时间：2022-12-28 22:08:03
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇诗中有画画中有诗，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
关键词： 中国画 意境 诗词 文学修养
李可染先生曾说：“意境是艺术的灵魂，是客观事物精粹的集中，加上人的思想感情的，经过高度艺术加工达到情景交融，从而表现出来的艺术境界，诗的境界。”中国画向来就被说成“画是无声诗”、“画有意境”，从中不难看出文学修养对中国画意境的影响。
一、诗画结合的妙处
苏轼说：“味摩诘之诗，诗中有画；味摩诘之画，画中有诗。”在中国画中诗画结合占有很重要的作用，它的独特魅力就在于它不仅满足感官的审美价值，更满足心理需求的精神价值。中国画的诗画结合有多种形式，广义地认为凡是诗中有画意，画中有诗意皆为诗画结合。诗画结合的核心在于意境、情趣上的一律。因此，艺术家只有超越景象的束缚和理性认识的局限，才能寻求个体精神的自由无限，使人有理性地回归，真正达到诗画结合、天然超俗的境界。
中国画家对意境的有意识追求，“意足不求颜色似”中的“不求”，并非求而不得，而是以“前身相马九方皋”不企求。马的颜色、性别对相马专家来说是无足轻重的，马的神态、本质才是中心。我国著名画家徐悲鸿的奔马、齐白石的虾，均是承继了这种观点的产物。从实际效果看，中国画要比金碧山水、重彩工笔更给人清幽淡远之意，令人回味深思，创造出一种幽雅，也可称为“脱俗超凡”的特殊意境。这就是说，文人画家把客观事物的“形”和“理”对立，强调绘画所体现出的意境，力求达到诗中有画、画中有诗的境界。
二、文学修养对中国画意境的影响
文人画虽然是从唐代开始的，但其源流可以上溯到很远。自魏晋时顾恺之、宗炳、谢赫就已在理论上做了准备，只不过需要整整一千年的成长、发育、开花、结果的自然过程。在这个过程中，具有高度文学修养的知识阶层投入了巨大的热情和智慧，在内外形式上都进行了不断深化的创造，形成了各自不同的绘画风格，更使画作本身的意境提高到了一个崭新的高度。
早年的唐寅满怀学而优则仕、显亲扬名的功名追求，虽经科举之挫折，但良好的诗文修养和成就有益滋补了唐寅的绘画艺术，形成了唐寅画品的意境高雅、画风的洒脱。其师周臣在回答别人问唐寅何以“青出于蓝”时说“只少唐生数千卷书”，从中可以看出，其师也看到了文学修养、个人禀赋对于绘画的意境和画风有重要作用。唐寅是一个文学修养极高的画家，无论山水、人物、花鸟，都有卓越的成就。唐寅与文徵明、祝枝山、徐昌四人被称为“吴中四才子”，其诗文风格在《明史》文苑列传有此说法：“寅诗文初尚才情，晚年颓然自放，谓后人知我不在此。”唐寅一生创作了大量书画，也留下了许多才华横溢、高雅洒脱的诗文。现存的《六如居士全集》就收集了唐寅的诗词曲赋六百四十七首。如《言志》中有“不炼金丹不坐禅，不为商贾不耕田，闲来就写青山卖，不使人间造孽钱”，《画竹题诗》有“一枝寒竹护山家，秋夜来听雨似麻，嘈杂欲疑蚕上叶，萧森更比蟹爬沙”，唐寅的诗文与绘画作品相得益彰，都赋予了作品独特的性灵，使其画品的意境无人能及。
作品的意境是美术作品在整体上呈现出来的具有代表性的独特面貌。它不同于一般的艺术特色或创作个性，是通过艺术品表现指那些蕴含在特定的形象之中而又不仅仅局限于这一特定形象所给予人们的艺术上的感受。观徐悲鸿的奔马，我们不仅看到奔马矫健的英姿，还感受到奋发向上的生命活力和志在四方的进取精神。观齐白石的虾，我们不仅看到几个游动的生物，而且通过那透明的虾体，那舒展的长须，感受到宁静、和平、自由的气氛。这种蕴含在画面之中而又超乎画面之外的情趣的感受，大概就是意境感受。
王维的《竹里馆》：“独坐幽篁里，弹琴复长啸。深林人不知，明月来相照。”此诗写了什么呢？除了诗人独自在竹林里弄琴外，似乎什么也没有描写。但我们看到的不只是一个弄琴的诗人，透过“深林人不知，明月来相照”的环境烘染，感受到琴声与啸声之外的宁静，宁静到寂寞，甚至孤独，然而又洋溢着诗人的惬意。这幅画，最突出的是深密的竹林与如水的月光。此时此地，诗人的心境完全融汇到这种宁静的气氛中。他或许更主要的是在享受这如水的画境，而“琴”与“啸”反倒成了一种陪衬。这种宁静、惬意的意境，我们是从画面上感受到的，而这种感受远远超出画面之外。绘画上的意境在这里得到了突出的体现，但这种意境的形成一定得益于王维深厚的文化修养。
因此，中国画是与诗人以画家的眼光、手法观察、表现自然景物分不开的。诗人或者画家的文学修养对于画作的意境有重大的影响，无论从构图、形象、色彩上，都体现自身的文学修养。
原本以为，只有每天嚼着生硬的语文课本，才能学到语文；原本以为，只有每天去消化那些枯燥乏味的字词句，才能学会语文；原本以为，只有每天提起笔在纸上写写画画，才能学懂语文。但我渐渐发现自己想错了，生活是五彩缤纷的，生活中处处有语文，语文，这颗熠熠夺目的宝石把生活点缀得更美。
舟行碧波上，人在画中游。假如来到江南，那么，请乘一叶小舟，行于江南水乡清澈见底的碧水之上，看看两岸造型小巧而底蕴古朴淳厚的黑瓦白墙，听听深深的小巷中传来一两声轻柔的吴侬软语，闻一闻水墨江南特有的荡涤心灵的味道，品一品苦涩中略带一丝甜美的澄清的龙井茶。最后，让我们仍归结到水中，用你的手轻轻拨弄流水，感受它拂过你的指尖的那种柔美和温馨。经过这一番游历，你一定会更加理解为什么古往今来的文人墨客都如此向往江南。 “日出江花红胜火，舂来江水绿如蓝。”这样的诗情画意，却不是只浅吟课本所能领悟到的。
嘈嘈切切错杂弹，大珠小珠落玉盘。刚才的行程是否让你稍感疲惫?没关系，听一听理查德·克莱德曼的钢琴曲吧，那轻柔若水的音乐，将洗涤你一身的倦意。优美的旋律响起在耳畔，时而如潺潺溪水，幽静美丽；时而如皎洁月光，一泻千里；时而如电闪雷鸣，摄人心魄；时而如飞流直下，雄伟壮美……美的音乐给人美的享受，任放松的心在音乐中驰骋，让想象在无边无垠的世界里遨游。“一片晕红才著雨，几丝柔绿乍和烟。”江南的山水，就是一本美丽的语文书。
