时间：2023-07-06 17:15:47
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇美术的审美特征，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
[关键词]蜡染；审美；图案
中图分类号：TS19
文献标识码：A
文章编号：1006-0278（2013）04-252-01
一、蜡染艺术的审美特性
蜡染包含了艺术内涵以及外在形式，并且拥有呈现美感的独特规律，只有深度的了解蜡染艺术的奥妙，才能更好的发现蜡染艺术的魅力之处。
（一）蜡染里包含线
线条其实是美术界中一个很重要的元素，蜡染艺术也离不开它，线可以构造出艺术语言以及无法表达的艺术美感。线条是蜡染艺术中重要的造型要素之一，并不仅仅是用来表现出事物形貌，同时它自身可以变化多端的特点也是能够塑造出蜡染艺术所表现出的风格特点，并且还具有分离平面，形成不同构图的意义。从审美上来讲，线条在蜡染艺术之中，能够决定出视觉上的结构以及艺术中的各种风格。
（二）蜡染里包含点
点在艺术创作中随处可见，蜡染艺术里也是少不了它的身影。在蜡染艺术里，用点来造型、排列和创作算是极为普遍。点具有很强独特表现能力，更多的是体现在点蜡的工艺之中。比如在一件蜡染艺术品之中，看到正方形的点，就能给人一种坚实稳定的理性感觉，而圆形的点会给人一种饱满充实圆润的感性感觉，多边形的点能给人一种紧张闪动的感觉，而不规则的点则能让人产生无边的遐想，无限自由的感觉。不只是如此，如果能够巧妙的组织点的排列规律，在蜡染艺术品之中，还能使人产生更多的视觉幻想。
（三）蜡染里包含画
在蜡染艺术中，不同的画面也可以给人带来不同的视觉享受，如立三角的面可以给人带来安定的感觉，圆形能够带来柔和的感觉，方形能够带来简洁的感觉，规则的面能给人带来严谨感，随意形态的也能够体现出自由之意。所以，能够善于利用面，在蜡染艺术上就能够做出不一样的视觉享受。
（四）古老蜡染艺术的造型美
造型艺术构成的美和形态下的装饰美是蜡染艺术造型美的两大特点。可是，说到蜡染技术最主要的美，还是体现在点、线、面上，因为它们三者能够构造出一种有节奏的韵律之美。
（五）蜡染技术的简朴
色彩鲜明的特点，是中国的蜡染艺术当中运用较早的特点之一，简单来说，就是运用最简单的蓝色和白色两种色调。蓝与白两种色彩在一件艺术品上相互衬托，整体色彩显得极为素雅，能给人一种清新雅致、简洁明快的美感，这种色彩美追求的就是宁静纯朴。蜡染艺术当中喜欢用蓝色装饰，也跟中国的古老文化相关。
（六）蜡染艺术的华丽
与中国相比，外国的蜡染艺术色彩就较为显得华丽了，中国的蜡染色彩多为简洁纯朴，而外国的蜡染色彩多为浓艳一些，表现出了活泼丰富，多样华丽的艺术风格。印度尼西亚和马来西亚的华丽色彩蜡染艺术在世界上也算是著名的了。蜡染面料多数使用在服装之上，千变万化绚丽多彩的图案是其特点，和中国的简单纯朴蓝白两色相比，显得极为不同。
二、蜡染艺术在中国的分布
追随历史，蜡染艺术在中国贵州有两千多年的历史了。而在贵州，不同的民族文化之间相互影响，种类又变得极为繁多了。
（一）布依族和镇宁地区的苗族蜡染艺术
镇宁地区的苗族蜡染艺术喜欢在服装的袖口、衣背、襟边、背扇上装饰各种花纹，其中，个人感觉背扇上的花纹最是精美。在传统蜡染艺术中，大致分为几何纹和自然纹两种。自然纹多是以自然界的花鸟鱼虫为素材图案，当然和真正的原形物又有些不同之处。几何纹则多是采用左右对称的或者是四面对齐的图案，主要目的是追求那种整体感的美。这种图案主要是使用点线面组成。
布依族的蜡染艺术比较独特，主要表现在服装上面。螺旋纹是布依族服装上最多见的几何图文之一，图案是以一个圆点为中心，逐渐向外打圈，分为单线和双线。如果使用双线的话，两线之间并不相交，并且粗细一致，显得极为细致严谨，统一对称，非常的美观。
（二）丹寨地区的苗族蜡染文化
丹寨地区的苗族蜡染文化不仅用于服装上，还多数用于门饰或床单上。图案主要采用自然的花鸟鱼虫，但又不像是真正的生物，而是根据它们的各种神态喻意，再加上创作者丰富的想象力通过夸张变形而塑造出来的特殊图案，极大的填充了图案的趣味性。
（三）贵定一带的苗族蜡染文化
贵定地区苗族的蜡染方式极为特殊，并且是苗族人民自己创造出来的。聪明的苗族人民将刺绣与蜡染相互结合在一起，她们在服装的衣裙或者帽子上装饰上一部分刺绣图案，而在其他部位上则装饰上原来的蜡染图案，这种特殊的搭配显得服装上的装饰层次分明，并且严谨生动。这种特殊的蜡染风格在贵州部分地区具有非常强的代表性，代表了贵州地区的文化多样性。
（四）黔西一带的苗族蜡染艺术
黔西地区的蜡染主要是以几何形图案为主，有少部分为变异的自然形图纹，当中最多见的是蝴蝶纹。黔西一带的蜡染艺术是靠传统的记忆来传承，没有底样，不使用任何工具，只是用手绘。有一些蜡染高手们说：她们画出来的线条堪比用直尺画出的线条，手绘出来的圆形像是用圆规画出来的，几乎分毫不差。
关键词：工艺美术；概念；种类；特征
中图分类号：J505 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）21-0054-01
一、工艺美术的概念
工艺美术，又叫“实用工艺”，一般是指“在造型和外观上具有审美价值，与人类的日常生活相关的一类美术品的总称。”
工艺美术受物质材料与生产技术的制约，所以具有技术性与艺术性相结合的性质。
二、工艺美术的种类
工艺美术品种繁多，通常分为三大类：
（一）艺术化的日常生活实用品
所谓“艺术化”的日常生活实用品，指的是经过艺术加工或艺术处理的日常生活实用品，例如绣花枕套，精美的被面、床单、门帘、窗帘，美观的玻璃器皿等。它们多以实用为主，以装饰为辅，即在实用的基础上兼具观赏价值。
（二）民间工艺美术品
这是流传在民间的工艺美术品，一般制作材料比较普通，制作工艺也比较简单，价格也比较便宜，既可以供实用，也可以供观赏。例如竹编器件、草编器件、柳编器件、蜡染织物、泥塑、木雕、剪纸、刺绣、折纸等等。
（三）特种工艺美术品
这是制作材料比较珍贵、制作技术比较复杂、价格也比较昂贵的工艺美术品。例如瓷器、陶器、漆器、玉雕、玉器、景泰蓝器皿、象牙雕刻、金器、银器等等。
三、工艺美术的特征
工艺美术具有自身独有的审美特征，其中主要有以下几点：
（一）实用性
工艺美术的第一大审美特征是它的实用性。所谓“实用”，就是坚固而拥、使用方便、经济适用，兼具美观特点。
（二）造型性
工艺美术作为造型艺术之一种，造型性特征是它的根本属性之一。我国先秦古籍中的科学文献《考工记》中，就强调工艺美术的制作必须“材美工巧”，强调只有优质的材料与精汇成的工艺紧密结合，才能创造出精美的工艺品。例如河北定州出土的金银错工艺品《狩猎放车饰》是汉武帝时代的作品。作为一种金属工艺品，它是用金银丝、片嵌入铜器表面，构成花纹，然后用错石（或磨石）错平磨光而成。它是车子的附件装饰品，其花纹均系与狩猎有关的图像，如猎人骑马、猎犬逐鹿、搭弓射虎等等，光是人禽兽畜就有123个之多。上面镶嵌的金银丝，色彩灿烂，细如毫发，体现出制作工艺的高超。又如玛璃雕《虾盘》，原材料是一块淡青色的玛璃，当中有一处为赭红色。制作者就巧妙地把整块玛璃雕成一个淡青色的盘子，盘子中盛放一只赭红色的大虾。其造型独特，色彩协调，称得上是匠心独运。再如核雕《夜游赤壁》，在果核上雕出苏轼、黄庭坚等人乘舟夜游赤壁的情景，还在舟头刻一条锚链，由40多个小如朱粒、细如发丝的椭圆形小环连结而成，环环相扣，转动自如，可谓巧夺天工。
