力,提高Flash动画的制作水平。 6、深化校企合作,成立创业园一直以来,校企合作都是高校动画设计专业加强实践教学的主要方式,也是锻炼学生动手操作能力的重要渠道。对此,校方要持续深化校企合作,与动漫公司保持密切联系。比如,校方派遣专业教师到企业学习、交流经验,指导初入动画制作岗位职员理论,而企业可定期派遣动画制作方面的专业人才到高校客座授课,传授给学生一些成功经验和设计技能。另一方面,校方联同动漫企业成立创业园或工作室,搭建实践与创新平台,实现高校教学与企业岗位之间的有效对接。在这种体系下,建立以工作过程为导向的课程教学体系,让学生了解实际的Flash动画制作岗位的工作流程、操作技能、注意事项,掌握汇融自己思维及创意制作完整作品的基本方法和过程,能够制作运动动画、变动动画和逐帧动画,全面提升学生的动手操作能力,成为对口企业真正需要的人。 二、结语 总而言之,高校Flash动画设计与制作课程教学中确实存在一定问题,对此要针对该门课程教学特点,面向职业岗位,以工作过程为导向去探究课程建设和教学改革问题。从教学模式到教学方法、教学手段,再到课程考核,每一个教学环节都要做出相应的调整,通过校企合作等方面加强实战学习,让学生掌握新的Flash设计技术,积累经验,培养创造力和创新力,成为高薪Flash设计岗位需要的人。与此同时,教师要紧跟时代步伐,深入了解市场动态和岗位需求,不断提升自身的专业技能和教学能力,让学生接触到最前沿的Flash设计技术,熟练使用设计软件,真正做到学以致用。 作者:丁静楠单位:河南工业大学 动画设计毕业论文:动画设计中主观色彩的应用论文 摘要:人们对主观色彩的感受和解读,自然会反映到动画场景设计之中,这就是我们对动画场景设计色彩提炼的意义所在。 关键词:动画;影视;场景;色彩 在影视动画场景设计中主观色彩的运用,是从事动画场景设计教学的教师,必须具备的基本功。大千世界、五彩缤纷,我们在动画场景设计实践中应把握对象最本质的色调,理性地筛选刻画对象的色彩关系,使动画场景设计去伪存真,去杂存精,使动画场景设计作品得到质的升华。 人类对色彩的体验,随着时间的推移,不断地积累和发展,逐渐形成了自己的审美情趣,渗透了诸多对色彩感受和解读的主观因素。在中国,用白色悼念亡者,用红色乞求避邪,用黄色象征权贵,这已成为人们的生活习惯。人们对色彩的这些感受和运用,既有社会文化因素,也是由其本能所决定的,是生理机能的客观反应。人们对主观色彩的感受和解读,自然会反映到动画场景设计之中,这就是我们对动画场景设计色彩提炼的意义所在。尽管有些人对色彩感觉不太敏锐,但在动画场景设计作业中,同样能画出较为丰富的色彩来,全凭主观色彩意识的分析和判断,将动画场景设计对象的色彩关系跃然纸上。 一、主观色彩在动画场景设计中的作用 动画场景设计中的主观色彩意识,属于自我认知方面的范畴,跟“客观”相对应。它依据对实际景物的反复观察体验,形成自己的主观意识感觉。倘若我们改变以往的观察方法,以我们自己的思维去理解色彩的自然属性,将会发现色彩具有变幻莫测的魅力,这就是我们常说的将色彩的客观属性、变成自己的主观色彩呈现在动画场景设计之中。当主观色彩在你的思维中逐步升级,动画场景设计将不属于肉眼观察的客观物体。而是设计师经营的色彩王国。不然,设计师就成了摄影机和照像机。因为有了主观意识的发挥和存在,才会使许多设计师同画一个景物时色彩的感觉绝然不同。设计师通过反复观察自然景物形成主观意识。进而又通过主观意识对自然景观予以调整改造,这是存在决定意识又由意识反作用于存在的具体体现。 动画场景设计中主观色彩意识的形成,应通过观察训练和写生训练进行培养。从生理上讲,人眼的视网膜吸收可见光,视神经把视觉的信息输送到大脑,产生了物体的光色反映。在户外,有时客观条件不能满足画面的需要,这时主观色彩意识就会大放异彩,它运用创作人在大脑中掌握的色彩常识及生活阅历的积累,重构画面的合理性和完美性,将景物色彩进行重组和甄选,促成写生画面的尽善尽美。对色调及光源和暗面进行合理调整,使其主题突出,画面整体而有生气,形成画面的视觉趣味中心,达到传递美感享受的艺术效果。学习者自我训练敏锐的辨析复杂景物能力,以及用冷暖色彩的处理方法调整色彩的能力训练,以达到主观意识的养成。崇山峻岭、白浪与沙滩,江河湖海、绿树青草、田园风光、都市民风、作为动画场景设计艺术,无论是写生或是创作,它与摄影最大的区别,画家的眼睛独具一种比照相机镜头更丰富的艺术功能,这就必然地体现了设计者的主观色彩意念因素。 总之,在各种光照环境下,观察和研究自然界千变万化的色彩现象及景物,体验解读光照和色彩神奇的变幻规律,形成动画场景设计色彩表现的主观色彩意识。要意识到自然景观的形与色是不可能原封照样搬上画面的,教师需要指导学生运用主观色彩意识去取舍。 在整个训练中应注意并克服色彩纯度太低所造成的灰画面,和过纯而造成的色彩过生,颜色跳跃,面画太花等弊端。要求对客观对象完全理解和正确判断,用主观色彩意识去大胆实践。需要强调的是,理解和掌握色彩关系及共变化规律至关重要,它能使我们在完成每一幅动画场景设计时得心应手、酣畅淋漓,有了这方面的基本功,就能表现出动画场景的空间、质感,使欣赏者的视线停留在优美的画面上,感受空气的流动。 二、色彩运用影视动画场景设计中常见的问题 1、局部色彩与整体色彩关系的对立 一部音乐作品要有它的节奏和主旋律,一幅美术作品在色彩上要有色彩基调,这些旋律与基调是表达作品的主题,体现作者创造意念的重要因素。这种叫作旋律和基调的东西,赋予作者创造意念的重要因素。同样,一部电影作品,也要有它的色彩基调(现在,中外一些电影导演喜欢拍摄黑白影片,黑白,也是一部电影的色彩基调,也是电影色彩语言的组成部分。)纵观中外优秀影片,对色彩基调的整体把握,是一部影片风格与类型,时代感与品格形成的基本前提。影片色调的整体关系,一是指它的统一,使一部影片有协调统一的色彩基调。二是讲它的对比,在对比中形成影片的色彩基调。三是电影色彩的整体运动,在运动中构成既对比又统一的整体色彩关系。中国电影色彩整体与局部关系的问题,还表现在创作镜头画面色彩的变化对某一个场景空间色彩,某一个镜头画面色彩的关心,而忽视了场景和场景之间、道具服装同场景之间、画面和画面之间的整体色彩运动关系。没有通过色彩的对比与和谐、场景空间的疏于密、画面运动的实与虚等变化所形成的统一与对比,达到影片整体的色彩关系。中国电影的问题当然是多方面的,色彩实其中不可忽略的问题之一。我们应从电影色彩的各个方面诸如空间环境色彩的语言的角度处理这些具体的色彩问题。使这些局部构成电影色彩的整体关系,而不是孤立、琐碎的某一种什么东西。 人物造型色彩与空间环境色彩关系的孤立:人物与环境是电影造型的最基本内容,是构成故事影片的基本单元。因此,人物造型的色彩与环境色彩的关系,在人物一出现就成为人们关注的问题。而空间环境色彩的关系上是孤立的、没有联系的,因为我们的编导们太注重情节、故事的是否合理,而往往忽视银幕色彩所形成的视觉、空间构成关系的有机理性。没有通过人物服装、化妆色彩与空间环境色彩的对比与和谐关系,明确地表现出在他所构建的银幕空间关系里,人与人之间、人与环境之间既矛盾又统一的微妙关系。 色彩与人物内心情感世界的无缘;色彩是体现人的内心情感、心理、情绪和人的精神世界的外在显现,反过来,现实世界的色彩对人的内心情感、心理和情绪也有着潜在、微妙的影像。当代中国电影则过多地停留在表现事件、故事、表演、时间的报告文学式表层线索上,而较少地去表现人、精神、空间的情感的时侯,不知道现实色彩(光色、形色)反映人的内心世界,只有过于激动的肢体语言来强化气氛,是事倍而功半的。只用运用好主观色彩才能使我们所做的场景设计发挥得更好,更精。 2、动面场景设计中自我风格的实现 在动画场景设计教学实践中,除重视素描课程以外,色彩写生课程更不容忽视。因此教学中要求学生做到理解色彩的基本原理及规律,娴熟地运用主观色彩意识的艺术规律,有助于对其它专业设计课程的学习。这种主观色彩能力的培养是由多种因素决定的,它来自人的视感神经及健康的心理因素,以及灵活机动的组织能力。这种主观色彩意识的成熟应用,在动画场景设计、场景调度中表现为分割重组构成新的视觉元素来表达动画主题,其中也包括色彩的分割组合生成新的视觉色彩关系,达到最大的视觉满足。应该说,在动画场景设计领域中,主观色彩的运用能力至关重要,直接关系到设计作品的成功与失败、高雅与低俗。 主观色彩在动画场景设计中的运用,是从事动画场景设计专业师生必备的技能,它能推动动画场景设计的艺术创造活动,完成更新更美的动画场景设计作品,培养出一批能适应现代动画市场需求的专业人才。 动画设计毕业论文:三维角色动画设计论文 一、相关工作 在骨架提取方面,已经有很多自动生成骨架的方法。①②③Baran等的Pinocchio系统创造性地提出了骨架嵌入的方法。在自动角色动画方面,骨架嵌入比骨架提取要好的原因是对于复杂骨架的角色,骨架提取可能会产生不同的拓扑结构,这就让使用者很难将原来有的骨架运动数据运用到其中来。虽然可以通过附属肢体模板来鉴别复杂的附属肢体,但是由于拓扑结构的复杂性,自动生成时也会产生各种不同的误差。骨架嵌入相对于骨架提取的另一个优势就是它能够在骨架中定义角色所需要的很多的结构信息,这是在提取的纯几何骨架图中难以得到的。 几乎所有的网格变形技术,无论是基于表面的还是基于体积的,都可以用来作为基于骨架运动动画中的对表面进行蒙皮。④⑤不幸的是,到目前为止,这些方法都不能实现实时的动画。Baran等的线性混合蒙皮(LBS)具有简单高效并且能够利用GPU进行运算,并可以根据骨架进行子空间变形等优点。虽然在质量上的不能够达到很好的效果,但是它仍然成为在实践应用中最常用的方法。所以我们的系统采用该方法。⑥ 二、原型系统设计设计过程 对于输入的三维角色模型,我们首先嵌入骨架,然后通过定义骨骼运动对表面网格上每个顶点的变化的影响权值,将表面皮肤依附在骨骼上。对于不同的角色,我们建立不同的罚函数去惩罚那些我们不期望的骨架嵌入方式。基于样本用支持向量机的方法求得最大边缘解,然后对不同罚函数赋予不同的权值。用人工智能中A*启发式的方法在指数级的搜索空间里加速寻找最优的骨架嵌入方式。在蒙皮阶段用热扩散方程的方法去计算骨架运动时每一块骨骼对表面网格上顶点的影响权值。据骨架的变化情况,插值计算出骨架的“蒙皮”模型的各个顶点的位置变化。对于某个特定骨骼,“蒙皮”模型的顶点变换矩阵=初始姿势的变换矩阵的逆×姿势变换后的矩阵。另外还要考虑到一个顶点可能受多个骨骼运动的共同影响。 1.骨架嵌入 由于骨架嵌入需要将骨架重新定义大小和定位使得它能够正确的嵌入到模型当中,所以它能公式化为一个优化的过程:计算关节点的位置和朝向使它能够更好的适合于给定的模型。但是这个优化是一个三维空间的问题,所以连续优化的方法是不可行的。因此可以建立一个用顶点表示潜在关节点,用边表示独立的骨骼的图来简化优化问题。建立这样一个图是具有一定挑战的,因为我们可以用未知数量的顶点和边来表示相同模型的关节和骨架。我们在近似模型垂直等分的平面上建立中轴面,并且建立圆心在中轴面上的圆的一个特定的集合,将这些图的圆心连接起来形成一个图。然后使用自定义的离散的罚函数来最优化的骨架嵌入这个图。为了帮助优化,在给定的骨架中可以包括一些关节点的额外的信息。比如说对称的部位应该以相同的名称命名,又比如如果一个关节被命名为脚,那么就表示它应该事在模型中位置最低的一个关节。由于定义的罚函数是独立于具体的模型的,所以并没有减弱它的通用性。 2.简化骨架 前面的步骤建立了几何图G=(V,E)来表示骨架,我们需要将它嵌入到我们给定的骨架当中。给定骨架原先是以有s个节点的树的形式给出(在一般人形的骨架上会取s=18),但是如果这s个节点没有经过简化,嵌入的优化过程是很难处理的。因此我们需要一个简单的骨架,所以在嵌入骨架之前,需要将骨架简化。所有的自由度为2的关节都将被除去(比如说膝关节),关节两端的骨骼块被连在一起。简化后的骨架将会只有r个连接点。那么骨架嵌入以后缺少某些必要关节的骨架怎么让角色动起来呢?我们根据未简化骨架上关节在整条边上的比例,重新计算出该关节在简化骨架上的位置,然后插入到骨架中。在我们的系统中,简化的骨架中r=7。简化后的结果就是我们可以将简化的骨架嵌入到系统中以最小化罚函数惩罚的对象。否则这样的工作是很难实现的。 3.离散的嵌入骨架和优化 一般不可能计算离散的嵌入方式时使罚函数最小,因为嵌入的数量是指数级的。但是可以用类似分支定界的方法在问题的解空间树T上搜索问题解。我们使用这样一种方法:首先根据部分嵌入的下界估计保存优先级队列。然后在每一步,取出在队列中最好的部分嵌入,将它展开,与下一个关节进行计算,然后将结果保存在队列中。所以,第一个被完整展开的嵌入就是最好的嵌入。为了加速算法并且尽可能少的占用内存,如果部分嵌入有一个很高的下界,那么它将被立即拒绝并不在嵌入到队列中。虽然这种算法在最坏的情况下依然是指数级的,但是在我们测试实际情况它都是很快的。 在骨架嵌入前将骨架进行了简化,省略了很多的关节,比如说膝关节,但简单骨架嵌入以后,要让角色真正的动起来,还是需要重新插入这些关节。在这里可以通过按比列分割骨架图中路径最短的边来得到。我们希望嵌入后的骨架能够很好的满足角色的形态比列,但是,有时候骨架并不能很好的适应我们的角色。同时,一些小的被忽略的骨骼块并没有被赋予正确的朝向。骨架优化的过程就是为了解决这些问题的提出的。 4.蒙皮 我们的角色和嵌入的骨架在将皮肤依附到骨架上之前是没有任何关联的。骨架并不能够驱动角色运动。因此我们需要指定骨架运动与角色表面网格变化之间的联系。虽然在这里我们可以用很多的网格编辑技术来进行网格变形,但是我们选择标准的LBS方法:假设表示网格顶点j的坐标,表示第i块骨骼的变形矩阵,表示第i块骨骼对第j个网格顶点的变形权值。LBS把j变形后的位置表示为。我们的目标就是找到每一块骨骼变化对所有顶点的影响权值。我们所期望权值有以下几个特性:首先它应该与网格的大小无关,其次权值的变化应该平滑,最后关节间两块骨骼的移动宽度必须与关节到表面网格的距离成一定的比例。即使有一个方案能够得到权值使得骨骼能够满足这些特性,但是它们很可能失败因为他们忽略了角色的的几何学特性。作为代替,我们用热平衡原理来寻找权值。假设我们把角色的体积认为是一个不占容积的热导体,然后我们强迫骨骼i的温度为1,而其他骨骼的温度为0。当热平衡以后,我们就可以把表面上每个顶点的温度值作为该骨骼对它影响的权值。 三、实验结果 盼盼动画系统设计时主要依照三个标准:①广泛性。适应于尽可能多的模型。对一些结构比较特殊,或者会产生歧义的模型能够尽可能的正确嵌入骨架。②质量。关键在于蒙皮的技术,让表面皮肤能根据骨架运动驱动正确的位和形变,以期与视频游戏中的模型相媲美。③性能。运行在大多数的家用计算机上。在盼盼动画系统里对采用的模型进行了一些简单的限制:模型必须是全封闭的,并且是以最自然的姿势站立,这样能大幅度的提高骨架嵌入的准确性。当然模型需要是一个有四肢能被嵌入人体骨架的。 图3为盼盼三维角色动画系统的一张截图画面。系统主要包括模型选取、BVH运动数据选取、运行、视图操作、工具条等功能。该系统的运行环境为英特尔酷睿双核CPU,主频为1.73Mhz,内存为1GB。因为盼盼动画系统是单线程的,所以双核的CPU几乎没有什么影响。测试发现,计算的主要消耗花费在分离过程中距离场的计算上。 4、展望 虽然盼盼动画系统在人体动画领域取得了一定的进展,但是它依然存在着不足,限制着它的应用范围。在技术方面,建立骨架图的时候可以用椭圆来建立初始骨架图。在应用方面,首先它的蒙皮质量在某些地方还可以改进,可以通过在骨架上自动蒙皮的技术来提高质量;其次,它的骨架中的关节与一般人体的关节有出入,不能由一般人体骨架运动的数据来驱动,这样就不能很好地利用网络上大量的表现复杂运动的运动数据。另外,盼盼动画系统依然不能够表现手部动画、脸部动画这些需要细节的动作。如果能在后期中加入这些方面的应用,一定能够得到更为广泛的应用,并且大大减少人体动画开发的整个周期。 动画设计毕业论文:高校人才培养动画设计论文 中国动画产业由于受到了国家的重视而进入了一个飞速发展的阶段,各地政府有关部门都针对此给出了一些相关政策,希望能以此来实现中国动画产业的飞速前进。而我们要做的就是如何去建立一个关于动画设计人才培养的全新模式,打造一个全面系统的教学方式、个性化的创作实践为整体的全面人才培养基地。以此为根基来达到我国动画专业人才整体实力的提高、自主创造能力的提高。 一、动画专业的人才培养构想的内容 (一)着重于如何提高学生自主创作的积极性 在针对学生能力提高的过程中,我们要重视学生的自主创作的积极性,对不同性格的学生要表现出足够的重视与尊重。在教育的过程当中,我们的教育方式应该将理论与实践结合起来,让学生可以主动投入到学习的过程当中去。这种方法可以更好的将学生的兴趣爱好和教学的内容相结合,实现我们教学的主要目的。学生在动脑学习和思考中可以进行自主创作,从而提升学生的创作的积极性。在这种全新的教课模式下,学生创造性运作能力会得到很大的提高,而我国动画设计专业领域也能得到许多具备自主创作能力的高端人才[1]。 (二)重视理论知识与实践能力协调发展的全能培养 动画专业是理论知识与实践能力同等重要的专业。而我国现下却将精力大多放在如何去制作,在前期的理论知识的教授却比较弱,后期全面的补充也有所欠缺。所以造成了我国现在大部分的艺术专业人群与其专业的知识并不匹配[2]。我们现在要做的就是重视理论知识与实践能力协调发展的全能培养,突出动画专业的理论知识的教育,并且对学生的实践能力进行全面的培养。在对学生进行理论与实践全能培养的同时,在对其动画专业能力进行改善。这不仅实现了实践创作能力的需要,也满足了我国现下动画专业创作技术的发展需要。 (三)要实现学校与企业建立合作关系和学校与学校建立沟通 一般情况下,必须要让动画人才的成长突破校园内的局限,从社会实践出发,让学校与企业、学校与学校能够在沟通和合作的基础上得到巨大的进步。我们可以从实现校企合作培养和校校合作的模式进行入手。通过这样的形式,才能更好的促进动画专业人才的培养。 二、高校动画设计专业人才培养新模式的结构 科技水平的不断提升,动画设计专业的人才培养模式也有了突破性的进展,人才培养模式的改革也提到了日程当中,比如说创新课程结构模式,注重对学生发散性的思维能力培养与提高等相关方面的内容。 (一)创新课程结构模式 课程对教育的传播起到了很重要的作用。高校动画设计专业针对学生专业素质的提高,应该针对实际市场上动画设计的需求和需要,进一步规整当前的动画设计专业教学内容,认真调查研究动画行业重要企业的人才需求和能力要求,从实践应用的角度出发,尽量抓住动画设计专业学生的基础课程,强调创新能力的培养,并高度重视动画设计专业中的实践环节,强化动画专业课程的针对性,提高学生的综合素质和应变能力。 (二)重视对学生发散性的思维能力 培养与提高,提升学生自主创新的能力目前就我国现状而言,高校动画设计专业其人才培养方式还不是特别的健全,造成我国当前具有动画原创潜力的高素质人才流失,虽然其表面一派欣欣向荣的现象,但还是不能达到动画产业在我国持续发展的根本目的。所以我们要重视对学生发散性的思维能力培养与提高,还要提高他们的自主创新的能力,让他们能够将自己的能力发挥超常。中华民族伍千年深厚的文化底蕴本就是原创动画一个很好的创作基础。所以,高校就更加应该针对传统文化知识来向动画设计专业的广大学生进行深入的教育,并针对中国传统的文化来开设专门的课程,比如说中国古代文学的发展,中国古代历史的讲解等,以此来达到增强学生对于中国古代文化的了解与书面表述的目的。 (三)努力培养学生的综合素质,形成有特色的培养模式 高校动画设计专业学生的培养,关键的一点是要培养并不断提高他们的综合素质,这些将为他们以后的发展起到了很重要的作用。所以高校应当采取各种方法来达到学生能够了解基层的实际情况,从切身的体会当中充分的了解体会到动画产业的运转流程以及生产流程,通过去基层的切身体会来达到提高其自身的自信心和创作能力[3]。学生的专业导师还要不断鼓励他们运用自己所学到的知识应用到实践当中。加强锻炼他们的综合素质的提高,有助于他们对于动画设计创作灵感的迸发。 (四)抓紧师资队伍基础的建设,建立优良的师资培养模式 从师资队伍建设方面入手,也就是从文化传播者入手。所以要十分重视对于专业导师的建设工作,多让著名的学者来学校对学生进行公开的讲课与指导,让专业的导师们积极带领学校的学生们开展关于动画教学研究的学术交流,通过这种动画教学研究的学术交流可以更好的提高学校的知名度,以此来吸引更多慕名而来的高素质人才,无形中推动了动画产业的可持续发展。高校还可以提供更多的培训活动来提高本校教师团队的数量和综合素质,从根源上解决我国动画专业导师匮乏的情况,同时也要稳抓现有导师的教学质量。在条件允许的情况下,我们的专业导师们也应该积极参与学校组织的培训与进修,通过培训与进修,可以很好的提高学校教师的教学水平。 三、结语 综上所述,因此,本篇文章针对这种现状,提出了应由动画专业的人才培养入手,并且着重于关于高校动画设计专业人才培养模式的结构。按照动画设计项目研发以及其他方面的相关程序的培养作为主旋律,进行专门性的动画基础以及相关专业实践能力相融合的教学机制,实施工学融合的教学组织以及实施形式,以期能够更好的满足企业对于人才的需求力度,积极为周边的行业企业源源不断的输送人才。高校动画设计专业人才培养模式,其不单单有助于动画设计的发展,还有利于对专业人才的塑造。所以我们应该建立一个更好、更科学的综合性高素质的人才培养模式,从而促进中国动画设计产业的健康发展。 作者:王春莹 单位:陕西国际商贸学院 动画设计毕业论文:中国画运用于动画设计论文 1中国画与现代中国动画设计的关系 中国古代哲学思想不外乎三家:儒、道、释。儒、道、释三家的入世与出世两种思想影响着艺术家的生命历程和艺术历程,也影响着艺术家的艺术创作方法——写实或写意。儒家思想比较重现实,遵儒者追求入世,重写实;道家思想崇尚自然、追求虚静和向往一种原始自然状态的生活方面;佛教从印度传入中国,一经与中国文化相融合,便带有浓厚的民族色彩,它所追求的“清静无为”、“息心去欲”等境界,则与老庄思想不谋而合。尊佛者则追求出世,更注重超脱尘世,艺术创作不以“肖形”为佳,而以“通意”为主。 中国画家取材上画家通过主观感受萃取其精华,保留那些最能引起思想情感活动的因素;在构图上通过虚、实、疏、密以及留白等多种手法的运用,形成了绝妙的空灵感,于画中体现出超凡脱俗的精神境界。这些中国画的技巧为中国动画设计铺垫了理论和实践基础,对中国动画的发展起到了不可忽视的作用。中国画的线条在《大闹天宫》中运用的惟妙惟肖,蟠桃会上仙女们衣裙涟漪、彩带飘舞,此景只应天上有;《哪吒传奇》结合中国传统山水画的技巧,将古法中的“经营位置”理念灵活应用在动画背景绘制中,营造出虚实相生、疏密有致的视觉美感,并很好地烘托了剧情。例如,《山水情》《牧笛》借鉴了中国画的意境;《螳螂捕蝉》《鹿铃》融入了中国画水与墨的美。这里就不一一列举了。此外,1997年迪士尼推出的第一部以中国味背景的动画片《花木兰》,该片以中国家喻户晓的“木兰从军”的传奇故事为题材,整体风格借鉴了中国画的一些技法,画面优美,意境深远,颇具东方韵味。再如《功夫熊猫》,用西方人的思维方式诠释中国传统文化内涵。这两部片皆在中国获得高额的票房收入,这不得不引起我们的反思。 2中国画与现代中国动画设计的结合及运用 2.1《荷塘月色》 早在中国南北朝时期的谢赫,就在《古画品录》中提出了绘画六法,即气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。顾恺之也曾在《画论》中提到了“置阵布势”。清代戴熙在其所著的《习苦斋画絮》中说:“画在有笔墨处,画之妙在无笔墨处”。被人称为“马一角”、“马半边”的南宋著名画家马致远十分擅长以少胜多,他常画山之一角或水之一崖来概括全景,画面中保留了相当多的空白。凡此种种,都说明中国画的构图十分讲究留白,并通过虚实相生创造意境。《荷塘月色》借鉴了“马一角、夏半边”、留白布空等中国画构图手法,将影片意境美与视觉美巧妙融为一体,从而形成一种气势,以达到传情达意的功效。动画中充分体现了《绘画六法》中“经营位置”一说,如画家描绘景物从不涂满全纸,而是用空白来表现无形的朦胧意境的“生动之气”,生动之气韵笼罩万物,而空灵无迹,故在画中为空虚与流动,空白之处并非真空而是灵气往来生命流动之处。艺术家的艺术功底通过“黑”来体现,艺术家的艺术境界通过“白”来呈现。“白”最能体现艺术家的艺术修养。 2.2《小蝌蚪找妈妈》 《小蝌蚪找妈妈》从一开始就为动画注入了浓厚的中国味,打开一本素雅的国画画册,一幅幽静的荷塘小景淡淡推入,伴随着悠扬的古琴和琵琶乐声,共同勾画出优美抒情的水墨世界。画面风格是以国画大师齐白石的绘画为基础完成的;主要角色小蝌蚪源于齐白石先生的名作《蛙声十里出山泉》,小蝌蚪的形象为一群黑色墨点,并没有细致的五官刻画,借助它们游动时尾巴线条的变化来变现它们的内心情感,以形写神、虚实相生,追求中国画的意境与趣味。动画片通过连续画面的编辑赋予了他们“生命”,让齐白石老先生的画动了起来,引领观众走进了流动的“中国画卷”,将传统国画中的水墨意趣搬到了银幕上。《小蝌蚪找妈妈》通过水墨的意蕴、笔墨的情趣,使得所描绘的小蝌蚪不再是客观的形象,而是人的“情感对象化”的“审美意象”。淋漓尽致地再现了中国画特有的笔墨情趣,与传统音律、动画思维、故事情节等元素巧妙地结合起来,体现出一种中国特有的审美情趣,弘扬了中国文化。例如,茅盾写了一首关于影片的诗:“白石世所珍,俊逸复清新,荣宝擅复制,往往可乱真。何期影坛彦,创造惊鬼神。名画真能动,潜翔栩如生。柳叶乱飘雨,芙蕖发幽香。……画意与诗情,三美此全具。”法国《世界报》评论这部影片时说:“中国水墨画,画的景色柔和,笔调细致,以及表示忧虑、犹豫和快乐的动作,使这部影片产生了魅力和诗意。” 3小结 中国画在现代动画设计的艺术形式创作中具有很高的艺术价值,它为中国动画设计注入了一股新的活力,带来了一场新的视觉盛宴。汲取中国画的精髓,深入了解中国传统文化,摆脱单一的设计模式,将中国画元素与动画设计进行选择性的叠加构建,如融入中国画特有的技法、布局、意境等元素,来诠释设计师的情感和思想,创作出优秀的具有中国特色的动画作品。 作者:雷鸣 单位:西南大学美术学院 动画设计毕业论文:课程资源开发三维动画设计论文 1基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发的现实情况 早在2007年,全国各类高职院校就在教育部“以工作过程为导向的课程开发”精神指导下开始了以工作过程为导向的课程建设研究;而在《教育部2012年工作要点》第三点第18条“大力发展职业教育”和第19条“促进高等教育特色发展”中明确指出“要深化校企合作、产教结合,加强行业指导。深入实施国家示范性职业学校数字化资源共建共享计划。”基于工作过程导向的系统化课程资源建设已经成为高职院校课程建设的重中之重。近年来,高职院校的课程建设虽然有了较大的突破,但仍有不足。就“三维动画设计”这门课程来说,目前开发基于工作过程导向的三维动画设计课程资源的高职院校还是很少,高职院校三维动画设计课程资源建设尚处于起步阶段。三维动画课程教学与企业岗位需求不能直接对接,导致职业院校培养的学生不能迅速适应企业的要求。 2基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发的研究目的 基于工作过程导向的课程资源建设将理论学习和实践学习融为一体,它能够满足高职院校培养技能型、实用型专门人才的目标;它使学生认知能力发展和建立职业认同感相结合;科学性与实用性相结合,符合职业能力发展规律与遵循技术、社会规范相结合;学校教育与企业实践相结合”,学生通过对工作任务化的学习资源进行学习和体验,实现知识与技能、过程与方法、情感态度与价值观学习的统一,为培养学生的实际工作能力奠定坚实基础。基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发就是以推进基于工作过程导向的课程建设为综旨,以培养学生职业能力为目标将企业生产项目部分引入课堂,提供全套的“生产型”课程教学资源,加强对学生职业能力的培养,提高学生的创新能力、就业能力、工作能力和人际和谐能力,以适应企业对三维动画设计人才的需求。 3基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发的研究意义 3.1理论意义 基于工作过程导向的课程资源开发,是职业院校深化课程建设的重要内容,是推进职业教育的重要途径,是培养技术应用性人才的重要途径。 3.2实践意义 基于工作过程导向的课程资源开发有助于更好的与企业生产相结合,增加课程面向职业教育的适应性。基于工作过程的课程资源开发立足于行动导向体系课程,以工作过程作为课程资源开发的参照系,为改进教学行为提供了新思路。与生产过程配套的课程资源能够将原来的线性教学模式转变成一个动态学习的过程,能够使课堂变得富有生机和活力,有利于培养师生的应变能力与创意思维,有助于提高学生的就业能力和适应职业变化的能力。 4基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发的研究内容 基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发应包括:课程标准、.校内讲义、项目库、学习工作页、多媒体课件、教学演示录像、测试题库、实训包等内容。通过基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源的开发,推进教学改革,以满足职业能力培养为最终目标。建立与三维动画设计工作过程一致的学习情境,借鉴三维动画产品生产标准制定三维动画设计课程标准,引入企业的典型项目,构建集生产型、仿真型、创意型三大类型于一体的项目库、编辑能够将教学与工作融为一体的学习工作页、教学课件和电子书。编写适应三维动画设计师资格鉴定的职业知识测试题库与满足三维动画设计师上岗标准的职业技能训练题库,以有效实现学生职业技能的培养,保证校内硬资源与校外软资源有机结合,学习技能与仿真生产同步进行,真正实现所学与所用无缝对接并达到零距上岗。 5基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发的研究方案 5.1研究主线社会调研。调研分析三维动画师岗位的工作要求、任务与职责从而确定三维动画师岗位的职业能力标准,为确定基于工作过程导向的课程开发标准提供依据。生产观摩。观摩企业生产设计过程,分析动画产品的开发流程,研究其普遍规律和行业规则,确定动画设计的基本工作过程,为基于工作过程导向的课程教学过程设计提供参考。项目提炼。研究企业以往工作项目,认真分析并整理出适合用于课堂训练的,流程清晰且有代表性的优秀项目,为基于工作过程导向的课程资源开发做出项目准备。资源设计。基于工作过程导向的课程资源设计。分析其他基于工作过程导向的课程的资源,根据本课程的特点设计出三维动画师工作过程的讲义和配套课件。参考三维动画设计师职业资格考试的大纲,设计出与职业资格考试相配套的试题库。 5.2具体步骤制定课程标准:组织团队人员研究确定三维动画课程的课程标准。编写校内讲义:根据课程标准精选合作企业的优秀项目,并组织团队人员对校内讲义版式及内容进行讨论。建立项目库:根据企业项目整理集贴图、效果图、工程原文件全部在内的项目库。开发学习工作页:根据课程标准与校内讲义按学习进程编写不同学习情境所对应的学习工作页(包括技术单、资料单、计划单、考查单)。制作教学课件:根据校内讲义制作特色项目教学课件。编写技能题库:组织团队人员完成本项目的试题库的整理与编辑。录制教学录像:根据项目库内容录制项目制作的教学演示录像。编辑测试题库:借鉴三维动画设计师职业认证标准创建知识测试题库。整理实训包:根据三维动画设计课程实训要求编写实训计划、动员报告、实训指导书,并整理所需图片与工程素材。 6结语 基于工作过程导向的“三维动画设计”课程资源开发能够推动职业教育动画相关专业人才职业技能的培养,通过提供完备的资源使“三维动画设计”课程改革更加深入。 作者:孟男 单位:黑龙江农业工程职业学院 动画设计毕业论文:角色造型要素三维动画设计论文 在计算机软硬件技术得以加速发展的今天,三维动画作为一种新兴技术,已经逐渐走进了人们的视野。 一、角色造型分类 在对三维动画当中的人物进行设计的时候,不仅仅是要考虑到人物所表现在外部的形体,更为重要的是应注重塑造的角色内在的气质以及性格。在角色造型的设计中,运用最为广泛、最多的是实物类的造型,像动画中的写实类则可以划分为两种:一种是纯写实,如《小蛾蚌找妈妈》、《花木兰》等,这种都是依据人物的原型,加上少部分的艺术修饰;第二种形体式的造型,如《大闹天宫》、《人猿泰山》等等,对于这些角色的设计,与现实就有很大的差异。 二、造型要素符号化分析 作为将多项艺术综合在一起的动画艺术,它所使用的表现手段有动作、绘画、声音、性格等方面。在动画形象的塑造中,这些动画艺术的表现手段都御用不同的形式集于一体,表现形式的融合才将动画艺术独特的审美价值表现了出来。在互动化、动态化飞速发展的新时代,塑造出来的具有独特视觉的的形象,已经逐步的被人们所认可;动画形象也用它独特的“语言”,已经影响了世界文化。从本身来讲,动画形象也属于一个国家的文化,从另一个面讲,也代表着民族应有的精神。所以,笔者认为,可以将三维动画中所表现出来的角色视为对传统文化传承的系统符号的组成。作为三维动画角色造型,是从人、社会以及自然中逐渐衍生出来的,并且分为了若干小系统,在配合上有机的结合,输出一个完成的模型系统,最终让人们来评价起功能性。 三、角色内涵设计要素 (一)性格要素 19世纪英国的著名演员麦克雷蒂曾经说过:想要测定出性格的深度,则需要探索他潜在的动机,真实的去感受他心中最细致的、精细的情绪变化,挖掘出字面下所隐藏的思想,从而真正的掌握住一个具有鲜明个性的人的内心真髓。其中最关键的是要去了解角色、抓住基调,即角色最为本质、最为优秀的方面、思想以及个性特点。动画角色的创造是否能够得到成功,关键取决于设计者对角色的实际理解以及感受的多少。实际上,想要准确的抓住人物性格的基调,主要是从动画电影的剧本中、角色行为以及对话语言中进行摸索。高尔基曾经说过这么一句话“情节是性格的历史。”正是由于每一个动画形象都具有自身独特的特点,动画里面的角色才能够有血有肉;只有角色之间进行相互的比较,才能够真正的构建出属于这一部动画真正的灵魂。所以,笔者认为将角色的性格塑造完美,对动画的影响是巨大的,设计人员必须要重视这一点。 (二)形体要素 在《符号形式的哲学》这一文当中,卡西尔表示:“各种符号形象集合在一起,就形成了人类的文化。”而且雅各布森也说过:“人类以视觉、听觉要素作为基础,就形成了人类社会中最社会化、最为贴切以及具有丰富意味的符号系统。”而在三维动画的设计中,角色造型就成为了最主要的符号。也可以说成,在动画作品中,角色所具有的视觉符号、听觉符号的意旨与设定的表现都是运用的造型符号的整体集中性。 (三)表情要素 对于表情的研究,所选取的参照物基本上都是在现实中实际存在,或者是在以现实为基础,加以中和或者扩展得来的。(无论是人物,还是动物需要塑造的角色都如此。)在动画表情的设计中,首先考虑的是角色的真实性(大量的参考现实实物),然后还需要考虑是否符合动画表演的特殊性。动画角色的表情设计必须符合角色的本身特征。这样设计出来的角色才能符合所要求的表情。俗话说:“相由心生,而心灵的窗户则是眼睛。”在动画形象的表情研究中,需要充分的研究真人眼睛,在其中,我们发现了眼睛之所以不同的关键。试想一下,一个动画人物的眼睛没有任何的变化,那它就算不上三维动画中一个鲜明的形象,最多能算做一个模型,或者是玩具。迪斯尼曾经说过:“观众喜欢关注动画角色的眼睛,因为眼睛能够传播心灵的呼喊,所以想要让形象具有说服力,必须在这方面的技术上投入时间和资金。” (四)动作要素 理查德·威廉姆斯有这么一段话:“传统的动画作为绘画艺术的发展,那三维动画设计则可以作为木偶戏的发展,换句话将,既是具有高科技的木偶戏。但是两者包含的角色塑造的动作、重量等方面,则是都需要解决的问题。”例如: 在福建泉州有闻名于耳的提线木偶戏,强调的表演概念则是——傀儡意念。其中的傀儡意念指的是以专门的舞台表现的语言作为其特点,运用准确的把握,作为傀儡戏自身具有艺术规律一种依据的独特创作思维方式。而我们则可以借鉴这一种理念方式,从“角色的性格思维”这点出发,设计出角色的动作,这样才能够让三维角色更富有生气,并且贴切剧情需要。 (五)声音要素 动画形象的配音在三维动画的创作中,是角色造型设计中不可或缺的部分,配音与视觉形象的完美结合,才能构造出生动的形象。不论是哪一部经典的动作作品,除了让人们眼前一亮的绚丽画面,还需要贴切的声音与之相配合,而且声音也能够留给人们深刻的印象。随着三维动画的发展,配音的重要性也逐渐的显现出来,不再是以往的无声电影了。 在三维的动画中,人与人、人与观众之间的交流主要是运用语言这一要素来实现的,而语言也是在声音中最为重要的构成元素之一。在《电影艺术词典》一文中,将配音分为了广义与侠义两个方面,从广义的角度上来说,配音主要指的是动画电影的后期制作中,对动画影片中的声音需要加工处理的艺术创作的活动,例如:动画的音乐需要如何选择、配置,以及相关的动画解说、动画台词的相关录制等等;而从侠义的角度上来说,动画配音则指的是动画影视中的对白、独白、内部独白等等语言,而在后期的动画制作配置过程中的创作性活动。 总之,对于三维动画设计的角色造型,还有很多方面需要我们去研究、考察。文中对三维动画设计的角色造型做出了简要阐述,进而对三维动画设计做出进一步的认识。 动画设计毕业论文:聋人大学生二维动画设计教学法论文 一、聋人大学生二维动画设计的发展现状 二维动画的概念来源于西方,对其的英文翻译有:animation、cartoon等。其中,比较通俗与正式的用法是"Animation",经考证其词源自于拉丁文词根anima,包含有灵魂的含义;而与之相对应的动词animate,则有赋予生命的内涵,进而引申为使某物活起来的意思。所以animation可以解释为经由创作者的安排,使原本不具生命的事物获得生命一般的活力。动画属于综合艺术门类,其集合了绘画、漫画、电影、摄影、音乐、文学等众多艺术门类于一身的艺术表现形式。随着中国动画产业的发展和政府对动画产业的政策倾斜,动画业必将成为中国最具发展前景的产业之一。但是,目前中国专业动画人才奇缺,据统计,中国动画人才的总需求量在200万人以上,而业界仅有5万人左右,由此可见动画人才的匮乏已经严重制约了中国动画产业的发展,培养专业人才已成为中国动画产业发展的当务之急。另一方面,随着“中国动画人才培养计划”的启动以及在“让动漫走进特殊学校”教育科研的推动下,一些高校也相继开设了针对聋人大学生的动漫专业课程,主要的培养对象为聋人大学生(在下文中,简称聋生)。聋生作为弱势群体,一直处在社会边缘。即使其自身具备一定的劳动技能,也大多从事一些低附加值的,简单重复性的劳动。而聋生中有一大批对二维动画感兴趣并具备一定天赋的青少年,却苦于没有学习深造的机会和施展才华的舞台。考虑到聋人大学生中动画制作人才的潜在资源,以及聋生得天独厚的刻苦、耐劳、好学的优势,怎样在动画设计教育环节中发掘聋人大学生的优势并进行深入与细致的研究是非常必要与迫切的。 二、聋人大学生二维动画设计的学习特征 发展针对聋人大学生的二维动画设计教育,首先必须要先了解他们在二维动画学习中的学习特征。阅读理解能力不足是聋生在学维动画设计中遇到的最显著困难,在学习过程中,聋生与健听生的阅读理解的能力的差距较大,如19一21岁的聋生的阅读理解的能力并不比8一9岁的健听生的能力强,在教学过程中发现他们无法很好的理解动画脚本与剧本。语言的障碍始终贯穿于他们的学习与职业生涯当中+。聋生学习特征的许多方面都因其具有听觉障碍而出现特殊性,如对语言材料记忆困难、语言形成发展缓慢、抽象思维能力发展迟缓等。听觉障碍虽然给聋生心理发展带来一定的困难,但也带来某些新的动力,对某些方面(如视知觉)的发展产生积极的影响,在动画教学中发现聋生具有以下相对优势: 1.聋生的动手操作能力强,在教学过程中发现,聋生不喜欢上抽象的理论课而喜欢动手操作的实践课。他们可以根据教师的操作来操作,模仿老师的操作过程。 2.聋生的模仿能力强。借助于书本与视屏,他们能将动画人物的动作神态刻画的惟妙惟肖,他们的观察和模仿能力很大程度上弥补了其在听觉上的缺陷。 3.聋生想象力较为丰富。由于聋生长期使用视觉来替代和补偿听觉的缺陷,其视觉优势明显,他们可以不受噪音干扰,由于视知觉的发展相对比较迅速,相应的使聋生在观察的细致性、记忆的直观性、思维的形象性等方面较见长。 三、聋人大学生二维动画设计教学法 二维动画设计与制作包括动画的前期制作阶段(文学剧本、文字分镜、美术设定、画面分镜头台本),动画中期绘制阶段(设计稿或构图、原画设计、动画序列帧绘制、背景绘制、填写律表、清稿导演检查),动画的后期合成阶段(扫描、上色、配音、合成),而考虑到聋人大学生在艺术创作中形象思维能力比较差,即使其想象力较为丰富但也是基于模仿上的,其绘画基本功较弱,文化层次低等学习上因素,以及其刻苦、耐劳、好学的优势做综合考虑,有以下教学法可以尝试采用: 1.改革针对聋生二维动画的课程体系,基于聋生动手操作能力强、模仿能力强、阅读理解力差等学习特点做综合考虑,改变针对聋生的二维动画课程设置,减少文字剧本、文字分镜等理论知识的学习时间,着重加强聋生对于二维动画基础课程的教学,使其能通过大量的练习与临摹,使聋生逐渐牢固掌握对于人体结构、人体运动规律、动物运动规律等的基础性内容。 2.强化重点,找到突破环节,在大量的教学实践中发现,学维动画的聋生比较适合动画中期绘制阶段的动画序列帧制作这一环节,动画序列帧绘制是二维动画制作中的重中之重也是动画制作中人力资本投入最大的一个环节,需要绘制人员根据原画的关键动作和摄影表,准确地加出中间帧,最终以标有序号的连贯张数完成一个个镜头动作。在这一部分的制作中只要熟练掌握运动规律无需太多的形象思维便能绘制出比较连贯的动作,在实际的教学工作中发现只要听障学生能熟练掌握运动规律,基本都能胜任动画序列帧绘制工作。由于在前期的课程改革中,强化了聋生对于二维动画基础内容的学习,使其都具备了较牢固的基础技法,所以在绘制动画序列帧制作这一环节中,聋生基本可以自如发挥,收效显著。 四、总结 文章从二维动画的学习过程以及听障大学生的学习特点入手,循序渐经进行分析研究聋人大学生二维动画设计教学法。主要解决聋人大学生学维动画的针对性和科学性,提高动画学习效果,如何使聋生学以致用,最终达到成为一名合格的动画制作人员。 作者:苏力健 单位:南京特殊教育职业技术学院
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当代美术论文:当代艺术融入下的美术教育论文 1通过当代艺术的启发,使学生们更好地认识社会 生产力的提高提升了我国的国民经济水平,人们生活水平的提高使得人们在工作之余有了更多的兴趣爱好去追求,当代艺术的产生满足了人们的需求。当代艺术的群体十分广泛,而且包含的素材种类很多,可以根据群体的不同,人们思想的不同以及不同的生活习惯来进行大概的区分。在当代的艺术作品中有一些是高校学生很容易能够理解的,所以,在高校的美术教育教学过程中,学校及教师应当充分地利用这部分素材,进而使得学生们的艺术水平有所提高。由于社会的不断进步和发展,人们的生活也与艺术在不断的结合过程中,而当代的艺术更是对人们的生活产生着很大的影响。所以,将当代艺术融入美术教育教学中能够让学生们在学习及生活中更好地感受此艺术形式,通过对当代艺术的感受更好地认识了解社会,进而更好地融入社会。 2当代艺术的融入能够开拓学生的视野,提高学生们的包容能力,开阔他们的思想 随着中西文化的交流,在当今时代,我国的艺术也受到国外很多因素的影响,并将其以各种的形式体现了出来。正因为当代艺术的包容性,能够使得它同其他的艺术做到很好的融合,所以,这种艺术作品同我们的传统作品有着不一样的形式。例如,在绘画方面,科学技术的发展提升了当代的绘画方法和手段,如我们现在常见的激光手段、数字模拟信息等。因此,学生们必须要对其进行系统地全方面学习。而在美术专业的教育教学中,学科的专业知识交叉发展使得高校在美术教学中既要让学生提升自身的艺术水平,也要让学生自己探寻创新点和新的灵感。 3加深当代艺术的理解及运用,丰富教育教学方式 同其他时期的艺术相比,当代艺术有着非常突出的多元性以及评价性。如果学生们对于美术的知识没有学习透彻,很容易使其因为知识的不足导致见识方面的短浅和不足,对于很多美术知识的理解仅仅停留在理论层次而不能够将其实际的运用到日常的生活中。针对这类问题,教师可以采用一些设计以及做一些宣传活动等加深学生们对当代艺术的理解以及提升其运用能力。由于现当代艺术与传统艺术不同,这就需要教师运用自己的能力提升学生的审美能力和领悟能力,将正确的美学精神传达给学生。现阶段我国教育部门对于美术教学的重视程度日益增加,很多高等学府中设有美术学院和专业,同时美术教学的性质也由以往一元化的专业办学发展出了针对非美术专业的非专业办学,通过一些美术鉴赏课和实际的理解课对非美术专业学生的美术水平进行引导教育,这就极大地丰富了教学方式。 4运用新媒体,充分发挥创造力 在艺术创作的过程中,每一件作品的创作产生都离不开创新能力和创造性思维。只有突破思维及其他各个因素的限制,充分地发挥创作者的创新思维和能力,才能诞生出让人惊艳的作品。在我国传统的美术教育教学过程中,教师通常都是根据基础的理论来对学生们进行讲解授课,这使得学生们在美术的学习及创作过程中能够接触的只是一些普遍常见的材料及方式,单一材料及方式的学习很容易降低学生们对于美术学习及创作的兴趣,使得学生们对美术的情感层面受到影响,这种情况对于学生们长期的学习是非常不利的。时代的进步及科技的发展诞生了新兴媒体。而新兴媒体的产生对于此问题的解决提供了极大的帮助。通过在教学过程中对新媒体的运用,在创作中就脱离了传统工具的束缚,学生们能够更好地将自己的想法和创作意图表达出来,能够充分地发挥他们的创造思维及创造力,对于提升学生们的学习兴趣及创作欲望有着很好的积极意义。因此,新媒体的出现对于现代的美术教育教学是非常重要的。在教学过程中,如果教师能够充分的运用好新兴媒体,那么学生在创作构思上就能够摆脱传统媒介的限制,更好地发挥创作思想。 5严格选取当代艺术,确保正确艺术观的形成 由于受到来自社会的各种因素的影响,在讲当代艺术融入美术教育教学过程中时必然会遇到各种的问题。在这种情况下,学生们应该保持正确的人生观及艺术观,避免受一些低俗思想及艺术等的影响,走上不正确的美术道路。为了确保能够对学生们的学习及生活有着积极向上的影响,在对当代艺术的内容进行选取过程中,教师要做到严格的把关,确保所选艺术高雅的基调,积极向上的意义,进而在学生们的学习过程中产生积极的影响,促进他们正确艺术观的形成。通过以上论述可以认识到,随着我国教育的不断改革及社会不断进步的推动,我国现阶段的美术教育也应当融入现代艺术的内容。通过对现代艺术内容的纳入及融合,能够使得学生们学习到更多的艺术知识,使得学校的美术教学有所提高,更好地完成教学目标,同时还能够让学生们更好地了解社会、融入社会,让学生们的学习及生活都更加的丰富多彩。 作者:林洁单位:山西大同大学 当代美术论文:当代大学美术教育现代科技论文 一、现代科技在当代大学美术的教育现状 众所周知,由于现代科技的强力冲击,当代美术教育理念及方式的发展方向发生了改变,以视觉文化的审美趣味性和创造性为主题的美术教育正在兴起。亦正是现代科学技术的影响,美术教育的体制必然会出现相应变化。我国的教育纲要明确指出:“美育对于培养学生健康的审美观念和审美能力,陶冶高尚的道德情操,培养全面发展的人才具有重要作用。”美术教育是美育的主要阵地。在当代中国艺术教育体系中,我们对美术教育的诠释更加科学,如教育概念的界定范畴不仅包含技能上的培训,还需着重强调“视觉美术教育”或者“视觉文化教育”的价值和意义。如今美术教育的空间范畴大而广,它包含了各种与视觉有关的艺术作品、艺术现象和视觉图像等方面,也包含了传统的绘画和雕塑以及工艺等方面的知识与技能。当代的美术教育实际上指的是视觉艺术教育,特别是现代科技对传统美术教育的冲击和影响表现的尤为突出。首先,现代科技的发展,特别是电脑美术的产生,对传统艺术具有较大的冲击和影响。对于当代美术教育的工作者而言,更加需要以开阔的视野和发展的眼光,建立起艺术创造力的主体性意识。电脑美术是以计算机及其外围配套设备为主要载体的一种新兴视觉艺术种类,其设计速度比传统美术样式可提高数十倍乃至数百倍。 软件方面,以Photoshop、CorelDraw、AutoCAD、3DSMax为主的绘图软件对传统纸笔颜料美术绘图产生着巨大冲击。每一种电脑制图软件的推出都显示出了微电子科技巨大的数字化魅力,而传统的美术表现技法,如油画、国画、版画、水彩画、素描、水粉,必然受到数字虚拟界面的影响,而审美大众甚至美术教育的主体意识也将发生革命性的变化。其次,摄影技术的诞生,使得对生产生活以至于传统绘画存在的必要性发生了问题。在很大程度上,我们似乎很难分清楚现代科技与视觉艺术教育之间的关系,而作为两种对世界不同的掌握方式,必然有着各自内在不同的规定性。一般来说,现代科技是理性的思维方式,它往往诉诸概念、原理,强调逻辑性、前沿性,需要主观符合于客观,追求真理,是人们对自然规律、社会规律知识性的给予;美术教育是一种感性思维方式,它以审美体验为基础,诉诸形象,强调主体的感受、体悟等形而上的精神表达,要求客观见之于主观,追求审美,给予人们的是审美和情感的积极愉悦。虽然摄影技术的革新层出不穷,使人们的视觉得到了前所未有的开阔。然而,随着审美意趣在客观再现的追求中发生异变,促使现代艺术走向内质与抽象的表达。如今,高科技数字媒体技术的影像时代已经来临,如何处理其与传统美术图像的表现关系,值得考虑。现代美术教育系统已经充分利用数字媒体技术来处理传统图像学知识和技法,这将给予传统美术教育以巨大冲击。因此,美术教育这种特殊性的内在特质,决定了现代美术教育中建立起主体意识的必要性,尤其是对于现代科技影响下的当代高校美术教育来说显得相当重要。 二、现代科技对当代大学美术教育的启示 如今人类社会已经迈入知识资源共享与信息网络化的境域,现代科学技术对美术教育的创新和变革起到了重大的推动作用。美术教育工作者通过现代信息获取技术,可以同步掌握不同民族不同地域不同时代的教育资源。现代美术教育的创新离不开信息的支撑,无论是现代艺术的教育性质,还是技术手段的全新应用。这对于国内外美术流派与思潮信息的把握更是至关重要,而这些信息来源的途径主要是数字媒体。当今科学技术发展的特点是突然与迅猛,它在不断发生裂变的同时,也在逐步改变着人类的物质文化生活和精神文化生活。譬如,视觉传达教育在二十多年的发展过程中,不断的变换角色。这些主要体现在两方面:一是美术教育视觉传达数字机能的引入和传统的教育方式相结合。二是快速的科技发展给视觉传达教育注入新的活力,互联网及计算机技术所带来的视觉语言,反映了全球化对中国现代视觉设计的影响。我们在很短时间内逐步与国际接轨,“读图时代”的到来,网络、电视和印刷品等“国际化”的特征更加明显,这些都归于西方视觉设计教育的影响。同时,具有传统文化特征的中国化设计特征逐渐显露。现代科技促使视觉传达艺术形式更加完美,而中国传统文化及图形融入到“国际化”的视觉语言中,显示了其不断的融合与交汇的发展趋势。由此可见,科学技术几乎以登峰造极式的神奇方式,给人们的各个生活的空间领域带来革命性的的变化,使人类几千来年的梦想在这里变成现实,变成了一个肯定现实生活和对未来幸福生活充满憧憬的时代。 作者:李华单位:重庆三峡学院 当代美术论文:发展现当代美术论文 一、张仃对现当代美术发展的贡献 张仃作为中国美术史上具有开创性的艺术家,将自己珍贵的艺术才能和青春年华全部献给了中国的革命事业,在漫画创作、艺术设计、中国壁画、民间艺术方面的贡献尤为突出。他将艺术家的艺术创作与历史责任、人民生活、教学实践紧密相结合,充分发扬了“大美术家”的精神。 1.对漫画创作的贡献 20世纪30年代张仃开始漫画创作,他的漫画作品具有极高的欣赏价值,充分地反映了时代的特点和青年的情感。他的漫画颜色单一,通常只有白色和黑色两种颜色。当时我国社会正处于战争不断的动荡年代,东北沦陷、外来者侵略,使每一个中国人都深深感觉到亡国之痛。张仃以漫画作品为武器,用这两种较为极端的色彩来表达当时社会的悲惨状况和自己的愤怒与不满。例如,他在抗日战争时期创作的漫画作品《玩偶大观》,以强烈的色彩对比揭露了日本官僚资本的罪行。 2.对艺术设计的贡献 新中国成立后,面对新的历史环境,张仃成功转型成为一名优秀的设计师,为新中国的艺术设计事业作出了巨大的贡献。他创作出中华人民共和国国徽和天安门城楼等具有民族性的作品。新中国成立初期,中国形象的艺术设计对于我国来说是一个完全陌生的领域,但是又不能完全模仿西方的模式。在这种情况下,张仃将我国民族文化的传统形式与西方艺术的现代形式进行创新结合,充分利用了设计造型中点线面的要素,大胆使用代表希望和热情的色彩,创作出了极具民族性的中国形象作品。他创作出博览会中独具特色的中国馆的形象。1953年,在莱比锡博览会上,张仃设计了占地5000平方米的中国馆。有人曾这样描述它:“张仃在展览馆的门前装修成具有民族形式的构筑物牌楼,悬挂国徽、馆名。还设计了一座宣传塔,其形式源于中国的古塔。馆内序厅中央是青铜雕像,用传统的天花藻井装饰,周围有垂花柱。在纺织品展区,张仃选用了中国古代名画《捣练图》作为丝绸展品的背景。”在人物画作品的摆放上,张仃采用黑地金线,突出了整体作品的视觉效果。 3.对中国壁画的贡献 张仃是我国20世纪壁画复兴运动兴起的倡导者和实践者之一。我国第一个壁画专业是由他于1958年在中央工艺美院建立的。袁运甫曾赞叹说:“张仃是当代壁画运动杰出的带头人。”至今,石家庄火车站、北京长城饭店、香港中银大厦、昆仑饭店和北京地铁,都有张仃的壁画作品。他对壁画创作理念的贡献。复兴壁画是一个长期的、艰难的过程。张仃倡导将环境与人文结合起来,在满足现代人美化环境的基础上,为中国画的发展和宣传找到良好的生存空间。壁画的创作需要大量的时间、精力、人力,为了充分协调三者之间的关系,他以真正艺术家的身份投入为社会大众服务的角色中去,从宏观出发制订周全的设计方案和构图图纸,并亲力亲为指导实践。他对壁画创作从构思到实践的指导,对今天壁画的发展仍然具有重要的借鉴意义。他对壁画教学实践的贡献。为了促进壁画事业的发展和培养更多专业的人才,张仃创立了我国历史上第一个以教授壁画理论知识与实践为主的壁画专业。首先,他要求学生认真学习民间艺术,积极到民间去收集资料和进行采风活动,深入少数民族的生活,了解他们的生活习惯和习俗,在实践过程中充分锻炼自己的能力;其次,他支持教师和学生到西方国家学习与壁画相关的理论知识。这种双管齐下的做法、中西结合的教学方法和理念,为我国的壁画事业培养出大量的优秀人才。他对创作现代壁画作品的贡献。张仃创作出大量的、优秀的壁画作品,如首都机场的《哪吒闹海》、长城饭店的《长城万里图》、西直门地铁里的《大江东去图》和《燕山长城图》、石家庄火车站的《燕赵颂歌》等。其壁画作品具有独特的民族性和世界性,表达了对中国历史的赞扬,又蕴含着新生的希望,从此开启了我国壁画事业的新纪元。 二、结语 总之,随着东西方文化交流的频繁和现当代艺术多元化的发展,我国传统的美术创作思想和技法已经不能适应现当代艺术形式发展的需要,对其进行创新和改革刻不容缓。张仃的艺术理论与实践为当代艺术家的创作提供了借鉴,指明了前进的方向。艺术家只有以时代的发展为指向,以不断的创新为基础,以强烈的责任为使命,创作出大量具有国际化和民族化的优秀作品,才能使中国美术在世界艺术大舞台上占有一席之位。 作者:彭艳 单位:太原理工大学艺术学院 当代美术论文:地方高校现当代美术论文 一、美术学专业开设现当代美术课程的必要性 1.现当代美术课程有利于学生形成完整的知识结构 艺术院校美术学专业培养的是从事艺术创作的专门人才,更应该对现当代美术有深入的了解和把握。《孙子•谋攻篇》有云:“知己知彼,百战不殆。”学生应对所处时代的艺术现状有宏观的把握,了解各种艺术流派和艺术思潮的来龙去脉,发现各自的优点与不足,结合自己的性情与特长,找到符合自身特色的艺术之路,否则往往会囿于教师的审美趣味和艺术风格而不知所措。一些艺术家自以为掌握了艺术的真谛,对自己专业领域以外的艺术形式多持排斥与否定态度,这犹如盲人摸象。艺术家对艺术的感知往往局限于自己的特殊视角,其实艺术的表现形式是多元的,艺术的真谛也不是唯一的,重要的是找到适合自己的方式。只有站在时代的高度,才能看清努力的方向,而不至于在艺术的丛林中迷失方向。现当代美术课程的学习可以使美术创作者系统地掌握当代美术的成败得失,为选择符合自身特色的艺术道路指明方向。 2.现当代美术课程有利于高等美术教育与基础美术教育的衔接 《义务教育美术课程标准》突出了美术课程的视觉性、实践性、人文性、愉悦性的特点,将美术学习当做一种文化学习,改变了长期以来将美术教育等同于技术学习的狭隘观点。这种定性要求教师要通过美术欣赏教学让学生理解不同的美术作品所蕴含的人文精神,通过美术的技法教学让学生表达自己对人文精神的理解。针对基础美术教育目标定位的转变,地方院校对美术学专业的课程设置应该进行相应的改革,以便与基础美术教育更好地衔接。如人民美术出版社主编的普通高中课程标准实验教科书《美术鉴赏》中选编了现当代美术作品70余幅,如果没有现当代美术的知识储备,就很难解读诸如徐冰的《析世鉴》、隋建国的《地罡》、袁运甫的《朱荷碧盖》、韩美林的《牛》、吴山明的《外师造化》、苏天赐的《早春》等作品的艺术内涵。只有通过现当代美术课程的学习和实践,不断开拓艺术视野,更新艺术观念,全面认识现当代美术发展的现状,才能为从事基础美术教育工作进行有效的知识储备。 3.现当代美术课程有利于美术的创新与发展 20世纪中国的高等美术教育是建立在徐悲鸿提出的“素描是一切造型艺术的基础”这一理论基础之上的,无论从事何种形式的艺术创作,均以素描和色彩作为基础训练的主要方式。由此也导致了学生对艺术的认识和理解相对单一,学生无法从抽象形态中发现艺术美,无法感知艺术语言的魅力,无法欣赏和创作现代艺术作品。中国现当代美术的发展明显受到西方现代艺术的影响,这是一个无法回避的现实问题。伴随着东西方文化的交流日趋频繁,艺术之间的吸收与借鉴在所难免。艺术的表现形式日趋多元,各种艺术流派异彩纷呈,让人目不暇接。无论何种形态的美术形式,都是现当代美术的重要组成部分。人们对各类艺术作品的接受和评价,取决于欣赏者的知识结构和艺术视野。美术工作者应该对现当代美术的发展现状具有系统的认识和把握。这不但有助于明确自己艺术创作的方向和目标,而且可以加强不同形式的美术作品之间的相互吸收、互相促进,创造出符合时代特色、具有鲜明个人风格的美术作品。对于现当代美术课程的学习,可以在很大程度上调动学生艺术创作的积极性,学生通过对不同形式的艺术创作方式进行尝试,超越世俗思想的束缚,让压抑的情感得到释放,进而关注社会、直面人生、表达心境,实现艺术与人生的双重飞跃。 4.现当代美术课程有利于促进高校美术教师专业素养的提升 给别人一碗水,自己要有一桶水。高校美术教师具有艺术工作者和教育工作者的双重身份,必须具有丰富的知识和超前的视野。长期以来美术学专业课程体系中现当代美术课程的缺失,导致一些地方高校的美术教师思想观念陈旧,艺术视野褊狭,创作取向单一,创新能力不足,制约了高等美术教育的可持续发展。现当代美术课程的开设可以促使地方院校的美术教师不断更新艺术观念,拓展学术视野,紧跟时展的步伐。教师在教学工作中要做到因材施教,授人以渔,结合每位学生的不同特点给予相应的指导,帮助他们尽快找到符合自身特色的艺术创作之路;而不可在自己褊狭的艺术观念中作茧自缚,同时也束缚了学生的创造力和表现力。现当代美术的认识和理解需要不断提高综合文化素质,目前高等教育艺术师资的最大问题是文化修养与专业技能不相匹配,注重专业技能的训练,而忽视文化素质的提高。现代美术教育不仅要求教师具有很强的实践能力,还应具备相应的学术研究能力,不仅要掌握传统美术的表现方式,还要熟知现当代美术的呈现形态。现当代美术呈现多元视角和复合形态,其更加注重艺术表现的观念性和实验性,是多种文化艺术元素的融合和嫁接。阐释和解读现当代美术作品需要大量的知识储备,这在客观上对高校美术教师文化素质和专业水平的不断提升提出了要求。 二、结语 总之,随着我国高等美术教育改革的不断深入,无论是师范院校的美术学专业还是艺术院校的美术学专业,开设现当代美术课程都是非常必要的,也是迫在眉睫的。现当代美术课程的开设既可以为学生构建系统、完善的美术学知识体系,又可以促进美术学专业学生的艺术创新与专业发展,让高等美术教育与时展相同步。根据地方高校美术学专业课程设置的实际情况,可以采取不同的方式和途径将现当代美术课程资源融入课程建设,让学生对自身所处时代的美术现状有深入的认识和把握,从而为学生的专业发展奠定良好的基础。这对于基础美术教育和高等美术教育来说都具有至关重要的现实意义。 作者:金成辉 单位:铜仁学院美术与设计学院 当代美术论文:现代科技影响当代大学美术教育论文 一、现代科技影响下的当代大学美术教育 1.发挥大学美术教育的主体性价值功能 当代大学美术教育的主体性功能主要集中在教育功能、认识功能和审美功能这样三个方面的功能和作用。第一,就起大学美术教育的教育功能来说,“它的根本目标是培养全面发展的人。艺术教育承担着开启人的感知力、理解力、想象力、创造力,使人的内心情感和谐发展的重任。”换一种方式说,美术教育必须要做到“以人为本”,即:以人的实际需要作为出发点和归宿点,实现人之“主体性价值”。按照鲁迅所说:“美术可以辅以道德,美术之目的,虽与道德不尽符,然其力足以渊邃人之性情,崇高人之好尚亦可辅道德以为治。”总之,美术教育功能是陶冶人之情操,净化人之心灵,让人们的主体性价值得到积极地发展,从而努力成为一个“完整的人(席勒语)”。在这里,需要说明的是,人的主体性包括了两个方面:首先人是实践主题,其次人又是精神主体。所谓实践主体,指的是人在实践过程中,与实践对象建立主客体的关系,人作为主体而存在,按照自己的方式去行动,这时人是实践的主体;所谓精神主体,指的是人在认识过程中与认识对象建立主客体关系,人作为主体而存在,是按照自己的方式去思考,去认识的,这时人是精神主体。第二,就大学美术教育的认识功能来说,主要是指通过以艺术鉴赏为前提,去了解自然、认识历史、把握现实、体悟人生、扩大人生视野,以便获得智慧的启迪和指导生活的价值,不断向着新的意义攀升。第三,就大学美术教育的审美功能来说,它的目的首先不是为了获取知识,也不是为了接受教育的思想,而是为了人之身心愉悦,或者换一种方式说,它的首要任务就是要心身得到积极的休息,暂时摆脱外在社会的牵连,不与外在社会发生任何的功利瓜葛。因此,一件优秀的艺术作品呈现在人们面前的总是一个不与现实社会发生任何利害瓜葛的世界,可以使人摆脱生活的千疮百孔,体验不能经历的冒险、不能得到慰藉。从这个意义上说,一切艺术的最初动机都莫过于此,当然,这也无疑构成了大学美术教育中主体性的作用和重要性。 2.大学美术教育的主体创造性品格 当代美术教育对于创造性品格的强调在很大程度上有着急功近利的情况,从这个立场出发,大学美术教育的创造性品格其主要体现在主体性的不断超越,即:超越前人、超越同代人和超越自己。超越前人是大学美术教育的首要任务,也是每一个教育工作者整体所面对的任务,在他们的身后,是长长的过去,前人固然在教育方面有自己的创造,但过后却成为了过去、成为了传统。后起的美术教育工作者有权从传统中吸取养料,但却无法原本的模仿。所以,如果没有对前人的观点、理念和思想的创新,又何来进步,主体性的价值功能何以得到彰显呢?超越同代人是要求我们加强教育之间的交流和沟通,彼此之间相互学习,并借以启发灵感,激发主体意识的创造品格。所以,超越自己的是实现大学美术教育中主体性发挥的必要条件,也只有充分发挥大学美术教育的主体性价值功能,才能使大学美术教育的创造性价值和意义得到实现。 二、结论 现代科技对传统美术教育带来了如此巨大的冲击和影响,但是现代教育依然离不开科技的运用。从艺术教育角度看,全新的教育方法能够促使艺术手段培养的提高,使受教育者创作出有价值生命力的艺术作品。在这个过程中,如何解决高等美术教育的社会转型与主体性的被屏蔽、主体性的价值功能以及主体性创造意识的品格三个问题,将成为美术教育者新的课题。 作者:李华 单位:重庆三峡学院美术学院 当代美术论文:融入当代艺术的美术论文 1通过当代艺术的启发,使学生们更好地认识社会 生产力的提高提升了我国的国民经济水平,人们生活水平的提高使得人们在工作之余有了更多的兴趣爱好去追求,当代艺术的产生满足了人们的需求。当代艺术的群体十分广泛,而且包含的素材种类很多,可以根据群体的不同,人们思想的不同以及不同的生活习惯来进行大概的区分。在当代的艺术作品中有一些是高校学生很容易能够理解的,所以,在高校的美术教育教学过程中,学校及教师应当充分地利用这部分素材,进而使得学生们的艺术水平有所提高。由于社会的不断进步和发展,人们的生活也与艺术在不断的结合过程中,而当代的艺术更是对人们的生活产生着很大的影响。所以,将当代艺术融入美术教育教学中能够让学生们在学习及生活中更好地感受此艺术形式,通过对当代艺术的感受更好地认识了解社会,进而更好地融入社会。 2当代艺术的融入能够开拓学生的视野,提高学生们的包容能力,开阔他们的思想 随着中西文化的交流,在当今时代,我国的艺术也受到国外很多因素的影响,并将其以各种的形式体现了出来。正因为当代艺术的包容性,能够使得它同其他的艺术做到很好的融合,所以,这种艺术作品同我们的传统作品有着不一样的形式。例如,在绘画方面,科学技术的发展提升了当代的绘画方法和手段,如我们现在常见的激光手段、数字模拟信息等。因此,学生们必须要对其进行系统地全方面学习。而在美术专业的教育教学中,学科的专业知识交叉发展使得高校在美术教学中既要让学生提升自身的艺术水平,也要让学生自己探寻创新点和新的灵感。 3加深当代艺术的理解及运用,丰富教育教学方式 同其他时期的艺术相比,当代艺术有着非常突出的多元性以及评价性。如果学生们对于美术的知识没有学习透彻,很容易使其因为知识的不足导致见识方面的短浅和不足,对于很多美术知识的理解仅仅停留在理论层次而不能够将其实际的运用到日常的生活中。针对这类问题,教师可以采用一些设计以及做一些宣传活动等加深学生们对当代艺术的理解以及提升其运用能力。由于现当代艺术与传统艺术不同,这就需要教师运用自己的能力提升学生的审美能力和领悟能力,将正确的美学精神传达给学生。现阶段我国教育部门对于美术教学的重视程度日益增加,很多高等学府中设有美术学院和专业,同时美术教学的性质也由以往一元化的专业办学发展出了针对非美术专业的非专业办学,通过一些美术鉴赏课和实际的理解课对非美术专业学生的美术水平进行引导教育,这就极大地丰富了教学方式。 4运用新媒体,充分发挥创造力 在艺术创作的过程中,每一件作品的创作产生都离不开创新能力和创造性思维。只有突破思维及其他各个因素的限制,充分地发挥创作者的创新思维和能力,才能诞生出让人惊艳的作品。在我国传统的美术教育教学过程中,教师通常都是根据基础的理论来对学生们进行讲解授课,这使得学生们在美术的学习及创作过程中能够接触的只是一些普遍常见的材料及方式,单一材料及方式的学习很容易降低学生们对于美术学习及创作的兴趣,使得学生们对美术的情感层面受到影响,这种情况对于学生们长期的学习是非常不利的。时代的进步及科技的发展诞生了新兴媒体。而新兴媒体的产生对于此问题的解决提供了极大的帮助。通过在教学过程中对新媒体的运用,在创作中就脱离了传统工具的束缚,学生们能够更好地将自己的想法和创作意图表达出来,能够充分地发挥他们的创造思维及创造力,对于提升学生们的学习兴趣及创作欲望有着很好的积极意义。因此,新媒体的出现对于现代的美术教育教学是非常重要的。在教学过程中,如果教师能够充分的运用好新兴媒体,那么学生在创作构思上就能够摆脱传统媒介的限制,更好地发挥创作思想。 5严格选取当代艺术,确保正确艺术观的形成 由于受到来自社会的各种因素的影响,在讲当代艺术融入美术教育教学过程中时必然会遇到各种的问题。在这种情况下,学生们应该保持正确的人生观及艺术观,避免受一些低俗思想及艺术等的影响,走上不正确的美术道路。为了确保能够对学生们的学习及生活有着积极向上的影响,在对当代艺术的内容进行选取过程中,教师要做到严格的把关,确保所选艺术高雅的基调,积极向上的意义,进而在学生们的学习过程中产生积极的影响,促进他们正确艺术观的形成。通过以上论述可以认识到,随着我国教育的不断改革及社会不断进步的推动,我国现阶段的美术教育也应当融入现代艺术的内容。通过对现代艺术内容的纳入及融合,能够使得学生们学习到更多的艺术知识,使得学校的美术教学有所提高,更好地完成教学目标,同时还能够让学生们更好地了解社会、融入社会,让学生们的学习及生活都更加的丰富多彩。 作者:林洁 单位:山西大同大学 当代美术论文:当代基础美术教育论文 一、美术教学中普遍存在的问题 1.师资力量薄弱,教法不得当。 “在今天的教学中,美术已经不再是一门独立的学科,它与其他学科有着千丝万缕的联系,而传统的教学方式已经不能真正体现美术的含义,无法发挥应有的教学效果”。大部分教师认为,美术只是教会学生画画即可,在课堂上拿出一幅画让学生照着画就行,用传统的教学方式进行传授,这种教学方式只能让学生学会了绘画,而无法真正体会到美术这门课的博大精深,更不能激发他们学习美术的兴趣。美术课程标准指出“美术不仅仅是一种单纯的技能技巧的训练,而应视为一种文化学习”,这就要求我们教师在教学中不仅仅要引导学生进行美术文化学习,更不能放弃知识技能的教学。只有在美术教学中培养学生美术兴趣、提高学生审美能力的同时结合知识技能的学习,才会提高学生的美术素养,从而提高学生的综合素质。 2.教学设备不健全,学生学习美术的积极性低。 由于学校对美术教学的不重视,在软硬件的配置上也会存在着差异。有的学校虽然能够按照国家课时计划标准开设美术课,可是受到中高考指挥棒的影响,很多学校少开或者某些年级不开美术课的情况也屡屡发生。有的学校就算开设了美术课,也形同虚设,经常被其他主课老师无情占用。同时,学校的教学设施,对能不能有效的推进美术教学也很重要,因为现实中教学环境及设施的差异的确存在着。再者由于大部分学生为了在学业上取得好成绩,往往牺牲娱乐时间去学习功课,这样一来就更没有兴趣去学习美术甚者其他主修课以外的课程了。很多学生在上美术课时候选择做其他课程的习题,他们认为有学习美术课的时间,不如去完成其他科作业,提高其他科的成绩,因此学生学习美术的积极性大幅下降,对美术学科的优势不予理睬,长此以往学生的审美修养和情操陶冶又如何提高? 二、美术教学中存在问题的相关对策 1.充分调动学生学习美术的积极性,培养学习美术的兴趣。 兴趣是最好的老师,当学生对一件事情产生浓厚的兴趣时,学习效率也就会跟着提高。我们要培养学生学习美术的兴趣就得了解学生,因材施教,允许学生个性的自由发展,允许学生兴趣的不同方向,承认学生存在的个体差异,承认学生对知识掌握的速度有快有慢,接受知识的能力有强有弱,给学生以充分的尊重,从而培养其学习兴趣。另一方面,也可从课堂活跃度来提高学生的积极性,让学生在课堂娱乐中对美术这门学科产生浓厚的兴趣,从此更加热爱美术。如:当我们在课堂上要求学生临摹一幅书中的国画作品时,有的同学要求画竹子,有的要求画荷花,这时教师应毫不犹豫很爽快地就答应他们的要求,因为如果这时候很强硬的拒绝他们,硬要他们统一作业,虽然他们会按照教师的要求完成作业,但他们可能就因此丧失了学习的积极性,丧失了一些对美术的兴趣,自然也不会体验到美术学习过程中的愉悦。在教学中能够充分尊重学生意愿,在许可的范围内向学生“妥协”一下,不失为一种明智的选择。 2.加强学生、家长和学校的沟通。 英国心理学家斯宾塞曾经说过:“没有油画,雕塑、音乐、诗歌以及各种自然美所引起的情感,人生的乐趣便失去了一半,这就会给各种疾病的入侵洞开门户”。美术教育的重要性不言而喻,但是由于受到应试教育的影响,很多家长认为美术对孩子的未来是没有用的,并不能帮助学生上一所好的大学,找一份好的工作,他们会为学生设计好一条最省事最高效的学习计划,会把什么有必要认真学,什么不必花时间去学分的清清楚楚。家长的言行早早就植根于孩子的脑海里,使他们受到影响,从而不重视美术课程的学习。这就需要学校和教师不断努力和家长沟通,让他们认识到美术教育的真正作用,改变对美术教育的看法。社会在发展,时代在进步,我们需要的是各方面都有能力的专业人才,而这不仅仅是体现在分数上。因此关注学生基础教育的同时,也要注重素质教育,培养综合能力。除此之外,还应鼓励学生寻找自己的兴趣爱好,给予他们信心,营造好学习的大环境。 3.提高教师专业素养和教学技能。 教师在学生美育的培养中也占很大一部分因素。教师应全面把握教材,灵活运用。在教学中应突出美术学科的特点,而不能把它上成了语文课、历史课;要把握好教材并灵活运用,不一味的照搬教材,可以根据学生的兴趣来设计自己的课堂,这样将会大大提高学生学习的兴趣,也更容易让他们吸收理解,从而在潜移默化中提高学生的鉴赏能力和艺术修养。 4.将美术纳入考核范围。 美术课是学生健康成长的必修课,它的重要性不言而喻。人在出生时候并不具备审美能力,都是通过后天的学习和培养才一点一滴建立起来的。古往今来受到科举考试制度的约束影响,学生们都已经习惯了通过考试成绩来衡量自己学习能力和左右自己的学习爱好。如果将美术纳入考核范围之内,学生就会主动尝试了解美术、学习美术。只有这样学生才能更多的联系实践,可以督促学生学习美术,端正学习美术的态度。美术教育是时展的需要,对学生未来的发展有很大的影响。其教学目的以培养学生的审美情操、人文素养为基本。通过对学生进行美术教育,以学生的学习与发展为目的,满足学生的心理需求,提高学生的学习兴趣,最大限度地激发学生的学习潜能,为学生今后的全面发展奠定一个良好的基础。 作者:付川 单位:河南省信阳市浉河区信阳师范学院 当代美术论文:高校美术社团中当代艺术探究 一、引言 五月的上海理工大学,校园一片生机,一群学生兴致地收集着地上的叶子、干枝、花瓣,在这有序的收集摆置过程中慢慢创作呈现出一件大地艺术作品。学生计划用红、黄两色叶子铺成一条百米长的红色“地毯”,以此作为欢送毕业生和迎接九月新生的一个印象。目睹着参与学生的增多,笔者不禁感叹艺术的魅力和凝聚力。 二、高校社团 (一)高校社团的历史 社团作为高校素质培养体系中的一个组成部分已历史悠久。公众较为熟知的国外名校社团有哈佛的文学社,牛津的辩论社,剑桥的体育社团,它们均以培养学生的领导艺术、团队合作、人文素养等素质为目的。我国高校社团也有着光荣的历史。革命时期,高校社团以集会、演讲、宣传唤醒众多国人昏睡麻木的灵魂;建国后高校社团除了爱国宣传之外兼具提高国人素质、丰富学生生活的功能;新世纪,高校社团延续着辉煌,丰富着校园生活,完善学生人格,培养着学生综合素质。 (二)艺术社团在社团结构中的位置 1.艺术类社团的特点以理工类高校为例,学生普遍缺乏艺术素质的培养。在义务教育和高考压力之后,学生在自由的学习气氛中追求理想和真知,内心对艺术更为渴望。艺术是公认的精神食粮,除了艺术熏陶,也是缓解课业压力、精神疏导的有效手段。一方面,满足学生对于丰富生活的需求,给予其对“美”的认知和引导。上海理工大学的音乐社团,它是“上理人”的骄傲,多次荣获各项大奖,代表上海高校出席各大音乐盛典。荣誉伴随着社团逐渐成长,它的存在不仅满足了教学,也成为校园年青人的一种精神和象征。学生在参与过程中不仅仅是表演的体验,更重要是来源于舞台演出的成就感,这种价值的实现是“课程、分数、奖学金”所不能够予以的。同学们已不简单满足于单一的自我价值实现,多元、多重、多层的自我认识是人格完善的重要方面,而正是音乐的魅力使社团“向心力”式地吸引着众多目光。另一面,正当的社团活动能正确引导学生的课余学习生活方式,避免他们将精力过多地放在诸如网络游戏等“娱乐鸦片”之上,而艺术是良好的沟通渠道,以艺术的方式引导学生健康生活也是艺术社团存在的一种必要性。 2.上海理工大学美术社团目前上海理工大学美术类社团有油画社团、陶艺社团、创意设计社团和实验艺术社团,给学生创造了开阔自由的艺术空间。从绘画到陶艺雕塑、从设计到当代艺术学生可以自由、多样地选择。教学模式以讲授到实践再到展览,同学们亲历艺术创作的整个流程。理工科学生擅长理性逻辑思维,在专业基础上的进行艺术拓展,既是平衡又是互补。 三、当代艺术进入美术社团的优势 生活中人们普遍对绘画逼真写实,不需主观解读只需客观接受的作品归类于“好”艺术。虽然当代艺术是当下最热门前沿的艺术分类,但大众对当代艺术的了解甚少且存有诸多误解。如认为当代艺术中的“行为艺术”只有裸露、血腥、暴力。传统艺术都尚未普及,当代艺术似乎离大众更加辽远。笔者作为上海理工大学实验艺术社团的辅导教师,将社团重心定位为当代艺术的普及与推广。在当代艺术的影响下,学生天马星空式的创意火花不断释放,这不仅是教学的结果,更是艺术和生活的连和,以下几点为当代艺术进入高校美术社团的优越性。 (一)政策支持 去年十月主席在文艺工作座谈会上强调“文艺是时代前进的号角,最能代表一个时代的风貌,最能引领一个时代的风气。实现‘两个一百年’奋斗目标、实现中华民族伟大复兴的中国梦,文艺的作用不可替代,文艺工作者大有可为。”在国家的支持下,中央美术学院、西安美术学院、天津美术学院先后建立实验艺术专业,专业的成立将以往徘徊民间的当代艺术带入象牙塔内,名正言顺的成为高校艺术教育的一部分。这些政策的扶助给予艺术教育方向性的指导,成为高校美术社团工作方向上的一面旗帜。 (二)当代艺术与绘画基础的关系 当代艺术因观念而生,对美术基础的要求不同于传统美术学科。传统的油画、版画、雕塑等专业需要素描色彩等造型基础的垫基,但扎实的基础需要时间的积累,这就给理工类高校带来了限制。一方面,学生会因这些前提要求止步于社团;另一方面,枯燥的基础训练会影响他们的兴趣从而造成部分成员的流失。成功的社团源于人气和士气,没有气氛和兴趣,组织框架再优越也会无米之炊。而当代艺术可以较好地适应以上情形,没有基础的同学在学习当代艺术并创作作品时,可以规避基础训练直接入手。这是由于当代艺术中的后现代主义流派,如“行为艺术”“大地艺术”“装置艺术”以及“观念艺术”等等都无需过高的绘画基础要求。当代艺术更看重作品的观念性,而“观念”正是大学生思想活跃的发泄口,让学生带着创意的头脑融于艺术之中,拉近大众与当代艺术的距离。这种所谓的“降低门槛”对于当代艺术进入高校起着推动的作用。 (三)人多力量大 当代艺术强调观众的参与性并注重人与作品的关系,如观念艺术大师博伊斯的作品《七千棵橡树》,行为艺术大师玛丽娜.阿布拉莫维奇的《节奏0》,都是强调与观众的互动,观众的参与成为艺术创作的一部分。艺术家巧借“观众”完整自身作品,这是传统美术门类难无可比拟的。上海理工实验艺术社团今年展览主题为“大地艺术”,在教师的辅导下,学生们创作了一系列与校园生活相关的艺术。其中由十几位社团成员,三十多位参与路人联手打造的百米长的红色地毯最为倾耳注目。路人在了解作品创作动机后的主动加入说明该作品已具备观念性,适合参与和推广。 (四)解读中寻找艺术价值 当代艺术的许多作品需要观众自己去解读,这有别于传统绘画前观众的被动体验。传统架上作品,观众立足作品前,只需要视觉信息的接受,而当代艺术则更需要给观众思考空间,有时更要调动观众的情感去分析。如实验艺术社团第一届学员作品《刺》,方案来自一个社团学生的内心世界,周围同学们认为该同学过于冷漠、难以相处。学生反思自己的行为,“冷漠”实质的自我防御,像刺猬的“刺”保护自己,但同时也在伤害自己,如同封锁的内心也渴望与外界交流。学生将图钉粘黏衣着的正反两面,于是黑色外套、T恤、鞋子的里外均满布了图钉。观众在展览现场,首先被炫酷的外表所吸引,接着小心地触碰,但始终保持与“刺”的安全距离。观众的行为和作品的观念相互契合,作品得到了周围肯定,这是该生首次经历艺术创作获得了关注和认可,对他而言创作艺术本身也是寻找自我价值的方式。 (五)让生活更时尚 艺术被大众认知为高雅的化身,而当代艺术无疑是现当下最热门的艺术关键词。社团学生接触当代艺术后,逐渐认清了公众对它的歪曲。笔者明显感触到了学生的这一蜕变。在组织学生观展的过程中,他们的主观解读和相互讨论都再现出当代艺术的感染力。从对当代艺术的质疑到接受再到认同,学生发出自己的声音,自己去评判作品,这实际就是当代艺术的普及宣传。心中揣着一把“美”的尺度表去观察所接触的事物,让当代艺术融入自己的生活,优化精神品质,前卫时尚地生活。 四、小结 艺术的界限是宽阔的,艺术的境界是崇高的;艺术是文雅的、艺术也是平等的。为了更好的让学生用艺术的目光阅览生活,当代艺术进入社团,进入了象牙塔是必要的。 作者:刘晓峰 李花 吴学聪 单位:上海理工大学出版印刷与艺术设计学院 江汉大学 当代美术论文:当代美术中的艺术创作 本文作者:孙昊 单位:江南大学设计学院 当代艺术作为一个模糊、非特定的文化概念、包括了各种形式的观念、态度、知识、行为的变化。当代艺术不是一个具体的艺术风格流派,它脱离了传统艺术评论对艺术现象的划分,其发展中的不稳定性决定了含义的多样性,也就决定了当代艺术存在方式的多元化。 一、艺术创作中“多元化”的定义 当代艺术思维,主体来源于西方强势工业文明。现代西方文明兴起于文艺复兴,发展于工业革命,转折于两次世界大战。当代艺术的思想以及其作用的当代艺术大致兴起于二次世界大战之后。由于战争的刺激,工业生产在战争中得到飞速的发展,极深远地影响了战后的社会生活。社会发展的加快,需要更多模式化的物品。人类每天的生活都会跟这些带有同一个特征物体接触并受其影响。因此,无论对现实社会持何种态度,现代工业社会对人类思维以及艺术思想的影响是无庸置疑的。而这种影响具体反映在艺术创作中开端于“波普”。在当代,这种多元化元素表现得日趋隐晦与含蓄。物质在变化,信息在传达,社会的多元化对每个生存其中的个体产生了有区别的影响,这种区别影响着艺术思路在一步一步发生转变。 二、多元化内核的发展与演变 1.极简元素形态下的多元化及其运用方式的变化。 有两个关键点。其一是元素符号的形态,其二是对元素符号的使用方式。这两个关键点如何变更,决定了“多元化”对于当代艺术所起的效用如何变更。POP中以安迪•沃霍尔为代表的以商品为本体的元素。而欧普艺术中的元素则点与线。这是元素一种质的变化。这种极简主义的符号使用方式产生了由欧普产生出来,并延续到当代。这事实上就是一种提炼本质元素,进而反复使用的方式。其使用多种元素并排列的基本方式却是显而易见。在元素的抽象分离提炼产生极简元素之后,社会元素本身的符号化意义被削弱了。这种分化的结果是,元素必须依靠更为大量的变化来完成价值的建立。 2.极繁元素形态下的“多元化”及其运用方式的演变 与欧普艺术对元素的建立思路背道而驰的,是照相写实。照相写实在对元素符号的建立规则上,走向了极繁的形态。在这种形态下,元素本身的价值已经接近或者等价于艺术品本身的价值。 三、对当代艺术发展的可能和影响 艺术思路在任何自由的时代,其发展都是在不断被社会左右的同时试图去反省、辨证。在当代,“多元化”的艺术创作中日渐趋于隐含于内敛,艺术家们在利用它的同时不断尝试着对它的改造。从元素的形态上,从重复的方式上,都在不断发生着变化。但是,“多元化”的内核始终如一。 当代艺术格局的建立所依赖的是一对矛盾所构成的支柱。从深层意义上来看变革事实上是文化和观念上的变革,无论什么样式的油画都会有一种文化认识作为灵魂,对于有一些艺术家来说这种认识建立在意识的层面上,对于另一些画家来说认识则是建立在无意识的层面上,他们一起构建了这一对矛盾,即对于审美的认可与否,进一步则引伸为对于油画语言在油画中的地位的认定与否。当代中国艺术已越过了技术层面更加广泛深入地参与了当代文化,与当代文化的融会加之其内在的矛盾使中国绘画显得扑朔迷离难以琢磨。但多元化给不同气质的画家提供了多方面探索发展的可能性,传统的单一具象语系的写实造就了一些艺术家,但是却断送了另外一些艰于塑造而敏感于纯粹形式的人,而当代的艺术间可以自由地以自身的情感和精神需要以及审美偏爱作为选择的依据切实地促进了艺术创作。但是多元化也同时冲垮审美的价值体系和真善美理想成为滋生不良艺术方向和异化艺术的温床,这一对矛盾正是在文化多元化与艺术多元化的基础上日趋成形并凸现,同时多元化也成为矛盾双方相互依存之理由。由于各方面的作用综合而致使一部分艺术家否定审美以及表达它的媒介———语言在视觉艺术中的第一性的地位,他们认为油画应该放弃审美作用或淡化语言更加关注社会和文化。对于审美或者语言在艺术中的地位以及艺术之社会功用前人皆有描述。对于“美”这一概念最早的文献荷马史诗《伊里亚特》和《奥德塞》就已提出,之后这一概念被柏拉图玩味得炉火纯青。中国六朝时期的理论家谢赫在它的著作中就曾说过绘画的社会功用“图绘者,莫不明劝戒,著深沉,千载寂寥披图可鉴”。 古希腊哲学家苏格拉底也说过“绘画的任务———表现活生生的人的精神与他们最内在的东西”。十八世纪的法国文艺理论家狄德罗也自信地指出“……这些艺术都以模仿自然为目的:雄辩术和诗用的是词语;音乐用的是声音;油画用颜色和画笔;素描用铅笔;雕塑用凿子和胶泥……”。而中世纪和后来的一些宗教画家则坚定不移地认为艺术行为以及产品皆是为了荣耀上帝。受时代以及文化和诸多因素之局限,到当代美术产生以前人们总是使艺术“它律”即负担着艺术之外的某些任务,而未臻达艺术“自律”的境界。尽管如此他们也没有否定纯粹的造型元素即形式的运用在视觉艺术中的重要性,而仅仅是把艺术本身与其功用对立起来。二十世纪初的英国哲学家克莱夫•贝尔在他的论著《艺术》中系统地论述了“艺术就是有意味的形式”这一观点,为现代艺术的发展在理论上铺平了道路,尽管贝尔的理论并非唯一而绝对的权威,但他的艺术自律论的确是一块不可磨灭的里程碑,因为它影响了二十世纪的一百年,明确了艺术语言是表达审美感情的最重要的中介。 当代艺术界有一部分画家在有意识或无意识的层面上都流露出他们否定审美的第一性否定语言或淡化语言的倾向,观念艺术和中国波普是其中最重要的表现。中国波普艺术很难与观念艺术截然分开,它们直接导致了油画艺术的粗糙与拙劣。通过油画艺术而表达某种观念或形上概念绝非今日之创新,历数每一个大师,他们的作品从广义上说在潜意识的层面上都隐喻着美与善的观念,而且是通过恰如其分的自然流露的方式而非强调的方式来表达。十六世纪的尼德兰画家勃鲁盖尔的某些作品以及拉菲尔前派画家的作品都倾向于去强调某种观念或者表达某种寓意,他们的作品与当代的观念油画的区别就在于,他们的作品在表达观念或寓意的同时没有淡化语言否定语言,因为观念和语言本身是不矛盾的,视觉艺术所能负载的思想观念上的信息量是极其有限的,与语言文字相比就显得幼稚而简陋,因为艺术的本质不是实用的也不是认识的。大师之所以成为大师的根本所在并非因为表达了某种思想观念,对于视觉艺术来说只有语言的大师而没有情节的大师和观念的大师。视觉艺术之所以能介入文化依赖的也正是审美和它的中介———视觉语言。当代中国油画界中存在的否定语言的不和谐音并不是偶然的,这自然又有当代社会文化的深刻背景。二十世纪中叶,科技的发展导致了视听媒介的日新月异,大众文化蓬勃兴起,它主要是指与当代大工业生产密切相关(因此往往必然地与当代资本主义密切相关),并且以工业方式大批量生产、复制消费性文化商品的文化形式。这种文化形式与大工业生产溶为一体,以公司规模的行为去开辟文化市场,这使得畅销小说、商业电影、电视剧、各种形式的广告、通俗歌曲、休闲报刊、卡通音像制品四处泛滥。它从根本上侵蚀了文化和社会、文化和经济的关系,对当代的社会、文化、艺术产生了重要的影响,并一步一步蚕食精英文化,今日之明星已由昔日之思想与精神的承载者转而变成传媒包装下的产品。在这样的背景下,油画艺术自然难逃被侵蚀和异化的命运,于是最能与大众文化沆瀣一气的波普艺术和观念艺术应运而生,远离审美的范畴以一种极其粗糙的具象写实的形式,借助观念形态直接表现艺术家对社会的感受与评价,这种艺术形态是典型的大众文化与商业文化的副产品,但是部分中国艺术家却忽略了中国的国情与现状为了与世界接轨而不加考察地以功利之心驱猎奇之手生搬硬套。简略地回顾油画或视觉艺术地发展史就会发现,艺术潮流大致有两种即代表艺术发展的真正方向或否,潮流的性质往往需要历史来验证,百年潮流对于历史来说仅仅是一瞬。 当代美术论文:外师造化观念对当代美术教育的影响 摘要:“外师造化,中得心源”是唐代画家张提出来的绘画教育观念,即艺术创作要师法自然,并按照自己内心的主观体验进行。“外师造化”的教育观念在中国的美术发展历史中始终扮演着重要的角色,在现代的美术教育中,更要辩证地认识“外师造化”,在继承的基础上加以创新,从而服务于现代化的当代美术教育。 关键词:外师造化;唐宋美术;美术教育;开拓创新 唐、宋是在中国历史上具有重要文化影响的两个朝代。在相关文治政策的影响下,官方与民间都形成了注重文艺的良好氛围。这一时期涌现出大批名垂青史的艺术人才,留下了大量的传世佳作。与魏晋南北朝时期“晋尚韵”、传神论的艺术审美特点有所不同,唐、宋时期的美术更加注重求真,以写生和写真为主要形式,而“外师造化”便是对这一时期美术绘画教育观念的归纳与总结。 一、“外师造化”教育观念的形成与内涵 “外师造化,中得心源”是唐代的艺术理论,其归纳了艺术创造的特点与含义,在当时及后世都产生了深远影响。 (一)“外师造化”观念的提出 “外师造化,中得心源”这一观念是由唐代的理论家、画家张提出来的。张,字文通,曾担任过翰林学士,以文学闻名于世,善画水墨山水画。《唐朝名画录》描述他的山水画:“则高低秀丽,咫尺重深,石尖欲落,泉喷如吼。”“欲落”“如吼”淋漓尽致地体现出了张笔下山水的真实感。“外师造化,中得心源”是张几十年来美术经验的重要结晶,也是他的美术教育观念。虽然这是张留给后人为数不多的美术理论,但却形成了唐、宋时期绘画教育观念的重要内涵,使当时众多画家的写真师法得以归纳,从而成为中国绘画史上的不朽名句,历代的艺术家们都在不同程度上继承和发展了这一绘画理论,产生了非常深远的影响。 (二)“外师造化,中得心源”的文化内涵 “外师造化,中得心源”是对绘画中主客观关系的概括。“造化”是客观世界,即指大自然;“心源”是艺术家内心的感悟体会;“师”便是学习的意思。“外师造化,中得心源”的意思就是艺术创作要师法自然,画家要认真观察大自然中的客观事物,从大自然中汲取创作素材,并且还要按照自己内心的主观体验和感悟去进行创作。艺术家在从事艺术活动时,首先要师法自然,作品要能反应出自然界的客观真实,但同时又不能机械地摹拟自然,而是要源于自己主观真实的体验感受,表达出自己对自然和生活的态度和情绪。“师造化”是“得心源”的基础,“得心源”是“师造化”的升华,只“造化”很可能会造成机械的复刻产生没有任何情感色彩的作品,所以更要融入“心源”,通过主观上的“心源”来表现出客观上的“造化”。“造化”与“心源”这一客、一主的相互作用才是完整的艺术创造过程。 二、“外师造化”在唐宋美术中的发展运用 唐、宋时期的画坛非常活跃,其审美特征与魏晋南北朝时期的“求韵”形成了差异,重视求真写实。“外师造化”这一思想在唐宋绘画进程中成为绘画教育观念的中心内容。 (一)唐代美术中的“外师造化” 唐代是古代绘画艺术发展的一个高峰期,在绘画题材上着重记录了一些重大的政治事件,由此可以看出唐代绘画写真写实的特点。《步辇图》是唐代画家阎立本所绘的一幅历史画,真实地记录了唐太宗李世民接见使者这一具有历史意义的重大事件。被称为祖师的吴道子有写生十六册,张彦远《历代名画记•论山水树石》说:吴道子“往往于佛寺画壁,纵以怪石崩滩,若可扪酌。”由此可见,吴道子描绘下的对象所具有的真实感。韩是盛唐时期的鞍马画家,有一次玄宗让他师法陈闳,韩却称:“臣自有师,陛下内厩马,皆臣之师。”韩以活马为师,自然中的真实物象就是最好的老师,这是韩不因循前人而师法自然的艺术主张。 (二)宋代美术中的“外师造化” 李成的山水画在北宋被誉为“古今第一”,他以画寒林平远著称。寒林平远就是画家关注季节气候,强调近景中景由近及远按照比例缩小的方式来描绘景象。范宽也是被称为中国山水画发展史上“百代标程”的山水画家,其亦强调师法自然造化。他认为:“前人之法,未尝不近取诸物,吾与其师于人者,未若师诸心。”与其师法前人,不如师法自然,范宽认识到外师造化的重要意义,所以为了能描绘出真实的北方关陕地区的山水面貌,范宽常年深入终南山、太华山之中,每有所得即“为山传神”,被誉为“得山之骨”。范宽的《溪山行旅图》是中国山水画发展史上具有划时代意义的杰作,淋漓尽致地描绘出行旅山下的主题,使人有种身临其境的感受。李成和范宽都是在忠实客观自然的基础上,以“外师造化”作为美术绘画创作的理念,为山水画发展作出了巨大的贡献,把北方山水画推向了新的水平。 三、当代美术教育中的“外师造化”观念及发展 写真、写实的艺术审美不管是在古代还是在现代都一直影响着美术教育的发展方向,唐、宋“外师造化”的美术理念也对我们当代的美术教育及考试制度产生着潜移默化的影响。 (一)现代美术教育中的“外师造化”现象 是否“外师造化”,通俗来讲就是像或者不像的问题。在现代的美术教育教学中,像不像仍然是很多教师评价美术作品优劣的重要依据。尤其是在中、高考的美术中,这一特点就更加明显了,因为越是写实程度高,越是“像”的作品,在考试中就越有可能得到可观的分数。在这样的考试制度下,美术没有其他方面过多的要求,不需要加入太多的个人主观情感,只需要对物象进行客观的写实即可。这与儿童时期的美术形成了一定的差异,儿童期的美术写实性不强,但是美术作品都是儿童个人的生活经验与感受的体现,更强调“中得心源”;少年期的美术写实特点比较突出,但个人的情感色彩相对少一些,更强调求真与写实。虽然各时期儿童美术表现的侧重点有所不同,但是在现代的美术教育中,都普遍存在着“外师造化”的现象。 (二)“外师造化”与开拓创新 自古至今的美术中,“外师造化”一直是评判美术作品好坏的重要依据。但是随着社会的发展进步,尤其是在素质教育正在如火如荼地进行的今天,写实写真已不能作为美术的唯一标准,而更应该强调美术作品的表现形式与内容的多样化,强调具有想象力、创造性的画面。“外师造化”固然重要,但新世纪下的人更应该具有创造的能力。“外师造化”尽管有许多可取之处,但是对于年轻一代的接班人来说,机械的写实求真会使人变得不知变通,惰于思考,只是一成不变地按照客观物象进行复制描摹,而失去大脑的活跃思维。中国儿童心理学家和教育家陈鹤琴的“活教育”理论中就强调过培养儿童创造力的重要意义。陈鹤琴认为,儿童的创造能力是需要培养的,他们本来就具有非常强的创造力,只不过惯于因循守旧而惰于创造。所以只要善于教育,加强对儿童的启发与诱导训练,这种创造力是可以培养起来的。在现代的美术教学中,更应该重视开拓创新的重要意义,在“外师造化”的基础上强调“中得心源”、开拓创新,重视培养学生的创造精神和能力,让学生敢于创新并且乐于创新,而不是局限于对物体表象进行的单纯复制。启发创造性原则是美术教学的重要原则,即在美术的课堂教学中,通过教师与学生一教、一学的双向活动,激发学生对未知领域的探索精神,培养他们的想象力以及创造性人格。《普通高中美术课程标准》凝练出来的美术学科的五大优秀素养中,有一条就是创意实践,即要求学生养成创新的意识,能够创造出有创意的美术作品。从低年龄段到高年龄段,创造能力都作为一项重要的优秀素养被加以强调。在当今的教育中,想象力与创造力越来越被社会各界所重视与接受,美术作为一门蕴含着丰厚人文精神的学科,在美术教学中便更要重视学生创造思维的培养,不仅仅要写实求真,更要有自己主观能力上的开拓创新。尤其是对低年龄阶段的学生而言,美术教师更要注意培养他们的创新、创造能力,鼓励他们按照自己的想法大胆地进行创造,不受客观写实对象的干扰,因循守旧。儿童的创造力难能可贵,身为一名美术教师,我们要悉心保护这种创造力的种子,保护他们对世界的奇思妙想,给他们足够的创作空间和安全感,让他们能够大胆、自由地开拓创新,而不是再以像或者不像为唯一标准来评价他们作品的好坏,限制他们的发散性思维。正如现代美术教育家林风眠所说:画鸟像只鸟,那又何必画呢?在刚开始教学实践的时候,面对绘画跑题的现象或者是图像不完整的情况,比如说没有尾巴的老鼠,或者是腿长错了位置的蚂蚁,我也许会干涉他们,教导他们根据物体真实的样子进行改正。后来回想一下,这些不都是孩子们天真童趣的表现吗?为什么一定要让他们画出真实物体的样子呢?儿童的美术教育就是要让孩子们能够通过画面留下他们成长的印记,能够通过美术这一途径表达出他们对于客观世界的感受与自己的想法。如果机械地将世俗的、不知变通的观念强加给他们,逼迫他们画出具有写实特点的图像,那便是对孩子天性的扼杀。罗恩菲德也曾指出,教师不应该对学生横加干涉,而应尽量向学生提供自我表现的机会。所以在美术教学中,教师应该学会大胆地放手,减少对学生作画方法与内容的干涉,不要对孩子的作品进行过多的指导或者评价,让学生们能够按照自己的意愿大胆地表现出自己的内心世界,表现出自己对这个世界的感受与体会,无拘无束地进行艺术创作,即便是画那些也许是大人所不能理解的、与现实毫不相关的图形。正如毕加索在《我不寻找,我见到》中所指出的:绘画有自身的价值,不在于对事物如实的描写,人们不能光画他所看到的东西,而必须首先要画出他对事物的认识。“外师造化”与开拓创新是互为表里的两个范畴,在美术中两者的运用不能过于绝对化,要根据具体的实际情况辩证使用才不会走上极端。总而言之,“外师造化”的教育观念在中国的美术发展历史中始终扮演着重要的角色,在现代的美术教育中,更要辩证地认识“外师造化”,在继承的基础上加以创新,从而服务于当代美术教育。 作者:刘楠 当代美术论文:莆田工艺美术的当代性与地域性 信息时代下莆田工艺美术产业现状综述 工艺美术产业是莆田市传统支柱产业之一,经过长期发展,已经成为特色鲜明的区域经济产业。2016年4月28日至5月3日,第十一届中国海峡工艺品博览会的举办吸引了大量外界资金的流入。此外,据统计去年艺博会实现签约总金额6.87亿元,比增11.5%;实现产品交易额2.51亿元,比增8.8%,工艺美术行业呈现出蓬勃发展的态势,近几年产业总值居全市行业产值榜首。开启工艺美术品牌特色发展之路每一种产业都有其自身的特色,工艺美术行业应致力于将艺术价值与商业价值相结合,人们生活水平不断提升的同时对于工艺美术品文化、审美层面需求也在不断加大。如何将莆田工艺美术行业引向更全面发展的道路?这就需要人们在探索产业特色的同时深入挖掘地域文化优势。莆田地处福建东南沿海中部,是闽中政治、经济、文化中心,地域文化深厚而鲜明,其中妈祖文化就代表了莆田海洋文化的重要特色,将工艺美术融入地域文化是莆田工艺美术一大特点。从产业自身来讲,莆田工艺美术借鉴其它发达地区文化创意产业的成功经验,在政府等相关部门的领导下,结合国家海西建设的相关政策和自身实际,正实施着合理有序的发展。 莆田工艺美术产业的当代性研究 1.营销方式的现代化。当今社会,信息成为重要战略资源,现代信息技术的发展必然会对市场营销产生深远的影响。利用多种形式的传播媒体提高传播能力,积极利用网络媒体等作为推广介质,常见的有利用flash或是请当红明星为其代言等都可以作为吸引消费者目光的营销方法。2014年,经国家八部委批准,莆田被列为“国家电子商务示范城市”,2016年8月8日,莆田举办首届互联网+工艺美术文化高峰论坛。莆田工艺美术在营销过程中利用互联网技术优势关键在于企业要主动拥抱互联网与电子商务,实现工艺美术营销模式的变革。积极鼓励营销创新,用网络拓展市场,促进电商融合,抱团营销等这一系列举措势必会助推莆田工艺美术产业的网络营销发展到新常态,真正实现莆田工艺美术营销方式的现代化。 2.注重精神内核的表现。莆田宗教信仰盛行,民俗活动众多,以宋代民间形成的妈祖文化信仰为优秀,形成世界级影响的民俗活动。此外还有明代林兆恩创立的三教合一的“三一教”。莆田工艺美术的特色之一便是与中国传统儒道释文化结合,因此将作品的设计加入更多的文化精神才能使作品经得住考验。此外,由于信众遍布全球,莆田工艺美术品可适当融入西方文化和思想,生产出更个性化的产品。依托工艺美术品,融入地域文化,在工艺品的设计理念中蕴含古典气息又不失现代元素是当下莆田工艺美术在产品设计中值得深入思考的。 莆田工艺美术产业的地域性研究 1.关于莆田工艺美术地域特色研究,以“仙作”家具为例。“仙作”家具产自于"中国古典工艺家具之都"——仙游,其民间艺术源远流长,深厚的文化积淀为创作提供无数的灵感来源。莆田雕刻以精微透雕和圆雕著称,“仙作”家具将二者演绎的淋漓尽致。其次,仙游古典工艺家具巧妙地融合了传统国画艺术,根据对仙游县的文化研究发现,艺术家李耕、李霞和郭怀等都为“仙作”家具的创作做出了巨大的贡献。再者,“仙作”家具还是对明式家具“简、厚、精、雅”特色的延续和创新。 2.关于莆田工艺美术的地域局限性研究。莆田工艺美术发展还存在较多局限性因素。从产业布局方面讲,莆田工艺美术行业,除了几个大型的企业以外,多数的生产者都是以小作坊为主,其整合的效果不佳,脱离市场的规模化运营模式而单独发展难以获得长久性的成功。此外,政府引导大都侧重市场需求,对传统工艺的研究宣传缺乏前瞻性规划;从技术方面讲,莆田市工艺美术发展本身拥有良好的文化背景和技术支撑,众多的艺术人才和当地特有的文化素养是创作的动力,早期的手艺人拥有精湛的技术和独特的构思,而随着老一辈手工艺人的老去,新的工艺美术从业者未能完全接班,某些手工技艺出现后继无人的局面;从原料方面讲,以“仙作”家具为例,木材再生速度慢,且对生态环境造成一定影响,“仙作”家具讲究大量使用名贵木材,原料的限制必然导致产业发展受阻;从种类方面讲,莆田工艺美术整体偏传统化,自主创新意识不足,原创的高艺术附加值的产品少,工艺美术从业者应该审时度势,结合时代元素,放眼全球市场,生产出更多更现代化的产品,满足大众需求。 3.加大对莆田工艺美术地域特色的保护人们的消费观随着机械化生产的出现发生了重大变化,工艺美术的地域特征正在逐渐衰退,因而对莆田工艺美术的保护迫在眉睫。莆田市工艺美术产业包括木雕、玉雕、石雕(含寿山石雕)、铜雕、宗教雕塑、古典工艺家具、油画框业、金银首饰、漆器、工艺编织等十大门类,是手工艺术品的代表。当今时代下,科技促进工艺创新,加快其生产的效率,如雕塑中利用3D打印技术快速打印成型,制模后通过程序控制进行雕刻制作,表面上带动产品的快速更新换代,但从本质上是对传统手工艺的否定。因而,加强手工艺术品价值的宣传和技艺的保护,将手工艺术的珍稀性、新奇性展现给大众,激发人们对工艺美术地域特色的保护热情。 莆田工艺美术产业的发展方向 1.从技术材料层面讲,传统的技艺之所以要保护和传承,一方面由于手工艺术品本身拥有精良的工艺,代表着艺人的灵魂所在。另一方面在快速消费的时代背景下,批量生产出来的艺术品,在人文性方面与传统手工艺术品远远无法相比。保持工艺美术品制作质量的前提下加入时代元素,提升从业者们的审美认知能力,进而实现工艺美术产业发展的传承和更新。莆田工艺品材料相对传统而单一,因此在设计制作中可以针对不同的题材、形式选择不同的材料,甚至可以多种材料综合运用,这样既丰富了表现形式又能使材质上形成鲜明对比。 2.从文化层面讲,在科技发展的冲击和工艺美术地域化衰退的情况下要从完善自身和创新理念做起,加强地域文化的保护和传承,加大研究和推广力度,如对拥有世界级影响力的妈祖文化进行大力的推广和宣传,工艺品在构思中围绕妈祖信仰背后所隐含的民俗、历史、宗教等文化体系进行创作,最终实现地域文化保护与工艺美术产业发展的双赢局面。 3.从表现内容形式层面讲,莆田工艺美术品大都与宗教信仰和民俗活动相关,迫切需要表现时代特色的创作题材,如自然景观、风土人情等。另外,莆田工艺美术品表现形式中也可以融合现代设计理念,通过解构、归纳、抽象概括等创作手法,拓展多维度的表现空间与层次,形成具有时代特色的艺术形式。 4.加强政府政策支撑。工艺美术产业的发展需要地方政策的支撑与扶持。首先,在工艺美术行业发展中,当地政府可以制定相应的优惠政策及税务调整政策,同时也可以为工艺美术行业发展提供相应的资金支持,有效促进工艺美术行业的健康发展。其次,创立一批有明显地方特色的品牌,打造工艺术品的品牌价值。探索一批有前景的且有自我发展机制的产业链,进而使资源优化配置,更好的应对机械化大生产对手工创作的艺术品的市场冲击。最后,人才是第一生产力,一方面,政府对民间艺人应给予高度重视,调动他们的积极性和创造性,同时,设立民艺作坊,吸引人们体验民间工艺。另一方面,做好人才培训和教育工作。依托莆田学院、湄洲湾职业技术学院等,开设木雕、玉石雕、家具制作等相关课程,通过校企联合办学等方式,使传统技艺得以传承。同时加强对外交流,采取“请进来”、“走出去”的办法,更新知识结构,实现地域文化的现代新生。工艺美术产业的发展模式不外乎是在保持自身优势的同时融入时代特色,保持自身文化底蕴的同时加强文化多样性的渗入,最终将工艺品的文化理念深入人心。总之,注重对工艺美术地域性的研究和保护,通过大力宣传使人们在日常生活中形成潜在的保护意识。每个人都是文化的拥有者,应该珍爱我们的地域特色文化。 作者:李建 当代美术论文:工艺美术教育的当代价值和发展方向 摘要:工艺美术教育是一门传统的艺术学科,甚至对于各种绘画技艺来说,工艺美术是最原始的艺术,其源头可以追溯到人类对工具的使用。在现代化的发展形势下,工艺美术教育的当代价值主要体现在对原始工匠精神的回归,这是在现代化观念之下一个极为重要的价值取向和发展方向,本文沿着当代工艺美术自身和工艺美术教育所存在的发展规律,来探索和描述工艺美术教育的当代价值及发展方向,以期对当代产生了重要影响的工艺美术教育产生推动作用。 关键词:工艺美术;教育;当代价值;发展方向 尽管工艺美术教育建立在十分重要的传承基础上,但在很多方面,它体现出了中国传统工艺美术教育发展的一个新特征和开启了一个新时代。实际上,本文对工艺美术教育的当代价值及发展方向的研究遵循了一个重要的工艺美术发展逻辑,这种艺术发展逻辑已经成为指导人们认识和了解当代艺术发展的一个现实理论基础,成为人们正视和看待不同类型艺术发展的一个共性问题。这个基本逻辑就是社会逻辑,即艺术发展受制于社会进步和文明前进,传统时代的艺术在与现代艺术的冲突和融合中最终像社会发展一样,形成了一种新的发展形式。社会出现了新的特征,工艺美术也出现了新的特征,简单地说就是传统的工艺手法逐渐回归并应用在现代的物质和材料上,这种结合给工艺美术打造了一个新的美术精神世界,让工匠精神与现代化发展达成了某种程度上的一致。我们认为,这就是工艺美术教育的当代价值需要把握的,也是其未来的发展方向。 1试论工匠精神与现代化发展中的社会精神 是传统还是回归,在不同的文化场合和艺术境地,我们总是要听取各种意见和建议,却忽视了在整个现代化发展的时代基础上这些思想层面的内容是无法起到决定性作用的。实际上,越来越真实的现代化也让社会各个层面的真实度有所提高,人们对真理的认识以及对整个文化艺术的认识都在不断地提升之中。这让我们看到了一个新的学科艺术在传统艺术中逐渐被抛离,而真正需要崛起的艺术形式却成了旧艺术的替代品。但是万物皆有始,不论现代工艺以何种形式出现在大众面前,我们都能从它的各种表现形式中发现它过去的样子和原始的影子,这种逻辑我们称之为艺术的基因。本章节我们所需要谈及的工匠精神与现代化发展中的社会精神正是我们所提到的基因问题。工艺美术是在反复创造和熟练度加深的基础上,从传统手工发展到现代机器等工艺制造的一种艺术体现。这里面有太多我们需要引起注意的发展历程,这是艺术的历史,同时也呈现出艺术自身的成长过程。在这个过程中,我们提炼出的最为重要的艺术精神就是工匠精神,工匠精神是无论什么时候都能够从细致和卓越的手工艺制造中体现出来的综合工艺。工匠精神的精髓是创造,本质是熟练,特点是手工。尽管我们现代意义上的手工早已与传统手工艺不是一个概念了,但我们依然能够认识到现代手工艺的工匠精神,即便那已经从纯粹的人类力量变为借助机器手段,却依然不能掩盖在这个过程中存在的工匠精神。这是我们在谈论工艺美术教育之前应该认识和尊重的事实,这个事实不以市场或者其他的意志所转移,它的基础是社会精神,是艺术精神,是不可被逆转的历史轨迹。正如随着现代化进程的加快,人类的共识是努力向前看,不断地发展和适应社会的变迁,整个世界都实现了现代化,这个共识是人类共同体的伟大进步。 2工艺美术教育的当代价值 正如上文阐述和提及的这个基本概念一样,从教育的基本职能上来说,工艺美术教育的当代价值就是工艺美术教育的基础内容,就是在让人们学习现代工艺美术的同时,知道现代工艺美术是如何来的,是如何一步一步发展到今天的,更为重要的是让学生意识到工艺美术中存在的卓越的工匠精神。工艺美术教育实际上是一个认识的过程,同时也是一个分享的过程,传承就是在这两道程序之后,一个最为重要的教育方式,达到持续发展和不断积累发展的目的。那么在工艺美术教育中的当代价值又具体体现在哪几个方面呢?实际上工艺美术教育可以简单分为基础教育、理论教育和实践教育。但是工艺美术多体现在动手能力上,所以实践教育是当代教育的一个主要方面,然而实践教育如果没有一定的理论基础,那么整个工艺美术教育就会失去了基础,变为空中楼阁。所以,我们说当代工艺美术教育的基础教育依然是十分重要的,学生不仅要知道如何动手,更要知道为什么动手,要明白工艺的传承,并且最为重要的是不断理解和把握工匠精神,让其得以延续。