时间：2022-08-17 00:57:03
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇美术史鉴赏论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
研究性学习是学生在教师的指导下，从学习内容和社会生活中选择和确定研究专题，以类似科学研究的方式主动获取知识、应用知识、解决问题的学习活动。基于这样的认识，我们可以为美术鉴赏研究性学习下一个定义，它是指在美术鉴赏教学中教师以专题研究为载体，引导学生以独立研究的方式进行自主性、探索性学习，着重培养学生创新精神与实践能力的学习活动。
在美术鉴赏教学中开展研究性学习，是一场深刻的学习方式和人才培养模式的革命，它除了具有研究性学习的一般特点外，还具有其学科自身的特点。
（一） 课题研究内容的独特性
这是由高中美术学科的特点决定的。高中美术学科便于学生立足于教学内容进行专题研究。学生可考察赏析各主题内容中的美术作品及其主要画家的艺术特色，亦可结合政治、经济、哲学等时代背景去分析考察作品、画家及与此相关的社会生活。
（二） 课题研究视角的广泛性
现行湘版高中《美术鉴赏》教材，由“美术与眼睛”“辉煌的美术历程”“灿烂的美术世界”三个主题编排而成，内容丰富多彩，覆盖面广，而且有众多艺术悬念与疑问藏于其中，许多问题具有较高的探讨价值，便于我们把学生引向研究、发现、解决问题的美术鉴赏学习境地，并以特有的思维视角投入研究。这就使得美术鉴赏研究学习的课题选择范围更加宽广。
（三） 课题研究方法的基础性
研究学习模式以专题研究为主要载体，因此，一般的科学研究方法均可采用，如调查法、比较法、探究讨论法等都是行之有效的方法。这就使得美术鉴赏课题研究的方法具有基础性的特点，比较适合于学生掌握和使用。
二、 美术鉴赏研究性学习的实施
研究性学习的实施既要考虑教法因素，也要考虑学法因素，还要考虑它们的交互作用。为叙述方便，本文主要从教法的角度来探讨美术鉴赏研究性学习实施的基本情况。
（一） 组织形式
开展美术鉴赏研究性学习，可采取组成课题组，以小组合作形式展开学习研究活动。课题组一般由3～6人组成，学生自己选举研究和组织能力较强的同学为组长，聘请有一定专长的校内外教师或专业人员为指导教师。在研究过程中，课题组成员要有分有合，各展所长，协作互补；也可以采取个人研究与集体研讨相结合的办法。
（二） 操作流程
组织、指导学生开展美术鉴赏研究性学习的一般操作流程是：开设讲座、指导选题，组织课题组、拟订研究方案，实施研究，形成研究成果，撰写报告与交流。
1． 开设讲座、指导选题
开设讲座、指导选题的目的是做好学生研究知识的铺垫，为学生提供选题范围，诱发学生的探究动机。课题可由教师或学生提出，或由师生合作最后确定题目。
2． 组织课题组、拟订研究方案
课题组可由学生自由组合，教师适当作调节。研究方案中要有详细的研究目标、内容、方法、步骤（时间）的设计，并由师生共同参加的评审组对学生设计的研究方案进行论证。
3． 实施研究
学校要给予课题实施一定的时间保证，并创造必要的研究条件；教师要对学生进行操作方法的指导，要加强研究过程的管理与调控。
4． 形成研究成果，撰写报告与交流
教师要及时引导学生学会整理相关资料、调查考证，加工处理信息、形成结论，撰写有关美术鉴赏的研究报告或小论文，并通过组织各种形式的交流研讨，展示与分享成果，解决有关美术鉴赏问题，使审美认识和审美情感得到提升。
（三） 学习评价
研究性学习的评价与传统的教学评价不同，与大学或研究所从事的研究活动的评价也不同。它重过程而不重结果，体现形成性评价的特点。评价是一种重要的激励因子，是激发学生深入开展美术鉴赏研究性学习的动因，通过评价可以使学生见其长，现其短，从而为其优化研究过程指明方向。因此，要对学生的研究性学习予以正确的考核评价。一般来说，美术鉴赏研究性学习要重视以下三个环节的评价：一是开题阶段的评价与指导，主要评价课题方案设计的科学性、合理性和可行性；二是研究过程的评价与指导，主要评价方案实施的过程完整性、操作规范性及研究中的相容性和协作性；三是结题时的评价与指导，主要评价成果价值、论文质量、材料完备（包括开题报告、研究记录、资料收集、成果报告等）。
根据研究性学习所追求的目标，我们认为对美术鉴赏研究性学习的考核评价内容，要以学生研究过程中的表现为主，同时兼顾成果水平。评价要坚持定性与定量相结合的原则，在力求科学量化的同时，又有一定的模糊性和不确定性，以给学生留有进一步发展的空间。要突出学生的主体地位，充分尊重学生自评与小组评议意见，评价要由学生和小组及教师共同作出。
（四） 指导参与
美术鉴赏研究性学习过程是学生自主学习与研究的过程，最终产生他们自己的研究成果。教师应是这一学习过程的积极指导者和参与者，充当其指导和同伴的双重角色，并具体落实到该研究性学习的各个环节，同时做好以下几项工作。
1． 指导课题选择的方向
选题是制定研究方案的关键。教师在尊重学生自主选题的基础上，也要参与其中，发挥一定的引导作用，把握好课题选择的方向。这主要包括两个方面：一是把握好美术鉴赏研究内容的选择，引导学生多角度、多层面地思考美术问题，所选择的研究课题应具有较高的教学价值与探讨价值，并以美术鉴赏所要实现的基本目标为主要依据；二是引导学生独立思考、积极质疑与探索，并根据兴趣特长设计既具有一定的针对性与可行性，又宜于把问题研究引向深入的新颖课题。
2． 规范课题方案的设计
课题方案设计对优化研究过程与成果预测将起决定作用，需要教师的参与和指导。教师要与学生一起共同设计较为规范、完整、操作性强的研究方案，逐步提高学生对研究的预测分析、统筹安排能力。
3． 推进课题研究的深入
这是开展美术鉴赏研究性学习的重要一环。教师既要参与其中，又要想方设法排除干扰（如普遍存在的“重立项轻研究过程”的问题），积极把课题研究引向纵深发展。同时，还要指导好研究策略，充当咨询员、协调员和监督员，对有困难的学生要及时指点与帮助；也可以引入适度的组间竞赛，督促学生研究小组或个体严格落实研究计划。
4． 促进成果质量的提高
教师要重视结题的科学性，提高结题水平，用最佳的形式体现成果。首先要指导学生掌握结题的基本过程与方法，学会利用多种有效手段主动收集和加工处理信息，学会分析与结论，掌握论文写作技巧，提高论文写作水平。
三、 学习实例
以下是“《清明上河图》风俗人物赏析”研究性学习的活动安排。
1． 《清明上河图》简介
北宋著名画家张择端绘制的不朽杰作《清明上河图》，是我国绘画史上的无价之宝。它是一幅用现实主义手法创作的长卷风俗画，通过对市俗生活的细致描绘，生动地再现了北宋全盛时期都城汴京的繁荣景象。该画采用“散点透视”的方法和全景式的构图，用工笔淡彩精细而生动地描绘了各阶层人物的生活风貌。画面疏密相间，有条不紊，从宁静的郊区一直画到热闹的城内街市，处处引人入胜。
2． 研究问题呈现
欣赏该图时，可思考以下问题：画面中为何要大量表现普通劳动人民的生活与工作场面？这反映了什么社会动态和思想主题？虹桥下行船的情景和桥上紧张而富有戏剧性的过桥场景，在整个画面中反映了何种关系？画中表现的中原风情与江南风情有何异同？《清明上河图》的题目中“清明”一词作何解？是“清明节”吗？作品反映了怎样的时代生活气息与特点……
3． 研究活动推荐
（1） 典型的中原风情文化研究
你可通过对《清明上河图》的分析欣赏，来研究探讨该画在反映中原风俗人情方面表现的人物生动、布局复杂和情节多样化的描绘。你对此能做出怎样的解释？把中原的风俗文化与江南水乡风土人情作个比较，分析异同，探究其深层次的原因。
（2） 《清明上河图》题目略考
关键词：高中美术 鉴赏 教学 审美能力
高中年龄阶段的学生思维活跃，理解能力、自主学习能力和求知欲都较强，各学科知识也已有一定积累，高中生的这些特点对于美术教学是十分有利的。因此，在高中美术鉴赏教学中，教师应转变教学观念，提高自身艺术修养，根据实际教学内容，结合高中生的年龄心理特点、生活经验和知识基础等，激发学生对美术欣赏活动的兴趣，学生只有有了浓厚的学习兴趣，才会积极、自主地学习。此外，教师还要通过美术鉴赏教学既让学生掌握相关的美术知识，了解美术作品，了解美术发展历史和各大派别，又要注意引导学生通过对美术作品的独特审美体验，从中获得情感体验和美的熏陶，引导学生用心感悟作品，以使学生树立正确的审美取向和价值观、培养学生的审美情趣，最终提高学生审美能力。虽然现在大力提倡素质教育，倡导学生德智体美劳全面发展，美术教学尤其美术鉴赏教学对学生审美能力的培养等美育方面有不可替代的至关重要的作用，但是由于各普通高中受到高考的压力，只注重文化课教学，对美术教学并不重视，加之传统教学观念的影响，所以美术教学还存在许多问题。下文将详细论述高中美术鉴赏教学的重要性及其存在的问题，并简要提出高中美术鉴赏教学的策略。
一、高中美术鉴赏教学的重要性
高中美术鉴赏教学主要有增加学生的美术知识和艺术素养、美育、提高学生审美能力等三方面的作用。美术鉴赏教学只是一种教育手段，其认知功能、教育功能、审美功能才是美术鉴赏教学要达到的目标。高中美术鉴赏教学不仅可以培养学生的审美能力和健康的审美情趣，还可以使学生树立正确的价值观、人生观。美术鉴赏教学最主要的作用就是通过让学生感知美术这种艺术形式并进行审美体验，从而培养学生的审美情趣，提高学生的审美能力。美术鉴赏教学中使学生获取其他能力的功能是审美欣赏的继发。正如在其他学科教学中，学生也会或多或少得到一些类似艺术鉴赏中的审美体验也是其他学科的继发。总之，美术鉴赏教学符合素质教育和新课标理念，对促进学生德智体美劳全面发展，提高学生的综合素质有不可替代的重要作用。因此，学校、教师、家长和学生都应重视美术鉴赏。
