时间：2023-05-30 10:27:51
何刚的办公室很简约，却能让人记住，背景由几幅图案夸张艳丽的印度土布构成，桌案上摆有一个柚木精雕的沉思者造型，恬淡、从容、低调。他说：“每看到沉思者，就会想起三个字――慢慢来！”
每个人在他的人生发轫之初，总有一段时光和抑制不住的梦想。十几年前的何刚，有梦想，也有好身体。
1997年春天，何刚离开家乡甘孜，流浪至成都，读书不多，生存艰难。洗过碗，擦过车，睡过天桥，卖过报……三年后的一天，何刚在春熙路认识了一个卖藏饰品的小姑娘，他惊奇地发现小姑娘眼前的那些饰品，竟受到了年轻男女的疯狂追捧。
何刚暗想：“老家不是有很多这样的东西吗？精美的藏式家具、绘画、年代久远但色泽依然鲜亮的织物和其他仪式使用的器物……在藏区，这些精美的饰品和衣物可便宜呢！”
嗅到商机的何刚辞掉他的最后一份工作，回到家乡，选了一些便宜的藏饰。回到成都后，摆摊设点，沿街叫卖，想不到女孩子们十分喜欢，雀跃试戴、大方购买，每天都有好几百元收入。
藏饰品装扮着女孩们的世界，同时支撑何刚继续远行的梦想。
2001年5月，何刚第一次到印度。成都的藏饰品越来越多，他要在印度寻找全新的产品来代替。飞机从新德里郊外的机场降落后，他才意识到自己连一句英文都不会说。用手语比画了大半天，才找到一间厕所。然而，找生产厂商比找厕所要难上百倍，他足足用了五天时间，才见到了一位印度厂商。
打量着眼前的这个中国男孩，印度厂商满脸的不信任。何刚尊敬地把一份在国内早已准备好的中英文对照销售方案递给他。印度厂商的目光渐渐地柔和下来，他用生硬的中国话说：“说实在的，我对你区区的几件货根本不放在眼里，但对你的方案很感兴趣。”
何刚在方案里详细地评估了中国的市场潜力，也十分客观地将自己的拓展计划列在里面。“虽然我现在只有一个店，但用不了多久，我会找到适合的运作模式，店越开越多，我相信您不会不动心。”何刚诚恳地对印度厂商说。
何刚从印度进了几万块钱的货，随后，他又前往巴基斯坦，淘来一些精美饰品。回到成都后换掉了所有的藏饰品。他的小店像一朵无名小花，开于交大路16号，这条彼时并不繁华的街。何刚为突出印巴主题，店内陈列着琳琅满目的香料、首饰、披肩，神秘而风情，模特身上搭配一条色彩艳丽的印度长裙，宛如宝莱坞美女翩然而至。
几年后，这家取名“印巴文化”的小店在成都已有14家直营店，分布于东南西北的街道上，装点着这座城市，丰富着女人们的生活。
何刚的角色，就是一个国际搬运工，几年如一日，往返于印度和中国之间。
从传统工艺中不断挖掘商机
2008年秋，何刚来到班加罗尔，这座以印度“硅谷”著称的城市，空气怡人，与那些匆忙的IT精英相比，更多人则处于一种优游的生活状态，像云彩一样自在随意。
何刚走到世界最古老、最大的制香企业RAJ集团门口，身穿漂亮纱丽或者旁遮比服的女子来来往往，香薰广告优雅而神秘。下午，他看到从工厂里出来的男人和女人，手里都带有制香材料，许是晚上在家生产。
这个想法，促使何刚来到一个家庭。他们并没有排斥这个中国人，友好、礼貌地接待他，女主人拿出家里最好的食品招待他。何刚的目光总往两个小孩的身上瞥，两个小家伙坐在桌案前，往复循环双手搓动，让香料附上中间的小棍子。
原来，工人们晚上将订单带回家，这是孩子的作业。孩子额头渗出细密的汗珠，表情快乐、专注，做手工是每个印度孩子的必修课，他们也明白，这小小的一支香也牵连着家庭生活的优裕和幸福。
何刚好奇地问，“你们为什么不用机器，这样又慢又辛苦！”男主人平和地笑了，“如果用机器，会破坏香料的元素，纯正的印度香不会与机器沾边！”说着，拿出孩子刚做好的两支香，粗细不同，略显粗糙。他们做的香全销往欧美日韩等地。
小孩参与手工、触摸生活的场景，在印度民族一代代传承了下来，而今依然保持，小孩们长大后，或许会从事前沿的IT行业，但小时一家人灯下相守的温暖场景，成就了他的人格和秉性。
屋子里回荡着八角茴香和天竺薄荷的味道，何刚学到了至为重要的一课。他一直在做印度产品，但没有触摸到印度文化的精髓：代代相传的手工文化。
那年， 何刚穿过很多城市，来到印度西北部的拉贾斯坦，这里地处沙漠，光照热烈，其首府斋浦尔更有梦幻一般的色彩，因为风情万种的美女，被誉为“红粉之都”，阳光、沙漠、美女，上天如此眷顾的地方，谁不想谈一场恋爱呢？
比谈一场异域之恋更让何刚激动的是，闻名世界的印度手工木版土布，就诞生于斋浦尔以南16公里的瑟勒斯沃蒂河畔。
他很快来到目的地，瑟勒斯沃蒂河已经接近干涸了，妇女们能踩着河中的石头来往于河的两岸。河两岸村庄里，树立着许多几十米高的木架，木架有大有小，大的几百平方米，直挂着上百条彩色的土布，美得令人窒息。
那些晒着太阳，被风微微吹动的土布，摄取了何刚的魂，他第一次知道自己店里那些原生态的印度服饰，其原料都出自这里。转眼想到公司团队经常接到终端反馈，顾客们苦恼于这些印度服饰根本无法穿到生活里，只能旅行、泡吧或家里穿穿。
“以印度手工布为原料、兼顾飘逸浪漫的印度元素，设计成时尚潮流、适合中国女性的服饰……”一个解决方案的东西，已在何刚的脑海中渐渐成型。
跨国跨界，做自主品牌
回国后，何刚又注册 “天艺”服饰品牌，组建设计和运营团队，建立印度设计中心，他带领团队大刀阔斧，对印度传统服饰进行了一次大改良，材质和工艺保持不变。
变则通，呈现在顾客眼前的，不再是那些穿不出去的印度服饰，而是来自拉贾斯坦土布裂变的欧美、日韩和中国元素等不同风格的时尚服装，能够穿到任何一个场合。
随之，服饰作为独立单元，从伊甸园般绚烂丰富的“印巴文化”分割出去，以独立门店式运营。民族风、手工工艺、土布材质、前沿设计，天艺服饰品牌一经推出，便拥有无数忠实粉丝。
熊素萍是天艺服饰武汉的加盟商，随着生意逐步做大，除了武汉店外，她又在汉口、武昌开了两家分店，生意照样十分火爆。她曾是一个银行职员，在一次四川旅行中，无意发现“天艺”服饰品牌，喜不胜收，索性辞了职，拿出所有积蓄开店创业，而今，几家店已为她创造出50万的年收入。
2011年2月，天艺团队出品一款以旗袍、刺绣和剪纸为主打的产品，刚刚上市，就被抢购一空。印度靓女淑妇穿上纱丽和旁遮比服，端庄妩媚，亭亭玉立，婀娜多姿，同样的材质和工艺，纱丽和旁遮比服变为旗袍或裙子，同样步步生莲，更是一番风韵。
将中印两国的传统文明和文化要素相互融合，开发出被市场接受的服饰产品，何刚曾经的愿景实现了。而今，他正和一个品牌公司洽谈，开发一个高端奢侈品品牌，服务于集财富与品味一体的小众群体。
异域风情，给何刚带来了芬芳和财富。何刚是一个大气的人，陪伴他创业的团队从未离席，即使有人去生小孩，生完小孩照样来公司上班，没人找他加工资，因为在他们的想法还没萌芽时，他已兑现十分合理的报酬。
1985年初,金利来集团的老板曾宪梓带着几名助手兴致勃勃地来到了印度新德里。随后,他们在这里最豪华的会展中心举行了自己品牌服装和领带的展销会。然而,在国际上赫赫有名的金利来在印度却遭遇到了意想不到的冷遇。
曾宪梓经过长达半年的仔细了解后发现,当时的印度人思想保守,接受新鲜事物的能力有限。绝大多数印度人常年穿着的都是印度的传统服饰,偶尔有人穿着西服领带还会被别人笑话为标新立异。
他们对曾宪梓表示,要想迅速扭转印度人几千年以来形成的传统服饰观念是一个近乎荒谬的想法。但曾宪梓却并不这样认为,他放眼全球市场,世界经济一体化进程正在一步步加快。印度人“被迫”接受西服领带的趋势已然形成。何况,爱美之心人皆有之。西服领带的潇洒和神秘的印度传统服饰各有各的特色,曾宪梓并不怀疑印度人接受新鲜事物的能力。
于是,曾宪梓来到了新德里的服装行业协会。虽然早有心理准备,但这里的情况仍然出乎他的意料。作为印度服装行业的领头组织,这里的工作人员不论男女都穿着的是印度传统服饰。男人们都包着硕大的头巾,而很多女性工作人员甚至在办公室还蒙着面纱。
在服装行业协会的办公室里,曾宪梓向该协会的几位负责人分别赠送了一套西服和领带,并示意他们穿起来试一下,如果有什么不妥帖的地方,金利来好据此修改。几位负责人爽快地接受了他的建议,随即穿上了金利来的西服。
当几位负责人鱼贯从隔壁的办公室走出来之后,在场的人都被这种刚毅、自信的气质所震撼。曾宪梓不失时机地让助手拍下了这些难得的照片。一个星期之后,这些照片被刊登在了印度的服饰杂志上面。看过照片的不少人都被照片上人物穿着金利来西服的气质所打动。
曾宪梓趁热打铁地在新德里举办了一场金利来西服、领带的会。由于有了前期的铺垫,以及后期又做了一些相关的宣传工作。这场会取得了相当大的成功。新德里的政要、明星纷纷出席,并且还争相与模特拍照合影。
T型台上的模特和金利来在其他国家举办会不同的是,他们不但全部印度人并且都还裹着印度男人们传统的头巾。这是曾宪梓为了照顾印度人内心深处的传统文化沉淀所专门考虑、设计的。没想到这一突发奇想的创意,竟然成为了这次会上的一道独特风景线。
随着新德里本地媒体对这次会的报道,不但金利来的西服领带一夜成名。这种穿西服、打领带、包头巾的穿着方式也随之在印度深入人心。时至今日,印度国家领导人出现在大大小小的国际会议时仍然还是这样的打扮。