工艺美术教育的当代价值与传统工艺美术师徒教育中当年的价值是一致的。当代价值与当年价值既是针对当年说的,也是针对当代说的。当代也好,当年也罢,我们都是在整个发展的过程中不断地传承工艺美术的时代价值和时代精神的,只有达到了传承的目的才能体现工艺美术的价值所在。 3工艺美术教育发展方向 作为中国工艺美术的学习者,每当谈及工艺美术的发展方向,心中便感到十分遗憾,但同时也更加坚定了工艺美术学习的方向。传统工艺美术可以说没有得到完整的传承。尽管现在看上去,中国工艺美术依然还是有模有样的,但是遥想当年却完全不可同日而语。我们的传统工艺最终被新时代所摒弃,因为现代化是西方的现代化,尽管我们说这种现代化可能最终会和东方文化殊途同归,但是在由谁引领这种现代化的问题上,却体现出对东方文化的种种不公平,东方文明仅仅剩下了民族文化的特征。当代工艺美术实际上应该叫西方工艺美术,工艺简单地说就是机械化大生产后的产物,我们了解的是工艺大科目下的种种工艺分解。在工艺美术中,我们似乎一直在接受和传承新的工业,尽管这种工艺属于全世界,不应该有你我之分,但我们还是不禁要问一句,我们的传统工艺去哪儿了?所以,基于上述分析,笔者认为工艺美术教育的发展方向应该是重新延续对传统工艺的传承,衔接好现代的、西方的、传统的与近代的工艺,让我们的工艺融入新的历史发展过程中,把传统的工艺基因注入到新的工艺体系中去。即便最终变了样,但却能够不断地延续下去。这就是工艺美术教育的发展方向,要不断地努力,恢复中国的匠人精神和传统工艺美术的辉煌。同时,当代工艺美术教育的发展方向就是要追根溯源,不断地寻找我们的基因归处,不断地提升我们对工艺美术教育发展方向的把控能力。只有明晰艺术的价值取向,了解工艺美术的发展实际和传统本质,才能够更加深入地把握工艺美术教育的发展方向。不能够仅仅依靠传统工艺美术的基础内容来限定工艺美术价值的内涵,应该明确传统工艺美术在现代工艺美术当中的传承因子,要实事求是,不能牵强附会。 4结论 回顾当代中国工艺美术发展的历史和价值取向,未来工艺美术的发展任重道远。尽管现代工艺美术揉杂了中国工艺美术的各种历史基础,但实际上它依然是在西方工艺发展技艺为主的前提下奠定了现代化工艺美术的基本特征,打破这种壁垒最根本的方法就是倚重工艺美术教育。 作者:孙井义 单位:哈尔滨师范大学 当代美术论文:当代艺术与中学美术教育的融合措施 摘要:经济全球化的发展不仅带动了各国之间经济贸易的发展,也促进了艺术文化教育的融合。当代艺术背景下已经实现了东西方文化艺术的完美结合,这使艺术教学呈现出更加多样化的发展形势。如今的中学艺术教学将当代艺术淋漓尽致地展现在学生面前,既能促进中学美术教育的全面发展,也能推动当下中学美术教学模式的创新与改革。文章对当代艺术与中学美术教育融合及教学模式进行研究。 关键词:当代艺术;中学美术教育;教学模式 以往的中学美术教育在教学内容上比较注重美术发展史方面的教学,美术教师大都讲述艺术家的生平及其创作的作品,很少融入当代的艺术元素。这就造成中学美术教育无法完整地将当代艺术和传统艺术融合并共同呈现在美术课堂上,让学生全面了解艺术发展的多样性变化。为了改善目前这一局势,教师应促进当代艺术与中学美术教育的融合,将更多的当代艺术元素融入中学美术教学,并尝试进行多元化教学模式的转变。 一、当代艺术融入中学美术教育的作用 1.有益于学生深入了解当代艺术 目前,一些中学的美术教育还是采用“填鸭式”的教学模式,这种教学模式显然已经不适用于当前的美术教学。尤其在当下网络信息化快速发展的社会中,中学美术教育没有融合当代艺术,而一味地按照美术教材照本宣科,必然会造成中学美术教育与当代社会的脱节。将当代艺术融入中学美术教育是对中学美术教学的创新和完善,它给予教师更多的教学空间,但是美术教师在融合过程中要注意对度的把握。如,当代艺术更加注重对艺术品的加工和创造,不再局限于传统艺术的均衡、对称,更倾向于扩大、重复、拼贴等艺术形式。这与传统的艺术元素有很大的区别,也可以说是对传统艺术元素的推翻和重建。因而,当代艺术在中学美术教育中的应用更能让中学生体会到艺术元素的多元化,而不局限于某个固有的模式。 2.有利于学生重新认知中学美术 以往中学生对美术的认知仅停留在其是中学必学的一门课程上,这样的认知往往带有沉重的负担,而且容易使学生丧失学习兴趣。当代艺术对中学生而言较为新颖,更加贴合于学生的生活实际。学生可以在当代艺术的引导下自由发挥想象力,这样也能使中学美术课堂不再枯燥,久而久之,学生对中学美术的学习慢慢从任务转变为兴趣,一能活跃美术课堂的教学气氛,二能丰富中学生对美术元素的认知,进而帮助中学生树立正确的艺术认知。 二、当代艺术与中学美术教育融合的具体措施 1.培养学生的审美观 在中学美术教育中,学生主要依靠自身的感知能力、理解能力、想象力和创新能力,对教师所讲述的美术题材进行理解和认知。而教师则是通过对学生的美术教学将自己的思想观念、审美、情感态度传递给学生,让学生通过美术课堂的学习丰富精神世界和物质世界。美术教育也能培养中学生的审美观,使学生在当代艺术的熏陶下逐渐形成自己的新媒体艺术知识体系,学习艺术作品中的人文精神。 2.培养学生的艺术创作意识 中学美术教育的目的是让学生从艺术世界的观众逐渐变成艺术世界中的实践者和开拓者。将当代艺术与中学美术教育融合,一方面是丰富学生对艺术的全面认知;另一方面也是为了培养学生的艺术创作意识。当下的美术教育并不是教授学生欣赏美术作品的复制品,不是让学生根据他人的画作进行临摹、复制,而是要让学生充分发挥想象力,创作出具有个人独特风格的作品。 3.开展视觉化和交互化并进的教学模式 将当代艺术与中学美术教育融合,除了要改变教学方向、丰富教学题材,最重要的是转变教学模式,采用视觉化和交互化并进的教学模式代替“填鸭式”的教学模式。借助网络技术,美术教师可以为学生展现动态的美术作品,让学生能够体会动静结合的艺术形态变化。在必要的情况下,美术教师还可以开展课外美术教学,让学生体会真实的当代艺术,以此丰富学生的个人阅历,为其提供源源不断的创作灵感。结语将当代艺术和中学美术教育融合,有助于学生了解当代艺术,重新认知中学美术教育,从而树立正确的美术学习观念。此外,当代艺术和中学美术教育的融合对当下艺术的综合发展也有重要的作用,能够丰富学生的阅历,逐步培养学生的艺术鉴赏能力,进而帮助学生树立正确的审美观。通过改善当下中学美术教育的教学模式,能最大限度地发挥学生的艺术创作力,使其创造出具有个人风格的艺术作品,推动当下中学美术教育的全面发展。 作者:宋扬 单位:肇庆市实验中学 当代美术论文:当代我国美术研究的现状及策略 一、开展学术研究 在整个中心建设以及管理的工作过程中,特别需要注意的一点就是一定要让我们民族的文化和传统的精神得到发扬光大。在目前信息技术非常发达以及文化消费逐渐成为一种趋势的情况下,学者必须具备对于学术方面的忧患意识,对于一些文化表层含义逐渐掩盖内在学术研究的现象产生一种深深的担心。因此,国家建设的中心在学术界须提倡科学的探索和治学态度以及甘于寂寞的精神,并且树立求真、务实、严谨的学风,这样才能够对中国近现代美术的研究起到推动作用。中心还需要努力朝着开放性的方向发展,及时关注国内外新的研究成果,将国内外美术研究的力量联系起来。可以经常开展一些国际层次的学术交流会,将国外的研究成果纳入关注的焦点,这样也有利于将中国的学术研究在国际上积极推广,特别是一些中国的智慧和语言。 二、确定一个好的课题进行研究 经过了美术界一百多年学术方面的累积,中国近现代美术的研究已经产生了丰硕的果实,同时也体现出辩证思维和唯物史观在美术研究中的作用,显现出中国的美术学者能够将国际学术的思想和中国传统思想相结合以解决问题的精神。国家所创建的中心聘请的专家都是在我国美术学界有一定名望的学者,其中有来自台湾和香港的一些学者。国家建立研究中心之后,需要专家以自身的专业知识对于中国的美术发展进行宏观分析,将对重大历史问题的解决、理论与现实的一些问题作为整个发展的目标。一定要用全局性、与时俱进的眼光抓住问题的重点,并且形成一个课题,提倡汲取新兴的理论研究成果,尽量用一些新兴的研究方法解决中国美术的问题,对近现代中国美术的历史发展规律进行具体阐述,这样就能够借用前人的研究成果建立自己的新姿态。 三、借鉴西方的艺术 从中国美术发展的历史来看,中国可以借鉴西方艺术的一些形式,其中包括观念、行为、装置和绘画等形式,使中国的美术形式观念转变为更注重艺术的功能。尤其是到了20世纪90年代,由于一些西方资本的进入,中国艺术从以前的赞助模式转变为现代的艺术体制。直到21世纪,国内和国外的一些艺术频繁进行交 四、集合一些老一辈艺术家的资料文献 近现代的中国发生了很大的变革,这在一定程度上导致很多优秀的美术作品消失不见,还有一部分流失于民间,所以许多专家呼吁加大对于美术研究的重视程度,并且要保护好现存的一些近现代美术史料,尤其是老一辈美术学者、美术史家的学术文献和艺术作品。中心的建设需要很多专家的支持,使得规划和重点形成一个良好的集合,使得学术力量得到组织。同时,还可以建立一些机构,请老一辈的美术专家和相关艺术学者捐赠文献,并且要做好数据和文献保存方面的工作,争取形成一个近现代美术研究的部级别的档案馆。 五、结语 目前是一个全球化的时代,而当代的美术研究已经不仅关注传统的艺术,而且从单一的风格发展为多种风格。另外,国家文化部门将我国近现代美术方面的研究中心设立在中国美术馆中,这就充分表明国家对于美术研究事业的重视,表达了对于该事业发展的大力支持。因为将研究中心设立在中国美术馆中,能够使中国美术馆的优势得到充分发挥,主要表现在收藏近现代优秀美术作品方面的优势,还能够让藏品资源得到整理,并且供给后来的学者进行开放性的研究。所以,我们现在最需要进行思考的问题是:现在国家到底需要怎样一种艺术形式,如何将美术艺术与现实生活联系起来。这就需要美术家在创作美术作品的时候明白自己的责任和义务。 作者:董阔 单位:辽宁工程技术大学 当代美术论文:当代美术的语言特征探索 一、当代绘画 当代艺术家较传统艺术家,更加强调个体认知和创造,采用写实、夸张、隐喻、象征等语言表现出,其作为创作主体的审美情趣。泰国当代艺术的先驱者,泰国伟大的艺术教育家,FuaHaripitak(1910-1993)尝试以绘画作为艺术媒介,寻找探索在表达方式、图像及象征物中隐藏的美。他曾说过:“我的艺术灵感来自激情、信仰和真诚。是自然万物中尚待发掘的美促使着我在艺术创作中不断求索。”他的风景和人物画作融合了现实主义(Realism)、表现主义(Expressionism)、印象派(Im-pressionism)和立体主义(Cubism)等风格。他的作品画面颜色交错迭放,却恰到好处地捕捉了创作主题此时此刻的情感。又如画家TaweeNandakwang(1925-1991)利用丰富的想象力,将写实手法和超现实场景巧妙的结合,构成了他独特的绘画风格。在他的笔下有金色的山野,蓝色的河道,妻子的肖像以及月光下的池塘。其中他以第一位妻子Suwanee为模特的人物画被誉为最具开创性的肖像画,画面线条粗狂,作者似乎刻意通过大胆的笔触淡化细节,在画布上展现出人物鲜活的生命力和自然流露出的情绪感受。泰国也有像中国田园诗人的画家DamrongWon-guparaj(1936-2001),在他的画作中可以看到创作主题对农家质朴生活的向往。即使没有人物出现的场景,却处处充满农家生活简单、恬静而美丽的气息。阳光下金色稻草堆砌农家小屋,夜幕中停靠的打渔船,装盛粮食的竹楼,随意晾晒的衣物仿佛都在等待它们主人的出现。他的画作极具装饰性,其线条不难让人联想到班清时期陶瓷外表朴实的图案,而画中的色彩组合又能把你带到洒满阳光的谷堆旁,以及映衬在蔚蓝的阿达曼海的渔村上空。说到泰国当代美术家,不得不提到SilpaBhirasri(1982-1962),他在1933年建立了泰国的第一所艺术学院。这位意大利籍的雕塑家也是曼谷民主纪念塔,拉玛六世塑像,陶顺娜丽女英雄纪念碑的设计者。他代表了当代致力于利用西方印象派、后印象派和立体主义风格表现泰国风土人情的艺术家们。作为泰国杰出的女性艺术家,MisiemYipinsoi(1906-1988)的绘画及雕塑都取得了极高的艺术成就。她偏爱山水画创作,常常带着画布到泰国各地采风。在她的画作中的运河、池塘、沼泽、山林,光影交错,仿佛色彩就是语言,讲诉着她眼前这片多彩的世界。从1958年开始,她将车库改成工作室,在那里开始了雕塑创作。她的雕塑造型极简,文理粗糙,平凡的姿势却散发着舞蹈的张力。作为泰国雕塑界的领军人物,KhienYimsiri(1922-1971)的雕塑作品简约而优雅,人们通过他作品含蓄而简约的语言得以感知泰国传统元素和现代艺术理念的完美结合。其代表作魔笛(MagicFlute)塑造了一个颈戴项圈,眉目清秀,席地而坐的少年,独自吹奏长笛的摸样。少年双手轻握长笛,食指和无名指微微上翘,青铜的质地透露出肌肤的光泽,流畅的线条刻画出健美的体态,让人不仅想到素可泰时期的青铜造像。ChaloodNimsamer(1929-至今)作为一个多产的天才艺术家,他总是利用不同的艺术载体,无论绘画、雕塑、摄影还是印染,进行着自己的视觉艺术实践。在他可以在的画作中有一个反复出现的主题引人入胜:一个年轻女子,着传统纱笼,齐耳黑发,宁静祥和。事实上,女孩的短发总让人想到画家本人,不知道是偶然的巧合,还是画家俏皮的自画像。人物的背景或是佛教图案,或是半抽象的自然景象,或是茂密的树丛,色调简单,纹理复杂,与色彩鲜艳的人物形成强烈的对比。这种人物与背景的冲突,以及女孩几乎佛般的笑容仿佛在向世人描绘在纷扰世界中保持的另一种宁静。作为泰国当代最多产和最具争术家之一,Mon-tienBoonma(1952-2000)常常被贴上"佛教"艺术家的标签,却又公开否定正统的佛教艺术教学。他使用短暂存在的尘、草、陶、蜡等材料和失蜡铸造等传统工艺技术,大胆地把传统铸造方式和宗教仪式融入到当代艺术创作中,不断强调观者在触觉、嗅觉、视觉与听觉上的艺术体验。他曾写道:“观众们想处于安定与满足的心境中,于是我想把佛像内部的空间变成一个观众们正念的庇护所。”上述具有代表性的当代艺术家的绘画风格,代表了当代绘画风格,在继承传统美术精髓的基础上,正在突破各种束缚,更加大胆,更加富有创造性,向着多元化,个性化的方向发展。 二、曼谷设计 如果极简主义是现代设计风格的标志,那么泰国当代设计艺术则特立独行,超越时空,在传统与现代的之间穿梭游走。无论是工艺设计、室内设计、平面设计还是服装,泰国设计者们都可以在保留传统文化或吸收外来文化的基础上,塑造具备自己特征的东西。这并不意味着坚持一味的佛教的意象或花里胡哨的民俗感,而是一种自由的、天马行空的闲趣精神。泰国的设计往往具备手工艺特点,用自然材料制作,透着原始的生命力,张扬着奔放的色彩和不拘一格的形态,往往会让人想起阿瑜他王朝之前简单质朴的工艺之美。编织工艺是泰国的传统工艺,而本土的灵感和自然资源则是艺术创作的源泉。不仅蔓藤、黄麻、杂草、水葫芦以及竹木,就连回收的旧报纸、塑料,都可以在设计师的手中成为拥有艺术蓬勃生命力的语言。设计师(SuwanKhongkhunthian)为品牌家具Yothaka设计的家具组件,一如其名“来自天堂的植物”,用水葫芦、竹与藤等材料制作,盘曲而简洁,具有浓烈的东方和热带风情。他用布袋莲(waterHya-cinth)编织的手工家具,行销世界,经久不衰。近年来,Yothaka将类似芦苇的蕨类,经过特殊手工编织,做成高科技塑胶质感的家具用品。设计师(UdomUdomsrianan)为品牌家具Planet2001设计的植物雕塑式的座椅,受到宇宙万物的鼓舞启发,以天然藤条为材质,经由加热弯折并以手工层层塑型,展现出独特风貌。2011年在米兰展泰国设计主题为慢手设计(SlowHandDesign),再一次展现了设计师们对传统工艺的珍视,以及对大自然的向往,正如美国《纽约时报》所说:“泰国丰富的手工艺传统,带给了年轻的本土设计师不少灵感。这些设计师通过现代设计方式,重新激活了这些古老的民间智慧。”在纺织工艺方面,泰国也有异常精美的表现技巧。由美国企业家吉姆.汤普森(JimThompson)创立的泰国丝绸公司(ThaiSilkCo)生产的泰丝,其做工精细、质地华丽、色泽鲜艳。由于泰丝造价高,起初仅用于演出服装,后来一些时装设计师和室内装饰设计师将这种绚丽多彩的布料用于时装和装饰领域。而今,泰国丝绸公司在室内纺织品设计师蒂那特.尼萨拉克(TinnartNisalak)继续着革新之路,采用手工编织棉线和纤维,不仅质地富丽,而且充满泰国现代风格。泰国的白银饰品,以其时尚的设计理念和精湛的制作工艺,享誉世界。其灵感多来自泰国的传统文化元素,如大象、鱼虫、花朵等象征和平、幸福、纯洁等吉祥意义的动植物形象,饰以螺旋纹、云纹等图案。设计师将纯银熔炼、制条、拉丝、打磨、抛光,制成银片、银条或者银丝,然后用打压、雕刻、镂空等工艺制出精美的图案,或配以有写意风格的陶瓷,或镶嵌五颜六色的宝石,或运用古朴的檀香,或搭配染色珍珠和贝壳。五结语我们通过对泰国传统美术发展的梳理以及对当代绘画和工艺的品鉴,可以看到泰国美术如同其他国家的美术一样无一不历经着时代的锤炼。但其与众不同之处是:不管是炮火战乱,还是王朝更替都无法将泰国的传统美术连根拔起,它始终保持着对传统文化的尊敬;不管是对印度佛像造型艺术、中国传统绘画的被动模仿,还是受到欧洲写实画法的冲击,它始终坚持着对外来文化的欣赏。而这种谦和的文化姿态,恰如土壤里的养分留在泰国当代美术植根的泥土里,在艺术家们自由大胆而热烈的创造中,开出灿烂瑰丽的艺术之花,并在世界艺术之林中独秀一枝。 作者:邬丹 单位:成都学院 当代美术论文:美术在当代瓷器装饰设计中的应用 作者:余娟 单位:景德镇陶瓷学院 设计与运用将民间美术的素材通过直接、间接、再创造的方法运用到现代陶瓷设计中,并以自己已掌握的设计技巧展现出来。陶瓷艺术设计者直接把民间美术的构成形式或色彩以及某些表现方法或工艺制作方法,借用到设计之中。把民间美术的图案、造型样式作为一种创作的素材,直接运用到实践中去,以借题发挥的方式传达自己的意图,使现代陶瓷的设计与民间美术之间产生密切的联系,使现代陶瓷装饰更具有民族特性。民间美术的造型,如强烈的色彩、特殊的寓意,经过融合、消化,成为自己的艺术语言,使民间美术作为一种民族文化的营养,充实和丰富自己的思想、情感与修养。创造的作品与原始素材既有联系又有区别。现代陶瓷装饰可以借助民间美术的装饰语言创作出有新意的图样、样式,但又不失民族风格。民间美术与民族文化的基因在精神追求与思维方式上得到全面的体现与继承。在装饰的过程中,借助对民间美术样式的感受引发自己的联想,以民间美术的独特语言和视觉图像表达自己的创意,使陶瓷设计在融合时代特征的同时,保持浓郁的东方风情和本民族的传统特色。民间装饰造型设计法蓝瓷品牌设计产品在装饰造型上就完美体现了“民间+现代”的设计理念,它以大自然为创作主题,制作工艺上承袭了最纯正的传统技术———纯手工釉下彩装饰;以设计师独到的眼光、巧妙的设计,将陶瓷造型和装饰有机地结合成一体。法蓝瓷作品重视传承、鼓励创新,以独特的创意,把当代的时尚设计风格融入到作品当中。最经典之作“樱桃嬉春”,如图1所示,这款设计是根据清朝宫廷画家郎世宁仙萼长春图册之樱桃图创作而成,惟妙惟肖地将画作中的樱桃树及蜡嘴雀栩栩如生地呈现在瓷器上,既作为陶瓷的装饰,同时又是整体造型的组成部分,打破传统中造型与装饰的界限区分。但其表现重点依然放在陶瓷装饰上,整体装饰造型设计用精美的陶瓷材料再现传世佳作,在继承古人创作的基础上,加诸时代艺术美感进行重新诠释,赋予它新时代的文化气息和欣赏价值,加强了文化遗产的保护和传播。 民间装饰色彩设计 中国人以五色斑斓的正红、艳紫、浓黄、深蓝、大绿为装饰特点,既体现富贵,又表现出沉静的气质。民间传统的色彩不能简单地认为是一种俗气、落后的标志,她体现的是中华民族几千年文明历史中的民族意识、文化意识和乡土情谊。2006年底,广东协进陶瓷有限公司“唐装系列”建筑瓷片从中国民间装饰色彩文化中找灵感,以传统色彩中的代表富贵的黄、代表华美的红、代表大气的紫为基色,配以典型的唐装圆圈图案,体现了民族文化中的华美、大气,以其浓郁文化氛围营造一种具有现代感的“富贵、华丽、大气”的室内空间气质,扩升室内空间,创造舒适的生活环境。,唐瓷系列借鉴了中国少数民族服饰的颜色搭配形式来作为设计主题的,以水平的金、银、蓝线为装饰构成因素,设计线条流畅、简约,装饰色彩明快,清新自然。有很强的民族地域特色,给人一种少数民族特有的民族亲切感,充满着浓郁的乡土气息,让人忘记现代都市快速紧张的生活节奏,感到放松、恬静和自由。红色可谓是中国的国色,代表喜庆吉祥之意。但是在陶瓷装饰设计中,由于红色很难烧成功,所以运用不多。现代科技的进步使得这一缺陷得以弥补,(图略)所示,法蓝瓷朱红喜气的“旺富木槿”系列在强烈的艳红底色上缀以一朵朵柔弱娇美的木槿花,颜色纯正、色泽鲜亮,并且在装饰颜色上大胆采用红绿对比配色。红配绿是中国传统审美中推崇至极的组合经典,传统陶瓷装饰中古彩和斗彩就以红绿搭配为特色。红绿搭配要出现好效果往往是出自于对面积的把握,选取一种对比色,有画龙点睛之妙,往往是提神、提气、提色最好的方法。颜色釉装饰也是陶瓷色彩装饰手法之一,丰富的颜色釉既满足了人们日常生活的需求,又满足了人们对于陶瓷美的追求和享受。陶瓷色釉装饰在陶瓷文化的历史年轮上所呈现的是一张张浓缩了中国传统装饰艺术风格的深厚面孔,在现代陶瓷色彩装饰艺术方面,颜色釉装饰有较大发展:颜色釉的品种越来越多,不仅恢复了许多传统的颜色釉,而且创出了凤凰衣釉、羽毛花釉、彩虹釉等新的色釉品种。颜色釉装饰不仅广泛用于各类陈设瓷、日用瓷上,而且广泛用于各类工业瓷、建筑瓷上。 民间装饰纹样设计 与民间装饰色彩相比,民间装饰纹样设计更表达了一种人文精神。中国传统装饰艺术是“取其形,达其意”,是中国文化意识的体现。中国传统美学强调的是求全、美满的美学观念,认为万事万物都是一个和谐统一的整体,在几千年华夏文化的传承中,寓意吉祥是装饰图案设计的精髓所在,它扎根在人们的心中,表露在生活的方方面面,是一个延绵千万年的永恒性主题。譬如过春节的时候家家户户门上的春联、门神、福字等,意在“辞旧迎新”、祈求“福到家门”、“趋疾避凶”。“吉祥”本意为美好的预兆,吉者福善之事,祥者嘉庆之征。是对未来的美好希望和祝福,具有理想主义的浪漫色彩,通过外在“形”的装饰传达对安定、和谐、美好生活的企盼与向往。远古时期,人们是以结绳记事,“结”因此备受人们的尊重。斗转星移,时代变迁,它却发展成了一种典型的民俗文化———中国结。中国结的取意也和中国民间传统装饰艺术一样,利用自然形态、谐音取意,有万事如意结、团圆美满结、长寿安康结等祈福的内涵,被作为民间祝祷的符号,成为世代相传的吉祥饰物。现在,它可以作为单独的一种装饰形式,同时也被作为一种装饰图案被运用到陶瓷设计当中,形成具有民族特色的装饰纹样设计。中国传统纹样背后的“意”是人们迷恋其造型的关键。不论古人还是现代人,对美好事物都会心存向往,因而传统纹样蕴含的吉祥意味同样也适用于现代设计。在我们的生活中,处处可以发现古为今用、推陈出新的设计,如牡丹是我国特有的木本名贵花卉,花大色艳、芳香浓郁、体态肥硕饱满、雍容华贵、富丽端庄,而且品种繁多,素有“国色天香”、“花中之王”的美称,长期以来被人们当做富贵吉祥、繁荣兴旺的象征。牡丹作为装饰题材也一直是沿用至今。著名品牌“红叶”牌设计的“国宴牡丹”餐具,采用国花牡丹和国徽结合装饰,祝福国家繁荣兴旺,蒸蒸日上,人民生活美满幸福,富贵吉祥,被选为人民大会堂专用餐具。“松竹梅”餐具的设计(图略),在装饰上是以中国传统“岁寒三友”为题材。松、竹经冬不凋,梅则迎寒开放,都有不畏严霜的高洁风格,它们在岁寒中同生,历来被中国古今文人们所敬慕,而誉为“岁寒三友”。这一设计主题的运用是以此比喻忠贞的友谊,寓意中西友谊天长地久。在图案设计上汲取代表性的部分组成传统适合纹样形式,不同于传统的“松竹梅”写生再现形式,这在题材运用上具有现代新意的创新设计。另外在实用功能设计上又是中西合壁,取长补短,创造中西餐饮文化的和谐统一。 结语 在全球化浪潮的袭击下,中国现代陶瓷需要创新,既要符合时代潮流的崭新样式,又能体现民族文化的内涵。要以新的观念、新的视觉和新的表现手法容纳西方设计理念和思潮,并与传统文化的神韵、意境有机地结合起来。通过最简练的语言和个性化的表现形式达到最强烈的艺术效果;使民族传统文化在陶瓷设计中不断地被重新诠释和定位;使设计作品散发出博大而包容的民族文化神韵;使民间美术的艺术形式,用现代技术来表现,富有传统神韵而又不拘泥于陈旧的格式,追求设计的新意而又不忽略传统装饰风格的体现;使传统的装饰艺术更富有韵味、现代味,为现代化陶瓷文化添加更多的民族传统文化魅力,更体现出一种民族自豪感。
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中国美术论文:中国美术馆的采光设计 美術馆的任务就是把美術作品真实、正确地供给观众欣赏。观众常常要在一件杰出的作品前面停留徘徊、细细玩味,研究它的造型、色彩和技法。如果光线不好,就会影响展出的效果,增加观众视力的负担。因此,无论从尊重艺術品或是关怀参观者来看,都必须保证馆内有良好的光线。 为了达到这一目的,消除展览室内光线不足或过强、反射、炫光等缺点,我们在着手进行美術馆的初步设计时,就对采光问题进行了研究,以求结合建筑设计及展览方式的特点,提出合理的断面形式,采取有效的光线调节措施。 就大家熟悉的国内外设计经验来看,顶窗采光是美術馆最常用的一种采光方式。它的优点是采光效率高,整个展览室内都能有充分而均匀的光线,因而展品的布置可以不受光照的限制,但只有单层的或顶层的展览室才能利用顶光,多层展览馆除顶层外,只能用侧窗采光。至于究竟采用单层还是多层建筑,这主要从建筑上各种因素综合考虑。 普通的低侧窗是在小型展览室(50~120平米)用的,这种采光方式的照度变化很大,如果房间进深大,则房间深处光线一定不足;在面对窗子的墙面上虽然能得到比较高的照度,但是窗子位置低、亮度大,窗子造成的反射炫光几乎是无法避免的。 为使房间内照度分布均匀,避免反射炫光现象,可以把窗子的位置适当地提高,这就是高侧窗采光。不过高侧窗也不是十全十美的,在只有一侧采光时,窗下布置展品的墙面处于暗影之中,和明亮的窗子形成强烈对比,容易产生炫光;观众站在离墙面较远的亮处,二次反射就十分显著。北京帅府园美術馆采用这种采光形式,直接观察和客观测定的结果都证明,采用这种采光方式如果处理不当,会产生严重缺点。当然,如果展览室两面都开高窗,两边墙面都能受到从对面窗子射入的光线的照射,情形可以好些,但是,如果房间跨度大而高度不够,也难免产生一些缺陷。 中国美術馆建筑设计的要求给采光带来了许多困难:一层和二层展览厅的跨度达20米,而层高却只有7米,展品又是用三线陈列的布置方式,这样的条件在侧面采光的展览厅里是少见的,因此,能不能保证展览厅内有必要的照度?如果层高确实受到限制,怎样才能避免反射和炫光?怎样才能得到合理的照度分布?一系列复杂的问题,要求我们做新的探索和尝试。 美術馆的光照要求首要的是适宜的照度,照度低了画面就会显得暗淡,细致的部分看不清楚;光线过强又会增加观众视力的负担,同时会把绘画的布纹、裂痕等过分暴露出来。据调查,适于观赏的照度至少在80勒克司以上,平均为100-200勒克司;根据当地的光气候条件,可以很容易得出应有的天然采光系数标准。在设计中,我们主要是根据对北京已有的几个展览馆的调查,并参照苏联标准,预先确定了如下的指标: e3——在观众眼睛的高度(距地面1.5米)垂直面上的天然照度系数;观众到展品的距离为画高的1.5-2.0倍。 达到这两个指标,一般地就可以避免和减弱二次反射现象,这样一来,墙面显得明亮,观众的注意力会自然地被吸引到墙壁上的绘画作品上去。这也是一种利用光学效果的建筑设计手法。 消除对观众视力最有害的直接炫光和反射炫光的主要措施是:把窗子布置在必要的高度,有大于14。的保护角,并严格防止阳光进入室内。室内有阳光,不仅炫目,增加眼睛的负担,分散观众的注意力,更严重的是会损坏美術品。 为满足上述光照要求,我们主要采取遮蔽窗子以减低亮度,并用调光装置调节光线分布的办法,来克服一般常见的光学缺陷,因为展览室跨度很大,靠加大层高来避免反射炫光是不现实的。根据计算,如果考虑画面倾斜10°,窗底所需的标高也要在8m以上,这不仅不经济,而且也未必能得到良好的光照质量。 在各种调光装置中,遮光片能起遮光、散光和改变光方向三种作用,是一种有效的工具。我们首先设想在窗下加一排向墙面倾斜的遮光片(图3甲),可以在视线范围内遮蔽窗子,也能把一部分光线反射到墙上去。但是这种简单的处理就好像火车车厢里的行李架,看起来令人厌烦。于是,我们就想用第二方案(图3乙),在展览厅的中央部分做成毛玻璃的吊顶,这对室内的建筑形式虽然有了改善,但是空调设备的体积庞大的管道却不好布置,而且玻璃吊顶的面积很大,在维修、清扫和构造上也诸多不便。最后,由于结构的原因要在室内增设两排列柱,我们就结合柱子把室内室间分成三部分,中间一跨的高度比两边提高一些,利用这个高差开一排小窗,使中间部分取得间接光线,两边靠窗子的地方在折光片以上形成了三角形的采光井,斜置的反射面可以向墙面反射光线,空调管道也有了比较妥当的位置。(图3丙)。 这个方案的意图得到建筑师、结构和设备工程师以及美術家们的共同赞许,但是光照质量能否达到预期的效果,还需要进一步实验;同时,开多大的窗子合适也没有现成的计算方法,要用实验的方法决定。为此做了一个1:4比尺的模型,模型内按照使用要求布置了绘画和雕塑,经过主观评价和光照测量,证实了这个方案的许多预期的优点:照度达到基本要求,光质良好(表4)。 这个方案在施工过程中,采光设备所选用的材料、作法和实验条件有一些出入(图4、图5),主要参数是:开窗面积率为1/4,镶单层5毫米厚透明玻璃;透光片是方形的,长、宽、高各80毫米,保护角45°,用白色塑料涂面层的三夹板做成;三角天井内的反射面水平倾角23°,涂白色油漆。 建成后,实际光照效果的测量结果和实验数据大体相近(表4)。主观评价认为展览室的光照条件合乎理想,布置展品的墙面上很明亮,由于折光片的多次反射,光线也柔和、均匀,消除了常见的反光现象,形成了适于美術欣赏的雅静气氛。 因此,我们认为,这种间接高侧窗采光方案在特定的条件下基本成功。它的特点有以下几个方面: 1.利用斜置的反光面和大面积折光格片把光线有效地反射到挂画的墙壁上,从而使光线分布合理。实际证明,由于反光面的反射,墙面上的照度增加1/3左右;在加了折光片以后,照度分布系数K由0,53提高到0.78,而k3则由2.0降低到0.91。避免了发射炫光现象。 2.技術设备层布置在和窗子相同的高度,节约了层高。 3.室内的空间富有变化,有利于建筑处理。 4.人工照明可以装在采光天井内,夜间可使展室内明亮而看不见灯具,而且获得和白天相似的照明效果。在建筑上也显得洁净。 大面积使用折光格片是一次新的尝试,目前还有一些缺陷,对于存在的问题,还应当做更进一步研究。 我们在现场实验和模型试验以后发现,正方形的折光片虽然能够扩散和反射光线,但对于美術馆还不是最理想的形式。从图6的实验数据来看,60°的折光片(向墙面倾斜所成的水平倾角)能得到最好的照度分布;墙面上的平均照度则以75°时最高。这是由于当折光片的倾斜角度改变时,投在受光面上的直接光和反射光的比例也会随之改变,直接光的比例愈大,照度也就愈高,所以,为了得到均匀的光照,把几种角度不同的折光片组合使用是有利的。方形折光片多了横向格板,也就相应地增加了光线在反射过程中的损失,因而即便在横隔墙上的照度,也低于用90°和75°的单向折光片。 为了使折光片表面的亮度均匀,避免在太阳高度角大于折光片保护角时,阳光射入室内,应该在窗子内侧设置反射能力好的遮阳板或采取其他有效措施。 在美術馆四翼的角厅和主体部分的三层用顶窗采光。因为顶窗所造成的水平照度高于垂直照度,所以也用折光片散射光线,以取得合理的照度分布,室内空间处理上也可以和高侧窗采光的展览厅取得协调。 顶窗采光的展览厅光线非常充足,由于开窗面积比高侧窗还大(1:2.9),所以实际照度水平大大超过高侧窗的展览厅’以至有些过亮了(表5)。看来开窗面积率可以减少一些。 顶窗呈三角形,采用5毫米厚的磨砂玻璃。窗子沿墙连续布置成带,以便在墙面上有均匀的照度,中央部分的顶窗按相等间隔布置,在展览雕塑时可以有比较好的效果。 从美術馆的采光设计中,我们感到可以总结出以下几方面的经验: 1.采光口的形式、大小和位置对采光质量有决定性的影响,因此,在初步设计时就应当充分考虑采光要求,慎重决定平面和断面形式。看来,美術馆最好用顶窗采光,在侧面采光的情况下,建筑跨度在10米左右比较适宜,否则就要采取适当的辅助技術措施。 2.折光片可以有效地改变室内照度分布,根据美術馆要求,应该选用60°~75°的单向折光片,其宽度及合适的分布位置最好通过实验来决定。折光片倾斜了,积尘的可能性也加大了,对面层材料的要求要更高些。大面积的方形折光片只适于在要求均匀扩散的水平照明时应用。如果把折光片按倾斜率的不同分成几条带,它的光照效果比较理想,但是建筑艺術效果如何,可能还须进一步研究。 3.在朝南、东、西开窗或开水平天窗的情况下应该考虑遮阳措施,或是采用指向性玻璃砖,使光线在投入建筑物之前先经过调整,这无论从完全防止直射阳光、降低或控制室内温度,还是从使透光天棚的亮度均匀来看,都是必要的,不过建筑物的立面造型处理就复杂了。 4.各展览室之间的照度不能相差太大,应该考虑到人眼的视觉特点,一般不应使观众由展览室内直接看到室外,以免由于亮度的强烈对照而引起炫光。特别对于外门的安排,在建筑布局上应该加以注意。 5.展览室内除天棚以外,墙壁和地面应该选择中性的、明度不大的颜色作为美術品的背景,在视野内有舒适的亮度比利用反射光更重要。 中国美术论文:走近中国美术的延安时代 在纪念同志《在延安文艺座谈会上的讲话》发表70周年的日子里,举办大型主题性展览,以回顾和展示70年来中国美术的历程,对于认识中国美术在《讲话》精神指引下所发生的历史性变化和发展,对于宏观地研究70年来中国美术在思想观念和创作方法上所形成的方向性特征,具有重要的现实意义和学术价值。70年的中国美术“从延安走来”,70年的故事也要从延安讲起,因此,中国美术的“延安时代”成为展览的序篇。在整个20世纪中国美术史上,延安美术具有独特的创造性文化新质,是革命美术发展的重要篇章,而更为重要的是,亲历过延安时代的一代美术家以及他们在延安的成长与战斗、生活与创作,都开辟了后来中国美术发展的新的征程。从策展团队的构思酝酿到专家研讨会上大家的建言献计,都一致认为,在主题为“从延安走来”的展览中设立“延安时代”篇章,是十分必要的。通过历史文献及实物,营构延安时代的艺术氛围,再现《讲话》发表的历史情境,将让人们走进美术的延安时代,认识延安美术的特征,由此进一步理解《讲话》的价值与意义。 在大型展览中运用文献资料形成展出作品之外的延伸阅读,是美术展览发展的新的特点。但是,在展览中专设文献资料篇章,则是一种新的尝试。美术学界近些年急切呼吁抢救和收集20世纪以来老一辈美术家的文献资料,让它们和美术作品共同形成“活”的美术史,就是因为经过战争和动荡的岁月,许多珍贵的史料或损坏遗失,或零星散落,或缺乏整理。因此,借这次展览的机会,对延安美术文献进行寻访、汇集和编排展示,是一次初步的开端性工作。通过那些已经变旧发黄的老照片,那些留有老一辈美术家手温的创作工具,那些当年的出版物、日记、手稿以及其他实物,美术上的延安时代开始变得清晰起来。 1938年以后,当吴作人等一批艺术家纷赴欧洲、美国学习西洋绘画时,在中华民族奋起的抗日战争全面展开之际,一大批文艺工作者们来到延安开展文艺创作与宣传,他们中有新兴木刻运动的健将,有参加过抗日宣传活动的骨干,也有从国外留学归来即投身革命美术的人才,构成了充满活力的延安美术工作者群体。曾经参加过“一八艺社”现已103岁的延安美术老人汪占非先生回忆说,他们当时在城市中到处奔走呼号,宣传抗战,但是受到反动派的强烈阻拦甚至迫害。为了团结更多的革命力量,为了实现民族的独立与复兴,也怀着和平与艺术的理想,他们最后都选择去往延安。在当时烽火硝烟的岁月,延安对画家们来说如同圣地和避风港,老先生向我们讲述延安时,不断喃喃道“到达延安如同回到故乡啊”。著名木刻家胡一川在日记里也记录了他到达西北时的心情:“我已经看到金沙帐,更看到了少鱼沟。你不亲身到西北来,是不知道西北的真正面目……金色的阳光毫无自私地照耀着任何一个处所,清新的空气更充满着任何一个角落,你可以挺着胸自由地呼吸。”在滔滔延河边,巍巍宝塔山下,在绵延无尽的黄土高坡上,满怀激情的美术家们开始了艺术人生新的征程。 当年的“鲁艺”(创建之初称“鲁迅艺术学院”,后改称“鲁迅艺术文学院”)校园如今依然保存着原来的面貌,带有五彩镶嵌玻璃窗的礼堂(原为教堂)在阳光下仍然映射出神圣的光辉,如果不是看到那些老照片和文献史料,任凭怎样丰富的想象力,都无法穿越历史的时空回到彼时当地,回到革命文艺的新起点上。“鲁艺”是延安文艺发展的第一阵地,被认为是革命文艺新的摇篮。1938年2月是一个重要的历史节点,、、林伯渠、徐特立、成仿吾、艾思奇、周扬等七人,联名发出“鲁艺”的《创立缘起》。《创立缘起》指出:“艺术——戏剧、音乐、美术”等是宣传鼓动与组织群众有力的武器。艺术工作者——这是对于目前抗战不可缺少的力量。因之培养抗战的艺术工作干部,在目前也是刻不容缓的工作。我们决定创立这艺术学院,并且以已故的中国最大的文豪鲁迅先生为名,这不仅是为了纪念我们这位伟大的导师,并且表示我们要向他所开辟的道路去踏步前进。此后,“鲁艺”逐渐成为延安美术发展的中坚力量,并对整个20世纪中国美术创作和美术教育产生深远的影响。 “鲁艺”建立之初,在教学上设戏剧、音乐、美术三个系,后增加文学系。1941年,改设戏剧部、音乐部、美术部和文学部,美术部下设美术学和鲁艺美术工场。其中,美术学课程分为必修、专修和选修三大类,教学内容既有马列主义哲学、政治经济学、艺术论和美术史论,也有美术基础课、写生课和创作课;教学美术工场则是一个综合性的机构,设有创作科、研究科、工务科,负责美术研究、创作和宣传,在创作科内设绘画、木刻、雕塑、工艺美术、建筑设计、摄影等小组,研究科设美术理论、技术练习、政治学习等小组,工务科包括工场管理,材料产品等小组。“鲁艺”的美术教育在教学内容、教学方法上所形成的新型美术教育模式既延续了先前的某些合理的因素,更有发展创新,而创新是本质的。在教学的组织系统上,“鲁艺”美术教育注重教学、创作、研究、制作各有分工,相互促进,其中最重视创作,这也是20世纪以来中国美术教育崭新的事物,因此,在延安奠立起来的美术教育模式成为后来美术学院的基本结构。此外,“鲁艺”还出版专门的校刊,及时反映创作成果,交流创作思想,构筑了较为合理的教学与创作格局。在以后的70年现实主义美术创作和新中国美术教育体制的建立中,都显示着“鲁艺”的影响,正如《成立宣言》所指出的那样,“一方面,我们的一切工作是为了抗战。另一方面,我们要在这些工作中创造的新中国的艺术。我们接受各时代的中国的和外国的艺术遗产,使新的中华民族的艺术更迅速地成长。” 以“鲁艺”为起点寻找延安美术创作的轨迹,可以发现江丰、古元、胡一川、彦涵、刘岘、华君武、力群、张仃等一大批斗志高昂、激情满怀的美术家的身影,他们将创作与革命实践相结合,研究与创作相结合,创作与技术制作相结合,以勤奋的劳动创作了大量作品。一方面,他们讨论美术创作的民族化、大众化等严肃的学术课题,留存至今的一些杂志上记录了当时热烈的学术论争,胡蛮的《论美术上的民族形式与抗日内容》、江丰的《绘画上利用旧形式问题》等讨论绘画的民族形式问题的专论在当时都产生了很大影响。另一方面,美术家们也深入到农村、工厂和前线,走进群众生活,积极吸收民间美的元素,特别是结合延安剪纸艺术创造了新的木刻语言,并成为20世纪美术史上的代表性图式。由此,延安的美术创作出现了“新鲜活泼的、为中国老百姓所喜闻乐见的中国作风和中国气派”。 延安美术的发展也与活跃的文艺出版事业紧密相关。美术家们印行了专门的画刊,也为各种文艺刊物作美术设计,如《前线画报》《战斗美术》《文艺突击》《中国文化》《文艺战线》等都留有他们的印迹。其中,《前线画报》创办于1938年,一直坚持出刊长达7年之久,记录了当时美术创作和研究的丰富面貌,在延安出版的杂志中,它的存在时间最长。这些杂志刊登的美术作品和文章成为人们认识延安美术的重要文献。此外,《新中华报》《解放日报》刊登的美术作品及美术研究文章,也是构成延安美术面貌必不可少的部分。更为有意义的是,在极为艰苦的条件下,延安仍然努力介绍和传播国外的优秀艺术,曾举办毕加索、柯勒惠支等外国名家的美术作品展,体现出宽阔的文化视野和面向世界的理想。同时,也成立了研究外国美术的社团,例如,“延安d.h.孚.宗版画研究社”就经常介绍欧洲版画及其技术。延安美术的活跃态势也引起了国际美术界的关注,当时的作品也被介绍到国外,20世纪40年代的美国《生活》杂志曾多次介绍中国的木刻作品。此外,1946年在美国出版的《黑白教职里的中国木刻集》,集中介绍了在解放区和国统区的木刻作品,该书的编著者巴克·皮尔(Pearl S.Buck)在序言中说,“这本书出版的木刻作品客观公正地反映了发生在中国的故事。令人感兴趣的是,木刻成为了首选的媒介,这是因为木刻与旧中国的木版印刷之间存在着一种关联,同时通过这些作品可以发现,年轻的木刻家们将一种源自西方的技艺成功地与中国木版印刷结合,并运用在表现中国的主题上,但从实际上讲,他们选择木刻这种媒介可能与油彩颜料和画布的极大缺乏有很大程度的关联。无论如何,研究这些木刻作品都是令人兴奋的,……整体上说,通过将这种高超的技艺媒介运用到适当的主题,它们表达了真实的感受。” 延安文艺的发展始终得到了以同志为优秀的党中央的关心指导和支持。对当时的美术创作给予了极大的关注,他曾多次邀约艺术家到枣园讨论美术问题,并通过与美术组织、美术家的通信、座谈,通过对美术作品的点评、指导,通过美术界多种会议和活动,发表了重要的指示和见解。例如,同志给刘岘的回信中写到:“我不懂木刻的道理,但我喜欢看木刻。刘岘同志来边区时间不久,已有了许多作品,希望继续努力,为创造中华民族的新艺术而奋斗。”另外,在看了“讽刺漫画”展览之后,专门与华君武进行了交谈。对整个延安文艺的关注和中国文艺的思考促成了那个历史时刻的到来。 1942年,当在延安的美术工作者们收到那张粉红色的邀请时,包括美术在内的延安文艺也开启了新的篇章。那是一份来自党中央的邀请函,而不是会议通知。对参加过座谈会的画家来说,这本身就是一种新的方向。1942年5月2日,延安文艺座谈会在杨家岭中央办公厅小会议室召开,会议上同志所作的“引言”报告简明扼要地讲述了召开座谈会的目的和革命文艺的重要作用,提出为了实现这种作用应该解决的五个问题:即立场问题、态度问题、工作对象问题、工作问题和学习问题,会议引发了空前热烈的文艺讨论,以至于到5月23日座谈会才结束。在发表的那么多会议讲话中,也只有《延安文艺座谈会上的讲话》被人们简称为“讲话”,它是珍贵的马克思主义的文献,在中国革命事业和中国文艺发展的进程中,永远闪耀着不可磨灭的光辉。 《讲话》延安美术的发展而言具有承前启后的作用,既总结了前面一段美术发展取得的成果与存在的问题,也为未来的发展指明了方向与道路,其中的理论思想时至今日仍旧具有重要的价值。在此后的日子里,《在延安文艺座谈会上的讲话》成为指引中国文艺健康发展的一盏明灯。在《讲话》精神的感召和激励下,包括美术在内的延安文艺形成了新的创作热潮。美术家们遵循《讲话》的精神,奔赴前线,深入敌后,走向部队和农村,反映根据地和解放区火热的生产生活和人民群众的精神风貌,在向民族民间艺术学习的过程中,形成了清新明快、让人民群众喜闻乐见的艺术风格,美术创作呈现出更加蓬勃发展的态势,展现出中国现代型态美术新的文化内涵。 中国美术论文:当代中国美术之南通现象 一向桀骜不驯的陈丹青在演讲中这样评价南通:“一座城市能够产生如此众多的杰出画家,实在让我感到惊讶和佩服。” 在十七至十八世纪间,南通出了两位著名画家,一位是李方膺,一位是丁有煜。 李方膺是当时极负盛名的“扬州八怪”之一,善画梅、兰、竹、菊,与其同时代的郑板桥曾以“束云归砚匣,裁梦入花心”的诗句赞其绘画的神奇和高妙。 和李方膺处于一个时代的丁有煜同样名噪大江南北,郑板桥曾数次来南通拜访这位与他一样以画竹子闻名的大师——之所以愿意屈驾,是因为在他看来,丁有煜笔下的竹子比他的飘逸、洒脱得多。丁有煜晚年号“个道人”,在他去世之后,当时的文坛领袖袁枚在南京惋叹:“个老亡,江北无名士矣。” 然而,在此后的近200年时间内,除吴昌硕的弟子王个簃之外,南通人在中国画坛竟整体归于寂寞。但是,到了当代,南通深厚的文化底蕴终于孕育出一大批成就卓然的画家,并且呈现出井喷的态势。 说到当代画坛的南通人,首先不得不提到的无疑是范曾。 1938年出生于南通的范曾于1955年考入南开大学历史系,1957年转入中央美术学院学习,1962年毕业分配至中国历史博物馆随沈从文先生编绘中国历代服饰资料。1978年调入中央工艺美术学院任教,1984年调南开大学东方艺术系任系主任。在这个喧嚣、浮躁的时代,范曾先生提倡“回归古典、回归自然”,身体力行“以诗为魂、以书为骨”的美学原则,开创了被称为“范曾的艺术”的“新古典主义”艺术。2006年,中央新闻纪录电影制片厂拍摄了纪录片《范曾》——那一年,作为中国文化的符号性人物,同时开拍的还有纪录片《梅兰芳》。 “胡润艺术榜”始于2008年,榜单内容为前100位中国在世国宝艺术家按照前一年年度公开拍卖市场作品总成交额的排名。“胡润艺术榜”的推出旨在为中国企业家提供一个艺术品收藏的标杆。几年来南通籍当代书画家频频亮相该榜。2012年,74岁的范曾以9.38亿元的年度总成交额蝉联艺术榜榜首,再次成为 “国画之王”。 在同一个艺术榜上,油画家中排名第一的是91岁的画家赵无极,他以6.1亿元的年度总成交额蝉联“油画之王”。 令人称奇的是,这位“油画之王”同样是从南通走出的艺术家。 1921年出生的赵无极在14岁时从南通中学考入杭州国立艺专(现中国美院),师从林风眠学西洋画,1948年赴巴黎继续深造。他早期研习意大利、荷兰和法国的古典绘画,并深受毕加索、马蒂斯和克利等西方现代派艺术大师影响,创作以人物和风景为主的具象油画。自1954年起,他的绘画转入抽象,类似于甲骨文或钟鼎文的抽象符号,浮动于虚无的空间和变幻的色彩之中,充满东方神秘的象征意味。以后,符号逐渐解散、消失,画面为自由的笔触和大片的颜色所代替。 深受中国传统文化熏陶的赵无极将中国哲学所特有的天人合一、虚静忘我的精神意境作了西方式的诠释,从而使作品始终洋溢着生动的气韵和东方气息。 赵无极曾获法国荣誉勋位团第三级勋章、国家勋位团第三级勋章、艺术文学勋位团一级勋章、巴黎市荣誉奖章等。2002年12月,赵无极当选法兰西学院艺术院终身院士。建筑大师贝聿铭曾这样评价:“可以毫不夸张地说,赵无极是当今欧洲画坛最伟大的艺术家之一。” 几乎与范曾同时走出南通的著名画家还有袁运甫、袁运生兄弟。 1949年,16岁的袁运甫考入杭州国立艺专,后转入中央美院,1954年毕业后至中央工艺美术学院(现清华美院)任教。 在温和、儒雅的外表下,袁运甫有着特立独行的性格。半个多世纪来,他在艺术创作上倾注了大量心血,力图在中国画和公共艺术创作上有所突破和创新。从庄严的人民大会堂、纪念堂、邓小平陈列馆、中华世纪坛,到城市地铁、公园、大型建筑等公共空间,袁运甫近30年来的作品无不向人们展示着他在艺术道路上的精益求精、孜孜以求。 袁运甫的艺术以乡土文化和东方传统文化为出发点,熟练地运用西方绘画——特别是印象主义表现手法,从现实社会中发现生活的美和美的规律,形成了中西合璧艺术风格的现代中国画艺术语境。 袁运甫的弟弟袁运生是南通第一个考上中央美术学院的学生,那是1955年的7月,他以第一名的身份被中央美院油画系董希文工作室录取。毕业后,袁运生曾在中央工艺美术学院、中央美院任教。 1979年10月,袁运生为首都机场创作的大型壁画《泼水节——生命的赞歌》完成,海外媒体称,“中国在公共场所的墙壁上出现了女人体,预示了真正意义上的改革开放”。也正因为如此,这件作品引起了一场轩然大波,反对者甚至将对作品的评价上升到了政治的层面,史称“机场壁画事件”。然而,多年以后,袁运生的机场壁画与他老师董希文的《开国大典》被艺术界公认为是建国后最重要的两件艺术品。 在中国当代中青年国画家中,范曾的侄子范扬无疑又是执牛耳者。现为中国国家画院国画院副院长的范扬有着深厚的传统根基,综观他的作品,不乏吴镇、王蒙的茂密深邃,更具赵孟頫、董其昌的沉稳雍容。他的山水画取法传统,却又不同于一家一派,有着鲜明的自身风貌:潇洒而能出尘,傲放而得沉着,淋漓而又劲挺,华滋而致清健。 评论界认为,范扬的画在形而上的精神气象上着力,在画格与人格上去俗亲雅,在道技兼修上更重悟道,因此,最能体现中国画学的精神。 著名美术评论家、中国美术馆馆长范迪安谈起范扬的绘画更是不吝溢美之词:在他的作品面前,可以真切地感受到他作画之际“情驰神纵、超逸优游”的状态——就笔墨的意态而言,他浓笔酣墨,落在画幅上皆成“文章”,显示出解衣磐礴的畅快,达到了通权达变的火候;就描绘的内容而言,他打通了山水、人物、花鸟原有的门类界限,只要面对自然,便能“临事制宜,从意适便”,信手拈来皆得理法,在散乱的节脉中荡起形象的生机。 袁运甫、范扬等也在胡润艺术榜上占据了重要位置。 中国古代绘画的艺术价值已经被前人推到了极致,因此,这些年来,国际画坛一直期待着中国的当代艺术能够对接自己的传统,并在传统之路上有所推进和再造——这样一个迟迟不能完成的任务终于因为有了南通人徐累和徐累作品的出现而得以实现。 中国美术论文:中国美术教育的现状及未来发展 文明从后现代艺术的此消彼长已经开始进入了一个新的尴尬时期——大师消失了。我们再也看不到亚里士多德、尼采或达·芬奇那样的人,甚至连格罗皮乌斯也离我们远去,可我们又没理由因此而怪罪自己亲手发明的新经济体制。值得当代中国人重视的是,市场经济的快速发展使人心浮躁,自身文化丢失以及对外来文化一知半解。但这对我们来说也是一个契机,我们开始反省自身的文化状态,重新发掘中国文明的内涵以及再次审视西方文化意识,我们和世界重新站在同一个起点,而目标就是重新建立一个可以出现大师的环境,而这个建造过程的优秀环节也就是本文所要论述的重点——美术教育。 一、什么是美术教育 美术教育是一种制度,在这一系统下,培养出更多的艺术家,但这一制度在不同时期也是可变的。从古代的师徒模式到近代的学院制,这种制度通过变革延续了自身的存在。在大学美术教育中,从事美术教育的人一般都具备两种身份——艺术家和教育者。一个教育者首先应该是一个艺术家,他对世界有着自己的看法,对艺术有独立的评判;其次他也是一个教育者,为自己的学生提供自己的经验和观念作为他们在艺术活动中成长的参考。需要强调的是,教育者自身的构成基础是艺术家,优秀是教育者,这两种身份的价值是并存的。 作为一个真正意义上的美术教育者,他的职责在于牺牲的勇气,以肯定的方式教育年轻人正确地分辨艺术的价值,甚至可以为了自己的观念去否定以往的经验以及价值,这就需要一个艺术家不仅具备专业水准,更要有一个堪称典范的人品。 二、中国美术教育的现状 中国自五四新文化运动开始引进西方美术教育制度,这也是现代中国美术教育的开端。在制度更迭之际,中国人的救亡图存也直接导致美术教育跟随社会文化范式的变迁而变迁。新中国成立后,中国美术教育在废墟中移植了一套全新的模式,但随着市场经济的逐渐平淡稳定后,教育者们却发现了一个尴尬的现象:在这个平稳的时期,很多艺术家都养成了一种思维定式,即接受国外的艺术思想,缺乏思考与解构的能力。思维空白已经是艺术家感到无奈的事实。学院内的教育者不仅发现了中国美术的残缺状态,更要面对大学教育制度下来自管理体系的压力。教育制度的变质最直接的受害者就是年轻的学生。中国的大学扩招使得更多的学生选择了艺术专业,社会矛头直指美术教育。 三、中国美术教育的发展方向 虽然当代中国美术教育已经伤痕累累,但值得庆幸的是还有一部分教育者在坚持美术教育的初衷,他们更多接收及时的对外信息并思考、批判地理解,在基础教学外增加开发学生创造力的教学方法。这已经足够预兆一个新时代的开端。 在当代中国美术教育中,设计教育的革新最为突出。正如工业革命后设计的出现宗旨一样,它更接近于应用,与社会接受能力最大限度调和,也正是这种特性使得设计教育率先改革,教育者们意识到他们没有像绘画那样宣称艺术的精英属性的借口,设计首先是为应用而产生的,大学越来越多地邀请从业设计师授课,使得设计教育更具时效性。 美术教育的其他门类也面临同样的问题,年轻的学生们最大的压力就是生存,4年的本科教育能否完成这些教育者最迫切的愿望。当代中国美术教育的任务也以此为开端,已经存在的教育制度和教育模式不可能被瞬间改造,这可能是一个需要投入几代人的努力的过程,而首先要做的就是接受真正来自当今社会的信息。中国的学院教育需要更多的社会实践转化成学术成果。 目前的设计实践中,以靳埭强先生为开端的一批设计师已经开始着重发掘中国本土艺术语言的尝试,他们在实践中不断尝试这些文化符号的重新应用,甚至打破原有的设计与绘画的分科,这种学术尝试显然对起初的造型艺术是一个巨大的冲击,但这也确实带动了学院教育进行新的变革。在未来,中国教育将首先使年轻的艺术家生存下去,给与他们更多的“儿童般的自由”和人文关怀,而后才能真正诠释本土艺术的内涵。 四、新教育精神下的教育方法 任何艺术创作或艺术教育都是时代精神的写照,它无法回避与时代的血肉关系。这首先是对教育者的要求,成功的教育应该是在不断的突破之间完成的,教育者必须使学生清楚地知道当今社会美术思潮的最新动向,基础训练应被保持在最低限制的分量上。美国有一位教授曾经让学生在破烂不堪的纸上做素描练习,在我看来,这类方法完全可以使学生清醒地意识到基础训练在整个美术教育中实际的位置和作用。我们更应当明白,基础训练不是一个阶段或是整体中的一部分,而是伴随人终身学习的最重要组成部分。这样,人才能清楚地认识到自己。 事实上,美术教育应该是打破现有学科分类的,用各种方法来完成视觉艺术基础课的尝试,向学生提供社会方向的课程参考议题:生命、生存、人格、疾病、微距、信仰、文化、战争、生态、自由、地球等。学生的作品不仅仅是为了符合某种形式、技术和私人的情感价值的需要,更重要的是和社会议题进行直接的沟通和对话。中国高等美术教育的优秀是文化教育,而非单纯的技术培训。还有就是激发学生的创造力,在对社会进行思考后,不局限于绘画技巧或设计语言等的分类,甚至尝试新的视觉元素的创造来表达自己的感受。 只有这样,才能真正发挥教育体制的作用,造就出懂得独立思考而又不惧怕时代的艺术家。 作者单位:东北师范大学人文学院设计学院 中国美术论文:中国美术史研究中文献系统与图像系统二重关联问题 摘要:中国美术史研究将美术史的性质归列到历史学的范畴,其目的在于重构美术历史。美术史研究应以图像为主干,尽力摈弃以文献为主导的研究格局。但在实践中,对图像的解读仍需依凭文献的记载,形成了文献系统与图像系统的既相互契合又相互悖离的二重格局。在“昭君出塞”这一典型个案中,历史记载与故事传承这一文献系统直接诱发了其图像系统的产生与形成,同时图像系统又极力超越文献系统形成的思维定势,产生新的图像系统格局。在中国美术研究视域中,这种文献系统与图像系统的二重关联是一种普遍现象,值得认真研究。 关键词:中国美术史;历史研究;文献系统;图像系统;昭君出塞 对于几乎每一个美术史家而言,他们都包含着许多重要的、潜在的“已有观念”。这种“已有观念”是一种知识体系的先验存在。这种已有观念虽然可以通过某些图像系统获得,但是,毫无疑问,其绝大部分是通过文献系统获得的。对于美术史研究而言,图像系统是其研究的主干,图像的色彩、绘画技法等因素是其研究的根本对象,美术史学的研究回归到图像本体上来,才是美术史学研究的目的。但是,长期以来,由于图像复制的困难及图像独立审美功能的缺失,图像在真正的美术史研究中所处的地位相对尴尬。因此,还原美术史研究视域中图像系统应有的地位,结合文献系统与文图关系的实际,方是美术史研究应有的立场。有鉴于此,本文以“昭君出塞”这一典型个案为中心,探讨中国美术史研究中的文图关系,以期为中国美术史的研究提供有益借鉴。 一、文献系统:“昭君出塞”的历史记载与故事传承 “一去紫台连朔漠,独留青冢向黄昏。”(杜甫《咏怀古迹·其三》)王昭君当年出塞和亲,而今在茫茫大漠上只留下矗立的青冢,她的哀婉、悲怨以及为国为民的大义成为两千年来文人题咏与画家刻绘的重要题材。在此过程中,围绕王昭君的出塞,衍生出各类不同的民间传说、历史故事与文学创作,呈现出内容不断丰富,情节不断延展,形式不断变换的状态,形成了独具特色的多种文献系统。 一是历史文献。昭君出塞和亲,是正史载记的真实历史事件,有历史文献的依据。根据班固《汉书》的《元帝纪》和《匈奴传》的记载,王昭君,名嫱,字昭君,西汉南部秭归人。王昭君本是“良家子”,汉元帝时被选入宫。竟宁元年春正月,匈奴呼韩邪单于入汉朝见,请求与汉朝和亲。汉元帝将“待诏掖庭”未被皇帝御见的宫女王昭君赐给呼韩邪单于作为阏氏。建始二年呼韩邪单于死,前阏氏子代父立为单于。王昭君依照当时匈奴的习俗,嫁给后单于。这就是昭君故事的简单史实。 其后,南朝刘宋史学家范晔撰写《后汉书》时,又在《南匈奴传》中写入王昭君的事迹。他在史书中明说:“呼韩邪来朝,帝敕以宫女五人赐之,昭君入宫数岁,不得见御,积悲怨,乃请掖庭令求行。”也就是说,王昭君因入宫多年未得皇帝恩幸,而主动请求去匈奴和亲,并非《汉书》所言被动地被汉元帝赐给呼韩邪单于。《后汉书》不仅写明王昭君的态度和心理,而且对她的仪表也有生动的描绘:“呼韩邪临辞大会,帝召五女以示之。昭君丰容靓饰,光明汉宫;顾影徘徊,竦动左右。帝见大惊,意欲留之,而难于失信,遂与匈奴。”在这里不但有对王昭君容貌衣饰、风采仪态的描绘,同时也描述了汉元帝欲赐不忍,欲留不能,既爱怜昭君国色天姿,又不肯失信于匈奴的矛盾心理。此外,《后汉书》还交代了昭君在呼韩邪单于死后,不愿嫁给继任单于的继子,曾“上书求归”,但“成帝敕令从胡俗,遂复为后单于阏氏”的情形。 由上可见,《后汉书》所记载的昭君故事,已经不像《汉书》那样简略,可能吸收了部分民间传说,而且加上了一定程度的文学描写,王昭君已初具悲剧人物的雏形。 东晋葛洪所撰《西京杂记》也记录了王昭君的事迹。与《后汉书》相比,《西京杂记》的杂史记载更具传奇色彩。在此书中记述了王昭君之所以多年未被元帝宠幸的原因:“元帝后宫既多,不得常见,乃使画工图形,案图召幸之。诸宫人皆赂画工,多者十万,少者亦不减五万。独王嫱不肯,遂不得见。”于是,王昭君故事中又增添画工索贿的情节。及至“匈奴入朝,求美人为阏氏,于是上案图,以昭君行。及去,召见,貌为后宫第一;善应对,举止娴雅。帝悔之,而名籍已定。帝重信外国,故不复更人。乃穷案其事,画工皆弃市,籍其家,资皆巨万”。被斩画工共有毛延寿、陈散、刘白、龚宽、阳望、樊育等六人。 二是音乐文献。与《西京杂记》几乎同时的音乐文献《琴操》一书中也记载了王昭君的故事,与《后汉书》、《西京杂记》相比,《琴操》虚构成分更多。其中最明显的一点便是,该书记述王昭君不肯依“胡礼”再嫁,“乃吞药死”。这是从封建礼教的贞操观念出发,对《汉书》所载王昭君史实做出的重大改动。此外,《琴操》还写王昭君死后葬于匈奴境内,“胡中多白草,而此冢青”,交待了“青冢”这一说法的文献由来。 王昭君出塞事迹与音乐文献关涉的,还有创作于《西京杂记》与《琴操》之前的西晋石崇的《王昭君辞》,在该辞序文中,石崇曾说:“王明君者,本是王昭君,以触文帝讳,改焉。”为避晋文帝司马昭之讳,王昭君从西晋始又被称为明君或明妃。石崇还写道:“昔公主嫁乌孙,令琵琶马上作乐,以慰其道路之思,其送明君亦必尔也。其造新曲,多哀怨之声。”从此,王昭君又与琵琶结下了不解之缘。 至此,在历史文献与音乐文献系统中,后世昭君出塞故事的所有元素均已基本具备,如入宫、不见御、画工毛延寿索贿、昭君心存怨恨、和亲、再嫁、思乡、琵琶、青冢等,一个比较成熟的故事开始形成。加之魏晋南北朝时期,南北分裂,国势颓败,北方边疆又饱受异族侵扰,许多家庭离散,不少人被掳而离开家园,在动荡中惨死他乡。所以,王昭君的命运便得到民众的深切同情,他们纷纷在昭君故事中倾注他们自己的爱憎,从而使昭君故事得以广泛流传。 三是文学史文献。到了唐宋乃至元明清时期,昭君出塞的主题元素又屡屡被文人利用,并以诗歌、小说、戏剧的形式敷衍传承。唐宋时期,包括李白、杜甫、白居易、欧阳修、苏轼、王安石等人在内,几乎所有著名的诗人,都有歌咏王昭君的诗作。与此同时,《王昭君变文》为后世昭君故事小说化开了先河。元明清时期戏剧的隆兴,使昭君出塞的故事又被大规模地搬上了戏剧舞台。据《录鬼簿》载录,元有关汉卿《汉元帝哭昭君》、吴昌龄《月夜走昭君》、张时起《昭君出塞》杂剧,皆已亡佚。现存剧作只有马致远的《破幽梦孤燕汉宫秋》。马致远的《汉宫秋》是一部著名的悲剧作品,也是昭君出塞故事系列中最有影响的文学作品,同时也是迄今为止能见到的最早的昭君戏。这部杂剧集中了前记小说、文人诗词和民间讲唱文学的成果,根据时代的需要,使昭君出塞故事有了重大的发展。明代以昭君出塞故事作为题材的剧本有陈与郊的杂剧《昭君出塞》(现存《盛明杂剧》本)、无名氏的传奇《和戎记》(现存明万历年间金陵富春堂本),以及《青冢记》三种。清代以昭君出塞为主题的戏剧有尤侗的《吊琵琶》杂剧、薛旦的《昭君梦》杂剧等。不过,明清时代,昭君戏曲虽广为流行,但多歌颂昭君与元帝爱情,昭君自杀,既为朝廷殉身,又为元帝尽节,这些戏曲主题统一于爱国、忠君观念中,皆与史实背离。独《昭君梦》,以梦境结构全剧,并遵照史实令其和番,下嫁呼韩邪单于,与众剧迥异。 谈美术批评与中国美术主体精神的建构 在有关中国美术主体精神建构的讨论中,美术批评的地位不容忽视。从宏观层面上看,美术批评在美术史的“形状”的塑造上起着举足轻重的作用;从微观层面上看,美术批评是某些艺术家、艺术流派在特定艺术风格、美学思想甚至技术手法的探索和形成上的重要幕后推手。如在西方美术史中,18世纪法国的狄德罗对夏尔丹和格瑞兹的积极评介,19世纪英国的罗斯金对拉菲尔前派的热情支持,20世纪荷兰哲学家苏恩梅克尔(M.H.J. Schoenmaekers)对“风格派”的影响,都是“批评”深度参与“创作”的实例。 从根本上讲,美术批评的作用不在于片面地表达支持或反对,也不在于就作品的题材、内容或图式、色彩、技法等视觉要素进行文学式描述或哲学式阐释,而是在于“发现”作品具有的审美气质、追求的文化品格、传递的价值观念等,从而帮助作者理清思路,使其更明确地意识到自己想要表达什么,以及为什么要表达、如何更好地表达等问题。在国外艺术资本翻云覆雨,艺术创作以迎合市场为时尚,批评话语严重西化的当代中国,具有鲜明中国文化立场、坚持民族审美观念的美术批评的在场显得尤为迫切和紧要。换言之,批评家积极地参与,而不是被动地跟风,清晰地表达,而不是暧昧地声援,对于当代中国美术主体精神的建构具有的重要意义不言而喻。相应的,这对美术批评家提出了更高的要求。 首先,美术批评家应具有深厚的中国传统文化的修养。它一方面体现在对民族传统文化怀有真挚的情感,另一方面体现在重视对民族传统文化的学习。对于美术批评家而言,学习传统主要体现在对中国美术史的学习。这种学习是对中国古典绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术等方面的史实,以及其基本发展脉络、审美判断标准、优秀价值观念等知识有深入、系统和全面的学习与掌握,而不是浅尝辄止、临渴掘井式的功利主义使用。除此之外,对中国古典文学、诗歌、音乐、戏剧、陶瓷、园林等方面的知识也应该有所了解。因为中国艺术精神并非单纯地在蕴含绘画和书法艺术中,而是渗透于中国文化浸润下的所有实体器物和精神产品中。归根结底,学习传统的目的在于涵养和陶冶一种中国的格调与气质,建立对本民族文化的深刻自信,从而在美术批评活动自觉做到两点:一是用中国的艺术审美标准与文化价值观念评价和衡量中国的美术作品,即“以中国解释中国”;二是能够站在中国的文化立场对西方的美术做出独立自主的阐释,即“以中国解释西方”。 其次,美术批评家应对西方美术史、重要文艺理论及哲学观念有比较深入的了解,其中要特别重视对西方美术史的学习。只有完整地了解了西方艺术的发展历程,才能全面、客观地看待面貌多样、良莠不齐的西方现当代艺术。至于西方文艺理论及哲学观念,最重要的是要做到“消化”和“吸收”,而不是囫囵吞枣、断章取义。“向西看”的目的有两个:一是在美术批评活动中习惯于把西方美术置于西方特有的文化情境与历史语境中予以认识和考察,而不为其表面的主题、形式、材料、技术的创新所遮蔽;二是能够从西方的视角观察和反思中国的美术及其在“世界美术史”中的价值和地位,从而更加坚定对其未来的信心。另外,美术批评家还要对西方的政治、经济、社会体制有比较深刻的认识和了解,对西方的文化输入策略,以及国际艺术资本背后看不见的政治经济利益之手,保持清醒的认识。无论官方还是民间,西方各类艺术机构在展览、收藏、拍卖活动中或多或少都有着政治的考量,并非如其宣传的那样赞助具有普世价值的人类艺术成果。在这方面,英国记者弗兰斯·桑德斯(Frances Stonor Saunders)的《文化冷战与中央情报局》(《Who Paid the Piper?: the CIA and the Cultural Cold War》)值得阅读。该书通过大量鲜为人知的历史档案,揭示了美国政府在冷战时期大力赞助艺术以助力意识形态斗争的真正目的,这对我们认识当代西方艺术资本的本来面目不无帮助。 第三,美术批评家应具有历史责任感和使命感。具有崇高历史责任感和使命感的美术批评家在研究和写作中不仅要对作品负责,对艺术家负责,更要对中国文化负责。党的十七届六中全会审议通过的《中共中央关于深化文化体制改革、推动社会主义文化大发展大繁荣若干重大问题的决定》提出,文化是一个民族的精神和灵魂,是国家发展和民族振兴的强大力量。在当前和今后一段时期内要推动文化大发展大繁荣,提升国家文化软实力。总书记在中国文学艺术界联合会第九次全国代表大会、中国作家协会第八次全国代表大会上的讲话强调,广大文艺工作者要始终坚持正确方向,更加自觉、更加主动地承担起用社会主义先进文化引领社会进步的历史责任。作为文艺工作者群体的重要组成部分,美术批评家要顺应时代要求,立足优秀民族传统文化,以开阔的视野和无私的情怀,扎扎实实地研究真正具有中国精神和气度的优秀画家、雕塑家、建筑家、设计师、工艺美术师和民间艺人,把他们推介出来,使之成为建构中国美术主体精神伟大事业的领导者和生力军。 中国美术主体精神的建构固然需要美术批评家的努力,但国家的支持也是不可或缺的重要因素。回顾新中国美术史,国家在美术创作领域从来都是强有力的推动者。如始自1949年的“全国美术作品展”以部级的标准深刻塑造了新中国美术史的面貌,培养和成就了一大批杰出的美术家,直到今天还在发挥着无可替代的美术创作风向标的作用。继2005年由、文化部和财政部投入亿元巨资主办的“国家重大历史题材美术创作工程”之后,2011年底,中国文联、财政部和文化部又启动了“中华文明历史题材美术创作工程”。与国家对美术创作活动持续和强劲的赞助形成鲜明对比的是,国家还未曾主办过一次部级的美术批评或美术理论方面的奖项评比活动,这不能说不是一个缺憾。视觉艺术的历史需要作品实体,更需要批判性思维的参与、支撑和引导。当国家吹响文化大发展大繁荣的号角之时,希望有识之士能呼吁建立类似“国家美术批评基金(奖)”之类的奖励和赞助机制,从国家层面对美术批评家和美术理论家的研究和写作提供支持,从而兼顾创作和理论,推动新形势下美术事业更好的发展。 中国美术主体精神的建构不是一蹴而就的事业,其目标在于建立和完善中国美术价值判断的尺度,使中国的美术具有中国的精神气质与文化品格。就美术批评而言,其优秀内涵在于,不再以他者的标准为标准审视和衡量中国的美术,拒绝成为他文化的点缀和附庸。 (作者单位:商丘师范学院美术学院) 中国美术论文:当下中国美术教育发展面临的问题 教育学科在中国不过两百余年,借道日本取法“西洋”,后又由“中道”日本转向“直捷”西方。教育著述也是由先编译后编著的路线,中国教育学科是“西学东渐”的产物,是在译介西方教育学科的过程中形成的,本文从学院的学生、教师、评价体制包括作品评价、美院教育与师范教育来探讨中国美术所面临的问题。 拔苗助长的考前美术教育 青年人是早上七八点钟的太阳。而我们的太阳,考前的考生们却在不断训练概念性的考前素描中抹杀了学生发现自然的能力,使学生训练了一套“好活”,从而失去了自身发现世界的眼睛。最好的年龄,最有发展的年轻人只为功利考学,在不断的考前重复的概念性的训练中葬送了自己本有的敏锐的洞察力与感受力,而现行的素描、色彩、速写的考前模式与中国自身美术观念没有任何关联,也就是说我们为这样的考前培养模式培养出来的几代人的将来艺术前景堪忧。 大学本科的教育问题 1.美术教育没有自身的教学体系。现今的学院教学是百年前引进西方的学院的写实造型、写生训练并借助民族传统形式与材料加以表现,逐渐形成了临摹、写生、创作的中西结合谱系,现今体系与百年前学习西方的体系的并没有太多改进。体系落后,方法老化,专业教学与史论教学互不相干,没有产生互渗关系,中国传统画论美学更没渗透到艺术理论的教学中,美院之所以比其他综合类美术大学“好”,主要是靠美院有一批名师,而不是美院的教学体系。 2.重“技术”的培训,不重“人才”的培养。大学是培养“人才”的地方,其次才是专业或技术。现今的美术学院是“技术学院”,是“绘画技术”、“雕塑技术”、“设计技术”、“计算机技术”学院,仅是技术的训练,也提高不了学生的素质。再加上学生高中之前及家庭教育的综合素质没有跟上,想在大学提高,只是天方夜谭。 叶圣陶说,若有人问我干什么,我的回答是“帮助学生得到做人做事的经验”,我决不说“教书”。大学教育是“人”的教育,而不是“技术”或“职业”的培训地,也就是说,即使你毕业不从事你的专业,你也能很好地完成、做好你所想做的其他行业。如果在成长的过程中你没有完成自我的人格与意志品质等,你不但本专业学不好,更干不好其他专业,那么这样的结果必会为社会造成后患。这种教育不只是大学单方面能完成的,它需要我们的社会、家庭、学校及本人共同完成。 硕士、博士泛滥 盲目的提高学历层次及社会对学历的需求造成了硕士、博士泛滥,出现了绘画水平硕士水平比不上本科生,博士水平比不上硕士生。实际上美术学博士原本就是以理论研究为宗旨的。 现今,艺术升级为一级学科门类,全国美院或地方院校拼命争设博士点,许多并不够条件的也在争抢这份“羹”,又并不是从事理论研究的人员也能享有“博导”的头衔,这样的“博导”在制造一批一批怀揣着不同目标的“博士”们。官方高举引导名利的大旗,并设定了名利等级,高等美术教育便成为了集体追逐名利的竞技场。 不规范的评价体系 1.学科、教学评价体系。以往美术学在学科制度上一直在“文学”门类下作为三级学科方向,而中国的教育是起步是引进西方的,现在艺术学科升级,各方面也都是在探索过程,关于学科评价建设还没有形成一个行之有效的合理的现行方式。要建构中国自身的教育谱系,艺术理论思想与有系统的教育教学观念、方法、目标,有与之配套的实践教育系统。教育教学成果如何评价?教师的创作成果、设计作品,靠获奖。学生的成绩如何评价?靠分数。 2.职称评定体系。这是一种不平和的体制,休想让教师清闲,大学教师的任务繁重,要教学,要教好学,又要搞好“科研”,“科研”这一词界定本身就存在问题,艺术家要搞“科学研究”?“体制”希望大学教师:(1)有出色教育教学能力;(2)又要有超群的外语水平;(3)还要有顶级的绘画水平;(4)还要有“高级”的“学术”水准,要求教师要在部级优秀期刊,或者CSSCI的期刊上,才算有学术水准;(5)要有“科学研究能力”在职称评定过程中要求美术教师要有省级或者部级的“项目”方可符合所谓的相称的职称。 教师大量的时间忙于论文、项目及参加美协的展览活动,自由的时间被迫出卖。无欲则刚,给教师更大更多的自由空间,让高校美术工作者静下心来做事吧! 3.艺术创作评价体系。中国近百年美术评价体系也是西方的,又是在浅层的画面制作效果或工作量多少来“计算”作品的“优劣”。国家展览给艺术设定了错误的目标与错误的导向,展览多是虚假的矫情之作,没有深入骨髓的真正的现实主义作品。更见不到也不存在传统中得“逸品”的作品了。现今,急需建立一整套符合自身文化传统的美术作品评价体系,即不同于传统又不同于西方,要引导提倡创作符合中国自身审美要求的有相当艺术格调与境界的美术作品。 学科与职称评定的结果:1.对高校教师的身心压力;2.忙于职称,疏于教学;3.为社会制造更多“著作”、“论文”垃圾;艺术评价的结果是为社会制造了一批虚假的“大垃圾”。 给九大美院自由,他们自身更懂得评定体系。下属师范类院校及综合性大学,定位要准确。 研究学术需要评定吗?学术研究首先是自身的爱好与兴趣,再加上自身所具有的使命感与责任感才能做好学术研究。它不需要哪个单位或机构来评定这属于什么。不能一味地追逐而要问为什么追逐?大学沦为了实用与适应主义,变成了世俗化与功利化的场所,大学应是培养精英的地方,是引领而不是去盲从。康德认为艺术和审美具有超越功利性的“自由”秉性。太多实用与现实而缺少精神,缺少那自强不息的“富贵不能淫,贫贱不能移,威武不能屈”的“大丈夫精神”,这也正是我们的“大学精神”。 师范教育的问题 师范类学校过分强调专业教育,而教育应把培养目标确立明确。 课程设置不合理,教学内容陈旧,没有教学法。高等师范类美术教育从课程设置到教育实习都与中小学美术教育实践相脱节。一方面是高校本身的问题,另一方面是中小学的问题,中小学、高中对美术教育不重视。美术在中小学不能得到健康正常的发展必将影响将来的发展前景。现今美术被升为了一级学科,是否在中小学中,美术也可以从“副科”升为“主科”呢? 师范类院校培养目标应该明确:为中小学培养优秀的教育人才,而不是把目标定的跟美院一样,大学教育有其共同性和一致性,但各个大学办学应该有自身的特色,更应该发挥自身的地域及历史文化优势。 解决的出路 1.爱好从小培养——兴趣是最好的老师。 美育可救国,从幼儿园开始着手对孩子进行美育教育,小学、初中、高中要逐步加强,而不是到高中学生学习成绩下降了,那么赶快学美术吧,家长、学生都有这种心理,学生不爱自己的职业,没有兴趣一定学不好。米开朗基罗十三岁进基兰达约工作室学绘画,老师认为他学晚了,毕加索十三岁的素描作品已经相当于世界级大师的水准了。艺术是一个高尚而崇高的行业,不要玷污了她,想要成才,爱好是最好的老师。 2.大学前的多样化的学习,国画、版画、油画、雕塑、设计等要在考前有相当的基础与熟悉程度,而不是到大学毫不知其主业为何物。 3.建立“大美术教育”系统。 中国美术教育从小学、初中、高中到大学是一个应该是一个连贯的完善的自成系统的整体体系,一环扣一环形成一个连贯的培养计划。而现今,这几个环节互相并没有干系和联系,更没有形成一个系统。 小学、初中、大学他们之间要形成一个纽带,他们之间要建立一种纽带关系。如果形成一个“大美术教育”的系统,那么美术人才会从小学或幼儿开始就会有一个很好的健康的起步,通过初中及高中的逐渐的美育培养,学生的艺术素养和实践能力绝非今日的考前一两年所能企及,那么大学美术教育就自然可以想象。 中国在两千余年以前就有自己的教育思想,但现今美术教育没有形成一个完善的中国自身的体系,这需要一批人或几代人来不断地完成。发现问题是未了更好的解决问题,我们期待着中国美术教育不断前行,它会不断完善。 作者单位:西安美术学院中国画系 陕西西安 中国美术论文:中国传统文化在当代中国美术创作中的运用 改革开放以来,随着物质生活慢慢的提高,更多人需要的是精神上的生活,作为艺术创作也慢慢进入了思想的潮流当中来了。把人们从理想化的想象带入到了视觉上的审美当中来了,更具民族精神状态。国内许多艺术家现在都着力去探索与研究着中国传统文化在当代美术创作中的体现与运用,最具代表性的如吴冠中先生,他的作品体现特具民族气息,用当代西方油画语言来表达中国传统文化,提倡并推崇了中国文化,具有夸时代的意义,再如,徐冰的烟草计划,展望的假山。又如,周春芽的桃花系列,都体现了中国颇具特色的文化,从艺术创作方面来体现中国传统文化,并受到世界大众的关注与认可,它使中国当代绘画走上了一个更高的台阶,从这一点能说明中国传统文化在当代中国绘画艺术中具有意义的,值得我们去研究与发展。 在当代画坛里有很多艺术家都在把中国传统民族文化在绘画上的体现也做的非常的好,强有力的展现出作品的极大魅力。正如“吴冠中先生运用当代艺术的综合性创见解构了中国传统的艺术形式,从而独树一帜。从吴冠中先生作品丰富的意象表现中,既有中国传统绘画风格内涵,又有中国传统艺术的时间与空间、动态与静态的文化内蕴,在他的后期绘画作品当中并以意象的符号重构了中国传统艺术的现代意识和当代性,阐发出时代的强音 。说到蔡国强的火药,使他在当今世界艺坛无非也享有盛名,也是我们年轻一代的艺术追求者应关注并了解的对象,他的艺术语言,很明显具有很强烈的民族气息,作为四大发明的火药,他以它来作为绘画表象的主题,具有很强的民族意义,整个创作作品的场面气势压人,颇具东方气息,一见其作品就让人震撼与兴奋,他让火药再一次让世界所认识。再一次说明了中国民族文化在世界的地位与所做出的贡献。为世界的发展具有不可缺少的意义。作为艺术家就应该为民族文化做一份自己的努力。 看看我们生活的每一个角落,不得不让我们反思传统文化何去何从?面对外来文化的冲击,我们自身的文化已经失去了很多很多。从古至今,中华民族遇到过多少次的入侵?但是从来没有被征服过!那是因为我们有一股韧力,很强的抵抗力量,——民族传统文化。然而它却在渐渐流失。这不能不让人深深忧虑,如果当我们再一次面临武力或是文化入侵时,我们是否还具备极强的抵抗力? 现象实在严重。现在发出此呼声意识到此现象的人确实不少,但是只是都停留在喊叫声当中,能意识到问题的却往往缺乏解决问题的能力,在此我们来看看吴冠中先生,吴冠中先生就在努力的付出他实际的行动,以他个人微薄的力量通过绘画的形式去提倡传统文化。?他的绘画在后期有人说呈现出来的是绘画功底薄弱,而没有真正的去反思其真正的意义价值,这是当今所谓一些美学评论家的一种悲哀,我只能在此对他说说的说上两个字“无知”。个人觉得他后期的绘画,越来越倾向于人文价值、审美熏陶等方面,它却可以让一个人受益一生。 他的提倡也许仅仅只是表现在美学方面的传统文化,但这可以使我们意识到传统文化的其他方面,指得是其中适合人性、社会的理性部分,我们应该做到下一代从意识形态方面意识到对社会的关注、对家庭的责任、对自我的认识、对人性的尊重、对师长的尊重,应该具有为人处世恻隐之心,应该具有对民族忧患意识,应该具有赤子之心,应是一个立足与中华民族文化为基石的具有改造社会,改造自我改造世界的有能之人,以正直、宽容、大度、睿智、善良、仁和的形象立于世界民族之林! 吴冠中先生传统文化的倡导在绘画当中对于我也有着及其深刻的影响,它让我从思想上自身本质的本族民族文化能通过绘画艺术的体现形式来表达自己的情怀,在新世纪中国美术已面对着和上世纪八九十年代完全不同的文化形式与状态下,这意味着新时期美术已经进入世界当代多元文化格局中,对于民族艺术的自觉和民族艺术的当代性以及民族艺术在当今世界文化格局是否占有一席之地有着重要的意义。在这种世界文化多元化的格局中中国美术界教育界以及审美界应着重探索和研究中国开放式的文化心态中对民族文化的坚持与开拓。 我觉得中国美术要在国际拥有自己的独特地位,只有通过传统文化民族化的形式才能实现其目的。如果没有其民族特色,那将失去地位,剩下的只是躯壳,留下的只是笑话,有人说在艺术的国度中,越是具有民族的,才是越世界的,我也觉得越是自己的,才是越生动越真实的,越是具有说服力的,比如说当代中国艺术家吴冠中先生,蔡国强,等等知名艺术家,在国际上占有一席之地的艺术家在自己的艺术作品表现出来的都是具有民族的自我的真实的感受的体现,当然这一点已经成为共识。也就是说,民族化是当代中国美术发展的目标和价值追求。民族化并不是简单的传统化,更不是固守成规自己局限与自己的圈子当中成为井底之蛙,而是在继承传统和借鉴外来的基础上,对当代中国美术的一种创新。在很长一个时期内,中国的油画创作受到西方的影响过分模仿西方,轻视甚至否定中国传统文化,漠视并脱离了中国人民大众长期以来所形成的独特审美习惯,完呈现给我们的是与我们完全陌生的语言,对民族文化已经没有任何的概念基本忘却了民族文化的精髓所在,更不知道在艺术创作方面应该如何下手,更没有勇气去下手,创作。因此,我们在油画艺术的传入的同时,首先因加强民族文化的广泛性,对中国民族文化进行重视,去了解研究中国传统文化,然后再面对外来的西方文化相结合的体现在艺术创作方面。在通过熟练的绘画语言的表现方面为基础外,更需要的是再作品做表达的精神内涵方面要体现的更加的充分。因为精神语言才是绘画艺术作品的灵魂所在。它才更具意义。我一直认为作为一幅艺术作品,不管你的技艺有多高,你的画面呈现的形式感有多么的独特,你的画面在色彩方面是多么的触目惊心,那都是浮云,很表象的。这样的画面在上个世纪都已经被人家用烂了,难道我们的审美都还停留在上个世纪?确实在面对很多国内所展的很多画展,使我感受到的就是,思想落后,没有创造性思维去面对自己的艺术创作,我只能说他们大多数只是一种抄袭,而且是表面的抄袭,基本没有任何使我产生共鸣,看起来就觉得恶心。其实更重要的是面对一幅艺术创作,有没有其思想,其内涵,从中说明一个很深刻的含义。油画在绘画艺术的民族化过程,也是一样。注重民族文化内涵和审美观,要体现中华民族美学思想,因此,当代中国美术创新通过中国传统文化的民族形式具有很强的现实意义。 中国美术论文:从“四个认同”的高度谈新疆高校中国美术史教学改革 【摘 要】在新疆,高等教育的使命更重,它关系到新疆的长治久安、和谐发展,关系到祖国的领土完整和国家民族的文化传承。对新疆的未来而言,培养什么人、传承什么文化才是新疆教育的重中之重。当前,我们要紧紧围绕“四个认同”教育主线,将正确的国家观、民族观、文化观渗透到艺术教育中去,引领广大青年学生胸怀祖国、建设边疆,为新疆的跨越式发展、为新疆的长治久安、和谐进步,为各民族团结奋进的大美新疆的到来努力奋斗! 【关键词】四个认同 新疆高校 艺术教育 教学改革 新疆古称西域,自古以来就是我国神圣不可分割的一部分。千百年来新疆与内地经济文化相互影响,潜移默化,形成了难解难分,血肉相连的内在联系。同时,新疆各族人民长期共处、相互学习,成为推动新疆历史前进的巨大动力。历史证明,新疆自古就是一个多民族聚居的地区、一个多种宗教并存的地区、一个多民族共居共建的家园。 当前,国际形势复杂多变,对新疆来说,近些年国际敌对势力和境内“三股势力”对新疆不断渗透破坏,妄图将新疆从祖国大家庭中分离出去。此时,“四个认同”理论的提出及如何贯彻学习“四个认同”就显得尤为重要。我们知道,“四个认同”即是对祖国的认同,对中华民族的认同,对中华文化的认同,对中国特色社会主义道路的认同。而 “认同”又称“归属感”,没有认同感,就不可能有凝聚力。 我们认为,“四个认同”是爱国主义的基础,是解决新疆民族关系、维护祖国统一、保持新疆长期稳定发展的重要治本之策。纵观世界许多国家的分裂,都是国家认同、民族认同、文化认同、道路认同出现危机,进而造成国家民族的危亡。 新疆处于反分裂前沿,青少年由于受地域、宗教、民族、经济社会文化等因素的影响,价值观的培养和塑造就显得更为重要,这就等同于与敌对势力争夺未来。当前,新疆各高校在青年学生中都开展了“四个认同”教育以及新疆地方史、马克思主义“五观”教育等理论课程的学习,这对青年学生正确树立国家观、民族观意义非常深远。针对“四个认同”教育,新疆各高校也建立了切实可行的评估体系。多所院校的教师及理论研究人员对“四个认同”教育的落实提出了独到的见解,研究并发表了相关的论文。如新疆师范大学吴常柏教授的《新疆高校坚持“四个认同”教育的经验》一文,新疆农业大学的寇新华、何建忠教授的课题《新疆高校马克思主义“五观”“四个认同”教育现状的调查与分析》,该课题先后在新疆多地三十余所高校进行了调研,掌握了有关“四个认同”教育的第一手翔实资料。 新疆石河子大学政法学院、中央民族大学哲学与宗教学院的李瑞君、贺金瑞教授也撰写了对《新疆“四个认同”教育的思考》一文,对新疆高校“四个认同”教育提出了自己的思考。同时,新疆各高校抓住重要纪念日、少数民族传统节日等契机,举办丰富多彩的校园文化活动,促进各民族文化交流融合,增强各族学生对祖国的认同、对中华民族的认同、对中华文化的认同、对中国特色社会主义道路的认同。但是,落实“四个认同”教育,仅仅通过理论教育这一途径,对于大学生思想意识的形成及对其行为倾向的引导是远远不够的。 鉴于此,如何在学习“四个认同”理论的基础上,通过大量的实例、历史资料、考古发现来引导教育学生加深对“四个认同”的更深入理解,切实增强新疆青年学生对祖国的认同、对中华文化的认同这一点就显得尤为重要。目前,有关新疆与祖国内地政治、经济、文化从历史的角度不可分割的考古发现、现存历史遗迹、文化遗存数不胜数,但新疆高校中国美术史教学在利用此类视觉历史资料完善“四个认同”教育方面的探索和尝试尚属空白。针对这种情况,特别是新疆特殊的区情、政情,如何在新疆高校中国美术史课程教学中引入此类教育就具有既迫切又极其重要的现实意义。 一、新疆高校中国美术史课程教学改革的重要性 我们知道,美术史课程的学习是培养全面发展的高素质人才、增强各学科学生对古今社会的认识,提高修养,形成正确的人生观、价值观,获取高尚的精神享受的重要途径之一。对于新疆高校的学生来说,在中国美术史课程中充实、完善新疆与祖国关系内容的学习,目的就是强化“文化认同”, 明晰“归属感”。而这种“认同”的学习是直观的、可视的、有翔实史料可查的。这种学习就是对“三股势力”分裂新疆图谋的正面回击。从而使学生从艺术史学习的角度观照新疆的历史文化以及与祖国几千年的脉络关系。这是“四个认同”教育的需要,同时也是新疆未来长治久安、民族团结、和谐发展的需要。再者,新疆高校中的教育类专业毕业生主要就业于新疆各中小学。教师队伍的价值观认同,直接关系到新疆未来人才的培养、塑造,关系到孩子们正确国家观、民族观的形成。因此,在新疆高校中国美术史教学中从艺术教育的角度导入新疆与祖国关系内容的学习是十分必要的。 二、充沛翔实的视觉资源为新疆高校中国美术史教学改革提供了条件 新疆与祖国内地的文化联系源远流长,从先秦时期,中原文化在西域就已经开始传播,这种传播丰富和发展了西域文化,从各个侧面影响了西域政治、经济、文化、民俗的形成。它不仅包括语言文字、儒家思想、典章制度而且还包括生产技术、社会习俗等,从而奠定了西域与祖国密不可分的政治、文化关系。这种联系主要体现在以下几个方面: (一)政权建制 众所周知,从公元前60年汉设“西域都护”开始,整个西域地区就处于中央王朝统辖之下, 新疆从此成为祖国不可分割的一部分。而大量的考古挖掘史料也有力地证明了新疆和祖国内地的关系,这为新疆高校中国美术史教学改革提供了第一手资料。 (二)中原绘画艺术在西域的传播 中原绘画艺术在西域的传播可谓源远流长,盛唐时期乃至魏晋南北朝都有传播,它主要体现在新疆现存的大量佛教壁画中,这些壁画作品如在美术史教学中加以利用、学习,势必大大增强新疆大学生对祖国文化与新疆关系的认同。 (三)中原生活方式、习俗在西域的体现 随着中原地区人民与西域人民不断加强往来,中原内地的生活方式、习俗在西域也得到传播。这种传播从日常生活到丧葬习俗都有体现。不仅如此,中原彩陶、丝织工艺品以及中原书法、建筑艺术在西域也大大得到普及。这也足以证明汉文化在西域的传播已由物质领域深入到精神领域,从上层扩展到了民间。总之,丰富的现存及考古艺术资源为新疆高校中国美术史教学改革提供了必要条件,为“四个认同”学习的实践性教育提供了翔实的客观依据,为新疆的长治久安、青少年正确的国家观、民族观的形成奠定了基础。 中国美术论文:解构与重组——关于中国美术教育的现状分析与改革 摘 要:美术教育的目标是为了提高学习者的艺术文化素质,建设社会主义精神文明和物质文明。而作为新世纪的美术教育在快速发展中也暴露了一些问题。这些问题在某些方面上也阻碍了美术教育发展的进程。而只有正视这些问题,美术教育研究才能蕴含着高目标的要求和超前的思想意识、进而提升知识文化教育的广度、高度和深度。 关键词:民国;中国美术教育;发展历程;改革 教育是增进人们的知识和技能、影响人们的思想品德的活动。它泛指人类社会活动中专门培养人的一种活动,是人类进行生产、生活、物质、文化交流的一种重要方式。而其中隶属教育系统的“美术教育”则是社会教育活动中培养学习者的艺术观念和审美趣味、增进学习者的美术知识和训练技能的活动。 中国的真正意义上的美术教育的开始形成是在民国前期,这是近代中国美术教育变革的关键时期,也是近代中西文化相互碰撞与融合的特殊时期。这个时期在蔡元培先生的“以美育救国”的号召下,从外国留学的徐悲鸿、林风眠、颜文梁、庞薰琹、刘海粟等美术家毅然归国,希望通过引入西方美术教育来改革中国传统美术教育。他们一生致力于以中国传统精神为主题,消化和融合西方文化艺术的探索,丰富和发展了我国的文化艺术,并将毕生主要精力用在革新美术教育事业上。在这个过程中,在他们的教育思想和教育方法的影响下,中国美术教育形成了丰富的、多样化的教育特点。但凡是人,总存在差异性,艺术工作者更是如此。中国的美术教育家们在当时的教学理念与艺术主张一方面有着共同性,另一方面又存在着差异性;在这个教育背景下,这有着积极的作用,但是又有消极的影响。比如:徐悲鸿在美术教育中推崇“写实主义”,也就是外国古典写实主义;但是林风眠则侧重“现代主义”,即西方19世纪印象派以后的现代主义艺术。这似乎是一个典型的例子,直至今日,在这两个美术教育家的教学改革下的中央美术学院和中国美术学院在教学风格上依然呈现出大相径庭的差异性。现在,中国美术教育从20世纪初发展至21世纪的今天,已经是跨过了一个世纪。那么,它的教育思想理论、实践方式可以说已经到了比较完善的阶段。当我们把视野转从中国美术教育的历史转向现状,从中可以发现它在快速发展的同时存在着不少问题。其中较为突出的问题为中国现代美术教育一方面传承了传统的艺术教育理念,但抛弃了其中更为重要的人文观念;另一方面对上世纪50年代引进的苏联艺术教育模式缺少革新和变化。当人类逐渐步入知识经济、网络社会、新技术和信息不断涌现的二十一世纪,未来的美术教育观念较之以往旧的美术教育,也必然要发生其深刻的根本性的变化。 关于对中国美术教育的改革——首先,我们要知道,美术教育的特点及其功能所决定了它是我们人类进步与发展的重要因素。了解美术教育在社会上的内在意义和其本质功用是必要的。美术教育作为一门学科教育,包涵学科本体与教育功能两个方面,它延伸和发展美术学科的知识与技能,满足人类社会经济、精神和文化的需求以及通过美术学习影响学习者身心发生良性变化,形成他们的基本美术素质和能力。其次,美术教育在每个时期所产生的历史影响也是要重视的。因为美术教育本身就是社会活动之一,社会的发展离不开美术教育的推动作用,从而我们应该认识到美术教育不只是为了培养社会中的美术家,实际上应该更加认识到它可以通过美术绘画语言提高大众的审美修养,通过美术活动中的观察记忆活动来启发大众的智力,通过对作品的历史背景等来促进大众的思想政治水平和道德品质。再者,美术课程具有人文性质,美术教育凝聚着浓郁的人文精神,它对提高和完善人的人文素质方面有着独特的作用。 所以,我们应当准确地把握美术教育发展的脉搏,确定美术教育的发展方向,让美术教育适应当代社会发展需要,体现其价值。为发扬我国传统文化提供一种思路与途径,注重学生个性与创新精神的培养。而作为美术教育体系的主要实施者——当代美术教师在进行教育活动时应站在时代和社会发展的高度调整其教育策略,注重综合性美术素质教育和美术基础教育。在这个改革过程中,我们还要认识到改变美术教育理念的重要性,才能深入文化理论课程设置,提高教师水平,加强美术教育理论研究等方面着手,以推动我国高等美术教育的改革与发展。这样才能真正地以创造教育为优秀,素质教育为目标,培养全面发展、适应性强的现代高素质的素质教育人才。 中国美术论文:论中国美术元素在远古和当代的价值 摘 要:在当今流行复古的时代,中国元素不仅是中国设计师及前卫艺术家的宠儿,也越来越得到世界时尚界和艺术界的青睐。中国美术元素之所以有这样的魅力,与其神圣的意义、美观的造型和深厚的历史积淀有关。本文选取中国古代美术元素中的图腾纹样和雕塑图案作代表,论述美术瑰宝在远古和当代的价值。 关键词:传统纹样;雕塑艺术;象征意义;审美意义 中国是世界四大文明古国之一,无论是在科技文化还是在社会生活方面,中国的起步都早于世界上大部分区域,在史前及先秦时期就有了长足的发展。 中国的文化博大精深,艺术是体现文化形式多样的重要表现形式之一。早在史前的新石器时代,绘画艺术就有所发展,主要体现在彩陶的装饰纹样上,“其中以半坡和庙底沟类型的彩陶,艺术成就最为杰出。”当时流行的装饰纹样除各式各样的花纹图案外,还有相当发达的动物图案,如鱼纹、鸟纹、蛙纹等。这些纹样造型活泼美观,色彩和谐热烈,格调格外华丽优美。然而在远古时期,这些纹样的装饰作用是次要的,其主要作用是表达远古居民的原始信仰,就像李泽厚在《美的历程》中所说的“审美或艺术这时并未独立或分化,它们只是潜藏在这种种原始巫术礼仪等图腾活动之中”。现代人审视古代艺术品,往往是以其审美程度来评价,不探寻这种美丽背后的历史溯源,往往忘记艺术是一种“有意味的形式”。而原始纹样正有着庄严而神圣的意义:这是先民对于自然和生命的解读,是对劳动生活的提炼,象征着一种思想的意识和精神的力量。 历史留给后代的不仅仅是经验,还提供着借鉴。在现代化的二十一世纪,这些纹样不仅可以在博物馆的艺术品中观赏到,它们还被艺术家运用到了后现代的一些作品里。这些图腾纹样在现在看来仍是前卫时尚的,它们以高度的抽象和符号化、平面化风格博得了世界各地艺术家和设计师的青睐。原始图腾纹样以其博大的内涵,独特的审美意蕴和丰富的表现形式,给当代艺术带来新的冲击和闪光点。“处于信息时代的今天,高强度、快节奏的生活方式使人们更加追求时尚,民族性、个性化风格备受人们重视。”因而几千年前地古老艺术被现代社会重新发掘,显示出不可多得的伟大与深邃。 在新石器时代中晚期,雕塑艺术出现。远古的雕塑艺术虽不成熟,但也不乏优秀作品。这些艺术品手法稚拙而纯真,给人以强烈的震撼。和图案一样,它们的象征意义也往往大于审美意义。例如在河北滦平后台子出土的石刻女神像的造型,就与当时红山文化崇拜女神的宗教观念相关;在反山和瑶山墓葬出土的大量礼玉,是良渚部落尊崇的神圣旗帜,代表军事或宗教首领的权威……总之,雕塑艺术的演变发展根本上受制于“社会结构和原始意识形态的发展变化”,是为种族信仰和观念服务的。 在现代设计中,中国的造型艺术承袭了中国传统美术观。人们将很多雕塑技术和作品运用到现代设计中来,既表现了中国远古传统文化的包罗万象,丰富了中国人民的民族自豪感,又使作品达到了别具一格,耳目一新的效果。拿内蒙古翁牛特旗三星他拉村出土的碧玉龙来说,这件玉雕作品“龙首似猪,斜目方鼻,鬃鬣向后贴身弯曲上翘,龙神蜷曲,尖尾,无四肢及鳞甲”,造型非常独特。现代人虽然可能并不了解这件作品,但一定记得华夏银行的图案标志。没错,这个图案标志正是取材于远古时期红山文化的碧玉龙。这些设计让被人们遗忘的古代元素在现代重新演绎,古典找到了新的价值。 总之,透过原始艺术的历史延伸脉络,我们可以总结出这样的规律:艺术是一个开放的系统,旧的元素受到新的技术与意识观念的冲击而不断创新发展,然而其精神内涵的实质是不会改变的,这是中华民族特有的民族精神,是中华民族特有的精神积淀。把中国古老文化的精神及物质元素融入到现代的艺术创作中,不仅提高了现代艺术品的价值,同样提升了古老文明产物的作用。古老与现代,二者虽表面矛盾,其内涵却是高度统一的。原始文化和现代文明,二者相得益彰,使社会的发展更加具有文化性和统一性。 中国美术论文:“当代的人”的当代中国美术 摘 要:在中国艺术领域,当我们面对与“当代”相关的任何一个问题时,无论对其概念、内涵还是外延,我们其实难以给出准确的界定。究其原因,既有源自时间进程中已有的相关讨论和实践所产生的影响或所遗留下的争论,也有当下的相关思考和探讨本身就处于一种“理性”的进程之中,更有源自于“当代”自身属性所具有的开放性、复杂性、多元性及辩证性。那么,作为油画创作者的我们该怎样理解“当代”?“当代”的作品到底是什么样的?它又是被谁所创造,为谁所接受呢? 关键词:当代;中国美术;当代的人;艺术形式 一、关于“当代”的思考 在中国艺术领域,当我们面对与“当代”相关的任何一个问题时,无论对其概念、内涵还是外延,我们其实难以给出准确的界定。究其原因,既有源自时间进程中已有的相关讨论和实践所产生的影响或所遗留下的争论,也有当下的相关思考和探讨本身就处于一种“理性”的进程之中,更有源自于“当代”自身属性所具有的开放性、复杂性、多元性及辩证性。 曾几何时,几乎大部分从事当代艺术的艺术家,其所有思考都主动或被动地围绕着“当代不当代”的非此即彼的认知判断。而这种认知判断的实质则是对“前卫、反思、批判等”价值判断的几乎极端的理解。相应的为了追求“当代”这一殊荣、呈现这一理解,我们各抒己见,标新立异,甚至不惜牺牲自己的身体健康以几乎病态的作品来予以表达。 对于各种现象我们不必一一描述或讨论,因为相关的探讨实在太多。而又正是这些探讨引领我们进一步的思考,这种思考表现在当下——在一定意义上——反应为一种“理性”的回归。这种回归,既表现为对其辞源意义的考证、相关权威论述的梳理及其一般表现形式的总结、探讨和更新,也表现在当下的具体的艺术创作之中。当然这所有的表现,本身也还处于一种不断调整的“理性”之中(当然,我们也不能否认这种“理性”本身的感性因素,只是这种“感性”并不在本文的讨论之中,因此暂不多论)。 只是,这种“理性”的进程,即摆脱不了前期因素的延续,又无法从根本上对“当代”进行绝对的界定。因为,无论是历史的看待还是理性的分梳,对“当代”的理解都不是绝对的,而是开放的、辩证的,其内涵是丰富的,其外延则是多元的。但是有一点是明确的,那就是对“当代的人”的界定,因为当代的人才是当代的经历者和当代艺术的创造者和消费者。 正如鲁明军在其《“移动的桃花源”——不合时宜的“绘事”与“画意”》的引言中论述以“视觉考古与心态史的交界”进入“当代”一样: ……阿甘本援引了罗兰·巴特(Roland Barthes)在法兰西学院讲座时的一则笔记中所说的,当代就是不合时宜(The contemporary is the untimely)。实际上,“不合时宜”一词最初源自尼采1974年的著述《不合时宜的沉思》。尼采告诉我们,真正当代的人,是那些既不完美地与时代契合,也不调整自己以适应时代要求的人。因而在这个意义上,他们也就是不合时宜的(inattuale)。但正是因为这种断裂与时代错误(anachronism),他们才比其他人更有能力去感知和把握他们自己的时代。阿甘本指出,所谓当代,就是一种与自己时代的奇异联系,当代既附着于时代,同时又与时代保持距离。更确切地说,当代是通过脱节或时代错误而附着于时代的那种联系。反之,与时代过分契合的人,并非当代人——这恰恰是因为他们(由于与时代的关系过分紧密而)无法看见时代;他们不能把自己的凝视紧紧保持在时代之上。 虽然阿甘本对当代进行了界定,但是这种界定的内涵本身充满了哲理的思考,因为那是一种“与自己时代的奇异联系”,那种“联系”才是关键,而思考这种联系、并把这种联系付诸于艺术实践的无疑是尼采所说的不合时宜的“当代的人”,同时也是这样的人才会是真正接受这一艺术的主体。 二、“当代的人”的艺术 基于对这个时代的一般认识,作为这个时代的一般性的人,我们或许可以以一种包容的态度对待所有的艺术形式——无论它是传统的、现代的,还是当代的或伪当代的。 但是这并不是说我们没有一个根本的艺术底线。只是这个底线我们既不能以传统的艺术标准为标准,也不能简单的以舶来的观念为基础。清代学者王国维的《宋元戏曲史序》谓:“凡一代有一代之文学:楚之骚,汉之赋,六代之骈语,唐之诗,宋之词,元之曲,皆所谓一代之文学,而后世莫能继焉者也。”那么在我们当下的时代,我们的艺术评判标准或许还是要基于我们这个时代本身,基于我们自身对该时代的认知、理解。这样,无疑的是首先我们必须确定自己是怎样的人,知道“我们是谁?我们从哪里来?我们向何处去?” 因此,或许我们站在“当代的中国”以一个“当代的人”的身份介入该一问题的讨论,或许更能保持一种超然或理性的态度。这种态度源自我们中的个体对这个时代的关注,更多的“保持在(这个)时代之上”而形成的一种普遍的共识。这种共识既非来自于主流意识,也非偏激的个人感官;既非出自地域、文化和民族的争论,也非是对个体差异、自由和个性的否定。同时,它又既是对现有相关艺术讨论的可发展的理性延续,也是自身对未来的认识的一种肯定。而根据这种共识创作的艺术作品,或许才更具有一种“当代性”,这种当代性是属于这个时代的,属于这个民族的,无疑也是属于世界的,它是开放的、多元的、辩证的——它属于“当代的人”。 那么,根据这一论述,基于对尼采的“……真正当代的人,是那些既不完美地与时代契合,也不调整自己以适应时代要求的人”的理解,我们其实可以不断地超越自身的有限,通过我们(在这一时代之上)对这一时代的凝视而得来的认知和理解,并能以恰当的艺术形式表达出我们真正的内心感情。 三、恰当的“当代艺术形式” 那么怎样的艺术形式才是符合“当代的人”的“当代”中国呢?或者说怎样的艺术形式才是恰当的“当代艺术形式”呢? 中国美术论文:《中国美术分类全集》出版工程竣工 (本刊讯)我国规模最宏大、内容最丰富、最具有文献价值的“中国美术全书”《中国美术分类全集》至2011年年底圆满完成出版工作。这项倾全国之力,耗时25年、多达302卷的世纪工程展示了我国有史以来的艺术风采;凝聚了34家出版社和数千位学者专家的智慧和心血。 为深入总结编辑出版工作经验、表彰为此项工程作出突出贡献的专家、学者和出版工作者,由、新闻出版总署联合举办的《中国美术分类全集》出版座谈会3月20日上午在京举行。中共中央政治局委员、中央书记处书记、部长刘云山发来贺信。 新闻出版总署署长柳斌杰作重要讲话,副部长蔡名照宣读贺信。原新闻出版署署长宋木文、求是杂志社原社长高明光等出席会议。会议由新闻出版总署副署长邬书林主持。 和新闻出版总署共同向在编纂出版过程中作出突出贡献的35家集体和520位个人颁发荣誉证书。会上特别向已故的《中国美术分类全集》领导工作委员会常务副主任许力以颁发唯一一份特殊荣誉证书及奖牌,以表彰他在《中国美术分类全集》编纂出版工作中作出的重大贡献。许老的两位儿子上台代领。 刘云山在贺信中高度评价了《中国美术分类全集》在中华优秀文化艺术积累和传承中的重要作用,充分肯定了参与这一美术遗产抢救整理工程的专家学者和编纂人员所取得的成绩,并希望出版工作者认真总结实施重大文化出版工程的成功经验,以对社会负责、对历史负责的态度,以“十年磨一剑”的精神,倾力打造更多具有中国风格、中国气派、在人类文明史上能够传之久远的文化精品,谱写出当代中华文化新的绚丽篇章。 柳斌杰在讲话中指出,《中国美术分类全集》的编纂出版,是新时期国家重大文化出版工程的生动实践,不仅取得了累累硕果,也积累了丰富的经验,为我们实施精品战略提供了许多有益的启示。 《中国美术分类全集》总编辑出版委员会副总编辑、中国美术出版总社原总编辑程大利介绍了编纂出版情况,文物出版社名誉社长苏士澍、上海人民美术出版社社长兼总编辑李新、故宫博物院原副院长杨伯达分别代表出版单位和专家学者在会上发言。出版局局长陶骅、新闻出版总署出版管理司司长吴尚之、中央美术学院教授金维诺等有关方面的负责人出席会议。 中国美术论文:中国美术史研究的方法 按 语:巫鸿(Wu Hung)教授是著名的美术史家,芝加哥大学教授。早年于中央美术学院毕业后,在1972-1978年间一直在故宫博物院书画组、金石组任职,1978年回中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980-1987年就读于哈佛大学,获美术史学与人类学双博士学位,在哈佛大学人文学院美术史系任教,于1994年获终身教职,后受聘芝加哥大学“斯德本特殊贡献教授”讲席教授,并于2000年建立芝加哥大学东亚艺术研究中心并任主任,兼任美国古根海姆(Guggenheim)基金会研究员,是美国在中国美术史研究领域享有盛誉和权威的学者。他在方法论上兼具中国传统美术史和美国美术史的研究方法的优点,重视人类学和美术学的跨学科融通,并且推陈出新,形成了自己的独特方法论。他还致力于推动对中国当代美术的研究,有力地促进了这一领域的发展。巫鸿教授著述甚丰,目前我们国内的三联书店和上海人民出版社等出版社,迄今已翻译出版了他的《武梁祠:中国古代画像艺术的思想性》、《中国古代艺术与建筑中的纪念碑性》、《礼仪中的美术》、《时空中的美术》、《黄泉下的美术:宏观中国古代墓葬》等学术专著十余种,对中国美术界、美学界和相关人文科学领域的学术研究产生了广泛的影响。鉴于此,华东师范大学中文系教授朱志荣博士于2011年5月5日下午一点在美国芝加哥现场采访了巫鸿教授,并就美术史研究的方法等问题请巫鸿教授作了深入阐述。本刊欣闻此举,特地全文刊发本次访谈的相关内容,以期望学界在有关美术史、论研究领域与巫鸿教授进行更进一步、更深入的研究与对话,以使本学科领域内的学术探讨更加细致、透彻。国民之魂,文以化之;国家之神,文以铸之。学术为公,文以载道,站在推动中西方文化交流、塑造国家艺术形象、实现中华民族伟大复兴的现实基点上全力促进学术研讨的深入展开,既是为天地立心、为生民立命,同时也是为弘扬中华传统文化、重塑中华艺术精神,尽到《艺术百家》应有的责任和力量。 朱志荣:陈寅恪将王国维的考古与文献相互参证归纳为“二重证据法”,在中国大陆产生了广泛影响。您认为中国美术史研究应当如何利用考古发现? 巫鸿:这是一个非常重要的问题。王先生的“二重证据法”在史学研究中具有划时代的意义。但是我们应该注意,文献研究主要是研究古代遗留下的书籍,考古学则研究出土的文物。王国维当时研究注重的主要是文字材料,也就是文献文字。他所谓的“考古”因此基本上指的是安阳出土的甲骨文、还有青铜铭文等材料。他想通过二重证据的考证,得出一个历史研究的更为可信的结论。这些结论一般都是和历史事实相关的,比如历史事件发生的时间、历史人物行为等。 用两种方法互证,这在中国近代学术研究中非常重要,在今天也很重要。但是一百年之后再来看二重证据法,我们会发现它给人以一种现代性的思维启示:一个结论不是一个证据就可以论证的,而需要多重视角的检验。虽然王国维当时只提出二重视角,但这种学说已经显示出多重视角的潜能——二重可以发展到三重,也可以发展到四重。现在我们看问题就不只二重了,这种新的思考和王国维、陈寅恪的思想有一定的关联性。 如果说二重证据法主要还是作为史学研究的方法,现在我们研究的问题就更多了,学者们对美术史、文化史等历史书本以外的问题有了更多的兴趣。作为证据的考古材料的定义也发生了变化。如果说过去所说的考古证据主要还是甲骨文、铭文一类,现在由考古提供的“证据”种类就多多了,比如城市空间、实物、中西文化交流、人的审美习惯等。虽然历史考据在我们现在的研究中仍然很重要,但除此之外历史研究中还有很多别的问题。研究这些问题仅靠文字材料是不能够完全说清楚的。比如说如果要研究古人的审美习惯,除了文字材料,我们还要使用器物、图像、墓葬等材料,所有这些都有证据意义。 所以,在精神上我们还是要继承两位先生的二重或者多重证据法。但与此同时,我们还要注意两个问题。一个是:什么是证据,什么东西可以构成证据;另一个是:使用证据想要证明的是什么。这两个方面的问题是连在一起的。 朱志荣:古代美术史的研究要运用和借鉴考古学的成果。您认为在研究出土文物的时候,应当如何使用历史材料和文学材料?需要注意哪些问题? 巫鸿:我刚才已经提到一点。美术史研究主要涉及的是视觉问题、看的问题、美感的问题,也涉及到物质性的问题,比如艺术品的材料构成、空间等。中国历史考古学中,墓葬是一个重要部分。墓葬里面有很多器物、图像——对这些个体进行研究是大家比较熟悉的方法。但是我们还应该注意墓葬内的空间安排和一些消失了的东西,比如当时摆的食物、香料、灯火等。这些东西在考古中已经看不见了,但是可以根据其留下的痕迹、空间安排,重构当时的视觉或者物质的环境。 考古学者有自己的一套学术规范,比如如何发掘、如何记录等。如果有些材料不属于这种研究重心的话,他们就不一定记录了。特别是如果对象牵扯到墓葬设计者的主体感觉、审美感觉、世界观等内容的时候,就比较难于进入考古报告。还有,如果对有些东西无法进行直接的考古分类的时候,比如“空间”——考古报告也容易忽略。但是这些信息对美术史研究却非常重要。这就需要在考古发掘和记录的时候,由美术史学者和考古学者进行学术互动。 朱志荣:在美术史研究中如何利用“重构”的方法分析材料? 巫鸿:对历史状况的“重构”现在变成美术史研究的一个非常重要的手段或目的。这和历史研究的学术发展密切相关,特别是在西方。现在的历史研究,已经从研究一个重要人物和宏大历史事件转移到更为具体的、空间的和物质性的向度。甚至在研究一个人的时候,也要和他的整个的生活环境、文化环境联系起来,而不像原来那样做著名人物的传记性研究。 这种史学转向在近些年中对美术史的影响非常大。我在《武梁祠》一书里面对以前的汉画研究做了一个梳理,想看看不同时代的学者是怎么看问题的。经过这种研究我发现,开始的时候大家都是对每张画发生兴趣,所关心的是这张画的出处何在,那张画画的是什么。