在新课改的过程中，音乐教学已成为小学教育不可或缺的一部分。与其他学科相比，音乐课不需要学生付出太多的时间，而能够增强学生的音乐认识，形成他们的艺术观。在新课改中，合唱教学的重要性明确提升，合唱教学在音乐教材中的比重很大，但是在实际的学习过程中，音乐课中的合唱教学仍然还有许多需要改善的地方，如许多小学生认为音乐课是一种放松，合唱学习时态度敷衍，配合度不高。在这种的学习情景下，合唱教学开展受到限制，合唱教学效率不高。本文就怎样提高音乐合唱教学的有效性提出了几点改进策略。 一、音乐教学中合唱教学的重要性 （一）有利于学生歌唱习惯的养成 唱歌是情感表达最直接的方式，新课标中要求培养学生自信、自然地演唱，使用正确的歌唱方法有表情地歌唱。为了培养学生唱好歌，我们需要用专业的知识，灵活多变的教法来帮助学生，让学生学会用正确的姿势，科学的呼吸，有共鸣的声音来演唱。在歌曲的演唱中如果使用的方法不正确，很容易影响学生的咽部健康。在教学中，常见的情况就是学生还没有开声准备就直接演唱，这样不利于培养学生良好的唱歌习惯和演唱技巧，尤其是在合唱训练中，负责高音的学生经常犯大喊的错误。教师需要教授学生正确的唱歌方法，引导学生认识到两种方法之间的差异，找出他们在唱歌方面存在问题的地方，教会他们使用正确的方法发声，提高其合唱能力。例如，在排练合唱《唱支山歌给党听》时，高声部的旋律高音到了小字二组G，在演唱时很多学生的声音已经不受控制，发出了破音、尖音，声部的均衡完全被打破，失去了和声的美感。这时，教师要及时指导学生从气息、发声位置、咬字口型、混声共鸣等方面进行纠错，养成学生正确的歌唱状态，建立唱高音时合理的唱法概念，让学生知道喊叫唱高音是错误的，不科学的。 （二）有利于培养学生团队协作能力 合唱以集体的方式展开，不仅是多人声音的简单结合，而且是以多声部、分角色的形式进行集体配合演唱。合唱的结果好坏，不仅受制于学生的个人能力，同时还与指挥以及各声部团员的默契度息息相关。在合唱教学中，教师要引导学生以音乐为纽带进行合作学习，培养学生的集体观念，以更好地形成相互尊重、合作的精神。不同学段不同班级学生的音色不同、对乐曲的感受能力有差异等多方面因素，是合唱教学中需要解决的重点。在合唱学习中，学生需要学会彼此包容，相互倾听各个声部的旋律，把握乐曲的音准、节奏、音乐处理等；能识别指挥的手势，乐曲的前奏，准确而恰当地做出反应，注意发声的位置的统一。在合唱教学过程中，音乐教师还要了解每个学生的歌唱特点，并有针对性地采取教学方法，让学生在合唱过程中发挥出自身的优势，积极参与合唱学习排练，养成良好的团结协作的品质。例如，在进行阿卡贝拉《蜗牛》的教学时，教师先让学生欣赏不同的声部的演唱，引导学生自愿组成不同的小组，对乐曲中的旋律声部、人声模拟乐器声部、人声模拟节奏声部进行发言，然后鼓励学生认真欣赏并踊跃发言，说出在阿卡贝拉演唱时乐器声部、节奏声部的功能重要性，以及和旋律声部的相辅相成的关系。而不了解乐器声部、节奏声部的学生或者是不自信的学生在小组的学习氛围中会被集体的力量所感染，逐渐提高演唱能力。另外，阿卡贝拉的演唱没有教师的指挥，学生通常只要依靠眼神交流或者点头、挥手等肢体语言来调整歌曲的情绪、速度、节奏。通过练习，学生在合作中找到默契，最终体会合作在乐曲演唱中的重要性。同时学习合唱对学生的未来发展也具有积极意义，随着社会的进步，人与人之间的合作将变得更为关键，在合唱的训练中学生潜移默化地知道了团结协作的重要性，培养了自身的合作意识，了解到合作是成功的基石。 （三）有助于培养学生核心素养和综合能力 合唱作品的学习，不仅是让学生学习音乐基础知识和演唱技能，还能帮助学生认识音乐与姊妹艺术的联系。学生通过合唱作品的学习，了解学习各种综合的知识，例如文学、美术、舞蹈、历史、影视等。相关知识的融合，可以帮助学生直观地理解音乐作品的内容、题材、风格等，以及音乐作品中表达的思想情感。学生通过对合唱作品的有效感知和评价,在不知不觉中完成学科核心素养的培养。不同国家、民族、不同风格的合唱作品，也将对学生的思想产生影响，并且对拓展学生的知识面产生很好的效果，提升了学生的综合素养。如在合唱《四季的问候》时，学生了解了日本音乐的创作手法，欣赏了作曲家的其他代表作品；在合唱《卡林卡》时，学生了解了俄罗斯民歌的样式，从歌曲的速度变化感受了俄罗斯人热情奔放的风格，歌曲节奏非常感染人，舞蹈性很强；在合唱VoisSurTonChemin时，了解到法国电影《放牛班的春天》，感受到音乐与人物水乳交融，感受了法语合唱发音的美感等。合唱训练可以使学生的思维更加生动，有利于发展他们的想象力，增强他们创造意识。 二、小学音乐合唱教学中的问题 （一）学生对合唱认知少，缺乏兴趣 合唱教学在小学阶段的音乐课中，对学生的吸引力远远不如独唱、表演唱来得更有兴趣。学生在音乐课中表现欲望强烈，喜欢展示自己，对合唱的表现形式不认同。同时小学生本身对音乐知识认知积累较少，在合唱过程中进行合作时会存在声部不均衡，个别的难点节奏、音准跟随其他声部等问题。这样就要求教师和学生反复磨合，花费大量的时间排练，多次枯燥的排练会让学生感觉没有成功感，从而产生消极情绪，降低了学生的学习兴趣和热情，导致合唱教学效果不好。 （二）音乐教师对合唱教学没有足够重视 在小学音乐教学中，多数教师对合唱教学的重要性认识比较肤浅，不够深入，对于合唱教学的认知，停留在齐唱和分声部一起唱的阶段。在教学中浮于表面的形式，只是对学生进行一些基本合唱知识的灌输，合唱教学开展比重小、形式单一，内容枯燥，没有深入挖掘合唱教学的精髓；训练方法不科学，合唱教学水平较低。 （三）教师的教学方法有待提升 合唱教学是可以提高学生音乐素养的重要途径，但是在小学音乐教学中教师和学生的磨合难以达到理想的水平。部分教师不注重科学的训练方法，学生的声音训练不够，也没有探索相关的教学手段，激发学生对合唱训练的学习兴趣。在合唱作品训练中，不能关注到学生的情感体验，挖掘合唱作品中丰富的情感内涵，很多学生不能对合唱歌曲进行深刻的了解，导致在演唱时缺乏情感，影响合唱的效果。 三、小学音乐课堂合唱教学的优化措施 （一）以兴趣为动力，提升学生学习合唱的效果 对于小学阶段的学生来说，兴趣是学习音乐的基本动力。如果学生对合唱学习有很浓厚的兴趣，他们就会端正态度，更积极地参与到教学活动中。在教学过程中，教师应该让学生感到快乐、有趣。合唱作品是经过音乐加工的艺术语言，富有感染力，我们要让学生乐于欣赏优秀的合唱作品，要注重学生对音乐的体验和感受，激发学生对作品的学习兴趣，让学生学得既轻松又愉快。在合唱课上，教师要创新课堂，丰富课堂的表现形式，引导学生与教师合作执行各种教学任务。同时教师要和学生一起讨论合唱技巧，让学生在模仿的基础上自发地开展合唱训练。在提高学生兴趣的过程中，教师还要根据学生在舞台上的表现情况，用诙谐、生动的语言启发他们，使学生唱出生动感人的作品，真正感受到学习合唱的快乐。例如，合唱《唱脸谱》时，乐曲是吸取了京戏中花脸的唱腔精华而创作的一首作品，乐曲生动有趣，这样的作品有利于学生对合唱歌曲产生积极主动的学习兴趣。教师在授课中，要站在学生的角度去进行教学。首先，播放歌曲给学生“磨耳朵”，《唱脸谱》以鲜明的乐句，生动的语气，抑扬顿挫的旋律，恰到好处地把张飞、关公、曹操的不同形象、气质演绎得惟妙惟肖。有些学生听一次就能和着节奏模仿音乐形象表现歌曲。其次，带领学生唱歌，并带领学生欣赏各式不同的脸谱,了解传统戏曲中独特的化妆艺术，激发学生的学习兴趣。最后，要让学生可以自己唱出来。当学生学会用自己的声音去表达这首歌的感情时，可以加强学生合唱的信心与气势。另外，教师也要时刻关注学生的合唱状况，学生在呈现作品时的状态对合唱结构的组成具有重要意义。 （二）以学生为主体，优化合唱教学的方式 小学音乐课程不是为了培养音乐的专门人才，而应面向全体学生，以学生为主体，将学生对音乐的感受和音乐活动的参与放在重要位置。在合唱教学中，教师要看歌曲内容是否贴近学生的生活，是否能让学生喜欢和理解。教师应带着学生的眼光，站在学生的角度选择一些符合儿童特点的合唱作品，如《让我们荡起双桨》《我们的田野》《听妈妈讲那过去的事情》等，这样可以减少乏味的学习经验，使他们在一个更好的氛围中学习。从这个角度来看，小学音乐教师还要提高对合唱的认识，在声乐艺术中合唱是容量最大、表现力最丰富的。就演唱形式而言，在一首合唱作品里可以根据歌曲的表现需要，选择多种演唱形式，如领唱、轮唱、对唱等。在合唱教学中，合理地使用不同演唱形式，可以增强歌曲的艺术感染力和表现力。在教学工作中，教师要鼓励学生参加各种合唱实践活动，增强学生音乐表现的自信心。同时，学校也要更加重视音乐合唱教学团队的建设，以提高小学音乐合唱教学的有效性为重点，采用不同的方法来改善合唱效果，为提高学生的实际能力提供基础。学校还要从教学活动入手，积极开展各种培训活动和教学活动。例如，在学习《农场的早晨》课题中，这部作品由于是一种综合性的表演，要求学生建立初步的合唱意识。因此，教师可以将学生分出具体的角色，来融入该歌曲的情境内容中，并结合实际的音乐器材来进行演奏，如口琴或者电子琴等，模仿出农场中一些动物的声音，如小鸡、小鸟等。在教师的引导下，学生可以感受到不同乐器所带来的魅力，掌握不同声部的音准和音高，进而促进合唱训练水平的提升。 （三）以实践为基石，注重学生声音的训练 合唱教学的过程就是音乐实践的过程，我们只要重视实践，必然能获得好的结果。在教学过程中，为了进一步提高合唱教学效果，教师有必要从声乐训练的角度对学生进行辅导，使所有学生都具有较强的歌唱技巧。在教学过程中，教师需要按照科学地呼吸、发声、咬字，逐步教导学生，对学生进行有计划、有步骤的训练，提高他们的歌唱能力。教师还可以对学生分声部、分小组进行训练，让学生在彼此的对照下纠正自己的发声，为更好地进行合唱训练做好准备。一般来说，小学阶段好的童声应当是通畅、明亮的声音。强化发声训练的目的就是使学生更快地获得这种声音。当然不同阶段学生的声音情况也不同，特别是处于变声期的学生，教师要尽力用科学的方法帮助学生安全、顺利地度过这个阶段。有的学生认为只要是明亮的声音就是好的，一味地模仿高位置、明亮的声音，这样发声往往会出现气息不通畅，共鸣不好、挤压喉头的情况。这就需要教师从学生的实际情况入手，用生动形象的语言启发学生，引导学生想象、感知。如为了让学生体会并做到有气息地支持发声，教师可以启发学生“声音缓缓地从头顶飘出，飘到了天花板上”等，让学生在练唱时多用轻声进行歌唱，或暂用低八度来唱，在个别练习时，可降调演唱。教师还要提醒学生，让他们控制饮食，避免进食刺激性食物，保持咽部健康。此外，在实际的教学排练工作中，教师要及时调整各声部声音，让学生合理运用声音技巧，唱出感情，唱出个性和风格。 （四）以审美为核心，注重学生的情感体验 音乐是情感表达的优秀载体，作曲家通过音乐作品表达自己的个人感情。根据小学生的心理发展特点，在合唱教学中教师应该将情感体验，作为合唱作品训练的前提，不能仅仅停留在要求学生声音统一、声部的和谐均衡这种层次，还要学会运用合唱作品来激发学生独特的情感体验。教师要对不同国家、不同民族、不同风格的作品进行深入分析，根据学生的特点和优势，引导学生深刻体会合唱作品中所蕴涵的情感，并且将情感体验作为基础，充分激发学生的想象力，有效加强学生对歌曲的理解，使其在演唱作品的同时，能够带着美好的情感完美地演绎歌曲。还可以让有能力的学生在合唱排练中进行二度创作，让学生在合唱的演绎中能够自行表达，升华自己的情感。例如，在《山童》的合唱教学中，教师可以让学生欣赏歌曲后进行讨论交流，有情感地朗读歌词，引导学生说出歌曲是通过第一人称的耳闻目睹，展示了缤纷多彩的山间美景，歌曲中充满了诙谐生动的童趣，让每个学生都能身临其境。这个过程有利于学生进行角色带入，深化学生的情感体验，使学生演唱出充满情感的声音。这样在排练作品时，学生就能准确把握歌曲所表现的内容。 教师在排练时可以反复强调《山童》抒发了自己的心声——童年多美好，刺激学生的想象和联想，促进学生的情感得到升华，激发学生热爱大自然，热爱生活，热爱自己童年时代。有能力的学生还可以进行二度创作，从而使合唱作品的情感更加丰满，富有感染力。综上所述，为了使小学音乐课堂的合唱教学更加有效，教师必须提高自身的音乐素养，加强合唱专业知识的学习，用更有效的方法解决课堂教学中的问题。同时从合唱训练的角度对存在的不足进行调研和分析，通过合唱的学习，养成学生健康向上的审美情趣，培养学生的音乐审美能力，使音乐教育更加有效。 作者:李现 单位:徐州市公园巷小学
音乐生活论文:幼儿园音乐教育生活化的意义 一、幼儿园音乐教育生活化的意义 （一）幼儿园音乐教育生活化的背景。儿童音乐生活化的思想早在九十世纪就已被德国教育学家福禄贝尔提出，意大利瑞吉欧教育的教学方案以及华德福教育都强调了音乐教育生活化这一理念。由于这一教育理念的先进性和可行性，其后在世界各国得到了不断的普及和推广。进入21世纪，儿童音乐教育生活化的实践及研究也在我国掀起新的热潮。2006年全国幼儿园音乐教育研讨会上，在“回归本位的早期儿童音乐教育”论题下，南京师范大学的教授就已经明确表达了幼儿音乐教育应该生活化的观点。若在中国知网以“音乐教育生活化”为关键词检索，共有三万多条检索结果；以“幼儿园”及“音乐教育生活化”进行检索，则共有4509条结果，这足以表明幼儿园音乐教育生活化的理念已经深受各界人士的关注。 （二）幼儿园音乐教育生活化的涵义。幼儿园音乐教育生活化，是指根据幼儿在幼儿园一天的不同生活内容，包括入园、吃饭、午睡、游戏和课间操等，加入与之紧密结合的歌曲或乐曲，尤其是少儿歌曲和童谣，让孩子们能够在音乐的审美愉悦中轻松快乐的开展各种活动，达成各项教学目标。 （三）幼儿园音乐教育生活化的意义。第一，音乐教育生活化对幼儿今后的发展有着深远的影响。幼儿期孩子的大脑还未发育完全，在此期间将音乐教育生活化，不仅能够激发幼儿的生活情趣还能增强幼儿的生活经验。第二，音乐教育生活化能够加强幼儿的生活技能。将音乐贯穿于孩子一天的幼儿园生活中，能够使孩子在轻松的氛围中学会各种生活技巧，完成各种教学任务。第三，音乐教育生活化的实施，巧妙的将相关的歌曲乐曲融入幼儿所熟悉的生活情景中，拉近了他们对音乐的距离感，更有利于激发他们对音乐的兴趣，提高他们的音乐素养。 二、幼儿园音乐教育生活化的现状 虽然音乐教育生活化已经在很多幼儿园得到实施推广，但因种种条件的限制，在当前仍存在诸多亟待解决的问题。 （一）以教师主导代替学童主导。幼儿音乐教育生活化，要求教师要从儿童的生活特点和心理特点出发，选择与设计符合这一特点的教学模式—学童主导模式。但在实际的教学活动中，不少教师教仍沿袭传统的教师主导模式和方法，先教孩子读歌词，再教孩子和旋律，没有和孩子交流沟通，让他们挑选自己喜爱的歌曲和教学方式，没能充分调动孩童的学习兴趣，最终不能实现教学设想。 （二）音乐内容与生活环节游离。孩子在幼儿园学习、生活的一整天时间包括很多环节，比如入园、课间、吃饭、午休等，在幼儿园中，教师在音乐教学中所选择的教学内容往往与实际生活无关，很少使音乐能够融入这些日常的生活环节，没有能够充分利用音乐的价值，使得孩子一天的生活单调乏味。 （三）教学体制和评估机制尚未完善。我国对幼儿园音乐教育生活化缺乏完善的体制，幼儿园音乐课本的音乐题材也较少加入生活元素，导致教师在实际的教学环节中难以找到与生活环节相匹配的音乐作品而出现偏差。同时，对教师的音乐教育生活化也缺少评估体制。 三、幼儿园音乐教育生活化的策略 鉴于幼儿园音乐教育生活化的现状，根据已有的教学经验和成果，我们需要在以下三个方面做进一步的探索和改进： （一）编选合适的音乐教材。在幼儿学习生活的各个环节，选择合适的生活化的音乐素材，都能更快的将他们带进特定的情景中，达成师生互动的良好氛围。然而目前还没有这样配套的教材。这就要求老师要积极主动的去收集和选择适合自己的教学对象和教学主题的音乐作品，同时也要精心组织，通力合作，尽快的做好音乐教育生活化教材的编订工作。 （二）设置富于情景感的游戏。生活化的音乐，是模拟的情景化的；而游戏，是最能调动幼儿兴趣和热情的，巧妙地将二者结合起来，使生活化更为生动有趣。有些歌曲，例如丢手绢、找朋友等，本就是游戏化的。教师可以创设更多情景化的游戏，例如设想一个为爸爸妈妈送雨伞的游戏，同时播放模仿风声、雨声及雷声等的音乐或歌曲，就能使孩子们有身临其境的感受。 （三）分类播放功能性乐曲。幼儿在幼儿园的生活都有较规范的作息时间，在不同的时段内播放相关的音乐，既借助音乐建立了良好的秩序感，又很好的把音乐教育贯穿在每一天教学活动的始终。例如早晨入园时播放早上好、上学歌等，给孩子们营造一个快乐的上学气氛。午睡时可以播放固定的催眠曲、小夜曲等，以提高孩子的睡眠质量；午睡后洗漱时可以播放小毛巾等，使得孩子们能够轻松的完成洗漱过程。 四、结语 综上所述，幼儿园音乐教育生活化是当今幼儿教育一个很有现实意义的课题，已经取得了很多成功的经验与成果。但在教学体系的科学完备，优秀教材的编选和评价机制的确立等方面，还有更多的课题需要我们去实践和探索。 作者：王蓓蓓 单位：常熟理工学院 音乐生活论文:高中音乐教学与生活的联系 摘要：音乐艺术来源于生活，又高于生活。在高中音乐教学中，教师应认识到音乐教学与生活的关系，从而采取有效的教学策略，将高中音乐教学与学生的生活进行紧密的联系，以充分的调动学生学习音乐的积极性，提高学生音乐学习的效率，促进学生音乐学习上不断的进步。因此，本文主要针对于高中音乐教学应与生活进行紧密联系进行了详细的分析和研究。 关键词：高中音乐教学；生活；紧密联系 前言 学生在生活中每天都会接触音乐，例如，学生每天会听相应的音乐缓解学习压力，在运动的过程中会听音乐等等，因此，教师只有将高中音乐教学与学生的生活进行紧密的联系，学生才能够充分的认识到音乐学习的重要性及意义，从而才能主动的学习音乐，并且获得良好的学习效果，进一步提高学生的音乐学习水平，促进学生长远学习及长远发展。 1鼓励学生在生活中搜集感兴趣的音乐 在高中音乐教学中，教师要想将高中音乐与学生实际的生活进行紧密的联系，首先教师应鼓励学生在生活中搜集自己感兴趣的音乐。由于很多学生在课下有听音乐的习惯，并且对很多音乐有着自己独到的见解，学生可以将自己感兴趣的音乐带入到课堂上，并且向教师和全班同学进行讲解，将自己对音乐的理解、感受全部讲述出来，实际上，学生在讲述的过程，也是在学习和理解的过程，学生对于音乐会有更深的理解，从而提高了学生音乐学习的质量，学生在音乐课堂上学习也更加积极［1］。在学生对自己所喜爱的音乐讲解完毕之后，教师可以鼓励学生积极的发表对音乐的见解，进而形成“百家争鸣”，学生在积极的发表自己对音乐的见解过程中，一方面激发了学生的学习情绪，使学生处于良好的学习状态，另外一方面学生的学习积极性更高，进而获得的学习效果也更好，有助于提高学生的课堂学习效率，促进学生音乐学习上不断的进步［2］。 2教师应将音乐课堂教学知识与学生的实际生活进行紧密的联系 在高中音乐教学中，教师在讲授相关的课堂知识的时候，教师应将相关的课堂知识与学生的生活进行紧密的联系。例如，在讲授相关民族音乐知识的过程中，教师可以向学生提问，问学生在生活中都听哪些民族音乐，喜欢哪些民族歌手。通过此种方式，学生不再认为音乐课堂枯燥乏味，而是积极的投入到学习当中，学生也会争相踊跃的回答教师的问题，学生会将自己喜爱的民族歌手及其相关的音乐作品一一的罗列，同时也能发表自己独到的观点，从而提高了学生课堂学习的效率［3］。此外，教师还应该鼓励学生对于自己感兴趣的民族歌手进行深入了解，在平时的课余时间，通过查找资料等方式对其进行深入研究，并且将研究的结果有效的整理出来，这样才能够提高高中音乐教学的质量，促进学生音乐学习水平的大幅度提高，并且学生在音乐的学习上不再是被动的接受知识，而是主动学习、主动探索，充分的激发了学生的创造力，有助于学生音乐学习水平的大幅度提高［4］。 3鼓励学生将课堂上学习到的知识应用到实际的生活当中 学生只有将课堂上学习到的音乐知识有效的应用于实际的生活当中，才能够真正的实现学以致用。因此，教师应鼓励学生将学习到的音乐知识进行有效的应用，从而实现最佳的音乐学习效果，促进学生音乐学习上不断的进步。例如，学生在课堂上学习到音乐鉴赏方法之后，学生可以在课下针对于自己感兴趣的歌曲进行鉴赏，利用课堂上教师教授的鉴赏方法，对相应的歌曲进行鉴赏，能使学生获得更深的鉴赏感受，进而实现最佳的音乐学习效果［5］。可见，在高中音乐教学中，教师将音乐教学与学生的生活进行紧密的联系，使学生能够获得更多的学习感受，同时也能够降低高中音乐教学的难度，提高高中音乐教学的质量，使学生在教师科学的教学下，快速的掌握音乐知识，提高音乐学习能力，确保了学生音乐学习的质量，对学生的长远发展非常有利。 4结论 实际上，音乐与学生的生活有着紧密的联系，学生在生活中处处会接触音乐，同时很多学生也在充分的利用音乐陶冶自身的艺术情操，缓解学习压力。因此，在高中音乐教学中，教师应将生活中的音乐元素有效的应用于实际的教学中，使学生能够感受到音乐的强大魅力，从而能够充分的调动学生音乐学习的积极性，提高学生音乐学习的质量和水平，并且很多学生也会将音乐作为终身的爱好进行学习，有助于实现学生长远发展。 作者：郭珊珊 单位：辽宁省盘锦市辽河油田第三高级中学 音乐生活论文:幼儿园音乐教育生活化的有效途径 【摘要】在幼儿教育活动中，音乐教育是其重要构成部分，能够促进幼儿和谐、全面发展。不少幼儿音乐教师采用生活化教育模式，将幼儿的实际生活与音乐教育有机结合，将音乐课堂教学变得生活化，以此提升教学效果。本文针对幼儿园音乐教育生活化的实施途径进行着重分析与探讨，同时提出部分有效教育途径，帮助广大教师运用到教学实践中。 【关键词】幼儿园；音乐教育；生活化 艺术源自生活而又高于生活，在幼儿园教育活动中，由于教育对象年龄较小，其身心发展不够成熟，生活化教学已是迫切需求。因此，幼儿教师在音乐教育中，采用生活化教学途径，符合幼儿的身心特点与学习需求，在音乐教学中融入生活化元素，将音乐教育与孩子的日常生活相互融合，对幼儿的全面发展与音乐发展具有积极作用。 一、幼儿园音乐教育生活化存在的主要问题 首先，音乐教学内容偏离幼儿生活，在幼儿音乐教育活动中，不少教师选择的内容一般都局限与教材，极少考虑到幼儿的爱好兴趣与学习需求，对于他们的日常生活关注度也不够，导致教学内容与幼儿的实际生活是相分离的，联系不够密切，影响其学习兴趣。其次，音乐教学方式偏离幼儿生活，目前，在幼儿园音乐教育过程中，部分教师的教学方式比较传统落后，将幼儿当做学习与接受音乐知识的储存器，很少站在他们的角度思考问题，教学方式机械生硬，课堂氛围枯燥乏味，与幼儿天真烂漫的性格不协调。再次，生活环节难以挖掘音乐教育元素，幼儿园音乐教育实现生活化，需要教师在幼儿的日常生活中发现和挖掘音乐元素，然后再运用到教育活动中。但是，一些教师则极易忽视生活中的音乐元素，并难以挖掘其教育价值，从而影响幼儿学习音乐知识的动力与热情。 二、实现幼儿园音乐教育生活化的有效途径 1.幼儿音乐教学内容生活化。在幼儿园音乐教育活动中，教师要想更好的实现生活化教学，首先应选择生活化教学内容，贴近幼儿的实际生活。因此，幼儿音乐教师可将自然生活融入到教学实践中，广阔无垠的自然界能够给人们的审美带来灵感，并蕴含着丰富的音乐元素，诸如风声、雨声、蛙鸣、流水和鸟叫等，这些原生态的自然声像，不仅悦耳动听，还是幼儿比较喜欢模仿的对象。自然生活中的音乐元素，能够给幼儿带来愉悦的音乐审美情趣，与课堂学习唱歌相比，无疑更具优势。同时，教师也可将日常生活内容融入到幼儿音乐教育中，音乐是以现实生活为基础产生的感想，是一种以声音形式的艺术。幼儿具有较强的模仿力，对生活中的各种声音都比较感敏锐，比如，风吹树叶声、水龙头淌水声、电话铃声等，这些声音的节奏和频率各不相同，教师可将其灵活运用到音乐教学中，实现生活化教学。2.幼儿音乐教学形式生活化。针对幼儿园音乐教育形式生活化，教师可借助游戏、情境和绘画等方式实现，特别是游戏对于幼儿来说具有较强的吸引力，并具有假定性、自发性和愉悦性等特点，可以有效调动他们学习音乐的兴趣，真正实现寓教于乐。幼儿园音乐教育形式生活化可以有效改善乏味、僵硬的课堂形式，促使幼儿回归本性，保护他们学习音乐的渴望。幼儿音乐教师可采用谜语游戏教学法，帮助幼儿学习音乐知识，并锻炼开发其想象能力与思维能力。谜语具有较强的形象性与生动性，可有效触动幼儿的好奇心，并训练他们的音乐节奏感。比如，教师在引导幼儿感悟生活中雨水的音乐知识时，可采用谜语“千条线，万条线，落到河里看不见”，不仅能够激发他们学习音乐知识的兴趣，还能够联系到幼儿的实际生活，并培养其音、意、形的审美感知，从而实现教学形式的生活化。3.幼儿音乐教学过程生活化。音乐指的并不是纯粹的声音，而是声音和语言、舞蹈和动作等有机结合在一起，具有较强的实践性，生活化的幼儿园音乐教育更是如此。只有将教学过程变得生活化，在音乐教育活动中，让幼儿亲自用身体、双手和嘴巴等进行练习和实践，才能让他们对音乐学习内容产生最直接和有效的体验与感知，真正体会到音乐知识的艺术魅力。因此，幼儿音乐教师在教学过程中，应尽量为幼儿提供更多参与实践的机会，将更多的学习内容让其动手操作，而不是教师的讲解。教师可将一些生活化内容改编为音乐，比如，《扫地歌》：小笤帚，单手拿，大笤帚，双手抓，扫了星星扫月亮，乐坏小草和小花，屋子扫得净，才是好娃娃。由于歌词内容与幼儿的实际生活比较贴近，学习起来容易掌握，还能够让他们的双手和身体得以解放，从而全身心的投入到音乐知识学习中来。 三、总结 在幼儿园音乐教育活动中实施生活化教学，不仅符合幼儿音乐教育的需要，还符合幼儿的学习需求，是提升音乐教学效果和质量的有效途径。因此，幼儿音乐教师应运用科学合理教学模式与途径，保证生活化教学的有效实施。 作者：张晶伟 音乐生活论文:小学音乐教学生活化实践分析 众所周知，艺术来自于生活，音乐作为艺术的一部分自然是人们日常生活中不可或缺的一部分。音乐具有明显的影响力与感染力，不但对不同地区人民的生活有着写实的记录，还能够抒发人们的喜怒哀乐。近几年，由于儿童审美与智力水平都得到了提升，因此，将小学阶段的音乐教育与生活实际紧密联系在一起能够更好地适应新课改的需要。 一、小学音乐教学生活化的意义 小学阶段在基础教育中是十分关键的一部分，学生在小学培养出的习惯可能会陪伴他们终身。因而，在小学阶段做好音乐教育工作就是十分重要的。小学生仍然处在儿童期，对任何事物都有着浓烈的好奇心，因此在小学音乐教育中要注意将学生的兴趣吸引到课程内容中来。音乐可以带给人美的享受，能够陶冶学生的情操。在进行教学时，要在课堂上融入学生生活中的故事，这不但能够提升学生发现美的能力，还能够增加他们学习音乐的热情，享受音乐带来的美感。 二、小学音乐教学生活化的策略 1.改进教学手段 小学生都喜欢自己动手进行探索，而不太喜欢学习纯理论性的知识。因此，在进行音乐教学时，要与学生的实际生活相结合，不断改善教学的方法及手段，根据不同的教学内容创设不同的教学情境，增加课堂上的师生互动，达到加深学生对音乐的理解的目的。在实际的课堂教学中，教师主要应创设情境，促进音乐更为生动、形象。以《歌唱二小放牛郎》（苏教版音乐二年级下册）为例，首先，教师可以让学生观看关于王二小的资料，让学生先对王二小有一个了解，理解故事发生的背景；接下来，对学生进行歌曲教学，并鼓励学生将歌曲编成音乐剧表演，让学生在表演中明白歌曲的内涵，体会歌曲寄托的感情，从旁观者的角度对王二小进行歌颂。 2.丰富音乐鉴赏形式 教师要着重使用学生的生活经验及积累，让学生带着自己真实的感情学习音乐，增强各方面能力。同时，可以进行舞蹈、音乐剧等形式让学生理解歌曲的内容，激发学生对学习歌曲的兴趣。在教授乐曲时，可以依据小学生在这一阶段的心理特点，结合具体的内容，促使学生真正理解乐曲中体现的美。 3.加强学科融合 在艺术教学中，音乐教学是十分重要的一个内容。同时，音乐与其他学科间的联系十分密切，特别是近几年，伴随着新课改的不断深入，教学理念也发生了很大的改变，倡导学科之间相互融合。因而，在实际的教学中，教师要重视帮助学生建立一个完善的知识体系。想要实现音乐教学生活化的目标，教师可以充分发挥自身的能力，加深音乐与其他学科之间的联系。例如：加深美术与音乐的联系，可以让学生带着画笔，画出自己认为的歌声中描绘的画面，让学生真正理解到乐曲中的感情。此外，还可以将音乐课不断延伸至整个校园中来，比如：加深音乐教育与课外教育的联系，通过音乐来丰富学生的课外活动。 4.增进师生交流 在进行音乐教学中，要注意给学生营造一个科学的心理健康教育的气氛。学生心理健康教育的基础是物质环境，例如：家庭环境、社会环境及学校环境。在布置这些环境时，首先要保证其安全性及舒适性，其次要注意通过多种形式吸引学生注意力。除了物质环境，最重要的就是对学生的心理环境进行设计。教师在进行音乐教学时，需要带给学生一个平等的心理暗示，创设一个适当的心理健康教育气氛。在一些教学活动中，教师能够使用表情、动作等媒介调整学生的心理。依据不同的身份与学生交流，模仿不同的角色，通过尽量真实的表演引导学生主动探索乐曲，增加学生的鉴赏能力。 5.培养学生听觉能力 在进行音乐教学的过程中，教师要着重培养学生的听觉能力，让他们多接触音乐，通过多样化的措施提升学生音乐听觉能力，以吸引学生学习音乐的积极性，培养他们听音乐的爱好，学生就会在潜移默化中辨别出音乐中不同节奏的差异。例如：在教授一首乐曲时，教师可以给不同的片段配上图案，激发学生的想象力，让他们自己编童话故事，提升他们的想象力及创造力。 6.完善教学评价 想要科学合理地评价学生的成绩，除了要注意学生唱歌唱得怎样之外，还要对学生鉴赏乐曲的能力进行评价，注意多元化、人性化，与学生的生活实际相结合，并依据乐曲的不同难度对学生进行评价。一些民族歌曲，由于学生并未在该地区生活过，所以很可能会产生陌生感，因此在教学时，要尽可能多地讲一些与当地风土人情相适应的内容，激励学生承担起传播本土文化的任务，激发学生的兴趣，提高学生的素养。总之，音乐作品来源于人们的日常生活，每一首乐曲都包含着创作者对生活的理解及感情。在新课改的要求中，生活化的教学方式已成为一种必然的趋势，因此，教师要通过改进教学手段等措施培养学生对学习音乐的积极性，提升学生各方面的能力，给学生享受音乐之美及对音乐的终身学习打下良好的基础。 作者：徐雯雯 单位：江苏省滨海县第二实验小学 音乐生活论文:优秀音乐教师四年来的生活汇报演讲 教师演讲稿 优秀音乐教师四年来的工作生活汇报演讲 敬爱的领导，亲爱的同事们，大家晚上好： 我回忆了一下自己几年的教学工作，但说实在的，心里有点难为情，因为从踏上工作岗位到如今已经四年了，虽然薄校长关于我们对待教学工作要全情投入要积极主动的讲话一直都萦绕在我耳边，也一直在指导着自己的日常工作，但感觉自己还是没有做出什么令大家满意也让自己满意的成绩来。很多的老师都比我付出的更多，做得更好。如果说真要我说一点什么的话，那么在我这短短的几年教学生涯中，还是有一些让我感动的点点滴滴，在我的记忆中定格成一幅幅弥足珍贵的回忆片段，现在我把他奉献出来与大家一起分享一下。 记得在刚刚踏上教师岗位时，我曾担任过一学期的班主任工作，那时我家就住在学校附近，每天几乎是最早进校最晚离校，把全部的爱与精力都给了这群孩子，把所有的时间都用在了和孩子们在一起，慢慢的，在课间活动的时候，孩子们都开始叫我妈妈，我很别扭，觉得孩子怎么能这样叫还如此年轻的我。后来有一次因为一点误会，一位学生家长狠狠地批评了我，把我委屈得跑到舞蹈房大哭了一场，班上的学生知道后，竟然都跟着哭了起来，而且比我哭得还伤心。孩子这一哭让我突然明白：原来在他们心中，我已不仅是一位老师，他们已经把我当成了心目中至亲的人----妈妈，我的幸福感油然而生：我付出了一滴水，但却收获了整个海洋；我本来想要一片红叶，他们却给了我整个枫林。能得到孩子们这样的一片心，我再多受点委屈算什么呢？！ 第二年，学校成立了铜管乐队，我作为一名负责老师被安排在了小号这一组中。可是没过多久，我就慢慢发现，其他小组的老师都因有事而逐一离开了铜管乐队，最后的结果就是，所有的小组都归我负责了。我起初还想：反正是管理学生，一组是管，两组也是管，也就欣然接受了。可等到学期结束时，学校忽然通知：暑假期间每天都要进行铜管乐队训练。由于来培训的老师每周只来一次，其他的时间就让我带着学生练，我一听当时就傻了眼，这铜管乐器我可是一窍不通啊？后来又转念一想，学校这样看得起我，我怎么样也要把这支乐队带好了，反正有专业的老师来教，我仅是带着他们复习复习而已，应该没有多大问题。但让我始料不及的是，每周培训一次的老师也有事不来了，所有的培训任务就这样全部落在我身上！我当时就晕了，乐队中有小号、长号、圆号、中音号、低音号，还有小鼓，成员还以男生居多，单单管理学生就已是很痛苦了，却还要承担训练任务！我再也乐观不起来了，每天我都哭丧着脸对颜教导喊救命，强烈要求派来几个老师帮帮我，在教导的努力下，两位老师加入了进来，教导本人也每天都在六点半左右赶到学校参加学生的训练。 现在回想起来，真不知那段时间是怎么度过的，每天一大早我就得起床，跑步到学校，然后煞有介事地帮他们训练。说实话，最初的时候，我对这些东西真的不是很懂，只能是听听音准，至于其他的，就什么也帮不上了。后来我想，这样也不是办法，就专程跑到苏州买了相关的书籍，自己也拿起乐器，一边自学一边就凑和着教。就这样,我与这群孩子在一起经历的春夏秋冬中建立了深厚的感情，每次看到他们早早地起床，睡眼惺忪地来训练，我心里总是特别地感动。我常常告诉自己：即使哪天我生病了，我也要坚持不懈地陪他们训练，我不能让他们白白浪费掉本应是睡觉的时间！不知不觉，两年过去了，市里要举行一个中小学铜管乐队比赛，这批学生已是六年级了，我们非常辛苦地说服了他们的班主任和家长，让他们在每天放学后进行队形训练！当最终他们取得了一等奖第一名的好成绩时，学生们沸腾了，我也激动了许久许久。当我在领奖台上举起奖杯时，我的眼眶湿润了，我深深地感觉到，这个奖杯里容纳的东西太多了，致使我的双臂已不堪它的沉重。在合影的时候，一个平素最调皮被我批评最多的学生真诚地说："王老师，我们永远记得你，你虽然很凶，但你是我们最可珍爱的人！"我的泪水再也控制不住了，面对这么可爱的孩子，再多的委屈再多的不满又算什么呢？ 记得去年我校承办省里教海探航的会议时，我们艺术办的老师需要安排一台节目，在我开始构思英语剧的时候我刚刚怀孕，等到暑假排练时已经大腹便便了，很多动作我根本就无法示范到位。可是孩子们却给了我最大的安慰，只要我说清楚了要求，他们都能把最优美的动作展示给我。有个在剧中扮演小鱼的女孩，去年才一年级，个子很小却很可爱。在我教她一个动作时，她总是不能准确到位。其他的小朋友在旁着急地说，王老师大着肚子在教你，你怎么老学不会啊？谁知她哇的一声就哭了，把我们大家都吓坏了。我于是就把她拉到身边，笑着对她说，小鱼儿别着急，我们大家一起帮你学好这个动作好吗？听我这样一说，几个大点的孩子就根据我刚才所讲的主动去教她，剩下的小朋友则在旁边认真地练着自己的动作，我反倒成了一个最空闲的人。最后演出的时候，很多老师都称赞这些孩子的动作优美到位，我听后心里美滋滋的：多优秀的孩子啊，我仅是给了他们一点小小的光芒，他们却给我呈现出一个灿烂的星空！ 回首四年来的工作生活，我付出了很多，也得到了很多，我很满足；我学到了很多，也还有很多不足的地方，我又决不能满足。倦了、累了，有时我就想静得像千年不动的老树，淡得像随风缥缈的云烟，不再去栉风沐雨，不再去披星戴月，相夫教子，淡泊终老。可是，薄校长语重心长的话又萦绕在我耳边，要做一名对学生负责的教师，要做一个对社会有贡献的人。因此，我要在今后的工作中，鼓足干劲，增强信心，更加努力，更加奋进，充分发掘自身潜力，在人生的漫漫长路上倾我全力，努力做家长最放心、学生最开心的优秀园丁。而那师生间一份份弥足珍贵的回忆，也将陪伴我渡过整个人生。我工作，我快乐。 我的汇报到此结束，谢谢大家！ 音乐生活论文:小学音乐教学生活化艺术 [摘要]在音乐教学中,启发学生联系已有的生活经验和知识背景,运用多种充满生活气息的教学手法进行教学,可以极大地激发学生的学习兴趣,培养学生的想像力和创造性,对于实现音乐教学目标具有极为重要的意义。 音乐源于生活、表现生活。从儿童心理发展的认知特点看,他们对与生活有关的事物感知得较为清晰。音乐课堂教学生活化,即在音乐教学中启发学生联系已有的生活经验和知识背景,运用多种充满生活气息的教学手法进行教学,通过师生之间平等互动与交流,把生活经验音乐化,音乐问题生活化,在生活与音乐之间架起一座兴趣之桥,以此来激发学生学习音乐的兴趣,培养学生的想像力和创造性,逐步获得感受与鉴赏、表现与创造以及音乐与相关文化等多方面的艺术能力和素养,现让音乐课堂教学充满生命活力的目标,达到育人的目的。 一、结合生活感受聆听 新课标指出:良好的音乐感受能力与鉴赏能力的形成,对于丰富学生的情感、提高审美情趣、塑造美的心灵具有重要的意义。教学中,教师应从学生生活中感兴趣的事情出发,激发学生欣赏音乐的兴趣,养成聆听音乐的良好习惯,逐步积累鉴赏音乐的经验,采用多种形式引导学生 积极参与音乐体验,鉴赏音乐,鼓励学生对所听音乐有独特的感受与见解,调动多个感知通道,交流互动,升华情感,发展学生的音乐感受力、表现力、创造力,为学生终身学习和享受音乐奠定基础。1.生活融入课堂,激发感受与鉴赏的兴趣兴趣是学习音乐的基本动力,是学生与音乐保持密切联系、享受音乐、用音乐美化人生的前提。培养学生的音乐兴趣是中小学音乐教育的主要目的之一。教师只有调动起学生的生活积累,把生活融入课堂,让学生带着一份真情和一种兴趣去体验音乐,感悟人生,才会使他们享受鉴赏音乐的无穷乐趣。在教学实践中,我们可以尝试以下方法进行“激趣”。(1)用讲故事、猜迷语等方法激趣:如欣赏课程标准教材人音版第三册第三课《小天鹅舞曲》时,可根据学生在生活中喜欢听故事的心理,先向学生讲述天鹅 湖的故事;在欣赏《小青蛙》前则可让学生猜猜有关青蛙的谜语。(2)用贴近学生生活的话题激趣。如在人音版小学教材第三册乐曲《在钟表店里》首先是激发他们,假如你是作曲家,你怎样描述《在钟表店里》,你会让人听到什么呢?学生畅所欲言,在学生描述后教师及时鼓励,再引导学生聆听奥尔特的《在钟表店里》。学生始终以饱满的热情参与这一课的学习,并感受到了音乐表现的基本手法,收到了事半功倍的效果。(3)用学生生活中喜闻乐见的表演形式激趣:如小学一年级学生欣赏《小拜年》时,可将这课内容放在寒假开学的第一节课来上。首先播放过年的热闹情景,然后让学生说说自己的感受,最后带学生领略东北过年的喜庆场面。由于学生有了亲身体验,所以在欣赏时能很投入的进行感受,达到了教学目的。2.用画、舞、颂、奏等多种形式交流互动,升华情感教育心理学认为:学习者能同时开放多个感知通道,比只开放一个感知通道(如听)能更准确有效地掌握学习对象。感受与鉴赏音乐时,教师可根据小学生年龄小、注意力集中时间短、好动、愿意自我表现的心理特征,边听边引导学生参与活动,进行想像、绘画、讨论发言、表演等,使他们好动的心理得到满足,同时各显其能:能画者则画、能舞者则舞、能说者则说、能奏者则奏,扬长避短,充分表现自己。然后再让学生完整地复听一遍音乐,使学生对乐曲有更深刻、更全面的理解。 二、结合生活表现音乐 “表现”是实践性很强的音乐学习领域,是学习音乐的基础内容,是培养学生音乐表现能力和审美能力的重要途径。特别是其中的“演唱”这一教学内容,它是中小学生最易接受和乐于参与的表现形式。在演唱歌曲的教学过程第12卷第1期2008年3月岱宗学刊JOURNALOFDAIZONGVo,教师如能从学生的生活经验和已有的知识背景出发,站在孩子的角度去设计教案,将歌曲中的音乐知识转化成学生能理解的生活情境,师生共创欢乐瞬间,在演唱中共享快乐,定能使学生自信地演唱,并能发展学生的表演潜能及创造性潜能,在音乐实践活动中使学生享受到美的愉悦,受到情感的陶冶。 1.用游戏引入,在游戏过程中解决歌曲难点。 2.游戏是孩子们生活中最喜欢玩的活动之一。用游戏引入新课能激发学生学唱新歌的兴趣。让学生在游戏过程中获取知识,解决歌曲中的难点,充分体现了“教学生活化”的理 念。如一年级第一册《跳绳》,由于学生小,唱歌喜欢拖长音,体现不出跳绳的轻巧灵活。为此,学会歌曲后,可把体育课中的跳绳游戏引进来,选拔出跳的好的同学,大家说说她为什么跳的好?随后边击掌边配上《跳绳》给她助兴,跳多快唱多快,学生在不自觉中提上了速度,表现出歌曲的轻盈活泼。 2.将歌曲中的音乐知识转化成学生能理解的生活情境。 让书本知识呈现出鲜活的生命状态,是课堂教学生活化的重要标志。在教学过程中,教师如能将歌曲中的音乐知识转化成学生能理解的生活情境,使抽象的音乐知识与现实生活、学生经验世界和知识的形成过程联系起来,便能唤起学生歌唱的信心,提升他们主动学唱的欲望,促进他们自觉形成表现音乐的能力。例如小学教材第一册歌曲《动物说话》中的节奏教学,就可结合学生的生活体验,把学生对动物叫声的感受巧妙地迁移到歌曲节奏中去。让学生用生活中熟悉并喜爱的各种小动物的叫声读节奏,在快乐的小动物叫声中把生活经验音乐化,音乐问题生活化,使学生轻轻松松地在游戏般的生活情境中完成了整首歌曲的节奏教学,既保持了学生的学习兴趣,又很好地完成了教学任务。 3.设置“小音乐家擂台赛”,师生共创欢乐瞬间。 4.小学生的知识面和联想虽不很丰富,但对音乐情绪的直接感受能力却较强,而且自我表现欲望和竞争意识很强,他们常常会情不自禁地跟着音乐手舞足蹈起来,当他们学会了一首歌曲后,总希望老师能让他(她)上台演唱。在歌曲演唱的教学过程中,教师可充分利用学生的这些特点,设制一个让学生充分表现自我的“小音乐家擂台赛”。根据歌曲适合的演唱形式或师生竞赛、或小组竞赛、或男女生竞赛、或个人竞赛,并由师生共同讨论评出三个奖项:金百灵、银百灵、铜百灵。比赛时或老师唱一个声部学生唱一个声部;或老师指挥分声部合唱、学生伴奏;或歌、舞、乐同台表演。每种比赛均有评委和观众。擂台赛既极大地调动了每一个同学参与演唱的积极性,活跃了课堂气氛,又熟悉巩固了歌曲,加强了对音乐的表现力,同时还发展了学生的表演潜能和创造性潜能。 三、结合生活进行创造教学新课标指出 :创造是发挥学生想像力和思维潜能的音乐学习领域,是学生积累音乐创作经验和发掘创造思维能力的过程和手段。美国的科尔曼经过进行“儿童创造性音乐教学”实验,设计了一套以儿童自我创造活动为目的和方法的音乐课程方案,让儿童返回原始的自然音乐环境之中去,从最原始的音乐活动起步来体验音乐,表现音乐。如何有效地运用生活化手段把音乐创造活动付诸于教学实践?我们可借用科尔曼的儿童创造性音乐教学经验,采取以下几点做法: 1.为歌曲创设情境。 2.情景剧表演是小学生喜爱的 一种教学形式,特别是低年级学生更想用动作、故事来表达情感。如在教唱二年级《小红帽》这一课时,可启发学生结合自身的生活体验进行想像,创编出优美的舞蹈动作。随后教师可以提问:假如你是小红帽你该怎么做?能表现出来吗?激发了学生创造表演的欲望。在教师启发下,学生将《小红帽》歌表演溶入到情景剧中,一人表演的大灰狼狡猾诡计多端,扮小红帽的同学更是灵活机动的跟它周旋,表现了遇事不慌,随机应变的品质。虽表演不成熟,但学生能结合实际受到启发和教育。 3.为歌曲改编歌词。 4.在教学中,启发学生联系自己的生活实际和已有的知识,给熟悉的歌曲创编新的歌词或 改编部分歌词,既能培养学生的创造能力,又能提高学生演唱新歌的兴趣,同时还能发展学生的语言表达能力。如在教唱《小麻雀》时,当学生唱会了歌曲后,可启发学生联系自己的生活实际,根据《小麻雀》的曲调创编歌词。经过小组讨论后,有的同学将歌名改为《小花猫》:小花猫喵喵叫,走起路来静悄悄,见了妈妈打个滚儿呀,见了小朋友蹦蹦跳。还有的同学创作了《小花狗》、《我的同位》、《小妹》等等。学生唱着自己改编的歌曲,创造力顿时被激发出 来。一个同学唱完自编歌词的歌曲后,其他同学都争先恐后地要把自己创编的歌词唱给老师和同学们听。为什么能创编出这么形象的歌词,用他的话说:“我家就有只可爱的小花猫,我很喜欢它。” 5.自制乐器为歌曲编配伴奏。 当一首歌曲学会后,教师可鼓励和引导学生在生活中细心观察、开动脑筋,结合自己的生活经验和已有知识,拓展思维空间,自己设计、自己动手,尝试用生活中的废旧物品制作打击乐器。如在教《过新年》这首歌时,当学生学会了歌曲后,可布置他们在课余寻找能发声的物品,自制打击乐器,下节音乐课带进教室为歌曲《过新年》伴奏。学生自制的打击乐器有:用易拉罐装进少许沙子做成的“沙槌”、用多个啤酒瓶装进不同份量的水吊起做成的“云锣”或“碰铃”、将穿孔的啤酒瓶盖用铁丝串起做成的“串铃”、小铁桶蒙上吹破的气球做成的“鼓”等等。当同学们采用各种演奏形式创造性地即兴为歌曲伴奏时,神态是那样的认真,气氛是那样的热烈。自制简易乐器,不仅可以培养学生的创造性思维能力,还能培养学生的动手能力,提升创造兴趣,从而发展学生的创新精神和创造能力,有效地把音乐创造活动付诸于教学实践。 总之,面对新课程,我们在教学内容中必须尽可能地注入生活的新鲜血液、新鲜内涵,让我们的音乐课堂教学理念从生命教育的高度关注学生的生活经验,关注学生的生命价值。 音乐生活论文:生活资源对音乐兴趣培训影响 音乐是人类文化的一种重要形态和载体，蕴含着丰富的文化和历史内涵，并以其独特的艺术魅力，伴随着人类历史的发展，满足人们精神文化需求。音乐课是人文学科的一个重要的领域，是实施美育的重要途径之一。 (音乐课程标准》(实验稿)中提出:“音乐课应以兴趣、爱好为动力”的基本理念。兴趣是最好的老师，是人们与音乐保持密切联系，享受音乐并美化人生的巨大动力。因此，激发学生学习兴趣，逐步形成对音乐的学习兴趣，是促使学生学习音乐的重要保证。而音乐又溶人我们的学习和生活之中，我们身边有着美的韵律，美的声响，在这样的氛围中，学生能潜移狱化受到熏陶，激起他们学习音乐的兴趣。 一、聆听生活中的声响，激发听赏兴趣 听赏是音乐活动的基础，是培养学生音乐审美能力的有效途径。通过听赏，可以使学生养成聆听音乐的好习惯，逐步积累鉴赏音乐的经验，而从聆听生活中的声响做起，是帮助学生建起音乐与生活的密切联系，为终身学习和享受音乐莫定基础。 1、享受自然界的声响，养成聆听习惯。 大自然的声音是最原始，不加修饰的声音。而这些声音的组合也是一首优美的歌曲。比如让孩子聆听静静夏夜里的蛙鸣声，小溪流淌时的哗哗声，风儿吹柳叶飘的声音等等，培养学生发现生活声响、聆听生活声响的习惯。 2、感受生活中的音乐，比较音乐情绪。 随着科学技术的发展，我们随时可以从广播、电视上聆听到各种优美的歌曲和乐曲，教师要引导学生用心去发现音乐，体验音乐带来的美的享受，带来的不同情绪。如:孩子们在做眼保健操时，音乐带来的是舒展、恬静的感受，在做广播体操时，音乐带来的是欢快、坚定的感受。又如:在观看电视时，音乐也会给剧情增添色彩，在展现幽深夜晚的画面时，音乐非常紧张，在展现早晨优美田园风光时，音乐非常优美，教师应让学生在生活中聆听，比较音乐情绪的变化，了解音乐在生活中作用。 3、感受民间音乐，拓殿音乐视野。 我国是一个多民族国家，各民族都有着多元的音乐文化，这些音乐向人们展示各民族的风俗人情。我们生活中有许多优秀的民歌、民乐，教师在要引导学生多听、多记、多学，不断积累音乐知识，拓展音乐视野。 二、感受生活节奏，激发表现兴趣 表现是实践性很强的音乐学习领域，通过表现教学，能发展学生表演潜能及创造潜能，使学生用音乐形式表达个人情感和与他人交流沟通、融洽情感。 1、体验生活节奏，激发律动兴趣。 我们生活中处处都有节奏。如:汽车的喇叭声“又xx义”，火车鸣笛声“x一”，另外，孩子们走路的节奏也是多变化的，平时走路:“火x}又火”;高兴时走路:“义义xx}义又火x”等，教师可让学生随着步伐节奏、踏脚、拍手，培养稳定的节奏感，激发律动兴趣。 2、“分离”歌曲节奏，激发表演兴趣。 优美的歌曲离不开节奏的支撑，节奏更是歌曲的灵魂。教师要引导学生从歌曲中分离节奏，并有律动方式展现节奏，并在聆听优美旋律的基础上，用体态动作抒发内心的感受，表达音乐情绪，激发他们表演兴趣。 三、搜集生活素材，激发创造兴趣 创造是发挥学生想象力和思维潜能的领域，是学生积累音乐创作经验和创造思维能力的过程和手段，对于培养具有实践能力的创新人才具有重要意义。 1、修改歌曲，体验创作乐趣。 在过去的教学中，学生感到创编歌词很难，其实，我们可引导孩子从生活中去找语言。如有些孩子的作文写的非常好，教师可启发学生找出间短的整齐的句子改编歌词。 若表现景色的语言，可精选优美舒展的旋律，把词与音整齐对应，也就成了优美的歌词;若表现欢快的事件可以精选节奏欢快的旋律，这样既降低了创编的难度，又联系学生生活。另外，学生从其它学科的学习中，积累很多优秀的儿歌，诗歌等内容健康的素材，教师应引导他们创出简短的旋律，把儿歌、诗歌用歌声再现出来。 2、动手操作，体验实践乐趣。 教师要鼓励学生充分利用身边材料，实践操作，制作打击乐器来表现歌曲情绪，感知节奏变化。如:用竹料制作响板、双音筒;用塑料小瓶装少许沙粒制作沙球等。在歌曲演唱中，可启发孩子拿出自己的打击乐器边唱边拍，调动他们参与歌曲的演唱活动中，其次可让学生大胆尝试，自制乐器，并尝试用简易乐器表演。 总之，生活中有着丰富的音乐资源，教师要不断引导，积极鼓励，让孩子们充分发掘生活资源，用心去聆听生活中的声响，用心去体验音乐，用心用创造音乐，让音乐溶人孩子的生活，让音乐伴随孩子健康成长。 音乐生活论文:小学音乐生活味教学浅析 一、让课堂教学设计充满生活味 “表现”是音乐学习的基础内容，是学生非常希望参与的表现形式之一。教学中，我们要从学生的认知水平出发，站在学生的立场去开展教学设计，创设学生容易理解的生活情境帮助学生去理解歌曲中的音乐知识，师生互动同乐，在演唱中享受快乐，不断激发学生的音乐学习潜能，使学生享受到美的愉快，引发情感的共鸣。 1.游戏引入 有趣的游戏、小故事能调动学生们的思维，也能唤起学生们的好奇心。儿童的本性是爱玩好动，对单调的音乐知识，他们会觉得呆板、遥远而疲于接受，那么，简单有趣的游戏不但能创造一种有节奏、有形象、生动活泼的气氛，而且会使学生们觉得音乐并不陌生，就在自己的身边。学生在游戏中学习知识，攻克歌曲学习的难点，充分体现“教学生活化”的新理念。 2.设置“艺术擂台赛” 小学生的音乐知识面比较狭窄，但对音乐感受能力很强，自我表现欲特强，他们常常会不由自主地跟着音乐节奏翩翩起舞。在演唱歌曲的教学之中，教师可利用小学生的这一特点，创设一个“演唱擂台赛”：根据歌曲内容和演唱形式分为多个小组进行PK，并由师生共同评选出三个奖项：优、良、差。充分调动每一个学生参与歌曲演唱的热情、活跃气氛，又轻松地巩固了歌曲演唱，增强了学生的音乐表现力，激发学生的表演潜质。 二、让学生走进生活中的音乐 在中外美学界流行着这样一句话：“趣味无争辨。”这就是说，一个人喜爱什么音乐，不喜爱什么音乐，是因人而异的。我们应该尊重每个学生的兴趣爱好，但这并不意味着我们要放弃对他们的教育引导。低年级儿童由于受多方面因素的制约，审美趣味是狭窄的。2011版音乐新课标倡导小学音乐教学中要扩大学生音乐审美的视野，要让学生不仅喜欢当代音乐，还能对古代、近现代一些优秀音乐作品具备一定的鉴赏能力。在欣赏马斯涅的小提琴独奏曲《沉思》一课时，我先安排了学生欣赏跨越古典、摇滚及流行音乐掀起乐坛美炫风暴的另类小提琴演奏家陈美的演奏曲《风暴》，激起学生对小提琴演奏的兴趣，再引导学生对比聆听《沉思》，通过学生喜爱的音乐拉近了他们与古典音乐的距离。在教学实践中，教师不仅要通过各种课内外教学活动，开阔学生的音乐视野，更要注意培养学生关注生活中的各种音乐的能力，使学生逐步了解音乐与生活的关系，使学生更加热爱音乐，热爱生活。 三、总结 综上所述，我们的小学音乐教学要注重从平时的音乐教学实践中总结、提炼，扬长避短。让“感受与欣赏”教学充满生活味，让课堂教学设计充满生活味，让学生走进生活中的音乐。让我们的音乐教学更加精彩，更加贴近生活！ 作者：陆小青 单位：江苏省大丰市第二小学 音乐生活论文:学前幼儿音乐教育生活化之见 一、音乐教育生活化在学前幼儿音乐课堂开展的必要性 音乐课堂生活化也是符合幼儿身心发展特点的。现阶段我们渐渐地发现，孩子学习兴趣有了，知识面和动手能力都有所增强，但是属于孩子们的生活歌声少了，其原因之一是教师单一的教学方式不能足够吸引孩子们的注意力，他们更多地是尝试唱耳濡目染的流行歌曲。音乐教育生活化是尊重幼儿的心理、智力发展特点的，它能将音乐的内容与生活联系起来，给予幼儿足够的感谢认识和直接经验，通过让音乐回归孩子们的生活中，极大增强幼儿对音乐的主动探究，并形成自由音乐表达的习惯。 二、音乐教育生活化在学前幼儿音乐课堂具体实践 1.音乐教育内容生活化意识 人们都说“音乐源于生活却高于生活”。其中，音乐源于生活，指的是音乐内容取材于生活，每一部音乐作品都是对生活的再创造，音乐也为此而成为生活的事实。在学前幼儿音乐教育中，教师的音乐教学内容也应该贴近生活，寻找音乐与幼儿生活的闪亮结合点。具体来说，教师应该以幼儿兴趣为导向，发现并选择一些与自然生活、日常生活、地域文化生活等有关的音乐内容。例如，一些虫鸣鸟叫声、雷雨声、风声，等等，都是生动、有趣的自然声音，教师在教一些如《小鸭子》等歌曲时，完全可以用播放器将不加修饰的鸭子声展现给幼儿，增强他们对音乐的熟悉感。除此之外，教师还可以引导幼儿在日常生活中去主动发现和聆听并模仿一些声音，如在学《小汽车》这首儿歌时，就可以让孩子们模仿汽车的喇叭声，让他们课后倾听并模仿汽车音响，这也是让幼儿进行节奏练习的良好的教学资源，可以丰富幼儿对音乐的感性认识。另外，笔者印象深刻的是在《春天在哪里》的教学中，在初步教会歌曲后，我就利用多媒体为孩子们展现了很多春天的图片，以此加深对歌曲的再认识。再如，教师除了采用教材上的一些歌曲外，还可选用一些热播的、深受幼儿喜爱如《熊出没》《喜羊羊与灰太狼》等动画片插曲，使其成为课堂上的教学资源，教师要善于将孩子们对动画片的爱迁移到对音乐的爱，让他们感受到音乐无时不在，才能最大限度地增强音乐学习的实践意识。 2.课堂教学方式生活化 音乐教育生活化，不仅仅要求教师的教学内容有所改变和创新，在课堂教学方式也要“生活化”。目前，很多幼儿音乐教师主要采用“教一句唱一句”这种极其枯燥的教学方式，实践证明，对于注意力集中短、活泼好动的幼儿是非常不适用的，因此教师要讲究灵活的音乐教育方法，构建生活化的教学模式，还幼儿一个真实的音乐生活，才能力求音乐教育的有效性。例如，游戏教学就是富有浓厚生活化气息的教学方式，它使幼儿在轻松自由活泼的氛围中，以一种嬉戏、贴近生活的方式，自由、自发地感知和学习音乐，很好地打破了学科为本的教育思想，并且也是幼儿的音乐创作的重要形式。因此，教师要重视游戏教育方式，尊重游戏中的幼儿。在实践中，幼儿音乐教师可以创编歌词接龙、角色扮演等符合学生心理、生理特点的游戏，弥补他们平衡能力、控制能力、节奏能力都比较差的弱点，如在《幸福拍手歌》的教学中，教师就可以让幼儿边唱歌边做游戏，教师对歌词进行演唱，让几个幼儿进行动作表演，随着音乐的律动各自作出相应的舞蹈动作，让做错的小朋友继续进行节目表演，等等。另外，教师还可以将具有童话或科学幻想的游戏形式引入课堂，立足幼儿生活，才能更好地发挥音乐教化功能。人们都说“音乐源于生活却高于生活”。其中，音乐源于生活，指的是音乐内容取材于生活，每一部音乐作品都是对生活的再创造，音乐也为此而成为生活的事实。在学前幼儿音乐教育中，教师的音乐教学内容也应该贴近生活，寻找音乐与幼儿生活的闪亮结合点。 具体来说，教师应该以幼儿兴趣为导向，发现并选择一些与自然生活、日常生活、地域文化生活等有关的音乐内容。例如，一些虫鸣鸟叫声、雷雨声、风声，等等，都是生动、有趣的自然声音，教师在教一些如《小鸭子》等歌曲时，完全可以用播放器将不加修饰的鸭子声展现给幼儿，增强他们对音乐的熟悉感。除此之外，教师还可以引导幼儿在日常生活中去主动发现和聆听并模仿一些声音，如在学《小汽车》这首儿歌时，就可以让孩子们模仿汽车的喇叭声，让他们课后倾听并模仿汽车音响，这也是让幼儿进行节奏练习的良好的教学资源，可以丰富幼儿对音乐的感性认识。另外，笔者印象深刻的是在《春天在哪里》的教学中，在初步教会歌曲后，我就利用多媒体为孩子们展现了很多春天的图片，以此加深对歌曲的再认识。再如，教师除了采用教材上的一些歌曲外，还可选用一些热播的、深受幼儿喜爱如《熊出没》《喜羊羊与灰太狼》等动画片插曲，使其成为课堂上的教学资源，教师要善于将孩子们对动画片的爱迁移到对音乐的爱，让他们感受到音乐无时不在，才能最大限度地增强音乐学习的实当然，除了游戏，教师还可以在课堂上开展猜谜语、编故事、演唱比赛等丰富多彩的生活化教学活动，如在《大海啊故乡》的音乐教学中，笔者可以将幼儿分成小组，通过美术、朗诵等各种形式对这首歌进行二次创作，既能加强幼儿对歌曲的印象，又能补充教材，提高幼儿综合能力的培养。除了课堂教学方式的转变，在为小朋友布置音乐任务时，教师可以鼓励孩子们将熟悉的歌曲结合自身的生活，让他们自编一些歌曲，如对《小兔子乖乖》改编成《小朋友乖乖》《春天在哪里》改编为《夏天在哪里》，等等，通过这些任务让孩子们感受到音乐是和生活相互融合的，也是善于表现和抒发情感的艺术形式。 三、结语 综上所述，音乐源于生活，音乐教学更是要贴近生活，这也是目前整个音乐教育改革趋势之一。在学前幼儿音乐课堂开展音乐教育生活化的教学模式，这是与幼儿音乐教学的特性和幼儿身心发展特点是相符的。具体来说，幼儿音乐教师可以将音乐教育内容、课堂教学方式生活化，实现幼儿音乐教育与生活接轨，让生活化的音乐走进幼儿的世界，才能使音乐教育的“美育”功能在学前幼儿音乐课堂得到更大的发挥。 作者：唐炯华 单位：苏州市实验小学附属幼儿园
两声部合唱教学是小学音乐教育中的重要内容，其不仅能够对学生音乐兴趣的培养起到促进作用，同时还能够帮助学生树立团队合作精神、竞争意识，进而实现创新能力、沟通能力等多方面综合能力的提升，因此，小学音乐两声部合唱教学问题与教学实践的研究是非常具有现实意义的。 一、两声部合唱概述 两声部合唱简单来说就是有两个声部共同演唱同一首歌曲，并保证两个声部间声音的和谐，给人以同一人演唱的感觉，这种合唱方式不仅能够将歌曲中的思想、情感充分的表达出来，同时还具有着可塑性强、力度变化大、团队表现力强、音响层次丰富等特点，十分适合儿童进行演唱，而将这种合唱方式应用于小学音乐合唱教学之中，也能够取得很好的效果。 二、小学音乐两声部合唱教学存在的问题 （一）学生基础问题 小学音乐的合唱教学一般是从一二年级齐唱教学开始的，但由于音乐课的课时安排较少，小学生的知识掌握能力又比较差，因而在进行两声部合唱教学时，学生的合唱基础大多是非常薄弱的，不仅缺乏基本的合唱意识，同时在沟通能力、音准、团队合作精神、听觉培养等方面也都比较差，这就给教师的两声部合唱教学工作增添了很多麻烦。例如在进行合唱训练时，很多学生由于缺乏集体意识，常常不顾和声效果，不愿倾听其他声部，而是自顾自的“喊歌”，这样一来，合唱训练就很容易陷入混乱，而训练效果自然也就微乎其微。但如果教师从这些基础教起，又需要浪费很多时间，从而使原本就比较少的课堂教学时间变得更加紧张[1]。 （二）个体差异问题 在歌唱教学中，部分学生良好的生理条件往往会给其音乐学习带来很大的帮助，然而对于合唱教学来说，学生在生理条件或是歌唱习惯、音乐基础、能力水平等方面的差异却是十分麻烦的，这不仅容易使学生在合唱时容易出现声部、声音上的不和谐，同时还容易产生学习进度的差异，进而对学生的兴趣造成影响，这些对于两声部合唱教学来说都是非常不利的。例如在学习进度方面，如果某些基础较好的学生能够很快掌握学习技巧，那么其他基础差的学生就可能会出现沮丧、自卑等情绪或心理，而其音乐兴趣自然也会因此而受到很大的打击。 （三）训练安排问题 两声部合唱教学虽然在多声部合唱中难度并不高，但对于小学生来说却具有着较高的难度，因而两声部合唱教学实际上是一个长期性的教学工作与教学任务，必须要随着学生在歌唱习惯、团队意识等方面的不断完善与成长才能够达成最终的教学目标。然而从当前的小学音乐教材上来看，一二三年级教材与四五年级的教材相比在合唱方面的跳跃性比较大，这就使得学生往往会在前期合唱训练相对较少的情况下直接接触较为复杂的两声部合唱，从而导致学生在学习过程中问题过多或是感到学习难度过大，最终影响到音乐兴趣与学习效果。 三、小学音乐两声部合唱教学的有效策略 （一）强化基础训练 两声部合唱连续需要建立在学生良好的合唱基础上，如良好的团队合作意识、正确的歌唱习惯等，因此基础训练对于两声部合唱教学来说是必不可少的，而教师也必须要在低年级加强学生的基础训练。但需要注意的是，由于基础训练常常比较枯燥，对于活泼好动的小学生来说很容易失去兴趣、注意力分散，因此教师一方面要提高训练的趣味性，将一些游戏的形式融入到训练之中，以激发学生的训练热情，另一方面则要让学生学会倾听，通过合唱作品的鉴赏来加深其对于合唱的理解[2]。 （二）实践训练层次化 两声部的合唱训练是一项长期性的教学任务，为避免学生因教材跳跃性过大而在学习中出现各种问题，教师需要注意将训练任务、训练难度、训练内容细化，同时按照循序渐进的原则对学生各年段、各学期的实践训练进行安排，以保证训练的实际效果。例如对于刚接触音乐课程的一年级学生来说，教师可以先带领其进行动物声音的辨别与模仿，使学生能够直观的认识到声音的不同，并逐渐形成多生思维，为之后的合唱训练打下基础[3]。而在三年级的合唱教学中，一般为齐唱向合唱的过度阶段，因而教师可以通过轮唱训练来自逐渐改变学生的思维习惯与演唱方式，从而使学生能够初步了解两声部合唱的规则。 （三）巧用乐器辅助 在合唱训练中，很多学生都会受到其他声部声音的影响，进而出现“找不到调”的情况，因此学生在掌握单声部的演唱后，想要顺利过渡到两声部演唱是比较困难的。对此教师可以选择用乐器进行辅助训练，让学生在进行单声部演唱的同时由教师使用乐器按照另一声部进行伴奏，这样学生就能够逐渐适应两声部的合唱练习。 四、结语 总而言之，两声部合唱教学在小学音乐教学中虽然难度相对较大，在实际教学中也很容易出现学生基础薄弱等问题，但只要能够采取有效的教学策略，就必然能够让两声部合唱教学的作用充分发挥出来。 [参考文献] [1]高伏音.小学中年级班级合唱的教学模式探究[D].首都师范大学,2014. [2]孙静.小学课堂合唱教学的有效性研究[D].曲阜师范大学,2014. [3]杨嫏.论小学班级合唱训练与教学[D].湖南师范大学,2009. 作者:李轩 单位:上海市嘉定区实验小学
高职高专声乐课程是音乐教育专业学生的专业优秀课程，它不仅可以提高学生的歌唱技能，培养学生的演唱能力，同时，也对学生未来的职业发展产生了一定的影响。因此，高职高专院校应该着重强调提高学生的声乐水平，发展和完善好高等音乐教育。 一、高职高专声乐教学现状中存在的问题 随着教育的不断改革，很多高职高专院校在教学方面也更侧重于培养和提高学生的专业技能。声乐课程作为高职高专音乐教育专业的技能课程，被列为高职高专院校的重点教育课程。笔者通过对一些高职高专院校声乐教学相关文献的研究调查，发现了各高职高专院校音乐教育专业声乐教学现状中存在的一些问题。 （一）高职高专院校生源质量的不断下降 随着教育改革的不断推进，高职院校的生源质量也面临着严重的挑战，很多学校在招生的时候都会感觉到有压力，学校领导不仅担心招不到学生，更担心招到的学生声乐基础差，这给声乐教师的教学造成了很大压力。 （二）没有建立良好的师资团队 很多高职高专院校音乐教师力量不够平衡，有些发展时间比较长的院校，师资力量相对会比较强，但是也有许多新升格的院校，因为学校发展的时间短，导致师资团队之间没有得到充分的完善和磨合，所以师资力量就会较弱。 （三）声乐专业教学模式不够完善 许多高职高专院校都是采取一对一上课、小组课以及集体大课的教学模式，大都忽略了声乐专业的学生进校的基础，采用一名教师对多名学生进行声乐教学授课方式，不能兼顾到每一个学生，导致学生学习声乐的积极性不高。 二、高职高专声乐课程内容的安排与改革 （一）高职高专声乐课程内容的安排 高职高专声乐课内容的安排决定了声乐课程的教学效果。发声技巧和歌曲演唱是高职高专声乐课教学的重要内容，发声技巧主要是为了培养学生歌唱中的艺术嗓音，包括了歌唱的气息、位置、语言等。歌曲演唱则是提高学生声乐专业素养的重要保障。在学习声乐发声技巧的过程中，教师应该给学生传授一些发声技巧的基础理论知识，让实际练习与基础理论相结合，学生在掌握技巧的同时，也可以对理论知识有所了解。并且教师在一边讲解理论的时候可以一边引导学生们进行练习。教师也可以多创设一些可以帮助学生提高音乐发声技巧的课堂活动。这样，不仅有助于提高学生的发声技能，也可以提高学生学习声乐发声技巧的积极性。对于音乐教育专业的学生来说是否掌握了正确的发声技巧，在未来的职业发展中起到了决定性作用。小学的音乐课堂教学是以唱歌为主，所以教师的范唱能力很重要，好的范唱能够激发学生学习的兴趣，要使范唱具有感染力，就要求音乐教师具有一定的声乐水平。同时，小学生的嗓音还没有完全的发育好，只有正确的歌唱方法才能保护其在变声后仍然拥有健康的嗓音。所以，高职高专院校的声乐教师应该更侧重于培养学生的发声技巧训练，有助于保证高职高专音乐教育专业毕业生的未来职业发展。 （二）高职高专声乐课程内容的改革 传统的声乐教学只注重声乐的演唱技巧的训练，通过研究调查我们发现这种教学方式是不能在真正意义上满足音乐教育专业学生的未来发展需求的。因此我们可以通过以下几点对声乐课程的内容进行改革：1.增加声乐理论课。教师在理论大课上给学生讲声乐艺术的呼吸原理、通道原理、演唱器官运动原理以及发声与咬字原则等基础理论知识，比如歌唱的呼吸是不同于生活的呼吸的，它是带有意识的、有目的性和技巧性的。教师可以让学生在平躺时感受歌唱呼吸的正确运动途径和感觉，从而帮助学生加深对理论知识的记忆。2.加强对学生声乐教学能力的培养。成功的教学方式不是通过强制性的手段来对学生进行施教的。在声乐演唱中，咬字吐字是否清晰，也直接影响着音乐演唱的成败。有些同学在唱高音的时候经常会吐字不清，教师就通过让口腔“打哈欠”的方式帮助学生抬起上颚，然后依照这种方法对演唱的歌曲进行了反复的训练，学生经过不断的练习和总结，发现了在演唱歌曲的高音部分，应该注重打开口腔，使口腔和胸腔产生共鸣，从而提高咬字的准确率[2]。通过“打哈欠”的方法，不仅可以提高学生在声乐演唱中咬字的准确性，还可以培养学生的声乐教学能力。 三、高职高专声乐课程教学模式的改革 （一）转变声乐课堂的教学模式，锻炼学生的实践能力 新课改要求各学科教师在教学过程中都应该把学生作为课堂教学的主体。首先，着眼于当前的社会就业岗位，根据音乐教学专业的岗位需求，教师应该制定出有针对性的的教学目标，同时，也要积极的创新和改变课堂的教学模式。传统的教学模式让声乐教师们在教学过程中往往采用一对一的教学形式，这种单一的教学形式让学生觉得声乐学习乏味枯燥，降低了对声乐的学习兴趣。教师可以通过开展课堂教学活动来激发学生的学习兴趣，比如教师可以按照学生的声乐学习基础，将学生分成若干个声乐小组，进行分组教学。声乐小组课作为声乐个别课的延伸和扩展，在声乐教学中也占据重要的位置。声乐小组课的教学方式包括以下两种：1.传统的教学方式。教师在教学过程中会让同一个小组的学生一起练声，然后再逐个演唱教师布置的曲目，学生依次演唱过后，进行互相评议，比如“他刚才演唱的这首《北国之春》，不仅旋律舒缓，同时情感的表达也很抒情，让我不禁思念起了我的家乡”等。通过这种教学方式不仅可以提高学生的声乐水平，同时也可以培养学生的音乐素养。2.以排练、观摩、实践教学的方式为主。声乐教师应该把学生作为课堂教学的主体，培养学生的声乐表演、组织和创编能力。比如聂耳的《铁蹄下的歌女》，学生在进行二次创作时，一定正确的安排气口，把在个别课中学习的声乐演唱技巧进行二度创作。同时，教师也要将重唱、小组唱、歌表演等表演形式带入课堂，把课堂搬上舞台，通过对学生每一次在众人面前的表演，每一次的舞台演出，锻炼学生的胆量，这样既能提高学生调控自我情绪的能力，也能克服学生怯场的心理。在声乐小组课中教师要引导学生对其他同学的节目进行观摩，取长补短，并学会自己编排节目。比如说教师可以阶段性地让学生自己策划、筹备、编排一场小汇报演出，教师在进行辅导的过程中，要做到以学生为主体，深入挖掘学生的潜力，让他们有机会自编自导自演，锻炼学生的实践能力。 （二）合理的制定声乐教学的方案，提高学生的音乐素养 课堂教学是声乐课的基础。在教学中，我们应该改变原有的课堂教学模式，加大学生声乐组合的合唱教学，同时也要适当的保留原有的声乐独唱技巧。教师也可以根据音乐体裁的需求，灵活的组织和调整声乐曲目的内容以及编排。以声乐组合唱排练的方式培养学生的团队合作能力。教师应该根据学生的个体音乐素养制定课堂教学方案，比如说可以选择一对一上课，当然，这部分学生要不就是声音条件好的，要不就是音乐素养特别高的，再者就是能发挥出其独唱能力的学生。还有一种就是选择以5人为一组的可以二节连上的小组课，这部分的学生大多数都属于中等生，在形象以及音准方面还有发展的空间。第三种就是大概在15人左右的二节连上小组课，但是这部分学生整体的音乐基础都比较薄弱。学校也应该为学生提供声乐练习的场地，并且在练习过程中，学生的穿着一定要大方得体，尤其是女同学，更要注重自身的体态形象。上课时，教师应该引导学生学习舞台步，从登上舞台的一刻就要做到按照舞台步走到自己的位置。久而久之，便会帮助学生提高声乐的素养以及舞台的肢体语言能力。 四、结语 综上所述，高职高专音乐教育专业声乐课程教学内容以及教学模式的改革，对高职高专音乐教育专业学生的发展有着决定性的影响。教师应该从实际出发，从声乐发声技巧入手，培养和提高学生的音乐素养和职业能力。高职高专院校应该加强创新声乐课程的教学模式，不断丰富声乐课堂的教学内容，为社会培养出符合市场经济需求的音乐人才。 参考文献： [1]王贝莉.创新方法改革形式———论高职高专的声乐教学[J].艺海,2017,(10):130-131. [2]刘明华.基于能力培养的高专学前教育专业声乐教学改革探讨[J].文艺生活•文海艺苑,2013,(01):211-213. 作者:黄钰洁 单位:川南幼儿师范高等专科学校
期刊收录：知网收录(中) 维普收录(中) 万方收录(中) 国家图书馆馆藏 上海图书馆馆藏
期刊收录：万方收录(中) 知网收录(中) 国家图书馆馆藏 维普收录(中) 上海图书馆馆藏
期刊收录：维普收录(中) 国家图书馆馆藏 上海图书馆馆藏
合唱这门艺术比较严谨，要求合唱者的声部是和谐的、音色是统一的，音量也是均衡的，只有通过严格认真的训练，才能够获得好的效果。在小学音乐教学中，合唱是重要的教学内容，小学童声合唱训练教学能够很好的提高学生的审美情趣以及能力，也是新课程教学的重点内容。 一、气息训练 在合唱中，气息是动力支持，为训练学生的气息，需要先让学生感受教师的气息，静止时的气息、歌唱时的气息，从而使学生了解日常的气息训练以及歌唱时气息的运用。学生感受之后需要进行锻炼，教师逐个对其进行监督辅导。做好学生的气息锻炼，花式吸气：5秒钟保持气息，5秒钟吐气，并逐步延长时间。让学生手叉腰，嘴上喊着数字一、二、一、二[1]，并对腰上振动的幅度进行感受。然后拿出一张纸，教师一边撕纸，让学生一边慢慢的将气息向外“撕”出来，教师控制学生的速度、节奏，学生对这一方法十分感兴趣，能够积极的参与到锻炼中，在这种方法下不断地坚持，气息训练必然会达到理想的效果。 二、声音技巧训练 发声训练通常是单纯的声韵母，但是这种方法比较枯燥，为满足小学生的年龄、心理特点，可以通过带词的模声唱法进行教学。小学生年龄增长，其音乐感、鉴赏能力以及发声技巧等都得到了一定的提升，但是由于小学生班级人数比较多，他们的发声、音色等是不同的，因此在合唱中也很难达到声音的统一，所以在歌曲学习前，需要让学生先从闭口音“lu”开始，然后练到开口“la”音[2]，跟着琴声对旋律进行哼唱，让学生找到发音的位置以及共鸣。唱歌技巧中，是从一字一音到一字多音的，从连贯的唱法到断音的唱法，从换气到有气息控制唱好渐强渐弱，逐步的提高。为使歌唱的语言更加生动连贯，声音需要做到统一，就需要做到轻声高位，轻声就是不能生硬的喊唱，高位就是发出有头腔的声音，即使唱到较低音，也需要有相同的头声共鸣，放松下巴，保持喉头的稳定，实现声音的统一。此外，演唱过程中要做到从一个位置上发出自然的声音，保持前一个字位置，字要连贯，句要均匀，做到位置统一，表情自如，使声音更加明亮，使演唱的声音更加动听。 三、音准训练 在合唱中，音准是最为基础的，也决定着合唱的效果。学生刚接触到歌曲时，对自己的声部旋律是比较关心的，因此在音准上需要让学生有立体感的印象，形成良好的音准概念，并训练音准。首先可以进行听音训练，通过“柯尔文七种手势唱名法”进行音准的训练，左手表示高声部唱名，右手表示低声部唱名，使各声部分别唱出不同的唱名，从简单到难，力度从弱到强。其次，对于旋律关于小学童声合唱训练的教学思考音程需要有逻辑性，从级进音程到小跳，再到大跳音程，学生一边听一边演唱和拍击，让学生在听觉、动觉上感受旋律音符的时值长短、力度以及音高低等变化。最后，对于和声音程，这是同时出现两个音，有和谐性，使学生感受横、纵音程间的关系，多听辨，让学生唱出自己声部的音，同时听另一声部的声音，实现理想的和声效果。 四、真假声训练 在小学童声合唱训练中，真假声的训练是极为重要的，通过真假声的演唱能够使音色更加丰满，音质更加清晰，发声轻快，自如的进行强弱变化，声音更加明亮、柔和，协调统一。如在合唱《街头少年合唱》时[3]，通过深气息、高位置的方法进行发声训练，并通过说话的方法在高位置进行歌词的朗读，放开声音，音量出现后在高音区通过假声带头声的方法，让学生打开牙关，保持放松，找到打哈欠的感觉进行练习，再进行歌曲训练，提高歌唱的音量。 五、多声部和声训练 合唱声乐能够使音乐更美、更具色彩，让学生进入到音乐中。和声训练过程中，要让学生多听两声部以上的合唱曲，对比多声部、单声部歌曲的反应，使学生形成立体的概念，强化学生的和声意识。不能直接进行多声部的训练，通过一两个音、一两句在发声曲逐步的进行多声训练，然后进入到和声功能连接合唱训练，学生在演唱自己声部时，同时要训练学生听其他声部，让自己的演唱不会受到其他声部的影响，使学生的和声意识、和声能力等得到潜移默化的提升。 六、结语 总而言之，在小学音乐教学中，童声合唱训练是非常重要的教学内容，为提高合唱训练教学的效果，在教学过程中需要提高对合唱训练的重视程度，并且从多个方面入手强化学生的合唱能力，提高学生的合唱兴趣，逐步提高学生的演唱能力、表演能力，使学生的音乐素质水平不断得到提升和强化。 [参考文献] [1]曹群.柯达伊教学法与童声合唱训练的融通[J].盐城师范学院学报(人文社会科学版),2015,35(03):114-117. [2]马庆华.合唱训练融入音乐课堂教学中—谈童声合唱训练的有效途径[J].教育教学论坛,2011,31:105. [3]宗艳丽.浅析童声合唱训练中应注意的瓶颈问题[J].黄河之声,2011,11:98-99. 作者:汪亚萍 单位:江苏省盐城市建湖县育红实验小学
期刊收录：知网收录(中)
期刊收录：维普收录(中) CA 化学文摘(美) 剑桥科学文摘 知网收录(中) 国家图书馆馆藏 CSCD 中国科学引文数据库来源期刊(含扩展版) 上海图书馆馆藏 Pж(AJ) 文摘杂志(俄) 农业与生物科学研究中心文摘 万方收录(中) 北大期刊(中国人文社会科学期刊) 统计源期刊(中国科技论文优秀期刊)
企业整合营销传播研究:整合营销传播在房地产企业中的应用 摘要：房地产市场营销是房地产企业获得最佳经济效益的重要手段。在今天竞争激烈的房地产市场上，成功的房地产经营者必须在正确的营销观念的指导下，确立科学的营销战略和策略，这样才能使企业经营永远充满生机和活力。本文针对目前房地产市场营销的现状，探讨房地产整合营销实施的举措，为企业的营销活动提供一定的理论依据。 关键词：整合营销；房地产；企业 整合营销强调顾客、成本、便利、沟通诸要素的有序整合。我国房地产企业应走整合营销之路，树立以人为本的经营理念，研究不同客户的不同需求及其可以接受的成本，加强与客户的双向沟通，强化服务意识，致力于品牌的塑造与提升。 房地产在我国作为产业出现仅仅有十几年的历史，而在国外发达国家的成熟的房地产企业已有了百余年的历史。30年前左右，我国的住房多以政府福利的方式进行低价销售或者直接分配，而如今房地产企业的兴起使得房地产成为了一门新兴产业。而这门产业随着时间的推移也越来越热门拓展性也越来越大，所以在房地产企业中存在的竞争也越来越多。这就使得企业如果想在竞争中立于不败之地就必须有自身的特点，尤其是在营销手段上必须下足功夫。在笔者看来，单纯的价值营销只停留在销售价值和技巧上，这种方式过于普遍往往已经达不到非常好的效果了，这就使得整合营销这种新型营销方式应运而生。 一、整合营销是我国房地产企业的必要选择 整合营销是有别于传统营销的营销方式。与传统营销相比，整合营销更强调顾客、成本、便利性、沟通，其优秀是从消费者的角度出发进行逆向思考，通过研究消费者的需要与欲求及他们愿意为此付出的成本，进行多角度、全方位的策划，以达到双向沟通并提供购买方便性，进而使企业实现良好的经济效益。具体而言，整合营销的内容包括： 1顾客：指研究顾客需求与欲求，涉及到市场调研、市场定位、规划、户型、环 境、配套、智能化、环保及功能创意等方面； 2成本：指研究满足顾客需求与欲求以及顾客所愿付出的成本，涉及到工程成本、质量、工期及价格等； 3便利性：指如何让顾客方便地了解和购买房产，涉及到营销策划、广告等； 4沟通：指与客户的双向沟通，涉及到售前、售中、售后沟通以及设立客户俱乐部、售中服务及售后物业管理服务等。 可以看出，整合营销相比于普通营销更注重了团队意识的作用以及我们队客户的双向沟通，而整合营销对于其中的工作者的个人素质以及业务能力也提出了更高的要求，而且观点也需要从我要卖房为主观变成客户要买房为主观，一切从客户实际出发是整合营销的首要条件。 二、房地产企业整合营销的实施 建立房产消费者数据库 整合营销的起点是建立房产消费者和潜在房产消费者的数据库。房地产宏观调控政策中有关户型结构供应“90/70”的限制以及对购房者提高第二套房首付比例的规定，会使购房需求得到一定程度的遏制，投机需求减少，而自住需求比例上升。因此，消费者构成会有所变化，企业应及时更新消费者数据库，以免对房地产开发做出错误决策。根据这些数据库信息，开发商可以量身定做，为消费者提供各种便利，激发其购买欲求。 树立“以人为本”的理念，进行产品和服务创新 “以人为本”是整合营销的优秀。房地产业作为服务型企业，必须以客户为中心，强调与客户的沟通与交流，切实做好物业管理和售后服务，积极参与社区文化建设。如设立客户俱乐部，系统、持续地了解和掌握客户需求，接受客户监督，促使企业不断超越自我，创造性地开发出满足客户需求的产品，提高产品品质，提升企业品牌，赢得市场认同。 树立全程营销观念 全程营销观念的树立是有效实施整合营销的保证。由于房地产项目产品在前期市场调研、市场定位、规划设计阶段已基本定型，若在销售阶段不能满足客户需求就很难进行功能调整，其产品被淘汰、成为“烂尾”楼盘的可能性极大。因此，房地产企业要树立全过程销售观念，在项目开发前期的市场调研、市场定位及规划设计阶段就充分了解和研究客户需求，从源头把关，使最终生产出来的产品满足客户需求，适销对路。实施成本领先战略。 成本优势是实施整合营销的关键。首先，要研究不同客户对住宅功能的不同需求，规划设计中应充分考虑满足客户需求的必要功能，削减不必要功能，以期降低成本；其次，房地产开发企业应建立成本控制体系，从征地、拆迁安置、建筑安装等各个环节控制成本，以低成本进入市场，增加产品的价格优势，抢占销售先机。 整合资源，提高优秀竞争力。 资源整合是整合营销的重要手段。房地产开发涉及规划、建筑、建材、机电、装饰、IT、商业、教育、服务等诸多行业，企业应实施开放带动战略，整合各种资源，提高产品的专业化水准、满足客户需求。品牌的本质是指建立在在客户信任和忠诚基础上的企业与顾客之间的关系，品牌信誉度高的产品能给企业带来好的社会声誉和巨大的经济效益。房地产企业也必然要通过实施品牌战略提升自身产品的品牌形象，以增强竞争力。房地产市场已经进入了品牌化阶段，应做到：准确到位的市场定位、人性化的规划设计、卓越的质量体系、无可挑剔的售后服务和整合、互动的品牌传播。 （六）建立良好的企业文化 企业文化是实施整合营销的人文基础。房地产企业是服务型企业，企业员工无论是从事拆迁、工程、销售工作，还是承担物业管理工作，其工作态度、工作质量的好坏最终都将通过产品品质体现出来。只有建立良好的企业文化，使全体企业员工建立起共同的奋斗目标，形成共同的价值观、行为规范，树立起全员服务的思想，形成团队精神，才能确保产品质量，做到满足客户要求。 三、结语 整合营销是相对于普通营销的一种进步，是一种更加人性化的销售方式，尤其在房地产的销售中，整合营销的策略可以使客户能更加清晰的认识自身的需要，分析购买的合理性，真正达到自主选房，也可以使销售人员在更加专业的系统下提高自己的销售技巧，增强业务素质。但整合营销的策略即使再好，我们首先要追求的都是房源的质量，一流的产品配上一流的理念规划才能达到一流的效果，所以整合营销不是一剂万能药如果把残次品通过整合营销的包装来销售，那只是一种炒作，是欺骗客户的行为，我们要树立起要树立起全程营销、全员营销的观念，在营销中发现新的市场机会，寻求新的利润增长点，开启营销的新局面。 企业整合营销传播研究:企业后向整合营销传播业务的三种方式 按照哈佛大学商学院教授、竞争战略大师迈克尔・波特的观点，纵向一体化是指企业往供应链上下游延伸整合，将外部交易内部化的过程。企业向上游供应方的整合为后向整合，向下游需求方的整合为前向整合。例如，企业将以前交给外部营销智业公司做的业务内部化，就是企业后向整合的一种重要方式。 企业纵向一体化的利弊需要仔细权衡。纵向一体化可以带来合并作业流程的经济性，便于内部控制与协调。信启、资源也可在供应链的多个环节共享。由于将外部交易转变为内部采购，纵向一体化一定程度上也可以回避市场交易的波动性，降低交易谈判成本，稳定的内部关系也有利于建立更专业、更有效率的沟通方式与程序。以上种种也就可以为企业带来差异性竞争的能力。比方说，外部营销智业公司服务竞争对手的经验从另一个角度看可能是企业差异化营销传播的障碍，而企业与内部营销传播公司沟通总比外部沟通来得更有效率，相互问配合更加默契，服务更加到位，彼此知根知底，也易于保守商业秘密，这正是企业内部开设营销传播公司的好处所在。假设一个企业将营销传播业务内部化后获得了竞争上的益处，那么对其所在行业的竞争对手而言会是个挑战，后者也必须一体化，否则会在竞争中处于被动地位。 然而，企业纵向一体化的弊端也显而易见，它增加了企业的经营杠杆，降低了改换合作伙伴的灵活性，提高了企业的退出壁垒，可能切断来自供应商及顾客端的技术信息流动，为企业上下游生产的协调管理提出了更高的要求，弱化了市场竞争激励。例如。企业开设广告公司(In-house)，有可能就会将外部优秀广告公司的经验、知识和服务能力拒之门外，In-house公司也可能因为太依赖从母公司及兄弟单位那里获取业务而失去市场竞争力，这样无形中会增加企业一体化运营的风险，如果In-house成了企业一体化链条上的“坏苹果”，影响的就不只是它自己的活力，有可能是整个企业集团的整体竞争力。 企业是否开办内部营销智业公司，这取决于后者的性价比与企业将营销传播业务外包给市场上的营销智业公司相比，哪个更划算。同时，企业资金有个机会成本，是用来开个营销智业公司，还是投向其他更有利可图的领域，这也是个问题。企业的纵向一体化必须获得大于或等于资本机会成本的投资回报，否则企业就缺少一体化的动力。 国内广告业是个进入与退出门槛甚低的行业，类似这样的行业的投资回报低，但比较稳定。或许正是这方面的原因，同内大多数大型企业过去缺少进入营销传播智业领域的动力。然而，企业是否要执行纵向一体化战略，不仅要考虑眼前，还要看到未来。这是个剧烈波动的世界。企业及其品牌无时无刻都需要与消费者打交道，新技术也为这种直接对话提供了条件。如果企业找到了洞察消费者的直接出口与管道，它也可能在竞争中谋得主动。新的生存环境给了企业将营销传播业务内部化的压力。 企业如在营销传播方面进行后向整合，可以有三个选项，即完全一体化(所有营销传播业务都由In-house负责打理)、部分一体化(In-house负责部分营销传播业务，剩余业务外包给市场上的营销智业公司)和准一体化(利用债务、股权投资等方式，整合外部营销智业公司)。在新传播环境下，企业部分一体化、准一体化营销传播业务，如能执行得力，既可规避完全一体化的弊端，也可获取纵向一体化的益处。 企业整合营销传播研究:基于整合营销传播理论的企业形象声音管理 [摘要] 如何通过传播塑造和维护企业形象是一项重要课题，本文结合整合营销传播理论对企业形象声音管理问题进行阐述，提出切实可行的对策和建议。 [关键词] 整合营销传播 企业形象 整合声音管理 企业声音传播是塑造企业形象的重要形式。企业形象的声音管理，是指企业利用各种媒介和载体，与公众进行有效地传播和沟通，围绕企业形象传播企业的声音，形成或维护公众对企业的正面的态度与评价，从而创造企业在市场发展中良好的社会环境。企业形象声音管理本质是以市场为导向、以公众认同为灵魂，是企业与公众的一种互动双赢的行为。企业借助声音管理与公众进行有效的沟通，准确地将企业讯息传达给公众，期望所传达的讯息得到公众的回应、认同，塑造和维护企业形象。如何开展有效的企业形象的声音管理，笔者结合整合营销传播理论对此展开论述。 整合营销传播理论（IMC）由美国西北大学教授舒尔兹等人提出。它是指企业在经营活动过程中，以由外而内战略观点为基础，为了与利害关系者（Stakeholders InterestGroups）进行有效的沟通，以营销传播管理者为主体所展开的传播战略，强调以公众为中心，强调全方位和公众沟通，强调营销成本的节约和营销效果的提升。整合营销传播整合企业的一切营销和传播活动围绕主题概念进行最佳组合，让人们从不同信息渠道获得一致信息，发挥最大的传播效果，为企业与产品建立起一种认知价值，使企业和产品在公众心中与竞争者及其产品产生区隔，使公众对企业萌生信任，并长期维持这个信任在心中，进一步使公众对企业保持忠诚。整合营销传播理论为企业形象的声音管理提供了恰当的理论基础，企业形象的声音管理最重要的如何传播企业形象的个性和定位并保持企业形象的统一性。借助整合营销传播的理论来指导企业形象的声音管理，我们可以提出整合声音管理的概念，是指企业以利害关系者为优秀，重组企业行为和市场行为，综合协调使用各种传播方式，传递一致的企业信息，实现与利害关系者的双向沟通，树立企业在利害关系者心目中的地位，建立企业与利害关系者长期密切的关系，更有效地实现企业经济目标和社会目标。简言之，整合声音管理以整合传播战略观点为基础，与公众和关系利益人进行有效的沟通，以“一个声音，一个形象”对内外进行的声音管理。 一、企业整合声音管理基本问题分析 1.企业传统声音管理与整合声音管理的区别是 2.企业整合声音管理的对象 根据在企业营销中的地位和其产生的作用不同把公众分为优秀目标公众、相关目标公众、影响目标公众。优秀目标公众是指企业市场行为的根本目标公众，就是企业利润的最终来源公众――客户。相关目标公众是指在企业市场行为中构成企业内外整体价值链,为客户提供服务的相关公众。影响目标公众是指对企业及优秀目标公众、相关目标公众构成社会舆论和环境影响的公众。关系如图： 3.企业整合声音管理的模式 (1)传媒模式。传媒模式把声音管理的主要目标定位在使企业在大众传媒上获得良好的宣传，通过宣传，传播企业形象，这一模式在提高企业知名度、宣传推广品牌和产品中十分常见。传媒模式是一个商业化、单向的传播模式。 (2)舆论模式。舆论模式是指企业利用新闻报道、宣传册和直接邮件等媒介向公众传播企业与产品信息，引导社会舆论倾向于企业发展，但往往只提供企业所选择的愿意让公众知道的事实。舆论模式是一种渗透力强、可信度高的声音管理模式。 (3)代言模式。代言模式是指企业根据企业形象的内涵，选择恰当的企业形象的代言人，集中体现和代表企业和产品的形象，对代言人能够影响的社会相关群体进行号召和引导，从而树立企业形象的模式。代言模式是比较直观和具有强大号召力的声音管理模式。 (4)互动模式。互动模式是建立在调查研究的基础上，运用沟通来处理与公众的冲突，与公众保持相互理解与合作的态度，使声音管理建立在协商和妥协的基础之上，通过对话和协商解决问题，达到与公众和解。互动模式有利于促进企业与公众相互了解、减少误会和摩擦。 4.企业整合声音管理的声音形式 (1)言语式声音：企业运用有声语言与公众进行信息交流，通常发生在直接面对面的场合，包括宣传性声音和协调性声音两类。宣传性声音是指企业利用言语媒介作为交流方式，宣传介绍企业的情况，包括新闻会等活动；协调性声音是指企业为了解决矛盾或纠纷，对公众进行专门的劝说和协商，包括商务谈判、游说等活动。 (2)文字式声音：企业采用书面语言与公众进行信息交流，例如新闻稿、公关广告、工作报告、展览、企业报刊等。 (3)实像式声音：企业利用活动事件开展的声音活动。实像式声音包括：助销性活动。企业营销部门开展的促进销售的活动，如售后服务、消费指导、样品展示、示范表演等。赞助性活动。企业组织或出资赞助的社会活动，如赞助体育竞赛、文化事业、教育事业、社会福利事业，设立奖励基金和慈善捐赠等。利用社会活动提高企业的知名度和美誉度；标识设计活动。企业通过直观、简明的外显标识给公众留下具体、深刻的印象，包括橱窗设计、门面招牌等。 (4)社交式声音：企业借助于社交场合与形式开展的企业声音活动。包括宴请、茶话会、舞会、招待会、座谈会、节日活动等等。通过在特定场合下人与人的交流，企业直接传递和获取所需信息，随着交往频率、交往时间、交往方式和交往深度的不断发展，企业将建立起牢固的社会关系网络。 二、企业整合声音管理的策略 根据整合声音管理所采用的手段不同，将整合声音管理策略划分为以下五种类型: 1.宣传型策略 宣传型策略是指运用大众传媒、印刷媒介、电子媒介等宣传性手段，传递企业形象的信息，影响公众舆论，迅速扩大企业的社会影响。宣传策略主导性强，时效性强，传播面广，有利于提高企业和产品的知名度。 2.交际型策略 交际型策略是指运用各种交际方法和沟通艺术、广交朋友，协调关系，缓和矛盾，化解冲突，为企业创造“人和”的社会环境。交际策略特点是直接沟通，形式灵活，信息反馈快，富有人情味，在加强感情联络方面效果突出。其方式包括人员推销、展示形象、会议营销、回访、顾客追踪、接待顾客等等。 3.服务型策略 服务型策略是指以实际的服务行为作为特殊媒介，吸引公众，感化人心，获取好评，争取认同，使企业与公众之间关系更加融洽、和谐，为企业提高社会信誉。服务策略特点是以完善、超值的服务行动作为最有力的语言，实在实惠，最容易被公众所接受，特别有利于提高企业的美誉度。 4.社会型策略 社会型策略是指以企业的名义发起或参与社会性的活动，在公益、慈善、环保、文化、体育、教育等社会活动中充当主角或热心参与者，扩大企业的整体影响。社会策略特点是社会参与面广，与公众接触面大，社会影响力强，声音管理投资费用也高，能同时较有效地提高知名度和美誉度。其形式有：赞助或者冠名文化、教育、体育、卫生等事业，支持社区福利事业、慈善事业，利用企业的庆典活动和传统节日为公众提供有益的康乐活动等。 5.征询型策略 征询型策略是指运用收集信息、社会调查、民意测验、舆论分析等信息反馈手段，了解舆情民意，把握时势动态，监测企业舆论环境，为形象决策提供咨询。征询策略特点是以输入信息为主，有较强的研究性、参谋性，是声音管理双向沟通中不可缺少的重要机制。其形式有：开办各种咨询活动；建立来信、来电和来访制度和合理化建议制度；制作调查问卷；设立热线电话；分析新闻舆论；广泛开展社会调查；进行有奖测验活动；聘请兼职信息人员；举办信息交流会等。 企业整合营销传播研究:从整合营销传播视角诠释央视标王企业的沉浮 一、企业产品需要好广告的传播 1.好广告的作用 广告既是一种商业营销的手段，也是大众文化艺术形式的一种体现。广告主投放广告，最关心的内容之一莫过于提高商品销量，这既可以是因为广告引发了消费者的实际购买行为，也可以是企业促销使然。本文在讨论中把促销等因素排除，将好广告的“好”限定在对企业销售或形象塑造有正面影响的方面上。 此时，起主要作用的就是广告投放和播出问题，也就是“做好”广告。从大众传播的特点看，它与企业的品牌因素和广告播出频率又密不可分。而其中的重要载体就是大众传媒，具体关系，如图所示: 2.图例分析广告营销与消费者购买行为与的关系 传播效果阶梯模式 (拉维奇、斯坦钠建立） 按照上述传播效果模式，对于消费者来说，要由知晓一种产品的信息到实际购买行为的发生，需经过感性认知到情感上的接受，最后形成意愿表达，这是一个完整的由心理层面到行为实现的过程。在这一过程中，广告对于产品销售的重要性自然备受广告主重视。 如上所述，大众传媒在企业广告运作中不可或缺。对于大众消费品来说，最为消费者熟悉和普遍接触的传媒就是电视广告。其宣传企业产品，塑造品牌，激发企业为自身成长而努力于产品品质，是种良性循环模式。无疑，好的产品需要好的广告。 二、从央视标王的沉浮看“好广告”对企业的双重影响 1.好广告仅仅消灭坏产品吗？ (1)好的开始=成功的一半？ 作为中国最具竞争力的主流媒体之一，以及特殊的市场地位，中央电视台的广告招标活动一向倍受关注。从1994年开始至今，它的标王竞标活动在广告传播和营销领域影响巨大。 ①1994年首届中央电视台广告竞标中，孔府宴酒以3079万元夺得1995年“标王”桂冠，当年即实现销售收入9.18亿元，利税3.8亿元，成为国内知名品牌。 ②第二年，秦池竞标成功，于1996年实现销售额9.5亿元，利税2.2亿元。1996年底，秦池又以3．2亿报价再度中标。 ③1997年，爱多公司成为“标王”。到1997年春节，该公司日产20000台VCD仍供不应求，企业正蒸蒸日上。 从中可以看到，“做好”广告给企业带来的销售上的巨大成功和丰厚利润。相当多企业不惜血本地投入资金追逐具有优势的广告投放媒体（如此处的央视），将之视为企业获利的重要途径。但好广告的影响力真的如此非凡吗？ (2)看到了好的开头≠猜到结果 ①孔府宴酒厂巨资竞标成功后，品牌提升，利益丰厚。但片面追求产量，兼并小酒厂，最终经济指标下滑，酒厂易主。 ②秦池则因广告费用投入巨大而难以实现产业结构调整，同时被披露出勾兑白酒出售。到2002年，秦池销售额为1996年的三十分之一。 ③98年的标王爱多为争做行业老大，投入巨资却无相应回报；VCD行业发生转折时，缺应对之策；拖欠材料供应商款项;再后来多元化战略失败，高层人才流失，最终走上绝境。 可见，巨额的广告投入，良好的传播渠道会给企业带来繁荣，但企业持续健康发展是有条件的。像孔府宴酒厂终因结构调整不力，从产品品质下滑到整个企业灭亡。好广告不仅消灭了它的坏产品，更进一步将其推出市场竞争大局。秦池则在标王光环下盲目扩张，忽视品质及管理失误，最终也输掉了企业。 上述各家企业尽管走向末路的具体原因不同，导火索却都可归为标王的竞标成功。竞标广告标王不是不可以，关键是企业要依据自身情况并按企业发展的长远规划来参与竞标。否则，一味在广告投入巨资，即使有暂时的繁荣，要想保持也是不易。 2.标王宝洁――整合营销的成功范例 (1)一个与前不同的标王案例： 当有“品牌教父”之称的宝洁公司以3.85亿成为2005年度新标王后，又以3.94亿元投标总额蝉联2006年央视广告标王宝座。作为全球最大的日用消费品公司之一，这家创始于1837年的美国企业也可称为历史上最优秀的营销组织。 ①广告做得好 自1988年在中国成立第一家合资企业以来，宝洁的形象在短短20年里迅速深入人心，离不开其长期以来成功的广告运作。 宝洁广告通过如列举数字获得消费者的信任；将自身产品与竞争者的相比，凸显宝洁产品优越性；用专家提出并解决问题的方式令消费者信服；以描述使用产品前后的改变来强化效果等，即有人总结的“数证法、对比法、专家法、人证法”四大原则来达到广告目的，效果显著。 ②广告投入大 宝洁自始就对广告十分重视，公司“每年在广告上的投入超过30亿美元其中的90投入电视网的广告以使得美国人牢记像……这些品牌”。 “无论在中国还是美国，宝洁都是各大电视台绝对的广告大客户。在美国，宝洁是去年广告投放量最大的公司，光是电视广告一项投入就达到25亿美元。” 由此可见，在好广告与高销量的良性循环里，宝洁做得很成功。 ③竞争标王――不仅仅意在广告 按照宝洁大中华区媒介策略总监庞志毅先生的说法，竞标的“初衷是争取我们想要的资源。……宝洁参与央视2005年招标并且获得了最大的中标额，完全是取决于我们品牌营销的市场策略需要。” 宝洁公司全球市场运营官史丹格（Jim Stengel）认为，“做最大的广告投放商并不是我们的根本目的，我们的目的是在消费者之间建立对产品的忠诚度，建立亲和度，告诉消费者这个品牌是怎么样的。” 与上述中国企业的标王例子相比，宝洁的竞标理念显然更加成熟和目的明确。 二、雄厚实力+正确营销战略的成功 宝洁从竞标到企业的实际运作，与前述三个标王例子的最显著差异还应归于其企业实力和营销战略。 宝洁公司是全球著名日化企业，美国构成道琼斯指数30个大公司之一，在全球80多个国家和地区拥有雇员近140，000人。强大的实力使其完全可以在无损公司正常运营的情况下承受标王巨资，并进而强化标王价值的带来的益处。 除了媒体广告投入，宝洁还通过一系列公益活动塑造自身形象，如，在中国为希望工程捐款、建希望小学、围绕消费者权益日主题承办相关研讨会、热心残疾人事业等等。 宝洁经由各种途径来实现企业的营销战略，力求最终达到经济和社会效益的成功，这是值得在追求好广告达到高利润的企业在衡量和努力提高自身的同时认真借鉴的。 三、由整合营销传播建构广告+产品+企业+市场的四维联动战略 从上述宝洁公司的成功例子，具体分析整合营销中广告的地位和作用。 1.整合营销理念 整合营销传播理论（即integrated marketing communication，简称IMC）兴起于美国。全美广告业协会(AAAA)给出其的定义为:“IMC是一个营销传播计划概念，它注重以下综合计划的增加值，即通过评价广告、直接邮寄、人员推销和公共关系等传播手段的战略作用，以提供明确、一致和最有效的传播影响力。……” 它把与企业营销有关的一切传播活动，广告、公关、包装、促销等进行整体组合，使相关群体从不同渠道得到对产品或品牌的相对一致的信息，整合运用信息资源。作为一种综合性很强的营销行为，它对企业营销能力的要求是全方位的。在我国市场经济发展逐步深化和扩展的今天，恰当运用整合营销，通过各种传播和营销手段是塑造企业品牌形象的重要途径。而现实是，当不少企业在广告上投入极大热情时，对于企业应该全方位考虑到的整合营销问题却未给予足够重视。 2.企业营销传播成功的关键――重在整合 (1)广告一枝独秀――难以全胜 如前所述，广告作用的重要性毋庸置疑。尽管其成本不菲，效果难测，但总的来说，它应该作为企业长期投资的一部分，而不仅仅是企业的一种费用。但如果因其重要就夸大其功用，显然也不足取。 对于企业来说，理想的状态是，其因广告投入所带来的收益增长超过广告费用，这时的投入就利润而言是适当和合理的。要达到这一目的，先期的广告制作和合适的媒介投放环境都应被考虑到。因此，在前述案例中，企业对于央视标王的热衷是有一定道理的。而标王的身份也确实或多或少给了它们相应的回报。问题在于，这种良性广告效应的获得和持续需要企业各方面要素的配套支持，否则，一枝独秀的广告自身根本不能独撑整个企业大厦。 如央视早期三家标王企业的最终陨落，就是因为企业本身实力不足、参与标王竞争的非理性和战略决策失误，同时缺乏相应的预警机制和应对之策等造成的。因此，尽管有了标王广告的正效应，却因企业自身的负面因素使然，最终结局并不理想。 (2)合理预算――企业营销制胜的重要条件之一 一个企业如何实现自己的营销计划，很大程度上不仅需要主观心态上的重视，还会受到客观条件的限制，一个现实且重要的问题就是资金限制。所以，做好整合营销战略的预算问题也是其成功与否的关键。 IMC战略中的传播活动应该根据企业自身实力做出事前的预测，包括收集利害关系者相关信息的费用，监测企业生存环境、竞争态势等要素和服务的费用，以及企业投入产出计划、收支等资金流通情况，还有企业的宣传推广等。可见广告仅仅是IMC战略媒体计划的一部分，其所占比例决不应挤兑掉本应完成企业产业升级或结构调整的资金份额。 (3)成功的市场营销传播――不可或缺的诸要素整合 李本乾、张国良的研究揭示了“就媒介议程与真正现实对受众议程的影响而言，两者都可能对受众议程产生影响，为此，大众媒介的议程设置功能，将或多或少地会受到真正现实这一因素的制约”。由此可见，对于企业营销而言，不仅涉及到广告传播效果，而且受到产品质量这个真正现实的影响。因此对于任何一个企业来说，营销传播的每一要素，如广告、促销、企业公关，乃至产品、受众心理等，都不应互相独立，而应该相辅相成，共同服务于实现企业的目标。当然，这还都应基于企业所提供产品和服务的优质。 各要素整合对于企业的市场成功十分必要。具体到一个企业，无论其产品、服务或品牌塑造，涉及传播要素和内容都是多方面且复杂的。而要完整传递出符合企业利益的信息，就必须给出受众一致的信息内容。 营销形式的日益多元和传播渠道的增加，使企业传达一致信息的难度加大。为做到企业“声音”的一致，各营销传播要素只有在协同作用下才能最大限度发挥功能。像宝洁公司，其综合运用各传播要素的结果是，品牌和企业形象的良好树立以及产品销售量的实现和利润增长。 好的产品离不开广告宣传和推广。在大众传播时代，广告给企业的影响应该也是一个“成也广告，败也广告”的例子，尤其是对于本身就已存在或具潜在缺陷的企业而言。广告可以宣传企业，提高产品销量，也可以凸显暴露出资金、管理等诸多问题。 同样是运用广告策略，同样是标王企业，不一样的发展结局背后是一个企业内在实力、市场竞争力和管理运作能力的综合体现和较量。好广告只有依托好产品，并与合理有成效的企业经营运作相加才能更好地为企业在市场上保有优势发挥效用。它们依存共生，四维一体。否则，毁灭的也就不仅仅只是企业的不良产品了。 企业整合营销传播研究:中小食品企业整合营销传播策略研究 [摘要] 知识经济时代，企业之间的激烈竞争，驱使营销与传播结合，从而催化了整合营销传播理论的诞生。这是营销的最新发展，国际营销界与学术界对此也有共识。本文以武汉豆香聚食品有限公司为例，从产品与质量的整合、销售渠道的整合和传播渠道的整合三方面分析了整合营销传播策略，以期为中小食品企业营销手段与策略方面提供思路和方法。 [关键词] 中小食品企业 整合营销 “豆香聚” 知识经济时代，企业之间的激烈竞争，驱使营销与传播结合，从而催化了整合营销传播理论的诞生。这是营销的最新发展，国际营销界与学术界对此也有共识。 一、整合营销传播（IMC）的内涵 整合营销传播(IMC，Integrated Marketing Communications)的理论起始于上世纪80年代中期。1993年,美国西北大学教授唐・舒尔茨(Don E. Schultz)正式提出整合营销传播的概念,他认为整合营销传播是一种长期对顾客及潜在顾客制定、执行不同形式的说服传播计划的过程，是将所有与产品或服务有关的信息来源加以管理的过程,使顾客及潜在顾客接触整合的信息,并且产生购买行为以维持消费忠诚度。美国卡莱纳大学教授特伦希・希姆普(Terence A.Shimp)指出:整合营销传播开始于顾客或未来顾客，然后反馈,以期明确规定说服性传播计划的形式与方法。美国学者彼得・德鲁克则以明确的措辞,突出消费者在整合营销传播中的地位。按照德鲁克的分析:公司的建立,以满足消费者的需要为目的。 整合营销传播理论诞生后，营销实践在量变基础上产生了质变:一是营销优秀概念发生了变化，从变换转向传播;二是营销组合组合发生了变化，从4Ps(即product，price/distribution，place，promtion)转向4Cs(即consumer，cost，convenience，communication);三是营销功能的扩充,由告知、说服与影响或直接影响消费者的购物行为三方面组成;四是营销中企业与消费者关系发生了变化，企业与消费者建立双方的合作伙伴关系;五是营销逐渐强调整合。 整合营销传播理论的关键是灵活运用以广告、销售促进、公共关系、人员推销和直接销售为主的各种渠道，通过妥善安排各次传播的渠道、预算、内容和启动时间，使其相辅相成，以获得最佳效果。 二、武汉豆香聚食品有限公司概述 武汉豆香聚食品有限公司是采用中国的“豆腐之乡”－湖北省钟祥市石牌镇传统的工艺和现代科技相结合的以生产、销售豆制品为主的股份制民营企业,公司固定资产800多万,从业人员538人，2004年实际销售收入达1400万元，2005年完成销售收入2500万元,2006年截止10月底已完成销售3290万元,全年有望突破4000万元。在省内及重庆、兰州、天津均开有连锁分店,并以其优质产品备受当地消费者的推崇和喜爱。2004年湖北省商务厅授予农副产品“四大王”,其中“豆腐大王”鄢维斌排名第二位。湖北电视台、湖北日报、楚天都市报、中国青年等媒体先后对其进行过采访报道。2002年荣获“质量万里行优秀单位”,2003年荣获“湖北省质量信的过品牌”称号。2005年,公司通过ISO9001国际质量管理体系认证,2006年，荣获“全国食品安全示范单位”称号。2006年8月,公司老总鄢维斌被授予湖北省“农村致富带头人”称号。 三、武汉豆香聚食品有限公司整合营销策略分析 1.产品与质量的整合:不断推陈出新和加强质量控制 产品质量和创新是企业的生命线，企业只有不断的提高自己产品的质量和创新自己的产品，才能在市场中立于不败之地。这一点上,武汉豆香聚食品有限公司做得非常成功,为了打开武汉市场,公司老总鄢维斌针对武汉人只会将黄豆磨成豆浆,再制成白豆腐,并没什么花样的状况，经过学习和多次的试验,推出了六个豆制品新品种:麻辣香丝、油皮千张、五香豆糕、湖南熏干子等,各有特色,这在武汉市场绝无仅有。新产品推出一个星期后,就供不应求,获得首战告捷。在入驻超市成功后,又推出了六个新品种。 在一次性顺利通过了ISO9001全面质量管理认证后，武汉豆香聚食品有限公司先后投入20多万进行产品开发，研制出的蔬菜豆腐、果味豆腐、黑芝麻豆腐迅速成为市场的“香饽饽”，至今，公司已经拥有农家柴火系列、花色营养系列两个特色品种系列和100多个品种。目前，鄢维斌准备将公司搬进凯旋门广场写字楼，实行现代公司化运作，并打算在武汉阳逻建设豆制品工业园，搜罗全国最新最好的豆制品，生产出来献给消费者。 2.销售渠道的整合：实现网下与网上多渠道销售 武汉豆香聚食品有限公司为迎合市场的发展，在销售渠道上实现了网下网上的多渠道销售的整合:（1)传统市场营销。公司首先立足的是传统的销售市场即武汉三镇集贸市场，在赢得市场和信誉，豆制品新品种在武汉三镇集贸市场名声雀起。（2)连锁超市营销。1998年9月，有位客人闻名找到鄢维斌，邀请他加盟中百超市。鄢维斌敏锐的洞察到超市销售潜力，在交入场费的前提下，把市场扩展到了超市，成为了江城第一家开在超市里的豆腐店。为了在超市站稳脚跟，鄢维斌紧急向工商部门申请商标注册，不到一年又推出六个新产品，并斥资30万元在中百仓储开辟了“豆香聚”豆制品销售专店，“豆腐香四季，回味聚知己”，又被市民热捧。随后三年时间，中百仓储在武汉先后开了20多家分店，随着中百仓储的分店越开越多，鄢维斌公司的销售额从每月3万元直线上升为每月近70万元，“豆香聚”随之延伸，鄢维斌的公司迅速壮大，建起了厂房，职工发展到近200人，总资产近500万元。武汉华联等四家连锁超市纷纷登门邀请鄢维斌加盟。至2004年，公司实际销售收入达1400万元。（3）社区深度营销。随着业务的发展，公司得到了武汉多家超市的信任和支持，凭借优质的产品、超市的平台和品牌的影响，公司成功地进入了武汉大学、华中科技大学、武汉理工大学等30多所大专院校，与高校社区合作进行深度分销，有力推动了公司业务实现更好、更快的发展。（4)网络营销。在武汉市场逐渐稳定和成熟之时，公司采用了网络营销手段，设立了武汉“豆香聚”专门的网站（www.省略），实行网络招商加盟。目前，已经在湖北省内的红安、仙桃、天门、随洲、汉川、荆州等20多个县级以上城市建有分店，在重庆、兰州等5个省会城市发展了20多个分店连锁分店。至2005年，公司完成销售收入2500万元。 3.传播渠道的整合：实现文化、媒体和口碑营销三结合 顾客接纳品牌适宜的模式是认知、尝试、重复购买。第一步是认知，目的是使顾客对新品牌有所认识，对其产品和服务基本了解。第二步是推动顾客尝试购买产品，让顾客能了解该产品与服务的质量和特点。第三步是运用各种营销传播手段并加以整合，促使顾客反复购买自己的产品。武汉豆香聚食品有限公司就是成功运用适宜的模式使顾客接纳了“豆香聚”这一品牌:（1）文化营销。公司将豆腐卖出了文化味儿：一是给豆制品注册品牌“豆香聚”，在消费者心中形成品牌意识；二是到卖场生鲜区建造豆腐坊，装潢成古香古色的别致建筑，顾客可从刻在墙上的文字里，了解豆腐的历史渊源、营养成分；三是现场制作，在这里，消费者不仅可以亲眼目睹豆腐制作的全过程，放心购买，四是在全省豆制品行业中首开“现场制作现场销售”的先河，在中百仓储开办首家豆腐博物馆，在这里传统的农耕文化和现代文明得到融合，实现在文化营销效果。（2)媒体营销。近年来取得的成绩,吸引了许多媒体的关注，湖北日报、湖北电视台、楚天都市报、长江日报、楚天金报、今日湖北、中国青年、辽宁青年、大众投资指南等20多家媒体报道了武汉豆香聚食品有限公司诚信、智慧的创业历程，媒体的正面宣传其实也为武汉豆香聚食品有限公司品牌的传播与塑造取得了良好的效果。（3)口碑营销。“好口碑才是最好的有效力的广告形式”，武汉豆香聚食品有限公司有过硬的产品质量，2002年荣获“质量万里行优秀单位”，2003年荣获“湖北省质量信的过品牌”称号。2005年，公司通过ISO9001国际质量管理体系认证，2006年，荣获“全国食品安全示范单位”称号，公司老总鄢维斌本人也被湖北省商业厅和媒体联袂授予“豆腐大王”荣誉称号，湖北省“农村致富带头人”称号。这样，公司在消费者之中有良好的口碑效应。文化营销、媒体营销和口碑营销都取得了消费者和超市的信任，使公司与消费者和超市建立了良好的合作关系，达到了关系营销的效果。至2006年10月底已完成销售3290万元。公司老总鄢维斌豪情满怀地表示:两三年内，将年销售额做到5000万元。他打算投资1000万元在武汉市阳逻经济开发区建设豆制品工业园，实现全现代化制作。
《时装》主要栏目：专题、时装美容、生活方式等。
声乐教学论文:发音基本功视角下声乐教学论文 一、咬清字是声乐教学的重要要求 我们在歌唱时，一定要借歌曲来传情达意，或通过歌曲创造出一定的意境，或优美或深邃，而这样的意境表达除了凭借旋律之外，就属歌词了。可见歌词能否入耳，能否传情，就要看歌唱者是否能表达清晰。一些初学者，也许受方言的影响，有些声母在平时就发不清晰，导致发声时发不准声母的音。例如b的发音，有的学生会很短促，有的就会狭长些，导致发音不清。这时就需要教师仔细指导，例如声母的发音部位和发音的气息等方面，教师都要反复地为学生作出示范，尤其针对一些吐字不清的发音动作，更要反复进行强调，有意识地矫正学生发音，以使其发音慢慢趋向于准、平、稳，并且可根据学生发音情况，制定出相应的训练计划和步骤，使学生对发音的控制力不断加强，然后再督促学生把声母和韵母结合起来，进行音阶练习。实践证明，这种方法对于咬字不清的学生来说，是十分有效的。 二、抓好学生的基本功训练 中专学生音乐知识和音乐水平参差不齐，这就需要教师在声乐教学中，一定要抓好学生的基本功训练，并采取相应的措施来加强学生的基本功练习，为学生将来继续深造打下坚实的基础。因此，教师在教学生练声前，应先给学生讲清各个发音部位，并且要强调指出发音时的要领：喉咙放稳，舌根和下巴都要呈放松状态，类似打哈欠，使声音上下通达自如。练声时，一般从C′练起，所练曲目应按照由易到难的顺序，母音练习时应以a、o、i、u、mi、ma、ye为主。待在中低音区练习熟练之后，再开始练习高音区。只有遵循这样的练习步骤，学生的发音器官才能得到很好的锻炼，不至于会出现难度突然提升而造成嗓子的负担过重。另外，因为每个学生个体情况存在着差异，其发声器官也有所不同，唱歌时，发出的声音也会存在着差别，有的声音较清脆，有的却不够圆润。针对这样的情况，教师要根据学生的发音情况，采用不同的教学方式和策略。例如，对那些发音较清脆却又缺少集中的声音，教师要使用o、u音来加强学生的练习，使学生的发音渐渐圆润起来；相反对那些发音低缓，不够流畅的声音，教师要进行集中训练，如可让学生反复练习d、t、n的发音，还可以通过使用录音机，来查找自己的不足，直至发音到位、顺畅。教师在抓学生的基本功训练时，要从一般到特殊来筛查，针对个别学生，再进行辅导，努力使学生的音准、音色有一个大的提高。 三、声乐教学要注意方式方法 声乐教学不单单是为了处理音高、节奏等问题，更重要的是让学生对音乐有更充分的认识，对歌曲有完全的理解，能借助音律反映歌曲的意境，准确地诠释作品的情感和含义。教师给学生讲清楚音乐的无穷魅力，让学生懂得音乐是有生命的，它充满了朝气，充满了阳光，富有激情和感染力。不能仅仅把“动听”作为音乐单纯的目的，这样学生就会渐渐重视发音的练习，并会做到坚持不懈。在声乐教学中，教师往往会遇到这样的现象，觉得讲得非常明白了，可总会有学生不理解、做不到位。这时教师要注意讲课的方式和方法。比如学生急于求成，对教师所讲的发音器官貌似听懂了，其实对一些发音部位或器官的专业术语还是很糊涂。如在做发音训练时，教师可以先让学生把发音器官的位置弄明白，再通过自己的示范发音，让学生领悟发音规律，或教师也可以先进行生动讲解，再由学生试着来发音，教师根据学生的发音进行及时的纠正。还可以借助多媒体来播放一些发声视频，让学生自己感悟正确发音和发音不准的内在区别，以增强学生的学习兴趣，提高声乐教学效果。 四、结语 总之，声乐教学中，教师若想让学生掌握科学发音的发声方法，就必须严格地要求声音频率的稳定度，发音不能做作，要有自然的、顺畅的波动，这样的声音才会产生共鸣，才会有感染力。俗话说得好，“台上一分钟，台下十年功”，要想发音准，音色美，声音圆润清亮，离不开学生刻苦的练习，在练习的同时，要提醒学生多感悟、多体会、多请教，才会有大的改进和提高。另外，声乐教学中，还需要学生对声乐产生高度的热情，拥有良好的心态和美好的情绪。这样反复练习，学生才不会感到乏味，才会真正地投入到声乐课堂中来，领悟到音乐的乐趣。 作者：侯琳 单位：河北省石家庄铁路运输学校 声乐教学论文:艺术学校声乐教学论文 一、声乐教学理念的革新 文化艺术不断发展的今天，声乐教学也应该顺应时展的潮流进行改革。为适应时展的要求，中等艺术学校声乐教学有必要改变旧的教学理念，要用发展的眼光看待新生事物，探索新的教学理念。一方面，从我国博大的声乐文化中摄取精髓。我国很早就展开了声乐理论研究工作，研究成果颇丰，如唐代《乐府杂录》中就有“善歌者，必先调其气，氤氲自脐间出，至喉及噫其词，即分抗坠之音，既得其术，既可致遏云响谷之妙也”。我国声乐理论中自古就有“气为声之本，气乃音之帅”的说法。我们应当潜心研究并继承和发展丰富多彩的民族声乐文化，吸收其精华，才能推动我国声乐教育事业的发展；另一方面，借鉴国外先进的声乐教学理念。“对于声乐训练的本身，科学唱法和技巧是共性，是中外各种唱法共有的。在中国传统民族唱法中有科学性，在外国声乐中也有科学性。”因此，我们改进声乐教学理念，仅仅继承民族声乐文化还不够，更应吸取国外各种风格声乐学派先进、科学的演唱方法和艺术表现手段，丰富和发展教学理念，这样才能更好地发展我们的声乐教学。 二、声乐教学模式的改革 目前我国中等艺术学校声乐教学课沿用“一对一”的小课教学模式，教师对每位声乐专业的学生一周安排两节小课。这种教学模式的优点是针对性强、因材施教，但是也有弊端，如费时费力、学生之间缺乏探讨、束缚学生的视野等。时代在发展，我们面对的授课对象与过去不同，如果仍沿用传统的教学模式，势必制约中等艺术学校声乐教学的发展。因此，笔者认为我们应根据授课对象的年龄、学习程度等实际情况，对现有的教学模式进行必要的、适当的调整和改革。 1.对刚入学的一年级学生应采取“一对二”的教学模式。 如今，中等艺术学校声乐专业学生的入学年龄为14~16岁，比以往学生的入学年龄小很多。学生正处于变声期，如果一节课之内对他们进行连续的声乐训练，他们的嗓子容易疲劳、沙哑，影响其发声器官的健康发育。因此，我们对他们应采取“一对二”的教学模式。这种教学模式在训练当中不仅使学生的发声器官得到休息，而且能使两位学生互相观摩，有利于他们对技巧的掌握。 2.对二年级的学生要采取“一对一”的教学模式。 通过前一年的学习，二年级学生掌握了一些声乐技术技巧，有了较好的基本功，发声器官的承受能力也随着年龄的增长而提升。我们对他们应该采取“一对一”的教学模式，加大声乐训练力度，适当地拓展音域，为三年级的高考冲刺打好基础。 3.对三年级的学生应采取“一周三节课”的教学模式。 对三年级的学生来说，绝大多数要参加艺术类高考，他们的学习任务非常重，需要加强专业和文化课的学习。因此，对他们的声乐课应从“一周两节课”增加到“一周三节课”，使他们的声乐水平得到提升，在激烈的竞争中能够脱颖而出。 4.对演唱方面有问题的学生老师们要采取共同“会诊”的教学模式。 在教学当中，教师会遇到演唱方面具有不良习惯的、有问题的学生，这类学生教起来非常困难。一个人的能力是有限的。像我国著名声乐教育家沈湘教授那样辅导男女各声部的学生，而且还能够让他们在国内外声乐大赛上屡次获奖的人，在声乐界是罕见的。教学当中，有些教师善于解决男生提喉头的问题，有些则善于解决女生真假声不合的问题。因此，当声乐教师遇到难教的学生时，声乐教研室的老师们就会及时“会诊”，各显其能，彼此交换意见，指出解决问题的途径及方法，使学生受益匪浅。 三、声乐教材的改革 教材是教学的一个重要内容，是教学的一个重要环节。但当前我国中等艺术学校还没有统一规范的声乐教材。我们使用的教材基本照搬高等师范院校或高等音乐学院的声乐教材。由于中等艺术学校与高等音乐学府在声乐技能技巧要求、培养目标等多方面有着很大差别，二者在教学内容上有所不同。“声乐教学内容决定于不同教育层次的培养目标。”声乐教学内容的选择是有针对性的。然而在教材的选择上，有些教师喜欢按照自己的意愿为学生布置练声曲或声乐作品，随意性很大，缺乏明确统一标准和依据；有些声乐教师甚至列出一张声乐作品名单给每位学生一份，根本没有考虑学生的具体情况，缺乏针对性；有些教师布置声乐作品时范围狭窄，局限在旧作品上，不主动积极地布置新作品，曲目缺乏横向突破，不能充分调动学生的学习积极性。由此可见，没有统一规范的声乐教材就会影响声乐课的实际运用和操作，进而影响教学质量。教育部门应组织教学经验丰富的声乐教师编撰一套适合中等艺术学校的声乐专业教材。在教材内容的选择上可以参考高等音乐学府教材，对它进行提炼、简化并在内容上进行适当的增补。教材要明确体现出中等艺术学校声乐专业学生的培养目标，要强调教材的针对性、通俗性和趣味性，使学生能够“寓学于乐”、易于理解和接受，为学生在专业学习道路上的良好发展奠定基础。教师在教材的选择上应考虑到以下方面的问题： 1.教材必须有针对性。 在教学当中，有些教师不论是男生还是女生都用同一个练声曲；不论舌根紧的还是提喉结的都用i母音练声；无论一年级学生还是二年级学生都用同一个声乐作品进行训练，缺乏针对性，严重影响学生的进步。每个学生的具体情况不一样，学习程度也不一样，因此，教师选择教材内容时必须有针对性，要考虑到学生的训练程度、存在的问题以及哪些练习适合，避免盲目性。如对提喉结演唱的学生多用下行的u母音练习；舌根紧的学生多唱a母音的跳音练习；初学者唱《月之故乡》《大海啊！故乡》《花非花》等简短易唱的作品；具备一定演唱能力的学生唱《长城永在我心上》《妮娜》《草原之夜》等难度稍大的作品。针对性的原则就是从实际出发，实事求是，教师只有有针对性地选择教材，才能使每位学生扬长补短，收到教学效果。 2.教材内容要丰富多彩。 在教学当中，我们基本上一直沿用那些旧作品，学生很少接触新作品。当然有些旧作品是经典曲目、经典教材，诸如《红豆词》《叫我如何不想他》《我的太阳》《祖国慈祥的母亲》等。然而艺术本身是发展的，人们的审美标准也是随着时代的变化而发展的，新时代涌现出了一批被声乐专业学生和广大群众喜爱的具有艺术性、思想性的新作品，如《往日时光》《跟你走》《呼伦贝尔大草原》等。这些作品不仅在声乐技巧运用方面有较大的发展和提高，作品风格上也多样化，深受学生们的喜欢，易于调动他们的学习积极性。因此，教师在教材内容的选择上不仅要选择旧的经典作品还要敢于开发新作品。把这些新作品充实到教材内容中不仅起到丰富教材内容的作用，还有利于提高教学效率。 四、结语 总之，要发展就要改革。中等艺术学校的声乐教学改革不是一朝一夕之事，而是一个漫长的过程。我们还要积极探索先进的教学理念，寻求有效的教学模式，丰富完善教材内容才能促进声乐教学可持续发展。 作者：刘胜 单位：内蒙古大学艺术学院附属中学 声乐教学论文:民族声乐教育教学论文 一、在秉承传统与民族的基础上贯彻多元化的教育思想与理念。 当前，在绝大多数人的概念和意识中，多元化的艺术教育理念和思想是一种标准的外来文化，但正如前文已经提及的，我国的现代民族声乐艺术，民族声乐教育从诞生、发展之初就具有鲜明的多元化特质，可以说多元化是我国现代民族声乐艺术与教育发展的肇端，但因为种种原因，我们在新的世纪，新的时期将这种思想和理念一直坚持继续秉承和发扬。总体来讲，我国现代民族声乐的发展与形成主要分为四个主要阶段：第一阶段是20世纪四五十年代。这一时期中华人民共和国刚刚成立，我国的民族声乐学科教育与建设还没有完全走上正轨，这时的民族声乐无论在教学和演唱上都受到传统民族声乐的深入影响，无论是在演唱方法还是作品艺术风格层面，如郭兰英演唱的《一条大河》、郭松演唱的《乌苏里船歌》、王昆演唱的《秋收》《南泥湾》等等。这时的民族声乐作品或改编自少数民族或地方性民歌，或源自戏曲曲艺的曲调，在演唱的处理与表现上也带有鲜明的传统民族声乐的唱腔和韵味。第二阶段是20世纪六十年代至七十年代末，这一时期对于我国的民族声乐艺术来讲是一个较为特殊的时期。这一时期因为很多特殊的原因我国的社会十分封闭，动荡不断，一切艺术都陷入停滞甚至倒退，但我国的民族声乐艺术却仍在夹缝中取得了一定的进步和发展。由于极端的思想影响，在我们的学术界出现了一种否定外来文化的思想，武断的否认一切外来文化的作用和价值，而一批早年有过欧美留学经验的声乐教育家则坚决的抵制这种思想，并与其进行针锋相对的斗争。主张我国现代民族声乐的发展必须走一条“土洋结合”的道路，这便是我国现代民族声乐发展史中非常著名的“土洋之争”。而随着我国社会动荡的结束，改革开放的开始，我国开始再次走上正常发展的轨道，而争论的结果自然是“土洋结合”道路的胜利。而这次争论的积极意义则在于从此明确了我国现代民族声乐的发展理念与发展防线，使我国的民族声乐艺术和教育重新走上了正常发展的轨道。第三个阶段是改革开放开始至20世纪末。这一时期我国各项事业蓬勃发展，我国的高等教育体系也重新开始发展和完善，民族声乐也正式作为一种艺术学科进入了我国高等教育体系。因为我国的高等音乐教育一直完整的沿用西方音乐教育体制，因此，这时“土样结合”的音乐教育理念与思想在我国的民族声乐教育教学过程中得到了进一步的贯彻和发展。通过以中国音乐学院、沈阳音乐学院为代表的一批声乐教育家不懈探索和努力，我国的民族声乐艺术在科学性、系统性。规范性上都取得了长足的发展和进步。培养出了大量优秀的具有较高艺术水准和演唱水平的民族声乐教育家与歌唱家，如、阎维文、宋祖英、等等，我国的民族声乐艺术也取得了空前的成功和繁荣。而大量具有新时代气息的专业化声乐作品也大批的出现，这些作品同这时的民族声乐演唱方法和风格一样，鲜明的带有欧洲古典音乐的艺术特征，无论是在音乐形式还是在音乐风格上。可以说这一时期堪称是我国民族声乐艺术发展的黄金时期，无论是在演出市场的繁荣程度还是在教育教学的学科建设上。而当我们回顾这段历史，我们不难发现，这时我国民族声乐艺术的成功并不是偶然的，而是必然的。这时我国的高等民族声乐教育完全起到了民族声乐艺术进步发动机的作用，在借鉴和吸收外来声乐文化，尤其是欧洲美声唱法上完全做到了多元化的理念和思维，在坚持本民族艺术特征与审美特质的前提和基础上最大限度的做到了开放性与包容性，兼收并蓄，才使得我国现代民族声乐的艺术形态最终确立。第四个阶段是21世纪初至今。这一时期我国的社会的各个层面都进步、发展和转型。伴随着社会的进步和人们实际需求的变化，我国的民族声乐艺术演出市场和舞台上出现了很多新鲜的元素。 “原生态”的抬头“，跨界风”的盛行“，学院派”的坚守，等等。一批新生代民族歌手也相应而出，如融“民声”与“美声”为一体的吴碧霞，“民声”与“通俗”无痕跨界的谭晶，“神曲制造者”龚琳娜等等。多种多样的声乐演唱方式、表演方式、声音理念、审美理念纷至沓来，对我们高等民族声乐教育提出了严峻和现实的拷问和鞭策。我们的高等民族声乐教育在教育理念与思想、学科建设、课程设置等等层面上何去何从，是当前我们民族声乐教育工作者们必须要正视和重视的一个重要课题。前文已有所提及，我国的现代民族声乐艺术是在我国传统民族声乐的基础上创立和发展的，民族性是其发展的前提和基础，因此，要想使其在新时期进一步发展和进步，我们在实际的教育和教学过程中就一定不能忽视对于传统的秉承和发扬。而民族性的保持本身就是多元化音乐教育理念与思想重要部分与明显特质。重视传统民族声乐，更加全面和深入的从传统民族声乐中发掘和提取艺术养分本身也是多元化思想更加全面和彻底的贯彻。“事实上如果我们对我国的戏曲艺术有一个较为全面深入的理解的话就会发现，几乎我国每个地方和民族戏曲艺术都有着自己明确、鲜明的发声理念和规范系统的发声方法。例如我国的最大地方戏曲剧种京剧，其演唱发声方法就极具系统性、规范性和科学性。与美声唱法相比甚至在很多方面更为具体，要求更为严格，有很多专用的声乐演唱学术名词,如：真嗓、假嗓、左嗓、调嗓、喊嗓、丹田音、云遮月、塌中、脑后音、黄腔、冒调、走板、不搭调、气口、换气、偷气、嘎调、长吭、杂夯等。每一个名词都是一种十分具体的声乐演唱要求或声乐演唱标准，并且这些声乐演唱术语与西洋美声唱法中的学术名词相比更加易于国人的理解和掌握，如果能够在声乐教学中适当的运用和融入诸如此类的一些声乐名词和声乐演唱概念和要求对我们的民族声乐演唱与教学都是大有裨益的。”诚然，科学性的声音理念与意识对于我国民族声乐发展的作用、价值和意义是不容否定的，这是高水准声乐演唱声音质量的最基本保证，但如果在演唱中一味片面的强调科学性，而忽视或者忽略了民族性的概念和意识，或者对民族声乐作品本身没有一个清晰全面的认知，那么无论如何完美的声音也不能引起我国听众的情感与思想共鸣。因此，在我们的民族声乐实际的教学过程中一定要将传统民族民间音乐和声乐艺术作为必修科目系统的纳入我们的教学计划，并有效的开展和实施，这样才能使学生对我国民族声乐艺术的艺术本质与内涵有一个更加全面和深入的认知和理解，也只有这样才能使学生在学习过程中逐渐建立起牢固的民族意识，才能最终在演唱中完美的表现出来。另外，加强对于各地方，各民族的原生态民歌的学习、理解和掌握也是十分必要的，对于原生态民歌的概念，价值和意义我们已经有过很多研究，了解也比较详细，无需过多赘言，但需要之处和强调的是，当前，从民族声乐的实际教育教学过程中，对于原生态民歌一定要避免矫枉过正的态度。我国原生态民歌众多，类型多样，举不胜举，每种原生态民歌的自身性质、类型、状态也都不尽相同，我们在实际的教学过程中我们必须要认识到，我们学习原生态民歌，最重要的是要从其中理解和掌握更多的优秀审美特质，并将这些潜移默化的应用于我们的民族声乐演唱，而不是浅显的学习某些特殊的发音方式、民族语言、方言或曲调，或是将其生硬的套装于课堂教学或者实践舞台、这样才是实事求是，从实际出发，尊重艺术发展的科学规律，切不要形而上学。只有这样，才是真正符合了多元化的艺术发展精神与思想，也只有这样才能真正促进我们民族声乐教育教学的有效开展、进步与完善。 二、在坚持民族与传统的基础上进行创新性多元实践探索与尝试。 近年来，谭晶、龚琳娜、吴碧霞等“跨界民族歌手”的不断出现，以宋祖英为代表的学院派歌手与其他类型歌手“混搭”取得成功效果，都不停的冲击着人们的视听感受，同时也在极大程度逐渐突破了人们以往对于民族声乐概念的认知和理解。但从严格的声乐学科种类划分的角度来看，这些看似不同类型的歌手都属于民族声乐的范畴，但又各自具有鲜明的特色，吴碧霞本身具有深厚的传统民族声乐功底，她在艺校期间学习的是湖南花鼓，进入大学后正式开始学习民族声乐专业，而在研究生阶段却转而攻读美声专业，这种中西合璧的学习经历极大的拓展了她的艺术道路，展现出更强的艺术感染力与表现力。但如果我们对整体声乐艺术或者声乐理论有一个较高的认知水平就不难发现，如果单单从演唱的专业性与规范性来讲，吴碧霞的美声演唱只具其形，不具其实，是较为业余的，其根本性质上是一名非常标准的民族歌手，但即使她的美声演唱较为业余，只表现出一些皮毛，但这也极大的丰富了她的歌唱艺术层次，增强了她的艺术规格。再比如“民俗”唱法为代表的民族歌手谭晶，虽然她的民族与通俗唱法结合只是简单用民族声乐的演唱方法演唱流行性质的歌曲，在声音的运用于表现层面上并没有突破民族声乐的范畴，但至少为我们实际的教育教学和演出实践上拓展和丰富了曲目的选择。再比如凭一首神曲《忐忑》，以奇葩形象出现在人们视线里的龚琳娜，则以民族声乐为基点，开创了一条极为独特的蹊径，树立起自己鲜明的风格。如果我们深入的分析它的演唱风格，不难发现其实她无论从声音的运用还是表现的方式上人属于民族声乐的范围，首先，她的声音具有明显的非常正统和规范学院派特征，但在具体的艺术处理和表现上融入了非常多元的艺术风格。比如《忐忑》、《金箍棒》因为编曲和配器上完全由她的德国音乐家丈夫操刀，所以表面上带有一定的后现代风格，但究其实质，她此类型的声乐作品则运用了我国传统戏曲音乐的元素，也正是这种民族与现代结合所产生的非常独特的，甚至有些怪异的、令人啼笑皆非的艺术效果才给人耳目一新的视听冲击，使人们在最短的时间内认识了这位其实成名已久的民族唱法的歌手。同时，无论你对她的这种演唱风格是喜爱还是厌恶，认同或者唾弃，我们都无法否认其对于我国民族声乐演唱风格丰富和多元化产生的积极作用和意义。上述事例说明，首先，我国民族声乐艺术的多元化的基点是民族性为基础与科学唱法相结合，而民族声乐多元化的方向一方面是继续深入挖掘传统民族民间音乐中的艺术元素、精神与气质，同时要继续秉承包容性与开放性，兼收并蓄的吸收外来音乐的艺术元素，从艺术处理与表现上不断的丰富和拓展自己，而现有的成功经验也为我们的民族声乐教育教学提供了新的思路和方向。因此，在实际的教育教学工作中要进一步更加彻底和完善的贯彻多元化的理念和思想，我们主要应从两个方面入手，一方面在坚持民族性的基础上继续加强学生声乐演唱的科学性、专业性与规范性，紧跟国际上美声声乐艺术发展的潮流，吸收先进的声乐演唱理念，另一方面还要在演唱的艺术处理、曲目选择、演唱实施上大胆的探索、创新和尝试，鼓励学生在合理的艺术范畴内，在教师的指导下最大限度的发挥主观能动性，展开多元的声乐演唱实践。我国民族声乐艺术与美声唱法的借鉴和融合对我们来说已经是一个非常熟悉的概念和课题，这本身也是我国民族声乐发展多元化的最根本体现，但需要指出的是，美声唱法本身也是多元化的，也是在不断发展的。 中华人民共和国建立初期，受到意识形态的影响，我国对于美声唱法的概念、意识都源自俄罗斯，改革开放以后，我国对于美声唱法的理解和认知才真正与国际接轨，20世纪八九十年代，可以说意大利的声音理念占据主流，而21世纪初，随着世界经济形势的变化，意大利的美声艺术发展逐渐陷入停滞，但在德奥地区美声声乐艺术则得到了更好的保护和发展，这时德奥的美声声乐理念与风格独占鳌头，而近年来，随着我国与法国之间交流的广泛和深入，我们发现法国的美声声乐艺术风格与我们的亦有很多契合和相融之处，所以，可以说，我们对于美声声乐艺术的借鉴与应用要具有发展性和国际性的眼光和视角，这样才能使我国的民族声乐艺术更具普世性，才能更好地走向国际声乐舞台。同时，我们要在实际的教育教学过程中加强学生的市场意识。作为新时期的民族声乐教育工作者，我们必须对当前社会的艺术发展形势与艺术市场需求有一个清晰、全面的了解与认知，并从社会实际需求的角度出发，在教学中不断加强培养学生的社会实践能力，增强学生的社会适应能力。我们必须明白这样一个道理，我们的高等教育不是空中楼阁，我们的学生在大学期间除了学习“高大上”的基本声乐演唱技能以外更要面对毕业后残酷的职业竞争，因此，在大学期间仅仅具有专业的歌唱技能是远远不够的，我们应该在保证学生专业演唱的基础上最大限度的拓展学生的艺术表现力。首先要不断的拓展教学曲目，传统的教学曲目固然很多是必须要学习的，但音乐是社会生活的实际表现，必须要积极鼓励学生演唱更多的新创作的曲目，而在选择类型上也不应拘泥于固有思维，无论是传统的民族声乐曲目还是新创作的曲目，无论是流行歌曲还是音乐剧选曲，只要是符合民族声乐演唱的风格与特质就可以为我所选，为我所用。而在演唱的表演形式上也要尽量的拓展，鼓励学生在课堂、考试和实践演出中选用对唱、重唱，甚至可以与流行唱法、美声唱法、民族乐器、西洋管弦乐器进行组合，然后教师要对其进行规范和指导，这样不但能够极大的拓展学生的艺术表现能力，同时更为重要的是能够培养学生多元化的、富有创造力的艺术思维和意识，在“授人以鱼”的同时“授人以渔”，使学生在走进社会后真正适应多元文化为主导的社会实际需要，成为具有较高实践能力、适应能力和社会竞争力的民族声乐专业人才，同时这也能够最大限度的杜绝教育资源的浪费。 三、结语 总之，多元文化是21世纪世界文化发展的主导潮流，作为我国民族声乐艺术发展和前进发动机的高等民族声乐教育教学要想真正取得实际性的发展就必须具有全球化的视角，开拓思维，锐意进取，实事求是，从实际的角度出发，摆脱形而上学的束缚，将多元化的意识和思想在我们的教学工作中更加全面深入的贯彻和实施，也只有这样才能培养出更多符合社会文化发展实际需要的专业人才，才能使我国的民族声乐艺术真正健康的、可持续性的发展，并最终在国际的声乐艺术之林占有一席之地，向世界展现出中华民族艺术之真正魅力。 作者：李抒丹 单位：沈阳音乐学院 声乐教学论文:朗诵歌词专业声乐教学论文 一、朗诵在声乐教学中的地位 我国的声乐教学历史非常悠久，在这悠久的声乐教学实践历史中，朗诵一直都是歌唱语言训练的主要方式，而且训练效果一直很明显。从语言上讲，朗诵和歌唱都有共同的语言基础，在发声方法和运气方法上，朗诵和歌唱也能够互相借鉴。我国传统的歌唱理论中很多的理论都是以口语朗诵为基础，如明代魏良辅的《曲律》中说：“曲有三绝，字清为一绝。”这表明了古代歌唱家对字、声的重视。在西方的声乐理论中对这一方面也有着独特而又专业的阐述，例如意大利的歌唱家卡鲁索在《卡鲁索的发声方法》一书中认为“歌唱者读字比起歌唱者的声音更为重要，在歌唱中扎实的读字是正确发音的重要基础。”这也是在说明在歌唱中字正腔圆的重要性。字音不正确，歌唱就会难听，或者有歧义，影响了歌唱的效果。要想提高对字音的掌握，朗诵是最为直接的训练方法。所以在学习声乐的过程中，必须要不断地进行朗诵的训练才能够更好地掌握和提高声乐技巧。 二、在声乐教学中朗诵歌词的重要性 （一）有利于规范歌词的语音 歌唱和歌词朗诵都有一定的语音要求，只有标准而又清晰的发音才能够让朗诵和歌曲更加悦耳。在歌唱时，不正确、不清晰的歌词发音往往会被歌曲的旋律所掩盖，这样一来，通过单纯的歌唱训练就不能够提高自己对字、声的掌握水平，很难在歌唱时纠正自己的咬字、吐字问题。所以，在朗诵训练中，对歌词的发音练习在规范语音的作用上要比声乐练习更大。 （二）有利于歌唱者对歌曲情感的体会 每一篇文章和每一曲音乐都有着自己的情感，所以歌唱和朗诵都是以情感的表现为主的艺术。要想提高自己的朗诵水平和歌唱水平，就要对作品的情感有一个深刻的把握，了解作者的思想内涵，将自己的情感融入到自己的声音中去，这样自己的朗诵和歌唱才能更加具有感染力。只有对作品有了很深刻的体会，再加上歌唱时的歌曲旋律，歌曲中蕴含的思想感情才会完全的爆发出来，效果也会更好。提高对歌曲感情的理解，最直接的方法就是提高对歌词含义的体会，朗诵歌词有利于更好地体会歌曲蕴含的情感。 （三）有利于提高歌唱的艺术表现力 声乐是一种非常有技巧性的艺术。歌唱技巧训练的过程，就是对歌曲进行艺术加工的过程，朗诵歌词的目的就是更好地对歌曲进行加工。朗诵对纠正学习者在日常生活中的各种不正确发音有着非常重要的作用。在唱歌中融入朗诵技巧训练可以让学生更好地处理音乐作品，将歌曲的内容和形式、感情和技巧、体验和方法完全的结合起来，让歌唱声情并茂，从而提高歌唱的艺术表现能力。 三、歌词朗诵的几个关键点 （一）对歌词的分析和理解 歌词往往语言精美，感情丰富，灵动而又朗朗上口。学生不能仅仅满足于歌词的表面意义，还要对歌词的深刻含义有所掌握，这样才能够对作品产生更加深刻的理解。对歌词的逻辑感受和形象感受要不断地调和，从而提高自己的感情抒发度和词语的准确度，让自己的声音更加起伏。在训练中也要特别注意各种语言的区分，注意语言的规范和准确。 （二）以朗诵增加对歌词的体会 书读百遍，其义自见。从歌词的朗诵出发能够更好地体会歌词的语气和歌曲的韵律。对歌词进行反复的朗诵非常有利于增强学生对歌词的理解和体会。朗诵要格外注意重点、基调、语气和韵律，做到把歌词的每一个部分的思想感情都完整地渲染出来，对全篇的情感变化也要体现出来，用不同的声音来让语气更加灵活生动，加强对歌词的理解，更好地抒发激情和美感，让作品更加鲜明、鲜活。 四、结语 21世纪以来，我国的幼儿教育改革不断深入，教育水平不断发展，对幼儿教师的要求也越来越严格。声乐教学是提高幼儿园教师专业素质的一个重要教学课程，在学前教育专业中，声乐教学有着非常重要的地位。朗诵歌词不仅仅能够让学生避免吐字不够清晰、不够标准的问题，还能够加强学生对音乐作品的理解和体会，全面地提高学生的声乐学习效果，提高学生的歌唱水平，有利于培养出教学能力过硬、基础理论扎实的优秀幼儿教育人才。 作者：陈永海 单位：江门职业技术学院 声乐教学论文:高校民族音乐声乐教学论文 一、 现代高校声乐教学中民族音乐融合的现状 自上世纪50年代中期，我国各高校的声乐教育中就融入了民族音乐的教育形式，短短五十多年的发展使得各高校声乐教学取得了丰硕的成果。中央音乐学院就先后走出了一大批深受广大人民群众喜爱的著名歌唱家，、张也、阎维文、德德玛、吴雁泽等各具民族特色与个人风格的国内外知名的音乐艺术家。上世纪80年代，我国各高校的声乐教育师资力量雄厚、教学专业化较强、教学设备不断更新、教学曲目更是具有较强的可选性，这些优势带动了我国高校声乐教学的专业化、现代化发展。但是，发展的道路总是那么艰辛、那么曲折，我们在看到各高校声乐教学不断进步的同时，不能不认真审视一下在声乐教学中存在的明显缺陷与不足。虽然学术界对我国声乐教学的研究从未停止，但是其中存在的问题仍不容忽视。众多的歌手在接受了多年来形成的统一的、固有的声乐教学模式后，从高校走出了一大批唱法统一的歌手。这一点我们可以从国内较为权威的全国青年歌手大奖赛中看出其统一的特性，很多观众都反映在民族唱法中歌手几乎是千人一声。面对广大观众的质疑与指责我们不得不反思，我们的高校声乐教学究竟怎么了？我们在借鉴西洋唱法的同时，中国民族传统韵味如何体现？多年的教学经验让我深思，如何才能突破中国传统音乐文化发展的瓶颈问题？ 1.盲目崇拜西洋唱法 改革开放三十多年来，中国人看到了西方科技的发展与进步，面对新鲜事物，中国人为了不断追求经济与科技的发展，将传承了几千年的中国传统文化抛之脑后，转身去迎接这些来自西方的新鲜事物。虽然中国历史上也曾经辉煌过，在某些朝代我国确实走在了世界的前列，但是由于上个世纪初我们中华民族遭受的屈辱史与血泪史使得我们中华民族产生了强烈的自卑感，带着对西方文化、科学技术的盲目崇拜心理，中国人开始学习西洋唱法。虽然大部分声乐教育家只想借鉴西洋唱法来发扬并传承与改进中国民族唱法，但是，声乐教学发展到今天，很多人仍旧认为中国民族唱法缺乏科学性、规范性、是一种落后的唱法。随着人们思想观念的在不断变化的社会经济环境中的转变，很多人发现中国的民族音乐逐渐走向一个极端的空间，在青年歌手大奖赛中，很多歌手的参赛曲目越来越难、越来越大，但是风格却趋于统一。因此，在高校声乐教学中我们教育者应该以一种平和的心态重新审视我们民族音乐的优美韵味，以公平的态度与心理对待中西方唱法的不同与融合，在高校声乐教学中注重学生多元化、个性化的发展方向与培养模式。 2.缺乏对我国民族音乐的学习 目前，我国的高等音乐教育还无法脱离学校这一有形的载体，一般而言，高校音乐专业基本采取的都是“一对一”、“一对多”的教学模式，而从事声乐教学的教师也基本是从这一模式中走出来的，由于受西方音乐教学与西洋唱法的影响，基本上所有学习声乐的学生都是先学习西方的演唱方法、音乐基础知识，然后再学习中国的传统歌唱艺术，在这种体制怪圈的影响下，已经形成一种不断重复的、固有的教学模式。而一部分声乐教师在高校就读期间也没有系统的接触过民族音乐，于是在高校的声乐教学中就形成了一种“老师教什么，学生学什么”的被动局面。这主要是由于教师与学生在西洋美声唱法的影响下并未走出校园、没有走进民间、没有深入群众、没有到各民族中去采风、感悟、体验，并且他们对传统民族音乐的风格与声乐理论并不了解，这种没有想法、没有体验的方式就形成了高校声乐教育与民族音乐相对隔离的状态。王昆、郭兰英等老一辈艺术家们大多数人曾经是曲剧、戏曲的演员，经历了长期的传统艺术、民族音乐的熏陶，他们已经探索出了一套适合人民群众需要的、备受人民群众喜欢的民族唱法，这一时期的民族音乐已经深深植入了这些优秀声乐教师的心中，他们培养出的声乐歌手都是十分优秀的。上世纪80年代末，以为代表的学院派新生民族唱法中不仅蕴含了西洋唱法的圆润与通畅，更继承了传统民族音乐唱法中的明亮与细腻。这种新兴的唱法很快就取得了巨大的成功。但是，也正是这种成功的唱法使中国高校声乐教育逐渐失去了民族音乐的唯美韵味。 3.严重忽视了因材施教的特点 造成我国高校声乐教育中教学模式统一的一个主要原因，是由于高校的声乐教师在授课过程中，长期以来将教学的重点放在了对学生发声技巧的训练上，这就导致一些学生总是将学习的注意力集中在那些高难度的乐曲作品上，并对其进行模仿演唱。而教师在教学过程中也忽视了对学生进行作品的情感处理的正确引导。虽然有的学生也对作品进行了一些感情上的处理，但是这也仅仅局限在对歌唱名家、艺术家的声调、语音、润腔的简单模仿。大学学习四年后并没有形成自己独特的处理能力。 4.课程设置存在一定的缺陷 声乐课是一门结合了心理学、生理学、教育学等多门学科在内的综合类的艺术。但是，目前我国各高校中并没有开设生理课。作为学习声乐的学生，必须对人体的发声器官的性能、构造等有个全方位的了解与认识，这样才能真正了解呼吸器官、共鸣器官、发声器官的主要功能，才能够有目的的掌握与运用这些器官的技能并促进自己歌唱的进步。民族音乐中的很多乐曲具有一定的艺术性，有的还是根据小说改变而成的，因此，学习声乐的学生还必须了解一定的文学知识，具有一定的文学功底才能更好的在歌唱中诠释作品的真正内涵。但是，在很多高校中，从未开设过语文或文学欣赏这门课程。如果连演唱者自己都不能真正了解歌曲的内涵，又如何使观众真正了解呢？ 二、 高校声乐教育中民族音乐融合的创新 我国是一个多民族国家，不同民族具有不同的人文背景、地域环境，因此也就孕育了异彩纷呈、绚丽多姿的多民族风格的民族音乐文化。几千年的发展为我国民族音乐的传承奠定了基础。作为声乐教育者，我们应该承担起培养与传承中国民族音乐的重大责任，为建设与发展我国民族音乐提供良好的环境。 1.不断优化高校声乐教学师资队伍 声乐教学改革的创新与发展需要一支专业素质高、精通声乐、熟悉民族音乐的教师队伍，这是基本条件。一个优秀的声乐教师必须具有过硬的专业技术与知识技能，并已经在中国民族音乐方面积淀了自己独具特色的演唱技巧，深入了解我国各民族的传统文化，在一些特殊的民族民间音乐的演唱技巧上能够充分的、深刻的进行运用与研究。否则，一切都是纸上谈兵。这就要求高校声乐教师必须静下心来潜心钻研并不断探索民族音乐的精髓。充分利用多媒体教学手段，不断改革教学方法，努力使自己成长为一名德才兼备、技艺兼通、教研相融的优秀声乐教师。 2.积极组织学生到各民族采风 声乐学科具有较强的实践性。因此，为了更好的使民族音乐融合到高校声乐教学中，各高校可以根据学校的实际情况每学期定期组织教师、学生深入到各民族聚居地采风，深刻体会并理解当地民俗文化的特点，为今后的歌唱事业积累资料。只有充分了解并积极参与和感受才能真正了解各种艺术形态带给人们的震撼。 3.努力构建特色课程体系 教材是实现教育目的的重要工具，也是提高学校教学质量的关键因素。建设具有本校、本地区特色的课程体系是培养高水平人才的基本保障。各高校的声乐课程应该根据本校的实际情况或本校所处地区的少数民族的特点，在充分考虑毕业生将来的就业压力的前提下，加强基础建设、加快整体优化步伐、突出本校特色，优化课程特色，努力探索出多样化的人才培养模式，为本校的发展与我国声乐事业的发展积极构建具有特色的课程体系。 4.不断创新教学方法的研究 探索民族音乐在声乐教育中的渗透与融合的关键环节就是进行教学方法的改革与创新。对于声乐教师而言，必须掌握新的声乐教学方法，突破传统声乐教学方法中存在的框架与局限。在平时的声乐教学中，教师可以根据教学内容的不同、根据学情的不同，积极引导学生进行独立的创新思维，激励学生以主动探索的态度进行学习。理论与实践的脱节是声乐教学中的一个瓶颈问题，在高校声乐教学中，可以采取多种方式来帮助学生实践民族音乐的魅力。 三、结语 总之，随着我国声乐教学改革的不断深入，民族音乐应该成为我国高等高校中声乐教育的重要组成部分，努力建设具有中国特色的民族音乐教学体系是声乐课程面临的重要课题。我们必须在借鉴与吸收西方音乐教学风格与唱法的基础上，勇于探索，将我国民族音乐作品渗透、融入到声乐教学中，使民族作品更具有系统性、特殊性、专业性。全国各地的高校应根据本地区特色与民族民间音乐、文化特色在声乐教育中进行渗透与融合，使中国民族音乐立足东方走向世界，在世界音乐中绽放出美丽的中华民族音乐之花。我们坚信，在所有声乐艺术工作者的共同努力下，中国的音乐教育一定能够开创出一片崭新的天地，一定会为中国声乐教育的发展再创辉煌。 作者：魏菲 单位：黑龙江省齐齐哈尔市高等师范专科学校 声乐教学论文:文化视角下声乐教学论文 一、国内研究述评 从文化的宏观角度对声乐教育教学的思考和研究可以归纳为三个方面：学术论文、专著及学术会议。经本人收集和整理，可供借鉴的论文有郭克俭《传统声乐文化特质及其当下意义》，文章从声乐背后的文化语境谈到我国的民族声乐应该在智慧地吸收西方科学声音技术的基础上发扬具备本民族文化特色的民族声乐，而没有提到具体解决措施。张晓农《人文传统背景与中西声乐文化差异之比较》，文章从历史文化的角度从图腾意识、宗教观念、学者主体、审美传统、理论基础五个方面比较中西方声乐文化之差异，而笔者是从我国文化的视角谈到我国声乐教学的现状，并提出了解决对策。李泉《中国声乐教育的回顾与展望》，文章以声乐不是技术是文化这一声乐教育观念的转变为线索，论证了专业技术与音乐文化相依相伴的关系，提出了声乐教育要走上科学、规范的轨道，要从教育体系的健全和基础理论建设做起。笔者则从沉淀声乐文化、提升综合素质、提倡创新氛围三方面谈到的解决对策。专著有郭建民著《声乐文化学》，本书是迄今为止国内唯一一本声乐文化理论研究的专著，文化的视角则是贯穿《声乐文化学》研究的第一要素，本书具备宽泛的学术视野，主要涉及声乐文化理论概述。邢延青著《民族声乐艺术的文化研究》，作者运用边缘学科类比的研究方法，有比较地将传播学、语言学、心理学等相关部分纳入对民族声乐的研究之中。学术会议则仅有辽宁师范大学于2005年9月举办的首届《全国高师音乐学院办学特色与声乐文化学学术研讨会》，王耀华先生、余笃刚教授、郭建民教授肯定了从大文化的角度审视声乐文化的积极作用。 二、文化与声乐教学的关系 1.文化是声乐教学的底蕴和基础 一定时期的声乐艺术现象与当时社会文化背景息息相关，联系紧密。从历史上看，“五四”运动时期，民主、科学、进步的思想和强烈的爱国精神，其文化启蒙作用极大地促使了中华民族的觉醒，也辐射到了我国的声乐教学领域，留美的黄自，留德的青主、赵元任等，这批留学回国的音乐志士，不再满足于填词的学堂乐歌或单旋律的歌曲创作，开始运用和声及作曲技法，并将中国文人的浪漫气质融入到艺术歌曲的创作之中。40年代末到新中国解放后，我国的声乐教育领域，开始思索如何继承和发扬民族文化遗产，探索具备本民族声乐特点的声乐教学，采集和改编了大量优秀的民间歌曲，如丁善德的《玛依拉》、黎英海的《嘎俄丽泰》；根据民族音调创作的《草原上升起不落的太阳》等，都是我国民族风格歌曲中的佳作，这些歌曲至今仍然广泛使用在我国的声乐教学中。在“”的特殊年代里，“样板戏”代替了歌唱艺术，衡量声乐艺术的标准不再是优美和抒情，“宽、厚、亮”是唯一的强制性的审美标准。这种违背科学的标准扼杀了许多优秀的声乐人才，使我国刚刚有所成就的声乐艺术教育惨遭摧残，也使开始繁荣的民族声乐艺术事业落入深渊低谷。 2.文化与声乐作品 纵观我国古代史、近代史，一定时期的声乐知名作品无不是当时文化的综合体现。以《秦王破阵乐》为例，此作品反映的就是初唐时期，秦王李世民率军击败叛将刘武周使得唐朝政权转危为安后，人们在凯旋庆功时演唱的歌曲。《松花江上》，产生于上世纪30年代，九•一八事变使国内政局发生了急剧的变化，军阀割据的局面暂告段落，国难当头，民族矛盾迅速激化，抗日救亡的呼声响彻大地，《松花江上》就是在这样的社会历史文化背景下诞生的一首脍炙人口的抒情歌曲。而《乡恋》则是改革开放之初，经过“主张墨守成规”和“提倡解放思想”两种思想的激烈碰撞下，后者最终战胜了前者的历史条件下诞生的，深刻反映了当时的社会文化背景。 三、从文化角度审视我国声乐教学现状 1.文化整体环境浮躁、校园学习氛围淡薄 目前，各类声乐比赛、选秀活动充斥着各大媒体，诚然，这种形式给年轻人提供了展示才能的舞台，但很多青少年正处在人生观、价值观的成型期，容易抱有急功近利、一夜成名的心态；并且即使因天时地利的原因一时成名，但是由于缺乏扎实的音乐技能功底和深厚的文化底蕴，很难在艺术道路上走稳、走远。而由于社会快速的经济发展，社会上流行着权钱至上的价值理念，有象牙塔之称的学校，同样也受其一定的影响，艺术院校的声乐学生耳濡目染社会及身边的各种观念和事物，很难端正学习态度，扎实掌握知识，苦练声乐基本功。 2.声乐学生重技术轻文化、重文凭轻学习 由于长期以来社会对于音乐的偏见以及目前一切向经济和短期时效看的人文氛围，声乐教学领域普遍存在重技术、轻文化；重高音、轻基本功；重演唱、轻理论；重短期效应、轻长远发展的问题，声乐学生因为招生考试文化门槛低，导致没有全面的文化素质，声乐学习过程中浮躁，有的光想在演唱技术上一步登天、有的抱有速成成名的功利心态，缺乏踏实治学的态度、有的因文凭和未来出路学习声乐、殊不知提高声乐水平需要耐得住寂寞，苦练声乐基本功，加强文化修养，去除内心的浮躁，慢慢积累生活感悟，循序渐进才能得到厚积薄发。 3.声乐创新环境欠缺、成果凤毛麟角 2005年，钱学森先生曾对前去看望他的总理说：“现在中国没有完全发展起来，一个重要原因是没有一个大学能够按照培养科学技术发明创造人才的模式去办学，没有自己独特的创新的东西，老是‘冒’不出杰出人才。”在声乐教学领域，存在着师生缺乏独立思考能力的现象，因两千多年的封建制度对社会的长期影响，人们的创造力和活力受到了一定的遏制，声乐领域里，师生普遍缺乏把习得知识和时代结合再创造的能力，教师往往习惯了照本宣科，而学生总是习惯了被动接受知识，加上长期以来教师为主导权威地位的教育模式，学生的独立创造能力自然不高，“自己独特的创新的东西”在目前的中国大学和中国社会很难成为主流的、被鼓励与提倡的对象。 四、找到文化定位，提高声乐教育教学质量 1.沉淀文化底蕴，优化学习氛围 我国目前文化环境浮躁、各大媒体为了收视率，制作各类声乐娱乐选秀节目，快节奏的生活方式，导致人们生活方式以快速、便捷为主，读报刊、看书这种传统的精神熏陶方式被用手机浏览新闻、听歌、看视频替代，一味地追求速度、效率、数量导致声乐文化成果质量不高。在声乐教育领域，应该大力提倡中国传统文化的精华价值观，在宣传教育方面重塑人们的精神家园，倡导读书、读报，多弘扬声乐领域的正能量人物和事物，创造起优良的声乐学习氛围，激发声乐学生的学习兴趣，使其树立正确的学习观和事业观。 2.提高学生文化修养，提升其综合素质 声乐教师要抓好声乐学生思想教育，引导学生具有一个正确的声乐是非观、声乐学习观、声乐事业观，逐渐改善学生对声乐学科的不全面认识，在提高声音技术的同时，加强文化修养，摈弃浮躁的求艺心态，教育部门要提高声乐学生文化课入学门槛，提升艺术院校的文化氛围，创造优良的声乐学习环境，多和人文院校沟通合作，加强和人文学科生的相互影响和交叉，加强学生的声乐实践能力和理论修养，开设声乐文化史、声乐赏析课,声乐论文写作等，注重声乐学生的兴趣，增添声乐理论课的趣味性。 3.提倡声乐创新，重视社会实践 1988年9月，邓小平同志根据当代科学技术发展的趋势和现状，提出了“科学技术是第一生产力”的论断。国家、社会、学校、和家庭应当创造重视知识，鼓励创新的氛围，声乐教师应多鼓励学生进行独立思考，鼓励其创新并参加社会实践，再看我国的声乐作品及其表演：例如李玉刚的《新贵妃醉酒》，就是在京剧的基础上所做的独特创新；被大家称为神曲的《忐忑》，也是龚琳娜借助扎实的民族声乐专业基础和技巧，整合、重构中国传统文化元素进行创作、创新的作品；而流行音乐界的代表作品，诸如陶喆的《苏三说》、周杰伦的《菊花台》、小虫的《龙文》，均是带有浓厚中国传统意境美并在演唱方式及作曲技法上有创新的作品。同时，我国的声乐教育应该多建立成人教育、在职培训、社会教育中心等机构，给社会各行各业人员提供再学习、再深造的平台，大学教师通过教授社会声乐课程，了解社会需要，社会人员通过学习高校声乐课程，能提高音乐修养，掌握发声技巧，提高声乐鉴赏能力，同时声乐教师应当端正观念，多进行社会实践和舞台实践，这样才能给学生带来更新鲜的知识，而高校，应定期请社会名人多回校讲学、讲课，激发学生的学习热情！ 五、结论 声乐教学和文化息息相关、密不可分，文化是声乐教学的基础，声乐教育又综合体现着我国文化的广度和高度。从当前文化大环境看我国声乐教育教学现状，我们声乐教育工作者应当重视起祖国的传统文化，并跟紧时代脉搏，重视提高自身的文化素质、提高创新意识，提升创新能力，加强与社会实践的联系，为我国的声乐教学领域做出自己的贡献。 作者：解伟 单位：沈阳音乐学院艺术学院 声乐教学论文:高校声乐启发式教学论文 一、高校声乐教学的优势及其问题分析 在音乐欣赏课当中学生在深刻理解音乐情感的基础上也促进课堂文化氛围的形成。作为一项较为特殊的高校音乐课程，声乐教学的过程除了需要涉及声乐相关理论知识的传授之外，还应当针对学生的特点实施个性化歌唱技巧辅导，这对于学生审美能力的提高极为重要。相较于其他高校课程而言，高校声乐教学在课堂组织方面表现为大班集体授课与一对一授课的相互结合，然而考虑到学生的性格差异和能力差异，现阶段高校声乐教学中的问题不可忽视，这对于声乐教师的教学技巧与教学能力也提出了更高的要求。 二、启发式教学法在高校声乐教学中的应用路径 （一）歌唱气息启发 高校声乐教学过程中教师可借助学生熟悉的案例来营造特定的教学环境，可以是卖菜声，也可以是吆喝声，引导学生在特定的环境中感知声音的发出过程，感受最自然的声音应当采取怎样的方式发出。在情境训练的过程中学生能够加深对高位置声音的理解，掌握深呼吸的技巧。除此之外，针对跳音的训练也可对声音和气息的处理把握得更加准确。演唱跳音时，可借助叹气放松的方式保证腹部位置的放松状态，通过跳音练习可让学生腹部肌肉在有效锻炼的过程中变得更加具有弹性，这对于气息控制力的把握极为重要。 （二）歌唱吐字启发 对于高校声乐教学而言，关于歌唱吐字练习与学生普通话掌握程度有着密切联系，当然这其中不包括方言类歌曲。作为单音节语言体系的重要组成部分，中国汉字讲究吐字清晰，这同时也是高校声乐教学在歌唱吐字方面首要解决的问题。通过对汉字发音的划分，笔者认为汉字发音中的首尾及腹部位置极为重要，它是衔接字与字之间关系的优秀支撑。因此，在正式的声乐演唱过程中，启发式教学法的应用在于字与字之间的转换和衔接方面，通过启发发音的方式指导学生感受字与字之间的变化，通过处理好字与字之间的衔接关系尽可能保证吐字与声音之间的和谐与统一。发音的过程中，无论字呈现出何种变化，咽喉的打开状态都应当是稳定不发生变化的，保持舌根的放松状态，于共鸣点位置寻找发音的正确处理方式。针对不同的字点变化，可从声点的统一性方面突出不同发音之间的相互转换与衔接，其直观表达效果显然更加丰富。 （三）歌唱表演启发 启发式教学法在歌唱表演中的应用突出表现在课堂气氛的营造方面，在和谐有序的教学氛围下开启学生的发声练习，借助有效的心理调整方法提高音乐表达的情感效果。这一过程中，教师的肯定和鼓励是不可缺少的，这对于学生情感抒发与表达至关重要。从学生个体的差异性角度分析，启发式教学的应用显然与学生艺术素养的形成休戚相关，因此在作品演绎方面也表现出一定的异同。这就需要在声乐演唱之前，引导学生对作品创作背景和作者生平进行详细介绍，明确作品的感情基调，并以此作为基础借助启发式教学的方式促进音乐情感的表达。 三、结语 综上所述，相较于传统高校声乐教学中的填鸭式教学法而言，声乐教学中启发式教学法的运用在激发学生主观能动性方面有着更加显著的优势，能够从学生声音的时间性和多变性特征着手，切实提高学生的声乐演唱技巧。在自我分析的过程中学生在音乐情感表达方面也势必将有所进步，这对于高校音乐教学效果是重要的保障。高校声乐教学课堂是丰富多彩的，对应的教学方法也应体现出必要的层次性，通过启发式教学法与声乐教学的相结合能够极大地提升高校声乐教学的实施效果。 作者：王静 单位：曲阜师范大学音乐学院 声乐教学论文:校外少儿声乐教学论文 一、声乐教材的新旧结合 校外教育不同于校内教育，校内音乐课上总有一套固定不变的教材和培养目标。而校外教育在遵循最终的培养目标不变的条件下，要发展与校内教育不同的教学模式。现如今有关校外声乐教育的教材比较单一，多为一些流传多年的经典儿歌。经典固然是好的，但是随着社会的发展与进步，这些歌曲已完全满足不了少儿的求知欲与对外来事物的新鲜感。对于这些从小已经听到滚瓜烂熟的音乐，孩子们已失去了对它们的学习兴趣。 在每年的教材编写中，笔者都尽可能的去发掘更多更新的少儿歌曲，这些最新的歌曲创编很容易就会调动孩子的学习积极性。而对于那些经典曲目，笔者亦不会舍弃，而是采用其他的教学方法来抓住孩子们的学习兴趣。比如经典儿歌《小红帽》，很多小朋友在幼儿园里就已经学会唱了，那么在曲调已经熟记的情况下，笔者会设计故事情境请学生表演。将学员们分角色表演，小红帽、大灰狼、邀请家长表演、加入诗朗诵、配合舞蹈等等，经过“包装”的经典儿歌同样能让课堂上充满欢声笑语。 二、声乐教学环节的生动有趣 有人说小孩子学唱歌不就是扯着嗓子大声喊吗？有什么学习的？其实不然，在少儿阶段，孩子的发声器官还十分稚嫩，如果一味的蛮唱会造成声带甚至其他身体机能的永久损伤。但对于理解接受能力远不及成人的孩子来说，枯燥的声乐理论知识、技能练习有时又会成为斩断孩子兴趣的刽子手。如何用简单、通俗、生动、有趣的方法来传授这些基础知识又成为了声乐教学中一个重难点。 笔者在教学中不断总结经验教训，将教学中的几个重要环节归纳出了以下几点方法：首先，基础的乐理知识是必不可少的，有些孩子在学习唱歌几年后还无法自己识谱，基本乐理知识的缺失对于学员以后的发展产生了很多不良的影响，作为老师，不仅要授之以鱼，更要授之以渔。对于基本乐理的教学，教师们可以采用图片法、童谣法进行教学。将“1、2、3、4、5、6、7”这七个音配合形象的图片，比如“2”就像只鸭子，“5”像挂钩等等，联系生活中最易想到的事物，配合简单的童谣———“1”是老大像铅笔”、2“是老二像鸭子……直观又形象的教学将会把这些枯燥的理论学习变得有趣味，学生们学习起来也不会感到生涩难懂。其次，对于少儿来说，爱动爱玩是天性，在教学过程中，教师如果一味压抑孩子的这种天性反而会适得其反，但是过度纵容又会打乱课堂秩序。在这里，掌握好一个“度”非常重要。 当教师发现课堂气氛不够活跃，学生热情不够高涨时，一个小游戏就会解决这个窘境。比如简单易学的绕口令、你来比划我来猜、歌词接龙等等都会成为调动孩子兴趣的不二法宝。最后，要鼓励孩子们对所学歌曲进行“二度创作”，给学生发散思维的空间。可以尝试给歌曲配上简单的诗朗诵，加上表情动作，甚至是对歌词的改编等等。教师对创编活动中好的部分给予鼓励，不好的部分引导大家一起再改编，让孩子们在动脑动手的活动中得到自我价值的肯定，提升荣誉感。此外，尽可能多的给学生提供表演舞台、多与家长进行沟通、对特殊情况的孩子给予更多的关怀等都是提高学生学习兴趣的有效方法。 三、总结 综上所述，“兴趣是最好的老师”、“兴趣是能力提升的源泉”，兴趣是声乐教学获得成功的前提条件，作为一名教师，良好的职业修养、风趣幽默的语言表达能迅速建立学生对声乐学习的直观感受。笔者也将在今后的教学中不断完善自己的教学方法、提升自己的专业素质，做好一名“兴趣”的引导者和培训师。 作者：高莉莉 单位：重庆市少年宫文艺部 声乐教学论文:高校民族声乐教学论文 在实现高校民族声乐多元化教学的过程中，必须要形成相应的多元化教学模式，这就要求对民族音乐文化进行深入的理解和探索，转变学生对民族声乐的态度和观念，将多元化教学理念渗透到实际教学过程中的所有阶段，在学习和借鉴国外先进文化的基础上，塑造学生的多元文化价值观念，只有这样才能培育出优秀的民族声乐人才。 一、对传统的民族声乐教材进行改革，优化课程设置 传统文化精神和文化的继承、声乐基本技能两方面是高校民族声乐教学的优秀。在高校多元化教学改革过程中，一方面要应用传统的课堂教学方式，让学生掌握基础的声乐技能、理念；另一方面，还要注重多样艺术形式、表现手法的代表性曲目，将典型曲目同教学内容有机结合起来，丰富教学内容，激发学生的学习兴趣，提高多元化教学的质量。 1.合理调整民族声乐教学的课程设置。应在保证基础教学效果的基础上，适当增加民族音乐的比重，让学生尽可能多的接触不同形态的民族声乐。要把握世界民族声乐的发展趋势，遵循民族声乐的本质特征，开设专项的民族声乐课，深化对东方民族声乐的探索和分析。民族声乐教师作为教学主体，对多元化教学工作的开展起着关键性的作用，高校应加强对教师专业素质和技能的培训和教育，督促教师强化自身学习，并涉猎心理学、教育学、历史学等多方面的知识，提高自己的综合素质，提高教学效率。 2.对民族声乐教学内容及教材进行改革。根据我国当前高校声乐教学现状来看，很多高校仍存在仅将曲谱作为教材的现象，忽视了音像材料、音响材料的重要性，使这些教学材料的作用得不到充分的发挥，影响多元化教学效果。高校应丰富教学内容，选取其他形式、内容的教材，通过图像、音像等多种方式让学生更加直观、全面地理解声乐知识，透彻地分析演唱技巧及作品的风格特色，提升自身的审美观。 二、提高对原生态民歌的重视 在实际教学过程中，可以扩大对原生态民歌能力较强的学生的招收，由于这些学生所生活的环境各不相同，所以多带有本地民族声乐基础，对这部分学生进行针对性的教育和改造，能够使学生自身的优势得以充分的发挥。此外，高校也要提高对以原生态歌手出身的教师的重视，教师在民族声乐多元化教学中发挥着主导作用，可以更好地带动学生们了解民族地域特点，透彻地掌握民族声乐专业的内涵，将民族特色更鲜活、强烈地表达出来。 三、构建完善的音乐学知识结构 在多元化教学的过程中，不仅要提高学生对声乐基础知识和技能的掌握程度，还要加强对音乐学知识结构的完善，构建一套促进学生发展的知识结构体系，将民族生活渗透到教学内容中，将声乐教育生活化，让学生深刻体会当地民族文化和习俗，提升情感认知。 四、结语 高校民族声乐的多元化教学改革是一项长期而艰巨的任务，对民族声乐专业学生未来的发展有极大的影响，是提高民族声乐教学质量的关键措施，只有坚持将这项教育改革落到实处，转变教学理念，更新教学方法，才能培养出综合素质较高的民族声乐人才，践行高校的教育职能，为我国民族声乐教育事业的发展做贡献。 作者：孟娟 单位：焦作师范高等专科学校音乐学院 声乐教学论文:高职院校非音乐专业声乐教学论文 一、高职声乐教学对于学生综合素质培养的意义 （一）学习声乐有利于扩大学生知识面 声乐的学习离不开音乐基础知识的掌握和运用。学生在学习声乐的过程中，首先需要掌握音乐的基础知识。同时每首歌曲的创作年代及创作背景不同，在学习和演唱的过程中，学生能够投身到作者创作的时代，结合歌词来理解歌曲表达的故事和思想感情。增长了学生的历史知识、文化知识以及民族风俗等。 （二）掌握声乐的演唱技巧，提升学生的自信心 随着人们生活水平的不断提高，科技的创新也越来越多的运用到我们的日常生活中来。近年来，卡拉OK的兴起，促进了KTV行业的发展。走进KTV，拿起麦克风已经成为许多人日常消闲娱乐的方式之一，“麦霸”也成了大家耳熟能详的词汇。大学生的业余生活同样离不开KTV。但是仍有许多人由于不自信而采取只听不唱，或者没有经过专业的声乐训练，导致“声嘶力竭”以及“带同伴去旅游”（跑调、走音）的现象。大学生活中也会经常组织一下文娱活动，能够站在舞台上一展歌喉，甚至拥有大批的“粉丝”无疑会给学生增添无比的自信心。 （三）培养学生的音乐素养、艺术审美能力，激发大学生的创造潜力 声乐演唱是作品的二度创作。在演唱声乐作品的过程中，歌者往往会根据自己对歌曲的理解来演绎作品，这种做法对于培养学生的艺术表现力，激发大学生的创作潜力都有非常积极的意义。同时，随着声乐学习的不断深入，在掌握了乐理的基础知识和歌曲创作的基本手法，一些有思想的年轻人也会将自己内心的感情世界通过歌曲创作的形式表达出来。 （四）促进高职院校大学生综合素质的提高 声乐教学能以健康向上的内容、优美动听的旋律，在潜移默化的过程中陶冶学生的情操，使学生的心灵得到净化。同时，通过学习和演唱不同题材的声乐作品，体会作者的意境，扩大了文化视野，提升文化修养，促进大学生综合素质的提高。 二、高职院校针对非音乐专业学生声乐教学的现状及原因分析 （一）声乐开设的条件缺失 声乐课是教师示范和学生演唱相结合的授课方式，需要专业的一体化的音乐教室，其中，最重要的是钢琴。同时，为了避免在上课的过程中对他人造成打扰，一般要求音乐教室的隔音效果较好。但是目前在许多非音乐专业的高职院校中，还不具备这样的条件，导致声乐教学成了虚设，只能通过多媒体来开设音乐欣赏、影视作品欣赏等课程。 （二）声乐教学的不延续性 高职院校音乐课一般采用公共选修课的方式开设，公选课的授课范围要覆盖整个学院，因此班级人数都比较多。而声乐课的教学和学习存在着特殊性，每个人的声音特点都是不同的，而对于同样一段曲目的演唱，不同的学生存在不同的问题，这就需要老师与学生进行一对一的交流和指导。另外，高职院校的公共选修课一般是一学期选择一次，在选课的过程中，由于选课人数较多，可能导致想要继续选修声乐课的学生由于人数过多而选不上声乐课。有些院校甚至规定学生不能重复选修公共选修课，导致每一学期的声乐课都是从头开始。而每个学期的课时也很少，这根本不能满足学生学习声乐的兴趣和实际需要，也会影响老师教学的积极性。 （三）学生的音乐基础知识缺乏 通过两个学期的声乐公选课的教学发现，学生喜欢唱歌的非常多，但是对于音乐的基础知识十分匮乏。大部分同学都不会识五线谱和简谱，也不会视唱。唱歌只是跟着MP3学习。对于节奏、节拍等知识更是知之甚少。导致授课老师每次都要在有限的课时分出一部分普及音乐的基础知识，既耽误了学习的进度，也影响学习的效果。另外，学生对音高和调的了解非常少，甚至不能准确地唱出钢琴上的某一音高。在教学过程中需要教师多次带唱才能到正确的音高上。 （四）选课学生人数要求多，教师没得选 高职院校音乐课一般采用公共选修课的方式开设，公选课的授课范围要覆盖整个学院，因此班级人数一般都要求多少人以上才开班。而声乐课的教学和学习存在着特殊性，每个人的声音特点都是不同的，而对于同样一段曲目的演唱，不同的学生存在不同的问题，这就需要老师与学生进行一对一的交流和指导。高职院校学生在学期初通过选课平台来选择声乐课，选课的人数有限，但是老师不能选择学生，只能随机选到哪些就是哪些，也许错过了基础条件好的同学，这也是声乐教学的缺失。 三、江苏食品药品职业技术学院声乐公选课的开展 （一）学院重视声乐课的教学音乐教育对于塑造学生的人格，提高学生综合素质具有重要意义。江苏食品药品职业技术学院为了推进学生素质教育的发展，开设了音乐欣赏、声乐等公选课，同时根据课程开设的需求，提供必要的硬件设施，主要表现在以下几个方面。 1.完备教学设施，鼓励教师开设声乐课 学院在原有的多媒体教学设施的基础上，购置了钢琴等硬件设施，尽量满足声乐课上课的需求，更好地促进声乐课的开展。同时，成立组织音乐专业毕业的老师成立艺术教育教研室，鼓励老师开展各种类型的音乐专业课程教学。如：音乐基础、音乐欣赏、声乐入门、声乐提高班、节奏与打鼓等。 2.开设不同级别的声乐公选课，师生双向选择 由于公选课的延续性不强，声乐公选课在以往总是重复带新生的情况。既挫伤了教师的积极性，对学生的专业学习和水平提高也起不到好的作用。为了改变这种情况，江苏食品药品职业技术学院特地从学生大一上学期就开设了声乐基础课，授课内容主要是基础乐理知识以及声乐的入门。选课人数控制在50—100人，教师在上课的过程中，逐渐了解每一个学生。学生也通过10次课的时间了解声乐课的知识点和上课的形式。在学期末师生根据对对方的满意度进行双向选择，进入下一学期的声乐提高班。为了进一步提高教学效果，保证每位学生的有效学习时间，第二学期的声乐提高班在人数上会有大幅度删减。 3.教师灵活组班，选课学生梯队式排列 针对声乐课的授课特点，改革传统的教学模式，以分组的形式进行小班式教学。采用小组一起练声和个人单独练声相结合的方式。小组一起练声或演唱时学生可以听老师整体地讲解或指导，单独指导时可以有针对性的对某一错误发声提出指正。小班制教学使学生学唱与听唱相结合，即使学生在听老师单独指导别的同学，也能体会到别的同学的发声方式是否正确，发声位置是否科学，与自己的发声有哪些区别，自己存在类似的问题以及如何改正等。通常第二学期选修声乐课的同学已经熟悉了这种教学模式，极大地促进他们的学习热情，也使学生的演唱水平有显著提高。 （二）加强学生音乐基础知识普及 大学生对音乐普遍存很高的学习兴趣，渴望更多地了解音乐作品和知识，提高自己的演唱水平，是自己能自如地进行声乐表演。针对大学生音乐基础知识匮乏的问题，江苏食品药品职业技术学院艺术教育教研室经过讨论，提出解决方案。在学生入学的第一学期开设《音乐基础》公选课，课程采用大班授课的方式，主要是向学生介绍音符、旋律、节奏、节拍、音程、和弦、调与调式等基础乐理，让学生对音乐的学习有一定的了解。为学生后续的选择音乐专业的公选课打好基础。同时请几位教授不同科目的老师轮流授课，展示声乐、器乐、舞蹈、健美操、音乐欣赏等课程，让学生在了解的基础上有目的、有计划的选修。 （三）声乐教师加强自身专业学习，不断提高个人的教学水平 作为教授声乐课的教师，首先要具备基本的理论和教学能力。其次还应具备较高的艺术修养和教育科学修养，良好的钢琴即兴伴奏的能力。最后为了提高声音的教学质量、提高学生的声乐演唱能力，专业教师必须保持持续学习的能力，基本功扎实。在教学过程中，思想集中，在教学中与学生做好配合，并能准确发现问题，解决问题。改进教学方法，因材施教，在教学中不断融入新鲜的元素，使学生更容易、更愿意接受。 （四）选择学生喜欢的曲目教学，卡拉OK进课堂 针对学生对传统声乐曲目和近代流行通俗曲目的好恶，组织校内音乐专业的老师根据学生的爱好，结合传统声乐的教学方式，选择学生熟悉的部分传统曲目和喜爱的通俗歌曲，编写校本教材，组织实施。在教学中重复利用多媒体等教学设备，将KTV接入课堂，让学生在课上练习KTV里的曲目，指导学生如何更好更轻松地演绎歌曲，使学生在K歌中体验到声乐学习的乐趣。同时鼓励学生积极参加校内外组织的声乐表演活动，极大地促进了学习学习声乐的积极性。 （五）鼓励学生参加校内外的声乐表演机会，促进学生学习兴趣 随着人们精神生活水平的不断提高，各类选秀节目也是风靡校园内外。传统的声乐演唱一般是选取美声或民族唱法的作品，但是如今的选修走的都是通俗嘻哈的路线。声乐选曲的施行以及卡拉OK进课堂，使学生平时就是在演唱、在表演。遇到活动鼓励学生勇敢地走上舞台展示自己的才艺，让学生体会到强烈的成就感。声乐公选课在传统声乐演唱与通俗歌曲表演之间架起一座桥梁。 作者：董秀芳 单位：江苏食品药品职业技术学院