玻璃展柜里几件出自莫卧儿宫廷的彩宝镶嵌玉器展示了皇家珠宝精湛的
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申明:本网站内容仅用于学术交流，如有侵犯您的权益，请及时告知我们，本站将立即删除有关内容。 皇家珠宝：光芒耀眼的权贵符令
玻璃展柜里几件出自莫卧儿宫廷的彩宝镶嵌玉器展示了皇家珠宝精湛的工艺：红宝石和钻石以这种独特方式镶嵌在乳白色的玉盒、玉罐上，黄金则如丝缎般环绕着宝石，构成了色泽鲜丽的花卉图案，展示着坚硬与柔软的完美结合。这是莫卧儿皇帝极为推崇的昆丹工艺的代表之一；所谓“昆丹”是一种能使宝石更闪烁夺目的加工方式，工匠不用焊接或切割法就能在硬物上镶嵌宝石，能最大限度保存宝石质朴纯净的光华。他们将24K黄金锤打成轻薄柔软的金箔，再将其放在准备镶嵌的宝石周围，只需轻轻按压就能将宝石围嵌在其中。这种创作风格也被运用于泰姬陵的修建；在泰姬陵的白色大理石墙壁上，工匠以昆丹工艺镶嵌各色宝石，装饰出栩栩如生的藤蔓、枝叶、花朵。
掀起这种宫廷奢华之风的是莫卧儿的阿克巴大帝，这位帝王虽以宽容的宗教政策著称，但在私生活的享受上却一点也不含糊，每次出巡都有上千的脚夫、大象、骆驼和推车前呼后拥，就连在征战旅途中，也不忘记以红色帐幕作为禁地的标志。移动的帐幕里有镶嵌着黄金和钻石的王座，装饰着玉或银的酒具和镜子，刺绣着花朵的丝绸挂毯，如同一座移动的宫殿。上行下效，各级贵族无论在府邸里还是战场上，都以追求奢侈生活为荣。他们所用的玉石香料盒、镂花玫瑰水洒壶、象牙柄孔雀毛羽扇，无不以精雕细琢的做工，镶珠嵌宝的外形，骄傲地向世人昭示着：这个王朝的奢华无可比拟。
莫卧儿王朝第五位皇帝沙·贾汗是疯狂的艺术爱好者和建造者，他一心要打造出《古兰经》中所描述的天堂，不光在德里修建了一座瑰丽奢华的红砂石城堡，还用11万克黄金给自己造了一座孔雀王座。宝座背部是珐琅镶成的大树，树上的两只孔雀雕像镶有不计其数的红绿蓝宝石、钻石和珍珠；王座下部则镶着黄玉，台阶以白银铸造，光华夺目，熠熠生辉。
坐上孔雀王座的沙·贾汗心满意足，他让人在王座上方墙壁刻下波斯诗人阿米尔·库胡萨拉的诗句：“如果人间有天堂，那么天堂就在此地，不在他方。”
但天堂并非不可摧毁，红堡修建完不到十年，病中的沙·贾汗就被儿子奥朗则布废黜软禁，他在阿格拉的城堡内渡过了凄凉余生。又过了不到一百年，波斯国王纳迪尔·沙率军攻入德里，抢走无数金银珠宝，孔雀王座也被他当作战利品掠走。
波斯国王纳迪尔·沙夺走的另一件瑰宝便是世界十大名钻之一——光明之眼。
17世纪初，在印度出产名钻的戈尔康达河谷，挖掘砂石的奴隶无意间发现一块特殊的石头——它纯净透明，带着玫瑰花蕾般的浅红光泽，重达787克拉。
光明之海最初属于印度南部的一名王公，后进贡给沙·贾汗。沙·贾汗爱不释手，聘请工匠将其琢磨成约300克拉的玫瑰花形钻石，从此它成了皇室珍藏。
随着波斯国王纳迪尔·沙率军攻入莫卧儿帝国，光明之海也与其他名钻一道成了战利品。在波斯宫廷中，它的新主人认为玫瑰花形不够惊艳，又将其琢磨了一次，重量减到176克拉。到了1956年，伊朗末代国王巴列维结婚，请著名珠宝商哈里·温斯顿制作了几件首饰，其中一件是王冠。王冠正中镶了一粒重60克拉的粉钻，正是用“光明之海”改磨而成，它的名字也变成了“光明之眼”。
即便经过再三琢磨，它依旧是当今世上最大的粉钻。 宫廷服饰：东方审美的流变
波斯人和莫卧儿人进入印度后，无论是男人还是女人，服饰开始走向了多样化。一件17世纪时期的纱丽，富于印度教和伊斯兰教的豪华风格。它使用的是高品质的金线，主要以金红两色搭配，光影的渐变营造出了别具特色的华丽效果，如同平静夜空里闪烁着数千颗星星。纱丽本是印度女人的传统服饰，在莫卧儿王朝入侵后，北印度的女性服饰受到伊斯兰文化影响，出现了长长的束腰外衣和头巾，还有源自穆斯林的鼻环；而在南印度女性服饰中，纱丽依然占据主导地位。
生活在马背上的莫卧儿人为行动方便，无论男女都穿着宽松的衬衫和长裤。他们所钟爱的长袍和帽子是伊斯兰教的传统服饰，由于游牧民族天生的流动性，莫卧儿人大多将财富换为珠宝随身携带。再加上莫卧儿与波斯、蒙古的渊源，服饰上也有着种种借鉴之处。以上多方面原因共同催生了莫卧儿宫廷服饰的独特风格。
莫卧儿时期，绣花钉珠的服饰就象征着财富和权力，只有富裕的贵族和商人才有能力购买。有钱人穿着锦缎、印花丝织品和软棉布制作的衣服，包着镶嵌珠宝和羽毛的大头巾，挂在他们金腰带上的匕首已失去最初的防御作用，而是成了装饰物。
虽然《古兰经》禁止男性佩戴金戒指，但对其他装饰品却没有明确规定，莫卧儿的贵族男子的拇指上套着玛瑙或镶嵌了宝石的指环，甚至用丝线系上近十个指环挂在腰带上，走起路来叮咚作响。谁都知道，如果单纯是为了保护射箭时的手指，指环只需要最简洁的款式。
经过几个世纪，印度本土的上层社会对这些外来服饰的态度也慢慢改变，从最初的反感发展到了普遍接受，信仰印度教的拉吉普特贵族们也纷纷穿上长袍，包上大头巾。除了印度教徒的种姓标志之外，几乎看不出他们身上的服装同伊斯兰教徒的有什么不同之处。
从展品中不多的衣物中可以看到，当时宫廷男装的华美程度并不亚于女装，有几件年轻男子所穿的长袍肩窄腰细，长及脚踝，上面用金银线绣有巧夺天工的花卉图案，乍一看还会误以为是哪个俏丽后妃的服装。确实，莫卧儿的男性贵族甚至比女人更讲究穿衣打扮，主要原因是男人要出席更多的社会性活动，加上贵族阶级的炫耀性消费，更多的时候服饰成了财富和权力的象征。
当时的有钱人穿着锦缎、印花丝织品和软棉布制作的衣服，王公贵族的服饰则大量使用金线以显示宫廷奢华的生活。金线是用于锦缎纺织的一种精细闪亮的银或金线丝，它的使用能使织物更精美、庄重和典雅，这些金线大都来自于古吉拉特邦的苏拉特，当地至今仍是有名的金线产地。
对服饰精益求精的要求也激发了染织物的推陈出新。以出产织锦和细棉布著称的昌德瑞市，所生产的纱丽以巧妙的颜色搭配而著称，比如黑配红、黑配宝石绿等，光影的渐变营造出了别具特色的华丽效果，让昌德瑞纱丽被比喻成闪烁着数千颗星星的平静夜空。
在印度斋普尔的城市王宫中，有一座纺织品博物馆，里面展出历代斋普尔王公及王后的服饰。这些服装大都是金银线织成，刺绣巧夺天工，一件在瓦拉纳西定制的长袍格外引人注目，它是由银丝制作而成，又宽又大，长达近两米，因为它的主人斯瓦伊·玛多·辛格王公就重达250多公斤。 细密画：展示贵族生活的画卷
维多利亚与艾伯特博物馆展厅内名为《荡秋千的贵妇图》画作极为惹眼，这是一幅成于1790年的坎格拉绘画，一位贵妇身着粉色、橙色和金色相间的精致服装，佩戴珍珠项链和手链，在侍女陪伴下荡秋千。贵妇秀丽高雅，面露微笑，神态娇羞，她的左侧站有两名侍女，一名侍女手持孔雀羽扇，一名轻轻推动秋千，另一名侍女静静站在右侧，举起双手，仿佛随时听从女主人的召唤。贵妇头顶是厚厚的乌云，人们从这个细节推断而出，画家应该是以提吉节为背景。这是印度历沙罗伐拿月初（公历8～9月）的节日，纪念印度教女神帕尔瓦蒂与湿婆神结婚。节日期间，树上会挂起无数秋千，女人们唱歌庆祝即将到来的雨季。在印度文学和绘画作品中，这是一个浪漫而充满的季节。
说到细密画，人们首先会想到波斯，而印度的细密画和波斯为一脉相承，又带有明显的本土活力，后期甚至融合了西方的写实技巧。它是一种常用于装饰书籍的小型绘画插图，也可以作为独立画幅。
早在11至12世纪，印度人就在棕榈树叶上画出了细密画。14世纪时，树叶才被纸张取代。在16世纪的莫卧儿王朝，细密画的发展出现了空前繁荣，并在第四代皇帝贾汉吉尔时达到巅峰。一掷千金的皇室成员，成了莫卧儿王朝细密画的最大赞助商。
莫卧儿王朝的细密画多以宫廷仪式、贵族日常生活与风土人情为题材：幽会于花园紫檀树下的情侣，坐在大象背上被随从前呼后拥的王公，泛舟碧波莲叶间的国王及其后妃……无一不色彩艳丽，层次分明，激发着凡夫俗子对帝王生活的无尽想象。
细密画的尺寸虽小，画笔却十分讲究，不仅型号袖珍，笔毛通常是小牛和小鹿柔软的耳毛，或猫、麝鼠、松鼠和山羊的尾毛。画家在画珍珠之类的微小圆点或头发、眉毛、雨丝等细小线条时，甚至会使用只有一根毛的画笔。而名贵的画作需用玛瑙抛光黄麻纸或蚕茧纸，这样才能如珐琅般光洁。画家甚至会将各色宝石研磨成粉调入颜料，以求画作的色泽更为鲜亮持久。
帝王的不同爱好也让绘画题材产生着不同变化，莫卧儿第二代皇帝胡马雍青年时曾流亡于波斯宫廷，结识了不少波斯宫廷画师；回国复位后，他特地聘请波斯画师供职于印度宫廷，印度画家的画风开始受到波斯画家影响。他的儿子阿克巴大帝钟爱历史题材的细密画；孙子贾汉吉尔则醉心于肖像画与花鸟画；曾孙沙·贾汗酷爱建筑，将对建筑学对称之美的追求也投射到绘画中，使这一时期的细密画更讲求装饰的精美华丽，而缺乏了生机活力。而到了他的玄孙，也就是莫卧儿第六代皇帝奥朗则布时期，国势衰弱，加上奥朗则布残暴多疑，又崇尚节俭，许多宫廷画师被逐，一度魅力无穷的莫卧儿细密画走向了衰败。
TIPS
在博物馆探秘昔日印度宫廷
英国国立维多利亚与艾伯特博物馆