但后来就有人开始对整个的祠堂中的画像程序和结构有兴趣了。我写这本书时的希望就是 把武梁祠中所有的画像连在一起考虑,希望知道这些画像之间到底有没有一个叙事结构,其背后显示的又是怎样一种逻辑思维。这也就像是研究《史记》,其中的每篇都可以单独来读,但是也可以作为整部书的组成部分来看。后面这种读法所发掘的不但是司马迁对全书的想法,也可能反映出当时历史的某种观念。这种研究方法是首先重构一个基本的建筑体,然后通过这个建筑内的整体图像程序重构当时的审美和思想,其中包括家庭关系、君臣关系、政治观念等。 “重构”有不同的层次。首先,美术史研究离不开实际的东西,因此还是得从具体的图像、建筑、器物入手。然而,我们继承下来的往往是一些离开了原来原境(context)的历史碎片。因此我们需要从这些很具体的碎片出发来重构原来的实体。特别是我称为“礼仪艺术”的碎片,它们原来都是为了某种宗教、政治目的服务的,背后往往都有一个建筑体。因此我们需要探讨的是:这些碎片能不能重新拼起来?它们背后的建筑体是怎样的?如果这种重构能够做成,就可以接着去想,接着去重构更高层次上的东西。比如像武梁祠,我们就可以进而考虑武梁祠和武氏墓地中别的祠堂的关系,考虑武梁祠石刻的大环境,甚至整个东汉时期墓葬的理念。这都可以算作是“重构”。很多领域,像物质、社会、政治和宗教的原境——实际上都需要重构。但是在美术史研究中,研究者需要将这些领域分得比较清楚。有的时候学生会操之过急,还没把第一步做好,没把完整的、具体的东西做好,就一下子跳到很高的层次去谈政治、历史的问题,显得缺少中间环节。 中国美术论文:中国美术馆藏民间玩具精品展再现民间玩具历史面貌 遗产日”,由中国美术馆特别策划的“大器‘玩’成——中国美术馆藏民间玩具精品展”,于2012年5月30日在中国美术馆展出,共展出约370组八百多件民间玩具精品,将于9月3日结束。此次展览的作品均是从中国美术馆六千余件(套)藏品中精心遴选而出,一件件异彩纷呈、稚拙可爱的玩具精品将为观众带来一次视觉盛宴。据中国美术馆介绍,该展既是中国美术馆首次举办的大型民间玩具专题陈列展,也是中国美术馆多年征集、收藏民间玩具的研究成果的一次较大规模的集中展示。展览按照儿童成长和认知能力的发展顺序,以“成长”和“成才”主线分为“希冀”、“启智”、“尚德”3个部分。从婴幼儿的生命呵护、祝福祈愿,到低龄儿童的智慧开启、创造力、观察力的培养和少年儿童的知识学习、树德立志,3部分内容紧密相连,层层递进,将“寓教于乐、玩中启智”的展览主旨不断深化。我国民间玩具有着悠久的历史,早在距今约6000至10000年的新石器时代,就有陶响球、陶连环等玩具出现。千百年来,民间玩具以其造型的稚拙可爱、色彩的鲜明亮丽和内涵的丰富多彩,成为我国民间美术资源中最独特和最有趣的类别之一。 中国美术馆是部级造型艺术博物馆,征集、收藏、研究、展示我国优秀的民族民间美术作品,是其一项长期而又艰巨的重要工作,有计划、大规模的收藏民间玩具始于20世纪80年代初期。历经30年的积淀与几代人的共同努力,中国美术馆宏大而丰富的民间玩具收藏体系已具规模。中国美术馆的民间玩具收藏内容十分丰富,既涵盖泥、陶瓷、竹木类的民间玩具,也包括风筝、花灯、小脸谱、面人和彩塑;既有名家名作,如部级“非遗”传承人陕西凤翔胡深的泥塑作品,也有偏远山区佚名艺人的天才创作,如中国美术馆收藏的云南建水与贵州牙舟的陶瓷玩具。因而,中国美术馆的收藏既体现了我国现当代民间玩具的发展历程,也系统的保存与再现了民间玩具的历史面貌。 此前,结合“从延安走来——纪念同志《在延安文艺座谈会上的讲话》发表70周年美术作品展”,中国美术馆公共教育部推出“从延安走来”专场少儿赛”颁奖仪式的少儿代表、指导老师及家长,在“从延安走来”展厅现场参与了一次艺术体验活动。参与此次活动的少儿,是来自中国儿童中心、北京市少年宫、思奇培训学校、艺格文化艺术工作室等20余家北京校内、校外教育机构的“绘画大赛”获奖少儿代表。(杨子) 中国美术论文:培养问题意识乃当今中国美术教育之变法 (广州科技贸易职业学院,广东 广州511442) 摘要:当今中国美术教育,培养国人问题意识促使本国美术教育有新之转机,注重图像之读解,关注美术与文化之积淀,重塑观察世界之眼光。 关键词:中国美术教育;问题意识;变法;图像;文化传统;观念;媒材 一、问题意识与美术教育的关系 (一)当今中国美术教育需要变之缘由。 中国几千年的璀璨文化,美在很早的原始社会中已经有所体现,在原始人制作的器具中便可寻找到他们审美的趣味。商周青铜器造型之多样,鼎上饕餮纹之神秘;唐朝白瓷、青瓷、釉下彩瓷的雅致;明清家具之精巧、简练等都流露出中国人对美的本质的执著追求。在古代,中国画和书法是得到普及教育的,也是考取功名的重要途径。到了近代的中国,受外国列强的入侵等历史原因,美术教育与中华传统文化的严重脱节。蔡元培认为“教育者,养成人格之事业”,提倡将教育的目标定为“育国家之良民”,也就是教育应在于培养健全的人格。当代中国美术教育在审美意识教育和人格培养方面相对比较弱,这样的美术教育要需要改革和变化。 (二)当今中国美术教育之变法――培养问题意识。 蔡元培认为“学校美育分普通美育和专门美育两种。普通美育属于小学到中学这一阶段。专门美育属于大专阶段。这两个阶段是衔接着的,随着年龄、学识的增长,美育的内容和标准也要随着加深和提高。”事实上这两个阶段我们已经在门面上达到了,但从内容上看却还有长远的距离。当代父母都很注重子女儿童时期的艺术教育,且不少家长愿意资付不少金额请艺术家庭教师。这符合了蔡元培的理论:“儿童时代,形成概念之力尚弱,则倾于直观。故无论开智陶情,均以利用美术为适宜。”在当代社会人云亦云的大环境中,很容易缺乏独立思考,变得墨守陈规、麻木不仁,没有“问题意识”。问题意识是看清事物本质的关键。中国当今的美术教育有部分只是浮于表面,如果加强培养问题意识,对事物深入研究,中国美术教育会有更好的发展。 二、具备问题意识,看透事物的本质――问题意识在美术教育中的作用 (一)对艺术的理解更加深入。 1.图像问题。 绘画是要把事物的真实表达出来,但并不等于把事物现实的造型、色彩等外观逐一刻画,达到“一模一样”。这里的真实是指表达真实的情感,是一种触动心灵的震撼。吴冠中要求自己做出撼人的作品而不是娱人的作品。娱人之作只达到趣味的层面,撼人之作乃大师人格之流露,有感染的力量。图像在艺术中就象文字在文章中一样是一种语言,这种语言是靠视觉来再现的,往往不是直白可得,需要观者去“读解”。当然对观者的要求很高,他必须了解艺术史、哲学、心理学等学科,找出相应的关系。 (1)技术与观念问题。 前面说到绘画不必将具体的事物如实地绘制在画布上,可是当我们在幼儿时期还没学习过画画时,也不能忽略模仿这一重要步骤。只是提醒大家在掌握了绘画技法之后不要过度炫耀这种技能,应该注重观念的表达。对于“当代艺术”的评价众说纷纭,假如我们没有意识探讨当代艺术的形成发展和对艺术家个案研究的话,很容易把“观念”概念化。艺术作品不能简单地用好或坏来评价,而是从作品中找寻艺术家看问题的角度。不要过分地把技术与观念分开来讨论,经典的作品往往是技术与观念的结合,它有艺术家独特的视野,并用符合表达这一概念的技术来完成,虽说高超的技术不容易,但找到恰如其分的技术却更难。 (2)传统问题。 众所周知,中国有几千年的文化传统,在今天“传统”一词也被广泛运用。可是,不是所有的传统都可以直接拿来用。必须了解其历史背景和发展过程。传统文化在当今中国的美术教育中做得不够成熟。首先,国画在中小学没有得到普及教育。其次,教授国画只教技法缺乏国学教育。学习文化传统最重要的是领悟其精神的真谛。中国人的宇宙世界观源于《易经》:阴阳二气化生万物,万物皆禀地之气而生。这种精神渗透在水墨画中,强调直觉、人与自然的和谐。通过学习国学,领悟水墨精神,对于人生态度有更深层的意识探讨。 三、培养美术领域中的问题意识 当今物质消费已经变得理所当然了,这种购物的行为已经不需要问为什么,潜意识驱使我们这样做。假如我们对早已习惯的产生疑问,新的东西才会出现,进步才可见。“问题意识”其实是一种观看世界的角度。大自然的观看术是靠学而知之,问题意识也是靠学而有之。 (一)中国美术教育应重新调整对图像的认识。 首先,要让学生有清晰的概念――图像不只是技术和技法。中小学是认识事物的最佳阶段,绘画中模仿事物能让他们认识物体,可仅有这种方法会抹杀他们的创造力。在教学中应该培养他们怎样去观察事物,从而使他们产生问题然后自己解决,通过这种方法所得到的图像会深刻得多。通过美术史,使我们提高自身的艺术眼光,面对现实生活提高问题意识。大学美术学习应注重问题观看之方法,从纯绘画来说不可只针对图像的表面,更应注重图像背后所反映的观念。从设计来说,不能总是设计符合大众口味的图案,要以引领潮流,提高大众欣赏能力为目标,也不可仅追求设计图案之精美,而是透过设计传达观念。 (二)中国美术教育应与文化紧密结合。 陈丹青说过:最好的教育是自我教育。在美术教育中培养洞察力可引发自身的问题意识。许多有名的艺术家也是通过观察身边的普通事物创作出伟大的创作的。埃舍尔观察阿尔汗布拉宫发现了规则空间分割的关系,根据简单的“上下前后左右”来探索灭点的相对性等。香港设计师余志雄利用点、线、面来探讨艺术的故事,他对日常各个细节很敏感,例如看到线会联想到他的各个空间,它不只是一条平面的线。文化传统是一种精神,是需要全国人民共同了解并坚持的,重要的在意识中对文化传统有执著追求的信念。 (三)中国美术教育要发挥媒材的魅力。 有位学者曾经说:“艺术家是通过媒材来思考的。”媒材是产生问题意识的另一种途径。日常生活中许多不起眼的实物如果了解其特性可以加以利用来创作,只要能表达好的观念,任何媒材都具有价值。毕加索是首个在绘画上加入现成品的人,他加入了廉价的稻草,却打破的对绘画的理解。塔皮埃斯的创作总是“变废为宝”,传达任何东西都有其自身价值的概念。在美术教育中注重给学生多种媒材的尝试机会,例如把报纸变成蔬菜、透明胶片代替画中的窗户、牙膏盒子做机器人、锡箔纸做肌理图案……多种材质引发学生的联想力和创造力,还提高了学生的动手能力。 所有新颖形式的转变、高新技术的引进、人才出国深造等之变法是进步的一种策略,提高图像读解能力,注重美术与文化的学习积累和研究,培养细腻的洞察能力找寻媒材的各种关系,培养学生的问题意识是进步的长远之计。培养问题意识也就是培养观看世界的新视角,同时,也是人格培养的磨练过程,培养对艺术执著追求的坚持态度。 中国美术论文:浅谈艺术创作的方法与中国美术史的关系 [摘要]我的艺术创作方法,我的思维,我的人生正在迎接历史性的转变。随着顺利考上重庆大学艺术学院研究生,我的艺术生涯即将展开里程碑式的转变。随着更高的艺术殿堂的洗礼,把我本科阶段的单纯无知和稚嫩洗涤荡尽。反思总结我在之前的艺术创作,更多是纯粹的课堂习作、对前人的临摹和基础技法的练习。 [关键词]艺术创作 中国美术史 创作上少之又少,属于自己的艺术创作语言尚未进行探索,就连毕业创作也是偶发的一念冲动和被动地进行加工,之后就没有进行深层次的挖掘以形成艺术创作的持续。历经一年的社会工作经历,再次回到艺术的怀抱,仿佛阔别已久,初次执笔,犹如年幼时咿呀画图,思绪万千。既然再次走上这条道路,我就要毅然地走下去,并且要有实质性的收获。 咋一谈到艺术的创作,感觉无从下手。再不能返回本科时期的盲目绘画中去,要想有实质性的突破,必须要结合自己对艺术的理解和自己现有的作画手段,探讨新的艺术创作方法。而对于艺术创作来说,创造性思维无疑是极其重要的,但是之前的我,太多重视绘画基础,轻视了创造思维能力。这是一个很大的弊病。要想成为一个艺术家,只有绘画的技法,这和画匠、木匠、石匠等技师没有什么区别。那些真正有才能的艺术家,有对其所处时代的敏感、对当下文化及环境高出常人的认识、能对旧有的艺术从方法论上进行改造,并用“艺术的方式”提示出来,才能真正地创造出艺术的价值。就像上世纪80年代罗中立的《父亲》,90年代张小刚的《大家庭》等等。细细揣摩他们这些成功艺术家的创作方法,无一不是敏感地触摸其所处的时代,发现并提出“问题”,在自己的创作上结合当时艺术的发展对旧的艺术创作方法进行改造,最后通过自己的艺术语言进行阐释。这其中就介入了自己的创作方法和中国艺术史上下文的关系。 作为一个“80后”,我应当怎么去进行我的艺术创作呢?从中国当代艺术发展史来说,经历了“伤痕美术”“无名画会”和“星星画会”“85新潮”“新文人画”“实验水墨”“玩世现实主义”“政治波普”“观念艺术”“艳俗艺术”等等艺术观念,我应该走像罗中立、何多苓等等他们的乡土艺术?像80年代的一些艺术家搞抽象?还是去疯疯癫癫玩行为艺术?亦或是跟风中国当代艺术领军的诸如张晓刚、王广义、方力钧和岳敏君等当代艺术F4的艺术道路模板? 我想,这些都不属于我应该去走的道路。我没有生活在乡土艺术家们所处的年代,没有插过队,去乡村体验那种艰苦的岁月,不可能创作出《父亲》《春风已经苏醒》《西藏组画》那样的作品;我没有经历过那个动荡的岁月,体验不到“”结束后带来的那种欢欣鼓舞,还有失意落寞和精神缺失的情绪,不可能创作出《1968年×月×日雪》《春》《大家庭》那样的作品;也没有亲身接触过“85新潮”,怎么会勇敢、真诚地用相应的视觉图式来唤起社会的感奋。 作为一个四川美术学院到重庆大学的学生,从本科到研究生,我是否应该转向“图式化”的创作方法,“卡通式”的画面表征,“肤浅性”的无聊心理这种新风格呢。身边的人都说,中国社会的创作风格正在发生转变,“卡通一代”势必雄起,你也走这条路子吧。 我观察了一些和我相同从事当代艺术创作的同龄人,他们正在进行的艺术创作不完全像书面上对“80后”描述那样,80年代出生的人从事当代艺术创作并没有一种统一的性格,也不存在一种完全相同的生活方式。因为这种差异,他们所持的艺术观是多元化的,进行创作的形式和方法都不尽相同。有些人如沈桦、黄淋是两位出生在70年代的艺术家,但他们不同于朱其等人对70年代人以青春残酷、卡通等的定位,而是将自己的视角转向社会,展现了艺术家的社会责任感,都关注社会矛盾;有些人走向抽象与观念,何桂彦在2006年策划了“无中生有,超越抽象”的展览中,我们可以看到抽象绘画正在不断扩大自己在川美的影响力,为我们展示了“70、80后”一些艺术家的另一种创作状态;有些人则跟风“卡通一族”,“卡通”一时间成为“过街之鼠”。 我要怎样进行我的艺术创作呢?要有一个怎样的方法呢? 首先,我要尽可能地忠实自己,做能够真实表达自己感觉的作品。我会避免让自己产生8:“我要做一件让世人惊讶的作品”。之前我做作品,脑子里总想着一鸣惊人、惊世骇俗,或者是想“不鸣则已,一鸣惊人”,这个动机肯定是值得质疑的。“忠实自己”是忠实自己加以反思过的某种真实,是从独立意识中出来的某种需要去试探的真实,这时候的自己也许成为了需要去判断的对象。“忠实自己”意味着一种关系的建立,是作品与“问题中的自己”的关系建立。为什么我们要在作品背后做如此长期的思考,就是要在常见的忠实中去寻访出“问题中的自己”来。这个寻访的过程,有时我把它视为自我批判的过程。我要贴近自身,表达自我的生活,无论是积极的还是颓废的,且不计较,这应该是我创作的主要题材。 其次,艺术是件独立的事,能够得到的只是内心的共鸣,因此我要成为一个独立的人。艺术家的独立是艺术独立的前提。现实中,也许有许许多多能够引起内心共鸣的东西,而这种东西为何会让我最感动,我要用一个独立的思维去记忆并转化。然而,共鸣断然不是“瞎碰”碰出来的,“瞎碰”出来的共鸣断不能长久。都说与我们相关的,可以说更多的是物质而非精神,而这些又要依靠自己的父母、亲人的支援,从这个层面上说,我们是无法独立的。但是在此又有必要指出,这并不能说明我们“80后”就是堕落的。现在人生对于我们而言仅仅是开始,而在现代的生存压力之下,我们不关乎时代深刻的命题,找活命的东西,难道这是不能理解的吗?在这个环境下,我们就更应该独立。我要培养自己独立的人格精神,只有具有这种精神的人,才具有某种担当的意识,对自己的行为规范也有着别样的要求,看待现实的眼光也是独特的、锐利的。 再次,要去发现“问题”,解决“问题”。要想作为一个艺术家,就要敏感地触摸其所处的时代,发现并提出“问题”,寻找问题的根源和发展。许多人都评论我们这一代承担不了这个时代的变革命题,不会指望我们会像80年代的年轻人那样激烈地燃烧起理想的火焰,去预示、发现、再现着社会的问题。但是我们更现实,更现实地流露出了在这个即将属于我们时代的社会“自我”的重要性。正是因为这样,我们才能更深刻地发现“问题”。我要勇敢地阐述社会极端腐败的现象,或是人心的丑恶,或是社会的各种风气,或是其他的方方面面,用自己的作品去说明问题,给现代人一个启示。 1980年以后出生的人应该说都是年轻人,年轻人的行为举止、思想状况总能得到社会的关注,毕竟“少年智则中国智,少年强则中国强”。毋庸置疑,年轻人总为未来代言。我就要以我们这种年轻人的态度、年轻人的思维、年轻人的活力去创造出更好的艺术作品来回馈这个时代。
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美术艺术鉴赏论文:高中美术鉴赏中当代艺术内容的教学研究 高中阶段往往是学生世界观、人生观、价值观形成的关键时期,这一阶段,高中生的审美意识也逐渐的增强,需要学校相关课程的任课教师加以正确的引导。美术课程作为高中阶段主要对于学生审美意识进行指导与教授的课程之一,对于学生审美情趣的提高,具有较好的促进作用,对于该课题进行研究是十分重要的,所以笔者将以高中美术鉴赏中当代艺术内容的教学研究为课题进行研究,希望对于提高高中阶段学生审美水平的提高起到一定的促进作用。 高中美术鉴赏当代艺术内容教学研究所谓的当代艺术是指在当今环境下含有批判性质的艺术,从字面中可看出,当代艺术也就是与当前环境共同发展的艺术,其本质是通过对将人们的生活与艺术相结合,将艺术拉到现实之中。因此当代艺术应当被大众所认知,如今在我国对教育进行改革的条件下,在高中美术欣赏中加入当代艺术的教学是非常有必要的。 一、当代艺术在高中美术欣赏教学中的现状 (一)学生对当代艺术的认识差 在当今高中的教学中,由于我国仍然以应试教育为主,因此美术课往往只是作为高中教育中的一门辅修课程,并且不计入统考范围之内,因此高中学生对美术鉴赏课并不持有足够的重视,往往在美术鉴赏课中出现瞌睡等情形。其主要表现在如下几点:首先,在学生在步入高中之前,虽然在初中也开设美术相关课程,但是在初中阶段美术课程更多的是以对美术教师以及其他作品的临摹,同时教师在教学之中更多的是纯技法,加之初中阶段并不重视美术教学,因此导致学生在步入高中时美术鉴赏的学习并不能有效衔接。其次,除美术特长生以外的其他学生对美术鉴赏的相关知识了解程度不高。再次,学生对美术鉴赏教学持有反面态度,并且学习敷衍性较大。 (二)教师素质较低 首先,目前我国大部分美术教师在教学理念上相对较为落后,同高中其他课程教师来说,一些美术教师在美术教学过程之中过多看重技法以及作品,忽略对学生进行理论教学,甚至认为当代艺术的教学与美术教学没有任何关联。其次,受到传统教学的影响,美术教师同其他教师相比,缺少学习与进修的机会。再次,教师缺少创新意识,在美术鉴赏教学之中往往教学模式较为单一,高中美术教师往往是一些美术院校的毕业生,他们在学习过程中更多接触的是专业技能训练,对当代艺术缺少必要的了解。因此导致在高中美术鉴赏教学过程中,只能通过宣读教材的方式进行教学。最后,由于目前美术鉴赏课程在我国高中教学的开展时间相对较短,缺少教学经验,缺乏对教学模式的研究,进而导致高中美术欣赏教学之中对当代艺术的教学出现较多问题。 (三)教学管理的不重视 教学管理的好坏直接影响着学科的教学质量,而美术鉴赏教学从目前来看,在高中教学之中受到各种因素的制约。首先,对美术教师的管理与使用不科学,往往出现将美术教师安排到其他方面工作之中,导致高中美术鉴赏教学失去原本应当拥有的地位。其次,学校对美术教师的培训以及对美术鉴赏教学的质量与评价不重视。再次,美术鉴赏教学并没有纳入到高中教学成绩的评价之中。 二、当代艺术在高中美术鉴赏教学中的对策 (一)开拓学生审美视野 在当代艺术的相关理论之中,明确提出了当代艺术与当代的文化中的文化话语有着最为直接的联系。当代艺术已经融入到人们的日常生活之中。因此要提高高中学生对当代艺术的认识,学校就应当进一步通过有效手段提升学生在日常生活中对当代艺术的认知,当代人们在日常生活中的某些细微变化,都在反应人们对审美观念的改变,审美更是与人们对艺术以及艺术活动的认知有着直接联系。 (二)提升美术教师的素质 教师是学校进行教学中的重要因素,教学目标的实现的前提是教师。因此搞好教育,培养优秀的学生就要加强教师的素质,尤其是美术教师的素质。学校应当全力培养学术性的美术鉴赏教师,培养美术教师拥有良好的职业道德,把握美术鉴赏教学规律能力,拥有较强现代艺术欣赏能力和有较强教学理论能力。通过培养,进一步提升美术教师的表达与动手能力、问题的解决能力,从而保证美术鉴赏教学的艺术性。而作为美术教师,应当通过各种手段提高自身的学识与经验,通过不断对各种理论与当代艺术的学习,进一步提升美术鉴赏教学的方法,提高艺术教学在美术鉴赏教学中的地位,促进学生全面提升个人素质。 (三)提高学生水平,制定科学教学目标 在目前我国以应试教育作为教育体制的前提下,学校对美术鉴赏教学管理的不严格造成了学生对美术鉴赏的忽略,不了解当代艺术。因此学校应当根据学生的实际情况,明确美术鉴赏的教学目标。在美术鉴赏教学目标中,目标的制定应当清晰明朗,其教学目标应当具备:一对美术鉴赏教学的范围以及内容等难点进行确定,从而引导学生积极参与到教学中。二是在美术鉴赏教学中应当明确采取分步教学的方式,将当代艺术融入到美术鉴赏之中。三是通过明确提出学生所要到达的水平,从而为教学提供检测依据。 美术艺术鉴赏论文:现代艺术和高中美术鉴赏课 现代艺术是主要发源于西方发达国家的一种崭新的艺术形式,在美术史上只经历了数百年之久。现代艺术的涌现充满了热血和激情、冷静与反思,是人类智慧的一次集中展现,将人类积聚了几千年的艺术文化彻底改变了,艺术开始变得贴近生活大众,他们和商业的距离从未如此近过。对于艺术史发展到现代艺术阶段的情景,我们能窥见背后轰轰烈烈的工业革命和信息技术革命,信息的大爆炸滋生了这些独特而富有魅力的新的艺术形式。 高中美术鉴赏课的教案编写涵盖面极广,从原始艺术到现代艺术,从古至今,从西至中,各种知名的艺术品、艺术故事,几乎无所不谈,而正是这个原因,让我们的美术课本有种泛泛而谈的感觉,而现代艺术如何在高中生中推广介绍?是我们亟待解决的问题。 在教学过程中,我们发现对于学生感兴趣的很多现代艺术作品有一种特有的新奇感,因为传统艺术篇章和现代艺术篇章的较多割裂,让学生对现代艺术的理解只停留在诸如“看不懂”――极简主义,“很狂野”――德国新表现主义,“很抽象”――美国抽象表现主义,“很像照片”――照相写实主义或超级写实主义,“很变态”――弗朗西斯培根的作品等等之类的评论上,而无法联系到这些绘画流派所在的历史背景和民族特征或者艺术家的独特经历和观念,针对这一点,我做了下述分析。 一、现代艺术鉴赏的德育方面 德育的培养离不开具体的知识和内容,任何脱离内容的形式都显得过于空泛,在现代艺术鉴赏课中,我运用各种资料来激发学生对艺术品背后的深化理解。比如,讲到波普艺术的时候,提及安迪沃霍尔和王广义两位艺术家,安迪沃霍尔是美国著名的波普艺术大师,他的可口可乐瓶、玛丽莲・梦露的作品形象深入人心,但是,当这些艺术形象推广到世界,在世界范围的人群中深入人心的时候,中国的一位文化学者河清就批判道:这是一种文化霸权。 而我国的波普艺术家王广义,则在借鉴安迪沃霍尔的波普艺术形式里贴近生活、商业气息和直接刺激的部分,使其形成一种中国式的政治波普,这便是中国独有的文化语言。讲到这里的时候,学生便能体会到教师的德育用意:霸权,不仅仅体现在政治经济上,还有文化霸权,要爱国,就要努力发扬本民族的,只有民族的才是世界的。 二、现代艺术鉴赏的智育方面 在纷繁复杂的现代艺术门类里,学生能看到很多艺术家的探索精神,虽然有些艺术的探索充满了古希腊故事阿基里斯与龟般的悖论式荒诞,但人类的求知欲可在此一窥。现代艺术里的光电艺术已经日趋成熟,这里面包含了众多科技领域的创新。比如,在上海举办的电子艺术大展,让人们对艺术和科技的结合充满遐想,未来的科技不会只有冷冰冰的操作,而是人和机器互动甚至是情感交流的媒介,通过这些现代艺术媒介的变化,能开拓学生的思路,了解现代艺术巨大而宽泛的应用领域和发展领域。 三、现代艺术鉴赏的美育方面 现代艺术中需要传递给学生的不仅仅是传统意义上美的东西,比如德国新表现主义大师基弗的作品,介绍他的绘画和装置作品的时候,需结合这位艺术家不平凡的历史时代背景和他本人的精神所向。二战的阴影给德意志民族内心的创伤,在基弗的作品里留下了巨大的影响,比如杂乱的笔触,荒野里干枯的稻草,点燃的火苗,坦克、潜艇的模具,破碎的衣服等,这些物件堆放在一起并没有很强的美感,但是学生能读懂这些东西堆放在一起的时候会呈现什么样的语境,那是一种人类被战争百般折磨后的苦难。此时的美育就变得更加深刻而富有内涵了,对美的追求不再只仅限于一张漂亮的画,一个漂亮的装置,而是灵魂的洗礼和对历史的拷问。 四、实例分析――《新的实验》 在今年的市级公开课中,我针对教材中的《新的实验》一课为原型,延伸教材内容,编写了一堂关于现代艺术的鉴赏课。附简案: 《模糊的界标》 ――探索新的实验 教学目标: 1.认知:了解并体验实验艺术的特征。 2.能力:拓宽学生的视野,初步形成对此类艺术的审美能力。 3.情感:培养学生对形式、材料、造型等方面的好奇心与探索心理。 教学难点:对新的艺术形式与内容的解读和领会。 教学准备:公益作品照片、商场里较大的商品、各式布料、夹子、彩带等。 教学时间:1课时。 课前准备:给一部分学生发放赵半狄公益作品的图片。 教学过程: 1.导入。 提问:如果把这些作品放成大幅彩照并在美术馆展出,你觉得它们是一种艺术吗?(分组讨论2分钟,由小组长汇集总体意见,确定正反方向,并作为代表发言) 2.引出课题。 欣赏蔡国强作品,猜测艺术家的想法,欣赏克里斯多夫作品――《包扎的德国柏林国会大厦》。 小结:我们通过包裹,不仅体验到一栋大楼独特的纯审美功能,也让我们关注到保护具有历史意义的大楼和保护大自然等观念。 思考:随处可见的工棚也是包裹艺术吗? 3.通过这件包裹作品来总结实验艺术的特点(是非判断题)。 4.课堂活动:利用商场里的商品和各式布料来创作包裹艺术(8分钟)。 (学生展示作品,教师指导点评并做小结) 美术艺术鉴赏论文:高中美术鉴赏课要注重挖掘学生潜在的艺术素养 【摘 要】 新课标指出:美术课程评价的主要目的是促进学生的发展,用体现多主体、开放性的特点的评价方式,培养学生自我评价的能力,帮助学生学会判断自己美术学习的态度、方法与成果,确定自己的发展方向。那么,究竟应该采取哪些方式来达到在美术鉴赏教学中挖掘学生潜在的艺术素养 【关键词】 美术鉴赏;挖掘学生;艺术素养 艺术是一门充满情感和创造的学科,文艺鉴赏课作为大学的人文素质教育课程,已不能像中学的文学艺术课那样仅培养学生的感性认识和实际体验,而要帮助学生增加对文艺美的理性认识。同时,尽管它是非专业教育,不承担培养专业文艺人才的任务,但因其基本任务是全面提高大学生的人文素质,培养学生正确的审美观,提高学生感受美、鉴赏美和创造美的能力,所以,“文艺鉴赏课是一门能力课,而不仅仅是一门知识课”。它与很多重在掌握知识点的文科课程不同,不能采用灌输式的教法,满足于强迫学生接受一些知识和技能,忽视对学生独立的认识、体验和创造能力的培养。根据其教学目标和学科特征,在教学中注意引导学生自主学习,掌握学习方法,激活审美潜能,提高审美能力就成为重点。只有保护学生的能动性、独立性和创造性,让学生自主学习,才能使学生投入地去体验艺术,发现和探究艺术的魅力和规律,从而达到教学目的。 一、《美术鉴赏》课程的的意义 艺术的本质是审美的,车尔尼雪夫斯基曾说:“美的事物在人心中所唤起的感觉,是类似我们当着亲爱的人面前时洋溢于我们心中的那种愉悦。我们无私地爱美,我们欣赏它,喜欢它,如同喜欢我们亲爱的人一样。”艺术浓郁的情感性可以带给人以精神的享受,使人身心愉悦,但同时艺术所具有的多义性和抽象性又使人在欣赏时无法畅快淋漓地把握,人必须在掌握一定的艺术语言的基础上进行审美,这种审美才带有“令人解放的性质”,才能让人了解和领悟艺术的深层意蕴,获得一种理性和情感的满足。 艺术是一门充满情感和创造的学科,文艺鉴赏课作为大学的人文素质教育课程,已不能像中学的文学艺术课那样仅培养学生的感性认识和实际体验,而要帮助学生增加对文艺美的理性认识。同时,尽管它是非专业教育,不承担培养专业文艺人才的任务,但因其基本任务是全面提高大学生的人文素质,培养学生正确的审美观,提高学生感受美、鉴赏美和创造美的能力,所以,“文艺鉴赏课是一门能力课,而不仅仅是一门知识课”。它与很多重在掌握知识点的文科课程不同,不能采用灌输式的教法,满足于强迫学生接受一些知识和技能,忽视对学生独立的认识、体验和创造能力的培养。根据其教学目标和学科特征,在教学中注意引导学生自主学习,掌握学习方法,激活审美潜能,提高审美能力就成为重点。只有保护学生的能动性、独立性和创造性,让学生自主学习,才能使学生投入地去体验艺术,发现和探究艺术的魅力和规律,从而达到教学目的。 二、《美术鉴赏》,侧重必然要求参与式的教学 (一)激发兴趣,引导学生积极走进艺术 我们知道,艺术鉴赏过程要经历三个层面,即艺术语言层、艺术形象层和艺术意蕴层,在艺术语言层的欣赏中要求学生要掌握一些艺术的鉴赏语言,比如欣赏绘画,就必须对它的线条、色彩、构图等语言有所了解;欣赏音乐,就要对它的旋律、节奏、和声、曲式等语言有所了解等。在这个层面上,如果教师以讲授为主,就很容易枯燥,我们不妨打破书本上教学内容的限制,以激发学生的兴趣作为突破口来创设情境,设计教学。同样,在艺术形象层和艺术意蕴层上也是如此。三者的关系是递进的,但在欣赏时却完全可能交叉,甚至统一。 1、创设情境,引导学生开启多种感官欣赏 与艺术作品对话,只有充分敞开,才能充分接纳,这种状态最有利于对作品的欣赏。那么,如果能创设出一个适当的情境,就可以充分打开学生的感官和心灵,使之与作品“碰撞”,从而发掘出作品最丰富的内涵。比如,欣赏托赛利的小夜曲,学生很容易听出了“优美”的感觉,但这是一种表层的情绪体验,不应满足,还要继续引导,开启他们的联想功能。教师可以设问,你觉得这是什么时候,早晨、下午还是晚上?雨天还是晴天?周围幽静吗,为什么?这样,学生进入了情境,激发了进一步倾听的欲望。当学生推想这个音乐描写的形象可能是早上(因为有鸟鸣),也有可能是雨后(下雨时鸟不可能出来),像在山中(周围非常幽静)等等,就可以启发他们开启多种感官进行欣赏。音乐不仅可以用来听,还可以嗅(嗅到清晨的清新空气)、感(静)、甚至看(画面感)。 充分调动听觉、嗅觉、视觉、触觉等多项功能的复合欣赏,给学生以新的感受,同时激活了他们以往的艺术积累、人生阅历,心灵渐渐敞开,更加细腻、丰富起来,这不仅有利于他们迅速理解艺术语言,而且为他们开始与作品进行深层对话做好内在的准备。 2、善用类比,设置问题,启发学生主动思考 文艺理论的教学,一直是难点,也是比较枯燥的。如果理论是学生自主思考、探究而得,则理论的学习就有趣多了,知识掌握得也牢靠。比如,在讲音乐欣赏时,西方音乐流派及其风格比较枯燥,也不容易理解,我举了其中巴赫、莫扎特和贝多芬三位大师的作品进行对比,实际上就把巴洛克时期的音乐与古典时期的音乐,以及古典时期不同作家的作品都进行了对比。我先放了三位大师的三首曲子的片断,然后问学生,假如有一群蚂蚁爬过,三位大师中,谁会说:“慢点,别着急,哦,好,从这边过。”谁会说:“咦,看你往哪边跑,哈哈,再来一下,对,有创意!”而谁会坐在蚂蚁爬过的地方思考,并要它们继续奋斗?当学生欣赏后,被问题激发了思考,于是不难指出第一个大师是巴赫,第二个是莫扎特,第三个是贝多芬。我就进一步引导他们说出原因,并把知识点融在推理中记忆,学生很容易就把握了这些重要的西方音乐流派及其风格。 用类比的方法,巧妙的问题,来激发学生的兴趣,启发他们看书,领会艺术语言,作出相应的判断,是学习理论的捷径。因为解答问题的过程,就是学习艺术理论的过程。在解读艺术语言,理解艺术形象,领悟艺术意蕴时,教师可以转换思维,寻找切入点,不一定直接点题讲述,这样既有利于激发兴趣,寓教于乐,避免枯燥,也有利于学生多角度思考,提升审美能力。 (二)因势利导,引导学生主动探究艺术 在文艺鉴赏的过程中,由于艺术的情感性和多义性无时无处不在,因此造成鉴赏的个性化、多样化,如果强求一律,势必违反艺术的规律,但如果放任自流,又无助于学生能力的提高。这时,教师就要善于因势利导,从学生鉴赏的具体情况出发,甚至从课堂上出现的意外出发,巧妙地引导他们思考,进一步把艺术鉴赏推向深入,乃至达到融美育、智育、德育教育等于一体的境界。 1、鼓励学生表达感受、见解、质疑,使之深入探究 要提高文艺鉴赏水平,对具体作品的独立鉴赏是至关重要的,必须让学生热情地参与进这一过程,因此,要鼓励学生充分大胆地表达自己的感受、见解,甚至质疑,使之深入探究。学生在问与答中,也可以看到自己和别人的长处和短处,取长补短,逐渐提高能力。教师要营造宽松的课堂气氛,有利于学生开口。 比如,在欣赏小提琴协奏曲《梁祝》时,我先放音乐,再让学生畅谈感受,肯定每位同学感受的合理性。有个学生问了一个颇有意思的问题:“听完‘抗婚’一段,我已经没有心情再听最后的‘化蝶’了,心中注满了悲伤和沉重,已经感受不到最后一段音乐的美好;同时,从故事的结构上看,这个故事也讲完了,所以,最后的‘化蝶’部分是不是多余了?”这个学生的感受很“另类”,但很合理。我立即肯定了他的感受有其合理性,并将这个问题交给学生们回答。大家议论纷纷。经过讨论,大家逐渐形成了这样的观点,‘化蝶’给人以希望,符合传统的审美心理,否则作品岂不是太灰色了,令人绝望。我随即结合这个问题,深入剖析相关的文艺理论,指出:‘化蝶’的存在是因为《梁祝》采用了西方奏鸣曲式结构,属呈示―展开―再现三部分中的再现部;而且,它也与展开部构成了强烈的对比,刚愈显其刚,柔愈显其柔,进一步加强了整部作品的悲剧色彩。这样一分析,对这一作品的鉴赏又加深了。同时,我又说明,这并不是说所有的作品都要采用这一结构,在处理上允许体现不同的风格。 这样的例子还有很多,经过多次艺术的探究实践,学生的自主学习习惯和鉴赏水平都有了明显的提高。解放思想,善于质疑,是提高审美能力的重要前提。 2、巧用课堂中的意外,使学生学会正确思考问题,全面提高综合素质 自主学习,学生的思维活跃了,表达时观点难免会“越界”。有的教师遇到这种情况会感到慌张,其实,要认识到意外的出现是自主学习不可避免的,而且意外正说明学生的思维开始活跃起来。有时候,意外还是难得的亮点。教师要善于运用课堂中的意外,引导学生正确的思维方法,深入思考。对闪光点更不可轻易放过,要抓住机会加以引导,以收奇效。 总之,文艺鉴赏是一个再创造的过程,艺术欣赏的最终目的是表现,所以,所有有助于学生理解文艺作品的途径,所有有助于学生自由进行艺术表现的机会,所有有助于学生创新发挥的学习方法,我们都要不遗余力地尝试。要习惯于鼓励、引导学生自主学习,互动合作,大胆创造,表达自己的情感、见解、想象和创造,肯定、接纳他们独特的审美感受和表现方式;要走近学生,参与他们的活动,感受他们的快乐,在多姿多彩的艺术欣赏和表现实践中,激活学生的审美潜能,提高学生的审美能力。 美术艺术鉴赏论文:浅谈在美术鉴赏中抽象艺术教学的策略 在新课程标准的理念指导下,如何更新美术教育观念,改变学生的审美态度,培养学生良好的道德情操和创造能力是时代赋予当代美术教师的重任。本人结合新课程理念和课堂教学实践就美术鉴赏中抽象艺术教学的策略谈谈自己的一些体会与思考。 一、 抽象艺术作品的特征 从作品形象与自然形象的相似程度上去划分作品风格的方式上看,抽象艺术主要指艺术形象大幅度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术。当作品中的主观成份大于表现客观事物时作品的形式则趋于意象、抽象。在教学中,那些完全舍弃自然对象,以纯粹的形式构成的抽象艺术作品对于学生来说很难接受,更不用说欣赏。 新课程标准的实施,教育观念的转变,这就要求作为现代的中学生,要了解世界各国文化艺术以及不同的思想观念,通过对包括抽象艺术在内的视觉艺术的欣赏,从而提高学生的人文修养及全面素质。 二、美术欣赏课堂中抽象艺术作品教学的策略 1、抽象艺术教学的设计思路 格式塔心理学中有“异质同构”的理论,同构即构造相同,不同的事物具有同构关系,就可以互相转化,因为同构的存在,一个物的局限就可以得到扩展,就能使某种抽象的符号形式与人的思想情感以及外界事物发生关联,并因此赋予符号以形式和意义,这意味着人们可以用抽象的形式符号把握和表现现实世界以及人的感情,使得各种表面看来差异很大的事物的关联对应和互译成为可能。从而使艺术的表现成为可能,同样也正是这一点使抽象艺术的表现和理解成为可能。比如鲁班从割破手的小草受到启发从而发明了锯子,正是这一理论的体现。在抽象作品的教学中我们同样可以运用这一理论开展教学。 教学中可以运用格式塔心理学“异质同构”的原理,发现音乐与美术之间共性,让学生产生通识认知体验。对抽象艺术从感性认识到理性认识,由抽象作品分析向具象画、书法等领域拓展,主要是要让学生了解美术的形式规律。 2、引导学生感知、联想、分析和归纳,形成建构主义学习观 按新课程理念的要求,抽象艺术教学实质上是让学生在教师的引导下去感知、体验作品,让学生了解到点、线、面、色彩、量感、质感、速度、节奏、韵律、秩序等的因素在作品中的作用,帮助学生更深一层理解美术中最为本质的形式规律。 艺术作品本身是多元化的,再加上抽象艺术所具有的这些特性,使这类美术作品的欣赏更具有广阔自由空间,评价上表现出价值的多元性。所以教师必须具备良好的修养和学识来理解作品的形式与内容及所具有的最普遍的审美意义,并以包容的态度接纳学生的感受和评价。在教学过程中,笔者常把自己的判断以推测性的语言告诉给学生,引导学生去感知和评价作品,参与讨论并养成自觉验证判断、减少盲目冲动的评价,使评价达到主客观的统一。 3、学科整合,关注音乐与美术的联系 音乐通过形式的变化表现人的情感的变化,并通过强度、速度、节奏、韵律等表现人的情感的变化。抽象艺术也是如此,它们之间有某种同构关系。为了让学生了解这一知识,在教学中我以蒙德里安的抽象艺术作品为切入口,让学生关注抽象艺术与音乐的联系。 抽象美术作品的表现语言从形式上看有点趋向音乐性。一些心理学家研究认为色彩与声音可以产生联想。例如让学生先听中国民乐《喜洋洋》,从中感受到这种喜庆欢快的情绪体验,再让学生用某种色彩来体现自己的这种欢快的情绪。音乐与美术这种互动在美学被称为“通感”的心理现象,也可以看作联想的一种特殊形式。它不仅是构建音乐与美术的桥梁,也为学生理解抽象艺术架起了桥梁。运用这样的方式教学,蒙德里安的抽象作品就不难理解了。 4、引领学生探究抽象艺术作品的色彩、线条等外在表现形式与内涵的关联 色彩和人情感的联系更为密切,大多数人对色彩都能产生丰富的联系和感受,蒙德里安的冷抽象作品就是充分运用了这一要素。在教学中间,笔者设置了三个小活动,目的是为了检测学生对用色彩创造性地表达情感的态度。 活动一:运用色彩的心理属性初步尝试用不同绘画方式表达自己的情感倾向,体验在绘画中色彩带来的不同心理感受。 活动二:结合绘画中的“形”的相关学习经验,通过形、色相结合的方式,完成一组表达不同心情的色彩作业。 活动三:在掌握了色彩的对比与调和的知识与技能的基础上,结合自己的生活体验,综合已知,尝试对同一种颜色采用不同表现手段来表达不同的绘画主题。 从活动中我看出大多数学生对于色彩、线条表达情感心理接受的程度还是具有普遍性的,只有少数同学感到有困难,但可以加以引导。由此可见,从色彩的情感角度引发学生感受作品的情感,再结合音乐作品中情感的表现从而理解抽象艺术作品,具有较好的效果。 5、听音乐,动手画抽象画,提高学生表现和创造的能力 为了让学生更进一步理解抽象艺术的音乐性、情绪性,在课堂中我增加了动手练习的内容,即听音乐画抽象画。我选了一些不同题材的音乐作品,让学生听并快速将第一感受用绘画表现出来。如听贝多芬交响曲《田园》后,学生们能用明快的色调、形式意味很强的纹理来表现春天的景色;听二胡名曲《二泉映月》,学生能用蓝灰等色的调子来表现忧伤的情绪;听摇滚乐、爵士乐等等,大部分同学能在表现自己的主观感受和情绪时找到某种抽象形式来进行对应,比如线条和色彩等,从而也强化了学生的感受和表现能力。将音乐融合到抽象美术教学中去,让学生从认识上升到实践,进行体验。锻炼学生的表现能力,从而感受抽象绘画具有音乐性的特征,理解抽象绘画是以点、线形式结合、情绪随意性很强的挥洒而构成的色彩斑斓的图像,从而产生运动、不安、热烈、宁静、低落等情绪感受,当学生产生某种情绪时,就是看懂了这类抽象绘画作品。 美术艺术鉴赏论文:高中美术鉴赏课中的抽象艺术 摘要:抽象美术是教学中的难点。在高中美术欣赏课中,教师应设计多种教学方法,以提高学生认识和欣赏抽象美术作品的能力。阿尔森・波里布尼指出“抽象艺术真可称得上是二十世纪典型的艺术样式了,可是没有一个人敢断言它属于通俗的艺术样式。因此抽象美术作品的欣赏一直都是美术鉴赏教学的一大难点。在教学实践中如何引导学生摆脱单一的具象审美感知模式,提高学生的审美能力,学会欣赏抽象美术作品,是时代赋予当代美术教师的重任。 关键词:抽象美术 艺术观念 美术教学 一、引言 在高中美术欣赏课的教学中,有相当一部分的抽象美术作品。学生在欣赏这些抽象美术作品时,总是以像与不像来评判,或者说看不懂,难以理解和接受。故而抽象美术一直是高中美术教学的难点,是学生最感莫名其妙,又最需要解惑的问题,也是大家争议较大的课程内容。下面谈一谈高中美术欣赏课中的抽象画教学。 二、如何欣赏抽象美术作品 (一)让学生了解抽象美术作品产生的时代背景以及其艺术价值 抽象艺术是一种独立的艺术形式,它不直接表现任何现实中可视物,但不能因此说它与现实就没有关系,可以说任何艺术的终极对象都是现实。比如蒙德里安的《百老汇的爵士乐》,创作出了一种视觉音乐,像管乐器一样明亮的黄色线,在霓虹灯光般的红色,蓝色,灰色的小点的闪烁下,呈现出一种爵士乐的节奏感,我们还能感受到纽约最繁华的百老汇夜晚的噪杂,它是蒙德里安对美国纽约大都市的面貌和节奏的感受,对现实生活的反映。但要深入的了解和认识抽象美术,还应转变审美观念。因为作为现代艺术中的抽象画和西方的传统艺术相比较,其在观念上发生了根本的变化,主要表现在:1、艺术家从以前的表现客观现实世界走向主观精神;2、放弃了传统的统一的美的标准;3、传统的艺术十分注重艺术的认识和教育功能,而现代艺术强调艺术的审美功能;4、现代艺术的价值在于发现和创造,而不是继承传统的内容和技巧。抽象艺术是艺术家突破传统观念的束缚在艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索和创造的结果。它是以纯抽象的语言表现精神及形式意味的美术,而这种纯抽象的美术对于高中生来说往往难以理解和接受,因为传统的艺术观念再加上长久的应试教育的影响,使学生在欣赏抽象美术作品时,仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准加以判断,所以会有疑惑不解之感。对于抽象美术作品,学生要了解传统艺术与现代抽象艺术在创作观念上的转变,使自己在欣赏这些抽象美术作品时也转变自己固有的传统审美观,站在现代艺术的立场和标准上来看抽象的艺术,以全面认识和理解抽象美术。 (二)抽象美术的特点 1、形象的抽象性 抽象美术作品是艺术家对生活中的视觉经验的某种感受予以抽象的心理的一种表现。它以纯粹的点、线、面、形、色等构成画面内容含蓄,形象抽象,给欣赏者的感受是一种朦胧的印象。所以学生在欣赏抽象艺术时不要以像与不像来评价,要尽量根据作品运用主观感受来调动自己的情绪,而不要刻意去辨认画家究竟画的是什么。 2、画面有强烈的动感 许多抽象的绘画,以强烈的笔触,奔放的色彩来刺激人的视觉,动感强烈。例如:康定斯基的作品,以点、线、形、色依情绪随意作画,挥洒自如,使人产生运动、奔放、热烈不安等情绪感受。如产生某种情绪,获得某种狂热、高亢等视觉感受就是看懂了这类绘画,也称为热抽象绘画。属于冷抽象的欧普艺术以形的有规律的变化产生出奇异的流动、变幻的感觉。这些动感很强的抽象艺术是传统的具象绘画无法比拟的。 3、趋向音乐性 抽象画家利用色彩与声音产生的联觉,将点、线、形、色构成无标题的音乐,直接作用于欣赏者,使观者在看抽象画时,在心理上引起某种难以言传的情绪。如蒙德里安的作品《红、蓝、黄构图》。画面用直线分割成不同的方形,再填上原色,并以黑直线将它们分开。画面显得和谐而有变化,如同一首音节长短起伏,但却有自己主旋律的歌。 4、意蕴的含混性 抽象绘画以点、线、面等符号元素组成不明确的物象,其含义也是不明确的,欣赏者从中获得的感受是千差万别的。它排除了具体的物象,其内涵不可能像具象绘画那样表现艺术家对所描绘的事物的认识、态度和评价,只是用抽象的手法表现艺术家的某种情感或追求不带任何主观色彩的“绝对抽象”。 (三)抽象美术在中国当展 在中国现代美术史上,有很多画家阐述抽象绘画创作,但它毕竟不是主流,始终处于边缘,而写实绘画作为对中国传统绘画方法的一种补充和反映社会变革、传达观念的手段,受到了特殊的重视,从抗战到新中国之后,写实绘画成为有力的社会动员工具,也成为学院美术教育的主要内容。所以在80年代思想开放的年代,当抽象美、形式美被提出时具有一种革命性的冲破感,使得发自画家内心的那份畅快得以体现。 抽象绘画是以自由的姿态现身于新时期的中国美术的。但抽象绘画在中国强大的写实主义绘画面前,始终不能汇集成潮流,仅仅是涓涓溪水,不断有哪些性情中人凭着对抽象绘画的执着和热爱,在创作、尝试抽象绘画。但是,抽象美术没有进入普遍的社会认同层面,所以就显得抽象美术还在神秘的萌芽状态,需要一批又一批的画家通过实践去丰富抽象绘画在中国的内涵,需要一个又一个得展览区普及抽象美术在公众中的影响力,需要一次又一次的去证明抽象美术在中国的意义和价值。 (四)让学生通过音乐来理解抽象美术,欣赏抽象美术作品 音乐可以通过没有具体形状的声音为人们所接受,通过形式的变化,通过强度、速度、节奏、韵律等表现人的情感的变化,抽象美术也是如此,它们之间有某种共通关系。在教学中用多媒体让学生听不同乐器的声音和旋律来辨别所传达的情感是紧张的还是松弛的,是明亮的还是暗淡的,从而用颜色来表达这种情绪的变化,明亮的色彩,让人心情愉悦,冷灰的色彩让人觉得阴森,压抑等,这就是音乐与色彩的相互转换,这为学生理解抽象美术架起了桥梁。如此,康定斯基的作品就不难理解了。康定斯基始终把绘画看成是一种能唤起听觉的“内在音响”。它经常从音乐的角度来体会绘画的色彩。如他把色彩看作是生活中的“喇叭”“器乐”和“热情”“鼓声”与“铃声”等。在他看来绘画中的色彩犹如音乐里的音符,它本身就能打动观众,所以,康定斯基的作品是抽象的色块和点、线、面的集合,一向被认为是“凝固的音乐”。 (五)教学方法设计 1、图案肌理的制作方法 高中学生理解能力强,再加上不需要写实绘画那样有严格的技艺,因而,可让他们动手制作抽象画。在制作中去体会抽象画所带来的乐趣。如:让学生在板面(如玻璃、塑料板、纸板)上,用水粉、油墨等颜料随意涂画,色彩要饱满,水色要淋漓,以此构成丰富而微妙、自然的肌理效果,然后根据画面效果命题。 2、对比欣赏法 在欣赏国外现代的抽象画时,许多学生会说看不懂,如果把中国的草书拿出来与之对比欣赏,就会发现部分学生虽然不认识其中的字,却能欣赏它的形式意味。中国的草书,特别是狂草,由于其语义的可识性程度降低,欣赏者更注重它的节奏变化及虚实浓淡的笔墨效果。实质上,抽象美术作品中夸张的线条和刺激的色彩与变幻莫测的中国草书是一致的,都是一种平面的抽象艺术,能给观者在视觉上引起某种情绪感受。 3、打散组合法 打散组合的练习能拓展学生的思维空间,提高学生对抽象画的审美表现力。具体做法是:先让学生观察要画的对象(如花、草),将花草的原形平面处理类似剪影,然后根据画面需要或个人的审美趣味将其分解、组合,使其构成一个新的形态。也可将小组或全班学生的作品重新组合成一幅抽象的美术作品,最后画面将会产生意想不到的效果。 三、结束语 总之,抽象的艺术并不是想象中的“高深莫测”。创作抽象画的艺术家对自己的符号解释有时也是模棱两可,作为欣赏者完全不必耗费心思去破解。我们对抽象的美术作品要去了解、认识,而不是对它过于肯定或完全否定。西方的抽象艺术是西方现代艺术中的一种艺术思潮和艺术流派,它仅仅只是学生了解世界文化艺术的一面镜子。 美术艺术鉴赏论文:鉴赏当代美术作品《开国大典》感受艺术美和形式美 【摘要】学习和掌握美术作品的艺术美和形式美,使学生脱离只能分辨“漂亮”与“不漂亮”的自然状态,进入更高的审美阶段;难点是对美术作品的艺术美和形式美知识的学习掌握及对概念的讲解。教学内容主要是让学生了解什么是美术作品的艺术美和形式美,并让学生学会用正确的审美标准来鉴赏美术作品。 【关键词】美术作品艺术美形式美 六十四年喜欲狂,赤龙奋起振炎黄。2013年,是我们伟大祖国“母亲”64岁华诞。中国共产党十八大胜利召开。一周年产生了新一届中央领导,被推选为新一届中国共产党总书记,承接高举中国特色的伟大旗帜,要在21世纪中叶建成小康社会。全国人民欢欣鼓舞,老百姓迎新忆昔,思绪万千,自49年建国60多年来,中国发生了翻天覆地变化,人民过上富裕幸福生活。千言万语汇成一句话,“没有共产党就没有新中国。”“翻身不忘共产党,幸福感谢。” 64年前,主席在天安门城楼上庄严宣告:“中华人民共和国成立了,中国人民站起来了。”从此,中华人民共和国进入了崭新的时代。 而著名画家董希文将这一历史瞬间以叙事性为主题,典型地代表具象再现,把创作意图通过艺术形式描绘出来,在构图上,画家以照片为基础作了较大变动,使观赏者能看到侧面、半侧面,把人物集中到左边,右边留出空间、天空,象征祖国未来前程似锦、光明美好。并让人民从中联想到新中国诞生时,举国上下一片欢腾和喜庆的盛景。 由画面可知,十月一日的北京,秋高气爽,晴空万里,古老的天安门城楼装饰一新,在阳光下显得格外端庄、瑰丽。城楼上大红宫灯放射着耀眼光泽,灯下垂吊的流苏在风中微微摆动。还有蓝天白云、黄菊花、色调单纯、对比强烈。衬托着(主体)国家领导人群像、笔直、挺立,以竖线形平等排列布局,恰当地表现了那宏伟的历史瞬间。画面的右边广场上,万众集会队伍,高举红旗,鲜花和彩旗汇集广场,这一伟大时刻当推到画家董希文的美术作品《开国大典》,这幅油画是摄影作品难以塑造的艺术美和形式美。“是画家按美的规律和法则对现实生活进行抽离、概括、综合以致创造的结果,反映了艺术家个人的时代精神与审美联想。”我们通过画面与摄影比较:油画场景宏伟壮观,室外会场宽广、上下主次分明,前景后景有序、中心突出,色彩温暖、喜庆,有吸引力。而摄影照片上,作报告的气氛能感受到,有真实性。但是黑白的,显得灰蒙蒙的,人物前后站立不齐,队列有较乱的感觉。通过比较,更能感受到美术作品是艺术家经过提炼、加工、创造出来的不同于现实生活的“第二自然”。美术鉴赏加深了学生对作品的形式美(语言元素、语言手段、语言规则)以及意图的认识。使学生脱离了只能分辨“漂亮”与“不好看”状态,而进入更深度的审美阶段;就是通过感受、体验、理解、想象、回顾等鉴赏活动来认识美术作品,关键在于“感悟”。我归纳在以下五个方面: 1.艺术内涵 画家董希文所描绘的是一个新旧时代的转换瞬间,其意义不只是艺术的再现瞬间,也不只是画了一群国家功臣肖像;而是意味着一个民族从此站起来了!把人民希望国家强盛的心理与这幅画紧密地联系在一起。主要潜伏在观望、回顾、对比、联想等心态之中。 2.艺术魅力 A画家创造性地将共和国领导人和天安门广场上群众统一在一幅画面,主席侧身站立在画面中间,其他领导人站在靠左三分之一处,右边是广场上集会群众,似乎有点左实右虚之感(不均衡),但的眼神、视线不是全注视讲稿,也看着下面群众,画家是靠主席的眼神把天安门城楼上下人物联系在一起的。为了使画面右边更加开阔、有意删去了右手处应该有的走廊上一根大红柱子,据画家女儿董一莎后来对记者说,她父亲在定稿之前,还请教了徐悲鸿(院长)和建筑专家(梁思成)获准,受到赞赏,“画面少画一根子,在建筑上是个大错误,在绘画上应该是一大创新。”B①从构图到设置采用横式竖立,安排城楼上领导人与广场上人民群众都是站着,这是寓意“中国人民站起来了”。红、黄、蓝主色调富丽堂皇,是我们中国人喜欢的色调;②从人物到场面,重点突出,主次分明,画面左右均衡,红旗如海,人群如潮,排列有序,气势磅礴。从气派到宏声,主席作为画面主体形象,位置正是横竖分割线上的交点。与人民同在蓝天下,面对广场,空间开阔,显得十分庄重、稳定、有大国领袖的风范,特别是那伟大形象,反映了泱泱大国领袖的风度;传播了庄重的历史瞬间;寄托了中华民族自信心;表达了站起来的民族自豪感;体现了新中国诞生这一重大历史事件的伟大意义;唤起了中国人民对这伟大时刻的回忆;激励了中华儿女不断创新、开拓进取。 3.艺术成就 ①创造了人民喜闻乐见的油画新风貌;②继承了唐代壁画风采;③体现了中华民族绘画特色;④揭示了艺术创作要朝着民族化方向发展、升华。只有民族的精品才能走向世界。 4.艺术创作手法 利用了传统的写实画法。亲切、自然充满人情味。而不是居高临下,离人民群众太远。例如,在主席讲话之后,人民群众高呼:“万岁!”声音一浪高过一浪时作出回应,挥手致意呼喊“人民万岁!”。传递了庄重、稳定、宁静的形式美,并恰当表现了的伟大宏声。体现了人民领袖和人民心连心。另外画家在处理人物性格上,也表现了各种特色;如的手,就不象一般画家强调总理受伤的手总是放腰间的形态,而是放在腰后,这样表现总理的形象更显机警;还有的憨厚、刘少奇的神采、宋庆龄的优雅、李济深的稳健都画得生动真实。至于张澜长袍大褂上的折痕,则是透过他头天晚上叠得平整这一细节,点出了他对开国大典的重视。 5.艺术风格 画家采用了盛唐时期的壁画风格,选用了大红、金黄、碧蓝构成的暖色调,我们中国人喜欢的颜色,并运用国画中的工笔线条和写意方法相结合,描绘了大红柱子、大红灯笼,显得圆润光亮;为了达到艺术效果,画家还掺入了沙子和木工的锯沫画成红地毯,呈现毛茸茸的感觉。这也许就是画家的刚毅、洒脱、聪明、单纯的绘画风格吧! 其历史背景:《开国大典》1952年定稿后绘制是在作者姑姑家里完成的(当时中央美院画室小)。1953年国庆节在《人民日报》头版发表,1954年国庆节首次以年画形式批量发行超100万份。后期又再出版二次印成邮票在全国发行,60年代初入选中小学教科书。其主要因素是作品的艺术内涵和艺术魅力感染了亿万人民群众,人民喜欢它。 《开国大典》因历史原因,有三次改动:①1955年因“高饶事件”画家奉命删除高岗,改成菊花盘景;②1970年底“”中间,“”要强行改掉刘少奇,换成董必武像;③1972年身患重病的董希文被请到中国革命博物馆指导复制《开国大典》,执笔画家是中国美术家协会主席靳尚谊(董希文的学生)和青年画家赵域。最后一次是1979年(党的十一届三中全会后,邓小平主持中央工作)提议《开国大典》还历史本来面目,将《开国大典》恢复原貌。这次执笔者是北京的两位青年画家(阎振铎和叶武林)的复制品,原作已保存在中国革命博物馆画库。 美术艺术鉴赏论文:湖湘艺术品鉴藏与高校美术鉴赏教学改革 摘 要:当代的高校美术鉴赏教学,要从美术鉴赏自身及其外在条件的变化出发,充分利用湖湘艺术品鉴藏知识,充实和调整教学内容,加强传统与现代文化对接;结合美术鉴赏的生存和传播特点,创新教学方法,促进美术鉴赏与人文素质教育的深度融合。 关键词:当代 湖湘 艺术品鉴藏 美术鉴赏 教学创新 盛世兴藏。在中国经济快速发展的今天,物质文明已经不能完全满足人们对生活的需要,文化和精神文明的消费需求正日益高涨,文化产业正成为知识经济时代的一个新的经济增长点。据权威部门统计,目前我国艺术品收藏爱好者和投资者已达7000万人,年交易额近200亿元,参与人员和成交额还在以每年10%~20%的速度递增,艺术品投资正成为与房地产投资、证券投资并驾齐驱的三大投资方式之一,成为经济投资界的一大热点。当前,中国急需一大批有文化、有思想、有能力的艺术收藏家和经营管理者,他们需要博古通今、融会中西、需要有深厚的文化艺术素养,才能推动中国艺术品市场可持续繁荣发展。 随着我国大学生人文素质的不断深化,美术鉴赏教学已经成为学校艺术教育的重要环节之一,也是我们适应未来社会必备的基本素质之一。然而目前我国许多普通高校对美术欣赏教学体系并没有深入系统的研究,相对于学生学习的热情与美术鉴赏课程的地位,我们对美术欣赏教学体系的研究显得极度贫乏和不够深入。 针对当前高校美术鉴赏课程教学的这种现状,同时为打造中国艺术品鉴赏教育平台,提升艺术品收藏家的鉴赏能力,以目前盛兴的艺术品鉴藏与投资为契机,分析目前高校美术鉴赏课实施的主要状况,探讨湖湘艺术品鉴藏在高校美术鉴赏教学中的应用研究,以适应现代教育需求。我们认为,当前作为高校公共艺术课程的美术鉴赏教学亟待解决的问题:即如何进行美术鉴赏教学内容与教学方法的深化改革,发挥美术独特的教育价值寻找美术与高校人文素质教育的深度融合。 一、要充分发挥理论研究的引领作用,积极借鉴美术鉴赏研究领域的最新理论成果,深化教学内容 高校美术鉴赏教学应该关注理论界的发展动态,引进新的研究成果,推进美术鉴赏课堂教学。公共选修课的美术鉴赏教学尽管属于一种通识性教育,与纯学术研究和专业教育深浅有别,但是,实践表明,一个学科的理论建设会制约或者促进该学科的课堂教学,理论的导向性和引领作用是不容忽视的。譬如,什么是“鉴赏”?“鉴赏”的本质是什么?这是我们讲授美术鉴赏首先要回答的问题。 所谓鉴赏,实际上包括鉴定与欣赏两个方面。鉴定主要指判定作品的真伪,应属鉴定学的范畴;欣赏,主要指品评作品的优劣,属艺术批评学的范畴。鉴定与欣赏两者既有联系又有区别。鉴定是建立在欣赏的基础之上的,只有懂得欣赏才能判断作品的真伪;欣赏又是鉴定的演进,高明的鉴定家必定具有较高的艺术修养。同时,鉴定着重于笔墨内涵、个性风格、文献考证等,而欣赏则重在艺术论析、气韵意境、审美价值等。收藏,主要包括收藏、流传、著录等方面。中国艺术品的鉴藏学问很深,范围很广。它以鉴定真伪为中心,旁涉欣赏、收藏、著录、考证等诸范畴。 目前不少高校的美术鉴赏教学主要是进行作品的介绍和赏析,忽视了艺术品的分析、鉴定、考证。这种美术鉴赏观念片面、明显滞后于学术界的理论研究。 二、加强美术鉴赏与现代生活的紧密联系,寻找美术鉴赏与高校学子在精神文化上的无缝对接,充实鲜活的教学内容 我们应以开放的文化心态从事美术鉴赏教学,阐述美术鉴赏的物质载体、审美特征与现代技术、文化生活的内在联系,讲出新意,讲出深度。事实上,美术鉴赏既是传统的,也是现代的,还是实用的,要有“大美术”观念,它要不断进行创新,自然能够融入现代社会。美术所蕴含的古典精神不少也具有现代性,如果我们在教学中能充分挖掘美术的人文精神,就能突破时代的壁垒,生发出新的教学内容。将古典式的极限浪漫主义情怀与现代人文精神合观共视,教学内容变得鲜活灵动,就能得到学生的高度认同。 三、从民族文化传承的高度来从事美术鉴赏,拓展教学内容 许多湖湘艺术品都是我国几千年积淀下来的珍贵文物,美术教育既是艺术教育,也是民族文化教育,具有非同一般的现实价值。譬如,我们可以从湖湘艺术品的传承方式入手来讲授美术的文化特性。从这一角度来说,高校美术鉴赏教学是当代一种自觉抢救和保护文物的文化传承活动。可以预见,在未来的高校美术教学中,美术鉴赏的民族文化传承性会进一步受到重视,开辟出美术鉴赏教学的新路径。 四、精心凝练教学内容,建立三维立体化的教学板块,提高美术鉴赏教学实效 美术鉴赏教学内容非常丰富,头绪繁多。一方面,美术鉴赏历史悠久,博大精深,内涵丰富,优秀作品灿若繁星,艺术名家辈出。另一方面,美术鉴赏是一项融文学、历史甚至音乐、舞蹈等多种艺术于一体的综合艺术。面对内涵丰富、体系庞大的美术鉴赏教学体系,要求我们遵循教育规律,精心凝练教学内容,使之系统化、科学化。笔者以为,美术鉴赏教育由三个有机部分构成:首先是文学赏析教育,即介绍美术作品意境和叙事之美;其次是美术鉴赏教育,引导学生欣赏艺术作品的造型、技法、色彩、风格之美;最后是文化传承教育,这一部分主要讲述与美术相关的政治、经济、民俗、宗教等内容,也就是阐述美术的文化生态环境。三者互为补充,彼此渗透,相互依存,共同构成完整的美术鉴赏课程体系,满足学生不同层面的文化和审美需求。 五、结合当代美术鉴赏的生存和传播特点,创新教学方法,促进美术鉴赏与大学人文素质教育的深度融合 在中国历史上,美术是广大民众精神文化生活不可或缺的组成部分。美术既是公众审美需求,也包含着深刻的宗教仪式内容,它广泛生存于人们日常生活等公私文化空间。人们接受美术的渠道多种多样,除了欣赏绘画作品,还可以通过制作和欣赏民间剪纸、雕刻、刺绣等方式来接受美术。 随着社会结构的急剧转型和现代文明的迅猛发展,美术的生存方式与传播途径发生了前所未有的变化。美术的传播方式也发生了革命性的变化:一方面,美术继续通过传统方式传播,另一方面,涌现出了更加便捷的传播手段,如影视、网络、光碟、手机等均成为美术的有效传播途径。这就要求高校的美术鉴赏教学,要从业已变化的外部条件出发,积极探索新的教学方法,综合运用多元化教学方式,提高教学实效,引领学生进入古典艺术的殿堂,促进美术鉴赏与大学生人文素质教育的深度融合。 一言以蔽之,高校美术鉴赏教学应随着时代的变迁和美术生存条件的变化,充分利用湖湘艺术品鉴藏知识,深化教学内容,积极开展教学模式的变革,弘扬民族文化,提升大学生的综合文化修养,真正发挥美术独特的审美教育功能。 美术艺术鉴赏论文:浅谈高中美术中“艺术鉴赏”的有效教学 美术鉴赏是对美术作品进行欣赏与评价,是运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,从而获得审美享受,并理解其作品背后的艺术现象的活动。可以看出美术鉴赏教学不仅仅是将艺术大师的杰作展示给学生看,更重要的是通过美术学习让学生自己具有独立思考、评价、反思作品的能力。并在鉴赏之后运用已有的知识表达自己的观点,进行独立创作。那么,如何上好美术课,让学生爱上美术课呢?本文将从如下几个方面方面来谈谈笔者的见解与体会。 一、审美观念的转变 要了解和认识抽象美术,首先就应转变审美观念。因为作为现代艺术中的抽象画和西方的传统艺术相比较,其在观念上发生了根本的变化,主要表现在:l、艺术家从以前的表现客观现实世界走向主观精神;2、放弃了传统的统一的美的标准;3、传统的艺术十分注重艺术的认识和教育功能,而现代艺术强调艺术的审美功能;4、现代艺术的价值在于发现和创造,而不是继承传统的内容和技巧。抽象艺术是艺术家突破传统观念的束缚在艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索和创造的结果。它是以纯抽象的语言表现精神及形式意味的美术,而这种纯抽象的美术对于高中生来说往往难以理解和接受,因为传统的艺术观念再加上长久的应试教育的影响,使学生在欣赏抽象美术作品时,仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准加以判断,所以会有疑惑不解之感。对于抽象美术作品,学生要了解传统艺术与现代抽象艺术在创作观念上的转变,使自己在欣赏这些抽象美术作品时也转变自己固有的传统审美观,站在现代艺术的立场和标准上来看抽象的艺术,以全面认识和理解抽象美术。 一、教师应提高自身的艺术素养 美术鉴赏包含鉴别与欣赏,在美术鉴赏中,人们总是自觉或不自觉地根据一定的审美理想、审美标准、审美趣味,从作品中获得对于艺术形象的具体感受和体验,展开联想和想像,并伴随一系列的情感反应,从而对作品作出某种审美评价,得到某种精神上的满足,即审美享受,因此,美术鉴赏在具体要求上 ,比美术欣赏要更高一些,是在义务教育阶段美术课程中“欣赏・评述”学习领域的基础上更高层次的拓展与延伸。也就是说,教师要通过美术鉴赏内容系列的教学,使学生们不仅能欣赏一些古今中外的美术作品,同时也能运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象。因此,作为一名美术教师首先就要提高自身的艺术素养,主要有两点: 1、要通过阅读美术理论、美术史、美学等方面的理论著作或学术论文,提高对美术学科的认识,如:“什么是美术”这个具有探索性的问题,就要通过查找资料,阅读文献,找到“美术”这个词演变的轨迹,并综合有名学者的观点,再加上自己的理解,就可以对“美术”一词作出自己的解释了。 2、从多种渠道接受美术信息。高中美术教师应该经常参观美术馆、博物馆所举办的展览,除了关注经典美术作品外,还应该关注当代的发展动向,了解当代美术的特征,思考其原因,从而学会鉴赏,学会评论,以加深对美术的理解 。也可通过上网查阅,获得各类美术信息,以开阔自己的艺术视野。此外,还应积极思考,加强交流,在与他人思想火花的撞击中不断地提高自身的艺术素养,以迎接高中美术课程改革提出的挑战。 二、课前有效导入 通过故事导入,利用语言的描绘对学生的认知活动有着一定的指向性,并且带着情感色彩作用于学生的感官,激发学生的情感,帮助学生进入特定的情境中。如在讲《欧洲文艺复兴绘画》时,教师在课前可以向学生讲述文艺复兴大师一些鲜为人知的故事作为导入,来激发学生的学习兴趣。 三、丰富课外活动,培养创造力 丰富多彩的美术课外活动可以使学生在生活中形成自主探索、发现学习内容并养成自主学习的良好习惯,处理得当可以激发学生的学习兴趣,拓展学生的思维,培养学生的创造力。我在美术教学中经常是这样做的:首先,有目的地让学生去阅读古今中外著名画家的有关书籍,让学生从画家们的成长历程中积累材料,得到情感体验、生活经验,获得更多的知识,丰富自己的精神世界。比如我要讲齐白石作品时,先让学生去查阅资料,了解齐白石的个人信息、历史背景、题材方向以及他的一些感人的故事等,为教学打下基础;同时,由于学生对美术知识的不断积累,教学中故事与目标相结合,气氛很好,他们对美术课也越来越感兴趣。 四、充分发挥想象力,完善对作品更深的思考 “真实的创造就是艺术想象的活动”,任何创造都离不开具体的想象。美术欣赏教学在欣赏名作过程中,大胆鼓励学生发挥想象力。高中美术教材中包含了许多高水平的美术作品作为欣赏内容,在引导学生欣赏这些作品时,凡是学生容易理解的都要给学生留下一定的思维空间,鼓励他们独立观察,充分想象,细细领悟作品表现出来的艺术效果,同时要求学生在理解作品的基础上,大胆发表个人见解,培养学生对美的感受能力、理解能力和创造性解决问题的能力,激发他们对美术欣赏的兴趣,促进学生语言表达和发散性思维的发展。如:上《形式美的创造》一课中,塞林塔诺《运动绘画第三号》是光效应艺术中同期性构成了一个典范,而学生通过欣赏这件作品有了现实性的联想和虚幻性想象。有的同学说像舞蹈演员的裙子;也有同说像抽象艺术舞台上演奏的形以载道的旋律;还有同学说像一只魔幻的眼睛等等。这一切不都是对美术名作更深的思考吗?课后,大家的周记中又出现一篇较好的观后感。当然,由于种种原因,高中美术欣赏课的教学尚在积极的摸索和发展阶段,素质教育的全面推行,对高中美术欣赏教学提出了较高的要求,如果数理化在教学能让学生在学习中感到愉快,那是教学水平的话,那么艺术教学让学生在愉快中学习,则是对教学的一般要求,美术教学中不仅要讲清楚、弄明白、更要追求讲艺术。在当前应试教育没有真正转变,高考压力依然如故的情况下,美术教师只能付出更多的智慧和精力,充分发挥艺术科学的魅力,提高课堂效益,创新求变,才有可能从学生有限的精力中,真正得到一份收获,从而实现审美教育的目标。 作为美术教师只要千方百计地设计好美术欣赏课的教学过程,以各种新的手法去激发学生学习的兴趣,定能教好高中美术欣赏课。 美术艺术鉴赏论文:浅议高中美术鉴赏中的宗教艺术 摘 要:宗教在艺术的发展当中扮演着重要的角色,并且在从原始艺术的发展当中,这种以宗教为题材为宗教服务的艺术。着重从高中美术鉴赏中的原始美术开始,探讨宗教艺术的形成过程和艺术特点。 关键词:宗教艺术;原始美术;史前浮雕;洞窟壁画 从法国和西班牙发现的原始洞窟壁画,这些距今两三万年以前的原始绘画,大都表现的是原始人类向神灵祈祷他们狩猎成功意思的一些活动场景,在西班牙的阿尔塔米拉洞窟,画有众多的动物形象,马、猪、鹿、牛、羊等形象频频出现,其中最著名的就是“受伤的野牛图”。这幅原始壁画画得充满了动感与力量,牛头深深低了下去,前肢曲了起来,后肢前翘,显出牛的野性与受伤后痛苦的挣扎。牛眼睛的刻画简练而传神,使牛的形象栩栩如生、呼之欲出。 论文附图:阿尔塔米拉洞窟壁画《受伤的野牛》 这并不是原始人单纯为了艺术而作的画作,它其实是一种意识,是一种愿望,盼望着神灵能够赐予他们力量来征服野牛,还有一种说法,这些画能够使他们的猎物如同他们所描绘的那样倒在他们跟前。 在法国的拉塞尔出土了一尊大约有两万年历史的浮雕――《手持牛角的妇女》,上面刻有一位拿着牛角的妇女形象,据人们推测,她可能与主持某种狩猎活动有关的宗教仪式有着密切的关系。从艺术角度来看,这是一件相当简练的作品,只雕刻了一些大概的人的四肢,甚至我们连五官都可不清楚,但是我们并不仅仅认为这是一件艺术品,同时,它也有可能也是记载宗教祭祀的一件礼器。 另外,在舞蹈方面来说,很多的舞蹈也是一种崇拜形态,是宗教庆典期间礼仪的一部分,从中国马家窑出土的土陶罐上就画有一群人相互牵手,一起跳舞的图案,马克思说:“原始部落的舞蹈,是一切宗教祭典的主要组成部分”。因此,在原始时代,原始人类的所有艺术活动都离不开宗教崇拜,他们与宗教崇拜仪式活动乃至部落的生产活动常常是融混一起的,原始人的世界就是那个神秘的让他们变的虔诚而令他们畏惧的宗教的世界,原始人的思想从他们的现实世界而来,也都充满着宗教思想。“宗教是这个世界的总的理论,是它的包罗万象的总的纲领”。 从绘画和舞蹈两个方面来看,因为原始人类的这些活动都离不开宗教,所以我们说原始的艺术也可以称之为宗教艺术。然而,在这里我们需要强调的是,我们并不是要混淆和模糊了原始人类的物质生产与意识观念的界限,来论证所有的原始艺术,原始宗教崇拜活动与生产活动没有明确的界限。 原始人的经济生活决定着他们思想意识的产生,实际上原始宗教仪式或者原始艺术的各种形式,都只有为了促进生产这一个目的。从原始人的思维特性看,原始人在宗教方面把握与认识世界的方式也基本采取与艺术的把握世界相一致的方式,马克思曾经把这种方式称之为“实践―精神”的掌握方式。 总之,我们对不同的艺术采取不同的评价方法,具体问题具体分析。 (作者单位 陕西省汉中市宗营中学) 美术艺术鉴赏论文:艺术家简介对美术鉴赏的重要性 当下大多数的高中美术课都是以《美术鉴赏》为主,教材按《普通高中美术课程标准》的5个系列9个模块所规定的框架进行编写,教材中出现了雕塑、建筑、绘画等几大类,每一大类都给了许多艺术大师的名作。对于如何鉴赏作品,许多教师只是带领学生看作品的作者、年代、材料、手段、语言形式和内容等直接呈现给我们的东西,往往忽略讲解作者创作作品时的社会、历史、文化背景等相关知识,这些内容都属于作者的简介,是我们了解艺术家的必要途径。教师们常会因其繁琐,占用太多课堂时间而忽略,这样造成的后果就是学生们欣赏时往往不知其达何意,不了解艺术家的创作意图,进而无法更深入的鉴赏。作为教师,不能因其繁琐而忽略一些课程,艺术家是艺术创作者,他们生活的社会、历史、文化环境以及自身性格个性都影响艺术创作,可以说艺术家简介是美术鉴赏课的重要途径。 一、艺术家生活的社会历史环境对艺术创作的影响 我们都知道,美术作品作为意识形态的一部分,是特定社会的产物。而生活在这个社会中的艺术家,他的任何作品都必然受到他所生存的那个社会环境影响,想要鉴赏美术作品,就要充分了解艺术家生活的社会历史环境。例如,徐悲鸿的《愚公移山》,我们只知道画面呈现给我们的是劳动人民艰苦奋斗的精神,却不知徐悲鸿的创作意图和作品要表达的意义。此时,教师就要讲解作者简介,通过艺术家简介我们知道徐悲鸿生活年代,而《愚公移山》创作于抗日战争最艰难的1940年,作者有感于中国人民抗战到底直至胜利的决心和信心,以我国古代愚公移山的传说创作了这幅作品。作品中有的挖掘,有的运输,还有的担负后勤工作,以此说明,只要全国人民团结起来,胜利一定属于我们。由此可见,艺术家生活历史环境对创作的影响,介绍艺术家对美术鉴赏的重要性。因此,我们再鉴赏两幅作品。教材《美术鉴赏》第一课中的《捣练图》和《拾穗》,两幅作品都以妇女劳动为题材,前者画的是贵族妇女捣练的场面,给人以优雅平和、富有劳动节奏的美感;《拾穗》画的则是三个贫穷妇女在麦地里急匆匆向前弯腰拾穗的情景,看了不禁让人同情。为什么两幅同是描绘妇女劳动场面的绘画会给人不同的感受呢?我们还是要从艺术家们生活的社会历史背景来分析,还是要对艺术家们做一番介绍。通过对《捣练图》的作者张萱的介绍,我们知道他生活在唐朝时期,当时的社会繁荣昌盛,可见作品是以展现捣练过程为目的的风俗画,主要是赞颂妇女劳动之美。而《拾穗》的作者米勒生活在19世纪的法国,当时的法国正处在贫困差距加大、阶级矛盾尖锐的时期,米勒居住于农村,亲身参加田间劳动,深知农民的贫穷与艰辛,他是站在同情农村贫穷妇女的立场上来画《拾穗》的。由几幅作品的鉴赏我们看出了解艺术家生活的社会历史环境对美术鉴赏的作用,看出介绍艺术家的重要性,只有对画家本人了解深刻,才能理解画家的表现意图,并对作品作出价值判断。 二、艺术家生活的文化环境对艺术创作的影响 我们知道,不同的社会历史环境,艺术家们的创作意图便不相同,作品所呈现的内容、想表达的意义也不相同。同样,不同的文化环境也会造成艺术家创作意图的差异。例如,李桦和古元两位艺术家,他们同是处于抗日战争的血雨腥风的年代,但因生活的文化环境不同,其作品表达的意义便不相同。李桦成长于国民党统治区,受到的是鲁迅传播的德国表现主义风格的影响,因此他的早期作品就意在以表现主义的风格揭露和批判现实,如作品《怒吼吧,中国》。而古元是成长于延安解放区的民主环境中,在《在延安文艺座谈会上的讲话》精神的指导下,他的早期作品则意在以朴实、平和的写实风格呈现和歌颂延安人民的生活景象,如作品《离婚诉》。对艺术家进行介绍,了解他们的生活环境,对这些相关因素的了解将有助于我们把握艺术家的创作意图,使我们更深入地进行美术鉴赏,从而对作品作出正确、合理的解释。 三、艺术家自身个性对艺术创作的影响 我们在鉴赏美术作品时,往往会看到一些形象怪异的美术作品,其变形的、夸张的形象令人觉得不可思议。例如,法国画家马蒂斯的作品《马蒂斯夫人像》,画面中丑陋不堪的形象实在无法让人理解为是一名美丽的女子,也曾有位女士问马蒂斯:“难道我们女人都像您画的那个样子么?”可见,人们对其作品的质疑。对于如何欣赏这一类作品,我们就要看画家自身的个性了。艺术家自身的个性决定着艺术作品的风格,也是作品创作意图的一个重要因素。以此我们来分析、鉴赏作品《马蒂斯夫人像》,根据马蒂斯简介,我们知道他是野兽派重要代表人物之一,其个性狂放不羁。以他为代表的野兽主义画风狂放,不拘笔法,形体夸张而令人惊愕,以致被人们蔑称为“野兽主义者”。同样,我们再鉴赏另一幅怪异的美术作品《内战的预感》。看到作品,很多人会感到惊讶,作品虽然展开了一个真实的风景,但那个“妖怪”式的人物已超越了人们的视觉经验,破坏了宁静、优美的风景。要欣赏这幅作品还是要从作者的个性来分析,作者达利性格怪癖,在学生时代就行为异于常人,爱穿奇装异服,极其引人注目。达利于是因势利导,把他这种怪异之处运用到他的艺术之中。这幅作品中,达利将人体各部位重新进行正常人难以想象的组合,从上臂长出小腿和脚,从大腿长出前臂和手。这样怪诞、高大、恐怖的梦境形象,表现出人的贪欲。这是人类自我耗费的象征,它渗透着作者对人类生存行为的体验,是人类不负责任地发动战争和自我毁灭的病态行为的梦态形象转译。 总之,在进行美术鉴赏时,教师对艺术家们做一番介绍,让学生了解艺术家生活社会历史环境,艺术家生活的文化环境知识水平以及艺术家的自身个性等。只有对艺术家有一个深刻了解,才能对美术作品进行深入鉴赏,才知道艺术家们想表达和创作的欲望是什么,才能理解为什么有的作品激烈,有的抒情,有的悲壮,有的优美。 美术艺术鉴赏论文:现代艺术导入高中美术鉴赏教学的探索与实践 【摘要】在全球化大发展的今天,高中美术教育应当顺应文化教育的全球化的大趋势,结合高中生群体的兴趣和特征,将世界最新的艺术结晶导入高中美术鉴赏教学中。通过探索和实践,本文总结了现代艺术导入高中美术鉴赏教学的必要性、匹配性和重要价值。 【关键词】文化教育全球化;现代艺术;高中美术教育 世界经济的全球化趋势已成为一种事实。而如今,我认为世界已经加速步入“后经济全球化时代”,即全方位的全球化的时代,包括政治、文化和生活方式的全球化。在文化教育领域,文化教育的全球化将成为新时代文化教育发展的一个基本态势。 国内文化教育方面,出国留学、双语教学、外籍教师、校际合作等等多种教育全球化的方式陆续出现。大局势要求我们教育工作者首先从文化全球化的角度考虑教育问题,并不断地做更多的实践和探索。高中学审美观和价值观正在形成,已经具备一定的判断力以及接受和吸收大量知识信息的能力,选择在高中美术教育阶段引入国际化的文化元素是比较迫切和现实的选择。 一、现代艺术导入高中美术鉴赏教学的必要性 我们研究上海高中使用的两种教科书会发现,教材中美术鉴赏部分以中华民族艺术及国外古代经典艺术为主,比较缺乏现代艺术的鉴赏内容。 就此,笔者在2011年10月份对执教的上海市金山区亭林中学高一、高二的班级做了调查问卷,统计调查结果如下:学生对现代艺术家的认知度在34%,对现代艺术概念的理解度在18%,对现代艺术名作的认知度在30%,对现代艺术展览的参与度在21%。 根据问卷调查结果分析,大部分高中学生对现代艺术很陌生,学生对四项现代艺术的基本要素的了解或参与程度最高不超过35%。另一方面,我们看学生对现代艺术的兴趣的统计数据:在我们问卷对现代艺术作品向学生举例说明后,根据问卷调查结果分析,71%的高一、高二学生对接触现代艺术感兴趣;10%的学生认为一般;19%的学生没兴趣。大部分学生之所以感兴趣主要是因为认为现代艺术激发想象、独特新奇和时尚美观。 可见,学生对现代艺术形式和内容是充满了兴趣的,但是处于似懂非懂的状态,而现行的教材对现代艺术的内容设置比较缺乏,学生对社会中接触机会很多的现代艺术的“鉴赏”兴趣和能力未得到满足。所以,笔者认为在高中美术鉴赏教学过程中,很有必要做导入现代艺术的探讨和实践。 二、现代艺术与高中美术鉴赏教育的匹配性分析 1、现代艺术解读 现代艺术起源于古代地中海沿岸(埃及、希腊、西亚)的西方艺术。可以将现代艺术理解为在科学和理性的原理之上,用各种不同类型的视觉风格组合而成的一座大厦。本文想研究说明的主要是最新的现代艺术后期的主要内涵,主要包括以下几类: 大地艺术(Earth Art)、装置艺术(Installation)、概念艺术(ConceptualArt)、过程艺术(Process art)。现代艺术表达的价值观主要是几个方面,一是不求纯粹;二是善待传统;三是非个人化,四是多种标准。 2、与高中美术教育的匹配与结合 并不是所有的现代艺术内容都适合高中生群体,现代的高中生活泼好奇愿意接触和尝试不同的文化和艺术形式,同时他们又具备了很强的自我意识,对强迫性接受的知识有很强的抗性,而且他们的自我判断力和思考力也没有成熟。 从原则上看,我认为还是从学生的兴趣和艺术价值的本源出发相结合考虑,能开拓视野激发想象力、提高审美感、故事感、共情能力等感知力的艺术形式,介绍一些最新的、时尚的、具备新奇独特性能够激发学生想象的内容,并且规避一些内容,两者结合作为高中美术鉴赏教育的补充。 从实践上,先从现代艺术简史的介绍开始,选取4种形式的现代艺术——大地艺术、装置艺术、概念艺术、过程艺术的代表作品,通过多媒体的方式呈现教学,介绍代表艺术家,对作品表达的思想和艺术价值做评价,然后在做交互式的批判评价,并且可以结合初级的艺术实践,最终达到艺术评价和批判相结合。 三、现代艺术导入高中美术鉴赏教学的意义 笔者在经过一段时间将现代艺术导入高中美术鉴赏教学课程的实践之后,认为这样的实践有以下重要的价值: 1、文化艺术兴趣的培养 现代艺术从表现内容上是取材于我们现实生活;从造型语言上可以是一张老照片、旧衣服等,具备了多样性。实践证明,新异的现代艺术能够形成对学生的强吸引力,进而能培养学生对文化艺术的兴趣、知识及鉴赏能力。 2、开阔视野,提高创新意识 现代艺术重视科技和思维两大内涵,因而与现代艺术媒体有极强的结合。通过现代艺术实践,学生可以更深刻的体会到多元的文化、科技、材料知识、信息、新观念等,可以明显的激发学生的创新意识。 3、批判性思维方式 高中生的世界观和价值观以及审美观正在形成,通过现代艺术的批判性鉴赏,可以培养学生看待社会事物的思维方式,不轻信、不盲从、不唯书、遇到事物去思考分析、鉴别批判的思维方式对他们有益。 美术艺术鉴赏论文:论高中美术西方现代艺术鉴赏教学策略 摘 要: 高中美术教学中西方现代艺术鉴赏是一个重点和难点部分,教师要结合高中生的鉴赏基础和思维能力,运用知人论世、点面结合、纵向联系、创作实践等教学策略,培养学生现代化的审美眼光和鉴赏方法,综合提高学生的审美素养。 关键词: 高中美术西方现代艺术鉴赏 知人论世 点面结合 纵向联系 创作实践 艺术作为人类世界的感性呈现,承载着人类精神史的广度和深度。西方学者巴赞认为,一个社会只有同艺术“结婚”,才能生出文化之子;如果与文化离异,就只能导致野蛮,这个社会随之会变成文化的沙漠。高中教育在升学压力下,往往不重视审美教育,在以考分为主要参照的评价体系中,学生的精神世界较为空乏,审美能力较弱,对艺术缺少感知和辨识。艺术同自然一样是人类的精神家园,无艺术的人生是乏味低俗的。在新课程背景下,高中美术鉴赏教学应该为学生提供一片自由充盈的审美空间,综合提高学生的精神素质。在高中美术鉴赏课中,西方现代艺术鉴赏是一个重点和难点内容,其涉及教材中的四部分:意象艺术、抽象艺术、西方现代艺术、美术作品的意义与价值判断等,教师需要运用多种教学方法和手段,让学生改变以写真的、“像与不像”为标准的传统视觉审美程式,用现代的审美眼光理解西方现代艺术的流派风格和思想情感。本文以西方现代绘画艺术为切入点,探讨西方现代艺术鉴赏的教学策略。 一、知人论世,探知本质。 古典艺术以客观世界为参照对象,艺术家按照看到的世界来描绘对象,画作是世界的一面镜子,真实地折射出外部世界。而西方现代绘画不再追求客观的真实,而是追求内心的真实,其艺术理念、艺术标准、创作方法、语言形式、思想情感与古典绘画有很大的差异。如果按照传统的欣赏方法就可能看不懂画家的表现形式和主题思想,所以,要想欣赏现代艺术,就必须先了解现代艺术产生的土壤——现代社会、哲学思潮、艺术家经历,等等。知人论世是走进现代绘画的基本方法,就是要了解艺术家所处的社会环境、社会思潮、艺术家的身世经历、理念追求等。现代社会摄像机的出现代替了绘画的写实功能,于是绘画不再执著对外部客观事物的描摹,而是寻找新的出路和存在价值,从而转向内在情感和精神实质。教师必须让学生了解现代工业社会物质经济发展带来的精神变动,如哲学和宗教新思潮,这对艺术产生了巨大影响。更重要的是艺术家的追求推动着艺术的变革,现代艺术如果没有艺术家的解说和评论家的阐释,则其确实难以理解。比如,要了解印象主义绘画就必须从1863年巴黎艺术界“落选者沙龙”谈起,马奈的作品从内容到形式的创新不符合学院派的审美标准而被大肆批判,从此以马奈为代表的“落选者”和保守的学院派之间进行了新旧艺术的争锋。马奈在1867年展览会前言写道,这些反对者都是以传统观念来理解绘画的形式、手法和观点的,他们从不承认其他的理解形式,而是在这方面表现出一种幼稚的偏见:除了他们的公式,一切毫无价值。马奈先生一向承认别人的才能,从不妄想消灭前人的绘画或者是创造新的绘画,他只不过决心要做他自己,而不是要做某一个别人。印象主义者们走出画室,在户外转瞬即逝的生活瞬间和自然界的光色变化,进行现场绘画创作,由此开启一个个流派的艺术实验。只有了解凡·高狂热的宗教情怀才能体会其《星空》中用火焰般、漩涡般弯曲的运动线条表现出的强烈激情;只有了解高更对都市文明的厌恶和对原始文明的向往,才能理解他住在塔西提岛思考《我们从哪里来,我们是谁,我们往哪里去》这样的人生哲理问题……知人论世的鉴赏方法可以使学生按艺术家原本意图对作品进行理解,这种从艺术家的立场来解读作品,是最基本的赏析方法。 二、点面结合,探知风格。 “点面结合”是指以艺术家的代表作或一幅画为出发点和切入口,然后结合艺术家的其他作品,感知艺术家的时代风格和整体风格。比如了解凡·高,可以把《星空》作为突破口,可以设置一些问题让学生思考:其构图、线条、色彩有何特点?他描绘的夜空和你看到的有何不同?画家这样表现的目的是什么?你从中感受到怎样的情感?经过讨论后,可以让学生欣赏其他作品,如《向日葵》、《吃土豆的人》、《自画像》、《夜咖啡馆》等,学生自然会归纳总结凡·高作品中物象的扭曲变形和色彩的强度明度,从而感知凡·高作品独特的风格。点面结合的方法可以使学生较为完整地把握一个艺术家或一个流派的风格特色。风格是一个艺术家最为显著的标志,特别是现代艺术中,层出不穷的众多流派需要抓住特征来分辨,每个流派的画家又有不同的风格,如印象主义绘画中莫奈和雷诺阿有区别,塞尚、凡·高、高更又有区别。所以,点面结合的方法,可以使学生了解画家的整体风格,而不是仅看到局部和表象。 三、纵向联系,彰显个性 现代派绘画是在反叛甚至颠覆古典传统绘画的基础上建立起来的,其与生俱来的叛逆性带来了绘画艺术的不断革新。各个流派都是在否定他人他派的基础上提出自己的新主张。运用纵向联系的手法就可以以历史为主线,把各个流派贯穿起来,分辨各流派的艺术追求。比如塞尚放弃了印象主义画家所采用的快速作画的方法,而对物象进行深入、长时间的分析,专注于物质的实体性、稳定性和内在结构的表现,“用圆柱、圆球、圆锥体去处理自然”。其画法影响了毕加索,毕加索对塞尚式的形体和结构进行了概括性处理,用几何形体的组合拼接来构图,创建了立体主义流派,其肢解破除了传统艺术家对“自然形”的认识,从而产生了空间和结构的心概念。立体主义形体观念对其后的艺术实验产生了重要启示。表现主义、未来主义、抽象主义都从中吸收了不同的营养。抓住形体这一线索,就可以把这些有传承关系的流派联系在一起,这样的纵向联系和对比,可以使学生清晰地把握各流派的异同点,体察现代艺术发展变化的规律,对现代艺术有更深入的认识。 四、创作实践,领悟精神。 现代艺术的鉴赏要不断突破传统视觉程式的束缚,培养学生现代的审美眼光和审美趣味,创作实践活动是培养鉴赏能力的途径之一。在教学活动中可以加入创作体验的小环节,加强学生对现代绘画理念或技法的认识。如在鉴赏立体主义绘画时,可以让学生用几何图案变形拼接成一定的物象,并说说这样构图的意图,也可以让学生相互评价,还可以加入拼贴和实物要素,让学生感知材料、物质要素对绘画的影响。教师要根据不同流派和画家的创新处设置简单可行的小练习、小实验,让学生亲身体悟现代艺术的理念风格和审美追求。这样的方式就把艺术理论与艺术实践有机地联系起来,综合提高学生的鉴赏能力和思维水平。 五、面向生活,慧眼识别。 现代艺术自19世纪末出现在西方文化舞台上之后,就以一种革命性的姿态,不断突破传统的艺术体系和美学规范,把各种新的观念形式和材料纳入到艺术表达的范畴内。不了解现代艺术的革新及形式和理念上的突破就不会理解当代多元化的艺术风格追求,不会鉴赏当代先锋艺术、装置艺术、行为艺术。在教学中,教师要有意识地把当代艺术出现的现象和问题作为引入部分或延伸部分,让学生思考鉴别。渐渐地,学生就会把鉴赏方法运用到现实中,对当代艺术问题进行评析,建立现代的审美品位和审美标准,从而形成自己独特的审美眼光,识辨当代复杂怪异的艺术现象。 总之,在西方现代艺术鉴赏教学中,教师要结合高中学生的理解认识水平和艺术基础,让学生了解现代艺术生成的社会背景及艺术家经历、艺术理论探知艺术家个性化的风格追求;通过纵横的对比联系明晰流派风格的继承发展;通过绘画实践、当代艺术现象体悟艺术精神,最终达到对新奇多变的现代艺术的鉴赏。在教学中,教师要灵活多样地运用这些方法,设计合理的教学环节,由浅入深,启发引导,把内容庞杂的现代艺术有计划有步骤地进行鉴赏,让学生对西方现代艺术具备初步的鉴赏能力。 美术艺术鉴赏论文:浅谈高中美术鉴赏课的教学艺术 摘 要:美术鉴赏是引导学生开展审美活动的课程,在培养学生审美鉴赏能力、提高审美素养、陶冶学生情操、健全学生人格等方面起着重要的作用。教师应在美术鉴赏教学实践中创新教法,融思想性、艺术性、趣味性为一体,才能开阔学生视野,提高学生美术素养,培养学生创新精神 关键词:美术鉴赏 有效教学 教学艺术 美术鉴赏教学是高中美术教学中的重要组成部分,是要让学生在面对古今中外优秀的美术作品时,在教师的指导下,去分析理解作者的创作思想和体悟美术作品中内在的精神涵义,是在义务教育阶段美术课程中“欣赏、评述”学习领域的基础上更高层次的拓展和延伸。它有助于提高学生的整体美术素养,培养健康的审美情趣,陶冶情操,也有助于发展学生的创造力和想象力,形成热爱本民族文化、尊重世界多元化的情感和态度。可以说,成功的美术教学能够培养学生对艺术有种潜在的感悟能力,学生可以通过这样的感悟力去丰富感情,理解生活,体味人生。那么,在有限的美术教学时间内如何完成这一目标将是一件值得我们极需共同研究的课题。 一、创设情境,激发学生学习兴趣 创设课堂情境,以激发学生的学习兴趣,是上好鉴赏课的前提。在一个教学主题开始以后,教师要创设一个求知、探究的环境和氛围,激发起学生探求的愿望和热情,激活学生主动参与的积极性。如讲《韩熙载夜宴图》一课时,我首先向学生提了一个问题:“你们知道李煜吗?”一下子把学生的注意力吸引过来(初中教材中学生都学过李煜的名篇《虞美人》),学生很奇怪美术课中老师为何会问这个问题。紧接着我又问他在文学上的成就如何?他有哪几首著名的词?他的政绩如何?当时社会环境如何?然后从他的政绩来引入《韩熙载夜宴图》背景,一切相当的自然、顺畅。通过这些相关文化情境的介绍,学生非常迫切的想看到这张作品,提升了学生对学习中国古代人物画的兴趣和欲望,为整节课起了个很好的开端。又如:在《玉石之分——古代玉器艺术》一课中,把玉在生活的用途引入到课堂教学中来,比如玉的保健、美容的生活例子。把对玉的审美与生活实际联系起来,更能激发学生学习的热情,从而有效的达成教学目标和完成学习任务。 美术鉴赏课的情境创设要切题、新颖有趣,符合学生的年龄特征,要能够激活学生的探究兴趣,要与教学内容相关联,使学生能够主动地参与到后面的自主学习中去。 二、提出问题,引发学生主动探究 新的课程标准,把学生自主学习作为一项重要策略。培养学生的自主探究能力,是各学科课堂教学都应承担的任务,美术鉴赏课也不例外。所以提出问题,引发学生主动探究,是学生亲历探究过程的中介和桥梁。问题的提出可以是教师提出问题;也可以是教师提出问题,由学生筛选和确定问题;或者由学生提出问题。如在《美在民间──中国民间美术》一课,我提出了以下一系列问题:剪纸:研究一下剪纸的历史;剪纸如果按它的表现方式来分可以分成哪几类,并举出具体的图片例子;列举各地比较有名的剪纸及其剪纸艺人,并总结南北剪纸各有什么特色。皮影:皮影的起源发展与现状;皮影造型的艺术风格;皮影戏人物的角色造型设计。年画:什么是年画;年画的用途及艺术特色;江苏桃花坞年画的发展以及艺术特色。学生可以选择自己感兴趣的一个主题,教师按照学生的自主选择进行分组编排,让学生在电子阅览室进行探究性学习。 无论是哪种方式提出问题,都是为了引发学生主动探究,所以提出的问题应具备以下特征:问题要明确;问题要适度;问题宜小不宜大;问题宜具体不宜抽象。 三、自主学习,引导学生体验内涵 新课程实验教学的要求,教学要在教师的引导下以学生为主体,让学生积极参与到学习中来,充分调动学生的学习积极性,加强学生自主学习的能力。在讲到中国民间美术鉴赏这一单元时,我们可以要求学生到农村、集市中去搜集旧的剪纸、年画、民间玩具等,也可以从报刊、杂志搜集有关图片资料。我们就应积极引导学生观察自己身边的事物,在熟悉的家乡寻美,在取材中欣赏美。这些既可以调动学生积极性,让他们兴趣大增,又是最生动最具说服力和感染力的课堂教学。如果一节课的学习基本由教师在讲,学生在听,我觉得是忽略了学生的主观能动性。有许多学生懒于动口,阐述自己的观点更是“无言以对”往往用“不知道”来回答,长期下去,学生会形成你讲我听,不想动脑的惰性。在美术鉴赏活动中,教师还应该多鼓励学生以自己的观点来描述、分析、理解和评价艺术作品,鼓励与他人进行交流,培养学生独立思考的能力,以及与人交往的能力。对于性格内向的学生更应该多鼓励其大胆说出自己的想法和观点。 四、巧用多媒体,提高课堂教学有效性 美术是视觉及造型艺术,具有可视的形象特点,利用现代化教学方法使美术教学手段向多元化发展,如实物展示、投影运用、多媒体音像的引进,通过声音、动画、视频、投影等手段,为学生创造一个色彩缤纷、声像同步、亦动亦静,能再现生活,又高于生活的情景,大大地增加信息量和科技量。在《宛自天开——古代园林》一课中,我首先播放一段苏州园林影像片段,配上中国古典乐曲,让学生陶醉在优美音乐和和谐的古典园林环境中,学生被这虽由人作,宛自天开的园林景色吸引,不知觉投入到美术欣赏活动中来,对中国园林进行重新认识和感受,然后表达自己对中国园林的理解。 让学生通过聆听、观察、想象、思索,进入情境。美丽的画面,优美的旋律,生动的解说,让学生沉浸在对美的享受中,不仅调动学生多感官的参与,更增添了欣赏的美。这种视觉形象和听觉形象融合,让学生产生“如见其面”“如临其境”的审美效果。从而使美术教学形成简易、新型、交互、愉悦的学习方式,激发学生学习兴趣,满足学生发展的需要,实现促进学生审美理念的形成和发展的目标。 五、利用社会资源,让学生感受美术作品 充分运用自然环境资源及校园和社会生活中的资源进行美术教学。我们学校位于河南省固始县,得天独厚的自然环境资源和独具特色的民间文化资源,让美术教育有着无限地就地取材的机会。端午节、元宵节等千百年的农家文化、农家风情富有强劲的艺术生命力。为开拓学生视野,拓展思维,组织学生参观美术馆、博物馆是很有必要的。 再者,作为“中国柳编之乡”的固始县,固始柳编民间美术作品品种达到上千个,近百家柳编企业云集三河尖镇,常见的有柳编篮子、柳编家具以及其他各种编织工艺品。可以让学生实地考察这些柳编加工企业,这是最生动、最有说服力和感染力的课堂教学。让学生亲身体会到美术就在我们身边,和我们的生活息息相关。同学们对这些有如此悠久历史的工艺品及人类如此灿烂的文化所吸引,可以树立起继承中华优秀传统的审美观念。 美术鉴赏教学采用灵活机动的有效教学手段,很容易激发潜藏的美术兴趣,引导学生参观美术馆、博物馆,把地方民间文化艺术引入课堂等,给学生增加亲近艺术作品的机会,自然而然地发展天性,增强美术鉴赏的信心与能力。只要美术鉴赏教学与新课标的理念相一致,能唤起学生的美术情感,达到艺术审美与人格培养相统一,艺术素养与创新意识同时得到提高,这就是美术鉴赏有效教学的体现。 美术艺术鉴赏论文:浅谈美术教学中怎样提高学生对美的鉴赏能力和艺术创造能力 初中美术教育是美术教学的重要组成部分,是对学生进行审美教育即美育的主要途径。是培养德、智、体、美、劳等全面发展的社会主义新人的不可缺少的环节。在深化教育体制改革的今天,全社会全面推行素质教育,促进中小学思想道德建设。此时,艺术教育逐渐显示出它的特殊作用,艺术教育当中的美术教育更加发挥它的社会作用。它能够培养学生发现美、认识美、创造美,提高审美意识,陶冶情操。培养他们热爱生活、表现生活、创造生活的兴趣,将来把我们的生活装点得绚丽多姿,五彩缤纷。美术课作为提高学生对美的鉴赏能力和艺术创造能力主要手段和途径在中学教育中有极其重要的作用。 中学生的心理和生理正处于发育阶段,属于从少年向青年过渡时期,他们求知欲强,可塑性大,通过美术课对他们进行系统的美术知识教育和技能训练,对于提高他们的审美修养、审美感受能力具有极其重要的意义。由于美术是直观形象的视觉艺术,它的鲜明生动的造型、富有情趣的色彩和直观感人的艺术特征,较适合青少年身心发展的特点,因而它更能引起学生兴趣,起到“随风潜入夜,润物细无声”的潜移默化的教育作用。良好的审美教育对学生的身心健康发展乃至一生都具有积极的影响。 新美术课程标准首次提出了“情感、态度、价值观”的概念,其目的是强调通过学生亲自参与美术活动来体验和感受活动的价值,从而形成自己的艺术和价值观念。美术欣赏是一项审美活动,它需要通过自己的思维活动如观察、判断和想象来感悟美术作品,这种活动更需要个人的审美感受和情感的体验。美术作品大部分是以精神产品为主的,它通常表现艺术家某种思想和观念,主要作用于人的情感领域。 任何美术作品都不是孤立存在的,都是在一定的文化环境中创造出来的,艺术家在创造艺术作品时,不可避免地受到所处环境的影响,文化情境是指一件美术作品被创作出来的时候所依托的文化环境、条件及其特征。因此,在美术欣赏教学时,不能单讲技法,要把美术作品放在一定的文化环境中去学习。为了帮助学生更好地理解作品的内涵,需要了解作品产生的时代背景和相关的历史故事。例如毕加索的《格尔尼卡》就有必要介绍有关毕加索生平的一些故事,有利于学生更好的理解画面的意思。 在我讲到《民间艺术的色彩搭配》这一课时,我就让学生先欣赏剪纸、皮影人、年画、泥塑等实物,然后让学生畅所欲言,谈谈欣赏的感受,综合之后,加以肯定。让他们知道这就是在欣赏美的事物,增强他们的自信,激发他们的学习兴趣。当他们知道民间美术就在我们身边,美的东西就在我们身边时,我也就引出了课题。授新课时,运用现代化手段,加强直观教学(视频)。声画并茂,设法用美好的事物去感染学生。从而体会到艺术作品中体现出来的艺术美。正像法国画家安格尔所说:“要拜倒在美的面前去研究美!”只有让学生置身于美的世界,才能激发他们的学习积极性。使他们对美和艺术产生浓厚的兴趣。然后采用情感性的欣赏方法当学生能直观地欣赏一幅画后。接着就引导学生采用高一层次的方法去欣赏作品,这就是情感性的欣赏方法。它是艺术欣赏者用饱含深情的灵动心灵,直浸于作品的意蕴中,去尽情地遨游、冲撞后获得自我内心的极大满足与陶醉的欣赏方法。欣赏艺术作品,并不一定非要在弄懂了艺术品的思想内容之后才能欣赏。其实,在生活中,人们经常会情不自禁地被一种外在魔力般的艺术力量所震撼、吸引而陶醉。 在美术创造中,创造力体现在对感性形象的把握和组织上。没有创造就没有美术,美术作品的独创性正是其价值所在。美术教育的目的之一,就是培养人的创造力。 当今的美术教育片面重视理论知识和技能传授,把传授专业技能技巧作为掌握知识、发展理智的根本途径。在教学中教师向学生灌输知识,学生只能被动接受一套死的表现方法,从而抵消和压抑了直觉的作用,也抹杀了学生的灵感和天赋。同学在作画时并没注意观察,只是一味的临摹,这种做法是完全错误的;还有机械的训练学生描绘对象,放映不出学生思维的灵活性,也没办法培养学生的创造能力。因此作为美术教师,出了教会学生一些技法以外,还要告诉学生不能单纯的为表现物像而表现物像,应采用相应的教法,培养学生的创造能力,要有计划、有目的、有阶段、有重点。在教学中解决主要问题,在华记忆画时不需围绕这个中心来布置练习。我的做法是:展示准备好作品,学生观摩探究汇报你看到的技法然师根据学生汇报操作,加深学生的记忆、理解,这样反复的训练,学生才会渐渐适应。 美术活动课是丰富儿童的美育生活,拓宽审美境界,诱发审美情感,培养学生多种能力的有效途径,而美术课活动可以通过欣赏,构思,创作为主线,利用所学画剪,贴,撕,卷,拚等制作为主要方式,采用有特色的新颖有趣,实用性很强的内容和形式多样的教学方法来教学生。让学生在活动课中“活”起来“动”起来,主动活动,手脑并用,增进学生直接经验,有目的针对全体学生,使每个学生都愿意,喜欢参与,重视学生构思设计,创造和评价,调动学生多种感官能力,使学生的想象,思维,动手得到发展。在原有基础上进步的同时把学习当做一种乐趣,才能激发创造力,在设计活动课中,我先从总体上理解和把握基础教材的特点,在遵循教学目标和要求的基础上,培养学生动手创造能力,充分发挥学生在鉴赏,审美和动手等方面的能力。 21世纪是一个高科技的世纪,是科技、经济文化、社会协调发展的世纪。作为一名未来的教育工作者,必须适应社会发展需要,更新美术观念,使美术教育发挥其作用,培养学生对美的鉴赏能力和艺术创造能力,让学生的动手能力、抽象思维能力得以真正的提高,使其内心的情感,渗透到艺术家所表现的丰富情感世界中去。在艺术的熏陶下,其身心不断地得到愉悦,从而使心灵得以升华;并由此逐步实现完美人格的创建和全面素质的提高,让美术教育面向世界、面向未来、面向现代化。 美术艺术鉴赏论文:高中美术鉴赏《走进意象艺术》的教学设计与反思 教材分析 本课是高中新课程美术教科书(人美版)《美术鉴赏》系列中的第4课,是具体了解和认识三种主要的美术类型(具象艺术、意象艺术、抽象艺术)中的第二类型――意象艺术。由于意象艺术介于具象艺术和抽象艺术之间的综合的艺术类型,兼有两种艺术的特点,在学习了具象艺术之后,理解艺术家对主观意念――感觉和意图的表达,是学生学习如何鉴赏意象艺术的入门,也为学生后续学习较难理解的抽象艺术打下基础,起着承前启后的作用。因此,意象艺术在整个美术门类中占据十分重要的地位。 学情分析 高中学生对意象艺术已经有了一定的认识,他们从初中的美术以及生活中的装饰品等视觉艺术中已经接触到不同的美术类型。他们能列举出中国画的写实性作品――工笔画,表现性作品――写意画等。但没有认识到意象美存在我们的生活当中,对艺术美缺少全面的了解,学生不能意识不同形态的作品表达艺术家不同的创作意图,不懂得“怪异”的艺术形象中包含着艺术家个人的情感和艺术观念。高中学生具有好学,善于思辨的特点。班级中已初步形成自主学习与合作交流,勇于探究与问题解决的良好学风,他们的洞察力较敏锐,凸显个性思考,抒发个人情感的欲望较强,对问题学习有研究精神。 设计理念 根据高中美术新课程的具体目标,结合教材内容,注重培养学生的自主学习,将美术语言运用于课题研究性学习中,引导学生主动探究艺术的本质、特征和文化内涵。通过美术鉴赏学习活动,让学生学会用艺术思维的方式认识和理解世界文化的多样性,让学生学会运用视觉感知和美术知识对意象艺术进行分析、比较、判断、想象与体验,并与生活相联系,学习艺术表现和交流的方法,提高美术素养。 教学目标 学会运用比较的方法认识什么是意象艺术,能辨析意象艺术的主要特征。(重点与难点) 教学过程与设计意图 1.思考与讨论。学生阅读课文,思考问题,进入教师创设“‘意术’(意象艺术)魅力大家谈”的讨论。根据课前教师布置自主学习课题内容,搜集相关作品资料,围绕“意象艺术的‘真实’与具象艺术的‘真实’”、“意象艺术与具象艺术相比哪一种更有表现力?”为题展开讨论交流,发表自己的观点。 (高中学生自学能力较强,引导自主学习并参与课堂主题性讨论,既检验学生的学习实效,也有利于生成课堂教学。) 2.比较与研究。选择英国画家培根的《被牛肉片包围的肖像》与前一课学习过的西班牙画家委拉斯凯兹的《教皇英诺森十世》两幅作品进行对比,来说明意象艺术与具象艺术有着巨大的差异。委拉斯凯兹笔下“教皇”形象那幅凶狠与狡诈的面貌和性格被真实地刻画出来,而培根以委拉斯凯兹的“教皇”为蓝本,两片血淋淋的大肉片被置于肖像左右两侧,让观众感受到的是一个更加阴险恐怖的教皇形象。这幅画所产生的艺术震撼力更为强烈。教师引导学生从构图、色彩、形象上反复对比、研究两幅作品存在的差异性。这种差异就表现在它传递出的不是艺术家的“眼”中之“象”,而是艺术家的“意”中之“象”,即“意象”。如何理解意象艺术呢?我们可以从两个方面来理解:一个是艺术家按照“我”感觉到的样子,来表现世界;另一个就是艺术家按照自己的主观意图来表现。为此,艺术家就要调动一切手段(常用夸张与变形)来表达这种感觉和意图,而不管是否与我们眼见的现实一致,从而产生艺术形象上的怪异性。这样,我们可以认定,意象艺术是艺术家根据自己的感觉、想象和表现意图所呈现的形象。 3.分析与理解。教师启发学生多角度地分析探究不同作品的艺术特征,理解艺术家的表现意图。选出有代表性作品作为赏析重点:A、蒙克的《呐喊》主要引导学生从作者的生活背景,家庭环境,成长历程,艺术家的论述,美术语言方面进行分析、判断。B、达利的《内战的预感》主要从人体的肢解,打破、重组,画家责任与唤醒无知方面进行感受、体验。C、凡高的《星月夜》主要从作者对艺术的追求,创作激情,色彩表现方面进行想象和评价。D、苏轼的《枯木怪石图》主要从艺术家的个性,情感,艺术观,创新方面来理解中国写意画的特点:不求形似,惟取物之意气和神韵,笔墨只是画家寄情之物。在鉴赏作品的过程中先让学生结合自己搜集到相关作品资料谈个人对作品的见解,教师再做小结。指出意象艺术是与艺术家对现实的感觉,以及他们的个人情感、观念和意识密切相关的。因此,艺术家的感觉和所要表达的意图越独特、强烈,所产生的艺术形象就越“怪异”。在赏析凡高作品时教师介绍了凡高选择别人没有画过的向日葵作为自己主攻的项目获得巨大成功的事例。 多角度地从不同的侧重点去分析理解作品,从而突破教学难点。同时帮助学生厘清意象艺术的“怪异”现象与艺术家观念的关系。而教师介绍凡高确定自己主攻方向的事例对学生个人今后的发展起到一定的启示作用。 4.三分钟质疑。教师引导学生针对本节课要完成的具体的教学目标和学习任务,进行知识梳理。对于存在的问题提出来请老师解决,或个人对作品的看法提出来与教师交流。三分钟质疑创设了师生互动交流的机会,一方面学生能将自己的疑惑问题提出来要求教师解答;另一方面也让教师了解学生存在的问题,当场反馈,有利于及时调整教学策略。 5.联想与体会。我们的现实生活中其实很多地方就存在着意象艺术美的形象,只是我们不经意去发现它。比如说;毕加索从废弃物中挑选出自行车把和椅座,将两者组合起来,创造出一件《牛头》的装饰作品,就是一个典型生动的例子。让学生联系生活展开想象,根据自己的生活经验,谈生活中的意象美的种种形象…… 之后,教师展示火烧云的图片资料,以及天空漂浮云彩的影像。接着,朗诵一段散文“天上的云,真是姿态万千,变化无常。他们有的像羽毛,轻轻地飘在空中;有的像鱼鳞,一片片整整齐齐地排列着;有的像羊群,来来去去;有的像一床大棉被,严严实实地盖住了天空;还有的像峰峦;像河流;像雄师;像奔马……”要求学生以文学作品或图像资料为素材,运用形象思维创作一幅简单的意象艺术作品。 教学反思 本课教学设计改变了过去欣赏课以教师讲述为主的教学方法,力求通过引导学生自主学习,探究新知的教学过程,使学生成为教学的主体,以达到新的课程标准的要求。主要突出了以下几点: 一是通过引导学生自主学习,要求学生在课前搜集有关意象艺术的资料,不仅能够提高学生搜集资料获取信息的能力,而且使学生在准备过程中开阔了视野,扩大了知识面。学生在思考与讨论的学习过程中运用课程资源,主动参与交流。 二是通过指导学生运用比较学习方法探究不同美术类型的艺术特征,促使学生积极主动地获取美术知识,领悟研究的方法。高中学生自学能力较强,课堂上设置一些问题,他们能独立探究解决。例如:在比较与研究教学过程中学生通过对不同流派作品的比较,分辨出艺术家的主观表达意图,以及影响形成个人风格的主要因素。这种学习方式直观、感受快、启发效果好。同时锻炼了学生的艺术思维能力,也培养了学生不断进行探究的愿望。 三是通过诱导学生分析、理解作品的内涵和意义,对学生进行了有效的情感教育。使学生进一步增强了对艺术多元性的理解、包容与接受,培养人文素养,从而达到以艺术促进学生发展的教育目的。比如:讲述凡高选择向日葵作为自己研究目标获成功的事例,对学生今后的发展有借鉴和启示作用。而达利创作《内战的预感》也说明了艺术家心里怀有强烈的社会责任感。有利于挖掘出学生潜在的感知意识,引起共鸣。 四是通过倡导学生学以致用,联系现实生活,发现身边的意象艺术形象,并动手创作,学生亲身体验创作的心灵轨迹,尝试创作的滋味,促进学生对学习内容的深刻理解。而朗诵散文,创设艺术情境,利用语文课程资源来丰富美术教学,实践综合教学是本课教学设计的一个亮点。 另外,课堂教学中的三分钟质疑,虽然时间不长,但让学生当场质疑却显得非常重要。学生有了问题,教师才知道他们需要什么。通过当场反馈教师才能知道教学预设的目标是否实现了。课堂教学的预设与生成共存,会让教学变得更实际和有意义。如:在本课质疑中有一位学生提出:“是不是所有的意象艺术都采用变形与夸张的表现手法?”这问题就提醒了我,界定意象艺术不能以表现方式作为评价作品类型的唯一标准,而应该让学生懂得“意象”相对于“实象”,它不是客观现实的再现而是艺术家的“意”中之象。因此,意象艺术也可以运用写实的表现手法来表现现实生活见不到的形象(情景)。例如:石涛的中国画《搜尽奇峰打草稿》就是一例。这幅作品看上去像一幅具象艺术的作品,实际上它属于意象艺术。当然,在一节课里就要让每一个学生一下子就把意象艺术弄得一清二楚也是有困难的,需要针对学生的认识,在今后的美术课程学习中,不断深化知识面,提高高中学生的鉴赏能力。
