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服装艺术设计探讨:论服装艺术设计专业课程开发及教学改革 摘要:服装设计师不但要对服装款式设计有良好的造诣,也要有市场分析和样板分析的能力。所以服装设计专业在课程设置和教学模式上需具有前瞻性、先进性和可行性。要适应企业发展,及时更新教学内容,调整课程结构,创新教学模式。确立以能力为本的课程价值体系,抛弃不适合专业发展特点的陈旧的、过时的课程,删减实用性不强的偏难、偏深的理论内容,将更实用的更适应企业岗位需求的专业知识运用到教学中,根据层次的高低以模块形式授课。教学手段的改革上要打破单一的课堂教学组织模式,可把教学内容带入企业生产现场、品牌专卖店,带领学生参加服装博览会,使学生获得更直观的感性认识,加强学生综合素质能力的培养。推广基于工作过程的教学模式,建立以工作过程为导向,以教学方法与手段创新为主的教学模式。教学中以学生为主体,通过调研,设计拟定典型的项目工作任务,通过教师与学生共同合作、练习、评价达到掌握技能的目的和要求。 关键词: 教学模式课程开发;改革;艺术设计;职业能力;创新能力 针对服装企业对设计类人才的需求。服装设计专业在课程设置和教学模式上需具有前瞻性、先进性和可行性,这样才能够培养出合格的、更具竞争力的专业人才。设计部门是服装企业的生产命脉,设计师掌控着对企业产品的品牌定位和发展方向。设计师对服装款式的把控、结构的分析、甚至样板绘制、工艺流程等工作岗位起着整体监控,协调的作用。所以设计师不但要对服装款式设计要有良好的造诣,也要有市场分析和样板的能力。而服装艺术设计专业要适应企业发展,及时更新教学内容,调整课程结构,创新教学模式。 一、确立以能力为本的课程价值体系 (一)、课程内容的改革 考虑到服装行业的技术更新和生产设备的发展,我们必须抛弃不适合专业发展特点的陈旧的、过时的课程,应以实用性为主,删减实用性不强的偏难、偏深的理论内容,将更实用的更适应企业岗位需求的专业知识运用到教学中,力求真正做到学有所用。跟据企业对设计人员的需要,在专业优秀课程方面可以把传统的素描、色彩等基础类美术课改成人物速写和色彩搭配,使之和效果图、款式设计形成专业课业群,根据层次的高低以模块形式授课。款式设计和立体裁剪作为服装类优秀课程,也是服装艺术设计专业的必修课程。根据服装企业特点和区域经济差别。增加市场营销和品牌设计课程,可以使学生对款式流行与市场供求关系有正确的认知。 (二)、教学手段的改革 教学手段上要打破单一的课堂教学组织模式。可把教学内容带入企业生产现场、品牌专卖店,进行现场上课。要经常带领学生参加服装博览会,服装订货会拓展眼界,使学生获得更直观的感性认识,从而更好地掌握理论和实践知识。可以和企业合作完成设计项目,带领学生参加设计比赛等方法,增强学生的理论实践能力,强化角色认知,并弥补学校理论教学与生产实际经验的缺憾,最终确立以学生为主体的课堂教学理念。 (三)、加强学生综合素质能力的培养 有良好的职业道德和思想素质,是现代企业用人的首选标准。不断加强学生综合素质能力的培养,让学生掌握一定的自学方法,提高获取专业知识的能力。建立专业教学网络平台,时时更新行业资讯,使学生在学校学习期间掌握行业最新动态,不仅掌握专业知识和技能,还能了解行业动态和发展。利用现代教育技术、教师与学生互动方式组织教学,有效地提高教学质量与教学效果。 二、基于工作过程的教学模式 以工作过程为导向的教学模式,是根据产品的工作过程确定学习领域,强调以学生为中心,以学生的直接经验来掌握融合在各项实践行动中的最新知识和最新技能。根据学生课程进展情况,布置工作任务,把培养学生的职业能力作为主线并贯穿始终。以企业真实工作任务为载体,让学生按企业的实际设计要求完成作业,将众多的专业知识,通过完成工作任务进行串联。这种基于工作过程的培养模式对学生的职业能力和促进职业素质的养成方面占有重要地位。 在教学中,专业教师可以把企业的真实产品、工艺标准引入课堂教学活动中,充分利用校内外实训基地,学生在教师的指导下参与新产品开发与技术创新。在为企业做项目的过程中,由企业提供项目、课题任务。从市场调研到产品开发,再到样品试制,组织大货生产一条龙的跟进,让学生在实战中学会灵活应用专业知识,在为企业赢得利益的同时,也为自己赢得在校内学不到的知识和技能。 三、以教学方法与手段创新为主的课堂教学模式 课堂教学不仅是学生学习成长的地方,也是一个再创造的过程。在课堂教学中,教师应根据学生的发展需要对教学方法和手段进行大胆的合理的调整和重构,所以要求教师要学会探索、开发、整合教学资源,要善于利用一切现代化的信息技术,丰富教学内容,增进教学的趣味性,使学生从实践中获得理论的升华,提高动手能力。 (一)、“以学生为主体,以能力为本位”的课堂教学模式 根据现代学生成长环境,特别是艺术类学生学习能力差别很大,因此要避免单一化、公式化、模式化的教学方法。这就要求专业教师具有丰富的专业知识和较强的实践能力,能够根据不同的学生,布置不同层次的训练任务,在实际操作过程中来接受专业知识,从而让每个学生的实践能力得到很好的发展,帮助学生树立好的职业意识。 教师在教学中以学生为主体,采用项目教学、任务驱动法,通过调研,设计拟定典型的项目工作任务,采取演示或讲解等方式来分析任务,引导学生“边学边做,边做边学”,并给予学生完成该任务的方法和步骤。学生则针对提出的任务按要求去独立完成训练,在此基础上,充分发挥学生的主体作用,实现“学中做,做中学”,通过教师与学生共同合作、练习、评价达到掌握技能的目的和要求。 在实践教学环节和服装产业运作相对应,建立校内服装实训基地或校办产业,采用企业的真实案例训练岗位能力,创造模拟仿真教学环境,教师与学生以双重身份的形式融入到课堂教学中,例如在实训课时,给学生以不同角色分工,分别委以设计主管、制版主任、生产班长、市场调研员等身份,分别完成不同阶段的职能作业,教师则通过岗位分析,让学生融入实际的企业环境中,促进学生技能的获取和吸收,最大限度调动起学习积极性和主动性,发挥其主体作用。 (二)、以创新能力培养为主导的课堂教学模式 面对变化频繁快速的今天,服装承载更多的是着人们的思想和观念,蕴含着当代人文精神,服装是艺术与科技、物质与文化的综合体现,同时它又极具时代感,永远走在时尚的最前沿。服装艺术设计专业学生的创新能力也就显得尤为重要。 要发挥学生的创造能力和创新能力,教师要研究学生特点,启发学生多思巧做,使学生的思维得到激发。在课堂中有针对性的布置趣味作业,比如对喜欢做手工的学生可以在在教学中穿插拼布、布艺等创造性技能,针对爱时髦的女生可以插入流行的发卡、头饰、手包等制作工艺,这些看似即兴变化的课题项目对于学生职业素养的养成十分有利。另外,创造良好的学习氛围也是激发学生创新能力的重要因素。教育心理学研究表明:民主和谐的师生关系,有利于创造宽松愉悦的课堂学习气氛。学生在这种宽松的氛围内没有任何心理压力,情感也将会随着教师的激励,越来越多地去主动思考。 教师的职责不仅是传递知识,而是做到传道、授业、解惑。在教师的鼓励、启发下学生就会有话敢说,有话可说,思维活跃,从而更加轻松的投入到学习过程中。 总之,服装艺术设计专业的课程改革要依据社会的需求、企业的需要及学生的认知来进行,既要做到科学具体还要及时调整。只要我们坚持不懈地探索和实践,让课程改革跟上时展的节拍,不断探索引用先进的教学方法和手段,把教学水平提高到一个新的高度,就会为社会培养出更多的复合型技能性人才,就会为企业输送更多具有实践操作能力的高素质的设计技术人员。 服装艺术设计探讨:服装设计与其他艺术设计的共融性研究 摘 要:现代服装设计已不是单纯的设计服装,它越来越多的融合了其他形式的艺术设计,如:建筑、音乐、绘画、电影、科技等等。任何艺术形式都有其共同性,只要找出它们的共性并加以融合就能创造出有特色、艺术性和文化内涵的时装。 关键词:风格;融合;元素;设计 服装是时代的一个重要标志,作为社会文化的物质载体,随着时代的发展不断注入新的精神、新的观念,融合了其他类型艺术设计的精髓,那些设计形式给服装设计提供了更广阔的创造空间,同时也满足了人们求新、求异的着装心理。 一、建筑与服装设计 建筑艺术是通过建筑物质实体进行表现的空间造型艺术,与服装一样,是人类为自己创造的物质生活条件,是人们重要的物质文化形式之一。从近代女装的发展可以看出服装发展的趋势是立体与平面设计的融合。建筑的结构和廓型等在建筑中备受关注的元素也成为时装大师们关注的焦点。 (一)哥特建筑艺术 哥特式建筑始于12世纪40年代,通过频繁使用纵向延伸线条,使建筑高耸入云,使人有置身于天国感受,如尖顶建筑,四根大柱支撑高高的拱顶,由此产生出直线和流线型的外观效果。 (二)哥特式建筑风格在服装设计中的应用 现代哥特风格服装在造型上呈现锐角三角形、筒形和喇叭形,着力强调肩部的突出效果,借鉴传统长及地面的罩衫款式,大多采用短装配长裙,裙身极长,甚至拖地,裙摆向外展开。服装上的分割线、装饰线多采用纵向的,垂直的线条。色彩上,神秘、庄重的黑色和深红色最能传递哥特风格的精髓。在2007年秋冬时装秀中,Alexander McQueen以神秘的深红色为主调,搭配黑色和米色,硬朗的上装分明带有哥特烙印,现代的、古典的、异域的、时尚的、交相辉映。整体造型上,稍宽松的针织外套由腰带束起,微蓬的超短A型裙形成完美的X型造型。 二、绘画与服装设计 绘画是人类最早的艺术形式之一。作为一种造型艺术,服装常以绘画艺术为其创作根源。但作为兼具实用性、功能性的综合造型艺术,服装在满足审美要求的同时,又不能失其实用性。最具代表性的绘画风格在服装上的应用当属波普。 (一)波普艺术风格 波普艺术是与时装结合最为紧密的现代艺术形式之一,并成为主流现代时装风格一。波普艺术产生于20世纪50年代末,兴盛于60~70年代,指的是一种“大众化的”、“年轻的”、“便宜的”、“趣味性的”、“即时性的”形态与精神的艺术风格。 (二)波普艺术风格在服装设计中的应用 在时装中,波普艺术找到了可以自由发挥的空间。主要体现在服装面料及图案的创新上。波普风格的服装将文字、色彩、线条搭配运用到服装上,加以夸张和变化,往往富含意味和情趣,卡通、幽默、的标语、艳丽的色块对比,报纸印刷图案、随手的涂鸦、连环画或是肖像拼贴都是波普风格的素材,展现着生活的睿智和幽默感。伊夫・圣・洛朗1956年秋冬推出了以抽象画家蒙德里安的几何绘画为主题的作品,20世纪90年代,范思哲也曾以玛丽莲・梦露头像图案的长裙表他了他对波普艺术的推崇,可见波普艺术风格对服装的影响非常大而且深远,它已经从最初的艺术形式变成与人们随影随行的生活文化。 三、音乐与服装设计 音乐艺术是通过有组织的音响运动,创造音乐形象、表现思想和情感,反应社会生活的艺术形式,这与服装设计有着共同的作用。时装设计不断从音乐中汲取灵感,20世纪60年代一直到现在,无论是朋克、披头士、摇滚等音乐文化,还是众多的流行音乐它们都为设计师提供了丰富的想象空间。 (一)朋克音乐风格 朋克风格诞生于70年代的英国,青少年们对社会产生不满的情绪。他们崇尚自由,他们反叛世间的丑恶,却又创造出新的丑恶。朋克精神是一种自由和解放的象征,也代表着人性的另一面,挣扎、不安于现状的矛盾。 (二)朋克风格服装 朋克风格主张DIY,把廉价服装和布料进行再造加工,使服装呈现出一种新的粗糙的风格。不规则的缝线设计、高高的黑色网眼丝袜、皮带上大大的环扣、格子超短裙、黑色皮革、铆钉……提到朋克就不得不说有“朋克教母”之称的设计师Vivian Westwood,她始终是朋克时装的先驱者,她的设计常常表现为不对称的剪裁结构,凌乱的缝线处理,坚持走性感路线,特别突出胸部和臀部,胸线挖得很低,搭配夸张的大领,故意将文胸穿在外面,开创了衣外穿的先河。 现代服装设计已不是单纯的设计服装,它越来越多的融合了其他形式的艺术设计,艺术是没有界限的,任何艺术形式都有其共同性,服装本身也是一种文化,并与其他的文化类别相互影响,作为服装设计师应多了解世界各时期、各地区、各民族具有代表性的文化,从中获得灵感,创造出有特色、艺术性和文化内涵的时装。 服装艺术设计探讨:论我国服装艺术设计的传承与创新 摘 要:中国服装艺术设计能够在世界时尚舞台上占有一席之地,树立自己的品牌,离不开对传统文化的传承。面对服装设计向多元化、民族化、个性化方向发展的趋势,我们应该继承传统文明的精髓并发扬光大,并在此基础上发挥我们的创新精神,使设计既富于创新精神,又不失时代特征和民族特色。 关键词:服装艺术设计 传承 创新 服装艺术设计的发展一方面受到自身发展规律的影响,另一方面又受到其他民族或艺术设计形式的影响。继承是艺术设计的基础,创新则是艺术设计发展的动力。服装艺术设计要想取得好的发展,就必须探讨现代艺术设计与原来艺术设计的关系,探讨本民族的艺术设计与其他民族艺术设计的关系以及服装艺术设计和其他艺术设计之间的关系。服装艺术设计的创新问题也正是对这些关系充分理解和把握的基础上,使设计者更自觉地继承本民族的传统艺术,并且更加主动地借鉴世界各民族及其他艺术设计门类的优秀元素,从而创造出更好的服装艺术设计的产品,促使我国服装艺术设计水平达到一个新的高度。 1 我国服装艺术设计的传承 我国服装艺术设计将传统艺术很好地融入到服装艺术设计中间,将传统民族艺术与现代服饰有机结合,它们成为互为包容、相互协调的统一体。他们之间既相互包容,又相互对立。我国服装艺术设计传承的有以下几个方面。 1.1 对意境的传承 我国传统民族艺术的特点是对意境的追求,特别喜欢通过图案及图案的方式来表达吉祥喜庆的寓意。我们祖先为了表达追求美好的愿望将吉祥和图案结合在一起,是一种传统的风俗习惯。 人们对吉祥喜庆的图案赋予积极向上的内涵,表达了人们热爱生活、热切盼望幸福生活的心态。中华民族的图腾象征是“龙”,它代表勤奋、勇敢、高贵和威武。传统艺术利用了这些吉祥图案的寓意,比如雕刻、瓷器、剪纸和装饰等艺术,中国人将精神寄托在带有吉祥寓意的图案上,这些图案带有了生命力。这些宝贵的传统艺术遗产成为了当代设计师们表现的法宝,设计师祁刚为电影明星高圆圆设计的“喜上眉梢”惊艳戛纳电影节,通过中华民族传统的吉祥图案来传递中国传统文化。 1.2 对图案的传承 我国传统图案的发展历史十分悠久,中国文化从出现之初就认可并强调纹饰的作用。我国图案类别众多,内容反映社会的方方面面。传统图案变幻莫测、美轮美奂、风格迥异,显示了各个历史时期的工艺水平,同时反映了中国的文化传统。许多图案现在仍然受到人们的追捧,历经数百年还保持着旺盛的生命力。我国的服装设计师在现代服装设计的过程中,将包涵传统艺术形式的图案融入进现代服装中,现代服饰中巧妙引入传统图案,使服饰具有古典美。服装设计师为了将传统图案完美融合到现代服装中,在服装设计的过程中,注重图案与服装结合的形式美感,形态与功能的关系、形态与材料以及工艺的关系,有效地体现传统文化在服饰中的内涵。 1.3 对色彩的传承 中国人是世界上最早懂得使用色彩的民族,确立了自己独特的色彩结构,形成了中国人特有的色彩喜好。“青花瓷”、“唐三彩”等以色彩命名的传统艺术形式体现了中国人对色彩的爱好。“婆金”、“描金”这些传统镀金工艺,也体现了古人对色彩的爱好,引起现代人的无限遐想,现在国际社会上仍然以“中国红”这一红色的命名来显示中国人对红色的偏爱。 1.4 主题风格的传承 中国古代的服装设计主题可以简单分为崇拜、节令、习俗、品格、愿望、价值观、时尚、伦理道德、礼仪、权威、环境、社会秩序、美感及情趣等十四大类。古代服装设计的过程中,既有体现单一主题的更多的是多个主题相融合的情景。不同主题的服装设计包含着不同的特色,这些主题都是服装的风格、面料、款式、装饰、色彩及服饰搭配等因素集体作用的效果。直线裁剪、平面展开、强调线型和装饰的抽象化语言,以此来表现社会政治、伦理观念的组合审美观是古代服饰的设计风格。 2 我国服装艺术设计的创新 服装艺术设计的发展离不开传承,但是传承只是积累知识、掌握技巧的手段,是其发展的基础;服装艺术设计要想取得更大的发展就必须依靠创新,创新才是其发展的根本动力。我国现代服装艺术设计的创新可以从以下几个方面入手。 2.1 重视我国传统配色的原理在服装设计中的作用 各民族优秀的艺术设计家在创作古代服装艺术设计作品或其它艺术作品时积累了大量的配色经验,发明了大量的配色组合,这为我国现代服装艺术设计的创新提供了有益的启示。 2.2 借鉴和吸收传统文化的优点 在吸收的过程中,不是简单的拿过来就用,照抄照搬传统文化,而是要对传统文化的材料进行再认识、再加工,主要是文化内涵的改变和艺术表现形式的变换;设计者要把激发创作灵感的原型因素转化为切身的心灵感受,分析、总结原素材的主要优点并进行提炼,最后通过一种准确的、适当的、与现代社会时展需求相适应的形式表现出来。比如旗袍,最开始是满族女子穿的一种类似于长方形的大袍,刚开始出现时的造型不能体现出女性的性感特征,也不能将体现女性的形象美显现出来。1911年,但随着辛亥革命的发生,西方先进的理念开始影响我国,西方女装的先进观念、现代人文精神和设计、造型艺术特点被旗袍所吸收并引用,旗袍的款式和裁剪制作得到极大的提高,将中国传统服饰的优点和西方女装的长处有机地融合在一起。经过吸收再创造以后的旗袍收紧了腰身,将长度缩短、提高开衩的幅度,甚至出现低领无袖的形式,将高领逐渐改变降低直到取消领子,甚至把领子开低,使美丽的颈部完全显露出来,充分展示人体的曲线美,这种中西合璧的服装款式既是借鉴西方优秀服饰文化的结果,也是中国传统服饰文化的传承和发展。 2.3 从传统服饰的角度吸收各种历史时期的配色、图案和精致的传统工艺 艳丽的民族色彩,传统的凤凰、牡丹、祥龙等吉祥图案,精致的刺绣、盘扣,这些具有民族特色的元素越来越多地被设汁师们吸收到服装设计中,借助于打散、错位、变异等方法将传统图案运用到服装设计,进行新的设计重组,实现理想的效果。 3 结语 我国的服装设计只有立足于自己的传统,运用现代设计理念,将中国元素进行感性的运用与理性的重组,融入多种艺术风格,从而创造出真正的中国风格。 服装艺术设计探讨:手绘在服装艺术设计中的运用 摘 要:随着社会经济的发展,人们的物质生活水平日益提高,对服饰审美的要求也不断提高,更加追求多元化和个性化的服装设计。当手绘融入服装艺术设计领域时,受到了人们的青睐和普遍关注。手绘技艺是一种古老的染织艺术,具有悠久的历史特点,当古老的手绘技艺与现代服装设计融合时,充分显现了不可比拟的特征和风格,使服装设计大放异彩。 关键词:手绘;服装;艺术设计 在人们的生活质量改善、服装审美越来越高的前提下,个性化、多元化的服装艺术设计成为潮流和趋势。许多服装艺术设计师采用极为巧妙、精致的方式,将古老的手绘技艺融入服装艺术设计之中,不仅增添了服装设计的新颖性和创意性,也凸显了别具一格的崭新模样,极大地推动了服装艺术设计的创新和发展。 1 手绘技艺的源流与发展 手绘是一种古老的染织艺术,特指在面料上用手工绘制的方式,绘制染织而成各种变化丰富的花样及图案。[1]它历史悠久,早在人类的远古时期就已出现。当时,由于生存环境极其恶劣,人们为了保护自己、恐吓野兽,就将赭石等天然颜料涂抹在自己的身体之上,形成了各种与自然环境相接近的图案,以更好地保护自己、适应环境。当服装面料进入人们的日常生活中时,手绘技艺就成了服装设计的一种独特的装饰纹样和图案。到了现代社会,随着科学技术和社会生产力的进步,手绘技艺在现代印花技术的发明之后略显褪色,然而这种古老的手绘技艺并非失传,而是成了一种古老的艺术被留存和传承,并在现代服装设计领域绽放出其独特的光彩。手绘技艺中自然、纯朴、个性化、丰富化的纹样和图案极大地吸引了人们的眼球,成了独树一帜的服装设计装饰方法和技术,掀起了服装设计界崭新的设计思潮和风尚。 2 手绘技艺在服装艺术设计中的价值 2.1 填补了现代印花技术的不足 在科学技术不断发展和进步的过程中,出现了机械化的作业方式,也衍生了应用于服装设计领域的机械印花技术。由于机械化不可比拟的快速生产模式,机械印花技术被普遍应用于服装的面料上,极大地促进了服装领域的发展。然而,现代机械印花技术仍存在自身的不足和缺憾,主要表现为以下两点: 一是由于模板制作成本较高,加工企业通常会采用同一个机械印花模板进行生产,将消费者的个性化追求置于其次,由此出现了与现代时尚不相符合的缺陷性。二是机械印花需要在制作出花样模板之后,方可投入生产制作过程,这不仅无法充分体现设计者的创意化思想,还容易导致服装图案单调化、生硬化,无法与消费者的多元化需求相匹配。 与之相比,手绘技艺则具有更为独特的优越性,具体表现为以下几点: 一是手绘技艺制作而成的纹样和图案更为简洁和灵活,同时也更具个性化和多元化的特征和风格。服装艺术设计者可进行自主的创意想象,尝试新颖别致的图案和纹样,极大地满足消费者的个性化、多元化的审美需求。二是用手绘技艺制作图案和纹样具有极其便利的条件和优越性,它无需大型设备和更多的场地,具有更低的成本优势,从而获得了人们的青睐。三是针对性较强。手绘技艺制作而成的图案和纹样可以针对性地应用于不同种类的面料之中,并根据设计者的创意想象,有选择地形成风格迥异的纹样和图案。 2.2 手绘技艺制作而成的纹样具有极大的商业潜能和价值 随着人们物质生活水平、审美要求的提高,服装不再仅限于遮体避寒,而更多是出于对服装的审美与装饰的需求,对于服装面料的颜色、图案也力求唯一。[2]这就需要服装生产企业生产出种类丰富、图案各异的服装面料。对此,服装艺术设计者可以利用人们的心理,探寻手绘技艺独特的商业潜能和价值,利用个性化的手绘图案和纹样,对服装进行创新设计和富于想象的创意设计,使消费者可以感受到别具一格的服装艺术审美享受,领略到手绘技艺所带来的服装审美震撼,极大地满足消费者的需求。 3 手绘技艺在现代服装艺术设计中的应用 3.1 遵循手绘技艺在现代服装艺术设计中的原则 在手绘技艺在现代服装艺术设计中应用的过程中,要遵循以下几项具体原则: 一是手绘图案与纹样应与服装的整体风格相吻合。在手绘技艺应用于现代服装艺术设计的过程中,由于手绘图案或纹样可以选材于各种丰富的题材内容,这些题材内容必须与服装艺术的整体风格一致,否则就会显得画蛇添足,削弱服装艺术本来的魅力,降低服装的品位和格调。二是手绘图案或纹样要搭配合理,体现与整体布局的协调性。在现代服装艺术设计中应用手绘技艺时,要顺应和迎合消费者的心理需求和审美需求,不仅要传递出服装艺术设计师的独具匠心,还要满足服装设计的整体布局,在和谐、统一的搭配运用之下,较好地满足人们的观感。三是要注重手绘图案或纹样与面料搭配的协调性。在应用手绘图案或纹样时,要注重手绘图案或纹样与服装面料的搭配,采用相应的手绘艺术手法,使手绘图案与面料形成良好的视觉效果。 3.2 手绘技艺在服装面料中的具体运用 在服装面料中,以材质轻薄、光滑的面料为手绘技艺运用的最佳条件。[3]通常来说,凝重而深沉的服装面料不太适用于手绘技艺,而华贵的丝缎和柔美的真丝面料,则可以成为手绘技艺运用的美丽载体和平台。例如,在桑蚕丝服装面料上所展示的手绘技艺具有色彩斑斓、变幻莫测的审美效果,灵活多变的图案或纹样使服装展现出流光溢彩的效果,极大地弥补了机械印花技术生硬、刻板的缺憾。在丝缎面料之中,手绘技艺可以随心所欲地挥洒和想象,根据服装的不同风格实现不同的图案套色和花样回纹,表现或粗犷或纤细的审美艺术效果。 3.3 采用变幻多端的手绘技艺手法 在手绘技艺应用于服装艺术设计过程中时,可以融合运用丰富变幻的手绘技艺和手法。[4]通常来说,有三种技法――直接绘、防染绘、型染绘,这三种不同的手绘技艺和手法各具特色,在设计师的创意想象之下可以不断创新和变化。比如,黑白水墨画系列的中国民族风服装,凸显了多变的服装艺术风格,以面料的沉稳与厚实、色彩的和谐与自然,展示了东方独具风格的魅力和色彩。再如,在服装设计中嵌入灵动的京剧水袖服饰,配以直观而形象的立体裁剪方式,则可以凸显女性窈窕的身段和温雅的气质。 4 结语 手绘技艺在服装艺术设计中的应用有着不可比拟的艺术价值和商业价值,它区别于现代机械印花工艺,可以更为灵活、更为自如地变幻和创新。服装艺术设计者可以通过创意想象和恣意发挥,运用手绘技艺和手法,并遵循一定的原则,赋予服装以灵动的色彩和风格,从而呈现色彩斑斓、流光溢彩的艺术审美效果。
艺术设计类论文:多学科交叉环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的概念和发展演变 环境与艺术设计的出现首先要依附于建筑物设计,其次是在建筑物周边的空间进行规划和设计,以达到美的效果。建筑物作为环境的主体,是环境艺术设计的基础,所以环境艺术设计和建筑设计基础是密不可分的。新中国成立后,随着改革开放的号召,科学技术的发展,人们的对生活审美水平的提高使得中国的环境艺术设计的有了很大的发展。随着我国建筑体系的不断成熟,环境艺术设计逐渐被分成两大派,一派是例如古代的壁画等家具装饰纹样以及室内空间规划,统称为室内设计,另一派是围绕着建筑物周围的空间进行规划,从而达到建筑物的艺术效果。这两派统称为环境艺术设计。 二、环境艺术设计多学科交叉特性的发展现状和必要性 1、发展现状 环境艺术设计类学科,是根据我国国情和社会环境的客观需求下逐渐发展起来的。因此环境艺术设计在我国的发展根基并不稳定,面对社会的需求,我国高校对社会发展定位的不准确,使我国缺少大量的环境艺术类学科的人才。毕业生理论知识的不系统,使社会对毕业生的需求供大于求,与社会市场的需求脱节。毕业生的艺术素养与能力参差不齐,距离社会所需要的高素质,高质量的人才还有很大距离。从发展的进程上看,我国艺术设计的教育是从美术教育,机械设计等延伸而成,基础薄弱。当时正值我国经济发展的飞速时期,各高校一直忙于扩大规模,没有对理论知识进行系统化的梳理和整合,有些理论完全就是照搬照抄,没有一套系统的,理论化的环境艺术类学科的知识体系。由于理论知识的缺失,导致各高校对艺术类学科的定位不准确,使我国环境艺术教育发展较缓慢。根据国情的发展,在当时大势所趋下,当时学生都面临着升学难,就业难的情况下,为了顺应国家的综合国力发展,各个高校普遍对学生进行统招,学生素质良莠不齐,很多成绩不好的学生因此走了捷径;在高校中,教师对学科认识不准确,专业性不强,有很多高校都是大班授课,致使很多人没有真正学到东西。在当下随着社会的竞争越来越激烈,市场在这一方面所要要的人才供大于求,正是要求各高校对环境艺术类学科准确定位发展的关键。 2、必要性 就本身高校教育来说,各高校都没有准确定位环境艺术类学科的发展前景以及市场需求,随着社会的不断发展,人们生活水平的提高,大多数人越来越重视精神文化的需求。而对环境艺术类学科定位的不准确,使得大量人才容易走到学习的误区,有悖于市场的发展。造成环境科学类人才培养的缺失,最主要的原因就是对学科本质认识的不彻底。高校因顺应时展的潮流,培养精英化人才。教育发展定位应适应社会发展,顺从大众教育方向。在充分领悟中国传统文化的同时应加以创新,从空间、色彩、生活等方面在进行创造。由于环境艺术类学科范围涉及较广,导致许多院校对其的概念认识定位不准确。随着科学进步的不断发展,环境艺术类学科的理论知识的不断增加和扩充,逐渐融合到新兴的景观设计,空间规划设计,城市设计等。在这不断发展的过程中,逐渐被人们接受。人们审美水平的提高,环境艺术类学科却是能改变生活环境,提升生活质量的最根本方式。 三、环境艺术设计的多学科交叉特性的内涵 信息全球化时代,人们研究对象的方法趋于多元化。单从字面上来说,“环境艺术设计”环境是前提条件,而“环境”一词又颇为广泛,环境分为自然环境和人工环境,自然环境是指自然生长而成的宽泛环境,人为环境是指某些空间设计,经过人为的后期设计而形成的环境。一些宽泛的词也可以统指环境,比如生态,物质,文化等等。环境艺术设计是一门立足于艺术设计的学科,是一门集艺术、科学、文化的综合性发展学科。所谓多学科交叉可以用新的研究方法,用新的眼光去研究问题,从而得到新的发现,使交叉学科得以蓬勃发展,是各个学科的文化知识得以融会贯通。“环境艺术设计”融合了多种学科,是环境艺术和环境设计的总称,包含了美学、建筑学,物理学,人体工程学,园林学,工艺美术学等多学科的研究,各学科相互交叉构成了内容丰富的黄精艺术设计。多学科交叉的发展是教育发展的必然趋势,学科之间的相互交叉创新出新内容,针对环境艺术设计发展的特性,还需要经过更多的实践发展来寻求方案。对学科的交叉性研究,转换新的思想,实践探索出一条跨学科的新的理论体系,以满足社会多方面,多层次的社会需求。这对高校提高人才素质和质量的培养,是一个重要的突破。也对各个学科之间相互联系,资源相互整合,具有重要的现实意义。 四、环境艺术设计的多学科交叉特性的未来发展趋势 环境艺术设计在我国一直立足于实践的发展,随着科技的进步,人们对环境艺术设计也有了理解,从以前的为设计而设计的发展趋势已经演变成美化、舒适的人们所要求的环境设计。环境艺术设计已经成为以“人”为主体的研究方向,人已经变成环境的协调者。随着时间的推移,人们对环境艺术设计的认识加强,使环境艺术设计知识更加融合,理论知识更加趋于系统化。顺应国情的发展,发展可持续世界发展观,我们应积极引导人们走向可持续发展生活方式的设计,建立可持续发展的人为环境是对当今社会发展实践具有重要意义。 五、结语 综上所述,在经济一体化的时代,对于环境艺术类学科的定位,应立足于艺术领域发展。将“可持续发展生态环境”作为新课题进行研究,环境艺术设计的“技术”和“艺术”的结合必然是发展的趋势。对学科交叉特性的研究,应转换新的思想,整合优化资源,对教育体制进行新改革,满足市场的需求。 作者:谷晓龙 单位:石家庄职业技术学院艺术设计系 艺术设计类论文:高职院校艺术设计论文 一、高职院校艺术设计专业基础教学的改革措施 1.努力实现人才培养模式的多样化 高职院校艺术设计教育应与当前社会文化、经济、技术、市场营销等方面紧密衔接,保证培养出来的人才能满足社会的需要,保质保量地完成高职院校的人才培养目标。虽然高职生生源质量较差、基础知识薄弱是长期存在的现象,很难立即解决,但是高职院校也应对此引起重视,根据市场发展形势制订有针对性、有个性的人才培养计划,设计不同类型、不同层次的艺术设计教学方案,以满足不同层次学生的学习需求。而学生应根据社会需求,结合自身的发展条件,确定专业层次与类型,进行人才培养模式改革,努力培养有特色、高质量、可满足社会需求的艺术设计人才,提高学校的特色与声誉。 2.明确基础课程的教学目标 高职院校艺术设计专业应根据本校专业设置,明确艺术专业基础课的教学目标,按照既定目标进行教学,保证基础教学的合理性与有效性。首先,艺术设计专业基础课程应以培养学生的感知能力、绘画能力、创新能力为主要教学目标;其次,教学需重视培养学生的自主探究能力、独立判断能力、观察能力以及合作交流能力,提高学生的综合素质;最后,教师应鼓励学生打破常规,进行天马行空的想象与联想,激发学生学习艺术设计的热情,培养学生的创新思维与创新能力。 3.构建科学的基础课教学体系 在艺术设计基础课教学体系设计中,很多高职院校仍沿用传统的三段式模式,这种教学模式适应性和实用性较差。因此,教师应根据艺术设计专业的特点和教学方向,构建科学的基础课教学体系,对基础课程进行分类,形成相互渗透、相互交错、横向排列的基础课程群,突出实践教学,强化对学生动手能力与应用能力的培养,以构成完整、合理、相互衔接的课程体系结构,构建新型的教学体系,使高职院校艺术设计专业的教学内容、教学方法与教学手段发生了实质性改变,使学生成为既有一定理论素养,又能进行具体设计、管理、施工的实用型、技术型人才。 二、结语 综上所述,高职院校必须注意与专业院校间的差异,制定出符合高职院校良性发展的人才培养目标,不断优化改革措施,切实保证高职艺术设计专业为社会培养出高素质、高技能的艺术设计人才。 作者:刘洪哲 单位:辽宁机电职业技术学院 艺术设计类论文:高等教育艺术设计论文 一以英国为主的艺术设计高等教育 由于人才培养目标决定了培养模式和教学方法,因此英国艺术设计专业的培养目标主要体现为:第一,以学生个性为本位,激发学生的内部动因,注重学生个人的可持续发展培养,同时要求学生具备适应社会的道德素养。第二,注重学生综合能力的训练,即形象思维能力,形态简化和抽取能力,发散思维和逆向思考能力,以及绘画功底、设计软件技术、模型制作和动手操作能力,文字语言的阐述和表达能力等。第三,在专业素质方面,强调学生基本素质的养成和设计专业素养的培养。为了实现以上的教学目标,英国艺术设计专业主要采用以下的教学模式和方法: (1)采用分阶段大班小班小组单元式模块教学模式。其教学方法,以学生为主体,采用多种教学手段即讲授式、启发式、案例分析式以及小组讨论式等。强调对学生创新能力、思维能力、动手能力的启发和培养。 (2)采用项目式教学模式。其优秀是让学生体验项目的整个设计流程,感受抽象的设计概念变为现实的过程,突出培养学生将设计概念实物化的能力。 (3)采用跨界培养教学模式。美国的教育专家认为学生不应该过早精通某一门学科,而涉猎多学科的“通才”将来会有更广阔的择业空间[5]。因此,英国高校在教学中,非常注重多专业、多学科的交叉。鼓励艺术设计专业的学生,按照个人喜好和自身发展的需要自由选择跨专业和跨学科的选修课程,学到交叉学科、多种学术领域的专业知识。跨界培养教学模式,有利于设计人才的个性化培养,更有利于多专业、多学科复合型创新设计人才的培养。 (三)考核评价体系英国的艺术设计高等教育是以德育为教学基调,以学生和老师严格遵守学术道德为评判界限,已建立完善的评判体系和科学有效的评判标准。具体来说,英国利兹大学艺术设计学院的课程成绩以百分制计算,由3部分组成:一是平时成绩占30%~40%,以考核学生出勤率为主;二是最终作品及答辩成绩占20%;三是完成设计作品过程及工作量的成绩占50%~60%。这种考核评价标准强调的是过程比结果更重要。重视过程考核的优势体现在:学生通过设计准备、灵感构思、调查、筛选、表现、制作、再修改、再构思的反复过程,首先激发了学生的原创动力,避免了抄袭剽窃他人或者现有设计作品的学术不端情况的出现;其次,学生在设计过程中需要运用各种调查方法,研究手段,翻阅大量的资料书刊,对学生树立严谨的学术态度以及设计管理能力提供了有效支持;再次,过程考核提高了学生观察、发现、解决设计过程中对不断涌现的问题的设计执行能力,为学生的设计创新奠定了基础。 二对我国艺术设计教育的反思 (一)人才培养与教学目标的不符 在教育全球化的世界环境背景下,我国的艺术设计高等教育的人才培养目标、课程建设、教学模式和方法,均围绕着以学生就业为导向。我国艺术设计专业的人才培养目标是面向艺术设计行业,根据行业相关岗位需求而设置,具有良好的职业道德和创新意识,掌握相应的专业理论知识,具有较强的适用社会岗位的动手技能,能进行创意、设计、制作多层次的高素质、高技能专门人才。但是我国正处于经济转型和产业更迭的历史背景下,我国的艺术设计高等教育一直落后于同时期设计行业的领域扩展和技术革新速度,与企事业的人才需求错位,不符合社会与时俱进的创新要求,出现了人才培养与教学目标不符的现状。 (二)教学模式单一且课程设置不科学 我国的艺术设计教育从创始之日迄今,在迷茫中摸索了三十载却仍然照搬西方的教育模式,既没有形成适应我国国情的教育体系,也没有确立明确的教学目标,一面铺天盖地空喊高歌产学研和素质教育、职业教育,一面跟随西方世界的教育强国将高等教育迅速产业化,主次颠倒地将经济价值列为高等教育的首要目标,单纯地追求升学率和就业率,过度细分设计学科内专业,设置局限的专业课程框死了学科发展的可能性,忽视设计学科各专业之间的知识和技术的交叉性和综合性。除课程设置的不科学与现实社会的行业发展和就业需要脱节外,我国至今没有建立起完善合理的考核评价体系和评价标准。由此导致学生甚至教师的抄袭、剽窃、作弊等学术道德败坏的行为屡禁不止,甚至已经形成设计专业默许的潜规则。 (三)长期忽视师资建设 扩招犹如一夜之间拔苗助长,各艺术设计高校为解决迫在眉睫的师资匮乏问题,不惜“乱投医、广纳员”,以至于相当一部分毫无设计专业背景的教师从绘画、工艺美术、工程、机械、材料等专业改行成为艺术设计的专业教师。如此以来,艺术设计高等教育就逐渐演变成就了由各学科散沙课拼凑出的缺乏课程特色,与设计行业脱节的泛滥专业。综上所述,要把我国高等艺术设计专业建成世界一流的专业,就有必要借鉴西方国家先进的办学理念及经验。 作者:闫胜男 单位:成都理工大学应用核技术与自动化工程学院 艺术设计类论文:民办高校艺术设计论文 一、民办高校艺术设计专业转型发展的障碍因素 民办院校艺术设计人才在转型前基本是依托校内资源来培养,换句话说就是将学生圈养在学校进行教育,既让学生脱离生活在艺术,也让学生的艺术失去现实感。艺术设计人才培养渠道狭窄,没有完善的实习实训基地,也没有丰富的校外合作资源。艺术设计专业的学生生涯基本都是在学校度过,而艺术设计专业是一门创造性、实践性很强的专业,转型前的民办高校在实践教学课程方面还无法满足课程设置的需要,学生的艺术设计与社会需求脱节,学生难以有效掌握设计流程,没有紧跟市场需求艺术素养。 二、民办高校艺术设计教育有效应对转型发展的策略 1、重新定位艺术设计人才培养目标 进入数字化时代之后,艺术设计领域不但产生全新的设计理念与设计思维,也必然出现与其他学科的交融,如何使得艺术设计教育与时代特征相吻合,加强与其他学科的融合性,增强艺术设计专业学生的就业能力,就必须满足市场需求。民办高校未来发展定位就是为什么培养高素质的技能型人才,因此,艺术设计专业的学生培养定位也是应用技术型的艺术设计人才,培养过程中强调提升技能。随着社会的演变,艺术设计人才不再是纯艺术设计,还要懂得运用各类技术。 2、拓宽艺术设计人才培养途径与渠道 民办高校难以克服的发展资金受限问题,难以满足艺术设计专业的科研投入、基础设施建设,民办高校艺术设计专业可以通过与校外资源协同培养艺术设计人才,拓宽培养人才的途径与渠道。校外协同可以体现在校-校合作,与实训设施和条件比较好的公办院校,实现资源共享机制,比如说与艺术类高等院校合作;也可以校-企合作,与艺术设计类公司或艺术设计中心合作,实现利益共享机制;鼓励艺术设计师生积极参与各类艺术设计博览会或者艺术设计大赛,突出艺术设计人才培养的实践性。建设好校外合作平台,建设友好合作的长效机制,通过合作平台,将学生的创意挖掘,通过校外实习实训基地展示。 3、创新人才培养方式与教学方法 传统的艺术设计理念已经被新技术所突破,新兴技术的发展迎来了各类教学手段和方法的创新,艺术设计的培养目标应该是注重培养学生的创意能力,但是传统的培养在注重技术的时候忽视了对于创意的开发。增加学生社会实践与社会认知的机会,让学生了解真正的而艺术,强调能力培养的实践实训,设计实验性教学活动,通过案例教学法、小组讨论法、团队设计作品、任务教学法、项目教学法、情景模拟法等,激发学生的学习兴趣,使得学生的设计贴近生活,在“干中学”,在实践中掌握设计流程与技巧。 4、重视艺术设计教师队伍建设 艺术设计教育转型发展的关键在于教师,教师是转型发展的员工里,民办高校的艺术设计教师应该注重自身角色定位,改变陈旧的知识结构,不断汲取新知识,改变科研态度。注重艺术教师队伍建设,应该组建课程开发团队、课程设计团队、课程讲授团队,加大艺术设计教师团队中行业人士的比例,加大艺术设计教师的专业性,注重提升教学技能与水平,拓展新思维,寻找发展的新路径,最终艺术教育团队既懂得理论,也懂得实践操作,熟悉艺术设计专业生产工艺、生产流程和实用技术,懂生产、懂工艺、能够实操的专业教师,这才能顺利向应用技术型院校转型。总之,随着社会经济的发展,艺术数字与技术化特征日益明显,新兴产业如动漫、游戏、漫画等就飞速发展,这必将对于高级艺术设计人才需求旺盛,为适应新的发展契机,民办院校艺术设计教育向应用技术方向转型,培养高素质有创意的艺术设计人才已经很迫切,民办高校必须有针对性地采取有效策略,为满足社会对于人才需求,从而培养更多优秀的人才。 作者:曹保荣 单位:西安培华学院 艺术设计类论文:图形艺术设计心理学论文 一.设计心理学与图形艺术之间的关系 计心理学的应用范畴图形艺术的形成吸引了各行各业专家的注意,由于不同专业的人共同参与进来,以设计心理学为基础的图形艺术,被应用到各行各业中,为社会和民众广泛服务,成为设计心理学应用的重要结果。 二.基于设计心理学的图形艺术作用 图形艺术具有选择性、整体性、可识别性、和恒常性等规律,在信息交流、引导行为、解释议题、宣传文化等多方面都具有特别的优势及特定的作用。 1.图形艺术建立了世界性的 图形艺术语言体系图形作为一种直观的视觉语言,能够跨越民族、语言、文字等的障碍进行信息的传递。它创造了无需语言的沟通,与无国界障碍的交流。即使是较为复杂的议题也可以通过图形读懂。目前,各个国家将一些极为重要的图形标志进行了统一,已经部分实现了世界性图形语言的通用。如交通标志、医疗标志、环保标志、绿色标志、安全食品标志、安全卫生标志、禁止标志等。 2.促进图形艺术的理性发展 图形艺术的创作,运用的是形象思维、具象思维,将具象或抽象的概念转化为图形进行阐释说明。因此设计心理学的介入可以更好的与感性思维方式相结合,有利的引导和扶正图形艺术的理性发展。 3.提高图形艺术的实用价值 图形艺术信息的传播建立在设计师与受众之间。设计师与受众之间存在一定的差异性,这种相对差异性导致了图形艺术设计和接受的双重差异性。而介入设计心理学的图形艺术,可以最大化的降低这种差异性。从使用或需要的角度出发,使双发对图形的理解趋于相对一致,从而图形艺术的实用性得以加强。 4.增强受众的理解能力和鉴赏能力 由于部分议题或较为复杂的内容需要专业知识基础才能够理解,因此受众在接受这类信息时会存在一定障碍。但基于设计心理学的图形艺术如果在这些领域进行表达,就可以更好的增强受众的理解能力和鉴赏能力。例如计算机软件中,对于界面、工具、命令、各种面板等的图形化设计就非常有效的提高了受众的理解能力。在多层次作品和图形艺术之间,受众有能力选择更为有效、更高品质的图形艺术。综上,人类生活质量的提高,人们对使用舒适度的关注逐步提升到对视觉舒适度及心理舒适度的关注。图形艺术的功能被更大程度的发掘出来,将以其独特的优势更加广泛的被人们所应用。 作者:徐明霞 艺术设计类论文:家具陈设设计环境艺术设计论文 一、教学方法创新手段 设计教育不能局限于知识的认知过程,而是要在课程体系中全面培养学生对设计定位的敏锐感知力、设计分析的洞察力和设计解决的创造力。教育不但要教会学生认识“What”,更要教会学生认识到“How”和“Why”,积极寻求思维转化途径、提升综合思维能力。 二、教学方法创新目标 1.关注材料与工艺的选择与运用 材料是家具陈设设计的物质基础,而工艺是家具陈设设计的方法基础,制作模型的过程需要学生实践家具的成型工艺以及形态、材质、空间对于家具设计的影响。许多学生在制作过程中体会到了不同材料的性能和构造方法,从而不断总结经验,结合家具的结构特性,在设计过程中避免了出现违背材料特性的结构形式;学习掌握常用家具施工机具的使用方法和注意事项,理解家具构造中各层结构的连接、嵌缝、饰面的工艺,了解家具施工构造,即“结构+基层+面层”的设计原则和内容。 2.关注家具尺度之于人体工程学和经济考量的运用 家具陈设设计不是单纯的“机械设计”,而是以人为本的“生命设计”,仅仅依靠书本上关于人体工程学的尺度数据,学生无法直观、有效地以科学的观点做设计。因此,在家具实践制作过程中,应当引导学生了解常用材料的规格,并学会计算和下料;同时,利用等大实物模型可以随时切身感受家具的尺寸和使用功能,并按需调整其尺寸使之舒适、耐用。 3.关注团队合作及沟通能力的培养 良好的团队协作精神及沟通能力是设计师的基本技能,在课程中引入团队学习的方法可以让学生提前演练自我发展能力和专业表达能力。团队成员之间在方案选择与优化、材料选择与购买、工艺操作与选择上都会有不同层次的沟通与交流,学生走上工作岗位后也会实时与同事、业主、工人、供应商等沟通交流,通过教学上的实战可以提高学生的协作能力和沟通技巧。在教学过程中,教师要重视塑造学生积极的动手能力、分析能力和创造能力,使其养成良好的学习习惯和严谨的工作作风,不仅仅要学会课本知识,更要学会做人和做事。 4.关注创新能力和设计素养的养成 家具陈设设计的教学目标是在保证学生的基础知识完备的同时,努力保护学生的创造性,激发学生的学习热情和创作动力,教师要积极扶持学生设计思维的多元化,补充教科书中没有的背景知识和专业发展的最新动态,在教学过程中让学生了解当今设计行业的概况和发展趋势,使在校学生以从业者的姿态而不是以旁观者的姿态进入这个行业;教学中,通过给学生列出系统的课后阅读书目,以阅读和分析案例培养学生的能力、启发学生的思维。在探索环境艺术设计专业家具陈设设计课程教学方法的过程中,需要注重专业基础教育的知识结构与学生综合素质、职业技能和创新能力的结合;针对教学方法进行相应的系统整合,强化教学内容与手段的贯通机制;扩宽学生的知识面和就业面,为学生学业成功、就业成功、事业成功打下坚实的基础。 单位:武昌理工学院艺术设计学院 艺术设计类论文:创新实践教学艺术设计论文 一、艺术设计实践教学的创新思路 1.实施创新设计案例课堂讨论实践教学 作为教师,在结束艺术设计专业课基础理论部分的讲授后,可以为学生布置相关的社会调查任务,要求学生在规定的时间内完成,并上交调查报告。在结束社会调查后,教师可以让学生在课堂上逐一对自己的调查报告进行介绍,由其他学生发表意见、提出看法、展开讨论,最后由教师对理论、实践等环节进行总结与点评。显然,这样的教学过程不但能够有效促进理论知识与实践活动的有机结合,还能够从根本上增强课堂教学的互动性。 2.教学课程“特色化” 对于课程的安排,教师应对一些传统课程进行优化与整合。如图案课程与平面构成课程,这两者在内容与形式上都存在很多共同之处,可以将其整合为一门课,既避免了重复,也可以取长补短,同时还能缩短教学学时。另外,教师应该学习国内外先进的教学观念与方法,结合学校的实际情况开发出一些既具有时代精神也符合艺术设计发展规律的校本课程。 3.增强学生的协作能力,培养学生人际交往能力 首先,作为21世纪的设计人才,必须具备强烈的团队意识、独特的艺术个性以及严明的纪律观念。只有在拥有突出业务能力的前提下培养自身的团队意识、协作能力以及自觉接受现代社会相应法律法规的约束,才能真正符合现代社会对于艺术设计人才的要求。其次,只有建立广泛、和谐的人际关系,具备灵敏的市场嗅觉,自身的才能才会得到充分的体现。因此,在艺术设计的实践教学中,教师不但要教会学生怎样读懂市场、接近市场、把握市场,还应该引导学生对市场学、管理学、营销学等进行了解与学习,以此教会学生如何正确处理社会人际关系,如何在错综复杂的人际交往与市场竞争中变劣势为优势、变被动为主动。 二、结语 要想让高校艺术设计专业学生的实践能力得到提升,需要结合当前教学观念、专业建设、课程安排等对教学理念进行优化。同时,应主动吸取国内外先进的教学成果,结合学校的实际情况进行不断创新,从而实现艺术设计专业的长足发展。 单位:新疆大学纺织与服装学院 艺术设计类论文:色彩教学艺术设计论文 一、艺术设计专业中色彩教学新模式的探索与实践 1.采用主题性设计教学模式 主题性设计教学就是以学生为本,采用启发式教学,教师在讲述基本色彩理论之后给学生设计一个课题,提出问题,让学生开动脑筋进行分析思考,教师只关注学生的思路变化,及时为他们提供素材,启发引导他们朝着正确的方向思考,师生互动学习研究,合作完成作业,不断提高学生的色彩理论水平和技法技巧,不断拓展学生的色彩视野和创作思维。这种主题性设计教学,引入色彩设计观念,以色彩研究为手段,强化了色彩创新能力的培养。这种主题性设计教学,设计主题可以多元化,扩大色彩研究学习范围,使学生学习兴趣具有广泛性,学生专业知识具有全面性,夯实探索色彩表现力、创造性运用色彩的基础。 2.运用电脑多媒体现代教学手段 艺术设计专业学生,一般都学习了素描与色彩写生课程,基本掌握了色彩的调配、组合、表现、造型知识。色彩教学就是要使学生系统认识色彩理论、掌握色彩形式法则,运用色彩对比、调和、统一关系使画面色彩优化组合。在色彩教学中运用电脑多媒体现代教学手段,引入“电脑辅助设计”思想,把传统手绘与现代计算机技术结合起来,让学生认识电脑在艺术设计中辅助作用,也为专业课学习打下坚实基础。传统手绘与电脑辅助手段各有优劣,不可能以一种替代另一种,要结合使用,优势互补,但电脑辅助设计的优势是强大无比的,恰当运用电脑辅助手段,可以培养学生的色彩审美能力和创新能力,能实现教学模式由以教为主向以研究为主方向转化,取得最佳的教学效果。 3.改革色彩课程教学体系 建立一个适合艺术设计专业的色彩教学体系,提高色彩教学在课程中所占比例,强化色彩基础训练,提高学生的色彩表现能力及创造能力。在色彩课程教学体系中要提高色彩调和练习和色彩对比练习的实践课时比例,锻炼学生的色彩创造能力。普通高校和高职院校的艺术设计专业在色彩课程设置中要各有侧重,要区别对待、显示特色。要适当调整色彩课程内容,不断探索出一个科学有效的色彩课程教学体系。高职院校的色彩教学不能与高职院校完全匹配,要以培养学生色彩调和能力、色彩表现能力和色彩创造能力为侧重点。如高职院校的室内设计主要侧重于空间色彩认知和色彩搭配,所以要多安排“色彩调和”内容,使学生受到严谨的色彩构建训练、理解色彩调配的重要作用,提高学生的专业技能水平。 4.改变色彩课程授课方式 高校艺术专业的色彩课程是一门基础课程,所以在教学中要改革传统的色彩教学方法,要注重培养学生良好的观察方法,教师要求学生口述物体色相,以及物体之间的色相区别,写生时要严格尊重事实,不能改变物体色相。在中后期写生过程中,要注意培养学生把握整体画面的能力,要求学生适当提炼物体的色彩偏向,适当添加主观意向,既要画得“像”,又要把握画面氛围,注重画面效果。在讲解动漫游戏专业学生作业时,要注意结合动画或影视场景,让学生知道专业对色彩应用能力的需求,知道色彩课程对后续课程的重要性,激发学生的学习兴趣,引导学生向专业课程方向发展。高校在大学一年级开设《色彩》课程,加强与专业课程的结合,力求提高学生色彩能力。教师在具体教学中要加大由基础课向专业课的引导力度,加强学生主观色彩表现和色彩应用训练,使色彩教学与艺术设计专业的后续课程紧密结合,增强学生独立的色彩设计能力。 二、结论 艺术设计专业的色彩教学必须要改革传统的教学方法,不断创新色彩教学模式,有意识、有目标、多方位、多角度训练学生,使学生能自由驾驭色彩,最大限度地发挥和展现主观色彩表现与创造性思维,把一个个学生培养成与时俱进的优秀艺术设计创作者。 作者:贺林 单位:桂林理工大学 艺术设计类论文:设计课程教学艺术设计论文 一、改革课程设置,更新教学内容,突出创新能力的培养 由于艺术设计教育长期以来受传统教育模式的影响,表现在课程设置上注重基本功的训练,而忽视创造性的培养。艺术类院校的绘画基础课程、课时较多,这导致学生的美术基础与写实能力远远超出国外艺术设计院校学生,但是设计的创意和效果却远远落后。艺术设计课程方向的设计应强调思维方法的训练。引导学生创造性的由表及内、由此及彼的认识问题、提出问题、解决问题。由此,我们迫切需要拓展对专业与知识的认识,努力拆除“专业”之间的界限,打破小专业课程间的壁垒,强调学科交叉、知识交叉。在“淡化专业,突出课程”的原则下,开设综合设计课程,把多个设计领域的知识结合起来,以设计为中心,学生围绕教师精心设计的课题进行探讨研究,以若干基础课程围绕一个设计课题构成课程循环,有机地编排相应的支撑知识,强化综合的创造性训练的内容。以课题带动课程,这种系列化设计课题面向设计的程序及方法论,强调相关交叉学科之间的交流,以及交叉学科教学与专业教学目的相统一,从思维方式上、工艺方法上解决了多门课程教学要求。这充分有利于学生创新能力的培养。另外,要重视通过隐性课程来培养学生的创新能力。设计课程可分为显性课程和隐性课程两大类,所谓显性课程,如造型、色彩、图形等课程教学,它们是能够纳入教学课表进行教学的课程。而隐性课程,如思维方法、设计师的气质和创造意识等,它们是长期专业教育和艺术熏陶的结果,这对学生创新能力的培养有着潜移默化的促进作用。 二、改革教学方法,发挥学生的主动性 包豪斯的瑞士画家和设计教学家伊顿曾说过:“首先应解放和加强学生的想象力和创造性思维,注重技术的自由发挥”。同时,伊顿认为“提高和促进学生的表现能力”是“教师最艰难的工作”。教学方法是完成教学任务的工作方法。它包括任课教师授课的方法和学生学习的方法。教师教的是一种思维方式、创新意识与观念,而非具体过程与结果。无论是基础教学还是专业教学,都应形成以培养学生的创造性思维为主线的教学活动。因此,在艺术设计教学中尤其要采用启发式、引导式的方法来实施教学。要提倡“互动性”交流法教学,从根本上改变师生之间、学生与学生之间教与学的关系,在课程中打破讲台的局限,提倡师生对话式授课。运用提问式、启发式、反问式教学,着重启发和诱导,通过“质疑”引起兴趣,由问题导入设计,采用“头脑风暴法”、“典型案例分析法”等课堂教学形式,鼓励探索学习,从不同设计方向和不同定位的角度,快速进行大量的创意练习。师生之间,学生个体之间,群体之间进行多向交流,相互评定,相互启发,这种交流式学习,使创新意识与创造能力的培养自然地渗透于教学过程中,激活学生全方位的创造性思维。学生在教学过程中要占有主体性地位,教师应视学生为教学主体,最大限度地发掘每一个学生的潜质和潜能。教师的作用重在引导,培养学生主动学习和思考的态度,提高学生的创新意识和创造能力。 三、改革教学组织形式和管理方式 实行学分制,给学生自主权,选择自己要学的课程,使学生能自主组合专业知识构架,按学分制选课规划进入课程学习,这是一种新的学习革命,学生在自我选择中可以看到自己前进的方向。除了必修课、选修课之外还可以通过专家讲学、素质教育多种形式将课堂教学延伸,为培养创新人才奠定基础。另外,在条件许可下,建立多学科工作室,不同专业、风格的工作室,由学生根据自身条件、爱好选择,参与实践训练,在不断的训练当中培养他们的创新能力,给学生一个宽松自由环境,激发他们各种发展的可能性。 作者:吴昀辰 单位:苏州工艺美术职业技术学院 艺术设计类论文:地区经济与环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的特征 1.自然性与人文性的统一环境艺术首先是对自然环境中元素加以合理利用,因而环境艺术依赖于自然环境,但是环境艺术不是对自然环境的简单利用,在设计过程中还呈现出对人的爱护与关心人的人文精神。因此环境艺术设计必须做到自然性与人文性的统一才达到追求美好生活的目的。 2.正面性与无害性的统一环境艺术设计要遏制肮脏、丑陋与低俗同时体现出精神上的美好与纯洁,并在此基础上使自然环境与人文环境建立和谐关系。因此,环境艺术设计是一种理性规划上的审美创造,因此,环境艺术系统必须做到整体上的美学设计,从而使全系统体现出正面性与无害性的统一。 3.实用性与审美性的统一由于环境艺术设计脱胎于建筑设计范畴的室内设计,因此实用性是其最明显的特征之一,环境艺术设计必须要考虑人们的生活需求,方便人们的物质生活应该是其根本目的之一。任何对这一本质的舍弃都会失去设计的本意。在满足实用性的条件下环境艺术设计还必须满足人的审美体验。给人创造一个身心健康与愉悦的生活环境,因此环境艺术设计必须做到实用性与审美性的统一。 4.多样性与整体性的统一由于环境艺术涉及的人类生活的各个角落,设计中涉及到的感性质料和个体存在多样性和差异性。但是通过设计必须将这些感性质料和个体通过有机的联系创造出统一的整体意境。 二、地区经济是环境艺术设计发展的基础和源泉 (一)环境艺术设计产生于人类的经济活动 环境艺术设计是一种创造性的活动,它最早出现在石器文化时期,并伴随着人类物质生产活动而产生。其本质是人类进行的原始造物活动,是人类为实现实用价值而进行的物化劳动形态。