二、高中美术鉴赏教学存在的问题
由于学校迫于高考压力，教师又受到传统教育观念的影响，学校和教师都不重视美术教学。因此，普通高中美术鉴赏教学存在许多问题。首先，教师方面，在美术鉴赏教学中，教师的教学方法大多比较单一，教师“一言堂”的现象比较普遍，有些教师自身艺术修养还有待提高。很多美术老师专业知识和技能很好，但教学理论、美术史论等方面的知识还有所欠缺，导致他们教学时只是照本宣科、毫无创新和生气。
其次，学校方面，美术鉴赏课安排的课时较少，此外，艺术课程虽有向必修课发展的趋势，走在普及路上，但美术仍不是高考科目，仍然只是“调味”课。普通高中一般一星期安排一课时美术课，有的学校甚至两星期才安排一次美术课，由于学习过程具有连续性，这样每节课之间间隔时间过长，学生就无法对美术基础知识进行全面系统的理解、整合和记忆，不利于学生对美术基础知识和基本技能的掌握和审美能力的提高。此外，学校和教师对于教学方式方法的探索和研究还不够，可供借鉴的成功经验也不多。
最后，学生方面，学生多认为美术课不如其他高考科目重要，他们几乎把全部精力都用在文化课上，根本不重视美术课培养审美情趣和审美能力的作用，在应试教育的环境下，美术鉴赏课是无法得到学生重视的。
三、高中美术鉴赏教学策略
（一）教师提高自身艺术修养
美术鉴赏就是对美术作品的鉴别与欣赏，人们进行美术鉴赏时总是不知不觉地受到自身生活经验、世界观、人生观、价值观、审美情趣、审美理想、审美标准、审美取向的影响，对美术作品塑造的艺术形象产生独特的体验和感受，同时鉴赏者还会展开联想和想象，并产生独特的情感体验，进而对作品作出自己独特的审美评价，从而获得审美体验和享受。因此，美术鉴赏比美术欣赏对教师和学生的要求更高，是对义务教育阶段美术课程中欣赏与评述的拓展、延伸与提高。意即通过美术鉴赏教学，教师要使学生不仅能欣赏古今中外的一些优秀美术作品，还要使学生能结合生活经验运用审美感知和美术知识对美术作品进行体验、感受、联想、分析和评判，从而受到美的熏陶和获得独特的情感体验，还要使学生能深刻理解美术作品与美术现象，从而提高其审美能力。这首先要求美术教师有较高的艺术修养，才能提高美术鉴赏教学效果。教师提高自身艺术修养的具体做法如下：
1.经常阅读美术理论、美术史、美学等方面的理论著作或学术论文，提高美术文化素养；多学习美术教学理论和方法，提高教学水平。
2.高中美术教师应多渠道获得美术信息，多参观美术馆、博物馆等举办的展览，除了关注传统经典美术作品外，还应该关注当代美术的发展，了解当代美术，加深对美术的理解，精于鉴赏和评论，也可利用网络资源开阔艺术视野。此外，教师还应积极探索、研究美术教学，加强教学经验的探讨和交流，从而在交流中不断提高自身的艺术修养和教学水平，以提高美术鉴赏教学效率，提高学生的审美能力。
（二）转变教学观念
由于美术不是高考科目、不被重视，加上传统的美术教学观念的影响，美术鉴赏课堂教学往往只是教师简单地讲解一些美术作品即可，忽略了学生的主体地位，忽视了学生对作品个性化的体验、感受和鉴赏的过程，导致学生学习兴趣不高，没有得到审美体验，学生的审美能力自然得不到锻炼和提高。因此，在新课标理念下，教师应转变传统的教学观念，真正让学生成为美术鉴赏的主体，当然教师还是主导，对学生的鉴赏活动起到引导和帮助作用，这样的美术鉴赏教学是师生互动、教学相长的过程。这需要教师树立终身学习理念，提升自身文化艺术素养，认真学习和研究教学方式方法，并在教学实践中不断学习，从而不断提高教学效率。在美术鉴赏教学中，教师首先要营造和谐、宽松、愉悦、富于思维性的课堂氛围，引导和鼓励学生大胆表达自己的观点和见解。由于学生的知识积累基础和生活经验各不相同，所以他们对于同一美术作品必然会有不同的感受和理解，教师应充分尊重他们的不同见解，并加以指导和鼓励。当然，有时候学生的看法可能有些片面甚至有些偏颇，但他们确实认真鉴赏了作品，表达了自己真实的感受和看法，所以教师要在指出他们的错误和不足的同时给予他们足够的认可和尊重，以资鼓励，从而保持他们鉴赏作品的积极性。此外，教师是教学的组织者和参与者，教师要采用自主、合作、探究的教学方式，组织学生小组成员之间或全班学生之间交流美术鉴赏的感受、理解和心得体会等，同时也要加强师生之间的交流。教师还要与时俱进，在思想观念、知识和技能、教学方法上都要跟上时代的步伐，随着信息技术的发展和普及，教师可以利用多媒体教学，还可以让学生通过多种渠道学习美术知识，学生不但可以从书本中和课堂上学习知识，还可以走出课堂到社会上参观美术展览等，或者通过互联网开阔知识视野。
（三）充分发挥学生想象力，培养其多元思维习惯
素质教育的根本目标是发展学生的创新思维和实践能力，因此，美术鉴赏教学中，教师应让学生充分发挥想象力，对美术作品进行再造想象，以形成自己独特的理解。教师应以美术作品蕴含的丰富的艺术文化、作者情感和作品塑造的艺术形象等为出发点，创设情境，引导学生发挥想象，多角度地感受、理解艺术形象，体验作品情感，不要以教师的审美为唯一的审美标准，要充分尊重学生的创新观点。比如，在教学《中国古代宫殿建筑艺术》的鉴赏时，教师除了让学生鉴赏作品的组合、体量、造型、色彩、装饰等艺术手法外，还可以进一步让学生讨论宫殿建筑艺术与社会文化之间的关系，充分调动学生学习的自主性和积极性，让他们张开想象的翅膀，在美术的天空自由飞翔，引导他们在自主鉴赏的基础上展开讨论进行小组合作探究。无论学生得出什么样的结论、说出什么样的见解，只要有理有据，教师都应充分尊重他们的想法，尽量对他们的观点加以肯定和鼓励，并帮助他们进一步解读作品，得出有价值、有深度的结论，从而调动学生的积极性，培养学生的审美自信，发展学生的创造性思维，以培养学生多元的思维习惯和审美能力。
（四）以点带面，运用多种教学法
教学有法却无定法，高中美术鉴赏教学也应该富于创造性，教学中教师应灵活、恰当地运用多种教学方法，适当借助多媒体手段，激发学生的学习兴趣，尊重学生的主体地位，紧紧围绕美术作品鉴赏展开活动。教师应重点引导学生发现、体验美术作品独特的、最本质的美和作品的动情点，并引导学生仔细分析美术作品、对其进行创造性解读，让学生充分发挥想象力和创造力，从而不断提高他们的艺术修养、审美能力和创新能力。此外，在教学中教师应适当渗透一些美术作品鉴赏的理论，让学生运用一定的理论鉴赏美术作品，以使学生对美术作品的鉴赏提高到一定的理论层面，进而使他们的感性认识转化为理性认识，从而使其掌握鉴赏方法和规律，最终提高其审美能力。这样学生对美术作品进行感知和体验、并得出独到的鉴赏结论，把握了作者的创作意图和要表达的思想情感，然后教师引导学生把这些感性认识上升为理性认识，帮助学生从中总结并掌握美术作品鉴赏的基本方法和规律，以便学生日后能独立鉴赏作品，从而切实提高学生的审美能力。
（五）美术常识学习和作品鉴赏并重
美术常识与美术鉴赏联系紧密，因此，美术鉴赏教学应两者并举。美术常识是美术基本知识、基本概念和美术语言等，美术常识重在研究为什么美。美术欣赏是一种视觉心理活动，重在感受美、理解美。美术鉴赏教学不能只注重学生对美术作品的感受分析，而轻视其对美术常识的掌握，这样会导致学生缺乏对作品的形式元素的探究，在鉴赏作品是会只知其然而不知其所以然，这样学生也难以在鉴赏中总结出方法和规律，最终导致学生的审美能力难以提高。没有美术常识基础的美术鉴赏只停留在肤浅的层面上，较高层次的美术鉴赏必然是以一定的美术基础知识为理论支撑。
此外，学生在鉴赏美术作品时，由于缺乏鉴赏经验和方法，往往不自觉地用现有经验来判断作品画的是什么，作品画得像不像现实中的实物等，而这种浅层次的“像不像”“画的是什么”等审美标准只能使美术鉴赏活动流于肤浅、甚至误入歧途。例如，在美术鉴赏教学中，教师引导学生鉴赏荷兰画家蒙德里安的《百老汇爵士乐》时，若仅让学生以“像不像”的审美标准去评析该作品，学生的鉴赏结论只能停留在浅层次的表面。在欣赏这幅画作时，教师应引导学生在美术常识的基础上去分析作者如何运用点、线、面的纵横交错以及色彩的冷暖、面积的大小等形式要素塑造艺术形象，让学生充分发挥联想和想象去认真感受和分析这幅作品给人造成的心理感受及爵士乐、百老汇所特有的属性等。同样，以“美”和“不美”的审美标准来鉴赏美术作品，也是比较肤浅的。因为“美”的内涵是丰富多彩的，美的形式是多种多样的，不同的美会给人不同的感受，同一种美也可能给不同的人带来不同的感受，人的生活经经验、文化素养或者情绪情感不同也会对同样的美产生不同感受，所以美术作品的美具有复杂性、多元性并略带作者和观者的主观性。当然许多“美感”也可以通过在一般人看来不美的形式表现出来，如挪威画家蒙克《呐喊》就是通过极不协调的色彩和近乎可怕的形象来表现自然带给人的不安和恐惧，使人们在19世纪末压抑的情绪在此得以释放，从而产生特有的“美感”。所有的美术鉴赏活动，若不以美术基础知识为基础，对作品进行理性分析，而片面地以“像不像”“美不美”去评述作品，美术鉴赏只会停留在肤浅的感性层次，难以达到理论高度。因此，教师应将美术鉴赏教学与美术基础知识教学结合起来，使学生的美术鉴赏活动达到理论层面，从而在鉴赏中从感性认识上升到理性认识，并从中总结出美术鉴赏方法和规律，从而使学生养成良好的美术鉴赏习惯，切实提高学生的审美能力。
参考文献：
摘要：高中美术鉴赏课的问题探究法教学作为一种探究式教学方法，是从鉴赏中提出问题并指导学生探究问题开始。问题探究法教学是教师在课堂教学过程中引导学生自主探索问题的教学方法，是一种以问题为导向的、学生有高度智力投入且内容和形式都十分丰富的教学活动。
关键词：新课改 高中美术 措施