声乐教学法论文:大学声乐情景教学法论文 一、情景教学的重要作用 在教学中运用情景教学，能够为学生创造一个轻松、愉快的学习氛围，并在教学的指导下，逐渐的使学生走向正确的学习道路，更加积极、主动的参与到教学活动中。在大学的声乐教学中运用情景教学能有效的培养学生对声乐艺术的兴趣，提高对声乐的表达能力和创造能力，最终使学生的声乐整体能力有所提高。因此，在大学的声乐课中运用情景教学法有着重大的意义。 二、大学声乐教学中存在的问题 我国的大学声乐教学中，长久以来一直采用传统的教学方式，以教师为主体进行教授这种教学方式，常常使学生处于被动的地位，对教学效果有着一定的不良影响。在教学中教师无法正确的认识到学生的个体差异，与现代教学原则有所悖逆，同时也是限制了学生的综合发展。此外，在大学的声乐教学中，传统教学只是重视对学生发生技巧和音质上的培养，而对学生的情感培养有所忽略。要知道在声乐教学中，虽然技巧和方法身重要，但更重要的是学生的个性以及自身独特的演唱风格。传统的声乐教学在这方面对学生的个性发展产生了极大程度上的限制，对学生的未来发展起到了阻碍作用。社会在不断的发展，当今社会对人才的要求已经不再是单单的专业人才，更对人才的创新能力和思维能力提出了新的要求，这就需要我们对教学进行不断的改革，只有这样才能更好的适应社会的发展。 三、大学声乐情景教学法应用策略 （一）营造动态的教学氛围 在进行声乐教学的过程中，教师需要对音乐教材进行更深刻的挖掘，对音乐当中所包含的背景和文化进行更深刻的了解。为了使学生能够在课堂中对音乐文化感受的更加深刻，教师可以利用当节课中的文化内容来创设出相关的情景，例如对作者的人物背景和艺术风格等来进行讲解，通过这些来感染学生的心灵，让学生受到更多的艺术熏陶。在这个过程中学生能够感受到强烈的艺术氛围，除了在听和看上受到更多的启迪，同时在心灵上也更深刻的受到影响，这在日后的教学目标实现中无疑打下了坚实的基础。 （二）将情感贯穿于音乐当中 歌曲创造的重要优秀就是情感，只有创作者对音乐富有丰富的情感，才能创作出好的曲目，而声音是对音乐的一种表现形式，如果音乐没有情感，那么声乐也就失去了它本身的意义。每个人都有着自己不同的情感，在不同时间和情况下，情感也会发生改变，这些情感都能通过声音来进行传递。在教学中为了能够使学生演唱的状态保持最佳，教师可以尽量的让学生通过感情来表达出自己的对音乐的理解，同时将自身的情感与歌曲进行融合，做到合二为一。也就是说，在进行教学的过程中，为了能够达到较好的教学效果，教师一定要充分的利用情感，这样才能创造出更好的声乐情景，帮助学生提升音乐素养。 （三）创设多元化情境 大学的声乐教学中，要对声乐艺术的多元化有一定的把握。大学的声乐教学不仅仅是对技能上进行传授的过程，更重要的是学生在教学中的情感体验，这在一定程度上能够影响学生的发声。要让学生认识到发生的技能与情感之间是密切相关的，而声乐能够完全的体现出内心的情感。此外，在进行情景教学的过程中，教师要重视起创作者的所要表达的情感，而不是单纯的只重视曲目的作曲手法和技巧等。在教学中，教师应根据声乐存在的本身特点，来充分的尊重学生的个性和个体差异，不能对学生进行统一的教学，而是根据他们的特点来结合各种不同的情景，创造适合他们的学习氛围。只有保证了学习氛围，才能进一步的培养学生的创造性思维和能力，并有效的提升师生之间的互动和情感。 （四）创设文化情境 在声乐教学中，为了能够使学生了解到更多的文化内涵和意义，教师需要积极的进行设计，保证能够将作品引入到课堂中。此外，教师应对声乐作品包含的内涵和艺术等向学生进行全面的讲解，提升学生的文化品位，同时使学生的文化修养得到提升，最终达到提升学生审美能力及综合能力的目的。在日常的教学中，教师要考虑到学生的个性差异，并关注声乐作品对学生产生的影响，尊重学生的审美，维护学生在教学中的主体地位，真正的促进声乐教学质量提升。 四、结语 现代教育中，声乐教学不再是单单的技巧传授，更是学生的情感体验过程。在大学的声乐教学中，利用情景教学法，创设出良好的学习氛围，并科学的对学生进行指导，能够使学生养成主动学习的习惯，并对声乐产生浓厚的兴趣，达到自主学习的目的。此外，情感教学的应用能够提升学生的情感表达能力和创造能力，真正的促进声乐不断发展。 作者：赛欢欢 单位：郑州幼儿师范高等专科学校 声乐教学法论文:启发式教学法声乐教学论文 一、高校声乐教学课堂存在的不足 随着新课程改革的不断深化，对高校教育质量提出了更高的要求。声乐教学是音乐专业的一门基础性课程，声乐的学习质量对于其他相关课程的学习效率有着重要的影响。从当前高校声乐课堂教学的情况来看，并不乐观：大多采用以往教师讲、学生听的单方向灌输方式，学生只能被动的接受，缺乏积极主动探索的兴趣；同时，很多声乐知识的理解难度都较大，仅仅依靠教师的讲解和示范学生很难深入理解乐理知识，所以很多学生的学习效果只停留在理论阶段，无法将理论知识应用到实践中。 二、高校声乐教学中应用启发式教学的意义 1.有利于启发学生的学习兴趣 兴趣是最好的老师，只有对声乐学习充满兴趣，才能有效的提高课堂教学效率。应用启发式教学法，可以使以往沉闷的课堂变得生动有趣，使学生在课堂上畅所欲言，实现教师与学生之间的有效沟通，让学生感受到学习的乐趣，自然就积极的参与到课堂中。 2.有利于培养学生的创造性思维 与传统的课堂教学模式相比，启发式教学改变了学生被动听课的现象，而是通过提问、抢答以及自由讨论等不同的方式，提高学生的积极性。在提问与回答的过程中，就可以有效的激发学生的想象力，并且帮助他们形成善于思考和创新的思维习惯，有利于培养学生的创造性思维，促进学生实践能力的增强。 3.有利于帮助学生更好的掌握乐理知识 声乐教学中包含很多抽象的乐理知识，如果仅仅依靠教师的讲解，学生理解和记忆的难度较大，而应用启发式教学法，就可以将抽象的知识变得生动和形象，可以消除声乐课堂枯燥的教学氛围，帮助学生更有效的掌握学习的难点和重点知识，显著提高课堂教学效果。 三、启发式教学法在高校声乐教学中的应用 1.歌唱气息训练中的应用 气息调整声乐教学中的基础内容，在气息歌唱中，重点在于掌握调整气息的方法，为了达到更好的气息训练效果，教师可以将启发式教学法应用到教学活动中。根据课堂教学的目标和教学内容的要求，将学生熟悉的情境引入到课堂中，使学生在情境下想象应当如何发音、如何调整气息，也可以让学生在训练气息的过程中开展其他跳跃运动，使学生可以更真切的感受到气息的变化，这样才能在不断的训练中找到自然的、正确的气息调整方式。比如在场跳音时，让学生完全放松腹部，这时气息处在呼出的状态，伴随着发声将小腹轻轻收起，这时就形成一个吸气的状态，在反复训练的过程中，就可以让学生将腹部运动与气息调整有效的融合，可以提高学生对跳音技能的掌握程度，所以，对学生的启发要循序渐进，才能取得良好的效果。 2.声音训练中的应用 声音训练的目标在于强化学生的发声技巧，所以教师可以选择旋律复杂的歌曲作为练声的素材，一方面可以使练习活动变得有趣，不会使学生由于单个旋律的反复练习而影响学习兴趣；另一方面则可以通过乐曲中旋律的变化启发学生在不同旋律下如何发声的技巧，可以激发学生学习的兴趣，也有利于帮助学生掌握扎实的发声技巧。 3.在音乐情感启发中的应用 音乐作品中往往饱含创作者和演唱者的很多情感，而学生在学习的过程中，如果不能掌握情感和思想的表达，就无法演绎出优美、动人的音乐作品，所以教师在声乐教学中要注重对学生音乐情感的启发。高校学生的人生阅历相对较少，而且知识面也不够宽广，所以对于很多音乐作品的创作主题并不了解，这就需要教师将启发式教学法应用到课堂学习中，比如在讲解历史题材的音乐时，可以引入当时的社会背景以及音乐创作的社会环境等，使学生对作品有更多的了解，才能激发学生的情感，更好的演绎音乐作品所要表达的内涵。 四、结束语 综上所述，在高校声乐教学中运用启发式教学法，可以改变以往单一的课堂教学方式，可以针对学生气息、声音、情感等方面采取相应的启发策略，能够有效提高学生在声乐技法方面的掌握能力，有利于促进声乐教学效率的提升。 作者：王涛 单位：山东艺术学院 声乐教学法论文:运动教学法声乐教学论文 一、声乐学习困难的原因 有些学生本身已经系统地学过几年声乐，懂得基本的发声技巧，知道唱歌是要用上腰腹部力量，不能光靠声带去喊，但是他们在学声乐的过程中还是会碰到瓶颈，例如觉得气息不够用，声带有时闭合不紧，出现漏气现象，遇到高音就躲，唱不上去，咬字不清晰等等问题。其实造成这种局面主要有两个原因：一方面是心理的问题，另一方面是生理的问题。 （一）心理问题 声乐是一门需要长期反复规范的练习才能一点点进步的，并且是循环性的进步，也就是说有一段时间感觉声音进步了但是隔一段时间又好像不会唱歌了然后重新找正确的声音，并且声乐几乎天天都必须练习，一天不练就会退步很明显，所以有些学生认为自己声音条件不错，就疏于练习，在课上教师已经解决的声音问题自己到课后不去巩固，以至于一唱到没有把握的地方就胆怯、紧张，出现各种失误。紧张是学习声乐的大敌，人一紧张就会心跳加快，呼吸急促，更厉害的会短暂性胃痉挛，在这样的情况下学生当然是没有办法把气息沉下来，用胸腹式呼吸和协调身体各个共鸣腔了。 （二）生理问题 歌唱中声带只是发声器官，要达到良好的歌唱状态需要全身其他器官的协调配合，分别要用到呼吸器官、发声器官、共鸣器官和咬字器官。呼吸器官包括口、鼻、咽喉、气管、肺部、横膈膜等；发声器官包括声带、喉头、会厌和咽壁等；共鸣器官包括口腔共鸣、头腔共鸣和胸腔共鸣；咬字器官包括侧牙（坐牙）、舌头、硬腭和软腭等，其他需要合作的还有后腰的支撑力以及腿部肌肉的用力之类。可见，要完美地完成一首歌曲的演唱是多么复杂的一件事，需要以上各器官的协调配合。这些器官要通力合作需要先一个个单独训练，累积感性认识，然后变成歌唱者的记忆认识，才能把看不见摸不着的各个器官控制住为歌唱服务。综上所述，学生学声乐困难的主要问题是心里容易紧张，练习时间不够，身体各个器官不协调。 二、运动教学法 （一）运动教学法的内涵 以上说的心理问题和生理问题其实是互相影响的，生理问题会引起心理问题，心理问题也会造成生理问题。很多学生在唱的过程中不自觉的有很多怪动作：抬肩、锁眉、嘴歪等，这说明他身体不协调，这就会引起他心理紧张，演唱水平得不到体现，同样有些学生上台之前心里怯场，也会出现心悸、胸闷、气浮、咬字不清楚等。发声状态不好是因为身体各个器官不协调，那么逆向思维我们让身体协调，不就能发出正确的声音了么。本人研究发现要达到学生声带和肌肉在歌唱的时候相对的放松状态，可以让学生通过与旋律走向相对应的特殊运动来起到让学生放松的目的，学生身体放松了，发声器官和肌肉自然也放松了，这样就能达到理想歌唱状态了。 （二）运动教学法在发声训练中的运用 从人的生理结构来看，身为中线，上肢两臂，下肢两腿，都是一一对应关系，人的中心在中线，任何运动的重心都在丹田处（肚脐下三指）。运动教学法的宗旨是对称运动，意守丹田，并且与旋律节奏一致。目前，主要是在发声训练中实践，以下是本人在教学中常用的几条结合运动教学法的发声练习。 1.跳音练习： 此练习所训练的是气息和横膈膜的对抗问题，很多学生在刚学的时候体会不到横膈膜如何支持，单凭声带唱出音色单薄、尖锐、没有共鸣的声音，所以用运动，让学生配合跳音的字母和旋律的节奏蹲马步出拳，唱一个跳音出一次拳。要求蹲马步时意守丹田，小腿扎入地面，后腰支撑，臀部绷紧，出拳必须与演唱的字母节奏一致，在出拳的时候要快、狠、猛，把全身的力量都集中在拳头上，用后腰和丹田的力量甩出去。声音跳动要有弹性，气息随着声音的跳动向外扩张，声音集中，喉器稳定，注意音色大统一。我通过多位学生长达几年的训练证明了这个方法确实有效，于是迅速让学生掌握了横膈膜的支持。原因在于：第一，运动能使学生大部分的注意力转移；第二，运动的节奏和演唱的节奏一致可以协调身体各器官；第三，运动的强度可以不知不觉的用上丹田，让初学者不知道怎么用横膈膜和丹田力量的学生能够迅速受益；第四：学生不自然的声音和动作往往是因为想把声音唱响而多用了声带和力量，运动可以消耗掉多余的力量，从而让学生用刚刚好的气息和力量达到自然漂亮的歌唱状态。 2.连音练习： 同样结合运动教学法，学生单腿站立，另一条腿绷直抬起快速先曲腿再踢腿，节奏以三个音一组踢一次，出腿的时候用丹田的力量，后腰和重心腿强有力地稳固支持，踢腿的时候脚尖绷直且速度要快，把丹田的力量踢到脚尖，这样学生整个身体与唱歌的器官都得到了协调。注意声音的连贯，气息均匀的送出来，喉咙充分、自然、适度的打开，保持高位置，舌头平放，舌根和后咽壁形成一个圆状空间，喉头处在深吸气位置上，吸好气唱出所练习的母音，然后用旋律把声音连起来。 三、运动教学法在声乐教学中的价值与作用 运动教学法对声乐教学有辅助作用，即通过肢体动作的可视效果和心理暗示，将声乐这门抽象的艺术变得直观化和具体化。 （一）运动教学法可以缓解学生的紧张情绪 学生心理上的紧张往往是因为身体肌肉的紧张传给大脑信号。在一对一的声乐课堂上，学生一般站在钢琴旁边，面对老师，有时候还眼睛盯着钢琴练声，当老师弹到稍微高一点的音域时不自觉的紧张就提高喉位，造成声音卡和紧了，那是因为学生全部注意力都在音高上而且站着不动唱让他有时间想得太多，想的多了声音的问题就来了，其实让身体解放，随着音乐节奏动起来，声音自然也就自然了，没有了肌肉的不协调，学生当然不紧张了，练声就会变得非常轻松。 （二）运动教学法可以让学生快速掌握发声技巧 由于声乐的抽象性和不可直观性，老师在教课中经常用到形象性的比喻，比如像闻花一样吸气，气吸到丹田，用横膈膜保持住，小腹像气球一样有弹性等，这些一定程度上有助于学生去模仿式学习，但是学生要花太长一段时间去掌握这些技巧，而运动教学法可以让学生在不知不觉中运用到最佳的发声技巧，比如蹲马步打拳，蹲马步首先就要丹田用力，伴随出拳，出拳时腰部和横膈膜都要用劲，加上和唱的节奏一致，这样能让学生在放松的情况下不自觉地用上丹田和横膈膜，事半功倍，并且离开老师在课下学生仍然可以用这种程式化练习，进一步巩固发声技巧。 （三）运动教学法可以将学生对良好歌唱状态的瞬时记 忆转化为长时记忆有的学生课堂上在老师的指引下能唱得很好，但是下了课，或者到下一节课又找不到好的歌唱状态了，这就是因为学生是依靠瞬时记忆，短时间内能达到好的水平，但是没能转化成长时记忆。运动教学法是一种程式化的练习，具有直观性、规范性，一支练声曲搭配一项特殊的运动，学生觉得又有乐趣又容易掌握，同时也锻炼了体力和耐力。在课下，学生自己练习时就能用程式化的运动很快找到良好的歌唱状态，这样更能效合理地支配时间，十分钟练声比以前练一小时更能快速打开发声通道，长期积累后，瞬时记忆就会转化为长时记忆，形成了固定式的长时记忆之后，学生每次唱歌都能找到所谓的良好的发声感觉。声乐教学是一门科学，也是一门艺术，由于人声带的差异和各个发声共鸣器官的构造不同，教学方法也是需要不断研究和创新的，我们可以以万变应万变，也可以以不变应万变。运动教学法本身具有它的科学性，它可以说是不变也可以是说是万变，有待广大音乐工作者去挖掘和探索。 作者：陈音池 单位：郑州大学西亚斯国际 声乐教学法论文:民歌PBL情境声乐教学法论文 一、民歌教学 （一）关于民歌教学 简单地说，民歌，人民之歌。从古至今，无论东西南北，每一时代、地域、民族、国家；在不同的地理、气候、语言、文化、宗教的影响下，都会产生一种人类自娱、文化留传或生活实质的宣泄。他们会以不同的形色传递他们的历史、文明及热爱，而歌谣亦是其重要之一环，而社会学或大众俗称之为民歌（谣）。它和人民的社会生活有着最直接最紧密的联系，民歌是经过广泛的群众即兴编作、口头传唱而逐渐形成和发展起来的。它是无数人智慧的结晶，音乐形式具有简明朴实、平易近人、生动灵活的特点。民歌教学是一门理论与实践结合非常紧密的课程，需要学生在不断实践中去体验感受，准确地说，这是一种基于体验，从而提升演唱水平的过程。在教学过程中，往往是通过基本的技能训练，要求学生在课堂上，或是在课后不断练习中，意会民歌学习所必须的理论基础，而后依据自己的理解，指导声乐自我训练，并通过不断实践重新架构自己的知识体系。民歌教学，是一种培养学生的民族审美观，加强对学生民族意识和民族精神的教育，对于了解、继承和发展祖国传统音乐文化，有利于提高学生的民族音乐素质。我国是个多民族的国家，民歌的种类也很多，如陕北民歌、蒙古族歌曲、藏族歌曲，有些民歌是来源于少数民族语言的唱法，具有原生态的特点；有些民歌则是基于普通话的基础上，借用地方方言的语言特点来进行演唱的。 （二）民族音乐教学法 民族音乐教学几乎都是围绕着解决开喉咙、呼吸、喉头等技术问题来进行的，这种传统的教学方法，对于技术化的训练，目标很明确，步骤很清晰。整个过程，就是教师描述自己的演唱体会，然后把这种感受传授给自己的学生。应当说，在民歌语言的韵味和把握上，原始的民歌传授方法，实际上是民间艺人口头创作，口耳相传，是一种口传心授式的传承方式。而在现代的民歌教学中，这种方式有着明显的制约性，口传心授已经无法满足现代民歌教学的要求，那么在现代的民歌教学中，如何利用新的教学方法，利用新媒体来寻求帮助，寻找所演唱民歌发源地的地道的语气和语感，有助于当前民歌教学。同时，教师也应当要掌握各地民歌语言的规律和特点。 （三）PBL情境声乐教学法 PBL最早的应用是20世纪50年代中期起源于美国的精神病学教授Bar-rows1969年他在加拿大MCMaster医科大学首创，之后经过不断精炼与实践探求，在解剖学、药理学、生理学等得到广泛应用，PBL模式也应用于其他教育领域，如商业教育、建筑教育、工程教育等。应该说，PBL的优秀思想是一个以学生为中心利用知识和技能解决实际问题，从而达到熟练掌握一门领域的学习过程。PBL情境声乐教学法，实际上正是借用了PBL的优秀思想，针对每个学生的特点进行服务，在理论学习和日常训练声乐技巧的条件下，通过情境训练引导，提升学生歌唱技巧，同时规避了学生“千人一面”的态势，尽可能使学生形成自己的歌唱风格。总的说来，PBL情境声乐教学法就是在传统教学过程的基础上，注重塑造学生的民歌语言个性，并强化学生对歌曲风格的表现力，引导学生在音乐意识中的觉醒，依靠声乐技能的语言训练，加深情感投入，并强化学生对于舞台表现力的自我感受。教师通过营造各类音乐语言情境教学，与学生展开互动，从而使学生直接感知音乐，借由多层次反馈，逐步实现从自然状态转换到训练状态并再次回归到自然状态的转换，并在实践中剥离教师强烈个人风格对学生的影响。 二、PBL情境声乐教学法在学习民歌语言中的辅助作用 （一）PBL情境民歌语言教学法的特点 PBL情境民歌语言教学法，实际上并非独立存在的，而是基于传统民歌教学方法之上的创新方法。实际上，在民歌教学中，地方语言韵味和方言的问题，一直是难以解决的，汉族教师很难能够教授少数民族歌曲，对于各地域风格特征的把握也有一定的困难，仅仅在普通话教学和非方言创作型现代民歌中有教学优势。当今民族歌曲内容包括汉族传统民歌、古曲类民歌，少数民族歌曲，以及近现代创作型民歌。每个类别的演唱方式都有自己的特点，如古曲类偏重于吟诵式的，少数民族歌曲需要了解地域性方言，与传统的民歌教学方法相比，PBL情境民歌语言教学方法为学生打开更多的渠道去了解各类民歌的语言。PBL民歌教学更加注重学生的自我发展，也更加重视对学生个性的塑造。 （二）PBL情境民歌教学法对学习民歌语言的辅助作用 1.地方民歌语言教学 民歌语言具有鲜明的地域性特点，以陕北民歌为例。陕北民歌具有强烈的语音修饰特点，借用衬字、叠字，运用和谐韵脚，自然地运用洪音和细音。所选取的词语念起来顺口，听起来悦耳，记起来也容易，在形式为内容服务的原则下，讲求歌词的韵律美是十分必要的。歌词的声音和意义是不能强制分开的，有时候意义在声音上见出，要比习惯上的联想见出更加微妙，讲究声律是行文最重要的功夫。在陕北民歌中，有大量的衬字使用，如对坝坝，白脸脸，如圆个溜溜、蓝个英英、那个，等等。这些文字的使用增强了民歌的地域性特点和艺术感染力。在江南民歌中，比如《茉莉花》，其中的一段唱词“好一朵茉莉花，满园花开香也香不过它，我有心采一朵戴，又怕看花的人儿将我骂”，其中，“满园花开”就要唱做“满YU花KEI”，“香也香不过它”就要唱作“香也香不GE它”，“我有心采一朵戴”就要唱作“MUYUXICEI一朵DEI”，这里包含了平卷舌的运用，以及江浙地方语言的韵味和特点。在进行民族唱法的学习时，特别是针对一些地方色彩浓厚，地域性特点强烈的歌曲，如《想亲亲》、《下四川》等类型的歌曲，要求演唱者要用地道的语言去演绎表达作品。 2.古曲类民歌教学 在民歌教学中，有一部分古曲的教学，汉乐府民歌、唐诗及宋词改变的民歌，例如李煜的《虞美人》、汉乐府的《长相知》等等。在这些歌曲的演唱中，要以诗词歌赋的吟诵为主，按照不同的韵律、韵脚进行朗诵，进而在旋律中进行二度创作，并演唱。在教学中，要求学生对作品进行去旋律诵读，并引入名家诗词朗诵作品，使学生在诵读中感受韵律，感受字词的重音和韵脚，并通过学习了解作品情感。在加入旋律后，学生就能够充分展示作品的韵律美，正确表达作品情感。然而，要做到地方性语言的纯正发音和表达，单独靠模仿是远远不够的。在教学中，引用PBL情境声乐教学法，运用以下的教学思路，即：学习一首民族歌曲之前，教师会在课前进行提问，比如经典四川民歌《采花》，这首作品的创作背景如何，这首歌最主要的特点是什么。教师应当引导学生查询相关的资料，做好课前准备。教师可以要求学生观看地方电视台的新闻和电视节目，听不同风格的歌手对同一首歌曲的不同演绎。随后在分组讨论中，要求学生描述自己的体会，并针对自身特点做出分析，找出能够更好完成民歌作品演唱的方式，同学间也可以指出适合对方的演唱风格。最后进入教师总结阶段，在总结中，首先听到学生在自我感悟后的演唱，而后，依据学生特点加以指导，最终完成一首民歌的教学。总归，PBL情境民歌教学法在学习民歌语言中的辅助作用，有利于学生更深入地了解演唱的作品，深入地把握歌曲中所呈现的情感，对教导学生更好地演绎民族歌曲起到了积极的作用。 作者:赵薇单位:哈尔滨学院 声乐教学法论文:大学声乐教学的特点以及主观教学法的必要性和局限性 摘要：本文首先论述了高校声乐教学的特点，高校声乐教学有主观性、因材施教、实践性、师生互动等特点。在高校声乐教学中应该充分认识到主观教学法的重要性，同时也应该认识到主管教学法的局限性，在重视应用主管教学法的同时，还应该重视应用客观教学法，达到主客观相结合，趋利避害，扬长避短。 关键词：大学声乐；教学；主观教学法；局限 文艺是为大众服务的，声乐作为艺术的一种也是为大众服务的，声乐艺术的审美应以听众的审美为标准。歌者自己喜爱的声音不一定是好声音，歌者也往往不容易分辨出自己的声音正确与否。声乐作为一门表演艺术对歌唱主题而言，是歌者自己内心的认识、感情，以歌唱为载体的一种表达。 一、大学声乐教学的特点 （一）主观性。声乐是人体自身歌唱的音乐，它的乐器就是人体本身，演奏者也是歌者自身。人的主要感受功能在于触觉、视觉、听觉、嗅觉、味觉。真正演唱时，很难通过自身感受功能对自己歌声进行正确的判断。在声乐教学中，学生的学习具有极强的主观性。“声乐”的表演主体是人，歌者不是一个“留声机”，歌者都有自己的风格以及对声乐和艺术的理解，教师也有自己的风格和方式，所以大学声乐教学有鲜明的主观性，声乐教学也体现了教师的个人风格以及教师对声乐和艺术的个人理解。 （二）实践性。声乐教学好坏的检验标准之一就是“表演”，大学里的实践主要是考试和比赛，通过表演可以发现声乐教学的不足，而表演的检验就是观众的体验，如果“声乐表演”歌者自认为很优秀，但是却不为广大听众认可，那么他也是不足的。所以声乐教学有很重要的实践性，在实践中可以让声乐教学不断开创新思路和新方法，增强听众的体验。声乐教学应该不断在实践中积累经验和技巧，声乐教学的实践性可以从声乐技能、技巧训练和声乐舞台实践几个方面来进行理解。声乐教学中，学生基本技能的掌握，是教师根据学科教学内容或歌唱技术要求的需要指导学生进行的不断巩固的技术训练。 （三）因材施教。每个学生都有其自身的特点，每个学生对声乐的理解不同、个人素养不同、对声乐的理解不同，所以教师在教学过程中应该坚持因材施教原则，根据不同学生的不同特点，采取相应的教学策略。教学过程中的因材施教，就是教师根据不同条件和素质的教学对象而采用的教学内容，并实施行之有效的教学方法和教学手段。也可以说是声乐教师根据教学对象的实际情况而进行的一种有的放矢的教学措施。 （四）师生互动。在大学声乐教学过程中，一个重要的特点就是“师生互动”，师生互动的过程是一个师生交流的过程，通过师生之间的互动，可以密切师生之间的关系，提高教学效率，同时，通过师生互动还可以让教师充分了解学生的潜能，学生也能够进一步了解教师的教学意图。教学双方相互信任，进行积极有效的教学合作。声乐教学中教师与学生的合作性与其他的学科相比，显得尤为重要和突出。如果教学双方或某一方背离了师生互动的原则，教学活动的性质就有所改变，使教学演变成纯粹的“应付”。 二、主观教学法的必要性 “有时在一些只能意会、不好言传的情况下，凭感觉就会有一个基本理解。例如；‘声音位置感觉’‘声音共鸣感觉’‘气息控制感觉’‘读字感觉’‘情绪和情感的感觉’等等。①”由于声乐教学的特殊性，主观教学有其存在的必要性。与学习音乐理论或器乐门类明显不同的是，在学习声乐过程中存在更多的主观因素，这些主观因素有其存在的有用性和必要性。这由人的发声原理和歌者同时兼做自身声音倾听者的双重身份所决定，并由诸多因素影响结果。人在歌唱时对有关器官的活动，不能进行明确无误的人体解剖，不能把发声器官的活动规律弄得一清二楚，更不能在歌唱的同时看到各器官的活动状态。我们赖以发声的声带等器官和气息存在的重要场所――肺、气管、包括发声所需参与的肌肉运动，用肉眼难以观察得到，甚至根本就看不见、摸不着。在这种情况下，教师只有通过自身的主观感受或形象比喻等主观表达方式使学生接受声乐知识。 有些声乐学生，不理解横隔膜呼吸法，教师可以用想像自来水钢笔胶囊吸水的道理去启发学生，使学生有一个小腹自然地进行收缩和放松的循环动作的想像。我们在演唱时，特别是在发声训练时，往往“谈感觉”“找感觉”。“感觉”对声乐教学有一定的意义，感觉在歌唱与发声中无处不在。例如情绪的感觉、音乐感觉、声音音响感觉、声音位置的感觉、声音运动感觉、声音共鸣感觉、咬字与吐字感觉、呼吸感觉等等。感觉的产生是运动着的物质作用于我们感觉器官而引起的。感觉依赖人的大脑、神经，依赖于感官的正常机能，甚至人的机体状态也对歌声感觉发生明显的影响。感觉有先天反应和后天反应两重性。感觉的先天反应有饥饿感觉、恐惧感觉、舒适感觉、疼痛感觉等等。感觉的后天反应意义广泛，这种感觉的后天反应主要是在生活实践和艺术社会实践中产生的。生活中我们睡觉时、婴儿哭叫时的呼吸就是歌唱时的呼吸感觉等等。在声乐教学过程中，师生之间感觉上的交流，认识上的统一，是主观教学法能否成功应用的基础。 三、主观教学法的局限性 很多初学者印象中美声的歌唱就是要求大音量、大力度、吐字含糊、气息沉重。在这种思想的支配下，他们的演唱状态通常是咽壁松弛、舌面高抬、大量鼻音、甚至压喉咙等，会造成有害的肌肉紧张。这样的学生很难通过主观教学与教师沟通，在声乐演唱的技术方面难以进步。对于这种大量存在的问题和主观教学法表现出来的局限性，我们不能仅仅依靠主观教学法来解决声乐教学中遇到的问题。主观教学法有一定的局限性，在大学声乐教学过程中应该注重把主观教学与客观教学结合起来，这些局限性包括：第一，教师的主观认识与学生的主观认识不一致。教师往往有自己对声乐的理解，教师的声乐知识也往往比学生多，而学生作为学习者，往往对声乐艺术的理解还比较稚嫩，有时候学生不一定能理解教师的意图。第二，有些教师的主观认识有很严重的不足，作为教学者如果在教学理念上发生了偏差就会影响到学生的进步。第三，学生的主观认识参差不齐，很多学生往往在主观上没有自己的风格，没有领会声乐艺术的实质，所以在主观上就不能充分调动学习的积极性。第四，主观教学法往往是“坐而论道”，缺乏实践的检验，这种教学法往往会导致我们“自认为很美”，变成了自己的孤芳自赏。 总之，在高校声乐教学中应该充分认识到主观教学法的重要性，同时也应该认识到主管教学法的局限性，在重视应用主管教学法的同时，还应该重视应用客观教学法，达到主客观相结合，趋利避害，扬长避短。歌唱的客观状态决定了歌者的主观状态，只有使学生掌握了理论基础，才能发出正确的音色。 作者简介 宁大光，中共党员，2000年本科毕业于星海音乐学院声乐系，现硕士就读于湖南师大，任教于湖南涉外经济学院，讲师职称，2004年获得“全国十佳歌手奖”，2010年代表空军政治部天籁合唱团，获青歌赛团体金奖，还多次在省级歌手比赛中获奖。 声乐教学法论文:职业学校声乐教学法的探索 职业学校的音乐专业主要是为高一级的音乐院校培养有着规范专业技能的学生，而其中的声乐教学以“一对一”单兵训练为主要授课形式，如何指导学生几年内声乐达到高等音乐院校的招生标准，则需要探索科学的声乐教学法。 1 职业学校声乐课的教学特点： 1.1 专业性 职业学校的声乐教学从本质上与音乐院校是一致的，都必须寻求嗓音科学。 1.2 拓荒性与阶段性 职业学校学生嗓音条件和歌唱起点低，尚未建立一个基本的发声状态和歌唱心理。 1.3 包容性和艰巨性 声乐课的内容不是单一的，它包容了各方面素质的培养，教师需要过硬的全面素质，应变地解决各种问题，胜任对各种学生的教学。 2 职校声乐教学法的改革 2.1 因材施教 （1） 掌握学生原始材料、承认学生起点、素质的差异，对学生做到心中有数。 （2） 制定较长远计划。 在原始材料的基础上，分析和判断出学生的可塑性、承受力，划定学生基本声音类型和规格上可能达到的最高线，定出各个学期的作品档次及数量。 2.2 兼顾嗓音与课时并重的课时布局 职校声乐教学的拓荒性，使基本发声方式的建立大约需一年时间。学生有了独立的歌唱能力一般在二年级，可根据学生个性特点在技术要求上更精一些。在进入三、四年级声乐生主修阶段，技能训练可逐渐加强。例如，多半课时练音，给较难的音阶练习、琶音练习、八度、十度、快速华彩、跳音等等。给学生技术上突破的可能性，为他们拿下较大作品打下扎实基础。 2.3 提高小课授课效率 （1） 全方位教学法 职校声乐教学包容性和艰巨性的特点决定了声乐教材教法必须注重综合性。采用兴趣培养、歌唱心理培养、音乐艺术审美及技术训练等各个方面兼顾的全方位教学方法 （2） 把好基本功这一关 常言道，始慎成丰。初学歌唱基础打得好，不仅可以决定在学习期间是否顺利，甚至影响一生的艺术生涯。低年级基本功扎实，高年级出现飞跃的例子不乏多见，而建立良好的起音是打基础的优秀问题。声音“空”、“紧”、“卡”现象的根源，都可以归结为一个问题――起音不准确，表现形式因人而异。气过多过猛冲开声门造成“空”；气过僵对声门发声供不应求造成“卡”；气支点过高喉位上提声门负担过大造成“紧”等，也有其他情况――不正确的听觉指导发声等。总之可归结为气与声搭配不协调。 根据发声时气息通过声门产生的“侧向收缩力”发声的物理原理，气息与声门搭配合理决定起音准确。发声练习可用五度音阶和变换母音的方法。例如①五度音阶下行，呼吸因自上而下的发生而似叹息，声门供气舒适自如，注意第一个音头果断和发声时与呼吸支点的搭配，起音则纯净、简捷。②五度音阶上行，自低向高，从平稳、安定的状态下获得扎实的音头，克服声音空虚的毛病。③琶音跳音练习，加深起音一刹那的准确、果断，获得干净的音质。母音形象也有不同的功能，“依”母音利于声音集中，“呜”母音利于喉位下放，腔体打开。“a”母音使起音平稳、自然。起音的概念要同时体现在音乐作品中。声乐入门时起音的观念要简明可行，不断提高学生的听辨力、分析力。练习时切忌似是而非的观念。古典美学的原则之一是讲声音的质，有了质量自然会来，花心血和时间，取得精良的“乐器”，会少走弯路，是值得的。 （3） 带、跟、推交替的授课方 声乐小课的传统授课方法为前半部练声开嗓，后半部歌唱。课堂活动以教师为中心，教师“带”学生，学生处于被动服从地位。对于传授知识学习本领这无疑是必要的。但仅以此为唯一形式，形成教师满堂灌、主观填鸭式的教学，效率不高。学生依赖老师，不能培养自学能力，指望在短期内学有所成则很艰难。采用以“带”为主，带、跟、推交替的授课方式。改灌输填鸭式为诱导启发式，调动学生主观能动性，提高课堂效率。 初学以教师“带”为主，课堂实践活动要有条有理，有计划有目的给学生必须的基本知识，发声的美学标准，起音的要领以及示范演唱等。在教师带领下，帮助学生获得良好的实践体验。在一个小单元后，为了检验教与学的情况，要改变“带”采用“跟”，让学生首先回课，包括发声练习，声乐作品都让学生将自己掌握的展示给教师，教师仔细观察学生，允许学生反复和疑问，教师和学生共同发现问题出在哪里，区别哪些是机能上的问题，哪些是观念的问题，用学生能够接受的方法解决问题。有些较为严重的问题，如不良的发声习惯，可以变化方式方法，以举一反三、触类旁通等方法去解决，这种“跟”积极而非消极，以加强理解巩固学业的作用。在“跟”的过程中，给学生发现自我、开发自我的机会。在“带”和“跟”的教学基础上，给教师“推”动学生上一个台阶创造条件。“推”的教学阶段，是“带”和“跟”产生飞跃和质变的阶段，教师在质和量方面尝试给学生更高的要求，曲目技法和风格的难度可加大，对学生造成一定的学习压力，激发学生创造精神和主动性，推动学生向更高层次迈进。 总之，职校的声乐课是脑体并用，集声音、音乐、美学、心理学、文学修养等一系列知识为一体的创造性的劳动。教学法的探索是提高授课质量和效率的重要步骤，机械套用一成不变的教学模式是难以完成的。 声乐教学法论文:声乐教学法课程微格教学研究 摘要：微格教学是一种培训方法，它能有效地培养师范生的教学技能。我们从提高音乐专业学生的教学技能入手，运用微格教学理论和方法，对声乐教学法课程进行微格教学设计，制定了学生教学技能训练程序和评价指标体系，划分了微格教学阶段，对教学班进行了教学实验，教学效果好。 关键词:声乐教学法课程；微格教学；学生教学技能 随着《教师法》、《教育法》和《教师资格条例》的颁布，对承担提高劳动者素质任务的教师提出了更高的要求。师范院校是培养教师的摇篮，高师音乐教育专业是培养音乐教师的基地，它以培养合格的中学音乐教师为目标，为了真正实现其培养目标和规格，音乐教育专业必须重视对学生进行严格的教学技能训练，声乐教学技能又是中学音乐教师重要的教学技能之一。然而，从对我国师范院校音乐教育专业毕业生的社会调查情况来看，普遍存在的问题是：学生的专业基础知识掌握较好，演唱能力较强，而学生的教学技能却很差，普遍反映为学生参加工作后，对中学的音乐教学工作不适应。其主要原因是，高等学校音乐教学与中学音乐教学严重脱轨，教学内容和教学方法陈旧，教学手段落后。实践证明，目前那种只重视传授专业知识和演唱技术，忽视对学生教学技能培养和训练的教学模式，已不适应现代音乐教育发展的需要，严重影响了音乐教学改革的深入和发展。在音乐教育专业教学中引入微格教学，不仅对教师授课行为进行全面的分析和研究，而且对每种教学技能的训练内容、范围、效果和质量更趋于科学化、规范化、程序化，使教学技能的培训和评价更具有可观察性、可记录性、可操作性。更加突出了教学技能的训练，化了教学技能训练。因此，对声乐教法课程进行微格教学研究，对音乐教育专业声乐教学法课程进行深化改革，对培养一批具有现代化、高质量、高水平的音乐教师队伍具有深远的意义。 一、声乐教学法课程微格教学设计 （一）微格教学的概念 微格教学是一个有控制的实践系统，它使师范生和在职教师有可能集中解决某一特定的教学行为，或在有控制的条件下学习，它是建筑在教育理论、视听技术的基础上，系统训练教师教学技能的方法。 （二）微格教学设计的基本原理 1、目标控制原理。微格教学的教学设计必须明确教学目标和技能训练目标，教学目标是教学活动的导向，是在实施教学过程中，使学生在思维情感和行为上从无知到知，从少知到多知发生改变的明确阐述。教学技能则是为达到上述目标而采取的方法、措施和技巧。在微格教学训练时，训练任何一项教学技能，针对任何一项简短的教学内容都必须受到教学目标的控制，为达到预定的教学目标，师范生又必须熟悉掌握和灵活运用教学技能，明确技能训练的目标，微格教学的教学设计必须以教学目标和技能训练目标控制教者的教学活动，控制媒体的选择和组合，控制教学过程的结构模式，控制学生的学习活动，规范学生学习评价的标准。 2、要素分析原理。微格教学的设计把教学传播过程作为一个整体，对构成这一整体的各要素（教师、教学内容、教学媒体、学生、教学评价等）及其复杂的制约因素和它们之间的本质联系进行分析，用系统的方法对教学传播效果的动态过程进行探索，从而确定富有成效的设计教学方案。 3、优选决策原理。教学策略是对完成特定的教学目标而采用的教学活动的程序、方法、形式和媒体等因素的总体考虑。对教学而言，没有任何单一的策略能够适用于所有的教学情况，有效的教学需要有可供选择的各种策略来达到不同的教学目标，最好的教学策略是在一定的情况下达到特定教学目标的最有效的方法。为了达到特定教学目标，必须充分考虑多种不同的教学策略，优选出根据实际情况所制定的教学方案，力争使用最佳的教学策略于特殊的教学情境。 4、反馈评价原理。教学过程是教学信息的传递与交流过程，它不仅有信息的单向传递，也有信息的双向交流。教育传播理论认为，反馈是教育传播过程中的重要因素，它可以使教育传播过程成为双向交流系统，使教者了解到信息的传递结果，对学生的学习状况作出及时准确的评价，对自己的传播行为作出改进。在微格教学的教学设计时，必须重视反馈信息的收集，设计学习评价的指标体系，利用反馈信息来控制和调整教学过程。 （三）微格教学设计的基本要素 1、教学目标：在声乐教学法课程教学中，期望学生在完成学习任务后达到的程度。 2、教学过程：为达到特定的教学目标，针对学生特点，教学媒体条件，教师应采取的教学策略和教学步骤。 3：教学评价。在学习过程中及学习结束时，如何获得反馈信息，以评价教学效果。 （四）微格教学的设计依据 1、教学目标。教学目标是预期的教学成果，是组织、设计、评价微格教学的基本出发点和依据。微格教学时应依据声乐教学法课程的总的教学目标，结合微格教学训练的特点，制定出相应的微型课教学目标，通过微格教学逐一实现微型课教学目标，从而逼近和实现教学的总目标。 2、教学内容：微格教学技能训练时，虽然只是通过某一特定的教学内容，对教师的教学技能进行训练，但是，这一特定的教学内容必须以教材内容为主要依据，教师应认真分析和研究教材的科学性、系统性、思想性，分析教材体现出的教学内容的重点和难点以及突出重点、突破难点的关键，使教师掌握分析、研究教材的方法。 3、教学对象：通过对学生特征的分析，获得学生集体及个体有关知识基础、认知特点、智力水平、演唱技能水平等各种背景资料，作为微格教学设计安排的依据。 4、教学媒体：在教学过程中传递教学信息以及记录、储存、再现信息的各种资源的媒介。教学媒体的选择不但依赖于每种媒体的特性和功能，也有赖于教学系统中其他因素之间的关系。在教学媒体的选择上，教学内容是媒体选择的重要依据，对比较抽象的教学内容，教师要尽量选择直观的媒体。对比较直观的教学内容要选择更能引起学生兴趣的媒体。同时还要根据学生的兴趣爱好、性格、认知水平来选择媒体。 （五）微格教学程序设计 根据微格教学的教学设计原理、微格教学的设计依据，结合音乐教育专业师范生的特点和声乐教学法课程教学的具体情况，设计出声乐教学法课程微格教学程序（流程图1）。 图1声乐教学法课程微格教学流程 二、声乐教学法课程微格教学的实施 （一）微格教学的实施程序 为了更好的对声乐教学法课程微格教学进行控制，根据微格教学的设计程序，结合声乐教学法课程教学的实际情况，制定了声乐教学法课程微格教学步骤流程（流程图2）。 （二）声乐教学法课程微格教学阶段划分 为了更好地对声乐教学法课程微格教学各个环节进行控制，我们把声乐教学法课程微格教学分成四个阶段，每个微格教学阶段都确立了明确的教学目标，微格教学前指导教师对微格教学的教学目标进行讲解，使学生了解该项微格教学阶段应达到的预期教学效果，并对该阶段微格教学的作用、方法及注意事项提出要求。通过微格训练有95%的学生达到教学目标才能进入下一阶段的微格教学。指教者（学生）严格按照微格教学程序和教学阶段，认真准备每次的微格教案。 第一阶段、教师讲解技能训练阶段：该阶段又分成两部分，第一部分为教学语言技能训练。教师制定出语音、语调、语气、音量、语速、节奏等教学语言技能培养目标。训练时采用朗诵歌词、讲解演唱作品、分析曲目、讲解演唱技法的形式，提高学生语言技能能力。第二部分为教师讲解技能训练。教师制定出讲解的结构、语言清晰流畅、使用例证、形成连续、进行强调、反馈等讲解技能培养目标。训练时采用讲解演唱作品、分析曲目、讲解演唱技法的形式，运用演唱法、述说法、谈话法、论说法来提高学生讲解技能能力。 图2声乐教学法课程微格教学步骤流程 第二阶段、声乐专业技能训练阶段：该阶段又分成三部分，第一部分为范唱技能训练。教师制定出正确范唱、错误范唱、夸张范唱等培养目标。第二部分为伴奏技能训练。教师制定出即兴伴奏、固定伴奏培养目标。第三部分为声音辨析技能训练。教师制定出共鸣腔体使用、声音运动方向、发声状态、气息的运用、咬字吐字、歌曲情感、演唱歌曲整体性培养目标。训练方式：采用小组课微格训练的形式，从生活中各种感觉提炼出歌唱感觉、正误对比、自我感觉、形象比喻、模仿、讲解与范唱进行声乐专业技能微格训练，运用比较法、演唱法、伴奏法、例证法、述说法、谈话法、演示法、示范法，采用迁移式指导法、点拨式指导法、矫正式指导法、对比式指导法、兴趣式指导法进行微格训练，提高学生范唱技能、伴奏技能、声音辨析技能的指导能力。 第三阶段、教学控制技能训练阶段：教师制定出教学组织、教学容量、教学时间、教学节奏等控制技能培养目标。训练方式：采用小组课、个别课微格训练的形式，提高学生教学控制技能能力。 第四阶段、说课技能训练阶段：教师制定出说教材、说教学方法、说教学过程的“说课”能力的培养目标。采用分组“说课”微格训练的形式，运用述说法、谈话法、论说法进行“说课”能力的训练，提高学生“说课”能力。 （三）声乐教学法课程微格教学与评价 1、成立微型课教学班：对温州师范学院音乐教育专业2002级80名学生进行微格教学分班，教师讲解技能训练、教学控制技能训练、说课技能训练微型班由5-7人组成，声乐专业技能训练由个别课、小组课的形式进行微格教学，学生在技能训练的不同阶段，根据该阶段技能的训练目标，学生轮流扮演教师讲课。 表1声乐教学法课程微格教学技能评价一览 表2实验班与对照班学生教学技能综合评价得分检验一览 三、结论 声乐教学法课程采用微格教学，更加突出和重视“学生教学技能”的训练，化了学生声乐教学技能和指导组织能力。加了师生间的沟通，形成和谐课堂教学气氛，有效地提高教学质量。开发学生的智力，提高学生分析和解决问题的能力。化音乐专业师范生教学综合能力训练，培养复合型音乐人才。（责任编辑：陈娟娟） 声乐教学法论文:奥尔夫教学法在学前教育专业声乐课的应用研究 （平顶山学院 河南 平顶山 467000） 摘要：基于“弱化技能训练，加强音乐综合实践教学，培养符合幼儿园教学工作的应用型人才”的理念，本笔者尝试将奥尔夫教学法运用于学前教育专业的声乐课教学，提出在声乐技能训练的基础上，融入乐理视唱等学科基础知识，加强体态律动、打击乐演奏等贴合幼儿园音乐活动的实践教学部分，期望为学前专业音乐教学的进一步改革深化以及该教学法在我国的本土化发展进行合理化探索。 关键词：奥尔夫教学法；学前教育专业声乐课；音乐教育 基金项目：河南省教育厅2017年度教师教育课程改革研究项目（2017-JSJYYB-197）：基于卓越幼儿教师“一体化”培养的高师教师教育课程体系优化研究。 【中图分类号】J60-4 【文献标识码】B 【文章编号】2095-3089（2016）34-0174-02 一、学前教育专业声乐课教学现状 学前教育专业声乐课的目标不是培养优秀的歌唱演员，而是培养具备一定演唱能力、能够胜任幼儿园音乐教学活动的幼儿教师。它不仅要求学生掌握音乐基础知识和一定的演唱技能，而且具备较强的综合音乐能力，为将来从事幼儿园音乐教学活动提供必需的专业理论知识和实践能力。然而，长期以来我国学前教育专业声乐课教学在很大程度上存在着“专业化”、“技能化”倾向，同时，教学方法较为单一，传统的以教师示范学生模仿为主的单纯教唱仍成为课堂教学的主导模式，忽略了综合音乐能力的培养和学生学习自主性的发挥，导致所学知识与幼儿园实际教学需要不相适应，与本专业培养目标背道而驰。 根据幼儿园实际教学需要和学前教育专业音乐教学的特点，基于“弱化技能训练，加强音乐综合实践教学，培养符合幼儿园教学工作的应用型人才”的理念，笔者将国外优秀音乐教学之一的奥尔夫教学法引入学前教育专业声乐课，期望为学前教育专业音乐教学的进一步改革深化以及该教学法在我国的本土化发展做合理化探索。 二、奥尔夫教学法在学前教育专业声乐课教学中的应用 （一）教学法简介 当今世界三大音乐教学法之一的奥尔夫教学法由德国作曲家、音乐教育家卡尔・奥尔夫先生于20世纪20年代中期创立。奥尔夫认为，音乐教育首先是人的教育，应顺应儿童的天性。他提倡一种“原本性音乐”（Elementar Music）的教育观念，所谓“原本性”，“Elementar”一词在德文中包含原始的、基础的、初级的、元素的、自然的等多种含义。因此，音乐课不应是单纯的唱歌课或是器乐课，而是接近自然的、能被每个人体验和接受的、适合儿童的，融动作、说、唱、奏为一体的综合性音乐课程。 奥尔夫音乐教学活动由嗓音训练、动作训练和器乐训练等三部分构成，三者之间既可以相互独立，又能够有机结合、相互渗透。其中，嗓音训练包括歌唱和节奏朗诵活动；动作训练可以分为体态律动、舞蹈、蚓绫硌荨⒅富雍蜕势活动；器乐训练主要是指乐器演奏活动。能将语言、动作、音乐融在一起的最基本的要素是节奏，所以节奏成为奥尔夫教学法进行音乐训练的优秀要素。 （二）学情分析 学前教育专业学生在入校之前大多没有接受过系统的音乐学习，因此他们的音乐基础几乎为零。入校后开始学习《基本乐理》、《视唱练耳》、《声乐》等课程，掌握一定的乐理知识、具备初级的识谱视唱能力，但是基础薄弱，仍有相当一部分学生在识谱方面存在困难。实际上学生往往连一首歌曲的节拍、重拍、节奏都分辨不清，更何谈准确、连贯地演唱整首作品。在这种情况下，假如果过于强调演唱技能的训练，忽略基本乐理、视唱练耳等音乐基础知识的巩固与融合，那么学生在学习过程中必然会感觉到吃力，这在很大程度上打击了他们的学习积极性，教学效果也不理想。 （三）教学法应用 本文以歌曲教学《乡间的小路》为例，将奥尔夫教学法融合运用于学前教育专业声乐课教学。 歌曲《乡间的小路》[1]选自复旦大学出版社出版、杨丽华主编的学前教育专业十二五规划教材――声乐（一）。它是校园歌曲的经典之作，旋律清新优美，歌词朗朗上口的，兼具艺术性和通俗性，同时作为一首儿童歌曲被选入少儿声乐教材。作品的结构是带有再现的但单三部曲式，可以用 ABA表示。A段轻快、活泼，B段抒情连贯，尾段是A段的重复再现。 在发声训练、新课导入环节之后，本文分以下三个层次将奥尔夫教学法融入歌唱教学： 1.提取节奏要素，巩固乐理知识 第一，视唱乐谱。学生全面地认识和读唱歌曲中所有的音乐要素，找出各自难以掌握的旋律片段和节奏音型。 第二，温故知新。教师针对以上难点进行乐理知识的讲授，帮助学生回顾、巩固已学的音乐基础理论，同时利用钢琴、多媒体等教学设备更为直观地突破学习难点。 第三，分析音乐骨架，提取节奏要素。学生再次读唱乐谱，在教师的指导下分析音乐的骨架――节奏，采集歌曲的两到三种节奏要素，例如节拍、重拍、节奏型等。歌曲《乡间的小路》的拍子是2/4拍，那么所采集到的节奏要素分别可以是：节拍│x x│、重拍│x 0│、节奏型│x xx│（仅为歌曲A部分的节奏型，B 部分暂无）。学前教育专业的学生音乐基础通常相对较弱，对于音乐中一些重要的节奏要素常常混淆不清，因此，选取几种较为典型的要素作为课堂训练的重点是十分必要的。 2.创编声势活动，激发学习兴趣 声势是用身体作为乐器，通过身体动作发出声响的一种手段[2]，它是奥尔夫教学法中极具特色的部分。这一通过简单的身体动作发出各种有节奏声音的活动，常常又被形象地称作“身体打击乐”。拍手、拍腿、跺脚和捻指构成了古典声势的四种基本形式。 以歌曲《乡间的小路》A部分为例，将全班学生分成三组，分别对应三种不同的节奏要素：节拍│x x│、重拍│x 0│、节奏型│x xx│。鼓励学生为各自小组的节奏要素设计创编声势动作，以“身体打击乐”的形式为歌唱伴奏。例如，节奏要素和声势动作可以做如下对照： 节奏要素 声势动作 节拍 │x x│ 拍手 重拍 │x 0│ 跺脚 节奏型│xxx│ 拍手一下+拍腿两下 以感性的肢体动作体验理性的节奏概念――这样的奥尔夫教学手段能够帮助学生轻松愉快地理解音乐要素，培养节奏感。学生能够准确、连贯地运用肢体动作配合歌唱时，意味着教学活动可以向更深层次推进。 3.以打击乐演奏取代声势，提升综合音乐能力 奥尔夫曾说：“我不想用高度发展了的艺术性器乐来训练，而用一种以节奏性为主，并比较容易学会的原始乐器，和（人的）机体相近的乐器”[3]。作为奥尔夫乐器的重要一类，打击乐器是儿童最容易掌握的，特别对幼儿来说，这是他们除了歌唱之外最自然的音乐表达工具，也非常容易从中获得快乐。因此，打击乐活动是幼儿感受音乐、表现音乐的重要形式之一。以下是幼儿园常见的打击乐器类型、代表及其音色特点： 当学生能够准确、连贯地运用声势配合歌唱时，歌曲教学《乡间的小路》可向更深层次推进――以真实的打击乐取代“身体打击乐”为歌唱伴奏。 教师首先将若干不同类型的打击乐器向学生展示，分别介绍每种乐器的声音特点和具体的演奏方式；其次，每组学生根据歌曲的情绪风格、节奏的强弱特点，结合乐器的音色类型选择其中一种乐器来表现自己的节奏要素。例如，可进行如下选择： 节奏要素 打击乐器 选择原因（声音特点） 上述2、3两环节的活动内容既可以是每小组的单独展示，也可以是小组之间的同步配合。具体的活动展开形式依据教师对上述设计思路的多元理解而进行调整变化。 三、结语 基于“弱化技能训练，加强音乐综合实践教学，培养符合幼儿园教学工作的应用型人才”的教育理念，本文对奥尔夫教学法应用于学前教育专业的声乐课教学做了本土化探索的尝试。在声乐技能训练的基础上，融入乐理视唱等学科基础知识，加强体态律动、打击乐演奏等贴合幼儿园音乐活动的实践技能教学，取代了相对单一的以教师为主导、学生被动接受的教学模式。一方面帮助学生巩固、内化乐理知识，另一方面，使演唱技能得到深化综合，同时，发展学生的综合音乐能力，提高了学习自主性和创造意识，增强了课堂教学的兴奋点。
声乐毕业论文:气质因素对声乐学习的影响 作为一名声乐学习者,怎样才能找到最有效提高专业的方法?是努力学好自己专业的演唱技巧、表演技巧?还是通过一系列诸如:乐理、视唱、音乐史、曲式等的基础训练来进行辅助?其实俗话说得好,治标先治本,声乐作为一门学科,它的主体是单位的人,如果能从心理学的角度着手,把每一位声乐学习者的特性分析清楚,做到有目的性的学习,这对声乐的学习将会是一个极大的帮助。 1 气质一词的由来及分类 气质是一个古老的心理学问题,早在公元前5世纪,古希腊着名医生希波拉特就提出了四种体液的气质学说。他认为人体内有四种体液:血液(来自拉丁语——nguis)、粘液(来自希腊语——phlegma)、黄胆汁(来自希腊语——chole)和黑胆汁(来自希腊语——melanoschole)。四种体液协调,人就健康,四种体液失调,人就会生病。几世纪以后,罗马医生盖伦用拉丁语temperament一词来表示这个概念,这就是“气质”概念的来源。到二十世纪,俄国生理学家巴普洛夫从对动物和人的高级神经活动研究中,对你人体的反应程度、均衡与灵活度的不同,将气质分为强而不均灵活型、强而均灵活型、强而均不灵活型、弱而不均不灵活型四种类型,这种分类,恰恰与希波拉特的四类型一一对应,综合他们的研究,人们一般把气质分为:胆汁质、多血质、粘液质、抑郁质。下面先分别简单介绍。 胆汁质:比较强烈,冲动、莽撞、易怒而难以自制,但在比较短的时间内就能平静下来,有很高的灵活性,比较热情、有魄力,此种类型以精力旺盛、表里如一、刚强、容易感情用事为特征。心理活动笼罩着迅速而突发的色彩。 多血质:比较敏感,情绪容易外露,思维、反应比较灵活,对一切都充满热情。遇事热情很高,但是不能持久,容易适应新事物、新环境。此种气质类型以动作敏捷、朝气蓬勃、粗枝大叶、情绪不稳定为特点。 粘液质:性格偏向安静,兴奋性比较微弱,心情平稳、变化缓慢。往往心平气和,很难出现情绪波动状态,做任何事情之前都会好好规划,有计划地从容完成工作,此类气质类型以稳定为主,踏实、沉着冷静,但是灵活性不够,有时候稍嫌死板,缺乏生气。 抑郁质:敏感、害羞,很少表露自己的感情,自责心理比较强,对事物观察很细致,能体会到生活中一般人所觉察不到的东西。害怕表现自己,不太喜欢抛头露面的活动,不善于与人交往,给人造成一种冷漠感,此类型以敏锐、体验深刻、外表怯弱、害羞、孤独、行动缓慢为基本特征。 2 气质类型对演唱的影响 通过对这四种气质类型的了解,可以推断出不同的心理指标在表演者身上也会有着不同的表现,这也是为什么每个歌唱者的演唱都会具有个人独特色彩的原因,气质特点不以其个人参加的声乐活动内容而转移,而是表现出稳定性和天赋性。 胆汁质气质的歌唱者最大的特点是很高的兴奋性和较弱的自我控制能力,他们热情、豪迈、精力旺盛,有种狂热的歌唱气质,这就使得他们善于表现大气、粗犷、热情奔放的声乐作品,但同时处理作品就比较粗糙,对细节部分不在意,在作品表现中自我控制力弱,对于作品表现不够深刻。比如歌剧女王卡拉斯,她就具有明显的胆汁质气质,书评里记载她争强好胜,不甘心屈居别人之下,自己和别人的交往基础就是自己要高出别人一头,这也成为她以后工作生活的原则,所以她敢于演唱别人不敢涉及的曲目,并获得了巨大的成功,在舞台上,她的表演能感染台下任何一位听众,但她的这种不甘屈居人下的性格也给自己带来了太大压力,最终因演唱过度、减肥、社交频繁等原因,导致嗓音早衰,不得不过早地结束声乐演唱生涯。 多血质的歌唱者活泼、热情、反应快、容易适应环境,容易接受新事物,这一类型特点的人从事歌唱事业的最多,世界着名三大男高音之一的帕瓦罗蒂就属于这一气质类型,很适合演绎正义、热心、比较淳朴的角色,他自己也说:“我喜欢《爱的甘醇》是因为我认同剧中男高音角色尼莫里诺,他和我一样是单纯的乡村孩子,举止非常天真。”他的这种淳朴使得他极具舞台亲和力,大大拉近了歌剧与观众的距离,他本身独特的气质类型给予的种种以及后天教育和环境的影响造就了他富有金属光泽、极有表现张力,使人心旷神怡的嗓音,经过他演唱的很多意大利民歌,后人几乎无人能超越,像他演唱过的《我的太阳》,每次都能让人感受到阳光般的温暖,每当他带着白色手帕憨态可掬的走上舞台,我们明白整个世界都将被他征服。 粘液质的歌唱者一般都属于理智的表演者,他们大都有着沉着、冷静的意志品质,意大利歌唱家卡尔诺·贝尔贡齐就是最为典型的粘液质气质的歌唱家。他演唱时都严格按照曲谱的标示来走,分寸感极强,不温不火,在生活作风上也表现出那种不愿争风头的倾向,在如今演唱商业化趋势下,依旧保持古典歌唱家的严谨作风和品质,被评论为“传统歌唱艺术的最后一位代表。” 而说到抑郁质类型的演唱家就非凯雷拉斯莫属了,他的表演风格稳重、体验深刻、感情真挚动人,带着孩童般的羞涩气质,他的音色秀美、句法准确,给人感觉内敛、忧郁的感受。 需要指出的一点是,虽然这四类气质类型的划分被许多心理学者接受并沿袭到现在,但从实际上来看,人得气质类型都是带有多面性的,往往会在一个人的身上找到几种不同气质类型的特征,大多数人都是混合了几种气质类型的,做这样的划分也仅仅是一种典型的划分。所以针对不同的人时,应该具体问题具体分析,这样才能更好地剖析每个声乐学习者的内在气质。 3 针对不同气质类型,在演唱中扬长避短 如果属于胆汁质偏多类型的学习者,就发挥好热情、积极这一类的气质优势,使自己的音乐极具舞台感染力,能打动听众的心,这样塑造的形象必然深动、传情,这一类型演唱者对大线条、大手笔的声乐作品表现得得心应手,他们缺乏的是细致处理作品的耐心,对于抒情悠扬的作品往往领悟不到其中的意境,表现不够深刻,基于这些问题,可以经常联系一些节奏缓慢的、变化音、装饰音偏多的、抒情较强的作品,这些作品能帮助抑制急躁、火爆的性子,让人逐渐平静下来,器乐作品中肖邦的《夜曲》系列,声乐作品中各种《摇篮曲》都会对调节这一类型气质弱点起到弥补的作用。 多血质的学习者具有灵活、反应敏捷、开朗、容易接受新事物等一些特点,在声乐学习中会怀着满腔热情,具有很高的积极性,对于声乐教师在上课教授的内容也能较快地接收,面对各种各样的声乐作品都表现出浓厚的兴趣,但这一类学习者的弱点就是脾气品行跟毛猴相似,有些自以为是的小聪明,投机取巧的心理会严重一些,觉得自己不用付出太多努力就能收获到跟别人一样的学习效果,在艺术道路上不肯踏踏实实下功夫,没有足够的毅力,应对具有一定难度、需要花功夫去琢磨的作品浅尝 辄止,以至于使得表现作品时稍嫌肤浅,没有深度。这一气质类型的学习者在学习中一定要做到严格要求自己,培养自己的恒心毅力,用心去诠释音乐所要传达的内容,完全投入到音乐中,这样塑造的音乐形象才会真正打动人心。 粘液质的声乐演唱者具有沉着冷静的意志品质,这样在学习中就会很有自觉性,自我控制力较强,常会自我反省,对自己进行规划;但也正是由于这几点因素的影响,使得他们太过一本正经,缺少演唱激情,在表现激烈、具争议、活泼题材的音乐作品时,总让人感觉欠一把火候,这类人性格也往往比较固执,容易产生挫败感,久久走不出心理上的阴影,针对这些,建议这类演唱者尝试改变一下自认为的冷静,对周围事物表现得热情一些,怀着一颗轻松、愉快的心情面对这个世界,到时你将发现自有一片开阔的天地等着你。 抑郁质类型的演唱者对事物的感受性会比较强,非常敏感,这一型的人都很害羞,性格柔弱孤僻,不太善于与人交往,基于这些因素在演唱歌曲是往往太过平静,缺乏高潮部分需要的爆发力,没有征服观众的感染力,缺乏表现,在练习时,应该多辅助一些热情奔放、风格明朗、节奏明快的作品,在心理上也要积极暗示自己自信,敢于表现一些,防止朝向怯弱、孤僻的方向发展。 无论哪一类办法,我们都要明确一个观点,所有这些都是为了让不同气质类型的声乐演唱者全面挖掘出自身气质中的积极因素,同时削弱气质中的消极因素,做到扬长避短,更好地为我们的歌唱事业服务。 4 结束语 声乐作为一门集文学、音乐、戏剧于一体的综合表演艺术,要求演唱者既要具备高超的技巧,又要有丰富的表现力和艺术修养,而作为从心理学角度出发的气质因素,他能帮助我们深刻认识歌唱与发声的内在规律,要知道一切声乐技巧与技能都是靠自己的意识来统治发声器官,按照意识预定要求进行动作的结果,作为一名声乐学习者,只有在充分了解自身气质类型特点后,才能知道自己缺什么需要什么,发挥气质特点中的积极因素,避免气质特点中的消极因素,更有效地提高声乐演唱质量,使歌唱按照自己的需要不断地改变现状,不断地趋于科学性,本文通过对一些着名歌唱家的气质对照得出:先天的气质因素会给每一类人的声乐演唱蒙上不同的个性色彩,正是由于这些气质类型的不同和后天教育、环境等因素才造就了每个演唱家不同的表演风格,我们要找出天性中所赋予每个人的个性特征,针对每一类型对症下药,找到适合每一型演唱者的学习办法,才能有意识、有目的地去指导自己的演唱,最终形成自己独特的个性演唱风格。 声乐毕业论文:声乐学习中歌唱技巧训练探索 一、气息 气息,顾名思义,是呼吸时进出的气。日常讲话的清晰与否需要依靠气息来调节,声乐演唱时音色的完美发挥也需要气息的调节和控制。平时我们都会遇到这样一些现象,如部分学生在唱歌时旋律把握不准确、中长音处理不均衡等,这些都与气息有着直接的关系。从生理角度而言,呼吸是通过口、鼻、喉、胸腔、腹肌等器官的协调作用而形成的人类的本能运动。而从声乐学角度来讲,我们所讲的呼吸则是指在本能的呼吸作用上加上歌者有意识的安排、控制而产生的气流运动。声乐的气息控制能力并非天生,而是需要通过后天专业的训练才能获得。在进行歌曲演绎时有意识地控制呼吸,均匀地调整吸进和呼出的气息,是每一个合格歌者的必备能力。在声乐学习中,气息的训练按照呼吸的频率不同可以分为急吸急呼、急吸慢呼、慢吸急呼、慢吸慢呼四种形式。常用的气息训练方式主要有两种:第一种是惊讶抽泣练习,这种方式往往难度较高,在练习时一般要求练习者保持自然放松的状态,同时进行夸张而又迅速的吸气动作,此时两肋迅速扩张,横隔稍微下沉,气息迅速上下游走。这种气息练习往往要坚持一段时间方能有效;另外一种是“狗喘气”式训练,这一种训练方式难度相对较低,其训练的重点在于“吸”。其要求练习者身体呈放松状态,在胸廓吸满空气的同时利用腹肌和横隔肌匀速短促地呼气。在进行这种方法的训练时,歌唱者要特别注意气息的稳定和弹性,吸时有力,呼时自然,这样方能收到理想的效果。以上介绍的两种方法对气息的锻炼均十分有效,但也都相对枯燥,需要训练者具备一定的耐力和毅力。总而言之,歌曲的演绎需要气息这个强健的根基做支撑,所以歌者必须学会熟练地控制气息。 二、语言 声乐艺术是对语言要求较高的美学形式,在我国传统文化背景和语言习惯下,声乐艺术逐渐形成了字正腔圆的语言标准。尤其是在西洋美声唱法传入中国后,民族声乐艺术家更是创造性地将我国传统戏曲、曲艺的语言特色融入到声乐教育及实践中,这就使得我国声乐艺术语言呈现出集“科学性、民族性、艺术性、时代性”于一身的风格特点。由于我国是一个多民族国家,地区方言与民族语言千差万别,这就使得构建统一合理的声乐语言标准变得十分困难,同样也给声乐教学与学习带来了不便。若是声乐演唱中混入了不应有的地方口音,则会异化作品的风格,影响作品的原本表达,甚至会使声乐演出效果大打折扣。笔者通过对自身实践经验的总结,发现了以下几点影响声乐表现的不良语言习惯:一是字头不准,即不能正确找准声母,造成发音不清晰。字头决定了声乐语言的准确性,正确的声母发音是引导词语发音的基础,在声乐学习中,很多同学就是因为忽视了这一点而造成了声乐艺术传情达意障碍,影响了歌唱效果。二是面部过于放松,造成咬字不清。在声乐训练中,教师为了让学生放开声带发声,会提醒他们放松面部肌肉,当面部肌肉过于松弛时,咬字就会出现乏力、语音失准的现象。三是受到方言及个人习惯的影响,语音语调不正规。我国南北语调差异很大,在进行声乐学习时各地学生很容易将地方语调带入到歌唱中,从而影响了声乐作品的韵味。针对以上对声乐语言情况的分析,笔者提出以下几点改进措施:一是细化声母练习,将南北地区最易混淆的h、f等声母加入到唱声中去,反复矫正不良发音;二是强化韵母练习,韵母是实现汉语发音字正腔圆的关键,因此教师要对学生进行韵母发音时的口腔状态进行指导,从而确保学生能够发出饱满、圆润的字腹。 三、共鸣 科学上的共鸣是指物体震动或摩擦时频率接近产生共振,进而发出声音的声学现象。声学共鸣效果取决于发声物体的具体状况。同理,在声乐艺术中,能否塑造良好的共鸣也取决于歌唱者自身发声器官的客观条件及主观掌控能力。共鸣在声乐演唱中具有十分重要的作用,具体来讲体现在以下两个方面:一是扩大人声的音量,创造出音响效果。二是放大音色优势,美化歌者的声音。在歌唱时,共鸣将人声聚拢而后释放,从而令声乐艺术呈现出更加立体的效果。我们可以说,共鸣的好坏直接决定着歌者的演唱水平。正因如此,我们才应努力将共鸣练习好,寻找营造良好共鸣的方法与技巧。在教学和实践中,我们常会遇到这样的情况,有的歌唱者很努力地发声,但仍出现“声音较小、不连贯、松散”等情况,这就是不能合理运用共鸣器官所致。由此可见,只有建立好的共鸣,歌者声乐演唱的声音效果才会更加圆润且具有穿透力。那么如果才能实现好的共鸣呢,笔者认为需要注意以下两个方面:一是注意腔体打开程度,腔体的开合程度直接关系到共鸣效果,一般来说美声唱法腔体多呈竖形打开,而民族声乐的共鸣腔体则稍向两边扩大。声乐学习者要把握住共鸣腔体的形态,塑造风格适当的共鸣。二是维持良好的情绪,众所周知,情绪对声乐表现有着重要的影响,尤其是共鸣过程中,情绪是否稳定关乎到能否发出持续稳定、声区统一的声音。歌唱者要多进行公开演唱、多尝试不同情感表现的声乐作品,逐渐培养自己控制情绪、稳定情绪的能力,防止因情绪不稳定而出现的共鸣破音,从而最大限度地发挥共鸣的效用。除了以上两点注意事项外,为了达到更好的共鸣效果,歌者在发音前还要注意对自身音色进行加工,在调整气息、稳定喉结后,再打开口腔,同时把发音区调高到头腔共鸣点上,这样发出的声音音量更大,音色更美,音域也更宽。 四、结语 声乐学习细节繁多,分支较大且环环相扣,这就要求声乐学习者要注意学习的全面性和系统性,不可学有偏颇。除此之外,还要注重加强声乐基础技巧的学习与训练,不能好高骛远。声乐作为从西方传入我国的音乐形式,要想使其持续焕发艺术魅力,就需要广大教师与莘莘学子坚持不懈地学习和实践。声乐学习虽然艰难,但笔者相信只要我们敢于坚持、不言放弃,就一定能学好声乐,将动听的旋律带给大家。 声乐毕业论文:论民族声乐渐进性教学的思考 民族声乐是运用民族语言和民族审美来表现民族的音乐风格,是表达风格各异、流派众多的民族情感的一种艺术形式,是在我国民间歌曲、地方戏、曲艺说唱等传流唱法的基础上发展起来的。本文就民族声乐歌唱艺术观念、声乐教学心理规律、教学方法以及训练手段等规律进行探讨。 一、初始:从声乐的基本功入手,进行基础训练 声乐的基本功主要包括发声原理的掌握、共鸣腔的运用,以及咬字吐字等。发声原理是声带在气流的冲击下产生震动,声带震动所发出声音经过胸腔、咽腔、口腔、鼻腔、头腔的共鸣,便发出响亮和动听的声音。 正确的发声训练方法有:第一,用闻花式吸气、数拍或吹蜡烛的方法,或者用“打哈欠”时气息回流的感觉来引导学生,还要注意观察学生在吸气时是否过僵、过满。气息的支点越低音色就会越圆润,“竖着唱”和“靠后唱”实际上就是引导学生往后支点上靠,这样音色更加富有立体感和金属性。第二,稳定喉头。人体的发音器官——喉,像一个小匣子,装着两条发声的音弦——声带,喉结稳定地降低在低喉位置,使声带始终处于拉紧的状态下工作,这种状态即声带拉紧闭合状态。应该让学生体会“贴着咽壁吸着唱”的感觉。还要注意观察学生是否抠下巴、紧牙关等问题。第三,歌唱的共鸣训练。发声共鸣是一个整体的系统的过程,完全孤立地使用某个共鸣腔是不可能获得最佳音色的。要教会学生将日常生活中耳濡目染的一些动作或感觉在歌唱中加以恰当、合理的运用。胸腔共鸣包括气管、支气管。在歌唱时用手抚摸胸部会有明显的振动感。打开喉咙歌唱很多人都知道,但具体怎么打,打多大?教师必须具体引导学生去做。可以让学生去体验“闭着嘴巴打哈欠”的训练方法,这样鼻腔与咽腔就不会打得过大,避免口腔过缰,声音发虚,暗淡。 咬字吐字是民歌中的一大重点内容。所谓“字正腔圆”,字正:欲使字正须正五音,准回呼,宜四声;腔圆:声音圆润动听、腔调婉转优美。概括为字头咬要重,字腹吐音要圆,字尾收韵要轻。在教学训练最初阶段,常发现一些学员有“吸不进气”的现象,原因可能是由于局部肌肉过份用力,呼气肌肉壁在歌唱时过份紧张造成的。针对性的练习曲不必使用过繁过多:(1)13 51 53 1 连续两遍用“0”母音和“i”母音来带,主要是为了气息连贯。大扩度的练习容易使每个音区的位置统一;(2)跳音练习13 53 1,小腹肌肉收缩,增强弹跳力;(3)长音练习5.4 32 1,这条练声曲要求气息流畅,到达位置后迅速爆发,在腔体内延长。除了掌握运用咬字发声器官使语音准确之外,还要学会对语调、语态的变化控制。一般可以从学习诗词朗诵入手,掌握诗词的语言重音和逻辑重音,把握好作品的情感基调和内容格调等,这是达到以字引气、以字带声的最佳途径。 二、过渡:引导学生尽快跳出“不自然”阶段 声乐的学习一般分为三个阶段,即从“自然”到“不自然”再到“自然”。初学者在“不自然”阶段状态下,教师一旦指出不足之处,学生唱起来就会觉得别扭,原来感觉唱得很顺的似乎反而变得吃力,真假声“打架”,声音“里进外出”,连一首小歌曲都难于胜任。这时教师要胸有成竹、满怀信心,让学生尽可能在短时间内走出这种“不自然”阶段。在民歌学习过程中,有些学生在通过听光碟和媒体的形式学习声乐的过程中,认为民族唱法就是细嗓子,声音很尖、很亮,以为只有这种声音才能表达民族风格和特色。这是一种极大的误解。教师要善于发现学生是否进入这一误区,并及时给予正确的指导。我国古代唱论中有言:“歌者不期于利声而贵在中节”。如果我们一味地追求亮嗓音,只能使声乐教学走上期求“利声”而忽略“中节”的歧途,易犯喉头过紧、过于用力、下巴紧张、单纯用口腔等毛病,造成声音“扁”、“咧”、“紧”。这样,既不利于民族声乐的发展,也不利于歌唱艺术的普及与传播。有经验的教师对存在的问题看得准,采取的解决方法正确,很快就能得到提高。不过,人们常言“师傅领进门,修行在个人”,如果有的学生长期处于不自然阶段,问题无法得到解决,就得考虑是否教法过于单一、机械,或是双方配合不好的问题了。另外,为了达到歌唱“音出自然”,教师从一开始就要强调风格、韵味、统一等因素的作用,如果只顾埋头于发声技术,演唱起来就会失去声乐应有的风格、神韵和灵魂。 三、发现:挖掘学生特点并尝试实现个性化演唱 民歌教学中,每位老师都有自己独特的教学经验与方法。“仁者乐山,智者乐水”,无论采取什么方法,只要在演唱实践中能得到观众的接受和认可,能经得起时间的考验,就证明其教学方法是对的。我国着名民族音乐家田青曾严正指出:“现代化对民间歌曲的冲击比十年浩劫还要大,中华民族文化从没有像今天这样面临着危险。”笔者素来提倡演唱风格、音色个性化,反对冠以“科学发声”而变成“千人一腔”的模仿、克隆的教学方法;主张采用多样化启发式教学,力求做到因材施教,将日常生活中耳濡目染的一些动作或感觉在声音练习中加以恰当、合理的运用,根据不同的嗓音条件来演绎不同风格的歌曲。作为一名声乐教师,应当具备良好的听觉和善于辨别声音好坏的能力,对好的声音要及时给予肯定和鼓励,千万不能“全盘否定”或者“朝令夕改”,没有准确而系统的理论依据只会造成学生思维的被打乱。对初学者,应当循序渐进,要让他们充满自信,取消顾虑,克服在学习中的不良情绪。另外,要让学生学会自主学习,方法是抽象的,感觉是具体的。没有老师的情况下,也能辨别自己的声音是否正确,运用自己的“内听觉”去监听,调整歌唱器官的发声动作向平衡状态完善。歌唱家李双江在一次“青歌赛”仼评委时看到一个少数民族原生态组合演唱后,感慨地对她们说:“我们对不起你们啊!”这一画面让我感到非常震憾:一方面是权威的名家如此襟怀博大,为一直被埋没的优秀民族声乐(原生态)至今才“露脸”感到惭愧与自咎;另一方面是“青歌赛”的组织者包括某些有良知的音乐家及音乐工作者,如果不及时发现、挖掘甚至抢救,全国观众怎能知晓世上还有这么美妙的天籁之音竟然流传在我们的华夏大地上呢?可见,民族声乐艺术的多样化多么重要,而这个“多样化”的实现,也包括依靠我们广大的民族声乐教育者的努力与付出。 四、提升:在具体歌曲演唱中实现民族性和艺术性的统一 由于我国地域宽广、民族众多,各地各民族的风土人情、演唱内容均不相同,形成了绚丽多彩的演唱风格,有的热情奔放,有的委婉深情。北方的歌高亢明快,如《牧歌》、《沂蒙山,我的娘亲亲》;南方曲调委婉甜美,如《芦花》、《又唱浏阳河》等。歌曲艺术是歌唱家把自己对歌词和音乐的理解用优美的嗓音表达出来的。所谓“情”美,就是演唱者要做到深情、有真挚感。“情”是一切的基本出发点。在具体的演唱过程中,很多学生只顾着想声音的位置而忽略了要表达的情感。教师要注意提示“以情带声”、“声情并茂”。比如,演唱《二月里见罢到如今》,歌曲风格是委婉深情的。首先,演唱者眼前要闪出流动的画面,要流露出对情哥哥那种强烈的依恋情感。接着第二乐段转调,这时眼前的画面是:仿佛看见“远处”有一个人,想象中就是那个日夜思念的人。这时情绪上要稍微有变化,既激动又祈盼,既焦急又无奈。第三乐段反复再现 (即回到原来),其表情是:还是没有见到情哥哥,但必须依旧耐心地等待。演唱时要从眼神、肢体语言中透出一种“心病”的情结,才能更好地带动声音达到声情并茂的效果。 我国民族声乐艺术提高的方向就是技术和艺术的结合,就是深刻的思想性与尽善尽美的形式相结合,就是发声技术的不断科学化和充分表达我们精神的时代相结合。引导学生歌唱,不能只简单地教会发音或学会一首歌曲,更要重视在科学的整体方法上进行渐进性引导和训练。嗓音的运用也是多种多样的,教师要善于引导学生理解作品的背景、风格、特色、情感及民族的审美习惯等,还要结合其他课程如文史、美术等的学习,还要深入实际生活,才能不断提高对音乐作品的理解能力和情感的表现力。教与学是一个整体配合的过程,我们应当对各种教法中的优点兼收并蓄,相得益彰,以求得教学水平的不断提高,造就出更多、更好的深受听众喜爱的歌唱新人。 声乐毕业论文:分析声乐艺术美的本质 一、独特的创作规律显现出歌词的意境美 声乐作品的创作是以唱为表现形式的语言形态出现的。它与很文学作品不同,不是重在看而是重在听。很多诗句可以从字面上理解,还可以诵读的,通过读者的看和读触发人们的心灵。而声乐作品的诗化了的歌词就要通过“唱”才能体现。它既要形象生动,又要词语简练意境深远。然而最关键的是歌词要适于歌唱。通过歌唱把歌词所要反映的生活内容、情景形象和思想情感体现出来。很多歌词的创作啷啷上口,读起来都感觉到让人感动,口齿轻快。这都是因为创作者在创作过程中注意对音韵处理恰当,让歌词压韵,歌词本身就有了歌唱性。虽然歌词和诗很像,但歌词区别于诗歌。它们是两种文体,诗注重在文辞上的美,而歌词注重不仅是文辞,还要与人们生活紧密相连保证词句朗朗上口、通俗易懂有声性,使歌词与音乐完美结合的声音美。如果不注意这一规律,按照写诗的手法来创作歌词,就缺乏歌唱性,唱起了也不上口。如果硬是把歌词写成像讲故事一样采用白话形式,就会显得歌词平淡乏味,缺少雕琢。歌词的美就在于有它自己特有的创作模式和自身的特点,所以一首好听的歌才能唱很久很久。 二、能充分发挥演唱者主观能动作用的声音美 人声的特点不同于乐器,他能直抒胸怀袒露心声。特别是声乐作品大多有词意清晰、朗朗上口的歌词作为旋律创作的依据,能体现声乐表演实践过程中的美。 歌唱作为听觉艺术,它是通过演唱来体现其艺术感染力的。歌唱者把一首作曲家创作在纸上的作品变成声音,需要歌唱者的艺术再创造,即“二度创作”。在这个“二度创作”过程中虽然有技巧是声乐艺术表现的基础条件,但不是顺利完成“二度创作”的唯一条件。歌唱者根据歌词提供的情感内涵,加上自己的认识和理解,把情感融入到歌曲的演唱中。一首歌经作曲家创作出来只是停留在纸上的东西。通过歌唱者的再创作,把它用声音表现出来才能使听众充分感受。而在“二度创作”过程中不同的素质和生活阅历,表现的作品效果就不同。就此原因,很多演唱者在努力实现“艺无止境”境界。不断地丰富自己的阅历,提高自己的声乐技巧,用广泛的社会生活来丰富自己的能力,提高自己的文化艺术素质,脚踏实地地进行艰苦的艺术再创造活动。用以实现在演唱作品时,采用恰当的声音去与完成作品的思想内容和情感表达。 声乐艺术是以歌词为主要依据创作的声乐作品,不仅体现了音调和节奏,还为演唱者提供了情感抒发的旋律基础。一首歌词在经过作曲家谱出旋律过程中,歌词的语言和意境是旋律创作的主要依据。而歌曲是以人的声音区域为目标来编写旋律,再把歌词中提供的情绪变化配上符合情感要求的音调,一首旋律优美的声乐作品就创作出来了。一首歌旋律的发展是遵守以人声为基准来创作的,而旋律美还必须含着音调美,音调是依据歌词提供的语言、情感来确定的。音调的变化因为采用了模进、扩展、反复、等创作手法,才使音调展现出不同的艺术风格,从而创作出动听的旋律。为歌唱者提供了自由发挥的空间。 三、不断丰富歌唱者梦想的表演美 声乐艺术为演唱者提供了广阔的创作和想象空间。一首好的歌曲首先能激发歌唱者抒发情感的欲望,会启发音乐的想象力。丰富的想象力能为歌曲内容创造出独有的音乐形象。并在演唱者的头脑中形成一幅幅的画面,把听众带进歌唱者创造的音乐空间。同时能让歌唱者成为画面中的主人公,有身临其境的感觉。正是这种想象让歌唱者把歌曲的主题思想表现出来,让作曲家的创作意图与演唱者的歌声完美的统一在一起。 声乐艺术还以他作品的多样性和风格的丰富多彩在乐坛上占有突出位置,激发了歌唱者的创作和表现欲望。 声乐作品中有很多来自世界各地,反映世界许多民族的生活,各个民族的生活习惯和语言习惯决定了他们的音乐风格。而这些风格正是歌唱者追求和创作的动力。掌握声乐作品各种风格,不仅拓宽了歌唱者的艺术道路,还扩大了歌唱者的表演曲目。声乐艺术还能体现出歌唱者在演唱中的具有个性的韵味体现。这是因为一首歌曲在创作完成后,作曲家是无法在作品中为歌曲提供韵味,很多具有特色的演唱和好听的演唱,需要歌唱者根据作曲家提供的曲谱进行“二度创作”,加进去自己对作品的理解和体会,把对社会生活感受用到歌曲的演唱中,并在歌曲的旋律中加进了自己的东西,就为歌曲提供了新的韵味,让这个作品具有了鲜明的个性。有了韵味的歌唱听起来就会更加亲切动人,自然清新。让歌曲更具味道和美感。 声乐艺术还因为演唱者对歌曲的真情实感,对歌曲做速度、力度、音量、音色等方面的处理,让歌曲层次分明,跌宕起伏,更加生动感人。能展开演唱者梦想的翅膀,尽情发挥。有些时候,同样的作品不同演唱者演唱,就会收到不同的效果。这说明声乐艺术的表现力主要依赖演唱者。 声乐艺术还能实现歌唱者在兴奋而又激动的歌唱状态下演唱。能把想象的画面通过声音刻画出来。能把假的演变成了真的。本来很多声乐作品的创作大多是人们对美好生活的向往和期望,有很多不是现实。这就是“假”的东西,这种“假”目的是为了实现真。而歌唱者通过 “忘我的演唱”,旁无杂念地进入“角色”既充满激情而又放松自如,情感得到了解放,把人们带进了本来不存在的境地,让演唱发挥最大的艺术感染力,让听众得到了精神享受。 声乐艺术还要求在歌唱者的技巧与艺术,声音与情感的完美统一。它是歌唱者长期坚持的原则。既然歌唱是以人身的整体作为乐器来完成的,不是仅靠嗓子、气息、共鸣能实现的,歌唱者就要全身心地投入到歌唱中去,要有丰富的心理活动和心理准备。充分利用想象、假设、体验等心理活动,完成了扣人心弦的表演。用以实现声情并茂技艺合一的艺术境地。 声乐毕业论文:分析声乐演唱中的音准问题 “青歌赛”的余热已经慢慢的褪去,然而,就在比赛期间,吉林电视台选送的歌手喻越越在比赛时因音准出现问题,结果得了个很不理想的分数,一时被推到风口浪尖,激起了很大的反响,最后由几位专家对录音重新做了鉴定后才稍稍平息了此次风波,事件不是我们要关注的重点,音准问题才是我们要讨论的关键所在。无独有偶,在2012年的暑期,由江西卫视举办的“中国红歌会”,一些已经闯关到45强、30强、甚至是15强、10强的选手,也会频频出现音准问题,评委们在对选手进行点评时,说的最多的几乎就是音准问题,这不由得我们不深思,在舞台上演唱水平已经初步成形,并且日趋完善的歌手,还会出现音不准的现象,到底是怎么回事,又该如何避免? 一般来说,演唱中音不准存在两种情况:一是先天的音不准,耳朵不够灵敏,即所谓的“五音不全”;二是后天由于种种原因造成的,如心理素质问题、专业基础不扎实、甚至跟身体素质也有关系,本文主要探讨的是后者,前者忽略不虑。 一、心理素质与音准问题 有些演唱者在台下或者课堂上演唱都没有问题,能够正常的发挥应有的水平,唯独上台后,演唱水准大打折扣,有时还会出现音不准的现象,严重影响舞台上的演出效果,究其原因,还是与心理素质有关。心理学上说,人的性格分为四种类型,分别是胆汁质、多血质、黏液质和抑郁质。“一般来说,前两者为外向型,后两者属于内向型。外向型的人开朗、活泼,不容易怯场,内向型的人缺乏自信,容易羞怯。”[1]当演唱者在舞台上胆怯时,没自信不敢唱,此时,音准就会受到影响,可能音会偏低,因为,由于畏首畏尾的演唱状态不够积极,达不到应有发声的状态,音高就会差那么一点,很容易就唱到琴缝里,就是我们说的“琴缝音”,而不在准确的音位上。所以,演唱者在上台之前应调整好自己的心态,保持一种平和的演唱状态,让自己的情绪稳定,尽量想怎样更好的表达作品,让自己投入进去,剔除杂念,以减轻紧张带来的不良情绪。事实上,紧张不仅会使演唱者怯场、不敢唱,从而导致音准偏低,有时紧张还会使演唱者过度兴奋,从而导致音准偏高也是有的。演唱者由于紧张,而导致过度兴奋,在演唱中,尤其遇到高音部分,加上情绪的激动,很容易把音唱高。对于此种情况,演唱者依然是要稳定自己的演唱状态,调整自己的情绪,在张嘴演唱之前认真的将自己演唱的作品在心里过一遍,整理好演唱思路,确保刚张嘴时平稳的进入演唱状态,接下来,就会越唱越顺。总之,对自己整体的演唱状态进行维稳是很重要的,它将决定着演唱的质量,也能规避演唱中出现的不利因素,如音准问题。 二、专业基础的不扎实是造成音准问题的本质原因 俗话说:“艺高人胆大”。其实不管是歌唱家还是普通的声乐演唱者,上台演唱都会出现紧张的情绪,只是对应的态度不一样。紧张会使演唱的水平大打折扣,但也不是绝对的,适度的紧张也可以帮助演唱者更好的对待演唱,它会使演唱者在演唱时更加的集中精力去关注自己的演唱,从而慢慢的进入到作品中去,越唱越好。一个专业技术过硬、舞台实践丰富、对专业的态度一丝不苟的声乐演唱者,即使先天的心理素质不够好,在台上也应该不会出现音准问题。因为他(她)们已经从专业的技术性层面走出来了,他(她)们对演唱的要求是精益求精,追求完美,摆脱演唱技巧的束缚,带给人们声乐本有的艺术性、审美性,从而使人们更加的喜欢声乐这门艺术,但是声乐演唱者像拥有这种成就及情怀的人当然是不多的。大部分的演唱者依然为演唱技巧所累,远达不到在舞台上对演唱过程进行游刃有余的驾驭,演唱技巧有局限,声音就会有局限,表现出来的不足其中一项就会有音不准。 演唱过程中气息不足可能会导致音不准,具体表现在音高会偏低。“呼吸因素造成的音准问题也屡见不鲜。不当的呼吸方式会导致声音不稳定,憋气、漏气、屏气等错误的呼吸方式更容易引起音准的变化。”[2]。呼吸是声乐演唱的灵魂,良好的呼吸可以很好的支撑声音,使声音悠扬有穿透力,而不当的呼吸除了可能会引起音不准外,还会引起声音干涩,使声音听起来不够悦耳,难免会给人以味同嚼蜡之感。咬字吐字也是声乐演唱中的关键因素,咬字吐字位置的不准确或者演唱时不能够很好的控制住咬字吐字的位置(由于技术上的欠缺,演唱时,咬字吐字易变动,位置乱换等),也会引起音高的不准确。声乐演唱技巧的提高是一个相对漫长的过程,它要求演唱者除了有天赋的条件之外,还需要长期坚持不懈的刻苦努力的练习,才能在舞台上达到演唱时从心所欲、游刃有余。如果是因为声乐技术问题而引起的音准问题,自然在提高声乐技巧之后,音准问题就迎刃而解。笔者以为,在声乐技术的问题解决后,声乐水平就进入了表现音乐、诠释作品的层面,即使演唱者本身的心理素质欠佳,在舞台上演唱时,由于有前期的有大量的实践、锻炼、学习,形下的问题都解决了,此时的演唱者应该会很自信的去表现自己音乐,就不太可能会出现音准这样的问题。 由此可以看出,影响音准问题的原因是多方面的,除去先天的“五音不全”以外,还有其它许多方面的原因,它们相互交叉、彼此制约,总之科学的发声方法加上勤奋的练习和大量的舞台实践,并针对自己在演唱中出现的音准问题进行思考、实践、钻研,相信音准问题总会得到解决的,声乐水平也会因之大有长进。 三、综合因素分析音准问题 此外,音准问题除了上述的原因之外还与音乐的基本知识有关,它包括在大学期间学习的视唱练耳、钢琴演奏和乐理知识等。学音乐的人都知道视唱练耳对音准的影响是巨大的,一个视唱练耳好的演唱者,在演唱时出现音不准的可能性很小。视唱练耳,顾名思义,它包括视唱和练耳,在课堂上还有听记节奏这一项,目的就是要培养学生耳朵的敏感度和对音乐的记忆力。在一些专业的音乐院校,对视唱练耳的要求是很高的,在国内一些顶尖音乐学院的附中,如上海音乐学院、中央音乐学院,在附中有的专业的学生练耳已经听到了转调、离调,一般的音程、和弦、旋律就更不用说了,如果,演唱专业的学生练耳的训练达到此种程度,那么,在演唱中出现音不准的情况几乎就不太可能,即便训练达不到转调离调的程度,正常高等音乐院校视唱练耳水平较好者,音准也是不会有问题的,因为耳朵好的同学,对音高有绝对的敏感度,张嘴唱时不会犹豫就会在正确的音高上,即便由于声乐技术上的原因,偶尔导致音准会偏低或偏高,自己也会立刻觉察到,做到音准上即时的调整或调整自己演唱的状态。那么对于耳朵不够灵敏的同学,在视唱练耳课堂上学习的不够好的同学,对音高的固定感不强、含糊,当其在演唱中出现音准问题时,可能自己会听不出来,即便能听出来,也不能够立即回到正确的音高上去,只是觉得音高不对,只会从演唱状态中去找原因,自我调整的能力相较于耳朵对音高灵敏的同学还是差许多的。此外,钢琴的演奏水平也是提高音准来源的关键。钢琴是十二平均律,是西方的大小调体系,演唱者在演唱中离不开钢琴伴奏,如今声乐作品也大多是大小调体系,尤其是新近的创作型歌曲(当然也不排除还有很多民族调式的歌曲),那么,如果演唱者钢琴水平足够好的话,固定的音高概念就应该也不错,再加上可以自弹自唱,将自己演唱的作品用正谱弹出来,平时多跟着钢琴练习,无论是对声音的修养,还是对声音音准的修饰与提高都是非常有帮助的。 四、结语 综上所述,造成演唱者音不准的因素是多方面的,除了有主观因素之外,还有客观因素,笔者以为,主观因素占的比重更大一些。演唱者在出 现音准问题之后要刻苦训练,若是因为声乐技巧的原因导致的音准问题,则要刻苦练习,多下工夫去揣摩、观摩,以便在再一次的演唱中避免掉音不准的问题.如果是因为心理素质问题,怯场之类的原因而导致音不准,则要多上台去锻炼、去实践,以克服掉自己怯场的不良情绪,此外,还要从自身的专业水平上下工夫,还是“艺高人胆大”,如果一个演唱水平公认的好的演唱者,即便天生的有些内向,在台上也不至于会发挥失常到音不准的程度。总之,专业技术与心理素质的提高都是克服与避免音不准的有效途径,尤其是前者,几乎是必经的途径,只有如此,才能彻底的解决掉音不准的问题。 声乐毕业论文:戏曲道白在声乐中的实用性 一、戏曲道白可以培养学生的心理素质 (一)目前大多数学生的心理现状 声乐是一门表演艺术,我们学习歌唱,从某种意义上来说,就是为了能站在舞台上为众多的观众表演,所以歌唱时我们就需要有一个健康的心理状态,有强烈的歌唱欲望与表现欲望,这样才能唱好一首歌。刚开始学生学习声乐时,学生对歌唱的信心有很大一部分来自对歌唱技能的掌握,如果学生觉得歌唱技能掌握的一般,就无形中给自己的演唱带来一定的心理压力,在歌唱时就会出现节奏不稳,气息上提等不良的歌唱现象。还有一部分人是性格因素造成的,性格因素是指性格内向的学生不善于与人接触,天生胆小,当着众人的面张不开口,特别是陌生人面前更张不开口。恐惧的心理能引起学生呼吸紧张,记忆中断,听觉混乱,情感失控等等,最终导致歌唱状态的紊乱和失调,这就直接影响到歌者正常歌唱水平的发挥。恐惧是歌唱的大敌,是歌唱艺术道路上的障碍。学习歌唱就必须要克服恐惧心理,建立良好的歌唱信心,这是成功的基础。 (二)戏曲道白可以促进学生有一个健康的心理状态 学习歌唱最好的方法是自然,越自然就越容易。一个好的歌者在演唱时,他身上的器官该放松的放松,该积极的积极,同时排除那些阻碍干扰歌唱器官的活动,这就需要歌者有一个健康的歌唱心理。戏曲的道白是介于说与唱之间的一种艺术形式,更接近于说,戏曲的道白要求演员严格遵循语言戏曲化的一切艺术规律,把它作为自己的审美理想,一句话一句话地,一个字一个字地静心琢磨,刻苦锤炼,并把它作为自己得天独厚的艺术手段,以吐字行韵的“千斤”之力和抑扬顿挫的特种技巧,去刻画人物,宣叙情感,从而把动人心魄的感染力,赋予字字珠矶,掷地化作金石声,耐人寻味的高度的道白艺术修养之中。在近几年的声乐教学中,学生以戏曲道白的形式来做自我介绍,介绍自己名字、介绍自己演唱的声乐作品,并以戏曲道白的形式吟诵声乐作品的容。学生在戏曲道白完进行练声时,声音更自然了,气息也不提了,演唱支点也自然而然的找着了。另外,性格内向的学生通过戏曲道白的练习,他们会大方地、自然地、有韵有味地做自我介绍,这样他们不但性格逐渐开朗,而且能较好的掌握歌唱技能。因此,学生必须每天坚持戏曲道白的[！]练习,并且要逐字逐句地、认认真真地练习,结果这些学生不管是心理素质还是在歌唱技能上,都取得了良好的效果,这样一来,不管是上课、考试还是演出,他们都会意气风发、圆满地完成演唱任务。 二、戏曲道白对歌唱表演有很大的帮助 声乐是通过歌唱来塑造音乐形象,进行感情表达的一种艺术形式。这就要求演唱者不但要具有科学的发声技巧,还要有一定的歌唱表演能力,因为表演可以拓展演唱者的艺术想象空间。表演不是作秀,是演唱者对演唱作品深刻理解的基础上,情感的升华,最终表情语言和肢体语言促进演唱能力的升华。早在一千多年前,中国人民就根据自己的民族性格和美学思想,把舞蹈美和音乐美的种子,同时撒在形成自己民族戏曲的舞台上。在戏曲舞台上不管是演唱还是道白,演员的一招一式都绝不是完全孤立的和绝对静止的。戏曲演员脚下一站,手上一指,眼神一望,以致一羞、一怒、一进、一退……手、眼、身、法、步,全身都要有机地配合,整个外部动作,从头到脚都要洋溢着节奏韵律的美。有时他们把独舞、背工和念结合起来,尽情地加以描绘、夸张来生动形象地展现人物的“潜台词”和人物的内心活动,这些对歌唱表演有着很大的帮助。在近几年的声乐教学中,通过对学生带动作、带表情的戏曲道白的练习,学生在歌唱表演时能力得到了很大的提高。可见戏曲道白对于歌唱表演来说有很大的帮助,能促使演唱者积极地、自然地、有感而发的表演,唱出歌曲的意境和塑造出鲜明的艺术形象等。中国戏曲表演历史悠久,源远流长,着名的歌唱家王昆老师说:“唱中国歌曲要接民族的地气,要从传统的民族声乐中学习。”我国老一辈优秀的民族歌唱家郭兰英、王昆、李谷一等都有着深厚的戏曲功底,再加上科学的演唱方法,行腔委婉动听,舞台表演深切感人,为中国民族声乐的发展做出了巨大贡献,并开创了一代歌风。年轻一代的歌唱家张也、孙丽英、陈俊华等都有着非常扎实的戏曲功底,扎实的戏曲功底再加上科学的演唱方法,就形成了歌唱家个性化的演唱理念,具有他们各自独特的艺术魅力。就通俗唱法的优秀歌手李娜、屠洪纲、李玲玉等也都接触过并受过戏曲专业的训练,其个性化的演唱以及很强的感染力,与他们深厚的戏曲表演功底分不开的。就连我国着名的男高音歌唱家戴玉强也曾接触过京剧“黑头”的训练,使他的歌唱技术更加娴熟和轻松,中国戏曲表演是唱、念、做、打的结合艺术,念功是戏曲表演四功之一,排第二位,足见其分量之重,是塑造人物的重要手段之一。戏曲道白具有戏曲语言的诗美,它鲜明个性就在于它是“戏曲化”了的,即好像演员不是用语言在说,而是用歌喉在说。但并不是所有的戏曲道白都可以运用到歌唱表演训练当中,我们要选择具有高度艺术性的戏曲道白。学习歌唱表演者应当重视戏曲道白在歌唱表演训练中的重要性,这将对其演唱风格的形成、健康的歌唱心理、掌握科学的娴熟的演唱技能以及演唱表演上都会有很大的帮助。歌者作为美的创造者,必须不断加强艺术修养,紧跟时代的步伐,并为之毕生努力。我们要紧抓民族传统声乐技法的基础训练,只有这样,中国民族声乐事业才能健康的发展,更多的中国年轻歌唱家才能扎实的立足于国际舞台。 声乐毕业论文:声乐艺术中声乐美学刍议 声乐美学的具体特征 1.声乐美学的综合性声乐美学的综合性体现于创作和演唱过程之中,一首声乐作品的诞生集众多的美学因素组成,声乐美学将各种艺术美综合起来,进而展现其各种美的同时,又系统地梳理声乐艺术美的规律,丰富其美的表现力,使之能更好地满足人们对声乐艺术的审美要求。声乐美学将歌词的语言文学之美、歌曲的旋律音乐之美、演唱的情感之美等因素综合起来,使得演唱者演唱过程中能够更好地呈现出声乐艺术的独特魅力。2.声乐美学的时空性声乐美学具有其时间性。只有经过时间的沉淀,演唱者才能表达出声音的美感,同时欣赏者才能感知到声音的美。演唱者需要经过不断地训练和对歌曲内容的感知,随着时间的推移进而发出更准确的声音,认识到声音的内涵之美,才能将歌曲的艺术情感充分地表达出来。欣赏者不是一开始欣赏就能够体验到声乐艺术的美,而是逐渐深入其中感知音乐的魅力。声乐美学又具有空间性。演唱者在不同的地区、不同的阶段演唱歌曲,将会使得作品呈现出不同的美感。而欣赏者在欣赏一首声乐作品时,会依据自身的生活经历,产生不同的音乐想象空间,进而获得不同的美感。3.声乐美学的创造性声乐作品同文学作品一样,也具有其音乐形象,这些音乐形象是由创作者结合生活实践而创造出来的,每一首歌曲都具有其鲜明的音乐形象,这些音乐形象是通过歌曲的优美语言和婉转的旋律结合而成。声乐艺术需要有创造性,演唱者需要准确把握音乐作品内容和情感,并将自己的表演方式加进来,使声乐艺术具有新的美学意蕴。声乐美学随着人们欣赏水平的不断提高,不断被创造出新的声乐美。 声乐艺术中声乐美学的构成 艺术源于人们对美的追求,无论是古典音乐、流行歌曲、歌剧等都要首先考虑到声乐的美学问题。因此,只有正确地理解声乐美学才能成功地进行声乐艺术活动。声乐美学对声乐艺术具有积极的作用,本文对声乐艺术中所要具备的基本美学条件和声乐美学几点要素进行了分析。1.声乐艺术中构成声乐美的基本条件(1)呼吸呼吸是所有的演唱者都要具备的基本条件,无论是美声唱法中的胸腹式呼吸,还是我国民族唱法的“气沉丹田”都突出了呼吸的重要性。从声乐美学的角度来说,美的最高本质就是自然,呼吸要遵循这一原则,气息要均匀、自然,从而使歌唱时的音色自如顺畅。只有这样连贯的、柔美的声音,才能满足欣赏者的要求,才称得上是美的声音。(2)共鸣共鸣主要是指声音的位置,气息带动声音进而产生共鸣。声乐美学认为声音的共鸣应具有自然美,演唱者要在完全自然放松的状态中,产生比如口腔共鸣、胸腔共鸣等各个腔体的共振,进而能够更好地修饰、美化声乐艺术。共鸣能够使演唱者的声音流畅自如、丰满圆润,任何声乐艺术美妙的歌声都需要以此为基础。(3)吐字吐字是指在演唱过程中演唱者的歌唱语言要准确,演唱过程就是语言艺术化的过程,是体现声乐作品的语言美过程,无论表演何种声乐作品,都需要吐字清晰、字正腔圆。声乐美学讲究声、字、情三者有机融合为一体,进而才能展现声乐艺术美的内涵,这就需要演唱每一字发音都要清晰,使字音在自然状态下吐出,能够理解歌词所有表达的主题思想,依据每个字、词所蕴含的情感来准确地处理语调,进而将声乐作品的内在美呈现给欣赏者。2.语言任何声乐作品都是语言与音乐结合而产生的,音乐旋律对于声乐作品固然重要,但好的音乐语言、词汇也能为声乐艺术锦上添花,将声乐作品的歌词诗化,表现出歌词中的美好意境,进而体现出其独立的艺术价值,给人们以美的享受。语言美要求声乐作品的歌词要具备鲜明的节奏、感人的音调、耐人寻味的声韵,同时也要体现出一个民族的语言语调美,使得演唱者在演唱过程中,带给欣赏者内心一种强烈的共鸣。旋律声乐艺术的诸多因素中,旋律是贯穿于其中的轴线,在构成声乐的艺术美中起着重要的作用,是声乐艺术的优秀部分。从声乐美学角度来看,旋律能表达出声乐作品的内涵、体现出各个地区的不同音乐艺术风格,长短、强弱不同的旋律节奏进行不同的排列组合,创造表现多种美的旋律序列,以其独特的动感来强化旋律的艺术美表现,不同的因素相互作用使得声乐艺术的美更具有形象性和表现力。情感声乐是人们表达情感的一门艺术,对“情”的表达是声乐艺术的目的所在,要展现声乐艺术的美就要首先以情为基础,以情带声、由乐起情,“情”是声乐美学的灵魂,出色的声音技巧与完美的情感艺术表现力构成了声乐艺术的基本要素,要将声乐艺术的美近乎完美地呈现出来,就要做到声中有情、情中有声。声乐艺术中所谓的“情”就是要准确地表达出作品的意蕴,使得潜在的静态信息转变为演唱者的演唱状态,最终传递给欣赏者,使其感受和体验到声乐艺术的情感美。演唱者在演唱过程中,还需要从内而外地表现美,用心去表达出真切、流畅的感情和优美的姿态。当极具技巧性的声乐表现艺术与实践性的声乐表演艺术相互交融,其就产生了艺术美学的因素,这些美学因素的组合构成了声乐艺术的独特美。声乐美学从美学的角度,指导演唱者理解作品、演绎自身、声情并茂,进而宏观地把握声乐作品的音乐风格与艺术内涵,使得欣赏者也能深受艺术美的感染并享受美。 声乐毕业论文:声乐艺术的2度创作 在我们的所接触的表演艺术中,除了即兴表演以外的所有表演艺术都存在着一个共同特点。即它的的出炉需要两道工序。一是创作,二是表演。搞表演艺术的人都知道创作的重要性。二度创作在声乐表演艺术中是占有极其重要的位置的。作为声乐演唱者一定要好好学习和积累各方面的知识来为作品的二度创作服务,这样我们的演唱才能打动听中,声乐演唱的艺术道路才会越走越宽。 关键字:二度创作 创作能力 创作效果 前言 在我们的所接触的表演艺术中,除了即兴表演以外的所有表演艺术都存在着一个共同特点。即它的的出炉需要两道工序。一是创作,二是表演。搞表演艺术的人都知道创作的重要性。在选择剧本、脚本、乐谱的时候都很用心。因为创作质量的高低对于演出成功与否起到前提的作用。同样文艺创作者也明白在演出时演员的重要性。因此他们在选择演员的时候也是很用心的。如果演员的水平不错且又适合这个作品,那么就能使作品的内涵、潜力得到充分的发挥。假如作品一般演员水平非常高,临场发挥很不错。结果演出非常成功。作者就会认为:比我想象的好多了。因此很多的事实告诉我们:艺术的表演环节太重要了。对于声乐艺术同样如此。 不仅把乐谱上的记载和基本情绪相对,而且在演唱中揭示出了作品深层内涵,显示了自己与他人不同的艺术个性,从而使作品因其演唱而增色的声乐表演就称作“二度创组”或者叫做再创作。二度创作决不是任意、自由和无限制的,它有一个原则和范围。这个原则和范围也就是一度创作和二度创作之间维系的一种辩证统一关系的纽带。因此,二度创作的首要原则就是:必须在一度创作规定内容主体的范围内活动,即不能离弦走板,歪曲内容和作者的基调,违背作者当初创作的初衷。二度创作是沿着一度创作主旨方向上的创作,是因演唱而加强一度创作主体的感染力,而不是削弱或改变主题。其次,二度创作应该尊重一度创作的时代背景和民族、地域风格。再者,就是二度创组方案一定要在自己的技术能力许可的范围之内。如果你在一个高音上向做到弱音的效果,但还没成熟的掌握这一技巧。很可能会出现破音或者虚弱的声音。要对作品进行二度创作可以试着从以下方面入手: 1. 速度 每首歌曲都有特定的速度标记,但每一种标记都有一个灵活的幅度。如Largo(广板)每分钟46拍,但这也是一个参考的标准,可以根据自己处理上下浮动。此外,还可以在个别地方处理成稍快或者稍慢。如《教我如何不想她》(刘半农词。赵元任曲)中的“为风吹动了我头发”,为了唱出动感,我们可以把前六个字速度加快,唱的紧迫一点,最后“头发”两个字再适度放慢拉宽,这样唱出了动感也唱出了被风吹动的头发的形象。 2.音色 音色的调节和声门的状态、喉位高低、气息力度、共鸣腔的使用有关,是演唱者进行二度创作的重要手段。如《黄河怨》中的“哭诉我的愁和怨”这几个字音可以用哭泣抽咽的音色来唱。更能表达女主角伤痛欲绝的心情。
影视后期论文:影视后期制作中计算机多媒体技术论文 一、传统影视后期制作存在的问题 （1）在传统的影视拍摄过程中由于受到技术的限制传统影视制作通常采用磁带进行拍摄纪录，磁带的不易携带，在搬运的过程中容易受到损坏。在影视制作的后期进行影视的剪辑工作中，由于技术和工作方式受到传统模式的限制导致影视作品在后期的剪辑工作中主要是进行线性剪辑，就是沿着影视作品拍摄的前后顺序开展剪辑工作，主要使用的组合剪辑的方法将拍摄的内容进行剪辑后形成连续的画面，在根据影视表达效果的不同进行画面的切换，由于技术有限画面只能进行删减修改而无法加长。 （2）传统的影视后期制作工作主要是对拍摄的影视作品进行剪辑，将拍摄的材料剪辑成画面。传统的影视剪辑工作主要依靠的是人工进行，剪辑的质量受到人员因素的影响较大。剪辑人员的水平决定了影视作品的质量。如果出现问题那就是严重的一般会影响影视画面的连贯性。 （3）传统影视后期制作过程中，进行影片的剪辑工作就是单一的将送来的拍摄材料进行剪辑同时对拍摄的材料不能进行增加，在剪辑的过程中一旦出现问题除了将演员召集起来重新拍摄外没有其他更好的办法。这就会导致影片的成本加大，同时也给广大的演员带来不便。 二、现阶段计算机多媒体技术在影视后期制作中的应用 2.1计算机多媒体技术在影视后期制作中的作用 影视作品在发展的过程中不断的引进计算机多媒体技术，并得到充分的肯定。现代技术同影视后期的制作工作的完美结合解决了影视作品在后期制作过程中存在的问题和缺陷。计算机多媒体技术在影视作品的后期制作中充当重要的作用。 2.2多媒体技术的运用充分的保证了影视节目质量 利用计算机多媒体技术进行影片的后期制作剪辑工作可以很好的发挥该技术的特点和优势。首先，利用计算机多媒体技术可以避免拍摄完成的材料在搬运的过程中受到的损坏。能够更好的保证信号的强度。其次利用计算机多媒体技术能够将剪辑的工作进行不同的分工，可以不按照传统的剪辑时间顺序，拍摄顺序进行剪辑工作，这就大大的提高了剪辑工作的效率，方便了剪辑人员进行剪辑工作。再次，数字信号同传统的磁带信号相比具有较强的抗干扰性，即便是进行多次的传输复制都能保证信号的质量，影片的完整性。 2.3多媒体技术的运用提高了影视剧的制作效率 传统的制作为线性编辑方式，而现在更加灵活有效的非线性编辑方式正在广泛应用于影视后期制作。这就使得影视在后期制作时抛弃了以往的方法，可以更加方便灵活的对影片进行剪切和编辑。即使剪切和编辑发生错误，也可以很容易地进行修复。 2.4提供更多的影视创作手段，丰富了影视的表现力 传统的拍摄方法更多的是对拍摄现场的记录和完全复现。现代的数字制作技术是将拍摄现场的所有信息转换为计算机能够识别的信息流，并记录在相应的存储设备之中，这就使得对这些信息流的更改成为了可能。运用计算机的相关软件，我们可以任意添加、删除和更改影视剧作品中的信息，利用影视数字制作技术的强大功能丰富影视作品的表现力，获得超凡的视听盛宴。 三、我国影视后期制作计算机多媒体技术应用策略 从我国当前所制作的影视作品来看，大多数都未达到预期结果。在我国数字影片制作道路中，还存在着很多的不足，因此，必须进一步加强对计算机多媒体技术的改革，确保计算机多媒体技术在今后影视后期制作中获得更长远的发展。 3.1不断提升数字制作技术能力 针对我国自行生产的影视作品分析，国内的影视制作水平是十分有限的。尽管已经取得了巨大进步，创造出一个又一个我们“看不见”的镜头，但在有些影片当中的特效镜头还是非常少的。目前国内影视制作技术依然比较落后，依然有大量先进设备不会应用。 3.2把握好数字制作技术的应用方向 通常情况下，影视作品都是利用图像与声音来叙事的，从而准确传达出创作者的内心情感思想。尽管数字技术可不断提升影视作品的表现力，却不能替代人思想与感情。而从对诸多美国所创所的影视作品我们不难发现，创作出良好的影视作品，并不只是因数字技术能够为人更神奇的视觉效果，更重要的是数字技术和故事情节的完美结合，这样才会使影视作品的主题十分逼真。 四、结语 总而言之，在影视制作的过程中利用计算机多媒体技术进行影视后期的剪辑制作工作不仅能够提高效率同时也可以将影视作品的质量进行很好的保存。事物的两面性告诉我们在看到计算机多媒体技术在影视制作过成中发挥的作用外还应该对其进行更深的了解以便更好的利用该项技术。而不是盲目利用此项技术。以保证影视作品的质量。 作者：王佳音 单位：哈尔滨铁道职业技术学院 影视后期论文:后期制作下影视作品论文 1对影片实施后期加工的三项要点 拍摄影视剧的导演利用脚本能够把全部通过分镜摄制而成的影片整理成材料。在编辑影片时，从事视像后期的人员需要承担的工作就是把这些整理好的片段材料利用电脑软件组合起来，形成一个完整的剧情影片。电影或电视剧最终成效除了取决于演员的表现和导演的表演指导、摄录方式之外，还需要控制最后的合成及加工环节。作品的情节是否紧凑、时间安排是否合理都受后期加工剪接的影响。所以间接的要点就是在将情节完全呈现、时间控制在计划之内，同时还要传达一定的审美美感。 1.2利用特效对原片进行加工 合理利用软件给原片制作一些特效能够突出剧情，提升视觉层面的冲击，但是过度使用特效会弱化剧情，导致影片欠缺情致。所以参与后期制作的团队应妥善运用特效科技，并将适合的效果应用到对应的场面和情节中，这样才能为影片锦上添花。再过去国内视像加工技术尚未成熟、电脑设备还没有得到普及时，后期人员只能对原片进行合成以及简单的镜头分切，但是目前已经能够利用3D软件为剧作制作水、火、雷电特效，还能制作逼真的植物、动物、山水画面以及房屋、宫殿等建筑。在电脑设备通过建模软件对影片进行特效加工及润色能够提升剧情的连贯特点，突出影视作品的欣赏价值。 对于一部影视剧作来说，适宜的后期配乐以及音效加工能够突出剧情性，对情节和画面进行渲染。某一些视像剧作使用的声音和音乐是同期收录的声音，在处理这些声音时，后期人员可以直接通过软件把影片中的杂音消除突出音效，再对原片素材进行简单编辑就能令影片情节前后贯通、顺畅连接。在剪接是除了需要维持情节的完整以及流畅之外，还要注意画面以及音效、背景音乐的是否融合，如果声音过于突兀或情感基调和正在演绎的情节不符，就会影响观众的情绪，降低影片的质量,所以在剪接之前要先准备好素材，在剪接时需要多次审查，务求让音效能够和情节画面协调。例如，当画面正在上演悲情桥段时，音乐就应该低沉、婉转、悲戚，不能加入节奏过快或基调活跃、欢快的音乐。如果可用的音效素材有所限制，编辑音效的技术人员需要对音频进行变奏，将音轨调节到与情节相符的情况。又如，在编制声音后期时，如果画面是浪花拍打海岸、燃放焰火或者打雷下雨就要加入对应的音频材料，音频的时间线需要和影片对应，音量从小到大，在切换镜头时需要逐渐减小音量再跳到下一个场景，防止声音变化过于突兀。 在制作一些魔幻影片时，剧本会涉及许多珍禽异兽、奇异花卉或空中楼阁等虚无飘渺的事物，这些物品可能无法在现实中看到，或者剧组无法去到对应的场地拍摄。为了保障最终成片的效果，就需要通过软件对这些虚拟的元素进行仿真制作，令这些事物能够出现在影片中。要实现这些效果，就要求后期人员掌握3D技术并拥有一定的艺术构想及联想能力，同时还需要多与导演沟通，这样才能制作出符合情节、富有美感与真实性的虚拟事物。在通过电脑利用3D画面编辑软件对虚拟的有生命物体进行制作时，除了要做出该生物的外观，令外观能符合剧本的描述之外，还需要突出生物的思想与情绪。为此，后期人员要重点刻画生物的面部，令其表情生动、鲜活。比如，影片《阿凡达》以及《金刚》中就有仿真的3D生物，这些影片中的动物、外星人都十分逼真，并且情感特点鲜明。 2.2利用后期合成虚拟场景 由于剧情需要，在影片中需要有一些特定场面，比如宫殿失火、大水漫灌、白雪飘飘或者万马奔腾，这些场面都难以在实际拍摄中得以实现。但为了保证影片的情节得到完整呈现，后期团队就需要的通过模拟技术，通过3D科技把场景制作出来。比如，在《泰坦尼克号》有大量海水翻涌、船体撞击、冰山崩裂的场面，这些场面都需要通过软件进行模拟和修饰才能达到逼真效果。 3结束语 总之，一部杰出的电影大片或收视长虹的电视剧作往往在后期方面同样十分出色。后期处理需要前期的拍摄、表演相互配合，才可以令作品呈现出审美方面的美感，并使故事情节得到适宜的渲染，从而凸显剧情的特色，令情节更富有欣赏性。在上面的叙述中，作者依照个人参加电视剧后期加工的经历，重点提出后期制作涉及的关键点。必须对这些要点进行思考，并提升镜头剪接、特效编辑以及音乐配置方面的技能，才能彻底提升的后期编辑的整体水平。 作者：陈美旭 单位：吉林艺术学院 影视后期论文:数字技术在影视广告后期制作的运用 [摘要]计算机信息技术的高速发展，使得数字技术被广泛应用于各个领域。随着多媒体行业的发展，人们对影视广告的视觉效果要求越来越高，传统媒体技术受到挑战。数字信息化技术具有传输效率高、存储空间大、展现效果好等优势，将影视广告的表现手法和展现效果提升到一个新高度。 [关键词]数字技术；影视广告；后期制作 计算机多媒体技术的高速发展，为影视广告行业创造了更大的发展空间，尤其是在影视广告后期制作上，数字技术的应用和推广能提高影视广告的展现效果。我国影视广告行业在不断发展，人们对影视广告的展示效果要求越来越高，绝大多数影视和商业广告都需要进行后期制作。数字技术的应用，可以将影视素材与数字相结合，简化影视广告后期制作难度，提高影视广告画面感，增加影视广告的特效处理。许多优秀影视作品和广告都进行过数字技术的后期处理，比如增加画面的特效感、进行大容量存储等，数字技术有着广泛的发展前景，对多媒体行业的发展有着重要作用。 影视广告现状解析 随着社会经济的发展，多媒体已经成为人们获取信息的主要渠道，影视广告也已经成为商业活动和人们生活的主要组成部分，人们通过影视广告可以获取大批量的信息，商家通过影视广告可以进行产品介绍、图片展示、效果模拟等，由于影视广告具有良好的艺术展示效果，且传播速度快、人们接受程度高，已经成为商业活动中主要的广告形式，深受商家喜爱。 1.影视广告的优势 影视广告不同于传统报纸、广播等广告方式，相对而言，影视广告的可持续性更强，它通过可视化的影视作为载体，不仅有声效传播，还包括影像展示，影视广告传播效果更好，视觉感受更加直观生动，能给人们带来强有力的冲击感，人们接受程度更高。对于企业而言，通过影视广告的传播方式和展现手法，可以更加形象生动地展示企业产品的效果，更具传播性。如今，影视广告已经具有一定规模，并取得了一定的成效。 2.影视广告后期制作 由于在拍摄过程中会受到诸多因素的限制，使得影视广告的初始素材在产品感官和声效上难以达到良好的效果，需要经过后期制作来完善，一般影视广告的后期制作包括素材的剪切、编辑、特效处理等。通过后期制作可以提高影视广告的创意感和视觉冲击力。相对于西方发达国家，影视广告在我国发展的时间较短，相关技术研究较为落后，设备也较陈旧，在后期制作和特效展示方面还存在许多问题。提高影视广告的后期制作效果，能够更加全面细致地描述产品，给消费者带来更好的体验。数字技术对影视广告后期制作的意义随着社会的发展，影视广告已经成为艺术展示的主要形式，影视广告后期制作对影视广告作品起着二次创作和升华的作用。传统的影视广告后期制作技术陈旧，需要投入大量的时间和人力，通过线性剪切和素材修饰来完成影视广告后期制作的方式较为生硬，而且艺术展示效果较差。数字技术的应用可以结合拍摄素材和广告创意进行二次创作，提高展示效果，满足人们需求，为影视广告提供良好的技术支撑。数字技术采用非线性编辑方式，对影视广告进行后期编辑、整合和特效处理。相对于传统的影视制作方式，数字技术的处理方式更简单、易操作，可以达到传统影视广告无法达到的视听效果。影视广告后期制作中，数字技术的推广和应用不仅可以提升影视素材的艺术效果，还可以提高影视广告后期制作的工作效率，对影视广告的发展起着重要作用。 影视广告后期制作中数字技术的应用 数字技术在影视广告的后期制作中起到重要作用，数字技术是通过数字化处理，对影视广告进行三维影像呈现和特效处理，提高影视广告的艺术效果。通过应用数字技术，可以提高影视广告的展示形式和展现技巧，在短时间内体现商品特质，提高人们的关注度。本文通过以下几个维度介绍数字技术在影视广告后期制作中的应用。 1.片头和字幕的处理 片头和字幕的处理是影视广告后期制作的基础，片头和字幕是展现商品特性的基础文字方式，人们通过文字介绍可以直观了解到产品的相关信息。后期制作人员在进行字幕和片头处理时，首先需要了解产品特性，然后通过数字技术对文字进行编辑、设计，提高产品内涵，赋予产品生命。 2.广告内容多维度呈现 由于在拍摄过程中会受到天气、技术、人员等因素的影响，影视广告最终展示效果很难达到预期。在影视广告中，图像、文字、动态效果的展示需要契合影视广告的整体效果来体现。通过数字化技术，可以对表格和图形进行绘制，提高影视素材的展现效果，弥补由于受到拍摄天气、摄影技术等影响造成的不足。通过影视广告后期制作中的数字化处理，可以提高作品的表现形式，优化图形和表格形式，提高用户观看体验。 3.广告动画制作 在影视广告中加入动画效果，除了能提高广告效应、吸引人们注意力外，还能丰富产品的表现形式。在实际拍摄环境的限制下，一些优秀的广告创意难以有较好的表现效果，传统的后期制作方式对创意效果的提高不明显。影视广告后期制作人员可以通过数字技术设备，制造出逼真生动的动画效果，提高影视广告的吸引力，突破传统影视广告制作的局限性。数字技术的发展和运用，不仅能提高广告动画的制作效果和效率，同时对广告展现形式起到至关重要的作用。 4.广告特效处理 影视广告是通过生动的视听效果向人们传输产品信息，一般影视广告的时间较短，需要强有力的视听效果才能吸引人们的眼球。通过实际的影视广告拍摄，难以表现一些恢弘的场面。通过数字化技术处理，可以在影视广告的后期制作中对素材进行抠图、剪切、合成等处理，对实际场景进行虚拟化，将广告创意体现得淋漓尽致。数字技术的应用，突破了传统的表现形式，制造出逼真的动画效果，使影视广告后期制作效率得到提高。 5.镜头剪切和声效处理 一个成功的影视广告作品需要良好的视听效果，也就是说在视觉感官和声音效果上，都要进行修饰和处理。根据广告创意，首先需要进行初期的素材采集，然后按照创意要求进行后期制作。通过数字技术可以对素材进行剪切、整合、编辑、重组等非线性编辑，使影视广告画面感更强、连贯性更好。通过计算机软件，对影视广告的音频特效进行处理，实现音频和声音同步，使广告的视听效果达到最佳。在影视广告中，所有的特殊处理方式都需要通过数字技术来实现，数字技术为影视广告带来的不仅是便捷，更是对广告视听效果的升华。 6.数字化存储 胶片和磁带是传统影视广告存储的主要载体，存储空间有限，容易受到人为的损坏，而且不易保存。数字化存储技术相对于传统存储方式而言，更加便捷、保存时间更长、存储空间更大、不易受损。随着计算机科学的不断发展，数字化存储技术也越来越先进。数字化存储依托计算机系统，通过视频压缩技术、云存储技术对影视广告材料进行存储。数字化存储是一种虚拟空间的存储，不仅可以提升存储空间，而且不易丢失或损坏，具有良好的稳定性。数字化存储对影视广告素材的保存起到重要作用。 结语 随着高科技的不断发展，影视广告行业发生了深刻变化，影视广告的灵魂在于广告的创意，传统的影视广告后期制作模式的局限性，无法达到二次创作的效果，不能满足人们对广告视听效果的要求。数字技术的应用和推广，可以提高影视广告后期制作的效率，突破传统模式的局限，对广告素材进行二次升华创作，达到广告创意的效果。 作者：王廷强 赵枫 影视后期论文:影视后期制作对影视作品的应用 【摘要】影视作品的后期制作包括镜头剪辑、特效合成、声音剪辑，经过这些步骤，能够使得前期拍摄的影视素材完美衔接在一起，组成一个丰富饱满、情节紧凑的作品。应用影视后期制作技术，技术人员能够对影视画面进行处理，营造良好的影视氛围，再通过影视特效的加入，尽量还原故事场景，塑造一些无法拍摄出来的虚拟场景，为观众献上一场视觉盛宴。 【关键词】影视后期制作；影视作品；应用 一、影视后期制作流程 （一）镜头剪辑。影视作品的拍摄方式为分镜头角本拍摄，在后期需要通过镜头剪辑，将这些破碎的分镜头组合排列在一起，将所有影视素材连接起来，组成一个剧情连贯、场景衔接良好的作品。良好的镜头剪辑能够营造出符合作品主旨的氛围，是整个影视作品艺术审美的体现。镜头剪辑考验后期制作人员对于影视作品的理解，以及对于镜头表达能力的诠释。一部好的影视作品，能够在有限的时间内完整地传达出所有的信息，并且采用留白的艺术表达形式，让观众发挥想象，为作品增色添彩。（二）特效合成。目前，以3D电影为代表的高科技影视作品在市场上广泛流传，受到消费者的青睐。这些科幻、动画作品就是后期制作技术发展的产物。特效合成就是利用现代化计算机技术，合成现实拍摄无法完成的影像的方式。比如说《变形金刚》系列作品，就应用特效合成了主人公形象——变形金刚，赋予了主人公与人一样的神态和感情，同时又还原了变形金刚拥有的神奇变形技能和格斗能力，将一些只存在与人们想象中的景象甚至人物还原了出来。（三）声音剪辑。声音是影视作品中的一个重要构成要素，在进行后期制作时，需要对画面进行剪辑，同时还需要对声音进行处理，比如说配音、配乐等。影视作品的配音有两种形式，一种是同期录音，在后期进行声音剪辑时，要根据画面的剪切进行声音的剪辑，确保配音的完整性，能够与故事情节、画面相契合；另一种是后期配音，这样的配音形式对于声音剪辑的需求不大，因为一般是配音演员根据剪切好的画面按照台词配音，在后期只要对音量等进行简单调节即可。好的影视作品，其配乐往往也是比较精彩的，能够与故事主题契合，起到渲染氛围、辅助创设情境的作用。 二、影视后期制作在影视作品中的应用价值 （一）对影视画面进行处理。前期拍摄的画面，还需要通过后期制作对其进行整体加工，对色彩饱和度、亮度、对比度等进行细微调整，以保证最契合主题的画面效果，带给观众震撼感动的感官体验。影视画面的明暗对于呈现场景的氛围具有重要作用，一般情况下，在悬疑片中会采用较为暗沉的色调，比如说《恐怖游轮》中大部分在邮轮内的场景，其色调都是较暗的；而一些明亮的暖色调通常都会用于爱情片、喜剧片中，比如说韩国影片《喜欢你》及英国影片《赤足》，整体色调轻松明快，营造出浪漫而愉悦的氛围。（二）影视特效的加入。现在的一些大制作影片，都利用了高新科技做出逼真的影视特效，尤其是在一些科幻电影和仙侠电视剧中，最近大热的一些国产IP电视剧《花千骨》《诛仙》《择天记》等，这些剧中主人公飞檐走壁、御剑凌空，其实都是依靠后期，需要加入影视特效才能够呈现出这样的场景。后期制作技术的发展，对于国产电视剧的发展具有较大的推动作用。中国是一个具有武侠、仙侠情节的国家，特效合成技术的落后，制约了这些文字作品的影视化。当年大热的电视剧《西游记》，就应用了一定的特效合成技术，虽然相对落后，但可谓是中国仙侠剧的开山鼻祖。（三）影视场景的塑造。有些影视场景是无法呈现出来的，比如说行星撞地球，而有些场景，其拍摄成本比较高，比如说《泰坦尼克号》中游轮沉入海底，为了尽量还原出剧情中的真实场景，同时降低拍摄成本，影视制作者通常会通过后期制作来完成上述场景。在拍摄时，先用虚拟场景，再通过后期的特效合成，与剪辑组合，将一些震撼性的场景还原出来，这样一来，不仅能使整部作品的情节连接紧密，而且能够有效提高作品的技术含量与创作质量。 三、结语 目前，影视作品创作市场竞争激烈，并不是所有的作品都能够得到观众的青睐，创下收视新高。通过影视后期制作，能够让整部作品变得更加完整，情节衔接变得更为紧凑，对于提高影视作品质量具有积极作用。如今，一些大制作电影都喜欢通过特效合成及影视场景塑造来创造震撼人心的画面，而事实也证明了影视后期制作的价值，比如说《速度与激情7》轿车飞跃楼层的场景，在震撼观众心灵的同时，也满足了观众的猎奇心理。 作者：宋超 单位：河北传媒学院 影视后期论文:计算机多媒体技术对影视后期制作的应用 摘要：随着数据时代的快速发展，计算机多媒体技术不断地融入各行各业，其中，影视制作尤其需要运用到大量的多媒体技术，来对影像作品进行修饰。文章简要阐明了影视后期制作过程中存在的不足，并针对多媒体技术在后期制作中的应用作简要探讨。 关键词：多媒体；影视后期制作；应用 引言 计算机多媒体技术在影视后期制作中的应用普及，对影视后期制作人员的综合素质要求越来越高，影视行业需要高素质的后期制作团队，来为更多经典的影视作品服务。如今全球的影视力量越来越雄厚，不同国家的文化底蕴也给大家带来风格各异的影视作品，但影视后期制作中的编辑流程和特效审美是大同小异的。 1老式影视后期制作的缺点 在原来还不具备数字电影摄影机时，人们都是采用磁带进行录制的，采用线性编辑，编辑人员必须对相关镜头的组接做出准确的判断，在编辑之前就要对影片的前后顺序做好构思，一旦编辑完成之后，镜头的组接顺序就不能轻易改变了，后期也不便于修改。由于编辑人员个人水平参差不齐，不能过分地依赖剪辑人员，可能会造成影片镜头衔接不顺畅，如果造成实在无法挽回的剪辑失误，不但要把影片相关人员（服装、化妆、道具）召回重新进行拍摄，还必须承担额外的拍摄成本，耗费了大量的人力物力。 2多媒体技术在21世纪影视后期制作中的应用 2.1多媒体技术的作用 计算机多媒体技术越来越多地被运用到影视后期制作中，其中又涉及许多软件与硬件之间的配合使用，正好弥补了传统影视的缺点。2.1.1保证了影视节目质量数字电影机不断发展，和传统磁带摄影机相比，画质有了很大提升，从原来720P到如今4K，6K分辨率［1］。更为便捷的画面存储方式，以SD，CF卡为代表的存储介质，更方便快捷的、读写拍摄的镜头画面，由于数字信号有较强的抗干扰能力，使得影片画面在传输过程中更稳定。2.1.2提高了影视作品制作效率和以前线性编辑方式不同，如今广大后期制作人员普遍都使用了非线性编辑软件来制作影片。如果制作人员有备份的剪辑文件，就再也不用担心剪辑发生错误。制作人员可以随意替换到之前保存的剪辑状态，可以很容易地进行修改，还可以整体预览剪辑好的影片片段。2.1.3更丰富的制作技术支持，强化了影视作品的表现力值得一提的是如今各类大片容易见到的“抠像”技术，随着人们对影视作品的要求越来越高，复刻真实的生活画面已满足不了观众的审美。借助于3D视觉后期特效的成功运用，越来越多的摄制团队热衷于室内“绿幕”拍摄［2］。2.1.4降低了制作的成本如今主流的影视后期制作采用的是非线性编辑模式，这一方式的出现大大降低了制作的成本，很好地控制了制作过程的准确度。从原来多台设备才能完成制作完善到如今一台电脑就能统筹所有。在计算机安装专业的编辑和特效制作软件后，能体验功能完善的编辑过程，完成特效合成处理。 2.2计算机多媒体技术对影视制作带来的改变 2.2.1后期特效制作的改变依赖于计算机多媒体技术的飞速发展，后期特效功能越来越强大，制作人员可以通过在指定的一个场景建完模型、动画、材质贴图等全套工作，还能对光线强度、形态进行设定，利于这些技术来完成影视作品的特殊效果，并最终获得更生动、形象的三维动画［3］。更关键的是，计算机多媒体技术可以创造出许多现实生活中不存在的场景或者人物，可以将无法拍摄的场景和真实的人物恰到好处地融合在一起，使观众体验到日常无法想象的真实感。2.2.2后期剪辑的改变计算机多媒体技术对影视作品的后期剪辑有很大的影响，它能够使影视编辑与剪辑变得更加方便高效。在制作软件中可以随意调动每个画面的时长以及镜头组表达的前后逻辑性，可按照要求添加画面转场，对单个或多个画面进行调色处理，更贴切地表达画面语音，使观众有身临其境的感觉。此外，在音乐制作方面，计算机多媒体技术也可以对音乐进行特效处理，来达到人们所需要的效果。 2.3计算机多媒体针对影视后期制作的提升 2.3.1计算机整体硬件配置的提升近年来，虽然为了达到影视后期制作特效与剪辑完成度而对计算机配套硬件性能做了很大改良，但是却始终无法满足创作人员的工作需求。例如在影视后期3D场景特效制作中，三维软件已经提供了4个默认的摄像机位，分为顶视图、正视图、侧视图和透视图。而每个面都要做不同的处理，才能符合逻辑思维。不仅要考虑空间存在感，还要兼顾光源的衰减、环境雾、景深等效果。通过渲染数以万计的图像，最终才能得到想要的画面，这就需要对计算机硬件有一个较大的提升。2.3.2影视制作配套软件的提升伴随着多媒体硬件性能的提升，致力于影视后期制作的特效软件也有了长足的发展。软件自身功能的不断完善，其协作性和开放性也不断提升。原来软件不兼容的问题得到了很好的解决。随之越来越多的插件并入，使新版本软件具有更高的集成化。一套完整的软件制作包也是影视后期制作未来的发展趋势，为制作人员带来更丰富的效果处理选择，更利于创作出观众喜爱的影视作品。 2.4具体应用举例 2.4.1绘制图像与视频绘制图像在影视专业有一个专业的名字叫作数字绘景。数字绘景是影视行业发展下的产物，它是因为在影视拍摄过程中，很多实景无法满足导演、剧情的需要，但是又为了不影响影视的表达效果，或者能够达到导演理想中的场景，从而形成了数字绘景。现在都是通过电脑数码来绘制数字绘景。数字绘景既可以用来对已有场景进行扩充，也可以用来创建一个完整的场景，同时还为导演和剧组节约不少搭建场地的费用。2.4.2跟踪动态影像影视作品为了表达某种特定效果时，制作人员会遇到要求某一特效素材层始终跟随另外一个素材中的指定画面内容进行空间、角度和比例上的变换，这时就要采用“跟踪”特效的合成方法来解决问题了。例如好莱坞电影中电影拍摄基础提到的汽车摄影，利用动态跟踪影像技术，可以达到拍摄两台车辆之间的相对静止。 3我国影视后期制作发展方向 和全球知名影视制作团队相比，我国目前影视制作行业存在一定的差距。影视后期制作作为一个新型的专业，其发展必须要与国际接轨，建设具有中国特色的影视后期制作行业也是在不断摸索中前进的。欧美、日韩的制作方法不能全部生搬硬套，必须进一步加强对计算机多媒体技术的改良，开创一条符合自身国情的影视后期制作之路。 3.1提升影视后期制作综合能力 虽然我国影视作品内容较为丰富，但就影视后期制作水平来说，其技术和外国顶尖后期制作团队还有很大差距。国内影视作品中对特效的运用普遍较少。因此，必须重点培养一批优秀且艺术价值观高的人才，提高我国影视后期制作的综合水平，并配备国际先进的后期制作设备和相关软件。 3.2正确认识后期制作应用方向 一般情况下，一部影视作品离不开画面和声音，由声音和画面共同作用来表达作者传达给观众的思想。虽然数字技术可不断提升影视作品的表现力，来达到更加完美的表达效果，但是数字技术却不能替代人的思想与感情。观摩众多好莱坞的影视作品，我们可以知道，想要拍摄出好的影视作品，并不仅仅是后期特效做得多么逼真和震撼，最重要的还是特效技术和叙事主题的完美融合，只有将后期制作技术与拍摄内容无缝对接，才会使影视作品的主题更加鲜活。 3.3开拓后期制作新道路 从目前我国影视作品暴露的问题来看，很多影视作品不仅仅是缺少摄制的经费和先进的后期特效技术，更缺乏丰富的想象力与创造力。要想我国的影视作品更上一个新的台阶，还需要影视行业不断探索，结合我国的实际情况，探索出一条符合我国影视行业发展的数字化道路。 4结语 综上所述，在竞争如此激烈的今天，计算机多媒体技术正如一股清泉，解决了影视后期制作的燃眉之急，为影视行业带来更广阔的发展空间。但我们不能仅仅满足于现状，还需更清晰地找出更多的可运用空间，弥补其中的不足，以此获得更适合自己的应用效果，共同推动我国影视行业健康持续地向前发展。 作者：钱力航 单位：安徽职业技术学院 影视后期论文:计算机多媒体技术影视后期制作研究 【摘要】计算机多媒体技术，多用于影视后期制作，其可以为影片带来特殊的视觉效果。本文针对计算机多媒体技术下的影视后期制作进行研究，论述了计算机多媒体技术下影视后期制作的范围，计算机多媒体技术下影视后期制作面对的问题。我国的计算机多媒体技术相对落后，对于影视的后期处理，多采用于国外的技术，导致我国对于计算机多媒体技术，自主研发意识不强，计算机多媒体技术无法从根本上提高。 【关键词】计算机；多媒体技术；制作；影视 前言： 影视行业的发展，推动着中国经济的发展，随着中国影视也的快速发展，对于影片的后期制作要求，也越来越高。计算机多媒体技术对于影视后期制作，起到十分重要的作用。计算机技术对于视频图像的处理，为影视后期制作带来便利，减少人工成本，节省财力，提高影片效果。计算机多媒体技术，对于影片的场景，人物形象进行加工，进行特效渲染，制造出科技玄幻的场景。计算机多媒体技术对于视频图像的处理，是计算机科学重要组成部分，它的出现为影视行业做出巨大贡献。 一、计算机多媒体技术下影视后期制作的范围 1.1计算机多媒体技术对于视频图像的处理 计算机多媒体技术是多媒体编码、多媒体采集技术、编辑技术的组成体，其可以提高作品的画面感，提升作品的质量，带给观众更加炫酷的效果。计算机视频图像处理技术，是计算机多媒体对影视作品，进行后期的加工处理，对影片进行剪辑，对环境、画面进行特殊处理，添加各种特效的技术。视频图像处理技术，加快影视后期制作的速度，为影视后期制作带来便利，减少人工成本，节省财力，提高影片效果。视频图像后期制作，为小成本电影提供机会，促进独立电影的发展。计算机多媒体技术对于视频图像的处理，是计算机科学重要组成部分，它的出现为影视行业做出巨大贡献[1]。 1.2计算机多媒体技术对于动态影像的加工 动态影像加工对电影行业的进步，具有重大意义。在计算机技术未被应用之前，影视后期制作技术落后，操作手法受限，影视作品仅靠简单的剪辑与拼接进行后续处理。计算机媒体技术的动态影像加工，可以为影视作品添加特效，进行人物动态处理，添加柔和的光影，设计气势磅礴的场景。动态影像加工多用于玄幻、科幻类影片，此类影片需要展现出玄幻科技的场景，是现实环境中没有的，而动态影像处理技术，正好可以构建影片所需的环境，整体提高了影响效果。优质的动态影像处理，能够造就一部出色的电影，影片中美轮美奂的场景，人物的特技，都是动态影像处理完成的。计算机多媒体技术动态影像加工，为电影业带来便捷，为影片添加更真实的玄幻效果[2]。 二、计算机多媒体技术的影视后期制作面对的问题 2.1计算机多媒体技术水平落后 电影行业是我国经济发展的重点行业，国家给与大力支持。虽然我国在影视后期制作上取的一些成绩，但是与国外技术相比，我国扔处于落后阶段。我国的影视行业，后期制作技术水平落后，影片的制作效果、场景描绘，很大程度上不逼真，效果生硬。影片的处理手段劣质，明显存在处理痕迹，与美国的影片相比，3D效果、场景设置、人物特技，都存在较大差别。国外的计算机多媒体技术，在影片处理上十分自然，与实际场景融为一体，带给观众良好的观影感受。对于我国计算机多媒体技术水平低的问题，应该根据自身特点，吸取国外的技术，进行自主研发，从而提高计算机多媒体技术水平[3]。 2.2制作速度慢抄袭率高 基于我国的计算机多媒体水平落后，影片的后期制作，多采用国外的技术进行处理。虽然采用国外的技术，但仍与原创技术有所差别，经常模仿国外技术，导致国内对计算机技术缺乏自主研发意识，使得我国在计算机领域技术薄弱。在发达国家，具有专门的团队与充足的资金，进行计算机多媒体研发。其后期影视制作具有较大的规模，展现出丰富多彩的视觉效果。我国的影视后期制作中，技术水平落后，资金存在不足，导致制作速度较慢，制作规模较小。制作速度慢抄袭率高，是我国影视后期制作的基本特点。 三、结论 综上所述，本文通过对计算机多媒体技术下影视后期制作的范围，计算机多媒体技术下影视后期制作面对问题的论述，表明了计算机多媒体技术对于影视行业的重要性。现今我国的计算机多媒体技术比较落后，我国应该大力开展计算机技术自主研发，提高我国计算机科学技术，为影视行业的发展提供便利。 作者：杨桂娟 单位：内蒙古电子信息职业技术学院 影视后期论文:数字影视后期编辑与特效合成制作探索 摘要：对于数字影视而言，其后期编辑与特效合成都离不开计算机技术的支持。目前，我国在这一领域的研究越来越成熟，使得影视作品的后期制作与特效合成拥有无限的可能。本文在对数字影视后期编辑进行分析的基础上，提出特效合成技术，希望对今后的数字影视后期编辑与制作有一定借鉴意义。 关键词：数字影视；后期编辑；特效合成 从20世纪60年代开始，影视作品就将新颖的计算机技术运用到后期制作中，以此来加强画面感。从这一个时代开始，影视业就进入了全新的发展阶段，而数字影视后期的编辑与制作将计算机技术运用得越来越纯熟，使得图形处理更加美轮美奂。例如，科幻电影就可以通过后期制作展现现实生活中无法实现的场景以及音效，这也是现代电影最吸引观众的一点。所以，本文就数字影视后期编辑与特效合成制作进行了具体的分析。 一般来说，制作影视作品包含三方面的工作：前期准备、实际拍摄以及后期制作。前期准备主要是策略与准备，实际拍摄则是利用摄像机或者摄影机来记录画面，后期制作则是整理记录的画面信息与声音信息，然后根据规划和情节的实际要求来制作特效镜头，并且按照一定的逻辑来整合并剪辑所有的素材，最后完成影视作品。传统的剪辑，也就是纯手工的剪辑。传统的剪辑，人们都要先冲洗拍摄阶段的拍摄底片，然后制作成工作样片，最后再剪辑工作样片。具体来说，也就是在剪辑样片之前，剪辑师需要挑选出符合要求的镜头，然后根据胶片剪开的先后顺序，使用胶水将其粘在一起，然后在剪辑台上观看其组合的效果。可以看出，原本的影视后期剪辑属于非线性的方式，但是这一种剪辑无法制作特殊的场景，如无法实现两个镜头之间的叠画制作，并且画面的颜色也很难调整，这样的纯手工后期剪辑会消耗大量的人力和时间。［1］另外，人们还可以通过编辑机来完成影视编辑。对于编辑机而言，放像机和录像机是主要的构件，编制人员通过放像机就可以选择出合适的素材，然后记录到录像机磁带上，进而循环往复。如果编辑机的配置达到一定的要求，也可以完成特效制作，如制作叠化和划像、调整画面色彩等，这就是编辑机比人工先进的地方。但是在磁带中画面的排序是一定的，无法随意添加或者删减镜头，除非重新记录修改点之后的所有画面，所以这一种编辑方式也可以将其称之为线性编辑。对于数字影视后期编辑，主要是通过计算机来完成影视作品的剪辑。基于计算机技术的影视编辑属于非线性编辑，主要是根据具体的要求，对于已经排列好的镜头进行添加和删减的操作，确保能够满足特效镜头的高质量要求。如果进一步拓展软硬件，还可以完成更为复杂的特效制作的任务。利用计算机技术来实现数字影视后期动画与特效的编辑，就是利用数字合成技术来组合素材，进而呈现出完整的影视节目。［2］对于影视业而言，后期的数字影视编辑是一大进步，不但可以减轻人们的工作负担，同时又能提升工作效率。 二、数字影视后期特效合成制作技术 数字影视的后期特效合成制作，主要是利用计算机本身的图像处理技术（在数字合成的时候，就需要硬件与软件的配合使用，一般来说，常用的软件包含AdobePremiere、Paint、AfterEffect等，并且随着软件功能越来越强大，几乎可以满足人们任何的特效镜头的要求［3］），然后将一些无法利用拍摄来呈现的场面添加到影视作品之中，如影视作品中出现的火山喷发、大爆炸或者洪水等，都可以通过特效制作完成；另外，也有部分利用摄像机无法拍摄的，但又是影视作品需要的画面，如八大行星的转动、日食等画面，都是利用后期的特效制作完成的。当然，通过特效处理，也可以让我们的拍摄环境变得更加简单，为已经完成拍摄的画面添彩。例如，前一段时间热播的影视剧《花千骨》当中就有很多御剑飞行的画面（如图1），其拍摄都是在绿色幕布的环境下完成的，然后在后期增加特效，而观众看到的就是经过特效制作之后呈现出来的画面。当然，利用后期特效处理，也可以将原本不属于同一个空间的场景组合起来。例如，电视剧中，男主角和女主角都分别在自己家里，但是从电视画面中看，似乎两个人就只隔了一堵墙。但是我们需要注意，这里所使用的特效并非是画面的简单拼接，而是在播放之前，需要单独处理每一个画面，然后再将其合并。随着3D技术的日益成熟，其被广泛地应用到了影视作品的后期特效合成制作当中。例如，《阿凡达》在拍摄过程中就是利用的3D摄像系统，给观众呈现了一场视觉盛宴。利用数字影视作品后期的特效制作，就可以让整个作品呈现出层次感和饱满感，甚至可以让观众产生一种身临其境的感觉。 三、结语 现阶段，数字影视后期制作与特效合成已拥有一定的规模与体系，并且其发展速度也越来越快，对于今后影视业的发展起到了巨大的推动作用。当然，配合使用国外的先进技术，也可以进一步完善我国的后期制作与特效合成方法。 作者：陈凤启 单位：北京信息职业技术学院 影视后期论文:影视后期制作在影视作品的应用 摘要：随着社会的发展，人们的物质需求基本得到了满足，但在社会文化需求方面提出了新的要求。如今，影视作品越来越受到大众的喜爱，所以大家对电影的镜头和画面有了更高的要求，而这对于导演和剪辑师来说，也是一项巨大的挑战。本文从影视作品后期制作的概念出发，研究影视后期制作的具体方法，并通过分析指出电影后期制作中的特效制作技术，希望对实际的电影后期制作的发展有所启发。 关键词：影视制作；后期制作；应用分析 在电影的制作过程中，影视后期制作技术越来越重要，为了更加全面地了解影视后期制作技术，本文通过研究分析，从影视后期制作的概念出发，具体得出后期制作技术主要包括对拍摄画面的剪辑、对拍摄时产生的声音的剪辑以及针对特效的制作。在特效的制作方面主要表现为两种，即虚拟的场景制作和画面的共现制作，希望能够为观众带来更好的观影体验，为实际的电影制作带来启发。 一、影视后期制作的概念 影视后期制作，就是指利用在拍摄中得到的素材，运用现代的科学技术，主要通过三维动画和其他合成手段制作特殊镜头，通过把镜头剪辑到一起，并为影视作品加上声音，最终形成一部完整的影片。后期制作对于影视作品的意义十分重大，会产生重要的影响。一个完整的后期制作主要包括三个方面：对影视画面镜头的剪辑、对画面进行特效的制作、对镜头画面中声音的剪辑。 （一）镜头的剪辑 在影视作品的后期制作之中，镜头剪辑是最基础的部分。这个部分主要是通过对影视作品拍摄的镜头画面进行剪辑和重组，对影视作品中的镜头作出大概的排列。主要方式：是在电影或制作人的意见指导下，对影视作品中的镜头进行有计划的剪辑，然后进行重新排列组合，使之前杂乱无章或顺序错乱的镜头变为一个有条理、有顺序性、逻辑性的故事镜头。当然，剪辑方法是多种多样的，不止一种。［1］从另一个角度来说，一部影视作品的好坏和导演的思维方式有很大的关系，同时，和剪辑师的剪辑技术也有重要的关系。在具体的剪辑过程中，后期制作技术优秀与否也会影响影视作品的成品优劣。 （二）声音的剪辑 在影视作品的后期制作之中，针对声音的剪辑也是非常重要的一部分。声音剪辑主要是针对镜头画面中录取到的画面音和画外音进行处理，最终达到使声音服务于镜头画面的效果。声音剪辑的方法有很多，一方面，可以采取后期录音的方式，这是一种较为简便的方法，通过对已知镜头的了解，然后以按部就班的方法来录音，大大方便了剪辑师的工作。另一方面，可以针对在拍摄过程中收集到声音进行插入式的方法来使镜头画面和声音达到一致，这主要考验的是剪辑师的声音敏感度，因为这不仅要对画面的镜头有所掌握，还对声音的敏感度有较高的要求，同时还要注意到背景声音的添加等因素。［2］举个例子来说，在一个欢乐的场景之中，要注重对背景音乐的把握，剪辑师要选取比较欢快和充满积极的音乐添加到背景音乐之中，同时，还要注意对具体的画面音的把握，防止出现两者相冲突的情况。 （三）特效的合成 在影视作品的后期制作之中，针对特效的制作也是非常重要的一个部分。特效的发展有着悠久的历史，应用越来越广泛，其已经发展成为更为丰富和高端的技术制作。在具体的制作中，越来越多的出现3D技术。在各种的影视作品中，3D技术越来越多地被应用，其能在一定程度上丰富镜头的画面，提高观众的观看体验。特效的制作技术会为影视作品的发展提供动力。［3］ 二、影视后期制作的应用 在具体的影视后期制作之中，后期制作的技术为影视作品的画面表达提供了更为宽广的空间，同时丰富了影视画面的内容，为观众带来了更加丰富的观影体验。影视的后期制作能够为影视作品增添很多绚丽的画面内容，渲染背景，在具体的画面展现过程中，更能体现出影视作品的丰富和绚烂。尤其是对一些在实际拍摄过程中没有拍摄到的画面，可以通过具体的后期制作来进行补充。例如，在拍摄场景不允许的情况下想要达到雪花飞舞的效果，可以通过后期制作来实现，防止出现画面空洞的情况。随着各种技术的发展，在影视作品的制作中，会出现越来越多的后期制作的痕迹，后期制作的趋势越来越明显，所应用的范围也越来越广。［4］比如在针对大型建筑的拍摄中，会出现难以拍摄的情况，但应用后期制作就能够满足这一需求，同时丰富镜头画面。另外，后期制作也能够实现百花齐放的画面效果，给观众带来一种新奇和赏心悦目的感官体验。在影视作品的后期制作中，特效制作是影视制作的优秀内容，特效应用主要体现在两个方面，即虚拟拍摄的画面和画面的同时出现。 （一）虚拟拍摄对象 在实际拍摄过程中，会遇到在实际的场景中难以取景的情况。所以这个时候，应用后期制作中的特效制作就显得尤为重要。目前也只有利用后期的特效制作才能够完成这一任务。比如在电影《金刚》中，影片采用了动画、模型、幕布技术等多种手段的完美结合，为观众呈现了金刚行走在原始森林、攀爬到帝国大厦顶端的奇幻场景，这部电影所展现的神奇场景令观众震撼。《金刚》中运用了定格动画和幕布技术的拍摄技巧，即使是到了90年代依然被电影人所借鉴，足见其影响力之深远，可谓开创了一代特效电影之先河。还有在《星球大战》中的特效应用也十分广泛，如给西斯大帝领导的帝国军队披上纳粹的外衣，影片运用了微缩模型拍摄、幕布技巧、特效化妆、给人穿上机器外壳等特效，使传统手段和现代化科技相结合，最终耗资1100万美金将影片制作完成。 （二）画面的共现 在针对影视作品的拍摄场景之中，有的场面不可能在短时间内进行拍摄，但又必须在影视作品中展示这个画面，所以，这个时候就必须应用后期制作技术来完成。比如在电影《ET》中的外星人，小主人公能正常拍摄，但是外星人ET必须通过后期制作来实现，最后，主人公与外星人ET在同一画面中的效果也需要后期制作来完成。［5］而在夺得了票房冠军的《捉妖记》中的萌娃胡巴，在前期无法进行拍摄，就是应用后期制作技术使剧中人物同时出现的。所以，后期制作中的画面共现是一种不可缺少的制作技术。 三、结语 通过上文的研究和分析能够看得出，在影视作品中后期制作有多么重要，对作品呈现的视觉效果影响深远。在电影的后期制作中，主要考验的就是剪辑师的技术和导演的思维方式，因为后期制作技术主要包括对拍摄画面的剪辑、对拍摄时产生的声音的剪辑以及针对特效的制作。特效制作主要表现在两个方面，即虚拟的场景制作和画面的共现制作。只有在全面了解后期制作技术的基础上，才能让影视作品的研究登上一个新台阶。 作者：李景娴 单位：四川省卫生和计划生育宣传教育中心 影视后期论文:影视后期制作在影视艺术的运用 摘要：自21世纪以来，计算机技术高速进步和发展，对于影视作品的制作也起到了十分重要的影响，大大改变了传统的影视制作方法，进一步改善了影视作品的质量。由于现在的影视作品中有许多视觉特效的画面是演员无法完成的，这就需要通过影视后期制作来完善。影视后期制作不仅可以使影片满足观众高标准的视觉要求，同时也大大节省了影视拍摄成本和时间，对提升影视作品的经济效益大有帮助。 关键词：影视后期制作；视觉效果；经济效益 一、引言 在早些年间，影视作品中很少应用影视后期制作技术，但近几年信息技术的快速进步，其对影视作品的影响也越来越大，它在影视作品中的应用大大提高了作品的表达效果。目前，随着我国经济的进步和发展，影视作品的市场需求量不断扩大，影视后期制作有良好的发展前景。 二、什么是影视后期制作 影视后期制作，是指通过计算机技术将已经拍摄好的影视资料进行特效加工和剪辑处理后，做成一段完整影视作品的技术方式。一般情况下，影视后期制作分别由特效合成、镜头剪辑和声音剪辑三个方面组成。 （一）特效合成 特效合成在影视后期制作中是必不可少的。传统的特效合成技术仅仅是镜头的转换等，近几年由于计算机技术的提升，特效合成技术也随之提高，合成效果更加优质，这对提升影视作品的水平大有裨益。 （二）镜头剪辑 影视作品的拍摄完成后，一般都是一段一段的镜头，没有连贯性，我们需要通过镜头剪辑将每一个拍摄的片段连接起来，使其成为一个完整的影视作品。由此看来，影视后期制作中的镜头剪辑对影视作品的水平有着直接影响。 （三）声音剪辑 影视后期制作的过程中，由于拍摄镜头均是片段式的，所以在最终形成电影作品后也需要重新加工剪辑声音，尤其要注意的是声音的前后连接是否流畅以及声音与电影场景是否匹配等。其中，有部分镜头可能会有加入声音特效的需要，以使电影情节更加完善。 三、影视后期制作在影视艺术中的运用 影视后期制作的历史也是比较悠久的，在早期的一些影视作品中也存在一些影视特效等，虽然在现在看来其画面相对比较粗糙，但就当时的技术水平而言，已经足以很好地展现影视作品了。在影视拍摄的过程中，由于条件限制等因素，一些场景无法完成预期的拍摄，通过后期制作可以弥补拍摄中的不足，对已经拍摄好的画面也可以进行进一步加工，使其视觉效果更加突出，画面质量和画面效果都能变得更加优质。 （一）完善影视画面 对影视作品的画面进行调色或者调光等，使得画面达到最佳效果，使得影视作品的场景和人物更加深入人心，更容易将影视作品的观赏者带到影视作品中去，这对提升影视作品的表现力大有帮助。 （二）影视特效融入影视作品 由于电影题材不同，其需要的场景也各不相同。例如，在一些虚拟科幻电影中许多画面是不符合实际情况的，这就需要影视特效来完成。还有一些动作电影里的打斗场面也需要在拍摄之后加入特效，使得画面更加精彩，使作品更加有表现力和感染力。 （三）完善影视场景 在现实中一些影视作品中的场景可能很难实现，所以我们就要通过影视后期制作来完善场景的塑造。例如，在经典影视作品《泰坦尼克号》中有一幕沉船的场景。如果要真实地再现这一场景需要耗费大量的人力、物力并且要实现这一场景的成本实在太高，所以导演就通过特效处理将特效镜头及后期处理共同结合拍摄这一场景，完美展现了当时惊心动魄的画面，满足了观众的视觉需求，同时还大大节约了拍摄成本，对提高影视作品的经济收益起到了重要作用。 四、影视后期制作在影视作品应用过程中的注意事项 （一）确保影片构成严谨合理 在影视作品拍摄完成之后还需要修改和调整影片结构，由于拍摄的影视资料比较多，所以在后期制作过程中要对所有资料进行总结，提炼出严谨合理的故事情节，确保影片结构及人物的完整性及故事的连贯性。 （二）保证影片的连贯流畅 影视作品初期是由一个个镜头组成的，所以在后期制作中要尤其注意各个镜头的衔接是否合理流畅，尤其是动作电影对于流畅的动作画面有着更高的要求。只有影片连贯合理才能符合大众的思维逻辑方式，才能得到观众的认可。 （三）在恰当的时机插入背景音乐 影视作品不能缺少背景音乐，然而插入背景音乐也要根据故事发生的背景选择恰当的时机。只有把握好背景音乐插入的时间，才能将电影画面和背景音乐更好地结合在一起，使得电影情节更加具有感染力。五、结语近几年，我国经济持续健康发展，人们对影视作品的需求也随之增加。这就对当今的影视行业提出了更高的要求。随着计算机技术的不断更新发展，我国的影视作品质量也会不断提升，这将极大地带动影视行业的发展。 作者：郭励 单位：河南电视台 影视后期论文:数字技术对影视广告后期制作的运用 摘要：随着现代信息技术的蓬勃发展，数字技术也取得了长足的进步，并且应用到诸多的社会生产生活领域。依靠着数字技术传输速度快、存储方便、编辑功能强大等优势，将之应用在影视媒体领域，不仅能够实现艺术表现形式的优化创新，而且能够提高观众的艺术审美效果。文章就数字技术在影视广告后期制作中的有效运用进行深入的分析探讨，以期能够为相关读者提供应用参考。 关键词：数字技术；影视广告；后期制作；应用探究 作为影视艺术的一种特殊艺术表现形式，影视广告在延续传统影视艺术的同时也显示出自身的艺术魅力。在计算机技术不断发展的时代，影视广告制作也实现了传统制作方式的革新，从以前的线性编辑逐渐发展成了数字化制作，特别是在影视广告后期制作中，采用数字化技术能够有效地增加整个影视艺术的艺术效果，最大限度的满足观众的审美体验，而且对于影视广告制作来讲也是紧跟时展步伐的必然之举。 1关键概念 1.1数字技术 数字技术是一种借助计算机技术对各种信息数据包括图像、文字、声音等进行加工处理进而实现信息转换，以使计算机能够识别转换后的二进制编码的现代科学技术。具有存储容易、精度高、抗干扰能力强、保密性好、适用性强的技术优点。在关系国民经济的诸多领域及行业，数字技术的应用都越来越广泛[1]。 1.2影视广告及后期制作 影视广告是一种覆盖面极广、宣传效果极佳的广告传播方式，包括视觉要素和听觉要素两部分，通常指电影和电视广告影片。通过多种多样的表现形式实现广告的有效宣传，广泛用于企业形象的宣传和企业产品的推广，基于良好的宣传效应和艺术感染力强、信息传递容量大、形式新颖等诸多优点，其具有极为广泛的社会接受度，为企业形象宣传和产品推广产生了十分积极的影响。在制作流程上主要包括：前期制作、线性编辑以及后期制作[2]。作为影视广告制作的重要组成部分和成型的关键，后期制作扮演着非常重要的角色，主要就是通过将前期拍摄搜集的影视素材依据创作需要进行特技镜头的剪辑和其他数据的信息合成，从而形成完整的影视广告作品。 非线性编辑相对传统的线性编辑而言的，优秀理念是通过计算机技术实现数字化制作。将所有的制作程序都置于计算机系统内部进行作业，实现各种素材调用的瞬间实现，打破传统编辑的时间顺序，依据各种逻辑序列进行排列编辑，具有简便快捷、制作效果好的优势。在影视广告后期制作中运用非线性编辑技术十分必要。 2数字技术对影视广告后期制作的影响 随着信息技术的发展完善和人们审美能力的提高，对于影视艺术提出了更高的要求，而影视广告作为企业形象宣传和产品推广的平台就更加需要实现贴近观众实际的模式创新。在影视广告后期制作中引入数字技术能够让编辑技术人员基于多维度编辑进行影视素材的艺术加工和优化，在减少了技术人员工作量的基础上有效增加影视广告作品的艺术魅力，从而保证作品的艺术感染力和号召力，更好地实现影视广告的社会效益[3]。由于传统的影视广告后期制作常采用线性编辑进行影视素材的美化修饰，艺术效果通常达不到要求，而且有时需要花费巨大的精力和物力去进行作品完善，采用数字化技术，利用线性编辑系统进行影视素材的艺术加工和处理，能够有效提高工作效率和作品的艺术效果。而且借助数字化技术常常能够产生常规制作方式达不到的影视镜头创作，实现影视广告的内容和形式的创新，提升作品完整度和艺术表现力[4]。 2.1数字技术在影视广告后期制作中的应用分析 影视广告需要在短时间内快速地传达出大量的视听信息，而且要能够抓住观众的注意力实现良好的宣传效果，所以这就需要影视广告在后期制作上坚持“新奇特”的创作原则，数字技术的应用能够通过现代技术手段实现这一目标。 2.2数字技术在动画制作中的应用 动画制作是影视广告作品必不可少的部分，通常需要借助动画实现对艺术表现力的最大限度展示，力求给观众带来独特的视觉感受，利用数字技术进行画面效果的丰富是最有效的手段。通过Shake、Motions等技术软件对在前期拍摄制作过程中无法实现的动态影像进行三维或者是多维处理，用三维或者多维动画片段进行动态画面的模拟和表现。数字技术的出现极大地改变了动画制作模式，能够通过技术手段进行更多动态画面的表现。例如“脉动”饮料的广告制作，通过实拍和3D动画模拟实现良好的产品效果展示，达到了良好的产品宣传目的。动画制作是广告作品的一个基本组成部分，而且动画效果的好坏直接关系到广告内容的表现，因此，采用数字技术能够就影视广告作品的外在形式进行更加完美的优化处理[5]。 2.3数字技术在镜头组接中的应用 在制作影视广告作品时常常需要分步骤进行所需素材的拍摄，以达到最好的艺术表现效果，但是传统的线性编辑模式对此有巨大的局限。在完成前期拍摄和相关的影视素材积累的基础上，引入非线性编辑技术进行多个拍摄镜头与影视素材的拼接处理。根据广告作品的创作理念对一些镜头和素材进行非线性编辑的入点和出点设计，并将这些素材内容通过FinalCutPro音视频编辑软件进行某种逻辑序列的编排，之后根据时间顺序将各种不同的拍摄镜头和影视素材进行拼接组合，最后利用蒙太奇手法完成整个镜头和素材的组接，实现完整的广告内容的展示[6]。利用非线性编辑技术能够对镜头的拼接处理实现更加艺术化的处理，避免了传统的只以时间线性进行安排的生硬模式，使作品的表现力大大增加。例如，汽车巨头奥迪公司曾经拍摄了一组奥迪A1的广告，通过将各个机车零件的拍摄镜头进行意识流的拼接和组合，向观众传达出奥迪A1的唯美与舒适，最大限度地表现了产品的性能，能够紧紧抓住观众的想象思维，无形中提升消费者的购买需求。 2.4数字技术在特技制作中的应用 特效技术也是常见的影视广告制作技术，为了达到某种艺术表现效果，满足观众的视觉体验，但是基于实际拍摄镜头具有高昂的拍摄成本的限制，常常需要借助数字技术进行特效合成来进行这一问题的解决。通常来讲FinalCutPro等制作软件都自带有特效处理功能，能够实现淡入淡出、叠化、化变等各种转场特效的制作。此外也可以采用专门的后期特效处理软件进行特效处理，例如AfterEffects，通过在影片中增加三维或者多维技术实现特效表现。一般而言特效技术的运用都是利用抠像技术进行合成叠加，以模拟真实的场景，通过对各种抠像软件的综合运用，将需要处理的画面从前期拍摄的背景中分离出来，在此基础上利用合成、跟踪、三维等辅助软件对从背景中分离出来的画面进行拼接合成，并依据创作需要和作品内容进行特效的增加优化[7]。例如，华为集团在“华为P8”的广告设计上，就充分利用了特效技术，将品牌手机的独特的手机功能进行形象化的处理，让观众能够直接感受到手机的相关运行功能。此外“恒大冰泉”的广告设计也因为特效技术的加入使得产品迅速占领广大的纯净水消费市场。 2.5数字技术在声音、色彩处理中的应用 影视广告作品不仅需要动画图像，还需要声音，两者实现完美配合能够有效增加作品的表现力和感染力。通常依据广告的内容需要对画面的声音进行特殊的处理，以实现声音和画面的相匹配，实现观众良好的视听体验。采用数字化技术诸如Premiere软件等能够实现对声音的特殊处理，在这些设备中常常自带有声音采集、多路音频混合处理、添加声音等功能，往往能够实现对声音的快捷处理，同时也能够依据作品需要进行部分配音的增加和处理，保证画面和声音的同步匹配和内容表现的完美呈现。随着计算机技术的发展，各种声音处理软件被开发出来，并且应用到各种声音处理领域，例如CoolEditPro软件等[8]。对广告作品进行色彩调整是后期制作的一个画面优化环节，作为作品形式的外在表现，良好的色彩展示能够有效提高作品形式的艺术内涵，满足观众对色彩感受的生理要求。采用数字化技术色彩控制软件进行画面的各种滤镜效果的处理，并对换面的色彩色调进行合乎常理的调整，力求做到不仅满足观众的生理感受，而且要能够通过色彩进行内涵展示。一个良好的画面色彩常常能迅速地增加观众对其的注意力，是作品产生引人入胜的艺术效果和艺术境界，有效增加作品的影响力。例如，做关于“水”的广告，色彩基调就要以蓝色为主，而运动品牌的产品广告就应该以多色彩的融合为主以展现青春运动活力等等。 3结语 现代信息技术的不断发展完善，数字化技术的日渐成熟，使得更多行业领域运用这些高新科技成为可能。在影视广告后期制作中应用数字技术不仅能够大大提高技术工作人员的工作效率，而且能够最大限度地拓展作品的艺术魅力，有效提升作品的宣传效果和观众的审美体验。尽管在当前的影视广告后期制作中应用数字技术还面临许多技术难题和问题，但是我们也看到行业的技术人员正在进行积极的探索和创新，因此，笔者希望更多的专业人士能投入到该课题研究中，针对文中存在的不足，提出指正建议，为实现数字技术在影视广告后期制作中的有效运用作出重要的贡献。 作者：周俊平 单位：内蒙古乌兰察布职业学院 影视后期论文:数字视频技术AE对影视后期制作的运用 摘要：随着当下计算机技术的不断发展和创新，很多领域中开始运用数字技术，计算机技术对各个领域的影响也越来越深远，尤其是对影视后期制作过程产生了非常重要的影响。AE软件属于基础的图形视频处理软件，它的出现在很大程度上改变了传统的影视制作方法。文章先简单阐述影视的发展和数字视频技术AE，在此基础上分析数字视频技术AE在影视后期制作中的运用，希望能够为我国影视发展提供一定的帮助和参考。 关键词：影视；后期制作；AE软件 数字视频技术中蕴含了诸多软件，其中，AE软件是使用较为普遍的一种。AE是AdobeAfterEffects的简称，在众多软件中，其难度较为适中，且具有较多类型的特技效果插件，因此成为当下视频后期制作中运用得最为广泛的软件之一。AE是一款图形视频处理软件，由Adobe公司研制，属于层类型后期软件，适用于动画制作公司、多媒体工作室、电视台和个人后期制作工作室等单位的设计和视频特技制作。 一、影视后期制作中的数字视频技术和主要事项 近几年来，动画、影视制作、计算机游戏等领域逐渐运用视频后期制作技术。影视后期制作的专业性较强，其中最为重要的一项工作就是软件的运用。AE属于一种视频后期编辑和合成软件，具有较强的专业性，能够有效促进整个后期制作工作，相关剪辑人员可以运用这种软件更快、更精准地向观众展现各种特效和运动图像。作为视频设计和剪辑的重要软件，AE在网页、电视、电影和广告等后期制作过程中运用得非常广泛。如，将AE应用到影视广告的后期制作中，能够让影视广告相对于平面广告具有更多的优势，能够更容易让观众对广告产生兴趣，也能够较好地展现影视广告较为独特的效果和较为新颖的表现形式，还能够将广告商品的特点在最短的时间内展现出来。因此，将数字视频技术AE应用到影视广告后期制作中，能够让影视广告的呈现效果得到有效提升。 二、数字视频技术AE在影视后期制作中的运用 其一，AE在“层”中的运用。所谓的“层”，主要是指图像合成的组成部分，任何素材如果是通过合成图像窗口增加的，则都可以用作“层”。在项目窗口添加的素材中加入合成图像，从而让合成图像的素材层得以实现，是AE软件最为基础的工作形式之一。在时间布局窗口，可以借助拖动对“层”的出、入点进行直接切换。由于在时间布局窗口所显示的素材名都不一样，在多次进行拷贝之后，为了对各个“层”进行有效区分和更加方便使用，可以点击键盘上的确定按钮，输入新名字，再按确定按钮，这样在时间布局窗口就能够对“层”的叠加顺序进行拖动改变，同时也能够直接设置图层的尺寸大小。用这种方法可以实现素材剪辑工作。PS（Photoshop的简称）可以与AE结合使用。在AE中导入PS的分层文件，PS中制作好的特效及图层顺序将完整地被导入AE图层，使得技术和艺术更好地融合，为创作提供了更大的空间。其二，AE在动画制作中的运用。关键帧是借助计算机对视频进行设定而创建的。一般情况下，创作关键帧动画时，对“层”进行动画设置，只需要打开关键帧的记录开关，并将关键帧创建出来就可以完成。关键帧的设置主要有位置、旋转、不透明、轴心点一级比例设置四种方法，设置过程较为简单、快捷，可以使用快捷键加快制作的速度。此外，在具有方向性的移动上，AE软件具有更加突出的作用。如，在操作过程中如果选择自动定向，事物的运动就会逐渐沿着路径进行，动画制作者可以随时对路径进行修改。其三，AE在视频的预览和生成过程中的运用。在整个视频后期制作过程中，最为复杂的一项工作就是视频的预览和生成。在动画制作到达某个阶段的时候，可以运用视频预览观察效果，这样能够对视频中一些不足之处做到及时修改和完善，从而让视频呈现出最好的状态。一般可以同时按住0键和shift键，每隔一帧进行一次预览，这样能够降低内存，而且可以按住0键对内存进行预览，按住空格键就能结束预览状态。在保存项目文件时，依照渲染检查各个条目，将需要进行渲染的合成图像从项目窗口中拉入渲染窗口，设置缺省值，同时在log菜单中选出需要进行登记的类型，更改或重新设置缺省的输出模块，最后点击render键完成。只有充分认识和理解AE软件的作用，并在具体工作中灵活运用，才能充分发挥其作用，推动影视后期制作工作的开展。综上所述，数字视频技术的普及，能够很大程度地减少传统影视后期制作繁重的编辑工作量，而且能有效优化后期的编辑程序，在减少工作量的同时，大幅度提升特效特技的编辑技术和效率。因此，在影视后期工作中，AE的应用已逐渐成为影视后期制作的重要组成部分。随着AE软件技术越来越普及，其必定会为影视后期制作的长远发展作出重大贡献，对当今社会影视后期制作甚至更多领域的发展起到有效的推动作用。 作者：刘茸 白金鑫 影视后期论文:中职影视后期课程设计探究 第一，对作内容分析后，我们可以这样来分：影视后期行业的工作基本分为剪辑类和特效类两种类型。剪辑操作员要求具有选取素材形成完整意义的影片。特效操作员要求具有将剪辑出的画面按要求修改、完善、添加效果的能力。比如：半小时的时事新闻，就是从3小时左右的拍摄素材中经过粗剪、细剪得到的。当然，如果节目中需要出现马赛克、遮挡、变色等需求，特效操作员也能利用软件去实现。对岗位和部门的组织结构调查了解后，我们对影视后期涉及到的工作岗位、内容、技能要求一一进行了分析。由于技术发展快，公司人员有限，划分不会那么绝对，影视后期工作人员的工作往往还包括基本三维（Maya）、二维（Flash）的相关制作。“全能型”的操作人员还是比较受欢迎的。也就是说目前影视后期工作包括：三维动画制作、影视剪辑特效制作，二维动画制作、影视剪辑特效制作。 第二，通过行业企业调查，得到的是典型工作任务的框架和大致内容，经过分类整理基础材料，并通过实践研讨会，分析材料，对影视后期工作内容、专业知识、职业技能进行了详尽的分析讨论论，最终确定相关典型工作任务。以影视剪辑为例，职业行动领域（典型工作任务）描述如下：（影视剪辑）非线性编辑岗位在影视及动画制作工作过程中属于后期制作阶段，该岗位主要负责节目的粗、精剪、音频、动画演示、合成以及输出及光盘刻录制作。非线性编辑需要能够理解影视片拍摄制作整体流程并掌握一定制作及音乐音效字幕技术与特效；需要使用相关的非线性编辑软件及相关设备硬件，懂得相关音、视频标准及制式内容和知识。非线性编辑岗位主要完成的任务有：素材的导入与整理，制作字幕，音频调整，添加特效，视频输出。 第三，学习领域名称与典型工作任务名称基本是一致的，这是为了和实际工作相对应。学生在学习时知道的学习任务，和其以后在工作时需要完成的工作任务名称一致，有助于顺利实现从学生到工作人员的转换。通常情况下，工作与学习内容（简称学习内容）要说明工作对象是谁，具体工作要求是什么，是采用什么工具和工作方法，工作是如何组织展开的。 第五，学习情境设计包括：具体的学习任务是什么，教学的时间怎样安排，教学环境要求，具体教学环节设计：方法、过程等。学习情境设计包括内容较多，设计到教学的方方面面，是课程设计的重点，学习情境的“物质化”产品即课业。课业文本方案主要体现情境设计的内容，主要包括：课程的学习任务、学习目标、学习内容、与其他学习情境关系、教学条件、教学流程、教学评价等。基于工学结合的课程设计的课业文本不一定拘泥于某种格式，完全可以自己根据情况设定，把学习情境描述清楚即可。以下课业文本设计以影视后期课程“数字动画、键控、跟踪技术的应用”为例。1）工作情境描述：动画、键控、跟踪技术属于影视特效的高级应用，处理各种素材有一定的难度，需要在已经有过一定AE学习基础上去调整实现，去综合应用。2）学习任务描述：关键帧动画的制作；对象特效属性的动画制作；典型的键控类型及工具使用；跟踪操作；画面稳定应用；工作原理建模；跟踪工具应用实例；合成案例。3）学习目标描述：能对添加的特效制作关键帧动画；能知道数字键控的工作原理及前期准备的注意事项；能选择合适的工具，考虑使用键控工具处理前景素材；能根据素材辨别键控的工具并采用溢出等调整方法；能根据合成结果要求熟练进行跟踪操作，使用四点跟踪法实现指定图像跟踪；能对画面不稳定的素材进行稳定的基本操作；综合运用所学完成有关层的动画的应用实例；综合运用所学完成键控特技应用实例；综合运用所学完成音频特技应用实例；综合运用所学完成视频特技应用实例。4）学业评价描述：是否掌握了本任务基本知识？是否能在规定时间内完成本操作任务？完成本任务的质量；学习积极性、小组合作表现、认识能力水平。实践证明，只有基于工学结合的课程设计培养出的学生，才能在进入影视后期行业后站住脚，也真正实现了我们人才培养的目标。 作者：柯楠 单位：陕西银行学校 影视后期论文:影视后期制作在影视作品中的应用 1配音 配音全称声音配置，在影视后期制作中占有一席之地。影视作品的声音录制有两种，一种是传统的同期录音，还有一种是后期的配音。这两种配音方式是有所不同的。同期录音相对于后期配音，挑战较大，难度较大。同期录音在后期剪辑中必须考虑到故事情节完整、甚至台词的对白和声音的衔接。后期插入的特效声音必须与画面、与故事情节发展保持一致。如果在大婚场景里出现哀乐奏响，那就会引起播放事故了。那么，是不是采用后期配音就万事大吉了呢？答案是否定的。配音演员的选择也是很重要的。如果让一个声线粗犷的配音演员来为《红楼梦》中的林黛玉配音，会让观众产生强烈的不真实感，这部影片也就不会有机会闻名于世了。 2影视后期制作在影视作品中的应用 从电影业发展以来就有了影视的后期制作，自此后，多种多样的影视特效持续的出现在观众们的眼前。早年的电影作品由于科技水平的限制无法达到剧本效果。比如早期优秀影视作品《八仙过海》、《钟馗捉鬼》所呈现出的乘风破浪、神仙术法等特技都是经过后期修改的，对比今日的特技水平可以说是非常简陋。而当今科技的发展为后期制作提供了强有力的技术保障。许多的影视剧后期制作都能够用电脑制作出一些人的力量所无法达到的效果，特效是经常运用在以虚拟拍摄对象、画面共现和移动追踪动态影像为主的三类制作中。 2.1虚拟拍摄对象 艺术来源于生活但高于生活。作品中的人物形象确是他们自己想象中的现实中不存在的人物形象，在影视剧的拍摄中，人们有很多都无法用人的力量达到作品所呈现出的效果工作。那么此时，为了达到预期的效果就必须用后期制作来填补人力无法拍摄的空白。像：远古传说里的多种多样的神兽、妖魔鬼怪种动物化形成人类和超人中的特殊能力，像这样的影视剧必须用后期制作来达到文字所描绘的场景。 2.2后期制作填补 画面共现在拍摄视频中，那些震撼的场景，像是腾云驾雾、山崩地裂等画面是不可能用人力去达到效果的，于是，就通过后期制作填补。在拍摄的场景中，许多的形象都是在生活中客观存在的，在这种情况下就需要高科技的后期制作进行汇合。将不存在的事物与现实中应该出现的结合起来达到文字所描述的画面。可是，在真正的实践中，这些不能在一起拍摄，必须要用后期制作，用以达到预期的效果。比如，《ET》中的外星人，小主人公能正常拍摄，但是外星人ET就要通过后期制作来实现，最后，主人公与外星人ET在同一画面中的效果也要后期制作来完成。 2.3移动追踪动态影像 在当今科技发展阶段，影响跟踪和修整是利用数字合成技术的新型后期制作的巨大成就。早年因为技术问题，影视后期制作一直无法与三维数字技术相结合。但是Mokey软件的合成问世为这一技术难题提供了一种创世纪的解决办法。这就可以从根本上解决影视作品的动态抠像难题。这一难题解决后，影片效果也就达到了又一个新高度。在《哈利波特》系列魔幻电影中，各种绚丽夺目的特效效果便是此种后期制作成功的示例。 3结语 当今世界影视剧的成功影视后期制作功不可没，它至真至美的将影视剧提到一个更高的平台。从世界的角度而言，影视后期制作拥有无限的潜力，能过带动经济产业的发展超过任何推动经济的产业。如我们想让作品完整的出现在观众的眼前，那么就要关注影视剧的后期修改。现在许多的投资方和导演都应经意识到它的重要，并全力支持其发展。在这种情况下，我么能体会：影视后期制作拥有无限的发展空间，它们的作用也将愈加多样化。 作者：屈鹏 于艳婷 单位：辽宁科技大学 影视后期论文:影视后期的声音制作概述 脚步拟音的几种常见技巧 在影片中，人物是不可能处于一种不停地走动的状态下的。所以，除了基础的走动中的脚步拟音之外，拟音员需要对其他一些常见技巧做一个基本的了解。（1）起身与坐下的脚步拟音拟音员应该清楚地知道，制作出来的声音是以传达信息为目的的。抓住了这个要点，我们便可以很轻松地完成一些基本动作的拟音。在通常的情况下，人物起身脚步的模拟，是以一个正常步作为第一要素的。拟音员走出正常步的同时，在脚步下落之后，连贯性地加进一些鞋与地面摩擦的声音，然后第二步接正常走路脚步，这就完成了起身的脚步声模拟，即所谓的起势。在拟音的同时，传达给听者一个人物起身的感觉，相对减轻了听者对其他因素的要求。人物起身的脚步，是以正常步加摩擦声作为开始，而人物坐下的脚步，是以同样的方式作为结束。不同在于，起势是在起身之后，接正常脚步的脚步声；落势是在正常的脚步声之后，接坐下。（2）上下台阶的脚步拟音以平时走路的状态为例，在上楼梯的时候，人们总是习惯性地将重心先移动到支撑腿上，然后将另一条腿迈上台阶；接着，移动重心到迈上台阶的这条腿；然后将支撑腿抬起来，重复之前的一系列动作。在水平的地面上，我们为了模拟上台阶的脚步声，可以充分利用重心移动的特点。在演员迈出非支撑腿的时候，特意加重脚步下落时的声音力度，接着相对地加一些摩擦声，表现出重心移动的感觉，然后再承接之后的动作。上台阶的脚步拟音中，拟音员需要突出正常走路时的脚步与上台阶时的脚步的不同，在将对比的感觉突出之后，信息就会很直接地传达给听者。在下楼梯的时候，我们总是习惯性地用脚尖先去试探台阶的高度，然后再将重心从支撑腿移动到非支撑腿上。运用这样的方式，我们在拟音的过程中，重点表现出的还是重心移动的感觉。在脚尖发出接触地面的第一声之后，相对加重脚跟落地的声音，将两声音形成对比，给听者以演员重心已经移动了的感觉，之后，再连接别的动作。通过对技巧的解说不难发现，拟音员最重要的还是对生活中一些小细节的观察。有了细节的启发，才能相对轻松地模拟出许多看似复杂的声音。 如何抓住脚步的落脚点 对于拟音员来说，能看到演员的双腿，对着演员的脚步拟音，就可以准确地抓住落脚的时间。但是在实际工作中，影片大多数的镜头只是拍摄到演员的上半身，不知道脚步的准确落点就会成为一个比较普遍的问题。有些时候，我们习惯性地把注意力集中在演员的肩膀上。人在走路的时候，重心也会跟着有所偏移，这种情况下，最明显的参照点就是通过肩膀的晃动来抓住重心的改变。拟音员在模拟脚步声时，最重要的并不是看到演员脚动之后，我们才做反应，那样会让整体的声音都慢了很多拍，影响到后面所要连接的动作。拟音员需要在感觉到演员有了变化的动势条件下，做出相应的动作，或是起身，或是坐下，或是突然跳起来，或是一个急停等等。只有这样，才可以保证动作的准确性，才可以保证工作有一个较高的效率。这里还要提到的是，在拟音过程中，并不存在什么第一选择或者第二选择，之前我提到了通过观察肩膀这个部位来抓落脚时间。在正常的工作中，我们也会选择观察头部的晃动或手臂的摇摆等等，来确定真正应该落脚的点是在哪里。 根据人物特性选择 脚步拟音用鞋在一个项目的制作之初，我们首先要做的是通过观看影片，分析出每个人物的人物性格。在为人物定性之后，我们就可以按照人物性格，选择比较有代表性的鞋，模拟这个人物的脚步声。电影《让子弹飞》是2010年上映的一部由姜文导演的影片，该片以西部、喜剧、传奇为三大要素，用幽默的方式，讲述了发生在北洋军阀时期，土匪和骗子之间的一段传奇故事。这部影片在后期制作之初，由导演决定了声音的整体风格。麻匪头目张牧之身材魁梧、作风彪悍、头脑冷静、足智多谋，昔日跟随蔡锷将军走南闯北，年纪不大就有所作为，当上了手枪队长。后因群雄纷争，落草为寇，他深知战争时期百姓们最为痛苦，便惩恶扬善、劫富济贫。这个人物贯穿始终所穿的都是一双大皮靴子。靴子固有的特点在于它本身的靴筒声，但在突出了靴筒声的同时，我们发现，脚步本身落地的感觉少了很多。这之后，我们便又叠加了一条普通小靴子的脚步声。最后合成了整条声音之后，张牧之的脚步声听起来显得非常厚实、有力度。黄四郎这个人物，阴险狠毒、作恶多端，在鹅城只手遮天，凭一己之力，控制了整个民国大半的烟土买卖。从外表看来，更像是一个绅士，但内心的狡猾无人能知。在制作之初，我们选择了声音相对透亮的皮鞋，突出了人物作为地主的身份，并且听起来让人物显得不那么安分。每次工作之初，我们都习惯性地对一些选择出来的鞋做基本的声音测试，这就是所说的“定音色”。磨刀不误砍柴功，制定基本音色虽要花一些时间，但为后期工作节省了寻找与选择鞋的时间，并且保证了录音过程的流畅性。 如何运用地面增加脚步的自然性 我们在日常的工作中发现，如果脚步过于单调，就会让声音显得非常突兀，有一种脱离现实的感受。单纯的干净的脚步声给人一种明显的后期拟音制作出来的感觉。为了消除这样的感觉，我们采用一些特殊的方法，将脚步声音尽可能揉在整体的声音里面，这就显得真实自然。比如在《让子弹飞》的影片中，马邦德在很多时候穿的都是布鞋。当他走在土地上时，我们会相对增加一些土地上的沙粒以凸显地面质感，还可以弥补一些脚步声音死板的缺陷。再比如《歌舞青春》这部影片中，很多时候演员们是走在水泥地面上，为了增加一些脚步的活性，我们在地面上少量地加一些沙子。添加一些细微的东西，不但可以让声音听起来不那么单调，同时还表现出更加自然的特性，并且让脚步有了一种连贯性。当然，在很多时候，我们需要注意一些特殊的问题，比如远景的情况下，如果增加过多的细节，会让这段声音显得距离话筒很近。再比如，很多鞋都会因为增加了一些土，就不那么好听，并且容易出一些过于严重的摩擦声。平时点滴的经验积累，可以节约更多的工作时间。 不同的景别运用不同的话筒距离 随着景别的改变，话筒距离也应该有相应的变化。在《危险关系》这部影片中，章子怡所扮演的杜芬玉这个角色有一个在花园中奔跑的场景，这个场景采用远近镜头对切的方式，表现出了杜芬玉这个人物当时很急切的心情。因为景别的改变，话筒距离就要随着景别有不同的摆放方式。镜头从远景接到近景的时候，脚步声听起来应该更加有力量，并且每一步细节的声音要更突出。这样就可以在切镜头的时候，由声音配合画面，带来一种冲击力。如果远近景的脚步没有变化的话，那么在镜头切到近景的时候，会让听者感觉很泄力，很别扭。总结起来，一般情况下，在拍摄演员运动中的特写镜头的时候，后期都是希望这一段的声音能给听者以一种压迫或者急切的感觉。比如《杀生》中，黄渤饰演的角色去寻仇的一段脚步；再比如《笔仙》中，郭京飞饰演的角色在房间内寻找小男孩的一段脚步等等。在模拟这样的脚步时，所需要注意的首先就是话筒的摆放方式，虽然应该近，但不要近得离谱。其次要注意的是，脚步声应该突出鞋的厚度，比如一双皮鞋，如果声音太薄的话，也会让人觉得不太舒服。最后，要突出地面的质感，如果所走的位置是木板地，就要尽量表现出木板的共振声；如果是水泥地，就应该尽量加一些细节的声音在里面，这样就可以让脚步声整体听起来非常饱满。 特殊情况如何控制脚步的力度与自然度 对于一般情况来说，以正常站立的姿态模拟影片脚步声是没有问题的。但总会有一些特殊的情况，需要我们去面对。比如《让子弹飞》或者《硬汉》这种影片，整体风格就需要强调出力量的感觉，这个时候，普通的脚步拟音方式就不够用了。我们知道，在正常站立的状态下，人体的重心是在肚脐偏下部分。而如果将腿部弯曲，保持上半身直立，形成一个类似蹲马步的姿势，重心会相对向下移动，但效果并不明显。如果此时再让腰部弯曲，身体上半身前倾，那么重心将会明显有所偏移。运用这样的姿势，双腿就将承受来自身体更大的压力，而腿部力量增加，脚步声就会相应地更加有力度。这里有一个问题需要说明。增加腿部力量的方法有很多，比如我们不用之前的姿势，单纯以正常站立的姿势，也可以通过双腿使劲来增加力量，但这样就会让模拟出来的脚步声听起来跟跺脚一样死板，而且声音没有稳定性和连贯性。当然，还有一些电影需要我们尽量减少力量，保持脚步的自然性。比如《非诚勿扰》这样的电影，影片本身就贯穿了轻松幽默的气氛。在后期的工作中，我们统一淡化了脚步的存在感，相对地减少力度，并不是每一步都那么丰满，走路的途中，或许会有声，或许就是一种感觉而已。总之是与其他的声响更加融合，给人以一种身处周围环境的感觉。随着影视业的发展，后期的脚步拟音技术也相应地有所提高。如今，我们更希望模拟出的脚步声音是由两个连续声组成的。形象地说，就好像是后脚跟在着地之时，发出了第一个声音，然后前脚掌着地，发出了第二个声音。对比之前的脚步拟音制作，会有很多影片习惯性地将脚步声模拟成一个点的声音。虽然在正常的生活中，脚步声并不会那么刻意地由两个连续声组成，但一个点的声音，会让听者听起来更像是在敲打什么东西，而不是这个人物在走路。尤其是在木板上模拟高跟鞋的脚步声时，这样的情况就更加明显。为了制作出一种比较自然的走路的感觉，我们会在拟音工作时，相对刻意地模拟出连续声的脚步拟音，或者是在编辑的时候，用错位叠加的方式来处理之前录制的脚步声，使之组成一个由两个连续声形成的脚步。这样的方式不会给人一种死板的感觉，而是让听者感觉出来人物是在走动的，而不是原地踏步。 脚步拟音中的常见问题 虽然脚步拟音在整体的拟音工作中，占据了非常重要的地位，但它并不是特殊的一种工作形态。脚步拟音对于有较长时间工作经验的拟音员来说，只是在习惯性地做着一些基本的工作而已。（1）坐姿模拟脚步声在工作交流中，我们会遇到采用坐姿模拟脚步声的拟音员。采用这样的姿势虽然可以有效地节约体力，但问题也会比较突出。我们知道，脚步声如果细分起来，应该由这样的几方面组成：鞋与地面的接触声，鞋本身的自身音色，脚步的重量感和地面的质感等等。这几个方面的音色需要相互协调，最终才能达到一个良好的拟音效果。采用坐姿模拟的脚步声，会缺少一定的重量感，让听者感觉这样的脚步不是演员走在地上形成的，更像是漂浮在地上。而在缺少了重量感的同时，其他几方面的音色会相应有所提高，会让声音听起来不那么舒服。虽然有时需要拟音员将脚步声尽量弱化，但其中要掌握好一个度。比如，在《非诚勿扰2》这部影片中，姚晨扮演的芒果这个角色要在一个极为干净的酒店大厅里穿过。这部影片虽然整体的脚步风格都偏向于自然，但如果采用坐姿来模拟脚步声，高跟鞋与地面敲击的声音就会被相应提高，鞋的质感与地面的质感占据了整个脚步声的绝大部分位置，听起来，并没有一种脚步的流动性在里面。（2）对于话筒距离和细节的把握我们知道，话筒距离越远细节的体现就会相对减少。在工作中，常常因为过大的细节声，使脚步声显得非常近。但在一些特殊的时候，我们会相应的加一些细节的东西，让脚步声听起来更加的丰满。比如，在《建党伟业》中，有一个空旷的大殿里关门的镜头（中远景）。相对于其他鞋种而言，布鞋在中远景的表现力上会吃一些亏。拟音员为了增加脚步的存在感，特意稍加了一些鞋与地面的摩擦声，虽然每一步的落脚点并不那么突出，但依然能够表现出演员走路的感觉。不过，这样的方法需要注意的是，摩擦声的增加有一个非常重要的先决条件，那就是必须要保证地面的绝对干净。我们要增加的是一些艺术的感觉，而不是声音的硬伤。（3）把握好声音的重点在日常的工作中，一定要抓住重点。不是所有的脚步声都需要特殊的模拟出来，如《危险关系》这部影片中，有那么多的场面戏，如果需要模拟出来每个人的脚步声，对于拟音员和动效编辑来说，也是一个不小的工作量。在开始每个项目的时候，我们首先应该去跟混录师做好交流，了解到重点的部分，然后尽量将精力集中在重点的场景中，要做到有条理、有针对性地完成工作，达到事半功倍的作用。 结束语 动效拟音是一个需要不断熟悉、不断摸索的工作。而对脚步的拟音来说，总结并且习惯一种工作状态是平日里工作的基础。在形成了自己的工作方式之后，就要不断强化自己的一套方法。如何在工作中既能保持灵活性，又不缺失脚步声本身的特质，将成为每个拟音员工作的中心问题。值得我们注意的是，在声音的后期制作中，我们应该清楚地知道自己所处的位置，自己在影片整体声音中所占的比重。应该首先明确贯彻导演的意图，要知道我们所做的拟音效果，是为影片风格服务的。确定我们在影片制作的大多数时间内，只是为了配合其它部门，起到一个陪衬的作用，不要喧宾夺主。认清动效拟音工作的性质，将会让以后的工作轻松很多。 作者：刘磊 单位：国家中影数字制作基地 影视后期论文:剪辑在影视动画后期的重要性 一、画面组接的剪接 剪接点选择的适当与否对影视片的动作连续性、形象刻画的逼真性以及镜头转换的流畅性有着深刻的影响，使得影片的故事内容以及情节非常自然符合生活的逻辑，又不失艺术节奏性。 (一)画面剪接点以画面内容的起、承、转、合以及根据镜头内容的节奏来选择剪接点。剪接点选择对整个影片人物动作的连接、镜头转换的流畅、镜头画面的故事情节符合现实的逻辑和观众欣赏的习惯有着非常重要的影响。画面剪接点可分为：动作、情绪和节奏剪接点三类。 1.动作剪接点以镜头画面中人物动物的动作为基础，以动作的一连贯活动作为剪接点。影片一开始的拍摄利用多个机摄录制或者是一个机器多次重复拍摄人物动作的方法，在后期的剪辑中要专门把拍好的人物多次重复、连续的动作来细分和重组。电视节目、新闻节目一般都是用一个机器一次性拍摄的方法，对人物动作的反复拍摄不是特别重视。动作剪接点选择的要求是：筛选所拍动作的整个过程，又或者是相对而言比较完整的一部分。 2.情绪剪接点以剧情需要的心理情绪为基础，以主角的情绪为依据，根据剧情需要来选择剪接点。情绪剪接点的选择，一般比较注重人物情绪的夸张，选择情绪剪接点时宁可长一些也不要短。情绪剪接点的选择与确定和动作的剪接点不一样，它选择的余地比较大，主要是以描写人物的心理感情、来营造气氛为主。情绪剪接点的确定，和剪辑人员的艺术素养有很大关系，要深刻体会剧本以及导演的意图来把握对剧中人物的塑造。 3.节奏剪接点使用的镜头人物基本是没有旁白的，主要是以剧情内容的线索为基础，根据剧情需要所表达的情绪和氛围以及一些对影片有深刻影响的画面来处理一些镜头的长度与剪接。节奏剪接点的作用，是运用镜头的不同长度，来使画面产生各种情绪。在过场戏、群众场面与战斗场面中，节奏剪接点起着至关重要的作用。要注意把镜头的画面造型特点、镜头的长短与音乐、影片整体风格紧密地结合起来，来完成画面与声音的完美统一。 (二)声音剪接点以声音因素为基础，根据画面中解说词的主要内容以及声音的出现结合故事情节以及人物的情绪来选择剪接点。声音剪接点可区分为对话剪接点、音乐和音响剪接点。 1.对话剪接点以根据画面中人物语言内容为基础，根据语言在剧情内容中的需要来选择剪接点。对话剪接点又可分为两种形式和五种处理方法：对话的平行剪辑，它有三种剪接方法。对话的交错剪辑，它有两种剪接方法。对话的平行剪辑：是以声音和画面镜头一块出现，一块切换。平行剪辑又有三种剪辑方法：上个镜头声音结束与下个镜头切换之间画面镜头与声音之间都有一定的时空。上个镜头的声音结束和画面切出接下个镜头时，下一个镜头的声音和画面之间也都有一定的时空。上个镜头的声音画面结束切出时，下一个镜头的声音与画面要立即切入。对话的平行剪辑1镜头之间切换时，画面和声音之间要有一定的时空。两个镜头切换时要根据剧情需要和人物情绪来选择剪接点。上下镜头切换时，要注意说明下个镜头中人物的反应。对话的平行剪辑2上个镜头声音结束，下个镜头的声音要根据剧情需要来选择剪接点。这种方法在人物对话中也比较常用，上下镜头切换时，应注意说明下个镜头中人物的反应。对话的平行剪辑3上一个镜头结束时，下个镜头的声音和画面要立马切入。此方法在一般不常用，只有在双方发生矛盾进行争论时才合适，因为它有争辩的氛围和有力的节奏感。 2.音乐剪接点1第一种音乐剪接点是指歌曲、戏曲等比较偏向音乐性节目来选择剪接点。如影片中需要单独演奏的要将镜头切换到那个乐器，通常在近景、特写中用得比较多，合奏时通常在全景中较为常用。音乐剪接点2第二种音乐剪接点是给画面镜头做点缀的画外音乐，需要注意音乐与故事内容和演员情绪相结合进行选择剪点。一般画面与音乐的穿插要特别和谐，这也说明了音乐与画面是相辅相成的。 3.音响剪接点含义：主要以剧情画面的内容为依据，在效果音响的第一句和最后一句中来选择进行剪接。通常在前期拍摄过程中，效果音响与所拍画面内容都容易出现误差或缺失，而且在出现一些小问题时没有办法补救，这就需要剪辑师在后期剪辑中根据剧情需要，选择适当的音响效果进行补救使画面与音响能够和谐统一。音响剪接的准确与否对画面视听效果至关重要，甚至决定一部片子的好坏。 二、字幕形式和镜头组接 1.镜头的组接对观众的思维方式和影视表现规律起着重要影响。镜头的组接不能随意创造，一般要符合生活和思维的的逻辑。如果不符合逻辑观众就没办法理解剧情。影片要表达的主题思想要非常明确，在此基础上我们才能剪辑出符合逻辑让观众能理解的剧情，即剪辑者才会明白该如何选取各种镜头。 2.景别的变化要采用“循序渐进”的方法一般情况下，拍摄的场面不应该很剧烈，否则在后期制作中就很难连接起来。反之，所拍场面和拍摄角度变换都不大，在后期制作中也很难连接起来。所以我们在拍摄的时候要采取循序渐进的方法。 3.镜头组接要遵循“动动相接”“、静静相接”的规律如果画面中出现不同主体但动作是连贯的，就可以把他们的动作接动作，让画面更加顺畅，我们称之为“动动相接”。如果两个画面中的主体运动是不顺畅的，或它们之间有停顿时，那么这两个镜头就等前个动作完整停下后，再接一个从静止到运动的镜头，我们称之为“静静相接”。 4.镜头组接的时间长度首先要符合大部分观众的接受和理解能力，以及故事所要表达内容的困难有否，最后还要考虑整个镜头画面的构图。 作者：杨晓丽 单位：西北大学 影视后期论文:计算机多媒体技术在影视后期制作的运用 科技的迅猛发展促使大量计算机技术的产生并逐渐渗透到人们日常工作、生活中。计算机多媒体技术以及先进的剪辑软件都对影视制作技术人员的思想起到重要影响，并改变其工作方式。计算机多媒体技术的优势就是能够为大量优秀的影视作品的诞生起到一定促进作用，并且让影视制作者拥有更广阔的创作空间,进而为人们创作出大量优秀的影视作品,打造出良好的企业形象。本文将对计算机多媒体技术在影视后期制作中的实际应用进行研究，分别从：计算机多媒体技术论述、计算机多媒体技术存在的必要性、计算机多媒体技术对影视后期制作产生的重要影响、计算机多媒体技术在影视后期制作中的实际应用、计算机多媒体技术在影视后期制作中的未来发展趋势、五个部分来进行阐述。笔者希望通过研究，能够为影视后期的制作提供良好的经验。 1计算机多媒体技术论述 关于计算机多媒体技术，我们可以追溯到上世纪80年代，这种技术的发展是建立在数字化技术发展基础之上的。随着时间的推进，最近几年，计算机技术、存储技术、通信技术的快速发展，使计算机多媒体技术发展逐渐成熟起来，它结合了数字帧合技术与动画技术，从根本上改变了影视制作人员的工作方式，同时还创造出更加优质的影视作品。因此，我们可以看出计算机多媒体技术对影视后期制作的影响非常大。在整个计算机领域当中,多媒体技术是最热门的一种技术，它是人们日常生活、工作的重要组成部分，网络技术的发展，将它与人们之间的联系拉得更为紧密了。 2在影视后期制作中计算机多媒体技术存在的必要性 纵观我国以往影视作品后期制作过程，可以看出由于我国传统影视后期制作由于受到科技水平的限制，不能够充分满足后期制作要求，从而出现各种各样的问题亟待解决。在我国传统影视后期制作中，我们主要依赖于剪辑人员的个人水平，然而剪辑人员的水平通常是有限的，这就导致一些工作不能得到顺利开展，有时可能会造成剪拼不合理、镜头不连贯都问题。传统后期制作过程中，一旦发现问题，通常采取的方法是将有关演员召集回来重新拍摄，这样不仅浪费了时间，同时还消耗了大量人力物力。传统影视作品一般是采用磁带进行拍摄，这种方式无法改变作品长度，从而修改起来充满困难，经过多次修改还会大大降低声乐与画面质量，这些问题都为剪辑人员的工作带来很多不便。因此，为了解决传统影视后期制作存在的问题，我们必须采取一定措施，将计算机多媒体技术运用到影视后期制作中来，这是现代解决影视后期制作中存在的问题的重要手段。 3影视后期制作的内涵及其重要性分析 影视后期制作就是利用已经拍摄好的素材，通过三维动画和进行合成，制作出相应的特技镜头，把所有的镜头都合理的剪辑在一起，形成比较完整和唯美的影片，同时还要为影片添加制作相应的声音。简而言之，影视后期制作是融文字、声音、画面等多种视听手段于一体的高度综合创作，是影视节目生产的最后一道工序，制作水平的高低直接关系到节目的质量。影视后期制作在影视中的作用非常的大，可以说整个影视作品的主要技术支撑都是后期制作所提供的。在影视作品创作过程中，影视后期制作起了决定性的作用，如果在影视中没有后期影视制作的加入，那么拍摄的无论有多么好的影片都不能拿出来播放，如果在影视过程中后期制作的不完善那也将会是一个非常不好的影视作品，所以在影视过程中，后期制作非常的重要。随着数字技术的发展，目前市场上的绝大多数影视作品都运用了高科技元素，计算机技术的快速发展和科技水平的提高，也促使影视制作的方法发生了巨大变化，最为明显的体现就是计算机多媒体技术的应用。本文以下就针对多媒体技术对影视作品后期制作所产生的影响,进行简单的分析。 4计算机多媒体技术对影视后期制作产生的重要影响 多媒体技术对影视制作的影响已经涵盖了影视作品的方方面面，对传统影视制作技术的缺陷进行了重要弥补。利用多媒体技术，保证了影视作品在制作过程不会产生损耗，加强了质量保证。多媒体技术对影视制作技术的影响是非常深刻的。尤其是在影视后期制作过程中，多媒体技术很好地解决了传统影视制作技术所不能解决的问题，因此，相关技术人员利用好多媒体技术，为影视作品的质量提供技术支撑和保障。 4.1多媒体技术的运用保证了影视节目质量 计算机多媒体技术与传统制作方式相比具有一定优势。它能够很好地解决传统影视剧后期制作中存在的缺陷，不仅可以及时避免存储时的损耗，还能突破单一的时间顺序编辑限制，使影片的完整性更易保持，有利于保证影视节目的质量。 4.2多媒体技术的运用提高了影视剧制作效率 计算机多媒体技术由于是借助计算机相关技术，具有一定灵活性，这就使得编辑人员在对影片进行剪切与编辑时更加方便自如，也更容易对其进行修复，不仅大大节省了剪辑时间，还充分提高了影视后期制作效率。 4.3提供了更多的影视创作手段，丰富了影视表现力 现代数字制作技术是非常先进，它能将我们拍摄现场所有信息转化为计算机所能识别的信息流，通过计算机相关软件的整合，方便编辑人员对其进行任意添加、修改，利用影视数字制作技术能够大大丰富影视作品的表现力。 4.4减少了彩视后期制作设备投资，保证了影视作品质量 计算机多媒体技术采用的是灵活有效的非线性编辑方式，大量后期制作工作可以通过一台计算机完成，这种方式大大减少了后期制作设备成本，同时也节约了一定的人力资源，对影视作品质量也起到一定的保障作用。从以上可以看出计算机多媒体技术对影视后期制作的影响是非常深刻的。因此，为了创作出高质量的影视作品，在影视制作各个周期，相关技术人员要利用好多媒体技术，为影视作品的质量提供技术支撑和保障。 5计算机多媒体技术在影视后期制作中的实际应用 随着计算机技术的发展，尤其是影视后期制作进入到数字时代后，后期制作中所使用的相关技术发生了巨大的变化。现阶段，多媒体技术在影视作品后期制作中，已经渗透到影视制作的各个方面，掌握和利用好这些先进技术，对影视作品的创作将产生重大意义。我们就目前应用来看，影视后期制作中所使用到的计算机相关技术主要集中在如下几个方面： 5.1数字制作技术 我们知道由于目前国内影视制作水平十分有限，有些影片当中的特效镜头相对较少，虽然也有大量先进设备但是很少有人会使用，技术研发水平相对落后。计算机多媒体技术能够不断提升数字制作技术能力，将数字技术与故事情节完美融合起来，使影视作品的主题更加鲜明逼真。 5.2绘制图像与视频 2D、3D技术创设出来的多种虚拟化影像可以充分满足人类的预想，同时还能节省大量成本，为影视后期制作的修改与剪贴带来便利，能一定程度上改善影视制作者工作现状，对影视后期制作的视频制作及绘制图像的意义相当重大。 5.3移除与跟踪动态影像 数字合成领域取得的巨大成绩就是影像跟踪与修整，这种技术与Mokey软件结合后能从根本上解决影视作品动态抠像功能。 计算机多媒体技术的运用，使影视编辑与剪辑变得更加简洁便利。制作者可以随意拖动鼠标来改变画面的整体位置及长度，对于画面的色调予以修改，为观众带来一定的视觉冲击。此外在声乐制作方面，借助计算机多媒体技术能够迅速完成各种常规性、特效性处理，使音乐创作与画面编辑保持一致性。 5.5影视出版与发行 计算机多媒体技术的发展改变了影视作品的出版、发行方式。影视后期制作设备大多为数字化处理设备，充分改善了影视制作者的工作方式，而在影视作品的传输上，主要是通过卫星来接收，在一定程度上提高升了影视制作的效率与质量，提升了影视节目的交互性。从以上我们可以了解，计算机多媒体技术已经应用到影视后期制作的各个方面，并发挥了巨大的作用。随着社会的发展和人们欣赏水平的日益改善，对影视作品的要求会更为严格。因此，我们要以发展的眼光，不断探索影视作品后期制作技术，从而创作出更好地影视作品。 6计算机多媒体技术在影视后期制作中的未来发展趋势 由于我国当前所制作的影视作品大多数都未达到预期结果。我国在数字影片制作发展道路上还存在着很多的不足,因此,为了制作出更好的影视作品，满足人民日益增长的精神文化需求，我们必须进一步加强对计算机多媒体技术确保计算机多媒体技术在今后影视后期制作中获得更长远的发展。 6.1硬件方面的发展趋势 近年来，计算机多媒体技术的发展使影视后期制作的硬件虽然得到了一定的完善，却始终无法满足创作人员的工作需求。由于在影视后期制作中通常需要处理大量图像及图片信息，这些工作的处理需要功能更加强大，运行更快的计算机。因此为了满足影视作品创作、存储的需要，发展存储能力更强、处理效果更佳的硬件成为未来主要发展趋势。 6.2软件方面的发展趋势 伴随着计算机技术的发展，计算机多媒体技术的发展使影视后期制作的软件也得到了一定发展与完善。软件的协作性与开放性要适度扩展，针对软件兼容性研究应该逐渐增多，开放性与协作性的研究力度也必须逐渐增强。此外软件要向集成化发展，以实现更佳的处理效果，为观众提供更加可靠的视觉盛宴，同时为影视制作人员进行相应的操作提供了便利，在未来影视制作中，可以将原来彼此独立的相关软件重新整合为一个比较完整的软件制作包。这些都是计算机多媒体技术在影视后期制作中的未来发展趋势。 7结束语 随着计算机多媒体技术的出现，我国在影视后期制作方面得到很大的改善，计算机多媒体技术很好地解决了传统技术运用中出现的问题，它在影视后期制作工作中发挥了重要作用。尽管如此，我们依然不能创新发展的脚步，必须清晰地找出该技术在影视后期制作当中运用的不足，然后采取行之有效的措施来解决，以此收获更好的应用效果，更好地推动我国影视作品的发展。发展措施的采取必须具有科学性、合理性，必须要从我国自身实际情况出发，探索出一条符合我国基本国情的、先进的数字化发展的新道路，促进我国计算机多媒体技术的发展。 作者:从继成 单位:河南省驻马店市