当在实用价值的基础上渗入一定的审美功能和价值时,这种创造便具有了审美属性和精神价值,原始的环境艺术设计便由此产生。人类的文明史是伴随着从制造工具开始的社会经济活动开始的,环境艺术设计也从这里发源。当我们的祖先把石头制成一件件实用工具时,最早的设计活动就开始了,首先工具的创造必须满足实用性,用起来要方便、省力,以引起主体的快感。同时还要看起来美观大方。因此其制作就需要有一定的设计思想和能力。从某种意义上说创造这种功能和形式相结合的石制工具的原始猎人就是人类第一批设计师。这些与人的生活紧密相联的工具和器物就是最早的环境艺术设计作品。由此可见,环境艺术设计伴随着人类的经济活动而产生,并随着人类文明的发展而发展,虽然现代环境艺术设计的科学性与技术性越来越高,并且由自发转变为自觉地、有目的的创造活动,但作为协调生产和消费之间的手段的经济特征并没有根本改变。 (二)环境艺术设计元素与灵感源于地区经济发展 长期来看,环境艺术设计要想取得进步,离不开这一地区的社会经济发展对于环境艺术提出的新要求以及提供的广阔创作源泉。由于环境艺术设计的设计要求、设计材料、设计方法和表现手段都受制于当地的经济发展水平,因此,环境艺术设计的发展方向和表现元素都是与当地的经济发展水平保持一致的。首先,地区社会经济的发展是环境艺术设计发展的最终推动力。地区经济的发展推动了社会生活水平的不断提高,在这一背景下,人们对工作、生活环境设计的要求逐步由实用性为主、审美性为辅,逐步转变为实用性与审美性并重,并且经济愈发达的地区,人们对环境设计的审美要求越高。这种新要求成为环境艺术设计发展的重要原动力。其次,经济的发展和科技水平的提高在提高经济收入的同时,还不断创造出新材料和新产品,这就为环境艺术设计在原料选择和设计思想上的多元化不断提供了新的可能。再次,由于经济的发展,现代社会从物质层面的多样化到精神层面的多元化都为环境艺术设计的发展源源不断地提供了设计新思路和新灵感。在社会经济高度发达的今天,环境艺术设计不再是客观世界的简单复制,它被多元化的设计选择赋予了强大的艺术生命力和创造力,将我们生活环境中的很多细节,化作了精妙的艺术作品。最后,环境艺术设计的发展和高新科技手段的融合可以丰富设计作品表现力。环境艺术设计的发展依赖于社会科技经济发展提供的高科技手段,社会经济发展支撑下的高新科技手段不断发展成熟,可以为环境艺术设计提供丰富多样的表现手段和表现形式,并促进环境艺术设计理念、方式、目的、途径的不断革新。尤其是随着经济的发展,许多地区已经步入了网络时代,先进的网络信息技术为环境艺术设计创造了更好的表现条件,为环境艺术设计的发展注入了新的动力。 (三)经济因素贯穿于环境艺术设计活动的全过程 人类对物质和精神生活的追求促进了社会的进步和经济的发展,而社会经济的不断发展也必然导致人类对物质和精神生活的新追求。环境艺术设计区别于其他艺术活动的首要特征是它的经济属性。它以艺术与技术为双重基础进行创新设计,来创造着以艺术为表现形式的现代社会的物质文明。而经济因素贯穿于环境艺术设计活动从设计到实现设计的全过程。在产生阶段环境艺术设计师需要把握与设计对象相关的各种因素,然后通过设计思维创造形成设计方案。其中对设计对象的经济价值、市场需求以及设计方案的经济内容等方面都要进行分析,而这些方面无一不体现着经济因素。并且经济因素是影响设计观念的重要方面。实施阶段指的是将设计方案由图纸转变为实体的过程,由于这一过程需要建筑、装饰、机械等多方面的参与,其中的每一步都要受到经济因素的制约。因此也使得环境艺术设计与其他艺术相比更具有明显的经济特征。现代设计是“艺术与技术的统一”。这也是环境艺术设计与其他艺术的主要区别,而在经济高度发展与信息化的今天,我们更应该遵循设计与经济的结合的原则,把握好贯穿于环境艺术设计活动全过程的经济属性。 三、环境艺术设计对于地区经济发展的促进作用 (一)环境艺术设计反作用于经济发展 “科学技术是第一生产力”,一个地区的高新科技的发展是促进这一地区社会生产力和社会发展的重要推动力。在人类的文明史上科技和艺术从没有被割裂开而单独发展的历程,科学技术总是以丰富的形式与艺术相互融合为人类社会经济的发展作出贡献。当然现代环境艺术设计也不例外,环境艺术设计发展的原动力是人们对审美追求的本能。而这种本能,正成为促进社会经济发展的内在动力。同时,环境艺术设计的进步离不开高新技术的不断发展,在其为环境艺术设计提供了多元化的设计思想和设计手段的同时,环境艺术设计也通过其促进人们对社会物质生活的不断需求,从而推动当地的经济发展。从社会生产力的发展过程来看,环境艺术设计通过设计理念与风格的现代化,不断创造出符合社会经济发展和人们的审美需求的优秀产品。而这些产品反过来又会进一步激发人们的审美追求与创作需求,并对环境艺术设计在设计思想、材质和建筑加工技术上提出了更高的要求,这种要求就需要社会经济的发展和科学技术的进步来进行支撑。在这个层面上讲,环境艺术设计可以不断地推动社会经济的发展。 (二)环境艺术设计的发展是社会经济腾飞的翅膀 现代环境艺术设计作为艺术与科技融合的产物同样也是一种生产力,在推动地区社会经济的发展方面起着重要的作用。满足人的使用与审美的双重需求,不仅是环境艺术设计发展的目的,也是其发展的主要动力。人类在生存与发展过程中会产生各种需求。环境艺术设计的发展是以满足、引导和创造需求为目标的。环境艺术设计的手段是对物改造,但是其目的是人。环境艺术设计除了给人带来物质与精神上的愉悦与享受以外,还改变着人们的生活方式。因此,从社会发展的角度来说环境艺术设计是把未来生活和观念的现实化和实物化,其中孕育的是人们对于将来美好生活的审美表达,是人们对所进行经济建设活动作出的艺术化的设想和筹划。因此,强调创造性与个性的现代环境艺术设计不再是对客观世界的低层次改造,具有化腐朽为神奇的力量。所以环境艺术设计已经成为推动地区社会发展的内在动力和经济腾飞的翅膀。 四、结语 环境艺术设计是近期发展起来的一个艺术设计分支学科,由于其设计对象是人们生活和工作的室内外工作环境,设计理念的实现需要各种现代技术的支撑,因此环境艺术设计是艺术与技术的融合。环境艺术设计与地区经济发展是紧密联系、相辅相成的关系。一方面环境艺术设计产生于社会经济活动,需要地区的社会经济进步为其提供设计元素与灵感;另一方面环境艺术设计的发展能够对经济发展起到推进作用,是地区经济发展与腾飞的翅膀。理清和把握这一关系,无论对于环境艺术设计的进步还是当地经济的发展都具有重要的意义。 作者:张乐 单位:安徽工商职业学院 艺术设计类论文:教学改革环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的教学现状 1.教学过于注重理论知识 环境艺术专业具有很强的专业性与实践性,要求相应的知识与技术密切联系社会发展,要求大中专院校培养出理论与实践、技术与艺术相结合的复合型人才,同时具备很强的实践能力与创造力。但是目前我国的环境艺术专业的人才培养仍沿袭着传统落后的教学模式,过于注重理论知识的教授,忽略实践能力的培养。产生这种现象的原因是多种多样的,主要体现在师资与教学环境等方面。大中专院校的课程设置、教学内容与方法、技能的培养等教育教学体系落后,集中于理论知识的学习,忽略动手能力的培养,也无法提供大量的案例与实践教学。 2.学生学习主观能动性差 目前我国的环境艺术设计的教学往往采取传统的接受式的学习方法,忽略了对学生主体性的体现。传统的教学模式使学生处于被动的学习环境中,无法激发出学生的学习兴趣,也无法吸引学生对课本知识的注意力,更加无法对本专业的知识理论技术等方面进行深入探索,久而久之,学生就会对本专业失去主动学习的动力。而且大中专院校的学生的入校水平参差不齐,有的学生是经过美术联考考入本专业,具有一定的美术基础,有的学生是未经过美术联考而直接填报本专业,没有基本的美术功底。学校的教学并未考虑到学生之间的差距,按照以往的教学大纲进行授课,基础差的学生无法跟上进度,最终失去对本专业的兴趣。长此以往,大中专院校将无法培养出市场需要的环境艺术设计人才。 二、环境艺术设计的普适教学改革 1.课程改革适应市场需求 我国有着丰富的文化底蕴,如果能够将其与时代需求结合,产生新的设计理念,并运用到实际社会生活当中,必然会形成我国特有的艺术设计风格。我国的多民族文化体现出个性化与多元化,相应的艺术设计也应体现出多民族的特性。在国际化的背景下,我国的环境艺术设计的课程应符合时代的特性,体现出我国环境艺术独有的特性。我国有着广阔的土地,拥有丰富独特的民族环境风格,如丽江古城、苏州园林、皇家园林、平遥古城、湘西吊脚楼,掌握着多种多样的民间技艺,如陶瓷、印染、刺绣、雕刻。我国大中专院校的环境艺术设计的教育应结合本民族的特点,充分利用现有的资源,将这些元素加入到教学内容中,使其贴近实际生活,既能使学生从中获得创作灵感,又能发扬民族传统文化。 2.注重基础技能训练与创造性思维培养相结合 环境艺术设计专业应培养出具备扎实的专业知识与文化素养、良好的专业技能和创造性的思维的人才。该专业是技术与艺术相结合的学科,要求学生具备较高的动手能力,更要求学生在设计的作品中体现出创意与创新。对本专业的学生的培养应遵循以下两点,在低年级注重基础技能的训练,在高年级注重培养创造性思维。低年级的课程中应注重对学生的专业基础理论与知识及相关技能的培养,同时多让学生接触新知识、新思想、新技术,潜移默化地向学生灌输创新的思想。高年级的课程在提升学生的专业技能的基础上,鼓励学生参与到社会实践中,创作出具有新意的作品。由于创造力的培养是一个长期的过程,需要学生不断地积累,要求学生在低年级时尽早培养创新意识,使其在今后的学习与创作中能够逐步地、独立地设计出具创造力的作品。 3.采用多元化教学方法和手段,激发学生学习主动性 大多数环境艺术设计的课程是枯燥乏味的,大部分的教师在讲授相关知识时也仅仅是采用单一化的教学方法,这不仅不能够达到良好的教学效果,而且会使学生丧失对课程学习的兴趣。同时,教师在讲授课程时仅讲授课本中出现的理论与知识,不涉及其他相关的理论与知识,不注重对学生的知识与思维的扩展。因此为了能够激发学生的学习兴趣,提高学生学习主动性,应采取多元化的教学方法和手段,突出学习重点与难点,提高学习效率与效果,并发散学生思维。大中专院校教师可以利用现代教学设备与手段,如网络、多媒体、投影仪,展示课程有关的图片、影像、文字信息等,培养学生的独立思考能力,引导学生主动学习。教师还可以带领学生进行实地参观访问,将理论知识运用到实际社会中。教师在采取多元化的教学手段时,应考虑到环境艺术设计教育的特殊性,综合运用多学科知识,培养学生的艺术素养和设计能力,让其更好地掌握相关的技术与技能。 三、结语 我国的环境艺术设计专业的教育才刚刚起步,存在着很多的缺点与不足。相关的大中专院校也在积极探索一条适合本校的教学方法,适应时代的要求,符合市场的需求。针对环境艺术设计的普适教学改革,各学校也在积极探索中,只有大中专院校能够落实到实处,并进一步改善,一定能够培养出符合大众需求的环境艺术设计人才,为我国社会主义事业发展贡献出自己的一份力量。 作者:邹航英 单位:桂林理工大学艺术学院 艺术设计类论文:人才培养环境艺术设计论文 一、环境艺术设计教学人才培养的合理体系 1.设计基础课程部分 设计基础课程包括造型基础、构成基础、专业基础等课程。进入设计基础课程学习后,要使本专业学生从临摹型思维向创意型思维转变,从一名美术类学生过渡为设计类学生。 2.设计理论课程部分 设计理论课程包括设计原理、计算机二维三维设计、工程构造、材料等课程。针对本专业“一专多能”的市场型人才培养目标,掌握理论知识是非常必要的。这样不仅能在以后的设计课程中应用到,并且能与设计实践相结合,如景观设计方向开设的景观环境原理、景观工程、景观设计初步、景观构造与材料等课程。 3.专业设计课程部分 专业设计课程包括室内设计、景观设计、建筑设计、植物设计、家具设计等课程。以景观设计方向为例,开设景观设计(庭院、社区、综合场地设计)、景观建筑设计、植物配置与造景三个门类的课程,还可以增加景观规划专题这一系列的辅助设计课程。 4.专业选修课程 部分专业选修课程包括雕塑、陶艺、城市家具、景观生态学、城市设计、中外园林史等专业课程。该类课程为完成基础及专业课程之外的扩充,既可以拓展学生的专业能力,又可以丰富学生的专业知识,提高学生对于本专业的学习兴趣。5.专业实践课程专业实践课程包括建筑风景速写、手绘表现、设计实践项目调研、毕业设计等课程。专业实践包括学生将所学基础知识、专业知识与社会实践相结合的过程,以及将四年学习期间所学综合完成的毕业设计。 二、环境艺术设计的工作室模式教学 应用型人才培养要求学生将基础知识和专业理论在实践中应用,参与课题设计是理论与实践结合的最佳途径。课程的开展有规范的内容,由实题开始,以副教授职称以上导师和至少两名辅导教师构成的工作室形式展开。将专业教师分为多组,承担不同的设计课题,由学生及工作室教师双向选择,既培养了学生的自主学习能力,又给予了教师教学充分的自由度。学生在工作室学习不仅深化了所学的专业知识,而且能熟练掌握相应的制作技能,有利于团队管理和协作、现场踏勘、资料分析与研究、设计创新创意、市场分析等综合能力的培养。环境艺术设计的学科性质要求学生能同时具备设计能力与表现能力。传统的教学模式中,课堂练习是主要教学方式,实践课程少,实践时间短,忽略了社会实践环节,很难将理论和实践有机结合起来,而开展工作室模式教学正是针对此弊端而进行的改革。因此,环境艺术设计专业开展工作室模式教学很有必要,也迫在眉睫。 三、环境艺术设计教学专业教师队伍的建设 教师的素质和学历职称不容忽视。除此以外,教师的创造性思维也是很重要的,优秀院校创造的成果,都离不开具有创新意识和奉献精神的高素质教师队伍。设计学院的专业教师队伍现阶段年龄结构和层次比较合理,中青年教师占的比例比较大。这就需要学院多提供深造、培训、交流的机会,可以体现在以下几个方面: 1.继续深造 针对当前环境艺术设计专业的发展趋势以及学生专业能力的培养,对教师队伍专业水平的进一步提升是大学教育中的一个重要组成部分。对于教师的继续深造,学院应给予支持、鼓励及制定相关的奖励机制。 2.培训及交流 社会需求的时效性、行业的发展是环境艺术设计教育的主要推动力,其影响是全面而持久的。而专业教师的业务素质决定了设计企业的管理技术、经验和学科发展的前沿信息能否及时融入相关的实践教学。因此,环境艺术专业教师在行业间的培训和交流对于促进实践教学的改革及项目工作室的顺利进行是基本保证。教学经验和专业发展的交流也是非常重要的,这包括学院内部不同专业教师之间的教学经验交流、教师与学生之间的互动交流和专业教师教学与学院管理层之间的交流。为了保障顺利交流,除了学院提供交流的机会及平台以外,每位教师的积极参与也是必不可少的。这就需要制定一些正式的规章制度,采用如展览、座谈、考察等多种交流形式,以形成良好、持久的交流机制及氛围。最后,校际相关专业之间的考察及交流也是不能忽视的一个环节。 四、结语 每个专业建设的阶段性是必然的,成长是迅速的,过程是曲折的。环境艺术设计专业建设应在继承传统的基础上加以创新。值得肯定的是,目前环境艺术设计教育理念的探索和发展之路,正是沿着这个发展方向前进。 作者:杨霞 单位:云南艺术学院设计学院 艺术设计类论文:设计教学艺术设计论文 一、新型艺术设计教学理论在艺术设计教学中的运用 1、双主教学模式。这一新型教学模式在保留传统的“传导———接收”教学活动开展方式的基础上,更多地为学生提供了自主思考、自主探索的机会。艺术设计是一个自主创作的过程,在艺术设计教学中,充分利用双主教学模式,能够强调学生的主体地位,使学生的自主创造能力得到有效发挥。教师要注重情景的建构,使学生能够利用已有认知结构中相关经验对新知识进行顺化,并使其根据反馈信息形成对问题解决方法的自主构思。此外,双主教学模式还强调学生间的合作学习与多媒体工具的使用,学生在教师指导下组建学习团体,通过各类信息设备的支持开展相关理论、课题的讨论,使学生间形成思维共享,共同实现知识的意义建构。 2、3P1D教学模式。当前艺术设计的教学模式主要采用教师布置课题、学生搜集资料、构思、确定设计方案、设计图展示、教师评价的顺序,课堂上教师对教学过程的把握与学生交流存在一定缺陷,利用3P1D模式能够有效处理这些问题。这一新型教学模式要注重以下几个基本点: (1)教学中的课题选择(Project):教师的课题的选择上可以是实际设计项目或非实际练习,教师在备课阶段就要注重对课题内容的构想,在保障课题要求符合教学大纲的基础上,选择具有可操作性与时代性的课题,并根据实事求是原则制定规范的评定标准,便于学生把握艺术设计方向。 (2)课堂教学质量(Process):教师要注意设计具有针对性的课堂练习项目,对学生的设计创新能力和审美意识进行系统性提升,在学生课堂项目评定上,教师要根据教学目标,结合学生的自我评价与相互评价对学生作品开展点评,最大限度激发学生的教学参与热情。 (3)设计说明(Description):教师应把学生的设计说明作为其成绩的重要参考因素,培养学生对课题认识、设计方法探索、图纸模型绘制能力,在艺术设计过程中使学生得到眼、脑、手的全面训练。 (4)课题陈述(Presentation):教师在学生进行课题陈述的过程中要注重对其设计构思、问题处理方式、语言组织能力等多方面因素考量,结合学生设计方案为学生指出设计亮点及存在问题,在设计实践中对学生进行设计师基本素质的培养。 二、艺术设计教学理论体系的完善策略 1、与时俱进,提高艺术设计教学创新性。艺术设计是一门更新速度极快的学科,在具体教学实践中,若只关注于学生对事物形态的描摹能力,则易使学生丧失应有的个性表达与自主创新能力。因此,要建立完善的艺术设计教学体系,教师首先要对教学手段加以创新,在课堂教学中可适当地融入新型教学手段与流行设计元素,充分发挥多媒体设备在艺术设计教学中的作用,利用具有时尚元素的影视剧展示等手段向学生表现艺术设计的美学价值,从而提升学生的审美情趣与自主创造欲望。 2、推进教学目标分层化。教学活动开展前,教师应针对不同学生对具体教学目标进行有计划、有层次的设定,例如大一学生要加强对基础课程的巩固,大二学生要实现专业课程的初步入门,大三则要全面提高专业素养。在完成教学目标时,可采用多种手段辅助教学,充分利用现代信息技术,艺术设计教学内容设计尽量做到简明扼要,让学生在轻松的课堂氛围中完成对专业知识的理解。 3、建立艺术设计教学整体框架。在图形技术、色彩、传播等艺术设计基础原理方面,有必要对艺术设计教学的整体框架进行科学建造。在课程体系的设置中,务必保证课程间的相互联系,建立系统的课程体系,使对学生的专业能力与素质培养能够始终贯穿在各门课程的学习中。 4、强化设计实践。设计是一门实践性很强的专业,在艺术设计学科发展中,更强调对设计实际经验的积累。要健全艺术设计教学理论体系,便要加强艺术设计教学的实践性,转变传统的课堂教学模式,根据学生实际情况开展艺术设计的交流实践。艺术设计的实践活动可分为欣赏课程与创作课程,前者可通过教师带领学生参观优秀艺术设计方案,引导学生对作品中的形式美法则进行体会,后者则通过教师布置设计课题,由学生自主创作并上交方案,使学生获得艺术设计的实际经验。综上所述,艺术设计具有较强的时代性,过分拘泥于传统教学模式,将无法满足社会对艺术设计人才的需求。高校只有不断深化艺术设计学科特点,结合时代特色不断对教学模式与手段进行创新,构建科学的学科体系与人才培养方式,才能建立完善、高效的艺术设计教学理论体系,不断培养满足社会发展需求的设计人才。 作者:刘畅 单位:衡水学院分院 艺术设计类论文:实践教学下艺术设计论文 一、艺术设计专业课程实践教学的意义 在经过漫长的考察多个地区、多个企业、多个院校,针对不同社会结构、不同调研对象对艺术设计专业课程与市场人才的真正需求,笔者当下艺术设计专业课程设置与实际市场需求之间的真实差距,应该并针对该现象提出了“入学即实践”、“随市场需求阶段性渐进式结合”等创新建议、研究。艺术设计专业如何通过转变课程设置来更好的培养出合格的高素质技能型艺术设计人才,让学生学有所成、学以致用、顺利就业是本课题研究的优秀目标。经过几年的快速发展,如今的艺术设计教育已具备相当的规模,高校数量、每年招生数和在校生数在整个高等教育中均占很大的比重,成为我国高等教育中不可或缺的重要组成部分。但是,相比规模的快速扩张,艺术设计教育与市场的关系却在渐行渐远,培养的人才质量提高并不快,且没有得到社会的广泛认可。随着艺术设计教育也得以迅猛发展,招生人数逐年上升。但传统的教学模式、课程体系、教学与实践等日益呈现出了其不合理性。艺术设计专业课程的有效转型即与市场接轨是最终目标。 二、艺术课程实践发展方向 调研与分析,抽样调查我国当前部分高校和职业教育院校艺术设计专业的课程设置、教学与实践、学生就业、校企合作情况,并通过统计,分析当前高职艺术设计教育的问题症结所在。 1“.包豪斯”设计教育模式“、双元制”职业教育基础理论学习。 2.针对我国当前不同地区经济特点、产业结构、人才需求等,在“包豪斯”设计教育模式、“双元制”艺术设计专业课程教育理论基础上,引申并提出适合我国当前国情的新的艺术设计专业课程教育培养体系,从“制造走向创造”,包括: ①课程设置和教学内容的重新定义。 ②学校与企业社会的合作教学、课堂与工作室的结合。 ③学生理论学习与实践的及时配合。 ④院系根据社会需求建立动态的培养体系。 ⑤网络实践培训“企业、学生一对一监控”、“教师、学生一对一辅导”。 ⑥培养学生终生学习的习惯模式等。 ⑦对教师的提出新的评价及要求标准。 三、艺术课程实践发展目标 以办学机构的教育内容形式为主要视角,同时也将多角度的考虑接受艺术设计专业课程者即学生的最终培养效果、社会企业等经济活动实体的相关收益、政府相关部门的支持因素等方面。本课题研究方法的立足根本是调查研究,实践教学模式研究和来自多方包括教师、学生、社会企业及学校的总结汇总对比研究。采用的研究方法步骤主要是:一、相关资料收集的方法,主要通过文献、网络查询我国艺术设计专业教学实践环节的发展脉络和当今高职院校开设艺术设计学科的数据;二、问卷调查收集毕业生及在校设计专业学生对艺术设计专业教学实践环节的看法及满意度的相关数据;三、走访企业、行业协会对高校艺术设计专业人才的需求及建议的相关数据;四、对艺术设计专业学生进行实践性教学研究。五、归纳分析我国高校艺术设计专业教学中实践环节的不足之处,并在分析实践环节不足成因后归纳提出几点建设性意见。 作者:邓凡 单位:武昌工学院艺术设计学院 艺术设计类论文:数字化技术艺术设计论文 一、数字化技术对艺术设计的影响 (1)促进了艺术创作的大众化 艺术创造需要投入大量的时间和精力,繁缛的传统艺术设计所耗费的时间之长、训练过程之艰苦都是生活节奏越来越快的现代人所难以接受的,以高技术代替大量传统技法训练的数字化艺术设计只需要很短时间的培训就可以进行简单的艺术设计,大大缩短了艺术创作的过程,这对追求简易快捷的现代人来说具有极大的吸引力。同时,在数字化环境中,各种绘图软件为创作多样化的设计效果提供了方便,人们可以从各种预存的“素材库”中寻找自己需要的形象,进行色彩调配、重新组合表现新的感觉;而应用软件中画笔、数位板等数字绘画技法的设计为人们随心所欲的展现自己的艺术创作提供了可能性,这种便捷的表现形式不仅更贴近大众,为人们独立实现自己的想法、展现自己的艺术构思和艺术设计提供了平台。美国学者在谈到数字化艺术设计作品时说到:对于专业人员来说,数字化技术不仅能证明计算机分析现存技术或规则的潜力,帮助艺术家理解艺术创作的过程,而且还能证明普通人的创造能力,使人们从中获得创作的乐趣。 (2)为设计师表达设计意图提供了新的平台 随着计算机技术的发展,计算机已成为数码图形制作的重要手段,具有强大的生命力。越来越适合处理高质量图象的计算机辅助设计软件已成为艺术设计表现的主流。设计人员可以运用数字化绘图和数字化三维动态手段等辅助电脑设计的诸多软件将复杂的四维空间形象绘制在二维空间,反映空间状态、构造和装饰材料的质感,尤其是在艺术设计的后期制作中数字化绘图软件更是体现出明显的优势:数字化图形技术的发展不仅丰富了设计的表现手法,提升了设计的艺术效果、优化设计方案,而且还能较好地反映空间的视觉效果、写实地模拟真实的空间环境、装饰材料的光影等,从休闲到工作、从娱乐到学习、从欣赏到创造改变着人们的创造性思维和审美习惯,为人们的预期判断提供了更加可信的依据;而数字化图形技术还可以对效果图进行造型、色彩、灯光等进行反复修改,有助于多角度展示设计的构思和表达。 (3)改变了视觉设计 以传统艺术设计为基础发展起来的数字化技术设计摆脱了传统艺术环境单一化、表态化的视觉传达形式,实现了视觉传达的综合化、动态化和瞬间化,加强了艺术设计在人们生活中的地位,影响着人们的感官和思想。如2008年北京奥运会印章的设计不仅让全世界从中感受到中国文化的艺术魅力,而且还给观众留下了深刻的印象。数字化技术对视觉艺术的影响不仅造成了人们对艺术品个性化创意的忽视,也非常容易将艺术设计带入发展的死胡同,这显然与技术发展的初衷是相违背的。 二、数字化艺术设计的发展趋势 艺术设计的发展是对传统的继承、对新事物的吸收和借鉴。在社会发展过程中,艺术设计对传统的继承和对对社会新变化的体现是艺术设计永恒的追求。数字化技术的发展不仅为艺术设计和人们的生活带来了巨大的影响和变化,还为艺术创作带来了新的创作方式和设计语言。科学和艺术是不可分割的。在个性张扬的数字化时代,只有个性化和有艺术价值的设计作品才是真正的艺术品,数字化艺术设计丰富了艺术设计语言,为设计人员表现产品提供了新手段,符合人们对个性的追求。随着信息视觉化的发展,数字化艺术设计将获得更大范围的发展,将侵蚀人们生活的每一个角落。 作者:胡玥 单位:河南大学艺术学院
艺术设计论文:多学科交叉环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的概念和发展演变 环境与艺术设计的出现首先要依附于建筑物设计,其次是在建筑物周边的空间进行规划和设计,以达到美的效果。建筑物作为环境的主体,是环境艺术设计的基础,所以环境艺术设计和建筑设计基础是密不可分的。新中国成立后,随着改革开放的号召,科学技术的发展,人们的对生活审美水平的提高使得中国的环境艺术设计的有了很大的发展。随着我国建筑体系的不断成熟,环境艺术设计逐渐被分成两大派,一派是例如古代的壁画等家具装饰纹样以及室内空间规划,统称为室内设计,另一派是围绕着建筑物周围的空间进行规划,从而达到建筑物的艺术效果。这两派统称为环境艺术设计。 二、环境艺术设计多学科交叉特性的发展现状和必要性 1、发展现状 环境艺术设计类学科,是根据我国国情和社会环境的客观需求下逐渐发展起来的。因此环境艺术设计在我国的发展根基并不稳定,面对社会的需求,我国高校对社会发展定位的不准确,使我国缺少大量的环境艺术类学科的人才。毕业生理论知识的不系统,使社会对毕业生的需求供大于求,与社会市场的需求脱节。毕业生的艺术素养与能力参差不齐,距离社会所需要的高素质,高质量的人才还有很大距离。从发展的进程上看,我国艺术设计的教育是从美术教育,机械设计等延伸而成,基础薄弱。当时正值我国经济发展的飞速时期,各高校一直忙于扩大规模,没有对理论知识进行系统化的梳理和整合,有些理论完全就是照搬照抄,没有一套系统的,理论化的环境艺术类学科的知识体系。由于理论知识的缺失,导致各高校对艺术类学科的定位不准确,使我国环境艺术教育发展较缓慢。根据国情的发展,在当时大势所趋下,当时学生都面临着升学难,就业难的情况下,为了顺应国家的综合国力发展,各个高校普遍对学生进行统招,学生素质良莠不齐,很多成绩不好的学生因此走了捷径;在高校中,教师对学科认识不准确,专业性不强,有很多高校都是大班授课,致使很多人没有真正学到东西。在当下随着社会的竞争越来越激烈,市场在这一方面所要要的人才供大于求,正是要求各高校对环境艺术类学科准确定位发展的关键。 2、必要性 就本身高校教育来说,各高校都没有准确定位环境艺术类学科的发展前景以及市场需求,随着社会的不断发展,人们生活水平的提高,大多数人越来越重视精神文化的需求。而对环境艺术类学科定位的不准确,使得大量人才容易走到学习的误区,有悖于市场的发展。造成环境科学类人才培养的缺失,最主要的原因就是对学科本质认识的不彻底。高校因顺应时展的潮流,培养精英化人才。教育发展定位应适应社会发展,顺从大众教育方向。在充分领悟中国传统文化的同时应加以创新,从空间、色彩、生活等方面在进行创造。由于环境艺术类学科范围涉及较广,导致许多院校对其的概念认识定位不准确。随着科学进步的不断发展,环境艺术类学科的理论知识的不断增加和扩充,逐渐融合到新兴的景观设计,空间规划设计,城市设计等。在这不断发展的过程中,逐渐被人们接受。人们审美水平的提高,环境艺术类学科却是能改变生活环境,提升生活质量的最根本方式。 三、环境艺术设计的多学科交叉特性的内涵 信息全球化时代,人们研究对象的方法趋于多元化。单从字面上来说,“环境艺术设计”环境是前提条件,而“环境”一词又颇为广泛,环境分为自然环境和人工环境,自然环境是指自然生长而成的宽泛环境,人为环境是指某些空间设计,经过人为的后期设计而形成的环境。一些宽泛的词也可以统指环境,比如生态,物质,文化等等。环境艺术设计是一门立足于艺术设计的学科,是一门集艺术、科学、文化的综合性发展学科。所谓多学科交叉可以用新的研究方法,用新的眼光去研究问题,从而得到新的发现,使交叉学科得以蓬勃发展,是各个学科的文化知识得以融会贯通。“环境艺术设计”融合了多种学科,是环境艺术和环境设计的总称,包含了美学、建筑学,物理学,人体工程学,园林学,工艺美术学等多学科的研究,各学科相互交叉构成了内容丰富的黄精艺术设计。多学科交叉的发展是教育发展的必然趋势,学科之间的相互交叉创新出新内容,针对环境艺术设计发展的特性,还需要经过更多的实践发展来寻求方案。对学科的交叉性研究,转换新的思想,实践探索出一条跨学科的新的理论体系,以满足社会多方面,多层次的社会需求。这对高校提高人才素质和质量的培养,是一个重要的突破。也对各个学科之间相互联系,资源相互整合,具有重要的现实意义。 四、环境艺术设计的多学科交叉特性的未来发展趋势 环境艺术设计在我国一直立足于实践的发展,随着科技的进步,人们对环境艺术设计也有了理解,从以前的为设计而设计的发展趋势已经演变成美化、舒适的人们所要求的环境设计。环境艺术设计已经成为以“人”为主体的研究方向,人已经变成环境的协调者。随着时间的推移,人们对环境艺术设计的认识加强,使环境艺术设计知识更加融合,理论知识更加趋于系统化。顺应国情的发展,发展可持续世界发展观,我们应积极引导人们走向可持续发展生活方式的设计,建立可持续发展的人为环境是对当今社会发展实践具有重要意义。 五、结语 综上所述,在经济一体化的时代,对于环境艺术类学科的定位,应立足于艺术领域发展。将“可持续发展生态环境”作为新课题进行研究,环境艺术设计的“技术”和“艺术”的结合必然是发展的趋势。对学科交叉特性的研究,应转换新的思想,整合优化资源,对教育体制进行新改革,满足市场的需求。 作者:谷晓龙 单位:石家庄职业技术学院艺术设计系 艺术设计论文:高职院校艺术设计论文 一、高职院校艺术设计专业基础教学的改革措施 1.努力实现人才培养模式的多样化 高职院校艺术设计教育应与当前社会文化、经济、技术、市场营销等方面紧密衔接,保证培养出来的人才能满足社会的需要,保质保量地完成高职院校的人才培养目标。虽然高职生生源质量较差、基础知识薄弱是长期存在的现象,很难立即解决,但是高职院校也应对此引起重视,根据市场发展形势制订有针对性、有个性的人才培养计划,设计不同类型、不同层次的艺术设计教学方案,以满足不同层次学生的学习需求。而学生应根据社会需求,结合自身的发展条件,确定专业层次与类型,进行人才培养模式改革,努力培养有特色、高质量、可满足社会需求的艺术设计人才,提高学校的特色与声誉。 2.明确基础课程的教学目标 高职院校艺术设计专业应根据本校专业设置,明确艺术专业基础课的教学目标,按照既定目标进行教学,保证基础教学的合理性与有效性。首先,艺术设计专业基础课程应以培养学生的感知能力、绘画能力、创新能力为主要教学目标;其次,教学需重视培养学生的自主探究能力、独立判断能力、观察能力以及合作交流能力,提高学生的综合素质;最后,教师应鼓励学生打破常规,进行天马行空的想象与联想,激发学生学习艺术设计的热情,培养学生的创新思维与创新能力。 3.构建科学的基础课教学体系 在艺术设计基础课教学体系设计中,很多高职院校仍沿用传统的三段式模式,这种教学模式适应性和实用性较差。因此,教师应根据艺术设计专业的特点和教学方向,构建科学的基础课教学体系,对基础课程进行分类,形成相互渗透、相互交错、横向排列的基础课程群,突出实践教学,强化对学生动手能力与应用能力的培养,以构成完整、合理、相互衔接的课程体系结构,构建新型的教学体系,使高职院校艺术设计专业的教学内容、教学方法与教学手段发生了实质性改变,使学生成为既有一定理论素养,又能进行具体设计、管理、施工的实用型、技术型人才。 二、结语 综上所述,高职院校必须注意与专业院校间的差异,制定出符合高职院校良性发展的人才培养目标,不断优化改革措施,切实保证高职艺术设计专业为社会培养出高素质、高技能的艺术设计人才。 作者:刘洪哲 单位:辽宁机电职业技术学院 艺术设计论文:高等教育艺术设计论文 一以英国为主的艺术设计高等教育 由于人才培养目标决定了培养模式和教学方法,因此英国艺术设计专业的培养目标主要体现为:第一,以学生个性为本位,激发学生的内部动因,注重学生个人的可持续发展培养,同时要求学生具备适应社会的道德素养。第二,注重学生综合能力的训练,即形象思维能力,形态简化和抽取能力,发散思维和逆向思考能力,以及绘画功底、设计软件技术、模型制作和动手操作能力,文字语言的阐述和表达能力等。第三,在专业素质方面,强调学生基本素质的养成和设计专业素养的培养。为了实现以上的教学目标,英国艺术设计专业主要采用以下的教学模式和方法: (1)采用分阶段大班小班小组单元式模块教学模式。其教学方法,以学生为主体,采用多种教学手段即讲授式、启发式、案例分析式以及小组讨论式等。强调对学生创新能力、思维能力、动手能力的启发和培养。 (2)采用项目式教学模式。其优秀是让学生体验项目的整个设计流程,感受抽象的设计概念变为现实的过程,突出培养学生将设计概念实物化的能力。 (3)采用跨界培养教学模式。美国的教育专家认为学生不应该过早精通某一门学科,而涉猎多学科的“通才”将来会有更广阔的择业空间[5]。因此,英国高校在教学中,非常注重多专业、多学科的交叉。鼓励艺术设计专业的学生,按照个人喜好和自身发展的需要自由选择跨专业和跨学科的选修课程,学到交叉学科、多种学术领域的专业知识。跨界培养教学模式,有利于设计人才的个性化培养,更有利于多专业、多学科复合型创新设计人才的培养。 (三)考核评价体系英国的艺术设计高等教育是以德育为教学基调,以学生和老师严格遵守学术道德为评判界限,已建立完善的评判体系和科学有效的评判标准。具体来说,英国利兹大学艺术设计学院的课程成绩以百分制计算,由3部分组成:一是平时成绩占30%~40%,以考核学生出勤率为主;二是最终作品及答辩成绩占20%;三是完成设计作品过程及工作量的成绩占50%~60%。这种考核评价标准强调的是过程比结果更重要。重视过程考核的优势体现在:学生通过设计准备、灵感构思、调查、筛选、表现、制作、再修改、再构思的反复过程,首先激发了学生的原创动力,避免了抄袭剽窃他人或者现有设计作品的学术不端情况的出现;其次,学生在设计过程中需要运用各种调查方法,研究手段,翻阅大量的资料书刊,对学生树立严谨的学术态度以及设计管理能力提供了有效支持;再次,过程考核提高了学生观察、发现、解决设计过程中对不断涌现的问题的设计执行能力,为学生的设计创新奠定了基础。 二对我国艺术设计教育的反思 (一)人才培养与教学目标的不符 在教育全球化的世界环境背景下,我国的艺术设计高等教育的人才培养目标、课程建设、教学模式和方法,均围绕着以学生就业为导向。我国艺术设计专业的人才培养目标是面向艺术设计行业,根据行业相关岗位需求而设置,具有良好的职业道德和创新意识,掌握相应的专业理论知识,具有较强的适用社会岗位的动手技能,能进行创意、设计、制作多层次的高素质、高技能专门人才。但是我国正处于经济转型和产业更迭的历史背景下,我国的艺术设计高等教育一直落后于同时期设计行业的领域扩展和技术革新速度,与企事业的人才需求错位,不符合社会与时俱进的创新要求,出现了人才培养与教学目标不符的现状。 (二)教学模式单一且课程设置不科学 我国的艺术设计教育从创始之日迄今,在迷茫中摸索了三十载却仍然照搬西方的教育模式,既没有形成适应我国国情的教育体系,也没有确立明确的教学目标,一面铺天盖地空喊高歌产学研和素质教育、职业教育,一面跟随西方世界的教育强国将高等教育迅速产业化,主次颠倒地将经济价值列为高等教育的首要目标,单纯地追求升学率和就业率,过度细分设计学科内专业,设置局限的专业课程框死了学科发展的可能性,忽视设计学科各专业之间的知识和技术的交叉性和综合性。除课程设置的不科学与现实社会的行业发展和就业需要脱节外,我国至今没有建立起完善合理的考核评价体系和评价标准。由此导致学生甚至教师的抄袭、剽窃、作弊等学术道德败坏的行为屡禁不止,甚至已经形成设计专业默许的潜规则。 (三)长期忽视师资建设 扩招犹如一夜之间拔苗助长,各艺术设计高校为解决迫在眉睫的师资匮乏问题,不惜“乱投医、广纳员”,以至于相当一部分毫无设计专业背景的教师从绘画、工艺美术、工程、机械、材料等专业改行成为艺术设计的专业教师。如此以来,艺术设计高等教育就逐渐演变成就了由各学科散沙课拼凑出的缺乏课程特色,与设计行业脱节的泛滥专业。综上所述,要把我国高等艺术设计专业建成世界一流的专业,就有必要借鉴西方国家先进的办学理念及经验。 作者:闫胜男 单位:成都理工大学应用核技术与自动化工程学院 艺术设计论文:民办高校艺术设计论文 一、民办高校艺术设计专业转型发展的障碍因素 民办院校艺术设计人才在转型前基本是依托校内资源来培养,换句话说就是将学生圈养在学校进行教育,既让学生脱离生活在艺术,也让学生的艺术失去现实感。艺术设计人才培养渠道狭窄,没有完善的实习实训基地,也没有丰富的校外合作资源。艺术设计专业的学生生涯基本都是在学校度过,而艺术设计专业是一门创造性、实践性很强的专业,转型前的民办高校在实践教学课程方面还无法满足课程设置的需要,学生的艺术设计与社会需求脱节,学生难以有效掌握设计流程,没有紧跟市场需求艺术素养。 二、民办高校艺术设计教育有效应对转型发展的策略 1、重新定位艺术设计人才培养目标 进入数字化时代之后,艺术设计领域不但产生全新的设计理念与设计思维,也必然出现与其他学科的交融,如何使得艺术设计教育与时代特征相吻合,加强与其他学科的融合性,增强艺术设计专业学生的就业能力,就必须满足市场需求。民办高校未来发展定位就是为什么培养高素质的技能型人才,因此,艺术设计专业的学生培养定位也是应用技术型的艺术设计人才,培养过程中强调提升技能。随着社会的演变,艺术设计人才不再是纯艺术设计,还要懂得运用各类技术。 2、拓宽艺术设计人才培养途径与渠道 民办高校难以克服的发展资金受限问题,难以满足艺术设计专业的科研投入、基础设施建设,民办高校艺术设计专业可以通过与校外资源协同培养艺术设计人才,拓宽培养人才的途径与渠道。校外协同可以体现在校-校合作,与实训设施和条件比较好的公办院校,实现资源共享机制,比如说与艺术类高等院校合作;也可以校-企合作,与艺术设计类公司或艺术设计中心合作,实现利益共享机制;鼓励艺术设计师生积极参与各类艺术设计博览会或者艺术设计大赛,突出艺术设计人才培养的实践性。建设好校外合作平台,建设友好合作的长效机制,通过合作平台,将学生的创意挖掘,通过校外实习实训基地展示。 3、创新人才培养方式与教学方法 传统的艺术设计理念已经被新技术所突破,新兴技术的发展迎来了各类教学手段和方法的创新,艺术设计的培养目标应该是注重培养学生的创意能力,但是传统的培养在注重技术的时候忽视了对于创意的开发。增加学生社会实践与社会认知的机会,让学生了解真正的而艺术,强调能力培养的实践实训,设计实验性教学活动,通过案例教学法、小组讨论法、团队设计作品、任务教学法、项目教学法、情景模拟法等,激发学生的学习兴趣,使得学生的设计贴近生活,在“干中学”,在实践中掌握设计流程与技巧。 4、重视艺术设计教师队伍建设 艺术设计教育转型发展的关键在于教师,教师是转型发展的员工里,民办高校的艺术设计教师应该注重自身角色定位,改变陈旧的知识结构,不断汲取新知识,改变科研态度。注重艺术教师队伍建设,应该组建课程开发团队、课程设计团队、课程讲授团队,加大艺术设计教师团队中行业人士的比例,加大艺术设计教师的专业性,注重提升教学技能与水平,拓展新思维,寻找发展的新路径,最终艺术教育团队既懂得理论,也懂得实践操作,熟悉艺术设计专业生产工艺、生产流程和实用技术,懂生产、懂工艺、能够实操的专业教师,这才能顺利向应用技术型院校转型。总之,随着社会经济的发展,艺术数字与技术化特征日益明显,新兴产业如动漫、游戏、漫画等就飞速发展,这必将对于高级艺术设计人才需求旺盛,为适应新的发展契机,民办院校艺术设计教育向应用技术方向转型,培养高素质有创意的艺术设计人才已经很迫切,民办高校必须有针对性地采取有效策略,为满足社会对于人才需求,从而培养更多优秀的人才。 作者:曹保荣 单位:西安培华学院 艺术设计论文:图形艺术设计心理学论文 一.设计心理学与图形艺术之间的关系 计心理学的应用范畴图形艺术的形成吸引了各行各业专家的注意,由于不同专业的人共同参与进来,以设计心理学为基础的图形艺术,被应用到各行各业中,为社会和民众广泛服务,成为设计心理学应用的重要结果。 二.基于设计心理学的图形艺术作用 图形艺术具有选择性、整体性、可识别性、和恒常性等规律,在信息交流、引导行为、解释议题、宣传文化等多方面都具有特别的优势及特定的作用。 1.图形艺术建立了世界性的 图形艺术语言体系图形作为一种直观的视觉语言,能够跨越民族、语言、文字等的障碍进行信息的传递。它创造了无需语言的沟通,与无国界障碍的交流。即使是较为复杂的议题也可以通过图形读懂。目前,各个国家将一些极为重要的图形标志进行了统一,已经部分实现了世界性图形语言的通用。如交通标志、医疗标志、环保标志、绿色标志、安全食品标志、安全卫生标志、禁止标志等。 2.促进图形艺术的理性发展 图形艺术的创作,运用的是形象思维、具象思维,将具象或抽象的概念转化为图形进行阐释说明。因此设计心理学的介入可以更好的与感性思维方式相结合,有利的引导和扶正图形艺术的理性发展。 3.提高图形艺术的实用价值 图形艺术信息的传播建立在设计师与受众之间。设计师与受众之间存在一定的差异性,这种相对差异性导致了图形艺术设计和接受的双重差异性。而介入设计心理学的图形艺术,可以最大化的降低这种差异性。从使用或需要的角度出发,使双发对图形的理解趋于相对一致,从而图形艺术的实用性得以加强。 4.增强受众的理解能力和鉴赏能力 由于部分议题或较为复杂的内容需要专业知识基础才能够理解,因此受众在接受这类信息时会存在一定障碍。但基于设计心理学的图形艺术如果在这些领域进行表达,就可以更好的增强受众的理解能力和鉴赏能力。例如计算机软件中,对于界面、工具、命令、各种面板等的图形化设计就非常有效的提高了受众的理解能力。在多层次作品和图形艺术之间,受众有能力选择更为有效、更高品质的图形艺术。综上,人类生活质量的提高,人们对使用舒适度的关注逐步提升到对视觉舒适度及心理舒适度的关注。图形艺术的功能被更大程度的发掘出来,将以其独特的优势更加广泛的被人们所应用。 作者:徐明霞 艺术设计论文:家具陈设设计环境艺术设计论文 一、教学方法创新手段 设计教育不能局限于知识的认知过程,而是要在课程体系中全面培养学生对设计定位的敏锐感知力、设计分析的洞察力和设计解决的创造力。教育不但要教会学生认识“What”,更要教会学生认识到“How”和“Why”,积极寻求思维转化途径、提升综合思维能力。 二、教学方法创新目标 1.关注材料与工艺的选择与运用 材料是家具陈设设计的物质基础,而工艺是家具陈设设计的方法基础,制作模型的过程需要学生实践家具的成型工艺以及形态、材质、空间对于家具设计的影响。许多学生在制作过程中体会到了不同材料的性能和构造方法,从而不断总结经验,结合家具的结构特性,在设计过程中避免了出现违背材料特性的结构形式;学习掌握常用家具施工机具的使用方法和注意事项,理解家具构造中各层结构的连接、嵌缝、饰面的工艺,了解家具施工构造,即“结构+基层+面层”的设计原则和内容。 2.关注家具尺度之于人体工程学和经济考量的运用 家具陈设设计不是单纯的“机械设计”,而是以人为本的“生命设计”,仅仅依靠书本上关于人体工程学的尺度数据,学生无法直观、有效地以科学的观点做设计。因此,在家具实践制作过程中,应当引导学生了解常用材料的规格,并学会计算和下料;同时,利用等大实物模型可以随时切身感受家具的尺寸和使用功能,并按需调整其尺寸使之舒适、耐用。 3.关注团队合作及沟通能力的培养 良好的团队协作精神及沟通能力是设计师的基本技能,在课程中引入团队学习的方法可以让学生提前演练自我发展能力和专业表达能力。团队成员之间在方案选择与优化、材料选择与购买、工艺操作与选择上都会有不同层次的沟通与交流,学生走上工作岗位后也会实时与同事、业主、工人、供应商等沟通交流,通过教学上的实战可以提高学生的协作能力和沟通技巧。在教学过程中,教师要重视塑造学生积极的动手能力、分析能力和创造能力,使其养成良好的学习习惯和严谨的工作作风,不仅仅要学会课本知识,更要学会做人和做事。 4.关注创新能力和设计素养的养成 家具陈设设计的教学目标是在保证学生的基础知识完备的同时,努力保护学生的创造性,激发学生的学习热情和创作动力,教师要积极扶持学生设计思维的多元化,补充教科书中没有的背景知识和专业发展的最新动态,在教学过程中让学生了解当今设计行业的概况和发展趋势,使在校学生以从业者的姿态而不是以旁观者的姿态进入这个行业;教学中,通过给学生列出系统的课后阅读书目,以阅读和分析案例培养学生的能力、启发学生的思维。在探索环境艺术设计专业家具陈设设计课程教学方法的过程中,需要注重专业基础教育的知识结构与学生综合素质、职业技能和创新能力的结合;针对教学方法进行相应的系统整合,强化教学内容与手段的贯通机制;扩宽学生的知识面和就业面,为学生学业成功、就业成功、事业成功打下坚实的基础。 单位:武昌理工学院艺术设计学院 艺术设计论文:创新实践教学艺术设计论文 一、艺术设计实践教学的创新思路 1.实施创新设计案例课堂讨论实践教学 作为教师,在结束艺术设计专业课基础理论部分的讲授后,可以为学生布置相关的社会调查任务,要求学生在规定的时间内完成,并上交调查报告。在结束社会调查后,教师可以让学生在课堂上逐一对自己的调查报告进行介绍,由其他学生发表意见、提出看法、展开讨论,最后由教师对理论、实践等环节进行总结与点评。显然,这样的教学过程不但能够有效促进理论知识与实践活动的有机结合,还能够从根本上增强课堂教学的互动性。 2.教学课程“特色化” 对于课程的安排,教师应对一些传统课程进行优化与整合。如图案课程与平面构成课程,这两者在内容与形式上都存在很多共同之处,可以将其整合为一门课,既避免了重复,也可以取长补短,同时还能缩短教学学时。另外,教师应该学习国内外先进的教学观念与方法,结合学校的实际情况开发出一些既具有时代精神也符合艺术设计发展规律的校本课程。 3.增强学生的协作能力,培养学生人际交往能力 首先,作为21世纪的设计人才,必须具备强烈的团队意识、独特的艺术个性以及严明的纪律观念。只有在拥有突出业务能力的前提下培养自身的团队意识、协作能力以及自觉接受现代社会相应法律法规的约束,才能真正符合现代社会对于艺术设计人才的要求。其次,只有建立广泛、和谐的人际关系,具备灵敏的市场嗅觉,自身的才能才会得到充分的体现。因此,在艺术设计的实践教学中,教师不但要教会学生怎样读懂市场、接近市场、把握市场,还应该引导学生对市场学、管理学、营销学等进行了解与学习,以此教会学生如何正确处理社会人际关系,如何在错综复杂的人际交往与市场竞争中变劣势为优势、变被动为主动。 二、结语 要想让高校艺术设计专业学生的实践能力得到提升,需要结合当前教学观念、专业建设、课程安排等对教学理念进行优化。同时,应主动吸取国内外先进的教学成果,结合学校的实际情况进行不断创新,从而实现艺术设计专业的长足发展。 单位:新疆大学纺织与服装学院 艺术设计论文:色彩教学艺术设计论文 一、艺术设计专业中色彩教学新模式的探索与实践 1.采用主题性设计教学模式 主题性设计教学就是以学生为本,采用启发式教学,教师在讲述基本色彩理论之后给学生设计一个课题,提出问题,让学生开动脑筋进行分析思考,教师只关注学生的思路变化,及时为他们提供素材,启发引导他们朝着正确的方向思考,师生互动学习研究,合作完成作业,不断提高学生的色彩理论水平和技法技巧,不断拓展学生的色彩视野和创作思维。这种主题性设计教学,引入色彩设计观念,以色彩研究为手段,强化了色彩创新能力的培养。这种主题性设计教学,设计主题可以多元化,扩大色彩研究学习范围,使学生学习兴趣具有广泛性,学生专业知识具有全面性,夯实探索色彩表现力、创造性运用色彩的基础。 2.运用电脑多媒体现代教学手段 艺术设计专业学生,一般都学习了素描与色彩写生课程,基本掌握了色彩的调配、组合、表现、造型知识。色彩教学就是要使学生系统认识色彩理论、掌握色彩形式法则,运用色彩对比、调和、统一关系使画面色彩优化组合。在色彩教学中运用电脑多媒体现代教学手段,引入“电脑辅助设计”思想,把传统手绘与现代计算机技术结合起来,让学生认识电脑在艺术设计中辅助作用,也为专业课学习打下坚实基础。传统手绘与电脑辅助手段各有优劣,不可能以一种替代另一种,要结合使用,优势互补,但电脑辅助设计的优势是强大无比的,恰当运用电脑辅助手段,可以培养学生的色彩审美能力和创新能力,能实现教学模式由以教为主向以研究为主方向转化,取得最佳的教学效果。 3.改革色彩课程教学体系 建立一个适合艺术设计专业的色彩教学体系,提高色彩教学在课程中所占比例,强化色彩基础训练,提高学生的色彩表现能力及创造能力。在色彩课程教学体系中要提高色彩调和练习和色彩对比练习的实践课时比例,锻炼学生的色彩创造能力。普通高校和高职院校的艺术设计专业在色彩课程设置中要各有侧重,要区别对待、显示特色。要适当调整色彩课程内容,不断探索出一个科学有效的色彩课程教学体系。高职院校的色彩教学不能与高职院校完全匹配,要以培养学生色彩调和能力、色彩表现能力和色彩创造能力为侧重点。如高职院校的室内设计主要侧重于空间色彩认知和色彩搭配,所以要多安排“色彩调和”内容,使学生受到严谨的色彩构建训练、理解色彩调配的重要作用,提高学生的专业技能水平。 4.改变色彩课程授课方式 高校艺术专业的色彩课程是一门基础课程,所以在教学中要改革传统的色彩教学方法,要注重培养学生良好的观察方法,教师要求学生口述物体色相,以及物体之间的色相区别,写生时要严格尊重事实,不能改变物体色相。在中后期写生过程中,要注意培养学生把握整体画面的能力,要求学生适当提炼物体的色彩偏向,适当添加主观意向,既要画得“像”,又要把握画面氛围,注重画面效果。在讲解动漫游戏专业学生作业时,要注意结合动画或影视场景,让学生知道专业对色彩应用能力的需求,知道色彩课程对后续课程的重要性,激发学生的学习兴趣,引导学生向专业课程方向发展。高校在大学一年级开设《色彩》课程,加强与专业课程的结合,力求提高学生色彩能力。教师在具体教学中要加大由基础课向专业课的引导力度,加强学生主观色彩表现和色彩应用训练,使色彩教学与艺术设计专业的后续课程紧密结合,增强学生独立的色彩设计能力。 二、结论 艺术设计专业的色彩教学必须要改革传统的教学方法,不断创新色彩教学模式,有意识、有目标、多方位、多角度训练学生,使学生能自由驾驭色彩,最大限度地发挥和展现主观色彩表现与创造性思维,把一个个学生培养成与时俱进的优秀艺术设计创作者。 作者:贺林 单位:桂林理工大学 艺术设计论文:设计课程教学艺术设计论文 一、改革课程设置,更新教学内容,突出创新能力的培养 由于艺术设计教育长期以来受传统教育模式的影响,表现在课程设置上注重基本功的训练,而忽视创造性的培养。艺术类院校的绘画基础课程、课时较多,这导致学生的美术基础与写实能力远远超出国外艺术设计院校学生,但是设计的创意和效果却远远落后。艺术设计课程方向的设计应强调思维方法的训练。引导学生创造性的由表及内、由此及彼的认识问题、提出问题、解决问题。由此,我们迫切需要拓展对专业与知识的认识,努力拆除“专业”之间的界限,打破小专业课程间的壁垒,强调学科交叉、知识交叉。在“淡化专业,突出课程”的原则下,开设综合设计课程,把多个设计领域的知识结合起来,以设计为中心,学生围绕教师精心设计的课题进行探讨研究,以若干基础课程围绕一个设计课题构成课程循环,有机地编排相应的支撑知识,强化综合的创造性训练的内容。以课题带动课程,这种系列化设计课题面向设计的程序及方法论,强调相关交叉学科之间的交流,以及交叉学科教学与专业教学目的相统一,从思维方式上、工艺方法上解决了多门课程教学要求。这充分有利于学生创新能力的培养。另外,要重视通过隐性课程来培养学生的创新能力。设计课程可分为显性课程和隐性课程两大类,所谓显性课程,如造型、色彩、图形等课程教学,它们是能够纳入教学课表进行教学的课程。而隐性课程,如思维方法、设计师的气质和创造意识等,它们是长期专业教育和艺术熏陶的结果,这对学生创新能力的培养有着潜移默化的促进作用。 二、改革教学方法,发挥学生的主动性 包豪斯的瑞士画家和设计教学家伊顿曾说过:“首先应解放和加强学生的想象力和创造性思维,注重技术的自由发挥”。同时,伊顿认为“提高和促进学生的表现能力”是“教师最艰难的工作”。教学方法是完成教学任务的工作方法。它包括任课教师授课的方法和学生学习的方法。教师教的是一种思维方式、创新意识与观念,而非具体过程与结果。无论是基础教学还是专业教学,都应形成以培养学生的创造性思维为主线的教学活动。因此,在艺术设计教学中尤其要采用启发式、引导式的方法来实施教学。要提倡“互动性”交流法教学,从根本上改变师生之间、学生与学生之间教与学的关系,在课程中打破讲台的局限,提倡师生对话式授课。运用提问式、启发式、反问式教学,着重启发和诱导,通过“质疑”引起兴趣,由问题导入设计,采用“头脑风暴法”、“典型案例分析法”等课堂教学形式,鼓励探索学习,从不同设计方向和不同定位的角度,快速进行大量的创意练习。师生之间,学生个体之间,群体之间进行多向交流,相互评定,相互启发,这种交流式学习,使创新意识与创造能力的培养自然地渗透于教学过程中,激活学生全方位的创造性思维。学生在教学过程中要占有主体性地位,教师应视学生为教学主体,最大限度地发掘每一个学生的潜质和潜能。教师的作用重在引导,培养学生主动学习和思考的态度,提高学生的创新意识和创造能力。 三、改革教学组织形式和管理方式 实行学分制,给学生自主权,选择自己要学的课程,使学生能自主组合专业知识构架,按学分制选课规划进入课程学习,这是一种新的学习革命,学生在自我选择中可以看到自己前进的方向。除了必修课、选修课之外还可以通过专家讲学、素质教育多种形式将课堂教学延伸,为培养创新人才奠定基础。另外,在条件许可下,建立多学科工作室,不同专业、风格的工作室,由学生根据自身条件、爱好选择,参与实践训练,在不断的训练当中培养他们的创新能力,给学生一个宽松自由环境,激发他们各种发展的可能性。 作者:吴昀辰 单位:苏州工艺美术职业技术学院 艺术设计论文:地区经济与环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的特征 1.