成立于1851年，在英国成功举行了万国博览会后，用所获收益建立的博物馆。所藏艺术品270万件左右，其中来自中国的藏品大约15000到20000件。
关键词:现代装饰；印花图案；创新
印花图案设计是一种不仅具有装饰性，还较为实用的美术形式。但是，目前的现代装饰印花图案已经满足不了消费者的需求，要想使其得到可持续的发展，就要对它进行创新和设计。现代数码印花艺术就是以计算机技术为基础，配以计算机电子技术、计算机辅助技术、机械加工的高新技术，能够使图案在纺织物中更加鲜活。
1现代装饰印花图案设计
1.1原理和工艺印花图案的设计
一般被应用到服装、围巾、家纺等方面。以丝网印花为例，浅析印花原理。丝网印花是以丝网为版材，在印版中制作出防止油墨渗入到物品中的图文，从而创建完整的印刷图案，其印花过程为[1]：设计稿前期电脑分色设计出菲林晒网板调色浆印花过热整理。印花工艺可以分为丝网印花、转移印花、手绘、其他特色类印花及综合工艺表现印花。
1.2图案设计的原则
1.2.1满足消费者需求
要想使印花图案打开销售市场，最为重要的就是满足消费者的需求。所以，在设计图案的时候，设计师要根据消费者的爱好、兴趣、流行趋势为主，全面掌握市场信息及设计主动权，了解印花图案和纺织原材料的发展趋势，才能够设计出具有潮流感和时代气息的作品。
1.2.2实用美观
在满足人们需求的基础上，商品的属性就是自身的机制，基于此还要具有美观性和其他实际价值。在图案的选材、造型、构图及色彩等方面，要符合产品的实用性，在形式美的支撑下，通过光线、点、线、面的构思、搭配和组合下，提高图案的实用价值[2]。
1.2.3创新
创新是现代装饰印花图案可持续发展的途径，工艺、图案、材料和创新的完美组合是印花图案创新的关键。设计师要通过创新图案提高纺织品本身的审美和实用价值，根据不同人群对美的需求，掌握形式美的规律，使印花图案具有时尚性和现代特色[3]。
2现代装饰印花图案的创新设计
2.1传统手工印花图案的特点
传统手工印染工艺是手工时代背景下的产物，随着社会的不断发展和不断提高的现代化，人们的生活质量也在不断提升，其审美也在不断地变化，对服饰的研究也越来越深入，大量的印染织物已经满足不了人们的需求。而传统手工印染艺术其独具特色的审美价值，让人们重新喜欢上了这种传统手工印花艺术品。
2.2数码印花图案技术
2.2.1扎染艺术图案的特点
扎染晕色效果是从浅到深，层次较为丰富且自然的过渡色彩，扎染花纹图案是独一无二的，没有完全相同的两件扎染产品。在纹样处理中具有潇洒、奔放的特点，在色彩中具有典雅的特性，若与现代时尚流行色相融合，将赋予图形较强的时代气息[5]。
2.2.2捆扎圈纹图案的设计
使用绳、线将面料局部进行捆绑、缠绕形成捆扎，以达到防染的效果。扎染艺术中的圈纹是捆扎中最为传统且常见的图案。
2.2.3数码技术仿捆扎圈纹图案设计
首先，创建一个文件，设置前景色和背景色，根据需要绘制白色同心圆作为手工扎染中的捆扎防染元素，以同心圆为圆心随意布置，如图7a；其次，擦除素材部分内容，并且调整，使图案具有随意性，如图7b；另外，对素材进行变形、扭曲等编辑，使其具有晕染效果，如图7c；对素材进行模糊、加深、涂抹及减淡，使其具有渗化效果，如图7d。由于传统手工印染形成的图案具有自然、朴质的美感，因此，需要通过计算机软件PS中的滤镜执行菜单，编辑扩散亮度，使其具有渗化效果，包括发光量、粒度及清除数量等[6]。
3数码印花图案的应用
3.1图案的应用图案的主要应用方式分为三种。
（1）单独使用，要注重艺术的独特创造性、图案的统一性和准确性，使图案与产品的特点相融合。统一性表现在主题明确、风格与主体一致、图案表达和主题设计相一致等方面。准确性表现在设计图案的时候，能够明暗交替、虚实相容，并能传递出需要表达的真实情感。
（2）组合应用。不同材质的图案，将相同材质的不同组织结构、不同色彩的面料相结合，即全新的组合搭配赋予图案全新的生命力。（3）不同肌理图案的组合应用。将两个或者两个以上的图形根据某一个元素的相似性组合在一起，通过不同肌理图案的比例和动静对比使图案具有多样性。
3.2服饰设计中的应用
3.2.1服饰图案的设计
服饰图案设计要求图案有附属性、实用性、装饰性和审美性，还要具有穿着合适性、材料合适性等。在设计图案的时候，要掌握设计特点，根据设计原则进行，其一般原则为：（1）材料适合性，纺织面料的组织结构、光泽度、粗细等都会影响到图案，同时，人体也对面料的舒适性也有一定的要求，所以在进行设计的时候，不同的效果和图案要使用不同的面料种类；（2）装饰部位适合性，图案在不同的部位有着不同的表现力，在设计的时候，要考虑图案与装饰部位是否协调，一般膝盖、肘部、颈部、腰部具有较强的图案视觉效果；（3）穿着适合性，所选图案要适合穿着者的年龄、性别、身材、社会地位等[7]。
3.2.2服饰图案设计实例
服饰图案的设计首先要讲究其在民族风格的表现力上。在服饰图案中使用民族图案，能够传承和保存传统文化，提高服饰艺术魅力和文化内涵，包括民族审美、民风民俗、地域特性等。
4结束语
关键词：图像 理论 方法 资料 婚礼服饰
在服饰史的研究中，常用资料可分为三种，包括文献资料、图像资料和实物资料。在文献资料和实物资料丰富的情况下，这两类资料可以为服饰研究提供佐证。而图像资料，对于服饰史研究也具有重要的作用。本文以文艺复兴时期婚礼服饰研究为例，讨论图像在服饰研究中的应用。
由于文艺复兴时期的服饰实物留存非常少。将图像资料作为主要资料非常有必要。艺术图像中包含着丰富的信息。比如，通过图像的观察，我们可以发现，在婚礼前后或者当天新郎新娘如何穿着，服装的面料是怎么样，色彩构成如何；新娘的嫁妆中包含的各种精美奢侈的服装，是不是新娘婚礼的服饰，是怎么样被艺术家表现或者创作的等等。
1、图像的研究理论――以图证史
图像资料对于历史研究非常重要。在西方，将图像作为视觉材料进行阅读是艺术史特有的理论传统。有学者认为，图像学是研究文艺复兴的图像资料最合适的理论。潘诺夫斯基在《视觉艺术的意义》一书中指出，对艺术作品的研究可以分为三个层次：前图像志，即对图像进行单纯的形式分析；图像志分析，即对于特定主题的传统意义进行分析；图像学分析，即根据对于特定题材和概念的研究发现图像的内在含义。图像学的研究方法，打破了对于图像研究限于形式和风格的障碍，能够还原视觉艺术与文化的真正意义。
尝试将图像学运用到服饰史研究中，不仅能够使图像研究有据可依，而且，在分析图像中服饰的过程中，可以先从形式分析人手，再发现服饰图像特定题材的共性，然后对当时服饰的深层次含义进行解读。
2、图像为主要研究资料优缺点及研究方法
以图像为主要研究资料，最大的优点就是直观。通过观察比较，可以看出腰线的高低、服饰面料的厚薄、图案和纹样，也可以看出模特如何与服装互动的。图像资料也具有一定的迷惑性。不同时代的艺术品风格，是在社会大环境的影响下的形成、在时代的艺术环境下生长的。艺术家对于创作的看法，赞助人的意图也使图像资料更加复杂。《以图证史》指出，对于图像的史料考证，在任何时候都是必要的。曹意强《可见之不可见性》缪哲《以图证史的误区》也提到图像研究理论需要与其他的理论结合使用。在研究时，要灵活运用服饰史、艺术史的各种可能应用的理论。
为了有效的利用图像直观的特点，一定程度上排除其不确定，得到较为真实可信的结论，以图像为主的文艺复兴时期婚礼服饰的研究方法主要如下：
2.1挑选图像
首先，将收集的图像资料进行集中，对图像进行常规判断，如创作年代、题材和写实程度等。从中挑选真实程度较高的有代表性的图像作为研究重点。
2.2比较印证
将选出图像与同时代相关图像、文献和实物资料相印证，证明其可信程度。同时，将服装图案、面料、形制、结构、剪裁、配饰等蕴含在图像中的信息挖掘出来再与实物、文献等资料相互印证。
2.3视觉表现
将图像中的婚礼服饰以效果图的形式做以总结，得出文艺复兴图像研究中婚礼服的结论。
3、研究资料
不同图像有不同的研究和考证方法，不同图像的能够被利用的程度也不同。同样就以婚礼服饰研究为例，图像资料可以按照形式、功用、表现服饰的程度分类。
3.1按形式分类
按照形式分类，应用的图像材料可分为：壁画、油画、蛋彩画、版画、手稿等。
版画和手稿，如文艺复兴时期画切萨雷在《文艺复兴时期的服装》记录当时新娘服饰的印刷品，这类图像材料通常是由生活在当时代的人为了记录服装或者历史并流传下来的，具有较高的真实性。但由于材料是黑白印刷，当时的印刷技术又存在一定的局限性，这类图像对于研究细节和服饰的色彩有局限。
壁画油画和蛋彩画。这类图像材料通常是画家出于各种目的，表现宗教题材的或者世俗生活的绘画。其中婚嫁箱作为婚姻的必备品，绘制有许多与婚姻、道德有关的图像，是非常重要的研究资料。文艺复兴时期作为西方艺术的一个高峰，当时的绘画技巧与之前相比有了很大的的进步，所以此类图像资料具有较高的研究价值。
3.2按功用分类
根据题材和功用的不同，文艺复兴时期图像还可以分为，宗教与巫术、政治、私人领域和快乐的艺术四种。