读万卷书，行万里路。夜晚挑灯夜读，周围一片寂静。墙角偶尔传来的几声不知名的虫叫声和着远处的鸟呜，更加衬托出夜的清幽。眼睛还看着书，心却已经奔走在周野八荒。很喜欢王维的诗，“落花寂寂啼山鸟，杨柳青青渡水人”“行到水穷处，坐看云起时” “白云回望合，青霭入看无”……每每读到这些诗歌的时候，心中就会想起江南的山，江南的水。突然想到苏轼曾经这样评论王维， “味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗”。书的博大精深熏陶着我们的情感，我们在阅读中成长，在阅读中感受语言的美；生活的多姿多彩启迪着我们的智慧，我们在生活中感受语文之美，生命之美。
[何以攻玉]
开头的句子写得美，“原本以为……原本以为……但……”点明作者的感受和主旨；结尾的句子也写得美，“书的博大精深熏陶着……生活的多姿多彩启迪着……”总括全文，表达了作者对生活的体验。作者似乎与语文结下了不解之缘，否则不可能写出这么诗情画意的文章。语文的国度里充满了生活，铸就了作者的人生；生活的长河中流淌着语文，洗礼了作者的人生。生活有语文相伴相随，既是一种缘分，又是一种福分。文章采用一唱三叹的结构，流利贴切，清新隽永，笔灵心慧，富有诗意，颇有韵味。读这样的文章真是一种享受。首先是思想感情的愉悦，当然来自文章深邃新鲜的立意。所谓“登山则情满于山，观海则意溢于海”，作者是个生活的有心人，用真情打动了别人，这是本文的最大成功。
著名画家肖文斌，出生于湖南郴州，毕业北京画院，中国画专业，受赵志田、王文芳、王培东等诸多名师名家真传，现是北京丰台美术家协会理事、高级书画师。他从小受家庭的影响，喜欢美术，喜欢画画，对艺术也有很高追求。他的观念是：一份耕耘就会有一份收获。艺术不仅是精神产品，是精神财富，同时也是创造商品财富的价值……
他的作品多次参加全国及军队书画展览，多次在北京、徐州等地举办个人画展和联展，他的作品收录在《全国青年美术家作品分类集》、《全国当代书画名人名作精品集》、湖南人物库、世界书画网名家档案库，由“中华美术网”、“中国艺术网”“中国网络美术馆”等。2006年10月由中华东方书画院、《东方书画》网、《东方书画》报共同举办的“‘东方书画家’网作品展肖文斌获得了银奖。
他的绘画影响了他的职业生涯，影响了他的一生；他下乡、当兵、提干、调京工作及在北京安家。这都应该感谢绘画、感谢艺术!
他对记者说：“论画，有画如其人，人如其画之说。我的画，应当讲，只能是一个字：拙!笨拙。大画家讲“拙味”，是追求一种质朴，率真，也是生活的真啼，我只是蠢笨。苏轼有，论画以形似，见与儿童邻之论。齐白石还有，画，妙在似与不似之间，太似则媚俗，不似则无形，总之，画是要讲神形兼备和内涵。”他又说：“仁者乐山，智者乐水，内涵丰富的东西给人的想象空间就大，见仁见智。东方的画，特别是中国画则主要讲究神韵，神似，精神气；唯美，诗、书、画、印，书画同源。宋人王唯，就有，画中有诗，诗中有画，之美称。既强化个性，又特别讲中庸之道。西方艺术则讲究极致，唯物，唯美，求形，求真到极致。反过来又放形；现代派，后现代派，行为艺术等等。他们讲个人感觉，强化个人的东西，个人的色彩。另外，通过作品直接沟通和连接不同民族人民的心灵，接近和融合不同民族人民的感情层面和领域。展示当代青年书画家“传统与现代结合、东方与西方融汇、以我为主、以今为主、古为今用、外为中用”的艺术思想及和谐向上的艺术新格局。他为人朴实、文气而平和，有一双慧智的眼睛，透出深思的底蕴，话不是很多，让人很喜欢与他交流。从他身上能学到很多东西，他既有军人的整洁作风又有艺术家的豪放，既有军官的风范又有才子的浩然，令人折服。
我国古代的重商理念与欧洲的重商主义
试论浙江海港城市文化中的海商精神
西进
省政府参事西部考察有感
笔墨时时寄我思 半生辛苦半生痴 访书画家骆恒光
人性与神性的交叠 论叶文夫创作主题的两个向度
馆员解力平
政治上的文化知己 记茅盾与的交往
沈从文的背影
抗战时期的黄绍竑
余正篆刻
石岘洞北山的较量
1909年的“木瓜之役”
从大窑出发的陶瓷之路
悬壶济世 中医泰斗叶熙春
一代藏书家和刻书家刘承斡
雨中情：戏剧《雷峰塔传奇》与话本《白娘子永镇雷峰塔》之比较
滕王阁印象
从乡愁说起 台湾访问记
论修养二题
谈谈文化养生
吴大羽：杭州艺专的一面旗帜
隶书
雁荡雨后
馆员解力平
骆恒光书画选
叶文夫国画选冻之佛花鸟画选中国黑白艺术的一面旗帜——记首届“中国美术奖·终身成就奖”获得者赵延年
省文史研究馆馆员赵延年先生的“刀木人生·作品捐赠展暨艺术研讨会”即将在杭州开幕
翰墨寄情，丹青送暖——我馆捐建的四川省青城山五洞天牌楼落成
推进浙江新型农民培训方式转型
论和平共处五项原则在当代中国外交中的作用与意义
《全集》初考
李叔同杭州任教时期相关文献述论
王维的诗诗中有画 吴声的画画中有诗——访人物画家吴声
我劝自己多努力 文章得失不由天——浙江省文史馆馆员赖金良自述
苏区货币战
苏区货币战从未统兵作战夺关斩将的大军事家蒋百里
传统·传承·传薪——余任天先生艺术解读
汪培的戏剧情缘
当相亲像风暴一样袭来
有一种力量叫复原力
人生的境界
《聊斋志异》初刻本“青柯亭本”
宁海古称“缑城”
科举制度下的淳安
姚江讲会序
西湖三题
方言的故事
趣谈《水浒》绰号与杭州方言
林文铮：国立艺专最早的教务长
“钱塘书会才人”施耐庵
有幸事交通 无限乐人生
为当代建言 为后世立言
盛长荣
(24)德才学识古今谈（上）——“德才兼备，以德为先”的若干思考
品味江南——记油画家潘鸿海
桂花风外等秋潮——记诗词楹联学家王翼奇
怀念先生
江南名士沈定庵
再说曹操杀人
魏晋时期“斗富”三题
现代孔夫子之死
在新华社大礼堂昕报告
突破天堑，切断沪宁，解放杭州
与中国书店创立及北京华声电台收购
丝绸都会
孔子丢鞋
潇潇雨未歇 岳飞与衢州
篆刻
欢呼两岸三通
两岸三通作歌寄望