自然性与人文性的统一环境艺术首先是对自然环境中元素加以合理利用,因而环境艺术依赖于自然环境,但是环境艺术不是对自然环境的简单利用,在设计过程中还呈现出对人的爱护与关心人的人文精神。因此环境艺术设计必须做到自然性与人文性的统一才达到追求美好生活的目的。 2.正面性与无害性的统一环境艺术设计要遏制肮脏、丑陋与低俗同时体现出精神上的美好与纯洁,并在此基础上使自然环境与人文环境建立和谐关系。因此,环境艺术设计是一种理性规划上的审美创造,因此,环境艺术系统必须做到整体上的美学设计,从而使全系统体现出正面性与无害性的统一。 3.实用性与审美性的统一由于环境艺术设计脱胎于建筑设计范畴的室内设计,因此实用性是其最明显的特征之一,环境艺术设计必须要考虑人们的生活需求,方便人们的物质生活应该是其根本目的之一。任何对这一本质的舍弃都会失去设计的本意。在满足实用性的条件下环境艺术设计还必须满足人的审美体验。给人创造一个身心健康与愉悦的生活环境,因此环境艺术设计必须做到实用性与审美性的统一。 4.多样性与整体性的统一由于环境艺术涉及的人类生活的各个角落,设计中涉及到的感性质料和个体存在多样性和差异性。但是通过设计必须将这些感性质料和个体通过有机的联系创造出统一的整体意境。 二、地区经济是环境艺术设计发展的基础和源泉 (一)环境艺术设计产生于人类的经济活动 环境艺术设计是一种创造性的活动,它最早出现在石器文化时期,并伴随着人类物质生产活动而产生。其本质是人类进行的原始造物活动,是人类为实现实用价值而进行的物化劳动形态。当在实用价值的基础上渗入一定的审美功能和价值时,这种创造便具有了审美属性和精神价值,原始的环境艺术设计便由此产生。人类的文明史是伴随着从制造工具开始的社会经济活动开始的,环境艺术设计也从这里发源。当我们的祖先把石头制成一件件实用工具时,最早的设计活动就开始了,首先工具的创造必须满足实用性,用起来要方便、省力,以引起主体的快感。同时还要看起来美观大方。因此其制作就需要有一定的设计思想和能力。从某种意义上说创造这种功能和形式相结合的石制工具的原始猎人就是人类第一批设计师。这些与人的生活紧密相联的工具和器物就是最早的环境艺术设计作品。由此可见,环境艺术设计伴随着人类的经济活动而产生,并随着人类文明的发展而发展,虽然现代环境艺术设计的科学性与技术性越来越高,并且由自发转变为自觉地、有目的的创造活动,但作为协调生产和消费之间的手段的经济特征并没有根本改变。 (二)环境艺术设计元素与灵感源于地区经济发展 长期来看,环境艺术设计要想取得进步,离不开这一地区的社会经济发展对于环境艺术提出的新要求以及提供的广阔创作源泉。由于环境艺术设计的设计要求、设计材料、设计方法和表现手段都受制于当地的经济发展水平,因此,环境艺术设计的发展方向和表现元素都是与当地的经济发展水平保持一致的。首先,地区社会经济的发展是环境艺术设计发展的最终推动力。地区经济的发展推动了社会生活水平的不断提高,在这一背景下,人们对工作、生活环境设计的要求逐步由实用性为主、审美性为辅,逐步转变为实用性与审美性并重,并且经济愈发达的地区,人们对环境设计的审美要求越高。这种新要求成为环境艺术设计发展的重要原动力。其次,经济的发展和科技水平的提高在提高经济收入的同时,还不断创造出新材料和新产品,这就为环境艺术设计在原料选择和设计思想上的多元化不断提供了新的可能。再次,由于经济的发展,现代社会从物质层面的多样化到精神层面的多元化都为环境艺术设计的发展源源不断地提供了设计新思路和新灵感。在社会经济高度发达的今天,环境艺术设计不再是客观世界的简单复制,它被多元化的设计选择赋予了强大的艺术生命力和创造力,将我们生活环境中的很多细节,化作了精妙的艺术作品。最后,环境艺术设计的发展和高新科技手段的融合可以丰富设计作品表现力。环境艺术设计的发展依赖于社会科技经济发展提供的高科技手段,社会经济发展支撑下的高新科技手段不断发展成熟,可以为环境艺术设计提供丰富多样的表现手段和表现形式,并促进环境艺术设计理念、方式、目的、途径的不断革新。尤其是随着经济的发展,许多地区已经步入了网络时代,先进的网络信息技术为环境艺术设计创造了更好的表现条件,为环境艺术设计的发展注入了新的动力。 (三)经济因素贯穿于环境艺术设计活动的全过程 人类对物质和精神生活的追求促进了社会的进步和经济的发展,而社会经济的不断发展也必然导致人类对物质和精神生活的新追求。环境艺术设计区别于其他艺术活动的首要特征是它的经济属性。它以艺术与技术为双重基础进行创新设计,来创造着以艺术为表现形式的现代社会的物质文明。而经济因素贯穿于环境艺术设计活动从设计到实现设计的全过程。在产生阶段环境艺术设计师需要把握与设计对象相关的各种因素,然后通过设计思维创造形成设计方案。其中对设计对象的经济价值、市场需求以及设计方案的经济内容等方面都要进行分析,而这些方面无一不体现着经济因素。并且经济因素是影响设计观念的重要方面。实施阶段指的是将设计方案由图纸转变为实体的过程,由于这一过程需要建筑、装饰、机械等多方面的参与,其中的每一步都要受到经济因素的制约。因此也使得环境艺术设计与其他艺术相比更具有明显的经济特征。现代设计是“艺术与技术的统一”。这也是环境艺术设计与其他艺术的主要区别,而在经济高度发展与信息化的今天,我们更应该遵循设计与经济的结合的原则,把握好贯穿于环境艺术设计活动全过程的经济属性。 三、环境艺术设计对于地区经济发展的促进作用 (一)环境艺术设计反作用于经济发展 “科学技术是第一生产力”,一个地区的高新科技的发展是促进这一地区社会生产力和社会发展的重要推动力。在人类的文明史上科技和艺术从没有被割裂开而单独发展的历程,科学技术总是以丰富的形式与艺术相互融合为人类社会经济的发展作出贡献。当然现代环境艺术设计也不例外,环境艺术设计发展的原动力是人们对审美追求的本能。而这种本能,正成为促进社会经济发展的内在动力。同时,环境艺术设计的进步离不开高新技术的不断发展,在其为环境艺术设计提供了多元化的设计思想和设计手段的同时,环境艺术设计也通过其促进人们对社会物质生活的不断需求,从而推动当地的经济发展。从社会生产力的发展过程来看,环境艺术设计通过设计理念与风格的现代化,不断创造出符合社会经济发展和人们的审美需求的优秀产品。而这些产品反过来又会进一步激发人们的审美追求与创作需求,并对环境艺术设计在设计思想、材质和建筑加工技术上提出了更高的要求,这种要求就需要社会经济的发展和科学技术的进步来进行支撑。在这个层面上讲,环境艺术设计可以不断地推动社会经济的发展。 (二)环境艺术设计的发展是社会经济腾飞的翅膀 现代环境艺术设计作为艺术与科技融合的产物同样也是一种生产力,在推动地区社会经济的发展方面起着重要的作用。满足人的使用与审美的双重需求,不仅是环境艺术设计发展的目的,也是其发展的主要动力。人类在生存与发展过程中会产生各种需求。环境艺术设计的发展是以满足、引导和创造需求为目标的。环境艺术设计的手段是对物改造,但是其目的是人。环境艺术设计除了给人带来物质与精神上的愉悦与享受以外,还改变着人们的生活方式。因此,从社会发展的角度来说环境艺术设计是把未来生活和观念的现实化和实物化,其中孕育的是人们对于将来美好生活的审美表达,是人们对所进行经济建设活动作出的艺术化的设想和筹划。因此,强调创造性与个性的现代环境艺术设计不再是对客观世界的低层次改造,具有化腐朽为神奇的力量。所以环境艺术设计已经成为推动地区社会发展的内在动力和经济腾飞的翅膀。 四、结语 环境艺术设计是近期发展起来的一个艺术设计分支学科,由于其设计对象是人们生活和工作的室内外工作环境,设计理念的实现需要各种现代技术的支撑,因此环境艺术设计是艺术与技术的融合。环境艺术设计与地区经济发展是紧密联系、相辅相成的关系。一方面环境艺术设计产生于社会经济活动,需要地区的社会经济进步为其提供设计元素与灵感;另一方面环境艺术设计的发展能够对经济发展起到推进作用,是地区经济发展与腾飞的翅膀。理清和把握这一关系,无论对于环境艺术设计的进步还是当地经济的发展都具有重要的意义。 作者:张乐 单位:安徽工商职业学院 艺术设计论文:教学改革环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的教学现状 1.教学过于注重理论知识 环境艺术专业具有很强的专业性与实践性,要求相应的知识与技术密切联系社会发展,要求大中专院校培养出理论与实践、技术与艺术相结合的复合型人才,同时具备很强的实践能力与创造力。但是目前我国的环境艺术专业的人才培养仍沿袭着传统落后的教学模式,过于注重理论知识的教授,忽略实践能力的培养。产生这种现象的原因是多种多样的,主要体现在师资与教学环境等方面。大中专院校的课程设置、教学内容与方法、技能的培养等教育教学体系落后,集中于理论知识的学习,忽略动手能力的培养,也无法提供大量的案例与实践教学。 2.学生学习主观能动性差 目前我国的环境艺术设计的教学往往采取传统的接受式的学习方法,忽略了对学生主体性的体现。传统的教学模式使学生处于被动的学习环境中,无法激发出学生的学习兴趣,也无法吸引学生对课本知识的注意力,更加无法对本专业的知识理论技术等方面进行深入探索,久而久之,学生就会对本专业失去主动学习的动力。而且大中专院校的学生的入校水平参差不齐,有的学生是经过美术联考考入本专业,具有一定的美术基础,有的学生是未经过美术联考而直接填报本专业,没有基本的美术功底。学校的教学并未考虑到学生之间的差距,按照以往的教学大纲进行授课,基础差的学生无法跟上进度,最终失去对本专业的兴趣。长此以往,大中专院校将无法培养出市场需要的环境艺术设计人才。 二、环境艺术设计的普适教学改革 1.课程改革适应市场需求 我国有着丰富的文化底蕴,如果能够将其与时代需求结合,产生新的设计理念,并运用到实际社会生活当中,必然会形成我国特有的艺术设计风格。我国的多民族文化体现出个性化与多元化,相应的艺术设计也应体现出多民族的特性。在国际化的背景下,我国的环境艺术设计的课程应符合时代的特性,体现出我国环境艺术独有的特性。我国有着广阔的土地,拥有丰富独特的民族环境风格,如丽江古城、苏州园林、皇家园林、平遥古城、湘西吊脚楼,掌握着多种多样的民间技艺,如陶瓷、印染、刺绣、雕刻。我国大中专院校的环境艺术设计的教育应结合本民族的特点,充分利用现有的资源,将这些元素加入到教学内容中,使其贴近实际生活,既能使学生从中获得创作灵感,又能发扬民族传统文化。 2.注重基础技能训练与创造性思维培养相结合 环境艺术设计专业应培养出具备扎实的专业知识与文化素养、良好的专业技能和创造性的思维的人才。该专业是技术与艺术相结合的学科,要求学生具备较高的动手能力,更要求学生在设计的作品中体现出创意与创新。对本专业的学生的培养应遵循以下两点,在低年级注重基础技能的训练,在高年级注重培养创造性思维。低年级的课程中应注重对学生的专业基础理论与知识及相关技能的培养,同时多让学生接触新知识、新思想、新技术,潜移默化地向学生灌输创新的思想。高年级的课程在提升学生的专业技能的基础上,鼓励学生参与到社会实践中,创作出具有新意的作品。由于创造力的培养是一个长期的过程,需要学生不断地积累,要求学生在低年级时尽早培养创新意识,使其在今后的学习与创作中能够逐步地、独立地设计出具创造力的作品。 3.采用多元化教学方法和手段,激发学生学习主动性 大多数环境艺术设计的课程是枯燥乏味的,大部分的教师在讲授相关知识时也仅仅是采用单一化的教学方法,这不仅不能够达到良好的教学效果,而且会使学生丧失对课程学习的兴趣。同时,教师在讲授课程时仅讲授课本中出现的理论与知识,不涉及其他相关的理论与知识,不注重对学生的知识与思维的扩展。因此为了能够激发学生的学习兴趣,提高学生学习主动性,应采取多元化的教学方法和手段,突出学习重点与难点,提高学习效率与效果,并发散学生思维。大中专院校教师可以利用现代教学设备与手段,如网络、多媒体、投影仪,展示课程有关的图片、影像、文字信息等,培养学生的独立思考能力,引导学生主动学习。教师还可以带领学生进行实地参观访问,将理论知识运用到实际社会中。教师在采取多元化的教学手段时,应考虑到环境艺术设计教育的特殊性,综合运用多学科知识,培养学生的艺术素养和设计能力,让其更好地掌握相关的技术与技能。 三、结语 我国的环境艺术设计专业的教育才刚刚起步,存在着很多的缺点与不足。相关的大中专院校也在积极探索一条适合本校的教学方法,适应时代的要求,符合市场的需求。针对环境艺术设计的普适教学改革,各学校也在积极探索中,只有大中专院校能够落实到实处,并进一步改善,一定能够培养出符合大众需求的环境艺术设计人才,为我国社会主义事业发展贡献出自己的一份力量。 作者:邹航英 单位:桂林理工大学艺术学院 艺术设计论文:人才培养环境艺术设计论文 一、环境艺术设计教学人才培养的合理体系 1.设计基础课程部分 设计基础课程包括造型基础、构成基础、专业基础等课程。进入设计基础课程学习后,要使本专业学生从临摹型思维向创意型思维转变,从一名美术类学生过渡为设计类学生。 2.设计理论课程部分 设计理论课程包括设计原理、计算机二维三维设计、工程构造、材料等课程。针对本专业“一专多能”的市场型人才培养目标,掌握理论知识是非常必要的。这样不仅能在以后的设计课程中应用到,并且能与设计实践相结合,如景观设计方向开设的景观环境原理、景观工程、景观设计初步、景观构造与材料等课程。 3.专业设计课程部分 专业设计课程包括室内设计、景观设计、建筑设计、植物设计、家具设计等课程。以景观设计方向为例,开设景观设计(庭院、社区、综合场地设计)、景观建筑设计、植物配置与造景三个门类的课程,还可以增加景观规划专题这一系列的辅助设计课程。 4.专业选修课程 部分专业选修课程包括雕塑、陶艺、城市家具、景观生态学、城市设计、中外园林史等专业课程。该类课程为完成基础及专业课程之外的扩充,既可以拓展学生的专业能力,又可以丰富学生的专业知识,提高学生对于本专业的学习兴趣。5.专业实践课程专业实践课程包括建筑风景速写、手绘表现、设计实践项目调研、毕业设计等课程。专业实践包括学生将所学基础知识、专业知识与社会实践相结合的过程,以及将四年学习期间所学综合完成的毕业设计。 二、环境艺术设计的工作室模式教学 应用型人才培养要求学生将基础知识和专业理论在实践中应用,参与课题设计是理论与实践结合的最佳途径。课程的开展有规范的内容,由实题开始,以副教授职称以上导师和至少两名辅导教师构成的工作室形式展开。将专业教师分为多组,承担不同的设计课题,由学生及工作室教师双向选择,既培养了学生的自主学习能力,又给予了教师教学充分的自由度。学生在工作室学习不仅深化了所学的专业知识,而且能熟练掌握相应的制作技能,有利于团队管理和协作、现场踏勘、资料分析与研究、设计创新创意、市场分析等综合能力的培养。环境艺术设计的学科性质要求学生能同时具备设计能力与表现能力。传统的教学模式中,课堂练习是主要教学方式,实践课程少,实践时间短,忽略了社会实践环节,很难将理论和实践有机结合起来,而开展工作室模式教学正是针对此弊端而进行的改革。因此,环境艺术设计专业开展工作室模式教学很有必要,也迫在眉睫。 三、环境艺术设计教学专业教师队伍的建设 教师的素质和学历职称不容忽视。除此以外,教师的创造性思维也是很重要的,优秀院校创造的成果,都离不开具有创新意识和奉献精神的高素质教师队伍。设计学院的专业教师队伍现阶段年龄结构和层次比较合理,中青年教师占的比例比较大。这就需要学院多提供深造、培训、交流的机会,可以体现在以下几个方面: 1.继续深造 针对当前环境艺术设计专业的发展趋势以及学生专业能力的培养,对教师队伍专业水平的进一步提升是大学教育中的一个重要组成部分。对于教师的继续深造,学院应给予支持、鼓励及制定相关的奖励机制。 2.培训及交流 社会需求的时效性、行业的发展是环境艺术设计教育的主要推动力,其影响是全面而持久的。而专业教师的业务素质决定了设计企业的管理技术、经验和学科发展的前沿信息能否及时融入相关的实践教学。因此,环境艺术专业教师在行业间的培训和交流对于促进实践教学的改革及项目工作室的顺利进行是基本保证。教学经验和专业发展的交流也是非常重要的,这包括学院内部不同专业教师之间的教学经验交流、教师与学生之间的互动交流和专业教师教学与学院管理层之间的交流。为了保障顺利交流,除了学院提供交流的机会及平台以外,每位教师的积极参与也是必不可少的。这就需要制定一些正式的规章制度,采用如展览、座谈、考察等多种交流形式,以形成良好、持久的交流机制及氛围。最后,校际相关专业之间的考察及交流也是不能忽视的一个环节。 四、结语 每个专业建设的阶段性是必然的,成长是迅速的,过程是曲折的。环境艺术设计专业建设应在继承传统的基础上加以创新。值得肯定的是,目前环境艺术设计教育理念的探索和发展之路,正是沿着这个发展方向前进。 作者:杨霞 单位:云南艺术学院设计学院 艺术设计论文:设计教学艺术设计论文 一、新型艺术设计教学理论在艺术设计教学中的运用 1、双主教学模式。这一新型教学模式在保留传统的“传导———接收”教学活动开展方式的基础上,更多地为学生提供了自主思考、自主探索的机会。艺术设计是一个自主创作的过程,在艺术设计教学中,充分利用双主教学模式,能够强调学生的主体地位,使学生的自主创造能力得到有效发挥。教师要注重情景的建构,使学生能够利用已有认知结构中相关经验对新知识进行顺化,并使其根据反馈信息形成对问题解决方法的自主构思。此外,双主教学模式还强调学生间的合作学习与多媒体工具的使用,学生在教师指导下组建学习团体,通过各类信息设备的支持开展相关理论、课题的讨论,使学生间形成思维共享,共同实现知识的意义建构。 2、3P1D教学模式。当前艺术设计的教学模式主要采用教师布置课题、学生搜集资料、构思、确定设计方案、设计图展示、教师评价的顺序,课堂上教师对教学过程的把握与学生交流存在一定缺陷,利用3P1D模式能够有效处理这些问题。这一新型教学模式要注重以下几个基本点: (1)教学中的课题选择(Project):教师的课题的选择上可以是实际设计项目或非实际练习,教师在备课阶段就要注重对课题内容的构想,在保障课题要求符合教学大纲的基础上,选择具有可操作性与时代性的课题,并根据实事求是原则制定规范的评定标准,便于学生把握艺术设计方向。 (2)课堂教学质量(Process):教师要注意设计具有针对性的课堂练习项目,对学生的设计创新能力和审美意识进行系统性提升,在学生课堂项目评定上,教师要根据教学目标,结合学生的自我评价与相互评价对学生作品开展点评,最大限度激发学生的教学参与热情。 (3)设计说明(Description):教师应把学生的设计说明作为其成绩的重要参考因素,培养学生对课题认识、设计方法探索、图纸模型绘制能力,在艺术设计过程中使学生得到眼、脑、手的全面训练。 (4)课题陈述(Presentation):教师在学生进行课题陈述的过程中要注重对其设计构思、问题处理方式、语言组织能力等多方面因素考量,结合学生设计方案为学生指出设计亮点及存在问题,在设计实践中对学生进行设计师基本素质的培养。 二、艺术设计教学理论体系的完善策略 1、与时俱进,提高艺术设计教学创新性。艺术设计是一门更新速度极快的学科,在具体教学实践中,若只关注于学生对事物形态的描摹能力,则易使学生丧失应有的个性表达与自主创新能力。因此,要建立完善的艺术设计教学体系,教师首先要对教学手段加以创新,在课堂教学中可适当地融入新型教学手段与流行设计元素,充分发挥多媒体设备在艺术设计教学中的作用,利用具有时尚元素的影视剧展示等手段向学生表现艺术设计的美学价值,从而提升学生的审美情趣与自主创造欲望。 2、推进教学目标分层化。教学活动开展前,教师应针对不同学生对具体教学目标进行有计划、有层次的设定,例如大一学生要加强对基础课程的巩固,大二学生要实现专业课程的初步入门,大三则要全面提高专业素养。在完成教学目标时,可采用多种手段辅助教学,充分利用现代信息技术,艺术设计教学内容设计尽量做到简明扼要,让学生在轻松的课堂氛围中完成对专业知识的理解。 3、建立艺术设计教学整体框架。在图形技术、色彩、传播等艺术设计基础原理方面,有必要对艺术设计教学的整体框架进行科学建造。在课程体系的设置中,务必保证课程间的相互联系,建立系统的课程体系,使对学生的专业能力与素质培养能够始终贯穿在各门课程的学习中。 4、强化设计实践。设计是一门实践性很强的专业,在艺术设计学科发展中,更强调对设计实际经验的积累。要健全艺术设计教学理论体系,便要加强艺术设计教学的实践性,转变传统的课堂教学模式,根据学生实际情况开展艺术设计的交流实践。艺术设计的实践活动可分为欣赏课程与创作课程,前者可通过教师带领学生参观优秀艺术设计方案,引导学生对作品中的形式美法则进行体会,后者则通过教师布置设计课题,由学生自主创作并上交方案,使学生获得艺术设计的实际经验。综上所述,艺术设计具有较强的时代性,过分拘泥于传统教学模式,将无法满足社会对艺术设计人才的需求。高校只有不断深化艺术设计学科特点,结合时代特色不断对教学模式与手段进行创新,构建科学的学科体系与人才培养方式,才能建立完善、高效的艺术设计教学理论体系,不断培养满足社会发展需求的设计人才。 作者:刘畅 单位:衡水学院分院 艺术设计论文:实践教学下艺术设计论文 一、艺术设计专业课程实践教学的意义 在经过漫长的考察多个地区、多个企业、多个院校,针对不同社会结构、不同调研对象对艺术设计专业课程与市场人才的真正需求,笔者当下艺术设计专业课程设置与实际市场需求之间的真实差距,应该并针对该现象提出了“入学即实践”、“随市场需求阶段性渐进式结合”等创新建议、研究。艺术设计专业如何通过转变课程设置来更好的培养出合格的高素质技能型艺术设计人才,让学生学有所成、学以致用、顺利就业是本课题研究的优秀目标。经过几年的快速发展,如今的艺术设计教育已具备相当的规模,高校数量、每年招生数和在校生数在整个高等教育中均占很大的比重,成为我国高等教育中不可或缺的重要组成部分。但是,相比规模的快速扩张,艺术设计教育与市场的关系却在渐行渐远,培养的人才质量提高并不快,且没有得到社会的广泛认可。随着艺术设计教育也得以迅猛发展,招生人数逐年上升。但传统的教学模式、课程体系、教学与实践等日益呈现出了其不合理性。艺术设计专业课程的有效转型即与市场接轨是最终目标。 二、艺术课程实践发展方向 调研与分析,抽样调查我国当前部分高校和职业教育院校艺术设计专业的课程设置、教学与实践、学生就业、校企合作情况,并通过统计,分析当前高职艺术设计教育的问题症结所在。 1“.包豪斯”设计教育模式“、双元制”职业教育基础理论学习。 2.针对我国当前不同地区经济特点、产业结构、人才需求等,在“包豪斯”设计教育模式、“双元制”艺术设计专业课程教育理论基础上,引申并提出适合我国当前国情的新的艺术设计专业课程教育培养体系,从“制造走向创造”,包括: ①课程设置和教学内容的重新定义。 ②学校与企业社会的合作教学、课堂与工作室的结合。 ③学生理论学习与实践的及时配合。 ④院系根据社会需求建立动态的培养体系。 ⑤网络实践培训“企业、学生一对一监控”、“教师、学生一对一辅导”。 ⑥培养学生终生学习的习惯模式等。 ⑦对教师的提出新的评价及要求标准。 三、艺术课程实践发展目标 以办学机构的教育内容形式为主要视角,同时也将多角度的考虑接受艺术设计专业课程者即学生的最终培养效果、社会企业等经济活动实体的相关收益、政府相关部门的支持因素等方面。本课题研究方法的立足根本是调查研究,实践教学模式研究和来自多方包括教师、学生、社会企业及学校的总结汇总对比研究。采用的研究方法步骤主要是:一、相关资料收集的方法,主要通过文献、网络查询我国艺术设计专业教学实践环节的发展脉络和当今高职院校开设艺术设计学科的数据;二、问卷调查收集毕业生及在校设计专业学生对艺术设计专业教学实践环节的看法及满意度的相关数据;三、走访企业、行业协会对高校艺术设计专业人才的需求及建议的相关数据;四、对艺术设计专业学生进行实践性教学研究。五、归纳分析我国高校艺术设计专业教学中实践环节的不足之处,并在分析实践环节不足成因后归纳提出几点建设性意见。 作者:邓凡 单位:武昌工学院艺术设计学院 艺术设计论文:数字化技术艺术设计论文 一、数字化技术对艺术设计的影响 (1)促进了艺术创作的大众化 艺术创造需要投入大量的时间和精力,繁缛的传统艺术设计所耗费的时间之长、训练过程之艰苦都是生活节奏越来越快的现代人所难以接受的,以高技术代替大量传统技法训练的数字化艺术设计只需要很短时间的培训就可以进行简单的艺术设计,大大缩短了艺术创作的过程,这对追求简易快捷的现代人来说具有极大的吸引力。同时,在数字化环境中,各种绘图软件为创作多样化的设计效果提供了方便,人们可以从各种预存的“素材库”中寻找自己需要的形象,进行色彩调配、重新组合表现新的感觉;而应用软件中画笔、数位板等数字绘画技法的设计为人们随心所欲的展现自己的艺术创作提供了可能性,这种便捷的表现形式不仅更贴近大众,为人们独立实现自己的想法、展现自己的艺术构思和艺术设计提供了平台。美国学者在谈到数字化艺术设计作品时说到:对于专业人员来说,数字化技术不仅能证明计算机分析现存技术或规则的潜力,帮助艺术家理解艺术创作的过程,而且还能证明普通人的创造能力,使人们从中获得创作的乐趣。 (2)为设计师表达设计意图提供了新的平台 随着计算机技术的发展,计算机已成为数码图形制作的重要手段,具有强大的生命力。越来越适合处理高质量图象的计算机辅助设计软件已成为艺术设计表现的主流。设计人员可以运用数字化绘图和数字化三维动态手段等辅助电脑设计的诸多软件将复杂的四维空间形象绘制在二维空间,反映空间状态、构造和装饰材料的质感,尤其是在艺术设计的后期制作中数字化绘图软件更是体现出明显的优势:数字化图形技术的发展不仅丰富了设计的表现手法,提升了设计的艺术效果、优化设计方案,而且还能较好地反映空间的视觉效果、写实地模拟真实的空间环境、装饰材料的光影等,从休闲到工作、从娱乐到学习、从欣赏到创造改变着人们的创造性思维和审美习惯,为人们的预期判断提供了更加可信的依据;而数字化图形技术还可以对效果图进行造型、色彩、灯光等进行反复修改,有助于多角度展示设计的构思和表达。 (3)改变了视觉设计 以传统艺术设计为基础发展起来的数字化技术设计摆脱了传统艺术环境单一化、表态化的视觉传达形式,实现了视觉传达的综合化、动态化和瞬间化,加强了艺术设计在人们生活中的地位,影响着人们的感官和思想。如2008年北京奥运会印章的设计不仅让全世界从中感受到中国文化的艺术魅力,而且还给观众留下了深刻的印象。数字化技术对视觉艺术的影响不仅造成了人们对艺术品个性化创意的忽视,也非常容易将艺术设计带入发展的死胡同,这显然与技术发展的初衷是相违背的。 二、数字化艺术设计的发展趋势 艺术设计的发展是对传统的继承、对新事物的吸收和借鉴。在社会发展过程中,艺术设计对传统的继承和对对社会新变化的体现是艺术设计永恒的追求。数字化技术的发展不仅为艺术设计和人们的生活带来了巨大的影响和变化,还为艺术创作带来了新的创作方式和设计语言。科学和艺术是不可分割的。在个性张扬的数字化时代,只有个性化和有艺术价值的设计作品才是真正的艺术品,数字化艺术设计丰富了艺术设计语言,为设计人员表现产品提供了新手段,符合人们对个性的追求。随着信息视觉化的发展,数字化艺术设计将获得更大范围的发展,将侵蚀人们生活的每一个角落。 作者:胡玥 单位:河南大学艺术学院
艺术设计研究论文:全球化现代艺术设计研究论文 全球化是我们当前议论最多的话题之一,不论你是否情愿,它都将对你,对你的生活,或者你所从事的工作和专业产生巨大的影响。我们曾经很热烈地讨论过全球化对科学与技术,对文化与艺术的种种影响。作为科学与技术、文化与艺术载体的现代设计,也不可避免地受到全球化的巨大影响。问题的关键不在于全球化对现代设计产生多大的影响,而在于我们怎样应对这种来自全球化阴影。 对全球化的再认识 今天竭力鼓吹全球化的始作俑者是美国人,因为亨利·基辛格说得明白:“全球化对美国是好事,对其它国家是坏事……因为它加深了贫富之间的鸿沟。”美国人鼓吹的全球化,即美国化,不但遭到了世界众多国家的坚决反对,也同样遭到了西方国家的强烈抵制。那么,美国人为什么如此热衷于鼓吹全球化呢? 美国人竭力鼓吹全球化,恐怕只有两个原因:第一个原因是文化层面上的。美国是一个立国仅仅二百年多一点的国家,没有中国人常常说起的“博大精深”的民族文化,有的只是移民文化。也正是因为这种移民文化的种种特征,才使得美国能够比世界上任何一个国家,都更容易接受、吸收来自世界各个国家、各个地区、各个种族、各个民族的文化。仅从这一点上说,把美国的文化称为“杂交文化”,或者“融汇文化”也是十分贴切的。大家知道,在生物学上,“杂交”是生物优生的最好途径,因此,生物学家对“杂交优势”情有独钟,常常以此来培育生命力更强的优生品种。美国二百年的发展历史证明,其成功的绝大因素是得益于这种“杂交文化”。所以,出于移民文化的印痕,美国人总是自觉不自觉地接受和吸收一切外来文化。不问精华,亦不论糟粕,只要你不反对它的统治者,什么都可以容纳。这就是移民文化对待外来文化的最显著特征,也是美国所独有的,是其它国家和民族难以学得来的。美国是由早期的欧洲殖民和后来的移民建立而成,移民给美国带来了世界各地的科学家、工程师、艺术家。正是因为人口构成的多种族性、多民族性,才有了独特的移民文化,这种移民文化又常常带有殖民色彩。全球化正是适应移民文化这种杂交性文化需要的最佳方式,所以美国人竭力鼓吹全球化,是有它极深刻的文化背景因素。 第二个原因是实利层面上的。在今天的世界上,无论从哪个意义上说,美国都是独一无二的“超级大国”。不管你愿意不愿意,在一个可以预见得到的未来,谁都无法取代它。美国的总统,不论他自己是否真的情愿,还是假的情愿,或者根本就不情愿,只要一上台,就是七分管世界,二分抓竞选,一分应付国内。这是美国“世界警察”身份始然,不能简单看成是个人性格原因。正是因为这种“世界警察”的特殊身份,使得美国的政治、经济、文化、军事等等,始终面对全世界,而很少面对国内。譬如美国的军事机构,从来就没有象其它国家那样,以自己的国土划分战区,而是以全球划分战区,什么太平洋、大西洋、印度洋等等。美国在联邦政府内不设教育部、文化部、宣传部,联邦政府也从来不统一管理国民的教育、文化和宣传,但它却向全世界推销它的教育,灌输它的文化,鼓吹它的意识形态。所有这一切,都是从实利出发的。政治上,美国需要统治这个永远动荡不安的世界;经济上,美国需要世界这个再大不过的市场;文化上,美国需要自己的文化走遍全世界,成为世界主流文化。现在人们常常把美国人讲的英语,称为美语,美国讲授英语的教材也称为“走遍世界”或“走遍美国”,也是这种移民文化用意。因为它的祖先之一,大英帝国就曾经有过“日不落”的辉煌;军事上,美国需要控制全世界,以保证它上述目标的实现。因此,从实际利益出发,美国人也必须鼓吹全球化。回到文章开头,亨利·基辛格的说法,也正是上述两层意思的集中体现。 但是,全球化的概念不是美国人的发明,其滥觞是马克思主义。在马克思主义出现前,有很长一段时间,世界上许多国家基本上是一种隔绝状态。马克思主义的出现代表了一种真正意义上的国际主义。如果你还有什么疑惑,以为“全球化”这样时髦的理论,怎么可能会是一百多年前的马克思想得出来的呢?那么,就请去读一读马克思和恩格斯在150多年前发表的《共产党宣言》。他们说:“大工业建立了由美洲的发现所准备好的世界市场。世界市场使商业、航海业和陆路交通得到了大的发展。这种发展又反过来促进了工业的扩展,同时,工业、商业、航海业和铁路愈是扩展,资产阶级也愈是发展……资产阶级,由于开拓了世界市场,使一切国家的生产和消费都成为世界性的了。” 马克思和恩格斯在发现经济全球化,即“资产阶级,由于一切生产工具的迅速改进,由于交通的极其便利,把一切民族甚至最野蛮的民族都卷到文明中来了……一句话,它按照自己的面貌为自己创造出一个世界”的同时,还发现“在资产阶级的统治下有一个将把整个旧社会制度炸毁的阶级发展起来”。正是因为马克思和恩格斯发现资本主义社会的这一趋势,他们才在《共产主义宣言》中说,将有一个世界性的人权,他们相信人类将有一个共产主义社会,那才是真正意义上的全球化。所以他们大胆地说出:工人阶级无国界。无产阶级只有解放全人类,才能最终解放无产阶级自己。至于他们自己,马克思说,他是世界公民,他是为世界被压迫人民而战斗。仅从这一点上说,马克思主义的全球化与美国鼓吹的全球化,是有着本质上的区别的。 上个世纪90年代,苏联土崩,东欧瓦解,随之而来的是所谓的社会主义阵营不复存在,西方世界为此高兴了好一阵子。一个叫福山的人写了一本《历史的终结》,他说人类的历史已经发展完了,资本主义已经统治了全世界,世界已经形成文化大一统的格局,资本主义的思维方式、行为方式已经取得全球性的胜利。于是就借此楔机鼓吹全球化。那么,美国鼓吹的“全球化”将给世界带来什么呢?亨利·基辛格的话说得再明白无误了。亨利·基辛格是资产阶级政治家,他不可能不维护在资本主义社会占统治地位的资产阶级的利益,可是连他也不得不承认:“全球化对美国是好事,对其它国家是坏事……因为它加深了贫富之间的鸿沟。”如果我们还对今天的美国式全球化抱有某种不切实际的认识,不是自我陶醉,就是别有它图。当我们惊叹世界经济神奇般发展的同时,也不要忘记,世界上最富有的三个家族的财富总和,比世界上最不发达国家六亿人口的年收入还要多;当我们赞美高科技给人类带来现代文明的同时,也不要忘记,20世纪末的海湾战争和科索沃战争给人类留下的难以治愈的后遗症;当我们欢呼互联网便捷的同时,也不要忘记,在美国买一台电脑只需花一个月的薪水,而在孟加拉国就要花掉八年的积蓄……地球上有限的资源和少数人无限膨胀的占有欲,不可能使人类都成为华尔街老板。 所以,资本主义社会中的有识之士,开始反思全球化的价值体系。美国一位叫威廉·普法夫的作者,在美国《国际先驱论坛报》上发表文章说:“全球化的价值观完全是实利主义的。它的倡导者完全以积累财富为衡量进步的依据。经济行为和人类工作的最终目的,以及对人类行为的定义,都被归结为回报投资者。也就是说,由此才能谈到其它方面的利益。这种自私的思想已经上升为经济原则。”与此同时,曾经担任过数位美国总统顾问的杰里米·里夫金也对记者说:“每时每刻,我们的生活都可能成为金钱和商业的来源。这是一种挑战,是注定的。能这样生活下去吗?这是我们的美好梦想吗?”1999年诺贝尔文学奖得主、法国作家格拉斯说:“随着21世纪的来临,资本主义世界感兴趣的,只是以最快速度赚取大量金钱。”这就是美国鼓吹的全球化的今天和明天。 邵大箴先生在谈到全球化与民族化的问题时,也有着一种清醒的分析,他说:人类在二十一世纪有很多问题,有许多共同面临的困境。全球化实际上是个普遍化原则。一方面,除了科技界外,文艺领域也将面对这个大趋势。另一方面,各个民族又要寻根,又要去挖掘自己的文化传统。他又说:现在有一个认识上的误区,好像全球化了全世界就要走一样的路,都要作一样的选择。实际上,这种选择是西方的选择,归根到底是美国的选择。美国除了强调经济的全球化之外,还强调文化艺术的全球化,其实质就是推销美国的文化艺术,推销美国的文化价值观。欧洲已对此进行了抵制。要承认普遍化原则,更要承认差异性原则。文学艺术假如没有了民族的差异性,就谈不上全球化,因为民族文化的差异性、个别性是各个民族的特色,而全球化就是要强调对各个民族差异性、个别性的涵盖与包容。从人类文艺发展的阶段来看,20世纪是现实主义和西方现代主义对立融合的时代,也是社会主义现实主义成为主流的时代。 诚然,全球化的经济,是由现代科学技术的迅猛发展与普及带来的,是由“不断扩大产品销路的需要,驱使资产阶级奔走于全球各地。它必须到处落户,到处创业,到处建立联系”带来的,这是我们无法回避的。其实也用不着回避,资产阶级在全世界构筑的资本主义联盟,同时也在促成着全世界无产阶级的联合!这个马克思主义的预言,在经济全球化的今天,谁还能说它过时了呢?!经济的全球化,并不意味着全球经济的资本主义化。如果是那样的话,当年由中国人创造的、具有社会主义公有制性质的《鞍钢宪法》,就不会成为日本许多著名大企业的学习典范,资本主义也就不会向社会主义学习什么工人参与管理、员工持股、社会福利制度等等方法了。经济的全球化,也不意味着全世界的美国化。如果是那样的话,欧洲社会就不会对美国人的全球化加以抵制,也就没有世界各地的民族求解放、国家要独立。 按照马克思主义的全球化观点,全球化不是一种某一个阶级、某一个政治集团、某一个国家的人为的强制,而是社会发展的必然。既然是一种社会发展的必然,那么它就不可能是清一色的、单边主义的、一元性的,而应该是多色调的、多边主义的、多元性的。在这种意义下的全球化,才是真正意义上的全球化,它是统分结合的。以文化艺术为例,那些被人类绝大多数所接受的文化艺术,即代表了整个世界文明前进方向的东西,自然就可以变成一体化。这就是“统”的概念;而那些仍然成为某一个民族、某一个地域文化艺术特征的,而且被当地种族与民族所接受和继承的东西,自然是会保留下去。这就是“分”的概念。我们必须清醒地认识到,只要世界上还存在不同的种族、不同的民族、不同的地域,人类的这种个性和共性的关系,总是会存在下去的。这一点是不以人们的意志为转移的。 以我们的中华民族文化为例,中国是一个有几十个民族组成的大家庭,在数千年的发展过程中,经过不断的融合、演化,最终形成了中国各民族认同的中华民族文化。但是,并没有因为大家都认同中华民族文化,从而排斥或否定各个民族自己的文化艺术。相反,这个自古就大一统的中华帝国,不但各个民族的文化艺术相互学习、借鉴、融合,而且长期共存。著名藏族画家尼玛泽仁,是十世班禅命名的班禅画师,在新藏画的创新和研究方面,取得举世瞩目的成就,曾经获得过许多殊荣,被认为是对世界文化作出杰出贡献的人物。英国剑桥和美国国际人物传记中心把他选入《世界最著名五百名人录》和《二十世纪最杰出贡献人物传》,并授予金质奖章;1994年,英国利物浦市政府授予他“国际杰出艺术家”奖牌;1999年美国路易斯安那州巴特鲁治市政府授予他“荣誉市长”证书,并请他亲自将中华人民共和国国旗升起在市政府门前。我们在尼玛泽仁的作品里,看到的是中华民族文化的神韵,也有西方现代艺术的影子,他的代表作《元番瑞和图》、《雪域》、《牧马图》等,就体现了藏、汉民族文化和西方现代艺术相融合的整体风格,充满了玄思妙想,涌动着庄严肃穆的宗教情怀,深刻地描绘出藏民族对世界的神秘感知。但是,一看他的画,你就会立即感知到,这是藏民族艺术。在藏民族艺术的个性中,寓含了中华民族的共性。关于这个哲学命题,同志有过一段精辟的论述,他说:“这种共性,即包含于一切个性之中,无个性即无共性。假如除去一切个性,还有什么共性呢?”中华民族文化艺术,与中国各民族的文化艺术,正是这种客观规律的反映。 我们可以作某种假设,如果这个世界上只剩下美国人,只有美国文化与艺术,那么,美国人还能存在吗?美国的文化与艺术,还能称其为美国文化艺术吗?事实上,美国人所鼓吹的全球化,即美国化,其实质就是在宣扬一切,包括政治、经济、文化等等在内的一元化,这是违背事物发展客观规律的。所以我们说,真正意义上的全球化,应该是全球一体化包含于世界多元化之中。有了这个多元化,才能有你那个一体化,舍此,便不会有你那个一体化。 综上所述,全球化的定义,应该是多元化中的全球一体化,它是世界上各个种族、各个民族、各个国家文化与艺术相互借鉴、相互融合,不断文明的过程。我们对全球化的再认识,特别要认清这一点。 全球化应该使民族文化与艺术得到极至发展 与全球化相对应,国内许多专家学者提出民族化、地域化,以此与全球化抗衡,或者并存。这是不言而喻的事情。但是,在变幻无穷的信息社会,在科学与技术、文化与艺术急剧发展的时代,在全球化不断深入的大背景下,民族化、地域化,也要重新定义。这是符合马克思主义辨证唯物论和历史唯物论的,是符合同志实事求是原则的。这是中国自己的事情,同志说过,中国人首先要把中国自己的事情办好。中国当代艺术家和设计师应该有这种历史责任感和使命感。 从中国五千年文明史发展的进程看,中华民族,国内各民族,都在不同的历史阶段,为发展和丰富中华民族文化与艺术,做着应有的贡献。许多少数民族艺术家,在艰辛探索,努力发展本民族文化与艺术的同时,也丰富和促进着整个中华民族文化与艺术的发展。上面提到的十世班禅画师尼玛泽仁,就是这千百万少数民族艺术家中一位有突出贡献的艺术家。尼玛泽仁认为,他的绘画是从本民族文化的载体上生长出来,其中每一个形象,每一个符号都浸染着历史感。他说:在藏民族看来,自然是神圣的,人只是自然界的一分子。无论多么伟大的创造,大自然瞬息间就能将之毁灭,人类只有依靠精神的力量与自然和谐相处。在恶劣的自然环境中表现出顽强生命力,就是藏民族的精神。正是这种精神,贯穿了藏民族的历史、文化和艺术的全过程。有人将尼玛泽仁新时期的画称为“新”唐卡。尼玛泽仁却认为唐卡是作为宗教附庸存在的,并不是独立的艺术品,作为宗教供奉品的唐卡在今天被注入了更多商品化的内容。尼玛泽仁认为,唐卡大都以佛为内容,无法传达新时代鲜活的文化信息。所以,他在自己的绘画中保留了藏画设色鲜明、造型夸张和超时空的特征,融汇了中国画的线条和西方艺术的立体造型手段,拉开了与传统唐卡画之间的距离。十世班禅大师曾经给他以鼓励,对他说:“你既懂佛教文化,又懂汉文化和西方文化,应该将三者结合起来,发扬光大藏族文化。”并准许他用“十世班禅画师”的称号。 尼玛泽仁1993年分别在美国波士顿、洛杉矾、华盛顿三大城市举办个人画展;1994年在英国伦敦、曼彻斯特、利物浦、康沃、乌斯特五大城市举办个人画展;1995年在印度新德里现代美术馆、奥地利维也纳霍恩弗尔森宫、瑞士日内瓦联合国万国宫和瑞士苏黎世、西班牙马德里国家人类学博物馆等地举办个人画展;1996年分别在香港中华文化城展览厅、美国亚特兰大洛斯维尔市市政府、中国美术馆举办个人画展;1997年在法国巴黎皮尔卡丹美术馆举办个人画展;1999年分别在北京全国政协礼堂、美国路易斯安那州州立大学博物馆举办个人画展;还在日本、新加坡、台湾、阿尔及利亚参加美术作品联展。尼玛泽仁的成就,是现实主义与浪漫主义相结合的新形式西藏题材绘画艺术的成功,也可以说是全球化进程中,文化与艺术民族化、地域性探索的伟大胜利。瑞士藏学家、美术史论家霍伊斯对尼玛泽仁的艺术探索,给予很高的评价,他认为,尼玛泽仁的作品“赋予不可见的精神世界以生命形体和自然风格”。 尼玛泽仁的探索,应该给我们今天的艺术家和设计师以深刻的启示,即在全球化的阴影下,艺术家应该怎样根据新形势来探索民族化和地域性;怎样使民族文化与艺术成为融汇世界文化与艺术的重要力量。许多历史经验是值得我们认真思考的。中华民族在漫漫五千年历史长河中,从来没有鼓吹过“化”世界,“化”别人,但是在疆域强盛的秦汉;在文化发达的唐宋;在经济发展的明清,中华民族文化与艺术,仍然远播欧亚,甚至影响美洲大陆。这是为什么?这是中华民族文化与艺术的魅力。这魅力来源于中华民族不屈不挠的创造。在发展和创造中华民族文化与艺术的过程中,中国各民族都付出了艰辛的努力。不仅是汉民族,藏民族,其它民族也都是一样。南北朝时的北魏,是由鲜卑族的拓拔氏建立的政权,前后148年,在中国中世纪的统一过程中做出了重要贡献。为了政权的长治久安,北魏学汉学,祭孔子,提倡胡汉联姻。北魏中期,冯太后和孝文帝积极推行一系列的民族融合改革政策,孝文帝又把首都由大同迁到洛阳,改拓拔氏为元姓,讲汉语,习汉俗,着汉装。这些改革使鲜卑族的优秀文化与艺术被中原汉民族文化与艺术所吸收,特别是鲜卑族畜牧生产的经验和技术,在北方汉民族中获得传播,对北方的经济生活起着一定的影响。孝文帝时的《李波小妹》描写李波小妹“褰裙逐马如卷蓬,左射右射必叠双”,这无论从服饰上或从风度上,都显示了汉民族生活中所受鲜卑文化的影响。南北朝时在南朝和北朝都作过官的颜之推,比较南北方语,认为“南染吴越,北杂夷虏”,也说明北方汉语吸收了鲜卑语的若干成分。北魏改革取得的文化与艺术成果,今天我们仍然可以从大同云岗、洛阳龙门的石窟艺术中看得到,它可以给我们今天的全球化某种积极的启示。 中华民族文化的博大精深,可以说是长期兼收并蓄的结果。这种兼收并蓄,事实上也可以说是国内各民族文化与艺术的一体化过程,他不仅表现在中国各民族之间文化与艺术的融合上,也表现在对外来文化与艺术的吸收和融合上。沟通中国与欧亚的古代丝绸之路,使中华民族文化千百年来一直与西域各国保持着密切的交往,这种交往不仅是经济上,也是包含有文化与艺术的内容。郑和七次下西洋,也不仅仅是向太平洋、印度洋和亚非远播中华民族文化,同时也是把世界的文化与艺术吸收到中国的过程。 著名艺术家兼设计师韩美林的艺术作品在国内外都取得了极大的成功,他认为,艺术要想真正取得成功,必须有“根”。这个根就是中华民族之根,有根的艺术才能够枝繁叶茂,日益强大,没有根的艺术最终不过是浮萍一叶,昙花一朵,经不起时间的雕琢。而艺术的根,是扎根在多姿多彩的生活当中的,扎根在我们本民族几千年来的优秀民族文化当中的。因而,生活和民族性,是艺术创作的两个不可或缺的必要因素。韩美林还讲过一段令人为之动容的肺腑之言:“我酷爱民族和民间艺术,我一生也不能离开这个‘根’,它是抚育每一个中华大地艺术家的母亲。等我们长大成人了就得自己站、自己走、自己养自己。在困难面前或是在胜利面前,不要忘记回一回头,看一看这个赋予你的母亲。不要一辈子不断奶,但也不要跟着别人去姓人家的姓。”靳埭强是香港很有成就的设计师,他认为一个好的设计师不仅应该掌握现代的设计语言,还应具备市场分析能力,对市场有敏锐的触觉,为产品进行市场定位,这样才能创造出出类拔萃的品牌形象。同时他还主张把中国传统文化的精髓,融入西方现代设计的理念中去。他强调这种融入并不是简单相加,而是在对中国文化深刻理解上的融合。 所以举上面一些例子,就是说明一个问题,在全球化步伐越来越加快的今天,世界各国之间的政治、经济、文化的交流速度也越来越快,在这种形势下,我们更应该保持一种清醒的头脑,从古人那里取得一些有可借鉴的东西,以应对全球化阴影下复杂多变的局面。但是,有一点是必须明确和肯定的,那就是,如果在全球化的过程中,中华民族文化与艺术,不能得到继承和发展,那就是我们的失败。这种失败,不仅仅是我们一代人的问题,而是这一代人可能成为“吃祖宗饭,造子孙孽”的败类。作为个体的中国人,你可以移民到美国,你可以美国化,甚至你可以成为华裔美国人,站在美国的立场上审视自己的祖国。但是作为整体的中华民族,它不可能移民到美国,它也不可能站在美国的立场上看世界,它必须,也只能在中国这块土地上发展和创造中华民族的文化与艺术,用中华民族的文化与艺术,为世界和人类的文明贡献着自己应该贡献的力量。 中国现代设计要走出中国自己的道路 讨论中国的现代设计,不能脱离中国的实际情况。一个是中国的文化背景,一个是中国的社会环境。中国的文化背景是积淀了五千年底蕴的传统文化;中国的社会环境是建设中国特色社会主义。如果脱离了这两点,中国的现代设计将一事无成。 吃过洋面包的中国新生代艺术家和设计师,可以拿着西方种种“主义”,种种“流派”,去把玩,去神侃,但是一旦要用于实践,就必须与中国的实际相结合不可。我们的一些大师,如韩美林,如靳埭强,都是近些年很有成就的艺术家和设计师,他们也把玩西方的“主义”,也神侃西方的“流派”,但是一经深入到创造之中,却都扎扎实实地研究起如何把现代科学与技术,传统文化与艺术,更好地结合起来。韩美林强调“根”,靳埭强强化民族文化意识,总括起来就是寻找中国传统文化与艺术在全球化中的最佳切入点。正是因为他们孜孜不倦地追寻,才使得他们的艺术创造在国内外赢得极大的声望,在社会上深受不同阶层的喜欢。 一些有民族自强感的艺术家和设计师,对全球化给中国艺术与设计带来的消极影响,表现了深深的忧虑,他们对新生代艺术家和设计师中的盲目西方化,很是担心。这种忧虑不是空穴来风,在中国学习和生活多年的外国人,也有很多人持有这种观点。在中国学习京剧表演的美国留学生罗红梅(中文名字)就曾经在电视上直言不讳地说:我很后悔没有更早一点来中国,那时会见到更多真正的中国东西,现在越来越少了,恐怕再过几年就很难见到了。在这些外国朋友的眼中看到的是什么?是我们的城市在被“曼哈顿”化,是我们的广告在被“可口可乐”化,是我们的时装在被“巴黎”化,是我们的快餐在被“麦当劳”化,是我们的视觉在被“花花公子”化,是我们的艺术在被“纽约”化……等等,不一而足。这只是表象,但是就在这些无数的表象中,也的确使人看到了在全球化阴影下,我们的一些艺术家和设计师的浮躁、肤浅和盲目。我们可以通过下面这个案例看一看所谓很“前卫”艺术的浮躁、肤浅和盲目。 记得媒体上曾经有这样一则报道:《三裸女做画笔,艺术何为?》说的是2002年4月10日,在南方某城市的一次博览会上,一位行为艺术家与三名袒胸露乳、着T型三角内裤的模特,激情现场表演了一场“裸体做画笔”的行为艺术。记者写道:三模特相视着缓缓脱下花袍,仅着白色三角小内裤,露出性感健美的胴体。她们每人拿起一个红色木鱼,依次登上了T型台。这时,坐在台子前端,披着满头长发、穿一身深色中山装的艺术家,左手拿汉堡包,右手抓大瓶可口可乐,狼吞虎咽吃喝起来。钢琴叮叮铛铛演奏着不知名的曲子,三模特扭动腰肢,敲着清脆的木鱼,梆、梆、梆……围着台子转。突然,艺术家抛掉汉堡包、可乐瓶,站起身,抓起旁边一只装满红颜料的可乐瓶,仰头灌进一大口,猛力喷在模特雪白的胸脯上,霎时,血红的颜料以她的乳房为圆心,放射状布满小腹、手臂、脖颈,象一簇熠熠绽放的鲜花,随后又变成散落的雨滴,交汇成弯弯曲曲的细流散布在下体。继而,三模特以不同姿势躺倒台上。艺术家拖起她们在白布上四处滚动,白布印上了斑驳缤纷的人体图案。观众愤愤,反映十分强烈。但艺术家说:“我在尝试新载体绘画,你看到的汉堡包、可口可乐、钢琴、裸体,还有人体彩绘,都代表西方文化;脸谱、木鱼、这些汉字笔画,等一会我还要喷洒茶水,它们都象征东方文化。这次行为艺术的主题,就是表达东西方文化碰撞融合的意念。”观众大惑。艺术家抹着嘴巴上的颜料继续道:“这幅白布布满了许多艺术符号,就是一件艺术品了。经过简单的修饰开版,它将被制成床上用品源源不断地进入市场。许多行为艺术只注重过程而非结果,表演完了也就完了。”许多人发出质疑。艺术家回答:“西方女子把裸体模特看作很自豪很荣耀的职业,女性人体的美感能让更多的人接受。比如维纳斯、蒙娜丽莎就被广泛喜爱,大卫有多少人喜欢?” 这就是所谓新生代艺术的“前卫行为”。事实上,这不是什么新东西,而是“东施效颦”的舶来品。西方抽象表现主义艺术家,在20世纪40年代,就开始把注意力从画布上转移到人体行为本身,这一运动被称作“行动绘画”(ActionPainting)。艺术家通过绘画过程而使自己在作品中“出现”,导致艺术家的躯体成为运用颜料的工具,类似画笔。身体的痕迹直接留存在作品中。把身体直接当成“画布”,供绘画之需。行为艺术家的鼻祖杜尚在1946年搞了一个名曰《任性的风景》,赠给自己的情人、巴西艺术家MariaMartins。Martins的身体曾为杜尚的作品《Given》(1946-1966)和《PleaseTouch》(1947)用作模特。《任性的风景》是一幅材料不明的神秘抽象绘画。1989年,化学分析显示,它是由精液做成的。杜尚将另一作品——由取自头部、腋窝和阴部的毛发压成的树脂玻璃,献给了艺术家RobertMatta。1956年10月第2届日本东京具体艺术展上,ShozoShimamoto通过投掷颜料瓶作画。他将颜料罐猛掷到放在地板上的画布,画布并未固定起来。画布上形成了玻璃状的表面,鲜艳的红色、橙色和黑色,使人联想到火和毁灭。据说这是强调绘画的随机性和自然性。1960年YvesKlein(伊夫·克莱因)和巴黎国际当代艺术画廊的老板MauricedArquian一起,在100多位艺术界人士面前策划了一次壮观的表演,演示了人体绘画的过程。身穿燕尾服,打着雪白的领结,克莱因指挥两个裸体模特在画布上移动。模特身上涂有蓝色颜料,从而在画布上用身体留下蓝色的痕迹。被称为“蓝色时期的人体绘画”。于是,就有中国“精英”艺术家把“展死尸”、“吃死婴”、“割人肉”、“杀生灵”等灭绝人性的残暴行为,罩上“艺术”、“文化”的光环,请上了审“美”的殿堂。 上面只是纯粹艺术的个案,反映到现代设计上也是大同小异。虽然因为产品设计(包括建筑设计)所具有的科技与艺术的双重性,使这种追随西方艺术受到了极大的限制,但在平面设计、包装设计、装潢设计等等方面也不甘示弱。中国现今的所谓“前卫”、“先锋”很大程度上,在自觉不自觉之间把自己纳入西方的颓废派一族,或者干脆成为西方意识形态的鼓吹手。《文艺报》曾经发表了一篇署名汉伟的评论,题目是《美术,意识形态较量与争夺的热点》,举证了现代国内外案例,对标榜为远离政治的“前卫”艺术,表示了批评。 当然,要想使中国的现代设计走出一条中国自己的道路,也并不容易。有些问题不仅仅存在于艺术家和设计师层面上,也存在于决策的层面上。譬如,《美术,意识形态较量与争夺的热点》文章的作者,对突破残缺的红墙和象征马克思(头像)坠落的《我的梦》和血淋淋地撕剥生灵为快事的《欣慰中的年轻人》,分别被授予全国油画展优秀奖、银奖;号称“大胆地以黑色的背景来衬托”,“突破了红底金星的“禁区”的“破碎残缺”的《五角星》,荣获九届全国美展金奖;“揭示了中国历史严峻的一面”的《综合景观》(原名《红墙叙事》),也要问鼎金奖,在遭坚决抵制后,有人粗暴地取消了当年所有金银铜奖的设置等等的批评,就说明有些问题的更加严重性。 但是,我们是唯物论者,在全球化阴影下的中国现代设计,应该有清醒认识。在未来的发展中,中国现代设计必然要出现大分化、大改组的局面。这种局面可能呈三种态势:一部分将在物欲横流的商品化大潮中完全被西方化。这部分有两种前途,一是成为西方艺术的附庸;二是成为西方艺术“化”中国的马前卒。但是,这部分最终将成为极少数。另外一部分仍然沉醉于传统文化艺术中,不知糟粕,无论精华,凡是祖宗的就是好的。这部分也是极少数,他们的前途也有两种,一是抱残守缺,从一而终;二是从围城里走出来,追上时代步伐,求得新生。最后,也是中国艺术与设计的绝大多数,遵循同志倡导的“古为今用,洋为中用;百花齐放,推陈出新”的文艺方针,坚持中国文化与艺术的正确前进方向,积极探索民族文化与艺术的继承、发展和走向世界。这也许是一个十分艰辛和痛苦的过程,但是能够成为中华民族文化艺术脊梁的力量,只有走上这条正确的道路,从炼狱中飞出凤凰,才能使中华民族文化艺术立于世界文化艺术之林,求得大存在,求得大发展。这就是中国现代设计应该,也是必然要走的道路,要前进的方向。 综上所述,中国现代设计的前进方向,必然是立于世界文化与艺术之林的,融合了世界先进文化与艺术和中华民族文化与艺术精华的、中国特色的现代设计。代表这种中国特色现代设计的力量,不是自诩为“精英”的少数“前卫”艺术家和设计师,而是为数众多的,生长在中华民族文化与艺术殷实土地上的艺术家和设计师。这一点是毋庸质疑的,在旧中国,日本军国主义在中国的东北推行了十四年的奴化教育,在台湾推行了近五十年的奴化统治,虽然曾经产生过少数殖民主义文化现象,但它从来就不是中华民族文化发展的主流;上海等一些曾经被殖民主义占领过的城市,也没有被彻底殖民化,相反,许多殖民者被他的对立面——被殖民者“中国化”的现象却是屡见不鲜。诚然,历史的事实,并不能说明我们今天中国的艺术家和设计师,可以放任自流,我们必须付出艰辛的努力,为探索中国现代设计之路,做出无愧于时代的伟大贡献。 艺术设计研究论文:环境艺术设计教学改革研究论文 摘要:随着市场环境的不断变化,做好对环境艺术设计教学的改革对于实现对环境艺术设计人才的培养具有重要意义。文章先对环境艺术设计教学现状进行分析,之后着重探讨了市场环境下环境艺术设计教学改革的对策,希望能够为高校环境艺术设计教学进步提供支持。 关键词:市场环境;环境艺术设计;教学改革 环境艺术设计专业是环境设计行业在高校教育模式当中的直接体现,其对于培养环境设计专业人才目标的实现具有重要意义。