宗教与巫术通常是根据圣经的内容和使徒的故事绘画的，具有教育和说教的作用，是中世纪和文艺复兴时期最多的图像；政治功用的图像是指为了表现教皇和大家族的政权成就、宣扬政治而绘制的一类图像；私人领域指描绘私人领域的图像，如结婚生育和死亡等。在15世纪以后，描绘肖像婚姻等世俗化图像数量逐渐增多；快乐的艺术是指出于个人喜好和欣赏而绘制的一类图像。这类图像常常会带有赞助人的偏好等干扰因素。
在用图像做服装史的研究时，这几类图像都具有一定的复杂性，比如绘画中是否存在程式化的表现方法，艺术家的动机是要真实的反应世界还是把可见的世界想象化。所以，在研究图像时，需要分析各种图像资料的可信度和真实性，并加以论证。
3.3按表现服饰程度分类
按照表现服饰程度分类，图像可分为半身像、全身像、大场景图像等三种。利用半身像可以研究新娘的发型装饰，全身像可以很好体现服装的穿着效果。而大场景图像通常包含婚礼场面的内容，可以用来研究穿着的场面。
3D打印机与传统打印机的工作原理相似，但外观和采用的打印介质却有很大区别。同时，3D打印机并非为在办公室内使用而设计，但几乎各行各业都可以从3D打印技术中受益。
喷墨打印与3D打印的工作原理较为类似，都是利用喷头来完成工作。不同的是，3D打印机的喷头运动方向更多，而且采用的打印介质不是墨水，是具有一定粘度的物质，包括热塑性塑料、填料型树脂、低熔点合金，甚至巧克力和奶油等等。以目前已经商业化的MakerBot The Replicator 3D打印机为例：打印时，喷头可以沿着X、Y和Z轴方向移动，打印介质（通常是热塑性塑料丝）经过加热仓的加热，变成熔融体并从喷头中喷射出来，并冷却凝固成型。按照这样的工作方式，打印一个3D物体通常需要数十分钟到数小时不等，物体的数码原型可以自行设计和复制，也可以从专业网站中下载。
3D打印机的工作模式一般是“逐层打印”，也就是把一个物体按照某一方向，如Z轴方向，分解为许多平行的层，打印机的喷头按照顺序把这些层逐步打印和叠加，最后整个物体就可以被打印出来。打印机的精度可以调节，目前一些商用型号的层精度已经可以达到0.01mm/层左右。
3D打印机的用途
我们常见的打印机唯一的功能就是打印图片或文档，特殊的打印机还可以打印印刷电路、光罩等。3D打印机的用途就更广泛了，可以说，只要是能够设计出来的物件，3D打印机都可以做出来，甚至很多令人难以想象的工作，3D打印机也能够胜任。
微纳米打印
用于精细加工的3D打印机可以用相当高的速度打印出只有数百微米尺寸的房屋、桥梁模型和小结构件，精细度可以达到纳米级别，无论是效率还是精度都远超传统的微雕工艺师。想要达到这样高的加工精度，最大的难点在于控制树脂的固化速度。如果树脂固化速度太快，就会堵塞微喷头；树脂固化速度太慢，就无法保持设计的形态。为了解决这一问题，科学家们开发了“双光子印刷”技术。该技术利用激光照射使光敏型树脂快速固化，使得已经打印的部分不会因各类微纳米尺寸效应发生变化。同时，利用可调节的聚焦透镜，还可以进一步加快打印速度。双光子印刷技术发明之初，打印速度为每秒钟数毫米，而2012年3月份，维也纳技术大学的科学家们将这一纪录提高到了每秒大约5m——这是其他微纳米加工技术难以企及的速度，当然，它能够加工图案的复杂程度同样也是其他技术难以企及的。这一技术还可以用于制造光子晶体等功能性材料。
在某些特殊表面上进行微纳米尺度的3D打印还可获得纳米尺寸效应的帮助，今年6月份，瑞士苏黎世联邦工学院的科学家们报道了使用3D喷墨打印机在具有毛细现象的表面上，通过外加微电场可以形成小于100nm尺寸结构的3D打印技术，这或许会为3D晶体管的制造开创崭新的途径。
医用领域
医用材料或许是目前3D打印最能够显示其技术优势的领域，由于每个人的身体条件各不相同，因此人工骨骼、人工牙齿和人造血管并不适合大规模批量生产，最好的方法是单独定制。通常在医院中，订做一颗与原来牙齿一模一样的假牙所需费用要达到数千元，而定制下颚骨、人工关节和整套假肢等组件就更贵得出奇了。如果利用3D打印技术，就可以先用全息摄影术拍摄要替换的牙齿和骨骼，形成相应的数字化模型，再用3D打印机打印出来，使用的材质可以是塑料、陶瓷或者金属合金等等，比起传统的模具制造技术，3D打印速度不但更快，还能节约诊疗费用。
除了这些人体中坚硬的部分，细胞等物质也可以作为3D打印机的“墨水”。此前不久，有科学家“打印”出了人造肾脏——尽管它并不能像真正的肾脏那样工作，但还是引起了一场不大不小的科学伦理学讨论：假如有一天，真的能够使用蛋白质、血浆、脂肪和羟基磷灰石（骨骼的主要成分）等人体物质打印出一个大美女来，是不是算是“复制”了人类自身呢？即便仅仅能够打印人类大脑，都有可能会造成一场灾难。不过看起来，目前我们还不必杞人忧天。
时尚服饰
近年来的一些时装秀上，模特们经常穿着花样极为复杂的服饰登场亮相，效果令人惊叹，实际上，它们都是由3D打印机打印而成的。不但服装能够打印，鞋、帽子、首饰甚至内衣也都可以打印。对于服装设计师而言，3D打印机的最大好处是可以很快地把设计变为现实。特别是那些工艺相当复杂的时装或是鞋子，如果由专业的裁缝或制鞋师手工制作，那么可能要花费数星期的时间，甚至难以完成，而3D打印机只要数分钟就可以。如果没有达到希望的效果，设计师还可以即时修改设计，只要3D打印机再重新工作一次即可。伦敦皇家艺术学院的设计师Luc Fusaro还利用3D打印机制造了“全球最快的跑鞋”，它可以根据运动员双脚的形状定制，重量仅有96g，据称能够将跑百米的速度提升3.5%。任何人拥有一台3D打印机，都可以自己DIY这种跑鞋，还有其他服饰，比如一件镂空套头衫。不过，目前用于服饰的3D打印机仅能使用塑料等适合喷打的材质，还难以直接打印皮革、纤维等传统材料；同时，在色彩运用方面也存在过于单调的问题，这也使它的应用前景受到一定限制。
装饰设计
关键词：艺术IP;服饰;图案;创新设计;运用手法
引言
IP作为知识产权的代名词，在文学、音乐、戏剧、绘画、雕塑等艺术领域的产品化与时尚化，统称为艺术IP。作为一种新时代下的知识产权，形式多样化，不仅可以创造性地重塑艺术语言，还可以进行跨渠道的商业价值开发，包括影视、动漫、游戏、服饰等领域的产品衍生设计。这为设计产品创造了众所周知的话题性，并鼓励消费者参与其中，切实感受艺术的生命力与感召力。现代服饰产品作为衍生产业之一，拥有庞大的受众基数，与艺术IP的结合将更加直观。服饰品牌普遍面临创新设计难题，与艺术IP的结合能为品牌快速注入鲜活的设计因子，推动创新性。由于艺术IP本身具有强烈的艺术特征，因此，在与服饰进行结合的时候，主要体现为图案设计上的创意展现。图案设计是一种以视觉为中心的传播和表现方式，通常以不同的设计手法将文字和图片进行二次创造与结合，形成全新的视觉纹样。因此，在图案设计的结合中，艺术IP形象与服饰品牌是否风格统一、色彩上是否具有协调性、传达的文化理念是否一致，以及如何选择最适宜的艺术IP为服饰品牌进行代言，都是十分值得关注的问题。而一个好的艺术IP能否通过服饰这一载体，向大众传达自身的艺术价值，同时传播服饰品牌的文化理念，又往往取决于其在服饰图案设计中的优良与否。
一、服饰图案设计中对艺术IP的选择
（一）具备话题性：流量作为艺术IP的核心属性，也就是粉丝基数。而一个艺术IP要形成足够大的流量圈层，就必须具备高的密集的话题性。具备话题性的事物总是能瞬间唤起人们的猎奇心理，艺术IP更是如此。其中又分为两种，一种是能长时间甚至永久性地保持话题性，如故宫和敦煌博物馆，作为中国悠久的传统文化的历史宝库，出场即自带流量与光环。2018年，故宫文化服务中心与农夫山泉携手，推出了9款人物画作，瓶身上印有“工作使朕快乐”、“本宫天生丽质”、“朕饿了”等现代网络流行语。随后又与润百颜合作设计了6款宫廷色系口红，与国潮品牌Cabbeen推出联名系列——“我喜欢这宫里的世界”。带有传统文化元素的IP资源本身就带有一定的历史性和话题性，带有较为完整的故事框架结构，[1]无论何时何地，都能赚足人们的眼球，掀起极高的文化热潮，同时唤起消费者强烈的好奇心和购买欲。另一种是新兴的艺术IP，在网络浪潮中不断被推上岸，又瞬即离场，比如大白兔、江小白、肯德基等。这样的艺术IP虽不具备长时间、多频次的话题性，但每次也都是高调入席，总是能在年轻群体中快速聚拢话题热点。
（二）具备高辨识度：艺术IP能被大众广泛识别和认知，主要源于它的高辨识度。每个艺术IP拥有不同的外在表现形式，以艺术风格呈现的有毕加索的抽象立体主义风格、安迪沃霍尔的波谱艺术风格、梵高的后印象主义等；以艺术符号为代表，比如草间弥生的波点艺术、村上隆的太阳花造型、经典的动漫卡通人物，它们是以经典元素或形象的重组变化而发展起来的一种艺术IP；或以某种艺术形式，比如地面3D彩绘艺术、全息投影等全新的科技手段而打造的艺术IP形态，为人们带来心理认同和沉浸式的情感体验。但无一例外，以上任何一种表现形式，都能在最短的时间给人们留下深刻的印象，究其原因就在于其完全的原创性和排他性，推动该艺术实现了风格化的成型，形成了强烈的视觉辨识系统。这样的艺术IP，融汇了艺术家们对时间、生命以及世间万物的思考和反思，通过视觉上的美好体验疗愈人心。