声乐教育论文:美育声乐艺术教育论文 一、声乐艺术教育与美育的融通 声乐艺术教育与美育既是融通的，也是互动的。主要反映在教学目标、教学任务的一致性上。互动点之一：声乐艺术教育与美育都是为了提高学生欣赏美、鉴赏美的能力。声乐艺术教育是通过声乐艺术的专业训练，在培养学生专业技能技巧之中，融入美的教育，灌输审美观点，提高审美能力。美育则是通过艺术美、形式美、社会美、自然美等活生生的形象体系的具体展现，供人观照、感受，从中得以实现美的陶冶、培育。互动点之二：声乐艺术教育与美育都是为了提高学生的艺术修养。声乐本身就是不折不扣的一种艺术，声乐教育就是实打实的艺术教育，目的就是提高学生的艺术素质、艺术技能，它的一切活动都是围绕提高艺术修养进行的。而美育是把艺术教育作为优秀，把艺术美作为主要载体，通过艺术教育的手段，全面提高学生的艺术修养。提高艺术修养就要学习掌握艺术的基本知识、基本原理，在艺术欣赏中陶冶自己的情操，净化自己的心灵，得到美的愉悦。互动点之三：声乐艺术教育与美育都是为了提高学生的想像力、创造力。我国著名物理学家钱学森十分重视艺术教育，特别是音乐教育，他认为音乐教育不仅可以陶冶情操，还有助于启发人的创造性思维。声乐艺术教育与美育就是要展开人们想像的翅膀，感知世界的奥妙，丰富自己的精神生活。声乐美学讲“三情”，即：诗情、曲情、声情。每一首好歌，都是一首好诗，都有一个优美的旋律，都需要用真心真情去演唱；动人的歌词、动人的曲调、动人的歌声，需要人用心去感知、体味、想像。这就是声乐艺术的独特韵味，美育的独到之处。互动点之四：声乐艺术教育与美育都是为了提高学生的人格魅力。声乐艺术教育与美育都属于一种情感教育，声乐艺术讲求声音技巧，讲究专业技能，但是更注重情感，不仅要求“字正腔圆”，更注意“声情并茂”。美育是通过对审美对象的感知，激发学生情感的活动、心灵的感应，促使思想的升华。通过声乐艺术教育与美育的这种情感教育，以情感人、以情动人，从而陶冶人的情操，美化人的心灵，进而培养美好、和谐的情感和精神世界，构建完美人格，提高学生的人格魅力。美好的生活，不能没有美好的歌声，美好的歌声能充实美好的人生，这就是凝结声乐艺术教育与美育之间的内在联系和无穷魅力所在。 二、加强声乐艺术教育中的美育的途径 声乐艺术教育与美育既然是相互包浅谈声乐艺术教育中的美育张晨晨摘 要：声乐教育是音乐教育的分支，音乐教育又是艺术教育的分支，而艺术教育在美育中占有十分重要的位置，同样美育在艺术教育中也有不可忽视的地位和作用。作为声乐艺术教育工作者，对声乐艺术教育中的美育，必须要有一个清醒的思想认识，必须要有一个科学的工作态度，必须要有一个严谨的治学理念。这对全面贯彻教育方针，加强和推进美育建设与素质教育，提高声乐教学质量，都具有十分重大的意义。 （一）把美育融会贯通到声乐艺术教育的专业技能技巧 训练之中。从声乐艺术技能技巧训练的表面看，是纯技术、纯专业的，例如发声的训练，讲人体器官，讲共鸣体，讲正确的发声方法，教育学生声音是从什么地方发出来的，原理是什么，声音怎样才能好听、动听，原始的声音与艺术的声音、科学的发声有什么不同，怎样掌握正确的发声方法等。如果不融入美感，没有审美意识，那么，发声训练就不会达到应有的效果，就不会产生美妙的歌声，声乐就不能称其为艺术。 （二）把美育融会贯通到声乐艺术教育的作品处理上 声乐艺术把作品处理称之为“二度创作”，声乐的作品就是歌曲，作品处理就是演唱，没有演唱，歌曲创作就是毫无意义的纸上的符号；没有演唱，歌曲创作就没有任何社会功能；没有合格的演唱，歌曲创作就会被扭曲了形象，没有赏心悦耳的美的感受。有了出色的演唱，歌曲创作不但能够“容光焕发、神采奕奕”地走进观众、听众，还会带着它特有的智慧、灵感赢得大家的喜爱和欢迎。声乐艺术教育，就是通过声乐艺术训练，使学生学会“二度创作”，不仅把谱子上的记载和基本情绪唱对，还要通过演唱揭示作品的深刻内涵，显示自己与他人有别的艺术个性，使作品因其演唱而增色添彩，达到其教育目的、起到娱乐作用，在大众心理引起共鸣，得到美的启迪。“ （三）美育在声乐艺术教育中最突出的表现就是“情感”的无处不在 声乐艺术是以情感交流为目的，最讲求的就是“以情带声”、“声情并茂”。“以情带声”的含义可以理解为两个层次：一是，声音是歌唱的基础，不论声音是否美妙，声音总是歌唱存在的先决条件，所以情感依附于歌唱的声音基础，通过优美的声音表现丰富的情感。有声无情只能感受人声的艺术美，有情无声、有情少声，情感何以表达？二是，把“情”理解为情感表达的要求和声乐审美意识对声音质量的指令性要求。当我们在演唱某个声乐作品时，作品的思想内容、情感深度需要用相符合的声音来体现，这种声音的要求必须符合声乐艺术审美标准。为此，要引导学生多学习、多观察、多研究，增加阅历，拓展知识，善于理解和接受别人，感受和品味喜悦、悲伤、离别、思念、兴奋、悠闲、豪放等情绪和情感。一个麻木不仁的人是绝对学不好声乐艺术的，一个对美无动于衷的人或者说不容易激动和感动的人，是绝对不能唱好歌的。 作者：张晨晨 单位：连云港艺术学校 声乐教育论文:德育教育中渗透声乐教育论文 一、德育教育在声乐中的渗透意义 声乐教育中的德育教育是指在声乐教育中教育者以言传身教的方式，借助声乐作品为外在表现，对学生的思想、品德进行潜移默化的影响和教导。声乐教育并不仅仅局限于声乐技巧的传授及演唱技巧的教学，更为重要的是让学生通过声乐学习提高个人修养，提高个人人格，在声乐教育中渗透德育教育。德育教育是各类学校必须纳入教学环节中的课题，德育教育意在培养学生高尚的思想情操、正确的人生观和世界观、发现美好并且热爱生活，令学生可以以积极地与乐观的心态面对学习和生活。德育教育与声乐的融合不可死板呆滞，要充分吸引学生的兴趣，才能让他们从声乐的形式上提升到思想的高度上，严格杜绝不良思潮和不健康思想侵入学校入侵学生思想和灵魂。德育教育的开展结果尤为重要，教育机构切不可只注重形式，挂着素质教育的名头以交任务的心态来做这件事。中国的很多二线城市或农村学校，完全没有素质教育可言，以素质教育和学校建设为名来申请政府补助资金的亦不在少数。所以关于德育教育与声乐的结合这样一个新颖的教学模式，还有待更完善的监管机制来确保实施。另一方面涉外企业等管理模式下的西方管理制度渗入中国企业，大多数学生在学习过程中产生盲目崇洋心理，收入待遇等物质化的观念逐渐侵蚀学生思想，传统理想和信心发展方向过早的被社会物质化的思想取代，外国品牌也受到学生青睐，祖国意识在学生心中也逐渐淡化，这是外向型经济给学生思想带来的不良影响。随着经济飞速发展，社会主义市场经济在我国得到进一步确立，由于学生对市场经济认识不足，不能全面市场运作模式，认识上存在误区。无私奉献的雷锋精神已经不再是他们心中的价值范畴，造成学生理想的空虚。 二、网络不良信息的诱导 随着科学技术发展，信息网络已经成为人类生活中必不可少的一部分。网络是当前学生接触较多的平台，也是学生获取信息存储信息的重要环节。然而由于网络本身的便利性已成为信息传播的最大媒介。“网络是一把双刃剑”相信很多人都听过这句话，黑色、自杀、同性恋等文化都不是被社会认同的主流文化，不利于学生思想的额健康发展，因此在网络不良信息的不良诱导面前，加强学生德育教育，增强明辨是非的能力显得尤为重要。这不经让我想起另一句话“一念成佛，一念成魔”。绝大多数的邪念源自一念之间，对于在校的学生，自制力与认知都相对薄弱，一时兴起的好奇心与虚荣心理可能会将一个孩子推上歧途。所以中国的教育需要改善，中国式的教育以为学业为重，不重视甚至直接忽略素质教育的要求，很多家长和老师认为在生理和心理方面某些东西应该被隐瞒，殊不知这对于好奇的孩子来说是无形的推手。所以教育部引进外国的教育方式，以轻松的氛围和趣味的漫画来解释一些令老是难以启齿的问题。声乐与德育的结合也是一样，以声乐的穿透力去传播德育思想。当学生对一些敏感事物有了正确的认知和概念，在选择上有了自制力，能明辨是非，至少能有悬崖勒马的意识，这就是声乐教育对德育教育的有利影响。 三、德育教育面临着多方面的难题和挑战 当前青少年最大的问题就是“自我”，这一代的成长由于计划生育政策的实施和时展的必然性，这一代的孩子有着70、80年代少有的“偏执”，独生子女的孤独感已经是一个严重的社会问题，90后的孩子有着这个时代的鲜明特征，独立、坚强、孤僻、执着、勇敢、甚至是令人无法理解的堕落，其实每个年代有着每个年代的特点，而现在的青少年并不是盲目无知，他们也许懂但是他们坚定的是行比想更重要。德育教育早已经不是“口传身教”那么简单了，这一代孩子并不愿意与父母交流，因此学校便成为学生进行德育的重要场所。但在学校中学生的德育教育又面临着两方面的困难：一是学校的德育教育方式较为传统，不能满足21世纪新型人才的需求，教育方式较为古板、呆滞，学生早已经不是一批批乖宝宝了，他们的自主能力与自我个性让学校教育举步维艰。此时很多人无奈的发问“这一代孩子究竟怎么了？”也有人说“这样的下一代怎么来发展这个社会，未来怎么能交到他们手上？”其实不是学校的错也不是青少年的错，只是学校与社会都忽略了社会发展的必然性就是“冲突”，传统的教育下小白鼠式的教育方式已经不适用与青少年身上了，所谓的不良的少年就是传统教育与现在思潮的冲突产物。学校该思考的是如何应对这样一批孩子，因材施教永远是教育的主旨。另一方面来看，现在的孩子自我，不愿敞开心门与人交谈。换言之，他们缺乏安全感而激发的强烈的自我保护欲。学校的心理老师与心理咨询室形同虚设，青少年不愿谈及自己的秘密，并且对大人的关心极为反感，认为是一种无礼的窥探。如果学校和家长才去的态度强硬那么孩子的反映会更加强烈和反感，此时他们需要的不是解决问题而是感受到尊重与重视，这对于目前的德育教育是个巨大的难题，德育教育的改革充满了挑战，需要一次次不懈努力的尝试才能取得好的结果，随着社会发展教育改革的深入，不少学校的领导层和管理者已经意识到加强学生德育教育的必要性，也意识到在这一过程中遇到的极大挑战，也正努力寻找解决的策略，但不可避免的当前学校德育教育仍然存在以下弊端： 1、德育教育课没有受到学生和教师的重视随着教育改革深入和当前社会经济发展方向的引导，学校不得不把主要精力放在如何培养社会需求的专业人才上，如何提高学校升学率、就业率以及在学校竞争中脱颖而出上。尤其是随着越来越多的社会资金，企业或者个人投入学校建设，为了尽早回收成本，学校领导层或者学校管理者的重心都在资金上，忽略了德育教育建设的重要性，再加上学生以及教师普遍只重视学术和学习，德育教育工作的重视程度无论是从学校管理者还是师生来讲，都明显弱化。 2、学校德育教育缺乏执行力当前学校普遍存在的“重经济、学术次之、思想政治教育再次之”的现象，德育教育工作虽然一直被提出，但真正到了实施阶段却缺乏了强有力的执行力，往往加强德育教育只是喊喊口号，并未真正付诸行动。作为学校德育教育主体的思想德育教师，在学校中的地位相对较低，待遇和工作福利也较其他学术教师低。在实际工作中，教师的工作重心更多的放在提高自身能力，或者进行学术研究上，对学生思想动态的关心不够。许多时候学校或者国家硬性规定的德育教育任务往往只是走过场、搞形式，并且这样的形式和过场也不多，在“官本位，形而上”的高校管理模式下，对德育教育工作的额不重视自然降低了德育教育的执行力。 3、教育方法传统守旧，缺乏新意长时间的传统教育模式下，教师和学生的积极性都被扼杀，虽然随着现代化教育的提倡，不少学校已经引进了先进的现代化教学模式，但这些都仅仅局限于学术性课堂上，德育教育课堂仍旧被大家忽视。德育教育的开展采用老方法、老教材、老方式。当前的德育教育沿用了几十年的马克思主义原理、思想、邓小平理论等传统文化的精髓，不可否认这些思想具有广泛性和延续性并且是思想文化精髓的结晶，这些思想我们不能抛弃，但是在新时代的发展下，我们不能仅仅用传统的思想眼光来看世界，要从当前新的时代内含出发，从国际形式及我国国情出发，与时俱进、开拓创新。“三个代表”重要思想、“科学发展观”等内容需要在德育教育中得到贯彻，为德育教育注入新的活力和希望。另外德育教育模式和方式也不能应循守旧，要敢于突破创新，才能适应80后、90后乃至00后的价值观和思想需求。 四、声乐教育中开展德育教育的策略改变单向教育的传统教育模式，增强德育教育的双向互动。 1、德育教育模式的变革任何的改变都源于沟通，传统教育的单向模式即老师与家长的口传与要求已经不适用于现在的青少年了，德育教育的变革就是改变传统的教育方式，实现双向互动教育。这不是一段时期的坚持，而是从孩童时期家长与老师就要有的概念。孩子和大人一样需要尊重与交流，只有当家长与老师的尊重与爱心令孩子敞开心扉，及时的告知他们成长中的困惑和烦恼，才能消除他们的排斥感和孤独感。这对于给孩子一个健康完善的心理是极为重要的。双向的教育模式更倾向于“倾听”，从孩子的言语中去感受他们需要什么样的教育模式。对症下药方能见效，这样才能将德育教育灵活的渗透到学习生活的各个方面。在声乐教育一直以来受到一定程度上的忽视，为加强学生的德育教育，首先就必须加强德育教育在教育中的比重。将德育教育纳入声乐教育的教学日程上去。传统的德育教育课堂作为学校的辅助，老师普遍不会重视，这也引起学生对德育形成随意态度，这样德育工作便无法开始。所以必须要从教师的思想工作做起，带头重视起德育工作的开展与创新。 2、优化网络环境网络已经走进了每个人生活中，为大家带来了便利。对于学校的网络环境的清洁一定要重视起来，确保学生不会受到垃圾网页与不良信息的影响。网络系统的监管与控制一定要设立专门的人员和专业的设备来先行过滤，给孩子一个温馨健康的网络环境。3、声乐教育内容与德育结合当代声乐教育中的德育内涵丰富多样，包括了集体主义、理想主义、劳动、社会公德、爱国主义等精神内涵。比如《黄河颂》这样一首抒发爱国壮烈情感的歌曲，在气势磅礴中将滚滚黄河的豪壮之势呈现在学生面前，在学习音乐赏析的同时陶冶了心境，借用声乐教育的媒介对学生进行了一次德育教育。再比如《松花江上》，在进行这首歌曲的演唱训练时，教师一定要把这首歌曲的历史背景讲述给学生，展现当时东北军官兵的艰难环境，流亡关内的场景，体现了他们渴望保家卫国的强烈愿望和爱国主义情怀。声音教育的目的不是仅仅培养少数声乐上的天才，而是要在声乐教育中培养高尚的人格和精神品质。面对社会转型，学生的思想受社会环境和社会波动影响较大，因此加强当前学生德育建设尤为重要，声乐教育的德育功能随着教育改革的不断深入，其优越性也逐渐显现出来。声乐教育中贯彻德育教育是一种有效的教育模式，在声乐专业学生成才发展中发挥着举足轻重的作用，也是学校发展培养新世纪人才的重点工作。虽然当前声乐教育中的德育教育面临的挑战是多方面的，相信未来的德育教育会有更好的发展和长远的收益。 作者：马春晓单位：中原文化艺术学院 声乐教育论文:民间传统艺术声乐教育论文 1民间传统艺术资源在声乐教育系统中的体现 1.1民间传统文化资源在声乐教育中的延续民间传统艺术资源在声乐教育系统中近年来有了较为鲜明的延续，特别是众多将民族与“原生态”唱法引入比赛和教学中的各种声乐活动，充分地体现了民间声音、民间伴奏等艺术形式在现代声乐发展中的新活力和新生命。民间传统声乐和艺术资源大都以口口相传的形式传承，其传承过程由于缺少书面记录而受到一定程度的影响，在现代声乐教育的发展背景下将民间传统的声乐艺术资源通过细微音色的辨析和情感控制分析加以传承与控制是现代声乐高等教育发展的必然选择。民间传统艺术资源在传承与发展的过程中保持相对的独立性与完整性，因而在与高校声乐教育相结合的过程中需要继续扩大民间传统艺术资源的挖掘力度。 1.2民间传统艺术资源在声乐教育中的融合在我国声乐发展历史上历来存在着多元并存的发展理念，因此在加强声乐教育系统与民间传统艺术资源的结合时必须要重视互相融合，共同发展。民间声乐系统不仅包括歌唱方法和歌唱技巧，更多的是广大群众对于民间生活、历史、文化方面的情感积淀。我国高校声乐教育系统近年来越来越重视对民间传统艺术资源的借鉴与吸收，采取行之有效的手段将民间声乐系统与现代声乐教育相结合，以此实现演唱方法、历史、文化、内涵等因素的交融。在大力弘扬民族的民间的声乐系统的同时加强对民族文化、民间文化的弘扬有着积极的意义，开展高校声乐教育时重视对民间传统艺术资源的保存与发展能够为高校声乐的发展带来新的活力。 1.3民间传统艺术资源在声乐教育中的师资力量在高校声乐教育过程中对于民间传统艺术资源的借鉴与吸收还体现在民间艺术师资力量的引入与结合上。高校声乐教育工作归根结底要落实在每一名教师身上，因此教师的声乐综合素质显得异常重要，特别是对于民间传统艺术素质的与时俱进的学习上。从事高校声乐教育的教师必须要树立创新意识和自我突破意识，在加强对现代声乐教育理论与方法的学习的同时还需要加强对民间传统艺术资源的挖掘与整理，担负起传承中国声乐艺术和声乐文化的历史性重担。通过扩大对民间艺术资源和文化资源的了解与掌握，加强对学生传统声乐知识的教育，能够推动高校声乐教学与民间艺术的和谐发展。通过将民间声乐传承人引入高校课堂，让更多的学生与教师体会生活音乐的真实状态，感悟传统音乐文化在当代的生存状态。 2加强民间艺术资源对声乐教育系统作用的途径 2.1树立“和而不同”的声乐教育观民间声乐的发展长期以来都是多元共生的状态，在当代的民间艺术与高校声乐教育相结合的过程中首先要树立“和而不同”的声乐教育观，推动多种民间声乐的多元并存与和谐发展。高校声乐教育的目的是培养声乐专业人才以承担文化交流、文化传播、声乐教育等多种角色，因此必须要将专业知识教育与传承人类历史文化内涵相结合，促进学生对于学好本国、本民族传统音乐文化。“和而不同”、多元共生的民族声乐教育观是现代高等音乐教育保存本土音乐文化、促进世界各民族音乐文化的交流有着重要意义。 2.2前瞻性与预见性相结合传承民间传统声乐艺术加强声乐系统中民间传统艺术资源的借鉴与吸收必须要具备充分的前瞻性与预见性。一方面，挖掘尚存的民间声乐资源，亦即通过民间艺人和地方戏曲工作者等来实现传统艺术的传承，另一方面要加强对建国以来音乐工作者整理收集的文本资料、音像资料与影像资料等，以前瞻性与预见性相结合的意识传承民间传统声乐艺术。 作者：鲍春有单位：长春市群众艺术馆 声乐教育论文:德语艺术歌曲声乐教育论文 一、德语艺术歌曲的起源和发展 在1618-1648年的整整30年里面，德国都处在水深火热当中，人民常年受到战争的困扰，政治、经济都十分落后，偶尔有一些工匠们在工作之余会唱歌和创作，我们也称这些歌曲为工匠歌，虽然工匠歌曲并没有普及大众，但是这也是德奥艺术歌曲很重要的一个前身。在这个时期，教堂音乐还是在德国古典音中抢占着最主要的地位，人民的思想依然受到宗教因素的控制。德语艺术歌曲的雏形产生于17世纪中叶，这个时期的音乐虽然没有完全摆脱宗教的束缚，但是人民的生活得到了改善，思想也得到了进步，人们的创作热情也得到了启发。在这个时期，艺术歌曲呈现的是单声部的旋律。到了古典时代，以维也纳三杰暨海顿、莫扎特、贝多芬为代表的作曲家创作的一系列德文歌曲深入人心，这些歌曲当时都被人们当做咏叹调来演唱，但是这些歌曲的艺术水准已经和艺术歌曲很接近了。到19世纪初期，在欧洲浪漫主义文学的影响下，艺术歌曲开始作为一种声乐形式正是确立。随着舒曼、勃拉姆斯、门德尔松等一系列作曲家的发展，德国艺术歌曲进入了繁盛时期。值得注意的一点是，德语艺术歌曲的歌词并不是作曲家随手写来的，他都是出自浪漫主义诗人之手，这些优美精致的诗歌也成为了后世艺术歌曲创作的重要素材。进入20世纪以后，德语艺术歌曲也开启了新音乐时代，直到今天还是有很多优秀的德语艺术歌曲作品诞生。 二、德国艺术歌曲的演唱风格 德语艺术歌曲虽然不及咏叹调那些歌曲，篇幅庞大，情感对比强烈，但是德语艺术歌曲有着对歌唱者艺术修养更高的要求，歌唱者不仅仅是要理解作曲家的作品，更需要透彻地理解诗人创作的这首诗词的情感，只有首先在这两点上对作品有一个正确的理解，才能开启这个艺术歌曲准确的演绎。在技术层面，首先需要关注到的是气息，呼吸需要做到流畅、平稳，一句句的连贯性循环呼吸。其次，声音的通道要求统一，这样声音才会和谐、通畅。再次，德国艺术歌曲具有很强的名族音乐的风格特征，所以在音色的运用上面，不要需要过分夸张浑厚的音色，而是需要明亮、清晰的音色，音量上需要准确的把握和控制，这样才能更好地营造出德语一首歌曲的意境。在情感处理上，首先，演唱者需要把握好整首歌曲的基调，对于曲谱的各种表情符号需要一一详读,从而表现出每一首歌曲的特点。不论是演唱抒情的还是伤感的歌曲,都应当恰如其分地做到感情的抒发，符合作品的风格，切勿使用过分的夸张、或平淡冷漠的表达。 三、德国艺术歌曲的语言发音特点 完整的演绎一首艺术歌曲，还需要把握住一个灵魂———语言。相对于法语、意大利语等其它语言，德语在发音吐字上面则难度稍大一些，主要表现在元音的组合、辅音的清晰上面，以下笔者就从这两个方面谈谈德语的语言特点。首先，元音。德语的元音一共有16个单元音和7种复合元音，除了传统的元音字母外，还有3个特殊的变元音字母：a、o、ü，这三个变元音也是德语区别于其他语言的重要标志。发好这几个关键的变元音也是有一定的难度的，首先我们来分析一下a，a是在a这个字母的基础上演变而来的，发音的时候，舌尖要抵下牙齿，舌尖微微向上抬起，双唇向两边自然张开。根据不同的单词的组合，字母a的发音也分为短元音[ε]和长元音[ε：]，除了发音长短时值不同以外，长元音[ε：]在发音时的开口度要比短元音[ε]稍微大一点，有点靠近发音素[a]的感觉。其次是o这个变元音，它是在o的基础上形成，也有长短音之分，音标分别为[Φ:]和[oe]。发长元音[Φ:]时，舌头的位置同长音[e:]，口型类似长音[o:]，双唇稍圆，发音效果介于长音[y:]和长音[o:]之间。发短元音[oe]时舌位同短音[ε]，双唇拢住成圆形，做发短音[]的口型，[oe]也叫做[ε]的唇化音，在听觉效果上介于短音[y:]和[]之间。最后就是ü，这个变元音是在字母u的基础上演变形成的，发音类似汉语“煜”字，发音中的元音（ü），这个变元音的发音也分为长元音[y:]和短元音[y]，长元音[y:]是[i:]的唇化音，发音时舌位与发音素[i:]相同，舌尖要抵下牙齿，舌头微微向上抬起；短元音[y]的发音与长元音大体相似，只是有音值的长短不同而已。最后，元音的发音还应该注意保持元音的纯正饱满，清晰区分长短元音的区别，切记拖长，导致长短元音区分不清楚。德语歌曲中，辅音的发音也是一个重中之重，单辅音的发音需要做到清晰，而复合辅音则要求第一个发得稍轻，突出第二个音，辅音的发音需要做到快速、清晰，声断气不断。德语的节奏感比较强,它的重音一般都在第一个音节上，只有把握好了重音才能把握好德语的语气，这样听上去才地道、纯正。 四、德语艺术歌曲在高校的现状 在我国早些年的高等音乐教育中，德语艺术歌曲的学习处于比较空缺的状态，大多数高校都把注意力放在意大利歌曲和歌剧咏叹调的学习上，即使少数人涉及到德语艺术歌曲的学习，但由于学习资源的缺乏，导致在歌词发音和演唱风格的把握等方面都存在偏差，成为高等音乐教育忽视的一个问题。近年来，国内的音乐高校对德语艺术歌曲的关注有了大大的提高，来国内进行交流德语艺术歌曲的外国专家也越来越多，使我们可以近距离的接触到“利德”，这大大方便了我们对于德语歌曲的学习。不断举办的艺术歌曲音乐会和大师班也使得国内的学术氛围变得浓厚，很多高校也在不断举办艺术歌曲的比赛和交流，这些都对“利德”在国内声乐界的发展起到了积极的推动作用。随着不断普及和研究，我们一定会更加深入地了解德语艺术歌曲的魅力，这个在西方流传了200多年的艺术瑰宝也会在中国受到更多人的关注。 作者：倪郡单位：四川音乐学院 声乐教育论文:民族高校声乐教育论文 声乐教育，一般的理解易将其简单化为以声乐为主要或单单以声乐为其内容的教育，如若这样，必将是为了声乐而声乐的教育，声乐将是其内容、手段与终极目的，无论是声乐的施教者还是受教者必将在声乐编制的一个周而复始的不见其起点与终点的“怪圈”中打转转。这种声乐教育中无论对声乐施教者还是声乐受教者而言都是将自己所谓的艺术生命机械的对等化为声乐教育的长河中，毫无质的提升与飞跃，只有量的延展，更无创造性而言，可以毫不困难地发现这种声乐教育理念及其指导下的声乐比赛的最终结果。而与此相对应的另一种声乐教育就是以声乐为路径的一种艺术教育。声乐固然是施教者与受教者达到艺术教育这一阶段性目标的手段与重要内容，但声乐本身与艺术教育本身绝不是我们追求的终极目标，如果任何教育的内容与可预期的产生“实用性的目标”是其目标，必将会偏离教育的本真。教育的本真与终极目标在于以人的健康、全面、和谐发展为要义。《礼记•大学》篇云：“大学之道，在明明德，在亲民，在止于至善，物格而后知至，知至而后意诚，意诚而后心正，心正而后身修，身修而后家齐，家齐而后国治，国治而后天下平。”对于“在亲民”，朱熹将“亲”解释为“新”，即“新民”，而“新民”必然具备“明明德”、“至善”之要义。在“以人为本”的社会中，教育仅仅是“人”的存在于发展的一种手段，“人”的逐步完善与意义的体现是教育的最终目标。声乐教育是声乐比赛的先导，正是正确的声乐教育指引着我们走出某些非良性的声乐比赛的怪圈，实现我们对“人”的意义上教育的追求与完善。“音乐是心灵的语言，是表现发生在灵魂隐秘深处的行为和经历的手段。” 声乐教育正在以单向度的“老师学生”的传播路径走向互动的“老师学生”的双向路径，从对音乐的理解转向师生共同理解与探讨对某一音乐作品或知识不断趋向一致的行进模式，老师由一个“主导的”、“垄断的”地位转向一个音乐教学与学习过程中的“先行者”及向“后来者”传递“先行者”对音乐的心得，即先行一步而学习、理解的心得体会。音乐的语言与语言的音乐是声乐教育中不可或缺的两个方面与重要的特征，两者的和谐交融方可将声乐教育推向一个更高质量的层次，教师应更多地用音乐的语言去引导学生，而学生则应更多地是用语言的音乐去感悟音乐的本真及在此基础上收获快乐与幸福。师生由此而在课堂教学活动中得到“合流”，这种“合流”为以后将课堂延展至比赛的舞台设置了极好的路径且打下了坚实的基础，因为对于作为走向舞台的比赛者而言，切磋、交流与探讨而得到的知识及对知识的理解毕竟比单纯地接受式的学习而显得深刻得多，所以在舞台上更多体现的是自己与作品的交融及在交融基础之上的创造性的发挥与升华，唯有如此，作为一个音乐比赛参与者的角色定位，与其说是一个音乐的表演者，不如说是一个音乐的创造者，因为其较好地完成了作为一个在此刻所承担的对音乐的“历史担当”。 声乐教育与声乐比赛都是展露心迹与个人情感驱动的不可或缺的双轮。声乐教育与声乐比赛的成功取决于声乐教育与声乐比赛的主体施动者对其所处语境下音乐元素与音乐本真的深刻洞彻与现实体验。思绪终止的卡点，便是音乐飞扬的起点，同时也是声乐教育与声乐比赛发挥作用的地方。声乐教育对声乐比赛起着关键性的作用，也是在声乐比赛中诠释的艺术真谛的不可或缺的重要因素。但是由于受应试教育的影响与教育者本身条件的局限，对声乐的教育往往囿于对声乐技能的传授、对声乐流行性因素与风格和内容的追逐，往往有意或无意地造成严重缺乏对声乐受教者学生自身条件与兴趣的认知，严重缺乏对声乐作品本身所处语境的关注，严重缺乏对音乐作品所传递出的文化的感知与洞彻，严重缺乏对声乐本身所承载的“以人为本”的声乐的历史担当，往往出现为了音乐而音乐，即为了功利的音乐而进行功利的音乐教学。由此从某种程度上来说，正确的声乐教育是正确的“载满”声乐比赛内容的这艘艺术帆船驶向正确彼岸的“压舱石”与“指南针”！ 音乐比赛中的舞台效果绝不仅仅是局限于音乐性，而是融合了音乐性、艺术性与文化性等多种因素于一体对音乐受众者甚至对音乐表演者而言同样造成的视觉、听觉、思想、观念上的冲击与震撼。表演者的舞台应是融合了音乐的文学与音乐的要素于一体的舞台，舞台不是目的，而是通向本真音乐的方式与途径，舞台是有期限且会随着音乐比赛的完结而告一段落，而舞台上折射与反应的音乐文化与艺术影响却是永无谢幕和终结之时，且对音乐教育的反思也将是长期的。声乐教育并非单纯地以语言为主的艺术教育，而是将语言、音乐、表演三者有机融合的艺术教育，这就意味着教育者根据具体的教育语境，即教授内容的艺术元素、受教者、教授的方法而因地制宜采取不尽一致的教育过程，在这些过程中，有的语言教育的比重较大，有的则侧重于音乐教育或表演内容，不一而足。但是在声乐比赛中，其情形却与声乐比赛有不同之处，更侧重于以歌唱语言和以节奏、旋律、器乐音响等来传递音乐创造者对音乐的诠释、理解给受众者，而表演（此处仅指单纯的表情与形体上的表演）则往往退居次要位置，但这并不意味着其不重要或被加以忽视。不难看出，语言、音乐、表演等要素都对声乐教育与声乐比赛的成功实施发挥着关键性的作用，不可忽视。但由于声乐比赛与声乐教育二者的差异，也必然会导致语言、音乐、表演等这些因素的运用的技巧及程度上不尽相同，需要声乐的施教者、受教者及声乐比赛的表演者针对其作品的不同而采取不同的方法，当然，这必将是一个长期探索的艰辛历程。 总之，正确认识与处理好声乐教育与声乐比赛二者的关系，必将会在声乐教育者、声乐受教育者即声乐比赛参与者、广大的观众数者之间形成一个多方共赢的局面，也是教师、学生、观众共同努力与探讨与共进的地方！ 作者：王菊单位：中南民族大学音乐舞蹈学院 声乐教育论文:原生态声乐教育论文 一、原生态音乐的文化价值 原生态音乐在民间发芽生长，以其原始的言传身教和自娱自乐的方式不断发展，结合本民族特有的音乐节奏、曲调和语言形式传递着生活、劳动情感，在生活中占据着重要部分。原生态音乐在千百年的传承中使其具有了经典性和文化性，例如，古老且经典的孤独调、欢喜调、下坡调、砍柴调、哭嫁歌、敬酒歌、哭丧调、哄娃娃调等，在悠久的文化积淀和漫长的时间累积中，锻造出渗透心底的情感思想和意识表达，激荡着无数人的心扉。例如河套地区的慢翰调、陕西的信天游、华北的剪窗花等，总是依循着原始的唱法，向人们阐述独特的地区和民族文化，不添加任何粉饰的原生态唱法，浓郁炽烈的表达着独特的风俗气息和民间文化内涵，总是能达到沁人心扉的效果。原生态音乐在文化历史的传承上，人生态度的养成上、人际关系的融合沟通上都起着重要的作用，饰演者重要角色，其中所体现的生活价值、文化韵味、研究价值、审美价值，即使在今天依旧具有重要意义，闪烁着独特的光彩。民族文化、环境、习惯、风俗等方面的不同，使得原生态音乐包含着不同风格和形式的演唱类型。例如，地狱色彩显著的山歌，婉转动听、悠扬绵长；旋律悠长舒展的藏族酒歌、蒙古长短调；还有城乡生活小调，锯大缸、卖货郎；更有庞大繁杂的叙事曲或乐曲，如傣族阿诗玛、侗族大歌等，这些音乐形式都是在人们的辛勤劳动与生活中逐渐形成的民族智慧结晶，彰显着中华文化的博大精深与丰厚的历史内涵，并且成为国家非物质文化遗产。原生态音乐的创作环境是实际的生态环境之中，演唱者对这类歌曲的神韵、演唱方法和风格总是有着原生的感觉和精准的把握。对于原生态音乐的继承者与传承人来说，要结合现代的声乐艺术，不断地发展完善，才能更好地显示其独特的艺术魅力。近些年，原生态音乐逐步走进了央视舞台，尤其是青歌赛中原生态唱法的融入，使人们感受到了原生态音乐的独特魅力。不仅使人们看到了不一样的音乐类型，更让人们逐渐领悟到了音乐的质朴与纯真，领略到了原生态音乐丰富的内涵和表现力，在音乐界引起了一致好评与强烈的反响。因此，原生态音乐的引入将为高校声乐教育的发展注入新鲜血液，增添新的内涵和发展前景。 二、引入原生态音乐对高校声乐教育的意义 高校声乐教育对于原生态音乐的传承保护而言，将起到重要的作用。原生态音乐的起源地多在偏远的民族聚居地，很多地区有自己的民族语言，但是却没有文字，因而，生长在民间的原生态音乐凭借口口相传的形式广为流传。现今的原生态音乐正以其独特的精神文化价值和艺术魅力在社会中愈加被重视，对它的保护、传承和发展是继承传扬传统民族文化和社会主义建设的需求所在。高校声乐教育所培养的是专业的音乐人才，对于原生态音乐的积极融入，可以成为高等音乐教育的创新发展背景和科研优势，依靠专业的教育环境和条件，继承和发展传统文化，丰富高校声乐教学内容的同时，更是培养多元型音乐人才的重要手段。高校声乐教育将原生态音乐引入其中，用原生态的方法和视角对音乐艺术进行理解和分析，用声乐的艺术视野对原生态文化进行体证，可以使高校声乐与原生态音乐进行有效的融合和沟通，二者相互推进，相得益彰。再者原生态音乐历史文化丰厚，内容博大精深，涵盖历史、民族、社会、宗教等相关学科的文化内容。因此，原生态文化的引入对于现代的高校声乐教育将发挥重大的作用，不仅丰富了声乐教育的学科内容，开阔了学生视野，提高了音乐素养，为高校声乐教育的人才培养增添了新的元素，使高等声乐教育更加丰富和多元，培养的人才相对素质较高，能更好地适应社会的发展趋势和需求。 三、结语 综上所述，原生态音乐的引入和发展，对于高校声乐教育的发展将起到极大的促进作用，原生态音乐的内涵和文化气息，将为整个声乐教育提供更加浓郁的文化氛围，为声乐教育增添新鲜的活力，使学生不断地开阔眼界的同时，提高学生各方面的音乐文化素养，促进高校声乐与原生态音乐的共同进步与发展。 作者：余蕾单位：湖北省医药学院学务部 声乐教育论文:我国高职声乐教育论文 一、目前我国高职声乐教育存在的主要问题 想要做好高职声乐教学，提高教学效率，做好职业化教育，就要准确找到声乐教学在现代化教学背景下存在的主要问题。第一，教学内容单一。据调查研究表明，现如今的高职声乐教学内容只是在单一的沿袭本科教学内容，教学形式枯燥，教学内容传统。此外，教学情况无法与社会实际相结合，缺乏创新性。第二，教学设置不科学。教学设置是课堂有效教学的前提，是提升教学效率的关键。目前的高职院校声乐教学在课程和科目设置上都不够完善，忽视了学科教学与专业人才培养的紧密性，教学脱离实际，无法满足社会用人标准，缺乏职业化眼光。第三，教学设备过于落后。与普通教学科学相比，声乐教学对教学设备具有更高的要求，它不仅需要专业的教学场所，还要配备与声乐有关的教学乐器、可以进行对照的大镜子等等。只有最先进的音乐设备，才能提高教学的实效性，提升学生的职业化能力。 二、如何在当前形势下做好高职声乐的职业化教学 在上述内容中，我们已经清晰直观的看到了高职声乐教学存在的主要问题。想要有效提升教学效率，就一定要找到最有效的方法开展职业化教学，培养社会需要的高素质人才。 （一）制定与职业化教学相关的声乐教育计划教学计划是教师开展教学的基础内容，是根据学生的学习实际制定的教学策略。高职声乐教学一定要根据专业特点，制定有针对性的计划。在具体教学方案制定之前必须要充分调研市场，明确各单位对声乐毕业生专业能力的需求，结合教学时间、学习能力等编制科学的教学手段，并在计划制定中融入职业化需要，培养出社会需要的高质量、高素质人才，实现职业化教学目标。 （二）教学内容和教学模式与职业化要求相契合“职业化教育”是市场经济运行下势必要推行的教学形式，它符合社会的用人新标准。为了提高高职院校声乐毕业生的就业率，各学校一定要完善教学内容，选择科学的教学模式，并将它们与职业化要求相契合。具体而言，教学内容在传统学习形式的基础上，还要不断创新，增加不同声乐的唱法。在教学模式上也要积极创新，不拘泥于一种形式，将现代化设施运用到实际教学之中，调动学生的学习积极性，倡导职业化教学。 （三）教与学都要跟随职业化教学趋势在教育教学过程中，学生是教学的主体，教师是教学的主导者，两者相辅相成，互为表里。职业化教学的实现势必要以这两方面主体为优秀，提高教学的实效性。对此，高职声乐教师要积极改变自己的教学方法，调研市场现状，根据学生的学习特点和兴趣制定职业规划，在教学中融入职业取向。学生也要明确职业化教学的发展趋势，结合社会实际提升学习效率，找到高效学习的新方法，变被动学习为主动学习，使教与学都更具针对性。 （四）强化实践教学声乐教学职业化教育的实现不仅要以职业化教学内容、教学计划的制定为基础，还要坚持完善实践教育，建立实训基地，重视社会实践。高职院校声乐教师要带领学生进行实地学习，让他们多接触社会，调整学习心态，与用人单位多加联系，关注社会需求，并进行自我完善，找到最有效的对策提升自我，提高职业素养。 总而言之，由于社会主义现代化建设水平的逐步提升以及社会经济的可持续发展，社会竞争异常激烈，就业问题已经成为了困扰毕业生的主要困难。高职院校作为培养专业人才的摇篮，其受到的关注度自然较高。在文娱艺术迅猛发展的今天，声乐教学作为最重要的教学内容，一定要坚持职业化的教学倾向。将教学计划、教学内容、教学模式与职业化要求相契合，加强实践教学，完善教学的主客体，并找到以往声乐教育存在的主要问题，根据实际改进教学，有效做到职业化教育，培养出社会需要的健全人才。 作者：高利萍单位：湖北省艺术职业学院 声乐教育论文:情感教学下的声乐教育论文 一、注意声乐演唱中情感的表达 声乐演唱是人们情感的具体表现，积极情感表达不仅是艺术表现的要求，同时也是解决语言、发声以及呼吸等技术问题的重要辅助条件。在声乐演唱中所表现出的情感是在外在与内在的共同刺激下所产生的结果，是情感变化过程的体现。在这个过程中，可以通过歌曲构成分析发展轨迹。一方面通过歌词、歌曲同旋律之间共同形成特定的情感与情景；另一方面，歌曲中音乐属性主要是利用伴奏与声的配置、节奏变化、旋律起伏来塑造形象和营造气氛。演唱者要想将歌曲特定情景充分表现出来，就需要进行情景设想，以带有饱满情绪的歌声来感染听众，达到情景交融的效果。 二、在声与气的统一中，以技巧丰富音乐情感 在声乐演唱技巧的众多关系中，声与气的关系属于优秀关系。只有处理好声与气的关系，才能表现声乐作品思想内容、构建声乐作品艺术风格。在发声的时候，气带动声带而产生振动。在声乐演唱中，如果没有气，也就没有声，无声带合理振动，气就无的放矢。高水平声乐演唱，需要统一声与气之间的关系，如果演唱技巧运用不当、声音观念错误，声与气的关系会出现不合理、不均衡等情况，破坏声气之间的依存关系。从本质上来讲，声门是声气关系中的优秀，也就是声带两游离缘间长短、松紧与远近等状态，判定声气关系重要依据为声门状态。声门状态主要是根据声气的比例进行调整、取舍与横梁。气多声少或者是气大于声，就会显得浅、粗；声多气少或者是声大于气，就会显得紧、憋。声与气之间的关系并不是孤立的，这一关系同耳朵判别感受、演唱者声音观念、体态姿势、共鸣腔体利用以及喉头位置有着紧密的联系。 但是不管演唱的技巧与技术多么复杂，首先要认识到，声乐演唱中的第一原则或者是基本原则就是建立正确声气关系。要想建立良好声气关系，需要处理好下列几个技巧技术：（1）神似与形似，如果没有形似，也就不会出现神似；（2）弱音与强音，如果没有强音，也就无法体现出弱音，无弱音也就没有所谓的强音；（3）口腔的纵向打开与横向打开，如果无纵向打开也就没有横向打开，无咽喉扩开，口唇将无法发挥与舒展；（4）声音方向靠后或靠前，没有靠前演唱也就没有所谓的靠后演唱。 三、在音乐与歌词统一中，以技巧丰富表情与表意 同其他音乐表演形式对比，声乐演唱最大的特点就是文学与音乐之间的结合。在声乐作品中，曲谱与歌词是两个重要的因素。曲与词不仅存在一致性，也存在矛盾。比如，歌声的表达，需要将文字的语气、四声等完美表达出来，就如同朗诵一般。要想实现这一目标，需要尽量将音乐抛开，摆脱音乐对于歌词所产生的文学束缚，也就是需要抛弃音乐本身。同样的，要想不受束缚地将音乐的情感内容与旋律自由地表现出来，就需要摆脱歌词的羁绊，在音乐构建过程中，实现二度创造。同时演唱如果没有歌词，从其他角度上看，属于对音乐的摒弃，所以，在声乐演唱的艺术表现形式中，音乐与歌词是主要矛盾。但也正因为存在这一矛盾，赋予声乐演唱更大的魅力，不仅超出了音乐语言方面的情感意义，也超出了文学语言方面的内容意义。从某种角度上讲，音乐的多义性与抽象性获得了语言文字的具象性指导，更加容易被人们理解与接受，进而形成特有的美感与优势。 要想将这种优势与美感充分地展现出来，就需要有高超演唱技巧作为依托。通常情况下，声乐演唱技巧包含以下三个方面：（1）运用风格性技巧技术。不同侧面所表达出的不同情感都会有不同的标准与审美观，不同的时间段、民族、地域、人会有表达情景、内容的不同需要，进而衍生出多种的标准与审美观，利用这一技术方法，将不同的标准表现出不同音乐风格。（2）肢体动作协调配合技术、呼吸控制运用技术、器官支配驾驭技术，但是优秀的技巧技术是与歌曲要求相结合，对音质、音量、音色以及音高的运用和掌握。只有充分掌握相关音色技术，才能够在不同的地域风格与时代风格的音乐作品中塑造出与实际需要相符合的音乐形象。（3）演唱技巧还包含词义与语音的准确表达。 四、结论 总而言之，声乐演唱者不仅要熟练掌握演唱相关技巧，还要在歌曲演唱中融入丰富情感，在对歌曲作品要求进行深入理解以后，塑造声音，这样才能将歌曲思想感情充分表达出来，以动人的歌声感染听众。本文通过分析声乐演唱技巧与情感表达，提出在声与气的统一中，以技巧丰富音乐情感；在音乐与歌词统一中，以技巧丰富表情与表意。 作者：陆伟单位：江苏省宿迁高等师范学校
钢琴教学技巧论文:浅谈钢琴教学中的弹奏技巧 摘要：本文从影响钢琴音色若干技巧的不同角度、力度、触键、运用方式等方面分析入手，强调正确的触键对钢琴艺术表现力的重要性，同时阐述踏板是处理钢琴乐曲的不可或缺的重要工具，在钢琴音乐的表现中同样发挥着举足轻重的作用。 【关键词】钢琴；触键；音色；演奏技巧 中国分类号：J624.1 钢琴基本技术包括音阶、和弦、琶音、八度等技巧，也就是人们常说的“基本功”，是钢琴学习中最为重要的内容之一，但不少钢琴学习者都对这些内容缺乏认识或不感兴趣，没有予以高度重视，以致在钢琴学习中遇到越来越多的技术障碍。所以，只有当你正确认识学习基本技术的意义和作用，并用正确的方法进行练习，打好钢琴演奏的基本功，才能轻松愉快、得心应手地去弹奏各种高难度的艺术作品！ 一、音色 好听的声音是不同力度、不同色彩、不同情感处理的结合体，各种节奏、乐句的相互结合、相互对比、相互表现。弹奏出好听的琴音除了对钢琴质量、质地、音色好坏的要求外，还和钢琴演奏者演奏技巧有着很大的关系，是受钢琴演奏者的演奏技巧改变而改变的，与节奏、力度、触键方式、情感处理有着直接的关系，我们听到的悦耳琴音都是演奏者演奏钢琴时各个方面的完美结合，恰到好处的表现。优美悦耳的音乐会让人们心情舒畅，浮想翩翩，缓解疲劳，给人以美的享受。 刺耳的琴音除了钢琴本身的质量、音色的缺陷外，主要是由于手臂手指的错误触键，用力方法不得当，一成不变的力度、速度，对作品死板生硬的理解等等方面造成的。一般都表现为演奏者弹奏钢琴时对音乐内容的不理解，不注重力度、色彩的变化，连音、断音不清晰，乐句、乐段不明朗，有的甚至把所有激昂高潮段落都一味的理解为激动、飞速，抒情缓慢的乐章理解为沉重、深沉。还有的弹奏乐曲时甚至对谱面都没有要求，节奏不稳、章节混乱，没有感情，弹奏出来的 音色尖硬、刺耳，该轻的弹不轻，该重的弹不重，速度控制不住等等。 二、触键 触键的方式多种多样，弹奏出来的音色也丰富多彩，针对不同的作品，它有不同的触键要求，怎么来进行衡量、界定，需要我们进一步的“具体问题具体分析”。为提高钢琴演奏的音色，我们可从以下几方面着手：改变手指的触键部位，从用指尖触键到用指面部位触键。改变手指的触键高度，提高手指触键对下键的速度有重要作用，如要得到明亮的颗粒性声音，常需手指的提高。而对声音柔美的连奏则不需提高手指，要求以平稳的贴键方式触键。改变手指的触键速度，缓慢的触键速度是创造柔和歌唱性声音的关键因素。 练习方法：让手处于正常的弹奏姿势，手背和腕背几乎在同一水平面上，手指贴住键盘，手腕在抬高和放下的动作中必须始终放松，手指始终贴键，手指稳固而略呈弯曲。 （1）断奏：每弹一个音符，手指都迅速按下键，并在发出声音的那一刻立即松开，这样手指就缩回到键上，手腕始终保持平稳，同时无僵硬之感。 （2）连奏：也象前面一样，每个音都要弹出，但是音必须保持住。手指所用的压力只须阻止琴键弹回即可。在向下一个音进行时，前臂略向右转动。这样当一个键松开时，另一个键正好发出声音。目前指力触键主要用来演奏精致典雅的乐段或创造纤弱的伴奏效果。一旦要求较重的音响时，指力触键就会被其他更为有力的触键方式所代替。 三、练习方法 在各类触键方式中运用最广的是“手力触键”。顾名思义，手力触键的主要特点就在于手的朝下动作。把前臂与手在你前方水平地抬起，然后迅速朝下甩，甩得尽可能远。手臂甩完后如果不受阻挡的话，会在空间自然地消耗能量。 练习方法：手放在键盘上。手腕放松，手指稳固。拇指举起离琴键约1/4英寸高，手朝键上和键里用力，使拇指击下琴键。这时手腕会立即向上拱起约1英寸高。然后立刻放松，回到原先的位置。这样就形成了断奏效果。在每一个下键动作中都要强调手腕的向上运动。也可用同样的方式来练习连奏，但手朝下面一个音的方向稍稍转动，手腕每次向上拱起后，应立即回到原先的位置。练习时须遵循下列四个要求： （1）上臂保持放松，肘部在体侧。 （2）前臂稍抬起，以使手腕活动自如。 （3）手腕保持彻底放松。 （4）手指下键要稳固，否则会变为在琴键上纯粹地拍打。 手腕放松而手指稳固是触键中最难达到的要求。造成演奏僵硬和滞重的主要原因往往就是没有做到这一点。手力触键有着广泛的用途，如演奏各种音阶、琶音以及其它复杂音型的快速乐段等等。这些乐段所要求的音量比仅靠指力触键产生的音量大。 触键方式就是突然落下前臂或全臂，以使所要弹的那个键或几个键在这个下落动作中被推下。这种触键后的最终姿势就是手和手臂都从键盘上往下垂挂着。臂落触键也是从正常的弹奏位置开始的，但这时手腕在声音发出的那一刻略微向上拱起的力量已远远无法与臂重的力量相抗衡，所以手腕只好下落而非抬起。也可用臂落触键弹出断奏效果，只要手指在声音发出后立即放松。但是“粘着力强”是这种触键方式的主要特点，所以臂落触键最好用于音的保持或连奏效果。 手腕的上下动作分成两种，一是由整个手臂协调带动下的上下动作；二是手腕独立动作的上下动作。 由整个手臂协调带动上下动作，即一般称之为“落滚”式的动作。这种落滚式动作的练习，可使手臂手腕与手指协调一致，放松自如。僵硬的手腕往往通过这种方式的活动得到改善，变得柔韧。我们一般说弹钢琴用手腕呼吸，就是指这种手腕提起，再落下的小小的间隙，与歌唱中的换气有同样的效果。 四、结语 影响钢琴音色的主要因素有很多种，大致分为：触键、手指手腕的运用、踏板三大方面，本文中笔者从自身十几年的学琴经验技巧出发，翻阅大量的文献资料，结合自身的学习技巧从弹奏钢琴时手指触键的方式、触键时力度的作用、触键时用力部位的不同运用、指力触键、手力触键、弹奏时手臂手指的运用技巧、臂落触键、全臂触键、手腕的上下动作、合理的运用踏板等方面来简单的浅析了这些问题，在弹奏作品中对力度的把握，节奏时值以及感情的处理都简单的做了说明，希望对初学者在弹奏钢琴时能弹奏出好的音色有一定的帮助。 钢琴教学技巧论文:钢琴演奏技巧与乐感的相互联系及其在教学中的应用思路刍议 摘要：钢琴的演奏技巧与乐感之间实际上是相互依存的，二者之间相辅相成，相互渗透和相互补充，乐感的培养和训练也是基于正确的演奏之上。所以我们必须正确对待钢琴演奏技巧与乐感之间的相互联系，并且将他们很好地融入到教学应用当中。本文将针对钢琴演奏技巧与乐感之间的相互联系进行简单分析，并就其在教学当中的应用思路进行探讨。 关键词：钢琴 演奏技巧 乐感 联系 教学 应用 在钢琴教学当中，教师普遍传授给学生的都是最基本的演奏技巧，例如熟悉琴谱、练习指法等等，而学生掌握了这些最基础的技巧之后，就可以更好地领悟乐曲，从而培养和形成独特的乐感，更完美地诠释音乐。学生伴随着乐感的不断提升，就可以在音乐的表现能力上显得更加游刃有余。所以不难看出，钢琴演奏的基本技巧是形成乐感的重要保障，二者之间是相互促进共同发展的。 一、钢琴的演奏技巧与乐感之间的联系 技巧与乐感是一对相互依存的关系，二者之间很难说缺少哪一部分乐曲的演奏还会成功。乐曲的表现和情感的流露是通过扎实的演奏技巧来体现的，只有技巧足够成熟，才可以更好地培养乐感，进而形成自己对乐曲独特的见解和理解，演奏出自己真实情感的乐章。 （一）正确地将乐曲进行划分是乐感培养和表现的首要因素 其实，所谓的将乐曲进行划分，就好比我们人类平时的呼吸一样，总需要有一个停顿和喘息的时间。一首很长的乐曲我们不可能没有停顿的演奏下来，每一小节与每一小节之间都有着相应时间的停顿，几个音符之间也要有恰好的停息，这些停顿在很多时候是需要我们自己去掌握的。所以能够很好的将乐曲进行划分和停顿，对于乐感的培养有着非常重要的意义。 一般而言，在音乐的演奏当中，划分的标准也就是停顿的瞬间和我们语文当中的标点符号是有异曲同工的，不同的符号有着不同的表现效果和演奏要求。所以我们大多情况下从乐曲的分句上就不难看出来演奏者的情感和意图。例如当一小节当中出现了连音符号的时候，我们必须清楚这就要求在演奏的时候表现出一种流畅、柔美、连续的感觉；而断奏符号通常是要让我们表现出一种有力、刚强的情感。所以不同的情况就要求我们有不同的表现方式，进而形成自己独特的音乐理解能力。 （二）速度和节奏要力求准确，才可以更好地保障乐感的培养 我们说乐曲的划分和停顿是乐感培养的基础和首要因素，那么节奏和速度的掌握在乐感培养当中也是非常重要的保障。对于一首乐曲而言，演奏者将它诠释不同，或许我们欣赏者就会产生完全不同的理解。无论是哪种音乐，掌握了它的节奏都是非常重要的。对于一些节奏较快的音乐，我们必须在演奏的速度上进行提升，这就会给欣赏者带来一种欢快或者是比较高亢的感觉。而一些节奏非常舒缓的音乐，我们在演奏的时候，速度必然会慢下来，这就会为我们营造出一种比较柔情的感觉。有一些教师在教学的时候，非常严格的要求学生，甚至过于死板，他们明确的要求学生按照定下来的拍子和节奏来进行演奏，笔者认为，这种方式也并不完全是正确的。我们依照乐谱的拍子进行教学和练习是没有错的，但是好的音乐往往都是融入了演奏者自己的情感和自身对于乐曲独特的理解，所以我们可以适当地对一些拍子的节奏进行改变，以便更符合自己对乐曲的诠释和理解。 实际上节奏的训练在我们的生活当中是最为普遍和容易的。举一个最为恰当的例子，在原始社会，那些原始人根本不懂得什么叫做音乐，什么叫做节奏，更没有乐器供他们演奏和使用，但是他们却可以不断的敲击石头或者是拍手打出节拍，进而跳起舞来，这实际上就是节奏。所以可见节奏在乐曲当中的重要性，也在乐感的形成和培养当中有着非常重要的作用。 （三）在演奏的过程当中力求不拘一格，这也是形成乐感的重要条件 我们都知道，每一首乐曲在进行创作的时候，都有着不同的情感和含义，同样的一首曲子，可能不同的人来演奏，就会有不同的理解和不同的情感。所以我们就是要培养学生在演奏的过程当中形成不拘一格的演奏方式，通过自己的理解对乐曲进行独特的诠释和表现。 另外我们还要清楚地看到，不同的乐曲在创作的时候都有着不同的社会背景。例如肖邦的音乐，表现的内容大多都是对祖国的热爱以及代表祖国人民的一些心声和体现。他的乐曲创作的背景就是当时波兰的社会环境，所以有着很强的社会现实色彩。我们在进行演奏的时候就必须充分对这一创作环境进行了解，进而更好的带着自己的感情融入到乐曲的演奏当中，表现出不同的情感和内涵。所以这就要求我们对学生的教学一定要融入这种思想，让他们能够将自己和别人不一样的领悟融入到学习和练习当中，从而更好地进行乐曲的演奏和表现。 二、这两者在钢琴教学当中的应用和思路分析 在钢琴的教学当中，主要培养学生具备比较扎实的基础演奏技巧和形成独特的乐感。所以笔者就简单的分析一下这二者在钢琴教学当中的实际应用。 对于一些初学者或者是年龄较小、基础比较薄弱的学生来讲，钢琴的演奏技巧对于他们而言更为重要一些的。这就要求教师在教学的过程中，注重对学生基础性知识的讲解和练习，例如：音阶、琶音、和弦、跳音、指法等方面的训练，使得学生的基本能力不断的扎实和巩固，这样才能为以后的学习奠定一个比较扎实的基础。并且教师对待不同年级的学生，也要有着不同的目标和要求。对于低年级的学生，教师的主要目标就定位成基础的指法练习，让学生可以很好的掌握正确的指法并且进行弹奏。而对于高年级的学生，教师需要培养学生的一些技巧音练习，也被我们称为装饰音。例如颤音、震音等等，都是演奏过程当中非常有必要的技巧。还可以在指法的学习当中多学一些不常用的指法，例如轮指，使得学生掌握更多的演奏技巧，进而不断地完善自我，提高演奏水平。 并且在演奏技巧方面，我们除了要教授学生最基础的演奏技巧外，还要不断为他们灌输一些与音乐相关的知识，例如音乐史和其他乐器的练习等等，以作为辅助来帮助学生更好地学习。 而对于乐感的培养，我们也要足够重视。一般而言，乐感是每个人天生都具备的，只是一些人的乐感比较强，对音乐的领悟比较高，而一些人的乐感相对较弱，对于音乐的理解较为吃力。但是不管是哪类人，他们都具备最基本乐感，所以乐感通过后天的培养还是可以发生很大的改变。 教师在进行授课的时候，除了让学生自己进行演奏，还可以定期的为学生播放一些钢琴曲，让学生闭上双眼去感受，理解乐曲的内涵和意义，进而获得自己与众不同的领悟，产生对音乐独特的理解和感受。 三、结语 钢琴的演奏技巧和乐感之间的关系，是相互促进，相互补充的关系，所以我们在进行钢琴教学的过程中，一定要充分的认识到二者之间的联系，更好地将二者的力量传递给学生。只有不断的完善自己的演奏技巧，才能更加纯熟地去诠释一首乐曲的内涵和情感，也只有这样才能够更好地将乐感培养起来，形成自己对乐曲独特的领悟和认识，在进行钢琴的演奏和未来乐曲创作的时候形成自己的风格和情感。 钢琴教学技巧论文:钢琴演奏与教学中的触键技巧问题 摘 要：钢琴是音乐中的绅士，有着他独特的魅力，随着社会的发展，钢琴的制造技术在不断进步，本文主要针对钢琴演奏与教学中的触键技巧问题进行分析，以期给相关学习研究者以有益借鉴。 关键词：钢琴；触键；技巧；演奏 伴随着手指如精灵般的跳动，创作的不仅仅是一首首优美的曲子，更是一个个情感与灵魂的表露。钢琴作为“乐器之王”与小提琴、古典吉他并称为世界三大乐器。不仅仅因为他悠久的历史，更是因为他对技巧的严格要求。只有高超灵活的技巧，才能更好的控制钢琴、融入钢琴。钢琴家只有有技巧的去演奏钢琴曲，才能赋予它真正的灵魂，钢琴演奏作为一门独特的艺术有着很强的技巧性。著名钢琴演奏家霍夫曼曾经说过这样一句话：演奏必须取得曹工钢琴的主权，这个操纵权就是技巧。自从十八世纪末，钢琴随着社会的发展，他的基本构造与性能已经基本定型，钢琴曲的优美旋律已经不像以前那样受到钢琴制造工艺的巨大限制。钢琴的触键技巧已成为钢琴演奏的决定性因素。同一首曲子、同一架钢琴不同的人弹奏却可能产生不同的风格与情感，在钢琴的演奏和学习中，触键技巧作为最基本的因素却成为了最复杂的问题。 随着社会的不断发展，钢琴的触键技巧已逐渐发展为弹奏训练中的一个基本体系，那么如何去掌握并灵活运用这种技巧呢？手指是一个钢琴演奏家的全部生命与灵魂所在，正是由于手指的灵活跳动赋予了钢琴曲灵魂与生命。也正是由于手势上的深厚功底，将一个个单调的音符组成了一首首或跌宕起伏，或优美动听，或狂风暴雨，或柔美动听的曲子。 1 力量因素在触键技巧中的“重量” 力量给予了生命足够的爆发力，但是这个看似简单的问题却是保证良好触键的基础和关键。本来手指作为身体上最灵活的部位，却成为了初学者的噩梦，手指的灵活运用对他们来说是那样的遥不可及，手指在庞大的钢琴面前却是那样的笨拙。这不仅仅是因为手指力量与身体的复杂联系，更是由于演奏家对每个音符力量的选择。一首简单的曲子，可能因为一个手指不小心用力过大或过小彻底破坏了他的美感。手指力度不是一朝一夕能够练好的，初学者在练习钢琴曲时，弹奏的声音可能听起来很虚，手指手臂也可能很容易疲劳。因此，只有脚踏实地的不断练习，才会掌握好自己的手指力度。钢琴的弹奏更加讲求力度的均匀传递，只有在弹奏时保持手指下力的均匀，和旋才会听起来更加饱满动听。力量是钢琴演奏的基础，在触键技巧中占据着不可或缺的地位。 2 从高抬指和贴键训练中看触键技巧 在世纪的钢琴弹奏中，影响弹奏的各种因素其实是相互矛盾却又相互依存的。对于钢琴演奏者来说，高抬指和贴键都是不可或缺的训练，高抬指提高了手指的独立运动性，也提高了手指力量的爆发力和耐力，更加强了手指、腕、臂和身体的协调配合。在初学阶段他有着自身无法替代的价值。可能人们在观看钢琴家演奏时会发现，很少有人去高抬手指，讲求的更多的是松弛随意，更多的是在贴键弹奏，这是因为贴键弹奏虽然和高抬指相互矛盾，但他却是高抬指的升华和发展。手指力量在满足了弹奏所需要的爆发力和独立性之后，就不再需要刻意的去高抬指。贴键演奏会使弹奏者的手指跳动更加灵活有力，圆滑流利，更节约了一些不必要的动作和力量，给人们行云流水般的感觉。只有在不同的训练中，在不同的矛盾中才能创造出完美的乐曲。 3 身体的协调配合对音乐的影响 对于钢琴演奏者来说，身体的协调配合就是手指、腕、臂以及腰部甚至整个身体的协调配合，很多钢琴家在演奏时，整个身体都会随音乐跳跃起来，以满足各种力量的需求。弹奏过程中的基本坐姿和体位都将对音乐的演奏产生巨大的影响。朗朗作为首位冲出中国的国际著名钢琴家，是所有音乐家的榜样，他的演奏想必大家一定看过不少，他的演奏不仅是音乐的表演，他的整个身体都会随着音乐去跳动，仿佛整个人已经融入了音乐。看似毫无章法的跳动，却把身体的协调运用发挥到了极致，演奏过程中无论是过度紧张还是过度放松，都会对身体的协调产生巨大的影响。“钢琴诗人”肖邦和“钢琴之王”李斯特都曾试图去解放手臂和手腕，探索一种更加完美的演奏方法，希望仅仅通过手指的灵活跳动去演绎出完美的音乐，但最终都以失败而告终。无论何种水平的钢琴演奏者，只有做到身体与钢琴的完美配合，才能创造出音乐的灵魂。 4 让触键技巧成为一种习惯 一个行为决定了一种习惯，孰能生巧，自古至今都是一个不变的真理。钢琴演奏讲求的不仅仅只有天赋，更需要的是后天你的不断努力。有哪个钢琴家的童年离开了枯燥烦闷的练习却创造出了后来的成就，又有哪个钢琴家不是凭借不断的努力创造了演奏的升华与积淀。只有让演奏成为你生活的一部分，成为你的习惯，你才能更好的融入钢琴。只有在不断练习中你才能发现自己的不足，才能有机会去创造属于自己的风格。习惯是一个看似虚无缥缈的东西，但他却决定着你的钢琴之路能走多远。 5 结语 钢琴看似简简单单的黑白双键却有着不简单的内涵，看似简简单单的触键技巧却包含了沉重的汗水，没有真正的天才，也没有完美的触键技巧，只有刻苦的学者，用自己的汗水去换取完美的演奏，用自己的人生去创造曲子的灵魂。钢琴演奏是完美的音乐升华，不是简简单单的去创作，无论学习还是演奏都离不开触键技巧，也都离不开演奏者的真正投入，离不开汗水与灵魂的交融。 钢琴教学技巧论文:谈儿童钢琴教学的小技巧 随着社会的进步，越来越多的孩子开始接触钢琴，在钢琴入门时经常遇到一些问题，音符的时值（音的长短）和识谱不仅在基础中占有很大一部分，也会直接影响到以后的弹奏。文者就此针对音符的时值和识谱问题，谈谈在儿童钢琴教学中这两个部分的小技巧。 一、音符的时值 我们在儿童钢琴教学中所经常用到的音符有全音符、二分音符、四分音符、八分音符和十六分音符、除此还有对于儿童来说相对复杂的附点音符。在儿童钢琴教学中，通常学习的顺序是全音符、二分音符、四分音符、附点二分音符、八分音符、大附点音符（前四分附点音符，后八分音符）、十六分音符等等。当然有更复杂的，但是对于钢琴基础的学习接触比较少，只要把基础音的时值掌握好，对以后学习节奏节拍来说就较为容易些。 1. 全音符、二分音符、四分音符和附点二分音符。这是孩子们接触钢琴后第一次对音的时值的认识，也是关键。如果单纯的去给孩子们叙述音的时值，有的孩子会出现根本不理解的情况。在这个时候，我们可以用一首熟悉的儿歌来告诉孩子，在音乐的世界有的音是长音，有的音是短音。这不仅可以提高孩子的兴趣，还可以加深孩子们的理解。然后我们把全音符、二分音符、四分音符画在一起来讲解，最好用联想记忆，让孩子们通过直观来看这三个音符像什么。接下来教孩子们数拍子，全音符是四拍，那么我们要用到一个小技巧，从开始的时候就不直接数一、二、三、四。我们在这个时候要数成一拍、二拍、三拍、四拍。不要看只是一个小小的差别，但是在以后学习八分音符和大附点音符时，会起到很大的作用。我们第一个弹奏的音是中央C，唱Do，以全音符为例，我们在数拍子时，唱成Do拍、二拍、三拍、四拍。唱出来不仅有利于孩子们对音加深印象，对音准方面也会起到一定的作用。二分音符和四分音符、全音符的数拍方法一样，二分音符数成Do拍、二拍，四分音符就数Do拍，附点二分音符是三拍，数成Do拍、二拍、三拍。 2. 八分音符和大附点音符。八分音符我们通常称为半拍，而大附点音符是由一拍半+半拍组成的。对于年纪比较小的孩子来说，如果对他讲述八分音符是四分音符的一半，孩子似乎很难去理解，在这个时候有的老师通常会弹奏四分音符和八分音符让孩子来听，通过听辨来区分音的长短，但是这种方法似乎总达不到理想的效果，因为孩子无法理解均分，对以后的学习可能会造成困难。还有的老师会用分饼干等形象的方法让孩子去理解，但是在弹奏时，总是会出现问题。在这个时候前面学习的四分音符的数拍的基础优势就体现了出来。我们可以很容易的教孩子，让他把以前唱的Do拍的“拍”字弹成音符。因为即使孩子是在4-5岁学钢琴，她们的语言能力也可以把“Do拍”唱的很均匀，那么也会自然的带到他的弹奏中。在弹奏大附点音符时，假设Do是四分附点音符，Re是八分音符，那么我们再弹时就唱Do拍二、Re。这对于小朋友来说就比较容易接受了，需要注意的是在数拍掌握熟练后，逐渐提醒孩子注意倾听，这样孩子们对拍子的乐感就会愈发的增强了。 下面来用一首小曲举个例子： 这首是著名的作曲家德沃夏克的作品《思故乡》，从乐谱上看，很容易理解上面所陈述的方法。 二、识谱 识谱是孩子学钢琴面对的一个基本的问题，我曾经接触过一个考5级的学生，弹曲子时老师还在手把手的教，对乐曲的感觉、节奏都很好，就是不识谱。这个问题让很多老师非常的头疼，但是从客观说，这和孩子的知识框架有很大的关系。有的孩子不用怎么教也会，有的则非常困难。我认为这个问题在开始学琴的时候就要开始打基础，第一节课无论教不教孩子认识五线谱上Do的位置，但是都要学会唱Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si这七个连贯的音，这对以后的学习有很大的帮助。对于有一些孩子学习了一段时间还不识谱，那么我认为还是要从最基本的去理解。分清线间和高低顺序，要告诉孩子，无论是高音谱号还是低音谱号第一线都在下面，就像上楼梯，无论是高楼大厦还是低层的房子都要从1楼开始往上爬。 有两个小方法提供给大家参考： 1. “走路”的方法。现在我们生活的地方一般都有地板砖，而地板砖是有接缝，横竖平行的，在横的地方贴上五条彩色的胶带，这样容易让孩子感兴趣，在娱乐中学习。让孩子先站在第一条彩色的线上，然后走一步，走到第一条彩色线和第二条彩色的线中间，再走到第二条线上，如此多重复几次。结合五线谱给孩子讲解，先把上行学会，然后把上加线和间讲解了，最后在学习下行。提前学习识谱不仅有利于培养孩子的兴趣，也不会在重复“下加一线是Do”中让孩子失去对钢琴原有的兴趣。 2. “折纸”的方法。这个方法对于年纪7岁以上的孩子比较好理解，对于长时间学习钢琴但是识谱困难的孩子也有一定的帮助。在数学中有学习对称图形部分，那么高音谱和低音谱从中间对折，每一个Do都是对称的。先用联想对称的方法记住基本的5个Do的位置，再逐渐的去熟悉其他的音位。老师对于识谱较慢的孩子要耐心去讲解，不能每一次都“放过”，等下次，这对孩子的发展是非常不利的。 在钢琴学习中基础是非常重要的，在不失兴趣的情况下，让孩子在快乐的弹奏中成长是每个家长心中的希望。钢琴的学习之路是较为漫长的，但是越学越精彩，希望喜欢音乐，喜欢钢琴的孩子可以坚持，克服困难学下去。同时也希望此文章可以帮助到一些儿童，为他们的钢琴学习提供一定的技巧。 钢琴教学技巧论文:浅谈儿童钢琴教学的技巧 摘 要：随着社会经济的发展，人们物质生活条件的日益提高，家长对子女的素质教育也越来越重视，于是钢琴走进了千家万户，学习钢琴的儿童也越来越多。但由于各方面的原因，儿童钢琴教学中还存在各种各样的问题。 关键词：儿童钢琴；教学；技巧 随着社会经济的发展与音乐素质教育的普及，学习钢琴的儿童日益增多并趋于早龄化，家长认为通过学习钢琴，孩子不仅可以掌握一技之长，还可以陶冶情操，培养踏实严谨的学习态度，丰富他们的业余生活。下面笔者谈谈对儿童钢琴教学的一些观点和看法。 一、帮助儿童养成良好的练琴习惯 培养良好的学习习惯是成功的关键。当前社会竞争激烈，孩子学习的科目众多，良好的学习习惯能够提高练琴效率。练琴时间要根据孩子的年龄和自身的性格而定，并随着年龄的增加而逐渐增加。练琴时间的长短一旦确定下来，家长就要严格要求和监督孩子，帮助孩子养成良好的练琴习惯。在每天练琴之前可以先布置好当天的练琴任务，如果孩子能够在保证质量的前提下提前完成作业，就可以提前结束练琴时间。这样可以克服孩子做事情没有计划、磨蹭的毛病，在提高练琴效率的同时，也培养孩子做事情有条理、有计划的能力。 所谓细节决定成败，作为教师和家长，在教与学的过程中，需要引导孩子养成认真读谱的好习惯，让孩子明白错音的严重性，正确理解休止符及不同奏法的含义，重视音符时值、速度标记、力度记号，养成查阅术语的好习惯，读谱要仔细全面，避免形成弹琴马虎不认真的缺点。要想成功，科学合理的练琴方法必不可少。所谓欲速则不达，正如赵晓生先生所说：“慢练是克服一切技术障碍之本。”慢练的过程，相当于让演奏者拿着放大镜把整个曲子细致研究了一遍，使演奏者有时间去倾听、比较、思考和理解。在慢练的过程中，还要注意节奏的准确和对情绪的把握、手腕手臂动作的配合、体会动作的感觉，只有一切是在以最终表演为前提下进行练习的状态，才是有意义的慢练。 此外，关于分手与合手练习的问题，笔者认为没有绝对的好坏。应当视个别情况而独立判断。如果遇到难点片段，新的技术或触键，可以分手练习；而单纯识谱，最好鼓励孩子从小养成双手识谱的好习惯，并在识谱中，把指法、奏法、句法、力度记号等细节都考虑进去。慢练、分段落练习、分手练、动脑用耳练，看上去虽然简单，却正是孩子在练习中所忽略的。因此作为教师和家长，需要时刻提醒孩子养成正确的学习习惯和态度。 二、注重基本功的训练 钢琴学习是一个漫长而艰辛的过程，作为教师，在孩子日常学习中，如果能够强调正确的弹奏方法，科学重视钢琴基本功练习，会使孩子在钢琴学习的道路上事半功倍。就像学习芭蕾舞，不重视脚尖站立的能力，则发挥不出其艺术特点与魅力。但相对于其他性质的练习，基本功练习比较枯燥，孩子在练习过程中，如果没有把教师强调的重点和要领重视起来，只是单纯地练习音符，就会事与愿违，达不到练习的真正目的。 在钢琴教学教法中，对于高抬指还是低抬指有很多争论，笔者认为要根据不同的音响效果和需要而定。但在钢琴学习的初级阶段，高抬手指练习是主要的也是必要的。在进行音阶、琶音、保持音练习和练习曲等基础训练时，运用高抬手指可以使手指和掌关节得到最大程度的锻炼，并能增强手指的力度、独立性和灵活度。当孩子能够较好地站立手指时，就需要给他们灌输其他的触键方法，使他们了解弹奏方法的多样性。 关于基本功练习，笔者认为，虽然我们不能把钢琴演奏看作是一门纯技术性的表演，但基础训练又是必不可少的。二十四个大小调音阶，琶音是孩子了解熟悉键盘的最好途径，熟练掌握它们，能够对明确各调性关系，掌握指法体系起到至关重要的作用。此外，《哈农钢琴练指法》、《什密特钢琴手指练习》以及车尔尼系列钢琴教程等都是非常有实用价值的教材。作为教师，在日常教学计划中，不能忽视对孩子的技术技巧训练，并在教学过程中注重对孩子情感的培养，因为在钢琴演奏中，技巧与音乐是相互依赖，缺一不可的。 三、加强孩子的演奏能力 钢琴教学与其他学科不同，主要以个别授课方式为主，孩子在学习过程中，除了揣摩教师的弹奏，很难与其他同龄孩子产生互动，最多只能看看前后孩子的上课情况。因此，作为教师，最好能够定期把孩子们聚在一起，互相切磋交流，让他们感受到演奏的氛围，培养孩子的表演欲，增强心理承受能力，同时激发孩子学习的兴趣。此外，还可以给弹奏水平相当的孩子布置四手联弹的曲目，促进交流和配合，这样也可以加强他们与人合作的意识，更有助于他们听觉的训练。定期举办观摩会，能成为孩子学习钢琴的动力，树立学习目标，每次观摩还可以和教师讨论自己想表演的曲目，这样既能增加对自我的了解，分析自身的优缺点，也能增加表演经验。因此，作为教师，要积极帮助学生创造这种表演的机会，这种锻炼在孩子的学琴过程中是必不可少的。 四、听觉的重要性 大多数家长和孩子都是“听”了其他孩子的演奏，引发对学习钢琴的积极性，可见“听”在学习音乐过程中是很重要的环节。但是当孩子开始接触弹奏时，就会把注意力从“听”转变成“看”，看手型、看谱子、看老师的动作等，长久下去，他们的耳朵在练琴过程中就会处于休息的状态。孩子在接触新事物时，都会有种先入为主的感觉，从他们学习第一个音符开始，教师就应该把“听”和“看”结合起来，强调两者同等重要的地位，从单音开始听音色，听触键，听控制。这样能够在学习过程中潜移默化地让孩子在听觉上建立良好的音色概念，树立正确的审美观念。练习过程中，孩子在耳朵倾听的状态下弹奏，当出现不正确的音响效果时，他们会把这种音响错误等同于错音、错节奏一样的问题。若孩子能够严格按照这种标准要求自己，那么距离成功的目标必然就会越来越近。 此外，听觉训练中还包括重要的固定音高训练，即听音训练。通过这项练习，可以帮助孩子在识谱过程中，把眼睛从琴键上解放出来，减少看谱、看手的频率，减少弹错音的几率，使视奏能力得到提高。 儿童学习钢琴是一个漫长而又复杂的过程，因为孩子的天性和其他客观因素，在这条路上成功并不容易，即便天分和勤劳两者兼备的孩子，如果缺少教师的正确引导和家长的高度配合，也很难交出出色的成绩单。从教育和文化的角度出发，作为钢琴教师，应该在日常教学中，在引起孩子学琴兴趣的前提下，对孩子进行基本功训练，培养孩子练琴的好习惯，并请家长给予积极配合，这样才能使孩子在钢琴学习的道路上，一步一个脚印地前进下去。 钢琴教学技巧论文:钢琴教学提升左手弹奏技巧研究 摘 要：本文就钢琴演奏左手技巧重要性探讨了其演奏阶段中存在的问题，并制定了钢琴教学优化提升左手弹奏技巧科学策略。对完善教学效果，全面发挥左手弹奏技能，演奏出优美的钢琴乐曲，提升艺术感染力，有重要的实践意义。 关键词：钢琴教学 左手 弹奏技巧 1 钢琴弹奏左手技巧重要性 钢琴为多声部演奏的乐器，各个曲子均包括至少两个声部。因此，演奏者想弹出优美的音乐应注重声部的良好独立与优质配合。多声部的钢琴乐曲演奏需要两只手配合完成。较多钢琴乐曲作品中，均需要演奏者用右手完成主旋律的演奏，因此，演奏者往往投入更多的精力在右手练习中，却忽略了左手声部的技巧锻炼。实际上钢琴演奏以及练习阶段中，左手弹奏技巧的训练尤为重要。左手承担着演绎伴奏声部的重要任务，虽然并非主旋律，却作为衬托主旋律的绿叶而必不可少，起到了画龙点睛的作用。因此，动人的钢琴音符需要左手运用良好的弹奏技巧合理的烘托演奏气氛。一首完美的钢琴演奏作品，不仅要将主旋律音符演绎的恰到好处，伴奏声部也应处理适当，方能令其形成良好的衬托，否则即便是再好的主旋律也会变得淡然无味，不能满足人们丰富多彩的欣赏需求。古典奏鸣曲钢琴演奏作品，其左手伴奏旋律多应用固定音型，而主旋律则多为单音，也就是说主体依靠右手进行演奏。而为了凸显主旋律，则左手伴奏的音量会较主旋律弱一些。同时，左手需负责低音、弹奏转调以及和声变化。足以见得左手弹奏钢琴音乐的重要性。钢琴演奏逐步发展为浪漫乐派时期，其伴奏声部则在和声以及织体阶段均更为丰富，进行和弦的分解、琶音流动，均形成了对右手演奏的有效充实以及衬托。例如肖邦夜曲演奏曲之中明朗且平静的Op9No2，谱例（见图1）。 左手伴奏需有效控制好适宜的音量，并需要演奏者清晰的演绎、准确的诠释，体现明了的方向性。该乐曲演奏左手弹奏需要掌握速度控制技巧，且应做到稳重、安静，方能为右手的弹奏烘托良好的气氛。由此可见，强化左手弹奏技巧的训练十分必要。 钢琴乐曲的演绎中，左手还承担着旋律声部的演奏，一旦旋律出现于左手负责的声部，钢琴演奏者便应有效的突出左手部分的弹奏，体现良好的应用技巧。例如《十一月在马车上》。 这首钢琴曲，由五十一小节，乐曲主题转入左手，需要演奏者强调左手声音，高声部应突出爽朗明快的演奏风格，而左手低声部则应形成共鸣的效应。要想达到这一演奏效果，需要掌握一定的左手演奏技巧。 钢琴乐曲中舞曲以及舞蹈性音乐，其节奏成为展现音乐题材的主体，因此应确保左手声部进行准确清晰的弹奏。例如小步舞曲，左手二拍弹奏应有效控制声音，确保第一拍稍微长，同时二三拍不应过于跳跃。圆舞曲演奏，左手二拍弹奏的第一拍为强拍，因此，应体现良好的弹性，后续两拍则应轻快，并体现一定的控制力。倘若在弹奏该类钢琴乐曲时，无法注重左手声部应有的韵律与节拍，便会影响演奏效果。 复调音乐属于重要的音乐内容之一，其并不进行主声部与辅声部的划分，也不包括旋律与伴奏。也就是说复调音乐各个声部同样重要，均具有独立存在必要性与自身线条。要想演绎好该类作品，便应弹好左右声部，其往往为演奏者应注重的难点以及重点环节。学生倘若仅注重右手训练，则无法达到良好的乐曲演奏效果。只有利用听觉、研究声部连接以及良好的配合，重视左手演奏技巧训练，克服左手演奏难点，促进左手与右手的有效配合，兼顾旋律线条的进展，方能提升演奏水平，演绎出优质、完美的复调音乐。 2 钢琴演奏左手技巧相关问题 2.1 左手欠缺灵活度 一般来讲，人们的右手手指会比左手更为灵活，主体原因在于生理与练习方面的双重影响。生理视角来看，人们的右手天生灵活，左手则较为笨拙。日常生活中，多数人则经常应用右手干活、写字、吃饭，因此令右手更易于左手接受大脑的命令，并完成的比左手好。同时，右手由于经常用力，因此，其手指与手臂体现了优于左手的力量优势。例如学生进行连奏练习，通常右手手指的抬高高于左手手指，左手则相对表现的软弱，欠缺力度。练习层面来讲，针对右手的技巧训练钢琴乐曲显著高于左手，在欠缺系统性训练的状况下，便呈现出了左手演绎技巧与能力的先天不足，较难与右手抗衡，为此如何做好双手弹奏技巧的有效平衡将成为一类难点问题。 2.2 左手演奏应进一步强化歌唱性以及独立性 较多学生进行钢琴乐曲弹奏阶段中，右手演绎主旋律往往能较好完成，然而左手弹奏则会出现旋律弹得别扭、音乐不连贯、欠缺歌唱性以及感情色彩的问题。出现该状况，则学生往往进行左手的单独训练，即便如此也较难形成同右手相媲美的演奏效果。例如弹奏时，往往左手旋律处理过于生硬、跳音转换太快或较短，欠缺生命力，学生则过于顾及右手弹奏技巧，令左手旋律则被右手技术难度所引跑，欠缺连贯性以及良好的歌唱性。左手声部基本为伴奏声部，由于学生不够重视，将注意力多放于右手旋律，认为左手只需弱弹便可，不顾及伴奏声部自身应有的旋律以及和声走向，进而影响了乐曲的感染力以及生命力。左手弹奏虽需要弱于右手主旋律，然而其自身并非单个声部以及层次，做好左手弹奏的独立敏锐训练，令其具备良好的应变技能十分必要。例如肖邦夜曲左手声部在弱于主旋律的同时，不应将整体音乐弱弹，应合理将低音同和弦的具体层次、音量大小以及色彩有效划分，科学分析探究有效的左手弹奏方法，做好主旋律的优质配合，进而良好的服务于乐曲主题思想，展现完美的钢琴乐曲演绎。 3 钢琴教学提升左手弹奏技巧科学策略 3.1 理论联系实际，注重左手技巧基础理论教学 学生练习左手弹奏技巧阶段中，应注重理论研究、联系实际，明晰如何弹、怎样弹，勤于思考锻炼。实践教学中，教师应做好弹奏原理的教学，令学生巩固理论依据，实现内涵升华。实际操作同理论学习研究均十分重要，操作可为研究理论提供具体分析对象，而理论研究则可为实践演绎、弹奏提供优质练习手段。为此，教师应做好亲身示范弹奏，深化讲解，令学生形成良好的理性认识，进而在技巧练习阶段中能够独立的思考，并举一反三、触类旁通，快速掌握左手弹奏技巧，促进实践及理论相结合。再者，教师应培养学生形成良好的主观能动性，在依据教师讲授方式进行左手技巧练习阶段中，应引导学生阅读卓越钢琴家有关弹奏技巧的著作，令其掌握丰富的技巧应用策略，进而结合自身弹奏水平，汲取丰富经验，学会良好的弹奏方式，强化左手技巧水平。学生在左手弹奏中一旦遇到困难，教师应给予必要的引导，同时，鼓励学生先进行独立思考，思索良好的应对技术难题策略，通过查阅书本寻找答案，积极和同学进行心得交流。应令学生明晰课堂并非演奏知识获取的单独途径，想丰富技能知识，应勤于思考，不应盲目训练，倘若漫无目标，再多的训练也毫无用处。因此，教师应培养学生在弹奏练习阶段中应借助自身理解，发挥逻辑优势，通过用脑练习、理论武装头脑，提升学习时效性，有效补充学生学习钢琴年限有限、手指欠缺锻炼的不足之处。 3.2 注重复调钢琴乐曲作品左手训练 复调钢琴音乐作品对于左手技巧的练习尤为重要，其中声部包含较多，音乐形象却相对单一，进而学生可专一进行手指训练，明晰主声部与辅声部具体层次，令音乐更为均匀、流畅，体现良好的横向感，避免多声部形成的混乱现象。在复调学习阶段中，还可令学生锻炼各个手指灵活度，提升操作力度以及良好的独立性。教师讲授复调作品练习阶段中，应辅助学生合理的转换思路，明晰复调同主调作品的实际区别，复调作品具备的特征与练习操作的主体要求。即不应将左手视为伴奏声部而单纯的进行弱弹处理，应令学生明晰复调音乐之中，声部并不包含主次区别，左手弹奏与右手应同等重要。弹奏练习中应正视左手的重要性，做好同右手的紧密配合、有效衔接。可引导学生多多练习巴赫二部创意乐曲，训练脑部以及手指。谱例（见图2）。 该乐曲由于两声部为更替交叉的出现，因此，可令学生在练习阶段中较易分清声部、明确主题，有目的进行训练。教学阶段中，应令学生明确双手的力量应保持一致相同，进而令两声部显现有效的呼应以及巧妙的对打。弹奏时，应引导学生良好控制各个手指弹奏力度、具体时值以及触键技巧。在学生较好的完成二声部复调音乐之后，教师可为学生设置相应的的复调作品，令其优质控制左手技巧，令各个声部强弱以及走向更加明确清晰，不应将两声部不加区分的混杂为一体，同时，不能令右手将左手声部盖过，应掌握好技巧与度。 3.3 提升左手歌唱性演奏技巧 钢琴教学中，教师应注重提升学生左手的歌唱性演奏技巧。针对左手进行旋律演奏的内容较少，且由于左手存在先天灵活性不足的状况，令其演奏水准、对音量以及音色的整体控制性弱于右手。因此教师更应有目的、合理选择针对左手训练的钢琴作品，提升其歌唱性，令学生用左手演绎出柔韧有余、深沉感性、音色醇厚的乐曲效果。为提升左手弹奏的歌唱性，教师应引导学生良好的应对左手连奏问题。可在学生应用左手弹奏旋律阶段中，详细进行连奏效用的阐释，令学生掌握科学的弹奏处理方式，明晰如何应对旋律连奏及其与伴奏连奏的既定联系与内在差异。例如，在进行平湖秋月钢琴曲的弹奏中，左手演绎第一段内容的伴奏连奏以及第二段旋律连奏存在差异性。首段左手伴奏包括两部分，即低音以及中音声部。整体左手应利用连奏处理弹奏，低音部分应弹奏的低沉，延长声音的传输距离，营造好比岩石沉入湖水之中的音效。而中音部分则应处理的更为连贯，令声音好似较为遥远同时不能含混不清，应具备良好的起伏性，好比湖面之上形成的层层涟漪。弹奏力量要由始至终低于右手。弹奏第二段的乐曲旋律则变为左手，该时期其左手为连奏弹奏，而声音则更为清晰。因此，手指应体现良好的歌唱性，同时展现感情。学生弹奏该段落时，应注重利用手指肚进行键盘的触键，令其力量逐步沉入至钢琴，营造一种厚重、结实的演奏效果。 3.4 优选训练左手弹奏技巧的教材 目前，我国钢琴教材中有关专门指导左手弹奏技巧的出版书籍相对较少，虽然如此，基本所有关于训练手指技巧的钢琴教材之中均包含一部分左手手指训练的钢琴曲目。为此，教师进行实践教学阶段中可依据学生自身特征以及缺陷，有目的为其选择一些适合的教学书籍与钢琴曲目对学生展开专项训练。例如，《哈农钢琴练指法》书籍便是针对手指弹奏技巧的钢琴书籍，通过讲解指导训练学生双手手指弹奏的灵活性、触键力量以及耐久性。同时为强化左手弹奏技巧的练习，教师在参照书籍讲解阶段中，应强调对学生的左手展开独立的讲解训练，还可在双手一同演奏时，令学生强弹左手，进而强化头脑对学生左手的有效控制。还有一本有关技巧训练的教材为《每日十二首钢琴技术练习》，其内容详实、观点独到、编写优秀，涵盖断奏、弹奏音阶、连奏、钢琴演奏双手更替交叉以及琶音等较多技能练习，同时还注重双手并重，由简单逐步加大难度、由浅入深，具有广泛良好的适用性。同时，书籍之中还配设了有关生活之中学生们熟悉的生动丰富的动作、形体插图，简单易懂，可提升学生学习兴趣，营造良好的教学效果。参照教材进行教学阶段中，教师应辅助引导学生明确左手处理的难点，实施细化练习，科学应对各个重要环节。当学生左手可全部胜任弹奏技术后则可令其进行双手合奏演练。再者，教师可优选涵盖五度以及八度音阶、六连音技巧以及分解和弦演绎技术的曲目，对学生展开专项教学训练。令其丰富左手技巧，更全面的汲取弹奏知识，提升综合演奏水平。 4 结语 总之，钢琴教学是提升学生弹奏技巧，强化音乐理解力、鉴赏力，丰富艺术内涵的重要工作。要想演绎出一首充满情感、引起共鸣、获取听众认可的优美钢琴乐曲，不仅需具备良好的音乐素养，将主旋律处理的动听、美妙，同时，还应注重左手技巧的训练。为此，教师只有明晰左手技巧练习重要性，针对左手教学训练存在的问题，制定科学有效的实践教学策略，优选教材、科学设计教学内容，提升学生左手歌唱性弹奏技巧、注重基础理论教学，科学联系实际，引入复调钢琴乐曲作品的针对性训练，方能提升教学水平，营造良好的教学效果。令学生双手形成良好的配合，正确、到位的演绎钢琴音乐作品，进而实现素养内涵、实践能力的全面提升。 钢琴教学技巧论文:浅谈如何在钢琴教学中提高学生左手的弹奏技巧 摘要：钢琴是多声部乐器，练习和演奏需要左、右两只手共同协作完成，然而，有相当一部分学生只重视右手技能训练却忽视了左手的功能。事实上，在钢琴演奏中，左手占有不容忽视的重要地位与作用。在钢琴教学中应重视培养学生的左手弹奏技巧，以达到最好的演奏效果。 关键词：钢琴教学；左手；演奏技巧 1左手技巧的重要性 随着我国艺术教育事业的不断发展，越来越多的人加入到专业钢琴学习的队伍。钢琴作为多声部的乐器，它所弹奏的每首曲子都是由两个或两个以上的声部组成。演奏者要弹好一首乐曲就一定要注意各声部的独立及配合，而多声部演奏是由左、右两只手共同承担，协作完成的。在大部分作品中，右手承担着主旋律声部，学生也往往会下大力气去练习右手技能，而往往容易忽视左手声部的存在，导致左手的跑动能力明显不如右手。事实上，在练习及演奏中，左手的弹奏是非常重要的。 左手在钢琴演奏中所承担任务主要有：一是往往担任伴奏声部的弹奏任务，一部作品如果没有好的伴奏声部来衬托，再好的旋律也会显得苍白无力、无法吸引人；二是有时担任旋律声部的弹奏任务，一般来说，旋律有时会在右手（高声部）出现，有时又会在左手声部（低声部）出现，当旋律在左手声部出现时，演奏者就要突出左手的弹奏；三是担任准确把握舞曲或舞蹈性乐曲节奏的任务，在舞曲或舞蹈性乐曲中，节奏是表现其题材的主要特征，要把握好节奏就必须把握好左手声部节奏的准确弹奏；四是在复调音乐中担当同右手一样的任务，在复调音乐中是不分主要声部和从属声部的，每个声部都有其独立存在的意义，都有自己发展的线条。由此可见左手技巧在钢琴演奏中的重要作用和加强左手技巧训练的重要性。 2提高学生左手弹奏技巧的方法 2.1注重理论知识的输入 教师在教学中不但要向学生传授演奏技巧，还要引导他们掌握相关的理论知识。教师通过示范演奏与深入讲解，使学生增强理论认识，并在练习中独立思考以求触类旁通，尽快地掌握与提高手指技巧。同时，要充分发挥学生的主观能动性，指导他们阅读著名钢琴家撰写的关于钢琴演赛技巧的书，借鉴他们的演奏方法和方式来提高自己的技术水平。当学生在左手弹奏遇到困难时，不仅要向老师请教解决办法，更重要的是独立思考，想办法解决好技术难题。既可以看书找答案，也可以和同学交流心得，总之，不能把课堂当成获取知识的唯一途径，而是要多方面获取知识，提高技巧。 2.2利用复调作品练习左手技巧 复调作品虽然声部多，但是音乐形象比较单一，这样学生就能专一地去控制每一个手指，分清主次声部的层次，并使音乐平均、流杨、有横向感，不至于因声部层次多而混乱。通过学习复调，可以锻炼每个手指的灵活性、独立性以及力度等。复调作品是练习左手技巧的重要作品。它需要左手和右手有一样好的技巧才能完成自己的声部，这就对左手的手指技巧提出了更高的有求，同时它又为左手各个手指灵活、独立、力度的训练提供了极好的机会。教师要帮助学生转换观念，强调复调音乐与主调音乐的区别，讲清楚复调音乐的特点及练习要求，让学生理解在复调作品中声部之间没有主次之分，左右手同样重要。在弹奏中不但要重视左手声部在整个音乐中的地位和独立的音乐性格，还要注意左手声部与右手声部的配合与衔接。可以要求学生分手、分声部练习，并且重点练习左手，从而将每个声部弹清楚、完整。 2.3训练大脑对左手的控制 对于大多数学生来说，左手比右手更不易受大脑控制，因此出现的问题和困难就会更多。因此教师在教学中可以有意识地训练学生用脑来控制手指的弹奏及手腕和手臂的演奏状态。可以利用巴赫的二部创意曲训练头脑对手的控制。二部创意曲由两个声部组成。一般是右手弹奏高声部，左手弹奏低声部。主题在两个声部中交替出现，学生练习时容易分清楚声部，找出主题，由于左手的声部不再是伴奏声部，而是与右手声部同样重要的声部，所以它要弹奏的曲调要富有生命力和自己的性格特征。双手的力量要“旗鼓相当”，要特别注意左手不能比右手轻，以保持两个声部模仿、呼应、对答的特点。学生在弹奏左手声部时要注意控制每一个手指的力度、时值和触键。 2.4训练左手手指的歌唱性 在教学过程中，教师应该有目的、有针对性的选用一些左手弹奏旋律的钢琴作品，训练学生左手手指的歌唱性，使其弹出深沉、柔韧、醇厚的音色。要想训练左手手指的歌唱性，就要解决好左手连奏的问题。在练习连奏时，教师可以指导学生先从两个音的连奏开始学习，手指上也可以从较好控制的二、三指练起。两个连音学好后再学三个音、四个音、五个音的连奏，同时逐渐把拇指、四指、五指包括进来。可以先练习相邻音的弹奏连接，再练习相间或远距离音程之间的弹奏连接。在练习连奏时不但要讲究手指、手腕的平稳、连贯，更重要的是讲究声音的平稳及连贯，每个手指之间动作要衔接好，每一个音的声响应该均匀，不能有的轻有的重。 2.5注重教材和曲目的选用 大部分练习手指技巧的书籍中，都会有涉及左手手指技巧的练习曲，教师在教学中可以根据学生的特点和不足，有针对性地选择一些书籍和曲目对学生进行训练。《哈农钢琴练指法》、《每日十二首钢琴技术练习》、《莱蒙钢琴练习曲》（作品37号）、卡米尔・圣桑《六首左手练习曲》、莫里茨・莫什科夫斯基《12条左手单手练习曲》、戈多夫斯基《左手音乐会曲集》等都是练习左手手指技巧的重要书籍。为了加强左手技巧的训练，教师在指导学生练习时应强调左手的单独练习，或双手齐奏时要求学生强弹左手来加强大脑对左手的控制。 钢琴教学技巧论文:谈数码钢琴教学中哈农与音阶技巧的练习 【摘 要】数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容，可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力，能够多出人才快出人才，有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。本文就数码钢琴中的哈农基本练习及音阶技巧谈了自己的看法。 【关键词】数码钢琴；教学；哈农练习；音阶 数码钢琴集体课作为一种新兴的教学模式由国外传人得到愈来愈多的重视，其原因一是由于国内高师音乐教育改革趋势的推动，同时也是受到国外先进教学经验和理论的启发。数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容，可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力，能够多出人才快出人才，有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。 在数码钢琴课中，钢琴基础教学就显得十分重要。钢琴基础教学主要包含两个方面：手指基本灵活性的弹奏和手指技术技巧的练习。针对这2个方面我们会使用到《哈农钢琴练指法》这本书，在这本钢琴书里哈农基本练习是针对手指灵活性来练习的，而音阶技巧是对于手指技术技巧的练习。 看到很多的人在讨论哈农练习重要不重要的问题，我发现赞成与否的刚好是对半。这说明国内对于哈农练习的认识还不够，我们认识的很多世界著名演奏家，到现在哈农练习也还是他们每天必做的功课，这说明什么问题？我看过很多老师上课时对哈农练习的要求，我认为都不正确，按他们这样的要求，一条一条的练习，对于学生来说的确是没有什么用处的。我的学生都要求每天做1-20或21-38条连奏的，44条以后的每条起码是反复10遍。那么在数码钢琴教学中我把哈农练习分为四个阶段，在这里我首先介绍第一阶段的练习，第一阶段的练习又分三步走： 第一步：哈农1-20条连奏 为这个练习我专门做了1-20条的省略版，这样就不会让学生在练习的过程中有翻谱的动作。我的要求是一气呵成，开始是用“高抬指快速触键”的方式慢练。在触键动作都符合要求后再加快速度，直到能够做到音色均匀、很清晰、很轻松的完成后，就变换一种触键方式继续按照从慢至快的练习，直至把基本的触键方式在哈农1-20条上都熟练的掌握好。开始练习时由于耐力问题，你可能练习到第8条至第10条会有很疲劳的感觉（我把这种情况称为耐力临界点，这个点是因人而异的），记住，不要停下来，坚持下去就会感觉又有了新的力量，直到把20首都练习完成。这种练习要求每天至少一遍，有时间的话最好是三遍，上午一遍，中午一遍，晚上一遍，每天每遍都用不同的触键方法。第一步的练习时间将会持续将近一年的时间，在这个过程中，你会收到意想不到的效果。 第二步：每条在12个调上跑完 这个练习开始时会很别扭，因为大指和小指不断的要上黑键，黑白键有高有低，一定要控制好手腕的平稳，特别要关注大指的主动性。由于调式的关系，经常会遇见要弹奏两个黑键之间夹缝的情况，记住，一定要做到准确、扎实，不要一味的图快，讲究质量是首位的，音色的均匀是这种练习的重中之重。1-20条都能够在12个调上很轻松的跑动，这时你的手指力度、弹性和耐力都已经产生了质的飞跃 第三步：1-20条双手不同触键方法 第三步的练习主要是学会快速变换触键方式的能力，开始时，你可以一遍只换两种触键方式，如前10条是“高抬指快速触键”，后10条是“低指位快速触键”，然后再逐渐加上“非连音触键”等等，最后是两条一种触键方式。我经常教学中会用上行一种触键，下行又是一种触键，然后是左手一种触键方式，右手另一种触键方式，例如：左手用“指尖跳音触键”，右手用“连音触键”。这样的练习很有意思，让你体会不同的触键而产生的不同音色带来的美感。这个时候你就可以进行第二阶段的练习了，也在这个时候，由于你触键方法的丰富，对乐曲情感的表达能力将会不可同日而语了。 接下来我们说一说音阶技巧的弹奏，音阶是钢琴作品织体中的重要组成材料，弹好音阶是掌握钢琴演奏技术的重要保证。？从技术训练的角度看，音阶弹奏要求每个音级力度均匀一致，所以弹奏音阶练习对于平衡发展手指的控制运用能力具有十分重要的价值。 第一条音阶，可以从C大调音阶开始。音阶练习可以从一个八度逐渐向两个、三个及四个八度发展，具休发展形式可采取变节奏的练习，例如：采用每分钟76-86拍的音乐速度（中等速度），按照四二拍子的音乐节拍律动要求，弹奏一个八度音阶，力求力度均匀一致的四分音符感觉；弹奏两个八度音阶，追求强位音突出的八分音符感觉（一拍内均匀地两个音），逐渐发展成三个八度音阶力求弹出强位音突出的三连音感觉（一拍内均匀地三个音）；直到以后发展为四个八度音阶力求弹出强位音突出的十六分音符感觉（一拍内均匀地四个音）。 正确的顺指法、穿指法和跨指法，是弹好音阶的基本保证。手腕和手臂放松自如，是音阶弹奏平稳流畅的生理机制保证。音阶的变节奏练习，要有明确的节拍要求，切忌“盘子喝水一漫来”的“大写意”无序。强拍音或强位音在哪个手指上，就要突出哪个手指（尤其是四指）。大拇指要灵活并有所控制，不可无序地始终弹奏重音。拇指在音阶弹奏的过程中，要有提前量的任务准备，不可躺在键盘上弹奏。拇指与其他手指的交替弹奏要连贯自然，不可出现间断痕迹。 音阶的弹奏练习可以先分手后合手，练习中要正确掌握指法规律，并做到双手弹奏整齐划一。在音阶提高性的弹奏练习过程中，可采用音乐速度慢快结合、分手与合手交替的学习方法。弹奏音阶时，心中要有旋律性的歌唱，把音阶作为音乐来表现。 在正确熟练掌握C大调音阶演奏的基础上，可以进入G大调、D大调、A大调和E大调音阶的练习。这五个大调音阶的弹奏指法相同，需要特别关注的是键盘位置的变换及黑白键交替的把位手感。 关于音阶的指法、详见《拜厄》和《哈农》。切记音阶弹奏指法的正确固定，以保证弹奏的流畅连贯。音阶练习属于演奏技术材料之建设内容，需要做为日常练习持之以恒。音阶演奏质量的目标追求是运指灵活、反应敏捷并有一定的速度感及颗粒感。 在音阶弹奏质量的优化过程上，要更多地贯穿着“慢练”与快弹的有机结合，牢记速度是在正确的基础上自然地提升上来的，而不是硬逼出来。否则，势必造成弹奏中的僵硬痉挛。清晰、干净、均匀、流畅、颗粒状、歌唱性、平衡自如和节拍感，要始终记在心间并富之于长期实践。 音阶练习，对于初学钢琴者是重要的基本功训练。练习好音阶，需要注意几个方面： （1）练音阶的重要性：练习音阶很重要，一方面可以提高控制和运用手指的能力，二是可以熟悉指法，巩固记忆；三是可以熟悉键盘位置，熟悉调试及其转换，提高演奏能力。 （2）树立明确的目标：练音阶，首先解决的是一个“立”字，解决五指不立和掌关节发紧，只有苦练才能达到目标。二是学会一个“慢”字。只有会慢练，才能逐渐加强力度，增加耐力，并为以后的加速打下基础。 （3）防止一个"混"字：A大调，#f小调，g小调，C小调，这几套关系大小调，易混淆，指法易错，只有经过反复训练，直练到准确无误为止。 （4）采取分组练习法：将学过的音阶分为四组，每次练琴时先弹两组音阶，再弹乐曲，而后再弹音阶，交叉进行，每组慢练五次，快练一次，逐渐增加次数，来调动练琴的积极性。 数码钢琴教学中哈农和音阶是每一个高师学生需要去练习也是必须去掌握的，只有通过这些坚实的基础训练才能帮助学生提高自身的钢琴弹奏水平。在练习的同时也得要掌握好正确的练习习惯与方法，抓到了方法，获得了习惯，能使学生的钢琴弹奏更上一层楼。 钢琴教学技巧论文:以音阶、琶音为例探究中职学前教育专业钢琴教学中学生学习的技巧 【摘要】中职学前教育专业中钢琴是音乐科目中的一项重要的技能课程，在钢琴教学中，音阶和琶音是学习钢琴必掌握的基本技术，提高学生的演奏水平技巧将对学前教育专业学生今后发展起到至关重要的作用。笔者从音阶和琶音练习的基本技巧、常见问题及解决方法等三个方面进行探讨。在学前教育专业中，教师应该多注重理论与实际相结合的操作实践过程。 【关键词】学前教育；学习；音阶；琶音；技巧 钢琴是集音域、音色、表现力丰富于一身的乐器，同时它也对演奏技巧提出更高的要求。而音阶与琶音的练习又是每位钢琴演奏者必修内容，而且也是摸清键盘以及循序渐进地为演奏水平的提高而打下坚实有力的基本功基础的重要训练方法。在音乐领域里钢琴教学是技能课程里一门必不可少的教育。对于一个钢琴学习者尤其是对中职学校的学前教育学生而言，大部分学生只是初来乍到接触钢琴，所以在这一阶段正确掌握音阶、琶音演练方式，那就意味着钢琴演练技术的精髓将为你敞开，反之，则只能限制在钢琴艺术殿堂的人口处。由于音阶和琶音这两大基本功是学好钢琴的前提，所以音阶和琶音弹奏的好坏，既影响到学生今后在整个弹奏技巧过程中的稳定性，又关系学生钢琴弹奏技术水平的高低。现行的中职学校的学前教育的钢琴专业课程，它所教学的是怎样让学生运用这门技能能够充分有效的对幼儿园的实际音乐教学的投入。因此，在钢琴教学中要注重音阶和琶音的练习，将是我们教师把握全局的关键，而且也是考虑两者的实用性，所以在钢琴教学的两个环节中我们要注意以下练习的几个方面问题。 一、音阶的练习 （一）训练音阶的方法 音阶练习是将十个手指均衡的进行力量训练，由于所有手指在音阶上都能运用到。在训练音阶上教师教学要遵循三个原则：先分后合、先慢后快、先易后难，并进行细致、有序的多次练习。当学前教育的学生第一次接触音阶时，教师要做好教学步骤，首先要分手弹，其次在掌握指法，先重点培养左手的灵活性与独立性练习，再进行双手的合成练习。教师在教学中可以采取多种的练习方法来指导学生的音阶练习：第一种是先从双手同一方向练习着手。这便于学生巩固加深对音阶的印象，最好应该用连音的弹奏练习方法限制在一个八度内，弹的次数应逐次增多不应予以过度强加过快。第二种是从双手反方向的音阶练习入手。由于反向练习的左右手指法都一样，因此就学前教育的学生更有利于掌握其方法，当然这两种的教学方法难易度不同，因就学生的当时掌握程度进行合理安排。教师当在指导学生练习时应给予适当的口令，能够让学生快速进入状态，在教学时应先慢后快，尽可能将手指抬高进行慢速训练，使弹奏出的声音均匀顺畅，确保指法稳定的同时，再进行逐步加快弹奏的速度。当然也要注意近键弹，应保持先易后难的对调弹奏，再继续扩大到24个大调、小调以及先从简单的一个八度，渐渐过度到四个八度，从双手同向的平行八度再进行到反向的平行八度，再到同反向双手平行的三度、六度、十度音阶练习。音阶的弹奏要求均衡有力、环环相扣、连贯有序，十个手指的力量需要进行有条不紊转移，弹奏动作应顺滑连贯依次相随，用力均匀规范，再者练习时要懂得力度的自然放松，有的学生刚接触钢琴手指会硬邦邦，这将无法对力度的掌控。上移时应均匀流畅的渐强，下移时应细致地渐弱，避免弹奏出的音的力度平淡无奇，弹奏僵硬将阻碍音阶连贯流畅感。 （二）影响中专学前教育学生音阶弹奏效果的因素 大拇指灵活性较笨拙。由于大拇指受制于生理因素的影响，并且它稍短于其他四根手指，再加上左右手的五根手指力量不均衡，因此手指力量均衡性训练就将成为手指技巧的重要环节。特别是大拇指灵活性较差，动作熟练度较迟缓。所以教师必须在学生弹奏时，需要仔细认真地在旁边观察辅导，有助于学生动作规范性在一定程度上可以快速提高学生水平。由于大拇指的特殊性，其间的间隔性较大，它是以斜向为触键方向而不是跟其它四指一样纵向触键，所以灵活性与其它手指还有差别。在让学生弹奏前，教师可以教学生各种熟练手指移动的练习。笔者认为哈农《钢琴练指法》的第32-37首对学生练习的成长性最有效。其中第32首是1指从第2指下移过，第33-35首分别是1指从3指、4指、5指下移过，第37首比较特殊，需要多练习。要练好这个技巧学生必须每天勤加练习直到练到熟能生巧。穿指时，1指要有准备，手指略向内弯曲，主动向手掌内移动，大拇指在触键之前要到达该键的上方，弹奏时是向下的独立动作，不能带动手掌和手腕向下压或砸，否则会出现重音，触键点在指尖的外侧，保证弹奏音色和其它手指的统一均匀；跨指时，大拇指弹奏后，其它手指从1指上越过，此时彷佛以1指为支点，通过虎口的收缩带动手掌的移动，大拇指应在上越的手指弹下时才能离键。 手腕关节与臂关节动作的不协调。在练习中，为了避免手腕和手臂的动作出现变形，腕部稍向弹奏方向倾斜，积极有效地促使手指的移位；当进行换指时手腕幅度尽量不要太大要保持平稳，不能出现上下有抖动的动作出现，这会让流畅性大打折扣；手臂应松弛有度，手臂应与手指方向保持同步同向，在加快音阶的弹奏过程中，手臂的动作可以说是“一扫而过”。教师在教学过程要言简意赅，用最短的时间让学生牢记注意音阶的问题，应“音阶轻盈又流畅，大拇指主动最重要，穿指、跨指需腕带，避免手掌上下跳，五指均匀又有力，双手指法要牢记”的练习口诀。在此基础上，教师还应要有科学性的练习方法，练习中应将理论与实际相结合的过程，同时还要理论转化实际的重要过程。 （三）教师应从两方面对学生音阶指法进行教学 教学中教师应讲解示范让学生能够建立大致印象，培养善于动脑。首先，在教学过程中应将音阶的指法进行归类。譬如，这里以C大调为例，要区分左右手键，左边是54321 321 4321 321 4321，右边是123 1234 123 1234，只要牢记左右健位置加之练习对今后的提速练习是大有帮助。其次，半音阶的练习也需跟进补上。半音阶在音阶练习中占有重要地位。教师应给予侧重点练习就是大拇指，大拇指熟练程度应达到能够顺利流畅过度到第二、三指，这就对大拇指提出了更高的要求。现今最为常用的有两种指法：第一种是以大拇指、食指、中指的三指弹奏最为常用。第二种是“大拇指、食指、中指、无名指”和“大拇指、食指、中指”两组，这两组在浪漫曲较为常见，因大拇指的用的频率较少，而无名指运用相对较弱，第二种是在提速练习过程运用频繁，但与第一种指法相比还应加强。 二、琶音学习的技巧 在百度百科中琶音（arpeggio）的定义为：指一串和弦音从低到高或从高到低依次连续奏出，可视为分解和弦的一种。通常作为一种专门的技巧训练用于练习曲中，有时作为短小的连接句或经过句出现在乐曲旋律声部中，也有密集和弦前面加一竖着的波浪线。琶音分为主三和弦，减七和弦和属七和弦。琶音是构成音乐作品的一个基本要素，是初学者、熟练者乃至大师级人物的必修课程，是构成各种不同钢琴音乐作品的不同组合。钢琴家玛格丽特.朗说：练习音阶和琶音必须坚持不懈，这些技巧都帮助学生掌握扎实的钢琴技巧。可见，练习好琶音对将来能够全面、准确、清晰地演奏钢琴音乐作品，提高学生演奏技巧能力起着至关重要的作用。因此，在教学中学生要掌握学习琶音的方法。 （一）练习钢琴身体姿势的掌握 在弹奏、练习钢琴之前，身体保持放松姿势坐着，两脚不能并步、叠加，要前后分开，脚尖着地，腿要放在琴凳里面，两手臂放松、自然地放在琴键上，腕部的位置向琶音隐性额方向倾斜，以便带动手指能够主动、快速的完成穿跨动作。 （二）琶音触键、音色的掌握 学生初学阶段时可以先五指张开，使得掌关节处于打开状态，手指抬高，下落要快，离键也要快，重心要放在指尖，利用掌关节来支撑，转指快速，要手臂带动手腕来增加手指游动的速度。穿指时，1指要用头脑控制预先做准备，手指略微向内弯曲，积极主动地向手掌内移动。 （三）速度和力度的掌握 循序渐进的练习。这个练习技巧是指从慢到快的一个过程。先是慢的练习，这会加强学生正确的动作掌握，使练习逐步从有意识状态向无意识方向过渡。最后使得每个手指的动作，如抬起、下落、站稳和移动都能够做到位，进而使每一个声音都结实、饱满、连贯。在此基础上逐步加快手指下落和手指离键的速度。 先分后合的练习。先采用两手分开的练习，使得每只手可以得到单独的练习，特别是左手的练习，这样可以让左、右手的每一个手指得到相应的锻炼。最后两手合起来练习。跨指时在1指弹奏后，其它手指要从1指上方越过，以1指为支点，通过掌关节带动手掌的移动，手指应在完成弹奏以后迅速离开键盘，锻炼4、5指的独立性。只有这样才能让琶音的演奏水平达到均匀，避免每个音的力度没有变化。 提高自身兴趣的练习。兴趣是最好的老师，具有强大的推进力量，也能培养自身终身习练的意识。首先是寻找自身练习的各种需要，如变换速度练习、变化力度的练习、按照节拍组织方法来练习。特别是按照节拍组织方法来练习，使得琶音的练习有节拍的感觉。能让自己体会到琶音练习中音乐的节律，使琶音一样具有音乐性。这样不但消除了练习的枯燥和增加了练习的趣味性，也提高了琶音练习的控制能力。其次，适当展开竞争，积极组织合作。在练习过程只有通过不断的互相学习，纠正自身的不足，互相共享本身的练习经验，才能取得更大的进步。最后，获得更多的成就动机体验，提高钢琴琶音的掌握。 三、音阶练习常见问题及改进方法 学生在音阶练习中，拇指独立性差。在弹奏过程中常出现拇指穿越不到位，使得手腕和手臂的动作较大，拇指的动作连续性受到影响，在快速弹奏时就更难保持拇指的衔接性，会出现冲击琴健。此外，拇指横向运行主动性差，有时候用指尖的外侧触键，造成力量失控，音色生硬，声音不均匀。 弹音阶五指力度控制不稳定，指法较乱。因为五指的差异性，学生还不能灵活和正确的控制弹奏的力度和速度，在练习过程中的，弹奏的较枯燥乏味，指法容易出现混乱。一指比较灵活，但容易出现过强，声音听起来重，4，5指又比较弱，弹奏起来声音较虚，除此，4指天生能力弱，会被3指和5指连在一起带下去，导致练习时音阶旋律不均匀，弹奏不流畅。同时手指的控制能力影响了指法的协调性，出现混乱现象。所以，五指稳定有力，对弹出均匀有力的声音非常重要，要不断提高手和手指的机能，同时在大脑上建立正确的节奏，流畅的音阶来调整自己的触键动作，加于完善控制才能起到较好的练习效果。当掌握了合理的弹奏方法之后，练习的量就是关键了，并且在练习的过程中学会用心听节奏，保持音阶的流畅性。 四、琶音练习经常出现的问题和改正方法 （一）第一个音不是“落下”，而是直接“压下” 在弹后面的音时却没有提前作好触键准备.指端与键面距离过短，一个音与另一个音要达到多大，脑子里完全不知道，甚至距离感也没有，在位置的不断转移中，很容易忽略手指主动触键的积极性，于是逐音按压下去。这一压，就会带来一定的紧张感，至少要影响到弹下一个音的手指也失去些灵活感。应该注意手指的灵活性和独立性，消除心理上对琶音的某种消极情绪。先用表象训练，在听觉中想象出完整、均匀、带有美好感的“琶音形象”，再灵活、机智地调动身体的机能去实现出来；充分发挥掌关节张开指间距离的能力，同时确保腕关节在变换位置的高度积极性，在运动之中不忘手指主动积极。 （二）手腕、手臂是要跟着手指运动的方向一致 在换指的时候有时肘部动作幅度过大，会造成肘部外翻，取代了腕部的一些主动性。在弹奏过程中，是肩关节带动手臂、腕部、手掌自然协调的移动着，不是单单靠手臂来拖着手掌练习的。因此，只要掌、腕、肘三个关节有了联合协调行动、相辅相成、一气呵成的感觉，就一定能在弹奏琶音中克服困难，达到较高的水平。 【作者简介】陈晓鸣：龙岩华侨职业中专学校。 钢琴教学技巧论文:浅谈钢琴教学的技巧 摘要：教师要从长远的角度去训练学生、注重培养学生的音乐感，并根据学生的心理变化指导他们学会合理的练琴方法。 关键词：学生钢琴教学；前瞻性；音乐感 学生初学钢琴尽管浅易，但却是万丈高楼的根基，因此，当学生初次坐在钢琴前提起一只手弹奏一个乐句或两小乐句的小曲时，就已经接触到钢琴艺术的大部分原则与原理。在这个意义上，初学并不构成降低教师水平的理由。那么，应该注意哪些方法技巧才能把学生学琴的道路引向正确的方向？这是本文将要论述的重点问题。 一、培养学生学习钢琴的兴趣 （一）感受入门，萌发兴趣 作为教学的第一环节我们可采用“听为先导，感受入门”的途径，推动学生兴趣的萌发。譬如，让初学学生欣赏教师弹奏的学生律动曲、游戏曲，把“听”，抓好抓活。一开始可以用悦耳的乐曲，刺激学生的听觉，开启学生的乐感，从而训练反应的灵敏性、节奏的敏感性和对音乐的感受性。当学生内心受到音乐的刺激，并意识到这悦耳的音乐是从眼前这架神奇的钢琴中传出来的，就会产生强烈触摸琴键、模仿教师弹奏的冲动，从此学生进入学琴阶段。 （二）选好教材，引发兴趣 一个善于引发学生钢琴学习兴趣的老师，一般都比较注意教材的形象性、愉悦性和适龄性。教材大致可以分为两类：一类是必弹曲目，另一类是自选曲目。教学内容应注意循序渐进，做到由易到难、由浅入深。表现手法应由单一到复杂，太易太难的教材都不易唤起学生的兴趣，应多选择有训练价值的教材。如《哈农钢琴指法练习》、《拜厄钢琴练习曲》等。另外，还可以补充一些学生熟悉的乐曲为素材，由教师示范几首，然后让学生听后自由选择学习弹奏，这种办法将会极大诱发学生的兴趣。 （三）深入浅出，启发兴趣 学生启蒙钢琴学习是以识谱、打拍，锻炼手指为基础的过程，但如果只停留于此，学生久而久之就会对学习钢琴失去兴趣。所以，在学生启蒙钢琴教学中，教师要学会用深入浅出的教学方法，启发学生展开丰富的想象来充分理解音乐，培养学生学习钢琴的兴趣。 二、学生初学钢琴的弹奏技巧 初学钢琴必须注意几个重要的技术问题：放松、读谱、敏锐的听觉。 （一）放松 放松对于初学学生是很抽象的概念。放松是针对紧张而言的，要让学生懂得放松首先要消除心理紧张和肌体紧张。 （二）读谱 熟练地认识五线谱对学生学习钢琴是一个重要关口。在识谱训练时除了注意五线谱的线间关系，还包括谱号、调号、指法、临时升降号等，这些问题必须引起重视。 （三）敏锐的听觉 敏锐的听觉是辨别触键正确与否的导师，如何触键主要靠听觉来分别。从学琴的第一天起，就要树立一个明确的学琴原则：在学习触键技术中涉及到的触键准备动作、触键主要动作部位、各个部位的协调、重量的运作、用力与放松等动作要领方法时，都要与对声音的倾听和辨别相结合。要在学会技术动作的同时，懂得什么声音是正确的。教师要多示范、讲解，树立正确的声音听觉，培养学生拥有一双灵敏辨别旋律、节奏、和声音色的耳朵。 三、传授学生科学的弹奏方法 （一）断奏手法 在声音方面，断奏要求达到“珠落玉盘”的效果，要不噪不虚，结实通透。在如何用力方面，应在指尖集中的前提下体会和做好“手腕的呼吸”。初学断奏，要在提手腕的同时辅以小臂的配合，即弹出“大断奏”的效果；基本功逐渐巩固后，随着弹奏速度的稍稍加快，动作幅度明显变小，主要依靠手腕的呼吸弹好“小断奏”。自始至终，指尖一直是永远下垂和坚定站立的。一个完整的断奏动作的连续。“提”即提起手腕，“放”即放下手腕，“抬”即手位落到距琴键一半距离的时候适当抬起触键的手指，“落”即在准确的音位上落下和坚定地站好手指。总之，断奏要做到感觉上放松，动作上美观，用力上自然，声音上结实。 （二）连奏手法 与断奏“珠落玉盘”效果相比，连奏更像串起的珠子，主要做好指法的支撑和手腕的稳定，从而通过依靠掌关节发力的“抬指”动作，将弹奏重力从一个手指转移到另一个手指上去。连奏动作主要有两种，即“高抬指连奏法”和“重力分配法”。初学连奏，可适当放低手腕，采用“高抬指连奏法”。弹奏重力的转移动作必须肯定明确，站好前一音，再抬后一音，切勿含混不清，做到“用谁抬谁”。弹奏质量确立后，可逐渐运用快连奏即“重力分配法”，将一次手腕呼吸动作产生的重力平均分配给两个甚至多个手指等不同情况去弹奏，这才能适应和满足乐曲速度加快、难度增加和技术进步的需要。在“重力分配法”快速弹奏中，整个手的手指尖集中整齐和手腕的绝对稳定是至关重要的，一定要严格遵守。 （三）跳奏手法 跳奏的声音效果是短促、跳跃、轻快，用力的感觉一定是“抓起”而不是“砸下”。在发出声音之前的一瞬间，指尖是贴实琴键“抓”的，而不是抬离琴键“拍”的。其实只要突出两点：一是“抓起”的动作，二是“向上”的力量。在跳奏手法的学习中，首先让指尖抓实琴键一定不能有半距离，坚持指尖永远保持下垂，用迅速提起手腕瞬间产生在指尖上反作用力自琴键最底部抓出声音，真正学会“用指尖弹奏”，感觉是向上的力量弹出声音，这是跳奏手法的实质。 断奏、连奏、跳奏这3种基本奏法，前一种始终是后一种的基础；而每一种基本奏法内部又都分为两个大的阶段，前一阶段则是后一阶段的基础。在技术学习方面，一定要遵循按部就班、循序渐进的原则，切不可操之过急，粗枝大叶。这样，才可能收到良好的效果。 总之，对于学生钢琴的教学而言，教师的着眼点必须站在高处，要为长期的钢琴学习培养好的习惯，打好坚实的基础，树立正确的学琴观念，培养学生的审美能力，这些都是学生钢琴教学的关键所在。以上是我在教学过程中摸索出的一些经验，仅仅是对学生钢琴学习兴趣的激发与培养的初步探索。不可否认，钢琴教学中激发和培养学生兴趣的途径与方法是多方面的，比如，社会、家庭环境的优化，家长的协调配合，学生良好的练琴习惯的培养，训练时间的科学分配以及训练目标的设定等。所以，我们音乐教育工作者有义不容辞的责任对学生钢琴教学去不断地发掘与完善。 钢琴教学技巧论文:浅析钢琴演奏教学中演奏技巧和音乐综合素养的培养 摘要：通过钢琴的学习能够有效的提高学生的意志力水平，让学生有更加吃苦耐劳的精神，对于学习以及未来的人生发展都起到一定程度的影响作用。在钢琴学习中，演奏是最为基础也是最为关键的部分。熟练的弹奏技巧和个人音乐综合素养在钢琴演奏中是极为重要的两个部分，现代钢琴教育应正确处理好两者之间的关系，在培养基本技术的前提下，重视个人综合素质的培养。 关键词：钢琴教学 演奏 培养 钢琴学习能够增强人的耐力，提升人的气质修养，已经越来越多的家长选择让孩子进行钢琴学习，因此钢琴逐渐成为现在音乐教学中的关键部分。作为音乐教师应该正确认识到钢琴演奏教学的重要性，在传授演奏技巧的同时，也要采取合理的教育手段来培养学生的音乐综合素养。 一、技巧以及音乐素养是钢琴演奏教学的关键 1.演奏技巧是钢琴演奏能力提升的基础钢琴演奏基本方法的发展和变化经历了三百多年的历史，从单纯的手指演奏到手臂和全身重量的协作，再到20世纪的重量演奏，直至今天的手指演奏与重量演奏相结合，钢琴演奏法自成体系，钢琴演奏要求演奏者要有扎实而全面的技术功底，否则演奏就无从说起。 2.个人音乐综合素质是钢琴演奏能力提升的前提 一首音乐作品要得以完美的呈现，除了有扎实的基本功外，更重要的则需要发挥演奏者个人的音乐综合素养，依靠个人审美评价加以表现。因此对于学生音乐综合素养的提升是钢琴演奏教学中十分重要的环节。 二、增强钢琴演奏技巧与培养音乐综合素养的教学手段 1.注重学生钢琴演奏的基础教学 在钢琴演奏学习中，基础性教学是至关重要的，使学生展开钢琴学习的关键，对于之后钢琴演奏的学习以及演奏水平的提升都起到决定性的作用。只有做好基础教学，让学生拥有过硬的演奏基本功底，才能够更好的进行钢琴演奏。因此，音乐教师应该注重学生钢琴演奏的基础教学，帮助学生打好坚实的钢琴基础，确保学生未来钢琴演奏的良好效果。 2.传授给学生钢琴演奏的技巧 （一）音阶演奏的技巧 对于音阶演奏的效果一般情况下是根据演奏是否流畅、音阶彼此之间的衔接连是否良好、是否满足观众听觉需求这几个问题来评测的。优秀的音阶演奏其实是说在进行上行下行演奏的时候，音阶流畅并衔接度良好根本不会让人感觉音阶当中有任何的空隙。这对于演奏者的手指灵活度提出了很高的要求，必须保证拇指足够的灵活，能够做好各个音阶天衣无缝的衔接。在进行音阶演奏教学的时候，教师必须时刻关注学生演奏中的手指动作，随时指出学生的不足，帮助学生完成规范化的演奏，并最终养成良好的动作习惯用于之后的演奏当中。 （二）钢琴演奏基本技巧训练 钢琴基本演奏方式包括：连音、非连音以及跳音。钢琴连音奏法关键在于力量可以随意移动，演奏每个音时，要将手臂放下时力量以一个手指传到另一个手指上。可以感觉到音进行时的倾向，弹完一个音时，手指保留较小的重量在键底来作为第二个音的支点。而非连音奏法，通常钢琴初学者，在掌握好坐姿、手型后，就会练习非连音演奏。在非连音演奏过程中要注意先将手臂缓慢抬起，稍高于琴键，手指弯曲、手向下垂，手臂自然缓缓的落下。将演奏的手指轻轻按在琴上，指端需要站立好，掌关节不能有塌陷，手指的末端关节亦不能凹进去。 （三）乐感以及节奏感的培养 良好的乐感以及对节奏感是学生在钢琴学习中必须拥有的能力，音乐教师在要求学生做节拍练习的过程中，要提醒学生注重三个重点，即清楚拍子的节奏，查清楚节奏有几拍以及在保持节拍的平稳性。让学生能够在演奏中自觉的打拍，从而提升学生对节拍的把握能力，并实现对学生乐感以及节奏感的培养目的。 3.培养学生音乐综合素养 （一）帮助学生养成良好的演奏心理 这里我们所说的演奏心理其实谁说演奏者在进行钢琴演奏时的心理过程，主要由演奏目的、情感释放、画面想象等几个问题组成，所有的演奏者在进行演奏的时候都有一定的情绪波动，造成不同的心理活动过程。相较于其他乐器的演奏，钢琴对演奏者的心理素质要求标准更高。因此，钢琴老教师在演奏教学的过程中要帮助学生养成良好的演奏心理，提高学生的心理素质，鼓励学生多参加钢琴演奏活动，确保现场演奏时能够正常发挥。 （二）掌握音乐作品的创作故事与风格 每个音乐作品背后都有自己的创作故事，包含了创作者生活时代背景、生活环境与状况、作者自身经历、情感体验以及作品产生初衷。只有了解这些，才能掌握作者创作当下的情感以及作品中蕴含的深刻意义，才能在乐曲演奏中完整准确地展现出来。老师可以通过让学生欣赏不同音乐风格的作品，来锻炼学生对音乐风格的把握，最终准确抓住演奏作品的风格、情感。 （三）把握好音乐作品旋律 表现好音乐旋律，对音乐作品的演奏相当重要。要想找到旋律动向与形态，可以借助人声来做音乐旋律教学辅助手段，让作品中音乐表达更明显。从而让学生更加把握好音乐作品旋律，并根据演唱来进行不断练习，贴近演唱的动态性与感染力，才能让学生自然、顺畅表达音乐作品主旋律。 三、小结 总的来说，钢琴演奏是以演奏者精湛的演奏技术为基础，通过演奏者自身的综合素养，加之对音乐的理解，为作品进行二度创作。用各种音符表现音乐，使听者从中感受到音乐所带给我们的喜怒哀乐，因此演奏技巧和个人音乐素养在钢琴演奏中同样重要。在钢琴演奏的教学中，应该权衡两者的比重，确保学生能力的全面提升。 钢琴教学技巧论文:论钢琴教学中右踏板的使用技巧及其对演奏的积极作用 俄罗斯伟大的钢琴家鲁宾斯坦曾有过精辟的比喻：“踏板是钢琴的灵魂”，借此来形容踏板在钢琴演奏中的特殊性。在钢琴演奏中，踏板的运用是不可缺少的一个重要组成部分。也是钢琴教学中的重要内容，作为一名钢琴演奏者一定要认真学习并掌握踏板的运用技巧，若能正确、合理地安排运用踏板，就能把音乐作品表现得更加丰富多彩，富有魅力。反之，则会带来消极后果，破外音乐形象。 钢琴踏板的历史发展，是一个横跨150多年的复杂的演变过程，它最后以现代钢琴上所见的三个踏板而固定下来。现代钢琴的三个踏板，即右踏板（延音踏板）、左踏板（弱音踏板）、中踏板（持续音踏板）。 一、右踏板的功能与使用技巧 1.连音踏板。连音踏板也叫“切分”踏板，它是最常见的踏板技巧，是钢琴教学中的一个重要内容，也是每个学钢琴的人一开始就必须掌握的踏板技巧。所谓连音踏板就是把这一音（或和弦）连到那一音（或和弦），既不断开又不模糊，这种踏板加强了音乐的连贯性，使钢琴的声音具有歌唱性。其方法是：弹奏第一个音（或和弦），马上踩下踏板抓住这个音（或和弦）。当第二个音（或和弦）下键的同时要抬起踏板，当手指下键之后，听到新的音（或和弦）出来后，马上再踩下踏板。这样一来，在前面的声音消去的同时，后面的声音又接之出现了，使之两个部分的声音既连贯又不重叠。至于踩踏板的速度，基本和下键的速度相同。有的人对这一技巧掌握得不太好，容易出现两个毛病，一个是不自觉地使踏板与手的上下动作相一致，造成音与音之间的间断。再一个是习惯性地把踏板踩在重拍上，使得这一技巧变为机械的打拍子动作。这两种现象都要加以注意，因为它会对塑造音乐形象起破外作用。 还应该指出是连音踏板法中从提起到再踩下踏板之间的时间长短，要顾及种种不同的音色变化，当踏板在每次更换中松开的时间越长，周围泛音的丰富程度也就相应地逐渐减少，演奏者应根据作品的一个特定段落中对音色的要求来运用踏板。 2.和声踏板。和声踏板也是比较常用的踏板技巧，多用于琶音较多的作品，其主要作用是利用这一技巧表现出一种和声效果，从而更加完善地表现音乐作品。 在钢琴教学中多参阅一些钢琴作品，我们便会发现这样一种现象，凡是在音乐的变化，起伏和音乐情绪反复波动的地方，大都运用有琶音的织体，而琶音又绝大部分是由和弦变化而来的。这一变化尽管方式繁多，可又都具有某一和声的功能。所以，无论是哪一种琶音，我们都可以视它为和弦，并按照和弦的原理配用踏板，即换和声时更换踏板。 一般来说，琶音都是要把踏板踩满的，只有在和声有了变化的情况下才可更换踏板，一般弹奏者都知道这种方法，很多钢琴家也经常这样用。这里再介绍一种较为复杂的方法，能使这一音型变得更清楚、干净。具体运用方法是：在琶音由低向高音区进行时，踏板可以一直保持；反之，在琶音由高向低音区进行时，踏板就不能再保持了，而应该每一组音换一次踏板（如果有旋律的话，就在旋律音上换踏板）。这一道理很简单，上行时需要低音的烘托，以使每个上行音都要更加饱满，下行时则不需要把这些音埋在低音的共鸣里。当然，乐曲有不同的要求，乐器有不同的质量，演奏者在弹奏时可慎酌处理，灵活运用。 3.色彩踏板。与连音踏板和和声踏板相比较而言，色彩踏板在一般情况下用得不多，但为了达到丰富的音乐色彩要求，有些作品里还必须使用这一踏板技巧。如抖动踏板和半踏板。 抖动踏板也被称为碎踏板，它是丰富音乐色彩的一种常用踏板技巧。其踩踏板的动作应该是快速的轻巧的，让制音器碰擦琴弦，从而既不使声音完全闷住，又使琴弦不能完全的振动。所以，为了达到这一效果，避免声音中出现阻塞或砍断，断音器的动作越轻快越好。抖动踏板的作用，主要是能够产生所需要的共鸣和色彩，并且不会形成成堆的使用踏板的声音，使用抖动踏板可以减少声音亮度，使得在到达弱（p）时，整个地换踏板不至于产生力度层次的突然下降，可以制止前面保留下来的基音和泛音，产生很均匀的音响效果。 当脚把踏板有控制地踩下，使制音器轻轻地停在弦上时，出现了踏板声音的50%释放，这种更换踏板的方法便叫做“半踏板”。半踏板的主要作用是能使声音既不断开又不重叠。会使快速移动的和声不变得太模糊，又使得声音有一种朦胧气氛。半踏板还能使慢速手段的断音和弦稍微延长而不显得过分干巴，求得一种管弦乐队在大音乐厅中演奏的效果。 4.减弱踏板。减弱踏板是我们不很熟悉的一种踏板技巧，有人甚至根本就没有考虑到右踏板还具有渐弱的功能。 一般人们认为渐弱只有三种可能：一是弹奏时把声音控制得弱些，二是弹出音响后，只等声音自然减弱，三是使用右踏板即弱音踏板。由此我们看到：一个是为弱而弱，一个是消极地减弱，一个是机械地减弱。我们应该知道右踏板也具有帮助渐弱的功能，在有的谱子上强音记号与弱音记号在同一地方出现，对于这样的力度变化我们就可以用右踏板技巧来解决。方法是：先把踏板踩下，使制音器完全抬起，然后把琴键弹下（手即离键），再把踏板快速地松一下，让制音器拍打一下琴弦，但不要使声音全然止住，又立刻踩下踏板。这一动作需要一定的速度，否则是不行的。只要我们认真、反复的练习，完全可以运用右踏板来达到这种由强到弱的效果。 5.渐强踏板。渐强踏板也是一种比较少用的踏板技巧。有些人甚至根本不用它。这个踏板技巧如果掌握得好，会得到意想不到的效果，在舞台上效果可能还不太明显。但在录音里就会听到那微妙的区别。运用右踏板不仅可以帮助做出一个长的渐强，还可以使一个单音被重复时形成渐强。另外，我们也可以用一个全踏板来形成一个震音段落的渐强。 6.预备踏板和结尾踏板。预备踏板和结尾踏板往往不被人重视，如果整个音乐作品弹奏得都很动听，可第一个音处理的不好，干巴巴的，最后一个音又突然切断，这样就破坏了音乐的完整。音乐从无声到有声，而最终又要回到无声中去，这是所有作品的必须过程。我们在处理乐曲首尾时应注意在乐曲的第一音响（无论是弱起强起）发出前都要先把踏板踩下，以使其声音饱满，乐曲结束时，音乐一般用强收或弱收来处理音乐的结尾，强收时当音乐进入最强烈的最后一个和弦的下一小节的强拍上把踏板很快地收回去，以使制音器立刻把音乐制止住，从而获得强烈的音响节奏效果。弱收时，为乐曲在安静减弱中结束时，一般常在乐谱的最后一个音符或和弦上加延音记号，最后一个音响弹出后，应该缓慢抬起踏板，让制音器很慢又很柔和地把所有的乐音逐渐制止住，以产生一种很均匀又渐渐消失的音响效果。 二、右踏板在钢琴演奏艺术中的积极作用 钢琴的一个独特而又美妙的特点，是钢琴大师手下的一个最有力地感染人的手法，约瑟大・霍夫曼曾说：“通常我们对‘钢琴魅力’一词的理解，在很大程度上是有艺术地应用踏板而取得的。”右踏板在钢琴演奏艺术中的作用归纳起来，大致有如下几点： 1.色彩作用。右踏板的应用可使钢琴的音色丰富，音质优美。右踏板通过丰富的共振泛音的混响来丰富音质的作用，有的钢琴家将其视为相当于歌唱家或弦乐演奏家的颤音或揉弦，正因为使用踏板可以改变音色，那么不用踏板与用踏板的地方又可获得鲜明的色彩对比。因此，有人说踏板是钢琴家的“调色板”。 2.连接作用。利用右踏板的延音作用，可使连奏的声音更加圆滑，句法的划分更加清晰，一些远距离的音或不宜用手指保持的音能够连接保持。例如周广仁教授的《台湾同胞我的骨肉兄弟》在演奏中特别要注意根据分句来进行踏板的替换。由于音乐始终是贯穿着祖国人民对台湾同胞深深地思念之情，弹奏时情绪要饱满连贯，这种贯穿始终的感情除了手指的弹奏技巧之外，还必须要依靠巧妙地使用踏板才能烘托出来。 3.力度作用。弱音踏板与强音踏板的使用，不仅使钢琴音色的变化丰富，更使力度的层次增加，加强了力度的表现能力，使得有乐器之王美誉的钢琴拥有交响乐队的丰富的表现力成为可能。 4.节奏作用。强音踏板的使用可加强节奏的律动感，加强节奏和动力的表现能力。如在舞曲或进行曲性质的乐曲中使用踏板，强调节奏重音，可加强节奏感和音乐的旋律。例如江静的《红头绳》，第一段在每小节的重拍上加上强音踏板，可突出这种舞蹈节奏生动活泼的性格，属踏板的节奏作用，第三段加踏板使旋律更加流畅深情，属踏板的连接作用，而第二段不用踏板，快速明亮的钢琴高音区音色描绘出雪花飞舞的场景，和前后两段形成色彩的对比，属踏板的色彩作用。 艺术地运用右踏板可以表现许多美好的音色，比如飞溅的瀑布、谷粒飞舞、沙沙作响的树叶等，这些都带给人美的享受。肖邦曾说过：“使用踏板的正确方法仍是一个终身的学习。”无论踏板技巧多么复杂，只要我们认真地去对待，细心地去研究，再加上刻苦练习，是可以较好地掌握的。 （湖南省教育科学“十一五”规划课题《高职学院构建和谐校园研究与实践》研究成果（课题号XJK06CZC050）） （作者单位：永州职业技术学院） 钢琴教学技巧论文:钢琴弹奏技巧在教学实践中的运用 摘 要： 钢琴弹奏技巧是学习钢琴的关键。本文从多方面对教学实践进行了可行性研究，为了提高钢琴演奏教学效果，将钢琴教学提升到弹奏的技巧与音乐教育相融合的层面，就必须使学生熟练地掌握各种弹奏技巧，深入了解感受音乐作品的创作背景、风格，把握音乐作品的旋律，运用丰富合理的想象，同时具有较好的心理素质。本文还对钢琴技巧在教学中的运用进行了阐述。 关键词： 钢琴 弹奏技巧 音乐教学 基本功 随着我国教育事业的快速发展，钢琴这件西洋乐器已经走进学生课堂，成为音乐课一项重要的内容。同时，学习钢琴可以提高人的修养、陶冶人的情操，使思维变得灵活，长期弹钢琴能使人培养专注的精神和勤奋的学习精神，练习钢琴演奏是一个系统的、长期的、枯燥乏味的过程，技巧在钢琴教学中对于学生和音乐教师来说都具有重要的价值，钢琴教学目标不只是要让学生掌握演奏的技巧，更是要他们在弹奏的同时领略音乐的内涵，在教学中要将“弹奏”与“音乐”相融合，使钢琴教学升华到弹奏技巧与音乐教育相融合的境界。如何灵活地将钢琴技巧运用到教学中，成为摆在我们面前的重要课题。 一、让学生掌握基本的弹奏技巧是教学的硬性要求 钢琴的基本技巧在钢琴演奏中具有举足轻重的地位，过硬的钢琴技巧是高质量演奏的必备条件，要想通过钢琴演奏，充分地表达出演奏作品的音乐内涵及其情感，扎实过硬的弹奏技巧是重要的基础。在教学中要加强目的性教育，应使学生理解技巧在钢琴演奏中的地位和作用，设定符合每个学生的技巧学习目标，激励每个学生积极地自主训练，将技巧学习变为自觉、主动的学习行为。在钢琴教学中，音乐教师针对弹奏技巧应做好以下几方面工作。 （一）使学生掌握扎实基本功 首先，准备工作要充分。钢琴演奏基本功的训练应先从最基本的坐姿开始，当学生一坐到钢琴上去，音乐教师就必须注意他的坐姿，要做到重心稳定。开始弹钢琴的时候，身体的重心要靠臀部和脚来支撑，坐姿要以自然端正，手臂不能僵硬、紧张，或者过于松懈，这样才有利于弹奏。我国著名的钢琴家赵晓生在《钢琴演奏之道》里指出：“演奏者应坐在琴凳的三分之一宽度的位置上。”［１］钢琴在弹奏时一般可根据需要，身体进行左右倾斜、自动调整，而一部分人经常坐满凳子弹钢琴，并感觉这样很舒服，但这是一种不良的演奏习惯，因为弹琴是一种高度集中，脑力和体力相结合的劳动，不论是练琴或演奏，弹奏者都必须保持正确的姿势。同时，学生自从开始接触钢琴的那天，就必须注意手型的正确性。弹钢琴要求双手放松、手腕要柔软、手呈半圆形状，呈空握球状态，手指稍向内弯，手腕与琴键键面基本保持在同一水平面上。想要有一个良好的手型，指掌关节与第一、五指指关节的站立是关键。最末端的关节，即手指的第一关节，从演奏训练开始就要培养站立能力，要求自然地站好，不能让关节塌进去。如若手指第一关节站立不好，想弹出来集中、厚实和富有变化力的声音是不可能的。每个手指有不同的长度，手型要与之相匹配。音乐教师在教学中，学生在身体放松、高度协调的状态下进行演奏的同时，音乐教师要在严格要求的基础上，观察、分析学生在演奏中出现的技巧错误及其产生的原因，及时采用有效方法与措施，纠正与指导学生在演奏中出现的技巧错误，使学生形成正确、熟练的钢琴演奏的“手的正确定型”，为学生控制、操作键盘，轻松自如地表现音乐打下坚实的基础。 其次，要夯实乐理基础知识。正确的读谱是演奏一首乐曲的最基本的条件，如何连谱都读不了，就根本弹不了钢琴。［２］提到正确的读谱，很多人认为只是音高、节奏的正确与否。实际上除了这两者之外还有许多重要的标记，都直接影响着学生对乐曲的理解、表现，以及对乐曲风格的把握和概括。如：音乐术语提示了乐曲是欢快或是抒情的，是快板、行板还是慢板，这些因素都直接关系到学生对整个作品风格把握；同时，力度标记，同样关系到乐曲演奏中音乐的表现。乐曲的最终效果受到不同的速度和力度的直接影响，所以教师要指导学生在演奏作品时要把握不同的速度要求，尽可能表达出作品的本身含意。概而述之，演奏的技巧是以音乐的基本功能否扎实为基础的，二者是相辅相成、不能分割的。此外，在教学活动中，音乐教师还要经常向学生介绍一些关于音乐文化方面的广义知识。例如讲到外国的音乐作品，可以讲解一下那个国家的民族的性格特征及国家的发展历史，使他们在学习的过程中了解更全面的知识。 （二）使学生掌握演奏的基本技巧 1.音阶的演奏技巧 弹奏音阶除了五个手指的互相独立之外，最重要的是音阶的流畅、连贯、均匀、有颗粒和质感。上行与下行的弹奏过程中，要能做到听不出换指的蛛丝马迹，就像我们生有很多手指一样，拇指能上下、左右活动，而二、三、四、五指只能上下活动，而不能左右活动。所以，我们要发挥拇指左右活动的能力。依靠拇指的左右活动把大串的音连接起来，具体做法是：拇指弹完自己的音，当二指弹下一个音时，拇指尖就必须已经悄悄地钻进二指的后面，这样，拇指就很自然地不流露出任何痕迹地抵达了下一个音的位置上，音阶就能保持声音平均。终其原因，其问题的关键就是在于拇指的提前、预约工作。拇指的提前准备工作做为弹奏音阶的重有动作，在教学中，一定要让学生时刻注意到，并把这种动作培养成一个好的习惯，使学生从有意识的要求变成下意识的自然习惯，不用思考就能做得很好，我们要从一开始就要训练学生养成这种良好的习惯。 2.弹奏的基本技巧 所有的正确弹奏方法都不可能是与生俱来的，对初级阶段的学生来说，教授正确的弹奏法最为重要。钢琴最基本的弹奏方法有：连音、非连音、跳音奏法三种。其中非连音奏法，初学者在训练好坐姿与手型后，接下来就是进行非连音练习，在练习中要注意在弹非连音时是先将手臂慢慢提起，略高于键盘，手自然下垂，手指自然弯曲，然后手臂缓慢地自然落下，将弹奏的手指轻轻按在琴上，指端站立好，掌关节不能有塌陷，手指的末端关节亦不能凹进去。在进行非连音练习时，如果学生领悟不通会则会出现“砸琴”的现象，此时音乐教师应当把非连音进行时力量的出发点讲通，例如在第一个提起动作时应是大臂带动小臂，落下应是手臂慢慢的自然落下，通过这些训练达到最终目的。非连音有时类似于断奏，两者整合为同一个弹奏的概念。跳音弹奏技术，钢琴音乐除了有连音和非连音弹奏以外还可以用跳音来表达。从弹奏方法上来区分有各种不同的跳音：有用手臂力量弹奏的跳音，也有用手腕力量弹奏的跳音，更有用手指力量弹奏的跳音，用不同的奏法将发出不同音色的声音。连音奏法，连音奏法对于手指独立性的要求更高，一些学生在弹连奏时常常会造成第二个音弹下去时第一个音还没有完全放开。出现这样的情况，终其原因，一是力量没有完全掌握，二是手指的独立性还不够。连音奏法的关键是力量能够随心所欲地移动。弹奏每个音的时候，要使手臂放下的重量从一个手指转移到另外的手指上。应能感觉到音进行的倾向，每弹完一个音的同时，手指要保留微小的重量在键底，把它当作第二个音的支点。教师在教学中，要特别注重训练学生连音、非连音、跳音等基本技巧的练习，这些是学生掌握钢琴技巧的灵魂。 3.准确的节奏感和音乐感 节奏是音乐的生命，音乐的脉搏。［３］每一种音乐的进行，首先在于节奏的作用。节奏的脉动无时无刻不穿插在音乐当中。其中，节拍的训练中，对学生的基本要求是一要拍子搞清楚，二要拍子数准确，三要速度统一。在教学中，首先要培养学生数拍子，打拍子的习惯。有的时候也可以借助节拍器来帮助没有数拍子习惯的学生进行训练。当然，节拍器的使用只是借助一下外力，不能夸大它的教学作用。从本质上来讲，还是要学生拥有拍子的准确概念和感觉。而后进行的节奏的训练过程，在训练学生数准拍子之后，教师进一步要做的就是训练学生感觉节奏。有的学生只是机械地数着拍子，但他并没有去感觉节奏的分组、节奏的特性，这样的音乐学习是没有效果的。钢琴老师要使学生做到有内心的节奏感觉。 二、培养学生对音乐的深入理解 有人说“音乐感是与生俱来的”，意思是说有些人一生来就是音乐感好，有天赋，天生就是学音乐的好材料，也有的人生来就不是学音乐的，是不具备培养可能的。我认为，一个合格的音乐教师应能把一些在音乐方面天赋一般的学生引进音乐之门，使他们逐步提高对音乐理解感受和表现的能力，而逐步做到有音乐感的演奏。钢琴技巧的教学，首先就要给学生创造一个良好的音乐环境。钢琴是一种西洋乐器，钢琴背后的文化也来自于区域，教师在教学过程中，要通过对音乐文化的整体把握和理解，将其传授给学生，增强文化底蕴和自身的音乐素养，从而有利于钢琴技巧的学习。 （一）演奏心理训练 钢琴的演奏心里是指演奏者在演奏中的心理活动。这种心理活动是在演奏过程中发生的。如演奏的欲望，动机，感情、记忆、想象，应变心理，临场状态，等等。可以说每位演奏者的心理状态是十分复杂的现象。钢琴演奏和其它的表演艺术同样是时间的艺术，其特点是演奏者日常练习的效果要在演奏的刹那间完整的、有创造性地表演出来。［４］在现实的教学中，有的学生由于紧张而失去正常的演奏状态，思维混乱，不能完整的表现音乐。而有的学生记谱记得非常好，但就是从演奏中表达不出作品所要表现的内容及感情。因此，演奏前教师应指导学生必须具备几个心理条件，一是有强烈的演奏欲望和自信心。由于经常得不到预期的演奏效果，会使学生失去演奏的自信心，必须有达到演奏良好效果充分的准备。二是积累并凝聚演奏的审美完型心理结构。要注意从外部培养学生的音乐审美经验和艺术的素养，使学生的头脑储存更多的音乐的审美信息。同时还要要注意培养学生艺术创造的个性。鼓励学生去发挥心理的主观能动作用，自觉地去选择、组织、创造作品的完美“完型”。三要具有较强的应变的能力。练习感觉与竞技感觉是截然不同的，这一点在竞技性运动员和表演艺术的演奏者是有相同性的，音乐教师在教学过程中要尽可能地为学生缩小差距。每个人的个性、气质各不相同，有的学生容易紧张，有的学生在演奏中过于兴奋，有的人在演奏中又过分压抑。音乐教师针对这些问题，在平时要有针对性地对学生进行训练。 （二）了解感受音乐作品的创作背景和风格 在学习演奏音乐作品之前，一定要使学生了解音乐作品的创作背景和作品风格，准备工作做好了，在教学中才能使学生学会表现音乐。每一个音乐作品都是作曲家内心情感体验的再现，只有理解和掌握了作品内在的感情和含义，演奏出来的音乐才具有生命力和感召力。因此，在钢琴教学中，音乐教师应主动向学生讲授作者生活的年代背景、生活状况、作品产生原因等，使学生对作品的相关情况及作曲家的创作思想有一个全面的了解，使学生从理论的层面上理解音乐作品。同时，教会学生倾听是感受音乐作品风格的最佳路径。首先音乐教师在教学过程中，要经常提醒学生注意倾听自己的音乐，努力去辨析自己演奏的音乐是否优美，仔细感受声音的层次和质地的变化。其次音乐教师要引导学生聆听不同风格的音乐作品和不同演奏家的精美绝伦的演奏，使学生在听的过程中感受音乐的情感，感受音乐作品的风格；使学生在音乐作品背景把握的基础上，有一个大体的了解和感觉，为其在正式演奏的时候更准确、细致、全面地表现音乐做好准备工作。 （三）掌握音乐作品的旋律 音乐中最富有表现力的关键部分就是旋律，要表现好旋律，首先要准确地找到旋律的动向和形态。［５］人的声音是自然界所有声音中最原生态、最自然、最具感染力的声音，演唱的旋律效果会比乐器演奏的旋律效果更具动态性和感染力。因此，在钢琴演奏教学过程中应辅以演唱手段，尽量做到使演奏的呼吸适当、强弱变化自然、音色优美如真人歌唱一样，使作品中的音乐性表达更加鲜明。因为只有这样，学生演奏的音乐才会更天然、流畅，使演奏更具歌唱性，才能掌握音乐作品的主旋律。 （四）合理丰富的想象 想象，从心理学层面上看，是人头脑中对记忆、表象，分析、综合加工创造，进而形成新的表象的心理过程，它是人类思维的一种特殊形式。而钢琴演奏是再现音乐家生活场景、民族风格、思想等想象的全过程。因此，音乐教师在教学过程中，应选择一些形象化、具体化的音乐作品让学生演奏，引导并鼓励他们通过想象来表现音乐，使音乐更加形象化。这样做，有利于音乐技巧的传授的同时，又会让学生更真切地体会到钢琴演奏的美妙和音乐的魅力。 三、结语 总之，在钢琴教学中，教师应将钢琴的弹奏技巧与音乐表现完美地结合。钢琴艺术教育的实质是音乐艺术素质教育过程，而在音乐课堂中钢琴技巧的正确运用又是教师教授钢琴的基本保障。要提高钢琴演奏教学的效果，必须使学生熟练地掌握弹奏技巧，充分了解感受音乐作品的创作背景、风格，并辅以演唱等形式掌握音乐作品的旋律、节奏，而后依托丰富的想象力再现作曲家的思想形态、民族风格、生活场景等，从而全面提高钢琴演奏能力。 钢琴教学技巧论文:分析钢琴演奏技巧及教学要点 【内容摘要】在现如今的社会中，音乐已经成为人们不可缺少的一部分。而与音乐息息相关的钢琴也是人们学习的主要乐器，从非专业到专业，有很多学生选择到大学深造自己的钢琴技能。钢琴的演奏，是整个钢琴教学的一个重点，也是目标。文章分析了钢琴演奏所需要具备的技巧，以及在教学过程中需要注意的事项。 【关键词】高校 钢琴 演奏 技巧 教学 一、钢琴演奏过程当中的基础技巧 1.钢琴音阶的演奏技巧 在钢琴练习中，音阶的弹奏是一项基本功，这项基本功的程度是从是否流畅、连续，音质怎样等多种角度来判断的。①比较优秀的音阶弹奏是不管从低音到高音还是从高音到低音，一点都听不出来手指转换的停顿。这就要求学生在弹奏的过程中一定要注意手指是否灵活，之前就要把拇指练得非常熟练。教师在进行音阶教课的过程当中应该时刻提醒学生，要按照正确的指法进行练习，这样在训练的熟练了之后才可以在以后的钢琴演奏中熟练的运用。 2.钢琴演奏的基础技能练习 要学好钢琴，就要掌握正确的钢琴弹奏方式，而且这些弹奏方式都不是先天就可以掌握的，都是通过以后的学习和练习，最后才能够正确弹奏的。因此，想要提升学生的钢琴演奏水准，教师一定要保证所教授的演奏方式是正确的。对于钢琴来说，最基础的弹奏方法包含：连贯音阶、不连贯音阶和跳跃音阶的演奏。连贯的音阶对于学生的弹奏来说要有很好的独立性，大多数学生在弹钢琴时，一般会发生前一个音阶还没有全部抬起，后面的音阶已经弹下去的情况。导致这样的状况有两种可能的因素，第一个是还没有训练出手指的独立性，第二个因素是没有对力量进行很好的控制。②钢琴连续音阶的弹奏方式重点在于力量的传递，也就是说在弹每一个音阶的时候，要把手臂放到琴键上的力量从一个手指上传递到另一个手指上。在这个过程当中，能够感受到音阶有向下传递的倾向，在一个音阶弹奏完的时候，手指要留住比较微小的力量在琴键的底部来当作第二个音阶的支撑点。而非连续音阶弹奏的方式，要格外注重先把手臂慢慢地抬高，比钢琴键盘稍微高一些即可，手指回弯、手自然下落，手臂缓慢地放到琴键上。把正在弹奏的手指缓慢地按在钢琴的键盘上面，手指的顶端需要站立好，手掌和各个关节都不可以有塌下来的地方，手指的尾部的一端也不能塌陷下来。训练这种音阶弹奏的方式，一旦学生不能掌握的话，就有砸到琴键的情况发生。因此，力量的教学是非连续音阶的教学的重点。③ 3.音乐的感觉和节奏的感觉需要掌握好 节奏对于音乐来是非常重要的，节奏也被人们形容成是音乐的心脏，不一样的音乐都与不一样的节奏存在关系，不一样的节奏放在同样的音乐里面都会产生不一样的效果。教师在进行节奏练习的时候，应该对学生有着一些要求，比如说，要明白节拍、数清楚节拍、让速度一致等，在教学的初期就应该让学生养成在弹奏的过程中自然而然的进行数拍子。然后，让学生自己能够感觉到节拍是否准确和打拍子是什么样的感觉。之后，再让学生进行对于节奏的练习，让学生能够感受到节奏。因为，有些学生能因为打拍子而打拍子，像个机器一样，而不是去感受节奏的特殊的性质、分组的情况，这样的学生并不能够掌握音乐当中的节奏的感觉，也不能正确的表达出弹奏里面的技能和感情的表述。④ 二、钢琴教学中的注意事项 1.钢琴教学中要注意根据学生的特点教学 在进行钢琴的教育过程当中，教师应该首先了解学生的想法，从这方面入手，进行钢琴的教育。因为，不管是演奏钢琴的人，还是听众，都需要用心去沟通，好的音乐是不需要言语的交流的。假如在钢琴的教学过程当中，教师只是让学生像个机器一样练习技能的要点，而且还把这种练习当成了最后的训练目的，而不去要求学生做感情的投入和交流，那么弹奏出来的乐曲也是不带感情的，更不会打动人。学生只有在知道了乐曲中饱含了怎样的感情之后，才能够在心里琢磨，并且在技巧上持续的训练，最后才能够进行很好的演奏，从而让听众达到满意的效果。在这一过程当中，教师一定要监督学生的演奏的心理，在某种程度给予指导。⑤ 对于所有事物的教学都是不可以脱离需要教育的人而单独存在的，因此，教师作为种育人者应该在教育中总结出一种切实可行的教育方法，并且这种方法一定是正确的。不仅要关心学生在音乐上的需要，而且还要注意他们在音乐心理和自身特点上的进步，更要根据不同学生的不同心理和素质等特点进行教育。 2.要注意钢琴创新性素养的教学 音乐从其本质上来讲，是一种创造并且开创的新意过程。就好像这个地球上从来没有过一模一样的树叶一样，不一样的人弹奏同样的一首乐曲给人的感觉也会是不一样的，或者是同样的乐曲一样的人但是在不一样的时间弹奏的时候也会有着不一样的感觉，因为人的心态和阅历是会变化的。音乐永远吸引人的地方就在于其本身所具有的永恒和人们所赋予其新的含义。人们在写作音乐和乐曲的同时，也是对于人类自身的重新认识。 面对不一样的音乐应该进行不一样的理解，不同的人对于音乐也会有着不一样的理解。教师应该让学生大胆地进行创新，对于遇到的问题自己进行解决，这样才能通过自学的方式学好钢琴，并且对于钢琴保持着良好的兴趣。 作者单位：哈尔滨师范大学音乐学院 钢琴教学技巧论文:钢琴教学中奏鸣曲的弹奏技巧分析 摘要：在钢琴的学习中，弹奏技巧是重点也是难点。为了提升学生弹奏钢琴的技巧，本文从实践出发，使得钢琴演奏与音乐教育相连接，在理解音乐内涵的情况下出发，使学生德智体美劳得到全面发展。本文将通过实践分析钢琴教学中奏鸣曲的弹奏技巧。 关键词：钢琴 弹奏技巧 音乐教学 基本功 随着我国教育事业的发展，我们的教学理念开始发生变化，我们更加注重学生德智体美劳的全面发展，学习音乐可以陶冶情操，培养专注和勤奋学习的精神。但是在实践中钢琴是一们非常枯燥的功课，钢琴教学很难实施，因此教师如何将音乐和技巧有机结合融入到教学当中，是我们首先要考虑的难题。 一、奏鸣曲的弹奏技巧从基本功抓起 （一）音阶的演奏技巧 弹奏音阶除了五个指头相互独立外，还要考虑音阶的连贯流畅和连贯性，使人在上下衔接之时听不出蛛丝马迹，那么音阶的训练成为摆在我们面前的首要难题。具体做法是：拇指弹完了自己的音，用二指弹下一个音时，拇指尖就已经悄悄地钻进二指的后面，这样拇指就很自然地抵达了下一个音的位置上，音阶就能保持声音平稳，并且弹奏出来的音乐连贯，听不出衔接的痕迹。由此可以看出其问题的关键就是拇指的提前、预约工作。任何钢琴曲都是从音阶开始，因此我们要做好音阶的预备工作，平时要勤加练习，在教学过程中下意识培养这种动作，并且把这种动作形成一种习惯。 （二）弹奏的基本技巧 我们的弹奏能力都不是与生俱来的，都是通过平时的勤加练习得到的，正确弹奏方法是学习的前提和基础，因为我们要培养学生正确的弹奏方法。钢琴最基本的弹奏方法有：连音、非连音、跳音奏法二种。音乐教师在讲课时应当仔细认真分析这三种弹奏方法，根据学生的习惯，找出适合学生弹奏的方法，这样才能起到事半功倍的效果。这些学好音乐的基本功，我们必须掌握，只有这样我们才能接触到音乐的灵活深处，提升自己的弹奏技巧。 （三）准确的节奏感和音乐感 音乐是有节奏的，而这种节奏是我们必须要掌握的。每一首音乐都要不同的节奏，不同的旋律，节奏无时无刻不体现在音乐教学中，节奏的训练中，首先要搞清楚拍子，其次拍子数要准确，最后要速度统一。在平时的学习中我们要培养学生打拍子和数拍子的习惯。例如：我们在唱歌时，开始的前奏我们经常采用数拍子的形式，在唱歌的过程中，我们也经常采用打节拍的方式来进行互动或者加油，打拍子并不是机械的拍打，而是要融入到节奏感中，这样才能使音乐达到内心，从根本上提升弹奏音乐技巧。 二、培养学生对音乐的深入理解 我们常说天赋，这就说明有些人的音乐感是与生俱来的，是学习音乐的可造之才，肯定也有人不适合学习音乐。教师在教学的过程中要有针对性地进行，对音乐感一般的学生，我们要先做好基本功课，例如：贝多芬的《第一交响曲》，教师要讲述创作的背景、作者当时的处境、作者的生平经历，了解作者的创作基调，逐步培养学生的音乐感。 （一）演奏心理训练 演奏心理指演奏时的心里活动，每位演奏者都有不同的心理状态，有些人没有系统的音乐知识，但是有丰富的表演经验，可以自如应付突发状况和临场应变能力，甚至能够创造性地发挥。但是如果没有表演经验，在表演时就会出现紧张甚至手抖或脚抖的情况，在出错时甚至可能不知所措地停止演奏，这就是演奏心理差的表现。在现实生活中，学生常因为紧张而记不住音乐谱，有的记住了乐谱但是却因无法自如发挥，而弹奏的曲子没有感情，教师应当通过以下几个方面进行心理辅导：首先要有强烈的表现欲望和自信心，在演奏的过程中，观众难免会出现不感兴趣等现象，这时教师要进行适当的心理辅导，提升学生自信心；其次，积累并凝聚演奏的审美完型心理结构。 （二）了解作品的背景和风格 在演奏音乐之前，我们应当充分了解音乐背景以及作者在创作时的处境，只有这样我们才能更好地体会作者的思想感情，融入到音乐中。例如：《第一交响曲》是在贝多芬耳朵失聪的条件下创造的，耳朵失聪对一个音乐家来说是一个如同失去生命的打击，但是贝多芬不服输，此曲就充分表现了这两点。教师在日常的教学过程中，要带领学生多听曲子，体会曲子中不同的思想感情，日积月累我们不但可以体会出作者的思想感情，而且可以提升我们的音乐素养。 （三）掌握作品的音乐旋律 音乐中最具有感染力的应当是高潮部分了，要想充分体会音乐就要找准音乐旋律，人的声音、不同乐器的声音都是非常具有感染力，人的声音是最具有感染力的，因此在音乐的学习中，通过人的声音的高低起伏来找准作品的音乐弦律，提升音乐的演奏技巧。 （四）合理的想象 在音乐作品的学习过程中我们应当有合理的想象，当旋律轻快明亮时，我们可以想象作者特别的高兴与兴奋；当旋律悲伤沉重时，我们应当想象作者的悲伤与压抑情绪。通过合理的想象，了解作品表达的思想感情，只有这样才能吸引观众。 三、结语 新课改以后，人们越来越重视孩子的全面发展，音乐的学习不但可以陶冶情操，而且可以素质，但是音乐的学习基本功是关键，本文阐述了如何提升学生音乐学习，如何提升演奏技巧，希望对学生的音乐学习有所帮助。 作者简介： [1]邵琦惠：武威职业学院； [2]管丽丽：兰州城市学院。 钢琴教学技巧论文:基于音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用研究 【摘 要】在钢琴教学中，音乐元素是必不可少的基本乐理知识，同时也是提高钢琴教学质量的重要手段，作为钢琴基础内容，音乐要素是学生弹好钢琴的关键，对钢琴教学的顺利开展有着导向的作用。本文主要对融入了音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用进行了研究和探讨，以期为钢琴教学提供建议，进而促进学生钢琴演奏技巧的提高。 【关键词】音乐要素；演奏技巧；钢琴教学 一、引言 钢琴演奏追求的是在演奏中准确的对音乐进行诠释，这就需要学生熟练地掌握演奏技巧，分析作品中的技术手法，并且要想体现音乐的艺术，过硬的技术永远都是不可缺少的关键要素。但是在实际教学中，钢琴教学方法显得杂乱无章，学生也不容易掌握演奏技巧，而作为基础的音乐要素怎样渗入到钢琴教学中，又怎样突出演奏技巧，这些都是当前钢琴教学中值得研究和讨论的问题。 二、钢琴演奏中融入音乐要素的教学训练 在钢琴教育家卡尔・莱默尔的钢琴教学中，对钢琴的教学方法提出了很多的建议和要求，在钢琴演奏中学生需要放松，例如手指和手臂要处于自然状态，而且肌肉也应该是处于放松状态，这里强调的就是让学生用意识去控制身体状态，同时还强调了一点，就是利用一切可能的触键方式，也就是演奏技巧，同时节奏需严格，但也要自由，才能让演奏变得游刃有余。 （一）放松训练。学生只要具备了放松的状态，钢琴演奏才会更自然，因此，学生首先需要进行放松训练，在训练中要注意训练学生指尖的敏捷性，尤其是手指的第一关节。可以先让学生学习手指的站立，逐渐过渡到五个手指都能自如的交换和连接，先锻炼每个手指的独立性，然后锻炼学生五个手指的合作协调性。在实际教学中，教师可以先让学生反复练习1212 1313 2323 1414 2424 1515 2525 3535。对于颤音的练习，教师可以让学生先慢弹两个音，并弹响，熟练之后就逐渐加快速度，一直到音色均匀、清晰、快速，动作也要干净利落。双音和和弦的练习，教师则需要引导学生将手指一个个分开进行单音练习，当控制好之后再合起来练习，进而要满足清晰整齐的弹奏要求。 （二）技巧训练。钢琴演奏技巧训练是属于有针对性的技巧训练，主要是实施和推广演奏技巧，包括节奏、触键方式、力度和踏板等方面。触键方式有多种，其基本要点涉及演奏的姿势、断奏、半连奏、非连奏以及连奏等，触键技巧的应用是钢琴教学中最基本的内容之一，教师必须要严正以待。触键技巧的运用可以从不同角度帮助学生体会和感受钢琴技能，手作为人体重要的一个组成部分，在钢琴演奏中同样重要，例如当学生将手指的第一关节和琴键之间的关系了解并掌握之后，在实际演奏中就能逐渐掌握音色的好坏，所以，手指尖敏感度的训练非常重要。例如贴键技巧，无论学生对演奏技巧掌握到何种程度，我们都提倡“低指”的触键方式，也就是需要在下键发出声音之前将手指贴在键盘上，尤其是在进行和旋的演奏时，手指要有一定力度，将每一个和旋弹完以后手指都不能离开键面，用该种方法进行和旋的演奏，会让手指落键更加有把握。但是有些学生在连续弹奏和旋的时候出现缺音和漏音的情况，这主要是因为用力不均匀，采取这样的方法更容易使学生对手指进行控制。 （三）听音训练。在教学中，还需要训练学生的听力，使其听得见一切的音乐要素，这样学生才能自己判断音乐的好坏，同时也能更加容易掌握并控制自身演奏中节奏的准确性、声音的质地和色彩等。听力的训练首先要从对曲调意义的理解开始，而曲调的理解则需要先掌握好音乐的语法。因为只有了解并深刻理解句法之后，才能进行“听音”的训练，进而让学生逐渐形成乐感，为之后的演奏奠定好的基础。而听音训练应该是基于严格和自由的节奏，节奏首先是由心生，然后存在于全身，最后由指尖体现。在实际教学中，可以让学生用手拍桌子的方式来训练打节奏，或者采取指挥图形引导学生打拍子，根据具体需要选择强弱拍，也可以选择用手打大拍，用口打分拍，从一分二直至一分八的方式。 三、结语 总而言之，在钢琴基础教学中音乐要素、乐理知识是尤为重要的，两者相互依赖，相互促进，在钢琴教学中，教师需要掌握钢琴基础学科的特点及其教学客观规律，秉承着初级教学的教学规律，帮助学生掌握基础乐理知识和基本演奏技能，并形成良好的学习习惯，进而为之后深入学习钢琴演奏技巧奠定良好的基础。
处于高原环境状态下的体育生，在体能运动方面的训练必不可少，而地处高原这一特殊环境，相比于大部分的体育生来说，对于综合体能、身体素质的要求也就有了一个更高的标准，茶饮料的推出在此时便起到了很为关键的作用。茶饮料中的主含成份是茶多酚，对于体育生的体质改善会有很大的帮助，更加有针对性地增强了体育生在高原环境中的适应能力。对体育生的综合体质加强研究，补充了原有只局限在茶的医药方面的不足。 1茶饮料的内涵 茶饮料是时代的产物，由此名字便可以看出，茶饮料就是把茶叶中对于人们身体有益的成分提取出来，再加入适量的营养元素等等进行再加工推出的一款健康类饮品。它不仅仅只是拥有一定的改善身体素质的作用，采用较适宜各类人群的饮用口味更是吸引了大众的味蕾，同时它基本继承茶叶中具备的优点，一经推出，就以“多功能饮料”引领饮品时尚。从茶饮料中的成分而言，其内部含有从茶叶中提取出来的茶多酚对于体育运动来说影响作用更加明显。专业研究小组发现，茶饮料中的茶多酚在缓解疲劳方面有显著效果，适宜于体育运动员身体的成长训练。经过调查发现，茶多酚在受到高温或高酸性环境的影响时，会导致内部结构的稳定性破坏，出现茶叶的变质情况等。而茶饮料是多种健康元素的提取、再加工，适合体育运动员在运动前后的饮用，会在一定程度上降低其剧烈运动所带来的消耗。茶多酚的适宜承受温度约是240益，其中超过半数的成分含量是儿茶素。该元素的健康摄入，会减少人体中自由基的总体含量，加快新陈代谢，增强体能的提升和恢复。 2高原环境对体育生体能的变化影响 高原环境对于大部分人来说都是非常恶劣的，环境的特异性（氧气稀薄、气压环境恶劣以及温度的昼夜差异），对于体育生的体能调节的影响很是巨大。而通过探讨茶饮料在高原环境下对体育生体能调节研究，不仅仅可以把茶饮料合理利用，而且对高原环境中的体育生体能调节以及身体的基础素质提高会有更好的帮助。体育生在相关的体育运动训练之后，通常都会产生呼吸困难、不足，以及身体肌肉酸痛的情况，这属于正常表现范围，而在高压环境下，海拔的提升会直接影响氧气含量，导致低氧血症的时常出现。而同时引起的神经组织变化，会很大程度上的造成脑损伤，若不能在一定时间内得到积极地治疗，会直接影响人体的思维意识状态。而从体育生角度来说，相关的体育训练是长时间、持续性的运动，在高原环境下，身体素质和体能也会随之产生一些变化，很有可能造成训练成绩下滑的趋势。所以对于运动量的把控也会相比平原地区更为关键，很有可能因为训练过度导致出现相关的运动脱水，更为严重的还会造成一定的生命危险，这不仅仅会导致其体能的调节能力下滑，还会影响到体育生身体的健康成长。经过相关的调查发现，高原环境通常都是大气压强低、氧气缺乏、大气温度低等等，而且紫外线的辐射也是很严重，当海拔达到四千米以上时，会直接影响视觉效果，损伤体育生在夜晚的视力状态。当海拔达到五千米以上时，也会造成听觉状态的下降。总之，体育生在长期处于高原环境的视觉、听力会产生认知性失误现象。而大脑在客观条件上对充足氧气的依赖性，海马胆碱能系统受到影响，记忆能力造成很大程度上的损伤。总之，高原缺氧会在客观上限制了人们的思维意识状态，利用依赖性的吸氧方式不能积极改善体育生的综合素质，结合物质元素的有效摄入，才能确保体育生更好地适应高原状况，维护身心健康。体育生的教学实践工作，必须以自身的综合素质为基础，建立一整套系统性的培训计划，减少慢性病、“亚健康”学生的出现率。而高原环境中，学生在身心素质方面有了更高层次的标准，所有教学实践的开展必须以体育生实际的素质状况为基础，保障学生们能够更好、更快地融入到高原环境中，将具体的训练计划和日常习惯都能切合这种特别性环境。 3茶多酚元素在高原环境中对体育生体能调节的影响作用 客观上，高原环境在学生身心方面具有较明显的特殊性要求，必须投入更多的关注，对每一名体育生的具体身心状况有更全面的调查关注，确立一套适合于高原环境的特殊性认知体系，融入运用更多元素，培养出更多符合教学目标的体育生。伴随茶产业的成熟发展，茶产品也有了更深入的认知，拓宽了茶多酚的应用范围。客观上来说，茶多酚不是应对高原环境的直接性解决元素，体育生必须运用更好地训练方式，结合一定量必须的锻炼方法和健身计划，改善体育生的整体身心状态，提升每个人对高原的适应能力。而茶多酚的合理摄入，也必须立足于体育生的实际身心状况，将他们的每一份变化都能做到及时有效的监测和把握，做到该元素的摄入量与体育生的完全匹配。茶饮料属于功能性饮料，其中包含的水、氨基酸、电解质成分和一定量的维生素含量，能够保障身体内的新陈代谢，避免出现缺水性紊乱和免疫系统的功能下降，同时转化产生更多的葡萄糖，补充体育生在运动中所需的血糖含量。而体育生在锻炼中活跃了神经系统，增多了维生素的需求量，茶饮料的饮用对体育生的体能恢复有较为显著的效果。社会人群中在深处高原环境出现的常见病症、突发情况是有一定资料统计的，也会针对性地提出解决方案，这些档案信息会成为这类患者出现时实行医疗或药物治疗的重要依据，也使体育生在应对高原环境时能有更适宜的借鉴。茶多酚从功能效用方面来看，具有较明显的服用价值。只是现阶段，茶产品的认知还有很大的局限性，在应对突发情况时，过重的依赖茶多酚元素、忽视体育生的实际身心状况，成为很多人对茶产品的一种误区。依据调查数据，体育生在应对高原环境时，借助合理的系统性培训和科学摄入茶多酚元素这两种的有效结合，是保障他们实现身体素质标准、增强心理素养的重要途径，满足了学生的整体性目标需求。 4体育生正确饮用茶饮料的方法 第一，体育生的锻炼培训，必须保障身体内有充足的水含量。大量水分在摄入后，不会立即就产生效用，是持续性消化、吸收的作用过程。茶饮料的合理饮用，就是对体育生在水分摄入量的一种有效控制，保障体力的同时保障训练的顺利开展，提升身体的肠胃消化能力，将超出的体液量排出，提升新陈代谢效率，增多运动的整体热量消耗。第二，针对运动过程中经常出现的异常口渴、身体虚脱不支状况，标志着身体在运动中处于脱水的临界边缘，必须引起一定的重视。茶饮料的合理饮用，在缓解这种状况方面有很大作用，能够更大程度地将糖分、盐分的消耗量得到有效补充，使体育生在运动过程中保障整体机能的平衡、促进正常新陈代谢的平稳运行。 5结语 体育生对训练量有较高的训练要求，整个过程很是辛苦，而高原环境更是增高了训练难度，不恰当的训练很容易造成身体上的损伤。茶饮料的应用，能够一定程度的缓解运动中产生的脱水状况，增强运动功能。目前，茶产品已经实现了体系化生产，而健康养生理念的有效融入，对高原环境下茶多酚元素在体育生的体能调节研究有很好的研究意义。体育生的实际身心状况和他们的群体性目标诉求，结合创新性的培养计划，才能更好地确立一整套全面、系统的训练机制。而茶多酚元素的规范性使用，必须建立在茶产业的客观发展状态上，从而为高原环境中的体育生体能调节提供更多的健康性保障。 作者:裴成禹 单位:四川工商学院
钢琴学习论文:学习迁移理论下钢琴教学论文 一、学习迁移与迁移理论 一项学习对另一项学习的作用，即是迁移。从本质上来说，学习就是通过对学习过的知识的利用，对新的学习知识加以掌握，促进实质性良好的学习结构的创建，在心理学方面这种理论被定义为学习迁移理论。学习迁移理论的作用有正、负之分，一项学习如果对另一项学习有积极的促进作用，这种迁移就是正迁移；一项学习对另一项学习作用的发挥如果有抑制性，则这种迁移就属于负迁移。美国知名的心理学家莫里斯•比格曾指出，教学效果一般都是立足学生对教材的迁移数量的掌握而决定的，学习迁移对教学来讲是重要基石。迁移理论是一种已经掌握的技能向另一种新技能的倾斜，帮助学生对新内容有更深入的了解和掌握。迁移是学习过程中的一种普遍情况，教师可以对此加以利用，促进学生正迁移的形成，同时有利于原有教学结构的拓宽和完善，给学生将来的学习及工作打下坚实基础。在钢琴教学阶段，形成迁移的知识块很多，教师要做的是引导学生在相应环境下形成正迁移，促进自身教学质量的提高。 二、当前钢琴教育中存在的问题 （一）教学目标不够清晰 我国高校音乐教育中，普遍存在教学目标不太明确的现象，导致学生缺乏明确的学习目标，影响学习能力的提高。要实现教学目标，首先必须明确教学目标的具体要求，而在实际教学过程中，很多教师讲课时只针对某一作品的技术难点进行大致的技术要求讲解，这种教学的盲目性比较大，不利于学生更加深入地掌握其技能技巧。 （二）对学生的了解不够深入 教师在教学时往往只注重自身教学的方式，而忽略了学生的接受能力。教师对每位学生的具体学习情况了解不深入，很难进行因材施教的教学。这种方式往往会导致教学内容不适合每位学生的学习，使学生的音乐学习产生两极分化的情况。 （三）忽略钢琴教学的系统性教育 音乐课程是一种系统性很强的学科，教学时必须循序渐进，慢慢渗透。但是在实际钢琴教学过程中，教师授课时比较随意，解决问题时不注重问题的系统性联系，致使学生在音乐演奏中时常出现技术性的问题，影响学生音乐学习的提高与音乐素养的培养。 （四）缺乏与其他课程的联系 在钢琴教学中，各课程之间是相互联系的，但教师往往忽略各课程间的联系，致使学生在学习过程中对音乐知识的积累及学习比较散乱，没有将各音乐课程建立相互联系的意识，不利于学生音乐素质的全面培养，也不利于学生音乐认知结构的建立。 三、将学习迁移理论引入钢琴教学中的意义 面对钢琴教育中存在的诸多问题，高校钢琴教学应该在吸取传统优秀教学方式的基础上，引入新的教育方式，利用现代教育理念中的美学、心理学、运动学等方面的理论，进行教学改革，提高学生学习钢琴的综合能力。其中学习迁移理论就是现代教育心理学中的一个概念，它是指在学习过程中，各个学科与技能之间存在彼此相互影响的现象，也就是学生已有知识、技能对新知识与技能所产生的影响。 （一）有利于培养学生自主学习能力 教育的最高境界不是教给学生多少知识和技能，而是让学生掌握学习的技巧与方法，培养学生的自主学习能力，使学生从主观方面积极主动地学习，而不是被动地接受知识。学习迁移理论的运用，就是一种授人以渔的学习方式，其注重培养学生的自学能力，让学生学会学习。从这方面来说，一个学生学习能力的高低与其学习迁移能力的强弱有着非常重要的关系。学习迁移不仅能有效提高学生的自学能力，而且能提高学生的学习兴趣和学习效率。 （二）为实现高校教育目标提供条件 教师在教育过程中是否教会学生学习的迁移能力，是教学质量提高的关键。因为只有让学生拥有了学习迁移能力，才能够使其拥有自我学习能力以及可持续发展能力，使其积极主动地积累知识和技能，从而更好地构建知识与认知结构，以便于在钢琴学习中全面发展，提高学生知识技能的综合运用能力，推动高校钢琴教学中教育目标的实现。 （三）有利于教学改革的实施与教学质量的提高 把学习迁移理论引入高校钢琴教育中，不仅为高校的钢琴教育提供一种有效的教学方式，而且通过各个课程之间的相互联系与相互影响，可以很好地提高高校钢琴教学效率和教学质量。从而为社会培养更加优秀的钢琴师资人才。 （四）为高校钢琴教育提供系统化指导 高校钢琴教育是一种系统化要求很高的课程教育活动，在教学过程中必须有几个相互联系的步骤组成，而学习迁移理论运用到钢琴教育中，可以贯穿于教学的每一个环节，使各钢琴课程以及同一课程不同单元之间建立相互联系的有机统一体，使高校钢琴教育在统一的整体下进行相互之间关联性的学习。利用系统化的教学方式，使学生的钢琴认知能力及钢琴素养得以提升。学习迁移理论不仅能提高学生的学习效率，而且能够有效地促进教学方法的改变。高校钢琴学科领域知识丰富、文献众多，学生不可能在短短的几年内掌握全部内容，教师在教学中利用学习迁移理论，积极创造学习迁移条件，使学生在原有知识上，进行新知识的学习，以达到事半功倍的效果，同时提高学生积极主动学习能力，为他们以后的工作和学习奠定坚实的基础。 四、有效实施迁移教学的措施 钢琴演奏是一种技能，而技能是一种心智活动方式，通过练习获得钢琴技能动作，这种技能主要指手指、手腕、前臂、后臂以及整个身体之间的协调能力，同时也需要学生有很高的理论知识与艺术表现力。在此基础上利用迁移学习方式，可促进其技能的提高与素养的修炼。 （一）新旧知识的相互影响与联系 学习迁移是一种通过新旧知识相互联系形成一定的影响，而促进学习的一种教学方式。从这方面来讲，教师在进行教学时要注意新旧知识之间的联系，在新知识讲解之前，首先对旧知识进行复习，做到温故而知新，并根据教学中可能出现的迁移点，引导学生发现实际迁移点，从而结合已有的知识，实现知识的迁移。在教学过程中进行示范演练，演练时注意提醒学生感受演奏中的异同点，帮助学生学会运用比较法进行新知识的学习，通过详细的比较可以发现二者之间的联系和区别，找到其异同，以便促进共同点的迁移。对于学科的基本概念及原理等一些具有广泛迁移价值的内容，应多提倡自主学习，要求学生对所学的内容进行理解式记忆，然后对知识进行归纳、总结，再把总结好的知识引入原有知识的积累中，以旧知识促进新知识的掌握。从而促使学生更好地把握学习的方向，打破思维定式，培养创造性思维，提升学生钢琴练习的效率和水平，以及学生的学习技巧与学习能力，促进学生的全面发展。 （二）注重创造迁移条件 在教学过程中，教师要时刻注意迁移条件的创造，注重学习对象之间的共同因素。学习内容之间的相同原理越多，迁移现象就越明显，也就越有利于学生的学习。比如在训练八度弹奏技术时，教师可以将游戏的动作机理迁移到弹奏方法的动作要领上，能起到事半功倍的效果。教师可以举些例子，比如我们在玩拍皮球时，需要放松手腕和小臂，利用手腕的弹性来拍动皮球，动作自然、轻柔、缓和，顺势而为等，弹奏八度时手腕与排皮球时手腕的状态有异曲同工之处。C.H.贾德在概括化理论中指出，学习中产生迁移的必要前提是，两个学习活动中存在的共同成分，而在学习活动中概括出两个学习活动之间的共同原理是产生迁移的关键，对于原有知识经验概括水平的高低直接影响着迁移的可能性。因此，在教学过程中，教师应注重对学生已有经验泛化水平的提高，为迁移创造条件，如音阶的弹法与五指训练、琶音的训练在训练要领上有很多共同之处。因此，在教学过程中，三者的训练方式可以相互借鉴，通过学习一种技能前、后对另外两种技能的训练，引导学生概括三者的共同成分，从而实现学习的迁移。 （三）保持良好心理状态 学生的心理状态对学习的迁移也有着很大的影响，心理状态不佳，如过度紧张、注意力不集中、没有兴趣、没有迁移的愿望等，都会对学习迁移造成障碍。因此，在教学过程中，除了要积极为学生创造迁移条件外，还应关注学生的心理状态。在教学的过程中，可采取谈话法、观摩鉴赏法、练习法等多样化的教学方法，营造良好的课堂氛围，使学生保持轻松、良好的心理状态，从而更好地使学生的思维处于活跃状态，有效地实现学习迁移。在钢琴练习中，可采取分阶段练习，练习的时间不宜过长，容易造成身心疲劳，在休息的过程中可以对练习中遇到的问题进行研究和探讨，从而使钢琴练习能够顺利进行，同时摆脱消极情绪，达到更好的学习状态。 （四）注重每位学生的特长 钢琴乐器的演奏看似与其他乐器之间存在很大的差异，但是从音乐方面来说，在一定程度上，不同乐器间的动作技能也是可以迁移的，如小提琴右手运弓时对手臂的要求与钢琴基本上是相同的，都是要在放松的基础上稍微控制力道；而且左手的按琴与钢琴中的触键也有相似之处。笔者根据相关调查了解到，以前学过音乐知识的人，钢琴的学习要比没有接受过乐器教育的人快得多。所以说学生的经验对新知识的学习有一定的促进作用。教师在教授课程的过程中，要根据每位学生学习的基本功情况进行讲授，做到具体问题具体分析，为不同的学生制定不同的学习目标和计划，做到因材施教，使每位学生都能够在自己原有知识的基础上，有计划、有目的地进行迁移学习，从而提高学习效率，促进自身综合素质的提高。然后再根据学生的特长，选择有针对性的教材，同时尽可能地从学生较为熟悉的音乐风格开始，教师可以选取大家耳熟能详的经典之作进行迁移教学的实施，然后通过对比的方法，在学生熟悉的音乐风格的基础上，促进学生对风格把握能力的迁移。 作者：贺伟 单位：广西师范大学漓江学院 钢琴学习论文:学生自主学习能力钢琴教学论文 在当今社会中，越来越多的人们意识到音乐对于身心健康的发展是非常有益的。无论是从陶冶性情、综合素质的提升，还是智力开发等方面，都会产生积极的促进作用。这也造就了现今社会掀起了学习音乐的热潮。本文将结合教学实践，对如何培养学生具备良好的自主学琴能力，进行阐述。 一、教师要始终保持学生的学习兴趣 1.根据学生的年龄、性格及手指特点，因材施教。 教师应积极鼓励、引导学生在课上多发表自己对于曲目的看法，让学生全身心地参与到教学活动中，从而达到良好的教学目的。学习新曲目时，教师应运用生动、形象的语言介绍作曲家生平、作曲风格、创作背景及主要思想感情。学生对曲目内容有了初步的理解后，教师再进行有表情的、准确的范奏。通过感受音乐，学生在接下来的弹奏中会更容易抓住曲目特点，演绎出富有感情的音乐。 2.教师可以根据学生的喜好，布置适合他们程度的课外曲目。 也可以让具备预习能力的学生，课下通过网络去搜索影音资料，或相关书籍查阅曲目资料。通过这一自主预习的过程，可以使学生产生寻找答案的乐趣。在接下来上课时，学生就可以将预习的内容，跟教师进行交流。对于正确的，尤其是具有学生自己独到见解的思想，教师要给予极大的肯定以及诚恳的鼓励。学生课下做足了功课，那么课上会更容易、轻松地学习曲目。 二、教师应培养学生建立良好的读谱习惯以及掌握高效的练琴方法 1.读谱方面。 首先，弹奏每一首曲目前，教师都要提醒学生看好谱号、调号、拍号。而有些曲目的开始以及曲目进行中关于以上三点会做改变，这一点教师要提醒学生时刻注意。关于曲目中的临时变化音记号以及重升、重降记号，教师应确保学生已明确这些记号的用法，以便正确地弹奏出来。对于加线较多的音，教师要提醒学生仔细识谱。其次，节拍、节奏、时值方面，要严格遵照曲谱来演奏，比如同样是三拍子，不要将四三拍和八三拍速度演奏成一样。对于较复杂的节奏，教师应带领学生多加练习，直到学生能读准节奏，进而弹准节奏。音符的时值不要弹的过长或过短，休止符也不要忽略。最后，乐谱中出现的表情记号、表现符号、音乐术语和指法，教师应向学生逐一讲解这些符号、术语的含义。乐谱中标记的指法是长期实践得来的，教师应让学生通过弹奏去感受指法的合理性、科学性。当然，有的学生手小，不适合使用乐谱中的指法，那就将合适的指法重新标记在乐谱上。 2.练琴方面。 每一首曲目都应分手、分乐句、分声部练习，而且最开始一定要慢速去弹奏，这样眼看谱、脑分析、口唱谱、手弹奏、耳听音，就有充足时间反应。慢速能够较从容、细致地将表情、语气弹奏出来后，就可以一点点将速度调整到曲目规定的速度。关于重点、难点，教师要确保学生在课上已经掌握了如何弹奏，才能保证课下的练习可以顺利进行。练琴过程中，学生如遇到了易错、易停顿的地方，应拿笔标记上，将这个地方慢速反复练习，直到非常连贯，和前后乐句衔接顺畅。关于以上读谱及练琴的要点，教师要做到长期、有条理的教授学生，及时了解学生课下的练琴情况，直到学生养成良好的习惯，形成主动意识，这样才能起到事半功倍的效果，易于让学生拥有成就感，使学生对于钢琴学习容易产生自信心。 三、教师应帮助学生建立自我评价意识 在整个教学活动中，如想达到良好的教学目的，学生在课下练习时能够进行自我评价也非常重要。教师应要求学生每次练琴前做到回忆课上的要求、重点、难点后再开始练琴。练习的过程中要动脑，多听，勤反思、多总结，要及时发现问题并改之。也可以将练习的曲目录下来，学生听录音的同时一定要看谱，再结合教师课堂中的范奏，对没完成预期目标的地方要在乐谱上标记出来，并有条理的分析没有弹奏好的原因，进而运用正确的方法加强练习。教师在课堂中可以进行多次模拟自我评价的演示过程，直到学生课下可以很好地将反思和练琴结合起来。综上所述，学生只有具备了良好的自主学习能力，才能推动钢琴教学顺利进行。教师应做到以学生为主体，充分发挥他们的主观能动性，激发他们的学习热情，并引导，教授科学、有效的方法，才能让学生快乐学琴，感受钢琴艺术的魅力，享受音乐。 作者：刘轲 单位：辽宁省沈阳市艾诺音乐学校 钢琴学习论文:激发幼儿学习钢琴兴趣分析论文 内容摘要：初学钢琴的幼儿，大部分还不能自觉主动地练琴，如果用强制手段使他们练琴，只能适得其反，甚至扼杀了他们学琴学音乐的兴趣。只有循循善诱、耐心启发，让他们在快乐中学习、在游戏中领悟音乐，逐步培养他们学习钢琴的兴趣和热情。 幼儿学钢琴是一件很困难的事，因为学钢琴既要用脑又要用手，既要学艺术又要学技术。所以对幼儿来说，首先要培养他们学钢琴的兴趣。因为兴趣是最好的老师，如果孩子对什么感兴趣，他就会学得很快；如果不感兴趣，怎么教也收效甚微。那么，如何培养幼儿学习钢琴的兴趣呢？ 一、把握幼儿教学特点，以激发兴趣为首要任务 前苏联教育家阿尔托波列夫斯卡雅说：“激发感染孩子们掌握音乐语言的愿望，这是教师最初任务中的最重要的任务。”一位好的钢琴老师，除了要有诸多方面的知识，还要把握好幼儿教学的特殊性，把引导孩子喜欢音乐、喜欢钢琴、激发他们的学习热情作为教学的首要任务。每个孩子的先天素质不同，有的孩子很小就显露出音乐才能，而多数孩子需要家长和老师的引导和培养。尤其是教师在上课时，不仅要教孩子弹奏钢琴的技巧，还要善于和他们沟通，只有热爱孩子才能教好孩子。对多数孩子来说，在见教师之前，总是把教师想成一副严肃而令人害怕的样子，这对孩子的学琴动机是不利的。有些家长认为自己的孩子调皮，因此希望教师在上课时对孩子严厉些。但事实上，再调皮的孩子在上课时也会表现得很老实，虽然不排除教师的威严有让孩子精力集中的作用，但教师更应该让孩子喜欢自己。比如，上课时的语调对孩子的影响就很大。当孩子出错时，教师不应该责备，应该耐心地讲解，找出错误的原因并找到解决的方法。教师应该使孩子产生一种愿意和这个老师学习的愿望，进而使孩子愿意学琴。 二、运用恰当的比喻和游戏，培养孩子的学习兴趣 那种认为初学阶段简单、谁都能教、怎么教都行的想法是不正确的。教师应针对孩子的特点，设计好每节课要达到的目的，一定要用生动的语言去启发他们，使孩子对钢琴课感兴趣。在初学钢琴的幼儿中，大多是不识字的小朋友，为了让孩子能记住老师的要求或理解乐曲的内容，教师可以用形象的比喻来说明教学要求。比如，教初学的孩子学手型时，可以把手比作美观的石拱桥。二指、三指、四指、五指各为一道“拱梁”，都要自然弯曲，呈“拱”型。大拇指是“一条船”，要能从桥下开过来、开过去。如果掌关节塌下去，“船”就不能通过；如果小指倾斜了，“桥”就造歪了，“船”就开不过去。通过这个比喻，学生就能做到关于手型的基本要求了。所以在教学中，恰当的比喻不仅能生动地说明问题，而且能激发幼儿的学习兴趣，并留下深刻的印象。 尤其给年龄小的孩子上课，一定要设法创造一种愉快的课堂气氛，让他们在玩中学习，在不知不觉中感受音乐的熏陶。比如，教初级的孩子断奏，有的孩子一教就会，有的孩子弹的声音却很硬，找不到手臂的自然重量，这时可以先和他一起做大象甩鼻子的游戏，站到地上弯腰90度，手臂放松垂直，手臂像大象的鼻子一样甩来甩去。然后再站直了甩手臂，接着再教两只手臂画圈，并告诉他这游戏叫荷兰大风车。不久，孩子就完全明白了什么是手臂重量。这时再教他把手臂重量完全放松，掉在大腿上，掉在钢琴上，这样学起来，孩子会觉得又好玩又容易。又比如，教孩子一只手弹歌唱的连奏，另一只手却要弹富有弹性的跳音时，可以先教他玩锤子和抹布的游戏。在这个游戏里锤子代表跳音，用左手捶左腿，抹布代表连音，用右手摸右腿。随着动作的熟练动作加快、难度提高，双手的动作能转换准确，以后在弹琴中遇到这种情况就不成问题了。另外教师的演奏示范也很关键，听了教师优美动听的示范，孩子们会更想练琴。偶尔也可以让他们用钢琴模仿大象走路、模仿小鸟的叫声……总之，教师要使每堂课都生动有趣、有说有笑、有弹有唱，让孩子们高高兴兴地去上每节课。 三、合理选用教材，调动孩子的学习兴趣 教材选用是否恰当，将对孩子的学习兴趣产生很大影响。钢琴教材的选用要在循序渐进原则的基础上，注意音乐内容的多样性和生动性，要符合孩子们的心理特征。如果总是选用练习曲和技巧偏难的乐曲，将使孩子很快失去学习兴趣。如选用较为系统全面且带有插图和标题的成套教材入门，使孩子既在短时期内学习多种内容，又始终在一种愉快活泼的想象中学习；多选一些世界名曲，注重培养孩子的音乐欣赏能力；教师也可以给孩子们讲讲作曲家的故事和作品内容，这样既能提高弹奏兴趣又能加深对乐曲的理解；还可选择一些孩子们喜爱的歌曲并教他们配弹简单的伴奏，既调动了学习兴趣又锻炼了即兴伴奏的能力。超级秘书网 四、多参加音乐活动，提高孩子的音乐欣赏水平 教师要创造条件，经常让孩子们练习齐奏、重奏等，还要搞孩子们自己的音乐会或比赛，来激发他们的学习兴趣和热情。教师还应让家长多给孩子听音乐，多看各种音乐演出。随着钢琴水平的不断提高，不少家长对孩子练琴抓得很紧，只要一有时间就让孩子坐在琴边用功。这种分秒必争的精神是好的，然而对音乐欣赏这部分也是不能忽略的。有些家长认为孩子听音乐会是浪费时间，又听不懂，还不如在家练琴，这是极其错误的。音乐语言和文学语言一样，大家都懂得，学习文学不单纯是识字、造句，还要通过阅读、欣赏等各种渠道来提高文学水平。如果孩子没读过好文章，自然就缺乏鉴赏能力，也不会写出好文章，音乐欣赏的重要性就不言而喻了。钢琴文献是极其丰富的，一个人一生所要学习的作品是有限的，欣赏却是弥补这一缺陷的重要手段。还有些孩子很有音乐才能，但弹出来的东西却是乏味的，即使老师再三启发强调也无济于事。原因何在呢？很大程度上是孩子听得太少，见得太少。对音乐的理解也太少，缺乏对音乐的认识和理解，更谈不上对音乐的鉴赏能力，自然也就弹不出好的音乐来。怎样解决?就是要加强孩子们的音乐欣赏，多听音乐会、多听好的演奏。没有条件的可以多听录音。另外，如果我们有指导地去引导孩子欣赏音乐会，那么，听一场音乐会比闷头练几个小时的琴收获大得多。有条件的话要让孩子经常接触与音乐相关的艺术，拓宽孩子的视野，提高他们的审美能力。让他们在生活中很自然地受到音乐的熏陶，感受音乐的魅力，从而更积极主动地学习钢琴和音乐艺术。 铃木镇一博士曾说：“有三分钟的热情都值得去练琴。”对于初学钢琴的幼儿，如果每天能有十次三分钟那就更好。教师和家长一定要尽最大努力鼓励孩子热爱钢琴，使孩子每天都保持练琴的兴趣，因为“兴趣是一种魔力，他可以创造人间奇迹”。 钢琴学习论文:浅谈幼儿学习钢琴的兴趣论文 摘要：幼儿时期的年龄特征就是对任何事物都具有强烈的好奇心与求知欲，而现实当中很多孩子学习钢琴都是在父母强迫的情况下学习的。文章结合奥苏贝尔的学习动机论,对如何利用这种好奇心与求知欲来激发、保持幼儿学习钢琴的兴趣作一些浅显的探讨。 关键词：认知内驱力自我——增强驱力附属内驱力钢琴教育 音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、提高美感促进其心理品质的发展，而且有助于儿童思维的发展。然而现实中的钢琴教育，并不一定像我们所想象的那样。因此，如何激发幼儿学习钢琴的兴趣，成为每一个钢琴教育者最为关心的问题。论文百事通美国著名教育家奥苏贝尔认为：“动机与学习之间的关系是典型的相辅相成的关系，绝非一种单向性的关系。具体地说，动机是学习的先决条件。成就动机主要由三方面的驱力组成：认知内驱力，自我——增强驱力，附属内驱力。”这一思想对我们研究、指导钢琴教学，引导学生积极主动地学习钢琴有一定的借鉴意义。 一、认知内驱力在钢琴教学中的作用 所谓认知内驱力，就是指学生渴望认知、理解和掌握知识，以及陈述和解决问题的倾向。简言之，就是一种求知的需要，它主要发自学生好奇的倾向，以及探究、操作、理解和应付环境的心理倾向。学生的这些倾向或心理需要开始时只是潜在的，这种潜在的动机只有在不断取得成功时才能表现出来。 幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子。这个年龄阶段的特征体现为认知内驱力较强，对任何事物都充满了好奇与渴望，具有好学的态度。在钢琴教学中，教师可以充分利用幼儿对钢琴的好奇心来教授知识。儿童在接触、学习钢琴之前，可以先让他聆听一些优美的钢琴曲，当他观察到弹奏钢琴的美妙之处，产生强烈的弹奏欲望时，再让他接触、学习钢琴。 二、自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用 成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力。自我——增强内驱力反映了一个要求凭自己的才能和成就获得相应的社会地位的愿望。随着学生年龄的增长，这种需求日益加剧，这与社会文化的影响是密不可分的，这是一种外部动机。它与认知内驱力的不同在于，并不是直接指向学习任务本身，而是把成就看作赢得地位及自尊心的根源。 尽管这种内驱力具有随着年龄的增长而增长的特征，但并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力。在同孩子进行交流的过程中，孩子有时会问老师一些问题，如“我现在学习钢琴，等长大后我也可以像老师一样教学生吗？”或“长大后，我也能像郎朗（国际著名的钢琴家）那样弹得那么好吗？”这恰恰说明在孩子的心中也是具有这种自我——增强内驱力的。尽管这种内驱力会带有一定的功利性，但如果能够适当地加以利用，可以取得很好的学习效果。 三、附属内驱力在钢琴教学中的作用 附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可，而表现出来的把工作做好的一种需要。一般说来，这种附属内驱力在成就动机中的比重成分，是随着年龄的增长而逐渐减少的。但不是说随着年龄的增长，它的作用会越来越小。在教师与学生交流的过程中，教师一个关爱的眼神或一句鼓励的话都会给学生很大的影响。尤其对初学钢琴的幼儿来说，不论是音乐知识还是弹奏方法对他们来说都是较难理解的，因此在幼儿的学习过程中，教师和家长的态度要以鼓励或赞扬为主。但是，学生的情况千差万别，教师应掌握批评与表扬的分寸。上钢琴课时，如果学生弹奏得质量不够好，但听得出是努力练习过的，这种情况下，就不要轻易地批评，最好先予以肯定，之后再指出缺点，并帮助学生改正。如果学生弹奏的质量还不错，但没用功，只是依赖个人音乐素质，这种情况就不能盲目表扬，而应当指出其缺点，加以改正。 四、有效引导学生积极主动地学习钢琴 1.教师的教育观念 一个学习钢琴的孩子，他将来有可能在艺术的道路上发展下去，成为一名钢琴家，也可能成为一名数学家，但不管怎样都不能偏离钢琴教育修身养性、陶冶情操的目的。教师的教育观念首先要认真地尽心尽力地去教育孩子；其次，不能把钢琴教育当作无休止的对技能、技巧的学习。当然技术是要为演奏准备的，但最终目的还是要去弹奏曲子。要让孩子多接触优秀的乐曲，真正让他们体会到弹琴的乐趣，而不要给他们一种弹钢琴就是“痛苦的练习技巧”这样的认识。 “人是情感的动物”，情感是我们与生俱来的。心理学研究也表明：情感是影响教学质量的一个重要因素。积极丰富的情感能促进认识过程，使学生个性品质得到全面发展，对于学生的学习，尤其是钢琴的学习具有极其重要的作用。德国教育家第斯多惠说：“谁要是自己还没有发展培养自己的情感，他就不能发展和培养好别人的情感。”因此，教师应当真正去爱、去关心每一个学生的成长、学习，给学生以亲切感、信任感。因此，教师要用自己的人格魅力来吸引学生，在潜移默化中影响学生。 2.教学方法要灵活贴切 教师的教学方法不要枯燥、单一，要让学生在娱乐中学习，在学习中娱乐。例如，儿童具有爱玩的天性，我们要尊重儿童这种爱玩的天性。在上课的过程中可适当地与他们做些游戏，但做游戏也不是漫无目的。我们可以在钢琴上弹出不同的音，然后让孩子来猜出音高的音名，目的是锻炼孩子听音的准确性，让他们记住音高，或者，在琴键的上方用张纸挡住孩子的视线不让他看到琴键，然后让他在钢琴上找出do、re、mi的位置，目的是让他们能够熟悉钢琴键盘及每个音的位置，为以后视奏打基础等等。这些方法能给孩子们带来新鲜感，让他们在快乐中学习。此外，还可以找一些简易的钢琴四手联弹曲目，让孩子增加对钢琴的了解，体会与人合作的乐趣。 钢琴学习论文:奥苏贝尔学习动机论引导幼儿钢琴学习论文 编者按：本文主要从认知内驱力在钢琴教学中的作用；自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用；附属内驱力在钢琴教学中的作用；有效引导学生积极主动地学习钢琴进行论述。其中，主要包括：音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、如何激发幼儿学习钢琴的兴趣，成为每一个钢琴教育者最为关心的问题、幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子、成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力、并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力、附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可、教师的教育观念、情感是我们与生俱来的、教学方法要灵活贴切、教师的教学方法不要枯燥、单一，要让学生在娱乐中学习，在学习中娱乐等，具体请详见。 摘要：幼儿时期的年龄特征就是对任何事物都具有强烈的好奇心与求知欲，而现实当中很多孩子学习钢琴都是在父母强迫的情况下学习的。文章结合奥苏贝尔的学习动机论,对如何利用这种好奇心与求知欲来激发、保持幼儿学习钢琴的兴趣作一些浅显的探讨。 关键词：认知内驱力自我——增强驱力附属内驱力钢琴教育 音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、提高美感促进其心理品质的发展，而且有助于儿童思维的发展。然而现实中的钢琴教育，并不一定像我们所想象的那样。因此，如何激发幼儿学习钢琴的兴趣，成为每一个钢琴教育者最为关心的问题。美国著名教育家奥苏贝尔认为：“动机与学习之间的关系是典型的相辅相成的关系，绝非一种单向性的关系。具体地说，动机是学习的先决条件。成就动机主要由三方面的驱力组成：认知内驱力，自我——增强驱力，附属内驱力。”这一思想对我们研究、指导钢琴教学，引导学生积极主动地学习钢琴有一定的借鉴意义。 一、认知内驱力在钢琴教学中的作用 所谓认知内驱力，就是指学生渴望认知、理解和掌握知识，以及陈述和解决问题的倾向。简言之，就是一种求知的需要，它主要发自学生好奇的倾向，以及探究、操作、理解和应付环境的心理倾向。学生的这些倾向或心理需要开始时只是潜在的，这种潜在的动机只有在不断取得成功时才能表现出来。 幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子。这个年龄阶段的特征体现为认知内驱力较强，对任何事物都充满了好奇与渴望，具有好学的态度。在钢琴教学中，教师可以充分利用幼儿对钢琴的好奇心来教授知识。儿童在接触、学习钢琴之前，可以先让他聆听一些优美的钢琴曲，当他观察到弹奏钢琴的美妙之处，产生强烈的弹奏欲望时，再让他接触、学习钢琴。 二、自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用 成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力。自我——增强内驱力反映了一个要求凭自己的才能和成就获得相应的社会地位的愿望。随着学生年龄的增长，这种需求日益加剧，这与社会文化的影响是密不可分的，这是一种外部动机。它与认知内驱力的不同在于，并不是直接指向学习任务本身，而是把成就看作赢得地位及自尊心的根源。 尽管这种内驱力具有随着年龄的增长而增长的特征，但并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力。在同孩子进行交流的过程中，孩子有时会问老师一些问题，如“我现在学习钢琴，等长大后我也可以像老师一样教学生吗？”或“长大后，我也能像郎朗（国际著名的钢琴家）那样弹得那么好吗？”这恰恰说明在孩子的心中也是具有这种自我——增强内驱力的。尽管这种内驱力会带有一定的功利性，但如果能够适当地加以利用，可以取得很好的学习效果。 三、附属内驱力在钢琴教学中的作用 附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可，而表现出来的把工作做好的一种需要。一般说来，这种附属内驱力在成就动机中的比重成分，是随着年龄的增长而逐渐减少的。但不是说随着年龄的增长，它的作用会越来越小。 在教师与学生交流的过程中，教师一个关爱的眼神或一句鼓励的话都会给学生很大的影响。尤其对初学钢琴的幼儿来说，不论是音乐知识还是弹奏方法对他们来说都是较难理解的，因此在幼儿的学习过程中，教师和家长的态度要以鼓励或赞扬为主。但是，学生的情况千差万别，教师应掌握批评与表扬的分寸。上钢琴课时，如果学生弹奏得质量不够好，但听得出是努力练习过的，这种情况下，就不要轻易地批评，最好先予以肯定，之后再指出缺点，并帮助学生改正。如果学生弹奏的质量还不错，但没用功，只是依赖个人音乐素质，这种情况就不能盲目表扬，而应当指出其缺点，加以改正。 四、有效引导学生积极主动地学习钢琴 1.教师的教育观念 一个学习钢琴的孩子，他将来有可能在艺术的道路上发展下去，成为一名钢琴家，也可能成为一名数学家，但不管怎样都不能偏离钢琴教育修身养性、陶冶情操的目的。教师的教育观念首先要认真地尽心尽力地去教育孩子；其次，不能把钢琴教育当作无休止的对技能、技巧的学习。当然技术是要为演奏准备的，但最终目的还是要去弹奏曲子。要让孩子多接触优秀的乐曲，真正让他们体会到弹琴的乐趣，而不要给他们一种弹钢琴就是“痛苦的练习技巧”这样的认识。 “人是情感的动物”，情感是我们与生俱来的。心理学研究也表明：情感是影响教学质量的一个重要因素。积极丰富的情感能促进认识过程，使学生个性品质得到全面发展，对于学生的学习，尤其是钢琴的学习具有极其重要的作用。德国教育家第斯多惠说：“谁要是自己还没有发展培养自己的情感，他就不能发展和培养好别人的情感。”因此，教师应当真正去爱、去关心每一个学生的成长、学习，给学生以亲切感、信任感。因此，教师要用自己的人格魅力来吸引学生，在潜移默化中影响学生。 2.教学方法要灵活贴切 教师的教学方法不要枯燥、单一，要让学生在娱乐中学习，在学习中娱乐。例如，儿童具有爱玩的天性，我们要尊重儿童这种爱玩的天性。在上课的过程中可适当地与他们做些游戏，但做游戏也不是漫无目的。我们可以在钢琴上弹出不同的音，然后让孩子来猜出音高的音名，目的是锻炼孩子听音的准确性，让他们记住音高，或者，在琴键的上方用张纸挡住孩子的视线不让他看到琴键，然后让他在钢琴上找出do、re、mi的位置，目的是让他们能够熟悉钢琴键盘及每个音的位置，为以后视奏打基础等等。这些方法能给孩子们带来新鲜感，让他们在快乐中学习。此外，还可以找一些简易的钢琴四手联弹曲目，让孩子增加对钢琴的了解，体会与人合作的乐趣。 钢琴学习论文:成年人学习钢琴研究论文 一、走神 在生活中做事情容易走神的成年人，弹琴时也容易走神，因为走神已经成了习惯。在上钢琴课时，笔者经常发现他们走神，手在弹，心却在想别的事情，而且是不知不觉的。上课时尚且要时刻提醒他们集中精神，何况平时他们自己练习的时候，往往五分钟、十分钟可以练好的东西，他们要花上一个小时甚至更多时间，这样练琴的效率就比较低。本来就少得可怜的练习时间怎么经得起这么浪费。走神的习惯会妨碍视谱、读谱、背谱以及手指训练、声音训练等，甚至上台的演奏也会因为走神而无法完整，从而错漏百出。 所以，我们就要培养“集中精神的习惯”，取代“走神的习惯”。集中精神的习惯虽然很重要，但并不难养成，可以在日常生活中进行培养。一方面是平时做事情的时候多提醒自己，并且专心地去做每一件事情；另一方面可以有意识地进行训练，积少成多的道理成年人是明白的。同样的道理，集中精神可以从短时间的集中到长时间的集中，开始训练时可根据个人的情况来定时，一般五分钟是没有问题的，慢慢地加到十分钟，十五分钟……在增加这个时间的同时，习惯慢慢养成，看书、写字、读谱都可以用来做训练。集中精神能够提高练琴的效率，为学琴带来许多好处，也是培养其他好习惯的先决条件。 二、坐姿 弹琴时，对坐姿是有一定要求的。日常生活中再怎么随意、懒散地坐着，也无须受到指责。“翘着二郎腿”“双脚交叉”或“弯腰驼背”等坐姿都是常见的。很多人都习惯这些坐姿，习惯如自然，弹琴时也是这些坐姿，然而诸类坐姿都是弹琴时的大忌。许多书上都曾告诉我们正确的弹奏坐姿是怎样的，作为成年人自然也能分辨对错，怎奈平时已养成习惯，自然成为学琴时的问题之一。 “翘着二郎腿”以及“双脚交叉”这两种习惯在弹奏时其实并不怎么舒服，只要每次坐到琴边先提醒自己把脚放好，假以时日便可养成“弹奏时腿脚不翘不交叉的习惯”。最普遍的坐姿要算“弯腰驼背”了，在台上这样坐也是常见的，这个习惯比前两种难改，因为它不只是平时坐姿的习惯，还有乐器条件的影响，立式钢琴谱台较低，看谱要低着头，眼睛无法平视，老低头看脖子累，尤其是视谱阶段，那就干脆弯弯腰。前辈们说弹奏时要直腰挺胸，医生告诉我们弯腰驼背会对脊椎和肺部造成伤害。教学实践告诉我们，直腰挺胸的坐姿一旦养成习惯就比弯腰驼背要舒服，所以一定要下决心养成弹奏时直腰挺胸的习惯。方法：1.在日常生活中要做到直腰挺胸。2.光线要充足（减少眼睛看谱时的负担）。3.练琴时多提醒自己。4.劳逸结合，注意脖子的活动和休息，这些都是行之有效的方法。另外当然还要有毅力，持之以恒，每次坐到琴边就强迫自己按照弹琴的标准坐姿坐好。在很短的时间内，直腰挺胸的好习惯便可养成。 三、手指触觉 手指虽然时常与物件接触，但需要它仔细地去感受这些物件的时候不多，所以手指指尖、指腹就养成了反应迟钝的习惯。然而弹钢琴时对手指触觉的灵敏度要求是很高的，琴键是否到底、重量是否集中等都与它息息相关。一部分人手指的触觉是很敏感的，但大部分人手指触觉是迟钝的。笔者曾经做过试验，把一个湿的杯子递给学生拿着，然后拿回来，问：“什么感觉？”学生回答：“你把杯子给我，然后又拿回去了。”重复一次，回答依然如此。然后笔者又说：“你不觉得杯子是湿的吗？”“哦！你不说我还真没注意！”笔者认为这就是触觉迟钝的表现，然而人天性中手指的感觉应该是很灵敏的。 在练琴的同时，训练手指的触觉对于成人来说是比较难的，除了每天用于练琴的时间很有限之外，练琴时认谱、数拍、手型、放松等要求已经让他们透不过气、顾不过来了，所以笔者也把这个训练放在生活中进行，随时可以练习，在其他工作进行时也可以练习。训练方法也是十分简单的，只要平时多用心去触摸东西，或者任何东西到手上都用手指尖、指腹仔细地感受这些东西的质地。并不是要求他们真能做到像盲人一样能摸出字来，不需要说出触摸的具体感受，只要去注意，去感觉就可以，目的是让手指尖敏感起来，直至养成习惯，就是手指什么时候触摸到东西，都会马上有知觉。以后练琴时注意指尖，指尖集中这一环节就很容易做到了。 四、僵硬 一个人立正的时候，开始都能做到放松，立正并保持姿势一段时间，而后有人提醒：放松点，此时就会发现身体在不知不觉中僵硬了。又比如写字，很多人的右手三指指关节左侧都有个(转第75页）(接第86页）突起的小包——茧，这就是写字时没有注意放松，笔抓得太紧，手指僵硬，长年累月，茧就长起来了。类似的事例在生活中比比皆是，不胜枚举。人的一举一动或是静止不动都有可能使身体局部或全部出现僵硬，如果你仔细些，就会发现自己身体的各部分在一天的大部分时间里都会僵硬，只是僵硬的程度不一样而已。如此频繁地出现僵硬，为什么不被发现呢？因为我们的身体已经习惯了。只有僵到一定的程度，身体出现不适或是阻碍了某事情继续进行的时候，我们才去理会，让自己放松。 僵硬的习惯对于成年人来说要比儿童更加根深蒂固。一个五六岁的小孩子开始学琴的时候即便有僵硬的习惯，也不过是五六年，但一个成年人学琴，僵硬的这种习惯已经是养了十几年了，改之不易。如果留意自己一天当中的身体状况，不难发现，僵硬几乎存在你生活中的任何时候，因此它也会随时出现在你弹琴的时候，主要是身体（包括腰、手臂、肩膀、手腕、手掌）在不知不觉中僵硬，演奏中出现手臂酸疼、手腕刺痛、大拇指扣紧、手指跑不动等等，对学琴造成的障碍就不言而喻了。既然僵硬是一种习惯，那么与之相对立的放松同样也可以养成习惯。笔者认为，有必要在学琴之前花点时间来培养放松的习惯，如果能花一个月或更长的时间有意的培养放松的习惯，那么开始学琴的时候就会发现，手臂、肩膀很容易就放松了，至少对放松有了较强的意识和控制力，稍微提醒一下就可以做到。成年人一旦养成了放松的习惯，学琴时就能去掉一个大障碍了。 培养的方法：留意生活中任何时候自己的身体状况（特别是当手里拿着东西的时候），如发现身体任何部分僵硬，就要有意的让它放松，尤其是肩膀、手臂、手腕，让脑子对身体的僵硬敏感起来并对其作出放松的指令，最后形成条件反射。一有僵硬就自然的会放松，慢慢的把放松养成习惯。笔者不主张成年人初学钢琴的时候在琴上一边学弹，一边学放松。一是这样的放松学得慢；二是在要注意手型、留意乐谱的情况下，放松很难做得好。 总之，习惯对于成人学钢琴是很重要的，有利于弹奏的习惯在学琴之初或之前就应该开始培养，各种习惯的养新替旧都会有一定的难度。一方面新习惯的培养会因旧的习惯存在而受到干扰，产生一定的困难，但是成年人依靠自身的毅力和自控能力，加上一些正确的方法，还是可以做得到的。另一方面，成人能用于练琴的时间不多，因为他们还有其他工作要做，在音乐院校里学习的成人，他们要学习许多的文化课，应付各种考试，练琴的时间也是很有限的，但要培养的习惯很多，光靠练琴时那微不足道的一点时间是绝对不够用的。并非所有的习惯培养都要有钢琴才能进行，既然妨碍学琴的习惯是在生活中养成的，那么有利于学琴的习惯也可以在生活中去培养。既然练琴的时间不够用，那么我们可以利用在日常生活中做其他事情的时间、工作的时间，或是休息的时间，训练一些与钢琴演奏相关的感觉和动作，把它们养成习惯。培养各种有利于钢琴演奏的习惯，不但可以提高练琴的效率，更彻底地解决学琴时出现的问题，还可以在生活中起到积极的作用。 内容摘要：成年人学习钢琴所出现的大部分问题是由生活中的一些习惯造成的，应该在生活中培养好的习惯，使学习钢琴出现的问题得到有效的解决。 关键词：习惯集中精神坐姿 钢琴学习论文:幼儿钢琴学习兴趣研究论文 内容摘要：初学钢琴的幼儿，大部分还不能自觉主动地练琴，如果用强制手段使他们练琴，只能适得其反，甚至扼杀了他们学琴学音乐的兴趣。只有循循善诱、耐心启发，让他们在快乐中学习、在游戏中领悟音乐，逐步培养他们学习钢琴的兴趣和热情。 关键词：兴趣比喻游戏教材音乐欣赏 幼儿学钢琴是一件很困难的事，因为学钢琴既要用脑又要用手，既要学艺术又要学技术。所以对幼儿来说，首先要培养他们学钢琴的兴趣。因为兴趣是最好的老师，如果孩子对什么感兴趣，他就会学得很快；如果不感兴趣，怎么教也收效甚微。那么，如何培养幼儿学习钢琴的兴趣呢？ 一、把握幼儿教学特点，以激发兴趣为首要任务 前苏联教育家阿尔托波列夫斯卡雅说：“激发感染孩子们掌握音乐语言的愿望，这是教师最初任务中的最重要的任务。”一位好的钢琴老师，除了要有诸多方面的知识，还要把握好幼儿教学的特殊性，把引导孩子喜欢音乐、喜欢钢琴、激发他们的学习热情作为教学的首要任务。每个孩子的先天素质不同，有的孩子很小就显露出音乐才能，而多数孩子需要家长和老师的引导和培养。尤其是教师在上课时，不仅要教孩子弹奏钢琴的技巧，还要善于和他们沟通，只有热爱孩子才能教好孩子。对多数孩子来说，在见教师之前，总是把教师想成一副严肃而令人害怕的样子，这对孩子的学琴动机是不利的。有些家长认为自己的孩子调皮，因此希望教师在上课时对孩子严厉些。但事实上，再调皮的孩子在上课时也会表现得很老实，虽然不排除教师的威严有让孩子精力集中的作用，但教师更应该让孩子喜欢自己。比如，上课时的语调对孩子的影响就很大。