在社会环境不断发展与变化的背景下,其对于环境设计专业人才的需求也在逐渐变化,这为高校环境艺术设计专业提出了新的要求,如何紧紧围绕市场环境对环境设计人才的需求开展教学活动,以实现对环境艺术设计教学人才培养目标的实现,是高校环境艺术设计专业发展的重要目标。 一、环境艺术设计教学现状分析 从当前的环境艺术设计教学水平来看,其存在着较为明显的教学方法与市场需求不相符的情况,这使得环境艺术设计教学遇到了发展问题,其表现形式主要有以下几个方面,需要我们予以重视。 1、学生积极性不高 根据相关调查数据显示,很多学生对环境艺术设计学习兴趣不高,笔者认为导致学生产生这一现象的原因主要有以下两方面:一是,环境艺术设计学习内容较为复杂,所涉及的知识面广泛,该学科的复杂性使学生提不起对这门课程学习的积极性,教师始终采用单一的教学方式开展教学活动,学生在学习中极易产生疲劳感,最终导致学生学习积极性不高;二是,环境艺术设计教学模式以传统教学中的教师教授为主,学生始终被动的接受知识,学生的学习主动性并没有被充分发挥。 2、过于注重理论教学 环境艺术设计学科对实践性要求较高,这要求教师在开展教学活动时要随时掌握市场环境的需求,在传授学生理论知识的基础上培养学生的实践能力,将理论与实践有机结合,培养出综合能力较强的设计人才。高校环境艺术设计教学由于受到外部因素、师资力量等因素的影响,教学活动的开展仍然采用传统教学模式,过于注重理论知识的教授,而忽视了学生实践能力的培养。 二、市场环境下艺术设计教学改革分析 1、转变传统教学观念 环境艺术设计教学的最终目,是使学生能够具有解决实际问题的能力,提高学生的实践能力和综合素质,这也是环境艺术教学的主要方向。传统封闭的办学模式要彻底改变,要满足市场环境的需求,要与社会接轨,就要转变为开放式的办学模式。环境艺术设计教学所面向的是经济建设主战场,在可持续发展观与了彩色设计、环保节能理念等方面对教学内容和教学方式进行探索研究。环境艺术设计属于一种综合性的边缘学科,传统教学中单一的学科发展观要转变,要朝着学科群方向转变,将环境艺术设计学科发展为交叉学科。对于学生的培养方面,也要做出改变,由传统教学中只重视设计技能和表现技巧的教育,转变为向综合型艺术设计教育、环境艺术设计等社会职能方向,进而使得环境艺术设计人才能够满足市场多方面的需求,成为一名优秀的专业的设计人才。 2、从“实践中来”到“实践中去” 环境艺术设计是一门应用性、实践性较强的综合性专业科学。在环境艺术设计教学中,学生只在课上学习扎实的理论知识是不够的,还需要配合实践,将学习的理论知识应用到实践中,使自身的专业技能得到锻炼和提升,这样才能够达到环境艺术设计专业的教育目标。环境艺术设计专业的传统教学模式,需要在教学内容、教学方法上做出调整和改进,以满足市场环境下社会对环境艺术设计人才的需求。笔者认为环境艺术设计教学改革,要将重点放在实践教学环节,加强环境艺术设计与市场环境的对接,使学生在掌握了扎实的基础知识后,能够更多的参与实践活动,将课上学习的理论知识运用到实践中,使理论知识得到巩固,培养出具有创造能力、设计能力的设计师,否则环境艺术设计教学将成为无本之木。在环境艺术设计教学改革中要建立以实践为主的教学模式及,将校内教学与市场需求进行完美对接,加强与企业间的联系,与企业签订协议,建立学生实践的实习基地。使学生在实践中能够灵活运用理论知识,逐渐的接触到社会,并了解市场环境和需求,学会与各种客户如何交流,在实践中提高自身的技术水平,增强实践能力。在基地实践过程中,学生在学习中会更加的积极主动,通过实践,环境艺术设计的课堂教学效果得到了很大的提升。另外,如果条件允许还可以建立专业的实训室,如建筑材料工作室、设计车间、灯光效果实验室等,将其作为补充学生课堂不论不足的实践场所,帮助学生在学习理论知识的同时,能够对学习的内容有更真实的认识。 3、注重学生创造性思维的培养 创新是环境艺术设计的灵魂,设计就是寻找创新的生活环境、新的设计理念、新的造型符号。校方可以定期开设相关内容的讲座,使学生通过听讲座使自身的视野更丰富,聘请高级讲师、该领域专家学者,讲授最新的设计理论和实践中的真实案例,提高学生的设计语言能力和设计表达能力。现代设计语言包括现代设计思维方法、现代设计观念、现代设计表现手法、现代设计理念。简单来说,在环境艺术设计教学过程中注重技术和理论原理内容的教授,培养学生的实践动手能力,充分发挥出计算机的辅助设计作用。在环境艺术设计教学中充分运用计算机辅助教学,使学生具备计算机熟练运用的能力,从而更满足市场环境对新型设计人才的需求。另外,还要对学生进行拓展教育,提高学生的借鉴、吸纳异域文化的能力,在理论教学中以艺术原理发展为基础,建立可以科学表述出产业发展与艺术设计属性关系的体系。 三、结束语 综上所述,想要发挥出环境艺术设计的专业环境设计人才培养目标作用,就必须要保证其教学目标与环境行业市场对专业人才需求标准的一致性,为此高校环境艺术设计专业教师必须要发挥出自己的教学引导者作用,通过超前的教学观念、先进的教学方法来实现对环境艺术设计教学课程的改革,在保证教学目标与环境行业市场人才需求目标一致性的同时,最大限度提高学生的专业水平,为他们的环境设计专业技能提升创造条件,也为他们未来的环境设计职业发展打下良好的基础。 作者:姚辉 单位:湖南科技学院 艺术设计研究论文:艺术设计高校教育的变革研究论文 摘要:数字化时代的来临,给艺术设计专业的高校教育带来了巨大的冲击,影响着教育环境、教育方式、教育理念、教育目标等方方面面,如何根据本校的实际情况,顺应变革的潮流,是各个院校的当务之急。 关键词:变革;数字化;计算机;网络;教育;艺术;教学 当下,数字、信息、网络正在无时无刻、无所不在地渗透到人们的学习、工作和生活中,改变着人们的生产方式和生活方式,改变着人们的思维方式和学习方式。信息技术的飞速发展,同样对高等教育产生了史无前例的巨大冲击,从教育环境、教育模式到教育理念、教育目标,都在这场冲击中发生着变革。 国内大学相继投入到了这既是严峻挑战,同时也是千载难逢的机遇中。然而,尽管有些学校已经采用了一些先进的设备和工具,但是还在沿用数十年来的传统教学方法和管理模式。电化教学设施设备变成了利用率很低的简单摆设,真正起决定性变化的管理和教学的方法和模式却没有随着社会发展的大趋势进行相应变革。面对知识全球化和民族素质提高的教育要求,以及一系列的教育市场化竞争的挑战,如何根据本校的实际情况,顺应变革的潮流,是各个院校的当务之急。 1、教育环境的变革 信息时代是一个快捷的时代,效率之高、信息量之大,都是前所未有的。教学环境的变革是信息有效共享与集成,它建立在计算机技术、网络技术、多媒体技术等现代信息技术基础之上,其优秀是指用全数字化的信息获取、存储、传输及处理技术,来控制和操纵整个专业系统的教学和管理事务,对教育教学过程必将产生巨大的影响。 数字化技术有利于艺术设计高校教育的信息交流、教学互动、资源共享,计算机实现了设计数据的储存及再利用,各种设计素材、设计草图、效果图、制图、图形艺术、模型等资料都可以用数据来储存,并且可以随时方便地进行检索。专业考试与成绩管理系统中可以做到课程设置,试题编辑,自动出卷,试题库整理,成绩录入与查询等多项功能。数字化工作室可以使学生自主培养自己的协同工作能力,以及探索知识,获得知识的能力。 此外,多媒体课件的开发、网络技术和远程教育给学生以更多的信息知识,通过局域网或Internet网,可实现院、校之间的网上教学,一些知名的专家教授可以足不出校而面向全国艺术设计教育机构。网络也拓展了艺术设计存在的空间,使艺术设计走向了更广泛的数字化,让受教育者轻易地接触大量艺术设计资讯,有利于学生形成开阔的、前瞻性的视野。 2、教学方式的变革 目前在我国的教育领域已经广泛采用现代数字技术辅助教学,提高教学效益,并由此引发的教育观念、教育手段、教学模式和教育结构的改革已成为共识。 这样一来,教学组织形式更加灵活,课堂教学不再局限在有形的教室中,教学活动的时间和空间得到了无形的扩展,使随时随地学习成为可能。学生可以按照自身的条件,选择最适合于自己的发展途径,使因材施教进入一个新的阶段,课堂教学可以达到更加多元化及协作化的学习模式,进一步体现了教师的主导作用和学生的主体地位。在丰富的教育资源面前,教师不再是唯一的信息源,学生的个性得以觉醒,创新精神得以彰显。所有这一切,都将最终导致教育理念的转变甚至教育理论的创新。 在数字化教育平台上,可以提供多方位的教学服务。在教学实践中,教师可以把教学、试验、科研有效结合起来。如网络教学平台中可将教师的课堂教学、反馈练习,课后辅导,乃至个别化学习,在线学习、电子邮件、远程教学等各个部分包容进来,形成大容量,开放式,交互式的符合学生认知规律的新的教学形式。更有价值的是,因为每个教学内容的数据都储存在服务器上,数据在任何时候都可以被调用,教学信息更容易分享,教学环节更容易整合。 3、教学管理的丰富 通过数字化技术,我们可以还原本真课堂,通过数字监控进行公开课的课堂教学观摩,给予课堂上的教师、学生尽可能少的影响。 我们可以实现教师自我教学水平的提升。很多鲜活的事例告诉我们,教师的个人发展,不仅是听专家报告、参加教研活动,更在于自身的针对性的实践和思考。数字化设备可以为每一位愿意提高自己的教师自动记录着真实的课堂,无需外人帮助,需要的只是上课后在网络上静心点击和自我对课堂的感悟。 通过数字化技术,我们欣喜地积累着优秀的教学资源。很多好的教学课案如果不及时地记录下来,会随着时间的流逝而被丢失。借助数字化设备,一些优秀的课堂实录、设计过程等将被忠实地记录下来,不仅使宝贵的教学资源数字化后便于知识管理,为学校积累具有本校特色的优秀教学资源,也为每一位成长中的教师保留着一份宝贵的财富,一段成长的足迹。 通过数字化技术,我们还可以突破时空限制,将教学实况直接变为网络上可以实时播放的视频流和音频流。这种技术手段的改进,为远程专家实时点评、课后专家远程诊断、教师互评、学生学习、自我反思、网络教研、行政考核等提供了真实感性的第一手资料。 通过数字化技术,我们可以实现更多的人性化教学管理,提供更贴心的教学服务,建立起更好的保障教学质量不断提升的长效机制,深化改革,持续创新,使学校向一流高校的美好前景稳步迈进。 4、设计专业的新增 随着时代的发展,传统艺术在与计算机技术、工业、建筑、管理等学科的不断交叉中,衍生出许多新专业,如广告设计、工业设计、环境艺术设计等。目前,在数字时代的大背景下,动漫制作、游戏策划、游戏设计等数字化专业亦成为了热门。 不过,就其归属而言,数字化艺术设计还是艺术学的分支。它虽然以计算机为依托,不可避免地要涉及到技术问题,但始终以艺术作为自己的出发点,在题材、技巧、观念等方面深受传统艺术的影响。当数字化艺术设计的作品数量还不是很多,影响还不是很大时,数字化设计只是艺术设计学科的课程之一,随着数字化艺术设计的日益普及,创意经济、文化产业、数字影像、体验时代,成为当下使用最为频繁的关键词。DV、Flash、电子杂志、动画、网络游戏日益成为新生代生活中不可缺少的一部分。在这样的背景下,数字设计艺术作为新的艺术门类,正在以新产业主体的形象迅速涌入我们的视野,数字化艺术设计已成为艺术设计领域的专业之一。 5、辅助设计的帮助 数字化时代为艺术设计创作提供了新的艺术创作手段,新的载体,新的工具,新的传播手段,新的创作角度,许多计算机软件具有绘图、三维动画、数据统计、资料检索等功能,一些特殊软件甚至能够进行人工智能、虚拟现实、人机交互技术。数字科技与设计艺术的交叉融合,主要涉及计算机辅助设计与概念设计、面向艺术与设计的虚拟人技术研究、数字艺术与新媒体研究、面向艺术与设计的软计算研究、交互式艺术、计算机辅助艺术绘制、非语言艺术、非物质文化遗产保护、民族文化与风格研究、商业媒体研究、计算机辅助卡通动画、虚拟设计技术、CAD/CAM等。其理论成果广泛应用于产品创新、CAD、数字会展研究、虚拟服装展示等 。同时在计算机美术、计算机书法、计算机动画等领域也取得了丰硕的科研成果。数字技术已经成为部分艺术家离不开的创作帮手和伙伴。 艺术设计高校专业建设变革是一项长期,艰巨的任务,需要在调整中发展,在建设中提高。当前艺术设计教育的同质化现象严重,数字化时代的到来带来了一个发展的机遇,院校应该在数字化时代的众多变化中,懂得取舍,舍得放弃,专注于几个自己的特色专业与数字化时代的接轨,做精、做专、做强,寻求艺术设计教育的个性化发展方向构,建适应信息社会要求的新的高等教育模式。 艺术设计研究论文:艺术设计中的民族文化风格研究论文 摘要:自20世纪80年代以来,中国的艺术设计受国际化趋势的影响和现代新媒介新技术的挑战与西方强势文化的侵蚀,在中国年青一代设计者中存在一种轻浮的“时尚”之风,认为在设计创作中追求“新、奇、怪”即为“时尚”。盲目的“拿来主义”借用西方形式之风盛行。如何在艺术设计中加强民族文化的教育提升设计中的民族文化内涵,如何继续和发展民族文化将是艺术设计工作者应该深刻思考的问题。 关键词:艺术设计;民族文化;风格 当今世界的艺术设计伴随着信息科学技术的迅猛发展和普及,“信息技术把世界日益变成一个地球村”。艺术设计因图形语言的交流便捷和获取信息的优势,及大地推动了艺术设计在世界范围内的交流与发展。 中国的现代艺术设计起步较晚,现代设计教育的年青化和不成熟,使设计教育体系中引用借鉴西方教学内容与方法较多,因而受西方现代设计观念与设计思维的影响较为严重。特别是对民族的传统文化教育的不够重视与忽略,导致了大多青年设计者民族文化底蕴的匮乏,缺乏自己的思想与创新能力。因而在设计创作中盲目模仿借鉴西方的设计形式风格导致了设计创作只流于表面形式,而缺少了作品的文化内涵和精神追求。没有自己的文化风格和艺术个性,更谈不上既有民族文化内涵又具中国特色风格的设计。 如何使中国的设计走向世界,创造出中国风格的艺术设计,把握和坚持设计中的民族性,将传统的中国文化内涵与现代的艺术风格有机的结合尤为重要。 我们提倡艺术设计中的民族文化与民族化内涵。民族文化是指该民族成员历代相传的共有价值观、思想意识,它是思想情感、风格习惯、审美情趣、道德观念、宗教信仰等因素的综合。而设计与文化有着千丝万缕的联系,它不仅反映着文化,就它本身而言,也是一种文化和文化的传播形式。 在世界的发展日益呈现多元化的今天,中国的艺术设计应在国际化艺术设计中将民族化的元素进行有益的补充,使本民族的设计文化得到发展,并创立出具有民族化特色的艺术设计风格,在国际艺术设计领域中,提升中国艺术设计地位。 国际主义趋势的同一性,必然形成一种单一、僵化的艺术语言,设计师的个性不能得到充分发挥,形成单一性,它必然导致视觉传达效果的削弱,不利于艺术设计的进一步发展。日本在民族风格溶入现代设计中取得了很大成功,日本的设计起步阶段也是西方化盛行,但最终还是回到了传统,创造了极具民族文化风格又是现代设计观念的艺术设计成为了民族特色与现代时尚观念相结合的优秀典范,使日本的艺术设计颇具世界影响力,在日本设计中,传统文化元素的应用是其最重要特征之一。 从艺术的发展史可以看到任何主流艺术或文化的发展都曾受到民族传统艺术的影响和滋养。传统文化艺术能够流传至今,也证实了它具有永恒的生命力,坚持现代设计的民族性很大程度上要求对民族传统文化艺术的学习与借鉴。尊重传统,发扬传统,从优秀的民族传统文化中去吸取精华丰富素养,民族优秀的传统文化是每一个中国设计者的必修课。 民族文化是丰富多彩的,民族文化有共性,又有历史阶段性;同时也具有社会阶层性,民族的多样性。汉族和各少数民族共同创造了灿烂的中国文化,各少数民族文化是中国民族文化的重要组成部分,它个性鲜明、千姿百态,有着取之不尽,用之不竭的创作源泉。传统民间艺术的亲切感,是人与人、人与物、人与世界的直接接触与碰撞的结果。它即朴实又生动感人。因此,在每一件民间艺术作品中都融入了创作者们对世界、对生命、对社会的理解。它再现了每一代人的生活、观念与情感,成为最直接的艺术之源,所以说传统的民间艺术是最具原创力的艺术。设计归根到底是为人类服务的,个性化是它的重要特征。设计不仅要有民族性,也要具有世界性,而且世界性某种意义上是民族性的归纳和概括。只有个性的,民族性的东西才能被世界人士所发现并在相互交流中得到认同。同样设计作品的民族性是其具有世界性的前提,这也是我们的中国画、书法、京剧等艺术能在世界艺术领域大放光彩的重要原因。 以我国传统民间彩色剪纸为例,它不仅是融绘、刻、染于一体的工艺美术品,也是极具装饰魅力的设计作品。在造型上,它追求自我完美的中国民族装饰形式美;在构图上,强调对称、均衡、有稳定感;在形式上,通过点线面的对比,色彩的映衬,效果上虚实动静,产生节奏和韵律感;方法上,重归纳和概括,将自然形态规律化,更符合装饰美的要求,手法上,多采用夸张变形,并赋予象征和寓意。用色上,色彩鲜艳,感情色彩浓郁,这些对我们现代艺术设计都起到典范和启示作用。 设计艺术的是在空间中的设计活动,其涉及的内容包括字体设计和插图、摄影的采用,把图形、字体、插图、色彩、标志等以符合传达目的的方式组合起来,用于传达信息及指导、劝说等目的,达到准确的视觉传达功能,同时给观众以视觉心理满足。由于民间美术与现代设计的某种巧合,以及传统艺术本身的艺术魅力,传统艺术受到了前所未有的青睐,特别是那些优秀经典的作品,往往以很高的审美价值引起现代人们的赞叹与兴趣,并对艺术设计起着一定的影响,以致在一些现代设计大师的作品中,我们不难发现传统艺术的踪迹和设计应用的经典范例。 有很多设计师就是把中国传统文化的精髓,融入现代设计的理念中去设计出了成功的作品。例:我国著名艺术设计大师韩美林先生为中国国际航空公司设计的标志就取材于传统的凤纹,该标志简洁有力,三条主线粗重,垂直稳健圆满,每一笔的开端和收尾都处理成尖头,使视感粗中有细、刚中与柔,飘逸的凤纹婉曲秀丽、妩媚生动,头部水平,胸部处理为垂直的线条,整体显得器宇轩昂,寥寥数笔刻画出一个姿势动人的凤纹,表明该公司能够像神鸟凤一样给人们提供舒适的飞行服务和安全保障,该标志属于现代设计中民族化风格的典范之作。再如中国银行的标志,整体简洁流畅,极富时代感,标志内又包含了中国古钱,暗合天圆地方之意。它巧妙地把中国的“中”字和中国传统的圆形方孔币作为金钱象征,结合在一起。这是一种很自然的运用传统寓意,这是民族、地域所拥有的“集体表象”,使设计显示出丰富的想象力与造型上的合理性。了解中国传统文化背景的人,就能从中一目了然地解读其标志的内在涵意,这个标志可谓是香港平面设计大师靳埭强融贯东西方理念的经典之作,他在对传统民族心理、民族感情的理解和研究基础上,把民族的内核与国际化的语言完美的结合在了一起。 综上所述,我们应该清楚的认识到在现代艺术设计中对本民族优秀传统文化的学习和传统文化素养的深厚积累,对一个中国艺术设计师来说是何等的重要。要创造出中国艺术设计的特色与风格,提升中国艺术设计在世界设计界的地位和影响离开了优秀的民族传统文化是行不通的。正如我国老一辈设计大师韩美林先生说的一样:“我始终坚信,我的路在中国。” 艺术设计研究论文:艺术设计教学研究论文 摘要:新时期人们的一切生活方式都在不断变化,论文为此,我们的现代高等教育艺术设计教学也应该逐步有所改变,所以本文就高等教育的教学内容、教学方法、教学手段等谈一点自己的看法。 关键词:艺术设计;教学;看法 一、以前的高等教育中艺术教学的模式是在当时中国的经济、科技和信息都还很落后的时期制定的,如今我国经济持续高速发展,科技和信息都进入了一个崭新的时期了,如果我们现在依然用以前的教学模式去教学,可能就有些不适应不断发展变化的社会了,所以应该在遵循以前大的教学原则的情况下适当作些改变,使之符合当今社会的实际和需要。以理论教学和实践教学改革为重点,以强化艺术设计、施工、管理为支柱、以加强教材建设、师资队伍建设、实践教学基地建设、实验室建设为保证,遵循人才培养规律和专业教育规律。 二、艺术设计专业教学必须在原来的基础上进行改革,艺术设计专业教学改革必须从艺术设计的实际出发,对培养目标、培养规格、教学模式、课程设置体系、教学内容和教材等方面进行全面、系统的改革,突出综合素质培养,强化岗位技术教育,建立以艺术设计、施工和管理能力培养为主线的教育模式。针对艺术设计教学我提出自己的几点看法: 1.教学艺术设计专业的教学改革,职称论文应该体现专业教育特色,从社会实际需要出发,有针对性地构建学生的知识、能力、素质结构;强化岗位知识的学习和运用;完善、充实教学内容;加强操作技能、工艺实习等为主的实践环节;加大实践教学环节所占比例;加强产学合作,逐步建立学校与企业合作培养人才的机制。毕业生上岗后,进入状态快、动手能力强,经过一段时间的磨炼,可成为工程设计、投标报价、材料选择、施工技术、施工机具操作、施工项目管理、项目验收、工程预算等技术人才。我觉得教学中应该目标很明确,艺术设计专业是应用型人才,实践性强的专业,艺术设计专业教学的课程设置就应该强调其针对性,强调基础课教学的适应性,强调专业课教学的实用性,强调实践教学的连续性,和渐进性等,具体表现如下: 2.课程设置强调的针对性 艺术设计专业起步晚,发展快,所以我们要从社会实际需要出发,按照“实际,实用,实践,必需,够用”的原则和专业技能培养的实际需要,对课程设置作一些调整,突出技术应用能力培养。在新的教学计划中,我们应该着重从以下几个方面去完善: (1)在设计模块中,注重理论教学,突出动手能力培养,加强计算机辅助设计教学,强化计算机辅助设计在工程设计中的作用,建立专门的计算机实验室,使得学生有充分的操作机会,能够熟练地掌握,以便适应社会的需要。 (2)在施工技术模块中,以施工操作技能培养为基础,强化施工技术指导。留学生论文在教学过程中,以校内操作实验室为依托,让学生在学中做,在做中学。通过实践,提高动手能力,初步掌握施工操作规程,施工操作方法和施工机具的操作、使用、维护和保养;掌握工程质量的控制方法及检查、验收标准,理论联系实际,培养学生施工技术指导能力。 (3)基础课教学强调适应性 艺术设计专业教学应该纠正以往基础课与专业课工作总结“各自为政”的脱节现象,打破原有狭隘的基础课教学格局,超越单纯技巧和经验的传授。为纠正基础课教学与专业课脱节的现象,改调子素描为设计素描;改绘画色彩为装饰色彩,并加大室外写生训练。 (4)专业课教学强调实用性 一种理论只有用于实践才有其存在的价值和意义:如果不能指导实践,那便是毫无意义的空话。在制订改革方案时,经认真调查研究,按照专业教育特点、强调专业课教学、理论教学的实用性、实践性、着眼于培养技术应用型设计人才,总结过去的教学经验,结合具体的情况和实际需要,对专业课教学、理论教学内容加以调整,强调实用性。 (5)实践教学强调连续性和渐进性 艺术设计是需要理论教学和实践教学不断的交替,互相渗透的。艺术设计是多学科的知识的综合集结和运用。在具体的设计中,难以确认固定的秩序和搭配关系。在今天这样的开放的社会中,对外设计服务已是不可逆转的趋势,以教师带领学生走向社会,使专业必修课在社会实际设计中完成,为保证实践教学的落实,学校应该与用人单位合作,建立校外实践教学基地。 艺术设计研究论文:当代艺术设计研究论文 【摘要】艺术设计植入我国之后,一直以来借鉴、模仿、学习西方设计形式,造成了缺乏自身思想与文化内涵的创作方式,抑制了创造力的生成,形成了对借鉴的依赖心理,设计出来的作品往往貌似而神离。艺术设计应该保持本民族的独特个性。对于设计者而言,立足于本土文化根基上,透过形式把握实质,将其精髓转化为自身修养,并达到遗貌取神的境界,就能源源不断地为设计注入持久的生命力,这也是艺术设计的灵魂所在。 【关键词】艺术设计;民族性;传统文化;国际化 中国是一个有着五千多年历史的文明古国,具有丰富的文化底蕴,但近年来,随着中国与世界文化交流的日益增多,大量西方设计观念和设计作品涌入我们的视野,相当一部分人一味的推崇西方现代设计流派,漠视中国传统文化,轻视本土文化资源,做一些肤浅的形式上的挪用、拼凑甚至抄袭,使我们的设计丧失了民族传统文化的内涵和个性。这对于中国当代艺术设计的发展是有害无益的。艺术设计国际化不等于美国化,也不等于欧洲化。它不以某一国、某一地区的艺术样式为标本,它同样处于发展之中。任何一种所谓的“国际化”的艺术设计,都不可能脱离其赖以生存的民族文化土壤和根基。所谓“民族性”是指民族文化的精华部分,设计者应有意识地挖掘民族文化的精华,应将民族文化放在全球的背景上,以全球的视角来俯视民族文化,这样才能设计出为全球所认同的精品来。“民族性”是艺术设计的灵魂,继承的目的是为了创造和超越。没有民族灵魂的设计作品最终是无法矗立于世界设计之林的,大民族才是真正的国际化。 对于中国设计的发展方向也要注意如何正确理解“民族性”与“全球性”的关系。“民族风格”的形成并非简单的模仿,而是一个创新的问题。这种创新必须依赖全球性的视野,对其他民族有一个全面的了解。以现代的思维方式反思传统,以提取传统中的神韵。“全球化”也不等于盲目引进西方潮流,而应认识到本民族是全球所有民族中不可缺失的部分,树立自己的信心,避免在学习和借鉴中迷失自我。面对先人留下的博大精深的中华民族文化,我们在此基础上,将如何努力发掘传统文化,合理运用传统文化对艺术设计进行提升、利用和重构,创造性的理解民族文化精神,创造出既具有鲜明的中国气派,又具有国际性的中国当代设计,是摆在当下艺术设计及艺术设计教育面前的重要课题。 “中国传统文化”是中华民族智慧的结晶,是先辈在漫长的岁月中向往美好、追求光明而上下求索的精神沉淀,是一个民族生存发展的生命线。传统的文化价值对于一个具有悠久历史的国度来说是一种巨大的资源,不仅体现为一种对过去历史的怀旧情节,对传统的历史记忆,一种可以安慰、表现和确认自身历史性的东西,而且也体现为一种传统的人文精神和价值体系及展示某种能够体现自我、民族和国家身份的文化形象。其范围广而丰富,如中国的哲学思想、古典文学、艺术精神、审美境界、书画篆刻艺术、民间艺术、汉字、园林、建筑、陶瓷、雕塑、木刻以及音乐、诗词、戏剧、典故、传说、民间故事,另有中药、针灸、武术、围棋、饮食、茶道……这些都是我们当代设计者取之不尽、用之不竭的宝贵的文化资源和中国元素。纵观在国际上有影响的设计国家,如德国、意大利、日本、法国、英国、芬兰、美国以及中国香港的设计风格和在国际上有影响的设计大师作品,在他们所谓的“国际化”设计语言中都不难窥探出其所透射的社会文化背景和传统文化根基。 德国是现代设计诞生的国家,对世界各国的现代设计有着深远的影响,在世界设计中占有举足轻重的地位。德国的现代设计具有自己鲜明的特色和风格,其设计风格受其严谨的哲学思维方式影响,赋予理性设计的传统特征,这与德意志民族的文化传统和文化情调有着密切的关系。德国设计大师冈特.兰堡的设计风格被设计史家称为“视觉诗人”,他那极具震撼力的独特风格的形成,正是他热爱德国古典诗歌、戏剧以及作风的严谨所致。 意大利视艺术设计为一种文化和哲学。在现代设计和“国际化”风格时代,他们坚定自己鲜明的文化立场和民族传统,不盲目抄袭,强调设计与传统的关联,强调设计中人文主义的重要性,专心地发展自己的设计体系,被称为“意大利路线”。因此,意大利现代设计具有异常鲜明的民族特色,在国际现代设计中独树一帜。意大利的这种设计精神和经验是值得那些一昧追求所谓“国际风格”而丧失自己民族特色、民族传统的设计者好好学习和研究的。 日本的艺术设计用30年的时间走完了西方近一个世纪的发展历程,其设计融汇了大量的日本传统视觉文化因素,同时又带有强烈的时代感,形成了独特的“日本风格”。他们在吸取外来文化的同时,更加强烈地意识到弘扬本民族文化传统的重要性,如强调平面性,注重留存空间,追求平淡内敛的阴柔美的意境等。因此,日本设计既有强烈的国际语言和时代感,又蕴含着深邃的东方文化精神。我们从日本设计大师龟仓雄策、福田繁雄、田中一光、五十岚威畅、一川屯仓、荒田矶崎那里可以清晰的感受到其深厚的日本民族传统文化底蕴和民族人文精神的火花。他们在国际上设计地位的奠定一方面依赖于自身的天赋及对新材料、新工艺、新科技的深刻理解,另一方面也得力于他们注重设计中发掘日本民族最具深远意义的传统文化。 法国的艺术设计呈现着一种融设计与艺术精神于一体的鲜明特色。我们从法国设计大师的作品中也可以明显的感觉到法国的人文精神以及幽默、风趣、自由、浪漫的传统文化气息。从芬兰、瑞典、丹麦等北欧国家的设计作品里我们同样可以看出其社会、历史、人文思想、传统文化、民族特色等在作品背后振荡的涟漪。 中国香港设计大师靳埭强,对中国文化有着深厚的感情,非常注重延续中华人文精神的文脉,他挖掘出中国传统文化的精髓和韵致并巧妙的运用于现代艺术设计中,使用中国传统水墨与现代几何纹形产生独特的韵律,创造出了极具中国精神和现代感的优秀作品。 分析以上各国以及设计大师的成功案例,对中国当代设计的定位和发展具有重要的启示意义。随着现代主义观念的崩溃,设计更强调人情味和幽默感,设计也由标准化转向追求个性化、多样化,传统又被重视,民族风格再次得以强调。中国当代惟有放眼世界,把握自身的民族特色,将传统文化注入现代设计中,才可能创造出富有中国民风的又具时代精神的好的设计作品。中国的设计才能真正走向世界并在国际设计领域中占有一席之地。 众所周知,西方现代主义艺术吸收了东方乃至非洲原始艺术的精华,但西方艺术没有被东方艺术淹没。我们今天吸收、借鉴他民族的艺术精华,必须具有明确目的,即为了促进本民族艺术的发展。艺术世界的缤纷多彩由无数不同民族、不同艺术个性的艺术家组成。我国五千年灿烂的文明史,造就了中国传统文化的博大精深,五十六个民族共同缔造了个性鲜明、绚丽多彩的民族文化,这些不正是构成设计丰富内涵的独特资源吗?因此,对传统文化认识越深,设计才越有深度和魅力。 同志曾指出“近代文化,外国比我们高,要承认这一点。艺术是不是这样呢?中国在某一点上有独特之处,在另一点上外国比我们高明。……中国文化应该发展。……要向外国学习,学来创作中国的东西。……我们接受外国的长处,会使我们自给的东西有一个跃进。中国的和外国的要有机地结合,而不是套用外国的东西。……外国有用的东西,都要学到,用来改进和发展中国的东西,创造中国独特的新东西。”艺术设计并不反对有益于设计的借鉴和模仿,但也仅限于在学习阶段,长期倚靠必将抑制创造能力的生成。因而,“借”要借的适时,对设计初级阶段而言,要学会创造首先要学会借鉴和模仿,它是人类一种重要的自学能力,是一种认识规律的有效途径;“借”要借的适当,并非生搬硬套,削足适履,否则就如“东施效颦”;“借”要借的适度,这里所指借鉴和模仿不是抄袭或克隆,是建立在理解基础上的模仿,借鉴过程中的再创造。 艺术设计要做强做大,光靠虚心学习和甘为绿叶的谦虚态度是不够的;光凭一腔热情高呼口号,只说不做也是不行的;安于现状、不谋发展,在外来文化的渗透与垄断攻势下,我们只有坐以待毙。现代艺术设计的母体原型是文化,富有生命力的设计作品必须是建立在文脉的基础上的,否则就如“无源之水,无本之木”,没有感染力和竞争力。随着艺术设计的发展,以及人们对艺术设计民族性认识的深入,只有在积极吸收外来文化的基础上,不断发展民族艺术,才能使艺术设计作品具有真正的民族性。 设计具有民族性,更具社会性,它是人类活动的精神延续。设计在不同的时代具有不同特征与价值诉求。当代艺术设计已不仅仅是为了满足广大人民群众的消费标准化、人性化,而是在此基础上对设计本身所追求的一种精神上的升华。所以设计所创造的物品,不但体现了生活方式的全部,更体现了这个时代赋予它的特殊的人文主义民族风韵。在全球走向一体化之前,设计语言来自民族内部,因而民族风格非常鲜明,比如中国传统的建筑设计大都是木架结构宫殿式的风格,供君王居住;其他民族如希腊神殿、伊斯兰建筑、哥特式教堂等,主要用石质材料,供养神灵。这种民族风格的形成,都是由中华民族的实践理性精神决定的。 面对这个现代化、数字化的时代,为培养具有国际竞争力和创造性的设计人才,中国当代艺术设计高等教育,应充分重视和加强学生对中国传统文化的教育,努力构建具有中国民族特色的课程设置和教学体系,以便创造出更具中国元素的国际性设计作品。 艺术设计研究论文:艺术设计教学研究论文 摘要:新时期人们的一切生活方式都在不断变化,论文为此,我们的现代高等教育艺术设计教学也应该逐步有所改变,所以本文就高等教育的教学内容、教学方法、教学手段等谈一点自己的看法。 关键词:艺术设计;教学;看法 一、以前的高等教育中艺术教学的模式是在当时中国的经济、科技和信息都还很落后的时期制定的,如今我国经济持续高速发展,科技和信息都进入了一个崭新的时期了,如果我们现在依然用以前的教学模式去教学,可能就有些不适应不断发展变化的社会了,所以应该在遵循以前大的教学原则的情况下适当作些改变,使之符合当今社会的实际和需要。以理论教学和实践教学改革为重点,以强化艺术设计、施工、管理为支柱、以加强教材建设、师资队伍建设、实践教学基地建设、实验室建设为保证,遵循人才培养规律和专业教育规律。 二、艺术设计专业教学必须在原来的基础上进行改革,艺术设计专业教学改革必须从艺术设计的实际出发,对培养目标、培养规格、教学模式、课程设置体系、教学内容和教材等方面进行全面、系统的改革,突出综合素质培养,强化岗位技术教育,建立以艺术设计、施工和管理能力培养为主线的教育模式。针对艺术设计教学我提出自己的几点看法: 1.教学艺术设计专业的教学改革,职称论文应该体现专业教育特色,从社会实际需要出发,有针对性地构建学生的知识、能力、素质结构;强化岗位知识的学习和运用;完善、充实教学内容;加强操作技能、工艺实习等为主的实践环节;加大实践教学环节所占比例;加强产学合作,逐步建立学校与企业合作培养人才的机制。毕业生上岗后,进入状态快、动手能力强,经过一段时间的磨炼,可成为工程设计、投标报价、材料选择、施工技术、施工机具操作、施工项目管理、项目验收、工程预算等技术人才。我觉得教学中应该目标很明确,艺术设计专业是应用型人才,实践性强的专业,艺术设计专业教学的课程设置就应该强调其针对性,强调基础课教学的适应性,强调专业课教学的实用性,强调实践教学的连续性,和渐进性等,具体表现如下: 2.课程设置强调的针对性 艺术设计专业起步晚,发展快,所以我们要从社会实际需要出发,按照“实际,实用,实践,必需,够用”的原则和专业技能培养的实际需要,对课程设置作一些调整,突出技术应用能力培养。在新的教学计划中,我们应该着重从以下几个方面去完善: (1)在设计模块中,注重理论教学,突出动手能力培养,加强计算机辅助设计教学,强化计算机辅助设计在工程设计中的作用,建立专门的计算机实验室,使得学生有充分的操作机会,能够熟练地掌握,以便适应社会的需要。 (2)在施工技术模块中,以施工操作技能培养为基础,强化施工技术指导。留学生论文在教学过程中,以校内操作实验室为依托,让学生在学中做,在做中学。通过实践,提高动手能力,初步掌握施工操作规程,施工操作方法和施工机具的操作、使用、维护和保养;掌握工程质量的控制方法及检查、验收标准,理论联系实际,培养学生施工技术指导能力。 (3)基础课教学强调适应性 艺术设计专业教学应该纠正以往基础课与专业课工作总结“各自为政”的脱节现象,打破原有狭隘的基础课教学格局,超越单纯技巧和经验的传授。为纠正基础课教学与专业课脱节的现象,改调子素描为设计素描;改绘画色彩为装饰色彩,并加大室外写生训练。 (4)专业课教学强调实用性 一种理论只有用于实践才有其存在的价值和意义:如果不能指导实践,那便是毫无意义的空话。在制订改革方案时,经认真调查研究,按照专业教育特点、强调专业课教学、理论教学的实用性、实践性、着眼于培养技术应用型设计人才,总结过去的教学经验,结合具体的情况和实际需要,对专业课教学、理论教学内容加以调整,强调实用性。 (5)实践教学强调连续性和渐进性 艺术设计是需要理论教学和实践教学不断的交替,互相渗透的。艺术设计是多学科的知识的综合集结和运用。在具体的设计中,难以确认固定的秩序和搭配关系。在今天这样的开放的社会中,对外设计服务已是不可逆转的趋势,以教师带领学生走向社会,使专业必修课在社会实际设计中完成,为保证实践教学的落实,学校应该与用人单位合作,建立校外实践教学基地。 艺术设计研究论文:环境艺术设计思维研究论文 内容摘要:人类的不断进步带来了对自身生活环境的更高要求,因此环境艺术设计成为了十分重要的设计门类。效果图作为环境艺术设计的表达方式,越来越被人们所重视,手绘效果图和电脑绘制效果图都有自身的优缺点,把两者合理地结合,就能使环境艺术设计思维得到最优秀的表达。 关键词:环境艺术手绘效果图计算机绘制效果图 环境艺术是人与周围的人类居住环境相互作用的艺术。 著名环境艺术理论家多伯说:“环境艺术作为一种艺术,它比建筑艺术更巨大,比规划更广泛,比工程更富有感情。这是一种重实效的艺术,早已被大众所瞩目的艺术。环境艺术的实践与人影响其周围环境功能的能力,赋予环境视觉次序的能力,以及提高人类居住环境质量和装饰水平的能力是紧密地联系在一起的。” 环境艺术设计是设计师对环境的设想与规划,如何把设计师对于环境的设想与规划呈现出来,作为客观的具体方案展现在受众面前,这就涉及到了环境艺术设计思维的表达方式。 环境设计的表达是通过效果图这样一种载体呈现的,效果图是借助设计师的设计思维,用徒手绘制或计算机软件勾画出建成后的效果而生成的静态表现图。效果图能较准确表达设计方案,使设计师和非专业人士都能提前清楚地看到项目建成后的效果、概貌。在方案的形成、修改与确定的过程中起到非常重要的作用。由于效果图所特有的直观视觉效果,很便于与业主进行沟通与交流。效果图也是在工程投标中不可缺少的设计图纸,它也是投标过程中业务竞争必不可少的步骤。 早在十几年前,计算机的运用远不及现在广泛的年代,手绘曾是设计人员的必备功夫。自从有了电脑模拟真实环境的能力,很多搞规划、设计的人就开始向这方面努力了,当今,环境艺术设计的表现方式就出现了这样两大类:手绘效果图和计算机绘制效果图。这两种绘图方式有着根本的区别,但是也有着紧密的联系。下面就从这两个方面作一下论述。 一、手绘效果图的特点 1.从思维方式上 设计徒手绘制效果图实际上是一种图示思维的设计方式。在一个设计的前期尤其是方案设计的开始阶段,最初的设计意象是模糊的、不确定的。而设计的过程是对设计条件的不断“协调”,图示思维的方式即把设计过程中有机的、偶发的灵感及对设计条件的“协调”过程,通过可视的图形将设计思考和思维意象记录下来。这样一些绘画式的再现,是抽象思维活动的适宜的工具,因而能把它们代表的那些思维活动的某些方面展示出来。 徒手设计草图这种形象化的思考方式,是对视觉思维能力、想象创造能力、绘画表达能力三者的综合。这个过程的目的,不在于画面效果,而在于观察、发现、思索,强调脑、眼、手、图形的互动。徒手设计草图的训练,无疑是培养形象化思考、设计分析及方案评价能力,以及培养开拓创新思维能力的有效方法和途径。2.从图面效果上 手绘的效果图生动、含蓄,富有活力和表现力。 手绘效果图有着多种多样的绘画方法,有用铅笔、钢笔绘制的速写效果图;有色彩淡雅、明快的水彩效果图;有空间感、光感、质感都比较强的水粉效果图;有快捷、方便、表现力强的马克笔绘制的效果图;还有与喷绘技法结合的模仿真实效果的喷绘效果图。 由于手绘的技法种类很多,所受的限制较少,因此这种效果图所表现出的人文性和风格性较强,就像绘画一样,可以利用各种不同的表现手法,直到最终表现出设计师想要的空间意境和风格。因此,手绘效果图可以产生多种多样的艺术效果和文化空间,这种表现不是单一的,它可以有板有眼,生动逼真,也可以罗曼蒂克,带有浪漫情调,所有这些都取决于设计和表现的灵活性。 3.从设计程序上 手绘表现是设计前期的根本阶段,整体布局、室内空间的基本形态、外立面的造型、大致的明暗对比关系,都可以通过手绘表达。 用铅笔或钢笔的快速手绘可以帮助设计师更好地将自己的设计观念展现给客户,在与客户进行初次交流时,快速手绘是很重要的。因为设计师可以根据客户的口述画出装修后室内的大体效果,也让客户有了初步的了解,然后在这个图的基础上再对客户提出的要求进行改进,对促进设计师与客户的交流很有帮助。 在设计的中、后期,手绘的表现也是值得提倡的。由于徒手绘制的效果图与设计师的设计思维联系紧密,是设计师驰骋的设计理念最真实的表达。因此所表现的人文特质与文化内涵都比较深厚,画面轻松奔放,洋溢着一种画的情趣,尤其是环境的处理,并非十分逼真的效果,而是渲染出一种气氛,很有观赏性和艺术性。这种艺术性较强的绘画作品,在设计的竞标中,也会起到重要的作用。 二、计算机绘制效果图是把“双刃剑” 计算机技术在设计学科中的广泛运用,带来了设计方法和观念的变革,成为设计和创作的新趋势和新动向。计算机绘制效果图是利用三维软件精确地按照设计图比例,将准确勾画出的模型经过平面软件处理成逼真的效果,它具有直观、真实、准确的特点。电脑绘制效果图,具有手工绘图不可替代的优点。 1.能准确无误地真实反映空间及用材的质感。“以假乱真”,让人看到工程装饰完毕的真实效果。 2.画面整洁、清爽,让人耳目一新。 3.修改方便,可以在短时间同时推出多种方案。 4.雅俗共赏,水平、素质不同的客户均可以满足。 然而,如同一切高新技术一样,电脑技术在设计学科中的运用亦存在着众多的负面效应。如电脑技术带来了设计的“异化”,反映在具体的设计中即为重“表现”轻“设计”,设计方案招投标变成了电脑效果图竞赛;学生设计时在电脑效果表现上所花的时间大大超过设计方案构思的时间,重“结果”轻“过程”的情形十分严重。同时,电脑技术其本身特点也在一定程度上束缚了设计思考过程“幻想”的翅膀,电脑技术及其软件本身的局限和操作者的水平影响了设计构思,扼杀了方案构思过程中的转瞬即逝的设计灵感,让使用者不得不放弃方案初始阶段的模糊性和随机性,而向电脑“投降”,使设计艺术创作变成简单的工业化“生产”。再如在设计教学中,学生过分依赖电脑和沉湎于电脑,忽视了严格的基本功训练,对设计徒手草图的训练和运用失去了应有的热情和追求,最终导致设计分析、思考、创作能力的丧失,也使学生设计素养降低。 计算机辅助设计作为设计手段,为设计空间注入了活力,为设计过程与优化最终效果提供了可能,我们应在手绘创意表现的基础上,通过电脑美术辅助设计,使设计意图发挥到最佳效果。 艺术设计研究论文:艺术设计专业色彩教学模式研究论文 、色彩教学的目的与意义 色彩是一种感情符号,是一种旋律,是设计者表达创意和传达审美意识的重要手段。 色彩是高校艺术设计类专业的必修课,对培养学生的色彩观察能力和色彩表现能力起着主导作用。色彩作为艺术设计类专业基础课,对其提高艺术审美修养与审美判断能力,激发学生色彩的创造性都是至关重要的。 二、色彩教学现状及问题 1.传统绘画写生色彩教学 传统绘画写生色彩教学是先学习色彩基础理论知识,再以色彩写生实践为主进行传统的静物写生训练,这种教学模式很容易引导学生进入纯绘画的领地,而对引导学生色彩形象表现的多样性和对色彩应用功能的训练不够,导致教学目的实现形式单一,不能充分调动学生对色彩表现的主观能动性,对学生今后的设计起不到指导性作用。 2.现代设计色彩教学 设计色彩不同于绘画色彩,它需要强化学生的色彩构思和创意性思维能力,同时要充分发挥学生的主观能动性,通过色彩训练,融入设计意识,打破狭隘的色彩观念,这样要求学生具备较强的色彩表现能力。由于近几年艺术教育的大众化,部分学生美术基本功不强,如果盲目要求学生进行设计色彩的训练,将使学生不知所措,相反会更加茫然,达不到预想的目的。 三、色彩教学模式的探讨 通过多年的教学实践,笔者认为,艺术设计专业的色彩基础教学,应在重视色彩基础理论知识与写实色彩一般表现形式的基础上,针对专业特点和学生实际能力,由浅入深、循序渐进地结合人的主体色彩意识传达,并吸收各种表现形式,着重研究设计色彩的认识表现及应用,帮助和引导学生逐步构建一套较为实用的色彩体系,并给予宽泛而自由的色彩语言选择,来表达自身的审美情感和富于个性的创造性的色彩设计思维空间,着力培养和提高学生的色彩素养与设计色彩的原创性审美能力。基于这种认识,笔者认为色彩课程教学可按以下三个模块来进行训练。 1.写生色彩训练 写生色彩是指通过写生来研究色彩的规律与方法,了解物体在光的作用下产生的变化规律,从物体的形、色、光等因素中探寻色彩的本质规律。色彩是绘画中十分重要且富有魅力的艺术语言;色彩写生是再现自然、再现生活的非常有效的艺术表现手段。通过色彩写生,能提高色彩的分辨能力和使用色彩造型的能力。 写生色彩教学中强调色彩三要素的原则,强调色彩的冷暖对比和物体在特定光源下受光与背光不同的色彩变化,强调在相互比较中建立色彩的整体关系。注重色彩的色相、明度、纯度、冷暖的差别,注重在色彩弱补色对比下的微妙变化,强调画面的色彩意识和整体的色彩气氛,培养学生正确的、整体的表现方法。整体的观察表现方法永远是写生色彩训练的重点与优秀,训练中应时刻提醒学生坚持并遵循这一方法,不断改正与整体观察方法相对的习惯认识,巩固整体观察的概念,规范整体观察下的作画程序。整体观察的方法其实就是一种紧密联系的相互比较的方法,写生色彩的整体观察方法仍然要遵循色彩三要素的原则,在比较中确定它们的色相、明度与纯度,在比较中产生冷暖关系。 写生色彩训练,一般以静物为主,静物在造型、色彩、质地等方面都有非常丰富的变化。写生中画某个具体物体时不要只盯着这个物体看,还应该着眼于它周围的东西上,用眼睛的余光去感受要画物体的色彩关系,眼睛始终在整个色彩环境中巡视。写生色彩除了训练学生整体的观察方法,还要训练学生整体的表现方法及表现技巧,更好地为下阶段的训练打好基础。 2.归纳色彩训练 归纳色彩是通过写生的方式,在写实色彩的基础上,面对同一组静物,以归纳为表现手段,进行概括、提炼的实践过程。归纳色彩训练侧重表现客观色彩的主观感受,通过对形与色的提炼、概括,使画面形成丰富而现代感的装饰效果。概括与提炼并不是以减少色彩为目的,原则上尽可能保留各种色彩的一席之地,保全色彩的丰富性,只减弱一些极其微弱不起什么说明性作用的小部分色彩的种类和数量。 归纳色彩将复杂的色彩关系通过概括、提炼、归类等方法进行删繁就简的处理和组织,传统写生色彩要充分表现客观物象的固有色、光源色、环境色属“加法”练习,色彩归纳写生是在做“减法”,但并不是简化,而是一种艺术语言上的以少胜多。 归纳色彩的表现特征是化繁琐为简约、化杂乱为条理、化写实为夸张、化立体为平面,它能有效地培养学生对色彩进行深层次的认识,同时培养和启发学生对色彩装饰性的领悟与兴趣,从中也可看到画面已向二维方向转化,向设计表现方式转化,为日后走向设计奠定基础。常见的归纳方法有写实性归纳、平面性归纳、意向性归纳等。 3.装饰色彩训练 装饰色彩是在自然色彩的基础上运用概括、提炼、想象、夸张后形成的色彩,在视觉中它是最活跃、最具冲击力的。它不以模仿、再现真实事物为满足,它不依附于规律,而是对自然界色彩的一种整理、归纳和概括,并按照美的法则和主题需要,对色彩进行变色、变调的加工,强化主观感受,力求创造出某种特定的艺术氛围和效果,使色彩成为反映设计者审美观点和设计意图的强有力手段。装饰色彩往往带有理想化倾向,以象征的手法,明确、清晰地概括和表现自然,画面所营造的装饰性色彩改变了客观物象所显示的颜色,给人以启示性的感受。 写生色彩重模仿,重视视觉在感官上的外在形式和特征,关注光、色、体在视觉上的真实性,具有客观表现的特征;装饰色彩则重直觉、重表现、重味觉触觉在心灵感知上的内在形式与诗意表达,它十分注重形与神、色与意的多重关系,具有主观性的特征。 装饰色彩着重于发现和研究自然景物色彩的形式美,研究自然色调中各种色相、明度、纯度、冷暖之间的对比、谐调规律,它不受光源色、环境色和固有色的束缚,完全根据画者的主观意识和需要来表现色彩的色调、冷暖及色彩之间的相互配置与变化,使画面达到和谐、优美、统一的效果,从而揭示色彩艺术的普遍规律。装饰色彩常用的表现方法有概括与提炼手法、夸张与变形手法、分割与勾线手法等,教师在教学中可根据学生具体情况和专业特点来进行大胆的想象和创造。 总之,色彩训练对艺术设计专业的每个学生来说都是非常重要的。艺术教育中色彩教学的研究也是一项复杂而系统的工程,不可能一蹴而就,教师应根据学生不同的专业特点来具体研究色彩教学的方法,寻求理想的教学模式。 艺术设计研究论文:产品艺术设计研究论文 内容摘要:人是设计的前提,是设计的对象和主体。人的需求是产品设计的主要依据,了解用户的行动结构和行为心理所得出的设计思路是优秀产品艺术设计产生的重要因素。 关键词:产品艺术设计行为心理学人性化设计原理 产品艺术设计从萌芽到发展,经过了漫长的岁月,经历了多种多样的设计风格的变革。从以纹样装饰为主的装饰风格和古典艺术风格的复兴,到注视功能和有机形体的现代主义,艺术设计似乎都停留在造型的范畴上。对艺术设计的内容与形式方面的探讨,却都反映了一个经济现象,那便是以产品为主导的经济现象。以往的产品艺术设计过多地重视了产品的制造,产品销售的利润,却忽略了产品的使用者——人的因素。 北欧的产品艺术设计,因其一贯坚持的人性化,在不牺牲功能的“软性现代主义”的设计风格下,产生了许多被人们所接受和喜爱的产品。它们便是重视了人的因素,才使得北欧设计代表了优秀设计的高品质,成为世界优秀设计的代名词。 一、人的需求是产品设计的主要依据 随着社会的不断进步,最高效率地掌握和操作产品,是当今设计的关键和优秀。现代生活的人们工作节奏加快,面临的是竞争激烈的世界,当然不希望在使用日常生活用品的过程中也碰到许多意想不到的麻烦。产品的功能设计要根据消费者对产品的生理需要,力求达到产品的方便性、使用的科学性和相应的价值观。如果一件新产品,人们需要事先阅读说明书才能明白操作的要领,那么它绝对不是好的设计,因为没有一个使用者会愿意去看说明书里枯燥而烦琐的内容。 简单和功能单一的产品逐渐受到人们的喜爱,因为人们曾经陷入科技发展而导致的产品设计的误区。多功能的、过于饱和与功能的重复堆砌不仅仅造成资源的浪费,也容易引起人们的误操作。而多功能必然导致设计的复杂性,要设计师们合理安排各种设计界面的穿插也是很不容易的,因此,功能饱和的设计仅仅是对科技发展的炫耀,而不是人的实际需要。事实上,有一些产品的功能,用户使用的频率极小。 比如,对有关微波烤箱的消费者调查显示:烤箱的功能很多,可绝大多数的消费者在使用过程中只是将食物放入烤箱,设定所需时间,然后开机。至于其他复杂的附加功能从未使用过。因此,根据消费者的动态的心理变化和需求,产品的功能设计有几个趋势: 1.自动化程度提高; 2.向“轻、薄、短、小”方向发展; 3.从提高生活质量出发,注重整体设计效应; 4.一看就懂,易于操作,功能适度。 二、行为心理与产品设计 人是设计的前提,是设计的对象,是设计的主体。如何设计使用方便、结构合理的产品,需要人们研究工程心理学和工效学方面的知识,了解产品的功能设计与人的生理和行为特点的匹配关系。因此,在产品设计中,要考虑消费者的行为规律,力求做到人——机——环境的和谐。怎样设计才能更简洁明了?怎样才能迅速引起操作者的注意?怎样传达正确的信息才能使得使用者有正确的理解?因此,想要有合理的、科学的设计,必须对使用者行为心理有一定的研究,才会有效地设计产品。 首先,要了解人在做一件事时所经历的步骤,即行动的结构问题。要做一件事时,人首先要明白做这件事的目的——行动目标;然后,要采取行动,自己动手或利用其他的人和物;最后是看自己的目标是否已达到。所以简单地说要考虑目标,对外部世界所采取的行动、外部世界本身以及查看行动在外部世界中所形成的后果。行为本身又包括两个方面,去做什么和检查做的结果,又称为“执行”和“评估”。 实际生活中,这个过程却不那么简单。因为最初的目标也许并不十分明确,目标并不会准确表明行动的具体内容——在哪做,怎么做等等,所以要想采取行动,还需要将目标转化为明确的行动步骤,即“意图”。 假设坐在沙发上看书,天色已晚,需要光线亮一些。目标:要得到更多的光线。目标转化成意图是:开台灯。但还需要明确如何移动身体,如何伸手触摸开关,如何用手指去操作开关,还可以有其他意图,请一个人帮忙开灯。这样目标没有发生变化,可意图和具体的动作却有不同。 然而,人们在实际的行动过程中,充满了不确定和随机性,有的时候很多活动不是靠单一行动所能完成的,或者一次行动无须经过所有的阶段,所以活动的复杂性使得行动中产生执行和评估阶段的断续。 在使用产品的过程中,人们常弄不明白自己心理意图及解释,与实际操作及外界状态之间的关系。每一个断续的产生都是人内心对外界的解释与外界实际状态这两者的差异造成的。某种产品的操作系统是否与用户设想的一致?执行阶段的断续即指用户意图与可允许操作之间的差距。在评估阶段,容易得到并可轻松地解释系统提供的有关信息一致,则所产生的差异很小。 这两个断续,正是一些日用品设计的瓶颈,一些看似简单的日用品,结构并不复杂,却因为没有处理好这两个断续的解决方法,就难倒了用户,让用户自己来承担操作困难的责任。于是,根据这些基础的行为心理知识,为设计师提供一些基本依据,以便检查设计有没有出现执行和评估的断续或将它们处理好。 如何使用户轻松地确定某一操作?有哪些可能的操作?具体如何操作?如何建立操作意图与操作行为之间的匹配关系?如何建立系统状态与用户解释之间的匹配关系?用户如何知道系统现在的状态?这些都需要设计者有所考虑。当然,行动的每个阶段都需要自身独特的设计策略,根据每个阶段的情况来确定设计方案,这就得到一个重要的设计原理: 1.可视性,用户一看就知道的物品状态和可能的操作方法。 2.正确的概念模型,使操作键的设计与操作结果一致。 3.正确的匹配,建立可判定的操作与结果,控制器和功能,系统状态与可视提示之间的匹配关系。 4.反馈,用户可以接收到有关操作结果的完整,持续地反馈(转第103页)(接第109页)信息。 三、设计原理中的心理学思维 设计优秀的物品容易被人理解,直接给用户提供了操作方法上的线索;而设计拙劣的物品使用起来很困难。它们不具备任何操作上的线索或给用户提供一些错误的信息,使用户陷入困惑,破坏了正常的解释和理解过程。可以利用以上原理对现有设计做个评估,从而可以知道,有问题的设计问题出在哪,向哪个方向改进会避免问题的出现;也可以用这些原理指导我们的设计,在创新的过程中创造出有效、易于操作的使用方式。 可视性,要表现操作意图与自己和产品之间是否实现了互动,即操作意图与实际操作之间的匹配,并且要让用户看出物品之间的关键差异。基于可视性,才可以把事物区分开来。操作结果的可视性能够让用户知道使用的方法是否正确。 可视性只是原理的一点,更重要的是建立正确的概念模型。这里需要提到预设用途的概念,指物品被人们认为具有的性能及其实际上的性能。预设用途为用户提供了操作的明显线索。比如手板是用来推的,旋钮是用来转的,狭长的方孔是用来插东西的等等。如果预设用途在设计中得到合理的利用,用户则无须借助任何图解、说明就知道如何操作了。在概念模型中,物品的表面结构,限制条件和匹配可以帮助人们了解物品的使用方法。以剪刀为例。剪刀柄上的圆环显然是让人放东西进去,而唯一合乎逻辑的就是把手指放进去。圆环的大小决定了使用上的限制,限制了放的手指的数目;同时剪刀的功能不会受到手指位置的影响,放错了手指,照样可以使用剪刀。所以就算是第一次使用剪刀,用户也可以弄明白它的使用方法。因为剪刀的各部分显而易见,功能清楚。剪刀的设计突出了概念模型,并有效利用了预设用途和限制条件。 匹配原则,以汽车为例,想要把车往右转就需顺时针转动方向盘,这里有两种匹配关系,方向盘是唯一负责汽车方向的,方向盘不是向左转就是向右转。匹配性使得用户的操作动作与操作结果之间表现出紧密可见的关系,信息反馈很迅速,也非常好记。 反馈原则在原来经典的电话概念模型中有很好的体现,按下按键用户会听到确定的声音来帮助辨别工作状态。功能设计上要注意到对人的视觉有及时的反映,以判断操作的正误。 了解用户的行动结构和行为心理所得出的设计原理是产生优秀设计的重要依据。贯彻以人为本的科学发展观,也是产品艺术设计中的关键。研究人的行为心理可以更好地为人类服务。 市场经济的不断发展,研究消费者心理已成为生产者和设计师的出发点。