（三）具有内涵和价值观：艺术IP的内容属性通常以文字、图片、视频、音乐等多种形式进行表达，与服饰的结合，主要集中在服饰图案的设计上，包括logo、文字、图案等细节方面的设计。一个好的艺术IP除却皮囊之外，也一定是有内容的，包含价值观和世界观的完整体现。态度、观点、价值观是艺术IP的核心内容，人们对艺术IP的兴趣和关注大抵始于外在的魅力或大众流行，真正能留住人心的却是那些抽丝剥茧后仍能挖掘出人性深度的艺术作品，比如梵高的《星空》。这样的艺术IP能一直保留艺术的回味和张力，跨域了时代边界，也打破了民族的界限，甚至形成了一种独特的不可被复制的文化现象，不断引领人们去思索、去探讨和追问。同时，数字化的全球蔓延带来多元的信息交融，不同的地域背景衍生出了不同的文化圈，不同的年龄阶层也在其中扮演着迥然不同的角色。新一代的价值理念和世界观逐渐被重塑，同时推动着消费模式和消费力量的嬗变转型。根据联合国的人口调查统计，Z世代人口在2019年占全球总人口的32%，成为人口最多的一代人。[2]他们成长于互联网时代，是真正意义上的第一代数字原住民，正在成为这个世界的重要力量。他们热衷于自我表达，拥有鲜明的个人态度，喜爱追求新奇、趣味、有内涵的事物，尤其偏爱个性化的、国潮的、复古未来主义的服饰风格。因此，在艺术IP的选择上，更倾向于选择有态度、有观点、有价值观的艺术IP，才能与年轻群体产生深层次的情感共鸣。IP实质就是经过市场验证的用户的情感承载，或是说在创意产业里面，经过市场检验的用户需求。[3]
（四）章末小结：面对新一代的消费群体，如何提升服饰产品设计的生命力显得愈发重要。在设计服饰图案时，往往需要选择具备话题性、高辨识度且拥有内涵和价值观的艺术IP。这样的艺术IP不仅自带话题、拥有一套完整的视觉输出系统，能快速扩大服饰品牌的影响力，真正做到为品牌代言，为品牌发声。而且其独特的艺术文化也在无形之中为服饰品牌注入了更深厚的艺术底蕴。
二、艺术IP在服饰图案中的简单运用
（一）艺术IP形象的直接借用：借用手法，是指借用某个形象象征性的元素、形态，或是与品牌消费者所了解的实物中截取有趣的元素来运用在本身的形象创作中。[4]例如KAWS卡通玩偶，强调色彩的运用和线条的简约流畅，并以反复在眼睛或手上运用“xx”涂鸦逐渐形成独特的视觉符号系统，其形象多以害羞或无力的姿态表现，喜欢用双手捂住眼睛或直接瘫坐在地，软萌的形象一下就牢牢抓住了年轻人的心（如表1，例1）。剥离表面的符号特征，其IP形象背后蕴藏着对涂鸦艺术的深刻演绎和动情传达，具有独特的艺术价值和引领潮流文化的能力。自2016年KAWS与Uniqlo开启联名合作以来，先后推出了多款印花T恤设计。一经上架，便被抢售而空，而大多数人都是奔着KAWS这个艺术IP来的。因此，在服饰图案的设计上，以展现KAWS的卡通玩偶为主，基本上为百分之百的艺术IP形象还原。基础用法是将艺术IP形象原封不动得直接转印到基本圆领T恤上，虽然完整保留了艺术IP的风格特征，却降低了服饰图案设计进一步创新的可能性，整体略显单调（例2）。但除此之外，也有另外一些款在图案上进行了较为创意性的设计。比如在KAWSxUNIQLOx《芝麻街》的联名系列中，巧妙地将KAWS融入芝麻街的玩偶小伙伴中间，使其成为了大家庭中的一员，消除了距离感，同时各种鲜艳色彩的惊喜碰撞，使原本平淡无奇的白T一下子变得鲜活起来，俏皮而可爱（例3-4）。或者将玩偶的眼睛全部以“xx”元素代替，画面感十分丰富，整体显得活泼灵动（例5）。其他款也都在细节上做了设计的处理，有的将“xx”图案进行局部放大，印在正中间或者胸前左侧的口袋上，显得别致而精细（例6-7）。有的则将图案进行线描提取，白描线条与黑色形成鲜明对比，别有一番趣味。（例8）
（二）绘画符号的基础提炼：2017年Gucci古驰与艺术家UnskilledWorker推出特别合作系列，以插画师作品中最典型的人物肖像和花卉图案为主题，限量40款单品，涉及服装、鞋履、包袋以及配饰。艺术家原名为HelenDownie，虽是一名业余插画师，其笔下的人物却生动感性，充满浪漫气息。她的作品浪漫有趣，具有极高的辨识度，很快便在Instagram等社交平台上崭露头角，逐渐成为炙手可热的艺术IP。经典的花卉图案平铺于连衣裙的裙身，以鲜亮而饱和的黄色为底，穿插入形态各异的花朵和枝蔓，童趣而天真。腰部融合品牌经典元素的撞色设计，同时提取插画中“一家三口”的人物肖像，印于胸前。领口黑色丝带系着蝴蝶结，与画中母亲的衣领形成呼应，袖口使用波浪荷叶边，突显出女性的俏皮与浪漫。（如图1）在包袋设计中，也同样提取了绘画中的花卉作为装饰语言，结合品牌经典的包袋款式和logo设计，诠释出别样的艺术风格。以插画中的水彩蓝为底色，选取花朵、蝴蝶和蜻蜓为主要元素，并将其放大，疏密有致。包身结合几何线条的衍缝设计，形成立体效果，搭配皮质肩带和金属链条，logo也以金属色呈现，整体不失时尚感。（如图2）绘画符号的提炼，需要将艺术IP中最具有代表性、并且能高度概括IP形象的元素提取出来，作为核心的视觉符号语言，同时结合服饰或者品牌自身的艺术风格，通过不同的材质和工艺手法实现二次表现。既要最大程度地还原艺术IP的风格特征，又不能丢失品牌固有的调性。
（三）章末小结：每一个艺术IP的血液里都渗透着独一无二的艺术魅力，它不仅仅是一个视觉上的符号代表，同时在内容上也是有态度、有价值观、有文化的。因此，在服饰图案的转化应用过程中，不能只考虑IP形象的表面特征，要尽量避免原图案的直接借用和简单贴印，需要努力挖掘背后的艺术理念，同时结合服饰品牌的风格特征和受众人群，才能最大程度地实现艺术IP与服饰图案的完美嫁接。
三、艺术IP在服饰图案中的创新设计
（一）元素的拼接重组：荷兰印象派画家梵高，可谓是集话题与流量于一身的超级艺术IP。Vans作为一个代表街头时尚文化的运动品牌，其运用梵高名画的设计，将街头潮流推向了全新的艺术维度。T恤设计中，将Vans的经典元素与《向日葵》进行重组设计，图案左边是《向日葵》的原画，右边拼接棋盘格纹样设计，并且将黑白色特意换成了《向日葵》中饱满的亮黄色，色彩上形成呼应对照，画面更加协调与丰富。此外，另一件T恤在《自画像》的下方也同样拼接了棋盘格，保留其原有的黑白色彩，同时在棋盘格中间穿插入Vans的英文logo设计，将品牌与梵高艺术进行了完美融合。连帽卫衣的设计中，后背上将《骷髅》以印花方式呈现，加入“Vincent”字符代表梵高本人，搭配黑色棉料材质。袖子上也提取了画中的黄色作为主色，进行了棋盘格的叠加设计，稳重的黑色与跳跃的黄色形成了强烈的碰撞对比，将潮流时尚演绎到极致。（如图3）
（二）典型形象的创意性改变：“飞天”源于印度，是中西民族融合的象征，它不仅散发出了壁画艺术的独特魅力，而且显示了佛国世界普度众生、慈悲怜悯的思想内涵，是艺术与佛教融合的完美体现。[5]在某种意义上，飞天可以说是敦煌研究院最大的艺术IP，它诞生于印度文化、西域文化和中原文化的交融之地，凭借飘逸多彩的裙带而凌空翱翔，姿态优美自如，深受人们的喜爱。在很大程度上，飞天的出现便概括性地代表了敦煌整体的艺术文化，因此是敦煌的艺术IP下最典型的人物形象代表，同时也是敦煌艺术最重要的一个视觉符号。马克华菲2020秋季男士潮流新款，便提取了敦煌壁画中典型的飞天艺术形象，同时融入了细节的创新设计。黑色卫衣胸前印有一块矩形壁画印花，构图上以对角线斜分，左上角的飞天舞女形象占据画面二分之一大小，处于视觉重心。右上角叠加白色线描的佛手图案，不但增加了画面的层次感，与飞天形象形成相互呼应，同时完美衬托出飞天图案的丰富色彩。而衣身为沉稳大气的黑色，与鲜艳亮丽的印花形成鲜明对比，以小见大，更加彰显敦煌壁画的艺术魅力。（如图4）在T恤的设计上，将斑驳的飞天形象进行了插画艺术的创意改变，并结合绣印的工艺手法，以现代的时尚语汇重新演绎传统文化。石窟壁画距今一千多年，带有强烈的时代烙印，若直接印在服装上，难免让人产生距离感。而将它通过时尚插画语言进行现代的翻译和转化，便能很快拉近和消费者的距离，产生亲切感。一改昔日的优雅与纤柔，画面中的飞天变得可爱而风趣，自信地舞动着身姿，俏皮的模样让人忍不住多看上几眼。周围围绕着多种色彩的涂鸦线条，偶尔点缀有几颗小星星，看似漫不经心，却与飞天形成呼应，突显出画面的随意性和幽默感，营造出轻松的氛围。大胆的撞色对比，创造了新的艺术时尚。同时，飞天形象创意的设计表达在无形之中也构架起了敦煌艺术与年轻群体之间的桥梁，让传统艺术真正通过服饰走进人们的日常生活。（如图5）如果传统文化和符号总是被人看成“老古董”或“质朴的象征”，得不到年轻人的认同和改良传播，就无法获得有活力的传承。[6]