通过对现当代艺术源流的总结,提炼现当代艺术思想,可以探究出景观设计在现当代艺术影响下所表现出的各种不同形态及不同的表现手法,思考西方现代园林取得成就的原因,对于今后中国的园林发展具有很好的借鉴意义。 一、研究现状 (一)现代艺术概述 20世纪初,在美国和欧洲相继出现了一系列艺术改革运动,尤其是在世纪之初到二战期间,从思想方法、表现形式、创作手段、表达媒介上对人类传统艺术进行了全面的改革,完全改变了视觉艺术的内容和形式,这个庞大的运动浪潮被称作现代艺术。现代艺术起源于后印象主义的三位巨匠:塞尚、梵高和高更,它的标志性运动从立体主义开始,随即抽象派艺术、未来派艺术、达达派艺术及其后的超现实主义艺术相继产生,共同构筑起了20世纪现代艺术的宏伟大厦。现代艺术的发展时期可以分为两大阶段:第一阶段是指从1870年以后的后印象主义开始到抽象主义的现代主义时期,第二阶段是指以20世纪60年代为开端的后现代主义时期,也称当代艺术时期。西方现代艺术作为一个庞大的体系,基本沿着两条不太相同的路径发展。一条路在形式上力图找到所谓的“真实”,从表现主义、超现实主义一直到战后美国的抽象表现主义基本都属于这一条路。另一条路则力图强调艺术家的个人表现,强调真实的心理写照,强调表达人类的潜意识,代表新时代的方式。 (二)现代艺术研究综述 夏建统、林菁、王向荣、王晓俊等国内学者对西方现代景观设计的发展进行了系统介绍与分析,总结出西方现代景观设计对于现代艺术的传承;王向荣把不同国家的设计思想、设计流派和设计师联系起来,构成了西方现代景观设计产生和发展的脉络。国外学者汤姆•特纳(TomTurner)对英国的抽象现代园林进行了定义与时间限定,简•布朗(JaneBrown)介绍了英国现代主义建筑,大多数学者也从其中总结出了1925年是现代主义影响英国园林的起点。目前,国内学者对于现代艺术与现代园林相关的研究不断增加,2000年至今,通过中国知网检索出的“现代艺术”“园林设计”的相关文献数量逐年递增。在现代艺术与现代园林设计师及设计手法的研究中,多与景观设计、景观发展方向的研究相结合,并且研究热点为极简主义、大地艺术、波普艺术、空间表现、城市公园等,与此课题相关的热点设计师有佐佐木英夫、玛莎施瓦茨、野口勇、哈迪德等。 二、不同形式的现代艺术对现代园林设计的影响 (一)现代艺术对现代园林设计的影响 1.抽象艺术。抽象艺术可以说是整个20世纪艺术与设计运动的出发点,它使得我们在形式上脱离了客观事物的束缚。从亚美尼亚建筑师盖伍莱康在巴黎“国际现代工艺美术展”上设计的“光与水的庭园”和后来设计的“玛丽•劳尔和查理•得若耶别墅庭园”可以看到现代园林对现代艺术的引入,通过铺装设计与花坛的结合,根据原有三角形框架进行编排与组织,打破了以往的规则式传统,并以一种现代的几何构图手法完成。完全采用立体主义的几何抽象构图,极力追求的是创造一个能够像体验一件独立的艺术品一样的庭园,形式关系的视觉效果在庭院中处于主导地位,与蒙德里安的“红黄蓝”抽象画以及毕加索的立体派作品如“伏拉像”“诗人”比较,即可看出其吸收了立体主义的形式解放的创新思维,在这一过渡时期率先融入了现代构成的艺术手法,被称为“立体派园林”。 2.立体主义与超现实主义。抽象艺术发源于立体主义,有冷抽象与热抽象之分,继后者的代表人物康定斯基之后,又出现了野兽派、表现主义、超现实主义以及战后美国的抽象表现主义。虽然艺术流派之间思想和观念相差很大,但无论是情感的、梦境的或者是潜意识的,都强调了艺术家思想情绪的主观表达。美国第一代景观设计师托马斯•丘奇(ThomasChurch)的设计作品加州花园与超现实主义画家米罗笔下抽象的生物形态和童稚般的笔触相对比,可以察觉到两者之间的渊源。托马斯•丘奇将新的视觉形式运用到了园林景观中,同时满足了所有的功能要求。他受到“立体主义”的影响,利用多重视觉焦点创造了无尽的视觉感受,“立体主义”“超现实主义”的形式语言(如锯齿线、钢琴线、肾型、阿米巴曲线)被他整合形成了简洁流动的平面。在他的作品唐纳花园(Donnellgarden)和阿普托斯花园(Aptosgarden)的设计中,肾形的游泳池、现代风格的更衣室、锯齿形的座凳等都将现代艺术形式运用到了景观中,并满足了功能要求。英国著名景观设计师杰里科(GeofferyJellicoe)也受到了超现实画家保罗•克利(PaulKlee)的符号化的影响,使作品带有了超现实主义的潜意识和神秘感。其最具代表性的亚特兰大历史花园,创造了一连串不同的空间,给人以穿越的感觉。 (二)后现代艺术对现代园林设计的影响 与现代艺术时期相比,后现代艺术时期园林的设计风格也发生了极大的变化,在社会的直接影响下,呈现出一种多元化的设计风格。设计师们以多样的园林形象体现了当时社会价值的多元化。20世纪60年代以来的后现代主义是一个包含极广的艺术范畴,后现代主义园林景观以功能性、无装饰性为目的,以历史的折中主义、大众化的装饰风格和戏谑性的符号为主要特征,它反对现代主义的纯粹性,更倾向于大众艺术。通过对传统语汇的转化,以隐喻或象征的手法将意义隐含于园景之中,使景观作品具有了文化气息和地方烙印。哈格(R.Haag)设计的西雅图煤气厂公园保留了相当一部分基址现状,用废旧机器设备拼装出一派“反如画般景色”(Anti-picturesque),讲述了场地曾经拥有的历史,对城市工业废弃地的开发与重新利用具有很好的借鉴意义。并且该公园还吸收文脉主义的精粹,兼纳装置艺术(InstallationArt)为代表的集合艺术(AssemblageArt)、废物雕塑(JunkSculpture)、摭拾物艺术(FoundobjectArt)等艺术营养。 1.从极简艺术看现代艺术与景观设计。极简主义艺术为了达到美学效果,偏向纯粹、单一的艺术要素,通过极少的形式语言建构体现作品的艺术性。1955年印第安纳州哥伦布市的米勒花园(MillerGarden)被认为是丹•凯利(DanKiley)的第一个真正现代主义的设计,同时它也是丹•凯利具有相当极简主义风格的作品。随后彼得•沃克融合60年代初开始的极简艺术、勒•诺特尔的古典主义和早期现代主义三种艺术思想创作出一种新颖的景观设计风格——极简主义景观。哈佛大学校园内的泰纳喷泉充分展现了沃克对于极简主义手法的纯熟运用,159块巨石镶嵌于草地之中,质朴的巨石与周围古典建筑风格完全协调。一些其他风格的设计师在作品中也会或多或少地体现出一些极简的特征,如玛莎•施瓦茨、乔治•哈格里夫斯、高伊策等,使景观中的极简主义成为了当代景观设计中具有代表性的、普遍的艺术追求。安腾忠雄1997年设计的日本直岛现代美术馆附属工程庭园,既受到极简主义绘画的启发,又吸纳了印象派绘画艺术的精华与罗斯科的“红紫—绿—红”极简主义绘画的形而上学效果,极简主义园景同样纯粹、光亮、静默而圣洁,使人产生丰富而复杂的联想。 2.从波普艺术看现代艺术与景观设计。波普艺术(PopArt)通常是对日常生活的转译描述,以抽象表面主义作为形态表征,在创作过程中积极尝试新主题、新材料与新形式,这种创作手法和作品呈现出的是具有时代特征的工业化与商业化气氛。玛莎•施瓦茨用人们所熟知的日常用品如面包圈、轮胎、糖果等来表达自己的设计,虽然行业内争议颇多,但波普艺术以其无所不包的取材手法和有意识的粗俗以及不太严肃的表现,更易被大众所接受。 3.从大地艺术看现代艺术与景观设计。大地艺术是将自然环境作为创作场所,使用大尺度和抽象的形式及自然材料,创造出的一种富有艺术整体性的视觉化艺术形式。大地艺术对景观设计的一个重要影响是带来了艺术化地形设计的观念,1991年查尔斯•詹克斯的“宇宙臆想”园景和螺旋形防波堤是典型的大地艺术作品,美国最具有影响之一的雕塑家景观设计师野口勇(IsamuNoguchi),早在大地艺术产生之前的20世纪初期已成功地将雕塑概念扩展到风景空间,使大地不再是展示作品的背景,而是作品自身的组成部分。 4.从其他艺术看现代艺术与景观设计。与上述各类艺术风格一样,现代景观设计极少受到单一艺术思潮的影响,除吸收了抽象艺术、立体艺术、超现实主义、后现代艺术、极简艺术、POP艺术、观念艺术、过程艺术等艺术效果外,还接纳了装置艺术、废物雕塑和各种其他时代艺术思想的影响。现代艺术的形式语言通过借助水池、道路、草地和植物等园林要素予以表达。通过对现代西方园林作品的要素解析、形式解构,可以从中探究与现代艺术的渊源。 三、结语 现代与后现代艺术对现代西方景观设计有着深远的影响,设计师受艺术设计思想的影响,体现在园林设计要素与结构的表达等诸多方面,众多的艺术流派为现代园林提供了丰富的艺术表现手段。但与纯现代艺术不同的是,现代园林设计面临着复杂的社会问题和使用问题,在景观成为艺术思想载体的同时,需多元考虑时代的影响与科技社会的创新性。 作者:杨子蕾 单位:北京林业大学
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当代音乐论文:当代戏曲音乐创作的两个问题 当代戏曲音乐创作的两个问题 “”以后到现在,戏曲音乐在创新方面的成就不突出,新作品虽有一定数量,但给人留下深刻印象的佳作很少,总体看这三十多年的戏曲音乐创作未能打开新的局面,迈上新的高度。回顾历史,明清两代和20世纪前期,表演艺术各门类中分量最大、创作最繁盛的是戏曲,音乐园地里创作成就最高的也是戏曲音乐。昆曲的水磨调和梆子、皮黄的“板腔体”等,先后代表了明清和民国时期中国音乐创作的最高水准,到今天仍然是中国传统音乐的最宝贵的遗产。上世纪50年代到“”时期,戏曲音乐也有显著成就,例如京剧“样板戏”的音乐也走在该时期中国音乐创作的最前列。然而这三十多年来,戏曲音乐却进退失据,越来越走不出“低迷”。当然三十多年的戏曲音乐创作是个很大的研究题目,笔者的接触范围和认识水平都很有限,本文只能管中窥豹,就其中两个比较突出的问题略陈己见,以向方家求教。 一,关于创作指导思想 从上世纪50年代到现在,戏曲音乐在处理新、旧关系方面的指导思想有一脉相承之处,也有过一些明显变化。其实戏曲自形成之日起,艺人就很懂得创新的重要性,因此戏曲音乐的“传统”从来就不是固步自封和僵化。例如程砚秋1939年所作《致凌霄汉阁主谈歌法》一文,便是与剧评家徐凌霄(凌霄汉阁主)讨论唱腔的“推陈出新”问题,[1]名满戏苑的“程腔”也无疑是艺人自觉发扬创新精神的典范成果。上世纪50年代一批新音乐工作者被派进戏曲剧团,与艺人一道从事戏曲音乐改革和创作,为戏曲音乐注入了很多新的成分。但新音乐工作者和艺人在磨合过程中,围绕传统与创新的关系也出现过不小的分歧,为此戏曲改革的领导者们提出了相应的原则。当时戏曲改革的领导者中不少人都很熟悉戏曲,有些还曾投身戏曲创作实践(如田汉、马彦祥、马少波、欧阳予倩、杨绍萱、任桂林、张庚、马可等),在音乐创作上推行的指导思想也兼顾了迈出新步和保存传统两个方面。这里可看1958年在文化部组织的一次现代戏联合观摩公演后部分音乐工作者的总结:“这次参加联合公演的剧目,在音乐上,都保持了本剧种的鲜明特色,使人听来非常亲切,没有格格不入的感觉。在具体唱腔的设计上,都是尽先考虑运用本剧种的传统唱腔,不足时再加以创作。”“要突破传统音乐在表现新人物的思想感情方面的局限,就必须加以创作。但是这种创作,又要在继承传统音乐的基础上进行,难就难在这里。”[2]这些意见既肯定了创新的必要,更强调了对传统的尊重:旧有唱腔要尽量沿用,不足以表现新内容时才进行创新,而且创新不能走得太远。这些言辞谨慎的话,正体现的是当时戏曲音乐在处理新、旧关系上的基本原则,概括起来便是“传统第一,创新第二”——摆在第一位的还是尊重和延续传统。按照这样的原则,当时的戏曲音乐创作也取得了可观的成绩,不少新戏的音乐都不远离传统,同时也有时代气息,曾经出现的“冒进”倾向(如“创造新歌剧”等)也很快得到抑制。 但在60年代编演现代戏的热潮中,为了突出表现“革命精神”,音乐出新的步子显著加大。“”时期的“革命”狂潮,更使“传统第一”的原则变成了“创新第一”。京剧“样板戏”的音乐大大突破了京剧音乐的传统,让人耳目一新。各地剧种在移植京剧“样板戏”时为了“不走样”,更将本剧种的音乐传统大量抛弃。不过京剧“样板戏”的音乐创作水准很高,在体现新的“时代精神”的同时,也未完全脱离京剧音乐的传统,应该说是对传统进行大幅度的加工改造和提炼升华的产物。 “”后,戏曲音乐创作重又回到“传统第一”的轨道。此期间创作的新戏音乐一般出新幅度不大,常显得半新不旧(多是包装新而内里不新),而且艺术高度远未超越60~70年代的京剧“样板戏”。又因传统戏曲的流失越来越严重,保护传统成为日益迫切的任务,因而在新戏创作中,往往更多强调的是“移步不换形”一类理念。然而这一时期戏曲的外部环境已大不同于以往:文艺园地在“改革开放”形势下空前热闹,新奇事物纷至沓来,让人眼花缭乱,艺术爱好者(消费者)们的选择十分多样。社会音乐文化的总体水准也在节节提高,看看欧美音乐剧的舞台风貌和音乐,便可知道在当代人(尤其年轻人)眼里什么样的舞台艺术才能算“新”。身处这样的环境,戏曲音乐必然是不进则退。创作的“低迷”和与观众的大量流失,不能不促人反思:戏曲音乐创作的指导思想是否应该根据形势的变化而作一定调整? 不能不注意的一个基本事实是:随着时移世易,戏曲传统与时代的距离已显著扩大,并且还在不断扩大。60年前戏曲音乐的传统好些方面还不是太旧(习惯上20世纪40年代的创作也会被算作“传统”),因此当时的创作不需要太多出新,也不会显得落伍。但时至今日,新、旧之间的距离已远远超过60年前,在同样的传统基础上的同样幅度的出新已完全说不上是“新”了。因此新戏创作要跟上时代,只能加快前进步伐。在这样的局面下,特别需要提倡不拘一格的创作理念,即允许多种不同做法(包括不是“传统第一”的做法)积极尝试。常识告诉我们:创作的自由度越大,出好作品的几率越大;反之路子越窄,出好作品的希望越微渺。总体上讲传统当然不能抛弃,但每一部新戏在具体做法上都应该有自己的选择。不同观众群的口味不同,不同时期的风尚不同,不同作品的内容和风格定位不同,不同剧种的传统基础不同,不同创作者的才情和理念不同……因此每一部新戏都是一个独特的“个案”,应该有自己专设的创作目标,包括对传统有自己的取舍,在“出新”上有自己的追求。 主张创新不离传统的理由之一,是新戏应该承担保存传统的任务,这种理由其实很需要反思。传统保存需要尽可能原汁原味,新戏创作却需要大幅度出新,如果两种需要很难调和,就不妨让它们各行其是:传统的主要载体是老戏,老戏在传统就在,因此保存传统的重点应该是保护好老戏;新戏的主要任务是走出新路,跟上 时代,因此不应该让新戏更多承担保存传统的职责。要急追时代,当然要“轻装”前进。新戏能多多延续传统再好不过,但前提是符合每一部作品自身的艺术需要,不能为保存而保存。强调保存传统无疑会加大新戏创作的难度(上面引到的半个世纪前的那篇文章就已感叹“难就难在这里”),如果勉为其难把作品搞得半新不旧,看起来是一举两得,实际上却可能适得其反:既不能体现时代风貌,也不是真正保存传统。数十年来新戏数量已不少,但总体看不仅创新不理想,而且传统也没保存好,其中的教训很需要总结。 二,关于作品评价机制 戏曲在过去时代是靠观众为生,观众是戏曲的“上帝”。观众中数量最大的是普通民众,他们常常代表市场的力量。同时昆曲一类“高雅戏曲”主要以文化精英为“知音”,他们人数少,但文化水平高,影响力大。不论普通民众还是文化精英,观赏戏曲都是为了获得艺术的愉悦,他们对作品的艺术质量当然很“挑剔”,他们评价作品的原则当然是“艺术第一”。他们中的很多人都热爱戏曲,一些人还热心习唱习演,甚至投身创作,因而很熟悉戏曲的“门道”。在这样的“上帝”面前,出色的艺术必然得到赏识和鼓励,水准低下的作品也必然难以立足,这样的“上帝”当然是推动戏曲不断攀登新的艺术高度的巨大力量。 从上世纪50年代开始,戏曲由政府全面管辖操办,这种体制意味着戏曲的“上帝”不再是广大观众,而是“上面”。戏曲的评价机制由此发生根本改变:一部戏的好赖主要是由“上面”判决,观众的意见无足轻重,与此相应,戏曲的存活状态也不再由市场决定。在这样的评审中,艺术的位置不仅排在“第二”,而且对艺术的评审结果不一定“靠谱”,因为官员中戏曲行家(尤其戏曲音乐行家)很少。举一个例子:上世纪80年代我在某剧团的乐队工作,一次文化局长审查我团一部新排的戏,提的一条意见是主奏乐器板胡的声音不够大,因此建议用两把板胡一起拉。这样的意见剧团听也不是,不听也不是,好在那位局长只是说说便罢,没有坚持一定要照办。近年来有关部门主持的种种评审成为戏曲新作评价的重要形式,为了体现评审的“专业性”,评审者中也会有专家,但专家是“被组织”的,他们的作用往往有限。而且专家也不一定能代表广大观众,因为从实际情况看,并不是专家评价高的作品,广大观众就一定都会喜欢。 有关部门主持的评奖和资助,已成为戏曲创作重要的“导向”。对于既给奖又给钱的评审,剧团当然趋之若鹜,创作上也会有所迎合,有时还会加上“戏外的功夫”。这种以获奖和争取经费为目标的创作,自然很难将观众的欣赏需求放在最重要的位置,也很难做到“艺术第一”,因此,有些作品缺乏艺术光彩、不受观众欢迎再正常不过。有些获奖作品很少公演,更难得看到这些作品的唱段在群众中传唱的情形,这也说明这样的创作与广大观众的艺术需求并不吻合。纵观近年来的新戏音乐创作,艺术水准不高是一个普遍问题,这与缺少来自观众方面的检验当然很有关系——不经过观众的认可,等于“绕过”了艺术产品最重要的质量检验环节,撇开了试金石,如何验真金呢? 从戏曲音乐的发展历程看,观众与创作者的积极互动十分重要。一方面,演出过程中观众的现场反应(叫好之类)有即时校验的作用,可以让创腔者(也是演唱者)随时体察创作上的优点和不足,从而不断改进提高。另一方面,剧场之外创作者与观众(尤其懂“门道”者)的种种交流,也会对创作者有很大促进和帮助。上面举到的当年程砚秋与徐凌霄的交流便很典型:徐是素养很高的文化人(著名记者、作家),又是能唱能演的票友,艺术识见很高,有很多论说戏曲的文字见诸报刊,并有《记“程”》、《伶工特记· 程砚秋》等文专门讨论程砚秋的创作;[3]程对徐的见解很“倾服”,特意写成那篇《致凌霄汉阁主谈歌法》公开发表,并陈说自己在用嗓、运腔、咬字等方面的体会。显然这样的切磋和砥砺,对创作者的助益极大。没有创作者和观众之间的这种良性互动,戏曲在明清两代至20世纪前期不可能成为“艺术性”与“群众性”达到最大一致的艺术品种。这种关系在上世纪50~60年代仍有延续,当时不少新戏的唱段在观众中广为传唱(有些唱段一直唱到今天),同样是创作者高度重视观众的欣赏需求的结果。然而今天的局面已完全两样,新戏新腔普遍与观众很隔膜。不少新戏很注重形式包装甚至追求“大制作”,但艺术内涵很薄弱,唱腔缺少内在的美质和隽永的意味,难以打动观众的心灵。创作者并不把观众当作“上帝”,作品主要不是为满足观众的欣赏需求而创作,这样的作品如何能赢得观众的喜爱?在 这种局面下,创作者又如何从观众方面获得积极有益的反馈,从而推动自己不断提升? 作品的艺术质量也与上一节讨论的创新问题有重要关联。上一节之所以强调创新要不拘一格,步子要迈得更大,是因为太多迁就传统,容易导致艺术上打折扣。但深一层看,新、旧成分的比例还不是决定作品优劣的最终因素,例如“大制作”虽然“新”,却不能征服观众,虚有其表的“新”还会惹人生厌。反过来说老戏的唱段永远有人喜爱,也不是单纯因为“老”,而是因为那些唱段有艺术魅力,能与欣赏者的内心真正“合拍”。可见只是一个“新”字,还不能保证作品在艺术上一定成功,关键还是艺术水准。缺乏艺术水准的出新是为新而新,那类作品的问题不是形式上不够新,而是艺术上不够好。 评价作品的艺术质量,就是评价创作者的水准,因此作品评价机制也与创作人才的激励和选拔紧密相关。过去时代的艺人主要在市场中打拼,高超的艺术造诣是他们赢得观众的根本保证,谭鑫培的“谭腔”、程砚秋的“程腔”都要经过广大观众(包括行家)的严格检验,“阳春白雪”的昆曲也首先要在文化精英中经过高水平的品鉴。反过来说,只有真正把艺术放在第一位的社会评价,才能催生真正一流的作品和一流的创作人才。如果不重视对作品的艺术性的评价,或者无法准确鉴别艺术上的高低优劣,以致艺术水准不够的作品也能名利双收,那样的评价机制不仅不利于选拔优秀作品和激励优秀创作人才,而且贻害无穷。正像老师给学生作业打分:如果60分的水平打成90分,甚至反过来90分的水平打成60分,以后还会有多少学生朝真正的90分努力呢?目前戏曲音乐创作人才奇缺,队伍一年年老化,既能吃透传统,又有很强的创新能力的人才难得一见,这种状况实在堪忧。人才评价的导向对戏曲音乐的创作队伍建设来说至关重要,对戏曲音乐来说实在是生死攸关之事。 从历史的情形看,官办文艺体制本来有很突出的优势,例如可以集中优质资源,打造真正“高精尖”的作品,以重点示范方式带动艺术发展。但这需要主事者是真正的行家,并真正按“艺术规律”办事。例如在唐代开元天宝年间宫廷音乐达到了中国历史上的一个辉煌顶点,主持者李隆基正是著名的“知音天子”。上面说到的上世纪50~60年代戏曲音乐创作的成就,也和当时戏曲事业的领导者中有不少行家有直接关系。另一方面,官办体制容易出现“政治标准”狭隘化的问题,这又会导致艺术之外的“规律”压倒艺术规律的现象,对艺术创作很不利。这在“”时期的京剧“样板戏”中也有鲜明体现:主创者中也不乏戏曲(音乐)行家,但被推至极端的“革命精神”却对作品的艺术性造成明显伤害——英雄人物总是不近人情,他们的唱腔也几乎是一味的“高快硬响”。其实,“政治标准”的内涵如果是指内容的“真善美”,就不会与“艺术标准”相抵牾和冲突,它们之间也不存在谁是“第一”、谁是“第二”的问题——对于真正的艺术创作来讲,内容的标准和形式的标准在各自的领域里都是“第一”,没有必要把二者放在一起“排座次”和区分孰轻孰重。古今中外哪一部真正的艺术杰作是把艺术放在“第二”的位置上? 戏曲音乐创作当今面临的问题,从“外”看是跟不上时代,从“内”看是艺术质量不高。要紧追时代,就要减去过多的负载,包括反思已奉行多年、似乎是“不言而喻”的“原则”。要提高艺术水准,就要真正按艺术规律办事,把艺术放到“第一”的位置,所有相关环节都要把提升艺术作为主要目标。种瓜得瓜,种豆得豆,想收获什么样的“果”,就要播种什么样的“因”,这个道理本来很简单。 当代音乐论文:当代中国音乐文化发展伦理思考 摘 要 本文通过当代中国音乐文化发展道路的探索,针对中国音乐文化发展过程中出现的问题,提出了一些对策,并将伦理学融入音乐文化的思考中,提出了不仅要树立中国音乐文化发展伦理的观念,还应该以此来指导音乐教育行为,从而真正实现中国音乐文化的健康发展。 关键词 音乐艺术 音乐文化 文化 文化相对主义 在当下有关中国音乐文化与西方音乐文化是否具有可比性,中国音乐文化是否可走现代化发展道路等问题的争论中,“音乐文化”是一个被大家频繁使用的名词,但同时也是一个被误解,误用最多的概念。最为常见的误解之一就是将它的内涵等同于“音乐艺术”。在某些学者的言论中,“音乐艺术”与“音乐文化”常常被混为一谈,不加任何区分。于是便出现类似“音乐的现代化”,音乐价值的相对性等等一些似是而非,模棱两可的表述。 一、“音乐艺术”与“音乐文化”概念的提出 严格的讲,“音乐艺术”所指代的是一种特定的艺术形式,即由有组织的音乐所构成的听觉审美对象。对这种艺术形式的价值判断,尤其是审美价值的判断,无论是在不同的民族之间,还是在不同时代,不同流派之间,都难以形成一个划分高低优劣的统一标准,只是一个众所周知的事实。因此,在“音乐艺术”这个概念所限定的层面上,我们可以说:“音乐的价值是相对的”。 然而,“音乐文化”这一概念的内涵,已远远超出了“音乐艺术”所限定的范围。音乐文化包含音乐艺术,但却并非指音乐艺术。“音乐文化是多种性质不同、形式不同、作用不同的音乐现象的综合物”,他所指代是一些特定的文化现象,这些现象与音乐艺术有着千丝万缕的联系,但它们也有着自身的特征、性质和作用。总之,“音乐文化”是一个大的概念,而“音乐艺术”是一个较小的概念,我们不能用小的概念来涵盖大的概念,我们必须懂得,我们探讨的是“音乐文化”这个概念属下的诸多文化现象,而不是某种艺术形式的审美属性和艺术品位。 文化,按照广义,通俗的理解,就是指人类的创造,是人类物质文明和精神文明的总和。音乐文化作为人类文化的一种具体形态,它必然也是物质、制度、观念的综合体。从历史的,文化人类学的全部观点来看,审美价值是音乐文化多种价值中的一种,而不是其全部价值或唯一价值。因此,我们不能够仅仅从意识的,艺术的,审美的层面去看待一个国家的音乐文化,更要结合着物质的,制度的,观念的层面去看待一个国家的音乐文化。 二、中国音乐文化发展存在的问题 中国的音乐文化发展有着五千年的历史,到了二十世纪初期,音乐课作为一门独立的课程应用于课堂。但是,中国的音乐教育课程设置从近现代到如今近百年没有发生大的变化,已经不能适应当今世界音乐文化发展。这也就是说,中国音乐文化与当今世界上发达国家音乐文化之间存在着水平上的差距。 中国的音乐文化无论在物质的,制度的层面,还是在观念的,意识的层面,都没有能够适应当今世界音乐文化发展的需要,也没有能够充分的满足中国人民日益增长的文化生活需求,以音乐教育为例:就物质层面而言,教育设施的匮乏,办学经费的短缺,师资力量的不足,长期以来一直困扰着中国的音乐教育事业;就制度层面而言,中国的教育体制亟待改革,大量音乐人才的分布与流动极不平衡,一些专业音乐院系人满为患,而大量的音乐普及教育岗位则无人问津;就观念层面而言,音乐教育观念陈旧、闭塞、学术视野短浅、狭隘。以上三个层面是阻碍音乐教育事业发展的重要因素。 三、新音乐文化与传统音乐文化之间的摩擦 中国的音乐文化,需要在物质的、制度的、观念的各个层面上,全面地吸收和借鉴世界各民族音乐文化发展的成功经验和优秀成果,从而尽快跟上当今世界文明发展的步伐。现代化的音乐文化是开放的,其信息传播的快捷性,交流范围的广泛性,足以使任何一种传统文化中的人们带来各种新意的、富有个性的艺术形式。中国近百年来音乐文化的发展变迁事业已充分证明了这一点。如果不向世界敞开国门,如果彻底拒绝现代化的进程,或许我们的音乐文化会保持更纯正的中国口味,会赢得那些喜欢异国情调的老外们更多地赞叹。但是这样以来,我们中国人就必须放弃发展的机会和选择的权利,我们就只能为别人去做传统的守护神,而不能为自己去做新文化的创造者。 当然,新文化的产生并不意味着必须将传统文化一概“淘汰”。举个例子来说,一对年轻人结婚,如用传统的拜天地,坐花轿的方式来举行他们的婚礼,这一举动显然有着传统的中国味道,从而得到旁人的赞美和羡慕。但是,假如一位家长不顾“婚姻自主”的原则,硬要按照中国传统的老规矩为自己的儿女包办婚姻,这就有理由遭到人们的反对。再假如那位先生还想效法旧时代“一妻多妾”的传统,要给自己添上几房“姨太太”,那么这一行为不仅要为已经“西化”了的中国人所不齿,而且还要受到国际法律的制裁。这个例子说明,传统文化中与现代文化不相抵触的东西,自然可以继承和发展,反之,便决没有不被割除的道理。 四、中国音乐文化发展道路探索 20世纪的中国新音乐是整个新文化的一个组成部分,是中国人民选择“新方式”来做事情,过生活的结果之一。“新学堂”的建立,“学堂乐歌”的兴起以及其成熟的发展,中国的无调性作品,中国的十二音作品的陆续出现,等等。所有这一切,均说明我们中国人“听音乐”,“做音乐”的方式有了明显的质的改变。这些行为令那些不习惯接受中国新音乐的外国学者感到费解。其实赵元任先生早已说得明白:“中西音乐有异,中国音乐有自己的‘国性’,只得保存跟发展。但我们中国人得在中国过人的日子,我们不能全国人一生一世只穿了一种学博物馆的服装,专预备你们来参观。”可见,那种要求我们中国人的音乐文化永远停止在1840年以前的想法不仅是不现实的,更是“不人道的”。 自宋代以后,中国音乐主要是以本土繁衍、变异的方式在发展。直到清末,外来音乐文化,尤其是西洋音乐文化与日本近代音乐逐渐传入,音乐由此兴起。而这种现象确实为中国音乐文化的进一步发展开辟了一条新路。 随着新世纪的到来,知识经济发展加剧了东西方音乐文化的交融和碰撞。弘扬中华传统音乐文化、使中华文明在信息大潮中绽放异彩是音乐教育工作义不容辞的责任。随着全球信息高速公路、电子出版物和远程教育的发展,东西方音乐文化将形成全方位的碰撞,民族音乐文化的历史命运引起了人们的关注。一方面各民族音乐文化在冲突和融合中会增加统一和普遍性;另一方面,民族音乐文化教育的繁荣和生存面临着威胁。全球信息网络一体化极易使西方社会的人生观、价值观长驱直入。在这场以文化渗透为主要途径和手段的新的“世界大战”中,中华民族的文化、文明和社会价值观关系到国家的兴衰、统一的成败。 一个民族、一个国家,如果没有自己的精神支柱,就等于没有灵魂,就会失去凝聚力和生产力。中华民族有着强大的凝聚力和革命的英雄气概,中国人民有着坚强的意志和必胜的信念。为此,我们要主动出击、积极应战,大力开发音乐文化信息资源。将伟大的民族精神、将具有中国特色的社会主义音乐文化信息送上国际互联网,使中华灿烂文化绽放异彩;激浊扬清,用中华文化抵御外来腐朽的文化的侵蚀,在我们民族的精神广宇里筑起思想文化的万里长城。 五、中国音乐文化发展伦理思考 但是,还有一些人反对将音乐纳入现代化进程,这类人被称为“文化相对主义者”。他们以“文化相对主义者”作为理论依据。在这里,我们应当看到,“文化相对主义者”原本是强调不同文化之间的平等,宽容,相互理解,尊重,各尽所长,共同发展。就这一点而言,我们应当赞同。但同时也应当看到,一些“文化相对主义者”否认存在着人类共同的价值观,否认人类文化发展的共性,否认社会历史进程的阶段性、规律性、否认生产力对人类社会发展的决定性作用。对此,我们必需保持清醒的头脑,必须深入细致地分析,弄清那些文化现象以及这些文化现象的哪些价值具有相对性,共通性,普遍性,进而在中国音乐文化与西方音乐文化相比较中,分清哪些是“不同”的不同,哪些是“不及”的不同,决不能一概而论,人云亦云。 然而,一些信奉“文化相对主义者”的学者们却没有这样去做,以至于“文化相对主义”在他们的手上完全变了味,走了调,成为一种妄自尊大,盲目排外,抱残守缺,固步自封的借口。他们以一种对立的心态,来看待中西方音乐文化的相互影响,彼此通融的历史与现实,以虚无主义的观点来否定现代化对于人类文化的普遍意义。由此可见,这些学者手上的“文化相对主义”,其实只是,狭隘民族主义及“国粹”论的结合物,它既不新鲜,也不先进,用它来解释文化历史现象,或指导我们的实践活动,必将造成观念上的混乱和行动上的失误。 总之,文化、音乐,都是为了人而存在的,20世纪的中国音乐文化首先是为20世纪的中国人民而存在。中国音乐文化朝向现代化的发展道路是中国人民自主的,正确的选择,同时,也是21世纪中国音乐文化发展的必经之路。现代化进程给我们带来的是一种新型的、开放的,有生命力的同时也是在审美趣味上更加多元化的音乐文化。它是中国音乐文化与世界音乐文化之间完美的交融。中国的现代化任务任重而道远,而中国音乐文化的现代化则是整个社会现代化重要的,不可分割的组成部分之一。 当代音乐论文:电影音乐对当代电影发展的影响探析 电影音乐对当代电影发展的影响探析 影视片中最能渲染观众情绪的莫过于影视片中音乐的编配,电影的高潮部分往往都是靠背景音乐来烘托出影片感人至深的情感,这种音乐艺术形式是我们影视创作艺术中的一种。电影艺术因为有了音乐艺术的加入而日趋完美。能够增强影视剧感染力及营造出影视剧所需的一种特定情感氛围功能的就是电影音乐的特效。在电影的发展历史当中,早期电影展现在观众面前是没有声音的,在电影的播放过程中是通过演员的各种动作和姿态,加以穿插字母来表达剧情的发展。所以这种电影当时称为无声电影,也称为默片。电影真正和音乐结缘是始于为默片进行现场音乐伴音,它能更好掩盖影片播放时的一些杂音的同时,也能增强影片的播放效果,后来就渐渐融入影片中来。电影和音乐的相互融合也是经过了一段漫长的艺术磨合之路,例如我国著名的无声电影片《神女》就是这一时期无声电影的典型。后来有人为了弥补电影没有声音的缺点,安排配音人员在后面说话,但是这种方法很快就被淘汰了,因为他没有达到应有的效果反而让观众感觉不舒服。后来又有人想出将部分音乐穿入电影当中,在电影播放过程当中进行音乐伴奏。这种方法虽然在一定程度上丰富了电影的内容,音乐的参与也弥补了电影听觉上的缺陷,但是从根本上不能解决电影画面和音乐的完全融合,这种做法就是电影音乐的雏形。真正能够推动有声电影取代无声电影的因素还是高科技的发展,20世纪二三十年代由于录音技术的出现,标志着无声电影的终结,录音技术的发明使得电影进入到了有声音的高速发展阶段,为了电影而进行的音乐艺术创作作品迅速融入影片中来,这让人们在欣赏影片时音乐的出现成为了常态,让人们在观看影片时对音乐的欣赏也成了观看影片情绪高低的导火索,这一时期的影星新老交替也见证了无声电影走向有声电影的艺术创新之路。当代高科技技术全面发展,电脑技术的应用,使电影音乐与电影画面完全融合,使观众体会到视觉和听觉的美感和震撼,那么音乐对当代电影的作用有哪些呢? 一、渲染气氛 在当代电影的发展过程当中,音乐的基本功能就是作为影片的整体上的感情基调,从而在增加视觉感受上的效果以外又能增加音乐播放过程的感染性。电影音乐的独特艺术功能也将电影艺术带到了一个新的高度和发展契机,这就说明了电影音乐是最能表达出思想感情和人们内心细微变化的艺术元素,是任何艺术所不能替代的。电影音乐作为电影艺术最重要的组成部分,是有能力为影片烘托出所需的情感氛围和诠释影片画面的。国际上著名的影视评论家明斯特贝格有句至理名言:“假如我们能够认真探究一下音乐,这样我们就能够更了解电影艺术在美的世界中的真正地位。”许多的影视片中采用大量的背景音乐来渲染影片的故事情境,像许多经典的恐怖片整部都是靠着背景音乐来渲染扣人心弦的紧张气氛,像国际著名的大导演希区柯克,大师拍摄的影片大都采用音乐背景来渲染烘托出悬疑恐怖的影片气氛,从而达到引人入胜的境界。在当代电影中经常有这样经典的形象:当心爱的人死去,这时伴随着悲伤的音乐,通过音乐让观众融入画面当中,仿佛自己就是画面中的一员,让人印象深刻。又如在好人出场或者胜利的时刻播放欢快的音乐也具有异曲同工的效果,这是当代电影在发展过程中,音乐所起到的基本作用。 二、抒发人物的内心情感 电影音乐由最初的只是想掩盖剧场杂音而诞生的电影艺术有着极强的艺术生命力,这一艺术特点充分反映在渲染影片的情绪上,正是这一电影音乐的基本功能造就了其在影片中独有的艺术魅力,其中电影音乐的抒情是最能够充分激起影片高潮的,能够深刻反映出特定时期时代背景和剧中人物内心的情感交融,电影音乐艺术的出现弥补了无声影片无法生动客观表现出影片所需的情感流入和交融,电影音乐已经是影片成功与否不可忽视的重要组成部分,影片中主人公的思想情感的起伏不定往往都是靠电影音乐来渲染和表达的,能够在影片中起到让观众跟随电影音乐的起伏不定而进入影片的情感世界从而打动观众引起对影片所表达的内涵产生共鸣,比如我们在观看著名的抗美援朝影片《上甘岭》中,我们的民族英雄王成在弹尽粮绝的情况下拼着最后的力气对着话机喊出:“为了祖国、为了人民向我开炮、向我开炮……”这时背景音乐适时响起曾激起了多少国人的潸然泪下和对侵略者的愤怒,电影音乐深刻地刻画出了我们民族英雄在危难之时的民族精神。影片的成功离不开电影音乐艺术,一部好的电影,是视觉和听觉高度融合的产物,这两个因素都是电影的灵魂,其中电影音乐在对电影人物的塑造上具有重要的作用。因为电影的特殊性也决定了其艺术风格和表现形式,电影音乐适时介入能够给影片人物形象定型和对时代风格及影片内涵进行诠释,如我们在欣赏影片《红岩》时,江姐从容就义时背景音乐的衬托,形象刻画出英雄人物此刻的情感和完美塑造出英雄的大无畏气概和人物形象,使得观众因为受到音乐的渲染而产生情感上的震撼及心灵上的洗礼,从而随着音乐的落幕而久久难以忘怀。影视剧的情感起伏往往都是靠着影视音乐来渲染和调节。电影艺术的多元化发展离不开电影音乐的影响和启发。纵览许多经典的影视歌曲都是电影艺术最好的表达和展现,如我国著名的影视片《铁道游击队》其著名的插曲《弹起我心爱的土琵琶》,美国著名的电影《魂断蓝桥》插曲《友谊地久天长》,再如美国电影《北非谍影》的著名插曲《卡萨布兰卡》。这都无一不是证明了电影艺术的多元化发展离不开电影音乐的影响和重要的作用,电影音乐和电影艺术是相互融合相互影响的,当代流行电影《哈利·波特》系列。第一部魔法石中,结尾处邓布利多为学院颁奖。随着他为格来芬多的勇敢一一加分,音乐也逐渐转入高亢。激昂的音乐烘托出哈利等人激动的喜悦,轻松地把气氛带入欢庆之中,令观众随之一同兴奋起来。而后,在踏上归途之前,哈利与海格道别,海格将自己精心制作的哈利父母的相册送给了哈利。此时的哈利表情复杂,他翻开相册,看到了婴儿时代的自己与父母的合影。这时影片的精髓音乐伴之响起,每一个音符都慢慢地打在观众心头,勾起一丝心酸。悠悠动听的旋律夹带一丝不露声色的伤感,却又充盈了温情与感动,把哈利对父母的爱与对海格的友情与感激演绎得淋漓尽致。每看至此,都会被深深打动。所以在电影的播放过程中电影是人物内向情感的间接体现。这也是当代电影发展过程中音乐所起到的关键作用之一。 三、体现并深化影片的主题思想,塑造形象 在上面的介绍过程当中,电影音乐可以表现人物的内心情感变化,其实人物的内心变化基调和电影主题思想是一脉相连的,这种关联性为塑造人物的形象做了良好的铺垫。《妈妈再爱我一次》这部电影当中,在主人公因为家庭的原因而离婚,这时的小主人公的处境非常凄凉,在这种情节发展的同时,电影播放《世上只有妈妈好》这首歌曲,不但直接体现了当时的主人公凄凉的境地,而且通过歌曲直接表明家庭和睦的这一主题,使小主人公赢得当时观众的同情。直到今天一提到这首歌曲的时候,电影的主题思想直接体现在观众的心中。所以在这部电影中随着电影音乐的播放,观众的感情被迁移着飘动,最终指向电影的主题。这正是当代科学技术的使用情况下,电影音乐与电影画面良好融合,也确定了《世上只有妈妈好》当时的影坛地位。 四、推动故事情节发展 在电影当中随着电影音乐的播放,电影故事由此展开,伴随悠扬婉转的音乐,体现了一种爱情的缠绵;通过紧张刺激的音乐展现电影激烈的矛盾和冲突。在电影音乐的烘托下使电影情节高潮起伏、扣人心弦,使我们在场的观众有身临其境、如痴如醉的感觉。例如在当代经典的电影《泰坦尼克号》中的音乐,可以说将此作用体现到了极致,带给我们那不能忘怀的一幕幕。其中影片中最经典的永远让人忘不了的那一幕,杰克拉着罗丝的手,在纷繁熙攘的人群中肆无忌惮地快速穿行。这时,欢快得如跳舞的黄鹂的音乐声明朗地响起,推动着情节越来越轻松自然。可能是在情殇中大伤元气,罗丝已经很久没有尝试过如此兴奋刺激了,一种像小鸟挣脱了牢笼般地飞奔着,此时的她早已经忘记了自己的贵族身份,在杰克的拉动下享受着飞的感觉,在轻快的奔跑中放肆开怀地爽朗大笑。这些情节都是伴随着悠扬的音乐而展开的,对故事情节的推动具有很好的烘托作用。 电影艺术因为有了音乐艺术的补充而日趋完美,电影有了音乐语言后使得影片更具有艺术魅力和商业价值,音乐和影片画面形成了独特的影片审美效果,因为有了艺术上的创新使得音乐在电影中有了最重要的地位和崭新的艺术诠释,可以毫不夸张地说音乐赋予了电影全新的艺术生命力,音乐在影视剧中的作用使得电影艺术更具有艺术魅力和商业竞争力。在当代电影的发展过程中,正是由于电影音乐的突出作用,才使得有许多的当代经典影片深入人心。影视片中有了音乐艺术的加盟,给了电影更多的艺术表现形式和多元化艺术发展的方向,可以说在当代电影的发展过程中,一部经典的电影必定有经典的音乐为其烘托。电影音乐对当代电影的突出作用是功不可没的。所以我们在观看电影的同时要学会研究电影音乐,因为是电影音乐推动了电影的高速发展。电影也给了音乐全新的艺术诠释和艺术魅力。 当代音乐论文:当代音乐教育哲学研究的前沿阵地 当代音乐教育哲学研究的前沿阵地 乐教育哲学研究在20世纪下半叶得到了长足的发展,到了21世纪初的今天已出现了多种流派。作为一个专业,其在北美的发展更是呈现诸种理念共存、共生发展的局面。其中,音乐教育审美哲学和音乐教育实践哲学是特色最为鲜明的两个流派。众所周知,戴维·埃里奥特(david j. elliott)的著作《关注音乐实践:新音乐教育哲学》(music matters?押 a new philosophy of music education,1995)标志着音乐教育实践哲学的正式出现。而就在它出版的前两年,国际学术组织“五月组”(mayday group)便已经作为音乐教育哲学研究的一个前沿阵地宣告成立。包括戴维·埃里奥特在内的学者的思想在此得到更深更广的探讨,各种音乐教育问题也得到了哲学层面上的关注和阐述,这一组织在当代国际音乐教育研究中产生了广泛的影响。 一、“五月组”概况 “五月组”是音乐教育研究的一个国际学术组织,由美国的特里·盖茨(terry j. gates)、托马斯·里吉尔斯基(thomas a. regelski)等人创立于1993年5月1日,其成员来自不同学科背景、不同国家,包括当今活跃在国际音乐教育研究界的韦恩·鲍曼(wayne d. bowman,加拿大),戴维·埃里奥特,戴斯蒙·马克(desmond mark,澳大利亚),玛丽·麦卡锡(marie mccarthy,美国),凯思·斯万维克(keith swanwick,英国)等。作为一个国际性的民间学术团体,目前已经有来自20个国家的100多名音乐教育者成为它的成员。“五月组”拥有自己的门户网站(http?押//act.maydaygroup.org/)、行动理念,并不定期出版电子期刊,另外还有相关的专著专门阐述它的行动理念。在其网站上,不仅能查阅这些资料,还能听到有关学者发表的关于音乐或音乐创作的讲话。 二、“五月组”的行动理念 “五月组”的口号是“为了改变音乐教育而行动”。在这个大方针下,他们确立了作为音乐教育实践哲学纲领性文献的七大行动理念。这份于1996年在波士顿定稿的文件,作为思考随后音乐教育面临的不同层面的重要问题的方针,也引发了关于理论应用到实践中来的诸种讨论。1998-2004年间,七大行动理念一直是“五月组”研讨会的论题之一。 五月组的行动理念共包括七个部分的内容,全文如下: (一)音乐素养 作为充满思想的音乐成就的音乐性行为是音乐制作活动的必要条件,因而也是有效地进行音乐教育的必要条件。 对概念的应用漠不关心、为了知识而知识、为了技能而技能的做法导致了缺乏音乐完整性的音乐制作活动。事实上,熟练的音乐制作活动要求充分的计划以及对音乐素养的恰当实践。专业音乐家发展了批判和反思的能力,能够充满思想地应用知识和技能,使之为音乐效果服务。因此,任何音乐技能、知识和理解的正规教育都应该同时包含批判的、反思的而不是不加思考的、流于表面的音乐制作活动。 1.音乐教育专业如何才能减少那种孤立的、为了知识而知识、为了技能而技能的做法,而更多地发展批判反思的音乐素养,以使每个教师或指导者都充满思想并能独立地作出音乐抉择? 2.从个人的角度来来说,对发展独立的音乐素养的漠不关心在哪些方面助长了思想贫乏的行为并导致非音乐性的实践? 3.在教育语境中,如何通过各种音乐活动中达到音乐的完整性,同时提高表演者和观众的批判能力和独立的音乐思考能力? (二)社会与文化 音乐行为的社会文化语境融合在音乐的意义之中,在音乐教育中不应被忽略或削弱。 审美理论宣称音乐的意义和价值是超越时间、地点、文化语境、人类的目的和对它的运用的,因此它无法全面地解释个体和集体的音乐行为的内在意义。这样的理论无法为音乐制作活动或应用教学提供充足的依据。与之相对,应该认为所有的音乐都与社会、文化语境和环境条件紧密相连。音乐教育理论与实践必须考虑音乐和音乐制作的语境。因此,音乐教育者必须拥有将制作音乐的行为与这些行为的各种语境结合起来的理论基础,使音乐意义恰当地包含音乐的各种人为的及实在的功能。 1.就人的需求及其产生于其中的语境而言,如何才能理解音乐的价值,同时恰当地维持音乐素养和音乐性的标准? 2.音乐教育中关于音乐素养和音乐性的哪些标准可以用与审美理论相关的传统来指引,与此同时依然强调我们所讨论的音乐实践的语境性? 3.怎样才能引导学生提高他们的志向,确认并满足不同音乐和语境中唤起的关于音乐素养的需求? 4.音乐素养的哪些实际品质可以取代假想中的、短暂的审美品质,成为恰当地在具体的语境中进行教与学和评价音乐制作活动的基础? (三)领导能力 由于人类的音乐行为创造、维持并重塑了音乐的文化,因此,音乐教育者可以而且应该正式参与到这个文化进程中来,以影响它的发展方向和它所体现的个人与集体的价值观。 一种音乐文化就是一个生生不息的过程,它不是一系列的作品或特定的实践活动。它从传统与变革的特殊合力中发展而来,对于它的人民来说是独一无二的,同时,它也并非简单地一成不变的、超越时间推移的传统。因此,音乐教育者不应该简单地满足于把任何音乐文化视为已被接受的永久的“事实”。他们应该引导学生拓展原初拥有的音乐创造力、选择能力和音乐素养的水平,不局限于他们在学校之外就已经获得的能力,帮助各种音乐文化获得持续发展,同时引导学生进行其他文化的音乐表达。 1.音乐教师如何才能更负责任地提高这种可能性?即学生会在他们的整个人生中珍视音乐的参与? 2.通过音乐课程而得以存在并提高的各种活动、创造能力、选择,音乐教师可以做些什么来提高个人、家庭及社会? 3.可以发展哪些策略来提高、促进和鼓励社会中某种特殊的音乐传统?同时,帮助个体在各种音乐文化中,而不仅限于在他们成长的音乐文化中变得更灵敏,也更有成就。 4.音乐教育专业如何能进行一场持续的运动来激励社会中的音乐生活,进而拓展音乐对人生命的贡献? (四)各种机构 学校、学院和其他音乐机构为音乐文化所做的贡献是重大的,但这些影响的方向和程度必须得到系统 的检验和评价。 学校、大学、专业团体、教堂及大众媒体的机构,除了日常作出的良好愿望和高尚宣言之外,它们传达出来的关于音乐文化的观念是无法预料的,通常还是自我破坏的或自我限制的,但一旦被认可,音乐和音乐行为就会被各种各样意识形态的、伦理的、经济的和教育学的动机和活动日程所改变。音乐教育的任何理论和实践都应该圆满地解释这些现象,同时关注批判它们的方式,还要开始注意减少这些机构给个人或社会层面带来的负面影响。 1.正规的音乐文化机构在那些方面影响了社会现实的音乐生活?当它们的影响是无效的、微弱的或负面的时候,在什么样的基础上可以对它们进行批判? 2.音乐教育的理论如何能阐明各种机构为音乐带来的影响,提供评估这些机构对文化有益或有害的方式,并为它们贡献方法,使之能够对文化有益而不是有害? 3.我们怎样才能影响诸如出版公司、大众媒体这样的机构,使之为提高社会和文化生活的音乐品质作出更多的贡献? 4.音乐教育机构可以为普通民众重新确立非专业的音乐活动的文化规范做什么,以反对那种主要培养专业的表演者以及倾听他们的听众的规范? (五)跨学科 为了有效地工作,音乐教育者必须和其他学科的思想与研究者建立并维持联系。 音乐和音乐教育学习和研究的主导模式最大限度地减少了其与音乐以外的影响的联系和应用。这种模式在知识和应用上的狭窄和局限使音乐教师和音乐家们处于偏狭的境地,隔绝了与艺术和科学领域中的其他人的交流,也隔绝了与其他有益的专业之间的交流,最终隔绝了与普通大众的交流。未来的教师和音乐家们应该运用其他领域中有价值的观点来解决音乐家和教育者常常面临的问题。 1.音乐教师(以及他们的教师)如何才能拓宽自己的专业知识和普通知识? 2.如此宽广的面向实践的知识基础应该由哪些学科来描绘? 3.我们在何种程度上以及怎样才能使教师们不再不加批判地模仿他们的老师的技巧,而是在新的事项上发展出原则性的、反思性的和有效的个人教学方法? 4.专业的组织可以改变什么来促进培养学校音乐教师和教授的普通音乐教育? (六)研究和理论 音乐教育的研究和理论基础应该同时在他们的理论旨趣和相关实践中提炼并作深刻的拓展。 一种新的对解决音乐的教与学的问题的探究必须取代当前的专业目标和结果,后者推动了大量的研究的结论,但最后,它们通常在理论上乏善可陈,与实践亦毫无关联。我们倡导这样的音乐教育研究方式,即它的问题和结论都来自并应用于人们的真实音乐行为,从而也来自那蕴含着异常丰富多样的意义和经验的音乐。进言之,由于音乐教育中的问题不可避免地要探究其他学科,音乐教育理论与实践研究必须远远超越传统认可的狭窄范式和局限性。 1.如何发展更为充分的音乐教育研究批评,以形成一个专业?其他学科的什么理论和发现支持这样的批评? 2.在专业广泛的研究过程中,哪些内容应该包含在内,并可预见它们能为良好的实践提供更充分的研究基础?在这个过程中,应该怎样才能使这些内容得到优先考虑? 3.音乐教育专业如何能在鼓励研究者进行独立自主、富于批判性的研究的同时,嘉奖那些与已有传统相矛盾的创新方法、合作行为和结果? 4.另外,还有哪些方法可以发掘出来审核和传播研究的结论?如何才能同时促进评审者的方法论专业知识和普通知识? (七)课程 必须对音乐教育课程进行广泛集中的思考,这是建立一种更大的专业团结的基础,同时这些思考必须受到健全的哲学引导。 在促进音乐教育的任何努力中,课程都占据着基础的、优秀的和决定性的地位,因此,应该优先考虑教学和研究的技巧、方法、材料和评价。然而,这些和监督通常是在没有具体的课程标准的情况下,或是在误认为特定的传统方法自然能确保音乐结果有价值的观念下进行的。根据前面的六个理念,很显然,当期待的结果不清晰时,方法、材料和学习就会变得散乱随意(这是在最好的情况下)或者危险重重(最糟糕的)。因此,课程标准的一致性——有效的教与学的标准——应该成为音乐教育者的准备和实践中的一部分,就像音乐素养的标准一样重要。 1.哪些哲学的、课程的、心理学的和社会的原理和标准应该引导课程发展、评价和批评? 2.由国家或地区实体——如音乐教育者协会、政府——发展或颁布的标准,或那些为了使课程设计成为音乐教师准备的重要部分的具体尝试,是否能给课程带来最佳的影响?它们能有效地相互作用吗? 3.与良好结果更为一致的课程如何才能把关系到课程实施的制度优先性、当地条件和资源考虑进来? 4.音乐教育课程在何种程度上、怎样才能把更广泛的教育和社会因素纳入它所考虑的范围内?① 从上文可以看出,“五月组”的行动理念涵盖了音乐教育研究的各个重要领域,它们相互独立又相互关联,影响着音乐教育的实践和研究。行动理念明确指向了“五月组”的两个目标:a)运用批评理论和批判性思维来思考音乐教育的目标和实践;b)肯定音乐活动在人类生活中的优秀作用,并由此确认音乐在全人类的普通教育中的价值。 三、“五月组”历年来的研究活动与进展 除了制定具有积极意义的七大行动理念,“五月组”还通过以下的活动和努力推进了音乐教育哲学研究的发展: (一)举行多次学术研讨,主题丰富多样 1.“五月组”不定期举行研讨会,讨论的议题丰富多样,包括女性主义与音乐教育、音乐的社会因素与音乐教育、种族、音乐认同以及对某些学者的专著的讨论,如2007年6月14—16日在明尼苏达州立大学举行的会议,主题为“音乐教育与健康”;2008年6月5—8日在波士顿大学音乐系举行的研讨会主题是“学校音乐与社区、社会及生活中的音乐相连:课程、政治与实践”;2009年6月4—6日于美国南加州大学举行的研讨会主题是“转变中的大学音乐教育”;2010年6月17—20日,在蒙特克莱尔州立大学举行的研讨会主题则是“音乐教育与伦理:理论与实践”。 “五月组”2010年的研讨会已经是第21期,从中可以看出,在它诞生的十多年来,学术之间的研讨与交流是活跃的。这些研讨会,最后都基本形成了文集,刊载于它的电子刊物,使全世界的学者都能便捷地通过它的网站,了解新近学术的动向。 2.出版高水平的电子刊物 自2002年起,“五月组”还不定期出版电子期刊,以专题的形式出现,刊名为《音乐教育的行动、批判与理论》(action?熏 criticism?熏 and theory for music education,简称act?熏 issn:1545-4517),刊发知名学者的论文,目前已经出版8卷,并在其网站上,供全世界的学者查阅。发表的论文中有戴维·埃里奥特、特里·盖茨、托马斯·里吉尔斯基、韦恩·鲍曼等学者从不同的角度,对音乐教育审美哲学进行了批判与解构。这些都是实践哲学关注的主题。从近年“五月组”的电子刊物及举办的研讨会议题看,其范围已经拓展到了当前社会科学研究中的诸种问题,如女性主义、社会正义与教育公平、教育专业化的重新解读、音乐在日常生活的意义,等等。 3.出版行动理念的实践指导专著 经过多年的研究与讨论,在“五月组”主要成员的努力下,由特里·盖茨和托马斯·里吉尔斯基主编的阐述七大行动理念的专著《变化时代的音乐教育:实践指导》②于2009年10月由纽约springer出版社出版,作为“艺术、美学与教育”(the arts?熏 aesthetics?熏 and education)系列图书的一部分。该书由“五月组”的14名成员的论文组成。14篇论文分为七组,每组两篇,分别阐述五月组的七大理念。该书不仅突出了音乐教育实践哲学的理念,还突出了实用主义的视角。相信五月组这部经过多年探讨与积淀的著作会在音乐教育哲学研究中引起广泛的关注,也将对音乐教育的研究和实践起到应有的作用。 4.建立在线论坛,倡导开放交流 “五月组”在网站上开辟的论坛,为全世界的学者提供一个交流与学习的园地。参与者可以对电子期刊中论及的观点或有关学者的观点提出自己的问题,也可以自己创立论坛的议题,吸引别人的关注和讨论。开放的观念、争鸣的氛围,使“五月组”充盈着多元的声音。这样的学术交流氛围,对于音乐教育哲学的持续深入发展,也必将是有所助益的。 四、结束语 1990年,美国音乐教育者全国大会(menc)正式成立的“特殊研究兴趣小组”(special research interest group,简称srig)就倡导人们专门研究音乐教育哲学。“五月组”正是在这样的背景下成立的。它的行动理念综合了当今先进的音乐教育理念,对音乐和音乐教育的性质进行了不局限于哲学层面的解读。同时,它对音乐教育的研究既进行理论的阐释,也致力于实践的应用。这样的研究取向对音乐教育研究形成了良好的导向,促使人们从更具批判和反思的视角来考察音乐教育中的各种现象和问题。成立十余年来,它在促进音乐教育哲学研究走向更加开放、更加深入、更加多元、更加国际化的道路上发挥了很大作用。笔者相信,随着越来越多的人对它增进了解,越来越多的关注也会投向音乐教育哲学研究,这对中国音乐教育的理论研究和实践进程都将是富有意义的。 当代音乐论文:当代音乐学科的发展与高校音乐教学改革 在21世纪的今天,国家的综合国力和国际竞争力越来越取决于教育的发展以及由此带来的科学技术和知识创新的水平。因此,创新、改革成为当代高校音乐教育教学的主题。 传统教育以知识的传授为中心,由此形成了教师教学以教材讲授为中心的模式。由于这种教学忽视了学生的主体能动性,所以在某种程度上阻碍了学生创新能力的发展。 一、在改革的大背景下,高校音乐教育教学应进行改革、发展和提高 1.目前一些高校教师仍沿袭音乐专业院校的课程设置模式——专业课采取一对一的小课教学模式。由于课程的产生和发展受到社会发展水平的制约,所以过去综合院校借鉴专业院校课程设置的做法有一定的合理性。但随着综合院校的不断发展,特别是连年扩招,这样片面强调专业课的做法已不合时宜,无法满足社会发展的要求和高师学生发展的需要。 2.高师音乐教材建设是高师音乐教育发展中的一个薄弱环节。教材是教学的依据,是实施课程标准的基础,它将直接影响教学的质量以及目标的实现。因此教材建设也应纳入改革之中,否则将阻碍音乐教育的发展。过去高师教材大多选用的是以前专业音乐院校的教材,特别是钢琴、声乐、管弦乐器等教材(有的直接从外国教材中选用),但目前对于师范院校的学生而言面向全体、全面使用已有难度。因此改革现今师范生所用的教材,建立符合时展所需求的配套教材及设施是当务之急。当然这也有一个经费问题。经费短缺是目前面临的难题。有的学校设备陈旧,教学器材落后,事实上已阻碍高师音乐教育的发展。 3.师资队伍建设是今后几年的工作重点和难点。培养人才离不开教师。教师若只有狭隘的视野和残缺的知识结构,则很难胜任教学工作,难以担负起“传道、授业、解惑”的重任。所以说培养具有改革创新精神和意识的教师是当前高等音乐教育发展的重中之重。所谓创新型教师就是善于吸收最新教育科研成果,将其运用于教学中,并且具有独到见解,能够发现行之有效的新教学方法的教师。且具有以下特点:具有很强的求知欲,具有改革创新的思想和能力,具有很强的人格魅力,能引导学生进行创新改革。 虽然,目前我国各高校师资队伍的建设有一定的成果,教师整体素质普遍有所提高。但有些专业不精,学历不达标的状况仍旧阻碍教育的发展。因此各高校必须逐渐加大投入培养经费,制订教师进修计划。随着校内外及国内外交流机会的增多,许多新的音乐教育观念和音乐教育方法还有待高校教师进一步学习和研究,所以高校师资队伍的建设也要注重教师学术水平和科研能力的提高。 4.在目前的教育改革中,教学方法改革是其中的重要内容之一。为了适应知识经济时代的发展,社会对人才的需求也有了新的要求,所以高校音乐教育的教学方法也要进行全面的改革。教育改革一定要以人为本,以人的全面发展和全面提高学生的能力为目标来改革传统的教学模式。如何促进学生个性的自由发展和创新能力的提高?我们必须摆脱传统的灌输式教学方式,遵循教育规律建立新的教学模式,建立起与传统观念相对立的知识教学观,即自由、发展。所以,新的教学方法不是传授给学生现成的知识,而是教会学生学习的方法。 5.教师队伍建设与教学方法改革相互依存。人才的培养离不开强有力的师资队伍,师资队伍的建设培养是事关教学改革的成败。我们每一位教师都应积极探索和采取灵活多样的现代化教学方法,才能创建出有利于创新改革的课堂环境。 总之,教师队伍建设是当前教学改革的关键。要取得良好的效果,教师进修的目标不能单纯集中在学历的提高上,而应放在教师职业角色内涵发展上,要切实提高高校教师质量和教育教学水平。除此之外,高校还应抓住改革时机,淘汰一些不适应教师岗位的,不合适或已经落伍的教师。 二、 高校教学改革要注重文化建设 1. 没有一流的人文也就没有一流的大学,高校要从思想等各个层次上进行文化建设。传统的音乐教育往往重视技能轻视文化,这是与未来发展不相适应的。高师培养的目标不是具有某种音乐技能的专业人才,而是同时具有全面素质的美育实施者,音乐文化传播者,音乐才能培育者,这才是能适应社会发展需要的新型音乐教师。所以,高校音乐教师只有把音乐放到文化的视域中施教,才能培养出适应未来社会发展的音乐教师;也只有那些具备全面深厚音乐文化素养的教师才能成为合格的高校音乐教师。总之,改变过去那些以技能传授为主的音乐教育观念,代之以音乐文化和音乐技能相结合的高师教育,必须从领导、教师、学生以及其他教育管理人员的思想上改变。此外,学校还要在制度层面上,制定一系列的措施加以引导,通过大规模地宣传、讲解来营造音乐文化教育的氛围。 2.高校音乐教育要成为音乐文化的辐射源。几十年来,我国音乐专业教育取得了令人瞩目的成绩,为国家培养了大批的优秀专业人才。可是随着我国的高等音乐教育由精英教育向大众化教育转变,我们的音乐教育也应从狭窄的专业教育向广泛的基础性教育转化。高校音乐教育要成为音乐文化的辐射源。要让培养出的学生真正成为音乐文化的传播者。他们不仅要掌握专业理论技能,更要全面提高学生音乐文化素养,培养学生的学习习惯和学习能力。从而使他们将来能在不吸收新的音乐文化元素基础上开展他们的教学工作。 结语 当前,我国高校音乐教育改革势在必行,如何在继承传统的教学中的合理方面又寻找并实施符合新世纪要求的教学模式,培养社会需要的合格音乐文化传播者,是高校音乐教学改革必须完成的时代命题。 当代音乐论文:浅析对当代城市社区音乐舞蹈文化的思考 论文关键词:社区音乐舞蹈文化 老龄化 政府 室内公共场所 论文摘要:现代中国社会正处在几千年历史发展进程中的一个关键性的社会转型期,其剧烈性、复杂性、艰难性可以说是史无前例,在这种空前多变的社会环境里,音乐舞蹈社会生产近乎完全商品化、音乐的良性社会循环机制的缺失、音乐舞蹈听众的高度离散化等新问题大量涌现,这些社会音乐舞蹈问题是对社会全体获部分群体的音乐舞蹈生活产生社会影响的一类普遍现象。 “音乐舞蹈社会学既是促进认识的基础科学,也是社会参与的应用科学。在中国,我们面对社会日益扩大的社会音乐舞蹈洪流,以马克思主义思想为指导的中国音乐舞蹈社会学,绝不是社会生活的旁观者和无任何指导倾向的观察员。音乐舞蹈社会学,应当以科学、冷静的态度研究社会音乐舞蹈生活,在此基础上,以满腔的热情引导、作用与社会音乐舞蹈生活。”①从这段话中,我们可以清楚地知道中国音乐舞蹈社会学的学科职能具有强烈的“社会干预论”特征,这是我们的社会制度和音乐舞蹈社会学者所具有的教育经历和所持的哲学观所决定的。因为,当代中国社会发展的指导思想时马列主义、思想、邓小平理论与“三个代表”重要思想,这一系列的社会建设指导思想都是以辨证唯物主义作为它们的哲学基础,而辨证唯物史观认为人类通过自身的主观努力是可以改变所处的现实社会环境的。因此,在对待当代城市社区音乐舞蹈文化,应充分重视音乐舞蹈文化活动在当代城市社区文化建设中发挥的良性作用及所能取得的社会功效,以求突出音乐舞蹈社会学对社会的干预职能,同时,对当代城市社区音乐舞蹈的发展作出客观思考,用学科研究的新成果对社会与音乐舞蹈文化的良性互动产生有益的作用。 从目前社区音乐舞蹈文化活动的现状来看,“传必求通、传必有应”是其传播关系上的显著特征,音乐舞蹈在社区中的地位和作用越来越重要是毋容置疑的,音乐舞蹈文化活动在当代社区文化建设中的份量和地位也越来越重要。 现代中国社会正处在几千年历史发展进程中的一个关键性的社会转型期,其剧烈性、复杂性艰难性可以说是史无前例,是一场直接从农业社会和工业社会的混合体形态跨越巨大的发展差距,向信息化社会跳跃式发展的根本性社会变革,在这种空前多变的社会环境里,由于物质文化变化快,精神文化变化慢而引起两者的脱节现象,即社会传播方式日益视觉化、音乐舞蹈社会生产近乎完全商品化、音乐的良性社会循环机制的缺失、音乐舞蹈听众的高度离散化等新问题大量涌现,这些社会音乐舞蹈问题是对社会全体获部分群体的音乐舞蹈生活产生社会影响的一类普遍现象。体现在: 一、城市社区音乐舞蹈活动中的戏曲音乐舞蹈远远高于其它类型音乐舞蹈,缺乏艺术广泛性 当代中国处在社会生产方式由农业社会及工业社会直接向信息化社会过渡的一个特殊历史时期,整个社会的音乐舞蹈文化类型也随之呈现出众彩纷纭的局面。但是各个地域居民之间不同的观点意识、情感和生存方式,地域社会居民的情感、情绪、意志、思维和感知生活的方式都深化为戏曲这种艺术形态通过主体的具体行为呈现在社会时空中,对地域社会发生着各种作用。 当代城市社区居民仍以戏曲音乐舞蹈型态——这种中国农业社会的艺术产生物作为其日常音乐舞蹈活动的主要体裁,主要社会原因是在现代社会化保障制度下的退休人员和老年人群体可以自由支配的空闲时间比以往任何时代里的农民的农闲时间都要多,而戏曲音乐舞蹈形态的某些特点非常适合于这种生活节奏和劳动节奏舒缓的社会生活方式。这种略有畸形趋势的音乐舞蹈社会现象的产生是有着深厚的内在社会传统和文化原因的一种隐性问题,需要地方政府的文化管理职能部门予以重视并给以引导解决,使当地的城市社区音乐舞蹈文化保持一种动态的均衡,以求社会音乐舞蹈生产形式体裁的全面与多样化,避免陷入一潭死水的畸形状态。 二、参加社区音乐舞蹈文化活动的城市居民年龄结构偏于老龄化 大量的现场观察访谈记录,笔者发现参加社区活动的人群十分明显的以中老年人群为主,城市社会音乐舞蹈文化的活动主体呈现处老龄化的隐性忧患。造成这种情况的 原因可能由以下几点:其一,是整个中国社会老龄化现象出现的大环境所至;其二,这是计划经济向市场经济转型过程中必然出现的社会文化现象,青壮年人口的大量外流,很多家庭的青壮年人口不能与长辈共同生活在一起,空巢家庭大量出现;其三,是传统社会向现代社会变迁中习俗流变造成的社会现象,城市家庭的子女成人后,由于社会经济条件的提高及子女同父母的代沟原因,一般较多地选择离家独立生活,老人在子女亲情缺失后的一种精神补位,从而参加社区音乐舞蹈活动。 三、城市社会音乐舞蹈文化活动缺乏全天候的室内公共场所 在市场经济的社会条件下,市场成为社会资源配置的基础性手段,这使得很多文化、体育、公益活动的场地,比如,当地的文化宫、工人文化宫、青少年宫、市工会职工大楼、工人文化宫等等诸如此类的公共场馆设施被他们的实际管理者作为单位完全背离了文化、体育场馆等公用设施的建设与使用目的,使得一边是风霜雨雪中无处活动的社区群众,一边是拿社会公共设施谋取小集团利益的管理单位。这种情况似的城市居民只有到全天开放的公园、广场、绿化带或居民社区空地等露天场所进行室外活动,天气良好的时候还无关大局,但遇到天气恶劣所有的活动只有搁浅,这对于露天进行音乐舞蹈活动的群体无疑是一个难以通过个人激情和主观努力能克服的客观障碍。 政府作为社会公共事务的行政管理者应该加强对这种问题的处理力度,为社区文化、社区音乐舞蹈活动以及群众性的文艺体育活动创造适宜的室内固定场所。 四、政府职能部门重视度不足,缺乏统一的联动机制和财政支持 城市社区社团大多是群众自发的社团,少部分有政府背景的音乐舞蹈社团,不论那种形式,他们大量的音乐舞蹈活动不仅营造了整个地域社会鲜活生动的文化氛围,而且积极参加各种公益性的社会活动,义务奉献地为运动会、艺术节、政府会议、福利院、老年公寓,慰问部重点工地,甚至到农村社区进行表演活动,起到了积极社会作用的正面影响。但是有一段时期当地城市社区里街头户外音乐舞蹈活动却被某些政府职能部门人为地干扰,城管部门说是影响城市面貌。这种可笑的悖论说明社区音乐舞蹈文化活动还处在一种近似自发、无序的发展状态,缺乏统一有效的协调机构与联动机制,不利于当地社区音乐舞蹈文化活动的深入持久发展。因此,相关的政府职能部门应以积极支持的态度多加扶持,毕竟,政治是文化的监护人。 对于人类社会来说,环境是自然、社会、和人文三位一体的多维空间环境,社区音乐舞蹈文化艺术性的提高离不开三者之间的互动,如果良好的设施加之具有专业知识和社会组织能力人才的参与,相信城市社区音乐舞蹈文化会得到更好的发展。 当代音乐论文:现实题材与歌剧音乐剧创作——兼论当代中国改革开放与价值观偏斜的冲突 论文关键词:改革开放 现实题材 歌剧音乐剧创作 价值评判 论文摘要:在当代歌剧音乐剧创作中倡导现实题材并提高其思想艺术质量,是在改革开放条件下当代艺术家必须承担的时代使命和创造使命。准确理解现实题材与创作自由、与歌剧音乐剧艺术规律、与“三性统一”的辨证关系,努力克服种种与改革开放时代潮流不相适应的不良创作风气,纠正某些作品中普遍存在的价值观念偏斜,便是达此目标的必经之路。 文化部举行 2008全国歌剧音乐剧现实题材创作研讨,当然体现出政府的一种创作导向,即在中国歌剧音乐剧创作中大力提倡现实题材。按笔者理解,文化部领导之所以要做这样的提倡,可能对近年来我国歌剧音乐剧创作有两个不满意: 其一是对现实题材的关注程度和表现热情都很不够 ,导致剧目数量的偏少;其二是对现实题材的表现深度和艺术质量均不到位,导致精品佳作的缺乏。 其实,对于现实题材保持高度的关注和表现热情一直是中国歌剧创作的优秀传统,并诞生了一系列优秀剧目;改革开放30年来,也有不少现实题材的作品问世。只不过,新时期艺术家在这方面的努力和成就,与我们所处的这个改革开放的伟大时代、与无比丰富鲜活的当代现实给予我们的创作激情与灵感、与广大观众对于歌剧音乐剧艺术的热切期待 、与当代艺术家应当承担的历史使命相比,依然不相适应,仍有一段距离。 为要将政府的提倡化为剧作家、作曲家的自觉行为和充满艺术魅力的舞台演绎,有一些理论问题需要探讨 ,有一些创作难题亟待解决,有一些不 良倾向必须克服。笔者选取以下四个命题分别论述。 一、 创作自由与现实题材 在改革开放之初,邓小平曾指出:“写什么和怎样写,只能由文艺家在艺术实践中去摸索和逐步求得解决。这方面,不要横加干涉”②。艺术家的创作自由,自然也包括“写什么”和“怎样写”的自由,前者属于题材选择自由,后者属于风格表现自由。于是,如何理解“贯彻创作自由”与“提倡现实题材”的关系便成为一个必须探究的问题。 题材选择自由,为文艺创作展开一个无比广阔的表现内容的天地。人类社会生活和精神生活的一切方面,都可以成为艺术表现的对象——既可以是历史的、神话的、民问传说的和外国的,当然也可以是现当代的。因此,艺术家的题材天地逻辑地包含了现实题材,艺术家的创作自由也必然地包含着选择现实题材的自由。任何将艺术家对于现实题材的选择自由与表现自由排除在创作 自由之外或将两者对立起来的主张和做法,都是站不住脚的。 与 20世纪60年代“大写十三年”所导致的题材大一统完全不同,如今我们在歌剧音乐剧创作中提倡现实题材,并不意味着排斥其他题材。多元时代的多元创作,其题材、风格、样式也必然是多元的,而现实题材是其中最值得当代艺术家热情关注和大书特书的一元。 在创作题材问题上,艺术家的创作自由还必然地包括创作自觉。当代艺术家是我们这个改革开放伟大时代的亲历者和见证者,不但因真善美与假恶丑的冲突而引起的人间喜剧与悲剧亘古不变地在我们身边上演着新篇章,而此前从未有过的新故事、新人物和新风尚更激起我们的艺术灵感和创作冲动,现实生活中不断涌现的新问题 、新矛盾和新争论也向当代艺术家们发出诘问,引起我们心灵深处的震颤与思考。一切有使命感和历史感的当代艺术家绝不可能甘于置身事外、对此无动于衷,而是作为改革开放建设者、创造者中的普通一员,怀着高度的创作自觉去主动亲近它们、拥抱它们,满怀诗情地用 自己所从事的歌剧音乐剧艺术去表现它们,积极参与、推动中华民族伟大复兴的进程。 二、歌剧艺术与现实题材 歌剧艺术是人类最伟大、最神奇的天才创造。其创作过程之庞大复杂、综合元素之多元多样、内部结构之精微细密,为其他任何一种舞台艺术形式所无法比拟。据此有人说,当代生活日新月异,歌剧这个庞然大物的制作周期很长,对外反应较慢,因此更适宜于表现古典题材、历史题材和神话传说题材而较难表现现实题材。 这个说法同样站不住脚。先看欧洲的歌剧和音乐剧:在欧洲歌剧史上被誉为不朽经典的《费加罗的婚礼》和《塞维利亚的理发师》,对腐朽贵族制度的无情鞭笞 、对于第三等级的热情赞颂,反映了欧洲新兴资产阶级的革命要求;威尔第的《茶花女》和普契尼的《蝴蝶夫人》都是现代题材。百老汇音乐剧《西区的故事》描写了当时美国社会严重的种族歧视和移民问题 ,英 国音乐剧《西贡小姐》所表现的则是越南战争给越南人民带来的巨大灾难。这些被我们耳熟能详的剧 目所描写的,都是现代题材或现实题材。 再看我国的歌剧和音乐剧:《在延安文艺座谈会上的讲话》发表后不久诞生的秧歌剧《兄妹开荒》和 1945年的《白毛女》,描写抗 日根据地的大生产运动和一群中国普通农民在抗日战争中的命运遭际,在当时属于典型的现实题材。创作演出于 1955年的《草原之歌》和60年代初期的《红珊瑚》也都是现实题材,这些剧目在中国歌剧史上都是无可争议的精品。新时期以来我国原创音乐剧的佼佼者《芳草心》、《四毛英雄传》、《未来组合》,均以当代都市青年的生活和爱情为表现对象,属于典型的现实题材。 中外歌剧音乐剧史上的这些事实证明,歌剧音乐剧艺术同样可以表现现实题材,而且只要具有足够的艺术魅力,同样能够成为艺术精品。 不可否认,新时期现实题材的歌剧音乐剧创作,其整体质量仍不能令人满意,但却另有原因在(下文再述),而不能归咎于现实题材本身。 三、现实题材与三性统一 就歌剧音乐剧创作的基本规律而言,现实题材与其他题材并无根本区别,即同样追求戏剧的音乐性与音乐的戏剧性以及所有综合元素的高度统一;就它们的评价标准而言,过去是追求思想性与艺术性的高度统一,今天则追求思想性、艺术性、观赏性的“三性统一”。 在《讲话》中指出:“缺乏艺术性的艺术品,无论政治上怎样进步,也是没有力量的”,据此对“只有正确的政治观点而没有艺术力量的所谓‘标语口号式’的倾向”④明确表示反对。但这种倾向非但没有根治,日后反而有了恶性发展 ,所谓“题材决定论”、“主题先行论”、“政治任务论”、“简单配合论”大行其道,导致“标语 口号式”、“标签化”、“脸谱化”、“公式化”、“概念化”创作模式和低劣作品泛滥成灾。到了新时期,这种倾向虽然得到一定程度的遏制,但并没有绝迹。可见这种倾向在我国艺术创作史上是一个顽症。 现实题材创作之于当代艺术家,是一项崇高而光荣的艺术创造使命,必须抱着十分严肃的态度和精品意识来对待,而不能当作一项临时性的政治任务草草从事、敷衍了事,或者为了在某些文艺评奖中获得现实题材的优势而追时髦、赶浪头,唯独不肯在艺术本体的精雕细刻上花大气力、下苦工夫。而一些地方和一些评奖的实际做法,也助长了此类“投现实题材之机 、取主旋律之巧”风气。新时期现实题材的歌剧和音乐剧作品之所以质量不高、艺术感染力不强,当然与艺术家对歌剧音乐剧艺术规律认识不够、整体驾驭能力缺乏有关,但更为重要的,则是创作心态浮躁而导致艺术上的粗制滥造,枯燥无味的情节铺陈、干巴巴的艺术形象、空洞刻板的政治说教等不良现象之依然存在于当代创作中,说到底还是过去时代那些“题材决定论”和“简单配合论”等错误倾向的死灰复燃。 要在现实题材创作中真正做到“三性统一”,很不容易。艺术家如果对改革开放伟大实践中种种新现象和新问题缺乏具有历史感和预见性的哲理思考,如果满足于闭门造车或者对他所表现的人物、事件做浮光掠影的猎奇式描写,就不可能有深刻的思想性;如果没有将崇高主题 、生动情节、鲜活人物与歌剧音乐剧所有表现手段严密整合成一个活泼舞台艺术生命的精湛技巧,就不可能有高度的艺术性;如果不深入研究市场经济条件下当代观众审美情趣和文化市场的变化并在创作实践中强化剧目的生动性和趣味性 ,使我们的舞台演绎真正做到故事抓人、形象生动、语言新颖、音乐好听、舞蹈好看,就不可能有较强的观赏性。 因此 ,“三性统一”是以“三贴近”-——贴近时代 、贴近生活、贴近观众——为根本前提的。艺术家如果不能切实做到“三贴近”,所谓“三性统一”也就成了一句空话。而当前现实题材创作的大忌,就是“三疏远”——与时代疏远,与生活疏远,与观众疏远。坚决克服“三疏远”,扎扎实实“三贴近”,是现实题材创作获得成功的不二法门。 这些话说来容易做来难。但只要当代艺术家中的有志者持有这样的认识并将这种认识切实地付诸于创作实践,他就必定会占据现实题材创作的制高点,为我们奉献出无愧于这个改革开放伟大时代的精品佳作。而文化部举办本次研讨会并采取一系列激励措施以支持、奖掖现实题材创作,则为这些精品佳作的尽早出现发挥了助产士的作用。 四、现实题材与价值评判 现实题材创作中的价值评判问题,主要是指艺术家对剧中人物、情节、事件所持的价值观念和评判尺度,艺术家通过其作品中的艺术形象,到底肯定和赞美了什么,批评和鞭笞了什么。显然,这一切都与艺术家本人的价值观念紧密相关。 当然,对于任何题材的艺术创作而言,价值评判都是一个不可回避的命题,但在现实题材的创作中却显得格外重要这是由我们表现对象的当代性所决定的。在近 3o年来改革开放的伟大实践中,整个社会的价值观:念和道德标准发生 了历史性巨变,过去时代某些被认为是值得歌颂的东西 ,如今却成了落后意识形态;而某些遭到批判的现象,今天则成了社会进步的标志。当代艺术家在坚持“社会主义优秀价值观”的前提下 ,必须跟上改革开放的时代步伐,更:新 自己的价值观念否则 ,某些旧有的价值观念和道德标准必然会在作品中顽强地表现出来,从而因与当代观众的价值观发生龃龉,引起审美心理的阻抗,降低作品的思想高度,消解其艺术感染力。 不妨举几个例子。 稍远一点的是创作演出于 20世纪 8o一9o年代之交的音乐剧《请与我同行》。此剧描写个体户与歌星的生活和爱情作者的价值观显然还停留在改革开放前,对勤劳致富的个体户抱有很深的偏见,对他的所作所为采取鄙夷和批判态度 ,好像穷人一但致富就必然灭失人性。这种价值观念和艺术处理,实际上反映出一种小农心理。 最近的作品是音乐剧《三峡石》。这个剧目在价值观念上存在某种习惯性偏斜。作者为全剧的矛盾冲突设置了两个对立着的优秀意象,其一是三峡石,象征三峡工程;其二是流星雨,象征三峡建设者的个人爱情和幸福。在作者的价值评判天平中,这两者是冲突的,不能兼顾的,必须以牺牲建设者的个人爱情和幸福来完成建设三峡工程的伟业。这种价值评判天平典型地体现在全剧一号人物罗磊身上——这个在 3o年前就因三峡建设而不得不冒着被妻子误解和谩骂而放弃了自己的爱情和家庭的水利专家,到了新时期依然以三峡建设为由反对自己的女儿辛恬与自己的学生程风建立恋爱关系,认为这种无望的爱情必然造成“两地分居遗患无穷”。全剧的主要情节正是围绕着这个矛盾焦点展开的。 结果,就在三峡大坝泄洪发电之时,罗磊双目失明而不能亲眼目睹这个辉煌景观,而他自己却在夫妻反目更成仇 、父女相见不相认的无尽遗憾中离开人世,终于酿成 了他个人的爱情、家庭和命运悲剧。他在临终前,曾痛彻肝肠地说: 我对不起所有的人,可我对得起三峡! 同时对因失恋而打算离开三峡的程果说: 可以为三峡放弃爱情 ,不可以为爱情放弃三峡! 作者通过这两句话,完成了对于罗磊“三峡石”英雄形象的塑造 ,再一次点出并强化了全剧的崇高主题。然而一连串问题也随之而来: 其一,3o年前,罗磊因三峡建设而被迫离开 自己的妻女,到底是什么原因?剧本除了交代是由于“两地分居”之外没有任何其他原因。剧作者为了强调罗磊对“两地分居”的极度恐惧,甚至让他说出“两地分居遗患无穷”这样的话来。罗磊反对程风与辛恬恋爱的惟一理由,也正是这个“两地分居”。“两地分居”果真这样可怕,就必然导致夫妻反目、家庭破碎吗?事实上,“两地分居”固然不够人道,但这种现象古今皆有,根本与三峡无关,而且也并不必然会导致婚姻和家庭悲剧。就连剧本中也通过眼镜这个人物之口,引用宋词中的名句“两情若是久长时,又岂在朝朝暮暮”来为“两地分居”辩解,说明作者自己也否定了这个剧本为罗磊家庭悲剧所设定的前提,因此作者将“两地分居”作为全剧戏剧冲突焦点的设定也是自相矛盾的,无法自圆其说。 其二,即便在封建时代,父母之命、媒妁之言固然断送了无数年轻人的爱情,但也不乏冲破这个藩篱成就美满婚姻的例子。然而本剧故事发生在中国的改革开放新时期,作为高级知识分子的罗磊,竟然因为自己对于“两地分居”的恐惧而以父亲和老师的双重身份,可以对 自己的学生发出不许他与辛恬恋爱这样封建专制色彩极为浓烈的命令来;而同样作为高级知识分子的程风,居然也将这个充满封建宗法观念的命令当作封建时代的“父母之命、媒妁之言”不折不扣地遵奉,甚至连半句“不”字也没说出口。这是一个突发性的舞 台事件,并决定了此后情节和冲突的发展方向。这种封建家长制对于年轻人爱情和婚姻的粗暴干涉的情形竟然能够在今天上演,其实与三峡大坝建设毫无关联,而是剧作家为了自己的需要主观编造出来的虚假冲突,其中充溢着封建专制主义陈腐观念的气味。 其三,主人公罗磊在临终前说的那两句非常重要的话,好像三峡和爱情天生就处于尖锐冲突之中而根本无法调和似的。其实,令我们无限景仰、值得当代歌剧音乐剧艺术家为之讴歌不尽的牺牲精神、忘我精神和献身精神,是有条件的,那就是在两者根本无法兼顾的特定情境中,面临非此即彼抉择的紧要关头,方显出英雄与懦夫、崇高与卑微及其人生价值取向的真成色。而《三峡石》并没有为我们提供国家利益与个人幸福的矛盾无法调和、因此必须用牺牲小家来成全大家的客观情势。此剧如果产生在 20世纪5o一60年代,这样的价值评判无可非议,但到了新世纪,再用这样的评价尺度和道德标准来写人写戏,是很难让人接受的。难怪不少观众看戏过程中总觉得在情感和心理上疙疙瘩瘩,不能融入到情节发展和情感流程之中,无法达到与主人公的戏剧行动同悲喜、共呼吸的审美境界。 同样的问题也存在于大型jii歌音乐剧《黄颜色,绿颜色》的剧本中。作者笔下的邓立梅形象 ,有一个基层干部“立党为公”的基本素质,性格泼辣干练,办事雷厉风行,但由于文化不高,科学知识缺乏,法律观念不强,因此在决策过程中简单粗暴、独断独行,也有些“大公无私”、不顾一切的意思,连 自己的丈夫和孩子都不要了。但她在上级和广大群众的支持教育下,认识了自己的不足,改进 了工作作风,从而不但在带领群众集体致富这个根本问题上取得胜利,赢得了群众的拥护和爱戴,也重新找回了失去的爱情和亲情。作为一个艺术形象,总觉得这个人物可敬而不可爱、不可亲。她的一些做法(以自家的住房为抵押为全村贷款、把性生活当作获取丈夫支持的手段、丈夫对她的决策一时不理解就轰出门去 ,而且在长达三年的时间里对丈夫和孩子几乎不闻不问)也实在不近人情。 好像她一心为公就完全不考虑个人和家庭的正当利益了。如果说,这样的干部产生在5o一6o年代还有可能的话,到 21世纪就缺乏真实性,因此也减弱了这个形象的可信度。而且,即便这类人物在现实生活中确实存在,也不是我们今天要大力倡导的时代英雄。当然,作者对这个人物的评价尺度也充满了矛盾:有时对她的所作所为持批评态度,但更多的是掩饰不住的欣赏和赞美。这类价值评判尺度或道德观念的偏斜问题,在《桂林故事》和《娘啊娘》中也有不同程度的存在。 当然也有处理得较好的例子。广州歌舞团的音乐剧《星》,对几个主要人物的性格刻画及其最终结局的处理基本上能够做到合情合理,没有出现价值判断偏斜的情形。例如对文化经纪人邓大龙的描写分寸感掌握较好,既写出这等猎头人物的职业化的特点,也没有像过去不少文艺作品那样,将他写成黑道人物。即便对犯罪分子如花,也写了她的亲情,揭示其人性未泯的一面。而剧本最后写阳光的牺牲,尽管客观情势的描写很不充分,但作为便衣警察这种特殊的高风险职业的优秀代表,做这种悲剧结局的处理,观众理解和接受起来也不存在观念排斥和心理障碍。 巧合的是,《星》剧与《三峡石》同样设定了一个关于“星”的优秀意象,而且两剧第一主人公的最后结局都是悲剧性的,但两者对此做了完全不同的处理——《三峡石》中的“星”是流星,因此它在《流星雨》中唱道“苍穹博大无垠,不在乎几颗流星”,在这里,渺小而短暂的流星与博大苍穹处于尖锐对立状态,对星的价值评判持否定态度;而《星》中之星是光明的象征,因此它的主题歌唱道“浩瀚星空,留下不熄不灭的记忆”,在这里,星与浩瀚星空是和谐统一的,对星的价值评判持肯定态度。这两种不同的价值评判态度,实际上反映出剧作家在历史观与价值观上的差异。 当然,《星》的剧本创作也有自己的问题。限于时间,就不在这里说了。 我以为,新时期改革开放伟大实践已经引起全社会价值观念的巨大变革。当代新型价值观强调“以人为本”,尊重个体价值,认为推进社会进步、实现公共利益并非一定要以牺牲个人利益为代价;尤其在市场经济条件下,提倡公共利益与个人幸福的一致性、尊重个人权利和个人价值是社会发展的根本前提。正如马克思、恩格斯所说:“每个人的自由发展是一切人自由发展的条件”①。这话的意思是,没有每个人的自由发展,就不可能有一切人的自由发展。在浩瀚星空中,包括每一颗流星在内的所有星座都各有 自己的价值,无垠的苍穹正是由一颗又一颗看似渺小的星星组成的;如果有人逐一否定它们存在的价值,那么星空便不再浩瀚,苍穹也不再无垠,而必然变成茫茫虚无和黑暗空洞。以往我们在崇高目标 、伟大口号下粗暴冒犯公民尊严、肆意践踏个体价值的种种观念和做法,实际上与所谓“以今世苦难换取来世幸福”的佛家信条异曲同工,既不合马克思主义,也悖乎当今时代潮流。因此,与当代普通人具有亲近感和亲和力的当代英雄,是七情六欲俱全的血肉之躯,是善于将 自我价值、个人幸福与公共利益、社会进步统一起来的大智大勇者。除非出现某些两者实在无法兼顾的特殊情境,当代艺术家应当通过 自己笔下的艺术形象强调这种统一而不是相反。 总而言之,现实题材之于歌剧和音乐剧创作,是一个大题目、一篇大文章,非常值得研究和探讨。然而归根结底,它不是一个单纯的理论命题而是一个实践命题。我这篇发言提出的若干不成熟意见必须接受创作实践的检验,时代的召唤、政府的提倡、当代观众的需要也只有通过剧作家、作曲家们在创作实践中自觉而积极的探索创新才能落到实处,才能将这个伟大时代波澜壮阔的现实图景化为歌剧音乐剧舞台上魅力四射的形象和精彩绝伦的演绎。 当代音乐论文:浅析西方流行音乐对当代日本文学的影响 论文关键词:吉本芭娜娜 n .p 音乐 文学 论文摘要:音乐和文学自古以来就有着千丝万缕的联系,在当代日本文学作品中,各种类型的音乐成为了作家们表现主题的又一个有力工具,特别是六十年代的西方流行音乐。本文通过对吉本芭娜娜小说《n•p》中的音乐元素的分析,揭示了音乐与当代日本文学不可离分的关系。 吉本芭娜娜(1964-),日本当红小说家。《n•p》是吉本芭娜娜的一部长篇小说,故事围绕着一部名为《n•p》的小说集展开,《n•p》既是吉本这部长篇本身的题目,也是作品中一个贯穿全篇的重要道具的名字,还是吉本透露给读者的一个音乐符号。 1. 音乐元素在《n•p》中的作用 1.1 《n•p》象征着精神疏离 小说标题“n•p”是“northpoint”的缩写,是一首由英国人mike oldfield创作的、悲伤的老歌。实际上,“northpoint”是个真实的地名,在那里有一所监狱,歌曲表现了被关押在监狱灰色高墙中的囚犯们内心深处的悲哀,倾诉了他们从压抑的空间获得解放的瞬间幻想。高濑皿男和吉本芭娜娜以此为题有着深层的隐喻,无论是歌曲中的监狱囚犯还是小说中的主人公,他们的心境都是与外界隔绝而备感压抑的,对外面的世界他们有着太多的陌生与疏离。在n•p的监狱象征着他们难以融入外界、无法与他者接触的心灵的闭锁状态。也象征着在外界看来、近亲乱伦的人是罪人。高濑以此题回首自己人生的不堪和无奈、自责自己的罪恶,吉本则借监狱那阴暗封闭的空间来表现由亲人之间的爱憎纠结而成的几乎令人窒息的精神世界。“n•p”是受桎梏的心灵的象征,是孤独的恐惧的象征,是日本社会“精神疏离”的象征。 1.2 《n•p》也象征着自我救赎 这种空虚孤绝以至陷于荒谬的人生状态在其他作家如村上春树的作品中也有所反映,比如《转动世界轴心的鸟》中那个下到井底苦思冥想三天三夜,每天只能见到十几秒钟阳光的“我”。《n•p》中以箕轮萃为代表的几个人物都带有明显的象征意味,他们如照片显影般显现了日本当今社会年轻人的“精神疏离”状态。在小说行将结束时,箕轮萃获救于一场即将开始的正常婚姻。一如监狱中的囚犯获救于世俗的宽容。结婚对象并未在小说中出现,这个虚置的人物作为一种暗喻昭示出改变命运的真正出路在于与他者的交流和沟通,在于对自我的超越。吉本写下了“n•p”中没有唱完的超越。最后,沉重的乱伦故事终于伴随着在篝火中燃烧的高濑遗稿一起化为灰烬。正如歌词中所唱到:在某个遥远的地方,新的一天开始了。世界的门打开了。 2. 日本当代文学里的西方音乐怀旧风潮 以西洋歌名为书名的风潮,似乎也与日本特有的崇拜西方文化的方式不无干系,从明治维新开始,日本人就开始崇拜西方的先进文化技术,作家们也纷纷出国留学,学习国外作家的写作方式,至今这种情绪仍然蔓延在文学作品里,近年来日文小说里出现的“西方”除音乐之外,情节里的异国恋情、跨地域的情节流动,满篇的外来语等等,早已令人眼花缭乱,而以吉本和村上春树为代表的日本作家们,除了同样有着西方情结之外,更是对六七十年代的西方音乐有着很深的情结。 日本畅销小说的书名总和六七十年代的西洋歌曲名有着千丝万缕的联系,吉本的第一部作品《月影》的名字也来自于mike oldfield的老歌“moon light shadow”。村上春树的《挪威的森林》书名也同样来自于beatles乐队的一首老歌。 六七十年代是是吉本的少年时代。西方音乐正是那时代的中心潮流。吉本和村上都曾是那“六十年代的孩子”。吉本把六十年代孩子们的安魂曲,继续唱给当代迷失的年轻人。也许这些年轻读者们,这些处于动荡期的族群们,正需要这样的老歌来作为心灵的罗盘吧。 3. 音乐带给文学的认同感 曲子的名字或者艺术家的名字,对熟悉这些音乐的人而言,单单看了这些文字,也会感到认同,就好比某时代的风景或气味在一瞬间重现。而且那个年代所流行的新奇玩意儿或文学、初恋情人的脸或睫毛,甚至当初钟爱的鞋子的颜色,也可以在一瞬间回想起来,或许有人会因此而流下感动的眼泪也说不定。喜欢音乐的人可以在文学里找到共鸣,而喜欢文学的人听见同名的歌曲,也许一样会找到共同的心灵的震动。这是一种特别的魔力。 歌曲的标题是 “专有名词”。在这世界上是唯一单独存在的。基于这个理由,我们可知道,音乐标题对于读者而言,深具撩拨性。艺术家死后对世人而言,他所留下来的最深的痕迹,恐怕就是他的名字。这是举世唯一的。麦克•欧非尔德、詹妮丝•乔普林、约翰•列侬,这些歌手的名字,对世人而言,其威力迄今仍隐隐约约蕴藏着。所以,与其反复用言语来阐释涵义,倒不如使用具有共通性的、已经印在意识里的音乐标题,更能显现出那个遥远年代的味道,更能激发读者的潜意识形态。吉本的文字轻巧而熟练,阅读时,你可能会无法分辨自己究竟身在何处。这种轻巧感,正是音乐带来的,不需要过多的语言,一首曲子,已经此刻的心情很明了。 吉本的小说在欧美也受到极高的关注和喜爱,正是因为小说里,有欧美读者们熟悉的音乐,顺着熟悉的音乐的流淌,他们能找到自己的理想天堂。 4.结 语 日本的古典物语,最初都是由艺人们弹唱出来的,后来才被记载为文学样式。音乐有天籁之音,文学有神来之笔。二者都是灵感与技巧的高境界升华。艺术是相通的。如果说音乐是通过听觉来感染我们的情愫,打动我们的心灵,文学就仿佛涓涓细流洗涤着我们的思想和灵魂。 当代音乐论文:当代音乐多元化趋向的代表 跨界音乐译自英文的“crossover”,有的翻译为“crossover music”,但在欧美直接使用“crossover”的更多一些。跨界音乐的主要形式常见的有几类:一类是用古典的方式演绎流行,一类是用流行的方式演绎古典,一类是流行与古典的串联融合,还有一类是在创作时就已经融合了古典与流行。当然在中国还出现了民族与古典和流行的相互融合的中国特色的跨界音乐。相比较传统的古典、民族和流行音乐,跨界音乐因其特有的多元化因素,使其一出现便迅速被大众所接受,成为当今音乐舞台上最受听众喜爱的音乐种类之一。 跨界音乐的出现比较晚,大约在20世纪五六十年代才逐渐走进人们的视野。其实在开始的时候,跨界音乐还仅限于流行音乐各种类之间。当时美国流行音乐的排行榜中出现了一些乐曲既上了迪斯科榜,又上了节奏布鲁斯榜,而流行榜(pop chart)更是不管是爵士、摇滚还是古典,只要热门便可上榜,“crossover”便由此而广泛被接受并流行起来。 本毕业论文搜集整理于毕业论文网 进入70年代,fusion jazz(融合爵士)的出现引发的巨大的爵士热潮,各种各样风格的爵士音乐造就了爵士音乐市场的复兴,而这些新的爵士音乐被统称为“crossover jazz”,这可以说是跨界音乐的第一次热潮。 之后又出现了“classical crossover”(古典跨界),而且成为排行榜中的一类,非常热门。世界权威的美国billboard排行榜新增古典跨界专辑榜(top classical crossover albums),格莱美在1998年设立了best classical crossover album的专属奖项,台湾金曲奖也自第十四届起新增最佳跨界音乐专辑奖。 伴随跨界音乐的不断发展,众多音乐人开始关注并投身其中,出现了一大批创作型跨界音乐人,并创作出许多经典乐曲,大家所熟知的有创作了大量名誉世界的音乐剧如《猫》《歌剧魅影》等的安德鲁洛伊韦伯、雅尼、挪威的神秘园组合等等。 从20世纪90年代末期,跨界音乐蓬勃发展,出现了诸如像莎拉布莱曼这一类的跨界音乐巨星,将跨界音乐推向了又一次巅峰。 莎拉布莱曼因主演安德鲁洛伊韦伯的音乐剧《歌剧魅影》而成名,被称为天籁之音,尤其是剧中《告别时刻》一曲更是被广为传唱,之后又与意大利盲人男高音安德烈•波伽利深情对唱此曲的同名专辑畅销超过一千万片。至2008年莎拉布莱曼的演唱专辑销售已突破2500万张,成为跨界音乐的里程碑。 海莉(hayley westenra)是来自纽西兰的歌手,歌声纯净,歌曲涉及各种曲风,专辑《纯净 pure》畅销1500万张,在世界各地多种音乐奖获奖无数。日剧《白色巨塔》片尾曲便是来自于她的《奇异恩典amazing grace》。 曾获奥斯卡最佳电影主题曲奖提名的电影《魔戒》的主题曲《may it be》的演唱者是恩雅,她仿佛仙女般虚无缥缈的嗓音,自然而甜美,给人以无限神往的想象。她追求唯美,追求灵感,多年才出一张唱片,也是跨界音乐的典型代表人物。 沙费纳(alessandro safina)凭借音乐剧电影《红磨坊》中背景音乐的优异表现崭露头角,首张专辑《一路上有你》销售便破百万张,经典曲目《月神》以美声演唱,配乐却是激烈的摇滚节奏,由此成为摇滚歌剧(rock- opera)的新一代形象。 乔诗•葛洛班(josh groban),一位才二十刚出头的美国年轻歌手,却因为在古典和流行两端成功的跨界而走红欧美歌坛。有人说他是男声版的席琳•迪翁或萨拉布莱曼,也有人说他将会是安德烈•波伽利或胡里奥•伊格莱西亚斯未来的接班人。他的声音磁性而饱满,庄严而不失浪漫,散发着淡淡的忧伤,不能不让人着迷。2001年在影集《艾莉的异想世界》演唱的《you’re still you 》获得巨大成功,之后在该续集中客串并演唱了《to where you are》。 在跨界器乐作品里,雅尼毫无疑问是一位作品丰富且影响力巨大的演奏家、作曲家。两度被格莱美奖提名,其作品在过去十年中一直是奥林匹克运动会广播音乐的最爱。在连续完成了雅典卫城,中国紫禁城,印度泰姬陵音乐会后,2000年之际推出了专辑《if i could tell you》—— 一次直击心灵的音乐旅程。2003年更出版了《ethnicity》,用音乐表达了世界和平的祈愿。 成立于1994年的神秘园,是由两位才华出众的音乐家组成,一位是在挪威音乐界享有盛誉,曾为不同的音乐家担任作曲、监制并身兼键盘师的罗尔夫,他是神秘园的灵魂;另一位则是来自爱尔兰的小提琴家雪莉,她曾接受正规的古典音乐教育,曾与多位世界级音乐家及流行歌星合作,与罗尔夫相遇后,由于两个人的音乐理念和生活态度包括哲学观念都很相近,对音乐的热情和追求一拍即合即组成了神秘园。1995年,他们的探路之作《夜曲》一举夺得欧洲歌唱大赛冠军,1996年4月推出的首张专辑《来自神秘园的歌》再次大获成功,影响遍及世界各地。之后的几张专辑《白石》、《红月亮》、《新世纪的曙光》都以不同的音乐形式,呈现出独特、优雅、多变的“神秘园”色彩。 班得瑞乐团的首脑奥利弗•史瓦兹由于相当喜爱具印象派质感的新世纪音乐,因此在八零年代末期与一群年轻的作曲家、演奏家一同合组班得瑞乐团,九零年开始窜红于欧洲各地。bandari的音乐风格通常是以电子合成乐音为演奏的主体,再结合他们所采撷的大自然音效,在这两相结合之下,您可以见识到从自然而来的气息。 华裔大提琴家马友友是属于另一类跨界,他就像一个每日游荡在世界各地的音乐精灵,听他的音乐,如同在进行一次世界文化之旅。如果你要听到他演奏的皮亚佐拉的《soul of the tango》,你绝对难以置信这是一个古典音乐家在演奏。 跨界音乐进入我国时间不长,但发展很快,我们经常可以在各种各样的晚会上看到各种形式的跨界音乐演出,戴玉强、廖昌永唱流行,刘欢、韩磊唱艺术歌曲, 十二乐坊类型的跨界音乐组合、新民歌运动等等,甚至北京奥运会上刘欢和萨拉布莱曼的《我和你》、春晚上宋祖英和周杰伦的组合,充分说明跨界音乐的受欢迎程度。 事实上,随着音乐的不断发展,跨界音乐也会越来越形式多样,我们看到的绝不仅仅是不同音乐形式的跨界,与更多不同艺术的跨界音乐会层出不穷。比如谭盾的水交响、纸交响等,就是音乐与行为艺术的跨界。 多元化的世界,多元化的音乐,多元化的跨界音乐,我们拭目以待! 当代音乐论文:当代音乐教育哲学研究的前沿阵地 当代音乐教育哲学研究的前沿阵地 乐教育哲学研究在20世纪下半叶得到了长足的发展,到了21世纪初的今天已出现了多种流派。作为一个专业,其在北美的发展更是呈现诸种理念共存、共生发展的局面。其中,音乐教育审美哲学和音乐教育实践哲学是特色最为鲜明的两个流派。众所周知,戴维·埃里奥特(david j. elliott)的著作《关注音乐实践:新音乐教育哲学》(music matters?押 a new philosophy of music education,1995)标志着音乐教育实践哲学的正式出现。而就在它出版的前两年,国际学术组织“五月组”(mayday group)便已经作为音乐教育哲学研究的一个前沿阵地宣告成立。包括戴维·埃里奥特在内的学者的思想在此得到更深更广的探讨,各种音乐教育问题也得到了哲学层面上的关注和阐述,这一组织在当代国际音乐教育研究中产生了广泛的影响。 一、“五月组”概况 “五月组”是音乐教育研究的一个国际学术组织,由美国的特里·盖茨(terry j. gates)、托马斯·里吉尔斯基(thomas a. regelski)等人创立于1993年5月1日,其成员来自不同学科背景、不同国家,包括当今活跃在国际音乐教育研究界的韦恩·鲍曼(wayne d. bowman,加拿大),戴维·埃里奥特,戴斯蒙·马克(desmond mark,澳大利亚),玛丽·麦卡锡(marie mccarthy,美国),凯思·斯万维克(keith swanwick,英国)等。作为一个国际性的民间学术团体,目前已经有来自20个国家的100多名音乐教育者成为它的成员。“五月组”拥有自己的门户网站(http?押//act.maydaygroup.org/)、行动理念,并不定期出版电子期刊,另外还有相关的专著专门阐述它的行动理念。在其网站上,不仅能查阅这些资料,还能听到有关学者发表的关于音乐或音乐创作的讲话。 二、“五月组”的行动理念 “五月组”的口号是“为了改变音乐教育而行动”。在这个大方针下,他们确立了作为音乐教育实践哲学纲领性文献的七大行动理念。这份于1996年在波士顿定稿的文件,作为思考随后音乐教育面临的不同层面的重要问题的方针,也引发了关于理论应用到实践中来的诸种讨论。1998-2004年间,七大行动理念一直是“五月组”研讨会的论题之一。 五月组的行动理念共包括七个部分的内容,全文如下: (一)音乐素养 作为充满思想的音乐成就的音乐性行为是音乐制作活动的必要条件,因而也是有效地进行音乐教育的必要条件。 对概念的应用漠不关心、为了知识而知识、为了技能而技能的做法导致了缺乏音乐完整性的音乐制作活动。事实上,熟练的音乐制作活动要求充分的计划以及对音乐素养的恰当实践。专业音乐家发展了批判和反思的能力,能够充满思想地应用知识和技能,使之为音乐效果服务。因此,任何音乐技能、知识和理解的正规教育都应该同时包含批判的、反思的而不是不加思考的、流于表面的音乐制作活动。 1.音乐教育专业如何才能减少那种孤立的、为了知识而知识、为了技能而技能的做法,而更多地发展批判反思的音乐素养,以使每个教师或指导者都充满思想并能独立地作出音乐抉择? 2.从个人的角度来来说,对发展独立的音乐素养的漠不关心在哪些方面助长了思想贫乏的行为并导致非音乐性的实践? 3.在教育语境中,如何通过各种音乐活动中达到音乐的完整性,同时提高表演者和观众的批判能力和独立的音乐思考能力? (二)社会与文化 音乐行为的社会文化语境融合在音乐的意义之中,在音乐教育中不应被忽略或削弱。 审美理论宣称音乐的意义和价值是超越时间、地点、文化语境、人类的目的和对它的运用的,因此它无法全面地解释个体和集体的音乐行为的内在意义。这样的理论无法为音乐制作活动或应用教学提供充足的依据。与之相对,应该认为所有的音乐都与社会、文化语境和环境条件紧密相连。音乐教育理论与实践必须考虑音乐和音乐制作的语境。因此,音乐教育者必须拥有将制作音乐的行为与这些行为的各种语境结合起来的理论基础,使音乐意义恰当地包含音乐的各种人为的及实在的功能。 1.就人的需求及其产生于其中的语境而言,如何才能理解音乐的价值,同时恰当地维持音乐素养和音乐性的标准? 2.音乐教育中关于音乐素养和音乐性的哪些标准可以用与审美理论相关的传统来指引,与此同时依然强调我们所讨论的音乐实践的语境性? 3.怎样才能引导学生提高他们的志向,确认并满足不同音乐和语境中唤起的关于音乐素养的需求? 4.音乐素养的哪些实际品质可以取代假想中的、短暂的审美品质,成为恰当地在具体的语境中进行教与学和评价音乐制作活动的基础? (三)领导能力 由于人类的音乐行为创造、维持并重塑了音乐的文化,因此,音乐教育者可以而且应该正式参与到这个文化进程中来,以影响它的发展方向和它所体现的个人与集体的价值观。 一种音乐文化就是一个生生不息的过程,它不是一系列的作品或特定的实践活动。它从传统与变革的特殊合力中发展而来,对于它的人民来说是独一无二的,同时,它也并非简单地一成不变的、超越时间推移的传统。因此,音乐教育者不应该简单地满足于把任何音乐文化视为已被接受的永久的“事实”。他们应该引导学生拓展原初拥有的音乐创造力、选择能力和音乐素养的水平,不局限于他们在学校之外就已经获得的能力,帮助各种音乐文化获得持续发展,同时引导学生进行其他文化的音乐表达。 1.音乐教师如何才能更负责任地提高这种可能性?即学生会在他们的整个人生中珍视音乐的参与? 2.通过音乐课程而得以存在并提高的各种活动、创造能力、选择,音乐教师可以做些什么来提高个人、家庭及社会? 3.可以发展哪些策略来提高、促进和鼓励社会中某种特殊的音乐传统?同时,帮助个体在各种音乐文化中,而不仅限于在他们成长的音乐文化中变得更灵敏,也更有成就。 4.音乐教育专业如何能进行一场持续的运动来激励社会中的音乐生活,进而拓展音乐对人生命的贡献? (四)各种机构 学校、学院和其他音乐机构为音乐文化所做的贡献是重大的,但这些影响的方向和程度必须得到系统 的检验和评价。 学校、大学、专业团体、教堂及大众媒体的机构,除了日常作出的良好愿望和高尚宣言之外,它们传达出来的关于音乐文化的观念是无法预料的,通常还是自我破坏的或自我限制的,但一旦被认可,音乐和音乐行为就会被各种各样意识形态的、伦理的、经济的和教育学的动机和活动日程所改变。音乐教育的任何理论和实践都应该圆满地解释这些现象,同时关注批判它们的方式,还要开始注意减少这些机构给个人或社会层面带来的负面影响。 1.正规的音乐文化机构在那些方面影响了社会现实的音乐生活?当它们的影响是无效的、微弱的或负面的时候,在什么样的基础上可以对它们进行批判? 2.音乐教育的理论如何能阐明各种机构为音乐带来的影响,提供评估这些机构对文化有益或有害的方式,并为它们贡献方法,使之能够对文化有益而不是有害? 3.我们怎样才能影响诸如出版公司、大众媒体这样的机构,使之为提高社会和文化生活的音乐品质作出更多的贡献? 4.音乐教育机构可以为普通民众重新确立非专业的音乐活动的文化规范做什么,以反对那种主要培养专业的表演者以及倾听他们的听众的规范? (五)跨学科 为了有效地工作,音乐教育者必须和其他学科的思想与研究者建立并维持联系。 音乐和音乐教育学习和研究的主导模式最大限度地减少了其与音乐以外的影响的联系和应用。这种模式在知识和应用上的狭窄和局限使音乐教师和音乐家们处于偏狭的境地,隔绝了与艺术和科学领域中的其他人的交流,也隔绝了与其他有益的专业之间的交流,最终隔绝了与普通大众的交流。未来的教师和音乐家们应该运用其他领域中有价值的观点来解决音乐家和教育者常常面临的问题。 1.音乐教师(以及他们的教师)如何才能拓宽自己的专业知识和普通知识? 2.如此宽广的面向实践的知识基础应该由哪些学科来描绘? 3.我们在何种程度上以及怎样才能使教师们不再不加批判地模仿他们的老师的技巧,而是在新的事项上发展出原则性的、反思性的和有效的个人教学方法? 4.专业的组织可以改变什么来促进培养学校音乐教师和教授的普通音乐教育? (六)研究和理论 音乐教育的研究和理论基础应该同时在他们的理论旨趣和相关实践中提炼并作深刻的拓展。 一种新的对解决音乐的教与学的问题的探究必须取代当前的专业目标和结果,后者推动了大量的研究的结论,但最后,它们通常在理论上乏善可陈,与实践亦毫无关联。我们倡导这样的音乐教育研究方式,即它的问题和结论都来自并应用于人们的真实音乐行为,从而也来自那蕴含着异常丰富多样的意义和经验的音乐。进言之,由于音乐教育中的问题不可避免地要探究其他学科,音乐教育理论与实践研究必须远远超越传统认可的狭窄范式和局限性。 1.如何发展更为充分的音乐教育研究批评,以形成一个专业?其他学科的什么理论和发现支持这样的批评? 2.在专业广泛的研究过程中,哪些内容应该包含在内,并可预见它们能为良好的实践提供更充分的研究基础?在这个过程中,应该怎样才能使这些内容得到优先考虑? 3.音乐教育专业如何能在鼓励研究者进行独立自主、富于批判性的研究的同时,嘉奖那些与已有传统相矛盾的创新方法、合作行为和结果? 4.另外,还有哪些方法可以发掘出来审核和传播研究的结论?如何才能同时促进评审者的方法论专业知识和普通知识? (七)课程 必须对音乐教育课程进行广泛集中的思考,这是建立一种更大的专业团结的基础,同时这些思考必须受到健全的哲学引导。 在促进音乐教育的任何努力中,课程都占据着基础的、优秀的和决定性的地位,因此,应该优先考虑教学和研究的技巧、方法、材料和评价。然而,这些和监督通常是在没有具体的课程标准的情况下,或是在误认为特定的传统方法自然能确保音乐结果有价值的观念下进行的。根据前面的六个理念,很显然,当期待的结果不清晰时,方法、材料和学习就会变得散乱随意(这是在最好的情况下)或者危险重重(最糟糕的)。因此,课程标准的一致性——有效的教与学的标准——应该成为音乐教育者的准备和实践中的一部分,就像音乐素养的标准一样重要。 1.哪些哲学的、课程的、心理学的和社会的原理和标准应该引导课程发展、评价和批评? 2.由国家或地区实体——如音乐教育者协会、政府——发展或颁布的标准,或那些为了使课程设计成为音乐教师准备的重要部分的具体尝试,是否能给课程带来最佳的影响?它们能有效地相互作用吗? 3.与良好结果更为一致的课程如何才能把关系到课程实施的制度优先性、当地条件和资源考虑进来? 4.音乐教育课程在何种程度上、怎样才能把更广泛的教育和社会因素纳入它所考虑的范围内?① 从上文可以看出,“五月组”的行动理念涵盖了音乐教育研究的各个重要领域,它们相互独立又相互关联,影响着音乐教育的实践和研究。行动理念明确指向了“五月组”的两个目标:a)运用批评理论和批判性思维来思考音乐教育的目标和实践;b)肯定音乐活动在人类生活中的优秀作用,并由此确认音乐在全人类的普通教育中的价值。 三、“五月组”历年来的研究活动与进展 除了制定具有积极意义的七大行动理念,“五月组”还通过以下的活动和努力推进了音乐教育哲学研究的发展: (一)举行多次学术研讨,主题丰富多样 1.“五月组”不定期举行研讨会,讨论的议题丰富多样,包括女性主义与音乐教育、音乐的社会因素与音乐教育、种族、音乐认同以及对某些学者的专著的讨论,如2007年6月14—16日在明尼苏达州立大学举行的会议,主题为“音乐教育与健康”;2008年6月5—8日在波士顿大学音乐系举行的研讨会主题是“学校音乐与社区、社会及生活中的音乐相连:课程、政治与实践”;2009年6月4—6日于美国南加州大学举行的研讨会主题是“转变中的大学音乐教育”;2010年6月17—20日,在蒙特克莱尔州立大学举行的研讨会主题则是“音乐教育与伦理:理论与实践”。 “五月组”2010年的研讨会已经是第21期,从中可以看出,在它诞生的十多年来,学术之间的研讨与交流是活跃的。这些研讨会,最后都基本形成了文集,刊载于它的电子刊物,使全世界的学者都能便捷地通过它的网站,了解新近学术的动向。 2.出版高水平的电子刊物 自2002年起,“五月组”还不定期出版电子期刊,以专题的形式出现,刊名为《音乐教育的行动、批判与理论》(action?熏 criticism?熏 and theory for music education,简称act?熏 issn:1545-4517),刊发知名学者的论文,目前已经出版8卷,并在其网站上,供全世界的学者查阅。发表的论文中有戴维·埃里奥特、特里·盖茨、托马斯·里吉尔斯基、韦恩·鲍曼等学者从不同的角度,对音乐教育审美哲学进行了批判与解构。这些都是实践哲学关注的主题。从近年“五月组”的电子刊物及举办的研讨会议题看,其范围已经拓展到了当前社会科学研究中的诸种问题,如女性主义、社会正义与教育公平、教育专业化的重新解读、音乐在日常生活的意义,等等。 3.出版行动理念的实践指导专著 经过多年的研究与讨论,在“五月组”主要成员的努力下,由特里·盖茨和托马斯·里吉尔斯基主编的阐述七大行动理念的专著《变化时代的音乐教育:实践指导》②于2009年10月由纽约springer出版社出版,作为“艺术、美学与教育”(the arts?熏 aesthetics?熏 and education)系列图书的一部分。该书由“五月组”的14名成员的论文组成。14篇论文分为七组,每组两篇,分别阐述五月组的七大理念。该书不仅突出了音乐教育实践哲学的理念,还突出了实用主义的视角。相信五月组这部经过多年探讨与积淀的著作会在音乐教育哲学研究中引起广泛的关注,也将对音乐教育的研究和实践起到应有的作用。 4.建立在线论坛,倡导开放交流 “五月组”在网站上开辟的论坛,为全世界的学者提供一个交流与学习的园地。参与者可以对电子期刊中论及的观点或有关学者的观点提出自己的问题,也可以自己创立论坛的议题,吸引别人的关注和讨论。开放的观念、争鸣的氛围,使“五月组”充盈着多元的声音。这样的学术交流氛围,对于音乐教育哲学的持续深入发展,也必将是有所助益的。 四、结束语 1990年,美国音乐教育者全国大会(menc)正式成立的“特殊研究兴趣小组”(special research interest group,简称srig)就倡导人们专门研究音乐教育哲学。“五月组”正是在这样的背景下成立的。它的行动理念综合了当今先进的音乐教育理念,对音乐和音乐教育的性质进行了不局限于哲学层面的解读。同时,它对音乐教育的研究既进行理论的阐释,也致力于实践的应用。这样的研究取向对音乐教育研究形成了良好的导向,促使人们从更具批判和反思的视角来考察音乐教育中的各种现象和问题。成立十余年来,它在促进音乐教育哲学研究走向更加开放、更加深入、更加多元、更加国际化的道路上发挥了很大作用。笔者相信,随着越来越多的人对它增进了解,越来越多的关注也会投向音乐教育哲学研究,这对中国音乐教育的理论研究和实践进程都将是富有意义的。
