时间：2023-05-29 17:24:41
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇舞蹈服装，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
舞蹈是一种通过丰富的肢体语言和灯光、旋律陪衬带给观众视觉享受的艺术形式，能够给观众带来强烈视觉冲击力的除了舞蹈动作本身，舞蹈服装的搭配也是重要元素。舞蹈服装既要彰显出舞姿的灵魂，又要便于舞者的动作施展，更要从视觉上给人留下深刻印象。因此舞蹈服装设计过程不同于一般日常生活中人们所穿的服饰，而更具有夸张性、艺术性等特点。对于舞蹈服装设计师而言，除了掌握必要的设计知识，更要有针对性地理解舞蹈所表达的内涵主旨和舞者自身的动作特点，方能做到有的放矢，设计出符合情境、色调俱佳的服饰作品。故而从舞蹈服装设计的理论与实践角度出发研究服装设计、制作的过程，以及艺术特性、审美价值等，对于舞蹈服装设计的发展至关重要。韩春启的独著《舞蹈服装设计教程》（上海音乐出版社于2004年11月出版）一书便针对舞蹈服装设计，对其基础内涵、审美特征、设计要点和影响因素等进行了具体研究和论述，旨在为舞蹈服装设计专业学生和教师进行理论指导和实践点拨。综合而言，该书特点主要体现在以下几方面。
首先该书极具代表性和可操作性。该书作者除了对舞蹈服装设计基本概念、艺术及审美特征进行简要探究之后，将舞蹈服装设计的整体过程、设计要点和工艺流程以及影响因素等都进行了具体的论述。口语化的语言和浅显易懂的概念陈述可以帮助初学者入门，也可以帮助服装设计师找寻不同的设计理念并寻求自身突破。可见在作者看来，服装制作的过程和审美艺术特征同样重要，且对于读者而言完全可以参照该书中所提及的服装制作方法去设计实际的舞台表演服装，因此增强了该书的操作性。另外，本书还附带一部舞蹈服装设计图集，主要是作者近十年来演出实例中的服装作品，图文并茂的论述方式增强了该书内容的表现力，也为初学者和从事舞蹈服装设计的人提供了丰富的设计素材。因此从内容上来讲，该书不仅具有学术价值，更极具表现力和实践应用价值。该书的另一亮点在于其追根溯源，结合舞蹈服装历史发展阐述当今设计工作的重点。
众所周知服装设计师是整个设计工作和制作流程的灵魂人物，必须深谙影响设计的重要因素，在熟知设计发展史的基础上洞悉设计现状中存在的问题以及未来的发展趋势。该书综合分析了舞蹈服装设计的历史与现状，并对部分优秀的舞蹈、舞剧服装作品进行了赏析，分析得出只有立足中国的文化历史，挖掘不同民族、不同地区舞蹈风格和着装服饰的特点，才能在设计出既拥有民族特色，又能传递民族文化的舞蹈服装作品。设计师则要根据具体的舞蹈风格制定设计方案、制作工艺、选定面料等，并结合实际的舞台灯光效果进行颜色搭配。此外设计师不仅要具备专业的音乐舞蹈知识和丰富细腻的情感，更应具有扎实的绘画功力、文学修养、强烈好奇心和组织协调能力，才能做到将创意构思、图案描绘、色彩搭配完美组合在一起，从而针对舞蹈、舞剧、综艺表演、广场表演等不同的舞种风格游刃有余地向观众传递不一样的感彩，在整个舞蹈服装设计过程起到枢纽和桥梁作用。
当今舞蹈服装设计行业需要能不断突破、大胆创新的设计人才，更需要科学先进的服装制作工艺，信息时代为人才的培养和工艺流程的推进都创造了条件，舞蹈服装设计行业需审时度势、抓住时代机遇，在创新发展之路上更进一步。因此该书综合分析了影响服装设计的重要因素以及作为舞蹈服装设计师所应具备的基本素质，又站在时代的角度对未来舞蹈服装设计行业的发展做出了展望，为该书赋予了一定的时代特色，也增强了该书的可读性。综上所述，《舞蹈服装设计》一书从服装设计的本源出发，结合理论与实践，对服装制作流程和审美艺术特征都进行了详尽的论述，也为未来舞蹈服装设计行业发展指明了方向，是一部极具学术研究价值和实践指导意义的优秀著作。
作者：李青青
如今人们健身观念也在发生着变化，越来越多的人加入到“舞者”之列，在绽放的舞姿中寻求身心的愉悦。舞蹈服装生意也风声水起，市场一片大好。
在深圳，与舞蹈、健身有关的行业正在壮大，舞蹈服装市场也随之发展。从三岁小孩到六七十岁老年人，都喜欢用舞蹈润色人生，专业舞蹈服装店应运而生。
前年起步抢占商机
走进黎君的新雅舞蹈服装店，红黄蓝绿紫各色的舞服、舞鞋、舞帽、头饰、小鼓应有尽有。
1998年，黎君开始用业余时间做舞蹈服装。“当时卖得最好的是健美服”，他从深圳青少年宫、商场和体育馆慢慢扩大客户群。
两年前，他花了6万元租下小店成立新雅舞蹈服装店，是深圳当时为数不多的专业舞蹈服装店，卖健美服和各种舞蹈服，每月营业额4至5万元，利润占两成左右。
投入20万月赚5万
黎君说，当时店里租售的舞蹈服从各地采购，种类跟现在来比少很多，顾客必须提前定货。由于店铺太小，很多服装无法摆出来，有时候遇到七八个客人一起来挑衣服，试衣也很不方便。一年多前，黎君扩大经营，租下了一间比原来面积大10倍的店铺，一半租售服装，一半用于将来开舞蹈训练班。
店铺面积扩大了，解决了很多问题。黎君发现，顾客对服装款式要求不同，从外地厂家批发的产品不能满足需求。于是，他又在布吉开一间小作坊，自己设计服装款式，雇七八个员工制作服装。黎君说，小作坊加工形成不了规模效应，一些生产成本较高的服装如训练服、健身服主要是从其他厂家进货，但演出服就不同了，自己可以根据客户的需要加工生产，成本也不高。黎君举例说，一套秧歌服装自己制作的成本是五六十元，在店里出售能卖到是八十元左右，但如果从厂家进货最少要七十元。由于自己能够根据客户需要设计服装，服装的颜色、款式等各方面都个性化，供货更及时，利润节节上升，顾客量也比以前翻了一番。除了深圳，现在他的客户遍布广东，曾有一家东莞公司一次性订走3万元服装。
黎君给记者算了一笔账，店铺和小作坊的投资额在20万元以内，租金、员工工资、广告费、运输费等加起来每月支出4到5万，现在月营业额平均10万元，净赚5到6万。
舞蹈服饰 服饰设计 《踏歌》舞蹈语言艺术
我国历史源远流长，泱泱中华民族服饰的演进发展，是五千年优秀文化的组成部分。在这华彩的服装文化长河中，舞蹈服饰是这长河中璀璨的一涓，它伴随着舞蹈艺术的发展而发展，是一项蕴含着丰富文化内涵的独特的艺术门类。舞蹈是一种人体肢体语言艺术，通过对自然或社会生活的观察、体验和分析，然后用精练的形式和技巧，集中地反映了鲜明的人物和故事，表现了人的生活、传递了人的情感、体现了人的精神、是人体内在的爱与外在的美神韵的再现。舞蹈艺术是无国界的文化艺术形式，存在于最发达和最原始的人类生活中，而舞蹈服饰文化则伴随着不同民族文明的进步、不同历史文化的演变，在世界文化的大熔炉中不断地融合、碰撞、变异和发展。
从舞蹈实践中看，“舞蹈服饰”是包含着“服”与“饰”两个大部分的广义概念。它不仅包含首服、足服、躯体服对舞者进行全面的艺术包装，也包括对舞者外形进行全面的修饰；可以使用各种装饰手段对舞者进行装饰点缀、发型处理、面部化妆，还可以帮助舞者塑造舞蹈形象的服饰配件――道具部分：如长绸、刀剑、伞扇，等等。舞蹈服装是约定俗成的称谓，从字面上讲，他不仅指包裹者躯体的服装，还包括舞者的装饰和配件部分。但从其实际使用内涵看，它也包含舞蹈的“服”与“饰”两个部分的广义概念；从扶助舞蹈形象的事例看，“服”与“饰”的艺用功能往往更重要，所以使用舞蹈服饰称谓能比较准确、科学地概括舞蹈服饰的本质与内涵。作为人类特有的社会实践的劳动艺术成果，服饰既是人类征服大自然的物质条件，更是人类求生存、求发展的精神成果。人们的生活习俗、审美情趣、色彩好恶以及种种文化心态、宗教观念等都积沉于服饰之中，因此服饰是世界各民族文化的一种物质构成形态。