本课将美术和语文两学科相整合，通过对古诗的诵读和理解，感受古诗的意境，用已学的水墨画技法表现画面，让学生感受两种中国传统文化的相同之处。本课以春天为主题，鼓励学生说说、写写、画画有关春天的古诗，增强学生对古诗词的理解以及对中国传统艺术的热爱。
二、学情分析
由于五年级学生对古诗词有了一定的掌握，而对中国的水墨画技法也有所了解，所以，通过本堂课的学习，能够巧妙地运用水墨技法进行诗配画创作。
三、教学目标
认知：通过欣赏，感受水墨表现情趣，学习诗配画的创作方法，培养学生对古诗意境的感悟和对水墨能力的运用。
技能：运用传统的笔墨技巧，以春天的古诗为主题，合理构思构图，恰当表现古诗意境。
情感：感受诗、画两种传统文化的相同之处，培养学生对中国传统文化的热爱。
四、教学重难点
重点：掌握诗配画的创作方法，熟练运用笔墨技巧及传统水墨技法表现诗配画，将二者巧妙结合。
难点：巧用笔墨、表达古诗的意境。
五、教学准备
PPT、水墨画工具。
六、教学过程
（一）欣赏导入
1.知识回顾
课前连续播放山水画图片，学生欣赏作品，初步感受山水画的艺术魅力。
尝试了解学生：你画过水墨山水吗？你对水墨画了解多少？
生：中锋、侧锋的运用，山石的勾勒、皴擦等等。
生小练笔，师简单评价。
2.导入古诗
出示一张水墨画，问：你觉得这幅水墨画表现了怎样的内容？
生：桃树、竹子、鸭子戏水。
师：让我想起了苏轼的一首古诗《惠崇春江晚景》，学过吗？
生读一读苏轼的《惠崇春江晚景》。
师：画面表现了诗中哪两句内容？（前两句），让我们感受到春天的气息。
3.完成诗配画，揭示课题：像这样根据古诗内容表现画面，把古诗的意境表达出来，称为诗配画。（板书课题）
【设计意图】通过欣赏，感受水墨山水的魅力，温顾前面学习的相关水墨画知识，明确本课的学习目的，运用水墨画知识，结合语文学科中的古诗，给诗配画。
（二）技法交流
1.交流古诗
师：春天，万物复苏，是一个多姿多彩的季节。除了这首《惠崇春江晚景》，你还知道哪些描写春天的古诗呢？
生：《春晓》《清明》《咏柳》《鸟鸣涧》。
拿出纸，写出有关春天的古诗或诗句。
师：唐代诗人王维在一个细雨绵绵的春天，送走了他的一位故友，写下了这首《渭城曲》。
PPT出示王维古诗《渭城曲》。
生读一读。
师：如果给诗配画，可以抓住古诗中哪些关键词句来表现画面？
生：柳树、细雨、饮酒的故人。
师：你的眼前会浮现出怎样的情境？
2.访问艺术家
出示现代画家傅抱石《渭城曲》。
师：青苍的柳色，带着浓浓的雨意，成为画面的主体，把诗有的惜别之情表现了出来。这就是诗的意境。（板书：意境）
师小结：所以给诗配画，首先就要抓住诗中的关键词句，再进行景物的描绘。（板书：抓住词句、描绘景物）
师：仔细观察，画面中用到了哪些水墨技法？
生交流、师小结技法：中锋勾勒枝条、人物，绿色晕染出柳色、淡墨晕染远山、云雾，突出整首诗的意境。（板书：突出）
【设计意图】以春天为主题，让学生先说说、写写有关春天的古诗。通过欣赏大画家的作品，感受诗的景物描写与画面表现之间的关系，掌握水墨画的表现技法及诗配画的创作方法，体会诗配画的意境美。
3.欣赏学生作品
出示学生作品两幅《绝句》《游园不值》。
师：与大师相比，学生的诗配画又有着怎样的异曲同工之处呢？
学生欣赏，比较作品的意境、技法的运用。
4.教师示范
以古诗《忆江南》为例，示范。
出示古诗，可以抓住古诗中哪些关键词来表现景物？（日出江花红胜火，春来江水绿如蓝）
可以用哪些水墨技法表现画面？（浓墨中锋表现房子、河岸、皴擦泥土，逆锋表现江边的树，大红和曙红点染桃花，淡墨晕染远山、花青晕染江水）
【设计意图】这个环节是本课的难点之在，通过欣赏学生作品，了解更多的诗配画表达的诗的意境，教师的示范中将更多的水墨技法呈现，让学生不仅了解诗配画对诗的传递的过程，更能深刻掌握水墨画的构图与章法。
（三）自主表现
给刚刚的古诗配画。想一想可以抓住哪些关键的景物表现画面，用熟悉的水墨画技法突出古诗的意境。
（四）评展作品
组织学生根据古诗内容评价作品。对画面的构图、意境的表达、技法的运用、墨色的变化等方面进行评价。最后教师点评，鼓励学生大胆用笔，自主创新。
（五）课后延伸
出示完成的画作：在《忆江南》诗配画空白处写下古诗句，让学生注意字句的排列，从右往左书写，最后落款，刻上印章。
鼓励学生课后也能在画面空白处添加诗句，将绘画与书法巧妙结合，完善作品，体现诗配画的内涵。
【设计意图】将古诗与画面相统一，二者结合，真正体现中国传统文化的相同之处，更加完善作品，真正体现诗配画特有的魅力“诗中有画，画中有诗”。
七、板书设计
诗配画 水墨画
抓住词句 中锋、侧锋
1982年4月，夏芷《枯木竹石图》出土于江苏省淮安市淮安区城东郊闸口村的一座明代墓葬里，墓主人是明代书画收藏家王镇。王镇，字伯安，生于明代永乐甲辰年(1424年)，卒于弘治乙卯年(1495年)，祖籍仪征，其曾祖于明洪武年间迁来淮安。王镇出生于一个殷实的家庭，幼读诗书，秉承先业，治家勤俭，于是家益丰盛。王镇一生不求仕途，唯“古今图画墨迹，最为心所钟爱，终日披览玩赏”而忘记饮食，对书画更是“善识其真伪”，每遇佳作，往往不计价值，必要求得，晚年心愈好静，终日浏览所藏字画。王镇死后，后代将其生前收藏装裱好的书画手卷随葬，除此之外，并无其他重要物件，足见他生前酷爱收藏，意欲死后玩赏。随葬出土的二十五幅字画，徐邦达先生等人鉴定，除了王渊的《秋塘图》和任仁发的《人马图》二幅为伪作外，其余均为真迹。
夏芷一生虽然留存画作不多，但此幅《枯木竹石图》堪称佳作，在笔墨、气韵、追求的意境等方面，更具有鲜明的文人画的闲、静、幽、雅、文、逸的风格。夏芷《枯木竹石图》所蕴含的文人画的特征是：第一、追求意境的营造和“逸气”的抒发；第二、选取中间构图法和以简取胜；第三、注重书法用笔和墨趣的表达等等。
追求意境的营
和“逸气”的抒发