（三）审美性
工艺美术品作为美术品，审美性特征也是它的题中应有之义。它创造出一种“有意味的形式”，即用线条、色彩、造型、图案、装饰等外部形式，来传达和表现一定的情感、格调、情趣、意味，唤起观赏者的审美与审美享受。
（四）民族性
民族性也是工艺美术品固有的审美特征之一。其实，世界上所有国家、所有民族的所有艺术，都以民族性为生命与灵魂。19世纪俄国作家赫尔岑说：“诗人和艺术家们在他们的真正的作品中总是充满民族性的。”法国思想家伏尔泰也说：“谁要是考察一下所有其他各种艺术，他就可以发现每种艺术都具有某种标志着产生这种艺术的国家的特殊气质。”中国工艺美术品的民族性特色十分鲜明，为全世界所瞩目。例如著名的中国瓷器，英文为“caina”，已成为“中国”的同义词，也就是说，在西方人眼中，瓷器即中国，中国即瓷器。
（五）时代性
时代性也是工艺美术品的重要审美特征之一。许多工艺美术品，都表现出特定时代、特定社会的情感和理想。例如我国殷商时期的青铜器，大多都是“饕餮”纹饰，即像牛头、又像虎头，还像某种凶猛的怪兽，更像恐怖狰狞的妖魔鬼怪。它们显示出一种神秘的威力，具有一种狰狞之美。实际上则反映出奴隶社会中奴隶主统治者的权威与秩序。
（六）收藏性
许多工艺美术品，因历史久远而成为文物，具有很高的收藏价值，例如元青花瓷器、汉代漆器等等。
一、少数民族音乐艺术的审美特性
1、传统美。传统美是少数民族音乐艺术美的重要特性，传统美学将追求美作为理想状态，例如，典雅、崇高、优美、喜乐等。远古时代生产力水平较低，人们的祈求、祭祀、诅咒等活动较为广泛存在，这些活动的目的主要是为了生存，而并非审美。因此，传统美学的审美特性与现代意义的审美特性存在着较大的差异。以土家族为例，他们的民间音乐存在着各种审美因素，具有自身显著的特征。其中最为明显的一个表现是，土家族的音乐、舞蹈与当地的丧事有着紧密的联系，在丧事上进行舞蹈表演，具有当地特有的风格，音乐演奏中音符的长短不一，表现出人们悲喜的情感，这种音乐形式不仅具有自身显著的特色，还能够影响到周围人的行动。
2、价值美。少数民族音乐艺术中蕴含着价值美，可以将其作为评价美的一种标准和尺度。这种价值评价标准与西方美的观念、现代美的观念存在着差异，它有自己的衡量尺度和标准，对评价美与不美有着重要的指导与参考意义。
3、人文美。少数民族音乐艺术中蕴含着人文美，这是他们每个民族所具有的特性。以回族为例，他们将一些世俗习惯和价值观念作为日常行为的指导准则，在日常生活中，回族也十分遵守他们的和风俗习惯，并将其作为本民族文化的重要内容。由于他们的文化具有自身的特殊性，因而在音乐艺术方面也存在着不同之处，蕴含着自身特有的人文美。
4、艺术美。每个少数民族的音乐艺术都具有本民族的特色，都是艺术的表现形式，具有自身特有的艺术形式和艺术特征，其艺术美是不可忽视的。因此，在学习和欣赏少数民族音乐艺术的时候，要注重发掘其中的艺术美，增强美感体验。
二、挖掘少数民族音乐艺术审美特性的方法
1、充分利用少数民族音乐教材。民族音乐教材中含有丰富的审美因素，要注重挖掘这些因素，并加强引导工作，使这些审美特性能够再现，从而提高人们的音乐艺术审美能力。为引导人们进入美的意境，把握审美特性，应该以教材的内容为出发点，通过相应的引导，让人们被作品中美的意境激感，进而与作者所表达的情感产生共鸣。例如，可以对少数民族音乐作品进行深入的分析，仔细体会文中字、词、句的含义，感悟其中的意境，把握作品深层次的含义，在深刻领悟作品感情的基础上受到熏陶，进而挖掘作品的审美特性。例如，在学习《美丽的草原我的家》的时候，要注重让人们领悟作品所包含的意境美，注重挖掘深层次的美感，以加深理解，通过仔细阅读歌词，欣赏歌曲演唱，领悟其中的美感，与作者产生感情上的共鸣，从而把握其蕴含的审美特性。
2、改进少数民族音乐教学方法。为了挖掘少数民族音乐艺术审美特性，应该转变教学方式，采用开放式的教学模式，让学生感受其中蕴含的美的意境。例如，让学生积极进行少数民族歌曲演唱，通过自身的演唱，领悟作品的意境美。又如，戏剧、美术、舞蹈等离不开音乐，在教学中，应该对这些艺术形式加以巧妙运用，辅助少数民族音乐教学。教学中，可以让学生欣赏美术作品，观看戏剧、舞剧表演等，将视觉和听觉有机的结合起来，从而更好的开展高教学，挖掘其中的审美特性，提高教学效果。
3、优化少数民族音乐艺术教学语言。在少数民族音乐艺术教学中，要想挖掘审美特性，优化教学语言是必不可少的。教学中当学生听到充满个性化的语言，感受教师教学的热情和美好的情感，这些内容交织在一起能够给学生以美感。同时教师应该指导学生将美说、美奏、美唱作为重要内容，挖掘其中的美感。学生在欣赏作作品，进行歌曲演唱的时候，要注意感情的投入，体会语言和作品中所蕴含的气势、节奏和韵味，领悟语言的感彩，从而引起感情上的共鸣。通过领悟语言美，自己进行演唱，不断加深对少数民族音乐艺术美的认识和体会。
4、注重对少数民族音乐的欣赏。教学中要注重对少数民族音乐艺术的欣赏，尤其是优秀作品的欣赏，让学生在欣赏中领悟作品的美，挖掘审美特性，土曾强审美体验。
作者：朱倩
关键词：黑龙江；少数民族；审美模式
黑龙江地处中国的东北边陲，由其境内绵贯东西的黑龙江得名，这里荒寒，却有着丰富的资源，早在两万三千年前，我们中华民族远古人类的一支就劳动生息、繁衍在黑龙江这块美丽富饶的土地上，孕育了神奇悠久的历史，使他同黄河流域、长江流域一样，成为中华民族古代文化的发源地之一。自原始社会开始，黑龙江的三大主要古代族系――肃慎、东胡与秽貊便生活在黑龙江这块神奇的土地上，他们世代繁衍，变迁为今天黑龙江的各少数民族，并与不同历史时期迁入黑龙江的汉人相融合，共同缔造了黑龙江无比灿烂的文化史。黑龙江流域是个多民族的聚居区，满族、蒙古族、达翰尔族、鄂伦春族、鄂温克族、赫哲族和锡伯族都是这里的土著民族，不同的民族习惯、风俗文化和使这一地域的少数民族美术呈现出自然朴拙、粗犷豪迈的审美特征，无论是造型、色彩、材料工艺，还是创意、情趣、境界，都充满北方民族的智慧，体现了独特的审美风格和艺术创造性。
一、自然生态环境对黑龙江地域少数民族审美模式的影响
自然生态环境包括地形、地貌、山川、植被、气候、生物群落等因素。各民族的一切活动无不受其赖以生存的自然生态环境的直接制约或间接影响，在特定的自然生态环境下，人类一方面创造与其生产生活环境相适应的实用的物质产品，另一方面也创造了具有当地自然生态环境特征的，用于祈福消灾、慰藉心灵的娱乐性、审美性的精神产品，即各种艺术品。
黑龙江流域平原辽阔、河流交错、林密草茂的地理环境，寒冷干燥、四季分明的气候特征，以及独特的自然物产，为少数民族的美术创作提供了丰富的素材和材料，像赫哲族的鱼皮艺术，就是由于高寒地区无法种植棉麻用于纺织只得用渔猎产品加工成各种生涌用品，随着审美要求的增多，逐渐产生了鱼皮贴画、鱼皮剪镂画等鱼皮艺术表现形式。还有这一地域少数民族的雕塑中常出现的勾嘴、圆眼、长颈的雄鹰形象就是盛产于黑龙江流域一带的珍贵名鹰海东青。鄂温克族美术作品中常出现的驯鹿形象也是这一地域代表的自然物种。再有北方狩猎民族所共有的艺术形式――桦皮工艺，就是在森林中创造出来的特有的民族美术，人们最初用桦树皮建造居屋、做船和工艺器皿，后运用拼贴、剪镂工艺做画。总之。不同民族的审美活动深深地打上了他们赖以生存繁衍的自然生态环境的烙印，正是这一特定的自然环境为这一地域少数民族美术原始自然、古朴粗犷、浑厚洗练的审美模式的形成提供了必要的条件。