（三）元素的融合性设计重构：艺术对于品牌的提升可以增加对艺术有偏好的消费群族，两者结合后也会吸引更多的消费者，借助艺术的影响力开拓品牌的市场。[7]2017年初，LouisVuitton携手美国艺术家JeffKoons在全球范围内推出系列包袋与配饰产品，其中选择了五位古典艺术画家的作品，将具有艺术IP属性的经典画作融入LV的标志性包款设计中。既传播了艺术名画，又为品牌注入了浓厚的艺术底蕴。其中达.芬奇《蒙娜丽莎》系列一共十二个单品，包含九个包，两条丝巾以及一个挂件配饰。作为美国著名的现代波普艺术家，JeffKoons的作品总是大胆而前卫。他以《蒙娜丽莎》的画作为底，并用LV的logo组合方式重新设计了自己的名字缩写“JK”，与品牌经典的老花图案融为一体，烫金纹样与古典画质形成对比，实现了古典与现代的碰撞与创意融合。包袋正面主要突显蒙娜丽莎的人物形象，正中间以银色金属字母饰有达芬奇的英文姓名，字母的上下左右各点缀了一朵四角花卉，与四个角上的纹样同时形成中心对称，画面大气沉稳。包身其他地方均为粉色搭配，突显柔美气质。每只包袋配有一只皮革兔子挂件，这取自于他的经典艺术品《兔子》，十分具有代表性。此外，梵高的《麦田与柏树》、鲁本斯《猎虎》、佛拉戈纳尔河《少女与狗》、提香《马尔斯、维纳斯和丘比特》等系列，也以同样的艺术手法进行了艺术图案与品牌符号的融合设计，将画家、艺术家与品牌三者进行了完美融合，实现了多维度的艺术传播效果。（如表2）
（四）章末小结：无论是元素的拼接重组、典型元素的创意性改变，还是元素的融合性设计重构，究其根本，都需要在图案创意过程中，深入挖掘服饰品牌和艺术IP的精神内涵和文化属性，找出最有影响力的核心元素，再结合创新的设计手法进行重构融合。同时在表现手法上，更加强调色彩的搭配组合、服饰材质的肌理纹样以及整体的协调性。
爱马仕(HERMES)的家族第六代传人、现任艺术总监Pierre―Alexis Dumas与配件设计师DascaleMussard共同设定，他们和整个设计团队一起前往印度，透过实际生活去真正了解印度民俗风情，用浓艳的印度灵感，营造富有东方神韵的异域风情，进而创作出可以感动人心的作品。2008年春夏，爱马仕刮起了一场印度风情的时尚风。
银色金属水壶
纯净得如同一颗拉长的水滴，具有抛光银色金属发出的悠长光芒，精致的细节设计：壶嘴的特殊几何形状设计使得流出的水具有和壶把相同的曲线。
印度人酷爱披金戴银，服饰中也大量运用金银色，甚至使用金银丝线。受到中东及过去蒙兀儿帝国遗风的影响，印度的金银首饰造型大多华丽抢眼、手工细致，以古典、华美、复杂和夸张闻名于世：纯银雕花镶缀宝石的泪滴形耳环、造型优雅的银项链、印度特有的纯银脚炼??在印度很多誊那教的寺庙中，也都可以看到神象耳朵上戴着那种金银打制并镶嵌有珠宝的耳饰。可见金属材质也是印度民俗色彩中重要的组成部分。
现代工艺让金属的精美不仅局限于首饰，更深入到家居产品。银色金属水壶，造型简洁，纯净得如同一颗拉长的水滴。弧线型设计，精致的做工，抛光银色金属发出的悠长光芒，让水壶如首饰般高贵、典雅和精美。壶嘴的特殊几何形状设计使得流出的水具有和壶把相同的曲线，这一精致的细节让这个水壶更具时尚感。印度传统手工艺品富有浓厚的民俗色彩，纯手工漆绘而成的红色、紫黑色木质叠盘，线条优美、色彩厚重，在典雅中透出现代感。红色和紫黑色，在印度的绚烂色彩中并不起眼，但它却是印度女人们的“吉祥痣”最普遍的两种色彩。已婚妇女都点上红色痣，表明她们享有家庭幸福生活；未婚女子点痣不用红色而用紫黑色生孩子或回娘家的妇女，也以紫黑色痣作点缀。足见这两种色彩在印度的重要地位。
红色和紫黑色两种吉祥的色彩，再加上精湛的工艺却让这些木盘充满了高贵的品质。上漆层数多达到10至30层，使用极其精细的砂纸工艺砂制成形，并且最后一次砂制用一层蜡来作为保护。此外，不同色彩的木盘还配有压缉缝制的小牛皮提手。
涂漆木盘，配Chamonix小牛皮提手
在越南用手工漆绘而成，每个木盘的上漆层数都达到10至30层。用极其精细的砂纸工艺，砂制成形，并且最后一次砂制用一层蜡来作为保护。不同色彩的木盘都配有压缉缝制的小牛皮提手。
叠碗，Khat木和Mysore山羊皮
这款作品灵感来自于佛教僧侣的木碗，以坚硬的khat木雕刻而成，这种树木生长在印度的沙漠地区，手工车成，碗边镶以一圈同色或对比色的Mysore山羊皮，为天然木色凭添一抹亮丽印度是佛教的发源地，用仿印度僧侣所用器皿的木头钵，轻易把浓浓的印度风情融入现代时尚设计中。印度手工艺品，大多采用天然材质，体现朴实无华的质感。使用生长在印度的沙漠地区的坚硬的khat木，纯手工雕刻制作而成的木质叠碗，充满自然气息，似乎让人感觉到深邃的智慧。碗边再镶以一圈同色或对比色(如黄色、紫色)的Mvsore山羊皮，为天然木色凭添一抹亮丽，自然中透出时尚感。
未做任何处理的柚木摸上去手感沙沙的，不涂任何油漆，保持其原始的木色，恰与结实耐磨的Clemence taurillon小牛皮形成完美搭配。现代技术让椅子不仅具有观赏性，还有实用性，椅座宽大，可调节，加上配套的折叠凳和靠垫，足以适应从花园到起居室的一切过渡。
折叠椅，柚木和Clemence Taurillon小牛皮
便携，可折叠，结实耐用，这是一款最为高雅时尚的折叠椅：未做任何处理的柚木摸上去手感沙沙的，不涂任何油漆，恰与结实耐磨的CIemence taurillon小牛皮形成完美搭配，宽大的椅座，可调节，加上配套的折叠凳和靠垫，足以适应从花园到起居室的一切过渡。
沙滩浴巾，纯棉
这款以印度风格为主题设计的沙滩浴巾有丰富的色彩，可确保您的假日充满阳光，这款大浴巾(150*200 cm)大得足够一家人使用!轻柔，存放时节省空间，并可与同一系列的纱笼和沙滩包搭配使用。
印度是个色彩极其丰富的国家，印度人对彩色的迷恋让人吃惊，他们从不吝惜夸张颜色的涂抹：明黄色的店铺，明黄色的纱丽，湖蓝色的墙壁，大红的头巾，土黄色的地??甚至某种颜色都在不经意中演变为一座城市的标志。常年阳光普照的气候环境，为植物、花卉、蔬果等提供了极佳的生长环境，也让印度包罗了“赤登黄绿青蓝紫”所有色彩，印度因为拥有这些阳光的颜色而变得绚丽多彩。
不管是同系的渐变色，有还是大胆的对比色，浓烈的色彩总能做到合理搭配。这种不寻常的色彩搭配运用，让平凡的沙滩浴巾也都具有浓郁印度装饰风格、浓烈丰富的色彩，充满假日的阳光。
从色彩斑斓的纱丽到普通的家居服，人们对印度服装最感性的认识就是大胆运用鲜艳的颜色，即使是最平常的针织品也能用色彩搭配得很出挑。用高科技面料保证睡衣保暖、轻盈、柔软、易清洗的同时，兼具鲜艳的色彩。以手工纺纱织成的印度土布(遵循圣雄甘地的教诲)，采用多色压条、细小的花朵纹印花、和木马图案，配上色彩如黏土、胡椒、洋茴香和亮眼橘色等抢眼的“香料”色调，运用织品的天然质感和色彩的对比和协调感，弥漫着一片异国风情的华丽氛围中，仿佛看见神秘而古老的印度。
儿童睡衣套装，纯棉印度土布
以手工纺纱织成的印度土布(遵循圣雄甘地的教诲)儿童寝室系列，该系列推出女孩版、男孩版和男女皆宜版，采用多色压条、细小的花朵纹印花、和木马图案。其中一些产品絮有棉花用于保暖，但仍不失其轻盈、柔软、易清洗的特点。
“CHEVAL D’ORIENT东方之马”小方瓷盘五件套
［摘 要］
汉传佛教是流行于我国内地，以汉语为传播载体的佛教流派。在时代的经济、文化和人们审美观念影响下，汉传佛教不断呈现出不同风貌，逐渐具有了汉文化特色。自魏晋南北朝起，大乘佛教菩萨――观世音菩萨服饰即与中国传统文化相融合，经过模仿和不断演变，至宋代呈现出中国传统韵味。
现有文献表明，在佛教服饰的研究过程中，诸多学者偏向社会学和宗教学方向，本论文从服装学的角度去探索佛教服饰的特点和实质，以典型的石窟造像探索唐代观世音菩萨汉化服饰特征，以此来丰富中国传统服饰文化内容。
佛经中，释迦牟尼称观世音菩萨为“善男子”，而不是“善女子”，《太平广记》与《法苑珠林》记载观世音菩萨为男身，《华严经》载：“见岩谷林中金刚石上，有勇猛丈夫观自在，与诸大菩萨围绕说经。” 故此，观世音菩萨为男身证据确凿。但多数学者认为，大乘佛教发展到隋唐两代，为了扩大宗教规模，吸引更多的信徒，特别是女性信徒，观世音菩萨女性特征逐渐增多，唐中后期，具有显著女性特征的观世音菩萨出现，女相观世音菩萨至宋代趋向普遍。女相观世音菩萨的外在相貌符合世俗人审美心态，她的慈母之爱、女性之美颇能打动凡心，同时女相观世音菩萨形象也隐现了儒家伦理道德意识，观世音菩萨在中国文化沃土中生根。
“造像”，“造”在《辞海》解释中有制作、做的意思，例如远古发明创造的“甲骨文”、“篆书”、“隶书”等都具备创造、制造之意；“像”的原始解译为比照人物做成的图形，在人文领域则更多地涉及臆造之像、模造之像。行文中所述的“造像”为石窟造像。汉化观世音菩萨的石窟造像主要比对我国人体身高体型相貌规例进行塑造，这给研究服饰提供了丰富素材。
1、汉化观世音菩萨装身变化