当孩子出错时，教师不应该责备，应该耐心地讲解，找出错误的原因并找到解决的方法。教师应该使孩子产生一种愿意和这个老师学习的愿望，进而使孩子愿意学琴。 二、运用恰当的比喻和游戏，培养孩子的学习兴趣 那种认为初学阶段简单、谁都能教、怎么教都行的想法是不正确的。教师应针对孩子的特点，设计好每节课要达到的目的，一定要用生动的语言去启发他们，使孩子对钢琴课感兴趣。在初学钢琴的幼儿中，大多是不识字的小朋友，为了让孩子能记住老师的要求或理解乐曲的内容，教师可以用形象的比喻来说明教学要求。比如，教初学的孩子学手型时，可以把手比作美观的石拱桥。二指、三指、四指、五指各为一道“拱梁”，都要自然弯曲，呈“拱”型。大拇指是“一条船”，要能从桥下开过来、开过去。如果掌关节塌下去，“船”就不能通过；如果小指倾斜了，“桥”就造歪了，“船”就开不过去。通过这个比喻，学生就能做到关于手型的基本要求了。所以在教学中，恰当的比喻不仅能生动地说明问题，而且能激发幼儿的学习兴趣，并留下深刻的印象。 尤其给年龄小的孩子上课，一定要设法创造一种愉快的课堂气氛，让他们在玩中学习，在不知不觉中感受音乐的熏陶。比如，教初级的孩子断奏，有的孩子一教就会，有的孩子弹的声音却很硬，找不到手臂的自然重量，这时可以先和他一起做大象甩鼻子的游戏，站到地上弯腰90度，手臂放松垂直，手臂像大象的鼻子一样甩来甩去。然后再站直了甩手臂，接着再教两只手臂画圈，并告诉他这游戏叫荷兰大风车。不久，孩子就完全明白了什么是手臂重量。这时再教他把手臂重量完全放松，掉在大腿上，掉在钢琴上，这样学起来，孩子会觉得又好玩又容易。又比如，教孩子一只手弹歌唱的连奏，另一只手却要弹富有弹性的跳音时，可以先教他玩锤子和抹布的游戏。在这个游戏里锤子代表跳音，用左手捶左腿，抹布代表连音，用右手摸右腿。随着动作的熟练动作加快、难度提高，双手的动作能转换准确，以后在弹琴中遇到这种情况就不成问题了。另外教师的演奏示范也很关键，听了教师优美动听的示范，孩子们会更想练琴。偶尔也可以让他们用钢琴模仿大象走路、模仿小鸟的叫声……总之，教师要使每堂课都生动有趣、有说有笑、有弹有唱，让孩子们高高兴兴地去上每节课。 三、合理选用教材，调动孩子的学习兴趣 教材选用是否恰当，将对孩子的学习兴趣产生很大影响。钢琴教材的选用要在循序渐进原则的基础上，注意音乐内容的多样性和生动性，要符合孩子们的心理特征。如果总是选用练习曲和技巧偏难的乐曲，将使孩子很快失去学习兴趣。如选用较为系统全面且带有插图和标题的成套教材入门，使孩子既在短时期内学习多种内容，又始终在一种愉快活泼的想象中学习；多选一些世界名曲，注重培养孩子的音乐欣赏能力；教师也可以给孩子们讲讲作曲家的故事和作品内容，这样既能提高弹奏兴趣又能加深对乐曲的理解；还可选择一些孩子们喜爱的歌曲并教他们配弹简单的伴奏，既调动了学习兴趣又锻炼了即兴伴奏的能力。 四、多参加音乐活动，提高孩子的音乐欣赏水平 教师要创造条件，经常让孩子们练习齐奏、重奏等，还要搞孩子们自己的音乐会或比赛，来激发他们的学习兴趣和热情。教师还应让家长多给孩子听音乐，多看各种音乐演出。随着钢琴水平的不断提高，不少家长对孩子练琴抓得很紧，只要一有时间就让孩子坐在琴边用功。这种分秒必争的精神是好的，然而对音乐欣赏这部分也是不能忽略的。有些家长认为孩子听音乐会是浪费时间，又听不懂，还不如在家练琴，这是极其错误的。音乐语言和文学语言一样，大家都懂得，学习文学不单纯是识字、造句，还要通过阅读、欣赏等各种渠道来提高文学水平。如果孩子没读过好文章，自然就缺乏鉴赏能力，也不会写出好文章，音乐欣赏的重要性就不言而喻了。钢琴文献是极其丰富的，一个人一生所要学习的作品是有限的，欣赏却是弥补这一缺陷的重要手段。还有些孩子很有音乐才能，但弹出来的东西却是乏味的，即使老师再三启发强调也无济于事。原因何在呢？很大程度上是孩子听得太少，见得太少。对音乐的理解也太少，缺乏对音乐的认识和理解，更谈不上对音乐的鉴赏能力，自然也就弹不出好的音乐来。怎样解决?就是要加强孩子们的音乐欣赏，多听音乐会、多听好的演奏。没有条件的可以多听录音。另外，如果我们有指导地去引导孩子欣赏音乐会，那么，听一场音乐会比闷头练几个小时的琴收获大得多。有条件的话要让孩子经常接触与音乐相关的艺术，拓宽孩子的视野，提高他们的审美能力。让他们在生活中很自然地受到音乐的熏陶，感受音乐的魅力，从而更积极主动地学习钢琴和音乐艺术。 铃木镇一博士曾说：“有三分钟的热情都值得去练琴。”对于初学钢琴的幼儿，如果每天能有十次三分钟那就更好。教师和家长一定要尽最大努力鼓励孩子热爱钢琴，使孩子每天都保持练琴的兴趣，因为“兴趣是一种魔力，他可以创造人间奇迹”。 钢琴学习论文:幼儿钢琴学习兴趣研究论文 音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、提高美感促进其心理品质的发展，而且有助于儿童思维的发展。然而现实中的钢琴教育，并不一定像我们所想象的那样。因此，如何激发幼儿学习钢琴的兴趣，成为每一个钢琴教育者最为关心的问题。美国著名教育家奥苏贝尔认为：“动机与学习之间的关系是典型的相辅相成的关系，绝非一种单向性的关系。具体地说，动机是学习的先决条件。成就动机主要由三方面的驱力组成：认知内驱力，自我——增强驱力，附属内驱力。”这一思想对我们研究、指导钢琴教学，引导学生积极主动地学习钢琴有一定的借鉴意义。 一、认知内驱力在钢琴教学中的作用 所谓认知内驱力，就是指学生渴望认知、理解和掌握知识，以及陈述和解决问题的倾向。简言之，就是一种求知的需要，它主要发自学生好奇的倾向，以及探究、操作、理解和应付环境的心理倾向。学生的这些倾向或心理需要开始时只是潜在的，这种潜在的动机只有在不断取得成功时才能表现出来。 幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子。这个年龄阶段的特征体现为认知内驱力较强，对任何事物都充满了好奇与渴望，具有好学的态度。在钢琴教学中，教师可以充分利用幼儿对钢琴的好奇心来教授知识。儿童在接触、学习钢琴之前，可以先让他聆听一些优美的钢琴曲，当他观察到弹奏钢琴的美妙之处，产生强烈的弹奏欲望时，再让他接触、学习钢琴。 二、自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用 成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力。自我——增强内驱力反映了一个要求凭自己的才能和成就获得相应的社会地位的愿望。随着学生年龄的增长，这种需求日益加剧，这与社会文化的影响是密不可分的，这是一种外部动机。它与认知内驱力的不同在于，并不是直接指向学习任务本身，而是把成就看作赢得地位及自尊心的根源。 尽管这种内驱力具有随着年龄的增长而增长的特征，但并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力。在同孩子进行交流的过程中，孩子有时会问老师一些问题，如“我现在学习钢琴，等长大后我也可以像老师一样教学生吗？”或“长大后，我也能像郎朗（国际著名的钢琴家）那样弹得那么好吗？”这恰恰说明在孩子的心中也是具有这种自我——增强内驱力的。尽管这种内驱力会带有一定的功利性，但如果能够适当地加以利用，可以取得很好的学习效果。 三、附属内驱力在钢琴教学中的作用 附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可，而表现出来的把工作做好的一种需要。一般说来，这种附属内驱力在成就动机中的比重成分，是随着年龄的增长而逐渐减少的。但不是说随着年龄的增长，它的作用会越来越小。在教师与学生交流的过程中，教师一个关爱的眼神或一句鼓励的话都会给学生很大的影响。尤其对初学钢琴的幼儿来说，不论是音乐知识还是弹奏方法对他们来说都是较难理解的，因此在幼儿的学习过程中，教师和家长的态度要以鼓励或赞扬为主。但是，学生的情况千差万别，教师应掌握批评与表扬的分寸。上钢琴课时，如果学生弹奏得质量不够好，但听得出是努力练习过的，这种情况下，就不要轻易地批评，最好先予以肯定，之后再指出缺点，并帮助学生改正。如果学生弹奏的质量还不错，但没用功，只是依赖个人音乐素质，这种情况就不能盲目表扬，而应当指出其缺点，加以改正。 四、有效引导学生积极主动地学习钢琴 1.教师的教育观念 一个学习钢琴的孩子，他将来有可能在艺术的道路上发展下去，成为一名钢琴家，也可能成为一名数学家，但不管怎样都不能偏离钢琴教育修身养性、陶冶情操的目的。教师的教育观念首先要认真地尽心尽力地去教育孩子；其次，不能把钢琴教育当作无休止的对技能、技巧的学习。当然技术是要为演奏准备的，但最终目的还是要去弹奏曲子。要让孩子多接触优秀的乐曲，真正让他们体会到弹琴的乐趣，而不要给他们一种弹钢琴就是“痛苦的练习技巧”这样的认识。 “人是情感的动物”，情感是我们与生俱来的。心理学研究也表明：情感是影响教学质量的一个重要因素。积极丰富的情感能促进认识过程，使学生个性品质得到全面发展，对于学生的学习，尤其是钢琴的学习具有极其重要的作用。德国教育家第斯多惠说：“谁要是自己还没有发展培养自己的情感，他就不能发展和培养好别人的情感。”因此，教师应当真正去爱、去关心每一个学生的成长、学习，给学生以亲切感、信任感。因此，教师要用自己的人格魅力来吸引学生，在潜移默化中影响学生。 2.教学方法要灵活贴切 教师的教学方法不要枯燥、单一，要让学生在娱乐中学习，在学习中娱乐。例如，儿童具有爱玩的天性，我们要尊重儿童这种爱玩的天性。在上课的过程中可适当地与他们做些游戏，但做游戏也不是漫无目的。我们可以在钢琴上弹出不同的音，然后让孩子来猜出音高的音名，目的是锻炼孩子听音的准确性，让他们记住音高，或者，在琴键的上方用张纸挡住孩子的视线不让他看到琴键，然后让他在钢琴上找出do、re、mi的位置，目的是让他们能够熟悉钢琴键盘及每个音的位置，为以后视奏打基础等等。这些方法能给孩子们带来新鲜感，让他们在快乐中学习。此外，还可以找一些简易的钢琴四手联弹曲目，让孩子增加对钢琴的了解，体会与人合作的乐趣。 钢琴学习论文:幼儿钢琴游戏学习法研究论文 有些钢琴教师不愿接收五、六岁的孩子学钢琴。因为，这一年龄段的孩子不易集中注意力，所以进步不大，然而，年龄稍大的孩子又有许多其它活动，因而也难有许多的时间全身心地投入到音乐学习中去。而当笔者的两个孩子一个六岁，一个七岁时，我就把他们带到练琴室，想拜一位很有天赋、受人爱戴的钢琴老师为师。他酷爱音乐而且是一位出色的钢琴教师，可他扫了一眼孩子，说出了一句令人惊讶的话，“请别给我带这么小的孩子来，不能小于十二岁。” 这就是受人爱戴和尊敬的大师的建议，他解释道，年幼儿童较难控制自己，所以不易进步，而且不会识谱就更行不通。但我依然想试试，就决定通过游戏与练习相结合的方式来试教自己的两个孩子。 我体会到，让学生一边弹一边指出这个键的音名，这样的游戏是很见效的。如，弹“爬上山”的音阶练习，就是让学生从最低的A音弹到最高的C音，并在教师的指导下，辨认每个白键的音级名称。起初，学生们无需考虑指法是否正确，可用任意一个手指来弹，但最终仍然必用传统的指法技巧弹奏方妥。 练习弹奏“滑下山”难度较大，因为学生要倒序说出这些音名。孩子们喜爱的另一个游戏是“降落伞”练习。让学生闭上双眼，手自然向下降落，落至某一白键上，并说出其唱名，再从键盘上找出与其相同唱名的键。当学生们练熟了，老师再给学生加码。有了进步后，便以资鼓励。如奖个红五星或粘贴画等。教孩子识别黑键时，要有进一步的要求，告诉他们弹上行键使用升号，下行使用降号。待他们能熟练地说出这些键后，再让他们说出两种音名。 对于初学儿童的教学内容应包括练习手型、指法并把每课所学的简短乐曲背熟为好。给学生介绍七个基本音级名称时，要让学生边弹边唱A、B、C、D和E，然后再反过来弹这些音符，弹到A音再顺弹。这样来回反复练习，边练边唱。用同样的方法练习C、D、E、F、G，学生们便开始听出大调和小调在键盘上的区别。边重复五声调式练习，边唱。歌词可随季节的变化而改写，但学生们首先当唱音名来进行练习，如此施教，收益更大。 学生们熟悉音名后，就可介绍一些有上、下行三度的音程和重复音的歌曲。这首曲子是可从C音开始到D或F音进行弹唱，使孩子们了解不同的键，给他们解释墨键帮助他们唱得更准确。鼓励学生课上、家中练习弹唱音名的同时也要练习弹唱歌词。 从一开始学琴，就让孩子们背谱，使他们有一种必须完成任务的感觉，这种教学方法对于他们学识谱以后也很有裨益。如果学生能在不同的音符上起奏旋律，预先又练习了平行音阶或进行了五指练习，背谱的学习方法就更有价值了。要尽早把指法练习，音阶和分解和弦介绍给学生，并注意观察手指在键盘上的位置，使一指和其余四指穿越自如。待他们能流畅地弹奏，再对手指、手腕和手臂进一步地严格要求，但对于每一正确指法和技能要及时给予鼓励表扬。 可采用各种方法来帮助孩子们识谱。比方，让学生边弹边说出音名，要求他们每首弹三遍并说出音名，然后大声数拍子，大声唱歌词。要把每个二分音符、附点音符及全音符弄清，仔细数够拍子。 为了帮助孩子们判断高音和低音音符，可让他们在课上、家中以尽可能快的速度将音符写在五线谱纸上。儿童喜爱用音名来做拼单词的游戏，并在不同的八度音中找出同样的音符。然而，要找出五个G音或五个F音，学生们就必须能判断出五个C音，而且还要知道他们之间的所有音符。教师可使用这样的指法练习册。但是，许多五线谱的间隔太密，孩子们不便写记音符，这个问题可由老师解决。画张放大间隔的五线谱，然后将其复印在音乐纸上即可。 开始读谱时，伴随着的歌词帮助眼睛从左向右移动，同时还增添了感情色彩。配有歌词的曲子强调这样一个事实，音乐与词意之间有着密切的联系。应鼓励学生自己填词配乐或改写新歌词。 钢琴学生往往阅读低音谱号不如阅读高音谱号那么流畅。如果是右撇子，左手比右手弹得更差些。为了解决这个问题，用左手在低音区练习弹奏，而且要加强从低音到高音读谱的能力。右手主旋律相对于左手易于弹奏些，左手主旋律也应同样如此。练习双手一起弹奏前，在低音区先进行右手弹奏练习，不但有助于读谱能力的提高，而且也增进手指力度。 初学者还应掌握好节奏。弹奏时，学习数拍子的好方法是二重奏，为了使学生专心数拍子，让学生用一只手弹并要求学生大声数拍子的同时老师弹奏其余的音符。 视谱弹奏，也是入门教程的一项内容。可边弹边数拍子。把这些练习补充到钢琴入门教材里，使孩子们更易接受，更能提高他们的视谱能力。 显而易见，第一年钢琴入门的学习是十分重要的。当学生们达到扎实的基础技能和对音乐理解能力，同时明确这一学习目的，以后学起来就容易多了，并且更易激发他们学习钢琴的兴趣。 钢琴学习论文:钢琴学习中听觉重要性论文 摘要：本文从外部听觉和内心听觉两方面入手，论述了在钢琴学习中，通过对音高、音值、音量、主调音乐、复调音乐和音质的倾听以及内心听觉的三个阶段来辨别、改进钢琴演奏的实际效果，从而说明听觉在钢琴学习的整个过程中所起的至关重要的作用。 关键词：外部听觉内心听觉主调 音乐是听觉的艺术。钢琴是通过手的触键而发声的，但以手触键只是机械性的动作，它不能直接感受音乐，那么，如何能弹出我们需要的音？全靠用听觉来鉴别，鉴别力越高，要求自己弹奏技术和表现音乐的能力就越高。可以说，耳朵的倾听是钢琴学习过程中至关重要的中介环节，它关系到演奏者对音乐的理解、布局、设计、演奏效果如何改进以及用力、指触与钢琴发出的实际音响之间如何协调等问题。因此，听觉的敏感对学好钢琴具有决定性意义。 音乐中的听觉分为外部听觉和内心听觉，这两个方面贯穿在钢琴学习的始终。 一、外部听觉验证是否弹奏了所“设计”的钢琴音乐 一首钢琴曲子，用音响的形式呈现出来的仅是谱面音响，我们用耳朵听到的是外部音响，这就是外部听觉。 在外部听觉中，耳朵的任务是辨别所听到的乐音与谱面是否完全吻合，并不断以听到的效果来帮助大脑对手指发出调整的指令。听觉在这个过程中要辨别五个方面的内容： 1.准确无误的音高，即音的高低。 2.纹丝不差的音值，即音的长短。 3.恰如其分的音量，即音的强弱。 这三个方面是组成音乐的最基本因素。 4.主调音乐，即以一条旋律为主要乐思，而其他部分通常作为和声因素处于服从、陪衬、协作的地位，一般情况下，它们的音量都不会超出要突出的那一条旋律。这一方面涉及到横向的旋律进行和纵向的和声进行，与前三个方面相比，就更复杂。 (1)从横向的旋律上来讲，首先要将旋律线条理清。在练琴过程中，要注意三点：一是不断感受旋律的轮廓，即旋律进行中由级进、小跳、大跳组成的上行、下行、拱形、波形；二是感受旋律中的乐句，乐句的划分很重要，就像说话要断句，音乐中的语言也需要断句，这样才能清晰准确地表达我们所要表达的音乐内容；三是感受旋律感情的刻画，不同的感情内容需要不同的演奏方法和手段去表现。 (2)从纵向的和声上来讲，在弹奏中必须倾听和声的进行、和声的倾向性、和声的调性、和声的色彩、和声的立体感。 不同时代不同作曲家对和声的运用是不同的，基本有两种情况：一种是把旋律当作一组和声的表层来对待，和弦的最高音就是旋律音。在这种情况下，弹奏时特别要倾听和声进行中的旋律线条，而不能仅仅强调和弦的纵向对位。另一种就是在20世纪的印象主义作品中，作曲家受当时的文学与绘画中印象主义和象征主义的影响，将十分独特的和声与音乐结合在一起，制造出了音乐色彩的变化，给听者一种视觉上的感受。 5.复调音乐，即两个或两个以上各具相对独立意义旋律的同时进行，换句话说，也就是由几条不同的旋律线编织成的一个纵向、立体结构的横向运动。 在复调音乐中，复调乐曲中同时出现两个、三个甚至四个声部的旋律，它们以对位的手法构成多声部的进行，同时各个声部又是独立进行的，在节奏上互不倚靠。这在演奏上是非常困难的，有时需要用一只手弹两个声部，有时则需要用两只手交替来弹一个声部。演奏这类作品时，听觉主要针对容易出现的三种倾向发挥其作用： (1)当弹奏几个声部时，尤其是一只手弹两个声部时，几个声部的旋律容易互相干扰，以致声部混淆不清。在这种情况下，只有靠听觉来对手指控制能力进行调整，从而使各个声部的旋律线条逐渐清晰。 (2)强调每个声部中主题的突出，从而忽略其他声部的对称，致使声部之间缺乏平衡。在这种情况下，只有靠听觉来对手指的力度进行调整，从而使声部之间相得益彰。 (3)对各个声部的进行都强调，从而缺少旋律的层次感，致使主题不鲜明。在这种情况下，只有靠听觉来对手指的触键力度以及控制能力进行调整，从而使声部之间主次交替的层次、力度强弱对比的层次逐渐清晰。 二、内心听觉能引导我们正确地诠释钢琴音乐 当我们看到音符时，不借助钢琴的声音也不哼唱，在全然的寂静中，在内心想象出并“听见”音符的高度、长度、力度，这就是内心听觉，它是人对音响的感受和对声音的想象力。德国音乐家贝多芬，26岁时出现了耳聋迹象后，依然没有停止创作，写出了《第三英雄交响曲》《第五命运交响曲》和《第九合唱交响曲》等杰出的作品。其中的原因就是他凭借自己高度发达的内心听觉，他在创作的时候，内心听觉使他在头脑中想象并听到了作品的音响效果。在实际的钢琴学习过程中，内心听觉要求对音质进行鉴别，主要有以下三个方面的内容： 1.声音要通，切忌声音硬、散、虚。 我们所要求的“通”就是指声音要通畅、通顺、动听。通的声音混入的噪音少，振动状态好，无论强弱，都会共鸣好，传得远，延续长。声音硬多半是由手腕僵硬而造成的。如果弱而又散，则是虚，感觉音浮在琴键上。要解决这个问题，我们就要建立不硬、不散、不虚、集中的声音听觉观念，并在这种听觉观念的引导下进行弹奏，同时聚精会神地倾听所弹音的“品质”，从中感受以便及时改进并弹奏出正确的声音。 2.双音与和弦的弹奏。 双音，指任何两个音的同时弹奏。和弦，指三个及三个以上不同音按一定规则结合起来，同时发音。二者有一个共同点，就是同时发音，这就要求两个或两个以上的音在弹下时要整齐如一。我们可先在内心听觉里凭记忆想象一下两个或两个以上的音同时弹奏出的效果，然后在听觉的监督下仔细聆听弹奏的实际效果，将它与内心听觉的音响效果相比较，再进行改进，直到满意为止。在弹双音与和弦连奏时，几个手指的同时起落也需要听觉来检验。听觉要仔细地监督，保证前后两个音之间没有一丝间断也没有一毫重叠。同时由于每一个手指的长短和粗细不一样，又很容易出现音色、力度不统一的状况，避免这些问题的唯一办法就是，在听觉的高度专注下，细心控制好乐音弹下的力度与时间。 3.踏板的运用。 俄罗斯钢琴家鲁宾斯坦说过：“踏板是钢琴的灵魂。”正确使用踏板，可以使音乐充满活力、富有生气。如果使用不当，则会导致旋律模糊、乐句不明、和声混浊、节奏韵律紊乱等。在踏板的学习中，耳朵起到了关键作用。正如有人说“踏板是不能教的，只能靠耳朵”，这句话虽有失偏颇，但在一定程度上说明了听觉在踏板学习中的重要作用。踏板以什么速度踩下和抬起，踩下多深，抬起多高，都会因乐曲和弹奏者的不同而有差异。因此，想从老师那里学习到踏板运用的每一细节，或同老师一模一样地踩踏板，这些都是不可能的。唯一的、永远的老师，只能是自己的耳朵。要很好地使用踏板，就必须使自己的耳朵能敏锐地觉察到，踩在踏板上的脚或大或小的任何动作所引起的声音的任何变化。听觉既要检验已经弹出的声音是否符合要求，又要想象出将要弹奏的预期的音响效果，并指示脚做出相应的动作，以实现它希望的音响效果。 在实际的钢琴学习过程中，内心听觉发挥其重要作用，主要是通过三个阶段来实现的： 内心听觉的第一阶段，就是要事先“储存”杰出的音响信息。通过听音乐会、唱片录音等，把钢琴家对作品的具体处理进行研究并牢记他们的声音，这些最具表现力又最完美无缺的声音，为我们提供了一个声音追求的目标。 内心听觉的第二阶段，就是通过对这些美好声音的储存和研究，想象自己所演奏曲目的音响效果。要在心里首先听到自己的演奏，然后将自己的演奏与想象中所“听”到的音响相比较，逐步缩短二者之间的距离。这对提高演奏质量具有决定性作用。 内心听觉的第三阶段，就是想象从未听到过的声音，这是钢琴学习和演奏的最高阶段。在钢琴风格的演变史上，正是因为有一些杰出的富有创造性的演奏大师们敢于想象、敢于尝试，以常人不可想象的弹奏法，创造出崭新的音响，从而促进钢琴艺术的发展。任何新的演奏方法的产生都是由对新的声音的追求而引发的，只有丰富的想象才能引发对新音色、新声音的追求。内心听觉正是基于对声音的想象，先“听”到，才能后做到。 简言之，内心听觉在钢琴学习中就是通过“树立声音标准”“模仿杰出声音”“创造新的声音”来提高演奏水平的。 结语 本文对听觉训练在钢琴学习和练习中的重要性作了分析，通过从外部听觉到内心听觉，从听觉的内容到它的实际过程的分析，得出耳朵的倾听，确实是钢琴学习中至关重要的中介环节。音乐通过声音而实现的全部实际音响效果，只有通过耳朵的倾听来鉴别、来协调才能弹奏出更美妙的音乐。 钢琴学习论文:幼儿学习钢琴分析论文 摘要：幼儿时期的年龄特征就是对任何事物都具有强烈的好奇心与求知欲，而现实当中很多孩子学习钢琴都是在父母强迫的情况下学习的。文章结合奥苏贝尔的学习动机论,对如何利用这种好奇心与求知欲来激发、保持幼儿学习钢琴的兴趣作一些浅显的探讨。 关键词：认知内驱力自我——增强驱力附属内驱力钢琴教育 音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、提高美感促进其心理品质的发展，而且有助于儿童思维的发展。然而现实中的钢琴教育，并不一定像我们所想象的那样。因此，如何激发幼儿学习钢琴的兴趣，成为每一个钢琴教育者最为关心的问题。美国著名教育家奥苏贝尔认为：“动机与学习之间的关系是典型的相辅相成的关系，绝非一种单向性的关系。具体地说，动机是学习的先决条件。成就动机主要由三方面的驱力组成：认知内驱力，自我——增强驱力，附属内驱力。”这一思想对我们研究、指导钢琴教学，引导学生积极主动地学习钢琴有一定的借鉴意义。 一、认知内驱力在钢琴教学中的作用 所谓认知内驱力，就是指学生渴望认知、理解和掌握知识，以及陈述和解决问题的倾向。简言之，就是一种求知的需要，它主要发自学生好奇的倾向，以及探究、操作、理解和应付环境的心理倾向。学生的这些倾向或心理需要开始时只是潜在的，这种潜在的动机只有在不断取得成功时才能表现出来。 幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子。这个年龄阶段的特征体现为认知内驱力较强，对任何事物都充满了好奇与渴望，具有好学的态度。在钢琴教学中，教师可以充分利用幼儿对钢琴的好奇心来教授知识。儿童在接触、学习钢琴之前，可以先让他聆听一些优美的钢琴曲，当他观察到弹奏钢琴的美妙之处，产生强烈的弹奏欲望时，再让他接触、学习钢琴。 二、自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用 成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力。自我——增强内驱力反映了一个要求凭自己的才能和成就获得相应的社会地位的愿望。随着学生年龄的增长，这种需求日益加剧，这与社会文化的影响是密不可分的，这是一种外部动机。它与认知内驱力的不同在于，并不是直接指向学习任务本身，而是把成就看作赢得地位及自尊心的根源。 尽管这种内驱力具有随着年龄的增长而增长的特征，但并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力。在同孩子进行交流的过程中，孩子有时会问老师一些问题，如“我现在学习钢琴，等长大后我也可以像老师一样教学生吗？”或“长大后，我也能像郎朗（国际著名的钢琴家）那样弹得那么好吗？”这恰恰说明在孩子的心中也是具有这种自我——增强内驱力的。尽管这种内驱力会带有一定的功利性，但如果能够适当地加以利用，可以取得很好的学习效果。 三、附属内驱力在钢琴教学中的作用 附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可，而表现出来的把工作做好的一种需要。一般说来，这种附属内驱力在成就动机中的比重成分，是随着年龄的增长而逐渐减少的。但不是说随着年龄的增长，它的作用会越来越小。在教师与学生交流的过程中，教师一个关爱的眼神或一句鼓励的话都会给学生很大的影响。尤其对初学钢琴的幼儿来说，不论是音乐知识还是弹奏方法对他们来说都是较难理解的，因此在幼儿的学习过程中，教师和家长的态度要以鼓励或赞扬为主。但是，学生的情况千差万别，教师应掌握批评与表扬的分寸。上钢琴课时，如果学生弹奏得质量不够好，但听得出是努力练习过的，这种情况下，就不要轻易地批评，最好先予以肯定，之后再指出缺点，并帮助学生改正。如果学生弹奏的质量还不错，但没用功，只是依赖个人音乐素质，这种情况就不能盲目表扬，而应当指出其缺点，加以改正。 四、有效引导学生积极主动地学习钢琴 1.教师的教育观念 一个学习钢琴的孩子，他将来有可能在艺术的道路上发展下去，成为一名钢琴家，也可能成为一名数学家，但不管怎样都不能偏离钢琴教育修身养性、陶冶情操的目的。教师的教育观念首先要认真地尽心尽力地去教育孩子；其次，不能把钢琴教育当作无休止的对技能、技巧的学习。当然技术是要为演奏准备的，但最终目的还是要去弹奏曲子。要让孩子多接触优秀的乐曲，真正让他们体会到弹琴的乐趣，而不要给他们一种弹钢琴就是“痛苦的练习技巧”这样的认识。 “人是情感的动物”，情感是我们与生俱来的。心理学研究也表明：情感是影响教学质量的一个重要因素。积极丰富的情感能促进认识过程，使学生个性品质得到全面发展，对于学生的学习，尤其是钢琴的学习具有极其重要的作用。德国教育家第斯多惠说：“谁要是自己还没有发展培养自己的情感，他就不能发展和培养好别人的情感。”因此，教师应当真正去爱、去关心每一个学生的成长、学习，给学生以亲切感、信任感。因此，教师要用自己的人格魅力来吸引学生，在潜移默化中影响学生。 2.教学方法要灵活贴切 教师的教学方法不要枯燥、单一，要让学生在娱乐中学习，在学习中娱乐。例如，儿童具有爱玩的天性，我们要尊重儿童这种爱玩的天性。在上课的过程中可适当地与他们做些游戏，但做游戏也不是漫无目的。我们可以在钢琴上弹出不同的音，然后让孩子来猜出音高的音名，目的是锻炼孩子听音的准确性，让他们记住音高，或者，在琴键的上方用张纸挡住孩子的视线不让他看到琴键，然后让他在钢琴上找出do、re、mi的位置，目的是让他们能够熟悉钢琴键盘及每个音的位置，为以后视奏打基础等等。这些方法能给孩子们带来新鲜感，让他们在快乐中学习。此外，还可以找一些简易的钢琴四手联弹曲目，让孩子增加对钢琴的了解，体会与人合作的乐趣。 钢琴学习论文:儿童学习钢琴心理教育论文 内容摘要：经过大量的社会调查发现，大多数学习钢琴的儿童是在众多的压力之下，同时又是在缺少愉快心理的过程中度过的。为什么听起来美妙无比的音乐，学起来却痛苦不堪呢?本文从四个方面对儿童学习钢琴的负重心理进行了分析，从而进一步提出了在钢琴教学中减轻儿童负重心理的主要途径。 关键词：儿童钢琴教学负重心理 经过大量的社会调查发现，大多数学习钢琴的儿童是在缺少愉快的心理过程中度过的。由于儿童的心理承受能力较低，这种负重心理在学习的过程中不断重复，到达一定程度就会出现崩溃，以致终止学习。为什么听起来美妙无比的音乐，学起来却痛苦不堪呢?究其原因，除了教学体制、教学方法外，还有社会、家庭以及儿童自身的心理问题等等。 一、儿童学习钢琴的负重心理分析 学习钢琴虽然对培养儿童的想象力、创造力以及正确的审美观大有裨益，但是，我们又必须要用科学的态度来审视这一教育功能，找出其自身的规律，避免其盲目性。 第一，儿童自身的心理问题。准确分析儿童的心理活动，是掌握儿童学琴规律的最好方法。心理研究发现3－7岁的儿童，他们最根本的心理特征就是缺乏自我意识。这个年龄阶段的孩子不易分清质与量、因与果、主体与客体、现象与本质等关系，他们绝大多数的主观意识及认识世界的方法是靠家长及教师传授的。所以这个时期的儿童对直接感性认识接受得较为积极，而对间接理性认识接受得较为被动。虽然钢琴发出的美妙声音感性因素居多，但是，在技巧训练的过程中的确是理性因素居多。所以儿童们在欣赏钢琴音乐时常常表现得较为主动，而学习钢琴理论与技能时却表现得较为被动。 第二，教学体制。目前高等师范院校音乐专业的钢琴教学体系，绝大多数采用的是音乐学院钢琴专业的教学体系，在教学的过程中往往过多地强调技能的训练，而长时间的艰苦训练会使人产生疲倦感，疲倦感的不断反复又会给人的心理造成沉重的压力。高等师范音乐专业的学生很多都是在这样一个艰苦的过程中度过的，这种教学体制的模式已在他们的头脑中打上了深深的烙印。所以，在他们的教学中，对学生实施的也会是同样的教学模式。 第三，教学方法。儿童天真活泼，同时也十分脏弱，心理承受能力较低。机械的反复、长时间的注意，都会使儿童难以承受。在学习钢琴的过程中，由于多数钢琴教师在教学中会重复自己在学校里的学习过程，即更多地强调与注重学生的共性发展，而忽视了个性的存在(忽视以人为本的教学原则)。例如：过分强调技术的训练，很少注重儿童的心理，在教学过程中，急于求成、拔苗助长。儿童由于教学方法上的不正确所带来的厌倦心理，也会转嫁到钢琴学习上。 第四，家庭和社会。当今社会，对孩子的教育投资越来越大，教育备受关注已是一个很重要的社会现象。多数家长在选择孩子接受教育的内容和方式上，都不同程度地存在着不切实际的盲目心理与从众心理。但是，并不是所有的孩子都具有学习音乐的天赋。只有提供给学习钢琴的孩子一个良好的学习环境，才能使我们的钢琴教育事业有一个健康的发展。 二、减轻儿童负重心理的基本途径 针对儿童学习钢琴的负重心理，我们在钢琴教学中应该注重保护儿童的学习积极性，减轻他们的学琴压力。下面，谈谈在钢琴教学中如何减轻儿童的心理负荷。 (一)动机、兴趣、情绪 动机、兴趣、情绪是减轻儿童负重心理的内部动因，在学琴过程中，需要越迫切，兴趣越浓厚，情绪越稳定，儿童的学习热情就越高涨，学琴的状态就越积极。 第一，良好的动机。动机是驱使人们活动的一种力量，钢琴学习也直接受到一定的动机支配。有些孩子来上第一节课时，常常会带着一种恐惧加被动的服从。通过询问，我们可以发现原因是家长在学钢琴前对孩子进行了一些不良动机的诱导。例如，“你平时太调皮了，学琴是为了让你收心；学琴可苦了，你要好好练。”这些有害的暗示会使孩子觉得钢琴学习是一种“可怕”的事，从而增加了他们的心理负荷，失去了学习的积极性。其实，从激发学习动机出发，应该让孩子觉得钢琴音乐很好听，弹钢琴并不是一件特别困难的事；父母能从孩子的琴声中得到快乐，小伙伴也会因为有一个会弹琴的朋友而自豪等等。良好的动机是减轻儿童学琴负重的原动力。 第二，浓厚的兴趣。心理学研究表明，个体一旦对某种活动产生了兴趣，就能提高这种活动的效率，对学琴也是如此。教育家孔子说过：“知之者，不如好之者；好之者，不如乐之者。”对钢琴有浓厚兴趣的孩子在学习中表现出来的积极性跟一般孩子是不一样的。儿童的兴趣特点是易于变化，优美的音乐，有趣的图片，动人的故事，好玩的游戏都能引起他们的兴趣。所以，在钢琴学习中，培养并保持孩子学琴的兴趣是减轻他们负重心理的有效途径。教师优美动听的范奏、生动形象的讲解、灵活多变的教法、和蔼可亲的态度，都能提高儿童学琴的兴趣。 第三，愉快的情绪。在钢琴学习中保持愉快的情绪是必须具备的心理状态。任何斥责、强迫都会影响孩子学琴的积极性。如果一个孩子在上课之前刚好被父母骂了一顿，那么他在上课过程中一定是情绪消沉，学习的热情也会受到很大的影响。对儿童来说，他们的情绪很容易真实地暴露出来，所以，教师和家长要及时洞察孩子的情绪变化，调整相应的教学策略。鼓励是使儿童保持愉快情绪的最好办法，它可以使儿童在精神上获得很大的满足，增强自信，在获得愉快心理体验的同时对钢琴的学习将投以更大的热情。 (二)良好的学琴环境 儿童钢琴学习的心理当然也极易受外部环境的影响。所以，我们在教学中要创造良好的学琴环境来减轻儿童的负重心理。 第一，家庭环境。对一个琴童来说，能为他(她)创造一个良好的家庭环境是至关重要的。在生活中，父母自身对音乐的爱好，会吸引孩子。例如，早晨，轻松愉快的音乐、会使孩子精神振奋；晚上，悠扬动听的旋律，会使孩子带着微笑进入梦乡……让孩子多参加音乐会，多听钢琴演奏，会建立起对钢琴的亲切感。此外，家长对琴童的影响也不可低估，因为对大多数孩子来说，学钢琴绝非是一件容易的事，对自己能力的无法肯定，使他们感到不可抗拒的压力。孩子需要一种感情上的安全感和自我认同感，如果家长的态度是“叫你练琴就练琴，没什么条件好谈，”这对孩子来说无疑是一种极大的心理摧残。 第二，教学环境。钢琴教师不但有让儿童会弹琴、弹好琴的责任，还应该培养儿童爱弹琴、乐弹琴。在教学环境中，老师过于严肃的面孔，不耐烦的情绪，都会给孩子造成心理负荷。所以，教师要鼓励孩子，在轻松的气氛中进行教学，只有让儿童时时感受到一种心理上的愉悦和满足，才能使他们消除学琴时的紧张感和负重感。此外，由于钢琴学习的整个进程比较缓慢，在教学中往往会造成拔程度现象。其实，高度复杂的作业，必然会引起儿童紧张、恐惧加厌烦的情绪。因而，教师在安排教学内容时，除了要选择一些生动、有趣的作品外，也应掌握教材的难易，在儿童的能力范围内，选择适合于他们弹奏的作品。 马克吐温说过：“人的一生只有一个童年。”对于每一位琴童来说，无论他们将来从事专业工作还是增加音乐修养，学习钢琴都应该是一件愉快的事情。如何减轻他们学琴过程中的负重心理，需要我们不断探索。只有发挥儿童自身的创造力、想象力，给他们展示自己的空间和自由，才能真正使“要我学琴”变为“我要学琴”。 钢琴学习论文:浅谈背谱在钢琴学习中的重要性 摘要：本文着重从背谱这方面进行分析，使得大家了解在我们的学习、演奏的过程中，一定会接触到一个问题:背谱。无论是小小琴童还是钢琴家，都需要背谱演奏。背谱可以影响我们的演奏效果，背谱也可以帮助我们有更多的精力表现音乐。因此,只有不断提高自己的背谱能力才能很好的去演奏出不同时期的作品。 关键词：乐段；触觉；记忆能力；听觉；音符；音乐术语；技巧 绪论 钢琴表演采用背谱形式直到浪漫主义时期才逐渐形成，“钢琴之王”弗朗茨?李斯特首先倡导背谱演奏，著名女钢琴家克拉拉?舒曼也极力推崇这种表演形式并赞其富有浪漫气息。随后钢琴家们纷纷效仿，音乐会上背谱演奏渐成风尚。到20世纪20年代时，已很少有钢琴家上台独奏时还要看谱了。背谱演奏的形式保留下来，公开场合的钢琴表演一般都要背谱，背谱训练就成为钢琴学习中的一项必要内容。 背谱，对于一个学钢琴的人来说是一件非常重要的事，一场成功的音乐会，除了平时有计划的耐心的练习之外，最后一关，就是背谱，把谱子背好，以便在正式演出时或是考试时能完整的、完美的表达乐意，否则，便等于将自己平时苦练，前功尽弃了。有些朋友说，“ 谱子还用背吗？弹熟了自然就记得了。”这里的记得和背可是两回事，每天因为不断的练习弹奏，由于手指的触觉和对键盘的熟悉反复再反复，直到练得非常的熟，而自然会背着弹奏出来，这种盲目的练习，到万一有某种外来的因素影响而突然停下来时，就没有办法接下去弹奏，也讲不出自己在弹奏些什么，不知其所以然。这种靠熟练触觉的背谱方法，不但得花很长时间，而且收到的效果不是很好，所以，建议还在用这种方法的朋友，这种方法只能够配合在背谱的时候运用而已，不可作为唯一的好的背谱方法使用！建议有时间把谱子拿到书桌上好好看看，使音符及各种记号，因为视觉的反复练习，而背熟谱子，由大脑直接想出音符来，是很好的一种背谱的方法。舒曼说过：“你必须练习，看到纸上的乐谱，就懂得音乐的进行，以及每个音在键盘上的位置。”这种背谱的方法是非常重要的一种背谱方法，我们称之为视觉背谱法！还有一种方法，就是在乐曲中，对作曲家的作品号码、调性、和声、音程、指法、曲式的变化及作曲家的风格、环境等等，做最起码的分析，使自己（演奏者），真正确实的了解曲意。比如：肖邦练习曲op25。no3，全曲共有72个小节，有f大调转b大调，再回到f大调的三段体。练习时，只要将前面16小节练熟就可以了，有人问：“为什么？”你可以发现这16个小节中，可分为两段，前8小节与后8小节是一样的，只不过多了一点变奏而已，而这8小节中第5 、6小节又和第1、2小节完全一样，所以，等于只练6个小节就可以了解这16个小节的全段了，了解了这一段，也就对全曲都有了了解。 总之，背谱一定要先分段落，分乐句，有计划有系统的背，然后再将整个曲子统一起来。背好谱子以后，可以默写（这是征对专业的有一定程度的朋友而言的）这是一个好方法，能够使曲子确实而有把握的记下，是保持记忆的好方法。当然，默写必须由少而多，开始默2个小节，慢慢的就可以是4小节一小段，2小段逐渐就是整首曲子。 一、让我们的背谱变得有效的方法 1．动脑不动手地看谱，靠视觉记住调号、旋律的进行，低音的进行，基本节奏音型，曲子的结构等。 2．靠手指的触觉和内心的听觉，不出声音地在琴上背奏，记住手指的键盘位置。 3．用弱音慢速在琴上弹。这需要高度思想集中才可能进行到底。 4．把曲子分成几段，编上号码，学会从任何一个号码开始弹，这样万一背断了，仍有办法接着弹，不至于手足无措。 5. 买些五线谱，让孩子把简易的曲调写在谱上，这是非常可靠的背谱法，有时孩子弹烦了，家长可叫他在谱纸上划音符；他会觉得像做游戏一样有趣。通过写，他会十分明确他弹的是什么音。 6．分手背。背谱时，问题经常出在左手和慢乐段，因为一般右手有旋律容易记住，而左手低音及和声的进行平日不注意。快的乐段需要一定的弹奏技巧。为了解决技巧问题，练习的次数多，速度又快，没有时间去怀疑音符的正确与否；而慢段平时常被忽视。以为没技巧问题就可以少练，结果背谱时就会产生犹豫，出现意外事故，因此针对性地分手背有极大好处。 二、背谱在钢琴教学中应用的必要性 (一）有利于提高视奏能力。 对于钢琴学习者而言，视奏能力的培养不容忽视。同样一个作品，有的人很快就能拿下，而有的人练了很久还弹得断断续续，这在很大程度上源于两人视奏能力的差异。在普通高校钢琴教学中，视奏能力很少被单列开来进行培养，而是由学生自行锻炼提高。这样一来，有些学生可能不知道如何提高这种能力，加上老师通常只注重回课的质量如何，对于视奏能力是否得到提高往往不加询问。而回课质量的提高是可以通过加量练习做到的，事实也是如此。布置新的曲目后，老师通常会让学生回去自行练习，当然也就不知道学生回课快是因为视奏能力有了提高还是由于加时练习所致。长期如此，视奏能力的培养肯定会被忽视，尤其是对于那些习惯于慢工出细活的学生而言。 （二）有利于形成良好的节奏感。 节奏是音乐中非常重要的表现手段，它能给曲调带来鲜明的特点，有助于音乐形象的树立。一首音乐作品的曲调，常由于具有特征的节奏而使它如浮雕般突出于其他伴奏声部之上而成为主要曲调即所谓的“主旋律”。对于一个钢琴学习者而言，面对一个全新的作品，如果采取“手感背谱”的传统方法，往往在对整个作品缺乏整体了解和全局把握的情况下，就从第一小节开始练习。其全部注意力可能会放在指法上，很少一开始就考虑作品的节奏，更别提作品的音乐表现了。而通过读谱，就可以对作品事先有个较为准确的了解，在弹奏时，不至于偏离这个方向。虽然事先熟悉曲谱并不意味着在第一次弹奏时就能把握好作品所要求的节奏，但至少比那种茫然弹奏的方法更胜一筹。对于学习者而言，由于不要一边看谱一边弹奏，自然可以将更多的注意力放在准确触键和节奏把握上来。当然，学习者也可以在此基础上借助于节拍器来进行弹奏，因为在音乐作品中，节奏和节拍密切联系并受节拍的约束。对于学生而言，最好是养成这样一种注意时值和节奏的好习惯，如果是不熟悉的曲谱，可以在开始将节拍放慢点，在进一步熟悉后再调到正常的速度上去。 （三）有利于增强对音准的把握。 在学生的钢琴演奏中，节奏混乱和错音往往是两个顽症。石叔城先生曾说：“在钢琴弹奏过程中，碰错音可以原谅，但将谱面上的音符弹错则不可原谅。”在钢琴演奏中，错音是影响弹奏效果的重要因素。不出现一个错音，这也是对音准把握的最高要求。在钢琴教学中，笔者发现一些学生对同一个作品，看谱弹时非常流畅，而一旦背谱弹就错音不断。为了避免这些错误，很多学生反复练习以便达到熟极而流。但由于借助的是一种机械性的记忆，稍微一紧张，就可能又出现断音、错音。通过“解剖背谱法”的训练则有助于治疗这个顽疾。“解剖背谱法”所带来的效果往往是，弹奏者在没有上琴之前，曲谱就可能已经印入脑海，在上琴时，弹奏者可以把所有注意力集中在琴键上，而不分心。 结论 当然，背谱方法因人而异，以上的方法也不一定适合于一切人与一切钢琴作品。笔者提倡这种方法，也并不意味着要否定上琴的重要性，通过练琴来背谱对于许多复杂的曲目来说，仍然是必要的。只是，笔者认为，如果能将这种方法很好地引入普通高校的钢琴教学中，并加以改进和完善，充分发挥它的特点与作用，势必给钢琴教育带来一定的惊喜。 钢琴学习论文:试论钢琴艺术学习品质 内容摘要：钢琴艺术的学习品质主要是由心理上的一些非智力因素构成的，诸如动机、态度、兴趣、意志、情感、意识等等。良好的钢琴学习品质包括：正确的学习动机、学习目的、兴趣的培养等。 关键词：钢琴艺术学习品质 动机 兴趣 注意 意志 学习品质是伴随人的学习活动而产生的一种能动的心理现象，是心理上的非智力因素在学习上的体现，是人的思想品质在学习上的反映，是学习的内在动力。它决定着人的学习行为的目的性、倾向性和独特性，其外在表现就是人们在学习过程中的精神状态。 钢琴艺术学习品质，主要是由心理上的一些非智力因素构成的，诸如动机、态度、兴趣、意志、情感、意识等等。心理学研究表明，学习者在学习过程中既有智力的直接参与，又有学习品质的间接参与。 一、正确的学习动机 心理学认为，动机是某种需要引起的有意识或无意识的但可以实现的行为倾向，它是激励或推动人去行动以达到一定目的的内在动因。对于钢琴艺术学习者来说，学习动机便是钢琴学习的原动力，要获得钢琴学习的成功，就必须具备这种原动力才行。 钢琴艺术学习动机产生于个人取得成功与进步的欲望，要了解和掌握有关知识和解决某种问题的要求，提高自己的能力以得到相应地位或胜任某项工作的愿望，以及为了获得表扬和赞许等等。正确的钢琴学习动机能把钢琴学习变成一种自觉的行动，使你努力去完成各项学习任务，产生克服困难的勇气和毅力，并能在学习中发挥主动性和创造精神，提高学习效果。 钢琴艺术学习动机的优秀就是一个为什么而学的问题，这涉及到理想和抱负，也涉及到对钢琴学习的认识和兴趣等问题。因此，确立正确的钢琴学习动机要解决以下几个方面的问题： 首先，确立正确的钢琴学习动机应树立崇高的理想和远大的抱负，具有明确的学习目的。古人云：“志不立，天下无可成之事。”强调了“志”对事业的重要性。所谓“志”，就是理想和抱负，对青少年学生来说，就是学习目的。一个学生如果有了明确的学习目的，就会产生强大的学习动力、百折不挠的勇气和决心。正确的学习目的，就是把人类的命运、祖国的前途、人民的需要，同个人的学习有机地结合起来。 其次，确立正确的钢琴学习动机，还要正确地对待成绩，正确地对待批评和奖励。正确对待成绩的主要表现是正确对待分数，“分，分，学生的命根”的说法是错误的，不能单纯为了追求高分而学习。不然的话，得了高分就会忘乎所以，满足现状；得了低分就会垂头丧气，怨天尤人。另外，还有许多分数以外的东西，如唱、奏的能力、钢琴自学能力、钢琴学习态度和习惯等，在目前的评分中还都没有反映出来，但它们也都是钢琴学习的重要内容。批评和奖励同样是一种手段而不是目的。因此，得到奖励时要把它作为鞭策自己的动力，而不能骄傲自满、自以为是；没得到奖励要找差距，不能埋怨嫉妒；受到批评不要懊丧，要虚心听取意见，努力改进，争取好的成绩。 另外，学习动机与学习兴趣密切相关，浓厚的学习兴趣也会变成巨大的学习动力。因此，确立正确的钢琴学习动机，还要注意培养钢琴学习的兴趣。 二、 积极的钢琴学习兴趣 每个人都会有被某种事物吸引而入迷的时候，有的人甚至可以达到着魔的地步。有的学生看小说入了迷，连家人喊吃饭都听不见了；有的学生玩电子游戏入了迷，一坐到游戏机前甚至连睡觉也忘了，这都是对该事物产生了浓厚兴趣的结果。凡是有浓厚兴趣的事情，都可以使人废寝忘食，专心致志。 从心理学的角度看，兴趣是人的一种个性心理特征，它是在一定的情感体验影响下产生的一种积极探究某种事物或从事某种活动的意识倾向。如对书法感兴趣的人，就会关注各种碑帖字画、文房四宝，以及各种书法方面的活动。这种积极倾向在具体事物上的体验便是爱好。兴趣和爱好又是引起并维持注意的一个重要的内部因素。从生理学方面看，一个人如果对某种事物产生浓厚兴趣时，往往在生理上伴随着血液循环的亢进，大脑皮层得到较充分的营养，能充分调动注意、记忆、想象等心理因素，使之进入活跃状态。所以，兴趣是推动人去寻求知识和从事工作的一种内驱力。那些有成就的人的一个共同点，就是对其所从事的事业无比热爱并有着极大的兴趣，甚至到了如痴如醉的地步。譬如王羲之练字，常会到了拿馒头蘸墨汁吃的地步。这样的笑话，在一些名人身上简直是不胜枚举。所以古人说：“书痴者文必工，艺痴者技必良。”由此也可以看出，兴趣就是人对事物或活动的一种关注，甚至是一种迷恋，并由此而产生的一种精神力量，它是人们在事业上取得成功的重要因素之一。 首先，兴趣可以使人专心致志地学习。兴趣是积极探究某种事物的意识倾向。钢琴艺术学习兴趣就是对钢琴演奏进行积极探究的意识倾向。所谓“意识倾向”，就是人的思想、精神的一种集中指向。所以人一旦对钢琴学习发生兴趣，也就必然会把思想和精神集中到钢琴学习方面来，而置其他于不顾。由于兴趣能够使人集中精力去学习，所以有人说兴趣是学习入门的向导，爱因斯坦说：“兴趣是最好的老师。” 其次，兴趣可以把艰苦的学习变成快乐的享受，从而取得良好的学习效果。学习钢琴艺术并不是一件轻松的事情，需要付出艰巨的劳动，要下一番苦功夫。但是如果对学习产生了兴趣，有了一种获取知识的强烈欲望，就不会把辛苦和困难放在眼里，甚至还会把它变成一种嗜好和享受。古代有个“汉书下酒”的故事，也说明了兴趣的作用。北宋诗人苏舜钦，住在岳父家时每晚都要喝下一斗酒。他岳父很奇怪，后来发现他每晚读《汉书》读得津津有味，每读到精彩处就痛饮一杯。他岳父见了笑道：“有如此下酒物，一斗不为多也。”如果对学习钢琴艺术有了兴趣，就可以形成一种巨大的动力。在付出辛苦的同时也会从中体会到学习的乐趣；情操受到陶冶，智慧受到启迪，能力得到发展。 三、培养对钢琴艺术的兴趣 兴趣不是天生的，是主观和客观相结合的产物，因此需要后天环境的激发和耐心的培养。学习钢琴艺术的兴趣也是如此，学习钢琴的兴趣不能全靠自然形成，也不能光靠钢琴课本身的吸引力，而要靠自觉的培养才行。实践证明，兴趣是完全可以培养的，对于那些本不感兴趣的事物，经过耐心有效的培养，也可以产生兴趣，甚至还可以形成较为强烈的兴趣。譬如在进行哈农弹奏练习时可以改变节奏,模仿动物、行军、野营等，练习《狮王进行曲》就是一个很好的例子。 布鲁纳说：“要使学生对一个学科有兴趣的最好办法，是使他感到这个学科值得学习。”因此，作为一名钢琴艺术学习者来说，认清学习钢琴的重要的社会作用和其在国家建设中的意义，从而对学习钢琴产生一种迫切需要之感，这有助于培养学习钢琴的间接兴趣。 培养广泛的好奇心也是兴趣培养的一部分。好奇心是指对于没听见过、没看见过的事物的一种新奇感和探究精神。它显然是一种自发的、短暂的心理倾向，但它却是兴趣的开始。好奇心可以促使人积极思考、大胆探究，从而使人产生兴趣。对于具有好奇心的人，未知世界处处都是一种精神挑战，会诱使你去追究、去创造，所以有人说好奇心是“科学家的第一美德”。利用广泛的好奇心就可以从多方面引起对钢琴学习的注意和探究，从而形成对钢琴学习的兴趣。 四、采用一些具体方法也可以激发学生学习钢琴的兴趣 1.加强新旧学习内容之间的联系。完全生疏的东西很难引起兴趣，而特别熟悉的内容又容易使人厌烦，只有那些与已知的知识有联系又能使人获得新知识的内容才容易引起人的兴趣。 2.学习富于变化，不断赋予学习以新意。如果学习的内容、形式和方法总是那样单调、呆板，就容易使人感到乏味，也易使人疲劳，从而失去兴趣。因此，学习时在内容的安排上、学习方式和方法的选择上，要适当调节，使之相互穿插，富于变化，有新意，这样就容易培养起学习的兴趣来。 3.注意发现自己学习上的进步，捕捉兴趣的效果。 4.在钢琴学习中增添一点竞赛性，也可以培养兴趣。 5.给钢琴学习增添一点娱乐性，改变总是把钢琴学习当成是苦差事的状况。在钢琴学习中可以进行娱乐的活动是很多的，如讲四手联弹、乐句接龙等等，这些活动都能寓教于乐。如果在学习中能够得到一定的欢乐，在欢乐中学到知识，形成钢琴学习动力，就可以大大提高钢琴学习的兴趣。 总之，在钢琴艺术的学习过程中，不但要有智力的参与，而且还必须有良好的学习品质的协调与配合。例如钢琴学习中的注意、记忆、想象、思维等智力活动，往往都要有学习者的情感体验在其中起推动或抑制的作用，并且这种推动或抑制作用有时往往会成为学习的决定性因素。因此，良好的钢琴艺术学习品质的培养是非常重要的，必须引起高度重视。 钢琴学习论文:音乐听觉在钢琴学习中的作用 音乐艺术创作的目的是要获得它的艺术审美价值和社会意义，这种目的的获得是以人类听觉为基础的。钢琴艺术是表现人类情感的听觉艺术。对于钢琴演奏者来说，运用广博的文艺修养，深入研究并理解作品，使用科学合理的练琴方法，弹奏出美妙音色、感人的旋律，使欣赏者和演奏者本身从中感受到愉悦，并引发有关生活经验产生音乐想象，从而感悟到作曲家在音乐中蕴含的世界观和人生哲理，达到净化心灵、陶：台情操、启迪智慧的目的。 音乐的创作实践过程由三个阶段组成，即：一度创作，作曲家把对现实生活的情感转化为内心歌唱的旋律并通过音符形式记录下来；二度创作，演奏家通过倾听谱面把音符变为个人的内心听觉，然后又把个人内心听觉转化为实际音响；三度创作，欣赏者对演奏家演奏的实际音响的体验感受。在这些过程中，都依赖于人的听觉和声音。因此笔者认为，人类听觉既是作曲家创作的基础，又是钢琴演奏的基础，更是音乐审美的基础。 一、听觉的概念与钢琴发音的原理、特性 所谓听觉是声波物理特征的反映。发音体的振动产生声波称为声音。发音体振动发出的能量通过物质媒介的逐层传递以纵波的形式传到人耳而产生听觉。声波的物理特性有频率、振幅、波形和持续时间。这种特性与人类听觉感受声音的特性音高、音强、音色和时值相对应。 钢琴的发音体是琴弦，它是利用键盘的杠杆，作用于击弦机通过毛毡裹制的小槌敲击琴弦，使之振动而发音的。弦的振动通过音板的谐振产生共鸣来扩大音量。钢琴琴弦振动的频率决定音的高低，由弦的长度、直径、张力三方面决定，弦的长度和直径与振动频率、音的高低成反比，即弦越长，直径越大，振动频率越小，音越低。钢琴是乐器之王，是音域最宽的乐器。它的音域从大至二组a到小至五组c，共88个音。钢琴的音量取决于琴弦的质量、击弦力的大小和音板的质量与性能。在钢琴上音乐要求音量可以从最弱ppp或pppp到最强fff或ffff。钢琴的音色取决于击弦的方式和击弦点的选择。钢琴发音的持续性取决于弦的质量、弦的张力、音板的共振的好坏等因素。值得注意的是，钢琴的音量音色是可以由钢琴演奏者的指触来发生变化的。 二、音乐听觉概念 音高、音强、音色和时值，在音乐作品中表现为横向的旋律、节奏，纵向的和声、织体，音强和音色是增强音乐表现力的重要手段。例如在钢琴作品中，音色的丰富多彩如德彪西《月光》中“朦胧如纱”，中国曲目《百鸟朝凤》中用钢琴模仿“光棍好苦”、鸡叫、八哥、布谷鸟、群乌争斗等音色，丰富了钢琴表现力，再现了人与大自然的和谐统一，可谓是天籁之音。 所谓音乐外部听觉，外部是指音响对人耳的听觉器官的刺激。这种外界的音响刺激作用于人的听觉器官，经人脑信息加工而产生对音乐作品的个别属性的反映，称为音乐感觉。在钢琴学习过程中，初次倾听某乐曲，对其音乐节奏缓急、音乐旋律线曲折、音色明暗等产生感动、伤心、高兴、抑郁等生理上的反映，这种感觉就是音乐感觉。就像玛克恩·德索在《美学与艺术理论》一书第三章“审美经验”中曾恰当地把这种生理感受称之为“审美反射”，他说：“当倾听某种歌声时，我们还没有听清其歌词与旋律，便觉得已深受感动了。有些音色会使人立即兴奋或松弛，有时会使人狂怒，有时会像微风一样轻拂我们，它们作为通向生动性情感的美感的激发，只在几秒钟对我们起作用。”①音乐外部听觉是产生音乐感觉的基础。音乐外部听觉灵敏、持久，对于钢琴学习者来说，是一种基本的能力。 所谓音乐知觉是在音乐感觉的基础上对音乐作品的综合的、整体性的把握。音乐知觉是更为积极的音乐审美心理活动。感觉和知觉合称为感知，在音乐审美活动中二者共同发挥作用。例如，听肖邦降e大调夜曲作品9之2，肖邦采用如歌的曲调并加以装饰的手法，单一的伴奏织体贯穿全曲，和声色彩丰富，曲速较慢，让人感受到肖邦凝神的沉思和略带悲歌色彩，好象是明朗、幽静的田园风；肖邦降d大调前奏曲，作品25之15，全曲运用均匀的八分音符，始终重复着降a(在中间部分以等音形式转为升g)，让人感到就像阴沉天空中，从房檐下滴答滴答落下的雨点声，这首曲子因此被称为有节奏的雨滴声的描绘练习；再如里姆斯基·科萨科夫《野蜂飞舞》，运用十六分音符半音阶快速上行、下行、重复，使人感到好似野蜂飞舞时扇动翅膀发出的嗡嗡声响，类似这样的例子很多。 音乐内心听觉是指在内心听到音乐节奏、力度、旋律，联想到音乐形象，并通过认真研究作品的背景材料，体会到音乐的主题思想，也就是在无声的状态下，人的内心对音乐作品的感知、想象、理解和形成音乐思维，并以此为目的来指导演奏。对于钢琴学习者来说，钢琴学习的过程是音乐外部听觉与内心听觉同时作用的过程。音乐外部听觉是视奏研究谱面，并将谱面熟练的过程，利用音乐外部听觉来判定演奏者弹奏的音符是否正确，曲调是否流畅，速度是否合理，表现手法是否得当，它是钢琴演奏和音乐感知的基础。音乐内心听觉是对钢琴作品的理解、是演奏者对音乐作品的内化。通过查阅各种资料，对作品深入分析，走进和感受作曲家的生活，用心与作曲家的作品交流，理解感悟作品的意义，然后用心来演奏作品的过程。 三、音乐听觉与钢琴学习 钢琴较之其他乐器特点，它有88个键，因此有88个固定音高。在弹奏的过程中，手指落下就能有固定的音高发音。它不像小提琴必须靠演奏者手的把位、内心敏锐的听觉来奏出准确音高。可能正是这个原因，有些钢琴学习者虽然很用功，很刻苦，但是他们不善于主动用听觉分辨自己弹出的音色、乐句，导致音色、力度没有对比，音乐层次性差，乐句不清晰，踏板不干净，使音乐失去了音乐情趣，削减了应有的表现力，影响表现效果。如果连续练琴数小时，而不集中注意力去聆听和思考，这无异于浪费时间!只有经过训练的耳朵才能察觉到细微的不准确性，以及不纯净的音色。要避免这些问题只有真正地提高演奏技巧，同样，只有通过自我检验(聆听)，才能培养出良好的听觉能力。通过听觉琢磨优美的音色以及细微的声音层次。”② 在钢琴练习以及演出的过程中，音乐外部听觉相当于观测器，不时地把练习或演奏输出的音乐反馈给大脑并和音乐内心听觉进行比较，并以指令的形式指挥大脑调整演奏。当音乐内心听觉指令正确无误时，练习将会提高效率，对于演出，一定会成功。所以在练琴一开始，要用心去倾听，一方面可以提高练琴效率，另一方面可以培养良好的音乐听觉习惯，提高音乐听觉的能力。 四、在钢琴学习过程中如何培养良好的音乐听觉 (1)由基本练习入手提高练习者的音乐外部听觉的敏锐性。基本练习是钢琴学习者每日必备的功课。有些钢琴学习者，没有任何自我要求、约束，认为只要顺着下来弹两遍就行。这样的练习，无目的、无方法，只是为了练琴而练琴，日积月累，就会使钢琴基本练习成为枯燥的技术练习，让练习者生厌。针对上述问题，通过明确基本练习的目的，例如变换音色、力度和层次，来练习触键、触键方式和下键速度等；还可根据练习者的手指能力情况，通过变换节奏、速度，提高其弱指的弹奏能力等。例如，练习降e大调音阶。目的：练习手指力度由p至f的表现能力。基本原理：手指下键速度决定着弹出的音力度。手指下键速度快，触键面积小，音自然就强；反之，手指下键速度慢，触键面积大，音就弱。练习遍数：共五遍。速度：由慢逐渐快。具体方法：在第一遍时，让练琴者用p力度，慢速弹两个八度，在弹的过程中，注意细心倾听每个音的音量是否统一在一条线上，并及时调整手指的指触。在第二遍时，让练琴者用比前一遍稍强的力度mp，慢速弹三个八度，要求同上。依次在第四遍时，用f力度，较快速度，要在变换速度时，锻炼手指下键的感觉，以及耳朵听辨的能力，每个音要像大小一样的珍珠依次洒落在玉盘发出清脆悦耳的声音。当学生掌握了四个层次(p mp mff)的力度，第五遍，上行由p-f，下行由f-p，快速，四个八度。当然，进度可根据学生能力来适度调整。内心有了对基本练习的要求，利用音乐外部听觉监督，获取好的声音。这样练习，使钢琴演奏者练习有了兴趣，既提高了音乐表现的技巧，又锻炼了音乐的外部听觉，更进一步培养了良好的音乐内心听觉的习惯。 (2)认真研读谱面，通过分析作品创作手法并利用唱旋律、听和声和打节奏等方法熟悉乐谱，加强对音乐作品的感知，来破译作曲家内心的音乐密码，提高练习者的音乐表现技能，提高音乐外部听觉判断性，逐渐养成音乐内心听觉习惯。谱面是作曲家通过对现实生活的感悟以音符的形式记录他的思想。弹奏者在摸谱之前，应先读谱，不放过作曲家标示在谱面的任何记号，并掌握清晰乐曲的曲式结构、旋律和声、调式调性、速度力度、句法奏法等。在练习的过程中，可用唱旋律方法体会旋律线条的曲折，感知旋律的变化。要注意倾听旋律线条的起落，旋律与伴奏之间的声部是否平衡，和声色彩明暗紧张度，节奏表现的是否准确到位等等。在熟练时，也要读谱，更要注重音乐的感知，抓住音乐的基本情绪。例如，练习中国曲目《绣金匾》，王建中老师在改编此曲时，保持了原民歌朴素而优美的旋律，加以钢琴的织体，并运用古筝拨奏手法，使音色明亮，流畅，轻快。全曲共分三部分，其为再现的两段体，a+b+a、。第一部分，是亲切、流畅的奏出旋律。第二部分，旋律移高五度，并且情绪欢快，跳跃。第三部分，是前一段的变化再现。全曲旋律运用加花的创作手法，在弹奏时，要抓住旋律的主要音，要有层次变化，手指要控制，耳朵要辨别。在速度方面，a段亲切的歌唱，不易太快，中段是热情的、跳跃的，速度有所变化，a’段是颂扬的段落，可拉宽。只有通过具体的分析，内心明确曲目要表达的意境，有目的去练琴，这样才能收到既锻炼音乐外部听觉的判断能力，又提高了钢琴演奏的表现能力。 (3)通过对作曲家音乐背景材料的分析，使演奏者心态接近作曲家的心态，领悟到音乐作品的真谛，并用恰当的方式表达其音乐思想，丰富音乐内心听觉，增强演奏者表现作品的欲望。钢琴教育家赵晓生在《钢琴演奏之道》一书中，强调：“演奏者必须研究作曲家与社会的联系；作曲家的总的音乐风格及风格演变——作品在音乐史、钢琴史、作曲家本人作品、同类作品中的地位”，只有通过这一系列的问题才能深刻体会音乐蕴含的内容。从这些文史资料中汲取表现音乐的能力，使演奏者更具感染力、震撼力。在了解作曲家的同时，增强了科学、历史、文学等知识，使钢琴学习变为一种文化的学习。 (4)运用灵活多变的练琴方法，如有琴出声、看谱想声和无琴无声，充分利用音乐记忆想象能力，提高音乐内心听觉，使音乐融入演奏者的潜意识中，形成音乐思维和音乐语言，并运用这些语言打动人心。所谓有琴出声练习是指在钢琴上视奏、背奏的练习。这种练习在大脑注意力不集中的状态下，会偏重手指肌肉的动作记忆。当练习者遇到紧张、心情不佳时，只凭手指动作记忆，会使演奏者记忆中断，大脑一片空白。钢琴大师阿牢曾说：“有分析的记忆才是最可贵的”。所谓看谱想声与无琴无声，是在没有任何音响刺激的状态下，利用音乐内心听觉锻炼大脑对手指的控制支配能力，对音乐作品的记忆想象能力，增强谱面理解与识记。特别是无琴无声练习，不受时间、地点的限制，可在睡觉前，闭上双眼，眼前回忆谱面，想象左右手每个音在琴键上的位置，明确左右手的指法和指触，想象左右手弹奏的节奏、速度和表情，想象音乐内容和音乐形象。经过一段时间的练习，乐曲将融入到练习者的潜意识中，形成音乐思维。当练习者再次坐到钢琴前演奏此曲时，弹奏就像说话一样流畅自如，富有表情与感染力。运用多种练习方法结合，把乐谱上死板的音符通过音乐内心听觉内化为自身的音乐思维，使具有个性化的音乐语言在钢琴上表现出来。 音乐教育在本质上是审美教育，学习钢琴是接受审美教育的一种手段。钢琴学习的过程也是不断地重复提高的过程，只有学生形成良好的音乐听觉习惯，才能培养、保持其学习钢琴的兴趣与热情，并增强其在学习钢琴中不断克服种种困难的毅力，激发学生表现美、创造美的欲望，使钢琴学习的过程成为追求美的过程，使钢琴弹奏者成为音乐美的创造者。 钢琴学习论文:听觉在钢琴学习中的重要性 内容摘要：本文从外部听觉和内心听觉两方面入手，论述了在钢琴学习中，通过对音高、音值、音量、主调音乐、复调音乐和音质的倾听以及内心听觉的三个阶段来辨别、改进钢琴演奏的实际效果，从而说明听觉在钢琴学习的整个过程中所起的至关重要的作用。 关 键 词：外部听觉 内心听觉 主调 音乐是听觉的艺术。钢琴是通过手的触键而发声的，但以手触键只是机械性的动作，它不能直接感受音乐，那么，如何能弹出我们需要的音？全靠用听觉来鉴别，鉴别力越高，要求自己弹奏技术和表现音乐的能力就越高。可以说，耳朵的倾听是钢琴学习过程中至关重要的中介环节，它关系到演奏者对音乐的理解、布局、设计、演奏效果如何改进以及用力、指触与钢琴发出的实际音响之间如何协调等问题。因此，听觉的敏感对学好钢琴具有决定性意义。 音乐中的听觉分为外部听觉和内心听觉，这两个方面贯穿在钢琴学习的始终。 一、外部听觉验证是否弹奏了所“设计”的钢琴音乐 一首钢琴曲子，用音响的形式呈现出来的仅是谱面音响，我们用耳朵听到的是外部音响，这就是外部听觉。 在外部听觉中，耳朵的任务是辨别所听到的乐音与谱面是否完全吻合，并不断以听到的效果来帮助大脑对手指发出调整的指令。听觉在这个过程中要辨别五个方面的内容： 1.准确无误的音高，即音的高低。 2.纹丝不差的音值，即音的长短。 3.恰如其分的音量，即音的强弱。 这三个方面是组成音乐的最基本因素。 4.主调音乐，即以一条旋律为主要乐思，而其他部分通常作为和声因素处于服从、陪衬、协作的地位，一般情况下，它们的音量都不会超出要突出的那一条旋律。这一方面涉及到横向的旋律进行和纵向的和声进行，与前三个方面相比，就更复杂。 (1)从横向的旋律上来讲，首先要将旋律线条理清。在练琴过程中，要注意三点：一是不断感受旋律的轮廓，即旋律进行中由级进、小跳、大跳组成的上行、下行、拱形、波形；二是感受旋律中的乐句，乐句的划分很重要，就像说话要断句，音乐中的语言也需要断句，这样才能清晰准确地表达我们所要表达的音乐内容；三是感受旋律感情的刻画，不同的感情内容需要不同的演奏方法和手段去表现。 (2)从纵向的和声上来讲，在弹奏中必须倾听和声的进行、和声的倾向性、和声的调性、和声的色彩、和声的立体感。 不同时代不同作曲家对和声的运用是不同的，基本有两种情况：一种是把旋律当作一组和声的表层来对待，和弦的最高音就是旋律音。在这种情况下，弹奏时特别要倾听和声进行中的旋律线条，而不能仅仅强调和弦的纵向对位。另一种就是在20世纪的印象主义作品中，作曲家受当时的文学与绘画中印象主义和象征主义的影响，将十分独特的和声与音乐结合在一起，制造出了音乐色彩的变化，给听者一种视觉上的感受。 5.复调音乐，即两个或两个以上各具相对独立意义旋律的同时进行，换句话说，也就是由几条不同的旋律线编织成的一个纵向、立体结构的横向运动。 在复调音乐中，复调乐曲中同时出现两个、三个甚至四个声部的旋律，它们以对位的手法构成多声部的进行，同时各个声部又是独立进行的，在节奏上互不倚靠。这在演奏上是非常困难的，有时需要用一只手弹两个声部，有时则需要用两只手交替来弹一个声部。演奏这类作品时，听觉主要针对容易出现的三种倾向发挥其作用： (1)当弹奏几个声部时，尤其是一只手弹两个声部时，几个声部的旋律容易互相干扰，以致声部混淆不清。在这种情况下，只有靠听觉来对手指控制能力进行调整，从而使各个声部的旋律线条逐渐清晰。 (2)强调每个声部中主题的突出，从而忽略其他声部的对称，致使声部之间缺乏平衡。在这种情况下，只有靠听觉来对手指的力度进行调整，从而使声部之间相得益彰。 (3)对各个声部的进行都强调，从而缺少旋律的层次感，致使主题不鲜明。在这种情况下，只有靠听觉来对手指的触键力度以及控制能力进行调整，从而使声部之间主次交替的层次、力度强弱对比的层次逐渐清晰。 二、内心听觉能引导我们正确地诠释钢琴音乐 当我们看到音符时，不借助钢琴的声音也不哼唱，在全然的寂静中，在内心想象出并“听见”音符的高度、长度、力度，这就是内心听觉，它是人对音响的感受和对声音的想象力。德国音乐家贝多芬，26岁时出现了耳聋迹象后，依然没有停止创作，写出了《第三英雄交响曲》《第五命运交响曲》和《第九合唱交响曲》等杰出的作品。其中的原因就是他凭借自己高度发达的内心听觉，他在创作的时候，内心听觉使他在头脑中想象并听到了作品的音响效果。 在实际的钢琴学习过程中，内心听觉要求对音质进行鉴别，主要有以下三个方面的内容： 1.声音要通，切忌声音硬、散、虚。 我们所要求的“通”就是指声音要通畅、通顺、动听。通的声音混入的噪音少，振动状态好，无论强弱，都会共鸣好，传得远，延续长。声音硬多半是由手腕僵硬而造成的。如果弱而又散，则是虚，感觉音浮在琴键上。要解决这个问题，我们就要建立不硬、不散、不虚、集中的声音听觉观念，并在这种听觉观念的引导下进行弹奏，同时聚精会神地倾听所弹音的“品质”，从中感受以便及时改进并弹奏出正确的声音。 2.双音与和弦的弹奏。 双音，指任何两个音的同时弹奏。和弦，指三个及三个以上不同音按一定规则结合起来，同时发音。二者有一个共同点，就是同时发音，这就要求两个或两个以上的音在弹下时要整齐如一。我们可先在内心听觉里凭记忆想象一下两个或两个以上的音同时弹奏出的效果，然后在听觉的监督下仔细聆听弹奏的实际效果，将它与内心听觉的音响效果相比较，再进行改进，直到满意为止。在弹双音与和弦连奏时，几个手指的同时起落也需要听觉来检验。听觉要仔细地监督，保证前后两个音之间没有一丝间断也没有一毫重叠。同时由于每一个手指的长短和粗细不一样，又很容易出现音色、力度不统一的状况，避免这些问题的唯一办法就是，在听觉的高度专注下，细心控制好乐音弹下的力度与时间。 3.踏板的运用。 俄罗斯钢琴家鲁宾斯坦说过：“踏板是钢琴的灵魂。”正确使用踏板，可以使音乐充满活力、富有生气。如果使用不当，则会导致旋律模糊、乐句不明、和声混浊、节奏韵律紊乱等。在踏板的学习中，耳朵起到了关键作用。正如有人说“踏板是不能教的，只能靠耳朵”，这句话虽有失偏颇，但在一定程度上说明了听觉在踏板学习中的重要作用。踏板以什么速度踩下和抬起，踩下多深，抬起多高，都会因乐曲和弹奏者的不同而有差异。因此，想从老师那里学习到踏板运用的每一细节，或同老师一模一样地踩踏板，这些都是不可能的。唯一的、永远的老师，只能是自己的耳朵。要很好地使用踏板，就必须使自己的耳朵能敏锐地觉察到，踩在踏板上的脚或大或小的任何动作所引起的声音的任何变化。听觉既要检验已经弹出的声音是否符合要求，又要想象出将要弹奏的预期的音响效果，并指示脚做出相应的动作，以实现它希望的音响效果。 在实际的钢琴学习过程中，内心听觉发挥其重要作用，主要是通过三个阶段来实现的： 内心听觉的第一阶段，就是要事先“储存”杰出的音响信息。通过听音乐会、唱片录音等，把钢琴家对作品的具体处理进行研究并牢记他们的声音，这些最具表现力又最完美无缺的声音，为我们提供了一个声音追求的目标。 内心听觉的第二阶段，就是通过对这些美好声音的储存和研究，想象自己所演奏曲目的音响效果。要在心里首先听到自己的演奏，然后将自己的演奏与想象中所“听”到的音响相比较，逐步缩短二者之间的距离。这对提高演奏质量具有决定性作用。 内心听觉的第三阶段，就是想象从未听到过的声音，这是钢琴学习和演奏的最高阶段。在钢琴风格的演变史上，正是因为有一些杰出的富有创造性的演奏大师们敢于想象、敢于尝试，以常人不可想象的弹奏法，创造出崭新的音响，从而促进钢琴艺术的发展。任何新的演奏方法的产生都是由对新的声音的追求而引发的，只有丰富的想象才能引发对新音色、新声音的追求。内心听觉正是基于对声音的想象，先“听”到，才能后做到。 简言之，内心听觉在钢琴学习中就是通过“树立声音标准”“模仿杰出声音”“创造新的声音”来提高演奏水平的。 结语 本文对听觉训练在钢琴学习和练习中的重要性作了分析，通过从外部听觉到内心听觉，从听觉的内容到它的实际过程的分析，得出耳朵的倾听，确实是钢琴学习中至关重要的中介环节。音乐通过声音而实现的全部实际音响效果，只有通过耳朵的倾听来鉴别、来协调才能弹奏出更美妙的音乐。 钢琴学习论文:浅谈背谱在钢琴学习中的重要性 摘要：本文着重从背谱这方面进行分析，使得大家了解在我们的学习、演奏的过程中，一定会接触到一个问题:背谱。无论是小小琴童还是钢琴家，都需要背谱演奏。背谱可以影响我们的演奏效果，背谱也可以帮助我们有更多的精力表现音乐。因此,只有不断提高自己的背谱能力才能很好的去演奏出不同时期的作品。 关键词：乐段；触觉；记忆能力；听觉；音符；音乐术语；技巧 绪论 钢琴表演采用背谱形式直到浪漫主义时期才逐渐形成，“钢琴之王”弗朗茨?李斯特首先倡导背谱演奏，著名女钢琴家克拉拉?舒曼也极力推崇这种表演形式并赞其富有浪漫气息。随后钢琴家们纷纷效仿，音乐会上背谱演奏渐成风尚。到20世纪20年代时，已很少有钢琴家上台独奏时还要看谱了。背谱演奏的形式保留下来，公开场合的钢琴表演一般都要背谱，背谱训练就成为钢琴学习中的一项必要内容。 背谱，对于一个学钢琴的人来说是一件非常重要的事，一场成功的音乐会，除了平时有计划的耐心的练习之外，最后一关，就是背谱，把谱子背好，以便在正式演出时或是考试时能完整的、完美的表达乐意，否则，便等于将自己平时苦练，前功尽弃了。有些朋友说，“ 谱子还用背吗？弹熟了自然就记得了。”这里的记得和背可是两回事，每天因为不断的练习弹奏，由于手指的触觉和对键盘的熟悉反复再反复，直到练得非常的熟，而自然会背着弹奏出来，这种盲目的练习，到万一有某种外来的因素影响而突然停下来时，就没有办法接下去弹奏，也讲不出自己在弹奏些什么，不知其所以然。这种靠熟练触觉的背谱方法，不但得花很长时间，而且收到的效果不是很好，所以，建议还在用这种方法的朋友，这种方法只能够配合在背谱的时候运用而已，不可作为唯一的好的背谱方法使用！建议有时间把谱子拿到书桌上好好看看，使音符及各种记号，因为视觉的反复练习，而背熟谱子，由大脑直接想出音符来，是很好的一种背谱的方法。舒曼说过：“你必须练习，看到纸上的乐谱，就懂得音乐的进行，以及每个音在键盘上的位置。”这种背谱的方法是非常重要的一种背谱方法，我们称之为视觉背谱法！还有一种方法，就是在乐曲中，对作曲家的作品号码、调性、和声、音程、指法、曲式的变化及作曲家的风格、环境等等，做最起码的分析，使自己（演奏者），真正确实的了解曲意。比如：肖邦练习曲op25。no3，全曲共有72个小节，有f大调转b大调，再回到f大调的三段体。练习时，只要将前面16小节练熟就可以了，有人问：“为什么？”你可以发现这16个小节中，可分为两段，前8小节与后8小节是一样的，只不过多了一点变奏而已，而这8小节中第5 、6小节又和第1、2小节完全一样，所以，等于只练6个小节就可以了解这16个小节的全段了，了解了这一段，也就对全曲都有了了解。 总之，背谱一定要先分段落，分乐句，有计划有系统的背，然后再将整个曲子统一起来。背好谱子以后，可以默写（这是征对专业的有一定程度的朋友而言的）这是一个好方法，能够使曲子确实而有把握的记下，是保持记忆的好方法。当然，默写必须由少而多，开始默2个小节，慢慢的就可以是4小节一小段，2小段逐渐就是整首曲子。 一、让我们的背谱变得有效的方法 1．动脑不动手地看谱，靠视觉记住调号、旋律的进行，低音的进行，基本节奏音型，曲子的结构等。 2．靠手指的触觉和内心的听觉，不出声音地在琴上背奏，记住手指的键盘位置。 3．用弱音慢速在琴上弹。这需要高度思想集中才可能进行到底。 4．把曲子分成几段，编上号码，学会从任何一个号码开始弹，这样万一背断了，仍有办法接着弹，不至于手足无措。 5. 买些五线谱，让孩子把简易的曲调写在谱上，这是非常可靠的背谱法，有时孩子弹烦了，家长可叫他在谱纸上划音符；他会觉得像做游戏一样有趣。通过写，他会十分明确他弹的是什么音。 6．分手背。背谱时，问题经常出在左手和慢乐段，因为一般右手有旋律容易记住，而左手低音及和声的进行平日不注意。快的乐段需要一定的弹奏技巧。为了解决技巧问题，练习的次数多，速度又快，没有时间去怀疑音符的正确与否；而慢段平时常被忽视。以为没技巧问题就可以少练，结果背谱时就会产生犹豫，出现意外事故，因此针对性地分手背有极大好处。 二、背谱在钢琴教学中应用的必要性 (一）有利于提高视奏能力。 对于钢琴学习者而言，视奏能力的培养不容忽视。同样一个作品，有的人很快就能拿下，而有的人练了很久还弹得断断续续，这在很大程度上源于两人视奏能力的差异。在普通高校钢琴教学中，视奏能力很少被单列开来进行培养，而是由学生自行锻炼提高。这样一来，有些学生可能不知道如何提高这种能力，加上老师通常只注重回课的质量如何，对于视奏能力是否得到提高往往不加询问。而回课质量的提高是可以通过加量练习做到的，事实也是如此。布置新的曲目后，老师通常会让学生回去自行练习，当然也就不知道学生回课快是因为视奏能力有了提高还是由于加时练习所致。长期如此，视奏能力的培养肯定会被忽视，尤其是对于那些习惯于慢工出细活的学生而言。 （二）有利于形成良好的节奏感。 节奏是音乐中非常重要的表现手段，它能给曲调带来鲜明的特点，有助于音乐形象的树立。一首音乐作品的曲调，常由于具有特征的节奏而使它如浮雕般突出于其他伴奏声部之上而成为主要曲调即所谓的“主旋律”。对于一个钢琴学习者而言，面对一个全新的作品，如果采取“手感背谱”的传统方法，往往在对整个作品缺乏整体了解和全局把握的情况下，就从第一小节开始练习。其全部注意力可能会放在指法上，很少一开始就考虑作品的节奏，更别提作品的音乐表现了。而通过读谱，就可以对作品事先有个较为准确的了解，在弹奏时，不至于偏离这个方向。虽然事先熟悉曲谱并不意味着在第一次弹奏时就能把握好作品所要求的节奏，但至少比那种茫然弹奏的方法更胜一筹。对于学习者而言，由于不要一边看谱一边弹奏，自然可以将更多的注意力放在准确触键和节奏把握上来。当然，学习者也可以在此基础上借助于节拍器来进行弹奏，因为在音乐作品中，节奏和节拍密切联系并受节拍的约束。对于学生而言，最好是养成这样一种注意时值和节奏的好习惯，如果是不熟悉的曲谱，可以在开始将节拍放慢点，在进一步熟悉后再调到正常的速度上去。 （三）有利于增强对音准的把握。 在学生的钢琴演奏中，节奏混乱和错音往往是两个顽症。石叔城先生曾说：“在钢琴弹奏过程中，碰错音可以原谅，但将谱面上的音符弹错则不可原谅。”在钢琴演奏中，错音是影响弹奏效果的重要因素。不出现一个错音，这也是对音准把握的最高要求。在钢琴教学中，笔者发现一些学生对同一个作品，看谱弹时非常流畅，而一旦背谱弹就错音不断。为了避免这些错误，很多学生反复练习以便达到熟极而流。但由于借助的是一种机械性的记忆，稍微一紧张，就可能又出现断音、错音。通过“解剖背谱法”的训练则有助于治疗这个顽疾。“解剖背谱法”所带来的效果往往是，弹奏者在没有上琴之前，曲谱就可能已经印入脑海，在上琴时，弹奏者可以把所有注意力集中在琴键上，而不分心。 结论 当然，背谱方法因人而异，以上的方法也不一定适合于一切人与一切钢琴作品。笔者提倡这种方法，也并不意味着要否定上琴的重要性，通过练琴来背谱对于许多复杂的曲目来说，仍然是必要的。只是，笔者认为，如果能将这种方法很好地引入普通高校的钢琴教学中，并加以改进和完善，充分发挥它的特点与作用，势必给钢琴教育带来一定的惊喜。
歌唱教学论文:歌唱心理声乐教学论文 一、歌唱心理在声乐教学中的应用 在声乐教学中，应用并培养学生的歌唱心理，可以使其发挥积极的作用。声乐教学与其他学科的教学不同，在声乐教学中，教师和学生之间的配合非常的重要，教师在课堂中的教学态度和教学语言，对学生的心理会产生极大的影响，所以在声乐教学中，教师需要认真、耐心、友好地与学生交流，并细心观察学生心理上的变化，合理的运用学生的心理活动，提高学生的声乐学习技能的学习。在声乐教学中，歌唱心理的应用表现主要有： （一）对学生的兴趣、爱好进行培养 兴趣的学生最好的老师，有了兴趣，才会不断的追求，只有对声乐感兴趣，才会不断的追求。在声乐教学中，歌唱心理的应用，首先体现在对学生兴趣、爱好的培养，兴趣的声乐学习中非常重要，对学生的声乐学习兴趣进行培养，可以提升学生对声乐的情感，增加学生对声乐的喜爱，让学生在声乐学习中，充分发挥自身的优势，增强自信心。 （二）对学生的心理和感觉进行引导 声乐教学与其他类型的学科教学不同，声乐教学具有不确定性，很难在教学中，通过规范化的语言文字将声乐教学中的知识传授给学生。声乐教学中的很多东西都是只可意会不可言传的，为了提高声乐教学质量和教学效率，需要声乐教师在教学的过程中，对学生的心理、声乐感觉等进行引导，帮助学生在声乐学习中，形成正确的心理和感觉。声乐教学非常注重素养，为了有效的利用歌唱心理，需要通过引导，提高学生的声乐修养。 （三）在演唱前、考试前对学生进行心理辅导 在声乐教学中，教师不仅是传授知识的工作者，也是学生生活中的朋友，在生活中，加强和学生之间的沟通、交流，可以帮助学生心理上存在的问题。在一些演出前或者考试前学生的心理压力非常大，会出现精神高度紧张、情绪不安等影响其正常发挥的现状，降低学生的心理素质，为此在在考试前、演唱前对学生进行健康的心理辅导，帮助学生从容面对考试。歌唱心理在声乐教学中的应用，除此以上内容外，在学生舞台实践训练、学生声乐歌唱欲望的培养等方面也有应用。在声乐教学中，利用歌唱心理，帮助学生将心理问题解决，让学生真正的了解声乐演唱中的情感、内涵等，可以在舞台上尽情、正常地演唱，将自己领会到的声乐情感顺利地呈现出来。 二、结语 歌唱心理在声乐教学中具有重要的地位，发挥着举足轻重的作用。在声乐教学中，应用歌唱心理，可以帮助学生掌握声乐学习的技能，增强学生对声乐的认识，同时在声乐教学中，应用歌唱心理，还可以促进课堂教学的顺利进行，提高声乐教学的质量和声乐教学的效率，充分的发挥学生在声乐学习中的积极性。歌唱心理在声乐教学中，发挥着重要的作用，帮助学生更好的诠释每一首音乐作品，达到声乐教学的目的和声乐教学效果。 作者：樊娅娅 单位：兰州文理学院 正常歌唱心理状态提升教学论文 编者按：本文主要从心理学是研究人类心理活动的发生、发展和规律的科学、在我们声乐教学中，大都只注重嗓音技巧方面的训练、在我国医学中，所讲的“七情致病”“暴怒失音”“怯泣失音”、教学法不当，就可能造成学生心理上的障碍、人的高级神经——心理上受刺激，可影响到血液内的激素和内分泌的改变、对此症施以理疗法及功能训练（方法略），即可取得理想的疗效、同时对学生进行歌唱心理状态方面的培育、声乐艺术是在高级神经控制下进行的、歌唱演员往往比较敏感、易于激动、若是在临场前，突然遇到意外刺激引起心绪不安时，可采取“静气”法等，具体请详见。 摘要：歌唱心理学是一门研究声乐教师、学生及一切演唱者的心理现象与教学实践的一门新科学，它帮助我们深刻认识歌唱与发声的内在规律，从而提高声乐教师的教学水平，增强学生的学习能力。 关键词：歌唱心理学心理状态歌唱欲望 心理学是研究人类心理活动的发生、发展和规律的科学，也是研究人类精神活动规律的科学。它涵盖一切人类的活动，当然也包括声乐。当前社会对心理学的学习和使用并不自觉，也不普遍，音乐专业的课程设置中也没有心理学这门课。但是不管你懂不懂心理学，心理学的客观规律却时时伴随着我们的一切声乐活动。和一切正确理论的意义一样，你懂得了它，掌握了它，就可利用前人已发现的规律，主动地遵守它，顺应它，就可避免弯路和倒退，取得事半功倍的效果。 在我们声乐教学中，大都只注重嗓音技巧方面的训练，对于歌唱心理学的研究与运用，存在着一定的差距。现代心理学证明，不良的心理因素在一定条件下，可以导致心身疾病的发生，以及影响嗓音，甚至失音（在声病临床中，由于心理因素导致声嘶者，屡见不鲜）。 在我国医学中，所讲的“七情致病”“暴怒失音”“怯泣失音”，就是指心理因素致病而言的（又讲到七情：喜、怒、忧、思、悲、恐、惊失调，可以导致阴阳失调、气血不和）。还强调指出：“夫百病皆生于气，怒则气上、喜则气绥、悲则气消、恐则气下……惊则气乱……思则气结。”以上所说的气，虽然不单纯指气息而言，还包含着经络学中所讲的“气”，但它与呼吸是有着直接关系的。如所说的“恐则气下、惊则气乱、怒则气上……”每个歌者可能对此都有深刻的体会。当生着气上台演唱时，气总是吸不深，觉得嗓音堵在喉部，或者嗓音往上抽。又如怯台的人上场，由于心情紧张，气总是稳不下来，容易失去气息的支点。总之，歌唱心理不正常，则会导致整个发声器官功能不同程度的紊乱。因此歌者嗓音技巧发挥得好坏，与临场前的心理状态有很大的关系。 尤其是初学歌唱的男女青少年，正于青春发育旺盛期中，由于在生理和心理两者的相互作用下，有着较强烈的“易感性”，容易兴奋也容易疲劳，因此自我控制能力也比较差，遇到一点点刺激就会引起情绪上的波动，于是也就会出现发声功能的不正常。因此教学法不当，就可能造成学生心理上的障碍，反之，也可以解除学生心理上的障碍。如学生没唱好，越批评指责，往往越唱不好。若采取和蔼的态度指出其缺点以及如何克服的方法，并循循善诱使其进入正常的歌唱心理状态，则可取得满意的效果。 我们知道，人的高级神经——心理上受刺激，可影响到血液内的激素和内分泌的改变。因此人们在遇到外界的刺激而自己又不能排解自拔时，即会产生不同程度的烦躁、焦虑、忧愁，甚至失眠、不思饮食，甚至有女性闭经等情况出现。在歌唱者的嗓音方面，突出地感到喉、咽部干燥；唾液的分泌减少，身上出汗，胃部停止蠕动，大脑皮层与高级中枢神经系统出现“瞬发式”失调，以及会出现尿频等现象。相反有的人分泌物过多，有吐不完的口水。有些演员在临场演唱之前，自己总感觉嗓子疼痛、发干，甚至认为自己无法上台演唱；可是演唱完下台后，又感觉自己的嗓子丝毫没有疼痛之感。还有的演员演出时情绪紧张、心慌、血压升高、心跳次数明显增加，同时导致全身肌肉紧张，心惊肉跳，手足无措，四肢打颤、手势、姿态与声音失去协调性，本来不需要手势辅助的地方，却做出了动作，需要手势的时候，又做不出手势；又因面部肌肉紧张致使目光呆滞，难以传神，难以表达喜悦、激昂、悲愤、痛苦等特殊感情。笔者曾遇到过一个歌唱者在上场之前与别人争吵了几句，上台演唱时，气浮声浅、高音破裂。下场后即对镜检，见其假声带功能亢进，声门闭合不良，显系发声机能紊乱。在嗓音医学上称之为“心因性发声障碍”。对此症施以理疗法及功能训练（方法略），即可取得理想的疗效。此症吃药无济于事。 由此，笔者认为，教师在指导学生歌唱时，应同时对学生进行歌唱心理状态方面的培育。所谓正常的歌唱心理状态有两个方面：一是启发学生的歌唱欲望，一是诱导学生进入音乐，进入角色。尤其是培养学生在临场前的自信心，以及如何排除因突然事故而引起的心理障碍，是不可缺少的教学内容。 声乐艺术是在高级神经控制下进行的，它不单单是发声器官的运动，而且也包括全身很多器官共同协调一致的活动。歌唱者除掌握声（发声）、字（咬字）、曲（唱腔、旋律）、情（表现）等技巧基本功外，还应该锻炼具备健康而稳定的情绪。这种正常的积极的歌唱心理状态的自我培养、自我控制，通过平时的长期锻炼与稳定，到头来即可达到随时而来、时需则至。如传统强调的“以情带声”，其意义就有使演员每唱先入情，即可排除不正常的心理因素，久之则可形成良好的歌唱心理状态的条件反射。 但是人们在复杂的生活中，难免随时碰到意想不到的外界刺激引起情绪上的波澜，以致影响嗓音。除上述注意锻炼正常的歌唱心理状态外，在生活中应注意“应激机能”的自我锻炼、自我修养。所谓应激机能，即是人们在接受外界不良的刺激后，通过神经系统和内分泌系统予以控制，亦即经过心理矛盾、统一、拮抗、协调等反复、复杂的思维活动过程，最后达到对不良刺激作出合乎时势的、恰如其分的反应和处理，使得自己的心理状态能够及时地稳定下来。因此加强思想、道德、修养和处事能力的提高对于歌唱演员来说，是十分重要的。俗语说“眉头一皱，计上心头”，或说人在激动中办事要做到“冷处理”。“眉头一皱”“冷处理”，就是经过心理矛盾、统一、拮抗、协调等反复、复杂的思维活动过程，最后作出恰如其分的反应和处理的通俗解释。 歌唱演员往往比较敏感、易于激动，因此应激机能的锻炼，应作为必修课程。京剧艺术表演家尚小云先生生前曾说过，在台上唱好戏，平时要进行“修真养性”等等。这些话是值得歌唱演员学习的。对于过于文静、内向的人，切忌抑郁烦恼而自扰。 若是在临场前，突然遇到意外刺激引起心绪不安时，可采取“静气”法。俗语说“遇大事要静气”。所谓静气法，即是在“以意领气”“意守丹田”的心理状态下，进行匀、静、深、长的呼吸练习，安心地做五六分钟的时间，自可达到心静神宁，而后专心致志地投入艺术创造。还有人介绍经验：演员在临场前有心理障碍时，可给他（她）讲笑话，逗笑之后，心理障碍即可解除。此法有人试过，有效果。 还有一种“默唱”法，也值得歌唱演员学习。默唱法也是解除心理障碍的方法之一。所谓默唱法，就是在临场前，找一安静之处，将自己要演唱的重点曲目，作无声的歌唱，把全部身心投入到艺术创造中。著名歌唱家斯克曼·恩克采用此法，不但可以排除某些心理障碍，而且可以很好地把握住积极的歌唱状态，取得理想的演出效果。如果我们把上述两法结合起来练习，则会有更好的效果。 对于怯场的歌唱演员来说，除建立正常歌唱状态、树立信心、多实践之外，加强本身技艺的提高，也是克服怯场心理的重要手段。俗语说“艺高人胆大”嘛。 歌唱的过程是一种极为复杂的心理和生理活动，以上所述，远远不能包罗实际教学和演唱中所能出现的各种情况，所以，对于歌唱心理学的研究和运用，我们还有更远的路要走。 歌唱教学论文:声乐教学中应注重歌唱艺术的完整性 在声乐教学过程中我们经常会发现，往往会有相当一部分学生把声音、技巧看得很重，在演唱时炫耀自己的高音、完善的技巧，可总是给人一种不完全、不尽兴之感；教师在教学中也总是注重基本技能的训练，如气息的支持、音色的明暗等，对作品的风格、作品的内涵等忽略了，培养出的学生在演唱时技巧、声音都很到位，但表现作品很空洞。当然，要想唱好作品，必须具备完善的技巧，但具备了技巧的同时，教师还应注重对学生个人艺术修养的培养，对歌曲进行更深层次的艺术处理，使学生更加全面发展。下面几方面是本人从事教学以来总结的一些经验。 一、引导学生充分理解歌曲内涵 人们由于各自的思想水平、文化素养、生活经历、艺术实践以及个人的气质、性格、爱好的不同，对同一事物的感受也不尽相同,因此在对同一首歌曲的表现手法上就不相同，从而产生不同的艺术效果。那么，我们在演唱同一首歌曲时，就应对它的歌词、曲调、伴奏、和声以及对作品的创作背景等都要进行仔细的研究，深入地理解歌曲的内涵，只有真正地了解了歌曲的内涵，才能用真心去抒发，才能唱出感动人心的歌声。如歌曲《黄河颂》，它创作于抗日战争时期，这首歌曲通过对象征中华民族伟大精神的黄河的宏伟气势的描写，诉说了英雄儿女学习黄河勇往直前的伟大决心。它是一首中华民族的伟大颂歌，激励着中国人民同日本帝国主义浴血奋战的顽强斗志。这首歌曲的词、曲作家以高度艺术概括手法，将内容与形式完美地结合在一起。那么，有了深刻的理解后，就在我们心中形成了丰富的音乐形象，因此，我们应启发学生在演绎这首作品时就应有一种豪迈的气势，在演唱过程中，要唱出黄河的雄伟壮观，使学生进入歌唱的意境当中，给学生描述这种黄河的壮美、宏伟之情。当这种景象画面进入学生的头脑之后，自然而然地在歌唱之前就会有充分的准备，才能恰如其分地描绘出“站在高山之巅”异峰突起、雄伟挺拔的气势，才能表现出居高临下、放眼远眺的意境，才能唱出令人荡气回肠、恢弘浩大的气势，才能演绎出中华民族这种像黄河一样伟大坚强的巨人形象。 二、充分强调歌唱的艺术表现 有些学生在唱歌时，对歌词能很好地分析，对其内涵也能够深刻地理解，表现时也很有激情，但听起作品来却给人很平淡的感觉，这大多是由于未掌握音乐的表达规律的缘故。那么，教师在教学中就可以从以下几方面来启发，给学生讲解，来培养增强学生的乐感。 1.把握好节奏的律动规律 节奏是音乐的支柱、乐感的优秀，演唱者如果在同一节拍速度中演唱，缺乏等速的稳定，速度忽快忽慢，不是赶节奏就是拖节奏，后半拍与切分音拍子唱不准，进不来，这属于节奏感较差的现象。只有具备音乐节奏等速的稳定感和随节奏变化表现出灵敏性和适应感强的人，才能在演唱的节奏中表现出很强的乐感，那么，应体现节奏的基本规律，提高音乐的美感。我们在唱同一首作品时，不能像绷紧的弦一样，每个音都很强，每拍都很重，没有音乐的律动，实际上在歌唱时只要把节奏中的强拍，歌词中的重点字突出唱出来即可。如歌曲《我爱你，塞北的雪》在演唱时就应抓住四拍子律动的规律：强、弱、次强、弱，“我爱你，塞北的雪”在演唱强拍时唱出来，弱拍时带过去，“我”字唱强，“爱”唱弱，“你”唱次强渐弱，“塞”唱强，“北”唱弱，“雪”唱次强渐弱，而不是每拍每个字都唱得很重很强，这样的音乐就有了流动感。 2.连贯、细腻的行腔 教师还应在教学中提示学生演唱要圆润、细腻、流畅，在教学中常会发现有些学生在演唱歌曲时，乐句的衔接不是很连贯，中间有断开的地方，这样就破坏了音乐的完整性，使听者听起来很不舒服。这种情况大多是由于学生在演唱时忽略了乐句拍尾的音，当乐句将要结束的时候，往往演唱者就放松了，有时四拍就唱成了三拍半，或者就差那么一点点而不够拍。这实际上是学生不注意而引起的，久而久之养成了习惯。还有的学生节奏感较差，总是唱不准节拍，那么，教师在教学中应经常提醒学生，字与字衔接时要紧密，结尾的字与下句的字头要“贴住”，不要有空隙，母音换字时不要有大的动作与变化，让声音连在一起，用气息支持，把每个音均匀、连贯地唱出来，这样声音听起来就连贯了，由于乐句的紧密连接，表达作品也就完整了，听者也会感到很舒服。 3.歌唱时要唱出歌曲的层次 在歌唱过程中，如果从头至尾都平铺直叙，就缺乏音乐的表现力了，每首作品都有高潮，有收尾，每一个小乐段也有起伏，有小的变化。那么我们在教学中就应提示学生注意歌曲表达时层次对比要鲜明，行腔时要抑扬顿挫并给予极大的夸张，那样才能收到预期的效果。我们在演唱一首作品时，先分析歌曲的内涵，弄清了歌曲所要表达的意境，再根据歌曲的特点，在高潮时把歌曲推出来，唱出歌曲的层次。如歌曲《我爱你，塞北的雪》，这首作品通过洁白、晶莹的冬雪的描述，赞颂了纯洁的心灵、高尚的品德、坚定的信念这种精神气质和为民族昌盛、为人民幸福而奉献的品质，这才是这首歌曲的主题，那么，明白了歌曲的内涵后，我们还要对作品的曲调、伴奏和声、风格再仔细地研究，深入了解作品的感情基调，这首作品从前奏跳跃的音型中就使人进入了一种特定的意境，使人联想到晶莹、洁白的雪花纷纷从天空中飘落，仿佛置身于优美的环境中，自然而然就有要抒发内心感受，表达内心情感的要求，很自然地就会抒情、悠扬、亲切地把“我爱你，塞北的雪，飘飘洒洒漫天遍野”唱出来；接下来“你的舞姿是那样的轻盈，你的心地是那样的纯洁……”用了拟人的手法，把雪写得非常有灵性，在这抒情的词句中，蕴藏着哲理，形象的比喻中浸透着中华民族的时代精神。那么在这段中情感的运用要有变化，既要表现得深沉高雅，又要凝重潇洒，还要表现出雪的轻盈，到“你是春雨的亲姐妹”时，歌曲达到高潮，在演唱时，不可平淡，要由弱到强，渐渐地把歌曲推向高潮，春雨的“雨”字，作曲家用了强劲的和声，连续六拍地推进，到“亲”字形成了感情的饱和度和支持点。因此，在这句一定要给予极大的夸张然后渐弱很自然地归原调结束，尾声时“塞北的雪”轻轻哼唱，用来寄托作者深深的爱，同时也带给人无限遐想，又回到了宁静、洁白的雪的世界中。这样唱出的歌曲才会有层次，有律动。 要想很好地表达歌曲，还需注意很多方面：如有感情的换气、表情、动作，还有，要细心地唱好休止符等等，就不一一陈述了。 当然，在教学过程中，教师应了解学生的特点，仔细分析他的长处，根据其特点而制订符合他、能发挥他优势的教学计划，使其在学习过程中，能够不断地掌握科学的方法、技巧，不断地增强自身的艺术修养，使自己更为完善。 歌唱教学论文:浅谈歌唱心理在演唱和教学中的作用 内容摘要：声乐艺术是以音乐和语言来表达歌曲思想情感的，歌唱时心理素质和心理状态的好坏，对于声乐学习和演唱将起着很重要的作用，在声乐教学中应引起师生的足够重视。 关键词：声乐教学 能力 歌唱心理 声乐艺术不是单纯的歌唱方法和各种技能技巧的训练，而是歌唱全面素质的培养和训练。不容忽略的一个重要方面，就是歌唱心理对演唱的作用和影响。歌唱心理是歌唱学习与实践过程中心理现象的反映，认知歌唱者在歌唱学习、艺术实践中的心理变化规律，是提高演唱能力和课堂教学水平的重要环节。声乐艺术心理学与声乐教学始终贯穿在声乐的教与学的过程中，歌唱心理支配和影响着技能技巧及音乐情感的发生和发展。歌唱心理意识的外在反应就是歌唱的行为，所以说歌唱艺术是人的歌唱心理的艺术。 在声乐教学中，有些教师已经自觉或不自觉地把歌唱心理教学运用到课堂中。心理教学法深化和发展了传统的生理教学法，揭示了歌唱与发声的产生和发展规律，体现了声乐艺术的科学性。作为声乐教师必须要掌握声乐教学的心理规律，从而启发学生运用意识、感觉、想象、情感等心理手段，对歌唱与发声的生理技能进行调控。心理学使我们知道，人的心理活动直接影响到实践能力。在声乐教学中会出现一些现象，由于歌唱心理的不稳定使歌唱能力、歌唱水平也随之发生变化。如有些学生在上课或自己练习的时候唱得很好，一有听众就会局促不安，演唱时会出现气息上浮、喉头紧张打不开、声音位置不统一等诸多问题，使演唱水平大打折扣。还有些学生在台下练唱得非常熟练，可一到台上也会出现忘词、音不准等情况，这是由于紧张失控而产生的歌唱心理障碍。各种因素造成的情绪紧张，会使已经熟练的动作和熟记的材料不能重新回忆、再现或再做，被心理学家称为“怯场”。“怯场”是一种心理反常现象，是不正常的心理和生理过程所造成的，这样的歌唱心理会给演唱带来很大的影响。 声乐艺术不同于其他科目，比较抽象，不够直观，是凭歌者的感觉和体会来掌握歌唱的技能技巧。17世纪意大利人培特罗·托西指出：“没有敏锐听觉的人永远也不应当从事教学工作，自己更不应当演唱……”在多年的教学工作中，笔者有深刻的体会，很多歌唱技巧不是歌唱理论能讲得清楚的。学生的歌唱能力与理解力又各不同，教师就要因人而异，采用不同的教学方法启发引导学生。在歌唱训练中，凭借自己的思维展开丰富的想象，将发声的原理和机能中比较抽象和不易理解的概念变得清晰可辨，多采用“比喻”的方法，则是达到这一目的的重要教学手段。喻宜萱教授在《十几年来音乐院校教学中的几个问题》一书中，着重指出：“从这几年的经验中，我们懂得了要在训练之前，注意观察学生的心理状态。必须指明，一个人的心理不自然、不平静，精神不集中、不充沛就不能发出美好的声音，就不会唱好歌曲，只有当他（她）内心充满歌唱的愿望时，只有当她（他）具有真挚的学习信心时，才能做好课堂上的作业。”的确，教师在声乐教学中对歌唱技巧与歌唱心理应给予同等的重视。 在歌唱的教与学的过程中，要注重加强歌唱心理训练。歌唱心理训练培养歌唱者善于控制和调节自我心理状态的能力，在演唱时能置于角色之中，达到最佳的歌唱状态。笔者在从事多年的课堂教学和演唱中初步摸索出了一些对歌唱者进行心理训练行之有效的途径和方法。 一、 激发学习兴趣，加强意志和性格的培养 大多数歌唱家都对自己从事的事业有着强烈的爱好和情感，这种情感是从兴趣开始的，是兴趣的升华，只有对声乐艺术充满了兴趣，才会为之努力。教师在教学中要把调动学生学习声乐的积极性放在首位。托尔斯泰说：“成功的教学所需要的不是强制，而是激发学生的兴趣。”教师的神态、语言、动作、指挥、范唱等一切教学行为都会送出情感的信息。教师要以积极的情绪感染学生，教师亲切自然、满怀信心地出现在学生面前，给学生留下美好的印象，才会使学生心情开朗、满怀激情地投入到声乐学习中，从而使学生从训练之初，就养成一种良好的歌唱精神状态，非常自然地、诚挚地带着美好的愿望投入到声乐学习的情绪中。另外，还要不断开阔艺术视野，多查阅音像资料，提高声乐艺术审美能力，使教与学有机紧密地融合在一起。 意志和性格是人的心理特征的重要方面，是经常的、稳定的、本质的心理特征。每个人自身所体现的意志和性格都有所不同，从性格方面来分析，分为外向型和内向型。外向型学生的性情会比较开朗、乐观，自信心强，歌唱心理相对比较稳定。内向型性格的人在同外界接触中，会比较紧张缺乏自信心，容易害羞。大多数内向性格的人在演唱时会出现消极的歌唱心理，就是“怯场”的心理。对于这种情况的学生，教师就要采用多鼓励、多欣赏的方法，让学生对自己的歌唱充满自信，多给学生表演锻炼的机会。平时要多培养歌唱的情绪，保持饱满、乐观的精神状态，经过长时间的训练，才会使学生拥有良好的歌唱状态。另外还要注重培养学生努力钻研的学习精神，加强歌唱技能技巧的训练，只有具备了一定的歌唱能力，自信心才会逐渐增强。 二、培养歌唱实践的能力 歌唱艺术是舞台艺术，是同听众见面的艺术。学生在课下应多参加舞台实践活动，积累舞台演唱的经验与自我驾驭的能力，在反复的舞台实践中不断地改善自身的心理状态，消除心理障碍，实现自我调节，从而在演唱中能够更加充满信心；在上台前，要保持积极向上的歌唱状态，培养歌唱的欲望，稳定心态；在演唱时，注意力要高度集中，不能被外界干扰，音乐一起就要全身心地投入到歌曲的情境中。有这样一句话：“先打动自己才能打动观众。”这样演唱时就能始终处于可控状态。另外，落落大方的台风，上下台的步态，以及演唱中有较长过门间隙时，台上的表情感觉都要与乐曲表现的内容相吻合。作为演唱者，其歌唱的目的就是要使观众融入到你所演唱的歌曲情感中，只有声音与表演协调一致，才会把观众带入到美的感受中。 总之，我们在演唱和声乐教学中对歌唱心理的训练要给予足够的重视。培养良好的歌唱心理要从平时的点滴做起，不能急于求成，只有把精湛的歌唱技巧与良好的歌唱心理结合起来，才能达到声乐艺术的完美境界。 歌唱教学论文:谈歌唱心理学在声乐教学中的运用 内容摘要：歌唱心理学是一门研究声乐教师、学生及一切演唱者的心理现象与教学实践的一门新科学，它帮助我们深刻认识歌唱与发声的内在规律，从而提高声乐教师的教学水平，增强学生的学习能力。 关 键 词：歌唱 心理学 心理状态 歌唱欲望 心理学是研究人类心理活动的发生、发展和规律的科学，也是研究人类精神活动规律的科学。它涵盖一切人类的活动，当然也包括声乐。当前社会对心理学的学习和使用并不自觉，也不普遍，音乐专业的课程设置中也没有心理学这门课。但是不管你懂不懂心理学，心理学的客观规律却时时伴随着我们的一切声乐活动。和一切正确理论的意义一样，你懂得了它，掌握了它，就可利用前人已发现的规律，主动地遵守它，顺应它，就可避免弯路和倒退，取得事半功倍的效果。 在我们声乐教学中，大都只注重嗓音技巧方面的训练，对于歌唱心理学的研究与运用，存在着一定的差距。现代心理学证明，不良的心理因素在一定条件下，可以导致心身疾病的发生，以及影响嗓音，甚至失音（在声病临床中，由于心理因素导致声嘶者，屡见不鲜）。 在我国医学中，所讲的“七情致病”“暴怒失音”“怯泣失音”，就是指心理因素致病而言的（又讲到七情：喜、怒、忧、思、悲、恐、惊失调，可以导致阴阳失调、气血不和）。还强调指出：“夫百病皆生于气，怒则气上、喜则气绥、悲则气消、恐则气下……惊则气乱……思则气结。”以上所说的气，虽然不单纯指气息而言，还包含着经络学中所讲的“气”，但它与呼吸是有着直接关系的。如所说的“恐则气下、惊则气乱、怒则气上……”每个歌者可能对此都有深刻的体会。当生着气上台演唱时，气总是吸不深，觉得嗓音堵在喉部，或者嗓音往上抽。又如怯台的人上场，由于心情紧张，气总是稳不下来，容易失去气息的支点。总之，歌唱心理不正常，则会导致整个发声器官功能不同程度的紊乱。因此歌者嗓音技巧发挥得好坏，与临场前的心理状态有很大的关系。 尤其是初学歌唱的男女青少年，正于青春发育旺盛期中，由于在生理和心理两者的相互作用下，有着较强烈的“易感性”，容易兴奋也容易疲劳，因此自我控制能力也比较差，遇到一点点刺激就会引起情绪上的波动，于是也就会出现发声功能的不正常。因此教学法不当，就可能造成学生心理上的障碍，反之，也可以解除学生心理上的障碍。如学生没唱好，越批评指责，往往越唱不好。若采取和蔼的态度指出其缺点以及如何克服的方法，并循循善诱使其进入正常的歌唱心理状态，则可取得满意的效果。 我们知道，人的高级神经——心理上受刺激，可影响到血液内的激素和内分泌的改变。因此人们在遇到外界的刺激而自己又不能排解自拔时，即会产生不同程度的烦躁、焦虑、忧愁，甚至失眠、不思饮食，甚至有女性闭经等情况出现。在歌唱者的嗓音方面，突出地感到喉、咽部干燥；唾液的分泌减少，身上出汗，胃部停止蠕动，大脑皮层与高级中枢神经系统出现“瞬发式”失调，以及会出现尿频等现象。相反有的人分泌物过多，有吐不完的口水。有些演员在临场演唱之前，自己总感觉嗓子疼痛、发干，甚至认为自己无法上台演唱；可是演唱完下台后，又感觉自己的嗓子丝毫没有疼痛之感。还有的演员演出时情绪紧张、心慌、血压升高、心跳次数明显增加，同时导致全身肌肉紧张，心惊肉跳，手足无措，四肢打颤、手势、姿态与声音失去协调性，本来不需要手势辅助的地方，却做出了动作，需要手势的时候，又做不出手势；又因面部肌肉紧张致使目光呆滞，难以传神，难以表达喜悦、激昂、悲愤、痛苦等特殊感情。笔者曾遇到过一个歌唱者在上场之前与别人争吵了几句，上台演唱时，气浮声浅、高音破裂。下场后即对镜检，见其假声带功能亢进，声门闭合不良，显系发声机能紊乱。在嗓音医学上称之为“心因性发声障碍”。对此症施以理疗法及功能训练（方法略），即可取得理想的疗效。此症吃药无济于事。 由此，笔者认为，教师在指导学生歌唱时，应同时对学生进行歌唱心理状态方面的培育。所谓正常的歌唱心理状态有两个方面：一是启发学生的歌唱欲望，一是诱导学生进入音乐，进入角色。尤其是培养学生在临场前的自信心，以及如何排除因突然事故而引起的心理障碍，是不可缺少的教学内容。 声乐艺术是在高级神经控制下进行的，它不单单是发声器官的运动，而且也包括全身很多器官共同协调一致的活动。歌唱者除掌握声（发声）、字（咬字）、曲（唱腔、旋律）、情（表现）等技巧基本功外，还应该锻炼具备健康而稳定的情绪。这种正常的积极的歌唱心理状态的自我培养、自我控制，通过平时的长期锻炼与稳定，到头来即可达到随时而来、时需则至。如传统强调的“以情带声”，其意义就有使演员每唱先入情，即可排除不正常的心理因素，久之则可形成良好的歌唱心理状态的条件反射。 但是人们在复杂的生活中，难免随时碰到意想不到的外界刺激引起情绪上的波澜，以致影响嗓音。除上述注意锻炼正常的歌唱心理状态外，在生活中应注意“应激机能”的自我锻炼、自我修养。所谓应激机能，即是人们在接受外界不良的刺激后，通过神经系统和内分泌系统予以控制，亦即经过心理矛盾、统一、拮抗、协调等反复、复杂的思维活动过程，最后达到对不良刺激作出合乎时势的、恰如其分的反应和处理，使得自己的心理状态能够及时地稳定下来。因此加强思想、道德、修养和处事能力的提高对于歌唱演员来说，是十分重要的。俗语说“眉头一皱，计上心头”，或说人在激动中办事要做到“冷处理”。“眉头一皱”“冷处理”，就是经过心理矛盾、统一、拮抗、协调等反复、复杂的思维活动过程，最后作出恰如其分的反应和处理的通俗解释。 歌唱演员往往比较敏感、易于激动，因此应激机能的锻炼，应作为必修课程。京剧艺术表演家尚小云先生生前曾说过，在台上唱好戏，平时要进行“修真养性”等等。这些话是值得歌唱演员学习的。对于过于文静、内向的人，切忌抑郁烦恼而自扰。 若是在临场前，突然遇到意外刺激引起心绪不安时，可采取“静气”法。俗语说“遇大事要静气”。所谓静气法，即是在“以意领气”“意守丹田”的心理状态下，进行匀、静、深、长的呼吸练习，安心地做五六分钟的时间，自可达到心静神宁，而后专心致志地投入艺术创造。还有人介绍经验：演员在临场前有心理障碍时，可给他（她）讲笑话，逗笑之后，心理障碍即可解除。此法有人试过，有效果。 还有一种“默唱”法，也值得歌唱演员学习。默唱法也是解除心理障碍的方法之一。所谓默唱法，就是在临场前，找一安静之处，将自己要演唱的重点曲目，作无声的歌唱，把全部身心投入到艺术创造中。著名歌唱家斯克曼·恩克采用此法，不但可以排除某些心理障碍，而且可以很好地把握住积极的歌唱状态，取得理想的演出效果。如果我们把上述两法结合起来练习，则会有更好的效果。 对于怯场的歌唱演员来说，除建立正常歌唱状态、树立信心、多实践之外，加强本身技艺的提高，也是克服怯场心理的重要手段。俗语说“艺高人胆大”嘛。 歌唱的过程是一种极为复杂的心理和生理活动，以上所述，远远不能包罗实际教学和演唱中所能出现的各种情况，所以，对于歌唱心理学的研究和运用，我们还有更远的路要走。 歌唱教学论文:声乐教学中应注重歌唱艺术的完整性 在声乐教学过程中我们经常会发现，往往会有相当一部分学生把声音、技巧看得很重，在演唱时炫耀自己的高音、完善的技巧，可总是给人一种不完全、不尽兴之感；教师在教学中也总是注重基本技能的训练，如气息的支持、音色的明暗等，对作品的风格、作品的内涵等忽略了，培养出的学生在演唱时技巧、声音都很到位，但表现作品很空洞。当然，要想唱好作品，必须具备完善的技巧，但具备了技巧的同时，教师还应注重对学生个人艺术修养的培养，对歌曲进行更深层次的艺术处理，使学生更加全面发展。下面几方面是本人从事教学以来总结的一些经验。 一、引导学生充分理解歌曲内涵 人们由于各自的思想水平、文化素养、生活经历、艺术实践以及个人的气质、性格、爱好的不同，对同一事物的感受也不尽相同,因此在对同一首歌曲的表现手法上就不相同，从而产生不同的艺术效果。那么，我们在演唱同一首歌曲时，就应对它的歌词、曲调、伴奏、和声以及对作品的创作背景等都要进行仔细的研究，深入地理解歌曲的内涵，只有真正地了解了歌曲的内涵，才能用真心去抒发，才能唱出感动人心的歌声。如歌曲《黄河颂》，它创作于抗日战争时期，这首歌曲通过对象征中华民族伟大精神的黄河的宏伟气势的描写，诉说了英雄儿女学习黄河勇往直前的伟大决心。它是一首中华民族的伟大颂歌，激励着中国人民同日本帝国主义浴血奋战的顽强斗志。这首歌曲的词、曲作家以高度艺术概括手法，将内容与形式完美地结合在一起。那么，有了深刻的理解后，就在我们心中形成了丰富的音乐形象，因此，我们应启发学生在演绎这首作品时就应有一种豪迈的气势，在演唱过程中，要唱出黄河的雄伟壮观，使学生进入歌唱的意境当中，给学生描述这种黄河的壮美、宏伟之情。当这种景象画面进入学生的头脑之后，自然而然地在歌唱之前就会有充分的准备，才能恰如其分地描绘出“站在高山之巅”异峰突起、雄伟挺拔的气势，才能表现出居高临下、放眼远眺的意境，才能唱出令人荡气回肠、恢弘浩大的气势，才能演绎出中华民族这种像黄河一样伟大坚强的巨人形象。 二、充分强调歌唱的艺术表现 有些学生在唱歌时，对歌词能很好地分析，对其内涵也能够深刻地理解，表现时也很有激情，但听起作品来却给人很平淡的感觉，这大多是由于未掌握音乐的表达规律的缘故。那么，教师在教学中就可以从以下几方面来启发，给学生讲解，来培养增强学生的乐感。 1.把握好节奏的律动规律 节奏是音乐的支柱、乐感的优秀，演唱者如果在同一节拍速度中演唱，缺乏等速的稳定，速度忽快忽慢，不是赶节奏就是拖节奏，后半拍与切分音拍子唱不准，进不来，这属于节奏感较差的现象。只有具备音乐节奏等速的稳定感和随节奏变化表现出灵敏性和适应感强的人，才能在演唱的节奏中表现出很强的乐感，那么，应体现节奏的基本规律，提高音乐的美感。我们在唱同一首作品时，不能像绷紧的弦一样，每个音都很强，每拍都很重，没有音乐的律动，实际上在歌唱时只要把节奏中的强拍，歌词中的重点字突出唱出来即可。如歌曲《我爱你，塞北的雪》在演唱时就应抓住四拍子律动的规律：强、弱、次强、弱，“我爱你，塞北的雪”在演唱强拍时唱出来，弱拍时带过去，“我”字唱强，“爱”唱弱，“你”唱次强渐弱，“塞”唱强，“北”唱弱，“雪”唱次强渐弱，而不是每拍每个字都唱得很重很强，这样的音乐就有了流动感。 2.连贯、细腻的行腔 教师还应在教学中提示学生演唱要圆润、细腻、流畅，在教学中常会发现有些学生在演唱歌曲时，乐句的衔接不是很连贯，中间有断开的地方，这样就破坏了音乐的完整性，使听者听起来很不舒服。这种情况大多是由于学生在演唱时忽略了乐句拍尾的音，当乐句将要结束的时候，往往演唱者就放松了，有时四拍就唱成了三拍半，或者就差那么一点点而不够拍。这实际上是学生不注意而引起的，久而久之养成了习惯。还有的学生节奏感较差，总是唱不准节拍，那么，教师在教学中应经常提醒学生，字与字衔接时要紧密，结尾的字与下句的字头要“贴住”，不要有空隙，母音换字时不要有大的动作与变化，让声音连在一起，用气息支持，把每个音均匀、连贯地唱出来，这样声音听起来就连贯了，由于乐句的紧密连接，表达作品也就完整了，听者也会感到很舒服。 3.歌唱时要唱出歌曲的层次 在歌唱过程中，如果从头至尾都平铺直叙，就缺乏音乐的表现力了，每首作品都有高潮，有收尾，每一个小乐段也有起伏，有小的变化。那么我们在教学中就应提示学生注意歌曲表达时层次对比要鲜明，行腔时要抑扬顿挫并给予极大的夸张，那样才能收到预期的效果。我们在演唱一首作品时，先分析歌曲的内涵，弄清了歌曲所要表达的意境，再根据歌曲的特点，在高潮时把歌曲推出来，唱出歌曲的层次。如歌曲《我爱你，塞北的雪》，这首作品通过洁白、晶莹的冬雪的描述，赞颂了纯洁的心灵、高尚的品德、坚定的信念这种精神气质和为民族昌盛、为人民幸福而奉献的品质，这才是这首歌曲的主题，那么，明白了歌曲的内涵后，我们还要对作品的曲调、伴奏和声、风格再仔细地研究，深入了解作品的感情基调，这首作品从前奏跳跃的音型中就使人进入了一种特定的意境，使人联想到晶莹、洁白的雪花纷纷从天空中飘落，仿佛置身于优美的环境中，自然而然就有要抒发内心感受，表达内心情感的要求，很自然地就会抒情、悠扬、亲切地把“我爱你，塞北的雪，飘飘洒洒漫天遍野”唱出来；接下来“你的舞姿是那样的轻盈，你的心地是那样的纯洁……”用了拟人的手法，把雪写得非常有灵性，在这抒情的词句中，蕴藏着哲理，形象的比喻中浸透着中华民族的时代精神。那么在这段中情感的运用要有变化，既要表现得深沉高雅，又要凝重潇洒，还要表现出雪的轻盈，到“你是春雨的亲姐妹”时，歌曲达到高潮，在演唱时，不可平淡，要由弱到强，渐渐地把歌曲推向高潮，春雨的“雨”字，作曲家用了强劲的和声，连续六拍地推进，到“亲”字形成了感情的饱和度和支持点。因此，在这句一定要给予极大的夸张然后渐弱很自然地归原调结束，尾声时“塞北的雪”轻轻哼唱，用来寄托作者深深的爱，同时也带给人无限遐想，又回到了宁静、洁白的雪的世界中。这样唱出的歌曲才会有层次，有律动。 要想很好地表达歌曲，还需注意很多方面：如有感情的换气、表情、动作，还有，要细心地唱好休止符等等，就不一一陈述了。 当然，在教学过程中，教师应了解学生的特点，仔细分析他的长处，根据其特点而制订符合他、能发挥他优势的教学计划，使其在学习过程中，能够不断地掌握科学的方法、技巧，不断地增强自身的艺术修养，使自己更为完善。 歌唱教学论文:谈小学歌唱教学轻声唱法 教学，本身就是一种创造性的思维活动，最好教的是死知识，最难教的则是最活的“教学教法”即教会学生生用最短的时间、最少的精神，学会最多的知识的方法，那么小学音乐歌唱教学方法从哪里来呢？教出的歌曲、学生能唱出优美的歌声，那就应该用轻声唱法来训练。 1.学生从平时说话习惯来 从学生上一年级起就应该训练轻声说话，轻声唱歌，这样可以形成习惯，达到保护学生的声带，轻声地演唱可以抒发学生对歌曲的理解，使每一个学生能体会到声音统一。 在幼儿园里的语言教学中就要求幼儿园轻声说话，那么这些教育方式对每个孩子的发声是很重要的，从小养成轻声说话，朗读不用尖叫、大叫这样保护了噪子。小学音乐教学中教孩子发声用轻声发声说话，养成好的习惯有助于孩子声带发育。 2.轻声发声训练是学习声乐的一种好方法 小学生年龄小，教师在教正确的发声时很多不容易体会，在演唱时不容易把握好，如对学生进行轻声发声，训练在歌曲演唱时他们很容易把握好歌曲性质。 3.轻声演唱能使学生掌握好歌曲演唱的演唱风格，达到教学目的 一首歌曲，在演唱时要求要有感情，表达出歌曲的性质。例如：我接到一个班，是来自山区的彝孩子，噪子都很好，歌有许多男孩子还可以演唱“青藏高原”难度大的歌曲，我在教《每当我走过老师的窗前》这首歌，这介绍了这首歌，和歌曲的性质，并示范用深厚的感情演唱，但这些孩子从小没有进行轻声训练，每次唱歌都是大噪门）大叫，他们演唱的节奏跟不上很快，噪门控制不住，怎么都唱不出歌曲优美的歌声。而在另一个班，是从小进行轻声训练的孩子，老师示范以后，学生在演唱时，你就会听见优美的童声，听起来就像训练过的合唱队在演唱。 所以轻声唱法训练是学习声乐的一种好方法，它可以使学生轻快地掌握正确的歌唱状态，克服初学声乐的常见毛病，使真假声音能够得到自然混合，歌唱技术得到明显提高和增强，轻声唱法在教学中是必要的，必须坚持下去。使每个孩子唱起歌来都能感到自豪感。愉快地享受音乐课的快乐。 谈音乐教学中学生歌唱气质的培养 内容摘要：歌唱气质是歌唱者在演唱过程中表现出的相当稳定的个性特点和风格特点。独具个性特色的歌唱气质能给人们留下深刻美好的印象,是一个歌唱者成功的关键所在。缺乏歌唱气质的歌唱者只是一个歌唱机器, 而不是艺术家。在音乐教学中, 教师应从提高学生的文学修养入手提高对歌唱语言的理解和把握; 通过旋律特点的理解提高对音乐的演绎; 让学生认识到歌唱的职业特点, 提高艺术的审美水平也是形成具有个性的歌唱气质的关键因素。 关 键 词：歌唱气质 歌唱语言 音乐演绎 艺术审美 一、什么是歌唱气质 查阅字典，对气质的解释是这样的：气质是指人的相当稳定的个性特点，是高级神经活动在人的行动上的表现，也指一个人的风格特点。这主要是指不同的人在生活中以气质给人留下的不同印象。特定到歌唱气质，应该是一个歌唱者在歌唱中表现出的相当稳定的个性特点和风格特点。比如：当前活跃在舞台上的歌唱家，一提起某人的名字，其歌唱形象、声音特点和演唱风格便立刻在我们大脑中浮现。这就是歌唱者有个性的歌唱气质在观众心中留下的深刻印象。歌唱气质的形成是一个歌唱者成熟的表现。而歌唱气质的形成非一朝一夕或唱几首歌就能练就的，它是歌唱者在长期的艺术追求、艺术审美和艺术实践中经过摸索、千锤百炼而逐步形成的个人演唱特点。 二、歌唱气质的重要性 在音乐学习和演唱的过程中，我们常见这样的情况:一些学生从学校毕业时，音质、音色、共鸣已达到一定程度。论技巧，对许多难度较大的艺术歌曲、歌剧选曲都能胜任，我们认为他们已具备较好的演唱功底，但其艺术表现及演唱时的整体美感却难以激动人心，他们也为自己倾尽全力地演唱却得不到观众发自内心的称赞而苦恼。类似的情况在历届全国歌手大奖赛中更屡见不鲜:能够参加比赛的歌手，从声音和演唱技巧方面没有太大差距，选手能否巧妙地运用声音，能否正确把握作品，感染观众，整体歌唱气质如何是取胜的关键所在。在2004年中央电视台举办的全国声乐比赛中，众多的歌手唱得都很完整，但却没给人留下特殊的印象。但民族唱法选手王丽达的出现却让我们眼前一亮：她演唱的歌曲音域不是最高，歌曲结构也比较简单，但她以对声音恰到好处的运用，充沛的感情表达，淋漓尽致的现场发挥，以异常感人的整体形象打动了评委，感染了观众，最后获得银奖的佳绩，也使全国观众认识了她。由此可见，歌唱者的声音条件、歌唱技巧相近，但一个懂得用思想、用感情、具有极好歌唱气质的歌唱者会使自己的歌唱形象熠熠生辉，并能触及人们的灵魂、品德、性情，是一种深沉而又持久的力量。这是成为歌唱家、艺术家的必备素质。在声乐教学的初级阶段，教师就应充分认识到培养学生整体歌唱气质的重要性，把培养学生的歌唱气质同训练学生的声音技巧结合起来，使学生在漫长的声乐学习过程中追求、体验作品中存在的美，传达作品的美感，逐渐形成自己的歌唱气质，成为一个有思想、有修养、让观众不能遗忘的歌唱者。 三、音乐教学中怎样培养学生的歌唱气质 1.通过对歌唱语言的把握形成独特的歌唱气质 声乐中的语言是音乐化的歌唱语言。它通过音乐的造型手段使语言音乐化，使之富于音乐旋律节奏感与歌唱性。首先，歌词作为人类书面语言的一种，具有极高的文学性：以语言塑造形象，叙述一段故事或表现某种情感。其次，从形式上看:歌唱语言具有极高的凝练美和准确性。受人声嗓音本身和听众听觉承受能力的制约，在一定的时间容量内，歌词不能像诗歌一样根据内容或抒情的需要着意铺陈。而且，声乐曲式的时间容量也是有所限制的。因此，歌唱语言不得不凝练它的语言表现：以极少的文字表现丰富的内容，用最准确的词句完美地表达思想情感。再者，从语言格式上看，歌唱语言具有极强的节奏和韵律性。歌唱语言是在生活语言的基础上由创作者精心设计和创作的具有特定思想内容、语言规律和音乐风格的语言，富含音乐的因素，又富有歌唱性。在声乐教学中，教师应了解歌唱语言的音乐特点，要求学生提高文学修养，准确理解歌词表达的意境，来描述人物的形象。比如，描述我们当代生活的歌词内容和情感一般容易理解，而中外古典歌曲、传统的中国古典戏曲和中外歌剧，不仅离我们的时代较远，更有文化审美上的差异。如果不理解词意，不掌握戏剧情节的来龙去脉，就只能按照字音与旋律的变化漫无目的地唱，使听众不知所云。另外，在分析歌词时，不能只停留在歌词的表面意思上，而应结合作者想要表达的真实意图深入挖掘其潜在意义，并进行分析、感受和表现，以便更完美地表达作品的主题思想。因此，要求学生广泛涉猎不同时期、不同形式、不同国家的音乐文化是非常有必要的。把自己独特的人生阅历、文学修养糅入到对歌词的理解中，确定歌曲的演唱基调，准确地表达歌曲的情感，这也是形成歌唱气质必不可少的因素。 2.通过对音乐的演绎形成独特的歌唱气质 日常生活中，我们主要靠语言来达到交流的目的。人类的语言不仅是获得信息的主要渠道，更是用以表达丰富情感的载体，即人类的日常语言具有一定的生活语调。生活语调主要通过概念及其逻辑关系来表达人的思想，同时又具有强烈的感情色彩。生活语调的抑扬顿挫是歌唱语调的基本来源。由歌唱语调形成的歌唱旋律具有造型性、抒情性、叙事性和戏剧性等特点，这些特点都是为准确地表达作者的创作意图而服务的。歌唱气质的形成，要求投入大量的心思去挖掘音乐中的美，要让学生多朗诵歌词，体会歌词的抑扬顿挫和平仄关系中蕴含的声调美。声调美是声乐旋律的造型基础。声调美再加上音乐的音高、节奏、调式、和声等手法创造出鲜活的音乐形象，达到声乐旋律的造型目的。而同样的声乐旋律，具有不同歌唱气质的歌唱家演唱效果截然不同。比如《我爱你，塞北的雪》这首歌。这是一首情真意切、清新隽永、充满诗情画意的精美之作。既描写了大自然的雪景，又把雪比作具有洁白纯净的心灵、滋润万物成长的春的使者，给雪花赋予了活的生命。歌唱家殷秀梅和都曾经演唱过这首歌，然而留给我们的印象和审美享受是截然不同的：声音明亮，演唱情真意切，听者像被春雨滋润，给人奋发向上的感觉；而殷秀梅声音宽厚，演唱极富深度，唱出了雪花让大地回春，用自己的生命滋润整个大地的献身精神，既有雪花的温柔又有雪花的皓气，给人以荡气回肠之感。这就是不同的歌唱气质产生不同的演唱效果，给听众截然不同的艺术享受。所以，教师要引导学生在深刻理解歌唱音乐的基础上，合理演绎声乐旋律，形成自己独特的歌唱气质。 3.通过提高对歌唱职业的认识和艺术审美水平形成独特的歌唱气质 歌唱表演是要讲究个性和气质的。歌唱个性和歌唱气质是一个歌唱者成功的关键因素。在音乐教学中教师首先要让学生对自己从事的歌唱事业有一个清楚的认识:一个称职的歌唱者是以自己美好的声音和充满激情的演唱来表现不同艺术作品的美，通过演唱传递给听众，获得美的享受，受到启迪。因此，要使观众最大程度地获得艺术享受的满足感，歌唱者不能把作品唱得平淡无味、毫无生机。我们对某位歌唱家留下美好印象，除了他有漂亮的声音和动情的演唱外，他们在舞台上的歌唱形象也给人们留下难以忘怀的印象。久而久之，他的歌唱形象固定在观众心中，形成了别具特色的歌唱气质。不同的歌唱气质把不同的美传染给了观众，体现了歌唱者典型的、稳定的个性特点。音乐教学中教师接触的学生各不相同：有的性格大胆活泼，情绪变化强烈，有的虽然不好动，但情绪和情感发生变化快，且具有丰富的内心世界，这两种性格都比较适合歌唱专业。而有的学生心理活动迟缓，缺乏歌唱激情，见人羞怯，这种性格不符合歌唱者的心理素质。教师应循循善诱，使学生逐渐改变这种心理，走上正常的歌唱道路。让学生形成良好歌唱气质的另一个关键因素是提高艺术审美水平。由于每个人的嗓音条件不同，兴趣和爱好不同，而每部作品的思想感情不同。每个人的文化素养不同，对作品的认识和理解及情感反应不同，产生了不同的审美个性。这种审美个性决定着歌曲演唱处理的个性，并最终形成自己的歌唱气质。因此，要求学生提高审美水平，使自己的嗓音条件和作品选用尽量达到统一。学生审美水平的提高还有助于和歌曲作者的精神气质产生共鸣，最大限度地表达出作者的创作意图。 结语 教师担负着培养学生歌唱气质的重要职责。在学生歌唱道路的起步阶段，学生的声音技巧和歌曲处理能力都十分有限。一个负责任的、高素质的教师应一边教给学生歌唱技巧，一边培养学生的歌唱气质。在具体的教学实践中，就是首先要根据学生的声音条件确定其属于哪个声部，如女高声部可分为戏剧女高音、抒情女高音、花腔女高音等，然后才能选择适合学生演唱的作品。音乐教师应因势利导，把学生引导到适合他的正确的歌唱道路上来。教师还要花费大量心血在对作品的理解把握上，细致搜寻、挖掘、剖析隐含在谱子里面的东西。提高学生的文学修养、对音乐的正确演绎、提高艺术审美水平是提升演唱水平、最终形成自己独特歌唱气质的关键所在。这是一个合格教师义不容辞的职责。
随着社会经济的快速发展，人们对艺术的追求也越来越高。声乐艺术在大众心中的地位也越来越高，根据人们的要求，声乐教学的要求也随之增高。在声乐的教学目标中不仅要求学生可以做到声音悦耳动听，还要拥有一定的舞台表演技能，声乐艺术其实是声乐演唱和舞台表演相融合的一种综合性的艺术。声乐表演通过舞台表演是必然的，否则声乐就变成了形式教学，因此舞台表演对声乐教学是十分重要的，在声乐教学中融入舞台表演的过程可以增强学生的肢体语言表现能力，同时也可以增强学生的自信心，从而使学生在表达声乐时做到声情并茂。 一、舞台表演在声乐表演中的重要性 （一）舞台表演可以直观的反映学生的声乐学习情况 声乐表演者在舞台上表演过程中呈现的一举一动都是反映表演者声乐学习的成果，舞台表演是最直观的呈现声乐表演者声乐技巧和自身心理素质以及自我展现能力的一种形式[1]。表演者在舞台表演过程中的肢体动作是否符合表演的乐曲，可以体现表演者对乐曲的理解是否准确。想要完美的呈现一首乐曲，舞台表演是必然的，在教学中，舞台表演也是必不可缺的，舞台表演可以帮助学生对自身学习的认知也可以使教师及时直观了解学生的学习情况而更准确的对学生进行指导。 （二）舞台表演有助于帮助学生培养学生的舞台意识 声乐最初的表现是通过舞台进行表演的，在现代舞台展示也是声乐的主要表演形式之一，因此，舞台意识对于声乐学生是十分重要的[2]。传统的声乐教学中，教师侧重声乐歌唱的技巧而忽略了舞台表演技术，导致学生在舞台上进行声乐表演时缺乏一定的舞台感染力。教师在教学过程中，合理的融入舞台表演技术，可以帮助学生培养舞台展现能力，有助学生在舞台表演中可以准确的找到展现自己的舞台视角和最适合的音乐作品所呈现出的舞台肢体语言，帮助学生在舞台表演学习过程中形成自己独特的表演风格和舞台表演意识。教师也可以通过舞台表演教学过程，让学生尝试不同风格，以提高学生的表演技术和自己的自我认知能力[3]。 （三）舞台表演有助于提升学生对自己声音和肢体以及情感的展现能力 声乐学生的声音表达能力、肢体动作以及在音乐作品中的情感表现能力和其音乐表现能力的强弱是不可分割的，也是判断声乐表演者音乐能力的一种手段。在声乐教学中锻炼学生的声音、肢体、情感的展现能力是不可或缺的部分，而舞台表演可以有效的帮助教师在声乐教学中提升学生的声音、肢体、情感的展现能力。在教学过程中长时间的通过舞台表演教学可以有效的锻炼学生的舞台表现能力，使自己对自身声音的处理能力和把控能力更强，当学生在舞台上表演声乐作品时更流畅、更有感染力。 二、舞台表演在声乐教学中的应用策略 （一）声乐教学中重视舞台表演课程 在声乐教学中融入舞台表演课程对学生提升声乐表现能力和舞台表现能力有很重要的作用和影响[4]。但在大多数声乐教学的学校机构中侧重都是声乐的演唱技巧，对舞台表演的教学并不重视，使学生缺乏舞台经验和舞台表演技巧。因此，想要提升声乐教学的质量，在声乐教学课程中重视舞台表演课程是必要的，舞台表演课程可以增强学生的舞台表演能力而使学生的综合表演能力得到提升。因此，高度的重视声乐教学和舞台表演教学相融合是重要的，是促使学生找到舞台表演和声乐表演最佳契合点的重要因素。 （二）在教学中增加舞台实践内容 教师想要提升声乐的教学质量，声乐表演者想要成为优秀的声乐表演者，不仅需要足够的声乐理论知识，还需要更丰富的舞台实践，正所谓实践出真知。在教学中，增加舞台实践内容是帮助学生更好的理解声乐理论知识的内容和内涵，也可以通过实践锻炼学生的心态，丰富声乐表演者的肢体渲染力[5]。在声乐教学中，可以通过在课堂中设置一些上台表演的内筒，定期举办声乐表演比赛，不定期的组织小组声乐表演等多种形式增加声乐舞台表演的实践机会，以此提高学生对声乐的学习积极性和声乐技巧以及展现能力。 三、结语 综上所述，舞台表演融入声乐教学课程，让学生在表演中学习到更多课本上学不到的知识和能力，也是提升学生综合能力和声乐技巧的途径之一，同时，也可以提升学生的心理素质和对自身不足的认知。因此，可以看出在声乐教学中融入舞台表演课程，对提升声乐教学质量、提升学生的综合能力都有十分重要有意义的。 [参考文献] [1]亢祎凡.舞台表演在声乐教学中的重要性论析[J].齐齐哈尔师范高等专科学校学报,2018. [2]杨鹏宏.舞台表演在声乐教学中的作用分析[J].文化创新比较研究,2018. [3]刘璐.舞台表演在声乐教学中的作用[J].黄河之声,2017 [4]谢文慧.舞台实践表演课在声乐教学中的功能应用[D].河南师范大学,2013. [5]刘颖.舞台表演训练在声乐教学中的作用[J].戏剧之家,2012. 作者简介：廖猜猜（1986-），女，苗族，贵州人，硕士，安顺学院艺术学院，讲师，主要研究方向：声乐教学。
《快乐科学》主要栏目：科学DIY、科学实践专辑、创意绝招、写真动植物园、科幻漫画等。
在时展中，文化逐渐呈现多元化趋势。相比传统音乐，电子音乐的创作形式和表现手法都有所不同，并慢慢迎合和满足现代人的音乐品味，从而得到迅猛发展。近年来，在我国逐渐增强综合国力的背景下，全球都出现了中国风，推广和传播了我国民族音乐。在这种背景下，要积极结合中国民乐和电子音乐，以实现两者的发展。 一、电子音乐的发展历史及制作技术 在西方开展工业革命后，科技进步速度加快，而借助于科学技术的电子音乐也在西方国家得到较早应用和普及。电子音乐发展阶段可以分为四个：具体音乐、磁带音乐、合成音乐和电子音乐。在二十世纪四五十年代，法国最先出现了电子音乐，法国一名电子工程师皮埃尔创作的《地铁练习曲》在欧洲和世界乐坛引起轰动。皮埃尔录制了自然声音，包括汽车鸣笛声、火车轰鸣声、车轮滚动声等声音，混合加工这些录制的声音，并进行调整变成了《地铁练习曲》[1]。皮埃尔的这一作品将世界流行音乐形式打破，出现了一种新的音乐形式。第一首电子音乐的出现有其社会历史发展背景和当时科技发展的推动，人们想要突破传统音乐形式，积极创新音乐，借助科学技术实现音乐上的突破。电子音乐不再是传统音乐借助媒介演绎乐曲的表现形式，从听觉和音乐认识上给人们展示了一种全新音乐模式。所以，电子音乐慢慢被人们所接受并得到发展。制作电子音乐的技术简单来说是在计算机上安装音乐软件，通过软件传递数字信息，模拟声音变成数字声音，实现混录、创作、合成音乐。电子音乐制作技术的载体是计算机的软件系统和硬件系统，是借助电脑制作音乐的一种方式。制作电子音乐的技术主要包括MIDI技术与数字音频技术。从出现开始，电子音乐就因音源、音质和音色独特等特征受到音乐界关注。电子音乐在我国推广和普及后，在一定程度上冲击了我国的传统音乐。在更多应用制作电子音乐的技术，发展电脑音乐的背景下，我国民族音乐也要适当结合电子音乐，实现中国民乐在新时期的创新发展。 二、中国民乐发展 我国音乐文化往上追溯可以到新石器时代，中国民乐发展经历了三个时期：形成时期、新生时期和整理期。原始音乐在远古时的形式是融合了乐、舞、歌的乐舞，主要是钟磐乐。到西周和春秋战国时期，完善了礼乐制度，音乐也达到更高水平。孔子曾说在观看齐国乐舞《韶》后，三个月都不知道肉味，由此可以当时的音乐水平[2]。在朝代变化和文化迁移中，传统音乐在不同时展出不同表演形式。在秦朝、汉代和魏晋南北朝时期，出现了乐府、相和歌、清商乐和鼓吹乐等音乐形式；在隋朝、唐朝和五代时期，出现了民间俗乐、宫廷燕乐等音乐形式；在宋朝和元朝出现了细乐、市民音乐等音乐形式。这些变化体现我国民族音乐在演奏方式、乐曲风格的变化上。在人们越发重视音乐艺术特别是民乐时，我国民族音乐得到迅猛发展，涌现了很多作曲家，也创作出很多形式和风格不同的音乐作品。 三、电子音乐结合中国民乐 我国在制作音乐的领域，创作各类型音乐大部分都要使用一些民族音乐的音源。通过对民族音乐音源的合理应用，制作音乐者才能对制作音乐的技巧有精确把握，慢慢提高制作音乐的质量，丰富音乐听觉感受，新时期音乐创作能得到更好发展。在创作民族音乐的时候同样要对音源进行合理利用，从而制作出高水平音乐作品。 （一）结合中国传统乐器和电子音乐 我国音乐历史悠久，音乐文化发展能追溯到新石器时期，传统乐器是民乐文化的巨大财富，具有重要的价值，比如古琴、二胡、琵琶等乐器已经有千年历史，至今依然被使用。为了更好地创新我国民乐，需要有机结合电子音乐和传统乐器。传统乐器在音色上和电子音乐具有结合的可能性，比如二胡中的击弓技法。二胡诞生于唐朝，那时叫做奚琴，到现在已经有千年历史，其音色柔美与人声相似[3]。二胡发展至今技法更加全面，右手技巧包括抛弓、抖弓、连弓等，左手技巧包括泛音、打音、揉弦等，多样技法极大丰富了二胡的艺术表现力。在时展中，二胡要想得到发展就不能局限在既有表现形式中，而需要创新音乐风格和音色原色，使其多元化和个性化，为此要有更多特殊技法创作出不同的音响效果，从而创新音乐制作。二胡作品《赛马》中利用击弓技法模仿马嘶鸣的声音，其音色和马发出的声音非常相似，这种通过摩擦琴弦和弓毛制造噪声音色的方式，在电子音乐制作中应用比较普遍，很容易要用到设计和创作电子音乐中，变成创作电子音乐的良好素材。 （二）融合电子音乐和我国的文化理念 在我国源远流长的文化发展中，儒家、道家、墨家和法家的思想对人们思想发展有极大的影响。所以，创作音乐时音乐家也推崇“同”、“和”等理念。我国民乐在创作理念、音调上都和西方有所不同，西方音乐的音调有较大的起伏，并且更重视个性发展，而我国音乐则较为和缓，注重柔美。电子音乐在我国的发展受我国美学观念影响，其作品也表现的较为内敛与平稳。 （三）借助电子音乐制作技术变形处理民族音乐音色 通过应用制作电子音乐的技术创作民乐，可以变形处理民乐音色，满足大众欣赏音乐的需求，民族创作风格也得到丰富，提供了新时期民乐发展的有效保障。在制作民乐和电子音乐的领域，变形处理音色是一个关键性工作，在达到听众听觉体验的基础上适当调整音色，能大大提高民乐视听感受，音乐艺术感染力也得到提高，音色更加适应大众需求，从而构成具有独特风格的民乐，实现民乐的健康发展。 （四）借助制作电子音乐的技术丰富民乐作品内涵 在创作民乐时适当使用制作电子音乐的技术，能适当调整民族音乐音色，创作更加优质别致的民乐音色，从而丰富民乐作品文化内涵。在制作民乐时利用电子音乐的制作技术，从创作需求出发，制作出独有的音色，可以达到较高的效果，同时也能提高音乐文化内涵。比如融入了我国戏曲元素创作的《击鼓骂曹》、《木兰花》、《幻听》等电子音乐作品[4]。通过现场装置电子音乐演奏，用提琴独奏的《纹》，用小号独奏的《马远水意》等音乐作品。还有结合民族乐器和电子音乐创作的座屏，比如埙、箫、笛和电子音乐合作创作的《问天》，结合电子音乐和古筝创作的《琼楼引》等。 四、结语 我国文化底蕴比较深厚，电子音乐在我国的发展会受到传统文化的影响，同时电子音乐也在影响着我国民乐发展。我国未来音乐发展的大趋势就是结合电子音乐和民乐，促进民乐和电子音乐的健康发展。 [参考文献] [1]陈佳.谈电子音乐与中国民乐的结合[J].音乐时空,2015,13:71. [2]赵化彬,孙四化.让传统音乐走向流行前沿—电子音乐在黄梅戏配器中的实践研究[J].艺术评鉴,2017,06:110-112. [3]崔迪,许畅.电子音乐技术在民族音乐制作上的应用分析[J].赤子,2016,08:135. [4]鄢秀丽,胡以芳,鄢秀娟.电子音乐技术在民族音乐制作上的应用研究[J].湖北科技学院学报,2015,35,11:142-144. 作者简介：牟新（1970-），男，山东滨州人，硕士，滨州学院，教授，主要研究方向：音乐教育。
钢琴教学初级论文:初级阶段钢琴教学应用 摘要： 笔者认为，学习严谨深刻的钢琴艺术，能使儿童潜移默化地接受真、善、美的文明熏陶。那么，学好钢琴要具备哪些基本条件呢？本文从以下几个方面讨论钢琴的初级阶段教学：扎实的基本功、音乐表现力的培养以及科学高效的练琴方法。 关键词： 钢琴教学；儿童初级阶段；弹奏 我国是一个拥有13亿人口，具有五千年文明史的泱泱大国，提高全民素质需关注少年儿童。在钢琴教学方面首先必须具备优秀的教师，优秀的钢琴教师要有良好的专业素养、丰富的知识储备。其次是琴童的音乐天分，节奏感与听力的天分是最基本的，手指长、指距宽是手型条件。最后是家长的密切配合。三方面做到统一和谐，琴童学琴的道路才会越走越宽。本文重点探讨教师的钢琴教学。 一、扎实的基本功 首先，基本功的首选“材料”便是《哈农钢琴练指法》（以下简称哈农）。法国钢琴教育家哈农编著的钢琴练指法是一套专门的手指练习方法。在《小汤普森钢琴初级教程》之后可以练习本教程。全书分为三个部分，第一部分的1~20条是全书的基础，主要是手指灵活性、力度、用力均匀以及动作平稳的练习。要求身、肩、臂、腕放松、无拘束，可做重点练习。第二部分的21~31条是巩固第一部分的练习的，可将其首尾相接，连续弹奏，专攻耐力的训练。第三部分的32~37条是针对拇指的专项训练，是为弹奏音阶和琶音做准备的。要求拇指始终处于最放松的状态，手腕要稳。音阶和琶音可集中学习，也可分散学习。建议学生先单手练一个八度，熟悉音位，固定指法，再进行双手合练或单手两个八度，最后双手四个八度的练习。第三部分是全书的精华，根据其难度，每首可练习2~3周，注意练习的要求并以慢练为主。针对初学的琴童，弹奏哈农第一部分时可与其他教材同时进行。可以先提腕抬手，断奏。然后做高抬指练习，手指垂直抬起，集中力量下键，连奏。其次是音阶。当学生已具有基础时，便可以加入音阶的练习。要点是穿、跨指的技巧。穿指：拇指从2、3、4指下穿过。跨指：2、3、4指从拇指上跨过。以拇指为支点，随拇指移动，所跨指要提前到位。强化穿、跨指的技巧训练，便可进入音阶的练习。练习音阶要求双手快速整齐跑动；双腕放松，可有轻微颠腕；指关节、掌关节不能塌陷；音符、指法要求精准；力度要扎实；力度上要求上行渐强，下行渐弱。最后是练习曲。初级阶段以《车尔尼599钢琴练习曲教程》（以下简称599）为主，搭配巴赫的《简易钢琴曲集》。599乐理知识浅显易懂，音符节奏较简单，速度适中，很适合初级阶段的学生弹奏。但599风格、体裁、练习形式较为单一，缺乏左手训练，可搭配巴赫的钢琴小品《简易钢琴曲集》，作为复调的启蒙。在作品中，有针对性地训练双手都控制旋律时的节奏、力度、连线的协调，为今后更复杂的二部创意曲、三部创意曲、法国组曲、英国组曲以及更为深奥的平均律及赋格打下基础。同时，这些作品还可以发挥我们的听觉功能，探究不同声部之间的层次。正是这样的训练，充分开发了我们大脑中不常用的那一部分，培养了周密的思维方式。 二、从小培养表现力，感受音乐的美 乐曲的弹奏，除了演奏技巧，还要培养学生的音乐表现力。结合力度、速度、表情记号以及音色的把握，表现音乐之美；力度上，拍号中的强弱关系、旋律线条的起伏、乐谱标注的力度记号等都是力度变化的依据；速度上，曲首提示的速度、乐谱中标注的rit和atempo以及约定俗成的曲终渐慢等都是速度的依据；在表情记号上，主要依据旋律的感觉以及乐曲中的标记，例如，express等；音色上，强而不噪、弱而不浮的控制能力也是要经常向琴童灌输的要点。结合这四项内容，相信可以给琴童播撒音乐美的种子，使其开出理想的花朵。 三、科学的习琴方法是保护琴童兴趣的关键 练琴的过程可谓是艰难的，这就需要科学方法，讲究高效率的练琴，既保护习琴兴趣，也达到了练习目的。怎样高效率练琴？哪里不会练哪里、哪里不熟练哪里、哪里有错练哪里。在孩子练琴的过程中，有些家长一味地追求乐句的连贯而忽视了孩子的年龄以及能力，从头到尾只能是熟练的地方熟练，不熟练甚至有错的地方依然不熟练，依然错。科学高效的练琴显得尤为重要。此外，家长陪练的作用不容小觑。学习钢琴毕竟是一件需要付出努力、忍受寂寞之事，孩子年龄尚小，缺乏自制能力，在新鲜感逐渐淡去之后，坚持变得尤为艰难。这就需要家长与老师密切配合，拿出各种“大招”积极、正面地引导孩子完成学习任务。可采取以下措施，为孩子播放音乐小品、欣赏音乐会、参加演出或比赛等。避免强迫、惩罚甚至打骂。家长还需合理安排孩子练琴时间，化整为零、化零为整，让孩子频繁地参与音乐活动可以增长孩子的见识，在生活中很自然地受到音乐的熏陶，感受音乐的魅力，从而积极主动地学习钢琴。通过长时间的教学，我发现习琴的好处已不仅仅是陶冶情操，还可以培养孩子坚持原则、严谨细致、吃苦耐劳、脚踏实地等一系列优秀的品质，为其今后的人生打下人格基础。 作者：徐靓 单位：呼和浩特市第二中学 钢琴教学初级论文:初级钢琴教学论文 一、运用联觉刺激听觉敏感 联觉又叫做通感，本文中的联觉是指运用视觉和动觉的相互联动来促进听觉的敏感性。音乐本身就具有同视觉和动觉的对应关系。例如频率越高的声音给人的感觉就越明亮，频率越低的声音给人的感觉就越暗淡；欢快的音乐会给人手舞足蹈的感觉，而缓慢的音乐会让人进入冥想、陷入沉思。而对于初学初级钢琴的孩子们来说，这种联觉反应并不够敏感，所以需要教师给予适当的指导，将看不到摸不着的抽象音响形象，通过视觉形象和动觉形态来外化听觉感知，利用视觉和动觉和听觉的对应关系，让他们更加直观的感受到音响带来的刺激。例如当学生开始学弹奏八分附点节奏时，教师可让学生在教室中用“跑跳步”来感受附点节奏的律动，通过身体运动来感受节奏中的动力性和倾向性。 二、创设情境开发听觉想象 音乐是情感的艺术，只有亲身实践才能体验到音乐中的情感。而对于初学初级钢琴的学生来说，音乐中很多深刻的情感内涵并不容易体验到，而通过创设情境的目的就是运用各种策略让孩子们在亲身实践中进行丰富的情感体验，培养听觉想象的能力。同时，也因为很多乐曲本身的体裁和表现内容也都具备情境性，为情境的创设提供了依据。我们以小步舞曲为例，这一体裁起源于西欧民间的三拍子舞曲，流行于法国宫廷中，中庸速度，音乐能描绘许多礼仪上的动态，因其舞蹈的步子较小而得名。在实际教学中教师可以根据小步舞曲的体裁特征来创设情境，将音乐教室想象成宫廷，让学生模仿几个简单的舞步，仿佛将他们带回19世纪的欧洲宫廷，使学生们在情境中体会小步舞曲的音乐风格，体验音乐情感。当学生在情境中感受到小步舞曲的情绪和律动之后再去用手指来表现音乐，他们便会发自内心的来还原音乐原本的面貌。 三、重视示范积累听觉样本 此处的“示范”并不仅仅是指老师的示范，同时更重要的是指钢琴家的录音、录像以及现场的音乐会。虽然有一些初级钢琴教师认为听示范会让学生产生依赖感，时间久之后只学会了被动弹琴，却不会主动思考自主练琴。但笔者认为，如果内心没有积累过足够的音响材料是无法进行内心听觉想象的。正如优秀的作家一定是在积累过丰富的生活经验基础上去写作的，凭空想象的情节必然空洞无味。但是，教师在给学生做示范或者引导学生听音响、音乐会时要做适当的指导。 首先，要指引学生去聆听不同版本的同一首音乐，详细分辨出每一版本的区别在何处，并选出自己喜欢的版本。其次，教师需要向学生介绍音响的一些基本信息。如作曲家的简介、作品的创作背景以及演奏家的表演风格等等。第三，在学生仔细聆听之后，要对学生进行提问。例如让学生去思考，为什么演奏家以这样的情绪来演奏、为什么要用这样的方式来处理细节？是演奏者自己的想法还是根据作曲家的意图还是谱面上的提示？这样的演奏给你带来了什么样的感觉？示范中的弹奏和你的弹奏区别在哪里？等等问题。因此，一首作品必须要反复聆听数遍才能做到以上三点要求，而当这位学生能够学会独立自主的反复聆听音乐时，他的听觉能力一定得到了提升。 四、总结 一位合格的初级钢琴老师首先要了解自己学生的听觉特点然后才能对症下药。以上是笔者的个人经验总结，仅仅起到抛砖引玉的作用，还望广大钢琴教育工作者能够共同关注并研究此论题。 作者：陈昊男 单位：星海音乐学院附属中等音乐学校 钢琴教学初级论文:儿童初级钢琴教学的思考 1通过教学实践把握教学现状，指导教材编写 实践是人们改造客观世界的一切活动，是主观见于客观的活动，实践过程是主观认识同客观事物联系的桥梁。《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴教程》等国外优秀教材的编写都是经过其编著者多年教学实践经验的总结与归纳、去粗取精并对教育相关学科领域充分研究之后的结晶，因此要把钢琴教学实践活动看作为我国钢琴教育者及教材编撰者的必经环节，首先通过教学实践发现当前我国儿童钢琴教学的不足，了解当前我国学琴儿童及家长的总体需求。业余钢琴考级制度在我国实行已有20余年，这一度造成中国钢琴的“考级热”，许多钢琴教师及教材出版商受到功利化影响在教学与教材出版上急功近利，因而导致严重偏离了业余钢琴考级制度为了使业余钢琴教育科学化规范化的初衷。近年来随着考级问题的日益显现，众多钢琴教育者及琴童家长开始重新审视教学目的，不再盲目跟风考级而更注重教师教学及教材的全面性、趣味性及科学性等方面，促使我国钢琴教材编写开始良性发展。与此同时，教育者积极开展儿童钢琴多样化教学模式如钢琴集体课实践，及时更新教学思维并指导教材编写的发展方向。总之，钢琴教材作为钢琴教育体系中的重要组成部分，应该是钢琴教育者在进行教学实践过程中不断总结经验、兼容并蓄并结合其他相关学科领域如心理学、教育学、音乐美学等理论知识所编写出来的集合。 2注重学习兴趣培养及教材的趣味性导向 儿童心理学认为儿童的兴趣具有广泛性、个体差异性、浮潜易变性等特点，并且以直接兴趣为主。教育心理学指出“学习兴趣”是一个人倾向于认识、研究获得某种知识的心理特征，是可以推动人们求知的一种内在力量。《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴教程》等国外优秀儿童钢琴初级教材均将学习趣味性与培养学习兴趣放在首位，以“快乐”学琴为教材编写出发点，并利用儿童阶段对外界事物视敏度及颜色视觉的感知特点从教材印刷排版等直观上引起儿童注意力与学习兴趣。相较之下，目前我国的钢琴基础教育模式更注重弹奏技术的训练，教材形式较为呆板，学生通常采用机械性的模仿与不断练习的学习方式而缺乏主动思考，导致其学习兴趣在学琴初级阶段便急速下滑。因此，我国在钢琴教材编写方面应首先将教学思维从培养“钢琴匠”向培养具有活跃思维能力的“钢琴演奏者”转变，如在初级教材的编写上增加教师引导学生自我探索与发现的教学环节，使儿童在学习过程中发现更多的自我价值并获得更多的自我肯定，从而激发儿童学习钢琴的兴趣。其次，针对儿童阶段主要以感性认识与直接兴趣为主的特点，教材排版可以更加色彩化与卡通化以符合儿童审美观，吸引其注意力;在曲目选择上，除了熟悉的儿歌以外，还可以将儿童喜爱的卡通片主题曲等纳入其中，从而保持儿童对于钢琴学习的热情;在教学语言上，尽量使用儿童容易接受与记忆的语言，避免语言表述上过强的理论性。再次，一些儿童在学琴过程中会出现注意力不够集中、好动、稳定性不够等现象，在教材编写与教学活动进行中可以设立一些具有奖励机制的教学模块，以此达到规范学生学习态度并激励学生学习热情的目的。 3注重教材教学进度与知识结构的循序渐进 近年来我国儿童钢琴学习方兴未艾，中国俨然成为了世界钢琴教材的最大市场之一，国外经典优秀教材的不断引进占领了钢琴初级教材的主流市场，与此同时我国钢琴教育者和一些出版商也争相出版各类打着“自主编写”旗号的儿童钢琴初级教材，但通过对市面各种本土儿童初级钢琴教材的考察发现，相较国外成熟的钢琴教学体系及教材编写模式，本土儿童钢琴初级教材在教学进度安排方面普遍不够科学且呈现出两极化趋势:一类是受到各类钢琴考级制度的影响，以训练手的弹奏技术为纲，在教材进度安排上一味急于提高儿童的弹奏技术，忽略了儿童在此年龄阶段的接受能力与认知能力拔苗助长;另一类教材则空有其表，华而不实，过分追求教材的纸质、排版等教材外在层面，忽略了其作为传授知识媒介的内在本质，教学内容空洞且过于拖沓，导致教师在教学实践中由于难以达到预期教学目的逐渐丧失对于自主教材的信任度，不得不转而选择经过各国教学实践验证较为成熟的外国教材，最终导致我国在自主教材编写发展道路上的恶性循环。当前我国儿童开始学习钢琴的年龄段集中于4～7岁，此年龄阶段的儿童其认知能力尚处于“前运算阶段”①①，其生理条件处于骨骼发育阶段，手掌大小以及手指力度都远不及成年人，不能承受过度的钢琴弹奏技巧训练。因此，我国钢琴教育者在自主编写儿童初级教材时应充分考虑教材的循序渐进性，借鉴国外优秀教材在教材进度安排上的优点并结合我国当代儿童身心发育特点加以考量。 4加强对于钢琴民族性的教学 上下五千年丰厚历史底蕴积淀下，形成了博大精深的中国传统音乐文化，在传统民族乐器百花齐放的同时，还形成了以宫、商、角、徵、羽为主的民族音乐调式，使得中国传统音乐独具魅力。但随着与世界文化交流的愈来愈密切，中国传统音乐文化的传承逐渐受到外来音乐文化的制约，促使众多音乐教育者在中国传统民族音乐发展与外来音乐文化交流共融上达成了共识。1995年召开的第六届国民音乐研讨会中“以中华文化为母语的音乐教育”的论题被提出，加强音乐教育的民族化成为了众多音乐教育者更加关心的问题。在笔者看来，这个论题的内涵不仅包涵了对于我国传统器乐、声乐等本土传统音乐文化传承的民族化教育，还包涵了另一层面即对于诸如钢琴等外来器乐的民族化教育问题。钢琴作为“舶来品”在进入中国的百余年历史中，《二泉映月》(储望华改编)、《粤曲“双飞蝴蝶”主题变奏曲》(陈培勋)等民乐改编成了钢琴曲，《春思曲》(黄自)、《牧童短笛》(贺绿汀)等用西方作曲技法来表达中国音乐魅力的钢琴曲等，都很好地体现了中国音乐家们将钢琴“洋为中用”的意识。但中国钢琴教育尤其是中国儿童初级钢琴教育中，对于中国民族化音乐思想的教学却始终发展缓慢，我国现行自编的儿童钢琴教材在编写定位上较为模糊:有以西方七声音阶等教学模式写作的基础教程，如《儿童钢琴初步教程》(上海音乐出版社);也有以综合类曲目形式出现的教材，如《钢琴基础教程》(上海音乐出版社)。众多音乐教育者尚未对中国化的儿童教材风格有明确把握，我国仍缺乏较为完善且具有中国音乐民族性教育思想的儿童钢琴初级教程及教学体系。诚然，编写一套符合中国民族化需要的儿童钢琴初级教材是我国钢琴教育界迫切需要解决的问题，但西方社会经过300余年的发展才逐渐形成了其较为完善的钢琴教育体系与教材编写体系，说明建立一套具有中国民族特性的钢琴教育体系及教材体系也绝非是一件一蹴而就的事情，需有步骤地逐步建立。首先，在各方面鼓励我国作曲家创作出更多既符合我国儿童身心特点又能引导其了解中国民族调式及民族意识音乐思维的基础钢琴作品，使中国儿童能在钢琴学习的初级阶段便奠定一些具有民族意识及乐感的音乐基础;其次，在教材民族化编写中除了乐曲经典性、地域性有机合理选择以外，中国钢琴作品基本演奏技法的教学在教材中也应有所体现。 5重视教学法在钢琴教材编写中的运用 教学法指在教学过程中所运用的方式与手段，是提升教学效果与教学质量的关键因素。我国现阶段的儿童钢琴初级教学仍以一对一为主的小课方式进行，通过一周一次的上课，老师对上一周作业进行回课检查、指出问题并布置新的作业，以此循环往复，单调乏味，缺乏对儿童的吸引力。在我国自主出版的儿童钢琴教材中，也体现为老师“讲”为主、学生跟着做的传统讲授法与练习法。儿童对于音乐其本身尚处于不了解不熟悉的阶段，在初学阶段一味地为提高某种演奏技巧进行一对一“精细教学”对于培养儿童钢琴学习兴趣及真正理解学习内容帮助甚微，在教材编写与教师教学中更关注教学法的多样性势在必行，国外音乐教育领域已有铃木教学法、奥尔夫教学法、柯达伊教学法、达尔克罗兹教学法等从音乐行为习惯、节奏旋律与基本动作形态、音乐素质、情感表达等不同方面培养儿童对于音乐学习的综合能力。教材内容对于教师的教学有引导及指向作用，在教材编写过程中结合适当的教学法，可以使课堂氛围变得更加轻松与活跃。另外，通过定期组织小型音乐沙龙加强学生的相互交流与相互促进，也有利于相互学习、共同进步的良好学风的形成。总而言之，儿童钢琴初级教学与教材编写这一问题看似简单，但通过不断的教学实践与理论探索发现，这其中不仅包括单一钢琴演奏技巧的传授，还包涵了教师对于儿童心理学的学习与研究、对本民族音乐的融会贯通、对先进教育理念的及时掌握等各个方面。通过更多深入的研究与教学实践，在日后我国自主编写儿童钢琴初级教程的道路上，应从培养儿童音乐素养全面发展为出发点，以编写符合中国儿童特点的初级教材为目标，不断提高儿童初级钢琴自主教材的编写质量与教学水平。 作者：邓璞 单位：湖南师范大学 音乐学院 钢琴教学初级论文:初级阶段钢琴教学研究 摘要：笔者认为，学习严谨深刻的钢琴艺术，能使儿童潜移默化地接受真、善、美的文明熏陶。那么，学好钢琴要具备哪些基本条件呢？本文从以下几个方面讨论钢琴的初级阶段教学：扎实的基本功、音乐表现力的培养以及科学高效的练琴方法。 关键词：钢琴教学；儿童初级阶段；弹奏 我国是一个拥有13亿人口，具有五千年文明史的泱泱大国，提高全民素质需关注少年儿童。在钢琴教学方面首先必须具备优秀的教师，优秀的钢琴教师要有良好的专业素养、丰富的知识储备。其次是琴童的音乐天分，节奏感与听力的天分是最基本的，手指长、指距宽是手型条件。最后是家长的密切配合。三方面做到统一和谐，琴童学琴的道路才会越走越宽。本文重点探讨教师的钢琴教学。 一、扎实的基本功 首先，基本功的首选“材料”便是《哈农钢琴练指法》（以下简称哈农）。法国钢琴教育家哈农编著的钢琴练指法是一套专门的手指练习方法。在《小汤普森钢琴初级教程》之后可以练习本教程。全书分为三个部分，第一部分的1~20条是全书的基础，主要是手指灵活性、力度、用力均匀以及动作平稳的练习。要求身、肩、臂、腕放松、无拘束，可做重点练习。第二部分的21~31条是巩固第一部分的练习的，可将其首尾相接，连续弹奏，专攻耐力的训练。第三部分的32~37条是针对拇指的专项训练，是为弹奏音阶和琶音做准备的。要求拇指始终处于最放松的状态，手腕要稳。音阶和琶音可集中学习，也可分散学习。建议学生先单手练一个八度，熟悉音位，固定指法，再进行双手合练或单手两个八度，最后双手四个八度的练习。第三部分是全书的精华，根据其难度，每首可练习2~3周，注意练习的要求并以慢练为主。针对初学的琴童，弹奏哈农第一部分时可与其他教材同时进行。可以先提腕抬手，断奏。然后做高抬指练习，手指垂直抬起，集中力量下键，连奏。其次是音阶。当学生已具有基础时，便可以加入音阶的练习。要点是穿、跨指的技巧。穿指：拇指从2、3、4指下穿过。跨指：2、3、4指从拇指上跨过。以拇指为支点，随拇指移动，所跨指要提前到位。强化穿、跨指的技巧训练，便可进入音阶的练习。练习音阶要求双手快速整齐跑动；双腕放松，可有轻微颠腕；指关节、掌关节不能塌陷；音符、指法要求精准；力度要扎实；力度上要求上行渐强，下行渐弱。最后是练习曲。初级阶段以《车尔尼599钢琴练习曲教程》（以下简称599）为主，搭配巴赫的《简易钢琴曲集》。599乐理知识浅显易懂，音符节奏较简单，速度适中，很适合初级阶段的学生弹奏。但599风格、体裁、练习形式较为单一，缺乏左手训练，可搭配巴赫的钢琴小品《简易钢琴曲集》，作为复调的启蒙。在作品中，有针对性地训练双手都控制旋律时的节奏、力度、连线的协调，为今后更复杂的二部创意曲、三部创意曲、法国组曲、英国组曲以及更为深奥的平均律及赋格打下基础。同时，这些作品还可以发挥我们的听觉功能，探究不同声部之间的层次。正是这样的训练，充分开发了我们大脑中不常用的那一部分，培养了周密的思维方式。 二、从小培养表现力，感受音乐的美 乐曲的弹奏，除了演奏技巧，还要培养学生的音乐表现力。结合力度、速度、表情记号以及音色的把握，表现音乐之美；力度上，拍号中的强弱关系、旋律线条的起伏、乐谱标注的力度记号等都是力度变化的依据；速度上，曲首提示的速度、乐谱中标注的rit和atempo以及约定俗成的曲终渐慢等都是速度的依据；在表情记号上，主要依据旋律的感觉以及乐曲中的标记，例如，express等；音色上，强而不噪、弱而不浮的控制能力也是要经常向琴童灌输的要点。结合这四项内容，相信可以给琴童播撒音乐美的种子，使其开出理想的花朵。 三、科学的习琴方法是保护琴童兴趣的关键 练琴的过程可谓是艰难的，这就需要科学方法，讲究高效率的练琴，既保护习琴兴趣，也达到了练习目的。怎样高效率练琴？哪里不会练哪里、哪里不熟练哪里、哪里有错练哪里。在孩子练琴的过程中，有些家长一味地追求乐句的连贯而忽视了孩子的年龄以及能力，从头到尾只能是熟练的地方熟练，不熟练甚至有错的地方依然不熟练，依然错。科学高效的练琴显得尤为重要。此外，家长陪练的作用不容小觑。学习钢琴毕竟是一件需要付出努力、忍受寂寞之事，孩子年龄尚小，缺乏自制能力，在新鲜感逐渐淡去之后，坚持变得尤为艰难。这就需要家长与老师密切配合，拿出各种“大招”积极、正面地引导孩子完成学习任务。可采取以下措施，为孩子播放音乐小品、欣赏音乐会、参加演出或比赛等。避免强迫、惩罚甚至打骂。家长还需合理安排孩子练琴时间，化整为零、化零为整，让孩子频繁地参与音乐活动可以增长孩子的见识，在生活中很自然地受到音乐的熏陶，感受音乐的魅力，从而积极主动地学习钢琴。通过长时间的教学，我发现习琴的好处已不仅仅是陶冶情操，还可以培养孩子坚持原则、严谨细致、吃苦耐劳、脚踏实地等一系列优秀的品质，为其今后的人生打下人格基础。 作者:徐靓 单位:呼和浩特市第二中学 钢琴教学初级论文:少年钢琴初级教学研究 【摘要】少年钢琴教学的对象有其自身的特点和生理、心理上的优劣势。在钢琴教学中要结合少年教育的特点，根据他们的不同学习目的、不同条件和不同需要有针对性地实施教学。这是当前社会音乐教育和普及钢琴教学的迫切需要，也是落实科学发展观，构建和谐社会方面的一个有意义的探索和实践。 【关键词】 少年教育 钢琴教育 钢琴是一门高雅艺术，她无穷的魅力，吸引了不同阶层、不同年龄的人们对她的青睐和喜好。 少年时期，又称学龄中期，一般指11―15岁的儿童。在钢琴初级阶段的学习者中11、12岁正值小学四、五年级，这个年龄段是钢琴初学者的高发群体。少年时期学生骨骼组织里含水成分仍旧很多，含钙、盐、磷成分少。骨骼系统中还有许多软组织如：脊椎、骨盆区和四肢的骨骼还没有完全骨化，同时腕骨和指骨也正处于生长的过程中。因此，要注意指导少年时期学生养成良好弹琴演奏的姿势。这个时期的学生腕骨和指骨正处于生长的过程中，指挥小肌肉的神经系统的机能尚未成熟。这时学习演奏钢琴有助于小肌肉群的发育和大脑神经系统的成长。少年时期的学生生理发展处于一个相对平稳的时期，而心理发展则处于一个重大的转折时期。在逐渐走向成熟的过程中，学习钢琴对少年脑的发育是极为有利的。 一、少年钢琴教学目的 这一时期是全方位的钢琴教育活动。学生希望通过钢琴的学习，掌握一定的技能和提高自身素质，得到教师和家长的表扬，这是学生的目的。家长不仅希望学习钢琴可以开发智力提高素质，而且还能拓宽孩子日后的发展方向。对钢琴教师而言，则是根据不同学生的个体差异，选择有针对性的教育手段与教学方法，因人施教，解决学生学习过程中的不同困难，培养学生钢琴演奏的能力。所有以上这些目的都是这一时期钢琴教学的目的。 二、少年钢琴初级教学内容与教学方法 在钢琴初级教学中，要考虑到学生的知识、心理发展水平以及审美鉴赏力水平。教学中应善于设计精巧的提问，启发学生音乐上的思考和灵感，具体来讲就是培养学生的注意力和观察力，培养学生学习钢琴的兴趣及学习方法。 教学中的教材使用可以从车尔尼作品第599号开始。教授钢琴的基本弹奏方法(断奏与连奏)可以根据教学需要和学生的具体情况将车尔尼作品第599号中各课的连线、跳音加以改动。 在钢琴课堂上所使用的教学方法和手段应有别于幼儿时期。在教授断奏时应明确指出一断奏是一切演奏的基础。首先，钢琴教师通过范奏让学生明确断奏的声音效果。因为音乐是看不见摸不着的，是时间和声音的艺术，只能用耳朵听，用心灵感受和体验。声音是检验弹奏动作是否正确的唯一标准。非连音弹奏的声音是清脆结实、明亮集中、富于弹性的。启发学生学会分辨声音的优劣好坏。当学生对声音效果明确了。再进一步要求弹奏动作，就会便于掌握。少年时期比幼儿时期在思维方式上有了很大的发展。因此，在钢琴教学上要注意结合学生思维特点，使用学生能理解的语言，运用直观形象化的语言来解释弹奏动作。非连音弹奏动作应体会重量落下。先将手臂慢慢提起，手放松下垂，手指自然弯曲，略高于键盘后自然落下。要注意的是，掌关节的支撑和指关节的巩固以及其它手指的放松。所有这一系列动作的目的是发出好的声音。 跳音的声音是短促、清脆明亮、集中富有弹性的，它与非连音的不同在于跳音比非连音在时间上要短得多。让学生想象成一只皮球在键盘上跳动，在教学上让学生明确弹奏断奏的关键是指尖要站牢，触键和离键要快。 连奏的声音是圆润丰满、柔和如歌的。演奏连音关键是重心的移动。这种移动是指整个手臂手掌的重量在不同指尖上的平稳移动。手指要降低触键高度，用平稳贴键的方式缓慢触键。奏出歌唱性的连贯声音注意两音之间的连接。如果在第二个音下键之前第一个音过早的放开，声音就会不连贯，如果第一个音的手指不及时离开，声音则混浊不清晰。 当遇到某个具体作品时，教师可以提提问题如：有几个升降号?是什么拍子的?对以前学习过的同类技能、乐理知识，让学生在具体作品中实际掌握并充分理解。每首新作品教师应先进行讲解示范，让学生在演奏中注意这些问题。这样学生就会逐步合理地组织自己的知觉和观察能力。 在钢琴教学中，不仅要求学生将连音、跳音的时值、节奏弹正确，还要求学生了解作品的时代背景、作曲家的创作特点，掌握作品的演奏风格。并细致处理每一个乐句的音乐，且力求学生达到作品的演奏速度。教师对作品的示范应正确、清晰。启发学生的积极思维，注意培养学生独立思考和对作品的个性处理能力。教学中，可采用平等讨论的方式，不要轻易的否定学生对音乐的理解。少年时期的学生已经具有一定独立评价的能力。所以，尊重学生是提高学生的学习兴趣，提高教学质量的前提。 少年时期的学生有一定的能力去理解乐曲，教材的选择要多彩多样。在教授基本奏法的过程中，多穿插使用一些中外乐曲。如果学生练琴时间较充裕，可让他们弹奏大量的乐曲来提高弹奏技能，培养音乐上的感受。如采用鲍蕙养老师编的《新思路钢琴系列教程》和但昭义老师编的《新编钢琴入门与进阶》。这些教材不仅可以使学生在钢琴学习的初级阶段巩固基本奏法，还可以广泛浏览古今中外的作品，扩充知识和作品的积累。 三、少年钢琴初级教学进度 少年时期孩子具有学习目的明确，主动性强，掌握、完成教学内容较快的特点，且独立思考能力与幼儿时期相比有很大提高。因此，少年时期初级钢琴教学进度比幼儿时期快得多。在教学进度进行较快的同时，特别注意基本技术训练要扎实稳定。要给学生留有思考、理解的时间。进度过快，学生会感到学习吃力。进度过慢，学生缺少一定的压力。从而导致学习兴趣下降。钢琴教师还应根据学生文化课的强度来适当安排钢琴教学的进度，使二者互为补充。在钢琴学习上，让孩子吃饱吃好。 钢琴教师应掌握少年钢琴学生的生理、心理特点，根据他们的不同学习目的、不同条件和不同需要有针对性地实施教学。这是当前社会音乐教育和普及钢琴教学的迫切需要，也是落实科学发展观，构建和谐社会方面的一个有意义的探索和实践。 钢琴教学初级论文:刍议乐理在钢琴初级教学中的作用 【摘 要】钢琴初级教育是任何一个钢琴学习者需要经历的过程，许多钢琴初学者对基本乐理知识掌握得不够，对比较难以理解的、具有客观性理性主义的乐理知识不感兴趣，但是基本乐理掌握不足会影响他们未来钢琴技术技巧的学习。因此，笔者以自身教学经验，浅谈怎样把基本乐理知识落到实处，怎样在钢琴初级教学中体现乐理知识。 【关键词】乐理；钢琴；初级教育 目前，素质教育是人们热议的话题，学校与教师逐渐把素质教育的目光放在钢琴音乐教育上。那么，怎样使学生对钢琴音乐教育产生浓厚兴趣，是每一位一线音乐教师需要考虑的问题。笔者从业多年，发现许多钢琴初学者的学习态度是积极的，不过他们对基本乐理知识的学习还不够，更有甚者，认为看明白乐谱就可以了，关于理论知识的认知持不在乎、不予理睬的态度。这些人通常喜欢具有情感意义、现实的钢琴演奏，对比较难以理解的、具有客观性理性主义的乐理知识不感兴趣，但是基本乐理掌握不足会影响到他们未来钢琴技术技巧的学习。那么，怎样为钢琴初学者普及乐理知识？本文将以笔者的自身经验进行浅析。 一、乐理 乐理是钢琴初学者首先接触的、必须掌握的知识，学会基础的乐理知识，才能把握乐谱上各种演奏记号，学会看谱弹奏。笔者在教学过程中发现，在学习钢琴之前能熟练把握五线谱的学生，学习钢琴之后一边进行基础练习，一边学习音乐基本知识，这样会达到事半功倍的效果，并且对学习钢琴的兴趣也会增加。这些人对作品的理解程度、把握技巧、展现力都会远远高于一般学生。 二、钢琴初级教学中引入乐理知识的重要性 乐理是最基本的音乐知识，从宏观上讲，其包含音乐技术理论与音乐学理论；从微观上讲，包含所有的基本理论知识。学习乐理知识是表演艺术及理论课程的首要前提，它为未来学习钢琴技术技巧打下坚实基础。大多数钢琴初学者并未认识到乐理知识和钢琴演奏的关联性。事实上，乐理理论与钢琴的演奏是不可分割的，倘若乐理理论没有充分掌握，学习者很难进行下一步学习。首先，无法预知作品的旋律走向，对句法了解不通透；其次，一些专业术语无法理解，对作品的寓意理解出现错误；最后，对五线谱感到陌生，ψ髌返慕峁共愦尾磺宄。这些因素无形中影响了学生对钢琴的练习。因此，对于钢琴学习者来说，不仅要掌握音乐基础知识，还要能熟练运用。尽管乐理理论晦涩难以理解，不过对于钢琴初学者来说也不是无法掌控的。第一，钢琴初学者基本是少年儿童以及青年，这一阶段的人群思维运转的相对较快，能够熟练运用与记忆。第二，钢琴之所以能引起初学者的注意，得益于钢琴演奏能表达出多种多样的音色。面对如此精彩绝伦的音乐器具，初学者对其产生浓厚兴趣，从而激发对钢琴的热爱，努力认真学习。第三，社会的发展为我们带来极其便利的物质条件，钢琴课上出现了多样的教学器具，如果老师改变教学方法，丰富教学手段，激发学生的能动性，就会实现理论与实践相结合的教学理论，钢琴演奏与乐理理论完美演绎钢琴音乐的韵律美感。 三、钢琴初级教学中引入乐理知识的方法 （一）把握好乐理教学原则 初级钢琴学习者大都是幼儿与青年，他们的思维跳跃快，富有创造性，所以在教学中要尽最大努力把钢琴乐理理论以游戏的形式教授给他们，不能一味地灌输，要形成“学中学，学中玩”的教学方法。如在练习听辨音时值的长短时，把四拍的节奏比作慢慢前行的外公外婆，二拍的节奏比作成熟稳健的父母，一拍的节奏比作蓬勃向上的兄弟，而半拍的节奏则比作活蹦乱跳的小孩子。另外，乐理理论还可以和其他形式的歌唱、舞蹈结合在一起学习。 （二）在钢琴演奏技巧练习中穿插乐理 钢琴集中授课形式是与“一对一”的授课形式相对立的，在理论的传播中要注意乐理知识与钢琴实际操作相结合，使用现代先进教学设备，能够有效的提升学生的音乐素养。如在教授学生乐理理论与重点时，我们可以用幻灯片展示乐理知识，加以动态的效果，这样学生能够拥有直观的感受，激发学生学习兴趣，挖掘学生的潜在能力，在听音乐、思考、说音乐的各种环节中细细体会乐感，使学生真正喜欢上音乐，感受到乐理也有其有意思的一面。通过一系列学习，学生学习兴趣提升，不再恐惧反复练习的枯燥感，加深记忆力，也能在技术技巧的训练中把乐理理论熟练运用。这样，在钢琴演奏技巧练习中穿插乐理知识，使学习者理论与实践综合运用。 （三）乐理教学方式的多样化 在传统的乐理理论教授中，教师是学习活动的中心，而学生只是接收知识的“容器”。事实上，真正意义上的学习应该是教师引导学生自己学习，学生具有一定的主动性。老师在组织活动中也要以朋友的身份积极参与进来，教师与学生是亲密友好的伙伴关系。例如，在演奏需要双手相互配合的作品时，首先要带领学生弹奏，让学生体会音节与音节之间的联系，理解其关系后再用语言表达出来，从而能够引导学生对乐理理论的学习，使学生能够独立思考，具有主观能动性。另外，老师与学生之间进行互动，使学生能够欣赏老师的示范，学会画折线图，也就是让学生在一张用硬纸壳做成的空白五线谱上，把刚刚听到的音用笔在其相应的线、间位置上画成一副线条走向的折线图，这些都可以增强学生的参与性，能集中初学者的注意力，取得不错的教学效果。再如，播放一些学生喜欢的流行作品让其倾听，启发他们在演奏中剖析乐理。教师可以从学生的角度来设计教学方案，将有关联的乐理理论和音乐作品联系起来，更好地激发学生学习兴趣。为了打破乐理理论学习的乏味性，教师可以采取合作与竞争的手段来提升学生学习兴趣，把学生积极向上的心态和知识联系起来，激发学生主动学习能力；还可以在钢琴教学中采取问答、抢答的教学方法，阐述答案、解释答案的根据，依据学生回答问题的准确率决出第一名，在班级予以激励表扬。经过一系列比赛游戏的方法使学生投身于钢琴学习中，师生有效互动，在无形中培养学生独立自主的学习习惯，增强学习能动性，实现乐理教学方式的多样化。 （四）用感悟促进技巧的掌握 学生对音乐产生浓厚兴趣、深入理解后，就会产生真正的依赖与热爱，这可以使学生拥有更加迫切的想要了解音乐的动机。拥有寻求知识的欲望与持续的动机后，接下来培养学生情感的感召力与感知能力，主要是指感，基本乐理的理会、领会和独自处置音乐作品的能力。每个人对作品的理解程度都是不同的，这与生活经验、音乐感悟力息息相关。钢琴基础技术技巧的练习是为了深入表达作品的内容与感情。从学习音乐开始就要注意引导学生对每部作品的感知能力。比如练习拜耳等作品时，就要求学生依据谱子上的表情记号进行演奏，并且注意手臂、手腕、手指的密切合作，将强与弱的力度细致地表达出来。在反复练习时，要认真听、品、说，认真弹奏好所有的小节亦或是音符。由此对作品的掌控力就水到渠成，随意的变换节奏、强弱，达到天人合一，融于音乐殿堂之中。 （五）乐理知识学习必须坚持长效性 音乐理论因为表象性不强，本质比较晦涩，所以多数学生短时间内不能学会，并且遗忘速度非常快。在教学中，教师教授的知识是有限的，并不能把全部技术讲授出来，这就需要学生养成良好的学琴习惯，把音乐理论与实际演奏相结合。例如，旋律与和声、三和弦等可以分配到练习作品中，每天坚持练习，渐进学习。而且，在训练过程中不仅是单纯的手指运动，还要形成带着问题弹奏的习惯，要善于发现问题，才能不断进步。钢琴音乐理论知识的学习不是死记硬背，而是应该活学活用，只有能够熟练运用了，才能辅助钢琴演奏，例如，在能够熟练演奏一首作品后，要做到能够依据自身的知识，自然改变旋律、节奏，学生可以增加一些辅助音来充实作品的韵律。经过一系列风格的弹奏，使学生能够自己创造曲目，把钢琴演奏加上个人色彩和个性特征。 上述提到，大多数钢琴初学者都是幼儿与青年，他们拥有一颗单纯、善良的心，他们的内心希望得到夸赞与鼓励。如果教师能关注他们的内心，对待他们渴望的目光，积极予以赞扬鼓励，使他们感受到尊重与关注，那么学习钢琴理论知识的效果就会提高，更有甚者对音乐理论知识产生极度偏爱，为未来钢琴学习之路打下坚实的基础。与之相反，如果教师采取强制管理、粗暴语言的评价方式，有可能伤害学生的自信心与自尊心，学生对乐理知识产生消极的心理，甚至对其成长与未来发展产生消极影响。当学生能够熟练弹奏后，老师应该有目的、有层次地提出一些问题，不过要掌控好问题的范围与难度，不要超过学生的认知维度。比如“你弹奏得非常好，那你能给老师讲一讲这句话是什么意思，什么节奏吗？”，用求知的语气与巧妙的方式提问，会增强学隆的自信心，他们会认真思考，组织语言来为你解疑。 （六）在乐理掌握中加深感悟 儿童天生就会对一切美好的事物感兴趣，他们对音防砺鄣恼瓶厥欠⑾忠衾置赖母源。儿童对音乐作品的内容与情感更敏感、执着，他们会在享受听觉盛宴与自身演奏中产生丰富的情感，释放自己的情绪。这些情感的领会，会使儿童与音乐之间的情感能够密切联系，建立丰厚的实质感情。 综上所述，在我国实际教学中，钢琴教学一直注重弹奏技术技巧的练习，而忽略了与之密切联系的基本音乐理论知识，这直接影响到中国钢琴教学健康发展。实现钢琴初级教育中的乐理普及是一项系统且耗时的课题，它不仅要求理论充足完善，还要求具体实践的检验。音乐教师依据学生的具体情况，制定一套完善的系统音乐课堂教学方法，充分调动和培养学生对钢琴的学习兴趣。 钢琴教学初级论文:幼儿初级钢琴教学应予以重视的几个问题 【摘要】在“学琴热”的推动下，越来越多的幼儿开始学习钢琴。幼儿有着年龄小，身体处于成长阶段，心理发展不成熟等特点，因此在钢琴教学中也有着一定的代表性。本文就幼儿初级钢琴教学应予以重视的坐姿和手型、读谱习惯、弹奏法、音乐表现和音乐情感这几个问题逐一展开论述。 【关键词】幼儿 初级钢琴教学 弹奏法 情感表现 在当代中国社会里，已经形成了一个十分广泛的钢琴学习热潮。这股热潮，不再局限于大中城市，而是向着更广的范围辐射开来。习琴者的年龄层也由幼儿、学生、成人扩大到中年和老年人。其中，幼儿习琴者占据相当大的比例。因此，在钢琴教育教学中也有着一定的代表性。为了他们在钢琴演奏中有长久的发展，引导幼儿进入规范的钢琴学习尤其重要。本文分四个部分阐述了钢琴学习中幼儿习琴者应该重视的几个问题。 一、良好的坐姿和手型 1、坐姿 坐的位置要与钢琴距离远近合适，坐位本身的高低适度，良好的坐姿能使演奏者更好的对琴键全面控制和驾驭，同时也为身体，特别是双手，双臂在键盘上的活动提供最大限度的方便。它是发展、发挥正确技术的前提之一。 正确的坐姿应当注意三个部分：（1）脚部及腿部。双脚踏实着地，置于踏板前。幼儿习琴者由于身高局限，脚够不到地面，可在脚底放置一个板凳。要注意板凳的高度，一般的使大腿与小腿的角度略大于直角为好。脚部要刚进入键盘下面为适中，不能太过往前或往后。（2）臀部。臀部坐在琴凳靠近钢琴一侧的半部或前三分之一处，不要坐满琴凳。幼儿在初学时为了调整高度，可在琴凳上放置坐垫，但坐垫不可太软。它的目的是为了更好的配合手指移动。（3）大臂小臂。大臂和小臂是钢琴演奏中的重要环节，不可忽视。“大臂自然下垂，小臂与键盘基本保持水平，手腕平稳，不可过高或过低，以免防碍手指正常活动。”[1] 2、手型 良好的手型是钢琴演奏者的重要因素，它可以帮助演奏者成功的将大臂小臂的力量传递到手指上来，使声音听起来流畅而有力。幼儿习琴者可用“握苹果”、“握鸡蛋”、“握球”等方法强调手心的空心感，以及手指的弧度问题。具体到每个手指，二、三、四指处于手部的中心位置、力量稳定，因此比一指和五指容易训练。弹奏时要注意指尖立于键面，第一、 关节要稳定，像拱桥一样，不要塌陷。大指应用指尖的外侧触键，指型应呈现向掌心之外的弧线，掌关节突出来，与二指握在一起像一个鸡头的形状。大指因其天生不灵活，训练时应多在独立性与灵活性方面下手，幼儿习琴者初学时就要强调掌关节的突出，使其养成良好的习惯，为以后大指的运用打下基础。小指位于手的最外侧，是五个手指中最细最小的一个，因此在训练上也有自己的难度。小指的触键点和二、三、四指一样，都是指尖部位。不应用指头的外侧弹奏，这样会引起手部的重心不稳定，影响弹奏的效果，幼儿习琴者应明确五指的触键位置，切勿养成用指的外侧触键的不良习惯，因为这会在一定程度上阻碍手指的发育，造成手指向内侧长弯的结果。 二、培养正确的读谱习惯 读谱是初学者通向钢琴弹奏的必经之路。初学者往往都是先接触乐谱再接触琴键。教师往往先从中央C教起，先让学生记住几个不同音区的C。再根据五线谱识谱规律一线一间的让学生读谱。与此同时，写音符也是一种很好的辅助方法，幼儿应强调其动手能力，往往他们对自己写过的东西印象比较深刻，这样也会引起他们足够的兴趣。不要把训练只集中在读谱上，使他们不会感到学习的枯燥。 1、音高和音准 音高和音准是习琴者音乐素质的反应，是学习钢琴的初级阶段应该注意的问题。初学者，特别是幼儿可能对音高没有形成意识，教师在授课过程中应给以逐步的训练。首先，先训练其听的能力，使其学会全神贯注的听声音、听音乐。其次，可以运用钢琴模仿一些自然界的声音，让学生识别，可高可低。最后，让学生模唱教师弹奏出的单音甚至双音，看学生是否能摸唱出来。音准方面，教师可先让幼儿习琴者唱一首儿歌，看其对音准的把握，其余的工作要放在他们演奏的过程中，教会他们以听自己弹奏的声音为主，不要只顾看谱，会辨别自己所弹奏的音符中有没有错音，培养其判断音准的能力。 2、节奏、节拍 （1）节奏 “音的长短关系，叫做节奏。节奏以音的长短关系组织音乐，节奏是曲调的骨架，是构成音乐的重要要素之一。”[2]人类最初的音乐就是只有节奏或以节奏为主的。在现存的民间音乐里，甚至还保留着只用打击乐器创造出来的音乐。这说明，节奏本身就存在着美感，它可以独立成形，在大多数的乐曲里，作曲家往往是通过变化多端的节奏来展现乐曲的情绪、风格、情趣的。节奏对一个接触音乐的人来说是非常重要的，对幼儿习琴者来说也是如此。它反映着他们先天的音乐素质、节奏能力。那么，节奏能力应怎样培养呢？其一，让幼儿习琴者明白节奏的普遍性，像是心跳的声音、海浪的声音、蟋蟀的叫声、下雨的声音等等，养成他们观察身边节奏的习惯，使节奏的抽象性变得具体而又容易理解。其二，可以运用击掌的办法，从慢到快，然后再慢，让他们体验节奏的变化，激发起他们的兴趣。其三，进一步加强练习，可引入不均匀的节拍，让他们体验节奏的不平衡，然后说出感受。节奏的能力是强化练习的过程，要坚持训练，不能够操之过急。 （2）节拍 “乐曲中强（重音）弱（非重音）音有规律的反复，叫做节拍。节拍中的每个单位，叫做节拍单位。有重音的单位叫做强拍，非重音的单位叫做弱拍。”[3]在每首具体的乐曲里，拍子与拍子之间的时间距离，或者说每拍的时间值都是相等的，但各拍的轻重并不相同。节拍用记号表示出来，就是我们常见的2/4、3/4、4/4这类标记。教师为幼儿习琴者讲授节拍时，先要使其明确节拍的定义，告之节拍标记的意义，如2/4拍，表示以四分音符为一拍，一小节有2拍，并让他们学会自己解释。在这里要强调的是休止符的时值。休止符和音符在钢琴音乐中同样重要，莫扎特说过：“静默在音乐里有莫大的效果。”这些大音乐家能用音乐使广大的听众心旷神怡，是由于他们明了音乐休止的高度重要性，有时休止符可以达到比音符更高的效果，它能引起听者的注意，并给以思想上的准备。所以一定要使幼儿习琴者认识到休止符的重要性，在训练的初期，可以让他们大声读出空拍，以达到给他们提醒的目的。 三、培养良好的用力方法――重量弹奏法 力量是困扰幼儿习琴者的一大难题。对他们来说，刚刚接触钢琴学习，在弹奏的过程中往往不清楚哪些地方应该用力，下面就分三点说明一下。 1、肩、大臂、小臂 肩膀，大臂小臂在钢琴演奏过程中是放松的三个部分，它们的放松可以使力量流通到手指上，弹出流畅的声音。肩膀，在演奏过程中应该保持自如，随意感，还应有下沉的感觉。在幼儿习琴者的初学期可能会出现歪肩膀、架肩膀问题，这都是由于不放松而产生的。要克服肩膀的紧张、用力感。弹奏前先活动一下肩部，再保持这种状态到弹奏中，这一问题就会得到改善。 大臂小臂在钢琴演奏中也是疏通力量的环节，力量应该是自然下沉的。幼儿习琴者往往感受不到下沉的感觉而出现架高肘部或小臂紧张的现象。教师可让学生把手臂高高举起，教师用手托住学生的手臂，待其完全放松，松开手，使学生的手臂自然落在钢琴的键面上，然后告知学生，这就是放松的状态，弹奏时就要保持这样的状态，用“垂下来”“落下来”的力量弹。 2、手腕 手腕是力量疏通和辅助钢琴演奏的重要环节，也是最容易出现问题的环节。首先，先要让学生了解手腕的能力。（1）手腕可以指导手指从高于手腕的空中随心所欲向下触键的能力。（2）手腕本身具有主动、自如的向上，向下，向左，向右移动的能力。（3）手腕具有弹性。我们通常会用手腕完成一些跳音的演奏。（4）手腕具有一定的支撑能力。如果我们在钢琴演奏中要完成一些强有力的重音，这就要求我们的手腕具有支持手部的能力。在初学阶段，常会出现“颠手腕”的不良习惯。这种现象的出现往往是由于手腕的僵硬造成。手腕的僵硬，不仅使手腕本身失去灵活性，还会使手指头失去灵活能力，使前臂的筋肉也跟着紧张起来。幼儿习琴者出现这样的现象，多半是手指不主动而又要弹出较大音量所致。在调整时，一方面要强调手指的积极主动。另一方面，不要强调力度，用较小而均匀的力度做基本练习即可。 3、手指 在钢琴演奏活动中，手指是唯一应该具有力量的环节，手指是演奏的工具，也是表达思想的灵魂，手指要具备独立性和灵活性，要也具备支撑手部的能力，独立性和灵活性是要在平时的练习中一点一滴的积累的，不是短时期的训练可以达到的，因而在训练中也不易形成难以改掉的坏习惯。但手指的支撑能力是初学时期就开始强调的，它需要坚固的指形做基础。在这一时期出现的缺点是不容易改掉的。许多幼儿习琴者也因为第三关节支撑不住困扰，我们常称这种现象叫“折指”。产生折指的原因大致有两点，一是手指下落时的指尖方向没有垂直于琴键，造成指尖以向前倾斜的角度触键。二是座位较低，虽然手指垂直落键，但手的力量和重量方向不是垂直的，而是向身体的方向倾斜，造成落键的瞬间是站住的，当重量与力量放下来时手指就站不住了。解决此问题时要注意收回手指，使手指以垂直于琴键的方向下落，同时要调高座位，将手指放在琴键上自然垂下手臂时，手臂的肘关节水平方向不低于钢琴的白键。 四、培养幼儿习琴者的音乐表现和音乐情感 1、音乐表现 “所谓音乐表现，就是指我们手指弹出的音符之外，我们还给自己和听者带来的‘东西’。这个‘东西’存在于乐音之间、乐音之中、乐音背后。”[4]在教授幼儿习琴者时，教师就应当鼓励他们大胆表现，培养其自我表现的欲望，同时也要养成他们弹奏曲子时翻查音乐词典的习惯，了解并积累一些音乐词汇，这会对他们的音乐表现能力大有帮助。此外，教师还应该让学生加强语言训练，音乐是一种语言，而语气就相当于乐感。语气的训练就是要让学生把弹琴变得跟说话一样，要有明确的说话对象，每一个音符都要说的很清楚，很明确，这样，弹奏的曲子才会有抑扬顿挫，才会给人美的感受。 2、音乐情感 情感，笼统说就是喜、怒、哀、乐之类的心情。作曲家将各种各样的感情经过集中、提炼、升华并凝聚到乐曲之中，就成为了音乐的情感。我们想要了解一首作品表达的音乐情感，首先要了解它的作者和写作背景。这就要求教师要耐心的讲解给学生听。而剩余的感受工作，就必须靠学生自己了。学生的感受必须从心里在发出，只有心里感受到，才能够真正的表达出来。对于幼儿习琴者来说，音乐情感是要慢慢培养的，要让他们尽可能多的聆听优秀的钢琴演奏，从中得到启发；要让他们进行情感训练，比如讲一段故事，听完让他们叙述心中的感受；要多让他们接触其它音乐表演艺术和其它艺术形式，锻炼他们对音乐情感的多种认识。 幼儿时期学习钢琴，存在着多种利与弊，这就要求教师给予引导和把握。要说明的是儿童都有活泼好动的天分，不要茫目的让孩子“死弹琴”，给他们规定过多的弹琴时间。要科学的克服“坐不住”的问题，家长应该配合老师共同培养幼儿的兴趣，让他们每天自觉自愿的坐到琴凳上去。引导他们集中精力，在最短时间内达到最大的练习效果。同时，家长还应该具有耐心，在孩子练不好琴，或者是产生厌烦情绪时应当给予鼓励，而不是责骂或打退堂鼓。此外，家长还应与老师保持联系，在孩子练习过程中，遇到技术难题或儿童心理问题时，及时得到教师的帮助，使他们少走弯路，成功的引导幼儿习琴者走进规范的钢琴学习之路。 （作者单位：陕西师范大学音乐学院） 钢琴教学初级论文:儿童初级钢琴教材与教学的思考 摘要：越来越多的家长意识到音乐的学习对于儿童气质的培养、情操的陶冶具有举足轻重的作用。同时，曾经学习钢琴是为了将儿童培养成专门的音乐人才，但是如今钢琴教育已经成为提高儿童素质教育的一个重要方面而得到强调。面对这样一个庞大的钢琴教育需求，儿童钢琴初级教材的选择问题也日益突出，本文将通过对比分析市场上的许多教材，阐述笔者对于这些教材的思考。 关键词：儿童钢琴教育 钢琴教材 思考研究 目前我国儿童主要集中在5-7岁阶段开始学习钢琴，此阶段为学习钢琴的黄金时期，但是由于此年龄阶段的儿童在生理、心理、认知等方面的影响，使得学习钢琴收到限制。面对中国主流市场上的三套优秀的儿童初级钢琴教材――《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴教程》，这些教材在使用过程中注重循序渐进的教学进度。儿童初学钢琴主要的问题是音乐理论知识的理解以及基本钢琴演奏技术的掌握，尤其是学龄前儿童的生长发育受限，记忆力思维力都处于发育的阶段，因为决不能在儿童学习钢琴的初级阶段使用技术性强的钢琴教材，必须从浅到深，从易到难的过程进行引导。另外，钢琴学习不只是练习手指弹奏，还需要教师重点培养视觉、听觉、感觉、想象力等方面的认知，这样儿童才能够摆脱枯燥的技术练习，逐渐获得多方面的均衡发展。再者，钢琴演奏的基本功训练是每一位钢琴学习者的必经之路，是教学的主要内容，但是不能机械的高强度练习，需要科学系统的练习才能够获得真正的提高。如《巴斯蒂安钢琴教程》与《菲伯尔钢琴教程》，采用一级多本的形式，将技巧练习与乐曲演奏同步搭配学习，在练习曲中强化技术训练，在乐曲中灵活运用演奏技术可以达到学以致用的目的。同时，学龄前儿童充满玩心，因而教材的趣味性便显得尤为重要，如《汤普森简易钢琴教程》中与老师四手联弹的模式、《巴斯蒂安钢琴教程》中为旋律配伴奏的模式都深得儿童的喜爱，这些趣味性是的儿童在学习新知识的过程中不断产生创造力，并且能够一直保持儿童的专注力。 纵观中国学龄前儿童的钢琴教育，几十年来中国儿童初级钢琴教育阶段都是采用国外教材，这主要是由于：钢琴学习是一种“口口相传、手手相传”模式，由于老师曾经使用外国教材教授，因而当学生变为老师之日，也自然沿用外国教材。并且钢琴是一种外来乐器，在钢琴刚进入中国时，教师们便是使用国外教材进行教学活动，代代相传便形成现在的局面。这种模式便形成中国在钢琴初级教学阶段逐渐形成了以国外钢琴教材为主要形式的教学。再者，外国儿童初级钢琴教材在趣味性与系统性方面更加科学，因而不论是教师亦或是家长均会选择《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》这类教材。《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴基础教程》等国外优秀教材的编写都是其编著者经过多年教学实践经验的总结与归纳的结晶。但是面对我国目前很多家长让孩子学习钢琴的功利心，这些教材在使用上便显得急功近利了，当前我国学琴儿童及家长的多数需求都是业余钢琴考级制度，这个制度在我国实行已有二十余年，偏离学习钢琴的主要目的而一味追求“考级热”的现象使教学难易规范，更使得好的教材难以实行，因而，钢琴教育者及家长应该重新思考学习钢琴的目的，不盲目、不跟风，才能使儿童获得更好的发展。 《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴基础教程》这些优秀的国外初级钢琴教材有效的突出学习的趣味性，这是完全从儿童心理出发，并直接以兴趣为主，从而使儿童获得认识，推动儿童求知欲。摆脱高强度的弹奏技术训练，摆脱教材形式的呆板，摆脱机械性的模仿练习，这样才能增加儿童的主动性。再者这些教材在排版上更加色彩化与卡通化以符合儿童审美观，吸引儿童的注意力，曲目选择儿童熟悉的歌曲等，将儿童的感性认识、直接兴趣充分激发。同时，在教学语言上尽量使用儿童容易接受的，通俗易懂的语言，避免过强的理论性。目前，中国已经成为世界钢琴教材的最大市场之一，除了国外经典优秀的钢琴教材被不断的引进，例如英皇的教材与考级，我国钢琴教育者也出版了各类“自主编写”的儿童钢琴初级教材。面对如此纷繁复杂的教材，作为良心职业的钢琴教师一定要首先熟读教材才能给儿童一个好的指导。其次，家长也应该通过网络了解各类教材的优缺点，选择适合自己孩子的教材，达到因材施教的目的。但笔者浏览了市面上的一些本土儿童初级钢琴教材，发现国内出版的自主教材由于受到各类钢琴考级制度的影响，非常突出钢琴演奏技术以达到训练手指的目的，有些教材的进度安排一味急于提高手指技术，而忽略幼儿心理与胜利的接受能力，这写教材的编写必将会导致一种恶性循环。 我国现阶段不论是儿童钢琴教学抑或是青少年乃至成人的钢琴教学均是以一对一的小课形式进行，学生通过一周一次的回课完成每一阶段的目标，教师通过一周一次的回课检查学生的问题并布置新的作业。这种模式自钢琴教学之初便一直延续至今，但是这种教学形式对儿童的生理及心里认知而言单调乏味。笔者认为，教师可以在自己的教学中关注多样的教学法，在国外音乐教育领域较为突出的有铃木教学法、奥尔夫教学法、柯达伊教学法、达尔克罗兹教学法等等，教师均可以通过多种方式使儿童更加喜欢上钢琴课，更加期待上钢琴课。笔者翻阅了血多世界著名的音乐教学法，浏览了许多优秀儿童钢琴教材，研究了诸多钢琴家的成功，发现他们的成功均以通过某种乐器的学习来启发兴趣，抛弃功利心。因为儿童对于音乐本身是非常模糊的，在初学阶段补课一味的提高演奏技巧，并且一对一的“精细教学”并不太适用于培养儿童钢琴学习的兴趣，并不适用于让儿童真正音乐。这也是笔者将在本人以后的教学活动中认真思考的地方，教学思路应该转变，将课堂氛围塑造的轻松活泼有趣。 钢琴由于其多方位、多角度的独特优势而被冠以西方的乐器之王的美誉，其宽广的音域、多层次的音乐表现力，能够使演奏者充分锻炼身体与大脑的协调性而受到许多家长的追逐。面对中国钢琴学习的逐渐低龄化、普及化，钢琴教师要不断提高自身的素养，要参透钢琴教材的本真，要在钢琴教学中及时更新教学观念，选择适合每一个个体的教学方法，选择适合儿童身心特显的教材进行试教。笔者通过对美国音乐教育家编写的《汤普森简易钢琴教程》《巴斯蒂安钢琴教程》《菲伯尔钢琴教程》三套儿童初级钢琴教程的阅读逐渐领悟三套教材的各自优势与不足：最早在中国使用的儿童钢琴初级教材是《汤普森简易钢琴教程》，这套教材出版的年代久远，它开辟了中国儿童钢琴兴趣培养的先河，但这套教材强调音符记忆，并且知识点分布零散，在儿童钢琴学习兴趣方面较弱。《巴斯蒂安》与《菲伯尔》这两套教材总用了大量的英文歌词与英文游戏的练习，这种方式让中国儿童在教材使用中具有一定局限性，但对儿童心理的研究弥补了《汤普森》的不足。所有的儿童钢琴教材中没有万能教材，学龄前儿童的注意力容易分散，个性鲜明，所以家长与老师应将钢琴考级、比赛等看作建立儿童自信心与自我检测的一种途径，避免教学中急功近利的思想。 面对如此庞大的儿童钢琴教育市场，钢琴教育家们，音乐理论家们，一线的钢琴教师们任重而道远，适合中国儿童的教材还在不断探索的道路上进行，这篇论文是笔者自己教学经验的一个简短思考，难免有一定偏颇与不足之处。本人也会在儿童钢琴教育这条路上不断前进，探索出适合儿童的教材，多种教材互补进行。 作者简介： [1]依健：渤海大学艺术学院音乐系，副教授。 钢琴教学初级论文:关于少儿初级钢琴教学的几点思考 摘要：本文针对少儿钢琴初学者的学琴道路不能坚持走下去而不得不终止这一怪现象进行阐述分析，根据笔者多年来的钢琴教学经验，总结出如何解决这一怪现象的建议和方法。 关键词：少儿钢琴初学者 钢琴基础 手指训练 近年来，随着国家对教育事业的重视，越来越多的家长开始注重对孩子全方面素质的培养，钢琴作为乐器之王成为家长首选的乐器。但是在孩子学习钢琴的道路上总是出现一种怪现象，有很多少儿钢琴初学者往往学习钢琴不超过三年，钢琴水平就会停滞不前，甚至出现厌恶、反感、抵触的情绪，最终学习钢琴的道路不得不终止。对于这个问题，笔者在平时的钢琴教学中不断的观察、思考、实践，做出如下总结： 一、少儿钢琴初学者钢琴道路终止的原因 （一）教师忽视对少儿初学者钢琴基础的培养 这里所说的钢琴基础主要包括两个方面：一个是音准，另一个是节奏。少儿初学者刚开始所学的曲子篇幅比较小、音域跨度不大、旋律比较简单等等，孩子往往弹几遍之后就能很轻松的熟背下来，表面上看孩子弹的很不错，其实却隐藏了很大的隐患，因为孩子只是把曲子背了下来，至于谱面上的音符和节奏，孩子能不能真正的认识和明白，这个问题如果教师不仔细观察考验的话，是很难看出来的。而恰恰有很多教师在少儿学习钢琴的这个阶段被孩子流畅的演奏假象所迷惑，为以后的孩子学琴过程埋下了深深的隐患。随着学琴时间的推进，谱子的容量越来越大，音符越来越多，节奏越来越复杂，这个时候孩子会很难应付，曲子弹的不熟练、不流畅、甚至不对就会得到老师的批评，长期的批评必然会导致孩子对钢琴失去兴趣，最终钢琴的学习道路不得不终止。 （二）教师忽视对少儿初学者手指训练的重视 少儿初学者所要解决的重要问题之一就是手指，能让手指有力、灵活、自如地在琴键上演奏。教师对少儿初学者的教学过程中，并不是没有指出手指如何正确的演奏，问题是教师能不能对手指的训练达到非常的重视，有很多教师在平时的教学中只注重孩子演奏曲子是否流畅，对于手指出现的问题只是说说而已，并没有拿出一定的时间进行修改训练，而且少儿初学者的年龄非常小，自控能力是比较弱的，如果长时间教师不对手指进行纠正，孩子一旦养成不良的触键习惯就会很难改得过来。随着曲子难度的增加，孩子的手指无法完成谱面上的要求，这时教师再开始纠正为时已晚。因为这个阶段，孩子不光要注意手指，还有上述所说的音准、节奏等等的问题，这么多问题需要面对，对于一个不到十岁的孩子来说是很难完全顾忌到的，孩子总是练却练不好，自然会越来越不自信，越来越讨厌弹琴，最终走上了对钢琴失去兴趣而终止的结局。 二、如何让少儿钢琴初学者的钢琴道路持续下去 （一）教师重视对少儿初学者钢琴基础的培养 笔者在这里所说的钢琴基础指的是两方面，即音准和节奏。其实钢琴基础中包括很多方面，但笔者认为音准和节奏是基础中的基础，一首曲子如果音准和节奏都是错的，其他的如乐曲的结构逻辑、乐曲的声音、乐曲的情感就无从谈起，正如一个人，血液是生命的根本，没有了血液就没有了生命。笔者在平时的教学中针对音准和节奏方面积累了一些经验，总结如下： 1.音准的训练 首先，拿来一首曲子时，笔者会让学生进行读谱训练，对读错的音符进行强化记忆。在演奏时，一定要求学生边弹边唱。其次，选择一些稍微简单的试唱曲子进行音准的强化训练，教师每堂课抽出十分钟左右的时间进行抽检，及时纠正认错的音符并强化记忆。最后，笔者在音准方面用两个方法进行训练：第一种是教师弹出音符，学生在五线谱本上写上对应的位置。第二种是教师在五线谱本上写出音符，学生在琴键上弹出相应的音符。其实这些方法很简单，很多教师在平时的教学中都用过，但缺少的是坚持，只有在平时的教学和练习的过程中将这些看似简单的方法长时间的反复的训练，学生才能真正熟记每一个音符，毕竟少儿初学者年龄还小，对于知识只有反复的磨练才能记得扎实，教师如果把孩子当成成人，学会了就能记住了，那就大错特错了。 2.节奏的训练 首先，拿来一首曲子时，笔者会要求学生在读准音符之后，进行打节奏式的读谱，也就是咱们平时所说的手打节拍，嘴读节奏，同时将音符准确地插入进去，教师在这个过程当中一定要耐心，对打错的节奏进行反复的纠正巩固训练。其次，仍然选择试唱教材，只不过针对每一个节奏型，试唱教材中的曲目要进行筛检，不能按顺序依次训练，要具有针对性。最后，笔者在每堂课中都创编六小节共四组的节奏训练，刚开始训练时可以让学生用手打节拍来辅助，逐渐要求学生将手去掉，让学生学会在心中体会节拍感，因为当演奏钢琴时，没有第三只手来打节拍，很多学生用手打节拍很准，一旦弹奏时没有手打节拍仍然会弹错。 （二）教师坚持对少儿初学者手指训练的重视 笔者这里强调的是坚持，教师在平时的教学中都会强调手指的训练方法，但缺少的就是坚持，甚至是耐心，当学生触键方法不对时，教师会马上指出并纠正，可强调完之后就没有后续了。少儿初学者年龄还小，自我约束力和控制力非常差，单单只靠强调是不够的，学生回家很少会主动按老师要求进行纠正训练。因此这就要求教师要有耐心，在课堂中按谱面上音符的顺序耐心的指导学生如何进行触键，学生只有感官上的认识后，经过反复的磨练，大脑才能形成对手指触键的惯性思维，同时笔者还认为这种惯性思维也是短暂的，还需要教师在每堂课中提醒学生。 钢琴教学初级论文:试论初级钢琴教学中的听觉能力训练 摘要：在初级钢琴教学中，听觉能力训练是非常重要的内容。对于初级钢琴学习者而言，能够以正确的态度看待听觉训练，选择正确的听觉训练方法显得尤为重要。本文主要介绍了听觉能力训练需要的基本要求，并介绍了几种有效的听觉能力训练方法，以期提高钢琴教学质量，提高学生的音乐听觉能力。 关键词：初级 钢琴教学 听觉能力训练 钢琴被称为“乐器之王”，其结构复杂，音域宽广，要想演奏出理想的音响效果，不仅要依靠高超的演奏技巧，还要将听觉意识贯穿在演奏过程中，演奏者需要通过听觉来检验弹奏出的音响效果。因此，在钢琴练习中，学习者不仅要掌握弹奏技巧，还要加强听觉训练，这样才有可能成为优秀的钢琴家。音乐是一项听觉艺术，在学习音乐的过程中加强学生的听觉能力训练显得尤为重要。对于钢琴表演而言，它给人们带来强烈的震撼，主要是通过聆听表现出来的。钢琴演奏者可以演奏出如此优美而又动听的钢琴曲，主要依赖于钢琴演奏者的演奏技能，而表演者的演奏技能主要和听觉有关。在钢琴课程学习的过程中，学生必须训练一种挑剔、敏感的听觉能力，只有这样才可以完全体会到立体式音响的效果，真切体验到音乐中的情感。钢琴教学中的每一个教学任务都需要学生的听觉能力，想要增强学生对音乐的表现力以及感受力，首先应该对学生进行针对性的练耳教学，从而增强学生对于音程、力度、节奏、音高、音色、节拍、速度等各方面的听辨能力。下面是笔者对初级钢琴教学听觉能力训练的几点思考： 一、听觉能力要求 钢琴学习者首先应该能够清楚的分辨基本音乐元素，同时，应该具备感受基本音乐情绪的能力，其中主要包括音乐风格、和声、音高、节拍、节奏等等基本要素。所谓基本音乐情绪主要是指乐曲中存在的怨、哀、怒、喜等各种不同情绪特征。学生学习音乐主要是为了培养他们的感性音乐思维，不断提高他们的审美修养，如果基于这个角度分析，对于每一个钢琴学习者而言，感受基本音乐情绪是终极目标。实际上，基本分辨能力以及感知能力两者之间是相辅相成的关系，如果学生在分辨基本音乐元素时越来越敏感，这样学生也会越来越准确地把握音乐情绪。因此，在训练学生的音乐听觉能力的过程中，教师应该明确听觉能力训练的最高目标是培养并提高学生的对于音乐情绪的基本感受能力，但是需要注意的是，在训练时应该始终围绕基本音乐元素展开训练，按照循序渐进的原则一个层次、一个层次进行训练。 二、钢琴听觉能力训练方法 （一）以通感刺激听觉敏感 所谓通感也被称之为“联觉”，主要是指相互联动人的动觉以及视觉从而刺激人的听觉敏感性。音乐实际上自身存在和动觉、视觉相对应的关系。比如，声音频率越高的话，往往会给人更加明亮的感觉，声音频率越低的话，往往会给人一种暗淡的感觉。舒缓的音乐容易使人陷入冥想，自己一个人陷入沉思；如果是欢快的音乐，很容易带动人的动觉，产生手舞足蹈的感觉。初级钢琴学习者，对于联觉反应的敏感度并不高，因此教师应该适时给予相应的指导，尽可能通过动觉形态以及视觉形象将一些看不到或者摸不着的抽象音响形象将外化听觉感知进行外化，借助听觉和动觉、视觉之间的相互对应关系使学生可以更加直观的体验到音响的刺激。比如，在学习弹奏八分附点节奏的过程中，刚开始教师可以指导学生只是在教室里“跑跳步”，尝试着体验附点节奏的律动，让学生经过身体运动体验节奏的倾向性以及动力性。 （二）积极创设情境，激发学生的听觉想象 音乐不仅是一种听觉艺术，也是一种情感艺术，只有学生亲身实践后才可以深入体会到音乐的内在情感。初级钢琴学习者可能并不能很好的体验音乐中包含的诸多深刻情感内涵，教师设计情境，可以使学生在自己的亲身实践中更好的体验这些丰富的情感，从而培养并且提高学生的听觉想象能力。很多乐曲自身的表现内容以及体裁都有一定的情境性，这样也为情境设计提供了科学、合理的依据。比如，小步舞曲，这是一个三拍子舞曲，最早是源自于西欧民间，在法国宫廷中比较流行，速度不快不慢，比较适中，这种音乐可以描绘出一些礼仪动态，但是舞蹈步子相对比较小，因此被称为小步舞曲。教师在实际教学过程中可以结合这种舞曲的体裁特点设计相应的情境，引导学生把音乐教师幻想成一个法国宫廷，尽可能让学生在真切的情境中了解、体会这种小步舞曲内在的音乐风格以及音乐情感。一旦学生真切的体会到其中的律动以及情绪后，让学生们试图通过手指表达出来。 在触及钢琴教学中听觉训练是至关重要的，首先要培养学生聆听的习惯，并从音准训练、节奏训练、准确理解乐句以及听觉的综合训练等方面逐渐培养学生良好的音乐听觉，通过音乐听觉能力去感受音乐、理解音乐，激发学生对音乐学习的兴趣，有了良好的音乐听觉，学生才能在弹奏过程中表达准确，使音乐形象完整无误，更富有感染力，从而达到在学习中不断提高的目的。总而言之，听觉能力训练是钢琴教学中的重要内容，而且听觉能力训练是一个综合、系统、长期、复杂的项目，教师应该从基本的分辨能力以及感受能力开始，按照循序渐进的原则指导学生训练，在训练过程中，教师应该全面了解学生的听觉特点，然后再采用适合的听觉能力训练方法指导学生练习，这样才可以确保听觉训练效果，提高学生的听觉能力。 钢琴教学初级论文:少儿钢琴初级教学浅谈 摘要：孩子在幼儿园里学习唱歌、舞蹈、游戏等活动，一般都能产生浓烈的兴趣。这是少儿受到环境气氛和伙伴们的情绪影响，激发了自己的学习兴趣。然而，钢琴学习是孩子在家独自坐在钢琴前识谱、弹奏以及熟记乐谱和掌握各种技术要求的个体学习和训练过程。在这个过程中，少儿需要有很大的毅力去完成。本文从如何培养少儿对钢琴的兴趣入手，分析少儿钢琴教学的各个关键细节。 关键词：练琴；训练；兴趣；审美愉悦 无论是从一位教育工作者的角度还是从一名音乐工作者的角度来看，以音乐等艺术形式为载体来激发幼儿去学习、训练弹钢琴（包括对节奏的训练、识谱的训练、唱歌的训练），其关键因素之一就是“兴趣”二字。可以说，兴趣是最好的“老师”，是少儿学习钢琴的动力。 一、学习钢琴兴趣的培养 少儿对学习钢琴的兴趣，刚开始是很浓烈的。可是随着时间的增长，原本高涨的兴趣与情绪“温度”就会陡然而下。那么，在教学中我们怎样去培养孩子的兴趣呢？首先，给孩子创造一个学习音乐的氛围，要从孩子很小的时候开始，家长可以经常播放一些节奏感很强且旋律优美的音乐及一些钢琴曲，让孩子感受到音乐的美。有条件的家庭父母可以经常弹钢琴，或边弹边唱，让孩子感到这个大的“玩具”发出的声音那么美，从而让孩子潜移默化地对将要学习的钢琴产生好奇心，使其想学习钢琴的欲望更高。每个孩子学习钢琴一段时间后兴趣会慢慢降低，但这时候家长和老师不能过于着急，更不能打骂孩子，而应慢慢引导。只有把钢琴当成一个大玩具来和孩子一起玩，这样才能让他们将“玩”钢琴的兴趣延续下去。 所谓兴趣，就是将给我们终身的追求激起无悔无恨的永恒动力。要培养这样伟大的精神力量，需要做很多努力。最根本的就是应当使孩子们的注意力集中到音乐本身，让我们认识到，这是一种用音响符号组合变化以表现自己情绪的语言。现在，许多父母往往迫不及待地教学龄前的幼儿能读会写，可他们未必把认真听取别人说话的态度和正确说话的方法教给孩子。正因为如此，从一开始，就要教给学生一种正确的态度。端正的态度会使学习进行得更顺利。教师最好每一首乐曲，甚至包括近期内学生未必会弹的乐曲，都作有趣的示范，使幼儿体验音乐的美，并养成认真听的习惯。 如果见到孩子摇头晃脑唱歌的模样，你就立刻明白，唱歌在启发少儿无拘束地表达内心情绪方面有着何等奇妙的功效。在这个基础上让他们有兴趣地玩一条旋律，让他们在琴上做各种变化，在各个音区弹奏让他们从直觉上细腻地体验一个特定的音响符号在不同的时间和空间变化中所产生的奇妙效果，从而领悟作为抽象艺术的音乐最基本的思维法则。 如果有可能，甚至还可启发他们发明一些不同节奏音形，让他们出主意制定变化组合的程序等。切勿让孩子漫无目标地一次又一次反复练习，这种方式对于一个注意力最多持续二十分钟的少儿是非常残酷的折磨，就算是成人也不会愿意让人逼着重复几十遍去做一件他既不明白有什么意义，也不明白有什么要求的动作。 二、引导少儿练琴需讲技巧 练琴是练技巧、练脑子、而不是磨时间。有些家长每天硬逼着孩子练一、两个小时，但效果并不显著。根据儿童注意力时间较短的特点，在练琴时，应先练他不喜欢的，或是难度较大的，最后再练容易的或他乐于练习的曲子。教师在课堂上运用语言时应尽量用孩子们觉得生动有趣的语言，比如，抬手时，手腕像蝴蝶的翅膀一样飞起来，上下扑动；弹琴时掌关节要抬起来，像个小锤子，抬起来再垂下去，手臂放松的练习就像大象甩鼻子；手臂用力的练习，就像小猴子荡秋千一样越摆越大，越甩越高……这样的比喻更有助于少儿的理解。 在教材的选用上，要充分利用教材谱面色彩辅助方法，用丰富鲜艳的美术形象把视觉和听觉结合起来，进而增加孩子弹琴的兴趣。此外，要减少识谱、认键、用指三者相互配合的难度，使其注意力更多的集中在对音乐的感受、表现与创造上。还可以把弹琴和少儿喜爱的歌唱活动结合起来，先教他们唱会歌曲，然后教他们把歌曲弹出来，这样能增加他们的兴趣，还可以把弹琴和适合少儿特点的节奏和律动绘画、朗读等结合起来，充分体现少儿是在快乐和游戏中学习的教育理念，标题音乐类少儿钢琴如：《汤普森浅易钢琴教程》，《每日十二首钢琴技术练习》，《儿童钢琴初步教程》等。由于里面每首曲子都有图画，很容易激发少儿的想象力，加上其颜色鲜艳，音符比较大，使得阅读起来较容易，少儿对这一类的教材都很喜欢。而少儿对所弹的曲子非常感兴趣的话，学习也就事半功倍了。 三、对少儿音乐能力的培养 歌唱能力的培养。歌唱是音乐教育的主要手段，歌唱是最容易表达思想感情的音乐形式。热爱歌唱是儿童的天性，歌唱是他们的身体和心灵共同的活动，发出歌声的不是喉咙，嗓子，而是歌唱的孩子本人，是他们的整个身心。只要少儿“有表情的歌唱”，就能用声音表现音乐的能力。比如，《我们的田野》中可以感受到歌曲是旋律和富有诗意的歌词完美结合而形成的具有感染力的整体，从而能够引导少儿从整体中探讨歌词的题材，意境和意义、旋律的魅力、歌曲的高潮、力度，速度的变化、特定的节奏、独特有趣的地方以及困难之处等。 四、节奏能力的培养 节奏感的培养是少儿音乐教育的主要领域。节奏在音乐中具有重要的表现意义，也是最容易引发少儿兴趣和感受音乐的音乐要素。少儿时期节奏感的培养应紧密结合歌唱语言和动作进行，如培养少儿的稳定拍感、理解节拍与节奏、二拍子、三拍子、有声和无声（休止符）、锻炼节奏记忆、尝试最初始的两个声部的配合、教师和学生在钢琴上的配合等。以上这些方面都涉及知识概念和符号的认识与书写，重在儿童的体验，即通过游戏活动在歌唱和弹钢琴中配合动作，加强儿童对节奏运动的感觉。 初学阶段不进行“四分音符、八分音符、全音符”等名称概念的讲述，而是通过音节的声音让儿童首先从感性上体验和识别，可通过丰富多样的练习方式进行学习，这样儿童不但不会觉得节奏练习枯燥乏味，反而会极有兴趣，进而在愉快的情绪中加深了对节奏的感觉和理解。我在教学中一般采用口读、拍手和在钢琴上弹奏等方法来进行教学。四分音符读作“ta”，八分音符读作“ti ti”，二分音符读作“ta―a”。用手拍击时，常常采用双手合拢，从左侧移动向右侧，延长示音保持时值的方法。还可以根据我国的语言特点进行有创意的设计和选择，如“走，跑跑”或“咚咚，锵”等。还可以让孩子念“苹果、梨、西红柿”来区分和念准八分音符、四分音符及三连音。也可用游戏的方法等。 五、识谱能力的培养 少儿不必事先学好五线谱再学弹琴，我们靠的是条件反射，即使是认高音谱表和低音谱表，也是先从认识高音谱表开始。教师可通过练习八度齐奏的哈农或什密特之类的手指练习，让学生慢慢地把高音谱表熟悉起来。因为两手的运动是一样的，不同谱表上的音符运动也会是一样的，这就可以帮助学生熟悉谱面上高低谱表的距离与双手运动之间的关系，也可通过已经会弹的左手，反过来去教眼睛怎样熟悉低音谱表，这样能够使学生在日后转入低音谱表时，不至于有陌生感。此外，还要培养学生养成这样的习惯：看到音符往上或往下运动，手就往右或往左移动。音符在五线谱上的距离，也应当立即换成钢琴上各键之间的距离。例如，谱上印着“多”和“米”，它们之间空了一间，他们在琴上的距离就是空了一键。无论“间”或“线”。都会表示琴上的一个键。连奏、断奏、手臂的呼吸、手指的触键要求、踏板的正确运用等记号在识谱视奏中不能忽视，否则在基本熟悉了再去做纠正就很难了。另外，教学中还应向学生传递读谱的“超前”意识。要有手弹上一个小节时眼睛提前看下一小节的意识。从音型形状，旋律走向选择弹奏动作的意识，使弹奏尽力流畅和精确。采用动感的教学方式不但符合音响节奏的运动特点，使孩子的体验先于符号，而且适应了少儿好动的天性，使少儿有兴趣主动去感知、发现、创造节奏、理解音乐的精髓并对提高识谱能力、激发音乐兴趣有很好的诱导作用。 六、总结 钢琴的教学中，歌唱、节奏的教学，应“顺带进行”识谱教学，这种“顺带进行”必须是循序渐进的，而不是蜻蜓点水似的顺带学习。无论是歌唱能力的培养和节奏能力的培养，还是识谱能力的培养，就如何培养他们对钢琴学习有“乐趣”的兴趣心理形成，并非可依赖平时的某个一招一式，也不可能三两天就可以达到。这需要教师在教学实践中要设计一些符合少儿心理需要的“有趣”的教学方法以及较科学的“对策”内容，并要将其贯穿在少儿的钢琴的教学中。只有这样才能使少儿在轻松愉快的心态下学到东西，从而达到我们的教学目的。 钢琴教学初级论文:儿童钢琴教学的初级阶段浅析 摘要：儿童钢琴教学属于初级阶段的钢琴教学，本文从坐姿、手型、读谱以及基本弹奏技术等方面入手，以准确为标准，为学琴儿童打下良好基础作准备。 关键词：儿童；钢琴教学 随着社会的发展，生活水平的日益提高，人民对精神生活的需求越来越丰富。从儿童培养的角度看，许多家长希望自己的孩子进行一些必要的艺术熏陶。在这样的社会背景下，一批低龄儿童学习钢琴的现象蔚然成风，儿童钢琴教育掀起了波澜。 音乐教育包括审美教育理论及技能教育实践，儿童的钢琴教育亦是一种音乐审美教育，而音乐技术是实现审美目标的手段与途径。技术是对儿童进行审美教育的“桥梁”，是儿童进入音乐殿堂的“钥匙”，也是体现艺术教育学科不同于其他学科的个性特征之一，音乐教育中的技术的学习和训练是非常必要的。教师不能把儿童的钢琴学习推向纯技术的死胡同，而要把技术放在与艺术同等的地位。对于儿童钢琴教育，最重要的是要采取有效的措施把儿童短暂的钢琴学习动力转化为永久的学习热情，充分提高他们的学习积极性和学习效率。 儿童钢琴教学属于初级阶段的钢琴教学，这一阶段是儿童只是学习最初级的弹奏动作和技术的阶段，它包括：正确的坐姿、手型、手指的基本弹奏动作等；基本弹奏技术包括非连奏、连奏和跳奏的弹奏技术等弹奏技术。 一、坐姿 儿童在开始学琴的时候，教师要讲坐姿。 首先，当个子小的儿童踩不到地时，不能让脚悬空着，须配备适当的小凳子。稳定重心是坐姿的关键，弹奏钢琴时身体的重心要依靠臀部和脚来支撑，凳子只能坐三分之一左右，不能把座位坐满或者把身子靠在椅背上，上身要直立，可略向前倾，重心向前有利于将力量传递至手指。 其次，儿童的高矮决定座位的高低，还要使儿童肘、前臂、手腕、手与键盘保持一个水平高度或略高键盘一点；座位的远近应按照儿童胳膊的长短决定，弹奏时胳膊可以自如的移动；脚的位置一般是放在踏板附近，通常右脚在前，左脚在后，这个位置适合演奏时使用踏板，双脚略向前伸、膝盖弯曲的角度要略大于90°。 儿童在坐姿方面有很多常见的毛病：有弓腰驼背、僵硬直立、跷腿、摇晃等等，这些毛病都是由于坐姿不正确引起的，会使演奏失去美感也影响正常弹奏。因此，儿童学琴时，教师就要提出明确的要求，并使之养成习惯。只有正确的坐姿，身体保持放松，才能有一个正确的弹奏基础。 二、手型 手型是弹琴时产生的适合弹奏的姿势，从根本意义来说，适应音乐表现需要的任何演奏手型都是正确的。但是对于初学钢琴的儿童来说，教师应特别重视基本手型培养，手型特点：手指自然弯曲，同手掌一起构成空握球状，掌关节凸起；手指自然分开，原则上一指对一琴键；整只手应以水平位置置于琴键上，手指摆正，与键排列平行；手指触键应处于白键与黑键距离约二分之一处，触黑键时整只手应向黑键位置前移，弹黑键时应弹在键前端位置。基本手型是一种非常自然的姿势，它有利于发挥手指的张力和支撑力。 儿童错误的手型通常表现在两个方面：一是手指第一关节和掌关节塌陷，这影响手指力量的集中，还会影响手指快速跑动；二是4指和5指是弱指，容易造成弹奏不均匀、僵硬的感觉。为解决上述问题，教师应重视训练儿童手指的独立性，特别是训练手指第一关节的自然站立能力和第1、5指指关节的站稳。 三、读谱的教学策略 从儿童接触钢琴的第一天起，教师就应该引导并培养其正确的读谱习惯： 一是辩认音。辩认音就是对在五线谱所标记的音的唱名、音名、音高及其在琴键上位置的确认，让儿童找准五线谱上的线、间。分析谱号、调号、临时变音记号和高低八度记号等对音高的定义。 二是节奏、节拍、时值。在这些方面儿童常犯的错误有：1.不把时值弹足；2.时值过长；3.不注意休止符；4.节奏组合错误；5.看错节拍号等。对于儿童忽视休止符的现象，教师应严肃对待，休止符是没有声音的音符，在音乐中有特殊的作用。 三是表现记号和表情术语。它包括连线、跳音、重音、顿音等，教师应注意培儿童严格按乐曲指示演奏的习惯，读谱问题是音乐风格与表现的需要，对于作品中的表情术语同样需要作出鲜明生动的诠释，因为它们是刻画形象和表现风格的重要手段。 四是指法。科学的指法能节省时间、精力和提高效率，只要手指接触键盘、发出音响就包含一定的指法，而指法的选用又与手指和手的特性分不开，所有的基本练习如音阶、琶音、和弦等都有它规律性的指法。 总之，在培养儿童正确的读谱习惯方面，教师要对他们提出明确要求，既要以准确为标准，又要使儿童掌握科学的方法如离琴看谱、慢速识谱、分句及分段法等，最重要的是要培养儿童认真对待乐谱的习惯，随着学习程度的加深，教师要积极引导他们在弄清谱面要求的基础上，努力探索乐谱背后深层次的内在的东西，以此来不断提高儿童的读谱能力。 四、在钢琴演奏中最基本的弹奏方法是非连音奏法（即断奏）、连音奏法和跳音奏法 1.非连音奏法―断奏 学生学习的第一阶段通常都是非连音奏法，这种奏法有利于让儿童体会和学会用重量弹奏，对手指本身没有独立活动的要求。弹奏非连音奏法要领：可让学生先将手臂慢慢提起略高于键盘，手自然下垂、手指自然弯曲，然后手臂迅速而自然落下，弹奏的手指按在琴键上，指尖站立好，掌关节不塌陷，触键时手指只要支撑着就可以了，不要用过多的外力，手要保持基本手型。在手指按到琴键的同时，要让学生认真倾听钢琴发出的声音，等声音发出后，手指只是放在键上，不再用力，然后再由手腕带动将整个手臂提起，这样就完成了弹奏一个非连音的全部过程。非连奏的触键要点是触键指尖要牢固并使之具备一定坚硬度，抬起手指使指尖与琴键有一定的距离，下键快且触键有爆发力，指尖触键力量集中。非连奏的训练可在左右手五个手指上分别进行训练，先从单音开始，然后训练双音及和弦。非连奏训练时教师要引导儿童聆听弹出的声音的音质，要追求结实、明亮、集中而富有颗粒性的声音和重量自然送下去的感觉，注意手腕的弹性、灵活，同时要引导儿童倾听旋律线条和单音的起伏与倾向。 2.连音奏法 儿童基本掌握了非连音的奏法后，教师就可以开始教他们学习连音奏法了。连音奏法的关键是力量的转移，弹奏完每一个音，要使手臂放下重量从一个手指转移到另一个手指上，要感觉到音进行的倾向，训练时可从两音连奏开始，两音连奏时，第一音与非连奏法弹法相同，从容地按下键，手和手腕放松，弹第二个音时就把第一音时送下来的力量移过去，按到琴键发音后再用手臂带动手指轻轻提起，动作不要急促。在弹好两音连奏的基础上就可以进行三音和五音连奏的练习，要求与两音连奏相同。教师应引导儿童使手指缓慢触键，触键高度要小并采用水平方向用力，将键弹到底但不要压键，声音要求圆润连贯，特别要重视重力弹奏和力量转移，一个连奏一个力量，要防止在每个键上过分用力造成对旋律流畅性的破坏。 3.跳音奏法 非连音奏法与跳音奏法有相同之处，所不同的是跳音要更多地去感觉从键盘上反弹起来的力量，而且触键要敏捷。从弹奏部位上来分跳音有手指跳音、手腕跳音和手臂跳音几种。在非连音奏法比较巩固以后再开始学习跳音是明智之举，跳音训练可先从手臂跳音开始，因为这种跳音奏法比较接近非连音奏法，三种跳音奏法单独练习后还可将它们混合起来放在一首乐曲或一个练习中去，这种混合练习可以使儿童对它们的相同点和不同点更加明确，更有利于掌握每一种奏法。教师在训练儿童弹奏跳音时应注意如下要点：1.触键快、离键快，触键时间短促；2.指尖特别牢靠、极富弹性；3.手指触键面小，获得清脆、明亮、集中、富于弹性的声音效果是跳音训练的目的。 除上述基本动作与技巧训练外，儿童的基本技能训练要尽量体现音乐性和趣味性，并从儿童的实际出发采用少量多餐和循序渐进的方式来进行，训练时要特别强调听觉的参与与鉴别，为儿童学琴打下良好基础。