陈衡恪对文人画的界定是：“画中带有文人之性质，含有文人之趣味，不在画中考究艺术上之功夫，必须于画外看出许多文人之感想。此之所谓文人画。”由此可见文人画有特殊的审美标准，不仅要在画之范围内用功，还须在画之外提高主体精神的文化品味。它与受命于皇家、贵族的院画，以及模仿因袭的画工画大异其趣而独树一帜。文人画以诗意为魂，有浓重的表情达意的抒情性特征。以诗的表现性、抒情性、写意性为最高的美学追求原则。王维主张绘画艺术“画中有诗”的观点，最早确立了诗化的文人画美学原则。
文人画在题材内容、思想情趣、笔墨技巧等方面各有不同的追求，其题材多为梅、兰、竹、菊、高山、渔隐之类，借所描绘的自然景物写心灵之感受。画家眼中的梅、兰、竹、菊等，不再是单纯的自然景物而是君子的化身：梅——冲寒斗雪，玉骨冰肌；兰——清雅幽香，洁身自好；竹——虚心劲节，高风亮节；菊——凌霜而荣，独具傲骨，文人借此来抒发内心清高、文雅或豪迈的情绪。
夏芷的《枯木竹石图》，选择了历代画家所钟爱的竹石题材以抒发心志。在窠石左侧，画家以率性和浓淡相宜的笔墨塑造了敲侧而坚挺的竹子形象。以浓墨刻画呈发散状态的竹子，笔墨生动，层次和脉络鲜明。在窠石右侧，描画出细细的竹竿和零星的竹叶，以达到画面左右两侧的呼应。画面款署仅为“廷芳为景容写”，所钤印章有：白文印章“钱塘夏芷”，朱文印章“庭芳”二方。夏芷此幅作品刻画的主体是“窠石”，而竹子的形象是在画面的主次关系和透视关系上起到点缀和补充的作用，追求荒寒意境的营造和画面构图的均衡。
唐代白居易《养竹记》云：“竹似贤，何哉?竹本固，固以树德，君子见其本，则思善建不拔者。竹性直，直以立身，君子见其性，则思中立不倚者，竹心空，空以体道，君子见其心，则思应用虚者。竹节贞，贞以立志，君子见其节，则思砥砺名行，夷险一致者。夫如是，故君子人多树之为庭实焉。”竹子虚心而有节，根固而挺拔，中空而外直，画竹是比喻君子的正直、谦虚和气节。古往今来，文人士大夫留下许多关于竹子的诗词，借竹言志，托竹寓情，表达清高脱俗的雅趣，和对“坚贞”“高雅”“气节”的颂赞。如宋代苏轼《于潜僧绿筠轩》云：“宁可食无肉，不可居无竹。无肉令人瘦，无竹令人俗。人瘦尚可肥，士俗不可医。”清代郑板桥《竹石》诗云：“咬定青山不放松，立根原在破岩中。千磨万击还坚劲，任尔东西南北风。”傅庞如《咏竹》诗云：“茅合小桥流水边，安居落户自怡然。风摧体歪根犹正，雪压腰枝志更坚。”唐代刘兼《新竹》诗云：“自是子猷偏爱尔，虚心高节雪霜中”等等，都高度赞扬了竹子不畏逆境的顽强生命力、坚贞和高风亮节。因此，竹石题材成为了历代文人绘画的永恒主题。
夏芷《枯木竹石图》恰如倪瓒所谓“画者不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱，写胸中逸气耳”。作品中体现了文人画求神似、求意足和重文人气质的特点，体现了苏轼画论中强调的神似、绘画抒情达意的作用和笔外的韵致。《枯木竹石图》的艺术风格，也切合欧阳修在《题盘车图诗》中所说“古画画意不画形，梅诗咏物无隐情。忘形得意知者寡，不若见诗如见画”和宋代沈括“书画之妙，当以神会，难可以形器求也”的绘画理论。
【摘 要】随着学习和实践《纲要》的不断深入，以往在幼儿美术教育中被冷落的或者被忽视的幼儿美术欣赏教育，越来越被幼儿教师所重视，幼儿教师越来越充分认识到美术欣赏活动在发挥艺术的情感教育功能，丰富幼儿审美经验，促进幼儿健全人格形成等多方面具有独特的作用，是其他教育内容所不能代替的。在实践中发现，幼儿年龄小，受心理发展水平的限制，对美术作品欣赏往往停留在描述阶段，即画中有什么，画得像不像，美不美的初步审美层次上，很难深刻体悟到美术作品的意境及其所蕴含的思想情感。现代审美心理学的观点认为，由联想和想象产生的“通感”现象在艺术鉴赏中具有十分重要的作用，是幼儿欣赏、感知、理解作品的重要途径。
【关键词】幼儿；美术教育；欣赏能力
美术欣赏活动与其它艺术活动的融合，让幼儿产生“共通型体验”“共通型体验”，是指美术与其它艺术学科之间的综合活动体验。美术是视觉艺术，音乐是听觉艺术，舞蹈足形体艺术，文学是语言艺术。但作为社会意识形态的一部分又有着共性和联系，即通感。艺术通感是艺术思维上的一种幻觉，这种思维上的幻觉无论在艺术欣赏还是在艺术创作上都可以帮助人们去深刻地表达或接受客观事物的感受和体验。它犹如一条美的彩带把感觉和想象联结在一起。如观唐代诗人王维的画是“画中有诗”，读其诗是“诗中有画”，视觉、听觉、幻觉融为一体，其意境令人陶醉，给欣赏者带来无限的美感。
一、将美术欣赏活动与音乐活动融合音乐与美术同属艺术范畴
他们之间有许多可以融合的地方，音乐中的乐符，需要高低起伏，快慢相问的组合才会成为有旋律、节奏的音乐。美术也一样，通过点、线、面、色彩等变化，组合在一起，才会呈现出丰实多彩的画面，所以美术与音乐在节奏、韵律、意境等方面都有相通之处。在美术欣赏中播放与画面匹配的音乐，视听通感和联觉，可以营造音画编织成的良好的美术欣赏环境。视听联觉，使幼儿如闻其声，如临其境，进入情境交融的艺术境界，在感受、品味、思索中加深对作品的理解。
二、将美术欣赏活动与舞蹈活动融合
舞蹈与美术也有联系，舞蹈是按音乐节奏来的，是以人的形体、姿态、表情 造型特别是动作过程为手段，表观人们主观情感的艺术。舞蹈动作是动态和静态造型相结合的造型美，是一种诉诸听觉和视觉的结合艺术。美术作品是以点、线、面构成的静态的造型美，所以美术与舞蹈也有相通之处。在欣赏《春如线》中，当画画与音乐相融合，视听联觉产生通感后，为了让幼儿进一步加深对作品的理解，教师启发幼儿运用舞蹈这个肢体语言来表现画面所要表达的意境。在乐曲《春光美》淅淅沥沥的春雨声、__小鸟叽叽喳喳的欢叫声及轻松悠扬的笛子声中，幼儿情绪高涨，自由创编表演多种动作，有的表演蝴蝶、蜜蜂、小燕子，有的摇起手臂当迎风摇动的柳条，有的表演小鱼、蝌蚪游，有的表演小芽慢慢长高，有的表演花儿开。在幼儿尽情舞蹈中，进一步感受画面所表达的意境美。表演后孩子体验更深刻，当教师问：“听着音乐边表演边欣赏这幅画，你有什么感觉？”孩子们说：“我好像来到草地上，花儿都开了”，“我好像看到柳树在跳舞”，“我感觉下雨了，但是雨是彩色的”，“我觉得自己变成了蝴蝶、蜜蜂、小鸟飞到画里去了”。以上视觉、听觉等多种感官综合运用，充分发挥“通感”的作用，让幼儿进一步融入到作品充满春天气息的美好意境中。