如果没有对消费者心理深入的了解,设计出来的产品再好,也只能是放在柜台里,不能产生市场效益,所以重视对消费者的需要、动机、个性、情感的调查和了解,做到产品设计理念上新颖,视觉上好看,使用上方便,品位上满意,价格上合理,就一定能推出受市场欢迎的优秀设计,实现生产者、设计师和消费者共赢,达到市场经济不断繁荣的目的。 艺术设计研究论文:艺术设计教育体系研究论文 引言 如同所有的理论总是滞后于实践一样,艺术设计教育也总是落后于现代设计的实践。这一点在中国现在的艺术设计教育中,表现得更为突出。 一方面,迅速崛起的经济建设高潮,一浪高过一浪,信息时代的产业更替几乎冲击着一切领域。在中国植根的现代艺术设计,不得不仓促上阵,以非常不成熟的理论与实践,迎接着信息时代快节奏产业革命的挑战,为中国的产业化提供着力不从心的服务。 另一方面,信息时代对现代设计人才需求的高起点,批量化,又逼迫着中国的艺术设计教育,尽快为社会提供着必须的现代设计人才。这一点可以从现阶段中国高等院校遍地开花式地开设艺术与设计学科看得真真切切。 再一方面,中国现实的艺术设计教育状况,又十分令人难以满意,社会,或者说市场不能满意,业内不能满意。社会不满意,主要是人才数量和质量不能适应市场需要的问题。业内不满意,最优秀的就是没有一个基本可以成为指导思想的设计教育理论,教育的方向还无法清晰透彻,教学方法还不能适应设计教学实践的需要。甚至可以说,仅仅有二十几年历史的中国现代艺术设计,还拿不出一个自己满意,社会满意,比较完整的教育体系。反映到教育实践中,就是艺术设计教学的无序,师资队伍的不整,教材取用的随意,教学方法的陈旧,招生制度的落后。反映到社会上,就是学生因受教学校的不同,专业水平、职业素质、工作能力等等,有着极大的差异。 高等教育,历来就是出人(培养社会需要人才)、出理论(总结和建立专业理论体系)的地方,高等艺术设计教育也不例外。现代设计的实践,要求艺术与设计教育积极回应社会的这一要求,尽快建立起,适合中国传统文化与现代科学技术相结合的艺术设计教育体系。 第一章转变思维方式 仅从教育着眼,我们的教育革命已经进行了上百年,从20世纪20年代的五四新文化运动开始,就有鲁迅、蔡元培等人发起的教育革命运动,使中国的传统文化与传统教育方式,走向了与现代科学和现代教育相结合的道路。新中国成立后,又有同志发动的教育革命,提出两个“必须”,即“教育必须为无产阶级政治服务,教育必须与生产劳动相结合”。改革开放以后,我们的教育,又恢复到从前的轨道上,近些年,我们又开始大力提倡“素质教育”。我们暂且不论过去进行的教育革命的内容,以及取得的成果如何,至少说明,在一个世纪的时间里,我们从未停止过对教育的革命。 教育革命最重要的是思维革命 这是葛鹏仁先生积极提倡的教育革命观点。葛鹏仁是中国美术学院的教授,被称为:当北京的一批知识分子在九十年代渐渐脱胎换骨进入当代后,唯有葛先生还执著地留在现代。 葛鹏仁自欧洲游历数年之后,一直在中央美院倡导艺术教育应引入后现代艺术内容,而且竭力鼓吹后现代主义。为此,葛鹏仁放弃了第四工作室,办起了“当代艺术研修班”。葛鹏仁认为,因为我们的教育和传统文人封闭的心理模式,中国知识分子有一个致命的弱点,即缺乏一种大文化观。他们看问题只是从专业的、局部的、个人的、地域的角度,这是非常狭隘的。比如很多画家现在所关注的还是“语言”本身,其实现在的“第四画室”也局限在“语言”里,什么语言的“张扬”了,视觉的“满足”了,根本没有涉及到文化观念和文化信仰问题。 葛鹏仁认为,教育革命主要是思维革命。不论是教授者还是被教授者,其思维都要进入信息时代,以全球化的眼光去选择知识。革命是先进的代替落后的,教育革命不但要有新的知识内容,还要有新的知识传授形式;具体地说,就是从“内容”到“形式”必须体现社会化、信息化、智慧化、创意化。对于美术院校的教师和学生来说需要塑造的不是形式,而是思想。他说:进入20世纪90年代,西方人明白了一个问题——艺术变成思想者的新思想,也是人类当前所面临的新问题。中国当前的教育和美术教育存在的问题很多,但本质是体制问题,本质的症结所在就是一种建立在农业文化基础上的教学观。从目前美术界一些现象来看,那种靠小技巧投机、小技巧卖画的行为泛滥就是一种很强的农民意识的反映——只顾眼前利益,现买现卖。这与我们目前的教育和美术教育滞后有直接关系。从美术教育的水平来看,还停留在印象派和后印象派之间。因此,我们总是用过去的眼光和方式来解决当前的问题。这种教育对于我们民族的长远发展毫无益处,尤其是现在进入到后工业时代了,其危害性我们不能小看,它不仅限制了人的创造思维,削弱人的自信和参与竞争的实力,甚至会泯灭人格和人性。这不是危言耸听。为了挽救我们的民族,我们必须实行“超前教育”。 在如何培养未来的艺术家的问题上,葛鹏仁认为,在纯艺术教育领域,应侧重对旧的知识结构的改变和思维观念转换上。艺术教育,实际上包括两个方面,即,有形资产和无形资产。有形资产是可以拿来的,在教学中也比较容易实现,但有形的同时也是有限的。另一个是无形的资产,即人类的、民族的文化精神和文化意识。它是无限的。它包括性格品格、性格品质、观念产生和实现过程的勇气和能力。有形和无形看起来比较虚,但在具体教学中如果不改变以前的模式,加入这种无形的东西,我们就只能在形式上改变,而不能从思维观念上改变,这不是本质意义上的改变。有形资产只能让你重复,而无形的资产却能让你有新的开拓和建树。其实,不只是在艺术界,就是在科学技术领域这种无形的资产也有着非常重要的作用。应该说,前卫精神在各个领域都是相通的,它有着一种警示和启迪人类智慧潜能的作用;虽然它反映的形式有各种各样,虽然它有可能有些极端,但很可能是未来的走向。这种前卫精神即源于这种无形资产的教育。 葛鹏仁认为,文化人如果没有一个终极信仰、终极目标,那么他只是一具躯壳。海德格尔说过:“艺术作品的真正意义在于,把真理植入你的作品中,带回到人间,别人才能从中得到感悟”。哥白尼为真理而牺牲,他有改变信仰的机会,也有生的希望,但他选择了真理。我们的知识分子特别缺乏这种东西。有了它,真我才能存在。 葛鹏仁按着自己的教育思想,执著地进行着教育改革,实施着被称为“自新教育方式(开办讲座)”的教学。他遵循开放性教学原则,要求学生创作要面向社会。使学生有目标、有驱动力,把文化参与落实到社会中来。创作面向社会,就会产生意义,产生参与感、责任感,在文化意识上发生作用,并把个人和现实文化联系起来。他要求学生不要把自己圈在小文化背景里,要多交艺术专业以外的朋友,建立起一个大文化背景。他认为当代艺术首先要解决的是生活方式问题,什么样的生活方式出现什么样的作品。 为了共同创造一个共同研究的氛围,他甚至允许学生可以不画素描,不做雕塑,而是每星期请学院内外的艺术家、批评家和策展人做后现代艺术讲座。他甚至把通县的流浪艺术家都请去美院上课。他鼓励学生相互之间多交谈,谈艺术、谈社会、谈人生、谈一切感兴趣的内容。包括请文学批评家谈社会问题。他认为,现代艺术产生在沙龙、咖啡馆。从印象派开始,每次革命都是在咖啡馆,包括俄罗斯的强力集团、巡回展览画派。只有不同的文化观在一起碰撞,才能产生大社会文化。他认为教思想,教会学生一种思考艺术的能力,比教技法和传统历史更重要。中国艺术教育体系从不教学生思想,中国的许多艺术家就像中国的足球运动员,除了搬用西方艺术形式套用中国题材外,基本上毫无创意可言。 他提倡直接进入创作,通过创作去综合运用个人的能力,找寻适合于自己的感受点,带动其他因素,诸如技巧、材料、载体等。直接进入创作的优势在于激活其内因对生活、对社会反映的敏感力、认知力、艺术表现力和责任感。他通过一次次的展览,推动不是载体,而是思想上的变化。 葛鹏仁探索的道路也许还十分艰辛,但我们似乎看到了当年包豪斯艺术教育改革的影子,也似乎看到了教育思想的某些影子。葛鹏仁教育革命即思维革命的观点;教思想、教思考艺术能力比教技法和传统历史更重要的观点;自新教育方式、开放性教学原则、直接进入创作、理论与实践相结合的方法,都会给未来艺术与设计教育以极大的启发。 新思维成就了包豪斯的教育伟业 在以前的章节中,我们已经就包豪斯的艺术设计理论与实践,进行了许多讨论,下面我们再从艺术设计教育的角度,探讨一下包豪斯的影响。20世纪以来,包豪斯几乎成了现代艺术设计教育成功的代名词。包豪斯的实际影响,以及它所具有的广泛积极指导意义,早已经超出了它本身的工作效果和教育成就。那么是什么使包豪斯能够取得如此之大的成就呢?简而言之,就是思维方式的根本转变。 弗兰克·惠特福德(FRANKWHITFORD)在《包豪斯》一书前言中写道:“在眼下的这个时代里,还是会有人不断地问起那些包豪斯当年曾经提出过的问题——进行艺术与工艺的教育时,应该采取什么样的方式;优秀设计的本质是什么;建筑对于生活在里面的人们会造成一些什么样的影响——同时,这些问题象以往一样,迫切地需要得到解答。设计我们的生活的那些人,还是继续从包豪斯的作品当中汲取着灵感。而遍布世界各地的许多艺术院校里,包豪斯的艺术教育方法依然普遍地影响着它们现在的教学。” 包豪斯前后经历了三个发展阶段: 第一阶段(1919—1925年),魏玛时期。格罗皮乌斯(WALTERGROPIUS)任校长,提出“艺术与技术新统一”的崇高理想,肩负起训练20世纪设计家和建筑师的神圣使命。他广招贤能,聘任艺术家与手工匠师授课,形成艺术教育与手工制作相结合的新型教育制度; 第二阶段(1925—1932年),德绍时期。包豪斯在德国德绍重建,并进行课程改革,实行了设计与制作教学一体化的教学方法,取得了优异成果。1928年格罗皮乌斯辞去包豪斯校长职务,由建筑系主任汉内斯·梅耶(HANNSMEYER)继任。这位共产党人出身的建筑师,将包豪斯的艺术激进扩大到政治激进,从而使包豪斯面临着越来越大的政治压力。最后梅耶本人也不得不于1930年辞职离任,由密斯·凡·德·罗(MIESVANDEROHE)继任。接任的密斯面对来自纳粹势力的压力,竭尽全力维持着学校的运转,终于在1932年10月纳粹党占据德绍后,被迫关闭包豪斯; 第三阶段(1932—1933年),柏林时期。密斯·凡·德·罗将学校迁至柏林的一座废弃的办公楼中,试图重整旗鼓,由于包豪斯精神为德国纳粹所不容,面对刚刚上台的纳粹政府,密斯终于回天无力,于该年8月宣布包豪斯永久关闭。1933年11月包豪斯被封闭,不得不结束其14年的发展历程。 包豪斯虽然已经成为历史,但是它的两大特点至今不能被人忘记:一是决心改革艺术教育,想要创造一种新型的社会团体;二是为了这个理想,不惜做出巨大的牺牲。包豪斯的创办者兼校长格罗皮乌斯(WALTERGROPIUS)亲自制定了《包豪斯宣言》和《魏玛包豪斯教学大纲》,明确了学校目标:一要挽救所有那些遗世独立、孤芳自赏的艺术门类,训练未来的工匠、画家和雕塑家,让他们联合起来进行创造,他们的一切技艺将会在新作品的创造过程中结合在一起;二要提高工艺的地位,让它能与“美术”平起平坐。包豪斯声称,“艺术家与工匠之间并没有什么本质上的不同”,“艺术家就是高级工匠……因此,让我们来创办一个新型的手工艺人行会,取消工匠与艺术家之间的等级差异,再也不要用它树起妄自尊大的藩篱”;三要把包豪斯与社会生产、市场经济紧密结合起来,把自己的产品与设计直接出售给大众和工业界。包豪斯声言,他们将“与工匠的带头人以及全国工业界建立起持久的联系”。 按照《宣言》和《大纲》,包豪斯建立了自己的艺术设计教育体系——包豪斯体系。这个体系的主要特征是:一、设计中强调自由创造,反对模仿因袭,墨守陈规;二、将手工艺同机器生产结合起来;三、强调各类艺术之间的交流融合;四、学生既有动手能力,又有理论素养;五、将学校教育同社会生产挂钩。 从以上介绍看,在包豪斯发展的每一步,都有一个能够跟上时代步伐、符合时代要求的新思维代表人物,这个人物就是包豪斯这艘驶向远方航船的舵手。我们不难想象,如果没有政治原因,包豪斯至今仍然会生活在我们的时代。包豪斯的创始人格罗皮乌斯,针对工业革命以来所出现的大工业生产“技术与艺术相对立”的状况,提出了“艺术与技术新统一”的口号,这一理论逐渐成为包豪斯教育思想的优秀。 包豪斯以前的设计学校,偏重于艺术技能的传授,如英国皇家艺术学院前身——设计学校,设有形态、色彩和装饰三类课程,培养出的大多数是艺术家而极少数是艺术型的设计师。包豪斯则十分注重对学生综合能力与设计素质的培育,为了适应现代社会对设计师的要求,他们建立了“艺术与技术新统一”的现代设计教育体系,开创类似三大构成的基础课、工艺技术课、专业设计课、理论课及与建筑相关的工程课等现代设计教育课程,培养出大批既有艺术修养、又有应用技术知识的现代设计师。实用的技艺训练、灵活的构图能力、与工业生产的联系,三者的紧密结合,使包豪斯产生了一种新的“艺术+技术”的设计风格,其主要特点是:注重满足实用要求;发挥新材料、新技术、新工艺和美学性能;造型简洁,构图灵活多样。包豪斯艺术方向和艺术风格使它成了二十世纪欧洲最激进的艺术流派的据点之一。 格罗皮乌斯有一个很重要的思维方式:从本质上讲,美术与工艺并不是两种截然不同的活动,而是同一个对象的两种不同分类。艺术家比较注重艺术理论,容易接受新思维,他们教育学生,一定能胜过旧式工匠。这类艺术家可以向学生强调并解释一切艺术活动的共通要素,让学生了解到美学的基础。他们可以利用自身的经验,帮助学生创造出新的设计语言。基于这一点,格罗皮乌斯聘任了画家约翰·伊顿、里昂耐尔·费宁格(LYONELFEININGER)、雕塑家格哈特·马克斯(GREHARDMARCKS)、穆希(MUCHE)、施莱默(SCHLEMMER)、克利(KLEE)、施赖尔(SCHREYER)、康定斯基(KANDINSKY)和莫霍利--纳吉(MOHOLY--NAGY),他们在1919年到1924年之间,陆续来到了魏玛,这些人极富原创性、同时也极擅长自我表达。他们全都有兴趣研究基本问题的理论。除开这些艺术家,格罗皮乌斯还聘请了许多作坊大师,他们在各自的工艺类别上,都是技艺精湛的人。艺术家激励学生开动思想,开发创造力,作坊大师教会学生手工技巧和技术知识。 包豪斯的新思维还体现在包豪斯的宣言中:“建筑家、雕刻家和画家们,我们都应该转向应用艺术……艺术不是一种专门职业。艺术家和工艺技师之间在根本没有任何区别。艺术家只是一个得意忘形的工艺技师。在灵感出现并超出个人意志的珍贵片刻,上苍的恩赐使他的作品变成为艺术的花朵。然而,工艺技术的熟练对于每一个艺术家来说都是不可缺少的。真正创造想象力的根源即建立在这个基础上面……让我们建立一个新的设计家组织。在这个组织里面,绝对没有那种足以使工艺技师与艺术家之间树立起自大障壁的职业阶级观念。同时,让我们创造出一幢将建筑、雕刻和绘画结合成三位一体的新的未来殿堂,并用千百万艺术工作者的双手将其矗立在云霄高处,成为一种新信念的鲜明标志。” 包豪斯在纳粹统治时期,遭到了难以避免的关闭命运,但是它的教育思想并没有停止,逃避纳粹压迫、寻求新发展的包豪斯教育家格罗皮乌斯在英国居留三年后,又于1937年赴美国任哈佛大学建筑系主任。密斯·凡·德·罗1937年赴美国,任教于伊利诺工业技术学院,希尔伯西摩和彼得汉斯等也前往该校任教。1937年包豪斯的教师莫霍利--纳吉,在芝加哥筹建了“新包豪斯”(THENEWBAUHAUS),继续弘扬德国时期的包豪斯精神。后来更名为“芝加哥设计学院”(SCHOOLOFDESIGNINCHICAGO)。以后又与伊利诺工学院合并,成为美国最著名的设计学院(INSTITUTEOFDESIGN)。芝加哥设计学院一象被认为是包豪斯设计与教育思想在美国的前沿阵地。 1953年被称为战后包豪斯的德国乌尔姆(ULM)艺术学院建立,地点就在物理学家爱因斯坦诞生的小城市乌尔姆,平面设计的重要人物马克斯·比尔(MAXBILL)担任第一任校长。在他和教员的努力下,这个学院逐步成为德国功能主义、新理性主义和构成主义设计哲学的中心,虽然学院已经关闭多年,但是它所形成的教育体系、教育思想、设计观念直到现在,依然是德国设计理论、教学和设计哲学的优秀组成部分。乌尔姆致力于设计理性主义研究,几乎全盘采用包豪斯的办学模式,它的最大贡献是完全把现代设计——包括工业产品设计、建筑设计、室内设计、平面设计等,从以前似是而非的艺术、技术之间的摆动立场坚决地、完全地移到科学技术的基础上来,坚定地从科学技术方向来培养设计人员。 包豪斯的办学宗旨是培养一批未来社会的建设者。他们既能认清20世纪工业时代的潮流和需要,又能充分运用他们的科学技术知识,创造一个具有高度精神文明与物质文明的新环境。正如格罗皮乌斯所说:“设计师的第一责任是他的业主。”又如纳吉所说:“设计的目的是人,而不是产品。”所以,它在艺术设计教育的诸多方面做出了难以磨灭的贡献:一,打破了将“纯粹艺术”与“实用艺术”截然分割的陈腐落后的教育观念,进而提出“集体创作”的新教育理想;二,完成了在“艺术”与“工业”的鸿沟之间的架桥工作,使艺术与技术获得新的统一;三,接受了机械作为艺术家和设计师的创造工具,并研究出大量生产的方法;四,认清了“技术知识”可以传授,而“创作能力”只能启发的事实,为现代设计教育建立了良好的规范;五,发展了现代设计风格,为现代设计指示出正确方向;六,包豪斯坚决反对把风格变成僵死的教条,只承认设计必须跟上时代变化的步伐。 包豪斯的教育思想也影响了中国的艺术设计教育。1942年成立的圣约翰大学建筑系,一开始就引进包豪斯的现代设计教育体系,强调实用、技术、经济和现代美学思想,成为中国现代主义建筑的摇篮,开创了中国全面推行现代主义建筑教育的先河。它的影响不仅反映在圣约翰大学建筑系的人才培养上,也反映在一系列建筑作品,包括大上海都市计划的制定。1951年,圣约翰大学解散,各系并入有关院校,包豪斯的教育思想和设计理论在同济大学得到延续。后来包豪斯的教育思想和设计理论被当成西方资本主义的东西遭到批判,包豪斯的设计与教育思想在中国逐渐被淡化。 对工艺美术的影响,则反映在田自秉的《工艺美术概论》一书中,田自秉在书中写道:“20世纪初的包豪斯工艺思想体系……主张艺术与工业结合。认为在工业十分发达的时代,应当利用科学成果,在工业技术的基础上,创造合乎功能的新的工艺美。机器产品虽然单调枯燥,但是机器只是工具,我们应当解决机器生产与艺术表现的矛盾,使设计、生产、经济得到有机的统一。包豪斯的工艺思想,重视现代材料、现代技术、现代结构的应用,并由现代工业直接创造美学价值,这对工艺美术创造,适应时展,结合生活需要,工艺美术新领域的开拓,工艺思维的启迪,具有重要的价值。但是,包豪斯工艺思想强调工艺美是体现功能和运用结构的必然结果,并认为传统是阻碍机器产品设计的因素,因而认为功能就是美,并忽视民族文化传统的作用。” 从上面两个例子看,中国的现代设计虽然起步很晚,但是也曾经受到包豪斯的影响。不过,中国在接受包豪斯的设计与教育理论的时候,比较注意了与中国传统文化与艺术的结合,并没有完全照抄照搬。事实上,中国艺术设计很容易接受包豪斯的思想,其中有一个很重要的文化背景原因。我们在前面已经提到,包豪斯的教育思想,在很大程度上,受到中国传统文化,即易学文化、老庄道家哲学思想和孔孟儒家哲学思想的深刻影响。譬如,格罗皮乌斯“把人作为尺度”,“平衡的全面发展”的观点;约翰·伊顿把老庄的道家哲学思想与西方的科学技术相结合,直接用于教学实践当中等等,就是中国传统文化中,“天地人为贵”、“有之以为利,无之以为用”和“有教无类”、“因材施教”等等哲学思想的具体体现。 包豪斯的出现,是现代工业与艺术走向结合的必然结果,它是现代建筑史、工业设计史和艺术史、艺术设计教育史上最重要的里程碑。包豪斯的成功为我们提供了许多值得学习和借鉴的经验,其中最重要的一条就是:紧随社会进步,不断更新观念,积极创立新思维。 创立新思维比艺术设计教育本身更重要 任何改革,当然也包括教育改革在内,都是对不适应新形势的旧体制的改造,从而建立适应新形势的新体制。改造旧体制,建立新体制,首先就需要思维方式的转变,没有这个思维方式的根本性转变,就不可能建立起与新形势相适应的新体制。中国的现代艺术设计,刚刚从传统的美术中分离出来,一切都还不健全,所以更需要我们转变传统的思维方式,尽快适应新形势下社会对现代艺术设计的要求。 首先,冷静分析我们的传统文化与艺术。我们现在有一种怪现象,一谈起中华民族的文化与艺术,抽象时,满口的大话、空话,又是博大精深,又是五千年文明,可是一到具体时,就连篇的丑陋中国人,老祖宗的劣根性,没有一点可爱的地方,“博大精深”、“五千年文明”,都成了口诛笔伐的对象。这种历史文化的沙文主义和历史文化的虚无主义,同样都是要不得的。 近二十多年,由于在学术上恢复了正常的秩序,我们在对待传统民族文化与艺术问题上,提倡辨证唯物主义和历史唯物主义,对过去的传统文化与艺术,采取了比较科学的客观态度。譬如对易学文化,对孔孟的儒学、老庄的道学、中国化的佛学的研究,对巫术、风水术,或者叫卜筮文化的研究等等,已经形成了一个比较宽松的、民主的学术讨论空气。这正是同志一贯提倡的“百花齐放,百家争鸣”的学术讨论的观点。对此做过详细的解释,他说:“艺术上不同的形式和风格可以自由发展,科学上不同的学派可以自由争论。利用行政力量,强制推行一种风格,一种学派,禁止另一种风格,另一种学派,我们认为会有害于艺术和科学的发展。艺术和科学中的是非问题,应当通过艺术界科学界的自由讨论去解决,而不应当采取简单的方法去解决。为了判断正确的东西和错误的东西,常常需要有考验的时间。历史上新的正确的东西,在开始的时候常常得不到多数人承认,只能在斗争中曲折地发展。” 在对待历史文化与艺术传统上,我们也不能采取实用主义的断章取义的态度。关于传统文化与艺术的研究,我们在前面的章节里已经多有讨论,这里仅从学术角度上举艺术的个案,对思维方式的转变加以简略的讨论。 从20世纪90年代以来,“洋插队”的热回国,国内马上做出了积极影响,而且一浪高过一浪,掀起了不小的波澜。这当中有谋求商机的商人;有暴富后的收藏家;有怀旧的有闲阶层;有为学术探索的学者,等等,不一而足。新加坡的收藏家、心理医生杨新发在新加坡HOUSEOFMAO(毛家餐厅)搞了一个最具轰动效应的展览。他将这次展出的二百件收藏品,归纳为十三个主题。在“数风流人物还看今朝”主题下,展出的塑像和瓷板画;在“会捉老鼠的猫就是好猫”主题下,展出以猫为主题的作品。其他主题还包括:儿童是国家未来的主人翁、英雄人物、、革命样板戏、救死扶伤等。 艺术界对艺术的研究,则是出于艺术家对历史的责任感。艺术家郑腾天与温哥华不列颠哥伦比亚大学(UBL)贝尔金美术馆馆长史华生教授(SCOTTWATSON)、深圳画院美术史学家严善淳三人,在温哥华不列颠哥伦比亚大学举办艺术展,目的是为了“追寻中国现代美术史上被遗漏的篇章”。郑腾天在后来的文章中说:“在中国、学在国外,这是许多中国学者不无感慨的政治现实。近年来,国际上越来越多的学者开始关注20世纪中国的文化艺术,包括不同时期的大众文化。越来越多的海外华人批评家和历史学者也在运用新的方法探讨时期的文学艺术。” 研究美术史,更是一件十分艰难的工作。艺术史学家王明贤和严善淳耗时近十年,完成了《新中国美术图史:1966—1976》,为读者提供了一幅完整的时代画卷。正如作者在后记中所说,“在‘史无前例’的中产生的美术作品,也是非常奇特的艺术”,“美术家关注‘’美术史”,“在于其中蕴含着的史学价值及它与整个20世纪美术史的联系”。 批评家认为,该书是一本具有很强学术意义的著作。重新审视历史,从学术上、艺术上、史学上对美术史进行研究是十分必要的。 生活在美国的中国画家高名潞,也在研究美术史,高在《论的大众艺术模式》中,对大众艺术进行了探讨,文章说:“的大众艺术并不是一个独特的现象,它可以纳入20世纪艺术发展的整体潮流之中。”高把大众艺术分为三个发展阶段。1942年至1949年延安时期的稚拙时期;1949年至1966年“苏化”时期;1966至1976年的成熟期。高认为,自1942年发表《在延安文艺座谈会上的讲话》后,大众艺术就成为此后半个世纪中国艺术的标准。大众艺术无疑拥有最大的优势。中,《去安源》一次发行9亿张,并在全国掀起了一个全民请宝画的热潮,这种现象可堪称世界流行艺术之最。 从以上这些有一定代表性的案例中,我们可以看到,不论基于什么样的出发点,艺术家正在用比较客观的思维方式,对待中国不同历史时期的文化与艺术。我们姑且不论他们的立场、观点、方法是否正确,理论是否成熟,研究是否成功,这只能留给实践证明。但是,至少可以说明,他们还没有把我们的历史、文化、艺术,虚无到零的程度,还能够在急剧变化的信息时代,及时调整思维方式,重新审视我们的艺术。仅此一点,就是非常可取的。 其次,要正确对待国外的艺术与设计。在我们的文化传统中,有一种非常有害的,但又是根深蒂固的坏东西,这就是“上有好之,下必兴焉”。表现在社会上,就是大众的“起哄”心理,一种潮流来了,大家都跟着起哄,虽然他们的出发点和目的不同,但是推波助澜造成的后果却是十分恶劣的。表现在学术上,就是专家的“盲从”心理,一种潮流来了,大家都跟着追逐,实践上紧跟照办,理论上狗尾续貂。20世纪50年代,我们提倡向苏联学习,于是,“苏化体制模式”、“苏化经济模式”、“苏化文化模式”、“苏化艺术模式”、“苏化教育模式”……苏化模式遍地开花,甚至那个时代出生的孩子,也要起一个苏化模式的名字。后来中苏关系恶化,唇枪舌战,互相攻击,我们又全盘否定苏化模式,把苏化模式批得体无完肤。人人“谈苏色变”,沾上点“苏”字边的统统被斥为“修正主义”,连学俄罗斯语言的也自愧形陋。如今苏联解体,社会主义苏联的光辉已经成了“昨日黄花”,苏联人都成了“乱离人不如太平犬”,我们对苏联的东西,从“讳莫如深”,转到“不屑一顾”,或者干脆“嗤之以鼻”。假使我们冷静一下,用辨证唯物论和历史唯物论的思维方式仔细分析一下,苏联的那块“他山之石”,也还是有许多“可以攻玉”的东西。 改革开放以来,我们提倡向发达国家学习,有些人又走极端,一切都是西方先进,中国落后。不分青红皂白,什么都以西方为美,以美国为美,到处都重复着当年狂热追逐“苏化模式”的故事。西化之风,比之当年的苏化之风,更甚,更烈。假使我们仍然冷静一下,再用辨证唯物论和历史唯物论的思维方式仔细分析一下,西方的那块“他山之玉”,也并不都是白碧无暇。至少,叫人一味欣赏性器官的“花花公子”、充斥肉欲的败德“新视觉”……就未必是我们必须要去攻的文化艺术之“玉”;巴尔扎克、莎士比亚、罗丹笔下的资本主义的种种丑恶,也决不是我们今天必须效仿的文学与艺术。 在对待外来文化与艺术,也包括教育,所采取的正确态度,应该是一种积极分析的、批判吸收的、扬弃选择的思维方式,全盘否定不是马克思主义的观点,全面看齐也不是辨证唯物论和历史唯物论的思维方式。同理,如果追求上述的极端态度,也不是一个学者,或者专家、艺术家、教育家应该采取的科学态度。如果是那样的话,我们的文化、科学和艺术,也将无从谈起。鲁迅先生曾经提倡“拿来主义”,那是指对我有用的“拿来”;提倡“古为今用,洋为中用;去粗取精,去伪存真”,也是一种非常科学的扬弃选择。事实上,西方人在对待东方文化与艺术,从来不是“刘姥姥大观园,捡到筐里都是菜”。西方有先进的科学,也有落后的文化;有美的艺术,也有丑的设计……一句话,西方有真善美,东方也不净是假丑恶。 第三,对艺术与设计教育而言,转变思维方式,更是刻不容缓。这是上面讲到的艺术设计的实践需要,或者说是市场的需要,也就是说,客观形势逼迫艺术设计教育必须转变思维方式。当然,这里有一个怎样转变的问题。 我们的艺术设计,是随着市场经济在中国的兴起而兴起的,是为了适应市场经济的需要而产生的。应该说,在中国,艺术设计从诞生的那天起,就与市场经济发生了割不断的联系。我们搞市场经济,原本就是“摸着石头过河”,所以,艺术设计更是摸着石头过河,作为滞后于艺术设计的艺术设计教育来说,就更是盲人摸象,难以掌握要领。但是,经过二十几年的摸索,即使没有经验,也会有许多教训。所以,现在是我们应该冷静下来的时候,认真回顾一下这二十几年的实践,找出一些经验教训,总结一些可以作为指导思想的东西,这是十分必要的。 同时,对已经搞了上百年的西方艺术设计教育,要加以分析,一个是分析他们的成功经验,一个是分析他们的失败教训,从中找寻一些适合我们的东西,采取鲁迅先生的“拿来主义”方法,大胆引进,大胆消化,使它变成中国化的东西。历史上,舶来品的佛教,由印度传入中国,经过长期的经典传译、讲习、融化,与中国传统文化相结合,形成具有中华民族特点的、各种学派和宗派并存的中国佛教。大家知道,传到朝鲜、日本和越南的是中国佛教,而不是印度的佛教。 在建立新思维上,我们可以借鉴包豪斯。如果包豪斯没有一批锐意改革的教育家,就不会有后来成为世界艺术设计教育楷模的包豪斯。包豪斯的教育改革,是建立在国家和人民,乃至整个社会的要求基础之上的。从19世纪末叶开始,德国人一直在努力寻找一种新的教育方式,想要用它来取代原有的学院体系,并且把工艺与美术紧密结合起来。德国人认为,艺术教育的改革问题,是关系到德国经济生死存亡的大事。德国比不得美国和英国,它不是一个资源丰富的国家,因此,它必须依靠熟练工人和工业,生产出复杂细致的优秀产品用于出口。社会对设计师的需求与日俱增,要想满足这种需求,必须在艺术教育中采用全新的方法。教授们得出一个惊人的结论,认为进行教育改革是符合自己利益的。把美术学院与工艺学校合并起来的教育改革,不是政府官僚提出的,而是教授提出的。他们认为,不应该由自己的人,即美术家来掌管新创办的学校,而应该把它交到一位建筑师的手里。于是,格罗皮乌斯就成了包豪斯的掌舵人。 如果说包豪斯能够给我们提供的最重要的启示,那就是,教育改革,首先是,而且应该是教育家的责任,教育家应该主动挑起这副重担。如果我们今天还没有这样的认识,那我们的艺术设计教育将无法设想。当今的世界,是正在走向全球化的世界,与世界同步也好,与国际接轨也好,如果没有思维方式的根本转变,中国的艺术设计教育将面临重大危机。这不是危言耸听,我们应该有这种“生于忧患,死于安乐”的忧患意识。 重新定位艺术设计教育 在现行的教育体系中,艺术设计教育基本上按照两种模式进行。一种是在综合性大学、专业美术院校和师范院校;另一种是在各种工科院校,如建筑、机械、轻工、纺织等。前者偏重美术理论和美术基础训练,后者偏重不同专业的工艺与专业技术训练。这一点可以从他们开设的不同的课程上明显看出来。这两种教育模式本来可以互相借鉴,互相补充,但因为现存的教育管理体制,如综合性大学隶属教育部门;专业美术院校隶属文化部门;工科院校隶属各产业主管部门,它们之间常常“鸡犬之声相闻,老死不相往来”。这种“不相往来”,是天生就决定了的。我们知道,中国的高校招生,历来分文理两大类,演变到今天,这种体制已经波及到基础教育的中学分科问题。而艺术设计学科,也因为这个招生体制,被人为地割裂开来。所以,以文科考试进入美术院校的学生,得不到良好的工艺与技术训练,以理工科考试进入工科院校的学生,得不到良好的美术理论和美术基础训练。这个问题早已经在我们的社会上,即学生就业的工作岗位上反映出来。又有近二十几年的商品化大潮的冲击,各地各校,不分是否具备条件,一窝蜂地上艺术设计专业,更使艺术设计学科的教育模糊不清。不仅学科教育本身模糊不清,也使艺术设计专业在社会上产生许多混淆不清。 在这个问题上,我们可否转变一下思维方式,打破文理科界限,把艺术设计教育统一起来,不论其设在什么学校,工科也好,文科也好,都用一个标准确定教育对象和教学方法。这样既能避免学生接受知识上的偏差,也能衡定各类学校的师资和教学水平,同时,也使学生来源得到合理配置。譬如,工科院校招生,强调理工科成绩,所以使一些不具备艺术素质的学生进入建筑设计、产品设计等专业。而一些艺术院校的学生,又对文化课程,特别是数理化课程望而却步。现在,由于实行“三加X”考试,这一点在招生上基本上没有障碍,主要是思想再解放一点,把这种选择学生的方式再向前推进一步,就可以达到这一目的。 在具体教学课程的设置上,也应该打破现行的画地为牢的方法,艺术院校的设计专业要开设相关的工艺课程,工科院校的设计专业也要开设更多的美术基础课程。专业之间要有更多的融通性,不要把落在不同学校的相通专业,搞成针插不进,水泼不进的“独立王国”。 在师资方面,我们完全可以借鉴,或者仿效包豪斯的作法,走艺术家和设计师结合的道路,不要搞孤芳自傲,专业上的“沙文主义”。有一点需要指出,自从我们开始把艺术设计独立出美术(THEBEAUTIFULARTS)以来,由于艺术设计自身的诸多原因,美术师对设计师总是不屑一顾;工程师对设计师也多有讥讽。这是十分有害的,也是十分要不得的。我们不能把“大师”与“工匠”对立起来,大师与工匠之间,并没有不可逾越的天然鸿沟。 加强基础教育,为专业艺术教育提供人才保证 本书虽然讨论的是艺术设计的高等教育问题,但是,从中国的现实情况看,这个问题又不能不联系到艺术的基础教育。所以有必要简略地讨论一下艺术的基础教育问题。 在中国,对艺术和艺术教育的认识,还远没有达到相应的程度,更不要说与国际接轨的问题。这一点从我们的初级教育就体现得非常明显,从幼教到高中,几乎是把艺术教育置于从属的、可有可无的地步。近些年虽然有所改变,但也只是理论上的变化,实践上并没有根本性的改变。在这方面,我们还有很长的路要走。但是,为了尽快实现艺术教育的根本转变,以尽可能短的时间走完这段路,我们可以借鉴国外的比较成熟的经验。 许多国家都有专门的艺术教育标准,用法律的形式强化艺术教育。从许多国家的标准和实践看,能够为我们所借鉴的,大致有如下几点。一是艺术教育对象的普及化。把艺术教育作为义务教育中一项必不可少的内容,纳入教育计划;二是艺术教育目标的整体化。从提高学生整体素质的高度,提出艺术教育“真正重要的是要唤起创造的热忱,帮助人们提高到一个更高的生活水平”;三是艺术教育的多元化。实施艺术教育多渠道、多层次,主要有艺术学科教学、渗透性艺术教育,即在语文、数学等学科教学中渗透艺术教育、课外艺术教育活动等;四是艺术教育的个性化。所谓个性化,就是重视学生的个体差异,注重因材施教,充分开发学生艺术创造潜能;五是艺术师资的专业化。艺术师资都要经过专门培养,取得高等艺术教育资格。 美国在1994年制订的《艺术教育国家标准》,就是一部非常完善的艺术基础教育的法规,不仅为美国的艺术教育提供了法律依据,还为高等艺术教育夯实了预备人才基础。《艺术教育国家标准》从幼儿园至十二年级,对每个学生提出了四门艺术学科(音乐、舞蹈、戏剧和视觉艺术)教育标准。 《标准》提出:艺术教育是为全体学生的,不论其背景、天赋或残疾,都有权享受艺术教育。艺术有助于学生理解和辨别充满形象与符号世界。《标准》要求每个学生了解什么是艺术?艺术家如何工作,他们运用什么工具?传统的、通俗的和古典的艺术形式是怎样互相影响?艺术对自己、对社会的重要性何在?在寻找这些答案的过程中,学生要逐步理解每门艺术学科的本质,以及赋予每门艺术学科生命力的知识和技能。《标准》还对我们当前讨论热烈的艺术与科学问题,给予了极大的关注。它认为,艺术的心智方法与科学发现、技术开发的思维过程相仿;科技不仅是改造经济的力量,还是推动艺术的动力;艺术能够启发学生认识和运用科技手段与达到理想目之间的关系。 《标准》对视觉艺术的规定,涵盖了素描、绘画、雕塑、设计、建筑、电影、电视和民间艺术。视觉艺术可以作为创造活动、历史和文化的探究或分析的基础。学生必须学习视觉艺术中与各类作品相联系的语汇和概念,必须能够运用视觉、口头和书写形式展示自己的能力。帮助学生通过广泛的材料、符号、形象和视觉表现,学习视觉艺术的各种特性,反映他们的观念、感受和情绪,评价他们的艺术学习成果。对不同年级的学生,《标准》又提出了步步深化的具体要求。 美国的《艺术教育国家标准》是根据《2000年目标:美国教育法》的要求制定的,其根本宗旨:一,建立全面、透彻、坚实的知识和技能体系;二,明确艺术教育对学生全面发展和建设文明社会的作用;三,强调学科的合理联系,力求实现整体教育;四,把艺术产生的历史、文化、民族背景作为艺术课程的基础,强调艺术教育的文化多样性;五,强调现代科学技术的有效运用,准确理解技术手段、艺术技法和艺术追求之间关系;六,为艺术教育的实施及评估提供严肃的学术准绳和成就衡量尺度。 从以上介绍可以看出,美国政府把艺术确定为基础教育的优秀学科,享有与其他七门优秀学科同等地位的作法,应该引起我们的注意。这种在基础教育中强化艺术教育的作法,提高了全体中小学生的艺术修养,不但保证了高等艺术教育的学生质量,而且减轻了高等艺术教育中的基础知识教育压力,对早出人才、快出人才,十分有力。这种早期抓普及的教育方法,实质上就是同志曾经倡导的普及与提高的教育方法。 《在延安文艺座谈会上的讲话》中详尽地论述了普及与提高的问题,他说:“普及工作和提高工作是不能截然分开的”,“我们的提高,是在普及基础上的提高;我们的普及,是在提高指导下的普及。”就艺术设计而言,普及教育不是高等艺术院校的工作,而是中小学和幼儿园的工作。但是,提高高等艺术设计教育,则有赖于基础艺术教育的普及。 第二章走中国化现代设计教育道路 现代艺术设计在中国,只有短短的二十几年历史,而这二十几年,恰恰又是中国各个领域大分化、大改组最为激烈的时期,商品化以从来未有的攻势,在中国各个领域占着上风。也正是这个原因,一开始就与市场经济结下不解之缘的现代艺术设计,从来就无暇冷静下来,审视自己的理论,研究自己的教育。二十几年一贯制,艺术家和设计师们,急匆匆追赶着商品经济的末班车,即使不叫人疲劳,也会令人枯燥、厌倦。如果说中国现代艺术设计的第一代(也就是二十几年前从美术中分离出来,扯起现代艺术设计大旗的艺术家和设计师),为完成了开天辟地的使命,那么,发展到今天的现代设计,则需要我们新生代艺术家和设计师,探索和建立中国现代艺术设计理论和教育。 教育思想是建立现代设计教育体系的指导思想 我们在包豪斯的教育理论和实践中,很容易发现许多教育思想的影子。教育思想,简而言之,就是人民教育的思想。 新中国成立之初,同志就提出“恢复和发展人民教育是当前重要任务之一”。(《人民教育》创刊号1950年5月1日)非常重视教育与生产劳动相结合,认为在资本主义社会里,这是改造社会的最强有力的手段之一,在无产阶级取得政权以后,这是培养理论与实践结合,学用一致,全面发展的新人的根本途径,是逐步消灭脑力劳动与体力劳动差别的重要措施。早在1934年在论述苏维埃文化教育的总方针时就提出:“使教育与劳动联系起来。”(同志论教育工作人民教育出版社,1992年8月)在《关于正确处理人民内部矛盾的问题》一文中,提出:“我们的教育方针,应该使受教育者在德育、智育、体育几方面都得到发展,成为有社会主义觉悟的有文化的劳动者。”以后在中央批转的高等教育六十条、中等教育五十条、小学教育四十条等条例中,又明确提出“教育必须为无产阶级专政服务,教育必须与生产劳动相结合。劳动人民要知识化,知识分子要劳动化。” “教育与生产劳动相结合”是马克思主义教育思想的一条基本原理,继承和发展了这种思想。早在一百多年前,马克思针对资本主义旧式分工造成人的片面畸形发展的弊端,基于现代大工业生产对人的要求,提出人的全面发展,其方法就是教育和生产劳动相结合,“生产劳动和教育的早期结合是改造现代化社会的最强有力的手段之一”,(《马克思恩格斯全集》第3卷,第24页)“未来的教育对所有已满一定年龄的儿童来说,就是生产劳动同智育和体育相结合,它不仅是提高社会生产的一种方法,而且是造就全面发展的人的唯一方法。”(《马克思恩格斯全集》第23卷,第530页)列宁也曾经指出:没有年轻一代的教育和生产劳动的结合,未来社会的理想是不能想象的,无论是脱离生产劳动的教学和教育,或是没有同时进行教学和教育的生产劳动,都不能达到现代技术水平和教学知识现状所要求的高度。 对教育思想有过非常准确的解释,他说:“德育、智育、体育这三方面是相互联系,相互结合的,而不是相互对立或互不相关的”,“我们向社会主义,共产主义社会前进,每个人要在德、智、体、美等方面的均衡发展,不均衡发展,一定会有缺陷,不仅影响个人能力的发挥,对国家也不利。均衡发展是要思想和身体健康。思想健康和身体健康是相互影响的。”因此,他要求学生“好好学习,加强劳动观点,热爱祖国,提高政治思想觉悟,树立艰苦朴素作风,为准备做一个有文化有技术的工人和农民,做一个体力劳动和脑力劳动相结合的知识分子而努力”。 改革开放以后,邓小平在新的历史条件下,对教育思想又有新的发展。他说:“我们的学校是为社会主义建设培养人才的地方。培养人才有没有质量标准呢?有的。这就是说的,应该使受教育者在德育、智育、体育几方面都得到发展,成为有社会主义觉悟的有文化的劳动者。”他在总结历史经验的基础上提出:“为了培养社会主义建设需要的合格人才,我们必须认真研究在新的条件下,如何更好地贯彻教育与生产劳动相结合的方针”。“现代经济和科技的迅速发展,要求教育的质量和教育效率的迅速提高,要求我们在教育与生产劳动相结合的内容上、方法上不断有新的发展。”邓小平强调指出:“更重要的是整个教育事业必须同国民经济发展的要求相适应。不然,学生学的和将来要从事的职业不相适应,学非所用,用非所学,岂不是从根本上破坏了教育与劳动相结合的方针?”后来,根据形势的发展,邓小平进一步提出:“教育要面向现代化,面向世界,面向未来。”这一战略指导思想,充分反映了时代精神、时代要求。 从上面的论述中,我们可以看到,教育思想与马克思列宁主义教育思想,是一脉相承的。具体地解释了这个思想,邓小平在新的历史条件下,发展了这个思想。包豪斯是工业革命初期的产物,从它成功的教育实践活动中,我们也可以看出,马克思主义教育思想的正确。那么,在新的历史条件下,我们可不可以把教育思想应用到现代艺术设计教育的实践中来,用以指导我们的现代艺术设计教育改革,建立新的艺术设计教育体系呢?回答是肯定的。教育思想讲“实事求是”;讲“理论与实践相结合”;讲“实践是检验真理的唯一标准”;讲“教育与生产劳动相结合”等等,都可以作为我们建立中国现代设计教育体系的指导思想。 理论联系实际,这既是马克思主义思想的精华,也是教育与生产劳动相结合的必然要求。认为“读书是学习,使用也是学习,而且是更重要的学习。”(《著作选读》,上册,第100页。)要把书本上学到的理论运用到实际工作生活中去,解决实际问题,理论要和实际联系,学习的目的是为了解决问题,增长才干,而不是为了读书而读书。他说:“任何思想如果不和客观的实际的事物相联系,如果没有客观存在的需要,如果不为人民群众所掌握,即使是最好的东西,即使是马克思列宁主义,也是不起作用的。”(《选集》第4卷,第1515页。)1964年8月,他在接见尼泊尔教育代表团时谈到:“清华大学有工厂。它是一所理工科学校,学生如果只有书本知识而不做工,那是不行的。”在教学方法上,早在1929年同志提出的红军大学十大教授法,其中重要一条就是倡导启发式、废止注入式。提出,教师教育学生要充分注意学生的情况,要把精力集中在培养学生分析问题和解决问题的能力上。 同志提出:红与专,政治与业务的关系是两个对立物的统一,一方面要反对空头政治家,另一方面又要反对迷失方向的实际家。在新的历史条件下,邓小平继承和发扬同志这一光辉思想说:“我们要掌握和发展科学文化知识和各行各业的新技术、新工业,创造比资本主义更高的劳动生产率,把我国建设成为现代化的社会主义强国,并且在上层建筑领域最终战胜资产阶级的影响,就必须培养具有高度科学文化水平的劳动者,必须造就宏大的又红又专的工人阶级知识分子队伍。” 在如何对待古代文化和外国文化上,说:“中国的长期封建社会中,创造了灿烂的古代文化,清理古代文化的发展过程,剔除其封建性的糟粕,吸收其民主性的精华,是发展民族新文化提高民族自信心的必要条件。”“中国现实的新政治、新经济是从古代的旧政治、旧经济发展而来的,中国现代的新文化也是从古代的旧文化发展而来的;因此,我们必须尊重自己的历史,决不割断历史。”他还说,我们要批判地继承从孔夫子到孙中山以来的一切优秀文化成果。对外国文化,认为,“采取排斥主义的方针是错误的,应当尽量吸收一切进步的外国文化,作为发展中国文化的借鉴”。但是“盲目搬运的方针也是错误的,应当以中国人民的实际需要为基础,批判地吸收外国文化”,“中国应当大量地吸收外国的进步文化作为自己文化食粮的原料。”邓小平对在新形势下发扬了“古为今用、洋为中用”的光辉思想。他在1992年视察南方的重要谈话中,提出“社会主义要赢得与资本主义相对比较的优势,就必须大胆吸收和借鉴人类社会创造的一切文明成果,吸收和借鉴当今世界各国包括资本主义发达国家的一切反映现代社会化生产规律的先进经营方式、管理方法。” 同志非常重视普及教育,强调知识分子劳动化,劳动人民知识化。他在《新民主主义论》一文中提出新民主主义的文化是民族的,科学的,大众的文化。它应当为全民族中百分之九十以上的工农劳苦群众服务,并逐渐成为他们的文化。在《论联合政府》一文中说到“农民——这是现阶段中国文化运动的主要对象。所谓扫除文盲,所谓普及教育,所谓大众文艺,所谓国民卫生,离开三亿六千万农民,岂非大半成了空话?我这样说,当然不是忽视其他约占人口九千万的人民在政治上经济上文化上的重要性,尤其不是忽视在政治上最觉悟,因而具有领导整个革命运动资格的工人阶级,这是不应该发生误会的”。 教育思想和邓小平教育理论,同属于马克思主义教育思想体系;都是理论与实践相结合的产物;都着力于全民族文化素质的提高;坚持社会主义办学方向,培养德智体诸方面全面发展的人才。教育与生产劳动相结合,是教育思想的精髓。科教兴国教育为本,尊重知识,尊重人才,把教育摆在优先发展的战略地位,坚持教育的“三个面向”和培养“四有新人”,探索有中国特色的社会主义教育体系,是邓小平教育理论的精髓,既继承了教育思想的精华,又抓住了时代特征,体现了现代教育改革开放的精神风貌。 综上所述,教育思想,是指导我们建立现代艺术设计教育的正确思想,它不仅为我们提供了正确的理论,也提供了正确的方法。这一点不但从中国的教育实践中得出结论,从包豪斯的教育实践中,也完全可以得到证明。我们在建立现代设计教育体系中,可以有许多不同的作法,不同的形式,但最本质的一条不能动摇,那就是必须走理论与实践相结合的唯一正确的道路。 建立教学、研究、创造三位一体的教育模式 从上面的讨论中可以看出,如果说教育思想(这其中也包括、邓小平的发展)具有普遍的指导意义,那么,从包豪斯的教育实践中,我们仍然可以总结出对我们今天有启发性的东西。这就是教学、研究、创造(生产)三位一体的现代设计教育模式。在完成正常的教学任务的同时,教学为研究和创造服务;研究为教学和创造提供理论指导;创造为教学和研究提供实验基地,同时也为现代设计教育提供可能的经济支持。这种良性循环的教育体系,自包豪斯开始,几乎无一例外地被西方国家的现代设计教育所采纳。新中国成立后的相当一个时期,我们一直采取这样的教学方式,只是到了,在极左思潮的影响下,整个国家教育走上了停顿状态,这种教育体系也被破坏了,后来学校虽然逐渐恢复教学,但是,极左思潮却把“生产劳动”推上了极至。以至于在推翻极左思潮统治之后,我们对这种曾经取得很大成绩,积累很多经验的“三位一体”的教育模式讳莫如深。近些年,我们学习国外的先进教育经验,提倡素质教育,才开始回顾这种教育体系对于素质教育的重要性。 教学、研究、创造三位一体的教育模式,对于我们今天大力提倡的素质教育,是非常必要的。我们今天的学生来源,基本都是“独生子女一代”,他们从家门走进学校门(有小学经中学而大学校门),从未接触过社会,与包豪斯的学生有很大不同。包豪斯的学生,有点象我们后期的工农兵大学生。弗兰克·惠特福德(FURANKWHITFORD)在《包豪斯》一书里这样描绘当时的学生:“最早到魏玛包豪斯来上学的那些学生们,彼此之间并没有多少共同之处。其中有一些人已经是条成熟的大汉,早就被兵役打磨得粗砺起来了,有些人有炮弹震荡后遗症,有些人已经成为残疾。另外一些人还是孩子,已经开始在美术学院里学着绘画或者雕塑,或者已经在工艺美术学校里学着一门工艺技术,他们只是在两校合并的时候,箭简单单地随着老师转到了这里;有一些学生是跟着伊顿从维也纳来的;有些人在此之前已经是合格的艺术家和教师,因为包豪斯前所未有的教育方向而兴奋不已。” 面对我们今天的学生群体,实行三位一体的模式,不仅是必要的,而且也更能培养出社会和市场上急需的合格人才。在这种教育模式下,学生不但可以学到更多的专业知识,而且可以具有相当深厚的理论素养,还可以掌握比较熟练的实际操作能力。这样,他们可以在社会上具有较强的竞争实力。事实上,今天的社会和市场,需要的不是书呆子型的学生,而是具有较强综合能力的复合型人才。我们在社会上,或者市场中,常常看到这样一种情景,一些知名的大企业,一些经济发达城市,对刚刚毕业的学生,甚至清华、北大这样一流学校的毕业生,也表现得相当冷漠,而对在中小企业取得二至三年工作经验的学生,表现了极大的兴趣。这说明,我们的学校教育并没有达到社会,或者市场需求的标准,后一部分理应学校完成的教育,事实上是由大量的中小企业代替学校完成了。调查中我们发现,这些中小企业叫苦不迭,认为自己成了大企业的员工培训基地和人才储备库。但是,市场经济的游戏规则,又使这些中小企业无可奈何。这种现象的长期存在,而且在持续升温,折射出我们学校教育的严重缺陷。 诚然,我们今天已经步入信息时代,与包豪斯不可同日而语,譬如,包豪斯由学校作坊进行的教学活动,我们今天可以通过与相应企业的联合进行。大量高新技术的出现,也可以使我们直接采取高新技术进行实践教学活动。前面提到的美国《艺术教育国家标准》,虽然是针对初级和中级教育而言,但也十分明确地提出学生必须掌握新媒体技术的要求。仅就这一点,也足可以给我们很大的启发。有些人认为,现代主义已经走向死亡,作为现代主义据点的包豪斯的理论和经验也已经过时,不能再老抱着旧东西不放。这种观点有些片面,当年德国古典哲学、英国古典政治经济学、法国空想社会主义,都相继退出历史舞台,但它们当中那些科学的东西,却被马克思主义批判地接受过来,成了马克思主义的三个来源。现代主义虽然在逐渐被更新的理论所代替,但它所具有的科学合理的部分,却也以另外的形式,被取代它的新理论所吸纳。所以,就个别意义上说,也许包豪斯的理论与实践有过时的问题,但是,如果我们从包豪斯的理论和实践中,总结出一般的、可以借鉴的规律性东西,那么,包豪斯的理论与实践经验,仍然可以为我们提供一些有指导意义的东西。正如我们上面提到的教育思想,以及上溯到马克思主义的教育原理那样。 马克思主义教育原理,是在资本主义工业革命高潮时提出来的,它正是看到了未来社会的发展前景,以及未来社会对劳动大军的需求,才产生了那样的思想理论。今天,我们在教育改革中,以适应时代需要为方向,逐步建立起教学、研究、创造三位一体的教育模式,这既符合信息时代对人才培养的客观需要,又充分体现了马克思主义教育原理。 建立专科、本科、研究生三点结合教育体系 当前,在我们的教育认识上有一个很大的误区,认为必须强化本科教育,后来又开始强化研究生教育。事实上,这是一种违背实事求是原则,不顾客观需要的,带有理想主义色彩的教育思想。这种理想主义色彩的教育思想的直接结果,就是导致了全国不顾条件具备与否,不顾教学质量,一律办大而全的高等院校的风潮;导致了学校不顾条件具备与否,一律搞大而全的学科教育。这种风潮产生的恶果,是使我们的高等教育有数量而没有质量。 通过社会调查,我们会发现,第一,社会对人才的需求,总是在梯次结构上进行,从来就没有单一需求的状况,社会或者市场,需要“阳春白雪”,同时也需要“下里巴人”;第二,本科毕业生素质个体差异越来越大,甚至出现研究生不如本科生,本科生不如专科生受欢迎的局面;第三,在近几年的人才交流会上,我们发现,上海、北京、广东等一些经济发达,高科技产业密集的地方,许多知名度很高的行业和企业,专门聘用专科学生,甚至连清华、北大的研究生也不屑一顾。他们说,我们第一线急需要高级、熟练的技师,而本科生和研究生,大都眼高手低,难以适应生产需要。这说明社会对人才的需求总是高、中、底按梯次结构进行的;第四,就我们国家当前,或者今后一个相当时期的实际情况看,不可能,也办不到普及大学本科或者研究生教育。如果勉强的人为普及,那也是以牺牲中国长远教育利益,甚或是国家利益为代价的。如果中国的大学生、研究生,甚或博士、博士后,连国外的技术学院毕业生都不如,那么,我们还谈什么与国际接轨,有什么能力与国际竞争! 有鉴于此,我们在现代设计教育上,应该按着市场化的运作方式,把培养人才的教育目标与市场需求结合起来,按专科、本科、研究生梯次分开。它们之间的比例关系,可以随时根据市场需求进行调整。在课程设置上,也要有所区别。譬如,专科教育,以实际操作能力为主;本科教育,必须具有扎实的理论功底,并且要有较强的实践指导能力;研究生教育则可以完全理论研究化。此种体系的建立,有利于中国艺术设计人才的培养,同时,因为目标明确,线条清晰,也可以避免现实中的学生素质事实上的参差不齐,滥竽充数。 从实际情况看,社会或者市场需要更多的是能够在第一线从事实际工作专业技术人才,并不总是需要硕士、博士、博士后,特别是那些图有虚名的研究生。所以,我们不能因为强调教育产业化,就把学校搞成以追求最大经济利润的企业,抓住社会上人人都想上大学的从众心里,盲目扩大招生,人为拔高教育身价。事实上,我们许多世界著名的艺术家和设计师,常常不都总是有着博士头衔的人。第二次世界大战之后崛起的美国艺术设计界,它的众多从业的艺术家和设计师,并没有象他们欧洲的同行那样,有着一整套的哲学理论,但是,他们却成为领导当今世界艺术设计新潮流的群体。中国香港的靳埭强,是世界著名设计大师,但他并没有十分耀眼的博士头衔。记得一位哲人说过:世界上第一个大学生是由小学生培养出来的。美国工业设计的重要奠基人雷蒙·罗维(RAYMONDLOEWAY),创建了20世纪世界上最大的设计公司,他宣扬现代设计最重要的不是设计哲学、设计概念,而是设计的经济效益问题,他说:“对我来说,最美丽的曲线是销售上升的曲线。”尽管这种说法有些失之偏颇,但是从中也可以感觉到市场经济对人才需求的实用性、目的性。 为了使中国的现代艺术设计,在激烈的国际市场竞争中站有一席之地,我们必须对专科、本科、研究生三点结合的教育体系,进行深入的研究,尽快使它成为我们艺术设计教育的主导体系。 第三章整合现代艺术设计教学体系 就艺术设计学科当前的教育情况看,整合艺术设计教学体系,是艺术设计教育改革中很重要的一个环节。这个问题涉及到教学内容、课程设置、教学方法、教学评定、教师配置等等诸多问题,需要统筹解决。在中国,虽然搞了几十年的工艺美术教育,又搞了二十几年的现代设计教育,但是,到目前为止,上述问题并没有得到很好解决。譬如,我们目前的现代设计教学,还没有统一规范的教学内容和相应的课程设置,也没有一套成熟的教学方法和相应的教学评定标准,教师资源配置也不尽合理。尤其是新兴的、科技含量比较高的一些学科,如电子艺术、新媒体艺术等,必须得更为突出。这些问题直接造成现代设计教育的混乱和学生获取知识的不平衡,同时也是导致学生能力参差不齐的重要原因之一。 充实教学内容,整合课程设置 充实教学内容,整合课程设置,主要体现在教材的改革上。我们目前尚无统一的艺术设计教材,各个高校艺术设计专业采取的教学方法也不尽相同。但是,基本上大同小异,都在“摸着石头过河”。我们下面以一些学校的本科教育课程设置为例,具体比较分析各自的特点。 第一,香港中文大学艺术系 必修科目:素描基础、书法基础、油画基础、國画基础、見微知著──艺术导论、中國艺术传统、西方艺术传统、毕业创作、毕业论文。 术科专业科目:人体素描、实验素描、创意水彩画、设计、摄影基础、凹凸版画制作、立体设计基础、混合媒介、陶艺基本技法、行草、楷隶、篆书与篆刻、山水初阶、花鸟初阶、人物初阶、現代水墨初阶、书法专修、丝网与平版版画制作、西画进阶、空間与裝置艺术、陶塑艺术、雕塑─造型与物料、摄影进阶、山水进阶、花鸟进阶、人物进阶、現代水墨进阶、绘画创作室、当代绘画创作室、国画创作室、书法创作室。 