美术史小论文:“学科互涉”视域下美术史学与考古学的关系研究 【摘 要】在“学科互涉”视域下,美术史和考古学都受到古物学的影响,二者在认知方向和认知体系、研究内容、研究对象、研究工具和方法以及结构等方面都有交叉和渗透,并逐渐形成了一门较为新颖的学科,即美术考古学,对美术学和考古学的发展来说都具有重要意义。 【关键词】学科互涉 美术史学 考古学 关系 近年来,随着经济的发展和社会的进步,人们对于历史文化的研究越来越深入。在信息化的时代,现代知识体系中的学科交叉和交流是不可避免的发展趋势,美术史学和考古学在很多方面都表现出“学科互涉”的性质,形成了美术考古学。与其他学科相比,此学科兼具美术学和考古学两方面的特点,对美术史和古代文化的研究都具有重要意义。因此,研究美术史学与考古学的方法论和结构,探讨二者之间的渗透和交叉关系,对各学科的研究边界进行讨论具有重要意义。 一、古物学对美术史学和考古学的影响 美术史学和考古学在研究内容和研究方法、研究对象等多个方面都有很大的相似性,较为明显的是,二者在发展过程中都受到了古物学的重要影响。无论是在中国古代还是在西方国家的发展历史上都有收藏古物的习惯,中国古代存在着“玉府”等收藏古物的专有机构;外国的皇族对于古物的喜好也成了当时古物学发展的动力。 美术史学和考古学真正开始交叉渗透的时间是在18世纪中期,温克尔曼是当时著名的学者,其著作《古代美术史》的研究内容主要是针对美术的发展历史。该学者在编写的过程中,从美术史的角度出发,对促进民族发展的古物和记载美术史的古物文献展开了研究。正是因为该学者将古物学和美术史学、考古学结合起来,才发现总结出美术的发展历程,促使了美术史学和考古学的成熟,温克尔曼也因此被称为“美术史学之父”和“考古学之父”。无论是温克尔曼的称谓还是其著作的特点,都向我们反映了一个信息:美术史学与考古学之间都受到古物学的影响,二者之间具有很大的联系。 二、美术史学和考古学的相互渗透和了解 不同学科之间跨越了边界之后就会产生互相渗透,即产生我们所认为的“学科互涉”。许多学者认为这种渗透是必然的,不同学科之间的渗透和交叉主要体现在学科的认知方向和知识体系等方面;学科的指导思想、理论和研究方法;与学科相关的社会和技术问题;与其他学科产生的渗透和交叉性;学科内外的定义等。美术史和考古学学科互涉具体体现在以下几个方面: (一)学科的认知方向和知识体系 无论是考古学还是美术史学,在对相关的方法和对象进行论述和解释时,都涉及大量的说明和阐释,此特点表明了人文学科的鲜明特点。若根据研究对象来进行划分,美术史学属于美术学的范畴;若根据研究体系来看,美术史学又属于历史学。在美术史学的发展中,人类的审美情感占据着重要的地位,感性色彩较为浓烈,理性认识的实现也需要通过感官来进行。我们可以将美术史学的研究实质归结为:通过分析作品的形式和风格来认识美术家或者是史学家的思想感情,从而探索其中蕴含的发展规律[1]。 与美术史学的不同之处在于,考古学直接强调理性在研究和发展中的作用,考古学的研究对象主要是古代人类的发展,通过分类描述遗留的物品来对古代社会的存在形式进行研究,并研究遗留物品之间的关系,从而确定相关的功能,此外,对遗留物品的发展和改变进行研究和分析,能够了解古代社会发展的文化特色并得到相关发展的具体意义。无论是探索背后的规律还是直接将理性思想运用于分析和调查中,考古学和美术史学的发展和研究都是将探索和研究物质世界作为主要的研究途径和方向来实现目的的。 (二)研究方法和工具产生的交叉 考古学中涉及的主要研究方法为研究地层和器物的类型。20世纪中期的考古学主要局限于单纯的研究和记录,优秀的研究思想和内容就是对地层以及器物的类型进行研究和总结。直到1960年之后,丹麦的著名学者克里斯丁在对古典的器物进行研究时,融入了情境,并对器物的装饰进行了详细的研究,这不仅对考古学的发展有促进作用,对美术史学的发展也有重要的参考作用。之后苏秉琦也利用了美术的图案分类将美术的写实与写意等方法融入了考古学中。 在美术史学中也有考古学的渗透,例如,广泛应用于年代和类型的研究方法同样能够为美术史学的研究提供便利。在对美术的风格进行研究时,法国的夏皮罗采用了层析法进行研究,其中的第一和第二层析分别是对形式的要素和形式之间的关联进行的研究,与考古学的研究方式非常相似。在世界范围内,这种学科互涉的现象都非常普遍,外国学者温克尔曼的作品是最典型的学科互涉。在我国的古代,学科互涉的例子也有很多,常任侠和段文杰等大家都为美术史学与考古学的交叉和融合做出了重要贡献[2]。 (三)研究对象的渗透和交叉 从研究对象来看,美术史学和考古学之间也有一定的交叉和渗透。美术史学的研究主要是针对美术的作品以及美术作品的创作者,尤其是在对古代的美术作品进行研究时,涉及的研究对象往往都属于考古学中的古代文物,也是考古学的研究对象。由此可见,考古学和美术史学在研究对象和研究资料上都具有一致性,例如壁画、雕刻、神殿、石窟以及工艺品等等。对人类古代遗迹进行研究和保存是美术史学和考古学共同面临的重要问题。 (四)学科结构的交叉和衍生 除了在研究对象、研究内容、研究工具等方面具有一致性之外,美术史学与考古学在自身的学科结构等方面也有相似之处。 若根据美术史学的学科性质来进行分类,可以分成历史和艺术等方面的课程,主要包含以下几个大类:美术基础实践,主要是指对美术的基本技能进行的练习和创作等,目的是加强素描、绘画等基本的美术技能;美术史论,是指对美术的历史和评论等方面的学习,目前出现的课程分类主要包含文物的保护以及鉴定、艺术作品评论、艺术作品鉴赏、文艺理论等方面,其中的文艺理论课程和文物相关的课程都与考古学有着密切的联系。相关数据表明,美国早在20世纪中期就开设了多种美术和艺术史课程,涉及的范围也较广,初步统计已经达到了800种。这些新设立的课程中,有相当一部分课程是从考古学的角度出发并设立的,为学生学习文物的维护和修复提供了一定的美学基础[3]。 从考古学的结构出发,除了对基本的文物展开研究之外,对考古的材料分析也涉及一些美术知识。此外,考古学涉及社会、文学、美学等多个方面,所用的研究方法需要借助于多种其他学科,例如地质学、建筑史学、体质人类学、医学等,对多个学科的发展都有着相互促进的作用,其中的建筑史学就包含在美术史学中。因此,二者在结构上也有很多的相似之处[4]。 三、美术考古学的形成 在当今信息化时代的发展背景下,学科互涉已经成为不可逆转的趋势,就目前而言,考古学家在进行考古研究和分析时,已经涉及了大量的美术史学的资料和方法。同样的,美术史学家在对美术历史进行研究的同时,也使用了考古学中的大量资料,各专家的研究视角越来越广,概念也越来越宽泛。经过长时间的发展和实践,美术史学和考古学的交叉渗透已经促使一个新的学科形成,即美术考古学。该学科是美术史学和考古学的有效融合,具有更加广泛全面的研究内容、对象以及方法论。 四、结语 随着社会的逐步发展,各个学科之间的渗透和交流会越来越频繁,信息化的发展为学科互涉提供了有利的条件,当今的学者必须利用好各种有利的条件,加深对各个学科边界的研究和理解,才能促进各学科的共同进步和发展。 美术史小论文:从范例复制到自由表达:对我国幼儿园美术教育观的历史演变考察与现实反思 【摘要】本文对我国幼儿园美术教育观的历史演变作了较全面、深入的梳理,并分析了幼儿园美术教育崇尚范例复制的现实危害,探讨了幼儿园美术教育观从范例复制到自由表达范式转变的必要性与可行性,强调应确立以儿童为本的美术教育观。 【关键词】幼儿园美术教育观;范例复制;自由表达;历史演变;现实反思 在传统的儿童美术教育观影响下,在相当长一段时期的幼儿园美术教育实践中,幼儿园教师主要开展以“照着画”为典型特征的范例教学活动,且通常辅之以“像不像”为唯一评价标准。这在很大程度上导致美术活动不是一种儿童自我表达的方式,而是一种教师达成某一教育目标的工具。《3~6岁儿童学习与发展指南》(以下简称《指南》)为纠正儿童艺术教育的误区,将儿童的审美体验置于艺术教育的中心,强调要从“成人为中心”转向“幼儿为中心”。2015年9月国务院颁布的《关于全面加强和改进学校美育工作的意见》也突出强调了“幼儿园美育要遵循幼儿身心发展规律”“培养幼儿拥有美好、善良的心灵”,这为幼儿园美术教育进一步指明了方向。 范例复制的幼儿园美术教育观是如何在我国得以形成和发展的?如何避免重蹈“技能为上”的范例教学老路?打破范例教学模式后我们应当如何开展幼儿园美术教育?本文拟通过对我国幼儿园美术教育观历史演变过程的考察,深入探讨幼儿园美术教育的新方向。 一、幼儿园美术教育观的历史演变 传统幼儿园美术教育中的范例通常是指教师将线条、形状从事实形象中抽象出来,加以概念化、符号化而成的外形简单的简笔画。〔1〕教师使用范例开展美术教育活动,往往会忽视儿童对具体对象的感知体验,以技能技巧的传授与达成为优秀目标。我们将重视范例复制的美术教育称为“以技能为优秀”的美术教育,而将关注儿童个体的内在感受、鼓励多元自主表达、不以形似为衡量标准的美术教育称为“以艺术为优秀”的美术教育。这两种不同的价值取向均有其特定的文化渊源。应当说,中国传统文化注重个体内心的精神修炼,注重以陶冶情操为主的“艺的教育”,〔2〕但这一价值取向在清朝末年发生了重大转变。从那时至今,我国幼儿园美术教育观不断变化,详述如下。 1.清朝末年:从注重精神塑造转向注重技能培养 在19世纪末的西学东渐思潮中,经世致用的实用科学开始受到重视,美学正是这时作为一种实用学科从西方传入中国的,并被列为1904年“癸卯学制”中的24门“工科建筑学门”主课之一。由此可见,美学在中国最初是被列为工科的。〔3〕近代首部学前教育法规《奏定蒙养院章程及家庭教育法章程》也将美术定位为实用技术――“手技”。“手技盛长短大小各木片之匣,使儿童将此木片作房屋门户等各种形状;又授以小竹签数茎及豆若干,使儿童将作各种形状;又使纸作各种物体之形状;更进则使黏土作碗壶等形。”当时的美术教育更多强调的是通过材料造型等活动,锻炼幼儿的手眼协调能力,并教导幼儿学习相应技能。 客观地说,“癸卯学制”规定学堂的立学宗旨是“中学为体、西学为用”,主张在继承中国传统优秀文化的基础上结合教授西方经世致用的技能。然而,当时中国并没有正规的学前教育师资,保教人员是由育婴堂的乳媪和敬节堂的节妇经过简单培训而来的,并不具备“就儿童最易通晓之事情,最所喜好之事物,渐次启发涵养之”的专业素养。相对而言,训练幼儿的相关技能是比较容易达到的。因此,此时的儿童美术教育重技轻艺也是不足为奇的。 2.民国时期:以技能为重的同时,关注审美人格的培养 1912年,时任中华民国教育总长的蔡元培明确提出,“军国民教育、实利主义教育、公民道德教育、世界观教育、美感教育”五育并举,认为美育“以陶养感情为目的”“与智育相辅而行,以图德育之完成者也”,不再将美育等同于单纯的技能训练。王国维在现代艺术教育体系中首倡美育,主张将西方艺术的科学因素与中国美育的伦理成分相结合。1928年,丰子恺在其著作《废止艺术学科》中批判了不合理、机械、有害的艺术教育现象,倡导真善和真美的艺术观。〔4〕这股美育思潮促使1932年国民政府在其颁布的《幼稚园课程标准》中将艺术教育的目标定为:“(甲)满足对于工作的自然需要;(乙)培养操作习惯,增进工作技能,并锻炼感觉能力;(丙)训练关于群体的活动力,如自信、自重、坚忍、专心、勤奋、互助、热心、服务等精神;(丁)发展智力,包括锻炼思想,培养发表、创造、建设的能力,发展欣赏能力。”具体内容包括:“画图――自由单色画或彩色画,彩色画可用各种现成图物,使儿童自己设色,或用自己所制的图物,施以彩色;纸工――用剪刀剪各种图形,或以纸折各种物体(如桌椅之类),或将剪的、折的、撕的图形用浆粘在纸上,或用纸条织成各种花纹;泥工及纸浆工――用泥或纸浆做成模型,如鸡、狗、桃、李、杯、盘、糕、饼、舟、车等类,并研究泥的性质等。”《幼稚园课程标准》的规定虽然有明显的技能训练痕迹,但并非把技能培养当作艺术教育的最终目的,而是开始重视并鼓励儿童的自由创作。 可见,民国时期的儿童艺术教育开始回归艺术的本质和美育的优秀,将美育与智育、德育结合起来,以促进儿童的全面发展。然而,由于当时战乱频仍,以学者为主要推动力的教育改革影响很有限,且囿于教师素养不高等条件的制约,美术教育仍然以较容易实现的技能技巧训练为主。 3.新中国成立至改革开放前:重新推崇技能训练 新中国成立后,当时各方面学习苏联经验。反映在学前教育领域,1949年12月第一次全国教育会议就明确指出,“以老解放区新教育经验为基础,吸收旧教育某些有用的经验,特别要借助苏联教育建设的先进经验,建设新民主主义幼教”。此后相当长一段时间,学前教育改革不再以民国时期的学习美国模式为主,开始全面学习苏联模式,美术教育也不例外。 19世纪初苏俄时期的美学研究特别强调为政治服务的实用目的。受苏联模式影响, 1951年7月我国教育部制定的《幼儿园暂行教学纲要(草案)》将美术教育目标定为:“(1)培养幼儿初步的艺术兴趣和爱美观念;(2)培养幼儿学习描制简单的日常生活中的事物的轮廓,以发展其想象力和创造力;(3)培养幼儿运用双手的能力,使其懂得劳动是最崇高的道德,以养成爱劳动、爱护公共财物的习惯。”幼儿园美术教育在价值取向上重新偏重功利与实用,在教育方法上以灌输练习为主,重视技能技巧训练。 应当说,以“作业课”为主要特点的苏联教育模式本质上是建立在对儿童最近发展区认识的基础上的,旨在为儿童提供满足其发展需要的教育。但受当时我国“”风气的影响,我国对苏联模式的学习更多停留在表面,只复制了其“整齐划一、任务达成”的形式要求,如美术教育中注重临摹和结果评价等。这一倾向至今仍然影响着我国幼儿园的美术教育,范例复制即是典型表现之一。 4.改革开放至20世纪末:重新关注审美价值,但理念与实践相距甚远 在邓小平“面向世界、面向现代化、面向未来”科教兴国战略方针指引下,学前教育开始广泛吸取国际先进经验。1992年我国第一套美术教育译丛出版,包括里德《通过艺术的教育》、罗恩菲尔德《创造与心智的成长》、艾斯纳《儿童的知觉与视觉的发展》等 6 部译著,将工具论与本质论这一美术教育取向之争引入中国。工具论强调以儿童为中心,重视创作过程,认为应“通过美术的教育”实现个体全面发展。本质论强调以教师为中心,注重创作结果,认为应开展“为了美术的教育”,以实现自身的审美价值。这两种价值观对我国幼儿园美术教育观的重新定位有重大影响。 这一时期代表性的政策法规是1981年教育部颁布的《幼儿园教育纲要(试行草案)》。其中,美术教育的目标为:“(1)在幼儿观察事物的形状、颜色、结构等的基础上,培养他们用绘画和手工泥工、纸工、自制玩具等充分表现自己对周围生活的认识和情感;(2)逐步培养幼儿对美术的兴趣以及对大自然、社会生活、美术作品中美的欣赏力;(3)发展幼儿的观察力、创造力,发展手部肌肉动作的协调性、灵活性,初步掌握使用美术工具及其材料。”由此,美术教育虽然仍注重技能技巧,但逐渐体现出技能技巧要为欣赏力、观察力、创造力等美术基本素养能力提高服务的倾向,初步尝试将本质论与工具论相结合。 可以说,改革开放至20世纪末是一个重新调整、兼容并蓄的时期。幼儿美术教育工作者们在吸收国外先进经验的同时,立足本国,重新思考了幼儿美术教育的价值,做了一些很好的尝试。然而,总体来看,由于此时学前教育受重视的程度尚不高,具有较高艺术素养的教师严重缺乏,到了20世纪90年代末,学前教育事业又遭遇了较大的滑坡,以致于对美术教育审美价值的提倡没有得到全面的落实。 5.21世纪以来:在强调儿童本位的基础上整合审美与技能培养 进入21世纪以来,学前教育事业发展的重心逐步从数量的增加转到质量的提升上来,尊重儿童、以儿童为本的教育理念成为学前教育改革的指导思想,对以往“成人中心、教材中心、知识技能中心”的教育观产生了巨大冲击。幼儿园美术教育也不例外。2002年,滕守尧指出,“仅有知识和技能的艺术教育是不完整的艺术教育,没有艺术素养的儿童是不完整的儿童”,由此引发了新一轮的儿童艺术教育观反思运动。艺术生态教育、艺术综合教育、艺术生命教育等教育理念及其课程模式逐步生根发芽。〔5〕 2001年,《幼儿园教育指导纲要(试行)》(以下简称《纲要》)颁布,确定艺术领域的优秀目标为:“(1)能初步感受并喜爱环境、生活和艺术中的美;(2)喜欢参加艺术活动,并能大胆地表现自己的情感和体验;(3)能用自己喜欢的方式进行艺术表现活动。”〔6〕2012年《指南》颁布,将“感受与欣赏”“表达与创造”作为艺术领域两大优秀目标,“感受”“体验”“喜爱”等词高频出现,凸显艺术教育对儿童审美情感和审美能力发展的作用,淡化技能技巧培养,“范例教学”被明令禁止。当然,淡化技能技巧并不等于完全否定技能技巧,而是强调教师要为儿童提供充足的机会促使其自主发展,并在儿童有需要时给予及时而恰当的知识和技能支持。 应该说,随着《纲要》《指南》的深入人心,幼儿园开始在反思的基础上探索新的美术教育道路,并取得了许多可喜的成绩。不过我们也应清醒地认识到,从范例复制到自由表达的范式转型是一个漫长的过程,重要的是不但形式上要取消“范例教学”,而且教师心中要消除“范例”思维。行动上的不以“像不像”为评价标准,不等于教师在内心就认同了儿童自由表达的价值。与此同时,怎样争取家长的认同度,怎样改革美术教育评价机制等问题,仍是当前幼儿园美术教育改革需要面对的巨大挑战。 二、幼儿园美术教育崇尚范例复制的现实危害 在幼儿园美术教育中,以传授技能技巧为单一目标的范例复制教学方式存在诸多现实危害。 1.影响儿童的身心发展 美术从本质上讲是个体自我表达的一种符号,反映的是个体对自我、他人和世界的认识,是个体情绪情感宣泄与疏解的通道。被成人简单化、概括化了的范例形象并不符合儿童对世界的认知和体验,因此,范例教学很难帮助儿童实现真实的情感表达。众所周知,艺术最鼓励和倡导个体发挥想象力与创造力,艺术对自由和自主的追求最为强烈。范例复制恰恰将自由与自主限制在极小的空间内,压制了儿童的想象力和创造力。现实中,受“范例教学”束缚的儿童,一脱离教师提供的范例,往往就会出现“不会画”的情况。曾有国际评估组织对21个国家进行调查,发现中国学生计算能力世界排名第一,但想象力却倒数第一,创造力倒数第五。这将极大地影响中国未来国家和民族的创新能力与国际竞争力。〔7〕 2.影响教师的专业发展 范例教学强调技能技巧,因此在教师职前培养时更注重的是美术技能技巧的掌握,而不是艺术素养的熏陶,由此导致教师在实际教学中追求自己画出“完美的范画”、儿童临摹出“一样的作品”,鲜有对儿童艺术过程与创作特点的观照。教师付出大量心血培养出的可能是“匠人”,而不是充满灵性的艺术自由表现者。所以,范例与儿童的天性相悖,也导致教师无法体验到美术教育的职业成就感和职业幸福感。 三、打破范例:确立以儿童为本的幼儿园美术教育价值观 1.“尊重并还原个体对美的多样化感受”是审美教育的本质及其必然要求 范例复制背后隐含的逻辑假设是“美是单一而确定的”。这里关涉如何看待美的本质的问题。“美”这个词在希腊语中被表述为“aisthetikos”,意即“使感官享受到愉悦和爱慕的物质与精神的所在”。对于什么是美、美是否存在标准等问题,目前主要有三种观点:一是客观说,认为美是事物客观存在的均衡、对称、和谐等物质属性,即美的衡量标准是客观、确定、可达成共识的。二是主观说,认为美是人们纯主观的感受、体验,如获得生理或心理的快感,获得情感释放等都是美。三是主客观契合说,认为美是心物同构、内外相应的,事物的性质、形状等为美提供了条件,但只有符合个体主观意愿时,个体才认为这是美的,因为“对象世界形象地显示了人所特有的真与善的本质力量,确证了人的思想、情感、智慧、愿望,所以它是美的”。〔8〕 美术史小论文:应用舞台美术理论开展自然历史博物馆景观设计的研究 摘 要:该文结合相关的工作经验,在自然历史博物馆景观设计中,创造性的运用了舞台美术理论。研究显示,自然景观设计与美术理论结合后,能够使平面化的陈列标准更加立体化、仿真化,从而给参观者带来了强烈的视觉冲击力。除此之外,营造出了一种干净、纯美的自然意境。可以看出,将舞台美术理论应用到自然历史博物馆景观设计中,给自然博物馆的发展注入了新鲜的血液。 关键词:舞台美术理论 自然历史博物馆 景观设计 分析 博物馆是文化、知识的承载者和传播者,在社会、经济的发展中,占据着重要的地位。与此同时,随着科技的快速发展,博物馆与其他学科之间的联系也越来越紧密。基于此,必须打破现有的结构框架,积极拓展在声学、美学、光学、建筑学等领域的发展。当前,舞台美术理论已经被广泛应用于自然博物馆景观设计当中,并且创造出了逼真、唯美的自然意向,从而受到了广大参观者的欢迎。那么,如何在自然历史博物馆景观设计中应用舞台美术理论呢?下面进行详细分析。 1 舞台美术理论在自然历史博物馆景观设计中的应用 随着社会经济的快速发展,人们在审美方面的要求也不断提高。与此同时,将舞台美术理论应用到自然历史博物馆景观设计中,给人们带来了更加仿真的自然感受,也体现了以人为本的发展理念。 1.1 在自然博物馆景观空间中的应用 景观陈列在发展的同时,不仅要直观地表现出自然画面,还要关注到结构的变化与空间的构建。在此基础上,给人们带来独特的艺术享受。自然博物馆在景观设计的过程中,要求利用有效的物理空间创造深远的自然意境,所以在空间塑造方面有着很高的要求。由于陈列设计本身是开放的、自由的,这与舞台艺术理论的多元化艺术方式也是不谋而合的。比如,在实景背后增加几棵仿真的树木,就会起到延伸空间的效果。这样,当参观者在观看陈列景观时,往往会感受到远处的茫茫林海。同时,放置在林中的鸟类,也会增加美的气息,让观看者感受到人与自然的和谐与美好,从而产生心灵上的共鸣。除此之外,在景观空间设计中,可以利用舞台美术理论来对空间进行分割、重组。这样,在有限的空间中,就可以展示不同的画面。比如,在同一片草原上,老虎悠闲地晒太阳,兔子快乐的吃草,狮子朝着远方眺望。从生物链上来讲,这三种动物就是天敌。这里,通过空间割裂、重组的方式,就可以使其在各自的领域中独立存在。然而,值得注意的是,舞台艺术主要通过演员的动作来表现空间,并与观众进行精神交流,该空间具有动态化的特点。然而,自然历史博物馆景观空间设计中,是以陈列景观为对象来营造艺术美感的,该空间具有静态化的特点。所以,在景观空间设计中应用舞台美术理论时,应该以写实为主,写意为辅。 1.2 舞台布景在陈列展览中的应用 景观中的布景是通过空间、背景的塑造,从而仿真出立体景观。在景观布景中,要求通过精炼的艺术形式体现出悠远的意境。同样,在舞台布景中,也讲究景观的简练性、审美性。当人们看到一面“帅”旗后,就会联想到过去的峥嵘岁月、金戈铁马。因此,在自然历史博物馆陈列景观设计中,也可以根据舞台布景方面的理论,选择有代表性的、能反映季节、种群关系的景观,以此来创造出回归自然的感觉。比如,在水边渔家景观设计中,就遵循了以上原则。该景观中,包括一叶孤舟,几朵莲花,几枝芦苇。船头上有几只形态各异的鸬鹚。可以看出,整个景观布景非常简单。另外,在布景中,利用剥离与灯光的效应,营造出了涟漪的感觉。景观中没有出现披蓑戴笠的渔人,但是透过孤舟就可以看出人的足迹。除此之外,还鸬鹚的周围,还布置了其他禽鸟,这些禽鸟形态各异,或水中嬉戏,或闲庭信步。虽然整个布景非常简单,但是却展示出了一幅青山绿水、鸟语花香、烟水迷离的人间仙境。同时,体现出了人与自然、环境之间和谐相处的关系。 1.3 舞台灯光在陈列展览中的应用 色彩、灯光在景观设计中起着重要的作用。研究表明,合理搭配色彩、变换灯光后,可以表现出环境、季节的差异,从而营造出不同的效果和意境。在舞台上,灯光除了可以照明外,还能表现出时间、人物心理等要素。另外,从不同的角度来设置灯光,调配亮度,也会产生不同的效果。在自然历史博物馆景观陈列中,运用舞台灯光后,可以创造出独特的舞台氛围与意境,从而凸显景观的艺术魅力。在此基础上,给静止标本带来鲜活的生命力。比如,在南极企鹅景观布景中,就会利用蓝色的灯光来营造出极地酷寒的意境。整个场景中,仅仅设置了几只企鹅的标本,提示人们这是南极。蓝色不仅让人感受到微寒的气息,而且营造了一种神秘感。参观者看到以上陈列后,就会联想到严寒、冰冷的南极。在以上景观布景中,没有影响到企鹅本身的黑、白色。所以,在灯光布景中,必须遵循自然规律,不能破坏生物本身的色彩。除此之外,利用舞台灯光,还能产生图特殊的艺术效果。比如,在毛脚\景观中,就是利用了灯光的效果,从而将静态的标本动态化。整个景观被漆黑笼罩,在三个不同的方位上,设置了三只动作不同的毛脚\。其中,右上角的展翅飞翔,中间的俯身冲下,最下面的在捕捉田鼠。灯光分别照在不同的毛脚\上,并将它们联系在一起,从而使人感受到了景观的节奏感、跳跃感。然后,在大脑中出现了毛脚\寻找食物、锁定猎物,抓住田鼠的这样一幅动态画面。可以看出,该景观产生的效果非常神奇。 1.4 将舞台区位融入到景观陈列中 在戏剧舞台中,其区位是从中心区域向外延伸的。同时,为了突出人物表演,要求控制好背景色彩。如果背景色彩过于华丽,则会使人物在景观中淹没。自然景观的对象是静态标本,要达到色彩与布景的和谐,不仅需要控制好背景色彩,而且还要凸显出标本自身的魅力。从人的生理特点上来讲,不同空间区位的强弱也是有差异的。一般情况下,上边比下边强,右边比左边强,前边比后边强。比如,在白唇鹿景观中,放置了两只白唇鹿。其中,一只处于站立状态,位于景观的中间。另一只卧在景观右边,神态安详。两只鹿都位于景观前方,很容易吸引观众的眼球。同时,在景观后面有连绵起伏的山脉,以及皑皑白雪,地势较高。与下面的景观相比,形成了高低错落、对比分明的效果,从而体现出了白唇鹿生存环境的辽阔、苍茫、静谧,最终获得了心灵上的安慰。 2 景观设计中应用舞台美术理论产生的效果 可以看出,在自然历史博物馆景观设计中,应用舞台美术理论后,产生了良好的效果。首先,营造了深远、惬意的艺术氛围,增强了静态标本的生命感染力。其次,通过空间、区位、灯光、色彩的搭配,让参观者置身于青山碧水、蓝天白云、鸟语花香之中,从而产生了身临其境的感觉,获得了心灵上的安宁。最后,加强了学术与审美的融合,提高了陈列展览的品质,促进了自然历史博物馆的长远、稳定发展。 3 结语 该文结合实际的工作经验,分析了舞台美术理论在自然历史博物馆景观设计中的应用。在具体分析的过程中,从空间布景、陈列布景、灯光布景等方面出发,阐述了设计的具体方法,以及产生的效果。可以看出,将舞台美术理论应用到景观设计当中,使静态的标本更加鲜活、灵动,从而增强了视觉效果。与此同时,还能营造出优美、深远的艺术氛围,从而使人们感受到内心的安宁。因此,在自然景观设计中应用舞台美术理论非常有必要。 美术史小论文:研究美术与设计史论教学中的非课堂教学 【摘要】本文重点分析了非课堂教学的意义和优势,从教学设计的融入,教学氛围的营造等方面突出非课堂教学在美术与设计史论教学的具体应用环节,实现其教学的质量提升。 【关键词】美术与设计史论;非课堂教学;氛围;设计 一、引言 美术与设计史论在教学过程中具有一定的枯燥性,学生的学习积极性不是很高,他们参与教学的主动意识不能有效激发,在教学过程中只处在被动的学习和接受状态,这种教学模式下的美术与设计史论教学质量不是很高,急需有激起这一片寂静湖面的小石子。近年来出现了一种非课堂教学模式,是将传统的教学课堂延伸到课堂实体之外,拓展学生实践环节的有效性,将教学时间更多的应用到课外。这种教学模式不是对传统的教学课堂的否定,而是对其进行的进一步延伸和拓展,这样可以进一步丰富相关的教学模式,多元化的实现教学目标,做那颗激起美术与设计史论教学涟漪的小石子。 二、非课堂教学在美术与设计史论应用的优势 (一)实现学生自主性的激发 美术与设计史论的教学需要融入更多的学生参与元素。只有不断拓展相关的教学范围,实现更多的形式融入其教学过程之中,才能更好地满足学生对这一课程的学习兴趣。非课堂教学可以进一步激发学生自主学习的意识,学生可以通过同学之间的交流、通过网络与其他专业人士的聊天,拓展自己的知识点,提升自己对于美术和设计理论的认识,学会相关的学习方法,这是十分关键的,尤其是对大学生来说,以后需要面对的就是职场,那里需要的是自主创新的能力展示,需要的是不畏困难的勇气,这种非课堂教学过程实现了学生自主性的激发,也对今后他们的在自己的工作岗位上实现创新发展提供内动力。 (二)转变了师生之间的主体地位 非课堂教学更深层的目的在于实现学生对美术与设计史论教学主体的转变。基于这种深层次目的需求,可以进一步实现学生参与性的课程教学,这样也可以激发学生进一步实现相关知识点理解和掌握,具体来说,就是给学生留一点时间思考一下,以自己的理解为主线,构建学生对相关教学内容的知识网络,这是现代教学过程中“转型发展”的关键一步,即学生教学主体的实现。教师只需要在这一过程中,实现不断的引导作用,更多的体现出对问题纠正。不再是整个课堂教学的主体。 (三)实现教学的多元化 非课堂教学的主要目的就是实现学生对相关知识的理解和掌握,而不是教师对本节课自己教学内容的自言自语,这两者是存在本质区别的,前者需要进一步想尽更多的方法,使得学生进一步加深相关知识的理解和掌握,还会使用一些教学方法和手段,激发学生理解和认识的积极性和有效性。而后者则只是对教学内容的设计,教学的积极性已经不存在了,教师的教学激情基本消失,只是机械地设计相关知识点。在教学过程中需要进一步破除这种机械化的教学过程,将教学时间运用到学生实现相关知识理解的积极性和有效性激发上。另外还有可以实现相关实际案例的教学,通过生活中案例,对相关知识点进行应用,最终达到学生掌握的目的。 三、实现非课堂教学在美术与设计史论课程应用的具体措施 (一)将非课堂教学理念融入其教学设计 非课堂教学模式的融入首先是在课程教学设计中不断融入这种思想,将教师在教学过程中有效贯彻相关教学理念,即实践环节更多的融入美术与设计史论的教学之中,分出更多的课时来实现学生在非传统课堂教学活动,在实践教学的环境选择上需要贴合教学内容,例如有教学意义的艺术馆等都是可以进行非课堂教学的重要实践地。同时这种非课堂教学理念更多的融入现代教学的互动式教学模式,实现学生虽在传统课堂上,但是实现学生教学主体的转变,设计更多的教学任务需要学生上网、到图书馆找寻相关的答案,学生的学习积极性就被进一步激发。 (二)实现非课堂教学氛围营造 根据课程设计方案,教师不断创新教学模式,实现教学形式的多元化,构建积极向上的美术与设计史论的学习氛围。在一堂室外课上,教师可以选择一个环境安静、优美、具有人文气息的地方,开始自己的教学过程,这种环境的选择更加符合美术与设计史论教学的展开。教师也不需要有拿着厚厚的讲稿,学生也不必拿着笔记本记录,教学实现师生之间平等和谐的交流和沟通,强调的不是相关知识的掌握和理解,构建的更多是一种美术与设计史论的教学氛围,只有氛围营造出来,学生在课下才能发挥其主管能动性,实现自主学习。 四、结语 美术与设计史论的传统教学具有一定的抽象性、枯燥性。学生参与度不是很高,非课堂教学模式的引入可以进一步激发学生参与教学的积极性,更好的满足现代教学的需要,这种非课堂教学模式和传统教学相结合,实现系统化、形象化的教学过程。 美术史小论文:中国美术批评的价值自觉与历史担当 自“五四”“美术革命”以来,中国现代美术以鲜明的社会关怀、为人生而艺术的精神价值追求,区别于传统美术文化。这一特征在具体的历史情境中,又集中表现为美术批评中的二元对立话语实践特征,如:现代/传统、为人生/为艺术、服务大众/感性自由、社会主义现实主义/资本主义形式主义、主题先行/艺术唯美、写实主义/现代派……围绕这些二元对立,美术批评在时代语境中迸发出批评的活力与论辩的激情,以自己的方式参与了20世纪20-40年代的变革传统、抗敌保国的民族自强、自立的绝境之战;承载了1950-70年代新中国“反帝、反修”的国家形象建构与文化革命实践;跟上了1980年代“反思”“思想解放”的社会变革步伐…… 自1990年代以来,在艺术市场化、审美娱乐化“告别崇高”的熏风中,整体看中国美术文化的最大变化,是首先弱化了自身现代形象的基本特征:社会性价值关怀。这一显然非美术学科自身原因的变化在学科内部的突出表现,是1990年代以来美术批评话语资源、文化价值功能的边缘化。前面,不管是鲁迅开辟的新美术批评揭传统文化病灶、倡现实美术斗争的犀利锋芒;还是以王朝闻为代表的美术服务工农兵、创造源自世界观改造的新中国美术批评原则。以及1980年代改革开放语境中各种艺术观念、批评观点间的激情对话……均以鲜明的社会关怀热度、人文价值定位,与当时具有独创性的美术作品一起,标示了中国美术文化在社会变革中的排头兵形象。当下,今昔相比可谓寸木岑楼。 重建中国美术批评的话语资源、价值关怀与文化功能,是新世纪中国美术文化建设的优秀课题,“醒醒!”是对自愿参与当下中国美术批评者的历史性呼唤。 一、美术批评的人文特点与 当下中国美术批评面临的问题 1. 美术批评的自身特点,决定了它在现代传媒中的不可替代作用。 比较于美术理论和美术史,美术批评以其鲜活性、在场性为突出特点。所谓鲜活性,是指优秀的美术批评总以其即兴的感悟、生动的表达和观点陈述的锋芒,体现出艺术批评态度与观点的吸引力。这种吸引力的鲜活性,表明那些已知的批评理论或艺术史理解模式只是批评家工具箱中的量尺与裁刀,批评的现场感悟、语言生成更是批评家艺术敏感、理论修养和表达才华的显露,19世纪唯美主义作家奥斯卡・王尔德把批评比喻为是“另一种艺术创作”。①就此,艺术史家托马斯・麦克艾维利认为:“艺术批评自身就是一种文学形式,不完全遵循其它任何规则。它存在于艺术、哲学、文献学、社会学之间,是一个多才多艺的地带,不同的作者可以用各种不同的方式显出自己的个性。”②在这一方面,从用极端化的比喻可以说:美术批评与自己年长的兄弟“美术史”和“美术理论”相比,具有活泼、淘气而童言无忌的学术性格。 在场性,是指美术批评总是从当下的生活情境、艺术话题、价值讨论起步,具有鲜明的当下议论性。美术批评的对象可以是当代的、古代的;可以是本地的、外国的;可以是时尚的、经典的……但立论、言说的“在场性”,却是批评活动最突出的特点。批评家、批评文本,既是沟通审美与生存、现实与历史、作品与作者关系的桥梁,又是从一个特定的视角、立场、态度出发,对艺术作品或通过艺术作品而对艺术家、艺术世界、审美文化……进行直言评判的活动,因而它的话题就总是与当下人们关心的新问题相关、与人们审美生活的新兴趣、新时尚相关。如此,美术批评作为一种“在场行为”,直面现象、言之有物的敏感性、批评性,正是其区别于其它艺术文本写作的重要特点。正如法国诗人、现代美术批评的开拓者波德莱尔所言:“最佳批评就是妙趣横生诗意盎然的那一类,而非冷漠的、数学一般的批评,假借一切有所交代,既无爱又无憎,甘于把性情一扫而空……换言之,证明其合理的存在,批评就应该有所侧重、充满激情、表明政治态度,即从某个单一的视角落墨,而不是从一个展示无比开阔的地平线的视角。”③ 当代消费文化中的大众传媒产业和艺术市场运作,往往利用美术批评媒介而有意推销趣味消费,以致成为某种趣味、某位作者的市场宣传行为,一定意义上消解了批评家个性的独特性与敏锐性,也消解了批评的学术价值关怀,沦为广告制作的智慧。在这一背景下,更加呼唤在批评家共同体中强化批评的理论自觉与人文理性自觉,鼓励批评的“独立性”与人文关怀,呼唤有立场、有观点的批评对“习惯成自然”的艺术观念、视觉经验和文化常识的批评性质询,以彰显美术批评对生活世界中艺术的人文意义与价值的揭示。 2.作为美术文化传播重要组成部分的美术批评,是衡量美术文化与时代生活联系的直观尺度。 现代形态的美术文化建设,深深植根于社会审美文化生活情境之中,依托这现代传媒的技术媒介平台。从传播的意义上看,艺术的历史,也是一部艺术传播媒介演变的历史。在宏观的传播学层面,一般把人类社会的媒体形态划分为三大阶段:口传文化时期,印刷文化时期,电子媒体时期。对美术来说,显然前两个时期中人类传播文明的基本技术形态,决定了美术传播主要依赖对“原作”的审美经验。历史地看,20世纪中期之前的美术传播,主要是以公共纪念建筑、教堂、博物馆、美术展览、美术沙龙和画廊中观众与作品的直接交流为基本传播方式。在今天看来,当时那些通过复制技术水平相当有限的印刷品、影像媒介进行的美术传播,只不过是围绕“原作”的辅助传播形式。自20世纪后期人类社会进入电子媒体时代,尤其是数字影像技术和互联网的产生及影像复制技术的高速发展,使通过影像技术媒介进行美术传播的质量、手段发生了巨大的变化。概括地看有三大方面:一是现代数字复制技术、显示技术使“原作”的多媒体传播效果日益完美、便捷,原作独一无二的神秘“光晕”被先进的复制技术消解;二是新技术、新媒体极大拓展了美术创作表达的新形式、新手段,多媒体艺术成为当代美术重要的创作表达方式;三是互联网在日常生活中生产出一个与现实物质世界相平行的所谓“赛博空间”(cyber),网络中日日翻新、繁殖的大量图像、符号所构成的虚拟世界,其突出的图像化特征和图像之间不可限量的拼接、衍生、变异,使我们在新的图像文化生存情境中不得不重新审视那些传统的美术创作与批评命题:艺术与现实、形象与真实、艺术创作、接受活动中的主体性等等。正如对现代文化传媒理论有着深刻影响的德国美学家瓦尔特・本雅明所指出的:“复制技术把所复制的东西从传统领域中解脱出来。由于它制作了许许多多的复制品,因而它就用众多的复制物取代了独一无二的存在;由于它使复制品能为接受者在其自身的环境中加以欣赏,因而它就赋予了所复制的对象以现实的活力。这两方面的进程导致了传统的大动荡――作为人性的现代危机和革新对立面的传统的大动荡。”④ 如果说现代传播技术从外部造成了美术传播载体的“硬件”变化,那么20世纪中期以来的哲学解释学、接受美学、社会学、文化研究、视觉文化研究等思想成果和社会科学的新研究视角、理论方法,则从美术研究的理论资源、方法的学术层面,极大地拓展了知识理论空间。以往专注于单纯的“作者”“作品”的美术研究,在这些新思想的推动下延伸到了美术创作、传播、接受得以发生的社会体制、消费文化,观众身份和性别差异等诸多新领域;延伸到了作为视觉文化重要部分的围绕美术作品所发生的看与被看、看与视觉机器、看与视觉场景的视觉文化体制与权力配置关系的研究……这些跨学科的理论视域拓展给现代美术学科知识系统所带来的改变,全面而深刻。 将美术作为社会文化实践而展开的“传播”“接受”研究,构成了现代美术研究新的、重要的问题域。其特点可以这样表述:传统的美术理论、美术史研究是以哲学的、史学的观念、方法来研究美术现象,阐明其基本规律与演进线索,而美术传播研究则使用传播学的原理与方法研究美术现象,侧重揭示其在具体的社会人文、经济、政治环境下的文化活动机制特点与传播效应;传统美术研究以对作者、作品、流派的研究为主,美术传播研究以对作为整体的美术文化与社会体制之间关系的动态“过程研究”为主。显而易见,相对美术理论和美术史,美术批评与美术传播的联系更加直接。或者说,美术批评本身就是美术传播、美术接受的一个重要形式、其侧重“过程研究”的重要组成部分。从而,当代美术批评在与当代社会学、传播学、视觉文化研究、比较文化学等相邻人文学科的交融、对话中,生成了全新的文化想象空间和批评话语能量。 尽管作为精神文化现象的美术与现实生活的关系是多元与多维的,但其根本的文化精神动力与批评思想活力,却必是源自与时代风尚、趣味、流俗相互动的丰富关系中,或者说,美术批评正是体现这种互动活力的最直观的温度计。今天,美术批评话语资源的匮乏,批评参与趣味价值评说效力的旁落,正标示了中国美术批评自动放弃直面时代生活的勇气。 3.美术批评是文化价值表征的视窗,是国际文化交流的实践。 多元因素构成的社会文化生态,必以精英文化作为基本支撑。批评,作为精英文化的集中体现,它的话语实践与社会生活间的互动与意识形态生产关系,是观察一段时期中文化生态质量的主要视窗。文化的精神质量不会表现为数字化、口号式的定义,却总会以围绕具体文化产品、审美思潮、艺术现象的批评交流,而动态地、对话式地彰显出来。今天,美术批评的价值担当边缘化,标示的不仅是当下美术界思想活力与现实关注能力的羸弱,更是美术作为精神文化拜倒在金钱、利益的脚下而在无力承担时代文化价值表述的深疾症候。 作为国家文化形象的表征,美术批评以通俗直观、即时生动的形式和与生活、展示传媒的密切关联,成为全球交流中特定美术文化的价值理想、实践诉求的载体。它既是思想逻辑深邃的艺术理论、需要长时段的知识积累所不能取代的。它又是现实敏悟、批评激情宣泄的实践平台,需要一批“直言者”为生活的趣味立言。在信息化时代,一种美术文化内在的文化创新能量,往往体现为这一美术文化能否在无处不达的日常信息之流中,建立起有效的美术批评的知识话语权力,以对审美趣味的批评与臧否,参与全球性跨文化对话。 在全球跨文化交流语境中,所谓的“价值自觉”与“历史担当”,又必须化为一种具体的批评话语实践,形成自己的思想范式与方法论模态,才能将文化建设的使命付诸实践。 二、重新认识中国美术批评的文化传统 中国美术文化传统的一个基本特质,是美术品评活动中鲜明的人文价值关怀。这种关怀在批评思维和语言实践的层面的特点,一方面表现为对作者、作品的人格、审美的整体意象化批评把握;一方面表现为对具有不同精神格调、美感经验作品的综合分品等级批评。如传统画论的“逸、神、妙、能”四品批评范式。20世纪,中国美术变革在西方学科思维逻辑的比照、逼迫下,传统批评文化几乎成为一个主要是用来做学术研究的古典学问而在知识谱系中存在,至今没有完成在现代学科范式中的学理定位。例如,中国画论思想并没有内在地进入作为基础课程的《美术概论》《艺术概论》的学理逻辑中;而西方现代、后现代批评理论也是以外来知识镜像的形态存在,仅是少数人的个人化批评方法选择。这些现象表征的是:美术批评在中国美术现行学科知识系统、批评实践中的边缘化现象,正是表征中国美术学科知识范式“非现代性”状态的一个形象。 这里,提出对中国传统批评的“分品批评”的关注,其实践策略方面的思考是:从以儒道人格、学养、出世超逸为特点的古典审美理想主义,到现代艺术“社会的人”“历史的人”的生存局限与审美抵抗、超越体验,构成了美术现代性变革的基本人文路向。与此同时,以拜金主义、犬儒哲学为标志的当代艺术的价值理想迷失,对待西方、传统的“国族/全球”非此即彼的二元对立思维,也持续影响着中国美术的现代性进程。从这一观察入思,当下中国美术批评的思想范式变革,亟待将“中国美术传统”“现代浪漫艺术”两部分,在学理研究、创作、批评实践中重点深化。而“分品批评”在批评思维与语言实践方面提供的价值关怀至上、分类把握、整体阐释的特点,正利于将广义的当代艺术的社会关怀、文化自觉等精神价值追求,通过分品的批评逻辑建构而引入美术批评实践。用以改变当下美术批评要么“大师”“神话”满天飞,要么拗口的新词、概念扰人晕的无学理资源、无价值关怀的局面。在这方面,朱青生博士多年来对现代艺术的解读及对如何把握中国当代艺术现实“四个问题”的梳理,即部分体现了这种“分品批评”所蕴含的价值关怀与批评实践意义。⑤经历百年现代变革的中国美术,对西方的形式批评、接受批评、女性批评、后殖民批评等“片面深刻”的方法已基本熟悉,在此基础上展开的“分品批评”侧重综合、整体审美意象入思的实践,正可开启中国美术文化与西方现代批评理论的融合性探索。其也构成了超越传统批评逻辑空疏、语言生僻的转换机遇。 要言之,现代形态的中国美术批评话语、思想范式的建构,有必要通过批评思想资源、批评实践功能、批评语言活力唤醒这一具体路径,在全球化语境中建构中国美术的文化形象。再强调:一方面,美术批评的发展必然需要依赖美术史研究、艺术理论研究的学术积累;一方面,它也是中国美术发展现实最薄弱、最需要突破的问题域。对这一关节的把握,是推动中国美术文化自身建设与面向全球对话而“走出去”的一个重要节点。 (作者单位:山东师范大学艺术学研究所) 美术史小论文:一部彰显美的力量与活的历史的现代湖南美术画卷 众所周知,艺术来源于生活,然而,我一直在思考,艺术史来源于什么? 思考的结果是,我认为,艺术史同样来源于生活。一部好的艺术史绝不应当只是一些客观史实的梳理与叙述,秉笔直书固然是写史的一大原则,但真正能给后人留下深刻记忆的历史,即便是官修的史书,如司马迁《史记》,都是带着明显个人气息与个性温度的叙述。艺术史尤其应当如此,那些依赖于“非个人气息”的文献和撇清了生活的叙述而书写的艺术史,固然有其珍贵的一面,但源于生活,充满浓厚生活气息与个性叙述的艺术史,所产生的价值或许更多更大。这或许就是口述史学在近些年来兴起的一个重要背景。马建成的《口述湖南美术史(1949-2009)》就是这样一部充分彰显了美的力量与活的历史的现代湖南美术画卷。称它是填补湖南口述美术史的一个空白,只是这部口述美术史的一个很基本层次的价值;它更大的价值恐怕还在于它是一部活的艺术生活史,不仅活在当下,还将活在将来。 正是基于艺术来源于生活这一基本共识,我认为艺术史无疑就是反映全面、真实的社会生活史。《口述湖南美术史》的诞生更加坚定了我这一认识。 美术史的撰写经历了从一般的美术通史到地域性美术史这样一个过程,然而,不管是哪一种,从已有的情况来看,“一系列的美术史撰述从鉴赏与收藏出发,主要强调美术家传记和美术作品著录,重记载而轻论述”,都难以称得上是反映全面、真实的社会生活史。 《口述湖南美术史》将口述史学作为一种方法引入美术史的书写,并不是研究者的发明,但将其用于地域性美术史的研究书写,应该说突破了一般性的人物口述历史范式。换句话说,《口述湖南美术史》中的“口述”不只是一个人,而是一群人,是一段较长历史时期的一群人。它有亲历者、参与者,还有旁观者。如果说前者是单口相声,那么,后者则是群口相声。因而,它的生活性、真实性更为显著,读起来也更为意味。 说到真实性,大家也都理解艺术的生命在于真实,那么什么是真实?我以为,社会生活才是真实,并且应当是全面的社会生活才更切近真实。《口述湖南美术史》呈现的正是这种真实。这或许也是编著者一开始就想通过这本书建立起“1949-2009”这一个时期的“湖南美术史资料库”的初衷所在。 一、集体记忆与个性抒写 历史上,湖南美术在中国美术史上有着独特的地位。特别是现代,可以说是大师云集。但是,现代湖南美术到底呈现出一个什么样的特征,一般读者是不甚明了的。相对于近现代湖湘文化的灿烂辉煌早为人们所熟悉,现代湖南美术却缺乏一个清晰的面貌。人们也许可以数出哪些杰出人物,但对于他们作品尤其是整体情况却了解不深。《口述湖南美术史》恰恰在这方面做出了贡献。它将美术这种高雅艺术以最切合普通人的方式呈现在读者面前。给读者的感觉是现代湖南美术史的集体记忆呈现与研究者的个性抒写做到了完美的结合。 首先是编著者的视角选择比较到位。一是选择了这一时期湖南美术史上的重要事件,二是选择了湖南美术史上的6大主要美术门类。这两个不同的视角建构起不同于过去以美术家为主线的美术史,使读者对湖南美术都有一个全面的了解,进而会产生一种亲切感。因而,随着研究者视角所及,读者从头至尾能够感受到一种美的张力。这种美的张力正是通过研究者切入的审美视角与历史情怀而沁入人心的。尤其是这200来位口述者在叙述发生在湖湘大地上的一些美术事件时所流露出来的那种湖湘情结,以及不同美术门类的美术家们在追忆他们的美术事业时所表现出来的对艺术美的追求,牵动着读者的心,感染着读者的心,让人振奋。 其次,呈现的方式则是以口述的方式展现出一种集体记忆。所谓集体记忆,是指这些事件并不是研究者个人对史实的书写,而是来自多个口述者的个体经验的交集。形成交集的子集越多,“事件”的历史意义就越得以彰显。同时,研究者还结合来自媒体等公共咨询平台的记录,以及与“大事件”有上下文关系的“事件”,这些公共资讯平台既有个体经验认知的引导作用,也有集体意识反映的功能。 其三,对集体记忆的处理上,编著者虽然忠实于口述史这一方式并自觉地做了一次身份蜕变,由历史的书写者变为“历史声音”的记录者或编辑者,这主要是为了降低由主观“价值判断”所带来的虚拟性、假设性的风险。但是并未局限于一个记录者身份,通过对历史分期和研究对象选定的把握,依然表达了自己的个性立场。同时,在保证口述者自身也拥有了话语权的基础上,也保证自己的个性书写权利。比如,《口述湖南美术史》在对每一个事件的口述前后都有自己的引导或总结性的段落,并用黑体字标出,这有点类似于司马迁的“太史公曰”。这样既保证了口述者的口述话语直接呈现,又可以看到编著者参与了对口述事件的研究。 二、活的史料与冷的文献 口述史其实就是要激活潜藏在亲历者或见证者心中的记忆,这种记忆通过他们的叙述构成一种不同于摆在档案馆或图书馆文献的新史料。当然相比较而言,二者不存在谁更重要,但是这种史料由于是活的,读者就能感知到它的温度与生动。换句话说,这种带有情感性的史料比起那种冷的文献,让读者读起来更能引起思考与回味。《口述湖南美术史》就是采用以口述资料为主,文献资料为辅的方式书写的。也就是说,文献资料在功能上是对口述资料起辅助与佐证的作用。 编著者先后采访了 130余位湖南美术家,最高受访者年龄为96岁,收集了他们的现场录音、现场影像。文献资料的收集,以年表形式,按档案馆、报纸报刊、私人日记、照片图片、画册(美术作品)等分类形式进行图片采集或实物收集。 在这里,受访者与研究者双方的话语都以叙事的形式存在,在档案文献中是极少的。我们从《口述湖南美术史》中可以看到,口述者就是一个个美术学家,他们在某种程度上,则是史料的一部分,是活的史料。 《口述湖南美术史》还有一个独特之处,就是将美术作品与口述资料对接起来。这些美术作品作为一个见证,使口述资料更为具体形象;口述资料作为对历史事件、美术作品的来龙去脉的“过程”进行回放,帮助读者更容易理解作品内容、艺术思想与创作过程。 口述史研究的初衷是想和正史保持距离,让人们知道还有另外一种历史叙事,让历史的听众和受众感受一种面对面的亲近和共鸣。 和正史保持距离,就意味着很自然地与生活史拉近了距离。口述史表达的是个人和社会对事件表述,表述的是特定场景下的时空,表述的是亲身经历和肺腑心声。 三、旁观者与亲历者 美术史创作与文学史创作的一个最大区别在于,读者更关注艺术史中的作品故事,文学史读者则更关注作品的意义。因此,美术史以历史还原为目的,文学史以思想揭示为目的。而口述美术史恰恰就能满足读者对于“作品”即“事件”的关注。《口述湖南美术史》的研究者对读者这一心理把握是十分贴切的,因而,“事件”的“实际经过”始终是全书关注的重点。从这一角度来说,口述美术史其实就是一种还原性研究。 《口述湖南美术史》在还原性研究上做得很成功,主要归结于他们对史实价值的把握。一方面,通过对“亲历者”的口述进行价值追问;另一方面,通过对“局外人”的口述进行经验审视,既充分挖掘出了艺术家追求的内在逻辑和艺术思潮的流变,又透视了艺术家所在的时代与社会生活的丰富性与真实性。 “亲历者”一般是作为这一时期湖南美术史事件的当事人、直接推动者,对事件、作品“过程”的叙述,不可避免带有“预设价值”。这种预设价值的背后还有经过时间的沉淀与反思之后所传达出来的“反观自身”。如在《湖南工笔画》一章中,陈白一、徐芝麟、郑小娟、彭本人等亲历者对当年参与敦煌壁画的临摹一事的口述,都不约而同地提到了“敦煌壁画”的临摹活动对促进湖南工笔画起到了很大的作用。同时,也让读者看到了湖南工笔画的发展,特别是湖南工笔画的影响与成就。再如在《湖南油画》一章中,通过张月明、陈和西、曲湘建等多位亲历者的口述,让我们看到湖南油画艺术这个一直没有走入过市场的美术门类。湖南美术家的胸怀梦想、刻苦磨练、寻求突破,让人感动不己,从中看到了他们的精神特质和为艺术献身的境界。可以说,不仅研究者们会得到许多意想不到的收获,而且也让读者能够深入研究艺术家追求的内在逻辑和艺术思潮的流变特征。 “知情者”在更大程度上是作为“局外人”身份来看待整个事件的。他没有亲历者预先存在的价值判断,标准的不确定和缺少对事件的全面了解与把握,以及他们的洒脱,更容易让他从当下的立场做出分析和判断。在“局外人”那里,历史不是过去的历史,就是当下的历史。在这种“叙述内容“中更多的是“审视”。这种“审视”带了很浓的个人经验的味道,与来自艺术家的个人价值判断相比较,使整个口述史更加丰富、透明。如在《工农兵美术群体与红卫兵美术运动》一节中,研究者采用亲历者、知情者交错的方式来叙述当年湖南美术的遭遇,使读者对美术有了一个新的认识,改变了我们对这一特定历史时期湖南美术的刻板印象。 四、重现历史与解释历史 历史有很多种写法,从来就是见仁见智。或主张重现历史,或主张解释历史,各有偏颇。《口述湖南美术史》在这里却作到了重现历史与解释历史相结合。 作为还原性研究的《口述湖南美术史》,无疑主要通过口述历史来重现历史,这一点不用多说,但研究者们并没有止于重现历史。相反,在重现历史之中,融入了对历史的解释,使读者对“历史事件”的认识更为明晰,感受也更为亲近。 如何做到重现历史与解释历史相结合呢,《口述湖南美术史》采取了几种主要方式。 一是口述者的自觉意识。在重现历史的过程中,编著者并没有切割或者限制口述者对历史的解释。口述者在回忆过程中自觉地加入了他们的思考,使得每一位口述者的历史叙述融入了主观性的“意义”内容,譬如在《大集结》中对事件的口述。黄铁山口述:“当时一切政府机构都被打乱了,很多机关的人也都下放的,长沙市商业局也没有人了,就空出来做画室了。”张月明口述:“在九如斋楼上我们一人一间房,在里面画画。”谢鹏程口述:“当时,革命纪念地是相当于‘核保护伞’,我们说我们是被‘核保护伞’保护下来的,不用下放。的事情最大,什么事情都要让路放行。期间正常的美术活动都停顿了,纪念地的活动就成了最主要的。借此种方式勾勒出湖南美术家在时期参与革命纪念地活动的生活的轮廊。 二是编著者的自觉意识。他们认为:“口述”在于一个人或者一群的个人体验的呈现,是相对“文字”而言,一旦与“历史”链接,就是“回忆”;“历史”,意味着需要将个人体验限制在某种框架之内,比如何时、何地、何人、如何发生发展、产生何种影响、及对其所持有的观点等。事实上,口述历史的研究者需要将研究理念与受访者个人体验融合为一个整体。因此,口述历史,还是有研究者参与重建受访者人生的历史,并通过重建起来的过去了的历史事件,来了解那个时代,以及那个时代所发生的事情。① 也就是说,《口述湖南美术史》不仅仅是要重现这60年的湖南美术史,更希望重构这段历史,并且对这段历史进行剖析。如《湖南工笔画》的开头,作者有一段话对湖南工笔画的发展作了这样的剖析: “湖南工笔画的历史源远流长,出土于长沙的《人物龙凤图》《御龙人物图》《马王堆T型帛画》等,都是中国工笔画史中早期的重要作品。……在湖南工笔画的发展过程中,提出过两句至关重要的口号:‘一手伸向生活,一手伸向传统。’其中,对于传统的钻研一直是湖南工笔画家集体的认知。”② 这显然就是在解释历史。这种解释是专业的,也让读者对湖南工笔画有一个基本的印象。但更为专业的剖析方式则是通过口述者更为理性的口述。如陈白一的口述几乎就是一篇关于湖南工笔画的学术论文: “湖南工笔画表现力强,入木三分,群众喜爱。工笔画是由中华民族在中国土地上千锤百炼,经几千年形成的国粹。湖南又有一批工笔画队伍,为师大美院、湘绣厂、瓷厂及民间剪纸、年画、连环画作者……” 陈白一是我国著名的工笔画家,他的口述有史有论,通过他的口述,读者对湖南工笔画的特质就有了更深入的理解。要做到这一点,恐怕不一定是研究者所能胜任的。这远比简单的重现历史更有价值。 五、抢救历史与美术教育 《口述湖南美术史》的研究者曾经提到他们写作的初衷之一,便是要给老一辈湖南美术家留下一部历史,尤其是他们在研究过程中一些美术名家相继辞世,给了他们很大的触动和紧迫感,希望在他们有生之年,从他们口中抢救出一些宝贵的湖南美术史料。他们也确实是抱着抢救非物质文化遗产的负责态度来做这项工作的。 必须肯定,《口述湖南美术史》确实是一项非常及时的工程,不管时人或后人如何评说,这都为湖南的文化特别是湖南的美术贡献出一笔财富。尤其难能可贵的是,这部口述史在抢救历史与美术教育方面结合得很好,对于湖南的美术教育也将发挥积极的作用。 史学的贡献就是对历史规律进行揭示,对历史经验进行总结,从而给人以启迪。口述史料由于带着口述者的温度与研究者的热情,更能让后人感受到一种不同于一般史料的情感。特别是现代科技的发展,口述史研究更能为后人提供重要的价值与线索。有时纵使千言万语的文字记录,也抵不上简短的一刻钟录音,短短的一小段录像。在国外,有些政府非常重视口述史的教育功能,其采集的目的就是为了传播,不仅给研究者提供资料,而且也是对国民、特别是对青少年进行教育的一种重要手段。 我们从《口述湖南美术史》一书中看到,1949年前湖南的美术教育对于培育美术人才,推动美术运动、提高国民美育素质发挥了重要作用。作者一开篇就将美术教育列为“1949年前几项重要的事”,也足见他们对美术教育的格外重视。倒是1949年以后,湖南的美术教育比北、上、广等城市相比,差距越来越明显。这一方面与我们的高考制度有着重要关系,另一方面也与我们缺乏好的美术教材不无关系。《口述湖南美术史》无疑就是一部弥足珍贵的美术教材。它的可读性、专业性和地域性等特色都足以使之成为湖南美术学习者、爱好者的福音。 与一般的历史研究不同,口述史学的研究对象其实是活生生的人。更值得指出的是,这些人的活动和心理很少见诸文献,因而,研究的难度可想而知。很多人都把口述史学研究视为畏途。口述史学不是轻而易举的工作,不是人人能为的。只有那些接受过历史专业训练,在某一领域有研究素养的学人,才有可能胜任口述史学的工作,并且做出自己的成绩。③ 《隋书・经籍志》云:“夫史官者,必求博闻强识,疏通知远之士,使居其位。”值得幸运的是,《口述湖南美术史》的组织者、策划者、主要编著者马建成先生本身就是一位知名画家、“中国画坛百杰”之一。他的美术修养与造诣使其完成了这一历史性的工程。尤其可贵的是,他本是辽宁人,出生于长沙,他用湖南的情怀来感受这60多年来的湖南美术,用中国的眼光来审视现代湖南美术史。因而,这部《口述湖南美术史》就愈发有了别样的意义。 (作者单位:长沙税务干部学院,中国社会科学院) 美术史小论文:外国美术史教学与美术创作关系思考 【内容摘要】教授外国美术史这门课程的教师大多认为,外国美术史在美术教育中的实际功能与价值是很不相称的。对此,文章主要论述外国美术史教学对于美术创作的意义,探讨教学理念的转变和建构,真正使理论与实践相统一,东方与西方相补充,视觉思维与艺术创造相联系,使外国美术史教学实现其功用。 【关键词】外国美术史教学 美术创作 教学理念 为什么要有美术史?为什么要把美术史列为美术教育的主干课程?E.H.贡布里希在《艺术的故事》(第十五版)前言中做了精彩的回答:“假如你去看电影,发现影片已经开演,往往就难以理解银幕上的人为什么如此激动,为什么……你可能会找一位友善的邻座,让他说明前面发生了什么,你所看到的情景表示什么。任何一位历史学家都想成为这样的友善邻座……倘若你有兴趣,这就会对你有所助益……仅仅局限于时下的生活,难免会丧失生命的维度,即时间的维度。”多么生动精彩的解释。 外国美术史课较中国美术史论来说起步比较晚,师资力量相对薄弱,尽管国内各美术院校在教学模式、教学方法以及教材建设上做出了很多努力,但在现行的美术教育体制中,存在着重视美术创作、美术技法而轻美术理论的现象。在文艺工作座谈会上强调,“文艺工作者要自觉坚守艺术理想,不断提高学养、涵养、修养,加强思想积累、知识储备、文化修养、艺术训练,认真严肃地考虑作品的社会效果……” 作为外国美术史这门课程的教师,都能达成一个共识:外国美术史在美术教育中实际功能与价值是很不相称的。笔者思考的问题是,如何调动学生的学习积极性,推动外国美术史教学改革,努力使这门课程充分发挥其功用,实现有效教学。 一、外国美术史为美术创作者提供参考坐标 美国现代美术教育家艾斯纳和格内尔倡导“以学科为基础的美术教育”的教育理念,认为现代美术教育的基本特征是美术创作、美术批评、美术史和美学,这四个方面相互关联,构成全面、相联系的整体。教学秩序循序渐进,最终达到扩展学生视野的目的,让其尽可能多地了解与美术相关的文化内涵,从而提升学生的审美素养,培养将审美素养转化为美术创作的能力。外国美术史教学应该借鉴这一教育理念,为学生将来的艺术创作提供理论支撑,才是外国美术史教学的终极目的。 靳尚谊是当代中国最有影响的油画家之一,他用半个多世纪的努力深入欧洲艺术传统的内核,冷静而科学地思考中国油画民族化的命题,将中国写实油画推向了新的高度,在肖像画领域做出了杰出的贡献。中国油画已经走过了100余年的漫漫征途,当我们站在这样的一个历史高度回望靳尚谊的艺术实践时,他的意义与价值也就自然地凸显了出来。这是我们向国外学习实现民族化最好的例证。华东师范大学艺术研究所教授顾平说:“没有美术史,美术创作的方法、技巧凭何借鉴?如何实现美术与不同时间文化的链接?没有美术史,美术创作家一味创新,没有参照对象而少了根基,必然走向‘标新立异’;同样,没有美术史,我们也无法真正去欣赏艺术品,或仅仅停留在感受层面,无法体味通过参照而获取的文化意味。”如果不认真学好外国美术史,就无法理解国外美术作品所承载的文化信息。 外国美术史为美术创作者提供了一个重要的参考坐标,使其不断汲取传统的养分,坚持洋为中用、开拓创新。在现代社会寻求“创意”的契机,择善从新,有鉴别地吸收国外新的艺术形式,汲取传统精髓,做到中西合璧、融会贯通,定位自己的努力方向。 二、以史为鉴把握美术发展规律 学习美术史,仿佛使学生走在阶梯上,走的越高视野越开阔,在毕业以后能够进行独立的美术创作,学会如何“阅读”视觉文化,从而建立起冷静的历史态度。“20世纪以来的艺术历史已经表明,当代文艺思潮的两大派别包括现实主义与现代主义,它们相互对立,又相互补充。符合规律性的法则无论是对现实主义艺术还是对现代主义艺术来说都是不可抗拒的:艺术既要有个性,又要有共性;既要创新,又不能完全背弃传统;艺术创造即使是曲高和寡的,最终也应为世人所认知;再神秘和隐蔽的本质,应该诉诸可视、可触摸亦即可感知的形式;再好的观念也应该通过艺术的创造传达给他人。”这段话是外国美术史教材中的一段论述,总结了美术发展规律,是指导实践的重要途径。 靳尚谊较早认识到中国写实油画与西方的巨大差距,并立足西方艺术史的内在逻辑,艰苦地深入到西方造型传统的内部世界,努力从根本上解决写实绘画的基本问题。靳尚谊在饱览经典大师原作的基础上,他强烈意识到自己在体积环节上的薄弱,并找到了边线处理的具体方法。他清醒地看到西方古典传统与现代绘画的内在渊源与线索,更加坚定了回溯西方本源的决心。如《塔吉克新娘》《蓝衣少女》《青年歌手》等一系列优秀作品,正是有了靳尚谊等艺术家的担当意识与实践,对西方古典传统的研究也从感性、零碎走向了理性和系统。 信息的快速传递使大量“舶来品”来不及过滤,就出现在公众视野,但毕竟形成了众多的参照系,致使外国美术史教学理念不断面临挑战,也提出了许多亟待解决的课题。即如何全面把握外国美术的发展动态,以及如何更好地做到取人之长补己之短;如何辩证地评价东方美术与西方美术;如何有选择地将纷至沓来的道德批评、社会批评、形式主义等西方批评理论纳入美术史课程。外国美术史教学应抓住这种机遇,在广收博取的同时,甄别良莠,引导学生创造性地理解外国美术,并掌握其真谛,进而以新的审视角度和分析方法去接近真理,走进更多模糊或未知的领域。 三、开发外国美术史研究空间,拓宽美术创作思维 外国美术史是以探求美术的起源、风格的演变和审美的创造等为主要特征的审美教育方式,既具有世界文明史的系统框架,又包括美术创造的一般规律,同时又吸收其他有关学科的基础知识,通过潜移默化的作用来影响人的情感,提升美术创作。 20世纪90年代以来,外国美术史学科发展迅速。现代社会的深刻变化开拓了人们的思维空间,呈现出一种全方位、多元化的趋向。有些学者在该领域取得了较大的成绩,但外国美术史学科的研究空间依然广阔,对美术历史、美术现象的观察,已逐步打破以往的单纯从哲学的认识论或政治的阶级论以及“西方中心主义”出发的惯性视野,开始在广阔的世界文化背景中选取美学、心理学、伦理学、历史学、人类学、考古学等多种角度,将美术历史和美术现象视为复杂的、丰富的整体展示。随着时代的发展,在外国美术史的研究领域尚有很多未开发的研究空间。例如随着考古新发现,要求我们考证过去已有的定论,不断刷新旧的理论体系,由传统的孤立地就某一国家、某一作者、某一作品、某一风格或某一命题进行思考、分析,转变为从联系的、整体的观点做出系统的宏观综合,从而以有机整体观念取代机械整体观念。 外国美术史教学必须跟上时展的步伐,建立起自我教学风格和学术风格;借助快速传递的信息,随时调整、充实、更新自己的知识结构,新的历史条件为外国美术史教学注入活力,这些研究都可以成为美术创作的思维基础。 四、外国美术史研究与美术创作内在联系的基本途径 在美术专业本科四年教学中,学生往往不会把美术史和美术表现技能联系起来。学习美术史,可以树立学生的历史观念,因为任何创作都处在某个特定的历史文化语境之中,并从中获得参照的意义。有些学生整天抱怨学艺术史枯燥,想多学绘画的技能。可是他们没有意识到让作品发生飞跃的,往往不是技术,而是美术史带给我们的眼光和思路。所以,作为美术史教师建立起自我教学风格和学术风格,不断更新自己的知识结构是必要的。 具体到课堂教学,笔者学习借鉴广西艺术学院教授龙圣明老师的美术史课教学方法,应用到教学实践中,即“史――论――实践”教学法,根据当下学生的具体状况有创造性地设计教学,龙圣明提出的部分学生“上课时涣散、复习时认真、考试时‘冒险’的情况”。这在外国美术史教学中很常见。对照相机、电脑的依赖,使学生平时基本不画速写,速写功夫被弱化。根据实际状况,教学中要求学生完成“绘图笔记作业”。课堂上必须完成的作业是在讲课和投影图片映像时,有选择地要求学生用简洁的勾勒笔法,描摹出某幅作品的构图或局部,学生作画时,教师同时讲解这幅画。每幅小构图旁边,要求他们注明画题、作者、国别、流派。课下逐一检查,也省去了每堂课的点名。下周上课时选出最好的作业进行点评表扬,对作业普遍存在的问题进行讲评。这种教学方法强化了学生的记忆,把作业保留下来,装订成册,随时翻看,复习时过目不忘。绘图笔记作业还有一个目的是防止学生在课堂上注意力分散,因为要及时做作业、交作业,这样也确保了良好的课堂秩序。在讲课与作业中突出画家的艺术特色和语言创造,在史与论中,同实践联系起来,点睛式地启发学生的创作思维。学习外国美术史的目的是要提升受业者的艺术实践、创作水平和创作观念,学好它必将对艺术创作有所启发。 结语 总结多年的教学体验,根据当代学生的特点,如果不探讨教学理念的转变和建构,在大数据的背景下,很难与时展的节拍和美术创作者的期望值相吻合,尤其在当下强调文艺创作坚持以人民为中心的创作导向,努力创作生产传播当代中国价值观念、反映中国人审美追求,思想性、艺术性有机统一的优秀作品。所以,外国美术史教学更具有独特的功效和重要的现实意义。 作者单位:佳木斯大学美术学院 美术史小论文:“翻转课堂”在高校美术史教学中的初步尝试与构想 【内容摘要】“翻转课堂”教学模式随着慕课的兴起而在国内得到大力推广。文章以美术史课程为例,尝试探索“翻转课堂”教学模式的有效方案,提出以问题为导向,以小组为单位,搭建以讨论为中心的课堂架构,从而对高校美术史教学模式进行创新,更好的提高学生的学习兴趣。 【关键词】翻转课堂 高校 美术史 导学 形成于2000年左右的“翻转课堂”(Flipped Classroom或Inverted Classroom)概念,逐步演进为一种教学模式,伴随着2012年“慕课”及“微课”在国内的兴起而迅速升温,大有“忽如一夜春风来,千树万树梨花开”的势头。恰逢国内基础教育改革在新修订的课程标准颁布之后进入深化调整阶段,“翻转课堂”或类似的教学新模式探索已成为当前新课程改革的热点。可以说,在这种特殊的背景之下,源自美国的“翻转课堂”进入中国时首先在中小学找到突破口,进而成为教育界的研究课题――在此过程中,高校(尤其是师范类高校)的研究力量和资源起到了重要的推动作用。 一、对“翻转课堂”的理解 提到“翻转课堂”,通常会联想到“视频”,尤其是“微课”的开发、网络系统管理等。诚然,借助网络平台的“翻转课堂”在信息传递的清晰直观和教学管理的人性化、个性化方面的确有明显优势,而这也是当前“翻转课堂”与慕课、微课齐头并进的重要原因。笔者认为,“翻转课堂”的本质体现在两个方面:一是教学流程的“翻转”,即改变传统先教后学的顺序,让学生先自学,在信息反馈的基础上,教师再有针对性地答疑并对知识体系进行梳理和引导深化;二是教学活动中主体角色的“翻转”,即从教师主导的课堂变为学生唱主角的课堂,教师从知识的传授者转变为学习的引导者和合作者。如果达到这两个标准,那么,是否借助视频或网络,并非必要条件。“翻转课堂”的精髓其实是回归“Educate”的本义,以“引导”代替“灌输”,以主动的内化取代被动的接受。 新世纪教育改革伊始,目标之一即培养学生的主动探究精神,激发学生的创造力。在现有教育体制下如何真正去实践,教育工作者也一直处于个体化的摸索中。“翻转课堂”的出现,似乎第一次在全国范围内明确地提供了一种具有普遍参照意义的教学模式,当然,其影响力是基于网络化的信息资源。目前,国内已经建立起数家颇具影响力的慕课网站,也实现了与国际资源的接轨,涉及基础教育、高等教育及职业教育。这无疑对传统的教育理念和模式都将造成巨大的冲击。对于高校教师来说,有必要面对新形势做出及时的调整和应对。 二、美术史教学中的导学尝试 在我国高等教育中,以学生自主学习和研究为模式的教学并不鲜见,但多集中于研究生阶段。在普通本科阶段的教学中,“翻转课堂”的实施仍然具有探索性的意义。笔者以高校美术专业的史论课程为例,做了初步的尝试和构想。 美术史是高校美术专业的基础理论,也是必修课程。对于学生来说,具备一定的美术史基础有助于其提高专业素养从而提升创作能力,并为更高层次的深造或开拓专业发展领域打好基础。但学生中普遍存在重专业实践而轻史论学习的现象。究其原因,除了学生对其重要性的认识不够,关键还与两类课程的不同思维方式有关。以形象思维为主的美术实践更契合美术专业学生的特长,而理论学习的抽象思维往往是他们的短板。传统教学方式的讲授法恰恰正是以理论阐述、逻辑推理为主,尽管也配合了图片或视频,但学生的积极性仍然难以调动。那么,如何激发学生对美术史的兴趣,提高其理论学习的能力,从而达到教学目标?笔者在“翻转课堂”基本理念的启发下,针对美术专业学生的特点,做了如下尝试: (一)建立以问题为导向的导学方案 实施翻转课堂的第一步,即要让学生自己先学。学什么?怎样学?笔者根据教学计划,尝试了以教材为基础,以问题为导向,以网络资源为辅助的基本导学方案。 大学生与中小学生相比较,对信息的整理和把握能力更强,也有更持久的注意力。笔者认为,短小精炼的“微课”对于大学生来说不是必需的,而引导性的问题设置更合适理论思维的训练。尤其是对于大多数不擅长抽象思维的美术专业学生来说,需要在知识点的提炼和逻辑推理上提供指引,那么,问题的设置便是关键的一步。从问题类型来看可分为三大类,一种是对应于教材的基本知识框架,比如“古埃及雕塑的程式是什么?”“达・芬奇 的代表作有哪些?”等,这些内容可以通过教材或相关资料的阅读直接找到答案。不妨以选择、填空或简答题的方式呈现。学生自学之后,教师可以略过讲解或选择性抽查。二是以归纳、演绎或比较等形式进行逻辑思维的训练,比如“印象主义的特点是什么?后印象主义的特点是什么?二者区别何在?后印象主义的代表人物有哪些?他们对现代主义各有何影响……”此类问题可以根据信息量的不同,分别以名词解释、简答或论述的形式呈现。第三类,也是最具挑战性的,即专题研究的初步尝试。教师指定或学生自报研究选题,学生在课外完成资料整理,在课堂上进行汇报交流。后两类问题可作为课堂上解决的主要任务。 问题提出之后,利用哪些学习资源呢?笔者在初步尝试阶段主要是以教材为基础,鼓励学生利用其他书籍或网络资源,同时给学生提供视频信息作为参考。新的科技手段和信息资源为教学提供了极大的方便,但视频资料的挑选仍需严格把关。既要讲究影片本身的艺术质量,又要能与教学内容相关联,最好具备能引发讨论的焦点问题。例如,BBC和DISCOVERY相关系列专题是不错的选择,通过“网易公开课”等平台也能搜索到国内外一些精彩的课程视频资源。 (二)实施以小组为单位的学研模式 普通本科教学与研究生教学的区别之一是师生比的差异。教师在课堂上一般要面对五六十甚至更多的学生,如果要完全实现当节课的个体指导是不可能的。因此以小组为单位是比较可行的,尤其在专题研究方面。 比如笔者从主要教学内容中挑选近十多个专题,每6人左右为一小组,负责一个专题,而组内成员可再细化为三小组,分别负责此专题下的子课题。例如,在选定“丢勒研究”这一专题之后,可将研究内容进一步细化:丢勒的生平与艺术成就概述、丢勒自画像研究、丢勒版画(甚至可以具体到一幅代表作)研究等。这些子课题的设定实际上就是教师对学习内容与研究方向的一种引导,每个学生又有了相对集中的具体任务,在起步阶段不会觉得手足无措,同时也鼓励学生自己提出感兴趣的课题或子课题。当然,出现这种情况是好事,至少说明学生已经主动走出了第一步。 实践证明,任务的细化和具体到人,有助于促进学生的责任感和自觉性。在小组合作的过程中,学生往往也会自觉地进行资源共享和交流。 (三)搭建以讨论为中心的课堂架构 这是“翻转课堂”的关键环节,对师生来说都存在一定程度的挑战。以专题讨论为例,通常的步骤是,根据教学计划由专题负责人轮流对本人或本小组研究成果进行阐述,要求结合PPT展示,然后教师和学生都可提出问题或看法。对学生而言,讨论这一关至少存在三个障碍:思路的整理、语言的表达、提问的应对。与单纯的书面作业不同,口头汇报要求学生独立面对五六十名听众的境况,不可能“滥竽充数”,必须切实准备资料。而且语言表达存在一个文字信息输入和语言信息输出的转换过程,对学生来说也是非常重要的一种思维训练和心理训练。而最困难的是,可能面临始料不及的提问或质疑,所以不得不在课前尽量做足充分的准备。从实际情况来看,相当一部分美术专业的学生亟需这样的练习。 对教师而言,不再有事先固定的教案,必须针对学生在课堂的表现做出实时回应,包括答疑、组织讨论、引导交流以及总结。教师不必在讲台上滔滔不绝,看似轻松不少,但教学重心的转移其实对教师提出了更高的要求。首先,以往一劳永逸的教案不再适用,教师备课的信息容量必然要超出教材,达到一定的拓展空间,而且要敏感地捕捉课堂上的各种问题,才有可能掌控课堂,避免混乱和松散。其次,无论是答题还是课题汇报,每个学生提供的信息都是比较个人化的、碎片化的,教师的另一重要任务就是知识体系的整合。每堂课存在的变量越多,对教师的要求也越高,这其实是一种外松内紧的状态。 所以说,课堂讨论环节是高校“翻转课堂”最大的挑战,师生都需要一个适应和摸索的过程。但这也是检验“翻转课堂”效果的重要途径。 三、美术史教学中存在的主要问题和解决方案的构想 (一)课前预习自觉性的问题 如何让原本不重视美术史课程的学生主动去学,这个跨度似乎有点大。也的确存在部分学生动力不足,反应迟钝,甚至不愿去完成自学任务的现状。笔者尝试的方案是内外兼修、逐步过渡。所谓“内外”有两层含义: 一是课内与课外。从课堂内的预习开始,以课前思考题的方式督促学生先看书,在问题的牵引下让眼睛和头脑都动起来。如果发现个别学习能力较弱或缺乏主动性的学生,可以有针对性地提问,层层引导,即便是被动地尝试,至少也会让他感受到教师的关注,不会完全游离于课堂之外。对于一些有难度的课题,可以放到课外去准备。当然,应视情况提前布置任务,并给予学习资源指导。内外结合,由内而外,这需要一个过渡。 二是内力与外力。外力即外部的评价动力,一定的约束和奖惩机制是必需的。如果因学校规章限制,不能取消传统考试形式,那么也可以将自学效果和课堂表现作为平时成绩的主体参考因素,并尽量加大比重。而最重要的是激发学生内心的动力,这主要源自学生的自尊心和成就感。当看到同班同学有出色表现,当自己的努力得到认可,感受到自己的进步,这对于大多数学生来说都是有激励作用的。所以,如何制定一个切实可行的导学方案,如何多角度发现学生的进步,并给予及时而恰当的鼓励,都是相当重要的。 (二)课堂讨论有效性的问题 如前所述,课堂讨论环节是实施“翻转课堂”的重点和难点。如果在课堂上学生不愿开口,或是不知所云,将无法完成正常的教学任务,更不用说实施“翻转课堂”。作为课堂的组织者,怎样克服师生两方面的困难,主动权都掌握在教师手中。笔者构想的方案是以点带面,循序渐进,师生共勉。 对教师来说,充分备课是前提,灵活应变是保障,适时引导是关键。充分备课既要备教材,也要备学生,尽量对学生可能提出的问题、出现的状况做好准备。当然,也不可能强求有问必答,遇到不能当时解决的疑难,可以坦然面对,不妨直接告诉学生:“这个问题需要在课后进一步去研究,下节课我们再来交流。”这本身也向学生展示了一种学习和研究的态度。 而在学生方面,需要教师在不同阶段针对不同对象加以引导。以课题研究为例,首先要督促课题负责人按时保质地完成任务,进行有效的课题陈述,为展开讨论奠定基础。其次,教师要用心捕捉学生发言过程中各方面的信息,及时做出反应,与学生有效互动;再次,可以充分发挥少数活跃分子的榜样作用,以点带面,促进学生的全面参与;最后,教师的梳理与总结也是教学信息明确化、体系化的保证。实践证明,只要有可行的导学方案,大部分学生在课堂上都能有不错的表现,至少在态度上是端正的。而学生的学习能力和水平能否达到理想效果,需待以时日。 (三)成果展示与应用问题 “翻转课堂”以培养学生的学习习惯和能力为目标,效果不是立竿见影的。笔者希望将此教学模式演变为一种长效机制,贯穿于整个人才培养方案,而不仅仅限定于某一两门课程。其实,学生在美术史学习中所体现出来的素质也影响到在其他相关专业学习中的表现。初步的尝试可以从理论课体系开始,把史论基础、专业写作和毕业论文等课程联系起来。比如,把美术史课程中的讨论和研究成果转化为论文,或者将专业创作感想与专业写作相结合,这些都可为毕业论文奠定基础。 当然,翻转课堂不是要彻底抛弃传统,也不是照搬外国模式,而是要考虑怎样有效解决实际问题。不同学科、不同学情,可以选择不同的途径。以上只是笔者根据美术史教学实践和初步尝试得出的个人看法,所谓尝试还是阶段性的,仍然面临诸多实际困难,所谓构想尚存许多有待论证的细节,亟待继续在探索中构建趋于完善的方案。 作者单位:广东第二师范学院美术系 美术史小论文:浅谈美术史论对美术学科的影响 【内容摘要】美术史论在美术学科中的地位毋庸置疑。美术史论对美术工作者的创作影响,可以用宏观指导思想理论和微观技法指导理论进行分析。文章探讨了美术史论的重要性,认为美术工作者必须对美术史论有深入的研究,才能创作出优秀的美术作品。 【关键词】美术史论 美术学科 美术创作 艺术史学进行真正意义上的研究,迄今已有近两百年的历史。自艺术史论形成之日起,就以强大的生命力彰显于画界和史界对美术家的创作思想和创作技法,对美术思潮和艺术流派的导向,以及对美术教育都产生了极为深远的影响。 一、美术史论对美术实践工作者创作思想和创作技巧的影响 当前,许多美术创作者认为创作思想来源于自身对技法和绘画风格表现语言的探索,对美术史论相关知识并没有过多的涉及。笔者认为,这种观点存在一定的认识方式和认识形态上的误区。美术史论的学科使命在于丰富和进一步拓展美术实践工作者的人文知识内涵,陶冶人文艺术情操。美术史论对美术工作者的创作思想影响深远。西方的拉菲尔前派、现实主义(图1)、立体主义绘画、达达主义等,中国明代书画上的复古魏晋风流、董其昌的论文人画以及南北二宗论等,事实上都是美术工作者在业界先倡导美术史论方面的美术理论指导思想,而后发动地区乃至全国美术实践工作者对该时期美术创作思想,特别是创作题材、创作视觉表现方式进行主流形式上的探讨、判断和统一,引导美术工作者的创作思路契合时代主流艺术创作风格,让美术工作者在先期的艺术创作构思和素材收集时清楚艺术创作思路的正确性。 关于美术创作技法的来源,众说纷纭,有人说是师徒传承的;有人说通过传移模写,从古人处得来的。笔者认为,我国美术工作者的创作技法在经过师徒传承的同时,更多源于在书本上的技法理论。而技法理论书籍基本是由从事美术史论研究的工作者和爱好者进行编撰和整理而出的。比如西方文艺复兴时期达・芬奇的《绘画论》、中国古代荆浩的《笔法记》、郭熙的《林泉高致集》等。美术史论研究的工作目的在于将经典创作技法理论汇编成书,以供艺术实践者提高自身创作技法。 二、美术史论对中国美术思潮和流派的影响 美术史论对美术思潮和流派的发展影响,从本质上说,更多起到的是导向和鞭策作用。自我国改革开放以来,这种情况愈加明显。美术史论在美术学科中的地位越来越重要,担当着不可或缺的责任。比如,受美术史论的影响,我国上世纪80年代出现美术“八五思潮”;90年代以后出现的装置艺术、前卫艺术、观念艺术;近几年盛行的艺术策展、艺术拍卖、试验水墨等。如今,美术实践创作工作者、美术流派、美术思潮同美术史论之间的关系越来愈密切,往往美术史论者首先对美术创作者的作品布展、思潮和流派的命名加以理论支持,并提供可行性方案,然后由美术创作者按方案去完成整个宣传计划。 在中国,引导中国美术学术主流发展的中国美术家协会业已先后成立具有该类性质的相关美术理论委员会、策展委员会、美术教育委员会等,这说明了美术史论在社会和学界内对美术学科的影响日益突出。美术史论的地位正在被美术学界广为认同,美术史论所产生的影响使其成为一门真正意义上的显学。美术史论指导着美术实践的方向,发挥出其应有的重要作用。 三、美术史论对美术教育的影响 谈到美术史论对院校美术教育的影响,很多人往往都会指向大学美术教育。实际上,这种影响也存在于其他年龄阶段。美术史论对中国高等院校教育影响而言,体现在提高美术专业学生的专业技能中。比如,学习美术史论的学生通过专业课程的学习,了解同美术史论专业紧密相关的美术鉴赏、艺术策展等知识;学习中国画专业的学生了解中国画史、中国画论、艺术概论;油画专业的学生了解西方画史等。对于民间美术教育而言,剪纸、皮影戏、糖人等视觉元素需要记录于美术史论当中。民间艺人技艺的传播,也需要美术史论相关知识的辅助和指导。 当今,美术史论在学科发展的道路上扮演的角色愈加重要,对相关交叉学科当中的影响逐步深入、日益突出,最终随着学科的发展而完善。随着美术史论得到社会和业界的认同,将更好地指导美术创作的发展。美术史论在发展过程中,被忽视过很长一段时间,这种局面直到上个世纪80年代才被纠正。正是因为美术史论的不断发展,才形成当今美术界百家争鸣的盛事。理论与实践始终是相互统一、相互联系的,没有美术理论的新突破和新发展,就不会存在美术实践中高潮迭起的创新。美术史论是美术学发展的基础,没有史论基础作为保障,美术实践创作的内涵和底蕴将会缺失,没有继承也就无从创新。如今,强调美术史论的重要性,在于强调其在美术学科中的基础地位和重要影响,美术创作者只有积淀了丰富的美术史论功底,才能够更扎实地推进美术学科的发展,创作出更多、更优秀的艺术作品。 作者单位:哈尔滨商业大学设计艺术学院 美术史小论文:图像学及其在中国美术史研究中的应用 摘 要 艺术家对于中国美术史的研究进入了一个很热的阶段,我们很多人都对此有很大的兴趣。然而作为一种研究手段的图像学的发展也是不容忽视的。图像学主要是研究我们传统画的韵味的意义以及手法之间的关系,让我们对图像有很好的了解。而将图像学应用到中国美术史的研究中,也使得我们有了一种新的手法进行详细的探索。让我们更好地对中国美术做一个详细的报告和发展进程的探究。图像学的引入是中国美术史的一个进步,让我们能快速地、有效地对其进行真正的探讨和了解。 关键词 图像学 中国美术史 研究 应用 0 引言 图像学作为一种对美术史的研究方式成为我国美术界的一大新兴技术,让我们都对其好奇。然而将图像学引入中国美术史的研究中也存在一定的问题和不足,我们必须要对其进行预防和思考,从根本上解决图像学应用的不足。图像学的应用使得美术界对中国美术史的研究有了很大的进步,在一些地方有很好的成绩,但是人们对图像学的盲目应用,也使得对美术史的研究有一些误解,对人们造成了一定的影响,也让一些人对图像学有了一定的偏见和对中国美术史的了解有了一些偏颇。 1 图像学的发展现状 图像学即对图像进行研究产生的一门学科,我们自古就有图像的绘画和应用,因而产生了图像的意义。而现在的图像学与传统的图像学有所不同,传统的图像学是对图像的象征性意义进行详尽的描述,是一种单纯的对图像意义进行抽象描写的手法。而现在的图像学是在原有图像学的基础上对图像创作的特定环境进行研究。现在的图像学主张对图像的历史背景进行推敲,从中获取一些历史背景下的深刻内涵。 而我们对图像的研究不仅限于对图像意义的研究,还是对图像内容、意境、手法的了解。我们需要根据其实际情况和所处的历史背景对图像进行详细的分析,得出我们需要的东西。对图像中所含的深刻意义我们可以通过对图像的研究从而推断出一些内容。我们对图像的研究需要逐步的深入了解,从表层的东西入手。用我们的手法经过深入的了解得到一些深层面的内容,让我们更好地了解图像的意义和内涵。图像学的发展让美术史有了更好的支持,能让我们在艺术领域有更深入的研究。而对于图像本身的研究,在历史上就有很多人为之付出了很大的心血,也有很好的成果。 图像学对于中国美术史的研究有很大的作用,我们不能忽略其中的原因和作用。图像学在现今的发展是很快的,也是我们每个人都予以关注的。这得益于我国对文化研究的重视,也是我们教育的成果,我们对绘画人才的培养使得美术有更好的发展。也使得图像学在美术的基础上有了更好的发展,我们对于图像学有了更完善的研究。我们对图像的研究重点不断地深入,从一开始的形到之后的意,再到现在的情感的研究,这经历了一个漫长的发展过程,我们每一位艺术家都对其做出了很大的贡献。图像学的发展为我们研究中国美术史提供了很好的平台和方法。 2 图像学对中国美术史的作用 图像学对中国美术史的研究有很好的促进作用,可以使得对美术史的研究有很快的发展。图像学是对绘画所表现出来的意义和意境进行深入的研究和探索,发掘出作品内在的东西。对于中国美术史的研究来说,图像学的引进有很大的帮助。让艺术家对美术历史的研究有了详细的方法和措施,能够更好地研究美术的发展。也可以让现代艺术家能够深入地了解美术艺术,能够在原有基础上进行创新。使中国的美术能够进入一个新的阶段,达到更高的层次,出现新的艺术展现方式。 中国绘画史上有许多题材的作品,其中有很多内容多次并且以各种形式出现在作品上。给我们现代人留下了很多历史杰作,也使得我们对于其艺术手段有很多的不解。我们对于美术史的了解能够解释中国历史上出现的各种艺术风格和艺术展现形式。我们要反思图像学在研究中国美术史中的运用方式,让其能够在其中有更好的效果。失败的运用图像学将会使对美术史的研究进入误区,从而影响我们对美术的印象和理解。这会造成艺术史上一个很大的错误,使得人们对艺术有很大的误解,从而影响其以后的发展。图像学的正确应用能使中国美术史的研究进入一个新的阶段,也能影响人们对艺术的深刻理解。而目前我们对美术史的研究主要还是通过对绘画的表现形式和传达的意境进行分析。从而了解艺术创作产生的灵感之源,也让人对美术有更深刻的体会,让美术更好的发展。 图像学的应用使得考古和宗教题材的绘画为我们所了解。对于宗教题材的绘画作品,其主要的意识形态和表现形式都比较相似,这也让我们能更好地进行研究。图像学的引入让中国美术史的研究有了很多的成果,但是它也带来了一些麻烦。我们需要正确运用图像学来处理美术史的问题,让我们更好的了解美术和它的发展。对一些图像进行分析时,我们不仅要从它的表现形态和历史环境中分析,还要紧紧结合作品产生的实际情况,才能让我们更好地对一幅作品进行研究和深入的理解。 3 图像学在中国美术史研究中的应用 图像学在中国美术史研究中有很好的作用,我们在许多方面都依赖于图像学所能给出的结果。对于中国美术史,我们不禁想到许多具有人的气节的一些景物,它们让我们更好地了解美术。如梅的傲骨、竹的坚韧、荷的高贵清纯等,都无不展现着作者对自己的认可和对整个社会环境的不满。这些都能从作品中展现出来,利用图像学我们还可以从中感知到一些以前没有注意到的细节。根据图像学的方法,我们可以先从画中物品的自然意义来进行分析,然后对物品所处特定的情节进行了解,再根据当时的历史背景进行剖析,我们可以由浅入深理解整个美术作品。 对中国美术史的研究,我们有很多人都在进行,并且他们所用的方法和模式也都有所不同。但是所有的共同点是大家都会把图像学应用到研究中,以确保我们的研究是有意义的。应用图像学研究中国美术史我们都是认可的,也是全力支持的,但是我们需要注意的是如何正确使用美术学来进行研究,这是我们目前需要关注的。我们在对中国的美术史进行研究时,也可以借鉴国外一些资深专家的方式,合理运用图像学。 图像学对于中国美术史的研究很有意义,也是我们目前常用的方法。但是我们不能忽略图像学所存在的不足,我们应该以科学的方法去完善它,让它能够更好地为我们所用,让我们能更好地利用图像学来研究中国美术史。图像学的引入和发展,影响了我们对中国美术史研究的思维模式,让我们以新的眼光来看待它。图像学的应用让我们在研究中国美术史时有更好的方式,让我们更好地分析中国美术史。图像学的引入不能让我们忘却原本的方式。我们要将其进行结合,更好地应用,以便让我们能更好地研究中国美术史。 4 总结 图像学及其在中国美术史研究中的应用对我国艺术的发展有很大的帮助,也让我们能更贴切地了解美术。图像学的发展和引入使得中国对美术史的研究有了一种鲜明的方法来实现。让我们能更快更有效地解决我们目前所存在的问题,能更深入地对美术史进行了解。但是,图像学的盲目应用也会是我国美术界的一个隐患。它可能引发人们对艺术的一些不正确的理解,从而影响我国对中国美术史的研究以及对美术事业的发展热情。图像学在美术史研究中有自己的地位,但我们必须以严谨的态度对其进行约束,要让图像学能正确地并且高效地应用于研究。而对于图像学本身,我们要从科学的角度对其进行完善,让其能够在各个领域都做出贡献。对于中国美术史的研究,我们需要结合图像学以及我们自身的经验和知识对其进行合理的解释和推演。 美术史小论文:综观中国近现代美术教育史 【摘要】教育,作为社会经济、文化生活发展的综合产物,是人类对社会发展的一种反应方式,也是人们适应和推动社会发展的一种主要手段。它是培养新生一代准备从事社会生活的整个过程,也是人类社会生产经验得以继承发扬的关键环节。美术教育,通常被称为“造型艺术教育",、“视觉艺术教育"等,是学术界多年来一直没有明确统一认识的一个学科名词,他们不同历史时期的社会状况都对教育提出了不同的要求,也为教育提供了不同的发展环境和条件,但各个历史时期的教育之间有着其共有的内在规律性。 【关键词】美术教育;教育史;美术理论;美术鉴赏 1.美术教育的概念 美术教育,又被称为“造型艺术教育"、“视觉艺术教育",近几年来又出现了“视觉文化教育”的提法,不同的名称体现了对美术教育涵义的不同理解。总体来讲,美术教育的范畴包括一切与视觉有关的艺术作品、艺术现象和日常生活中各种视觉影像,既包含传统的绘画、雕塑、工艺和建筑的知识和技法,也包括新兴的与在未来不断兴起的视觉艺术作品和现象,它主张通过美术学习,引导学习者学会对其生活中各种视觉艺术进行思考与解读。 2.中国近现代美术教育史的历史背景 沧桑百年,19世纪末20世纪初的中国一直处于深重的内忧和外患中,随着国家的坎坷起伏,中华民族美术与国家一同蒙难,中国在打开了国门之后,西方文化艺术的传播同西方的政治、经济制度一起冲击了中国。西方的规范教育思想模式影响了中国近现代教育的发展,当然,美术教育也不例外。这时,西方美术便连同西方文明一起,像一股巨浪狂潮汹涌而进,中国美术领域中数千年来民族独尊的形势被动摇了。 3.中国近现代美术的发展阶段 3.1民国时期 民国时期,涌现了不少著名的美术教育家,他们中的绝大部分都曾赴世界先进国家学习,学成归国后,皆成为中国近现代美术教育的先驱。他们从自己创作的观点出发进行美术教学,民国中期十年,美育逐渐普及,继续深化民初以来“美术救国”肩负的历史使命,促进了东方艺术的复兴。 3.2 20世纪30年代中期至40年代中期 这段时期,正是文艺思想和中国共产党文艺政策形成的历史时期,也是中国共产党领导下的革命美术教育模式形成的历史时期。不难发现,这段时期的美术教育呈现出“美术救国、革命化、大众化、写实化"的时代特征。 3.3 改革开放 1976年“"结束,春回大地,。1983年,邓小平提出了“教育要面向现代化,面向世界,面向未来",使中国教育进入了教育现代化的国际潮流。面对这样的形式,饱受摧残的美术教育逐渐复苏,各地的小学、中学和大学的美术教学逐渐恢复。中国的大学美术教育与中国社会一样,面临着历史的重大转折,形成了以“多元综合、陶冶情操、培养审美能力”为己任的时代特征。 3.4 当前发展现状 目前我国美术教育发展的现状,经济发达的东部沿海地区美术教育的总体规模和发展水平一直处于全国的领先地位,而经济最发达的珠江三角洲、长江三角洲地区则是全国高等美术教育院校最多、发展水平最高的,普通学校美术教育的总体发展水平也是全国最强的。 4.中国近现代美术教育史的表现形式 4.1美术理论 美术教育作为现代大众化教育的一支生力军,其最合理的专业课程设置应该包括:美学、美术批评、美术史和美术创作。通过这些课程的设置可以使学生在对美的本质、形态、类型等问题的了解的同时,增强对美的感悟、认识、鉴赏和判断能力,根据一定的美术理论标准对美术作品与美术现象所作的理论分析和价值判断,可以培养学生敏锐的艺术感受能力,清晰的思维能力和高层次的审美判断能力。 4.2 美术鉴赏 古今中外浩若烟海的美术作品无不承载着历史、文化的积淀;人类思想发展和智慧创造的结晶。对美术作品的鉴赏,就是在以直观的形式实现着与先人跨时代的思想沟通与交流、弘扬民族文化、对传承历史文明、保持传统都具有重要意义; 它能够是美术教育中最直观、最生动的教材。 4.3 多媒体 当今的中国教育正经历着由传统教育向现代教育的转型,现代化教育成为将这种转变引向深入的重要前提。信息化教学在美术教育中起步较早,且新媒体艺术在中国日趋发展成熟,从平面的架上绘画创作扩展到视频、声音等加入时间元素的四维空间的艺术创作,它成为架上绘画以外的另一种艺术表达形式。新的艺术形式要求教育方法和新教育体制的变革,多媒体教学在美术教育中表现出了它的的直观性、灵活性、生动性。 5. 中国美术教育的意义 中国美术教育史,为美术教育工作者思考研究美术教育的改革、研究美术教育规律以及研究美术教育与社会的关系,不但可以提高其理论的水平,为其提供思考的平台和创新的依据,还可以使其在前人的基础上大胆探索,勇于实践,使美术教育能不断地推陈出新,形成不同的教育方法和理论,促进美术教育的良性发展。 6.中国现代美术教育的发展方向 时代的变革与发展使美术的范畴不断扩大,使中国目前的美术教育现状同以前相比发生了很大的变化,美术教育摆脱过去纯意识形态范畴的桎梏,开始重新认识世界多元文化中自身传统美术的文化价值。作为人文教育中美术教育,必然要重新定位和依据客观构建起新的具有实效的积极的教育模式,这是现实要求,也是历史发展的必然要求。 结语 综观中国近现代美术史,是由单一的封闭体系走向东西交融、推陈出新的历程,是由封建文化禁锢走向自由、民主、开放的历程,同时也为中国美术教育开辟了新纪元。历史经验和启示将激励与推动中国美术教育的进一步发展。鉴古知今,温故知新,时代赋予了中国美术教育以重大历史使命,实践将证明我们不但是历史的保存者和延续者,也是未来的开拓者和建设者。 美术史小论文:如何实现历史中的美术教学的突破 经济的发展和社会的进步,使得美术在人们的日常生活中随处可见,也使得审美情趣和审美能力日益成为个体成长的必备素质。正因为如此,新课程方案明确写道:“……艺术是新增设的科目,艺术与音乐、美术并行设置,供学校选择。”显然,美术被提到了前所未有的高度。在旧课程方案向新课程方案的过渡阶段,正确认识和切实搞好历史课中的美术教学,是立足于旧课程方案,展望和呼应新课程方案的必要之举。 一、历史课中的美术教学的特点与现状 历史课程中的美术教学内容,由图文两部分构成。文分布于教科书各个时期的文化部分。与文相匹配的再现美术作品的插图,在教科书中的分布则要复杂一些,有的放在美术史的介绍中,有的置于封皮后的插页中,有的见于教科书一些章节中。这两部分加起来,相当于极其简略的美术史。 从这些插图在教科书的功用来看,有的单纯地反映了美术史的内容,有的既反映了美术史的内容,又反映了美术史以外的人类历史的内容。广义地说,美术史既是历史的一个组成部分,又以自己独特的方式反映着人类历史。所有美术作品都是用线条、色彩、比例和形象等“语素”的图像语言记录着人类历史。他们与文字记载的历史一样,丰富地反映了人类生活的方方面面。从作品所反映的精神层面看,地域不同,时代不同,人们的思想观念、审美观念、生活观念和宗教信仰等也有差别,甚至大相径庭。狭义地说,有些美术作品,不仅是介绍美术史的重要材料,也是认识教科书中的重要历史事件和历史现象的重要材料。他们形象直观地补充、阐释或印证着文字记述的历史。 不同功用的插图,在教学中的侧重点不同。美术史,属于文化的范畴。教学的重点是,让学生通过美术作品,了解和掌握各种美术流派的风格特点及其演变过程和规律。广义的美术作品中的历史,在中学历史教学中涉及不多,是专门史,如建筑史、民俗史的珍贵资料。狭义的美术作品中的历史,教学的重点是挖掘美术作品的历史内涵,得出或印证相关的历史结论。不过,它们也有共同之处,即都是在解读美术作品的过程中,使学生获得审美享受,并提高审美情趣和审美能力。都是在读懂作品之后,方有望达到教学目标。 美术史中,对美术大师的创作风格和美术流派风格的概括,来自于对一幅幅美术作品的比较、提炼。而文字对美术作品的构图、色彩、意境、风格等诸多方面的描述,总是与作品本身的真实状况存在着距离。在有文无图的情况下,单纯地凭借文字描述,来解读美术作品,进而把握美术大师的创作风格和美术流派风格,是行不通的。至于审美体验和审美感受,在有文无图的情况下,更是无从谈起。因此,历史课程中的美术教学必须以一定数量的再现美术作品的插图,作为审美体验和审美感受的中介,作为认识美术大师的创作风格和美术流派风格的中介。 目前,受考试、课时、重视程度等因素的影响,历史课中的美术教学明显存在着不足。主要表现在:(1)忽视美术作品,偏重语言文字。历史教科书本身在美术史的编写上,由于篇幅的限制,有些美术流派和美术大师的介绍仅限于文字,并未提供相应的美术作品。(2)教学手段落后,教学资源有限。历史中的美术教学,或与考试联系不大,或与考试无关,难以引起人们的重视。教师往往仅限于教材所提供的资源,进行讲一讲,读一读的教学,不去挖掘、整合教学资源,谋求最佳的教学手段和最优的教学效果。 二、历史中的美术教学如何突破 历史学科可以通过美术作品对学生进行视觉审美教育。试设想,一旦历史学科中的美术教学形同虚设,那么学生欣赏美术作品的情趣和能力将何从生发?以此为前提的美术教学的其他目标又如何实现?所以,历史教师增强美术教学的意识,改进美术教学的手段,已刻不容缓。 历史课中的美术教学的目标,不外乎三个方面:提高审美情趣和审美能力;了解美术流派的演变及其规律;把握美术作品的历史内涵,为历史所用。这一切离开了美术作品,就等于空谈。空谈不如不谈。 如前所述,现行历史教科书受篇幅的限制,没有,也不可能彻底避免“罗列名单”的现象。这就给教师出了一道难题:要讲,讲不清;不讲,不甘心。对此,补救的办法只能是由教师去克服困难,搜集和增补这些教学所需的美术作品,并运用于教学。教师在搜集美术作品时,要在紧扣大纲和教科书的前提下,尽可能地忠于原作。 这些增加的插图用之于教学,又向教师提出了两大难题。一是如何向学生展示这些图片?做到面对全体学生,效果不减。一是如何提高教学效率?做到教学内容增加,课时不加。解决这两大难题的最好办法是,把现代教育技术的手段搬进美术教学的课堂。也就是,教师利用现代教育技术,把这些搜集来的高质量的插图编制到课件中,并配备必要的文字说明,通过多媒体展示给学生。 教学的整体安排中,考虑到统摄各时期美术作品的美术史有其自身的相对独立性,我们往往把美术史的教学放在学期之初。目的是为此后讲解时,学生再睹图片,唤起犹存的记忆,拿来即用,不必再去费时讲解相关的美术史知识,冲淡历史教学。 教学的具体过程中,美术史的每一部分,教师只需重点引导学生去解读某一流派最具代表性的一位画家的一幅作品,教师可结合教科书的文字内容,按教学进度适时讲解,让学生在艺术氛围中学习历史,在历史氛围中感受艺术。 概括地说,充分利用现代教育技术的手段,增加教学所需插图的数量,或填补教学所需插图的空白,在图文并重中,实现美术教学的三大目标,是扭转历史课中美术教学现状,实现历史课中美术教学突破的关键之举,也是呼应正在启动的课程改革的权宜之策。 (作者单位:甘肃省临潭县古战乡九年制学校) 美术史小论文:浅谈中外美术史教学 中外美术史是各大高等院校美术专业的必修课程,目的在于让艺术类学生在了解美术历史发展的前提下,更好地了解世界美术的发展与变化趋势,了解各类画派的风格,拓展学生的视野,增加审美情趣,以及对于美术作品的鉴赏分析能力,更好地促进艺术教育的顺利进行 美术史教学 当前我国大多数的高等院校,对于中外美术史的教授,都是分开进行的。多数高等院校的美术专业,太过于强调学科教学体系的严谨与完整,每个科目之间过分的孤立,相互之间缺少了联系。而美术史纵向思维联系紧密,中国美术史与外国美术史之间的交叉联系太少,学生缺失了对于美术历史时间与地点上的概念,不利于学生对于同时期国内外美术发展状况的了解与分析。 一、学习中外美术史的误区 学习美术史论的时候,很多学生死记硬背,仍然达不到理想的效果。导致这些问题的出现主要是由于中外美术史的教授内容与教授方式有关。对于美术史课程的开设,我们必须充分认识到,美术史的课程进修的必要性,只有意识到美术史的功能意义,才能够激发学生学习美术理论的动力。学生的全面发展,个人的文化修养与素质是必备的条件,然而美术专业的学习加强其文化艺术修养的主要途径就是对于美术史理论的研究,充分的了解历史上遗留下来的优秀美术作品,从中感悟到人生哲理,加深对人文哲学,传统艺术的理解,增强欣赏鉴别画作的能力,提升个人的审美修养。 二、对于中外美术史课程的整合 美术史依据历史的纵向发展为主要脉络,教师按照历史纵向发展的主线,将各个历史时期的画家、艺术作品、风格、审美特征、表达方式,集合历史背景,让学生了解各个历史时期的时代艺术、绘画特征、美术领域的发展与变化,时代变迁对于绘画艺术的影响。另外,要考虑到美术史课程的自身特征,以及学生的实际状况,具体情况具体分析,展开对美术史教学体系的整改。 1、高等院校中外美术史的教学要在学科之间整合。中、外美术史要实现比较教学。中、外美术史的学科整合,要以主题相关的两个单元,重组进行教学,使相关的学习内容串联起来,使前后学习的知识相互联系。任何事物只有在相互比较中,才能凸显出特点,用比较教学的方法,省时、效果显着、知识面广、学生的思维跨度也大,在学习过程中对所学知识印象深刻。 2、充分利用现代科技。美术史是一项理论性的学科,相对来说是枯燥的,运用多媒体技术,制作ppt或者是动画模式,将理论性的知识转变为图片格式,图文并茂展示给学生,引起学生的兴趣,生动的媒体技术演示,能使学生更加方便快捷的了解到美术史的理论知识,生动的画面容易给人留下深刻的印象,使美术史的教学起到事半功倍的效果。 3、美术史的教学要注重寻找史论依据。美术史的课程是在大一的时候就有设置,此时学生对于绘画的学习阶段还是处在素描、色彩等系统的绘画训练,对于美术史的认识基本上没有一个准确的概念,多数的学生只是知道少数的知名艺术家以及零散的一些名作的名称。因此,在美术史教学过程中,要由浅入深,循序渐进。美术史课程理论性强,严谨、科学,少不了枯燥的感觉,在授课过程中,要避免生搬硬套,或者按照课本宣读,会在开始就导致学生减少对美术史的兴趣,反感美术史课程,这样这门课程的设置就失去了它的意义。 4、教学中要主次分明、有侧重点地进行教学。中国美术史与外国美术史都是属于记载世界艺术文化遗产的隶书,不管是美术通史还是断代史,都具有值得汲取的文化艺术价值,但是在具体的课程教学中,需要有重点的进行教与学,并不是每个知识点都必须了然于心。 5、美术史的教学不仅在课堂上进行,在课外也要进行考察。课堂上的美术史学习,仅仅是局限在教师讲解,学生听看,老师要带着学生走出去,到本地的各大艺术馆,文化馆参观考察,欣赏更多的历史名家名作,增加美术史知识,扩展视野。 6、提高学生的主动性。充分调动学生的学习热情,实现教与学的互动,理论与实践结合,积极引导学生参与相应的实践活动,多参与各个领域优秀艺术家的专题讲座,从中学习更多的课外知识。 三、中外美术史课程的价值功能 1、对于绘画创作的思想产生影响。在20世纪,社会处于动乱时期,此时对于美术史理论的探索,其研究内容随着社会潮流的变化而变化,在满足社会需求的同时,凸显了其社会功能,在一定程度上偏于文化功能。在“五四”时期,从康有为、陈独秀,再到鲁迅的美术批评,影响到了当时青年一代对于传统美术的认识,激发了改革中国画的思想潮流。 2、促使绘画创作风格的转变。自西方文化流入中国以来,受到西式美术的影响,包括徐悲鸿在内的许多人都认为,中西融合是必然趋势,成为国画融合西方绘画方式的思想基础。中国的绘画风格出现了很大的转变,中国的人物画中出现了面部阴影,山水画中借鉴了西方的审美方式,中国画开始出现新的局面。 3、中外美术史的理论研究服务于美术创作。中外美术史是一门独立的理论课程,它的理论讲述离不开美术作品的阐述,理论的建立是在美术创作之后。自20世纪50年代以来,美术创作在很长的一段时间内主要是服务与社会,而对于史论的研究反应的也是当时的社会需求。 四、中外美术史课程对于学生的教育意义 第一,有利于学生把握中外设计发展与绘画发展的脉络,培养学生独立思考能力,把握历史的发展规律。在汲取前人经验的基础上,新生代能够从中受到启发,对未来绘画与设计艺术的发展起到预测与引导作用。 第二,有利于学生了解世界艺术文化,提升审美与鉴赏能力。中外美术史课程的开设,利于学生了解世界各国在不同的历史阶段,美术领域的发展趋势,并汲取各种流派的优点,应用于日后的绘画创作中。 第三,加强民族文化学习,增强民族自豪感。当前高校教育,应当提倡民族传统,对于中国古代文化的教育是对古代经典进行鉴赏的主要途径。中国传统艺术文化博大精深,具有很深的精神内涵和学术价值,通过对中国美术史的研究,增强对本民族的了解,增加民族自豪感与荣誉感。 总之,中外美术史的教学,要注重对学生自身能力与素质的培养,教学过程中要充分调动学生的学习热情,充分发挥美术史课程的价值与魅力,服务于学生,服务于教育,服务于绘画艺术。 美术史小论文:中国美术史中的新兴力量 摘 要:中国文化讲求的是一种真、善、美,艺术作为一种特殊传播方式,更应该遵循这一标准,艺术应该是来源于生活而又高于生活,因此艺术应该具有审美的性质,尽管“笔墨当随时代”,但唯有求真、求善、求美的艺术才能走得更为长久,真正意义上发挥“美育”的作用。 关键词:中国当代艺术;求真;求美;艺术界限 中国当代艺术的发展,从 1979年的“星星美展”为开端,之后经历了多种艺术的表现形式,从人们普遍认可的、早期的“架上”绘画,已经逐步发展成“架上”“架下”并重的形式,艺术向着多元化发展。随着艺术的多种表现形式的产生,艺术的审美性质也被人们不断地挖掘开发,人们面对某些艺术形式不禁会发问,这样的艺术形式是艺术吗?对于目前前卫、激进的中国当代艺术,人们徘徊在艺术的界限上,下面就此具体探讨艺术的界限问题。 首先对于中国当代艺术这个概念的界定,黄河清先生认为“无论在国外还是国内,‘当代艺术’都约定俗成地有了一种‘特指’意义:‘当代艺术’仅仅是指一部分‘当今之时’(或最近三五十年)发生的艺术,而另一部分则不属于‘当代艺术’,尽管它们也完全是在‘当代’发生。”这充分阐释了当代艺术的定义并不如字面的含义;另一位学者李小山先生认为当代艺术的概念,“简单地说,凡是传统艺术中不曾有过的东西,例如装置艺术、行为艺术、VIDEO ART等等(包括架上绘画中许多与传统不同的新因素),统称为当代艺术它和当代文学、当代哲学不一样,后者不过是时间上的断代,而前者则是类型上的划分,它也包含断代,但更多的是类型问题。”这无疑表明了当代艺术的独特性、创新性、实验性以及随之而来的各种争议性与茫然性,因此中国当代艺术无论从艺术家的创作角度,还是大众的审美角度,都面临这诸多的不确定因素,面临着如何建构、如何体现当代艺术价值,这种新型艺术形式也促使着艺术在观念、样式、表达方式上的一系列创新,因此中国当代艺术的发展方向显得尤为重要。 在中国当代艺术的不断创新发展的洪流中,当然也不乏受到国外艺术的影响,当时的国外艺术,它就像一株外来的物种,在很多人尚不知情的状况下便造成了“生物入侵”,使中国原有的“生物链”受到了破坏,在社会的传统、文化和思想等诸多方面显示出严重的不适应性。例如在中国上演了以虐待和自虐为主题的“艺术”,这种新的艺术形式,极大地挑战了艺术受众们的审美习性,因此人们为当代艺术打上了“血腥”、“肮脏”等印象,那么,这种艺术形式是一种美吗?柏拉图认为,美的事物之所以美,不在于事物本身的线条、色彩和结构等,而在于“美的理式”,即“美本身”。能够让人产生精神愉悦的,都可以称之为“美”。而目前“中国当代艺术”缺乏基本的艺术美感和中国广大民众所能接受的审美价值取向,因此也争议颇多。这一行为艺术照搬国外的艺术形式和内容,并不能赢得中国大众的欢迎,西方的艺术家较为青睐,因为西方画家不了解中国的文化底蕴,所以他们对于中国人所进行的以带有中国历史文化为符号的中国当代艺术尤为感兴趣,而中国当代艺术的艺术家们,又极度想向国际艺术靠拢,于是两者之间有了互需的共通。 作为艺术,被称之为艺术,首先要有一种审美性。作为艺术家要有一种审美性,那么作为艺术的东西要按照审美的规律来制造,所以我们一般称之为艺术的应该首先要有审美性,我们称之为行为艺术的,已经背离了审美性。美感欣赏活动是主体对美的现象进行感受体验、观照鉴赏和评价。 中国文化讲求的是一种真、善、美,艺术作为一种传播方式,更应该遵循这一标准,中国的当代艺术打破了传统艺术的单一,改变了人们以往的视觉习惯,解放了艺术家的创作空间,并把艺术推向了大众,但同时也出现了相应的弊端,其暗藏的隐患不能不让我们感到担忧。如若长期处于这种泡沫下的虚假繁荣,只能算做把当代艺术束之于是空中楼阁上面。 艺术应该是来源于生活而又高于生活,这样的艺术才能走得更为长久。卡瓦拉罗认为:“对某些批评家而言,审美完全独立于社会道德标准,对另一些批评家而言,审美则与政治和意识形态紧密相连。”由此可以得出,我们所处的社会环境,对于第二种审美标准是大加赞赏,然而不管是何种审美背景,追求艺术之真、善、美的标准不会变,这是艺术的根本出发点及最终归宿。 著名批评家高明潞认为,中国当代艺术始终处于变异当中,尽管受到西方的影响,在变异中积极寻找自己的特点,看到他对未来,对整个社会有什么推动作用,这个是最重要的。因此秉着这一出发点而创作艺术,中国当代艺术将向着一条光明,且被审美受众更易接受与理解的方向发展而去,求真、求善、求美是当代艺术创作在不断探索、不断创新过程中不变的法则。