教学活动都有其一定的教学结构。高中美术鉴赏课的问题探究法教学作为一种探究式教学方法，是从鉴赏中提出问题并指导学生探究问题开始。问题探究法教学是教师在课堂教学过程中引导学生自主探索问题的教学方法，是一种以问题为导向的、学生有高度智力投入且内容和形式都十分丰富的教学活动。问题探究法就是通过问题探究的形式使学生成为课堂教学的主体，充分调动学生学习的主动性和积极性，让学生在课堂教学中体验、理解和应用的艺术研究方法。
一、教师应提高自身的艺术素养
美术鉴赏包含鉴别与欣赏，在美术鉴赏中，人们总是自觉或不自觉地根据一定的审美理想、审美标准、审美趣味，从作品中获得对于艺术形象的具体感受和体验，展开联想和想象，同时也能运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象。因此，作为一名美术教师首先就要提高自身的艺术素养，主要有两点：一、要通过阅读美术理论、美术史、美学等方面的理论著作或学术论文，提高对美术学科的认识，如：“什么是美术”这个具有探索性的问题，就要通过查找资料，阅读文献，找到“美术”这个词演变的轨迹，并综合有名学者的观点，再加上自己的理解，就可以对“美术”一词作出自己的解释了。二、从多种渠道接受美术信息。高中美术教师应该经常参观美术馆、博物馆所举办的展览，除了关注经典美术作品外，还应该关注当代的发展动向，了解当代美术的特征，思考其原因，从而学会鉴赏，学会评论，以加深对美术的理解 。也可通过上网查阅，获得各类美术信息，以开阔自己的艺术视野。
二、教师要改变以往的课堂结构
传统的课堂结构是由“组织教学——检查知识——讲解新知识——巩固新知识——布置作业”五个环节组成的，在这五个环节中，没有一个不是教师在指导的，学生的一切活动都是在教师的“精心导演”下完成的。这种以教师为中心，重教不重学的教学模式对于以应试为目的的传统教育来说或许是有效的，但对于美术学科来说，这种教学方式实在是过为死板，更何况是面对素质教育的要求。因此，针对美术特点，应该变“以教为主”为“以学为主”课堂结构，建立“赏、问、议、讲、练”五个环节相结合的新课堂结构模式，充分发挥学生在学习中的主体作用。
三、教师要采用多种方式表达对美术作品的感受和理解
美术鉴赏是运用感知、记忆、经验和知识，对美术作品进行感受、体验、联想、比较、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品意蕴的活动。在以往的高中美术鉴赏教学中，一般都是以教师的讲授为主，这种单一的教学方式，往往整堂课教师讲得满头大汗、口干舌燥，学生听得筋疲力尽、昏昏欲睡。学生根本没有机会主动表达自己对作品的感受与理解，因此，教师要多多运用讲解、讨论、比较等方式来开展美术鉴赏教学；鼓励学生用文字描述、表演、造型等多种方式表达对艺术作品的感受与理解；鼓励学生在学习过程中，利用计算机技术和国际互联网资源主动地收集、筛选、分析、整理视觉图像和相关背景资料；组织学生利用美术馆、博物馆、当地的艺术作坊等文化资源和自然资源，开展参观、调查、考察等活动；以及鼓励学生在学习中运用合作性与探究性的学习方式等等，都是为了保证学生自主性、探索性的学习落到实处，促进学生积极主动地学习。
四、问题探究实践取得的成果
1.学生会问会学。“问题探究教学法”把学习建立在学生的主体性、能动性、独立性的基础上，学生在学习中处于主体地位，学生在教师的引导下，自主学习、合作学习、探究学习，在学习过程中自主发现问题、提出问题、分析问题、解决问题，使学生逐渐成为会问会学的人。
2.教师角色转换能力提高。在教学中可以看到，教师变换了地位，转换了角色，既是知识的传播者、教学活动的组织者，又是研讨的参与者、知识的获得者、能力的发展者。教师教给了学生获取知识的方法，送给了他们打开知识大门的钥匙，帮助他们学会了学习。当学生遇到疑难时，引导他们去想；当学生思路狭窄时，诱发他们拓宽；当学生“山重水复疑无路”时，带领他们步入“柳暗花明”的佳境。
3.教师的教学科研能力得到了提高。在问题探究教学法中，学生会从跨学科、多角度去质疑、怀疑，这就对教师素质提出更高层次的要求，教师传统的教学方式受到挑战，为此，教师解放了思想，更新了观念，改革了教法，在实践探究中学习，总结自己的经验，也学习别人的经验，包括向学生学习。
五、教师上好美术鉴赏课的几条原则
1.要将重点放在学生身上。教师的任务不是教会学生理解某一件艺术作品，而是为学生提供机会促进他们自己获得对作品的理解。这种对作品的重要性是不能教会的，而只能通过学生在理解一件艺术作品的过程中通过自己的努力而获得。
关键词：翻转课堂；微课；中美术鉴赏课
在数据化的时代下，信息技术已经不在停留在单一的娱乐与社会应用上。而以微课为前提下的教学形式在逐渐的发展中，其微课教学逐渐成为现代教育的主流方向，新时期下的微课教学以录制视频的形式把美术课的教学任务与教学内容通过微课的形式，展现在教育教学的第一线。在教育改革的热潮下把“翻转课堂”作为当下信息技术与教育教学模式下的新形式，体现在数据化下带来的好处。”翻转课堂“又叫做颠覆课堂、反转课堂，主要是教师通过录制本节课的学习目标与学习内容，把课堂教学的内容变成视频教学，学生通过多媒体与教师的讲解M行学习，在遇到困难与难点的地方进行保留，之后回到课堂上与教师进行面对面的沟通，以自主学习、创造性学习为主的一种全新的教学新形式。
一、基于微课下的传统教学模式的新思路
本次论文的研究思路在于翻转课堂的应用不仅带动了小学美术欣赏学科教学水平的进步， 更改变了小学美术教育教学的传统模式，微课教学与翻转课堂成了小学美术教育中最受学生青睐的学习模式。传统的教学模式，以传道授业解惑为主，重点在于教师面对面的知识教授，教师在仅有的课上45分钟上把教学内容进行细致的讲解，但是学生的理解能力是参差不齐的，学生在课下作业中把所学的知识进行理解、吸收到熟练掌握，这个过程中往往会遇见很多的问题与难点的不理解的地方，此时教师很难在学生边上进行辅导与帮助，教师的不在场使得学生在吸收与内化的量上产生分歧与不等。
二、微课支撑下美术翻转课堂教学的实施
1.根据教学目标，制定教学计划
微课教学方式是小学美术鉴赏与制作课的真正实效手段，要想它在提高学生学科综合素养上起到积极作用，摸索出适合小学学习的方式方法，这对小学课堂的教学起到非常关键的作用。因此，结合所学专业与实践经验，以xx市的小学课堂为研究对象，提出了《基于微课支撑下的“翻转课堂”教学研究》这一研究方案。
2.以浙版的小学美术鉴赏课为例---家乡的古塔
（一）教材分析
本单元是美术鉴赏+手工制作的入门课程。在学习过程中，学生主要是通过对一些有代表性的 不同历史时期的古塔建筑作品进行欣赏，掌握历史的文化知识。然后开始对纸版画的制作过程。本课程以学习传统建筑文化为主，加之以纸版画的工艺学习。
（二）教学目标
1.了解家乡古塔的特征、历史与文化。
2.学习用纸版画的方式表现家乡的古塔，提高造型能力。
3.激发对家乡的热爱之情。
4.培养学生的审美意识，学会从多角度多层面鉴赏美术作品。
（三）教学思路：
这节课要主要目的是了解家乡古塔的特征、历史与文化与制作纸版画。本课围绕《家乡古塔》这件作品而展开。通过微课教学给予学生自主学习的能力，再通过比较生动的语言描述。本节课重点分为两个章节，第一章节是微课教学展示，通过课下制作的视频，在视频中对《家乡古塔》以及相关的本课阶段采用什么形式来欣赏祖国各地不同历史时期建造的古塔，既有不同材料建造的古塔全景图，也有放大了的木塔局部的图片。这些均体现了古塔的一般特点和不同地域、不同时代的特性。，微课自主学习中以不同时期的作品和艺术家的表现风格与现实意义进行相关的讲解。
第二章，“翻转课堂+手工制作”辅助为主，把教学重点放在辅助学生如何理解本节课所教授的古塔的建筑特点与 掌握纸版画底版制作中古塔的拼摆、粘贴顺序和古塔特征的表现。方法上，通过与学生面对面的交流，促使学生提出问题、解决问题、转化知识、消化学习内容为主。另外在交流的过程中给教会学生制作古塔纸版画的工艺技术，使学生通过比较的方法来认识纸版画作品的创作过程和艺术理念，传播我国古塔的建筑特点与纸版画的制作方法，促使学生掌握不同的艺术表现方式和培养传统建筑文化知识。
（四）研究主题：
本次研究的主题是家乡古塔的特征、历史与文化的欣赏途径，系统的学习鉴赏古塔的作品和制作简单的古塔形式的方式，解读《家乡的古塔》中不同的古塔作品中的视觉情感与家乡的文化内涵。更是通过微课的形式使得学生在新的教育教学模式下，感受到不同的艺术教学新手段，提高学生的学习兴趣，把制作课和欣赏课相结合，教师与学生面对面交流中引导学生争取的学习取向，促进学生对于本节课知识的转化与吸收。
（五）教学方法
教学中以第一节“微课"教学为主，第二节“翻转课堂+手工制作”辅助为主。采用微课、师生交流、学生讨论（智力大比拼）、提出问题（制作过程）、组织解决问题（作品展示）等方法帮助学生突破以往简单化的欣赏模式，遵循学生的认知规律，以及课题内容的重点、难点，适当的选用多媒体等直观教学手段，创设情境，激发学生学习审美美术课的兴趣，扩展教学时空，丰富教学内容，拓展课程资源，增强教学效果。
（六）教学重难点
教学重点： 欣赏不同时期的古塔建筑特点，
教学难点： 纸版画的制作过程
教学准备：教具：教材，微课，纸版画工具
（七）课后拓展
1.学生通过微课的形式学习到本节课知识点，而后通过翻转课堂的形式与教师进行手工制作的交流。
2.教师提出制作的纸版画作品促使学生在此通过本节课的知识点进行实践操作，以提高学生在本节课的内化水平。
参考文献：
[1]胡铁生“微课”：区域教育信息资源发展新趋势[J].电化教育研究，2011.