学科专业科目:中国宮廷绘画、传统与变化──中国文人画、考古与入门、港澳考古、東亚宗教艺术──印度、南亚、中国、韓国、日本、中国古典书法传統、士人的艺术──宋至清书法、西方現代艺术──現代主义与理想世界的追求、新时代的挑战──二十世紀中国绘画、当代西方艺术──后現代时期的艺术取向、艺术游观、后启蒙运动、革命时代到現代世界──1750至1860的欧洲艺术、三城记──意大利文艺复兴时期的佛罗伦斯、威尼斯与罗马的艺术、东西相遇──香港的艺术、中国佩玉和葬玉、中国陶瓷──历代名窯擷英、吉金──中国古代青铜礼器、中国艺术史专题研究、瓷都景德镇──晚期中国陶瓷史。 第二,台湾大叶大学造型艺术系 课程设计 造形艺术的三大领域为: (一)绘画组:包括油画、水彩画、水墨画、膠彩画、粉彩画以及插画、版画等课程。以此基础,可向“应用绘画”发展; (二)雕塑组:包括雕刻(含石雕、木雕)、塑造二类立体造形以及裝置艺术等课程內容;將來除了当雕塑艺术家之外,并可向各类工艺及产品造形方面发展; (三)工艺组:包括有陶艺、金工、编织、漆艺等工房。在应用上,可向相关产品创作上发展。 课程安排 校定必修:国文及应用文、英文、英语听力、生活英语、本国历史、立国精神与宪法与立国精神、通识、法学素养、心理学、計算机概论I、军训、体育。 院定必修:英语文能力检定、計算机概论Ⅱ、工厂实习I、Ⅱ、艺术概论、素描I、色彩学I、造形原理、造形基础I、摄影学、艺术史I、设计概论。 系定必修:素描Ⅱ、Ⅲ、Ⅳ、造形基础Ⅱ、综合素材I、Ⅱ、西洋艺术史、本国艺术史、当代艺术史、美学概论、艺术哲学概论、专题研究I、Ⅱ、毕业制作I、Ⅱ 专长分攻(任选一组):绘画組:绘画I、Ⅱ、绘画材料学I、Ⅱ。雕塑組:雕塑I、Ⅱ、雕塑材料学I、Ⅱ。工艺组:工艺I、Ⅱ、工艺材料学I、Ⅱ。 共同学修:图学、艺用解剖学、进阶艺用解剖学、工艺概论、金工工藝I、Ⅱ、纤维艺术I、Ⅱ、染色、陶瓷工艺I、Ⅱ、漆工艺I、Ⅱ、水墨画I、Ⅱ、版画I、Ⅱ、油画I、Ⅱ、水彩画、粉彩画、膠彩画、书法、插画、石材艺术I、Ⅱ、木属艺术I、Ⅱ、塑造I、Ⅱ、裝置艺术I、Ⅱ、民俗学、裝饰图案、光影艺术I、Ⅱ、玻璃工艺I、Ⅱ、台湾艺术史、艺术心理学、素描研究I、Ⅱ、雕塑結构研究I、Ⅱ、西洋雕塑史、中国雕塑史、传统漆工艺研究、漆画创作、油画研究、绘画创作研究I、Ⅱ、浮雕創作、环境艺术、喷砂艺术、铸造、雕塑与环境研究I、Ⅱ、艺术评论、艺术管理、文化人类学、研究方法学、特別讲座I、Ⅱ、电脑艺术I、Ⅱ、、音乐鉴赏。 第三,东华大学美术学院 装璜艺术设计主要课程:一、平面设计:设计概论、构成设计、图形设计、色彩设计、字体设计、广告设计、包装设计、书籍设计、标志设计、插图设计、摄影技法、计算机辅助设计、企业和机构视觉形象设计、销售环境设计;二、广告设计:综合造型基础、综合设计基础、广告概论、广告文案与创意、市场营销、媒体研究、广告摄影、计算机图形设计、平面广告设计、立体广告设计、平面设计等。三、摄影专业:摄影史、摄影机械、感光材料、摄影技术技法、暗房工艺、构成原理、平面设计、人像摄影、广告摄影、产品摄影、摄影艺术创作、计算机图形设计;动画专业:综合造型基础、综合设计基础、透视学、影像表现编排设计、字体设计、图形设计、动画美术设计、原动画技法、影视广告、漫画、计算机辅助设计、电影、动画赏析等。 工业设计主要课程:美术史论、设计史论、设计美学与设计文化、设计思维、综合设计表达、综合造型基础、设计概论、材料及成型原理、计算机辅助设计、人机工程学应用、设计程序与方法、创新性产品设计、改良性产品设计、网络设计、虚拟现实设计、多媒体艺术设计、三维动画设计、展示概论设计、展示环境与空间设计、博览策划与设计、汽车设计程序、空气动力学、汽车造型设计、非机动交通工具设计。 环境艺术设计主要课程:环境艺术设计概论、环境行为心理学、中外建筑史、建筑设计基础、人体工程学、设计方法与程序、设计标准与预算、室内设计、装修构造设计、陈设艺术设计、家具设计、景观设计、广场设计、园林设计、专业调研与实习、工程项目实践。 第四,清华大学 工业造型设计主要课程:马克思主义哲学原理、当代世界政治与经济、马克思主义政治经济学原理、思想概论、邓小平理论概论、法律基础、经济管理基础、体育、大学英语、计算机基础、计算机软件技术基础、计算机组成及网络、3D-STUDIO、素描、色彩画、基础图案、平面构成、色彩构成、立体构成、摄影、中国工艺美术史、设计基础、雕塑、画法几何、模型技法、设计制图、设计与消费心理、人体工程学、材料与加工、设计概论、设计思维与方法、专业史论、工业设计史、平面设计史、中外建筑及室内设计史、专业课程、材料表面与装饰工艺、视觉设计、三维电脑设计、环境设施设计、日用器具设计、工作机具设计、改良性产品设计、开发性产品设计、展示设计、装饰造型、实习课程、毕业展览、毕业设计(论文) 第五,吉林大学艺术学院 艺术设计主要课程:马克思哲学原理、马克思主义政治经济学原理、思想、邓小平理论、法学基础理论、体育Ⅰ、体育Ⅱ、体育Ⅲ、素描Ⅰ、素描Ⅱ、计算机应用、色彩Ⅰ、色彩Ⅱ、绘画透视、艺术概论、英语Ⅰ、英语Ⅱ、平面构成、美学原理、装饰绘画、中国画(人物、花鸟、山水)、设计概论、文字设计、立体构成、摄影Ⅰ、摄影Ⅱ、色彩构成、黑白画、实用工艺美术设计与民间艺术、图形符号设计、数据库原理与应用、室内外装饰与装修、包装设计、丝网印刷工艺、广告设计、摄影、色彩写生、电脑美术平面设计、容器造型与纸结构设计说明、书籍装帧、平面广告设计、销售心理学、电脑创意、印刷工艺、学年论文Ⅰ、学年论文Ⅱ、毕业设计、毕业论文 上述五个学校,横跨两岸三地,虽然不能代表所有艺术设计学科,但是也很说明问题。第一,艺术设计学科交叉广泛,加大了各地各校在课程设置上的随意性。除清华大学美术学院严格划分专业界限外,全体学校都是以某一专业为主,向其它专业延伸,延伸的深度和广度则视自己的情况而定,这一点在吉林大学艺术学院和上海东华大学表现得最为明显。第二,对专业实行三级细划,严格界定专业,各自形成独立的教学系统,互不介入。清华大学美术学院是原中央工艺美术学院,长期的工艺美术教学,使它们形成了这种模式,所以,在它们身上就表现得十分突出。第三,极为重视政治理论教育,除香港中文大学外,都在这方面显示了非常突出的特征。清华大学没有列出这方面的课程,但也决不会少,虽然这种教学常常流于形式,但是学校却从来没有放松。第四,忽视传统文化教育。这一点在内地的学校中表现最为明显。譬如对艺术设计都能产生巨大影响的易学文化、儒、道哲学,以及中国传统文学中的诗辞歌赋。第五,对艺术设计的媒体,或者说使用的技术手段,表现了十分明显的传统观念,对影响艺术设计的科学技术,几乎被所有学校忽视。而这一点在美国等发达国家的艺术基础教育中,都已经给予了高度的重视。 通过上面的概略分析,我们是否可以整理出下面这样的思路: 第一,承认艺术设计学科的相通性,加大共同性专业课程设置和教学内容。产品设计(包括建筑、工业等等)、平面设计、环境设计、装置设计等等,在艺术设计这个大概念下,大范畴里,它们之间的总体共同性,远远大于个体差异性,从理论上讲,它们之间的个体差异性,更多的体现在它们各自的不同工艺上,而这又是它们各自学科研究和解决的问题。所以,加大共同性课程的设置,是十分必要的,也是培养高素质艺术设计人才必须的。这种加大,不但要有广度,而必须要有相当的深度。香港中文大学和台湾大叶大学基本上是按着这个思路进行教学内容设计,从他们的课程设置上,我们可以看得出来,共同性专业课程的比例,远远大于个体性专业课程。这种模式,可以使学生在学校受到更加完整的艺术设计专业教育,同时也能够大大提高学生的综合专业素质。表现了明显的市场取向意识。 第二,在共同专业教育的基础上,允许学生自由选择各自深化的专业。香港中文大学和台湾大叶大学在这方面显示了更多的灵活性。在接受比较全面、完整的艺术设计学科教育基础上,由学生自己根据各自的喜好选择不同的专业课程,进行更深入的学习。不必事先划定更细的专业界限,譬如清华美术学院对专业的三次划分。此种方法,有利于学生全面掌握艺术设计专业总体知识,也有利于学生走向社会后的就业选择。这里所说的就业选择,并不是指学生对工作岗位的选择,也包括社会岗位对学生的选择。这里有一个现实的个案,某内地重点大学的一位艺术设计专业学生,去某用人单位应聘,在试讲课时,这位学生讲CI设计,这是当前很受社会重视的一门课程,讲的很好,在现场听讲的用人单位的领导、教授、学生,都非常赞赏,表示了几乎一致的满意和接受。但是,后来有领导说,这位学生的确比几个工业设计专业的学生讲的都好,但我们这次招聘的岗位是工业设计教师,而他是艺术设计毕业生,于是就出现了用人上的以细划专业画地为牢的局面。通过这个案例,我们可以看出一次、二次、三次细划专业,并不一定很科学,这种思路既不符合综合素质教育的思想,也不利于人才市场上的双向选择。从根本上讲,就是于有意无意之间,制约了人才的最佳配置。所以要改变一下目前专业划分上的误区,使整个艺术设计专业的学习更具有融通性。 第三,增加中国传统文化、古典文学与艺术教学内容。中国传统文化、古典文学与艺术,应该说,在某种意义上,是保证设计师创造力的必不可少的功底,我们应该在现代设计教育上有所充分的体现,增设这方面的课程,加大这方面的教学力度。具体教学方法上,可以采取专题讲座、沙龙式研论和传统授课等不同形式。这方面,不但要讲技法,如中国书画的技法。更要把重点放在研究它们的思想上,它们所体现和展示的深邃意境上。譬如晋代的著名画家顾恺之,可以从曹植的《洛神赋》、张华的《女史箴》等文章中激发出流传千古的名画;唐代的著名诗人、画家王维,写出了美妙的辋川诗歌,创造了著名的辋川园林艺术,作出了绝伦的辋川山水画,这是为什么?所以,要使学生在学习中国传统文化和古典文学和艺术时,在“博大精深”、“融会贯通”八个字上下功夫。 第四,在学习和掌握传统艺术设计知识的同时,应该提高对新媒体这个艺术设计载体的认识。这就是说,要积极学习和掌握新的科学技术,能够使学生熟练运用高新技术工具和表现手法。比如我们现在还把爬图板的手工绘图,当成产品设计的必不可少的手段,岂不是太滑稽了吗?现在我们到处都在宣传艺术与科学的结合问题,科学家讲,艺术家也讲,设计师更讲,但体现在现代设计教育上,却还是各走各的老路,这就有点“叶公好龙”的味道。我们的艺术设计与市场结合的那么紧,与工业化结合的那么紧,这本身就要求我们的现代设计教育,把最新的科技成果直接应用于教学实践中来。这方面,一要提高认识,二要加大投入,三要全面推广。 第五,加大材料科学的教学力度。对于现代设计来说,材料的掌握和熟练运用,是必不可少的。这一点在产品设计上表现得更为突出。譬如建筑设计,没有对新材料的认识和熟练运用,就不可能设计出集艺术与科学一体的优秀作品来。信息时代,材料科学发展很快,一个面向未来的设计师,必须及时的掌握他的变化,熟练运用它的优越性能。当前材料科学正沿着两个方向发展,一个是高科技含量的新材料,一个是可持续发展的生态材料,必须让学生掌握这些材料科学的发展趋势,在设计中熟练的运用它们。 第六,加大实践课程的内容、方式和课时。现在我们过于强调“学院化”教学,在教学实际中,常常把实践,或者叫实习,当成儿戏,流于形式化。教的不认真,学的很马虎,根本起不到提高学生实际操作能力和增强理论教学知识的效果,这几乎成了中国内地学校的通病。事实上,这种必要的实践课程,对艺术设计这门具有较强应用性质的学科,是非常必要的。前面已经讨论过,这种实践课程,今后可以走与企业和社会联合的路子,使学生有针对性的做,而且做出的东西就叫它成为产品,进而成为市场上的商品。这是一种主动的实践教学方式,可以从根本上改变过去被动实践教学带来的不良因果。 如果把上面的思路整理一下,我们可以这样表述教学内容的整合,一,思想理论教育,包括马克思主义和思想、邓小平理论,更包括东西方艺术与科学、设计与技术思想理论等;二,传统文化、古典文学艺术教育,包括东西方传统文化的交融、易学文化、老庄学说、中国古典文学艺术(含有诗辞曲赋)等;三,专业技能教育,包括基础知识、专业技能、创造能力、操作水平、科技运用等。三者之间,前两者是学生的软件,后者是学生的硬件,互相依存,互为因果如同一台计算机,软件、硬件缺一不可。按着这个思路设置课程,不是在旧基础上的课程表的简单增删,而是在新思维下的总体整合。 中国传统文化、古典文学与艺术应该成为教学的重要内容 艺术设计,归根到底是通过艺术与科学共同的合成手段,创造着人们的全新生活,在这全新生活里,体现的就是一种文化。所以,一个对中国传统文化,对中国古典文化与艺术,知之甚少,或者根本就一无所知的艺术家和设计师,就不可能有什么优秀的创意。世界著名建筑设计大师贝聿铭,因为有着深厚的中华民族文化的底蕴,所以才能在世界上取得今天的可圈可点的艺术设计成果;靳埭强、韩美林等人,如果没有中国传统文化的功底,也决不可在申奥会徽的竟标中,一举夺魁。 在以前的章节中,我们已经比较详尽地讨论了中国传统文化、中国传统艺术,在现代设计的巨大影响,这是传统文化与艺术在现代设计实践中的体现。那么,作为为社会培养设计人才的教育,也应该理所当然地把传统文化与艺术,作为教学的重要内容。但是,中国传统文化博大精深,中国古典文学与艺术浩如烟海,从何而教?从何而学?诚然,我们不是历史专业,也不是哲学专业,更不是文学专业,我们不可能叫学生作为专业学者去研究它们,我们只能学思想,学方法。特别是易学文化思想、老庄哲学思想,以及中国古典文学与艺术中包含的意境美、语言美、形式美。这些都可以为我们今天的学生,明天的艺术家和设计师,打下坚实的创造基础。我们许多著名的艺术家和设计师,甚至科学家,都曾经从我们民族文化与艺术中,引发出创造的灵感,从而完成了自己的不朽之作,成就了自己的一世英名。前面已经多有讨论,这里不再赘述。 那么,究竟应该采取什么样的教学方法,使学生在接受完整的艺术设计专业教育的同时,得到良好的传统文化、古典文学与艺术的熏陶呢?这里提出三种可资借鉴的方法,供大家讨论。一是专题讲座;二是学术报告;三是沙龙式讨论。 第一种方法,可以在每学期,规定出若干的专题讲座,系统地、概论式地对易学文化、老庄哲学思想、中国古典文学中的诗、词、曲、赋等,进行专题讲座。这种专题讲座,要有知识性、趣味性、针对性。所谓知识性,就是使学生获得比之以往的泛泛学习,掌握更多的有关传统文化、古典文学与艺术的信息;所谓趣味性,就是使学生在专业学习之外,有更浓厚兴趣、更自觉的意识去探讨中国的传统文化、古典文学与艺术的相关问题;所谓针对性,就是使学生能够把中国传统文化、古典文学与艺术,与自己的专业知识联系起来,通过相互之间的比较、介入,使学生在尽可能短的时间里,获得综合性的创造能力。 第二种方法,可以不定期举行学术报告会,就某一课题,或者某一方面内容,进行学术讨论。可以有专人讲演,也可以大家都发表自己的学术报告。这种学术报告会,必须具有较强的实际针对性,理论与实践结合的紧密性。前者要求把传统文化,或者古典文学与艺术,有针对性地运用于自己的专业;后者则要求两者之间的互动作用。 第三种方法,可以由任课教师,在学习的不同阶段,根据实际情况,召集学生进行讨论,使学生在接受一种新知识后,有机会反刍消化,并且有机会通过讨论,产生一些新奇的艺术或设计灵感。大文学家苏东坡有诗云“旧书不厌百回读,熟读深思子自知”,常读常新,这是大家都能在学习中经常体验得到的。 当然,上述三种学习方法,也不是绝对的,也可以有更多样化的形式,譬如专题讲座与沙龙讨论的结合,与学术报告的结合,与学生作品展示的结合,甚至可以多种方法交替进行,穿插进行等等。目的只有一个,就是通过不间断地、持续地教与学的互动,激发学生的学习热情,增强学生的自学能力,从而提高教与学的质量。 科技成果应该反映和促进艺术设计教育水平的提高 现代艺术设计在西方已经有一百多年的历史,其间已经形成了一整套的理论,在实践中也取得了显著成果。尽管这种理论和实践成果,仍然伴随着人类的不断文明,社会的不断进步,经济的不断发展,更新着,变化着。但是,有一点是可以肯定的,那就是必须紧跟时代的发展,随时把科技成果反映、或者应用到现代艺术设计上来。现代设计艺术是一种实用艺术(THEUSEFULARTS),或者是应用艺术(APPLIEDARTS),它与“纯粹艺术”或者美的艺术(THEBEAUTIFULARTS)不同,设计,原本就是美的艺术与科学技术的结合体和两者的载体。所以,现代艺术设计教育,理所当然应该把两者紧密结合起来,紧紧追踪现代科技的发展方向,及时把高新技术成果引入现代艺术设计教育之中。我们不能,也不应该总是用旧的知识、旧的方法,教育未来的艺术家和设计师,使他们背负着旧的知识走向新时代。信息时代,知识更新速度已经由过去的上百年、几十年,发展到三至五年,所以,必须用不断更新的知识武装未来的艺术家和设计师。 信息社会,高新技术在层出不穷的涌现,譬如电子艺术、新媒体艺术的发展,正在冲击着传统艺术的载体;材料科学的进步,纳米技术的广泛应用,正在促使产品的加速更新换代;建筑科技的发展,也正在使智能建筑、生态建筑走人们的生活,等等这些,逼得我们应顾不暇。站在时代前沿的教育,不可能、也不应该再去传授手工艺时代的技法。在前面的章节中,我们已经讨论许多有关艺术与科学的互相介入、互相结合,即艺术与科学的互动问题,这里不再展开讨论,只是强调现代艺术设计教育,没有理由不加快观念的更新,把艺术与科学紧密地结合起来,把高新技术直接应用到教学实践中去。至于那些已经变成历史知识科技成果,我们可以把它们放到艺术史,或者设计史里面去讲,也可以作为常识性知识讲授,但不必作为学生必须掌握的重点。信息时代的交通工具正在飞速发展,我们再去讲授马车的美学原理、马车的造型艺术,不是天大的笑话吗?如果是那样的话,我们的现代艺术设计教育,不可能把学生引向高新技术时新日异的信息时代。 知识经济时代,知识成为第一生产要素,科学技术成为第一生产力,从而引起了产业结构、劳动力结构及科技与教育地位的深刻变化。产业结构的变化必然使教育面临大幅度的、根本性的、结构性的调整。办学体制、招生制度、专业设置、培养目标、培养模式、课程体系、教学内容和教学方法等都将根据社会需要,发生革命性的变化。劳动力结构的变化使直接从事生产的工人比例大幅度减少,而从事知识生产、传播和应用的人员比例大幅度增加,社会对人们受教育程度的要求越来越高。不断开发人的潜能,提高人的素质,建立终身学习制度,已成为时代的要求。知识经济的优秀是科技,关键是人才,基础是教育。在知识经济时代,科技与教育不再仅仅是服务的、从属的,科技与教育已从社会的边缘走向社会的中心,并在工业经济向知识经济转变的时期起着重要的作用。 21世纪,我们面临的将是全球经济一体化的新环境。由于信息技术的发展,因特网的普及,已将世界连接成为整体,各领域的发展也越来越依赖知识创新,技术创新和高新技术产业化。要想在世界民族之林占有一席之地,参与全球性的经济合作与竞争,其教育培养的人才必须具有参与国际竞争与合作的知识,能力和素质。2l世纪的教育观必然是国际化的教育观,必须把我们的教育放在全球化竞争与合作的大环境中进行思考和定位,没有这样的理念就难以搞好未来的艺术设计教育。 综上所述,现代设计教育可以成为艺术设计的制约因素,也可以成为艺术设计的促进力量。这一点,完全取决于我们的教育模式、教育体系是否适应时代的要求,取决于我们的艺术设计教育工作者,是否能够及时更新观念,建立新思维。如果把这一章节讨论的问题加以归纳概述,只有三句话:树立全新思维,整合教育资源,建立适应时代需要的教育体系。 本文关键词:艺术设计教育体系 艺术设计研究论文:社会发展与艺术设计研究论文 摘要:现代社会一方面以极快的速度发展,带来科技巨大进步,另一方面却展现给人类以前所未有的压力和陌生的生活环境。艺术设计是一种介于艺术与科技之间的新学科和职业,不仅要实现各种以肉体为对象的实用功能,而且,在这种压力和陌生地生活环境面前还应该尽量体现对人类精神进行抚慰的功能。 关键词:现代社会艺术设计慰藉功能 就艺术设计这一创造性的活动而非名称来说,它是伴随着人类物质生产活动和器物文化的出现而出现的。它实际上就是“人类为生存而进行的造物活动,是人为实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值,因而是一种艺术质的造物。”⑴所以,虽然艺术设计在20世纪以前没有能成为一门系统的学科,没能作为一种特殊的职业出现,但是其上述的一些特点却能在历史发展的各个阶段被体现和发挥得淋漓尽致。按照以往的社会发展来看,人们拥有关于衣、食、住、行、乐的各种造物所包含的形式及功能基本能达到相互统一。然而,随着社会化大生产地到来,随着科技进步引发的又一次工业革命地出现,艺术设计所应囊括的各种价值及功能或多或少地产生了某些偏差和遗漏。至少就现阶段而言,艺术设计所要体现的慰藉功能没有完全得以实现。这是始料未及的。 从第二次世界大战以后到现在,人类社会进入了一个高速发展的新阶段,物质领域和精神领域的各类产品都得到极大地丰富,而作为弱小个体的“人”由于被分布在一个节奏飞快、人造物充斥周围的环境中,其心理及生理则难免会出现种种不适。这时,属于上层建筑文化领域的艺术设计应该分担起缓减这一压力的重责。而本文试图将现代社会发展的影响与艺术设计相联系,谈点有关艺术设计的慰藉功能。 一 丹纳很早就在《艺术哲学》一书中阐述过艺术作品须臾不可与环境分离这一观点。同样的道理,在谈及艺术设计的慰藉功能之前,我们应该先分析艺术设计正处在一个怎样的环境中以及这种环境对艺术设计产生了什么样的影响。毕竟,艺术设计是属于上层建筑范畴的,它应该对社会生活作出反映,同时还要反作用于社会。 第二次世界大战以后,人类社会步入了一个科学技术跳跃发展的时期。所谓“跳跃发展”是因为当今人类进步呈现出连锁式的阶段性飞跃。由于人们在有限的生命中不可能始终获取直接经验,只能借助于纷繁复杂的各类知识、信息及技术等间接经验,才能进行再加工再创造。所以,当一件新的造物出现以后,以该造物为基础的其他产品会应运而生,从而使这个世界以比以往快几十甚至几百倍的速度迅猛发展。人们最熟悉的例子便是建立在大科学和大科技基础之上的计算机的发明及应用。它标志了又一轮科技革命地到来,并始终以其独特地生产方式不断地为现代社会注入发展的活力。而设计的本质是“为人造物的艺术”⑵,它在这种“跳跃发展”中更能体现自己的优越性,不仅可以借助科技成果丰富自己的素材及制作手段,而且还反作用于科技,为其提供具有艺术特征的产品。由此,我们可以得出一个结论:科学和技术对生产方式的改变在推动社会进步的过程中扮演了重要的角色,并日益与艺术设计相联系,与其共同成为人们关注的焦点。 同时,新工艺新技术新材料的研制开发及应用为艺术在形式及内容的多样性上提供了可能因素。“仅以现代家具为例,就有单元系统家具、塑胶吹气家具、纸板家具、聚脂家具和超高堆积家具等等,名目繁多,不一而足。”⑶此外,科学技术对思维方式的改变产生了新的设计理念及思维,使艺术设计呈现多元趋势。特别是后工业时代的波普艺术、欧普艺术、幻觉艺术、偶发艺术等等都对现代生活观念及设计观念产生了深远的影响。正因为如此,艺术设计在这个时代更能体现风格化创作倾向,同时其系统化和专业化的程度也伴随着科技进步而更为加深。 二 但是,科学技术一直被誉为一把“双刃剑”,它既造福了人类,变革了社会经济、政治、文化,开辟了广阔的前景,同时也带来了很多全球性问题、社会问题、心理问题……布热津斯基说过:“世界正在形成一个‘技术电子’的社会:一个在文化、心理、社会和经济多方面都按照技术和电子学,特别是计算机和通讯来塑造的社会。”⑷所以,如果科技的负面影响波及到整个社会的时候,其产生的破坏力是相当惊人的。一直困扰人类的能源短缺、资源枯竭、环境污染、生态破坏、人口膨胀、粮食匮乏等问题就是最好的证明。 艺术设计在这种环境中所受到的影响也是有目共睹的。就现状而言,很多艺术设计作品给人的印象多是局促、不安、焦躁、机器味过重、多种类设计间缺乏必要的联系和沟通。尤其是电脑艺术兴起以来,人们更加依赖计算机这种工具,想方设法摆脱传统思维方式和传统手工工艺的设计,制作。尽管在一定时期内计算机与网络艺术创造出了巨大的价值,开拓了多种新的设计领域,但是机器痕迹过于明显的问题一直是电脑与网络艺术挥之不去的阴影。 与艺术设计领域一样,其他艺术创造领域也在不同程度上被这个尖锐的问题困扰着。就拿音乐创作来说,计算机技术赋予其自身主题和风格以过分的焦灼和狂乱。使人与人之间好像产生了机器零件相互摩擦碰撞的特殊感受。例如,西方社会在80~90年代的时候,出现了一种电子舞曲--Techno,它的诞生使一种动作狂乱、奔放不羁的新舞蹈“锐舞”(Rave)变成人们发泄焦虑不安的渠道。“Techno音乐、昼夜狂舞的Rave舞蹈以及舞场上广泛使用的,给人带来的,是被一些英国作家称为‘集体脑休克’和‘借助化学手段对黑夜无感知’。”⑸但是,无论在哪种形式下的艺术创造领域,这种发泄终归不是一种健康的方式,它那种特有的畸形的性格可能会最终没落社会文化艺术。人类自身已在这个社会下承受了太多的压力,社会进步的步伐迈得越大,走得越快,人们内心的局促、不安、恐慌及压抑的感觉就越强烈。如果再对其精神世界给予缺乏人情味的冲击和刺激的话,人类心理和生理状态必然会相应地产生与周围环境格格不入的变化。 虽然,20世纪人类社会的经济基础在科技的影响下取得了一系列成功的变革,但是文化上层建筑的反作用却表现为时不时地利用可能与经济基础不相适应的甚至落后的意识形态阻碍着经济基础的长远发展。因此,缩小到艺术设计领域中看,人们正需要一种全新的观念来寻求一种解放自己心灵使身心压力得以缓减的有效手段,只有这样,才能将健康的思维方式投入到正常的物质生产实践中去。这时,设计艺术慰藉功能就应该被立即提上议事日程。 三 就字面理解,慰藉有抚慰,安慰的含义。功能则是指事物应发挥的作用。但是,要想在较深层面上去了解其含义,先从艺术设计的目的性方面着手分析则不失为一种有效的方法。 艺术设计发展到今天,大概不会有很多人否认其明确的目的性。“不过,这种目的有双重本质:既是具体功利的,又是社会的”。⑹根据设计的本质可以推导出艺术设计是一种按照美的规律为人造物的活动,是一种具有艺术质的造物行为。因此,它所具有的社会目的性是通过作为“人类与世界调解的工具”⑺这一面貌展现的,它具有多种的复合价值。既然是调解工具,艺术设计在满足功利目的的同时应更多地关注如何实现社会价值。换句话说,艺术设计不仅是通过造物和实现物品的实用性来服务于人类群体,还必须给人以审美的享受,在某种程度上表达一类人的情感,并非只就是设计者实现自我价值的唯一途径。艺术设计的慰藉功能则是体现社会价值的一种载体,肩负起就设计领域来说应该具有的抚慰、安慰作用。一方面,人们在享受艺术设计成果时净化解放了心灵;减轻了身心压力;抚慰了焦躁的情绪;舒缓了疲惫的感、知觉。另一方面,艺术设计为达到这一目的(内容)而采用了适应人类心理及生理的功能外在手段(形式)。因此,慰藉功能实际上是内容与形式在为达到统一过程中而努力具备的一种合目的性的理性因素,它的任务是在快节奏的社会生产、交换、分配、消费等各环节中调节人际关系,引导竖立较为正确的生活消费观念,舒展和升华人类灵魂,使人们在体验物质生产发展成果的同时更加重视精神文化领域的同步发展,逐渐达到人类全面发展,从而既体现人的自我价值,又服务于社会,改善社会发展所具备的综合素质。 艺术设计的目的性决定着其功能性,但这些目的归根结底还源于人类的需求。人的需求是多层次的,既有物质的又有精神的,所以功能的概念也应该是多层次的。设计者的职责便是将人们朦胧的需求转化为具体的产品功能目标。在当今时展中,人类物质需求虽然复杂并且繁多,但对这种要求的功能性满足相对容易实现,且较直观,甚至具有可视性,易于衡量。然而那种在局促焦躁环境中不断增长的精神需求却不是很直观的,可具体操作的。满足这种需求就要以一种包含在设计作品中的气质或魅力为载体的慰藉功能来实现。诚如李泽厚先生曾经说过:“……吃、穿、用等物质需要都有一定限度,比较起来容易满足。但精神的追求却不是这样,它常常是无限的,不好解决,难以满足。”⑻所以,艺术设计才必须在造物的同时考虑到其产品的精神含量。当艺术设计所体现的精神气质或魅力在目标市场的精神追求中寻求到共鸣时,艺术设计的慰藉功能就得到了实现。这其实遵循了格式塔心理学派所提出的“异质同构”原则。也就是说,当艺术设计作品在生产、分配、交换、消费各环节中所定位的目标群体的心理感受能在该或该类艺术设计作品中得到肯定的释放的时候,或者说,艺术设计作品使目标群体在心理和情感上获得一种最简单,最规范和最对称结构的时候,艺术设计才慰藉了目标市场,从而使其在精神上感到满足。说到底,这是一种心理平衡。人类由于前述的各种原因,在现代社会发展中或多或少失去了一种内心的平衡机制,而艺术设计则可借助多种手段来平衡人们的内心机制,使其在精神上感到舒适。如果从这个角度上讲,艺术设计慰藉功能还是从属于功能实用性的,是其实用功能在精神方面的体现,即因为它可以满足人类精神需求,所以应该是有用的。 不过,艺术设计的这种慰藉功能最终还必须通过物质手段表现出来。这里就涉及到表现方式的多元化。正如李泽厚先生认为的那样:“真理是一个由许多方面构成的整体。因而,可以从不同的角度、不同的途径、不同的问题、不同的要求去接近它……”⑼从这层意义上说,慰藉功能的形式可以是多样的,这也进一步丰满了艺术设计作品,从多种角度改善其质量提高数量,满足人们精神和物质的需求。此外,马斯洛曾经把人的基本需求分为五种:生理的,安全的,爱的,尊重的和自我实现的需求。设计的慰藉功能则可通过各种物质手段,根据这五种需求由浅入深地逐一实现,体现不同阶段功能目标。而在这层意义上,慰藉的对象不同,被要求的内容不同,最终导致其表现方式的不同,这也从某种意义上规定了慰藉功能的多样形式。 然而,强调多样性不等于孤立统一性。在保证表达方式由多种语汇构成的同时,还应该将设计作品的品格统一到对目标人群进行心灵安慰及教化这一主旨上来。任何设计都不能以牺牲这一原则为代价来获得谄媚于多样性的途径。如果舍本逐末,脱离其慰藉功能宗旨抽象地谈论多样性,那么结果只能使设计作品得不到共鸣,实现不了其社会价值,而仅仅成为设计者孤芳自赏的个性表现品。 综上所述,艺术设计在现代社会中应该找到合理解决科技发展与文化心理之间矛盾的方法,实现自己多种价值结构,服务社会。然而,目前艺术设计的慰藉功能还未能得以充分体现,这不能不说是艺术设计要发展所面临的困境之一。因为,为了实现慰藉功能就必须先了解社会问题,研究造型心理、色彩心理、人体工学等等各类复杂学科。只有从这些方面入手才有可能在一般意义上体现艺术设计对目标市场的抚慰效用。如果要更深地把握慰藉功能的实质的话,还应该研究历史、哲学、民族民俗学等等。这些学科从某种意义上更能让人们在作品中得到共鸣,但这不是一蹴而就的简单性研究活动,而是几代人共同努力,不断摸索的长期过程。所以,艺术设计的慰藉功能所牵涉的问题是很广泛的,它不是单靠一两句话就能完全解释清楚的。但是有一条原则是可以肯定的,那就是艺术设计的慰藉功能应该注重“以人为本”,而此处说的“人”并非指单个的人,而是整个人类群体。只有坚持这一理念,艺术设计在现代社会发展中就能起到调解人与自然,人与社会的作用,在社会实践中创造更大的价值,从真正意义上体现“天人合一”的思想。 艺术设计研究论文:艺术设计中逻辑思维与形象思维关系研究论文 摘要:逻辑思维与形象思维是艺术设计在计划与实施阶段主要的思维方式,二者有着各自的特点,而它们在艺术设计中的有机结合则会提供一种处理理性与感性之间关系的较为正确的科学方法。 关键词:理性感性逻辑思维 形象思维当谈到理性与感性时,人们很自然就会联系到“感性认识是认识的初级阶段,理性认识是认识的高级阶段”:“感性认识是理性认识的基础,理性认识是感性认识的必然发展”:“感性认识阶段必须上升到理性认识阶段”等等这一系列的哲学论题。的确,就认识事物的过程来看,认识必须经历多次反复最终形成无限发展。同样的道理,作为20世纪新兴学科的艺术设计,其被认识的过程也是必然要经历这种阶段的。虽然今天它所涵盖的内容及形式应该说已基本完善。但是,科学的思维方式和所谓的纯艺术思维方式之间的矛盾纠葛一直是如何较为正确认识艺术设计所面临的课题之一。人们通常孤立地看待逻辑思维和形象思维,认为前者过于理性,是哲学家的思考方式,而后者比较感性,这才是真正的艺术思考方式。一些从事设计艺术实践创造的工作者很容易陷入所谓的纯感性的经验思考中去,并且始终把持着这种不科学的思维方式而津津乐道。甚至连某些相关教育工作者也只是流于表面地利用一些思路不甚清晰的经验或教条来传道授业,而很少能在较深层次去探讨设计艺术在思考与制作过程中的科学因素。毋庸置疑,这种做法是极其有害的,这种现状是令人担忧的。因此,本文试图就艺术设计在创造及实践过程中逻辑思维与形象思维之区别与联系谈一点不成熟的看法,旨在引起对设计思维如何以更科学面貌出现这一问题的关注。 一、艺术设计中的逻辑思维 “逻辑”和“思维”是两种不同的概念。一方面,在传统逻辑影响下,“逻辑”被认为是研究思维的科学。而在现代逻辑中,它却被普遍定义为研究推理的科学。事实上,由于传统逻辑把逻辑和心理学的研究对象混淆了,带有严重的心理主义色彩,因此“逻辑研究推理并且主要是研究推理形式”⑴这一解释则更显得合理一些。逻辑本身存在着一种内在机制(也可以说是本质),即“必然地得出”。逻辑创始人亚里士多德在《论辩篇》中这样写到:“推理是一种论证,其中有些被设定为前提,另外的判断则必然地由它们发生。”⑵亚里士多德通过其创立地四谓词理论和三段论具体阐述了这种“必然地得出”乃是可以依据一种能行的方法一步一步进行的。现代逻辑在传统逻辑观念上有了重大突破,并且得出了逻辑的两个明显特征:一个是构造形式语言,另一个是建立演算系统。在今天,通过这两种特征的实施及运用,“必然的得出”有了更明确的有效性。因而,我们可以看出逻辑是一种有规律的,严谨的科学方法。 另一方面,“思维”相对来说则主要在于心理范畴,它是“感觉、知觉、记忆、思想、情绪、意志这一系列心理过程中的一种心理活动”⑶。它的类型也是非常繁多的,“譬如从表述的角度说,有形象思维、技术思维、逻辑思维;从认识的角度说,有抽象思维、形象思维、知觉思维、灵感思维;从哲学的角度讲,有具体思维、抽象思维,此外还有单一性思维和系统性思维,顺向性思维和反馈性思维,等等”⑷。 逻辑因素在思维领域中起作用就是一种“逻辑思维”(或“抽象思维”)。逻辑思维是以推理为表征的,极不同于想象、联想,也不同于音乐、美术所体现的形象表达(虽然音乐、美术中也有某些逻辑因素的存在,但主要还是以形象因素为构件的)。推理不仅可以使人们获得不能由经验直接得到的知识,而且还能获得不能由感觉和知觉直接得到的知识,因此可以说是一种较纯粹理性思维活动,更多地以必然的前提推导出必然的结果,尽管其推理形式可以是多样的,但最终“必然地得出”却是唯一的。 逻辑思维对于艺术设计来说是有重要意义的。逻辑思维的进行是通过一系列的推理而寻求“必然地得出”。而正如我们前面所说的那样,艺术设计具有强烈的目的性,它的最终结果就是要获得“必然地得出”——在社会生产、分配、交换、消费各领域中满足目标市场,体现多种功能,实现复合价值。因此,当逻辑思维被引入设计领域时,它便可以成为一种行之有效的理性方法或工具,从而指导艺术设计的思考及实践过程。 艺术设计在实施制作之前肯定受到某种需要、目的或精神趋向的限制和驱使,这就需要运用一定的逻辑思维对各类相关因素进行充分理性的分析和理解,从而力求在造物过程和造物产品中体现这种需要、目的或精神趋向。在这一阶段,艺术设计首先获得的是一些必然的前提(在此可被称为“命题”),逻辑思维的作用就是以这些命题为基础,通过多样性的推论形式最终获得“必然地得出”这一结果。我们以对一个椅子的设计为例来进一步说明逻辑思维的运用。在设计椅子之前,设计者获得了如下信息:A.人们正需要一种造物,可以满足“坐”(有时可能是“躺”)的需求;B.这种造物必须让人在生理上感到舒适;C.此造物应符合一类人的文化心理;D.这一造物须被安置在恰当功能空间中。首先,根据第一条命题的规定,设计者通过逻辑思维得出这样的推论:应该设计出一种有一承重面一支撑体或有多承受面多支撑体的造物;其次,通过第二条命题,设计者推导出了需要一种符合人体工学的一承重面一支撑体或多承重面多支撑体的造物;第三条命题则进一步使推论走向对造型和色彩以及心理因素的思考中去;而在最后一条命题中不难发现,这种逻辑推论最终结果必然会要求一种实用的、体现功能的、在一定条件下体现文化内涵的、多联系的造物。需要指出的是,这里的例子只能体现一个简单的逻辑思考过程,实际设计思维中可能会有更复杂的成分,推理顺序可能并不像此例一步一步进行,推理的形式也可能是多样化的,并且还可能伴随着形象思维的参与。但值得肯定的一点是在这种理性思考过程中,设计须掌握较为清晰、明确的设计目的,以便通过随后相关思维活动将其转化为设计方案或实际造物。 前面我们已提到过现代逻辑的两个特征:构造形式语言和建立演算系统。当建立演算系统这一特征体现在思维活动中时就能转化成一种科学的方法对艺术设计过程予以指导,尽可能摆脱盲目的经验化技术表现。 众所周知,物质世界存在着三种规则基本形:圆形、矩形和三角形。艺术设计总是以这三种基本形为基础创造出千变万化的复杂形态的。但是,如果缺乏演算系统推论的话,设计者所创造的复杂形很可能存在着过于感性的因素。换句话说,当没有逻辑演算参与形的创造时,感性直接创造的复杂形很难以规律的形式体现,符合功能和审美造型原则的几率是很小的。这就会导致浪费大量资源、资金和时间用于经验的探索,得不偿失。所以,建立了演算系统的艺术设计就有了产生造型推理规则的可能性。同理,艺术设计如果在色彩领域运用逻辑思维进行演算推理一样可以掌握适当的色彩规律,尽量避免了视觉或感觉带来的误差。以色彩调和为例,孟谢尔从均衡的角度提出了互为补色的一对色彩调和关系上的分量方法。他用公式表示了色面积的均衡,这可以通过色彩明度数字与纯度数字的乘积比例来完成,即 (A色的明度×纯度):(B色的明度×纯度)=B面积:A面积。 综上所述,在艺术设计中引入逻辑思维是大有裨益的。至少,逻辑思维可以作为一种方法或工具被用来减少可能由感性材料和认识局限所产生的偏差,拓展了形象思维的作用发挥范围,并与之共同发展构成较科学的方法论。 二、艺术设计中的形象思维 在谈及逻辑思维重要作用的同时,我们也决不能忽视和否认形象思维的存在和意义。作为思维方式的一种特殊状态,形象思维是一种较感性的思维活动,具有与其他思维方式极为不同的特征。 首先,“形象”要素是其优秀。 人类对事物的感知最初是通过感觉器官进行的,这些事物的信息以各种形式的形象作为载体,通过感觉器官传达给人类大脑,从而形成诸如视觉、听觉、味觉、触觉、嗅觉等感觉形象类型。艺术设计“既是艺术的,又是科学的一个部门”⑸,其成果既是艺术品又是一种产品。从艺术的角度说,形象是艺术作品的基本特征,从产品角度说,形象是设计产品的视觉叙述。没有了形象,设计艺术就没有了思维载体和表达语言。它与文学、音乐等其他文艺形式有所不同:“文学作品中的形象是不能凭感官直接把握的,需要通过语言的中介,经过读者的联想与想象才能得以实现;音乐虽可以直接作用于人们的听觉,但其创造的形象却是不够明晰、不够确定的,仍然需要通过声音的中介,引起听众的联想与想象。”⑹艺术设计中的形象则不同,它是一种视觉形象,在时空中有明确的形式,感官可直接把握。 第二,“想象”是形象思维的基础。 古代哲学家很早就把想象力看作是人类认识自然,认识自我的一种心理机制。黑格尔曾说过:“如果谈到本领,最杰出的艺术本领就是想象”⑺。心理学通常认为:“想象是人脑对已有表象加工改造而创造新形象的过程”⑻。因此,想象是形象思维的较高级阶段,也是艺术设计过程中较为常见的思考方式。一般情况下,它要通过两个阶段才能体现创造性。第一个阶段是掌握现实形象阶段。此时,想象通过各类感觉器官获取大量具体详实的形象资料。这就为进入下个阶段做了一个现实预备,从而使形象思维的运转拥有了切实的原材料。第二个阶段是选择加工阶段。在这一阶段中,理性因素已开始启动,即通过蕴涵在设计作品中的目的性和设计者自律的目的性对感性形象进行规定,去伪存真,由表及里,筛选出合目的性的形象素材。 第三,“联想”是形象思维重要手段。 休谟曾认为:“当心灵由一个对象的观念或印象推到另一个对象的观念或信息的时候,它并不是被理性所决定的,而是被联结这些对象的观念并在想象中加以结合的某些原则所决定的”⑼。在想象的基础上将各类因素观念进行有机结合,艺术设计的创造性便可以得到发挥。因为设计者经历过想象过程后,在思维中已有了一个感性到理性上升的阶段,而联想则将理性阶段再次溶于一种感性范围中去,并通过感性形式表现,从而取得合乎设计要求的形象。 由此可见,形象思维是一种不受时间、空间限制,可以发挥很大的主观能动性借助想象、联想甚至幻想、虚构来达到创造新形象的思维过程,它具有浪漫色彩,并也因此极不同于以理性判断、推理为基础的逻辑思维。 那么形象思维在进行过程中有哪些方式呢?从一般意义上说,设计者在运用形象思维创造时通常采用三种方法:第一种是“深化法”,即通过对来自生活但比生活更典型更集中的形象进行加工和深化,在思维中创造较为生动的新形象。值得强调的是这种加强和深化必须以现实生活为依据,在客观基础上进行分析。第二种是“分化法”,它类似于图案中的写生变化,即由一种形象拓展出多种形象,并保持原形态的基本特征和主要符号。这种方法在心理学上被称作再创造,它主要是以再想象为基础的。第三种是“变异法”。在这种方法指导下,思维活动中往往带有某种虚构和幻想成分,同时也最具创造性。设计者可以不受时空限制,在已有的形象资料基础上分解、组合、打散、构成为不同新的形象。这种思维方法在毕加索的绘画中比较常见。他的《亚维农少女》就曾将处在右下方的一位少女形象通过打散构成创造出一种耳目一新的造型。 形象思维通过上述的特征及方法在设计过程中体现了非常重要的指导意义。它作为设计思维的重要组成部分,给设计者提供三种具体表现形式:首先是原形模仿表现形式。这是一种建立在深化法形象思维基础上的表现形式。设计者在设计实践中以各种原始的生活形象为原型,通过深化法,以一种模拟写实的手法表现出来,使目标消费市场产生共鸣,达到最终审美目的和实用目的,完成多种价值的实现。其次是象征表现形式。它可被视为分化法形象思维的具体表现。设计者主要从原始形象中提炼出一般性共同特征,并以自己创造的抽象、形象语汇和符号以象征的手法分化出一般性质的形象。这种形式多用于标志设计中。最后一种是规定性表现方式。这种表现形式是建立在变异法形象思维之上的。一般来说它又可分为两种规定性:其一为原始规定,即设计者以约定俗成的形分接、组合成其他约定俗成的形,或以抽象、再造形象创造出约定俗成的形;其二为现场规定,即设计者以约定俗成的形象打散、构成为另一种新的抽象、再造形并在与目标市场交流过程中现场传达新形象的特性,或以新的抽象、再造形组合构成另一种新的抽象、再造形并在与目标市场交流过程中现场传达新形象的特性。总之,无论哪一种表现方法都是形象思维在设计活动中的具体应用,它是一种实用的方法,在实践中具有很大的灵活性。 三、逻辑思维与形象思维的联系 无论是逻辑思维还是形象思维,它们在艺术设计中总是互不可分的,既有本质不同又是相互统一紧密联系的。一方面,二者是有区别的。前者以抽象思维活动为主,而后者则是一种具像的思维活动方式,其各自特点前面已有阐述,而二者的联系则表现为: 一、逻辑思维的推进往往伴随着形象思维的发生。以刚才那个椅子的设计为例,在涉及每个命题步骤时,设计者不可能抛开一切形象只单纯抽象地进行推理或只是以抽象概念为理解基础进行抽象推理,而肯定会在大脑中浮现与各个命题步骤相关的形象。比如,第一个命题规定的是一种造物,可以满足“坐”(有时可能是“躺”)的需要,这时设计者至少可以通过想象和联想得出这种“坐”或“躺”的情景以及用于“坐”或“躺”的承受物一般意义上的形象。另外,在建立演算系统进行推理而获得符合规律的形式及色彩关系活动中,基本形和色彩形象是肯定会伴随推理发生。 二、在设计中,以逻辑思维为主的理性思考指导着形象思维的具体运用。前述形象思维的“深化法”、“分化法”、“变异法”等多是在推导或建立演算系统的方式下进行的。以一个或多个命题为基础,建立多项演算系统,得出符合设想或构想的最终形象,体现审美规律的同时,满足市场需求。 三、形象思维与逻辑思维发生的先后次序不以二者各自特点而孤立地、明确地体现出来。更多情况下,二者可能同时发生或间歇式发生,并无先后顺序。在逻辑推理和逻辑运算的过程中包括了各种对形象的运用和理解;在运用形象思维进行发散和创造时,也有逻辑规律的运用和指导。 需要指出的是逻辑思维和形象思维在实际操作中往往要共同经历两个阶段:第一个阶段是将理性与感性互溶,第二个阶段是通过感性形式表现出来。也就是说,在第一个阶段(接受计划酝酿方案时期),以逻辑思维为主的理性思考及创作思维需要和以形象思维为主的感性思考及创作思维结合,但设计者偏重于理性的指导,寻求规律,抽象地或概念性地描述设计对象;在第二个阶段(表现方案逐步实施时期),理性和感性的思考及创作思维成果需要通过感性的表达方式体现出来,设计者需要以形象、想象、联想为主要思考方式,抓住逻辑规律,运用形象语言。总而言之,虽然我们将形象思维和逻辑思维相互界定,但是二者的统一性却不能被湮没在纯的对立性中的,设计者需要把握逻辑思维和抽象思维的特性灵活运用。 对于感性与理性在艺术相关问题上的探讨由来已久,并且形成了多种不同的但都相对完善的理论和观点。然而,认识是不断发展的,对感性与理性对立统一的进一步认识只能会更趋成熟。设计艺术作为一种较为年轻的艺术科学,也是应该努力寻求其感性与理性最佳契合方式。而在通过对逻辑思维和形象思维的分析中,这种契合的可能性和有效性已初现端倪。艺术设计既具有严谨、理性的一面,又有轻松、活泼、感情丰富的一面,只有将理性和感性共同融会于其中,科学与艺术那种紧密的结合才会以独具特色的方式在艺术设计中体现出来。 艺术设计研究论文:艺术设计教育研究论文 内容摘要:艺术设计教育相对落后于现代设计的实践,学生因受教学校的不同,专业水平、职业素质、工作能力等有着较大的差异。为此,我们应重视设计管理的作用和影响。企业层面的设计管理,包括设计目标管理、设计流程管理、设计作品的品质管理以及知识产权的管理,在现在以及未来的发展过程中,设计管理其内涵、外延将不断丰富,发挥更为关键的作用。 关键词:艺术设计教育设计管理设计设计师 一、艺术设计教育的现状 20世纪以来,人们在探讨艺术设计教育时,不能跳过和忽略的就是“包豪斯”,它几乎成为了现代艺术设计教育的代名词。人们不断研究其带给艺术设计教育的广泛指导意义,表现在其本身的工作效果和教育成就,以及思维方式的根本转变等,而后者才是包豪斯能够取得如此大成就的优秀和根本。 包豪斯体系强调的是: 1.设计应自由创造,反对模仿抄袭,墨守成规; 2.将手工艺同机器生产结合起来; 3.强调各类艺术之间的交流融合; 4.学生既有动手能力,又有理论素养; 5.将学校教育同社会生产挂钩。 如果说,现在的艺术设计教育和从业人员都达到了以上几点的要求,或许今天也就不需要来探讨这个问题。可以说,艺术设计教育相对落后于现代设计的实践。纵观国内的艺术设计行业,社会不满意,主要表现在艺术设计人才的数量和质量不能满足和适应市场需要的问题;业内不满意,最优秀的表现就是没有基本可以成为指导思想的设计教育理论,教育的方向无法清晰透彻,教学方法一定程度上不能适应设计教学实践的需要。仅有二十几年历史的中国现代艺术设计,还没有建立一套自己满意、社会满意、相对完整的教育体系。正因如此,各个院校的艺术设计教育都存在着较大水平上的差异。但是,经过二十多年的摸索,艺术设计教育有经验也有教训,这些都是我们艺术教育过程中宝贵的指导思想。 二、设计和设计师 何谓设计?它指的是把一种计划、规划、设想、问题解决的方法,通过视觉的方式传达出来的活动过程,“设计还同时肩负着把制造产业与尖端的软件产业一同吸纳进创造磁场的重任。”①而设计师,则是从事设计这一职业的人的一个统称。 设计师,是特殊的族群,与设计师们的对话有时可显示出更宽广的胸怀,改善环境的渴望,打造更美好的世界,提高大众对艺术、设计的品位,去帮助或改变这个社会等。但是,不可否认的是,很多时候,有些设计师们的世界是很“窄”的。 笔者认为这和中国的一些知识分子的弱点是一样的。有些知识分子大多缺乏一种大文化观,他们看问题多只是从专业的、局部的、个人的、地域的角度出发,这对于整件事情和整个层面来说,是相对狭隘的。而有些艺术设计师,将自己圈在一定的小文化背景里,其认识和境界或许就停留在较窄的层面。 设计师以及设计师的创作,应面向社会。对于社会,设计师应积极参与并有责任感,在文化意识上发生作用,并把个人和现实文化联系起来。相应来说,艺术设计教育教会学生一种思考艺术的能力,教他们对生活、对社会反应的敏感力、认知力、艺术表现力和责任感。推动的不是某一层面的技术载体,而是思想上的变化,这比教技法更重要。 三、设计和设计管理 管理需要设计,设计必须加以管理,设计管理作为一门新兴学科的出现是现代经济发展的必然结果。日本学者认为,日本产品之所以具有国际竞争力,是因为他们在设计的应用和行销上经常进行创新,其重要因素就是掌握“设计管理”,强调在设计部门中所进行的管理,以提高设计部门活动的效率化,将设计部门的业务体系化进行整理,以组织化、制度化进行管理。 设计管理,很多人对于这个词还是比较陌生的。1965年,英国皇家艺术协会(TheRoyalSocietyofArts,简称RSA)颁发“设计管理最高荣誉奖”。此奖目的在于借以“鼓励企业设计活动,经由广泛性、合理性、计划的步骤,使顾客、公司员工及相关人员对公司有整体品质的认同”②。有一个问题不能忽视,设计管理的最终目的是使顾客、公司员工及相关人员对公司有整体品质的认同。设计管理的第一个定义,是由英国设计师MichaelFarry于1966年提出的,他认为:“设计管理是在界定设计问题、寻找合适的设计师,并且尽可能地使设计师在既定的预算内及时解决设计问题。”③他把设计管理视为解决设计问题的一项功能,侧重于设计管理的导向,而非管理的导向。不难看出,MichaelFarry是站在设计师的角度提出定义的。 设计管理,从企业层面的理解指的是企业领导从企业经营角度,以企业理念和经营方针为依据,对设计活动进行组织与管理,是借鉴和利用管理学的理论和方法对设计本身进行管理,使设计更好地为企业的战略目标服务。设计管理,企业的设计管理,在目前看来还处于较初级的阶段,企业品牌形象CIS战略的运用,是最典型的设计管理的实例,也是目前企业运用的设计管理。 四、如何进行设计管理 在现代的企业行为中,不管是以设计为背景,还是以管理为背景去理解设计管理,其基本的内涵已渐渐走向统一。那么,设计管理的主要内容有哪些,又该如何进行设计管理呢?相信这是很多人目前真正关心的,下面,笔者以多年的教学和从业经验谈一些理解。 第一,设计战略和策略管理。 设计战略和策略,是企业根据自身情况(企业情况、市场情况、产品情况等)作出的针对设计工作的长期规划和方法策略,是对设计部门发展的规划,是设计的准则和方向性要求。它是提高产品开发能力、增强市场竞争力、提升企业形象的总体性规划。企业必须要制定自己的设计战略,并加以良好、有效地管理。 第二,是设计目标的管理。 设计必须也应该有明确的目标。除战略性的目标要求外,企业的设计部门应根据企业的近期经营目标制定近期的设计目标,这一点很重要。前面在说到设计师们是一个特殊的族群,一般较为感性,在目标的设定、执行等方面最好能有强有力的管理,使之切实有效地完成既定目标。 第三,设计程序管理。 设计,是一个讲究创意、思想的工作,但并不表示设计就不需要流程。设计的流程管理,是为了对设计实施过程进行有效的监督与控制,确保设计的进度,以在既定的时间内完成目标和任务。 第四,设计作品的品质管理。 设计作品的品质管理,是使设计师的设计方案达到预期的目标,并在生产阶段达到设计所要求的质量。在设计的过程中发挥集思广益的作用,有利于设计质量的保证与提高。这里特别要强调的是“集思广益”,即发挥集体的智慧,达到最理想的效果,这在设计管理过程中应给予足够的重视。 另一个环节是我们不能忽略的,即设计成果转入生产以后的管理对确保设计的实现至关重要。在生产过程中,设计部门应当与生产部门密切合作,通过一定的方法对生产过程及最终产品实施监督,才能使设计的效果得到最完美的体现。 第五,知识产权的管理。 随着知识经济时代的到来,知识产权的价值对企业经营有着特殊的意义。对设计工作者来说,首先要保证设计的创造性,避免出现模仿、类似甚至侵犯他人专利的现象。应有专人负责信息资料的收集工作,并在设计的某一阶段进行审查。设计完成后应及时申请专利,对设计专利权进行保护。 结语 设计概念的内涵和外延在“软件、技术和管理”这一大背景下不断发生变化,设计管理的定义和影响也在发展过程中。作为一门新的研究领域、一种应对激烈竞争的最具潜力的工具,设计管理愈来愈受到人们的关注和讨论,这是一个好的现象。在目前以及将来,对设计管理的探讨和发展应当被我们关注和重视。 艺术设计研究论文:动漫艺术设计教育研究论文 摘要:中国动漫设计艺术教育快速发展的同时,也面临着巨大的挑战。动漫设计艺术教育的根本是培养综合素质得到全面发展的“人”,与此相关,教学模式、教学方法、教学手段等应该得到很大的改变。 关键词:动漫设计艺术教育;目标;模式;方法 动漫产业,是二十一世纪最具发展潜力的朝阳产业。据经济专家预测:中国动漫产业拥有200亿元的大市场,并将拥有超千亿元产值的巨大发展空间!近年来,国家相关部门也连续出台了一系列相关的文件与政策,鼓励与扶持中国原创动漫产业发展。 动漫产业红火带动了动漫人才的需求。也必然带动了动漫教育的发展。直到上世纪末本世纪初才刚刚起步的我国的动漫教育短短几年问发展到2005年正式面向社会招生、有学历文凭的动画专业学生的院校已达到200多所,在校学生7000多人。据调查,仅仅是湖南动漫设计艺术教育行业,到2005年。共有长沙理工大学、湖南师范大学、长沙师范、湖南大众传媒学院等9所院校相继开设动画专业,专职教职人员110人,在校动画学生总计约700余人,另外还有相关的动画培训机构9家,合计年招收动漫学生总人数达到l千余人。 与此同时,我国的动漫设计艺术教育也面临巨大的挑战:办学历史短,师资短缺,系统全面的教材严重缺乏,教学环节不规范等等一系列的问题得以呈现。一方面,学习动漫艺术设计的学生人数在不断地增加,就业形式逐渐严峻:另一方面,动漫界的人士却在抱怨动漫设计专业人才缺乏!中国动漫设计艺术教育向何处去的问题日益突显! 然而由于种种原因,国内学术界对于动漫设计艺术教育的研究却严重滞后。当今学术界对中国动漫(动画)产业研究相对较多,对动漫教育研究却较少,相当多的文章都是在谈论动漫产业时稍稍涉及动漫教育问题,而且谈论多为从动漫设计艺术所需人才角度来切入。如王永利《迎接中国动画产业的春天》只是蜻蜓点水地谈到动漫人才培养的重要性;范黎明《中国动画的昨天、今天和明天》指出了中国动画事业繁荣的基础在于依靠动漫设计艺术教育多规格人才的培养:国内从事动漫设计艺术教育发展战略的有关研究(包括研究论文和研究著作或系列报告等)目前还非常缺乏,《2004国际动漫、游戏教育与产业发展论坛论文集》(辽宁美术出版社,2004年版)涉及到动漫教育及其发展战略的论文只有少数几篇。尤其是对动漫设计艺术教育整个流程缺乏必要的分析,从而使得动漫设计艺术教育缺乏可借鉴的理论成果。要彻底改变这种状况,必须对我们当前的动漫艺术设计教育进行全面的反思。 一、关于动漫设计教育目标 我们的动漫设计艺术教育脱胎于传统的工艺美术教育,最初从事动漫设计和动漫产业的工作者都是从事工艺美术教育领域的学人。“人是历史生成的高级动物。”往昔人才教育的一个根本目标就是要使得这种人才成为“精”和“深”,专注于动漫本身的技能培养,着重于动漫本身的艺术形象的设计技能和方法,使之成为一种技术性专门人才。时展到2l世纪,社会的发展,科技水平的提高,对传统的媒艺动漫设计人才教育观念和教育目标提出了挑战。媒艺动漫设计艺术教育人才培养目标应该是由以往的专家技能型转向博学面广的复合型人才。