三、将美术欣赏活动与文学活动融合
文学作品是以艺术形象和形式为依据，引发其感情、联想和想象的艺术思维活动，达到情绪感觉上和心灵上的美感。我们常常在读文学作品时，大脑中会出现与文学作品内容相应的视觉画面，这也就是“通感”现象。我国北宋著名的文学家、书画家苏轼曾有过“诗是有声的画，画是无声的诗”的论述。有效利用诗画之间的“通感”，能更好地帮助幼儿理解和感悟艺术作品，沟通与作者的思想情感，在欣赏《春如线》中，教师采用以上美术与音乐、舞蹈等艺术形式相融合后，又选用了与作品内容相吻合，体现作品意境的散文诗《春天在那里》。诗歌是典型的语言艺术，诗有形象生动的艺术语言。既能为人的眼睛、耳朵直观的形象美，又能表达人的丰富多彩的情感意绪。所以当孩子们欣赏着画面，聆听老师声情并茂的朗读诗歌后，幼儿情不自禁鼓起掌来，由衷赞叹吴爷爷画得画太美了。望着孩子们陶醉的神情，就知道他们完全进入了画的世界中，并充分理解了画得内容和画家所要表达的思想情感。当教师进一步引导孩子给画取题目时，他们取的题目都较准确地表达作品的意境及主题思想，如“春天的线条”、“春天的色彩”、“春天真美丽”、“春天的印象”、“春天的草地”等等。
在美术欣赏活动中，通过美术、音乐、舞蹈、文学的共通感受以及交汇和融合，达到视觉、听觉、运动觉等多种感官协同作用，运用“通感”使幼儿对美术作品的体验更加深刻，大大增强了欣赏的效果，促进幼儿审美能力的发展。“通感”体验的运用也充分体现了新《纲要》中整合的教育观。
日常的教学，并不是每一堂课都能用上多媒体。对于偏远地区，特别是农村小学，通常是一支粉笔，一本书进课堂，在这样的条件下，我们只能用“对话”这种最原始的方式来帮孩子构建他们内心美的天地。
广义上，“对话”的含义为“两个或更多的人用语言交谈。”在课堂上，教师用“语言”和儿童时刻在进行“对话”。然而，在著名物理学家、20世纪最重要的思想家之一的戴维·伯姆看来，这并非真正意义上的“对话”。他在《论对话》中提出：对话是个多层面的过程，远远超越了传统意义上的谈话和交流，它旨在探索对话中人们的思维作用方式。戴维·伯姆提倡的“对话”，从字面上讲并不意味着只是在两个人之间进行，它可以在许多人之间进行，也可以是在一个人内心深处进行的自我对话。“就意味着对话仿佛是一种流淌于人们之间的意义溪流，它使所有对话者都能够参与和分享这一意义之溪，并因此能够在群体中萌生新的理解和共识”。
一、说“画”——看到的说出来
通常，教完一首诗，要求孩子为这首诗画一幅画，诗画同源，诗中有画、画中有诗，为诗配画是一种很巧的方法，从画中可以读出孩子对故事的理解，但孩子的绘画水平毕竟有限，涂鸦之余，很想给孩子另一种美的体验。于是，说“画”的念头应运而生。说“画”是指当你读完这首诗时，说一说你会画些什么来表现这首诗呢？以宋代诗人雷震的《村晚》（四年级）教学片段为例：
村晚 [宋]雷震
草满池塘水满陂，
山衔落日浸寒漪。
牧童归去横牛背，
短笛无腔信口吹。
实录：
背景：整首诗意思学完了。
师：如果你是画家，你会怎么画《村晚图》呢？
生：我会画一座宁静的村庄，远方有连绵起伏的山，近处有树，有桥，还有牧童骑在牛背上。
生：不，我会在牧童的家门口画上牧童的母亲，正凝视着前方，等待牧童的归来。
生：老师，我还想在《村晚图》上画一群小鱼儿，用小鱼儿快活地游，表现牧童很高兴。
（响起了掌声。）
生：刚才大家说的，使我想起了王勃的“落霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色”的诗句，因此，我在夕阳旁添上一群小小的鸟。
（太好了！）
从这段实录中，我们可以看到“对话”的痕迹。教师仅仅提问：如果你是画家，准备怎样画与诗歌相配的图画。然而，正是这一提问，使擅长形象思维的孩子们活跃起来，毕竟，“说画”比“画画”更容易些，儿童一边说一边想着画面。同时，其他孩子聆听，互相启发，思维彼此撞击，会产生更多的灵感。其他孩子在听的过程中，常常借助语句，在脑海中勾勒出他们心中的图画，给孩子更多美的体验。
二、猜“乐”——听到的说出来
再看一则教学实录片段：（《如梦令》六年级学生）
如梦令 李清照
常记溪亭日暮，
沉醉不知归路。
兴尽晚回舟，
误入藕花深处。
争渡，争渡，
惊起一滩鸥鹭。
李清照的词一直以“凄凄惨惨戚戚”著称，怎么理解李清照早期作品的欢快、清新、自然呢？教室里的插座已经坏了，音乐指望不上，老师的语言已经描绘得够多了，怎么把握这首词的情感呢？我突然想起前几日看的一则教学案例。我们没有音乐，就想象吧！
师：“同学们，如果让我们为这首词配乐，你们说该配什么音乐呢？舒缓？激荡？低沉？活泼？”
“活泼！”大家异口同声地回答，“因为整首词表现李清照轻松的心情。”
师点点头：“如果选择乐器，你会选择什么乐器？”
“二胡！”一生很快地回答。
“不行！二胡表现的是悲伤的心情。”另一名学生马上反对。
沉默片刻，一名同学轻轻地说：“还是我们的民族乐器好吧？毕竟是宋词嘛。”
“琵琶！”“古筝！”孩子们忍不住叫起来。
很妙的互相启发，我们就在想象的音乐中“配乐朗读”吧。
一遍遍的诵读，一个个沉浸在自己的乐曲中，每个学生都很投入，因为，音乐在他们心中。
语文实验教材,学生年龄特征及内容需要,编绘了许多幅色彩鲜明的插图和赏心悦目的背景图。这样不仅丰富了教材,美化了版面,更重要的是有利于培养学生的观察能力,帮助学生理解课文内容,便于进行听说读写多项训练,陶冶学生爱美情趣。但教材中不可能处处有插图,老师如能根据教材需要,在恰当的时候让学生进行绘画,充分发挥学生的想象力和创造力,这样就会改变学生被动学习的情况,促使学生动手动脑,进入主动学习的境界。
一、利用绘画,提高学生的学习兴趣。