二、生产生活方式对黑龙江地域少数民族审美模式的影响
生产生活方式是人类社会建立和发展的基础，同时也是影响人类艺术创造等精神活动的重要因素。少数民族的审美观念、审美趣味和审美理想是在物质生产生活过程中产生的，离开一定的物质生产活动，就很难理解少数民族的审美模式了。
黑龙江流域的少数民族多以游牧、渔猎为主要的生活方式，长期在白山黑水之间，在森林与草原之间与自然相融的独特的生活方式使这一地域各民族的先民们都带有强壮骁勇、粗犷率真、热情豪爽的性格特征，他们在改造自然、征服自然和与自然相融的生活过程中逐渐形成了各自的审美趣味和审美观念，体现了不同的审美模式。如生活在深山密林中以狩猎为主的鄂温克人就地取材，以漫山遍野的桦树和其他树木为材料进行雕刻艺术和木版画艺术，桦皮雕刻艺术是鄂温克族在森林中经过长期的林区生活创造出来的民间艺术形式，他们的雕刻作品线条流畅，带有许多原始韵味，充满了独特的民族及地域特色；木版画是流行于鄂温克族的版画艺术形式，多以线描式的驯鹿纹样为主，木刻的驯鹿造型生动朴实，动态优美自如，刻画线条流畅舒展，集写实性与写意性于一体，具有较高的装饰意味，体现了从事狩猎生活的人们独特的审美情趣。名字含有“开拓者”意思的达斡尔族，是契丹族的后裔，先祖契丹人善狩猎，辽代契丹族杰出画家耶律题子的作品《夜猎》《飞骑》等均与草原牧猎生活有密切联系。另一名辽代契丹族画家胡镶的《卓歇图》表现了当时契丹人野猎中歇息的情景，生动地刻画了契丹人在游牧狩猎为主时代的生活风貌。元明以后，达斡尔族逐渐转为以农业为主、牧猎为辅的生活方式，这种定居的生产生活方式使得达斡尔族在建筑、雕刻、工艺美术等方面有较大的发展。可以说物质生产生活方式是少数民族审美模式形成的重要基础，不同的生产生活方式孕育着不同的审美心理及审美观念，在历史的变迁中，随着生活方式的不同审美模式也会发生一定变化，但其本源所形成的审美模式特点不会随变化而消失。
三、宗教、风俗习惯对黑龙江地域少数民族审美模式的影响
在漫长的历史进程中，宗教与人类的生活息息相关，各种与宗教相关的活动已经渗透到人类生活的各个层面，无论是政治、文化、民俗无不受到不同宗教的影响，作为反映人类社会和精神活动的艺术创作同样带有宗教的印记，从早期原始的图腾崇拜到佛教题材的壁画、雕像都印证了宗教对艺术的影响一直存在。
黑龙江地区聚居的少数民族大都信仰萨满教，史书上也记载了中国北方是萨满教主要发源地之一，因此，各个历史年代，这一地域的少数民族美术无论是绘画雕塑，还是剪纸皮影都带有萨满信仰的审美特征。“萨满”一词最早来自帝俄时代的通古语，主要特征是它具有一种特殊的能力可以在神与人之间，或精灵与人之间充当调停者。萨满信仰相信人的灵魂可以寄居在动物身上，而这一地域的少数民族大多过着流动性的游牧、游猎或渔猎的不定居或半定居的生活，动物作为主要的生存来源也就成为他们主要的关注对象。而“萨满”的出现正好符合当地人的精神需要，因此在农业部族中难得见到的萨满信仰在狩猎部族中大为流行。严格来讲“萨满”并不能称为是一种宗教，因为它缺乏一种高度发展的宗教形式，缺乏统一的神，在黑龙江流域的萨满信仰也是随着各个部落的差异而略有不同，虽然大部分有神的观念，但没有统一的规范化的崇拜神。如满族民间剪纸艺术中常出现的人物形象就是萨满信仰里的“嬷嬷神”，与黄河流域剪纸的“抓髻娃娃”一样，对称的正面造型，两手下垂，身着满族传统服饰，以人形象征去完成捍卫生命、娱乐神明的使命。不同于“抓辔娃娃”的是“嬷嬷神”是能站立、能摆放的立体型剪纸，是一种既有立体感又有刀剪意味的独特的造型样式。萨满教义的影响渗透到少数民族美术的各个方面，如鄂伦春族以神像为主题的萨满绘画，既有造型奇特的极富原始抽象审美情趣的写意表现，又有笔调细腻、刻画传神的工笔表现。还有这些民族将庀佑他们的不同神制成神偶雕像，这些雕像或简练夸张、或古朴庄重，从不同角度反映了宗教对这以流域少数民族审美观念以及审美模式的影响。此外，东北地区独特的民风市俗也反映在少数民族的审美活动中，他们以绘厕、剪纸、皮影、雕刻等美术形式表达着对生活的理解和对幸福的追求。
综上所述，黑龙江少数民族美术经过各个历史时期的打磨，加之中原思想文化的融入与外来文化的渗透，发展至今已形成了多元化的审美模式，但始终保有贴近自然、浑厚质朴、粗犷豪迈的审美特征。因此，当代黑龙江美术要以独特的艺术面貌屹立于中国美术界乃至世界美术界，就需要探寻和发掘这种审美文化的心理根基，把本地域民族固有的审美模式和艺术特征融入到当代美术创作中，创造出不同以往的具有本土民族特色的美术作品。
参考文献：
中国画的概念从狭义来讲就是国画，是利用中国传统的、特有的毛笔、墨汁、颜料、宣纸等创作出来的绘画作品，带有鲜明的民族特色和时代风格；从广义上来讲非常丰富，是指那些富有我们中华民族传统审美理想和审美水平的民族绘画，是在悠久的历史发展中形成的，具有独特的中国风格，并且，中国画的形式也并不止存在于纸上，像壁画、年画、帛画等等都算在其中，形式多样。
中国传统文化的发展离不开教育的传承，同样，作为中华民族艺术象征的中国画，其发展也离不开美术教育事业，但是随着时代不断发展，现代的美术教育已经产生了日新月异的变化，虽然对于中国画的传承、发展和学习起了保障作用，但是也带来了一定影响。
1现代美术教育中中国画教学的变化
为了适应现代美术教学，中国画的教学过程中，自身也在进行有利的改动，首先体现在美术史的教育上，这门课程旨在帮助学生更好地了解中外美学，为文化分析和艺术创作提供了理论和基础，并且促进学生在艺术创作领域增加新观念和创新意识；其次是注重了基础美术教学，在初期的基础学习中，静物写生一类的可以更好地锻炼学生的视觉观察和基本功，在以后的艺术创作中可以充分利用这些基础的能力和技巧，用独特的视角去观察，并且在客观事物中融入自己的主观意识，最后创作出作品。
2西方绘画对中国画的影响
现代的美术院校中，多以西方艺术的教学为中心，作为艺术技能基础的也是西画的素描，平时讲的都是西方艺术思想以及艺术流派，包括中国画专业的同学也是如此，没有专门的传统文学课程，也不用读画谱，这些都不利于学生理解传统国画的精髓。
而且中国画不论从观察方法，还是审美思维，都带有强烈的意识流形态，但是现代美术教育中强调基础扎实，这个没有错，但是画的、学的都是模式化的东西，注重写实风格，一不留心就会形成千人一面的画风，不利于中国画的发挥和创作。素描的学习对于绘画造型有好处，但是素描的的画法不能影响到中国画笔墨技巧的运用，如果只一味强调素描的重要性，会把创作拘束在实体化的框内，做到了真实造型临摹，却忽略了笔墨的表现。
中国画的传承中，讲究“形象”二字，“形”和“象”互相依托，相辅相成，是中国画造型中的精髓，这种绘画技法上天人合一的精神要领，也就是传统绘画教学理念中的常强调的“外师造化，中得心源”。学生习惯了西式绘画的思想，在创作中自然也摆脱不了这个观念的束缚，重造型而轻笔墨，重技巧而轻涵蕴，这与中国画偏向于精神内涵和讲究全面修养的精神不符。