魏晋南北朝以后，佛教造像逐渐本土化,汉化观世音菩萨装身庄严（服饰在佛教中佛、菩萨等必备的服饰装饰称为装身具，包括：天冠、璎珞、严身轮、臂钏、腕钏、足钏、天衣、裳等。）变得越来越不讲究，身上的衣着逐渐多起来，有的还掩饰了原有装身庄严的璎珞，有时连斜挂和络腋也分不清楚，甚至取消。盛唐以后，中国封建贵族的服饰品样在观世音菩萨服饰中都有体现。
隋代中后期以后，女相服饰特征偏重，汉女子的儒裙、披肩在观世音菩萨服饰上都有所体现。如图1敦煌244窟菩萨的整体造型除肩搭帛巾披肩佩饰天衣（观世音菩萨在上臂部和腕部佩戴“臂钏”，在踝部佩饰“足钏”， 腰带由金属和珠宝构成“宝带”，其中华璎珞佩饰以及体现菩萨特性的天衣，是菩萨区别于世俗的不可逾越的规制。）之外，还融入了僧伽服饰典型的三衣服制，只是三衣边缘镶嵌的纹样褶饰及三衣形制上的花纹，显出女相观世音菩萨的贴身内衣雏形，与当时甚为流行的裆等有异曲同工之妙（图2）。
2、唐代汉化观世音菩萨造像服饰
精神文化交流，在唐朝特别活跃，正由于唐人思想的开放与发达，由印度引入的佛教思想在中原大地很快找到适合生存的土壤，并与之巧妙融合。这时期的观世音菩萨服饰，完全可以从魅影中找到世俗的身影。
初唐时期观世音菩萨服饰更多采用印度犍陀罗艺术风格，璎珞华装身庄严为主要配饰，穿天衣，裳常用两色绫罗拼合，形成褶裥效果。上身袒露，原有饰物所剩无几，身躯的丰盈优美显得尤为突出。菩萨体表具细微的曲线变化，身体结构几乎达到了现代解剖学上的精确，肌肤圆转而富于弹性，衣饰柔软而富于质感，是唐初期开放思想下菩萨的普遍服饰款式。
中唐起即显现汉化的元素。菩萨发髻双分，不再袒露上身，而着圆领上衣，天衣自肩而下，另一端搭于肘部并形成优美的弧形曲线，小“S”形，衣褶效果真实，彩绘精密而绚丽。菩萨面容饱满，带慈祥和善之意，明显透露出人情味及世俗气息。图3这尊观世音菩萨造像是初唐向中唐过渡的服饰，观世音菩萨身着袒领大袖衣，袒露胸脯，似民间“绮罗纤缕见肌肤”，以裙腰遮住双乳，外用轻纱蔽体之感（图4）。菩萨栩栩如生的装束，拉近了与民间女子的距离，同时提升了佛教信仰的推广度。
盛唐时期菩萨（图5、6）衣着有返古流行之趋势，经济的发达与精神的开放使唐朝人民不拘泥于本土服饰，广为中用成为文化主流，反映在菩萨服饰上即是华璎珞的富丽堂皇与大气凛然。
观世音菩萨服饰在唐代与世俗女子服饰联系紧密。身穿半臂，肩搭披帛，半臂形变服饰对襟、长至腰际、两袖宽大长不掩肘，帛巾以轻薄纱罗制成，上印花纹。
宾阳洞是魏晋时开凿，期间经历隋代，至唐代初完成的石窟群。洞中菩萨所依外型为隋唐时期贵妇装束，菩萨衣纹、佩饰体现汉化景致。菩萨整体造型，除基本保留观世音菩萨装身装饰外，脖颈细纹明显，天衣掩胸，丝帛质地轻盈华贵。“半臂”以及唐代妇女时兴的“披帛”整体笼罩，轻薄纱罗制成的丝帛上印花，改良为狭长丝带装饰其上。裳用多色绫罗拼合，形成褶裥效果，体现出了中国传统女性服饰的婀娜靓丽之型。如图7虽然观世音菩萨面部残缺，但通过其身形可明显看出唐代造像特色。菩萨像头部梳唐代特有的高发髻，身体十分饱满，而且腰部稍扭，整个身躯呈优美的“S”形。唐代女子的“披帛”及帔子出现在菩萨身上，冠服服制的蔽膝也经过简洁形变后搭配在菩萨的儒裙前部，显现既轻又垂的效果，其中华丽的璎珞装饰，显现大唐华贵的气韵。
3、用色与纹饰
唐代观世音菩萨用色及纹样装饰显著。菩萨衣着服饰除沿袭早期几何图形等外，唐代“卷草”也形成唐代独特装饰风格。观世音菩萨服饰色彩上以石素、石绿、朱砂、土红、黑、金互相搭配。唐彩塑观世音菩萨（图8）裳上的装饰风格显示了唐宫廷织锦的特征，以金箔为地，用金丝织纬，闪闪发光。金壁辉煌的色彩，把菩萨的体态衬托得更加娴雅、温柔，打破了神与人的界限，像大家闺秀，似宫女。
4、冠帽
观世音菩萨除装身具外，冠帽（图9）也是必备之物。主要有两种：一种是佛祖像围绕和合；另一种是华宝冠。无论哪种，宝冠正中间为释迦摩尼佛，体现佛教里佛祖辈尊为最，观世音菩萨是阿弥陀佛的左肋士菩萨，位居第二、三阶等级。
小 结
综上得出唐代化观世音菩萨服饰造型总结如下：
总之，唐代汉化观世音菩萨服饰实际上是封建贵族服饰在佛教审美观上的体现，是借助人对神的崇拜与丰富的文化底蕴而成就的服饰群，是外来佛教文化与中国本土儒家、道家文化激情交融的结果。
参考文献
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6、 周锡保著.中国古代服饰史[M]. 中国戏剧出版社，1984
图片来源
图1/3/5笔者在美术馆敦煌展中拍摄
图2/4/6 笔者手绘
新加坡虽是个弹丸小国，却有着十分多元的文化。除了占人口总数3/4的华人外，还有马来人和印度人（泰米尔人），各民族和谐共处，各自保留着独特的生活习性和灿烂的民族文化，为新加坡增添了独特的魅力。在新加坡，实笼岗路（Serangoon Road）一带是印度社群聚集的地方，这里充满了印度风情，好似印度的缩影，人们习惯把这里称作“小印度”。
实笼岗路是一个让人眼花缭乱的地方。如果你时间充裕，以前没有去过印度，或者这辈子也不想去印度，那么一定不要错过新加坡的小印度。这里的交通非常便捷，搭乘新加坡地铁NE线到小印度站（Little India）下车即可，一出地铁站，就能看到一块“小印度艺术区”的指路牌。
一踏进小印度的区域，我就有一种穿越到印度的错觉。大街上的行人以脸色黝黑的印度裔为主，空气中弥漫着浓重的咖喱和香料味，街头售卖着各种印度的工艺品和食品，耳边飘过的是带有浓重印度口音的英语或泰米尔语。
甘贝尔巷是一条杂货巷子，面积不大但人流不断，行走其间，充满印度风情的商品琳琅满目。各种极具印度民族特色的产品，从茉莉花饰到印度神像，应有尽有。缤纷的茉莉花环是印度教徒前往庙宇膜拜理神的必备物品，因为花代表繁荣兴盛。据说将红玫瑰、白茉莉和黄色金盏花编织在一起，象征着爱、和平与团结，表达出人对神明的敬意。
音像店里出售的是清一色的印度电影和唱片，满大街回荡着节奏鲜明的印度歌曲。身着鲜艳民族服装的印度裔女性流连在珠宝首饰店前，满街的沙丽裙摆随风飘逸。印度人喜欢夸张的金饰品，对印度教徒来说，黄金象征好运，所以男女老少都喜欢穿金戴银。
小印度街道两侧店铺林立，建筑色彩缤纷，出售金饰、沙丽、香料等各色印度商品，全方位冲击着你的视觉、听觉、味觉和嗅觉。
来小印度绝对不能错过维拉玛卡里雅曼兴都庙，它是新加坡最古老的兴都教寺庙之一，里面供奉着维拉玛卡里雅曼（又名伽梨Kali）女神，是主掌破坏的凶恶之神，象征力量与勇气。
此庙始建于1855年，彩绘门楼属于典型的南印度建筑风格，寺门上方高耸的塔楼雕刻着色彩丰富的印度教神像与圣物牛、斗士等，在太阳的照耀下闪闪发光，耀人眼目。寺庙周围的墙壁，都被涂成红白色，极富喜庆气氛。这些神像密密麻麻，数不胜数，色彩艳丽，形象生动，在阳光下熠熠生辉。虽然我不清楚这些神代表着什么，但作为一种艺术品来欣赏，仍然是很震撼的。
在庙里走上一圈，发现每一位神灵或动物都雕刻栩栩如生，神态各异， 尤其是眼睛和服饰，一看就来自印度！一个个精美的雕刻看过一圈后，竟然发现这些“大神”的肤色还各不相同，让人特别想去知道庙宇里这些神灵和动物背后的故事。
小印度是新加坡印度族群的聚集地，是印度族群的精神寄托，是大印度的缩影。小印度虽然范围不大，但绝对是一个让你的感官和心灵为之悸动的幻彩世界。
关键词：服装设计；符号学；霍莉・富尔顿
一、霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装符号化的运用方式
霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装符号化特性所表达的文化内涵，可以通过服饰的显性和隐形的符号表达出来。
1、显性文化符号的运用
显性文化符号是一种视觉符号，有着其直观性、简便性和视觉识别性，同时在一定程度上体现了霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装设计思想的内涵。例如在霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）2013春夏系列作品中，最具艺术风格识别的有大胆的彩色印染、具象的图案、夸张的大首饰等。设计师霍莉・富尔顿在其设计作品之前就深层地了解或积淀了装饰艺术风格和民族部落的文化，才能将其巧妙地运用于现代服饰中（见图1）。
设计师霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）通过服装的外部结构、款式造型、色彩、装饰等形式表现出来的，由于显性文化符号是以直观的形式表现在服饰设计中，所以她的服饰风格容易被大众认识和理解。从英国皇家艺术学院的毕业秀开始，Holly Fulton就将她鲜艳明快色彩以及夸张几何图形的设计风格带到伦敦时装周的T台上，并迅速成为备受瞩目的设计人才。她习惯把Art Deco演绎至极致，用夸张的设计理念改造出新世界的时尚。她设计的首饰，混搭木材、有机玻璃、水晶以及皮革，轮廓大胆，配色明亮，为时尚界带来一股轻松自然的奢华之风。