钢琴，音域范围极广，几乎囊括了乐音体系中的全部乐音。演奏者通过按下键盘上的琴键，牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌，继而敲击钢丝弦发出声音，音乐强弱变化由触键力度大小所决定。优美的旋律、富有变化的声音色彩、丰富多变的和声织体，共同构建了钢琴音乐丰满的表现力，因此钢琴普遍用于独奏、重奏、声乐独唱合唱的伴奏、交响乐协奏曲、舞蹈伴奏等音乐表演活动。随着现代音乐教育事业的蓬勃发展，钢琴音乐在各领域的功能作用逐步细化，钢琴伴奏被广泛运用到声乐教学和舞蹈教学中。 一、钢琴艺术指导与舞蹈教学 舞蹈和音乐密不可分，音乐是舞蹈的精髓，舞蹈是肢体语言的艺术，但舞蹈基训课往往是枯燥乏味的，最初只是需要音乐伴奏增强趣味性，舞者根据音乐的节拍来练习相应的动作技术类型。故钢琴艺术指导需要具备很强的技能技巧和音乐天赋，他会指导学生如何更好地与音乐融合，更好地把握音乐的旋律、节奏、风格，进一步提高学生学习舞蹈基训的积极性。其对舞蹈教学的水平起着关键作用，可以增强学习效果。随着现代音乐教育事业的蓬勃发展，钢琴伴奏在舞蹈基训练习中增加了前奏、间奏、收尾等独奏的音乐片段，此举使钢琴伴奏在伴奏过程中增加了表现的比重，确立了钢琴艺术指导与舞蹈基训课教师之间的平等性，大大提高了钢琴伴奏者最初的辅助地位。1999年，钢琴伴奏者在我国首次被正名为“钢琴艺术指导”。 二、钢琴艺术指导在舞蹈教学中的作用 （一）激发舞者的乐感。在舞蹈教学中，钢琴艺术指导起着不可或缺的重要作用，钢琴伴奏以优美的旋律、鲜明的节奏、多变的音色来激发学生对于舞蹈基训动作的练习积极性，通过指导舞者把握音乐的节奏、旋律的呼吸、音乐的风格来达到更完美的合作。 （二）增强舞者的自信心和舞蹈动作的表现力。钢琴伴奏要想和舞蹈动作配合得天衣无缝、相得益彰，这就对钢琴艺术指导的钢琴弹奏技能提出了较高的要求，需要通过音乐的配合来表现舞蹈动作的形象，选取适合的音乐曲目可以增强舞者的自信心和舞蹈动作的表现力。 （三）提升舞者的音乐素养。钢琴艺术指导要在钢琴伴奏的前奏中，把音乐的基本节奏和风格传达给舞者，因此，钢琴艺术指导提高了舞者对音乐的感知能力，进而提高了舞者的音乐素养。 三、钢琴艺术指导需具备的能力 （一）扎实的钢琴演奏技巧。人们往往对钢琴艺术指导存在误解，认为他们是配角，无足轻重，远远不如钢琴独奏表演来得重要。其实这个观点大错特错。钢琴艺术指导不仅要求钢琴弹奏者具有钢琴独奏表演般的技术技巧，甚至在某些方面还要有超越对独奏表演的要求。比如，钢琴艺术指导不是一个人在表演，而是在和舞者合作，在演奏的精准度上有极高的要求，杜绝错音现象，因为错音会对舞者的心理和舞蹈动作的表现力产生不可估量的影响。 （二）海量舞蹈伴奏曲目的练习。舞蹈基训课的教学中，每一个技术类型动作的练习，都需要匹配不同风格不同类型的伴奏音乐，这就要求钢琴艺术指导必须掌握海量的舞蹈伴奏曲目，以便在课堂教学需要时迅速找到合适的曲目并完整流畅地演奏出来。 （三）学习舞蹈学相关知识。为使舞蹈与音乐更好地融合起来，钢琴艺术指导必须具备相关的舞蹈学知识，这样才能更好地做好选曲工作，根据动作技巧的要求来决定最适合音乐的风格、节奏等。在演奏乐曲时，也能更好地体现伴奏音乐的特色。 （四）创作能力和即兴伴奏的能力。舞蹈的风格和动作多种多样，这就要求钢琴艺术指导还应具有即兴伴奏的能力。在舞蹈基训课堂上，根据动作的特点及对音乐的要求，采用适当的和声伴奏音型，即兴演奏乐曲来作为舞蹈动作的伴奏。钢琴艺术指导的即兴伴奏能力，对舞蹈基训课程的教学质量起着很大的影响作用。 （五）敏锐的思维和快速反应能力。在舞蹈基训课堂或考试中，与舞者配合演奏中，要有极强的应变能力，及时发现和舞者配合的节奏是否有不符现象，及时作出相应的调整。 四、结语 钢琴艺术指导是一门较年轻的音乐专业，发展前景很大，目前担任钢琴艺术指导的多是钢琴专业教师，未受过钢琴艺术指导相关系统的学习和训练，而恰巧钢琴艺术指导对演奏者的综合素质和能力要求极高，这就要求钢琴艺术指导根据需求积极努力提升自己，更好地适应舞蹈基训课堂的需求，使音乐和舞蹈达到水乳交融的完美效果。 参考文献： [1]卫英.关于舞蹈基训课钢琴伴奏的几点思考[J].西藏艺术研究，2009(3). [2]张晶.论舞蹈基训课教学中钢琴伴奏教师应具备的能力[J].黄河之声，2015(21). 作者信息：卫华（1984-），女，汉族，山西运城稷山人，硕士，晋中学院音乐学院，讲师，研究方向：民间音乐研究。
基础钢琴教学论文:幼儿钢琴基础教学探究 提要:钢琴教学是一门十分专业的学问,它是一门技艺性、实践性、独立性要求非常强的课程,它要求每一位学习者有严谨和踏实的学习态度以及自觉和刻苦的学习能力。尤其是幼儿钢琴教学更有其特殊性,对钢琴教师也提出了更高的要求。 关键词:钢琴 幼儿 教学 钢琴向来被人们誉为音乐皇冠上的明珠,它以音域宽广,气势磅礴,富于色彩变化,表现力极为丰富的特点,被人们誉为乐器之王。幼儿钢琴教师不但要有过硬的专业知识还必须熟悉儿童心理学与教育学,只有这样,才能根据幼儿心理特点搞好钢琴教学,作为钢琴教师应该用怎样的方法去教育学生,这将是钢琴教师一生都做不完的课题! 近年来,学习钢琴的幼儿越来越多,分析他们的学琴动机,不外乎这几种情况:1、家长喜欢钢琴,想让孩子实现自己的梦想而强迫孩子学琴;2、看到邻居孩子在学,带着攀比的心理去学琴;3、媒体的过分炒作,诱导孩子去学琴;4、赶时髦、在别人面前炫耀而去学习钢琴;5、为钢琴考级证书而学习;6、孩子有一定的音乐天赋家长有意将孩子向音乐专业方向发展而学琴。但不管出发点如何,学琴的最终目的应该是使孩子学会体验生活的美,丰富人生,提高生命的境界。家长培养孩子的社会竞争力的目的是让孩子未来生活得更幸福。但当前激烈的竞争,使人们忘了幸福人生的来源不仅仅是社会竞争的胜利,还在于能够享受人类创造的文明与艺术的美,还在于人生体验的丰富性。学琴正可以帮助孩子体验人生、丰富生活、以及从生存竞争的疲惫中解脱出来。让幼儿从小学习钢琴,不仅能使他们提高音乐素养和艺术修养,而且对幼儿智力早期开发和培养严谨而踏实的学习态度、自觉刻苦的学习能力具有重要意义。 然而因为幼儿时期有其特殊的心理表现,所以对于幼儿来说,兴趣的培养则显得更为重要。因为幼儿时期心理发育尚不完全,缺乏意志力与责任感。虽然他们的好奇心很强,但如果不能将好奇心转化为对音乐的浓厚兴趣,久而久之必然对枯燥的指法练习产生厌烦情绪,随后对音乐也就会变得麻木不仁,只是手指的机械运动而已。那么,如何让孩子快乐地学弹钢琴呢? 一、应培养幼儿的钢琴学习兴趣 在钢琴教学中,如果一开始幼儿就对钢琴教学缺乏兴趣,势必会影响幼儿对钢琴学习的认同,甚至对钢琴学习产生厌恶感。因此,在钢琴教学中,教师的首要问题就是如何使幼儿对钢琴学习产生初步的直接兴趣,而不认为这种学习是负担,是累赘。作为教师,我们必须认识到,幼儿们对钢琴的学习并没有一个深刻的认识,他们只有认为钢琴学习可以给他们带来快乐,他们才会去学。儿童最容易接受生动活泼、感染力强和富有情趣的事物。为了开启幼儿学习音乐的兴趣大门,教学中应采取启发、诱导、激励的方法,培养和加深幼儿对音乐的兴趣。因此,在学琴前可以先多让他们听听优美的乐曲,进行想象;或者让他们注意自己爱看的动画片中的钢琴音乐与角色和场景的关系(如《猫和老鼠》);也可以去观看一下学琴孩子的表演。这样,他们就会通过注意慢慢转化为学琴的初步兴趣。比如幼儿喜欢形象思维,无论教识谱,还是教演奏,最好多用一些比喻方法。在弹奏标意性乐曲时,教师在范奏前最好用形象的语言或用童话故事的形式,将乐曲的内容、情境讲给孩子。另外家长也可有意识地多给孩子听磁带、唱片、或多让他们看一些有关钢琴方面的音乐会录像、观看实际演出等。幼儿多具爱表现、喜欢得到赞扬的特点。家长、教师平日可采用打分、贴小红旗的方式鼓励他们练琴。对于他们的点滴进步,也要充分肯定。经常举办一些小型音乐会,让孩子们互相观摩、互相找差距,既锻炼了表演能力,又能产生竞争意识。通过以上方法,幼儿会逐渐对学习音乐产生浓厚兴趣,并能自觉地完成教师布置的练习任务,成绩会明显提高。随着成绩的提高同时还会产生较强的自信心,会更加努力地学琴。 二、幼儿对钢琴的兴趣需要在教学过程中培养 在钢琴的教学上,我们就必须让这些孩子对钢琴的学习觉得有意思、好玩,在一开始就要有一个游戏的气氛,让孩子有学有玩。有一位老师曾说过“快乐学钢琴,越学越聪明”。 1.教材的选用 幼儿初学钢琴,教材选用很重要。幼儿教育强调快乐学习,游戏化教学,钢琴的教材也需要注重这一点,我们可以选用富于童趣、形象生动的教材,这样幼儿会更加喜欢。例如小汤这套教材,由简到难,循序渐进。里面的旋律简单生动,插图与乐谱相结合,很容易让幼儿理解,并产生兴趣。其中火车一课,就是模仿火车开动时的声音;老麦克唐纳一课中模仿鸭子的叫声等等。 2.语言的运用 幼儿的心理发展尚在初级阶段,心理发展水平较低,针对他们理解力较弱,逻辑思维能力较差的问题,要以启发他们的想象力为手段,以一些生动形象的比喻来解释一些技术性较强的问题,如手腕的断奏可以比喻成小鸡啄米,手指是小鸡嘴不能动,手腕是小鸡的脖子,很灵活等等;并且可以在乐理知识的解释中运用比喻的手法,如四分音符可以解释为小蝌蚪或棒棒糖;二分音符可以解释为气球或勺子;全音符可以解释为大鸡蛋等等。还可以编一些口诀帮助记忆,如对全音符的记忆“我是一个大鸡蛋,肚子空空没吃饭,小朋友们见到我,要唱四拍才算完。”对于音高的记忆可以将五根手指比做五线谱的五条线,也可以用其他的物品帮助记忆,如一线上面卧猫眯,一间上面坐沙发等等。 3.游戏的运用 我曾做过这样一个游戏,我把孩子学过的曲子编成1、2、3、4号做成签,如学生抽到1是弹《小步舞曲》、抽到2是弹《练习曲》、抽到3是弹乐曲、抽到4是让老师表演。这样,孩子每次都希望抽到老师,可抽到自己也很乐意去演奏,并尽可能的弹好。这个方法能够非常有效地调动孩子们的学习积极性。还有一次学生弹的是《布谷鸟》,为了让她多弹几遍而又不厌烦,我就说:“我们现在来把这首曲子填上歌词唱,你来伴奏好不好?”“好啊”她一听高兴的说,于是我在学生的琴声中即兴地唱道:桔子、桔子、红红的桔子,桔子、桔子、圆圆的脸,我要吃桔子,你要吃桔子,桔子、桔子、我很爱你。这下学生可来劲了,一口气我们把能看到的、想到的东西都唱了一遍,至少我们也弹了二十几遍了吧。不仅锻炼了演奏水平,还丰富了她的想象力。 三、如何使幼儿对钢琴产生持久的兴趣 1.竞争意识的运用 幼儿的心智虽然尚未成熟,但是他们已经有了自我意识,他们强烈的要求表现自己,希望自己是突出的。因此,在幼儿学习兴趣减退时,可以让他们多观摩其他幼儿的演奏,来激发他们,从而产生竞争心理,再次回到钢琴的学习上来。 2.表扬的功用 对于大部分幼儿而言,适当的表扬是促进他们学习,增强学习兴趣的好办法。老师在幼儿每次上课时多对幼儿的进行表扬,肯定幼儿每一点理解的正确和对于所学内容的创造性想法,都会增强幼儿的自信心,使之对钢琴学习更有兴趣。 四、在幼儿钢琴启蒙教学中应注意几点问题 1.因材施教、循序渐进 幼儿正处于生理与心理上的发育期,各年龄段及同年龄段每个幼儿之间都存在着很大的个性差异。一律用同一模式进行教学,很难收到理想的教学效果。另外,由于每个幼儿在家庭环境、生活习惯、兴趣爱好及性格特征方面都有一定的差异。因此幼儿钢琴教师有必要了解每个幼儿的不同特点,这样才能作到“对症下药”、因势利导。比如有的男孩子脑子很聪明,但特别好动,上课时常不能集中注意力,有的女孩子自尊心特别强,非常敏感。教师略微批评她一下,便会哭闹不止。很显然对这样的孩子不能过分批评,然而也不能对其错误置之不理。每堂课对他们的点滴进步都要给予充分肯定,同时有计划地指出他们弹奏中的错误,且用非常温和的语气讲。有的家长看到比自己孩子后学的都已赶在前面,非常着急,不时训斥,甚至打骂和强制幼儿练琴。有些教师也往往缺乏耐心,动辄对孩子严加训斥,甚至拿根小棍敲击孩子的小手。久而久之许多孩子不仅产生了逆反心理,厌恶学琴,更有甚者一听要上钢琴课,就会产生恐惧心理。这样的心理状态还怎能学好琴呢?对这样孩子只有耐心地启发和培养他们对音乐的兴趣,让他们轻轻松松地上好每一堂课,并能轻轻松松地完成布置的练习任务,增强他们的自信心。这样做同样也能使孩子们在学习钢琴中得到良好的艺术熏陶。 2.注意启发儿童的创造性思维 孩子学习音乐的目的不仅仅在于学习音乐本身,更重要的是通过学习音乐开发智力。教育心理学认为,培养创造性思维能力是发展智力的优秀。在钢琴教学中有意识地去启发儿童的创造性思维,不仅可以提高儿童对音乐的理解力,同时对儿童智力的发展十分有益。德国著名音乐教育家奥尔夫所创立的奥尔夫教学法,应用音乐教育心理学的原理充分培养人的创造性的一种充满活力的教学法。它充分调动了一个人的一切感觉器官来接触音乐,也就是充分感受,在此基础上再让学生充分进行表达。只有充分启发创造性思维,才能通过丰富的想象充分理解音乐内涵,才能提高音乐感、节奏感等音乐素质。为了充分发挥幼儿的创造性思维,提高对音乐的理解力以及音乐感和节律感,作为教师本身也应充分发挥创造性思维,用一些直观、生动、形象的手段,充分调动学生的感官,激发他们的创造性。例如可以制作一些形象的教具,以游戏的形式让学生自己去认识各种节奏谱。另外也可以通过一些人的画面介绍音乐内容,使学生通过视觉配合听觉来感受音乐形象。反过来通过听音乐产生联想,让学生以音乐形象产生联想,让学生将其感受到的音乐形象画出来,也是启发学生创造性思维的好办法。总之,让学生充分感受音乐再充分表现音乐,激发学生用创造性思维方法学习音乐,可以起到事半功倍的作用。 3.要注意建立良好的师生感情,让孩子在轻松愉快的气氛中学习 孩子第一次上钢琴课都是带着既好奇又紧张的情绪。因此,作为孩子的启蒙教师,不仅要授予他们知识更重要的是建立师生之间良好的感情,要培养好这种感情,教师的表情就很重要,教师的表情是一种无声的语言,因为你的喜怒哀乐都会写在脸上,天真无邪的儿童,对教师的表情是很敏感的,教师亲切和善的表情会使儿童一下子和你缩短距离。每个孩子都有着不同的性格,有着不同的喜好、智力条件和身体情况,所以作为教师应该全面地了解学生。例如对于一些性格内向接受能力慢的学生,一旦这些学生突破了某些难点,教师应称赞他,使他们得到鼓励、产生自信,千万不能急躁发火,更不能说一些打击孩子自尊心的话。这样只会使孩子过于紧张而不能很好地发挥真实水平。有的学生虽聪明伶俐,但易浮躁和骄傲,一旦他们弹奏的较成功,而沾沾自喜时,教师要能做到喜而不形于色,在表示赞许的同时指出不足之处,使他体会到学海无涯。对于一贯表现好的学生,一旦发现他们有放松的苗头,教师应以较严肃认真的态度引起学生重视。总之针对不同的孩子我们要有不同的方法,但是最终的目的只有一个,那就是让孩子在健康愉悦的心情下学习,让他们的身心得到健康的发展。我们不仅要做他们尊敬的老师,还要做他们永远的朋友。 总之,我们作为钢琴教师就必须认识到掌握正确弹奏法的重要性,只有基础打好了,楼房才能牢固。其次,我们要不断地充电,更新自己的知识,不仅要练琴,还要多听课,要对学生负责,对音乐教育事业负责。同时在幼儿的钢琴教育中,一定要针对儿童年龄,生理、心理的特点,结合儿童的日常生活,站在儿童的角度去进行教育,采用适合儿童特点的方法进行教学,使孩子学习时感到愉快而有趣,把钢琴作为一个玩具,弹奏美妙的音乐。如果采用教条式方法,或者采用教成人的方法去教孩子,就将事倍功半。那样的学习容易在孩子幼小的心灵里埋下讨厌弹奏的种子,更不要说爱好音乐、献身音乐了。我们要融各家之长,不断丰富和改进自己的教学方法和手段,使我们的教学更具有科学性、艺术性! 作者单位: 山西太原师范学院音乐系 基础钢琴教学论文:浅谈钢琴基础教学中引导演奏者放松的重要性 摘要：钢琴基础教学研究从钢琴诞生之初到现在一直飞速发展，而钢琴教学者在从事钢琴教学的过程中除了注意学生的钢琴演奏技术外，还应更多的关注钢琴初学者的身心健康问题。演奏中长久的身心极度紧张不仅会对演奏出的乐曲质量有所影响，同时也会对演奏者身心造成一定的伤害。本文将试从实验角度对钢琴基础教学中引导演奏者放松的重要性进行验证。 关键词：钢琴教学；放松练习；人体负荷实验 钢琴教学研究自18世纪开始随着钢琴结构变化、演奏技术更新、钢琴演奏风格变迁一直飞速发展着。近些年来，随着人们生活条件的变化，越来越多的国家开始关注钢琴演奏者的健康问题，特别是一些发达国家甚至有专门针对钢琴演奏伤害的治疗机构。[1] 笔者发现，对钢琴演奏者造成伤害的一部分重要原因在于演奏者无法做到在演奏过程中身心的放松。生理学大量研究表明，肌肉长期处于紧张收缩状态会对身体的肌肉骨骼造成负担。[2]人因工程学也有证据证明不自然的身体姿势如果在较长的时间里得不到恢复同样会对肌肉造成损伤。[3]因此，身心紧张下演奏出的乐曲不仅表现力不佳，且会因身体肌肉骨骼损伤造成无法长期练习钢琴，严重者甚至会出现身体上病变，致使放弃钢琴演奏。而且，身体紧张也同样会进一步造成演奏者的心理损伤，产生惧怕演奏钢琴、自卑等情绪。 实际上，钢琴教学者对演奏姿势的重视程度、对学生的教学态度以及家长的行为都是影响演奏者身心放松的重要因素。针对钢琴教学中引导演奏者放松的重要性，笔者专门设计了钢琴演奏人体负荷实验。根据人因工程大量研究表明，绩效指标、生理指标可用于测量人的身体与脑力的负荷程度，而主观感受往往是直观的参考。[4]因此本实验从演奏内容失误率、练习效率、心率、血压、呼吸数和主观感等受角度来进行观测。 演奏内容失误率计算方法为：演奏错误小节数÷演奏总小结数。 练习效率为估算值，主要参考一定时间内练好曲子的时间快慢和练习时间内总共练习的小节数。 为追求实验结果更加准确，曲目在对实验者进行放松练习调整后以固定5天为一个周期进行更换。 实验者小雪年龄7周岁，学琴1年半，性格偏内向，家长对孩子的期盼亦很高，一般练琴时间为每天2小时。学琴1年后出现厌恶练琴的情况，上课效果也有所下降。笔者在大致了解小雪的情况后，对小雪进行了5个课时的观察，并对小雪的一些情况进行记录。（表1） 根据观测，小雪本身的学习能力可以，失误率会随着乐曲熟练程度的提高而下降，练习效率也会随着熟练程度而有所提高但小雪的演奏姿势“漂亮”却不自然，在练习钢琴过程中也会不同程度的感到身体疲惫、肩膀及腰部酸痛，且这种情况不会随着乐曲熟练程度的提高而减弱。 针对小雪的问题，笔者首先让其随笔者一起做手臂环绕、活动肩周、深呼吸等一系列放松动作。随后调节其手臂与前臂呈120°并自然平放在琴键上，手臂自然不加紧，手腕平稳，手指按键支撑保持2分钟，随后恢复自然坐姿3分钟，与其自然沟通后再重复上述动作3次，让其找到放松状。训练重复7天后，笔者让小雪不要刻意身体前倾，放松稳定坐姿即可，并举例说明放松演奏的好处。在调整过程中，小雪渐渐的对笔者产生信赖感。另外笔者劝导小雪的父母可以稍微多给小雪一些自己学习的空间，减轻小雪心理上压力。在调整后，笔者再此对小雪进行观测。（表2） 在调整后的第一周期里，小雪并没有完全适应调整，演奏过程中仍存在感觉肩膀酸痛的情况，但酸痛情况有逐渐减弱的趋势。练习效率已经明显高于调整前，失误率也同比有所下降，可见调整后对钢琴的演奏效率和效果的是有所提高的。从身体指标（心率、血压、呼吸数）上看，练习1小时30分仍对身体负荷有一定影响，但比调整前要稍低。而在调整后的第二周期里，小雪基本上适应了调整，从第三天开始已经在演奏过程中感觉不到身体上的不适，同比之前的练习，演奏效率明显提高，失误率明显下降。身体指标变化也不明显了。此外，笔者也发现小雪演奏曲目时不再给人以僵硬不自然的感觉，演奏熟练性、流畅性都有所提高，小雪的父母也反映小雪_始不再排斥练习钢琴。 类似小雪问题的钢琴初学者有很多，有一些初学者疼痛的部位与小雪也不完全相同，笔者针对5位身体出现问题的学生进行了相同实验，实验结果与小雪的改变基本一致，可以说明引导钢琴演奏者放松对钢琴练习效果、钢琴练琴效率是有一定积极影响的。这也充分说明了从事钢琴教学研究的工作者不仅要潜心研究演奏技术方面的问题，还应重视学生的身心健康，力求保证学生用健康的演奏方式去学习钢琴。只有关注基础，关注学生的根本需求，以学生为本教学才能使钢琴教学进行的更加顺利。 基础钢琴教学论文:高职高专音乐教育专业钢琴基础课程教学改革探讨 【摘 要】本文阐述钢琴基础课程作为高职高专音乐教育专业的优秀课程，其教学改革应在有效借鉴传统钢琴课程实践的基础上，融入自身特色课程资源，优化配置，在课程目标、教学形式与方法、教学评价等方面加以改革，逐渐建成并完善其教学体系。 【关键词】音乐教育专业 高职高专 钢琴基础课程 教学改革 一、问题的提出 钢琴基础课程在高职高专音乐教育专业课程体系中占据重要的地位，其既是基础课程，又是优秀课程，教学实施偏重于学生的技能习得，体现实践性、应用性。同时它更是在高职高专音乐教育专业课程知识体系中与乐理、和声、曲式等课程相互联系、相互作用的基础环节与中间环节。因此，钢琴基础课程在科学、有效构建音乐教育专业课程体系的过程中占据重要的地位。 相对于本科音乐艺术院校而言，高职高专音乐教育专业的钢琴课程定位体现出很大的不同。高职高专音乐教育专业的钢琴课程作为整个课程的基础与优秀，在充分体现实用性的同时，更要与地方就业市场很好地结合起来，以使培养出来的人才能够与地方社会经济、文化建设进行快速、有效的对接，服务于地方经济文化的发展。因此，高职高专音乐教育专业的钢琴课程并不以培养专门从事专业钢琴教育、钢琴演奏、钢琴伴奏的人才作为目标，而以培养出能够掌握钢琴基本弹奏要领，能充分发挥钢琴功能特性并运用于各种相关实践的专科层次人才为目标。在教学中则要求，在保留传统钢琴课程中演奏、伴奏的知识结构的前提下，降低演奏、伴奏的难度要求，使其作为基本知识储备，着重于以之为基础优秀的即兴编配、创作的能力培养，突出人才培养的技能型、应用型特征。然而，传统钢琴基础课程教学却未能体现这样的要求，而是沿用培养专门从事钢琴演奏、伴奏人才的教学模式，不适宜高职高专人才培养要求，亟须改革。笔者拟以广西幼儿师范高等专科学校（以下简称广西幼专）音乐教育专业为例，探讨高职高专钢琴基础课程教学改革的基本方向。 二、钢琴基础课程教学改革的基础 钢琴课程教学体系经过几十年的实践发展，在培养专门从事钢琴演奏、伴奏人才方面已经形成一套科学、合理、可靠的系统，其对于钢琴演奏技术、风格的体现也已十分成熟。因此，不论是对本科层次还是对专科层次的学生而言，传统钢琴课程教学模式及内容在训练学生较好、较快地掌握基本弹奏要领上具有相当有益的借鉴意义。 作为专科层次院校的音乐教育专业，在实践与发展过程中，如何在紧密结合就业市场、以就业为导向的基础环境下，优化课程设置，整合教学资源，真正体现出学以致用，是广西幼专音乐教育专业面临的新课题。钢琴基础课作为音乐教育专业的基础优秀课程，更应与时俱进进行改革。广西幼专作为广西专科层次人才培养的龙头，率先创立艺术系，并成功申报音乐教育专业，一直以来，秉承“以幼教专业为龙头，以艺术专业为特色”的办学方针，致力于为社会培养应用型、技能型人才的实践与研究。自音乐教育专业申报成功以来，广西幼专艺术系充分重视钢琴课程的教学实施、反馈，分析成熟的音乐艺术院校钢琴课程教学的发展状态及特点，借鉴本科层次（师范类）音乐教育专业钢琴课程实施的相关经验，逐渐建立起能够适应专科层次音乐人才培养的钢琴课程教学模式。 三、钢琴基础课程教学改革的策略 作为钢琴基础课程教学改革实践最重要一环的创新知识体系应立足于传统钢琴课程教学，从中汲取并分化出有益于相关课程优化配置的知识点，整合在一起，进而形成科学、有效的知识系统。广西幼专音乐教育专业旨在培养符合地方发展要求的基础音乐教育教师（面向小学音乐教育、幼儿音乐教育），即主要培养面向小学基础教育、幼儿基础教育的专科人才，其音乐课程的配置特点突出，侧重于与学龄前后（6-13岁）儿童音乐能力发展培养相关的课程体系建设，因此，以钢琴基础课程为先导的各课程的相互融合是关键。 （一）合理设定教学目标 传统钢琴基础课程教学中，在中小型乐曲演奏的技能习得上，目标是使学生初步构建以钢琴为中心的旋律线条、节奏组合、表现织体等音乐知识体系的基础，但传统钢琴基础课程的教学目标并不能够有效适应并体现高职高专人才培养层次与目标的最终要求――其倾向于使学生将技能习得中内化的音乐知识用于更好地演奏或伴奏不同时期风格与流派的钢琴与声乐作品――“为表现乐曲本身而练习”。从根本上说，并没有有效利用传统钢琴课程中技能习得的丰富内容，加以强调并提炼，从而准确作用于以钢琴为先导的相关课程，这也是导致传统教学知识体系相互割裂与片面的根源。 因此，在课程标准的制订中要细化教学目标，并切实要求在教学过程中得以充分体现、在教学评价中得以准确评估。广西幼专钢琴基础课程开设于大一、大二两个学年，共四个学期，由浅入深，主要培养学生掌握钢琴基本弹奏要领，使学生能够较熟练地演奏中小型中外钢琴及声乐作品，并表现出特定的情感倾向及音乐风格。这是学生掌握钢琴键盘特性、功能特性、音响特性的基础。从课程配置的层次性来说，广西幼专充分利用钢琴基础课程开设的四个学期，注重真正实现每个学期不同导向的n程教学目标并加以检验。其意义在于：能够将细化的学期教学目标在以钢琴基础课程为导引的各课程的渗透与融合中体现出来，发挥传统钢琴教学模式在知识技能进阶中的支点作用，为下一学期相关课程的衔接与融合做好铺垫，这既是对现有知识学习的巩固，又是对知识衍生与发展的有效准备。 （二）改善教学形式与教学方法 如上所述，在高职高专三年的教学实施过程中，广西幼专音乐教育专业钢琴基础课程贯穿于大三实习实训之前的整个课程体系中，在其不断深入的教学实践过程中，以其为优秀与基础逐渐引入与幼专人才培养目标相适应的相关课程――乐理与视唱练耳课程、声乐课程、奥尔夫教学法课程、儿童歌曲即兴创作与编配课程等。依据每个学期课程设置的特点，钢琴基础课程在教法与学法上具有针对性。 首先是教学形式上的应变。长期以来，结合学生实际基础，广西幼专音乐教育专业的钢琴基础课程教学主要采取传统的“小组课”的形式。“小组课”通常4人一组，每组每周一个课时，其内容主要体现为“知识技能导入、技能回课、技能新课、布置作业”四个教学环节的循环，授课具有针对性，是有效的训练学生进阶演奏技法与掌握特定音乐风格的教学形式。但这种形式对于广西幼专其他优势课程，尤其是音乐教学法、儿童音乐创编等在钢琴基础课程中的综合与渗透具有一定的局限性。因此，广西幼专音乐教育专业改进了“小组课”的授课形式，规划创建新的钢琴实训室，将4人一组的“小组课”改设为“8人小组课”，在优化四个教学环节的基础上，引入“合作学习、角色参与、情境创设”的教学环节：在不改变钢琴课程总学时的前提下，“8人小组课”为每周两个课时，连堂授课。这样，每个学生每周参与课程学习的时间由一个课时增加到两个课时，其中第一节课主要是四个基础的教学环节，第二节课是以钢琴为导的综合课程知识实践教学环节，并采取“合作学习”等新模式。需要强调的是，四个基础教学环节中的回课周期为两周，即每周四人回课，其他四人进行观摩，轮流进行，以此有效保证以往有效的教学实践经验，充分利用教学时间。 考虑到课程设置的特点与课程实施的效率问题，广西幼专钢琴基础课程教学主要采取“分解知识点”式教学方法。比如，对于一首基础钢琴乐曲，依据知识结构的基本特点，将乐曲分为单独的节奏片段、旋律片段、声响片段等，强调特定技巧与情感表现下的“元素性”。以节奏为例，在指导学生练习时，依据学生实际，截取基本节奏片段、较复杂的节奏片段，要求以符合儿童心理特点、感知能力的语言、动作等方法，将节奏练习单独强调，并体现出一定的形象。如此，既掌握了乐曲节奏上的重难点，更使学生在潜移默化中深入地认识并掌握节奏的本质。而在教与学的过程中，对与节奏、节拍、旋律等特点相符合的音乐形象的准确把握是难点，这种能力的培养过程本身即是对钢琴音乐技巧、音乐表现的回归。同时，在教学中，充分发挥钢琴作为基础乐器的特性，使学生在具备一定的乐曲基本元素分解与组合能力后，进一步将乐曲所涵盖的知识技能内化吸收，从而在充分认识与把握声响、旋律线条、节奏控制的基础上进行即兴编配与创作，综合运用各课程知识点，体现出学生以演奏为基础、创编为优秀的实际运用钢琴的能力。 （三）改革教学评价方式 广西幼专钢琴基础课程的教学评价以人才培养目标、课程教学目标为依据，着重于对钢琴实际运用能力的考查。相比传统只考查“基本音阶、琶音+乐曲+练习曲”内容的评价方式，更强调具有规范而生动的音乐表现能力与能够体现综合音乐素养的弹唱、即兴编配能力的考试内容，如“情景模拟”“形象塑造”“钢琴素描”，传统考查方式与“以赛代考”“小组合作”等相结合，形式多样而统一。 四、结语 高职高专教育的职业化倾向是高职高专教育改革中被普遍认同的整体趋势，其人才培养目标以就业市场为导向，以应用型、技能型的人才输出为宗旨，呈现职业化模式培养的特点。高职高专音乐教育专业课程教学体系建设应与本科层次相区别，应充分结合社会需求，从对生源特点的全面分析入手，在实践中发展，以体现重点、突出特色。钢琴基础课程作为高职高专音乐教育专业的优秀课程，其实践改革应在有效借鉴传统钢琴课程实践的基础上，融入自身特色课程资源，优化整合配置，在课程目标、教学形式与方法、教学评价等方面加以改革，体现亮点，逐渐建成并完善其教学体系，最终形成能与就业市场无缝对接的优秀竞争力。 V西幼专音乐教育专业的钢琴基础课程教学改革目前已初见成效，其在以钢琴基础课程为优秀的课程综合教学改革下，培养出的音乐教育专业人才在民族地方基础音乐教育、学前音乐教育中发挥着重要作用，广受好评，在一定程度上，为广西高职高专音乐教育专业的课程教学改革提供有力的例证。 【作者简介】刘晓莉（1983― ），女，北海合浦人，广西幼儿师范高等专科学校讲师，研究方向：钢琴演奏与教学、儿童音乐教学法。 基础钢琴教学论文:论师范类高校钢琴基础教学与简易即兴伴奏的结合 摘要：即兴伴奏是音乐教师在实际教学中需要掌握的必要技能，在当前的课堂教学中必不可少，是当前课堂教学的关键工具，也是艺术实践以及课外活动的重要构成部分。即兴伴奏是一个幼儿教师的综合教育能力的体现，同时也是对其综合素养的考验，是当前钢琴教学中的关键内容。本文探讨了钢琴教学和即兴伴奏教学的融合，目的是让学生在学习钢琴知识的过程中，更好的掌握即兴伴奏技巧，并且良好的应用在实际的伴奏中。 关键词：示范；高校钢琴；即兴伴奏 在学习即兴伴奏的过程中，学生需要了解和声的弹奏技术以及相应的和声理论，了解钢琴弹奏的具体结构，并且明确相应的伴奏层次关系，了解不同的歌曲音乐语言和不同的题材类型，关注钢琴伴奏和歌曲曲式的具体关系，进而提升自身的钢琴伴奏能力水平。本文对相关问题进行探究，希望为实际的教学提供必要的理论支持。 一、当前学生在即兴伴奏能力方面的问题 高等示范院校是培养中小学音乐教师的重要院校，根据笔者的教学实践，学生因为自身的钢琴基本功的差别，他们的即兴伴奏能力存在一定的不同。主要包括以下几个方面：第一，没有扎实的钢琴弹奏基础，没有接受系统的钢琴训练。有的学生在学习多年的钢琴之后，虽然有弹奏复杂钢琴练习曲以及车尔尼钢琴中的相关钢琴曲的能力，但是却无法为十分简单的歌曲进行伴奏，所以不具备较强的伴奏能力，他们在毕业后难以当好小学的音乐教师。第二，学生的和声基础以及音乐理论基础较差，没有掌握良好的理论基础，所以难以进行实践。学生在实际的学习中，往往忽视了对音乐理论的了解和掌握，所以没有把音乐理论和和声、键盘相结合，所以难以达到事半功倍的效果。第三，学生掌握的伴奏音型比较少，无法良好的运用。学生对于不同体裁和风格的歌曲伴奏了解不多。所以他们的毕业的时候往往会发现，他们不但没有弹好钢琴，在钢琴即兴伴奏方面也是一知半解。怎样把简单的即兴伴奏和钢琴基础教学相结合并且运用到实际的教学中，提升教学效果，是当前值得研究的重要问题。 二、在钢琴教学中融入即兴伴奏和相关的理论知识 在钢琴教学中，教师可以在分析曲子的过程中融入即兴伴奏内容。对于钢琴教师来说，需要明确自己的教学目标以及教学内容。在钢琴教学的整个过程中，需要利用循序渐进的策略，实施针对性的教学。在布置相应的曲目时，需要提升教学对策的针对性，让学生有限的时间里掌握特定的钢琴基本技巧，并且利用这些实用的技巧进行即兴伴奏。比如，在讲解车尔尼钢琴教程中，其中包含许多重要的即兴伴奏内容，相应的音型变化较为丰富，而且左手基本都是功能和声连接，教师通过分析和改进可以当作伴奏教学的辅助教材来使用。比如其中的这个谱例： 技术分析：这一段属于右手双音训练练习曲，其中的新内容是双音连线的谈法。相应的双音连线和双音跳音构成了本曲的旋律部分，其中的双音连线包括了两个四分音符相连以及两个二分音符相连接的状况。对于左手来说，则是负责分解和弦的弹奏。在车尔尼前半部分的练习曲中，并没有出现这种伴奏类型，所以在具体的教学中可以着重讲解这些内容。利用这个练习曲进行教学，学生不仅要了解双音连线以及双音跳音的弹法，还需要掌握左手负责的分解和弦的弹奏技巧。上述的就是一个普通的钢琴课教学内容。但是，如何在其中延伸和融入更多的关于伴奏的内容呢？其实教师可以在其中加入即兴伴奏的内容，并且融入一定的音乐理论的知识内容。从这部分的左手来分析，这是一个较为基本的伴奏织体。比如：在活泼而且速度较快的儿歌曲目中比较适合使用1/5/3/5这种伴奏的音型。相应的歌曲有划船以及小星星等等。这些都是4/4或者4/2拍。车尔尼教程中，后面的NO23以及NO21都是三拍子，可以使用到小白船以及平安夜的曲子中。如果学生的能力水平有所提升，那么就可以融入比较复杂的伴奏音型，比如：可以通过小小竹排和蝴蝶这两个曲子来练习琶音音型，可以使用圆舞曲来练习柱式和弦的分类。这些都是难度不高而且具有教学价值的曲目，学生可以在伴奏学习以及基础钢琴学习中进行有机融合，这样可以达到相应的学习目的。 从理论的层面进行分析，教师还可以融入这几个方面的基本和声知识：第一，正三和弦的概念。在大小调式音节的Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ音级上组成的3个自然音三和弦，分别被叫做主和弦、下属和弦以及属和弦。第二，合成功能的概念。在调式音级中，一个调式音级的各级和弦的特征和地位，也就是不稳定以及稳定的作用。具体的和声功能一共有三种，包括下属功能、属功能以及主功能，相应的代表属和弦、下属和弦以及主和弦。第三，属七和弦的概念。也叫做大小七和弦，也就是在大三和弦的基础上增加了一个小三度的音程，也就是指从根音到七音的音程。对于这种和弦来说，基本都是根音建立在属音上，所以也被叫做属七和弦。这种和弦具有一定的不和谐性，在一定程度上加强了属音，所以带有较为紧张的气氛，能够创建换了和活泼的气氛，具有不稳定、不协和的色彩。 通过了这样的学习和讲解，学生一方面掌握了和了解了钢琴中的曲目知识和技巧，而且也明确了即兴伴奏以及钢琴曲目之间的关系，在理论知识方面也有了一定的拓展。在真实的教学中，教师可以把这些实例加入到教学内容中，并且为学生展示实际的创编过程，这样学生可以指导怎么通过学习一个钢琴作品来丰富自己的弹奏技巧，并且加入到即兴伴奏中。通过这种方法，可以有效的创建教学氛围，并且让学生在较短的实践中，掌握一定的理论知识以及音乐知识[1]。 三、制定针对性的教学计划以及教学大纲 师范类学校具有一定的特点，学生在有限的实践中，面对着较为繁重的学习压力和任务，他们在有限的时间里难以进行大量钢琴作品即兴伴奏以及弹奏的学习。所以，基于培养实践型人才的先进教育思想，并且遵循当前的教学大纲要求和师范类学生的学习年限，学校需要制定针对性的钢琴能力达标标准，并且规范当前的钢琴教学流程和内容[2]。 在大一第一学期的教学中，教学内容包括：视奏+钢琴基础演奏。在大一第二学期的教学中，教学内容包括：伴奏基础知识+视奏+钢琴演奏。在大二第一学期的教学中，教W内容包括：即兴伴奏+视奏+钢琴演奏。在大二第二学期的教学中，教学内容包括：键盘实践+即兴伴奏+视奏+钢琴演奏。对于钢琴主修生来说，大三的教学内容包括：正谱伴奏、曲式和声、键盘实践、即兴伴奏、视奏以及钢琴演奏。大四的教学内容包括：正谱伴奏、曲式和声、键盘实践、即兴伴奏、视奏以及钢琴演奏[3]。 四、改革教学评价的对策 目前，我国许多高校当时应用较为落后的考试评价方式。相应的考试内容包括练习曲、琶音以及音阶的考核，教师进行现场评分。利用这种考试可以检验出学生对于特定演奏技术的掌握程度，但是无法证明学生具备为实际的教学服务的能力。因为相应的考试内容和目标比较单一，所以难以全方面的检查学生的技能和知识水平。对于师范类钢琴教学来说，其最终目的是良好的培养学生使用钢琴来服务社会，而不是简单的掌握具体的演奏技巧。所以相应的教学评价需要具备多元化的实用化的特点。对于师范类钢琴教学评价来说，需要包括对学生各方面能力的评测，不能只是包括单一弹奏曲目[4]。可以结合以下的内容来评定最终的考试成绩：第一，视奏考试以及钢琴演奏考试。在以往的考试中包括复调作品、练习曲以及音节琶音等，而后考察学生的视奏能力，教师进行现场评分。通过这种考试形式，可以检查学生对相应钢琴演奏技术的掌握和了解情况，并且让学生在有限的时间中，展示相应的作品和声、曲式以及风格的理解，对相关的技术进行综合的运用。第二，考察即兴伴奏的能力。学生需要在钢琴教师的指导下为相应的曲子伴奏，由特定的声乐和钢琴教师共同评定相应的分数。通过这种方法，可以解决在声乐考试中没有机会合奏以及难找伴奏的问题，并且创造了检验学生伴奏水平和实践的良好机会，是对学生综合钢琴水平的考察[6]。 五、结语 在以往的师范音乐教学中，往往把即兴伴奏教学和基础钢琴技巧教学分割，课程之间的脱节比较严重，所以学生在钢琴技巧方面的进步比较小，相应的伴奏能力也比较差。在实际的教学中，教师需要确保教学方式的多元化以及多样化，全面融合即兴伴奏课程以及钢琴基础课程，这样才能获得良好的效果。 作者介：苏志灵（1971.08-），女，河南开封人，研究生学历，郑州师范学院副教授。研究方向：音乐教育。 基础钢琴教学论文:有关高职艺术院校钢琴基础课程的教学探讨 【摘 要】钢琴基础课程是高职艺术院校基础课程。它有着自身独具的课程特色与教学要求，笔者结合十多年的高职教学经验，谈谈钢琴基础课程的教学重点，希望能抛砖引玉，对读者有借鉴作用。 【关键词】读谱；规范；调性；教材 近年来，高职院校成为我国高等教育的重要组成部分。作为高职艺术院校的钢琴基础课程，是根据教学的发展和需要针对非钢琴演奏R刀开设的一门课程，这门课有着自身独具的课程特色与教学要求。笔者结合十多年的高职钢琴基础课程教学经验，谈谈钢琴基础课程的教学重点，希望能对读者有一点借鉴作用。 一、快速读谱能力的培养 读谱包含着某种研读、辨识、认识之意。读谱能力强，可以大大缩短熟悉乐谱的过程，及早将精力用到乐曲的技术、艺术问题方面去，从而加快学习的速度。读谱训练可以从准确的键盘位置感、音键距离的对应关系、音与音的关系这几方面加强训练，更要加强内心听觉能力的训练和理论知识的修养。读谱中最大的敌人是快和急。在弹奏中“慢”字当头，宁慢勿断。读谱时心理状态上要精神集中、反应敏捷而又沉着冷静，从易到难、从简到繁、从慢速到应有的速度。 二、基本技术训练的规范性 高职学生群体来源各不相同，其音乐学习的背景差异大，绝大部分未经系统、连贯性的学习。无论何种情况，只有规范性的基本技术训练才是获得正确的、一定程度的技术技巧的基本保证。但基本技术训练内容枯燥，学生对这部分常常没有兴趣。从某种意义上讲，越是能投身于不喜欢的东西的练习，而又能从中产生一定乐趣的学生，越是有可能达到较高的水平。五指练习、二十四个大小调的音阶、和弦、琶音的练习每堂课必不可少。只有在基本技术有了一定的基础之后，则可以在选曲时适当考虑学生的兴趣。 三、音乐表现与弹奏技术的关系 若要音乐表现好，首先内心要有对音乐的感受和理解，其次要具备相应的钢琴弹奏技术。有的学生，音乐感受能力强，但技术不够用，表现受限制；有的学生，弹什么都不大费力，但内心缺乏感受、无从表现。只有在音乐感受和弹奏技术两方面一齐努力，才能表达出好的音乐。针对具体作品的弹奏来说，“对比的原则”是最重要的。有力度的对比、速度的对比、音色的对比、情绪的对比等等，只要恰如其分地做到了应有的对比，就会有较好的音乐表现。最理想的是，音乐表现与弹奏技术相辅相成、相得益彰。 四、有针对性的教材选择 选取精良的教材无疑是我们教师不可推卸的责任。教材选择要根据学生不同层次的基础以及喜好来量身定制；要充分运用教育学、心理学的知识和经验，去挖掘有意思的学习内容，建设一套具有开放思路的教学方法，在教材、教程方面多加专研。如：当我们面对的是少儿音舞专业的学生，完全可以挑选一些国内外民间舞曲作为他们平时练习的课业内容之一；而当面对的是声乐学生时，则可以选择带一些歌曲伴奏的乐谱进行练习；面对作曲专业的学生，巴洛克时期的复调作品学习必不可少。这样既照顾了学生的钢琴练习，又有了灵活运用的基础。除了教学计划以外，老师也可以适度进行粗线条教学，每学期布置几首浏览性曲目。通过自学，学生可以借助钢琴认识众多的音乐作品，将钢琴当成“浏览器”去阅读音乐。在这个过程中，教师就已经将理论教学与实践教学渗透到专业教学中去，使知识逐步转化为能力，全面提升学生的综合素质。 五、关于调性的练习 转调练习在钢琴基础课程中是一种特别需要具备的能力，需要专门学习、着力加强。移调弹奏练习能培养学生在弹奏中对音乐旋律的注意力和记忆力，对不同音乐调性的理解和感悟，对钢琴键盘位置的注意和记忆。在钢琴弹奏中，达到视觉、触觉、听觉与心脑感官的全面感悟。在教学中让学生除了达到《哈农》一般的练习目的之后，还要尽可能移至其他调上进行练习，通过移调练习，不但使学生的手指在黑键上得到锻炼，而且让学生对于变调有听觉上、手感上的认识。这对于学习作曲和声乐主课的学生来说，是相当必要的，能够为将来学习了解钢琴即兴伴奏课程作好充分的准备。 六、关于一对多的钢琴小组课 非钢琴专业主课的钢琴基础课程有时会以一对多的小组课的形式出现。在小组课上，我们面对的都是具有独立思维意识的大学生，上课时可以集体辅导与个别讲解相结合，先对演奏曲目以及演奏中的一些常见问题进行讲解，然后通过学生的轮流弹奏表演，教师进行纠错讲评，这样还能够形成你追我赶、互相学习的氛围。 钢琴基础课的教学除了依据学科本身的特点进行专业授课，也要结合高职院校的办学理念和广大学生的总体需求进行不断探索和实践。我们要把学生的进步和使音乐变得更美当作教学生活目标，使这门课的专业特色与魅力在社会人文交融的土壤中发挥更大作用，培养出真正的“高素质技能型”人才来。 基础钢琴教学论文:钢琴基础教学浅析 摘 要：钢琴被称为“乐器之王”，已然成为学习乐器者的首选，钢琴教学也成了很多专业音乐工作者的必备技能。钢琴演奏是一门讲究科学、讲究系统性的技术，钢琴教学必然更需要讲究科学、讲究系统性。本文从钢琴基础教学的角度，浅略谈谈个人经验。 关键词：钢琴基础；教学 钢琴具有优美的音色、丰富的和声、高雅的织体，当仁不让地成为乐器之王。无论是专业的音乐学习者，还是业余的爱好者，对钢琴都钟爱有加。钢琴学习不断升温，钢琴教学骤然成潮。然而，钢琴演奏是一门讲究科学、讲究系统性的技术，钢琴教学必然更需要讲究科学、讲究系统性。特别是规范的钢琴基础，对于钢琴学习来讲，是基础也是根本。下面，从四个方面谈谈钢琴基础教学的体会。 1 姿势要正、稳而松 钢琴弹奏首先讲究的是坐在琴凳上的姿势，这既是外在形象上的主观要求，也是内在演奏上的客观需要。姿势的正确、规范与否，直接影响演奏的舒适、流畅。用三个字来概括具体要求：正、稳、松。 首先，要坐正。从身体上讲，上身要坐直，弯腰驼背既没有形象，也没有气质，更不利于演奏过程中身体的活动。从位置上讲要，要坐在钢琴的正中央C或G，偏向哪一边都将影响演奏的技术发挥。 其次，要坐稳。钢琴琴凳的高低、远近位置，要根据个人身高、身形进行适当调整，一般只坐琴凳的一半位置，甚至更少些，要保证双脚踩地且能支撑身体重心为宜。坐稳是为了演奏技术更好的发挥提供保障。 第三，要坐松。坐在琴凳上身体不能僵硬，特别是双肩、双臂要自然下垂，不能夹、紧。重心要落在臀部和两脚之间，不能完全在臀部，甚至两脚处于悬或半悬状态。要是小孩子身高有限，双脚不能着地，应该在脚下加个小凳子垫着，踩在小凳子上。松弛的坐姿能为钢琴演奏提供不受约束的动力和力量，要特别注意身体既要松，还不能垮。 2 手指要弯、抬而击 手指是钢琴演奏的主要部位，也是钢琴技术技巧的具体实施者，钢琴学习过程主要目的和任务，就是提高手指的独立性、灵活度、力量感。因此，手指的状态及训练是钢琴学习的关键。也用三个字来概括技术要点：弯、抬、击。 首先，手指要弯。这里的“弯”主要是指手型保持自然弯曲状态，手指触键不能塌指、塌掌，特别是第一关节不能塌，因为它起到力量的支撑作用，整个手臂的重量要落在腕关节至指尖上。手指的弯曲状态才能确保是指尖触键，而不是指肚触键。手指在键盘上的规范站立，是演奏力量能否贯穿到键底的关键。 其次，手指要抬。抬手指主要指第三关节（掌关节）抬起，只有抬起，才有击的力量。抬是弹奏的发力点，弹奏时抬起后把力量集中到指尖，并迅速地击下去，是弹奏过程的触键关键动作。 第三，手指要击。这里的击是指手指抬高后的击键，要使力量从肩部一直通到指尖，是击，二不是砸、按、推，要保证击键发出的声音集中、清晰、圆润。抬和击是手指独立性能的关键所在，是确保音色的颗粒感的关键所在，两个动作要一气呵成，不能只有抬没有击，当然没有抬更不谈击。 3 识谱要细、快而准 识谱是任何音乐学习的基础和基本能力，识谱的能力高低直接决定学习效率和效果。钢琴演奏对于识谱能力要求更高，由于钢琴谱是双行谱，并且钢琴音乐的织体非常丰富和复杂，所以钢琴视奏既考验识谱水平，又考验演奏能力高低。 首先，识谱要细。要将乐谱上的信息应看尽看，眼到还要心到，心到还要手到，这是视奏的整个过程。要熟悉高音谱号和低音谱号与琴键的对应位置关系，识别谱面上所有内容。具体讲，首先要看清谱号、调号、拍号、表情术语；其次要看清楚音符、休止符及时值，这是记录音乐的关键要素；还要对谱面上的每一个演奏记号、标记、术语、指法看清楚，这些要素是决定乐曲性质的重要内容；最后还要看清分句、呼吸位置等。一首钢琴作品的准确、成功演绎，识谱是否仔细是起决定性作用的。 其次，识谱要快。识谱的速度要快，看乐谱要像看文字样的熟练，要有“一目十行”的功夫，识谱的速度直接决定视奏的效率。要想快速识谱，除了想尽办法记住音的位置，还要结合音乐理论识谱。比如，通过五线谱线与间之间的音程关系识谱，通过和弦的原位与转位的位置与形状识谱，还可通过织体等比较有代表性的音型识谱等。快速识谱还离不开大量的视奏练习，还包括视唱训练。 第三，识谱要准。这里的准是指要准确无误，不能看漏，更不能看错。首先谱号、调号不能看错、看漏了，这是能否正确识谱的第一关，要是谱号、调号都看错了，后面的识谱就没有意义了。识谱的准确性最主要的是音符不能看错，特别是加了临时升降记号或调号发生改变的音符，很容易因马虎弄错。还要注意指法不能看错，指法是钢琴演奏的基本规则，错误的指法会严重影响演奏技巧的发挥。总的来说，漏看、错看谱面任何一个信息，对于钢琴演奏都是致命的。 4 声音要亮、匀而圆 钢琴最迷人之处就在于其优美的音色，特别是丰富的和声与织体共同呈现出的整体音响效果，细若丝丝细雨、动若万马奔腾。要想能弹奏出变化莫测的音色，从开始学琴起，就要严格重视每一个音符的音色控制，具体来讲，还是用三个字来概括：亮、匀、圆。 首先，声音要亮。这里的亮主要指弹奏力量要贯穿到键底，出来声音要明亮，集中。但是，还要亮而不裂，亮而不燥，亮而不破。这就需要平时练习时，注意倾听自己弹奏的声音效果，要不断尝试演奏出最合适、恰当的声音。只有对每个音都讲究质量，最后才能演奏出动人的整体效果。 其次，声音要匀。在钢琴学习初期，由于手指力量的不均衡，演奏技巧的不到位，整体控制的不协调，都会导致声音的不均匀、不统一。在钢琴音色的控制方面，首要的就是能控制声音的均匀，只有先均匀，才能有变化，最后到自如的表现各种音色。钢琴声音的匀，主要现在三个方面：一是同样时值的音符的声音长短要均匀；二是声音的力度要均匀；三是声音的音质要均匀。这三个方面都是要求手指的控键要到位，特别是每个手指的灵活、灵敏要一致，由于人的手指天生长短不一、粗细不一、力量不一、灵活不一，还有左右手的差别等，这需要大量的基本功练习才能提高。 第三，声音要圆。这里的圆是指声音要圆润，不能尖、刺耳。由于钢琴是打击乐器，其发声的原理是榔头敲击琴弦发声，所以控制声音的圆润很难，需要触键的高度灵敏，特别是力量的恰如其分。不同的钢琴有不同的机械性能，也给演奏者控制音色带来了挑战。声音的圆润是音乐表现的基础，弱而不虚，强而不烈是声音控制的关键。 总的来说，钢琴演奏最终目标是演奏出的声音要尽可能明亮、均颉⒃踩螅还要饱满有力，变化细腻。科普兰说：音乐最有效的途径是聆听。钢琴声音的控制的练习也需要仔细聆听，只有不断舍弃不好听的声音，不断最求更好听的声音，最后才能演奏出美妙的声音。 钢琴的学习是一个漫长的过程，也是练习者不断挑战、战胜自己的过程，也是体验钢琴苦于乐的过程。俗话说，台上一分钟、台下十年功，用这句话形容钢琴一点不为过。只要严格规范的习惯，加上勤奋、刻苦的练习，钢琴的任何技术技巧困难都会不攻自破。常言道，宝剑锋从磨砺出，梅花香自苦寒来。钢琴的学习是考验耐力与毅力的过程，从基础开始，扎实走稳、走好每一步，完成每一个技巧的练习，只要坚持到最后，就一定能演奏出动人的乐章。 基础钢琴教学论文:论四手联弹在高校钢琴基础课教学中的重要性 【摘 要】近年来，随着高校教学改革，钢琴教学也相应发生了改变。四手联弹是钢琴二重奏的重要形式之一，而作为钢琴基础课教学内容却是近年来才逐渐开始的。将四手联弹引入课堂教学，能够增强学生的合作意识、培养学生的综合能力，有效提高高校钢琴基础课教学的效率，推动高校钢琴教学的改革发展。 【关键词】四手联弹；高校钢琴教学；钢琴基础课 四手联弹的表演形式自16世纪开始，当我们翻看当前高校钢琴教学的教材时会发现，适合四手联弹的歌曲只有一小部分。究其原因，我国传统“一对一”的钢琴教学形式限制了四手联弹的发展，这对于钢琴教学无疑是一种损失。本文针对四手联弹的历史发展及特征进行简单介绍，进而探究其对于高校钢琴基础课教学的意义所在。 一、高校钢琴教学的发展状况 当前高校钢琴基础教学正处于逐步完善的阶段。作为高校艺术专业的基础课程，钢琴基础课的设立已经成为必须。随着高校的扩招，学生人数增加，对于钢琴教学而言，尽管各高校仍然竭力保持着“一对一”教学的传统，但面对大量的生源压力，也不得不一步步做出调整，逐渐向集体授课模式转变。这些转变，看似顺应时展，但其中隐藏的弊端也逐渐暴露出来。 因此，在钢琴基础课教学中，如何避免大班授课的弊端，是目前亟待解决的问题。在这种情况下，将四手联弹的演奏形式引入课堂，能够为课堂带来新的生机。四手联弹在注重个性化的同时也追求合作精神，能为教学带来更多转变。 二、四手联弹的发展及特点 四手联弹开始于16世纪，略早于双钢琴，却与双钢琴的发展有着不可分割的关系。如果说双钢琴的发展归功于莫扎特，那么莫扎特为四手联弹特意谱写的六首曲子也顺理成章地成为推动四手联弹发展的动力。随着双钢琴被观众接受及认可，众多二重奏乐曲相继出现，贝多芬、博拉姆、舒曼等都投入其中，创作出一批精彩的钢琴二重奏曲。19世纪是钢琴二重奏发展的鼎盛时期，已经与协奏、独奏形成鼎足之势，成为钢琴演奏的重要形式。本文所要探索的，是如何将四手联弹运用于现代钢琴教学中，使这一古老的演奏形式散发出别样光彩。 论及四手联弹的特点，最为突出的就是合作性。这不仅体现于两者的合作，还更多体现于深层次的配合。钢琴演奏并不是单纯弹出乐曲，而是要投入感情，实现演奏者与欣赏者心灵的共鸣。要想四手联弹达到完美的演奏效果，就需要演奏者之间形成默契，并深切投入感情。 四手联弹的另一特点是对听觉的高要求。在演奏过程中，只有敏锐捕捉到每一个音节的变化，才能进行弹奏，尤其是当一首曲子是由两个人共同完成的时候，每一处细微的变化，都有可能会影响整体效果。当一个人的演奏出现了细小变化时，正常情况下另外一个人就要马上进行弥补，因此对听觉有了更高的要求。 三、四手联弹运用于高校钢琴基础课的意义 （一）缓解教学压力。随着高校学生人数的增多，“一对一”钢琴教学模式很难实现，并且教师与学生之间的距离逐渐拉伸。在教学改革过程中，尽管技术上的教学与指导可以通过大班授课以及小组合作学习的形式实现，但教师的指导环节却无法进行。将四手联弹引入钢琴教学中，能够使教师同时对两名学生进行指导，在一定程度上缓解了“一对一”模式带来的教学压力，教师的指导变得更为轻松，学生在合作过程中也能相互取长补短，共同进步。 （二）提高学生的钢琴学习兴趣。在高校钢琴基础课教学中，针对的是器乐演奏、声乐演唱的学生，这些学生学习钢琴的目的，更多是为了增强自身技能、提高演唱技巧，在此之前并不一定具备钢琴基础。这也就意味着，一个班的学生可能会有几种情况，如喜欢钢琴的、不喜欢钢琴的、有一定钢琴基础的、没有钢琴基础的，等等。这些学生在一个班级学习钢琴弹奏，能力总是会有强弱之分。通过四手联弹，学生能够借助相互之间的配合给予鼓励、激励，乃至于提高兴趣。学生之间没有年龄差别和交流障碍，共同的配合，也能使他们为了完成某首曲子的弹奏而努力加强个人练习，这些都是自主学习很难达到的效果。 （三）丰富了教学内容。将四手联弹引入高校钢琴基础课教学，能够扩充学生的学习内容。在当前教学过程中，教材中适合四手联弹的乐曲少之又少，仅有几个篇章。如果在教学中引入四手联弹，就需要教师为学生补充四手联弹的曲目，在不自X中丰富了教学内容，开阔了学生的视野。尤其是一些大家的作品，无论是莫扎特、贝多芬等的经典曲目，还是一些现代作曲家编著的现代四手联弹曲目，成功地学习其中的奥妙，能够极大地提升学生的音乐品味，为学生的音乐学习带来意想不到的收获。[1] （四）综合提高学生的音乐能力。在学习钢琴演奏过程中，学生的音乐能力也是不容忽视的。通过四手联弹教学，能够提高学生综合音乐能力，这种综合能力不仅限于演出技巧的提高。首先，在日后的演出过程中，学生接触更多的可能就是与他人的合作，钢琴伴奏、合奏的机会远较独奏、协奏多，通过四手联弹可以提高学生的合作能力，这种合作不仅是配合，还有迎合，对日后从事相关行业有很大帮助。除此之外，四手联弹能够锻炼学生对弹奏的感知力，促成旋律弹奏训练。[2] （五）能够实现对学生听力的训练。良好的听力在重奏中是非常重要的。在弹奏过程中，如果进入到减弱音阶段，两个人中的其中一个稍有松懈或者减弱时漏掉，就会使整个曲子的减弱部分做得“过度”了，那么曲子的弹奏也就失败了。四手联弹要求学生具有较强的听力能力，能够准确捕捉到整首曲子弹奏过程中哪怕一个呼吸的变化。因此，实现四手联弹不仅仅对技术水平有更高的要求，对于学生的听力也是一个提升的过程。经过这方面的尝试与练习，学生对于音乐的敏感度也会相应增加。[3] （六）全面提高学生的综合能力。四手联弹所能提高的不仅仅是学生音乐方面的能力，还有学生的个人能力。例如，在演奏过程中的合作，能够使学生感受到团队的力量，并且能够为了团队而逐渐收敛自身的一些特点，努力去配合。这在传统教学中是很难体现的。除此之外，还在于学生对于音乐的把握，能够更好地“伪装”自己了。音乐之所以成为一门艺术，就是因为它能引起听众的共鸣，这种共鸣无关年代甚至感情，只因为当时的曲子符合当时的心情。在这个过程中，需要演奏者先将自己的感情投入其中，在独奏过程中，演奏者一个人的喜怒哀乐会直接带入乐曲中，而在四手联弹中这样的情况很难发生。四手联弹的引入，能够使学生在学习过程中更好地塑造自我。[4] 四、结语 四手联弹是钢琴二重奏的重要形式之一。如果将钢琴演奏形式进行细分，可以分为伴奏、协奏、重奏、独奏，其中伴奏与重奏作为合奏的形式，不仅考查演奏者对音乐、钢琴艺术的把握，还考查其合作能力――这对于当前钢琴的运用是极为重要的。本文探索了四手联弹运用于高校钢琴教学基础课中的意义，有许多问题及展开策略，仍然需要在教学实践中进行探索。 作者简介： 杨晓琴（1977-），女，四川合川人，副教授，大学本科，研究方向：音乐学。 基础钢琴教学论文:谈中职“钢琴基础训练”教学新思路 【摘要】中等职业学校音乐专业的“钢琴基础训练”课程是一门专业基础平台课程，是一门实践性较强的优秀课程，“钢琴基础训练”课程标准明确了课程的性质，规范了教学目标、教学内容与要求，提出了科学合理的教学实施与评价建议，对提高一线教师的教学质量起到了有效的指导作用。 【关键词】“钢琴基础训练”课程标准；新思路；教学质量 【作者简介】黄璐，江苏省戏剧学校（南京，210002）教师，高级讲师，主要研究方向为钢琴基础课教学。 中等职业学校音乐专业的“钢琴基础训练”课程标准明确了课程的性质，规范了教学目标、教学内容与要求，提出了科学合理的教学实施与评价建议，为中等职业学校音乐专业“钢琴基础训练”课的教学提出了基本要求，对音乐专业“钢琴基础训练”教师来说具有重要意义。 一、课程性质的确定 关于“钢琴基础训练”的课程性质，课标中指出“它是一门专业基础平台课程，是一门实践性较强的优秀课程，其任务是培养学生具有基本的钢琴演奏能力和音乐审美能力，为后续声乐表演、器乐表演课程的学习奠定基础”。既然是基础平台课程，那么教学的目的就是使学生学习弹奏钢琴的基本知识与基础技能，同时将其他基础课程中学习到的内容（如“乐理”与“视唱”中的“音乐理论基础知识、节奏与音准的训练”）在钢琴弹奏中进行实际操作和训练。在中等职业学校里，钢琴基础课开设的时间各有不同，有一年的，也有两年或两年半的。同时，课标中明确规定了本课程开设两学年，共66个学时，这一规定有助于教师在制订具体的授课计划时，能进行更加合理的安排。 二、课程设计思路的明确 如何提高教学效率和拓展教学内容是教学的关注点，课标为我们写明了课程设计思路，使教师可以根据这样的思路来调整教学方法，扩充教学内容。课标主要从“知识与技能、过程与方法、情感态度与价值观”三个维度来确定课程目标，要求针对各自的教学对象，从这三个维度来因材施教。 教学过程中，笔者从前较多地关注学生在知识与技能方面的学习与掌握。上课时，反复讲解与指导学生训练技能。而学生形成一种技能的过程是因人而异的，时间上有长有短，效果上有好有差，如果过多强调技能，就可能使技能失去生命，变成一种机械的运动。在教学中，笔者逐渐意识到这个问题，开始考虑怎样将技能训练与情感表现相结合，使学生从枯燥的技能练习中获得乐趣，进而提高技能训练的效果。教授技能的同时，通过乐曲的训练，让学生理解技能是如何使用的，能达到什么样的演奏效果，这样的效果是否是音乐要表达的情感。将这些因素结合起来进行教学，使得枯燥的技能练习变得生动起来，同时也能激发学生对音乐的想象力，调动学生主动去表现音乐，从而意识到技能是表现的基础。 三、具体的课程目标的分析 对于中职学生来说，在“钢琴基础训练”课上究竟要学什么？换句话说，具体的课程目标是什么？从课标上，笔者看到了一个关键句子，即“掌握演奏的基础技术技巧，会弹奏初级钢琴作品，具有简易作品的伴奏能力，能适应音乐文化活动的需要”。以往有些教师认为学生在有限的时间达到比较高的水平是一件非常了不起的事情，这样的思想存在着“拔苗助长”的危险。新课标降低了标准，符合学生的学习发展规律，避免了教学中“浮夸”的风气，学生在两年的时间里踏踏实实地学习基础知识和技能，抓住了培养良好的音乐审美意识这一关键。有了课标的规定，教师的教学规划变得更实际、更科学，教学也随之顺畅和规范起来。 四、课程内容与要求的具体实施办法 音乐课程的教学是不容易统一和标准化的，课标中给出的“课程内容与要求”是最基础的，在具体的教学中要以课标中设定的内容为基础，根据学生的个体差异与整体特征补充和调整教学内容。在课标“课程内容与要求”的明确指导下，笔者将教学内容做出不同程度、不同方向的补充与调整，从拓展教学内容、引进与时代同步和适应学生年龄特点的曲目，到注重音乐相关课程知识与钢琴演奏的关系，从而将艺术修养的培养和演奏技能的训练相结合，不仅提高了学生的学习兴趣，还让学生有了更多自主学习的空间，将感性的艺术表现力与理性的弹奏技巧有机融合，使学生得到全面的训练。课标中，按照传统的钢琴技能训练步骤制定了曲目，沿用了钢琴练习曲以车尔尼钢琴练习曲作品599为主，同时吸收了当代钢琴作品的内容，将流行音乐的元素补充进来，符合学生的年龄特点和爱好。通过了解当代钢琴演奏的新趋势、新技术、新作品，笔者在教学内容的设定上，增加了学生喜爱、社会流行的动漫音乐改编的钢琴小品、通俗歌曲的钢琴版本以及爵士钢琴小品。这样一方面增强了学生的演奏兴趣，另一方面也扩充了教学曲目，使得钢琴基础训练更具时代气息。在学习此类作品时，还注意引导学生分析作品的结构，了解伴奏音型的种类和作用，并让学生在课后对自己喜爱的流行歌曲进行简单的伴奏编配。这样一来，学生就能运用课堂上学习到的技能与技巧进行实际训练，巩固了技能的掌握。 五、以教学理念确定“小组课”教学形式的要求 课标明确了这门课程的教学理念是“以学生为主体，教师发挥主导作用，以小组课为主要授课形式，发挥出小组课教学的优势”。中职的“钢琴基础训练”基本上是以“小组课”为主要教学形式。根据课标的要求，如何发挥“小组课”的特点和优势，需要一线教师在具体实施过程中不断研究和思考。笔者以往理解的“小组课”是缩短了时间的“个别课”，这样一来，“小组课”其实形同虚设。通过对课标的学习，笔者认识到要在教学中利用中职学生的年龄特点，小组课应体现出学生的参与性。学生除了演奏外还要参与到评价与思考的活动中，让学生与教师、学生与学生之间通过互相评价取长补短。这既让学生形象地学习与理解了弹奏的技术和技巧，提高了学生的理性思维能力，同时又让学生在课后能正确指导自己的练习，学生主观能动性在钢琴小组课上有了突出体现。在“小组课”的课堂设计上，笔者认为教师要在课前构思整节课的组织程序和要求，课上善于调动学生的思维，启发学生对课堂讲授的技能与知识的理解。小组课课堂教学的构架可以运用现代信息化教学的方式，让课堂教学形式呈现出多样化。同时，笔者还在小组课上将学生组合起来，训练学生演奏钢琴重奏作品，既丰富了教学形式与内容，又训练了学生的合作能力。 六、多元评价方式的应用 对于音乐作品演奏的评价，向来是见仁见智，对于如何评价学生的学习成果，一直以来都是一个需要完善的课题。以往“钢琴基础训练”课程的评价方式主要是采取集体评分制，由多位教师根据学生的现场演奏取综合值来评价学生，这样的评价机制有一定的片面性。课标在评价机制上体现了多元化的要求，其关键是“结果、过程、定量、定性”相结合。在这个评价机制的基础上，笔者对学生的学习评价做出了调整。在教学中关注学生每一次课上的进步，联系学生个体的因素，给出平时的综合评价。每一学期分出几个阶段，在每个阶段对学生提出相应的要求，通过教学，组织阶段考查，分层对学生的学习做出评价，及时让学生了解自己的水平处在哪一个阶段。每学期的教学内容安排不能只以考试曲目为主，每位学生每学期必须学会弹奏一定数量的曲目，以期通过量化要求拓展教学曲目的广度。期末考试考场上考试曲目的完成情况，需要从多个角度去评价，需要通过教研组的教研，从曲目的难易程度、弹奏速度、情感表现、技术技巧程度等方面综合制定出标准。考试后，及时对学生的演奏进行反馈，让学生了解自己演奏上的优缺点，便于学生对下一阶段的学习进行规划。 总之，中等职业学校音乐专业“钢琴基础训练”课程标准让笔者在教学中拓宽了思路，并通过教学实践找到了合理科学的教学方法，在一定程度上提高了教学质量。 基础钢琴教学论文:音乐教育专业钢琴零基础学生的教学 【摘要】音乐教育专业的钢琴课作为必修课面向全体学生，这无疑使得钢琴课的教学任务十分艰巨。如何让学生尤其是钢琴零基础的学生在校学习期间，能够正确的掌握钢琴弹奏的基本方法，加快学习进度和提高钢琴程度，使之能具有相应的工作能力是非常重要的。本文将从钢琴的基本功练习、练习曲、复调、奏鸣曲及中外乐曲的教材选择方面来论述对零基础学生教学过程中所作的计划与安排。 【关键词】零基础；教材选择；因材施教 音乐教育专业的钢琴教学自其诞生之日起至今，几经曲折不断发展，已逐步形成了自己的教学规律、教材体系与教学方法。然而，在一些条件较差的地区依然不够平衡，特别是音乐教育专业的钢琴课作为必修课面向全体学生，这无疑使得钢琴课的教学任务十分艰巨。特别是对于钢琴零基础学生的教学，首先遇到的就是教材的选择问题。基础教材大都是为琴童而设计的，对于成年初学者显然是不实用的。如果按此进度教学，对于大学生而言，既不实际也不可能。因此，教材的选择与应用、教学进度的计划与安排、教学内容的把握与实施、培养目标的确定与实践等方面，都需在要教学管理部门的统一要求和指导下，教师根据学生的具体情况因材施教，针对学生两年的学习时间制定相应而合理的教学计划。 1、基本功练习 基本功练习可以用哈农所著的《钢琴练指法》，前20课笔者认为不需要逐课练习，最好以解决学生的某方面问题为目的有针对性和有选择的练习。比如，要训练学生3、4指的独立性和灵活性就可以练习第二课；要提高5指的独立性就可以练习第6课。在练习的过程中可以给学生添加一些趣味性的训练，让学生告别单一枯燥的基本功练习，提高练琴的效率和效果。 21课至43课可作为“专门的弹奏技巧”做准备的手指练习、比如断奏、各大小调音阶、琶音等弹奏技术都是学生必须掌握的，学生应逐一练习。比如断奏，可以用四课时的时间来学习并加以练习。从21课开始练习上臂断奏，接着22课练习前臂断奏、23课练习手腕断奏（跳音）、24课练习手指断奏（跳音）。要学生掌握各种断奏的基本弹奏方法。 44课至60课属于为解决“重大技术难点”而设置的专门训练，比如平行八度音阶、平行三度音阶技术上对于学生来说非常难的，在两年的学习时间里，涉及到这些技术的作品不多，根据个别学生的需要练习即可。 2、练习曲 练习曲可选的范围非常大，主要选择经典教材。从拜厄的《钢琴基础教程》开始学习，在学生掌握断奏进入连奏之后可以从40课左右开始往后练习，学习期间学生应严格按照指法练习，养成良好的认真识谱的习惯，切勿让学生背谱弹奏，应在短时间内解决学生的识谱能力以及键盘熟悉程度。每周可以根据学生的能力有选择性的布置作业，比如66课和74课都是练习三连音的练习，选其中一课进行练习即可。 之后可进入车尔尼《钢琴初步教程》作品599，从40课左右练习即可。73课之前是比较容易练习的，与上本教材相比只是弹奏的音区范围有所扩大，学生要对键盘更熟悉才可以。73课之后出现了装饰音以及颤音，装饰音、颤音的弹奏用处非常多，学生必须掌握它们各种弹奏方法，比如装饰音什么情况在拍子上弹、什么情况在拍子前弹。由于本教材偏重练习右手，所以最好同时加进莱蒙《钢琴练习曲》的练习，莱蒙有许多非常有针对性、有价值的左手练习曲，正好与前者互补，并且对以后的钢琴应用更能打下相应的基础。同样需要有选择的练习，用10至12课时完成本教材程度的练习。 接着进入车尔尼《流畅练习曲》作品849，本教材是培养钢琴演奏高技术的预备练习，练习手指动作迅速、准确、发音均衡，同时培养学生音乐的基本感觉。在练习时应适当的加快速度，按照表情记号弹奏，弹奏出音乐的流动起伏。同时车尔尼《24首钢琴左手练习曲》作品718应一同练习，根据音乐教育专业学生的特点、性质及培养目标，在加强基本功练习的同时，更多是以应用练习为主。 3、复调 复调的训练在钢琴学习过程中是极为重要，以学习巴赫的《初级钢琴曲集》、《小前奏曲与赋格》、《创意曲集》为主。复调最好在练习曲达到车尔尼作品599程度时进入，学生在刚接触复调时会感觉有些困难，可以让学生先接触他们熟悉的中国复调作品，比如一级考级曲目中的《沂蒙山小调》，再学习巴赫的《初级钢琴曲最集》，好从易到难学习，不需要挨课练，第一课的后半部分对于初学者来说是有较大难度的，第三课琶音旋律的歌唱性对于初学者来说也很难做到。因此，建议从第六课开始学习。这一课无论从指法、手位还是旋律来说，较其他课都简单一些。在练习中增强学生学习复调的兴趣，根据学生程度的提高逐渐进入《小前奏曲与赋格》、《创意曲集》中一些重点曲目的学习。 4、奏鸣曲及中外乐曲 奏鸣曲及中外乐曲方面主要以克勒的《小奏鸣曲集》、莫扎特、海顿奏鸣曲里面简单一些的乐章、汤普森的《现代钢琴教程》、上海音乐出版社的《钢琴基本教程》等教材为主。在此基础上，也可将考级教材上的曲目作为参照并纳入教材。中外乐曲的弹奏对于学生来说非常的重要，可以让学生了解多种风格和不同时代的作品，教师可以根据学生弹奏风格、个人喜好布置曲目，格里格的抒情小品、柴科夫斯基的《四季》中的《船歌》《松雪草》等作品都可以选择，这些作品如果只能完成部分片段也是可以的。另外，在教学过程中可加入四手联弹以及钢琴原谱伴奏的练习。使学生对音乐形象的理解力、表现力以及钢琴弹奏技巧三方面紧密结合起来，使钢琴水平得到充实、全面的提高。上海音乐出版社出版的《钢琴四手练弹名曲集》这套教材非常适合学生，钢琴伴奏谱则可以从各声乐作品集中选择。 5结语 以上为本人在教学实践中，对“音乐教育专业钢琴零基础学生的教学”时的教材选择与标准，通过对这些钢琴教学中常用的经典教材的精简与搭配，目的是使学生在短时间内掌握钢琴弹奏的基本方法，加快学习进度。除此之外，教师还要注意对学生进行情感方面的教育与引导,使学生在思想上和行动上的积极配合教学，充分调动学生学习的主动性、积极性，激发学生潜在的能力。 基础钢琴教学论文:试论新形势下的基础钢琴教学 摘要:近年来基础钢琴教学面临新情况,出现了新的教学观念。在这种新形势下,我们可以从以下几个方面入手,进行基础钢琴教学。一是基本教学手段:教师不但要注重直观的教学艺术,也要在教学中训练孩子“听”与“想”相结合的能力,同时还要注重歌唱性的培养。除此之外,教师还应该根据不同孩子的特点因材施教以及采取正确的教学态度。二是具体训练方法,包括基本功训练、放松的弹奏方法、慢练的弹奏方法和良好的读谱习惯。三要培养上台演奏的能力。 关键词:新形式;教学手段;训练方法 近年来,随着人们生活水平的提高,对精神文化的需求也越来越多。钢琴音域宽广、和声丰富、富于色彩变化。通过学习钢琴,可以开发孩子的智力,陶冶情操;通过左右手的协调运动,可以使孩子左右脑获得平衡发展,尤其是开发右脑;弹奏钢琴时眼、耳、手、脚等多种感觉器官的协调并用也对孩子智力的早期开发有着十分积极的意义。钢琴作为一门高雅艺术也越来越受到人们的喜爱。因此钢琴教育不断普及化,而且学琴者的年龄明显比之过去提前了许多。首先是传统的“模仿式”教学方法越来越不适应当今基础钢琴教学的需求。这种传统的教学法让学生在音乐的处理上直接模仿老师,在整个教学过程中使学生往往“知其然而不知其所以然”。通过这种方式虽然能继承一些正确的演奏方法,但是学生缺乏自己独立思考的能力,而且这种传统的教学法缺乏系统性和科学性,不能满足新世纪的钢琴教学需求。因此,人们开始从教材的改革入手,打破过去单纯从五指练习起步的旧模式,出现了大量内容新颖,丰富有趣,通俗易懂的少儿钢琴教材。这些教材注重培养儿童对音乐的兴趣和音乐素质的培养,并对他们传授了基本的乐理知识。同时人们也清楚的意识到,教师的教学手段比之教材更为重要,而教师的教学观念又决定了何种教学手段的采用。教师的教学观念中,最重要的是让孩子能够发挥其天性,培养其兴趣,在音乐的海洋里尽情徜徉,让他们用头脑去思考,用耳朵去聆听,用心灵去感知,帮助他们达到脑、耳、身、心的协调。 在这种新形式下产生的新的教学观念指导下,我们可以从以下几个方面入手,进行基础钢琴教学。 一、基本教学手段 (一)直观的教学艺术 在钢琴教学中,教师要重视直观的教学艺术。儿童年龄小,理解力有限,而音乐又具有抽象性,看不见,摸不着,要让年龄很小的孩子理解抽象的音乐语言很困难。这就要求教师把抽象化为具体,尽量使用形象的语言来解释抽象的音乐语言,便于儿童理解音乐。比如:在复调作品中,对于不同声部划分的讲解,可以告诉他这是“男孩女孩在一起唱歌”;也可以把不同声部的层次讲解为不同的颜色,如:红、粉、白;在弹奏欢快的乐曲时,可以引导孩子回忆过去发生的有趣的情景;又如孩子在弹奏具有颗粒性的音符时,可以告诉他们想象手指尖就像针尖一样落在琴键上。这样,不但能让孩子达到这首乐曲训练的目的,同时也使孩子对曲子有了形象的认识,使孩子的接受程度大大增加,也使教学在一种轻松有趣的环境中达到目的。 (二)“听”与“想”的结合 在教学过程中,要非常重视培养孩子“听”与“想”的能力。这两种能力是紧密结合在一起的,应该贯穿于教学的全过程。“听”就是用耳朵去聆听,“想”就是用大脑去思考。在教学中一定要培养和发展孩子的“听”、“想”能力。因为只有拥有能够倾听音乐的耳朵和思考音乐的大脑,才能使孩子真正体会音乐的美感,而不是机械地死练。鉴于此,教师应从小的问题开始启发孩子多听、多想、多动脑子。例如:孩子弹错了音,不要立即纠正,而要让他自己去听,去找,然后还要他自己分析出错的原因;在弹奏某些慢板抒情乐章时,可以让孩子通过聆听音乐展开丰富的想象,想象那些音符犹如空中飞舞的萤火虫,大海中美人鱼对幸福的渴望。通过这样的训练,学生的独立思考能力和理解力不断提升,对音色和音乐的理解就会逐渐有自己的想法。有些想法可能还不够成熟,但有想法就说明他用耳,用脑了。教师应该加以鼓励,循循善诱,让孩子大胆的去思考和探讨,这样才能使孩子真正做到摆脱单纯的模仿,拥有自己独特的艺术个性。 (三)歌唱性的培养 “在钢琴弹奏中是否具有歌唱性,演奏者能否把内心感情充分表达出来,是钢琴教学中的一个重点。教师要培养孩子尽可能多的赏听不同类型音乐作品的良好习惯,让孩子有意无意地接受音乐的熏陶,从而逐渐对音乐语言、形象气质、气氛、音色等有感性认识。这种音乐环境的作用虽不能立竿见影,却能潜移默化的影响学生,使学生的音乐感觉逐步提高”。在第二点中提到的关于“听”与“想”的培养也可以作为歌唱性培养的有效手段。音乐是听觉的艺术。有了聆听音乐的耳朵,有了思考音乐的大脑,就有了感受音乐的心灵。培养“边弹边唱”的习惯,即在弹奏音乐时,在心里唱出音乐的起伏感觉,甚至可以用嘴唱出旋律。而对音乐的感受又要指导弹奏,做到“心中有歌”,这样才能使音乐具有歌唱性,避免只是毫无表情的弹奏出干巴巴的音符。教师在培养孩子歌唱性时还要让孩子学会歌唱性的触键方法,要求孩子运用不同的触键方法来得到不同的音色。例如:弹奏欢快的儿歌,就要求手指触键要有弹性;弹奏优美抒情的音乐,手指就要慢触键。另外正确划分乐句也是很重要的。人讲话,要一句一句地讲;唱歌,要一句一句地唱,钢琴演奏也是一样的,要像唱歌一样连贯、流畅。那么教师就应该引导孩子划分出正确的乐句,再做出呼吸,使音乐具有线条感,这样的音乐自然就具有歌唱性了。 除了以上三点,教师也应该根据不同孩子的特点因材施教。“世界上没有两片完全相同的树叶”,每个孩子的天赋不同,不是人人都能成为钢琴家的,我们作为教师就要尽可能大的挖掘孩子的潜力,使大多数孩子都能通过学习钢琴陶冶情操,获得快乐。使少数有天赋的孩子发挥其特长,为以后的音乐道路奠定坚实的基础。而作为一名钢琴教师,其演奏技术和教学水平固然重要,教学的态度也起着至关重要的作用。由于现在钢琴教学大多采用的是“一对一”的形式,孩子在单独面对老师时,或多或少会有些紧张。而教师的表情是一种无声的语言,亲切和善的表情会使孩子消除紧张感,缩短距离感,更有利于教学的顺利进行。在他的弹奏有所进步时,也应给予一定的奖励。比如在他的乐谱上画一个五角星,或给他一朵小红花。这些必要的精神激励可以使他们很快地树立起自信心,取得更大的进步。有的学生虽然聪明伶俐,但比较浮躁和骄傲,当他们演奏的比较成功而自得其乐时,教师要能作到“喜不形于色”。在表示赞许的同时,指出不足之处,使他冷静的体会到学海无崖。 二、具体训练方法 (一)基本功训练 一定要注重基本功的训练。基本功犹如建造音乐高楼的基石,要想弹奏出优美动听的音乐,没有基本功做支撑是枉然的。基本功的训练中尤其要重视音阶、琶音的训练。音阶、半音阶、琶音、属七和减七和弦琶音在钢琴教学中占有重要地位。有些人认为多弹练习曲或乐曲也能有效的提高技术。练习曲或乐曲当然不容忽视,但练音阶琶音有其不可取代的作用,它能比练习曲或乐曲获得更大的练习量。如何能使各手指弹奏的更均匀、圆滑,也是练习的一个重要内容。均匀弹奏的最大障碍是大指,因为音阶琶音都必须通过大指的转弯动作来连贯。如果大指动作做不到位,就会使人听起来不够连贯,有一种磕磕绊绊的感觉。如何解决这个问题呢?就是弹音阶琶音时,大指要作好准备工作,即在大指前面的音弹奏的同时,大指就要迅速的弯到手掌下面,做好下一次弹奏的准备。另外,训练基本功时,把练习曲和乐曲里的各种技术片段抽出来集中练,也是很好的方法。如用车尔尼740的第49课来练习八度,用莫扎特的《小奏鸣曲》来当手指练习,增强手指触键的颗粒性。 (二)放松的弹奏方法 在教学实践中教会学生理解和体会放松,并进行规范化的训练,是基础钢琴教学中一个重要环节。现在一些学生在弹奏时,只会动手指,手腕和胳膊都是紧绷僵硬的。弹奏一些快速或力度大的曲子时,就极易感到疲劳。如果教师不予以纠正,加以正确的引导,轻则曲子弹奏吃力,重则会造成手腕及手臂的损伤。因此,教师应当让学生明确放松的重要性,并讲解正确的放松的弹奏方法。这种弹奏方法中最关键的就是体会手腕、手臂的放松。有些教师在教学生做手指练习时,太过强调手指的独立性,而忽视手腕乃至手臂的运动,这样弹奏出来的音是生硬的,紧张的。正确的弹奏方法是:不要孤立的动手指,应运用手臂带动手腕,手腕带动手指运动,以最为自然的状态弹奏。而正在触键的手指尖关节才需要用力,当这个手指弹奏完毕时也要立即放松,轮到另一个手指弹奏时,另一个手指的指尖关节在触键的瞬间再用力。总之,要使整个手臂,手腕,乃至身体都“协调”起来演奏,达到声音的贯通。 (三)慢练的弹奏方法 “慢练”是弹奏钢琴通用的方法,因为通过慢练可以使动作分解开来,大大简化技术上的困难。慢练弹好了,再弹奏原速就没有那么困难了。但是也不能盲目的慢练,并不是所有曲子的所有章节都需要慢练。教师应当指导孩子在练习前,研究曲目中哪些地方在快速演奏时可能会出现困难,以便有的放矢的进行慢练。在慢练时,可以运用数拍子的方法,先4拍一个音,再2拍,再1拍一个音,然后1拍两音,1拍三音,1拍四音。也可应用变节奏的方法,变节奏的方法可以使重拍发生变化,这样使各个手指都得到锻炼。或把一个长句子分开来练,比如有一长句手指快速跑动的句子,可先分成一组一组的练,每组都练好了,再连在一起练就容易了。 (四)良好的读谱习惯 练习一个新曲目之前,很多学生没有良好的读谱习惯,面对陌生的谱子,立即迫不及待上琴摸谱。对作品的背景,所反映的内涵一无所知的情况下,将自己沉溺于大量的音符与节奏中,忽略了那些真正能体现作曲家精神的东西。要想让孩子能够准确的理解作品的内涵,教师就要教会他们认真读谱,理解所有符号的含义,进行曲式结构、和声、调式的分析。因为作曲家往往会把他的作曲意图通过谱面传达给演奏者,每一处力度的变化,表情的处理,甚至旋律的起伏,都能反映出作品要表达的思想;另外,还要让学生熟悉作曲家的创作风格,及创作这首作品的时代背景。可以要求孩子在练习一首新作品前,阅读一些有关作曲家创作风格的资料,这对把握乐曲整体的风格起决定性的作用。例如,肖邦的《革命练习曲》,虽然是一首练习曲,却体现着肖邦伟大的爱国主义和民族精神。只有抓住肖邦灵魂深处的爱国主义精神,才能真正演奏好这首乐曲。 三、培养上台演奏的能力 钢琴是表演的艺术。在实际的教学中常常会遇到这样的情况,就是学生在经过长期刻苦的练习之后,已经能够很完整地弹奏了,但一旦到了台上却弹奏得支离破碎,不知所云,甚至出现大脑一片空白的情况。究其原因,通常是因为紧张情绪造成的。克服上台演奏中的紧张情绪,可以有以下三点办法:第一是背谱。演奏中出现失败的情况,很大一部分原因是在背谱环节中出现了问题。因为有些学生仅仅依靠手指的下意识动作来背谱,认为弹熟了自然就背下来了,孰不知这样做是很危险的。在台上由于环境的陌生,心理的紧张,非常容易造成手指失控而使记忆中断。因此,在学习一首乐曲时,应该运用多种记忆方法相结合,尽早把乐谱背诵下来。进行分点背诵的训练是一个行之有效的方法,也就是在每一乐段的开头设一个点,把每一个点的音符都熟记于心,台上万一出现忘谱问题,也可直接跳到下一个点,最大程度上保证了作品演奏的完整性。第二是要多进行模拟上台演奏的训练。教师可以让学生之间互相观摩演奏,让孩子适应给人表演的紧张感。多举办一些小型师生音乐会也是很好的锻炼方法,可以让孩子得到更多上台演奏的机会,这样既可以交流情谊,又可以提高孩子的演奏水平,还可以锻炼孩子的心理素质,这样上台演奏的能力也就增强了。 最后再补充一点,在基础钢琴教学中,家长的辅导也很重要。“可怜天下父母心”,在孩子漫长的学琴生涯中,家长付出了巨大的心力。但是目前相当一部分家长过于急躁,不管孩子的兴趣、素质如何,抱着“望子成龙”的心态,拼命加码。其实,现在学琴的孩子那么多,而真正能成为钢琴家的却是极少数。对此,家长一定要有实事求是的态度,同孩子一起分享音乐。音乐的“乐”本身就是快乐的“乐”。家长要同孩子一起感受音乐的快乐,以培养素质,开发智力,陶冶情操,锻炼意志为大目标来学习音乐,学习钢琴。 在新形势下,钢琴的基础教学对于孩子来说至关重要,可以培养他们丰富的想象能力,严谨的思维能力,大胆的表现能力,深刻的理解能力,优秀的记忆能力,良好的协调能力,沉稳的控制能力,杰出的组织能力。它是孩子步入音乐殿堂的第一步,也是他们音乐成长道路过程中极其重要的一环,是孩子们的一双翅膀,只有借助这双翅膀,他们才能在音乐的天空中自由翱翔。 基础钢琴教学论文:钢琴基础教学中结构感的培养 我们经常会看到一些演奏者拥有超高的技巧、令人眼花缭乱的华丽弹奏,却总觉其演奏平铺直叙、前后缺乏联系、没有逻辑性、缺乏层次感。就像“傻瓜机”照出的照片一样平淡无味,实在令人惋惜。笔者认为其重要原因之一就是对音乐作品的结构缺乏一个宏观的全面的把握。 所谓结构是指各个组成部分的搭配和排列。如文章的结构、语言的结构等。音乐作品同样需要结构。关于音乐结构的描述,让我们来看看赵晓生教授在他的《钢琴演奏之道》一书中是如何诠释的: “结构是音乐的骨骼,是音乐的框架,是音乐的内在伟力所在。” “有些作曲家以旋律著称,有些以色调为佳,有些以和声出众,然而,最伟大的音乐巨匠们却以缜密的、复杂的、宏伟的、精巧的音乐结构以无以伦比的从一简单、微小、凝聚的基因一般的音乐原组织,发展成雄浑的湟湟巨制的能力而建筑起他们内心中的广袤音乐宇宙。” …… 从中可见结构在音乐作品中的重要位置。笔者认为构成音乐的各个组成部分只有通过科学的搭配与排列才能形成完美的音乐结构,才能创造出完美无暇的惊世之作,体现作品的完整美。如同一座宏伟的建筑需要力学、电学、声学、结构学、美学等诸多因素的完美协作一样,钢琴演奏也是如此。 日常的教学活动中我们容易发现许多老师在基础阶段更侧重于演奏技术的训练很少涉及层次等结构上的知识,以至在弹奏鸣曲的学生不知奏鸣曲的结构的现象比比皆是。笔者以为应从钢琴基础教学抓起,从一开始就树立层次意识、培养演奏中的结构感: 一、首先应让学生系统掌握一定的音乐理论知识,为演奏奠定坚实的理论基础 (一)掌握音乐的基本表现手段。内容包括曲调的音高关系、调式、和声、调性、节奏、节拍、速度、音区、音强、音色、演奏法、织体等。 (二)在学习的不同阶段了解基本的曲式结构知识,明白音乐作品是由简单的动机发展成乐句,再由若干乐句组成乐段进而构成乐章以至鸿篇巨制;明确乐音之间、乐句之间、乐段之间、乐章之间的前后联系;掌握一部曲式、单二部曲式、单三部曲式、复三部曲式、回旋曲式、变奏曲式、奏鸣曲式等; 二、了解钢琴的演奏法从技术角度来说要表现一个音乐作品必须通过一定的媒介来得以实现 如帕瓦罗蒂演唱的《我的太阳》就是通过帕瓦罗蒂独特的音色及其高超的演唱技巧对音乐作品进行独到的诠释,才使这首乐曲家喻户晓,让人们从中得到美的享受。再如贝多芬的《月光奏鸣曲》是通过钢琴这一乐器的演奏才让我们感受到贝多芬的魅力。帕瓦罗蒂只用他那迷人的嗓音是不能使《我的太阳》魅力四射的,还必须加上高超的演唱技巧。要用钢琴表现《月光奏鸣曲》自然要牵涉到钢琴演奏法。因此,我们还应让学生系统掌握一定的钢琴演奏法知识,了解如何通过钢琴这件乐器来表现音乐。如《月光奏鸣曲》第一乐章就是通过钢琴“低音八度进行、圣咏式的和弦平稳进行、三连音连贯的和声音型,使乐章结合成一个和谐的整体,形成了一个不断的、生动的朗诵性线条,充满灵感、朦胧、寂静的气氛。”(郑兴三《贝多芬钢琴奏鸣曲研究》第247页第三段)来实现的。 三、有的放矢的训练钢琴演奏光靠理论是行不通的必须进行实例训练才能确实取得实际效果 我们可从以下几个方面着手进行训练: (一)音乐的表现手段方面 1、断连音对比如《玩具》(李重光曲)分为ABA三段,A段为跳音B段为连音简短的一首乐曲通过断连音的对比非常形象地玩具的不同神态。 2、力度对比如《河水》乐曲很简单,但是经过不同乐句间的力度对比乐曲的层次分明给初学者一个非常强烈的层次感。 3、音色对比如《拜厄钢琴基本教程》第九十一首前后两段皆为小调,弹奏时用较柔的音色,而中段转成大调则要用较亮的音色演奏以获得层次对比。 4、速度对比如《吉普赛的营地》前段为柔板后段为快板尾声则用急板。通过速度的变化来表现吉普赛人的不同生活场景。 5、调式对比如《拜厄钢琴基本教程》第六十首前后两段都是小调中段是大调,练习时可将大调段奏得强些小调段奏得弱些以获得层次感。 6、调性对比如库劳《小奏鸣曲》Op.55No1第二乐章第一段为C大调中段转为F大调第三段又回到C大调,通过调性的对比乐曲层次分明。 7、织体对比如库劳《小奏鸣曲》Op.20No1第三乐章是通过乐段间的左手织体变化来获得层次感。 8、节奏对比如贝多芬的《土耳其进行曲》首段为八分音符开始,第二段则变为以后十六分音符为主的节奏也能给人以清晰的段落感觉。 (二)曲式结构方面 音与音之间:两个音之间的关系是构成音乐的最小单位。训练最简单最容易出效果,从一开始就可进行训练。练习时一般遵循上行渐强下行渐弱处理。同音重复一般容易被忽视,要作为重点进行练习,一般看其前后音的进行方向上行即作渐强处理,反之渐弱。如《游伴》(《儿童钢琴初步教程》上海音乐出版社第二册)第一、三句为上行应弹成渐强,第二、四为下行应弹成渐弱。音与音之间的关系还可以延伸至音块之间,如车尔尼流畅练习曲(849)第十六首前四小节应奏成渐强后四小节应奏成渐弱。音块之间除了存在与两个音之间相同的关系外还存在前一音块上行渐强后一音块下行渐弱呈现波浪式前进的现象。如比起前者音乐变化自然丰富多了。 句与句之间:与音块相比,句与句之间的关系就更为丰富了。常见的结构是四句构成一个乐段,音乐呈起承转合之势,演奏钢琴时应注意高低起伏变化表现抑扬顿挫之气。如《木鞋舞》(荷兰民歌)。 乐段之间:乐段之间的关系可以最常见的三段体作为例子。如《拜厄钢琴基本教程》第六十首教学过程中还可选择其它类型乐曲进行练习。如《玩具》(李重光曲)是通过断连音的对比、《太阳出来》是通过高八度的音区变化对比、《小奏鸣曲》Op.55No1第二乐章是通过乐段间的织体变化等。通过不同类型、不同的表现方法的练习以获得层次感从而全面地表现乐曲的音乐内涵。 乐章之间:有了前面的训练基础处理乐章之间的对比就容易多了。许多小奏鸣曲都可以练习。小奏鸣曲本身各乐章的排列基本就是按快慢快的速度安排的,有很明显的层次结构。到了这个程度一般的学生都已经具备相当的能力了。 (三)乐曲风格方面在平时的练习过程中还可有针对性地选择不同风格(包括不同时期、不同作曲家、不同国家、不同民族、不同区域)的作品进行练习。不同风格的乐曲不论从作曲手法、演奏法、音响感受等各个方面都存在着较明显的差异,通过练习对于演奏能力的拓宽、音乐表现力的加强等都是很好的锻炼。 (作者单位:福建儿童发展职业学院学前教育系) 基础钢琴教学论文:钢琴基础教学中的识谱训练 【摘要】识谱训练是钢琴基础教学中的重要环节。学生识谱能力的培养直接影响着钢琴学习的进度以及个人演奏水平的提高。钢琴教师要根据学生的年龄、心理发展特征和个性差异, 充分调动他们对识谱的积极性,切实提高他们的视奏能力。本文针对钢琴基础教学中的识谱环节,探讨教师应掌握的训练方法,以期引起同行的关注和指教。 【关键词】钢琴基础教学 识谱 训练 当演奏者学习一首新的乐曲时,首先要解决的就是识谱问题。只有正确的表现乐谱上的所有标记,才能深刻地领会作曲家所传达的乐思。识谱训练应该贯穿于钢琴教学的全过程,在基础教学中显得尤为重要。倘若忽视了这一点,那么学生在练习一首新曲子时,光是识谱就花费了大量的时间。而随着曲子程度的不断加深,识谱的越来越困难,进度也越来越慢,让学生感到吃力,逐渐失去学习的兴趣和信心。所以做为钢琴教师,首要的责任就在于引导学生在学琴的初级阶段发现乐谱上的所有标记,培养他们科学、全面地了解乐谱的意义,提高学习能力和效率。 钢琴基础教学中的识谱训练应从以下几个方面入手: 一、音符的认知与训练 在钢琴初学阶段帮助学生建立对音符的基本认知是非常重要的。一般来说,小孩子刚接触五线谱时都会有些困难。所以在识别音符教学中,就要充分考虑到儿童形象思维强的特点,设计易被儿童接受的方式。国内在钢琴启蒙教学阶段普遍采用《拜厄钢琴基础教程》、《小汤普森钢琴教程》,这类传统教材在建立儿童对音符认知方面有一些特有的思路和优势,如“汤普森”中每次学习一个新的音符,就有相关的练习曲和读谱、手写作业,使学生眼、耳、手三者统一练习,从而增强对音符的识别与记忆。但传统教材在识谱的方式、版面的色彩、视觉的形象以及乐曲的童趣等方面存在一定的缺失,有时会使儿童感到沉闷、枯燥,所以教师在使用传统教材的同时,应大胆借鉴一些新编教材。例如我们可以借鉴《我和我的钢琴》教材中,引入的“音乐彩虹”这一概念,七个音乐字母对应彩虹的七种颜色,加深孩子对音符的记忆。或者借鉴《巴斯蒂安钢琴基础教程》中的“音程式读谱法”,使孩子关注五线谱上音与音的距离,快速地识别音型和线条的方向,从而提高孩子的视谱演奏效率。其次要把音符与钢琴键盘对应起来,对一些基础音高的位置熟记于心,教师可建议学生多唱多写。例如让孩子将画在“线”上的音用红色,“间”上的音用绿色,再分别进行视唱,这样可有效提升孩子的注意力。另外对加线音的记忆需要反复强调,寻找规律,达到眼看手弹的水平。 二、谱号、拍号、调号的认知与训练 在钢琴基础教学中,教师要反复强调三个号,即谱号、拍号和调号,帮助学生养成弹奏前先关注谱号、调号和拍号的好习惯。在日常学习中可以采用反复提示、提问的方式,让孩子不仅看到低音谱号和高音谱号的转换,更要看准调号中所包含的升、降记号。例如大部分孩子在弹奏中经常无视调号,造成整个乐曲调性及风格的改变。针对这种情况,教师应有步骤地对孩子进行训练。首先要求他们用红色的笔将乐谱中的调号音标记出来,避免识谱中低级错误的发生;其次可以针对乐曲的调号,进行相应的音阶、琶音的训练,以加深孩子的记忆。 三、节拍、节奏的认知与训练 针对孩子对节奏的敏锐感知,在基础教学中应尽快进入节拍、节奏的认识和训练。首先要为他们讲解节拍与节奏的关系,引导他们感受乐谱中节奏的律动感。孩子对节拍、节奏的理解不能只停留在数学或倍数关系上,而应该根据钢琴学习的进度和本课的内容有目的地选择适合孩子年龄特点的游戏,让孩子积极参与到体验节奏的快乐中来。例如在教授类似舞曲风格的钢琴音乐时,教师先讲讲三拍子的特点,然后伴随音乐和孩子共同跳一支舞曲,帮助他们找到强 弱 弱|强弱 弱的节奏脉动感。 对于特殊的节奏型的讲解,教师可采用联想生活中的音响让孩子们易于接受。如XXX类似于“咚咚咚”的敲门声;X.X X.X想象成士兵行进时坚定的步伐等。另外教师也可以借鉴奥尔夫音乐教学法中关于节奏的训练方式,采用人体的动作,如拍手、拍腿、踏脚、捻指、跳跃等游戏,使孩子通过整个肌体的运动去感受乐曲中节拍和节奏的特点。笔者认为,教师在教学中应站在孩子的思维角度来解读音乐,这样才能寻找出适于孩子理解又能激发兴趣的有效方法。 同时,教师也可选择有合奏形式的教材来训练学生的节奏感。如《新世纪儿童钢琴启蒙教程》中大部分乐曲都有教师伴奏声部的配合,这种合奏形式不仅让孩子感受到丰富的和声色彩,也能很好地训练他们的节奏感和韵律感。 值得注意的是,初学的儿童在演奏中经常忽略休止符,使音乐失去了原有的美感。这主要是因为他们通常认为音乐只是从音符里产生的,休止符可有可无,所以在识谱环节中忽略了休止符的存在。显然,这种认识是不正确的。教师在教学中可先让孩子唱唱曲调,了解到作品中休止符的意义。同时通过大量的例证引导孩子认识到休止符的重要性,帮助孩子准确识谱。 四、旋律特征的认知与训练 在钢琴基础教学中,适合孩子演奏的作品大多数是具有歌唱性的。所以在识谱中把握旋律的特征是有必要的。日常教学中教师应首先教会学生认识旋律中上行与下行、级进与跳进、连音与跳音等基本特征;其次要引导学生正确地划分乐句,让学生懂得弹琴和说话、唱歌一样,有呼吸、语气、语调,即使是简单的几个音也表达一定的意思;最后教师可以和孩子共同演唱作品的主旋律,有意识地引导孩子体会作品中的情感要求和语气要求,继而通过演奏将这些要求表现出来。例如在《我和我的钢琴》等一些新编启蒙教材中就注重纳入孩子们熟悉的民歌童谣,并配有歌词,教师可以鼓励学生多唱这些作品,使他们的演奏自然生动。 值得注意的是,谱面上标出的旋律指法也必须加以强调。指法运用的是否得当直接影响到演奏的流畅与音乐的表现。所以在开始学习新乐曲时教师可要求学生先读读指法,并尝试边读边动动手指。同时要引导学生关注每一首作品指法的走向,思考指法的合理性,找到其中的规律。通过循序渐进的训练,使学生即使接触到没有指法标记的乐谱,也可以根据自身情况来制定比较科学、合理指法。 五、音乐术语的认知与训练 当学生能够从容地视奏简单的乐曲时,识谱训练的重点就要从音符、节奏、旋律等基本方面进行拓宽,教师要有意识地引导学生注意谱面上的音乐术语。通常钢琴作品中的音乐术语主要包含速度术语、力度术语、表情术语三大类。掌握这些音乐术语可以帮助学生准确地表达作品的情感。笔者在教学中发现,大多数学生对于速度术语和表情术语较难理解和记忆。这也与术语多是意大利文有关。教师如能够准确地读出这些术语,并找出标记之间的特征和差别,在一定程度上会加深学生的理解。例如速度术语中的Allegro(快板)和 Allegretto(小快板)字母组合相似,而另外两个常用的术语Moderato(中速)和Presto(急板)则是以M和P打头,从而和前两种标记做以区分。除此之外,教师还应引导学生深入的比较以上这些术语在速度上的差别,认识到不同的速度可以表现不同情绪风格的作品。 对于更为复杂的表情术语,可要求学生查阅《音乐术语词典》,将中文翻译标写在谱面上。在掌握了基本的术语之后,让学生尝试在弹奏中充分地表现它们,倾听各种有变化的音响效果。如《汤普森》第二册《跳舞的雨滴》一曲中运用不同的力度标记来生动地表现了雨滴落下时所发出的不同声响。通过反复的练习,使学生体会到音乐色彩的变化,感受到音乐表情的细腻转换。 另外,教师在教材的选用上也要考虑到常用音乐术语的学习。例如《我和我的钢琴》这套教材就值得首选。编者将各种常用标记融入到每节钢琴课的学习中。新标记的出现都会配有一首乐曲来练习。乐谱上醒目的标记和简易的文字说明适合孩子和家长的理解。 需要提醒的是,踏板标记也应引起足够的重视。教师尽早让初学者接触踏板,了解它的功能并正确地使用之。 六、乐谱深层次内容的认知与理解 不少教师认为,在钢琴基础教学中不必对孩子讲解作曲家的生平和乐曲的创作背景。笔者认为这种做法是不可取的。教学实践证明,简要的介绍作曲家的生平和创作背景,或加入一些生动的小故事,更能激发学生的求知热情。如《新世纪儿童钢琴启蒙教程》中就编入了一些古典作品的改编曲,诸如维瓦尔第的《四季》、莫扎特的《小夜曲》、海顿的《惊愕交响曲》、贝多芬的《欢乐颂》等等。在弹奏前,教师如能简要讲述有关这些作品的创作背景、作曲家与风格的相关信息,就会加深学生对作品的理解。用心的教师也可以借助图片、小故事引导学生了解乐曲与作者或某种场景的联系,使他们将自身对乐曲的理解融入到演奏当中。另外教师也可以根据学习的内容有意识的布置一些问题,引导学生课后查找相关资料,并大量听赏经典作品。长期坚持这种做法,能帮助学生形成自主学习的好习惯,达到事半功倍的教学效果。 总而言之,识谱训练在钢琴基础教学中是至关重要的,它关系到学生自主学习、全面学习、持续学习的能力和毅力。这将是一个复杂而漫长的过程。它必须依靠教师耐心的引导和深入浅出的教学以及学生持之以恒的努力,充分地调动起学生的求知热情,从而有效的提高学生演奏和理解音乐的能力。 (作者单位:运城学院音乐系) 基础钢琴教学论文:论幼师钢琴基础课的分层教学 摘要：在幼师学校钢琴基础课教学中，基于各方面的原因，传统的集体课教学不能满足社会、学生的需要，逐渐被钢琴分层教学所取代，因此通过实践探索分层教学的理论架构和操作方式成为幼师学校钢琴教学的优秀。 关键词：幼儿师范；钢琴分层教学；实操性 长期以来，音乐教育作为基本素质培养的一种教育手段，在学前教育中发挥着举足轻重的作用。随着时代的发展以及学前教育师资培训工作的日益进步，幼儿园教师的音乐修养也日益提高，大多数幼儿园教师掌握了更多的音乐知识和技能。同时，近年来迅速发展壮大的社会音乐教育使得更为专业化的音乐课程如乐理、视唱、练耳以及各种各样的乐器演奏学习都已悄悄地进入了学前儿童的音乐生活，对专业教育师资提出了更高的要求。 钢琴作为学前教育音乐课堂及课外音乐活动的主要工具，不仅在现代幼儿园及小学教育中发挥了越来越重要的作用，同时钢琴作为一门表演性、专业性、实操性很强的艺术，无论是在歌曲伴奏还是技能技巧展示中，都有了更高、更精的要求。但是，由于培养目标、专业方向、课程设置以及教学大纲的差异，传统的幼师钢琴集体课教学使得学生技能水平低、运用能力差，远远不能适应当今时代的要求，因此，我们必须面对这些由于发展所带来的新情况，必须在努力协调社会发展、音乐发展、儿童发展的基础上，合理地调整幼儿师范钢琴教学模式，有效运用分层教学方法，建立适应时代要求的理论及实操模式。 一、因材施教，确定分层教学内容 由于学生受音乐教育程度不同，以及个体音乐素质的差异，教师必须在兼顾普遍性的基础上，做到有的放矢、因材施教。以长沙师范学校钢琴教学为例，学生一般均具有一定的音乐基础和特长，但钢琴基础技能和水平的个体差异很大，有的从未接受过基础的、正规的钢琴训练，有的仅是在高考专业前突击学过一两首曲目，而有的已经进行了系统、规范的长期学习。在这样的实际情况下，如果仍采用传统的钢琴分组教学，“大锅饭”的弊端必然逐渐显现。因此，自2008年9月起，我校钢琴教研室开始进行近百人次的实验对比教学，将一年级各班新生40人分两组，一组（20人）按传统的教法及教材上课，另一组在第一年着重钢琴基础训练，使每位学生掌握钢琴弹奏的基本技能，第二、三学年按照学生的个人综合素质和弹奏能力进行分层，分为以钢琴弹奏与儿歌伴奏为主攻方向的A层、以钢琴演奏为主攻方向兼顾大中型艺术歌曲伴奏能力的B层两个不同层次。实验表明，这种因材施教的方法能够促使学生找到个人最佳适应状态，充分调动学习积极性，使其能力得到最大化的发掘。 在教学内容上，与传统教材拘泥于基础练习、练习曲及乐曲三大块不同，分层教学以良好的钢琴技能训练为支撑，在学习基本练习、练习曲与乐曲的基础上，努力拓展音乐理论、史论知识及钢琴伴奏训练等应用性内容的实施，其目的是使学生不仅能够正确地弹奏曲谱，更具有良好的音乐感受能力和广阔的音乐视野，得心应手地完成不同歌曲的即兴伴奏。当然，在分层教学中，每一个层次的教学内容必定有不同的侧重点和难度的选择，以我校三年级学生实验情况为例，A层学生必须掌握三升三降范围内的音阶、琶音基本练习，练习曲完成车尔尼599的弹奏，乐曲难度达到中级程度（4-5级）并且能够胜任三升三降范围内的儿歌伴奏；B层学生要熟练完成各调式的基本练习，练习曲达到299及以上难度，胜任较高层级的乐曲（6级以上）的弹奏，同时具备良好的艺术歌曲伴奏能力。 二、教学模式革新发展，综合运用 在我国幼教钢琴的教学发展中，无论是“一对一”的精英教学模式，还是“一对多”的基础教育都发挥了及其重要的作用，两者要合理结合，才能达到教学质量和教学效率同步提高的目的。以长沙师范学校音乐教育专业钢琴教学为例，一年级新生在开学前，需进行一次钢琴弹奏考试，教师将通过此次摸底了解学生的整体程度及个体的差异，进而确定相适应的教学模式。没有任何钢琴基础的学生进入分组集体课的普修教程，每组人数保持在12-18人左右，每周2课时，每学期不少于4次的集体回课及2次个人辅导。而程度中上的同学则在每周2课时的小组课（6-7人）中接受教师针对性的“一对一”指导。这样既让学生掌握了正确、规范的钢琴基础教学内容，又能根据学生个体差异做到因材施教，发展个性，有效解决了学生“吃不了”和“吃不饱”的矛盾。 三、确立严格的钢琴课程考核与选拔机制 传统的集体课考核普遍采取的是学生演奏两首中外作品，教师据其弹奏的正确性、技术性、表现性等评定成绩。水平的高低仅仅是分数的差异，没有带来实质性的奖罚激励，导致学生逐渐产生无所谓的想法，学习热忱度大大降低。而实施钢琴分层教学后，教学内容与教学模式的转变，极大地促进了学生的学习热情，相应的课程考核方法也必须严谨制定，进而在年度分层选拔中优胜劣汰。在我校钢琴课程的考核中包含了平时测验，基本技能测试和演奏测试三部分，其中平时测验占60%，基本技能测试占10%，演奏测试占30%。平时测验主要考查学生每单元曲目掌握情况，因此每单元教学完成后均会进行检查；基本技能测试主要检查学生音阶，琶音这一基本技能的掌握情况，在每学期期末教学完成后进行测试；演奏测试考查两首乐曲，一首为学生在本期课堂上已学过的乐曲中自选（教师先划定范围），重点考察学生的演奏实践能力；另一首在教师另外所指定的新的考试曲目中自选，经过个人练习后弹奏，重点考察学生对已学过的技巧和知识的运用能力。两首曲目中必须包含一首练习曲，一首乐曲。教师根据附表一上的标准对学生进行打分。 伴随着我国钢琴教学的改革与发展，幼师钢琴基础课经过系列的实践与探索，逐渐走出了一条适合多层次的教学对象、构架钢琴学习者全方位的能力结构、满足学习者多元化音乐风格需求的教学模式。当然，在实际的教学开展中，必然会遇到各种困难，但只要我们立足实践，以教学研究带动教学改革，就一定能够与日俱进，更好地为教学服务。 作者简介： 俞婕，湖南师范大学音乐学院硕士研究生，主要研究方向为钢琴艺术理论，现担任长沙师范学校音乐舞蹈系钢琴教师。 基础钢琴教学论文:普通高校舞蹈学基础钢琴教学现状与目的研究 摘要：针对普通高校舞蹈专业的培养目标、手段、以及教学目的等情况，许多普通高校舞蹈专业增加了钢琴集体课这一基础课程。但是，就目前的教学情况来看，基础钢琴教学仍然未能引起师生的高度重视，在舞蹈专业的钢琴学习时间、学习计划、教学目的等各个方面都存在着进一步改善的问题。 关键词：舞蹈学专业；基础钢琴教学；现状；目的 自古以来舞蹈与音乐就是密不可分的，即使是没有任何音乐音响的舞蹈也有着内在的节奏感和韵律感，音乐可以说是舞蹈的灵魂。随着时代的不断发展，社会需要更多的高素质复合型人才，对于普通高校舞蹈专业的学生们来说，未来更多的会从事中小学的音乐舞蹈教育工作，这时钢琴就是一门必须掌握的技术技能，掌握好钢琴基本演奏技能是可以为他们以后顺利走上工作岗位而保驾护航的。出于这种考虑，在提高舞蹈专业学生的音乐综合素养的同时。舞蹈专业学生的钢琴学习显得越来越重要了，同时这也是长期舞蹈教学活动中对于舞蹈课堂训练与钢琴音乐教学上的经验积累。钢琴演奏是训练演奏者头、眼、心与整个手动作密切协调配合的过程，要求做到手弹、眼观、意会，用心去体会、追求作品所包含的丰富的音乐内涵，这其实和舞蹈训练有着异曲同工之处。而大学阶段的钢琴学习对于舞蹈学生来说不应该仅仅处于附属地位，应使学生认识到钢琴基础课程并不止步于单纯学习弹奏技术、音乐技巧和基本乐理，更重要的是要培养舞蹈专业学生的节奏感和韵律感，提高对各种类型舞蹈音乐风格表现的掌控能力。这不仅提高了他们的音乐综合素养，还能帮助他们在舞蹈训练课堂上更好的将音乐与舞蹈联系起来，从而达到舞蹈课堂训练的目的。近几年来，许多高校通过数码钢琴进行的钢琴课程教学对舞蹈专业学生来说还是有一些收获，但同时也出现了一些现象和问题。 （一）现阶段舞蹈学专业基础钢琴教学的现状 普通高校培养的舞蹈专业学生大多数还是会从事舞蹈教育事业，这其中一大部分将会工作在中小学校里。而在这些中小学校里需要的不仅仅是单纯舞蹈专业的老师，更需要的是“一专多能”的复合型人才，这与正规的舞蹈学院培养出的“高、精、尖”舞蹈生应该是有所区别的。这个“一专多能”是指需要舞蹈生既有舞蹈专业的技术技能，又有一定的音乐教学能力，也就是我们常说的“能弹、能跳、能唱”。但是就拿笔者所在学院舞蹈招生情况来看，有很大一部分的舞蹈学生高考前没有受到较系统的音乐方向相关教育，只有一小部分学生学过乐理、视唱练耳等等相关的音乐学科，因此集体表现出音乐基础理论差、音乐综合素养不够等等的不好现象。拿笔者接触的很多舞蹈专业学生为例，他们中的一部分人刚进入学校时对于课堂上的钢琴伴奏音乐是非常陌生的，有的同学甚至分辨不出2/4、3/4、4/4等节拍的区别，导致舞蹈教师出现了上课进度缓慢、课堂教学效果差等情况。其次舞蹈专业学生的个人音乐基础存在着较大的差异，有同学的学过几年的钢琴，而有的同学却都没有接触过五线谱，这也导致出现了同一个老师在一个课堂上同时教出“好学生”和“坏学生”的窘况，因此舞蹈学基础钢琴课的开设对于普通高等院校完善舞蹈专业课程教学体系具有深远的影响。现在虽然很多高校已经普及了这门课，但是舞蹈专业的钢琴学习时间、学习计划、教学目的等等各个方面与音乐教育专业钢琴课程相比是需要区别对待的，舞蹈专业的钢琴教学不仅要学习钢琴演奏技巧，也需要将这一课程学习服务于舞蹈课堂教学内容，应该更多的从舞蹈音乐类型、舞蹈风格这些地方去把握钢琴教学内容，这样既学到钢琴技巧又兼顾了舞蹈课堂的音乐训练目的，也才能为提升舞蹈专业学生的综合艺术素养而做出努力。 （二）舞蹈学专业钢琴基础教学目的 随着普通高校教学大纲内容的不断完善，很多钢琴教师意识到普通高校里的钢琴基础课教学不是培养钢琴专业人才，而是培养从事各种类型、层次的音乐教育工作者以及企业文化生活组织者等等的音乐人才。作为舞蹈学教学课程之一的基础钢琴课程是建立在普通高校舞蹈教学体系下的，那么相对来说其教学内容要与音乐学的基础钢琴教学内容是有所区别的，不能依葫芦画瓢的仿照音乐学的教学模式来进行授课。因此，要求我们根据舞蹈专业教学目的等等实际情况，详细规划舞蹈专业钢琴教学应达到的演奏曲目水平、演奏技巧的能力、乐理知识等相应的程度。 在明确了教学目标后就应该按照教学大纲的要求结合舞蹈学生的专业基础特点及钢琴教学的规律制定教学计划，确定具有舞蹈专业特色钢琴教学的课程内容，依据循序渐进的原则逐步提高学生的钢琴演奏水平和对乐曲整体风格的把握。同时作为课程内容之一的课程组织方式、教学手段也要相应的进行改革。比如有的高校把舞蹈学基础钢琴课的学习放在了大二期间，并且仅仅只是学习一个学期，这就很难达到开设钢琴基础课程的目的。 优美的钢琴音乐可以帮助舞蹈专业学生培养敏锐的音乐感、掌握灵活多变地节奏、感受轻重缓急的节拍变化，有助于他们把各个舞蹈元素、组合短句，以及各大舞蹈语汇与音乐完美的连接起来，让他们跳出优美的舞蹈，使舞蹈富有无限的魅力和高度的艺术性，带给人美的享受。而在普通高校进行的舞蹈专业钢琴课程改革，是为达到培养基础扎实、技能全面、具有开拓创新精神的综合型人才这一目的的，它必将完善舞蹈专业教学体系，改善舞蹈课程教学质量，为培养出合格的“一专多能”的舞蹈人才保驾护航，也使这些来自普通高校的舞蹈专业毕业生今后能够尽快独立地适应工作需要而打好坚实的基础，为社会尽一份自己的力量。 基础钢琴教学论文:高校基础钢琴课教学中多媒体技术的应用探索 摘 要：基础钢琴是音乐专业学生的一门必修学科，该学科的教学水平直接影响到音乐专业学生的专业素质，因此，对于该学科的教学质量尤其需要给予足够的重视。但是随着各大音乐学校在不断扩大招生，教师的工作量也在不断加大，其教学质量也有所降低。为了提高教学质量，多媒体需要引入到基础钢琴的教学之中，以求提高教学水平。 关键词：高校基础钢琴；多媒体技术；应用探索 近年来，随着我国科技的飞速发展，多媒体技术的应用范围越来越广，高校教育也不例外。在钢琴教学过程中应用多媒体技术可以不断提高基础钢琴的教学质量，促进基础钢琴课程教学模式的发展，笔者认为进行这一课题研究具有重要意义。本文首先对基础钢琴应用多媒体技术过程中存在的问题进行探索，接着结合我国现阶段基础钢琴多媒体技术应用的现状，从而提出相应的策略。 一、基础钢琴应用多媒体技术过程中存在的问题 随着多媒体在基础钢琴教学中的广泛使用，其中也存在一些问题，这些问题如下。 1.教学方式单一 通过实地调查发现，学生对钢琴学习的积极性还是很高的，但是部分学生认为老师在使用多媒体技术进行教学时，教学方法较为单一，与传统的教学方法完全脱节，从而导致学生十分不适应这一教学模式，降低了学生对钢琴学习的兴趣。 2.互动少 部分学生还反映一个问题就是老师在使用幻灯片进行基础钢琴相关知识教学的过程中，由于老师急于将教学内容进行讲述，从而导致师生之间的交流与互动少，甚至有学生认为老师的任务就是将幻灯片上的教学内容读一遍，这在一定程度上也降低了学生对钢琴学习的兴趣。 3.内容不丰富 部分高中老师为了节省时间，在进行幻灯片制作的过程中，就直接将书本上的知识全部移到幻灯片上，在讲课时就对着幻灯片进行讲解，教学内容不丰富，从而提不起学生对钢琴学习的兴趣。 二、多媒体辅助教学手段在基础钢琴教学中应用相应的对策 通过以上对多媒体技术在基础钢琴教学应用过程中存在的问题的深入分析，笔者提出以下建议。 1.坚持以学生为本的教学手段 虽然多媒体技术在钢琴教学中起到了十分显著的作用，但是，多媒体技术只是一种辅助教学手段，因此，在进行基础钢琴教学的过程中，老师应该坚持使用以学生为本的教学手段。在运用幻灯片的过程中，要注重学生对基础钢琴的需求。同时，笔者认为多媒体技术的教学不能取代教师的作用，老师的个人教学魅力还是不可忽略的，因此，在教学过程中，老师一定要发挥自身的教学魅力，从而促进基础钢琴教学质量的提高。 2.结合传统教学方法 笔者认为，老师在采用多媒体技术进行辅助教学时，应该结合钢琴的传统教学方法，不断减少教学内容中的无用信息，从而精简教学内容，提高学生对钢琴学习的兴趣。 3.加强师生互动，促进师生交流 笔者认为，老师可以根据教学的内容制定有趣的教学课件。例如，在进行相关教学内容时，我们可以播放相关钢琴教学的视频，将相关钢琴知识形象化、生动化，同时加强师生互动，促进师生交流，从而提高学生的学习兴趣。 通过以上对高校基础钢琴课教学中多媒体技术的应用进行分析我们可以发现多媒体技术应用的重要性，因此，我们要重视这一技术的应用。本文结合我国现阶段基础钢琴多媒体技术应用的现状，从而提出以上相应的策略，希望能不断促进基础钢琴教学质量的提高，促进学生全面发展。
《吉林画报·熊小米故事绘》主要栏目：益智游戏、成长指南、精美贴纸等。
优秀素养背景下，高中信息技术教学必然要关注信息素养这一优秀话题。《普通高中信息技术课程标准》中，对于信息素养有这样的描述：信息素养是信息时代公民必备的素养。高中信息技术课程就是让学生在信息的共聚、加工、管理、表达与交流中，掌握信息技术，感受信息文化，增强信息意识，内化信息伦理……在这样的描述中，我们读到了信息技术素养是优秀素养背景下的应然指向。 一、信息技术的教学，立足于学生，指向技术 今天的教学强调以生为本，信息技术也不例外。立足于学生、实施技术的教学，应当成为我们对信息技术教学的基础性认识。在“信息获取”的教学中，教师的教学思路一般是引导学生定位信息需求，然后通过一定的信息获取方法（最简单的方法是网络搜索引擎的应用），获得并选择信息来源以获取信息，并判断信息的准确性与适用性。在实际教学中，从信息技术角度来看，教师要关注的是学生对于搜索引擎的应用，笔者在教学中先给学生介绍了世界上最早的搜索引擎Yahoo的诞生，然后让学生知道搜索并不只是简单地输入关键词，而应当认识到搜索引擎本身包括全文搜索引擎与目标索引类搜索引擎两种，目录索引类搜索引擎的特点就是将搜索到的网站信息基于目录进行分类，常见的新浪、搜狐等皆属此类。了解到这一点，学生就会知道在生活中选取搜索引擎的时候，应当基于自己的需要来进行。显然，这是一个基于更为完整的搜索引擎技术性知识的教学，立足于学生在生活中的信息技术应用需要而进行技术教学，既契合学生需要，又能帮学生建构信息技术知识，可以为学生信息素养的形成奠定坚实的基础。 二、信息技术的教学，立足于技术，指向信息 技术是信息的技术，技术是信息的具体表现形式，而信息则是技术运用的灵魂，没有了信息，技术将无所归依。因此，在高中信息技术教学中，需要立足于技术并指向信息，这样，学生才能更好地认识信息与技术的关系，从而使信息素养的形成更具可能。例如，在信息的加工中，就有音频、视频、图像的信息加工这些具体的知识内容。在教学中，学生比较感兴趣的往往也是这些内容，他们都希望能够通过自己的努力，加工出自己喜欢的音频、视频或者是图片。这里可以采用任务驱动的方式来进行，比如说给学生一盘磁带，问他们如何将磁带上的声音转换为数字形式的声音。那么从具体的任务完成的角度来看，就需要一个能够将声音输入电脑的途径，需要有一个具体加工声音的工具（软件），需要对生成的音频文件进行评价等。这是需要通过技术来解决的，通过学习，学生就能知道可以用磁带播放装置（单放机）输出音频，然后通过数据线输入电脑；与此同时，应当在电脑上打开音频处理软件，如gold-wave、千千静听、QQ音乐等，接受音频并生成wav、mp3等格式的文件，而在具体的软件使用过程中，由于要对输出的参数进行设置，客观上也就促进了学生更高效地使用这些软件，这些都是技术性的掌握。待学生享受到成功的喜悦时，教师可以进一步进行引导：技术运用的背后，是软件工程师基于人们的实际需要而进行的软件编写，这才是信息技术学习中我们要多关注的东西。其实，高中学生是能够理解教师的意图的，义务教育阶段的简单编程，可以在这里深化信息技术教师的信息素养教育。 三、信息技术的教学，立足于课程，指向学生 信息技术是一门课程，信息技术教学最终仍然需要立足于课程本身，并面向学生。这样我们就会发现，本文所阐述的三个立足与面向，实际上是一个闭环，信息技术教学实现了立足于学生并最终指向学生。作为一门课程，高中信息技术被分成了必修与选修两个部分，这既是为了与义务教育阶段的课程进行衔接，同时也是让学生能够在更高水平的认知基础上，高效感悟信息文化形态。笔者以为，高中信息技术需要加强选修内容的教学，因为其既满足了高中学生对信息技术深度与广度的把握，同时又能让学生更好地了解最新的信息技术文化与信息理念的科学表达，这是真正面向信息素养的，同时又是最容易被学生所接受的。如在利用数据库管理信息的教学中，可以让学生通过数据处理理解当下流行的“大数据”，将技术化认识上升为信息认识，进而使这部分知识能成为学生信息素养的一部分。总之，高中信息技术教学要面向信息素养的培育需要，真正从学生出发并回归到学生信息素养的形成。如此形成的闭环课程与教学理解，应当成为信息技术教学的应然选择。 参考文献： [1]陈建泉.在高中信息技术教学中提升学生信息素养应该注意的问题和对策[J].中国现代教育装备，2014(8):66-67. [2]郭志刚.高中信息技术教学如何培养学生信息素养[J].电脑知识与技术，2014(34):8247-8247. 作者:曹慧荣 单位:江苏海门实验学校
多媒体教学技术论文:信息技术环境下多媒体教学论文 一、教师应充分认识到多媒体教学是教育发展的一个趋势 传统的教学模式是：一本讲义、一支粉笔，用粉笔在课堂上书写板书，不仅浪费大量的课堂时间，而且不能将大量的教学信息生动的传递给学生。采用多媒体教学的模式可以将图片、照片或者表格等信息以课件等形式播放传递给学生。以前，教师往往费很大的精力制作各种教具，力图使课堂教学生动形象，然而往往事倍功半。现在有了多媒体设备，可以展示给学生的不仅是文字，还可以是声音、动画等形式。单位时间传递给学生的信息量不仅数量更大，而且种类更多，课堂教学的效率将大大提高。应该认识到，多媒体教学是一个教学发展趋势。 二、教师应有效利用各种教学设备以及网络资源 从制作多媒体课件或者教案开始，没有各种多媒体教学的辅助设备，如扫描仪、数码照相机、摄像机、声音转换器MP3等，就不能最大限度地发挥多媒体教学的效益。当然，除了基本的教学辅助设备，充分利用庞大的网络资源，也可以很好地进行多媒体教学。如：我在讲九年级思想品德教材《我国面临严峻的人口、资源、环境形势》一节内容时，我从教育网站上下载了许多视频：日本海啸地震、美国龙卷风、菲律宾台风、我国南方罕见的冰冻雨雪、甘肃舟曲泥石流等，使学生在生动形象的视频教学中不仅接受了知识，还受到了教育，思想上震撼，心灵上共鸣。这比传统的口头说教效果好的多。通过网络，我们可以找到所需的教案、讲义、笔记、多媒体课件、各种动画或者音影文件，提供下载即可使用，真正实现了资源共享。 三、教师采用多媒体教学，更要重视备课 采用多媒体教学以后，发现有些教师认为有了多媒体课件，课堂上播放给学生就行了，因而忽视了备课。这种思想往往导致课堂教学不能顺利进行。有的教师制作课件时，不动脑筋，粗心大意，没有检查拼写，导致课堂上展示给学生许多错别字，笑话百出，影响了教学活动的顺利进行；有的教师到课堂上突然找不到课件文件，或者计算机出现故障，致使整个教学不能进行；有的教师采用新的教学形式以后，没有对新的教学方案进行研究，导致学生不能适应新的教学速度，教学内容不能很好衔接，造成学生理解思路障碍等情况。这些情况的发生在客观上与新的教学方式的采用有关，然而这也提醒我们教师更要重视课堂前的备课。备课时要先利用各种教学多媒体设备进行教学内容的输入，根据学生接收知识的先后顺序组织教学内容，应该设想和模拟课堂上教学进行的全过程，预料课堂上将会出现的各种情况并在课前做好对策，以保证课堂教学的顺利进行。 四、课堂上注意学生接收知识的程度，根据学生接受知识的实际效果，调整讲课的速度 多媒体设备的使用，大大提高了课堂上知识的容量和传递速度，将大量采用板书进行的知识展现所花的时间节省下来，并且在较短的时间内，采用视觉、听觉甚至让学生亲自动手来接受知识。学生在与以前相同的时间内，需要接受比以前多的多的知识量，学生能不能接受，就需要教师特别了解课堂学情，毕竟学生才是课堂的主体。而作为课堂主导的教师，一定要根据学生掌握知识的实际控制课堂进程，在学生暂时不能接受新知识时，要放慢教学速度，甚至重复讲授，也可以采用提问、思考、回答等模式，巩固和加强学生对知识的吸收和消化。 五、教师应加强网络学习的能力 只有转变教育观念，树立正确的网络学习意识，才能跟得上日新月异的时展；只有广大教师加强自身的网络学习能力的培养，树立现代科技意识，充分借助网络技术的支持，采用声、文、图并茂的综合表现力来表达教学内容，才能真正胜任网络多媒体教学。 六、结语 总之，多媒体教学作为教学过程中一种理想的教学工具，在现代教育领域中已被广泛运用，我们教师应转变思想观念，更新教育理念，顺应时代潮流，大胆改革创新，不断加强学习，提高科学素养，最终实现高效化的课堂，全面提高教育质量。 作者：于战平 单位：陕西省渭南市大荔县洛滨中学 多媒体教学技术论文:信息技术下网络多媒体教学论文 一、教师应充分认识到多媒体教学是教育发展的一个趋势 传统的教学模式是：一本讲义、一支粉笔，用粉笔在课堂上书写板书，不仅浪费大量的课堂时间，而且不能将大量的教学信息生动的传递给学生。采用多媒体教学的模式可以将图片、照片或者表格等信息以课件等形式播放传递给学生。以前，教师往往费很大的精力制作各种教具，力图使课堂教学生动形象，然而往往事倍功半。现在有了多媒体设备，可以展示给学生的不仅是文字，还可以是声音、动画等形式。单位时间传递给学生的信息量不仅数量更大，而且种类更多，课堂教学的效率将大大提高。应该认识到，多媒体教学是一个教学发展趋势。 二、教师应有效利用各种教学设备以及网络资源 从制作多媒体课件或者教案开始，没有各种多媒体教学的辅助设备，如扫描仪、数码照相机、摄像机、声音转换器MP3等，就不能最大限度地发挥多媒体教学的效益。当然，除了基本的教学辅助设备，充分利用庞大的网络资源，也可以很好地进行多媒体教学。如：我在讲九年级思想品德教材《我国面临严峻的人口、资源、环境形势》一节内容时，我从教育网站上下载了许多视频：日本海啸地震、美国龙卷风、菲律宾台风、我国南方罕见的冰冻雨雪、甘肃舟曲泥石流等，使学生在生动形象的视频教学中不仅接受了知识，还受到了教育，思想上震撼，心灵上共鸣。这比传统的口头说教效果好的多。通过网络，我们可以找到所需的教案、讲义、笔记、多媒体课件、各种动画或者音影文件，提供下载即可使用，真正实现了资源共享。 三、教师采用多媒体教学，更要重视备课 采用多媒体教学以后，发现有些教师认为有了多媒体课件，课堂上播放给学生就行了，因而忽视了备课。这种思想往往导致课堂教学不能顺利进行。有的教师制作课件时，不动脑筋，粗心大意，没有检查拼写，导致课堂上展示给学生许多错别字，笑话百出，影响了教学活动的顺利进行；有的教师到课堂上突然找不到课件文件，或者计算机出现故障，致使整个教学不能进行；有的教师采用新的教学形式以后，没有对新的教学方案进行研究，导致学生不能适应新的教学速度，教学内容不能很好衔接，造成学生理解思路障碍等情况。这些情况的发生在客观上与新的教学方式的采用有关，然而这也提醒我们教师更要重视课堂前的备课。备课时要先利用各种教学多媒体设备进行教学内容的输入，根据学生接收知识的先后顺序组织教学内容，应该设想和模拟课堂上教学进行的全过程，预料课堂上将会出现的各种情况并在课前做好对策，以保证课堂教学的顺利进行。 四、课堂上注意学生接收知识的程度，根据学生接受知识的实际效果，调整讲课的速度 多媒体设备的使用，大大提高了课堂上知识的容量和传递速度，将大量采用板书进行的知识展现所花的时间节省下来，并且在较短的时间内，采用视觉、听觉甚至让学生亲自动手来接受知识。学生在与以前相同的时间内，需要接受比以前多的多的知识量，学生能不能接受，就需要教师特别了解课堂学情，毕竟学生才是课堂的主体。而作为课堂主导的教师，一定要根据学生掌握知识的实际控制课堂进程，在学生暂时不能接受新知识时，要放慢教学速度，甚至重复讲授，也可以采用提问、思考、回答等模式，巩固和加强学生对知识的吸收和消化。 五、教师应加强网络学习的能力 只有转变教育观念，树立正确的网络学习意识，才能跟得上日新月异的时展；只有广大教师加强自身的网络学习能力的培养，树立现代科技意识，充分借助网络技术的支持，采用声、文、图并茂的综合表现力来表达教学内容，才能真正胜任网络多媒体教学。 六、结语 总之，多媒体教学作为教学过程中一种理想的教学工具，在现代教育领域中已被广泛运用，我们教师应转变思想观念，更新教育理念，顺应时代潮流，大胆改革创新，不断加强学习，提高科学素养，最终实现高效化的课堂，全面提高教育质量。 作者：于战平 单位：陕西省渭南市大荔县洛滨中学 多媒体教学技术论文:信息技术多媒体教学论文 一、多媒体教学的误区及不足 1.由于多媒体课件可反复多次使用，部分教师便将多媒体教学当成一个时髦的万能工具，认为有了多媒体教学后，只要准备好课件即可，一切依赖多媒体，甚至完全放弃了板书及备课环节，自己成了一个多媒体的操作者，从而忽视了教师的基本作用，在事实上放弃了现代教育系统尤其重视的师生之间的交流互动。 2.有些多媒体课件过分追求视听效果或华丽的界面，采用的音频视频资料过多，没有突出重点，反而分散了学生的注意力，降低了多媒体教学效果。 3.教师由于信息技术知识的欠缺，导致缺乏优秀多媒体课件的制作知识及方法。课件仅从网上下载或采用他人现成的课件，没有考虑本学校或本人的特殊环境或需求作出相应的修改整理，导致内容陈旧、重复、了无新意。 4.由于发展水平或学校领导认知的差异，部分学校多媒体设备装备不全，没有多媒体教学设备的支持，教师也无法开展有效的多媒体教学。 二、信息技术教师在多媒体教学中的作用 信息技术与其他学科教学的整合是当前信息技术教育普及进程中的一个热点问题，所谓信息技术与课程整合，就是通过学科课程把信息技术与学科教学有机地结合起来，将信息技术与学科课程的教与学融为一体，将技术作为一种工具，提高教与学的效率，改善教与学的效果，改变传统的教学模式。而高中信息技术教师利用自身的专业知识，可以帮助其他学科的教师提高他们多媒体教学的能力。 1.高中信息技术教师可以在学校开展对其他学科教师的信息技术培训，提高他们的信息技术素养，增强他们操作多媒体设备的能力，增加他们开展多媒体教学的兴趣。 2.高中信息技术教师可以协助其他学科教师制作开发教学课件、软件，并协助学校做好多媒体教学设备的日常维护保养工作，在良好的硬件及软件的支持下，相信各个学校的多媒体教学能得到更好的发展。 3.高中信息技术教师在自身的信息技术课上也应大力开展多媒体教学，这样可以扩大多媒体教学的影响力，激发其他学科教师及学生对多媒体教学的兴趣，从而带动多媒体教学在学校得到更广泛的应用，提升学校的教学效率。 4.高中信息技术教师应当利用当前信息化校园建设的良机，尽量争取学校更新更好的信息技术设备，这样既有利于各学科多媒体教学的广泛开展，也有利于高中信息技术课本身的发展，改变高中信息技术课程在一些学校的边缘化地位。 作者：邹伟伟单位：高邮市第一中学 多媒体教学技术论文:职业技术多媒体教学论文 一、多媒体技术在职业教学中的优势 1.1对于教师，多媒体素材数量庞大、包含的种类多种多样，教师可以选择性的进行素材的使用。这些素材也可以作为教师的参考，在课本知识的基础上，来进行多媒体课件的自行制作。传统的教学方式是教师占主体地位，学生的学习比较被动。多媒体教学的应用，可以有效的加强师生之间的交流和沟通。在一些职业院校，招收学生比较困难，这就要求这些院校提供高质量的毕业生才能扩大生源，多媒体技术的应用能够促进学生进行主动学习，只有主动学习，教师的教学才能有效果，学校的综合水平才能提高。 1.2在传统方式的教学中，课本是主要的教学资源，基于网络的多媒体技术能够提供数量庞大的教学资源，网络的共享性也让各个院校之间能够共享教学资源，资源数量会随着时间逐渐增多，教师也可以根据自己的教学需要，进行适合学生的多媒体教学资源。职业教学中有一些实验和动手操作的部分，错综复杂，很难在口头上表达清楚，如果教师用传统的教学方式来进行这个部分的教学，学生只会听的一知半解。通过多媒体、计算机和网络的结合，就能开发方针的操作系统，让学生可以自由自在的进行实验，掌握这些实际操作的知识和技巧。 1.3多媒体技术在职业教学中的应用，对职业院校教师的整体素质也有提高。教师能够结合现在新式教育的特点，最大化的利用多媒体技术，教学变得更加直观和生动，节省了教学时间，减轻了教师的负担，是教师教学的有力帮助。计算机和网络给学生提供了丰富的学习资料，而多媒体技术则为学生提供了多样化的学习方式，交互式、协作式的学习方法已经被越来越多的职业院校学生接受。 1.4传统的教学一般都是教师决定教学内容，学习时间和场所也是比较固定的，学生在教学中没有主体地位，学习比较被动，缺乏积极性和主动性，失去了学习兴趣。通过多媒体技术在职业教学中的应用，学生对于学习时间和场所有了更多的选择，顺应了他们的个性化发展要求，优化了教师的教学效果。多媒体教学给职业教育带来的影响是非常深远的，是发展我国职业教育的必由之路。 二、多媒体教学的问题和建议 随着我国科技水平的提高，虽然多媒体教学技术在大部分职业院校都得到了普及，但是传统依靠黑板粉笔的“填鸭式”教学理念，仍然是根深蒂固的。在多媒体教学的发展道路上，我国的职业院校尚没有深入，很多教师对多媒体教学技术不够了解，没有制定适合多媒体教学的教学方法，只重视教学的结果而忽视了过程，对教学内容也不做深入的研究，教学设计不够科学和合理。这让多媒体教学就会流于形式，优势没有得到充分的发挥。实用性的人才培养是职业教育的目标，但是随着社会的不断发展，这个方面不仅包含了职业技能，还包含着学生的综合素质。对于多媒体教学在职业教学中产生的诸多问题，要注重方法和目标的统一，采取相应的措施来解决问题： 2.1对于多媒体教学使用的素材，要进行精心挑选和设计。教师应该根据教学内容的不同灵活的改变多媒体教学的内容，将课程的性质、目标和教学有机的结合起来。但是多媒体并不是仅仅代替了原始的教材；另一个方面是虽然多媒体包含了多种多样的教学素材，但是切忌杂乱无章以及和课程无关，数量并不能决定一切。要根据课本内容和教学目标来决定多媒体教学的内容，根据学生情况的不同灵活的选择多媒体教材的形式。 2.2我们都知道，一座房子最重要的就是地基；对于教师，最重要的就是教学基础。作为课堂的主体，教师的语言、制作的多媒体课件、教学手段的不同，对教学效果都有着很大的影响，可以说是教学水平和自身素质缺一不可。一个教师最重要的就是教学基础，这是一个合格教师在任何条件下都不能放弃的。在课堂上，教师要适度的使用多媒体进行教学，与传统教学相辅相成，提高教学效果。 2.3要灵活的进行教学内容的安排，教学内容太复杂、太多的话，都会事倍功半。相对于传统教学，多媒体教学能够在相同的时间内进行更多内容的讲解，但是如果教师为了赶进度而一味教学的话，学生就会缺少思考时间，孔子说过“学而不思则罔，思而不学则殆”，思考和学习是同等重要的，只学习不思考，教学效果会大打折扣。 三、结束语 在这个信息爆炸的时代，经济、教育、信息呈现出一体化的趋势。计算机和信息技术对全世界的发展都有重大影响，可以说信息是第一生产力。而我国的职业教育也在信息化的基础上，得到了长足发展，获得了新的动力。多媒体技术在职业教育中逐渐得到普及，对教师的教学方式、思维都有很大的改变作用，也是影响学生学习的一个重要因素。 作者：杨倩单位：陕西职业技术学院 多媒体教学技术论文:多媒体教学技术化学实验论文 1有效合理的生物化学实验教学方法 是生物化学实验教学的保证和支撑第一，充分发挥开放性的实验教学，这是构成有效合理的生物化学实验教学方法的一个重要组成。笔者在平时的生物化学实验教学中，会将每一次的实验内容分为不同的子内容来进行，并要求学生们以小组合作的方式来完成。每一次的实验内容可以大致分为4个子内容，即：资料查阅、实验方法讨论和操作、实验结果分析、实验结果讨论。例如:在进行“血清葡糖测定”实验中，首先让学生们进行实验前的资料查询工作，这是保证其在真正实验阶段进行操作的前提，使学生们在实验之前对于实验内容有着初步印象和整体认识，并在实验之前查到需要解决的问题，使得今后的实验环节更具有针对性。然后，组织学生们就实验内容进行讨论，确定最终使用的方法等事宜，然后按照所讨论的方法进行实验。在此过程中，学生们可以自由发挥自己的见解并进行反复讨论，必要时可以请老师提示，完全是一种开放性的学习氛围。到了具体实验阶段，这个阶段也是要求学生们进行独立操作的过程，实验材料是病人和正常人但是血清，引导学生们通过实验试剂（酚试剂或邻甲苯胺试剂）进行血清分离和检测等实验内容，从而得到吸光度值并进行比对。最后就是结果分析阶段，这就是充分发挥学生进行开放式思维的关键性阶段，它可以扩展学生们的思考能力和综合应用理论知识的能力，对于实验结果的分析和讨论会使得学生们的逻辑推理能力得到培养和提高，并且就其中出现的个性现象进行讨论和进一步的独立研究。可见，以上的教学方法充是分发挥了开放性实验教学的优势。第二，增加案例式分析教学方法，这是构成有效合理的生物化学实验教学方法的又一个重要组成。合理有效的生物化学实验教学方法需要事实为保证，而案例分析教学可以保证实验教学的真实性和客观性。具体操作是将这些具有典型性的案例式的实验教学内容以实验项目的内在逻辑相关性为基础来进行模块方式组织，以顺序性和连续性为原则，通过“发现现象、基本实验思路、实际操作实验、解释现象”的模式进行生物化学实验的展开，使得学生们可以通过自己所亲自设计并实践的实验来阐释其现象的原因，最后组织小组讨论发言。以案例为基础的教学法为学习者提供了一个仿真的临床环境，在这个环境里，学生们可以充当一个临床医师的角色，为病例的治疗方案做出正确的决策，并通过实验阶段进行验证和检测。实践证明，通过多次高仿真的案例学习，会使学生们在今后走向临床工作时能够更积极地思考，从而做出正确的判断和决策。案例分析教学方法应用于生物化学实验的教学中可以结合个人学习和小组合作学习的形式来进行，前者可以锻炼学生的独立思考、分析问题和解决问题的能力，后者可以使每位学生在合作中分享和讨论，从而形成更具合理性的结论。 2合理有效使用多媒体教学技术和设备也是生物化学实验教学的重要环节 在生物化学实验中，经常会遇到一些较为复杂的实验内容或是比较抽象的生物化学反应过程，这就需要多媒体教学技术或设备来进行辅助。信息技术的发展和微机的广泛应用极大地推动了生物化学实验将多媒体教学应用其中的发展。通过多媒体教学技术和设备可以实现抽象知识的形象化，通过多媒体技术和设备可以使得化学生物实验的原理与实验方案一种较为直观化的方式进行展示，并配合仪器操作、技能讲解与实际应用的动画或是视频等辅助说明的方法给与积极调动，使得整个过程充分调动了学生在眼、耳、脑等多种器官中的感受和体验，有利于学生对实验相关内容的整体把握以及在实际过程中的操作规范的顺利掌握。可见，这对于传统教学中学生对操作过程不熟悉的缺陷来说是一种有效的辅助和补充。为此，在实验开始之时，教师可以通过媒体技术和设备将那些复杂的或是抽象的实验内容以图片或是动画的形式呈现在学生们面前，使他们有了形象化和具体化的认识，到了实践性环节就会容易操作和理解；到了后期的实验结果分析阶段，也可以利用多媒体技术和设备来进行分析讨论的环节，这使得每一个学生或是每一组的实验结果都可以以较为直观的形式进行呈现，便于学生们在课堂的谈论和交流，具有便捷性和实效性。需要注意的是，在生物化学实验的多媒体教学中，一方面，教师要提高自身对于基本的多媒体制作与演示技巧的能力，保证多媒体内容可以有效地进行突出和进行，使得问题的解决可以在较为轻松的氛围中的得以实现；另一方面，教师还要注意生物化学实验的专业知识和技能的有效结合，对于知识更新和内容改善要不断给与关注，并以学生们的实际情况为前提，对每堂生物化学课进行合理的设计并辅以多种教学方法的保证，融入和落实教师为主导、学生为主体的教学理念的实施。 3结语 总之，通过不断的生物化学实验教学实践和多媒体教学的不断结合，学生们的生物化学学习能力一定会得到提高。以上就是笔者就“浅谈生物化学实验教学”为话题进行的论述，笔者以自己多年的教学体验以及在此基础上的不断感悟和反复实践来对生物化学实验教学研究进行分享和交流，希望能够对于同行之间的交流有所借鉴性作用。 作者：石伟涛 单位：大连医科大学中山学院 多媒体教学技术论文:多媒体教学电子技术论文 一、多媒体教学中存在的问题 尽管多媒体教学对模拟电子技术教学效率有一定的提高，但是在实际情况下，多媒体教学在模拟电子技术教学应用中难免存在一些弊端。 1.多媒体教学的推广和应用，使得学生可以随时下载和复制教学内容，在课堂上几乎不再做笔记，对课本内容也不再重视，使得很难对课程内容的整体性有较好的把握。 2.多媒体教学的应用，将大量信息在短时间内灌输给学生，学生没有足够的时间去思考，同时，学生在上课时间长期观看屏幕，会产生视觉疲劳，造成上课注意力不集中，使得学习效果不理想。 3.多媒体教学过程中，教师在讲课中只注重了讲解的过程，忽略了与学生之间的知识和情感互动交流，使得课堂氛围比较沉闷，影响了学生的学习效率。 二、多媒体教学应用的相关对策 结合多媒体教学的优势，以多媒体教学应用中存在的问题为出发点，正确处理教学效果与教学效率的关系，对多媒体教学的应用进行合理化，应注意以下几个方面： 1.教师应认真制作多媒体课件内容，对课件中字体的大小、颜色进行适当调整，对重要知识点进行相关标注，使课件简洁，促进学生同时做好课堂笔记，培养良好的学习习惯，提高教学质量。 2.教师应要求学生提前对课程内容进行预习，在课堂上通过多媒体只展示提纲，具体内容尽量用口头表达方式详细描述，并且要求学生课后进行重点复习，让学生很好地把握课程内容。同时，可以通过与学生建立的QQ群等交流平台共享教学课件，便于学生在课后进行自学。 3.教师应将传统的教学方法与多媒体教学结合起来，在复杂的电路图讲解过程中，不仅要充分发挥多媒体技术视觉和听觉上的优势，适当通过板书加强其推理过程的演变，可以强化学生对知识的掌握，也进一步加强了教师与学生之间的交流和沟通。 作者：张增林 单位：西北农林科技大学 多媒体教学技术论文:多媒体教学车工技术论文 一、传统车工技术教学的不足 在对车工技术理论知识的教授方面，传统的车工技术教学习惯于用教师的口头讲解进行。这种教学方式虽然可以在一定程度上让学生比较深刻地理解理论知识的含义，但面对理论知识点较多的章节，部分学生就会由于部分的理论知识较为抽象无法及时理解其含义。车工技术的理论知识较为复杂难懂，学生在传统的教学模式之下无法有效地提升学习兴趣。在车工技术技能的章节学习中，包含着许多工件的名称和操作的专有名词，同时也包含着各个操作步骤的主要细节性描述和各个步骤之间的逻辑关系和操作工序的变化。这些理论知识如果单凭教师口述，是很难在保证效率的基础上让学生深刻体会到个中含义的，更别说是把这些理论知识应用于车工技术技能操作。在教师示范车工技术技能操作的教学环节，由于存在视角和距离等因素，教学效率不高，无法保证每个学生在此过程中观察到老师的演示过程。另一方面，教师在教授示范的过程中，假若对某个车工技术操作步骤有所遗漏，对学生的学习过程会有所影响。 二、多媒体教学的主要优点 多媒体教学以其便捷、高效和多元化的优点立足于当代教学系统。而其在车工技术教学的应用主要特点包括：多媒体的教学手段可以使学生在学习过程中对于车工技术的操作过程有着更加直观和全面深刻的理解。在应用多媒体进行车工技术技能知识的传授过程当中，教师可以通过把相对复杂零散的课堂理论知识融合到其制作的多媒体课件当中，利用图片、声音、视频和文字等多种多样的传播媒介将所要讲授的知识具体化和生动化，使学生可以自如地理解车工技术技能操作环节。多媒体教学手段生动，学生对于车工技术的学习由以往的“任务式”学习，转变为现在的“兴趣性”学习。在多媒体教学手段的激发下，他们可以更多地参与到知识的迁移和技能的练习中去，这样不仅可以提高整个课堂的教学效率，也有利于促进学生对于知识学习的兴趣，提高学习质量。多媒体教学不仅可以在生动化的教学情境中促进学生学习能力的提高，也可以培养其独立思考和解决问题的能力。而操作实践是车工技术教学的主要环节和教学目的，学生只有充分发挥自主学习能力，积极参与到课堂的多媒体教学中去才能为其全面提升自我的学习能力开拓辟科学有效的途径。 三、多媒体与车工技术教学整合的建议 在整合多媒体和车工技术教学的过程中，存在着以下的基本工作思路。以数据处理软件和操作模拟软件为基础，配备教师准备的多媒体课件和电子教案，把教学信息通过实时的多媒体通信软件在课堂上向学生进行课堂内容的过程展示。教师需要对学生的操作实践进行联网式的机床操控实时监控。在课堂的实践环节结束后，通过互联网或者局域网把操作工序、图纸制作和讲解及课后任务与作业等信息进行传播和共享，从而最终实现教师对于车工技术教学过程的教学管理。通过这种相互学习和相互促进的网络学习形式，把学生的学习过程连接成一个有机的学习系统和整体，从而完成学生的学习任务。在这种课堂教学基本思路的指导下，整合多媒体与车工技术教学的办法如下：在硬件设备的安装和设置方面，学生可以根据车工技术操作技能学习的需要分组配备。在数量上，应该保证每个学生都配备一台计算机。而计算机的放置位置应该选择可移动的摆放平台，应用防水的键盘和鼠标。在教学内容的传播通信方面，学校可以建立一个多端口的局域网与其他学校的内网连接，从而可以共享教育资源和信息。在软件的使用和开发方面，学校可以引进部分先进的多媒体教学软件进行模拟教学，也可以自主组织软件研发团队进行教学软件的自我开发，结合教学内容和专业的教学特点，开发出适应性强的多媒体软件。这些软件在实际操作过程中，必须配有监控功能，能够确保学生在学习过程中不能离开教学系统也不能随意更改计算机里的数据。软件的设置内容最低限度也应该包括车工技术教学的图纸分析、车工技术教学实践演示视频、对学生的建议和提问的即时通信模块。 在组织车工技术教学时，教师可以利用上述的硬件和软件设备。例如，通过液晶显示屏和投影仪把软件的模拟操作进行课堂演示。通过对计算机上工艺图纸的讲解使学生产生对车工技术的初步认知，在此过程中产生的问题和意见可以通过即时通信软件和老师及同学进行实时交流和讨论。教师可以通过摄像头记录学生在学习过程当中的表现，最终形成一个总结和反馈机制，从而推动学生学习效率的提高。 作者:赵建峰 单位:江苏省如东中等专业学校 多媒体教学技术论文:汽车制造技术多媒体教学论文 1.课前教案制作时容易出现的问题及解决思路 1.1图片多，无层次课本上有很多图形，这些图形是黑色白描画，不够生动，也不够形象，没有层次，学生对此没有兴趣，讲解也难以生动，应在电子教案中增加多媒体素材。例如讲解到汽车零件的加工方法，里面有很多加工机床和车刀的图形，在课件中增加了很多车床、铣床的实物彩色照片，并针对性地讲解。本校有一些普通车床和铣床，学生较容易理解，可以增加一些其它型号的车床供学生比较学习，同时采用多角度的实物照片就易于学生学习其结构并理解其工作原理。这样能更透彻地了解机床的加工原理和加工过程，更加便于学生理解汽车零件的制造过程。 1.2显示多，无区分图形上的动画，一个图形整体出现，讲解其组成和结构时，仅用鼠标控制指针来指明区域不足以说明清楚，不利于学生的理解接受。想要区分出各个不同的区域，可以用不同的色彩来表示不同区域。有时仅要划分不同部分又要依然能清晰看出其内部的组成，这时可以将色彩在设计中调节成半透明的，这样即成显现出色彩又不会遮盖其它信息。例如讲解夹具的组成时，可用半透明的彩色区域标志出定位元件、夹紧元件，即不遮盖住夹具的结构组成，又能清晰区分出不同的组件。 1.3程序多，无步骤多媒体教学时板面大，计算过程如果全部显示，步骤不清，学生不易掌握计算过程，通常学生看懂了却又不知道如何下笔运算。应当计算一步，显示一步，并引导学生思考下一步，再继续讲解下一步，再依次显示出来。以尺寸链的计算为例，依次显示出基本尺寸、上下偏差的计算过程，计算过程采用动画的形式将计算过程按步骤一步一步体现出来，增加步骤和程序的清晰度，就像教师在黑板上一步一步板述。 2.课堂上教学过程中容易出现的问题及解决思路 2.1过度依赖多媒体教学课件多媒体教学课件内容形式多样,讲解详细,图文并茂,操作性强。教师过度依赖就表现为:在课堂上,教师手握鼠标,逐一“演示”课件内容。教师从以前的知识传播者变成了现在的计算机操作员,缺少与学生的交流。教师可以根据实际情况评价、肯定或部分肯定学生的回答，学生的主动性较高，成就感较强。以讲解汽车零件的加工工艺规程为例，里面包含零件从毛坯到成品的全部内容，为了体现每一次工序的内容，虽然采用多媒体动画技术将加工过程和加工表面按加工步骤一步一步体现出来，但在讲解中以提问为主，例如：加工中是如何安装工件？采用了何种刀具？加工精度是如何控制？这些问题引发了学生认真的思索，许多学生大胆回答，学生在自己的思考与回答中寻找答案，比直接提出加工工艺过程的效果更好。2.2内容讲解方式过于简单讲解相关知识点时，应将前后内容融会贯通，多媒体可以很好地实现各模块的链接，设置好链接内容，即可用控制键调出相关的知识点。以讲解各加工工艺为例，将机床与刀具的知识贯穿，同时结合具体加工过程，使得学生更容易将汽车制造技术的各类零件加工的知识点进行归类和总结。这样也就更利于学生具体分析一些刀具加工的工作原理，对新产品开发中制订工艺规程设计提供了一个可行的设计思考方向。第一课对学习兴趣的培养十分重要，不是只讲解教学安排和第一章的内容，可以播放宝马汽车的整个加工流程，有底盘和车身的组装，再到喷漆上蜡，仪表板和座椅等部件的安装，直至通过测试，完整地显示汽车组装加工过程。这样即增加了学生的学习兴趣，教学气氛热烈，又让学生直观地了解了汽车是如何制造出来的，对现今的汽车制造技术也有了直观的认识。 2.3在一定程度上削弱了学生的主观能动性多媒体课件在形式和内容上下了功夫,枯燥的文字与生动的画面相结合,意在激发学生的学习主动性。但教学又成了另一种意义上的满堂灌。教师无形中就把学生的思路限制在课件设定的固定框架内,学生缺少自主思考与学习，学生的主动性必然会受到不同程度的影响。在课堂教学中要多启发，多引导，多提问，多思考，让学生自己去发现问题、提出问题，让学生“动”起来。互动性活动较易组织,课堂气氛较为活跃，师生互动是互动教学理念中最重要的一个方面。教师将在学生自主学习、理解、钻研、观察时，积极地看，积极地听，设身处地地感受学生的所作所为、所思所想，考虑如何指导学生学习。 3.课后容易出现的问题及解决思路 3.1课后师生交流少下课后，学生和老师都急于进行下一节课，师生交流较少，对于学生的课堂学习效果，教师不能得到及时的反馈。教育实践证实，课后交流能让学生在课堂知识的基础上更上一个层次，这就要求教师和学生能够及时沟通，及时讨论。在课后的师生交流中，我们可以采用多种多样的形式.如辅导答疑、实践讨论、交流座谈、网上交谈等。这些互动都有助于多媒体课件不断完善，有助于教师更好的教，学生更好的学。 3.2作业形式单一通常课后作业形式过于单一，学生一味地抄写或计算，容易产生厌烦情绪，不利于学习积极性的培养。课后作业不仅仅是单一的书本作业，还可以有多种形式，例如推荐学生在课外参观汽车4S店或车展，对一些新车型和新技术去做一些调查和研究。在讲解汽车制造新技术的时候，就让学生自己上讲台展示并讲解自己制作的制造新技术的课件，很多同学都非常积极，他们觉得自己的成果不仅能让老师看到，还能与其他同学共享，效果非常好。从学生的展示中看出，很多同学事先都是作了充分的准备的，这无疑极大提升了学习的主动性与极积性。 4.结语 正确有效地应用多媒体技术，不仅使多媒体教学内容充实直观、重点突出，同时主次分明、层次清晰。在教学过程中充分利用多媒体高容量高效率，结合多媒体技术控制教学进程，使教学过程即做到严谨有序，又做到气氛热情活跃，较好地激发了学生的学习兴趣，教学效果也得到很大的提高，受到学生的普遍欢迎和好评。我们将进一步完善汽车制造技术课程的教学方法，为社会培养更多的能够适应时代高速发展的高素质创新型人才。 作者：旷英姬单位：九江学院机械与材料工程学院 多媒体教学技术论文:信息技术激活数学多媒体教学论文 摘要:新课程标准提出:“数学学习的内容应该是现实的、有意义的、富有挑战性的。”因此，我们在教学中单凭一本教科书和一支粉笔是远远不够的。我们应充分利用各种信息资源，引入时代活水，使学生的学习内容更加丰富多彩，更贴近生活和现代科技。 关键词:信息技术；数学；多媒体 随着现代科技的发展，我们有必要利用信息资源丰富、时效性强的特点，使信息技术与小学数学教学有机整合，充分利用各种信息资源，引入时代活水，使学生的学习内容更加丰富多彩，更贴近生活和现代科技。 一、信息技术和教学有机结合可以化无形为有形，为师生架起一座新的桥梁 人类的思维空间是三维的，然而我们的传统教育却几乎局限在一维言语空间上，这样，学生的学习过程就只能在抽象的、呆板的、静止的、缺乏情趣的言语世界里进行了，这样必然会导致忽略了数学领域中超越逻辑思维的东西，如直觉、美感和单纯的乐趣。 这种单一的教学方式必然会引起学生的反感，往往是老师讲得口干舌燥，学生却什么也没学到，使学生的认识与教师的教学间产生了一条鸿沟。信息技术就能恰到好处的在这条鸿沟上架起一座桥梁，给枯燥无味的课堂注入新的生命和活力，开阔学生的思维和视野。 二、信息技术与课堂的整合可以化静止为运动，化抽象为直观 多媒体信息技术具有多种感官同步进行的直观效果，能够将教学重点和难点一一呈现出来，向学生展示教学情境、提供丰富感知、呈现思维过程，使学生闻其声、见其形、如其境，更快、更准、更深地把握数学的重点和难点，极大的支持了学生对逻辑推理、问题解答和数学观念的寻求与研究。尤其是在引导学生对一些抽象的数学知识进行概括的过程中，运用多媒体技术动态演示，可以形象地揭示知识的生成过程，化抽象为具体、变理性为感性，让学生在主动参与中借助观察和比较，逐步探究知识的形成过程，从而更深刻地把握知识的本质。 在《角的初步认识》的教学中，我设计了找角、摸角、折角、画角、玩角五个环节，引导学生从观察实物开始逐步掌握所学的几何图形。其中在画角这一环节中，我改变了以往的教学模式，老师不示范画角的步骤，而是设计了一个动画:先出示一点，闪烁几下，出现“顶点”两字；然后动画演示两条边的画法，边再闪烁两下，出现“边”字；接着，我让学生自己画一个角，这样效果会好很多。再如，我在讲正方体、长方体、球、圆柱图形的认识时，除借助学具让学生认识这些形体以外，还借助多媒体展示一些生活中常见的物体，让学生说一说它们是什么形体。特别是让学生在看图数图形的个数时，大部分同学都因为缺乏空间想象力而漏数。对此，我借助多媒体把图形分解开，变抽象为直观，这样学生就比较容易理解，再数别的图形时就能比较准确的数出来了。 三、信息技术与数学的整合，进一步激发了学生的学习兴趣 数学家华罗庚曾经说过，对数学产生枯燥乏味、神秘难懂的印象的主要原因就是脱离了实际。现实的生活材料不仅能够使学生认识到现实生活中隐藏着丰富的数学问题，而且能够大大调动学生学习数学的兴趣。因此，我们可以借助信息技术制作一些动画来调动学生的学习兴趣。例如教学“比较”时，先呈现一片如茵的草地，接着，画面上出现了一只母鸭和一群小鸭，这时，鸡妈妈也带着它的孩子们来了。这样的画面引起了学生们的审美愉悦感，开心地笑容已在孩子们的脸上绽开了。接着，鸡妈妈和鸭妈妈展开了对话。鸡妈妈对鸭妈妈说:“我的小鸡比你的小鸭多。”而鸭妈妈却说:“不对，我的小鸭比你的小鸡多。”怎么知道鸭妈妈的孩子多还是鸡妈妈的孩子多呢?这就提出了比多少的问题。学生建议让小鸡和小鸭分别排队，一个对一个，就比出多少来了。这样，学生就在美的熏陶中，饶有兴趣地学会了用对应的方法来比较数量的多少。 总之，信息技术的广泛应用，无疑为数学教学注入了时代的活水，可以为学生提供丰富的教学资源，可以极大限度地突破书本这一学习资源的限制性，利用各种相关资源来丰富封闭、孤立的课堂，最大限度地扩充教学知识量，使学生跳出课本知识，开阔视野，发散思维。信息技术能将多姿多彩的生活情境带入课堂，创设虚拟的真实情境，体现生活数学的教学理念，能将书本上没有介绍的新信息呈现给学生，丰富学生的学习资源，使其变成学生们宝贵的精神财富。 多媒体教学技术论文:互换性技术测量多媒体教学特点论文 论文关键词:互换性技术浏量多媒体教学工程能力 论文摘要:分析了《互换性与技术浏量》课程自身特点，目前采用的教学方法、教学手段以及考核方式，从如何提高教学质量，培养学生工程能力、综合能力的角度出发，提出了对本课程教学改革途径的设想。 引言 在机械基础系列课程设置中，《互换性与技术测量》是一门重要的技术基础课，它是由基础课过渡到专业的重要桥梁，起着承上启下的作用。同时，对机电类专业的学生来讲，无论在后续专业课程学习过程中还是在今后实际工作中;无论从事专业技术工作还是从事管理工作，都会接触到公差配合、互换性与检测方面的知识。这就要求该课程在整个教学过程中不仅要强调理论知识点的重要性，而且还要注重实际工程能力和综合能力的培养。据此，笔者将从本课程实践性、工程性强的特点出发，对本课程的教学改革提出几点设想。 一、优化课程体系 《互换性与技术测量》课程主要分为公差配合与技术测量两大部分，涉及内容主要有极限与配合、形位公差、表面粗糙度、齿轮传动的公差及测量、尺寸链等内容，课程讲授内容与工程实际密切相关，具有很强的实践性。如何在保证教学质量的前提下，在有限的30学时内既完成理论教学又完成实验教学，是当前本课程存在的难题。为解决该难题，根据我校机电专业的特点，对课程的内容重新进行了调整:即对经典内容进行重点讲解，例如公差与配合的选用、形位公差的选择、尺寸链等内容进行精讲，授课时注重理论知识点与工程实际的联系，尤其是教材中与实际生产有关的重点内容加以强调，以此来培养学生的工程意识;与其他课程重复的内容略讲，例如在机械制图中已讲过形位公差的标注和表面粗糙度的符号及标注，对这两部分内容略讲，授课时选择几张具有代表性的带有形位公差和表面粗糙度的实际工程图纸进行讲解，以此来激发学生的学习热情和培养学生的工程实践能力。 二、提高授课效果 本课程的名词术语多、抽象概念多、符号代号多、涉及的知识面广(如机械制图、机械设计基础、机械制造基础等)，在有限的30学时内，若采用黑板加粉笔的授课方式要使授课内容覆盖整本教材的知识点，不但教师的工作难度很大，学生对一些难点问题和抽象问题的理解也不透彻例如:公差原则中的最大实体要求、最小实体要求、可逆要求等，这些课程中的难点，包含了被测要素、基准要素遵循的理想边界以及形位公差获得补偿值的问题，不易理解。如果采用传统的教学方式授课，尤其在这些抽象、难点问题上花费的课时不仅多，而且收到的效果不好。借助多媒体教学表现形式多样性、交互性及可重复性的特点，既能提高讲课效率，又能收到很好的教学效果。 据调查，国内高校应用《互换性与技术测量》教学的多媒体软件较少，目前市面上只有一套面向中等职业教育的《极限配合与技术测量》教学课件，并不适于高等院校本科的教学要求，为了提升该课程的教学质量，迫切需要开发一套操作性强、界面友好、人机交互功能强的“互换性与技术测量多媒体教学软件”。 三、培养工程实践能力 《互换性与技术测量》课程与实际生产密切相关，其实践性较强。所以在实验课设置上，依据中国高等教育改革的优秀思想(即培养具有创新能力、工程实践能力以及社会实践能力的复合型人才)，结合学校机电专业的培养计划，以培养学生的工程实践能力为重点，详细制定本课程的实验内容和学时分配，增强实验教学环节。目的是通过该课程的学习，使学生了解几何量测量的基本知识和方法，初步具备使用和调整常用测量仪器的能力冈。目前本课程的实验室设施还不能完全满足大纲要求，实验室的建设还有待于加强。 四、提高综合素质 随着中国对外交流的项目不断增多，企业对技术人员的外语水平和工程能力的要求越来越高。作为培养工程师毛坯的高等院校，培养计划不但应满足教育部对本科生培养目标的要求，同时还应当随着市场对人才的需求指标而不断调整。因此，对《互换性与技术测量》课程来讲，在传授知识过程中，不仅应传授基础理论知识，还应添加与本课程相关的外语知识，为学生介绍国际标准与国际规则。目前所用的教材仅介绍了中国标准化的基本内容，并且有些标准已经过时却一直沿用，而介绍国际标准的内容几乎没有。为弥补教材缺少国际标准的不足，课堂中可适当引人国际标准(dimensioningandtolerancing)的双语教学，这不仅使学生通过双语教学了解国际标准，从中比较国标与国际标准的异同，而且还能提高学生的专业外语水平，扩展其知识面。在课堂教学中适当讲解带有各种标注公差的实际工程外文图纸，以强调基本概念及标准的实际应用，引导学生正确掌握和运用有关标准。提高学生读取、应用各种图纸(包括外文图纸)的能力，提高学生工程实践能力，为学生毕业后很快进人工作状态打下很好的基础。 五、改革传统考核 考试是教学过程的最后一个重要环节，是学生对本课程所涉及知识的系统复习过程，由于该课程的名词术语、抽象概念多，工程性强(涉及许多工程实际问题，且需要查取数据表)。若采用传统的闭卷考试方法，学生在考前复习中会把主要精力放在死记硬背教材知识点上，这不利于学生理解和选用标准进行精度设计。为使学生更好地消化所学的内容，培养学生利用理论知识点解决实际工程问题的能力，本门课程的考试宜采用开卷考试。试题采用试题库出题的方法。因为每学期为了出一份考查知识点全面、分值分布合理的试卷，花费的精力及时间很多，对试卷考核的重点、难点、题型也有一定的随意性。而采用试题库出题，不仅在很大程度上降低了教师命题、成卷的工作量.又以此有效客观地评定每年的教学效果。 六、结语 由于《互换性与技术测量》课程具有较强的工程性，按照传统的教学模式—重理论、轻实验，已不适应当今用人单位对该类人才的需求，因此，《互换性与技术测量》课程的教学方法、手段等改革势在必行。 多媒体教学技术论文:多媒体教学技术研究论文 尊敬的朋友：此篇文章由本站老师独家原创写作，版权归会员所有，普通VIP会员无权查看，服务咨询电话：0825-6698000。 [摘要]多媒体技术具有整合性、集成化、多维式、数字化和分布式等技术特点。运用多媒体教学技术教学当今社会的一种是优化教学的重要方式。而多媒体教学技术不仅依赖于计算机技术，而且还要考虑学习者的心理特点和教育学基础。在教育中应用多媒体技术，应开发多媒体教学软件，注意应用创作工具和虚拟现实等技术，可以使现代教学用声音媒体、光学媒体和动画媒体来交换信息，它在教育中有着广泛的前景。 [关键词]多媒体教学；多媒体技术；计算机技术；心理学；教育 多媒体教学的发展，与其技术的发展有直接关系。在一些相关论著中，学者们更多的是对多媒体教学技术的论述，强调的是技术，而很少涉及学习者和教育者这样的“人的因素”。虽然对多媒体教学技术的研究是不可缺少的，但是探索多媒体教学的心理机制和教育基础则更为重要，因为人类是以完全不同的方式来加工多媒体教学的。只有这样，才能在多媒体教学中考虑学习者和教育者的主体性。 一多媒体教学技术及其计算机基础 多媒体与多媒体技术应视为同义词。关于多媒体技术的特点虽然还没有形成共识，但是，也有一些基本的共同之处。多媒体五大特点：1.将不同的媒体数据都表示成统一的结构码流；2.实行新的技术标准体制，以适应系统级集成和规范相关产品的性能指标；3.建设“全球信息高速公路”；4.应用“双向性设计”，统一信息提供者、接受者和控制者的关系；5.赋予信息系统对客观世界信息的自然模拟与处理能力。 (一)多媒体技术的特点 1.整合性。多媒体实时地综合，把文本、图形图像、声音、动画以及视频这些媒体中组成两种或两种以上的结合体，为的是借鉴各种媒体的优势，形成一种在功能上更加完善的体系。 2.集成化。多媒体表示的并不单纯是信息的多样性，而是通过多种媒体表现、多种感官认知、多种仪器设备、多学科汇聚、多领域应用等交互作用，集成信息码流、设备控制、人与客观现实关系的一体化。 3.多维式。多媒体是趋于人性化的多维信息处理系统，目标是要尽可能实现让人类在现实生活的自然环境下，保持信息交流的高保真效果、通信带宽和交互控制能力。 4.数字化。多媒体具备数字化处理系统，其信息是一种数字化的信息，其信息结构是一种超媒体的网状式结构，所以高速宽带网络支持多媒体通讯和资源共享，建造全景化虚拟世界数据库成为现实。 5.分布式。目前，多媒体技术正朝着分布式的方向发展。分布式多媒体是一门综合性技术，它集计算机的交互性、网络的分布性和多媒体信息的综合性于一身，突破了计算机、通信等传统产业间相对各自独立发展的界限，是计算机和通信领域的一次革命；分布式多媒体的发展涉及两个关键性的技术问题，一个是多媒体网络技术，网络的频宽、信息的交换方式及网络的高层协作，这直接决定着网络质量；另一个是数据压缩技术，使信息量巨大的多媒体数据、特别是视频和声频数据得以在网络上传输；分布式多媒体向社会提供全新的信息服务，使用户不但可以选择播放的节目以及内容，而且还可利用此系统得到诸如咨询、交流等信息服务。 (二）多媒体并不是多媒体计算机的代名词。 多媒体计算机只是多媒体的一个特例。它既有计算机的显著特性，又有多媒体的功能，所以学校进行多媒体教学时，通常以多媒体计算机为载体。然而，多媒体计算机仅仅是多媒体系统中的一个分系统，因此，它常常被认为是多媒体中的一个典范，或者说是多媒体的一种狭义的范畴。 二多媒体教学技术及其心理基础 从媒体技术的基础来分析，多媒体教学技术离不开视觉媒体技术、听觉媒体技术和触觉媒体技术等。多媒体信息是这些媒体信息数字化后整合而成的，如前所述，数字化技术是多媒体技术的基础技术。在数字化的过程中，各种单媒体有各种不同的国际标准，然而，如果重视“感觉通道说”,那么就要在探讨这几个方面的媒体技术问题的同时，必须揭示使用者（尤其是学习者）的感觉、知觉的心理机制，特别是人的视觉和听觉特征。 多媒体教学技术的出现扩展了人们用视觉模式呈现材料的具体途径。视觉材料包括文本信息、图形图像信息、视频信息。这些信息通过视觉媒体技术数字化后整合为多媒体信息。 (一)为了使多媒体教学技术的视觉材料更容易被学习者所接受，就必须要顾及人的视觉心理基础，也就是说，上述视觉媒体技术只有通过视觉心理机制才能实现多媒体教学的目标。这里，我们也要强调四点： 1.多媒体技术要考虑光的物理三属性所引起的视觉的三种心理机制。视觉的刺激是光，光是电磁波，电磁波的范围很广，而人可见的电磁波只占电磁波的一小部分。波长不同，会使我们在视觉上产生色调的差别，从而产生不同的色觉。色觉不仅取决于由波长所引起的色调，还和主观感觉的明度和饱和度有关。明度是对光波强度（振幅）的反应，饱和度则由物体发射或反射的光的纯度来决定。所以，多媒体教学技术在视觉媒体设计上要处理好可见视觉、色调、明度和饱和度这几方面的关系。 2.多媒体教学技术要考虑对感光物质的视觉感受器心理机制。视觉感受器的真正感光器官是视网膜上的一些细胞，其中锥状细胞感觉颜色，棒状细胞感觉明度，这两种细胞中感光物质的化学性质不同，光使这些物质分解，色素被漂白，从而刺激了感受细胞的膜，引起神经冲动。所以，多媒体教学技术在视觉媒体设计上要研究这两种感光物质的化学性质。 3.多媒体教学技术要考虑视觉过程，即眼睛看东西是一个编码过程，视网膜上的不同感受野在视觉中枢有不同的神经细胞，各有其功能，不同的细胞对所刺激信息系统的不同特征分别反应，并像计算机那样编码，这种编码实际是对一些图像的辨认。所以，多媒体教学技术在视觉媒体设计上要利用好视觉感受野与信息的特征。 4.多媒体教学技术要考虑各类视觉现象，特别是决定视力高低的视角、强弱光下的适应、视觉后暂留的后像、不同背景的视觉对比、不同明度下对不同光波长的感受性等等造成视觉的各种差异。所以，多媒体教学技术在视觉媒体设计上要运用各类视觉现象产生的规律。 (二)在多媒体教学技术中，视听是紧紧地联系在一起的。在计算机环境下，眼睛知觉动画图像，耳朵则知觉解说语言；在演讲的情境中，视觉通道加工投影仪上幻灯片的内容，听觉通道则加工演讲者的声音。听觉材料主要是声音，包括语言信息、音乐信息和效果声信息。这些信息通过听觉媒体技术上数字化后整合为多媒体信息。在这一过程中，我们从技术角度作如下三点说明： 1.声音信息尽管是一种一维的模拟信号，它可以通过采样、量化、码字分配实现数字化，但它比文本信息的数据量要大，通常采用呈现声音和声音合成技术。 2.声波是起源于发声体的振动，在弹性媒质中传播的是一种机械波。它在气体或液体媒质中传播的是纵波，在固体媒质中传播的则是纵波、横波或两者的复合。声音信号有时域特征、频域特征和声色与失真特征。 