即:不仅仅要求这种人才只注重技能训练与培养,还要求他们能够成为“熟技能、懂策划、会管理、能经营”的复合型高级人才。这样,教育目标也由以往的技能教育为主转变为以设计艺术素质教育为主。 这种以设计艺术素质教育为主的动漫设计艺术教育中应该是以突出创造性思维培养为主的素质教育。但由于当今中国的内部环境种种局限,伴随着政治、经济、历史条件和社会条件的限制,要真正达到素质教育目的还有很长一段路要走。在发达国家的设计艺术教育概念中,就自始贯穿着独立与创新的思想,同时。在中小学教育阶段艺术与设计的基础教育是十分普及和重视的,它同样是素质培养的关键环节,大多学生在还未进入高等艺术院校之前,其审美能力、判断标准已达到一定高的层次,虽然艺术表达能力没有跟上,但艺术设计的构思创造能力却远比中国通过强化训练或临时改变职业目标考入艺术院校的学生强。其实,从某个角度看,高等艺术院校教育成败的衡量标准也并非是培养出多少单纯的“绘画机器”和“设计工具”,而是让其掌握艺术技能,会创造贯通的“通才”创作者,无论他们将来在哪一个领域作出贡献,都有动漫艺术设计教育中所受到的创新思维素质培养的功劳,这应该就是素质教育与职业定位在动漫艺术设计教育概念上的根本区别和意义。在设计中,自由的创造及想象才是对时代心灵应当有的回应。真正的设计自由可以象直觉绘画般的畅快淋漓。法国艺术学家丹纳在《艺术哲学》中分析设计作品质量下滑的原因总结为:“思想感情的薄弱,伟大原创的淡薄,只凭回忆和传统才保持那个观念,但手艺却更熟练了。” 这种动漫人才的培养最终要落实到教育教学课程的建设上,所以动漫设计人才的素质教育不是简单地对传统课程的增删和归并,而是使学生在自身设计能力方面得到持续提高的同时,全面加强其综合素质的培养。为了适应素质教育的需要,应当在学科建立、专业设置和课程、教材建设等方面增强其互融性、交叉性、应用性等功能。动漫艺术设计教育的互融性,是指设计学科与其它人文学科乃至自然学科的相互渗透与融合。任何与本学科相关的知识和成果,都可以融合到设计学科中,对其发展起到重要的整合作用。动漫艺术设计教育的交叉性,是指设计学科内部各门类的相互交融和贯通。学科专业方向划分要相对合理,打破专业方向之间的屏障,加强其共同点和交叉性,拓宽专业面。动漫艺术设计教育的应用性,是指艺术设计教育要适应社会生活的需求,以及对于社会生活的广泛渗透。教学课程的设置、教材的编撰和筛选,都要充分考虑社会各方面需求,及时不断地作出调整。只有这样,才能保证媒艺动漫设计人才全面健康快速地成长。 二、关于教学模式 媒艺动漫人才的成才与否的关键因素之一是和学校教育的模式密不可分。纵观媒艺动漫艺术设计教育的发展,可以分为三种教育模式:技能型、观念型和素质型。所谓“技能型”,即传统的培养模式,其特征是以具体的设计手法和技巧为训练内容和培养目标。这种模式的共同特点是忽视现代设计的发展性、多样性以及学生创造性思维的发展,使人才的培养走向技能束缚的匠人型,跳不出旧观念的窠臼,这种模式最终付出的惨重的代价就是培养的没有思想的没有创造性能力的“设计工具”。所谓“观念型”,即追随现代西方各种设计思潮的发展,这种模式使其设计有过多的追求,一味强调自我主观意识,而忘记设计的本质乃是一种造物活动,使得设计离开现实的丰厚土壤,显得飘忽不定。当然,结合到我国的媒艺动漫设计艺术教育现实,这种教学模式对传统技能型教育模式的冲击,具有一定的积极意义。现代媒艺动漫艺术设计主张的教学模式是“素质型”,是以增强设计综合能力为培养目标的崭新模式,着眼点是学生的综合能力和综合素质的培养。这些综合能力包括设计逻辑分析能力、创造性思维能力、社会文化的洞察力、设计表达的驾驭能力等等。它具有现代建构多元化发展的深刻内涵,体现了民族、地域、文化、历史等方面的特色。 总体来说,媒艺动漫设计艺术教育是一种非常特殊的专业性教育,它培养的不仅仅是熟练掌握和应用技艺的人才,更重要的是培养具有健全文化修养,人文品格精神的设计“人”才。这是21世纪对中国媒艺动漫设计艺术教育提出的更高要求。一方面由于科技的飞速发展,各种媒体手段已深刻而直接的牵制了设计者的思维判断方向。媒体手段一方面以前所未有的巨大能量开拓出了视觉模拟新形式语言,为艺术设计提供了大量的设计空间;另一方面,这种设计空间的力量最终产生出一种令人难以摆脱的制约和心理寄托,使得媒艺动漫艺术设计的原创性、真实自然性、人文思想情感性得以全面消解。媒介时代对当下媒艺动漫艺术设计产生最为直接的影响是挪用、照搬、拼制成了设计者创作的有效快捷手段;随机、重构、拼接代替了创新、真实、情感。没有情感的驱动力,没有基本的逻辑线索,没有深刻的思想内涵。媒艺动漫艺术设计作品承载的只能是欣赏当下视觉感染力和冲击力的过眼云烟! 从动漫设计艺术教育的角度分析,动漫设计艺术它重技能,重画面功夫,但更重“画外功”和“画后功”,这“画外功”指的便是多方向的诸如文学、哲学、道德等修养,这也是中国当下动漫设计艺术竞争不过美国、日本、韩国等国外动漫设计艺术的根本原因。如何让受我们的媒艺动漫学生在有限的时限内掌握知识要领(技艺),既能够获得造型基础能力,又能够在艺术追求多元发展的结构中选择自己深入的方向及可能性,以及在此基础上形成的创新精神,是每一个媒艺动漫设计艺术教育工作者应该深思的问题。 在媒艺动漫艺术设计教育中,我们认为当务之急应当梳理学科和专业,改革学科发展结构和教育机制乃至教学计划,在保持传统基础学科发展的前提下,综合各相关各种学科的特色优势,创造出既有利于基础互通,多元发展,又有利于学生自我整合能力提高和创新能力培养的教学模式和系统的形式来。三、关于教学方法 在知识经济时代,媒艺动漫艺术设计教育的教学方法必将发生深刻的变革。从事设计教学的教师的职责将不仅是向学生的头脑填塞过去的文化和灌输现成的知识,而且是着力于开发学生的智力和创造力,鼓励学生独立思考,培养知识广博、思维敏捷、富有创新精神的具有国际文化视野、中国文化特色的动漫艺术设计师,更重要的是引导学生学会科学的方法论,树立正确的人生观和价值观。教育在于把人的思想提升到较高的境界。这有赖于教育者自身素质的提升。从事动漫艺术设计教育的教师如果没有哲学家对认识世界的思索,没有艺术家对审美意识的敏感,没有自然科学家对人类自身的关怀,就很难做好教育工作。只有采取切入学生心智,唤起学生探究欲的教学方法,才能给学生以足够的发展空间。21世纪是一个信息爆炸的世纪,更是一个信息传播速度异常迅疾的世纪,这也意味着传统教育教学方法将教师当作知识“仓库”观点的终结和将教师教学只是当作可以复制粘贴的“拷贝式”方法的休止。这种背景更要求动漫设计艺术教育应该彰显“创新精神”,发挥每一个学生的主观能动性,教师应视学生为教学主体,最大限度地“钻探”每一个学生的潜质和潜能,采用更为开放的授课方式,探索研究型课程,尝试运用“适当讲课+公开讨论+研究探索”的教学方法。教师的作用重在引导,让学生学得主动,重在掌握独立思考、独立分析问题和解决问题的方法。教师在教会学生学习方法的同时,还要注意充分开发具有不同禀赋的学生的潜能,让每个学生都有发展和提升的机会。整个教育教学过程应注重发现学生的创新精神和创造能力,及时给予鼓励和支持。在教学中注重设计过程的体验和实践,建立新的设计作品评价体系。支持学生新颖独特的想法、做法,创造宽松的气氛,以利于学生的成长。 四、关于教学手段 今天,艺术设计教学手段已经全面抛开了一支粉笔、一支画笔打天下的年代,图像处理、印前技术、三维动画、虚拟现实多媒体技术等已经为每一个从事动漫设计艺术教育的工作者熟悉,感受到他们带来的便利及快捷。我们相信艺术设计教育在不远的将来将全面融入全新的数码技术,多媒体技术在教学中的充分利用,使得教学效率和教学质量有非常大的提高。一方面,要加强“硬件”的建设。即学校加大信息技术的投入和建设,提供满足教学需要的精品软件与数字化教学信息,因为这是数字教育的物质基础与技术保障。另一方面,还要强调“软件”建设,即教育者应强化自己开发精品艺术设计教育软件的意识,全面融入全新的计算机软件硬件技术,丰富自己的教学经验,提高自我修养,融合现代设计的最新理念,在教学过程中激发学生独立思考能力和创新意识,培养学生开放性的探索精神。 在教学过程中教师要充分发挥计算机存储信息的便捷、快速、大容量的特点,进行直观全景式教育,培养学生的学习兴趣。互动式教学手段和方法的应用改变了以往单向线性的教学模式。使教学在充满乐趣的传播与反馈中获得成效,学生在老师的引导下讨论设计课题,学生可以随时通过网络与设计师、工程师、生产者保持联系。互动式教学打破了时空的限制,并最大限度地支持个性的发展。虚拟现实教学手段,再造了一个艺术设计教育的空间。 总之,我们始终不应忘记的是,动漫艺术设计是将自然界或人类繁杂的现象本质抽象出来成为人类社会精神、意识的载体——设计艺术作品,并使之服务于人类。为科学和艺术的结合——动漫艺术设计,不仅要睁着眼睛观察世界的表象,更要学会闭上眼睛体验世界之本质。只有通过这种观察理解方式,才能将客体重新分解——提炼——表现——再组合,那么其作品给人提供的全新审美形象,便更能感悟和净化人的灵魂,提升人的境界。当今中国动漫艺术设计教育是从工艺美术过渡而来的,还笼罩在技能培养以及职业化教育的阴影之中。作为从事艺术设计教育的我们,更应认真实际地处理好美术与设计的关系,认识传统与现代的功用,调整技能培养和素质培养的重要性,源自心灵和思考的艺术创作必然会浮出水面,只有这样,动漫艺术设计教育才能够迎来灿烂的阳光。 艺术设计研究论文:易学现代艺术设计研究管理论文 以《易经》为代表的易学文化,是中华民族创造最早的一种文化现象,自易学文化诞生之日起,他就对之后社会的政治、经济、军事和人们的日常生活,以及种种文化艺术现象等等,都产生了巨大的影响。讨论易学文化对现代艺术设计的影响,不能不先了解易学文化。所谓易学文化,是应该包括以《易经》为中心的一切文化现象。《易传》是一部内涵丰富的哲学著作,它以独特的结构形式和思想内容,在中国传统文化大观园里筑起一座神秘的宫殿。在以政治、伦理为主要内容的中国古代意识形态领域里,开辟了广阔的哲学天地。《易经》的哲学思想涉及诸多问题,但是倘若简化一下,无非就是研究“天人关系”,所谓“天、地、人”;所谓“天人合一”,都是这个意思。应当说,中国古代哲学的基本问题,即“天人关系”问题,在《易经》中表现得最为突出,中国古代哲学思维的有机整体性特征,在《易经》中表现得最为明显。所以《易经》成了众经之首,易学文化也就成了能够为所有文化艺术提供指导和借鉴的东西。 伏羲氏开创了中华民族文化的新纪元 在中国的远古时代,也就是三皇(三皇有多种说法,这里取伏羲、神农、女娲说,传说我们的先民就是由伏羲、女娲交合而生)的那个时代,发生了一件很了不起的事情,不亚于盘古开天地的伟业,对后世产生影响之深远和巨大,无论怎样评价都不过分。这就是《尚书·序》开篇的第一句话:“古者伏牺氏之王天下也,始画八卦,造书契,以代结绳之政,由是文籍生焉。”产生了文字,这是人类历史新纪元的开始。但“造书契”是第二位的事,第一位的是“画八卦”。八卦的诞生,一是说明:伏羲时代先民们不但有了太极、两仪、四象和八卦的理论,而且有了太极图、阴阳爻这样的图形符号,以及由这些图形符号千变万化而成的阴阳卦象(仍然是线条图形符号);二是说明:易经的诞生,在伏羲时代就已经有了相当的基础。于是就有了八卦衍生出来的六十四卦,就有了围绕易经的文化现象,人们把它统称为易学。与此同时,还产生了河图、洛书。 太极图是研究易学原理的一张重要的图象,它包含宇宙万物运行规律,有人说它是宇宙的模式。太,有至的意思;极,是极限之意,即至于极限,无与伦比。它包含了老庄哲学的“道”的至极之理,也包含了老庄哲学的“天”的时空极限。《庄子·天下》说:“一尺之棰,日取其半,万世不竭。”这就是太极。“太极元气,含三为一”,从太极图可以得出结论,太极图的圆圈,就是代表一,代表宇宙,代表无极。图象的黑白二色,代表阴阳两方,天地两部;黑白两方的界限就是划分天地阴阳界的人部。白中黑点表示阳中有阴,黑方白点表示阴中有阳。道生一,就是无极生太极;一生二,就是太极生两仪;二生三,就是阴阳交感化合;三生万物,就是太极含三为一。宇宙有无限大,所以称为太极,但是宇宙又是有形的,即有实质的内容。然而,有形又来自于无形,所以无极而太极。太极这个实体是健运不息的,即宇宙在运动,动则产生阳气,动到一定程度,便出现相对静止,静则产生阴气。如此一动一静,阴阳之气互为其根,无穷运转。自然界也是如此,阴阳寒暑,四时的生长收藏,就是万物的生长规律,这种规律无不包含在阴阳五行之中。阴阳交合,则化生万物,万物按此规律生生不息,故变化无穷。这些内容提出了立天、立地、立人的三才之道,所谓“六爻之动,三极之道也”。 河图以十数合五方、五行、阴阳、天地之象。图式以白圈为阳、为天、为奇数;黑点为阴、为地、为偶数。并以天地合五方,以阴阳合五行,所以图式结构分布为:一与六共宗居北方,因天一生水,地六成之;二与七为朋居南方,因地二生炎,天七成之;三与八为友居东方,因天三生木,地八成之;四与九同道居西方,因地四生金,天九成之;五与十相守,居中央,因天五生土,地十成之。河图是根据五星出没的时节绘成,故称五星为五纬,是天上五颗行星。木曰岁星;火曰荧惑星;土曰镇星;金曰太白星;水曰辰星。五行运行,以二十八宿为区划,由于它的轨道距日道不远,古人用以纪日。五星一般按木火土金水的顺序,相继出现于北极天空,每星各行72天,五星合周天360度。由此可见,河图就是五星出没的天象,也是五行的来源。 洛书古称龟书,说有神龟出于洛水,其甲壳上有此图象,结构是戴九履一,左三右七,二四为肩,六八为足,以五居中,五方白圈皆阳数,四隅黑点为阴数。洛书数字本太一下九宫而来,以四十五数演星斗之象。古人观测天象,认为北极星(太乙)之位恒居北方,可以作为中心以定位的标准。九宫是据北斗斗柄所指,从天体中找出九个方位上最明亮的星为标志,便于配合斗柄以辨方定位,发现九星的方位及数目,即洛书的方位和数目。洛书九宫数,以一、三、七、九为奇数,亦称阳数;二、四、六、八为偶数,亦称阴数。阳数为主,位居四正,代表天气;阴数为辅,位居四隅,代表地气;五居中,属土气,为五行生数之祖,位居中宫,寄旺四隅。由此可见,洛书九宫是观测太一之车,即北斗斗柄从中央临御四正四隅而形成的,洛书九宫与八卦的阴阳变化存在着密切关系。 易学深刻地影响了中华民族文化的发展 从伏羲时代造作的卦画开始,到周文王,被囚禁羑里的七年时间,于大忧患中,作大开创,成就了周易彖(卦)辞。后来周公姬旦又为每卦六爻作了爻辞,开创了兴周八百年基业的哲学思想。到了孔子,又赞周易十翼之传,一脉相承,这就是我们今天所看到,包含《彖》、《象》、《系辞》、《文言》、《说卦》、《序卦》、《杂卦》在内的《易经》。这四位作者,从伏羲到孔子,相距上千年,但他们对易学的见解却是惊人的一致,反衬了中华民族文化的一脉相承。 在中国近代史上,曾经有过如火如荼的五四新文化运动,口号很响亮,就是“打倒孔家店”。但却没有人提出“扫除易学”、“挖掉老庄店”,太极八卦图仍然在神州大地上招摇过市,道教建筑仍然占有着中国最美的山水。这足以说明易学文化和老庄哲学在中国的影响力,即易学文化,以及尔后受它影响最深的老庄哲学,为中国人提供了普遍的方法论。它们不但是统治阶级文治武功的宝贵经典,也是大众精神的一种寄托和生存的教科书。鲁迅先生曾经说:“中国的根柢全在道教。”(1918年8月20日《致许寿裳》)鲁迅这句话其实也是包含了易学文化在内的。道教缘于道家,用了老庄的哲学思想,还把老庄认成是祖师爷,道家也因此扩大了自己在广大民众中的影响,成为中国文化巨鼎的三足之一。然而,不论是在广大民众中有着巨大影响的道教,还是作为道教理论基础的道家哲学,都与易学文化有着天然的不解之缘,而道家与易学的缘分,又是儒家和佛教所不能同日而语的。所以西方人并不细分道家与道教的区别,而是统而言之:TAOISM。 易学文化包含着民主性的精华,对后来中国社会的政治多有启发。它十分强调国家的统一,反对分散割据,保持了中国几千年的大一统山河,维护了中华民族的团结和睦(中国历史上虽然有纷争不已的战国、三国、南北朝、五代十国等等分裂时期,但是在文化继承关系上,却没有一个脱离中华民族文化的。北魏是鲜卑人建立的政权,但是却一直弘扬着中华民族文化,这一点从现存的云岗石窟和龙门石窟中,都能见到,孝文帝甚至把姓氏拓拔改为元);它提倡“首出庶物,万国咸宁”,主张天下一家,同邻邦友好相处;它主张发展农业,安定人民生活,国家要节约开支,“节以制度,不伤财,不害民”;它主张发展手工业,使物产丰富,方便人民,“备物致用,立成器,为天下利”;它主张发展商业,促成物资交流,满足人民生产生活需要,“日中为市,致天下之民,聚天下之货,交易而退,各得其所”。 易学文化有浓厚的民本思想,要求统治者时时注意“聚人”、“安民”,如果人民离散,心无居安,社会就不会稳定。它教导历代仁人志士“与民同患”,把人民的忧患放在心头。易学也重法治,主张“明罚清而民服”,一切法令制度都贯彻“抑恶扬善”的原则。中华民族富有革新精神,每到历史危急时刻,总有仁人志士奋起进行革新运动,这正是易学文化持久熏陶的结果。《易经》最早提出“革命”主张,“天地革而四时成。汤武革命,顺乎天而应乎人”。这里的“革命”,虽然与马克思主义的革命有本质区别,但它主张,“革命”必须“顺乎天而应乎人”,既符合历史发展的客观规律,又适应人民的利益和愿望。 易学文化讲“穷则变,变则通,通则久”,事物发展到极点就会引起变化,变化了就会畅通,畅通才能持久,所谓“时止则止,时行则行”。易学文化又始终贯穿着“生于忧患,死于安乐”的忧患意识,所谓“君子安而不忘危,存而不忘亡,治而不忘乱,是以身安而国家可保也”。易学文化的确包含着相当丰富而深刻的朴素辩证法思想。《易经》最有名的哲学命题是“一阴一阳之谓道”。“易”就是变,它是一部讲宇宙万物与人类社会变化的书,是古代辩证法思想最重要的源泉。更值得一提的是,它指出这种变化,不是来自世界的外部,不是靠超自然的神灵主宰,而是在事物的内部,在其固有的一阴一阳的矛盾性,这就是事物变化的内在动因。《易经》认为,整个宇宙不是静止不变的,而是生生日新的“大化”之流。同这种生生不息的宇宙观相适应,它劝诫人们树立“自强不息”的人生哲学,指导人们的实践活动。它认为人在自然、社会的变化面前,不是无所作为,应当发挥人在改造自然和社会过程中的主观能动作用。它讲“物极必反”,“知进而不知退,知得而不知丧,知存而不知亡”,势必要垮台的。如果我们认真地研究思想,在最能代表哲学思想的《矛盾论》和《实践论》中,都能见到易学文化的深刻体现。 易学文化为中国古代科学家提供了科学的世界观,同时也为科学研究提供了一套别开生面的象数思维模式。象数思维方法的基本特征是:取象比类。思维借助“卦象”,极富形象思维特点;取象为了“比类”,又是逻辑思维的特性。因此,取象比类是两种思维相互作用的思维方法,更具有强烈的辩证法特征。黑格尔自己就公开宣称,他所创立的辩证法,就是来源于中国的易学文化。 易学文化在我们的实践活动中,无时不刻地起着潜移默化的影响,甚至有时赤胳上阵,指导着人们的具体行为方式。易学讲阴阳对称。一阴一阳,一刚一柔,相反相成,对称互补,构成统一和谐的大千世界。这一对称协调原理,在传统的中国医学、医药学中得到了广泛运用;在中国的书画艺术中更有精妙的表现;在中国古典建筑和古典园林布局中,又是运用得淋漓尽致。易学讲整体思维。人体小宇宙,自然大宇宙,都是有机统一的整体,由小及大、由表及里、由外及内,包含了现代系统论思想。中医的望、闻、问、切,调理阴阳,辨证施治,以及中医的经络理论等等,都是这种系统论思想的具体体现。易学强调序列,注重节律。易学特别注意宇宙运动的周期性,主张“先天而天不违,后天而奉天时”,从太极图到384爻的渐变演化,从河图洛书到五行九宫的相生相克,虽然千变万化,却都遵循着事物自身的发展规律。现代计算机的鼻祖莱布尼兹,说他所创立的二进制原理与易学的术数演变完全一致。又比如中国古典建筑,从不强调个体的美,而是强调总体布局的强烈韵律感。看北京的皇城、天坛等,无比恢弘的气势,正是这种强调序列,注重节律的结果。 易学的确是一种了不起的文化,对中国社会的各个层面,政治、经济、文化、艺术、科技等等,都有着不可估量的影响。数千年来,注释、阐发、评议《易经》的著作,就有三千多种,而且吸引了许多外国学者参加其中,经久不衰。清朝纪晓岚在《四库全书总目提要》上,对此种文化现象有过这样评论:“易道广大,无所不包。旁及天文、地理、乐律、兵法、韵学、算术,以逮方外之炉火,皆可援《易》以为说;而好异者又援以入《易》,故易说愈繁。”今天易学文化的研究领域更加拓宽,它对中国艺术的影响也是极为深远的,它为中国美学建立了理论基础,其“意”与“象”结合的思维模式,孕育了中国书画艺术的创作方法。美术家多认为“太极图乃书画秘诀”;舞蹈家更把八卦的无穷变化看成是审美标准的符号,对民间和宗教舞蹈影响最甚。易学关于阴阳协调的原理,又产生了世界上独一无二的中国古代风水学,数千年来影响着中国的建筑学、规划学、园林学、环境科学、生态建筑学、环境艺术和工程技术等诸多学科。易学文化是融象数与义理于一体的独特思想体系,具有创造性、灵活性,富有开拓未来的精神,是中华民族文化的珍贵遗产,也是世界文化宝库中一颗璀璨的明珠。 易学也极大地影响着西方文化 易学的伟大自不待言,如今满世界的“易经热”就足以证明了这一点。有一个例子说,美国的大学早在上个世纪六、七十年代,就开设有“算命”学科,不但西方的学子去学,而且中国港澳台的学子和世界上许多华人子弟也跑去选修。台湾学者南怀谨说他的一些学生,就跑到美国去选修“算命”学。为此,这位先生还发了一通感慨:年轻的国家(指美国),文化草昧的民族(指美国人),正以大胆的创见,挖掘、开发自己文化的新际运,不管是有道理或无道理,研究以后再作结论。但有祖先留下来五千年庞大文化遗产的我们,却自加鄙弃而不顾,一定要等到外人来开采时才又自吹自擂的宣扬。我们姑且先不去管南先生所说的美国“算命”学科,是否在教授中国的易学文化,或者中国古代巫师术士的一套东西,还是别的什么东西,至少可以说明易学影响的广泛。 在哲学方面。易学对西方哲学的影响是很大的,我们知道,作为马克思主义哲学的理论来源之一的黑格尔哲学,即黑格尔辩证法,他的创始人、德国著名哲学家黑格尔,就是受了中国易学和老庄哲学的深刻影响,创造了正反合辩证逻辑定律。我们说黑格尔是创造也行,说他是在贩卖中国的易学文化也可以,因为易学比他的那套理论起码早了不知几千年。马克思主义经典作家对黑格尔给予很高的评价,马克思说:我要公开承认我是黑格尔这位大思想家的学生,辩证法在他的手中被神秘化了,但这决不妨碍他第一个全面地有意识地叙述了辩证法的一般运动形式。列宁说:要继承黑格尔和马克思的事业,就应当辩证地研究人类思想、科学和技术的历史。恩格斯在《反杜林论》中指出:“黑格尔第一次——这是他的巨大功绩——把整个自然的、历史的和精神的世界描写为一个过程,即把它描写为处在不断的运动、变化、转化和发展中,并企图揭示这种运动和发展的内在联系。” 黑格尔提出了辩证法的三个基本规律——质量互变规律、对立统一规律、否定之否定规律,实现了辩证法的系统化。黑格尔的辩证法,正是黑格尔研习和运用中国易学的结果,《易经·系辞上》说:“一阴一阳之谓道。继之者善也,成之者性也。”黑格尔在自传中承认,他所创造的正反合辨证逻辑定律,正是得自《易经》的启发。并且在《哲学史讲演录》上称赞道:“《易经》包含着中国人的智慧。”据说,黑格尔曾经感叹地说,他一生中最大的遗憾是没有完全学透中国的《易经》。从上述意义上说,马克思主义通过黑格尔哲学,也充分体现了中国易学中的某些伟大思想,特别是辩证法。 在科学方面。爱因斯坦是相对论的发明者,他曾试图解决统一场论的课题,这个课题起源于法国著名科学家拉普拉斯。拉普拉斯曾经幻想:“如果有一种智慧能了解在一定时刻支配自然界的所有的力,了解组成它的实体各自的位置,如果它还伟大到足以分析所有这些事物,它就能用一个单独的公式概括出宇宙万物的运动。从最大的天体到最小的原子,都毫无例外,而且对于未来,就象对于过去那样,能一目了然。”(《爱因斯坦对二十世纪下半期物理学的影响》)拉普拉斯是18世纪末19世纪初的法国人,他产生了比他早五千多年的中国先哲的想法,而又引起了比他晚了近一个世纪的爱因斯坦的苦苦探索,遗憾的是他们都没能解决这个问题。这也不奇怪,比拉普拉斯早了整整一个世纪,比爱因斯坦早了近两个世纪的物理学家牛顿,对于自己发明的力学规律,始终解释不了行星绕日运动的第一推动力问题。于是就陷入唯心主义的怪圈,把它说成是上帝给的力。据说拉普拉斯提出的问题已经由中国科学家解决了。中国科学家以《易经》为基础,完成了“宇宙物质成因学”。发现者是在破解伏羲古太极图的过程中,完成了拉普拉斯一爱因斯坦的统一场论。这一突破,将建立起一整套新的自然科学理论的基础,对当今世界一系列科学观念进行一次总体上的大清理和根本性的大改造。 据说爱因斯坦曾经百思不得其解,为什么16世纪以前,中国古代科学技术发展水平远远领先于西方。他说:西方近代自然科学的发展,主要是由于科学家们得力于以欧几里德几何学为代表的形式逻辑思维方法和以培根为代表的近代科学实验方法。这两大法宝,中国古代科学家都不具备,然而值得惊奇的是,西方科学家做出的成绩中,有许多早已被中国古代科学家完成。后来有人说,这是因为中国古代科学家从小就受到易学文化的熏陶,所以能很客观地看待我们这个物质的世界,很辩证地研究我们这个物质的世界。 英国著名科学家李约瑟博士,曾以编著《中国科学技术史》而流誉全球。李约瑟也对中国的易学文化产生浓厚的兴趣,他对易经卦象用于练丹术极为倾心,在他编著的《中国科学技术史》里,特辟十二消息卦与纳甲、《周易参同契》、外丹说与丹术等章节进行详细论述。他在研究了莱布尼兹的二位进制数学与中国《易经》的相互关系后说:“我们看到他的关于代数语言或数学语言的概念也是受到中国的影响,正如同《易经》的排列系预示二进制一样”。这一点莱布尼兹本人也从来不否认。 量子力学的创始人玻尔,曾经选择要求政府把授予他的爵士徽章设计成太极图形式,这不是因为太极图美丽,而是因为量子力学有一条定律,叫“测不准定律”,这个定律正是深受了易学文化的影响产生的。对此,物理学家李政道是这样解释的:“牛顿力学已被量子力学代替了,在量子力学中有条很基本很重要的定律,‘测不准定律’……从哲学上讲,‘测不准定律’和老子所说:‘道可道,非常道,名可名,非常名’的意思,颇有符合之处,所以近代物理学有些看法,与中国太极和阴阳二元学说有相似的地方。”可见,玻尔的量子力学是受了中国易学文化的深刻影响,不然他就不会在自己的爵士勋章设计上,想到中国的太极图。著名物理学家杨振宁在学习《易经》以后,对奇偶性不灭定律也产生了怀疑。后来他和李政道从《易经》的阴阳消长的原理中得到启发,提出了原子能态二组的奇偶性虽是不灭的,但不是不变的,而且存在着盛衰消长的变化,这一重大发现使他们获得了诺贝尔物理奖。 在艺术方面。易学文化对西方艺术与现代设计方面的深刻影响,将在以后专门论述,这里暂不赘述。 太极图和八卦,河图和洛书,本身就是伟大的设计 易学把深奥的逻辑思维,图解成易于研究的形象思维,这本身就是一个伟大的设计。据说如今的日本很时兴漫画书籍,就连为日本军国主义招魂的《台湾论》,作者小林善纪也是用了文字与图象的手法,企图争取更多的读者。这不能不说是借了中国易学文化的表现方法,来侮辱和挑衅中华民族。 历代说《易》者,不外乎义理、象数两途,义理是《易》的内容,象数是《易》的形式。先民们有了太极的概念,然后产生了太极图;有了阴阳的概念,然后产生了两仪;有了四时的概念,然后产生四象;上观天象,下看地理,又观察大地万物,近取法于人体的解剖图形,远取法于万物的各种形象,然后造作了八卦,又交叉重迭衍生六十四卦;又造作河图、洛书。《易经·系辞上》说:“易有太极,是生两仪,两仪生四象,四象生八卦,八卦定吉凶,吉凶成大业。”所以说,以六十四卦为内容的卦象系统,以五行九宫为基础的河图洛书,都是易学文化的图象形式。卦画的最小单位是爻:“—”为阳爻,“--”为阴爻,阴阳爻、阴阳卦正是阴阳思想的符号化(线条符号)。太极图的黑白相间、首尾交合,正是阴阳对立统一、消长流行、互根互动的最佳图示(图形符号)。混沌之气——太极,于旋转中生出阴阳——两仪,阴阳于互动中生出四时——四象、八卦、六十四卦;五行于相生相克之中,演化出十分逼真的河图;九宫于循环往复之中衍生出洛书。正是这种无穷变化,才启发了后人,不断地探索,不断地创造。我们的艺术家和设计师就是从这个让人无限遐想的太极图、无穷变化的阴阳爻、相生相克的河图、循环往复的洛书中,激发了灵感,产生了奇思妙想,于是就有了寓意深刻的中国书法和绘画艺术;有了美不胜收的中国古典建筑和园林艺术;有了精妙绝伦的中国民间艺术。看了汉代张衡设计制造的浑天仪和地动仪,有谁不认为这两件科学仪器是两件堪称世界之绝的艺术设计作品,又有谁不认为其中蕴涵了中国易学文化的精髓。所以古代的艺术家和科学家都说:太极图本身就是艺术和科学的秘籍。 太极图被称为“中华第一图”。从孔庙到道观的标识物;从道教的服饰到游方术士的招摇旗;从中医、气功、武术及中国古典书籍的书刊封面、会徽、会标,到韩国国旗图案、新加坡空军机徽、玻尔的爵士勋章等,太极图无不跃然其上。太极图除了阴阳鱼图形外,还有五层图形(即“周敦颐太极图”)、空心圆图形、黑白半圆图形等等。阴阳鱼太极图,早期称作先天图、河图、先天自然河图、先天自然之图、古太极图等;五层太极图又称无极图、太极顺逆图、太极顺生图、丹道逆生图等。 关于太极图的起源,历来说法不一,有原始时代说,有太古洪荒说,有生殖器崇拜说,不一而足。宋朝的朱震认为,太极图是由五代末宋初的道教鼻祖之一陈抟传下,他在《汉上易传·进易说表》中说:“陈抟以先天图传种放,放传穆修,穆修传李之才,之才传邵雍。”但是陈抟的太极图是谁传的,他没说,但恐怕也不会是陈抟自己创造的,因为有无数的出土文物证明。台湾的陈立夫在《关于太极图的一些问题》中认为:“大陆先后所出土之古太极图,较《周易》及《乾凿度》之成书,尚早三、四千年。诸如陕西永靖所出土六千五百年前(伏羲时代)双耳彩陶壶上之双龙古太极图(藏瑞典远东博物馆),乃使用毛笔中锋所画,竟早于孔子四千年。又出土商代及西周之多件青铜器上,亦契有雌雄双龙相互缠绕之太极图。”陈立夫所称“双龙太极图”实际上就是华夏始祖“伏羲女娲交尾图”,陈立夫的说法比较科学,远古先民没有今天这样的科学手段,借助图象来推演天文地理、宇宙万物,那是十分自然的。至于陈抟,也许只是把太极图当成道教的标识物而已。 还有人认为太极图出于道教徒之手,是道教内丹学的产物。据说有人利用EF扫描技术,给进入气功功能态下的气功师作脑电图,并结合中医学和气功学有关记载,对气功师的脑电图进行了测试研究,发现大脑存在一个太极结构,以此证明太极图最早是人体气功功能态下内景感受(或内视)记录的丹象,也就是人体气功功能态下的脑电图。因此提出狭义与广义太极图之说,狭义的“太极图”(从它的原始起源的意义上说)是一张脑电图,广义的“太极图”(从它发现并描述了某种普遍的物质运动原理与结构的意义上说)是一种宇宙物质运动模型。也就是说,要想获得这种丹象——太极图,只有气功修炼达到出神入化的程度,否则就不可能获得。但是用什么来修炼呢,还得求助古人,丹家的经典《周易参同契》就说,修炼的理法依据仍然是《易经》的原理和《易经》的太极模式。也就是说,丹家内景感受(或内视)到的丹象,是在易理易法的指导下修炼出来的。无论是汉代的魏伯阳,还是以后的陈抟等道教徒,他们都得研习《易经》,不研究《易经》,就不能发现内景感受(或内视)到的丹象与伏羲八卦原理及图形相一致。 太极图产生以后,在流传的过程中,或配以八卦,或配以六十四卦,于是便陆续出现了“先天太极图”、“天地自然之图”、“河图太极图”、“洛书太极图”等各种不同名目的太极图。有人又据此得出结论:属于意义世界的太极图是以丹家内景感受(或内视)到的丹象为原形,以伏羲八卦方位为参照系,在《易经》原理的指导下画出来的。太极图产生以后,由于它具有与伏羲八卦方位图相同的宇宙意义,而其描述的简易性和生动性又容易为人们所接受,于是人们便用它来解说宇宙现象,从而使之具有普遍真理性和适用性。这种观点是否正确,留待专家去研究而后得出结论。但是有一点是可以肯定的,太极图的创造者,或者叫设计者,一定是根据大量的资料和研究,在大脑里产生了某种图形,然后逐步加以完善,也许这种完善,不是一个人、一个时间内完成的。 河图和洛书的创造,更带有一种神话的色彩。传说,在伏羲的时代,有龙马出于黄河,身上的花纹恰如八卦,于是,伏羲就取法于此,创造了八卦。又传说,在夏禹的时代,有神龟出于洛水,背上有文字,大禹取法于此,创造了洛书。这当然都是神话故事,不足为凭,但是,也有可取的地方,那就是,任何创造——包括一个伟大的艺术设计作品,都离不开客观实践。无论从哪一个学科、哪一个角度,用什么样的手段去研究易学象数的起源,这些象数自身都是一件伟大的艺术设计作品。它们给我们艺术家和设计师以深刻的启发,艺术创作的形象思维,离不开逻辑思维的指导;而理论创立的逻辑思维,在形象思维的表现下,将更加深刻。二者的结合,将是艺术创作的最高境界。 易学文化把艺术创造和现代设计推向颠峰 深受易学文化熏陶的中国艺术家和设计师,其作品都在自觉与不自觉、有意与无意之间,打上易学文化的烙印,体现着中华民族文化的深刻内涵。不但太极图和八卦、河图和洛书这样的设计作品为中华民族文化所独有,就是中国书画艺术,也不是外人很容易就揣摩和掌握的。还有我们现在出土的许许多多青铜器,其文饰,清一色都是易学文化的产物。中国的民间艺术,更是深受着易学文化的影响,剪纸、年画、蜡染、刺绣、雕刻、陶瓷、彩绘,还有最为称道的中国古典建筑装饰,无一例外。 我们今天许多的设计作品,也都深受着易学文化的影响。香港设计大师靳埭强和国内著名美术家、雕塑家韩美林,他们都是世界上很有名气的大家,在他们的诸多作品中,几乎每一件都带有易学文化的影子。甚至青铜器的文饰符号、太极图和八卦、河图和洛书等等,都直接或者间接地成了他们的设计符号。还有世界著名建筑师贝聿铭,他在20世纪80年代为北京设计的香山饭店,虽然如今已经很少被人提起,但那却是一件深受易学文化影响的现代设计作品,从总体布局到细部处理,设计者几乎是在不断地、反复地运用易学的象数与符号,以此来强化建筑本身的民族文化与艺术的内涵。 下面我们再举两个前面初步提到的案例,来说明易学文化是怎样在潜移默化地影响着艺术家和设计师。 2001年6月,在北京举行了首届《艺术与科学国际作品展暨学术讨论会》,据说这个《艺术与科学国际作品展暨学术研讨会》,是为了以实践创造和理论探索的方式,回答两位世界著名学者关于“艺术与科学殊途同归”的思想。著名科学家李政道说:“科学与艺术是一个硬币的两面。”著名艺术家吴冠中说:“科学揭示宇宙的奥秘,艺术揭示情感的奥秘。”两位学者虽然身居不同的创造领域,但是他们的思想表述却不约而同地指向了一个主题:人类生存和存在的终极境界——艺术与科学的融合。这种“融合说”本身就带有易学文化的烙印。 在作品展上,最引人注目的是两位学者自己的作品。一件是身在大洋彼岸的物理学家李政道的雕塑——《物之道》,表现了物质结构微观世界的运动形式;另一件是久居国内的艺术家吴冠中的雕塑——《生之欲》,表现了生命结构微观世界的存在形式。这两件雕塑作品反映了科学领域的两个世界,一个是正负电子对撞机粒子对撞揭示的物质运动的情景;一个是蛋白基因结构揭示的生命存在的途径,这两个领域是我们人类迄今为止探索未知世界的最高境界。 《物之道》体现了李政道在自己研究的科学领域里,所具有的睿智与浪漫,以及他对物质存在的哲学悟性。李政道为自己的雕塑题写了这样的说明:“道生物,物生道,道为物之行,物为道之成,天地之艺物之道。”并进一步阐述道:世界是由带电的粒子构成的。通过他们的相互作用,形成原子、分子、气体、固体、地球和星球。这种负电荷与正电荷的对偶结构,或称“阴”和“阳”,可以通过太极图恰当地表现出来。《物之道》用雕塑语言,将科学探索的物质结构的最高境界放到易学文化当中,根据太极图的基本构成形式,演化出富有哲学意境的艺术形式结构和语言,通过艺术语言的纯粹性和形式,使物质雕塑要表达的科学内涵的最高审美境界和哲学境界得以形象再现。《物之道》在雕塑形态上,参照远古时代彩陶艺术的语言形式和表现物体内涵的方式,运用中国传统艺术形式中点、线、面运动变化所具有的丰富内涵和表现力,以中国传统造型艺术典型形式——线的单纯、简洁、绵延不断的性质,以及螺旋线生生不息的运动视觉效果,表达了正负电子对撞机优秀普仪螺线管线圈的科学技术特征。一根变化丰富的螺旋线,以哲学的理念反复生成,推至象数概念中最大极数的九根螺旋线,九根螺旋线排列组合成旋转运动。九根线的一端收敛极心,意味着指向太极;另一端发散太空,意味着指向无极。在黑与白之间,那恰似九条升腾的龙,在太极与无极的世界里,“赤橙黄绿青蓝紫,谁持彩练当空舞?” 李政道凭借自己对易学文化,以及老庄哲学的深刻理解,穷尽了点、线、面构图,使足了色彩、材料和技术,使易学文化在《物之道》中得到了极至的张扬。 《生之欲》则体现了吴冠中在自己探索的艺术领域里,所具有的深厚人文修养和充沛的艺术激情,以及对真善美抽象概括的敏锐性。吴冠中在科学家发现的蛋白基因里,找寻着尽善尽美的艺术语言,来表达我们不曾看到过的生命形态。生命除开它的物质形式之外,还有一种精神的、情感的形式,吴冠中紧紧抓住生命主题的本质和蛋白基因的形态结构特征,按照中国哲学思想对生命认识的境界,把中华民族艺术表达哲学思想的形式——寂静之中的激动,激动之中的寂静,全部倾泻在《生之欲》上,这就是“穷元妙于意表,合神变乎天机”的易学文化意境。 易学文化是以生命来感悟道的深境,而中华民族艺术则是以道来诠释生命。那狂草般飞舞、转折、起伏的线条,展示着生命的韵律、节奏、秩序。线的表现力既有狂草的“舞”,又有音律的“美”,使生命在天地之间充满无限生机。为了加强生命的张力和音乐性的色彩表现,使线的空间变化表现得更具浪漫性,吴冠中以中国民族民间的传统色彩:粉绿、桃红、淡黄、银灰依次作为主色调的色标,并用红、黑线贯穿这生命之春的明快色彩。使人产生心理暗示和审美联想:生命源自于太极,又将回归于太极,没有个体的死亡,便没有生命的生生不息。于是,人类发生、成长、回归的终极状态,全部展现在我们面前。吴冠中以充沛的情感和诗人的浪漫,为《生之欲》划上了最后的一笔:“似舞蹈,狂草;是蛋白基因的真实构造。科学入微观世界揭示生命之始,艺术被激励,创造春之华丽。美孕育于生之欲,生命无涯,美无涯。”这又是对易学文化的理解。 这是两位有着不同人生阅历,又是在不同的领域——科学与艺术的无限而又有限的时空里,奋力拼搏的学者,用着一种共同的思维方式——易学文化的哲学思想,一种共同的科学与艺术笔法,创造着艺术与科学的融合。 风水术导引着中国古典建筑艺术的发展 在易学文化中,风水术对于建筑艺术和园林艺术的影响非常之大,上到皇家的宫殿和园林,下至民间百姓的茅舍庭院,都十分讲究风水,因此也就一代又一代地产生了无数的风水术士,同时也流传下来一部又一部的风水著作。不但对阳宅——活人的住房讲究,对阴宅——死人的陵墓也讲究。流传了上千年的《葬经》,几乎就成了“阴阳仙”(风水术士的民间称呼)手中的法宝。晋代的郭璞被后世风水家推为鼻祖,郭璞在《葬书》中对风水解释道:“《易》曰,气乘风则散,界水则止,古人聚之使不散,行之使有止,故谓之风水。”风水家认为,宅地或祖宗墓地的吉凶,在某种程度上可以导致住家或葬者一家,以及子孙后代的祸福。因此,反其道而行之,风水家可以通过仔细观察人家宅地或墓地周围自然环境的好坏,来推算住家或葬者一家的吉凶,这就是由风水术引发出来的相宅与相墓之法。先不论这种风水定吉凶的观点的非科学性,在风水术中,选择最佳自然环境为第一要义的观点还是能够为科学所接受的。 风水术在中国历史上不但很早就出现了,而且流传的十分久远。传说,“禹始肇风水地理、公刘相阴阳,周公置二十四局,汉王况制五宅姓,管辂制格盘择葬地”。那时,在国家的管理中,就有了专门官吏来管理风水。考证实际,至少在战国末年齐、燕一派的方士中,就已经萌生了风水的雏形。《水经注·易水》记载燕国宫殿兆遗址说:“一水经故安城西侧,城南注易水,夹塘崇峻,邃岸高深,左右百步,有二钓台,参差交峙,迢递相望,更为佳观也矣。”可见,择地筑宫,配合山水景观的建筑美学,在战国的燕国等地已经取得相当的成就。 帝王们是最重视风水的,据说秦始皇就非常相信风水,有方士对他说,金陵有天子气,将来必出王者。于是,秦始皇为了保住自己家的江山,就派遣“朱衣三千人凿方山,疏淮水,以断地脉”。按照风水家的说法,地脉一断,风水自然就遭破坏,天子气就没有了,王者也就不会出现了。当年明朝的末代皇帝崇祯,就和农民起义领袖李自成之间展开了一场风水战。当李自成的农民起义军已经动摇到明王朝江山的时候,崇祯就派出专人,跑到陕西米脂去挖李自成的祖坟,想借助风水的法宝,斩断李自成农民起义军蒸蒸日上的生气。李自成也有着与崇祯一样的风水观,当他的农民起义大军攻占了朱元璋的老家安徽凤阳时,李自成命令将士,一把火烧毁了崇祯祖辈的皇陵。结果,出于历史的巧合,崇祯自缢煤山,李自成兵败身亡。然而,断了金陵地脉的秦始皇,也没有使秦王朝逃脱二世而亡的命运;挖了李自成祖坟的崇祯,也没有挡住农民起义大军攻进北京城;烧了崇祯祖坟的李自成,也没有使大顺王朝成为历史上的一代霸主。 也很迷信风水,当年为了尽快消灭日益强大起来的红军,就命令湖南军阀何键去的老家韶山,挖的祖坟。和共产党,却没有学李自成,解放后还把的祖坟整修一番。据说败退台湾的,有一次从美国入侵中国大陆的侦察机拍回的图片上,看到蒋家宗祠保护得如此之好,感慨万千,唏嘘不止。但是,挖了祖坟的,终于被领导的人民大众打败,而整修了蒋家宗祠的,却依然成为中国人民最敬仰的伟大领袖。当然,如果我们去其糟粕,取其精华,把风水术当作有关建筑学、规划学上选址、布局的生态环境学,于现代设计还是有一定积极意义的。 中国古代的风水术,一直受到阴阳五行、天干地支和周易八卦,即易学文化的支配。《易经·系辞上》说:“一阴一阳之谓道。”《老子》说:“万物负阴以抱阳,冲气以为和。”《素问·阴阳应象大论》说得更具体:“阴阳者,天地之道也,万物之纲纪,变化之父母,生杀之本始,神明之府也。”风水术里面的阴阳说,也是来源于群经之首《易经》中的太极图。运用易学文化中阴阳对立统一思想,正确掌握物极则反的规律,准确把握阴阳转化的条件,对于建筑规划和园林布局都是非常有益的。任何事物,当它发展到尽头的时候,都会走向反面。所谓“子时爬到晌午,再走月淡星稀”,正是形象地描述了这种对立统一规律。生命的尽头是死亡,死亡的反面是新生。物极谓之变,物生谓之化,生生死死,变变化化,宇宙的阴阳变幻转化,就是这样的不可抗拒。《素问·阴阳离合论》说:“阴阳者,数之可十,推之可百,数之可千,推之可万。万之大,不可胜数,然其要一也。”就是说,宇宙万物变化虽然多得不可胜数,然而它的要领却只有一个,这就是阴阳对立统一规律。 五行是组成宇宙万物的物质基础。易学文化在探索宇宙奥秘时,把触角伸向了物质世界最原始、最基本的组成部分,并把它归纳为:金、木、水、火、土五种元素,称为五行。五行均有自己的性质,《尚书·洪范》归纳为:“水曰润下,火曰炎上,木曰曲直,金曰从革,土爰稼穑。润下作咸,炎上作苦,曲直作酸,从革作辛,稼穑作甘。”宇宙不断运动,永无休止,一面是生命和物质的不断生化,一面是生命和物质的不断消亡,生生灭灭,变变化化,可以归于五行的相生相克和阴阳的交互作用。五行相生就是:木生火,火生土,土生金,金生水,水生木,循环往复,永世不竭;相克就是:木克土,土克水,水克火,火克金,金克木,依然是循环往复,以至无穷。五行之中都有我生、生我,我克、克我的双边关系。五行既然是物质世界的五种基本元素,就必然和宇宙万物发生无法分开的关系,自然也就无法割断它们之间的联系。作为易学文化的一部分,风水术也必然和五行发生不可分割的联系。 古代传说,天干地支是远古时代的大挠发明的。天干有十个,依次为甲、乙、丙、丁、戊、己、庚、辛、壬、癸;地支有十二个,依次为子、丑、寅、卯、辰、巳、午、未、申、酉、戌、亥。十个天干和十二个地支顺序相对结合,便可纪年、纪月、纪日、纪时。这种结合轮转一周,恰好是六十年,谓之六十花甲子。在风水术中,除了用干支纪日外,最主要的是结合干支的五行属性和方位,阐述风水术上的一些问题。天干的五行属性和方位可以归纳为五句话:东方甲乙木,南方丙丁火,中央戊己土,西方庚辛金,北方壬癸水。地支的五行属性和方位可以归纳为:寅、卯属木,巳、午属火,申、酉属金,亥、子属水,辰、戌、丑、未属土。在方位上,由于十二地支彼此瓜分着东、西、南、北四个方位,其方位可以列成图象,即:子是正北方,午是正南方,卯是正东方,酉是正西方,丑是正北偏东,寅是正东偏北,辰是正东偏南,巳是正南偏东,位是正南偏西,申是正西偏南,戌是正西偏北,亥是正北偏西。 正因为有了这么多的说法,再加上世人的诸多禁忌,风水术才在风水术士的手里变得异常复杂和神秘。但那复杂和神秘,于科学并无什么用处,大体是风水术士骗人的把戏。 风水术虽然宗派很多,但是方法只有一个,那就是讲究龙、穴、砂、水。《管氏地理指蒙·乾流过脉》上说:“黄帝葬于乔山,在大河之南,脉自积石逾河,衍者丰饶而广被也。舜葬于苍梧,在大江之南,脉自荆汉逾江。”是说黄帝和舜都葬在龙脉之上,福泽江河。历代帝王对于陵墓择基的龙、穴、砂、水,都讲究得叫人叹为观止。当年那个在康乾盛世时承前启后的雍正就是一个,他曾把选好的东陵九凤朝阳山作为寿宫,后来忽然变卦,最终选在距离东陵一百多里远的河北易县泰宁山作为自己百年之后的长眠之地,是为泰陵。清宫档案《起居注册下》记载了当时雍正的手谕:“此地(指九凤朝阳山)近依孝陵(顺治陵墓)、景陵(康熙陵墓),与朕初意合,及精通堪舆之人再加相度,以为规模虽大而形局未全。穴中之土又带砂石,实不可用。今据治亲王、总督高其倬奏称,相度得易州境内永宁山太平峪万年之地,实乾坤聚秀之区,阴阳合会之所,龙、穴、砂、水,无美不收,形势理气,诸吉咸备等语。朕览此奏,其言山脉水法,条理详明,询为上吉之壤,但与孝陵、景陵,相去数百里,且与古帝制典礼有未合之处,著大学士九卿详悉会议,具奏。”这位为大清江山殚精竭虑的雍正,也和所有帝王一样,为自己的死后费尽心机。 何谓龙、穴、砂、水?就是说,选择生气积聚的风水宝地要按照“龙真”、“穴的”、“砂环”、“水抱”四个原则推定。所谓“龙真”,是指生气流动的山脉。风水术以山脉为龙,把山势起伏绵亘,逶迤曲折的脉络称为龙脉,气脉所结之处为龙穴。“龙真穴便真,龙假穴便假”,寻龙是为了点穴,点穴必须寻龙。所谓“穴的”,是指生气凝聚着的吉穴的位置所在。地脉停顿之处为龙穴。俗话说:“寻龙容易点穴难”《葬经》也有“三年寻龙,十年点穴”的说法。所谓“砂环”,是指穴地背侧和左右山势重叠环抱的大好自然环境。所谓“水抱”,是指穴地面前有水抱流。《葬经》上说:“风水之法,得水为上,藏风次之。”总之,相宅(阴阳宅)之术,“龙真”、“穴的”、“砂环”、“水抱”四个原则,一个都不能少,必须依次而进行。龙、穴、砂、水的排列组合得当,才能使气聚而不散。所以,相风水的最终目的是为了寻求好气场,也就是我们今天所说的环境学。 如今全世界兴起“风水热”,在中国大陆沉寂了三十多年的风水术,也从海外归来,但是我们要有冷静的科学分析头脑,不要以为国外风靡,老祖宗的东西就都是精华。由于有巫师术士的妖言惑众,加之人们对未知世界迷惘与渴求,所以在社会上流传的风水术,一直是科学与迷信搅合在一起,使人真假难辨。如果我们把它看成是一种纯粹的技术,那么,风水的优秀问题实质上就是探求建筑的选址问题,也就是为了找寻最佳的人居环境。至于为了寻找死后的风水宝地,那实在是无稽之谈。千百年来,哪个帝王没找一块“风水宝地”,可是又有哪个帝王的江山永固、万代长存了?!古人讲天时、地利、人和,这是易学文化有关天、地、人理论的延伸,它们之间有着辨证的关系,在风水术中把它推向了唯心主义的绝地,是不可取的。 英国科学家李约瑟称中国古代风水术是“准科学”。所谓“准科学”,就不是完整的科学,其中也有不是科学的东西。李约瑟对风水有过一段中肯的评价,他说:“在诸多方面,风水对中国人民是恩物,如劝人种树和竹以防风物,强调流水靠近屋址之价值都是。”“就整体而言,我相信风水包含显著的美学成分,遍中国的田园、房屋、乡村之美,不可胜收,都可以籍此得到说明。”很显然,李约瑟取的是中国风水术中的科学内容,而摈弃了那些不科学的东西。这是一种非常正确的辩证唯物论和历史唯物论的观点。 中国古代的科学家和思想家,对风水术中的伪科学都做过极为严厉的批判,东汉时期的大思想家王充,在他的传世之作《论衡》里,对风水术的迷信惑众,扰乱社会,给予了口诛笔伐;宋代著名的政治家、史学家司马光,曾经写下《葬论》、《论山陵择地札子》等文章,对当时流行的风水吉凶说,作了实事求是的批判;明朝的张居正是当时反“风水吉凶说”的猛士,他在《书经》上说:“作善降祥,作恶降殃。”其实《易经》上早就说得明白:“积善之家,必有余庆,积不善之家,必有余殃。”就连被后人神化了的刘伯温,虽然因为写过《堪舆漫兴》,被风水术士奉为祖宗,但他也并不相信“风水吉凶说”,他在《司马季主论卜》上说:天道何亲,惟德之亲;鬼神何灵,因人而灵。有过去就有现在,今天的碎瓦颓垣,昨天也是歌楼舞馆;今天的荒榛断梗,昨天也是琼蕤玉树;今天的露蚕风蝉,昨天也是凤笙龙笛;今天的鬼磷萤火,昨天也是金缸华烛;今天的秋荼春荠,昨天也是象白驼峰;今天的丹枫白荻,昨天也是蜀锦齐纨。一昼一夜,华开者谢;一春一秋,物故者新。 如今我们正在把风水术应用到现代设计中去,理应本着科学的态度和方法,尊重科学,反对伪科学。 综上所述,我们从什么意义上说,易学文化都为我们的现代艺术设计,提供了取之不尽,用之不竭的思辩方式,它可以指导我们在现代艺术设计的探索之路上,跨越历史,跨越时空,创造出自立于世界文化艺术之林的中国现代艺术设计颠峰。