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美术教育研究论文:浅谈美术教育改革的创新性思维研究论文 [摘要]随着时代的发展与观念的更新,新的文化意识形态要求我们在美术教学改革中必须赋予新时代的内涵和特征,并融入现代的教学方式和教学体验,以主动的创造性思维为艺术主体活动,把对艺术的感受和创造结合起来,寻找独特的艺术形式和个人的创作风格。追求个性化,强调视觉张力,使学生自觉的参与到艺术的创造性思维训练中,以创造性思维为主体活动,体现画面创造性思维的审美陈述,使艺术创作呈现丰富多彩的表现形式。 [关键词]创造性思维;培养;流畅;灵活;独特 一、创造性思维的提出 对于什么是创造,著名教育家吴全愈认为:“创”与“造”两方面必须有机结合起来。所谓“创”就是打破常规,“造”就是在打破常规的基础上产生出具有独特意义的东西,不打破常规,无所谓“创”。 如何激发学生的创造性思维能力,让学生主动、积极的参与到创造活动中来,是提高本科美术学专业基础美术教学效率,增强学生的创造性思维能力的重要实践课题。但从基础美术教学现状看,仍然存在着许多不尽如人意的地方:老师讲绘画的基础知识,学生听绘画的基础知识;老师板书绘画的技能要点,学生抄写绘画的技能要点;老师示范作画步骤,学生观看作画步骤;老师示范画结束,静物一摆,学生便开始操作练习。这种以教师为中心,强调“灌输式”的教学模式,一直以来使学生处于被动地位,严重地抑制了学生的个性,束缚了学生的思维,极不利于学生的创造性思维能力的培养。而从事美术创作和美术教学又是最需要学生主动发挥其创造性的,现代美术教学应从“教师为中心”转移到“学生为中心”,从以传统的讲授知识为重点转移到以培养学生的创新能力为重点。一堂成功的美术课教学莫过于师生之间情感的相互交流互动和提高,拓展学生的创造性思维,不仅在视觉中感受,而且全身心的融入教学的创新思维活动中。这需要精心设计教学,使学生快速进人全新创新思维活动中,教学也就进入了“引人入胜”的境界。“创造性思维能力培养”就是一条达到这种教学境界的有效途径。 二、创造性思维能力的培养 创造意识和创造精神是学生主动探究问题和从事创作活动的根本动力。创造活动贯穿人类历史发展的始终,是推动历史向前发展、社会不断进步的不竭动力。一部人类社会的发展史就是一部创造史。苏霍姆林斯基说“将劳动人民的强大创造精神及其对于生活、理想和追求的种种观念渗透进儿童的心灵和智慧,在他们的心灵中,就会激发出为人类的创造精神、思维和技巧而骄傲的情感。”因此,在美术基础教学中,如何拓展学生的创造能力、审美能力和表现能力,激发学生的创作热情,调动学生的学习积极性,提高学生的创新意识和创造性思维,是美术基础教学改革中的重要研究课题。在美术教学中,我们应该以主动的创造性思维为艺术活动主体,把学生对艺术本身的语言和造型的感受力、创造力挖掘出来,让学生置身于创造的时代潮流和艺术氛围之中,去体验和感悟创新,从而增强其创造意识,培养其创新精神。 (一)打破常规,鼓励学生多思快想,提高思维的流畅性 美国美术教育家艾斯纳将创造力分解为边界推移、边界突破、发明与美学组织。边界推移就是扩充材料与工具的固有特性,创造性的运用造型因素。边界突破就是在传统观念与传统技法中发现缺陷,提出新观点、创立新技法。随着社会的发展和社会对人才价值取向的变化。美术教育开始有意识的吸收现代科技成果和现代教学观念,开拓学生视野,创设发挥想象的表现空间,运用现代材料与工具发掘新的教学模式。在课堂教学中,充分发挥学生的主观能动性,创造生动灵活的课堂气氛,鼓励学生多思快想,鼓励学生在思维中打破界限,打破工具和材料选择的局限性,综合运用各种技法,进行有广度和深度的开拓。为善于动脑、敢于提出自己看法的学生创设安全的心理环境,激发他们激越亢奋的创造情绪,创造独具一格的美术作品,让学生在从无意识到有意识的过程中体验到创造的乐趣。 (二)以特色课程为创造平台,训练学生随机应变,提高思维的灵活性 思维的灵活性又叫思维的变通性,是指摒弃旧的习惯思维方法,开拓新的创造性思维能力,训练学生思维的随机应变、变化多端、触类旁通、举一反三、不拘一格,不受消极定势的桎梏,从而产生超常的构思,为创造打好坚定的基础;德国20世纪初包豪斯学院教学体制创始者格罗皮乌斯是创新教育的先驱,其教育观念、教学方法至今对我们仍有借鉴意义。特别是基础美术教学的训练,只给学生题目,不给任何工具,不讲解,不给方法,由每个人自由发挥,促使自己思考,不依赖条件,引导探索新渠道,发挥想象能力,锻炼学生独立分析问题和解决问题的能力,这些都是值得我们学习和借鉴的。 近年来我国的基础美术教学改革中已出现了不少有创造意识的课题设计。如图形创意中形象的发散思维造型、借形想象、借迹造型以及创作中的反常规思维、逆向思维等,这样的课题对培养学生的创造性思维能力有很大的促进作用,但还需要我们在每块教学领域上广泛而深入地拓展和建立与之配套的创造性思维训练体系。 (三)打造良好的创造环境,鼓励学生标新立异,发展思维的独特性 创造性就像一颗种子一样,它要一定的环境,包括土壤、气候、科学的灌溉、施肥、培养才能发芽、生根、开花、结果。在中国的基础美术教学中,普遍存在着将技能技巧的掌握看成是创造的理念,而不重视学生的独立探索。 技能是由老师传授的,但创造性是无法教的。一个国家的发展应在文化教育上注重学生创造性思维能力方面的培养和提高,创造力是不能教的。但创造力是鼓励出来的,是培养出来的。它需要良好的创造环境,所以美术教育工作者就是要创造一种适合培养学生创造能力的环境,开启学生内心的创造灵感,从学生内心的形象思维入手,激发其丰富的想象力,鼓励学生标新立异,用前所未有的新角度、新观点去认识事物,对事物表现出超乎寻常的独特新颖的见解,从而创造出新的事物。这是创造性思维最高层次的境界。 为提高学生思维的独创性,我们应引导学生进行独立探索,鼓励他们对已有的知识作出新颖、独特的转换和组织,依靠自己的努力去解决问题。 善于发现事物之间存在的新关系,从中敏感的提出见地性的看法,不人云亦云,不随声附和,这是学生创造性思维的特性。丰富的想象力是产生创造性思维的必要条件。要营造适合培养创造性思维的良好环境,教师应该按照课程要求进行创造性教学,把培养有创造力的人作为美术教学的根本目的。无论以怎样的手段和方法教学,都必须始终贯穿一条主线,那就是以人为目的、着重培养学生的创造性思维能力和创新意识。 在艺术专业基础美术教学中长效而有机的融入创造性思维能力培养这一课题,为美术教学和艺术创作提供了无限宽阔的灵活空间。使学生能运用自己独特的思维方法和造型语言,以创造性思维作为艺术发展的主体活动,激发主体人有知觉、感觉、精神、意志、冲动的进行艺术创作。因此,培养创造性思维能力是基础美术教学必须贯穿一致的优秀。 美术教育研究论文:美术教育研究论文 [论文关键词]人文主义教育观美术教育艺术修养 [论文摘要]美术课程是一种人文课程,是人文主义精神的集中体现。美术是人类文化最早和最重要的载体之一,运用美术形式传达情感和思想是人类历史中的一种重要的文化行为。美术并不是单纯的技艺,而是人类文化的积淀和人类想象与创造力的结晶。 教育的人文主义是以人的和谐发展为目标,希望人的本性、人的尊严、人的潜能在教育过程中得到最大的实现和发展。在我们提倡素质教育反对应试教育的今天,人文主义教育观对我们现行教育有很好的指导作用。美术教育作为一门学科教育,它有自己的独特性,它主张以学生自身的发展为目的,强调发展人的天性,发展人的个性,发展人的潜能。因此,用人文主义教育观来指导美术教育是顺应时代的潮流,是未来教育的一个发展趋势。 美术课程是一种人文课程,是人文主义精神的集中体现。人文主义指的是一种高度重视人和人的价值观的思想态度。它注重人的自由与平等,人与社会、自然之间的和谐。美术是人类文化最早和最重要的载体之一,运用美术形式传达情感和思想是人类历史中的一种重要的文化行为。美术并不是单纯的技艺,而是人类文化的积淀和人类想象与创造力的结晶。它记录着不同时代的文明,闪烁着人类的智慧、代表着人性的深度。美术是人类情感和精神生活的创造表现。任何美术表现形式都包含着一定的情感和思想。学生通过美术学习与自己情感生活的连接和相互作用,学习用美术方式表达和交流情感,使学生的不良情感情绪得以释放和宣泄,恢复他们心理的平衡,从而获得创造、表现和交流的能力,达到健全人格,陶冶性情的目的。因此,通过对美术的学习,将使学生的审美情趣和能力不断提高,性情不断得以陶冶,从而增强对自然和生活的热爱和责任感,形成尊重和保护生命和自然环境的态度,以及创造美好生活的愿望与能力。可以说,美术已经成为人文教育的优秀学科。 美术课程的人文性开始受到广泛的关注和重视。美术教育作为一门基础学科教育,它没有应试教育的功利性和目的性,能更好地贯彻人文主义教育思想。即使在高等教育阶段,美术教育作为艺术教育的一个重要组成部分,其教育目的和作用也开始受到越来越多的重视。1997年5月,北京大学隆重宣布成立艺术学系,并明确表示:希望通过在全校开展艺术教育,培养学生的艺术感受力与理解力,用艺术生动的表现形式陶冶他们的情感,使他们具有更高的精神境界、更开阔的胸怀和眼界、更丰富多彩的生活经验和人文修养、更健全的人格,成为21世纪合格的人才。我们知道,当下的美术教育不再是传统的素描、绘画、版画、雕塑课程及欣赏课,它有了更宽泛的内容。在欧美很多国家,开始用视觉艺术教育来代替美术教育,它超越了传统的“纯艺术”范畴的教育,为学生提供了更广阔的艺术教育。美术教育的对象不是针对那些对美术感兴趣的少数学生,而是面对全体学生的,倡导全面发展的人文主义教育理念。强调通过直觉、推理、想象、技巧以及表达和交流的独特形式过程逐渐形成丰厚的文化修养。美国的《艺术教育国家标准》在强调美术学科结构特点的同时,始终贯穿着以学生发展为本的思想,内容标准是根据学生达成目标来制定的,注重学生在参与美术活动时的感性体验,发展美术创造的基本能力。中国现行的美术教学也开始以强调美术学科体系转向激发学生创新意识和创造精神,强调以学生发展为本的精神。因此,用人文主义教育观来指导美术教育,成为对现行教育进行改革的一个重要理论依据,开始受到更多的关注。 美术课程具有人文性质,是学校进行美育的主要途径,在实施素质教育的过程中具有不可替代的作用。那么如何在美术教育过程来充分体现人文主义教育思想呢?首先,创设良好的人文环境,培养人文精神。美术教学可充分发挥学校、家庭、社会的多元文化的总体效益,整合社会、社区、家庭各方面教育影响,引领学生走向生活、走向自然、走向社会。通过欣赏、认识自然美和美术作品的材料、形式与内容等特征,通过描述、分析、对比与讨论等方式,了解美术表现的多样性;通过走进博物馆、美术馆、民俗馆,了解其中的民族民间美术、艺术等文化,了解它们与其他地区或其它民族美术文化的异同;通过参观、座谈、调查、访问艺术家工作室等参与活动,了解中外艺术家的艺术思想、生活及作品诞生的过程,或结合有关资料,让学生了解相关国家的地理、历史、风俗人情、社会风貌,增进对不同国家、民族,不同风格画派的了解与尊重;通过借助信息技术手段来更加全方位直观地了解艺术作品。其次:整合美术与其它学科的关系。未来社会需要具有探究精神与创造能力的人才,通过建立在广泛的社会、文化情景中的、以美术为主体并联合其它学科部分内容的学习,引导学生学会在新情景中探究、发现与美术有关的问题。在寻找解决问题方法时,主动地融汇不同学科的内容,使各种知识与技能相互融通、彼此联系,使他们真正获得探究能力和综合解决问题的能力。从而使学生在理性与感性之间求得和谐平衡。使身心得到健康和谐发展。由于美术学科具有人文性质,因此,美术学习的范围不能仅仅局限于美术自身的领域中。需要在美术学科与其它学科之间架起桥梁,通过引导学生对一些美术或跨越美术学科的课程进行综合与探索性的学习,能使学生在良好的时间内比较全面地认识美术的特征、美术表现的多样性以及美术发展规律与趋势。其次,加强艺术修养,提高审美素质。艺术修养是衡量一个人审美素质高低的重要因素。艺术修养的规定将直接影响个体人格素质与生存质量的高低。一个有较高艺术修养的人,能够主动地、充分地使其感性、情感和理智得到协调共处,使其心理结构的各个方面得到较好的发展和完善。假如整个社会成员都有一定的艺术修养,那么,就有助于在心灵和交流的氛围中培养一种协调的人际关系,就有助于人们更好地交流内心感受,更好地实现人际间的沟通和理解。只有艺术修养在社会上升值,才能全方位地提高人们的精神素质,协调人际关系,重塑健全、自由的人格形象,从而在根本上推进一个社会的内在品格。 人文性质应该是美术课程的基本性质,通过美术教育我们可以有效地形成和发展学生的人文意识。人文精神就是一种普遍的人类自我关怀,对人的尊严、价值、命运、追求的终极维护和关切,对人类遗留下来的各种精神文化和现象的高度珍视,是素质教育中理想人格塑造的肯定!因此,人文性质应该是美术课程的基本性质,通过美术教育我们可以有效地形成和发展学生的人文意识。用人文主义教育思想来指导我们的美术教育是顺应时代要求,符合历史之规律。 美术教育研究论文:成人美术教育教学研究论文 内容摘要:成人美术教育色彩教学应该根据学员实际需要,改进教学方式,注重个性化色彩风格的培养,尝试多种绘画材料技法在色彩中的运用,并建立丰富的色彩评价体系。 关键词:色彩个性化材料技法评价 由于成人美术教育的对象是已经具有一定美术基础的成人学员,其教学也更富挑战性,不能简单地重复专业院校的教学模式,要探索出符合成人认知特点的美术教学方法。笔者在多年从事成人美术教育教学的工作中,根据学员的不同能力,实践各种色彩教学方式,不断提高培训者色彩创作能力和审美能力。 一、色彩教学中的个性化培养 个性差异体现着人类多样因素与社会因素交互作用的丰富性,而这种丰富性又与美术的丰富多样性所一致。也正是学员审美个性上的差异,为我们开展美术教学提供了基础。与此相反,划一的教育却导致美术丰富多样性的缺失,也就失去了美术的真正魅力。个体在审美活动中的差异必须被重视和尊重,尤其是在富有情感的色彩表现上。尊重个性差异应该体现在教学的各个环节中,它要求教师无论在备课、上课、指导、评价等环节中,都要以此指导自己的教学实践。不能根据自己的审美喜好影响甚至干涉学员独特的审美习惯,确保他们在愉悦的环境中感受到自己的情感被尊重,使学员自觉地保持和发展这种审美的独特性,而不是趋同于同学和老师的审美感受,最终丧失他们宝贵的人格魅力。例如,讲课时要对色彩作品客观分析,理解不同色彩情感的表现抒发:莫奈《睡莲》《教堂》系列中光影色感的扑朔迷离、欢快丰富的色彩世界;凡·高的《向日葵》《自画像》充满强烈的个人情感和心理因素,以狂热的色彩语言描绘了痛苦焦灼的心灵,那奔放的笔触和强烈的色彩,以及整个画面的律动感令每个观者能体会到当时作者的绘画激情;蒙克的《呐喊》《生命之舞》中色彩传达的苦难、恐怖等等。 指导写生训练实践时,不应要求每个学生都按老师本人的方法和色彩感受去完成作品,应该允许学生在表现手法和工具材料上有一定的自由,应鼓励学员勇于用个体独特的色彩风格表达自己对事物的审美感受。在色彩表现过程中要调动学员表现对象的激情,强化画面的主观色调,营造强烈的情感氖围,根据需要选择运用写实、夸张、变色、反色、变调、抽象、象征等手法,强调笔势的动力感,如用平涂无痕的色块、长笔触的强烈扭曲的拖摆、细笔触的轻微的颤动、旋涡笔触的绵转,弯曲笔触的起伏等,突现色彩的感染力和视觉冲击力。当学员处于兴奋的状态中,活生生的对象就会融化为生动的线条,鲜活的色彩,写生就不会是冷漠的复制,而是炽热情感生动的表现。教师尊重学生的审美个性,发现、显示、爱惜、培养每个学员的独特的个人才能,便意味着把个性提高到人的尊严充分发展的高度。 在色彩教学中培养学员的审美个性,要求我们从客观心理结构出发,充分意识到教育和环境对审美活动产生的影响,并避免影响其发展的不利因素,在教学的各个环节尊重、培养、发展学员独特的审美个性。 最大限度体现差异,编排合理的教学内容。课堂教学是成人美术教育的重要部分,而课堂教学的成功与否,关键在于教学内容的选择与安排。成人学员是具有极大差异性的群体,整齐划一的要求和内容对他们肯定是不合适的,应该尽可能地照顾各种层次的学员的身心特点。以终身教育为目标的成人美术教育,在教学内容的选择上应体现出一种弹性,这种弹性体现在对于表现方式的宽容、工具材料的多样性和教学内容的难易方面。教师在备课时,应该注意适应不同基础学员的审美喜好,在准备要欣赏的艺术作品材料时,应尽量多选择一些具有代表性但又风格迥异的作品,以体现出教材内容对不同审美个性的宽容度。从学员的生活经验和已有的知识出发,使学员感受各类作品的不同审美形态,从而引发学生内在情感的自然流露,这样,学员对美术的体验、感受和表现才会得到充分发挥。教师应充分利用网络、多媒体等工具,利用各种色彩作品资源开发色彩课程,培养学员的美术素养和人文精神,建构个体对于本民族、本地区文化的人文关怀,从而形成独特的富有民族特点的审美个性。 二、各种绘画材料技法在色彩中的运用 不同绘画材料的运用会形成画面不同的肌理表层,肌理是经过许多艺术家用不同的物质材料,使用不同的工具和技法不断尝试探索创造出来的。这种效果具有独立的审美价值,并作为一种特殊的形式语言被采用。画面中所出现的肌理,使艺术手段更趋丰富,从而可以充分体现作者的创造性。 同样,在色彩训练之中,也可以运用各种绘画材料产生不同的色彩肌理效果,来拓展学员色彩的表现力。过去的色彩教学中,只是运用水粉、水彩、油画等常用材料,对材料与技法触发的色彩肌理问题没有引起足够的重视,学生不了解画面肌理的功能及其所生发的效应,如可以表现丰富的质感和光感,或传达精致、和谐、微妙、柔和、厚重、粗犷等感觉。重视媒介和手段的研究、增加各种特殊材质的必要的感性认识,即不同材料、技法形成的不同肌理表层,其本身就体现了作者不同的情感心理、情感动向及其精神价值取向。色彩肌理本身就会使观者引发不同的心理、生理等方面的反应和变化。同样的肌理表层又会因不同的材料选择,传达出不同的情感信息。 不同材料和技法的选择运用,引发不同的色彩肌理表层效果,同时也会导致不同的审美趋向差异。收集、保护和学习前人优秀的传统技艺,是我们创新的根本和基础。我们在色彩训练中学习传统技法的同时,鼓励学员大胆尝试多种绘画材料技法,如水彩、水粉、丙烯、国画色的综合运用,油画和金属、木、陶、蜡、纤维等各种材料的混合交替使用,还有刀刮、平刷、罩染、浸染、滴洒、划痕、厚堆等方法的运用,会产生许多意想不到的极为丰富的肌理效果,从而启发学员的创造灵感。经过深思熟虑并富有想象地利用工具和技法,以不同媒介来创作美术作品,在表现技法的探索、研究和体验中,最大限度地发展个体的审美个性,同时也会得到意想不到的收获。 不同绘画材料技法运用可产生不同的肌理,而对肌理的研究与综合运用模糊了画种的界限。实际上,我们已经看到跨画种的技法被广泛运用和借鉴,不同画种材料的综合应用已成趋势,因此,我们尝试在色彩教学中,充分而综合地运用不同画种的材料和技法,从而真正实现色彩教学的五彩缤纷,使学员感受色彩的独特魅力。 三、引入丰富的色彩评价体系 对于成人美术教育学员的色彩作品评价,相对较为理性和成熟,应尊重其自身的思想和体验,在具体的色彩训练中拓宽自己色彩的经验和感觉,建立起自己独特的感受体系,形成丰富多样的评价体系。 在成人美术教育中将评价作为色彩教学的重要学习方式,目的是为培养学员色彩评价能力,促进色彩创作和审美能力。美术教育加强学员的色彩评价能力培养,能提高学员的色彩意识,还能培养学员的色彩审美敏感性,发展其感受力和思维力。在色彩作品评价中,可采用学员自评、互评、讨论、阶段性的色彩作品汇报展览等形式,激发学员的学习兴趣和创作热情。也就是说,现代教学评价体系是一个相互制约、相互促进、不断自我完善的组织系统。传统的评价都简单地以学员最终的作品来给他们的能力进行定位,可是每个学员都有自己特有的生长环境,个性的不同、专业基础、工作环境的不同,表现出来的内在气质也就存在着差异。因此,学员努力的过程就是学员素质能力发展的过程,我们应该从学员参与学习活动和表现作品的过程中,去发现学员学习表现色彩的热情,从他们的作品中发现学员本质的有个性的东西,培养学员的观察力、想象力,挖掘他们的色彩创造力,保护学员的个性特点。 传统的教学评价比较单一,教师往往以学员画的色彩关系对不对,把眼光总放在美术学科的知识和能力方面等来评价,忽视了学员在其他方面所呈现的闪光点,忽略了学员在色彩表现过程中的自我情感抒发、审美情趣、构思创意、探索能力等方面的综合评价。因此,评价不仅要关注学员的学习成绩,更要发现和发展学员多方面的潜能,了解学员发展的要求。在学业评价的范围上,不仅应该有美术学科的知识和能力,还要关注学员在学习过程中的情感表达、审美情趣、构思创意、综合能力、探索能力等全面的综合评价。只有综合全面的评价才能使学员认识自己的优点和缺点,扬长避短,提升色彩创作能力。 其实,学员的色彩作品,原本就浸透了个人的各种情感,有些想象的、抽象的作品可能画面效果不是最好,也可能是学员造型能力、构图能力的局限,甚至是因为某些个性的因素使然。所以教师应尽量给学生提供自我表现的机会。让他们以异于他人的表现方式来表达其独特的思想和情感,并树立起自我表现的信心。教师必须站在每个学员的角度上,用他们的眼光去理解他们试图表现的内容,做到理解和尊重学员。在色彩呈现中,发现他们的才华,体会他们的情感,教师在评价作品时应抱着一种充分尊重和信任的态度,运用平等和恰当的评语谈出自己的体会和对学员的期望,可以起到鼓励学员创造能力和很好地交流的作用。在美术教学中要注重对美术活动表现的评价,评价的优秀是促进个体的发展,要通过突出评价的过程性和个体的差异性等,建立发展性的评价体系。 通过培养学员色彩表现的个性化和多种绘画材料技法的尝试,引入丰富的评价体系,改进色彩教学方法,使学员从被动接受知识的模式中解放出来,与开发潜能个性化的学习环境相适应,探索以自我指导为导向,以个性化学习为中心的新学习模式,形成符合成人学员可持续发展的认知规律的知识结构以及教学方式,培养建立学员色彩创作和审美能力。 美术教育研究论文:美术教育与人文素质培养研究论文 摘要:美术课程是一种人文课程,是人文精神的集中体现。本文从人文精神的内涵与价值;人文精神在美术课程中的体现谈起,尽而从联系学生生活实际,体验生活的乐趣;注重学生情感体验,提高审美情趣;了解人类文化背景,尊重多元文化;整合美术与其他学科,使身心得到协调发展;加强艺术修养,提高审美素质等五个方面阐述了培养人文精神的有效途径。 关键词:美术课程人文精神培养 自新课程标准颁发以来,我校在美术与人文教育上得到充足的发展,笔者根据自己多年的教学和对美术与人文的探索结合同事的经念,对我校美术与人文教育总结如下,以供同行赐教。 美术与人文教育是以人文素养为优秀内涵的艺术教育活动。从大的方面来说,是通过美术教育强调目前科技与经济高速发展影响下低落的人文价值和反思。强调人与人之间的爱与关怀,人在社会中的认识与体会,尊重个性的发展,培养良好的品质和素养。从小的方面来说;是通过美术教育来培养学生自我探索能力,提高对美术的鉴赏能力及动手能力。为了让学生更深入地了解人文与美术,我校在课程目标的制定上突出了三个层面: A探索与创作:上好每节艺术课,挖掘教材中人文内涵,培养学生审美情趣,是我校向任课老师提出的最基本要求。因为音、美艺术本身就是一种极高的人文情怀、文化底蕴相当丰富的艺术门类。它更多的关注人的精神境界,关注人与自然,人与社会的和谐,关注人类灵魂的呼声。应当说音、美艺术本身就是对学生进行人文素质培养的极好教材。老师们在教学中更多的是关注美的熏陶,不光说教,不靠灌输,把教学内容中那些最富美感,最具艺术感染力的亮点挖掘出来,呈现给学生,引导学生去感悟美、发现美,从而形成一种积极乐观的求知态度。关于这一点,我认为应从四个方面去教学。第一、让学生了解美术与社会的关系。美术是一种艺术,它来源于生活同时又高于生活,即美术必须建立在对社会的理解和认识的基础上的,但美术作为一种艺术是对生活的加工和提炼。美术是人类文化最早和最重要的符号性载体之一,记录和再现了人类文化和思想的发生、发展过程。运用美术形式传递情感和思想是整个人类历史中的一种重要的文化行为。第二、发挥学生独立思考能力,运用适当的方法进行创作。美术是表现和激发学生创造才能的最佳方式之一。美术活动最能提高学生的想象能力、观察能力。学生通过观察生活来感受生活。体验来自生活的情感和乐趣。如引导学生观察周围生活、自然环境、自然景观等,并用点、线、面、色彩、空间、明暗、质感等绘画要素,进行对比、和谐、节奏、韵律、均衡、黑白、排列、堆积、组合等构成因素来表达自己的想法和感受。引导学生发现身边的美,把自己的生活经验和美感相联系,将自己对生活和自然的感受、体验与艺术家对它们的表达联系起来。尝试用自己喜欢的绘画方式表达出自己的体验和感受,或将自己对生活和美的理解写进美的成长记录里。第三、联系社会:找出美术与社会的结合点,运用恰当的方式和技法表现自己对社会的认识和看法。了解人类丰富的文化遗产和文化发展,了解艺术与社会、艺术与历史、艺术与文化、艺术与生产、艺术与生活的关系,学会分析、综合和评价的思维技能,多给学生感悟艺术作品的机会,引导学生展开想象。通过比较、讨论、体验、思考、鉴别、判断等方法以及各种形象的教学手段,如电影、电视、录像、范画、参观、访问等,增加直观形象感受,提高其审美能力。使学生受到良好的艺术熏陶,使学生具有积极向上的精神追求,摆脱物质利益的束缚,并具有文明感和历史感,是我们应不断追求的人文精神。第四、结合学科,尝试用不同的方式表现相同的题材。在方法的选择上充分遵从学生的个性,发挥其长处。取得最好效果。学科间整合或统整,是现代教育理念,亦是美术课程改革的内容之一。未来社会需要具有探究精神与创造能力的人才。通过建立在广泛的社会、文化情景中的、以美术为主体并联合其它学科部分内容的学习,引导学生学会在新情景中探究、发现与美术有关的问题。在寻找解决问题方法时,主动地融会不同学科内容,使各种知识与技能相互融通、彼此联系,使他们真正获得探究能力和综合解决问题的能力。从而使学生在理性与感性之间求得和谐平衡。使身心得到健康和谐发展。由于美术学科具有人文性质,因此美术学习的范围不能仅仅局限于美术自身的领域中。需要在美术学科与其它学科之间架起桥梁,通过引导学生对一些美或跨越美术学科的课程进行综合与探索性的学习,能使学生在良好的时间内比较全面地认识美术的特征、美术表现的多样性以及美术发展规律与趋势。美术与其它学科相结合的活动内容可表现为: (1)美术与文学:创作童话故事的插图、连环画等。 (2)美术与戏曲:舞蹈:设计、制作并表演皮影戏、影子戏等。 (3)美术与音乐:用造型艺术的方式来表现音乐,包括描绘乐感,设计制作乐器,并用这些乐器演奏等。 (4)美术与地理:绘制地图、设计、制作游乐园模型等。 (5)美术与物理:设计与制作会发光、会转动的环境艺术模型等。 (6)美术与自然:创作居住地区昆虫、植物、风景的图鉴,创作反映居住地区风貌的美术作品等。 (7)美术与历史:调查当地文化遗产以及传统艺术,用报告、画、雕塑或建筑模型表达调查结果等。 B审美与辩证:在美术课堂中培养学生审美情趣,使每个学生能通过美术教学了解艺术的价值,重视艺术作品和文化,提升生活素养。首先、我让学生主动学习书上的基本知识,了解艺术的起源与发展,了解我国及国外美术的各种风格及流派,知晓艺术发展的方向。其次、让学生参加各种活动,诸如观看画展,拜访名家并观其作画,相互交流。提高鉴赏能力。通过各种美术实践活动,使学生的美术经验不断得到丰富和升华,从而获得感受美、创造美、鉴赏美的能力和健康的审美情趣。正如英国的怀海特所说“艺术教育的目的,就是唤起智慧和美感”。美术课程充分考虑学生的可接受性,并联系学生心理、生理发展的连续性和阶段性,教学内容贴近学生的生活,与学生经验相联系。如利用游戏、表演等方法,让学生来参与、交流、体验、表现生活,使学生学会表达自己的情感和愿望。通过创设多种多样的方法和形式,挖掘其内涵,使学生从自我中心走向与他人共处。学生在活动中通过交流、体验,能够积极主动学习,由生活激发兴趣,带着饱满的热情去体验、表现、创作。再次、分析社会与艺术的关系及相互之间的影响,对一些社会活动或建设做出比较积极的建议。 C文化与内蕴:我校美术课堂力求使每一个学生了解每种艺术的发展脉络及其风格流派。让学生积极参加各种艺术活动,提高鉴赏能力,尊重科学与人格,扩展艺术视野。第一、我国地大物博,有极为丰富的自然景观和人文景观。让学生了解并珍视它们。第二、比较地方文化古迹、景观的特色,加强对历史文化的了解。第三、珍视、探讨多元文化。美术是人类文化最早和最重要的符号性载体之一,记录和再现了人类文化和思想的发生、发展过程。运用美术形式传递情感和思想是整个人类历史中的一种重要的文化行为。通过美术与文化的联系,可以了解不同地域文化背景,学会尊重多元文化。我们所接触到的很多美术作品都有象征意义,这是由文化所规定的。人类社会的神话、史诗、传说、典故、宗教、寓言都是规定象征的重要原因。如苹果在不同的文化背景中有着不同的象征性,在基督教艺术中,由于苹果是夏娃从智慧树上摘取得禁果,一般象征着人类的坠落,而婴儿耶稣手拿苹果,其实是象征着赎救人类。这些象征关系的规定性是来源于希腊神话,如果我 们不理解这些规定性,就不可能真正解读作品,甚至还可能对作品做出错误的解读。所以美术教学可充分发挥学校、家庭、社会的多元文化的总体效益,整合社会、社区、家庭各方面教育影响,引领学生走向生活、走向自然、走向社会。通过欣赏、认识自然美和美术作品的材料、形式与内容等特征;通过描述、分析、对比与讨论等方式;了解美术表现的多样性;通过走进博物馆、美术馆、民俗馆,了解其中的民族民间美术、艺术等文化,了解它们与其他地区或其它民族美术文化的异同;通过参观、座谈、调查、访问艺术家工作室等参与活动,了解中外艺术家的艺术思想、生活及作品诞生的过程,或结合有关资料,让学生了解相关国家的地理、历史、风俗人情、社会风貌、增进对不同国家、民族,不同风格画派的了解与尊重。 总之,培养学生人文态度,提高学生的人文素养,是一个长期的工程,决不是一朝一夕就可以完成的。教师必须在自己的教学活动中精心设计,充分利用各种机会去作好这方面的工作。 美术教育研究论文:儿童美术教育研究论文 美术教育作为促进儿童智力发展和培养各种能力的重要手段,已为人们普遍认识和重视。然而美术教育是一个比较特殊的学科。有其独持的教育规律,在儿童漫长的成长过程中,如能科学地将美术教育知识传授给他们,将会对儿童知识面的拓宽、想象力的丰富、形象思维的发达、创造能力的增强都有好处。 一、儿童绘画心理的正确认识 儿童绘画心理的发展有着他自身的特殊性,它不仅由心理发展的阶段性所决定,而且儿童绘画的发展状况同样也是呈现出鲜明的阶段性。我们只有充分地了解了儿童绘画发展中各个阶段的特性,才能根据不同阶段的不同特点而去制定相适应的教育方法。在这里我们根据儿童小学阶段的心理发展状况,把儿童绘画心理分成三个阶段,即初级阶段(1-2年级),中组阶段(3-4年级),高级阶段(5-6年级)。首先我们看第一个阶段,这个阶段是儿童由以游戏为主的学习方式,转为以学校正规教育为主的学习生活的开始。在这个阶段,作为教育者所面临的最主要课题,就是如何把儿童在入学前的自由式即兴作画的热情引导到正规学习中去,要达到这一目的,除了教材要适合此阶段儿童的兴趣外,师授课方法要正确得当。因为这个阶段的儿童刚进入一个新的学习环境,一方面对这种正规的学习方法感到新鲜好奇,才能得到教师的认可,因而这一时期教师的教学宜以正面鼓励和耐心细致的引导为主,如果因授课方法不当,激不起儿童的学习热情,或是指责过度,无疑将会使他们中断绘画的兴趣,给以后的学习带来困难。 儿童在进入三、四年级后,即前面所说的儿童绘画心理的中级阶段。这个阶段被人们称作儿童绘画的转变期或过度期。在这一阶段,他们的绘画水平是不稳定状态。因为这时期的儿童基本上能看出作品的不足,但又不知如何改变这种状况。此时他们的抽象思维能力还不具备。无法解决诸如物体的结构、比例、色彩等问题,因而作画的兴趣下降,缺乏以前的那种热情和信心,从心理学角度来讲,这显然是儿童从直观形象思维向抽象思维发展的过度阶段。在这个时期,教师如不注意引导,过度指责,容易导致大批学生对绘画失去信心和兴趣,所以当儿童进入这个时期,教师一定要及时给予指导,通过多种形式的美术教育方式,如走出课堂、多增加写生和速写的练习,这对提高学生的造型能力和顺利度过这一时期是很有帮助的。 儿童进入五、六年级,这是儿童绘画心理的高级阶段。在这一时期,儿童在抽象思维方面已得到了很大发展,爱好美术的同学此时热情更高,他们对形体的观察理解能力已有了很大提高,常规教育已不能满足他们的需要,这样教师就需对这阶段的学生教育要有所区别,除了传授课堂知识,在课外对爱好美术的学生要系统地传授一些理论知识和绘画技巧方面的知识,特别是写生能力的训练。 二、儿童基本绘画技能的培养 儿童绘画中最基本的技能主要是临蘑写生、速写和默写四个方面,这是提高儿童绘画水平最基本的方法,也是将儿童由被动的学习转为主动学习的最理想途径,只有掌握了一定的绘画技能,才能使儿童的绘画表现得更轻松而得心应手。 临摹:临摹对儿童阶段的学习来说,是一个重要途径。中国传统绘画和书法很注重临摹的学习。临摹要注意学习对象,低年级适于临摹简单的,线条单纯,色彩明快,令他们感兴趣的图画,可允许他们在一定范围内自由发挥,以丰富画面内容。这既可增加他们的兴趣,也可锻炼他们的想象力和创作能力。到中高年级,可根据儿童实际绘画能力提供给他们一些静物或风景作品,但要注意一点,临摹只是辅助学习方法,要掌握好绘画的技能,重要的还是造型能力的训练。 写生:写生是面对着实物进行的绘画,因而其最大的特点就是锻炼学生观察、分析事物的能力,锻炼眼、手的协调能力,经过长期有目的的写生练习,学生便能建立起正确感知物体形态、结构、比例、色彩、空间等概念,作为教师要根据儿童的不同年龄,对学生提出明确的阶段性要求,在写生练习时要引导他们观察、分析和表现,切不可用同一种模式去要求他们。 速写:速写同写生不一样,虽说都是面对实物作画。但速写要求在短时间内把眼前的物体表现出来,这种技巧的熟练掌握,将能极大地激发儿童用画笔表现生活的欲望和热情。儿童速写可以先从易于观察理解、有特点的静物开始,然后可过渡到今他们最感兴趣的动物,进而再画人,再由简单的场面过渡到复杂的场面。随着技巧的熟练,眼光也会变得敏锐起来,从而使绘画变得更加自由了。 默写:默写是指把曾经看到的形象回忆起来,并用绘画的形式把他们表现出来,因此默写的基本前提是先要有记忆。教师在进行默写训练时,要通过组织活动,然后启发他们去回忆,想象活动中生动的场面、人或物等,然后将他们画出来。在这个训练过程中,教师的启发很重要,通过启发能使儿童们的回忆更富故事情节、更生动、更典型。但这种启发要根据儿童年龄的差异而有所不同。 美术教育研究论文:幼儿美术教育目标研究论文 内容提要幼教改革从理论实践上对幼儿美术教育提出了一系列带有根本性的问题。该文认为幼儿美术教育的实质是以艺术施教,借艺术来培养智力、创造力以及人性和社会性。并在此前提下,分析了对幼儿美术教育目标的已有阐述,指出其不科学及模糊之处;点明了幼儿美术教育的独特性质以及与其它美术教育的区别,揭示出幼儿美术教育的实质是创造性的造形活动。最后对幼儿美术教育目标进行了独到的阐述,在一定程度上拨清了为此而生的种种误解。 人们对事物的认识,是在实践中逐渐发展和完善起来的。这种过程是一个由现象到本质,由外延到内涵的演变过程。随着我国10年来在幼教领域改革的加深,幼儿美术教育从指导思想到教育活动的内容和形式都发生了很大的变化。也日益受到人们的重视。在幼教改革中,综合性的整体改革和各科教法的改革从两个方面推动了幼儿美术教育的发展,同时也从理论和实践上对幼儿美术教育提出一系列带有根本性的问题。由于我国美术教育理论方面的薄弱,使得一些基本的理论问题尚不能在广大教育者的头脑中形成清晰的认识,例如,幼儿美术教育的本质特性的问题,就是一个阻碍人们正确认识幼儿美术教育的问题。对于这一问题以及由此引起的关于幼儿美术教育目标的研讨,无疑会促进我国幼儿美术教育理论的进步和实践的发展。 教育实践中的很多问题都和教育指导思想以及集中体现这种思想的教育目的有关。笔者在从事10余年的幼儿美术教育工作中深感教育目标在教育实践中的重要,因此提出对幼儿美术教育的目标如何阐述的问题,希望通过研讨,获得共识。 一 幼儿教育是为幼儿未来的学习和发展作好各种准备的教育。它的教育范畴包括身体、智力、情感、思维、语言、品德、美感等很多方面。它的教育目的是通过各种各样具体的教育活动实现的。幼儿美术教育是幼儿教育的组成部分,是实现幼儿教育总目的的手段。所以幼儿美术教育的目的不是为传授艺术而进行的教育,也不是为少数有艺术天分的儿童而存在,而是在总目的指导之下的具体目的,所以可称之为目标。 目标是教育思想最典型、最集中、最概括的反映,美术教育发展到今天,其教育指导思想也有一个演变的历史过程。 将图画、手工等活动纳入教育课程之内开始于一个世纪前的英国和德国,由于产业革命的发展,人们深感工艺教育的需要。在当时,美术被认为是可以培养观察能力,使头脑细密,又能掌握很多知识和技术的学科,所以初期的美术教育都是以技能教育为出发点的,而且都从几何形入手,然后进入写生,对幼儿也以同样的方法去教,只不过难易不同罢了。 20世纪初,很多心理学家对儿童的美术研究开始兴盛,如凯尔仙修泰那(Kerschenstener)等,他们积累了很多儿童绘画的研究成果,结果使欧美的美术教育开始了变革。奥地利的法郎兹·西泽克(Cizek)提出了革命性的主张,提出不要给儿童强加成人的思路和方法,要按照儿童的发展阶段进行教育,并使儿童的创造性得以实现。在以后的年代里,英国的赫伯特·里德(Herbertread)和美国的罗温菲德(Lowenfeld)也对美术教育理论作出突出的贡献。里德指出“儿童艺术是人的表现方法之一,模仿成人的想法是错误的,艺术应为教育的基础,通过美术来发扬光大儿童与生俱来的创造力是美术教育应有的基本态度。”罗温菲德也认为艺术教育“不是为传授艺术而进行的教育”,而是通过艺术来塑造人格。在艺术心理学的领域里,美国的鲁道夫·阿恩海姆(RudoIfArnheim)对视觉与认识与思维的深入研究为通过美术教育培养人的创造力奠定了基础。正如阿恩海姆指出的那样“艺术乃是增加感知能力的最有力的手段,没有这种敏锐的感受力,任何一个领域的创造思维都将是不可能的。” 与创造性的美术教育相呼应的是以德国包豪斯(Bauhaus)造型设计学校为代表的现代造型艺术潮流。包豪斯将一切造型领域里共同的基础内容作为学习内容教授给学生,取得了效果并推动了“构成”的发展,这不但对生产和造型艺术有极大的影响,而且也影响到美术教育。图案、手工这些教育内容被重新加以认识。抽象化、象征化的表现在造型中的重要性也逐渐被认同。美术教育同人的生产和生活愈加密切,美术教育的范畴广为扩展。 综上所述,今天世界上的美术教育已由写实和抽象两个方向发展而来,并和心理学、教育学相结合,成为以艺术施教,借艺术来培养智力、创造力、人性与社会性的教育。“通过艺术而进行教育”成为大多数国家美术教育的指导思想。 二 我国幼儿美术教育的指导思想,集中体现在幼儿园教育《纲要》中对美术部分的阐述上: “在幼儿观察物象的形状、颜色、结构等的基础上,培养他们用绘画和手工(泥工、纸工、自制玩具等)充分表现自己对周围生活的认识和感受。初步培养幼儿对美术的兴趣以及对大自然、社会生活、美术作品中的美的欣赏力。发展幼儿的观察力、想象力、创造力。发展手部肌肉动作的协调性、灵活性,初步掌握使用美术工具及材料的技能。” 对于这一阐述,可以认为是我们过去对幼儿美术教育目标的认识。笔者认为,首先应肯定这一阐述的意义,它在促进我国幼儿美术教育的发展中发挥过重要的作用,而且还将具有参照意义。同时也应指出,时展了,认识也发展了,这一阐述已不适应今天我们对幼儿美术教育的理解以及未来对幼儿美术教育的需要,主要意见有以下几点: (一)未脱离以成人对美术的理解来看待幼儿美术活动,以客观反映论对待幼儿美术活动,因此不适合幼儿美术活动的心理特点与表现特点。必然将幼儿美术引入写实的模式之中。 (二)文字表述抽象和概括不够,反而使活动范畴受到局限。如“绘画、手工(纸工、泥工、自制玩具等)”这些形式都可以用造型活动来概括。再如“观察力、想象力”,我们知道,幼儿美术活动会有助于智力的发展。智力中就包含有观察力、注意力、记忆力、想象力等多种因素,因此,可以用智力来概括。 (三)创造力是区别于智力的一种能力,也是美术教育最为突出的一种功能特征,但在表述中因平列的关系,难以清晰地认识和记住这一重要的目标。 对于以大自然、社会生活、美术作品三个领域对幼儿进行审美教育当然是不错的,但是幼儿美术教育中的美育内容重要的是对幼儿进行形式美感的教育,即视觉对形式美的认识与理解,这是区别于其它美育形式的主要特征。另外,用“欣赏力”一词,是过高的目标,幼儿的美育主要在于培养幼儿对美的事物的知觉与感受,尚难达到欣赏力的程度。 根据以上几点意见,笔者认为,我国幼儿美术教育的目标应重新修正。 为使目标及其阐述更为科学,我们首先必须对幼儿的美术活动的性质有比较清晰的认识。众所周知,幼儿美术不同于成人概念上的美术,和中、小学的美术教育也不同,这并不是难易程度或循序渐进的问题,而是由幼儿的生理和心理发展所决定的。他们不会按眼睛看到的物象的形状、颜色、结构去表现,而是用心灵对知觉样式的把握和理解去表现。幼儿美术如同原始人类的艺术活动一样,是他们认知和表现的一部分,可以说它是一种混合体,它既是幼儿自身本能的欲望的表现,又是对客观世界认识的反映,既是体质、智力的体现,又是情感、态度的表达,既是游戏、又是学习,既有模仿,又有创造。幼儿美术教育正是基于幼儿美术活动的这种混合体的特点,因此具有多方面的综合性教育功能特性。它的作用包括诸如培养美感、促进认知、发展智力、提高手、眼、脑的协调性和手的灵活性。促进创造性的艺术想象力和表现力等等。在这些作用中最重要的作用在于它具有培养创造性的功能,这种功能是通过造形活动实现的。造形是幼儿美术教育的优秀,是幼儿美术教育区别于其它教育(如语言、数等)最重要的内涵。 三 造形活动是人类一种最基本的活动领域。从原始社会的石器、陶器到现代社会千姿百态的视觉艺术,人类的造形活动随处可见,它和人的生产和生活密切相关,也是人类改造世界的一种基本能力。人类的造形活动最重要的特征是能够按不同物种的标准和美的标准进行有目的的创造,具有求新、求美的特点,它是人的本质需要,也是满足这种本质需要的本质能力不断发展的表现。创造性的造形活动源于人的手和脑的活动,视知觉在其中起着重要的作用。视知觉本身具备着一种思维的本领,具备着认识能力和理解能力,尤其是作为一种创造性的思维。它是经过知觉的选择作用生成的意思进行的。而造形活动为视知觉提供了具体的感性材料,又有通过造形活动的过程,体验到创造的过程,使想象现实化。因此,造形活动有助于人的创造力的发展。 人的造形活动离不开实践,科学家为大脑机能定位的研究和认识规律的研究表明,大脑与外界存在着某种一致的关系,大脑皮层的活动取决于脑细胞与外界的交互作用,形成自身的代码(图式),用来译解和反映对象世界,这样,经常接触某一事物的人就形成了对该事物的代码,例如,经常听音乐的人,就形成对音乐的代码,而不接触音乐的人头脑中缺少编码,自然就难以解码,也就只能听见,而听不懂音乐。创造性的造形活动也是如此。对于幼儿来说,只有在创造性的活动中才能建立起创造性的代码,因此,尽管说造形活动有助于培养创造力,但美术教育中模仿为主的模式并不能达到这一目标。因为在活动中对技术的追求已经束缚住了自主性的探索性的表现的可能性,使其不能形成创造性的代码。 造形有广义和狭义之分。狭义指造型艺术,与美术互用。广义则泛指无论有无美的要素,凡人类利用一切可视可触的材料在空间或平面上做出看得见,摸得到的形象或物体。如果我们从广义的意义上去看待幼儿美术活动,则除了图画和手工以外,幼儿的很多游戏活动都是造形活动,例如,孩子在雪地上用脚踩出花样、用插塑积木摆出各种形态,在下过雨的水沟上筑坝,在沙子堆里造城堡等等,这些活动对于创造性的造形都是具有意义的。因此,广义的造形应是我们对幼儿美术活动所持的态度。由此出发,也更为容易拓展幼儿美术活动的内容并与其它教育活动结合起来。 幼儿的造形活动是与游戏分不开的,他们对随手搭合的树叶、纸片、小棍极感兴趣,对能够通过自己的主观意志改变一种材料的形也极感兴趣,如果我们把孩子看成是小小的原始人,就容易理解他们为什么会对形式多样的美术活动那样感兴趣了,他们的活动中不仅满足了游戏的需要,而且得到了关于物质世界的真实信息以及自己与世界交流的方式。每一种新材料或新式样的接触和体验都会使他们形成深刻的记忆并影响久远,所以增强幼儿对各种适合他们年龄特点的造型材料的体验,是幼儿美术教育的重要工作,从这种体验中就培养出造型艺术的基础感觉。 幼儿在造形活动中的表现可以分为“意象表现”和“机能性表现”。这两种表现在活动中都是依赖视觉形式实现的。也就是说,幼儿在造形中的着眼点是美术的形式,在某种程度上他们只对“形”(形状、色彩、构成要素等)以及由“形”引发的联想感兴趣。例如,当孩子在涂鸦期能画出圆形时,他并非要画什么东西,而只对这种最简单的能把图与底区别开来的“形”感兴趣。在以后出现的象征性符号和各种各样的形象样式及组织形式中也是以形的变化和关系为基础的。他们对手工活动的态度也是如此。他们对泥工、折纸等活动的兴趣在于这些可变形的材料能够实现他们造形的意愿,从而体验到创造“形”的快乐。 幼儿在造形活动中表现出的创造性也离不开他们对美的认识和感情,他们对美的认识是肤浅的,但却是基础的,因为美的内涵是通过形式体现出来的,造形艺术为幼儿对美的认识,尤其是视知觉对美的形式的认识提供了条件。因此,美术教育本身就含有美育的内容。当然,美育不仅通过造形活动,它还需要其它教育活动才能实现,但造形活动中的美育作用是重要的,因为它为幼儿提供了一种具体的可以现实化的视觉的美感表现形式。 幼儿在造形中表现出的创造性也离不开他们自主的活动,自由地表现是创造性产生的必要条件。幼儿表现出的创造性是幼儿主观欲望和想象的产物,如果在活动中是为了自己的表现而做或画,他们会自然地将心里的美的情感流露出来,从而产生自然、诚实、大胆、朴实、直率、稚拙的特点,尽管这些作品在一些人眼里是幼稚可笑的,但它所具有的个性和心意是明确的,而模仿成人的艺术的作品则失去这些最宝贵的东西。所以,幼儿美术活动应更多地给予孩子自生性,教育者的工作是为他们提供条件并启发诱导使其实现这种创造,而不是简单地教他们照猫画虎。 综上所述,创造性的造形活动是幼儿美术教育的实质。以此为中心来考虑就容易展开其它教育功能。所以应重视通过这种人类最基本的活动来培养幼儿潜在的创造力。 对幼儿美术教育的本质特性的研讨有助于教育目标的阐明,而教育目标的阐明有助于更新人们对幼儿美术教育的认识,并以此为指导进行教育内容、方法的改革,使幼儿美术教育能开拓出更为广阔的天地,对以往行之有效的教育经验和方法也能以新的认识去总结出规律,予以继承和发展。 笔者认为,幼儿美术教育的目标可以这样来阐述:通过适合幼儿特点的绘画、手工等造形活动,使幼儿在体验造形材料和造形表现的过程中萌发美感和创造力,促进幼儿的认知、智力、技能与社会性发展。 对于这一表述,希望得到幼儿教育界同行的批评指正。 美术教育研究论文:独家原创:美术教育研究论文 【摘要】新课程标准的优秀理念就是“以人为本”。本文主要结合美术新课标的理念,结合自己在运用现有的美术教材进行教学实践,论述在美术新课标的理念下对学生的学习积极性调动的探索过程,论文依托美术新课标的理念,同时也论证了美术课程标准从课程建设的角度,促使美术教育观念的转变,促进美术教材模式、学生学习方式和课程评价方式的变革,有效地运用各种资源,增强美术教学的效果,充分发挥了美术教育在素质教育中的作用。 【关键词】新课标、教育、策略、研究 一.新课标教育的提出 美术课程就其人文性质特点而言,它在提高与完善人的素质方面具有独特的、不可替代的作用,因此美术教育是学校进行美育的主要途径。《美术课程标准》赋予了美术课程新理念,即以多种学习形式开展课内外有益于陶冶学生审美情操的系列活动,促使学生形成基本的美术素质,通过研究性学习,让学生通过自己设计、制作生活中的物品包装,经历在生活中感受美与创造美的探索与实践,从而锻炼学生的动手能力、思维能力、解决问题的能力和创造能力。这种学习方式可使他们与社会、生活更贴近、人际交往更融洽。 我国基础教育正经历着由应试教育向素质教育转变的历史性变革。当前教育改革之最迫切的,是从各科的无限分裂走向新的融合,使各科之间形成一种良好的生态关系。以美术课程为中心不断地与周边其它学科相互交融,特别注重综合性和人文性,能有效地传承文化,尽量使每个学生积极参与美术学习,并且促使每个学生在各自的基础上获得不同程度的发展,陶冶情感,提高学生的审美能力,促进学生感知觉和形象思维能力的发展,促进学生创新精神和技术意识的形成,促进学生的个性形成与全面发展。 然而以往美术教育在以下几个方面不适应素质教育:课程的综合性与多样性不足;过于强调学科中心,过于关注美术专业知识与技能;在一定程度上脱离学生的生活经验,难以激发学生学习兴趣。我们对学生所实施的不是专业美术教育,而应该是生活美术教育。我们所选择的教学内容应该是对学生未来生活有帮助的,有利于他们身心发展的。在教学中要更多地从教育的角度来认识美术课程,而不是从美术的角度来看待美术教育。只有这样,我们才会更多地从促进学生发展的角度来组织课程内容,才会淡化学科中心,才会关注课程的综合性和多样性,才会努力将美术学习活动与学生的生活经验联系起来,才会想方设法提高学生学习美术的兴趣。所以进行美术生活化教学研究具有十分重要的价值。 二.新课标带给美术教学的变化 1.新课标带给我们的第一个新理念——新的教材观 传统的教材是学科知识体系的浓缩和再现,教材是学科知识的载体。这种教材观的实质是“教材即知识”。新教材关注学生的学习兴趣和认知特点,一方面注意控制教材内容总量精选学生终身学习必备的基础知识和基本技能,一方面适当降低某些知识的难度要求,改变原理性知识偏重思辨和过深、过难的现象。大胆更新了“双基”的概念和内容,删除了陈旧的、用处不大的信息,充实了学生能够接受、适应现代生产与生活的信息。 传统教材把学生定格在预先设定的“书本世界”和“科学(知识)世界”之中,满足于“理论知识”的学习,而恰恰远离了儿童的生活世界。新教材观不仅关注那些客观的、系统的、逻辑的“共同知识”,而且关注那些主观的、情境的“个人知识”,关注儿童的“生活经验”和“生平情境”,力图把人类群体的生活经验纳入学生的生活世界之中,努力实现“科学世界”和“生活世界”的汇通融合。 新的教材观认为“教材既不是知识体系的浓缩与再现,也不是学生被动接受的对象和内容,而是引导学生认知发展、生活学习、人格构建的一种范例,是教师与学生沟通的桥梁。美术教材质量的优劣,对学生学习美术的兴趣、审美趣味、创新能力和个性品质有着直接的影响。美术教材的编写,应力求向学生提供美术学习的方法,展示丰富的具有审美价值的图像世界,提高他们的学习兴趣和欣赏水平” 2.新课标带来的第二个新理念——新的学习观 新课标新的学生学习观主要体现在要求注重学生的自主性学习、探究性学习和综合性学习;要求学生是在有学习兴趣的基础上学习;要求学生能在解决问题的过程中学习。具体地说,是学习方式的变革。学习方式不是单纯指具体的学习策略和方法比如背诵、练习等,这些行为方式只是载体。在学习过程中,学生的认知、行为、情感以及社会化参与进行有机结合。 3.新课标带来的第三个新理念——新的评价观 考试一直是最常用的评价方式,本来考试作为检验、筛选、强化记忆的途径并没有什么不好,但是我们都知道,在以接受知识为教学目标,以考试成绩为评价标准的应试教育下,考试就成了一种桎梏和枷锁,成了学生学习的沉重包袱。成绩好就是优等学生,成绩不好就是劣等生。考试就是拿学业性的因素来片面评定一个学生的综合素质,这显然有失公允。 新课标的培养目标变了,教材功能变了,教学模式、学习方式变了,与此紧密相连的是评价方式的变革,其注重对学生学习发展过程的评价;评价不是根据成绩来给学生下定义、分类别,而是注意学生在成长过程中的点滴变化,通过评价指引学生更好的发展。注重对学生多方面的评价;包括情感、态度、价值观的评价和学习方法的评价。 其实新课标带给我们的远不止上述的新理念,它带来的是一次头脑风暴。这些变革的构想,最后要依赖教师在具体的教学实践中去贯彻和实现,因此,我们每个教师都要树立新的教育观,了解新理念,做到与时俱进,与新课标同行,创出一片新天地。 三.新课标下美术课教学的办法和思路 1.美术教学应与学生实际生活紧密相结合 教育家杜威说:“教育即生活”,教育的目的就是为了更好的生活。现代社会终身教育理念的提出,更使教育与人的生活紧密相结合。美术是一门与生活联系十分密切的学科,生活处处有美术,美术教学要贴近学生生活,开放学生美术学习活动的空间,引导学生从生活中认识美术、走进美术世界,让美术丰富学生生活,这样学生才能感受到美的真义,才能真正热爱美术,并学会从生活中发现美、创造美。 首先,美术课堂学习内容要贴近学生生活。新课程标准指出,美术教育主要是引导学生参与各种美术活动,尝试各种工具、材料和制作过程,学习美术欣赏和评述方法,丰富视觉、触觉和审美经验,体验美术活动乐趣。因此在美术课教学时,不应一味拘泥于教材规定的题材作为教学内容,在题材、形式的选择表现上要留给学生自由空间。例如在设计制作课单元,可让学生从自己感兴趣的做起,如:给自己最喜欢看的一部电影或电视片画一张宣传画;找一找自己最喜欢的玩具或日用品,然后把不满意的地方改变一下,重新设计并画下来;为自己的亲友同学制作新年贺卡,并鼓励用刮色、涂蜡、撒盐、吹色、压印等各种新技法。还可以让学生自己命题自由创作,充分发挥学生的创造积极性。此外,美术课还可以将当地乡土民间美术搬进课堂,如蛋壳画、葫芦雕、剪纸等,以丰富学习内容,提高学生学习的兴趣。 其次,让美术教育走进学生生活,变生活为美术学习的大课堂。生活是教育的源泉,脱离了生活,美术教学就失去创造的活力。教师要开放课堂活动的空间,引导学生走向自然,走向社会,把公园、田野、村庄作为学习美术的大课堂,在大自然中学美术,感受生活的红、黄、蓝。写生课不妨带学生去野外果园、农贸市场、山麓湖畔,描绘自然界的花草树木,观察生活中千姿百态的鸟兽人物。手工制作课不妨带学生去放风筝,去迎风玩一玩小风车;用制作的彩带、挂饰、窗花美化周围环境,做到学以致用。结合欣赏课,可组织学生参观一个画展,引导学生理论联系实际,用美术课上所学的知识指导欣赏活动。 2.美术教学要充分重视学生的个性差异和不同倾向性,尊重学生的选择 个性化教育是未来教育的重要特征,它在承认学生共性的前提下,在教学过程中强调学生个性的培养和发挥,突出学生的个体差异性。在个性化教育过程中,师生间的情感联络和交流得到加强,学生能发挥更大的积极性和主观能动作用,从而增强自学、观察、分析、判断的能力和自我识别、自我评价和自我控制能力。美术课与其它学科相比,最突出的特征是它的表现性、多样性和个性化。因此在美术教学中教师不应制定整齐划一的学习标准,学习内容和要求不能规定的过死。传统的美术教学模式以门类、画种作为教学脉络,比较注重以教师为中心,是老师教学生怎么画,而现代美术教学模式提倡以学生为中心,是教师帮助学生将他们想要展现的事物画得更好,是老师帮学生怎么画。美术教师要把提高学生学习美术的兴趣和培养学生审美感受力作为教学的中心目标,充分尊重每个学生不同的审美感受和各自的审美表现,促进学生良好个性的发展成长。不同学生由于个人性格、气质、生活环境的不同,往往有着不同的艺术倾向和趣味,有的喜爱工笔,有的偏向写意,有的追求厚实,有的欣赏飘逸,教师要尊重学生艺术趣味的多样化,不能以自己的喜好对学生表现枉加评判。 3.努力营造平等、民主、融洽、和谐的学习氛围,注重学生学习过程的情感体验 美术教育家尹少淳说过:美术是最具人性意味和最具综合性质的人类活动之一。美术课程以实施美育为优秀,情感在教学过程中起着十分重要的作用。美术教师在教学中要特别关注学生的情绪生活和情感体验。孔子说过:知之者莫如好之者,好之者莫如乐之者。学生在课堂上是兴高采烈还是冷漠呆滞,是其乐融融还是愁眉苦脸?直接影响着学习效果。心理学家认为,积极的情绪对认知具有动力功能。愉快时感知比较敏锐,记忆比较牢固,思维比较活跃。反之,消极的情绪则会阻抑认知活动的开展。这就要求美术教师必须十分重视创设良好的审美氛围。良好的审美氛围由具体的环境、教师和学生等要素相互作用形成,而教师的心理状态、精神面貌、言行举止以及工作态度与方式,对审美氛围的创设起主导作用。因此首先要求教师应该情绪饱满,言行举止富于形象性、生动性和感染力,要以热情和真诚态度对待学生,对学生的每一个作品、每一次尝试都怀着浓厚的兴趣和真诚的关注。教师要放下架子,主动与学生平等交流,关注学生学习过程的情绪和情感体验,用“心”施教。只有在融洽愉悦和谐的气氛中,学生的内心世界才会敞开,他们的个性与情感才能得以充分表现张扬,创造力得以发展,学生的心灵也才能得以陶冶净化。 “以学生为中心”是现代教育思想的优秀精神。新课程强调,教学是教与学的交往、互动,师生双方相互交流,相互沟通,相互启发,相互补充,彼此分享思考、经验和知识,交流情感、体验与观念,实现教学相长和共同发展。教师不再是课堂教学的主宰者、操纵者,而是课堂教学的组织者、参与者,是“平等中的首席”,教师要积极组织学生开展合作学习,相互学习,取长补短,激发学生积极主动观察、思考、参与讨论,体现“学生是学习的主人”的精神。美术课程内容多样性和丰富性的特点更需要加强师生间的交往互动。 4.重视现代信息技术的运用,丰富教学内容,提高教学效果 二十一世纪是信息经济时代。教学活动要借助一定的手段工具来进行,以电脑、网络和多媒体技术为主的现代信息技术的出现给教学带来革命性变革。信息技术具有的直观性、形象性和超大容量,对美术课教学来说更有得天独厚的优势,美术教师要积极采取这一新的教学手段为美术教学服务。 四、利用现代教学媒体,创造新型教育教学方法 现代的教学方式不再局限于简单的讲、听、学、练,授课场地也不再局限于三尺讲台,粉笔也不再是唯一的教学工具,只要能为美术教育教学服务,随时、随地、任何方式都可以对学生进行美育。众多的变化,飞跃式的发展,对每一位教师提出了新的挑战。美术课程教育教学要发展,美术教师就必须掌握现代化教育教学方法。 1、贴近学生生活,激发学生学习兴趣 大多数学生对美术还是比较感兴趣的,因为美存在于生活的每一个角落,一片叶子、一朵花、一片云、一棵树、一只蝴蝶等等,都可能引发学生对美的追求,对美的向往,教师从事美术教学要充分掌握学生的求美心理,在新课标、大纲的指导范围内,最大限度地帖近学生生活,让学生从生活中发现美、感受美、创造美。 2、充分利用现代媒体设备展开教学 现代媒体设备能帮助我们说明抽象的问题,使一些难以形容、难以讲述的问题变得更形象、更直观,比如利用摄影机、摄像机收集一些素材,利用计算机、电视机等手段进行美术创作和展示活动,在讲风景写生的时候,我们可以根据当地情况选择性地播放一些山、水、树林、乡村等风景录像,这样会使学生很容易地进入情景之中,激发学生激情,更加投入地进行创作。 3、走出去,感受一下大自然 我们认为美术学科是一门很灵活的学科,以往的学习往往是死肯课本,就是教师教、学生画,形式很单调。不妨试一试走出去的方法,到比较安全、离学校不远、又很赋有诗意的地方去感受一下大自然,陶冶情操,开扩视野。这样的乡土课会使学生心情舒畅,更有利于提高学生的审美能力,也有利于学生健康成长。 4、和学生交朋友,在快乐中度过教学 教师应该和学生建立起融洽的关系,关系融洽了更有助于开展教育教学,通过师生情感交流,大大地提高学生学习兴趣,会让学生不拘不束地展开想象,进行美术创作,学生也会对自己的超常发挥而感到无比的快乐,这对学生性格、情感的培养和形成也有很重要的作用。 5、多种形式相结合,教学突出一个“活”字 艺术本身没有固定的尺度,大到万里长城、兵马俑,小到一个小头饰、一幅风景画,都是艺术的再现。为了追求这种多元性艺术,我们美术教学也应该是多种形式相结合的,不能只认为画画才是美术最,要丰富教学内容,让学生多学点、学多点,主要是突出一个“活”字,教师活教、活导,学生活学、活用,只有师生的默契配合才会收到更好教学效果。 6、提高专业技能,为学生做出榜样 一个成功的美术教师应该具有较强的专业技能和熟练的绘画、制作技巧,以精湛地技艺为学生做出榜样,要让学生信任老师,喜欢美术老师上课,喜欢向美术老师学习。这就要求我们加强专业训练,不断提高自己的业务水平,占居教育教学的不败之地。 7、注重交流,取人之长、补己之短 一个人的思想必须是片面的,一个再全面的人也不可能是十全十美的,定会存在这样或那样的不足。相信集思广益的道理大家都很明白,我们可以通过美术教师之间的相互交流、相互促进,共同提高对新美术课程标准的认识,加深对新教育教学技能的理解,掌握科学的教育教学方法。 以上是在实际工作中,在美术教研教改、落实新课标方面总结的几点不成熟观点,在今后的工作中,我们仍然需要不断地努力和创新,力争使我们的美术教育教学工作走向更高的位次。 美术教育研究论文:美术教育培养研究论文 【摘要】小学美术教育专业是以培养高素质小学美术教师为目标的综合型专业。文章就如何培养小学美术教育专业学生的知识结构和能力结构等问题进行了探讨。 【关键词】小学美术教育专业;知识结构;能力结构 小学美术教育专业是以培养高素质小学美术教师为目标的综合型专业。其专业特征一是职业导向明显,二是带有很大的综合性。[1]对小学美术教育专业学生的知识与能力结构的培养,一方面要合理把握美术专业内涵和美术课程结构,另一方面要充分兼顾到学科类课程和小学美术教师职业技能培训的特点。 一、小学美术教育专业的知识结构 信息社会的发展,需要培养具有良好的科学文化素养、综合的创造性思维方法和熟练掌握本专业技能的艺术教育人才。小学美术教育专业学生的知识结构包括以下三个方面:(1)教育科学方面的理论知识;(2)美术专业知识和技能;(3)各学科的基础知识。围绕这三个方面从以下几点来思考,可以更好地对学生进行知识结构的培养。 (一)良好的人文素养 无论是美术专业知识还是美术专业技能都只能存在于一定的社会文化环境中,是以人文素养为基础的。人文素养是指个体掌握的历史、哲学、文学、宗教、艺术、审美等学科知识以及在此基础上形成的对人类生存充满深情关怀的意识,人文素养就其优秀来说,主要是指人的世界观与人生观,以及人文科学中体现出来的以人为本的精神。它包含两方面的内容:人文学科知识和人文精神。良好的人文素养是由历史文化和传统精神熏陶而成的修养和气质,是融进了自已理解和悟性的认知结构,是对人格心理及人生定位有着巨大影响的“遗传基因”。[2] 人文知识不等于人文素养,人文知识是指史学、哲学、文学、法学等人文类学科的知识。 (二)较强的创新思维 知识经济的灵魂是创新,而教育是知识创新、传播和应用的主要基地,也是培养创新精神和创新人才的摇篮。我国教育的现状,还是偏重知识传授而轻过程分析的应试教育,教学方法多是科学主义的理性分析法,受教育者的创新能力还没有得到较好的开发和培养。 艺术教育具有开发创造性思维能力和培养创造性人格的价值,培养小学美术教育专业学生的创新精神,提高他们的创造性思维能力,形成其创造性人格,这与高校培养人才的目标是相一致的。 创新教育的优秀内容是教学方法的运用,它要求教育者在教学中注重创新教育观,即以培养创新人才为己任的教育观,它是人本教育观、素质教育观和健全的人格教育观。它不仅要求教育者倡导民主的教学作风,轻松愉快的教学情景,不轻易否定受教育者的思维结果,而且还要注重在校园范围内营造有利于师生催生创新灵感、激发创新潜能、保持创新活力、涵养创新素质、取得创新成果的文化环境,以及注重激发受教育者的思维为关键,注意激发、培养求同思维和求异思维,尤其是批判性思维。 (三)厚实的可持续发展的知识修养 可持续发展是当代社会的新理论和新战略。创新教育的结果是科技的进步和劳动者素质的提高,而科技的进步和劳动者素质的提高又有利于促进创新,有利于可持续发展。[3]知识经济是以智力资源的占有、配置为基础,以科学技术的知识生产、分配、传播和使用为支柱,以创造性的人力资源为依托的经济形态。自然知识和人文知识还要与人文素养和自身能力诸方面和谐发展,才能确保其主体行为符合可持续发展的宗旨,并创造出可持续发展的社会价值。 对小学美术教育专业学生进行可持续发展的知识修养的教育是以可持续发展价值观为优秀的教育,旨在使每个受教育者形成可持续发展需要的价值观念、行为和生活方式,进而促进社会的可持续发展。在科学发展观指导下广泛实施可持续发展教育,将会逐步提高教育质量,把我国教育改革与发展推进到新的历史阶段。(四)丰富的现代教育知识与技术 面对信息社会的挑战,教育改革速度加快以及新型的教学方式,要求小学美术教育专业学生适应新的教学环境而不断提高自己的教育技术素质。现代教育技术,一个支点是教育,一个支点是现代技术,它是先进教育思想与先进科学技术密切结合的产物,并且现代教育技术随着科学技术和教育思想的发展而不断充实和丰富新的内容,增加新的内涵。 现代教育技术就是以现代教育思想、理论和方法为基础,以系统论的观点为指导,运用现代化教育技术进行教学,由于具有直观性、形象性,给人强烈的活动感、立体感等特点,所以能极大地引起受教育者探求知识的热情和兴趣,减少教学过程中的枯燥无味感,充分调动受教育者视觉听觉等多种感官的综合参与,对提高教学效率和教学质量,起着十分重要的作用。 二、小学美术教育专业的能力结构 根据小学美术教育专业的特点,学生的能力结构包括以下五个方面:(1)审美教育能力;(2)组织教学能力;(3)专业活动能力;(4)美术科研能力;(5)获取信息能力。根据以上五个方面,教师培养他们的能力结构应注意以下几点: (一)把审美教育能力的培养放在第一位 席勒说:“若把感性的人变为理性的人,惟一的路径是使他们成为审美的人。”[4]面对小学美术教育的预备军,要想他们将来成为审美教育的工作者,必须先使他们成为审美的人。对学生审美教育能力培养的基本任务是:1.敏锐的审美感受能力;2.全面的审美鉴赏能力;3.初步的审美创造能力。而这三种能力的培养是在相应知识建立的基础上发展而来的,教师在教学过程中,应把审美知识的传授与审美能力的培养具体体现在教学活动的各个环节上。 (二)组织教学能力和专业活动能力的培养是关键 组织教学能力的培养不仅仅是教育教学理论和方法的培养,而且还要把儿童心理和生理与儿童美术教学有机结合起来,在如何科学地对儿童进行美术教育,综合提高儿童素质上下功夫。 专业活动能力是组织教学能力的前提和基础,它包含两个方面:1.了解小学美术教学大纲,研究小学美术知识和技能,具备给儿童传授知识和指导学习方法的活动能力;2.具备美术专业创造能力。这要求教师在美术必修课、选修课、教育实践环节中,融入专业活动能力的培养,使学生具备全面的科学教育知识和广泛的各科基础知识,具备丰富的美术知识和基本表现技能,并培养学生在教育实践活动中运用这些知识和技能。 (三)美术科研能力和获取信息能力的培养是发展的要求 小学美术教育专业培养的学生是将来推动素质教育和时代进步的基础教育工作者,它必须适应社会发展的步伐,符合时代的要求。由此,小学美术教育专业必须培养具有时代开拓精神和一定科研能力的高素质的小学美术师资。 对学生的美术科研能力的培养要注意两点:1.对小学美术教育的课程设置、教学内容和教学方法等科研能力的培养,推动学生将来深化教学各方面的改革;2.对美术学科的科研能力的培养,促进学生艺术创造和艺术思维的提高。 对学生能力结构的培养,也是学生将来从事小学美术教育的需要,同时也是培养学生良好的思想道德和合理知识结构的重要途径。 总之,对小学美术教育专业学生的知识与能力结构的培养应以培养高素质小学美术教师为目标,以培养他们具有良好的人文素养、较强的创新思维、厚实的可持续发展的知识修养和丰富的现代教育知识与技术,以及熟练掌握本专业技能和科研活动能力为任务,使小学美术教育专业学生的知识结构与能力结构能更快更好地适应21世纪基础教育改革和发展需要。 美术教育研究论文:小学创造性美术教育研究 摘要: 近年来,社会发展和时代不断进步的背景下,对人才的综合能力提出了更高的要求。现阶段,人才在走向工作岗位的过程中,单纯的拥有专业的知识和技能是不够的,还必须具有较强的创新能力。而创造性教育就是在这种情况下成为我国素质教育的重要内容之一的。在对学生进行创作性教育的过程中,应注重从小做起,在这一过程中,小学美术教育的重要性凸现出来。鉴于此,本文从小学美术教育入手,对创造性教育的实施进行了深入分析,希望对我国人才的全面成长起到促进作用。 关键词: 小学美术;创造性教育;研究 小学生具有活泼好动、想象力丰富的特点,因此在积极提升学生创新能力的过程中,必须充分利用小学生的这一优势,挖掘学生的潜力,并激发学生的创造能力,从而为学生未来的发展奠定良好的基础。鉴于此,本文首先对小学美术教育与创造性思维的关系进行了深入分析,并对传统小学美术教育中存在的问题进行了简要介绍,最后有针对性的指出了提高小学语文课堂教学效率的策略,旨在为小学美术创造性教育质量的提升提供借鉴。 一、小学美术教育与创造性思维的关系 值得注意的是,人类社会的发展,同人们充分发挥想象力、大胆尝试是密不可分的。创造性思维是创造力的内在动力,而小学美术课程对于培养学生的创造思维具有一定优势。小学生由于年龄的限制,拥有活泼好动、好奇心强的特点,小学美术教师必须抓住学生这一特点,加大对学生创造思维的培养力度。小学美术教育充满艺术魅力,教师通过引导,能够促使学生明确自身的个性需求,并在长期学习过程中养成独立的判断力和审美能力,为学生创新能力的充分发挥奠定良好的基础。现阶段,小学美术教师在创新教育中,必须以教学内容为中心,引导学生对教学内容展开想象,并大胆的表述自身的想法,逐渐形成艺术思维和创造性思维。 二、小学美术教育中存在的问题 现阶段,小学美术教育中,仍然沿用传统的教学模式及理念,以教师为课堂主体,一味的进行知识的讲解和传授,学生在这一过程中始终处于被动状态,学习兴趣较低。这种忽视了学生主体地位的教学,不仅不利于学生对知识进行深刻的掌握,更不利于学生综合能力的提升。同时,现阶段小学美术教学课程,仍然以物象为主展开教学,极大的忽视了学生的兴趣爱好以及个性化追求。这种忽视学生感受的教学模式,导致学生的创造性不仅没有被激发出来,甚至还受到了极大的限制。事实上,小学生具有想象力丰富的特点,同一样事物在学生的眼中甚至会形成多种形式。而这应当是小学美术教学的中心,教师不应该通过课程设计,限制学生想象力和创造力的发挥,而是应当引导学生将自己的想象力充分发挥出来,最终养成从多个角度看问题的习惯。 三、小学美术教育中创造性教育的实施途径 (一)增加对学生创新能力培养的重视 现阶段,要想加大对小学生创造能力的培养力度,学校和教师必须首先意识到创新教育的重要意义。通过创新教育,不仅有助于学生对知识产生较强的好奇心,同时也有助于激发学生潜能,培养学生的独立思维能力。小学美术教育最根本的目标是通过学习,引导学生逐渐养成良好的观察力以及丰富的想象力。在这种情况下,新时期小学美术教师必须及时转变传统的教学理念及模式,变学生为课堂主体,引导学生对知识进行探索,并充分发挥想象力进行大胆的创作。 (二)营造良好的学习氛围 科学的营造学习气氛,是有效激发学生创新能力、提升创新教育质量的关键。因此,小学美术教学过程中,教师根据教学内容,有针对性的构建课堂环境,进行情景建设,并通过引导、鼓励等形式,促使学生逐渐融入到知识的探索过程中,并有效的应用自身的想象力,对知识展开自主探索。例如,小学美术教师在进行手工制作课程《会飞的玩具》一课的讲解过程中,在课堂开始之初,应当巧妙的进行情景创设,吸引学生注意力,激发学生的学习热情。如教师首先将学生划分成若干小组,每一小组的桌子上都摆放着一个很大的纸盒,美丽的外表充分勾起了学生的好奇心,此时教师告诉学生,这是教师为学生们准备的玩具,学生可以闭上眼睛将礼物抽出来,并充分发挥想象力,想象手中玩具的功能和外观等。此时学生看到自己手中是一个飞机的模型。接下来,教师应当利用多媒体,对多种飞机的模型进行播放,根据翅膀或直或弯等特点向学生进行讲解。接下来便拿出自己应用彩色纸制作的飞机,从而促使学生意识到原来飞机模型也是可以手工制作,同时是可以飞起来的。在这种情况下,学生开始跃跃欲试,想象通过自己的努力创造出属于自己的飞机。教师应充分给予学生时间,让他们自主的探索纸飞机的制作方法,并在适当的时候给予指导。当学生对纸飞机的制作方法有所掌握以后,教师需要抓住学生好胜心强的心理,引导其通过绘画等方式,为纸飞机画上图案,每一个图案背后都应当有一个故事。此时学生就会充分发挥自身的想象力和创造力,将各种独特的图案画在纸飞机上,代表了不同的含义。教师通过营造神秘、充满探索精神的课堂气氛,有效的激发了学生的创造力,对于提升小学生的创新能力具有重要意义。 四、结语 综上所述,近年来,社会发展对人才的综合能力提出了更高的要求,在这种情况下,我国小学教育阶段开始注重对加大创造性教育力度。小学美术教育在提升学生创造性能力的过程中具有得天独厚的优势。美术世界充满想象,教师应充分利用这一优势,通过精心的课堂教学情境设计,给予学生无限的想象空间,并鼓励学生大胆的说出自己的想象,为激发学生的开放性思维奠定良好的基础。 作者:夏丹 单位:四平市六马路小学校 美术教育研究论文:幼儿美术教育陶行知思想研究 摘要: 兴趣在绘画活动中是一种具有积极作用的情感,贯穿于活动的始终。幼儿教育者要从陶行知先生的理论中汲取营养,把他的思想运用到幼儿美术教学活动中,寓学于乐,让幼儿的各种能力在美术活动中得到提高。 关键词: 美术教育;陶行知;个性 绘画一直是幼儿喜爱的活动之一,幼儿大多喜欢涂涂画画,绘画在他们心目中是一个自由的游戏活动,他们可以在绘画中寻找到属于自己的快乐。但是,以往的幼儿美术教学活动往往以教师示范、幼儿临摹为主,束缚了幼儿的想象。这种教学方式不仅让教师倍感疲倦,也扼杀了幼儿的创造性,降低了他们参与绘画活动的兴趣。陶行知先生曾说:“唤起兴趣,学生有了兴趣,就肯用全副精神去做事情,所以‘学’和‘乐’是不可分离的。”由此可见,兴趣在绘画活动中是一种具有积极作用的情感,贯穿于活动的始终。教师要从陶行知先生的理论中汲取营养,把他的思想运用到幼儿美术教学活动中,寓学于乐,让幼儿的各种能力在美术活动中得到提高。 一、尊重个体差异,呼唤个性解放 关于因材施教,陶行知先生曾经拿松树和牡丹花做过比喻:松树和牡丹花所需要的肥料不同,如果我们用松树的肥料培养牡丹,牡丹会瘦死;反之,如果用牡丹的肥料培养松树,松树会受不了,会被“烧”死。这和教书育人有着不谋而合之处:种花首先要做的就是认识花木的特点,然后分情况加以照料,而在幼儿美术教学活动中,教师既要面向全体幼儿进行教学,又要因材施教。所以,在组织美术活动时,教师要尽量使活动多样化,采取全班指导、小组指导、个别指导以及区域活动相结合的形式。如,在手工制作青蛙的活动中,教师可以采取将能力强和能力稍弱的幼儿分在一组的形式,给予他们不同程度的指导和不同的制作材料,提出不同的制作要求,让他们在各自的水平基础上得到进一步提高。每名幼儿都是独一无二的个体,教学活动虽然是面向全体的,但教师一定要因材施教,才能促进每位幼儿的个性发展。此外,教师要鼓励幼儿用自己的方式表达自己。陶行知先生提出过“六大解放”的观点,他指出要解放儿童的头脑、双手、嘴、眼睛、空间、时间。所以,在美术教学活动中教师要多多鼓励幼儿用自己的方式表达心目中的想法,给每名幼儿自由表现的机会。这么做的好处就是能为幼儿提供广阔的发挥空间,解放他们的头脑和心灵,鼓励他们的个性发展。在幼儿的笔下,天空可能是粉色的,空中可能漂浮着大鱼,这些在成年人眼中可以说是荒诞的,而教师需要做的就是鼓励幼儿继续用自己的方式表达“荒诞”,不应该用成人的视角对幼儿做所谓的“纠正工作”,不要用简单的对或不对、像或不像评价幼儿,让幼儿拥有用自己的思维认识世界、表现世界的机会。 二、生活融入课堂,激发美术兴趣 陶行知先生有“在生活里找教育,为生活而教育”的观点。在幼儿美术教学活动中,将美术教育生活化是一个有机的命题。教师应该让幼儿走出教室,融入自然,融入生活。教师可以带领幼儿走进自然,观察树叶、天空、云彩、花朵等,他们会发现每片树叶都有自己的形状,每朵云彩的颜色都不太一样,甚至天空从不同的角度看会散发出不同的光。自然可以让幼儿感受到美术真正的快乐和魅力。生活中的观察可以为幼儿的创作提供灵感。正如苏格拉底所说:未经考察过的生活是不值得经历的。这样相当于考察生活的教学方式无论对于教师还是幼儿来说都是喜闻乐见的。让幼儿在生活中学习,让美术回归生活,这是每名幼儿美术教师应该为之努力的方向。除了将生活融入教学之外,教师还可以将游戏导入美术教学,让幼儿在学中玩、玩中学,激发幼儿的热情,让幼儿成为美术课堂的主体,即实现游戏教学的目的。如,在教幼儿认识各种美术工具时,教师可以把美术工具放到一个袋子里,然后让幼儿猜袋子里放的是什么东西,引发幼儿的好奇心,这样美术课堂也能增添不少趣味性。 三、教学做三合一,突出美术发展 陶行知先生最根本的教育思想就是“生活教育”理论,这也是陶行知先生教育思想的主体。教与学都是为了生活的需要,而在教学实践中教师需要做的即是教学做三者合一。如,在指导《鱼儿游游》一课时,教师可以先展示鱼儿游的动画片,把幼儿带入鱼儿的世界,然后向幼儿出示空鱼缸,激发幼儿装饰鱼缸的兴趣,随后发给幼儿一些彩色剪纸与制作剪纸鱼的小工具,示范如何制作剪纸鱼,这就是在做中教。在教学结束后让幼儿用自己的方式装饰鱼缸,鼓励幼儿大胆地制作自己心目中最漂亮的鱼,如果幼儿在剪纸技术方面有什么不会的地方,教师要及时给予指导,这就是在学中教。在幼儿制作完成之后,教师可以将这些作品都放到讲台上进行展示,鼓励幼儿尽情地发挥自己的想象力。这样做能让幼儿更富有个性,也有益于更好地展示幼儿的创意。 综上所述,美术活动是幼儿用来描述自己内心欢乐的最直接的途径,也是幼儿内心精神世界的真实流露。陶行知先生的教育思想对于幼儿绘画教育有很重要的指导意义,所以幼儿美术教师需要认真研究陶行知先生的教育思想内涵,并且将其与幼儿个性相结合,以激发幼儿的兴趣为主,开发幼儿的潜能,努力将绘画变成培养幼儿创造性的载体。 作者:薛彦平 单位:江苏苏州市苏州外国语学校附属理想幼儿园 美术教育研究论文:小学美术教育创新实践研究 摘要: 小学美术是培养小学生创新思维的重要学科之一。儿童身上潜藏着巨大的创造力,要想将这种创造力激发出来,需要小学美术教师对学生进行日积月累的创新教育,尊重学生的主体性,激发学生自主创作的欲望,培养学生的创新思维。 关键词: 小学美术教育;创新思维;培养 培养学生的创新思维是新课改下小学美术教育的重头戏。作为小学美术教师如何有效地培养学生的创新思维?在此,笔者提出了以下几点建议。 一、积极培育学生的创新思维和创新意识 首先,在小学美术教学活动中,应该注重培养学生的绘画造型能力。教师要鼓励学生从多个角度进行思考和创作,多给学生独立构思的机会,采用命题画、想象画、创意画、诗配画等自由多元的方式,提升学生的创作能力。其次,应该强化学生的形象思维能力与观察能力的训练。教师不能机械地进行现成知识与技能的传授,否则学生只会依葫芦画瓢,失去独立思考的习惯。教师要引导学生观察事物的异同点,认识事物之间的关系,善于发现美和创造美。最后,实现对学生发散性思维的常态化训练。发散性思维是创新思维的前提和条件,通过训练学生发散性思维,能够启迪学生的创造想象。小学生绘画构图不能依照成人法则,看似随心所欲的思考和创作,反而更符合儿童阶段思维发展的特点。 二、创设有利于培养学生创新思维的情境 首先,小学美术课堂应该是开放的、自由的,让学生在没有精神压力的前提下迸发创新思维的火花。教师要为学生构建一个轻松愉快且富有创新乐趣的学习环境,帮助学生进入最佳的创新状态,这样,创新思维的培养效果就会愈发明显。例如,在《喜怒哀乐》教学中,教师可以邀请班里善于表演的学生来进行喜、怒、哀、乐脸部表情的表演,大家往往会“开怀大笑”。教师以此为契机,来启发学生试着画出不同表情的卡通头像,让学生在其乐融融的学习氛围中进行创作,创新思维也更容易被激发。其次,小学美术教师应想方设法地激发学生的认识兴趣。教师应该巧妙设计教学活动,以激发兴趣为向导,发挥出学生的主体性作用,加深学生自我的审美认识和体验。例如,在《陶泥的世界》教学中,教师可以利用多媒体课件导入新课,将不同风格的陶艺作品图片展示给学生,并配上简单的制作程序,让学生领略陶艺的美感,掌握制作陶艺的要领,激发学生动手制作的兴趣,将自己所想要创造的作品用泥塑的方式展示出来,进而提升了学生创新思维培养的效果。最后,将小学美术课堂打造出充满想象力的课堂,拓展学生的创新思维。从某种程度上讲,创新思维的本质就是想象,在脑海中将存储的图形加以改造、组合、提炼,进而构思出全新的意象。人类创造离不开想象,孩子们最大的乐趣也是在于想象,通过想象能够释放童心,在快乐中带动创新思维的发展。例如,在《我是汽车设计师》教学中,教师可以播放一些汽车图片让学生来欣赏,然后一起讨论交流汽车的功能与特点,让学生讲一讲自己喜欢什么样的汽车。有的学生自然会迸发对未来汽车的设想,教师在整个教学过程中,要鼓励学生大胆想象,闪烁出求新求异的思维火花,设计出自己脑海中理想的汽车图形,学生的创新思维会得到进一步激发和培养。 三、建立有助于学生创新思维的评价机制 在小学美术教育实践中,有许多学生是因为教师不科学的评价而对美术失去了兴趣,导致学生的美术创造力因此萎缩。由于每个学生的素质和个性特征不同,在美术教学中就需要建立科学的评价机制,让每一个学生都感受到成功的喜悦,鼓励和激发学生的创新思维。当然,教师的评价不能一个模样,盲目的好评也会让学生的自负心理膨胀,不利于创新思维的发展。小学美术教师应该在课堂教学中引入竞争激励机制,调动学生的内在积极因素,对于那些有创新的作品可以采用全班展示的方式,激活学生勇于创新的主动性。 四、教师应该重视自身创造性思维的提升 小学美术教育创新思维的培养,不仅仅是针对学生,还需要教师从自身做起,优化教育教学方式。试想一个本身就缺乏创新思维的教师,如何能让学生各抒己见,如何带领学生在创新的天空里翱翔?只有教师不断强化自身的创造性思维,以一个探索者的身份,不断探求新的教学方法,采用独特新颖的教学手段,才能更好地引导学生参与到教学活动中来。随着社会知识更新速度的加快以及新课改的推进,小学美术教师只有不断更新教学观念,学习新的知识,才能让自己的教学永葆青春活力。 作者:丁小荣 单位:江西省子都县利村乡中心小学 美术教育研究论文:农村中学美术教育研究 摘要: 农村中学的美术教育很容易被大家忽视,实践证明,初中阶段的美术课,对陶冶学生情操、培养学生的审美能力、开拓学生思维等方面都有很大的作用。 关键词: 农村中学;美术教育;短时高效;潜移默化 在新课程改革逐步推进的浪潮声中,美术课程改革也迫在眉睫,强化素质教育的同时,美育被提升到一个高度。 一、广大农村和边远山区中学美术教育中存在的问题 第一,在应试教育的现状下,学校领导很难真正把美术学科和语文、英语等课程放在同等重要的位置上。在农村,可以说有很多中学都不重视美术课的学习,甚至是不开设美术课,即使有美术课也往往会被其他课程所占用,这种现象非常普遍。如我原来的学校,2009年八年级没有开一节美术课,七年级有些班级的美术课也是主课老师兼的,而九年级基本都不开设美术课。第二,一般考试都没有对美术做统一要求,所以,很难衡量美术教师的教学业绩,这就使美术教师积极性普遍不高。第三,为了升入重点高中,学生对于中考的必考科目已是疲于应付,学习美术的积极性自然就不高。第四,农村中学美术师资严重不足,条件有限。一些农村中学也安排有相对专业的美术教师,但这些美术教师往往同时又“身兼数职”,他们还承担有学校安排的其他教学任务。而其他的教学任务势必也占用着他们很多的时间,这些教学工作也需要他们去研磨教材、精心备课,同时也要批改作业等。有时可能连教师自己也很难分清哪个科目是主哪个科目是次。虽然是美术教师,但他们根本没有太多时间去更新美术专业知识,更不要说提高美术专业水平了。这在很大程度上也影响到了美术课堂的教学效率。 二、针对农村中学美术教育存在的问题的粗浅看法 1.对我国现有的教育评价制作及考试选拔制度加以适当的改进 如果说地理、生物会考成绩可以计入中考成绩,理、化、生的操作实验和体育的加试成绩也可以计入中考成绩,那么美术学科的成绩是否也该考虑计入中考成绩当中呢?政治、历史、地理、生物可以作为期末考试的科目,美术学科是否也该考虑加入呢? 2.最大限度地激发学生的兴趣 兴趣是学生最大的学习动力,在短短的四十五分钟内必须充分调动学生的积极性,让美术课真正做到“短时高效”。课堂的内容如果能与学生的生活密切联系起来,更能激发他们的兴趣。如提高学生的审美能力,可以用学生身上的服装和房间的布置为主题;提高学生的动手能力,可以在节日里制作一些卡片,设计一些别有用心的礼物,在班上进行班刊评比…… 3.让课堂丰富多彩 单一的课堂形式封闭了学生的思维,如果让课堂形式丰富起来,则能取得意想不到的效果,如设置情景教学、播放音乐,美术与舞蹈、表演的融合,增加游戏环节、作业展评(学生自评、互评、老师点评)。 4.让美术教学内容充实 农村中学美术教学内容可以根据当地的特色,利用当地特有的一些资源来增添一些具有乡土气息的教学器具。比如,充分利用当地的树根、砖泥等材料来制作雕塑型的工艺美术品;用树叶、花朵、石子制作装饰画等;特别是鸡蛋壳工艺画的制作更是体现了一种创新意识,不仅变废为宝,而且融入了一种环保理念,创造了一种美。教师要让学生走出教室,多组织学生去大自然中走走,到外面进行写生,引导学生发现身边的美景,描绘美丽的家乡。这样不仅激发了学生的学习兴趣,增强了热爱家乡的情感,培养了审美能力,而且打破了传统的教学模式,加强了学生课内外生活学习的联系与沟通。 5.营造学习美术的环境 学校可以经常性地举行师生画展,既可以让学生得到锻炼,也能潜移默化地达到教育目的,还可以进行全校性的设计大赛,如防火、防电、安全标志、班级标志、环境保护等标志,既可增强学生的安全保护意识,也达到以美益智的目的。 6.密切美术与各学科的联系 学生的学习科目,除了美术还有语文、数学、化学、历史等。学生在这些科目的学习过程中,会遇到各种各样的问题,而这些问题的解答,有许多可能会运用到图像,借用图像的具体、形象化来使问题变得清晰明了。而且图像的运用给枯燥的学习内容增添了许多色彩。同时也可以借助这个机会给学生渗透美的教育,比如,在初中语文教学中,为课文绘制插图,教师通过诗与画的密切配合,增强了讲课的艺术效果,更加深了对课文的理解。又如,配合化学实验课,用试剂绘制山水画,通过喷染不同试剂进行化学反应,显现出变幻莫测的绚丽景色,这些肌理效果,也给人以美的享受。此外,可以结合学校的德育活动,绘制图表、历史人物肖像,发挥美术学科的教育作用。 7.提升师资力量,是进行审美教育的关键 美术课程改革,关键在于美术教师,目前,农村中学的美术教师,数量不足,而且素质偏低,有的学校的美术课由非美术专业的老师来教,这样很难完成美术学科的教学任务,所以必须加快提高美术教师的专业素质,采取以下几种培训措施:(1)举办中学美术教师假期培训班。(2)为全县中学美术教师创造参加高师美术函授学习的机会。(3)选派骨干教师参观全国中学教学现场比赛会。(4)选派青年骨干教师至高师美术系进行短期培训。(5)开展县内中学校间的美术优质课。 总之,农村中学美术课程改革是一条艰辛的道路,需要大家齐心协力,在新课程改革的浪潮中,乘风扬帆,劈波斩浪,美术教师更要尽快调整行为,转变角色,充分发挥学生的主观能动性,全面提高学生素质,这样才能跟上时代的潮流。“雄关漫道真如铁,而今迈步从头越。”真诚地希望21世纪的农村美术教学,踏出一片山花烂漫满园春! 作者:林良明 单位:江西省上饶县第七中学 美术教育研究论文:马克思主义美育观美术教育研究 【内容摘要】 我国高校美术教育是素质教育的一部分,对于培养大学生的综合素质发挥着重要的作用。但其目前处于摸索阶段,还有待完善。马克思主义美育观是未来美术教育发展的重要指导思想,只有以人的全面发展作为指导方向,在理论的基础上结合实践开展教育,才能产生积极的效果,取得持续的进步。 【关键词】 高校美术教育;马克思主义美育观;以人为本 美术是一门可视造型艺术,通常指绘画、雕塑等可以在空间中开展创作的艺术门类。美术作为人类精神生活中的重要组成部分,具有深厚的文化底蕴,有助于大学生提高自身的艺术素养、丰富精神世界。马克思主义美育观作为马克思主义理论应用于教育中的体现,是一种美学理论和教育观念相结合的思想体系。马克思主义是研究人和社会发展规律的哲学,经过了历史的检验。其作为一种指导思想,与我国高校美术教育的发展密切相关。我国高校美术教育应在马克思主义美育观的指导下,以现当代美术的内涵为根基,以学生为本,以提高学生的综合素质为方向,方能培养出优秀的大学生。 一、高校美术教育的重要性 高校美术教育作为一种素质教育,有着促进大学生全面发展的积极作用,并有助于大学生养成审美意识,从而认识美、发现美、创造美,实现人生的价值。高校美术教育的优秀在于培养学生的审美素养,是对美的规律和本质的探索。美术教育在数千年的发展中,以丰富的内涵与功能,反映了人类历史文明的变迁。可以说,美术教育在一定程度上推进了人类文明的发展,促进了人类社会的平衡。马克思主义美育观下高校美术教育的本质在于,让学生在美术的熏陶中正确认识自己并发现美,领悟到美术的真谛,能够识别真正的美与丑,养成崇高的人格和正确的审美观。高校美术教育对于实现中国社会主义的精神文明来说,具有深刻的现实意义。①当代大学生作为新一代人,要想成为符合社会发展的具有综合素质的人才,需要在马克思主义美育观的指导下和高校美术教育的哺育中,提高自身的审美能力与艺术素养,树立正确的人生观和价值观,塑造良好的道德品质。受过良好美术教育的人,视野更加宽阔,会更加重视德智体美劳全面发展,有条件成长为高素质的社会精英。 二、马克思主义美育观概述 马克思主义美育观指的是一种推进社会生产力发展的根本观点,强调依据美的规律对世界进行改造,并对客观事物有一定的审美能力。马克思主义将美的本质和人的本质紧紧相联,指出所有的生产物都是人类自我的复现,是人类完善自身的一种手段。马克思主义美育观的特征为实践性和阶级性。实践性在于实现美的观念的统一,涵盖了主观美和客观美,形成了一种具体的美学思想,这有助于美术教育开展实践活动。马克思主义美育观鲜明的阶级性在于以社会劳动者为主体,提倡反抗压迫,追求个人自由。在此观念下形成的美术教育有助于大学生形成正确的价值观和人生观。马克思主义美育观继承了传统美育文化的精华,将人类历史长河中积淀的实践经验进行了浓缩,开拓了继承传统的道路,并有助于传播社会主义先进文化。马克思主义美育观对当代文化建设具有重要的意义,只有提高社会大众的审美能力,将社会主义先进文化在人民群众中大规模普及并不断创新提高,才能从根本上解决好教育的各种问题。马克思主义美育观认为美的基本品质是自由。在《共产党宣言》中,马克思写道:“每个人的自由发展是一切人的自由发展的条件。”他认为,个体的自由是维持社会发展的跷跷板,而自由是由劳动产生的,劳动才能创造美,美又会带来个体的社会价值;全面发展要基于尊重个体的价值和个性的养成,能够不断自我完善,自然也能逐渐提高对美的追求。马克思主义美育观的精髓也在于此,强调人类应该提升全方面的素养,建立自身的审美结构,并提出每个人都应该接受系统的美学教育。美术教育作为美学的重要组成部分,能够激发人的主观情感,升华人的精神内涵,引起人们对美的兴趣。所以,当代美术教育应该遵循马克思主义美育观,将其作为指导性思想投入到社会实践中,形成群体的自我教育意识;并积极开展与理论和实践相关的活动,提高全社会对于马克思主义美育观的认知。② 三、马克思主义美育观指导下我国高校美术教育的现状及发展对策 (一)高校美术教育的现状 我国高校美术教育虽然继承了传统美术教育的基本思路和观念,但还未完全普及应用马克思主义美育观,所以依然缺乏让学生自我完善、全面发展的教育意识,存在着种种问题和弊端。目前,大多高校美术教育缺乏明确的培养目标,对学生的创造力不够重视,只注重教授美术知识,缺乏对学生审美能力和文化修养的培养。教学体制也不够合理,过于教条化,功利性过强;教师讲课的内容有些空洞,有时会使学生感到难以学到真正的知识,缺乏对美术内涵的真切体会,没有自己独立的思考。高校美术教育应该依据马克思主义美育观的指导,注重学生的全面发展和个人素质的提升。高校美术教育虽然要注重美术知识和技法的学习,但不能忽略学生的素质教育。如果学生缺乏一定的文化底蕴,难以真正理解美术的趣味和魅力,自然无法成为一名懂得审美的合格毕业生。③当前高校美术教育的另一大问题在于忽略学生的独创性思维,不重视美术创作,很难培养出真正的艺术家。美术教育家孔新苗认为:“90%的学生将来不会成为画家,那他们为什么要学习美术?因为他们需要成为一个有素质、有审美品位、会生活、面对艺术能够有所感悟的人。这就需要我们的美术教育不仅局限于技巧的指导,还要通过艺术这个平台来育人,让学生学会与他人合作交流,在不可预测的情景下努力完成自己的人生目标。”④笔者认为,我国高校美术教育可以不专门培养艺术家,但是也不应致力于培养玩弄技巧的匠人。当前社会需要的是具有一定审美能力和文化修养、全面均衡发展的高素质艺术人才。 (二)高校美术教育的发展对策 当前高校美术教育应遵循马克思主义美育观的指导,根据社会的需求确立培养目标。笔者认为,高校美术教育的目标在于培养学生健康的心态,促进其个性发展,提高审美和创造美的能力。因此,高校美术教育要重视学生文化修养的提升,让学生的综合素质得到全面的发展;加强对学生创造力的培养和职业素质的训练,使其能够灵活面对社会需求。另外,针对不同的学生要因材施教,培养艺术家要注重美术创作,让他们积极展现个性,能够自由发展;培养美术评论家或美术领域的相关工作者,要进行系统的职业培训,加强美术知识的教学。但无论如何,美术教育的优秀在于让学生成为能够融入社会的高素质人才。我国目前的高校美术教育体制过于机械化、课程的安排也不太合理,整体的办学模式有较大的问题,这违背了马克思主义美育观的教育理念。高校美术教育需要培养真正热爱美术的人才,因此要挖掘学生的潜力,应使学生养成独立思考的习惯;过于概念化的教学理念可能会限制学生对美的独特理解,不利于学生创造美的能力的提升。当下的高校美术教育的课程内容大多还是集中于美术技巧方面,教学方案过于狭隘,妨碍了学生综合素质的提升,难以向全方面发展。高校的美术教育应该拓宽课程的广度,扩展学生的知识面,要与社会发展紧紧相联。课程的安排最好能够展现学生的创造力和想象力,教会学生思考美术与世界之间的关系。高校美术教育只有在马克思主义美育观的指导下,结合社会的发展需要,安排一系列具有良好的审美观、能够提升学生综合素质的课程,才能体现出美术教育真正的意义。高校美术教育还应该积极开展实践活动并和理论教育相结合,让学生意识到实践的重要性,加强自身的社会实践能力。教育不仅在于“教”,也应该同样重视“育”,教育的最终目的还是要让学生能够将知识应用到社会中,为社会发展作出贡献,为社会主义精神文明的建设贡献自己的力量。社会实践是让学生发现问题并解决问题的重要途径,这同样也是马克思主义哲学的基本观念。让学生能够自觉提升综合素养,独立地思考和创造,才能形成良好的高校美术教育氛围,并一直延续下去。⑤ 结语 我国的高校美术教育经历了一段艰难的发展过程。教育应当是为人服务的,也就是“以人为本”。从教书转为育人,实现作为人的意义,这是个体内在价值慢慢人性化的重要过程,是对人的终极关怀。忽略了这一点,教育就成了一个工具,变为了一种产业,把学生异化成了产品,这是绝对不可取的。⑥因此,马克思主义美育观作为一套完整合理的教育理论体系,是未来高校美术教育普及的主要途径。马克思主义美育观体现了马克思主义哲学思想的精髓,即强调集体的创造力,让教育真正回归本体,推进社会的发展,激发高校美术教育的生命力,实现教育对于人的真正作用。我国的高校美术教育目前面临着很多挑战,因此应该积极进行探索,以马克思主义美育观作为指导思想,解决当前高校美术教育中存在的问题和弊端,构建一个以人为本适应时展的高校美术教育体系;在改革的同时也要保持传统美术教育的优势,结合理论和实践,达到教育和创新的统一。只有做到与时俱进,我国高校美术教育的发展才会迎来一条通向国际、更为宽阔的大道。⑦ 作者:李泰峰 单位:哈尔滨师范大学国际教育学院 美术教育研究论文:传统哲学美术教育理论研究 【内容摘要】 中国传统哲学是中华民族的宝贵财富,时至今日,中国传统哲学仍然有着特殊的含义,是当代中国文化教育建设的内在驱动力,更是我们与世界文化实现平等对话、互助互利的文化基础。毫无疑问,美术教育需要在现代视域中进行,而现代视域与中国传统哲学又有着千丝万缕的联系,因此,有必要基于中国传统哲学的理念,研究现代美术教育。文章从中国传统哲学的和而不同、一以贯之、执两用中三个方面出发,对美术教育理论进行探讨。 【关键词】 中国传统哲学;现代美术教育;理论研究 数千年的发展,使中国拥有了区别于其他文明的传统哲学文化,其内容丰富,洞悉透彻,是中华文明珍贵的精神财富。而今,人们经常会听到这么一个说法:传统哲学过于局限、迂腐,现展需要新的哲学理论指导。诚然,传统哲学中存在部分滞后的观点,但是诸如“诚、义、礼、信”“天人合一”等中国传统哲学文化,仍然具备推动社会发展的能力。更为可贵的是,传统哲学是连接过去与现在的纽带,具有强大的历史穿透力,能够及时纠正社会快节奏发展中出现的各种问题,同时为我国与其他国家的和谐相处、平等交流提供理论依据。本文所要讨论的美术教育,主要是现代美术教育,受现代文明的滋养,但这是否意味着传统哲学就无法参与到现代美术教育活动中呢?答案是否定的。近代存在主义哲学创始人马丁•海德格尔最早给出了时间的优先级定位,否定了普遍认为的“现代”优于“过去”和“未来”,即“重在当下”的看法。海德格尔认为,历史和现在是一个整体,并无明显的界限,“现在”不可能离开“过去”和“未来”而单独存在。这一观点被他的弟子德国哲学家汉斯-格奥尔格•伽达默尔进一步发扬光大。伽达默尔强调了时间的相关性,表示现代视域与传统视域是互相融合的,离开传统视域,现代视域在严格意义上不再完整。所以,经过大量的实践研究,笔者认为,现代美术教育理论研究需要中国传统哲学文化带来深刻而丰富的启发。 一、和而不同——坚持真我与海纳百川 “和”是中国传统哲学中一个非常重要的内容,其诠释了中国传统哲学的基础特征,充分反映了中华文明海纳百川、有容乃大的宽广胸怀。“和”起源于西周晚期,经我国古代哲学家孔子继承后,发展成为其哲学体系的优秀内容。孔子主张的“和”是和谐统一,承认事物间的不同,在积极交流的基础上,形成存在“不同”的“和”。同时,“和”也是一种平衡状态,受到原则的约束,无根无据、不加审核的迁就与苟同是不可取的。在孔子看来,人之高尚取决于这个人能否坚定自己正确的想法,在此基础上,要善于吸收和摒弃他人的各种想法,而不是单纯地追求同一、统一、相加与附和。所以,“和”的灵魂显而易见,就是批判、创新。若要实现“和”,必须以“勿意、勿必、勿固、勿我”的原则要求自己,即不以个人的妄自猜测来看待问题,不要将主观看法强加到客观事件上,不要固执己见,不要因为这个看法是自己的就不肯妥协。孔子认为,主观臆测和固执己见是错误的,同时也不应该淹没自我和任意妥协,“和而不同”意味着虚怀若谷和实事求是的人生态度。孔子对于弟子的区别看待可以说明上述观点,他欣赏能够举一反三、积极思考的子夏,谓之“起予者商也!始可言《诗》矣”;而对言听计从、乖巧懂事的颜回则颇有微词,评论道“回也,非助我者也,于吾言无所不悦”。可以看出,孔子向往的“和”应该是“和而不流”,基于一定的原则坚持自我,同时积极吸纳其他思想和想法,取之精华、弃之糟粕,互相补进。这种先进的哲学思想成为那个时代孔子学说能够生存下来,并在后世发扬光大的重要原因。中国传统哲学也在交流中获得发展与繁荣。世界各国的现代美术教育都是以西方美术文化为基础的,尽管西方美术理论与实践存在明显的领先优势,但是孔子的“和而不同”告诫我们,以完全的拿来主义来处理外国美术教育理论与实践是不科学的。整体性的选择也许在短时间内适用,但必然会影响到未来的长远发展,无法形成中国特有的美术教育理论体系。近代以来,西学东渐成为一种普遍现象,盲目模仿西方模式的现象比比皆是。而需要注意的是,世界上不存在等值作用的因素,现代美术教育充斥着各种各样的矛盾,简单代入西方体系,忽视主要矛盾与次要矛盾之间的关系将严重阻碍我国美术教育的发展。鉴于我国的特殊国情,笔者认为,“和而不同”应当成为美术教育理论体系的优秀,必须以马克思主义为建设前提,明确建设中国特色美术教育理论体系的目标,以继承中国传统哲学文化为辅助,制定适合我国整体教育阶段的美术教育策略。其实,以孔子学说为代表的中国传统哲学早就受到了世界范围的重视,尤其是在西方文化危机日趋显露的时候。在上世纪80年代于巴黎召开的世界诺贝尔奖获得者大会上,人们就曾达成共识,认为21世纪人类的生存需要去借鉴孔子的智慧。由此可见,集中国传统哲学文化精髓的孔子思想无论是过去、现代和未来,都具备显著的历史穿透力,魅力尽显。美术教育工作者所要做的就是充分重视和善用“和而不同”,坚持自我,以海纳百川、有容乃大的胸怀去建设中国现代美术教育理论体系。 二、一以贯之—结合美术教育实例探索现代美术教育规律 “一以贯之”是孔子哲学思想的另一重要内容,其源于《卫灵公》的一段记载:子曰:“赐也!女以予多学而识之者也?”对曰“然,非与?”子曰:“非也,予一以贯之”。文中出现的“一以贯之”的意思就是在总结概括的基础上融会贯通。子贡博学多才,具有很好的发展潜力,孔子为了使子贡不在知识表层过多的停留,教导他深入学习,发现本质的道理。孔子所言的“一”可以认为是某一类具有一般规律的事物或现象,“一”需要长期累积,不断实践才能得到,离开万物、绝对抽象的“一”是不存在的。因而“一以贯之”是一个持续的过程,需要付出不懈的努力和具备敏锐的洞察力。与此同时,对于事物的一般规律,中国传统哲学的另一大派系——老子哲学思想给出了自己的解释,老子强调“知常”,也就是探索物质的本质规律,这对事物的发展是极其重要的,有着内在的必要性。将“一以贯之”运用到美术教育研究中,就是要求美术教育者结合丰富的美术教育实例,探索适合本国发展的美术教育理论体系。发掘美术教育现象的“一”,既包括本土美术文化的发掘,同时又涵盖外国美术教育经验的学习,找寻普遍的规律,一以贯之。当前,我国美术教育正处于瓶颈期,一方面,扩招导致学习美术的人数激增,高校相继开设美术专业来培养美术人才;另一方面,教学理念的滞后与体系的不科学使高校无法培养出符合社会发展需要的现代美术人才,毕业生普遍存在就业难的现象,严重制约了美术与美术教育的良性发展。为此,作为美术教育者,需要一以贯之,只有找到美术教育理论的一般规律,才能做出合理的调整。首先,要平等看待世界上其他国家与民族的美术教育文化,积极学习、借鉴丰富的美术教育现象、思想和解决方案,尤其是掌握亚洲其他国家的美术教育信息。其次,要开展对于本国美术教育及文化的研究,本土文化会从各个方面给予最贴合国情的发展启示,结合现象探索美术教育理论的一般规律,这就是“一以贯之”的现代意义。 三、执两用中——辩证看待多元美术教育理论 美术教育不同于其他学科,具有很强的实证性,客观事实的叙述和实践缺一不可。除此之外,融合辩证思维,辩证看待事物使美术教育具有真正的内涵。孔子提出的“执两用中”包含两种含义:第一,抓住两端的优秀,知道分别相反的极端;第二,去除两个相反的极端,代之采用中间部分,也就是“中庸之道”的“中”,意味着最优方案,而不是调和极端选其“中”。“用中”彰显了孔子对于辩证思维的理解,示人以事物的完整面,是一种求平衡、求自然、求和谐的整体性思维,能够在一定范围内制约矛盾。对于现代美术教育的方法论研究而言,“执两用中”有着积极的意义。由于西方美术教育体系相对完善,在很长一段时间内都是我国美术教育的主要模仿对象,直至今日,仍然有明显的影响,很多高校选择沿用西方美术教育方法论中的描述法、历史法和因素法就是绝佳的例证。西式教学既有科学的理性主义,也有反对科学的非理性主义;既有传统的描述法,又有现代的系统法,我国现代美术教育出现的种种问题,很多都是由于吸收这些“舶来品”不当引起的。孔子哲学的“执两用中”告诉我们,不能草率地接受或否定,应该在充分理解的基础上,采用辩证批判的方法看待美术教育的各种理论,去除极端,择其优而用之。关于辩证思维,老子同样有所涉及,“反者道之动”就是老子哲学中一个重要的内容,指事物的对立性不是绝对的,而是处在一个发展的阶段,发展到一定程度就会自然转变至相反的一面。“物极必反”说的就是这样一个道理。受到西方实证主义的影响,我国美术教育缺乏适当的理论指导,而更加重视实践技能的培养。但是过于重视片面发展,根据“反者道之动”的说法,很有可能就会适得其反,导致美术毕业生出现只知理论知识,不善实践或者不谙美术基础的情况,难以满足社会提出的综合性要求。所以无论如何,美术教育工作者都应该以系统辩证的方法看待美术教育,针对不断变化的外界因素,吸纳创新方是良药。 结语 综上所述,现代美术教育主要还是依赖于现代视域,但这并不意味着传统哲学毫无作用。中国传统哲学文化经历数千年的实践和丰富,其中的一些思想和理论具有明显的借鉴意义。所以,要想构建中国特色美术教育理论体系,仍然需要借助于前人的智慧,做到“和而不同”“一以贯之”和“执两用中”,从而让传统哲学文化在现代美术教育领域重现光辉。 作者:王桂芝 单位:哈尔滨师范大学 美术教育研究论文:当代艺术空间语境美术教育研究 摘要: 时至今日,艺术正在不断地随着时代的发展而更新、嬗变,艺术的各类本体模式也在不断交融、碰撞,从而使艺术界限不断模糊。现当代艺术在发展和变革中表现出了对空间探索的极大兴趣,从中也可一窥艺术发展的基本趋势。而与之相对的,学校美术教育的主体思想与教育模式依旧停留在关注学生二维绘画与造型能力、基本概念表述、经典作品分析等人文艺术基础素养的培养和引导上。该文通过分析与论证,从当代艺术在空间语境下对传统艺术观念的反叛、对传统审美的颠覆和对传统艺术形式的变革等方面,阐述当代艺术中空间语境的表达对当代美术教育变革的启示。 关键词: 当代艺术;空间语境;美术教育;变革 20世纪60年代后的艺术经历了各种艺术思潮和实验探索的推动与变革,形式逐渐从架上走向架下,存在于空间中的当代艺术在变革中摆脱了越来越多的束缚,给这股后现代艺术浪潮带来了近乎狂放的自由主义精神,极大地激发了艺术家的创作灵感。艺术家以空间为载体,利用各种媒介表达艺术观念,阐述反思成果,表现关于社会、人类、政治、女权、革命、环境等多方面的观念与思考体验,使其作品更加具有震慑人心的力量。艺术从纸面转向空间,无论是对于表达形式本身,还是对于艺术而言,抑或是对于人类的思考体验、观念表现,都是一次关乎自由主义的变革。 一、当代艺术在空间语境下对传统艺术观念的反叛 艺术的发展过程中从不缺乏革命者,也经历过几次变革,传统美术的概念范畴对艺术家而言似乎是个紧箍咒,在杜尚之前的大多实验性探索中几乎难以逃离,在中国画、版画、雕塑等传统美术形态中画地为牢。当代艺术在整个艺术史的变革中第一次触及艺术的本体——观念性,当代艺术在变革中将观念作为艺术的灵魂,佐以多元的、三维的空间艺术形式,对传统艺术进行了颠覆与反叛。这几乎是一种“反艺术”,但观者看到的是一种真诚的表达。徐冰认为,当不再有风格、流派、绘画技巧等手段的干扰时,观念可以用任意载体与媒介加以表达,而不再满足于传统艺术二维的表达形式,至此,属于“艺术”的部分得以凸显。这在某种程度上揭示了当代艺术的内核,即艺术的本质是其思想观念,而非版画、油画等物质形态,这似乎将艺术从一直以来被物质形态所包裹的繁复外壳中释放了出来,将其抽丝剥茧般地返璞归真,还原其自由的本质。当代艺术对艺术本质的还原与释放在中小学美术教育中无疑起到了先遣者的作用,形式技法本身对于美术教学而言不是最值得关注的,知识与技能也不是其最终目的。美术教育应站在尊重学生的立场上,尊重学生对艺术的看法,尊重学生在空间中对艺术形式独特的表现,尊重其对表达媒介的选择,尊重其个性。 二、当代艺术在空间语境下对传统审美的颠覆 当代艺术基于表现观念的思考,让许多以往被认为不美的甚至是丑陋的东西也被当作艺术品、被尊重。“去审美”始于杜尚的现成品,并在之后的装置艺术、废品艺术等中愈演愈烈。传统艺术形式中,无论是绘画还是雕塑,在变革的过程中多是围绕风格、流派而革新,从未脱离过审美,无论是凡•高的后印象主义,还是波普艺术,都是在寻找另外一种审美体验。当代艺术是发生在三维空间中的自由的艺术形态,其具有更大的可能性,艺术优秀观念的转变、现成品的使用,更是使之脱离了传统审美的枷锁,更具变革精神。当代艺术“去审美”的特征向学生传达了艺术不一定是美的,仅围绕美的艺术未免有些狭隘,美术学习更重要的是表达自己的情感与观念,教师在此过程中要做的是为学生开拓一个更为开放的平台,引导学生拓展思维,跳出传统美术的条框,并不断从观念的角度出发加以启发。 三、当代艺术在空间语境下对传统艺术形式的变革 以观念性作为艺术创作的第一要素,形式成为观念的载体与从属,艺术与现实关系的复杂性得到了重新的审视,脱离了形式的艺术变得更加自由不羁。突破了视觉原则的艺术更多地调动了触觉、嗅觉、听觉等多种感知觉形式,突破了空间和时间的界限,在变革中更多地表现思想和观念活动的空间。“反形式”的艺术不再是艺术家在画纸上、石头上、实验室里的操作,而是对“现实可能的生活”的主观的、直觉的参与,艺术家从一开始的创作目的就不是作品,创作过程融合了各种境遇与观念,作品成为了思想在空间中成熟的过程。形式的不落窠臼对艺术而言,是吹响了变革的号角,不同概念形式取向的艺术作品形成了各自不同的空间,为学生呈现出思维范畴之外的东西,这让学生感觉思维在被动前进,促使其进行新的思考,而不是对传统美术形式的再现。 结语 该文在当代艺术空间语境表达的背景下,通过聚焦对传统艺术观念的反叛、对传统审美的颠覆、对传统艺术形式的变革三个特点,凸显了当代艺术中空间语境的表达对当代美术教育变革的启示;分析阐述了在此情境下,从美术教育教学目的的更新、教师教学观念的转变、教学内容的调整三个方面,对美术教育在新的美术知识形态和艺术情境中的重新定位。注:该文受广西民族大学2016年度研究生教育创新计划资助。 作者:齐璇 单位:广西民族大学艺术学院 美术教育研究论文:计算机应用技术学生美术教育研究 摘要: 根据计算机应用技术(广告数字媒体)专业的人才培养目标以及学生就业的需要,广告数字媒体专业应该培养具备良好的科学文化素养、一定的审美能力、创造性的思维方法和熟练掌握本专业专项技能的高端技能型人才,而实现这一目标就需要学生有一定的美术基础和审美水平。调查发现,计算机应用技术(广告数字媒体)专业的学生几乎没有美术基础,审美能力也有待提高。因此,寻找对学生进行美术教育研究的方法是非常有必要的。教师可以通过带领学生向大自然学习、教师的引导作用、周围的艺术氛围、鼓励性的教育等方法对学生进行美术教育。 关键词: 美术教育;策略;专业课程 基金项目: 本文系南通理工学院教研课题“关于计算机应用技术(广告数字媒体)专业学生美术教育研究”(2015013)研究成果。 一、当前计算机应用技术(广告数字媒体)专业美术教育的现状 (一)计算机应用技术(广告数字媒体)专业学生美术教育现状 目前,计算机应用技术(广告数字媒体)专业学生以中职类学生为主,高考生源很少,即使有少部分的高考生,他们的美术基础不牢和审美能力也不足。他们接受的美术教育非常有限,根据《南通理工学院计算机应用技术(广告数字媒体)专业美术教育现状调查研究问卷》(下称《问卷》)显示,有50%的学生对美术课的印象还停留在上小学的时候,大多数的学生表示对美术课特别感兴趣,但由于多种原因导致很多学生在中学期间就没怎么接触美术,所以美术教育现状堪忧。 (二)美术教育存在的问题 《问卷》还显示:“超过一半的学生不知道什么是美术教育,不到一半的学生觉得本专业的学习需要美术基础,很少有同学会主动去看展览,也很少有同学会觉得美术教育会对自己的创新能力有提高,学习生活中也很少有同学会主动关心美术现象,很少同学意识到美术学习对于自己的能力培养有帮助,但是有很多同学非常渴望提高自己的艺术修养(审美能力)……”高校非美术专业的学生的美术教育几乎处于“真空”的状态,鉴于计算机应用技术(广告数字媒体)专业的学生并不是艺术特长生,所以他们在专业课的学习上暴露了他们美术基础较差的缺陷,正是由于缺乏美术教育,导致艺术修养不够,以致于他们所做的设计也存在很多问题,如设计主题不明确,主次不分,版面混乱,创新度不够等,其实归根结底就是缺乏美术教育。 二、计算机应用技术(广告数字媒体)专业进行美术教育的必要性 (一)美术教育的概念 美术教育,亦称美术教育专业,顾名思义,就是学习一些关于美术的知识以及技能,以用来在未来教导学生。专业学习内容包含素描、色彩、速写、油画、国画、装饰画、版画、书法、装裱、刻印章、平面设计、立体设计、动画设计等一系列同美术能扯得上关系的技能,当然、政治、英语、体育等课程也还是要的[1]。还有人认为,美术教育,是由“美术”和“教育”组成而成的。因为美术教育是由美术和教育这两者结合产生的,那么美术教育中美术就是一个基础性的因素,也就是说没有美术就没有美术教育,美术教育是以教育为手段,按照一定社会,一定阶段的要求,以美术为媒介,向受教育者传授一定美术知识和技能,发展和传播美术文化,培养受教育者道德情操、审美能力、发展智力和创造性的教育系统工程[2]19。还有很多的美术教育理论家根据美术教育的定义与组成分析把他们分成了两种不同的价值取向:一是从美术角度出发的美术教育:从这个角度看着眼点是美术,也就是说由美术本体出发,只是以教育作为手段,延续和发展美术文化以及创作技能。即通过教育的手段达到对美术文化的延续。二是从教育的角度做为着眼点看:美术就只是充当了教育的一个媒介,追求一般教育意义的功效。其实任何一个教育科目都具有双重性功能的。即通过美术这一驾驭的媒介培养人敏锐的观察力、丰富的情感、活跃的想象力和旺盛的创造力[2]19。本文将美术作为教育的媒介,结合实际的专业课程,将美术作为教育的媒介融入到专业课的学习中去,培养学生敏锐的观察力,丰富的情感,一定的审美能力。 (二)计算机应用技术(广告数字媒体)专业的培养目标及就业方向 本专业培养学生要热爱祖国,拥护党的领导,有较好的人文素养;掌握广告数字媒体的基础理论且具有广告数字媒体的专项技能、熟悉相关业务运作的,适应广告数字媒体设计与制作第一线需要的全面发展的高端技能型人才。学生毕业后可以面向广告公司、网络多媒体公司、电视台、专业设计公司(事务所)、印刷行业、出版社、报社、企事业单位的广告事务部门、政府机构和行业主管机构的宣传、广告事物管理部门等,从事广告媒体策划、配置、设计、制作及单项或综合广告实务工作,具体如在各类广告公司从事广告设计、策划、制作等工作;在企事业宣传部门从事宣传、和管理工作;在电视台从事策划、摄像、采编工作;在出版社、报社从事美术编辑等工作。 (三)计算机应用技术专业开展美术教育的重要性和必要性 通过以上关于计算机应用技术(广告数字媒体)专业的培养目标以及就业方向我们可以发现,学生就业的方向有:广告公司、网络多媒体公司、专业设计设计公司等,不难发现这些就业方向都与美术、设计相关,需要学生具备一定的美术基础以及审美能力,还应当具备一定的创造力。 三、计算机应用技术(广告数字媒体)专业美术教育策略研究 (一)计算机应用技术(广告数字媒体)专业插画设计课实施美术教育策略 1.向大自然学习 突破传统的教室课程教学,多带学生到户外进行教学活动,让学生发现美、感受美,不处于教室,突破了传统的模式,学生不一定要在教室上课学习,带领学生到校外感受美,没有了教室的束缚感,更利于学生的学习。到自然界去感受美,可以去感受植物的美、动物的美、自然景观的美,让学生带好相机,或者手绘本,将学生认为的美,用自己喜欢的方式,记录下来。发现身边的美,用自己的方式表现美,传达美。这种在户外上课的模式,比较新颖,需要注意的是,在老师的督促下和带领下,学生才能较好的去体会和表现。 2.教师的引导性 恽寿平在《南田画跋》中所言:“作画须有解衣盘礴、旁若无人意,然后化机在手,元气狼藉,不为先匠所拘,而游于法度之外矣。”[3]虽然这是恽寿平描绘国画创作过程中的状态,但是同样说明了美术学习中所需要的自由性,所以在插画设计课程中老师不再充当主导性的地位,而是积极的去引导学生,让学生作为这门课的主导者,积极主动地去学习,老师则是在各个部分充当引路人。学生可以自由、尽情地发挥自己的想象力,进行创作。雨果说过:“科学是我们,艺术是我。”[4]因此,要注重学生个性及创造性的培养。 3.运用周围的艺术氛围 带学生参观学校附近的“1895文化创意产业园”,以及南通市中心美术馆的展览。南通“1895文化创意产业园”经常会有一些展览,虽然经常和学生通知一些展览的消息,但是几乎没有学生会主动参观。因此,在插画设计课程中应设置学生外出参观的一些课时,由老师带领学生参观,对于一些好的作品进行分析,启发和诱导学生,并且在参观和展览的过程中引导学生欣赏不同作品不同的美。运用周围的一些有利的美术氛围,以期达到提高学生的审美能力。 4.教师潜移默化的作用 在课程中教师需要和学生共同进步,并且用自己的实际行动来感染学生。如随身携带小的便签本,以备随时随地进行插画设计,同样提醒学生也这么去做,因为只有这样,把美术基础的提高和艺术修养的提高养成一种习惯,才有可能长长久久地进行下去,当然这也是在短时间内提高学生美术基础、艺术修养最可靠的方法。教师可以经常和学生分享一些自己看展览的照片、视频影像资料,并且和学生分享自己看展览的心得体会或者是给学生一些启发等等,学生没有那么多的机会去看,可以通过老师来给他们带来一些更好的启示,同时也对学生产生潜移默化的作用。 (二)计算机应用技术(广告数字媒体)专业招贴设计课实施美术教育策略 1.提高眼界 同样还是通过观看展览的形式,来对学生进行美术教育。让学生感受这样的氛围,同时提高学生的眼界,眼界提高了,才能进一步地去促进学生艺术修养的提高,当然观看的展览并不局限于招贴设计展,也可以是所有与本课程相关的展览。 2.鼓励性的教育 美国心理学家詹姆斯曾说过:“人最本质的需要是渴望被肯定。”[5]由于招贴设计课程还需要学生动手去画设计草图,当然也要求学生有一定的美术基础,但是鉴于目前这个专业的学生基本没有美术基础,所以在需要学生动手的环节,要尽量多鼓励学生。很多学生因为缺乏基础,往往不敢动手,畏畏缩缩的,生怕画不好,这个时候就需要老师尽可能地去多鼓励学生。有这么一个学生,没有美术基础,刚开始画得不好,甚至于有点糟糕,但是经过老师的鼓励和自身的不断努力,终于创作出了令人惊艳的作品。当她自己回过头来再看自己最开始的作品时,觉得自己的进步非常大,由此可见,鼓励性教育对于学生美术教育还是很重要的。 3.用画图的方式进行记录 由于这门课的特点我们需要很多的创意和想法,但是我们不会随时随地用电脑软件把想法表现出来,但是笔和纸还是随时随地都可以用的,不管什么笔,不管什么纸,随时随地把你的想法用画的方式体现出来,当你的灵感一现的时候,想到什么就把它画下来,坚持让学生这么去做,就会发现学生的艺术修养能很快得到提高,而且美术基础越来越好。同样美术方面得到提高,你会发现其在创造力方面,也会发生质的飞跃。 四、结语 综上所述,本文从实际的专业课程出发,对计算机应用技术(广告数字媒体)专业课程渗透美术教育的策略进行了研究和探讨,发掘出一些可以用来促进计算机应用技术(广告数字媒体)专业学生美术教育的方法和策略,仅供参考。 作者:黄蓉 单位:南通理工学院