纵观人类服饰，五彩缤纷，浩如烟海，但从其使用对象、使用目的、使用时空和设计重点看，却不外两个系统：生活服饰系统、舞台服饰系统（又称“演艺服饰系统”）。生活服饰系统的使用对象是生活在各阶层、各行业的广大民众，使用目的是满足广大民众的各种物质生产和日常生活需求，使用时空是自然、真实的生活现场，设计重点首先是追求服饰的使用功能，其次才是在实用基础上的精神价值，如服饰的美化、个性化、情趣化等，所以生活服饰系统属于实用服饰造型范畴。舞台服饰系统的使用对象是各类演员，使用目的是帮助演员完成演艺使命；使用时空是人为虚拟的舞台艺术时空，设计重点与生活服饰系统呈逆向，首先是追求服饰的精神价值，如对舞台形象造型艺术效果的执着追求，其实用功能因此被相对淡化和旁置于次要地位，因此大量的代用品被堂而皇之地纳入舞台服饰家族。只要能达到舞台形象所需的艺术效果，有助于演员的演出，任何代用材料都可以成为舞台服饰的家族成员、成为演员扮演角色、塑造舞台艺术形象的得力助手；现代的舞美设计与古代的造型形成了渲染现代舞蹈服饰艺术的重要内容，夸张的造型与明亮或阴暗的灯光效果似乎才是当时的历史情节。
设计构思是舞蹈服装设计的第一步。舞蹈服装的构思方式没有一定之规，不同的设计师可以有不同的进入方式和切入点。首先就是搜集素材，对舞蹈服装设计师来说，素材主要是指形象资料、图形，包括对设计作品的历史背景、民族特征等的文学类资料的研读。
宋立老师曾说过：“舞蹈艺术比较美，比较理想化，是人体运动的艺术，它偏重于抽象化的动态形象特点，为设计师发挥主观创造性提供了更多的空间。通过看，有意味的舞蹈形式美感是能够感觉到的。否则光凭编导是没用的，那是空的、抽象的，你必须去看，那就是具体的、感性的。音乐也是要听，因为音乐决定了舞蹈的氛围。所以我们一般在编导谈了舞蹈的构思后，在设计前必须先去看舞蹈的排练，因为它可以帮助我们感性地找到设计的艺术感觉。艺术的力量是伟大而又神奇的，她能给人以无尽的振奋和欢悦”。为什么《千手观音》能受到群众这样热烈的欢迎？当然是演员演得好，舞蹈编得好，音乐配得好，服饰、造型、灯光等各方面都好。但是，主要还应该看到舞蹈的主题思想和人物的表现更好。“观音”是菩萨中的一个代表，也是人们头脑中神化了的人物。一般人常说：“人人都应该有一副菩萨般的心肠。”就是说，人人都应该有一颗善良的爱人的心。据史料记载，菩萨之中不光是女性，也还有男性，她（他）们不仅是美好和善良的象征，而且也是团结和友爱的象征。那千万只手臂是千变万化的，可以创造人类的幸福；所以，观音就是“美好、善良”和“团结、友爱”的象征与结晶。我们通过观摩优秀的艺术作品，强烈感受到舞蹈艺术的形式美。舞台上相继出现的一群秀丽、窈窕的姑娘，她们的造型和姿态、动作，是那样优美、和谐、统一，表演又是那样温柔、闪光、楚楚动人，谁又会去想到这些演员是残疾的聋哑人呢？舞蹈《千手观音》的主题为“慈与爱，美与善”，是由21个聋哑演员表演的舞蹈，她（他）们通过舞蹈动作向观众展示形象、情感，更结合特制的服装、舞美、音乐合成一体表达出观音的至真、至善、至美。
尤其是历史题材的舞蹈服饰设计，要想成功塑造作品形象，应该起码做到三个方面的适合，一是对作品时代背景的适合；二是对舞蹈角色动作的适合；三是对时代审美心理的适合。如：董淑芳老师设计的舞蹈服装《踏歌》，首先尊重历史生活的真实，这是设计作品时代背景的适合。在此前提下，为适合舞蹈角色的动作特点和时代审美心理，对历史服装资料必须进行艺术提炼，取其精华，夸大其细节，甚至要做适当的变形或变异，因为我们的设计不是考古、复古。这种艺术加工的尺度把握是只要在总体上能体现那个时代的风貌就可以了。这些经过主观过滤的“去粗取精”艺术加工，是对舞蹈角色动作特点和时代审美心理的适合，是艺术创造。
例如：古典舞《踏歌》舞蹈编导：孙颖，服装设计：董淑芳
君若天上云，侬是云中鸟；
相随相依，浴日御风。
君若湖中水，侬是水心花；
相亲相恋，浴月弄影。
人间缘何聚散？人间何有悲欢？
但愿与君长相守，莫做那昙花一现。
《踏歌》所表现的是阳春三月，碧柳依依，翠裙垂曳，婀娜身姿，一行踏青的少女，联袂歌舞，踏着春绿，唱着欢歌，融入一派阳光明媚，草青花娇的江南秀色中。
该用怎样的词语去描述这行踏青的少女？从神情上，她们欢愉畅然，妩媚俏丽，娇羞无邪，情窦初开，心扉悄启，尽情尽兴，如醉如痴；从舞姿造型上，她们舞姿古朴别致，韵律独具。袖子运用更有别常规，似如古籍所载：“若来若往，若仰若俯”，“罗衣从风、长袖交横”，重心微倾生新韵，节奏洒脱步均衡，舞姿流动绵延，透着一股难以言喻的美感。
《踏歌》具有中国汉代女乐舞蹈的形态特征，汉代女乐舞者以纤腰轻身为美，舞蹈机体轻盈又极富节奏感，犹如赋中所言：“兀动赴度，指顾应声”，时而“绰约闲摩”，时而“纷飙若绝”，时而“翼尔悠往”，时而“回翔竦峙”，“轶态横出，瑰姿谲起”，交长袖，手足并重，“委蛇袅，云转飘忽”。
《踏歌》在静态舞姿上大量借鉴了古代遗存汉画砖的造型，在动态中运用藏族牧区民间舞蹈动律，却展示了汉魏舞风的奇妙瑰丽，再现了古时民间质朴的踏歌风格。舞蹈始终在运动，如行云流水。而旁侧三道弯体态打破了以前一提汉风三道弯就塌腰撅臀的做作之态，静态中含着一种自然的动感，同时也颇居妖娇之美。
董淑芳老师在《踏歌》中的抱腰设计是有很高艺术追求的。为了突出少女纤细婀娜的腰身，设计白色腰头的深色织锦抱腰，效果显著。为降低成本，抱腰使用了现成织锦，但另贴缝设计有典型古代纹样的人工绣边做其缘边，目的是为了有意弱化现成织锦的现代感同时，将抱腰的古典感拉回。《踏歌》的衣裙面料全选用纯丝面料，上衣是纯丝绉缎，下裙是纯丝沙，颜色也是自己手工染的。设计的是嫩绿上衣，淡黄下裙，既整体又有区别，并与深色织锦抱腰构成鲜明的层次对比，使款式简洁大方而具现代感，让舞者形象与舞台背景构成灿烂的“天人一体”的新春意境。使舞蹈传达出中国古典女性特有的多情却含蓄、细腻而委婉的精神气质。为强化此气质的传达，设计若干裙片，并且让裙片之间不缝合，使裙片动感在不受任何约束的情况下得到进一步加强。此外，又在裙片接缝处加入另一种更薄、更飘动的纱质面料。这个处理使舞裙特别的柔婉飘逸，所以效果出色。这种裙式，跳起舞来也不露腿，视觉优雅。
舞台艺术是综合的艺术。舞蹈服饰作品的最终完成，离不开舞美环境、音响效果和灯光营造氛围的帮助。无论是设计灵感，还是采取各种设计手段，作为舞蹈服饰设计师，需要不懈追求艺术个性创作的发展和艺术设计思想内涵的重新构成。文化需要借鉴和继承，艺术需要沉淀和超越舞蹈服饰与人体的完美结合，就是舞蹈服饰语言的精彩表达。
参考文献：
今天是周六了，又要去特长班上课了，上午我去了课后的辅导班，去辅导班写周五学校留的作业，然后交给辅导班的老师批，批完之后我要把错题改正过来。
中午辅导班会给我们做饭，吃过饭大概待一个小时左右，妈妈就会接我回家，带好需要的舞蹈服装和鞋子就去舞蹈班上课了，每天舞蹈班都要进行压腿训练，跟着音乐的节拍，之后老师会教我们新的舞蹈动作和复习原来学过的舞蹈，每天回家以后，我的腿都会很酸。