3中国画在现代教育中应采取的措施
3.1重视培养思维的创造性
在中国画的创造中，对创造力尤为注重，首先要发挥个性，所谓一千个读者眼中有一千个哈姆雷特，每个人看到一个客观事物的感受应该都是有区别的；其次是重视对于外界事物而产生的感想或情绪，可以让绘画作品更有灵性；最后是多观察自然现象，比如花鸟鱼虫等等。丰富的知识、高尚的品格再配上创造性的思维，一定可以创作出优秀的中国画作品。
3.2重视培养审美意象
审美意象首次运用在艺术创作中，是由我国古代学者刘勰在《文心雕龙》中提出的，他说“独照之匠，窥意象而运斤”，就是指在进行艺术创作的时候，要将物体外在的形象和自己的情感、意趣相融合，通过想象力对具体的事物进行加工，在脑海中形成审美意象。
审美意象的发展是没有边界的，但是会与个人的文化水平、年龄等存在很大关联，要想掌握中国画的审美特征，需要从两方面入手。
3.2.1审美特征的综合性表现
中国画中，不论是山水、花鸟还是人物，都对各门艺术中的多种元素，进行了吸收与融合，丰富了这种审美意象的体现；其次是在同一作品中对时间、空间、视觉、听觉等各个方面进行综合体现，在立体层次上丰富了观者的审美感受。徐悲鸿画的马，齐白石画的虾，潘天寿画的荷，这些从题材上来说各不相同，但是在审美意象的表现力上却是相同的。
3.2.2审美特征的独特性表现
每一幅优秀的中国画作品，都是画家思想和精神的反映，都体现了其人格，哪怕是统一为画家的作品，在不同时期绘出的，也会有不同的特征。
3.3重视丰富形式语言表达
形式语言的表达方式决定了一幅作品的灵魂，任何作品都是依托形式而存在的，没有形式，也就没有内容和情感。中国画中的形式语言，不论是构图、造型还是色彩，都对现代美术教育起到了铺垫作用，产生了深远影响。
自古以来就有许多大家提出了构图形式对创作的重要性，先有顾恺之在《论画?孙武》中提到构图原则为“置陈布势”，后有谢赫的六法讲到画面章法布局。
3.4重视传统文化的传承
中华民族在几千年的发展中，形成了自己独特的文化传统，中国画受到现代美术教育的影响，对西方绘画的吸收和借鉴都是有好处的，但是要保证自身民族文化的独立性，当中国画失去了民族文化独立这一原则的时候，它也就没有存在的价值了。中国画追求的是诗、书、画、印的结合，具有自己的审美取向、艺术追求和文化传统，所以在发展中，要坚持传承传统文化，重视民族文化的内涵，在这个基础上吸收外来绘画的长处，扬长避短，在不失去民族化的前提下，在遵守中国传统绘画艺术性、精神性的原则下，形成兼容并蓄的绘画风格。
同时，在现代美术的教学中，应该加强对于古汉语、古诗词的课程安排，便于同学们更好地了解中国传统文化，同时可以开设一些充满特色的选修课，让学生在学习之余可以汲取更多养分，提升自我修养。
关键词：谢赫；六法论；佛造像；气韵生动；魏晋审美
1、魏晋南北朝时期审美特点的出现与发展
（一） 魏晋南北朝时期的审美特点
宗白华在《美学散步》中对魏晋南北朝时期的审美思想有这样一段论述：从这个时候起，中国人的美感走到了一个新的方面，表现出一种新的美的理想，那就是认为：‘初发芙蓉’比‘错彩镂金’是一种更高的美的境界……。这是美学思想的一个大的解放，诗、书、画开始成为活勃勃的生活的表现，独立的自我表现。 在艺术表现中，作者更加注重自己情感的表达，更加注重作者内心思想的一种表达，不再过分追求文字或者内容的表现，实践先于理论。
（二）谢赫审美思想的发展
基于魏晋南北朝时期“初发芙蓉，自然可爱”追求“白贲”艺术美之上，谢赫的审美理想与之相趋同。他在中国绘画史上有着十分重要的地位，一是因为他是著名的人物画家，另一点也是非常主要的一点就是他在美术理论方面的著作贡献。谢赫所著述的《古画品录》是我国现在所存最早的较为系统论述美术理论的专著，同样也是他的审美理想的一种表现。
这个标准就是“六法论”：一曰，气韵生动是也；二曰，骨法用笔是也；三曰，应物象形是也；四曰，随类赋彩是也；五曰，经营位置是也；六曰，传移模写是也。首先是鉴赏画作的第一要求――气韵生动，这也是最高的美学原则，谢赫把它视为“六法”之本，其他的五法，都是达到“气韵生动”的先决条件，“气”与“韵”本为二义，在这之前有顾恺之的“传神论”，也是对其的一个继承和发展，“骨法用笔”和“气韵生动”也密不可分，众所周知，人物都是有血有肉、骨肉相连的，如果说“气韵生动”指的是人物内在的灵魂和心理、气质的话，那么“骨法用笔”指的则是人物的骨相，用笔来提取表达对象的容貌、骨相法则，从而展现其风神韵味，这条与顾恺之的“形神”观点也是相通的。
2、佛教造像艺术在魏晋南北朝时期的发展
魏晋南北朝时期一个突出的特点就是：佛教兴盛。佛教艺术的一个主要表现内容可以说就是佛像，佛教美术就是为了传播佛教的思想而兴起的。到魏晋南北朝时期，佛教和佛教美术才开始在我国迅速发展。随着佛教在人们思想上的渗透和深入，佛教艺术也在各地逐渐发展起来，佛教造像则是最能体现佛教艺术兴盛的景象的一种形式。
3、“六法论”与佛造像间的审美关系
在佛造像的初始阶段，匠人们由对佛像的敬畏，在刻画方面遵循天竺传来的佛教形象特征，与“传移模写”、“应物象形”相一致；后期佛教术的渐趋发展，逐步演变为更为现实的特征，趋于世俗化，在衣饰上更为华丽精致，包括面部刻画，同样符合“随类赋彩”；而在“经营位置”方面，多数佛造像都是为逝者祈求灵魂安定，与生死轮回相关，在艺术表现上则为半圆坐像，与佛教信仰相一致；对于“气韵生动”和“骨法用笔”的运用则是尤为重要和突出的。
（一）“气韵生动”与佛造像间的关系
“六法”中以“气韵”这一点尤为引人注目，因为它最能体现中国的艺术精神，谢赫最先提出“气韵”一词，可以说是由当时的创作经验和艺术积累得出的，顾恺之曾提出的“传神”与之相通。这两个都是指在魏晋时期玄学风气下来鉴识人伦的一种概念，到了魏晋时期，士大夫阶层兴起，学风也开始变化，对于人伦的鉴识转变为对人体气韵、思想上的欣赏。
所以“气韵”原本是人伦品鉴下来形容人的一个概念，韵的本意是指一个人在形态、体态上所展露的一种姿态、神态、气质的美感，体韵则是身体之韵，通过人体的表现来给受众的一种感受，这种感受是没有办法具体触摸或者感觉的，它并非是真实具体物质的存在，同样也不能单独存在，只能通过媒介传达。
它的原本的含义是指代表现对象的精神状态、思想情操、体姿风貌所显露的美，也指在其在形体中展露的淡泊、空灵、雅致等某种情调美和令人仰慕的个性特点。除此之外，还可以展现一个人的品质、行为的高尚等等。它展现的是一种性格，佛教的特点――静谧而深沉。作为教徒应该拥有的放松淡然和坦然自如的威仪。而这种性格的表现正是通过“韵”来表达的，艺术不能把刻画人的形体作为目的，而是要以形体表现其精神状态。
（二）“骨法用笔”与佛造像间的关系
张彦远说：“骨气形似皆本于立意二归乎用笔。”骨气形似及立意皆靠用笔来表现。在佛造像中，虽然没有真切的用笔，但是在佛像的刻画中同样需要刻画骨相，相人所谓的骨法，不仅指形象结构，而是因为从一个人的骨相中可以看出人的身份，实际上就是人的地位，所以在佛造像中尤为重要。
概括来看，“气韵生动”与“骨法用笔”一直是我国传统艺术的最基本的追求，它涵盖了其中的基本特点，具有真切不容动摇的研究价值。所以，我们只有从这一特点出发进行研究，才能悟出古代充满智慧的人们的作品所要表达的深刻含义，对传统艺术的特点与意义进行认识和理解，并在当代的研究中进行有价值的探索和发现。