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艺术领域论文:幼儿园艺术领域课程的内涵及基本理念 摘 要:幼儿园艺术领域课程是以音乐、美术、文学活动为主要教学活动,以培养幼儿的审美素养(包括审美感知、审美理解、审美想象、审美创造等)为主要目标,以促进幼儿身心和谐发展为最终归宿的一门综合性课程。它是实施幼儿园艺术教育的重要途径,其具有的基本理念推动着幼儿园艺术课程改革不断迈向深入。 关键词:艺术领域课程;内涵;基本理念 一、幼儿园艺术领域课程的内涵 对于幼儿园艺术领域课程概念界定的文献比较少,比较有代表性的定义有三种:一是杨敏的《幼儿园艺术课程改革的实践探索》,笔者认为艺术课程是一个以培养幼儿的审美素养(包括审美感知、审美理解、审美想象、审美创造等)为主要目标的各项活动的整体计划,它应该和其他子课程一起,围绕着总课程既相互独立又相互渗透融合,共同指向课程的总目标――促进幼儿身心和谐发展。二是在《学前儿童艺术综合教育课程研究简介》中,笔者认为,它是统整音乐、美术、文学三门学科,以各门学科的优秀概念为主要依据,将其相关联处加以整合的一门综合性课程。三是在《综合艺术课程的实施与策略》中,笔者认为,综合艺术课程是在艺术学习和艺术实践中,注重音乐、美术、戏剧和舞蹈等不同艺术门类的融合,强调知识技能与人文主题的结合,最终达到培养学生艺术能力与人文素养整合发展的一门综合性课程。 这三种定义各有各的侧重点,前者侧重审美素养,后两者侧重各学科间的渗透性和整合性。基于上述的定义,我们对幼儿园艺术领域课程有了初步的界定:幼儿园艺术领域课程是以音乐、美术、文学活动为主要教学活动,以培养幼儿的审美素养(包括审美感知、审美理解、审美想象、审美创造等)为主要目标,以促进幼儿身心和谐发展为最终归宿的一门综合性课程。 二、幼儿园艺术领域课程的基本理念 尽管人们对幼儿园艺术领域课程的概念没有统一的界定,但是人们对艺术领域课程领域基本理念的把握却是一致的,其基本理念具体体现在以下四个方面: (一)建立多门艺术学科的沟通与交融,促进综合艺术能力的形成 不管是一个人的幼年时代,还是整个人类的早期,说、唱、舞、画等艺术活动都是融为一体的,而且这些艺术活动还与人自身的日常生活、情感表达等紧密联系。这种多艺术形式的自然融合是艺术学习的最佳环境,它能使艺术学习变得更自然,更容易,更为活泼多样。所以,幼儿艺术教育也应该遵循这一艺术能力的形成规律,为幼儿营造音乐、美术、舞蹈等多种艺术学科相互支持、相互补充的艺术学习环境。 (二)在完整的艺术活动中形成艺术能力 完整的艺术活动包括两个层面:即内容的完整和过程的完整。所谓内容的完整是指幼儿园开设艺术活动内容的本身应全面。这在调查中不难发现,节奏乐、音乐欣赏以及美术欣赏活动在许多幼儿园是很薄弱甚至是被砍掉的内容。这种内容的薄弱性和不全面性必然会限制幼儿艺术能力的充分发展。所谓过程的完整性是指幼儿艺术活动中的艺术感知、艺术创造和艺术反思。传统幼儿艺术教育中的一大误区是删除了在艺术教育中占重要地位的感知、欣赏和评价,仅仅教授幼儿创作和演唱,而此处的综合性艺术教育,则是把幼儿视为一种新型的学习者,这种学习者自始至终扮演三种相互交换和交融的角色,即:感知者、创造者和反思者。他们必须亲自感知和接受艺术大师和同伴的作品,在接受中得到启发和创新。他们必须亲自动手创作,但创作又是建立在对大师作品的感知和对丰富多彩的日常生活的联想基础之上,或是对人类情感和生活有所体验的前提下进行。他们必须善于反思,通过反思将自己感觉到的东西升华,对自己的创作进行回顾。 (三)强调艺术学习的个性化 现代幼儿教育的一个最基本的理念就是“教育要面向全体,以幼儿的发展为本”,而《幼儿园教育指导纲要》一个重要的指导思想就是:促进每一位幼儿的发展。我们的教育不应该成为精英式的教育,基础教育必须使每个幼儿享有学习的机会,必须为每个幼儿的终身发展奠定良好的、全面的基础。面向每个幼儿,意味着艺术教育要关注每个孩子不同的生活背景、学习环境,最大限度地调动他们的主体意识,为他们创设参与体验、主动探索、积极实践的有利条件。面向每个幼儿,还意味着艺术教育要尊重每个孩子的个性特点,鼓励他们大胆地进行个性化的艺术活动,帮助他们认识自己的独特性和价值,形成具有个性化的审美标准。 (四)主张开展具有游戏性的艺术活动 1.在游戏中,幼儿得到大量机会“扮演”或“进入”不同的角色,而角色的扮演就无形地发展了其艺术对话才能,这种对话一方面丰富了幼儿的艺术感受,另一方面促进其语言智能的发展。 2.在游戏中,幼儿可以频繁地得到自我表现的机会,而这种自我表现相当大一部分又是与视觉艺术形象或造型能力紧密联系的,久而久之,幼儿的空间智能、自我认识智能、交流智能会得到同步发展。 3.在游戏中,幼儿有许多机会得到节奏的训练,使他们的音乐和舞蹈才能得到发展,无形中丰富了他们追随音乐的直觉能力和音乐智能。 4.在游戏中,幼儿能频繁地得到“建构”事物的机会,而“建构”又总是与手的动作和工艺紧密联系的。很多时候,“建构”还必须与他人合作,这就无形中强化了幼儿的身体动感智能、空间智能和人际交流智能。 (作者单位 天津市信息工程学校) 艺术领域论文:艺术领域“表现与创造”教学活动的组织策略 《3-6岁儿童学习与发展指南》(以下简称《指南》)针对不同年龄段的幼儿“表现与创造”活动提出了具体的发展目标和指导建议,为教师艺术领域“表现与创造”的教学活动提供了明确的思路。下面结合中班创意彩泥活动“美丽的瓶子”,阐述《指南》引领下幼儿园美术教学活动中“表现与创造”的组织策略。 一、定位目标――把握“表现与创造”的活动价值 《指南》艺术领域“表现与创造”中,明确了目标1“喜欢进行艺术活动并大胆表现”,目标2“具有初步的艺术表现与创造能力”。更重要的是,《指南》明确了不同年龄段幼儿“表现与创造”的发展目标。 在学习、理解年龄发展目标后,我在组织中班美术活动“美丽的瓶子”时,结合幼儿的发展水平和年龄特点,制定了教学目标:1.学习搓、捏的技能,会简单使用辅助材料和工具。2.结合幼儿的生活经验,鼓励幼儿大胆表现自己的想法。3.尊重幼儿审美标准,支持幼儿自发的、有个性的艺术表现和创造。 二、展开形式――把握“表现与创造”的呈现方式 形形色色的瓶子本身就是一件件艺术品,无论是造型或是色彩都有独特之处,更透着各种文化的传承。我引导幼儿用感官和双手去表现自己的情感,用彩泥装饰成自己喜欢的模样,避免重技巧而忽略幼儿的自身生活经验、愿望情趣以及内心的情感体验。 1.完整呈现――借助生活经验。 借助已经完成装饰的创意瓶子,目的是培养幼儿独立捕捉色彩信息的能力。教师在幼儿观察完后,会问幼儿“你们看到了什么”“瓶子上都有什么”“你更喜欢哪个瓶子呢”等问题,引导幼儿反馈捕捉到的信息,接着引导幼儿进一步观察。 2.部分呈现――借助半成品材料。 一般来讲,能够给人留下深刻印象的作品色彩大胆、造型夸张,呈现出来的是一种超乎想象的独特形象,带有浓烈的个人色彩。想呈现出这样的效果,首先需要有创作对象“瓶子”,其次创作者会借助小工具进行彩泥压模。 三、活动策略――实现“表现和创造”的关键所在 中班创意彩泥活动“美丽的瓶子”实际上是引导幼儿在创作的过程中,把对事物的理解和想象反馈在美丽的瓶子上,展现幼儿的纯真童心、童趣。 尽管幼儿是创作的主体,但依然离不开教师的帮助。针对瓶子的形状、颜色,教师要组织幼儿进行探讨,如“这个瓶子上面更适合什么样的图案”“用什么颜色涂更漂亮”等等。 1.借鉴经验一从生活中寻找创作的源泉。 《指南》中建议,“和幼儿一起感受、发现和欣赏自然环境和人文景观中美的事物”“和幼儿一起发现美的事物的特征,感受和欣赏美”。“美丽的瓶子”的创意过程,是幼儿调动自己已有的知识经验和生活体验来对话创造,并且从中获取自我表现和表达能力的过程。幼儿不断从记忆中搜寻生活中自己对色彩的点点滴滴认知,搭建创造“美丽瓶子”的知识支架。教师要善于观察、了解幼儿的已有经验,引导幼儿运用自己的视觉经验和独特情感开启表现和创意活动。 环节一:观察欣赏 师:今天老师带来了很多瓶子,看,这些瓶子都是做什么用的?你怎么知道的? 幼1:这是个酒瓶,上面有画。 幼2:这是个花瓶,上面有花、有鸟,还有各种线条。 幼3:这是个青花瓷瓶,我们家有一个。 幼4:这是个蜂蜜瓶。 教师:怎样让大家一看就喜欢这个瓶子? 幼儿借助自己的生活经验大胆地表达、交流,发现生活中不同事物的美。 2.探讨想象――鼓励幼儿大胆地说。 《指南》中要求幼儿大胆表现,但是“我不会”似乎经常挂在一些幼儿的嘴边,这种现象值得教师深思。为何幼儿不敢画、不敢说?原因无外乎是教师以成人的审美和所谓的技巧制约了孩子的灵动。其实,“放任”孩子们自己随意去表现,往往有惊喜出现。教师“没有要求”,反而会触动幼儿的创意空间。创意活动“美丽的瓶子”能够激发幼儿的想象空间,形成了对幼儿想象力的挑战。幼儿的创作过程应该是不断提升有意想象,借鉴创作的成品和生活经验以及自己对美的概念,大胆构建的过程。 环节二:探讨交流 师:怎样让大家喜欢这个瓶子? 幼1:我喜欢大海的蓝色,我想把这个蓝色的瓶子变成小鱼的家。 幼2:我想让这个瓶子变成蝴蝶的家园。 幼3:我想做个青花瓷瓶。 此时教师对于幼儿大胆的想象与表达要及时给予引导与鼓励,帮助幼儿探索制作,提高想象的能力。 3.探索制作――指导幼儿大胆地做。 对于中班幼儿捏泥,《指南》中目标是“经常用绘画、捏泥、手工制作等多种方式表现自己的所见所想”。借助于瓶子进行捏泥活动给了孩子们一个新的体验,引起了幼儿兴趣。我紧紧抓住幼儿对在瓶子上进行捏泥活动的关注,引导幼儿从整体创意与细节入手,提供表现与创作的空间。 环节三:大胆创意 教师:你想做什么?先做什么?用什么颜色、什么形状来做? 幼1:用瓶子当大海,用圆形做小鱼的身体。 幼2:做花园,两种不同颜色的一起捏成彩色的绳子做栅栏。 教师对于幼儿的发言要给与肯定,帮助幼儿梳理创作需要的元素,完成对瓶子的初步创意设想。同时,应按《指南》精神,倡导“幼儿需要时再给予帮助”的顺应幼儿需要的指导,让幼儿成为活动的主体,充分展现个体才能。 教师的一句话或者是一个动作,往往都会影响到孩子的想法。如果教师强行打断孩子的创作,也许会给孩子传达一个错误的信号,继而会影响到孩子的心理。给每一个孩子自由选择活动的权利,让他们都有参加活动的渴望,在活动中成为主角。 环节四:呈现作品 教师:看,小朋友将瓶子当成了大海、花园、天空、草地,还有的将瓶子做成了家里美丽的装饰品。你是怎么想的?怎样做的?让我们把瓶子放到展览区一起说一说吧。 孩子们的作品各有特色,在展览区,孩子们不但关注自己的作品,还更多地关注他人的作品,展览区为幼儿提供更多欣赏、表达、交流、学习的机会。 《指南》精神强调的是尊重幼儿的兴趣和独特感受。教师要善于倾听来自幼儿内心的声音,要从欣赏者的角度去肯定孩子们的表现和创造,用心等待幼儿的成长,努力营造属于教师和幼儿之间的那份默契和支持的心灵空间。 艺术领域论文:美国早期艺术领域学习标准解读与启示 【摘 要】艺术教育在学前儿童的成长中发挥着极为重要的作用,美国各州从20世纪末就开始制定艺术学习标准。本文对亚利桑那等七个州的学习标准进行分析比较,发现各州在标准的结构、年龄的覆盖面以及内容的制定方面既有共性又各有侧重。各州艺术学习标准的制定为我国修订与细化《3-6岁儿童学习与发展指南》提供了借鉴。 【关键词】早期教育;学习标准;艺术 一、 引言 20世纪80年代以来,随着美国早期学习标准化运动的开展,各州都制定了相应的中、小学学习标准。到目前为止,共有45个州对艺术领域的学习与发展做了具体的规定。随着运动的深入,标准的制定也向学龄前阶段延伸,艺术领域的发展标准得到越来越广泛的关注。本文以美国亚利桑那、加利福尼亚、爱荷华、马里兰、怀俄明、佛罗里达和罗德岛等七个州为例,对其艺术学习标准的结构、年龄的覆盖面以及内容的制定方面进行比较研究。 二、 美国艺术学习标准总况 1.艺术学习标准的价值取向 从整体来看,美国亚利桑那等七个州早期艺术学习标准的价值观遵循美国《艺术教育国家标准》,在大体内容采纳国家标准的基础上,各州又进行了地方化。首先,从目标来看,七个州的总体目标都是为儿童艺术能力的发展创造良好的环境,为儿童艺术能力发展提供框架,从而促进幼小衔接,提高早期教育的质量,并帮助父母及幼儿教师了解儿童,为学前儿童的发展创造有意义的、适宜的学习工具,提高儿童的表现力。第二,从宗旨来看,七个州都奉行儿童中心理论,把儿童看作一个独立的社会个体,尊重儿童的想象力和创造力,给儿童提供自我探索,自我发展的机会;教师作为观察者对其进行指导,最大限度的发挥儿童的潜能。最后,从指导原则来看,七个州的指导原则基本是一致的,即在相信儿童自身能力的前提下,通过教师的观察对其进行指导和沟通,强调在儿童已有经验基础上发展其艺术创造力,注重儿童的文化背景、各科学习的联结、父母及家庭在儿童艺术能力发展中的作用。此外,七个州都认为游戏是儿童艺术发展的最好途径,强调通过游戏发展儿童的艺术能力,并为儿童未来的职业发展做准备。 美国此七个州在儿童艺术学习方面都给予了充分的关注,所制定的艺术标准框架不是衡量和评价儿童的工具,而是为儿童艺术能力发展制定适当的、符合儿童发展规律的内容,最大限度的发挥儿童的潜能。尊重儿童的自我能力,发挥其自主性,注重标准的灵活性。同时,七个州都认为儿童艺术能力的发展,重要的不是结果,而是创造艺术的过程,强调儿童的全面发展。 2.各州艺术学习标准的年龄覆盖面 各州在艺术学习标准的年龄划分上有所差异,大部分州的艺术学习标准都是为三岁到五岁的幼儿制定的,但也有一些州提前到婴儿时期,还有一些州把它延伸到十二年级。例如爱荷华州把艺术标准分为两个阶段,前一阶段为婴儿期(零到三岁),后一阶段为幼儿期(三到六岁),所制定的标准也相应的有所差异;佛罗里达州仅颁布并实施了四岁儿童的艺术学习标准,相对于其他几个州来说年龄覆盖面较小,但具体标准上规定很详细;加利福尼亚州在所研究的七个州中年龄长度是最大的,除了与其他州相同的年龄阶段,还制定了零岁到三岁以及小学一二年级的学习标准,婴幼儿阶段的具体内容在结构划分上也是相同的,易于对婴幼儿艺术学习标准的理解;怀俄明州、亚利桑那州、马里兰州以及罗德岛州在年龄上都是三到五岁,具体的艺术学习标准各州针对本州的具体实际而有所不同。 三、 艺术学习标准的结构 美国早期艺术学习标准的结构包含四个层次,即子领域、各子领域标准条款、每条标准的行为表现指标、帮助儿童达标的准备性学习活动。七个州所制定的艺术标准在结构类别上各有不同,具体表现为:佛罗里达州的艺术领域划分为两个方面,即艺术的表达和表现以及理解和欣赏;亚利桑那州从三个方面划分了艺术领域,即创造、关联和评估。结构划分为四方面的有两个州,包括马里兰州,分别为觉察和反应、历史和文化背景、创造性表达和创造作品、美学与评论;罗德岛州没有命名为“艺术”的标准,而是直接命名为“创造性”,包括游戏、创造性表达、工具、艺术赏析四个部分。爱荷华州以及加利福尼亚州将艺术学习标准分为五个方面来详细描述幼儿应达到的程度:标准、基本原理、基准、基准示例、护理支持;加利福尼亚州的艺术学习标准包括艺术感知、创造性表达、历史和文化背景、审美评估、联结、关系和应用。 四、 艺术学习标准内容 1.艺术学习标准内容的构成成分 美国早期艺术学习标准的内容在宏观上是相同的,基本都是根据美国《艺术教育国家标准》而制定,主要包括四个方面,即音乐、舞蹈、戏剧和视觉艺术。各州根据本地区的具体情况来制定适合本地的艺术学习标准,同时充分利用本地区的艺术资源,发展幼儿的艺术感知力,增强幼儿对本民族、本地区特色的认识及了解。 2.艺术学习标准内容的具体目标 本文将各州艺术学习标准的具体内容中具有共性的、得到多数州认可的内容列举如下: 3.各州艺术学习标准内容的侧重点 美国各州在艺术学习标准的制定上除了表现出以上共性之外,在某些具体指标上还有所侧重。第一、各州在音乐上都强调动作与节奏,有些州则试图让幼儿通过使用乐器来提高幼儿对音乐的感知能力,如马里兰州、佛罗里达州;而加利福尼亚州对幼儿园的音乐标准中提到了让幼儿创作伴奏以及识别和描述基本的音乐元素。第二、在此七个州中,对舞蹈单独做出规定的有五个,亚利桑那州、马里兰州和加利福尼亚州明确提到了即兴创作和表演;而爱荷华州和罗德岛州把舞蹈和音乐放在一起,基本上为让幼儿感受音乐进而创造舞蹈动作。第三、在戏剧艺术标准方面,七个州有四个州提到了模仿、使用艺术材料(道具、衣服等)、假装不同角色(尤其是生活中的角色)来表演戏剧。马里兰州强调幼儿识别戏剧表演要素以及对表演者和观众的认识;怀俄明州要求幼儿在戏剧表演中能够表现出创造力和想象力等。第四、在视觉艺术标准方面,七个州基本上都提到了通过媒体、艺术材料、工具等来发展幼儿的视觉艺术表现能力。其中罗德岛州、加利福尼亚州指出幼儿应使用视觉艺术词汇来表达自己对所看到的艺术作品的看法以及进行对艺术家作品的讨论;爱荷华州强调要给幼儿创造艺术氛围来帮助其学习视觉艺术;罗德岛州还注重通过游戏来提高幼儿视觉艺术的能力;加利福尼亚州要求幼儿用素材表现艺术作品并且在立体环境中创造立体的艺术作品等。 五、 启示 目前我国已经出台《3-6岁儿童学习与发展指南》(征求意见稿),对幼儿在艺术等五个领域的学习与发展提供指引,各省市对该指南仍处于学习阶段。对美国七个州艺术领域学习标准的比较分析可为我国早期艺术学习标准的修订以及各省市的学习和细化提供以下启示: 首先,应该树立科学的价值观,艺术不等于技术,学前儿童的艺术不是专业艺术。因此在学前教育中要坚持艺术的欣赏性、基础性和创造性优先,从多角度来审视艺术教育给儿童带来的发展。对艺术领域的各个方面,如音乐、舞蹈、戏剧和视觉艺术要给予正确的评价,它们不仅仅是幼儿艺术能力发展的课程标准,更要重视艺术的内在价值,让幼儿体会我国博大精深的文化艺术底蕴,为提高自身的修养及素质奠定基础。 其次,在制定与修订艺术学习标准时,应重视幼儿创造力的培养,发展幼儿的创造力和想象力,培养其创新精神。同时,要注意幼小衔接,结合我国中小学艺术课程标准的内容,做好过渡,以便儿童顺利进入小学,全方位的把握艺术标准。 最后,在学习和实施早期艺术学习标准时,要重视灵活性。“标准”不是一个硬性规定,不是考试大纲,而是幼儿领悟艺术、感受艺术的指南,是幼儿学习艺术、教师实施教育的抓手。各省市也可根据本地的具体实际,遵循教育部的统一指南,并进而将指南细化,使之适合本地区教育条件与儿童实际,充分利用本地区的艺术资源,发展幼儿的艺术能力。 艺术领域论文:浅谈电脑灯在舞台表现艺术领域中的应用 摘 要:舞台艺术是由很多因素组成的,是技术和艺术的完美结合,灯光占据着很重要的位置,它不仅起简单的照明作用,更多的还是配合剧本以及人物表演,随之不断变化,使整个舞台效果更加的协调。随着科技的发展,灯光技术不断更新,功能逐渐强大,效果也越来越好。在实际中,灯光管理有一定的难度,操作人员需要具备多方面的知识,积极配合每一个工位,将最好的效果呈献给观众。本文对电脑灯在舞台上的用途及其布光做了简要分析。 关键词:电脑灯;舞台表现艺术;布光 作为现代化的多功能灯具,电脑灯在舞台上以其绚烂夺目、变幻无穷的灯光效果被频繁应用,对营造舞台氛围、推动情节发展等方面意义重大。电脑灯最突出的特点是它内部设有微型的电脑电路,能接受来自控制台的信号,经处理后,将其转换为机械部分,从而完成各种舞台效果。电脑灯的机械部分主要由步进电机组成,负责各种移动操作。目前,按照运动方式常电脑灯分为两大类,一是固定式,二是摇头式。在现代的商业活动、晚会和舞台艺术中发挥着重要影响。 一、电脑灯的优势 与普通的灯不同,由于内部安装有电脑电路,电脑灯能够接受信号并对信号进行处理,转换为操作命令,实现自动化控制,使得灯光控制工作能够更方便的开展;舞台具有很大的不确定性,在表演时,可能会发生很多变化,电脑灯具有较好的灵活性,能够根据实际变化对其进行有效控制;电脑灯内的光源多是些亮度较高的金属卤化物灯泡,使用寿命长,具有很好的色彩纯度,颜色有很多种变幻,有利于渲染舞台意境,协调整体效果;传统的灯光有很多效果都做不到,但电脑灯可以,如图案变化等,在三面棱镜的控制下,电脑灯的光束能够来回摆动,且图案变化多种多样;可根据实际需要对灯的频闪速进行适当调整,能够实现360°的移动,保证每个角落都能被扫描到;最大的优点在于各项功能的组合,通过棱镜、色彩以及光束运动等创造出绚丽多变的舞台效果,使灯光有了动感,在刺激了视觉的同时,对舞台表现力也有很大帮助。 二、电脑灯在舞台表现艺术中的应用 (一)舞台布光技术 灯光在舞台艺术中的作用是极其关键而又独特的,首先,所有的表演都要依靠灯光展示给观众,其他诸如服装、人物、摄影、道具等每个工位都需通过灯光才能使各自特点得到充分发挥。其次,灯光操作者仅仅掌握电工技术是不够的,还需对光学、舞蹈、表演、美术、色彩学等都有足够的了解,因为舞台艺术要的是一个整体效果,灯光必须符合导演的用意,并结合剧本和具体表演做二次创作。所以,对舞台的布光看起来容易,实则很难。 灯光是艺术和技术的结合,可以说,没有灯光就没有舞台的空间时间。关于布光的要求,一般来说应符合四个要求,首先要调整好亮度、色彩等基本要素,给观众一个良好的视觉效果;其次,设计表演者的造型,为视觉呈现出一个立体结构,将物体的立体感和空间感充分展现出来;再者,灯光的强弱、方位以及色调等应与舞台表演、剧本剧情相符,更好地烘衬出表演者的情绪变化;最后,要达到一定的意境,通过各项技术将舞台艺术化。 (二)电脑灯的作用 和影视布光不同,舞台布光注重的是现场效果,演员和观众是近距离接触,且舞台具有固定性,而在表演的剧本中,常常要进行多个空间之间的转换,这也正是舞台表演的难点所在。为增强故事的感染性,除了演员的深情表演,还需借助声、光、色、形等技术模拟出一个个与剧本要求相符的空间。起关键作用的无疑是灯光,所以在布光时,为取得良好的空间效果,必须对舞台结构、道具摆放以及设备状态灯因素进行综合考虑,包括舞台平面剖面图的绘画,舞台的高度、长度测量,吊杆的数量、相关设备的功率及运行状态等。一般而言,时空是分不开的,除了表现各种空间,布光也要符合时间的变化,如天气变幻、季节往来等,都需经过灯光亮度、色调、滤片等不断转换来完成。 在舞台表演中,地点、时间、人物是最基本的要素,而剧情的发展通常是由人来推动的,相对来说,时空较为固定,而人物是活跃的,是舞台的优秀。人物的表演要通过灯光传递给观众,所以对人物的布光也异常关键。首先是人物的外形,主要是指服装、动作等,灯光一定要和演员的服装颜色相称,如果色彩反差很大,观众看起来会很不舒适。表演者的动作是苏浙剧情不断变化的,灯光也务必要跟紧,如动作紧促时,可将灯光调暗些,加强效果。 三、结束语 舞台表现艺术需要多项技术和艺术相互协调、相互结合,灯光是其中较为关键的要素之一,是整个表演顺利进行的重要保障,对舞台的整体效果影响很大。在科技的推动下,各种灯具不断被研发,尤其是电脑灯的出现,使得舞台表现的艺术性更加完美。 艺术领域论文:浅谈幼儿园语言教学与艺术领域的整合 摘 要: 幼儿期的语言学习与发展,是人的一生中语言发展与运用的关键时期,在语言活动我发现时,幼儿说的少,经常会出现不敢说、说的不全面和不知道说什么的情况,但在进行艺术活动时,幼儿却可以放开思路大胆的说,动手绘画的时候也是不停的一边画一边说。《幼儿园教育指导纲要》中也指出:互相渗透的各领域教育是发展幼儿语言的重要途径,艺术活动中同样蕴涵语言教育的价值,“让艺术作品说话”也是培养幼儿语言的重要方式,这也是《纲要》体现的重要先进理念。 关键词: 幼儿园; 语言; 艺术领域; 整合 作为幼儿老师我们要把握住这一语言发展的关键期把语言教学同艺术领域结合,让幼儿获得多方面的语言信息,自由地创造性地运用语言。 一、语言与美术活动有机结合,促进幼儿语言的学习与发展 (一)在美术活动中整合语言教育。如何在美术活动中渗透语言教学呢?绘画前我有意识地让幼儿到大自然中去体验,引导幼儿观察、讨论,发现生活中美好的事物与景象,启发幼儿能够运用语言表达自己的感受和发现。有一次在组织大班的绘画活动《我喜欢的高楼大厦》时,先组织幼儿观看视频,欣赏世界各地不同建筑风格的高楼大厦,孩子们领略到不同的建筑美景以后,显得异常激动,各抒己见发表自己的看法,好多高楼在我们的生活中从来就没有见到过,尤其是欧美国家的楼房设计的竟然是那么的别具一格,就像一件件精心雕刻的艺术品似的,我便趁热打铁鼓励幼儿插上想象的翅膀,给自己设计一个自己喜欢的与众不同的楼房,结果全班四十多位小朋友,画出了四十多幅不同的画面,我便让孩子们给自己的画命名,并创编不同的故事情节讲给大家听,我先给孩子讲评了其中一幅画,先启发能力稍弱的孩子进行简单讲述,能力强的孩子都按捺不住了,我便适时增加了难度,要求每人的故事里至少要有两到三个成语或修饰词,孩子们各个乐不此疲竞相讲述,每一幅画都是一个生动的故事,结束后我把它们装订成册投放在语言区,供孩子们互相分享学习,在这个过程中孩子们充分表达着自己的思想和情感,说出自己想说的话。经过一段时间的尝试与实践,既大大提高了孩子的语言概括组织能力和语言表达能力,还丰富了孩子的词汇量,可谓一举两得。 (二)在语言活动中整合美术教育。如中班的《蒲公英的旅行》,第一个活动,幼儿观察图片、理解故事内容,了解蒲公英飞到了世界最高的山脉、最长的长城、最大的天安门广场;第二个活动,启发幼儿想象蒲公英还会飞到哪里?遇到谁?把它画下来。幼儿非常感兴趣,在“我画我讲”中不断发展幼儿的语言表达能力。又如活动《青蛙飞上天》,故事讲述了小青蛙想飞上天去看看,可是青蛙没有翅膀,该怎么办呢?启发幼儿大胆想象,续编故事的后半部分。小朋友们真是异想天开,生动有趣。有的说:小鸟飞来了,像飞机一样载着小青蛙,小青蛙看见了美丽的田野;有的说蝴蝶来帮助小青蛙;还有的说小朋友来了,用大气球帮助了小青蛙,小青蛙看见了美丽的花园等等。老师适时鼓励幼儿把自己的故事讲给好朋友听,再到全班评选故事大王。小朋友个个喜欢画故事、编故事、说故事,大大地激发了他们愿说、想说、会说的愿望,有效促进了幼儿语言连贯性表达能力的发展。 二、语言与音乐领域的整合,提高幼儿的学习兴趣 (一)听歌曲创编故事。首先选择有趣的活动内容,改变以往看图讲故事的单一,让幼儿将歌词与已有的经验结合,想象创编故事情节。如大班歌曲《蹦蹦跳跳身体好》,幼儿会唱歌曲后,已经了解和掌握了歌词,我便引导幼儿把歌曲《蹦蹦跳跳身体好》改编为故事《森林运动会》,幼儿兴趣非常浓厚,根据奥运会比赛项目的经验,有的创编了故事《骄傲的小猴》。森林里举行了动物运动会,小猴子参加了爬高比赛,它一边爬一边说:“我是第一名,看我的”,“啪”不小心摔了下来,小猫获得了第一名;有的创编了《快乐的运动会》,小动物们都来参加了,它们每个人将自己的本领表演给大家看,小狗赛跑第一,大象举重第一,小鹿跨栏第一;它们快乐地站在领奖台上,多自豪呀!在幽默、欢快的音乐中幼儿敢于大胆想象、讲述,在这样的活动中培养了幼儿用自己的语言构建新的故事内容,并大胆地表达出来。 (二)听音乐感受表演。音乐能激发孩子的表现,除了语言,孩子更喜欢肢体动作的表演。根据这一特点,我们还准备了头饰等道具,满足孩子表演的需要。如:大班音乐活动《捉迷藏》,幼儿戴着头饰轮流在时而活泼跳跃,时而沉重缓慢,时而轻柔优美,时而阴森恐怖的音乐中模仿动物动作,不知不觉地进入了角色。当音乐一停,孩子们的话匣子打开了,他们以角色的身份讲述自己对音乐的理解,贝贝说:“我是大老虎,我躲在大树后面。大班音乐欣赏《狮子王》,先通过故事情节帮助幼儿理解乐曲ABA的结构,“狮子大王要过生日了,听一听,谁会来帮它过生日呢”?使幼儿的注意力一下子集中起来,猜一猜会发生什么事?进一步增加幼儿的想象,使乐曲内容与故事内容匹配,有效地在音乐活动中渗透语言。其次,引导幼儿根据故事情节、乐曲性质创编动作,他们各自用富有个性的动作表现了故事中狮王的高兴、神气、威猛、害怕等词的理解和掌握。更让每个幼儿享受到故事表演的乐趣。 (三)音乐旋律和儿歌、古诗的整合。儿歌与歌曲有着密不可分的关系,可以歌唱的儿歌就成了儿童歌曲,好的儿童歌曲也常常是在好的儿歌基础上谱曲而成的。如果我们从音乐要素的角度把儿歌与歌曲的内在因素与特点做个比较的话,就会发现儿歌和歌曲一样,也有节拍、重音和节奏,也有声音的高低、强弱和快慢的变化。优美的音乐旋律总能给人以美的享受。儿歌本身就具有一定的节奏,如果儿歌再加上节奏表演后,就会使儿歌更具生命力。所以我在儿歌和音乐旋律整合的初级阶段,选择的旋律是简单的、幼儿非常熟悉的歌曲旋律。如《小花狗》、《两只老虎》、《蜜蜂做工》等歌曲,根据歌词的的特点配上相应的儿歌或诗歌。先让幼儿节奏朗诵,然后让幼儿配上符合儿歌内容的肢体语言和旋律来引导孩子理解儿歌的含义,最后配乐器伴奏,边唱边打节奏,但先要让幼儿了解乐器的特点,会看图谱。如碰铃、三角铁清脆、柔和,带有延长音;圆舞板木鱼则是结实明亮、清脆而短促的乐器。在儿歌和节奏整合的前期应根据儿歌的特点出示表示乐器的符号,认识了图谱以后,让幼儿根据提示自主来选择乐器来表演,通过尝试我发现在儿歌中加入音乐旋律节奏后不但使儿歌更加形象化、趣味化,而且幼儿对这种形式特别喜欢不但乐学,同时也不易遗忘。 总之,在语言和艺术领域的整合中,还应该给幼儿一定的探索空间,让幼儿自主的学习。同时老师也要不断地探索,根据幼儿的发展水平,制定一些适合幼儿,更利幼儿发展各种能力的活动。单一的、传统的语言教学已远远不能满足21世纪的孩子,只有在开放性的活动中,帮助幼儿积累生活及语言经验,丰富表述内容,提高语言水平,才是幼儿园语言教学的宗旨。后来我不断尝试以多种形式、多种手段,向多领域延伸激发幼儿对语言学习的兴趣,培养幼儿良好的艺术素养,经过一年的尝试与探索,幼儿达到了知识技能与素质培养兴趣相统一,促进了幼儿全面和谐的发展。同时我的整合课也起到了示范引领作用,作为优质课向全园老师推广学习,让我们的孩子在唱一唱、画一画、演一演多样化的教学方式中感受语言的魅力,才能使他们主动的想听、愿听、想说、愿说……孩子的语言就像美妙的音乐,需要我们给她插上五彩的翅膀,让那旋律变得更加悠扬。 艺术领域论文:浅析影响幼儿园艺术领域课程发展的因素及优化途径 摘要:虽然目前我国大部分幼儿园已经意识到了艺术领域课程实施的重要性,并采取了一些相应措施,但是许多不利因素依然存在。本文就影响幼儿园艺术领域课程发展的因素进行分析并试图构建理想的幼儿园艺术领域课程,以促进幼儿园艺术领域课程的健康持续发展。 关键词:艺术领域课程 因素 途径 1 影响因素 1.1 教师观念 教师对幼儿通过高难度技能的训练,最终要使幼儿掌握并运用这些技能技巧,比如在学习音乐时,让幼儿长时间发高音。这种只重结果不重过程的训练无法让幼儿深刻体验美的内涵。我国的新课程改革倡导每位教师改变重结果不重过程、重技能训练不重方法的传统教育观念。因此,教师要转变教学观念,要使幼儿艺术教育活动的过程充满愉悦。首先,教师与幼儿都处于一种愉悦的状态,都获得美感满足,都感到兴趣盎然,在使幼儿获得愉悦感受的同时发现美、体验美、感受美。在艺术活动中,变“苦学”为“乐学”,在“玩中学”、“学中创”,满足幼儿自我实现的需要并获得成功的体验。其次,教师还要吸引幼儿在积极并富有创造性的无拘无束、轻松愉快的氛围中参与艺术活动,在艺术活动中教师应想法设法鼓励幼儿参与,引导幼儿逐渐懂得怎样去思考,怎样在“不懂”和“不会”中找出解决问题的办法,怎样去大胆地探索。要坚持正面教育,不断鼓励幼儿去观察、实践、探索、创新,激发幼儿的好奇心和内驱力。 1.2 家庭环境 首先,父母是孩子的重要的模仿对象之一,父母对艺术的审美观念、艺术爱好等都对幼儿起着直接的榜样示范作用。其次,家庭文化。家庭成员的道德修养、个性特征、审美情趣、思维品质、生活方式的不同形成了各个家庭独特的文化氛围,它以潜移默化的心理暗示和熏陶的方式对幼儿的发展产生直接而深远的影响。文明、健康、积极向上的家庭教育环境,为幼儿艺术教育打下良好的基础。因此,为幼儿营造良好的家庭环境在幼儿艺术教育中起着非常重要的作用。 1.3 社区文化 社区的文化传统、风俗民情都对幼儿艺术教育产生影响,教师要利用好社区这一教育资源,要重视社区文化的传承性,在继承的基础上要不断开拓创新,这样才能更好地让幼儿感受到丰富多彩的社区文化,才能使幼儿更好地开阔视野,才能使幼儿更加深入地了解本土文化,也才能更好地提升幼儿的艺术教育水平。但是,教师在实施社区艺术教育之前,首先要对本土的社区文化进行充分的了解,比如风俗民情、基本设施等。其次,要充分了解幼儿已有的社会经验、生活经验等知识结构,根据教育内容选择利于幼儿发展的教育资源,教师可以采用问卷调查法、访谈法等方法去了解幼儿的知识结构。再次,利用社区教育资源开展艺术教育活动。充分考虑涵盖幼儿在社区生活中能接触到的、常见的艺术内容以及大纲要求的内容,根据幼儿已有经验、教师预设目标、幼儿需提升经验等方面来开展,让社区的人文资源和物质资源为艺术教学服务。 2 优化幼儿园艺术领域课程的重要途径 2.1 艺术课程要具有生活性 《幼儿园教育指导纲要》明确指出:教育活动内容的组织应充分考虑幼儿的学习方式和特点,注重综合性、趣味性,寓教育于生活、游戏之中。[1]幼儿的艺术活动充满着巨大的想象力和创造力,因此也充满了趣味性和游戏性,但是这种趣味性和游戏性具有随机性和即兴性。根据幼儿艺术能力的发展特点,教师在对幼儿园艺术领域课程进行设置的时候,不要仅局限在一星期安排几天的艺术教育活动或是在一天中某个时间段进行的艺术教育活动,应实施融入幼儿的每日生活中。不管是每天进行的课程教学,幼儿园每天的例行活动,都要以全方位融入幼儿的每日生活为理念对幼儿进行艺术教育,有意识地进行艺术教育,使生活环境成为幼儿学习艺术的重要途径,充分拓展幼儿热爱真善美率直天性的空间。因此教师不仅利用园内一日生活,让幼儿尽情游戏、表演、创作,而且还要带领幼儿外出观察,欣赏大自然的美景,参观博物馆、艺术馆、科学宫、游乐场,观察各种社会活动,引导幼儿发现周围生活中的美,培养幼儿的审美直觉、审美感知和审美情趣。 2.2 艺术课程要具有人本性 人本性,是指以人为本,强调在艺术活动中教师首先要接纳每一位幼儿,把每为幼儿看作独立的个体,他们有不同的看法与思想情感。其次教师要帮助幼儿认识到自己是有能力、有价值的人。最后,教师要善于帮助、引导幼儿发掘他们的艺术潜力。在《幼儿园教育指导纲要》的思想指导下,教师要更新观念,将传统的以“教师教”为中心转为以“幼儿学”为中心,以“教材”为根本转为以“幼儿”为根本,针对幼儿感兴的艺术教育形式适当地引导、支持幼儿的有意义学习。这种意义学习首先具有幼儿个人参与性,即整个身心投入艺术教育活动中。其次,学习是幼儿自我发起的行为,必须是幼儿自主探究的,要有主动学习的内在动力。再次,学习是全方位的,它能使幼儿在情感、态度、行为乃至个性等各个方面发生变化,而不仅仅是单一的认识或技能的改变。 总之,艺术教育活动强调幼儿的主体性、参与性、创造性,尊重每一位幼儿,把他们作为教育的主体,充分调动幼儿的积极主动性,使每一位幼儿在各方面都能得到和谐的发展。 2.3 艺术课程要具有渗透性 《幼儿园教育指导纲要》指出:幼儿园的教育内容是全面的、启蒙性的,可以相对划分为健康、语言、社会、科学、艺术等五个领域,也可作其它不同的划分。各领域的内容相互渗透,从不同的角度促进幼儿情感、态度、能力、知识、技能等方面的发展。[2]这句话告诉我们要使各领域课程得到更好的发展,需加强领域间的渗透性,才能实现一种完整全面的教育。 如果我们能够做到用一种生活性、人本性、渗透性的观点来理解幼儿艺术课程,我们就会发现,艺术无处不在。 作者简介:王金利,天津市信息工程学校,天津 301900 艺术领域论文:浅谈以工作过程为导向设计环境艺术设计专业的学习领域 摘 要:我院艺术设计系自2003年开设环境艺术设计专业以来,紧跟中国职业教育改革步伐,认真学习职业教育理论,不断地深入人才培养模式改革,深化教学模式,以工作过程为导向,开发设计符合职业岗位能力要求的课程体系,培养出满足企业职业岗位需要的职业技能型人才。 关键词:工作过程 学习领域 课程体系 近几年来,我院环境艺术设计专业通过深入教学改革,提高了教学质量,毕业生得到社会用人单位的肯定。这得利于本专业以行动为导向、以项目为载体的工作过程系统化为指导思想,按照环境艺术设计职业岗位(群)能力要求,归纳分析典型工作任务,确定行动领域和学习领域,对专业课程以项目为载体按照典型工作任务进行构建,实行“项目+工作室”工学结合的人才培养模式。 1 确定环境艺术设计的典型任务 环境艺术设计专业采取市场调研、毕业生跟踪调查,以及召开实践专家座谈会等举措,调研环境艺术设计职业岗位的典型工作任务,论证毕业生职业成长的主要有五大阶段:绘图员、助理设计师、设计师、首席设计师、设计项目总监。每个阶段都有对应的典型工作任务: (1)设计绘图员。 典型工作任务:绘制施工图、绘制方案效果图、绘制现场施工标准、标注材料应用规格。 成长时间段(从毕业后累计):3~6个月。 (2)助理设计师。 典型工作任务:协助设计师与客户洽谈;协助设计师设计方案;协助设计师选取施工材料;汇编施工标准;协助设计师施工管理。 成长时间段(从毕业后累计):0.5~1年。 (3)设计师。 项目洽谈、签订合同;项目创意表现;方案效果表现质量监控;项目预算、成本控制;材料选取、施工管理验收。 成长时间段(从毕业后累计):1~2年。 (4)设计项目总监。 中型项目洽谈、签订合同;中型项目规划设计;方案表现质量监控;投标方案设计;项目预算、成本控制;工程质量监控,竣工验收。 成长时间段(从毕业后累计):4~6年。 经过行业\企业调研,归类的环境艺术设计专业的主要工作岗位群,并依据实践专家座谈会反馈信息,确定环境艺术设计的典型工作任务、岗位能力要求、岗位知识要求,并根据市场调研和结合我系环境艺术设计专业的资源优势,确定环境艺术设计专业主要培养助理环境规划设计师、绘图员和施工管理员。 助理设计师岗位知识与能力要求:能够熟练地应用各种环境规划设计软件,适应多种景观规划、园林工程项目的需求,掌握园林景观以及建筑的外观理论知识,具有方案设计与施工图、效果图、工程预算与施工管理等方面专业知识,能够根据项目特点综合运用恰当的设计元素进行景观、园林设计项目创作,熟悉和掌握环境规划设计项目的方案表现方式及制作执行流程,具备合格的专业素质,学习并遵守行业规范。 绘图员岗位知识与能力要求:能够熟练地应用各种设计软件,掌握环境规划设计方案表现技巧,具有园林景观以及建筑设计方案与施工图、效果图等方面专业知识,熟悉和掌握环境项目的方案表现方式及制作执行流程,具备合格的专业素质,学习并遵守行业规范。 施工管理员岗位知识与能力要求:能够熟练地应用环境项目施工图绘制软件,适应多种工程项目管理需求,掌握园林、景观、建筑装饰设计与施工管理的基本理论知识,具有项目施工管理统筹能力,熟练掌握项目的施工标准管理、安全监督,及质量监控执行流程,具备合格的专业素质,学习并遵守行业规范。 2 归纳环境艺术设计专业的学习领域 经过对环境艺术设计设计技术职业成长的五大阶段职业岗位对应的典型工作任务进行归纳分析,找出典型工作任务与课程之间的对应关系,归纳出与典型工作任务相对应的学习领域有手绘构思表现、计算机辅助设计、施工制图、环境、景观规划设计、景观植物与绿化配置等。 3 以工作过程为导向,设计环境艺术设计专业课程体系 由主管教学的领导、专业带头人、骨干教师、企业一线设计人员和技术人员、教育专家等组成的课程体系改革小组,在对专业开展全面、深入的社会需求调研基础上,明确专业培养目标定位,确定毕业生就业岗位和发展岗位,按照技术领域和企业对岗位胜任能力的基本要求,并参照职业技能鉴定标准,开发融入行业企业技术标准的课程体系。并按工作过程设计各教学主题单元,开发系列以项目、案例为主的“教、学、做一体化”课程,实施“项目+工作室”工学结合教学模式。 4 主干课程(学习领域)教学运行设计 与广西长绿山园林工程有限公司、南宁市艺巢装饰设计公司、樊汉环境设计事务所等单位紧密合作,根据环境艺术、园林景观工程技术的职业标准和职业岗位的知识、能力和素质要求,校企合作开发课程标准,包括课程教学目标、教学内容、教学时间安排与教学情境设计、教学方法、课程考核方式等。 5 结语 基于工作过程系统化,设计环境艺术设计专业的学习领域,能够完善了实践教学体系,职业教育特色更鲜明,确保环境艺术设计专业“项目+工作室”工学结合人才培养模式深入推进,教学效果显著,毕业生就业率连续三年到达100%,对口率达90%,具有很高就业质量。 2007年环境艺术设计专业被确定为广西壮族自治区级优质专业。 2010年环境艺术设计专业被确定为广西高等学校特色专业及课程一体化建设项目。 2011年环境艺术设计专业被确定为教育部财政部重点支持高等职业学校提升专业服务能力建设项目。 2012年环境艺术设计实训基地被确定为自治区示范性高等职业教育实训基地。 在环境艺术设计实训基地,实施“项目+工作室”教学模式,在教师指导下学生一共完成10多项景观规划设计项目:八桂绿城、凭祥市友谊小学规划设计、北海斜阳岛旅游景区、龙胜滑石矿综合开发区园林规划等大型项目。 艺术领域论文:浅谈古典钢琴作品在现代各个艺术领域中的运用 摘要:古典钢琴的魅力是无穷的,但是古典钢琴在中国却没有国外那么广为人知,近几年国内外开始把一些古典钢琴的作品运用到电影、歌曲、舞蹈和其他一些艺术领域,这些运用使各领域、阶层和年龄层的更多的了解认知古典钢琴,使古典钢琴焕发了全新的生命力。 关键词:古典钢琴;现代音乐;传承;发展 钢琴在我国大众生活中还没有那么普遍,我国民众对钢琴的了解大多还停留在一些中国的乐曲和一些歌曲上,对于各种体裁的专业的钢琴曲大部分人还不那么了解。随着我国经济飞速增长,各种艺术形式蓬勃发展,也有一些新的艺术形式的建立。古典钢琴作为一门传统的古典的艺术形式在我国并没有进入到普通大众的生活中,这是多方面原因造成的。一方面,钢琴由西方传进中国,它的经济价值不菲,并不是普通大众可以承受的起,另外在钢琴刚传入的时候演奏和传授钢琴技巧的人才也不多见,钢琴进入中国以后,国外的古典钢琴作品我国普通的民众由于没有接触过,在最开始的时候还太能够欣赏古典钢琴作品。这些都是制约钢琴在我国的发展的原因。 建国以来我国的音乐家们开始创作一些民族的钢琴曲作品,并拿钢琴做为歌曲和乐曲的伴奏乐器以进入人们的生活,当一些民族乐曲歌曲以钢琴的形式演奏出来,熟悉的旋律和感觉以一种没有见到和听到的方式展现在人们面前,钢琴独有的艺术魅力一出现就征服了人们的心。但是古典钢琴作品却没有能够在我国的舞台上大放异彩,主要是古典钢琴作品相对于我国民族不像民族乐曲改编的曲子那么通俗易懂,另外欣赏古典作品是需要了解一些作品的背景、风格及其进行一些基础知识的学习,这些因素都造成了古典钢琴作品至今没有像西欧国家那么普及。 近十年间,古典钢琴作为电影配乐中的运用越来越多,配乐的使用使很多情节在情绪上起到升华的作用。不可否认配乐在电影中是特别重要的一个部分,而古典钢琴相当多的作品放在任何年代哪怕是现在最流行的电影中也非常合适。尤其在一些爱情电影中作为配乐的时候非常能够烘托气氛,例如韩国电影《我的野蛮女友》中女主角弹奏的就是乔治温斯顿改编帕赫贝尔的卡农。一时间大街小巷中都充斥这这段旋律,许多年情人也开始尝试这学习了解钢琴,钢琴开始作为优雅女性的一项技能代表,似乎在电影中美丽优雅的女主角再弹奏一段钢琴,就立刻成为了人们心中完美女神,这也是古典钢琴作品展示过后给我们的印象。也有直接以钢琴为线索拍摄的电影,例如《钢琴课》、《海上钢琴师》、《钢琴战曲》等等,在这些电影中我们了解了不同风格种类的古典钢琴作品,在剧情需要的前提下时而凄婉动人催人泪下,时而技巧高超惊情澎湃,时而如行云流水自然的淡淡的流入我们的心田。一些动画片中为了配合剧情需要也使用了许多古典钢琴作品,例如我们非常熟悉的动画片《猫和老鼠》中加入了大量的古典钢琴作品如李斯特的《升C小调匈牙利狂想曲2号》、肖邦的《24首前奏曲:d小调》、《革命练习曲》、《光辉圆舞曲降E大调作品18 》等等,这些作品在动画片的热播中从儿童时代就把古典钢琴作品的形象刻画到人们的心中。 钢琴在声乐领域就像鱼和水的关系,是声乐艺术中不可或缺一部分。钢琴在演奏古典钢琴作品的同时,开始也为歌唱者伴奏,后来随着古典钢琴作品的深入人心,艺术家们开始尝试把钢琴作品套上歌词以另外一种形式来展示,一出来效果就非同凡响。例如舒伯特的《小夜曲》,当它由钢琴作品加上歌词演唱时使我们更深的感受到它是如此打动人心和古典钢琴作品的不同凡响之处。也有一些流行作品中添加了古典钢琴的演奏段落,艺术形式多样化的同时古典钢琴作品的优雅流畅的曲风一出现便迅速的征服了人们的心,例如元若蓝的《爱乘以无限大》中间就插入了钢琴作品《踩到猫》,诙谐可爱的曲子加上现代元素,使人们在吟唱着流行的旋律的时候也领略到了古典钢琴作品的魅力。一些音乐家改编了一些古典钢琴作品成为合唱曲,例如小约翰・斯特劳斯的《闲聊波尔卡》,里姆斯基.克萨科夫的《野蜂飞舞》等等,从合唱的领域诠释了古典钢琴作品,展示了另一番风采。 在舞蹈艺术领域中,古典钢琴作品也是不可或缺的非常重要的一部分,在各个舞种以古典钢琴作品作为伴奏的成功的作品都非常多。芭蕾舞跟古典钢琴作品的关系更是密不可分,从最基础的芭蕾基训到成熟的作品,非常多的选段都是以钢琴来作为舞蹈音乐的,比较著名的有芭蕾舞剧天鹅湖中的《四小天鹅》等。其他国标舞、族舞、现代舞、当代舞、古典舞等等各个舞种都有许多的优秀的作品是用古典钢琴作品做伴奏音乐,并取得不俗的成绩,获得一致的欢迎和好评。 古典钢琴作品在现代,不仅仅是在电影、声乐、舞蹈这些艺术领域发挥着作用,在魔术、舞台剧、电视艺术等领域都有着不同的作用和不俗的成绩。古典钢琴艺术在各个领域发挥作用的同时也在我国迅速的发展,在不同阶层和年龄段都有不少稳定的“粉丝”,相信古典钢琴作品不会退出历史舞台,会在一代又一代的艺术家的努力下不断发展壮大、展翅高飞。 艺术领域论文:浅谈幼儿园艺术领域教学策略 《幼儿园教育指导纲要》将艺术教育作为一个领域提出来,其目标、内容、实施各部分的阐述不仅赋予了艺术教育新的理念,同时要求我们幼儿教师能够“在艺术活动中面向全体幼儿,要针对他们的不同特点和需要,让每个幼儿都得到美的熏陶和培养”。更重要的是《纲要》精神主张让幼儿感受快乐,体验成功;主张幼儿大胆地表露个性,张扬自我;主张幼儿会欣赏自己,更要学会欣赏他人。 艺术教育的价值取向不再是注重知识、技能的传递,而是注重幼儿情感的培养和自我表达、精神创造的满足,使幼儿成为一个热爱生活、热爱艺术、热爱美的人。这将使幼儿受益终身,为其一生的发展奠定良好的基础。教师作为幼儿园教育中最重要、最基本的力量,是幼儿艺术教育改革中最主要、最直接的创造者,因此,对幼儿进行科学有效的教学策略能起到事半功倍的效果。 1树立正确的艺术教育观,引导幼儿快乐创作。 孩子天生喜欢艺术,他们和成人一样有艺术审美的需要,并且对艺术有着强烈的好奇心和表现欲。他们容易对艺术活动表现出自发的热情和兴趣,但又往往带有情绪色彩,不稳定、易转移,这时教师切忌灌输式,不要一味地强调技能的训练。让幼儿自由畅想、随意作画,幼儿通过自主性的创作,充分地表现自己对周围世界的看法,大胆流露自己的情感。这其中,幼儿不拘一格的新奇创意,大胆、无拘无束的表现出的童心、童趣,是成人无法想象的。教师不要随意打断幼儿的创作,注意幼儿创作的流畅性。幼儿的现实与想象是混沌一体,很难划分清楚的,在活动时,幼儿会积极地建构想象的虚幻的世界。并在这一过程中得到了极大的快乐和满足。这也需要我们教师善于反思,拥有正确的审美观点和审美情趣。 2对幼儿进行科学评价,促进不同层次的提高。 在艺术教学过程中,不难发现幼儿在各方面的能力水平有很大的差异性,作为教师,如果用横向标准来衡量,就会出现“能力强”和“能力差”的孩子,很难做到不失公正的因材施教行为。因此,要对幼儿进行科学的评价,首先必须善于观察、积极引导,根据幼儿的发展状况、兴趣情绪、行为需要等,提供不同层次的操作材料,提出不同的作画要求,促使他们在不同的能力水平上都有所发展提高。 其次,教师要运用鼓励的方式对幼儿进行纵向的比较。当幼儿通过自己的努力还没有达到理想的效果时,我们教师的一个微笑,一次轻轻的抚摸或许就是对他最大的鼓舞,给幼儿一种“我能行,一定行”的心理暗示,使他们在自信中完成艺术目标,提高自身水平。 另外,教师适时适度的在技能、技巧方面的引导,使教师变成了幼儿艺术活动的支持者和合作者。当幼儿完成艺术作品时,教师又成为欣赏者和分享者。通过教师的主动参与,不仅调动了幼儿极大的兴趣,而且使他们有强烈的成就感与满足感。让每一个幼儿都有机会进入“能力强”的行列。 3创设艺术环境,形成与其他学科的整合。 《纲要》中要求"各领域内容相互渗透"。在传统的艺术教育活动中,我们一味强调技能技巧的训练和习得,很少把它和各领域活动联系起来,即便在幼儿园轰轰烈烈搞综合主题教育的时候,也只能算是东拼西凑的大杂烩,不能算是真正意义的整合。 3.1要通过多种途径,将艺术教育和各领域教育相互渗透。如在进行《我用画笔画家乡》这一活动时,除了让幼儿通过不同颜色、线条展示家乡之美的同时,还可以融入社会了解家乡的美景、人文,融入语言创编儿歌等等。 3.2营造艺术氛围,加强日常生活中的艺术教育。在日常生活中到处都存在着艺术,幼儿所生活的环境就是一种“隐形语言”,比如我们园内的假山、楼阁、莲池、游鱼,处处都是一种美的熏陶,各种节日欢歌笑语、无比欢畅,此时重在我们善于引导孩子留意美、欣赏美、抓住各种教育契机来进行艺术教育。 3.3区域活动,留下永久的艺术气息。在活动室内外,大到墙饰布置,小到区角活动,无处不在孩子参与的作品。比如泥工区、剪纸区、音乐区等等,通过成品摆放、观察记录、照片留影、多媒体摄像等,展示着幼儿在主动参与创造设计后,留下的发展足迹,潜移默化地给幼儿带来永久的艺术感受和审美愉悦。 4为幼儿提供机会,展示自我,欣赏同伴。 艺术教育要以幼儿为本,重视幼儿的情感体验和操作过程,发挥艺术的情感教育功能,促进儿童健全人格的形成。教师作为艺术教育活动实施者和引导者,其多才多艺的艺术表现能力,可以展现艺术的生动形象性和具体可感性,并与幼儿的心灵直接沟通。所以,幼儿艺术教育活动要转变那种以教师教,幼儿练为主的单一的、封闭的、静态的课堂教学组织形式,可以充分发挥幼儿的主体作用,改变幼儿被驱使进行艺术活动的被动地位。 为幼儿提供机会,使幼儿在与教师、同伴、环境、艺术作品的互动过程中,在自我表现、自我表达过程中,获得丰富的情感和体验,提高其艺术审美能力。并且,要鼓励幼儿多欣赏同伴的作品,为幼儿创设条件,引导他们相互交流、相互协商,通过合作意识,共同提高艺术素养。 总之,在艺术教育活动中,教师已经远远不限于知识传承者的角色,而是要在《纲要》的指导下,作为支持者、合作者、引导者灵活地扮演最适宜的角色去与幼儿积极地互动,激发幼儿感受美、表现美的情趣,丰富他们的审美经验,使之体验自己表达和创造出来的快乐,在艺术领域活动中,发挥最大的潜能。 艺术领域论文:数字艺术研究领域的中国学派之花 20世纪90年代以来,随着数字技术的迅猛发展,一种新型的艺术形式——数字艺术,应运而生。从网络文学到网络游戏,从数字动画到数字电影,从数字电视到数字广播,从手机彩铃到手机电视……一时间,这些花样繁多的新媒体艺术以令人眼花缭乱目不暇接的速度在艺术生态园中恣意攻城略地,大大吸引了社会大众的眼球。然而,与此截然相反的一个现象是,对这类新兴艺术的考察和研究相对落后和薄弱,尤其是系统的有深度和创见的学术探索更为罕见。山东师范大学马立新教授的《数字艺术哲学》一书的出版,标志着我国在数字艺术研究领域取得了突破性进展。 首先,本书最引人瞩目的成果是创建并系统论证了“自由情感美学体系”。所谓自由情感即“任何审美客体激发审美主体产生的无功利性愉悦情感”,因此,自由情感就是审美情感,是主体在与审美客体互动过程中能够切身体验到的心理愉悦。显然,这是一个既不同于古典美学,又不同于现代美学的一个崭新的美学观,是马立新对美的重新“立法”。这一美学理念的独特价值,在于超越了古典美学和现代美学的各种清高和孤傲的弊端,首次实现了审美主体与审美客体的有机统一。古典美学将美作为一种客观属性来分析,而现代美学则将美作为一种纯粹主观属性,它们看似观点对立,但本质上都是一种美学上的机械论。这些观点单独来分析,似乎有其合理之处,但与实际的人生审美经验背离,严重脱离普通社会大众的审美生活,尤其不利于文化产业时代的艺术创作。 马立新在对古今中外的各种美学观分析、比较和批判的基础上,恰当地对准一般大众的审美生活和审美经验,并针对大众艺术产业发展的时代感召,建构起一种人人都很容易体验、把握和理解的美学理念,它强调审美主体的能动性、审美客体的普遍性和审美情境的重要性。“美不是独立存在的自由王国,即美不具有客观实在性。审美主体不具有特殊性,即任何具有完全生命能力的人只要存在着审美情境都可以成为审美主体。审美客体不具有共同的属性,任何一个客体都存在着成为审美客体的潜能,即在一定的审美情境下都有可能引发主体产生美感。美是抽象的概念,无法比较测量;但美感是具体的,可以比较的,这就意味着美感既是可以分类的,又是可以测量的,我们不妨用‘美感指数’来表征美感的强度。”这些原创性的观点也许未必能让所有人认同,但的确为一般大众开辟了一条朴素、真诚和可感的审美道路。 第二,在创建自由情感美学观的基础上,本书阐明了数字艺术的独特美学原理——双重互动不确定性机制。自由情感是美的情感,是审美主体能够体验到的心理愉悦。那么,艺术或其他审美客体为什么能够激发审美主体的自由情感呢?马立新认为,原因就在于审美客体固有的不确定性机制。一幅好画的魅力就在于其丰富蕴藉的审美意蕴,这就是一幅画的意蕴的不确定性。一部好看的小说的魅力就在于其情节的跌宕起伏和出人意料,这就是故事的不确定性。同样的,一部好看的电影的魅力也必然在于其自始至终的不确定性意蕴。 然而,数字艺术除了这种一般艺术固有的意蕴上的不确定性之外,它还具有强烈的致瘾作用,这尤其表现在像网络游戏、微博、QQ聊天软件等新型数字艺术品种中。如何解释这一特殊审美现象?马立新通过大量试验发现,数字艺术具有的致瘾作用和它较之传统艺术强烈得多的自由情感激发功能的根源,在于它与生俱来的双重互动机制,他发现一切数字艺术的创作、传播和消费都必然是在互动中完成的。借助于电脑的人机互动、人人互动本身就充满一种莫名的魅力,马立新将其定义为“本真情感”。然而,他进一步研究发现,正常社会中的人际互动并不足以产生特殊的魅力,也就是说,数字艺术特有的互动具有不同于人际社会中的那种互动的特殊性质,这种性质他认为就是互动中的“不确定性”。这一发现揭示出数字艺术的美学机制,具有重要的学术价值。同时,这一发现也破解了互动性数字艺术的致瘾机制,从而为根治和戒除严重威胁社会公共安全的网瘾毒瘤带来了希望。 第三,本书系统阐明了数字艺术的生产机制。数字艺术在创作主体、创作思维和审美诉求三个方面都显现出迥异于原子艺术的特点。首先,数字艺术家获得了高度自由的创作个性,自我确立了民主的创作秩序,实现了彻底的精神解放,建树起和谐发展的文化人格,并形成了一种新型的艺术思维范式——数字思维;数字思维既是一种多向度发散性的思维,也是一种平等性和平民式的思维,还是一种创新求异性的思维,更是一种基于人工智能的放量思维。最大限度地制造感官快感,最大限度地开拓新奇的审美领域,最大限度地满足人类的体验梦想,最大限度地开发和制造“轰动性产品”,是数字艺术创作中主要的审美诉求。 第四,本书对数字艺术传播规律的探讨也不乏创见。在数字艺术传播中,传播和媒介不断融合,传统大众传播媒介之间传播方式的区分,在数字艺术传播中变得微不足道,语言、文字、印刷、广播电视等媒体,在数字时代逐渐成为一种整合的传播形态,过去独立的多种传播渠道融合成为一种媒体,网络媒体便成为数字艺术传播中最具代表性的传播媒介,数字图像、数字电影、数字文学、数字游戏等多种数字艺术形式也统一在这一传播媒介中。同时,网络媒体打破了我们所熟知的大众传播的单向传播,双向交互成为传播的主流,传受双方的界限已不再明显,最为重要的是受众的需求得到最大限度的满足。数字艺术在数字媒介和传统媒介的双重作用下不断扩大受众群,除了满足最直接的数字传播媒介受众群,数字艺术转化为原子艺术走向有形的市场,也满足了传统受众的传播需求。但媒介和受众并不是影响传播的唯一因素,数字艺术传播与传播环境相互制约,受到政治、经济、文化等多种因素的影响,并最终与社会大背景挂钩,受制于政治,并走向市场。 本书所首创的关于数字艺术的一整套理论体系填补了国内外研究的空白,在同类研究中处于领先的水平。这标志着在数字艺术研究领域,以马立新为代表的一批学者以其独立的思想意识和开创性的科学发现,正在国际学术舞台上形成一支具有中国特色的中国学派。 (作者为北京师范大学文学院教授、博士生导师) 艺术领域论文:浅议陶瓷艺术领域的项目管理 【摘要】通过分析陶瓷艺术领域管理中存在的问题,阐述了项目管理应用的科学性和必然性,提出了陶瓷艺术项目管理改善的创新原则和方案。 【关键词】项目管理 陶瓷艺术 一、前言 随着经济的全球化,我国现代化建设的快速发展。我国的陶瓷艺术产业取得了蓬勃发展,其发展已经上升为国家发展策略。陶瓷艺术产业是文化产业的一部分,艺术机构是具有产业性质的创意、制作并销售的企业。陶瓷艺术产业的发展和形式经历了初创、提升和创新。实践证明,用传统的陶瓷艺术管理模式强化产业管理,是无法促进和发展陶瓷艺术产业文化的。因此,深化陶瓷艺术创业管理体制,实现陶瓷艺术产业管理模式的发展,已经成为陶瓷艺术界和社会最为关注的话题。 二、陶瓷艺术管理的内涵 传统的陶瓷艺术管理者主要由一些优秀的陶瓷艺术家自己成立的,采用的是作坊式管理,这种管理模式使得艺术家忙于行政事务而影响了艺术才华的发挥,同时管理的成效也不理想。目前,随着陶瓷艺术产业的迅猛扩大,对懂艺术、懂管理的人才需求甚多,这些人才不仅需要深厚的艺术素质,还需要有先进的创新创意、市场运作和经营管理能力。一个优秀陶瓷艺术管理者,在实际的管理当中,明确自己在陶瓷艺术发展中的位置以及角色,是非常重要的,因此陶瓷艺术管理者应该充分发挥好自己的作用。 三、陶瓷艺术领域项目管理中存在的主要问题 陶瓷艺术在我国发展的历史很长,但是由于人才、意识和经验等方面的因素,项目管理的我国陶瓷艺术管理中的应用还存在一些问题。 (一)项目管理制度不完善 由于陶瓷艺术机构多把精力放在工程创意、设计和制作等方面,而对项目管理在陶瓷艺术创作中的重要作用没有引起足够的重视,导致项目管理制度不完善,或者是前后不衔接、相互不配套,因此,影响了项目管理在陶瓷艺术创作实践中积极作用的发挥和效益的增长。一部分机构往往只习惯于关注艺术创作方面的问题,而对项目管理本身缺乏正确的认识,要么没有建立或健全相应的项目管理机构、机制;要么是没有聘用专业的项目管理公司来进行管理,造成了只能保证陶瓷艺术品的工艺和质量,却不能保证项目整体的效率和效益,很难满足陶瓷艺术项目管理的科学化、标准化和国际化运作的要求,一定程度上影响和制约了陶瓷艺术机构参与国际竞争的步伐。 (二)执行控制力度不够 项目管理无论是制度再健全、管理项目设计再周全,如果缺乏应有的执行力,这种项目管理也是无法推广,项目管理的作用也是很难得到发挥。在实际的陶瓷艺术工程项目施工的各阶段,通常包括建设建议书阶段、可行性研究阶段、设计工作阶段、建设准备阶段、艺术施工阶段、竣工验收阶段中,往往存在陶瓷艺术管理执行者通常处于一种非主动性位置,很难发挥陶瓷艺术工程优秀建设执行者的组织功能和主导作用,一定程度上削弱了项目管理的真实效果。 (三)人力资源配置不合理 陶瓷艺术工程在施工阶段是整个项目的建造实施过程,项目管理队伍的管理人员和技术人员是关键的建设要素,决定着整个建设项目的建造质量与水平。随着建设事业的快速发展,陶瓷艺术业对人才的需求量与日剧增,导致项目管理人才和相关陶瓷艺术技术人员严重不足,使得项目管理缺乏有力的人力资源支撑,一定程度上影响了制约了项目管理的实效,甚至会影响陶瓷艺术工程施工建设的进度。 (四)缺乏懂陶瓷艺术、会管理的复合型项目经理 项目经理在工程建设中具有举足轻重的作用,是项目建设实施的重要的管理人才,处于优秀位置。其在项目建设中起着主导、指导和引导作用,是沟通内外、引领各种需求的集中交汇点和执行点,对项目建设具有至关重要的作用。目前情况下,由于对陶瓷艺术领域中的项目经理缺乏科学有效的考核评价体系,导致对项目经理重使用、轻管理,使得项目经理缺乏强烈的危机意识和竞争意识,项目经理自我加压、强化业务学习、提高项目管理水平的动力不足,也在一定程度上制约了项目建设的实施与发展。 四、项目管理在陶瓷艺术领域的创新应用 陶瓷艺术领域的项目管理是一项系统性工程。在陶瓷艺术创作过程中,一方面要大力推广应用项目管理的思想和模式,另一方面要针对陶瓷艺术创作的特点创新项目管理的方式和方法,力求项目管理在陶瓷艺术领域中取得较好的效果。 (一)创新陶瓷艺术项目管理理念 项目管理管理者要打破传统的计划经济下的经营管理理念,深刻理解项目管理就是要以实现目标为最根本目的而开展一系列的行动,针对陶瓷艺术行业的特点,牢固树立市场意识,积极参与国际、国内市场竞争,以理念的创新,指引项目管理实施的创新,增强项目管理的实效性,推动陶瓷艺术可持续发展。 (二)创新陶瓷艺术项目管理模式 项目管理具有其本身的特点,而陶瓷艺术企业的创意、制作、管理的过程,又具有明显的个体性、阶段性特征,这就给陶瓷艺术领域中的项目管理提出的新的更高的要求。采用项目管理的模式管理陶瓷艺术活动,就必须要结合陶瓷艺术创意和陶瓷艺术销售的特点。建立科学务实的项目计划手段和严谨有效的项目控制手段,确保项目管理机制的有效落实。 (三)提高项目管理信息化水平 要充分发挥计算机处理信息快捷、管理规范的优势,把基于计算机的信息化管理作为提高陶瓷艺术机构提升经营管理水平的重要途径,将信息化管理纳入到陶瓷艺术活动的各个方面,融入到的日常管理活动中,进一步提升陶瓷艺术机构的管理水平,强化成本控制,确保艺术品的质量,增强机构的竞争力。 艺术领域论文:高等学校学前教育专业艺术领域课程标准研究初探 摘 要:随着我国对学前儿童教育的日趋重视,高校的学前教育专业近年也在飞速地改革与发展之中, 本文通过对学前教育专业艺术领域课程的重要性和意义的论述,以及现阶段学前教育专业艺术领域课程结构设置和教学的现状所存在问题的分析,从而提出了学前教育艺术领域相关课程教学设置的目标定位,以此进一步探讨学前教育专业艺术课程体系的新的建构方案。 关键词: 高校学前教育专业 课程标准 幼儿艺术领域 一、艺术领域课程在学前教育专业课程中的重要意义。 在去年10月我国教育部颁布的《3-6岁儿童学习与发展指南》中,将幼儿的学习与发展划分为五大领域,其中艺术为五大领域之一,强调了艺术在幼儿身心发展中的重要意义:“ 艺术是人类感受美、表现美和创造美的重要形式,也是表达自己对周围世界的认识和情绪态度的独特方式。”因此,在高校学前教育专业的课程设置中,艺术领域的课程也就成了不可或缺的专业必修课。同时,相对于幼儿对艺术的了解与学习,作为成年人群的大学生,艺术领域课程的学习,也有助于发展和提高学生的审美能力和审美修养,为创新型人才的培养打下良好的艺术理论与实践基础。 二、学前教育专业艺术领域课程的现状分析与存在问题 随着近年教育体制的改革和学前教育行业的蓬勃发展,学前教育专业的培养模式也在不断的发展和变化之中,笔者通过自身的教学体会和对多个高校学前教育专业的走访、调查和研究,发现了学前教育专业艺术领域课程中共同存在的若干的问题。 其一,艺术领域课程结构存在缺陷,课时设置比例不均衡以笔者所在学校的学前教育专业为例,艺术类课程的结构呈现不合理化的倾向,艺术领域课程科目的课时分配合理性略有欠缺。例如手工与玩教具制作课程的课时分配目前为54学时,在第四学期一学期内完成,手工与玩教具制作这门课程在教与学的过程中要求“教”和“学”之间有一定时间的实践练习环节,而54课时每周2-4课时的较集中的“教”让学生缺乏了实践练习的“学”的时间,这样就出现了由于课时安排过密而降低了学习质量和效果的问题。同时,手工与玩教具制作课程应分材料和玩教具两大版块,分别在两学期里完成,因此,课时数的设置上也应建议设置为72学时,分两学期完成,这样,不论从教学效果还是教师教学工作量安排上都更为合理、有效。 其二,各门艺术课程之间缺乏较好的融汇、贯通环节。传统的艺术课程教学模式,每门课程都各自独立,缺乏课程之间的有机联系与互动。导致在实施教学的过程当中容易出现了知识孤立、单一、片面和遗漏等现象。与此同时,艺术领域课程体系多为偏重于技能技巧类课程,学前教育艺术领域理论的教学比较欠缺,也是课程架构中存在的问题。 其三,当前许多高校学前教育专业的人才培养方案普遍存在着这样两种不同的观点:一种是培养技能、技巧型的教师,这种注重于对艺术技能、技巧的训练,能歌善舞、能写回话;另外一种培养以理论研究为发展方向的教师,这种取向培养学生的观察、认知、研究、思维、情感等方面的发展,但减弱了实践技能方面的培养和训练。这两种培养模式都过于极端和片面,在一定程度上都阻碍了高校学前教育教师的培养,也是对艺术类课程的目标定位不准确造成的。 三、学前教育专业艺术领域课程标准构建方案及其实施途径 鉴于当前学前教育专业艺术领域课程中存在的种种情况,如何改善和建立新的课程标准和课程结构就成了当前迫切需要解决的问题。 首先,应确定艺术领域课程的教育目标。 音乐、舞蹈教育目标。首先要形成以音乐的美育功能培养人的教育技能,其次是培养音乐素质,并形成如下几种能力:通过乐理、和声、伴奏、音乐欣赏、舞蹈、艺术概论的学习和实践及音乐、舞蹈技能学科的学习与训练,具有音乐、舞蹈艺术的鉴赏能力、表演能力、创作能力,具有运用各种先进的科学手段、方法组织学前儿童积极参与各种音乐、舞蹈教育活动的能力。 美术教育目标:需要在美育功能的激励下,培养学生的教育的目标,进行艺术素质的提高和训练,在美术的课堂当中需要掌握几种能力,通过绘画掌握绘画的基本原理和知识,形成相应的造型的能力和手工制作的能力,这些需要在设定的美术环境当中进行,同时可以给学生开设美术欣赏课,进行装饰画、泥塑、折纸、手工等各方面的制作。综合利用美术知识的专业化的发展的要求,不断的结合学前教育专业的特点进行相应的教育,要跳出艺术教育的框框进而实现创造性能力的培养和提升。 其次,建立新的课程结构和课程标准。 学前教育专业音乐领域课程,括乐理、视唱练耳、声乐、琴法、学前儿童音乐教育等内容。乐理和琴法课是相通课程,需要由同一个老师进行代课,这样会让学生的音准、节奏和识谱等能力能达到系统化的提升,例如在整合课程的时候,学生会更加的熟悉所要呈现的内容,提高对音乐的表现和理解的能力。声乐课上,应改变成人声乐专业性模式的技术上的要求,增加有针对性的、适用于幼儿园领域各年龄班特色的儿歌、谱子和曲调,使音乐课成为一种技能和欣赏的课程。同时,音乐作为一门综合课,还包括幼儿音乐欣赏、幼儿歌曲创编、幼儿合唱与指挥等实践应用型课程。在课程结构上,应先由基础的基本乐理和视唱练耳的学习入手,然后再进行声乐的练习,再次是幼儿的简单歌谱练习等,重点是强化乐理和琴法的系统化过程,两者互为基础,相辅相成,提高学生音乐的敏感性。 学前教育专业美术领域课程包括美术技能(素描基础、简笔画、平面构成、色彩构成、装饰画、儿童主题画创编)、手工与玩教具制作、幼儿园装饰环境创设、学前儿童美术教育等内容。美术技能课程的重点是训练和培养学生的美术基础技能技巧、以实用美术教育内容为主,侧重基本造型、色彩、幼儿园领域美术技能实际应用能力的培养。手工与玩教具制作课程的主要内容为手工玩具制作和手工教具制作。课程的重点在于材料的熟悉与应用技能训练和幼儿园领域玩具和五大领域教具的制作。美术领域课程的结构应为:美术技能课程为先修课程,应在第一学年进行,其次是手工与玩教具制作和幼儿园装饰环境创设课程。有了美术技课程打下一定的美术基础,才能进行手工与玩教具制作和幼儿园装饰环境创设这样的实践应用课程。 学前教育专业舞蹈领域课包括舞蹈基本功训练、民族民间舞、幼儿舞蹈、舞蹈鉴赏等内容。在具体做法上采用以下方式,把原来的舞蹈课进行分类,每个类别以一个点展开讲解,也可以融合进去其他的内容,比如各种舞蹈形式的融合,民间舞、藏族舞等等,以及东北秧歌的学习,需要进行管穿性的结合,不断的将舞蹈的编创和各种舞剧的表演结合,必要的时候可以增加对人文知识和音乐史的教授,同时也需要进行各个小组的练习,提高学生学习舞蹈的热情。 最后,艺术领域课程的具体实施途径。 适当、合理地调整学前教育专业艺术课程课时比例。时间对课时的保证将提高艺术课程的提升空间,在合理课时设置的保证下,同时对艺术类课程的发展也应进有相应的调整和实施,不仅从理论上和实践上对艺术教育进行实施,而且还将班级内的舞蹈编创的评比,或者是画画的评价更多地放在新的教学模式中,进而多层次、多角度地激发学生学习艺术类课程的热情,并且让他们进行下园实习、调研,增加实践一线教学体验和经验,为今后的职业发展奠定基础。 音乐、美术、舞蹈是实践性学科,是集艺术性、实践性、创造性于一体的课程,因此需要学生在学习的过程当中,运用表演、鉴赏等方法学到艺术方面的知识,提高艺术能力,进行艺术方面的熏陶进而培养素质。在为学生创设机会的同时,可以在不同的方面提高学生的素质,定期的对学生进行实践活动的组织,可在幼儿园开展艺术教育的活动当中提高艺术综合能力的培养,成为了提高学生艺术素质能力的要求和基础,为幼儿教育工作的培养奠定良好的基础。通过各种技能课程的实施和整合,必将促进艺术教育可以真正的为学生服务,锻炼学生良好的素养,提升学前教育专业的培养水平,制定良好的教育方案,以实现培养高层次、应用型幼儿教育工作者的培养目标。 艺术领域论文:浅谈浪漫主义艺术在绘画领域的体现 摘 要:简单概述浪漫主义艺术兴起的背景,就浪漫主义在绘画领域的体现进行分析,重在探讨英、法、德、俄等国具有代表性的浪漫主义绘画人物。 关键词:浪漫主义;美学特征;绘画代表作 热情是浪漫主义艺术的要素,激情是浪漫主义精神所在,以时事为题材而成为浪漫主义的内容,首先是绘画中洋溢着的激情,这是遵循旧法,由“理智”导致冷漠的古典主义艺术最缺乏的品格。当新古典主义走向保守时,浪漫主义提出了许多与古典主义不同的乃至对立的主张。古典主义主张抽象理性的描绘,浪漫主义则主张具体情感的表达;古典主义艺术表现上多为类型化,浪漫主义在艺术表现上多个性化;古典主义重视以线与轮廓为主导的严谨素描造型,浪漫主义则特别重视用色彩来创造饱满的形象,用奔放的笔触创造有生命力的动感造型。 一、浪漫主义艺术兴起的背景 古代神话是浪漫主义的萌芽和源头。浪漫主义是艺术创作最重要、最基本、最常见的创作方法之一。浪漫主义提倡神话、想象、虚构、夸张,将艺术当作主观激情和心理真实的表现。浪漫主义,一般是指18~19世纪欧洲一些国家所产生的思想和艺术的运动,它反映在艺术的各个领域。作为绘画艺术的创作方法和风格,浪漫主义在表现现实上,强调主观与主体性,侧重表现理想世界,把情感和想象提到创作的首位,常用热情奔放的语言、超越现实的想象和夸张的手法塑造理想中的形象。 二、浪漫主义艺术在绘画领域的体现 (一)浪漫主义的先驱――戈雅 经历过17世纪的辉煌后,西班牙美术界沉寂下来,直到18世纪下半叶,随着达维特的同代人奇才戈雅的出现,才打破了这种沉寂的局面。1800年,他为查理四世全家绘制了一件可以与《宫娥》相提并论的肖像画《查理四世及其家人》,这幅笔法流畅、色彩绚丽的作品,虽然大体上保持着宫廷肖像画的庄重构图,但他对国王夫妇这对至尊人物形象的塑造却是十分大胆的,那生动的近似漫画式的处理,似乎暗示着嘲讽。通过光与影、明与暗、冷与暖、美与丑、勇敢与怯懦、正直与卑劣的强烈对比,戈雅的激情宣泄得淋漓尽致。大胆的想象、无拘无束的造型、主观的色彩,更直接地传达了他个人的感受。戈雅的艺术成就赢得了后代浪漫主义者的深深敬佩。 (二)浪漫主义在法国的兴起 1.法国浪漫主义的先驱――席里柯 泰奥多尔・席里柯被誉为法国浪漫主义艺术绘画的先驱,他深受前辈大师们的影响,创作出一些具有浪漫主义色彩的作品。席里柯的生命虽然短暂,但却终生充满着激情、幻想和痛苦,并把这种感情反映在自己的作品中。席里柯28岁时创作了世界名作《梅杜莎之筏》,尔后到英国和德国展出,引起极大的轰动。《梅杜萨之筏》是席里柯最具代表性的作品。取材于当时“梅杜萨号”远洋船触礁事件,表现遇难船员乘木筏在海上漂流了13天终于看到救援的船只,一刹那间人们所表现出的激情和求生的渴望。这宗海难事件激起法国人的强烈不满,受到社会各界舆论的谴责,富有正义感的画家席里柯从这一真实事件出发,创作了这幅世界名作《梅杜莎之筏》。情节激动人心,构思大胆富有戏剧性,构图严谨充满律动,画中人情感激越。人体塑造坚实有力度,光影对比强烈,整个色调阴森沉郁,显示出震撼人心的悲剧力量。这幅杰作的问世,开辟了浪漫主义的艺术道路。 2.浪漫主义的雄师――德拉克洛瓦 欧仁・德拉克洛瓦是19世纪法国浪漫主义最伟大的画家之一。德拉克洛瓦精力充沛才华横溢,被左拉誉为“浪漫主义的雄师”。他重视色彩的热烈奔放,认为“色彩是绘画的主角”。德拉克洛瓦所画的形象色彩饱满热烈,有强烈的音乐感,能表现出一种诗意的美。这是这位艺术大师的最大创作特色。作为浪漫主义画家,他是最善于运用色彩的,这和他重视主观感情的要求是相一致的。他的名画《自由引导着人民》,就是这样一幅具有时代意义的浪漫派杰作。《自由引导着人民》又名《1830年7月27日》,取材于1830的革命,那是法国人民最后推翻封建王朝的“光荣的3天”。德拉克洛瓦以象征手法在画面视觉中心塑造了一位丰硕半裸的女性形象,她一手握枪,一手高举三色旗。她是自由的象征,正在勇敢的领导人民前进夺取最后的胜利。画面构图具有极强的视觉冲击力,有一种不可阻挡的动势,在女神的周围安排有法国革命代表性阶层的人物形象。人群中那个孩子象征着年轻的法兰西。 (三)英国、德国、俄罗斯浪漫主义艺术的迅猛发展 1.英国浪漫主义美术的发展 18世纪末和19世纪初,以威廉・勃莱克为代表的英国浪漫主义绘画,拓展了艺术审美的新范畴,启动了个性与自由的艺术契机,在与僵化的学院派艺术抗衡的同时,更注重了情感表现与幻想情境。接着,19世纪上半期,康斯太布尔和透纳又在风景画创作上,树起了现实主义艺术的旗帜,将平凡的乡间生活和激动的海上情景展现在人们面前,让人们进入一个更为饱满的精神天地。 2.德国浪漫主义美术的发展 在19世纪前半叶德国绘画艺术中,浪漫主义流派占主导地位,可将其视为典型的德国流派。德国艺术家在浪漫主义绘画方面取得了独特的成就。自这一画派产生之日起,就存在着两条不同的道路。在北方以德累斯顿为中心聚集了一些信仰新教的画家,他们的创作以风景画为主,因此称为早期浪漫主义风景画家。 3.俄国浪漫主义美术的发展 19世纪上半叶,俄罗斯的肖像画艺术在突破传统束缚的同时,更注重现实主义的手法和浪漫精神的因素,强调人物的内在品质和情感世界。像基普林斯基(1782~1836)、特罗平宁(1776~1857)等人的创作,他们分别以贵族知识分子和一般民众的形象来揭示那个时代的精神品质和情绪。绘画中浪漫主义的代表是基普林斯基。他的优秀作品《骠骑兵达维多夫》使他获得院士称号。1827年基普林斯基为普希金所作的肖像曾受到普希金本人的肯定。 三、结束语 对于浪漫主义的兴起、发展及与此有关的知识,以上也仅仅是一个简单的概述,不管是过去、现在或是将来,艺术学界仍将继续进行更深的探索与研究。 艺术领域论文:艺术市场中的跨领域合作 苏富比(Sotheby's)是全球拍卖业的鼻祖,成立于1744年3月11日,至今已有267年的历史,业务遍及全球34个国家,并且纽约证券交易所上市。创始人山姆贝克(SamuelBaker)的事业从受约翰史丹利爵士(John Stanley)所托的一场藏书拍卖起家。此后,苏富比的拍卖范畴从书籍逐渐扩展到名画、装饰艺术品及珠宝,这个过程几乎等于全球拍卖市场的变化演进。如今,苏富比在领航艺术品拍卖之余,还与其他公司进行跨领域合作,开拓拍卖之外市场,如苏富比国际地产、苏富比钻石、苏富比艺术学院、苏富比名酒、苏富比艺术贷款等。其中苏富比钻石是苏富比与斯坦梅茨钻石集团跨领域合作的典型代表,本文希望通过浅析苏富比钻石的市场营销策略,了解艺术市场中的跨领域合作的优势及目的。 一、资源互换 与苏富比合作的是全球最顶尖的钻石公司之一的斯坦梅茨(Steinmetz),至今该公司已在钻石领域内拥有70年的经验,曾经切磨过赫赫有名的203.04克拉的戴比尔斯千禧之星以及59.60克拉的斯坦梅茨粉红钻,被誉为是业内的切磨行家,“最好钻石的制造者”。除了在瑞士日内瓦的总公司,斯坦梅茨在美国、英国、比利时、以色列、印度、纳米比亚和南非都有据点,拥有钻石领域内的广泛资源。 斯坦梅茨钻石集团过去是苏富比相当大的委托客户,二者有长久的合作关系。斯坦梅茨虽然钻石资源充沛,但对于亚洲市场、客户的品位及需求的认识并不充足;随着亚洲客户对于钻石珠宝的需求度增加,珠宝私人洽购业务的不断成长,苏富比也日渐出现资源供不应求的现象。基于取长补短,共同挖掘商机的目的,斯坦梅茨和苏富比萌发了合作的念头。 苏富比拍卖行和斯坦梅茨钻石集团正式合作起始于2005年7月13日,对于这种跨领域合作双方互换了什么样的资源,两个公司的代表人表达得很清楚一一斯坦梅茨的首席执行官Nir Livnat认为斯坦梅茨提供了绝佳的钻石资源,独特的零售系统以及传奇般的切磨工艺;苏富比钻石的主席黄林诗韵(Patti Wong)表明苏富比提供的则是引以为傲的珠宝鉴赏专家团队,具有强大号召力的品牌,国际化的客户基础以及全球范围的营销市场。 总而言之,通过跨领域合作,苏富比钻石相当于购买了斯坦梅茨现成的一套钻石系统,然后嫁接现有的资源进行销售。这是个多赢联盟的独特模式,具体优势如下: (一)缩短产业链,减少外耗和风险 从商业链条上讲,苏富比钻石通过合作简化了商业链。多数珠宝商和珠宝品牌都是位于下游做零售,这意味着他们已经承担了钻石从开采、切割、打磨为成品钻的各环节费用。然和苏富比钻石的合作伙伴斯坦梅茨钻石集团处于钻石王国的上游,它可以直接从全球最大的钻石开采商戴比尔斯下属的钻石贸易公司DTC(Diamond Trading Company)拿取钻石原石,从中挑选出最优质、最大颗的进行切割打磨。切磨完成之后,苏富比钻石的珠宝专家们再挑选出合适的成品钻,用来决定是作为裸钻销售还是设计为钻饰成品。这巧妙地绕开了繁复的环节,降低了衔接和积累的损耗,从而使产品的价格更有竞争力。 据Patti所说,苏富比拿到最新的上乘钻石之后,并不需要马上付钱,因为项目是两者合资运营,所以等到产品卖出后,双方才会结算利润。这就大大降低了资金预付成本,也相当程度上消解了运营风险。 (二)嫁接客户资源,拓宽宣传和销售渠道 苏富比的首席执行官威廉・舍利丹(William Sheridan)最津津乐道的就是苏富比非凡的客户资源――可以“与世界上最富裕的人建立别人所无法建立的纽带”。斯坦梅茨通过与苏富比的合作,可以嫁接这个老牌帝国积攒百年的优秀客户,大大拓宽了宣传和销售的渠道。其他的珠宝品牌一般需要在昂贵的地段开设奢华店铺,请明星做代言,并在电视、报刊和路面上做大篇幅广告,不仅花费宣传资金,还让产品从制作到售出需要比较漫长的周期。相较于此,苏富比钻石无需实体商店,其成品钻石的详细信息会出现在苏富比的网站上,出现在定期发放给客人的图录中,还可以在苏富比全球各地的办公室查询,这些都不需要额外的广告费用和黄金地段的店铺租金。最终,苏富比钻石还会随着拍品一起全球预展,利用苏富比成熟的渠道,最终销售给购买艺术品的顶级客户。 二、细分市场 苏富比钻石是全新的裸石或钻饰,并不在拍场上成交,而是随拍卖预展之后销售给私人客户,这其实是苏富比对市场的细分。1986年以前,拍卖行经手的珠宝几乎都是二次流通的。其后,随着在拍卖行交易潮流的兴起,苏富比和佳士得同时开始拍卖各珠宝品牌刚刚上市的新品,其珠宝拍卖成交额迅速增加5倍。到了现在,越来越多的个人和机构倾向于购买全新的珠宝。黄林诗韵曾在访谈中表示,苏富比钻石的客人大致分两类:一类是习惯在苏富比珠宝拍卖上竞标的客人,但是有时他们会着急要买生日礼物致赠亲友或自己佩戴,常会碰到等不及拍卖会的窘况;另一类客户是考虑到拍卖会上的钻饰被人戴过,或是不习惯拍卖场上的紧张,喜欢坐下来,慢慢听专家的讲解,然后安安静静地挑选合适自己的饰品。这种全新的、顶级的可以随时购买和拥有苏富比品牌的钻石首饰是完完全全针对想要买顶级钻石的拍卖行客户设置的,这就是苏富比钻石通过跨界合作在拍卖和珠宝领域内做到的市场细分。 三、客户拓展 除了利用苏富比原有的丰富客户资源之外,苏富比与斯坦梅茨的跨界合作还可以吸引来更多潜在的客户。苏富比钻石的主席黄林诗韵,同时身兼苏富比亚洲地区主席要职,除掌管着顶级珠宝资源之外,其领导的苏富比伦敦私人签约客户部,5年来涉猎了印象派与现代画作及当代艺术等多项领域,黄林诗韵本人也是一名印象派和现代画作的资深专家。这意味着她也可以为购买钻石的客人提供更多有关艺术品的知识与信息,培养其成为有品位的艺术品藏家。另外,苏富比钻石的售价多高达百万美元之上,通过售价把购买钻石的客户进行了筛选,若客户冲着购买苏富比钻石而来,那他的财力也足够可以支付一幅不错的画作。苏富比将会定期向苏富比钻石的客户投放艺术品和奢侈品的图录,在预展中也常能看到苏富比钻石与印象派、当代艺术、红酒、名表一同展出,拓展兴趣点相近的客户,刺激同等梯次的货品的销售。 通过对苏富比钻石跨领域合作的营销策略的浅析,可以看出,拍卖公司在艺术市场中,已经不再满足于第二市场,通过与第一市场中资深企业的合作,抢占第一市场份额――为资本进行扩张,形成完整的垄断。跨领域合作带来的优势是明显的,能够为拥有“世界上最富有的客户群落”的国际拍卖行带来多领域的掌控和多渠道的输出,优势加乘。但是,跨领域合作也存在着自己的问题,比如说,斯坦梅茨钻石集团是钻石领域的龙头老大,故只能提供最好的钻石资源,如果客户喜欢红宝石和祖母绿,仍只能去拍场或去珠宝店购买,抑或再和新的珠宝第一市场中的企业合作彩色宝石部分。这些日后还待探讨,但我们现在可以目睹的是在勇敢开拓和合作中诞生的苏富比钻石,将作为一个艺术市场中跨领域合作的经典案例,像钻石一样恒久生辉。 艺术领域论文:现代艺术设计领域中华传统图形应用探讨 摘要:我国有着悠久的历史文化,传统的图形内部是富有我们特有的文化内涵在里面。它不但有效的表达了我们文化中的底蕴与一些好恶的观念。现代设计工作可以充分的吸收其中的特色部分,让设计的作品更加的具有表现力。同样,现代艺术设计利用传统的文化特色,也可以让传统的文化特色更好的传承下去并发扬光大。 关键词: 传统图形;现代艺术设计;融合 在文字产生以前,我们人类是依靠图画以及图画的形状来表达自己的意愿。我们从不少新石器时代的出土文物中可以发现有不少的图案,这些都是表达了人类早期对于他们所生存环境的认知和人类的对未来的祈福。伴随着时间的延续和人类科技的进步,载有图形的工艺也在不断的进步,同时因为对外交往的扩大,也会与其他文明相容并演变结合。这样就必然造成了我们所独有的图形。这个图形艺术代表我国的华夏文明5000年的智慧结晶。我们在有效的继承这一宝贵的文化财产的时候,也要考虑到如何将其发扬光大,让全世界人民都认同我们所独有的文化,并接受它。这就需要我们与时俱进,不断的开拓,要将传统的瑰宝与现代的流行文化中的精华相结合。这样就能够在现今全球一体化的大背景下打造出自己独特的文化艺术。文化具有承接的特点但同时也具有延续的特点,文化的传播离不开艺术的加工与设计。我们艺术设计的主旨是为了大家能够享受到充分的美学,这其中隐藏的巨大的经济利益就成为了不少人从事这项工作的动力,这样可以有效地激发起艺术工作者的工作热情,让他们为文化的发展和积累做出自己应有的贡献。所以,我们需要打造富有我们传统文化特色的设计思想,将我们的文化以及所特有的民风民俗与现代的设计思想相结合,这样不但能够将设计的内容进一步的丰富也可以让设计的思路更加宽广。这也就是民族的也是世界的。 第一,伴随着互联网的迅猛发展,信息的爆炸时代已经来临,现在已经是高速传播的图像。我们的设计思想处处都有我们传统的儒家思想在里面,这已经渗透到我们的思想深处。在创新的过程中,所有有特色的文化都是由所在的特定地区的日常生活的积淀,反映了一定的历史文化和与之相应的人文生活。本土所特有的文化特色会在艺术设计过程中彰显出来。现代的艺术设计虽然处处都透露出了我们现在的审美观点和时尚精神,然我们只要细细的品味并从中仔细的研磨就会发现传统的儒家文化还是深深的嵌入在其中。让现代的设计理念能够与传统的文化相结合,并结合的恰到好处是今后我们艺术设计的发展的方向。 我们上溯到战国时代就会发现我们的前辈的设计也是深受当时各种文化的影响,道家、法家、儒家这些诸子百家的文化都可以在各种作品上寻找到痕迹。道家所宣传的天人合一的思想,传统的玄学和周易、八卦这些在各种作品上的表现都是很明显的。这些传统的思想打造了富有我国传统特色的设计思想,一步一个脚印的记载了我们国家在平面设计方面的历史进程。 第二,我们的先祖留下了宝贵的文化遗产并创造出当时领先其他国家与民族设计理念。我们如何才能使用好先祖给我们的瑰宝是一个很大的问题。作为一名中国的设计人员。我们是有责任和义务向其他国家的展示我们的特色文化,而我们所能做到的就是在设计的过程中加入一定量的传统文化因素在里面。因此,我们现在的设计工作,需要多多挖掘以往的文化遗产,同时利用现代的科学技术为依靠。也就是以传统的文化特色为其中的精髓所在,利用现代的科学技术来表现。这样的做法不但能够达到好好利用我们的传统特色文化,同时也能够在现代科学技术的引领之下展示我们的传统特色文化,并可以凭借这个基础,创造出富有当今时代特色的设计理念和设计文化,让我们的设计作品被大家所认可并接受。 第三,我国的不少传统图形并不是先祖的随意涂鸦,是有着深厚的历史积累的,在其中能够找寻到我们传统文化的影子。有些传统图形还有这一定的历史典故与传说。所以说,这些传统的图形我们不能简单的认同其社会价值,还应当看到其在设计工作中的实用性。我们在使用这些传统的图形进行设计工作的时候与现在的艺术设计技术和观点相结合,可以让设计出的物品形象上更加的丰满,造型上让人容易接受并可以理解其中的含义。图形通过其自身的表现来传达设计者的意愿,从图形的发展历程来看,在图形还是处在原始社会中的结绳记事之时就已经承担起了记载信息和传播文化、交流思想的功能。现在的设计工作中,将本土的特色文化融入是需要一定的技巧的,我们需要避免出现画虎不成反类犬的现象发生。要利用传统文化来营造出一定的意境,让传统的文化与现代设计相结合后来创新已经是一个不可能逆转的潮流。图形符合传达着设计者最初的思想,表示出其内在的深层含义,只有这样的图形才是富有生命力的。而我们积极地创造各种富有生命力的图形文化,也就为现代的艺术设计创造了丰富的设计土壤,让其有取之不尽、用之不竭的题材元素可以采用。 21世纪是设计的世纪,探索本土文化特色,将富有东方文化哲理和意蕴的中国本土文化元素融入现代审美的视觉模式之中,会赋予设计以全新的精神内涵和现代艺术设计语言。根植于本土文化土壤的中国设计师正在努力探寻多元文化思维在审美表象上的和谐意识及创新精神,在开放的视野中构筑特色化的中国本土设计风格。 传统图形是中国传统精神的凝聚,注入了中华民族传统的审美理想,是经过炎黄子孙长期劳作、积累和高度提炼的结果。中国传统图形源远流长,形式丰富,意蕴深厚,积淀着数千年历史的审美和生活智慧,为当代的设计师提供了丰富的可再造资源。 艺术领域论文:幼儿园语言艺术领域渗透教育的策略研究 一、引言 随着时代的发展,我国关于幼儿园语言教育的改革越来越多,并且取得很大进展,要不断完善幼儿园教育体制,给幼儿提供比较好的教育环境。对于幼儿园教育的研究很多,在这些研究中看到我国幼儿语言渗透教育的缺陷,针对这种缺陷提出对策,以此提高幼儿的语言艺术水平。 二、相关概念界定 一是幼儿园。不同的国家对其有不同的名称,比如蒙养园、幼稚园及托儿所,其实就是孩子在学前教育学习的教育机构。二是语言艺术。一般语言艺术是划归到艺术门类当中,就是在平时生活中运用语言这种手段,有意识地塑造一种审美形象,它是一种艺术形式。三是渗透教育。幼儿教育具有渗透性,这是大家公认的,所谓语言渗透教育,就是在语言教学中,受教幼儿不需要花很多时间与精力就能在平时活动或者学习中不知不觉地获得一定语言词汇与表达能力。 三、幼儿园语言艺术领域渗透教育的不足 每一件事的发展都是一个过程,幼儿园的语言教育也是这样。就幼儿语言学习看,在学习前首先要做好准备。我国大部分幼儿园都很重视对幼儿语言能力的培养,但目前在幼儿园语言艺术领域渗透教育上还存在几个问题: (一)高压、高控制。 第一就是这种教育是一种高压、高控制教育。一节课当中有大部分时间都是老师在发言,幼儿们基本上只是在听老师讲,没有太多的发言机会,这样的语言课堂可以说是不成功的。在课堂上,如果老师一个人讲,幼儿们都是跟着老师的步伐走,则不利于幼儿自主性的发挥,也不利于语言能力的提高。 (二)低效、低关注。 上完一节语言课,最基本的要求是让所有幼儿有所收获,不管收获大小,让他们的语言水平有所提高。这是幼儿语言课的目标,同时是要求。在一些课堂上,老师会通过提问,然后幼儿举手回答问题的方式进行教学。但是一些幼儿不愿意回答问题,不举手,也不发言,进而被老师忽视点,没有得到关注,这是因老师设计的问题没有广泛性及提问的方式不科学造成的,带来的后果是课堂整体取得效果不明显。 四、幼儿园语言艺术领域渗透教育的策略 (一)营造氛围,让幼儿想说、敢说、喜欢说。 在幼儿园语言教育中,要营造一种平等教学氛围。《纲要》明确指出:“语言能力是在运用的过程中发展起来的,发展幼儿语言的关键是创设一个能使他们想说、敢说、喜欢说、有机会说并能得到积极应答的环境。”为此,老师要在平时的课堂上给孩子创造一个平等教育氛围,这种良好的教育氛围能够很好地促进老师与幼儿之间的互动。一个经典的案例就是“吃掉黑暗的怪兽”,在这个教育活动中,老师一次设计了六个问题,通过这几个问题,达到与老师之间的互动。第一个问题是:黑夜和白天有什么区别?这是一个开头引发幼儿兴趣的问题。第二个问题是:你觉得白天与黑夜哪一个好?这个问题需要幼儿自己动脑筋去思考。第三个问题是:如果那个地方有黑暗?这个是让幼儿去理解暗黑的含义。第四个问题是:你认为黑暗到底好不好?这个问题就需要幼儿质疑,假如没有黑暗到底是好还是不好?就要学会判断。第五个问题是:你一个人敢睡吗?这个问题就是带有鼓励性质的。第六个问题是:你们需要黑暗吗?这个问题比前面的问题都要深奥,是一个能力提升的问题,可以促进幼儿经验的提升。老师创造这样一个学习环境,六个连续性的问题,很大程度上会引发幼儿学习的积极性,让幼儿们都参加,与老师、同学讨论并积极发言,各自发表自己的看法,从而在活动中产生精彩纷呈的师幼互动。 (二)给予鼓励,让幼儿乐读、悦听、乐意学。 《纲要》在语言领域中明确指出:“注意倾听对方讲话,……养成幼儿注意倾听的习惯,发展语言理解能力。”在幼儿语言艺术教学中,我们要注意个体的差异性。每个幼儿都是不同的个体,有不同的学习方法、能力及个性等。要深刻保持对幼儿的尊重,给予鼓励,而不是在幼儿上课不愿意听课或者吵闹时给予严厉的批评。在幼儿今后发展过程中,倾听是非常重要的,所有在幼儿园培养他们的倾听能力是必不可少的。在教学过程中要让幼儿乐读、悦听、乐意学,而不是用压迫的方式。比如在老师讲故事时,故事如果内容比较多,就要分开讲,在讲到一部分时,停下来问他们:“故事主人公为什么这么做?”这时幼儿就会认真听,并且积极与老师讨论,不时还问老师问题。把故事渗透到语言教育中,引发幼儿兴趣,让幼儿自己去发言,从这种教学中不断培养语言能力。 (三)把握关联,让其他学科参与进来。 幼儿园的语言艺术领域的渗透教育就是要把其他的学科知识有机地融合到语言教育当中,才能达到最完美的效果。一是音乐与语言,在音乐活动中渗透语言教育。这两者之间的关系是非常密切的,在美妙的音乐背后都是存在故事。比如音乐《小人书,你别哭》,在听完这个曲子后,就让大家积极谈论,这首曲子你喜欢吗?好听么?听到这个曲子你会联想到什么东西?为什么?老师与学生讨论的过程中,孩子们积极发言,不仅能学会了这首歌曲,而且发展了幼儿的听音乐学语言的能力。二是数学与语言,在枯燥的数学教育中渗透语言教育。数学是一门比较乏味的学科,它不用太多的语言表达。为了提高幼儿数学思维能力,我们在教育过程中会用一些游戏方式解说那些数学概念,让孩子在说说玩玩中就把这些东西掌握。另外,还可以让体育、美术及其他的学科都参与进来,这些学科之间形成互动。 (四)实行家园合作机制。 《纲要》明确指出:幼儿的家庭是幼儿园的最佳合作伙伴。在幼儿语言教育中,要建立一套家园合作机制。幼儿园的老师平时要本着合作、平等原则,在教学中要赢得家长的支持,还要帮助家长提高教育能力。在这个经济社会中,不少家长都有一种功利主义思想,他们认为在孩子的语言教育中就是学会认识多少字,把这个作为一个孩子语言学习成绩好坏的主要衡量标准。有时一些家长还会把自己孩子会背诵诗词的事拿出来对其他家长炫耀。为此,我们应该看到幼儿园语言教育中的这种现状,从实际出发,大力宣传,随时、随地、随机地渗透幼儿教育的理念。把这种教育理念输送给家长,让家长知道,除了认字以外,孩子还可以通过唱歌、跳舞、画画等活动来展示自己的能力。总之,在教学中要引发家长主动与教师密切合作,实现家园教育形成合力。 五、结语 语言是一门艺术,它伴随着我们终身,在生活中无论从事什么事情,都会用到它。对于幼儿来说,语言教育对于他们是至关重要的。在教学过程中要意识到幼儿园语言艺术领域渗透教育的重要性,找出这种教育存在的不足,并且积极找到解决的对策,进而提高幼儿的语言艺术水平。 艺术领域论文:儿童歌舞剧在学前教育艺术领域的体现 【摘 要】黎锦晖先生自20世纪20年代创造了儿童歌舞剧的音乐体裁。这是一种崭新的针对少年儿童的艺术形式,如今也不断应用于各小学、幼儿园中,尤其在幼儿园教育中重要性不断扩大。 【关键词】儿童歌舞剧;艺术领域 一、儿童歌舞剧 提到歌舞剧,相信大家都不陌生。这是一种将音乐(声乐与器乐)、戏剧(剧本与表演)、文学(诗歌)、舞蹈(民间舞与芭蕾)、舞台美术等融为一体的综合性艺术。而黎锦晖先生在20世纪20年代,结合中国国情与西方音乐开始创编并初步形成一种崭新的音乐体裁――儿童歌舞剧。 儿童歌舞剧主要包括四大元素,分别是剧本、音乐、舞蹈、舞美。而儿童歌舞剧也正是这几个元素的一种综合性艺术运用。在剧本的选择中,选择形象鲜明生动的作品,要有完整的故事情节和剧情结构,选择一些贴近儿童生活或者感兴趣的题材,要保证内容健康积极向上,符合儿童身体与心理的发展规律。同时可以鼓励儿童进行一些剧本情节创编的工作,激发创作的热情。而在音乐和舞蹈的设计上,儿童歌舞剧主要表现手段是音乐歌舞,歌的形式可以是独唱、对唱、齐唱、合唱、幕后伴唱等,舞的形式可以是动作造型、律动、即兴表演,或是独舞、双人舞、集体舞等。它区别于普通儿童剧就是因为有大量的音乐伴奏、歌唱与舞蹈来表现人物鲜明的性格特征、情节的矛盾冲突、剧情的不断发展。它又区别于歌曲也是因为充满了戏剧性,利用音乐手段完成戏剧性也正是儿童歌舞剧的一大特征。在表演的时候,尽可能给孩子发挥的空间,让孩子根据自己的理解、想象在原有的程度上自由表现出来。在舞美方面,在服装与道具制作上,使用多种材料,多种手段完成,可以鼓励孩子积极加入,培养孩子的动手能力和想象力,让孩子成为歌舞剧的一份子,不断投入新的热情和活力。 二、学前教育艺术领域 艺术是人类感受美、表现美和创造美的重要形式,也是表达自己对周围世界的认识和情绪态度的独特方式。艺术领域的教育对于幼儿也起了至关重要的作用,它包括感受与欣赏,表达与创造两大内容,主要的表现形式则是音乐、美术、舞蹈和表演,是希望幼儿通过各种表现形式,参与各种各样的艺术活动,发现和感受自然之美、艺术之美,并积极参与艺术表现和创造,形成健全人格。因此,儿童歌舞剧就艺术领域而言,是多种艺术手段的综合展示。 三、儿童歌舞剧在学前教育艺术领域的体现 首先,上文中提到艺术是人类感受美、表现美、创造美的重要形式。《幼儿园工作规程》中提到幼儿园的任务是:“贯彻国家的教育方针,按照保育和教育相结合的原则,遵循幼儿身心发展特点和规律,实施德、智、体、美等方面全面发展的教育,促进幼儿身心和谐发展。” 冈察洛夫曾说:“美是艺术的目的和推动力”。可见幼儿美育对于幼儿的艺术培养与身心发展具有重要作用。艺术是实施美育的主要途径,儿童歌舞剧是一种集音乐、舞蹈、朗诵、表演于一体的综合性艺术表现形式,因此通过观赏或表演儿童歌舞剧对幼儿进行美育教育是十分有效的方式之一。 幼儿艺术领域的培养不仅仅体现在音乐、舞蹈、绘画、表演等可见的艺术形式上,还体现在对幼儿的行为品德,社会交往能力的潜移默化的艺术熏染上。让孩子们获得快乐,这种真善美的品质就在剧情发展、人物形象的塑造中不断传达到孩子的心里,让孩子在不经意间形成美好品德,这也符合现在提倡素质教育的宗旨。主题的阐述与升华全部融入于歌舞表演,通过人物情感的表达,剧情的不断深入,不断渗透,与幼儿产生情感上的共鸣,使幼儿能够感知美、欣赏美,这就是儿童歌舞剧在学前教育艺术领域最主要的体现。 艺术源于生活,更高于生活。对于培养幼儿的艺术发展,最恰当的就是从他们身边熟悉的事物、事情出发,通过他们自己的加工,想象和再造后,以他们喜爱的方式呈现出来。如:可以让幼儿在老师的指导下自主创编儿童歌舞剧。整个儿童歌舞剧的创作到表演过程中,孩子不仅仅在想象力与创造力方面得到了锻炼,在音乐、舞蹈、绘画等艺术技法上也得到了启示,最重要的是孩子更加体会到了通过多种形式表达自己情绪情感的乐趣,这也达到了学前艺术教育的培养目标。 无论从欣赏和感知的方面还是从表现与创造的方面,我们都可以体会到儿童歌舞剧将不同艺术魅力、不同美学范畴、不同审美方式的艺术高度综合起来,对培养儿童的艺术表现力、想象力有着巨大意义,在帮助儿童主动发现美、感悟美和创造美,培养儿童富有爱心、学会合作、融通各领域知识等方面都体现得淋漓尽致,对学前教育的发展具有重要意义。 艺术领域论文:走向综合材料艺术表现领域的中国现代漆画 摘 要: 在现当代艺术的发展中,艺术观念逐渐超越传统美学的范畴,对综合材料的重视和运用几乎成为现代艺术共有的特征。材料的创造性使用极大地拓展了艺术作品的表现力、想象力和感染力,有着数千年辉煌的中国漆艺成为现当代艺术密切关注的资源,而现代漆画作为一个年轻的画种,不像其他画种一样传统深厚而纠结于固守与演变的较量,而是同时兼具丰富的历史资源和直面当下的年轻态势,它在综合材料艺术表现领域无疑蕴藏着更大的表现潜力,而当前的漆画实践也恰恰印证和践行了这一方向。 关键词: 现当代艺术 综合材料 中国现代漆画 从上世纪60年代初为数不多的漆画前辈开始专门从事漆画创作以来,中国漆画艺术已走过了风风雨雨40余年,而对于一个画种来说,这40余年仅仅是一个开端。漆画依托于数千年漆艺的辉煌,但同时作为一个年轻的画种,又将遵循现当代艺术的发展轨迹。在现代艺术的发展中,艺术的观念已脱离了传统美学束缚,而综合材料的运用几乎是众多现代艺术所共有特征,材料的创造性使用拓展了艺术作品的表现力、想象力和感染力。在中国漆画展中,除了使用传统材料技术语言的现代漆画外,各种新型绘画性的或非绘画性的材料也层出不穷,都以巧妙的构思及技巧很好地将各种材质与画面的造型、色彩结合得更加完美。更有一些摆脱了传统的审美习惯和内容表现、体现材料本身所特有的内在精神的作品,使材料从载体走向了艺术的自我表现与观念表现。从当前漆画发展的现状来看,中国现代漆画不像其他画种那样,有着成熟而固定的语言程式,也不像其他画种一样困惑于固守或演变的较量,而是紧密地结合现代艺术发展的开始走向了综合材料艺术领域。 一、进入综合材料艺术领域的现当代艺术 艺术的发展始终是动态的,从二十世纪以来的艺术发展来看,运用综合材料进行艺术探索,以取得技术和观念的更新,已被艺术家广泛尝试。显而易见,现代艺术在抽离了对色彩、造型最真实的模仿以后,笔触、结构、各种材料的独立表现力量显现出来,潜伏的意念表达开始复苏。材料在艺术作品中的主体性不断得到提高,材质之美提高到与造型之美、色彩之美同样高的地位,艺术实践使材料的物理形态传达出一定的生命意味,材料从载体走向了艺术的自我表现与观念表现。 综合材料既不是艺术的流派,又不是某种阵营的标志。在国外,用某种固定的材料来为自己划分阵营的局面已不复存在,而是进入了综合材料艺术状态,甚至很难分清它们的界线和属性。而国内,由于我们过去艺术分类过细过清的原因,艺术家很多还是停留在画种分界的表层,往往对新材料的选择和使用采取一种拒绝的态度,对所从事的画种美其名曰“纯正”和“地道”,殊不知他们在捍卫的同时,已经背离艺术的真正精神。对综合材料艺术的研讨将有助于帮助中国人转变习惯的审美和思维方式,更好地解读当代艺术和进行艺术创作。而对于新生的中国现代漆画来言,有并轨于世界当代艺术的直接意义。 二、中国现代漆画具有综合材料应用与表现的先天优势 中国传统漆艺经历了7000余年的历史演变,技法和材料应用源远流长,明代黄大成的漆艺专著《髹饰录》就记载了上百种漆艺的材料和技法。漆艺就是一门综合运用各种不同质感材料的艺术创作,并且带着很鲜明的东方特色。 漆画创作所使用的材料是大漆、合成漆等适合固着于画面的媒材。大漆有着温润的光泽、优雅瑰丽的色彩,年代越久越能显现出高贵的气质,材质具有朴实、含蓄、品质的独特之美,打磨推光后的漆板乌黑铮亮,本身就是一件绝好的艺术品。合成漆也有着色彩丰富的优点,两者的美感和表现力是其他材料所无法比拟的。漆有很强的可塑性和干固性,可以层层磨显,幻化出迷离的、斑驳的色层,这是别的绘画材料所不具备的。 美国艺术理论家杜安・普雷布尔在《艺术形式》一书中写道:“一件艺术品是运用某种媒介,通过人类的技巧构成的某种观念的审美表现,媒介是艺术创作所使用的材料,如果某一种媒介使用得非常完美,把我们的感受扩展到了超越普通的意识,那么媒介的这种特殊的使用方法就可以视为艺术。”乔十光先生的漆画《水乡》以大漆为粘合剂,用蛋壳镶嵌表现出了江南的白色房子、漆黑的屋顶、银灰色的水天,使画面呈现诗一般的意境。可以说,乔先生将漆的材料美、技术美,用最恰当的艺术形式发挥了出来,材料在他的手中既是承载艺术思想的媒介,同时其独特的材料魅力又能成为艺术表现的主体。 由此可见,漆画本身就是一门综合运用各种材料质感的艺术,能很好地对接当代艺术从观念到材料的进程,具有综合材料应用与表现的先天优势。 三、进入材料表现领域的中国现代漆画 由于历史的因素,中国艺术直到上世纪末才开始真正认识到材料语言在绘画中的价值,但短短20年已取得了不少的进步。画种界限日趋模糊,开始出现“综合”,艺术家渐渐地不满足于传统的表现手法,试图通过材料的综合应用和材料的观念表达,从常规的画板、画布、纸张中游离出来,并从平面走向空间,材质之美提高到与造型之美、色彩之美同样高的地位,材料从载体走向艺术的自我表现与观念表现,出现大量体现材料本身所特有的内在精神的作品,综合材料的艺术表现已成为先锋前卫的艺术作品。 中国漆画也开始进入综合材料的艺术领域,传统的漆画创作往往过于注重严谨的漆工艺技法及繁多的漆艺工具使用,漆画创作当然不能仅仅停留在传统层面上的创作,它与别的画种所面临的问题一样,那就是如何重新认识材料的美感及材料的内在精神,使材料由承担内容的载体转变为既是承载体又是表现主体。漆画家和其他艺术家的区分也日趋模糊,比如旅德艺术家苏笑柏近年来使用大漆在麻布、板面、青瓦等载体上的艺术创作,有绘画特征和材料表现特征,又具有装置艺术特征,界限十分模糊,画家参展和出版的归属也只能按他过去油画家的身份去划分。而漆画家程向君的漆画作品以大漆为媒介,大量使用了麻布、图片、纸张等新材料与传统材料结合,采用刮擦、拼贴、堆砌、压印的综合技法,材料的个性表现特征十分明显,既是内容承载体,又成为艺术表现主体。 随着科学技术的发展,新材质的选用,绘画技巧、工具和艺术风格逐渐改变。这些年来,各种新材料、新技术层出不穷,为漆画创作提供了广阔之路,漆画的技术手法、材料与制作程序将更加丰富多样。随着漆画表现形式的日趋多样,注重材料语言的运用,在创作中“从材料角度构思”变得极为重要,它要求艺术家具有材料意识,善于发现材质美,体现和利用材质美,融艺术想象与材料表现为一体。而面对现有的漆画材料,我们要去把握和挖掘;面对没有被利用的新材料,我们应该去尝试;面对司空见惯的材料,我们也可以通过打破重组,使之成为新的材料,产生新的精神。不再拘泥于传统漆画技法所要求的按部就班的严谨程序,充分发挥主观创造性,进行漆材料各种组合的可能性尝试,体现漆材料的材质美,让精神穿透材料,使漆材料具有自身的生命力量感。尝试着从关注材料技法到感知材料的精神内涵,最终呈现材料的审美价值和艺术家的观念价值,将成为漆画创作新的切入点。 四、展望 艺术的发展始终是动态的,艺术是需要不断创新的,自由和创新才是艺术的主诣精神。古老的传统漆艺因其特殊的工艺材料属性而更具有兼容精神,从惯常涉及的有形创作方式中脱离出来,打破造型与色彩的束缚,尝试新材料和新技术的介入。同时也把材料从单纯作为画面载体提升到深化艺术语言的主体地位,演绎材质本身蕴含的内在精神,成为中国现代漆画发展的必然方向之一。漆树分泌的神奇液体孕育了无比辉煌的中国漆文化,而走向综合材料表现领域的中国现代漆画,因材料本身蕴含的艺术生命力的觉醒,必将焕发出新的魅力。