[2]张金磊.翻转课堂教学模式研究[J].远程教育杂志，2012.
[3]教育部 义务教育课程标准（2011年版）[M]北京：北京师范大学出版集团， 2012.
一、美术教育中的德育功能
美育教人如何做人，启发学生求知、爱美、扬善、发展。美术教学中的各类艺术作品鉴赏，可以形象地教育和激励学生，可以鼓舞人、激励人，弘扬美德。为广大人民服务，为祖国服务，是美术德育功能和本质所决定的。人类的劳动过程创造了精神文明，文化与艺术的发展，同样，艺术发展也起到了德育及美育的作用。如在中学美术教学的过程中，像董希文的油画《开国大曲》、潘鹤的《艰苦岁月》、《小八路》等艺术作品所塑造的艺术形象，能激起学生思想感情上的种种反映。他们通过学习感到兴奋、崇敬、自豪，饱含着对祖国的热爱和对先烈的敬重，爱国主义自然而然在美育中渗透。教师要让广大学生的高尚道德情操和道德行为与追求美的理想结合起来，达到完成教学大纲中的美术教育与德育的社会历史使命。
二、美术教育中的智育功能
自然世界是通过多学科及艺术形象再现在人们的意识中，美术教学中的智育功能是由美术学科艺术性本身的特点决定的。智育[第一论文dylw.net]是在掌握知识过程中形成思想方向和创造方向形成的。教学过程的目的是发展智力，因而，美术教育过程中能发展学生的思维，启迪学生的想象与社会积极联系起来。经常处在美的陶冶之中和在单调的环境里成长的孩子，其智力及思维发展明显不同，前者更多地表现出对外界事物的探索兴趣和愉快的情感，这对学生的创造能力，智育能力的发展是极有力。美术教育是进行美育、促进智力发展的重要手段，是别的学科所不能代替的。
三、美术教育中的美育与审美功能
美学即审美之学，将“审美”实施于教育中。美育即培养学生健康的审美观和审美能力，提高品德素养，将教学中的艺术欣赏转化为培养正确的审美观念。人类的审美观受时代地理位置、民族等因素的影响而不同。古代人认为美的现代人不一定认为美，外国人认为美的中国人不一定认为美，出现这些差异，是人类社会的自然现象。然而，人类也有共同点，即共同的基础语言形式美，共同的美感享受，共同的和谐发展。那么，教师应该怎样在美育教学中提高学生的审美能力及审美观念呢？
1.培养学生正确欣赏中外艺术作品，让学生从传统文明与现代优秀文化艺术珍品中汲取美的内容。可从社会美、大众美到艺术风格美、形式结构美、内部情感意蕴的鉴赏中来培养学生审美能力。可通过多媒体教学，欣赏幻灯片、图片，阅读中外艺术理论常识，广泛采取感受与理性分析相结合，再借助想象、联想，通过理性参与分析作品内容感情意蕴，从而产生审美愉悦，达到情感共鸣。
2.提高学生的创新精神和实践能力，使学生有明确的科学审美态度，将课堂中的美学理论及规律方法内容有机地与社会现象结合起来思考，培养学生的思维能力，应变能力。美的追求有着不同的方面、形式，要从审美的新角度，用新观念去认识美、发现美、创造美，去表现审美能力及其见解，从而产生新的领悟和新的观念。
3．教师要让学生逐步形成和掌握线条美、协调美、对称的均衡美、变化统一的色调美，要把学校美术教育工作跟社会生活和谐地结合在一起，引导学生分清是非、美丑、善恶、真假，在美术教育、美术鉴赏的实践中学做真人，逐渐提高学生欣赏水平。
论文摘 要：《美术课程标准》指出:美术课程具有人文性质。美术是人类文化的一个重要组成部分，美育在以技能训练为价值取向的年代，欣赏教学只偏重于作为在学习和体验造型表现时起到某种参照和补充的功能，但是现在，当美术教育作为一种文化教育和素质教育的面貌出现时，欣赏教学的功能就有了新的拓展，并发挥不可替代的作用。基于此，文章从四个角度构建了欣赏教学在中美术教学中的实施路径。
“欣赏、评述”是美术课程中的一个学习领域，它充分体现出人文性质，使学生自身的审美意识在作品欣赏中被唤醒，提高他们的审美的感受、情感、想象与理解等心理能力，并使之相互协调，最终使学生具有敏锐的审美知觉及对美的欣赏力和创造力，形成健康的审美情趣和审美能力。那么课堂教学中如何实施欣赏教学呢，笔者经过长期的实践和探索总结出实施欣赏教学几个环节，希望能得到同行的指正。
一、感受环节
感受是进行美术创作表现的基础和前提，学生表现活动缺少感官刺激，就不能获得感性认识和创造灵感。直观知觉和理智分析是人类认识过程中的两个程序，美术课有利于两种认识相互配合发挥作用。美术教学中一方面通过感知启发学生的美感潜能；另一方面，注意发展学生视觉认知能力和抽象思维能力。通过直觉训练提高学生的感性知觉、审美知觉和思维能力，使学生具有敏锐的观察力、主动的创新意识、实践能力，以及运用美术创造性语言与人交流和合作的能力。因此，欣赏教学也要从学生的自主感受入手，不能只是老师讲学生听，搞满堂灌。学生对一些艺术作品知之甚少，但目睹这些艺术品，总会有所感受和感觉，而学生不知道的正是教师设置质疑的宝贵契机。抓住这个契机，设法激起学生的兴趣，追求新的鉴赏知识，使审美的感性阶段向理性阶段上升。在这一环节，要鼓励学生看和触，多渠道获得感知信息，丰富学生的审美感受。
二、赏评环节
在这里，笔者把美术教学中的赏析改为赏评，其目的是欣赏课要有意识地开展对美术作品的评论，也是美术课程标准所说的“评述”。尽管在创作课中的赏析环节也有理性的分析，但不可能也不必要进行细致的评论;而在欣赏课中，细致的评论就是可能的也是必要的。评论的内容包括作者介绍、作品的时代背景、作者和作品在美术史中的地位和价值，更重要的是对作品本身内容和形式的分析。当然，评论的深度要依据学生的年龄特征和审美经验水平来确定。同时，评论者可以是教师，也可以是学生。赏评中学生的审美实践活动应包括听、读、说等等。比如，在学生初步感受了白石老人精美作品的基础上，整理出白石老人的画作，让大家欣赏、分析、议论:“作品美在哪里?为什么那么惹人喜爱?”学生们可以分组讨论，教师以鼓励为主让学生大胆说出自己的想法，大家纷纷发言，各抒己见。有的学生说，白石老人的画与真的一样，很好看，都是活生生的，充满着生命和生机。此时，教师应抓住机会加以点拨:这就是艺术家作品的动人之处，他把自然界中生物的形象同自己对大自然的感受和认识融为一体，抓住最能表现生命力的特征而删掉累赘的细节，把它的活力表现出来，这就是“妙在似与不似之间，但又形神兼备”。就以虾来说吧，同学们都觉得像极了，虾体透明，似乎活泼地在水里游动、在跳跃，但是与真的虾相比较，可以看出，虾的头、颈、足等细部都经过了提炼和概括取舍，与真的虾不一样。白石老人通过长期的仔细观察，按着自己的审美规律，进行夸张取舍，画作给人以美的享受，同时激发着人们对生命的热爱、对生活的向往，并产生强烈的共鸣。在这一环节中，通过师生合作培养了学生的社会意识，并转变了教师为主体的传统观念，并在共同合作中发展了教学。
三、表现环节
本环节实践中，教师可以把一堂欣赏课的美术作品分成两组:一组是用于赏评，另一组是用于表现。在赏评环节中通过欣赏第一组作品，使学生获得一定的审美经验和鉴赏能力，因为审美是美术实践活动的源泉，美术教育的目的之一就是对学生进行审美文化教育。在表现环节，可以让学生自由发挥表现，让学生在对第二组作品进行自由的感受和自由的赏评，鼓励个性发展。没有个性就没有创造力。个性发展唯一的目标是使个体活动自我满足、自我完成或自我实现，从而培养学生独立自主、勇于创新的精神和独立的分析思考能力。教师主要起组织、启发和引导的作用，学生是学习的主体。要使学生学会参与、学会选择、学会自主学习和发展。表现是一种应用，在应用中去复习、巩固前两个环节的学习所得;表现又是一种开发，启发学生依靠直觉感受、想象和灵感，通过自由的表现去开发学生的审美创造力和思维能力。表现的方式多种多样，可以是说、写，还可以是表现性地搞点小创作，让学生对范画作品的形式美特别是技法等形成更深刻的体验。为每个学生提供充分表现并获得成功的机会。教学要面向全体学生，鼓励和帮助学生树立学习信心，因材施教，使每一个学生都能体验成功喜悦和获得参与活动的乐趣。写和作不必局限在课堂以内，而应该鼓励学生向课外延伸，让学生寻找感兴趣的主题，围绕主题去拓展阅读、拓展欣赏、创新构思、创新技法等。这实际上就是美术课程标准所提倡的“研究性学习”。
四、总结环节
这里所说的总结不同于其他教学模式中的评价环节，其目的不在于比较学生学习成果的优劣，更在于让每个学生认真归纳、概括本课学会了一些什么。既要总结本堂课所欣赏的同类美术作品的共同艺术特征，又要总结所学习到的鉴赏知识，还有所获得的审美感受和审美经验。总结不仅是教师讲、学生听，学生还应该说和写。教师也可以借此机会向学生推荐好书、好的艺术节目等。让学生课外去欣赏、看展览、去继续延伸学习。