2、隐性文化符号的运用
在霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装系列中也有含蓄的表现方式。在她2014秋冬服装系列中，她将机器美学和装饰运动风格相结合的想法作为一种视觉上的隐喻出现，反映了 Fulton 工作的方式――手绘出图案，用机器切割面料，然后在这些衣服上手工加上贴花装饰完成这个循环。这些都听起来太专业、太晦涩了（同样的还有对导演 Dziga Vertov 的纪录片《Man With a Movie Camera》的引用），不过事实上整个系列都很有趣。在上个月在巴黎的男装会上，手的图案就很流行，在 Fulton 这里，它包含了三重的隐喻（她曾经梦想成为一名手模；她对配饰的喜爱体现在了好几件裙子上一只巨大的、指甲整洁的手上平面化的手链上）。在其中一件上，这只手拿着一个旧式嘻哈风格的手机。不过这个意向远不如螺母、齿轮还有来自 Fritz Lang 的《大都会（Metropolis）》的感叹号复古，它出现在一件卢勒克斯织花毛衣上。
Fulton 的印花设计实在太吸引人了，以至于她的剪裁设计――考究的大衣，宽大的低腰连衣裙，百褶短裙――都成为了附属，即便它们是那些透明面料细节设计的基础所在。也许要求 Fulton 去掉一些装饰有些过分；简洁的风格让她气馁。
二、霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装符号化的结构要素
服装符号化系统是通过个体或系列的服装设计过程确定“能指”与“所指”的关系的总和，即在服装设计系统展开中，首先设立一个表达其概念的“所指”即确立服装设计风格属性，然后，选用一个或一系列要素形象来实现“所指”的意义，使“能指”与“所指”关系对立统一。其设计系统形成是由其内在要素结构向表层视觉结构的转化过程。
霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）的服装系列的内在结构要素主要体现在款式、形状、色彩、面料、工艺等，在设计过程中，表层视觉通过这些要素的构建而产生。
下面从色彩、图案中阐释这些符号对霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装设计产生的作用。
1、色彩要素符号在服装设计表层视觉结构中起到的作用
色彩具有情感、性格、文化等信息，并深刻影响人们的视觉感受和心理情绪，病赋予服装强大的生命力。在Fulton2012秋冬服装系列中丰富的色彩、醒目的颜色传递给人喜庆、神秘、热情、兴奋的信息。黑色常把人们的思维引导到一种深沉凝重的思维空间和情感世界中，表现出永恒的魅力。
2、图案要素符号在服装设计表层视觉结构中起到的作用
图案的应用，为服装设计提供了新的视觉语言和设计思路。一系列具有典型Fulton风格的几何图案造型开启了表演的序幕，更加深了人们对她是个图案造型设计的积极分子的印象。忠实于她的DNA，她设计了一些大胆的组合：一个窗格图案的衬衫搭配上一个印满心形图案的铅笔裙；M.C. Escher-esque几何立方体搭配上一个照片般真实的老虎图案；另一个有着巨大的口红管造型的铅笔裙，搭配上模糊的毛衣和一个戴满珠宝的脖子。Fulton将图案进行新的分析、选择、整合，考虑其在造型结构上的可行性，兼收并蓄，融汇贯通。
三、符号化元素对霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）服装设计的影响
服装符号化设计是一种运用符号元素承载信息、进行设计交流的设计方法，通过造型要素构成方式来诠释服装的形态意义是服装符号化设计的关键所在，是服装设计中感性投入、理性参与、情感传达、设计表现的工艺装饰手段。
在2013春夏系列中，在Holly Fulton看来装饰艺术风格和部落图案风格对其来说都是至关重要的灵感来源，采用大胆的彩色印染，丰富的流苏，羽毛镶嵌珠宝等呈现出令人难忘的怀旧度假风情。对此，Holly Fulton 这样形容自己的全新系列：“我以Joan Collins为灵感缪斯，Fulton女士们开始了一段令人兴奋的异国旅行。简洁明快的剪裁加上标志性的装饰风格，配以醒目的首饰，就是一种浑然天成的现代时尚风格。一件让你感到自信的衣服，很大程度上可以提升你的精神状态。最重要的是，改变的魔法就在你的指尖。”当然，从这一季的秀场开始，Holly Fulton不再单单只有精彩的装饰品为我们留下深刻印象，越来越有味道的服装设计也更好地与她的配饰相映成趣。那些及踝的背心式长裙，箱型的复古轮廓以及同样颇具上世纪六十年代色彩的印花，都同样令人难忘。
四、结语
设计是服装的灵魂，个性而专业化的设计是实现服装创新的根本。在霍莉・富尔顿 （Holly Fulton）的服装系列中带有很强的符号化、个性化审美，从而使她的设计熠熠生辉。我们应该用发展的眼光审视服装设计，仅仅采用拿来主义虽是一条不错的捷径，但应该在设计中融入自己的思维，这样才能具有设计的创造力，符号化是对服装元素进行有效设计的主要手段，为使符号化元素的可行性增强，必须不断在方法上推陈出新，在服装的意义和功能上获得市场的青睐，这不仅令服装具有更多层次的物质性能，而且拥有了更深层次的精神内涵。
参考文献
纱丽，丝绸变幻的妖娆模样
印度女孩给人的第一印象就是那双漂亮幽深的大眼睛、那热情奔放的舞蹈和迷人的笑容。身袭一身漂亮的纱丽，身材更显凹凸有致，令人着迷。一段简简单单的彩绸，不缝不缀，在身上盘来绕去，竟能变幻出万般花样，成为千年时尚，常盛不衰。它的迷人之处在于它看似复杂刻意，其实却简单随意。不论你是高、是矮，是胖、是瘦，纱丽都适合你。它既能帮你掩饰缺憾，又能助你凸显优点；它既能从头到脚包裹全身，又能充分显露出体现女性美的身体部位。
不穿纱丽的人很难了解到，它还是一种多功能的服装。例如巴露（印地语“Pallu ”的音译），即纱丽在身上缠到结尾一米多长的一段，它通常是从右后臀绕过来，斜盖胸前，搭在左肩上；它还可以从后背拉起来盖过头顶，既能用作头巾来遮挡似火的骄阳，又可用作手巾擦拭突如其来的雨滴。除使用功能外，印度女性还可用巴露含蓄地表达感情：新娘用它遮住脸庞以掩饰羞涩；晚辈见长辈时用它盖过头顶再垂至前胸以表示尊敬；故意将它猛地往肩后一搭可以表示愤怒不满，甚至抗议；任其随风飘摆或滑落则流露出欢乐和无拘无束。
外国人乍看来，纱丽的种类似乎仅仅是花样颜色的区别和面料质地的不同，但印度人则可以从纱丽看出着装者来自哪个地区，估计出她的身份、年龄和社会地位。印度妇女的纱丽收藏体现出她们的贫富等级，是她们一生中的很大一笔财产。
吉祥痣和发际红
给客人点红，这是印度给予尊贵来宾的一种传统礼遇。其实，印度人，特别是妇女，更多的是给自己点红。只要去过印度就可以发现，印度妇女，不分老幼，不分贵贱，都在前额正中点一个红点，这称之为吉祥痣，在印地语中叫“迪勒格”。朱红色的一点配在暗色肌肤上效果很奇妙，人一下就变得妩媚了。
按照传统的方法，点吉祥痣时要用朱砂、糯米和玫瑰花瓣等原料捣成糊状点在前额的眉心。据说这本来是一种宗教符号，可以消灾避邪。印度古代的瑜伽学者认为，前额的眉心是人的生命力的源泉，必须涂药膏加以保护，因而，至今仍有不少印度教苦行僧前额点上朱砂。
随着时代的进步，传统的用朱砂点吉祥痣的方法正逐步被淘汰，女士们大都用市场上买来的一盒盒现成的吉祥痣，用的时候取出贴在前额上，不仅方便，而且尺寸、颜色多种多样，可以供挑选，以搭配不同色泽的衣服与首饰。
“发际红”是印度已婚妇女使用的红色粉末。在婚礼上，新郎会将“发际红”抹到新娘头发的分界处，表示她已经嫁人了。后来，“发际红”成为了已婚女子日常着装的一部分，一旦成为了寡妇，则不得再涂抹发际红。一旦守寡她们就要抛弃吉祥砂痣与珠宝，并且穿上素衣。
环佩叮铛的心酸枷锁
在印度，与男人打交道的机会要远远超过女人，大多数与游客接触的工种，几乎全是男性，餐厅、旅店服务员、商店小贩、公交车司机售票员等……
印度女人呢？
行走在印度街头巷尾、田间地头，那些无所事事的男人，目光游离表情麻木，大家聚在一起聚众不闹事，只等时间慢慢流逝，就在他们的旁边，身着艳丽纱丽的女人，正忙碌中，有的还背着孩子，手上的活儿却是一刻停不下来。
骄阳似火炙烤着大地，乡村的田野、城镇的工地，那些印度的女人，头顶烈日，默默的劳作中。疏通地沟、搬运粪土、打扫街道、筑路工地等，技术等级要求不高的重活粗活基本都是女人的事。她们的孩子与她们一同生活在凌乱不堪的工地，无人看管。除了那些重活儿、粗活儿，剩下的当然是生育，在印度，常常碰到印度人骄傲的说：“我们即将超过你们，成为全球人口第一大国！”
在印度，已婚妇女须在鼻子上穿孔，戴上贵重的金属鼻环，有的还用金链将鼻环与耳环相连，形成了别具一格的面饰。除了鼻饰、耳饰之外，已婚女子还必须佩戴脚铃，这种粗重的金属脚铃，总是发出叮铛的撞击声。据说，脚铃不光是为了美观辟邪，更重要的用途是防范新娘招蜂引蝶，做出越轨的事来。