4、结语
魏晋南北朝时期的佛造像特点，用审美范畴的角度看，是有着相当强烈的壮美与柔美结合的一种特征，这特征对于后世隋朝、唐朝的佛造像都有着深刻的影响，犹如时下流行的复古风，无论这些风格如何变化，终究是有他们独特的规律，这样的变化更是向我们传达出我国思想文化、审美文化的一种螺旋式上升的发展状态。这种士大夫文化的兴起更是对宋朝文人思想的发展奠定了基础。
【参考文献】：
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关键词：线条；造型；工笔画
1 中国工笔画中线与造型的释义
在中国画中，线条一直是中国画家不倦的追求。张彦远在《历代名画记》中记载：“无线者非画也”，确立了线条在中国画中作为基本语言要素的地位。通过翻阅资料总结前人对线的释义，笔者总结为：线是在移动时留下的轨迹，在勾勒物体轮廓时形成的痕迹组合和规律，并诉诸于视觉的外部形式和造型手段，是绘画的基本元素。中国工笔画与线的关系最为密切，它是以线造型为主的艺术，千百年来，线在工笔画里有着特殊的地位。线性结构形成了工笔画的基本图式，也形成了工笔画独特的造型体系。
2 传统工笔画线条的本质特征
线条，对中国画来说，是画家凭以抽取，概括自然形象，融入情思意境，从而创造艺术美的基本手段。研究中国工笔画中线条的运用，寻找线的发展规律，必须对中国画“线”的特性有所认识，下面就从线的造型特征、线的表现特征、线的审美特征三个方面对中国工笔画中“线”的本质特征进行探讨。（1）线的造型特征。中国工笔画中的线条很早就有了巨大的发展：从平实的线逐渐变为富有生命力的飞动线条。正是通过这种运动感，才使作品表现出极强的生命活力。线条成为画家抽取、概括自然物象作为造型的基本手段。从历代工笔画作品中和绘画理论中，可以看到线条在传统工笔画中的重要地位及其独立的美学价值。（2）“线”的表现性特征。中国工笔画中的线条除了具有造型功能外，还能对物象的质感进行的充分表现。它不再是一条普通的线，而是作者表达情思，抒发感情的载体，是表达自身修养的途径，有独立美感的，从繁杂的自然物体中提炼出来的抽象的线。工笔画的线条在处理质感方面积累了丰富的经验，在古代绘画作品中也可见一斑。（3）线的审美特征。中国工笔画线条自身就具有审美价值，用笔圆、平、有力、气脉相连，笔锋“藏而不露，畅而不滑，涩而不滞”，所谓“笔不灵变，但得其形，笔能灵变，可得其神”。中国工笔画线条与中国艺术的审美特征有着密切的关系，线条具有概括物象和强化特征的功能，是寄托画家感情，展示个性和审美理想的手段。
3 传统工笔画中线的发展脉络
中国工笔画源远流长，已有两千多年的历史，可追溯到原始时期。而线作为工笔画造型的主要手段一直伴随其发展。我们大体可以分三个阶段来分析理解传统工笔画中线的发展脉络。（1）拙朴单纯的原始线条。这一个阶段包括原始殷商时期、春秋战国时期、以及秦汉魏晋南北朝时期。这一时期的绘画具有一定的装饰性，还处在一种朴素的状态，线条作为造型的工具，都是匀称而细劲的，用笔也较为单纯。（2）日臻完美的工笔画线条。趋于完美时期主要指隋、唐、宋，尤其以唐为转折点，此时用线开始讲究压力变化，圆劲和刚折并用，要求线条的运用和各种自然物象发生联系，从而产生了诸如“皴、擦、点、染、飞、白”等。在技巧上达到了细致、精密、熟练的境地。1）生气勃勃的唐五代线条。这个时期的工笔花鸟画此时已经摆脱了人物、山水画的附庸地位，成为独立的画科。其线条的韵味、柔美与刚挺在意境上有所拓展，出现了新的线描形式，使绘画更加出神入化。2）承前继后的两宋线条。经五代至宋，线条的多样性与独立性在工笔花鸟画中得到充分展现。宋代工笔画用线是在历代绘画对线条审美的要求不断提高、深化的基础上进一步提炼与发展起来的，一方面它继承并保留了传统书法性用线的表现力，另一方面，它在塑造形象上更加注重对物象神采地描画，同时加强了对笔力的要求，最终达到形神兼备的艺术效果。（3）元明清工笔画线条艺术。中国工笔画中的线发展到元、明、清时期就几近于理想境界，随着花鸟画的发展，在线的运用上，唐人重法度，用线华丽精巧；宋人重物理，用线精细又不苟；到了元人则重意趣，用线挥洒自如；明清更注重性情，用线洒脱抒放。1）文人画大兴的元代工笔画中的用线。工笔画发展到元代强调以书入画，线条在绘画中体现独立的审美价值。线条不仅有方圆粗细的变化，更蕴含干、湿、燥、润的韵味。2）明清工笔绘画中线的总结。到了明清时代，用线造型时就更加注重笔法自身的规范和组合原则，强调用线的生动和力量感。追溯中国工笔画线条艺术的发展历史，我们可以清晰地发现，花鸟画艺术在原始绘画的萌芽之初，就与线条结下了不解之缘。从原始时期拙朴单纯的线条形式发展到宋代臻于完美的线条形式，每一阶段的发展变化都是画家们经过不懈的努力和长期的艺术实践，把线条发展成为相对独立于形象的一种情感语言。
4 传统工笔花鸟画中的线造型
（1）工笔花鸟画中线的存在形式。从古至今，中国工笔画都是以线条作为基本的造型手段，有着丰富的外观形式。线描是中国绘画技法上的重要特点，而线描之中又以纯用线条和其浓淡墨色描绘客观事物的画法，即是白描。（2）线在工笔花鸟画中的运用原则。中国工笔花鸟画中的线是用毛笔勾勒的，但线在形体的塑造过程中绝不是单纯的对轮廓线的描摹，而是注重在“骨法用笔”、“应物象形”和“虚实相生”的原则之上，能表现出物体的形体、质量感和空间感等特征。1）骨法用笔。骨法是指与造型密切相关的“骨相”结构，就主体而言，则专指用笔。2）应物象形。“应物象形”是形象塑造的第一点，它要求画面中的“形”，必须以客观物象为依据。应物象形的意思是指“形神兼备”，“物我交融”。“物”就是对象，代表客观；“我”就是画家本人，代表主观。（3）工笔画中线与造型的关系。中国画中的线条要准确的表现形体，线与形体的关系就是用线表达对象组织结构的关系。中国工笔画上的线就是根据形体上体面的变化而变化，运用线来表现物象，要对对象进行充分的研究，这就离不开对物象内部结构的细致观察。要注意整体与局部的关系，线条很多，要分出主次来。
5 小结
线在中国工笔画中是最基本的艺术语汇，具有浓厚的民族文化内涵。工笔画线条无论是表现形式还是表现方法，画家都进行了不断的探索，在新的审美情境下，融入现代观念，探索出适合自己的独特表现语言。线条的运用要根据画面表达情感的需要进行相应的变革，使画面具有现代性和时代感。
本篇文章旨在通过对线的存在形式、运用原则、发展脉络及线自身的丰富内涵与特性进行总结和挖掘，探寻出中国工笔画中线条的运用规律，对当代工笔画线条与造型的发展具有一定的指导意义，给绘画创作者以启迪。但论文的完成只是对工笔画线条表现形式和特征研究的开始，在许多方面还需要不断的丰富和完善。如中国工笔花鸟画中色彩的运用、肌理的运用、工具材料的运用等诸多技法方面的知识还需要深入研究。
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关键词：中国美术史；实践；教学改革
一、“中国美术史”通识课程教学改革的背景
“中国美术史”是面向北航非艺术类本科学生开设的一门校级核心通识课程。开课初衷是为了提升理工科学生的审美水平与人文素养，经过几年的教学，“中国美术史”课程虽取得了一定成效，但教学内容及方式方法相对比较传统，未能与时俱进。在美育工作新时展的背景下，该课程重新进行了教学目标、内容、教学方式等的调整，以服务高校美德通识教育人才培养需求。