我不想去舞蹈班，但是妈妈说如果不去舞蹈班的话，就让我选一个别的特长班，可是我想既然舞蹈班已经坚持了这么久，如果换成别的，一切都要重新开始，而且班里的小伙伴也没有我认识的了。
妈妈总说，现在所做的一切都会我的以后有用处，是为了我好，如果现在不学习一些特长，以后想学也来不及了。妈妈说的话我不太懂，但是我好久没有过一个该属于自己的周末了。
同学也是报了很多特长班，有跆拳道，有钢琴，还有书法，我的朋友她每个周末比我还要忙的多，她上完奥数，还要去学珠算，还要去弹琴。就算是她回家以后，也要赶快把作业写完，练习在特长班学的东西。
不知道我们的周末为什么这么累，好希望能和以前一样可以和小伙伴出去玩啊。
好开心，今天下午妈妈带我去了艺舞舞蹈班学拉丁。从小到大，我都很喜欢跳舞，特别喜欢随着动感或舒缓的音乐摆动着身体，真是一种享受呀！
舞蹈班在二楼，空旷的教室，干净的地板，墙壁上都贴着很大的镜子，明亮的灯光被镜子折射之后显得更加的耀眼。舞蹈老师是个男的，穿着一身黑色的舞蹈服装，虽然个子不高，但是身材非常的匀称。
看到我们去，老师热情的招呼着我们，妈妈给我报了半学期的课程，600元钱。报完名，我就和其他同学开始和老师学习。老师先解释一下，然后摆动着身体展示给我们看，接着有节奏的喊着，让我们跟着后面调。由于好久不跳，我的脚一点也不听使唤，大家都往左我却总是往右，他们踢左脚，我却老是抬右脚。老师说：“你踢脚就像跳绳子。”我羞得脸通红。
两个小时很快就过去了，但是我觉得就是一晃眼的功夫。回家的路上我想：虽然我现在跳的不好，但是我一定会用功。
1、在我成长时期，感情和欲望都令我羞涩。而通过舞蹈，我终于可以应付自如，而不再觉得羞涩。
2、这就叫：心有舞，而功不足！不要轻易用过去来衡量生活的幸与不幸！每个人的生命都是可以绽放美丽的～只要你珍惜。
3、当你埋怨没有漂亮的舞鞋时，有的人却没有双脚。当你埋怨没有登台的机会时，有的人竟没有舞蹈练习室，没有漂亮的舞蹈服装，甚至没有专业的舞蹈老师，有的只是一颗同样热爱舞蹈的心。所以，我们都要好好珍惜每一次舞蹈的机会！
4、跳舞真正的收获，不在于你掌握了多少技巧，而在于你收获了多少！你可以不把跳舞太当回事，但一定要把自信当回事。
5、生活中要记住三个词：选择，机会和改变。你必须做出选择，抓住机会，否则你的生活只会一成不变。
6、舞蹈是一条很长的路，在这条路上，时而坚定时而也会迷茫不知所措，有时候我也会不知道自己未来的方向在哪里，有时候还是需要一些心灵鸡汤来慰藉心灵，需要一种神秘的力量来拯救一天天堕落的自己。
7、路再难，也要坚持走下去。跌倒了，就勇敢站起来。爬，不是我得风格。
8、记住，这个世界，没有一种痛是单为你准备的。因此，不要认为你是孤独的疼痛者。也不要认为，自己经历着最疼的疼痛。尘世的屋檐下，有多少人，就有多少事，就有多少痛，就有多少断肠人。在芸芸众生的痛苦里，你才会发现，自己的这点痛，真的不算什么。
9、跳舞的女人永远是一道美丽的风景。我在刀尖上舞蹈，沉重也好，轻盈也罢，从脚底到心里，终究是蔓延的疼痛。
（来源：文章屋网 ）
关键词：竹文化 舞蹈服饰 传统绘画
检 索：.cn
舞蹈是最古老的艺术表现形式，它来源于人类的劳动与生活实践，同时也传达着人的思想与情感。作为舞蹈派别之一的现代舞是20世纪初在西方兴起的一种舞蹈。相对于古典芭蕾注重技巧与形式而言现代舞更加关注人的真实情感的自由表达和现代社会生活的反映。作为享誉国际的现代舞大师林怀民先生于1973年创办了云门舞集。“云门”是中国最古老的舞蹈，据《吕氏春秋》记载相传存在于5000年前的黄帝时代，但后世其舞容与舞步皆已失传，只留此舞名。从以“云门”来称谓舞团我们可以看出林怀民先生对于中国传统文化融入到现代舞的初衷与创建中国人自己的现代舞团的梦想。“云门”的作品总是给人大气、富有意境和艺术的感染力，没有繁复的舞台和夸张的舞剧服饰；道具、布景、配乐和舞台设计更是采取极简主义（minimalism）风格的设计。但在这看似简洁的舞台和服饰的背后却蕴藏着编舞者对于舞蹈意境的控制和细节的把握。[1]《竹梦》是林怀民编排的舞蹈语汇极为丰富的作品，作者试以《竹梦》为例对中国传统文化在云门舞集舞剧服装中的体现进行深入的阐述。
一、中国传统文化中竹的审美意蕴与舞剧服装
《竹梦》以烟霞竹林和浮世清音开场，颇有中国古意。在沉静隐约的竹林和悠悠的箫声里，一位长发暝目、打坐吹箫的笛手深着白色的长袍，神态怡然地吹箫，箫声缭绕于竹林之中，引出白衣白裤白裙的男女舞者，在竹林中穿行起舞。素净的服色，轻柔而半透明的服装材质让舞者的四肢随着舞姿若隐若现，袖子与裤管的宽大和躯干的相对合体的设计使舞者能无拘束地伸展，这看似简单的舞服却把竹的幽淡之美和刚正之节表达得如丝如扣。
竹蕴涵着丰富的文化意蕴，在中国的传统文化中具有非常重要的地位。中国传统美学中的“淡”是一种极高的境界。《庄子・刻意》中提到“淡然无极而众美从之”体现了以简驭繁的审美张力，以素朴简淡之美为“大美”。竹之美是一种淡雅和刚韧之美。《竹梦》从中国人挚爱的竹林隐喻出发，林怀民先生在舞台上种下200多株竹子，借竹林之环境展现文化之意韵。在幽淡的竹林背景里是身着白衣的舞者，舞服素雅至极，没有多余的装饰与结构处理，以“淡”的姿态让写意，宁静与淡泊的氛围始终萦绕在竹林里面。
在许慎的《说文解字》中提到：“节，竹约也。”取意竹节如缠束之状。刚正之节是中国传统文化中对人格之美的一种隐喻。文人士大夫们种竹、品竹、画竹、咏竹，正是借竹表现自己的崇高气节。在《竹梦》里舞者体态徐缓，频频移步，张弛有度。舞者四肢的刚柔之美在半透明材质的舞服里若隐若现，服装的垂顺柔软与舞姿的刚柔并济给舞蹈带来了内在的张力，演绎出不羁文人的逍遥与节气，这是竹的缩影，也是竹的化身。以简单素净的舞剧服装来演绎竹的幽淡之美与刚正之节，这正是《竹梦》对外在表象的抽离，专注于内在意境的诠释。
二、中国传统舞蹈服饰风格与舞剧服装
《竹梦》的编舞呈现为晨雾、春风、夏喧、秋径、雨霁、午夜、冬雪七景。在晨雾篇中林怀民先生用悠扬舒缓的乐曲和宽衣长袖的舞服传达出一种澄明的意境。烟霞竹林在隐约的灯光投射下呈现出晨光雾霭的境况，舞者们身着白色长袖的舞服舒袖缓步。舞者在光影、竹影和白雾中；宽衣长袖和舞步腾挪里演绎着飘逸名士的隐逸与闲雅。在舞剧中舞者所穿的白色长袖服装为其意境的营造起到了烘托与渲染的作用，同时其舞服的设计看似简淡但我们从中可以找到其对中国传统白舞服的借鉴与运用。
据古籍记载，白舞最早出现于汉末吴地。《宋书・乐志》中载：“‘白舞’，按舞辞有巾袍之言，本吴地所出，宜是吴舞也。晋俳歌曰：‘皎皎白绪，节节为双。’吴音呼绪为，疑白绪即白也。”[2]长江中下游地区由吴国统治着，其地盛产麻，也盛行用麻织布，织布的女工运用简单而朴素的舞蹈动作来赞美自己的劳动成果，创造了白舞的最初形态，并在民间流传开来，由此可见白舞是与吴地农作物麻有关的民间乐舞。在魏晋南北朝时期，江南一带盛行白舞，舞者所穿长袖的舞服就是由麻织成的布制作而成，其质地细腻，色彩洁白，因而有“质如轻云白如银”的美誉。白舞的动作以舞袖为主要特点，白舞舞袖的动作有“掩袖”、“拂袖”、“飞袖”和“扬袖”几种，双手舞动，长袖飘曳生姿，形成各种轻盈的动态。白舞衣袖子悠长，质地轻软，在舞蹈过程中，以轻柔飘逸的舞袖动作来表现流动之美。在《竹梦》里舞者长衣绦袖舒缓动步，有似太极舞步动静皆宜，随着音乐的起伏舞者的舞姿与服装的飘动融合在一起，共同展现出舞蹈轻盈柔婉的动态美。