总之，中学美术教育中应加强艺术欣赏，在美术欣赏教学要力求体现人文性、自主性、创造性，最终在推进素质教育的过程中，发挥美术教育在提高和完善人的素质方面所具有的独特作用，更好实现新美育中的新理念。
参考文献
[1]杨景芝.美术教育与人的发展[m].人民美术出版社，2009
一、审美体验为主，“双基”教学为辅
美育具有形象性和愉悦性的特点，高中欣赏课的主要精力便应放在为学生创造优良的条件使他们尽量多地“看”到优秀美术作品。除教材中的复制品以外，还要用大幅挂图启动学生审美的眼睛和心扉，有条件的学校更应该充分发挥电化教育手段的直观性宏观感。美术课程是与社会生活相联系的，现在已向图象时代转变，数码媒体艺术方便普及，新媒体艺术主要体现在：创新，新技术，新的思维方式。它对学生的吸引力是非常大的，例如Dv就是些很好的工具，用DV可以感受到一些不同的东西，有一些新的思考，奇想。还有电脑绘画可以模仿各种绘画技能，还有一些是绘画不能达到的表现力。媒体课程对学生，未来人才有重要意义，社会进步为我们提出新的要求，我们应该多接触新的艺术形式，这要求我们美术教师要紧随社会发展，学习与美术课程相关的其他新技术、新知识。
教师的责任也绝不是依靠个人有限的美术史知识对学生进行语文或历史课式的传授知识；教师整个欣赏活动中的作用更多的应该在艺术语言(构图、色彩、线条、情感、意境等)方面帮助学生调动各自全部的文化知识、修养、生活、体验、艺术情趣、道德判断、审美理想和价值观念，让学生积极主动地对“这一件”艺术作品做出自己的而不是强求一律的视觉审美判断。这期间，教师对“必要的”美术知识，即艺术语言的掌握与熟悉程度是很重要的，也就是常说的“一桶水与一碗水”的关系。“教学目的”中的美术欣赏方法在高中全部美术课教学量中占30％的比重，按要求基本是学生自学，教师的作用是引导学生如何学习。须明确的是“美术知识”和“美术欣赏法”都必须建立在大量欣赏美术作品的基础上进行灵活的穿插式的教学，而决不可以为学理论而学理论，甚至在考核时仅仅考查学生对上述知识条文的记忆程度。
二、以启发教学为主
高中学生在分析和判断问题的能力上已经高于初中生，而且他们的自主意识已经增强。鉴于此，教师更应该采用启发式教学，“鼓励学生积极参与教学过程”，“组织学生从自身体验出发，开展对不同作品的比较和作品的评论”(见《高中美术课程标准》)。可以实行分组讨论，登台演讲，撰写论文甚至分庭辩论的方式进行别开生面的课堂教学。为了不使学生陷于无知的诡辩和纠缠于远离审美活动的烦琐考证，教师要对重点作品示范剖析，教师有必要独立地对某件或几件美术作品进行示范性的艺术分析，将“必要的美术知识”辅佐对作品的分析，让学生感受到正确的美术欣赏方法在整个欣赏活动中的保证作用，举一反三地教给学生如何判断并用审美的语言剖析一件艺术作品。
以学生发展为中心的教育观念。传统的教学比较习惯于教师中心、书本中心。在暑期远程培训第一专题的学习中印象最深的是，赴德留学的高中生谈到中德高中美术的最大不同，在德国学
生是主体，在作品中可以自由地表达自己的感情，为了充分表达
可以尝试用各种艺术手段，技法，在表达遇到困难时可以给你建
议各种方法，教师只是方法的导师，而不是灌输者，尊重个性作
业并不打分；甚至可以一学期只完成一幅自己的作品，这样深入
刻划这个感情有充裕的时间，而在传统的中国高中教学中，没有
让学生深入地完成一幅作品，只是蜻蜓点水一样过一遍就可以交
一幅作业，没有注重学习过程与学习方法，没有调动学生积极的
情感体验，只有改变现状才能调动学生积极的情感体验，培养他
们的创造性。
注重教师和学生共同发展的互动教学方式。比如广东某校的教师在进行美术鉴赏课的教学过程中采用学生自己制作课件，并由部分同学讲解教师只是适时做一些补充，学生在这个过程中发挥了自己的能动性，学生学得更主动、更积极，教师也为学生的创造性思维所启发和促进，互动教学活动将不断促使教师更新自己的教学方法。教师将是一个开拓者和创造者。
三、以情感教育为主，理性分析为辅
一切艺术语言和欣赏方法都是人类对美的事物的情感体验的总结，对艺术作品欣赏无不严格的遵循着情感体验的原则。抛弃了各个个体的人的情感活动而孤立地对所有艺术作品都划定出一个公认的评论尺度，这本身就否定艺术作品的二度创造的特征。间一件艺术作品，在不同欣赏都那里得出不尽相同甚至大相径庭的审美结论，不仅是正常的艺术现象，而且是艺术作品本身不确定性的积极的社会功能的体现。绝大多数艺术作品都是颂扬真善美的，作为教材选的艺术作品基本上都不违背这一创作原则，而县有比较稳定的判断趋向，这给学生的欣赏活动提供了易于选择的条件。但是也容易造成这样的一种误解，所有上市的艺术作品都是健康向上的，这一误解起码会引导学生在审判美判断上的惰性。而在人类阶级社会中都事实上是不断地产生着反审美的所谓“艺术作品”的，这就有必要采用比较和分析的方法，说服学生积极主动和清醒冷静的态度认真对待每一件意识形态的作品，有目的的向学生展示一部分内容不健康或形式不美的艺术品，以提向学生的鉴赏能力无疑是很有必要的。
审美教育与基本技能的学习本应是中小学美术教育中两个不可偏废的组成部分，犹如人们两条腿不能偏废才能平衡地走好路一样。然而，这些年来由于教育应试化倾向越来越突出，美术教育中“重技轻艺”的现象也愈来愈严重，与当代美育倡导的培养学生的审美情趣，艺术素质，陶治情操、启迪智慧，促进学生全面发展的理念相距甚远。
首先，中小学招聘美术教师过程中存在“重技轻艺”现象
作为一名从事多年中小学美术教育的老师，笔者2001年从北方到南方，先后在江苏、广东等地的一些学校（包括公办、私立中学）参加过几次美术教师的应聘，近几年也几次参与过现任学校美术教师的招聘录用工作，就我看到的情况来看，无论是应聘者还是学校都存在着严重的“重技轻艺”的现象。从应聘者这方面来看，应聘者往上递给学校的材料很简单，无非是本人精选精制的作品集，以及作品或论文的获奖证书（至于作品的真伪无人知晓，但可以赢得校方提供考核选聘的机会），其呈现的概念似乎只有一条：我是来教学生画画的。就学校而言，校方先审阅应聘者的材料，然后组织该校美术教师参与安排考试事宜，限时画一张四开纸规格的素描（偶尔有的学校会加试色彩绘画），最后再由学校美术教师及校方个别领导将应聘者的画放在一起，从专业技能及画面表现方面来敲定谁可录用。这时候，校方呈现的概念也很简单：我是选教学生画画的。至于应聘的美术教师艺术修养怎样，美术理论知识、人文底蕴如何，教学能力及语言表达能力的高低都不予考查，全凭一幅画来定乾坤，哪怕应聘者大字不识几斗，只要能从技术层面辅导学生画画就可以了。这种单纯的认定和选拔方法与国家《美术课教程标准》和《艺术课标准》是相偏离的。《课标》中，“审美”一词被反复强调，美术课不只是向学生传授美术知识技能，更重要的是培养学生对美术的兴趣，提高学生审美趣味，创新能力和个性品格。在美术教师的招聘问题上，仅凭一幅画的好坏来定夺教师的录用，一俊遮百丑，又如何能保证《课标》的贯彻实施呢？
其次，中小学美术欣赏课上存在“重技轻艺”现象
这些年来，由于招聘美术教师时重技轻艺，导致许多美术欣赏课“缺质”现象已司空见惯。据了解，现在有些美术教师看到教科书上有欣赏课，往往就跳过去不上；即使上了，也是轻描淡写地一带而过，如：这幅画是谁画的，画面上画的是什么，用的是哪些画法，画家有什么样的故事等。或者，干脆按照教材的文字照本宣科，根本不考虑教学的环节，没有课题的导入，展开，深化与总结，更没有让学生踏踏实实地分析、感受、表达，没有教师的切实感受，使得欣赏教学呈现一种浮浅的表面化倾向。作品深层次的东西，如作品传达的思想感情，所表达的文化内涵，所反映的审美特征，以及作品诞生的文化背景等要素则往往很少涉及。这不仅反映出教师对美术欣赏课在思想认识上出现偏差，教育理念滞后，没有认真备课；同时也说明许多美术教师在大学期间重技术轻理论，致使自身专业水平不足，艺术素养及艺术理论知识匮乏。进入中小学任教后，在需要大量理论知识的美术鉴赏教学中就显得促襟见肘，先天不足，对美术鉴赏和美术史缺乏一种全盘的把握和深入的理解、体验。因此，学生常常无法获得将美术欣赏的内容与自身生活体验相融合的共鸣与启迪。学生本应通过作品的欣赏在教师绘声绘色的描述，深入浅出的讲解中得到思想情感的升华与精神的愉悦。然而，教师空洞机械地讲解使学生在欣赏学习中变得索然无味。甚至，有些美术教师对美术史的概念和理解存在着错误和主观倾向。如在讲授中国山水画时，错误地提出“山水画起源于唐代”，讲明清文人画时，主观上把文人画定义为“是地主阶级没落的腐朽的艺术”的定论。因此，学生在欣赏课上不仅得不到教师的正确指导，反而还会使学生的审美取向产生误导。这些年来，一些美术教师长于绘画技术，短于美术理论及美术史的素养；长于技能的辅导，却短于讲课语言的表达及教学环节的驾驭，这个问题已经非常突出，致使美术教育中的欣赏内容在许多学校形同虚设。