教学《找春天》一课时,老师没有急于让学生去读课文,而是提前留下作业,让学生自己到学校、公园、田野等,到大自然中去寻找春天,并告诉学生:“春天刚刚到来的时候,脚步轻轻、若隐若现、羞羞答答、躲躲藏藏,我们必须留心观察春天的踪迹。”这样,大大激发了学生到大自然中去学习、去发现的兴趣。上课时,我让每位同学先把自己在大自然中发现的春天画下来,然后用一句话讲给大家听。不一会儿,一幅幅充满生机的、充满春天气息的画展现在我的眼前。有的说:“春天来了,柳树发芽了。”还有的说:“春天来了,我和爸爸妈妈到公园放风筝。”……孩子们举起自己的画,你一言我一语,兴致勃勃地讲述着自己发现的春天,与大家一起体验发现的快乐。这样既提高了学生学习的兴趣,又锻炼了他们的口头表达能力。这时老师及时引导:“同学们,你们的作业都完成得非常好,大家都找到了春天,并把它画了下来。你们想不想知道课文中的小朋友在春天发现了什么?我们一起去读读课文,好吗?”这一问题激发了学生朗读的兴趣。于是,大家纷纷拿起课本,自由朗读起来,在读中感悟春光的美好,体验大自然的情趣,表达对春天的喜爱之情。
二、利用绘画,加深学生对课文的理解。
《蜜蜂引路》一课,通过列宁利用蜜蜂作向导,找到养蜂人。浓墨落于列宁是怎样利用蜜蜂作向导找到养蜂人的,以此来教育学生细心观察周围事物,学会认真思考,培养学生的科学探究意识。因此,熟悉和感受列宁找养蜂人的路线图,对于学生理解课文很重要。我先布置学生在预习的基础上,在脑子里画画,基本弄清列宁的住处、花丛、园子、养蜂人的小房子在什么位置。然后让学生去熟读课文,理解课文。并提醒学生绘图的重点是准确地再现课文对四周地方的描绘,让所有学生都动笔画。画完后,以小组为单位进行交流,大家对照课文,指出不足,进行修改。同学们在阅读课文的基础上,作业完成的非常仔细,将每一处细小的差错都找了出来。通过讨论、修改,我们不难看出学生为了画好路线图,都在反复阅读课文,而当这幅图准确地再现在学生眼前时,学生对课文便有了一个整体的把握。
三、利用绘画,引导学生感受意境美。
“诗中有画,画中有诗”,好的古诗犹如一幅绝妙的图画。教学中,指导学生在弄懂诗句大意后,再充分发挥想象力描绘诗中所展示的画面。如在讲杜甫的《绝句》一诗时,借助简笔画,让学生弄清诗人住的草堂的位置。通过学生绘画,教师指导,帮助学生形象地领悟“窗含西岭千秋雪”的含意,用得既传神又耐人寻味,给人以窗外景物尽收眼底之感,有的同学还把整首诗所描写的画面都用水粉画了下来,窗户外柳枝吐翠,柳条飘舞,两只黄鹂在柳枝间追逐嬉闹,唱着悦耳的歌;天空中,一行白鹭在自由地飞翔,好像要与青天相接的样子。透过窗户,看见西岭千年不化的积雪,门外江面上停泊着即将驶往东吴的客船。鸣叫的黄鹂,飞翔的白鹭,高山的积雪,待发的船只,构成一幅完美的图画。“黄、翠、青、白”学生通过自己稚嫩的小手描绘出了明丽的色彩。一边欣赏学生的绘画,一边吟诗,不仅使我们感受到杜甫草堂周围多姿多彩、清新开阔的自然景观。同时,也被诗人描绘的优美意境而陶醉,更激发了学生吟诵诗圣其他诗歌的兴趣和愿望。
四、利用绘画,培养学生的想象力和创造力。
《画风》一课,以人物对话的形式,讲了三个学生一起动脑筋想办法,把无形的风生动地展现在画纸上的故事。风,看不见,摸不着,怎么画呢?三个小朋友互相启发、互相激励,结果他们用不同的办法画出了风。通过这篇课文的学习,学生受益匪浅。孩子们喜欢敢想、善于提问题的宋涛,也喜欢敢于修正自己的错误认识、善于向别人学习的陈小艺,更喜欢敢于迎接挑战、善于思考问题、解决问题的赵丹。更重要的是培养了孩子们敢想敢做、互相协作、互相学习的精神,想出更多画风的办法。于是,我让孩子们以四人小组来共同画风。只见他们有的沉思,有的在讨论,还有的在给队员分工,准备画风。不一会儿,在小组队员的合作下,一幅幅奇思异想的五彩画描绘出来了。飘动的红旗,放飞的风筝,斜斜的雨丝,飞舞的落叶,飘起的床单,吹落的帽子,空中飘飞的塑料袋,弯腰的麦穗等等。是风,风吹动了这一切。孩子们通过思考,通过画与风有关的事物来表现风,真是棒极了。
经过几年来的实践,我体会到绘画在语文目标教学中起着激趣、解难、画龙点睛等重要作用,使得学生学习语文的兴趣更浓厚了。
一
从小我就喜欢画画，画过一个七仙女系列，当时还刻意留心说，大仙女美是美，但不能和七妹比，年纪越小的仙女越漂亮。然而，我画出来的仙女，肩膀是平直的；因为不会画手，所以将袖子垂得老长；而且没有角度和姿势变化，永远是正面的站姿……画完了，围在我周围的表姐、表妹竟羡慕地称赞好看。
当我接触到配有彩色插图画的童话故事书，像《白雪公主》、《睡美人》之类的，插图中美丽的公主、绚烂的花海、如茵的草地、咖啡色小木屋……一下子就成了我的心头好，我临摹这些插图，记得还曾画过一个坐在秋千上的女孩子，她身边放着一杯饮料，她的嘴巴张成三角形，一只眼睛眯着，另一只眼睛的瞳孔里闪着一颗四角星，一副高兴得不得了的样子。
后来我痴迷起《红楼梦》来，只要听到“红楼梦”三个字，眼睛都会发亮。一册美术书上有一幅清代画家改琦的工笔仕女图，画的是林黛玉站在潇湘馆的竹径上，斜着肩膀，衣裾被风微微吹向一边，显得袅袅娜娜，娇娇弱弱。我仔细看了又看，忍不住画了一幅，还用水笔给头发上了黑色。拿给父亲看，父亲也说好。我画的画，我父亲是不愿多看，更不愿给出鼓励的，只当成影响我学习的把戏，这是他第一次称赞我的画，所以我记得格外清楚。
我还买过一本上海古籍出版社出版的《唐诗宋词三百首》，里面配了许多仕女图，我喜欢得不得了，兴致来了就照着画。画出来也觉得美极了，都上了色，还针对女子的姿势、表情、衣着或者身后的背景配一句诗词――有写“西风愁起绿波间”的，画中是青翠的灌木丛和摇曳的柳条，女子侧着脸对灌木丛发呆；有写“明日落红应满径”的，画中是走在小径上的女子提着花篮，一只脚正往前迈，能看见鞋头了，她的脚下有些落花……
有一幅画了一个女子的背影，她坐在园子里的凉床上，旁边开着几株，我在画的左边写了句“人比黄花瘦”。后来给一个同学回信，想随信附赠一张画给人家，就选了这张。仔细一看，这女子的腰身画得太肥，根本不瘦，便把写着“人比黄花瘦”那一小部分纸裁去了。