3.声频或音频是人耳可闻的振动频率，频率范围每秒钟约为20-20000次（赫兹），声频信息数字化后其数据速率大、保真度好和动态范围大。当然，对于不同类型的声频信号，其信号带宽是不同的，电话、调幅广播、调频广播和激光唱盘等的声频信号是有较大区别的。随着声频数字化的发展，压缩编码技术是多媒体教学技术的关键之一。(三)要使多媒体教学技术的听觉材料被学习者更容易接受，也必须顾及人的听觉心理基础。这里，我们仅作两点分析： 1.多媒体教学技术要考虑声音的物理三属性所引起的听觉的三个特征。正像光有三种物理属性一样，声音也有三种属性，即振动的频率、振幅的大小、基音与陪音的倍数配合关系，以及所产生的听觉的音调（或因高）、音强（或响度）和音色的三个特征。人对不同音调的感受性是有差别的，尽管声频在20-20000Hz范围，但声频为1000-4000Hz之间音调感受性较好（即阈限较低），这是由于耳膜神经纤维承担的振动频率所决定的。测量音强的方法以分贝（dB）为单位，这是物理学与心理学都认可的，即两个声音之间的强度比率为1∶1.26（1分贝），因为1.26是能清楚辨别出两个声音振幅大小的区别。人的音色是由基音和陪音的不同比例的配合决定的。在音调和音强相同的情况下，人们之所以能够分辨出是哪种琴所演奏的曲子，正是由于不同琴的基本振动（基音）与分段振动（陪音）的比例是不一样的，这种比例成整数倍数为乐音，不成整数倍数则为噪音。所以，多媒体教学技术在听觉媒体设计上要利用好音调、音强和音色的三个特征。 2.多媒体教学技术要考虑听觉的感受野。因为听觉神经细胞是有分工的，研究指出，听觉中枢神经细胞有40%只反应噪音而不反应乐音，另外60%的神经细胞对乐音的反应也有分工。冲动频可以出现在声音的出现时，可以出现在声音消失之后，也可以出现在声音出现和消失的一刹那；可以在声频降低时发生变化，也可以在声频升高时发生变化。 由此可见，我们在分析多媒体教学的相关技术的同时，也要注意学习者的心理基础，因为学习者是以特有的心理活动的方式来加工视觉和听觉等媒体信息的。 三、多媒体教学技术及其教育基础 (一)在教育中应用多媒体技术，首先是多媒体教学软件的开发，此外，创作工具和虚拟现实等技术也在教育中应用。每一种技术既为教育服务，又有其教育的需要和基础。由于教育对象是人，所以在教育中不管怎样去应用多媒体技术，都要体现每一种技术为人服务，并把学习者和教育者的要求作为出发点。 (二)多媒体创作工具是指能够集成处理和统一管理文本、图形、静态图像、视频影像、动画、声音等多媒体信息，使之能够根据用户的需要生成多媒体应用软件的编辑工具。当前，多媒体创作工具的种类归纳起来主要有以下三种类型： 1.交互式流线或图标编辑控制型，编辑人员按照脚本的要求将选定的不同类型的图标根据需要一一放置于流线上进行编辑。 2.描述式页控制型，将多媒体素材根据需要编辑在一幅画面之中形成一页书，再将页与页之间按一定的调用关系联系起来以形成一本书的概念，不同页之间根据需要交互性地呈现即形成多媒体应用软件。 3.时间流程型，这类工具在编辑信息时显示出较强的时间前后顺序，即时间流程（TimeLine），主要用来编制一些简报类的程序。 多媒体教学技术论文:化学实验中多媒体教学技术的运用 摘要：在化学教学中，实验是非常重要的一部分。化学实验对化学的学习非常关键，它能够使一些化学现象在实验中得到展示。在化学实验中，经常会需要对整个实验过程进行演示，然而，受到不同因素的影响，可能不能够展开实验，或者是效果不好，这就会对学生的学习带来很大的麻烦。因此，在多媒体盛行的今天，把多媒体运用到实验中会给实验带来不同凡响的效果，会使实验过程非常清晰的展现在同学面前，让学生对化学实验非常清晰地进行观察，从而使化学教学有很大提升。 关键词：化学实验 多媒体教学技术 浅析 高中化学更加注重实验，它对自然科学进行研究，如果单纯地进行讲解，有的地方学生是不能够理解的，没有事物学生记忆起来也非常困难。多媒体教学技术在化学实验中非常重要，它用图片或者视频等形式，把化学实验清晰的展现在学生面前，让学生对实验的全过程了如指掌，让他们非常清晰地观察到实验的变化，这就改变了以前的教学缺陷，使课堂更加清晰和生动，学生就会产生很大兴趣。 一、对实验内容进行导入，调动学生学习乐趣 不管做什么事情，开头是非常难进入状态的。所以，要抓好开头，这是非常重要的。在化学使用课程中，开头也是非常重要的。如果一开始老师能够运用各种方法把学生的注意力都集中起来，那么这堂实验课就成功了百分之五十。所以，老师要在实验一开始就调动其学生兴趣，让他们愿意去学，愿意去听。因此，多媒体教学就必不可少。它通过图片和视频等形式，让学生眼前一亮，一些图片和视频非常有趣，而且趣味性非常强，它使学生的注意力一下子都集中起来，从而使化学实验课产生了不一般的效果，使课堂质量提高了一大截。比如，在讲解原电池原理的时候，可以设计一个化学实验，把铁片和铜片放入到稀硫酸中去，先把导线连接铁片和铜片，然后放入稀硫酸，通过多媒体把这个实验展示出来，因为对这部分知识不太熟悉，学生好奇心非常的强烈，这样就激发出他们学习兴趣，积极投入到学习和思考中去，这样就会记牢知识。 二、使实验效果增强，加强学生思考 因为学校的条件比较简陋，有时候进行化学实验非常不现实，不是缺少实验设备，就是缺少实验场地，在加上有的实验本身危险性很大，因此，就使得化学实验被搁置起来。另外，传统实验方法设备少，地方大，这样学生观看起来就非常不清楚，很多的学生都挤在一起观看，非常的不清楚，很多的同学都看不到，这样就会降低实验的效果，很多实验过程变化非常快，往往是一瞬间就消逝了，学生就很难看到所发生的变化，结果学生对实验就不能有很深的印象。现在，通过多媒体就能够解决这些缺陷。多媒体可以把一些微小的实验进行放大，这样就能够使所有学生都清晰看到，还可以使一些迅速的化学现象放慢，使学生非常详细的观察实验，从而使学生积极思考。比如，在学氧化硫、氯气制取时，因为他们都有毒，在操作中会对学生和老师会带来很大危害。在氯气和甲烷反应时，会发生更大危险，操作中就会更加不方便。因此，这些危险的实验，通过多媒体会更加安全，而且观察的也非常清晰，不仅不会影响教学效果，而且还会让学生们主动去观察实验过程，让他们积极思考。比如，在试管中，用氢气去还原氧化铜，黑色的氧化铜会变成红色的物质，而且还会在试管口处有小水滴，如果离的远，就会看不到这小水滴。这样，运用多媒体技术，把试管口处的小水滴进行放大，学生就会非常清晰地看到小水滴，就能够对其进行观察和思考。 三、通过多媒体进行补充背景知识 对背景知识进行补充，可以运用多媒体技术。在化学课堂中，化学原理非常多，而且这些原理非常深奥、难理解。学生们对这些原理感到非常头痛，觉得就像拦路虎，怎么都过不去，不知道该怎么学习。如果，把这些原理的背景资料补充完整，就会使化学学起来非常容易。比如，关于爆炸性的学习，可以通过多媒体把诺贝尔发明炸药的例子展示出来，这样学生们就能够很容易理解了。老师可以找出几个爆炸的画面，通过多媒体放映出来，这种爆炸的场面就会对学生视觉产生很大的冲击，使他们更好地学习爆炸。总之，在高中化学实验中，可以运用多媒体技术，使课堂变得更加生动、有趣，而且富有活力。多媒体会把学生的注意力集中起来，让他们主动去学习、主动去观察，主动去思考，使课堂气氛更加活跃起来。但是，作为多媒体技术也不是全部都在化学实验中运用，也不是越多越好，不能滥用。作为一名化学教师，要认识到多媒体技术只是一种教学手段，而不是教学的所有。所以，在高中化学实验中，要合理运用多媒体，这样才能效果更加明显，才能使化学实验课取得更好效果。 作者：王俊红 单位：山西省临汾市第二中学校 多媒体教学技术论文:多媒体教学技术对古代文学课程的影响 摘要:根据同行建议、古文及其他专业老师看法和学生意见为对象，采用灵活性强的采访方法进行采访，可发现多媒体教学对中国古代文学课堂有不良影响。高等教育理当主张抛弃采用多媒体技术在古代文学课堂中的教学模式。教学质量的评判标准不该以是否采用课件作为绝对考核条件，而应该根据古代文学的专业特征进行相对的综合评定。高等学校应当严谨追踪查实并估测专业老师使用多媒体的重要性与真实效果。 关键词:多媒体教学;中国古代文学;采访建议;不良影响 0前言 随着科学技术的快速发展，多媒体在大学课堂的广泛应用某种程度上已是信息时代的必然趋势。本世纪以来，高等教育从精英教育转变为大众教育及信息技术的快速普及，使得大学教室的配备更加多媒体化，极大推动了多媒体教学的发展。从教师多媒体教学的经验来看，多媒体教学并非适合所有学科，学科特点是影响多媒体教学适用性的重要因素。就我们所讨论的中国文学来说，多媒体的应用在某些方面有其重要性，然而有时候人们过于肯定了它在实际教学中的必要性，导致其在某种程度上产生不良作用。为了充分认识并理解媒体教学对古代文学课堂的不良影响，笔者对其进行了调查研究。 1调查情况阐述 因实际情况，笔者以采访的形式搜集资料，考虑研究的主题，综合自身授课和听课的感想整合出以下几个要点。 1．1采访主题 古代文学教学使用多媒体的不良影响。 1．2采访人物 负责古代汉语教学的教师大约15人;古代文学、现代文学理论、外国文学专业老师各3人;中文专业本科生30人。 1．3资料整合方法 以在相对轻松的环境为谈话场所来搜集资料，选择笔者有针对性的记录内容概括整合出所要的信息。 1．4采访情景 以座谈会、学术聚谈和日常聊天的方式对古代汉语同行进行采访为主。在聚餐中对古代文学、现代文学理论及外国文学专业的教师采访，以笔者的工作特点采用两种方式对30名中文专业学生进行采访。一方面，．因笔者给此专业本科生讲授汉代文学，所以采访就以课间交流的模式进行。2另一方面，笔者近年来从事毕业论文指导，在工作方便之余通过看学生论文了解到多媒体在古代文学课堂上的负面影响，以此进行采访。 1．5整合访谈内容的方法 (1)因研究课题为“古代文学课堂使用多媒体的不良影响”，为达到与内容相一致的效果，关于多媒体正面作用的内容，一律没有录用。(2)为使研究更具说服力，在进行学生访谈意见整合时主要录用那些正在准备中文研究生考试并有一定古代文学素养的学生的意见。(3)所述内容类似时只录入一次。采访看法较为口语化出时笔者根据需要进行适当修饰。 2汉语文学老师看法的简述 笔者从多媒体在教与学中的负面作用的角度出发对不同等级的很多古代汉语老师进行采访，得出以下结论:从教的角度:(1)多媒体的使用需要设备的支持，一旦设备故障，会影响教学进度。以A老师(汉语文学老师)的例子来说:她原本想是用多媒体，但使用过程中突然黑屏。这种状况下即便维修人员及时赶来修理，但教学进度和师生心情都遭到破坏，大大降低了课堂的质量;(2)客观看待对多媒体在古代汉语课堂上的使用。B老师认为，汉语文学的内涵是朴素，这种品质要求我们笔墨纸砚是最好的传承文化的方式。所以透过屏幕所传递出来的东西并不能真正的直击人心;(3)C老师因工作需要，经常去听同行的专业课。他发现好多老师们是被迫使用多媒体教学的，因为他们觉得现代化的课堂就应该用多媒体。有些老师觉得屏幕显示方便了自己的教学。从学的角度大概包括以下几点:(1)D老师觉得，学生通过课件拷贝而非动手记笔记的方式去学降低了学习的效率。其次，学生主观认为老师所讲就是课件上的内容，自己课后可以自己学，这导致他们在上课时不注意听讲，错过了老师的讲解;(2)E老师认为，讲师的教学情绪会不自然的被身边的机器干扰使用，这直接导致学生心情也变得沉闷压抑，也会让活跃积极的学生显得很浮夸;(3)F教师表示，多媒体毕竟是以光电技术为主的现代科技，而这些光电并不能在汉语文学课堂中达到人文精神传承的效果。所以，我们需要淡化光电在汉语文化课堂中的使用。 3其他中文专业教师的意见概要 本人通过举办一次聚会同样从教与学两个方面采访了其他中文专业的若干老师，包括上文所提到的，在此就不一一列举了，其负面影响主要为:从教的方面:(1)G老师觉得:记诵是学习中国古代文学的必经之路，一个好的老师不应该是学富五车，出口成章的那种，这样的才能根本无需使用多媒体，上课就能滔滔不绝。相反，过度使用多媒体反倒使老师懈于丰富自己的知识，这样对传统教育是严重的打击;(2)H老师表示:多媒体教学与古代文学的学习指向相违背。我们学习古代文化是为了使人情得到练达，这应该是一个心灵的交流。可是多媒体却使课堂变得机械化，甚至是过于呆板，这一切都不利于古代文化的学习;(3)I老师认为:汉语古代文学源远流长，某种程度上代表了中国文化，包含着我们民族的自信，通俗点讲这是与西方完全不同的只属于中国的珍贵的东方文化。但多媒体技术却是西方科技发展的产物，用西方科技来传递东方文化隐约都会让人感觉到西方文明的压迫感，这对中国文化的传播是不利的。从学的方面:(1)J老师觉得:多媒体的使用中国古代文学课堂会出现古今杂糅的不和谐氛围，这对古代文学知识的传递是个干扰信号;(2)K老师表示:与文学理论课堂不同，中国古代文学课堂的宗旨是透过教学努力使学生克服文字差异、理解错误、语言传达障碍等一些列困难而“直达作家心源”。多媒体机器对于学生追求与古人“心灵想通”是一个让人头痛的重要干扰因素;(3)L教师认为:长期使用多媒体，使学生将关注的对象从老师转移到屏幕，长期以往老师的素质和才能就得不到重视。 4中文专业学生想法概述 笔者同样从教与学两个方面分别采访了若干位多位涉及中文专业且都上过《中国文学史》这门课的大学生和研究生，总结出使用多媒体的负面影响，内容如下:从教的角度:(1)大一教材上说，魏晋南北朝时期的‘文’，主要是用华丽的语言进行修饰，从而表达出内心的所想。所以这一时期“辩说”的文化氛围很浓烈。如果老师上到这段内容时使用多媒体则无法是学生领悟其中要领;(2)对大二课堂的看法:像《赠汪伦》这种令人回味无穷的唐诗，图片的展示反而使诗中的朦胧意境被破坏掉。这同时也是老师对自己讲课不自信的一种表现，如果讲解很生动又何须用图片来增强学生的理解呢?(3)针对大三课堂的看法:很多老师觉得在课堂上放一些经典著作翻拍的影视剧会活跃课堂氛围。但学生未必这样想，反而会觉得老师在图省事;(4)大四毕业生的看法:过多的多媒体使用让学生产生一种老师的注意力在屏幕而不在学生的错觉。从学的角度:(1)大一课堂的意见:先秦文学中提到到了很多的名物，老师为了让学生对名物有一个大致的认识会用多媒体展示相对应的图片。但过多的文物图片让学生分不清主次，觉得这是来文物考古还是学习古代文化?(2)对大二课堂的看法:现代很多音乐都是在古代诗词上谱曲的，比如李清照词。很多老师为了提高学生的兴趣，会选择在学习过程中播放音乐。虽然配乐使学生对李清照词中的婉约有了一些意会，但学生如果不够清醒就把这首现代曲子误当成李清照那个时代的音乐，这样就会产生一些歧义。若学生太过清醒，就会在潜意识里排斥这种仿古作品;(3)对大三课堂的看法:透过影视作品来学习古代文学作品也许适合艺术专业学生，但对文学专业的学生来说，这绝非良策。文学学的是作品本身，过多的视角效果反而会让学生形成思维定势，局限了学生的想象力;(4)大四毕业生的看法:用多媒体进行古代文学教学，仅仅方便了我们的学习过程，其效果未必有老师直接讲课，学生记笔记的方式好。 5综合以上访谈的分析 (1)多媒体教学的不良影响具有普遍性，不光在古代文学，同样存在于其他学科。2004年，美国一著名调查研究所以“高等教育的教学技术问题”为主题在全国进行调查。综合多所不同类型的大学生的访谈结果，得出以下结论:大多数学生觉得，一些老师比起在黑板上直接写教学内容，使用多媒体教学的效果反而更差。这表明多媒体教学的不良影响在全球是一个普遍的问题。(2)多媒体教学的不良影响是新事物发展的必然过程。多媒体教学对于中国古代文学学习的必不可少性，现在依旧不能清楚的表明。正如上面访谈所提到的，多媒体教学如今正在一点一点的吞噬传统的古代文学的教学模式，这些都导致了老师和学生在很多方面的不适应。也许多媒体的综合性对文字的淳朴和简单是一种摧残。(1)因为中国古代文学是一个关乎人情和内心感受的学科，而多媒体的使用却与这一学科属性相违背，这就是造成多媒体教不良影响的关键因素。古代文学的优秀是人文主义精神，其主要内容包括:“心灵”和“情意”。这种人文精神告诉我们最好的古代文学课堂应该是师生之间心灵上的沟通，思想上的辩论，这样才能通透先人的内心世界。这样学生才能达到老师们心目中“才气充盈”和“诗意通达”的理想状态。然而多媒体的使用却对古代文学课堂造成了“课件干扰”:有老师埋怨光电技术对自己的情绪造成不良影响;有老师觉得讲台上的机器设备使师生产生了心灵隔阂，让内心交流变得苍白无力;学生指责多媒体教学过于注重试听效果，这淹没了他们对文字本身产生的情感。拿古代文学课堂来说，多媒体的使用将形式表现得太过露骨，一点也没有古代文学的含蓄之意，更别提内心世界了，学生的情感都被光电机器设备挤掉了，这使得形式和内容的主次关系发生对调，形式反倒凌驾于内容之上了。综合的说，多媒体教学便捷了大学课堂的教学，但却使得古代文学的人文精神消磨殆尽。 6结束语 综合以上的观点，即使多媒体教学在大学古代文学课堂中的应用已是司空见惯，然而它的必不可少性和优越性在教学实践中并没能完全展现，也没有足够理论来反驳这一观点。相反它的不良影响却成为了高等教育中存在的一个显著问题。面对这种情形本人提出以下建议:(1)大学教务处要对这种感受给予理解，改变支持利用多媒体进行古代文学教学的立场。(2)对古代文学课进行教学测评时应考虑该学科的属性，客观合理的给出一个综合评价。(3)综合多媒体教学为主的中国古代文学课堂和老师使用多媒体的真实效果两方面，考虑多媒体产生的不良影响，对使用多媒体的课堂效率进行调查核实与谨慎评估。 作者：范萍 单位：陕西职业技术学院 多媒体教学技术论文:多媒体教学技术基础教学 摘要：多媒体技术具有整合性、集成化、多维式、数字化和分布式等技术特点。多媒体教学是在这些技术特点的基础上实施的。多媒体教学技术不仅依赖于计算机技术，而且还要考虑学习者的心理特点和教育学基础。多媒体计算机技术可以使家用电脑用声音媒体、光学媒体和动画媒体来交换信息，它在教育中有着广泛的前景。在教育中应用多媒体技术，应开发多媒体教学软件，注意应用创作工具和虚拟现实等技术。 关键词：多媒体教学；多媒体技术；计算机技术；心理学；教育 多媒体教学的发展，与其技术的发展有直接关系。在一些相关论著中，学者们更多的是对多媒体教学技术的论述，强调的是技术，而很少涉及学习者和教育者这样的“人的因素”。虽然对多媒体教学技术的研究是不可缺少的，但是探索多媒体教学的心理机制和教育基础则更为重要，因为人类是以完全不同的方式来加工多媒体教学的。只有这样，才能在多媒体教学中考虑学习者和教育者的主体性。 一、多媒体教学技术及其计算机基础 多媒体与多媒体技术应视为同义词。关于多媒体技术的特点虽然还没有形成共识，但是，也有一些基本的共同之处。早在1996年，吴炜煜先生在《多媒体世界》撰文提出了多媒体五大特点：1.将不同的媒体数据都表示成统一的结构码流；2.实行新的技术标准体制，以适应系统级集成和规范相关产品的性能指标；3.建设“全球信息高速公路”；4.应用“双向性设计”，统一信息提供者、接受者和控制者的关系；5.赋予信息系统对客观世界信息的自然模拟与处理能力。［1］华中师范大学傅德荣教授认为，多媒体特点主要有：1.整合性，通过计算机实现多种单媒体的整合；2.数字化，将各种单媒体变换成数字信息，读入计算机进行统一的整合，数字化技术是多媒体技术的一种基本技术；3.交互性，交互成多媒体系统；4.超媒体，是一种网状式的结构形式。［2］3黄孝建先生主编的《多媒体技术》一书指出，“多媒体技术是一种能同时综合处理多种信息，在信息之间建立逻辑联系，使其集成为一个交互式系统的技术。”“多媒体的关键性在于信息载体的多样性、交互性和集成性。这也是多媒体技术研究中必须解决的主要问题……多媒体系统一般具备如下功能：捕捉、操作、编辑、存储、呈现和通信，为用户服务。”［3］ 根据以上关于多媒体技术的几种观点，我们认为，多媒体技术主要有5个特点：一是整合性。多媒体实时地综合，把文本、图形图像、声音、动画以及视频这些媒体中组成两种或两种以上的结合体，为的是借鉴各种媒体的优势，形成一种在功能上更加完善的体系。二是集成化。多媒体表示的并不单纯是信息的多样性，而是通过多种媒体表现、多种感官认知、多种仪器设备、多学科汇聚、多领域应用等交互作用，集成信息码流、设备控制、人与客观现实关系的一体化。三是多维式。多媒体是趋于人性化的多维信息处理系统，目标是要尽可能实现让人类在现实生活的自然环境下，保持信息交流的高保真效果、通信带宽和交互控制能力。四是数字化。多媒体具备数字化处理系统，其信息是一种数字化的信息，其信息结构是一种超媒体的网状式结构，所以高速宽带网络支持多媒体通讯和资源共享，建造全景化虚拟世界数据库成为现实。五是分布式。目前，多媒体技术正朝着分布式的方向发展。分布式多媒体是一门综合性技术，它集计算机的交互性、网络的分布性和多媒体信息的综合性于一身，突破了计算机、通信等传统产业间相对各自独立发展的界限，是计算机和通信领域的一次革命；分布式多媒体的发展涉及两个关键性的技术问题，一个是多媒体网络技术，网络的频宽、信息的交换方式及网络的高层协作，这直接决定着网络质量；另一个是数据压缩技术，使信息量巨大的多媒体数据、特别是视频和声频数据得以在网络上传输；分布式多媒体向社会提供全新的信息服务，使用户不但可以选择播放的节目以及内容，而且还可利用此系统得到诸如咨询、交流等信息服务。多媒体教学正是在上述5个技术特点的基础上实施的，这些技术特点，为我们提供了教学领域内各种综合性的信息服务，并帮助地理位置不同、时间安排不同的用户，克服各种障碍来共同完成教学任务。由此可以看出，在对多媒体教学技术及其计算机基础的理解中，我们不仅要重视计算机的技术，而且也要关注人与机器的关系、人性化的系统和用户至上的观念。 多媒体并不是多媒体计算机的代名词。多媒体计算机只是多媒体的一个特例。［4］它既有计算机的显著特性，又有多媒体的功能，所以学校进行多媒体教学时，通常以多媒体计算机为载体。然而，多媒体计算机仅仅是多媒体系统中的一个分系统，因此，它常常被认为是多媒体中的一个典范，或者说是多媒体的一种狭义的范畴。 多媒体教学为什么要应用多媒体计算机？计算机虽然也是单一的媒体，但它同电视、音响的不同之处就在于它具有强大的扩展性。就目前的科技水平来说，只要在计算机内加上适当的部件，就多了相应的媒体功能，对于多媒体教学来说，非常简便、经济，更重要的是它还能“胜任”多媒体教学的功能，是不可多得的优质的技术设备，必然被学校广泛应用。多媒体计算机正在以我们无法想象的速度发展。其主要作用是让计算机的使用和操作更加接近于人们的日常生活，使人们在日常生活中用各种各样的媒体交换信息。如使用纸张、广播和电视交换新闻、消息和知识。多媒体计算机技术可以使家用电脑用声音媒体、光学媒体和动画媒体来交换信息，它在教育中有着广泛前景。在多媒体教学中，它主要通过文字、声音、图形图像以及视频与动画这4个方面媒体的形式呈现出教学软件，掌握这四方面媒体的制作，成为制作多媒体教学软件的基本技能基础。 二、多媒体教学技术及其心理基础 从媒体技术的基础来分析，多媒体教学技术离不开视觉媒体技术、听觉媒体技术和触觉媒体技术等。多媒体信息是这些媒体信息数字化后整合而成的，如前所述，数字化技术是多媒体技术的基础技术。在数字化的过程中，各种单媒体有各种不同的国际标准，然而，如果重视“感觉通道说”［5］，那么就要在探讨这几个方面的媒体技术问题的同时，必须揭示使用者（尤其是学习者）的感觉、知觉的心理机制，特别是人的视觉和听觉特征。 多媒体教学技术的出现扩展了人们用视觉模式呈现材料的具体途径。视觉材料包括文本信息、图形图像信息、视频信息。这些信息通过视觉媒体技术数字化后整合为多媒体信息。在这个过程中，我们对其技术上要作四点说明：第一，视觉媒体是一个非常复杂的信息系统。文本信息是文字信息的集合，它既是一种符号系统，又具有颜色、大小和种类等特征；图形是点、线、面、体等信号的集合，以面为例，不仅指一般的平面图，还包括曲线、地图、设计图等；图像是静止图像和活动图像的集合，所谓视频信息就是活动或运动的图像信息，它由一系列时间轴（周期）呈现的画面构成。第二，视觉媒体信息的数字化是根据上述各种视觉媒体信息的特征进行的。不管是文本信息还是图形信息，它们的数字化都是各自按编码的国际标准完成的。第三，视觉媒体的各种信息根据不同信号实现数字化。静止图像是一种二维信号，先要经过扫描转换成一维信号，再经过采样、量化、编码实现数字化；活动图像的视频按一幅一幅的静止图像以一定周期展示，每一幅的数字化方法与静止图像类似。第四，视觉媒体信息处理是一种按照物理学原理进行的技术。它们都是利用光电和电光转换原理，把光学图像转换为电信号进行处理后再还原为光图像。 为了使 多媒体教学技术的视觉材料更容易被学习者所接受，就必须要顾及人的视觉心理基础，也就是说，上述视觉媒体技术只有通过视觉心理机制才能实现多媒体教学的目标。这里，我们也要强调四点：第一，多媒体技术要考虑光的物理三属性所引起的视觉的三种心理机制。视觉的刺激是光，光是电磁波，电磁波的范围很广，而人可见的电磁波只占电磁波的一小部分。波长不同，会使我们在视觉上产生色调的差别，从而产生不同的色觉。色觉不仅取决于由波长所引起的色调，还和主观感觉的明度和饱和度有关。明度是对光波强度（振幅）的反应，饱和度则由物体发射或反射的光的纯度来决定。所以，多媒体教学技术在视觉媒体设计上要处理好可见视觉、色调、明度和饱和度这几方面的关系。第二，多媒体教学技术要考虑对感光物质的视觉感受器心理机制。视觉感受器的真正感光器官是视网膜上的一些细胞，其中锥状细胞感觉颜色，棒状细胞感觉明度，这两种细胞中感光物质的化学性质不同，光使这些物质分解，色素被漂白，从而刺激了感受细胞的膜，引起神经冲动。所以，多媒体教学技术在视觉媒体设计上要研究这两种感光物质的化学性质。第三，多媒体教学技术要考虑视觉过程，即眼睛看东西是一个编码过程，视网膜上的不同感受野在视觉中枢有不同的神经细胞，各有其功能，不同的细胞对所刺激信息系统的不同特征分别反应，并像计算机那样编码，这种编码实际是对一些图像的辨认。所以，多媒体教学技术在视觉媒体设计上要利用好视觉感受野与信息的特征。第四，多媒体教学技术要考虑各类视觉现象，特别是决定视力高低的视角、强弱光下的适应、视觉后暂留的后像、不同背景的视觉对比、不同明度下对不同光波长的感受性等等造成视觉的各种差异。所以，多媒体教学技术在视觉媒体设计上要运用各类视觉现象产生的规律。在多媒体教学技术中，视听是紧紧地联系在一起的。在计算机环境下，眼睛知觉动画图像，耳朵则知觉解说语言；在演讲的情境中，视觉通道加工投影仪上幻灯片的内容，听觉通道则加工演讲者的声音。听觉材料主要是声音，包括语言信息、音乐信息和效果声信息。这些信息通过听觉媒体技术上数字化后整合为多媒体信息。在这一过程中，我们从技术角度作如下三点说明：第一，声音信息尽管是一种一维的模拟信号，它可以通过采样、量化、码字分配实现数字化，但它比文本信息的数据量要大，通常采用呈现声音和声音合成技术。第二，声波是起源于发声体的振动，在弹性媒质中传播的是一种机械波。它在气体或液体媒质中传播的是纵波，在固体媒质中传播的则是纵波、横波或两者的复合。声音信号有时域特征、频域特征和声色与失真特征。第三，声频或音频是人耳可闻的振动频率，频率范围每秒钟约为20-20000次（赫兹），声频信息数字化后其数据速率大、保真度好和动态范围大。当然，对于不同类型的声频信号，其信号带宽是不同的，电话、调幅广播、调频广播和激光唱盘等的声频信号是有较大区别的。随着声频数字化的发展，压缩编码技术是多媒体教学技术的关键之一。 要使多媒体教学技术的听觉材料被学习者更容易接受，也必须顾及人的听觉心理基础。这里，我们仅作两点分析：第一，多媒体教学技术要考虑声音的物理三属性所引起的听觉的三个特征。正像光有三种物理属性一样，声音也有三种属性，即振动的频率、振幅的大小、基音与陪音的倍数配合关系，以及所产生的听觉的音调（或因高）、音强（或响度）和音色的三个特征。人对不同音调的感受性是有差别的，尽管声频在20-20000Hz范围，但声频为1000-4000Hz之间音调感受性较好（即阈限较低），这是由于耳膜神经纤维承担的振动频率所决定的。测量音强的方法以分贝（dB）为单位，这是物理学与心理学都认可的，即两个声音之间的强度比率为1∶1.26（1分贝），因为1.26是能清楚辨别出两个声音振幅大小的区别。人的音色是由基音和陪音的不同比例的配合决定的。在音调和音强相同的情况下，人们之所以能够分辨出是哪种琴所演奏的曲子，正是由于不同琴的基本振动（基音）与分段振动（陪音）的比例是不一样的，这种比例成整数倍数为乐音，不成整数倍数则为噪音。所以，多媒体教学技术在听觉媒体设计上要利用好音调、音强和音色的三个特征。第二，多媒体教学技术要考虑听觉的感受野。因为听觉神经细胞是有分工的，研究指出，听觉中枢神经细胞有40%只反应噪音而不反应乐音，另外60%的神经细胞对乐音的反应也有分工。［6］冲动频可以出现在声音的出现时，可以出现在声音消失之后，也可以出现在声音出现和消失的一刹那；可以在声频降低时发生变化，也可以在声频升高时发生变化。一句话，听东西也是一个编码的过程，即在听觉的范围内也会有视觉中那种感受野的情况。由此可见，听东西绝不是简单的录音，听觉过程是有分工的，是一个侦察器在那里侦察。所以，多媒体教学技术在听觉媒体设计上要揭示听觉感受野，以及反应乐音与噪音信息的特征。 由此可见，我们在分析多媒体教学的相关技术的同时，也要注意学习者的心理基础，因为学习者是以特有的心理活动的方式来加工视觉和听觉等媒体信息的。 三、多媒体教学技术及其教育基础 在教育中应用多媒体技术，首先是多媒体教学软件的开发，此外，创作工具和虚拟现实等技术也在教育中应用。每一种技术既为教育服务，又有其教育的需要和基础。由于教育对象是人，所以在教育中不管怎样去应用多媒体技术，都要体现每一种技术为人服务，并把学习者和教育者的要求作为出发点。 多媒体教学软件是为教育制作的以计算机为基础的教育应用软件，它包括计算机辅助教学软件、计算机管理教学软件以及应用于教育的图标统计类等的实用软件，其中多媒体教学软件是优秀技术。多媒体教学软件的开发，是一项对视觉媒体、听觉媒体和触觉媒体数据加以分析、处理和编辑的过程，这个过程包括两个环节，即设计和制作。在多媒体教学软件的开发设计中，有一个编写稿本的重要技术。傅德荣教授在《多媒体技术以及教育应用》 一书中设专章论述这个问题。他指出，“稿本是表示多媒体教学软件内部结构的各种文档的总和。它是一种多媒体文档。编写稿本的实质是多媒体教学软件的设计”。［2］230这个设计包括三个方面：一是总本设计，涉及内容结构分析、开发策略、超媒体的结构框图和制作原理等；二是详细设计，设计超媒体结构设计、人机界面设计、学习流程设计和框面设计；三是媒体数据设计、涉及静止图像数据设计、视频图像数据设计，动画数据设计和声音数据设计。稿本编写体现出工作的计划和制作的蓝图；成功的稿本编写是多媒体教学软件开发成功的一半，多媒体教学软件就是根据稿本进行制作的。与此同时，多媒体化的教学设计把活动分为三种类型，有课堂型、课外型和知识扩展型。多媒体教学软件设计要从教学实际出发，根据这三种教学模型编制教学软件，前两种属于课程软件，后一种属于参考软件。多媒体教学软件的制作，既需要有多媒体计算机等硬件环境，又需要有多个媒体数据整合而成的软件环境。在制作中，有一个立项、写本、编辑、加工、整合等开发流程；要使用某种算法语言和各种工具的两种方法，强调坚持教育性、可调节性、因材施教和非结构化教材等原则；制作成果是课件，也就是说，是有关课程某一部分内容的多媒体教学材料（包括教科书、参考书、录音带、录像带、幻灯片、影片等），是专为教学活动设计的计算机软件（包括用于控制和进行教育活动的程序，帮助开发、维护程序的文档资料，帮助教师和学生使用程序学习的课本和练习册等）。多媒体教学软件的开发，体现了多媒体技术是计算机教育的最佳手段。因为多媒体教学软件形式丰富多彩、趣味性强，符合学生心理特点；形象直观、生动、活泼，易于理解；有着丰富的教学资源，特别是和国际联网，以获取最新资料；改革教学模式，呈现交互式的教育方式；体积小、分量轻的光盘能容纳庞大的信息等等。多媒体教学软件的开发尽管有一些妨碍教师主导作用的负面影响，但它是各级各类学校教学的需要。现代教育对学习者记忆与学习的要求、师生互动组合方式的要求、个别化教学与因材施教的要求、不同教学环境、不同教学模式的要求等，这些都为多媒体教学软件开发奠定了教育基础。 多媒体创作工具是指能够集成处理和统一管理文本、图形、静态图像、视频影像、动画、声音等多媒体信息，使之能够根据用户的需要生成多媒体应用软件的编辑工具。当前，多媒体创作工具的种类归纳起来主要有以下三种类型：一是交互式流线或图标编辑控制型，编辑人员按照脚本的要求将选定的不同类型的图标根据需要一一放置于流线上进行编辑。二是描述式页控制型，将多媒体素材根据需要编辑在一幅画面之中形成一页书，再将页与页之间按一定的调用关系联系起来以形成一本书的概念，不同页之间根据需要交互性地呈现即形成多媒体应用软件。三是时间流程型，这类工具在编辑信息时显示出较强的时间前后顺序，即时间流程（TimeLine），主要用来编制一些简报类的程序。编制一个优秀的教育软件，我们需要了解诸如软件的使用体、运行环境等问题。其中关系到软件成败的一个重要因素是要了解创作工具的特点，这样，才可根据需要有目的地进行选择。多媒体创作工具与其他工具软件相比，具有以下特点：1.操作简便，易于入门；2.强大的集成性开发环境；3.开发周期的缩短是软件得以投入运作的最好方式；4.具有极大的扩充功能。在软件的制作中创作人员一般都追求一种极大的时效比，也就是在较短的时间内，用较少的原程序求得较好的效果、较高的质量、亮丽的界面和较低的运作环境。因此，如何从众多的多媒体创作工具中选择符合自己最满意的多媒体创作系统，直接关系到以上所罗列的各种要求。一般来讲，选择多媒体创作工具时应从以下几个方面进行考虑：对创作人员，要求其个人能力与经验；对多媒体创作工具运行的环境，我们以PC机的环境作为标准。此外，MAC多媒体系统是一种多媒体的典范；由于多媒体教学软件有诸如教育型、演示型、娱乐型、百科全书型等不同类型，因此，对创作工具的选择要求根据具体需要考虑选取不同的类型。因为不同的多媒体创作工具其适用范围是不一样的。综上所述，现在教育系统使用多媒体教学技术，其质量是受多媒体创作过程影响的。目前，为满足大、中、小学制作多媒体教学软件的需求，在制作软件时需按要求选取适当的创作工具，提高制作人员的业务素质，才能做出质量较高的教育软件。 虚拟现实是一种人和计算机接口的技术，亦称“灵境技术”。它是利用计算机生成一种高度逼真的、模拟人在现实世界中进行视、听、动等行为的虚拟世界。虚拟现实不仅能够展示现实世界的各种现象，而且还能实现现实世界难以实现的特征。虚拟现实通过多种传感设备，使人有很好的临场感，产生身临其境的体验。虚拟现实技术实现人与虚拟环境的自然交互，实现对虚拟系统的自主控制，实现感知的现实、操作的现实和运动的现实所构成的三要素。这里要强调传感设备。它有显示和呈现视听感知现实的立体头盔等设备；有输入人体对虚拟现实操作行为的数据手套等设备；有通过合成和传递方式实现运动现实的计算机模拟等设备。这些传感设备，既有穿戴在人体上的装置，又有设置于现实环境中的传感器，如摄像机、声响设备、远程传感设备等。虚拟现实尽管经费昂贵且有一定实验的危险性等，但作为多媒体教学的一种技术，它在丰富学习环境、为学生扩大知识信息、提高实践能力、增强创造才华等方面还是有教育价值的。虚拟现实的出现，是教学训练、特别是复杂技能和特殊专业训练以及教学评价的需要。如果有条件，教师也可以使用。不少现代教育，如建工、医学、航空、航天等专业的教学，若采用虚拟现实技术，对提高教学教育质量会有很大的帮助。所有这一切，都为虚拟现实技术奠定了教育基础。 多媒体教学技术论文:试探英语多媒体教学技术特性 摘要：现代教育技术在教学中被广泛应用，它可以促进学生智能的发展，提高教学质量，还能提高信息增殖率，扩大教学规模。 关键词：信息技术；课件；多媒体技术 随着科学技术的发展，多媒体技术越来越多地运用于课堂中，它改变了以往的教学模式。传统教学内容单一、手法单调、信息量少、课堂气氛沉闷，教师传授给学生知识的重要方式只有板书。多媒体的出现则大大更新了这一传统教学模式，尽可能地让学生的听觉、视觉、乃至感觉全部调动起来，不再拘泥于听、读的形式，而这种现代化的多媒体教学模式则更好地体现在英语课堂上。 在课堂教学中，教师应尽可能多地利用多媒体教学手段，创造接近生活的语言环境，激发学生的兴奋点，让学生全身心地投入情境中，使所学内容与相应的情境交融，这样才能帮助学生从整体结构上增强感知和把握知识的能力，才能展开初步的交际活动，才能较快地掌握各种场合所需要的恰当的语言。经过几年的试验，笔者认为采用多媒体教学，可以优化英语课堂教学。多媒体在英语课堂教学活动中的作用主要表现在以下几个方面： 一、虚拟情景，营造乐学氛围 新课程标准在“教学中应注意的几个问题”中提出：“教师应根据学生的年龄特征，从学生熟悉的情境和已有的知识出发，开展教学活动”，以激发学生的学习兴趣。这就要求教师在教学过程中，为学生创设一种愉悦的学习情境，使学生乐学。通过自身实践，利用多媒体虚拟情境，的确可以得到较为理想的教学效果。每个学生都带着他的情绪进入课堂，课堂上发生的每一件事都与人的情绪相关。常言道，心情好，一切好。因此积极的情绪是学生从事学习活动的首要条件。 二、营造情境，培养学生的学习兴趣和创新意识 利用信息技术的手段可以更好地为提升学生提供平台。我国学生尤其是农村学生学习英语缺乏语言氛围、语言实践的机会。多媒体集图、文、音、像、画、照片等功能于一体，具有形声、动画兼备的优点，使抽象的教学内容有声有色，声形并茂、生动有趣，从而使教学活动情理交融，有张有弛，学生动脑、动眼、动耳、动口、动手，多种感官共同参与，更准确生动地感知理解和掌握所学知识，所以在营造语言氛围或实践机会方面比其他方法更直接、更有效。 例如，在教学China一课时，笔者先向学生展示五星红旗伴着国歌冉冉升起的视频资料，然后自然过渡到 CapitalcityofChinaisBeijing,FlagofChinaisredwith5stars,TheGreatWallisfamous.等等。同时还展示了说英语的国家的国旗和首都，让学生自己先口头描述然后简单写下这些国家的概况，这些视屏资料已经给学生留下了很深的印象，他们写起来就非常容易，有的学生说都已经背下来了，问可不可以写这节课没有展示到的其他的国家。 又如在讲解What’stheweatherlike?一课时，笔者首先向学生展示四季的图片资料以及每个季节的活动，然后让学生针对每个季节分别进行口头描述，看着春天处处美丽的景色，夏天河里游泳的小伙，冬天雪地里嬉闹的孩童……就连成绩最差的学生也争着回答问题（他们回答前有的问我“teacher，howtosay放风筝和野炊”，“howtosay捉鱼”，“howtosay堆雪人打雪仗？”）。最后留下笔头训练“Myfavoriteseason”时，有学生问：“MayIwritetheseasonsofAustralia,becauseitisdifferentfromthoseinChina?” 三、提供形象，有助于学生理解记忆 英语八年级Unit5Topic1SectionC主要教学任务是通过讨论两部电影的故事情节，进一步学习“联系动词+形容词”这一知识点和学唱其中一部电影的主题歌。笔者提前让学生看了相关的视屏资料，在看之前就给学生提出要求，看完后必须复述故事情节，必须用上联系动词+形容词这一结构。因此，在教这一课时，学生对每个主人翁的外貌特征和心情记忆犹新，在理解课文和独立练习(2workalone)中均不需要教师再讲，而在课堂活动(3classactivities:singthesong)中，学生在看电影时就会唱了。 又如，在讲take(away)和bring(here)的区别时，用两个QQ表情(一个笑着的和一个生气的，均配上了效果声音)，和一些百元的money，当money被take(away)（拿走）了，用哭脸；当money被bring(here)（带来了）用笑脸。学生在这一笑一生气的转换中就记住了这两个（拿）的区别。 可见，多媒体能使静态信息动化，生动形象地呈现教学内容，使学生的大脑处于不停的兴奋状态，帮助学生充分感知，把抽象的知识具体化，把难点知识简易化，容易理解。使学生视、触觉并用，获得的信息灵活扎实，记忆牢固，从而大大提高课堂教学效果。 四、储存信息，更新评价手段 新课程标准明确要示：“教学评价要有利于促进学生发展”，这是转变教学观念的一个重要方面。利用计算机网络，可以根据学生自己的特点建立学生作品库，让学生有针对性的选择，然后为每位学生建立各自的成果子目录，将学生平时的学习情况存放到自己的子目录中，有利于教师及时了解对每位学生的学习进展，从整体分析学生学习能力并进行全面评价。通过这样及时、有效、全面的评价以达到促进学生全面发展的目的。因此利用信息技术辅助教学，既能节省时间，又能提高教学效益。课堂教学时间上的节省，可以使学生在课堂上学到更多的东西，同时增加学生课堂交流、自学和练习，并使其加深理解，增强记忆，培养技能，减轻课外作业负担。另外，通过课堂上教师与学生的互动也培养学生各方面的综合能力。 “因特网远程教育教学模式”的应用主要取决于Internet的普及程度。比如,大部分家庭上了Internet,那么，教师可在网上答疑，信息，或通过BBS与学生进行讨论。电子邮件则提供了非实时的交互，可以不受时空限制进行交流。 现在，不少高等院校或高级中学已建成局域网，对学生来说，可适当鼓励他们上网浏览、学习。教师也可把作业、辅导、解答等放在网上，让学生下载，或用电子邮件传送作业、解答疑难等。“网上教育”应是未来教育发展极为重要的教学方式之一。 将信息技术有效地应用于教学过程中是实现教育现代化和实施新课程改革的一项重要手段。多媒体辅助教学是一门新兴的学科，它以计算机为基础，以声音、图像、文字等多种媒体为表现形式。它在侧重培养学生某一种能力的同时，也培养和提高了学生其他方面的能力，是培养学生综合能力的好助手。在教学中，我们必须更新教学思想，正确认识多媒体，把握好使用尺度，做到画龙点睛，恰到好处，发挥最佳效益。 总之，运用多媒体技术辅助初中英语课堂教学，我们能在课堂上模拟栩栩如生，丰富多彩的现实生活情景，为学生创设良好的学习语言的氛围。在以学生为主体的英语课堂教学活动中，这不仅满足了初中生好奇、好动的心理，而且潜意识地培养了学生的主体学习意识和创新意识，增强了学生的学习信心。因此，在今后的课堂教学中，我们应当更加重视并更好地应用多媒体进行教学，进一步提高英语课堂教学效果。 多媒体教学技术论文:多媒体教学中互动屏幕技术的运用 1.互动大屏幕技术之动感捕捉技术 互动大屏幕的动感捕捉技术在动画表演中是高端的应用。在动画表演中，表演者负责根据剧情做出各种动作和表情，运动捕捉系统将这些动作和表情捕捉并记录下来，然后通过应用软件，用这些动作和表情驱动角色模型，角色模型就能做出与表演者一样的动作和表情，并生成最终把这些动作赋予一个电脑里的动画人物。 （1）动感捕捉技术之三维应用软件技术。在给定观察点和观察方向以后，使用计算机的硬件功能，实现消隐、光照及投影这一绘制的全过程，从而产生几何模型的图像。Web3D的实现技术，主要分三大部分，即建模技术、显示技术、三维场景中的交互技术。以下将典型的Web3D工具软件作一分析、比较。VRML(VirtualRealityModulingLanguage)。VRML是指虚拟现实建模造型语言。VRML可以直接接入互联网以创建3D网页与网站，实现三维动画效果以及基于三维对象的用户交互。它的文件量小，易于网络传输。3DSMAX同样也具有VRML的开发功能。Viewpoint。Viewpoint由ViewpointSceneBuilder、Viewpointmediapublisher、ViewpointMediaPlayer三个部分组成。一个Viewpoint场景是由以下媒体元素组成的：3D对象、材质、动画、交互动作和场景的定义信息（比如全景图片或场景贴图）。VET和用户发生交互操作，通过鼠标或浏览器事件引发一段动画或是一个状态的改变，从而动态地演示一个交互过程，最终可以把一个Viewpoint场景嵌入到网页中浏览。Cult3D。Cult3D由Cult3DDesigner、Cult3DExporters和Cult3DViewer组成。只要用鼠标在3D物件上直接拖运，就可以移动旋转放大缩小，还可以在Cult3D物件中加入音频和操作指引，它还支持Mac用户。 （2）动感捕捉技术的应用优势体现。传统手动调节方式特点：制作人物模型→设定人物动作→导入动画场景→手动调节人物动作→完成动作制作；耗时、耗力，成功率低，动作失真。解决传统手动调节方式缺点方案：制作人物模型→录制动作→导入骨骼→完成动作制作；高效率、高成功率、节省时间、动作逼真。 2.互动大屏幕技术在多媒体教学领域中的应用优势 互动多媒体时代即时互动实现了人们的沟通方式的多元化，摆脱了传统教学中的束手束脚。屏幕传输技术系统智能化高，系统设置少，方便了教师使用。屏幕广播速度快，实现了直接屏幕广播大画面视频。通过窗口形式遥控，教师可以直接遥控其中某个学生机并同时监看其他多个学生。全体同步功能，教师能同时操作所有的学生机器；同时，此项系统支持教师机端两路声音同时传送；指定程序广播不仅可以广播全屏幕、指定的屏幕区域，还可以只广播指定的程序。 （1）为学习者创建自主学习环境。在教学领域中，虚拟现实技术已超越了二维或三维的图形既定路径动画等媒体表达范畴，能使接受者真正融入到真实的虚拟场景中，并通过不同的操作方式或交互设备来使产品或其物象启动，全方位展示其本身所具备的功能及运作过程，通过这种交互过程可以让学习者全面了解和使用虚拟产品或虚拟环境。这对调动学生的学习积极性，突破教学的重点、难点，培养学生的技能都将起到积极的作用。可见，凭借虚拟现实技术能够为学生提供生动、逼真的学习环境，从而加速学生学习知识的过程，为学习者创造了自主学习环境。 （2）方便学习者进行技能训练。在教学中应全面贯彻科学发展观，为创建节约型社会做出努力，同时应不断改善实验和实习教学条件，采用多种方法改造和更新实验设备，特别要将信息技术教学管理的网络化、数字化和现代化。实验室在培养学生的实践动手能力、理论联系实际能力、开拓创新能力和提升综合素质等方面起着举足轻重的作用。虚拟实验室就是以计算机网络为优秀，将虚拟仪器通过网络连接起来，以实现数据采集、分析、远程操作的一个系统。在多媒体教学中利用虚拟现实技术，可以建立各种虚拟实验室，如地理、物理、化学、生物实验室等等，它非常有利于学生各种职业技能的训练。 3.小结 互动大屏幕在多媒体教学中除了拥有强大的软件资源优势和互动效果外，又考虑到教育行业的独特需要，改变了传统的教师手写黑板、课堂教学效率低等弊端。运用此项技术的产品，采用模拟电阻技术同时特别考虑到抗干扰、无辐射的环保需求，且避免学生们由于好动等特点而造成的伤害。无论是现场演示教学还是实习教学，此项互动技术，是交互式教学和互动演示系统教学的必备技术。 作者：许兰玲 单位：无锡技师学院 多媒体教学技术论文:高校多媒体教学二维码技术分析 1高校多媒体教学中二维码技术的应用设计 （1）应用架构设计。 笔者结合我校多媒体教学实际情况，对多媒体教学中二维码技术应用设计架构进行探讨。二维码技术并不与传统计算机相匹配，而是与有摄像头的智能手机和PAD相关联。一方面，在多媒体课堂教学中，老师可以把相关知识重点、难点通过纸质材料或二维码投影的方式展示给学生，学生用手机扫描二维码获取知识点解析，第一时间获取学习资料。另一方面，老师将课程相关二维码发送到学习平台，学生通过老师推送的KEY进行读取。扫描获取的二维码通过APP自带功能进行课程分类排列，在有网络的情况下，学生不仅可以随时阅览学习，还能通过即时通讯软件和老师进行沟通。老师可以一对一及时解答也可以通过回答问题平台将典型问题和解答共享给学生。这样学生学习处于相对封闭的环境中，而且互动性增强，不受时间地点的限制。这种架构如图1所示。 （2）学习资源设计。 ①学习资源的获取。二维码技术教学应用中的学习资源主要由两部分组成。一部分是数字化资源，其包括了前文提到的音视频、FLASH等，还有知识点的数字化转换。另一部分是纸质教材，纸质教材是在传统教材的基础上针对二维码教学定制而来，纸质教材中不仅包含了高校课程中所涵盖的知识，还有二维码图像供老师、学生扫描下载，教师可以对纸质教材随时进行扩充，而学生也能从二维码教学平台上获取更新内容。②服务、管理、评价设置。二维码技术应用于高校多媒体教学是对高校教学模式的扩充，将学生自主学习能力的培养和教学主体凸显。但是自主学习不是自由学习，不是对学生放任自流。所以在二维码教学中要对学生学习进行管理和评价。在高校多媒体教学中，二维码技术的应用属于新鲜事物，但新鲜不等于不负责。对于教学而言犯错成本高，所以对学生通过二维码学习要有及时、准确的管理和评价系统。首先，二维码学习平台能够记录学生学号登录、下载、阅览、互动的每一次记录，通过数据分析，为该学生推送其需要的学习热点内容，实现个性化。其次，对上述记录进行深层次整理分析，判研出该学生学习状态、进度等指标，为个性化指导提供依据，同时也为教授老师、辅导员的干预提供了数据，以更好地展开教学工作。 2二维码技术在高校多媒体教学中的具体应用 学生可以凭借自己的喜好来选择不同种类的学习辅助软件，通过下载所选课程的APP实现个性化、及时化学习，尽最大可能充分利用教学资源和空间。通过扫描二维码可以适得学习更加具有便利，使用智能手机即可以轻松实现实时互动讨论活动，手段灵活多样，在有网络的地方均可进行操作，突破空间的限制，可以发送语音，图片、视频等内容。教师可以通过这一平台以教学大纲要求为中心，指引学生的学习方向，掌握学生的学习进度，评估学生的学习效果。二维码技术在高校课堂中的应用需要教师和学生都有智能手机，且下载了相应的学习软件，并注册登录。 （1）借助教学软件中的二维码识别技术实现跨越时间和空间的互动交流学习 即学生通过用手机扫描二维码获取相应的信息，帮助学生自主学习，对重点知识点进行巩固学习，如有学习问题还可以通过这一学习软件发送给相应学科的老师，真正做好便捷/高效。另外，这一学习软件的二维码还有提供标准答案的功能，即教师通过设定把标准答案设置于到对应的二维码中。 （2）通过二维码扫描技术，使得教学活动依托于网络背景更加灵活个性。 学生通过用手机扫描二维码可以便捷登录学习软件，共享网络平台上的信息资源，比如下载影音资料，图书文本，期刊数据等等。随着网络技术的不断发展，二维码学习平台也可以提供个人拓展阅读学习功能，即对学生经常登录下载的学习资源相关信息自动弹出，或者在超链接中加以提示，让网络教学的便利性发挥得更淋漓尽致。 （3）网络教学软件更加重视以人为本。 具体来说，同为一种学习软件使用者的各个成员间可以进行文字、语音、图片、视频等方面的交流与讨论。教师同样可以参与到学生们的讨论活动中来，并通过这个教学软件针对共性问题和个性问题分别解决策略，指引学生们在正确的道路上不断探索。 3使用二维码网络软件进行教学中要注意的问题 （1）版本的兼容性问题。 众所周知，相同的软件要应用于不同版本的手机就存在某些手机不兼容的问题，例如当前IOS、Android和WP系统所用软件版本不一，学校无法对学生智能手机版本进行统一，而开发不同版本的软件又是高投入项目，所以软件版本不兼容的问题是困扰二维码技术推广的一大阻力。 （2）二维码硬件普及问题。 据调查显示，随着社会的进步与经济的发展，我国高等院校的贫困生呈现出上升趋势。对于贫困生这一特殊群体来说，拥有智能手机是一件奢侈的事情。所以，如果将二维码网络软件作为教学活动的常态引入高校会给贫困生的学习带来障碍。而且，智能手机由于其品牌和性能的不同，从大几百到大几千差距十分大，对于经济不富裕的学生来说，为了能利用网络教学资源，退而求其次选择低档便宜的智能手机，势必在使用的过程中会遇到性能不稳定、功能简易等问题，在影响学生学习效果的同时，容易给学生带来心理困惑和伤害。所以鉴于现阶段二维码硬件普及问题，高校应保留传统的其他方式的互动交流模式和平台。 （3）手机电池损耗问题。 一般情况下，智能手机的耗电量相对较大，由于是在信号不好的地方，使用频繁过高和长时间上网使得手机搜索信息的能力更低，从而引发上网速度过慢、过卡等问题，进而影响手机的二维码扫描功能，最终制约了二维码技术在高校普及的深度和广度。 4高校普及二维码技术的有效策略 由以上分析可知，二维码技术因为特有的便利性和优势，在高校多媒体教学中发挥重要作用。作为高校，应尽早将二维码技术引入课堂教学中来，将二维码这种新技术纳入到高校教学体系中，给传统教学活动增添了新意和创意，使得原本枯燥的教学活动变得丰富多彩，富于变化，且更加个性化，突出以“学生”为本的教学理念，鼓励学生积极思考，极大地调动了学生的学习积极性和学习热情，营造出和谐融洽的授课环境和学习氛围，有助于教学质量和效率的提高。另外，高校在推进二维码技术应用于教学课堂的过程中，需要根据学校自身的特点和需求制定出具体的实施步骤和短期、中期、长期目标，以真正把二维码技术落实到现实教学活动中去，充分发挥二维码技术的功能与潜力，建立并完善数据化教学信息平台和开放的学习环境。要注意的是，高校在大力推进二维码技术的时候不能因此而摒弃掉传统的教学方式和模式，做到各取其长，充分发挥各个教学手段的优势，提高总体教学质量和效果。高校多媒体教学模式已经发展得成熟且富有成效，在二维码应用日益广泛的今天，高校多媒体教学要勇于接受二维码技术并利用其展开更好的教学。在物联网高速发展的背景下，二维码技术势必越来越便利，所以研究其在多媒体教学中的应用，不仅是对当前教学模式的反思，也是为今天教学模式改革趋势的预判。本文抛砖引玉，希望引起更多的教育工作者关注并研究二维码技术在高校多媒体教学中的应用。 作者：罗钢 单位：武汉大学本科生院
钢琴教学法论文:钢琴音色教学法论文 在钢琴音色教学的过程中，应当注意以下四个方面： 首先，听觉训练是钢琴教学中不可缺少的重要组成部分。 钢琴演奏者的听觉不同于常人，要求密度甚高，要有好的声音标准。即能仔细倾听自己所弹每个音的质量、长度和力度以及音与音之间的连接，并根据作品的需要，从刻画音乐形象和表现作品的思想感情出发。在实践教学环节上不但要会听单声部，还要同时会听辨多声部。例如，弹奏任何一首乐曲都必须处理各种主次关系，但现实中我们所听到的往往是左右手、旋律和伴奏声部都弹得一样强的演奏，声音混杂缺乏层次感，这就体现出听觉训练的必要性，必须让学生倾听自己和调整自己的声音音色。 其次，钢琴音色的变化关键在于手指的触键程度。 （1）指尖触键与指面触键。手指立起，琴键受力直接，音色明亮；指面平坦会形成一种受力的缓冲，使声音柔润、细腻。 （2）手指触键的高度和力度。要得到明亮的颗粒性声音，常需手指提高，伴以垂直方向用力弹奏；而对声音柔美的连奏则要求利用柔软的指面，在手指向前或向后的水平动作中以平稳的贴键方式触键，从而获得飘逸但不失集中凝练的音色。 （3）手指触键的速度。一方面影响着声音的强弱，触键速度越快声音越强，反之越弱；另一方面，影响着声音色彩。例如，要演奏明亮、颗粒性强的声音，指触速度要快，弹完马上将力量松开，触键面可略小；要声音浓厚、圆润、歌唱性强，除运用手指力量外，指触速度要慢。不同的声音要求运用不同的指触方法来弹奏，演奏者要根据听觉和作品的需要用心体会。 （4）手腕的松弛程度。充分利用好手腕的调节，才能使弹奏出的声音独具钢琴音质铿锵有力而又柔和的美感。在弹奏歌唱性旋律时手指可贴近键盘，手腕保持平稳、有弹性。不同的音色对手腕也提出不同的要求，在教学与演奏中一定要灵活运用。 第三，正确运用踏板可以丰富音响色彩。 俄罗斯钢琴家鲁宾斯坦曾说过，“踏板是钢琴的灵魂”，可见其重要性。钢琴踏板包括左踏板（弱音踏板）、中踏板（睡眠踏板）和右踏板（延音踏板），每一个踏板对声音的改变各不相同。常用的是右踏板，除延长和保持音的作用外，它还能不断地混合多种共振泛音来丰富钢琴的音质，从而使其音色丰润奇妙；中踏板是增加色彩和使音乐织体简洁清楚的重要工具，尤其适用于保持极长的低音进行；左踏板不仅仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了增加声音的柔和度，并祛除掉音质中敲击的成分。 第四，要充分理解音乐。 正确把握作品的音乐风格，充分了解每一首作品表达的情感、内涵，对制造、选择音色至关重要。从开始读谱时就要充分了解作曲家的生平、思想、创作风格以及作品的创作背景，能全面认识作曲家所处的时代背景、特征及当时的文化特点等。另外，要熟悉乐谱上的每一个音符、标记、符号、表情术语，由浅入深地了解和研究音乐的内容、情绪、形象等。最后，要在此基础上分析作品中需要表达的音乐风格和思想。只有对所演奏的作品做到了如指掌，才能把音乐抒发得真挚完美，才能真正地表达出最扣人心弦的声音。音乐是声音的艺术，追求钢琴的完美音色，掌握声音技巧，即掌握运用每一项技术手段来创造丰富的钢琴音色不是一件容易的事。在钢琴教学以及演奏过程中，音色的重要性是不容忽视的，无论是从事钢琴教学还是钢琴演奏来说，都需要进行艰苦的探索和努力，由低级到高级一步一步、扎扎实实的刻苦训练，只有这样，才能充分发挥钢琴的表现力及所要表达作品的思想感情，从而打动听众。 作者：苟丽媛 单位：佳木斯大学音乐学院 钢琴教学法论文:奥尔夫音乐教学法下幼儿钢琴教学论文 1奥尔夫音乐教学法应用在钢琴教学当中 游戏是幼儿最感兴趣的活动，钢琴教师可以使游戏穿插到钢琴教学当中，让幼儿通过游戏学习枯燥无味的识谱、感受钢琴的发音原理以及钢琴的不同音区的音色特点。例如： （1）在幼儿刚学习五线谱之初，往往对五线谱较为陌生，不能很好的记住五线谱中的音符，在钢琴弹奏中总出错，钢琴教师通常对这种情况较为头疼，尽管一遍又一遍的教学生识谱，但是有的学生还是记不清五线谱中的音。教师可以换一种教学方式采用游戏的教学方式。在学习五线谱的五条线之初，教师可以让幼儿左手伸出五个手指，代表五条线，大指代表五线谱中的第一条线，食指代表第二条线，中指代表第三条线等等；大指与食指间隔代表第一条间，食指与中指的间隔代表第二条间等等。当教师说道“五线谱，五条线，四个间，我们找找第三间时”，幼儿迅速的伸出右手食指点在中指与无名指之间；当教师说道“五线谱，四个间，我们找找第五线”。幼儿迅速的伸出右手食指点在无名指上，如此反复的利用游戏进行教学，能够提高幼儿的兴趣，使幼儿从枯燥难懂的理论中解放出来。 （2）钢琴的发音原理是靠手指触键盘，键盘传动着小槌，使槌击弦发音的。幼儿在学习钢琴之初，往往弹出来的声音或者较“砸”，或者发“虚”，不能很好的捕捉到钢琴的那个“爆发点”。教师也可以利用游戏教学法进行快乐教学，让学生把钢琴的琴键想象成“小钉子”，而弹奏的手指想象成“小锤子”，钢琴的手指运动可以想象成是“小锤子钉小钉子”的动作，而钢琴叮叮咚咚的发生可以想象成“小锤子钉小钉子的奏乐”当学生在弹奏钢琴时声音太“砸”时，教师可以说“小锤子失控了，钉出来的声音太硬了，不好听”。而当学生弹奏钢琴感觉声音发“虚”时，教师可以引导学生说“小锤子没有钉到小钉子的中央，钉偏了”久而久之，教师以这种形象生动的游戏教学方式，可以使幼儿早日找到手指触键的感觉。 （3）在幼儿初学钢琴时，往往不能很好的体会钢琴的各音区之间的不同，往往手位找不到，不是高了就是低了，在很多幼儿的心里，根本不明白音区的概念，不知道钢琴的各种音区是做什么用的。教师也可以通过游戏的教学法使幼儿迅速掌握各音区的概念。教师可以让幼儿在低音区模仿大象走路的声音，看看如果在高音区，大象走路的形象是否还能表现出来；可以在中音区用钢琴声音模仿小兔跳跳的声音，看看在高音区与低音区做出的效果是否一样；可以在高音区模仿小鸟歌唱的声音，看看在低音区与中音区模仿小鸟歌唱的声音是否动听等等，教师还可以通过其他的日常生活中的实例来进行钢琴音区的游戏教学，通过这种形象生动的音区教学，幼儿可以很快的找到手位，区分各音区的音色。 2奥尔夫节奏教学应用在钢琴教学之中 奥尔夫认为一切音乐的基础便是节奏，节奏是音乐的重要组成部分。教师要让幼儿明确节奏的含义：在固定时长中形成的脉动类型，就叫节奏。幼儿往往在学琴之初掌握不好节奏，不是演奏快了就是慢了，拍子与拍子的连接不准确。在学习演奏乐曲之前，教师可以让幼儿先把乐曲的节奏抽象出来，进行节奏训练，待乐曲的节奏熟练了之后，在配上音高，进行练习。学生通过一系列的节奏练习之后，掌握了音乐的骨架，再学习钢琴演奏就会起到事半功倍的效果。 3奥尔夫声势教学运用在钢琴教学当中 声势是奥尔夫音乐教学法的一大亮点，是以人体为天然乐器通过拍、打、跺、捻、捶、搓等发出不同力度的声响。声势通常是和节奏连在一起的。它通过拍手、拍腿、跺脚、捻指等学生易学易做的方法做一些单声部或多声部的节奏训练。 在幼儿钢琴的学习过程中，随着学习程度的加深，会逐步出现音乐多声部的概念，尤其在学习巴赫的复调乐曲中，几乎每首乐曲都是多声部练习。在学习之初，教师可以运用奥尔夫音乐教学法来进行声部训练，在让学生明确复调的主题、对题、答题之后，可以通过拍、打、捻、捶等进行训练。例如：主调的主题我们可以用“拍”手来进行唱念；复调的对题我们可以运用“捻指”来进行唱念；复调的答题可以用“拍腿”来进行唱念区分，如果两声部同时出现，我们可以同时拍两个部位来让学生体会多声部的概念，建立起学生的纵向空间感。 作者:李姗姗单位:哈尔滨剑桥学院教育学院 钢琴教学法论文:任务教学法钢琴教学论文 一、任务教学法在钢琴教学应用中遇到的问题 在钢琴教学的任务制定中，任务实施分配中，经常会遇到一些现实性的问题，需要加以认真、科学、有效地解决。 1、任务设定不切实际。也就是说，在设定钢琴教学任务的时候，已经完全地脱离了钢琴的教学实际，有时候顾左右而言它，导致教学任务成了空中楼阁，偏离了钢琴教学的正常轨道，偏离的钢琴教学的基本宗旨。 2、任务量过轻或过重。很明显，钢琴任务制定得过轻或者过重，都会影响钢琴的正常教学，只有做到适当适量、恰到好处，才能让钢琴教学有一个顺利、准确的实施。显然，钢琴任务制定过轻就完成不了教学目标、达不到应有的教学实效，钢琴任务过重则会让学生们喘不过气来，从而形成积重难返的尴尬教学局面，所以说，必须合理设定教学任务。 3、任务僵化缺少活力。之所以出现任务僵化、缺少活力的钢琴教学现象，是因为钢琴的教学理念、教学态度、教学模式都过于老化，缺乏创新性，缺少与时俱进的气息，从而导致钢琴教学生气不足、动力不够。 4、任务操作考核不畅。在钢琴教学任务中，也存在程序脱节，以及操作归操作，考核归考核的“两层皮”现象，而这种现象的出现恰恰是因为钢琴任务教学法机制不够完善的重要表现，任务制定是一方面，任务跟踪考核更是不容忽略。 二、任务教学法在钢琴教学中的正确应用 在钢琴教学的任务教学法应用中，亟需掌握正确的应用方法，正确的应用策略，从而确保任务教学在钢琴学习中发挥出更大的、更有效的作用。 1、设定任务，确保教学娱乐性，实现钢琴快乐学习。在设定钢琴教育教学任务的时候，需要有一个详实周密的任务计划走在前面，应该设定哪些任务，包括任务所体现的具体课时，应用时间等都需要列出一个明晰、明细的表格，然后在把所设定的任务一一罗列到计划之中，同时，为了防止教学任务的枯燥，还要把一些生动的、娱乐性的教学内容融入到教学任务计划中去，为教学铺平道路，为实现钢琴快乐学习和高效完成教学任务奠定基础。同时，在任务教学法中设定的快乐学钢琴的教学目标，就是要用愉快的教育环境、教育内容和教育方式去激活学生们对钢琴的求知欲，充分利用钢琴的魅力和价值，发挥钢琴的作用，让学生们高效率获取知识，在快乐中逐渐学会做人、学会求知。毋庸置疑，任务教学法与快乐学钢琴的有效融合，恰恰把相对难学的钢琴“简单化”、“积极化”了，成功打造了寓教于“玩”，寓教于“乐”的教学形式在钢琴教学中实现“玩中学”、“乐中学”，打造任务教学法在钢琴教学中应用的最佳状态。 2、明确任务，激发主观能动性，实现钢琴兴趣学习。在钢琴任务教学法的使用和教学中，明确任务将成为实施应用之前的一个重要性步骤，也是继设定任务之后，开始实施的任务目标的再次明晰，并且开始着手任务的分解，在钢琴教学中的逐步推行。教学任务的明确，不仅仅是教师应该做到心知肚明的，接受钢琴学习的学生们也有责任、有义务对本节课的和近期的学习任务有一个明确的认识，从而做到学习目标明确、学习力量集中。在明确任务的同时，激发学生们在钢琴中学习的主观能动性也是至关重要的，只有主观能动性得到充分调动，才能有效地激发学生们对钢琴学习的兴趣。也就是说要想学好钢琴，就要从引导和激发学生们的学习兴趣入手，在教学方法上要注重钢琴学科的横向联系，以培养学生综合应用能力为主，全力拓展学生对钢琴的学习兴趣，发展特殊兴趣，发展潜在能力，让学习兴趣和钢琴的教学任务成功地融合在一起。 3、分解任务，提升知识吸收率，实现钢琴快速和创造学习。毋庸置疑，钢琴教学任务的分解是钢琴教学中的重要课题，也是任务教学法成功应用的最重要的步骤。那么，如何科学分解钢琴教学任务，除了要按照教学大纲和教学计划实施以外，广大钢琴教师还要根据实际的教育教学情况，对任务教学灵活分配、灵活掌握，从而确保教学任务既能分解落实到每一节课时中去，又能确保教学的成功、任务的圆满完成。在钢琴教学任务分解并开始实施教学时候，必须要注重学生们对钢琴知识的吸收率的提高，注重学生们学习钢琴创新力的培养，从而实现对钢琴科目的快速和创造性学习。比如在传统钢琴入门教学是“先右手，后左手”，而创新性教学也可以实施入门教学的“先左手，后右手”，巧妙利用人的左边肩负平衡，从而达到快速学通弄懂的学习目的，而在确保钢琴的创造、创作的培养时，在钢琴教学中必须循序渐进，扎扎实实、稳扎稳打，全力培养合格、优秀的钢琴人才。 三、总结 可以预见，在今后的钢琴任务教学中，会随着钢琴教学改革的不断深入，对任务教学法提出更高的要求，更细的规则，这就需要广大钢琴教育工作者能够切实把任务教学法作为新的教学改革手段，去推广、去完善，去精益求精，做好启发和引导，努力激发学习兴趣，培养学生的创造力和想象力，全力提高钢琴教学质量，推动钢琴教学再上新台阶。 作者：叶波单位：江苏省常州工学院师范学院 钢琴教学法论文:分层教学法对高职院校钢琴教学的应用 摘要：随着高职院校教育教学的不断发展与进步，音乐专业中的钢琴表演课程日益受到时下大学生的追捧与重视。这就要求高职院校的钢琴教师探索一条属于现代大学生音乐发展的道路，积极为高职学生创造更加舒适宽松的教学环境，采用多种教育教学方法，注重对钢琴表演人才的培养，进而促进我国高职学院艺术文化的发展与进步。本文以分层教学法为切入点，探讨并分析分层次教学在高职学院钢琴教学中的运用，进而提高高职院校钢琴教学的整体质量与水平。 关键词：分层教学法；高职院校；钢琴教学 作为一门重要的艺术表演课程，钢琴表演在高职院校音乐专业领域有重要地位与作用。随着我国高职院校教育教学的不断改革与发展，大多数学校音乐专业的招生数量也不断增加，但也随之产生了一些新问题，尤其是日益增加的学生数量与有限的师资力量之间的矛盾。为了缩小高职学生钢琴专业技能的差距，少部分高职学院针对性地采用分层教学模式以此开展钢琴教学活动。所谓“分层教学法”，就是指高职钢琴教师在开展教学活动之前，首先要了解每一位学生的钢琴基础、素养、专业技能等方面，在遵从学生的个人意愿的基础上，将每一位学生划分为不同层次，进而方便教师的“因材施教”，或者也可在高职院校钢琴教学实践中，根据学生的将来就业方向划分为不同层次班级。就目前的发展状况而言，“走班制”和“班级内部隐性分层”是高职院校钢琴教学普遍采用的分层教学方式，前者是指将钢琴技能水平不同的学生编配到不同的班级内，由不同的教师同时进行授课；后者则是指在保持原有的班级教学的情况下，钢琴教师对整个班级的学生进行“隐性”分层，这种分层的优势在于只有教师知道学生的层次情况，避免了学生的自信心受到打击。 一、我国高职院校钢琴教学的现状 作为乐器之王，钢琴的发展历史至今已有三百多年了，人们常说，“钢琴的发展历史就是人类文明的发展历史”，由此我们也能够感受到钢琴发展历史的悠久。众所周知，钢琴表演不仅要注重把握演奏技巧，更为重要的是体会音乐的内在价值与精神。自钢琴表演走进高职音乐教学课堂以来，凸显其巨大的生机与活力，加之越来越多的学生将钢琴课作为自己的选修课程，从而进一步培养并提升学生的音乐鉴赏能力与音乐审美意识。然而，高职学院的钢琴教学仍然出现很多问题。传统的钢琴教学采用“一对一”的教育教学模式，这也在无形之中对教师的钢琴素养提出更高要求，但我国高职学院的钢琴教师资源匮乏，如若采用传统的“一对一”教学模式，则势必会导致教师疲于奔命，因而教学质量会大打折扣。另外，采用大班授课的方式又会疏忽了对学生实践操作能力的培养，造成一种学而不精的“半调子”现象。考虑到上述实际教学情况，我国高职院校钢琴教育教学改革迫在眉睫，其中要优化现阶段的钢琴教育教学方法，以便规范教学内容，缩短学生之间的演奏能力的差距，培养学生实际操作能力。 二、分层教学法在高职院校钢琴教学中实施的必要性 分层教学法诞生于美国，而后在二十世纪初期引入我国高校教育教学体系。在高职院校钢琴教育教学过程中，“因材施教”是实施分层教学法的重要精髓，即教师结合学生对钢琴演奏的认识与了解，在征求学生个人意愿的基础上，将学生分配到不同层次的班级中，开展相应的教学实践活动。这种教学方法不仅充分调动了学生对钢琴表演学习的积极性与主动性，而且使得每一位高职学生的感情学习潜质最大限度地被挖掘出来。由此可见，分层次教学具有很强优势性，既能有效地开发学生智力，又能充分调动学生的个体能动性，从而进一步促进学生的综合能力发展。当然，这种教学模式对教师的教学能力与素质也提出了更高要求，一方面教师要具备较强的职业素养与奉献精神，另一方面要对教学大纲有所了解和熟悉。 三、实施分层教学法的具体措施 1.提升教师的个人素质毫无疑问，分层次教学给钢琴教师带来诸多压力与困惑。我国大部分高职院校都是从职业中专演变而来的，因而学校的师资力量也比较匮乏。此外，很多教师由于学历低、培训机会少、教学理念陈旧，自然钢琴教学效果与质量就下降。由此可见，高职学院应大力提高钢琴教师的素质，积极为教师创造更多培训机会，聘请有关教育专家进行指导，从而使得高职院校的钢琴教学有自己的独特性。2.科学地规划教学层次分配不同层次学生是实施分层教学法的首要任务之一。在高职学院钢琴教学实践中，教师并不是简单地将知识传授给学生，而是要根据每个学生的接受能力由学生自己主动地探索与获取。由此可见，高职学院的钢琴教师要充分了解每一位学生会的实际学习情况，合理地将学生划分为不同层次。在整个层次划分的过程中，钢琴教师要充分尊重每一位学生的意愿，突出学生主体地位，制订不同的教学计划，从而进一步营造钢琴教学课堂的学习气氛，调动学生对钢琴表演的积极性与自发性，促进学生思想道德的提升。3.注重各层次高职学生的能力培养高职教师在分层次教学中，应当运用各种教学方法（传统的讲授法、课堂讨论法、现代化多媒体教学法等等），进而提高各个层次学生的学习能力。此外，高职学院可以通过讲座形式进行钢琴教学，让学生对钢琴产生浓厚的学习兴趣，激发学生对钢琴表演的激情，进而提高高职学生的学习能力与水平。 四、结语 近年来，随着我国钢琴教学改革的不断深化，众多高职学院愈加重视钢琴教学，因而对钢琴教学方法的完善与探索也越来越具有现实意义。分层教学法的实施不仅有效地培养了高职学生对钢琴演奏的兴趣，帮助学生树立学习自信心，而且实现了“因材施教”的教育理念，推动我国高职院校教育教学的发展与进步。分层教学的实施给现代化钢琴教学提供了广阔发展前景，同时促进高职学院对钢琴人才的培养。 作者：周鲁珺 单位：宝鸡职业技术学院 钢琴教学法论文:任务教学法在大学钢琴教学的应用 我国的钢琴教育是一项重要的工作，只有把这项教育工作做好，才能实现艺术教育的发展。在大学钢琴教育中，只有使钢琴的教育模式具有实践性和任务性，才能使钢琴的教学吸引学生的学习，钢琴的教学才能进入一个真正的发展阶段。因此大学钢琴教育的发展将会经历一个探索的阶段，慢慢的把任务性融入到钢琴教学中来。 一、任务教学法的含义 任务教学法，主要是以任务为优秀。任务教学法在大学钢琴教学中的应用主要是指，教师围绕这个优秀拟定教学计划，以执行和完成任务为教学的主要手段和目的，以此来培养学生的实际操作能力，来完成学习任务。教师在给学生传授钢琴知识的过程中应该为学生制定一个详细的学习计划，然后再引导学生一步步的学习钢琴。例如，学生在学习钢琴的理论知识时，教师可以为学生制定一个理论学习的计划，然后给学生规定需要完成的任务，最后再引导学生去完成任务。学生在教师提出了学习任务后就能有一个清晰的学习学习计划。这种方式不仅能够使教师有一个明确的教学计划，也能使学生有一个学习目标。钢琴教学的课堂效率也会不断的提高。 二、任务教学法在大学钢琴教学中的应用 （一）合理设计教学内容 合理设计教学内容的关键就是以学生为中心。教师应该围绕这个中心，根据学生的需求和实际情况，设计出一套人性化的教学内容。教师不应该以自己的角度为出发点为学生设计教学内容，应该站在学生的角度，在学生的理解能力和接受能力的前提下，与学生进行沟通。这种教学设计方式不仅能够保证学生学到扎实的钢琴知识，还能提高钢琴的课堂学习效率。例如，在学习不同时期的钢琴音乐风格时，教师可以为学生设计出一些学习任务:第一，理解巴洛克时期的音乐有哪些特点。第二，理解古典时期的音乐有哪些特点。第三，浪漫时期的音乐有哪些特点。第四，20世纪的音乐有哪些特点。通过这些任务的完成，让学生能够深刻理解钢琴学习的价值，提高学生的音乐能力。学校应该紧随经济和教育改革的步伐，能够不断的对钢琴教材进行改革，使教材的内容具备一定的艺术性和人文性，这样就能使课堂的气氛更加的活跃。钢琴的教学只有能够反映时代气息，具备人文化，才能够不断提高学生的思想道德素质和音乐素养。教材的内容的丰富，会使钢琴的教学方式多样化，会使钢琴教学科学化。学生在教材中能够学习到先进的内容，有价值的内容，能够不断的陶冶自己的情操。这样大学的钢琴教育才能够真正实现自身的发展，才能实现教育中的突破。 （二）合作式学习 学生和教师只有合作探究、互动互助才能把教学任务完成好，从而发挥任务教学法的作用。大学钢琴学习最讲究的是探究与合作，但是在当前的社会发展中，很多大学的语文钢琴教学是缺乏课堂互动的。没有了课堂互动，学习效率也是会比较低的，质量也不会提高。在钢琴的学习中，互动式学习是十分重要的，不管是同学之间的互动还是学生和老师之间的互动的。学生之间的互动可以通过小组合作来实现。在学习时，如果遇到钢琴中的难题，是可以让学生之间进行小组交流的。通过小组合作方式，可以使学生在讨论过程中能够碰撞出音乐思想的火花，能够提高学生独立解决问题的能力。学生和老师之间的互动可以说是也是十分重要的。这种互动方式，可以通过学生对老师进行提问来实现。有了学生的提问，老师就能够及时的了解学生对钢琴知识的掌握情况，能够制定出合理的课程方案。互动式学习是一种科学的学习方法，能够使学生在轻松、愉快的环境里学到新的知识，学到一些为人处事的道理。合作式学习已经成为了我国大学钢琴教学方式的重要模式。音乐作为高职教育中的艺术类学科，它的教学更应该注重基础性和实践性。合作式的钢琴学习模式能够使钢琴的课堂更加的活跃，能够激发学生学习音乐的兴趣。互动式学习也能不断提高学生独立解决问题的能力，能够不断提高学生的学习能力。 （三）教学手段的融合 音乐的学习应该是方式多样的。在大学钢琴教学中，对钢琴的教育应该是多种手段融合的。现代教学手段的使用对大学的钢琴的教学模式有着重要的影响。因此，在大学的钢琴教学中，现代多媒体技术的使用是十分重要的。在学习钢琴的过程中，有了多媒体的使用，钢琴的学习才会更加的充满乐趣，课堂才会更加的活力。例如，在学习一些经典的钢琴曲目时，可以在多媒体教室播放一些相关的视频，还有一些音乐，这样都能为学生提供一些理解上的帮助。有了多种音乐教学手段，音乐的教学质量就会不断的提高，学生学习音乐的兴致也会不断的提高。学生如果有了这样的学习条件，会不断的提高钢琴的学习兴趣，能够不断的学习到很多有价值的钢琴理论这样，大学的钢琴教育就会进入一个新的发展台阶，也会促进我国教育的发展。任务教学法再大在钢琴教学中的应用可以明确教学目标和评价标准再教学任务的设计和完成中学生在七中发挥学习铸铁作用成为学习的主题，教师可以用自己的经验和知识对学生进行正确的引导和帮助，任务教学法可以说是，一种主动式的教学方式这种教学方式对我国的刚进校的发展有很大的，推动作用。 作者：刘威 单位：江西科技师范大学 钢琴教学法论文:小组教学法对钢琴教学的影响 《黄河之声杂志》2015年第四期 一、高校钢琴教学中小组教学法的应用实施 （一）审美能力培养审美能力培养是高校钢琴教学中十分重要的内容之一。学生要想能够对乐曲本身有充分的了解，对音乐演奏有较深层次的认识，首先就必须具备较强的音乐审美能力、感知能力、情感能力、理解能力、想象能力与创造能力，只有这样学生演奏出来的乐曲才会有感情、有内涵，才能使演奏出来的乐曲有血有肉。将小组教学法应用到高校钢琴教学审美意识培养环节中，让小组成员在钢琴演奏中获得提升，从别人的演奏中发现自己的不足与改进的方向，从而促进学生审美观的提高。另外，在小组教学中，教师还要注重对学生音乐认知能力的培养，切实提高学生的审美水平。 （二）综合能力培养良好的钢琴演奏是建立在较强的钢琴综合能力基础上的。将小组教学法应用到高校钢琴教学之中，采用多元化、多样性、多维面的教学内容与教学形式，学生钢琴基本功的训练为基点，重视对学生钢琴演奏综合能力以及实际应用能力的培养与发展。改变以往的教学评价方式，让师生共同参与教学评价，以提高学生的观察能力、思维能力表达能力与辨析能力，同时通过这种方式来激发学生的学习积极性。在小组教学模式下，教师应加强对学生音乐表现能力、审美能力以及合作意识的整合，注重对学生综合能力的培养，从而有效提高学生的钢琴演奏水平。 二、高校钢琴小组教学中需要注意的问题 鉴于上述内容以及小组教学在高校钢琴教学中的实际应用效果，笔者认为在实际的教学中应注意以下几点问题：第一，注意对分组原则的把握，注重分组的科学性。有部分教师对小组教学认识不够全面透彻，分组时存在不必要的顾虑或存在一定的随意性，影响了小组教学效用的发挥。第二，注意对小组教学环境的创设与营造。在合适的环境中学习，学生的学习兴趣和效率将会得到更好地提升。第三，注意对学生学习能力的培养与提高，小组教学不仅是要提高学生的钢琴演奏能力，同时也是为了学生在小组中多向别人学习，取长补短，掌握学习的能力，从而不断提升自己。 三、结语 高校钢琴教学归根到底也属于音乐教育，因此在高校钢琴教学过程中，学生音乐素质的培养是其教学的基点。将小组教学方应用到高校钢琴教学中，即是在培养学生专业音乐技能的基础上培养学生在其他方面的音乐素养，包括协作意识、审美能力、鉴赏能力、创新能力、观察能力等等。所以相比传统的一对一教学或集体课教学，小组教学法有着其无可比拟的优势，但是教师在使用这种教学方法时应用慎重对待，做到因材施教，重视对学生学习能力的培养和细节管理，利用细节来促进整体的教学质量的提升，从而实现对高校钢琴教学的优化。 作者：宁业维单位：广西师范学院音乐舞蹈学院 钢琴教学法论文:现代音乐教学法在钢琴教学中的运用 摘要：在钢琴教学中，如何运用现代音乐教学法，成为相关教育者需要重点思考的问题。文章立足于现代钢琴教学现状，主要分析了现代音乐教学法在钢琴教学中的运用意义及运用策略。以期在笔者的努力下，找到促进钢琴教学效果不断提升的可靠途径。 关键词：现代音乐教学法；钢琴教学；教学现状；运用策略 所谓现代音乐教学法，主要指的是素质教育教学背景下，几种常用的、效率较高的教学方法。在钢琴教学中，运用现代音乐教学法，有助于弥补传统教学中的一些不足，达到活跃课堂教学气氛，激发学生学习热情和积极性，促进教学效果不断提升。对此，钢琴教师在组织教学活动过程，应该重视对现代音乐教学法的运用。 一、现代音乐教学法在钢琴教学中的运用意义 从现代钢琴教学状况来看，常见的几种教学方式主要包括：体验性教学法、实践性教学法、探究性教学法、语言性教学法等等。钢琴授课教师在将这种方法运用于课堂中之后，能够改善传统钢琴教学中，重理论、轻实践；重形式、轻实效等问题，意义重大。首先，现代音乐教学法注重以学生实际感受音乐为主，将之运用于钢琴课堂，突破了传统以赏析、理论鉴赏为主的模式，使得学生的学习兴趣能够得到最大程度的激发，从而为打造高效的钢琴课堂，奠定良好基础。其次，现代音乐教学法注重对学生实践能力的培养，将之运用于钢琴教学中，有助于培养学生将所学知识应用到实践中的能力，以真正达到学以致用的目标。这种教学突破了传统教学的课堂限制，符合素质教育教学目标。 二、现代音乐教学法在钢琴教学中的运用策略 （一）体验性教学法的运用 体验性教学法作为现代音乐教学法的一种，其强调通过欣赏、演示、参观等方式，给学生提供亲身体验的机会，使得学生能够产生一种身临其境之感，从而感受到音乐的魅力，提升审美情感。在钢琴教学中运用体验性教学法，要求教师把握技巧，使得这种方法的作用得到充分发挥。例如，在进行“音阶”相关知识点的时候，教师可以先带来学生欣赏钢琴曲目《贝多芬G小调小奏鸣曲》，以初步培养学生对钢琴的兴趣，激发求知欲；然后借助多媒体或者其他工具进行实际的知识点演示，促使学生形成感性认识，加深对知识点的印象，以强化学习效果；最后，再带领学生欣赏一遍所要学习的曲目，逐步引入课本教学内容。这种循序渐进、层次有别、方法得到的教学，使得学生不仅学得轻松，而且学得有效，如此才真正显示出了现代音乐教学法的精髓。 （二）实践性教学法的运用 同为现代音乐教学法中的常用方法，实践性教学法的作用也不言而喻。这种教学方式主要强调通过教学实践活动，培养学生的实践能力，使得学生在参与音乐实践活动过程，能够逐渐形成音乐表现能力，提升音乐技能。将实践性教学法运用于钢琴教学中，要求教师给予学生正确的指导。例如，在学习“指法”相关知识点的时候，教师可以首先对学生讲解一些钢琴指法基本理论知识，然后要求学生进行自主练习。在学生掌握了一定程度的指法知识以及指法技巧之后，教师可以鼓励学生运用所学知识进行自主创作，编排出一些简单的钢琴曲目，并鼓励学生在课堂上进行演奏。此外，教师还可以组织学生进行自创曲目比赛，使得学生在这个过程中，不断强化自己的能力。 （三）探究性教学法的运用 探究性教学法注重通过自主探究活动，培养学生自主学习能力。在钢琴教学中，运用探究性教学法，要求教师根据教学与学生实际，组织一些有意义、有针对的探究性学习活动，给予学生自由发挥的时间与空间，使得学生的思维能够得到最大程度的发散，为他们学好知识提供帮助。例如，在学习“音色”相关知识点的时候，教师就可以组织学生进行自主探究活动。具体可以通过小组合作形式展开，要求学生互帮互助，共同学习与进步。而教师在这期间，则需要充当引导者和辅助者的角色，给予学生恰当的引导，使得他们能够找到正确的探究学习方向，同时强化探究学习效果。 （四）语言性教学法的运用 语言性教学法强调通过语言向学生传递知识，包括讲授法、谈话法、讨论法等等。在钢琴教学中，运用语言性教学法，要求教师自身需要有较强的语言表达能力以及良好的音乐素养。例如，在学习“力度控制”相关知识点的时候，教师先通过口头讲述的方式，向学生详细介绍这方面的内容，然后可以与学生展开讨论，或者鼓励学生之间进行相互讨论，最后再对学生进行练习指导。此外，教师还可以借助谈话方式，或者借助问答形式展开教学，即：在教学过程，教师通过口头语言问答的形式展开教学，借助问题引导学生进行思考，并形成有效的师生互动，使得课堂氛围轻松、活跃，让学生在思考问题以及回答教师提问过程，不断加深对知识的印象，同时培养对钢琴知识的学习兴趣，促进学习效果的提升。 三、结语 总而言之，在钢琴教学中，教师需要注重对体验性教学法、实践性教学法、探究性教学法以及语言性教学法等这些现代音乐教学法的运用，以改善传统钢琴教学状况，弥补传统钢琴教学中的一些不足之处，使得课堂氛围得到改善，学生的学习积极性高涨，促进学生创新性思维和自主学习思维的发挥，从而达到高效教学的目的，进而推动我国音乐教育事业的更好、更快发展。 作者:韩志超 单位:石家庄幼儿师范高等专科学校 钢琴教学法论文:小析师范生钢琴教学中的模拟教学法 1.模拟教学应用到钢琴教学中的课前规划 模拟教学应用到钢琴教学中是师范学校对钢琴教学模式的新探索，学生对于模拟教学方法陌生。在模拟教学课程开始前教师就要细致周密的规划好运用模拟教学法传授钢琴教学知识的具体内容。教师应该从学生的发展目标培养、教学内容的特点特征、学生的学习状况和学校实际出发制定课程规划。在每次课程教学活动开始前就要明确模拟教学的学习目标，设计学习项目的具体内容，分配学生在教学活动中的学习任务。根据课时长短着重性的描述模型材料的功能、工作原理及使用方法。例如，师范学校在进行复调教学内容学习的时候，由于复调作品具有左右手不同声部，不同旋律同时进行的特点，学生难以掌握。教师应该根据学校资金状况和学生对知识的掌握情况出发，运用模拟教学法，在课前选定多媒体动画模拟软件作为教学的支撑，选定巴赫的《小前奏曲赋格歌曲》为练习曲目，调查清楚哪些学生的旋律起伏存在问题，明确哪些学生需要训练节奏，了解哪些学生需要训练重音等问题，课前规划好理论学习与学生训练时间的分配比例，为模拟教学课程进行时有针对性的侧重做好充分的准备。 2．情景模拟和角色扮演相结合 实施于钢琴教学中钢琴教学教师应该从实际情况出发，确定模拟教学的模拟应用程序，尽量提供给学生一个近似于真实钢琴演奏教学的情景模拟。在模拟钢琴教学时以测试所得的学生的知识获得程度为依据，对学生进行关于独立操作模拟应用程序的指导。在模拟教学过程中回答学生提问的问题并在学生有需要时提供必要的帮助，观察整理学生的学习过程，收集经常性出现的问题和常见的操作失误，为以后的模拟教学提供规避风险的有效途径，全面提高学生的钢琴演奏能力。培养学生的从教能力可以利用角色扮演的方式，组织安排学生轮流扮演老师和学生，为学生提供钢琴教学的实践机会，发现并且弥补自己在钢琴课程教授过程中的失误。例如，在初级阶段的钢琴教学中，老师可以在讲授理论知识后运用多媒体动画模拟软件让同学们在软件上反复模拟训练《钢琴左手练习曲》等基础练习曲目，对同学们遇到的问题提供可行性的解决方案，观察整理学生的学习情况，把常见性的问题提出来避免后来使用该软件的学生继续犯同样的错误。接下来让同学们轮流扮演讲授知识的老师，角色扮演是使学生获得教学技能的重要方式。学生进入老师的角色既能增加自己的教学经验，又能够提高自己的知识掌握水平。 3.对模拟教学进行成果评估和反馈 利用模拟教学课程结束后教师要根据模拟教学过程的实际情况进行信息的收集整理，总结模拟教学课程学习结果，与传统教学方式的成果进行比较。学生和老师要从不同的立场摆出模拟教学的优缺点，客观公正的分析模拟教学的利弊。尽可能地提出改良方法，综合评价模拟授课的表达方式、授课内容、实践体验，得出最终的结论，决定是否将模拟教学继续应用于钢琴教学课程中。还可以采取课堂讨论的方式，让同学们自主探讨、总结讲授钢琴教学课程时突出教学重点、突破教学难点的方法从而提高学生的教学技能。例如，在钢琴教学课结束之后教师可以组织课后小测试，把测试的成绩和传统教学模式的课后测试结果作比较，把模拟教学过程中的学生表现和传统模式教学法的学生表现作比较，客观公正摆出模拟教学的优缺点。根据综合性评价决定以后的教学活动是否采取模拟授课的方式。在课后成立自主探究小组，让同学们在角色扮演后分享自己的心得感悟、体会，全面提高学生的教和学的能力。 综上所述，模拟教学法应用到师范学校钢琴教学中能够对昂贵的钢琴教学环境进行模仿为学生创造一种类似真实的体验情境，给学生提供理论联系实践的机会。培养师范学校学生学习的兴趣，提高学生对知识的驾驭能力，从而提高师范学校的教学效率。 作者：赵同一单位：江苏省运河高等师范学校 钢琴教学法论文:钢琴达尔克罗兹教学法策略论述 爱弥尔雅克?达尔克罗兹1865年出生于奥地利维也纳，1950年逝世于瑞士，世界著名作曲家、音乐教育家，曾就读于日内瓦音乐学院学习钢琴和作曲，1889年考入巴黎音乐学院，主修作曲，师从于著名法国作曲家德里布。创作涉及艺术歌曲、歌剧、钢琴曲、小提琴协奏曲、室内乐等体裁。达尔克罗兹音乐教育法开始于视唱练耳教学，然后在视唱练耳教学基础上构建“体态律动”的理论基础，最后达尔克罗兹完成即兴创作教学，标志着达尔克罗兹音乐教学法成为一个完整的、新的音乐教育体系。下面我将谈谈如何将视唱练耳教学、体态律动教学以及即兴创作教学融合到钢琴教学中：视唱练耳教学中，节奏训练是一项较难的训练，达尔克罗兹认为：“人体的运动”是节奏的外在表现，主张鼓励学生在生活中发现节奏、感受节奏、运用节奏，为接下来的体态律动教学奠基学习基础。如何在生活中发现节奏呢，其实很简单，比如说走路（散步、奔跑等等）都是有节奏在其中的，没有一个人是没有节奏的行走，如果是那样，我们会感到十分别扭的。如何运用节奏，在钢琴教学中，可以让学生想想生活中的节奏，然后将生活中自然地节奏运用到钢琴学习中的节奏，这样学生就会很容易接受节奏，自然完美的表现节奏。而不是僵硬、乏味的运用节奏。 优秀的音乐教育一定先是通过节奏运动唤起学生的音乐学习的欲望，提高学生的音乐感受力和音乐反应能力，进而获得体验和表现音乐的能力。节奏是唤起、培养、获得音乐能力的基础条件和先决条件。体态律动教学是达尔克罗兹音乐教育法中第二个因素，主要是从需要表达的音乐中入手，通过聆听、感受、体验音乐，运用简单的身体动作运动表现触音乐的各个要素，如：音的高低，音的长短，音的强弱和音色等等。钢琴教学中可以通过身体的简单运动表现音乐中音的高低、音的长短等。如教师演奏钢琴作品，让学生用自己的肢体运动去表现体音的高低，通过这种训练，学生可以生动的了解作品中的各种音乐因素，因为体态律动可以调动学生全身心地投入音乐活动，同时也可以激发学生学习钢琴的兴趣。 即兴创作是达尔克罗兹音乐教学法中必不可少的因素，是全世界公认的全面培养音乐家素质的重要手段。达尔克罗滋认为：即兴活动既是扩展音乐思维的重要手段，也是验证音乐思维水平的重要手段。任何年龄段的学习者在即兴创作或表演中，不仅要具有一定的乐感，还要有流畅的音乐思维，敏捷的面对分析同时出现的音高、节奏、音色、力度等问题，目前国内许多的音乐学习者，缺乏这学习音乐最重要的音乐技能。在我的钢琴课中，我会针对性的训练学生的听觉，让他们判断音高、节奏、强弱等等。加上学生的自我分析和体态运动训练，就能不断的强化学生的身体与音乐之间的联系。即兴创作训练可以提高学生对音乐表达能力，音乐交流能力，音乐创造能力、音乐想象能力和音乐审美能力。在日后的音乐学习道路发展上起着重要的作用。达尔克罗兹长音乐教学法是达尔克罗兹本人长期音乐教学实践探索的结果，是达尔克罗兹音乐体系中重要环节之一，由此可见音乐教学实践的必要性。没有经过实践的理论和缺乏理论指导的教育实践都是无用的，所以必须将音乐教育和音乐实践有机的结合在一起，提高音乐教学效果。如果想在此基础上将达尔克罗兹体系充分的运用到钢琴教学中，也必须结合钢琴教学理论和钢琴教学实践，才能将达尔克罗兹音乐教学法充分的结合到钢琴教学中。在运用达尔克罗兹音乐教育法时一定要注意以下几点： （1）音乐的本质是对情感的表达。优美动听的旋律不仅仅能给人听觉上的美感，而优秀的音乐表演家能深刻的理解音乐的内涵，将音乐中最美的一部分展示给听众，让听众也能感受到音乐的美感。 （2）音乐教育既不是单纯的技术训练，更不是没有理论基础的传授。首先应该让学生对音响运动和情感进行体验。“单纯的技术练习”、“没有理论知识的训练”和“无乐感的演奏”都是现今音乐教育普遍存在的现象。如：许多学生学习乐器只是一门心思苦练演奏技术，对相关的音乐理论知识一无所知，甚至有些学生对音乐的情感体验也是浑然不知的。所幸的是现在很多教师和学生已意识到问题的严重性，并在不断努力改进。 （3）把音乐当作一种“人性化的力量”促进学生身心和谐的发展。遵循自然法则对学生进行教育，培养学生的观察、思维能力和感受能力。 （4）除此之外，钢琴基本功也是很重要的，钢琴基本功是体现达尔克罗兹最重要的载体，如果没有坚实的钢琴基本功，是没有办法去延伸扩展达尔克罗兹音乐教育法中精髓的部分。正如著名钢琴家霍夫曼所说：“演奏必须取得操纵钢琴的主权，这个操纵权就是技巧。”有了这个技巧，才能够表现音乐。缺乏演奏技巧，纵使有雄厚的音乐理论基础和非凡的音乐表现能力、想象能力、创造能力、审美能力，也不能在完全的表达音乐的内在思想情感。虽然钢琴演奏技巧很多，但是一切钢琴技巧都是从手指触键开始，触键是一切钢琴演奏技巧的关键之处。 从钢琴的发音特点来讲，每个音不论强弱、高低都应该有一个最佳的触键点。这个点在触键时应多深多浅，力量应用得多大多小，下键速度应多快多慢都应根据声音的需要来衡定。只有这样我们才能扩展钢琴演奏，得到最佳的钢琴演奏效果。总之，达尔克罗兹体系已经成为一种由哲学思想、教育观念和一系列策略构成的开放体系，它不是一成不变的方式方法，而是需要教师根据教学对象和所处的环境，来解决如何把这些思想和策略转化为具体的方法，并付诸教学实践。 钢琴教学法论文:体验式教学法在高职钢琴教学中的构建 在高职的钢琴课程教学中，开展体验式教学能够让学生在亲身体验的过程中提高钢琴技巧，加深对知识的理解和运用，并不断进行创新，进而促进学生的综合发展。笔者从体验式教学的概念入手，阐述了其在高职钢琴教学中发挥的重要作用，并结合自身教学经验，讨论了在高职钢琴教学中如何构建体验式教学。 随着教育体制的改革，各阶段的教育中教学模式都发生了很大变化，体验式教学作为一种全新的教学模式，已经得到了广泛的应用。这种教学模式主要是以学生的特点和需求为主，通过创设实际的教学情境，来呈现或者还原教学内容，让学生在亲身的经历中不断学习和积累知识，进而构建知识体系。但是，在目前的高职钢琴课程中，教师对体验式教学的理解和应用还存在一定的局限性，因此有必要深入研究体验式教学的内涵，认识其在高职钢琴教学中发挥出的重要作用，并积极寻求构建体验式教学模式的策略，以提高高职钢琴教学的质量和效果。 一、体验式教学模式的内涵 体验式教学是一种交互式的教学方法，能够加强师生双方的情感体。深入了解体验式教学的内涵，有助于教学的开展。体验式教学的内涵主要体现在以下三个方面：首先，开展体验式教学，学生能够在特定的情境中获取更多的知识和体验，进而不断提升自身的技能。因为在教学过程中，教师会了解学生的需要，并根据学生的特点创设教学情境，逐步培养学生对钢琴的喜爱之情。其次，在体验式教学中，师生要相互配合，构建良好的师生关系。这样可以让学生感受到教师的亲切，能够让学生产生积极的情绪和良好的心境，进而提高学生的学习热情，有助于教学的开展。再次，在体验教学的过程中，学生之间的沟通和交流能够得到强化，能够促进学生之间的合作和探究，进而在学习中扬长避短，共同进步。最后，体验式教学能够让学生逐渐重视自我表现，并学会自我评价。因为在体验式教学中，教师会建立评价体系，要求每位学生都能够按照评价的标准对自己进行客观评价。同时，这种评价标准和体系也会对学生的学习起到督促作用，教师可以通过评价掌握学生的学习情况，既有利于教学的完善，也有利于学生技能的提高。 二、体验式教学在高职钢琴教学中的作用 体验式教学在高职钢琴教学中发挥着重要的作用，主要体现在以下几个方面。 首先，高职教育重视学生实践技能的培养，其教育的目的是为社会输送职业型人才。而在钢琴教学中，学生亲自演奏是学习钢琴技能和提升演奏水平的主要途径。同时，开展体验式教学能够改变音乐教育中缺乏情感体验的教学现状，让学生在特定的情境中进行学习和实践，能够促进学生钢琴技巧和自身情感的完美结合，既可以加深学生对音乐本身的理解和体验，也能够通过切身感悟和演奏实践深化音乐造诣，进而提高教学的效果。 其次，高职钢琴教学的目的除了培养学生具备必要的专业技能外，还要最大限度地激发和挖掘人们对艺术的感悟和反应力。通过开展体验式教学，学生不仅能够学习基本的音乐知识和钢琴技能，也能够在演奏和各种情境体验中提高音乐方面的审美能力，进而拉进与艺术的距离，使自身的艺术潜力得到激发，最终提高演奏水平和艺术修养。 最后，钢琴课程中运用体验式教学，能够让学生在体验过程中直接发现事物所表现出的品性。这种对品性的体验是直觉的，并指向人们的情感，如果不开展体验式教学，那么学生就难以经历这样的情感体验。所以，在高职钢琴课程中，体验式教学发挥着不可替代的作用。 三、高职钢琴教学中构建体验式教学的策略 （一）转变传统教学思维 要想运用体验式教学并充分发挥其效用就必须转变教学思维，师生要共同努力，冲破传统教学模式的束缚，培养和提高学生学习的主动性。同时，要不断创新，发掘适宜的方式来提高学生对钢琴的兴趣和认知水平。在开展体验式教学的过程中，需要引起注意的是，教师不能完全否定传统的教学模式，应该将二者结合，取其精华去其糟粕，进而实现钢琴教学的目标。在实际的教学中，教师应该多为学生播放著名的钢琴曲目，引导学生构建情境，进而更好地体会作曲者和演奏者的情感，这样既能加深学生对音乐的感悟，也有利于学生钢琴技能的提高。 （二）突出学生的主体地位 体验式教学强调师生双方的情感体验，但教学中教师要以学生为主，突出学生的主体地位，为学生创造出更多的学习空间。教师应由主导转为引导，因为只有以学生为优秀，才能有效发挥学生的自主性，才能为学生提供更多的机会进行相应的讨论和分析，进而提高学生的音乐造诣。在实际的教学中，教师可以为学生演奏不同的曲目，让学生聆听以后分析和讨论曲子的曲风以及其所要表达的意境等；然后再让学生分别进行演奏，将之前对曲目的理解演绎出来，这样既可以给学生足够的讨论空间，也能够加强学生的情感体验。 （三）注重基础知识的教学和创新能力的培养 高职钢琴教学中基础知识和演奏技巧同等重要，因此在体验教学中，教师不能只强调演奏实践而忽视基础知识的教学。在实际的教学中，教师要根据学生对知识的掌握情况展开教学，尽量精简，要让学生快速掌握教学的内容，进而避免学生产生厌烦心理，同时也给学生的体验预留充足的时间。在基础知识的教学中，教师还要注重对学生创新能力的培养，因为只有在具备一定理论基础的前提下，学生才能萌发出新的想法，进而不断探索和创新学习方式。这有益于学生主动学习的开展，也有益于其钢琴技能的提升。 （四）不断创新学生学习钢琴的方式 体验式教学是一种全新的教学模式，高职钢琴课程中开展体验式教学，必然会使传统的学习模式不再受用，教师必须要对其进行改革和创新，以提高学生的学习效率。体验式教学倡导以学生为主体，充分发挥学生的自主性，培育学生的自信，增强学生对成功的体验，进而提高学生独立思考和学习的能力，最终提升学生的钢琴技能。 在实际的教学中，教师要引导学生转变思维模式，不断进行创新，还要鼓励和引导学生独立思考，主动探究。这样学生才能逐渐树立独立、主动学习的意识，并在体验式教学中发掘出符合自身的学习方式。在此过程中，教师不但要尊重学生的个性思维，还要对学生主动学习的行为和表现进行鼓励性的评价，以增强学生的自信，进而提高学习的热情。这样一来，既能够帮助学生树立自信，提高钢琴的学习效率，也能提升学生的音乐素养。 （五）构建新型钢琴教学课堂 体验式教学是教学模式的改革和创新，运用体验式教学后，教师必须构建新型钢琴课堂，以适应全新的教学模式，提高钢琴教学的效率。在实际的教学中，教师应用作品讲解和欣赏代替枯燥的说教式教学，应运用弹奏训练来培养学生的乐感，锻炼学生的听觉。在体验式教学中，教师还应选用不同风格的曲目供学生进行演奏训练，进而加强学生对不同题材和风格音乐的审美体验，最终提高学生对音乐的感知力和演奏水平。 除此之外，构建新型师生关系也是落实体验式教学的一个关键环节。体验式教学中，师生之间是平等的，情感体验也是相互的。因此，在教学中，教师要转变自身的主导地位，尊重学生的主体地位，创设和谐融洽的师生关系，让学生切身感受到教师的尊重、帮助和关怀，并积极辅助和引导学生展开自主学习和合作学习，鼓励学生不断探究和创新，多参与实践活动，这样既提高了学生的学习积极性，又培养了学生的实践能力。 （南充职业技术学院） 钢琴教学法论文:钢琴教学法在社会钢琴普及教育中的作用 摘 要 随着人们物质生活不断丰富，生活质量不断改善，近年来人们开始关注文化、教育等，注重素质教育培养，以促进自身全面发展。社会钢琴教育就是目前人们追求素质教育的一种直接体现形式，现阶段我国越来越多的家庭开始参加到社会钢琴普及教育中，这促使钢琴的普及教育呈更广阔空间发展。本文将基于社会钢琴普及教育及钢琴教学法的简要概述，对钢琴教学法在社会钢琴普及教育中的重要作用进行分析，并对进一步加强钢琴教学法在社区钢琴普及教育中应用提出策略建议。 关键词 钢琴教学法 社会钢琴教育 作用 教学内容 社会经济高速发展，大大提高了居民生活水平，改善了居民生活质量，在保证物质生活丰富前提下人们更加热衷于对素质教育的学习和追求。目前素质教育在我国社会发展过程中受到高度P注与认可，而音乐教育本身属于素质教育中的重要构成部分，也受到人们的广泛关注与接受。通过社会实践调查了解到，较多人表示希望通过接受社会音乐教育，促进自身素质综合发展及整体塑造，同时提升促进智慧开发，培养审美情趣。钢琴教育是音乐教育的重要载体形式，近几年通过社会钢琴普及教育对促进素质教育的深入开展起到了积极作用，同时取得良好成绩。实践应用证明，通过社区钢琴普及教育能够有效的培养人的高雅情趣及审美品位。 1社会钢琴普及教育 社会钢琴教育属于社会教育中一个非常重要的组成部分，社会教育又分为广义和狭义两方面，广义的是指一切社会生活影响到个人身心发展的教育；狭义的是指学校教育以外的各种教育活动；当今社会教育是学校教育的重要补充，随着我国经济快速发展，国民生活水平不断提高，人才的竞争日益激烈。在这样的社会背景下，社会教育在我国整个教育体系中占有不可忽视的地位和作用。作为社会教育的一部分，社会钢琴教育一直扮演着不可替代的角色，它是指社会上的钢琴培训机构或是个人一对一的钢琴教育，通过钢琴的学习提高自身的艺术修养，培养高尚的道德情操。 目前我国“钢琴热”发展前景十分乐观，随着人们物质生活不断丰富，对精神追求、文化追求的品味不断提升。在实践调查中了解到，现阶段大多数钢琴学习者表示希望通过接受社会钢琴教育，提高自身艺术修养，促进自身综合素质提升，完善自身，增强自信。社会钢琴普及教育不仅丰富了人们的文化、精神生活，也激发更多钢琴爱好者进行学习，这对进一步提高社会钢琴教育水平有着推动作用。 2钢琴教学法 钢琴教学法对于学习钢琴来说有着至关重要的作用，科学、合理的应用钢琴教学法能够使学习者起到事半功倍的效果。在钢琴实践教学中采用钢琴教学法，一方面能够更有效的指导学习者进行钢琴练习，提高钢琴学习效率，另一方面对提升教学者自身水平也有着积极作用。通过有效钢琴教学方法的应用，提高钢琴学习效率，提升对钢琴学习的自信心，进而形成钢琴学习兴趣。 现代教育教学背景下，钢琴教学法的应用理念是以“兴趣、快乐”为教育出发点，基于兴趣基础上进行钢琴教学，帮助学习者掌握学习技能。选择合适的钢琴教学教材对开展钢琴教学有着重要作用，要充分根据学习者的实际情况选择系列教材，如弹唱系列教材、基础系列教材、和声系列教材等等。同时在教学内容选择上也要注意因材施教，如初期的钢琴教学内容要以基础练习、一曲多弹练习为主，在掌握基本练习技巧后进行爵士和声练习、自弹自唱练习等等。总之，钢琴教学法注重从多角度出发，不仅仅注重教学技巧的应用，更加注重从理念角度出发，优化教学内容及手段，顺应学习者学习心理，制定符合学习者实际教学方案，以达到钢琴教育教学目的。 在社会钢琴普及教育中，积极引入钢琴教学法，能够更加有效的帮助学习者解决即兴弹奏、弹奏流畅性、弹奏规律等问题，使学习者更有效克服钢琴学习存在的问题，树立学习自信心，促进审美素养及审美情趣的提升。 3钢琴教学法在社会钢琴普及教育中的重要作用 应用钢琴教学法在社会钢琴普及教育中有着重要作用，主要包括以下几个方面： （1）教学形式及教学内容结构突出。钢琴教学法的应用过程中其教学形式十分显著，主要以钢琴授课进行，主要包括一对一钢琴小课，二人到四人的小组课，或十人以上集体课，这几种是较为常见的授课形式。在社会钢琴教育中，大多数采用集体授课的方法，在人数较多的情况下开展钢琴教学很难做到面面俱到，容易忽视学习者的个体差异及个性特点，通过应用钢琴教学法能够使教育者从教学实效性角度出发，考虑授课形式对教学效率的影响。另外，钢琴教学法从教学内容上来看，主要以练习曲、歌曲、即兴弹唱、动机发展、键盘和声几个部分为主要内容，其教学内容明确，这对学习者来讲有着一定的梳理与引导作用。在社会钢琴教育中，要积极参照钢琴教学法的教学内容及形式，为实效高效的钢琴教学，首先应充分明显其教学内容及结构。 （2）强调实践应用价值。钢琴教学法的应用突出其应用能力，即通过有效的钢琴教学后学习者能够进行独立的弹奏、演唱、编配等等。在社会钢琴教育中，应用钢琴教学法能够使学生进一步强化实践练习，在掌握基本弹奏技能的基础上，能够真正做到离开琴谱依然会弹奏钢琴，并能够即兴弹奏，根据歌曲需求进行编配伴奏。同时社会钢琴普及教育中，应用钢琴教学法能够从教学根本目标出发，注重学习者综合能力的培养及综合素质的提升。学习者通过技能学习和训练，提升自身可变性，在长期的训练中逐渐形成快速反应能力，通过有效的实践训练和应用将其培养成即兴创作人才。 （3）促进音乐想象力培养。钢琴教学法注重学习者综合能力与综合素质训练，这一点对于社会钢琴普及教育来说具有关键意义。钢琴学习不等于简单的钢琴弹奏学习。从综合素养训练角度出发，引导学习者在进行演奏技能培养同时，要突出其音乐性。在实践教育教学活动中注重教学手段的多样性与灵活性，激发学习者的想象力，这对进一步提高学习者的音乐创造力与创新性都有着重要作用。 4加强钢琴教学法在社会钢琴普及教育中应用的策略建议 目前社会钢琴普及教育不断发展，其普及范围不断扩大，但就现阶段我国的社会钢琴教育现状来看仍存在的一定不完善之处，如社会钢琴普及教育中其教学内容缺乏完善性，尽管教育过程中注重经典曲目练习，但忽视了钢琴教学的与时俱进理念。同时其教育过程中过分注重演奏技巧培养，忽视了综合素养的培养和提升，学习者的即兴演奏能力较差；过分注重理论教育，使理论与实践出现脱节问题，直接影响社会钢琴普及教育的整体效果。基于上述对钢琴教学法的认识及作用分析，为进一步加强钢琴教学法在社会钢琴普及教育中的应用，要创新现有教育模式，以提高社会钢琴教育整体水平。 4.1创新教学理念及教学方法 社会钢琴教育工作者应调整其教育理念，钢琴教学不仅仅是为了教会学习者怎样去弹奏钢琴，也就是说不仅仅是对钢琴弹奏技巧的教学，还要使学习者深入感知钢琴演奏的魅力，对加强对钢琴演奏素养的培养，使学习者能够从自身主观角度出发，完善钢琴学习技能同时促进自身审美能力的培养和提升，继而促进综合素养培养。关于教学方法，社会钢琴教育工作者要打破传统教学模式的束缚，在进行钢琴教学过程中，注重技巧教学同时注重学习者音乐创造力及想象力的培养，并加强实践尝试和检验，真正感受音乐中包含的情感变化，深刻感知钢琴带来的艺术魅力，提高自身钢琴学习素养。 4.2通过教学方法优化，提高学习者即兴伴奏能力 目前社会钢琴普及教育过程综合功能，学习者的即兴伴奏能力相对较弱，为改善这一现象要积极优化教学方法，以提高其即兴伴奏能力。例如，将简谱与五线谱相结合，首调与固定调相结合，基本乐理与视唱练耳相结合，键盘和声与移调相结合，钢琴弹奏与钢琴弹唱、即兴伴奏相结合，钢琴弹奏与作曲理论相结合、作曲理论与旋律发展、即兴创作、复调、和声、曲式结构相结合，帮助学习者解决学钢琴演奏技巧不会用钢琴，学理论知识不会弹伴奏等问题。另外，还可以采用启发式教学模式，引导学习者通过模仿、即兴、创作等形式，激发学生的音乐想象力与创造力，提高个人即兴弹奏能力。 4.3注重理论与实践教学相结合 钢琴教学法注重乐理知识、作品分析与钢琴演奏、视听练耳的有机融合，即强调钢琴学习过程中理论与实践的有机结合，并通过融合学习后达到灵活应用的目的。在今后的社会钢琴普及教育中要积极践行“一切知识点从键盘入手”的教育理念，要做到先感性再理性，对钢琴演奏作品的音乐性要深刻品读，再实现从感性层面发展到音乐知识理性层面的认识。换言之，这是运用钢琴教学法的根本所在。另外，教育教学活动中应加强视听练耳训练，打破传统课程教学模式下的教师弹奏、学生演唱的限制，要积极鼓励学习者进行自弹自唱，通过实践训练更贴切的感受钢琴演奏技巧等。例如当学习在对练习曲进行自弹自唱时，能够很熟练的掌握这个调的和弦方式，通过长期练习学习者能够从中获得经验，并形成学习兴趣。 4.4提升教育者专业素养及综合素质 为充分发挥钢琴教学法的价值及作用，使钢琴教学法有效的应用于社会钢琴教育中，应进一步提升教育者专业素养与综合素质。在目前我国社会钢琴普及教育的相关调查中显示，钢琴教育者能力水平参差不次，在实践教育教学过程中因自身能力不足直接影响钢琴教学效果，长此以往将会影响社会钢琴教育的整体质量。所以，要加强教育者专业能力及综合素养的培养。从事社会钢琴普及教育的教师，必须通过严格业务训练，保证其专业能力。为准确的把握钢琴教学法，并有力推进钢琴教学法在社会钢琴教育中的应用，钢琴教育者至少是钢琴专业大专水平，并通过正规培训及学习，精通乐理，具备丰富的钢琴教学经验，能够熟练的演奏各种钢琴练习曲。同时，教育者应具备创新的教育理念，在社会钢琴普及教育中能够引导学习者更加关注钢琴文化带来的魅力，培养学生钢琴素养及审美能力。要积极的激发学习者对中国传统音乐文化的关注，并将钢琴教育与中国传统文化教育相融合，充分发挥音乐教育的本质功能。 5结束语 钢琴作为乐器中应用最广泛、最普及的乐器形式之一，通过钢琴教育能够促进学习者综合素质的培养和提高。在实践生活中通过社区钢琴普及教育，培养人的审美情趣与审美品位，促进个体更完善发展，深化素质教育开展。为充分发挥社区钢琴普及教育的重要作用及价值，就要积极引入钢琴教学法，通过打破传统教学模式的束缚，应用钢琴教学法引导学习者的多个器官进行协调配合，促进大脑、眼睛、肢体的积极调动，通过钢琴学习提高自己的专注力和记忆力，同时促进智力开发。在今后的社区钢琴普及教育过程中，应加强对钢琴教学法的重视，注重兴趣教育、快乐教育理念的引入，优化钢琴教学资源，发挥多种系列教材优势，达到钢琴教学技巧掌握与兴趣培养，促进学习者多方面素质综合发展。 钢琴教学法论文:任务教学法在高职院校钢琴教学中的应用 摘 要：任务型教学法以任务组织教学，以参与、体验、互动、交流、合作的学习方式，充分发挥学习者自身的认知能力。任务教学法在高职院校钢琴教学中的实践和应用，促进了学生积极性的发挥，由此启迪他们的内在智慧，以此更好地提升综合能力，实现钢琴素质的有效提升。本文重点对高职院校钢琴任务教学实践进行了深入讨论和研究。 关键词：任务教学法；高职院校；钢琴教学 一、任务教学法的基本内容及高职钢琴教学理论指导 1.任务教学法的基本内容及理论体系 任务教学法是一种较为先进的教学方式，其在很大程度上实现了对学生主动性的开发，并在根本上促进学生的智力成长、情感发育和艺术修养，直接提升了他们的综合素质和审美情操。任务教学法以多种多样的教学任务作为课堂教学框架，在学生完成任务的过程中不断提升学生的知识吸收能力、语言沟通能力、艺术专业素质和情感智力，不断拓展学生的知识面，促进其个人钢琴专业理论体系的构建。 2.任务教学法在高职钢琴教学中的理论指导 钢琴教学作为音乐教学中的重要内容，一直是高职音乐艺术教学的重点。运用任务教学法对高职钢琴教学进行改革，可以提升教学效率，进一步强化学生的综合钢琴能力。第一，应该实现理论知识的系统化梳理和教学，对钢琴理论知识、乐理理论知识、实践教学等进行理论梳理，强化钢琴弹奏技巧的训练，对各类复杂结构的音型进行总结，以此有效提升教学实践效果。第二，任务教学法更加强调钢琴实践教学，这是提升学生实践能力和演奏素质的关键。 3.任务教学法对高职钢琴教学的意义和作用 任务教学法对提升高职钢琴教学效果有着重要作用。特别是对于高职学前教育钢琴教学来说，通过任务教学法进行教学实践指导，可以提升学生的理解能力和知识运用能力，实现当堂课程内容的有效吸收和掌握，保证学生的成长和进步。 二、任务教学法在高职院校钢琴教学中的应用 1.注重钢琴基础教学模式的建设 注重钢琴基础教学模式建设，强化钢琴的弹奏技巧，比如准确掌握断奏、跳奏、连奏等弹奏技法，不同的音程、和弦，旋律与伴奏的织体，各种结构的综合音型，踏板的运用，转调等内容的训练，从而增强教学效果。因此，在教学实践中应构建完整的钢琴基础教学体系，将以上内容融入教材的编写过程中，制订专属于高职学前教育的钢琴教学。 2.人本化教学，实现一对一指导实践 在钢琴专业教学中，应构建有效的授课模式，确保班上每一位学生一人一架电钢琴，教师对他们进行有效的指导。结合学生的学习弱项进行有针对性的教育实践和指导，可以提升钢琴教学的针对性。同时，学生可以更加明确地把握自身的钢琴训练弱点，进行有针对性的练习，以迅速完成学习目标。 3.积极开展专题式任务教学讨论活动 在进行高职学前教育钢琴训练时，应积极开展专题式教学讨论活动，对学生进行有针对性的辅导，从而增强教学效果。同时，强化儿童歌曲伴奏的教学，引导学生根据所学的理论内容强化个人实践，力求将所学的知识点转化成为自身能力的一部分，这样可以在根本上提升钢琴教学的有效性。总之，钢琴作为实践性较强的教学形式，在很大程度上要求学生能够不断提升自身的理解能力和感悟能力。 三、结语 高职钢琴教学作为一门实践性很强的科目，对学生的实践能力、领会能力和分析能力都有很高的要求，因此必须要从根本上保证教学理念的先进性，从而不断增强钢琴教学效果。具体到实践过程中，应注重钢琴基础教学体系建设，实现一对一人本化指导实践，积极开展专题式任务教学讨论活动，从而提升教学的有效性，为学生钢琴综合素质的提升打下坚实的基础。 钢琴教学法论文:奥尔夫音乐教学法在学前教育专业钢琴课中的渗透 摘 要：奥尔夫音乐教育体系是当今世界最著名、影响最广泛的三大音乐教育体系之一。奥尔夫打破了科学的系统性，更有利于个性的健康发展。它不仅对儿童音乐教学有着重要的启发意义，同时也为学前教育专业钢琴教学提供了新的思考、新的理念，具有很高的实用价值。 关键词：奥尔夫音乐教学法、学前教育、钢琴课 学前教育专业是培养具备学前教育专业知识，能在各类幼儿园、早教机构、各种儿童教育机构、师资培训部门、教育行政部门以及其他有关机构的教学、研究人才的热门专业。其主要课程有教育学、教育学概论、普通心理学、教育社会学、学前卫生学、儿童发展心理学、钢琴、声乐、舞蹈、美术、学前教育学、幼儿心理学、幼儿教育心理学、幼儿保健学、幼儿教育研究方法，教育统计学，游戏学原理、教师口语等。钢琴课作为学前教育专业学生必须掌握的一门专业课程，在学生应具备的技能中占有不可或缺的位置。 一、学前教育专业钢琴课的特点 学前教育专业的生源主要来自于初、高中毕业生，在招生中一般不进行专业课考核，因此，学前教育专业学生几乎没有音乐专业知识，大多数学生从未接触过钢琴，对钢琴学习的没有兴趣，缺乏动力。 学前教育专业钢琴课一般为小组课或集体课形式，学时量过少、学生人数较多，导致学习钢琴应具备的基本技能在课堂上很难及时有效的练习、巩固和消化。 那么，在有限的课时中，如何提高学生的学习效率，激发学生的学习兴趣，就成了急需解决的问题。 二、奥尔夫音乐教学法的教育理念 奥尔夫音乐教学法是当今世界最著名的音乐教学法之一。它不是学习高深的音乐技能，而是重在开发人的潜能，可以说奥尔夫是关于音乐的启蒙，是学习其它音乐的起步。奥尔夫音乐教学法打破了科学的系统性，摆脱了科学对音乐的桎梏，更有利于个性的健康发展。 奥尔夫的音乐教育原理，即是原本性的音乐教育。原本的音乐是和动作、舞蹈、语言紧密结合在一起的；它是一种人们必须自己参与的音乐，即人们不是作为听众，而是作为演奏者参与其间。 奥尔夫的音乐教育是面向全体儿童进行音乐教育，并把对儿童音乐教育看做是培养完善人格的基础教育，对音乐启蒙期的学前教育学生同样适用。它通过亲身体验，鼓励、激发和培养学生主动学习音乐的兴趣。 这样的教育方法和教学理念恰恰适合解决学前教育钢琴课中出现的问题。 三、如何在学前教育专业钢琴课中渗透奥尔夫音乐教学法 1、奥尔夫音乐教学法之声势在钢琴演奏基本功训练方面的渗透 奥尔夫音乐教学法中的声势---是用身体作为乐器，通过身体动作发出声响的一种手段。其基本形式与方法：拍手、跺脚、拍腿、捻指。 任何乐器的演奏（包括打击乐器）都要求双肩、双臂的支持与放松，拍腿可以单独作为钢琴演奏的准备练习。过去的钢琴教学向来只在中央C上下两个八度位置弹，两肩要放松是很难找到感觉的，故老式教法的初级阶段十个有九个两肩两个大臂是紧张的。所以，拍腿练习首先就是找到这种自肩开始的杀圩匀绶潘傻嘏拇虻母芯酢 声势在钢琴基本功训练中的渗透，不但能很使学生体会到放松的感觉，还会增加练习的趣味性，从而让学生对原本枯燥无味的基本功练习产生浓厚的兴趣。 2、奥尔夫音乐教学法之节奏教学在钢琴读谱基本功训练方面的渗透 奥尔夫音乐教学法中的节奏教学可以培养敏锐的音乐感知能力、音乐记忆能力、提高读谱能力、发展音乐感、发展音乐表演技能的基础。对于学前教育专业的学生来说，在以后的幼儿教育工作中的儿歌弹唱或歌曲表演唱等，都会涉及到读谱。 以儿歌弹唱曲目《十只绿瓶》为例： 曲中出现了许多附点音符的节奏，对于学生来说右手旋律部分的附点音符和左手伴奏部分的单纯音符对位是难点。那么，我们可以设计一个节奏游戏，来解决难点。首先，请学生以拍手的形式，以四分音符为单位拍，打出稳定拍子，重复几小节，直至拍子可以匀速稳定进行。接着，一起按乐曲中的节奏进行读歌词练习（稳定拍子继续稳定进行），将歌词按节奏读熟。再将稳定拍子变化问以八分音符为单位拍的进行，继续加入歌词节奏朗读。最后，把读歌词变为唱歌词。如此训练下来，学生很快会掌握这种节奏，以及左右手的对位。而且，每个学生都参与其中，乐在其中。 这种节奏训练适用于各种较难的节奏的读谱，可以充分发挥教师和学生的想象力，化繁为简。使单调的节奏充满色彩。 3、奥尔夫音乐教学法之手势教学在钢琴听力训练方面的渗透 在钢琴的学习过程中，弹和听是密不可分的整体。想要弹得好，就要听的准，明确弹的是否正确，想听的准确，首先要有音高的概念。然而，对学前教育专业的学生来说，音高是很抽象在东西。奥尔夫音乐教学法中的手势教学DD柯尔文手势，正是可以使抽象的音高关系变得直观、形象的最好手段。 教学中，应恰当地运用柯尔文手势。由于音符的不同所用的手势也就不同，不同的手势再辅以不同的空间位置，可使学生产生对音符唱名及相对音高的联想，将学生觉得难捉摸的高音在一定程度上予以视觉化，形象化。让学生学着用手形的变化及手位的高低调节来学唱简单的音阶，这样边唱边动学生们很感兴趣，于是对识谱的畏难情绪在不知不觉地减弱了，并且音准的准确性大大的提高了。在弹琴的过程中，如果遇到弹错音或忘弹升降记号等情况，因为对音高有了概念，自然就会很容易发现并改正。 以上奥尔夫音乐教学法在学前教育钢琴教学中渗透，只是较有代表性的几个方面，仍需不断的探索与尝试，以进一步提高学前教育钢琴课的质量与效率。 综上所述，奥尔夫音乐教学法在钢琴教学中的运用，突破了以往传统钢琴教学的思路，在钢琴课上，教师可以结合该教学法，应尽可能创造浓厚愉悦的音乐气氛，采用音乐形象启发学生，和学生一起投入到音乐氛围之中。针对学前教育专业学生学习钢琴的特点，通过奥尔夫音乐教学法的有效渗透，打消对钢琴学习的消极和抵抗心理，从而激发学习的兴趣，完成钢琴学习任务，掌握专业技能。 钢琴教学法论文:在钢琴教学中双钢琴教学法的价值与应用 【摘 要】近年来，随着人们对于钢琴教学的重视程度越来越高，在钢琴教学中，又衍生出一种新的教学模式，那就是双钢琴教学法。双钢琴教学，需要演奏者具有较高的协作意识，两台钢琴并排放置，师生各自使用一架钢琴，老师教与学生练相结合，更有利于学生乐感的培养，以及协作意识的提升。 【关键词】钢琴教学；双钢琴教学法；价值；应用 近些年，在许多音乐活动中，双钢琴这种演奏形式频繁出现。在钢琴教学实践中，采用双钢琴进行教学，有利于提升学生的音乐素质，提高学生钢琴学习的热情。本文简要探讨了在钢琴教学中双钢琴教学法的价值与应用。 一、在高校钢琴教学中双钢琴教学法的价值 （一）有利于迅速插入示范，使学生在较短时间内领悟教学意图。在大学钢琴教学中，由于一些学生之前较少接触钢琴乐器，钢琴弹奏基础参差不齐，许多学生钢琴学习处于初、中级学习阶段，这一阶段学生钢琴程度比较低，老师的示范非常重要。在教学过程中，教师要有针对性地做好示范工作。在琴教学示范上，双钢琴教学具有极高的价值，首先，双钢琴教学有利于师生之间和谐互动。比如在钢琴教学中，传统单钢琴弹奏教学方式，要实现齐奏和合奏的表现方式难度较大，如果采用双钢琴教学，教师可以通过最直观的音乐语言，提升学生对于这种表现方式的理解和认识，可以给学生更加直观的感受。其次，由于钢琴教学专业课时时间较少，要想在有限的时间内，提高学生钢琴学习能力也有很大的难度，采用双钢琴教学，有利于学生在较短的时间内领悟教学意图。在双钢琴教学中，教师可以根据学生弹奏情况，以最便捷的方式迅速插入示范，使学生的弹奏衔接更加流畅，进而提高课堂教学效果。 （二）有利于帮助学生建立完整的音响概念，提高双手间配合弹奏的默契度。对于初级阶段的学生来说，左右手进行合奏，力量和音色控制往往较难。不是弹得强，就是弹得弱，所以，对初级学生进行教学，许多教师都采用分手弹奏的方法，逐步提升学生的双手弹奏能力。而在单手弹奏过程中，由于旋律单线条，就会缺少整体音响的感觉，导致单手弹时没问题，一旦进入双手弹奏阶段，总是配合不好。采用双钢琴教学，学生单手弹奏，教师用另一只手弹奏，整首曲目等于双手共同完成，这样，有利于为学生双手弹奏提供一个标准，提升学生的音乐感受。另外，复调与多声部作品的弹奏，弹奏起来比较困难，尤其是弹奏能力较差的学生。采用双钢琴教学法，教师单独弹奏这个声部，另外声部学生同时弹奏，这样，可以强化训练，使学生快速掌握相对较差的声部，帮助学生建立完整的音响概念，提高双手间配合弹奏的默契度。 二、在钢琴教学中双钢琴教学法的应用 近年来，随着教学环境的不断好转，普及与应用双钢琴教学已经成为可能。由于学生的水平不同，在钢琴教学中，采用双钢琴教学，要尽量选择那些相对简单的曲目，这样，有利于提高双钢琴合作的有效性。在双钢琴教学中，教师要培养学生主动参与意识，培养学生的创造性思维，训练学生合奏能力。至于双钢琴作品方面，初、中级学生的双钢琴练习，可以选择布格缪勒的《纺织歌》、巴赫的《风笛舞曲》等程度较浅的钢琴曲目。由于双钢琴演奏难度较大，所以，一定要合理地设置双钢琴教学的课程，要体现双钢琴教学的系统性。教材方面，既要兼顾学生的接受能力，也要确保教学内容的丰富性。另外，在课程安排上，要做到逐步递进，从简到难，使学生习惯于双钢琴演奏，养成良好的双钢琴演奏习惯，以便于能够快速提升学生的音乐表达能力以及节奏控制能力。双钢琴演奏训练，学生刚拿到一份乐谱，教师要引导学生慢速地弹奏练习，先了解清楚谱面上的音符、节奏，避免出现错音与不连贯现象。在训练一段时间之后，学生对弹奏有了自信心，再由浅入深，循序渐进地提升学生视奏能力。双钢琴教学，合作能力培养优势非常明显。训练时应该先让学生熟悉彼此的声部、旋律，使学生能够注重控制相互间的力度，将音乐情感、音乐技术把握到位，感受弹奏时音响的整体效果，从而找到一个合作的平衡点，在保证双钢琴弹奏的整体效果基础上，提升学生的钢琴弹奏水平和弹奏能力。 三、结语 乐器教育的主要目就是发掘音乐潜力，培养音乐素质。因此，在钢琴音乐教学中，双钢琴教育法有助于拓展钢琴教学思路，更直接地引导学生、感染学生，让学生及时发现自己的演奏弱点，提升音乐潜能，养成良好的演奏习惯，不断提高自身音乐素养，以促进自身演奏能力和演奏水平的提升。 作者简介： 陈 静（1977-）女，汉族，天津市人，硕士学历，副教授职称。主要研究方向：钢琴表演。
钢琴教学论文:连奏钢琴教学论文 一、断奏 1.关于手臂的放松练习与教学。 学生在练习的过程中常常出现手臂甚至是全身力量都很紧绷的现象，这种紧张的状态则是断奏最为忌讳的。在教学的过程中，教师可以针对此现象适当地采用一些辅助练习，以帮助学生尽快掌握正确的自然重量下的断奏。如学生在弯腰的状态下比较容易找到手臂自然放松的状态，因此教师可以利用“大象甩鼻子”的练习方法来让学生感受到手臂的松弛，同时也可以借机找到手臂的重量，然后再以这样的状态投入到钢琴的演奏过程中。再如，经过手臂放松的准备练习之后，教师要引导学生用耳朵来倾听，感受依靠手臂自然重量弹出的声音，然后通过倾听自己弹奏出的声音音色来检查自己的手臂动作是否正确。一般而言，放松状态下弹奏出的声音如同敲钟般的清脆悦耳，能够引起大家的共鸣；而通过僵硬的手臂弹出的声音则生硬、刺耳。经过这样一步步、坚持不懈的练习，学生能够很快掌握正确的手臂动作。 2.，关于手指支撑的练习与教学。 在练习断奏的过程中，手指需要承受住手臂自然落下的重量，这就要求手指要具有强有力的支撑力，每一个手指都要能够单独站立，且手指的关节要保持微凸，不能发软。但我们每个人的每一个手指都有所差异，且所要求的触键位置不同，所以手指的支撑可分为“2、3、4、5指的支撑”和“拇指的支撑”。其中2、3、4、5指除了长短不一，都是有三个关节，所以它们的支撑要求以及练习则是大同小异的，在此不做重点说明。而拇指则只有两个关节，它的支撑教学则是比较特殊的，教师要对此予以高度重视。比如，在大拇指的支撑练习中，大拇指的触键位置主要集中在指甲侧边，但有的学生拇指关节在受到重力的情况下就会塌陷进去。针对这种情况，教师要采用外力帮助学生矫正姿势、完成支撑。这样，经过一段时间的练习，学生的手指肌肉就会变得紧实有力，手指就可以获得良好的支撑能力。 二、连奏 1.小连奏。 小连奏即为两个音的连奏，它的第一个音是和断奏法相同的，弹奏的时候手臂要自然地抬起放下，并让手腕充分地落下，同时手指也要牢牢地站立在琴键上。在弹奏第二个音的时候，手臂要带动手肘以及手腕的运动，然后再以手腕为中心轻轻带动即将要触键的第二个音，同时手腕在提起的过程中要轻轻松开第一个音。在这一过程中，弹奏者要确保手腕动作的柔和，这样弹奏出来的旋律才会如同呼吸一般的静谧怡人。由此得知，小连奏教学的重点就是要学生掌握手腕的动作，在弹奏第一个音的时候手腕落下，在弹奏第二个音的时候手腕又轻提，因此教师也常常将其称之为“落—提”或是“落—滚”。此外，这种“落—提”式的弹奏方法不仅仅常常被应用到钢琴的初级教学中，我们在一些古典钢琴作品中也可以寻觅到其踪影，如海顿的《D大调奏鸣曲第一乐章》就大量运用了“落—提”的弹奏技法，从而表现出一种轻巧、优美的音乐境界。 2.三个或三个以上音的连奏。 它是建立在小连奏的基础之上的，其中的第一个音和最后一个音是和小连奏的音一样的，是在“落—提”之间完成的，唯一的不同则在于中间的音的处理上。这种多音连奏法的中间音是需要借助手指的独立动作而完成的。在刚一开始学习的时候，教师就要严格明确这一音节中手指的弹奏动作，要告诫学生不应该依靠手腕或是手臂来进行发力，而是要积极借助掌关节（即第三关节）来进行弹奏，同时手指的第一关节也要积极配合第三关节的运动，以达到手指“站稳”“支撑”的要求。例如，当学生在练习3、4、5指的三连音连奏时，中间第二个音是由4指完成的，但是由于4指本身的力量较弱，所以学生在练习的时候经常借用腕部的力量来实现大音量。久而久之，学生就会形成“抖手腕”的坏习惯，其无论是对平稳连线的构建，还是连奏性歌曲的表现都会产生不利的影响。因此，教师要加强学生这方面的练习，以确保中间音的独立性和完整性。而针对这种三个或三个以上连奏音的练习，教师可以采用指法组合练习法对学生进行训练，指引学生依次进行不同指的上下行连奏练习，如“1、2、3指连奏”“2、3、4指连奏”“3、4、5指连奏”等。此外，教师还可以采用一些具体的钢琴练习曲，如布格缪勒的《钢琴进阶25曲》《鹡鸰鸟》、约翰•汤普森的《影子舞》等。这些曲子旋律优美、形象鲜明，与上述纯粹的连奏练习法比起来更能够激发学生的学习兴趣，能促使他们尽快地掌握钢琴的多音连奏技法。 三、结语 总之，钢琴的弹奏方法是千变万化、多种多样的，但是所有的变形都源于断奏以及连奏这两种最基本的弹奏方法，学生只有掌握了这两种基本的弹奏方法，才能为日后的钢琴演奏奠定坚实的基础。因此，教师在钢琴教学中要以充分的耐心和科学的教学手段指引学生掌握正确的弹奏技巧和基本的弹奏动作，并通过长期的实践练习来帮助学生形成科学的弹奏习惯，切不可因为它的简单而忽略了其重要性，以免产生事倍功半的效果。 作者：李娜 单位：绵阳师范学院音乐与表演艺术学院 钢琴教学论文:示范演奏钢琴教学论文 一、示范演奏的重要性 钢琴教学课中，钢琴技能的学习是属于操作性极强的技能课，其专业理论是为了指导实践，而音乐又是“看不见摸不着”抽象的听觉艺术。在课堂上光是口头上讲理论，由于语义具有非确定性，再贴切的形容词有时也显的单薄无力，再多的形容词有时还不如教师直接示范演奏更一目了然。音乐的意境和声音的控制是很难用语言来表达清楚的，当学生无法找到适当的触键方式来表达音乐的意境情感，这时候只用理论教学是很难从根本上帮学生解决问题的，只有教师用自己的表达方式（触键方式），从音乐句法，线条，明暗，情感变化、层次对比等层面去做出处理示范演奏，才能使学生更准确找到通向音乐的路径（触键方式）。因此从某种角度上讲，钢琴的学习是无法“自学成材”的，没有一位钢琴家能够不通过教师而走向钢琴音乐的世界里。现代科技多媒体技术在钢琴教学中的运用，给传统课堂带来了冲击和变化，同时也为教师开辟了一条新的教学途径。多媒体图像主要是声音、图像、视频等多种技术手段，包括了各种钢琴考级示范、钢琴家音乐会、专家教学视频等等，无可否认，科技的发展把原来无法感受到的音乐音响送到我们的身边，强大的网络媒体是钢琴学习的重要参考资料，但“过多依赖视觉体验是不能从根本上提升学生的钢琴技能的，而实际上传统音乐教学中的听觉体验对学生的影响和形成也具有重要的推动作用。因此在当前的教学中，现代科技因素大行其道的趋势下，我们不得不进一步探究人文因素在现代教学中的充分运用。”毕竟音乐是一门人文性较强的学科艺术，脱离了人的因素，那听到的将是机器的声音，这也是当代无人自动演奏钢琴无法取代的。“示范演奏反映出教师的专业水平，艺术修养，体现出教师个人的气质和号召力。”[2]教师如能通过精彩的示范将音乐的完美性呈现出来，无疑能够给学生带来生动的形象感知并激发起学习的兴趣，使学生进入求知的振奋状态，进而转化为学习的动力，促进教学的顺利进行。因此，教师在平时除了教学还要不断提升自身的演奏水平，适当的参加舞台表演，积累演奏和舞台经验，才能为教学提供源源不断的“养料”。 二、示范演奏要注意哪些问题 在教学示范要做到有的放矢，明确示范的目的，有些教师没有明确目的，虽然具备良好的演奏技巧，但没能科学合理的运用示范演奏，最后使得教学的效果大打折扣，甚至适得其反。 （一）明确示范演奏的目的。 钢琴教学课程中的示范，不同于音乐会的演奏，不必完整的演奏整首作品，在几十分钟的课堂上，音乐作品有些长达几十分钟，完整示范演奏全曲也是不现实的。课堂上的示范演奏不但可以片段性的，还可以分声部，单乐句甚至单音的示范。不仅要示范美的声音，正确的声音，还要会模范学生错误的声音，以便学生学会对比，辨别正确的声音。有些教师在做示范没有明确目的，只是将乐曲流畅的整首弹奏下来，未能针对提出的问题进行针对性的师范和讲解，达不到预想教学效果。例如，当学生弹奏乐曲总出现中断，这时要分析中断的原因，如若是技术问题导致接不下去，这时教师可以在中断的地方进行示范，（而不是整首乐曲示范），并加以剖析讲解，逐一解决“衔接”的问题。这样才能更有效解决弹奏中断不流畅的问题。 （二）动作的规范性和可模仿性。 教师的示范将是学生模仿的版本，从弹奏的动作到音乐的起伏变化，细节的处理，甚至教师下意识的一个动作，都将成为学生的模范对象。因此，在示范时教师一定要根据学生（教学对象）的情况进行合理的安排。例如在给初级阶段的学生示范弹奏音阶琶音，教师就要用慢的速度进行示范，不能自我炫技，否则，会导致学生模仿快速弹奏，即使教师不断的强调学生要慢练，但由于在示范时教师的“炫技”给学生“印象深刻”，学生就是总要做不到慢弹，而快速弹奏是初级阶段的学生没办法达到的，最后导致弹不清楚。因此，示范演奏重在于运用恰当，在于“精”而不在于“滥”。这也是有些教师虽然具备良好的演奏技巧，但没能科学合理的运用示范演奏，最后使得教学的效果大打折扣的主要原因。 三、结语 示范弹奏是钢琴教学中最具有灵活性、直接性和有效性的教学方法，在教学的各个阶段都有其不同的要求和变化，教师的示范弹奏只有结合教学目的、语言讲解等其他的教学手段，才能发挥其固有的潜能，进而达到促进良好教学效果的目的。 作者：李红智 单位：广州艺术学校 钢琴教学论文:体验教学视角下钢琴教学论文 一、体验式教学法 所谓体验式教学法，主要是指结合学生的认知水平和教学内容，通过观摩或者直接使教学活动再现等方式，为学生创设相应的教学情境，使学生能够在一种身临其境的情境中学习、体验、感悟，从而形成合理的知识结构，促进个人能力的提高。与传统的教学模式相比，体验式教学法是一种以学生为本的教学方法，更加注重对学生的尊重与关爱，更加注重培养学生的健全人格和实践经验。音乐艺术隶属于审美艺术的范畴，由于钢琴作品艺术形象比较抽象，学生理解起来比较困难。体验式教学法通过创设贴合钢琴作品意境的情境，让学生产生移情体验，有一种身临其境的感觉，这样才能真正理解作者创作时候的心态和作品表达的情感，在自己练习时才能更好地理解和诠释作品。 二、当前钢琴教学情况 1.教学内容安排不合理。 当前，大部分钢琴教学内容中都缺少对钢琴音乐史历时时间段的描述，也缺少对不同风格、不同流派的钢琴作品的全面介绍，导致学生难以对钢琴音乐历史进行整体把握，对我国钢琴音乐作品的介绍比较少。同时，也缺少对钢琴艺术史及赏析课程的开发及研究工作，难以提高学生的体验能力。 2.教学方法不合适。 当前，在钢琴教学中，大部分教师仍然采用传统的由学生弹奏、老师讲授弹奏方法的教学模式，缺少教师与学生之间的互动学习，这种教学方式已经不适应当今社会对钢琴人才的需要。同时，教师大多强调钢琴传教技巧，缺少对学生心理需求的体验。此外，在教学评价方面也不够柔性灵活，不能达到激励学生学习的目的。 3.学习方式轻体验。 由于传统的钢琴教学活动大多侧重于教师的“讲”，缺少对于学生“听”的能力训练，尽管教师讲解水平高，钢琴作为一种听觉艺术，单纯的讲解并不能使学生深入领会教师讲解的内涵，教学形式上就缺少互动环节，从而难以达到“体验教学”的目的。只有真正做到让学生切实去体验，才能形成学生的审美体验。 4.师生关系不平等。 当前，在钢琴教学中，大部分教师仍然以教师为主体向学生讲授钢琴的演奏法，在教学过程中往往没有去倾听学生的想法，教学活动没有处在一个平等的关系上去开展，没有充分尊重学生的个体意识，在一定程度上挫伤了学生学习的积极性。高中和大学的学生大多具有较强的主体意识，他们渴望得到教师的尊重，这样才能积极配合教师的教学。 三、体验教学法在钢琴教学中的应用 1.说、唱、弹等教学方法的体验性。 在钢琴教学中，说、唱、弹是最主要的三种教学方法，它们在教学活动中是相辅相成的，教师应该结合教学内容，灵活把握三者的条件和实践，教师和学生双边的活动，不能把课堂只当成是教师的舞台，从而使教学效果得到最优化。在进行“说”的时候，教师应该尽量少用结论性词语，多用启发性、诱导性语言，要善于描述感情微妙的变化，使学生能产生“移情体验”。“唱”在理解音乐情感方面具有一定优势，教师可以引导学生随着琴声深情演唱。在“弹”的指导中，教师应该注意避免学生一味地模仿，多与学生交流和讨论，让他们在倾听与体验中逐渐形成自己的风格。 2.在音乐表现中学习钢琴技术。 钢琴技术的学习既是钢琴学习的重点，也是钢琴学习的难点，钢琴的作品表现手段离不开技术，要做好对钢琴的技术教学，也应该重视对学生的体验生成。在讲解钢琴常用的基本技术，如五指练习、音阶等方面，教师不能只是单纯讲解，而要与音乐形象和音乐表现联系在一起。比如在练习音阶时，教师可以启发学生表现各种不同的情绪。在表现气势磅礴的音乐形象时，教师可以引导学生想象大海的浩瀚、海水的奔涌等景象，学生比较容易放松，更容易表现作品需要的情感。 3.改变传统的学习方式。 在钢琴教学中，教师应该改变传统的教学观念，从教学活动的主导者变成学生学习的激发者和促进者，让学生自己去思考、判断、选择，有意识地锻炼和鼓励他们自主地学习。如在练习某部钢琴作品时，教师可以先用多媒体播放该作品的相关历史背景、作者经历等，使学生融入到作品所表现的意境当中。当学生在选择钢琴学习作品时，教师可以首先和学生讨论，让他们自己对想要联系的作品、想表达的心情、想练习的技术等方面进行思考和取舍。选择完作品后，学生自己查找与钢琴作品有关的资料，在这个阶段，学生对钢琴作品的内容、技巧、情感等方面都会有一个初步的体验，练习效果也会更好。 4.建立和谐的师生关系。 体验教学中建构的师生关系，是基于对话的、体验的和交往的师生关系。只有在这种师生关系中，教师的情感体验与学生的情感体验才能形成一致，容易唤起学生的共鸣，进而在双方的交流与讨论中形成技巧，建构知识。为此，教师应该把学生放在与自己平等的位置上，在班级中形成一种民主、平等、信任的氛围，利用多种教学方式，引导学生发扬合作精神，共享经验知识；制定科学合理的教学方法和教学计划，多用鼓励性的评价语言，让学生在学习的过程中不仅掌握知识，还体验到学习的快乐和价值。 作者：郝光 单位：辽宁省沈阳市艺术幼儿师范学校 钢琴教学论文:节奏训练视角下钢琴教学论文 1节奏 1.1时值 时值指的是乐音之间长与短的比例关系。在乐谱中乐音之间的长短比例，需要依靠乐谱中的音符与休止符来表达。而这些符号需要以有组织性的节拍与律动来将时值体现出来。在实际的音乐演奏过程中，时值也是必不可少的，不同的音乐类型、音乐结构以及音乐情绪，便拥有不同的时值组合法。 1.2重音 重音在乐曲中可以起到画龙点睛的作用，一首乐曲的感情表达不是平铺直叙的，时刻变化的感情内容主要是由重音体现出来的，通过重音将重点与非重点区别开来，有助于演奏者抓住重点融入感情，体会乐曲内涵。乐曲一般的重音是节奏重音，它可以突出乐曲的节奏，使一首乐曲立体化。 2节奏与节拍的区别 节奏与节拍有着本质的区别，节拍可以说是节奏的局部表现，是机械性的，也是匀称的。有时音乐的脉动与节拍并不吻合，有了基本的节拍都会存在音乐的脉动。每一部音乐作品中的节奏，都是演奏者对作品理解之后的表达，所以只有有情感的、有逻辑性的以及有依据的节奏才是真正完美的演奏。如果将节奏视作节拍，那么表达出的作品只能是机械性的，必然会单调而缺乏情感。 3提高节奏感 节奏感是要求学生在掌握了准确节拍、精准节奏型之后要进行培养的。节奏感是要把对节奏的理性分析和认识具体到感性认知。要求学生在对每一首乐曲进行练习时都要做到，首先按照节拍出声数拍子，或用节拍器打拍子。然后当节拍已经能够弹奏准确后，就可在心里默数拍子。最后通过对作品的进一步理解掌握乐曲应有的速度，及一些速度的临时变化和情绪的变化，从而达到对乐曲节奏的感性理解，这就有了节奏感。节奏感的练习是漫长的，要建立十足的信心，相信坚持认真的练习一定会取得成绩。准确地掌握乐曲节奏，是学习钢琴和音乐的关键，应引起师生的足够重视。 4节奏的训练方法 在经过一定的节奏感培养之后，学生基本上会具备了良好的节奏感。这时便可训练学生如何正确掌握钢琴乐谱中的节奏。 4.1弹奏之前先了解作品 音乐作品是人为创作出来的，在作品中一定会有作曲家的个人意识。乐曲的弹奏最高境界是达到共鸣，即弹奏着与听众达到感情同步。这就要求学生在学习新曲前首先需要熟悉音乐作品。这里的熟悉不是单指熟悉曲谱，是要熟悉作品的一切相关信息，即曲目诞生的时代背景，及作曲家的生平事迹等。只有尽量还原作品创作时的感情才能体会曲子的内涵，了解作曲家赋予曲子的感情基调，从而更深入理解作品，把握好乐曲节奏。 4.2做好拍子的处理 在进行钢琴弹奏练习时，教师还应该指导学生对各种常用拍子进行全面掌握与熟悉，并保持稳定的速度来数拍子，然后按照正确的节拍进行训练。教师应教会学生不同节拍的节奏特点。比如6/8拍是以八分音符为一拍，每小节有六拍，重音在第一、第四拍，节奏为强弱弱次强弱弱。在进行节拍训练时，教师要避免学生出现对节拍的基本特征不了解，缺乏平衡感的问题，还要避免学生出现过分强调每小节的重音，从而忽视了乐句的完整性与流畅性的问题。另外，还注重学生对切分的处理，不仅要将切分强调出来，还要显得不突出，自然流畅，从而保持音乐的协调性。 4.3完整的处理好乐句与乐段 想要让乐曲弹奏得更有感染力，就要赋予乐曲以生命力。对待乐曲的每个乐句乐段就像与人交流，要有停顿，要有重点，在弹奏中就表现为对节奏的掌握。人在说话时要有始有终，尤其在进行一段话的陈述时，往往最后一句话是强调语句，要重点提出。音乐的弹奏也是如此，很多学生在音乐的弹奏中，往往忽略了每个乐句与乐段的末位部分，习惯一笔带过，这样在整首音乐弹奏时就会让音乐的节奏感不明显，从而产生虎头蛇尾之感。所以教师在对学生进行节奏的训练时要强调学生对每个乐句，乐段的处理完整性，让学生认真倾听完整的乐段，乐句与不完整的乐段，乐句区别，感受完整的重要性，提高学生的弹奏水平。 4.4做好节奏与速度的训练 学生在钢琴弹奏时，非常容易出现节奏不稳、速度不均匀的问题。有些学生在弹奏时，遇到较难部分速度会不自觉的慢下来，而遇到容易部分弹奏的速度又会突然提高。这种时快时慢、时强时弱的弹奏表现如果养成习惯，将严重影响学生钢琴演奏水平的提高。在钢琴教学过程中，我们应该让学生充分认识到节奏与速度的重要性，学生练习乐曲时如果出现难度较高的部分，应该提醒其不要过分紧张，慢练的好处在于，能够减少学生错键敲击率，减少学生弹奏失误的出现。而且，慢练也有助于缓解学生的紧张情绪。训练学生掌握速度与节奏的准确性，就应该让学生养成良好的习惯。在弹奏之前对乐曲进行全面认识是必不可少的一个环节，这样能够帮助学生对较难的部分有个初步了解，然后将其记在心里。学生还应该培养起心理哼唱的习惯，以便对手指的速度能力进行衡量，并与正常的速度进行比较，这样学生便能够快速找到整个乐曲的节奏与速度，并在合理的范围内进行变化，从而完整、流畅的将乐曲呈现出来。 4.5做好复合节奏的训练 在两手弹不同的节奏时，很容易失去节奏感，使音乐毫无美感可言。学生要想两手同时弹奏好两个不相同的节奏，就必须先进行分手练习，直到分别弹奏的非常准确后，再进行合手弹奏，弹奏时不要考虑任何一手的节奏，只要考虑两手的汇合点，进行下意识的动作，同时进行反复的倾听，这样便可以弹奏好两手不同的节奏。进行这种训练时，教师应该要求学生弹奏时对拍子与节奏都判断准确。 5结语 节奏对钢琴乐曲的整体弹奏效果有很重要的影响，把握好节奏是一首曲子的弹奏的前提。节奏的掌握可以在训练中得到提高，这不仅需要学生加强自主练习，也需要教师对学生的指导训练，格局不同的学生理解情况及曲子特点有目的地进指导，从而稳步提高学生的演奏水平。 作者：赵宇 单位：哈尔滨幼儿师范高等专科学校 钢琴教学论文:内心听觉钢琴教学论文 一、钢琴教学中内心听觉的培养策略 （一）重视培养学生的音乐专业素质 音乐专业素质的提高能够加深学生对乐曲的内心听觉感受。钢琴的教学，如果仅仅是简单的弹奏技巧的教授，而不向学生讲解作品创作的背景等相关理论知识，那么即使学生熟练的掌握了演奏方法，也不能演奏出符合音乐原创内涵的曲子，更不能让听者正确理解作品的创作意图和情感。作为情感寄托的音乐作品，不同的国家、民族及流派的创作者对其诠释各具特色，所以一定的音乐理论知识对学生欣赏不同乐曲的素养的提高是十分必要的。此外，仅仅喜欢某一类乐器和音乐是不够的，应培养学生对各类不同乐器和乐曲进行广泛且有意识地学习和鉴赏，例如可以指导学生自主学习与乐器发展、乐曲创作相关的书籍，通过播放一些经典的乐器演奏作品以及名家专业讲座等，让学生从乐器和音乐的文化根源出发，不断拓宽音乐专业知识，提升自身的音乐修养。在此基础上建立起来的乐曲内心听觉对学生钢琴演奏的技巧的提升也起到了非常积极地作用。 （二）坚持引导学生聆听钢琴乐曲 钢琴弹奏的听众不仅仅是台下的观众，演奏者本身也是一名聆听者，聆听乐曲过程对演奏者显得更为重要。在钢琴教学中，引导学生聆听乐曲，一方面可以让学生感受到听觉的刺激，提高他们对音乐的理解。另一方面有利于学生对乐曲进行内在听觉记忆。长期反复地进行乐曲听觉积累，学生对乐曲记忆不断加深，同时其内心听觉中所形成的多种色彩效果为提升乐曲感知能力奠定了基础，多次的聆听，使得学生能更好地把握音乐，甚至能触发学生对音乐进行有意义地模仿和创作的灵感。很多优秀音乐作品的创作，都是在聆听了大量其他音乐素材的基础上的有所感悟，从而形成内心听觉，结合自己的情感以及创作意图而完美地呈现在大家面前的。所以，在钢琴教学中，坚持引导学生养成聆听音乐的习惯，是内心听觉养成的前提，更是进行钢琴深入教学的必备条件。 （三）给予学生正确的钢琴读谱指导 读谱是钢琴教学中内心听觉训练的基础，正确有效读谱方法有助于钢琴学习快速入门。在教学过程中，读谱想象有助于内心听觉水平的提升。在没有外界音效的情况下，学生拿到乐谱后，应指导学生先进行一段时间乐谱和旋律结构的视觉观察并通过低声哼唱等方式，让学生对乐曲有一个全面分析和认识，然后引导学生在视觉记忆的基础上在脑中对乐谱音响和情感进行新的思考，加强学生对乐谱以及对所要表演的音乐深入理解，并形成自己的内心听觉。通过这样一个内心思考和歌唱的过程，学生读谱和内心听觉能力在潜移默化中得到了提升。此外，对学生听觉意象的培养也是提升钢琴教学中内心听觉的有效方法。钢琴演奏者对和声和旋律间的关系处理不当常常造成其对乐曲的旋律表达不当，从而不能给听者带来悦耳的听觉盛宴。听觉意象有助于改善钢琴和声及旋律间的不和谐，这有利于学生在演奏过程中为听着呈现出清晰分明的音乐旋律以及引人入胜的音乐氛围。 （四）训练和提升学生背谱弹奏能力 背谱演奏已经成为一场合格钢琴音乐会的最基本的要求。在演奏过程，通过听觉记忆的反馈，演奏者能够自如地将音乐的旋律、情感融入到自己的肢体动作中去，从而呈现出人与音乐和谐一体的演奏画面。可见钢琴背谱中所建立的内心听觉是演奏者出色地把握音乐的前提。在钢琴的学习中错误的背谱方法将影响学生学习的兴趣和积极性。内心听觉记忆是一种有利于学生背谱能力的提高的方法，但是内心听觉记忆的培养是一个漫长的过程，视觉上的形象感知、听觉上的想象领会及后期反复弹奏在其形成中都起到了关键的作用。拿到一个乐谱，首先应指导学生在视觉上熟悉乐谱的结构、旋律走向、强弱标记等要点，并举例帮助学生进行形象化记忆。然后通过多媒体等教学方式播放CD，反复多次的让学生置身于乐曲钢琴弹奏，培养学生内心对音乐作品描绘和想象能力并逐渐建立乐曲的内心听觉。通过这样一个乐曲听觉感知的训练，学生能将脑中牢固的乐曲弹奏要点灵活地运用到手指弹奏练习中去，在经过一段时间的重复练习，学生不仅能正确离谱弹奏出符合音乐作品内涵的曲子，而且其内心听觉的能力也得到了很好的锻炼。 二、结语 学生内心听觉能力的培养是钢琴教学中必不可少的任务之一。这就要求钢琴教师在教学过程中从音乐素养、乐曲聆听，读谱及背谱等多方面探索对策，并对学生进行正确有方的教授和指导，逐渐培养学生良好的内心听觉素养，从而增强其对钢琴乐曲的感知能力。同时结合必要的弹奏技巧的训练，最终达到钢琴教学的效果。 作者：周丽青 单位：集宁师范学院 钢琴教学论文:奥尔夫音乐教育与钢琴教学论文 1奥尔夫音乐教育法在高职钢琴教育中存在的问题 1.1对奥尔夫音乐教育法有错误认识 很多高职院校在钢琴教学中并没有采用奥尔夫音乐教育法，分析其原因，很多教师认为奥尔夫教育法更加适合学龄前儿童的钢琴学习，对于高职学生来说，其不可能产生很大的帮助，促进学生钢琴水平的提高。因此，很多老师不愿意采取奥尔夫音乐教育法来开展高职学生的钢琴教育。这是对奥尔夫音乐教育法的错误认识，奥尔夫教学法重视的是人的创造力的培养，和个性的舒展，并不区分幼儿和成人。很多老师并没有认识到奥尔夫音乐教育法的这一优势，导致奥尔夫音乐教育法在高职钢琴教学过程中并不普及。 1.2教材不匹配 除了上述认识的不足，在高职钢琴教学过程中，教材的缺失也是阻碍学生钢琴技术进步的原因。时代在不断发展，教育的方法也应当不断更新，在高职钢琴教学过程中，很多院校并没有为学生准备一套系统的教材，很多学生在学习钢琴的过程中并不理解奥尔夫音乐教育法究竟是一种什么样的教学方法，其能够起到怎样的作用，因此，也更谈不上很好地运用该教学方法。因此教材的不匹配也是阻碍学生钢琴学习的原因。 2奥尔夫音乐教育的具体应用对策 2.1增强学生对教育模式的认识 要想使得奥尔夫音乐教育方法在高职学生的钢琴教育工作中充分发挥其作用，首先要做到的就是使高职学生对该教学方法有一个全面的认识，理解该教育思想的优秀内容和开展方式。使其抛开原先对奥尔夫音域教育的错误认识，即该教育思想并不仅是一种思想或者方法，而是一个完整的体系。在教学过程中，要使得该体系能够完整地被应用到钢琴教学当中，使得高职学生能够对钢琴有一个更具体、更全面的认识，使其在学习中不断熟练动作，掌握弹奏的技巧。 2.2教师自身素质提高，教材的完备 除了使学生对奥尔夫音乐教育有一个正确的认识，对于老师也要提出较高的要求。在钢琴的教育过程中，老师发挥很大的作用，其要针对学生的自身素质、个性追求、心理等各方面来开展教学工作，同时其教学的内容要能够给学生今后的工作带来帮助，这些都需要教师自身素质的不断提高，学校可以定期举行教师培训，使教师能够更好的了解奥尔夫音乐教育方法和具体的应用。同时，学校也需要为学生安排一套较高水准的教材，使学生能够通过书本的学习提高自己对该教育体系的认识。 3高职钢琴教学中奥尔夫体音乐教育思想的具体应用 对于高职学生来说，因为其入学时候的钢琴水平有高有低，只有在日后的教学中引入奥尔夫教育法才能够使其不断趋于一致，一起提高。该教育体系具体有如下几个方面的应用： 3.1琴谱的学习 在演奏钢琴之前，首先要学会读钢琴谱。这对于基础好的学生来说是一件非常容易的事情，而对于基础差的同学来说就显得十分枯燥无聊。同时，在钢琴谱的学习过程中，传统的教学方式是灌输式教学法，学生通过死记硬背将琴谱背诵下来，严重打击了学生学习钢琴的兴趣。但如果老师运用奥尔夫的音乐教育思想，在琴谱学习过程中仔细观察学生心理的变化，通过游戏的开展使学生在玩耍中学到知识。 3.2节奏的掌握 钢琴的弹奏离不开节奏，因此运用奥尔夫音乐教学思想能够加强学生掌握最基本的节奏，以有效地开展下一步的教学活动。在节奏的学习过程中，学生可以通过拍手的方式，跟着老师的钢琴节奏一起完成对一首乐曲节奏的学习，加强了老师和学生的互动，学生能够充分地参与到课堂当中，强化了其对节奏的认识。 3.3技能的提高 在钢琴学习中，技能的学习是最重要的一部分，同时也是最枯燥的一部分，如何将枯燥的技能教学有趣化，是钢琴教学过程中的难点所在。奥尔夫音乐教学体系将抽象的教学内容形象化，在师生之间开展律动游戏，比如在开展“跳音”技能的学习时，可以让学生将篮球当做钢琴，通过拍打篮球感受手部和手腕的力量，并且将自己的这种感觉应用到钢琴的弹奏当中，使得抽象的技能教学更加生动形象。 4结语 随着我国文化艺术事业的不断发展，人们对艺术的追求也在不断增加，于此同时，艺术教育水平也要有相应的提高。在高职钢琴教学中，需要加大对奥尔夫音乐体系的应用范围，全面认识该种教育思想，并且结合高职学生的心理需求、个性培养、审美能力、日后的工作等各方面因素，来开展教学工作。 作者：陈旭 单位：内蒙古科尔沁艺术职业学院 钢琴教学论文:学前教育与钢琴教学论文 1钢琴教学中互动教学的意义 1.1学生成为学习的主体 成就感是学习动力。学前教育专业的学生很多都是在进入职业学校后才开始接触钢琴的，对他们来说，能够自如弹奏乐曲并不是一件容易的事，而一旦通过自己的努力解决了钢琴学习中的问题，他们就会由此认可自己，从而增强了学习钢琴的信心，也为以后的学习奠定了心理基础。 1.2形成融洽的师生关系 学生在学习钢琴时，由于起点较低，本身就存在很强的不自信，如果钢琴教师又是以自我为中心的，对学生形成一种威慑，学生往往会产生很强的胆怯心理，最终导致其不敢放手去弹琴，有想法也不敢与教师交流。而在互动教学中，能够形成轻松的学习氛围和融洽的师生关系，能够更快地消除师生隔膜，使学生以放松的心态去学习，在弹奏乐曲时，其身体和手指才能够不紧张，才能够弹奏出优美的曲调。 1.3实现教学相长 在钢琴教学中，通过互动，教师给学生以更多的思想和行为上的自由，其结果是，一方面学生可以取得理想的学习效果，另一方面，教师也常常会被学生激发出更大的教学热情和授课的灵感。学生成绩提高，教师则能够体验到教书育人的成就感；学生对乐曲某一处的处理，对乐曲的某种选择等都可能触发教师教学的灵感，教师再将这种灵感转化为教学改革的行动，从而最终促进教学，形成良性循环。 2钢琴教学中的互动方式 2.1学生与教师一起参与到学习内容的选择中 在传统的教学中，学什么内容已经在教材中被规定出来了，教师也往往以教材为蓝本，按部就班地进行授课，却很少考虑学生的个体差异和教材编排的合理性。而在互动教学中，对于学习内容学生也有了自主的权利。如，我在教学中，会根据教学大纲、教材内容和学生的能力水平为学生选取大量的不同风格的乐曲，包括练习曲、复调曲、奏鸣曲、中外乐曲等供学生选择。之后，让学生浏览我所提供的曲目，并让他们选择自己喜欢的曲子，以激发其的学习兴趣和学习动力。最后，我会和学生一起探讨哪些乐曲既符合教学大纲、学生未来从业需求，又适合学生自身能力和兴趣，并最终达成共识，确定学习内容。这样做，既调动了学生学习的积极性，也使得学习的内容的更加趋于合理化，为培养合格的幼儿教师奠定了基础。 2.2师生平等，共同完成学习任务 钢琴弹奏是一门技能，他受先天的遗传条件和后天教育环境的影响较大。进入学前教育专业的学生，他们之间存在很大的个体差异，他们的音乐素养和对音乐的兴趣都有不同。因而，在学习钢琴知识与技能上，不同学生进步的程度与速度都是不同的，对音乐的感受能力、理解能力与表现能力上也是有区别的。作为钢琴教师，在教学中，应该尊重学生的个性特点和潜能差异，与学生建立起平等、互动的关系，不仅能够做良好的示范，更要学会与学生多交流，了解学生当前水平和个性特点，调整学习进度和内容，把学生的参与和发展不同个性有机结合起来，因材施教，让每一个学生都能够享受到钢琴学习的乐趣。 2.3小组竞技，学生互评 在钢琴教学中，为检验学生学习效果、增强学生学习的动力，除了期末考试的一次终结性评价外，我还采用了平时的定期测试。在定期测试中，以5人为一小组，小组的综合水平决定每位同学的成绩。在测试时，其他小组成员为被测试组打分，教师做最终评定，以避免由于学生水平和主观因素导致成绩的不合理。这样规定后，每位学生为了不拉本组后退，都会努力练习；同时，水平较好的同学也会帮助组内水平稍差的同学，共同进步。此外，在为其他组打分的过程中，学生聆听音乐的能力也得到了很大的提高。 2.4创造机会，合作中共同进步 钢琴是一件独奏性很强的乐器。因此在钢琴教学过程中，学生合作演奏能力的训练和培养常常得不到教师应有的重视。而对学前教育专业的学生来说，良好的合作能力恰恰是其日后工作所必备的。为了弥补教学中的这一不足，我在钢琴教学中适度地增加了一些合奏性的内容，如：钢琴四手联弹作品，钢琴与其他乐器的重奏作品，钢琴协奏曲等等。同时，培养学生良好的钢琴伴奏能力，尤其是儿歌的伴奏能力，我认为这是学前教育专业学生钢琴课程最为实际的教学目标之一。 3结语 钢琴教学是一种由教师和学生共同完成的活动。这种活动的最终目标是促进学生的发展，使学生掌握一定的钢琴知识和弹奏技能，得到一定的情感熏陶、思想成长。因此，在钢琴教学中，教师不能忽略学生的主体存在性，而要充分调动他们学习的积极性，让其参与到整个学习过程中来，从其个性特点出发设计教学，这样，学生才能够有兴趣、有能力完成学习内容，取得理想成绩。 作者：许妍彬 单位：佳木斯师范学校 钢琴教学论文:元认知高校钢琴教学论文 一、元认知在高校钢琴教学中的作用 （一）转变教师的教学观念 在钢琴教学的过程中，教师能够引导学生领会监控、策略监控，使学生能够懂得用什么方法学习钢琴是最有效的，把教师的指导和学生的参与融合到一起，建立一个和谐的学习环境，体现了教师教学观念的转变。 （二）提高学生的自主学习能力 所谓自主学习能力就是自己做主进行学习，其特点在于学生能够制定学习计划、运用学习策略处理问题、在学习的过程中获得情感体验。运用元认知进行钢琴的教学，学生能够对认知活动进行主动的调节，提高了学生的自主学习能力。 （三）促进教师和学生之间的互动 在钢琴教学的过程中，教师和学生的合作、互动是一种非常有效的教学方法，一方面能够使教师和学生之间的距离缩小，另一方面还能激发学生主动学习的意识。 二、元认知在高校钢琴教学中的实践 （一）实践方式 1.研究方法 元认知理论在钢琴教育教学上的研究方法，关于元认知知识的学习情况主要是采用问卷调查方法、写日志的方法进行，而元认知的体验和监控是对个体认知行为进行分析得出的。在高校钢琴教学中采用元认知进行学习的方法是对学生的情况进行观察、教师同学生的谈话以及分析学习成绩来掌握的。 2.教学途径 元认知的主要作用在于监控个体的认知，共包括四种学习的途径。首先是自己进行领悟，在学习中不断提高学习能力和自我意识，科学的调整学习策略；其次是教师的简单点拨，循序渐进的发展元认知技能；再次是专门的元认知培训，以此锻炼元认知；最后是教师计划的元认知培养。由于很多学生并没有具备应用元认知的能力，所以通常都是采用最后一种方法。 （二）训练内容 1.掌握元认知知识 从元认知的理论能够看出，在学习钢琴时，学生要掌握的元认知知识就是学习钢琴的任务和目标，教师要让学生了解要学习的内容，在教师的引导之下能够制定相关的计划，明确学习的目标。首先学生要了解自己的能力和优势，例如学习一段时间之后要知道学会了什么指法，要提高哪部分的训练，具备什么特点等。其次要了解目标因素，教师可以依照教程的进度为学生制定学习任务，例如指法练习、双手交替练习、弹奏装饰音等，要求学生以学习任务为优秀制定适合自己的学习计划，如练习的时间的长短和时间的安排等。最后在学习钢琴时教师要指导学习的策略和方法，例如不同的音色其触键的使用是不同的，不同的作品要用不同的音色弹奏等，又如学生要依照演奏时的心理活动规律判断使用什么练习方法。 2.提高元认知体验 元认知体验分为两种，分别为积极和消极，能够直接体验情绪变化的就是考试成绩，通过调查发现，惧怕考试同元认知有着直接的关系，并且影响比较大。为了提高学生的元认知体验，教师可以调整考试方式，一个月开展一次小考，考试的内容就是前段时间学习的内容，这样学生能够对自身的情况进行总结，降低考试引起的焦虑，还可以让学生自己大份，一方面能够充分对了解自己的学习情况，另一方面还能了解他人的认知过程。 3.提高元认知监控 元认知监控能够使学生发现自身在认知方面存在的问题，并能够加以改正。在高校钢琴教学过程中，教师可以经常性的对学生进行调查，让学生对自己在学习钢琴过程中的思维进行梳理，思考自己的思维模式。还可以采取出声思考的形式，让学生把自己的思考模式展现出来，发现学习中出现的问题，在教师的引导之下能够不断进行自我反省，做到自我监控。 4.增强元认知动力 学习的动力是提高学生学习能力的优秀，使学生保持热情的学习状态，学生在学习的过程中会依照学习的知识对外部行为进行分析和解释，任何归因到会对学生的动力产生影响。在心理学中，归因过程分为四种，分别是能力、努力、任务强度和运气，这些都会对元认知产生影响。因此在钢琴教学的过程中教师要进行归因辅导，激发学生学习的兴趣和信息，找出学习中出现问题的原因，增强学生学习的动力。 三、结语 综上所述，在高校钢琴教学中应用元认知理论的效果是非常好的，学生在学习钢琴的过程中不断通过元认知进行反省和自我补救，不仅能够提高学生的成绩，还能提升学生的自我监控能力和自主学习能力，使学生能够更好的运用学习策略能力，增强了教师和学生之间的互动，极大地提高了学习钢琴的质量和效率，具有非常重大的意义。 作者：汪婧一 单位：黄淮学院音乐表演系 钢琴教学论文:弹性教学大学钢琴教学论文 一、教学模块的设计 目前我国关于钢琴教学模式的研究还没有形成统一的论点，主要分为三种模式：教学模式与教学程序基本统一、教学模式与方法结构、教学模式教学内容与过程的设计，本文主要以第三个观点来采取的重组设计，在从教学方法的设计中强调教学结构的设计，主要分为钢琴基础教学理论和钢琴教学技能实践，从动态进行分析，课程方法的设计中还必须根据教学目标、教学对象和教学资源进行设计。教学内容模块可以分为A类模块、B类模块、C类模块，A类教学模块主要包括钢琴艺术史、钢琴文献作品赏析、钢琴基本弹奏法与教学法，是此教学方法的基本内容，面向全体学生，重在提升学生的钢琴艺术修养。B类教学模块包括钢琴艺术史的教学、钢琴文献做品尚西教学、钢琴基本弹奏法、弹奏技术的教学，是A类模块主体内容的初级拓展，教学内容比较侧重于钢琴初级阶段，面向的主要是副修钢琴的学生。C类模块式钢琴教学心理训练，与B类模块比较类似，逐渐拓展学生使用技能，深化钢琴教学实践技能，重点锻炼学生的能力适应社会的发展，侧重于培养学生的钢琴教学使用技能，此模式的设计主要面对的是主修钢琴的学生。此设计的教学方法比较明显的展示出知识结构与教学法之间的有机组合，能够在教学内容上体现出动态与静态结合的特点，把主体内容作为整个教学的支出，依照发展特点形成动态组合。在此教学模式中，学生的知识结构和教师的教学法都呈现出一种动态的特点，教师在传授知识的过程中采用启发式、开放式以及讨论式的教学理念，学生的知识结构也从开始的静态钢琴文化赏析逐渐转变为能力结构拓展转移，符合我国教育理念的要求。 二、程序的操作过程 我国传统教学主要采用钢琴技术作为教学中心内容，本研究所涉及的教学方法与此不太相同，但是也存在很多相同的地方，本设计的教学方法超越了个性化教学模式，更加合理地对学生进行分组，使学生能够在钢琴文化认知、情感以及技能上得到全面的发展。在具体的操作中要求，针对A模块的学习要求全体学生参与其中，学生在完成A类模块的学习后，可以自行选择B类模块和C类模块的教学，针对主修钢琴学生，要求继续学习B类模块和C类模块，副修钢琴学生可继续学习B类模块。弹性教学理论与个性化教学理论部分相似，重点针对学生的个体差异，目的在于使学生的个性得到自由发展，采取多维活动进行多维表征，深入而全面地获取知识，在教学方式中包括弹性上课教学、弹性作业及弹性评价。所谓弹性上课在前文已经提高使学生自由选择模块的学习，在学习的过程中通过同质分组、异质分组的方法来进行教学，体现出教学的多维互动性和灵活性。所谓弹性作业就是在布置作业的过程中综合考虑到学生之间的个体差异，依照学生的能力和水平来为学生布置合理的作业，体现出学生个体差异间的尊重。所谓弹性评价，就是在考试的过程中，并不是采用统一闭卷考试的方式，而是采取合理教学、研讨、发言或者是辩论的方式进行评价，在此过程中体现出多角度、多层次及多途径的特点，充分发挥出教学评价的激励功能。采用弹性教学方法，把学生、教师、教材和媒体连接在一起，更加具有可操作性，而且学生在教学活动中强调了学生的主体地位，在教学中能够得到情感和认知的互动。在建构主义理论中，认识和学习之间的关系能够看出在教学活动中，教师需要为学生提供良好的钢琴教学环境，，如可以采用钢琴音乐情景与教学法结合充分体现出情景认知理论，为钢琴音乐学习环境提供理论支撑，保证教学方法的合理性和可操作性，教师在教学的过程中只有创造合理的钢琴音乐环境才能得到提高教学效果的目的。采用钢琴教学法与多媒体教学结合，在钢琴教学中以多媒体技术和网络通信技术等作为教学媒介，充分利用钢琴教学中所包含的音响、文本的材料扩大教学空间，也可以采用案例教学法，在教学中鼓励学生积极地参与到典型案例的分析中，使学生进行分析、研究和讨论，准确掌握教学内容。钢琴案例教学法发展到现在已是一种比较成熟的教学方法，教师在课堂的教学中通过讲解一些钢琴的典型案例，来使学生进行研究等，重新分析和组合案例进而得到新的见解。教师还可以重新整理已经分析过的案例让学生进行创造，达到优化教学的效果，在渐进式的教学中构建新的知识，学生的思维模式能够得到进一步拓展，这种教学方法能够使教学更加具有趣味性，极大地增强了学生的学习兴趣。在弹性教学和个性教学在钢琴教学的重组中，教师还可以充分采用微格教学方法，这种教学方法与一般的教学理念相比，更加多元化，能够为钢琴教学带来新的活力，教师在设定好基础钢琴教学内容后，请学生来进行教学，形成一种较互式的教学环境，这种教学方法以学生作为中心，重点研究学习方式，充分利用了师生合作的优势，能够充分提高学生的积极性，这种方法是提高学生钢琴知识和技能的有效方法。 三、结语 高校音乐专业钢琴教学课程性质本身具有理论性、交叉性和实用性的特点，在教学模式的构建中需要立足于学科知识的最优化组合，贴近钢琴教学的需求，在本课程教学的设计中采用了更加先进的教学模式理论，能够提升学生对钢琴的认识和钢琴文化素养，随着社会的不断发展，以后还会有新的教学理念提出，这些还需要更多的人去研究。 作者：孙丹青 单位：兰州城市学院音乐学院 钢琴教学论文:地方师院民间音乐钢琴教学论文 一、湖北民间音乐传承的机遇 （一）传承民间音乐是地方师院办学特色的体现。 办学特色，即在办学过程中形成的，体现一所学校办学优势和特性的总和。个性化是当代高校办学的一个特点。所谓“个性”，《现代汉语词典》解释为“在一定的社会条件和教育影响下形成的一个人比较固定的特性。”一所大学的比较固定的特性(个性)主要由“物质形态、组织形态、观念(精神)形态三部分构成。观念形态的部分主要指大学的办学理念、目标、校园精神(文化)氛围等。 （二）传承民间音乐在钢琴教学中的优势。 地处湖北地方师院的学生们，从小受环境、家庭的影响，对方言十分熟悉，对歌词及民间音乐语言语调更为亲切，更容易学习和掌握湖北民间音乐。《钢琴》是音乐教师教育专业中的一门重要课程,是受众最广的课程之一。 二、地方师院师钢琴教学中的传承规划 民间音乐的传承就是民间音乐的应用实践活动，即把民间音乐应用在某个平台或某个载体上，通过此平台或载体使其存活、延续和发展。笔者大胆设想，湖北民间音乐的传承，需要一个全面的平台，向外界广泛的传播。 （一）湖北民间音乐钢琴作品创作的传承。 就笔者目前收集的资料来看，湖北钢琴音乐的创作不是很多，仅有民歌改编曲《崔咚崔》、崔维的《洪湖赤卫队幻想曲》、叶露生的《三峡素描》、韩民秀《洪湖水》、王建中《洪湖水浪打浪》，何思润《武汉组曲》，韩民秀《洪湖水》、邱刚强《龙船调》、孙以强《洪湖水浪打浪》等。 （二）湖北钢琴教学的传承。 在教学中，要加重对湖北音乐钢琴作品的布置与教授。选择有代表性的曲目作为对象，使学生在钢琴作品中，通过哼唱、弹奏，学习不同演奏手法、技巧、将风格、调式、演奏技巧凸显鲜明的湖北特色。 （三）湖北钢琴音乐的传播。 纵观人类社会的发展，传播这种行为方式是人类社会得以生存和发展必不可少的一个重要环节。“传播就是一个把信息从信源传递给受者的过程。”如今，网络传播在中国是一种大众传媒的重要方式，笔者从调查中发现，湖北民间音乐在网络上运用非常少，仅有一些简单的文字介绍和图片，连相关的器乐音频、视频文件资源都稀少。 三、结语 综上所述，地方师院作为教育平台，在传承民间音乐文化有着不可推卸的责任，也有着特别的优势，要调整钢琴课程设置，加强湖北民间音乐在高师课堂中的比重，将湖北民间音乐艺术发扬光大。 作者：刘月芳 单位：湖北第二师范学院艺术学院 钢琴教学论文:高职院校钢琴教学论文 一、高职院校钢琴教学现状中存在的问题及不足 （一）教学目标模糊不明 作为一个以教育教学为目的的高职院校，影响其学校发展及师生成就的首要因素就是教学目标的确立。教学目标的明确与否，正确与否是直接影响高职院校的发展前景的导向性因素。高职院校的学习年限一般为三年，而学生在校学习的时间则基本上缩短到了两年时间。学校考核学生是否完成学业，钢琴知识与技能是否足以达到毕业要求的标准就是能否演奏一定数目的钢琴作品和具备一定的伴奏能力。从理论上来说，钢琴教学的重点应该是对学生钢琴技巧和艺术能力的培养，但是现实状况却并非如此。目前，大多数的高职钢琴教育都只是单纯地模仿借鉴普通本科院校钢琴专业的教育教学模式，这与高职教育的目标是不相吻合甚至相矛盾的。同时，因为教学目标的模糊不确定，所以教学的内容和训练都比较随意松散，这也严重影响了教学质量的提高。 （二）教学手段与方法的滞后 在信息化技术高速发展的今天，各类院校及专业的教育教学手段都在快速更新，方便、快捷、直观、高效的教学手段和方法在不断的发明和普及。但是，在高职院校的钢琴教学中，新型的教育技术似乎并没有得到创新和普及，大多数的高职院校的钢琴教育仍然施行这口传心授的古老方式，学生的感知能力和学习能力没有得到很好地开发与释放，实际操作能力也相对较弱，教学效果令人担忧。 （三）学科体系系统性不强 在目前的高职院校钢琴教学实践中，有很多钢琴教师对所教学科的教学目标缺乏一个清晰的认识，教育管理部门也没有制定出标准规范的大纲要求和教材使用规范，也没有严格依照大纲要求，再结合不同学习阶段的技术问题和学生学习进度的实际情况因时制宜地拟定行之有效的解决方案。在实际的教学进程中也没有保持对教学对象学习进展状况地及时准确把握，随意性、松散性较强，科学完整的教学体系亟待建成，这于学生的发展和提高是非常不利的。 二、高职院校钢琴教学中常见问题的解决办法及优化策略 （一）确立明确的教学目标 从事高职院校钢琴教学的工作人员首先应该明确：钢琴教学的目标是要培养出高素质的音乐人才。因此，在音乐的教学活动中，教师要先树立明确的教学目标，并且将其体现在制定的教学计划时当中，同时，这些教学目标还应是分阶段的，将整体目标和阶段目标统一于教学始终。在甄选教学内容时，教师要根据教学大纲有针对性的进行，有效控制好影响教学质量的每一关，严格要求学生的同时也要严于要求自己，让学生的演奏技能和操作技能得到切实的提升，也让教师自身教学能力不断提高，努力与时展和学科发展同步。 （二）进行教育教学模式的创新 在传统的高职院校教学中，钢琴专业的教学模式是单一而且枯燥乏味的，不管是在课堂内还是在课堂外，老师都很难用合适的方法调动学生的积极性和创造性。小班教学可以让教师的精力更集中的放到每一位学生身上，但是高职院校的资源和资金都是有限的，很难实现小班的教学。但是，在大班上课的基础上开展小组指导、个人独立训练、老师独立指导和一对一互帮互助等各种形式相结合的新型教学模式却是可以尝试和推广的，只有调动学生的参与性，培养其参与者意识及主人公意识才能打破现状、突破瓶颈。这样，老师可以更加轻松有效的达到教学目的，学生的自主学习能力、学习交流能力也能获得提高。 （三）更新考核方式 考试，是衡量学生学习成果，评定能否升级、毕业及奖学金、荣誉评定的首要依据，是教师和学生最为关注、最为看重的一项指标，与切身利益有着紧密的联系。改革更新钢琴教学的考核方式可以有效地促进学生的学习，起到导向性的作用。要提高学生综合能力，应打破以往单一的考试方法和制度，增加对学生实践技能的考核，也要将平时表现与自主创新能力等记入，培养有个性、有热情、不平庸的学生，使他们克服惰性，勤勉成长。 三、结语 综合而言，目前高职院校的钢琴教学面临着许多的问题与困难，这要求着每一个教育工作者努力创新、打破陈规，为适应新时代对人才的更高需求而培养出更加优秀卓越的人才，使得他们的就业前景与高职院校的发展前景以及国家的教育前景共同进步。当然，钢琴教学中存在的问题远不止文中例举出的这些，优化的策略也还可以更多、更好。因此，高职院校钢琴教育的发展还需要持续不断的摸索与前进，需要更多科研工作者的关注与思考。 作者：刘宇 单位：新疆教育学院音乐学院 钢琴教学论文:简谱配奏儿童钢琴教学论文 一、儿童练习简谱配奏对学琴兴趣提高的重要性 （一）在游戏中学习简谱。 为了加强学琴的记忆，有效提升他们的想象力，钢琴老师可以在简谱编配的过程中穿插各种游戏，比如听老师弹奏同一首简谱的不同的编配效果，即兴舞蹈，从而感受不同的编配带来的不同感知，或者听老师弹奏同一首简谱的不同的编配，然后回答所想象到的不同的音乐效果，或者老师弹右手，学生弹左手，合作编配一首简谱，用游戏来带动教学，将教学内容融入到游戏当中，这样也能够加深记忆。从游戏中获得音乐学习与成长是儿童钢琴教育中非常重要的一个环节，老师在游戏化音乐教学中扮演什么角色，做出什么样的指导都是相当重要的。老师应该是一个具有非常敏锐视觉的观察者，能够根据不同的目标以及需要在合适的时间介入到游戏当中给学生指导和教育，能够让孩子们在游戏的过程中学习到更多的简谱配奏的内容，识别更多的伴奏织体形象，打开眼界，获得成长。 （二）培养良好的听觉能力。 不同的和声配置和织体选择会带来不同的声音效果，因此，在配奏练习中学会倾听自己的弹奏至关重要，良好的听觉审美是长期训练出来的，如果对声音的表现力没有辨别，也就谈不上对声音的设计和追求，那么配奏水平也很难有提高，因此，学会倾听，训练听觉，也是为了运用听觉来指导自己的配奏，让自己的弹奏更有目的性，从而提高对和声和伴奏织体音响的审美，进而提高配奏水平，而不是盲目、机械的低水平重复。对于听觉能力的培养需要从多个方面努力，最好也是能够贯穿在游戏化的教学过程中，借助自身想象去进行听觉训练，体验倾听声音所传达出的不同情感和意境。 二、简谱配奏在儿童钢琴学习中的难点 （一）和声基础教学。 简谱配奏中最难的教学点在于和声的选择。儿童比较难理解和声基础知识，如果不掌握他们的心理特点，就很难被接受。所以，在进行和声教学的过程中会遇到诸多困难。目前大部分教师采取的办法是配置较为简单的模式，按照简谱里面每一小节出现的音频率最多的音来选择和弦，虽然这样有弊端，但能够在短时间内起到一定的作用，随着年龄的增加，逐步进行正规的、简单的和声基础知识的学习，才能解决长期面临的和声教学难的问题。 （二）伴奏音型如何选择。 许多学生在学习简谱配奏的过程中都会遇到如下问题:例如，很难选择合适的伴奏音型，但我们还是可以大致简化成三种类型:第一：节奏明快、力度较强类型的歌曲使用柱式和弦，选择与旋律相对应的和弦音按三个或三个以上的音同时弹奏出来，这样的声音饱满而厚实；第二：比较抒情类的，节奏舒缓的可以选择分解和弦，将与旋律调性一致的和弦音按顺序依次弹出，这种织体的运用，声音效果更连贯，第三：综合性音型，指的是将分解和弦和柱式和弦结合运用，这样就避免了单一的音型，可以更全面地表达歌曲情绪。 三、简谱配奏对儿童学钢琴兴趣的积极作用 （一）赋简谱配奏教学以感性，以情促教。 简谱配奏兴趣能够充分调动儿童学习钢琴的探究以及思维，激发他们的内在驱动力，促使其不断产生兴趣进行学习。创建具有创造性的简谱配奏能够充分调动学生的积极性以及主动性，能够激发他们对钢琴弹奏充满强烈的兴趣。没有唯一答案的简谱配奏能够激发和强化音乐学习的内在驱动力，有了兴趣，就能够真正控制自己的注意力，并且还能够产生出一种快乐的情绪，但是这种兴趣也并不是天生就有的，而是需要在后天不断培养形成的，老师要及时的发现和引导，比如随时关注学生近期有没有喜欢的动画片、电影或者什么歌曲，可以把动画片、电影里面的插曲用简谱记录下来进行编配和弹唱，多增加接触音乐的机会。用音乐游戏形式去带动学生，因为对于儿童钢琴教育来说并不是简单的进行理性传达，要让自己的情感去丰富他们的内心，否则这种兴趣往往是短暂的，因此，保持学琴的长久兴趣是教师需要长期做的功课。在教学过程中，能够用游戏的办法，把编配的难点转化为兴趣点，不断激发他们的探索兴趣，进而通过穿插学习简谱配奏同时结合五线谱的学习，不断用音乐的氛围感染他们的内心，做到以情促教。 （二）赋简谱配奏教学以创造性和自主性。 创建富有游戏性和教育性的物理环境，对于钢琴学习的空间创设，可以和一些游戏设备在一起，相互发挥作用，旨在促进学生们的内心世界发展。为培养学生学习简谱配奏，可以在钢琴室内创建一个完整的感知环境，为他们能够在钢琴学习还有日常的活动过程中形成一种直观的、形象的感官刺激。物理环境的创设实质就是指硬件设施的建设工作，硬件设备主要包括多媒体设备、计算机设备、游戏器材、常用教学设备等。通过各种设备的组合，可将和声的内容或者伴奏织体以丰富的形式呈现在学生的面前，比如不同的和声都分别代表一个视频、图像或音频，增强了学生的感官刺激，激发他们的想象力，提高他们认识和声的趣味性。在音乐教学游戏化发展的过程中。创建富有游戏化的人文环境主要需要从钢琴教师的信念以及价值、习惯，还有行为等方面出发。从外在显示看来，人文环境主要体现在教师以及学生的所作所为所想方面，但是从内在看来，还包含了教师和学生之间的关系融洽程度，比如说学生是否具有能够自行倡导游戏化音乐教学的权利，为了学生的发展相互协作、沟通和支持，这样才能够真正做到赋予简谱配奏教学以创造性和自主性。 （三）发挥简谱的实用性。 第一，简谱中以1、2、3、4、5、6、7七个人人都认识的阿拉伯数字作为乐谱符号，易懂、易学、易记，简单明了，通俗易懂，学习新乐曲的速度快，可以使学生在短时期内大量的接触到新作品，认识很多好听的音乐，在视觉上也很清晰，可以迅速提高儿童学钢琴的兴趣，它把高深莫测的五线谱简化了，无论是什么调号的乐谱，只要用1、2、3、4、5、6、7这七个音就能够表达出来。从识读乐谱的难易程度上看，简谱的音高虽然有时要上、下加“点”但是无论怎样加“点”音符的唱名都不变，有利于视唱、收效快，有利于音高概念的培养。第二，在书写方面，对于学生来说，简谱的音符是用数字表示的，数字是学生接触最多、最熟悉的符号，在实际记录乐谱中简谱的误差率很小；对于老师来说，简谱更有利于书写。第三，从学习时间上来看，学习简谱只需花学五线谱几分之一的时间与精力，这将大大提高教学效率减轻了学生的负担，这种教师乐教、学生乐学的好事我们为什么何乐而不为呢？有个别学生弹钢琴就是觉得记忆五线谱很繁琐，所以很抵触五线谱，这时简谱就可以暂时缓和这个难关。第四，有利于做各种练习、如：听音、记谱、创作旋律等。第五，具有普遍的实用性、通俗性，如今社会上的各种音乐出版物也多以简谱作为传播音乐信息的载体，小学校园里的音乐教材也使用简谱，它使音乐真正成为了一种大众化的东西，使音乐变得易懂易学易入门。第六，简谱有利于转调。但是，由于简谱没有五线谱那样记谱更全面、更专业，所以我们最终还是必须结合着五线谱的学习，力图愉快地过渡到五线谱的学习。 四、结语 注重儿童在简谱配奏方面的培养，让儿童创造性地学习钢琴弹奏，才能够全面调动视觉、听觉以及感知，增加对音乐的敏感程度。在简谱配奏学习中进行游戏化教学的时候，激发了他们对和声以及各种伴奏织体的想象力和学习兴趣,增强了音乐的表现能力,使儿童除了五线谱以外又多了一种学习钢琴的方式，从而给学琴带来新的生机。 作者：邓莉 张茂林 单位：四川音乐学院声乐二系 四川音乐学院声乐一系 钢琴教学论文:民间音乐钢琴教学论文 一、中国民间音乐在高校钢琴教学中的应用策略 （一）强化民族意识，提高民族修养 高校钢琴教师直接对学生进行钢琴教育，担任着钢琴教学的重要工作，其自身行为举止对学生有十分重大的影响。因此，高校钢琴教师要以身作则，强化自身的民族意识，提高民族修养水平。在实际的教学过程中，教师要吸收西方钢琴音乐的精华以及中国钢琴音乐的先进部分，来强化自身的民族意识，同时，还要求高校钢琴教师在教育钢琴学习好坏程度不同的学生时，都要能够激发他们的学习兴趣，提高他们的音乐节奏感，帮助他们强化民族意识，从而加强他们对民间感情音乐的热爱。 （二）丰富教学内容，完善教材结构 相较于外国的钢琴音乐教材，中国钢琴音乐教材数量十分稀少，教材结构也不完备。中国钢琴音乐教材的短缺，在很大程度上影响了钢琴音乐教学民族化的进程。所以，在笔者看来，当前的首要任务就是要根据不同的音乐内容、分类形式、等级制度来分配中国现有的钢琴音乐作品，使中国的钢琴音乐教材趋于系统化、一体化，从而能够更好的应用到高校的钢琴教学课程中去。并以此为基础，积极鼓励中国的钢琴作曲家进行关于民间音乐的创作，创作出更多的民间钢琴音乐作品，从而不断完善高校钢琴音乐教材体系。 （三）改变传统的教学体系 传统的教学体系使得中国钢琴音乐作品不能得到应有的重视。事实上，传统的高校钢琴教学，大多是参照西方的钢琴音乐作品。而如果要体现中国钢琴音乐作品的作用，就要在教材的选取中体现出来，增加中国钢琴音乐作品在教材中的比例，使其成为重要的教学材料。例如，可以多开设一些关于中国钢琴音乐作品的课程，让学生在欣赏作品的同时，感受到民间钢琴音乐作品的魅力；还可以向学生介绍作曲家的创造过程，加深学生对作品的理解。在钢琴演奏时，还可以要求学生每一学习都必须要演奏出固定量的中国钢琴音乐作品，并作为期末考试的一部分成绩。同时，要注意中国钢琴音乐作品的质量，教师可以强化对学生的教学力度，最大限度上帮助学生了解作品的深层含义，让学生能够理解透彻作品创作的意义所在。只有改变传统的教学体系，才能够使民间音乐在高校钢琴教学中更好的应用。 （四）充分激发学生学习兴趣 学生的学习兴趣对中国钢琴音乐作品也存在很积极的作用。学生缺乏对中国钢琴作品的理解，没有理解作为前提条件，学生自然不能产生学习兴趣。因此，教师采用合适的教学方式，充分激发学生的学习兴趣，为学生日后的学习提供有利的条件。例如，中国现有的钢琴音乐作品，有很多是以民间音乐为题材进行改编得来，教师通过向学生展示原音乐作品，让学生了解原音乐作品的创作背景和创作历程，激发学生对改编后的钢琴作品的好奇心；或是选取一些模仿民族音乐器材的钢琴歌曲，教师向学生们展示不同音乐器材的演奏效果，引导学生如何用感情进行模仿，从而有效激发学生的学习兴趣。 二、结语 综上所述，高校钢琴音乐教学不仅是传授学生演奏的技巧，更要求对学生进行文化教育和音乐教育。因此，在学习中国高校钢琴音乐教学，还要能体现民间音乐的作用，帮助高校学生提高文化素质和艺术修养。利用高校钢琴音乐教学，让学生在学习过程中了解到中国传统的民间音乐，激发钢琴学习的兴趣，提高学生的学习效率。只有这样，才能真正发挥出中国钢琴音乐教学的作用，让中国民间音乐能够得到更好的继承与发展。 作者：陆晨曦 单位：中北大学艺术学院 心理调控能力培养下的钢琴教学论文 一、钢琴演奏中心理调控能力的不足 客观因素。除了主观因素之外，一些难以为演奏者自身所左右的客观因素，也起着重要的影响。如舞台实践的频率、演奏的具体环境等。比如舞台实践频率方面。舞台表演的经验越充足，出现心理问题的概率就越小。但是在当下的教学实际中，学生的舞台表演机会少之又少，仅在一年两次考试中能够登台演奏，这就使学生对舞台环境十分陌生，增大了出现心理问题的机率。又比如在演出环境方面。舞台演奏是一种公开的表演活动，钢琴的变化、台下观众的行为等，都有可能导致演奏者的精力不集中。而当出现这种状况时，又因为缺少相关的处理经验，所以导致了失误的产生。 二、高校钢琴教学中学生心理调控能力的培养 （一）培养扎实的演奏基本功 前文中提到，之所以会出现很多心理问题，从根本上来说就基本功不扎实的问题。或者说，公开演奏正是检验一个演奏者基本功是否扎实的唯一标准。所以教师在教学中，首先引导学生认识到其中的重要性，然后多种方式和方法并用，将基本功训练贯穿于教学的始终，使学生的基本演奏技能始终处于一个稳中有升的状态中。比如可以定期进行对基本功的考核，并制定相应的奖惩标准。也可以将基本功列为钢琴考核中的重要内容，并占有一定的比例，以此来引起学生的充分重视等。这种对基本功的夯实，除了能够使演奏得到直接的保障之外，更重要的在于，能够让学生逐渐建立起一种自信，相信自己的演奏技术没有问题，不但能够从容的驾驭作品，而且还能灵活有效的处理一些突发问题。这种从技术到心理的双提高，正是夯实演奏基本功的意义所在。 （二）提供更多的舞台表演机会 自上个世纪初末的高校扩招后，音乐专业的学生数量一直居高不下，这种数量上的庞大，也给教学带来了一定的影响。比如在舞台实践方面，很多学生在一个学年中，只有在寒暑假的两次考试中才能够登台演奏。这显然是不符合实际要求的，于是学生在演奏过程中出现各种心理问题，也就不足为奇了。所以多给学生以舞台演奏的机会，正是提升他们心理调控能力的直接渠道。具体而言，作为学校来说，要认识到提升学生实践能力的意义，积极完善各种实践设施、建立实践基地等，使舞台实践尽可能的常态化。作为教师来说，一方面要和学校形成积极的配合，比如积极参加学校组织的各种文艺活动，尽可能的为学生争取到上台表演的机会等；另一方面则是要在教学中带领学生进行实践。比如每一个钢琴教师都会带多个学生，所以完全可以定期举办一些演奏会，每一个学生都要登台演出，并接受教师和其它学生的评价。作为学生来说，也应该真正认识到提升舞台实践能力对自身发展的重要意义，除了和学校、教师形成良好的配合之外，也要积极主动的进行自我实践，在实践中发现和解决问题。所以说，多给学生提供舞台实践的机会，让他们在实践中完善和成长，正是有效避免心理问题出现的重要途径。 （三）进行心理知识的学习 长期以来，高校钢琴教学中，都将对学生钢琴技能的培养视为了教学的重点所在，这无疑是一种片面的认识，没有认识到钢琴学习的本质目标。为什么要学习钢琴演奏技能？是为了让学生能够更好的演奏钢琴。而良好的演奏发挥，绝不是仅仅是靠技能的熟练就能获得的，心理就是另一个十分关键的因素。所以从这个角度来说，凡是有利于学生演奏质量提升的，都应该体现在钢琴教学中。所以引入相关的心理学知识，开设心理学课程也已经是刻不容缓。具体来说，通过对心理知识的学习，能够让学生从本质上了解心理因素在整个钢琴演奏中的重要作用，以及心理因素是怎样发挥能动作用，运用不当又会产生怎样的后果等。通过这方面知识的学习，能够让学生真正做到知其然并知其所以然，既能够有效避免一些问题的出现，同时也能够根据自身情况更好的予以把握和运用。 （四）培养学生的自信心 自信是成功的开端。很多学生之所以在演奏实践中出现心理问题，一个重要的原因就是缺乏自信，在演奏中患得患失，从而影响到了正常的发挥。所以帮助学生形成一个自信的心态，乃是提升学生心理调控能力的关键。首先是帮助学生获得更多的成功体验。成功的体验是自信心的一个重要来源，成功的经历越多，对自己就越肯定，自信心也就越强烈。所以在教学中，教师要帮助学生不断获得成功的体验。比如在教学中经常鼓励和肯定学生，让他们感受到自身的进步。也可以适当提升一下曲目的难度，让学生通过付出一定的努力后才能有所收获等。其次是让学生学会自我鼓励。除了他人的肯定之外，自我肯定和鼓励，也是自信心形成的一个重要方面。在做好充分的准备之后，要肯定自己的能力。比如在登台之前对自己说：“你是最棒的”，“你一定能够圆满的完成演出”等自我暗示和鼓励的话语，只有具备了自信，才能让自己的心安静和沉稳下来，所演奏出的声音才是高质量的。 （五）提升舞台演奏的应变能力 台上一分钟，台下十年功。一语道出了舞台表演的难度。很多表演者都在台下付出了巨大的艰辛，但是仍有可能对一些突发状况而措手不及，这时候演奏者的应变能力就显得十分重要。对此，一方面要对尽可能的增加自己对舞台的熟悉程度，在条件允许的情况下，多走台、多预演、多观摩，这将使自己的紧张情绪得到很大幅度的缓解。另一方面，也要根据作品的实际情况，制定出一些预案。比如如果弹错了音该如何处理，客观环境出现了变化如何处理等。而且关键在于，要树立起一个正确的心态。失误的出现是在所难免的，当出现失误后，正确的处理方式是将失误的影响降至最小化，而不是出现消极心理，甚至是破罐子破摔，要沉着冷静地掩饰小失误，尽量将失误降到最低，并能以饱满的热情不受影响地继续下面的演奏，听众们同样会被演奏者的沉稳吸引而忽略这样的小瑕疵。 三、结语 综上所述，钢琴演奏是一门综合性的艺术，对于演奏者技能、心理、素养等多个方面都有着较高的要求，所以在高校钢琴教学中，不能仅关注对学生技能方面的培养，而是要采用多种方式方法，切实提升学生的心理素质，使学生能够根据实际情况的需要，灵活的进行心理调控，从而为获得高质量的演奏打下一个坚实的基础。本文也正是本着这一目的，对此进行了具体的分析，希望能够起到抛砖引玉之用，给更多的教师以启示和借鉴。 作者：陈东 单位：河南艺术职业学院 钢琴教学论文:儿童钢琴教学论文 一、在儿童钢琴教学的现状及解决策略 （一）现状 1.从社会方面看，培养人才趋于利益性，许多商家利用儿童学琴的热潮在社会上设立多种教育机构，许多钢琴老师没有过硬的专业基础知识却戴上了钢琴老师的头衔。现阶段的钢琴老师主要是来自各音乐学院或者艺术院派的学生，他们朝气蓬勃，充满了对工作的热情，但由于经验的不足导致教学过程中存在一定的误区。如今学琴孩子的能力增长速度远大于培养一个专业老师所需的时间。那么所出现的问题就是儿童钢琴的发展在一定程度上受到了限制。儿童学琴过程中家长太过拔苗助长，欠缺正确的引导方式。在国外，钢琴专业的学生需要学习钢琴文献、教学方法、伴奏和第二乐器等，但是我国却没有这方面的硬性规定。传统一对一模式让一些学习钢琴的孩子感到孤独和乏味，缺乏一个良好的氛围进行交流，对儿童的创造性思维发展有一定束缚。 2.家长给孩子们学习钢琴带来的误区：音乐从稚嫩的手指流淌，是爸妈心中最动听的旋律。他们梦想孩子如闪耀的明星在耀眼的舞台上弹奏钢琴得到雷鸣般的掌声。一些家长为满足自己的虚荣心或者因为儿时未完成学琴的心愿便客观地把这种思想强加到孩子身上。作为审美艺术的钢琴教育，大多数儿童不是在快乐的氛围中接受美的熏陶，只为互相的攀比去扼制住孩子对钢琴的兴趣。他们只是希望孩子能以最快的时间达到十级，级数的限定也给孩子造成了一定的压力。因此他们让孩子不断地盲目练习考级曲目，给孩子的学习造成一定的误区，孩子难以体会学琴的真正快乐是修身养性。这样带来的弊端是让孩子们学琴的根基不扎实而且对钢琴的兴趣减弱，最后导致厌烦钢琴不愿再踏实学琴。有些苛刻的家长总吝惜自己对孩子表扬的话语，因为他们觉得轻微的表扬会给孩子带来盲目的自信和自负的情绪。这样会削弱孩子对任何事情的积极性并且让他们大减自信心。 3.老师带来的影响：由于我国对文化教育的重视程度较深，学校的老师们给学生布置了沉重的作业，导致学生有很大的负担，外加上思想压力，便使孩子没有精神上的体验。他们认为学习好文化课才是重中之重，只有考上好的大学才能有美好的前途。其实，作为老师应该懂得艺术对大脑的开发是很有影响的。课堂中为缓解课堂的紧张气氛可采用一些娱乐的方式，比如可以让有才艺的同学们表演，从而提高他们的修养。近年来，由于学习钢琴的孩子越来越多，在孩子整个学琴的方向上没有一个整体明确的把握。对于孩子手型和基本功的练习要求不够，他们只单纯的完成家长交代的任务去弹考级的曲目以此给家长一个交代。在教学方法上也过于死板，让孩子没有足够的动力去体会钢琴学习的趣味。 （二）解决策略 1.针对社会中出现的问题，应举办更多钢琴比赛从而引起社会的重视，让孩子在比赛中相互交流和认识更多学习钢琴的孩子，孩子的成绩也能影响到自身的发展，让他们在比赛中更加融入社会，不会让他们感到孤独。也可以举办钢琴交流会，让各个省区学习钢琴的孩子能交流自身的练习方法，使孩子的经验和演奏更加丰富，只有在同龄人身上才能让他们对自己有更深刻的认识。对于从事儿童钢琴教育的老师应该充分重视经验和教学能力的提高而不单纯是举行演奏比赛。比如讲解《听妈妈讲那过去的故事》时，让学生随着老师一起唱一段旋律，然后讲诉妈妈在旧社会中受到的不公平的待遇，告诉孩子们要懂得妈妈的辛苦，珍惜与妈妈在一起的时光。课堂的丰富和趣味会让孩子们感受乐曲中所表达的深刻含义。 2.学校里应该有广阔的艺术气息而不是沉重的学习氛围。作为老师应该有意识去培养孩子对艺术的理解，因为艺术创造力的想象需要后天不断地培养和开发，让他们注重各科功课学习的同时懂得全面获取知识的营养。每个孩子应懂得握住自己人生彩色画笔的命运，拥有浓厚的浪漫气息并且富有创造力和想象力。在课堂上可以让孩子展示自己的才艺来活跃课堂气氛，对于增长学生的自信心有极大促进作用，他们会在相互的学习中懂得自身的不足并取长补短去发掘自己，开发自己的强项。作为一名优秀的钢琴老师要有很好的专业技术，拥有到位的技巧还要有打开儿童心灵窗户的能力，拥有自己自由的想法去通透所弹奏的乐曲，找到自己的闪光点而不要死板地按照谱面教学，反思和积累经验需要下苦功，钢琴是需要插上想象的翅膀的，对音乐的理解和技术层面的灌输传送需要老师强大的感染力和影响力。 3.家长是儿童成长的重要导师，当他们下定决心要为孩子开启一条艺术道路的同时就应该拥有一颗平和的心态去看待孩子学琴，家长应经常鼓励孩子们在亲朋好友面前展示自己的特长，这样可以激发调动孩子的积极性，让他们从内心渴望展示自己。作为家长要懂得孩子学琴过程中切勿拔苗助长，如果把考级当作学琴的终极目标只会适得其反，学琴之路是漫长和艰辛的，家长可时常陪同孩子一起练琴去体会，不能因孩子对音乐有某种“突出”表现就确认自己孩子音乐天赋很高，望子成龙心切，不顾仅三四岁幼童的生理、心理特点，强施以苛严的“训练”，动辄怒骂、体罚。反过来，只要弹好了琴又百般宠爱迁就，给予过分的物质奖励刺激，这种做法同我们期望把孩子培养成才的大目标是背道而驰的。这样只会让孩子厌恶钢琴甚至是学习本身。 二、发展前景 （一）观念提升 现代教育理论更多主张学生主动学习。学生是教育和知识的载体，所以让学生要主动的提出对钢琴学习的建议，对教学程度有自己的掌握，老师也不能按以前的自我教学方式为中心，应该按孩子提出的建议和接受的程度进行辅导，这样孩子对自己的知识接受程度才有更好的把握。老师在教学过程中可以创设情景使学生对于技巧的掌握更娴熟，充分打开孩子自身的思维模式，老师要以协作教学为原则，与孩子交流，构成一个良好的学习环境。引导学生对演奏技巧的深刻感悟和思索。 （二）方法革新 肖邦曾说过他最遗憾的两件事是他的长鼻子和软弱的四指。他的谦卑告诉我们技术的薄弱需要后天勤奋的练习且用有效的方法去磨练支撑，哪怕一个业余钢琴家也要掌握手掌的控制、大臂小臂的协调、手腕的放松、全身需要极其放松才能漫不经心的演奏，这种随心所欲是需要基本功的支撑的。技术训练的重要课题是要把每只手的五个长短不同、粗细不一的手指训练得力量均匀，各自都能很能好地发挥作用，奥尔夫音乐教学体系是德国著名音乐教育家卡尔•奥尔夫在1924年创造的，这是世界上极其著名的教育法。20世纪80年代时候才将这种先进思想引进我国。这种学习法是将舞蹈、语言和动作完美结合。这种方式让孩子的全身动起来无疑是适合儿童天性的教学方法。把语言引入到音乐教学是伟大的贡献，将姓名或词组朗诵进行节奏的训练。学生将汉字和节奏结合，音乐的节拍就更具体和形象了。多让儿童接触中国的传统钢琴作品可让他们更领会其中的丰富情感，中国钢琴充满的神韵气息推崇自然与人声的结合，其内涵之美耐人寻味。节奏上多变、旋律以五声民族调式为主，也包含六声、七声和偏音，还有添加的装饰音修饰创作，强烈的和声色彩和声部的不同层次的完美结合把明亮与黯淡的感情加以创新，让孩子更好的聆听钢琴演奏中出现的和声音响，以此提高自身的听觉能力，有一双好耳朵。 （三）内容变更 “养兵千日，用兵一时”，学习成果的升华应当是表现在“用”上面。而且怎么“用”，如何“用”是极其重要的。学钢琴的孩子更应具有独立思考能力不应该局限在钢琴独奏上。而对于其他的演奏形式比如：重奏、伴奏、合奏、四手联弹都应该有一定的提升。其次可通过自弹自唱可挖掘孩子内心的情感，加上一些合适的舞蹈更能增添神韵。重奏的演奏是钢琴演奏的另一种表达方式，合奏中两个孩子需极强的默契，整齐的协调是基础，流畅且完整并带有音乐本身的情感才能将乐曲演绎得更完美。重奏比独奏更显趣味性和丰富性，增加学生的团队精神的同时也让他们更有学琴的热情和信心，艺术感染力的培养在合奏中能得到极大发挥。四手联弹也是很好的激发兴趣的方法，二人同时弹一架钢琴能让他们很好的配合对方，相互倾听彼此演奏的旋律能让乐感提升，使得作品鉴赏能力和审美能力在潜移默化中也有提高，美妙的旋律给他们本身也是一种享受，让观众能够投入你所弹得美妙乐章中。 作者：吴艾娜 单位：长江师范学院