二、“中国美术史”通识课程创新教学做法
“中国美术史”课程有32学时，2学分，由三位教授（两正一副）组成的教学团队执教，2020年北航校级一流课程立项课程。三位老师具有美术学领域跨专业的知识结构，教学过程能够将美术理论与绘画作品、历史研究与学术前沿、传统文化与爱国教育融入其中。具备实践与理论相结合、美育与科教相融合的综合能力。“中国美术史”内容丰富，涉猎门类众多，时间跨度大，包括绘画、建筑、工艺、雕塑、书法篆刻等，历时原始时代直至近现代，提取其中任何一个门类都足以成为一部专门史。在16次课上即使针对艺术类学生大略学习一遍都显得时间仓促，有一定困难，何况非艺术类学生。如何真正有效地实现教学目标，该课程在设课之初就分为美术理论学习、中国古代美术史、中国近现代美术史学习三部分，并以绘画作为一条主线贯穿始终。该课程分别由上述三位老师讲授，学时依次为10学时、12学时与10学时，分为三部分进行授课。
（一）美术理论学习与课堂PPT展示
这一部分侧重中国美术发展史上的核心理论知识，涉及哲学、美学、图像学及符号学等内容，使学生能够对美术起源、中国美术的美学特征以及美术鉴赏等有较为深入的认知。任课教师在此部分的讲授中，侧重中国传统文化的深度解析，运用图像学研究方法把儒家文化中积极进取、勇于担当、和谐发展等精髓思想讲授给学生，使美术学习与学生自身发展能够有机联系起来。使学生能够对当下的美术现状有一定的了解，也能够参与或融入到当今美术发展的潮流中。此部分是对后两部具体美术史知识讲述的理论升华，有助于学习对美术基础知识的宏观把握与理解，以利于学生更好地进入美术史学习之中。第一部分课程内容涉及较多方面的知识，此次教改创新性地加入了实践互动环节。比如在学习了如何欣赏中国画课后，让学生进行分组课堂作品赏析讲述。这种分组挑选美术作品并进行课堂PPT展示的形式，既是学生对中国美术进行思考、梳理与总结的过程，也是不同专业学生之间进行分享交流的很好形式。这对于任课老师来说，也是了解学生兴趣所在及课堂所学情况的有效途径。在学生进行分组展示时，老师要进行相关知识的提问及点评。这有助于激发学生的学习兴趣，在获取知识的同时，提升自己的审美认知能力。这一部分的理论学习要以学生熟知的美术作品或美术遗迹开始，吸引学生对这一美术现象产生兴趣，课程中要经常就所学习内容进行较为简单有趣的提问，以激发学生的好奇心与参与度。授课方式需要灵活多样，启发引导式教学是本部分的主要方法。可以采用课堂提问、小组讨论、课后留作业等方式进行。
（二）课堂绘画实践教学
这一部分是以绘画实践的形式讲述中国美术自原始社会至民国时期的发展历史。任课老师会围绕各个朝代中最具时代特色的绘画作品进行学习，同时进行课堂绘画创作，使学生在艺术体验中真切感受到了不同时代的艺术特色及文化特征，对于提升审美认知效果显著。绘画课堂实践是这次教改中的具有挑战性的创新尝试，这需要任课老师与助教提前做好课前准备。在绘画实践的过程中，任课老师会着重把画面所要表达的中国画特质进行分析，如画面构图，技法运用到画画背后的文化及审美特点等，然后有选择地让学生动手进行课堂实践。在实际的绘画体验中，学生会真实感受到中国艺术的精奥，自然会对中国美术产生兴趣，从而对中国传统文化心生崇敬。比如，在讲授原始时期的美术中，任课老师选择了最具新石器时代美术特征的彩陶作为重点，在对彩陶的基础知识进行学习后，老师选择有代表性的纹样图案让学生进行课堂绘画实践，在临摹的过程中，老师会对图案构图及用笔技法进行解读介绍，并引导学生运用想象力和联想力去进行审美再创造，使学生对人类朴素的艺术观念和审美情感以体验的方式得以理解与领悟。同时老师会就中国绘画的用具笔、墨、纸、颜料等知识进行普及，以拓展学生的认知。再比如，在元代美术史中，任课老师选择了最具代表性的人文画高峰“元四家”之首的黄公望作为重点进行讲述，这会涉及元代的时代背景、文化发展及审美特征；之后选择黄公望的代表作让学生进行局部临摹，学生在实践体验的过程中，了解到了黄公望的笔墨风格与画面构图，进而真正理解元代绘画的整体风貌与特征，以及之所以呈现这种时代审美特色的大背景。通过多次课堂绘画实践，学生逐渐了解中国古人的艺术审美，大致掌握不同时期美术发展与传承的风貌，从而对中国美术的历史发展有一个清晰的脉络，并对每一时期所呈现的美术特征背后的有关时代精神、文化特征等有了一个深刻的认知。这种理论与实践、课内与课外相结合的学习方式，有助于学生对课程内容的理解与掌握，对于丰富个人认知、提升审美素养、拓展思维都发挥着积极作用。
（三）创新思维课堂教学
这一部分是第二部分的延续，从民国时期直至今日。此部分的授课内容与当今时代关系密切，也更容易引起学生的共鸣。这一部分内容在注重培养学生艺术感知力，提高学生的美术鉴赏力的同时，也鼓励学生要对现今艺术现象有一定的个人认知。比如，此次课程教改，任课老师进行了两种不同的尝试。一种是学生对老师命名的“主题”进行思考，方式可以是写一份文案，也可以通过简单的绘画视觉化自己对主题的思考认知。学生根据自己的特长及喜好进行选择，善于书写的学生选择了文案写作来阐释自己对“主题”的认知，喜好动手绘画的学生选择了卡通或简笔的形式进行了图释；另一种方式是任课老师介绍当前最新、最具影响力的展览作品给学生观看，然后进行分组讨论并赏析，对学生的认知进行点评。期末，在课程结束后，三位任课老师把课堂学生分组展示的PPT、每位学生的绘画创作及图释进行了优选，范围尽可能覆盖到每一位同学，打印、装裱装框处理后，在学校艺术馆进行了成果汇报展，以鼓励并激发学生对美术史学习的兴趣。
三、“中国美术史”通识课程创新教学成效与思考
课程定位：
以现代剪纸和民间剪纸为抓手，在课程设置中着力于文化的传承和发展、引导教师具有现代美术教育教学正确的价值取向。课程中以师生的“发现和创造”为宗旨，在课程中渗透民族文化精神。注重对传统的技法进行分析，既要继承又要创新又要发展。更要引导、激励学生在现代剪纸活动中发现适用的新的技法，新的形式。在教学过程中也需要创设条件引导学生关注材料和工具的使用，引导他们对形式感产生兴趣，适度激发他们对技法探究的热情。同时要给学生足够的探索技法的空间，使学生在学习现代剪纸的过程中得到的是艺术感悟能力的培养。
课程目标：通过课堂教学实践、学生作品展示、专题教学研讨、课题研究等各种
形式全方位展开，层层推进。争取在现代剪纸教学的理论和实践方面
有了突破性的进展，取得了丰硕的成果。
知识与技能
接触中外优秀剪纸作品，知道剪纸艺术是一种独特的艺术表达形式。感受剪纸的艺术美、体会剪纸的作品风格的丰富性，能用口头或书面语言对剪纸作品进行描述，说出其特色，表达自己的感受。在会选用合适的美术工具、材料，发现
剪纸造型简单的新技法和新形式，并用剪纸的方式创造“现代儿童剪纸作品”。
■ 过程和方法
通过作品欣赏、资料查询、课堂实践等途径，通过“看、想、议、画、评、玩”等基本方法，了解剪纸的知识。利用刀刻、手撕、剪刀剪等方式表现剪纸作品。学习有创意地布置绘画作品，尝试学习成果的展示、评议及学习心得的交流，培养良好的美术素养。
情感态度和价值观