上篇：实践篇
一、十年磨一剑：“系列”、“组群”、“信息带”的办展理念
我从事书法研究、教学与创作几十年，虽然在日本、在台湾、在内地办过不少小规模的展览，但那些大都是“习作性的展览”。即以自己的出色的技巧发挥，写出一批50～1 00件好作品，写的都是古人名诗名文，以抄录为主。书写的都是个人单一的书体与风格。无非是条幅变对联、尺页变横卷。但既出自一人之手，当然是其同一性(或日重复性、雷同性)远远大于其丰富性。事实上，要让一个今天的书法家风格多变、书体相异、技巧多样，也实在是做不到。书写本来是一种个人习惯，它一旦被固定后，是无法朝令夕改的。由是，一个书法家的创作，在风格与技法上是必然会雷同的。
这种以技法练习的习作式展览，作为一个书法家的成长过程中的必须经历，是完全需要的。但它肯定不能成为一个终极指标；或者说它作为真正的展览，含金量是不足的。那么，真正的展览、好看的展览、艺术的展览、丰富多彩的展览，究竟应该是怎样的呢?其实当时我自己也不清楚。
不清楚就先不鲁莽地办展览，没有清醒的认识，一般平庸的展览，办也白办。就这样，从2000～2009年之间，我10年不办展，不断在思考怎样办好书法展览，苦苦寻求其间的症结与关键所在。其实当时也不是没有现成的范例可供参考，比如在1998年在北京举办的“学院派书法展览”，已经直接触及到一个好看的书法展览应该怎么办的核心问题。但它只是站在“学院派”主题性创作立场上的探索与思考，而尚未寻找到传统的书写型创作进入展厅所应有的态度、立场与方法。
十年沉潜，不办展览，实在是因为找不到一个很好的思路与办法。平庸的沿袭的书法展览实在不屑于办；而新的有创意的展览又不知道该怎么办。高不成低不就，实在是困惑纠结得很。
十年之间，我出席了很多全国性展览的评选，对当下书法展览的方式方法有了各种反复选择、比较，对当下展览的着力点与评判逻辑，有了些许认识与理解。又在此期间，横跨数年写了几篇全国展评审论文，还专门写了《关于当代书法创作展厅文化现象的综合研究》(2001)、《展览视角而不是创作视角——关于当代书法“展览意识”的崛起》(2009)两篇长篇论文，专题研究当代书法展览的发展规律、利弊得失分析、目前的认识误区、现实的社会需要、与时俱进的时代要求。……在我而言，思路逐渐清晰起来，轮廓逐渐明确起来，大致找到了当代个人专题书法展览及一般书法展览如何圆满举办的基本办法。其特点是：第一必须好看。要有观赏性，这是尊重观众的需要。第二必须丰富。这就要求一个书法家有多种风格、技法表现的能力，它对今天书法家的学习、成才模式提出了时代的新要求。第三必须有主题。要有办展思想和不断创新的展览理念。要重视文字内容的选择，要使书法作品在文辞上可“阅读”。第四是要强调“原创”。每个展览都有自己特定的基调与展览结构。要善于否定自己以前已经取得的成果，不断争取攀登新的学术高峰。
2009年初，在寻找到了书法展览的新感觉尤其新思路之后，才开始了新一轮的实践。我当时的基本思路是：2009年一年之中，应该有一个三连环的展览举措，它分别指向三个不同的“结点”。第一次是“试水”：以松散的鉴赏会形式进行综合展示，举办了一个“心游万物——陈振濂诗书画印鉴赏会”(4月)。以诗书画印的江南文人士大夫风气为贯串，休闲座谈。没有开幕式没有剪彩致辞。第二次是举办正规的书法专业展览，是在5月举办了一个“线条之舞——陈振濂书法大展”。强调书法的专业高度与品质的把握，其别讲究在风格、格调、技法、气息上的高品位与高难度系统指标，要体现出一种专业的风范、体现出一种高度，以与一般的业余书法家拉开距离。而到了12月，则在北京中国美术馆举办超大规模的“意义追寻——陈振濂北京大展”，以规模巨大、组成结构丰富为指标，共分为八个版块，即《观赏书法》之“榜书巨制”、“古隶新韵”、“简牍百态”、“狂草心性”；《阅读书法》之《名师访学录》、《金石题识录》、《西泠读史录》、《碑帖考订录》；其展览分布横跨书法艺术的“观赏的艺术”、“阅读的艺术”两大要素立场，强调在个人艺术立场上的“尽量全覆盖”，强调尽量发挥一个书法艺术家最大的能量极限和创造力极限，确保高度不变、注重宽度拓展，展览在美术馆占了五个半展厅，是迄今为止在中国美术馆举办的最大规模的书法个人展览。
经过了2009年的三连环的展览之后，2010年教师节，我又以前一年三个展览中都包含的一部分题跋、札记、手稿、记事等作品，进行有主题的扩大与展开，形成了一组50件作品的系列展示。50件作品书写同一个主题内容，展题为“大匠之门——陈振濂眼中的名家大师”。用书法来记录与描述我少年青年时代拜谒已故前辈大师的场面细节逸闻轶事。既是一份重要的“口述”“亲历”资料；又是一套倡导“阅读书法”、鼓励重视书写文辞文字内容的艺术作品。为使展览好看，50位名家大师的相关题记之侧，均配有50幅名家大师的肖像与代表作，图文并茂，相得益彰，从而在推进“阅读书法”的新的创作理念方面，迈出了札实的一步。它把原来嵌在一个综合展中作为一个分支的“阅读书法”部分的尝试，单独提取出来进行全面扩大并构成展览主体，从而形成了一种明显的艺术创作价值取向。
2011年秋，沿循新倡导的“阅读书法”理念，在“大匠之门”展基础之上，则以一种更具有历史感、规模更宏大的艺术把握，筹备举办了“守望西泠——陈振濂西泠印社社史研究书法展”。以西泠印社108年周年社庆为契机；选取西泠印社历史上的关键“节点”，以撰述、考证、题记、评论、摘录等，创作成108件书法作品，形成一个具有完整历史序列的作品系列。从1904年开始到2011年为止，一部百年浩瀚印社史，赖此108件书法作品与展览，再一次获得了全社会的高度关注。而借助于这一段有形的历史脉络，配合以历史老照片，配合以对历史解读的文字文献，又形成了一个具有明确分工的108组有序的作品组群。这纵向的作品系列与横向的作品组群一交叉，又借助于博物馆“陈列”(而非“展览”)的技术支撑，形成了一个三项复合的“书法”、“释文”、“图像(老照片)”的三条信息带——-且有复合功能的三位一体的信息带。
一、音乐欣赏课程开设的意义
联合国教科文组织1989年在面向21世纪教育国际研讨会上曾提出《学会关心：21世纪的教育》。其中所谓“关心”是指关心人类、关心社会、关心他人。高校人才培养强调培养“人”，培养学生良好的品德、修养与内涵。
1.音乐欣赏课程有助提高大学生思想道德素质艺术来源于生活同时是社会生活的反映，而优秀的音乐作品往往体现着作者对现实世界的观察与思考，饱含丰富的思想情感，或表达对祖国的热爱，对老师的尊重，对父母的感激，亦或是对朋友的珍惜等等，这些作品能够带来思想上的鼓舞以及产生情感上的共鸣。电影《上甘岭》中《我的祖国》，独唱部分抒情委婉，一唱三叹，合唱部分气势磅礴，增强独唱部分情绪。聆听这首歌曲，学生可以感受到历史背景下人民对祖国的深情歌颂，对家乡的美好回忆，以及保卫祖国的果敢决心。通过不同题材的作品欣赏，提高学生审美情趣，进而提高思想道德素质。
2.音乐欣赏课程有助丰富大学生人文知识音乐是人类文化传承的重要载体，与文学、历史、戏剧、舞蹈、绘画等领域有着密切联系。在多元文化教育视野下，引导学生欣赏分辨不同文化传统下产生的世界音乐，认识不同民族的文化背景与不同文化形态下所产生的音乐，感受东西方音乐在文化上的差异，培养学生用“平等”与“差异”的人类学视角去看待不同民族的不同文化。如琵琶曲《十面埋伏》的楚汉之争，古琴曲《广陵散》是据《战国策》及《史记》中记载的聂政刺杀韩相，这些作品都蕴含了大量的文学、历史知识。
3.音乐欣赏课程有助拓宽学生思维上文中提到，通过欣赏不同民族的世界音乐，有助于培养学生建立起全新的文化研究视野，从多元文化视角多维的去看待世界。聆听音乐的过程是人们在头脑中对音乐形象的在塑造过程。每个人的先天遗传情况不同，思维能力也具有一定的差异，大脑思维能力的形成和发展在很大程度上要靠后天学习与训练。音乐欣赏在提高对音乐的感知能力的同时，也有益于人们对于运动控制、记忆能力和思维的发展，使大脑功能得到更广泛地开发和利用。二胡曲《赛马》中具有许多对现实世界的音响模仿，引导学生通过对不同音型的听觉联想，进而展开创造思维。李岚清同志说：“音乐的美育功能还不是一般地提高审美能力和陶冶情操等，它对人的智力开发，特别是提高人的想象力和创意动力，锻炼表达和解决问题的能力等方面都有帮助，音乐对社会的文明进步有着深远的影响……我们能不能想个办法对他们进行这方面普及的教育，给他们补上一课……使得这批跨世纪的青年知识分子能够有这方面必要的修养……”音乐是情感的艺术，人们在欣赏音乐的过程中提高人的思想意境和高尚情操，给人以美的享受。