这些东西现在看来未免稚拙，可我仍然珍视，因为这是一点儿属于我自己的东西，是对于那回不去的过往的一种搜寻与填补。
二
都说：“诗中有画，画中有诗。”
绘画和文学从来都是形影相随的，分不清哪个是因，哪个是果。
我翻看过祖父书柜里关于诗词韵律的书，学着填词。记得一个大暑天的晌午，人困车乏的，世界都打盹了，只有蝉一声高过一声地鸣叫着。午觉醒来，发现下过一点儿雨，蝉声也停了。窗后是山，种着许多竹子，懒懒地垂在窗前，午后的绿阴仿佛在冰凉的井水里浸开来，溶溶的，润润的，显得越发幽静。我幻想着看见几百年前养在闺帏里的小家碧玉睡眼惺忪地醒来，钗斜鬓乱，娇态可掬。尽管学艺不精，诗情却已涌上来，当即填了一首《如梦令》：“窗窈氤氲竹影，慵枕漫听蝉謦。香梦又沉酣，一寝醉如酩酊。方醒，方醒，酥雨骤蝉声静。”填完了，顾不得音律方面的纰漏，到处拿给人家看。
写东西是识字以后的事情，在我还不识字时就爱听故事――七仙女和董永的故事、牛郎和织女的故事、田螺姑娘的故事……听祖母讲了好多遍也不厌倦。等能识字了，我爱买书看，不爱借书看，因为看自己的书，时间上是充裕的，还可以不时地在书上写下感想。
第一次去县城买学习资料，我顺便买了一两本文学书，同去的表姐买了一本中英文对照的《简・爱》，后来我在表姐家住了几天，借着看了看。表姐说不能卷着书看，我于是小心翼翼地捧起，看完中文部分，情节记得不多，却学会了爱惜书，从此之后再也容忍不了看书的时候卷着书了。
一、文化课学习成绩优良
文化课是基础，在中学阶段是学生的主课，是高楼大厦的基础。如果没有一个坚实的基础，高楼外表装修的再富丽，再堂皇，也只是空中楼阁，如同海市蜃楼一样。经过二十几年的教学实践，我觉得文化课是一切事业的基础。美术包括多方面的知识，绘画只是美术的一个组成部分（美术包括绘画、雕塑、工艺、建筑等），唐代王维的诗中有画，画中有诗，他可以把画写成诗，把诗描成画，文字和绘画都能打动读者和观众。而画更简捷，更迅速，使人一目了然。要把文字绘成图案，需要有坚实的文学基础。因此，现在美术院校招生时也不是只注重专业技能，还要考虑文化基础知识的成绩。我的一个学生，文化课成绩较好，平时也在美术课外活动小组里活动，但成绩不突出，报考特招后，进行了一段时间的艰苦训练，专业技能通过后参加了中考，文化课在特招生中名列前茅，很顺利地升入县实验中学特长班，后来考入比较理想的美术高等院校。但也有两名学生，专业成绩很好，但文化课知识较差，每次考试专业技能均在前列，但因文化课原因名落孙山。因此，美术课外活动小组选苗子必须考虑文化课成绩，优良的文化课成绩就放在选材的首位。
二、要有股钻劲，能坐得住
美术小组不同于音乐、体育小组。音体小组是以动为主，美术小组则是以静为主。美术是培养学生的艺术创造能力，是形象思维的过程。启发学生的创造能力，是一种思维的培养。罗丹的著名雕塑“思想者”可以给我们一个很好的启迪。它告诉我们要想搞美术，就必须有一股像“思想者”那样的韧劲。每天的美术作业一般要用一两个课时来完成，有时可画多个课时，只有坐下来，静下心钻进去，不怕苦，不畏难，“沿着崎岖的小路攀登，才有希望到达光辉的顶点”。
三、要有一定的观察力、想象力
“想象就是一切”、“想象比知识更重要”。科学如此，艺术也不例外。十九世纪末，瑞士精神病学家“罗尔沙赫试验”，即以对称的墨迹来判断一个人的反应。同样的墨迹可能被解释为一只蝙蝠或一只蝴蝶。要学生在一些偶然的形态中开展丰富的想象，或从具体的形态，创造出抽象的美妙的画面。丰富的想象离不开细微的观察。我们美术组里曾经有一名学生，二个学期下来没有画好素描，究其原因是没有块面塑造形象的概念，只有线条或白描，没有明暗变化，比如我们说将苹果画成象削过的苹果一样，有块面的变化，缺乏想象力的就难以达到要求。只有认真细致的观察。才能有丰富的想象，创造出优美的作品。
四、要有个性
从事美术事业的人，大泛都有个性。只有敢于表现自己的所见所闻，敢于表现自己的内心世界，才能避免千人一面的现象发生。著名画家李可染曾经说过：“似我者死，不似者活”。说的是在美术作品的表现方法上要避免募仿、雷同，没有个性，如同一个画的一样。要有不同风格，不同的性格，要有作者的看法，自己的理解，贵在创新，这才能创作出好的作品。
五、要有对色彩的灵敏感觉
文人画最主要的特征之一：诗境和画境的交融，也是较早由王维实现的。王维工诗，是田园诗派的杰出代表，同时，他又被后世文人画家尊为文人画之祖，在诗和画上都取得了很高的成就。王维一生中大部分时间过着半官半隐的生活，闲居于其辋川别业中，“弹琴赋诗，傲嗷终日”。其思想受禅影响甚深，晚年是一个虔诚的佛教徒。王维的诗，中年以后，也一改早年“一剑曾当百万师”的豪情，从而转向清净、寂冷的禅意表现了，他的《鹿柴》一诗中云：“空山不见人，但闻人语响，返景入深林，复照青苔上。”一切都是如此自然，亦是如此客观的描写，而这一切传达出来的，又是一种超越了纯粹自然的本体的静寂，体现了一种凄清、寂冷的禅意，也体现了作者在这变动不居、平凡自然景象中对禅的感悟。而他的画作，后期独钟情于水墨，清淡素朴，笔迹劲爽。研究者们认为，传为王维所作的《雪溪图》，与画史所记载的王维的风格非常接近。这幅画中没有刚性的勾斫，线条柔和、随意、劲爽，水墨渲染出雪中的山树桥屋，近景笔墨干净、清润，远处群山淡淡一抹，随意恬淡，观之真如读王维诗句，勾画出一种荒寒凄清、空幻寂灭的禅意。在此，画真的成了“心印”，表达了作者的心境情感，情景交融，浑然一体，对自然景物的描绘，传达了一种超远的诗意。禅宗思想对文人画家的审美及其人生态度都有着深刻之影响，王维是这种审美倾向的代表人物。后世文人画家以禅论画者比比皆是。他们在创作上，追求的是淡泊的意味和高逸的心境。