三、中国传统绘画与舞剧服装
云门舞集自创建以来不断的汲取中国文化的养分，通过对文化形式与舞蹈的融会贯通将蕴藏其中的独特美感表达出来，使云门的舞蹈更富张力与感染力。在《竹梦》里林怀民咏物抒情，舞蹈没有具体的故事情节的叙述，而是借着肢体的动作将竹的意象舞出。[3]舞剧以衣袂飘飘的吹箫者拉开梦境开始，也以吹箫者清亮空灵的啸音将梦境结束，整个舞剧淡泊宁静，气韵生动。
“气韵生动”曾是中国传统绘画和乐舞艺术的审美标准与至上追求。南朝齐梁间画家、绘画理论家谢赫所著《古画品录》中提出中国绘画上的“六法”，成为后世画家、批评家、鉴赏家们所遵循的原则。谢赫提出绘画的“六法”是：一、气韵生动，二、骨法用笔，三、应物象形，四、随类赋彩，五、经营位置，六、传移模写。[4]在《竹梦》舞剧的七景里，我们从舞者舞服变换的细节中可以体会到中国传统绘画审美的渗透与融合。
谢赫六法作为中国传统绘画品评标准和重要的美学原则，他把“气韵生动”放在了首位，可见其在艺术审美当中的重要性。气韵是指人物的外在表象包括着装、姿容、谈吐等所传达出来的内在情性，或者说是内在情性的外在化。而物我为一的生动的气韵也是绘画和乐舞艺术的最高目标之一。在《竹梦》舞剧开篇的晨雾和后续的春风伊始里，身着长袖飘飘的白色舞衣的舞者以一种极慢，轻逸的姿态，混合了芭蕾的优雅京剧里云步的从容以近似太极的动作与速度轻舞着。那质地轻盈的白色长袖舞服在竹林的背景衬托下使舞者如同林中的精灵般散发着静谧，安宁，悠然的气息。[5]《竹梦》的舞蹈编排并非具体故事的陈述，更多的是一种生命的仪式，舞者的舞姿与服装都呈现了仪式，同时消失在仪式之中。这应该就是艺术创作呈现出气韵生动的最好诠释。
除“气韵生动”外谢赫六法中还提到“随类赋彩”。“随类，赋彩是也”，是说色彩与所画的物象相似。物象的外在特征与内在情感可以通过色彩来表达。纵观整场《竹梦》舞剧色彩在其中既是内在情感的外化表达，也是舞台场景的气氛营造与烘托。《竹梦》的第二章“春风”舞台布景引入两道红色的幕布，一对恋人在情深款款中舒展舞步。男舞者上躯，下着黑色的舞裤；女舞者则穿红色的连衣吊带裙，舞服款式非常简洁，仅用色彩的呈现与对比来表现恋人间缠绵绯恻的爱意和勃勃生机。“夏喧”的舞段在黄色灯光打在竹林的背景下一群身着裸色贴身舞服的舞者用模拟动物的肢体动作表现了夏日夜晚的躁动与喧响。随着一方蓝色布景与灯光的投射夏日的喧闹宣告结束，“秋径”的主题开始。男舞者全身着黑色的舞服，女舞者则是裸色紧身舞服，整个舞台呈现冷的色调，表现了爱之深切的悲苦与挣扎，透过色彩我们能感受到悲秋的意境。与“雨霁”用蓝色背景与白色服装营造的欢欣和清明的气氛不同“午夜”的编舞以独舞的形式呈现，而竹林在昏暗灯光的笼罩下退隐成一种压抑的黑色背景，舞者一身暗红色吊带连衣长裙在暗夜里摸索和徘徊、红与黑的对比和融合给人迷茫和孤寂的舞台感染力。舞剧最后一幕“冬雪”在雪花飘浮的背景中一群身着红色长裙的舞者在竹箫乐音中腾跳挪移，形成了极为生动的色彩之流。长发、红裙、白雪、翠竹构成疏落有致，红梅傲雪的意象。
关键词:体育舞蹈;审美能力;舞蹈表现力;优化措施
体育舞蹈具有极强的观赏性，并且涉及到多方面的专业知识，包括体育知识、美术知识、音乐知识以及服装知识等相关知识，这就需要舞蹈艺术生具备一定的审美能力，只有将舞蹈风格与舞蹈装饰相融合，才能真正凸显体育舞蹈的美感。本文将舞蹈教师、舞蹈设施以及学生的审美认知作为切入点，对舞蹈艺术生的审美能力进行了相应的分析，探讨了影响舞蹈艺术生审美能力的因素，提出了优化措施，以求有效提高舞蹈艺术生的审美能力。
1．影响因素
1．1教师能力不足
近年来，接触体育舞蹈的年轻人逐渐增加，但教学老师却严重匮乏。有些学校为了解决舞蹈教师空缺的问题，将其它教师作为体育舞蹈的专业教师，其包括健美教师、瑜伽以及体操教师等。但由于这些教师普遍缺乏专业的体育舞蹈训练，无法正确理解体育舞蹈中相关肢体的表现方式以及审美价值，在教学中经常做出错误的教学示范动作，难以将体育舞蹈的精髓呈现给学生，使学生无法真正理解体育舞蹈的艺术性。久而久之，学生在体育舞蹈的练习过程中容易产生厌烦心理，对体育舞蹈产生错误的认识，从而影响到体育舞蹈的教学质量。此外，体育舞蹈属于高层次的艺术教学，对教师具有极有很高的要求，它要求教师必须具备本科学历和5年以上教学经历，这导致许多优秀的舞者无法加入到教师行业当中，影响了国内体育舞蹈教学水平的提高。
1．2教师以及学生对舞蹈装饰缺乏重视
舞蹈的时尚性以及美观性是体育舞蹈的最大魅力。进行体育舞蹈表演，除要求舞者必须具备极强的表演能力外，还要求舞者能够让装饰品与个人舞蹈风格相融合。一套得体的服装能够给舞者的表演显著增色。例如，拉丁舞是一种热情奔放的舞蹈，在拉丁舞的表演过程中，男舞者通常会穿上身较短、下身较长的服装，以体现男性的优雅洒脱;而女舞者通常会穿紧身短裙类型的服装，以体现女性的婀娜多姿和曲线美。但在教学中，舞蹈教师以及学生普遍缺乏对装饰品的重视，教师偏重于注重舞蹈技巧的表现力，对舞蹈服装的颜色、款式以及大小等较为轻视，导致学生在舞蹈学习中片面地注重了舞蹈技巧的练习，而忽视了舞蹈饰品的修饰效果。久而久之，学生对舞蹈的品鉴能力以及审美能力将会逐渐下降，在舞蹈表演中，也难以凸显服饰美，并导致舞蹈服饰与舞蹈风格极不协调，从而影响学生舞蹈表演的整体效果。
1．3体育舞蹈的练习场地较少
众所周知，舞蹈教学通常需要完善的练习场地，但目前而言，国内舞蹈院校将大部分舞蹈教学经费用于其它的教学活动当中，却对舞蹈训练设施缺乏足够的投入，大多数舞蹈院校的教学设施较为简陋，现有的教学场地难以满足学生的练习需求。此外，大多数舞蹈院校缺少特色的舞蹈服饰，舞蹈艺术生的舞蹈服饰较为单一，也制约了舞蹈艺术生美能力的提高。
1．4舞蹈教师科研意识较弱
科研是助推舞蹈教学的重要引擎，研究舞蹈教学模式不仅能够总结教学经验，还能对舞蹈教学模式进行创新。就目前国内的舞蹈教学来讲，由于教学任务繁重，部分教师缺少时间对舞蹈教学模式进行研究。与此同时，多数教师对舞蹈教学存在错误的认识，认为教学关键要传授舞蹈的技巧以及舞蹈的经验，没有意识到科研的重要性，这就难以提高自身的教学水平。
2．优化措施
2．1培养舞蹈艺术生的审美能力
体育舞蹈具有较强的观赏性，在体育舞蹈的呈现过程中能够凸显各种美感，其中包括形体美、服饰美以及音乐美等。因此，舞蹈教师需要加强对舞蹈艺术生审美能力的培养。第一，强化舞蹈艺术生的形体训练。在舞蹈教学中，教师要仔细观察舞蹈艺术学生的肢体动作，包括走路姿势、表演手势以及坐姿等，如果发现学生在练习中存在不规范的肢体动作，舞蹈教师就需要及时纠正舞蹈艺术生的错误动作。久而久之，就能提高舞蹈艺术生的形体审美能力。第二，强化舞蹈艺术生的乐感训练。舞蹈教师可以将不同类型的音乐放给学生，并引导舞蹈艺术生结合音乐去想象舞蹈演出的画面，使舞蹈艺术生能够切实感受到音乐在舞蹈表演中的内涵，从而提高舞蹈艺术生对音乐的审美能力。第三，强化舞蹈艺术生的美感训练。教师可以让舞蹈艺术生观看相关的舞蹈演出，并且让舞蹈艺术生接触各种类型的舞种装饰，从而提高舞蹈艺术生对舞蹈服装的审美能力。
2．2引进高素质的舞蹈教师