二、音乐欣赏课程教学改革思考
1.量化教学方法评价指标体系关于教学方法的评价指标，应该在教学改革与建设中作为重点。教师能否融汇本学科前沿知识、能否将跨学科知识贯通与课堂，实现教学多样化、个性化等方面的评价指标较少。因此，增加教学方法评价标准的确定性、可操作性，能使教学评价体系制度化、标准化发展的同时，应进一步完善各层次评价体系的构建。
2.完善音乐教育的考核、评价系统构建完善的音乐教育考核评价系统，从课程教学工作量、学生课外艺术活动及参与社会艺术实践活动指导、学生学习成果、学术研究水平等方面设立相应指标，更为符合音乐教育的本质特点，能够进一步调动教师教学积极性，活跃丰富教学气氛。
3.多元化教育与教学评价音乐教育具有其本身所特有的区别于其它人文学科的特殊性，在掌握一定的专业技能基础上，更为侧重于对学生审美能力的培养。而在多元文化教育理念下的高校音乐教育，应建立与21世纪人才培养相适应的教育与教学评价机制，侧重对学生学习过程和学习态度的考察，可采用课堂问答、讨论，学习调查问卷、单元作业、课程论文、笔试及相应的实地调查等形式完成，并进行形成性评价和终结性评价。将教学重点更多的关注于启发学生独立思考的能力上，以量化评价和质性评价相结合的方式对学生做出整体性评价。
2006年教育部以“教体艺厅[2006]3号”文件形式公布了《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》，《方案》将包括《音乐鉴赏》在内的8门艺术教育类课程（《艺术导论》《美术鉴赏》《影视鉴赏》《戏剧鉴赏》《舞蹈鉴赏》《书法鉴赏》《戏曲鉴赏》），列为全国普通高等学校非艺术专业学生的限定性选修课程，并明确规定每个学生至少要选修其中一门，或取得2个学分方可毕业。音乐教育是以审美为核心的教育，美育教育作为主线贯穿其中，要求高校侧重于培养符合时代要求的人才，培养学生的学习能力、实践能力和审美能力，进而全面提高学生的素质。当代社会给中国音乐教育带来机遇与挑战，未来以开放的心态，以多元文化视角建构高校音乐教育模式，是每一位音乐教育工作者需要思考与践行的努力方向。
作者：赖媛圆单位：湖北文理学院音乐学院
论文关键词：国画艺术，现实主义
从现有史料来看，我国国画艺术已有七千年发展历史。在长期的艺术实践中，中国画形成了与世界上其他画种显然不同的艺术特征。
从绘画材料工具到表现方法与艺术技巧，与西方艺术相比，形成了鲜明的对照。它深深地植根于中国人民之中 ，为中国人民所喜闻乐见。就是西方人也对中国过去的艺术赞叹不已。它有着极其丰富的经验，极其高超技艺，具有西方艺术不能具有的特有的艺术魅力，成为人类艺术宝库的宝贵财富。一个时期以来，我国美术界的某些人在认为“传统中国画正面临着走向死亡的必然命运”①的同时，异口同声地提出了全盘西化的主张美术论文，时至今天，中国画仍然放射出灿烂的光辉，应随着时代的推进，发展到更高更新阶段，为发展人类的艺术事业作出更大的贡献。
现实主义②是艺术发展的客观规律。这是十九世纪杰出的现实主义艺术家库尔贝提出来的。其实，现实主义早已存在人类艺术的发展过程之中。它随着时展而发展，促进了人类艺术事业的不断发展，不断前进论文开题报告。西方是这样，东方也是这样。西方文艺复兴时期的达.芬奇、米开朗基诺、纳斐尔，十九世纪的库尔贝、米勒、罗丹等都是现实主义的艺术大师。
在中国画史上，现实主义的艺术思想和创作方法也得到了充分体现。
六朝时期的顾恺之、唐代的吴道子都是当时的现实主义的杰出代表。在山水画方面体现得更为突出，在唐以前，山水画尚处在萌芽初创时期，唐代以后经历了六次大的变革。到大小李是第一次变革，到荆关董巨是第二次变革，到李成范宽是第三次变革，到刘李马夏是第四次变革，到大疵、黄鹤是第五次变革，到石涛是第六次变革，经过六次大的变革，现实主义在山水画领域得到了更大发展。在花鸟画方面，从徐渭、山人以后，现实主义创作方法也得到较大的发展。
在理论方面美术论文，现实主义思想更有重大发展，而且比西方早得多。在东晋时期，顾恺之就在过去注重写实的基础上提出了“以形写神”，“形神兼备”③的观点。他认为在人物画方面，不但要形似，而且要写出人物的独特精神风貌，这就是恩格斯提出的要塑造出“典型环境中的典型性”④。在这里要特别提一下的是，顾恺之这一精辟论点，也不是他随心所欲地自己臆造出来的。应很好了解一下当时的时代背景，东汉未年，魏氏鉴于人士流移，考详无地，立九品中正之制，把当地人物评为九等，供政府选用，于是对人物的品评议论成为当时议论的中心。当时对人伦鉴识重在道德、节操、忠孝、气节、儒学的品评。到曹操时代产生了很大变化，曹操反对儒学那一套，他多次下令，“夫有行之士，未必能进取，进取之士，未必能有行也。”⑤“陈平非笃行，苏秦岂守信耶”⑥美术论文，曹操自己也无操守，更不忠于汉。曹操、司马懿等皆不美，不但身形矮小，而且仪容不雅。如以美论人，就会得罪上层人物，但“精神”、“神情”还是值得重视的。实际上出色人物的“神”皆不一般。于是“精神”就为鉴赏人物所重视，到东晋，人伦鉴识由政治上的适用性逐渐变成对人的欣赏、士人名流论人言必神情风貌，顾恺之也是当时名流，自然皆以“神情”为标准。整个社会 评品人物轻形重神，为人画象，当然也以传神为主。可见“以形写神”之说，来自社会需求。体型美不美不关重要，画出一个人物的独特神情和本质特征就可以了，而能表现一个人的本质特征的，正好又是一个人的眼神。即来源于生活，来源于社会需求，来源于创作实践，这就是从现象到本质，也是从形到神，这就是现实主义思想与现实主义创作方法在人物画发展过程中的具体体现论文开题报告。
在顾恺之人物画上提出“以形写神”的论点的基础上，六朝山水画家姚最，又在山水画方面提出了“学穷质表美术论文，心师非化”⑦的论点。就是主张从现象到本质进行深入探讨，并从本质上心领神会地反映出作者的亲身感受。唐代山水画家张操又经过自己的创作实践，在姚最的理论基础上提出了“外师造化，必得心源”的论点。他们都是强调要认识事物的本质特征，心有感受地通过形象抒发出自已的思想感情和意趣情操。这些理论说明现实主义在山水画领域又得到了进一步发展，到五代，经过山水画家的艺术实践，又在前人的理论基础上提出了“图真”说。“真”是艺术的“真”。意思是来源于现实而又高于现实，达到本质的艺术的“真”。到清代，石涛辈山水画家更是在突破前人陈法的基础上提出了“笔墨当随时代”⑧的新论点，更把现实主义的思想达到了一个新的阶段。由此可见，中国国画艺术的发展都是和现实主义在中国的发展一脉相承的。前人早已知道了要认识事物的的本质特征并塑造出能反映本质特征的典型形象来抒发自己胸中的逸气。由此可见，现实主义在中国绘画艺术的发展过程中是源远流长的。
晚清以后，随着西方思想文化的引进，现实主义又在中国的发展史上得到了进一步的发展，形成了中国绘画艺术发展的优良传统。
参考文献：
①王春立，挺直民族的脊梁----关于中国画现代化的思考，《国画家》2002/2，P31。
②REALISM，《现实主义》。
③张守涛，东晋画家顾恺之。顾恺之，〈〈画论〉〉。
④童庆炳，〈〈文学概论〉〉。
⑤、⑥崔怀义，谈曹操的管理心理思想及其对现实的实践意义
⑦姚最《续画品》云：“谢赫，……至于气运精灵未穷生动之致，笔路纤弱，不复壮雅之怀，然中兴之后，像人莫及。……”
⑧石涛〈〈画语录〉〉
关键词：扬州玉雕；研究意义；研究方法；田野考察
中图分类号：J329 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）05-0010-02
一、扬州玉雕综述
中国当代玉雕工艺根据地域差异，形成了若干派别。大的流派可以分为南北两大派别，北派包括北京玉雕、南阳玉雕、新疆玉雕等地域流派，南派则包括上海玉雕、扬州玉雕、苏州玉雕等地域流派。这些派别各具特色，体现了当代中国玉雕工艺的高超水平。
扬州琢玉历史悠久，成就令人瞩目。据相关史料记载及考古发现显示，扬州的玉雕历史可以追溯到四千多年前的新石器时代，其后于汉、唐、清时期出现三度繁荣，尤其在乾隆年间，扬州玉雕进入全盛时期，此时扬州成为全国玉材主要集散地和玉器生产制作中心之一，著名的《大禹治水图》山玉便是在此雕琢完成。