能热情主动地参与“现代儿童剪纸”的美术拓展课程活动中，了解祖国灿烂文化，能欣赏剪纸艺术的独特魅力，增进民族文化的自尊自强的情感。具有对民族文化艺术的情感。欣赏国内外名家的现代剪纸作品，培养学生对各种文化、意识形态和信仰之间的相互尊重和相互理解的精神。
课程重点：
1）正确的剪纸审美观的培养。
2）“刀味和纸趣”的探索。
课程内容：
1、 欣赏。
2、 现代剪纸的创作。
课程进展步骤：
1、兴趣的启蒙
2、体验创作的快乐
3、剪纸作品的创作
4、剪纸作品的展示
课堂教学实践：
1、编写教材、教案
2、实施教学计划
3、进行课后反思
4、书写课堂实录
5、实践总结
课程成果展示：
1、教案及课后反思
2、课堂实录
3、交流课
4、展示课
5、学生作品展示
课程评价方式：
1、教学过程中注重过程评价：在教学的过程中，在作品制作的师生互动中很深入很有效
很个性化地进行的。
2、学生作品评价： 学生的学习是否达标，主要应该是看其作品有没有表现出现代剪纸的审美特征，有没有努力表达了自己的情感，有没有表现出一定的创意以及在活动中的综合表现。而绝对不应该只是作品制作的精细与否。
［关键词］学前儿童 艺术教育 审美心理 课程实施
一、审美及审美艺术的教育价值
我们引进相关学科的理论，对审美艺术领域的基本理论、审美艺术活动的价值、审美艺术教育的性质和功能与儿童心理发展的关系进行了探讨。我们认为，艺术教育对学前儿童心理发展的价值表现在：
1．为完满型人格的塑造打基础。这是因为艺术审美连着情感是心灵的活动，而心灵是没有时空限制的，它可以自由驰骋，可以把眼前和未来、有限和无限、理智和情感、物质和精神加以协调和沟通。审美艺术中所培养的对外部世界的整体反映能力是造就完满人格的基础训练。如果能在教育中坚持艺术与体、智、德教育相结合，使教育中的“社会性”、“科学性”和“审美性”相结合，使儿童的行为不但为了实用，而且可以拉开距离欣赏，使行为不但接受“善”和“真”的被动控制，而且获得“美”的自动调节，就能为完美人格的成长打下良好的基础。
2．有助于全脑功能的开发。据研究，任何一种艺术活动都是大脑两半球协同作用的结果。在艺术教育中，坚持艺术形象布局的审美特征和具有细腻丰富的情感内容相结合，坚持直觉整体的信息加工和理性领悟相结合，使左右脑不同的工作方式和艺术作品中不同的结构要素相互作用，将有助于促进以右脑功能为主的全脑功能的开发。
3．有助于一般智慧和创造力的发展。艺术活动中所发展起来的直觉能力和空间想象能力对逻辑思维起互补作用。
4．有助于发展儿童的艺术兴趣和艺术天赋，使童年获得更多的欢乐。同时，儿童知觉过程的整体性、直觉性、记忆的具体形象性、思维想象的独特性、情感的易感染性和弥散性等心理特点都使得他们特别喜欢艺术活动。但是，艺术智慧的发展不同于一般智慧的发展，它并不一定随年龄的增长而发展。缺乏恰当的教育，早期的艺术潜能会随着儿童逻辑思维的发展、认识世界方式和学习任务的改变而削弱和消失，因此，成人在儿童2～12岁之间这一艺术潜能发展的黄金时期向儿童进行良好的艺术教育，是顺应儿童身心发展规律的，可以使脑的潜能不失时机地得到发展。
二、学前儿童审美心理的发展特点及其培育方法
本研究综合了在美术心理、音乐心理和文学心理等方面的已有研究成果，并结合自己的实践，发现1岁以内的婴儿就能对外界事物的某些审美特征产生知觉选择，如鲜艳的色彩、动听的旋律、有节奏的儿歌都会引起婴儿的定向，这是审美心理发展的基础，也是进行审美艺术教育的基础。儿童审美心理与非审美心理一样都包括知、情、意三个系统，它是审美及艺术欣赏和创造的心理基础。有关审美和艺术心理的研究成果表明，审美主体的知、情、意系统与审美艺术客体的相互作用中，起关键作用的心理功能有审美感知、审美情感、审美理解、审美想象和审美意志（创造行为），它们贯穿于审美欣赏和审美创造的全过程。然而，审美心理活动和非审美心理活动在目的、方式、结果等方面都是既有相似又有区别的，反应了两种不同的反映世界的方式。在科学工作中，感知、想象、理解、发现、思考客体的目的是为了弄清客观事物本来的面貌及其发展规律，为解释、利用、改造、创新提供依据，应该是求实、求真的。
审美活动中对客观的反映是情感的、想象的、变形的，甚至是虚幻的。以月亮这一实体为例，科学家告诉我们它是围绕地球转的不发光的星体，月亮光是太阳照在月球表面的反射光，夜晚月朗星稀是因为无云等。而审美时，则把月亮当作审美对象，当作寄托感情和想象的对象，所以就会有“举头望明月，低头思故乡”，“月是故乡明”的思乡之情融入客体之中，就会有“嫦娥奔月”虚幻想象。这都是审美主体的感受、想象、移情所至。因此，审美过程是主体对客体的形象、色彩、音响、韵律、节奏、流动感、和谐、秩序等情感表现性感知，感受到生命的运动，产生激情和想象，情绪情感能在映象中得到体现。如果我们把审美的结果当作科学的认识，必然会陷入荒唐。我们参考有关资料和研究经验，归纳出以下培育方法，成为指导我们实践的依据。
1．积累非审美的认识经验、实用经验、社会交往经验和情绪经验，丰富现实性表象，为感知的定向（在对象中有熟悉的成分更能引起注意）、为理解和想象的进行、为情感的产生提供丰富的源泉。
2．师生共同创设审美艺术化的环境。可以选择贴近生活的题材进行艺术创作，用创作成品布置环境，也可以把生活常规提升为艺术的表达方式。
一、艺术设计者对民间美术的广泛了解
民间美术是广大劳动人民的智慧结晶，来源于民间，贴近广大人民的生活，最具有中国人民的生活特色，蕴含了中国广大劳动群众的创造力和审美特征。中国的民间美术具有悠久的历史和灿烂的文化，是中华文明的财富。当代，随着信息的发达，人们对民间美术的广泛传播，越来越多的人体会到民间美术的美。从艺术设计的角度看，设计的多样化有时需要具备一定的民族文化来丰富设计的内涵，让设计的含义更加饱满。将设计与民间美术结合起来不仅可以给设计者带来灵感和方向，让设计更加新颖独特，同时，还可以增加设计的历史感和文化感。在有民族特色的同时不失去亲切感。有一些成功的设计作品就是在设计中增加了民间美术的元素，例如2008年北京奥运会的火炬设计，它以纸卷的形式作为火炬的主体，外表的红色底色中透露出祥云的图案。源于汉代的漆红色在火炬上的运用使之明显区别于往届奥运会火炬设计，银色的祥云作为装饰，代表了祥和、安宁，祥云图案是古代的吉祥图腾，常出现在衣物和器皿上，古代皇帝龙袍上也常常装饰祥云图案。整个火炬红银对比，色彩强烈，产生醒目的视觉效果。整个设计不仅美观而且有丰富的文化内涵和地域特色，是非常具有“中国风”的作品，可以代表中国的特色。现代艺术设计者可以从民间美术中汲取必要的艺术养分的同时，结合设计内容尤其要考虑到民间美术的内涵，不能单纯的生搬硬套。中国的民间美术经历了漫长的封建社会，带有一定的封建文化和思想，有时也表现了某一具体历史时期的特点。艺术设计者要对民间美术的内涵做深刻的了解，无论是形式，审美特点还是作品的来源等都要系统的了解。从观念上、情感上对民间美术有正确的认识。理解民间美术在精神和内涵上代表的特殊意义，关注造型和表现手法，将民间美术的一些元素融合到设计作品中去。
二、培养传统民间美术手绘技能