高素质的舞蹈教师往往能够挖掘出舞蹈艺术生的表演潜力，使学生能够快速提高自身的舞蹈水平。因此，舞蹈院校需要引进高素质的舞蹈教师。第一，降低舞蹈教师的入职门槛，吸引优秀的舞蹈从业者加入舞蹈老师行列。第二，对在职舞蹈教师进行专业舞蹈培训，派出水平较高的舞蹈教师参与对舞蹈专业团体从业者的再培训，并将这些水平较高的舞蹈教师确立为舞蹈院校的骨干教师，给待遇，多扶持，大胆使用，推动舞蹈院校的教育教学水平持续、健康、快速提高。第三，由于体育舞蹈需要涉及到多方面的专业知识，包括体育知识、音乐知识、美术知识、服装知识以及舞蹈知识等，这就有必要让舞蹈教师与其它学科教师进行学术探讨，使舞蹈教师能够掌握必要的体育知识、音乐知识、服装知识以及美术知识，从而全方位提升个人的综合素质。
2．3加强舞蹈训练设施的建设
教学环境是决定舞蹈艺术生训练水平的重要因素，对培养舞蹈艺术生审美能力具有极为重要的作用。因此，舞蹈院校需要将舞蹈场地以及舞蹈服饰等相关设施的建设作为重点开展项目，并依照院校的实际情况，扩建相应的舞蹈设施，包括多媒体教室、演出舞台以及形体训练室等相关设施，使舞蹈艺术生能够在良好的训练环境下提升个人的审美能力。
2．4让学生演绎经典的舞蹈作品
体育舞蹈不只是普通的教学课程，还是一门高层次的表演艺术。如果舞蹈艺术生能够提升个人的审美能力，就将极大提升个人的舞蹈表现力以及舞蹈鉴赏力。因此，舞蹈教师需要引导学生去演绎更多经典的舞蹈作品，从而使舞蹈艺术生能够开发出自身的美感素质。
3．结语
综上所述，体育舞蹈具有较强的观赏性，在体育舞蹈的呈现过程中能够将形体美、服饰美以及音乐美充分展现给观众。但目前国内舞蹈艺术生普遍缺乏应有的审美能力，在学习中过于注重舞蹈技巧的训练，这就导致舞蹈艺术生难以真正提高自身的舞蹈表现力。因此，舞蹈院校需要积极引进高素质的舞蹈教师，不断提高舞蹈教学水平;加强舞蹈训练设施的建设，为舞蹈艺术生提供良好的训练场地以及极具特色的舞蹈装饰;培养舞蹈艺术生的审美能力，并通过形体训练、乐感训练以及美感训练，增强舞蹈艺术生的审美能力;让舞蹈艺术生演绎更多优秀的舞蹈作品，使舞蹈艺术生能够挖掘出自身的美感素质。总之，审美能力是决定舞蹈艺术生能否提升个人舞蹈表现力的关键。不断强化学生自身审美能力的培养训练，是提高学生自身的舞蹈艺术表现力的重要途径。
作者:杨花 单位:甘肃民族师范学院
参考文献:
［1］郭剑华．体育舞蹈教学中学生审美能力影响因素分析与对策探究［J］．佳木斯教育学院学报，2014，(05)．
［2］．重视高校体育舞蹈教学，提高大学生的审美能力［J］．商，2013，(13)．
［3］韩曾斌．体育舞蹈教学中学生审美能力影响因素分析与对策［J］．当代体育科技，2014，(29)．
生活是艺术创作的源泉，舞蹈作品、舞蹈形象的产生都是从生活当中来的。舞蹈创作者只有在日常的工作生活中认真细致的观察生活，逐步积累这些来自生活的大量素材，对这些素材进行科学的分析、理解和熟悉，从中筛选出典型的、具备象征意义的“材料”，并对它们有了真正的切身体会和实践感受之后，才有可能创作出打动人心的成功作品。
例如：浙江省孙红木在谈她创作《养蜂的小妞》的创作过程时说：从表面看，养蜂的工作按照舞蹈创作要求缺乏动态，即可舞性，难以很好的树立舞蹈型像。但从舞蹈长于抒情的角度认真地思索分析，发现蜜蜂这种神奇的小昆虫勤劳、坚韧、勇敢，它为人类创造财富，送来甜蜜。而养蜂人常年四处奔波，追踪蜜源，工作辛苦、平凡。养蜂人的工作和蜜蜂的精神都值的我们去赞美。但是如何用舞蹈去表现呢？经过细致的观察，发现养蜂人与蜜蜂有着不同寻常的亲蜜的爱的关系，而这种特殊关系使我们在他们“静态”的劳动中看到他们“动态”的内心世界。他们那种欢乐、甜蜜、幸福的内心世界洽洽适合用舞蹈去表现。具体的方法就是把思想、情感化为能被观众看见的“动”的形像，这种形像是情感，升华的表现，绝不是去勉强模仿表现他们劳动的外部形态，而是要始终抓住并表现养蜂人的“情”。
艺术作品不夸张就没有表现力，而夸张就必须有丰富的联想——想象力。联想到养蜂人的头、身、手都沾满蜂蜜，引起蜂对人的追逐、嬉戏，从中体现蜂与人之间感情的交流。这种交流形成的欢乐劳动中的“节奏因素”使舞蹈“形”、“情”具备，由此产生了舞蹈的形像基础。加之巧妙的运用道具，突出养蜂小妞可爱的性格特征等，使《养蜂小妞》给观众留下深刻的印像。
生活美不等于艺术美。创作者对生活中各种美的事物要进行高度的浓缩与升华，要善于像蜜蜂吮吸花蜜那样，吸取生活中最甜美的营养，进行艺术的高度概括，使其成为鲜活动人的舞蹈形像，给观众以美的享受与薰陶。
（二）舞蹈作品要歌颂崇高品格，富于时代精神。
任何艺术作品都服务于它所处于的那个时代，跟不上时代的艺术作品就不可能有立足之地，就失去了它的生存价值。大量民族民间舞蹈能在我国长、期流传，最根本的原因就是它们能顺应人民大众一断变化的审美追求，紧根时代前进的步伐，不断完善自身才得以生存。众多的经典舞蹈作品之所以常盛不衰，也是由于他们所表现的主题抓住了人类对美好事物的追求，并在作品的内容、形式上达到了理想化的高度。现在我们提倡弘扬民族文化，强调文艺作品要反映时代主弦律。弘扬民族文化是指我们民族数千年所传承下来的优秀文化遗产，这些文化遗产是我们民族的精粹，它蕴含着我们民族开拓奋进，勇往直前，富于创新，敢作敢为，无私奋献等最歌唱家贵的精神品质。而文艺工作者由其是进行作品创作的人们，就应该用大量蕴含着民族崇高精神品格的艺术作品去教育感染人，鼓舞激励人，去提高全民族的文化水平和精神素质。
我们所指的“时代精神”，应该是一种积及向上的、催人奋进的、能鼓舞人们斗志的精神。这种精神能使人迸发无穷的力量，能激发人的创造力，能使人深切的感受生命自然的美好，从而对生活充满着希望。“时代精神”不是某些人追求的所谓“时尚”任何时尚都是有他的属性的，有的代表了事物发展的趋势，有的却表现出一种颓废、落后的观念。在当前的一些创作作品中，确有一些人追求的“时尚”背离时代，远离生活。作者把自已狭隘、消沉的人生理念融进自已的作品中，表现他们自身的与时代极不合拍的精神和内心世界。这是我们应该坚决摒弃的。有的作者为了标新立异，为了迎合市场中一些观从低级趣味的需要，即强调所谓的剧场效果、经济利益。对一些优秀的、能体现我国一些少数民族独特魅力的民间舞横加扭曲，
一些最能代表东方含蓄美的舞蹈，被硬性的塞进西方的剧烈的弹胯、顶肚、顶胸的动作。认为这样才有“性感”，才能迷住观众，才够刺激且不论社会上怎么样评价，仅是这种无视我们民族的审美感情，无视或淡化我们民族所独特的、为国际社会所赞叹的东方美的创作思想，也是我们应该批评的。
大量好的作品，能给人以振奋，给人以启迪，给人以美的享受，使人从这种艺术美的享受中，领悟一种精神情操的美，使人们对生
活、对社会产生一种深切的爱，这就很好地起到文艺作品的教育作用。
例如《闪闪的红星》中冬子妈英勇牺牲的舞段，烈火熊熊，英勇顶立火中；震憾人心的音乐旋律，满场红彤彤的灯光；叠印出潘冬子一句无声的“妈妈！”给观从众以及大的冲击力，震憾了人们的心灵，引发了大家强烈的精神共鸣。