钢琴教学指导论文:钢琴伴奏在声乐表演教学中的艺术指导性探讨 【摘 要】声乐表演能够带给大众艺术的熏陶和享受，声乐艺术表演形式多样，涵盖艺术内容丰富，具有较高的审美价值和艺术价值。在声乐艺术演奏中，钢琴伴奏应用较为广泛。以钢琴伴奏在声乐表演的应用为教学内容，能够启发学生的艺术思维，通过艺术性的指导呈现，探索钢琴伴奏在声乐表演中的艺术之美。钢琴伴奏在声乐表演教学中的艺术指导贯穿于教育实践的整个过程，本文以钢琴伴奏在声乐表演中的教学认知、教学感受和教学实践三个环节中的艺术指导为研究对象，有针对性地进行逐一分析，希望能够对高校声乐教学有所帮助。 【关键词】钢琴伴奏 声乐表演 教学 艺术指导 前言 钢琴伴奏在声乐艺术表演中发挥着重要的艺术作用，钢琴伴奏同声乐艺术表演二者之间是相互促进、相互衬托的关系。充分发挥钢琴伴奏在声乐表演中的艺术指导作用能够带动整体艺术表现的氛围，通过发声状态的调整，形成最佳的艺术表现状态。在教学实践的过程中，教师应该重视钢琴伴奏的指导性作用，将钢琴伴奏充分融入到声乐表演中，对发声的状态、技巧、声乐艺术语言的体现等内容进行整合，有效地提升声乐教学的质量。在声乐表演教学中发挥钢琴教学的独特艺术引导，实现声乐艺术教学能力的提升，从而培养更多的专业声乐表演人才。 钢琴伴奏在声乐表演教学认知环节中的指导 1.指导声乐表演者对作品的认识 钢琴伴奏在声乐表演教学中想要最大程度地发挥指导作用，首先要掌握基础性的指导。声乐表演者要充分地认识作品内容，包括对作者、演唱者、作品的创作背景、创作风格等内容，融入到作品创作的环境中，这样才能够更好地感受作品本身的魅力。了解作品就是了解声乐表演的开始，记住这些音乐元素和音乐符号，能够与创作者达到共鸣，更好地演绎声乐作品。对于钢琴伴奏在声乐表演教学的艺术指导，教学实践应重视基础性学习，重视对钢琴伴奏的表演作用和意义进行分析，从掌握扎实的学习基础开始，保持对原作品的真实艺术呈现。 2.指导声乐表演者对二度创作的认识 钢琴伴奏在声乐表演教学中要深化学生对于作品二度创作的认识，声乐表演学习是一个循序渐进的过程，表演者逐渐能够形成对作品的独特认知。钢琴伴奏能够提升这种认知感，带动和活跃表演者的艺术思维，从而掌握钢琴伴奏的旋律感觉。二度创作的过程既保留了原作品的精髓，还进行了加工，丰富和延伸了艺术表现，是对表演元素的增加。在钢琴伴奏的声乐指导过程中，钢琴演奏者可以带动演唱者的情绪，让演唱者的演唱充分与声乐作品融合，从而全情投入，可以演绎出更为精彩的声乐内容。钢琴演奏应该为声乐表演教学创设二度创作的空间，让学生感受到自身学习的进步，能力的提升，在教学深化中挖掘学生的潜能。 钢琴伴奏在声乐表演教学感受中的艺术指导性 1.钢琴伴奏有助于提升声乐表演者对创作者的情感感受 在声乐表演教学中，钢琴伴奏的艺术指导需要学生的参与和感受，缺乏感受和体验环节的引导，对于作品内容的理解将会是片面、不充分的。演唱者需要感受和体验创作者的情感世界，感受创作者在创作过程中所融入的情感，建立起c创作者一致的艺术情感。当演唱者系统地把握了作品内容的时候，教学就进入到感受和体验环节，在这一过程中，学生的艺术表现力很容易被启发出来，很多优秀的声乐艺术作品都是在感受和体验中产生创作和演唱的冲动。每一个作品都有其特有的情感表现，创作者在创作的过程中融入了个人的情感，演唱者需要和创作者达到一种情感上的共鸣，融入到创作的情境。钢琴伴奏能够帮助演奏者更好地体验这种情感，融入到歌词中描绘的场景，以较为细致的情感揣摩，奠定声乐表演的整体基调。 2.钢琴伴奏能够指导声乐表演者对作品内容进行体验 声乐表演需要融入到作品当中，真正把握作品所要塑造的人物形象和故事内容，因为声乐作品最终是需要通过演唱者进行表现，声乐演唱表现的现场效果也是通过演唱者的表演体现出来的。钢琴伴奏具有多种艺术技巧，钢琴演奏能够通过技巧性的艺术呈现，让演唱者能够更容易去表演，更容易创造表演情境，从而较为生动地传达音乐作品的内容。钢琴伴奏能够指导声乐表演者对于作品中的人物、情境、情节进行情感上的交流，注重在情感上的体验，传达声乐作品的内容和情感。 钢琴伴奏在声乐表演教学实践中的艺术指导性 1.声乐语言指导 声乐语言的表现是声乐表演最直接的呈现，不同于生活语言，声乐语言的乐律性和联动性较强。声乐语言是带有情感的，而且在情感的表现上甚至更为强烈。钢琴伴奏和声乐语言之间有相似性，在节奏的表现力上都能够达到舒缓、高昂、悠扬、恬静等感觉。钢琴伴奏通过旋律和节奏能够传达声乐作品的情感，歌唱者会受到旋律的影响，激发内心的情感活动，以声乐语言的表达来进行情感的传达。同时，也更能够在表演中调动起观众的情绪，和现众实现情感上的共鸣。以钢琴伴奏对声乐表演进行指导，对于整体的表演效果有十分积极的推动作用。 2.神态指导 在声乐表演中，演唱者对于作品的艺术呈现表现为多个方面。观众透过表演者的演唱能够感受到声乐作品的艺术美感，表演者通过演唱能够传达出多种声乐符号。除了最为基本的声乐语言内容，对于人们最具影响力的声乐艺术表现是神态内容。眼神和面部表情的演绎所能够传达的情感更为细微，更具有震撼力。在声乐演唱教学中，通过钢琴伴奏可以较好地启发和引导学习者的内心情感，以眼神表现进行真情流露，将内心的情绪爆发和演绎出来。伴随着钢琴的演奏，声乐表演者能够全情投入，吸引观众的全部注意力，眼神传神，表情将神态所传达的声乐情感进一步深化，以神态的表现传达出声乐表演的艺术表现力。 3.肢体动作指导 肢体动作是一种艺术语言，在声乐表演中肢体动作的融入能够增加声乐表演的舞台表现力，加强声乐作品的艺术加工和创作。肢体动作是无声的声乐语言，声乐表演者在演唱的过程中随着乐律的变化、情感的融入能够自然地进行手势艺术流露。肢体动作的融入较为自然、协调，通常手势动作的融入是伴随着乐曲演奏的过程而发生的。在钢琴伴奏和音乐旋律的融合下，音乐、歌声、情感和肢体动作能够实现完美的表现。通过钢琴伴奏的带入，肢体艺术语言也有较大的发挥空间，恰到好处地融入到演唱中，起到增色作用。 4.形体表现指导 形体艺术的表现是声乐表演中较为常用的艺术手法。在声乐艺术的表演中，形体的训练也被作为重要内容。正如斯坦拉夫斯基所表述的，人在进入到精神生活之前，应该把握人的身体生活，应该形成角色的带入感。通过钢琴伴奏能够帮助演唱者融入到演唱作品的角色中，进行准确的定位，进而进行声乐表演作品的创作。声乐艺术作品中所传达的情感和内容、塑造的角色和情节都是需要经过表演者进行艺术表达的，例如在《卡门》的形象塑造上，钢琴伴奏能够从音乐节奏和音乐风格上呈现人物狂野、热情和奔放的形象，将情节中那种挑衅和斗争的气氛呈现出来。 5.舞台演绎指导 舞台演绎是声乐表演教学实践的最终呈现，声乐表演教学要培养学生适应舞台实践的能力。钢琴伴奏在声乐呈现中能够起到舒缓身心的作用，使表演者能够克服在舞台演绎中的恐惧感，让表演者回归到最为稳定的状态，在钢琴伴奏的带动下融入声乐表演的环境，甚至可以实现超长发挥。钢琴伴奏还可以启发声乐演唱者的思维想象力，以节奏进行暗示，让演唱者保持高昂的情绪，专注集中力。同时，钢琴伴奏还能够实现对表演者情感的引导，推动情感体验，达到情感的爆l，推动技巧的展现，传达声乐艺术的美感。 结论 钢琴伴奏对于声乐表演教学的艺术指导具有多样的表现，而且随着声乐表演教学的深入，钢琴伴奏的指导性和导入性更能够发挥学生的思维创造力。将钢琴伴奏融入到艺术表现中，可以演绎出更具有艺术表现力和影响力的声乐作品。在声乐表演的教学实践过程中，学生应该实现身与心的融合，在声乐艺术表现上既要能够感受到创作者的情感和意图，又要能够融入自身的理解，实现对整体声乐艺术表现的把握，带给大众较为震撼的艺术效果。钢琴伴奏对于声乐表演教学的艺术指导仍具有较大的发展空间，通过合理的教学设计和融入能够更好地培养声乐表演人才。 作者单位：西安音乐学院 陕西西安 钢琴教学指导论文:浅析声乐教学中钢琴艺术指导的作用 摘 要：在高校声乐教学实践中，钢琴艺术指导是必不可少的一部分，表演者的艺术表现力、情感、感染力等都与钢琴艺术指导有着紧密的关系。钢琴艺术指导主要通过钢琴伴奏的形式来辅助声乐教师演唱表演，使表演者在钢琴音乐表现方面及整体艺术感染力上达到风格、情感与意境浑然一体的效果，从而有效提升钢琴伴奏者的专业技巧与音乐素质，增强整个艺术作品的表现力。本文主要对钢琴艺术指导定义、类别以及声乐教学中钢琴艺术指导作用进行探讨，分析了高校钢琴艺术指导的重要意义，使钢琴艺术指导与声乐作品成为和谐统一的有机整体。 关键词：高校；声乐教学；钢琴艺术；指导；建设；重要性 0 引言 钢琴艺术指导专业是声乐教学中涉及钢琴、作曲、声乐、音乐史、语言等不同专业范畴的一门新兴的独立学科，主要体现在钢琴伴奏的形式上，钢琴演奏具有丰富多彩的艺术表现形式，它在声乐、器乐以及舞蹈表演领域发挥了重大的作用，是钢琴演奏艺术的一个分支。钢琴艺术指导能够增加演奏者、演唱者以及舞者的舞台表现力，不仅要求演奏者具备良好的独奏能力，更需要具备默契配合的合作能力。 1 钢琴艺术指导的含义 钢琴艺术指导主是以钢琴演奏为表现形式，具有覆盖面宽、技术含量复杂的艺术表现力，是声乐领域的一个分支。表演者在进行声乐表演时，均需要采用钢琴伴奏的艺术指导方式，钢琴艺术指导专业以钢琴独奏为基础，却又与之不同，二者互相补充，相辅相成，钢琴伴奏的最高原则是演奏者不能喧宾夺主，不仅要有一定的自我表现力，还要利用默契的声乐来配合演唱者，从而达到完美的音效渲染效果。 2 钢琴艺术指导的分类 2.1 声乐艺术指导 钢琴艺术指导具有相对独立的音乐结构和艺术表现的重要意义，也是钢琴演奏艺术发展水平的一个重要标志，它具有不同的音乐风格具体表现形式，与歌唱构成一个有机的整体，将音乐思维及艺术表现体现得淋漓尽致。在各高校音乐专业的演唱艺术实践中，演唱者与钢琴伴奏之间都需要默契的配合，伴奏者必须要对不同体裁的作品的音乐风格和不同情感上的差异进行合理的、规范的艺术处理，使之与演唱者所表达的作品风格相一致，只有这样才能将演唱者的情感表达出来，将作品演绎得更加丰富多彩。 2.2 舞蹈艺术指导 舞蹈艺术指导是一个庞大的体系，是一种以人体动作为主要表现手段的表演艺术。舞蹈钢琴艺术指导通过与舞者的合作来体现自身的艺术价值，是舞蹈基本功训练中不可或缺的一部分，也是钢琴艺术指导中的重要组成部分。舞蹈艺术指导更重要的是对舞蹈的基本动作、形式和构成的指导，不单单是出色的钢琴技巧，舞蹈艺术指导能够将舞蹈语汇的张力和音乐情绪的张力达到完美的统一。 2.3 器乐艺术指导 我国器乐的表现形式比较复杂，器乐演奏不像声乐作品带有歌词，器乐艺术指导与声乐艺术指导之间存在着显著的差异。因此，伴奏者与演奏者的默契配合就显得非常重要。同时，器乐具有与人声不同的音域、音色，而且器乐作品相对声乐作品篇幅较大，调性变化和曲式结构也较为复杂。伴奏者与演奏者可以根据彼此之间的默契合作以及音乐旋律自身的起伏来进行表演，让音乐给听者更加生动形象的感觉。这对钢琴伴奏者的演奏技巧具有更高的要求，需要伴奏者将作品中的整体音乐风格与情绪变化精确把握，掌握作品的高难度技巧，配合表演者的演出。 3 钢琴艺术指导对声乐教学的指导作用 在声乐教学前期，钢琴艺术指导教师要按照演奏的不同要求，充分了解指导的音乐作品的文化背景、语言规则以及情感表达，精确把握作品的和声进行、曲调结构、情绪变化，指导教师要在客观呈现和传达伴奏情感的基础上，对作品进行深层次的把握、分析，进而安排整个演奏的过程，根据自身具备的音乐素养及感性认知对声乐作品进行伴奏和指导，深入挖掘作品的细微特点，从音准、呼吸、风格、节奏、音乐效果等多个角度帮助演唱者处理和理解音乐，用弹奏的音乐旋律和感觉来带动演唱者的音乐感受力。只有这样才能使钢琴伴奏与演唱者配合默契，最终将舞台作品完美地表现出来。因此，钢琴艺术指导对声乐教学中是从配合到辅助，逐步升华到具有指导的艺术高度的过程。一部优秀的钢琴伴奏作品与一个优秀的钢琴伴奏者，往往在声乐教学的各个环节中发挥出不可估量的艺术指导作用。 4 钢琴艺术指导在声乐教学中的艺术指导性 4.1 心理上的指导性 在声乐表演中，演唱者承受着来自内心、来自观众、来自舞台的心理压力。一位合作默契的伴奏者，可以从演唱者开始演唱到结束一直陪伴着演唱者，同舟共济，互相支持，这就能缓解演唱者的心理压力，舒缓紧张情绪，轻松完成接下来的演唱。在声乐教学中的共鸣教学中，声乐钢琴伴奏以乐器独有的共鸣音色与特质，通过合作带来腔体的变化，从听觉和生理反应上引导演唱者找到共鸣的声音来提升演唱的音质。在声乐教学中，声乐钢琴伴奏主要根据音乐正确的句法、同步状态、歌曲思想、{节呼吸等缓解演唱者的压力，使演唱者进入最自然的气息状态。 4.2 技术上的指导性 在声乐表演中，当表演者遇到演出安排、准备情况、演出场地、演唱者的身体状况和嗓音状况等各种多变的因素时，钢琴伴奏可以凭借其本身具有的强劲音色表现力，在技术上弥补演唱者的突发状况。在正常的演唱中，钢琴伴奏通过前奏、间奏和尾声的铺垫和烘托，为演唱者提供暗示和引导。 5 结语 目前，高校钢琴艺术指导专业已经得到广泛关注，钢琴伴奏更是如此，但现今钢琴伴奏者与艺术指导之间还存在很大差距，很多钢琴伴奏者还缺乏艺术指导的内涵和气质。因此，高校钢琴伴奏者需要把钢琴伴奏艺术表现得更加形象生动，提高在钢琴伴奏音色控制、音乐色彩方面的造诣，将弹奏与歌唱发挥得尽善尽美，行云流水般地诠释音乐的流畅性与韵律感，并将其充分、恰当地运用到音乐专业的教学过程中，进而有效提高声乐教学中钢琴技艺的教学质量。 钢琴教学指导论文:声乐钢琴伴奏与艺术指导教学初探 摘 要：声乐钢琴伴奏与艺术指导作为声乐演出及教学的辅助学科，它不仅有进行钢琴伴奏的要求，更重要的是还有作为教师的任务：对声乐家或声乐学生在 作品风格、音乐处理、语言掌握、声音运用等等方面进行指导。因此对本门课程的教学主要从理论层次的知识点突破，和演奏过程中的技巧训练两方面进行。这种技巧包含了掌握不同的触键方法、与演唱者共呼吸、提高视奏能力、正确理解休止符的含义等。 关键词：声乐钢琴伴奏；艺术指导；教学 声乐钢琴伴奏与艺术指导作为声乐演出及教学的辅助学科，它包含了声乐钢琴伴奏与艺术指导两个方面的内涵。这两个内涵之间既有紧密的联系又有本质的不同。一般来说，声乐艺术指导都有进行声乐钢琴伴奏的能力，但他们还有作为教师的工作任务：对声乐家或声乐学生在作品风格、音乐处理、语言掌握、声音运用等等方面进行指导。[1]因此它的教学也应围绕这些方面来进行，我将这些总结为以下两个方面： 一、理论层次的知识点突破 这主要包括了对声乐作品词曲作者、时代背景、主题思想的了解及对作品风格、曲式结构的分析两个不同的层次。第一个层次属于基础面的知识点，可以让学生自己查阅相关文字资料及视听资料而获得。第二个层次属于有点难度的知识点，可以在课堂中以引导方式为主，共同分析，得出结论。 以《绿树成荫》这首曲目举例说明，学生通过预习，已经明确了此曲选自作曲家亨德尔的三幕歌剧《塞尔斯》的第一幕《广板》。因为亨德尔是巴洛克时期的代表作曲家之一，那么这首曲子就应该具备了巴洛克时期音乐多采用流利酣畅的多声部旋律、鲜明的强弱对比、华丽而繁复的装饰音这些音乐创作风格。 谱例一：《绿树成荫》 再通过以上伴奏谱例的分析，观察到此曲的伴奏风格除了采用通奏低音之外，还以复调写作手法为主，采用柱式和弦伴奏织体，旋律线条精雕细琢，每小节的节奏有时不均衡，音乐庄重、虔诚。其实这也正是巴洛克时期的伴奏风格。 二、演奏过程中的技巧训练 应该说学生作为钢琴独奏所学习的所有知识，包括技术训练在声乐钢琴伴奏中都用得上。但因为我们面对的是人声，就要求钢琴伴奏中的音色变化更加细腻、丰富。因此，在教学中应侧重以下几个方面的技巧训练： 1.掌握不同的触键方法，让音量、音色根据歌曲内容及歌唱者的需要而变化 决定作品音量、音色的因素基本可分为两类：一类是谱面上的所有跟音量、音色有关的标记，例如力度标记、情绪标记、奏法标记等等；另一类是谱面以外的，主要靠积累大量的曲目，在与歌唱者的合作中逐渐感受得来。在这一点的学习上，要具备比学习钢琴独奏更强的灵活性和更丰富的想象力。 以《昭君出塞》这首曲目举例说明，下面是前奏的一部分谱例： 谱例二：《昭君出塞》 此曲为描述了一位不满二十岁的弱女子王昭君，为了国家的和平，民族的安宁远嫁异族的和亲壮举。第一个和弦是在低音区出现一个包含着大二度音程的民族调式和弦，有着不谐和的音响。仿佛是在敲响历史的钟声，把人们的思绪推回到秦汉末年战火纷飞的年代。犹如一部历史剧开场前沉重的大锣的敲击声，预示着一个历史故事将要上演。演奏这个和弦时，所有的情感要在发声前酝酿到位，做到“未有曲调先有情”。要凝聚所有的情感和想象。手指贴住琴键，准备好键盘位置，用手臂的重量，从外往里“钩起”这个和弦，同样“钩起”了听众的思绪。演奏时，需由慢到快，由轻到强，两组六连音的处理要用好手腕使乐句一气呵成，尽可能地模仿出琵琶演奏的韵味。[3] 2.学会让心中的旋律从指尖流出，让钢琴替你“歌唱” 一个经常弹伴奏或是经常和伴奏的人，也许都有这样的一种感受。当伴奏者与一位音乐感觉非常好的演唱家合作，他会带给你很多音乐上的启示和灵感，同时用他的演唱感染着你；而当一位歌者与一位资深的艺术指导教师合作时，反过来也会被这位艺术指导指尖流露出的点点滴滴的情绪所带动。这一技巧点的训练，基本包括了如下几个方面： ①掌握不同语言的基本发音规律，了解正确的发声方法 对于任何一首声乐作品而言，旋律与歌词都是相互统一、密不可分的。许多经典作品都是语言与旋律的完美结合。对语言的了解与否将直接影响到作品音色的处理、音量及整体风格的把握。无论是意大利语、德语、法语、英语还是中国作品，不懂这些语言的特点又怎么可能完美地配合旋律、表现旋律。作为一名声乐艺术指导， 一定要熟悉合作对象的这些专业特点，另外包括发声方面都要有一个基本的判断力，这样伴奏的过程才会由最初的磨合达到最后的融为一体。[2] ②歌唱着弹奏，与演唱者共呼吸 声乐作品中的气口是会随着音乐的节奏、情绪的变化而发生长短、深浅变化的；而反过来不同的气口处理，也会直接影响到演唱者的气息调整。因此，一个好的钢琴伴奏者不仅要熟悉和感觉到演唱者的呼吸, 而且应该和演唱者共呼吸，在“ 心”中和演唱者一起唱。只有这样，气口才可能给得恰到好处，乐句才可能合作得更为默契, 从而使演唱者在声音、感情上得以充分发挥。 3.正确理解休止符的含义，将它与音乐融为一体 休止符作为无声的音乐，是任何有声的音符所不能代替的。它对塑造音乐形象、提高音乐的艺术表现力，有着不可低估的重要作用。不同时值的休止符出现在不同风格的乐曲中，它向听众传递的音乐情绪是不一样的。因为它是作曲家精心设计和艺术灵气的自然流露。[4] 4.努力提高视奏能力 对于视奏能力的培养，首先就是要掌握科学的读谱方法，例如：五线谱音程级数快速读谱法。其次，就是要在短时间内进行乐谱“轰炸”，其实，就是音乐中的题海战术。最终学会看三行谱，并且演奏中眼睛始终走在手的前面，最好在弹出乐谱的同时，情绪也能基本把握准确。 5.注重训练腕关节和掌关节的桥梁作用 因为我们合作的对象是人声，因此对于弹奏的连贯性、歌唱性要求比较高。在演奏中既要做到很好的颗粒性，更要注意手位的整体感，达到横向与纵向的连贯和通畅。既不能为了颗粒性，而将作品的自然乐句分割开来；也不能为了乐句的连贯，而失去了通透的音色。 对于这一技巧的训练，需要在实际弹奏中以情带腕，以气撑掌，再通过耳朵对音色的辨别来具体调整。 总之, 作为声乐钢琴伴奏与艺术指导, 指导音高、音准、节奏等音乐的基本要素只是钢琴艺术指导职责的一部分，而更重要的是要对作品的旋律、内涵、语言、内在气质、发音、呼吸等等很多方面做全面的研究。因为钢琴伴奏也是要弹文化的。所以，我们必须不断丰富自己的音乐修养,提高自己全面的技术能力,这也是我们需要不断努力的方向。而声乐钢琴伴奏与艺术指导的教学则更是任重而道远。 钢琴教学指导论文:现代教育理念指导下的高师钢琴教学模式探讨 摘要：高等师范院校音乐系科的钢琴教学课程，长期采用个别课或集体课的教学模式。在现代教育理念的影响下，这些教学模式在实际应用中，必须进行相应的调整，尤其要体现现代教育理念“研究型”、“主体性”的观念导向。同时，这种理念的调整应当落实于行之有效的教学方法。在笔者的教学实践中，这些教学方法主要有“情境式教学法”、“合作式教学法”以及“讨论式教学法”等。 关键词:高师钢琴教学；现代教育理念；钢琴教学模式 随着钢琴艺术教育在国内的蓬勃发展，有关各个教育阶段钢琴教学模式的学术文论，至今已涉及到多个领域及多样化的教学模式。在高等师范院校的钢琴教育方面，多年来的教学法改革和教学模式的研究，已经取得了令人瞩目的成绩，对钢琴教学实践产生了积极的推动作用。但是，纵观诸多研究文论，目前仍以感性教学经验的总结或其他学科教学原理的借用为主，对现代教育理念指导下的教学方法改进的研究，似乎仍显得比较薄弱。因此，本文即试图从现代教育理念角度出发，结合笔者多年来的教学实践，就高等师范院校钢琴课的教学模式及教学方法改革进行探讨，以期对钢琴教学实践产生更多的推动作用。由此，笔者将从以下三个方面来进行阐述。 一、钢琴教学常见模式的一般特征与局限性 根据国内外一些学者的研究，所谓“教学模式”，就是在“一定教学思想指导下，围绕着教学活动中的某一主题，形成相对稳定的系统化和理论化的教学范型。”[注:参见戴定澄著《音乐教育展望》，华东师范大学出版社，2001年版，第264页。]或者也可以简练地说，所谓教学模式，就是“导向特定的学习结果的一步步的程序。”[注:参见Gunter Maet著《Instruction:A models approach，Boston》， 1990年版，第67页。]就目前国内的高师钢琴教育现状而言，主流学校不外乎采用个别课与集体课两种教学模式。二者共同的特征是，在整个教学过程中，教师的演奏经验和对音乐内容的理解，是通过对学生演奏的评价与分析来实现的。可以说，在这个过程中，体现出了两个特点：一是感性化，二是主观性。而这两者在钢琴音乐乃至整个音乐艺术特性的范畴内，更加体现出其自在的教学过程呈现方式来。通常情况下，在一堂钢琴教学课中，学生的演奏（即“回课”）是教学过程的第一方面，另外一方面，则是教师的评价与指导。这种通行的模式，可以表示为如下图式： 倘若从信息呈示与反馈的角度，对上述这种动态过程中的各主要因素进行分别的表示，则可以是：“学生回课――信息呈现”、“教师分析与评价――信息处理与分析”及“信息回馈与二度处理”，则我们可以进一步将这一传统模式表示为： 由此，传统钢琴教学模式在信息处理的过程中，教学内容表现为一种闭合型的信息线性加工过程。就这种传统教学中的信息加工与处理过程，有的学者又将之归类为“情感模式”、“行为模式”、“认知模式”以及“综合模式”。[注:参见袁善琦著《音乐教学技能》，华中师范大学出版社，2002年版，第73页。]也就是说，这一过程表现出来更多的单向性。无疑，这种方式在过去的高师钢琴教学过程中，对大多数入学前为钢琴“白丁”的学生讲，都是行之有效的教学模式。但是，随着经济、社会的发展与全民音乐文化素养的普遍提高，更多的高师学生，在入校以前，较之以往，已经具备了一定的、乃至相当高的演奏水准。尤其是，配合高校素质教育的开展，高师学生的综合知识结构和学习能力，已经得到了很大的提高与扩充。在这种情况下，无论采用传统上述模式中的任何一种，势必都存在着学生期望值与教学效果之间的明显差距。这种差距的体现，具体而言，不只在钢琴教学个别课上有所体现，在集体授课过程中，也有着同样鲜明的反映。在这种情况下，传统钢琴教学模式的单向度特征及信息静态、恒定处理方式的弊病，也就日益显露出来。集中体现为学生已有演奏、欣赏经验和一定程度的学习思考，不能及时而充分地在教学过程中得到体现，从而使钢琴教学过程中过分依托于既定模式统摄下的教师的已有经验与思考。无疑，在某种程度上，这可以视为教学资源的流散与浪费。 此外，从现代教育理念而言，几乎所有高等学校的自然、社会学科的教学活动中，都开始倡导学生在教学过程中的参与性。并且，诸多学科的教学实践证明，学生的参与程度越高，教学资源的利用也就越充分，教学效果和进度也就越好。正如有的学者所指出的：“现代教学论认为：人的发展的最高目标就是人的主体性的发展。学生是具备丰富个性和能力的主体，具有独立性、主动性、创造性等基本属性。教学过程中，让学生参与教育行为的全过程，才能使学生真正成为教育教学认识活动和实践的主体。”[注:参见曹莉芳著《高师钢琴“课题型”教学模式研究》，湖南师范大学硕士学位论文，2006年，第9页。] 而这种主体性的体现，在笔者看来，不妨可以看作是传统教学过程中学生的主体性向教师的主导性所产生的一种冲击与弹性。表面上看来，这种冲击与弹性很容易被师生双方单纯地理解为一种传统教学模式的危机，而实际上，学生从“被动接受者”到“主动参与者”的过程，也正是教学双方教学资源与教学效果潜力的纵深挖掘与利用。因此，在这个意义上，笔者认为也可以将这种因学生主体身份变化而带来的教学模式的改良，进一步提升到“学生主动研究教学内容”的层面上来进行讨论。但是，在将这种理论构想付诸钢琴教学实践之前，我们发现，其中又隐含了几个方面的问题。比如，钢琴教学活动中，当学生从主体性地位之上的教学参与者向教学内容研究者的身份迁移过程中，如何能够发挥其思考教学内容的主观能动性，与教师共同合作进行教学难点的克服？与教师相比，学生在教学活动中，具有更强的主观性及随意性，如何将这种因主观性和随意性而带来的教学进度的延缓与教学规律本身的客观要求相协调？以及，如何才能激发学生跳出被动接受钢琴演奏技能与音乐处理经验的窠臼，寻找到更具创造性的学习策略？可以说，在这些环环相扣的问题中，我们首先需要解决的是教学内容主观性与学习形式客观性之间的协调问题。 二、钢琴教学模式中形式的客观性 与内容的主观性间的矛盾与协调策略 在高师钢琴课教学范畴内，无论采取个别课或集体课的模式，二者在教学组织形式与教学环节形式上，都具有相当的客观性。这种客观性的存在，要求师生双方在整个教学过程中，都须遵循着一定的“教―学结构”，在这种结构框架之内来开展教学内容。例如，在教授学生学习某一首乐曲时，不论是采取个别课还是集体课形式，教师首先都要对学生之前对该曲的背景知识掌握和初步练习情况进行了解与评价，其次要对乐曲有关技术难点进行讲解与讨论，最后要将针对该乐曲讲解与讨论的结果以要点提示的方式陈述给学生，以利于其课后学习与练习。可以说，这种一般的教学结构，不论如何改革，大致的实施流程是不会有太多的改变的。但是，与这种教学模式中呈现出来的教学结构的客观性相比，在具体的教学进程当中，教学内容的各个层面上，都具有明显的主观性。例如，针对一首乐曲而言，从乐曲创作背景，到乐曲的结构形式，从乐曲当中的技术难点，到乐曲的艺术表现力等各方面，都有着千差万别的诠释结果和主观理解。如此一来，这种各个层面上的明显差别，就会在很大程度上影响到教学形式的有效性。音乐视野开阔、技术起点较好的学生，往往能够配合教师，在教学过程的每个环节当中，以较高的领悟能力和较快的学习进度圆满完成教学任务。而那些音乐视野狭窄、音乐知识过于薄弱、技术能力又处于普通水准之下的学生，则会对教学过程的客观性框架，提出挑战。 在这种情况下，教学模式中的客观性形式与主观性构成之间，就成为一种内在的矛盾。这种矛盾的存在，一方面是必然的，另外一方面，从教学进度的最大可能推动而言，教师及学生又有必要通过对教学环节的组织优化与协调沟通，将两者之间的矛盾导向积极的方面。根据本人近年来钢琴教学实践，笔者认为，这种组织优化与协调沟通目标的实现，不妨可以从以下两个方面进行尝试。一是增强“教学环节”的“扁平化”与“兼容性”，二是提高教学内容和教学对象之间的匹配性。 从教学环节“扁平化”与“兼容性”的方面来看，教师在优化教学环节设置的过程中，应当充分考虑到所教学生在音乐素养与音乐技能方面最高水准和最低水准之间的平均值，将教学过程中各个环节要素之间的分布关系，根据上述平均值进行合理的参照，从而，将环节设置对教学效果的负面影响减少到最低限度，使得某个教师所习惯的教学模式与环节设置中，能够包容更多各不相同的学习对象要素。而从教学内容与教学对象之间的匹配性方面来看，以往的教学模式讨论当中，往往容易将之忽略，而过分关注个别课与集体课的模式区别与优劣互补。从笔者多年的高师钢琴教学经验来说，无论是个别课还是集体课教学，其共性方面的要求，或者说，其教学效果的提高，都需要在所教（学）乐曲、技术和学生已有知识技能之间，建立更多的关联与匹配。即便单从乐曲所需演奏技术进行考量，根据现代教育心理学的有关研究，学习过程中“正迁移”的形成，正是提高学生学习效果的重要手段之一。具体而言，现代教育心理学认为：“已经形成的动作技能（可以）对另一些新技能的形成发生积极的影响，能促进新技能的形成和发展；或者反过来，（新）学会的动作技能对已经形成的动作技能的保持（可以）产生积极的影响”。[注:参见刘华山、程刚著《高等教育心理学》，湖北人民出版社，2006年版，第171页。]以上仅仅是就学生弹奏技能的学习过程而言，同样，在有关乐曲背景知识、演奏风格、曲式结构等方面，也存在着类似的现象。这就要求教师在接受学生学习伊始，就应该着手对学生的既有音乐知识和演奏技能进行详实而一贯的了解乃至研究。只有教师在教授某首乐曲的整个过程中，对各个学生的上述知识、技能背景做到烂熟于胸，才可能在教学活动中，随时调整教学环节的分布位置，随时调整每个学生的学习内容和进度，从而达成我们上述教学内容与教学对象较高关联程度的目标。 在以往的高师钢琴教学活动中，为了取得较为整齐的进度，以及为了让学生在学习过程保持对音乐作品的完整性领会，我们会为程度大致相同的同学布置相同或相似的乐曲。而在具体乐曲布置当中，尤其在布置类似于大型练习曲或奏鸣曲作业时，我们又往往让学生练习整首或整个乐章的乐曲内容。无疑，从音乐作品内在规律与艺术完整性的角度来讲，这种训练方式有其不可否认的必然优势，并作为目前通行的主导训练方式。但是，在有些情况下，当学生的曲式驾驭能力、技术能力以及练习时间等方面，暂时尚不具备时，这种主导训练方式，就逐渐显示出了其局限来。因此，根据笔者近年来的思考与摸索，我们发现，在上述情况下，不妨将一些中等以上篇幅的练习曲或奏鸣曲乐章，进行拆分，将其中有更高训练针对性的段落单独作为训练任务布置给学生，从而既充分挖掘了大型乐曲局部段落的针对性技术价值及艺术表现价值，又能回避此类乐曲给学生在练习中造成的精神负担、精力负担以及技术负担。为他们将来完整演奏大型乐曲，提供了前期的准备。如此一来，不但学习内容与教学对象之间的关联程度得到大幅度的提高，同时教学环节的顺利开展，也能够得到更大程度的确保。只不过，采用这种协调策略，无疑对教师的知识结构、研究能力、钢琴文献的熟稔程度等等，提出了更高的要求。 三、钢琴教学模式中的多种教学方法应用 如前所述，现代教育理念一个显著的特征，就是教学双方身份地位的变化。即学生作为学习者，在整个教学过程当中，由传统的教学参与者，向教学内容研究者转变。而教师由原来单纯的知识技能的传授者，向学生学习过程的引导者、合作者转变。正如有的学者所理解的：“（现代教育理念）具有以‘任务’为主线、教师为主导、学生为主体的特征。教师从填鸭灌输式的讲授，转变为组织、引导。”[注:参见代晓蓉著《树立现代教育理念运用科学教学方法》，载于《教育与职业》，2004年第26期，第43页。] 而经过我们在本文中的上述讨论，我们已经初步探讨了在教学过程中，教师在环节设置、教学内容的针对性选择、启发学生进行学习型思考等方面，可以进行改进的方面。而在具体教学活动中，教学方法的选择，可以说，是实现这些理念与环节设置的重要途径。 1、情境式教学法 所谓“情境教学法”，是指“运用具体生动的场景以激起学生主动学习兴趣，提高学生学习效率的一种教学方法”。[注:参见顾明远著《教育大辞典（增订合编本）》，上海教育出版社，2002年版，第1129页。]在笔者看来，这种教学方法，可以让学生在教学过程的伊始，很快进入演奏状态和音乐意境当中。在钢琴教学实践过程中，常常看到有的学生从别的生活场景进入到教学场景当中时，不能够很快进行情绪和思路上的切换，回课时精神涣散，弹奏出来的声音虚浮飘散，音乐信马由缰，并不能发挥出他的正常水准。只有经过一段时间以后，才可能完全进入教学状态，进入音乐的表达情境中。其中的原因，固然是多方面的，既有学生注意力水平本身的原因，也有学生生活情境对教学情境的较强干扰因素等等。但是，笔者认为，教师作为教学活动的引导者和组织者，从教学效果的角度来考量，也应该而且完全有可能在教学活动中，通过适当的情境创设，将学生的非教学情境的干扰因素减少到最小程度。具体比如，可以在学生回课伊始，用简短的语言帮助学生回顾乐曲的风格背景，结构特征等等，可以称之为“语言情境”；也可以在学生弹奏之前，播放同一时期、同一风格或者类似技术类型的乐曲，帮助学生尽快由“概念化的音响记忆”转向“音响化的概念回顾”，从而，在最短的时间内，激发出其演奏与表达欲望来，这种手法可以称之为“音响情境”。此外，也可以充分利用现代教育技术手段，在教学过程中，尽可能采用视频或图片播放工具，根据教学内容的需要，向学生展示乐曲背景同时代的“建筑”、“美术”等其他姊妹艺术风格，笔者将之称为“视听情境”。实践证明，经过这些教学情境的创设，学生能够更加迅速地进入到教学场景与音乐情境当中，从而，为保证教学环节的顺利开展，提供了良好的状态前提。 由于这种“情境教学法”需要更多的教学时间和更强的教学针对性，因此，在笔者看来，这种教学方法更适于在钢琴个别课上采用。 2、合作式教学法 在以往的钢琴课教学环节中，教师、学生、教学内容三者之间的关系，被定义为“教学主客体”以及“教学主体与教学对象”。这种传统型定义的理论假设是：教学内容为待掌握的知识与技能难题，教师相对于学生，是这种知识与技能方面的绝对权威。而在钢琴教学的实践当中，实际上，这种理论假设已经产生了极大的危机。即，面对音乐学术研究成果的激增，音乐传媒渠道历史性的变革与扩充，任何教师都不可能宣称他在每部钢琴作品、各种音乐风格、各种结构类型的分析方面，都已经做到全盘了解，悉数掌握；同时，在音乐资源的占有量及音乐信息的畅通性等方面，教师相对于学生的绝对优势，也逐渐递减为相对优势，甚至在有些情况下，并无多少优势可言。那么，在这种局面下，作为教学环节组织者和引导者的教师，采用何种姿态及教学方式，才能更加有效地发挥其作用呢？或者说，学生在教学过程中，应当发挥出怎样的能动性，来获得学习收益的最大化？基于这些方面的问题，我们不妨从现代教育理念所倡导的“研究型”教学理念当中寻求答案。如上所述，既然教师的信息资源权威在很大程度上可能荡然无存，那么，在有些教学内容的学习过程中，尤其是一些在很多学生身上存在，然而又没有现成解决方案可以参考的情况下，教师与学生进行“合作”，将待解决的问题作为“研究对象”或“研究课题”，以此从教与学两个方面来探索行之有效的解决方式。在这种情况下，最大的变化在于学生从学习姿态到研究姿态的转变，而与之相应地，教师也需要做出教学姿态的转变，以及教学资源的更多共享。通过师生之间的合作，学生方面解决问题的积极性得到了极大提高，随之而来的教学目标的达成，也会具备更多的创新性。这在一定程度上，对师生双方的解决问题的能力，对于钢琴艺术研究方面的推动，都有着良好的作用。 目前，有的研究者已经注意到了这种指向“课题”的“合作式”教学方法，如认为“在这样一个相互合作的氛围中，营造出一个宽松、民主的学习环境。这也是新世纪的音乐教育对新型师生关系的呼唤。它不是传统意义上的‘师道’，也不是被某些人误解的‘学道’。而是为了顺应未来世纪发展的需要，符合教育‘以人为本’的要求而演绎出来的一种开放式的、开拓型的新型师生关系。” [注:参见曹莉芳著《高师钢琴“课题型”教学模式研究》，湖南师范大学硕士学位论文，2006年，第38-39页。]因此，我们说，这种合作式的教学方法，很可能在未来钢琴教学模式中被普遍采用。而从这种教学方法的讨论特征来说，因为其可以在较大范围内调动各种资源与策略，用来解决带有普遍性的、迫切问题，因而，笔者认为其更适于在钢琴集体课的教学模式中采用。 3、讨论式教学法 笔者认为，在高师的钢琴集体课教学活动中，除了要尽可能有效地让学生掌握钢琴弹奏技能、钢琴文献知识以外，还应当在教学过程中，努力创设“教学讨论”场景。首先，高师的钢琴教学既然其培养目标是未来的中小学音乐教师，那么，在这些未来教师进行包括钢琴学习在内的在校职业素养训练中，就应当始终贯穿其师范性。始终让学生在学习中思考：这首乐曲我不但要知晓如何弹，还要尝试如何教，即对于教学方法的初步探讨；其次，因为课时的局限，高师钢琴集体课在授课过程当中，无法确保每个学生都能在教师指导下，进行场景模拟式的教学实践，因此，在钢琴集体课的教学模式框架内，将部分中等难度以下的问题的解决，在特意设置的课时当中，进行“教师指导―学生之间集体‘会诊’”的教学讨论实践，让个别学生问题的解决过程，更加充分地包含其他学生的献计献策或经验交流。如此一来，局部问题的解决方案，即可以扩大为每个学生的教学法收益；个别学生的弹奏问题，也会激起更多学生教学案例和教学经验的累积；最后，以笔者的亲身体会，这种讨论式的教学方法，对于教师自身而言，无疑也提供了更多打开教学思路，掌握学生教学法水准的重要途径，使教师进一步改善教学手法、提高教学效率、让更多学生受益的教学理想，得到稳步有效的实现。 四、结语 通过以上讨论，我们看到，倘若现代教育理念在钢琴教学中能够得到充分体现的话，那么，对于师生双方来说，无疑会促成更为积极、对等以及具有针对性和有效性的教学实践模式。这种模式的不断优化与更新，既是发展了的教育教学原理之所需，也是国家钢琴教育、艺术素质教育的现实要求。但与此同时，我们也看到，现代教育理念应用于钢琴教学实践后，对钢琴教师的职业素质也设置了更高的标准。例如，若想在教学过程中实践“情境式教学法”，教师就必须在课前做好相应的资料采集乃至多媒体编辑的案头工作，也就是说，高师钢琴教师的备课工作，除了课前对学生所学作品的温习与背景资料的了解外，还需要花更多时间在教学媒体的熟练掌握上；若想将“合作式”或“研究式”教学方法真正应用于教学实践，我们作为钢琴教师就必须在教学、演奏之余，研究音乐学术，积累课题实践，否则，所谓“研究式”教学方法，就无异于纸上谈兵。此外，正如有的学者所提出的，高师钢琴教师的另外一个重要素质，就是“必须具备良好的表达能力”。[注:参见于青著《谈钢琴教师应具备的基本素质》，《中国音乐教育》，2001年第8期，第43页。]这一点，以往并没有得到很好的倡导，但是，比照于高等师范院校音乐专业的大学生未来的培养目标，我们认为，钢琴教师在“身教示范”之外的“言传示范”，无疑也是一种必备的教学素质。这对于高师钢琴教师的以上诸种职业素质的发挥，无疑会起到表达手段上的保障作用。 总而言之，高师钢琴教学活动在既有模式框架内，无论从哪个角度对教育理念进行探讨，都可能是有益的。但是，值得注意的是，这种探讨本身，最终必须落实于具有可操作性的教学方法上，并在教学实践中，对这些方法进行不断的检验和锤炼。惟如此，所谓教育模式优化或者教学理念的更新，才能对我国高师钢琴教育事业发挥实质性的推动作用。 钢琴教学指导论文:钢琴教学指导 摘 要： 如今越来越多的家长为自己的孩子选择学习钢琴，但是，很多学生在学习了一段时间之后总是停留在原地无法深入学习，更多的孩子在初学阶段就开始讨厌钢琴，学生面临困难，家长面临放弃。如何改变这种状况？本文从营造快乐学习气氛；钢琴课教学内容丰富多彩；让学生觉得弹奏钢琴简单；因材施教；与家长不断交流等几个方面来浅谈钢琴教学，目的在于改变这一状况，使更多的学生能在短时间内掌握钢琴的弹奏方法，并增强学习钢琴的动力和信心。 关键词： 钢琴教学 学习气氛 弹奏方法 如今，让孩子学习钢琴成为众多家长的首选。由于钢琴的弹奏需要手眼协调，十指的灵活配合，需要孩子不断动脑，这令众多家长认为学习钢琴不但能使孩子增强协调感，更能使孩子变聪明，于是社会上出现了学习钢琴的热潮，众多的钢琴艺术培训中心应运而生。由于师资严重缺乏，教师经验不足，导致大部分学生学习不规范，基础很差，很多学生半途而废，对钢琴学习越来越缺乏信心，直至最后完全放弃。基于此，钢琴教育者在钢琴教育方面应有一定的经验。现在学生学校功课压力过大，如何在短时间内提高孩子对钢琴弹奏的兴趣，并开发智力，提高学习动力，在钢琴弹奏上有所成绩，值得研究。 很多家长认为，对于钢琴学习，只要能让孩子感兴趣就行，不必弹得太好，这样的想法是错误的。我通过十余年的教学经验发现，孩子对钢琴学习十分感兴趣的时间为3到6个月，过后，只是在进行机械的活动，认为是外界强加于他的功课。要让孩子对钢琴弹奏兴趣不断，或是在感兴趣阶段学得很好，需要家长不断坚持和教育者不断努力。学习任何一样东西，不坚持不努力永远学不好，钢琴的间断学习更会导致孩子对其他功课不屑一顾，形成恶性循环。因此，对于每个学琴学生的家长，教育者都应有耐心地讲通其中的道理再开始进行教学，以免学生半途而废。 一、营造快乐的钢琴学习气氛 柏拉图说过，初期的教育应该是一种娱乐，这样才更容易发现一个人天生的爱好。快乐的气氛是每个人心情舒畅的必备条件，孩子更需要快乐的气氛，轻松的学习环境能让沉闷的首次钢琴课变得轻松有趣。这是教育者需要关注的重要问题。在条件允许的情况下，邀请家长共同听课，尤其是对于较小的孩子来讲，共同听课会给孩子带来安全感和新鲜感，增加孩子学习的动力。另外，孩子的天性决定孩子学得快忘得也快，如果能让家长陪同，练习就会达到事半功倍的效果。上课的形式应多样化，教育者应根据不同学生的年龄阶段，运用不同的教育方法。钢琴教育不是一个死板的教学过程，它必须根据学生的实际年龄来设置相应的上课内容，这需要教育者经验十分丰富，能应对各种不同孩子的上课反应情况，并能在一节课有限的时间里达到最好的效果，即使一节课只教弹了一个音，但是学生学习得很快乐，这也就达到了目的。 二、钢琴课的内容应该丰富多彩 现今的钢琴教材多以《约翰汤普森》为最基础的教材，开始教学时用的都是这本书，我通过十余年的教学实践发现，如何让学生更快地对钢琴弹奏入门，应该加入大量的其他乐理知识内容进行辅助练习，比如节奏、认音、弹奏的方法等都应在弹奏《约翰汤普森》之前进行完成教学，这样学生就能更快地入门，在短时间内把这本书弹完，增强孩子学琴的信心，同时也增强家长对孩子学习这门乐器的信心。在节奏方面，应注意全音符、二分音符、四分音符的区别，可以用讲故事的方式引导学生进行记忆。在认音方面，不宜要求太多，应根据各个学生接受能力的不同情况进行认音，一般可以用一定的教学方法认识一个八度之内的音。但是由于高低音谱上的音有所区别，认为应该先认识一个谱号上的各音再认识另一个谱号上的音，这样学生有了前面一个谱号的认识，会较快地认识后面一个谱号，达到快速入门的目的。关于弹奏方法，我认为，初学钢琴的学生应该十分注意手形和以上讲的两点。手形在钢琴弹奏中十分重要，良好的手形是弹好曲子的关键所在，它影响着钢琴弹奏时的音色、速度和节奏。我在教学中发现，学生具备了良好的手形就具备了良好的触键方式，严格要求手形的放置方法，使得学生对于认音和节奏有高要求，钢琴开始时的教学就步入了正轨。在以后的学习中，学生就能轻松地弹奏曲目，而不会产生在曲目弹奏过程中不断纠正手形问题，影响钢琴学习的进度。 三、让学生觉得弹钢琴非常简单 初学钢琴的学生往往对钢琴学习十分感兴趣，教育者应该抓住这一心理，大量灌输钢琴弹奏信息，使学生在短时间内学习到很多内容，增强学生的学习热情。大量弹奏重复性小的曲目对于初学的学生来讲非常重要，重复性小曲目指的是重复性单音，重复性节奏，重复性弹奏方法，这些音和节奏在各个曲目中做了相应的调整，听上去是不同的曲目，实质是相同的形式，学生往往会认为，自己能不通过教师的教学独立弹会大量曲目，这一教学方法能让学生很轻松地一下子弹奏到位，使得学生认为学习钢琴非常容易。在弹奏的过程中，教育者应不断鼓励和引导孩子正确地弹奏，不但要教会学生弹琴的基本方法和最简单的乐理知识，而且让学生自己弹出新的作品，增强成就感和学习动力，让他们认为，原来学习钢琴是一件很容易的事情。 四、因材施教 大部分家长为了开发孩子的智力努力让孩子学生钢琴，这就导致琴童的学习层次各不相同。钢琴教育者应根据不同年龄段的学生设置不同的教育方法进行教学，这需要教育者的经验十分丰富。教学应该循序渐进，对于反应快的学生要大量进行重复性曲目的弹奏，锻炼钢琴弹奏的技巧，在短时间内掌握基本手形、认音和节奏，每节课鼓励学生在课上自主弹奏新曲目，这样的教学方法有助于发掘学生的潜力，并由此决定后期的学习进度。注重感情色彩的弹奏，肢体语言的表现力，以及速度的练习。对于反应较慢的学生来讲，基础一定要打扎实，方法和前面的学生一样，但是重复性的曲目要少弹，注重弹奏方式的培养教育，在感情色彩和肢体表现力上要在学习到一定程度之后再开始加以引导，不要过早要求，以免学生反感，认为要求太多，导致无法做到，影响曲目正常弹奏，在鼓励的同时多加以表扬，增强学生的学习信心。 五、与家长不断交流课后练习弹奏钢琴的方法 对于初学的学生来讲，因为有了对钢琴弹奏的兴趣，所以学习的时候会非常认真，大部分学生在课上就能做到以上讲的几点，但是枯燥的课后练习会慢慢磨去学生学习钢琴的热情。家长也是孩子的老师，课后的练习需要家长的坚持和努力。孩子的自觉性来源于良好的学习习惯。要让家长认识到学习钢琴的重要性，鼓励家长在课后为孩子创造良好的练习环境和练习习惯，并且在鼓励学生坚持的同时要鼓励家长的信心。正如第斯多惠所说，教育的本质不在于传授本领，而在于激励、唤醒、鼓舞孩子。成功的背后必然有坚持和汗水，孩子的坚持在于家长的坚持，教育的方法得当。 这样的教学方法必然使学生在短时间内进行大量的重复性练习，虽然曲目没有重复，但是通过大量的练习必然会使学生掌握一定的弹奏技巧，并打下扎实的基本弹奏方式基础，增强学习钢琴的信心。开始接触《约翰汤普森》的时候，学生会觉得如此简单易学，这样的过程应在最多一个月内完成，在保证学生学习钢琴的新鲜感时接触其他作品，增强学生的成就感。在以后的学习中，学生学习的动力将会不断增强，家长此时再也不会觉得只要让孩子有点兴趣就好，也会在一旁不断地鼓励孩子学得更好。另外定期组织观摩、演出、比赛也是增强学生学习动力的方法。让我们共同努力，把钢琴教育事业发扬光大。 钢琴教学指导论文:幼师钢琴教学中学生回课指导的有效策略探索 摘要：课堂教学的有效性是指通过课堂教学使学生获得发展，学生有无进步或发展是课堂教学有没有效益的唯一指标。在钢琴教学中，笔者发现部分学生的学习态度懒散，学习方法欠科学，弹奏心理不稳定等等。针对这一现状，笔者认为在幼师钢琴教学中应采取有效的回课指导策略，要懂得运用合适的方式组织回课，还要营造民主、和谐的教学环境，给予学生有针对性的指导，最后要善于正面、积极的评价学生。这样才能保证学生的回课质量，提高学生的弹奏兴趣，从而提高钢琴教学质量。 关键词：幼师钢琴教学 回课指导 有效策略探索 幼师钢琴教学是集体课教学，通常每周课时为连堂2节，包括新授课和回课2部分。由于钢琴演奏的特殊性，回课时还是需要一对一的方式。那么，在有限的教学时间内，如何才能保证回课效果呢？有效教学理论指出，课堂教学的有效性是指通过课堂教学使学生获得发展。发展就其内涵而言，指的是知识、技能，过程、方法与情感、态度、价值观三者的协调发展；发展就其时间而言，有当前发展和终身发展，任何一个有效教学必定要促进学生的当下发展，同时对学生长远发展也有影响。也就是说，学生有无进步或发展是课堂教学有没有效益的唯一指标。据此，笔者认为，作为钢琴教师可采取以下有效的回课策略： 一、运用良好的组织方式 良好的组织方式是获得回课质量的保证。在教学实践中，笔者常用的几种组织方式如下： （一）教师亲自逐个检查学生的回课。时间充裕的情况下建议多用此方式，其优点是显而易见的，虽然教师的工作量会很繁重，但能真实、全面的把握学生的练琴状况，及时纠正学生的不良弹奏习惯，并获得教学的反馈信息。尤其适用于一年级的学生、难度较大的回课、考试之前的复习课等。比如入门阶段中，学习弹奏姿势、手型、各种弹奏法、五指练习等等，这些都是钢琴弹奏的基础知识，通过教师严格把关，逐个检查，学生不仅基础扎实，更重要的是养成了自觉练琴的好习惯。 （二）教师逐个检查学生的作业片段。适用于时间不够，但仍需教师亲自检查的回课。这样既能把握学生的回课状况，又能潜移默化的帮助学生形成独立攻破难点的练琴习惯。比如一年级中《莫斯科郊外的晚上》双手弹奏第8至11小节，二年级中《浏阳河》双手弹奏第9至12小节。 （三）教师抽查部分学生的回课。该方式适用于二年级和三年级回课时间较少的情况下。笔者会根据各班的情况设立帮教小组，一般一个组长帮教2-3名学生。每一课作业先由组长在课余时间给组员作检查，由组长记录好检查状况，内容如下：弹奏是否完整？节奏是否准确？弹奏中是否已理解重点难点？音乐表现如何？教师再根据回课的实际时间采取组织方式，如时间不够的，就从组长的的记录本抽查一部分学生。这是一个很好的以点带面的方法，不仅能充分发挥优秀学生的榜样作用，而且能较好的弥补教师在课内无法完成的工作量。教师可对组长作定期考核，比如回课成绩、帮教组员的积极性、方法和效果等等，如总体评价不行，则另觅人选。 （四）采取“一人回课，全体旁听”的方式。适用于教师发现该学生的弹奏有着大部分学生都存在的共性问题，具有典型教学意义的情况下。此方式可让学生观摩教师如何发现、分析、解决问题的方法和过程，有利于培养学生仔细观察和独立思考的能力。 （五）采取分组回课的形式。就是要求组长和组员一起结伴回课。这样可让组长在听教师评价组员的回课时，能明确课余应如何有针对性地去帮教组员，帮教效果可事半功倍。 （六）在回课的空余时间，笔者会开辟出表演小舞台。请获最佳组长、最佳组员、进步奖学生表演。一学期可安排2次，学期初可定这2个时间，表演之前师生根据回课质量一起评定上述名单，然后让他们表演自己喜欢的乐曲，教师可在堂上为他们录制视频作留念。这样可让全体学生重视每次的回课。 二、创设民主、和谐的教学环境 心理学家罗杰斯曾指出：一个人的创造力只有在其感觉到心理安全和心理自由的条件下才能获得最大限度的表现和发展。教育学研究也表明，人在轻松、自由的心理状态下才可能有丰富的想象，才会迸发出创造性思维的火花。由此看来，课堂教学要实现有效教学，营造一个民主、宽松的教学环境必不可少。因此，在回课教学中，教师应创设和谐的教学环境，努力消除学生紧张、拘束的弹奏心理。 （一）教师要有良好的心理素质，崇高的责任感，热爱艺术，善待学生 由于幼师生在入学前受过正规音乐教育的学生很少，音乐素质参差不齐，学习能力有很大的差异，所以回课状态中虽然会有个别很好的，但有相当一部分是有各种各样的问题。作为教师，对此应有充分的心理准备，允许学生的弹奏不完美，并且树立教书育人的信念和责任感。 （二）教师要重视与学生的平等交流 回课是教师与学生一对一的交流，教师应积极鼓励学生参与学习，鼓励质疑问难，发表不同意见。如果教师严肃、沉默的话，学生很容易产生畏惧的心理。因此，每当一位学生走到钢琴旁时，教师都应该亲切、自然的与之打招呼：“您好！请坐下！”如果学生还是很羞涩，教师更应拍拍其肩膀，用鼓励的语气对她说：“放松！拿出你平时练琴的最佳状态！我相信你会比平时更出色！”当学生弹奏断断续续，教师还是应该专注的听完，并认真询问、倾听学生的想法。当学生弹奏进步较大时，教师应该为其鼓掌、喝彩，并一起为其总结原因。笔者认为，就算教学时间多么的紧迫，这种交流都是需要的、必不可少的。 三、给予有针对性的回课指导 针对学生的回课情况，教师应给予有针对性的解决方法，学生会在教师仔细、耐心的教导中平添学习钢琴的勇气、信心和热情。 在学生的回课中，通常有以下四种情况：1.弹奏准确、流畅、音乐表现力好；2.弹奏较准确、较流畅、音乐表现力较好；3.弹奏不熟练，没有音乐表现，但音符基本能找出来；4.没练琴，或者什么都没弹对。 针对以上情况，教师应仔细了解学生的学习态度和学习方法而给予不同的指导。 比如针对第一种，如果该生是经过用心练习而达到弹奏优秀的，就应鼓励他保持用功学习的状态，并且及时帮助其总结学习方法；如果该生学习态度不够认真，仅仅是因个人素质好而幸运弹奏完美的，回课时就要提醒：艺术没有止境，必须要以踏实的态度去对待，平时练琴需要不断的努力，光靠小聪明学习，迟早都会落后于别人。 针对第二种情况，如果学生是用心准备了，但属于胆子小，心理素质差，而导致乐曲准确性、完整性和音乐表现都不够好。针对这类学生，教师应多鼓励，建议他们在课余时间能多与同学互相交流，多模拟回课的环境练习，并且在课堂时间允许的情况下破例让他尝试再弹一次，引导他克服心理问题，让他体会、感受完美的课堂回课也并不是那么的困难；如果学生音乐素质较好，也不存在胆小问题，而是在课余练琴不够勤奋，而导致回课不够完整，不够准确。针对这类学生，教师就应该直接向他指出来，语气要稍严厉：钢琴是时间的艺术，如果作品欠缺完整、准确，弹奏是完全没有意义的，所以平时练琴要注意方法，学会针对不够熟练的地方反复练习，直到能完整弹奏为准。 针对第三种情况，如果学生回课质量不好，但听得出是经过努力练习的，这时教师就不要轻易指责，最好能在弹奏中发现优点，予以肯定，之后再指出缺点，并帮助学生找到提高质量的具体办法：比如节奏感稍差的，则要建议学生多分手练习，并且在课堂上帮助他克服某节奏难点；如果完整性不好，那么可以允许该生在下周获得重新回课的机会等等。如果音乐素质一般，又不用功，则要明确提醒该学生：钢琴是练会的，只靠教是教不会的，不用功的话将什么也弹不出来。 针对第四种情况，教师需要分析该学生为什么弹不对、为什么不想弹。如果不是态度问题，就不该批评，而是帮他想办法。比如属于先天协调性差，以致厌学的话，教师可借鉴体态律动教学法，建议他多听钢琴音乐，多随音乐作律动，而且在回课上降低对他的要求，让他对钢琴重燃兴趣；如果属于不会读谱，不会在键盘上找位置的话，则先让组长在一段时间内教会他唱谱，让他在唱的过程欣赏钢琴音乐的美妙，从而克服读谱的障碍等等。 虽然学生的音乐才能有参差，但教师在每次回课中都能仔细分析个体原因：是教师的教学方法不够明晰还是教学进度太快？是学生先天条件不好还是练琴态度不好？而不盲目批评学生，笔者相信学生肯定会对老师充满敬意、感激，师生关系会更融洽，学生的学习质量会更好。 四、善用正面、积极的评价手段 评价其实贯穿回课的始终。对学生的回课采取正确的评价，其实就是对钢琴教学现状进行科学的诊断，不但可以帮助教师和学生正确的认识自己、了解自己、激励自己，而且能随时对教学过程起着监督和控制作用。 （一） 形成性评价 1.听觉评价和视觉评价。教师和学生需要通过听觉对钢琴演奏时音符、音量和音色的属性进行评价。教师的重要任务之一是要帮助学生训练出客观敏锐的耳朵，提高学生听觉感知的能力。除此以外，还要充分发挥视觉的观察能力，如手型、触键部位的配合用力等等，通过视觉评价来调整动作。 2.自我评价和他人评价。学生对自己学习目标总会有所追求和估计，但自己的一些评价标准常常存在着与客观实际不相吻合的情况，可让学生与教师作坦诚交流，而教师应仔细分析学生的弹奏情况，给予客观、全面的评价。 （二）总结性评价 当所有学生的回课结束后，教师应该作课后的整体评价。这一环节非常重要，不仅能帮助学生再次明确自己在本周学习当中，哪些地方需要坚持的，哪些地方需要改进的，比如学习方法，学习态度等等，而且能让全体学生形成良好的竞争氛围，在互相取长补短的学习当中不断的取得进步。 1.表扬和鼓励 （1）帮教工作做得好，同时自身表现也很好的学生； （2）练琴态度认真、踏实的学生； （3）练琴方法较好的学生； （4）弹奏质量有较大进步的学生。 目的是让学生明白，弹奏钢琴是一个积累的过程，所谓一分耕耘一分收获，用心练琴就会有进步。 2.提醒 （1）对于一些连续处于中下游状态的学生，要予以提醒，所谓不进则退，希望能找找原因，争取下次回课有突破。 （2）对于学习态度不理想的学生在回课时已单独批评，面对全班时可保护其自尊心，换之让其好好反省。 3.指出本次回课共同存在的问题以及具体纠正的方法。 总之，实施有效教学是当前深化课程改革的关键和根本要求，也是每一位教师的追求。在幼师钢琴集体课教学中，教师应注重采取有效的回课策略，帮助学生获得进步和发展，从而提高钢琴集体课教学的质量。 钢琴教学指导论文:钢琴艺术指导在声乐教学中的问题研究 摘 要：钢琴艺术指导，又称为钢琴伴奏，是我国从西方国家“舶来”的一种艺术表现载体。作为一种以现代化音乐艺术为基础和支撑的表现载体形态，钢琴艺术指导早已在我国的音乐体系中占据了无法替代的地位，成为音乐作品中不可分割的组成要素。声乐教学的优秀是表现音乐艺术，而钢琴艺术指导又是音乐艺术的表现载体，可见两者之间紧密的联系。新时期下，如何融合两者，以全面提升声乐教学质量，成为相关教育者面临的重点课题。基于此，文章就钢琴艺术指导在声乐教学中的相关问题展开研究，以供相关读者参考。 关键词：钢琴艺术指导；声乐教学；相关问题；研究 钢琴是一种知名乐器，它是西方国家的一种“舶来品”，现已演变成为我国重要的、独特的现代乐器之一。作为一种音乐乐器，钢琴所具备的音色优美、表达力强等优势是其他乐器无法比拟的，这同时也彰显了其在我国高等院校声乐教学中的重要地位。而对于声乐教学来说，钢琴艺术指导的应用不仅有利于学生声乐演奏、演唱技能的形成，更能通过二者的相互融合，呈现声乐内在的音乐内涵，从而达到调动学生创作热情、展现声乐作品艺术底蕴和精髓的目的。鉴于此，相关教学人员应以“以学生为本”为中心，深入贯彻落实声乐教学工作，加强钢琴艺术指导教学，从而提高学生的声乐学习水平，为学生的可持续发展奠定良好的基础。 1 加强声乐教学中钢琴艺术指导的重要性 就我国高等院校来说，声乐教学设置的钢琴伴奏课主要是为了借助钢琴伴奏自身特有的表现力，来彰显声乐作品的内在魅力，以达到提升课堂教学效果的目的。然而，结合我国高等院校声乐教学实际，整个教育系统内部对该课程的重要性缺乏时代认识，没有设立一套科学合理、符合自身学校实际的课程体系，声乐教育与课程相脱节的现象日益凸显，在教学时，钢琴伴奏教学与声乐教学难以综合兼备，出现了偏颇现象。针对当前的教育情况，只有从声乐教育模式入手，实现钢琴艺术指导与声乐主科教学的并驾齐驱，才能发挥出声乐钢琴伴奏教学的最佳效果，使学生喜爱声乐课程，接受声乐教育，促进声乐教育继续传承下去。学生是声乐教学活动中的最大受益者，钢琴艺术指导教学不仅能够为学生营造良好的演唱效果，还可以让学生在钢琴伴奏课中提高音准、节奏及音乐表现力等，帮助学生更深层次地理解声乐作品。 2 钢琴艺术指导与声乐教学的内在联系 钢琴艺术指导是一项以音乐艺术指导为优秀，以钢琴伴奏为主手段的教育活动。这项活动与声乐学科教学的融合，能够把声乐作品的韵味呈现出来，从而为观众带来听觉的震撼。对于声乐教学来说，钢琴艺术指导的作用并不是单一发展的，而是多层面、多维度的，它与声乐教学之间是一种相互相长、共同促进的关系，能够把声乐学科教学提升到一个新的台阶。学生音乐素养的形成过程中，并不是依靠单一训练活动完成的，它是经多个事物间的相互作用、相互渗透、综合教育所形成的结果。钢琴艺术指导是声乐教学必不可缺的步骤，而声乐教学的最终目的就是发展学生的音乐素养。要想促进学生获得综合发展，就必须重视声乐教学工作，发挥其特有的作用，尤其是钢琴艺术指导的教学工作。通过钢琴艺术指导与声乐教学的融合，实现艺术价值与情感价值的统一，发展学生良好的审美价值观，从而使他们积极参与各项活动，帮助他们更广泛地接触周围环境，认识事物。而学生自身的发现美、欣赏美、表现美和创造美能力在此过程中也会得到相应的发展，提高学生整体素质也是水到渠成的事了。 3 如何实现钢琴伴奏与声乐教学的融合 3.1 重视人员素质建设，提高师资队伍专业素养 音乐教育的实质是一种审美活动，其主要是以聆听音乐、表现音乐和创作为主。“审美”作为一种拥有深刻内涵和宽泛外延的意识形态范畴，赋予了音乐教育活动广阔的思维空间。正是由于这种思维空间，教师自身需要具备一定的技能手段，以呈现钢琴伴奏完美的艺术效果。然而，当前的一些高等院校声乐教师在授课的过程中过于着重理论知识的讲授，生硬地灌输所谓的声乐知识，没有及时地将声乐授课和钢琴伴奏融合，严重扭曲了高校学生学习声乐的思维，使得学生缺乏正确的审美观念和情趣，学生学习声乐的兴趣在此过程中也严重被扼杀，难以真正实现因材施教。针对这种情况，高校应加大师资队伍的培训力度，建设一支高水平、高素质的声乐师资队伍，才能为声乐教育事业注入养分。 3.2 利用课程载体，体现艺术指导的渗透教育作用 声乐理论课是实施教学的主渠道、主阵地。因此，教师要根据声乐理论课程的特点，深入挖掘当中的艺术价值，把握好知识与艺术指导渗透教育的结合点，对学生进行潜在的艺术教育。在此过程中，教师可以结合声乐文化进行渗透教育。声乐文化是声乐独特的精神标识和精神财富，是声乐得以在文化相互激荡的21世纪浪潮中站稳阵脚的根底，其所透射出来的是传统文化精神所特有的凝聚力、感染力和震撼力，是声乐的灵魂。传统声乐文化的传承与发扬，无法脱离教育，教师应以声乐课为渠道，传承和发扬传统声乐文化。由于受到文化素养、个人情感以及经历的局限，学生即使对声乐作品的作者情感有一定程度的了解，也难以深入地把这种情感表述出来。只有从文化视野对作者的情感进行挖掘，才能更好地帮助学生掌握作者的创作意图，学生才能更加深入理解作品的内在世界，从而进一步提高自身的音乐素养。 3.3 结合教学活动，实现融合教学的再提升 教学活动本质是一种对话式的活动过程，声乐教学更能够体现这种对话式的精髓。倘若教师能够在教学活动中加强声乐钢琴伴奏的艺术指导，实现两者的融合，让课堂成为音乐熏染的主阵地，让学生的情绪能够和声乐形成默契，那么学生的学习能力在此过程也能得到进一步增强，学生将会对声乐产生别样的情感。为此，教师在进行艺术指导教学时，应注意以下几点：第一，钢琴伴奏不是独奏，教师在开展教学活动时不能够放肆地让自己沉浸音乐之中，而忘记钢琴的伴奏职责，不然艺术指导教学就会喧宾夺主，取代了声乐教学的主体地位，学生的情绪也会被影响。第二，教师在进行钢琴艺术指导时不能流于形式，而要发挥出学科教学的主导作用，利用艺术指导教学的作用为声乐塑造新的形象，让学生在教师的指导下，在伴奏乐的烘托渲染中，产生美感和感悟力，从而对音乐艺术产生向往，并从中获得艺术情操的熏陶和升华。 3.4 采取适宜的方法，促使两者形成默契的配合 教师在实施教学活动时，需要选择与音乐情绪相吻合的伴奏织体，才能够把作品的内在情感和魅力淋漓尽致地展现出来。譬如说，欢快情绪的歌曲给观众带来的视觉感觉是热情的、活泼的，所展现出来的节奏旋律明快、流畅、圆滑，教师在给这类歌曲选择伴奏织体时，应以半分解和弦为主，指导时需明确低音部分要游刃有余，触键时要轻盈灵巧；而抒情性的歌曲能够给听众带来丰富的感情享受，曲目自身的情绪变化也较为丰富细腻，教师在选择伴奏织体时，应以分解和弦和琶音为主，艺术指导弹奏时下键融合、圆润，触键速度尽可能地慢、深，以发挥出描绘背景、烘托气氛的作用。 3.5 开展实践活动，在体验教育中提升能力 声乐学科的重要属性之一就是实践性，高校应本着“人人参与、快乐发展”的活动宗旨，围绕“让活动走进每一个学生，激发每一个学生兴趣，开发每一个学生潜能，张扬每一个学生个性，放飞每一个学生梦想”的任务，发挥实践活动的教育基地作用，不断丰富声乐钢琴伴奏教育活动，开展形式多样、丰富多彩的活动，为学生搭建展示个人才艺与能力的平台，让学生在活动中体验，在活动中赢取阵阵掌声，从而达到提升能力的目的。此外，高校还可以结合教育发展需要，积极为学生创造各种条件，加强学生的声乐钢琴演奏教学。比如，第一，引导学生多观看央视“青歌赛”、央视“星光大道”歌手赛等视频，让学生在观赏中学习；第二，定期举行以班级为单位的小型“独唱音乐会”或“合唱音乐会”，为学生搭建一个相互交流学习的平台，让学生在交流中共同提升能力；第三，开展由学生自己编演的“音乐剧”节目展演活动，培养学生的创新能力。 4 结语 实现钢琴艺术指导与声乐教学的融合，提升声乐教育质量，不仅是高校艺术教育改革的发展需要，更是素质教育改革的必然趋势。为此，相关教学工作者应在实施声乐教学活动的实践过程中，强化钢琴艺术指导教学，以充分发挥出它在声乐教学中的作用，从而提高教学水平，培养出更多更好的新型音乐人才。 作者简介：尚艳（1978―），女，山西长治人，研究生，毕业于首都师范大学，副教授，钢琴及音乐教育学老师，研究方向：钢琴教育。 钢琴教学指导论文:探讨声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性 摘 要：声乐钢琴伴奏在声乐教学中占据重要地位，其具备强弱对比的表现方式，将作品中的情感与意境准确地传达给学生，对学生的歌唱热情具有一定的激发作用，深受广大师生的喜爱。本文简要概述了声乐钢琴伴奏与声乐教学之间的关系，并探讨了声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性。 关键词：钢琴伴奏；声乐教学；艺术指导 0 前言 在声乐教学中，声乐钢琴伴奏以其特有的魅力发挥着重要的作用。其有利于将声乐学习者带入到相应的艺术情景中，增强学习者对曲目及其艺术性的理解，进而提高了声乐教学效果。因此，明确声乐钢琴伴奏与声乐教学的关系，并在此基础上探讨声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性具有重要的意义。 1 声乐钢琴伴奏与声乐教学的关系 1.1 声乐钢琴伴奏的概述 钢琴音乐宽阔，音色流畅，共鸣宽广，是最为常见的独立伴奏乐器，其伴奏效果并不亚于整支乐队营造出来的艺术效果。声乐钢琴伴奏多用于声乐课堂教学或者声乐演唱会之中，在伴奏过程中包括两个元素，即乐谱和演奏者，其中前者的存在一种是实体乐谱，即作曲家编排的曲目，另一种是思维方式乐谱，其主要为演奏者的即兴演奏；后者则是伴奏的演奏者，其要具备一定的专业素养和艺术素养，并伴随相应的经验积累。 1.2 声乐教学的概述 声乐教学是包括诸如声乐乐理基础、声乐语言训练及声乐情感理论等内容在内的教学学科，在教学模式上多采取一对一教学。由于其教学模式的针对性，教学的重点则集中在教师的指导和声乐钢琴伴奏上，其中声乐钢琴伴奏贯穿整个声乐学习与表演的全过程。教学过程中充分发挥声乐钢琴伴奏的艺术指导性，能使得教学活动产生事半功倍的效果。 1.3 声乐钢琴伴奏与声乐教学的关系 第一，衬托作用。在声乐教学中，声乐钢琴伴奏能够有效地衬托声乐曲目的背景、推动音乐情节发展，并且能够有效地弥补演唱者表达不自然的地方，达到伴奏与演唱高度和谐的效果。例如在《月光颂》中，钢琴伴奏中利用短琶音，其具有独特的和声色彩，能够体现出美丽迷离的意境，从而将夜晚、月光、水面、波光完美的融合，将演唱者带入到唯美的意境之中，将其思念之情的倾诉推向了高潮。 第二，音乐独立表现功能。在很多音乐作品中，声乐钢琴伴奏具有音乐独立表现功能，例如在《鳟鱼》这部作品中，其伴奏音型的选择独具风格，其将右手“六连音”与左手“跳音”相结合，形成快速跑跳的伴奏表现方式，与作品要表达的鱼儿本身可爱的形象十分符合，并将其在水中怡然自得的状态表现的淋漓尽致。 2 声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性 2.1 教学中声乐气息方面的艺术指导性 在声乐气息部分教学中，声乐钢琴伴奏的融入有利于协调演唱者的气息与音乐节奏的和谐，钢琴伴奏在其中主要依据音乐同步要求，帮助演唱者实现了气息的自然与平和，进而以一个更好地状态进入到其他联系之中。与此同时，配合歌词句法的起伏，利用声乐钢琴伴奏来调整演唱者呼吸走向及嗓音和气息的配合程度，进而掌握声乐气息运用技巧。例如在练习《春潮》时，其为拉赫尼玛诺夫的作品，主要表现春天到来时万物的变化的美好场景，在气息部分教学中，可配合声乐钢琴伴奏，伴奏采用同步处理方式，帮助演唱者随着曲目的进展和作品中场景的变化来调整自身的气息。当伴奏节奏舒缓，场景过渡到冰雪融化的场景时，演唱者要随着节奏的舒缓变化调整的自己的气息，气息的平缓与音乐节奏高度同步，仿佛看到了万物复苏的场景。 2.2 教学中声乐共鸣方面的艺术指导性 声乐钢琴伴奏艺术特征鲜明，将其应用于声乐共鸣方面的教学中，能够充分发挥其对共鸣的艺术指导性作用。同时，在伴奏过程中也可对音色加以调整，从而形成共振的效果。在这一过程中，演奏者利用钢琴基础音色较好的特性，为演唱者提供较为明显的共鸣体验，同时通过听觉反应进一步深入，影响演唱者的心理反应，进而调动自身的声乐技巧，配合整个节奏的变化。例如，在《我的祖国》的教学中，利用钢琴伴奏，钢琴伴奏的优势除了它的音色和基音外，还有就是其自带一个共鸣箱，演奏者水平高超则会弹出优美的“泛音”，从而实现完美的共鸣效果。在《我的祖国》教学中，钢琴伴奏的共鸣效果能够很好地激发演唱者身体的共鸣效果，激发其生理变化，从而发出浑厚的声音，将歌唱祖国的豪迈心情表达得淋漓尽致。 2.3 教学中声乐技巧训练方面的艺术指导性 在声乐技巧训练方面，往往对学习者进行连音训练，连音训练的目的是保证元音的整体连贯性，避免辅音跳入造成的中断，并且在延长过程中辅音的发音必须圆润、清晰、有力。在声乐钢琴伴奏中，多采取整齐音律的弹奏，这样就能够很好地保持演唱的连贯性。同时，在其他训练技巧中，声乐钢琴伴奏也能很好地把握演唱整体的连贯性，并合理调动演唱者感情，保证演唱的流畅性。例如在练习连音中，可选用曲目《我亲爱的》，其广泛应用于声乐连音训练之中。其中声乐钢琴伴奏通过连贯的音色使得旋律富有较强的演奏性，当钢琴伴奏演绎了甜美、安静的前奏之后，演唱者带着平静的感觉进入连音的训练之中，再配合节奏鲜明的钢琴伴奏，很容易将单独的连音连接着优美的连音句子。 2.4 教学中声乐语言方面的艺术指导性 声乐在语言方面的教学要充分考虑语言的民族性与地域性差异，不同民族不同地域的音乐会带有与其相应的语言特色，而声乐钢琴伴奏通过其极富张力的表现，将演唱者带入到特定情境之中，使得演唱者能够更加清晰地感受曲目中所传达的情感，从而将其融入演唱之中，使得演唱更加富有震撼力。例如，意大利语由于其历史发展及民风影响，往往具有一定的高贵与典雅的感觉，而在意大利曲目的教学中，声乐钢琴伴奏通常也会进行较为规范的演奏，其在演奏过程中之中旋律的分解与配合，通过这样的方式积极引导演唱者，以期帮助他们提升自身音色质量，表现出最近演唱状态。同时，法语由于其地域及民族特色，赋予其浓郁的浪漫气息，在法语曲目教学中，声乐钢琴伴奏则表现得较为浪漫，伴奏配合着法语句式，以明快欢乐的节奏将法语句式特点发挥的充分而富有表现力，从而激发演唱者的表现力，推动其演唱高潮的出现。而对于汉语曲目伴奏，则要多用五声音阶来体现汉语的字正腔圆，充分体现我国的幅员辽阔与民族特色，激发演唱者或细腻或豪放的情感表达。 3 结语 声乐钢琴伴奏对声乐教学具有一定的衬托作用，在各项训练中发挥着重要的作用。同时，声乐钢琴伴奏具有相对独立的音乐功能，为声乐学习者提供了有效的艺术形式，其在气息、共鸣、技巧及语言四个方面对声乐教学产生一定的艺术性指导作用，完美表达作品意境，帮助学习者更加准确地把握音乐内海，具有无可比拟的价值。 钢琴教学指导论文:现代教育理念指导下的钢琴教学方式解读 摘要：随着教育教学改革的不断深化，传统的钢琴教学模式已经难以适应音乐人才的培养需要。为此，学校要积极推动钢琴教学改革，以现代教育理念为指导，不断改进钢琴教学方式方法，丰富钢琴教学手段，既重视学生钢琴知识技能水平的提升，又关注学生音乐综合素养的培养，从而促进学生全面发展。本文在阐述现代教育理念相关理论的基础上，提出在现代教育理念指导下的有效钢琴教学方式，期望对提高钢琴教学质量，实现钢琴教学目标有所帮助。 关键词：现代教育理念 钢琴教学 教学方式 一、现代教育理念的理论概述 1.认知取向教育理论 认知取向教育理论是基于认知心理学发展起来的，该理论包括皮亚杰的认知发展理论、布鲁纳的认知发现说以及奥苏贝尔的认知同化说。认知取向教育理论强调基于学生的认知发展进行教学设计，其教学目的在于提高学生的认知能力和水平。著名教育家奥苏贝尔在认知心理学的基础上，提出安排教学内容的两大教学原则：一是逐渐分化原则，将教学内容由一般概念的讲授逐步过渡到细节、分化内容的讲授；二是综合贯通原则，充分考虑学生的现有观念和知识水平对教学内容进行组织设计。将认知取向教育理论引入到钢琴教学中，能够指导教师合理安排教学的逻辑顺序，阐明学习内容，唤起学生的学习欲望，促进学生对钢琴知识与技能的认知发展。 2.建构主义学习理论 建构主义学习理论是现代教育理论的典型代表之一，该理论强调学生对知识的主动探索、发现与建构，既重视学生认知主体作用的发挥，又关注教师主导作用的价值体现。在建构主义学习理论指导下的教学模式要以学生为中心，将教师定位于教学活动的组织者、指导者、促进者，通过利用情境、讨论、合作等教学方式，引导学生对当前所学知识进行意义建构。在钢琴教学中引入建构主义学习理论，能够赋予学生自我认知和体验实践的自主权，有助于培养学生自主学习能力、创新实践能力以及音乐综合素养。 3.“主体―主导”教育理论 在认知取向教育理论和建构主义学习理论的基础上，教育工作者提出“主体―主导”教育理论，该理论同时强调学生的认知主体作用和教师的主导作用，将“教”与“学”统一在一起，重视教师与学生双方面主动性的调动。“主体―主导”教育理论不仅吸收了奥苏贝尔教学理论中对教师主导作用的理论性建议，而且还结合了建构主义学习理论中培养学生自主学习能力和创新能力的学习模式，是一种科学、先进的现代教育理论。在钢琴教学中运用“主体―主导”教育理论，能够充分体现出学生认知主体的作用，促使教学活动更加符合学生音乐素养的培养需求，调动起师生双方完成教学任务、实现教学目标的积极性。 二、现代教育理论指导下的钢琴教学方式 1.情境式教学 情境式教学法是一种能够激发学生学习兴趣、提高学习效率的方法，通过这种教学方法的运用，可以使学生在较短的时间内进入到演奏状态和音乐意境当中，它是钢琴教学中非常实用的方法之一。由于钢琴演奏对学生的自我状态有着较高的要求，有的学生从生活场景进入钢琴教学场景时，无法在较短的时间内完成情绪和思路上的转换，这样会导致弹奏出来的声音虚浮、飘散，从而影响其正常水平的发挥。教师作为钢琴教学活动的组织者和引导者，其可以通过适当情境的创设，消除生活情境对学生情绪和思路的影响。例如，教师可在正式开课前，用简洁的语言帮助学生回顾乐曲的风格、背景、结构特征等，借助语言情境将学生从生活情境当中拉回到教学情境；又如，教师可在学生开始弹奏乐曲前，播放一首与之曲风相近似的乐曲，帮助学生找到乐曲的意境，激发出其表达与演奏的欲望。除此之外，教师还可以对一些现代化的教学辅助工具加以利用，如借助多媒体播放视频或是图片，结合教学内容，向学生展示与乐曲有关的内容。通过上述教学情境的创设，可以使学生快速地融入到教学场景当中，有助于确保钢琴教学的顺利开展。 2.分层次式教学 为了解决学生的个体差异问题，在钢琴教学的过程中，教师可以采用分层次式教学法，从而使全体学生都能在教学中有所收获。在分层次教学中，教师应当对教学大纲进行科学合理地设置，具体设计时，教师应当了解并掌握所有学生的钢琴水平及其对钢琴知识的掌握程度，以此为依据，对各个阶段的教学目标与任务进行明确，并在大纲中列出教学重点和难点，按照学生的实际情况，选择最合适的教学曲目，并在教学大纲中融入一些学生感兴趣的内容，借此来调动他们的学习积极性。同时，教师应当结合不同学生的学习需求，选择适宜的教学措施，如偏重实践型的学生对钢琴的演奏技巧比较感兴趣，偏重理论研究的学生，则对与钢琴有关的知识比较感兴趣，这就要求教师应根据不同需求，选择相应的教学措施，如实践教学、理论教学、理论联系实践教学、对比教学等等，在满足不同学生学习需求的基础上，提高钢琴教学的效率和质量。此外，教师可按照教材的内容，采用师生共同探讨的形式，征求学生的意见，对教学方法进行调整和改进，用与学生学习情况最相符的方法进行教学，使整个钢琴教学过程更具针对性和实效性。 3.阶梯式教学 现代教育理念强调学生认知发展，要根据学生的学习实际情况安排教学内容，确保教学内容符合学生的实际需求。为此，在钢琴教学中应采用阶梯式教学方法，根据学生课程成绩和接受状况，制定相应的教学措施。具体实施方法如下：一是通过考试了解学生的学习情况，在试卷的设计上，可以日常教学中的钢琴知识作为主要内容，并在课堂上对全体学生进行摸底考试，然后由教师统一对试卷进行评定，从而获得学生的成绩，并按照成绩从高到低进行排序，找出成绩较低的学生在钢琴知识方面存在的不足，据此对教学内容进行适当地改进和调整，加强对试卷中反映出来的薄弱知识点的教学，提高所有学生的钢琴基础知识水平。二是通过接受程度掌握学生的学习情况，由于不同的学生接受能力有所差别，因此教师可以通过与学生的交流、沟通，或是问卷调查的形式，掌握学生对钢琴知识的接受程度，据此采取相应的教学方法。在与学生进行交流和沟通的过程中，可将学生分为几个小组，并由每个小组的组长负责收集本组组员对钢琴知识的接受情况交给教师，由此教师便可掌握各个小组内学生对钢琴知识的接受程度。若是采用问卷调查的方式，则应对调查问卷进行合理设计，确保调查结果能够真实反映出学生对钢琴知识的接受程度。 4.讨论式教学 为使学生掌握更多的钢琴演奏技巧，并对与钢琴有关的知识有一个更深入的理解，教师可以在教学过程中，引入讨论式教学方法。鉴于钢琴教学的课时比较有限，教师很难做到对全体学生的逐一指导，因此，对于部分难度较小的问题，教师可以设置集中讨论课，让全体学生都能够参与到解决问题的讨论当中，给学生聪明才智的展现提供一个良好的平台。集中讨论的问题即可以由教师提出，也可以由全体学生提出，问题要具有普适性的特点，从问题的提出到讨论解决的过程，能够使所有的学生从中获益，并且还能积累更多的教学案例。在钢琴教学中采用讨论式教学法除了能够帮助学生拓展思路之外，还能使教学效率和质量获得进一步提升。 5.对话式教学 音乐体现着一种文化思想，所以钢琴教学既要重视学生弹奏技能培养，又要重视学生音乐文化底蕴培养，使学生能够理解钢琴作品中的文化内涵，进而更好地演奏钢琴作品，增强钢琴演奏的艺术感染力和音乐表现力。为此，教师要针对钢琴作品中的文化内涵积极开展对话式教学，与学生进行思想交流，拓宽学生的知识视野，使学生对钢琴作品的认知进行重构。在钢琴教学中，教师要引导学生从人类学、社会学、哲学、文化学等多个学科层面入手，自主探究音乐作品的文化内涵，鼓励学生通过查找与作品相关的社会文化背景资料以及相关的美术、文学作品资料，进而解读自己对音乐作品的理解，加强师生之间、生生之间的思想交流与对话。在现代教育理念下开展对话式教学，既能够开阔学生的音乐文化眼界，又能够促使学生将关于文化内涵的审美体验融入的钢琴演奏中，提升学生的艺术文化修养。 6.启发式教学 现代教育理念强调学生对知识的主动建构，为此钢琴教学可运用启发式教学发，让学生在教师的启发与引导下，从传统的接受教师传授、模仿教师演奏，转变为通过学生自主探索将知识进行迁移应用、学会变通，打破“讲授”的枯燥教学模式。如，在钢琴演奏教学中，可采取以下教学策略：让学生通过多种途径了解音乐作品的创作背景、创作思想与风格，由学生对音乐作品的演奏方式进行自主设计，并让学生在课堂上演奏，之后师生共同讨论这种演奏方式，再让学生根据弹奏经验、演奏范本进行再创造。启发式教学法不仅能够调动起学生的主动性，尊重学生在学习中的主体地位，而且还能够引导学生运用一切学习手段开展艺术创造活动，给予学生践行理论知识的表演机会，促使学生扎实掌握弹奏技能。 三、结语 总而言之，在现代教育理念指导下，钢琴教学必须转变传统的教学模式，更新教学观念，始终坚持以学生为主体、教师为主导的教学思路，持续推动钢琴教学的改革与创新。钢琴教师要认真学习现代教育理念，在教学中合理运用情境式、分层次式、阶梯式、讨论式、对话式、启发式教学方法，确保教学内容符合学生的认知规律，激发学生的学习兴趣，培养学生音乐综合素质，从而提高钢琴教学效率，实现钢琴教育目标。 钢琴教学指导论文:声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性探析 【摘 要】声乐钢琴伴奏是声乐教学的一个重要组成部分，在声乐教学中，对钢琴伴奏进行运用，可以将丰富的情感灌输到作品之中，并且可以将强弱对比直接传递给学习人员，从而可以提高演唱者的热情，使其能够感受到作品的情感和动人之处，打动听众。 【关键词】钢琴伴奏 声乐教学 艺术指导性 课题：陕西省科技计划项目《陕西高等音乐人才培养与服务地方文化的协同发展研究》，项目编号：S2015YFRM0039。 在声乐教学中，声乐钢琴伴奏有着重要作用，能够发挥出巨大的能量，提高教学质量。因此，应当对钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性进行探讨，使其作用能够得到更好的发挥。 声乐钢琴伴奏的特点 1.视奏要求较高 声乐钢琴伴奏在视奏上的要求比钢琴独奏更高。钢琴独奏演出前，独奏演员需要利用一定的时间对演奏的曲目进行研究，同时可以依据演唱者自身身体的实际情况完成对训练时间的安排。因为演出时间比较独立，因此在实际演出过程中，需要依据对演出过程中遇到的突发情况进行相应的改变。声乐钢琴伴奏与之相比则有较大差别，在演出过程中更加注重对视奏能力的培养。训练时，钢琴伴奏应当需要提高自身在表演过程中的即兴演奏能力。在演奏中，钢琴伴奏者，需要在短时间内了解声乐的整体状况，从而准确地掌握声乐风格，领会作品想要表达的情感。 2.准确辨别演奏者身份 声乐钢琴演奏者在演奏过程中，需要提高对演奏场面的控制以及在情感上的表达。因此，伴奏者需要对自身角色准确定位，从而更好地配合声乐演出的进行，提高演出水平。 3.注重聆听 声乐钢琴伴奏者需要懂得聆听，要认真聆听演奏者的声音、呼吸、声量大小，以及演唱者在演唱过程中情绪的表达，从而使演出者和钢琴伴奏者在演奏上能够同步。在演奏过程中，如果发现问题，应当及时通过钢琴伴奏对出现的问题进行补救。 声乐钢琴伴奏与声乐教学的融合 音乐学校教学与其他专业的教学存在较大差异，工作相对紧张，并且工作压力大。学生每周将会进行两次的专业学习。在学习上应当通过两方面进行：⑴单纯地进行发声练习。⑵伴奏教师应当与学生进行合奏演练。 人们常将伴奏比喻为“绿叶”，将声乐比喻成“红花”，这种形容很好地描述了伴奏和声乐之间的关系。在课堂中教学生也是如此，声乐教学如果没有伴奏陪衬，孤独的声乐教学将会显得十分“孤单”，应该将两者进行合理融合，使两者完成互补，丰富教学内容。 学生在进行伴奏合唱的学习过程中，不能将所有的精力都放在钢琴弹奏上，在演唱过程中，要注意情绪发生的变化，这需要学生具有敏锐的观察力和判断能力。例如，演唱者在演唱过程中，因为紧张在换气上出现了问题，而钢琴演奏者没有注意到发生的问题，仍然激情高昂地弹琴，这对演唱者的演奏势必会造成影响，甚至在演唱过程中出现发挥失常、高音唱不上去等情况。钢琴伴奏者在伴奏过程中应当与歌唱者做到心有灵犀，确保歌曲的演绎趋于完美，尽量降低演绎过程中存在的瑕疵。 声乐演唱中声乐钢琴伴奏的艺术指导性 1.气息教学中声乐钢琴伴奏的艺术指导性 唱好歌的前提就是做好呼吸，呼吸为歌唱提供支持力和动力，在歌唱过程中，歌唱者需要依据乐句的情感和长短对呼吸进行调整。歌唱呼吸与生理上的必要呼吸不同，歌唱呼吸具有明确的目的，并且需要带有一定的技巧。在歌唱呼吸过程中，要使歌唱出的声音充满艺术感染力、生命力和活力，在声音教学中和传统的呼吸教学中，教师会对学生进行歌唱呼吸生理结构训练和讲解，从而使学生在歌唱中学会如何呼吸。与感情伴奏相结合则存在较大差别，在完成生理训练的同时，需要对心理教学法进行合理应用，从而实现艺术指导性。对歌曲情感的表达通常都通过歌曲基调、歌词含义等元素实现。声乐钢琴伴奏，通过详细分析歌曲的详尽内容，在进行演奏时，对歌手进行一定的引导，使歌手能够准确地掌握歌曲想要表达的思想，演唱者在演绎歌曲时只需找一种合理的呼吸方式即可，并不需在呼吸上投入太多的精力。事实上，钢琴伴奏所带来的感情和激励对噪音冲动是有利的，其能使气息协调发挥出完美的艺术作用。 2.共鸣中声乐钢琴伴奏的艺术指导性 声带在歌唱中产生的声音细小、微弱而且没有色彩。在演唱过程中，自由经过口腔、胸腔等部位的协调作用后与身体产生共鸣，从而发出适当的音量，使声音变得明亮并且形成共鸣声音。由此可见，声乐教学中，共鸣的训练与形成对形成良好音质有着重要作用。在传统的音乐教学中，在发生共鸣教学方式上，通常都是采取生理引导的方式进行。腔体的认识与形成，需要体会到 “贴着咽壁吸着唱”的感觉，只有这样才能确保喉咙始终都是处于打开状态，打开通向咽腔的重要门户――会厌，最终实现声音共鸣，从而发出良好的声音。声乐钢琴伴奏中，则需要通过独特的艺术特点，发挥出艺术指导性。受钢琴自身特点决定，钢琴具有良好的基音外，在伴奏刚开始时，还能够清晰听到钢琴演奏所发出的声音，后续声音将会逐渐减弱，正确的泛音与基音相比应当更加柔和、高、丰满。 钢琴伴奏中，弹奏方法准确无误，基音在良好共鸣物质基础上，容易获得良好泛音，从而使共鸣声音能够较为完美地呈现在听众的耳边。只要弹奏钢琴的方式没有问题，钢琴本身具有的共鸣体，就很容易获取到良好的共鸣音色。由此可见，说钢琴是“领跑人”并不为过。人的身体与钢琴的构造相比，人需要经历一系列的自我调节后，才能实现声音的共鸣。声乐钢琴伴奏加入到声乐教学中，要求歌唱者在歌唱过程中，要确保声音的协调性，获取良好的音质。只有声音达到或接近协调的情况下，听众才能感受到乐器和人声的协调，不会感觉到两者之间存在间隔。如果在演绎过程中，歌唱的声音和钢琴的声音之间存在的差距较大，可能会导致听众只能听到钢琴声音，而听不到演唱者的声音;或者演唱者的声音听起来仿佛噪音一般，体会不到两者融合在一起的感觉。在这样的背景下，演唱者因为生理反应，为了使自己的演唱声音与钢琴声音融合，只能下意识地使用声音技巧训练过程中的人体共鸣箱方法，从而完成演唱。 钢琴教学指导论文:浅谈创造教育理念为指导的钢琴即兴演奏教学 【摘 要】钢琴即兴演奏是以创新性思维为优秀的一种音乐表演方式，它最大的魅力就在于音乐灵感的闪现和即兴的创造手法。丧失了创造力的钢琴即兴演奏便如同丧失了灵魂，因此无论是在钢琴即兴演奏的专业教育领域还是业余爱好者的群众普及领域，贯彻创新性思维的培养都是钢琴即兴演奏教学的基本原则。 【关键词】钢琴；即兴演奏；教学；创造性 即兴演奏是一种脱离完整记谱的即兴性音乐表演形式，作为创作和演奏同时进行的音乐表演，想象力和创新能力成为了衡量即兴演奏者水平高低的重要标准。即兴演奏教育在我国也是一门新兴的音乐教育学科，因此，作者希望在创造学和创造教育的理论基础上，探索钢琴即兴演奏的创新型教学方式改革的新路，力图开拓出更多为钢琴即兴演奏的师生所乐于接受的有效的教学方式。 一、我国钢琴教学重视技术训练而忽视创造力培养的负面影响 我国业余钢琴考级制度经二十多年的实施，已经相当完整，也颇有成效，但其负面影响也决不可忽视。 日本钢琴教师高桥雅江在其教师手记《中外钢琴考级之比较》中提到，“国外音乐考级的目的是为了推动整个社会的音乐素质的提高，使业余音乐爱好者更有兴趣的学习，同时以鼓励和提高孩子的主动性、独立性和音乐创造性，把握业余音乐学习的特点，在专家、考官的关注下，让学琴的孩子自由成长，让他们从内心感受音乐的美丽，使音乐能够陪伴他们一辈子。中国国内的许多家长和老师普遍存在严重的功利心里，不顾孩子的兴趣及艺术修养，一味追求考级级别，盲目攀比，误认为考级是评判孩子学琴的唯一标准，以致于艺术心理惨遭摧残，许许多多考级通过或不通过的学生，因此远离了音乐，有的甚至影响了他们一辈子。” 这则手记客观地指出了我国国内钢琴考级普遍功利化的现象。导致这一现象的责任是家长、教师和社会舆论导向共同承担的。中国的琴童被认为只有挂上某某国内考级几级的牌子才有价值和定位，而对于其音乐修养、音乐创造力之类诸多无法用考级衡量的东西，社会和教师则并没有给予充分的认可。 对此，我们可以将英国的钢琴考级与国内的几家知名钢琴考级内容与形式进行逐一比较。 目前通行于国内的各项钢琴考级，如中国音协、上海音协、中央音乐学院、中国音乐学院、上海音乐学院等单位主办的钢琴考级，虽名称不同，但从考试的内容上来讲则大同小异，主要都是由基本技术练习（音阶、琶音）及练习曲、复调作品、乐曲几大板块组成。这些板块基本上都要求学生进行背谱演奏，其中只有上海音协与上海音乐学院的钢琴考级，多年来顶住社会压力，坚持同时进行乐理的考级，取得了一定的效果。2005年以后上海音协的考级虽然新增设立了演奏级的考核，但重点还是古典作品的弹奏方面。上海音协与上海音乐学院虽然曾先后提出过增设即兴伴奏的考级要求，也作过一些尝试。但由于诸多方面的原因，至今尚未全面实行。由此看来，在中国的钢琴考级中，明显缺少对学生进行创造力考核的内容。 二、促进钢琴教学创新模式的思考 教学模式是在一定的教学思想指导下，围绕着教学活动的培养目标所形成的相对稳定的系统化和理论化的教学范型。一般要涉及教学的价值观和教学目的、教学过 程、教学方法、教学策略等方面的研究。也就是说，教学模式是围绕培养人才目标而建立的教学实践方法和策略。 要建构创新型钢琴教学模式，首要的任务是建作立钢琴教学目的观：即通过钢琴音乐表演的审美、立美、创造美的教学过程，增进学生文化与艺术修养，培养健全人 格和创新素质，使学生在未来的工作、生活中有开拓创新精神和应变创新的能力，适应创新型国家发展的要求。其次要确立：将钢琴表演的教育规律与创新教育理 论、艺术心理学等学科，有效整合构建成促进学生创新素质发展的钢琴模式（以下简称创新素质钢琴教学模式）的理念与策略。明确音乐表现力发展的本身，就是学 生创新精神和创造能力在艺术素养中的具体体现，而联系生活经验和音乐理解，激发学生在钢琴学习中的审美体验和创造喜悦则是促进学生创新品质的基本要求。因 此，创新素质钢琴教学模式必须改变传统钢琴教学的以教师为中心，以灌注式的传授教育为主导，忽视学生感受，压制学生以主体地位进行自主创新学习的局面；要 把激发学生自主创新学习放在首位，确立以学生为主体的教学方法。 虽然促进学生创新素质发展钢琴教育模式主体是学生，但教师是导向学生一切创新教育的规划与决策者。因此，作为一位钢琴教师，必须在继承传统教学精华的基础 上，不断突破原有教学模式中遏制学生创新素质发展的因素，将创新教育的培养目标与实际教学结合，审时度势，变换策略，以不断创新的精神激发学生潜能，以开 发学生创新素质为创新型教师的天职。 三、培养学生丰富的想象力和创造性思维 钢琴即兴演奏有它的即兴性，但它既不能漫无边际的海阔天空，也不是要绝对遵守严格的公式格律。不能要求学生把一首歌曲配弹成相同的样式，要鼓励学生根据各自的想象力，去进行创造性的编配，使每个人的创造性充分展现出来。 首先，要充分发挥学生的想象力与创造力，要让学生为一首作品多设计几种方案，并在老师的指导下，在实践中不断尝试改进，这样选择余地大了，即兴演奏也就必然更加合理。因为完全照谱弹奏只能机械的练习，而从别人的伴奏中可以学习或从演奏谱中得到启发和联想，然后再通过大脑，进行加工编配，再进行弹奏，可以促使学生不断思考与创新，这是改进和提稿演奏水平的有效措施之一。 其次，要鼓励学生相信自己的听觉，教师要引导学生根据音乐形象及思想感情的变化、乐曲北京与和声运动的需要来考虑钢琴演奏的织体。如何可以用琶音来模拟自然界的流水潺潺、单倚音来模拟鸟鸣声等；也可以通过模仿民间的锣鼓、吉他的弹拨、钢管的吹奏等声音来渲染气氛；积累和运用生活中熟悉的音调与节奏，如民歌或者民间舞曲的节奏、行进队伍的步伐省、母亲晃动婴儿摇篮的律动等，来烘托作品的特定意境。这种创造性思维与整个作品有机地结合为一体的做法，将在弹奏时有助于增强作品的艺术感染力。 四、结论 对于钢琴即兴演奏的教育，据笔者所见，在世界范围内目前仍然没有一个权威地、十分成熟和健全的方法、体系的理论概括，然而即兴演奏伴随着人类音乐的出现而出现，作为一个历史久远的音乐表现形式这么多年一直持续发展着并巩固和加深着自身对于音乐发展的地位和影响，堪称古典精神与现代精神的完美交织。在钢琴即兴演奏教育的发展中，作者所尽绵薄之力也只想为钢琴即兴演奏教育方法的理论体系完善添砖加瓦。 在学习和实践的过程中面对专业领域的各种挑战，同时很欣喜地看到越来越多的人关注即兴演奏，喜爱即兴演奏甚至希望学习钢琴即兴演奏，作者深感作为一名钢琴即兴演奏专业的学生同时是传播者的光荣愉快和责任重大。尤其是在国内钢琴即兴演奏教育发展还尚未成熟的当下，我们的队伍仍需扩大，我们需要更多的优秀专业人才，也是更多的优秀师资作为传播者，大家一起努力，推动我们的钢琴即兴演奏教育走向一个更灿烂、更美好的明天！ 钢琴教学指导论文:钢琴艺术指导下的实践教学 摘要：钢琴艺术指导从本质上看隶属于音乐表演范畴，这就决定其本身的艺术性和创新性。以《玫瑰三愿》和《故乡》为例论述钢琴艺术指导在教学中的具体实践，指出钢琴艺术指导教师应该具备了解歌唱艺术、歌唱语言、有良好的心理素质等基本素质，以便更好地完成钢琴艺术指导工作。 关键词：钢琴艺术指导；教学实践；教师素质；心理素质；艺术处理；音乐作品；二度创作；歌唱语言 一、钢琴艺术指导概念简述 20世纪90年代以后，钢琴艺术指导作为一门独立学科逐渐被各音乐学院所认可，音乐界对它的重视程度与日俱增，这门学科逐渐摆脱绿叶这一配角角色，音乐工作者特别是声乐工作者逐渐意识到歌唱声音与伴奏两者是“水”和“鱼”的关系，密不可分，相互影响。 钢琴艺术指导是声乐演唱不可或缺的重要组成部分，是以钢琴弹奏这种伴奏形式，与演唱者一起并在一定程度上指导和影响演唱者，以正确、丰富地诠释出作曲家通过该作品所要表达出来的情感和意图。本文所研究和阐述的声乐作品，是指由作曲家创作好的带有钢琴正谱伴奏的声乐作品，所提到的演唱者则是指从事声乐专业的学生。就钢琴艺术指导而言，对于声乐作品钢琴伴奏部分的演奏是基于原作曲家一度创作基础上所进行的二度创作，也可以称为再创作。因此，首先对于原作曲家创作好的伴奏部分，即伴奏乐谱，要认真理解和弹奏。其次，在传达和客观呈现伴奏情感的基础上，伴奏者根据自身具备的音乐素养及感性认知对声乐演唱者情绪及歌曲处理进行伴奏和指导，最终将作品很好的诠释和表达出来。仅这一点，就很好地表现出钢琴艺术指导对于声乐演唱者的艺术指导性和创造特殊性。 二、钢琴艺术指导在教学中的具体实践 下面就以《玫瑰三愿》和《故乡》为例谈谈钢琴艺术指导在教学中的具体实践。黄自的艺术歌曲《玫瑰三愿》借赞美、感叹玫瑰之美来表达对于幸福生活的向往和追求（谱略）。 《玫瑰三愿》全曲为八六拍，前12小节，包括钢琴前奏，一步一停的节奏型，很好衬托出了少女在亭间看见满园玫瑰时的惊讶和陶醉之情。4小节的前奏犹如少女从亭中远远走来时步伐轻盈之态，对于演唱者而言，起到了营造特定场景和烘托安静气氛的作用。同时，也为第5小节演唱旋律的开始做了生动的铺垫。这时演唱者的情绪、演唱状态应是准备好的歌唱状态，一定不能在第5小节开始演唱时，才临时准备，这样就会出现开头时咬字不清和情绪不佳的状态，从而破坏作品的美感及整体性。演唱者可用心与钢琴前奏一同默唱或在脑海里营造出丰富的音乐画面，从而掌握演唱情绪和情感。第5小节至第12小节，钢琴伴奏以整体的柱式和弦为伴奏织体，节奏与演唱旋律声部几乎一致，干净、轻盈地烘托出少女被玫瑰所吸引时，那一步一停、看看这儿又看看那儿的欣喜之感。12小节伴奏部分，以分解和弦为过渡连接，到13小节以强拍上的柱式和弦引出以弱拍进入的旋律演唱声部。其中，13小节旋律声部的“愿”字，本身就处于强拍位置上，演唱时可以有适当的延长，但不可过分。这一句“我愿那妒我的无情风雨莫吹打”，情感表达有所上扬，但要稍有控制，后一句“我愿那爱我的多情游客莫攀摘”很快就稍弱了下来，这是为“三愿”之一“我愿那红颜常好不凋谢”做铺垫，从而达到一种“迂回”的情感表达方式，“三愿”中的“愿”字，不要有拖拉延长的处理，这一句重点表达在“红颜”和“凋谢”上，在“颜”字上可稍有延长，在“常”字之前有个换气口，将后面的旋律更流畅地演绎出来。有的演唱者“凋”字有意减弱延长，这时钢琴伴奏部分可随之减慢、延长，观察演唱者韵律走向，从而将后面的单一柱式和弦与“谢”一同整齐奏响。第三愿，前半句激昂，后半句又有着无限哀伤和感慨，“三愿”结束，可有自由的停歇，在安静的气氛中，情绪平缓甚至带有无奈却又希望地演唱这句“好教我留住芳华”来结束全曲。 陆华柏创作的描写抗日战争背景下的艺术歌曲《故乡》，表达了对敌人无比的憎恨和对家园无限的思念之情，情感起伏对比更强烈（谱略）。 首先，4小节的钢琴前奏，给演唱者营造了一幅美好、平静的景象。伴奏最后停在一个3拍的单音上。虽然第4小节的旋律演唱是从第4拍上弱起开始的，但在实际的演唱中，演唱者可根据自身情绪、状态、现场等多方面因素去延迟后一拍弱起开始的旋律始音。虽然乐谱上规定弱起音开始之前是3拍的前奏结束音，但在实际练习和演出时，是可以自由延迟处理的。在这里也很好地体现了钢琴艺术指导的重要作用，即因演唱者个体的不同而随之改变歌曲伴奏的速度。这就需要钢琴艺术指导在酝酿和沉浸自我感知情绪的同时，还要与演唱者感性情绪、呼吸相对应，这当然是基于对同一声乐作品在大体情感表达和演唱处理观点一致的基础上才得以进行的。歌曲5至18小节，整体情绪以抒情、赞美故乡家园为主，在以分解和弦为主要伴奏织体的衬托下，很好地表现了演唱者在演唱这一段乐曲时赞美、歌颂故乡家园时的美好情感。在第7小节，旋律声部出现的一组三连音，歌词是“本来是一个天堂”，三连音位置的歌词“是一个”，一部分演唱者在演唱时常将其三连音节奏特性忽略，看似微小的一拍，其实是作者有意的安排，是通过三连音均匀、快速的节奏特性来表达对于故乡美好的怀念，更是为后面情绪大幅度转折埋下的伏笔。给听众的感觉是：演唱者急切地通过三连音来表现和突出“天堂”二字，这与后面“已经是野兽的屠场”形成了鲜明的对比。19至24小节，是一段承上启下的关键部分，虽然旋律演唱部分颇有淡淡忧愁和悠然自得之感，但19小节伴奏部分出现的大量三连音，将看似平静的湖面，映射出一丝不安、不详的黑色气氛。23小节伴奏部分大量的分解和弦织体，很好地延续了“凭吊”之感，这里不可将后面转折的憎恨情绪带进来，要平稳，在减慢、减弱中缓缓收声。此时，演唱者状态也不要将凭吊情绪过早收起，要与这一部分伴奏一起“感同身受”。后面钢琴伴奏突然强起，左手低音八度的急促，将所有美景打破，为残破的故乡拉开序幕。演唱者此时虽没有演唱旋律，但情感、表情表达也是另一种无声的旋律演唱。演唱者可根据钢琴突然的情绪转折营造出一种突如其来、不知所措的表情，为后面“现在，一切都改变了”做了很形象的铺垫。27小节，“现在”后面的八分附点休止符一定要干净，这里是留给钢琴伴奏的两个整齐的柱式和弦，因此，不要有过多声音延留。“一切都改变了”，是没有伴奏类似于独白的一句话，这里可以处理稍自由，但“改”字不要自由过分，要为后面情绪的更大波动留有余地。后面“已经是野兽的屠场”，“野兽”二字，字换气不换，强音处理，在愤恨情绪中凸显出无奈和悲凉。接下来三小节的伴奏，将演唱者情绪由明显的憎恨转向无限的悲凉和哀伤中，“我的母亲”可以处理为原速，后面一句“我的家呢”也不要有过多的延长，“哪一天再能回到你的怀里”可做较为自由的处理。该句伴奏结尾的强收柱式和弦，要尽量与演唱尾音一同收声。后面的“然”字可自由延长，与“无恙”之间的休止符也可以稍稍延长休止时间，但太长则会出现情绪脱节的弊端，应当避免。后面结尾情绪强烈的钢琴伴奏，要在激动、急切但不失平稳的状态下强收，以达到延续作品意境及情感的艺术处理效果。 三、钢琴艺术指导教师应具备的素质 钢琴艺术指导从本质上来看，它属于音乐表演范畴，通过教学实践经验来看，良好的指导艺术修养主要来源于高素质的教育培养、高雅的艺术品味培养以及优秀的德行及心理素质培养等方面。具体表现在以下四个方面。 第一，对于声乐作品创作者创作风格及作品创作背景要进行具体的了解和研究。熟知作曲家创作风格，在一定程度上有助于钢琴艺术指导把控作品整体性诠释和表达。 第二，对声乐作品赋予创造性的二度创作。每一个钢琴艺术指导对于同一作品的演绎都是不尽相同的，但基于二度创作的基础都是作品本身的“乐谱”，因此，二度创作的源泉就是“乐谱”。这就需要钢琴艺术指导对于原作品内容进行真实的“再现”，在此基础上将伴奏者生活经历、感性认知及自身个性融合到作品本身上，创造出有血有肉的音乐人物或是生动的音乐画面。这才是钢琴艺术指导作为一种表演艺术的魅力所在。 第三，对于声乐艺术、歌唱语言的熟知。钢琴艺术指导对于演唱者演唱呼吸、乐句划分，语言句、字划分能起到正确处理和指导的辅助作用，这就需要钢琴艺术指导教师了解并掌握意大利语、德语、法语，以避免出现与演唱者歌词“脱节”的现象。对声乐技术的熟知，有助于增强钢琴艺术指导与演唱者之间呼吸起伏的默契感，以便处理好作品中存在的句句之间换气、整句之中换气等问题。 第四，有良好的心理素质。钢琴艺术指导与演唱者合作分为台下和台上。台下需要钢琴艺术指导耐心、细致地对演唱者进行综合型指引、练习。在台上演出中，需要钢琴艺术指导沉着、冷静，这对于演唱者来说，十分重要，有利于其演唱自信心的构筑。在演出中，存在很多临时突变情况，如演唱者因紧张而出现与伴奏不符的演唱现象：较原处理速度而言变快或变慢、音值增长或减短等现象。出现这样的现象，在一定变动范围内是可以并且是正常的，演唱者每一次用情地演唱，其感情表达不可能每次都一模一样，可能在演出过程中，状态等各方面都更为激动和积极，因此，在以往处理的某些细节地方，就会出现一些速度、音值的细微改变，这就需要钢琴艺术指导心理冷静、灵活、快速地适应并默契地跟随，从而达到满意的合作效果。 当然，在知识不断更新的今天，对于钢琴艺术指导者来说，面临更严峻的考验和挑战。钢琴指导教师只有积极地从教学实践中找出不足，通过不懈地努力学习不断提高自己，才能更好地指导和服务歌者，拓展更宽阔的发展空间。 钢琴教学指导论文:浅谈钢琴教学的指导方法 摘 要：对钢琴教学的指导方法进行了分析，旨在培养学生弹奏钢琴的兴趣，最终达到演奏效果。 关键词：钢琴教学；指导；方法 钢琴被誉为器乐之王，钢琴属于键盘乐器。钢琴音域宽广音量宏大，音色变化丰富，演奏技巧复杂，是主要的独奏乐器。19世纪的欧洲出现过很多钢琴大师，譬如波兰的钢琴诗人肖邦，匈牙利的钢琴家李斯特，都是欧洲优秀的钢琴大师，同时也是浪漫派音乐家的代表人物。在中国接受钢琴教育有100多年的历史，也涌现出像傅聪、周广仁、刘诗昆、殷承宗、顾圣婴等老一辈钢琴家。近年活跃在世界乐坛的李云迪、郎朗、陈萨。如果说他们是天才，倒不如说他们与刻苦训练以及正确的教育有关。实际上弹奏钢琴的技术，与乐谱和钢琴没多大关系，主要与弹奏者有关系。因为弹钢琴需要的是兴趣和坚强的毅力。钢琴它作为高级的音乐文化，是传递情感的另一种方式，同时能陶冶人们的情操，愉悦自己的身心。弹钢琴的幼儿必须培养耳朵听、眼睛看、手指弹、脑子想，培养视觉、听觉、触觉等多方面的感官综合。幼儿在入门阶段必须注重兴趣的培养，中高级阶段更需要注重技术性的训练，这样才能达到演奏效果，下面我将学习钢琴的基本问题谈一些见解。 一、坐姿 幼儿在学习钢琴时首先要掌握坐姿，弹奏的本身需要手指、手臂、身体等肢体进行一定动作的协调配合，弹奏动作的训练就是对这些肢体控制能力的训练。因为正确的坐姿可以使弹奏着对琴键的控制和驾驭，是弹好钢琴的前提。首先要调整好琴凳与钢琴之间的距离，让孩子坐在琴凳的中央，大约坐在琴凳宽的三分之一左右，先伸左脚放在钢琴踏板的左侧，然后伸出右脚放在踏板的右侧，双手同时放在大腿上，然后再将双手柔和地、轻轻地放置于琴键之上。大臂与前臂形成钝角，腰部挺直，颈部可以自由活动，不可僵硬，幼儿的上身略向前倾，使幼儿的身体重心略向前，以便力量向前传送至手指，因此，坐姿和手型是学习钢琴贯穿始终的。总之，坐姿以自然端庄，有利于弹奏为原则。 二、手型 我根据多年的教学经验，往往认为最正确的手型是双手自然打开，露出掌关节就是一个最正确的手型，像以前老师讲的手里像握一个鸡蛋一样，那是非常教条的，会使手型机械或僵硬。往往缺乏灵活性和自然性，正确的手型、手指、手掌、掌关节都要挺立，整个手型形成“架子”。手型过紧无法弹奏，手型过松不利于弹奏，有了一个好的手型，手腕与键面基本保持在一个高度，这样的手型在弹奏时音位就很准确，手指会很到位，这就是弹琴要求的手型。也就是说弹琴的手型是要把手处于最放松、最自然的状态，而这时的手型也符合手心空的、手腕平的、手指能立住的手型要求，因为弹琴的状态就是保持自然的状态，在弹琴的过程中，无论多难的乐曲，多复杂的谱例、多大的跨度，都要看作是对自然状态的一种考验。 三、触键 手指的正确弹奏是触键的基本技巧，是在控制和利用掌关节不塌陷的前提下，把下键的手准备好，让肩肘腕全部放松，抬升手指的第二指关节，用高抬指触键，把琴键弹到底，这样手臂的力量便会通过指尖传送到键盘上，这时用耳朵去听，如果发出的声音是清晰明亮的结实而饱满的，也就是老师说的声音不是虚的，是通透的声音。因此，手指触键必须要学会紧张与放松的统一。高抬指对于初学者难度较大，弹奏的“颗粒性”较好。 根据多年的经验，我认为初学者还是注重掌关节的高度发挥进行“高抬指”的训练。锻炼灵活性，锻炼手指的支撑力爆发性以及独立性。要通过合理的时间训练，慢慢地一步一个脚印循序渐进地练习，千万不能急于求成，逐渐发展灵活性慢慢掌握单音奏法、双音奏法、连音奏法。弹奏时十指具有相同的能力，让十指在弹奏时力量均匀灵活，富有力度和弹性。钢琴触键并不是简单而随意地按键，它需要有正确的弹奏方法，技巧与心手的结合。钢琴触键奏法，虽然乐谱上有各种各样的标记，但归纳起来就只有三类。（1）连奏。连奏是钢琴演奏中的歌唱性奏法，主要用于抒情歌唱性的旋律，圆滑连贯的乐句。其方法是利用手指间力量的转移，要求手指有高度的独立性和支撑力，在力量转移时手腕要高度放松，手指不能松懈，声音不能有间隔，有一气呵成的连贯。（2）断奏。主要是各种跳音的演奏形式，跳音有小跳和大跳之分，音符上面是小黑点的属于小跳音，弹奏时需要指尖跳，只需弹出该音符时值的二分之一拍。指尖跳可以产生轻盈，灵巧的效果，是属于“指尖断奏”。音符上面带小三角的属于大跳音，则需要弹出该音符的四分之一拍，是属于“手腕断奏”，当然还有“小臂断奏和大臂断奏”，技术要求更高，不再说明。（3）“非连奏”。当乐谱上既有跳音又有连线时记号时，那就是“非连奏”，是属于似断非断的音，那么弹奏方法是指尖贴在键盘上，手在下键前要紧抓住键盘一样，不要出现颗粒性的声音，也不要连奏的声音，那是一种富有想象力和表现力的声音。 四、选择教师 幼儿在学习钢琴前，教师的选择很重要，必须是经过科班出身的钢琴老师，才有资格教钢琴，最好是去找有丰富钢琴教学经验的负责任的名师，负责任的钢琴教师会以启发式的教学方式入手，从孩子的手型、指法、技术、乐理、视唱练耳等多方面进行引导和教育。打好钢琴弹奏的基础，才能培养出比较优秀的人才来。凡是孩子在钢琴方面有成就的，家长都是在非常慎重的前提下，选择有经验的名师来指导，孩子学习钢琴走的是正确的路，将来非常有建树。 通过对学习钢琴从坐姿、手型、触键以及选择教师各方面的综合分析，希望学习钢琴的孩子明确方向，选择理想严谨的好教师。从方法技术和情感两方面抓起，以启发式的教学方式入手，这是每个琴童学习钢琴的前提，同时也呼吁家长明确孩子成长的方向，严谨地培养孩子。幼儿弹琴非常枯燥，首先得培养孩子的兴趣，家长得很好地陪练，家长是第一老师，等到孩子学到入门以后，家长可以督促孩子弹琴，家长同时也是第一听众。经常给孩子以鼓励和鞭策，这样才能培养出优秀的琴童来。 （作者单位 甘肃省定西市安定区东关小学） 钢琴教学指导论文:浅谈钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性 在钢琴教育领域，无论是艺术实践的舞台还是专业课堂的钢琴教学，或是一些具有教研性质的研讨会、毕业音乐会、演唱会等等，都需要一名非常出色的钢琴伴奏，也就是我们常说的艺术指导。 一、声乐钢琴伴奏的定义与内容 声乐钢琴伴奏是为声乐服务的，是为了对富有表现的歌声进行补充与衬托，处于从属的地位。伴奏是随着音乐情绪的发展而进行的一种烘托手段，是为歌曲旋律与音乐形象的完整性而存在的一种艺术表现形式。钢琴伴奏最初是由钢琴独奏衍生出来的，如今它已成为一个独立的专业，伴奏并非是对自我的一种表现，而是与声乐演奏共同发展、互相作用，在艺术表达中具有自身的独特艺术特点。演奏者在表演中要与琴声达到水乳交融的艺术境界，那是一种自然的融合，是对音乐和艺术的烘托与支撑，只有用心去感受才能领略伴奏的独特魅力。热爱伴奏专业，并且愿意为音乐付出，是一名合格、称职的伴奏者所应具备的专业素质。 二、声乐钢琴伴奏与声乐教学的融合性 音乐院校的伴奏教师和其他专业的教学有很大的不同，由于工作压力比较大，工作时间的安排就会相对紧张。学生每周都进行两次专业课的学习。一是进行单纯的发声技巧练习，二是伴奏老师在课堂上与学生进行合伴奏实践课。在合伴奏课堂上，学生要系统灵活地运用所掌握的发声技法，并在钢琴伴奏下尽情、完美地展示歌曲。这就要求伴奏教师要认真细致地为学生进行讲解，无论是作品背景的体现，还是音准、速度、乐句、呼吸等多个方面都要进行耐心的启发式教学。 有人将声乐比作“红花”，将伴奏喻为“绿叶”，这样的形容再贴切不过了，在课堂教学中亦是如此。如果失去了伴奏的陪衬，孤立的声乐教学必定会黯然失色，只有两者共融才会更加相辅相成，教学内容也才能更加丰富多彩。曾几何时，音乐学院的学生大多认为有一副金嗓子就可以引以为豪，但是现代的教学更重要的是对音乐、乐理基础知识的培养，演唱技巧只是其中之一。正规系统地学习各方面音乐知识，对乐理知识以及每一个时期的声乐代表作品进行深入的研究，将伴奏与弹奏相互融合贯通，将知识特点与曲式结构掌握熟练，才是一个全能的、合格的、新时代的优秀音乐人才。 有些学生对乐句掌握得不好，对前奏、间奏理解得不清楚，唱歌音不准，节奏感不强，对强拍、弱拍的体现也不分明，这都是发声技术和视唱练耳掌握得不好的缘故。这些虽然是伴奏教师的职责，但只是其职责的一个部分，重要的还是要对歌曲旋律及内涵、学生的发声及呼吸等方面做进一步探讨，对歌曲的语气运用、歌词的内涵、歌曲的思想境界、音乐创作背景等方面也要进行细致的分析，使学生对音乐的理解达到更高的境界。 在学习合唱伴奏的过程中，不能只专注于自己的钢琴弹奏，而要时刻注意演唱者的情绪变化，这需要敏锐的判断和观察能力。例如演唱者由于紧张没有换好气，琴声却还弹得激情高昂，势必会影响演唱者歌唱的发挥，甚至会出现唱不动、高音失常等状况。伴奏者与歌唱者只有做到心有灵犀，才能将歌曲演绎得浑然一体，这不但需要心灵的默契，更是在课堂上千锤百炼才能真正领悟出来的真谛。 即兴伴奏是在瞬间爆发的兴致与灵感，它虽然与声乐伴奏属于一个范畴，但在内涵与意义上还是有很明显的不同之处。当一首单旋律的歌曲呈现在伴奏者面前，在有准确判断力的情况下，在短暂的时间内对主旋律的调性、伴奏、速度以及风格通过娴熟的演奏手法以伴奏音型、复调技巧、键盘和声形式，有的放矢地对歌曲主题内涵、风格形式进行选择，实际上就是即兴演奏与即兴伴奏的结合。 三、声乐钢琴伴奏的艺术指导性 艺术指导性，广义上是指对一切艺术行为具有指导意义的影响和促进的行为的特性。如今伴奏专业已经受到了越来越广泛的关注，钢琴伴奏也称艺术指导，但钢琴伴奏者和艺术指导还是有很大距离的，即使是学习了多年的钢琴伴奏并能够毕业留校，充其量也仅仅是钢琴合作者的开始，还远没有达到艺术指导的水平。钢琴伴奏者这个阶段可以把很多声乐曲目弹得非常出色，可是艺术指导所需要的内在气质与外延、内涵还需要长久的磨练。艺术指导的最基本素质是能够把钢琴伴奏技艺发挥得淋漓尽致，同时还要在音色控制、音乐色彩方面有很强的造诣，把歌唱与弹奏完美融合，天衣无缝地诠释音乐的连贯性与流畅性，这不是钢琴伴奏者一朝一夕所能做到的，需要长年累月的积累以及对艺术更深层次的理解。 有些人错误地认为声乐伴奏只是辅助，没有很大的篇幅，所以很容易完成。其实音乐伴奏需要细腻的情感才能掌握好触键的分寸，将音色控制得恰到好处，才能弹奏出好的效果，用心去模仿自然界的每一种声音，伴奏时手指会情不自禁地演奏出相仿的琴声，风声、雨声、鸟儿的鸣叫、马儿的奔跑、小溪潺潺的流水、江河呼啸的波涛……声乐伴奏不仅仅是辅助，更是锦上添花。 艺术指导需要具备很高的艺术水准，不但要掌握国内和国外众多的经典曲目，还要掌握套曲、歌剧等各种形式的音乐。在语言上最基本的是要掌握意大利语的发音，然后还要深入到俄语、德语、法语、英语等语言的学习，拥有系统的理论知识以及对多种外语的掌握，才能让羽翼得以丰满，这是一名优秀艺术指导的必经之路。 综上所述，声乐是人声的艺术，古往今来的声乐作品创造了人类宝贵的艺术财富，是人类文化艺术宝库中的珍品。艺术的创作离不开深厚的文化底蕴与社会背景。我们要充分领悟作品中的文化内涵，培养敏锐的感知力与判断力，才能推动伴奏事业的发展，也才能够做一名优秀的艺术指导和钢琴伴奏者。 作者单位：佳木斯大学音乐学院 钢琴教学指导论文:钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性 一、声乐钢琴伴奏的主要特点 因为演出时具有相对的独立性，因而需依据突发情况而进行配合。声乐钢琴伴奏则与之迥然不同，更加需要加强对视奏能力之培养。在训练的过程中，钢琴伴奏应当更加注重于培养自身的即兴演奏能力。在正式演奏的过程中，钢琴伴奏者要全面而快速地了解声乐作品的整体状况，从而找准声乐作品的总体风格，以求领会到所要表达的感情。二是伴奏者一定要准确地分辨出自身在表演中的角色。声乐钢琴的伴奏者应当加强对整个场面的控制以及感情的表达。所以，伴奏者们应当更加准确地定位自身的角色，做到全面配合声乐演出的效果。三是声乐钢琴伴奏中要注重于聆听。这就要求伴奏者们认真聆听声乐表演者音量的大小、呼吸与音色的特征、情绪的有效转变等，从而让钢琴伴奏者和演出者能够更好地保持同步，一旦发现声乐演出中存在的问题就及时使用钢琴伴奏加以补救。 二、声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性解读 （一）通过声乐气息教学体现艺术指导性 在实施声乐气息教学的过程之中，声乐钢琴伴奏依据音乐同步之状态加以引导，从而实现协调呼吸节奏与音乐节奏同步的目的，进而让歌唱者们能够在进行生理训练的前提下达到一种自然而然的气息运用状态。同时，使用正确的句法加以引导，利用声乐钢琴伴奏来引导伴奏者呼吸之控制，从而带动其呼吸之走向以及嗓音气息之调配，进而正确地引导其适应于句法之起伏，实现完美应用声乐气息之技巧。同时，要运用歌曲思想以调节演奏者的呼吸，实现其对于声乐气息所进行的艺术指导，从而让歌唱者们能够随乐曲之思想随时调整与变换自身呼吸，并且在细节要求上得到满足。 （二）通过声乐共鸣教学体现艺术指导性 立足声乐共鸣教学，声乐钢琴伴奏可以用其极为独特的艺术特点，在声乐共鸣教学过程中发挥出自身所独具的艺术指导性，并且使用乐器共鸣音色加以调整以实现共振。由于钢琴具备了很好的基音，这样一来就能够让演唱者们找到很好的共鸣声，并且提供其在听觉和生理反应视角上能够形成共鸣。演唱者通过形成生理反应之后，便于为了追随其从而能够让两者之间的融合共鸣声，并且有意识地运用声乐技巧训练中学会更加地使用人体共鸣箱之方法，进而展示出钢琴伴奏之特性，进而带动整个节奏的变化。 （三）通过声乐技巧训练教学体现艺术指导性 在声乐连音歌唱之中，往往要求各个元音之间做到整体连贯而不得由于辅音之加入而予以断开。每一个音中都必须唱得连贯而且准确、圆滑。声乐钢琴伴奏之中的弹奏多为整齐的多声旋律弹奏法，如此一来就能够实现歌唱过程中的连贯性。同时，在花腔以及别的技巧训练过程中，声乐钢琴伴奏能够很好地引领声乐演唱者依据各种不同曲目之风格以及要求内容，更加巧妙地应用花腔中的多种技法。在曲目情感以及节奏的把握上，通过钢琴伴奏，能够更加准确地反馈给演唱者以感情与态度，从而让演唱者们能够更为完美地进行准确表现。 （四）通过声乐语言教学体现艺术指导性 一是要注重民族性与地域性。鉴于民族性与地方性、语言风格等方面的差异，因此在实施声乐教学的过程中显得极为关键。例如:意大利语中的钢琴伴奏往往显得古典而规范，通常会较多地使用与旋律分解、旋律配合等多重旋律变化进行伴奏，以此来引导演唱者们发出尽可能好的音色，让其注意力都集中于圆润与饱满的元音之中，从而发出纯正的歌唱声。法语中的钢琴伴奏通常会具备法式浪漫一般的节奏，洋溢着连续不断的节奏变化，将法语中的奇特语句发挥到极致的程度。而在汉语语言之中的钢琴伴奏则需要配合汉语所具有的独特腔韵美，不仅要具有丰富的民族和声色彩，而且还应当具备极为丰富的五声音阶伴奏旋律，从而为演唱者进行尽可能丰富的艺术指导。二是要注重于律动性与表情性。声乐语言具备了所有音乐艺术的艺术表情以及律动性，因而在歌唱过程中的钢琴伴奏之强弱通常会和声乐语言表情保持一致，会随着乐曲之所需以及感情场景之表达而带给声乐演唱者和听众以身临其境之感，从而完美地表现出乐曲所要表现的情感。 三、结语 综上所述，声乐钢琴伴奏不仅是声乐课堂教学过程中不可缺少的重要环节之一，而且还是学校课外活动艺术实践之中的一个重要组成部分。声乐钢琴伴奏往往是通过不同环节，运用不同方式加以引导，这样一来就能够有效带动整体节奏以及情感，因而对于声乐教学的艺术指导性具备了无法取代的重要价值。 作者:付蓉 单位:宁夏大学音乐学院 钢琴教学指导论文:声乐教学中钢琴艺术指导的作用 摘要：在高校声乐教学实践中，钢琴艺术指导是必不可少的一部分，表演者的艺术表现力、情感、感染力等都与钢琴艺术指导有着紧密的关系。钢琴艺术指导主要通过钢琴伴奏的形式来辅助声乐教师演唱表演，使表演者在钢琴音乐表现方面及整体艺术感染力上达到风格、情感与意境浑然一体的效果，从而有效提升钢琴伴奏者的专业技巧与音乐素质，增强整个艺术作品的表现力。本文主要对钢琴艺术指导定义、类别以及声乐教学中钢琴艺术指导作用进行探讨，分析了高校钢琴艺术指导的重要意义，使钢琴艺术指导与声乐作品成为和谐统一的有机整体。 关键词：高校；声乐教学；钢琴艺术；指导；建设；重要性 钢琴艺术指导专业是声乐教学中涉及钢琴、作曲、声乐、音乐史、语言等不同专业范畴的一门新兴的独立学科，主要体现在钢琴伴奏的形式上，钢琴演奏具有丰富多彩的艺术表现形式，它在声乐、器乐以及舞蹈表演领域发挥了重大的作用，是钢琴演奏艺术的一个分支。钢琴艺术指导能够增加演奏者、演唱者以及舞者的舞台表现力，不仅要求演奏者具备良好的独奏能力，更需要具备默契配合的合作能力。 1钢琴艺术指导的含义 钢琴艺术指导主是以钢琴演奏为表现形式，具有覆盖面宽、技术含量复杂的艺术表现力，是声乐领域的一个分支。表演者在进行声乐表演时，均需要采用钢琴伴奏的艺术指导方式，钢琴艺术指导专业以钢琴独奏为基础，却又与之不同，二者互相补充，相辅相成，钢琴伴奏的最高原则是演奏者不能喧宾夺主，不仅要有一定的自我表现力，还要利用默契的声乐来配合演唱者，从而达到完美的音效渲染效果。 2钢琴艺术指导的分类 2.1声乐艺术指导 钢琴艺术指导具有相对独立的音乐结构和艺术表现的重要意义，也是钢琴演奏艺术发展水平的一个重要标志，它具有不同的音乐风格具体表现形式，与歌唱构成一个有机的整体，将音乐思维及艺术表现体现得淋漓尽致。在各高校音乐专业的演唱艺术实践中，演唱者与钢琴伴奏之间都需要默契的配合，伴奏者必须要对不同体裁的作品的音乐风格和不同情感上的差异进行合理的、规范的艺术处理，使之与演唱者所表达的作品风格相一致，只有这样才能将演唱者的情感表达出来，将作品演绎得更加丰富多彩。 2.2舞蹈艺术指导 舞蹈艺术指导是一个庞大的体系，是一种以人体动作为主要表现手段的表演艺术。舞蹈钢琴艺术指导通过与舞者的合作来体现自身的艺术价值，是舞蹈基本功训练中不可或缺的一部分，也是钢琴艺术指导中的重要组成部分。舞蹈艺术指导更重要的是对舞蹈的基本动作、形式和构成的指导，不单单是出色的钢琴技巧，舞蹈艺术指导能够将舞蹈语汇的张力和音乐情绪的张力达到完美的统一。2.3器乐艺术指导我国器乐的表现形式比较复杂，器乐演奏不像声乐作品带有歌词，器乐艺术指导与声乐艺术指导之间存在着显著的差异。因此，伴奏者与演奏者的默契配合就显得非常重要。同时，器乐具有与人声不同的音域、音色，而且器乐作品相对声乐作品篇幅较大，调性变化和曲式结构也较为复杂。伴奏者与演奏者可以根据彼此之间的默契合作以及音乐旋律自身的起伏来进行表演，让音乐给听者更加生动形象的感觉。这对钢琴伴奏者的演奏技巧具有更高的要求，需要伴奏者将作品中的整体音乐风格与情绪变化精确把握，掌握作品的高难度技巧，配合表演者的演出。 3钢琴艺术指导对声乐教学的指导作用 在声乐教学前期，钢琴艺术指导教师要按照演奏的不同要求，充分了解指导的音乐作品的文化背景、语言规则以及情感表达，精确把握作品的和声进行、曲调结构、情绪变化，指导教师要在客观呈现和传达伴奏情感的基础上，对作品进行深层次的把握、分析，进而安排整个演奏的过程，根据自身具备的音乐素养及感性认知对声乐作品进行伴奏和指导，深入挖掘作品的细微特点，从音准、呼吸、风格、节奏、音乐效果等多个角度帮助演唱者处理和理解音乐，用弹奏的音乐旋律和感觉来带动演唱者的音乐感受力。只有这样才能使钢琴伴奏与演唱者配合默契，最终将舞台作品完美地表现出来。因此，钢琴艺术指导对声乐教学中是从配合到辅助，逐步升华到具有指导的艺术高度的过程。一部优秀的钢琴伴奏作品与一个优秀的钢琴伴奏者，往往在声乐教学的各个环节中发挥出不可估量的艺术指导作用。 4钢琴艺术指导在声乐教学中的艺术指导性 4.1心理上的指导性 在声乐表演中，演唱者承受着来自内心、来自观众、来自舞台的心理压力。一位合作默契的伴奏者，可以从演唱者开始演唱到结束一直陪伴着演唱者，同舟共济，互相支持，这就能缓解演唱者的心理压力，舒缓紧张情绪，轻松完成接下来的演唱。在声乐教学中的共鸣教学中，声乐钢琴伴奏以乐器独有的共鸣音色与特质，通过合作带来腔体的变化，从听觉和生理反应上引导演唱者找到共鸣的声音来提升演唱的音质。在声乐教学中，声乐钢琴伴奏主要根据音乐正确的句法、同步状态、歌曲思想、调节呼吸等缓解演唱者的压力，使演唱者进入最自然的气息状态。 4.2技术上的指导性 在声乐表演中，当表演者遇到演出安排、准备情况、演出场地、演唱者的身体状况和嗓音状况等各种多变的因素时，钢琴伴奏可以凭借其本身具有的强劲音色表现力，在技术上弥补演唱者的突发状况。在正常的演唱中，钢琴伴奏通过前奏、间奏和尾声的铺垫和烘托，为演唱者提供暗示和引导。 5结语 目前，高校钢琴艺术指导专业已经得到广泛关注，钢琴伴奏更是如此，但现今钢琴伴奏者与艺术指导之间还存在很大差距，很多钢琴伴奏者还缺乏艺术指导的内涵和气质。因此，高校钢琴伴奏者需要把钢琴伴奏艺术表现得更加形象生动，提高在钢琴伴奏音色控制、音乐色彩方面的造诣，将弹奏与歌唱发挥得尽善尽美，行云流水般地诠释音乐的流畅性与韵律感，并将其充分、恰当地运用到音乐专业的教学过程中，进而有效提高声乐教学中钢琴技艺的教学质量。 作者:迂志勇 单位:佳木斯大学 钢琴教学指导论文:钢琴艺术指导在声乐教学中的作用 1重视钢琴即兴伴奏基础能力的训练 在钢琴即兴伴奏课程的学习中，应该重视钢琴即兴伴奏基础能力训练，应该把钢琴即兴伴奏基础能力的训练当作获得钢琴即兴伴奏能力的一种重要手段来对待。在学习中，应该自始至终、一如既往地重视对基础能力的训练，把这种基础能力的训练当成钢琴即兴伴奏课程学习的优秀内容。除此之外，在进行钢琴即兴伴奏基础能力训练的同时，必须充分关注音乐综合能力的培养，把音乐综合能力的养成与钢琴即兴伴奏基础能力的训练有机地结合起来，使钢琴即兴伴奏基础能力训练的过程，同时也成为钢琴即兴伴奏能力与音乐综合素质整体提高的过程。 2重视对音乐综合能力的训练和培养，提高音乐整体素质 音乐综合能力是提高即兴伴奏能力的基础。在钢琴即兴伴奏课程教学中，经常有这样的现象，钢琴演奏技术能力较好的学生，却不能为简单的歌曲进行即兴伴奏。对于普通高校音乐专业的学生来说，这是非常令人遗憾的事情。因为高师音乐教育专业的培养目标，不仅仅是会弹琴的演奏家，而是会弹琴的教育家。而即兴伴奏能力不仅是衡量一个人整体音乐素质的尺码，同时也是进行音乐教学和音乐活动的重要手段。钢琴教学中为什么会出现这样的现象？我认为，虽然造成这种现象的原因是多方面的，其中存在有培养目标不明确、教学方式欠合理等因素。但是，主要的原因还是因为学生缺少良好的音乐综合能力和音乐整合能力的缘故，就是学生缺少一种把在不同学科中学到的知识，有机地结合起来进行运用的能力。从表面上看学生缺少的是钢琴即兴伴奏能力，实际上缺少的是音乐综合能力与整合能力。这说明，钢琴即兴伴奏课程的学习需要良好的音乐综合能力作为基石。音乐综合能力是提高即兴伴奏能力的关键。在教学中，我们也发现，由于过分强调钢琴演奏技术在即兴伴奏训练与培养中的作用，把钢琴技术训练和演奏能力的获得放在过高的位置，有唯技术论的倾向。在学习中忽视相关音乐素质的培养和发展，不愿意学习相关音乐理论知识，这种只关注单纯的演奏技能的学习，其后果是，学生练就了一手高超的钢琴演奏技能，却不能为简单的歌曲或乐曲进行钢琴即兴伴奏。由于缺乏良好的音乐素质，导致音乐欣赏能力、鉴赏能力和音乐表现能力的丧失，从而使得音乐伴奏枯燥无味，完全变成一种机械的音符交代。这种缺少音乐表现力的即兴伴奏，使钢琴即兴伴奏失去了其独特的魅力和艺术价值。目前，对钢琴即兴伴奏能力的形成，必须依靠良好的综合音乐素质来获得的观点，在理论上可以说已经达到了共识，但是，在实际学习中并没有得到真正的重视，甚至可以说，这样的认识只是停留在理论层面和口头上，并没有落实到具体的学习与训练中。要解决这一问题，必须把重视对音乐综合能力的培养落实到教学实践的每一个环节，加强对综合音乐素质与能力的培养，从而达到提高钢琴即兴伴奏的能力水平。因此，在教学中应注重对音乐鉴赏与音乐表现能力、音乐创作能力（包括旋律写作能力、和声编配能力、织体编写能力）和合作能力的培养，以达到音乐综合素质能力的提高。我们认为这是提高钢琴即兴伴奏能力的最有效途径之一。 3重视艺术实践环节 重视艺术实践活动的开展，是钢琴即兴伴奏的课程性质所决定的。钢琴即兴伴奏课程的学习与钢琴即兴伴奏能力的形成与发展，仅仅依靠课堂教学是不够的，只有结合课外艺术实践活动的开展，把课堂学习与课外实践有机结合才能达到教学目的。这是因为，一方面，课堂教学的时间是有限的。一般情况，教学时间少则半年，多则一年。由于钢琴即兴伴奏能力的形成与发展需要一个相当长的周期，在这有限的课时内，不可能达到完全掌握钢琴即兴伴奏的方法和形成即兴伴奏能力，而需要把学习延伸到课外艺术实践当中；另一方面，课堂教学内容是有限的，在课堂上所接触到的学习内容其范围是非常窄的，对这些内容的学习，只能帮助学生建立起一种基本的学习能力，这样的能力虽然可以为学习奠定一定的基础，帮助学生继续深入学习，但是，还达不到钢琴即兴伴奏的能力标准。因此，在课堂教学中，由于受时间的限制，通常能够得到锻炼的学生只是班级中的一小部分，而大部分学生能够上台表演的机会是很少的。由于实践得少而影响学生成绩的现象是教学中普遍存在的。因此，我们应该重视钢琴即兴伴奏学习中的艺术实践。实践活动应该成为重要的学习内容。 作者：郝伟智 单位：佳木斯大学
入门钢琴教学论文:浅析儿童钢琴入门教学基本方法 论文关键词： 钢琴 启蒙 教学方法 论文摘要： 作者根据教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为：让学生对钢琴进行认识，培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置，其步骤包括：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置，等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 随着我国社会经济的迅猛发展和人民生活水平的提高，如今钢琴教育逐渐走进千家万户，越来越多的孩子加入了浩大的琴童军团，同时对钢琴教师的需求也日益大增。面对一个零起点的孩子我们应该从何教起？我根据十几年的钢琴学习和若干年的教学经验总结出了一套通俗的方法。 兴趣是最好的老师。 根据相关统计，绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐，占总数的82%，一般的仅为16%，不喜欢的仅为2%。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下，对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查，则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42%，偶尔的占37%，不去的占21%。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外，更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长，而且受到家庭环境、社会氛围等诸多因素的影响。因此，无论是幼儿学习钢琴，还是音乐教师教授钢琴，培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向，对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用，而且有效地培养幼儿注意力的形成，促进智力方面的发展。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30—60分钟不等，一般课时安排为一周1—2节。 首先让学生对钢琴进行认识，尤其是对钢琴键盘的识别与记忆，并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授，要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正，坐得端正而不僵硬，上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开；下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜，膝盖的位置在琴边下，双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分，手臂与手腕的感觉与形态，再到教授手形、手指，等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用，因此应该注意好习惯的培养。手型应放松，手指自然弯曲，用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起，像是虚握着一个圆球，手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置，四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼，目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法，目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识，例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平，等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后，教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置，每节课的必要步骤为：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤。 在每节课开始前，教师应该先询问孩子在家的练琴情况，然后开始基本功的练习，让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏，并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较，培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图：利用现代教师的示范吸引学生的注意力，激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析，让学生体验到作曲家写作时的情感基调，从而更好激发学生的情感共鸣，为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点，即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标，使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平，继而培养孩子的各种能力，如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操，等等。根据个体和家长需求的不同，再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩，并且记录老师上课的内容，根据学生的上课实际情况，家长要及时督促学生进行学习，这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。 入门钢琴教学论文:钢琴即兴伴奏入门教学中的五大障碍及解决对策 [摘要]本文从钢琴即兴伴奏课教学实践出发，详尽分析了学生在初学这门课时存在的最主要的五大障碍：和声配置、和弦连接、伴奏织体、对歌曲旋律和节奏的补充“加花”、移调。并且通过细致的理论研究和实践总结，对以上五大障碍的解决对策进行了详细的剖析，指出学生只有认清障碍、用科学的方法刻苦训练，去解决以上障碍，才能突破钢琴即兴伴奏的第一道门槛，从而迈向更广阔的专业学习之路。 [关键词]和声配置；和弦连接；伴奏织体；补充“加花”；移调 钢琴即兴伴奏是一门集钢琴演奏、和声理论及作曲理论为一体的综合性学科。要学好这门课，除了要具备一定的钢琴演奏技巧外还要学量的和声理论知识。更重要的是，还要在实践中和演唱者配合，并且要乐感、节奏感都很好，为烘托气氛，在歌曲的关键处还要加入自己的一些即兴创作。所以，这门课对学生的要求是比较高的，但学生往往力不从心，在学习的过程中存在许多障碍，特别是入门阶段，从而影响了学习的积极性。笔者通过多年的教学实践及调查研究，归纳了其中最主要的入门学习阶段的五大障碍及解决这些障碍的对策，现总结如下。 一、入门教学中的五大障碍 (一)和声配置 学生对一首简单的歌曲往往只会用右手去弹旋律，而左手却不知道弹什么，这就是和声配置的问题。钢琴即兴伴奏最主要就是把和声以某种形式在键盘上快速准确地弹奏出来。而学生往往不知道如何为旋律编配和声，这里主要有四方面的问题。 1 对和声这种多声部语言还不太熟 配和弦时只会从纵向上与旋律保持协和，考虑孤立的和弦配置，而不太注重进行整体性的和声语汇的配置。这就好像是在说话时头脑里想的只是个别的单字，而不是有完整意思的词汇和句子一样。造成的结果是配出的和声只是杂乱无章的一些和弦组合，而形成不了具有完整清晰功能走向及丰富和声色彩的和声语汇进行。 2 目光比较短浅 不会从大局上考虑合理地安排和声节奏，仍旧只是片面追求和旋律的协和，而随心所欲地安排和弦，使和声节奏杂乱无章。造成的结果是和声节奏零零散散，不仅不能很好地配合旋律的节奏，甚至和旋律的节奏打架， (如和声切分)从而造成整体音乐形象的损坏。 3 对和弦之间相互关系不太熟悉 同一调性内的不同自然音和弦根据其根音之间的关系可以分为二度、三度、四度三种基本形式， (五度、六度，七度实际是上述三种形式的转位)而每种形式又可分为上下两个方向，如上二度关系、下二度关系等，不同的和弦进行会产生不同的力度及色彩的关系。学生往往在多个和弦都可以选配的情况下，因对不同和弦之间力度及色彩的关系不熟，就很难选对最合适的和弦，从而很难取得最佳的音响效果。 4 难以鉴别旋律中的和弦外音 有些学生总是把每小节的第一个音当作和弦音配上和弦，将以后的非和弦音一律当作和弦外音。这种方法虽然偶尔也有效，但是更多的是会遗留下很多没有解决的非和弦音，从而造成音响的紊乱不清。 综上所述，正确合理的和声配置已经成为学生初学钢琴即兴伴奏第一道最重要的障碍，如果这一障碍不能很好地解决，那以后的学习将会很艰难。打个比方，就好像一个人在学习炒菜，如果他不会选菜，每次选的菜都不新鲜，那他就算炒菜技术再高，最后炒出来的菜也是很难吃的，而最终丧失炒菜的信心。弹钢琴即兴伴奏也是一样，如果学生不会对旋律配置和声，每次配的和声都不正确，那他就算弹奏技术再高，最后弹出来的音响效果也很难如人意，而最终导致丧失弹伴奏的信心。 (二)和弦连接 对一首已经配置好和弦的歌曲，接下来就是把这些和弦采用四部和声的形式用与声连接法或旋律连接法连接起来，并在钢琴上弹奏出来。但大部分学生只对和弦的原位比较熟悉，对和弦的转位则不熟。而规范的和弦连接必然要涉及到和弦的转位，所以很多学生在做这一练习时错误百出，和弦位置专门弹自己熟悉的，根本就不管是不是正确规范的连接，更有甚者全部都弹和弦的原位。这样一方面养成随意的坏习惯，另一方面从弹奏技术上也增加了难度，并且弹出的音响则杂乱无序，毫无声部走向的规律可循，自然也就很难听。 笔者通过多年实践教学得出的经验之一是：熟练地掌握正确规范的和弦连接已经成为学习钢琴即兴伴奏道路上继和声配置之后又一道关键的战略要塞，只有顺利通过这一要塞，后面的路才能畅通无阻。 (三)伴奏织体 对所有的歌曲，就只用一种伴奏织体，而且从头弹到尾，没有变化。这样弹奏造成的结果是效果单调，很难烘托歌曲情绪的起伏变化。 (四)对歌曲旋律和节奏的补充“加花” 对一首歌曲只会弹基本的旋律与节奏，而很难在歌曲重要的地方即兴地“加花”，并且很难通过节奏、织体的变化及更多的“加花”，把歌曲的高潮烘托出来。 这实际上涉及到弹奏者的作曲技法、乐感以及是否能激发“创造性思维“的问题。钢琴即兴伴奏和钢琴演奏很大的不同处在于即兴伴奏所弹的音大多是自己根据歌曲旋律的理解而创造出来的，所以同一首歌曲，每个人弹出来可能都不一样，而每个人在即兴伴奏时，应该把自己当作一个作曲家，充分调动自己的乐感，激发自己的“创造性思维”，从而创造出更多的“加花”出来，当然应恰到好处，效果是“画龙点睛”，而不要“画蛇添足”。 (五)移调 弹一首歌曲，用C调以及常用的F调、G调还好，但一换成其他的调，则一筹莫展，无从下手。这就是对键盘的熟练程度问题，也就是移调的问题，这是大部分学生一个普遍的大难题。 二、针对入门教学中五大障碍的解决对策 针对以上学生存在的五大障碍，笔者通过理论研究和实践检验，梳理出了一些对策，总结如下。 (一)和声配置是重中之重 教师在教学中，应加强和声应用的教学，要和“专业和声课”有所区别，更多地应以学生喜爱的歌曲为例来讲授和声理论，并以键盘和声的形式在钢琴上弹奏出来，让学生听到实实在在的和声音响，并尤其要注意以下几个方面。 1 和声的功能进行 选配的和弦首先应尽量在纵向上与旋律协和。更要注意横向T-S-D-T的和声功能进行。前面已经提过，和声是一种语言，它有自己的语法规律，教师应更多地引导学生从听觉上去感受和声的规律。在具体配置时，可以采取先配和声意识非常明确的小节，然后再根据和声功能进行的规律，把其他小节的和弦选配出来，这样就可以清晰地感受到和声的功能进行。 2 注意和声节奏的安排 合理安排和声节奏是学生面临的又一难题。和声节奏即和弦变换的频率，它往往与旋律的节奏呈对比的关系。当旋律节奏很活泼，速度很快时，和声的节奏应该平缓，起着烘托的作用。而当旋律较抒情，节奏速度较慢时，和声节奏应加快变换，以起到推动旋律内涵发展的作用。总的来说，弹奏者应尽量保持和声节奏进行平稳、统一，以 从听觉上可以清晰地辨别和声的功能进行以及色彩的变换为原则。否则就像一个人说话没有条理，意思表达不清。所以学生如果从一开始就应注意把和弦进行的功能走向和规范的和声节奏结合起来为旋律来配和声，就可以逐步提高自己和声配置的能力。 3 注意理顺和弦的相互关系 在和弦配置过程中，在和声功能进行及和声节奏都配好的前提下，为了取得更好的效果，则应考虑和弦的关系。和弦的关系可分为强弱两种进行，如下表： 垒曲还是应该以强进行为主，弱进行为辅；如需表达力度，宜多用强进行，如仅表达模糊的色彩印象，可多用弱进行，一切还是应从内容出发。 其中四度连接的和弦有一个共同音，两个不同音，其音响的新鲜性与联系性相对比较平衡，比较符合听觉审美感的一般要求，所以我们在和弦选配时首先应该掌握好运用四度关系的和弦连接。一段即兴伴奏的音乐，如果以四度连接的和弦组成基本和声语汇，将使得整体音响获得比较朴素、新鲜而又自然的音响效果。而在运用四度连接的同时，结合运用一些二度连接，特别是上行二度连接，则将取得更为鲜明、强有力的效果。古典和声中常见的Ⅰ―Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ的进行，包含了两个上四度进行与一个上二度进行，就是这一语汇的典型表现。对于下行二度的连接，特别是连续下行二度的连接，常给人下沉、坠落的感觉，一般用的很少。如果希望获得更为柔和的效果，则可以较多地采用一些三度关系的连接，例如：在大调中使用Ⅰ-Ⅵ、Ⅰ-Ⅲ等一些三度连接，将使和声音响在明亮中透露出温馨的色彩，这对于抒情歌曲是非常合适的。简而言之，和弦连接的基本要领是：一般以四度连接(特别是上行四度)为主，同时根据不同情况辅以二度或三度连接。 4 注重和弦外音的训练 和弦外音的处理非常灵活，在教学过程中，教师除了要把和弦外音的基本概念以及基本用法讲清楚外，还应该以大量的歌曲为实例，把和弦外音与和声功能进行以及和声节奏的处理统一起来进行教学。具体可以先根据和声的功能进行确定和声节奏，考虑好前后和弦的连接，然后来考虑和弦外音的处理，和弦外音一般要解决到和弦音。这样日积月累，学生就会逐步熟悉和弦外音以至能够熟练运用。 (二)和弦的连接 和弦可以转位，每个三和弦都有三种位置。在初学阶段，教师通常应该要求学生对有共同音的和弦用和声连接法，而二度关系的和弦连接用旋律连接法，并且注意低声部和上方三声部反向进行。这样根据主和弦的三种位置，正常的和弦连接就有三种序列进行。而很少有学生可以快速准确地把这三种序列进行弹得很熟，稍微好一点的学生也仅限于对正三和弦的连接比较熟，而一旦加入更多的副三和弦以及变化音和弦后就反应迟钝。更有部分学生就像上面提到的一样，只是弹自己熟悉的和弦位置，而不管其正确连接与否。 教师应要求学生对这三种序列进行要弹熟，并且可以就一组典型的和弦序进来进行训练。例：规定一组在c大调上的和声进行如：Ⅰ-Ⅲ-Ⅵ-Ⅳ-Ⅱ-Ⅵ-Ⅰ。要求学生当即用主和弦的原位来开始连接，并在此基础上进行第一转位及第二转位的和弦连接练习，然后把三种位置的和弦连接连贯起来弹奏，达到熟练的程度，并背下来反复练习，最后移调练习。 在上述和弦连接练熟的基础上，可以练习旋律连接法。总之，学生要花大量的时间及精力对任一三和弦的三种(七和弦是四种)位置都要练熟，并且要对任两个和弦之间的连接(无论是和声连接法还是旋律连接法)都要非常熟练，只有经过这样严格刻苦的训练，才能把正确规范的和弦连接这一钢琴即兴伴奏最重要的一项技术练好，这也是学好钢琴即兴伴奏的关键之一。 (三)伴奏织体 对于伴奏织体，学生首先要了解其概念：即指在多声部的伴奏音乐中，把和声声部根据歌曲内容的需要进行有机组织的一种形式。其结构类型分为三种。 1 和声性的织体(主调音乐) 其结构有三个层次，分别为： (1)旋律层(包括主旋律和副旋律) (2)和弦层(包括柱式、半分解、分解三种基本音型) (3)低音层 2 复调性的织体(复调音乐) 3 综合性的织体(既有主调，又有复调) 而在钢琴即兴伴奏中，使用最多的就是和声性的织体(主调音乐)，其次是综合性的织体，纯粹复调性的织体因其不适合即兴伴奏而很少使用。所以我们主要研究和使用的就是和声性的织体。 对于伴奏织体的障碍，我觉得学生最大的问题首先在于“层次”的把握不当。对于一些很简单的儿童歌曲，确实有时全曲只需要一种伴奏织体就可以了，关键就是要弹得轻巧、流畅，在某些关键处节奏有些变化就可以了。而对于一些内容稍微丰富、篇幅稍微长一些的歌曲，则仅仅用一种伴奏织体贯穿全曲显然是不够的，这时就需要安排全曲的层次，在呈述的段落中要弹得简单清淡，而在展开的高潮段落时，可以增加和弦的厚度及加密和弦的节奏，并增强和弦弹奏的力度，从而和前面形成对比。如果是三段体，最后结束段可以回归到前面的呈示段落。 其次，和弦音区的选择对于伴奏音型的弹奏效果也是非常重要的。和声声部活动的最佳音区并不宽，仅有以中央C为中心的上下一个八度左右，扩大一点，一般也不超过两个八度。只有在这一音区内奏出的和弦才具有比较理想丰满的和声效果。如果将同一和弦提高八度，将获得明亮但缺乏力度和弹性的效果，如果降低八度，则又将获得浑浊、沉重的效果。而很多学生恰恰是音区选择不当，影响了弹奏的效果。 总之，伴奏织体的合理运用，一定要结合歌曲的内容灵活运用，并在弹奏过程中形成对比，这样才能起到烘托歌曲情绪的作用。 (四)歌曲旋律和节奏的补充“加花” 对旋律的补充要注意以下几个问题： 1 不要在歌曲进行中毫无目的的乱“加花” 一般在歌曲进行到延长音或休止符时，这时为了音乐进行不至于出现停顿，作为伴奏，应当主动对旋律加以补充，从而达到推动旋律往前发展的目的。练习这一手法，要注意音区的安排，一般模仿声部都应该高一个八度或低一个八度，不要与原旋律在同一音区，否则从听觉上很难区分开来。 2 加花的手法主要可分为模仿性、华彩性及线条性三类 (1)模仿性补充的材料主要来源于原旋律，可以用严格模仿或变化模仿的方式，以起到对原旋律进行呼应、总结，使长时值音的内涵及乐句本身所具有的情绪更好地表现出来。 (2)华彩性补充的材料则来自和声，包括和弦、分解和弦、琶音、自然音阶、半音阶、双音等，音区选择多用于高音区或低音区。他们的效果各有不同，适合于各种不同类型的歌曲。 (3)线条性补充的材料是在和声的基础上，加入和弦外音，发展为更具有表现力的线条，所以线条性补充是一种更具有“创造性思维”的补充手法，也更富有抒情性，多用于慢速或中速的歌曲伴奏。 3 要和歌曲伴奏织体的层次相结合，要分清楚将在哪 个层次上补充加花 例如：模仿性补充的材料和线条性补充的材料一般加在旋律层及低音层；华彩性补充的材料更多地加在和声层。 当然，除了这几种主要对旋律的补充手法以外，还有很多其他的手法，如衬腔式、过渡式及装饰性加花、外音花奏等手法。怛不论采用何种补充材料都必须在和声与节拍上与旋律保持一致，而以节奏、音区与和弦外音的对比变化为旋律增色，以达到烘托歌曲情绪，渲染歌曲气氛的目的。 (五)移调 移调练习也是学生的一个普遍难题。钢琴即兴伴奏的复杂性在于，只有同时解决和声、织体、结构、音响、钢琴演奏技能、创造能力等诸多关系，才能成功演奏哪怕一首短小的钢琴即兴伴奏。而为歌曲伴奏时，大部分采用简谱，需要随时移调，也就是说，上述各个必须掌握的方面应当能够临时在任何调性上予以实现，其困难程度可想而知。但移调练习也不是没有规律可循，只要学生循序渐进，持之以恒，多弹多练，是可以逐步熟悉键盘的。现总结规律如下： 1 把C调练熟 首先应在C调上把所有的和弦连接及常用的伴奏织体练熟。当然选择歌曲的时候尽量选C调或靠近C调的歌曲如D调、降B调等，这样演唱起来也比较自然。 2 在此基础上，把在C调上练熟的和弦连接及伴奏织体整个移到相临近的D调及降B调上进行练习 因为相隔得很近，所以在C调上的和弦连接序列可以不用改变其原来的位置，如第一个和弦的位置在C调上是原位，那移到D调上仍是原位，后面和弦连接也照旧进行，只不过是移高了一个大二度而已。这样可以保持和弦位置的相对固定，也有利于学生的弹奏。 3 在和c调相隔四、五度的F、G调上练习 这时由于位置相隔较远，有必要把在C调上的主和弦的位置通过转位加以调整，以取得最佳的音响效果。这就需要对各和弦的原位及转位都要非常熟，特别是带有变化音的和弦，位置更要多加练习。 4 万事开头难 在练熟上述四个调的基础上，再用近关系调的规律逐步熟悉其他的调，总共12个调，练熟常用的9个调，一般的歌曲就没有什么大问题了。 5 在和弦的练习过程中，可采取固调和首调相结合的方式练习 如：固定的F和弦，在首调中是C大调的Ⅳ级和弦，F大调的I级和弦，降B大调的Ⅴ级和弦等。多进行这样的训练，学生就会逐渐地熟悉各个和弦，会逐渐发现原来很多不同调的不同级的和弦竟然是同一个和弦，这样就会达到降低熟悉各种和弦的难度，提高练习效率。 以上所述是本文列举的在钢琴即兴伴奏中存在的最基本的五大障碍，除了这些以外，还有其他的障碍，如确定歌曲的调式、调性，分析歌曲的情感表现及曲式结构；正确处理歌曲的前奏、间奏、尾奏；五声调式歌曲的和声处理；转调歌曲的和声处理；合唱歌曲的处理等等。但这些障碍应该是在钢琴即兴伴奏的提高部分所将要面临的。由此可见，学习钢琴即兴伴奏这门课确实是障碍重重，但是只要我们坚定信心，不畏艰难，认清障碍，用科学的方法刻苦训练，相信一定会有收获，取得长足的进步。 入门钢琴教学论文:幼儿钢琴入门教学中的趣味引导 幼儿钢琴入门教学的方式很多。作为教师，我认为首要的任务是如何正确诱导孩子们喜欢上音乐，并对钢琴演奏产生巨大的兴趣。著名的俄罗斯钢琴教育家尼古拉耶娃曾说过：“钢琴教学的基础是使孩子们喜欢上音乐，训练他们发现音符和旋律线条的能力，并使他们对任何事物都能产生灵敏的反应。”这段话不仅道出了钢琴教学的初衷，也告诉我们学习钢琴演奏的益处。我们都知道，目前来学琴的琴童年龄大多在五到六岁左右，他们可能绝大多数都喜欢音乐，对各种乐器也充满了好奇心，聪敏好动，富有想象力。可是想让他们把注意力长时间集中在一件事情上是比较困难的。因此如果从一开始就直接教授难度较大、较难掌握的手指技巧，以及识谱方面的知识，只会给这些年幼的孩子带来困扰，增大学习难度。最重要的是会打消他们的学习兴趣。所以，对于幼儿钢琴入门教育，教学中所必须体现的趣味性教学方式至关重要。 当学生第一次走进课堂，我们不要马上就开始教授他们识谱、指法和手型这些相对枯燥的知识，这会让他们马上变得紧张、拘束，因为越是年龄偏小的孩子越没有耐心。教师应该和他们在琴上做一些“游戏”，让他们在玩耍中了解这门乐器的特性。比如：先是用形象的方式让他们了解钢琴这种乐器的特性，以及其作为“乐器之王”所能表现出来的广阔音域。可以弹奏不同风格的旋律，或是模拟各种动物的声音，让孩子们说出他们自己的感受。如最左边的低音区弹奏起来音色较厚实，很像狗熊之类笨重的动物；中音区声音沉稳，像是大提琴等乐器的方声效果，是最常用到的音区；而高音区音色明亮，能模拟出鸟类清脆的叫声等等。总之要让他们发挥自己的最直接、最自然的想象力。当我们对孩子进行音乐感觉诱导的同时，给他们讲述一些与钢琴有关联的知识，像讲故事那样。例如钢琴的发展历史，从管风琴到古钢琴、到近代钢琴，要找来一些相关的图片，或是影像资料展示给他们看。使他们从第一节钢琴课开始就初步了解这门乐器，并产生强烈的好奇心，从而期待下一次的授课。 给孩子们的第二次课是进行节奏和听力的训练。首先我们在琴上用同一个音符弹奏出长短各不同的声音，要求他们分辨出哪些是长音，哪些是短音，并模唱出来。例如： 有的时候我们会发现部分孩子天生就具有良好的听辨能力，因此可以更进一步的请他们试着说出长音与短音之间的关系。 接着，用两个音符按不同的时值组成简短的旋律，请他们自己编歌词。歌词的内容可以是自己的名字，或是孩子们自己喜欢的花鸟鱼虫的名称，然后富有表现力的唱出来，把它变成好像儿歌一样。例如： 之后，我们还可以让学生自由发挥。让他们发挥想象力，用自己喜欢的任意音符编曲，并将这些简单的旋律弹奏出来。当孩子们边弹奏边唱的时候要告诉他们，需要把长的音符弹得比短的音符重一些，这样能让他们了解节奏的概念，并使他们确定学习的方向。而孩子们也会感觉到趣味所在，从而摆脱常规教学中的枯燥乏味。 在随后进行的几节课中，我们开始选用一些简单的旋律或是孩子们熟悉的歌曲，将同一首歌曲放在不同的调式中进行演奏，要求孩子们跟着一块弹。可他们弹什么呢？当然，他们只能负责伴奏的部分。其实就是用一个手指根据自己的听辨理解有节奏地弹奏出不同的音符。好像是打击乐中的鼓手，只不过钢琴是带有旋律的。教师要引导他们去感受用什么音符听起来是和谐的，不刺耳的，因为能使用到的不仅仅有白键上的音符，还有黑键上的。这样的练习会让孩子们对调性和不同的调式有初步的认识，并使他们熟悉键盘上的音符。之后，还可以布置课外作业，请他们回去之后自己编曲，进行简单的创作，再根据创作的内容给乐曲命名。学生们一定会产生浓厚兴趣的。在这一阶段，孩子们是在不识谱的情况下进行简单的弹奏和有意义的练习。我们要给他们足够的空间发挥自己的音乐天赋，并多加鼓励和支持。尽量使孩子们没有负担，能够积极主动地学习。 幼儿钢琴教育看起来容易，但其中却大有学问。教师往往要扮演不同的角色，是老师、是家长，还是可以一块游戏的大朋友。给孩子创造轻松愉悦的学习环境，让他们在游戏中学习成长，这是每位教师必须做到的。虽然不是所有的孩子最终都会走上专业这条道路，但正如尼古拉耶娃所说，学习音乐、学习钢琴演奏带给人们的不仅仅是一门技术，就如我们的学前教育，看似简单，却是孩子们今后学习的基础。许多习惯就是在这个时候养成的，因此不容忽视。 入门钢琴教学论文:幼儿钢琴入门教学中的兴趣引导四法 在素质日渐成为参与当今社会竞争的一个重要指标的前提下，家长亦视素质培养为教育目的，而钢琴学习，逐渐成为家长与孩子的首选。据相关统计数据可以看到，绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐，占总数的82％，一般的仅为16％，不喜欢仅为2％。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下，对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查，则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42％，偶尔的占37％，不去的占21％。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外，更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长，而且受到家庭环境、社会分为等诸多因素的影响。因此，无论是幼儿学习钢琴，还是音乐教师教授钢琴，培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向，对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用，而且还有效地培养幼儿的注意力形成、促进智力方面的发展。 幼儿期是儿童心理快速发展的重要阶段，此一阶段的儿童心理和生理上均不成熟，从而表现出学习中自控能力不强；学习时记忆能力较差：体能无法支持长时间弹练学习等特点。因此开发幼儿学习钢琴的原始兴趣，使之持久并将之逐渐转换为学习的动力，必须把握上述三个方面的特点。生动、形象是针对幼儿教学的一个关键，许多孩子的兴趣往往起源于“听起来好听”或是长辈、老师演奏钢琴的样子很美，即“看上去很美!”当真正接触到实际学习的时候，面对复杂的音符、节奏、技巧、演奏法等又会感到麻烦和头痛。为此，笔者结合多年教学的经验，将幼儿钢琴教学中的兴趣引导法归结为以下四点，以就教于各位方家。 方法一：声音模拟导入法 幼儿的天性就是模仿。拥有88个键的钢琴的每一个琴键都可以模拟出一种大自然的声音。 琴键模拟动物叫声熟悉音色：如将C2C、c1、c2几个键子的音色分别加以弹奏，模拟出老牛、小狗、小猴、花猫的声音，让孩子感受。引导孩子分别用两只手的3指、2指、1指，采用重量弹奏法进行试奏。熟悉以后，老师弹奏其中任一音色，让孩子分辨模拟的是哪种动物。 节拍把握：通过简单的模仿此时孩子们的兴趣已经高涨。在这个时候导入节拍、时值的实质含义(如，四分音符、二分音符、全音符等等)的教学。例如引导幼儿学习小狗叫四声，每次一拍；小花猫叫两声，每声两拍；老牛叫一声四拍，让孩子口中数拍。反复数次，加深印象。 手腕断奏弹奏法：可引导幼儿敲击琴盖，模拟出啄木鸟尖嘴啄木“笃笃笃”的声音，并将基本弹奏方法教给幼儿(手腕上下运动等)。然后，再到琴键上，找准音符位置弹奏。同时将节奏模拟出来，并感受其手指尖的触感。 倾听生活中的声音：让孩子倾听声响与雨滴溅落的声音，让幼儿倾听并回忆雨水滴落在地面、石头、落叶或家里水龙头嗒嗒嗒的声音。让幼儿感受声响与敲击琴盖上敲打的区别。利用具体曲目如《跳舞的雨滴》中给幼儿示奏，让幼儿从音乐、音强上了解音量的区别。 方法二：手指操练习法 除了对声音的感知外，以游戏形式锻炼其手指的灵活度和手臂的力度。也有助于提高幼儿学习钢琴弹奏的积极性。 手指操的练习包括拇指练习和手指练习。大拇指粗短有力，在弹奏钢琴时，大拇指既是左右运动与上下运动的结合，又是与腕部旋转运动的配合。通过对大拇指的锻炼可以为幼儿钢琴更高层次的学习打下基础。 大拇指操分为三个基本步骤：“手指滑动”拇指与食指做拈花状，拇指从食指顶部向食指根部滑动。其他手指也尽力向上伸展。从上到下，从下到上重复多次；“手指晃动”将手轻放在一个平面上，大拇指左右摆动：“手指旋动”做一个顶呱呱的手势，然后将大拇指朝下做摁图钉一样的左右旋转运动。 手指练习，让幼儿坐在琴凳上，双脚放平，自然分开。两个手臂慢慢抬起，与肩同高，做出拥抱柱子的姿势。然后手掌向下，手臂自然垂落到腿上。重复抬起、落下的动作。此外，幼儿拥有比较漂亮的手型和较为独立的手指，是钢琴学习中较为重要的前提，因此对手掌肌肉和手指关节的练习，是极为重要的一项。通过引导幼儿开展“石头、剪子、布”的游戏，将手掌放平，五个手指尽量伸直，做成一张大大的“布”，然后收起五指，握拳做“石头”状。重复多次。食指到小指的练习，可以通过拇指以外的四指并列整齐地向掌心合拢做关门状，重复“开门”“关门”姿势。“手指呼吸”运动，锻炼好手指第一关节的太指运动是找到钢琴触键点的关键，将食指与拇指做成O形，打开变成C形，就像小鱼的呼吸一般，重复多次，并逐渐向中指、无名指、小指与拇指的组合过度。 以上的手指运动随意组合可以实现对幼儿手指的多方面练习。教师还可以根据手指操的具体内容，加上生动的名字，便于激发幼儿的练习兴趣。 方法三：巧用教材导引法 3－4岁的幼儿对音区变化只能大致听出高音区和低音区音高的不同，到了5－6岁就存在了清晰的辨别。具体而言，幼儿对音乐首先感知的是拍子、速度等与节奏相关的音乐要素，而后才是对旋律音高节奏的感觉，最后感知曲式。在初级教材中，曲目旋律都在两个八度的中音区，从倾听中音区开始是一个比较好的教学方法。比如：《排钟》中模拟的钟声：《老麦克唐纳》中模拟的鸭子叫：《跳舞的熊》每小节第拍的低音，模拟出熊沉重的脚步：《印第安手鼓》和《部落舞》的左手部分对击鼓的模仿。同时还可以安排一些高音区和低音区的曲子作为欣赏，比如通过幼儿对鸟叫的经验，引导他们听《小鸟的歌》、《杜鹃圆舞曲》、《布谷鸟》等。通过欣赏在低音区进行的《大象走》感受其低沉、厚重的音乐，从而区别音区(音乐)的变化。 巧用教材引导的关键，是因人而异地选用钢琴教材。具体而言，对以提高艺术修养为目的的孩子，初学的时候以《汤普森钢琴教程》为主，辅以《拜厄钢琴基本教程》和《车尔尼OP.599》，以及盛建颐等主编的《儿童钢琴初步教程》；对于有专业意向的幼儿，车尔尼雪夫斯基、巴赫的练习曲以及小奏鸣曲，是开展学习的三条主线，适当地搭配中西方的一些现当代的钢琴曲的教学也可以提高幼儿学习的兴趣。 方法四：天伦引导兴趣提高法 幼儿钢琴学习中的兴趣提高中，父母也是重要的一环。没有父母参与的幼儿钢琴教学无疑是失败的。但实际的情况是，有的父母认为自己不懂音乐无法引导孩子；有的父母认为自己只要看住孩子，让孩子坚持每天的练习就可以了；有的父母甚至认为，孩子已经交给老师，所有的引导，培养都由音乐教师负责就好。这几种情形最终导致的结果都是，孩子逐渐丧失原始的音乐兴趣，视钢琴学习为负担和任务，导致钢琴学习的有始无终。 父母怎样提高孩子学习钢琴的兴趣呢?大致说来可以通过三种方法：其一，多听多看，潜移默化中引导孩子对音乐的感知。父母平时就多购买一些较为经典的钢琴曲目，在家中、车上进行播放。适当地选择一些反映音乐家故事的影视作品，全家一起观看。让孩子自己选择、树立学习的榜样，可以激发孩子学习的热情：其二，走入大自然。钢琴的学习不单单是在琴房或者教室里完成的，走进大自然，将学习与玩耍结合起来，家长引导孩子去倾听大自然的声音，包括各种动物的鸣叫，水流的声音等等。有助于加强孩子对音域的感知，家长可以在野外自行设计一些小游戏，比如为小动物的鸣叫打拍子，有节奏地拨弄水流发出声响等等；其三，展开互动学习。父母可以与孩子比赛的方式，完成对幼儿的激励。比如说在孩子练习钢琴的时候，父母找来相应的工作与孩子比谁做得更好，或者父母背诵熟悉的诗歌与孩子背记谱子比速度。 简言之，天伦兴趣引导法的关键是父母通过有趣味的游戏设计，以及家长与子女的互动，将学习变为生动、直观的接触。 结语 学习，到底是一条艰苦的道路，还是游戏，在现代的教育理论中是一个争论不休的论题。但是在教学的实践中，通过兴趣的开发，引导学生不断学习的动力却已经成为一个不争的事实。针对幼儿心理生理的特点，施予相应的教学，在教学中，贯穿教师、幼儿、家长的心血，是保障幼儿保持钢琴学习兴趣关键。 作者单位：湖南芷江师范学校怀化分校! 入门钢琴教学论文:浅谈钢琴入门教学 弹钢琴简易来说就是手指在琴键上的弹动,通过键盘受力使击弦机敲击琴弦发出乐耳的声音,因而手指上的基本功成为学习钢琴的关键。那手指该如何做好基本功的练习呢?咱们应从触键开始。 在了解“触键”之前咱们先来注意下一个重要环节,卓越的钢琴家约瑟夫・霍夫曼(波兰裔美国钢琴家)曾说过:“缺乏良好的基础对才能的发展及其危险。许多人毕生致力于改正他们在初级阶段中从无知的教师哪里学到的坏习惯,结果却失败了”。①所以在弹奏钢琴之初应具备良好的基础。学习弹奏钢琴,初期基础的学习是不可忽视的,基础不扎实会给后期的学习带来巨大的麻烦。在教育行业当中,启蒙教师是最为关键的,在音乐方面更是如此,孩子们在入门时是一张白纸,启蒙老师所教所讲的一些,在他们内心都会留下深刻的印象,他们会觉得启蒙老师教的一定是对的,但如果启蒙老师教的不够准确,那所造成的结果就是误人子弟。 在俄国,教初学者基本功都是由经验丰富、基础扎实的教师来担任,他们的工作不被人所忽视,不被认为是应有初级教师、经验生疏的教师来担任。 在我国,据初步调查发现现今学琴的孩子每年以30%的速度在逐渐增加,但这其中还是有60%的家长认为刚开始学琴可找一般的初级教师来教学,这是为什么呢?普遍的家长都有这样的看法,孩子刚开始学琴都是学一些基础的东西,练练手指,教教乐理,也没什么技巧性可言,先找个一般的初级教师就可以了,没必要找好教师,这样从经济上也可省一大笔,其实家长们这么做是大错特错。 大家都知道“万丈高楼平地起”,基础是最重要的东西,基础不扎实何以建“高楼”。如果在基础上出现偏差,会给未来造成严重的后果,“差之毫厘,失之千里”。大部分人都认为房子的地基都是埋在土里,反正大家都看不到,用什么材料大家也都不知道,就可采用差的材料,这种想法会给以后造成严重的后果。 其实还有一方面,很多的好教师都不愿意教授初级刚入门的孩子,因他们没受过严格的入门训练,都会存在这样那样的问题,需要花很多的精力来改正,改正一个坏习惯比养成一个好习惯难得多,有些孤僻的毛病也许一辈子都改不过来,这样的学生教起来就很累,所以有很多好的教师都不愿意教授初级的孩子。 再次就是刚入门学琴的孩子们普遍年纪都比较小理解力是有限的,但模仿能力是非常强的,所以在对孩子们初级的入门教学中采用最多的方式就是示范教学,那就造成教师的示范是非常关键的,如果教师没能做出正规的示范,这样不仅会造成入门的扭曲,还会使孩子们养成对事马虎不认真的态度,对将来的行为习惯都是非常不利的。 因此在孩子们入门初期就找个好教师是非常有必要的,好教师不仅受过正规训练自身素质过硬,还对孩子们的心理深有感触,一旦发现孩子们身上存在不良的习惯,他们可立即采取措施进行改正。一名称职的好教师会懂得如何引导孩子们正确的走这条钢琴的艺术之路,好的教师不仅可以教授孩子们智能、技能,还会教给孩子们如何为人处世,如何处理好与家长、与孩子的关系,一名好的教师会在无形当中给孩子们造成好的影响,所以选择一名好教师对孩子来说是受益终身的。 现今社会是不断进步的社会,相信随着社会的发展人民一定会认识到基础的重要性,而改变以往不正确的看法。 在学习钢琴初期,主要面临的就是如何正确的弹奏及相关基本功的要求,这个问题在许多钢琴教程或钢琴演奏入门等类的教材中都有相关的说明指导,在我看来阅读查看这类的教材,就如牛顿所说的“如果说我看得比别人更远些,那是因为我站在巨人的肩膀上”,这样是自我提升的一种方式。但在查阅众多名家撰写的教材同时也应注意,不能盲从,名家在撰写教材时所记载的都是自身的体会及教学所得的宝贵经验,所以就造成一定程度上的主观意识,如果盲目的跟从就会形成“机器式的生产”而丧失了自我,但教师所面临的教学对象都是各种程度的学生,在教学上一定要因人而异,为学生“量身定做”一套适合的教学方案,所以名家的教材可以借鉴但不可盲从。在众多名家教材版本查阅时可进行比较,取长补短避免盲从现象。据以往所学的经验及近几年的教学经验,在学习钢琴入门阶段应做好以下几点基本功练习。 一、“触键”首先应是手指的摆放,手指的摆放应遵守手指的自然长短规律,三指较长应处于白键靠近黑键处,二、四指应处于白键中间位置,一、五指较短应处于白键边缘。以上是手指摆放时指尖的触键位置,手指的摆放姿势应是保持手臂放松自然弯曲,手指每一关节都向外突出,手呈半圆形握球状,手腕下端与钢琴白键基本上保持同一高度,手腕高度应低于掌关节的高度,手掌关节在整个手型摆好的情况下应处在最高点的位置,以上就是手指摆放的姿势。 在钢琴入门时因学生还没受过这方面的手指训练,手指缺少独立性,关节在弹琴时会出现不稳的现象(就像婴儿刚开始学走路一样会出现脚站不稳的现象)。此阶段常出现的触键问题有: (1)手指第一关节过度与键盘垂直,易造成手腕过高使手指缺少灵活性,也易造成指甲触键发出指甲声,引起滑键。 (2)手指第一关节弹下时向内凹陷,变成大面积的指肚触键,会造成手指弹琴时无力,也延长了指尖触键的时间,无灵活性可言。 此时我们应注意培养学生手臂的自然放松,触键时体会手臂的重量充分落在指尖上,指尖第一关节与键盘角度应小于90度,指肚触键,手腕自然向下放松,手腕与掌关节形成一个“小斜坡”(掌关节高于手腕)。找手指在琴键上站稳的感觉,找到后多体会这种感觉,使之形成一种下意识的动作。 二、手指的弹奏初级练习 1.G指练习(非连音弹奏),手型摆放完毕保持不动,靠小臂的力量向上提起,落下时手臂、手掌肌肉放松,指尖绷紧,当指尖触到键盘时,弹下的手指保持手指关节突出、自然、美观,其余手指按原先姿势摆好,三指是处在整个手掌中心位置的手指,相对其他手指灵活,且稳定性更好,因此可从三指开始练习,再练习其他手指。弹奏过程中,手指在保持良好姿势的情况下做自由落体运动可逐渐提高手指的触键力度,在手指下键瞬间,迅速摆好触键姿势,以培养良好的触键姿势也为接下来要做的高抬指练习打好下良好基础。 2.高抬指练习(连音弹奏),高抬指其实就是指尖第三关节的运动,在手型摆好的情况下,手指靠第三关节(掌关节)抬高,下键时手臂放松,手指靠第一关节带动迅速下,并保持良好姿势,其余手指按原先姿势摆好。在高抬指练习中要注意,第四指天生较弱需邻指帮助方可抬高,当按照一至五指进行练习时五指帮助四指抬高,进行五至一指练习时三指帮助四指抬高。如此进行手指练习定可促进手指的独立性、灵活性。 在西方国家,曾有段时候,钢琴教师在给学生做抬指练习时是这样要求的,手一直保持一种如石头般坚硬状态,手指要有力的抬到最高,抬起的手指每个关节都应最大程度地向里弯曲,下键时手指像一把小锤子似的弹下,这样弹出来的效果就像钢琴家用石头敲钢琴,此法可以弹奏出响亮的声响,但所弹音乐毫无弹性,没有美的音色,此法在现今钢琴教学上是不被认同的。 我认为触键中的抬指动作是不必要的动作,著名俄国钢琴演奏家、教育家列文曾说过“最高的艺术效果,可以由最简单的手段来获得”②,所以我对学生的要求是专门关注掌关节的运动,手指的其它关节不动,在下键瞬间手指是绷紧的,下键完手指、手腕立刻放松,整个手型立刻回到最初放松的姿势与状态。 三、在弹奏钢琴过程中,身体、手臂(两肘)、手指三者的关系也极为密切。 身体:弹琴时身体的坐姿跟琴凳的关系是非常密切的,琴凳坐的距琴太近不利于两手的弹奏,感觉会受到限制,琴凳距琴太远又不利于重心的把握,两手易发虚,所以琴凳与琴的距离应调整到一个舒适的距离,初学者最好在老师的指导下进行调整。身体应坐于琴凳的三分之一处,不要把琴凳全坐满,双脚着地起支撑作用,上身挺直,腰不许塌陷,这样,可以从腰或者更下一些部位用力,上身略微前倾,这样坐有助于身体的重心向前,有利于力度更充分地下到指尖。 手臂(两肘):弹琴过程中手臂应自然放松不可坚硬,两肘略微向两侧张开,首先是两肘自然张开,从外观上看更美观。其次两肘略微向两侧张开,有利于上身力度通过手臂下到指尖。再就是有利于手型的摆放,如手臂紧贴身体,不利于手型的摆放,易造成小指向两旁倾斜,如两肘张开,小指就自然立好。 手指:手指是直接与琴键接触而发出声响,指尖上的力度就来源于身体、手臂(两肘)的力量,如离开身体与手臂(两肘)的力量,指尖就会发虚,如触键就会是压键而不是弹奏。所以要弹好钢琴三者的关系一定要处理好,三者是相铺相成的,缺一不可。 钢琴弹奏中,正确的触键是非常重要的,因触键的方式、力度、位置不同,所弹出的音量、音色也都不一样。鲁宾斯坦曾这样比喻钢琴“钢琴是一百件乐器,而不是一件乐器”,这足以说明钢琴的表现力是丰富多彩的,那如何把这件丰富多彩的乐器发挥的淋漓尽致,应从钢琴的触键上注意,正确的掌握好不同的触键方式、力度、位置,一定可以达到事半功倍的效果。运用正确的姿势弹奏,手型和内在的肌肉感觉均会形成一种良好的习惯。任何习惯在一开始形成时是最重要的,它将会变成弹奏时的下意识动作。如果开头不注意,养成了下意识的坏习惯,以后改正它将会非常困难,尤其是对自控能力还不强的孩子。③好的开始是成功的一半,愿钢琴爱好者们拥有一个好的开始。 入门钢琴教学论文:论钢琴入门教学 一、学习钢琴的意义 300年来，钢琴艺术达到了空前的发展：浩瀚烟海的作品，群星璀璨的演奏，科学严密的教学，所以，钢琴被人们成为“乐器之王”“音乐王冠上的明珠”。从西方16世纪以来，几乎所有的作曲家都在钢琴音乐宝库中留下了他们最有价值的遗产。 钢琴具有无可比拟的表现力，也是所有乐器中唯一用最没负担的姿势坐着演奏的乐器，学习钢琴不但能使手指的指尖得到刺激，而且能使脑、眼、手、脚、耳，全身心得到锻炼，长期训练对年纪大的人来说，可以有效预防老年痴呆症，愉悦身心，提高生活情趣。对孩子们来说，可以在组织能力、协调能力、指挥能力、阅读能力、记忆能力、理解能力、想象能力、听辨能力、以及观察力、注意力、忍耐力等各方面都会有明显提高。所以，学习钢琴会让人变得聪明是不无道理的。 二、正确看待钢琴入门教学的重要性 我国的钢琴普及随着改革开放不断深化，在国内拥有数量庞大的学琴队伍，这对提高民族的音乐素质大有裨益，同时对钢琴教师的需求也日益增长。然而，受过合格的、正规的训练的钢琴老师却非常短缺，造成师资队伍鱼目混珠，参差不齐的现象很严重。有的老师一知半解，有的会弹几首歌曲，就开始做起了钢琴老师，这样带来的后果很严重，有的学生因弹奏方法的问题只好中途放弃，有的坚持下来了，错误的弹法却一直改不过来。 启发入门阶段，每个学琴者都是一张白纸，这时期学习正确的弹奏方法是关键，通常的外行话就是先找个老师学学看，以后再找好一点的老师，现在初级，老师的水平不用高的，在大多数人的眼里，初学时低级的，很简单的。但是事情恰恰相反，入门阶段直接影响学生今后的发展前途，就像盖高楼，要先打好地基，否则就会坍塌，现实中多少好的苗子半途而废。许多学生即使换了老师，因为“先入为主”的印象，错误的方法很难改正，这样的教训屡见不鲜。所以，在选择老师的问题上，首先要考虑老师的演奏水平、教学经验和教学成果。老师的水平越高，走的弯路就越少。如果在当地找不到教授，演奏家级的老师，也要去找钢琴程度相对浅点，但是要经过正规学习过的老师。 三、钢琴入门的基本技术 入门教学的对象：学龄前儿童，他们的目标是开发智力，练习协调性；也有青年人，他们有的是个人爱好，有的是从事了音乐这门专业；也有老年人，他们纯粹是消遣和增加生活的乐趣。对与不同的对象，教学计划和进度都会不一样，但是主要的教学任务和要求基本是一致的。 1.正确的坐姿：弹钢琴的坐姿要在自然、放松的基础上取得座位、脚支点、手支点这三个重力支点的平衡、协调。琴的高低至关重要，这里有一个原则，那就是，坐上琴，双手置于琴键时，肘部与键面基本在一个水平上，自然下垂侧身的上臂与肘部形成略微大于90度的钝角为宜。如果是小孩子，要在脚下垫上脚垫，悬空的双脚会失去支点而造成坐姿不稳。当然，脚垫的高度要适中，过高也会造成重心后仰。琴一般只坐三分之一，要感觉到臀部和脚对身体重心的支撑。演奏时，需要身体的重心前移，支点放在脚上，将重力送至指尖。有几种不良的姿势要注意：僵硬直立、绞脚绕腿，弓腰驼背、端肩吊臂，这些都要杜绝出现。 2.非连音弹奏法，又称为手指支撑练习，断奏是钢琴最简单、最基本、最自然、也是最重要的弹奏方法。它运用整个手臂的自然重量，从键的上方“落下”，弹出结实、饱满的声音，这时手指第一关节牢牢的勾住键盘，支撑住肩、臂传下来的整个重量，手腕的高度与键面平行，掌关节拱起，腕关节往后自然放松，掌关节和第一关节坚挺，做到“前挺后松”。对于年龄较小的学生，可以用1、2、3指组成音束，弹奏dao\re\mi三个音。年龄大一点的，直接用三指开始练习，因为三指的稳定性最好，支撑力也最强，它又位于五个手指中间，比较容易保持手型，三指训练后，接着是二指，四指、最后是大指和五指，五个手指中，小指最细，支撑力也最差，所以训练的强度和力度要有很长的一个过程。单音训练有了一定的基础，就可以进入双音训练。 3.连音弹奏法：要求音与音之间没有缝隙，连音是最常用的，也是最重要的一种演奏方法，同时也是最复杂多变的演奏方法。连音奏法的关键是重量转移，应从两个音开始，第一个音象非连奏一样从键盘上方落下，手指支撑住来自臂膀的重量，然后抬起第二个手指，在弹奏的同时把重量转移过来。这里掌关节的动作要大些，他有两个功能，一是快速的挥动手指击键，二是把重量从前一个手指上搬运过来。可以让学生站起来，体会人的重心从左脚换到右脚，再从右脚换到左脚时的感觉，这和手指间的重量转移的道理是一样的。掌握的两个音的连奏，就可以练3个音，4个音。5个音，直到一串音。弹完最后一个音手应该从键盘上提起，这样就产生了分句的效果。学习连音奏法要特别注意音与音的连接，后一个音未弹下去之前前一个音不能放掉，否则音就不连了，后一个手指触键后，前一个手指要及时拿掉。否则音会浑浊不清。 4.跳音弹奏法：跳音弹法不像非连音、连音一样单一，可分为：手指跳音、手腕跳音、肘部跳音、大臂跳音。开始建议从手指跳音学起，让手指贴住琴键，象拨弦一样，往外里一抹，迅速发力，迅速弹开，手腕、手臂都保持安静，主要是指尖的动作。音量要求小点，耳朵听好音的弹性，体会指尖的敏感性，这对学习其他跳音是至关重要的。掌握了指尖第一关节动作要领后，建议学习肘部跳音，这时以肘部为轴心，手腕保持固定，指尖快速向下拨键产生反弹力，整个前臂快速弹起。肘部跳音适合运用于音符节奏进行不太快，力度较强的单音、双音或和弦。在入门阶段比较实用，也比较容易结合乐曲大量练习。手腕跳音的要领是：手臂保持不动，手架子保持稳定的拱形，指尖第一关节发力后，手腕快速弹起，外形看起来象小鸡啄米，在慢速度时指尖一定要主动的拨键，速度加快后手腕放松且有弹性的上下动作，幅度不宜太大。手腕跳音实用与速度较快，灵活，活泼，力度中等偏弱的段落。大臂跳音在入门阶段可以忽略，在初学的乐曲中很少用到。 四、科学的选择教材 近几年来，我国引进了很多国外的优秀入门教材，也自编了很多种适合中国学生弹奏的教材。一方面为学习者提供了丰富选择余地，同时也增加了选择的难度，现在国内用的较多的是《汤普森简易钢琴教程》简称小汤、《儿童初级钢琴基础教程》简称儿钢、《拜厄钢琴基础教程》简称拜厄，《高等师范钢琴基础教程》简称高师。 对于幼儿园中班上学期之前的幼儿，建议使用小汤作为入门教材，它每页都有小朋友喜欢的图画，识谱从中央C开始，同时学习高低音谱表，使儿童从已开始就有高低音谱表的统一概念，音乐较为丰富，前三册的难度跨度不大，比较适合这一时段的儿童年龄特点。不足之处是一开始就用大指进行连奏，老师在教学过程中，应把第一册全部改成非连奏，且前面的27页全部用3指演奏，后面的曲子按指法弹奏，打好手指支撑力的基础，这样进入第二册学习连奏就会很顺利，否则，掌关节塌陷，一关节瘪指，手腕突起，这些问题会不断出现，且很难一下子解决。 幼儿园中班下学期以后学琴的孩子，建议使用儿钢作为入门教材，这本教材的编者有意选择了大量的孩子喜欢的儿歌，民族乐曲，世界名曲，它也是从中央C开始，高低音谱号同步学习，采用倒影式的认谱方式，同时也有插图，老师的伴奏谱，内容比较丰富。建议20页前全用3指作非连音弹奏，到39页前按指法进行非连音弹奏，39页后用连音弹奏，学完第一册，加入拜厄教程，从12条开始，同时儿钢的第二册同步进行。 成年的学琴者建议直接用高师教材，同步使用拜厄教材，因为这个年龄的学者手指发育已经完成，用5个课时进行非连音弹奏，接着就可以学连音弹奏，并在10课时左右加入哈农练指法，当然，篇幅要短一点，选取10个小节，作非连奏和连奏的同步练习。除此之外可以选取简易的流行歌曲改编版增加学习的兴趣。因为成年人的学琴热情也只有2个月左右，但他们又没有家长强制督促，容易虎头蛇尾，半途流失，培养兴趣和成就感就显得格外重要。 五、乐感培养的重要性 学习钢琴的最终目的是要用琴声去表达音乐，用音乐来感染人，让人得到美的享受，试想如果弹奏的很熟练。，但是象打字员一样的机械操作，弹出的音乐味同嚼蜡，这样的钢琴演奏是打动不了人的。伟大的钢琴教育家涅高兹说：“学钢琴就像挖隧道，得从两面挖起”，意思是技术训练和音乐表现力的培养同步进行，通常我们听到的是“手指、手指、手指”，现在一定要加上“音乐、音乐、音乐”。所以，从入门开始，老师就要把乐感的培养放在重要的地位。音乐是一种特殊的语言，音乐的表达就像说话一样，为了让别人听明白你的话，你就得把字、词、句读对，把话说明白，表达出语气和意思来。弹钢琴其实不难，只要把话语中的语调、语气、抑扬顿挫、轻重缓急自然的融入音乐之中，就能给音乐的演奏注入表情，注入生命。 训练乐感先学会分句，乐句是音乐的基本单位，正确的给乐曲分好句子，是重要的第一步，老师要引导学生给方正的乐曲分句，更要化时间给不规整的乐曲分好句子，没有句子感的演奏时再糟糕不过的了。接下来就是处理好起句，第一句通常是给整个乐曲定调子，这里要注意速度、音量、音色、基本情绪。要求在弹奏之前先唱一遍，或在心里默唱几个小节，等有了把握再下手。收句也同样重要，俗话说：“编筐编篓全在收口”，弹完一个乐句，或一个乐曲，能不能留下袅袅余音，与结尾处理极有关系。处理好乐句的结尾，“其妙在音虽止而意无尽”。在处理好起句和收句的同时，要设计高潮部分，这里的情绪一般最激动，也是最引人入胜的地方，设计一下是通过几句的铺垫，一层层推进，最后达到高点，高潮的音量不能过强，声嘶力竭，这样反而破坏了美感。 整个钢琴演奏的乐感分三个环节――“感受”“领悟”“表达”。对钢琴作品的感受是对整部作品的曲式结构、旋律、主题特点、织体、题材、速度、力度、表情术语以及演奏方式有一个总体的印象。通过聆听演奏家的示范演奏、CD、光盘等有声资料，加速感受过程，逐渐领悟这部作品的内在意义、深层次的底蕴、曲子的意境和风格，最终通过手指把你所领悟的内容表达出来。 应该来说，乐感不是很神秘的东西，通过老师的正确引导，细致的分析，再结合多听、多看，多体验，加上其他艺术门类的学习，融合贯通，肯定会有很好的收获，只要记住，乐感的训练越早越好，因为道理很简单，所以的技术都是为音乐服务，技术只是音乐表现的手段，没有脱离音乐而独立存在的技术。 总之，钢琴入门教学必须有正确的弹奏方法，合理的教材选择，加上技术与音乐表现的结合，这样肯定会有事半功倍的效果。 入门钢琴教学论文:通识教育中钢琴入门集体课的教学模式 [摘 要] 普通高校开设的钢琴入门集体课是面向非音乐专业普通大学生开设的一门实用性、技能性的通识课程。本文着重说明钢琴入门课的教学内容、方法及模式，以便更好地探究如何在通识教育中利用数码钢琴进行集体课教学问题。 [关键词]通识教育 钢琴教学 集体课 目前，鞍山师范学院音乐学院在通识教育音乐课程中分类别地在原有理论课的基础上开设了其中一门实践课程：钢琴入门课。利用数码钢琴这一优势资源来进行教学，对于提高大学生自身音乐素养起到了积极的推动作用。 一、 钢琴入门课教学内容的选择 在开设钢琴入门课之前，笔者做了一份关于非专业的大学生钢琴入门课的问卷调查，其中对于教学内容的设置既满足大学生的心理与生理的特点，又结合教学大纲中教学目标的人才培养模式来选曲教材内容。通过教学实践，发现学生在学习弹奏的过程中能尽快地掌握节奏、识谱、视唱等相关音乐知识，对于提高自身的音乐素养起到了重要作用。 首先，大学生对于音乐理论知识的掌握多数处于零基础，少数有学习音乐的短暂经历。因此在学习弹奏的过程中，循序渐进地填补和系统地学习基本理论知识是很重要的，因此教材的选择最初以围绕中央c开始，分别向高低音区拓展进行断奏练习。 其次，弹奏过程中，对于零基础的学生来说，双手的协调性练习及节奏训练是弹好钢琴的关键和重点。