学习民间美术时需要设计者亲自动手学习，手绘是非常重要的表现方式，最为直接和灵活。它不仅属于传统的艺术，也属于现代艺术设计的表达方式。手与心相连，手绘最直接来源于心灵，最能够表达心中所想。尤其是在设计师创作的最初阶段，手绘不仅可以表达信息，便于修改，更能随时随地收集素材，手绘中有一定的偶然性可以更大限度的适用于艺术设计。现代社会，虽然有很多新型工具在设计中经常用到，但是依然无法取代手绘，手绘作品中的一笔一划更直接的反映艺术家的情感，而且优秀的设计师往往也是手绘表现高手。例如世界著名设计师理查•德迈耶、安藤忠雄、弗兰克•盖里、贝聿铭等。艺术设计者在学习民间美术时应当多进行手绘，加强练习，提高手绘的能力，养成手绘习惯，提升设计者对艺术作品整体的掌控能力。与此同时，在手绘练习的过程中也可以让设计者对民间美术的美感和认识不断加深。通过训练，提高观察力、造型能力以及线条表现力，掌握透视规律，提升艺术素养。在学习手绘技能过程中，要对传统的手绘设计作品进行深入研究，从传统的美术创作手法中体会民间美术的内涵，使民间艺术在现代设计中发挥更大的作用。
三、兼容并包的设计理念
现代艺术设计需要兼容社会、文化、历史等各个方面，在不同的领域找寻灵感。在进行艺术设计活动时需要整合各个方面的创作元素，对各个方面吸收营养。兼容各种艺术元素需要在容纳的过程中多做考量。民间美术是具有非常深厚文化底蕴和人文情怀的创作元素，在进行艺术设计时需要把握其中的内涵精髓，学习民间美术、传承艺术生命，同时进行转换、加工、创新，最后变成新的艺术语言。当代社会信息量十分庞大，设计者需要对不同的信息进行整合，兼容各种有效成分，只有这样才能设计出符合时代要求的作品。创新性是这个时代赋予艺术设计者重要的使命，也是一切艺术家从事艺术活动的驱动力。优秀的艺术作品需要具有创新性，创新是在原有事物的基础上不断加工发展的。它需要在继承的基础上有所改变，不仅是继承已有事物的形式、内容、含义，从艺术设计的角度看更要继承传统的审美理念、审美情趣，文化背景。中国艺术设计的审美基础就是民族艺术，例如中国画，书法，民间美术等。民间美术又是最能与广大人民群众相接的艺术种类，因此艺术设计需要从民间美术中吸收大量的养分，设计过程中植入一些民间美术的元素。这种植入不仅仅是形式上的拼接，还要考虑到这些元素的原始意义和现代意义。例如，在民间的美术作品中，经常出现鱼、莲、石榴等形象的图样、饰物，它们作为新娘出嫁时的陪嫁物品，这些物品的意义不再是单独存在的含义，而是放在一起表达亲人对新娘婚后多子的期盼和祝福。设计者在运用这些形象时就要考虑到他们的这些含义。将这些含义与所设计的作品内容相比较、搭配，不仅从形式上找寻契合点更要让精神文化相得益彰。
作者：彭利兰 单位：黔东南民族职业技术学院
关键词 国画 表现形式 审美特点
中图分类号：J212.05 文献标识码：A
国画是我国的传统绘画艺术，在古代叫做丹青，在当代社会又被成为中国画，因为国画属于我国特有的艺术绘画形式，在世界美术体系中独树一帜，具有强烈的中国特色。中国画与西方绘画在表现形式和审美特点上存在着巨大的差异。西方绘画尚形，中国绘画尚意；西方绘画重再现、重理性，中国绘画重表现、重情感；西方绘画主要由光和色来表现物象，中国绘画则以线条作为主要的造型手段；西方绘画中严格遵守空间和时间的界限，而中国绘画则不受空间和时间的局限。这些鲜明的差异，最终导致了世界美术领域中两大体系的形成。
1国画的表现形式
作为东方绘画体系的主流，中国画的特点，首先表现在工具材料上，中国画往往采用中国特制的毛笔、墨或颜料，在宣纸或绢帛上作画。由于采用特制的毛笔来作画，使得“笔墨”成为中国画技法和理论中的重要术语，甚至有时成为中国画技法的总称。所谓“笔”是指钩、勒、皴、点等运用毛笔的不同技巧和方法，使中国画表现出变化无穷的线条情趣；所谓“墨”，则是指中国画以“墨”代色，运用烘染、泼、积等墨法，使墨色产生丰富而细微的色度变化，使得以墨代色的中国画具有独特而丰富的艺术表现力。
其次，中国画在构图方法上不受焦点透视的束缚，多采用散点透视法，使得视野宽广辽阔，构图灵活自由，冲破了时间与空间的局限。中国画在构图时，可以将不同时间和不同空间的事物安排在一个画面中，犹如一组运动镜头把不同的场面集中到一起。中国画在构图方式上的这一特点，植根于情景交融的美学追求和高度概括的表现手法。因此，中国画不受空间和时间的限制，非常自由与灵活，在山水画中可以“以大现小”，在花鸟画中可以“以小现大”，用简略的笔墨去描绘丰富的内容。
最后，中国画的绘画与诗文、书法、篆刻四者有机地结合在一起，相互补充，交相辉映，形成了中国画独特的内容美和形式美。传统国画讲究诗、书、画、印的结合，充分体现出中国画深深扎根于民族传统文化的丰厚土壤中。现存的许多传统国画都有题画诗或款书，将画意、诗情、书法融为一体。题画诗常是画家本人或其他人所题之诗，大多出现在画幅的边角空白处，其内容或指明画意、或增加画趣、或抒发观感、或品论画艺，真是诗中有画、画中有诗，具有独特的艺术魅力。国画中的款书，一般包括作画的时间、地点和画家的姓名、字号，以及标题、诗文、印章等，形成中国传统绘画特有的民族形式。尤其是文人画兴起后，一些著名的画家往往又是诗人和书法家，更是将诗、书、画、印的结合推向完美的艺术境界。
2国画的审美特点
2.1意境美
意境是我国古典艺术门类孜孜以求的一种美。它是在传统美学审视中生发的一种情感。由于中国人具有“天人合一”的思维传统，所以国画就体现了一种包容万象的境界。画家将体验到的情感赋予在创作的画面上，而画作所描绘的境界便能引发观者的共鸣。
2.2含蓄美
中国人的主要性格特点之一就是含蓄，而国画作为我国的传统艺术表现形式，其中就包含着一种含蓄美。所谓的含蓄美就是指对“神似”的不断追求，甚至有些画家为此忽略了外形。国画不会刻意地追求绘画的外形，而注重的是绘画内容所表达出的神韵，一幅优秀的国画作品最主要的不是画得有多像，而是这幅作品是否有神。如果是一副人物画，那么就应该通过细节的刻画来展现出这个人物的性格特点。让人们能够通过这幅画而感受到画中人的形象特点，如果只注重外形上的刻画，而忽视神韵的掌握，则很难达到较高的绘画水平，只有形神兼备才是国画的最高水平。
2.3气韵美
“韵”和“气”不可分，“韵”由“气”决定，“气”是“韵”的本体和生命。所以中国画往往首先要求画家在作画时着眼于整个宇宙、历史、人生，着眼于整个造化自然。艺术家不应该限于表现单个的对象，而要胸罗宇宙，思接千古，要仰观宇宙之大，俯察品类之盛，要窥见整个宇宙、历史、人生的奥秘。正因为如此，很多国画作品中即使只画了一块石头、一个草虫、几只水鸟、几根竹子，都能感觉到其表现出来的境界是一全幅的天地，表现出了全宇宙的气韵、生命、生机，蕴涵了深沉的宇宙感、历史感、人生感，而不只是刻画单个的人体或物体。因此，我们在欣赏优秀的国画作品时，往往会产生“只可意会，不可言传”的深刻体会，同时也正是因为这个缘故，中国绘画比之西方绘画更具更强的哲学意味，给人思考和品味的空间也就更大。
3结语
综上所述，中国画是我国传统文化与当代艺术精神的完美结合，二者之间是密不可分的关系，我们应该充分认识到国画在我国艺术发展史中的重要作用。无论是表现形式还是审美特征，中国画往往把宇宙精神，博怀，生命意识，佛心道境作为意境的最高追求，而这些又是中国传统文化中儒家、道家和佛家三者融合的体现，因此，可以说国画的特点的形成是与中国艺术精神和传统文化密不可分的，要全面认识和把握国画的特点，就必须从中国传统的艺术精神和文化中去体会。
参考文献