又如《春蚕》根据唐李商隐“春蚕到死丝方尽，蜡炬成灰泪使干”的名句，把春蚕、蜡炬献身精神体现了出来。编导着重塑造和体现春蚕的心灵美，突出了他造福人类的品格。在艺术手段的运用上，设计了一片硕大透明的桑叶，叶子背后是充满曲线美的“春蚕”（演员）。通过演员优美的双臂动作和手中漂渺的纱巾，表现春蚕吐丝作茧自缚的过程，展示“丝方尽，情不断”的意境，并从中给观众以春蚕丝尽至死无憾的深刻思想内蕴。这个作品表现的是春蚕，实际歌颂的、给人的启示是献身精神。
再如舞蹈《敦煌彩塑》，作品没有直接歌颂英雄人物，也没有赞美某种崇高思想。而是取材借鉴敦隍石窟中的“飞天”，塑造了一群少女的舞蹈型象。作者抓住女性美中最能打动人的几个方面——温柔、端庄、委婉、恬静，刻画出鲜活动人的东方青春少女的群像，使人观后难以忘怀。作品达到了两个目的：一是通过舞蹈的姿态、动作、造型，与舞蹈意境融洽的音乐，以及营造出特定氛围的舞美灯光，反映了伟在祖国灿烂的历史文化和精美绝伦的造像艺术，由此激发人们的爱国主义情怀；一是通过优美的舞蹈，展示女性美的独特魅力，给人以美的享受，激起人们对生活的热爱。
以上事例都是说明，舞蹈作品虽然以不同的主题、不同的表现手法去创作艺术形象，但这些作品的品格是崇高的，是健康向上的。它们以不同的方式，以不同的角度去反映生活，并给人以启迪，给人以美的薰陶。因此，它符合当今的时代精神，能很好的为时代服务。
（三）熟悉积累专业素材，全面提高专业修养。
1。多看多学舞蹈语汇。
舞蹈语汇（动作）是靠积累才能丰富的，只有相当的积累，才能在创作中信手拈来。也只有对动作了然于心，才能找出它的运动、变化规律，再进一步对这些动作进行变化发展。
另外，对是常生活中观察到的人们劳动或其它习惯动作进行分析，了解它们的型态、动作规律、动作节奏等选择其典型的、有代表性的进行美化提炼，使之成为闪烁光彩的舞蹈型像。如《浪里人》的创作，作者深入到渔民中，观察渔民劳动生活如织网、拉网、撑篷、摇橹；渔民习惯两腿分开站立，走路步伐沉稳有力；战风斗浪形成他们勇敢、豪爽、憨厚、直率的性格特征等。作者对这些素材进行了典型化的表现，创造了生动丰满的舞蹈型像。
2。对各艺术门类的综合学习。
舞蹈是以人体动作为主的综合性艺术，因此，创作舞蹈不仅要有对人体动作的娴熟运用，还要通过其它的艺术手段，为作品的主题、人物型像、情节发展、的兴起等方面，起到推波助澜的作用。
（1）首先，创作者应具有很强的音乐感。音乐感是指对音乐的理解。不仅在理伦上理解，更重要的是对音乐表现情感和音乐型象上的理解。例如，一个舞蹈家和一名画家同时听一首名曲，他们对乐曲的理解就会不同。画家脑海里出现的是画面、构图、布局、是各种色彩、明暗的对比。舞蹈家则会根据旋律的起伏、节奏的快慢、音响的强弱、脑海中不断闪烁着各种跳跃，旋转和时而翻腾激烈，时而舒展委婉的动作形像。虽然二者理解不同，但他们都是很强音乐感的欣赏者。
（2）要对构图、画面的基本知识进行学习。
舞蹈构图在作品中至关重要，好的构图能给人以振奋，感到它变化无穷，内蕴丰厚。呆板的、一成不变的构图画面会使人感到枯燥，毫无感染力。俄罗斯小白桦歌舞团的《小白桦树》，虽然动作简单，但它却运用蜿蜒流动的队型，迭幻繁复的变化，描绘出深邃的意境，令人回味无穷，闪射着迷人的魅力。重庆龙灯艺术节开幕晚会中的，《中国人》舞段，仅靠此起彼伏的万里长城的阵型、四大片块交错、快速穿插和组字，体现出中华民族的凝聚力和浩大的气势，给人以很强的震憾。
（3）要对灯光、服装的基本知识进行了解学习，以便于在创作时综合考虑运用。
舞台灯光变化运用的好，就能深化作品的主题，渲染浓烈的氛围，将观众带入特定的情景中。《春蚕》的背光、顶光、侧光的运用，形象地造就“蚕”晶莹剔透的美妙胴体；《再见吧，妈妈》通过特殊的灯光效果，营造出朦胧的、如梦似幻的母子相见的画面。这些巧妙运用灯光的艺术手段，都是灯光师按照编导的创作和设计要求而解决的。
舞蹈服装的设计当然是设计师的工作，但是编导要提出对服装的设计要求。这个要求一般要考虑两点：一是有助于点题，看了服装的样式、色调，就能明白你要表现何题材；二是服装要体现出人物身份和性格特征。另外，服装设计要充份考虑舞蹈上人体艺术，是用身体、四肢来“说话”，表达一定内容的。服装设计不合格，不符合作品的要求，不但无法表达作品的内容，甚至会破坏预想的效果。好的舞蹈服装，会给观众以鲜明的人物形象，会取得意想不到的艺术效果。如“大学生运动会开幕式”中的变色长裙，先后变出黄、红、绿三种颜色，表达出不同的内涵；《丝路花雨》的“飞天技乐”服饰，把敦煌壁画中“飞天”的形象栩栩如生的塑造出来。
（4）编导要充份培养自已的想象
能力（联想、幻想），使舞蹈具有浪漫抒彩，这是作品打动人心、感染观众的极为重要的方面。
花边Fringing
华丽又性感，夸张又浪漫，这几年在国标赛场上的国标舞服装就是这么令人惊艳，《尚舞》采访了国内1上专业设计师，为你揭密体育舞蹈服装流行趋势。
拥有大量花边的舞裙扑面而来，从传统的在摩登裙边镶一些滚边，到直接用花瓣来当裙摆，无处不弥漫着高贵又可爱的气息。国外设计师选用了无数的层叠来放大花边的作用，而上海的樊玉珍工作室则把流苏和花边结合，荡漾着活力和性感。
设计师们都在裙摆上下工夫，无论是用花边做摩登裙还是拉丁裙，所选择的颜色都极其大胆，并且还加人_些水钻，既养眼又可以帮助修饰身材的缺陷。
最新潮流热点NO.2
飘逸As the wind
从最近的赛场上可以看到，摩登舞服装越来越设计化，而面料也越来越轻薄，似乎要突破传统的隆重奢华，走向浪漫之梦。设计师赞美选手们的身体曲线，并且选择贴身的材料，再加上装饰，使女人味道呼之欲出。
英国Chrisanne的设计师在设计最新舞裙时，注重“在摩登舞中，舞裙越来越轻薄，最近正尝试使裙摆设计得更饱满更有层次感，同时在面料方面选择一些色丁、雪纺绸、薄纱。”而国内的贝蒂同样选择飘逸的材料制做摩登裙，更多光面的材料投入使用，但与国外服装所用材料不同，他们使用更多有弹性的面料，使选手在比赛过程中没有束缚。
飘逸风劲吹的时候，你不能放过的是这个季度最新的流行热点蓬蓬裙。它指的是在腰部或者是臀部以下呈放射状的大摆层叠裙。以往外国选手多用的鱼尾裙实际上并不适合臀部曲线并不突出的中国人，但是这个季度所流行的蓬蓬裙正可以避免了这一问题。
最新潮流热点No.3
蓝色Dream of blue
蓝色风袭来，无论是拉丁妆下的小麦色肌肤，还是摩登妆的白晰无暇，你都适合穿上蓝色荡漾在舞池里。蓝色是永恒的象征，纯净的蓝色表现出―种美丽、文静、理智、安详与洁净，如和亮片结合，能迸发出一种难以抗拒的魅力来。
从上个季度开始，许多选手纷纷选择蓝色作为比赛服装颜色，它无论和以上哪个流行元素结合都是一种新鲜的搭配。
最新潮流热点NO.4
透明Transparent，transparent
关键词:原生态;《云南印象》;艺术特色
中图分类号:J705 文献标识码:A文章编号:1005-5312(2010)14-0068-02
舞蹈,可以说是我国最古老的艺术,在我国古代的文化中也占有重要地位,是“礼乐”中“乐”的重要的组成部分。古人认为,“诗,言其志也;歌,咏其声也;舞,动其容也。” 所谓“原生态”舞蹈,应当是在古代先民们的日常生活劳动德实践中而产生的,“歌之不足,手之舞之、足之蹈之”。原生态舞蹈,是民间的舞蹈,具有“文化源头”的意义,较少受到“现代化”侵入。从民俗学、民族学、民族和文化心理学的角度去分析,原生态舞蹈包含着以下的文化内涵:以图腾符号作为神圣力量的崇拜性;以生命本体作为为主题的仪式性;以民间生活作为主要为基调的大众性。具体有人与自然和谐相处的主题性;每一个都会与其中一个或多个内容有关。