王维的诗画作品都达到了情景交融，亦诗亦画的意境，而且他本人对自己在诗画两方面的才赋也有一定的自觉。比如他在一首诗中说到：“当世谬词客，前身应画师，不能舍余习，偶被世人知。”不过，他并没有论述诗画交融的问题，没有明确地提出这种艺术主张。真正在理论上完成对诗画交融论述的人是苏轼，“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗”（《书摩诘蓝田烟雨图》）。苏轼首次提出“士人画”的概念，他比较全面的阐述了文人画之理论，他关于文人画的核心思想就是“诗画本一律”，将诗之 “缘情言志”的特性赋之于画，从理论上强调了绘画的移情功能，从而也就成为文人画的真正理论开端。在苏轼的眼里，诗与画有着内在的同一性。苏轼在称赞文同墨竹时说：“诗不能尽，溢而为书为画，皆诗之余”（《文与可墨竹屏风赞》）。那么既然如此，当然要用诗的标准去要求画，画的艺术价值也在于表达作者的性情，与“缘情言志”的诗一致。同时苏轼在《次韵吴传正枯木歌》中又云：“古来画师非俗士，妙想实与诗同出。”诗与画不止在艺术价值和功能上是一致的，而且在艺术创作时的思维方式也是相同的，画家要有诗人的神思妙想，要有诗人的高情逸趣，如此才能在画境中营造出诗境来。中国近代学者王国维认为，一切景语皆情语。而绘画摹写物象与诗相同，不就是指绘画要从作者心中发出，要见作者性情吗？
“状物”最后要落实在“移情”上，仅仅是“状物”，那只能是“画工”见识。苏轼深刻的阐述了绘画形似的问题，认为 “常形”是指客观物体所具有的一定的形状，而“常理”则是客观形象之所以成为此形象而异于其它物体的内在属性。苏轼绘画理论的“表意”是建立在对“常形”，尤其是“常理”的把握上的。这也恰好说明苏轼对“形似”的重视。画家主观的情、意的表达要合乎客观形象的“常理”，情理交融，才能达到“画以适吾意”的目的，在苏轼的绘画理论中“神似”是基于“形似”的。在强调形似的同时，苏轼指出了“常形”和“常理”的区别，作画不能只知“常形”，否则如“世之工人”，不知创造，作画毫无主观情感。“常理”之于“常形”是抽象的、本质的，得其“理”而不囿于其“形”，这样才能发挥画家主观的创造，抒发自己的性情。以“常形”论画，也就是“论画以形似，见与儿童邻”。主观的“意”与客观的“理”契合，融情入理，才能创造出诗境与画境交融的意境。从这一角度上说，文人画乃至于写意画之要旨亦在于此，它既不会走向纯粹的写实，也不会走向纯粹的抽象，而是“妙在似与不似之间”。苏轼的理论如此，他的创作实践也同样。如现在可见的传为苏轼所作的《古木怪石图》，全不着色，纯以墨写成，绘古木怪石，恣意用笔，造型夸张，却又不失“常理”，画面上树石奇崛的造型，动荡流畅的线条，都有着强烈的写意性，使作品具有诗的意境。苏轼的画论把文人画之写意性，提高到了一个新的高度。
强调绘画写意性不是苏轼一个人的理论，而是北宋一代人的声音，苏轼的论述全面而系统是他们的代表。比如欧阳修就有诗“古画画意不画形，梅诗咏物无隐情，忘形得意知者寡，不若见诗如见画。”黄庭坚则以禅论画，说：“余初未尝识画，然参禅而知无功之功；学道而知至道不烦。于是，观图画悉知其巧拙妙俗，造微入妙。”到了南宋邓椿那里，“画者，文之极也。”（《画继·杂说·论远》）将画与文直接相连，赋予其最高的地位，不再提倡绘画“成教化，助人伦”的政教功用，这也大大超越了苏轼的“画为诗余”的思想。其实在北宋，这种诗画结合的审美倾向在正统的院画中就有了很大的影响。宋徽宗酷爱书画，是一个能诗能画的高手，他大力提倡诗画结合。宋徽宗时代，画院应试的考题，大多以一些现成的诗句为题，虽然这与以情为本的真正诗画交融的文人画有质的区别，不能以之说明诗画结合的审美标准在画院领域的确立，但他至少从一个侧面说明了文人画在宋代之蓬勃发展和对人们审美趣味的深远影响。特别是因宋徽宗的大力提倡，上行下效，使诗画的结合蔚然成风，其所产生的影响也是文人画在宋代打下坚实的基础所必不可少的一环。
正是在这种文人画大兴，理论和创作都蓬勃发展的时代背景下，宋代形成了“梅兰竹菊”为题材的四君子式的写意画。它们与山水画有着不同的象征意义，山水是自然的代表，体现了人与自然本体的合而为一。“梅兰竹菊”则不然，他们不再是外在自然的代替物，而是画家以之象征自己高尚情操的“情感的符号”。“梅兰竹菊”也是少“常形”，有“常理”的，对它们的描绘也就更富于表现力，更适合于画家心灵的表达，从而也就具有更直接的移情功能。随着文人大量参与绘画，绘画抒情性的强调，水墨技法的逐步完善，对笔墨情趣的注重也在这一时期出现了。同时，以书法入画的探索，在宋代也悄然开始。
宋代文人画的兴起，不能成为当时画坛的主流。文人画得以大发展，并最终成为画坛主流，是在元明清。元代是文人画高度成熟的时代，这和元代社会的特殊性有关。元代汉人居于最末，文人地位极其低下，元代曾一度取消科举制度，一代士人经邦济世的抱负化为泡影，他们或混迹于勾栏瓦肆之中，或隐居于山水之间，移情于诗画。另外，元代的文化统治者不干涉文人的创作，元代文人创作自由，元代也没有画院，元代画的主要作者是文人。“元代几乎所有的画家都有诗文集存世，几乎所有的作家都有题画、议画的诗文，没有一个时代像元代这样，诗人和画家关系那样紧密。”与此相对应，以书法入画大兴于元，赵孟頫诗曰：“石如飞白木如籀，写竹还应八法通，若也有人能会此，须知书画本来同。”遂开风气之先，元代文人画家无不以书入画，笔墨形式美在元代获得了独立的审美价值。苏轼、文同等人的探索也在此结出了硕果，“从而，中国画本身带上了强烈的书法趣味，国画的线条、墨韵，处处透露着抽象之美，它有独立的审美价值。也就是说，即使离开物象，单独地欣赏一笔一划、一点一块，都会使人怡然自得，心醉神迷。”
“诗魂书骨”的中国文人画面貌已在元代成形。元代以后，随着资本主义经济因素的萌芽，追求个性解放、精神自由成了时代的思潮。同时，由于工艺的发展，宣纸逐渐代替了绢，成为绘画的主要材料，水墨的表现力也得到了极大的丰富，大写意蔚然成风。仅以花鸟画而论，明清之际便先后出现了陈淳、徐渭、石涛这样的写意花鸟大家，最终使写意花鸟成为文人写意画的一种主要面目，这也正是文人画“诗魂书骨”发展的必然。
“物物而不物于物”：关于造境主体的修养。（未完待续）