俗话说，“天下玉，扬州工”，这是人们对扬州玉雕的赞誉。扬州玉雕，在千年的文化积淀之上，在全面继承中国玉雕优秀传统技艺的基础上，不断开拓创新，从而形成了独具一格的玉雕流派，其制作工艺在几千年的传承中保持着扬州传统的地方文化特色，将阴线刻、深浅浮雕、立体圆雕和镂空雕等多种技法融为一体，形成浑厚、圆润、儒雅、灵秀、精巧的特点。今天的扬州玉雕构图新颖、造型优美、做工精致，其中，尤以“山子雕”及“练子活”技艺独具一格。
目前，扬州玉雕在社会各界的努力下，在继承、保护及创新等方面做了不少工作，也取得了不少成就，特别是近几十年来，扬州玉器精品迭出，屡获大奖。无论从品种门类上，还是技术实力上，在全国同行业中都名列前茅。扬州现已形成一支强大的玉雕大师队伍，拥有中国工艺美术大师5名，省、市级工艺美术大师数十名，这些玉雕传承人们为扬州玉雕的发展做出了巨大贡献，是扬州玉雕的宝贵财富。
取得可喜成绩的同时我们也发现，整个扬州玉雕产业仍存在很多问题和隐患。如今，扬州从事玉器生产的企业和艺人们普遍面临成本高、赋税高等困难，生存极为不易。扬州玉雕加工的原料主要来自新疆，现在的原料价格要比以往涨了很多，这造成了制作成本极大的提高。同时玉雕为手工操作，生产周期长，由于技艺的学习需要花费很大的精力和心血，在雕琢的过程中需要创作者有自己的创意和思维，付出与报酬不相称，致使很多年轻人不愿意从事玉雕技艺的学习，扬州玉雕面临着后继乏人的局面，发展前景并不容乐观，亟待保护、抢救。
二、作为个案的理由和意义
研究扬州玉雕具有宏观与微观两个层面的意义。
从宏观上讲，中国玉文化历史悠久，不仅深深影响了古代中国人的思想观念，同时也成为中国文化不可缺少的一部分。鉴于玉雕的巨大社会作用，对玉雕技艺及玉文化层面的研究自古有之。对扬州玉雕的研究，从宏观上有利于我国传统文化和民族文化的多样性发展，有利于促进我国的文化创新和发展先进文化，有利于促进我国和谐文化建设，有利于促进我国文化事业和文化产业的发展。
从微观上讲，扬州玉雕风格独特，自成一派，它于2006年被列入首批国家级非物质文化遗产名录，目前，对扬州玉雕的研究有很多，正是因为它有巨大学术价值，所以才吸引众多学者关注和研究它。
其研究的意义即在于：一方面，通过研究扬州玉雕的技艺传统和文化传承，可以找出传统玉雕留给后人的工艺经验和文化线索。即通过对扬州历代玉器实物及文献等资料的收集和整理，梳理扬州玉器的发展脉络及独特的地域特色，从而建立较为完善的扬州玉雕艺术资料库，有助于保护并继承扬州传统玉雕文化。另一方面，通过对扬州玉雕产业现状的调查与分析，并借鉴一些宝玉石加工产业发展的成功经验，能够为扬州玉雕产业的发展提出经验支持和具体建议，为扬州玉雕产业注入新鲜血液，提高其创新性，打造精品玉雕市场。
三、研究现状
玉雕艺术作为中华古老文明的代表之一，有关其制作工艺方面的经验早在《考工记》中就有记载。明代宋应星著《天工开物》，详细记载了玉料的来源、开采、运输以及琢玉的方法，清代李澄渊著《玉作图》，共十二幅图，每幅图都附有文字说明，是一部纪实的工艺图画，详细记录了当时治玉的工艺。
现代社会中，对于玉雕艺术的学术研究已超越了工艺研究的局限，它的历史积淀、丰富的人文内涵以及独特的审美情趣成为许多相关学者进行学术研究的共识。近些年来，对于玉雕艺术的研究较多地集中在考古学、文化研究、宝石学等领域：
考古学领域：例如著名的学者杨伯达著有《中国古代玉器精华》一书，初步探讨了古代玉雕艺术发展的基本脉络。同时，进一步阐明了各时期古玉艺术的不同特征以及推动其发展演变的客观条件及其内在基因。
传统文化研究领域：这一类的著作较多，主要从文化的角度研究玉器中凝结的中国文化传统。
宝石鉴定学领域：对玉石材料进行物理学的专业研究。
艺术品鉴赏方面：如麟冰、刘露所著《玉器中华古玩通鉴》、钟见慈著《玉器鉴赏》等，这类文献主要是从收藏学的角度探讨古代玉器人文内涵、美学价值以及玉器文物的经济价值。
关于工艺经验方面的介绍：如陈咸益著《玉雕技法》赵永魁著《中国玉石雕刻工艺技术》、徐琳著《中国古代治玉工艺》等。
在研究了图书馆以及中国知网论文库的所有相关书籍、专著、论文之后，发现现有研究成果主要存在以下问题：
其一，关于扬州玉雕的历史、地域特色的研究不少，但多是短篇论文，少有专著，不够系统和全面。
其二，现有的研究成果主要集中于对玉雕作品的鉴赏、玉文化的探讨、古代治玉工艺的研究以及对玉石材料的物理研究，而针对扬州玉雕艺术这种独特的工艺美术种类如何在现代社会传承、发展的理论性研究成果并不多。
四、研究思路及方法
对于扬州玉雕的研究是一个系统的工程，因此，采用正确合理的研究方法是非常重要的。西方人类学早已形成一个良好的传统，即研究往往从收集第一手的田野资料开始，而在国内，即便是对于某一种特定地方工艺美术的个案研究，田野资料其实也一直被研究者所忽略。
对于扬州玉雕的研究也是如此，虽然取得了一定的成绩，但是以系统的研究方法论为指导，深入全面地对扬州玉雕这一非物质文化遗产的田野考察仍然薄弱。由于玉雕工艺的特殊性，技艺难度大，制作周期长，即使在科技进步的今年，一件大型玉雕作品的制作可能也要花费数年之久，在这漫长的时间里，要记录下工艺的点点滴滴，实在不易。所以，在以往的研究中，一旦涉及玉雕工艺，多是表面的、简单的，甚至有臆断、浮夸。此外，对于玉雕技艺的传承、产业发展等方面的研究如果脱离了“工艺”这最基本的造物环节，也可能出现偏差。
例如，《工艺品雕刻工》（玉雕分册）和《玉雕技法》这两本书，都属于教材用书，其中关于玉雕技艺的基础理论知识非常全面，但涉及工艺制作的章节，都是一笔带过，较为简略，明显地体现出玉雕工艺研究领域的薄弱现象。
笔者认为，详尽的工艺描述应该体现三方面的内容，即，观察者对工艺的描述、艺人对工艺的描述、观察者通过实践后的感受。只有具备此三方面，工艺的描述才是全面的、客观的、有效的。
此外，对于玉雕工艺的研究，并不只是为了非物质文化遗产保护工作中的“记录”，而是为了在工艺研究中发现更深层的社会、文化层面内涵。即，扬州玉雕的产生、发展、存在的基点是什么？人如何利用“玉雕”来解决社会群体问题？扬州玉雕背后潜藏着什么群体造物思想？产生于扬州的玉雕起源、历史、社会结构工艺、造型、变迁、传承、制作、销售模式是什么？在不断出现强势文化压倒弱势文化的情景下，作为区域文化，如何在嬗变过程中保持自身的特点？以及由以上疑问所衍生出的其它问题：对于扬州玉雕这一非物质文化遗产的理论研究，学术指向应该是什么？非物质文化遗产保护，究竟保护什么？究竟由谁保护？而这些问题同样是扬州玉雕亟待解决的。
五、基本观点
笔者认为，开拓、发展扬州玉雕艺术，实际上是在寻找与激活在当代新背景下的传统玉雕新生命。其最主要的突破口在于从文化层面上获得新的增长点。概而言之，有如下两层意思：
其一，在当代背景下对传统玉雕艺术进行文化传统、文化个性的确认，以使其在趋向统一的当代文化氛围中显示其自身的价值。其二，对于传统艺术资源进行当代新的文化诠释，并使之焕发出为更多人所接受的新的美学品质。
以上两层含义同时包括了传承与创新的双重内涵，即：
首先，借鉴和发展传统玉雕文化是发展现代玉雕艺术的根基。在当代大工业生产技术为主的社会中，大机器工业生产已经承担了绝大多数产品的生产，玉雕艺术作为少数不能被取代的手工技术，其存在的价值和生命力正在于这些非物质的工艺传承和文化内涵。前人的具体玉器创作有其历史的局限性，但是从他们看待玉雕创作的角度、具体的工艺方式中透露出来的智慧是永远值得我们借鉴的，永远都有灵感的启迪，这对于发展现代玉雕艺术有着重要的意义。
其次，玉雕文化的创新，是社会发展的必然要求。文化在交流的过程中传播，在继承的基础上发展，都包含着文化创新的意义。文化发展的实质，就在于文化创新。“取其精华，去其糟粕”，“推陈出新，革故鼎新”，是玉雕文化创新必然要经历的过程。一方面，不能离开文化传统，空谈创新，对于一个民族和国家来说，如果漠视对传统文化的批判性继承，其民族文化的创新，就会失去根基；另一方面，体现时代精神，是文化创新的重要追求。这两方面缺一不可，同等重要。
总之，对于扬州玉雕的研究，只有坚持“继承、创新”辩证统一的正确观点，采用科学合理的研究方法，才能使研究工作不断深化。同时我们需要认识到，扬州玉雕的保护、传承与发展同样是一项任重而道远的文化工程，完成这项伟大工程需要整个社会的参与和共同努力。我们相信，通过人们的不懈努力，通过在深入的研究基础上实施切实可行的方针政策，一定能够使扬州玉雕这一非物质文化遗产得以有效保护和传承，并在新时挥更大的社会价值。
参考文献：
[1]杨伯达.中国玉文化学丛论[M].北京：紫禁城出版社.2006.
[2]中国轻工业珠宝首饰中心.工艺品雕刻工（玉雕分册）[M].北京：中国轻工业出版社.2010.
[3]陈咸益.玉雕技法[M].江苏：江苏美术出版社.1999.