《云南印象》,这部曾获得第四届中国舞蹈“荷花奖”金奖的舞蹈,是由著名舞蹈家杨丽萍主创、编导并领衔主演打造的艺术精品。大意是叙述人类的历史。开天辟地、男女结合、母系社会、、、全剧以“日月”“土地”“家园”“神祭”“朝圣”五场歌舞,展现了云南少说民族对自然的崇拜、对生命的热爱。整场弥漫着农业文明的一种诗意和浪漫。
在全国巡回演出后,不但得到了广大群众的一致好评,而且在文化艺术领域和娱乐届引发“共振”,在全国掀起舞蹈审美的“风暴”,成为诞生在云南的又一经典力作。那么一部舞蹈艺术作品为什么能有如此之大的震撼力,获得如此殊荣的呢,其原因是什么呢?笔者不禁慨叹:观众为之叹服的,绝不仅仅是杨丽萍那婀娜的身姿、舒展的双臂和灵巧的手指,还有令人惊艳的舞美设计,色彩绚丽,造型浓烈夸张,灯光投影巧妙而突出。演员对生活、对艺术的那份痴情与感悟,把云南的气氛渲染的活灵活现。将云南原创乡土歌舞与民族舞重新整合的一台充满古朴与新意的大型歌舞集锦。开创了我国舞台艺术的一个新品种。
《云南印象》全长120分钟,是一台传统和现代之美兼而有之的舞蹈新作。据了解《云南印象》剧组近70名演员有75%来自于云南各个村寨,彝、苗、藏、傣、白、哈尼、佤族的土生土长的村民,其中包括五岁的小姑娘。这些舞蹈演员用极其质朴的歌声和肢体语言,展现了民族原生态歌舞的绚丽色彩。古典抽象的画面构成,加之空灵悦耳的音乐,心灵的回归、生命的激情、灵魂的升腾被尽数诠释。用主创者杨丽萍的话说;“所谓原生态舞蹈,就是流传与民族,民间最原始的,土的掉渣的,在田间地头都能跳的舞蹈。其中的“扭麻花”、“蜻蜓点水”、“鸽子渡食”、“蚂蚁走路”、“银瓶倒水”、“鸳鸯拿鱼”、“蛤蟆虫扭腰”等是爱的游戏,浪漫而充满生趣。
在《云南印象》里,傣族的音乐,歌唱似水柔情;藏族的音乐、歌唱如冰山雪峰的狂风暴雪;佤族的音乐、歌唱曲调似木咚咚;白族的音乐、歌唱像百灵轻盈跳跃;彝族的音乐、歌声犹如山林长鸣,猿啼呼啸。各民族的无不是原汁原味,原生态状态下的音乐和歌唱。这种原始生态音乐一单经过人类的吟唱就赋予了人类自己的感情,并将各种不同的感情通过了有一定韵律、节奏的仿生语言来传递人类自身情感信息。“太阳歇歇么歇得呢、月亮歇歇么歇得呢、女人歇歇么歇不得、女人歇歇么、火塘会熄掉呢……”这其中的“人性味”,“质朴的一塌糊涂”。它让人听到了来自母系社会的一声又一声历史的回音,让人感受到了一种生命的真实感。
再来看看服装和服饰,在《云南印象》中充分展现了云南是一个多民族的省份,各民族在长期的社会生活中产生了各民族有本民族自己人文文化与审美趋向的服装、服饰。例如:白族服装、服饰上的风花雪月,纳西族服装的披星戴月,彝族服装上的莲花图案、火图案等,都是原始人类对自然万物的心灵感应。这种心灵感应无不出自人类自我关怀,表现为对人的尊严、价值、命运的维护、追求和关切。形成了各民族自己的人文文化与审美意象。
一台大型舞蹈,道具和舞台美术是必不可少的,但是像《云南印象》里把民族,民间的原始道具,原封不动地搬上舞蹈舞台却实属罕见。如佤族的木鼓、太阳鼓,牛头;哈尼族的芒鼓;彝族的铜鼓,烟盒舞的烟盒,以及藏族的转经筒等,都是各少数民族日常生活中的事物。这些道具本身就蕴含着各少数民族最原始,古老的文化和精神。比如“烟盒舞”,以手指弹响烟盒作节拍助兴,表现青年男女谈情说爱的舞段,专业演员跳起来“做”的成分很重,找不到那种“还原”的感觉。而肤色黝黑,脸上有着“高原红”的民间舞者的表演,却让人感受到一种来自高原的力量、质朴和单纯。又如彝族舞蹈中的铜鼓,就是在云南楚雄出土的2000多年的原物复制品。舞蹈中62面大鼓是最震撼人心的,它以民族的鼓风、鼓韵、鼓点、重新“唤醒了麻木不仁的生命”。在那个民族的原始意识里“鼓代表女人,鼓槌代表男人,打鼓就表示男女交合,产生生命,它勾起了多少在云南生活过的人们,那埋藏在心底的浓浓的云南情结。佤族的牛头,不是人们制作的道具,而是真正的牦牛头骨骼。加之西双版纳的热带雨林,香格里拉的梅里雪山,红河元阳的哈尼梯田等舞美背景,都是在舞蹈艺术的原生地实景拍摄的照片,经过灯光处理,再现少数民族地区景观、风貌。
正如杨丽萍所说,农民舞蹈是出于对自然万物、对上苍的感情,出于生命的需要,是在“和天地对话”。正因为民间舞者是非专业的,所以他们在舞台上不是“演戏”,而是“一种劳动或性情的表达”。让身体随着音乐去表现来自内心的原始的萌动-没有刻意夸张的动作和技巧,没有矫揉造作和虚假感觉,充满了泥土的香味。她跳的是原生态的舞蹈,需要的是跳大沟,追逐猎物的那种爆发力,需要的是能表现生存的欲望和激情,而不是走形式。的确,这种“本能“浓缩在杨丽萍那富有东方美的各种s型舞姿造型中,已成为一种强烈鲜明的特色符号。原生态舞蹈的拥有者是与生活之根最为接近的民众,对舞蹈文化的繁衍、遗存具有重要作用。
在这里要指出的是，舞蹈来源于生活，它是人民大众的艺术。舞蹈的本质已决定了它的群众性，因此，舞蹈创作就不是什么神秘王国。只要把握了舞蹈创作的基本方法，把握正确的创作途径，紧紧抓住舞蹈艺术表现手段的根本，在不断的总结与实践中，就会有许多好作品从你手中涌现出来。
我将从“舞蹈创作的前提”、“舞蹈创作的基本技法”、“与广场舞蹈创作的同与异”、“少儿舞蹈创作的若干问题”等几个方面，漫谈有关舞蹈创作的一些问题，希望能为舞蹈创作的繁荣出一点微薄之力。
我们首先谈舞蹈创作的前提。
要创作出好的舞蹈作品，必需有正确的途径。前提是创作者必需具备较高的专业修养，这些修养的靠持之以恒的实践与积累逐步形成的。概括讲，要首先从以下几个方面入手。
（一）观察生活，熟悉生活。
生活是艺术创作的源泉，舞蹈作品、舞蹈形象的产生都是从生活当中来的。舞蹈创作者只有在日常的工作生活中认真细致的观察生活，逐步积累这些来自生活的大量素材，对这些素材进行科学的分析、理解和熟悉，从中筛选出典型的、具备象征意义的“材料”，并对它们有了真正的切身体会和实践感受之后，才有可能创作出打动人心的成功作品。
例如：浙江省孙红木在谈她创作《养蜂的小妞》的创作过程时说：从表面看，养蜂的工作按照舞蹈创作要求缺乏动态，即可舞性，难以很好的树立舞蹈型像。但从舞蹈长于抒情的角度认真地思考分析，发现蜜蜂这种神奇的小昆虫勤劳、坚韧、勇敢，它为人类创造财富，送来甜蜜。而养蜂人常年四处奔波，追踪蜜源，工作辛劳、平凡。养蜂人的工作和蜜蜂的精神都值的我们去赞美。但是如何用舞蹈去表现呢？经过细致的观察，发现养蜂人与蜜蜂有着不同平常的亲蜜的爱的关系，而这种非凡关系使我们在他们“静态”的劳动中看到他们“动态”的内心世界。他们那种欢乐、甜蜜、幸福的内心世界洽洽适合用舞蹈去表现。具体的方法就是把思想、情感化为能被观众看见的“动”的形像，这种形像是情感，升华的表现，绝不是去勉强模拟表现他们劳动的外部形态，而是要始终抓住并表现养蜂人的“情”。
艺术作品不夸张就没有表现力，而夸张就必须有丰富的联想——想象力。联想到养蜂人的头、身、手都沾满蜂蜜，引起蜂对人的追逐、嬉戏，从中体现蜂与人之间感情的交流。这种交流形成的欢乐劳动中的“节奏因素”使舞蹈“形”、“情”具备，由此产生了舞蹈的形像基础。加之巧妙的运用道具，突出养蜂小妞可爱的性格特征等，使《养蜂小妞》给观众留下深刻的印像。