因此在曲目的选择上以简单、通俗易弹并所熟悉的儿歌童谣为主。 二、 钢琴入门集体课的教学形式及教学多样性 钢琴入门课是采用数码钢琴进行集体教学的。数码钢琴使用多媒体音乐教学系统，运用计算机网络技术进行管理，可以使老师与众多个学生间进行直接教学。其教学形式丰富、灵活又具有多样性其中包括： 1、独奏形式 一个学生与老师进行交流，其他学生倾听，在点评时，主要针对弹奏的基本问题和音乐表现进行指导，避免该生或其他学生弹奏时再出现同样的错误，这种回课形式所产生的一个积极因素就是调动了学生的主观能动性，而共同评析则使学生由被动地位变主导地位，增进交流，活跃思维，提高对音乐的表达能力。 2、齐奏形式 选择几位学生，教师根据弹奏者的技术水平规定适当的速度，进行齐奏式回课。齐奏形式较独奏有更大的难度，主要体现在对节奏、速度的严格把握方面，总会出现或快或慢的情况，这也就为学生在齐奏过程中的适应能力提出了要求，当自己的弹奏在与群体出现偏差时，应及时改正、积极调整，能迅速融合到集体的感觉中去。也能通过集体弹奏形式，感知音乐中节奏和速度的重要性。 3、轮奏形式 钢琴弹奏的“接力棒”，这是一个极为有趣的游戏。一首作品，按照乐句、乐段或小节线的划分，分配给每位学生，当前一位演奏者结束自己的任务时，后一位要按时进入，完成规定的长度后，接下去的同学又要挺身而出。经过实践，此种形式深得学生的喜爱，紧凑、严密的衔接，锻炼了弹奏者的应变能力，大大提高了学习兴趣。 三、 钢琴入门集体课教学法 钢琴集体课教学，应做到理论知识与技能训练相结合。集体课教学赖以存在的基础是系统讲授、共同作业和集体回课。 1、兴趣法。 在选曲过程中，如果选择一首学生不熟知的曲目，通过识谱、弹奏需要花费很长时间才会感知到完整的音乐作品，效果不佳，与学生达不到共识。而选曲一首通俗易懂、大家熟悉的曲目可以增进学生弹奏的兴趣度。比如学习弹奏《三只熊》时，首先大家熟悉这首儿歌，很快就可以完整地弹出。并且为了进一步掌握跳音技能，启发大家弹出生动的音乐形象，老师还做示范时，可以找学生简单地做出舞蹈动作，来配合伴奏音型模仿三只熊跳舞的感觉，这样大家对于表现活泼、欢快的歌曲，就知道用怎样的方式来做出跳音的感觉，这样可以深深吸引学生的学习兴趣。 2、示范、讲解法。 这是在钢琴教学中被普遍采用的有效方法之一。特别是在初学阶段更显重要，准确地示范弹奏，使学生对新乐曲或练习曲的性质、风格、技术类型和特点有一个初步的印象：优美的旋律、娴熟的技术、技巧还能提高学生兴趣。所以在此阶段中，教师应先作详细地准确地弹奏，然后再讲解弹奏要领，指出重点的技术困难之处，教给学生怎样克服技术困难的具体方法，最后根据旋律调式调性的转换和所表现的不同风格特点进行讲解，并选用适当的力度、速度做出示范，进行讲解。其顺序按左右手分别进行。使学生对所学乐曲、练习曲弹奏的技术、技巧有一个非常清楚的概念。 3、模仿法。 钢琴的教与学实际上就是一种技术与技巧的模仿和掌握。所以在钢琴教学中，对于一些基础性的或较难掌握的弹奏技术，教师可以采用示范的形式与学生共同练习，这种教法可以使学生在肢体协调弹奏和较难掌握的技术方面建立起正确的感觉。这种既实际又直观的教学方法可以使学生在该阶段少走或不走弯路，准确地掌握弹奏技术和技巧。 总而言之，在通识课程中开设钢琴入门集体课教学，不仅更为充分地利用了音乐系独有的教学资源，也为喜欢音乐、热爱音乐的大学生们提供了实践学习的平台，潜移默化地为他们提高自身的音乐素养奠定了实践基础。 入门钢琴教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学基本方法 摘 要：作者根据多年演奏及教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为：让学生对钢琴进行认识，培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置，其步骤包括：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置，等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 关键词：钢琴；启蒙；教育方法 一、兴趣是最好的老师 兴趣的培养直接影响着一个孩子潜能的发挥。首先要为每位学琴的儿童根据自身的情况制订一套适合自己的练琴方案，教法灵活多变，循序渐进。由于每个孩子的个体有差异，从孩子的自身出发，如果是比较小一点的孩子可以选用趣味性强的教程，比如说《小汤普森》，根据书里面的标题可以增加学生的理解，同时也可以和学生一起四手联弹，这样可以加强曲子的音乐感也调动了孩子的兴趣。另外以加强艺术修养为目的，让学生多听多唱。用一些充满童趣的语言，例如：弹跳音就像是在拍皮球，把自己的五个手指比作五线谱等加上夸张的表情与学生互动起来，这样才能使孩子学得轻松、愉快。在学琴当中规范化的手形、规范指法习惯、科学合理的弹奏方法和姿势、完整的节拍节奏感的训练、教材合理的选用、音乐情感和音乐风格的表现等都是要解决的问题。让孩子养成一个好的练琴的习惯，不能“三天打鱼两天晒网”，学琴尤其要注意基础的训练，不能急于求成，给孩子增加心理压力，这样也会使学琴变为被动。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30-60分钟不等，一般课时安排为一周1-2节。 首先让学生对钢琴进行认识，尤其是对钢琴键盘的识别与记忆，并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授，要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正，坐得端正而不僵硬，上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开；下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜，膝盖的位置在琴边下，双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分，手臂与手腕的感觉与形态，再到教授手形、手指，等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用，因此应该注意好习惯的培养。手型应放松，手指自然弯曲，用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起，像是虚握着一个圆球，手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置，四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼，目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法，目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识，例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平，等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后，教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置，每节课的必要步骤为：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 二、我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤 在每节课开始前，教师应该先询问孩子在家的练琴情况，然后开始基本功的练习，让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏，并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较，培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图：利用现代教师的示范吸引学生的注意力，激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析，让学生体验到作曲家写作时的情感基调，从而更好激发学生的情感共鸣，为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点，即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标，使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平，继而培养孩子的各种能力，如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操，等等。根据个体和家长需求的不同，再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩，并且记录老师上课的内容，根据学生的上课实际情况，家长要及时督促学生进行学习，这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。 入门钢琴教学论文:入门基本功在钢琴教学中的重要性 【摘 要】由于人们对艺术的追求尤其是钢琴学习方面不断的膨胀，大部分的家长和学生要求在短时间内达到一定的程度，更在乎社会的“现实要求”从而忽略了基本功的练习。而现代钢琴教学有必要钻研基本功教学，进而引领学生更深入的学习钢琴。为此，分别从基础中的基础、手型手指特点、手指独立性培养和手指基本弹奏动作几方面进行了基础教学的研究。从而引起教育者和求学者的深思，以完善钢琴教学体制。 【关键词】钢琴演奏；基础；手指；支撑 随着改革开放的步伐，人们的生活水平不断提高，文化修养也不断提高，随之人们对建立在文化基础之上的艺术的追求也迅速膨胀起来。可盲目的膨胀带来的不良后果，却很少让家长与学生自己反思。如今，大量的人们在学习钢琴，可有所成就的比例少之又少，大部分家长与学生的要求是让学生在最短的时间内达到一定的程度去，去适应社会考级，甚至要求速成。如果老师真按照这类家长和学生的心理要求教学，造成的后果是基本功练习的欠缺，以致根基不稳。一番阶段性练习过后，教师却无法引领学生进入更深的层次，使很多学生不得不遗憾的终止了钢琴的学习。钢琴演奏是一门艺术，是体力劳动与脑力劳动互相综合的活动，演奏者必须具备相当高的技术才能完成，而掌握这些技术并不是几个月或更短时间就可以完成的，而是需要漫长而艰苦的过程。 钢琴的入门阶段是整个钢琴学习过程的基础，对学生日后对钢琴学习的理解和态度都起着最为重要的作用，不可小视，所以笔者从以下几个方面来阐述钢琴教学中入门基本功的重要性： 一、基础中的基础 站要有站相，坐要有坐相。弹琴时，脑、眼、手、耳、脚同时运用，那么一定要有一个适合自己高矮的琴凳，同时要确定座位同钢琴的最佳距离。弹奏的正确姿势，要在自然、放松的基础上才能做到座位、脚、手这三个重要支点的平衡与协调，教师应以亲身示范来增加学生的认识。 二、钢琴弹奏的手型及手指特点 “几乎任何一种手的姿势都可以行得通，只要是这种姿势合适，符合手的构造，符合音乐组成的高低起伏，更重要的是不破坏动作的统一。”客观上，没有一成不变的手型，任何人演奏也没有固定不变的手型模式，但作为初学者，我们必须给学生一个正确的标准，因为人的手和手指具有一种最适应于键盘排列结构的状态，我们可以把这种状态理解为基本手型。 不良手型一旦形成，会影响指力的传导，以至于不能获得正确的声音，并会影响手指的快速跑动，还会形成多余动作，紧张等状态，养成弹奏的僵硬和力量的浪费。 三、手指独立性的培养 钢琴演奏的基础是手指，手指的基础在于手指的独立支撑，手指的支撑是站立式钢琴弹奏的基础。长期的教学实践与观察中，我发现，很多教师或者学生没有把手指支持的训练放到一个重要的位置，以至于为日后的演奏带来很多的问题和麻烦。我认为在钢琴入门阶段，手指的独立支撑训练要占据一个非常重要的地位，要作为一个专项予以足够的关注。手指的支撑是相对的，并不是绝对的。手指是支撑手臂的支架，但手臂又是身体传导力量的桥梁，他们相互作用并牵制着。以下是对每个手指的逐个分析： 1指的特点，有些学生弹一指时掌关节不能支撑，一承受重力就会塌陷，必须加以纠正，通过外力让关节凸出。经过一定时间的训练，肌肉能力增长了，慢慢可以恢复。这个阶段切不可急于求成，无所顾忌地错误训练。 2、3指的特点是比较有力，但第一关节比较薄弱，容易塌陷，所以要十分注意。 4指是最不灵活的手指，力量比较弱，未经训练的4指往往依赖于其他手指，不够独立。如忽略其特征而非不断加以纠正，力度便无法集中。所以，在练习中要坚持正确的锻炼，并给予特殊的关注。不可急于求成，欲速则不达。 5指是最为柔弱的手指，支持力最差，所以我们见到很多学生都是让5指躺着弹奏，这时，教师一定要加以指导。小指的关键在于第一关节与第三关节的凸起，教师可以让学生练习之前把正确姿势摆好，而后坚持几分钟。日积月累地训练后，肌肉的力量增强了，小指的支持问题便迎刃而解。 五个指的不同特征，造成了它们容易形成不同的毛病，但我们应确信，经过认真训练，不急于求成，完全可以改掉毛病，养成各自的弹奏独立性，使手型规范，达到弹奏的正确状态。 了解了五个手指的特点，要完成手指在弹奏中的正常支撑还需要注意以下两点： 第一，大家知道，手指的结构是有多个活动关节组成，以适当的肌肉紧张来组织手指的各活动关节，共同协作去完成每个动作的支撑准备状态。 第二，利用合适而有益的练习来训练各个手指的灵活度与力度，使其逐步具备独立承重的支撑能力，达到相互平衡协调的各个手指之间的关系。 四、手指的基本弹奏动作：断奏与连奏 手指独立了，支撑力强了，接下来就可以让学生学着在琴键上“走路”了。 断奏相当于孩子站稳了，开始迈步的时候。抬脚相当于提腕，提腕的力量来自于手臂的肌肉，手腕要习惯放松，手臂手腕要协调，接下来就是降落的过程，自然地降落。降落后的手指保持的姿势就是前面提到的独立。弹琴的手指独立地支撑，做好基本的手型。这个过程非常关键，一定要体会手指的支撑与肩、肘、腕以及身体的放松。必须完全达到要求，才可以继续以后的课程，不可急于求成，这个阶段是基础阶段，一旦形成不好的毛病，便很难改变，甚至影响一生。 连奏要记住以下几个要点： 1.手指的抬指动作主要产生于第三关节。 2.已经弹琴的手指不动，其余手指要以第三关节为轴，尽量不要太高，做到灵活，放松。 3.在击键过程中，力量要集中于指尖，第一关节要有“抓住”的感觉。 4.每一次抬指动作的重复不可过快，要有充分的准备与思考的时间，考虑好手型是否正确，力量是否放松等因素。 弹琴不是天生就会，是需要长时间的刻苦训练才能达到的境界。在整个钢琴学习中，基本功的训练不可忽视，它会影响学生的一生。以上笔者仅对最基本的共性问题谈一谈个人的感受与经验。身为钢琴教师，让我们为了钢琴事业不断学习，探究吧！ 入门钢琴教学论文:浅谈老年钢琴入门教学的基本方法 进入21世纪的人们对生活已经有了更高的理解和追求。随着社会的发展、全球的老龄化，更多的老年朋友选择到老年大学来丰富自己的晚年生活、实现青年时的梦想，使自己在退休后依然活跃在社会中，充实、完善自我。 而钢琴这门高尚、优雅的艺术不但可以使老年朋友锻炼手指灵活大脑，还能够提高音乐修养陶冶情操，进而愉悦身心达到益寿延年的作用。钢琴现在已经成为中老年朋友热衷学习的一门学科。 一、坐姿的基本要求 学习钢琴可以提高人的修养、陶冶人的情操，使思维变得敏捷，对于没有任何基础的学员来说，入门时会有些枯燥乏味，想弹会钢琴又犹如雾里看花，看得见却摸不着头绪。当学员坐到钢琴上去时，就必须要提示他注意坐的姿势，要做到重心稳定。弹琴时，身体的重心要靠臀部和脚。钢琴家赵晓生在《钢琴演奏之道》里提出：演奏者应坐在琴凳的三分之一宽度的位置上。在弹琴时可以根据谱子的需要，身体略往左或右倾斜，有的人喜欢坐满凳子弹琴觉得这样很好又或是翘着腿自我感觉是最舒服的姿势，可是这是一种不良的演奏习惯，因为弹琴是一种高度集中，脑力和体力相结合的劳动，不论是练琴或演奏，弹奏者都必须保持正确的姿势。坐姿要自然端正，手臂不要僵硬、紧张，或者过于松懈，这样才有利于学习弹钢琴。 二、基本手型的调整 学员开始接触钢琴，就必须注意手型的正确性。弹钢琴要求手放松、手腕柔顺、手呈半圆形，空握球状态，手指稍向里弯，手腕与琴键键面基本在一个水平面上。要想有一个好的手型，关键是指掌关节与第一、五指指关节的站立。手指的第一关节，即最末端的关节，从一开始就要训练站立的能力，要自然的站好，不能让关节塌进去。 三、熟记基础乐理知识 要想学好钢琴五线谱是一关。五线谱是由五条线四个间构成的，这同我们的手结构大致相同。把手张开来看，从下往上数小指是第一线、无名指就是第二线、两个手指间就是第一间，以此类推五线谱就很形象地呈现在眼前。这样很方便老年学员理解更能加深记忆。音符与休止符可以一起讲解，可以有一个清晰的对比。有了音乐理论的框架概念后就是让大家感受手指和琴键之间的合作，在简单的乐曲中继续添加相对应的乐理知识，一面体会手指与琴键的感觉，一面加深记忆。 四、培养节奏感 节奏是音乐的脉搏，音乐的生命。音乐的存在和进行，首先在于节奏的作用。节奏的脉动每时每刻都贯穿在音乐之中。 （一）节拍基本要求 之前已经对基本的乐理知识有了概念，节拍是需要实际演练的。所以拍子要先搞清楚，拍子要数准确，速度要统一这是最基本的。首先要养成数拍子、打拍子的习惯。把复杂的节拍简单化细化，比如在4|4中出现八分音符时，就要把半拍数出来“一大、二大、三大、四大”，这样就能很准确的弹奏八分音符半拍。需要的时候也可以借助一下节拍器来帮助没有数拍子习惯的学员。当然，节拍器的使用只是借助一下外力。从根本上来说，还是要学员有拍子准确的概念和感觉。 （二）节奏的训练过程 在数准拍子之后，我们进一步要做的就是要去感觉节奏。多数是学员只是机械地数着拍子，并不是去感觉节奏的分组、节奏的特性；音乐中的强拍与弱拍，音流中的节奏划分等等。要做到有内心的节奏感觉，首先要去感觉节奏。 五、音乐感的理解与培养 有人说“音乐感是父母给的”，意思是说有人生来就是音乐感好，天生就是学音乐的料，也有的人生来就不是学音乐的，是不具备培养可能的。我觉得每个人的先天素质有很大的差异。一个优秀的教师应该能把一些在音乐方面天赋一般的学员引到音乐之门，使他们逐步提高音乐理解和音乐表现的能力，而逐步做到有音乐感的演奏。 在教学中我能看到大多数学员都有较好的天赋，同时他们每一个人都有很高的学习积极性，可以说这些学生都具有被培养造就的条件。学钢琴首先要引导学员去创造一个合适自己的音乐环境，提高对音乐的认识和理解从而提高音乐素养。钢琴是一种西洋乐器，大多数传统的优秀教材乐曲都来自于欧洲，因此它的音乐语言也是外来的。这就跟学外语一样，要有语感，光靠音标，字母拼出来的外语，总让人觉得生硬，所以必须多听、多感受、多练。 音乐是传达感情的艺术。人们可以从音乐中获得巨大的愉悦感，从而提高人们的精神境界。现代医学表明，人类的身心健康在很大程度上取决于精神因素，其中艺术的感染力不可忽视，音乐所带来的愉悦感对心理调节的作用也尤为显著。作为老年音乐教育工作者，我们应尽可能地把音乐教育作为重要手段来培养学员的身心健康，使其充分感受到音乐的魅力，提高他们的艺术品位及综合素养。 总之，在课堂上要积极调动学员的学习主动性，反复强调教学内容的重点，加深学员的记忆。在授课中要多鼓励多表扬，语言要诙谐幽默，使学员在轻松愉快的气氛中完成教学任务，这其中学员既满足了学习的欲望增长了知识，又在音的海洋、乐的奏章里感受了钢琴的魅力让学员更年轻、健康、快乐。 入门钢琴教学论文:浅析中职幼师专业钢琴入门教学训练 【摘 要】针对中职幼师专业钢琴教学的特点，培养学生学习钢琴的兴趣，抓好入门基础教学，加强基本功训练，根据学生的特点因材施教，使之掌握弹奏的基本技能和技巧，培养出合格的幼儿老师。 【关键词】钢琴教学；入门训练 幼师专业是培养幼儿园老师的主要阵地,音乐教育是培养合格的幼儿师资所必不可少的重要课程。钢琴教学是幼师学生的在校必修课，幼师学生学习钢琴趋于成人学琴，身体及骨骼的发育基本定型，在教学中无疑增加了一定的难度,要使学生获得正确的弹奏方法的确不易。但是，她们也有一定的条件，即她们的理解能力、主观努力等要比儿童占优势， 根据这一特点，合理的进行入门训练，同样是可以取得进步的。 一、培养学生的兴趣，是钢琴教学前期任务之一 俗话说，兴趣是最好的老师，有了兴趣才能激发学生的热情，学生才会主动地自愿地去学习。对于刚进入职校的学生，大多数是第一次接触钢琴，对弹奏钢琴有好奇心和新鲜感，教师要利用这一点来积极诱导学生，培养其学习兴趣。在平时教学中，可以通过教师演奏学生喜欢的乐曲（时下流行的）或播放CD让学生听，让学生感受音乐激发学生的学琴欲望。 二、掌握入门要领是获得弹奏技能的先决条件 入门训练的正确与否，直接关系到学生整个的弹奏生涯。初学的学生，都要求学生从手臂的认识开始。例如认识大臂、小臂、手腕、腕关节、手掌、手指第1关节和第2关节掌关节，讲解大小臂的整个放松，手臂做自然下落以及将重量传递到指尖的示范，手型呈弧形状或半握状，手腕放松，掌关节支撑住第1、第2关节触键等等，整个过程要讲解示范到位。在教学中，学生能够理解教师的讲解和示范，可一旦坐在钢琴上便不知所措，难以把握，甚至出现紧张，身体及手臂僵硬，掌关节下陷，手腕高抬，手指爬在琴上，手指有折指等毛病，因此，教学中对学生的指导显得尤为重要。指导中让学生不断地体会放松的感觉及放松后的手臂自然下落后弹出的声音，全身的放松状“落”下去的重量恰恰是手臂、手腕、手掌、肘、肩相结合而成的统一的结果，这种结果往往是教学中取得良好效果的最佳途径。同时，辅以小组课的授课形式，让学生们相互交流和学习，这样经过一段时间的努力，是可以取得较好的效果的。 三、非连音练习的入门及方法 初学钢琴的学生首先接触的入门练习就是非连音奏法又称断奏，虽然断奏有多种技法，对幼师生来说需要掌握常用的几种奏法。断奏的弹奏方法是学习钢琴基础的基础，非常重要，如果初学者断奏弹奏学的不好，今后的学习将受到极大的影响。 断奏弹奏中，手臂的放松和手指的支撑及其站立是弹奏的基础，它的重量应集中在指尖上，而且要注意第一关节的站立，也可以将手指放在别人的手上，指尖站稳，体会手臂、手腕的放松、感觉指关节顶端是力量的集中点。然后在琴键上进行一个一个单音的练习，此时要对学生提出严格的要求，如果单音都弹不好，那么一串连音就更不可能弹好了。 跳音练习与非连音奏法有相同之处，不同的是跳音要求触键短促富有弹性，弹奏时手指一经触键即迅速离开，保证手指动作干净利落，指尖迅速到底，动作防止过大，以“贴键”跳起的瞬间反弹爆发为最好效果，弹奏出的实际音响是谱面音符时值的1/2。顿音“拜厄”练习中常见的练习方法则要求更短于跳音，更爆发短而有力，是跳音实际音响时值的1/2。 四、连音奏法的训练 断奏是连音奏法的基础，它们彼此有着密切的关系，手臂腕的放松、手型的良好保持、手指的站立等等都离不开断奏的基础训练。连奏练习与断奏练习，关系上有明显的不同，连奏很象人走路，一步接着一步的走，交替自然，一步下去又转向另一步重心下落。例如手指第一个音落下去，第二个音马上滚起来，两音之间连绵不断。当第二个音还没有出现时第一个音就不能放掉， 而是做好与下一个音连接过渡的准备。在练个音连奏的同时，可以逐步加入三个音符一句，四个音符一句，五个音符一句的连奏练习。练习3个音的方法是：落下去第一个音，抬指弹下第二个音，手腕带动滚起第三个音，即“落抬滚”。 练习四个音为：落抬抬滚。练习五个音为：落抬抬抬滚。好的连音必须做到三点：a.无缝，即凉荫之间不能有细微的断裂。b.无角，即没有任何一个音冒出来。c.无坑，即没有一个音坑陷下去。 幼师钢琴教学不同于大中专院校钢琴专业或高师钢琴主修生，它具有特殊性和速成性，应该按照幼师的教学大纲的要求进行教学，为幼儿园培养合格的幼儿教师。因此，既注重它的实用性、科学性，又要不偏离一定的教学方向和教学质量。合理运用学习的三年时间，掌握一定的教学方法，因材施教，是可以获得较好结果的，不能急于求成，避免教学中的盲目性。教学得法、学生配合默契是成功的法宝，也许困难较多， 生源差距较大，进步不一，但只要系统的、科学规范的、合乎实际的教学，学生都是会有不同程度的提高和进步的。 （作者单位：新疆阜康市职业中专） 入门钢琴教学论文:浅谈少儿钢琴入门教学中要注意的几点问题 摘要：钢琴在时下已经越来越普及了，学习的队伍在不断的扩大。许多学生特别是幼龄学童，刚开始接触时都兴趣十足，但是经过一段时间的学习后，很多都半途而废，甚至看到琴会产生恐惧和厌恶心里。如何正确的引导，教学期间采用何种方法方式，还是件很值得探讨的话题。 关键词：钢琴；少儿；入门教学 一、培养兴趣，快乐教学 孩子的天性好玩，如何保持学习兴趣，在学习过程中寓教于乐，我们可以从教材的选取和教学方式等多方面入手。教材的选择可以从特定的少儿教程开始。把谱面拉大，配以卡通插画，使得五线谱看起来不难么枯燥和难懂。期间编入了各个国家的民歌和带歌词的儿歌，学生在练习中赏心悦目的阅读谱子，还可以动静结合，自弹自唱，大大增加了学习的趣味性和娱乐性。课堂上的语言和氛围也非常重要。孩子有自己的思维方式和想象空间，所以教学语言要尽量做到儿童化，生活化。特别是一些专业术语，你说十遍还不如打个比喻一遍就让孩子记住了。 其次课堂的氛围也要靠教师调节，针对不同情况的孩子采用不同的教学手段。每个孩子学琴的出发点不同，有些是想增加点美育及艺术修养，有些是想走专业道路的，有些纯粹是启蒙看看有没兴趣爱好等，因此教师要因材施教，少用指责和否定的语气教学，要随时给予学生鼓励，对于一点点的进步或者闪光点，都得给予赞扬和肯定，拉进师生间的距离感，给学生一个平和且能激发创造力的空间，让他们更好的发挥自己的潜能。得到学生的认可和喜欢，是一个教师成功教学的一半，双方之间融洽的氛围，可以为今后的学习打下了良好的基础和动力。 二、根据个体的不同，制定合理的练习时间和方法 艺术门类学习的特殊性在于除了课堂上的教学以外，业余时间的练习在学习中也占了很重要的地位。教师要根据学生的个体差异、练习环境、程度深浅等多个因素出发，合理的留好课后的作业和练习要求。课余的练习时间要合理安排，尽量做到每天接触键盘以及阅读乐谱。练习时间长短可以根据个体性格和年纪来决定。一般年龄较小的孩子要采用少食多餐的练习方法，随着年龄的增加，可以慢慢调整时间长度。切勿逼着孩子坐上琴凳一练就是多个小时，学习效率低下，浪费了时间不说，还破坏了学习的乐趣。 在练习中，首先要加强音阶的练习。音阶作为旋律的构成原素，历来为器乐演奏者每日必需练习的内容，所以每天的练习可以从音阶基础训练开始。拿到新的曲目，开始时慢练是一条金科玉律，其目的是为了正确的掌握旋律，以及完整性，只有在正确完整的基础上，慢慢加快到曲目要求的节奏，这样获得的技术训练是有效的。分段，分局，将难点重点单独提出来慢练，往往比整首曲子的通篇练习效率要来的高，曲子上手的时间更快。正确的练习方法可以让我们少走不少弯路，不少事例告诉我们一个道理，就是放慢练，难变易。 三、注重听觉训练和音乐赏析 听觉训练是器乐学习中不可缺少的一部分。内在的听觉和乐感是一种与生俱来的天赋，每个人对音乐听觉的敏感程度都是不一样的。因此在学琴过程中，针对不同的个体，可以采用不同的手法来适当加强听觉和音准的训练。一开始可用“啦啦啦”的象声词模仿单个音的高度，在一段时间的练习后，逐步加入二个音，甚至三个音的音程模唱。其次，音乐赏析也是学习钢琴的一个很好的辅助课程。赏析对于我们学琴来说是有很大的帮助的。学习一门新课程，大多是从临摹开始的，如何获得临摹的范本，特别是音乐范本，就得通过聆听来感受。通过曲式结构和乐理结果的分析，由浅到难的聆听各类音乐作品，做到听熟听懂，对于学生的练习都是有很大的帮助的。学琴过程里，技巧训练只不过是一种机械运动，比技巧更上一层的是意境和境界。曲子的二度创作源于演奏者对乐曲理解的程度而异，对于初学者来说，音乐形象的捕捉特别的难，因此教师在琴课上，要特别加强对乐曲的分析，从基础的乐理知识，作曲家的背景，以及乐曲所要表达的感情等，在学生掌握了这些细节后，我们再来演奏乐曲，更好的把握风格和音乐形象。除了课上加强乐理知识外，还要鼓励学生在课余时间观摩各类演出，乐器现场的声音还原，演奏者二度创作的音乐风格，多少能激发和调动学生学习的积极性和兴趣。 四、激励学生进行展示和舞台实践 一个展示自我的平台的建立，对于学生来说是对自己学习的一个展示和肯定。才艺展示是学习中不可或缺的一部分，即是对学生心理素质的一种锻炼，也是对教师教学的一种检阅。孩子心理素质的培养是学习中很容易忽略的一个问题，在众人面前演奏容易紧张是我们与生俱来的一种本性。如何克服和得到锻炼，这就得借助于一些平台来解决。台上三分钟，台下十年功。台上的实际演奏作品的完整程度肯定比台下的练习要有所缺少，所以注重平时的练习尤为重要，这也无形中给了学生一定的学习压力，所谓的因果也由此产生，你在台下付出了多少辛劳和汗水，与你在台上的成功与否是成正比的，把这种压力转换成学习动力后，对于以后的学习是很有帮助的。教师或者家长要从培养良好的心理素质入手，在课堂和业余时间得采取鼓励和诱导的手法，培养学习的乐趣和自信心。现实社会中，关心身体的健康很多，但是心灵的健康与否，很容易得到忽略的。人都是有惰性的，极少有学生特别是年纪较小的学生有主动想要做练习的。很多都是三分钟热度，热度过后，就得靠成人的引导和鼓励了。过激和否定的语气都会抹杀学习的兴趣，多鼓励多发现闪光点才是我们要做的。 五、结语 合理的时间安排和良好的教育导向，是我们坚持学习音乐或者其他科目的手段之一。看着孩子身心愉悦的走在艺术大道上，音乐和钢琴成为儿时美好的玩伴，那是一桩何等曼妙的善事啊！ 入门钢琴教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学 内容摘要:随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 关键词:儿童;钢琴入学;教学方法 国大文豪雨果曾有过一句话:“开启人类智慧宝库由三把钥匙,一把是数学,一把是文字,一把是音符。”随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。更重要的是科学家们长期研究的结果事业的蓬勃发展,一个以儿童为主体的全国性的社会钢琴教育园地已经形成,其规模之庞大在世界音乐史上都是从未有过的。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 一、培养儿童正确的弹奏姿势 俗话说:“苗栽的正,树才能长的直”。从小用科学的正确规范的弹奏姿势练琴,日后才能体会到正确运用身体的重量和力量来触健和发声,掌握弹奏的准确性。所以初学钢琴坐的姿势至关重要。 (一)坐的重心。坐在琴凳上重心要稳,儿童可以准备一个小板凳来充当脚垫,坐稳的同时还要注意重心靠前,即坐在琴凳的前半部分,使身体、手臂能够活动自如,弹奏时腰部要挺直,但不要僵,上身略前倾,这样便于在弹奏时把手臂的重量集中送到指尖。 (二)坐的位置。一般要求身体要于键盘的中央对正,座位的高低则有弹奏者根据自己的身高自行调节。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致,这才说明座位和钢琴的距离是合适的。 (三)手型。手型是弹琴者的“门面”,弹琴时手要放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键,掌关节自然拱起,像是虚握着一个苹果,手腕大约与键盘平行,不要全放在琴键上,仅以侧指端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要端正的站立在琴键上。 (四)脚的位置。弹奏时双脚要自然分开,膝关节的高度应略大于直角以保持重心的稳定。在学习使用踏板后左脚可以适当地前后左右移动调节,这样可以保持平衡。 二、弹奏方法 钢琴音乐中弹奏方法有很多,最基本的有断奏、连奏和跳音奏法,它们是构成弹奏的基础。这是儿童学习钢琴初级阶段中必须掌握的技术之一。 (一)断奏。断奏在钢琴作品中应用极为广泛,是手指技巧的基础。断奏是解决肩臂放松和锻炼手指支撑的最好方法。初学者容易出现肩臂紧张,手指软弱等问题,方法是手指按五指位置摆好,然后放松的将手臂提起来,手腕手指放松,手臂自然的落下,要弹的手指在琴键上站稳撑住,手指的三个关节突起,发音后手应立即放松,手型不变。这样才算一个完整的断奏动作。 (二)连奏。连奏的要求是让儿童弹奏出圆润如歌,流畅性的旋律。连奏手指触键要缓慢,用的更多的是手指的肉垫位。连奏是最基本最常见的弹奏技巧,方法是第一个音弹下去手指站稳,然后抬指弹下面的音,同时把力量转移过去,前一个手指里键。 (三)跳音奏法。跳音的弹奏可以让孩子把手指想象成芭蕾舞演员用足尖跳舞,这样就能找到指尖牢靠的感觉,或让儿童想象手指触摸到烫的物体的动作,一般人都会本能的把手迅速的拿开,来体验弹奏跳音的感觉。 三、教学方法 (一)技术语言应儿童化。许多初学的儿童对连奏领悟比较慢,我们可以把连奏的手指比作走路时的“脚”一只落地另一只脚抬起,自然交替。如果学生不能领悟,教师可以实际走给学生看,这样学生能较快地领悟连奏的动作要领。 初学琴的儿童常出现用力压键的现象,用不正确的方法去追求一种“响”。针对这种现象我们可以把好的声音比作荷叶上滚动的“水珠”,他是圆润的、透明的、流动的。我们的琴声也要给人一种集中、圆润、透明、流动的质感,通过这个比喻,学生就会用自己的耳朵辨别音的好坏,去纠正手指动作上的毛病。 (二)动作练习由“大”及“小”弹钢琴对手指、手腕等细微动作要求很高,稍微偏就会使钢琴弹出的声音有很大的区别,在入门阶段就要让孩子学会正确的动作,但由于儿童的肌肉群发育不完全,还不能做出精细而准备的“小”动作,只能从一些“大”动作开始,逐步变“小”,例如:刚开始儿童往往会将提手腕的动作做得很大,甚至越过头顶,要在肯定他的同时,慢慢告诉他,手就像一只小鸟,让小鸟飞的高本领很大,让小鸟飞的低本领也很大,我们来让小鸟飞的低一点好吗?从手越过头顶到手和眼睛一样高,再到手提起时和钢琴上放置琴谱的搁板一样高,再动作更小,通过二至三个星期的训练逐步将要求提升。 (三)学习重点由简入繁。儿童对注意力的控制很差,不能经常有意识的控制自己的动作,最常见的是:教师让孩子注意手型时,他却在想看下一个该弹什么音:让他数拍子的时候,他又在看自己的手型,让教育过程无法正常地进行,针对这一问题,就要要求用重点强调的方法来解决,也就是在某一时间段里,只要求做好一件事,暂时放弃其它方面要求。 四、教学中应该注意的问题 (一)应积极地培养儿童的学习兴趣孩子们从第一天和钢琴见面开始,就要天天和它打交道。从陌生到熟悉,从熟悉到产生感情,都需要相当长的过程。如果开始学琴的兴趣不稳定,时高时低,情绪忽冷忽热,练琴时心不在焉等,就会使儿童感觉是在没有丝毫兴趣和情绪下的强制学习,它们会从此产生对学琴的厌烦情绪,结果就会间接扼杀儿童的积极性和求知欲,因此,老师在上课时都要注意采用动静结合的教学方式在教学中穿插听音、听节奏的训练,讲些钢琴家的小故事。从此来调节儿童的大脑活跃气氛,同时又有效的吸引儿童的注意力,逐渐使他们从被动中解脱出来。 (二)培养良好的师生关系有的儿童天生就很胆小,上课时有一种紧张感。因此,要把儿童引进音乐的殿堂,帮助他们找到开启音乐大门的钥匙,就要帮助他们消除紧张情绪,可以尝试主动亲近他们、鼓励他们;主动和他们拉拉手,介绍自己,同他们聊天,问他们的喜好;多给予他们一下表扬等。待他们心情松弛一些,再把它们的注意力引到钢琴上来,建立良好的师生关系可以让他们从心里面接受老师的引导,培养他们对钢琴的兴趣。 (三)避免用命令式的语言,要问温和提出要求。心理学家霍布朗根据他的经验指出,以低和平稳的声调解决问题与使用激烈的辩论或演说强迫灌输,前者的教学方式更容易让学生理解和接受。同样,老师在辅导学生练琴时,若能用温和的语言对学生提出要求,孩子就会耐心倾听,乐意接受;但是,如果老师总用命令的口吻要求好好练琴,孩子就会产生不满,甚至产生逆反心理。所以采用建议和协商的方式去提要求,孩子将会心悦诚服地接受。 (四)忌长时间授课。学龄前儿童的注意力集中时间很有很,4岁左右的孩子约10分钟,五岁左右的约20分钟,六岁左右的约半个小时。幼儿园小、中、大班上课时间安排充分考虑了孩子注意力集中的特点。而有的钢琴教师在对幼儿授课时,常常长达一个多小时,也许是出于对教学的责任心,但却忘掉了实际的效果。对幼儿长时间的授课有多半是无用功,再加上教师如果缺乏精练、形象、生动而富有趣味的教学语言,就会加速孩子在课堂上的疲劳感,造成对钢琴的厌倦心理。对幼儿授课的时间必须充分考虑不同的孩子注意力集中时间的长短来确定。 五、树立儿童科学的练琴方法 教师除了教琴外,还应树立学生科学的练琴方法。对于儿童练琴的安排,一般应该坚持以下原则: (一)将练琴时间固定安排在学生精力充沛的时候,有利于集中注意力,保证质量,培养良好的学习习惯。 (二)儿童注意力集中的时间一般在20分钟左右,故每次练习时间安排20-30分钟为宜,每天安排两至三次。 (三)每次练琴要有明确的要求具体的目标,不要简单规定弹几遍,弹几个小时,要有质有量。 (四)坚持天天不间断,从中可以培养孩子的毅力和品质。 六、结论 钢琴艺术是一门历史悠久、文献浩瀚,与其他艺术门类以及文史地、数理化等各学科均有着广泛联系的艺术品种。无论是从钢琴教学的角度,还是从艺术审美的角度,都需要钢琴教师具备广博的文化修养和合理的知识结构,正像鲁讯先生所提倡那样:“学理科的偏看看文学书,学文科的偏看看工科书,看看别人在那里研究的究竟是怎么一回事”。只有在深厚、坚实的文化基石上才能筑起雄伟、高耸的艺术大厦。儿童从开始接触钢琴到能够独立演奏时一个漫长的过程。在这个过程中,教师的着眼点必须站在高处,要为长期的钢琴学习培养良好的习惯。作为一名教师更应该采取科学的教学手段,为儿童学习钢琴打好坚定的基础。树立正确学琴观念,只有这样才能使儿童的水平从长远意义上得到提高。 入门钢琴教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学 内容摘要:随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 关键词:儿童;钢琴入学;教学方法 国大文豪雨果曾有过一句话:“开启人类智慧宝库由三把钥匙,一把是数学,一把是文字,一把是音符。”随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。更重要的是科学家们长期研究的结果事业的蓬勃发展,一个以儿童为主体的全国性的社会钢琴教育园地已经形成,其规模之庞大在世界音乐史上都是从未有过的。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 一、培养儿童正确的弹奏姿势 俗话说:“苗栽的正,树才能长的直”。从小用科学的正确规范的弹奏姿势练琴,日后才能体会到正确运用身体的重量和力量来触健和发声,掌握弹奏的准确性。所以初学钢琴坐的姿势至关重要。 (一)坐的重心。坐在琴凳上重心要稳,儿童可以准备一个小板凳来充当脚垫,坐稳的同时还要注意重心靠前,即坐在琴凳的前半部分,使身体、手臂能够活动自如,弹奏时腰部要挺直,但不要僵,上身略前倾,这样便于在弹奏时把手臂的重量集中送到指尖。 (二)坐的位置。一般要求身体要于键盘的中央对正,座位的高低则有弹奏者根据自己的身高自行调节。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致,这才说明座位和钢琴的距离是合适的。 (三)手型。手型是弹琴者的“门面”,弹琴时手要放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键,掌关节自然拱起,像是虚握着一个苹果,手腕大约与键盘平行,不要全放在琴键上,仅以侧指端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要端正的站立在琴键上。 (四)脚的位置。弹奏时双脚要自然分开,膝关节的高度应略大于直角以保持重心的稳定。在学习使用踏板后左脚可以适当地前后左右移动调节,这样可以保持平衡。 二、弹奏方法 钢琴音乐中弹奏方法有很多,最基本的有断奏、连奏和跳音奏法,它们是构成弹奏的基础。这是儿童学习钢琴初级阶段中必须掌握的技术之一。 (一)断奏。断奏在钢琴作品中应用极为广泛,是手指技巧的基础。断奏是解决肩臂放松和锻炼手指支撑的最好方法。初学者容易出现肩臂紧张,手指软弱等问题,方法是手指按五指位置摆好,然后放松的将手臂提起来,手腕手指放松,手臂自然的落下,要弹的手指在琴键上站稳撑住,手指的三个关节突起,发音后手应立即放松,手型不变。这样才算一个完整的断奏动作。 (二)连奏。连奏的要求是让儿童弹奏出圆润如歌,流畅性的旋律。连奏手指触键要缓慢,用的更多的是手指的肉垫位。连奏是最基本最常见的弹奏技巧,方法是第一个音弹下去手指站稳,然后抬指弹下面的音,同时把力量转移过去,前一个手指里键。 (三)跳音奏法。跳音的弹奏可以让孩子把手指想象成芭蕾舞演员用足尖跳舞,这样就能找到指尖牢靠的感觉,或让儿童想象手指触摸到烫的物体的动作,一般人都会本能的把手迅速的拿开,来体验弹奏跳音的感觉。 三、教学方法 (一)技术语言应儿童化。许多初学的儿童对连奏领悟比较慢,我们可以把连奏的手指比作走路时的“脚”一只落地另一只脚抬起,自然交替。如果学生不能领悟,教师可以实际走给学生看,这样学生能较快地领悟连奏的动作要领。 初学琴的儿童常出现用力压键的现象,用不正确的方法去追求一种“响”。针对这种现象我们可以把好的声音比作荷叶上滚动的“水珠”,他是圆润的、透明的、流动的。我们的琴声也要给人一种集中、圆润、透明、流动的质感,通过这个比喻,学生就会用自己的耳朵辨别音的好坏,去纠正手指动作上的毛病。 (二)动作练习由“大”及“小”弹钢琴对手指、手腕等细微动作要求很高,稍微偏就会使钢琴弹出的声音有很大的区别,在入门阶段就要让孩子学会正确的动作,但由于儿童的肌肉群发育不完全,还不能做出精细而准备的“小”动作,只能从一些“大”动作开始,逐步变“小”,例如:刚开始儿童往往会将提手腕的动作做得很大,甚至越过头顶,要在肯定他的同时,慢慢告诉他,手就像一只小鸟,让小鸟飞的高本领很大,让小鸟飞的低本领也很大,我们来让小鸟飞的低一点好吗?从手越过头顶到手和眼睛一样高,再到手提起时和钢琴上放置琴谱的搁板一样高,再动作更小,通过二至三个星期的训练逐步将要求提升。 (三)学习重点由简入繁。儿童对注意力的控制很差,不能经常有意识的控制自己的动作,最常见的是:教师让孩子注意手型时,他却在想看下一个该弹什么音:让他数拍子的时候,他又在看自己的手型,让教育过程无法正常地进行,针对这一问题,就要要求用重点强调的方法来解决,也就是在某一时间段里,只要求做好一件事,暂时放弃其它方面要求。 四、教学中应该注意的问题 (一)应积极地培养儿童的学习兴趣孩子们从第一天和钢琴见面开始,就要天天和它打交道。从陌生到熟悉,从熟悉到产生感情,都需要相当长的过程。如果开始学琴的兴趣不稳定,时高时低,情绪忽冷忽热,练琴时心不在焉等,就会使儿童感觉是在没有丝毫兴趣和情绪下的强制学习,它们会从此产生对学琴的厌烦情绪,结果就会间接扼杀儿童的积极性和求知欲,因此,老师在上课时都要注意采用动静结合的教学方式在教学中穿插听音、听节奏的训练,讲些钢琴家的小故事。从此来调节儿童的大脑活跃气氛,同时又有效的吸引儿童的注意力,逐渐使他们从被动中解脱出来。 (二)培养良好的师生关系有的儿童天生就很胆小,上课时有一种紧张感。因此,要把儿童引进音乐的殿堂,帮助他们找到开启音乐大门的钥匙,就要帮助他们消除紧张情绪,可以尝试主动亲近他们、鼓励他们;主动和他们拉拉手,介绍自己,同他们聊天,问他们的喜好;多给予他们一下表扬等。待他们心情松弛一些,再把它们的注意力引到钢琴上来,建立良好的师生关系可以让他们从心里面接受老师的引导,培养他们对钢琴的兴趣。 (三)避免用命令式的语言,要问温和提出要求。心理学家霍布朗根据他的经验指出,以低和平稳的声调解决问题与使用激烈的辩论或演说强迫灌输,前者的教学方式更容易让学生理解和接受。同样,老师在辅导学生练琴时,若能用温和的语言对学生提出要求,孩子就会耐心倾听,乐意接受;但是,如果老师总用命令的口吻要求好好练琴,孩子就会产生不满,甚至产生逆反心理。所以采用建议和协商的方式去提要求,孩子将会心悦诚服地接受。 (四)忌长时间授课。学龄前儿童的注意力集中时间很有很,4岁左右的孩子约10分钟,五岁左右的约20分钟,六岁左右的约半个小时。幼儿园小、中、大班上课时间安排充分考虑了孩子注意力集中的特点。而有的钢琴教师在对幼儿授课时,常常长达一个多小时,也许是出于对教学的责任心,但却忘掉了实际的效果。对幼儿长时间的授课有多半是无用功,再加上教师如果缺乏精练、形象、生动而富有趣味的教学语言,就会加速孩子在课堂上的疲劳感,造成对钢琴的厌倦心理。对幼儿授课的时间必须充分考虑不同的孩子注意力集中时间的长短来确定。 五、树立儿童科学的练琴方法 教师除了教琴外,还应树立学生科学的练琴方法。对于儿童练琴的安排,一般应该坚持以下原则: (一)将练琴时间固定安排在学生精力充沛的时候,有利于集中注意力,保证质量,培养良好的学习习惯。 (二)儿童注意力集中的时间一般在20分钟左右,故每次练习时间安排20-30分钟为宜,每天安排两至三次。 (三)每次练琴要有明确的要求具体的目标,不要简单规定弹几遍,弹几个小时,要有质有量。 (四)坚持天天不间断,从中可以培养孩子的毅力和品质。 六、结论 钢琴艺术是一门历史悠久、文献浩瀚,与其他艺术门类以及文史地、数理化等各学科均有着广泛联系的艺术品种。无论是从钢琴教学的角度,还是从艺术审美的角度,都需要钢琴教师具备广博的文化修养和合理的知识结构,正像鲁讯先生所提倡那样:“学理科的偏看看文学书,学文科的偏看看工科书,看看别人在那里研究的究竟是怎么一回事”。只有在深厚、坚实的文化基石上才能筑起雄伟、高耸的艺术大厦。儿童从开始接触钢琴到能够独立演奏时一个漫长的过程。在这个过程中,教师的着眼点必须站在高处,要为长期的钢琴学习培养良好的习惯。作为一名教师更应该采取科学的教学手段,为儿童学习钢琴打好坚定的基础。树立正确学琴观念,只有这样才能使儿童的水平从长远意义上得到提高。 入门钢琴教学论文:儿童钢琴入门教学基本方法 摘 要： 作者根据教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为：让学生对钢琴进行认识，培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置，其步骤包括：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置，等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 关键词： 钢琴 启蒙 教学方法 随着我国社会经济的迅猛发展和人民生活水平的提高，如今钢琴教育逐渐走进千家万户，越来越多的孩子加入了浩大的琴童军团，同时对钢琴教师的需求也日益大增。面对一个零起点的孩子我们应该从何教起？我根据十几年的钢琴学习和若干年的教学经验总结出了一套通俗的方法。 兴趣是最好的老师。 根据相关统计，绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐，占总数的82%，一般的仅为16%，不喜欢的仅为2%。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下，对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查，则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42%，偶尔的占37%，不去的占21%。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外，更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长，而且受到家庭环境、社会氛围等诸多因素的影响。因此，无论是幼儿学习钢琴，还是音乐教师教授钢琴，培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向，对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用，而且有效地培养幼儿注意力的形成，促进智力方面的发展。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30―60分钟不等，一般课时安排为一周1―2节。 首先让学生对钢琴进行认识，尤其是对钢琴键盘的识别与记忆，并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授，要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正，坐得端正而不僵硬，上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开；下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜，膝盖的位置在琴边下，双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分，手臂与手腕的感觉与形态，再到教授手形、手指，等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用，因此应该注意好习惯的培养。手型应放松，手指自然弯曲，用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起，像是虚握着一个圆球，手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置，四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼，目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法，目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识，例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平，等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后，教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置，每节课的必要步骤为：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤。 在每节课开始前，教师应该先询问孩子在家的练琴情况，然后开始基本功的练习，让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏，并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较，培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图：利用现代教师的示范吸引学生的注意力，激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析，让学生体验到作曲家写作时的情感基调，从而更好激发学生的情感共鸣，为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点，即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标，使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平，继而培养孩子的各种能力，如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操，等等。根据个体和家长需求的不同，再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩，并且记录老师上课的内容，根据学生的上课实际情况，家长要及时督促学生进行学习，这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。
学前教育声乐教育研究:学前教育声乐课程教学设计 一、引言 幼师声乐教学的对象是学生，学生是具有主观能动性的服务对象，在教学设计中，应该遵循“以人为本”的教学理念，突出学生的主体地位，发挥他们的主观能动性。因此，教师在课程教学中，要充分发挥自身的主导作用，引导学生发挥主观能动性；同时，要具有较强的课程驾驭能力，以便有效开展课题教学，传授知识和技能。在声乐课程教学的设计方案中，遵循个性发展、知识与能力并重的原则，使他们在声乐教学过程当中发挥积极主动性。 二、明确制定教学目标 教学目标的制定，要从系统的角度出发，从内容、时间、知识、技能等多个维度进行考量，才能制定出科学合理的教学目标。因此，在教学目标时间安排方面，首先要确定学生二至三年的教学总体计划，然后再依次设计学年目标，学期目标、单元目标和课时目标，从整体到局部，每个步骤和环节丝丝入扣，确保幼师阶段的教学计划清晰明了；在教学目标内容方面，声乐教师的设计，既要包含演唱技巧的训练，更要加强学生音乐素质培养，两者都需要兼顾；在教学目标知识方面，要综合考虑教学涉及的知识点，每次课培养的目标，如声乐的原理、歌唱的基本方法、科学的歌唱姿势、歌唱的呼吸、歌唱的发声技巧、歌唱共鸣的认识、歌唱吐字咬字清晰、嗓音保护基本知识等等；在教学目标技能方面也要通盘考虑，分阶段实施，从易到难，才能逐步提升学生的能力。 三、科学安排教学内容 幼师声乐教学内容可以分为理论学习和声乐实践两部分。声乐实践课是学生掌握声乐技能能力的课堂，构成了声乐教学最重要的内容。在声乐实践课程中，要根据每位学生的声音特点、演唱能力和情感表达的差异，选择适合其声乐学习的、个性化的曲目，再通过演唱过程中注意气息的流畅、收放自如，形成胸腔和口腔的共鸣，并咬准每个字的发音，使学生逐步驾驭基本曲目、不同风格歌曲的演唱能力。在训练过程中，要根据学生特点逐个指导，使他们都能正确掌握科学的训练方法，以达到应有的效果。声乐理论的学习是以课堂集中传授的形式进行，让学生从不同层面对声乐理论课程有清晰、科学的认知，积累丰富的声乐知识，为后续的声乐教学打下坚实的理论基础。作为声乐课程的教学，其内容要根据学生学习的特点，逐步深入，并且要求学生学会坚持，投入真情实感，刻苦训练才能达到应有的效果。为了有效开展声乐课程的实践和理论课堂教学与训练，使教学活动达到教学目标。首先要明晰教学重难点，注重课堂互动。声乐教师在课堂教学或训练中，要明确教授的重难点，然后引导学生对教授的理论和演唱的训练进行课前分析，特别是声乐演唱作品的深入分析，让学生把握作品中所包含的情感，充分做到理性与感性的结合。理论学习相对枯燥、乏味，教师要依据所授内容，结合学生的生活环境进行讲解和有效展示，调动学生的学习兴趣。在实践课程中，鼓励学生从理论层面先分析作品的特点，演唱的重点和难点，再用感性的思维去理解作品的内涵，并在演唱过程中尽可能完美的展现作品的内涵和情感。把握学生心理，促进学生学习。声乐学习，不仅仅是学习态度要端庄，更需要全身心投入，特别是情感的投入，只有用心去感受作品，表达作品，才能达到训练的效果。因此，在教学活动中，教师要准确把握学生的心理，了解其动态。在学生状态比较好的情况下，鼓励学生向更高标准冲刺；在情绪不稳定，状态不佳的情况下，教师要保持耐心，循循善诱，引导学生调节心态，掌握学习和训练内容。只有准确把握学生心理，有针对性的采取必要的教学方法和措施，才能有效促进学生的学习，使学习达到事半功倍的效果。提供教学实践，确保教学质量。声乐教学效果的好坏，是以学生的演唱能力的高低为衡量标准，而要保证学生达到教学目标和要求，必须具有足够的时间进行声乐训练，因此，教师应根据学校教学实施设备的实际情况，合理安排理论与实践课程，加强实践教学内容，提高学生的演唱能力。另外，除了课堂之外，教师也应该积极主动的寻找时机，鼓励学生参加校内外开展的各种文体活动，给学生争取更多登上舞台的机会，从而将教学内容转化为实践，这样既能激发学生的学习和训练兴趣，又能锻炼学生的声乐表达能力，使教学质量得到大幅提升。拓宽知识面，补充教学内容。声乐教学就是使学生能通过演唱来对曲目进行有效诠释，以此来感染人、教育人。要通过教学使学生演唱达到应有效果，除了学生具有良好的唱功之外，还需要真实的情感、广博的知识、丰富的阅历。因此，教师在声乐教学活动中，还有鼓励学生接触和学习更多的知识，如与声乐学科相关的知识、各种文学作品，用心去感受生活的各种体验，从而夯实基本专业素养和文学修养，提高自身的声乐素质。 四、合理采取教学模式 声乐教学主要以实践训练为主，其所采用的教学模式应以活动为主，而非满堂讲授。因此，在教学中应以活动课为主，集体授课为辅，实现学生个性化发展。个别指导模式就是教师针对学生的具体情况，采取“一对一”的教学方法，其主要适用于实践训练课。在实践训练过程中，班级里每个学生的演唱能力和特质存在差异，如果没有针对性的统一授课，很多学生的演唱最佳效果难以显现。实行个别指导模式，教师围绕个别学生制定教学计划和教学内容，做到量身定制，能有效解决学生在声乐学习中存在的问题。小组教学模式就是把班级学生分成若干小组，教师对小组学生进行教学和指导。在小组教学模式中，教师要根据班级学生声音条件、学习进度、学习能力等方面相似的同学组成一个小组，这样便于学生在教学中进行针对性的教学，并且能让学生之间相互学习、相互帮助，同时进行比较性学习，激发学生兴趣和激情，共同提高演唱能力。实践训练模式就是让学生通过各种活动进行实践训练，提高学生的演唱能力。在课堂教学中，采用模拟演出的形式进行训练和教学，让学生能大方自然的面对全班“观众”。同时，鼓励学生积极参加校内的各种文娱活动，借助学校舞台，培养学生舞台表演能力。另外，鼓励学生参加社区、县市部门主持的一些唱歌比赛，借助活动，加强实践锻炼，提高学生学习效果。集体合成模式就是教师根据学生的声乐基础，组织各种合唱活动，培养学生合作精神，合作能力。在教学中，使学生明确各自在合唱中的内容，理解各部分的内涵，突出集体共鸣声音，达到互助协作的效果，提升学生合唱能力。儿歌唱游模式。由于幼师专业的学生将来的工作对象就是幼儿，经常进行儿歌唱游教学，能使声乐教学与专业紧密结合。在唱游模式中，可以把学生的舞蹈、琴法、活动课程的内容柔和在一起，学生不仅能够掌握大量的幼儿歌曲，还可以掌握在歌唱中快乐游戏的方法，提高学生演唱和教学能力。 五、有效使用教学方法 教学方法是教师在教学过程中，为了达到教学目标而采用的方式和方法。声乐理论和技能课的教学，因授课内容不同，只有采用不同的方法，才能达到应有的效果。针对理论课，以讲授法和示范法为主；而训练课则以示范法、练习法、个别指导法、评价法为主。针对不同类型的课堂设计出不同的教学方法，突出学生主体地位，完成教学任务，达到教学目标。 六、资源媒体辅助教学 现代化教学手段的运用，使声乐教学打破传统的教学模式和方法，能给学生更为直观的感受，从而提高教学质量。因此，教师在教学过程中，理论课可以充分利用各种教学视频资源，借助“班班通”进行有效教学；实践课通过教师解读、视频资料中专家示范进行讲解，以及演唱家作品演唱，能让学生直观感受作品效果，训练方法，演唱效果，让学生对声乐训练有科学、深刻地认识。另外，也可以利用媒体设备，录制学生自己训练和演唱的视频，通过观看发现自身的优势和不足，不断改进，从而提高声乐教学质量。 作者：彭洁 单位：吉首市职业中等专业学校 学前教育声乐教育研究:学前教育专业声乐教学模式的创新思考 【摘要】学前教育专业在我国受到了较大的关注，学前教育专业中的声乐教学，对学生的大脑开发和潜能激发有着重要的意义。所以，在学前教育中强调声乐教学，在近几年得到了较大范围的应用。本文简要阐述了学前教育专业声乐教学模式的现状，以及强调声乐教学模式的创新的意义，并在此基础上，详细分析了学前教育专业声乐教学模式的创新措施。 【关键词】学前教育 声乐教学 创新模式 措施 随着我国社会的不断发展，以及国家经济实力的提高，社会大众对学前教育越来越关注和重视。与此同时，学前教育的理念和方法等也在不断改进和完善，为我国学前教育的发展提供了重要的推动力量。声乐教学模式的运用，更是促进了学前教育水平的质的提升。但在实际的学前声乐教学中，仍旧存在很多问题，阻碍着教育质量的提高。因此，有必要对学前教育专业声乐教学模式的创新和改进进行探讨。 一、学前教育专业声乐教学模式的现状 （一）教材方面存在的问题 从学前教育的培养目标来看，学前教育中声乐教学的教材难以完全满足教育目标。即许多声乐教材并不能达到既培养学生的综合能力，又能够有效激发学生的音乐潜能，所以无法满足学前教育专业学生在日后工作的需要。一方面，许多学校为了实现针对性教学，根据本校学生的特征，由本校教师主编了相关的声乐教学教材。这种教材能够在一定程度上实现针对性的高效教学，但也导致学生的知识面有限，难以保证全面教学的实现；另一方面，学前教育在近几年得到了许多关注，教育的相关理念和思想也有所改变，但教材涉及到的内容较多，还需要保证一定的教学逻辑等，所以教材的更新速度较慢，难以保证充分适应当前的教学要求。 （二）教学方法有待改进 教学方法是提高教学水平和质量的重要条件，对学生日后的工作能力也有一定的影响。教学方法有待改进主要体现在两个方面：一是教学方法难以适应社会实际的需要，为了适应经济全球化的需要，我国的许多行业都在积极进行改进和调整。但相对来说，教育行业的改进速度较慢。教学方法没有及时进行改进，关键的教学点也没有适应社会实际的需要。所以，难以满足实际要去的声乐教学，是难以保证教学效率的。二是教学方法的传统，传统的教学方法更加注重理论体系的培养，忽视了对学生运用能力和工作能力的培养，导致许多学生的职业竞争能力不强，为社会提供的综合型专业人才有限，导致我国的学前教育难以实现质的提升。 （三）学生声乐演唱基础较差 学前教育中的声乐教学，不同于其他的专业声乐教学。在学前教育专业中，教师更加强调学生的运用能力以及将其充分于工作中的能力。所以，这就对学生的声乐演唱基础有一定的要求。目前，学前教育是比较热门的专业，报考的学生较多，但学生质量却参差不齐。在接受学前教育的声乐教学之前，甚至有许多学生没有接受过专业的声乐教学，这为后续的深入声乐教学带来了一定的阻碍，导致教学的进展缓慢。另外，学生的声乐演唱基础较差，学习中需要克服的困难较多，也容易使得学生对声乐教学课程失去学习兴趣，导致声乐学习的效率不高。 二、学前教育专业声乐教学模式创新的重要性 （一）创新是不断发展的重要条件 实现声乐教学模式的创新，是促进教学理念和方法不断发展的重要条件。当前，社会的发展促使人们对学前教育的声乐教学要求更高，对学前教学的教师的教学能力等要求也发生了变化。所以，实现教学模式的创新，不仅是为了推动教学体系的发展，也是促进其适应市场需要的重要途径。在传统的声乐教学模式中，教师更关注对理论的教学，忽视了对学生运用能力和综合能力的提升，导致学生的职业竞争能力难以提升，对教学体系的进步和完善的益处有限。因此，对教学模式进行创新，是促进其不断进步和健全的有效方法。 （二）创新是适应社会需要的重要方法 近年来，我国的教育事业得到了迅速发展，尤其是学前教育的水平有较大幅度的提升。与此同时，社会和家长对学前教育的要求也有所提高。对教学模式进行创新，有效弥补传统教学模式中的弊端，才能充分提高声乐教学的水平和质量。声乐教学的专业性要求较高，高效的声乐教学对学前教育的完善有着重要的意义。另外，加强对声乐教学模式的创新，能够更加适应社会大众对学前教育的要求，促使学生在学前教育阶段对声乐的相关知识有更加深入的理解，进而为以后的更深层次的音乐学习奠定良好的基础。 三、学前教育专业声乐教学模式的创新措施 教学模式不仅是教学思想的具体体现，也是对教学理论进行的一次总结。学前教育专业中的声乐教学，不仅需要培养学生的专业能力、综合教学能力，还要求学生有一定的心理学知识。所以，实现声乐教学模式的创新，需要教师与学生的积极参与和充分配合。 （一）实现整体教学与个体教学的结合 所谓实现整体教学与个体教学的结合，是指将两种不同教学形式的优势进行有机的结合，以最大限度地提高教学效率。目前，我国的学前教育大多采用集体授课的形式。这种教学方式能够有效节约和整合教学资源，但也容易导致教师忽视了对个体特征的重视，以及更高效的针对性教学的实现。在学前教育专业中，声乐教学的专业性内容更多。所以此时针对性的教育和个体教学的实现也十分重要。例如，可在学习新知识时，将原本30人的班级教学，转换为10人的小组教学，再借助学生的讨论与合作共同攻克声乐演唱方面的问题。这样一来，教师不仅能关注到每个学生的不同的想法，还能加强教师与学生之间的沟通和交流。这种将集体教学与个体教学相结合的方式，促使学生深入理解并运用声乐的专业性知识。 （二）确立教学中学生的主体地位 在日常教学中，确立学生的主体地位，不仅能够提高学生的学习积极性和能动性，也是为学生以后的工作提供科学的经验借鉴。学前教育中的声乐教学，需要学生掌握好声乐专业知识与专业内容的教学输出之间的关系。所以，不仅需要学生有充分的自主学习的能动性，还需要为以后的实际工作奠定一定的基础。例如，在声乐的课堂教学中，教师可鼓励学生加强互动，通过学生的自主思考以及团队合作，在自我观点的表达的过程中，不断激发自己的潜能，并最终成功解决问题。此外，学生还可站在不同的角度，思考这一教学方法的优劣，并提高自己在工作中的理论教学基础。在这个过程中，教师只需保证必要的引导和解惑即可。将学生放置于课堂的主体地位，也能够促进和谐课堂的构建。学生在和谐的氛围中学习和思考，能够促使学习效率的提高。 （三）借助声乐特性培养学生的审美能力 从本质上说，声乐课程属于美育的范围。而在学前教育中，通过演唱和表演来促进学生综合实力的提升。演唱是抒发人类情感比较直接的方法，在演唱过程中还能够促使学生深入理解歌曲的感情。所以，借助声乐本身的特性，提高学生的审美能力，是一种极为有效的教学方法。在演唱教学过程中，教师鼓励学生依据歌曲的背景灯内容，分析歌曲更深层次的含义，进而培养学生的审美能力和音乐能力。此外，教师还需培养学生掌握音乐的韵律美和节奏感，并引导学生进行这种能力的输出和运用。例如，可将音乐演唱教学与音乐审美能力的培养进行结合。在进行歌曲的学习时，教师可鼓励学生自主进行学习和探索，或通过小组探讨对歌曲进行理解。通过表达自己不同的观点，在一定程度上为学生的潜能激发提供了条件，对扩展学生的审美视野有着重要的作用。 结束语 据上述的分析可知，学前教育中的声乐教学对学前儿童的大脑开发和音乐潜能的激发有着重要的意义。通过将整体教学与个体教学相结合、采取“联系式”的教学方法、对教学内容进行创新，以及与实践教学充分结合等方式，从教学思想、教学形式，以及教学方法等方面对声乐教学模式的创新进行了探讨，从科学教学的层面对学前声乐教育进行了分析，不仅能够有效促进声乐教学水平的提升，还能充分激发学生的音乐潜能，为其全面发展奠定一定的基础。 作者：胡志勇 单位：上饶师范学校 学前教育声乐教育研究:浅析学前教育专业声乐课的教学 摘要:长期以来，声乐课在学前教育专业课程设置当中属于专业基础课，目的是使学生通过学习和练习，掌握基本的歌唱能力，从而为即将从事的学前教育工作打好基础。近年来，由于取消了面试的环节，学生在音乐方面的接受能力比较差，学习兴趣不浓，因此，作为教师，要运用不同的教学方法，调动学生的主观能动性，这是提高声乐教学的关键所在。 关键词:老师;学生;声乐教学;学前教育;教学方法 一“首因效应”很重要 多年的声乐教学使我觉得第一节课给学生留下的第一印象尤为重要。第一节课师生共同亮相，相互了解，从而达到提高学生对声乐课的兴趣，激发学生学习声乐的热情。 (一)老师了解学生 一方面是了解学生的音乐素质，如:乐感、节奏感、音准等等，便于解决今后教学中出现的问题。另一方面是让学生了解自己在没有学习声乐时是怎样唱歌的，为今后的教学埋下伏笔，使学生在今后的学习中能够感觉到自己的歌唱能力在逐步提高，歌声变得越来越流畅、越好听了。从而增强学生学习声乐的自信心。 (二)学生了解老师 因为老师首先是教育者，然后才是学科教师。第一节课是学生了解老师、了解学习声乐的目的、声乐课的内容的过程:(1)首先让学生了解学习声乐的目的是为了更好地演唱儿童歌曲，是成为一名合格的幼儿教师必备的专业技能。(2)让学生了解我们的声乐课是声乐基础课，是帮助学生树立一个科学的发声方法的课程，是帮助学生树立一个美的、正确的声音概念、养成良好的歌唱行为的过程。(3)教师在讲授的过程中，通过范唱不同类型的歌曲以及展现优雅的外在形象也会化作一种无声的教育力量，学生会因为喜欢你而喜欢声乐课。 (三)教会学生掌握学习声乐的方法，更有效地提高歌唱能力 在第一节课上，要把声乐课中应注意的一些问题和经常出现的一些状况交代给学生，比如课堂上经常会出现一些怪声、白声、破声、跑调、凉调等现象，让学生明白这是很正常的现象，消除学生初学声乐时的紧张和害羞心理，便于课堂上教学计划的顺利完成。希望学生在今后的学习中有方法地练习发声和唱歌，努力做到三个一定:(1)上课时一定要学会听、学会比较、学会模仿。(2)上课时一定要放开声音唱，无论是集体唱、小组唱、个人唱都要尽可能地放开声音，保持歌唱状态和音色的一致。有很多学生比较内向，放不开，不敢出声，我的教育理念是无论你现在的声音有多难听，只要你放开声音唱，我都会努力地帮你把声音变得好听、再好听，但最怕的是你不敢出声。所以要求学生要放开声音大胆歌唱。(3)一定要加强课后练唱，课后练习很重要，这是一个巩固、提高的必要手段。 二、教学方法的定位 1．以声乐理论为支撑的教学方法 在声乐教学中要给学生讲解声乐的基本理论、声乐理论术语，声音训练和理论讲解相结合。比如使学生了解歌唱时我们要运用科学的呼吸方法:胸腹式联合呼吸。这时身体的状态是两肋扩张，气吸丹田，气息保持在腰围处。歌唱时口腔是微笑半打哈切的状态，喉咙是打开并放松的、咬字要快速归音、歌唱时要保持胸腔、口腔、头腔的通畅，声音是要有共鸣有位置的等等，这样更有利于提高学生的学习效率。在声音的基础训练中，以中低声区为主，培养学生全身心地歌唱。 2．循序渐进、因材施教、分类教学的方法 采用集体学唱歌曲、分组辅导、个别辅导、分类辅导等授课法。不仅可以解决共性的问题，还可以解决个性的问题，锻炼了学生敢唱歌、想唱歌的胆量，更有利于提高学生的声乐技巧和歌唱能力。 3．通过激励法，鼓励和帮助学生树立学习的自信心 在课堂上经常会出现跑调的、凉调的、唱破音的、节奏感差的学生，针对这类学生要采取鼓励式教学方法。首先让学生明白出现这样的现象是很正常的，只要有信心，多练习，这些现象都会慢慢解决的。世界是多元的，学生的个性各不相同，尊重学生的个性和人格，用微笑去面对每个学生，让每个学生都能感受到老师的爱。三、培养目标和专业技能的定位(1)首先我们应该明确学前教育专业要培养的是合格的幼儿园教师。而学前教育的声乐教学是培养能够胜任幼儿园声乐启蒙教育的老师。因此，我们的声乐教学要不同于音乐专业的教学，除了在歌唱发声相关技能和知识等方面的传授外，更要注重学生实际能力的培养———这就要求我们的学生必须具备演唱儿童歌曲和边弹边唱的专业技能，只有这样才能适应实际工作的需要。(2)把幼儿园教材中的歌曲设置到声乐课的教学当中，与钢琴教学相融合，培养学生运用科学的歌唱方法来演唱儿歌。和键盘老师携手教学，同时完成每个作品的演唱和弹奏，培养学生边弹边唱的能力。四、考核定位声乐课的考核采用观摩考试的形式，可以帮助学生克服害羞、胆怯的心理，锻炼她们敢于展示自己的胆量。培养学生能够声情并茂地表现声乐作品，对提高学生的气质和表现力有很大的帮助。总之，学前教育声乐课的教学模式要不断地进行改革，只有这样才能提高教学质量，培养出适合时展和要求的幼儿园教师。 作者:张红革 单位:北华大学师范分院 学前教育声乐教育研究:中专院校学前教育声乐教学的方法 ［摘要］声乐教学一直是学前教育专业的必修课，更是学生们未来从事幼儿教育的主流课程。为此，中专院校的教师必须要尽可能的培养出具备优秀声乐能力的学生，使得他们未来更好的就业和发展。本文先阐述声乐教学的重要性，之后提出有效的教学方法，全面的促进学生更好的服务于幼儿教育。 ［关键词］中专院校;学前教育;声乐教学;教学策略 声乐课是培养学生音乐能力的基础学科，也是学前教育专业中非常重要的课程。在中专院校，学生的能力高低将会直接影响他们未来的发展，因此，学前教育的学生必须要学好声乐知识。教师通过特殊的培养计划，制定合理的教学策略，为学生营造一个完善的声乐学习系统，使得他们符合职业的要求，从而更好的适应未来工作。 一、声乐教学对学前教育专业的重要性 中专院校的学生都要求他们具备扎实的专业技能，而声乐知识又是学前教育专业必需用到的科目，这也是他们未来从事幼儿教育需要教学的重点内容。幼儿对于声乐的认知浅显，需要专业的声乐教师进行引导和开发，而这就是学前教育专业学生的未来发展方向。因此，教师一定要重视声乐教学，要让学生掌握扎实的声乐功底，学好声乐技巧，学生只有声乐水平高，自身能力强，才可以成长为专业性能高的综合性人才。所以说，声乐教学对于学前教育专业的学生而言，非常重要。 二、有效提高声乐教学质量、促进学生优质发展 1.有针对性解决学生水平差异化问题 中专学校往往都是成绩一般的学生，这部分学生的学习水平也参差不齐，没有经过专业的训练。尤其对于声乐知识的学习更是会产生较大的差距，这也是教师在教学中面临的问题。为此，教师必须要对学生进行课前培训，让每一位学前教育的学生都可以掌握扎实的声乐基础，培养他们对于声乐的兴趣，进而运用兴趣来带动学生主动学习.使得他们的声乐水平逐渐提高。 2.创设课堂气氛、调动学生积极性 声乐课堂的气氛决定学生的学习效率。教师在教学中，可以一改往日死板的教学氛围，为学生塑造一个轻松和谐的声乐课堂。教师要尊重学生，积极的鼓励学生提出自己的疑问，帮助学生解决心中疑惑。声乐课本身就是艺术课程，它不局限于人群，不苛求学生的能力，教师只要做好引导，学生就可以自然而然的投入到声乐知识学习中。运用气氛调节来提高学生的学习热情，调动他们的积极性，从而确保学生可以更加热爱声乐，喜欢学习声乐。 3.由浅入深的开展声乐教学 声乐教学并非是一蹴而就的，它需要学生由浅入深的学习。在课堂中，教师要从最基础的知识讲起，不能忽简忽难。同时，教师要不断的鼓励学生，不能放弃学习声乐，在一个阶段学习完毕后，教师可以组织学生进行知识整合，运用表演的方式，考量学生的学习成果。通过成果演示，教师可以很好的掌握学生的学习水平，从而制订下一步的教学计划，运用这种循序渐进的教学方法，使得学生的声乐知识更为牢固，能力逐步增强。 三、紧抓学前教育宗旨、落实学生学习要点 1.选择适合幼儿学习的教学内容 学前教育专业的学生毕业后的职业多数是幼师，他们接触的人群都是幼儿，这就固定了学生在校学习的知识内容。教师可以为学生制定相应的教学内容，都是以幼儿学习为主的知识，让学生在校期间，可以对幼儿学习声乐的各类要求了如指掌。同时，也可以通过知识的具体学习，更好的掌握幼儿的心理需求，使得他们毕业后可以更轻松的投入到实际工作中。 2.实施符合幼儿成长的教学模式 在学前教育专业的教学中，教师可以分别实行集体声乐教学和小组声乐教学。在集体课中，教师可以教育学生基本的唱、听、发音等基础知识，要求每一名学生都具备基本的声乐表演能力。而在小组声乐教学中，教师可以根据小组学生的整体水平，制定相应的教学策略，取长补短，优化学生的个人能力。借助于不同的教学模式，让学生在彼此的交流中，获取声乐技能，更好的提高自身的声乐水平。 3.重视学生能力培养、带动学生能力实践 中专学生的能力决定他们毕业后的工作水平，所以，培养具备优秀声乐能力的学生非常重要。教师在教学中，不能只讲理论，不讲实践，要让学生对自己的知识经常实践，学会运用声乐知识来表演不同类型的曲目，在实践的过程中，学生可以发现自己的不足，进而修正自己的错误，使得他们的声乐水平得到显著提升。此外，教师还要注重学生的声乐能力培养，即让学生的声乐成为一种优势，为他们以后的工作奠定基础，为幼儿的声乐教育提供一份安稳的保障。综上所述，在中专院校学前教育专业教学中，教师要充分考虑到学生毕业后的服务对象。学前教育往往面对的都是幼儿，所以教师必须要为学生制定符合幼儿学习的声乐知识。着重培养学生的音乐鉴赏力和基本功。学生只有基础能力强，才能胜任毕业后的工作，才可以更好的投入到幼儿教育中，使得中专学生开启更好的人生规划。 作者:王晓丽 单位:山市财经学校 学前教育声乐教育研究:中职学前教育的声乐教学探研 摘要：在中职学前教育专业的声乐教学过程中，应增加一些可爱元素，采用“以唱带跳，以跳辅唱”的教学模式，使课堂变得更加生动。文章主要研究中职学前教育专业声乐教学。 关键词：声乐；幼儿歌曲；学前教育；素材 近些年，带学前教育专业学生进入企业实践的时候，观察他们对幼儿进行声乐教学，发现教学过程总体偏“套路”化，过于重视深呼吸、高位置，导致他们在给幼儿示范演唱中忽略了教学主体的性质，也就是幼儿对音乐审美的心理需求。而部分学前教育专业学生在演唱幼儿歌曲时过分注重追求音量、音色，没有了歌曲本该有的可爱元素，这恰恰违背了幼儿歌曲教学中“直观性”和“趣味性”的原则。 一、加强学前教育专业学生“以唱带跳，以跳辅唱”的整体表现力 在中职声乐课中，常见的学习曲目《送别》《花非花》《故乡的小路》都属于艺术歌曲，而教学大纲以及评价标准几乎接近大学本科一年级声乐学科的教学目标以及评价标准。教师翻看了自己上大学时的声乐教材，对于大学一年级声乐教学，教学大纲内容是这样的：要求歌唱中能基本做到声区统一，声音连贯流畅，吐字清晰，并将所学的歌唱方法运用到不同类型、不同风格的歌曲演唱中，力求比较完整地表达歌曲的思想感情。而将此大纲与中职二年级的声乐教学大纲相比较，教学内容基本无异。但这势必会给学前教育专业的学生造成一个错觉，学前教育声乐学科即是声乐表演。而当学前教育专业的学生在社会实践环节中给孩子们进行所谓的艺术表演时，孩子们会瞪大眼睛望着老师，很容易和老师产生教学隔膜。孩子们会一致认为老师的姿态很美，歌声很动听，但是她们听不懂。因此，在保留现有声乐教学模式的前提下，应进一步加强学前教育专业学生在幼儿歌曲中“以唱带跳，以跳辅唱”的整体表现力。 二、一些幼儿歌曲演唱中常用的“以唱带跳，以跳辅唱”素材 在幼儿歌曲歌词当中，出现人称，如“我”“我们”等字，可将双手弯曲掌心置于胸前。若出现第二、第三人称，如“你”“你们”“他”“她们”，则可将手臂伸直，掌心张开虎口朝上。若作品风格较为轻快，也可用采用手腕下压握拳，掌心朝向舞台2点位，翘起并伸直2指，3、4、5指略微向上抬高表现出一种俏皮的风格。若接受对象为表现欲较强的孩子，还可辅助将腿迈向舞台8点位，将脚跟点地脚尖朝上，同时向右顶胯。在幼儿歌曲歌词中，出现器官或者身体某个部位，如“肩”，则可掌心朝下，将手轻轻搭在肩上，大臂抬高至与地面平行，同时将手腕略微上提。例如“手”，则可将手臂伸直，五个手指张开，掌心朝向观众手腕左右转动。例如“腿”，则可将双膝弯曲，双臂伸直，指尖绷直并相对，掌心朝下置于膝盖上。例如“脸”，则可将五指勾起，手腕下压，将掌心轻轻托起下巴左右腿交叉前腿为主力腿，后腿虚点地，身体向主力腿侧下轻微旁腰。例如“腰”则可将手插至腰间，同时将腿迈向舞台8点位，将脚跟点地脚尖朝上，同时向右顶胯。在幼儿歌曲歌词当中，出现具体事物的名词，如“蓝天”“白云”“小鸟”，则可用采用手腕下压握拳，掌心朝向舞台2点位，翘起并伸直2指，3、4、5指略微向上抬高，将2指指向天空，双膝弯曲另一只手轻置于膝盖处，头抬高45度角，眼神凝望天空。例如“衣服”，则可掌心朝下，将手轻轻搭在肩上，大臂抬高至与地面平行，同时将手腕略微上提。例如“房子”，则可将胳膊肘弯曲，手臂上举至头顶，保持小臂、手腕、手掌心呈一条直线，掌心朝下。例如“门”，可将一只手胳膊肘弯曲，保持小臂、手腕、手掌心呈一条直线，掌心朝下置于胸前十公分处，另一只手同样弯曲胳膊肘置于前一只手的3指上，保持小臂、手腕、手掌心呈一条直线向上，似“举手”状。例如“书包”，则可将五个手指勾指掌心朝上手腕上顶，大臂与地面保持平行，手背置于肩部上方10厘米处，腿迈向舞台8点位，脚尖绷直虚点地，同时向迈腿侧轻微下旁腰。例如歌词中出现“好”“棒”“比一比”之类的形容词或者动词，则可将大拇指竖起，从前胸向前伸直手臂，保持手臂与身体呈90度角。动词动作可在名词动作的基础上添加转圈、下旁腰、后绷脚踢小腿等辅助动作，以表达童真童趣为首要目的，但切忌动作过于繁杂，频率不可过高。 三、结束语 综上所述，在中职学前教育专业声乐教学中，应培养学前教育专业学生“以唱带跳，以跳辅唱”的教学能力。学前教育专业学生一定要根据每个幼儿自身的性格进行“量身定做”。如有些幼儿性格活泼开朗，表现力强，可适当添加一些难度较大且较好理解的动作。有些幼儿性格较为内向，可适当减少动作，达到松弛不僵硬，心中有歌词，眼随心动的前提就可以了。同时，切勿在幼儿身上出现动作的机械堆砌现象，应以达到幼儿在表演歌曲过程中自然、流畅为终极目的。 作者:肖晖 单位:福建省福州环保职专跨洋校区
钢琴入门教学论文:浅析儿童钢琴入门教学基本方法 论文关键词： 钢琴 启蒙 教学方法 论文摘要： 作者根据教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为：让学生对钢琴进行认识，培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置，其步骤包括：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置，等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 随着我国社会经济的迅猛发展和人民生活水平的提高，如今钢琴教育逐渐走进千家万户，越来越多的孩子加入了浩大的琴童军团，同时对钢琴教师的需求也日益大增。面对一个零起点的孩子我们应该从何教起？我根据十几年的钢琴学习和若干年的教学经验总结出了一套通俗的方法。 兴趣是最好的老师。 根据相关统计，绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐，占总数的82%，一般的仅为16%，不喜欢的仅为2%。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下，对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查，则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42%，偶尔的占37%，不去的占21%。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外，更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长，而且受到家庭环境、社会氛围等诸多因素的影响。因此，无论是幼儿学习钢琴，还是音乐教师教授钢琴，培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向，对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用，而且有效地培养幼儿注意力的形成，促进智力方面的发展。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30—60分钟不等，一般课时安排为一周1—2节。 首先让学生对钢琴进行认识，尤其是对钢琴键盘的识别与记忆，并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授，要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正，坐得端正而不僵硬，上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开；下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜，膝盖的位置在琴边下，双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分，手臂与手腕的感觉与形态，再到教授手形、手指，等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用，因此应该注意好习惯的培养。手型应放松，手指自然弯曲，用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起，像是虚握着一个圆球，手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置，四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼，目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法，目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识，例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平，等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后，教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置，每节课的必要步骤为：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤。 在每节课开始前，教师应该先询问孩子在家的练琴情况，然后开始基本功的练习，让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏，并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较，培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图：利用现代教师的示范吸引学生的注意力，激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析，让学生体验到作曲家写作时的情感基调，从而更好激发学生的情感共鸣，为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点，即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标，使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平，继而培养孩子的各种能力，如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操，等等。根据个体和家长需求的不同，再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩，并且记录老师上课的内容，根据学生的上课实际情况，家长要及时督促学生进行学习，这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。 钢琴入门教学论文:钢琴即兴伴奏入门教学中的五大障碍及解决对策 [摘要]本文从钢琴即兴伴奏课教学实践出发，详尽分析了学生在初学这门课时存在的最主要的五大障碍：和声配置、和弦连接、伴奏织体、对歌曲旋律和节奏的补充“加花”、移调。并且通过细致的理论研究和实践总结，对以上五大障碍的解决对策进行了详细的剖析，指出学生只有认清障碍、用科学的方法刻苦训练，去解决以上障碍，才能突破钢琴即兴伴奏的第一道门槛，从而迈向更广阔的专业学习之路。 [关键词]和声配置；和弦连接；伴奏织体；补充“加花”；移调 钢琴即兴伴奏是一门集钢琴演奏、和声理论及作曲理论为一体的综合性学科。要学好这门课，除了要具备一定的钢琴演奏技巧外还要学量的和声理论知识。更重要的是，还要在实践中和演唱者配合，并且要乐感、节奏感都很好，为烘托气氛，在歌曲的关键处还要加入自己的一些即兴创作。所以，这门课对学生的要求是比较高的，但学生往往力不从心，在学习的过程中存在许多障碍，特别是入门阶段，从而影响了学习的积极性。笔者通过多年的教学实践及调查研究，归纳了其中最主要的入门学习阶段的五大障碍及解决这些障碍的对策，现总结如下。 一、入门教学中的五大障碍 (一)和声配置 学生对一首简单的歌曲往往只会用右手去弹旋律，而左手却不知道弹什么，这就是和声配置的问题。钢琴即兴伴奏最主要就是把和声以某种形式在键盘上快速准确地弹奏出来。而学生往往不知道如何为旋律编配和声，这里主要有四方面的问题。 1 对和声这种多声部语言还不太熟 配和弦时只会从纵向上与旋律保持协和，考虑孤立的和弦配置，而不太注重进行整体性的和声语汇的配置。这就好像是在说话时头脑里想的只是个别的单字，而不是有完整意思的词汇和句子一样。造成的结果是配出的和声只是杂乱无章的一些和弦组合，而形成不了具有完整清晰功能走向及丰富和声色彩的和声语汇进行。 2 目光比较短浅 不会从大局上考虑合理地安排和声节奏，仍旧只是片面追求和旋律的协和，而随心所欲地安排和弦，使和声节奏杂乱无章。造成的结果是和声节奏零零散散，不仅不能很好地配合旋律的节奏，甚至和旋律的节奏打架， (如和声切分)从而造成整体音乐形象的损坏。 3 对和弦之间相互关系不太熟悉 同一调性内的不同自然音和弦根据其根音之间的关系可以分为二度、三度、四度三种基本形式， (五度、六度，七度实际是上述三种形式的转位)而每种形式又可分为上下两个方向，如上二度关系、下二度关系等，不同的和弦进行会产生不同的力度及色彩的关系。学生往往在多个和弦都可以选配的情况下，因对不同和弦之间力度及色彩的关系不熟，就很难选对最合适的和弦，从而很难取得最佳的音响效果。 4 难以鉴别旋律中的和弦外音 有些学生总是把每小节的第一个音当作和弦音配上和弦，将以后的非和弦音一律当作和弦外音。这种方法虽然偶尔也有效，但是更多的是会遗留下很多没有解决的非和弦音，从而造成音响的紊乱不清。 综上所述，正确合理的和声配置已经成为学生初学钢琴即兴伴奏第一道最重要的障碍，如果这一障碍不能很好地解决，那以后的学习将会很艰难。打个比方，就好像一个人在学习炒菜，如果他不会选菜，每次选的菜都不新鲜，那他就算炒菜技术再高，最后炒出来的菜也是很难吃的，而最终丧失炒菜的信心。弹钢琴即兴伴奏也是一样，如果学生不会对旋律配置和声，每次配的和声都不正确，那他就算弹奏技术再高，最后弹出来的音响效果也很难如人意，而最终导致丧失弹伴奏的信心。 (二)和弦连接 对一首已经配置好和弦的歌曲，接下来就是把这些和弦采用四部和声的形式用与声连接法或旋律连接法连接起来，并在钢琴上弹奏出来。但大部分学生只对和弦的原位比较熟悉，对和弦的转位则不熟。而规范的和弦连接必然要涉及到和弦的转位，所以很多学生在做这一练习时错误百出，和弦位置专门弹自己熟悉的，根本就不管是不是正确规范的连接，更有甚者全部都弹和弦的原位。这样一方面养成随意的坏习惯，另一方面从弹奏技术上也增加了难度，并且弹出的音响则杂乱无序，毫无声部走向的规律可循，自然也就很难听。 笔者通过多年实践教学得出的经验之一是：熟练地掌握正确规范的和弦连接已经成为学习钢琴即兴伴奏道路上继和声配置之后又一道关键的战略要塞，只有顺利通过这一要塞，后面的路才能畅通无阻。 (三)伴奏织体 对所有的歌曲，就只用一种伴奏织体，而且从头弹到尾，没有变化。这样弹奏造成的结果是效果单调，很难烘托歌曲情绪的起伏变化。 (四)对歌曲旋律和节奏的补充“加花” 对一首歌曲只会弹基本的旋律与节奏，而很难在歌曲重要的地方即兴地“加花”，并且很难通过节奏、织体的变化及更多的“加花”，把歌曲的高潮烘托出来。 这实际上涉及到弹奏者的作曲技法、乐感以及是否能激发“创造性思维“的问题。钢琴即兴伴奏和钢琴演奏很大的不同处在于即兴伴奏所弹的音大多是自己根据歌曲旋律的理解而创造出来的，所以同一首歌曲，每个人弹出来可能都不一样，而每个人在即兴伴奏时，应该把自己当作一个作曲家，充分调动自己的乐感，激发自己的“创造性思维”，从而创造出更多的“加花”出来，当然应恰到好处，效果是“画龙点睛”，而不要“画蛇添足”。 (五)移调 弹一首歌曲，用C调以及常用的F调、G调还好，但一换成其他的调，则一筹莫展，无从下手。这就是对键盘的熟练程度问题，也就是移调的问题，这是大部分学生一个普遍的大难题。 二、针对入门教学中五大障碍的解决对策 针对以上学生存在的五大障碍，笔者通过理论研究和实践检验，梳理出了一些对策，总结如下。 (一)和声配置是重中之重 教师在教学中，应加强和声应用的教学，要和“专业和声课”有所区别，更多地应以学生喜爱的歌曲为例来讲授和声理论，并以键盘和声的形式在钢琴上弹奏出来，让学生听到实实在在的和声音响，并尤其要注意以下几个方面。 1 和声的功能进行 选配的和弦首先应尽量在纵向上与旋律协和。更要注意横向T-S-D-T的和声功能进行。前面已经提过，和声是一种语言，它有自己的语法规律，教师应更多地引导学生从听觉上去感受和声的规律。在具体配置时，可以采取先配和声意识非常明确的小节，然后再根据和声功能进行的规律，把其他小节的和弦选配出来，这样就可以清晰地感受到和声的功能进行。 2 注意和声节奏的安排 合理安排和声节奏是学生面临的又一难题。和声节奏即和弦变换的频率，它往往与旋律的节奏呈对比的关系。当旋律节奏很活泼，速度很快时，和声的节奏应该平缓，起着烘托的作用。而当旋律较抒情，节奏速度较慢时，和声节奏应加快变换，以起到推动旋律内涵发展的作用。总的来说，弹奏者应尽量保持和声节奏进行平稳、统一，以 从听觉上可以清晰地辨别和声的功能进行以及色彩的变换为原则。否则就像一个人说话没有条理，意思表达不清。所以学生如果从一开始就应注意把和弦进行的功能走向和规范的和声节奏结合起来为旋律来配和声，就可以逐步提高自己和声配置的能力。 3 注意理顺和弦的相互关系 在和弦配置过程中，在和声功能进行及和声节奏都配好的前提下，为了取得更好的效果，则应考虑和弦的关系。和弦的关系可分为强弱两种进行，如下表： 垒曲还是应该以强进行为主，弱进行为辅；如需表达力度，宜多用强进行，如仅表达模糊的色彩印象，可多用弱进行，一切还是应从内容出发。 其中四度连接的和弦有一个共同音，两个不同音，其音响的新鲜性与联系性相对比较平衡，比较符合听觉审美感的一般要求，所以我们在和弦选配时首先应该掌握好运用四度关系的和弦连接。一段即兴伴奏的音乐，如果以四度连接的和弦组成基本和声语汇，将使得整体音响获得比较朴素、新鲜而又自然的音响效果。而在运用四度连接的同时，结合运用一些二度连接，特别是上行二度连接，则将取得更为鲜明、强有力的效果。古典和声中常见的Ⅰ―Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ的进行，包含了两个上四度进行与一个上二度进行，就是这一语汇的典型表现。对于下行二度的连接，特别是连续下行二度的连接，常给人下沉、坠落的感觉，一般用的很少。如果希望获得更为柔和的效果，则可以较多地采用一些三度关系的连接，例如：在大调中使用Ⅰ-Ⅵ、Ⅰ-Ⅲ等一些三度连接，将使和声音响在明亮中透露出温馨的色彩，这对于抒情歌曲是非常合适的。简而言之，和弦连接的基本要领是：一般以四度连接(特别是上行四度)为主，同时根据不同情况辅以二度或三度连接。 4 注重和弦外音的训练 和弦外音的处理非常灵活，在教学过程中，教师除了要把和弦外音的基本概念以及基本用法讲清楚外，还应该以大量的歌曲为实例，把和弦外音与和声功能进行以及和声节奏的处理统一起来进行教学。具体可以先根据和声的功能进行确定和声节奏，考虑好前后和弦的连接，然后来考虑和弦外音的处理，和弦外音一般要解决到和弦音。这样日积月累，学生就会逐步熟悉和弦外音以至能够熟练运用。 (二)和弦的连接 和弦可以转位，每个三和弦都有三种位置。在初学阶段，教师通常应该要求学生对有共同音的和弦用和声连接法，而二度关系的和弦连接用旋律连接法，并且注意低声部和上方三声部反向进行。这样根据主和弦的三种位置，正常的和弦连接就有三种序列进行。而很少有学生可以快速准确地把这三种序列进行弹得很熟，稍微好一点的学生也仅限于对正三和弦的连接比较熟，而一旦加入更多的副三和弦以及变化音和弦后就反应迟钝。更有部分学生就像上面提到的一样，只是弹自己熟悉的和弦位置，而不管其正确连接与否。 教师应要求学生对这三种序列进行要弹熟，并且可以就一组典型的和弦序进来进行训练。例：规定一组在c大调上的和声进行如：Ⅰ-Ⅲ-Ⅵ-Ⅳ-Ⅱ-Ⅵ-Ⅰ。要求学生当即用主和弦的原位来开始连接，并在此基础上进行第一转位及第二转位的和弦连接练习，然后把三种位置的和弦连接连贯起来弹奏，达到熟练的程度，并背下来反复练习，最后移调练习。 在上述和弦连接练熟的基础上，可以练习旋律连接法。总之，学生要花大量的时间及精力对任一三和弦的三种(七和弦是四种)位置都要练熟，并且要对任两个和弦之间的连接(无论是和声连接法还是旋律连接法)都要非常熟练，只有经过这样严格刻苦的训练，才能把正确规范的和弦连接这一钢琴即兴伴奏最重要的一项技术练好，这也是学好钢琴即兴伴奏的关键之一。 (三)伴奏织体 对于伴奏织体，学生首先要了解其概念：即指在多声部的伴奏音乐中，把和声声部根据歌曲内容的需要进行有机组织的一种形式。其结构类型分为三种。 1 和声性的织体(主调音乐) 其结构有三个层次，分别为： (1)旋律层(包括主旋律和副旋律) (2)和弦层(包括柱式、半分解、分解三种基本音型) (3)低音层 2 复调性的织体(复调音乐) 3 综合性的织体(既有主调，又有复调) 而在钢琴即兴伴奏中，使用最多的就是和声性的织体(主调音乐)，其次是综合性的织体，纯粹复调性的织体因其不适合即兴伴奏而很少使用。所以我们主要研究和使用的就是和声性的织体。 对于伴奏织体的障碍，我觉得学生最大的问题首先在于“层次”的把握不当。对于一些很简单的儿童歌曲，确实有时全曲只需要一种伴奏织体就可以了，关键就是要弹得轻巧、流畅，在某些关键处节奏有些变化就可以了。而对于一些内容稍微丰富、篇幅稍微长一些的歌曲，则仅仅用一种伴奏织体贯穿全曲显然是不够的，这时就需要安排全曲的层次，在呈述的段落中要弹得简单清淡，而在展开的高潮段落时，可以增加和弦的厚度及加密和弦的节奏，并增强和弦弹奏的力度，从而和前面形成对比。如果是三段体，最后结束段可以回归到前面的呈示段落。 其次，和弦音区的选择对于伴奏音型的弹奏效果也是非常重要的。和声声部活动的最佳音区并不宽，仅有以中央C为中心的上下一个八度左右，扩大一点，一般也不超过两个八度。只有在这一音区内奏出的和弦才具有比较理想丰满的和声效果。如果将同一和弦提高八度，将获得明亮但缺乏力度和弹性的效果，如果降低八度，则又将获得浑浊、沉重的效果。而很多学生恰恰是音区选择不当，影响了弹奏的效果。 总之，伴奏织体的合理运用，一定要结合歌曲的内容灵活运用，并在弹奏过程中形成对比，这样才能起到烘托歌曲情绪的作用。 (四)歌曲旋律和节奏的补充“加花” 对旋律的补充要注意以下几个问题： 1 不要在歌曲进行中毫无目的的乱“加花” 一般在歌曲进行到延长音或休止符时，这时为了音乐进行不至于出现停顿，作为伴奏，应当主动对旋律加以补充，从而达到推动旋律往前发展的目的。练习这一手法，要注意音区的安排，一般模仿声部都应该高一个八度或低一个八度，不要与原旋律在同一音区，否则从听觉上很难区分开来。 2 加花的手法主要可分为模仿性、华彩性及线条性三类 (1)模仿性补充的材料主要来源于原旋律，可以用严格模仿或变化模仿的方式，以起到对原旋律进行呼应、总结，使长时值音的内涵及乐句本身所具有的情绪更好地表现出来。 (2)华彩性补充的材料则来自和声，包括和弦、分解和弦、琶音、自然音阶、半音阶、双音等，音区选择多用于高音区或低音区。他们的效果各有不同，适合于各种不同类型的歌曲。 (3)线条性补充的材料是在和声的基础上，加入和弦外音，发展为更具有表现力的线条，所以线条性补充是一种更具有“创造性思维”的补充手法，也更富有抒情性，多用于慢速或中速的歌曲伴奏。 3 要和歌曲伴奏织体的层次相结合，要分清楚将在哪 个层次上补充加花 例如：模仿性补充的材料和线条性补充的材料一般加在旋律层及低音层；华彩性补充的材料更多地加在和声层。 当然，除了这几种主要对旋律的补充手法以外，还有很多其他的手法，如衬腔式、过渡式及装饰性加花、外音花奏等手法。怛不论采用何种补充材料都必须在和声与节拍上与旋律保持一致，而以节奏、音区与和弦外音的对比变化为旋律增色，以达到烘托歌曲情绪，渲染歌曲气氛的目的。 (五)移调 移调练习也是学生的一个普遍难题。钢琴即兴伴奏的复杂性在于，只有同时解决和声、织体、结构、音响、钢琴演奏技能、创造能力等诸多关系，才能成功演奏哪怕一首短小的钢琴即兴伴奏。而为歌曲伴奏时，大部分采用简谱，需要随时移调，也就是说，上述各个必须掌握的方面应当能够临时在任何调性上予以实现，其困难程度可想而知。但移调练习也不是没有规律可循，只要学生循序渐进，持之以恒，多弹多练，是可以逐步熟悉键盘的。现总结规律如下： 1 把C调练熟 首先应在C调上把所有的和弦连接及常用的伴奏织体练熟。当然选择歌曲的时候尽量选C调或靠近C调的歌曲如D调、降B调等，这样演唱起来也比较自然。 2 在此基础上，把在C调上练熟的和弦连接及伴奏织体整个移到相临近的D调及降B调上进行练习 因为相隔得很近，所以在C调上的和弦连接序列可以不用改变其原来的位置，如第一个和弦的位置在C调上是原位，那移到D调上仍是原位，后面和弦连接也照旧进行，只不过是移高了一个大二度而已。这样可以保持和弦位置的相对固定，也有利于学生的弹奏。 3 在和c调相隔四、五度的F、G调上练习 这时由于位置相隔较远，有必要把在C调上的主和弦的位置通过转位加以调整，以取得最佳的音响效果。这就需要对各和弦的原位及转位都要非常熟，特别是带有变化音的和弦，位置更要多加练习。 4 万事开头难 在练熟上述四个调的基础上，再用近关系调的规律逐步熟悉其他的调，总共12个调，练熟常用的9个调，一般的歌曲就没有什么大问题了。 5 在和弦的练习过程中，可采取固调和首调相结合的方式练习 如：固定的F和弦，在首调中是C大调的Ⅳ级和弦，F大调的I级和弦，降B大调的Ⅴ级和弦等。多进行这样的训练，学生就会逐渐地熟悉各个和弦，会逐渐发现原来很多不同调的不同级的和弦竟然是同一个和弦，这样就会达到降低熟悉各种和弦的难度，提高练习效率。 以上所述是本文列举的在钢琴即兴伴奏中存在的最基本的五大障碍，除了这些以外，还有其他的障碍，如确定歌曲的调式、调性，分析歌曲的情感表现及曲式结构；正确处理歌曲的前奏、间奏、尾奏；五声调式歌曲的和声处理；转调歌曲的和声处理；合唱歌曲的处理等等。但这些障碍应该是在钢琴即兴伴奏的提高部分所将要面临的。由此可见，学习钢琴即兴伴奏这门课确实是障碍重重，但是只要我们坚定信心，不畏艰难，认清障碍，用科学的方法刻苦训练，相信一定会有收获，取得长足的进步。 钢琴入门教学论文:幼儿钢琴入门教学中的趣味引导 幼儿钢琴入门教学的方式很多。作为教师，我认为首要的任务是如何正确诱导孩子们喜欢上音乐，并对钢琴演奏产生巨大的兴趣。著名的俄罗斯钢琴教育家尼古拉耶娃曾说过：“钢琴教学的基础是使孩子们喜欢上音乐，训练他们发现音符和旋律线条的能力，并使他们对任何事物都能产生灵敏的反应。”这段话不仅道出了钢琴教学的初衷，也告诉我们学习钢琴演奏的益处。我们都知道，目前来学琴的琴童年龄大多在五到六岁左右，他们可能绝大多数都喜欢音乐，对各种乐器也充满了好奇心，聪敏好动，富有想象力。可是想让他们把注意力长时间集中在一件事情上是比较困难的。因此如果从一开始就直接教授难度较大、较难掌握的手指技巧，以及识谱方面的知识，只会给这些年幼的孩子带来困扰，增大学习难度。最重要的是会打消他们的学习兴趣。所以，对于幼儿钢琴入门教育，教学中所必须体现的趣味性教学方式至关重要。 当学生第一次走进课堂，我们不要马上就开始教授他们识谱、指法和手型这些相对枯燥的知识，这会让他们马上变得紧张、拘束，因为越是年龄偏小的孩子越没有耐心。教师应该和他们在琴上做一些“游戏”，让他们在玩耍中了解这门乐器的特性。比如：先是用形象的方式让他们了解钢琴这种乐器的特性，以及其作为“乐器之王”所能表现出来的广阔音域。可以弹奏不同风格的旋律，或是模拟各种动物的声音，让孩子们说出他们自己的感受。如最左边的低音区弹奏起来音色较厚实，很像狗熊之类笨重的动物；中音区声音沉稳，像是大提琴等乐器的方声效果，是最常用到的音区；而高音区音色明亮，能模拟出鸟类清脆的叫声等等。总之要让他们发挥自己的最直接、最自然的想象力。当我们对孩子进行音乐感觉诱导的同时，给他们讲述一些与钢琴有关联的知识，像讲故事那样。例如钢琴的发展历史，从管风琴到古钢琴、到近代钢琴，要找来一些相关的图片，或是影像资料展示给他们看。使他们从第一节钢琴课开始就初步了解这门乐器，并产生强烈的好奇心，从而期待下一次的授课。 给孩子们的第二次课是进行节奏和听力的训练。首先我们在琴上用同一个音符弹奏出长短各不同的声音，要求他们分辨出哪些是长音，哪些是短音，并模唱出来。例如： 有的时候我们会发现部分孩子天生就具有良好的听辨能力，因此可以更进一步的请他们试着说出长音与短音之间的关系。 接着，用两个音符按不同的时值组成简短的旋律，请他们自己编歌词。歌词的内容可以是自己的名字，或是孩子们自己喜欢的花鸟鱼虫的名称，然后富有表现力的唱出来，把它变成好像儿歌一样。例如： 之后，我们还可以让学生自由发挥。让他们发挥想象力，用自己喜欢的任意音符编曲，并将这些简单的旋律弹奏出来。当孩子们边弹奏边唱的时候要告诉他们，需要把长的音符弹得比短的音符重一些，这样能让他们了解节奏的概念，并使他们确定学习的方向。而孩子们也会感觉到趣味所在，从而摆脱常规教学中的枯燥乏味。 在随后进行的几节课中，我们开始选用一些简单的旋律或是孩子们熟悉的歌曲，将同一首歌曲放在不同的调式中进行演奏，要求孩子们跟着一块弹。可他们弹什么呢？当然，他们只能负责伴奏的部分。其实就是用一个手指根据自己的听辨理解有节奏地弹奏出不同的音符。好像是打击乐中的鼓手，只不过钢琴是带有旋律的。教师要引导他们去感受用什么音符听起来是和谐的，不刺耳的，因为能使用到的不仅仅有白键上的音符，还有黑键上的。这样的练习会让孩子们对调性和不同的调式有初步的认识，并使他们熟悉键盘上的音符。之后，还可以布置课外作业，请他们回去之后自己编曲，进行简单的创作，再根据创作的内容给乐曲命名。学生们一定会产生浓厚兴趣的。在这一阶段，孩子们是在不识谱的情况下进行简单的弹奏和有意义的练习。我们要给他们足够的空间发挥自己的音乐天赋，并多加鼓励和支持。尽量使孩子们没有负担，能够积极主动地学习。 幼儿钢琴教育看起来容易，但其中却大有学问。教师往往要扮演不同的角色，是老师、是家长，还是可以一块游戏的大朋友。给孩子创造轻松愉悦的学习环境，让他们在游戏中学习成长，这是每位教师必须做到的。虽然不是所有的孩子最终都会走上专业这条道路，但正如尼古拉耶娃所说，学习音乐、学习钢琴演奏带给人们的不仅仅是一门技术，就如我们的学前教育，看似简单，却是孩子们今后学习的基础。许多习惯就是在这个时候养成的，因此不容忽视。 钢琴入门教学论文:幼儿钢琴入门教学中的兴趣引导四法 在素质日渐成为参与当今社会竞争的一个重要指标的前提下，家长亦视素质培养为教育目的，而钢琴学习，逐渐成为家长与孩子的首选。据相关统计数据可以看到，绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐，占总数的82％，一般的仅为16％，不喜欢仅为2％。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下，对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查，则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42％，偶尔的占37％，不去的占21％。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外，更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长，而且受到家庭环境、社会分为等诸多因素的影响。因此，无论是幼儿学习钢琴，还是音乐教师教授钢琴，培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向，对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用，而且还有效地培养幼儿的注意力形成、促进智力方面的发展。 幼儿期是儿童心理快速发展的重要阶段，此一阶段的儿童心理和生理上均不成熟，从而表现出学习中自控能力不强；学习时记忆能力较差：体能无法支持长时间弹练学习等特点。因此开发幼儿学习钢琴的原始兴趣，使之持久并将之逐渐转换为学习的动力，必须把握上述三个方面的特点。生动、形象是针对幼儿教学的一个关键，许多孩子的兴趣往往起源于“听起来好听”或是长辈、老师演奏钢琴的样子很美，即“看上去很美!”当真正接触到实际学习的时候，面对复杂的音符、节奏、技巧、演奏法等又会感到麻烦和头痛。为此，笔者结合多年教学的经验，将幼儿钢琴教学中的兴趣引导法归结为以下四点，以就教于各位方家。 方法一：声音模拟导入法 幼儿的天性就是模仿。拥有88个键的钢琴的每一个琴键都可以模拟出一种大自然的声音。 琴键模拟动物叫声熟悉音色：如将C2C、c1、c2几个键子的音色分别加以弹奏，模拟出老牛、小狗、小猴、花猫的声音，让孩子感受。引导孩子分别用两只手的3指、2指、1指，采用重量弹奏法进行试奏。熟悉以后，老师弹奏其中任一音色，让孩子分辨模拟的是哪种动物。 节拍把握：通过简单的模仿此时孩子们的兴趣已经高涨。在这个时候导入节拍、时值的实质含义(如，四分音符、二分音符、全音符等等)的教学。例如引导幼儿学习小狗叫四声，每次一拍；小花猫叫两声，每声两拍；老牛叫一声四拍，让孩子口中数拍。反复数次，加深印象。 手腕断奏弹奏法：可引导幼儿敲击琴盖，模拟出啄木鸟尖嘴啄木“笃笃笃”的声音，并将基本弹奏方法教给幼儿(手腕上下运动等)。然后，再到琴键上，找准音符位置弹奏。同时将节奏模拟出来，并感受其手指尖的触感。 倾听生活中的声音：让孩子倾听声响与雨滴溅落的声音，让幼儿倾听并回忆雨水滴落在地面、石头、落叶或家里水龙头嗒嗒嗒的声音。让幼儿感受声响与敲击琴盖上敲打的区别。利用具体曲目如《跳舞的雨滴》中给幼儿示奏，让幼儿从音乐、音强上了解音量的区别。 方法二：手指操练习法 除了对声音的感知外，以游戏形式锻炼其手指的灵活度和手臂的力度。也有助于提高幼儿学习钢琴弹奏的积极性。 手指操的练习包括拇指练习和手指练习。大拇指粗短有力，在弹奏钢琴时，大拇指既是左右运动与上下运动的结合，又是与腕部旋转运动的配合。通过对大拇指的锻炼可以为幼儿钢琴更高层次的学习打下基础。 大拇指操分为三个基本步骤：“手指滑动”拇指与食指做拈花状，拇指从食指顶部向食指根部滑动。其他手指也尽力向上伸展。从上到下，从下到上重复多次；“手指晃动”将手轻放在一个平面上，大拇指左右摆动：“手指旋动”做一个顶呱呱的手势，然后将大拇指朝下做摁图钉一样的左右旋转运动。 手指练习，让幼儿坐在琴凳上，双脚放平，自然分开。两个手臂慢慢抬起，与肩同高，做出拥抱柱子的姿势。然后手掌向下，手臂自然垂落到腿上。重复抬起、落下的动作。此外，幼儿拥有比较漂亮的手型和较为独立的手指，是钢琴学习中较为重要的前提，因此对手掌肌肉和手指关节的练习，是极为重要的一项。通过引导幼儿开展“石头、剪子、布”的游戏，将手掌放平，五个手指尽量伸直，做成一张大大的“布”，然后收起五指，握拳做“石头”状。重复多次。食指到小指的练习，可以通过拇指以外的四指并列整齐地向掌心合拢做关门状，重复“开门”“关门”姿势。“手指呼吸”运动，锻炼好手指第一关节的太指运动是找到钢琴触键点的关键，将食指与拇指做成O形，打开变成C形，就像小鱼的呼吸一般，重复多次，并逐渐向中指、无名指、小指与拇指的组合过度。 以上的手指运动随意组合可以实现对幼儿手指的多方面练习。教师还可以根据手指操的具体内容，加上生动的名字，便于激发幼儿的练习兴趣。 方法三：巧用教材导引法 3－4岁的幼儿对音区变化只能大致听出高音区和低音区音高的不同，到了5－6岁就存在了清晰的辨别。具体而言，幼儿对音乐首先感知的是拍子、速度等与节奏相关的音乐要素，而后才是对旋律音高节奏的感觉，最后感知曲式。在初级教材中，曲目旋律都在两个八度的中音区，从倾听中音区开始是一个比较好的教学方法。比如：《排钟》中模拟的钟声：《老麦克唐纳》中模拟的鸭子叫：《跳舞的熊》每小节第拍的低音，模拟出熊沉重的脚步：《印第安手鼓》和《部落舞》的左手部分对击鼓的模仿。同时还可以安排一些高音区和低音区的曲子作为欣赏，比如通过幼儿对鸟叫的经验，引导他们听《小鸟的歌》、《杜鹃圆舞曲》、《布谷鸟》等。通过欣赏在低音区进行的《大象走》感受其低沉、厚重的音乐，从而区别音区(音乐)的变化。 巧用教材引导的关键，是因人而异地选用钢琴教材。具体而言，对以提高艺术修养为目的的孩子，初学的时候以《汤普森钢琴教程》为主，辅以《拜厄钢琴基本教程》和《车尔尼OP.599》，以及盛建颐等主编的《儿童钢琴初步教程》；对于有专业意向的幼儿，车尔尼雪夫斯基、巴赫的练习曲以及小奏鸣曲，是开展学习的三条主线，适当地搭配中西方的一些现当代的钢琴曲的教学也可以提高幼儿学习的兴趣。 方法四：天伦引导兴趣提高法 幼儿钢琴学习中的兴趣提高中，父母也是重要的一环。没有父母参与的幼儿钢琴教学无疑是失败的。但实际的情况是，有的父母认为自己不懂音乐无法引导孩子；有的父母认为自己只要看住孩子，让孩子坚持每天的练习就可以了；有的父母甚至认为，孩子已经交给老师，所有的引导，培养都由音乐教师负责就好。这几种情形最终导致的结果都是，孩子逐渐丧失原始的音乐兴趣，视钢琴学习为负担和任务，导致钢琴学习的有始无终。 父母怎样提高孩子学习钢琴的兴趣呢?大致说来可以通过三种方法：其一，多听多看，潜移默化中引导孩子对音乐的感知。父母平时就多购买一些较为经典的钢琴曲目，在家中、车上进行播放。适当地选择一些反映音乐家故事的影视作品，全家一起观看。让孩子自己选择、树立学习的榜样，可以激发孩子学习的热情：其二，走入大自然。钢琴的学习不单单是在琴房或者教室里完成的，走进大自然，将学习与玩耍结合起来，家长引导孩子去倾听大自然的声音，包括各种动物的鸣叫，水流的声音等等。有助于加强孩子对音域的感知，家长可以在野外自行设计一些小游戏，比如为小动物的鸣叫打拍子，有节奏地拨弄水流发出声响等等；其三，展开互动学习。父母可以与孩子比赛的方式，完成对幼儿的激励。比如说在孩子练习钢琴的时候，父母找来相应的工作与孩子比谁做得更好，或者父母背诵熟悉的诗歌与孩子背记谱子比速度。 简言之，天伦兴趣引导法的关键是父母通过有趣味的游戏设计，以及家长与子女的互动，将学习变为生动、直观的接触。 结语 学习，到底是一条艰苦的道路，还是游戏，在现代的教育理论中是一个争论不休的论题。但是在教学的实践中，通过兴趣的开发，引导学生不断学习的动力却已经成为一个不争的事实。针对幼儿心理生理的特点，施予相应的教学，在教学中，贯穿教师、幼儿、家长的心血，是保障幼儿保持钢琴学习兴趣关键。 作者单位：湖南芷江师范学校怀化分校! 钢琴入门教学论文:浅谈钢琴入门教学 弹钢琴简易来说就是手指在琴键上的弹动,通过键盘受力使击弦机敲击琴弦发出乐耳的声音,因而手指上的基本功成为学习钢琴的关键。那手指该如何做好基本功的练习呢?咱们应从触键开始。 在了解“触键”之前咱们先来注意下一个重要环节,卓越的钢琴家约瑟夫・霍夫曼(波兰裔美国钢琴家)曾说过:“缺乏良好的基础对才能的发展及其危险。许多人毕生致力于改正他们在初级阶段中从无知的教师哪里学到的坏习惯,结果却失败了”。①所以在弹奏钢琴之初应具备良好的基础。学习弹奏钢琴,初期基础的学习是不可忽视的,基础不扎实会给后期的学习带来巨大的麻烦。在教育行业当中,启蒙教师是最为关键的,在音乐方面更是如此,孩子们在入门时是一张白纸,启蒙老师所教所讲的一些,在他们内心都会留下深刻的印象,他们会觉得启蒙老师教的一定是对的,但如果启蒙老师教的不够准确,那所造成的结果就是误人子弟。 在俄国,教初学者基本功都是由经验丰富、基础扎实的教师来担任,他们的工作不被人所忽视,不被认为是应有初级教师、经验生疏的教师来担任。 在我国,据初步调查发现现今学琴的孩子每年以30%的速度在逐渐增加,但这其中还是有60%的家长认为刚开始学琴可找一般的初级教师来教学,这是为什么呢?普遍的家长都有这样的看法,孩子刚开始学琴都是学一些基础的东西,练练手指,教教乐理,也没什么技巧性可言,先找个一般的初级教师就可以了,没必要找好教师,这样从经济上也可省一大笔,其实家长们这么做是大错特错。 大家都知道“万丈高楼平地起”,基础是最重要的东西,基础不扎实何以建“高楼”。如果在基础上出现偏差,会给未来造成严重的后果,“差之毫厘,失之千里”。大部分人都认为房子的地基都是埋在土里,反正大家都看不到,用什么材料大家也都不知道,就可采用差的材料,这种想法会给以后造成严重的后果。 其实还有一方面,很多的好教师都不愿意教授初级刚入门的孩子,因他们没受过严格的入门训练,都会存在这样那样的问题,需要花很多的精力来改正,改正一个坏习惯比养成一个好习惯难得多,有些孤僻的毛病也许一辈子都改不过来,这样的学生教起来就很累,所以有很多好的教师都不愿意教授初级的孩子。 再次就是刚入门学琴的孩子们普遍年纪都比较小理解力是有限的,但模仿能力是非常强的,所以在对孩子们初级的入门教学中采用最多的方式就是示范教学,那就造成教师的示范是非常关键的,如果教师没能做出正规的示范,这样不仅会造成入门的扭曲,还会使孩子们养成对事马虎不认真的态度,对将来的行为习惯都是非常不利的。 因此在孩子们入门初期就找个好教师是非常有必要的,好教师不仅受过正规训练自身素质过硬,还对孩子们的心理深有感触,一旦发现孩子们身上存在不良的习惯,他们可立即采取措施进行改正。一名称职的好教师会懂得如何引导孩子们正确的走这条钢琴的艺术之路,好的教师不仅可以教授孩子们智能、技能,还会教给孩子们如何为人处世,如何处理好与家长、与孩子的关系,一名好的教师会在无形当中给孩子们造成好的影响,所以选择一名好教师对孩子来说是受益终身的。 现今社会是不断进步的社会,相信随着社会的发展人民一定会认识到基础的重要性,而改变以往不正确的看法。 在学习钢琴初期,主要面临的就是如何正确的弹奏及相关基本功的要求,这个问题在许多钢琴教程或钢琴演奏入门等类的教材中都有相关的说明指导,在我看来阅读查看这类的教材,就如牛顿所说的“如果说我看得比别人更远些,那是因为我站在巨人的肩膀上”,这样是自我提升的一种方式。但在查阅众多名家撰写的教材同时也应注意,不能盲从,名家在撰写教材时所记载的都是自身的体会及教学所得的宝贵经验,所以就造成一定程度上的主观意识,如果盲目的跟从就会形成“机器式的生产”而丧失了自我,但教师所面临的教学对象都是各种程度的学生,在教学上一定要因人而异,为学生“量身定做”一套适合的教学方案,所以名家的教材可以借鉴但不可盲从。在众多名家教材版本查阅时可进行比较,取长补短避免盲从现象。据以往所学的经验及近几年的教学经验,在学习钢琴入门阶段应做好以下几点基本功练习。 一、“触键”首先应是手指的摆放,手指的摆放应遵守手指的自然长短规律,三指较长应处于白键靠近黑键处,二、四指应处于白键中间位置,一、五指较短应处于白键边缘。以上是手指摆放时指尖的触键位置,手指的摆放姿势应是保持手臂放松自然弯曲,手指每一关节都向外突出,手呈半圆形握球状,手腕下端与钢琴白键基本上保持同一高度,手腕高度应低于掌关节的高度,手掌关节在整个手型摆好的情况下应处在最高点的位置,以上就是手指摆放的姿势。 在钢琴入门时因学生还没受过这方面的手指训练,手指缺少独立性,关节在弹琴时会出现不稳的现象(就像婴儿刚开始学走路一样会出现脚站不稳的现象)。此阶段常出现的触键问题有: (1)手指第一关节过度与键盘垂直,易造成手腕过高使手指缺少灵活性,也易造成指甲触键发出指甲声,引起滑键。 (2)手指第一关节弹下时向内凹陷,变成大面积的指肚触键,会造成手指弹琴时无力,也延长了指尖触键的时间,无灵活性可言。 此时我们应注意培养学生手臂的自然放松,触键时体会手臂的重量充分落在指尖上,指尖第一关节与键盘角度应小于90度,指肚触键,手腕自然向下放松,手腕与掌关节形成一个“小斜坡”(掌关节高于手腕)。找手指在琴键上站稳的感觉,找到后多体会这种感觉,使之形成一种下意识的动作。 二、手指的弹奏初级练习 1.G指练习(非连音弹奏),手型摆放完毕保持不动,靠小臂的力量向上提起,落下时手臂、手掌肌肉放松,指尖绷紧,当指尖触到键盘时,弹下的手指保持手指关节突出、自然、美观,其余手指按原先姿势摆好,三指是处在整个手掌中心位置的手指,相对其他手指灵活,且稳定性更好,因此可从三指开始练习,再练习其他手指。弹奏过程中,手指在保持良好姿势的情况下做自由落体运动可逐渐提高手指的触键力度,在手指下键瞬间,迅速摆好触键姿势,以培养良好的触键姿势也为接下来要做的高抬指练习打好下良好基础。 2.高抬指练习(连音弹奏),高抬指其实就是指尖第三关节的运动,在手型摆好的情况下,手指靠第三关节(掌关节)抬高,下键时手臂放松,手指靠第一关节带动迅速下,并保持良好姿势,其余手指按原先姿势摆好。在高抬指练习中要注意,第四指天生较弱需邻指帮助方可抬高,当按照一至五指进行练习时五指帮助四指抬高,进行五至一指练习时三指帮助四指抬高。如此进行手指练习定可促进手指的独立性、灵活性。 在西方国家,曾有段时候,钢琴教师在给学生做抬指练习时是这样要求的,手一直保持一种如石头般坚硬状态,手指要有力的抬到最高,抬起的手指每个关节都应最大程度地向里弯曲,下键时手指像一把小锤子似的弹下,这样弹出来的效果就像钢琴家用石头敲钢琴,此法可以弹奏出响亮的声响,但所弹音乐毫无弹性,没有美的音色,此法在现今钢琴教学上是不被认同的。 我认为触键中的抬指动作是不必要的动作,著名俄国钢琴演奏家、教育家列文曾说过“最高的艺术效果,可以由最简单的手段来获得”②,所以我对学生的要求是专门关注掌关节的运动,手指的其它关节不动,在下键瞬间手指是绷紧的,下键完手指、手腕立刻放松,整个手型立刻回到最初放松的姿势与状态。 三、在弹奏钢琴过程中,身体、手臂(两肘)、手指三者的关系也极为密切。 身体:弹琴时身体的坐姿跟琴凳的关系是非常密切的,琴凳坐的距琴太近不利于两手的弹奏,感觉会受到限制,琴凳距琴太远又不利于重心的把握,两手易发虚,所以琴凳与琴的距离应调整到一个舒适的距离,初学者最好在老师的指导下进行调整。身体应坐于琴凳的三分之一处,不要把琴凳全坐满,双脚着地起支撑作用,上身挺直,腰不许塌陷,这样,可以从腰或者更下一些部位用力,上身略微前倾,这样坐有助于身体的重心向前,有利于力度更充分地下到指尖。 手臂(两肘):弹琴过程中手臂应自然放松不可坚硬,两肘略微向两侧张开,首先是两肘自然张开,从外观上看更美观。其次两肘略微向两侧张开,有利于上身力度通过手臂下到指尖。再就是有利于手型的摆放,如手臂紧贴身体,不利于手型的摆放,易造成小指向两旁倾斜,如两肘张开,小指就自然立好。 手指:手指是直接与琴键接触而发出声响,指尖上的力度就来源于身体、手臂(两肘)的力量,如离开身体与手臂(两肘)的力量,指尖就会发虚,如触键就会是压键而不是弹奏。所以要弹好钢琴三者的关系一定要处理好,三者是相铺相成的,缺一不可。 钢琴弹奏中,正确的触键是非常重要的,因触键的方式、力度、位置不同,所弹出的音量、音色也都不一样。鲁宾斯坦曾这样比喻钢琴“钢琴是一百件乐器,而不是一件乐器”,这足以说明钢琴的表现力是丰富多彩的,那如何把这件丰富多彩的乐器发挥的淋漓尽致,应从钢琴的触键上注意,正确的掌握好不同的触键方式、力度、位置,一定可以达到事半功倍的效果。运用正确的姿势弹奏,手型和内在的肌肉感觉均会形成一种良好的习惯。任何习惯在一开始形成时是最重要的,它将会变成弹奏时的下意识动作。如果开头不注意,养成了下意识的坏习惯,以后改正它将会非常困难,尤其是对自控能力还不强的孩子。③好的开始是成功的一半,愿钢琴爱好者们拥有一个好的开始。 钢琴入门教学论文:论钢琴入门教学 一、学习钢琴的意义 300年来，钢琴艺术达到了空前的发展：浩瀚烟海的作品，群星璀璨的演奏，科学严密的教学，所以，钢琴被人们成为“乐器之王”“音乐王冠上的明珠”。从西方16世纪以来，几乎所有的作曲家都在钢琴音乐宝库中留下了他们最有价值的遗产。 钢琴具有无可比拟的表现力，也是所有乐器中唯一用最没负担的姿势坐着演奏的乐器，学习钢琴不但能使手指的指尖得到刺激，而且能使脑、眼、手、脚、耳，全身心得到锻炼，长期训练对年纪大的人来说，可以有效预防老年痴呆症，愉悦身心，提高生活情趣。对孩子们来说，可以在组织能力、协调能力、指挥能力、阅读能力、记忆能力、理解能力、想象能力、听辨能力、以及观察力、注意力、忍耐力等各方面都会有明显提高。所以，学习钢琴会让人变得聪明是不无道理的。 二、正确看待钢琴入门教学的重要性 我国的钢琴普及随着改革开放不断深化，在国内拥有数量庞大的学琴队伍，这对提高民族的音乐素质大有裨益，同时对钢琴教师的需求也日益增长。然而，受过合格的、正规的训练的钢琴老师却非常短缺，造成师资队伍鱼目混珠，参差不齐的现象很严重。有的老师一知半解，有的会弹几首歌曲，就开始做起了钢琴老师，这样带来的后果很严重，有的学生因弹奏方法的问题只好中途放弃，有的坚持下来了，错误的弹法却一直改不过来。 启发入门阶段，每个学琴者都是一张白纸，这时期学习正确的弹奏方法是关键，通常的外行话就是先找个老师学学看，以后再找好一点的老师，现在初级，老师的水平不用高的，在大多数人的眼里，初学时低级的，很简单的。但是事情恰恰相反，入门阶段直接影响学生今后的发展前途，就像盖高楼，要先打好地基，否则就会坍塌，现实中多少好的苗子半途而废。许多学生即使换了老师，因为“先入为主”的印象，错误的方法很难改正，这样的教训屡见不鲜。所以，在选择老师的问题上，首先要考虑老师的演奏水平、教学经验和教学成果。老师的水平越高，走的弯路就越少。如果在当地找不到教授，演奏家级的老师，也要去找钢琴程度相对浅点，但是要经过正规学习过的老师。 三、钢琴入门的基本技术 入门教学的对象：学龄前儿童，他们的目标是开发智力，练习协调性；也有青年人，他们有的是个人爱好，有的是从事了音乐这门专业；也有老年人，他们纯粹是消遣和增加生活的乐趣。对与不同的对象，教学计划和进度都会不一样，但是主要的教学任务和要求基本是一致的。 1.正确的坐姿：弹钢琴的坐姿要在自然、放松的基础上取得座位、脚支点、手支点这三个重力支点的平衡、协调。琴的高低至关重要，这里有一个原则，那就是，坐上琴，双手置于琴键时，肘部与键面基本在一个水平上，自然下垂侧身的上臂与肘部形成略微大于90度的钝角为宜。如果是小孩子，要在脚下垫上脚垫，悬空的双脚会失去支点而造成坐姿不稳。当然，脚垫的高度要适中，过高也会造成重心后仰。琴一般只坐三分之一，要感觉到臀部和脚对身体重心的支撑。演奏时，需要身体的重心前移，支点放在脚上，将重力送至指尖。有几种不良的姿势要注意：僵硬直立、绞脚绕腿，弓腰驼背、端肩吊臂，这些都要杜绝出现。 2.非连音弹奏法，又称为手指支撑练习，断奏是钢琴最简单、最基本、最自然、也是最重要的弹奏方法。它运用整个手臂的自然重量，从键的上方“落下”，弹出结实、饱满的声音，这时手指第一关节牢牢的勾住键盘，支撑住肩、臂传下来的整个重量，手腕的高度与键面平行，掌关节拱起，腕关节往后自然放松，掌关节和第一关节坚挺，做到“前挺后松”。对于年龄较小的学生，可以用1、2、3指组成音束，弹奏dao\re\mi三个音。年龄大一点的，直接用三指开始练习，因为三指的稳定性最好，支撑力也最强，它又位于五个手指中间，比较容易保持手型，三指训练后，接着是二指，四指、最后是大指和五指，五个手指中，小指最细，支撑力也最差，所以训练的强度和力度要有很长的一个过程。单音训练有了一定的基础，就可以进入双音训练。 3.连音弹奏法：要求音与音之间没有缝隙，连音是最常用的，也是最重要的一种演奏方法，同时也是最复杂多变的演奏方法。连音奏法的关键是重量转移，应从两个音开始，第一个音象非连奏一样从键盘上方落下，手指支撑住来自臂膀的重量，然后抬起第二个手指，在弹奏的同时把重量转移过来。这里掌关节的动作要大些，他有两个功能，一是快速的挥动手指击键，二是把重量从前一个手指上搬运过来。可以让学生站起来，体会人的重心从左脚换到右脚，再从右脚换到左脚时的感觉，这和手指间的重量转移的道理是一样的。掌握的两个音的连奏，就可以练3个音，4个音。5个音，直到一串音。弹完最后一个音手应该从键盘上提起，这样就产生了分句的效果。学习连音奏法要特别注意音与音的连接，后一个音未弹下去之前前一个音不能放掉，否则音就不连了，后一个手指触键后，前一个手指要及时拿掉。否则音会浑浊不清。 4.跳音弹奏法：跳音弹法不像非连音、连音一样单一，可分为：手指跳音、手腕跳音、肘部跳音、大臂跳音。开始建议从手指跳音学起，让手指贴住琴键，象拨弦一样，往外里一抹，迅速发力，迅速弹开，手腕、手臂都保持安静，主要是指尖的动作。音量要求小点，耳朵听好音的弹性，体会指尖的敏感性，这对学习其他跳音是至关重要的。掌握了指尖第一关节动作要领后，建议学习肘部跳音，这时以肘部为轴心，手腕保持固定，指尖快速向下拨键产生反弹力，整个前臂快速弹起。肘部跳音适合运用于音符节奏进行不太快，力度较强的单音、双音或和弦。在入门阶段比较实用，也比较容易结合乐曲大量练习。手腕跳音的要领是：手臂保持不动，手架子保持稳定的拱形，指尖第一关节发力后，手腕快速弹起，外形看起来象小鸡啄米，在慢速度时指尖一定要主动的拨键，速度加快后手腕放松且有弹性的上下动作，幅度不宜太大。手腕跳音实用与速度较快，灵活，活泼，力度中等偏弱的段落。大臂跳音在入门阶段可以忽略，在初学的乐曲中很少用到。 四、科学的选择教材 近几年来，我国引进了很多国外的优秀入门教材，也自编了很多种适合中国学生弹奏的教材。一方面为学习者提供了丰富选择余地，同时也增加了选择的难度，现在国内用的较多的是《汤普森简易钢琴教程》简称小汤、《儿童初级钢琴基础教程》简称儿钢、《拜厄钢琴基础教程》简称拜厄，《高等师范钢琴基础教程》简称高师。 对于幼儿园中班上学期之前的幼儿，建议使用小汤作为入门教材，它每页都有小朋友喜欢的图画，识谱从中央C开始，同时学习高低音谱表，使儿童从已开始就有高低音谱表的统一概念，音乐较为丰富，前三册的难度跨度不大，比较适合这一时段的儿童年龄特点。不足之处是一开始就用大指进行连奏，老师在教学过程中，应把第一册全部改成非连奏，且前面的27页全部用3指演奏，后面的曲子按指法弹奏，打好手指支撑力的基础，这样进入第二册学习连奏就会很顺利，否则，掌关节塌陷，一关节瘪指，手腕突起，这些问题会不断出现，且很难一下子解决。 幼儿园中班下学期以后学琴的孩子，建议使用儿钢作为入门教材，这本教材的编者有意选择了大量的孩子喜欢的儿歌，民族乐曲，世界名曲，它也是从中央C开始，高低音谱号同步学习，采用倒影式的认谱方式，同时也有插图，老师的伴奏谱，内容比较丰富。建议20页前全用3指作非连音弹奏，到39页前按指法进行非连音弹奏，39页后用连音弹奏，学完第一册，加入拜厄教程，从12条开始，同时儿钢的第二册同步进行。 成年的学琴者建议直接用高师教材，同步使用拜厄教材，因为这个年龄的学者手指发育已经完成，用5个课时进行非连音弹奏，接着就可以学连音弹奏，并在10课时左右加入哈农练指法，当然，篇幅要短一点，选取10个小节，作非连奏和连奏的同步练习。除此之外可以选取简易的流行歌曲改编版增加学习的兴趣。因为成年人的学琴热情也只有2个月左右，但他们又没有家长强制督促，容易虎头蛇尾，半途流失，培养兴趣和成就感就显得格外重要。 五、乐感培养的重要性 学习钢琴的最终目的是要用琴声去表达音乐，用音乐来感染人，让人得到美的享受，试想如果弹奏的很熟练。，但是象打字员一样的机械操作，弹出的音乐味同嚼蜡，这样的钢琴演奏是打动不了人的。伟大的钢琴教育家涅高兹说：“学钢琴就像挖隧道，得从两面挖起”，意思是技术训练和音乐表现力的培养同步进行，通常我们听到的是“手指、手指、手指”，现在一定要加上“音乐、音乐、音乐”。所以，从入门开始，老师就要把乐感的培养放在重要的地位。音乐是一种特殊的语言，音乐的表达就像说话一样，为了让别人听明白你的话，你就得把字、词、句读对，把话说明白，表达出语气和意思来。弹钢琴其实不难，只要把话语中的语调、语气、抑扬顿挫、轻重缓急自然的融入音乐之中，就能给音乐的演奏注入表情，注入生命。 训练乐感先学会分句，乐句是音乐的基本单位，正确的给乐曲分好句子，是重要的第一步，老师要引导学生给方正的乐曲分句，更要化时间给不规整的乐曲分好句子，没有句子感的演奏时再糟糕不过的了。接下来就是处理好起句，第一句通常是给整个乐曲定调子，这里要注意速度、音量、音色、基本情绪。要求在弹奏之前先唱一遍，或在心里默唱几个小节，等有了把握再下手。收句也同样重要，俗话说：“编筐编篓全在收口”，弹完一个乐句，或一个乐曲，能不能留下袅袅余音，与结尾处理极有关系。处理好乐句的结尾，“其妙在音虽止而意无尽”。在处理好起句和收句的同时，要设计高潮部分，这里的情绪一般最激动，也是最引人入胜的地方，设计一下是通过几句的铺垫，一层层推进，最后达到高点，高潮的音量不能过强，声嘶力竭，这样反而破坏了美感。 整个钢琴演奏的乐感分三个环节――“感受”“领悟”“表达”。对钢琴作品的感受是对整部作品的曲式结构、旋律、主题特点、织体、题材、速度、力度、表情术语以及演奏方式有一个总体的印象。通过聆听演奏家的示范演奏、CD、光盘等有声资料，加速感受过程，逐渐领悟这部作品的内在意义、深层次的底蕴、曲子的意境和风格，最终通过手指把你所领悟的内容表达出来。 应该来说，乐感不是很神秘的东西，通过老师的正确引导，细致的分析，再结合多听、多看，多体验，加上其他艺术门类的学习，融合贯通，肯定会有很好的收获，只要记住，乐感的训练越早越好，因为道理很简单，所以的技术都是为音乐服务，技术只是音乐表现的手段，没有脱离音乐而独立存在的技术。 总之，钢琴入门教学必须有正确的弹奏方法，合理的教材选择，加上技术与音乐表现的结合，这样肯定会有事半功倍的效果。 钢琴入门教学论文:通识教育中钢琴入门集体课的教学模式 [摘 要] 普通高校开设的钢琴入门集体课是面向非音乐专业普通大学生开设的一门实用性、技能性的通识课程。本文着重说明钢琴入门课的教学内容、方法及模式，以便更好地探究如何在通识教育中利用数码钢琴进行集体课教学问题。 [关键词]通识教育 钢琴教学 集体课 目前，鞍山师范学院音乐学院在通识教育音乐课程中分类别地在原有理论课的基础上开设了其中一门实践课程：钢琴入门课。利用数码钢琴这一优势资源来进行教学，对于提高大学生自身音乐素养起到了积极的推动作用。 一、 钢琴入门课教学内容的选择 在开设钢琴入门课之前，笔者做了一份关于非专业的大学生钢琴入门课的问卷调查，其中对于教学内容的设置既满足大学生的心理与生理的特点，又结合教学大纲中教学目标的人才培养模式来选曲教材内容。通过教学实践，发现学生在学习弹奏的过程中能尽快地掌握节奏、识谱、视唱等相关音乐知识，对于提高自身的音乐素养起到了重要作用。 首先，大学生对于音乐理论知识的掌握多数处于零基础，少数有学习音乐的短暂经历。因此在学习弹奏的过程中，循序渐进地填补和系统地学习基本理论知识是很重要的，因此教材的选择最初以围绕中央c开始，分别向高低音区拓展进行断奏练习。 其次，弹奏过程中，对于零基础的学生来说，双手的协调性练习及节奏训练是弹好钢琴的关键和重点。因此在曲目的选择上以简单、通俗易弹并所熟悉的儿歌童谣为主。 二、 钢琴入门集体课的教学形式及教学多样性 钢琴入门课是采用数码钢琴进行集体教学的。数码钢琴使用多媒体音乐教学系统，运用计算机网络技术进行管理，可以使老师与众多个学生间进行直接教学。其教学形式丰富、灵活又具有多样性其中包括： 1、独奏形式 一个学生与老师进行交流，其他学生倾听，在点评时，主要针对弹奏的基本问题和音乐表现进行指导，避免该生或其他学生弹奏时再出现同样的错误，这种回课形式所产生的一个积极因素就是调动了学生的主观能动性，而共同评析则使学生由被动地位变主导地位，增进交流，活跃思维，提高对音乐的表达能力。 2、齐奏形式 选择几位学生，教师根据弹奏者的技术水平规定适当的速度，进行齐奏式回课。齐奏形式较独奏有更大的难度，主要体现在对节奏、速度的严格把握方面，总会出现或快或慢的情况，这也就为学生在齐奏过程中的适应能力提出了要求，当自己的弹奏在与群体出现偏差时，应及时改正、积极调整，能迅速融合到集体的感觉中去。也能通过集体弹奏形式，感知音乐中节奏和速度的重要性。 3、轮奏形式 钢琴弹奏的“接力棒”，这是一个极为有趣的游戏。一首作品，按照乐句、乐段或小节线的划分，分配给每位学生，当前一位演奏者结束自己的任务时，后一位要按时进入，完成规定的长度后，接下去的同学又要挺身而出。经过实践，此种形式深得学生的喜爱，紧凑、严密的衔接，锻炼了弹奏者的应变能力，大大提高了学习兴趣。 三、 钢琴入门集体课教学法 钢琴集体课教学，应做到理论知识与技能训练相结合。集体课教学赖以存在的基础是系统讲授、共同作业和集体回课。 1、兴趣法。 在选曲过程中，如果选择一首学生不熟知的曲目，通过识谱、弹奏需要花费很长时间才会感知到完整的音乐作品，效果不佳，与学生达不到共识。而选曲一首通俗易懂、大家熟悉的曲目可以增进学生弹奏的兴趣度。比如学习弹奏《三只熊》时，首先大家熟悉这首儿歌，很快就可以完整地弹出。并且为了进一步掌握跳音技能，启发大家弹出生动的音乐形象，老师还做示范时，可以找学生简单地做出舞蹈动作，来配合伴奏音型模仿三只熊跳舞的感觉，这样大家对于表现活泼、欢快的歌曲，就知道用怎样的方式来做出跳音的感觉，这样可以深深吸引学生的学习兴趣。 2、示范、讲解法。 这是在钢琴教学中被普遍采用的有效方法之一。特别是在初学阶段更显重要，准确地示范弹奏，使学生对新乐曲或练习曲的性质、风格、技术类型和特点有一个初步的印象：优美的旋律、娴熟的技术、技巧还能提高学生兴趣。所以在此阶段中，教师应先作详细地准确地弹奏，然后再讲解弹奏要领，指出重点的技术困难之处，教给学生怎样克服技术困难的具体方法，最后根据旋律调式调性的转换和所表现的不同风格特点进行讲解，并选用适当的力度、速度做出示范，进行讲解。其顺序按左右手分别进行。使学生对所学乐曲、练习曲弹奏的技术、技巧有一个非常清楚的概念。 3、模仿法。 钢琴的教与学实际上就是一种技术与技巧的模仿和掌握。所以在钢琴教学中，对于一些基础性的或较难掌握的弹奏技术，教师可以采用示范的形式与学生共同练习，这种教法可以使学生在肢体协调弹奏和较难掌握的技术方面建立起正确的感觉。这种既实际又直观的教学方法可以使学生在该阶段少走或不走弯路，准确地掌握弹奏技术和技巧。 总而言之，在通识课程中开设钢琴入门集体课教学，不仅更为充分地利用了音乐系独有的教学资源，也为喜欢音乐、热爱音乐的大学生们提供了实践学习的平台，潜移默化地为他们提高自身的音乐素养奠定了实践基础。 钢琴入门教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学基本方法 摘 要：作者根据多年演奏及教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为：让学生对钢琴进行认识，培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置，其步骤包括：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置，等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 关键词：钢琴；启蒙；教育方法 一、兴趣是最好的老师 兴趣的培养直接影响着一个孩子潜能的发挥。首先要为每位学琴的儿童根据自身的情况制订一套适合自己的练琴方案，教法灵活多变，循序渐进。由于每个孩子的个体有差异，从孩子的自身出发，如果是比较小一点的孩子可以选用趣味性强的教程，比如说《小汤普森》，根据书里面的标题可以增加学生的理解，同时也可以和学生一起四手联弹，这样可以加强曲子的音乐感也调动了孩子的兴趣。另外以加强艺术修养为目的，让学生多听多唱。用一些充满童趣的语言，例如：弹跳音就像是在拍皮球，把自己的五个手指比作五线谱等加上夸张的表情与学生互动起来，这样才能使孩子学得轻松、愉快。在学琴当中规范化的手形、规范指法习惯、科学合理的弹奏方法和姿势、完整的节拍节奏感的训练、教材合理的选用、音乐情感和音乐风格的表现等都是要解决的问题。让孩子养成一个好的练琴的习惯，不能“三天打鱼两天晒网”，学琴尤其要注意基础的训练，不能急于求成，给孩子增加心理压力，这样也会使学琴变为被动。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30-60分钟不等，一般课时安排为一周1-2节。 首先让学生对钢琴进行认识，尤其是对钢琴键盘的识别与记忆，并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授，要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正，坐得端正而不僵硬，上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开；下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜，膝盖的位置在琴边下，双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分，手臂与手腕的感觉与形态，再到教授手形、手指，等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用，因此应该注意好习惯的培养。手型应放松，手指自然弯曲，用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起，像是虚握着一个圆球，手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置，四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼，目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法，目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识，例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平，等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后，教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置，每节课的必要步骤为：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 二、我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤 在每节课开始前，教师应该先询问孩子在家的练琴情况，然后开始基本功的练习，让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏，并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较，培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图：利用现代教师的示范吸引学生的注意力，激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析，让学生体验到作曲家写作时的情感基调，从而更好激发学生的情感共鸣，为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点，即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标，使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平，继而培养孩子的各种能力，如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操，等等。根据个体和家长需求的不同，再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩，并且记录老师上课的内容，根据学生的上课实际情况，家长要及时督促学生进行学习，这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。 钢琴入门教学论文:入门基本功在钢琴教学中的重要性 【摘 要】由于人们对艺术的追求尤其是钢琴学习方面不断的膨胀，大部分的家长和学生要求在短时间内达到一定的程度，更在乎社会的“现实要求”从而忽略了基本功的练习。而现代钢琴教学有必要钻研基本功教学，进而引领学生更深入的学习钢琴。为此，分别从基础中的基础、手型手指特点、手指独立性培养和手指基本弹奏动作几方面进行了基础教学的研究。从而引起教育者和求学者的深思，以完善钢琴教学体制。 【关键词】钢琴演奏；基础；手指；支撑 随着改革开放的步伐，人们的生活水平不断提高，文化修养也不断提高，随之人们对建立在文化基础之上的艺术的追求也迅速膨胀起来。可盲目的膨胀带来的不良后果，却很少让家长与学生自己反思。如今，大量的人们在学习钢琴，可有所成就的比例少之又少，大部分家长与学生的要求是让学生在最短的时间内达到一定的程度去，去适应社会考级，甚至要求速成。如果老师真按照这类家长和学生的心理要求教学，造成的后果是基本功练习的欠缺，以致根基不稳。一番阶段性练习过后，教师却无法引领学生进入更深的层次，使很多学生不得不遗憾的终止了钢琴的学习。钢琴演奏是一门艺术，是体力劳动与脑力劳动互相综合的活动，演奏者必须具备相当高的技术才能完成，而掌握这些技术并不是几个月或更短时间就可以完成的，而是需要漫长而艰苦的过程。 钢琴的入门阶段是整个钢琴学习过程的基础，对学生日后对钢琴学习的理解和态度都起着最为重要的作用，不可小视，所以笔者从以下几个方面来阐述钢琴教学中入门基本功的重要性： 一、基础中的基础 站要有站相，坐要有坐相。弹琴时，脑、眼、手、耳、脚同时运用，那么一定要有一个适合自己高矮的琴凳，同时要确定座位同钢琴的最佳距离。弹奏的正确姿势，要在自然、放松的基础上才能做到座位、脚、手这三个重要支点的平衡与协调，教师应以亲身示范来增加学生的认识。 二、钢琴弹奏的手型及手指特点 “几乎任何一种手的姿势都可以行得通，只要是这种姿势合适，符合手的构造，符合音乐组成的高低起伏，更重要的是不破坏动作的统一。”客观上，没有一成不变的手型，任何人演奏也没有固定不变的手型模式，但作为初学者，我们必须给学生一个正确的标准，因为人的手和手指具有一种最适应于键盘排列结构的状态，我们可以把这种状态理解为基本手型。 不良手型一旦形成，会影响指力的传导，以至于不能获得正确的声音，并会影响手指的快速跑动，还会形成多余动作，紧张等状态，养成弹奏的僵硬和力量的浪费。 三、手指独立性的培养 钢琴演奏的基础是手指，手指的基础在于手指的独立支撑，手指的支撑是站立式钢琴弹奏的基础。长期的教学实践与观察中，我发现，很多教师或者学生没有把手指支持的训练放到一个重要的位置，以至于为日后的演奏带来很多的问题和麻烦。我认为在钢琴入门阶段，手指的独立支撑训练要占据一个非常重要的地位，要作为一个专项予以足够的关注。手指的支撑是相对的，并不是绝对的。手指是支撑手臂的支架，但手臂又是身体传导力量的桥梁，他们相互作用并牵制着。以下是对每个手指的逐个分析： 1指的特点，有些学生弹一指时掌关节不能支撑，一承受重力就会塌陷，必须加以纠正，通过外力让关节凸出。经过一定时间的训练，肌肉能力增长了，慢慢可以恢复。这个阶段切不可急于求成，无所顾忌地错误训练。 2、3指的特点是比较有力，但第一关节比较薄弱，容易塌陷，所以要十分注意。 4指是最不灵活的手指，力量比较弱，未经训练的4指往往依赖于其他手指，不够独立。如忽略其特征而非不断加以纠正，力度便无法集中。所以，在练习中要坚持正确的锻炼，并给予特殊的关注。不可急于求成，欲速则不达。 5指是最为柔弱的手指，支持力最差，所以我们见到很多学生都是让5指躺着弹奏，这时，教师一定要加以指导。小指的关键在于第一关节与第三关节的凸起，教师可以让学生练习之前把正确姿势摆好，而后坚持几分钟。日积月累地训练后，肌肉的力量增强了，小指的支持问题便迎刃而解。 五个指的不同特征，造成了它们容易形成不同的毛病，但我们应确信，经过认真训练，不急于求成，完全可以改掉毛病，养成各自的弹奏独立性，使手型规范，达到弹奏的正确状态。 了解了五个手指的特点，要完成手指在弹奏中的正常支撑还需要注意以下两点： 第一，大家知道，手指的结构是有多个活动关节组成，以适当的肌肉紧张来组织手指的各活动关节，共同协作去完成每个动作的支撑准备状态。 第二，利用合适而有益的练习来训练各个手指的灵活度与力度，使其逐步具备独立承重的支撑能力，达到相互平衡协调的各个手指之间的关系。 四、手指的基本弹奏动作：断奏与连奏 手指独立了，支撑力强了，接下来就可以让学生学着在琴键上“走路”了。 断奏相当于孩子站稳了，开始迈步的时候。抬脚相当于提腕，提腕的力量来自于手臂的肌肉，手腕要习惯放松，手臂手腕要协调，接下来就是降落的过程，自然地降落。降落后的手指保持的姿势就是前面提到的独立。弹琴的手指独立地支撑，做好基本的手型。这个过程非常关键，一定要体会手指的支撑与肩、肘、腕以及身体的放松。必须完全达到要求，才可以继续以后的课程，不可急于求成，这个阶段是基础阶段，一旦形成不好的毛病，便很难改变，甚至影响一生。 连奏要记住以下几个要点： 1.手指的抬指动作主要产生于第三关节。 2.已经弹琴的手指不动，其余手指要以第三关节为轴，尽量不要太高，做到灵活，放松。 3.在击键过程中，力量要集中于指尖，第一关节要有“抓住”的感觉。 4.每一次抬指动作的重复不可过快，要有充分的准备与思考的时间，考虑好手型是否正确，力量是否放松等因素。 弹琴不是天生就会，是需要长时间的刻苦训练才能达到的境界。在整个钢琴学习中，基本功的训练不可忽视，它会影响学生的一生。以上笔者仅对最基本的共性问题谈一谈个人的感受与经验。身为钢琴教师，让我们为了钢琴事业不断学习，探究吧！ 钢琴入门教学论文:浅谈老年钢琴入门教学的基本方法 进入21世纪的人们对生活已经有了更高的理解和追求。随着社会的发展、全球的老龄化，更多的老年朋友选择到老年大学来丰富自己的晚年生活、实现青年时的梦想，使自己在退休后依然活跃在社会中，充实、完善自我。 而钢琴这门高尚、优雅的艺术不但可以使老年朋友锻炼手指灵活大脑，还能够提高音乐修养陶冶情操，进而愉悦身心达到益寿延年的作用。钢琴现在已经成为中老年朋友热衷学习的一门学科。 一、坐姿的基本要求 学习钢琴可以提高人的修养、陶冶人的情操，使思维变得敏捷，对于没有任何基础的学员来说，入门时会有些枯燥乏味，想弹会钢琴又犹如雾里看花，看得见却摸不着头绪。当学员坐到钢琴上去时，就必须要提示他注意坐的姿势，要做到重心稳定。弹琴时，身体的重心要靠臀部和脚。钢琴家赵晓生在《钢琴演奏之道》里提出：演奏者应坐在琴凳的三分之一宽度的位置上。在弹琴时可以根据谱子的需要，身体略往左或右倾斜，有的人喜欢坐满凳子弹琴觉得这样很好又或是翘着腿自我感觉是最舒服的姿势，可是这是一种不良的演奏习惯，因为弹琴是一种高度集中，脑力和体力相结合的劳动，不论是练琴或演奏，弹奏者都必须保持正确的姿势。坐姿要自然端正，手臂不要僵硬、紧张，或者过于松懈，这样才有利于学习弹钢琴。 二、基本手型的调整 学员开始接触钢琴，就必须注意手型的正确性。弹钢琴要求手放松、手腕柔顺、手呈半圆形，空握球状态，手指稍向里弯，手腕与琴键键面基本在一个水平面上。要想有一个好的手型，关键是指掌关节与第一、五指指关节的站立。手指的第一关节，即最末端的关节，从一开始就要训练站立的能力，要自然的站好，不能让关节塌进去。 三、熟记基础乐理知识 要想学好钢琴五线谱是一关。五线谱是由五条线四个间构成的，这同我们的手结构大致相同。把手张开来看，从下往上数小指是第一线、无名指就是第二线、两个手指间就是第一间，以此类推五线谱就很形象地呈现在眼前。这样很方便老年学员理解更能加深记忆。音符与休止符可以一起讲解，可以有一个清晰的对比。有了音乐理论的框架概念后就是让大家感受手指和琴键之间的合作，在简单的乐曲中继续添加相对应的乐理知识，一面体会手指与琴键的感觉，一面加深记忆。 四、培养节奏感 节奏是音乐的脉搏，音乐的生命。音乐的存在和进行，首先在于节奏的作用。节奏的脉动每时每刻都贯穿在音乐之中。 （一）节拍基本要求 之前已经对基本的乐理知识有了概念，节拍是需要实际演练的。所以拍子要先搞清楚，拍子要数准确，速度要统一这是最基本的。首先要养成数拍子、打拍子的习惯。把复杂的节拍简单化细化，比如在4|4中出现八分音符时，就要把半拍数出来“一大、二大、三大、四大”，这样就能很准确的弹奏八分音符半拍。需要的时候也可以借助一下节拍器来帮助没有数拍子习惯的学员。当然，节拍器的使用只是借助一下外力。从根本上来说，还是要学员有拍子准确的概念和感觉。 （二）节奏的训练过程 在数准拍子之后，我们进一步要做的就是要去感觉节奏。多数是学员只是机械地数着拍子，并不是去感觉节奏的分组、节奏的特性；音乐中的强拍与弱拍，音流中的节奏划分等等。要做到有内心的节奏感觉，首先要去感觉节奏。 五、音乐感的理解与培养 有人说“音乐感是父母给的”，意思是说有人生来就是音乐感好，天生就是学音乐的料，也有的人生来就不是学音乐的，是不具备培养可能的。我觉得每个人的先天素质有很大的差异。一个优秀的教师应该能把一些在音乐方面天赋一般的学员引到音乐之门，使他们逐步提高音乐理解和音乐表现的能力，而逐步做到有音乐感的演奏。 在教学中我能看到大多数学员都有较好的天赋，同时他们每一个人都有很高的学习积极性，可以说这些学生都具有被培养造就的条件。学钢琴首先要引导学员去创造一个合适自己的音乐环境，提高对音乐的认识和理解从而提高音乐素养。钢琴是一种西洋乐器，大多数传统的优秀教材乐曲都来自于欧洲，因此它的音乐语言也是外来的。这就跟学外语一样，要有语感，光靠音标，字母拼出来的外语，总让人觉得生硬，所以必须多听、多感受、多练。 音乐是传达感情的艺术。人们可以从音乐中获得巨大的愉悦感，从而提高人们的精神境界。现代医学表明，人类的身心健康在很大程度上取决于精神因素，其中艺术的感染力不可忽视，音乐所带来的愉悦感对心理调节的作用也尤为显著。作为老年音乐教育工作者，我们应尽可能地把音乐教育作为重要手段来培养学员的身心健康，使其充分感受到音乐的魅力，提高他们的艺术品位及综合素养。 总之，在课堂上要积极调动学员的学习主动性，反复强调教学内容的重点，加深学员的记忆。在授课中要多鼓励多表扬，语言要诙谐幽默，使学员在轻松愉快的气氛中完成教学任务，这其中学员既满足了学习的欲望增长了知识，又在音的海洋、乐的奏章里感受了钢琴的魅力让学员更年轻、健康、快乐。 钢琴入门教学论文:浅析中职幼师专业钢琴入门教学训练 【摘 要】针对中职幼师专业钢琴教学的特点，培养学生学习钢琴的兴趣，抓好入门基础教学，加强基本功训练，根据学生的特点因材施教，使之掌握弹奏的基本技能和技巧，培养出合格的幼儿老师。 【关键词】钢琴教学；入门训练 幼师专业是培养幼儿园老师的主要阵地,音乐教育是培养合格的幼儿师资所必不可少的重要课程。钢琴教学是幼师学生的在校必修课，幼师学生学习钢琴趋于成人学琴，身体及骨骼的发育基本定型，在教学中无疑增加了一定的难度,要使学生获得正确的弹奏方法的确不易。但是，她们也有一定的条件，即她们的理解能力、主观努力等要比儿童占优势， 根据这一特点，合理的进行入门训练，同样是可以取得进步的。 一、培养学生的兴趣，是钢琴教学前期任务之一 俗话说，兴趣是最好的老师，有了兴趣才能激发学生的热情，学生才会主动地自愿地去学习。对于刚进入职校的学生，大多数是第一次接触钢琴，对弹奏钢琴有好奇心和新鲜感，教师要利用这一点来积极诱导学生，培养其学习兴趣。在平时教学中，可以通过教师演奏学生喜欢的乐曲（时下流行的）或播放CD让学生听，让学生感受音乐激发学生的学琴欲望。 二、掌握入门要领是获得弹奏技能的先决条件 入门训练的正确与否，直接关系到学生整个的弹奏生涯。初学的学生，都要求学生从手臂的认识开始。例如认识大臂、小臂、手腕、腕关节、手掌、手指第1关节和第2关节掌关节，讲解大小臂的整个放松，手臂做自然下落以及将重量传递到指尖的示范，手型呈弧形状或半握状，手腕放松，掌关节支撑住第1、第2关节触键等等，整个过程要讲解示范到位。在教学中，学生能够理解教师的讲解和示范，可一旦坐在钢琴上便不知所措，难以把握，甚至出现紧张，身体及手臂僵硬，掌关节下陷，手腕高抬，手指爬在琴上，手指有折指等毛病，因此，教学中对学生的指导显得尤为重要。指导中让学生不断地体会放松的感觉及放松后的手臂自然下落后弹出的声音，全身的放松状“落”下去的重量恰恰是手臂、手腕、手掌、肘、肩相结合而成的统一的结果，这种结果往往是教学中取得良好效果的最佳途径。同时，辅以小组课的授课形式，让学生们相互交流和学习，这样经过一段时间的努力，是可以取得较好的效果的。 三、非连音练习的入门及方法 初学钢琴的学生首先接触的入门练习就是非连音奏法又称断奏，虽然断奏有多种技法，对幼师生来说需要掌握常用的几种奏法。断奏的弹奏方法是学习钢琴基础的基础，非常重要，如果初学者断奏弹奏学的不好，今后的学习将受到极大的影响。 断奏弹奏中，手臂的放松和手指的支撑及其站立是弹奏的基础，它的重量应集中在指尖上，而且要注意第一关节的站立，也可以将手指放在别人的手上，指尖站稳，体会手臂、手腕的放松、感觉指关节顶端是力量的集中点。然后在琴键上进行一个一个单音的练习，此时要对学生提出严格的要求，如果单音都弹不好，那么一串连音就更不可能弹好了。 跳音练习与非连音奏法有相同之处，不同的是跳音要求触键短促富有弹性，弹奏时手指一经触键即迅速离开，保证手指动作干净利落，指尖迅速到底，动作防止过大，以“贴键”跳起的瞬间反弹爆发为最好效果，弹奏出的实际音响是谱面音符时值的1/2。顿音“拜厄”练习中常见的练习方法则要求更短于跳音，更爆发短而有力，是跳音实际音响时值的1/2。 四、连音奏法的训练 断奏是连音奏法的基础，它们彼此有着密切的关系，手臂腕的放松、手型的良好保持、手指的站立等等都离不开断奏的基础训练。连奏练习与断奏练习，关系上有明显的不同，连奏很象人走路，一步接着一步的走，交替自然，一步下去又转向另一步重心下落。例如手指第一个音落下去，第二个音马上滚起来，两音之间连绵不断。当第二个音还没有出现时第一个音就不能放掉， 而是做好与下一个音连接过渡的准备。在练个音连奏的同时，可以逐步加入三个音符一句，四个音符一句，五个音符一句的连奏练习。练习3个音的方法是：落下去第一个音，抬指弹下第二个音，手腕带动滚起第三个音，即“落抬滚”。 练习四个音为：落抬抬滚。练习五个音为：落抬抬抬滚。好的连音必须做到三点：a.无缝，即凉荫之间不能有细微的断裂。b.无角，即没有任何一个音冒出来。c.无坑，即没有一个音坑陷下去。 幼师钢琴教学不同于大中专院校钢琴专业或高师钢琴主修生，它具有特殊性和速成性，应该按照幼师的教学大纲的要求进行教学，为幼儿园培养合格的幼儿教师。因此，既注重它的实用性、科学性，又要不偏离一定的教学方向和教学质量。合理运用学习的三年时间，掌握一定的教学方法，因材施教，是可以获得较好结果的，不能急于求成，避免教学中的盲目性。教学得法、学生配合默契是成功的法宝，也许困难较多， 生源差距较大，进步不一，但只要系统的、科学规范的、合乎实际的教学，学生都是会有不同程度的提高和进步的。 （作者单位：新疆阜康市职业中专） 钢琴入门教学论文:浅谈少儿钢琴入门教学中要注意的几点问题 摘要：钢琴在时下已经越来越普及了，学习的队伍在不断的扩大。许多学生特别是幼龄学童，刚开始接触时都兴趣十足，但是经过一段时间的学习后，很多都半途而废，甚至看到琴会产生恐惧和厌恶心里。如何正确的引导，教学期间采用何种方法方式，还是件很值得探讨的话题。 关键词：钢琴；少儿；入门教学 一、培养兴趣，快乐教学 孩子的天性好玩，如何保持学习兴趣，在学习过程中寓教于乐，我们可以从教材的选取和教学方式等多方面入手。教材的选择可以从特定的少儿教程开始。把谱面拉大，配以卡通插画，使得五线谱看起来不难么枯燥和难懂。期间编入了各个国家的民歌和带歌词的儿歌，学生在练习中赏心悦目的阅读谱子，还可以动静结合，自弹自唱，大大增加了学习的趣味性和娱乐性。课堂上的语言和氛围也非常重要。孩子有自己的思维方式和想象空间，所以教学语言要尽量做到儿童化，生活化。特别是一些专业术语，你说十遍还不如打个比喻一遍就让孩子记住了。 其次课堂的氛围也要靠教师调节，针对不同情况的孩子采用不同的教学手段。每个孩子学琴的出发点不同，有些是想增加点美育及艺术修养，有些是想走专业道路的，有些纯粹是启蒙看看有没兴趣爱好等，因此教师要因材施教，少用指责和否定的语气教学，要随时给予学生鼓励，对于一点点的进步或者闪光点，都得给予赞扬和肯定，拉进师生间的距离感，给学生一个平和且能激发创造力的空间，让他们更好的发挥自己的潜能。得到学生的认可和喜欢，是一个教师成功教学的一半，双方之间融洽的氛围，可以为今后的学习打下了良好的基础和动力。 二、根据个体的不同，制定合理的练习时间和方法 艺术门类学习的特殊性在于除了课堂上的教学以外，业余时间的练习在学习中也占了很重要的地位。教师要根据学生的个体差异、练习环境、程度深浅等多个因素出发，合理的留好课后的作业和练习要求。课余的练习时间要合理安排，尽量做到每天接触键盘以及阅读乐谱。练习时间长短可以根据个体性格和年纪来决定。一般年龄较小的孩子要采用少食多餐的练习方法，随着年龄的增加，可以慢慢调整时间长度。切勿逼着孩子坐上琴凳一练就是多个小时，学习效率低下，浪费了时间不说，还破坏了学习的乐趣。 在练习中，首先要加强音阶的练习。音阶作为旋律的构成原素，历来为器乐演奏者每日必需练习的内容，所以每天的练习可以从音阶基础训练开始。拿到新的曲目，开始时慢练是一条金科玉律，其目的是为了正确的掌握旋律，以及完整性，只有在正确完整的基础上，慢慢加快到曲目要求的节奏，这样获得的技术训练是有效的。分段，分局，将难点重点单独提出来慢练，往往比整首曲子的通篇练习效率要来的高，曲子上手的时间更快。正确的练习方法可以让我们少走不少弯路，不少事例告诉我们一个道理，就是放慢练，难变易。 三、注重听觉训练和音乐赏析 听觉训练是器乐学习中不可缺少的一部分。内在的听觉和乐感是一种与生俱来的天赋，每个人对音乐听觉的敏感程度都是不一样的。因此在学琴过程中，针对不同的个体，可以采用不同的手法来适当加强听觉和音准的训练。一开始可用“啦啦啦”的象声词模仿单个音的高度，在一段时间的练习后，逐步加入二个音，甚至三个音的音程模唱。其次，音乐赏析也是学习钢琴的一个很好的辅助课程。赏析对于我们学琴来说是有很大的帮助的。学习一门新课程，大多是从临摹开始的，如何获得临摹的范本，特别是音乐范本，就得通过聆听来感受。通过曲式结构和乐理结果的分析，由浅到难的聆听各类音乐作品，做到听熟听懂，对于学生的练习都是有很大的帮助的。学琴过程里，技巧训练只不过是一种机械运动，比技巧更上一层的是意境和境界。曲子的二度创作源于演奏者对乐曲理解的程度而异，对于初学者来说，音乐形象的捕捉特别的难，因此教师在琴课上，要特别加强对乐曲的分析，从基础的乐理知识，作曲家的背景，以及乐曲所要表达的感情等，在学生掌握了这些细节后，我们再来演奏乐曲，更好的把握风格和音乐形象。除了课上加强乐理知识外，还要鼓励学生在课余时间观摩各类演出，乐器现场的声音还原，演奏者二度创作的音乐风格，多少能激发和调动学生学习的积极性和兴趣。 四、激励学生进行展示和舞台实践 一个展示自我的平台的建立，对于学生来说是对自己学习的一个展示和肯定。才艺展示是学习中不可或缺的一部分，即是对学生心理素质的一种锻炼，也是对教师教学的一种检阅。孩子心理素质的培养是学习中很容易忽略的一个问题，在众人面前演奏容易紧张是我们与生俱来的一种本性。如何克服和得到锻炼，这就得借助于一些平台来解决。台上三分钟，台下十年功。台上的实际演奏作品的完整程度肯定比台下的练习要有所缺少，所以注重平时的练习尤为重要，这也无形中给了学生一定的学习压力，所谓的因果也由此产生，你在台下付出了多少辛劳和汗水，与你在台上的成功与否是成正比的，把这种压力转换成学习动力后，对于以后的学习是很有帮助的。教师或者家长要从培养良好的心理素质入手，在课堂和业余时间得采取鼓励和诱导的手法，培养学习的乐趣和自信心。现实社会中，关心身体的健康很多，但是心灵的健康与否，很容易得到忽略的。人都是有惰性的，极少有学生特别是年纪较小的学生有主动想要做练习的。很多都是三分钟热度，热度过后，就得靠成人的引导和鼓励了。过激和否定的语气都会抹杀学习的兴趣，多鼓励多发现闪光点才是我们要做的。 五、结语 合理的时间安排和良好的教育导向，是我们坚持学习音乐或者其他科目的手段之一。看着孩子身心愉悦的走在艺术大道上，音乐和钢琴成为儿时美好的玩伴，那是一桩何等曼妙的善事啊！ 钢琴入门教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学 内容摘要:随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 关键词:儿童;钢琴入学;教学方法 国大文豪雨果曾有过一句话:“开启人类智慧宝库由三把钥匙,一把是数学,一把是文字,一把是音符。”随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。更重要的是科学家们长期研究的结果事业的蓬勃发展,一个以儿童为主体的全国性的社会钢琴教育园地已经形成,其规模之庞大在世界音乐史上都是从未有过的。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 一、培养儿童正确的弹奏姿势 俗话说:“苗栽的正,树才能长的直”。从小用科学的正确规范的弹奏姿势练琴,日后才能体会到正确运用身体的重量和力量来触健和发声,掌握弹奏的准确性。所以初学钢琴坐的姿势至关重要。 (一)坐的重心。坐在琴凳上重心要稳,儿童可以准备一个小板凳来充当脚垫,坐稳的同时还要注意重心靠前,即坐在琴凳的前半部分,使身体、手臂能够活动自如,弹奏时腰部要挺直,但不要僵,上身略前倾,这样便于在弹奏时把手臂的重量集中送到指尖。 (二)坐的位置。一般要求身体要于键盘的中央对正,座位的高低则有弹奏者根据自己的身高自行调节。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致,这才说明座位和钢琴的距离是合适的。 (三)手型。手型是弹琴者的“门面”,弹琴时手要放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键,掌关节自然拱起,像是虚握着一个苹果,手腕大约与键盘平行,不要全放在琴键上,仅以侧指端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要端正的站立在琴键上。 (四)脚的位置。弹奏时双脚要自然分开,膝关节的高度应略大于直角以保持重心的稳定。在学习使用踏板后左脚可以适当地前后左右移动调节,这样可以保持平衡。 二、弹奏方法 钢琴音乐中弹奏方法有很多,最基本的有断奏、连奏和跳音奏法,它们是构成弹奏的基础。这是儿童学习钢琴初级阶段中必须掌握的技术之一。 (一)断奏。断奏在钢琴作品中应用极为广泛,是手指技巧的基础。断奏是解决肩臂放松和锻炼手指支撑的最好方法。初学者容易出现肩臂紧张,手指软弱等问题,方法是手指按五指位置摆好,然后放松的将手臂提起来,手腕手指放松,手臂自然的落下,要弹的手指在琴键上站稳撑住,手指的三个关节突起,发音后手应立即放松,手型不变。这样才算一个完整的断奏动作。 (二)连奏。连奏的要求是让儿童弹奏出圆润如歌,流畅性的旋律。连奏手指触键要缓慢,用的更多的是手指的肉垫位。连奏是最基本最常见的弹奏技巧,方法是第一个音弹下去手指站稳,然后抬指弹下面的音,同时把力量转移过去,前一个手指里键。 (三)跳音奏法。跳音的弹奏可以让孩子把手指想象成芭蕾舞演员用足尖跳舞,这样就能找到指尖牢靠的感觉,或让儿童想象手指触摸到烫的物体的动作,一般人都会本能的把手迅速的拿开,来体验弹奏跳音的感觉。 三、教学方法 (一)技术语言应儿童化。许多初学的儿童对连奏领悟比较慢,我们可以把连奏的手指比作走路时的“脚”一只落地另一只脚抬起,自然交替。如果学生不能领悟,教师可以实际走给学生看,这样学生能较快地领悟连奏的动作要领。 初学琴的儿童常出现用力压键的现象,用不正确的方法去追求一种“响”。针对这种现象我们可以把好的声音比作荷叶上滚动的“水珠”,他是圆润的、透明的、流动的。我们的琴声也要给人一种集中、圆润、透明、流动的质感,通过这个比喻,学生就会用自己的耳朵辨别音的好坏,去纠正手指动作上的毛病。 (二)动作练习由“大”及“小”弹钢琴对手指、手腕等细微动作要求很高,稍微偏就会使钢琴弹出的声音有很大的区别,在入门阶段就要让孩子学会正确的动作,但由于儿童的肌肉群发育不完全,还不能做出精细而准备的“小”动作,只能从一些“大”动作开始,逐步变“小”,例如:刚开始儿童往往会将提手腕的动作做得很大,甚至越过头顶,要在肯定他的同时,慢慢告诉他,手就像一只小鸟,让小鸟飞的高本领很大,让小鸟飞的低本领也很大,我们来让小鸟飞的低一点好吗?从手越过头顶到手和眼睛一样高,再到手提起时和钢琴上放置琴谱的搁板一样高,再动作更小,通过二至三个星期的训练逐步将要求提升。 (三)学习重点由简入繁。儿童对注意力的控制很差,不能经常有意识的控制自己的动作,最常见的是:教师让孩子注意手型时,他却在想看下一个该弹什么音:让他数拍子的时候,他又在看自己的手型,让教育过程无法正常地进行,针对这一问题,就要要求用重点强调的方法来解决,也就是在某一时间段里,只要求做好一件事,暂时放弃其它方面要求。 四、教学中应该注意的问题 (一)应积极地培养儿童的学习兴趣孩子们从第一天和钢琴见面开始,就要天天和它打交道。从陌生到熟悉,从熟悉到产生感情,都需要相当长的过程。如果开始学琴的兴趣不稳定,时高时低,情绪忽冷忽热,练琴时心不在焉等,就会使儿童感觉是在没有丝毫兴趣和情绪下的强制学习,它们会从此产生对学琴的厌烦情绪,结果就会间接扼杀儿童的积极性和求知欲,因此,老师在上课时都要注意采用动静结合的教学方式在教学中穿插听音、听节奏的训练,讲些钢琴家的小故事。从此来调节儿童的大脑活跃气氛,同时又有效的吸引儿童的注意力,逐渐使他们从被动中解脱出来。 (二)培养良好的师生关系有的儿童天生就很胆小,上课时有一种紧张感。因此,要把儿童引进音乐的殿堂,帮助他们找到开启音乐大门的钥匙,就要帮助他们消除紧张情绪,可以尝试主动亲近他们、鼓励他们;主动和他们拉拉手,介绍自己,同他们聊天,问他们的喜好;多给予他们一下表扬等。待他们心情松弛一些,再把它们的注意力引到钢琴上来,建立良好的师生关系可以让他们从心里面接受老师的引导,培养他们对钢琴的兴趣。 (三)避免用命令式的语言,要问温和提出要求。心理学家霍布朗根据他的经验指出,以低和平稳的声调解决问题与使用激烈的辩论或演说强迫灌输,前者的教学方式更容易让学生理解和接受。同样,老师在辅导学生练琴时,若能用温和的语言对学生提出要求,孩子就会耐心倾听,乐意接受;但是,如果老师总用命令的口吻要求好好练琴,孩子就会产生不满,甚至产生逆反心理。所以采用建议和协商的方式去提要求,孩子将会心悦诚服地接受。 (四)忌长时间授课。学龄前儿童的注意力集中时间很有很,4岁左右的孩子约10分钟,五岁左右的约20分钟,六岁左右的约半个小时。幼儿园小、中、大班上课时间安排充分考虑了孩子注意力集中的特点。而有的钢琴教师在对幼儿授课时,常常长达一个多小时,也许是出于对教学的责任心,但却忘掉了实际的效果。对幼儿长时间的授课有多半是无用功,再加上教师如果缺乏精练、形象、生动而富有趣味的教学语言,就会加速孩子在课堂上的疲劳感,造成对钢琴的厌倦心理。对幼儿授课的时间必须充分考虑不同的孩子注意力集中时间的长短来确定。 五、树立儿童科学的练琴方法 教师除了教琴外,还应树立学生科学的练琴方法。对于儿童练琴的安排,一般应该坚持以下原则: (一)将练琴时间固定安排在学生精力充沛的时候,有利于集中注意力,保证质量,培养良好的学习习惯。 (二)儿童注意力集中的时间一般在20分钟左右,故每次练习时间安排20-30分钟为宜,每天安排两至三次。 (三)每次练琴要有明确的要求具体的目标,不要简单规定弹几遍,弹几个小时,要有质有量。 (四)坚持天天不间断,从中可以培养孩子的毅力和品质。 六、结论 钢琴艺术是一门历史悠久、文献浩瀚,与其他艺术门类以及文史地、数理化等各学科均有着广泛联系的艺术品种。无论是从钢琴教学的角度,还是从艺术审美的角度,都需要钢琴教师具备广博的文化修养和合理的知识结构,正像鲁讯先生所提倡那样:“学理科的偏看看文学书,学文科的偏看看工科书,看看别人在那里研究的究竟是怎么一回事”。只有在深厚、坚实的文化基石上才能筑起雄伟、高耸的艺术大厦。儿童从开始接触钢琴到能够独立演奏时一个漫长的过程。在这个过程中,教师的着眼点必须站在高处,要为长期的钢琴学习培养良好的习惯。作为一名教师更应该采取科学的教学手段,为儿童学习钢琴打好坚定的基础。树立正确学琴观念,只有这样才能使儿童的水平从长远意义上得到提高。 钢琴入门教学论文:浅谈儿童钢琴入门教学 内容摘要:随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 关键词:儿童;钢琴入学;教学方法 国大文豪雨果曾有过一句话:“开启人类智慧宝库由三把钥匙,一把是数学,一把是文字,一把是音符。”随着现代社会的发展,钢琴在世界许多发达的国家已成为儿童学龄前教育的首选乐器,这一方面是因为钢琴本身所具有的无可比拟的表现力,另一方面因为钢琴是所有乐器中唯一能让儿童以最轻松自然,最没有负担的姿势坐着演奏的乐器。更重要的是科学家们长期研究的结果事业的蓬勃发展,一个以儿童为主体的全国性的社会钢琴教育园地已经形成,其规模之庞大在世界音乐史上都是从未有过的。如何让一个群体更好的入门,作为教师必须要用科学合理的方法有针对性地进行教学。 一、培养儿童正确的弹奏姿势 俗话说:“苗栽的正,树才能长的直”。从小用科学的正确规范的弹奏姿势练琴,日后才能体会到正确运用身体的重量和力量来触健和发声,掌握弹奏的准确性。所以初学钢琴坐的姿势至关重要。 (一)坐的重心。坐在琴凳上重心要稳,儿童可以准备一个小板凳来充当脚垫,坐稳的同时还要注意重心靠前,即坐在琴凳的前半部分,使身体、手臂能够活动自如,弹奏时腰部要挺直,但不要僵,上身略前倾,这样便于在弹奏时把手臂的重量集中送到指尖。 (二)坐的位置。一般要求身体要于键盘的中央对正,座位的高低则有弹奏者根据自己的身高自行调节。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致,这才说明座位和钢琴的距离是合适的。 (三)手型。手型是弹琴者的“门面”,弹琴时手要放松,手指自然弯曲,用指端肉垫部分触键,掌关节自然拱起,像是虚握着一个苹果,手腕大约与键盘平行,不要全放在琴键上,仅以侧指端触及琴键靠边缘的位置,四指和小指要端正的站立在琴键上。 (四)脚的位置。弹奏时双脚要自然分开,膝关节的高度应略大于直角以保持重心的稳定。在学习使用踏板后左脚可以适当地前后左右移动调节,这样可以保持平衡。 二、弹奏方法 钢琴音乐中弹奏方法有很多,最基本的有断奏、连奏和跳音奏法,它们是构成弹奏的基础。这是儿童学习钢琴初级阶段中必须掌握的技术之一。 (一)断奏。断奏在钢琴作品中应用极为广泛,是手指技巧的基础。断奏是解决肩臂放松和锻炼手指支撑的最好方法。初学者容易出现肩臂紧张,手指软弱等问题,方法是手指按五指位置摆好,然后放松的将手臂提起来,手腕手指放松,手臂自然的落下,要弹的手指在琴键上站稳撑住,手指的三个关节突起,发音后手应立即放松,手型不变。这样才算一个完整的断奏动作。 (二)连奏。连奏的要求是让儿童弹奏出圆润如歌,流畅性的旋律。连奏手指触键要缓慢,用的更多的是手指的肉垫位。连奏是最基本最常见的弹奏技巧,方法是第一个音弹下去手指站稳,然后抬指弹下面的音,同时把力量转移过去,前一个手指里键。 (三)跳音奏法。跳音的弹奏可以让孩子把手指想象成芭蕾舞演员用足尖跳舞,这样就能找到指尖牢靠的感觉,或让儿童想象手指触摸到烫的物体的动作,一般人都会本能的把手迅速的拿开,来体验弹奏跳音的感觉。 三、教学方法 (一)技术语言应儿童化。许多初学的儿童对连奏领悟比较慢,我们可以把连奏的手指比作走路时的“脚”一只落地另一只脚抬起,自然交替。如果学生不能领悟,教师可以实际走给学生看,这样学生能较快地领悟连奏的动作要领。 初学琴的儿童常出现用力压键的现象,用不正确的方法去追求一种“响”。针对这种现象我们可以把好的声音比作荷叶上滚动的“水珠”,他是圆润的、透明的、流动的。我们的琴声也要给人一种集中、圆润、透明、流动的质感,通过这个比喻,学生就会用自己的耳朵辨别音的好坏,去纠正手指动作上的毛病。 (二)动作练习由“大”及“小”弹钢琴对手指、手腕等细微动作要求很高,稍微偏就会使钢琴弹出的声音有很大的区别,在入门阶段就要让孩子学会正确的动作,但由于儿童的肌肉群发育不完全,还不能做出精细而准备的“小”动作,只能从一些“大”动作开始,逐步变“小”,例如:刚开始儿童往往会将提手腕的动作做得很大,甚至越过头顶,要在肯定他的同时,慢慢告诉他,手就像一只小鸟,让小鸟飞的高本领很大,让小鸟飞的低本领也很大,我们来让小鸟飞的低一点好吗?从手越过头顶到手和眼睛一样高,再到手提起时和钢琴上放置琴谱的搁板一样高,再动作更小,通过二至三个星期的训练逐步将要求提升。 (三)学习重点由简入繁。儿童对注意力的控制很差,不能经常有意识的控制自己的动作,最常见的是:教师让孩子注意手型时,他却在想看下一个该弹什么音:让他数拍子的时候,他又在看自己的手型,让教育过程无法正常地进行,针对这一问题,就要要求用重点强调的方法来解决,也就是在某一时间段里,只要求做好一件事,暂时放弃其它方面要求。 四、教学中应该注意的问题 (一)应积极地培养儿童的学习兴趣孩子们从第一天和钢琴见面开始,就要天天和它打交道。从陌生到熟悉,从熟悉到产生感情,都需要相当长的过程。如果开始学琴的兴趣不稳定,时高时低,情绪忽冷忽热,练琴时心不在焉等,就会使儿童感觉是在没有丝毫兴趣和情绪下的强制学习,它们会从此产生对学琴的厌烦情绪,结果就会间接扼杀儿童的积极性和求知欲,因此,老师在上课时都要注意采用动静结合的教学方式在教学中穿插听音、听节奏的训练,讲些钢琴家的小故事。从此来调节儿童的大脑活跃气氛,同时又有效的吸引儿童的注意力,逐渐使他们从被动中解脱出来。 (二)培养良好的师生关系有的儿童天生就很胆小,上课时有一种紧张感。因此,要把儿童引进音乐的殿堂,帮助他们找到开启音乐大门的钥匙,就要帮助他们消除紧张情绪,可以尝试主动亲近他们、鼓励他们;主动和他们拉拉手,介绍自己,同他们聊天,问他们的喜好;多给予他们一下表扬等。待他们心情松弛一些,再把它们的注意力引到钢琴上来,建立良好的师生关系可以让他们从心里面接受老师的引导,培养他们对钢琴的兴趣。 (三)避免用命令式的语言,要问温和提出要求。心理学家霍布朗根据他的经验指出,以低和平稳的声调解决问题与使用激烈的辩论或演说强迫灌输,前者的教学方式更容易让学生理解和接受。同样,老师在辅导学生练琴时,若能用温和的语言对学生提出要求,孩子就会耐心倾听,乐意接受;但是,如果老师总用命令的口吻要求好好练琴,孩子就会产生不满,甚至产生逆反心理。所以采用建议和协商的方式去提要求,孩子将会心悦诚服地接受。 (四)忌长时间授课。学龄前儿童的注意力集中时间很有很,4岁左右的孩子约10分钟,五岁左右的约20分钟,六岁左右的约半个小时。幼儿园小、中、大班上课时间安排充分考虑了孩子注意力集中的特点。而有的钢琴教师在对幼儿授课时,常常长达一个多小时,也许是出于对教学的责任心,但却忘掉了实际的效果。对幼儿长时间的授课有多半是无用功,再加上教师如果缺乏精练、形象、生动而富有趣味的教学语言,就会加速孩子在课堂上的疲劳感,造成对钢琴的厌倦心理。对幼儿授课的时间必须充分考虑不同的孩子注意力集中时间的长短来确定。 五、树立儿童科学的练琴方法 教师除了教琴外,还应树立学生科学的练琴方法。对于儿童练琴的安排,一般应该坚持以下原则: (一)将练琴时间固定安排在学生精力充沛的时候,有利于集中注意力,保证质量,培养良好的学习习惯。 (二)儿童注意力集中的时间一般在20分钟左右,故每次练习时间安排20-30分钟为宜,每天安排两至三次。 (三)每次练琴要有明确的要求具体的目标,不要简单规定弹几遍,弹几个小时,要有质有量。 (四)坚持天天不间断,从中可以培养孩子的毅力和品质。 六、结论 钢琴艺术是一门历史悠久、文献浩瀚,与其他艺术门类以及文史地、数理化等各学科均有着广泛联系的艺术品种。无论是从钢琴教学的角度,还是从艺术审美的角度,都需要钢琴教师具备广博的文化修养和合理的知识结构,正像鲁讯先生所提倡那样:“学理科的偏看看文学书,学文科的偏看看工科书,看看别人在那里研究的究竟是怎么一回事”。只有在深厚、坚实的文化基石上才能筑起雄伟、高耸的艺术大厦。儿童从开始接触钢琴到能够独立演奏时一个漫长的过程。在这个过程中,教师的着眼点必须站在高处,要为长期的钢琴学习培养良好的习惯。作为一名教师更应该采取科学的教学手段,为儿童学习钢琴打好坚定的基础。树立正确学琴观念,只有这样才能使儿童的水平从长远意义上得到提高。 钢琴入门教学论文:儿童钢琴入门教学基本方法 摘 要： 作者根据教学经验总结了一套通俗的方法。其中要点大致为：让学生对钢琴进行认识，培养正确的弹奏姿势、规范的手形和手指的正确弹奏方法、五线谱的识别能力。而后应进行钢琴教材作业布置，其步骤包括：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置，等等。同时也不应忽视家长在学生学琴过程中的重要地位。 关键词： 钢琴 启蒙 教学方法 随着我国社会经济的迅猛发展和人民生活水平的提高，如今钢琴教育逐渐走进千家万户，越来越多的孩子加入了浩大的琴童军团，同时对钢琴教师的需求也日益大增。面对一个零起点的孩子我们应该从何教起？我根据十几年的钢琴学习和若干年的教学经验总结出了一套通俗的方法。 兴趣是最好的老师。 根据相关统计，绝大多数幼儿在学习钢琴之前表示喜欢音乐，占总数的82%，一般的仅为16%，不喜欢的仅为2%。这说明幼儿在未经刻意引导和培养的前提下，对音乐具有本能的“原始兴趣”。而对练琴过程的问卷调查，则显示在练琴过程中有经常去厕所、喝水等行为的幼儿占42%，偶尔的占37%，不去的占21%。除开幼儿练琴过程中确实的生理需要以外，更多的原因在于缺乏兴趣。 兴趣是个体力求认识某种事物或从事某项活动的心理倾向。它表现为个体对某种事物或从事某种活动的选择性态度和积极的情绪反应。幼儿钢琴学习兴趣作为一个复杂的问题涉及幼儿本身、钢琴教师、幼儿家长，而且受到家庭环境、社会氛围等诸多因素的影响。因此，无论是幼儿学习钢琴，还是音乐教师教授钢琴，培养幼儿学习钢琴兴趣的学习的关键。兴趣作为一种心理倾向，对幼儿钢琴学习活动不仅起着激发动力产生、推动情感投入的作用，而且有效地培养幼儿注意力的形成，促进智力方面的发展。 我认为对于儿童钢琴的启蒙教学最佳的方式应该在培养兴趣的基础上采取一对一式、口传心授的方法。一般每节课为30―60分钟不等，一般课时安排为一周1―2节。 首先让学生对钢琴进行认识，尤其是对钢琴键盘的识别与记忆，并且引导幼儿对高、中、低音区进行辨识。然后从正确的弹奏姿势开始教授，要培养幼儿正确的弹奏姿势。身体要与键盘的中央对正，坐得端正而不僵硬，上身略向前倾。双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开；下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜，膝盖的位置在琴边下，双脚略向前伸。然后开始逐渐细化到讲解身体上半部分，手臂与手腕的感觉与形态，再到教授手形、手指，等等。幼儿手指伸张力和手指关节的弹性对今后发展具有决定性作用，因此应该注意好习惯的培养。手型应放松，手指自然弯曲，用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起，像是虚握着一个圆球，手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置，四指和小指要注意端正。在教授过程中应该注意运用浅显易懂的语言。同时我们还应该重视学生对五线谱的识别能力锻炼，目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入法，目前在国内广泛应用的《汤普生简易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。 结合学生弹奏的钢琴作品向学生讲述有关的音乐知识，例如表情记号的意义和作曲家的风格及其生平，等等。 在完成若干节的入门知识讲述和基本知识的教学后，教师可以开始对学生进行钢琴教材作业布置，每节课的必要步骤为：学生对上节课作业的演奏与反馈、教师对作业进行指导、新作业的布置。 我认为对儿童入门教学的过程可以采取如下步骤。 在每节课开始前，教师应该先询问孩子在家的练琴情况，然后开始基本功的练习，让孩子把手指活动开。然后开始让他弹奏上节课布置的作业。仔细聆听学生演奏，并且在演奏过程中及时纠正手形、识谱、表情记号等问题。 欣赏老师示范演奏所布置曲目的片段。让孩子自己进行对比比较，培养他们自己发现问题的能力。 与学生讨论有关弹奏时候出现的问题和解决方法。 设计意图：利用现代教师的示范吸引学生的注意力，激起学生的学习兴趣。通过对作品音乐要素的分析，让学生体验到作曲家写作时的情感基调，从而更好激发学生的情感共鸣，为其进一步学习提供基础。 许多钢琴教师在教授学生钢琴的过程中常常忽视了一点，即与学生家长的沟通。我们首先必须明确教学目标，使幼儿学琴者具有一定的钢琴演奏水平，继而培养孩子的各种能力，如学习能力、是非判断能力、交际能力、自我情绪控制能力、各种品德的养成、陶冶情操，等等。根据个体和家长需求的不同，再根据实际情况作出调整。为保证学生学习质量最好邀请家长在一旁观摩，并且记录老师上课的内容，根据学生的上课实际情况，家长要及时督促学生进行学习，这一点对于学生钢琴水平的进步尤为关键。