广告毕业设计论文:广告学毕业设计流程反思 摘要:本文基于我院广告学首次毕业设计答辩的开展,对其实施流程进行总结、梳理,指出目前存在的局限,并根据广告专业学生的问卷及座谈,提出进一步优化的思路与建议。 关键词:广告学;毕业设计;优化 广告学作为一门应用性文科专业,与社会经济发展的联系极为密切,有很强的实践性。这种特点不仅在课程设计中得到集中体现,表现为广告创意与策划、广告文案写作、广告设计等实务课程的开设,更应在专业实践教学环节的毕业作品中得到体现。毕业作品是学生四年专业学习成果的最终展示,毕业作品的形式、选题、方法及答辩过程等环节会影响学生整个学习生涯的方向及未来的职业选择。目前,国内主流院校的广告学专业大都实行了以毕业设计替代毕业论文的毕业考核方式,这是符合广告学专业特点所做的必然选择。我院也在2015年顺利实行了首届广告专业毕业设计答辩,根据此次答辩的整体情况,本文针对广告毕业设计流程的现状提出问题和思考,并作进一步优化。 一、毕业设计流程的实施 (一)前期学习、调研 本次毕业设计流程是在借鉴国内主流院校广告专业的优秀经验,并对学院2010级———2013级广告专业全体学生展开问卷调查之后,进行设计实施的。他山之石的参考可以帮助确立毕业设计的基本流程和框架,然而具体流程的设计和实施必须依据广告专业在本地的发展实际和学生的具体情况进行针对性构建。2014年3月教研室对全体广告专业学生进行问卷调查,了解他们对毕业设计的态度、要求及实施毕业设计的可能性,此次调查发放问卷294份,回收287份,有效率97%,极为真实地反映了学生对广告学毕业设计的预期和诉求,为本次毕业设计的实施提供了准确数据和落实基础,保证了毕业设计流程的科学、缜密和实效。 (二)构建毕业设计评价体系 评价体系是区分毕业论文与毕业设计的分山岭,它决定了学生毕业创作的方向、努力程度及毕业考核的收效,可以说在一定程度上决定了毕业设计的成败。综览国内主流高校广告专业毕业设计的评价指标不尽相同,可见,毕业设计评价体系并不像毕业论文评价体系一样,可以“一刀切”,各院校大致用一个标准。毕业设计评价体系的不统一是由广告专业实践性强的特点所决定的,因毕业设计需与当地的广告市场结合,所以各地广告市场发展的不同水平,就导致了各院校的广告学毕业设计评价体系必须“因地制宜”。我院因所处地域经济发展水平的局限,结合学生实操的可行性,逐步构建了一套符合自身实际的评价体系。首先是选题。要求所有毕业选题必须来自真实需求,可自行联系广告公司、企事业单位,也可选择学院公布的选题及当年“大广赛”和“学院奖”的参赛命题;其次是作品构成。毕业设计主要是为培养具有广告实践能力的专业人才而开展,因此作品构成也是根据业界的广告设计流程而设置,包括策划案、广告作品、研究报告、工作日志和现场答辩等五部分。策划案与广告作品是整个毕业设计的“重头戏”,二者占比相同均为30%;研究报告是表达创作者未尽之意的空间,以毕业创作为主线,谈谈创作过程及其中的感悟、收获和心得,是策划案的延伸。工作日志是对整个创作过程的质量监控,分为小组日志和个人日志,据此可以判断毕业设计进程的科学合理性,了解成员的任务分工。现场答辩则是整个毕业作品最终提交的环节,要求对策划案思路作准确、清晰描述,并呈现作品,回答评审教师提问。毕业设计的评价体系亦从论文的学术评价转为作品创意、艺术呈现、语言表达、调研方法、活动执行等业务标准。整个答辩过程与广告市场的提案竞标基本接轨,充满实战色彩。 二、现有毕业设计流程的局限 现有毕业设计流程的合理性必须由毕业生给出真实的评价,方可成为流程设计者的参考依据。毕业设计答辩当天,评审教师从51名毕业生中按顺序每组抽一名答辩人,与他们进行座谈,了解毕业生在作品创作中的体会、收获及建议。本次毕业设计答辩,从毕业设计选题、作品形式、作品指导、评价体系、答辩等诸多环节及最后结果和学生反馈来看,收效甚佳。毕业生在其中收获了实践经验、作品和可贵的经历,低年级学生通过答辩看到了自己的差距、不足和未来的努力方向,可有效地将专业学习调整至实践性的方向。然而,本次毕业设计系首次实施,在流程设置等方面亦暴露出不足和局限。 (一)毕业设计创作时间短 此次毕业设计依据传统毕业论文的流程,在大四第一学期期中进行开题答辩,预留一个半学期的时间进行作品创作,然而,毕业设计作品的工作量远远大于毕业论文,加之学生在大四第二学期还需进行毕业实习,实际留给毕业设计的时间非常紧张,无形中增加了毕业设计的创作难度。 (二)毕业设计的整体工作量偏大 按照毕业设计评分标准,毕业作品需准备策划案、作品、研究报告、小组工作日志、个人工作日志和答辩PPT等五个部分,合计平均字数在16000字左右,加之各类广告作品至少在三幅以上,整体工作量远远大于毕业论文平均字数7000字的工作量,这样可能导致学生在策划案和作品的专注度和创作精力会被分散。 (三)作品选题不够多元 此次毕业设计要求必须为真实选题,必须来自广告业界的实际需求,然而囿于学校所处地域经济发展水平,作品选题从产品类型、层次到地域,都有较大的局限性。选题主要来自大广赛和学院奖的参赛产品,本地产品只有莫高、娃哈哈等不多的几家企业,本地广告公司的真实项目几乎没有,作品还是以商业推广为主,选题范围和类型的偏狭不利于学生创作与业界实践的对接。 (四)作品形式的“示人欲”不够 此次毕业设计的作品形式几乎囊括了业界现有的各种广告形态,如平面广告、视频广告、广播广告、CI系统等,包括最新的场景应用毕业生都有尝试,作品形式表现出多元与丰富。美中不足的是,作品中视频作品、音频作品占比较低,平面作品数量虽多,但作品的“示人欲”显露不充分,即现场调动各类元素表现作品创意的愿望不足。毕业设计中有一些作品的创意和表现都不错,但在现场的展示和呈现未能充分表达作品原有的创意。“示人欲”其实是广告本身应有的题中之义,平时的课堂教学更多强调创意,对此涉及不多,业界实践的广告提案环节才会有所接触。此次毕业设计答辩即为学生提供了类似机会与平台,只有带着强烈的“示人欲”,才有可能把作品更好地呈现出来。 (五)答辩环节有待与业界融合 广告学实施毕业设计的目的之一,是更好地表现广告专业与实践密切结合的学科特点,把课堂教学与业务实践结合起来。实现这一目标的有效手段之一,是把业界的专业人士请到课堂来,请到答辩现场来,让他们直接参与作品答辩,使学生真正理解业界的实际需求,使他们的作品创作与学习有更好的实践性。此次毕业设计属首次尝试,来自本地的作品选题不多,加之对作品水平无法预估,因此未能请业界专业人士参与此次答辩。 三、关于毕业设计的优化建议 针对此次毕业生关于作品创作的反馈,及上述存在的问题,结合我院学生的实际状况,拟对下届及今后的毕业设计提出进一步优化的思路。 (一)调整毕业设计的时间进程 根据此次毕业设计创作的总体工作量和流程,需对下届毕业设计的时间流程进行总体调整。首先,需将毕业设计的开题时间提前至大三第二学期期中前后,这样可给毕业生留下较充裕的创作准备期。其次,需将答辩时间由原来的一天延长至两天。毕业设计的作品构成丰富而多元,且很多作品的展示环节需较长时间,根据此次答辩的经验,一天的答辩时间不能充分展示学生作品的完整细节,答辩时间显得仓促而紧张。今后的毕业设计答辩可考虑在两天完成,第一天充分展示作品,第二天演示答辩PPT并回答评审教师提问。 (二)适当压缩毕业设计的总体工作量 根据此次毕业设计的评分标准,毕业设计作品由五部分构成:策划案(30%)、作品(30%)、研究报告(20%)、工作日志(10%)、答辩(10%),上述内容的纯文字工作量平均为16000字上下,再加之作品创意与技术表现,总体工作量相当于论文的两三倍不止。为使学生更好地在毕业设计考核中发挥其专业特长,保证毕业设计答辩的专业性,合理设置毕业设计工作量,可考虑在今后的毕业设计中将现有的小组工作日志和个人工作日志合二为一,只需提交小组工作日志,让评审教师了解小组成员的分工和任务进度,为作品的原创性提供评审依据即可。 (三)多元开发选题,拓深毕业设计的实践性 今后毕业设计的选题可在历次毕业选题的基础上更新、优化、积累,逐步形成毕业设计选题库。选题库中一部分内容可更新为当年的大广赛和学院奖参赛产品,另一部分选题可由学院联系当地主流的广告公司、知名企事业单位及公益组织。尤其是后者的工作,需要与各级机构、组织与公司形成长期合作机制,让它们深度参与毕业设计答辩,并有可能进入课堂教学。一方面,这些公司与机构可为毕业设计提供选题,加强毕业设计的现实性、操作性;另一方面,选题单位的专业人士可成为毕业设计答辩现场的评审教师,使学生的毕业创作与实践结合更密切,并由此可形成双方更紧密的深度互动与合作。 (四)毕业设计作品展与毕业设计答辩的相互补充 广告学毕业设计的一大特色在于,它用多种形式的广告作品表现其广告策略和创意以达到引人注意的效果,实现其毕业设计的目的,因此,广告作品的呈现效果是评价其毕业设计的重要指标。为了进一步强化学生对广告作品的“示人欲”,引导他们在作品中更多更好地表现“创意”,提升作品表现力,拟在今后的毕业设计答辩前,先进行毕业作品展,然后答辩。此种先展后答辩的安排,可让学生作品充分展示在各专业师生面前,使学生充分体会作品呈现效果的重要性,亦使他们更重视毕业设计的创作。同时,毕业作品展本身就是对学生作品的全方位检验,校内其他学生对作品的关注度、评价与反馈就是对毕业生作品综合评价的外在指标,既展示了毕业创作成果,也可与答辩相互补充形成更全面的评审参考。 作者:祁媛 单位:西北民族大学 广告毕业设计论文:广告学毕业设计流程反思及优化 摘要:本文基于我院广告学首次毕业设计答辩的开展,对其实施流程进行总结、梳理,指出目前存在的局限,并根据广告专业学生的问卷及座谈,提出进一步优化的思路与建议。 关键词:广告学;毕业设计;优化 广告学作为一门应用性文科专业,与社会经济发展的联系极为密切,有很强的实践性。这种特点不仅在课程设计中得到集中体现,表现为广告创意与策划、广告文案写作、广告设计等实务课程的开设,更应在专业实践教学环节的毕业作品中得到体现。毕业作品是学生四年专业学习成果的最终展示,毕业作品的形式、选题、方法及答辩过程等环节会影响学生整个学习生涯的方向及未来的职业选择。目前,国内主流院校的广告学专业大都实行了以毕业设计替代毕业论文的毕业考核方式,这是符合广告学专业特点所做的必然选择。我院也在2015年顺利实行了首届广告专业毕业设计答辩,根据此次答辩的整体情况,本文针对广告毕业设计流程的现状提出问题和思考,并作进一步优化。 一、毕业设计流程的实施 (一)前期学习、调研 本次毕业设计流程是在借鉴国内主流院校广告专业的优秀经验,并对学院2010级———2013级广告专业全体学生展开问卷调查之后,进行设计实施的。他山之石的参考可以帮助确立毕业设计的基本流程和框架,然而具体流程的设计和实施必须依据广告专业在本地的发展实际和学生的具体情况进行针对性构建。2014年3月教研室对全体广告专业学生进行问卷调查,了解他们对毕业设计的态度、要求及实施毕业设计的可能性,此次调查发放问卷294份,回收287份,有效率97%,极为真实地反映了学生对广告学毕业设计的预期和诉求,为本次毕业设计的实施提供了准确数据和落实基础,保证了毕业设计流程的科学、缜密和实效。 (二)构建毕业设计评价体系 评价体系是区分毕业论文与毕业设计的分山岭,它决定了学生毕业创作的方向、努力程度及毕业考核的收效,可以说在一定程度上决定了毕业设计的成败。综览国内主流高校广告专业毕业设计的评价指标不尽相同,可见,毕业设计评价体系并不像毕业论文评价体系一样,可以“一刀切”,各院校大致用一个标准。毕业设计评价体系的不统一是由广告专业实践性强的特点所决定的,因毕业设计需与当地的广告市场结合,所以各地广告市场发展的不同水平,就导致了各院校的广告学毕业设计评价体系必须“因地制宜”。我院因所处地域经济发展水平的局限,结合学生实操的可行性,逐步构建了一套符合自身实际的评价体系。首先是选题。要求所有毕业选题必须来自真实需求,可自行联系广告公司、企事业单位,也可选择学院公布的选题及当年“大广赛”和“学院奖”的参赛命题;其次是作品构成。毕业设计主要是为培养具有广告实践能力的专业人才而开展,因此作品构成也是根据业界的广告设计流程而设置,包括策划案、广告作品、研究报告、工作日志和现场答辩等五部分。策划案与广告作品是整个毕业设计的“重头戏”,二者占比相同均为30%;研究报告是表达创作者未尽之意的空间,以毕业创作为主线,谈谈创作过程及其中的感悟、收获和心得,是策划案的延伸。工作日志是对整个创作过程的质量监控,分为小组日志和个人日志,据此可以判断毕业设计进程的科学合理性,了解成员的任务分工。现场答辩则是整个毕业作品最终提交的环节,要求对策划案思路作准确、清晰描述,并呈现作品,回答评审教师提问。毕业设计的评价体系亦从论文的学术评价转为作品创意、艺术呈现、语言表达、调研方法、活动执行等业务标准。整个答辩过程与广告市场的提案竞标基本接轨,充满实战色彩。 二、现有毕业设计流程的局限 现有毕业设计流程的合理性必须由毕业生给出真实的评价,方可成为流程设计者的参考依据。毕业设计答辩当天,评审教师从51名毕业生中按顺序每组抽一名答辩人,与他们进行座谈,了解毕业生在作品创作中的体会、收获及建议。本次毕业设计答辩,从毕业设计选题、作品形式、作品指导、评价体系、答辩等诸多环节及最后结果和学生反馈来看,收效甚佳。毕业生在其中收获了实践经验、作品和可贵的经历,低年级学生通过答辩看到了自己的差距、不足和未来的努力方向,可有效地将专业学习调整至实践性的方向。然而,本次毕业设计系首次实施,在流程设置等方面亦暴露出不足和局限。 (一)毕业设计创作时间短 此次毕业设计依据传统毕业论文的流程,在大四第一学期期中进行开题答辩,预留一个半学期的时间进行作品创作,然而,毕业设计作品的工作量远远大于毕业论文,加之学生在大四第二学期还需进行毕业实习,实际留给毕业设计的时间非常紧张,无形中增加了毕业设计的创作难度。 (二)毕业设计的整体工作量偏大 按照毕业设计评分标准,毕业作品需准备策划案、作品、研究报告、小组工作日志、个人工作日志和答辩PPT等五个部分,合计平均字数在16000字左右,加之各类广告作品至少在三幅以上,整体工作量远远大于毕业论文平均字数7000字的工作量,这样可能导致学生在策划案和作品的专注度和创作精力会被分散。 (三)作品选题不够多元 此次毕业设计要求必须为真实选题,必须来自广告业界的实际需求,然而囿于学校所处地域经济发展水平,作品选题从产品类型、层次到地域,都有较大的局限性。选题主要来自大广赛和学院奖的参赛产品,本地产品只有莫高、娃哈哈等不多的几家企业,本地广告公司的真实项目几乎没有,作品还是以商业推广为主,选题范围和类型的偏狭不利于学生创作与业界实践的对接。 (四)作品形式的“示人欲”不够 此次毕业设计的作品形式几乎囊括了业界现有的各种广告形态,如平面广告、视频广告、广播广告、CI系统等,包括最新的场景应用毕业生都有尝试,作品形式表现出多元与丰富。美中不足的是,作品中视频作品、音频作品占比较低,平面作品数量虽多,但作品的“示人欲”显露不充分,即现场调动各类元素表现作品创意的愿望不足。毕业设计中有一些作品的创意和表现都不错,但在现场的展示和呈现未能充分表达作品原有的创意。“示人欲”其实是广告本身应有的题中之义,平时的课堂教学更多强调创意,对此涉及不多,业界实践的广告提案环节才会有所接触。此次毕业设计答辩即为学生提供了类似机会与平台,只有带着强烈的“示人欲”,才有可能把作品更好地呈现出来。 (五)答辩环节有待与业界融合 广告学实施毕业设计的目的之一,是更好地表现广告专业与实践密切结合的学科特点,把课堂教学与业务实践结合起来。实现这一目标的有效手段之一,是把业界的专业人士请到课堂来,请到答辩现场来,让他们直接参与作品答辩,使学生真正理解业界的实际需求,使他们的作品创作与学习有更好的实践性。此次毕业设计属首次尝试,来自本地的作品选题不多,加之对作品水平无法预估,因此未能请业界专业人士参与此次答辩。 三、关于毕业设计的优化建议 针对此次毕业生关于作品创作的反馈,及上述存在的问题,结合我院学生的实际状况,拟对下届及今后的毕业设计提出进一步优化的思路。 (一)调整毕业设计的时间进程 根据此次毕业设计创作的总体工作量和流程,需对下届毕业设计的时间流程进行总体调整。首先,需将毕业设计的开题时间提前至大三第二学期期中前后,这样可给毕业生留下较充裕的创作准备期。其次,需将答辩时间由原来的一天延长至两天。毕业设计的作品构成丰富而多元,且很多作品的展示环节需较长时间,根据此次答辩的经验,一天的答辩时间不能充分展示学生作品的完整细节,答辩时间显得仓促而紧张。今后的毕业设计答辩可考虑在两天完成,第一天充分展示作品,第二天演示答辩PPT并回答评审教师提问。 (二)适当压缩毕业设计的总体工作量 根据此次毕业设计的评分标准,毕业设计作品由五部分构成:策划案(30%)、作品(30%)、研究报告(20%)、工作日志(10%)、答辩(10%),上述内容的纯文字工作量平均为16000字上下,再加之作品创意与技术表现,总体工作量相当于论文的两三倍不止。为使学生更好地在毕业设计考核中发挥其专业特长,保证毕业设计答辩的专业性,合理设置毕业设计工作量,可考虑在今后的毕业设计中将现有的小组工作日志和个人工作日志合二为一,只需提交小组工作日志,让评审教师了解小组成员的分工和任务进度,为作品的原创性提供评审依据即可。 (三)多元开发选题,拓深毕业设计的实践性 今后毕业设计的选题可在历次毕业选题的基础上更新、优化、积累,逐步形成毕业设计选题库。选题库中一部分内容可更新为当年的大广赛和学院奖参赛产品,另一部分选题可由学院联系当地主流的广告公司、知名企事业单位及公益组织。尤其是后者的工作,需要与各级机构、组织与公司形成长期合作机制,让它们深度参与毕业设计答辩,并有可能进入课堂教学。一方面,这些公司与机构可为毕业设计提供选题,加强毕业设计的现实性、操作性;另一方面,选题单位的专业人士可成为毕业设计答辩现场的评审教师,使学生的毕业创作与实践结合更密切,并由此可形成双方更紧密的深度互动与合作。 (四)毕业设计作品展与毕业设计答辩的相互补充 广告学毕业设计的一大特色在于,它用多种形式的广告作品表现其广告策略和创意以达到引人注意的效果,实现其毕业设计的目的,因此,广告作品的呈现效果是评价其毕业设计的重要指标。为了进一步强化学生对广告作品的“示人欲”,引导他们在作品中更多更好地表现“创意”,提升作品表现力,拟在今后的毕业设计答辩前,先进行毕业作品展,然后答辩。此种先展后答辩的安排,可让学生作品充分展示在各专业师生面前,使学生充分体会作品呈现效果的重要性,亦使他们更重视毕业设计的创作。同时,毕业作品展本身就是对学生作品的全方位检验,校内其他学生对作品的关注度、评价与反馈就是对毕业生作品综合评价的外在指标,既展示了毕业创作成果,也可与答辩相互补充形成更全面的评审参考。 作者:祁媛 单位:西北民族大学 广告毕业设计论文:就业需求广告学毕业设计刍议 探讨如何从广告公司的实际项目出发,制定符合现实需要且能体现理论水平的论文选题。因此,从广告公司的实际项目入手,将高校广告教育的课题在真实的项目实践完成,必将极大提升广告学教育理论的实践水平,为广告公司的实际项目注入科学的理论血液。广告学专业毕业论文形式研究:结合我校广告学策划和影视广告制作两大优势,实现毕业设计在形式上实现多元化,学生可以依据自己的特长完成一篇策划案或一则影视广告,不仅体现学生自身的能力,发挥其自身的特长,更能提高学生将理论应用于实践的积极性。 广告学专业毕业论文时间进度安排研究:传统的毕业设计开展的时间较晚,且与实习和找工作重叠,以至于到答辩前夕匆匆忙忙编造一篇,其质量可想而知。即由原先专职教师的单一指导转变为企业和专职教师的联合指导,切实提高学生的实践能力和理论水平。广告学专业毕业论文答辩形式研究:在前期选题、指导方式创新实践的基础上,从单纯的学生讲、老师听、提问题创新为公司提案、研讨会等答辩形式,给予学生充分展示自己研究成果的机会。广告学专业毕业论文最终成绩评定方法研究:在前面研究的基础上,探讨怎样全方面评价学生在毕业设计中展现的综合能力,以保证学生真正学到东西的同时,实现理论层面的提升。 为就业搭桥的实战型广告学专业毕业设计研究的创新 (1)毕业设计是衡量学校整体教学水平,是对教学质量和人才培养质量的检验,也是教学效果的一次全面反馈。本方案的思路创新在于将广告学专业的毕业设计贯穿于四年的学习实践,以提高学生学习、实践能力和就业为目的。(2)方案创新。传统的毕业设计大多走走过场,缺少符合实际需要的可行性方案。因此,结合广告学专业的实际就业需要,建立这样一套思路与培养模式创新、操作性强、针对性强的实战型广告学专业毕业设计方案,是适应现代高校广告学教育的必然趋势。(3)实践教学理论创新。将广告学专业实战型的毕业设计方案应用于2014届广告学专业的毕业设计中,在实践中检验方案的可行性和效果,并提出创新性的实践教育教学理论。 基于就业需要的实战型广告学专业毕业设计研究的应用价值 为就业搭桥的实战型广告毕业设计的应用价值,主要体现在以下几个方面:(1)实战型的广告学专业毕业设计方案将有助于学校更好与企业合作,用人单位提前介入到培养人才的过程中,更符合广告业发展对人才的要求。(2)实战型的广告学专业的毕业设计保证了毕业设计的质量,有助于提高教学质量与人才质量。(3)实战型的广告学专业的毕业设计方案将毕业设计与就业相结合缩短了就业适应期,有助于增加学生实际的广告工作经验,提高学生的沟通交往能力和综合素质,能直接或间接帮助学生就业,最终提高广告专业学生就业率。通过将真实项目纳入到广告学的毕业设计中,实战型的毕业设计必将拓展广告学教学的空间,丰富广告学教学的内容,并加强广告学专业建设的力度。只要我们以学生的利益为重,合理分析当前就业形势,将毕业设计与就业联系起来,广告学专业的毕业设计教学一定会取得成效,终将推进高校广告学教育教学改革进程。 作者:卢金婷 单位:郑州航空工业管理学院 广告毕业设计论文:关于改进高职广告策划专业毕业设计工作的思路及探究 摘要:毕业设计是对学生三年学习成绩的检验,也是提高学生职业能力的重要途径,因此广告策划专业要在今年毕业设计工作的基础上总结经验教训砥砺前行,我觉得要做好毕业设计选题的多元化开发,探索“1+1双导师制”与跨专业合作的途径与方法,在毕业设计展示效果上进一步强化内容与形式的结合。 关键词:毕业设计 广告策划 改进 思路 在《关于加强高等职业院校学生毕业设计工作的指导意见(试行) 的通知》(湘教通〔2015〕218号)一文中,强调毕业设计是高职实践性教学的重要环节,是对学生三年专业学习成绩的检验,更是提高学生职业能力的重要途径。湖南工艺美术职业学院多年来一直重视毕业设计工作,并把每年的5月23-26日确定为毕业设计开放展示周,接受来自家长、行业专家、同行的评鉴,这既是对毕业设计质量的自信,也是期望通过此举倒逼各系、专业对毕业设计工作与毕业设计质量的重视。2016届广告策划专业毕业设计较于往年有进步,但也有亟待改进完善之处,希望通过总结经验教训,明年毕业设计有个更完美的呈现。 一、毕业设计主题开发要在体现专业特点的基础上多元化 广告策划专业毕业设计选题内容需要更加多元化,根据专业特点与学生专长,探索毕业设计内容的选题的多元化,但要围绕策划与设计两大能力进行选题内容设计。 多年来,广告策划专业毕业设计原题来源有固定的传统,即中国大学生广告艺术节学院奖(简称学院奖)。虽然,在选题方面有部分来自企业的真实项目,但从这些年的毕业设计实践来看,学生更愿意选择学院奖的商业策划类命题作为毕业设计的选题。究其原因,其一是在其他专业课程学习中“以赛促学”已经成为了习惯,延续到毕业设计阶段学生也更希望在竞赛的状态下完成最后学业成果。其二,指导教师也希望通过该选题鼓励学生参赛获得名次作为教学成果。不可否认,学院奖作为国内针对大学生广告专业的专业赛事多年来对广告类专业教学实践提供了很好的平台,学生在比赛中获得了专业知识迁移到岗位技能的能力,历届毕业生在该选题上也有诸多优秀的毕业设计。但是,往年由于学院奖选题过多,导致学生在选题上过于集中到某个品牌上,以至于毕业设计展示周广告策划专业展示内容与效果有些单一,对学生全面了解各行业特点也少了些举一反三的比较意义。 2016年的毕业设计工作在选题上就有改进,在保有传统学院奖选题的基础了,引入了服务地方、行业发展的选题,即通道侗族自治县民族特色产品品牌推广的选题。同时,在选题规格上也严格控制了学院奖选题的数量,引导学生选择通道侗族元素的选题。通过以上措施,今年毕业设计呈现出了多元化的成果,开放展示周期间获得较好的评价与认可。因此,这一现象也说明以后毕业设计主题开发要在体现专业特点的基础上多元化。 二、完善“1+1双导师制”在毕业设计工作中有效衔接 “1+1双导师制”,即专业指导教师+设计指导教师的组合形式,一定形式上弥补了广告与策划专业学生设计与表现普遍欠缺的问题。莫丹华与黄曦两位设计老师,对今年毕业设计策划书编排、广告创意以及展示效果等环节参与了指导,效果是比较明显的,双导师制可以在以后毕业设计工作中进一步实施与探索更有效的结合方式。 三、探索跨专业合作提升毕业设计质量与展示效果 由于崔伟鹏、胡旋两位老师加入毕业设计指导教师队伍,为今年广告策划专业毕业设计带入了新气息、新面貌。两位老师从教学组织、毕业设计选题、过程监控到成果展示,融入了新方法、新理念,为本专业毕业设计选题内容到展示形式都提出了许多有益的探索与建议。因此,今后可以以跨专业合作提升毕业设计质量与展示效果作为议题进行研究,探索国广与广策专业学生跨专业毕业设计合作的可行性与操作方法,进一步优化两个专业在设计与策划方面的强势联合,围绕广告设计与广告策划两个方面做文章,凸显广告设计与制作这一大专业的品牌特点。 四、毕业设计作品展示要兼顾内容与形式 今年的毕业设计在展示形式上较于往年有所突破,专业的策划主题突出,设计、实物相得益彰,较好地展示了本专业毕业生的专业素养与岗位优秀技能。但是,由于在毕业设计工作开始的阶段过于强调毕业设计的展示性,因此在毕业设计实践中重视设计,反而轻视了广告策划专业的属性特点,在策划与创意上普遍亮点不足。今后毕业设计反映专业属性应该更需加强,不能偏离这个主线,让广告与策划专业的毕业设计从内容与展示效果上都具有本专业特点。 广告毕业设计论文:基于就业需要的实战型广告学专业毕业设计研究 摘 要 传统的毕业设计在内容上,一般是教师出题,学生选题。题目侧重理论,缺少实践支撑。而“为就业搭桥”的实战型毕业设计将调整毕业设计的时间,优化毕业设计的内容和评分标准,切实以实战为中心,将传统的毕业设计改革为更具操作性、实践性的真实项目演练,最终使得毕业设计为学生就业服务,提升广告学专业学生的就业能力,最终通过毕业设计为学生的就业搭建一座桥梁。 关键词 就业桥梁 实战型 毕业设计 广告学专业 1 广告学专业毕业设计改革研究的现实需要 首先,当前就业环境不佳以及学生就业能力的低下是广告学专业毕业设计改革的重要原因。据调查,我校广告学专业2011届、2012届毕业生实际就业率仅为43.8%。因此,通过毕业设计打通从学校教育向实际就业转变的关键环节,是广告学专业毕业设计改革研究的初衷,也是调研我校2011届、2012届广告学专业就业情况之后得出的结论。 其次,高校实践教学的目标就是为了提升学生的实践能力,提高学生对于所学知识的应用能力,因此,作为高校教学计划的重要组成部分,毕业设计不仅是对学生大学阶段学习成果的检阅,更是学生对大学阶段所学专业知识理论与实践相结合的综合应用。因此,如何将毕业设计与真实的实践项目结合,完成一篇高质量的毕业论文是高校毕业设计实践教学与人才培养的重要目标。 再次,作为本科教育最后也是最重要的实践教学环节,传统的毕业设计在时间安排、选题、内容、指导方式、评分标准等各个方面往往囿于理论研究的框架,而非实践的需要。因此,如果能够优化毕业设计的培养方案,必能帮助学生激活所学的专业知识,提升其实践动手能力,实现实践教学的目标和效果。 最后,毕业设计方案的改革必须与广告学专业特性相结合。因此,我们需要从与广告学科密切相关的选题、内容等各方面入手,精心设计一套完善的广告学专业特色的毕业设计方案,将完善广告学人才培养方案,推进高校广告学教育教学改革的进程。 2 实战型广告学专业毕业设计研究的内容 从广告学科自身的特点出发,结合我校广告学专业策划能力和影视制作的课程优势,制定一套完善的可执行可量化的“以就业为导向”的实战型毕业设计改革方案(如图1),即建立起由学校和企业联合指导,小组或个人独立完成真实项目的毕业设计培养模式,切实提升学生的实践能力,提高毕业设计的质量。 在研究中,主要通过问卷调查法,从选题、指导方式、答辩及成绩评定等方面深入了解国内其他高校广告学专业毕业设计模式,总结规律;通过深入访谈法,了解已毕业的2011、2012届毕业生和即将毕业的2013届广告学专业目前的就业状况和影响就业的因素。 广告学专业实战型毕业设计方案研究的主要内容包括以下六大方面:(1)广告学专业毕业论文选题研究:探讨如何从广告公司的实际项目出发,制定符合现实需要且能体现理论水平的论文选题。因此,从广告公司的实际项目入手,将高校广告教育的课题在真实的项目实践完成,必将极大提升广告学教育理论的实践水平,为广告公司的实际项目注入科学的理论血液。(2)广告学专业毕业论文形式研究:结合我校广告学策划和影视广告制作两大优势,实现毕业设计在形式上实现多元化,学生可以依据自己的特长完成一篇策划案或一则影视广告,不仅体现学生自身的能力,发挥其自身的特长,更能提高学生将理论应用于实践的积极性。(3)广告学专业毕业论文时间进度安排研究:传统的毕业设计开展的时间较晚,且与实习和找工作重叠,以至于到答辩前夕匆匆忙忙编造一篇,其质量可想而知。因此,实战型毕业设计将依据教学大纲的要求,在时间上进行科学设计。(4)广告学专业毕业设计指导方式研究:根据前期对毕业设计选题的调查研究,建立与选题相适应的毕业设计指导方案。即由原先专职教师的单一指导转变为企业和专职教师的联合指导,切实提高学生的实践能力和理论水平。(5)广告学专业毕业论文答辩形式研究:在前期选题、指导方式创新实践的基础上,从单纯的学生讲、老师听、提问题创新为公司提案、研讨会等答辩形式,给予学生充分展示自己研究成果的机会。(6)广告学专业毕业论文最终成绩评定方法研究:在前面研究的基础上,探讨怎样全方面评价学生在毕业设计中展现的综合能力,以保证学生真正学到东西的同时,实现理论层面的提升。 3 为就业搭桥的实战型广告学专业毕业设计研究的创新 (1)思路创新。毕业设计是衡量学校整体教学水平,是对教学质量和人才培养质量的检验,也是教学效果的一次全面反馈。本方案的思路创新在于将广告学专业的毕业设计贯穿于四年的学习实践,以提高学生学习、实践能力和就业为目的。(2)方案创新。传统的毕业设计大多走走过场,缺少符合实际需要的可行性方案。因此,结合广告学专业的实际就业需要,建立这样一套思路与培养模式创新、操作性强、针对性强的实战型广告学专业毕业设计方案,是适应现代高校广告学教育的必然趋势。(3)实践教学理论创新。将广告学专业实战型的毕业设计方案应用于2014届广告学专业的毕业设计中,在实践中检验方案的可行性和效果,并提出创新性的实践教育教学理论。 4 基于就业需要的实战型广告学专业毕业设计研究的应用价值 为就业搭桥的实战型广告毕业设计的应用价值,主要体现在以下几个方面:(1)实战型的广告学专业毕业设计方案将有助于学校更好与企业合作,用人单位提前介入到培养人才的过程中,更符合广告业发展对人才的要求。(2)实战型的广告学专业的毕业设计保证了毕业设计的质量,有助于提高教学质量与人才质量。(3)实战型的广告学专业的毕业设计方案将毕业设计与就业相结合缩短了就业适应期,有助于增加学生实际的广告工作经验,提高学生的沟通交往能力和综合素质,能直接或间接帮助学生就业,最终提高广告专业学生就业率。 通过将真实项目纳入到广告学的毕业设计中,实战型的毕业设计必将拓展广告学教学的空间,丰富广告学教学的内容,并加强广告学专业建设的力度。只要我们以学生的利益为重,合理分析当前就业形势,将毕业设计与就业联系起来,广告学专业的毕业设计教学一定会取得成效,终将推进高校广告学教育教学改革进程。 广告毕业设计论文:广告学专业毕业设计的现状与问题 摘 要 自1983年厦门大学开办广告学专业以来,我国广告学专业教育成果丰硕,不仅为社会输送了大量的广告人才,也提升了国内广告行业运作的专业性。但是,在广告学的教育体系中,作为“就业桥梁”的毕业设计,一直处于被轻视的地位。鉴于此,本课题以河南省高校为研究对象,从论文选题、论文形式、时间安排、指导方式、答辩方式、成绩评定与监督机制等几个方面对广告学专业毕业设计的情况进行了调查研究。 关键词 广告学专业 毕业设计调查 问题与对策 1 研究综述 如果能够通过毕业设计,在学校教育和实际的就业之间建立起一座桥梁,必然能够造福于广告学专业的学生,也能真正实现毕业设计的目的和大学教育的初衷。目前广告学专业的毕业设计方案缺乏创造性,不符合实际需要,这恰是我们研究该课题的初衷。本文主要运用问卷调查、电话访谈方法,以河南省内四所高校的广告学专业师生为研究对象,进行问卷调查与电话访谈,研究得出如下的研究结论。 2 研究结果分析 2.1 广告学专业毕业设计的论文选题 据调查,毕业设计在选题上,大多是老师出题,学生选题。而这些题目往往是指导教师根据自身的研究方向,或是根据广告学专业相关的教学内容而出的题目,这些选题通常理论性较强,缺少实践。因此,学生在接受毕业设计任务时,他们不仅难以把握论文选题研究的框架和思路,也很难通过毕业设计学到知识。 通过对我校广告专业毕业选题分析,笔者发现:首先,不少选题为概括性题目,如“中国广告产业的发展”;其次,题目理论性强,如“有限传播理论在当前网络广告环境中的应用”;再者,选题多年重复,不仅缺乏创新,也缺乏应用价值,如“植入式广告”论题;最后,许多老师在提供选题时,范围过大,这使学生往往摸不着方向。针对学生的调查显示,86.7%的学生认为,毕业设计题目理论性过强,并缺乏真实性和实践性,不利于培养和提高他们的实践能力,更不利于毕业设计教学目标的实现。 2.2 广告学专业毕业论文形式 当前广告学专业毕业设计大多是一篇论文,外加一篇专业外文翻译。仔细考量,作为实践性最强以及与社会发展最密切的广告学专业,仅仅通过一篇论文来衡量学生四年所学,是远远不够的,根本体现不出学生对所学知识的应用能力。广告学专业的广告策划、广告创意、广告文案、广告媒体策划等实践课程,决定了毕业设计的内容和要求必须包括对这些实践知识的运用。因此,当前广告学专业毕业设计的形式过于简单,不能有效地体现出学生四年的学习情况,特别是学生的实践能力得不到客观、科学的评估。这也助长了后期学生毕业设计流于形式的不正之风。 2.3 广告学专业毕业论文时间安排 据调查,70%以上的高校广告学专业毕业设计开展的时间在第7学期,但是绝大部分学生论文写作时间都集中于第8学期,也就是最后一个学期。而第7、8学期除了考研学生外,大部分学生都在实习或找工作,学生找工作和毕业设计的时间重叠,使他们没有时间和精力完成毕业设计,以致答辩前夕匆忙编造一篇,其质量可想而知。 以我校为例,广告学专业毕业设计沿用工科院校多年的传统方式,毕业设计工作从第7学期开始,第8学期集中进行。在分配方式上,将学生分配给指导老师。由于毕业设计时间安排过于紧凑,导致实践性较强的毕业设计教学效果不太好。我们希望,未来的毕业设计改革能在时间上进行规划,避开学生找工作的时间;或寻找合适的方式,让学生将平时的实习实践选题纳入毕业设计创作中,从而使他们有充分的时间完成毕业设计。 2.4 广告学专业毕业设计的指导方式 根据对我校部分已毕业的2012、2013级广告学专业学生调查显示,许多学生常以找工作为由请假离开学校,根本没有时间来应付毕业设计。而从论文指导老师方面来看,老师们最头疼的就是找不到学生。尽管老师采取网络、电话等多种形式和学生联系,但有80%的学生不积极主动回复教师,也不按时汇报其毕业论文的进展情况。因此,毕业论文开展的效果不能保证,结果也就不尽如人意。并且还有许多学生阳奉阴违,表面上答应老师修改论文,但实际上却不执行,这样的情况很常见,也是令老师们头疼的问题。 2.5 广告学专业毕业论文的答辩形式 据调查,传统上,学生在进行广告学毕业设计答辩时往往是学生讲、老师听,然后提问题、评分。整个答辩环节都是围绕前期“虚拟的”理论性题目开展的。换句话说,整个毕业设计从选题到创作再到答辩,都没有体现出学生进行广告研究、广告实践方面的能力,也没有给予学生充分展示自己研究成果的机会。对于老师来讲,他们感觉答辩只是走过场而已,因为很多学生的毕业论文从一开始选题就没有太大的创新,换句话说,他们根本就没有深入研究,但是事到临头,却又没有时间修改。因此,毕业设计答辩的成效都是源于前期所有的工作组织和安排。 2.6 广告学专业毕业论文成绩评定方法 据调查,现在大多高校的广告学专业毕业论文成绩评定来自两个方面,一是学生的平时表现;二是论文题目、内容、研究框架、答辩环节的成绩给定。但是,却缺乏评价学生动手能力和综合能力的材料,无法全面评价学生四年学习的表现,也无法通过毕业设计来考查学生对知识的运用能力。因此,就需要采取措施,不管是改变毕业设计的形式,还是改变毕业设计的内容,都必须保证学生在实践方面能力提高的同时,实现理论知识的提升。 2.7 广告学专业毕业设计监督机制 在调查过程中,我们发现,虽然所有院校都制定了毕业设计相关的规章制度,也制定了多种毕业设计管理形式,如毕业设计抽查、答辩后抽查等。但是,每种方式都没有详细、明确的标准,更是缺乏在实践价值评定方面的标准。这就造成毕业设计管理仅限于检查毕业设计的各种材料是否齐全等。这也最终造成教师在指导毕业设计时,积极性不高,也存在放任自流和疏于指导的现象。这就造成当前广告学专业的毕业设计流于形式,无法保证毕业设计的质量,也不能实现通过毕业设计提高学生的综合能力和就业能力的目标。 3 总结 毕业设计不仅可以检阅学生在大学阶段的学习成果,也是学生在即将踏上工作岗位时的练兵,当然也是学生综合应用所学专业知识的过程。作为一个走在时代前沿的创新性学科,广告学专业的毕业设计如果单纯囿于理论框架去做,必将导致“理论脱离实践”。我们希望,如能对实践性较强的广告学专业毕业设计方案进行重新规划,必能帮助学生培养和提升实践能力,实现毕业设计的教学目标。 广告毕业设计论文:基于目标课题的商业策划与广告专业毕业设计教学研究与实践 【摘要】独立学院教育培养面向生产、管理、服务第一线需要的,实践能力强、具有良好职业道德的综合复合型人才,本科毕业设计实现教育培养目标的重要教学环节。商业策划与广告专业毕业设计,根据艺术教育目标课题理论,从项目设计流程构建基于广告项目工作过程的课程模块,并从企业引进真实完整的项目,学生在教师团队的指导下,以小组协作的方式,完成完整的广告策划与设计项目,效果良好。 【关键词】毕业设计;商业策划与广告;职业岗位;就业导向 商业策划与广告专业是高等教育的一个相对比较老专业,经过我院近十年的不断探索和实践,该专业课程体系的改革取得了长足的进展,跳出了本科“压缩饼干”的模式,构建了以基于工作过程系统化为主线的课程体系。然而,在教学实践中,该专业毕业设计究竟应如何进行改革,这始终是一个困扰着我们的一个亟待解决的问题。随着该专业教学改革的进一步深入与发展,探讨和研究毕业设计教学的改革,既是毕业设计现状的急迫要求,也是广告专业培养“高端技能型人才”的重要课题。 1 商业策划与广告专业毕业设计的教学理念 1.1 三本独立学院教育毕业设计的重要意义 毕业设计(论文)是实现培养的重要教学环节。毕业设计(论文)在培养大学生强化社会意识、进行科学研究基本训练、提高综合实践能力与素质等方面,具有不可替代的作用,是教育与生产劳动和社会实践相结合的重要体现,是培养大学生的创新能力、实践能力和创业精神的重要实践环节。教育部针对目前高校扩招,大学生毕业设计(论文)的质量出现了滑坡现象,重申毕业设计的重要意义。① 近年来,随着高等教育教学改革的不断深入,毕业设计按照艺术教育特征进行教学改革等诸多问题,逐渐显现出来。“独立学院学生的毕业设计(论文)的质量和整体水平还存在较大差距”。②许多三本院校的设计类专业,在毕业设计方面很大程度上仍停留在纸上谈兵、脱离实践的“图纸设计方案”的状态之中,不利于毕业生的零距离就业。 三本院校商业策划与广告专业相对于重点艺术院校来说,培养目标和知识结构也显著不同,理论知识的广度和深度相对有限,如何保证并提高毕业设计教学的质量,是我们苦苦思索并寻求突围的课题。 1.2 三本院校商业策划与广告专业毕业设计的教学理念 教育部在《关于加强普通高等学校毕业设计工作的通知》中明确指出:三本院校(独立学院)学生的毕业设计要与所学专业及岗位需求紧密结合,可以采取岗前实践和毕业综合训练等形式,由学校教师与企业的专业技术人员共同指导,结合企业的生产实际选题,确定训练内容和任务要求。 因此,商业策划与广告专业的毕业设计教学改革时,应解构本科毕业设计教学模式,以具有强烈的市场营销意识和以职业能力的培养为优秀的教学理念建构的毕业设计教学模式,即遵循高等艺术教育的规律,从其培养目标和教学要求出发,从社会需求、专业特点和学生综合能力培养的实际出发,选择具体的广告设计项目,在具体的设计情境中,培养学生的综合职业能力。具体而言,艺术专业的毕业设计的要求也不同于工科生,既要重视论文的理论性和学术性要求,更要加强对设计作品的技能性和实用性的考察。 2 基于目标课题的商广设计专业毕业设计教学改革与实践 所谓目标课题,是指以工作任务(项目)为中心,选择、组织课程内容,并以完成工作任务为主要学习方式的课程模式。 目标课题起源于职业教育,却并不是职业教育的专利,而成为一种有着深厚理论基础的课程模式,并被广泛地应用到了各种类型的教育中,如职业教育、幼儿教育、高等教育。当然,在不同类型教育中,其具体表现形态是一样的,如职业教育中体现为产品制作或服务提供,而高等教育中体现为课题研究。 商广设计是指商业广告中策划营销广告的综合计划,在毕业设计教学中,我们以项目课程来选择、组织毕业设计的选择、组织课程内容。具体而言,即以广告设计项目为中心,选择、组织毕业设计课程内容,并以完成广告设计项目工作任务。 2.1 依据项目设计流程构建基于商广项目设计课程模块,实现课程结构模块化 商业广告设计一般需要经过“立项资讯(调研)策划实作研究完成规范化方案自我评估交付检验”等工作流程,在这个工作流程中需要完成以下工作任务:即市场调研、方案计划、草图绘制、电脑效果图制作、施工工艺流程与预算。依据项目设计流程和工作任务,商广专业的毕业设计项目课程选择组织的课程内容如下:即《广告市场调研与策划》、《广告文案写作》、《广告设计与制作》等。 按职业需求和学生的个性,商广专业设定了“广告策划与媒介”、“广告文案”、“广告品牌创意与设计”三个职业方向,并根据这三个方向开设相应的课程学习领域,并集合为毕业设计项目课程的学习领域,实现课程结构模块化。主要体现在:其一,项目课程开发以广告设计的工作分析为基础,其课程体系、课程内容均来自于工作任务模块的转换,从而建立了以工作体系为基础的课程内容体系。其二,在课程设置和课程内容设置上,学生根据自身的职业定向和兴趣爱好,自主选择“广告策划与媒介”、“广告文案”、“广告品牌创意与设计”,这即是“自主”意义上的模块化。 2.2 以真实的设计项目为毕业设计项目课程的载体,实现课程内容的综合化 项目课程内容综合化,主要体现在理论知识与实践知识的综合,职业技能与职业态度、情感的综合。实现“综合”的关键是课程载体的具体化。课程载体来自于职业岗位的具体设计工作内容。我们坚持实用性、应用性与创新性原则,从校企合作的相关企业中,选取市场需要的、适合学生现有知识和能力的真实设计项目,如“学院整体的形象策划与设计”、“绵阳文昌年画的策划与推广”,根据设计项目的难度和工作量大小,所有的学生都承担了真实的设计项目,这就使课程载体由抽象的概念转变为具体的设计工作任务,并且融理论、实践一体,融技能、态度和情感一体。因此,这样的载体不仅是课程内容的载体,还是教学实施的载体。学生在真实项目的设计过程中,学习以设计工作体系为基础的课程模块,训练完成整个工作过程各阶段的任务。 2.3 融“教、学、做”为一体,项目课程实施一体化 在毕业设计项目课程的实施中,实施主体、教学过程、教学场所等三方面的发生变化。 就教学实施主体而言,我们组成了专兼职结合的教师团队,团队中专职教师是融教师、“设计师”为一体双师型教师,还有来自企业的设计师。毕业设计项目课程若干模块,由相关专业特长的教师带领完成。 就教学过程而言,毕业设计的教学过程与设计工作过程的结合,学生经历了惶惑、焦虑,认知,知觉、感觉、想象,知识转换成能力;视知觉整体性,任务的整合及能力迁移,注意与设计,认同感等心理过程,这种心理过程与最初方向选择、方案设计到设计的最后完成的行动过程融为一体,也就是融“教、学、做”为一体。 就教学场所而言,传统教室、专业实训室、工作室、企业工场的三者结合。毕业设计项目课程的教学场所除了传统教室外,更多地在专业的实训室、工作室、企业工场开展教学。 3 商广设计专业毕业设计教学改革的效果分析 从2011年到2013年,我们连续进行三届毕业设计教学环节的改革实践,收到了明显的效果,得到了社会、企业、学生各方面的认同和赞扬。同时还在毕业设计教学环节的改革上走出了一条有创新之路,较好的解决“纸上谈兵”式毕业设计教学与社会需求脱节的问题。学生的设计由过去的“从资料中来,到资料中去”变成了“从企业中来,到设计中去”,融“教、学、做”为一体,在教学过程中强化了学生的职业能力,增强了学生的就业竞争力。 3.1 总体情况 毕业设计项目课程体系紧贴岗位要求,从实际工作任务、工作过程出发,按照商广专业职业能力的形成规律,科学设计、合理布局,实现学校、企业“零距离”培养,课程教学效果显著提高,学生职业能力得到强化训练。 3.2 学生就业、创业情况 实现了学习领域与工作领域一致;学习过程与工作过程一致;学习任务与工作任务一致,培养了学生的职业能力,增强了学生的就业竞争力。近三年来,我校商广专业毕业生一次性就业率96.3%,签约率91.82%,专业对口率从原来的56%上升到84%。 3.3 培育了学生创新成果 产生了一批学生创新成果,如商广专业毕业设计作品在参加各种全国性毕业设计大赛中,取得了优异的成绩,5年来在全国的各大赛事中共取得了金奖1个,银奖3个,铜奖5 个,优秀奖23个,得到专家和同行的认可,在全国取得良好的声誉。其中有许多学生已经成为企业设计与管理岗位的骨干,从近三届毕业生,已有20多名学生已经开始自己独立创业开公司,成为新经济时代的新生代广告企业。 广告毕业设计论文:基于目标课题的商业策划与广告专业毕业设计教学研究与实践 【摘要】独立学院教育培养面向生产、管理、服务第一线需要的,实践能力强、具有良好职业道德的综合复合型人才,本科毕业设计实现教育培养目标的重要教学环节。商业策划与广告专业毕业设计,根据艺术教育目标课题理论,从项目设计流程构建基于广告项目工作过程的课程模块,并从企业引进真实完整的项目,学生在教师团队的指导下,以小组协作的方式,完成完整的广告策划与设计项目,效果良好。 【关键词】毕业设计;商业策划与广告;职业岗位;就业导向 商业策划与广告专业是高等教育的一个相对比较老专业,经过我院近十年的不断探索和实践,该专业课程体系的改革取得了长足的进展,跳出了本科“压缩饼干”的模式,构建了以基于工作过程系统化为主线的课程体系。然而,在教学实践中,该专业毕业设计究竟应如何进行改革,这始终是一个困扰着我们的一个亟待解决的问题。随着该专业教学改革的进一步深入与发展,探讨和研究毕业设计教学的改革,既是毕业设计现状的急迫要求,也是广告专业培养“高端技能型人才”的重要课题。 1 商业策划与广告专业毕业设计的教学理念 1.1 三本独立学院教育毕业设计的重要意义 毕业设计(论文)是实现培养的重要教学环节。毕业设计(论文)在培养大学生强化社会意识、进行科学研究基本训练、提高综合实践能力与素质等方面,具有不可替代的作用,是教育与生产劳动和社会实践相结合的重要体现,是培养大学生的创新能力、实践能力和创业精神的重要实践环节。教育部针对目前高校扩招,大学生毕业设计(论文)的质量出现了滑坡现象,重申毕业设计的重要意义。① 近年来,随着高等教育教学改革的不断深入,毕业设计按照艺术教育特征进行教学改革等诸多问题,逐渐显现出来。“独立学院学生的毕业设计(论文)的质量和整体水平还存在较大差距”。②许多三本院校的设计类专业,在毕业设计方面很大程度上仍停留在纸上谈兵、脱离实践的“图纸设计方案”的状态之中,不利于毕业生的零距离就业。 三本院校商业策划与广告专业相对于重点艺术院校来说,培养目标和知识结构也显著不同,理论知识的广度和深度相对有限,如何保证并提高毕业设计教学的质量,是我们苦苦思索并寻求突围的课题。 1.2 三本院校商业策划与广告专业毕业设计的教学理念 教育部在《关于加强普通高等学校毕业设计工作的通知》中明确指出:三本院校(独立学院)学生的毕业设计要与所学专业及岗位需求紧密结合,可以采取岗前实践和毕业综合训练等形式,由学校教师与企业的专业技术人员共同指导,结合企业的生产实际选题,确定训练内容和任务要求。 因此,商业策划与广告专业的毕业设计教学改革时,应解构本科毕业设计教学模式,以具有强烈的市场营销意识和以职业能力的培养为优秀的教学理念建构的毕业设计教学模式,即遵循高等艺术教育的规律,从其培养目标和教学要求出发,从社会需求、专业特点和学生综合能力培养的实际出发,选择具体的广告设计项目,在具体的设计情境中,培养学生的综合职业能力。具体而言,艺术专业的毕业设计的要求也不同于工科生,既要重视论文的理论性和学术性要求,更要加强对设计作品的技能性和实用性的考察。 2 基于目标课题的商广设计专业毕业设计教学改革与实践 所谓目标课题,是指以工作任务(项目)为中心,选择、组织课程内容,并以完成工作任务为主要学习方式的课程模式。 目标课题起源于职业教育,却并不是职业教育的专利,而成为一种有着深厚理论基础的课程模式,并被广泛地应用到了各种类型的教育中,如职业教育、幼儿教育、高等教育。当然,在不同类型教育中,其具体表现形态是一样的,如职业教育中体现为产品制作或服务提供,而高等教育中体现为课题研究。 商广设计是指商业广告中策划营销广告的综合计划,在毕业设计教学中,我们以项目课程来选择、组织毕业设计的选择、组织课程内容。具体而言,即以广告设计项目为中心,选择、组织毕业设计课程内容,并以完成广告设计项目工作任务。 2.1 依据项目设计流程构建基于商广项目设计课程模块,实现课程结构模块化 商业广告设计一般需要经过“立项资讯(调研)策划实作研究完成规范化方案自我评估交付检验”等工作流程,在这个工作流程中需要完成以下工作任务:即市场调研、方案计划、草图绘制、电脑效果图制作、施工工艺流程与预算。依据项目设计流程和工作任务,商广专业的毕业设计项目课程选择组织的课程内容如下:即《广告市场调研与策划》、《广告文案写作》、《广告设计与制作》等。 按职业需求和学生的个性,商广专业设定了“广告策划与媒介”、“广告文案”、“广告品牌创意与设计”三个职业方向,并根据这三个方向开设相应的课程学习领域,并集合为毕业设计项目课程的学习领域,实现课程结构模块化。主要体现在:其一,项目课程开发以广告设计的工作分析为基础,其课程体系、课程内容均来自于工作任务模块的转换,从而建立了以工作体系为基础的课程内容体系。其二,在课程设置和课程内容设置上,学生根据自身的职业定向和兴趣爱好,自主选择“广告策划与媒介”、“广告文案”、“广告品牌创意与设计”,这即是“自主”意义上的模块化。 2.2 以真实的设计项目为毕业设计项目课程的载体,实现课程内容的综合化 项目课程内容综合化,主要体现在理论知识与实践知识的综合,职业技能与职业态度、情感的综合。实现“综合”的关键是课程载体的具体化。课程载体来自于职业岗位的具体设计工作内容。我们坚持实用性、应用性与创新性原则,从校企合作的相关企业中,选取市场需要的、适合学生现有知识和能力的真实设计项目,如“学院整体的形象策划与设计”、“绵阳文昌年画的策划与推广”,根据设计项目的难度和工作量大小,所有的学生都承担了真实的设计项目,这就使课程载体由抽象的概念转变为具体的设计工作任务,并且融理论、实践一体,融技能、态度和情感一体。因此,这样的载体不仅是课程内容的载体,还是教学实施的载体。学生在真实项目的设计过程中,学习以设计工作体系为基础的课程模块,训练完成整个工作过程各阶段的任务。 2.3 融“教、学、做”为一体,项目课程实施一体化 在毕业设计项目课程的实施中,实施主体、教学过程、教学场所等三方面的发生变化。 就教学实施主体而言,我们组成了专兼职结合的教师团队,团队中专职教师是融教师、“设计师”为一体双师型教师,还有来自企业的设计师。毕业设计项目课程若干模块,由相关专业特长的教师带领完成。 就教学过程而言,毕业设计的教学过程与设计工作过程的结合,学生经历了惶惑、焦虑,认知,知觉、感觉、想象,知识转换成能力;视知觉整体性,任务的整合及能力迁移,注意与设计,认同感等心理过程,这种心理过程与最初方向选择、方案设计到设计的最后完成的行动过程融为一体,也就是融“教、学、做”为一体。 就教学场所而言,传统教室、专业实训室、工作室、企业工场的三者结合。毕业设计项目课程的教学场所除了传统教室外,更多地在专业的实训室、工作室、企业工场开展教学。 3 商广设计专业毕业设计教学改革的效果分析 从2011年到2013年,我们连续进行三届毕业设计教学环节的改革实践,收到了明显的效果,得到了社会、企业、学生各方面的认同和赞扬。同时还在毕业设计教学环节的改革上走出了一条有创新之路,较好的解决“纸上谈兵”式毕业设计教学与社会需求脱节的问题。学生的设计由过去的“从资料中来,到资料中去”变成了“从企业中来,到设计中去”,融“教、学、做”为一体,在教学过程中强化了学生的职业能力,增强了学生的就业竞争力。 3.1 总体情况 毕业设计项目课程体系紧贴岗位要求,从实际工作任务、工作过程出发,按照商广专业职业能力的形成规律,科学设计、合理布局,实现学校、企业“零距离”培养,课程教学效果显著提高,学生职业能力得到强化训练。 3.2 学生就业、创业情况 实现了学习领域与工作领域一致;学习过程与工作过程一致;学习任务与工作任务一致,培养了学生的职业能力,增强了学生的就业竞争力。近三年来,我校商广专业毕业生一次性就业率96.3%,签约率91.82%,专业对口率从原来的56%上升到84%。 3.3 培育了学生创新成果 产生了一批学生创新成果,如商广专业毕业设计作品在参加各种全国性毕业设计大赛中,取得了优异的成绩,5年来在全国的各大赛事中共取得了金奖1个,银奖3个,铜奖5 个,优秀奖23个,得到专家和同行的认可,在全国取得良好的声誉。其中有许多学生已经成为企业设计与管理岗位的骨干,从近三届毕业生,已有20多名学生已经开始自己独立创业开公司,成为新经济时代的新生代广告企业。 广告毕业设计论文:广告专业多元集成式毕业设计模式探究 摘 要 广告专业多元集成式毕业设计模式是在“项目制”启发下,针对专业学科特点和人才培养目标创立的实践教学模式。文章分析了这种模式的特点并给出了实施建议,实践证明,这种毕业设计模式突出了毕业设计的实践导向,弥合了学生理论思维和实践技能的间隙。 关键词 广告专业 毕业设计 教学模式 作为本科最后阶段的教学环节,毕业设计担负着完善教学计划和课程体系的重要任务。如何体现广告专业的学科特点,如何改变毕业设计考核和实践能力脱节的现状,对现有毕业设计模式进行改革与创新,是培养创新型个性化广告人才的重要课题。 一、多元集成式毕业设计模式的特点 广告专业应用性强和学科交叉的特性,要求我们打破将广告作为学理型文科的传统视野。随着学科认识的深入,广告专业必须和现实市场紧密结合,毕业设计应重视实践能力培养已得到广泛共识。广告专业多元集成式毕业设计模式即是在厘清了形而上的理论研究与形而下的实际应用的辩证关系后建立的,凸显了广告的学科特色。其具体内容是以项目小组合作的形式共同完成一个完整广告方案的设计和实施,它吸取了工科“项目制”的操作形式,毕业设计的成果则体现为三份关联的文件:即一份广告策划案、一组广告作品和一篇研究论文或报告。 (一)体现社会实践教学的特色。日本著名广告人镜明曾说:“广告是与社会息息相关的东西,把广告学科当作理论研究不能等同于怎样学习广告,广告是一个非常灵活的东西,学习创意、制作广告更多的是一种感性的认识,最重要的是要把握对市场的实际感受。”[2]他帮我们厘清了广告研究和广告教育之间的差异,广告专业培养目标应是让学生具备综合的知识视野和突出的实践动手能力,使学生通过大量的社会实践将零碎的知识内化为自身的专业能力。[3]很显然,传统的论文式毕业设计无法体现广告专业的实践教学特色,是用理论研究代替了广告学习的完整性。要使毕业设计达到将理论知识内化为实际操作能力的目标,就必须将毕业设计的教学环节延伸至真实市场,训练学生面对动态市场灵活运用知识的能力。 (二)突出知识及能力考核的综合性。对学生而言,毕业设计是将理论与技能综合运用于一次大型作业的过程。理想的毕业设计应使学生在四个方面得到培养提升:综合运用广告知识分析问题的能力、广告活动策划设计能力、广告问题的发现及解决能力、应用新手段并同市场有效结合的能力。传统的毕业设计,严格来说只能算是运用所学知识从学理角度对广告问题进行的分析总结,这种方式割裂了能力培养的综合性,也让学生缺少感性认识。多元集成式毕业设计模式将上述能力融合为三个互相关联的部分,即选题能力(发现问题的能力)、策划能力(分析问题的能力)、实施能力(解决问题的能力),并对这些能力的培养和考核演化为一次完整的广告活动的策划实施过程,让学生通过实际操作体验真实的市场,并完成综合能力的培养。 二、多元集成式毕业设计模式的实施 多元集成式毕业设计模式脱胎于工科的“项目制”,其首要任务便是组建项目小组和寻找课题。小组成员由不同专业方向的3-5名同学组成,一般来自广告管理方向、广告策划方向和广告设计方向。小组成员必须对课题价值、创新点及可行性进行充分论证,教师应鼓励学生对新、热问题展开攻关,并参与小组成员讨论,帮助他们理清思路。在选题通过后,小组即开始模拟广告公司的运作流程:如撰写计划书、市场调研、策划广告方案、设计广告作品、执行广告方案、调研广告效果等。项目实施完成后,小组成员根据自己的负责的具体内容和体会单独撰写论文或报告。在具体实施过程中,还要注意以下几点。 (一)合理安排时间。时间安排是否合理是毕业设计能否顺利实施的关键因素,由于多元集成式毕业设计模式涉及校内校外多个环节,因此合理规划教学时间显得尤为重要。可以利用学生专业实习的契机,在实习前就布置毕业设计任务,让学生带着任务走上实习岗位,提前为毕业设计做好知识、能力和课题储备。学生实习返校后,更容易也更能积极主动地投入到毕业设计工作中。 (二)建立选题参考库。要使毕业设计真正达到设定的目标,项目选题必须来自市场,这些真题既可以来自实习单位也可以自己从市场中寻找。值得一提的是,每年的大学生广告赛事为毕业设计提供了大量优质选题,这些选题涵盖面广、发挥空间大,给学生营造了一个真实的市场环境。学生在选择课题时常会出现一些问题:如难度超过自身能力,对课题的开展估计不足等,为此建立一个动态的毕业设计选题参考库非常必要。库中的题目根据实施难度和新颖程度进行标示,对选题重点和难点予以具体分析,明确完成工作的知识和能力要求等。设立选题参考库的目的是让学生掌握选题原则,知悉当前广告发展趋势和行业热点,引导学生对选题进行多角度、深层次思考。 (三)优化导师配备及成绩评定方法。项目小组应实行双导师制,即选择两个不同研究专长的导师作为主、副导师。在教师资源相对不足的情况下,可以积极引入校外资源,如聘请实习基地的企业人员担任导师。从毕业设计成绩评定方面,也应采取相应的配套改革措施,如细化评分项目,使每个环节及每个部分都有相应的考核量表,目的就是在合理性前提下,充分考虑对学生个人特色和综合能力的评价。 三、多元集成式毕业设计模式的效果 学生能否顺利完成毕业设计所规定的任务,其实也是检验我们培养目标是否达成,学生是否真正成为适应市场需求的复合人才。经过几年的实践证明,这种毕业设计模式是行之有效的。学生通过毕业设计的强化训练,不仅掌握了广告综合策划设计实施的能力,而且在理论水平上也得到提升,思考问题时更深入并能贴合市场需求。学生毕业设计的成果如广告策划书、作品等成为学生求职时的能力证明材料,同时,论文的质量也逐步提升,每年获得省优秀学士学位论文数量稳步提升。 作者简介: 冯易(1979-),男,河北肃宁人,武汉纺织大学讲师,主要研究方向:广告设计艺术。 广告毕业设计论文:色彩对比与调和在广告设计中的运用研究 摘要:广告设计,同色彩之间的关联十分密切,强烈的视觉冲击和深刻的广告印象也是由色彩来达到最终目的。如何在广告设计中灵活的运用色彩,运用合适的对比也调和手法是色彩能够更好的在广告设计中大方光彩,是我们此次研究的主题。 关键词:色彩 对比与调和 广告设计 运用 色彩,是人视界中最重要的感受元素,也是对人诱惑力和冲击力最想强烈的元素之一。而广告,作为具有传播和宣传效应的一种媒体形式,对色彩的应用和依赖也是无可厚非。在现代商品的广告设计中,色彩影响着广告的整体风格和诉求效果,也影响着广告的艺术格调。所以,只有合理的搭配和调和色彩元素,才能使广告画面拥有更加丰富的视觉感受及完美的画面效果。 一、 色彩比对在广告设计中的实际应用 色彩对广告设计的感官效果来说至关重要,广告需要色彩来表现它的主题,完美的色彩对比运用更能为广告画面及风格增色不少,这样,更有利于勾起人们对广告的视觉兴趣。 色彩对比在广告设计中运用最广泛的当属同时对比。所谓同时对比,就是在在同一时间和空间所能感受到的色彩对比现象。这种色彩对比最能抓住观众视线,进而增加广告的宣传范围和收视人群。同时对比包括色相对比、明度对比冷暖、纯色等多种对比关系,下面着重对几种对比关系做详细的运用说明。 (一) 色相对比在广告设计中的应用 色相对比,简单说来就是两种色彩之间的色相差异。由于色彩之间的差异各有不同,因此在广告设计的实际应用中也要特别注意:同类色相在广告中呈若对比,即视觉冲击不明显;临近色相对比使整个画面趋近统一,协调而色相丰富多变;对比色相能够使广告画面对比鲜明、视觉感受强烈;而互补色相对比则会另画面达到最强烈的感官刺激。 (二)色彩纯度对比在广告设计中的应用 色彩纯度对比就是色彩间纯度的差异。色彩纯度上的变化对广告设计来说是比较微小的变化,但这微小的变化却能够为观众的视觉带来区别和变化。色彩纯度对比强烈时,画面就会显得轻快明亮而富有活力;而色彩纯度比对弱得时候,画面就显得沉闷、杂乱、无序。所以色彩纯度对比对广告画面的影响是非常大的,必须运用得当。 (三)色彩明度对比在广告设计中的应用 色彩自身明暗程度的差异对比称之为色彩明度对比。在实际运用过程中,色彩明度对比最能体现出作品的气质和格调。柔和、明快、鲜亮、深沉,都是由色彩明度对比表现出来的。明度对比常常伴随着其他对比手法运用,而其他色彩对比没有明度对比的结合,就会显得苍白无力,冲击力散失。如只有色相对比而没有明度对比的话,画面就显得模糊而混乱;只有纯度对比而没有明度对比的话,广告画面就会平淡乏味缺乏整体感。 (四)其他对比在广告设计中的应用 除此之外,应用于广告设计中的色彩对比手法还有很多,如冷暖对比、形状对比、肌理对比等等,同样,他们在广告设计中也有非常大的作用和技巧,为广告搭配出最有艺术性的画面。但广告设计中,不同的色彩对比都是相互依赖的,不可独立,只有进行合理的协调,才能增强色彩的表现能力,进而增添广告作品的整体美感。 二、 色彩调和在广告设计中的实际应用 色彩的调和是指两种或以上的颜色在画面中发生的补充现象,叫做色彩调和。色彩调和同色彩对比是相辅相成,相互依存的。没有了色彩调和也便没有了色彩对比反之亦然。色彩的调和能够给予观众视觉上的满足,并能够使广告的完整性加强。 色彩在促成广告画面的过程当中,可以使画面变化丰富,冲击力加强。常用的色彩调和法有色彩介入法、色彩加强法、色彩面积调整法等。 (一) 色彩介入法 所谓色彩介入法,就是利用第三方色彩对现已存在两种色彩做以色彩间的融合,从而缓和两种色彩的对比程度。这种方法可以使画面温馨而不失鲜明、刺激却不残忍。 (二) 色彩加强法 色彩加强法,就是对两种对比效果差、色彩效果基本相同的色彩进行调整,使画面由简单平庸而变得鲜活、有生命力的的一种调和方法,可以使广告画面主题清晰,画面醒目,记忆点多。 (三) 色彩面积调整法 削减某种颜色及文字所占据的画面大小,从而统一画面效果的调和方法,就是色彩面积调整法。这种调和的方法最常应用于互补色画面的广告设计中,使画面风格瞬间改变,秩序感加强。 (四) 其他色彩调和方法 其实在广告创作中能够用到的色彩调和技巧很多很多,例如,当广告设计时遇到对比十分强烈的色彩,可以将对比强烈的色彩反复或间隔排列,将无序化有序,这就是色彩重复法在广告设计中的实际应用。另外,通过改变广告画面中文字与图片排列顺序,改变画面中各构成元素的形态来调整广告作品中的色彩,这就是色彩调和中常运用的形态调整法,同样,需要大家在现实操作过程中视情况进行采用。 三、色彩的调和与对比综合运用 当确定了广告设计的主体与诉求创意之后,便需要运用色彩对比与色彩调和为广告设计最协调而精彩的广告关系。同时,当你确定广告主题之后,应该运用所掌握的色彩知识不断完善广告设计画面,让最终画面更加富有魅力和说服力,达到最佳的广告宣传效果。 色彩的对比能够使原本平淡的画面变得活力四射,视觉冲击效果十足,提高广告作品整体的表现力;色彩调和就是将原本刺激性、混乱的画面回归到平静、优雅、安宁的状态,是广告不再过于张扬和具有进攻性,更适合观众的收看,在实际才做过程中,应该把握好色彩对比和色彩调和的使用力度,只有这样,才能让一件广告作品获得更高的评价。 不难发现,在广告设计过程当中,色彩的调和和对比具有着千丝万缕的联系,双方都可以进行相互的增补,不断的完善画面,以达到最佳的风格状态。色彩的对比能够使画面变得生动活泼,富有张力,而色彩的调和又能使画面变得和谐统一、趋于稳定,所以,我们在实际应用中,应认真和谨慎的使用色彩对比与调和方法。 广告毕业设计论文:广告设计中中国文化符号的应用探析 摘要:随着时代的发展,如今的广告形式是越来越多,其表现手法也是与日俱增,在广告设计中通过对文化符号的应用不仅可以丰富广告内容,同时也能提升广告的质量。本文以从对文化符号的定义及中国文化符号的意义阐述入手,进一步叙述了水墨元素这一具有代表性的中国文化符号在影视广告、平面广告及广告招贴中的应用及其意义。 关键词:广告设计;文化符号;水墨元素 1 中国文化符号 1.1 文化符号的定义。文化符号也可以说是一种标示,具有某种特殊的内涵或特殊的意义。文化符号是经过长时间的洗涤之后沉淀下来的精华,以抽象的形式体现了企业、地域、民族或国家的特殊文化,是对企业、地域、民族或国家的某种意义和理念的承载,其内涵丰富且具有很强的抽象性。 1.2 中国文化符号的意义。中国是一个世界文明古国,有着五千多年的悠久文化和文明史,中国文化流传年代久远且所涉及的地域相当的广泛,中国文化符号包括图腾、象形文字等等。图腾,是原始人群体的亲属、祖先、保护神的标志和象征,是人类历史上最早的一种文化现象;象形文字,来自于图画文字,是一种最原始的造字方法,图画性质减弱,象征性质增强。中国文化符号是经过长时间的洗涤而流传下来的精华,是我国文化和文明的抽象化表现。 2 中国文化符号在广告设计中的应用 在现代的广告设计中,越来越多的中国文化符号被得到广泛的应用。水墨元素作为中国一种独特的文化符号,在影视广告、平面广告和招贴广告中更是将其特殊的意义发挥的淋漓尽致。 2.1 水墨元素在广告设计中意义。水墨艺术是中国千百年文化形态的结晶,充分地融合了我国的个性气质、道德规范和价值观念,有着特定的时代文化迹象,同时,水墨艺术也是一种具有象征性的语言,诉说着国人的心灵感悟及对历史的沉思与对未来的憧憬。水墨元素在广告设计中的应用意义主要有两方面:第一方面,水墨广告是对传统中华文化的彰显,充分展现了我国古代儒家的仁德观以及道家的人与自然和谐的思想;第二方面,水墨广告是我国现代文化和西方哲学的有效结合,西方的水彩画,偏重于水彩物性的不同,水墨广告的设计师通过其独特的审美艺术和高超的技艺将水墨画其内在的语言审美与西方的水彩画特点相融合,形成了一种新的视觉符号、标记或代码,用以表现出广告的主题、意趣和性灵。 2.2 影视广告中水墨元素的应用。在影视广告中对水墨元素的应用主要是为了构建广告的意境,在影视广告中通过用浓、淡、隐、现的墨色及干、枯、急、缓的笔趣来表现墨色的变化,在体现了水墨世界的意蕴美的同时通过对影视特效技术的利用带给人一种视觉冲击的感受,也构建了广告的内在意境。例如,首届中国元素国际创意大赛的获奖作品――李宁飞甲《墨球篇》,则是通过将中国两个传统的元素水墨和太极进行有效地结合,将两者的特点和精髓表现到极致状态,同时在其中融入了产品的特点,诠释了其产品舒适贴脚的优势,在广告的结尾通过将墨色的背景和红色的标志相结合,带给人一种强悍的视觉冲击感,加深了观众对其产品的印象。采用水墨元素的影视广告还有很多,像央视的招商广告之《水墨篇》、李奥贝纳广告公司制作的“天逸透气跑鞋广告”等,都是通过对水墨元素这一特殊的中国文化符号与所要展现的广告内容相结合,在阐述了水墨的特性的同时将所要展现的广告内容自然而然地展示给观众,使观众在不知不觉中就认同了所广告的内容。 李宁飞甲《墨球篇》 2.3 平面广告设计中水墨元素的应用。在平面广告设计中,对水墨元素的采用,主要是利用具有灵活性和人格化的点、线,通过顿挫有序的笔法表现出水墨的空灵,达到以简盛繁的艺术特色效果。平面广告就是要借助有限的元素将众多的信息传递给消费者,而水墨艺术则刚好是以简洁的形式语言来蕴含更多的寓意,所以在平面广告设计中采用水墨元素有其必然性。在现实中,采用水墨元素做平面广告的例子多不胜数,比如说有关房地产广告的,“水木年华”的水墨系列平面广告之“立春篇”,该平面广告以微微淡开的墨滴映现出一幅空灵的湖光山水图,淡墨处理的远山和浓彩点染的桃花近景给人无限高远的遐想:居住于此该是多么的宁静而美丽。通过对水墨元素的精巧运用,制造出空灵脱俗的意境,浓墨与淡墨的巧妙结合并在整个画面中留下大面积的空白处,让人感觉如置其中,使画面简洁中显示出内容的丰富。以此使消费者感觉到该楼盘是一个建设在有高品位且充满诗情画意的环境里的,同时也是大多数消费者所追求的居住环境,达到了房地产广告所想要的效果。 《水木清华――立春篇》 2.4 广告招贴中水墨元素的应用。招贴海报是一种个性张扬的广告形式,其内容相对于其他的广告形式而言要更为广泛,且艺术表现力更丰富、远视效果也更加强烈。水墨艺术特有的艺术效果及美感条件成为了艺术家们欣赏而宠爱的表现符号。蓝犁一直追求一种超现实主义的艺术风格,就像毕加索说的,像写字那样画画,他在2007年为北京奥运创作的《舞环》招贴画,就是结合中国传统水墨艺术表现手法,简约灵动地显示出了高雅的文化品位和艺术特点。健康美丽的舞环阳光女孩,淡墨人体、染色兰花(女孩头上的花冠是兰花“织成”),下款用奥运印章呼应,恰到好处地把传统文化与奥运精神结合起来,形成会意含蓄而又形象的笔墨意象。招贴画属于“瞬间艺术”,使受众在一瞬间被所见到的信息倾心和印象深刻,图形应该比文字更有可视性和视觉冲击力。水墨画构思上“一以当十”的精炼,构图上“计白当黑”的简洁,都给广告招贴艺术很大的启发。 3 结束语 综上所述,我们了解到水墨元素作为独特的中国文化符号,在现代广告中的应用非常的广泛,涉及的广告形式包括影视广告、平面广告和广告招贴等,所广告的产品更是多不胜数了。在广告中,通过对中国文化符号――水墨元素的应用,不仅提升了广告的质量,同时也丰富了广告的内容,使广告所带来的效果得到明显的提高。 广告毕业设计论文:广告设计中空白图式的文化解读 【摘要】本文通过对中国传统文化中空白图式的探索及研究,阐释现代广告设计中的空白图式,分析空白图式对现代广告设计如平面设计、展示设计和网页设计等的影响和作用。并以具体的广告设计作品分析空白图式在广告设计应用中的技巧和方法,启发设计者在平面设计中灵活自如地运用空白图式,构造有无相生的虚实空间,提升广告设计的艺术感染力。 【关键词】空白图式;广告设计;意境;虚实 广告设计千变万化,想要在其中占有重要一席,其图式的独特性、延续性和完整性是非常重要的因素。20世纪瑞士心理学家让・皮亚杰(Jean Piaget,1896―1980)对图式解释为:所谓图式是指一种内化的或简化的心理组织结构。图式的形成最初是先天的、遗传的行为图式,以后由于主客体的相互作用,形成图式的变化过程[1]。空白图式就是中国传统艺术中一套稳定、完整、别具一格的图式系统。 空白图式作为广告设计中的一种表现语言和手法,也是现代广告设计崇尚简约追求的有效表现形式。美国艺术理论家鲁道夫・阿恩海姆(Rudolf Arne Heim 1904―2007)在《艺术与视知觉》一书中“一切直觉都趋向于最简化的式样”[2]的观点,是对艺术设计简约追求的高度概括,而这位西方艺术理论大师提出的观点与中国传统艺术中的空白图式表现系统有异曲同工之妙。将中国传统空白图式合理地运用于现代广告设计中,就需要体现出亦单纯亦丰富的辩证设计理念,为观者营造更加“中国化”的视觉空间,真正提升广告设计的艺术感染力。 “空白”非白 空白的概念涉及范畴内的所谓空白。空是虚无、虚幻和虚构的象征,白则使人联想到光明、朴素和高洁,空白图式是中国艺术普遍采用的图式之一,是艺术意境的虚空要素所形成的特殊结构和奇妙现象。例如品读中国传统绘画中八大山人的作品,画中的墨迹与空白可以是云中日、雾中花、怪石上的苔藓、枝头上的鸟羽,等等;一条墨线,可以是枯藤、石头的一条棱、水边的一抹痕;而大面积的空白,可以是天、是水、是气,等等,体现了中国艺术特有的“虚实相生”、“惟恍惟惚”、“似有似无”的美学意境。 传统中国艺术正是立足于“意”,所以在造型上不仅仅拘泥于具象的再现,在构图上非常讲究“经营位置”,要求画面中的黑白分布得当。这种“白”不是表面的实空,而是虚中见实,在画面上表现为白、虚、清、浑蒙,所以达到“托形象以传真”的意境,这种空白分布留给观者更多、更深远的品读空间,让观者的联想去补充画面空白的部分,是有与无的统一。如此,使得有限方寸之画面显得无限,更有画外意。“计白当黑”,白与黑相互依存,留白更需画家的艺匠之心,因为这种“空白”是画家开始构思时有意经营与作画过程中无意流露和合而成。表面看去“逸笔草草”,但绝不是等同于信笔涂鸦。清人恽南田在《南田画跋》中对此深有感触:“笔墨简洁处,用意最微。运其神气于所不见之地,尤为惨淡。”[3]可见,在画面上留白并不是一件易事,空白图式的合理使用体现着艺术家的能力与修养。 空白图式产生并发展的思想渊源 空白图式的产生与发展,是与中国传统儒、释、道三家思想的影响分不开的,下面笔者对空白图式产生并发展的思想渊源作简要梳理。 《易经》中的阴阳哲学思想体现了黑与白之间的相互关系。《易经》说“一阴一阳之谓道”,清程允升《幼学琼林・夫妇》说“孤阴不生,独阳不长”,这种认知,是中国人最基本的宇宙观的高度概括。阴阳交替,直接产生的便是黑与白,这无疑引导中国艺术对大千世界斑斓色彩抽丝剥茧,终概括成单一色彩去表现万千物类,注重黑白的重要思想基础。白与黑同时存在,相辅相成,氤氲和合化成世界万物的思维方式与表现方式。 延续并发展《易经》思想的道家思想把“气”作为宇宙万物的本体和生命,《老子》曰:“道生一,一生二,二生三,三生万物,万物负阴抱阳,充气以为和。”“气”分化为“阴”、“阳”二气,阴阳二气和合产生万物,因此万物都包含阴阳二气。由此影响于中国艺术,便导致对于阴阳即虚实的追求,其中空白图式是艺术表现“虚”的承载方式之一。从这个角度上看,空白就有了哲学意义,从而使中国艺术自然选择了空白图式,产生虚实相生,以心造境的写意境界,进而达到道家思想中的根本“道”。 佛教传入中国并与中国本土文化融合后对中国的艺术产生深刻影响。《般若波罗蜜多心经》提出“色空”观念:“空即是色,色即是空,空不异色,色不异空。”这种认识运用于中国艺术中表现为对空白的追求,进而营造意在尘外的意境。 中国儒家文化强调“绘事后素”、“形正心正”,要求“修身”以期达到完美的人格,崇尚以“素”为“雅”的美学追求,这对中国艺术的空白图式产生了深远影响。 总之,空白图式产生并发展的思想渊源无疑与中国传统文化中诸如老子的玄思、庄子的超然、佛家的空灵和孔子的修身达性等思想观念关系密切。空白图式已深入中华民族审美心灵的深处,在现代广告设计中继承并发展使用空白图式也成为现代广告设计者不断探索追求的方向。 家居展示设计中的空白图式。图五中的留白,突出了画面中的某些部分,使画面有了重点和中心,意境幽远。图中白色的窗开得很巧妙,打破了沉闷的单一的背景墙,产生了一个活跃的透气孔。另外,一片空白中间,有两个极为突出醒目的红色球,使空白区也很生动。这不仅仅是空间结构问题,也体现了整体设计的意境。这使空间产生了如中国传统绘画审美准则般的“气韵生动”效果,也体现了“天人合一”的思想和特点,让环境更加人性化。此展示设计作品善于经营空白图式安排,不仅得画内之景,还兼得画外之景,如画面边角与画外景势相接,线条交叉于画外的疏中见密,以及景物的掩映藏露,都是求得从有限伸向无限。 结 语 总之,在广告设计表现中合理使用空白图式能够产生以下效果:1.对画面进行调适,使画面既不空又不满,达到白而不空、黑而不闷的效果。2.运用空白表达设计构思与立意,体现空灵淡远的思想和意境。空白是虚实表现的一种形式,在现代设计中,应把中国人传统的审美观和现代的西方设计规律有选择融合,达到一种信息传达和意境追求的统一。3.突出画面主体。空白图式的运用是为了表达层次感、空间感和立体感。在广告设计中合理使用空白图式能够突出主题重点、增强画面气势、加深广告设计内部空间感,使设计作品内容表达信息延伸到作品外,引起观者联想,从而达到广告设计作品真正意义上的完整性。4.空白图式还能够体现简约设计风格,增强设计品位。 综上所述,空白图式一方面在中华民族的心灵深处引发出一种“尚意”的审美境界,另一方面又影响了中国现代广告设计,增加了广告作品的文化内涵。因此,在广告设计中,一定要特别注意对空白图式的选择与安排,充分发挥空白图式的作用与效果,使广告设计更符合中国传统审美心理,与设计的其他元素构成虚实相生的灵动空间,古老而传统的空白图式必将在现代广告设计中发挥更大的作用。 (作者单位:防灾科技学院) 广告毕业设计论文:解决平面广告设计与印刷课程对接的有效途径 [摘 要]在平面广告设计的领域,印刷品的质量好与否直接影响到广告传播效果,对于从事平面广告设计的学生来说,在设计制作的环节就更显得十分重要。那么如何在平面广告设计的教学环节把握平面设计制作与印刷课程的关系、如何在学校将理论与实践相结合,解决它们之间的对接问题就显得尤为重要。 [关键词]平面广告设计;印刷;有效途径 学生设计出来的作品去印刷经常会遇到这样的问题,负责人打开拿来的电子文件,发觉无预留 “出血位”而且其尺寸又不合杂志的缩放比例,因此,告诉学生“回去改好再拿来”,学生则会迫不及待地说“什么出血位呀,我不知道呀?”或者“老师没教啊!”。这样的事情可能还有许多,例如:有的学生说印出的印刷品和他在电脑屏幕上显示的效果颜色不一致;印出来的印刷品上出现细网格;在添加黑色时,往往用四色黑,那样黑色印出来,小字会重影;拼大版时版心过大,容易忽略角线给印刷裁切带来的不便,忘记模式转换(RGB转CMYK)、图像精度不够,文字未转曲线等等。这是学生在设计与印刷方面经常会出现的问题,对于有经验的设计师来说也是十分重要的,看起来是小问题,可是累积起来就是大问题,浪费了宝贵时间不说,还会造成一定的经济损失,并耽误作品的正常递交与使用。 一个完整的印刷品的产生,从设计素材的收集、整理,到最后获得印刷成品,要经过创意设计、制版、印刷、印后加工等工艺流程,它所涵盖的专业和层面很广。任何一件精美的印刷品都是科学、艺术及技术的结晶。从实际意义来讲,印刷是传播美的历史和美的艺术再现的过程,也是追求尽善尽美的过程。因此作为一个平面设计师,只有对整个印刷工艺和材料都有全面的了解,才能设计出具有新意、个性和特色的印刷精品。 在平面广告设计的领域,印刷品的质量好与否直接影响到广告传播效果,对于从事平面广告设计的学生来说,在设计制作的环节就更显得十分重要。那么如何在平面广告设计的教学环节把握平面广告设计与印刷课程的关系、如何在学校将理论与实践相结合,解决它们之间的对接问题就显得尤为重要。 鼓励教师到相关企业挂职锻炼 年轻教师正在成长,已经成为高校的主力军,有些教师已经取得了博士、硕士学位,但实际技能方面他们普遍缺乏生产经验,给专业教学工作和企业急需的人才培养带来困难。在师资方面,承担专业技能教学的教师如果自身的专业技能不到位,又如何培养合格的学生?因为行业工作、发展、服务的需求,一些单位制造和引进新的技术设备和生产线及原材料,这些对教师来说是全新的。因此,应对中青年教师做好继续培养工作,鼓励教师到相关企业挂职锻炼, 更新教师的知识结构,在平面广告设计教学中充分准确的讲授印刷知识,帮助学生预测和发现将要出现的问题,并引导其正确解决。同时这对于调整人才培养方案,改革教学内容,改进教学方法和手段具有重要的意义。 建立校内实训基地 平面广告设计专业印刷实训基地不能适应行业人才培养的实际需求,成为制约提高教学质量的一个特别大的因素。随着计算机技术、网络技术等对传统印刷行业的改造,印刷实习基地需要相应的更新改造。不少高校实训基地没有或者建设严重滞后,学生实践环境不能满足实训要求,学生的实践时间和实训条件达不到培养目标的要求,致使学生理论与实际结合方面产生较大差距。因此,在学校的实验室应配备当前行业使用的基础设备,提高学生具体分析问题、解决实际问题的能力。 印刷实训基地应秉承“前校后厂、半工半读”办学方式,承担设计专业或者印刷等专业学生“做中学”的教学实训、学校教材及办公用品的印刷生产、宣传展板的制作、包装盒形的设计、教师的科研与实验、面向企业的技术开发与服务等任务。其先进的实训教学设备、现代化企业的管理方法、真实的工作氛围成为培养学生实践能力,是解决学生平面广告设计与印刷技术对接的有效途径。 实行产学研合作新模式 校企、产学研共同合作培养平面广告设计专业人才,是解决学生设计与印刷、理论与实践可行的人才培养模式。 优秀的印刷行业专家和企业主管可参加教学的改革,为高校的课程设置提出意见和建议,推动院校不断前进、快速发展。同时可以向国外从事印刷设计专业教育的学校取经,再结合我国实际,制定出适合我国国情的人才培养计划和具体实施方案。 开展此项合作的宗旨是“资源共享,优势互补,互利多赢,共同促进艺术设计事业的发展”。企业为校方教师提供在企业挂职锻炼的条件,校方根据企业发展的实际情况需要并结合青年教师的科研方向,有计划、分批次的安排青年教师到企方挂职锻炼。 要完善“产、学、研”运行机制,增强印刷实践技能培养,探索发展新途径。建议高校同一些印刷及设备器材企业、印刷科研机构搞好专业对口的合作,印刷企业也应该具有长远发展的眼光,利用发挥高校平面广告设计专业学生、教师的设计能力,进一步提高发展自己的设计与印刷质量,建立多层次的合作关系。 聘请有实践经验的专家授课 外聘专家中一部分是企事业单位和科研机构中具有相当资格和丰富经验的企业家和科技人员。他们来校给学生讲学,既可以扩大学生的视野,加强学校的科研能力,同时这些外聘教师也经常为自己的学生创造更多的社会实践机会,使学生设计与印刷技术对接少走一些弯路,减少不必要的损失。同时能给教学生活带来更大的活力,缩短校园与社会的距离,提高自己的专业能力。甚至外聘教师在学生毕业时向本单位或业务单位推荐自己的学生,减轻了学校的就业压力。 外聘教师能够填补目前专职教师的知识空缺,尤其是实践教学方面。专职教师因为总处于封闭的校园环境,更多的是纸上谈兵,实践知识更新比较缓慢,很难满足高校教学的需要,影响着教学质量的提高。高校教师的结构如果是由校外企业专家,校内实训基地的有实践技能和经验的技术人员,具有扎实的理论基础、又能够直接参与实训教学的教师三者组成,那将会加速提高教育质量,开篇提到的问题将不会再出现。 黑龙江省教育厅人文社会科学研究项目资助 项目编号:12512282 广告毕业设计论文:传统书法印章艺术在当代平面广告设计中的应用 摘 要: 中国的书法篆刻艺术以其独特的材质与语言,用笔用刀在点画、结体、章法上表现美学思想。随着汉字的发展,由最初的象形文字到抽象的点画文字,通过线条的各种变化,空间结构的疏密,点画的轻重大小、运笔的疾缓和篆刻刀法的种种艺术表现而表达作者的情感与意境。其在当代艺术设计中所传达出的中国传统文化精神,已经成为当代艺术设计中的重要课题并对当代艺术设计起着不可忽视的作用。 关键词: 书法艺术 印章艺术 平面广告设计 中国书法印章艺术是中华民族优秀文化的重要组成部分,至今影响着中华民族乃至整个东方民族的审美情趣,中国传统书法印章艺术在数千年的历史长河中发展,形成了“以道家思想为优秀,同时融合了儒家、墨家、法家等诸子百家思想精髓”的中华传统文化思想。中国书法印章艺术中所体现出的线条韵律的美、结体空间的美和意境美已越来越被当代设计师们所重视与采用,并赋予了当代设计以独特的民族风格和时代特色,对当代艺术设计产生着深远的影响。 将中国书法印章艺术能动、理智而巧妙地运用于当代艺术设计,如:数字媒体艺术,环境艺术,工业设计,服装设计,视觉传达设计(平面广告设计,企业形象设计,包装设计,展示设计,标志设计,书籍装帧设计)等,对增加艺术作品的中国传统文化内涵与民族特色,提高设计内涵与质量,提升中华民族文化产品的国际地位,对于振兴国民经济,促进当代精神文明建设,都有着举足轻重的作用。限于篇幅,本文着重谈谈中国书法印章艺术在当代平面广告设计中的应用。 一、书法艺术在当代平面广告设计中的应用 汉字是传承中华民族文化的最重要的载体。汉字在其演化过程中,从甲骨文开始,逐步形成象形,指事,会意,假借,形声,转注的特征,始终保持其绘画性或符号性,最终形成方正特色的文字体系。书体就其发展大致而言,有篆、隶、楷、行、草。各个不同历史时期所形成的字体又都呈现着各自鲜明的艺术特征,如篆书古朴典雅,极富装饰性,隶书静中寓动,雄壮大气;楷书法度严谨,工整秀丽;行书易识好写,实用性强;草书疾风迅电,气韵通达,具有极强的线条艺术美。这些字体本身又有多种不同形态和风格:如楷书之唐四家:颜,柳,欧,褚;不同书体之间又有很强的交融性:如行楷,行草,楷书中夹以草书,等等。从形式上看,传统书法作品大多由同一种书体构成,而书体的选用也是一种有意识的选择。不同的书体之间的交错运用,在传统书法中也有不少表现,而在当代书法作品中更是屡见不鲜;这种书体的错杂运用,对当代平面广告设计中出现多种字体及变异美术字同时出现的影响很大。 构成书法艺术的四大要素有笔法、结体、章法、墨法。笔法是构成书法形式的重要因素之一,笔法就是有方法、有规律地用毛笔的笔锋划、顿出来的点线的具体表现法的简称。结体,即为字的结构,又称布白,因字由点画连贯穿插而成,点画的空白处也是字的组成部分,虚实相生,才能完成一个艺术品,不同的结体组合方式会形成不同的艺术效果。章法是指安排布置整幅书法作品中,字与字、行与行、段落与段落之间的关系。犹如平面广告设计中画面各组成元素的关系。墨法系指书法作品中的各种墨色变化,墨的干、湿、浓、淡、焦形成线条的方圆、曲直、粗细、疏密、浓淡、干湿、动静与刚柔等,形成节奏的变化,以至气韵生动,形态万千。墨色不同变化不仅影响书法作品的整体章法布白,对创作者思想情愫及作品的意境影响也尤为关键。 书法是线条的艺术,空间的艺术,也是构成的艺术。中国传统书法自古就有着含蓄有神的意境美、流畅飘逸的线条美、超凡脱俗的笔墨韵味美和力透纸背的功力美。书法艺术不但保留着原始绘画的特征,还意象地反映着自然界的真实形象。社会意识形态,人文精神和作者的情感表达,其图画造型与线条组合之特征与当代平面广告设计之元素有其相似之处,所以书法艺术被大量地运用在当代平面广告设计中。在当代平面广告设计中,如何更好地将书法艺术的笔法、结体、章法、墨法更好地融入到设计作品中,首先要把握好设计的整体思路,围绕设计主题而选用适当的书法字体,以及把握好不同笔法、结体、章法与墨法所表现出的不同艺术效果,这需要设计师不但具有扎实的设计功底,还具备相当的知识涵养与一定的艺术审美情态,方能表现出最能体现设计效果的优秀作品。如著名香港设计师靳埭强先生的众多广告招贴、海报设计中,大量采用了中国书法艺术和其他中国传统艺术元素,从而更好地表现出具有中国传统特色而又与时俱进的一幅幅佳作。(如下图): 现代书法更多的是传统书法与当代艺术设计的结合,本文在此不作赘述,引图为例。 二、印章艺术在当代平面广告设计中的应用 印章艺术是我国特有的一个艺术门类,也是我国优秀民族文化的重要组成部分。早在夏、商、周时期的奴隶社会时期,印章便诞生了,经过从战国、秦、汉一直到清代的两千多年的历史发展,其数量之浩大,内容和形式之多样,以及艺术表现之独创性,在世界艺术史中独树一帜。印章文字中,有篆、隶、楷、行、草,而以篆书印章流行时间最长,传世作品也最多,故而也有不少研究印章艺术之专家将印章艺术称为篆刻艺术。 印章艺术在当代平面广告设计中的运用主要表现在标志设计上,在其他设计中也有涉及,但为数较少;印章艺术在其形制上与标志设计有较大的相似度,大致有以下几种形制:正方形、长方形、正圆形、椭圆形和自由形等不规则形。其形制大抵为抽象的几何形,在形式表现上具有现代设计的美感,其文字与印章形制的不同组合和不同刀法所表现出的金石趣味,使得印章艺术在这个方寸之间的小天地中表现出无穷的艺术魅力。几何形印章在现代标志设计中应用较多。自由形有生活中原有的各种具象形态,如人形,动植物形,鸟虫形等,也有各种抽象的几何形态等。其造型千变万化,丰富多彩,是标志设计中的宝库,在标志设计中也常常用到这类形式。 当代众多设计师在了解印章艺术与设计艺术的结合,我想离不开2008年中国北京奥林匹克运动会会徽“京”字中国印,它结合了中国的传统的印章艺术与书法艺术等元素,标志以印章的形式,京字的符号化,中国红的传统色彩和汉简书法线条所书写的“Beijing2008”,表现了中国传统文化的特征,传达出地域性、民族性的信息;中国印代表了凝重而悠久的中国传统文化;“京”字的篆文艺术处理很好地体现了运动会的特征;采用毛笔书法书写字母与数字的形式也很好地体现了传统与现代的结合;整个标志简洁大方,给世人留下了深刻的印象。 三、结语 中国书法印章艺术是中华民族优秀文化的重要组成部分,它以其独特的材质与语言至今影响着中华民族乃至整个东方民族的审美情趣,中国传统书法印章艺术在数千年的历史与发展中,形成了“以道家思想为优秀,同时融合了儒家、墨家、法家、等诸子百家思想精髓”的中华传统文化思想。中国书法印章艺术中所体现出的线条韵律的美、结体空间的美和意境美已越来越被当代设计师们所重视与采用,并赋予了当代设计以独特的民族风格和时代特色,对当代艺术设计产生着深远的影响。将中国书法印章艺术能动地运用于当代艺术设计中,所传达出的中国传统文化精神,增加了艺术作品的中国传统文化内涵与民族特色,提高了设计内涵与质量,提升了中华民族文化产品的国际地位,对于振兴国民经济,促进当代精神文明建设,都有着举足轻重的作用。 广告毕业设计论文:在广告设计教学中实施项目教学的体会 一、项目教学法教学设计的特点 项目教学法是让学生围绕一个相对独立的项目,在教师的指导下,以小组合作的形式收集信息、自行制定计划和方案,最终完成项目的实施及评价的教学方法。 与传统的教学模式相比:1.项目教学法改变了以“知识为本位”的价值取向。2.项目教学法改变了传统的“三个中心”;(1)由以教师为中心转变为以学生为中心;(2)由以教材为中心转变为以项目为中心;(3)由以课堂为中心转变为以实际经验为中心。3.项目教学法改变了单一的评价标准:项目教学更加重视学生在学习过程中的表现,更重视过程性评价。教师要考虑学生在项目中参与的程度、发挥的作用及在学习过程中各种能力的锻炼,多用肯定的语言鼓励学生积极参与,勇于创新,乐于实践,热爱所学专业。 二、项目教学法在广告设计中的实践 自从学校在专业课教学中推行项目教学法后,我针对任教学科和任教班级的特点,以高二美术设计班为试点,在《标志设计》教学中分别采用了两种不同的教学方法进行授课。在美术十(1)班采用传统的教学方法,而十(2)班采用项目教学法。 从两个班学生作品对比分析看,存在3个方面问题:形式过于复杂繁琐;用色多、乱;说明缺乏说服力。通过对作品的点评,指出问题所在,学生认为自己已经掌握标志设计的相关内容。 在考查的时候,我给两个班布置了同一道题目――为某品牌的红葡萄酒设计标志。要求设计的标志能够体现企业的文化内涵,符合产品形象,并配100字以内的设计说明。通过对上交的作品进行整理,我发现美术十(1)班的很多作品在形式、色彩和说明几方面仍存在问题,这说明学生的学习效果并不好;而美术十(2)班的作品明显优于十(1)班,学生在设计时有意识地避免重复错误,作品令人满意。 考核结束后,我对两个班的学生做了一次问卷调查,从调查表可以看出:项目教学法带给学生的不仅仅是成绩的提高,更是对自己学习的肯定。通过学习,学生不仅掌握了知识与技能,还更近的走进了企业的工作环境,为今后就业打下了坚实基础。 三、项目教学法的实践分析 1.项目教学法的优点 (1)使教学与实际联系更为紧密。项目教学法力求反映实际岗位的要求与工作流程,使学生学到的知识与技能更具有针对性与实用性,学生就业后能快速适应社会和企业的发展变化。 (2)发展了学生的多种能力。项目教学法重点培养学生的学习能力和与人交流合作的能力。通过项目的引领,教师教会学生学的方法,让学生在做中学习,在做中思考,有效地改变职校学生被动学习的现状。 (3)项目教学法用发展的眼光看待每一位学生。项目教学法坚持多种评价方式相结合的评价标准,从多方面考核学生。在教学过程中,教师肯定学生的尝试,有利于培养他们的专业热情。 2.对项目教学法在课程实施中的几点思考 在项目教学法的实施过程中,我也遇到了一些棘手的问题,如学生在课堂上过于“自由”;忽略理论的学习,使得设计作品缺乏思想,内容空洞;对于考核方式,学生意见多。针对问题,我不断地在教学中探索,总结以下几点经验: (1)重视项目的完成,但不能忽略对基础理论知识的掌握。项目教学法立足于第一岗位的需要,注重技能的培养,但这并不意味着不需要理论的指导。在教学中,教师本着“必需、够用、实用”的原则,结合工作任务讲解知识点,让学生在实践的过程中将理论牢固掌握。 (2)强调学生的主体性,并不意味着教师任务的减轻。作为项目实施的管理者,教师要监督学生、引导学生、帮助学生按制定的项目计划顺利地完成项目。比如在“小组讨论”这个环节中,有的学生不好意思开口,只听不说;有的学生则过于“积极”,话题越扯越远,偏离了项目;而个别自制力差的学生则在小组学习中放任自流。这就需要教师的引导与监督。 作为项目成果的评审者,教师应对学生的学习情况及时地进行点评。为了能客观、全面地反映学生的成绩,需要建立一套完善的课程评价体系。①坚持阶段性评价与终结性评价相结合:确立过程评价意识,更加注重学生在学习过程中的情感态度、方法的运用和创新能力的培养。②坚持学生互评、自评与教师点评相结合:项目由学生小组与教师共同完成。在评价时,就该考虑学生在项目实施过程中的参与程度,发挥的作用及与他人合作的情况。采用学生互评、自评与教师点评相结合的评价方式能更为客观地反映学生的学习过程。③坚持理论与实践评价相结合:理论考试可以以试卷的形式呈现,占学生总成绩的20%--30%,以督促学生重视理论知识的学习。 实践证明,与传统的教学方法相比,项目教学法是一种更为有效的教学方法,极大地提高了教学效果。学生通过项目教学法,在解决实际问题的过程中掌握理论知识,充分体现了职业教育“以能力为本位”的价值取向。 广告毕业设计论文:浅析中国传统文化元素在广告设计中的应用 摘要:本文通过中国传统文化元素在广告设计中的体现,浅析传统元素在广告设计中不仅是一种文化的传承体现,更是传统文化与现代设计风格的融合。 关键词:中国传统,文化,元素,广告设计 中国传统文化博大精深,其中涵盖着丰富的设计元素,而这些传统文化的精华是东方文化的宝贵财富,它题材广泛、内涵丰富、形式多样、流传久远,是其他艺术形式难以替代的。现代广告文化从商品世界深入到传统文化深厚的土壤中,从创意元素中汲取中国传统文化的精髓,为广告设计灌注积极的文化内涵,构建了新的价值取向。 1 中国传统文化包括的元素 中国的传统文化包括古文、诗、词、曲、赋、民族音乐、民族戏剧、曲艺、国画、书法、对联、灯谜、射覆、酒令、歇后语等;包括中国传统节日以及各种民俗等;包括传统历法在内的中国古代自然科学以及生活在中华民族大家庭中的各地区、各少数民族的传统文化。 文化是一个广义的东西,比如说,语言、心理、文学、哲学、生活习惯还涉及到服装、风俗等一些边沿化甚至是图腾符号化的东西。美国学者泰勒把文化的定义为:“文化和文明是一个复杂的整体,它包括知识、信仰、艺术法律,伦理道德、风俗和作为社会成员的人通过学习获得的任何其它能力和习惯。” 2 中国传统文化元素在现代广告设计中的应用 现代广告设计从商品世界深入到传统文化深厚的土壤中,既为广告灌注积极的文化内涵,又构建了新的价值取向,广告设计来源于生活,更源于文化。文化同时也会提升广告创意设计的内涵,为广告产品带来文化附加值。而一个民族的文化因其独特性必然会给广告创意设计带来独特的个性,从而提升广告创意设计的吸引力与认可度。在当今的消费时代,广告产品如何取得竞争力,关键在于其文化价值的传达力。 2.1 绘画艺术在广告设计中的应用 中国传统绘画艺术的风格特点对现代平面广告设计带来了潜移默化影响的同时也被赋予了浓郁的人文精神,这种特殊的人文精神通过传统绘画的笔墨写意和比拟手法充分的表现出来。在广告艺术的表现形式上,绘画的地位和比重在不断地上升,在传统的文字说明方式则在明显的弱化,甚至在某些广告中已经看不到文字的身影。广告的画面和空间、文字与图形以及图像与色彩的关系都以绘画艺术为基础,积极的吸引了公众的视线,最终使广告成为新颖的信息载体,以达到广告传播信息的目的。在平面广告的设计中,设计师把图形、文案、色彩等许多要素依据形式法则,通过各种艺术手段的处理,合理、清晰、明确、生动的展现在广告的设计理念中。 2.2 传统图案纹样艺术在广告设计中的应用 中国传统图案源于原始社会的彩陶图案。分为原始社会图案、古典图案、民间和民俗国案、少数民族图案。图案的思想内容取决于社会的经济基础,也是古代社会政治、经济、道德、伦理的反映,它们基本都有属于自己的寓意。如:“如意”,它是一种象征吉祥的器物装饰图案,头呈灵芝或云形,稍微曲,供赏玩。寓意做什么事情或要什么东西都能够如愿以偿。童子或仕女持如意,表示“吉祥如意”,一根如意插在瓶子上,表示“平安如意”。中国传统的吉祥纹样中,比较注重“意”,而无论是现代还是古代,人们都对美好的事物充满了向往,纹样作为中国传统文化元素,运用到广告设计中,在传达设计理念的同时还传承了民族文化。 2.3 书法艺术在广告设计中的应用 中国汉字是最古老的三种文字之一,同时也是古老文字中唯一使用至今的表意文字。中国汉字源于象形,其次具有相对独立的性质和发展道路。并且以其净化了的线条美表达种种形体姿态、情感意境和气势力量,形成中国特有的书法艺术,书法包括了民族文化审美观点以及独特的思维方式的最高境界。所以在当代的一些优秀的平面广告设计中也借鉴和结合了书法艺术的独特魅力,将书法中灵动的线条和遒劲的笔体与体面的分割相结合。最具典型的例子是:2008年北京奥运会的会徽“舞动的北京”,不仅仅是书法艺术与广告设计最完美融合的典范,也是奥运精神与中国传统文化相结合的典范。对于这样的设计包涵了深远的意义,红色是中国文化对于吉祥平安最美好的赞礼,而标志中那抹艳丽的红色,正是炎黄子孙对奥运最诚挚的祝福和祈盼。中国土地上时代生存的炎黄子孙对奥运最诚挚的祝福和祈盼。书法艺术从形体到本质都对现代平面广告设计有着积极并深远的影响。 2.4 陶瓷艺术在广告设计中的应用 陶瓷造型,由旋削而成,其外形的外廓线呈现富有韵味的自由曲线,极少采用纯粹的直线造型。陶瓷的形体均匀对称、委婉曲折、刚柔相间、变化丰富,讲求的是造型的自然、饱满的意趣。陶瓷艺术依靠自身的线形、体态给人以线性美感。不仅仅是陶瓷本身形体的特点还有其纹饰的与众不同而展现出不停韵律和节奏。当这种美丽的陶瓷艺术与平面广告设计相融合发生的碰撞和激发的火花时,我们更加能够体会到那种恣肆流利的视觉冲击。 2.5 民间剪纸艺术在广告设计中的应用 剪纸就是在纸上镂空剪刻,使其呈显出所要表现的形象。而人们在长期的艺术实践和生活实践中,将这一艺术锤炼得更加娴熟和完善。形成如撕纸、烧烫、拼色、衬色、染色、勾描等多种方法,从剪纸的纹样看主要有人物、鸟兽、文字、昆虫、山水等,而这些形象是剪纸艺术创造出的经典,含蓄而又不失得体的表现出独特的造型;内敛而又不失稳重的刻画出丰富的内涵;简单而又自然的表达了新颖的设计;而将这种充满趣味和寓意的剪纸艺术应在广告设计中,定会带来耳目一新的感觉。 2.6 传统服饰艺术在广告设计中的应用 中国素有“衣冠礼节之国”之称。中国民族服饰艺术是中国深邃人文传统的重要因素,传统服饰经过几千年的时代变迁,在各个朝代、各个地域、各阶层都有其不同的特点,无论是古朴的秦汉服装、清秀的魏晋南北朝服装,还是华丽的隋唐五代服装、文雅的宋装及华贵的明清服装,都有其奇特的魅力。而这些服饰平面直线裁剪和表现出的二维效果,正好与平面广告设计的模式相吻合,强调立体感。服饰图案的纹样布局都可以体现在广告的设计中。设计师可以将“中国结”这一较为传统而古老的符号元素,运用在广告设计中。在广告的颜色搭配方面设计师可以在其作品中键入中国传统服饰墨红、葱绿、柠黄等颜色,使之和谐一致,从而设计出更具民族风格的广告。 2.7 传统艺术的造型构图技巧在广告设计中的应用 现代广告设计中借鉴“留白”、“藏境”、“造势”、“造险”,使作品意境深远,回味无穷。“字画疏处可以走马,密处不使透风”。中国画家常借用这两句话强调疏密、虚实的对比,以反对平均对待和现象罗列。好的平面广告招贴要做到既让人“一目了然”,还要让人“一见倾心”,为它所吸引,顾盼之余,留下较深的印象。设计者常用“以少用多”和“由此及彼”的艺术技巧来从生活的某一侧面再现现实。木刻年画中的古朴与纯真,皮影、剪纸的简约与抽象,京剧脸谱的夸张与变形,每一样都可成为我们的设计元素,为设计作品内涵增添一份积淀。 3 中国元素对现代广告设计的影响 广告是一种经济活动现象,具有商业的特性,但是它在传播的过程中针对的是社会群体,另外广告又是一种文化现象。而作为文化现象就必然想获得社会大众的认可,符合国民的传统文化和审美习惯。但是广告的商业特性不仅仅是要体现精神生活意识而且更多是要体现出其社会效益。所以中国传统元素与现代广告设计之间是底蕴和延伸的关系,随着现代广告设计与中国传统元素的不断融合和探索,我们也能越来越深刻地体会到中国传统元素对现代广告设计的影响。有了中国传统的深邃厚重的艺术文化精髓,才会有更为夺人心魄的现代广告设计作品。
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