生活美不等于艺术美。创作者对生活中各种美的事物要进行高度的浓缩与升华，要善于像蜜蜂吮吸花蜜那样，吸取生活中最甜美的营养，进行艺术的高度概括，使其成为鲜活动人的舞蹈形像，给观众以美的享受与薰陶。
（二）舞蹈作品要歌颂崇高品格，富于时代精神。
任何艺术作品都服务于它所处于的那个时代，跟不上时代的艺术作品就不可能有立足之地，就失去了它的生存价值。大量民族民间舞蹈能在我国长、期流传，最根本的原因就是它们能顺应人民大众一断变化的审美追求，紧根时代前进的步伐，不断完善自身才得以生存。众多的经典舞蹈作品之所以常盛不衰，也是由于他们所表现的主题抓住了人类对美好事物的追求，并在作品的内容、形式上达到了理想化的高度。现在我们提倡弘扬民族文化，强调文艺作品要反映时代主弦律。弘扬民族文化是指我们民族数千年所传承下来的优秀文化遗产，这些文化遗产是我们民族的精粹，它蕴含着我们民族开拓奋进，勇往直前，富于创新，敢作敢为，无私奋献等最歌唱家贵的精神品质。而文艺工作者由其是进行作品创作的人们，就应该用大量蕴含着民族崇高精神品格的艺术作品去教育感染人，鼓舞激励人，去提高全民族的文化水平和精神素质。
我们所指的“时代精神”，应该是一种积及向上的、催人奋进的、能鼓舞人们斗志的精神。这种精神能使人迸发无穷的力量，能激发人的创造力，能使人深切的感受生命自然的美好，从而对生活布满着希望。“时代精神”不是某些人追求的所谓“时尚”任何时尚都是有他的属性的，有的代表了事物发展的趋势，有的却表现出一种颓废、落后的观念。在当前的一些创作作品中，确有一些人追求的“时尚”背离时代，远离生活。作者把自已狭隘、消沉的人生理念融进自已的作品中，表现他们自身的与时代极不合拍的精神和内心世界。这是我们应该果断摒弃的。有的作者为了标新立异，为了迎合市场中一些观从低级趣味的需要，即强调所谓的剧场效果、经济利益。对一些优秀的、能体现我国一些少数民族独特魅力的民间舞横加扭曲，
一些最能代表东方含蓄美的舞蹈，被硬性的塞进西方的剧烈的弹胯、顶肚、顶胸的动作。认为这样才有“性感”，才能迷住观众，才够刺激且不论社会上怎么样评价，仅是这种无视我们民族的审美感情，无视或淡化我们民族所独特的、为国际社会所赞叹的东方美的创作思想，也是我们应该批评的。
大量好的作品，能给人以振奋，给人以启迪，给人以美的享受，使人从这种艺术美的享受中，领悟一种精神情操的美，使人们对生活、对社会产生一种深切的爱，这就很好地起到文艺作品的教育作用。
例如《闪闪的红星》中冬子妈英勇牺牲的舞段，烈火熊熊，英勇顶立火中；震憾人心的音乐旋律，满场红彤彤的灯光；叠印出潘冬子一句无声的“妈妈！”给观从众以及大的冲击力，震憾了人们的心灵，引发了大家强烈的精神共鸣。
又如《春蚕》根据唐李商隐“春蚕到死丝方尽，蜡炬成灰泪使干”的名句，把春蚕、蜡炬献身精神体现了出来。编导着重塑造和体现春蚕的心灵美，突出了他造福人类的品格。在艺术手段的运用上，设计了一片硕大透明的桑叶，叶子背后是布满曲线美的“春蚕”（演员）。通过演员美丽的双臂动作和手中漂渺的纱巾，表现春蚕吐丝作茧自缚的过程，展示“丝方尽，情不断”的意境，并从中给观众以春蚕丝尽至死无憾的深刻思想内蕴。这个作品表现的是春蚕，实际歌颂的、给人的启示是献身精神。
再如舞蹈《敦煌彩塑》，作品没有直接歌颂英雄人物，也没有赞美某种崇高思想。而是取材借鉴敦隍石窟中的“飞天”，塑造了一群少女的舞蹈型象。作者抓住女性美中最能打动人的几个方面——温柔、端庄、委婉、舒适，刻画出鲜活动人的东方青春少女的群像，使人观后难以忘怀。作品达到了两个目的：一是通过舞蹈的姿态、动作、造型，与舞蹈意境融洽的音乐，以及营造出特定氛围的舞美灯光，反映了伟在祖国灿烂的历史文化和精美绝伦的造像艺术，由此激发人们的爱国主义情怀；一是通过美丽的舞蹈，展示女性美的独特魅力，给人以美的享受，激起人们对生活的热爱。
以上事例都是说明，舞蹈作品虽然以不同的主题、不同的表现手法去创作艺术形象，但这些作品的品格是崇高的，是健康向上的。它们以不同的方式，以不同的角度去反映生活，并给人以启迪，给人以美的薰陶。因此，它符合当今的时代精神，能很好的为时代服务。
（三）熟悉积累专业素材，全面提高专业修养。
1。多看多学舞蹈语汇。
舞蹈语汇（动作）是靠积累才能丰富的，只有相当的积累，才能在创作中信手拈来。也只有对动作了然于心，才能找出它的运动、变化规律，再进一步对这些动作进行变化发展。
另外，对是常生活中观察到的人们劳动或其它习惯动作进行分析，了解它们的型态、动作规律、动作节奏等选择其典型的、有代表性的进行美化提炼，使之成为闪烁光彩的舞蹈型像。如《浪里人》的创作，作者深入到渔民中，观察渔民劳动生活如织网、拉网、撑篷、摇橹；渔民习惯两腿分开站立，走路步伐沉稳有力；战风斗浪形成他们勇敢、豪爽、憨厚、直率的性格特征等。作者对这些素材进行了典型化的表现，创造了生动丰满的舞蹈型像。
2。对各艺术门类的综合学习。
舞蹈是以人体动作为主的综合性艺术，因此，创作舞蹈不仅要有对人体动作的娴熟运用，还要通过其它的艺术手段，为作品的主题、人物型像、情节发展、的兴起等方面，起到推波助澜的作用。
（1）首先，创作者应具有很强的音乐感。音乐感是指对音乐的理解。不仅在理伦上理解，更重要的是对音乐表现情感和音乐型象上的理解。例如，一个舞蹈家和一名画家同时听一首名曲，他们对乐曲的理解就会不同。画家脑海里出现的是画面、构图、布局、是各种色彩、明暗的对比。舞蹈家则会根据旋律的起伏、节奏的快慢、音响的强弱、脑海中不断闪烁着各种跳跃，旋转和时而翻腾激烈，时而伸展委婉的动作形像。虽然二者理解不同，但他们都是很强音乐感的欣赏者。
（2）要对构图、画面的基本知识进行学习。
舞蹈构图在作品中至关重要，好的构图能给人以振奋，感到它变化无穷，内蕴丰厚。呆板的、一成不变的构图画面会使人感到枯燥，毫无感染力。俄罗斯小白桦歌舞团的《小白桦树》，虽然动作简单，但它却运用蜿蜒流动的队型，迭幻繁复的变化，描绘出深邃的意境，令人回味无穷，闪射着迷人的魅力。重庆龙灯艺术节开幕晚会中的，《中国人》舞段，仅靠此起彼伏的万里长城的阵型、四大片块交错、快速穿插和组字，体现出中华民族的凝聚力和浩大的气势，给人以很强的震憾。
（3）要对灯光、服装的基本知识进行了解学习，以便于在创作时综合考虑运用。
舞台灯光变化运用的好，就能深化作品的主题，渲染浓烈的氛围，将观众带入特定的情景中。《春蚕》的背光、顶光、侧光的运用，形象地造就“蚕”晶莹剔透的美妙胴体；《再见吧，妈妈》通过非凡的灯光效果，营造出朦胧的、如梦似幻的母子相见的画面。这些巧妙运用灯光的艺术手段，都是灯光师按照编导的创作和设计要求而解决的。
舞蹈服装的设计当然是设计师的工作，但是编导要提出对服装的设计要求。这个要求一般要考虑两点：一是有助于点题，看了服装的样式、色调，就能明白你要表现何题材；二是服装要体现出人物身份和性格特征。另外，服装设计要充份考虑舞蹈上人体艺术，是用身体、四肢来“说话”，表达一定内容的。服装设计不合格，不符合作品的要求，不但无法表达作品的内容，甚至会破坏预想的效果。好的舞蹈服装，会给观众以鲜明的人物形象，会取自得想不到的艺术效果。如“大学生运动会开幕式”中的变色长裙，先后变出黄、红、绿三种颜色，表达出不同的内涵；《丝路花雨》的“飞天技乐”服饰，把敦煌壁画中“飞天”的形象栩栩如生的塑造出来。