高校艺术设计研究:浅析高校艺术设计专业造型基础课程教学方法 [论文关键词]素描 创意 设计 [论文摘要]立足于高校美术教育对当代社会人才的创新思维、创造能力、独立思想、批判精神、合作意识以及在当代文化下的应变、反映能力的多方面培养要求,对高校造型基础课程教学方法进行研究和探索。 造型基础课程是高等艺术设计院校开设的一门基础课程,多年形成的传统思维模式,许多高校一直把素描作为造型基础课程的授课内容,在当代开放多元的艺术语境下,艺术教育特别是艺术设计教育面对的是包括传统以及当代艺术在内的整个艺术史及多元化的艺术样式,造型基础课程的教学目标和教学重点将区别于传统素描教学模式。作为现代艺术设计基础教学随着时代的发展,造型基础课程教学,是引发学生的创造力,扩展思维空间的过程,从而实现从基础教学到设计教学的桥梁学科。 一、教学目标的转变——从传统素描到创意素描 高校艺术教学造型基础课程开设的教学目标与传统素描教学目标在教学观念和思维模式上有所区别。传统的素描教学目标使学生能够掌握正确的观察方法,并培养其坚实的写实造型能力,提升其造型艺术的素养。不可否认,这种方式曾为我国培养出大批优秀的艺术创作人才与艺术教育工作者,为艺术文化的繁荣做出过贡献。但随着时代的发展,艺术的面貌、样式在发生着翻天覆地的变化,这样的素描教学、课程设置已不再能满足艺术面貌的多元化的趋势逐渐形成。 创意素描的教学目标是培养学生的设计思维,设计创意;扩展创造力和想象力,丰富设计表现方法、手段和设计语言,创意素描的教学目标一方面延续了包豪斯“感知教育”的教学原则,试图建立一个与现代设计概念和方法相吻合的视知觉基础,同时以视觉思维训练的整体性和生态性为主线,发展了一套集成式的训练方法。 二、把创意素描作为造型基础课程教学重点的优势 1.创意素描是使学生的观察、感受和视觉化的一种特有的表达方式和技巧,它意味着可以使用任何媒介在一个可以绘画的表面上做一些定形的视觉形象来表达内容。 2.从设计的观点出发,将素描训练引入其造型训练之中,结合设计教育的整体特征,利用其中原理部分,如视觉传达的原理与规律,形式法则等。 3.以视觉思维训练为目的,以视觉思维的整体性作为出发点,以现代艺术实践作为教学的源泉,打破了一般训练分门别类,以及先基础后综合,先简单后复杂、先技能后运用的单一教学方法,特别是为现代设计态度和方法相适应的问题提出了一种可能性。 4.强调整体性、科学性、研究性的一面,又注意其表现性、生动性、完整性的一面,是设计创意表达的重要手段之一。 三、造型基础课程创意素描的教学方法 谈到创意思维的开发和培养,很多高校艺术设计教师在激发学生的创造能力的同时,都把灵感最为创意思维开发的教学方法,在实际的教学中我发现把灵感作为创意开发的教学方法有一定的局限性,灵感因人的天赋特性不同而强弱不同,可遇而不可求,无法当做创意素描教学的主要方法。以下两种方法是我在实际的教学工作中摸索出的具体教学方法。 1.等价变换教学方法 设计是一种创造性的劳动。在设计过程中,设计者思绪万千。设计者要善于将自己的构思及时地记录下来,表达自己的思路,把这种记录构思的形式我们通常称之为画小稿,从若干小稿中进行选择、综合反复推敲、定稿、再绘制成效果图。 然而,在教学中,我们常常发现这样的现象:许多学生在画传统素描时画得头头是道,可谓“栩栩如生”,十分到位。而一到上专业设计课就暴露了问题,叫他画草图却动不了手;心里想得出却表达不出来;本来很简单的形体,弄了半天还是不对劲儿,要么比例失调,要么透视不准。究其原因,以前画的素描是“有口无心”依葫芦画瓢式地摹出来的,多归功于时间和橡皮功夫,只注意不厌其烦地刻划细部和“浮光掠影”地涂明暗调子,而不注意去理解、分析、研究对象的形体结构与透视关系;没有在大形的把握上和本质刻划上下功夫。所以,一旦离开了对象便束手无策。这是素描教学的失败。 等价变化法是通过对不同事物的一方或双方经过适当的思考,找出原来五官的两个事物的共同点,把两者的等价关系体系化。该法的创立者市川龟久指出:“创造性开发的生物模式存在于凤蝶的成长过程中。”他认为,在由幼虫变成蛹进而变成漂亮的蝴蝶的变态过程中,存在着创造性开发的最完美的基本模式,并以此作为等价变换理论提出来。即在事物发展过程中,初期的外形被舍弃了,但是内容却进入了高级阶段,走进了新秩序之中,终于选择了新形态。创意、创造过程也完全相同,此时“新阶段的外形”等价变换为“新的形态”。在创意素描教学中等价变换方法的运用是使学生养成先思考、先创意后动手的行之有效的教学方法。 2.为设计而素描的教学方法 我们的素描教学中,以环艺方向的造型基础课教学为例,引导学生“单刀直入”重透视、重理解、重默写、重速写、重创意,以线为主的素描训练方法正是我们艺术设计专业基础训练应采取的方法;那种直接而快速、生动而活泼的素描才是未来设计工作者的“童子功”。 因此,在素描课程教学中,在教学中尽量避免长期作业,加强默写、速写的练习。让学生根据推测,想象表现出多种不同。同时,鼓励学生把创意和开发素描表现的无限可能性作为研究目标,充分调动学生的学习主动性,加强学生的理解能力;要求学生不仅要表现出眼前所见的形象,还要能表现出眼前所见不到的形象角度的形体来,以培养学生的想象能力。加强线描训练,培养学生快速表达对象,把握对象本质的能力。这样的训练将大大提高素描教学的效果,真正为专业学习与设计打下良好的基础,为在环境艺术设计工作中构思草图和效果图表达服务,取得了很好的效果。 以创意培养为主线,为设计而素描的教学思路和方法是我在实际的造型基础课教学中的一种体会,同时也是在开放多元语境下探索当代艺术教学的尝试。就像艺术发展具有无限可能性一样,面对当代艺术教育的现状,多元是语境,同时也是一种鞭策和提醒。 高校艺术设计研究:高校艺术设计教学优化对策 【内容摘要】本文从高校艺术设计教学的必要性入手,着重分析了高校艺术设计教学存在的问题,并探索了高校艺术设计教学的优化对策,以提高艺术设计教学质量。 【关键词】高等教育;艺术设计;教学改革 随着设计行业的发展,艺术设计人才越来越受到社会的青睐。在信息时代背景下,创意产业成为经济发展的新领域和新趋势,社会对创新型的艺术设计人才的需求量越来越大。在这种情况下,高校积极重视社会的人才需求,开展艺术设计教学,加强培养艺术设计人才。但是由于受传统理念和教学模式的影响,高校艺术设计教学存在着专业课程设置问题、教育模式落后、师资力量不足等问题需要高校重视并解决。因此,各高校积极探索艺术设计教学的科学方法。研究高校艺术设计教学优化对策不仅能够提高艺术设计教学质量,而且对艺术设计人才的培养和创意产业的发展有着深刻意义。 一、高校艺术设计教学的必要性 (一)全球化的背景要求。在全球化发展背景下,文化、经济和政治的国际化发展已经成为全球化的主要特征。而且在全球化背景下,人们很容易受到世界各国文化和艺术的冲击,创新和创意成为全球化发展的优秀竞争力来源。而且,在全球化发展的过程中艺术设计呈现出鲜明的大众化特点。经济市场中的创意产品日益增多。而且,很多学者都积极学习国外艺术设计,加快产品创新。在这种情况下,艺术设计人才的需求量大量增加。我国高校教育十分重视艺术设计人才需求,积极开展艺术设计教学以培养艺术设计人才。(二)创新教学的要求。随着创新创意产业的发展,创新创意产业已经成为高校学生就业的新方向。创新创意产业涉及广告、手工艺品、电影、服装设计、表演艺术、软件、出版等各个行业,对社会生活的影响较大。我国北京、上海、香港、台湾等地区的创意产业发展十分迅速。在这种情况下,社会急需一批高水平的创意人才。以艺术设计为代表的创新教学能够实现创意人才的培养。由此可见高校艺术设计教学是创新教学的必然要求。 二、高校艺术设计教学存在的问题 (一)生源问题。一是高校艺术设计专业的招生分数线较低,很多艺术设计专业学生的文化成绩不高。而且,很多高校都认为艺术设计专业学生仅仅需要学习艺术设计技能和知识即可,不需要学习文化知识。在这种情况下,很多学生为了进入好的高校而选择艺术学习,艺术生的文化素质偏低。并且,艺术生在中学学习的过程中并没有养成良好的学习习惯,在高校艺术设计学习的过程中缺乏科学的学习方法,导致学习效率不高;二是高校艺术设计专业招生考试内容比较片面,招生考试主要以色彩默写、速写和素描为主,忽视了学生设计意识和设计能力的考察,学生缺乏艺术设计的素质。(二)专业课程设置不合理。一是我国高校艺术设计专业设置主要包括艺术设计、广告包装设计、装潢设计、室内设计等专业,缺乏与人们生活相关的钟表首饰设计、玩具设计、服饰设计等专业。并且,我国高校艺术设计教学专业设置存在着盲从的现象,很多高校都随着其他学校设置广告设计、平面设计、美术设计等专业,缺乏对现实经济需求的考虑;二是高校艺术设计专业课程设置不完善,大多数高校的艺术设计课程都由平面构成、空间构成和色彩构成这三大块组成,缺乏对艺术设计的详细讲解,专业课程过于笼统。(三)师资力量不足。现阶段,我国高校艺术设计教学的师资来源主要是高校艺术院校毕业的学生。在这种情况下,艺术设计教师缺乏艺术设计实践,对经济生活中的创意产业了解不够深入,难以指导学生在经济生活中的艺术设计实践。并且,部分高校的艺术设计教师的学历水平较低,缺乏完善的艺术设计知识和技能,导致艺术设计教学缺乏专业性。另外,还有部分高校的艺术设计教学职业道德素质较低,在教学过程中没有认真对待教学工作,存在着应付教学和应付学生的现象,导致教学质量不高。(四)教育模式陈旧。受传统高校教学的影响,艺术设计专业教学的教学模式比较陈旧,缺乏对先进教学理念和教学方法的应用。具体来说,很多高校艺术设计教学仍采用理论灌输的方法,要求学生掌握艺术设计的相关理论知识,而忽视了学生的艺术设计实践能力培养,没有设置艺术设计实践课程和实训锻炼,导致学生的艺术设计能力不高。并且,部分高校缺乏对计算机辅助教学、案例教学、情境教学等先进教学模式的应用,仍采用板书式讲授教学,导致课堂教学效率不高。 三、高校艺术设计教学优化对策 (一)改革招生制度。改革招生制度是优化高校艺术设计教学的前提,这是因为,改革招生制度能够有效保证生源的科学文化素质、审美能力、创造思维和专业能力。为此,高校应积极改革招生制度。一是高校应改革艺术设计专业的招生,将艺术设计专业招生与绘画专业招生相区别,设置符合艺术设计专业的招生考试内容,重点考察学生的艺术设计基础和艺术设计意识。二是高校应改革文化考试内容,要求艺术设计专业学生具有较高的综合素质,提高生源质量。(二)优化专业课程体系。一是高校应制定艺术设计专业发展的长远计划,对艺术设计专业的招生规模、专业设置、教学计划等方面进行详细规划,确保艺术设计专业发展符合教育规律;二是高校艺术设计教学应积极改革基础课程,加强学生在工艺、素描、色彩等方面的训练,完善学生的设计基础知识。另外,高校艺术设计教学应注重学生创新能力提升,开设创造技法和创造原理等相关课程,培养学生的创造思维和能力;三是高校艺术设计教学应积极创新专业课程,增强专业课程的时代性。为此,高校应加强重视制作软件在艺术设计中的应用,在教学过程中积极引入计算机辅助设计软件,在保证学生的手工艺术设计的基础上,引导学生学会利用信息技术进行艺术设计,提高学生的艺术设计水平。(三)注重学生综合能力培养。学生的综合能力是开展艺术设计的前提,只有具备较强的综合素质,才能够充分利用自身的设计思想与设计能力进行高水平艺术设计。为此学校应注重学生综合能力培养,不断提高艺术设计专业学生综合素质。一是学校应加强艺术设计专业学生对文化内涵的认识,积极向学生宣传文化与设计的重要性,引导学生探索文化中的艺术设计创意,提高学生的艺术设计意识;二是艺术设计教师应在艺术设计教学过程中培养学生的人文精神,让学生在艺术设计的过程中渗透人文精神,增强艺术设计的人文内涵;三是艺术设计教学应重视学生创造性思维的培养,让学生在设计过程中学会运用发散性思维来思考问题,创新艺术设计。(四)更新教学观念。先进的教学观念是提高艺术设计教学的思想保证。因此,高校应不断更新艺术设计教师的教学观念。一是学校应促进教师的角色转换,改变教师的权威地位,让艺术设计教师充分认识到自身的知识传授者、信息提供者、学生学习帮助者和引导者的角色,鼓励艺术设计教师做学生的良师益友,尊重学生的主体地位,将艺术设计课堂还给学生,加强与学生的平等交流,树立以学生为本的教学观念;二是高校在艺术设计教学中应积极引进科研工作,鼓励学生参与科研实验,在科研过程中培养学生的研究能力和创新意识;三是高校艺术设计教学应加强重视信息技术的应用,将信息技术与艺术设计教学相结合,积极运用微课教学方法、计算机辅助教学法等信息化的教学方法,优化艺术设计教学效果。 作者:余润生 单位:广州工商学院 高校艺术设计研究:试论民办高校艺术设计专业特色课程实践教学研究 [论文关键词] 艺术设计 特色课程 创新能力 [论文摘 要]民办高校是我国高等教育的后起之秀,这就决定了它要在当前高校扩招、生源质量和数量面临急剧下降的严峻形势下求得生存与发展,就必须要以市场为导向,以培养应用型人才为己任,以全面提高教学质量为突破口,通过特色专业建设规划和课程改革,以应用能力为主线构建学生的知识、能力、素质结构与培养方案,加强实践性教学环节,注重学生在实验、实训、实习、毕业设计等实践性课程中实际应用能力和创新能力的培养。 一、民办高校艺术设计专业实践教学现状 近几年艺术生源不断加大,艺术设计专业成为当前热门专业,大多高校都增设了这门专业。然而,也暴露了许多问题,艺术设计专业本来是一个专业性、实践性很强的一门学科,但是由于大多高校盲目的扩招以及课程设计的混乱、盲目的模仿教学,无法找到一个行之有效的教学手段,更谈不上特色课程了,使本来实践性很强的学科,跟社会严重脱节。其中,特色课程问题显得更为突出,并已成为制约高校尤其是民办高校艺术设计专业发展的瓶颈。例如:传统图形是中国宝贵的艺术财富,在我国有着得天独厚的基础,理应成为艺术设计专业学生及设计师们着重进行的专业设计内容及研究侧重点。如果从我们的视线中日益消解,会产生多少遗憾、多大损失。有个性的设计往往是来自扎根于本民族悠久的文化传统和富有民族文化本色的设计思想,民族性和独创性及个性同样是具有价值的,地域特点也是艺术设计专业学生及设计师的知识背景之一。未来的设计师不再是狭隘的民族主义者,而每个民族的图形更多的体现在民族精神层面,民族和传统也将成为一种图式或者设计元素,作为设计师有必要认真看待民族传统和文化。而目前高等教育研究界对传统图形的形式有一定研究和探讨,但对民办高校来说把传统图形的形式美和表现技法运用于艺术设计专业形成设计特色并把其作为特色课程实践教学研究的却还很少,而且缺乏系统性的研究。本研究旨在通过对民办高校把传统图形的形式美和表现技法运用于艺术设计专业形成设计特色并把其作为特色课程的实践教学研究分析,并运用一些相关的传统艺术知识,探索以传统图形的形式美和表现技法为“突破口”,培养学生审美能力,实践能力,思维的综合能力,创造能力,全面提高学生的综合素质,凸现把传统图形的形式美和表现技法运用于艺术设计专业形成设计特色并把其作为特色课程实践教学研究,从而提高民办高校教学质量。无疑,把高等院校中具有特殊性的民办高校作为研究对象,分析其艺术设计专业特色课程教学实践研究的成果和成因,并提出相应的实践教学研究策略,对民办高校提高教学、科技水平,完善学校教学管理机制,调动教师的积极性和创造性,培养学生审美能力,实践能力,思维的综合能力,创造能力,全面提高学生的综合素质,从而拓宽素质教育路径,不断发展、壮大学校特色建设,带动学校的整体优化都具有一定的现实意义。 二、特色课程在民办高校的重要性 特色课程是高校发展的亮点。在现代大力发展职业教育的背景下,民办高校要想壮大,必须创建民办高校的特色。所谓办学特色,就是在认真贯彻教育方针的前提下,形成自己学校的办学风格和特征。随着每年艺术生源的不断加大,艺术系的特色课程实践教学改革更加重要。创办特色课程的目的归根到底是为了全面提高学生素质,多出人才,出好人才;而适应社会主义现代化建设需要的人才必然是全面发展、优化个性、各有特长的各级各类合格人才。因此,发展学生的特长是创办特色民办高校的重要任务。 这是摆在民办高等院校面前的一个急需研究和解决的重大课题。因此,本研究以高等学校特色课程研究为基础,以凸现把传统图形的形式美和表现技法运用于艺术设计专业形成设计特色并把其作为民办高校特色课程实践教学研究为切入点,在分析民办高校艺术设计专业特色课程实践教学研究现状的基础上,探讨影响民办高校艺术设计专业特色课程实践教学研究的原因,进而针对民办高校艺术设计专业特色实践教学研究问题提出具体对策。 三、民办高校艺术设计专业特色课程实践教学研究的创新视角 由于特色课程涉及学校的课程改革和师资队伍建设,也涉及到艺术设计学科改革和未涉及到的其他学科,还涉及社会存在价值,从长远和从短期来看这一现象是截然不同的,因此研究的角度是关键的问题,从不同的视角去看,得出的结论是完全不同的。从宏观上看,我国长期以来的就业制度及其学科建设的某些不合理性是阻碍艺术设计专业特色课程实践教学研究的,这已经对我国艺术设计学科的发展造成了许多负面影响,如妨碍了新技术的交流与引进,本土传统艺术形式和世界现代艺术设计观的相互作用等,所以从宏观上来看,应该鼓励发展艺术设计专业特色课程改革。但是从组织角度来看,我国许多教育院校、科研单位,尤其是民办高校己深深地为艺术设计专业特色课程改革的乱复制和盲目性现象所困扰,没有根据学校自身发展的实际情况进行特色课程实践教学研究。本研究从民办高校的角度来论述,因此在立意上不主张盲目的进行艺术设计专业特色课程实践教学研究,而是以自身高校实际情况,在发扬民族文化的同时凸现把传统图形的形式美和表现技法运用于艺术设计专业形成设计特色并把其作为民办高校特色课程实践教学研究为出发点,也就是以提高民办高校艺术设计专业特色课程实践教学研究为目的。 通过分析民办高校艺术设计专业特色课程实践教学研究现状以及研究概况,找出其中存在的问题和不足,并将其作为本项目研究的基础;综合分析相关资料和调研结果,归纳影响民办高校艺术设计专业特色课程实践教学研究的因素,并在此基础上提出解决民办高校艺术设计专业特色课程实践教学研究问题的对策。 高校艺术设计研究:论花山文化与地方高校艺术设计教学中的融合 基金项目:本文系2013 年度广西民族师范学院教学改革工程立项项目:花山文化资源在地方高校艺术设计教学的运用——以广西民族师范学院为例,项目编号:tsjg201302摘要:挖掘地方特色文化是艺术设计特色教学的有效途径之一。本文章探寻的是广西的花山文化与区内高校艺术设计教学融合的必要性以及方法论意义上的指导,以期为地方高校艺术设计教学的“百花齐放,百家争鸣”提供可能。 关键词:花山文化;地方高校;艺术设计;融合地方高校艺术设计专业要办出特色、办出水平就必须符合面向地方和区域的市场,这样才能为振兴地方经济和社会发展服务,发挥地方高校的应有之意。实现特色教学,为地方社会经济文化服务,就要求我们的地方高校艺术设计教学必须要努力挖掘一种或几种能够与地方社会相融合的文化,缩小“学院派”艺术设计教学与地方大众生活和乡土特色设计、特色文化的距离。花山文化是左江流域壮族先民的文化产物,是壮族文化的瑰宝,是人类文化的奇葩。其悠久的历史、生动的画面、丰富的内容、粗犷的壁画、古朴的风格吸引这海内外的眼球,展示了壮族先民的聪明和指挥,体现了壮族先民改造自然、改造社会和改造自身的情怀和精神。[1]花山文化宝贵资源具有开发利用的价值,它对左江流域各县市经济社会的发展起到重要的作用。广西民族师范学院位于桂西南部,东盟陆路通道的崇左市,这里就是花山文化的故乡。作为地方的民族类师范高校,承载着民族文化继承与发扬的重要社会责任。广西崇左市宁明花山旅游区自建设以来,兴旺发达的商业环境和迅速崛起的市场经济的沃土形成了艺术设计专业的良好产业背景,花山文化资源为地方高校艺术设计专业学科建设和发展提供了大量具有浓郁地方历史文化特色的设计素材,为我院艺术设计特色学科的建设奠定了坚实的基础。 1花山文化与地方高校艺术设计教学融合的必要性 1.1学生艺术思维和设计理念提升客观要求 从北京奥运的5个“福娃”吉祥物的设计到上海世博会的“海宝”形象设计案例,从桂林的山水文化到北部湾海洋文化在到以红河水作为辐射、遍布广西的壮苗侗等少数民族乡土文化风情,无不蕴含丰富的文化底蕴和内涵,深入挖掘他们不光是文献史料学者、历史文人的专利,作为适应社会发展的艺术设计当代大学生更要从提高艺术思维和设计理念,设计想法的角度深入挖掘民族地方特色文化,民族的就是世界的,让中国具有民族特色的艺术设计作品借助广西日益腾飞的旅游业走向世界。然而,众所周知的一个事实是:艺术设计类学生优势往往在于具有十分出色的想象力,但文化课相对较差,对于历史文化知识的掌握相对比较薄弱。在教学中更为恼人的是,学生考上了艺术设计专业,对于本应具备的最基本的设计基础知识,闻所未闻,对设计制图工具更是连名字都叫不出来,更谈不上熟练运用。学生对于设计的构成思维训练,标志设计元素提炼,图案设计的素材把握都普遍缺乏创新思维意识,大多拘泥于教材,图片的小修小改,设计思维受到束缚。花山文化以申请世界遗产的花山岩壁画为代表融合了以左江领域的自然山水景观、壮族的风土人文景观、历史文化传说等,为地处周边的广西地方高校艺术设计实地户外写生、考察提供了大量原始鲜活的素材,对于学生汲取艺术营养,提高审美修养、艺术思维、设计灵感,创作出具有民族地方特色的艺术设计作品大有裨益。广西民族师范学院地处花山文化腹地,每年都会有艺术设计专业学生以各种在周边文化风景区参观、学习交流,学生们都会有相机和速写的形式提取创作素材。 1.2高校师生的民族文化知识必须加强 地方高校就业要面向区域,服务地方为主。广西壮族自治区是我国少数民族人口最多的一个自治区。在23万 多平方公里的土地上,共居住着12个民族(另有分属于28个民族的人在广西工作落户),除汉族外,有壮、瑶、苗、侗、伍佬、毛难、回、京、彝、水和讫佬等n个少数民族。[2]广西区内少数民族人口在最近一次人口普查显示:截至到2010年11月1日,广西总人口数中的各少数民族人口为1957.56万人,占37.94%,其中壮族人口为1658.72万人,占32.15%。大招生理念下,全国各地以汉族为主的学生,久居学校的高墙校舍之内,对地方俚语,民族语言更是一窍不通,平时对接触地方文化以书刊报纸居多,机会十分有限。他们更加崇尚的是快速时尚的都市文化。艺术来源生活,且要高于生活 。尹定邦在其《设计概论》中明确指出了设计师的职责之一是必须要做文化传播者。一方面,要求我们学生在大学生活的4年要尽可能的学习和融入地方文化生活,即使就业不面向地方,也能在容和地方文化的过程中,提高和锻炼自己的综合素养。另一方面,艺术设计专业特别是环境设计和工业设计方向的教师大多来自东部发达地区,对于适合高校周边区域地方经济发展所需要的市场和人才需市场调研和定位,特别是少数民族人口比较多的区域更要学习民族文化,这样才能培养出适应地方就业形式的合格设计人才。广西民族师范学院有不少教师是少数民族,在花山文化的洗礼和熏陶中更容易将本民族的文化融合现代设计手法,提炼设计素材,在广告招贴设计、标志设计、图案设计、旅游产品包装设计、图形设计、室内装饰设计等课业中加以运用,部分具有民族风情和花山文化特色的作品在全国广告设计大赛中获奖。 2花山文化与高校艺术设计教学结合的方法 2.1首先要了解中国传统文化在设计教学中的应用 上下5000多年的华夏文明,使得中国传统文化博大精深,蕴含中华民族的民族精神,大到传统的儒家、道家文化,小到传统的地方建筑的色彩搭配。华夏56个民族中作为主流的汉族文化与以花山文化为代表的民族文化是一脉相承的。中原文明是主流,民族大融合、战乱迁徙、商业贸易往来等多种因素使得中原文明在全国各地得以传承,地方的特色文化也得以保留,“天人合一”是千百年来华夏文明中历代哲人,诗人,画家,艺人所遵循美学原则和向往的境界。对于大部分艺术设计学生来说,偏爱文学的几乎很少,对于传统的中华文化大多一知半解,对于传统的文化学习也是浅尝辄止。特别是新建地方本科高校办学从科研向实践技能型高校转变,以就业为导向,具有扎实的技能,一定的理论和科研能力,但空前高涨的就业压力使得学生对于提高设计文化内涵的中国美术史、中国工艺美术史、中国园林艺术赏析、中国建筑史等不容易立竿见影的课程很难重视起来。老师不重视的现象也较为普遍,但笔者认为,从培养设计师的长远出发让学生了解更多的传统文化知识内涵很有必要。进而去吸收中国传统文化的营养,用文化在设计中运用的成功案例来总结方式方法,提高审美修养和设计意识。了解中国传统文化与艺术设计教学相结合的方法可以从以下几方面进行:一是多媒体视听教学法讲解与艺术关联(书法,建筑礼制等)的中国传统文化。二是以故事的形式传授吉祥图案,色彩,动物植物的传统文化来结合设计教学进行创作。三是在设计说明和设计方案的内涵上抓深度,让学生探寻传统文化渊源之后在设计。四是抓好专业考察课,不能流于形式。五是重视田野调查,探寻文化和设计作品的结合点。六是传统文化可进行专题来实施,毕业设计创作要体现文化气息。2.2其次要熟知花山文化和现代设计的方式方法 日本和韩国的工业产品设计一直引领亚洲,日本的丰田汽车,韩国的起亚汽车等都是完全的民族自主品牌在工业产品设计领域享誉世界的典范。而国内不少汽车制造商的照抄后改装别国设计,只能沦为劳动密集型的生产部件加工基地。中国的红旗汽车也历经震荡和起伏,现在部分优秀部件依然依靠外国技术作为支撑。在设计国际化的时代背景下,使得特色鲜明而又不失时尚潮流的产品更能被人接受。因此,设计的民族性特色越来越重要。由此可见,花山文化要与地方高校艺术设计实现完美融合,必须充分了解和熟知花山文化,不能之其然而不之其所以然。这样才能有的放矢的设计出好的作品,我们的艺术设计教学只有在恰当使用现代设计的方法上,融合本民族的文化的营养,才能使自己的设计具有生命力和竞争力。 2.3不断完善的教学方法 现代设计教育的德国包豪斯的设计教育体系,注重产、教、研三位一体的教学方法,实践证明符合中国的艺术设计教育。以就业为导向的高校教育,正是衡量大学生就业创新能力的一种体现,在艺术设计本科教学中,如何使得培养的学生既能掌握就业的技能,又能具备较为扎实的科研能力,是摆在艺术设计教育工作者面前的一个课题,学生毕业后,经过社会实际设计经验的积累能否成为设计师而不是当下高职高专所培养的以技术操作为优秀的“设计蓝领”。由此可见,一个问题在于文化修养的提高与设计教学的重要位置如何权衡的问题;另一个最为重要的方面是如何提高的学生的设计文化内涵的问题。作为设计教育的 授者我们只能通过不断提高教学方法来解决这两个问题。 1)采用互动式教学方法,提高学习热情和兴趣,积极发挥学生学习的主动性。一是分组进行团队设计方案和文化创思,教师提出改进意见。二是教师给出具有文化内涵的概念设计说明,让学生草图及方案表述。三是让学生互相探讨,老师给予总结。2)以社会项目来完成教学。社会项目中必然为人服务,蕴含丰富的文化设计内容。从文化融合到具体设计,在到实际的横向社会课题项目实施是提高教师教学方法的重要手段。更是学生把抽象的、看不见的文化转化为客观实在的项目的具体过程。对于学生认识和传统文化在设计中的作用至关重要。 花山文化与广西民族师范学院的艺术设计课业的融合点是应是多角度的、多渠道的、多样化的,如视觉传达设计中的招贴设计课,可以花山文化中的巫术文化来隐喻和讽刺“表现反对迷信海报设计”,要求学生选用“花山岩画”中的图案,来进行创意。要求学生开拓思路,教师要积极引导,为他们提供可以自由发挥想象力和创造力的空间,完成设计招贴制作。地方高校特色的艺术设计教育要办出特色就必须要有特色的文化土壤,对当地文化的吸收与诠释是艺术设计作品不断创新的根本。本文论述希望能对设计者重视传统文化渊源的对设计的重要作用。 高校艺术设计研究:浅谈高校艺术设计专业教学模式现状探析 [论文关键词]高校艺术设计专业 市场需求 人才培养模式 改革 [论文摘 要]随着社会的进步,艺术设计行业逐渐形成市场化体制,社会对新型艺术设计人材的需求量和素质要求不断提升,对我国高校艺术设计专业教育提出了更高的要求,要求其教育水平与业务能力与国际接轨。然而传统僵化的教学模式导致了高校艺术设计类专业学生的理论知识结构与社会实践能力严重脱节,这与社会对新型艺术设计人才的需求产生了一定的差距。因此,这就要求相关教育部门和高校必须创建一套科学合理的艺术设计专业人才的培养模式,以求适应新时代要求。论文试从三部分进行分析,归纳出现阶段艺术设计专业人才行业需求的特点,总结了现阶段高校艺术设计专业学生的培养模式,分析归纳出两者之间的差距。 随着社会的发展进步和人类文化艺术水平的提高,艺术设计在现代生活中的应用越来越广泛,在中国经济快速发展的背景下,市场对艺术设计提出了更高的要求。这势必会要求高校艺术设计专业人才培养模式进行相应的改变,以之顺应社会发展趋势和满足市场需求。 一、市场对艺术设计专业人才的需求特点 高校艺术设计专业人才培养模式的制定是以市场需求为基础参照的,这就要求我们必须了不断发展的艺术设计行业的特点,以及艺术设计行业人才构成特点,才能更加具有针对性的完善培养模式。 1、艺术设计行业的特点 现在社会越发注重人才综合实力的培养,强调专业和领域之间的交叉和融合,艺术设计行业在此趋势下被划分为几个对立统一的行业特点:①设计产业集团化、综合化——家庭工作室,艺术设计个人化;②设计产业国际合作化——设计乡土文化的发掘与保存;③朝向电子化,高科技化发展——回归手工创作,放弃高科技技术辅助;④朝向社会大众娱乐需求进行市场运作——朝向科研理论进行深度学术研究。 2、艺术设计行业的人才构成特点 艺术设计行业的人才构成可形象的概括为金字塔型。居于金字塔顶层的为控制把握设计行业运作人才,包括控制影响艺术设计商业策划,设计界重大研究课题的带头人和设计媒体动向等方面的人才,其综合专业性最强,控制了整个艺术设计行业的走势和发展。处于金字塔结构中层即拉动部分是行业辅助人才,包括中层设计人员、中层研究人员、中层设计院校领导人员以及中层宣传等人才,直接受优秀人才指挥。屈居于金字塔型基础部分的是行业设计人才,包括服装设计、舞台设计、视觉传达、工业设计、建筑设计、景观设计、室内设计、游戏设计、网页设计等各艺术设计行业的设计师。 3、艺术设计行业的急需人才 艺术行业需要的是具备本专业创新设计的基本素质具备艺术设计与创作、教学和研究等方面的知识和能力,熟练掌握高科技技术和传统工艺,吸收国外先进设计思想挖掘本土艺术根源,能在艺术设计教育、研究、设计、生产和管理单位从事艺术设计、研究、教学、管理、经营等方面可以独当一面的创意型,学习型、交流型专门人才。现阶段市场对设计行业迫切需要的设计人才为: 二、高校艺术设计专业培养模式现状 高校艺术设计专业经过大量的扩招,导致学校培养能力和规模与在校生需求之间形成了严重的平衡,加上培养模式的滞后和各种社会历史因素,造成了高校艺术设计专业人才与市场的脱节。 1、扩招与艺术专业发展过快所面临的问题 高校扩招决不能以牺牲质量为代价,否则就失去了扩大高等教育规模的意义。我国目前高校普遍存在着学生多、教师少、资料缺、实习场地空白等一系列问题。特别是扩招后存在着艺术类专业的师生比严重失调,大大超过国际上通常的比例和国家教育行政部门所规定的比例。大部门专业艺术院校和刚刚起步的艺术类专业教师总量不足,存在着结构性短缺,教师教学投入不足。艺术类专业图书资料缺口严重带来教学质量问题也不容忽视,大幅度的扩招没有考虑学生进校后仍存在着专业基本功较差、文化课偏低更需要读书的实际情况。 我国高等教育正处在从“精英教育”到“普及教育”转变的过程中,过去通过残酷金字塔层层选拔学生进大学的模式已不再适应我国的经济和社会发展。高校扩招中一些地方出现的专业设置过滥,专业考试质量下降以及教学质量问题,主要在于学校存在不正确的办学思想和教学评价体系。 三、高校艺术设计专业培养目标与市场需求的差距 1、实效性上的差距 目标陈旧与时代脱节,授课内容陈旧落后,缺乏与实际结合的效果,学生知识老化和现实脱节;相对的问题是培养目标盲目跟从热点,培养体系不成熟。硬性的给学生填鸭了最先进的设计思想和技术,却没有完全的知识系统架构学生的知识体系,或者,连教师也只是依照书本简单介绍,学生并不能理解运用了解,完全不能成为学生整个艺术设计知识体系的有机部分。 2、目标范围上的差距 培养目标过广泛铺开过大面面俱到,课程安排琐碎繁杂、文科史论、理工、各个艺术设计专业科目面面俱到,目标是把学生培养成复合型人才,却缺乏定位基础和掌握单门科目必须的时间和精力钻研,让学生的毕业后发现没有牢固掌握任何一门科目。 3、基础学科和设计课程分配力度的差距 用理工科文科学生的要求艺术设计学生进行理工、文科、英语、数学、政治、等等科目的学习程度和时间,大量压缩了专业设计的篇幅,占用了学生大量时间,而却收效甚微,既没有学好基础学科课程,也荒废了艺术设计的相关课程;相对的问题是太过忽略基础学科课程,以及基础公共课程,学生缺乏高校艺术设计从业人员的文学修养,外语水平、审美情趣和基础的数学物理化学知识,同样不利于今后的职业道路发展。 4、电脑多媒体使用与手绘模型制作等徒手工艺的倾向差距 忽略本土文化,全盘使用电脑多媒体等等设计教学培养,教导出来的学生,可以熟练掌握电脑制图手段,却缺少动手能力和草稿交流能力,限制了学生即时速写交流能力,表达能力;培养步骤完全依靠古旧的徒手方式,没有给学生介绍先进的设计软件设计表现方式,限制了学生的思维和视野,严重阻碍了学生直接进入市场就业,往往需要学生进行毕业后的第二次培训。 5、科目安排弹性的差距 培养目标简单和应用软件的罗列,浅薄缺乏深度,简单的把高校艺术设计学生的培养等同与电脑技术学校或者短期的职业培训机构,学生的知识无法形成体系,没有能力单独处理负责的设计问题,无法进一步选择进修或者提升的空间;相对的问题是培养目标过于空泛缺乏实质内容,只注重理论学习,学生缺乏掌握电子技术的能力,与社会工作要求相距遥远。 6、本土文化与国际文化的掌控差距 一种问题是忽略本土文化,全盘照搬西方设计教学培养,教导出来的学生,缺乏西方社会环境的熏陶,只是二流的国外设计大学学生的粗糙翻版,没有学习到西方设计的思想,全套西方的设计模式也会和毕业后面临的中国市场不相匹配;培养步骤完全依靠自己学校习惯的本土教育,没有给学生介绍先进的国际设计思想,限制了学生的思维和视野,严重阻碍了学生向国际化设计师的方向发展。
校园艺术设计探讨:谈校园艺术设计教学创新 一、“三阶式”景观设计教学方案(教师讲授) 鉴于综合性高校景观设计这一艺术类教学的特殊性,以及目前普遍存在的问题,笔者提出按阶段性逐层深入这门学科的内核部分,每一层都有其时序性、针对性及开发性,让学生逐步理解此学科在当代综合性高校中的教学特色与程序,紧扣新时代景观设计科目的意义,并进一步事半功倍地掌握创新方法。 1.原始性知识理论的讲授 教师在传授其他艺术学科理论课知识点的时候,会依序从“大范围的主流艺术”的萌起切入,带出其他艺术门类的发展与细节,绘画史、雕塑史和建筑史也是谈及有关“实用艺术”和“空间设计”时,必然无法脱离的基本铺垫。比如视觉传达的课程安排,起始必然是有关近代艺术及包豪斯思想的提及,同样会关联达达、超现实和波普等艺术潮流的介绍;而服装设计和工业设计对于现代派、包豪斯及后现代艺术思想的一脉相承也是不言而喻的,这都成为专业性艺术学科,展开“个性”之前所必备的“艺术史史论”导入过程。景观设计属于实用类艺术,研究与表现的是三维空间设计,所以为“人与生活”的考虑成为其学科研究的内核。(1)以往景观设计课程安排近、当代艺术史论部分,是另开课程讲授的,这样不能体现其与景观设计直接的关联,建议在东西方园林史、近代景观产生及发展的内容之前,加入东西方近代艺术史与相关交叉影响的史实部分,补充横向间接对景观设计学科有所影响的知识点。(2)需要强调近代艺术观念的确立与“设计”被提出之间的关系,景观设计源于建筑空间,建筑是承接文艺复兴“设计”理念的产生而确立其艺术地位的。应有别于东西方建筑史论纵向分析的课程,在景观设计课程前期,节选建筑史实中与景观互生的重要断代史,让学生建立“空间设计系统”发展的意识。由于工业革命后工业化泛滥,景观自然的缺失愈演愈烈,对社会自然美化的任务与现代艺术的思想(以包豪斯为优秀)相合,孕育了与现代建筑并行的现代景观设计的发展理念和思路。(3)总结文艺复兴、印象派及现代派对艺术新概念的赋予,人本、感官、身体及性格化的艺术思想,现代艺术更将人类及生命的溯源视为达至人本设计的脉络,景观设计中有关原始性知识理论的讲授可以适当补充一些。 2.基础性知识理论的讲授 授课教师应对以往多种景观设计类的教材和书籍进行提炼分析,筛出有时代特征、问题鲜明、实践性强的知识点,并按照多数学生的学习习惯及思维方式,对知识点合理归纳,并将其体系化,进行基础性知识理论的讲授。(1)直接影响景观学习兴趣的知识选择当今时代背景下怎样理解景观概念(现代初期、建国之后、改革开放及当下的情境对比);中国景观行业的SWOT分析;世界较成熟的景观设计学术及专业组织、机构及公司介绍,分享不同的景观理念及经验;过去与未来的背景中职业的不同要求;景观设计的学科外延(美学、心理学、生物选择、生态学、地理学、遥感技术等)。(2)科学挑选合理的专业理论框架分析世界景观教育发展的潮流,以及国内综合性高校景观艺术学的教育现状,根据目前发表的景观类教材,总结出当下较合适的理论框架。①导论(国内外景观的产生及发展现代景观的契机、形态及分类);②表达A(分析景观表达的种类、当前倾向及工具选取,就不同的元素对应其表达手法,选取快速手绘的图样与技巧);③形式及概念(理解造型要素与构成要素的契合,合理生成场地初步构形,凸显方案创意);④基本元素(地形、铺装、植栽、水体、道路、设施等);⑤结构系统(空间、流线、边界、节点、中心)景观整体提升;⑥表达B(通过美学规则的学习,掌握景观造景的艺术手法;讲解图纸的规范与成果呈现,以及程序推演的过程);⑦专项课题(庭院、校园、公园、住宅区、广场、路政等;可对分项景观进行分类讲授:路政空间、绿地空间、住区空间、城区开放类空间、大型区域规划等)。其中路政空间指涉步行、单车、车行公路及轨道交通等设计区域;绿地空间指涉城市绿地系统规划的目标、要求、性质、原则及形式表达等;住区空间指涉架空层、庭院、住宅小区、住区交流场地及会所等;城区开放类空间指涉商业街、滨水带、广场及公园类的设计;大型区域规划多指涉风景区和城市片区,接近规划设计的层面,名胜区、森林公园及自然保护区,体现景观设计对城市文化及生态方面的综合影响。综合性高校的景观艺术专业,其理论框架尤为重要,为教学过程的优秀所在。上文展开的专项课题类别对景观设计门类进行了综合考量,从数量上看,设计的区域和生活的氛围依循五个空间逐级拓展与深入;从质量上看,侧重偏小型空间构成的有机发展,才能引领城市片区的文化传承和发扬,让学生循序渐进地接受景观对城市生活的终极意义:人与自然的关系问题。 3.拓展性知识理论的讲授 经过对原始景观知识教学内容的尊重,以及对基础性景观知识教学内容的调整,第三个阶段就是对景观关联知识的延展,用边缘、交叉、跨界的知识内容作为主要教学内容的补充,也起到了综合性高校传统景观艺术教学的活化剂作用,便于让学生对景观设计专业的外延有更深入的了解。其中交叉专业的互补拓展,主要是戏剧、电影、综合材料和新媒体技术的介入,可以从另个角度诠释空间中人、自然及社会的关系。(1)戏剧是纯粹空间艺术形式的表达。依靠主体通过肢体语言来叙述空间,提出空间中的冲突,并解决交待的问题,多为间接、潜在地体现“空间感”与“生活性”,展现人及自然的性质。戏剧宏观的布局,远不及其表演集中的空间焦点,但院校传统的景观教学中,缺少间接让学生用主观的感官去体验空间的形式,进而认识空间内核与人生活的关联。(2)建筑的发展无疑对景观设计有重要的影响,电影对于建筑师来说,可能是最近于现代建筑的艺术形式,②景观专业相较于建筑来说,更突出人群的交流场所与公共性的空间,电影与建筑、景观都有空间和时间的线索,电影和空间艺术都有其多层“不可动性”,需要主角将片断运动与开放的整体运动相联系,激活后才能产生意义。③(3)近年来,艺术专业运用的材料与手法越来越多样化,类似于陈设、展示、装置的作品中,木制、石制、金属、玻璃及新材料等材质的综合运用已得以普及性发展。艺术语言的表达与接收,从传统的视觉至其他感官知觉,发展为从生活场景的触觉经验至心理投射,产生环境营造的共鸣。 二、“直观性”景观设计训练内容(学生反馈) 在现阶段景观设计教学存有的问题中,怎样通过专业训练凸显艺术类教学的特征成为重中之重。开篇“三个入手”,说明了应在对原有景观设计的理解程度上,给予学生一定的专业要求:由原生态的花园设计入手,学习现代景观产生的缘由,及对古时人们诉求自然生活的延续;由主题型的社区设计入手,选取尺度合适的场地环境布置,与周围人们的生活背景形成和谐关系;由小范围的形态设计入手,在小规模的练习中,突出形式感与艺术性的专业训练。花园、社区及景观形态的作业要求(与第二部分教学相应),成为环境设计在综合性院校中具有“直观性”的学习反馈,尊重现代景观的历史、处理自然与社会的关系、从小尺度展现艺术性,是此类课程的根本任务。 1.原生态花园设计的要求 由于花园这一景观分支,既类似中国古典园林和西方古典园林源头的样态,也是现代景观由19世纪工业革命后,美国发起保护自然景观的城市公园运动的主旨,可为艺术类景观专业着手训练的、有关绿地规划和生态发展层面的设计类别。并且花园的类型可以包含庭院、别墅花园及花园餐厅等,控制在2公顷以内的尺度,可以保持艺术类学生对方案创意及美学维度的敏锐性。庭院及花园,多是国外优秀建筑景观大师代表作的选择类型,较倾向于做出空间构成与性格内涵的特征性,以及与本土自然环境的融合性,保持独有的生态气息。此类训练侧重于对东方花园的介绍与学习,多研究本民族及相似地域的环境背景,凸显缺失的、“回归性”的场地布置与精神表达。如可让学生模拟日式常有的花园地块与场景做作业:备有BBQ的铺石庭园、从房间延伸出来的露台设计、通过曲线美的庭院对建筑延伸、可以与宠物玩耍的细长院落、与海相接的花园、将庭院与起居空间相融合、与别墅相连的山间小路、屋顶露台上的宽敞宅院等,将这些特色空间场景与中国特有的自然背景融合进行花园课题研究。如笔者布置课程作业范例:公园一角的花园餐厅(1公顷,半虚拟),旨在用合适的空间及植栽配置吸引游客用餐及休憩,并赋予花园餐厅整体的地域背景(图1、图2)。 2.主题型社区设计的要求 除了偏向生态层面的训练内容外,更高层次的景观要求是有关人与景、人与人这两对密不可分关系相协调的课题,尺度保持偏中等一些(10公顷以内),但仍然是艺术类景观学生可以驾驭的范畴,所以,可选择一些楼盘或者是有特色的居住区景观作为作业进行练习。景观设计的最终是为人服务,目的是为享有健康、舒适的生活,在现代飞快的生活节奏中,舒缓疲劳、缓解压力、从网络电子的世界中得以间歇,也是社区类作品在当下的意义所在。花园类的设计较私密与内敛一些,而广场、社区和住区一定是人的行为、社会的交流更频繁的景观场合,除了锻炼设计者对人与自然的关系,更多是超离直白的形态和口号的生态,对人的感官与心理层面的设计考量。此类练习是要求艺术类的学生,对形态直观性整合有所升华,避免从业过程中进入“千城一面”的漩涡,让项目既具有美学意义的外衣,也产生心理学价值的探讨,深层次解决空间中人类行为交往的问题。在社区设计的作业中,要求学生形态的灵感源于自然,功能上最大限度地反映集约与节能,营造适宜居住的楼盘环境,将休闲主题与浪漫风格相结合,处理区域的文化性问题。再如,笔者布置课程作业范例:某市水云湾楼盘景观设计(约6公顷,半虚拟)。难点为建筑偏多、均为高层、无序分布、密度较高,周边环境为生活区、工厂、幼儿园及滨海大道,海洋性气候,在现有条件和环境中,为当地的居民设计具有舒适一般性与地域特殊性的楼间隙景观组团,尝试用主题联系破碎的景观用地。 3.小氛围形态设计的要求 花园、社区是艺术类景观设计作为作业练习适宜选取的种类。而第三点是说明此专业的训练性质所在,也总结了花园、社区及其他类似空间(小公园、小广场等)的特征:小而精。具有形态处理的直观性、主题创意的直观性及生态表达的直观性,“三个直观”也涉及艺术类学生潜质与特性的考量。“小氛围”,在北京林业大学的历史及教育特点中,倾向选取的设计种类即是:花园与社区。让学生在限定的氛围内,处理好景观在形式、环境与人之间的交流问题。作为教师,更应指导学生以美学、环境心理学知识点的学习为切入点,把握本专业学习的优秀方向与根本意义。如笔者布置课程作业范例:昆曲体验园。景观课程开设前,在苏州考察期间,留给学生的有关“文化振兴”的设计课题,旨在通过小规模的场地设计(6000平方米的巴士停车场),巧用景观形态、主体五感及潜意识的角度,重新激活各年龄层次的人们对昆曲文化的喜爱(图4)。本文预期达到的目标:梳理综合性高校艺术类景观设计课程的共同问题:专业性不明确、知识点较传统、教学方法较单一;提出循序渐进的“三阶式”景观教学模式:原始性知识理论基础性知识理论拓展性知识理论;并相应提出艺术特性的“直观性”景观训练内容:花园设计、社区设计及小形态设计的要求。本文针对综合性高校艺术类景观设计的课程特性,期待用合理的讲授与反馈体系,重塑艺术类景观课程中的感性与理性问题并重的考虑,并找寻具有规律性的手法解决现有问题,依循良性的教育模式进行同类推广。 作者:丁可 校园艺术设计探讨:校园艺术设计的实践教学研讨 1.课堂教学潜移默化的影响 大一、大二的学生虽然刚开始接触专业课不可能做出相对完整的设计作品,但在专业基础课的课堂中仍然可以将创意市集的由来及其形式引入,以及相关的专业内容在创意市集上的应用都可作为范例给学生观看讲解,当学生看到自己的设计可以成为市场上售卖的实物会感到异常新奇兴奋不已,瞬间激发其内心认真学习专业课的渴望,相比以往传统教学模式中的枯燥乏味,这是最可贵的。以往艺术设计专业的学生每结束一门课程提交的作业也许只是几张设计稿或者效果图,尤其是视觉传达设计专业的学生更是成为纸上谈兵的典型,而创意市集实践教学的融入恰恰弥补了普通教学的缺陷,就是创意市集实践教学类课程作业的真实性。主要体现在每次课程作业的安排上,要求学生的设计方案最后必须以实物的形式提交。因为在传统艺术设计课程中学生更多的是注重作品独特的创意和形式的表现,忽略了他们的实现过程,不可避免的造成理论脱离实际,而融入创意市集实践教学的课程要求学生不仅要懂设计,了解设计的基本原理和方法,更重要的是将设计作品亲手制作出来,这也是其设计可行性的验证过程。通过这样一个过程,学生经常能够发现一些曾经他们忽略的细节往往就是造成设计失败的主要原因;也使学生更加了解了自己的专业课程和未来就业方向之间的联系。虽然初始的“创意市集”产品作为尝试还显得有些幼稚和粗糙,但是优秀的设计师就是在这些不成熟的作品中起步的。 2.课后调研和第二课堂的开展可以提高学生对创意市集的深入了解 艺术设计专业是一门重视研究、调查与实践的应用学科,创意市集实践教学要求学生无论何时何地的尽可能多的了解最新最前沿的设计思维、潮流动态和时尚元素。除了课堂上的设计理论讲授与创意练习,课后对创意市集的调查研究以及第二课堂的开展与实施都是必不可少的。创意市集的调查研究是指学生除了通过书籍和网络了解有关创意市集的资讯外,还可以带领他们走出课堂,在考察课的时候亲身到大城市的创意市集活动中观摩学习,平时多走进创意产品实体店,手工小作坊等让大家对课程作业及课程目的有更深刻更直观的理解。第二课堂的开展主要是训练学生动手的能力。课堂的理论教学虽然能在一个时间段集中对学生进行有效的表现技法和理论知识方面的训练,但往往无法提高学生的创意思维和实践相结合的能力。因此在完成既定的教学课程之外的高校艺术设计专业有必要开设第二课堂活动给学生以实践练习的实验场所。比如学生可以利用课余时间到工作室进行书籍装帧设计课程中手工书的相关制作。 3.创意市集实践教学的最终体现———毕业设计 毕业设计是教学计划中的最后一个教学环节,一方面是对学生大学四年来学习成果的一个综合性检验;另一方面也是对创意市集实践教学成果的大检验,可以说是高校艺术设计专业四年教学环节中关键的一环。为了避免传统毕业设计教学模式与市场运作下的设计需要相脱轨,创意市集模式的毕业设计课题正好弥补了这一缺陷,学生在毕业设计的制作过程中可以尽可能的发挥想象,利用一切手段来实现自己的创意,最后在“创意市集”上展出和销售———这便在是校园范围内举办的真正的创意市集活动,兼具了毕业设计展览、市场以及招聘会的三重性质。学校可以选择大的篮球场地或体育馆以摆摊设点的形式,综合创意摊位、二手摊位等多种板块进行展销,配以市集活动宣传语,这样有声有色充满设计活力的校园创意市集不仅展示了学生的创意作品,更吸引了众多商家前来选聘优秀人才,切实增加了高校艺术设计毕业生的就业机会,也给准备自主创业的学生提供了一个提前与市场接触的渠道。广西艺术学院就已经成功举办了八次校园创意市集活动,大大提高了学校毕业生的就业率,已成为国内校园创意市集的典范。 4.创意市集实践教学的价值研究 创意市集模式教学通过对创意和设计理论的实现过程,在提高学生的设计能力、理论水平和实际的动手操作能力的同时也给学生提供了规划未来职业前景的机会,这是创意市集实践教学的根本目的和根本价值所在。 (1)学生自我价值的提升首先,在创意市集实践教学中,学生对新事物产生出极大的兴趣,兴趣的产生会使学生学习显著进步。多数同学在提高了创意及实践操作能力的同时,也提高了团队合作意识和敬业精神。甚至以往贪玩不爱学习的同学也把参加创意市集作为自己的动力,做出令人刮目相看的作品。学生看到自己的作品能在市集上展出和售卖并受到他人的赞誉,创新能力得到了肯定与鼓励,提高了自信心和对艺术设计的热爱,进而更激发了学生从事设计工作的热情与决心。其次,创意市集实践教学的开展也培养了学生良好的职业能力,为他们走上工作岗位打下了良好的基础。在创意市集实践教学的课程中,学生在完成课题任务的同时,就必须按照一名设计师的标准要求自己。在提出和完成方案的整个过程中,学生均是自己独立的分析和解决问题,使他们提前进入了设计师的状态,也是对未来职业的一种准备与规划。 (2)高校价值的凸显创意市集实践教学为高等院校艺术设计专业教学开辟了一条新的道路,在教学结构的优化和教学资源的整合上都起到了良好的推动作用。近年来,高校不断扩招,艺术类的毕业生也持续增加,这就给艺术类学生的就业带来了很大的压力。自主创业是解决高校就业问题的一条出路,在教学过程中,虽然各高校都加强了对学生创业能力的培养,但是如何真正让学生把所学的知识与实际相结合一直是高校教育工作所面临的课题。“创意市集”的出现和兴起无疑给艺术设计专业教学改革提供了一个新的契机。与此同时,创意园区在近年来的不断涌现和大量创意市集产品的开发,为艺术类毕业生自主创业提供了良好的机会与平台。这样融入了创意市集模式的实践教学让学生在找到就业之路的同时也减轻了社会的就业压力。 (3)社会价值的体现随着文化创意产业在国家发展战略的地位与日俱增,在政府不断鼓励文化创意产业发展的大环境下,创意市集的出现和兴起给高校艺术设计教学注入了新的活力。目前创意市集只在北京、上海、广州、南京、深圳、昆明等经济发达的中心城市蓬勃发展起来,每一次的举办都在当地引起强烈反响,在政府的扶持和各大企业的资助下带动刺激了城市的文化经济等各方面的发展,融入了各民族民俗等特有中国元素的不同风格不同主题的创意市集已成为当代经济文化生活的独特风景线,同时也成为了城市形象和品牌的代表。目前,在很多地方二级城市里创意市集甚至还没有生根发芽,但“星星之火可以燎原”,通过高校创意市集实践教学的大力开展必定为国家培养出更多优秀原创设计人才,同时也将引领带动区域教育、文化、经济等多方面发展有着十分深远的意义。 作者:侯岩妍 潘崎峰 单位:佳木斯大学 校园艺术设计探讨:校园艺术设计论述 本人的教学经验及建议 本人就多年的教学经验,提出一些建议:培养学生的兴趣爱好在教学课堂上运用多媒体讲述一些学生们感兴趣的艺术设计,多欣赏、多参与,让学生从心理上培养兴趣,增加爱好。教师可以在课堂上增加一些学生设计的相关活动,让学生积极参与进来,在活动的最后,可以进行相关的点评,促进大家成长,和学生一起进步。努力树立学生的创新意识在教室的教学过程中,教师要时不时的锻炼学生的创造能力,让学生从不同的角度去看待事物,从而产生不同的灵感,迸发出艺术的火花。教师可以布置相应的作业,让大家就一个主题,提出多种方案,从而相互交流,取长补短。也可以带大家去野外写生,让大家感受大自然的美好,深深领悟大自然的奥妙无穷,从而激发出心里的灵感,去创作艺术。教师加强自身的专业水平和素质培养教师在高校艺术设计的教学上起着重要的引导作用,所以教师自身专业水平的高低和素质能力的提升对于学生来讲起着非常重要的作用。教师在业余生活中,要加强自身专业水平的提高,不断充实自己,可以参加一些展览,多方切磋和交流,吸收大家的精髓,转化成自己的知识。可以参加一些艺术竞赛,提升自己的艺术水平和鉴赏能力,多读一些书籍,多借鉴借鉴其他大师的作品,从而发现自己的不足,充实自己。教授相关的艺术设计,同时也要提升其他方面的素质能力,作为一名教师,美术设计教学的教师,也要积极的学习其他方面的知识,例如:教育学、心理学、哲学等,这些学科对于教师的教学很重要,可以帮助教师更好的接触到学生的内心世界,从而从根本上帮助到学生,更好的进行艺术设计。创造良好的文化学习氛围,更好的开展艺术教学文化是前面无数的大师积累下来的艺术精髓,我们作为历史的传承者和创造者,有义务去把文化发扬光大。学校在艺术设计教学方面要加大重视,可以通过开展相应的艺术设计比赛,来激发大家的积极性,让大家参与进来,通过设立一些奖品,来鼓舞大家,激励大家。而且在比赛过程中,有专业的艺术大师进行点评。学生通过零距离的和专业人士相接触,会激发他们的上进心,使他们充满信心和勇气投身于艺术中去。鼓励学生在古典艺术上进行创新,使古典艺术和现代气息相结合,就会迸发出多姿多彩的艺术世界。让学生在理论知识的基础之上,加上创新思维和实践能力,就会更好的激发创作潜能,创造出好的艺术设计。国家的大力扶持艺术设计教学的大力发展离不开国家的重视,所以在教师和学生的共同努力下,再加上国家的大力扶持,加强学校的相关设施设备的建设,和师资力量的建设,为艺术设计注入新的能量和动力。艺术是发现美、创造美的过程,所以国家可以出台相应的措施,引起大家的关注,从法律的角度加深印象,推动艺术设计的发展。国家可以向相关的学校输入教育人才和艺术专家,大家一起努力把艺术教育教好,从而教育出更好的艺术人才。未来的国家建设离不开创新性的艺术人才,所以我们要一起努力去发现美和创造美,让学生的未来的艺术世界更加的美好。 高校艺术设计教育的展望 未来社会需要多方面发展的人才,所以教师的责任很大,德智体美劳全面发展。美就是艺术的一种展现形式,怎样发现美,并且创造美就是摆在教师面前的一个重要问题。我们教师在平时的教学活动中,要不断的摸索和创新,在教学中,逐渐的过渡,让学生养成自主学习的好习惯,培养他们自身的创造能力,让学生拥有独特的思维和视角来看待事物,来感受艺术,创造艺术,谱写自己的艺术人生。在艺术设计这门课程中,尤其美术设计是比较能反映学生的艺术功底,内心世界的想象,然后通过自己手中的笔来把自己的内心世界展现出来,加上了自己的灵魂,使之具有生命力,使读者感悟其中的精神,来达到艺术的升华。在国家、学校和教师的多方配合之下,再加上学生自己的努力,我相信,在不久的将来,高校艺术设计教学会越来越进步,学生的创造能力也会越来越强,艺术设计也会发展的越来越好。 总结 二十一世纪需要全面发展的人才,所以学生在加强自身专业知识的基础之上,在学习艺术设计的过程中,不断加深自身的艺术修养,培养自己的创新意识,才能真正的创造出艺术。新时代新要求,我们要立足现实不断前进,在实践的基础上,不断加深自身的艺术功底和创作能力。教师是领头羊,要在课堂上把知识从多方面、多角度去向学生讲述,使学生明白艺术的精髓,从而更好地去创作。艺术是展现美的一种途径,所以未来的人才一定要有一定的审美能力,去创造和发现美丽的事物,加上自己的精神和灵魂,创作出自己的艺术,开创自己的艺术人生。 作者:李晓帆 单位:湖北科技学院 校园艺术设计探讨:校园艺术设计教育探析 专业课程体系建设 艺术专业的基础内容并不复杂,和其他的学科一样有着较强的通融性,但是,艺术学科除了相关的理论知识之外,还需要更多的专业课程实践作为一种消化知识的方式去巩固所学内容。因此,现在的艺术教育方案要进行一定层次的改革才能适应学生的学习需求,要不断将学生看作是传承和发扬艺术的后备军,要将专业知识授予他们,并且能够建立完善的专业课程体系,这样就能够将艺术设计的力量实现过渡。要秉承专业和科学的原则,引导学生进行艺术实践,从中整理并取得经验,以便于应用到相关的需求中。现在有些教育模式较死板,对于学生来说,失去了一定的保障,也就是失去了创造力和个性。我们应根据市场需求以及生产一线技术岗位需求构建教学模式和教学体系,不断丰富专业技能,并灵活建立创新的应用机制,改善专业理论教学体系。 构建实践教学体系 高校艺术教育中,实践是最重要的,也是实现艺术教育的基础。对于学生来说,只学习书本上的理论知识是完全不够的,因为艺术有着审美性、直观性,有着个性和潜能,需要学生进行演示和实践,从中寻找最适合自己的模式。比如,能够结合考核的意见,将艺术设计专业进行实践分数统计,安排学生进行适当的实习,通过具体的操作和评级不断完善艺术的重新认知,将实践作为重点,以够用为度,在专业课教学中必须突出岗位针对性与实用性。 教育方法和教学手段的改革 现在,高校课程中对艺术教育课程,多数都是教师占主导地位以带动学生。长此以往,学生会渐渐失去自主学习的能力,不能够在脱离课堂之后进行独立性思考和实践。因此,课程大纲和目标只能作为一种导向,不能奉之如圣旨。对于艺术教学,笔者认为应该实现个性化教学,根据学生的不同情况,展开因地制宜的教学方式,教师要有明确的认知,对艺术实践的概念理解等。艺术本身较抽象,需要活学活用,才能够不断探究出艺术的魅力,提高艺术造诣,并能够得到更多的技能,为日后在工作岗位上的成长和发展奠定基础。因此,师生之间应和谐相处,不断交流,新的理念也要求教学技术向应用转变。 结语 提高艺术教育的质量就是要不断提升艺术实践的能力,制定实践能力培养的战略方针,要进行社会评价,就要深入到社会中,发现生活中的素材和灵感源泉,不断完善艺术设计的理念,在一定基础上进行个性的创新,完善各自的艺术能力。学校的学习是有限的,因此,需要将无限的创造力进行发挥,就要一定程度上脱离课堂,提高实践能力,寻找自我的闪光点。实践能力的提高对于学生来说能够将艺术造诣真正提高,完善学生的艺术修养,提高其审美能力,还能够培养出一定的艺术原创能力。高等人才的培养都是注重实践,因此,艺术设计教育需要借鉴相关的成熟理念去完善和发展。不断加强创新的教育模式,打破传统的局限性,不断进行各种有利资源的整合与利用,完善现有教育模式,并全方位提高艺术教学的质量。 作者:邢学生
艺术设计论文范文:数字媒体环境下的艺术设计论文 一、数字媒体环境下的艺术设计 (一)数字媒体环境下,艺术设计的一个重要特征是互动性 互动指的一种相互使彼此发生作用或者变化的过程。传统艺术设计互动指的是艺术设计者和制造者以及使用者之间的互动,媒体主要是两者互动的一个中介,只是传输信息,所以制造者或者使用者被动接受艺术设计作品,此种互动带来的相互作用和变化很小。可是在数字媒体环境下,数字技术以及数字媒体自身就具备交互性,拓展了人与人之间的互动,发展成为人-机-人、人-物-人等不同形式的互动。多种互动方式突破了传统媒体下的互动方式,促使艺术设计者和制造者或者使用者之间的互动转变为“艺术设计者-作品-制造者或者使用者“之间的互动,制造者和使用者不再被动的接受艺术作品,而是主动参与到艺术作品创作中,主要是通过反馈的形式参与作品的创作。此种互动转变了制造者或者使用者的角色,他们的参与也增加了艺术设计者的灵感,促使艺术作品更加完美,更具实用性和艺术性。 (二)数字媒体环境下视觉传达的艺术设计形式和内容更加广泛 视觉传达设计是利用视觉媒体表现并传达给观众的设计,在艺术设计中占有重要位置。因为视觉传达主要是传达信息,因此媒体和视觉传达设计之间是互动的,媒体可以体现出设计,也限制了设计;设计受限于媒体,也推动了新媒体的产生。数字媒体和传统媒体是不同的,转变了传统媒体的视觉传达形式,拓展了视觉传达设计的内容,由单一媒体的视觉传达转变为多媒体的视觉传达,由静态化的视觉传达转变为动态化的视觉传达,由二维平面的视觉传达转变为三位视觉传达,甚至四维视觉传达,由印刷设计产品转变为虚拟平台的产品。数字媒体和传统媒体相比获得了很大的发展,促使艺术设计发展到超越时空的创作思考领域,新媒体的数字化特点可以简便改写或者决定新的表达方式。此外,多样性的数字媒体更加完整的传达和呈现了创作者的观念想法以及情感。 (三)数字媒体环境下,多样化的艺术设计手段提供了新的艺术设计思维 艺术设计的出发点是艺术,可是艺术设计也会接触到技术问题。传统艺术设计主要以手工书写或者绘制的方式完成艺术设计,此项工程是巨大的,需要长期完成。在进行设计时,各种设计工具和繁琐的创作程序,此外手工书写速度较慢等都会限制艺术设计者的创作思维。可是在数字媒体环境下,各种新技术不断出现,例如虚拟技术等,这些技术都广泛应用于艺术设计,促使艺术设计得到了跨越式发展,也解放了艺术设计者的思维。”所见即所得”的方式促使艺术设计人员的思维任意游历于各种和创作主题有关的虚拟情景中,然后找准创作点进行创作,创作出具有创新性和个性的艺术作品。数字媒体大大提高了艺术设计的手段,也为艺术设计人员提供了新的创作思维。 二、数字媒体环境下艺术设计的思考 在没有出现数字媒体时,艺术设计是高高在上的,只有专业人员才能完成艺术设计。可是在出现数字媒体之后,这种状况发生了改变,没有经过专业训练的普通大众也能利用数字技术表达出自己在某一方面的设想,所以数字媒体被广泛应用和传播。当前,人们对同一种想法也会有不同的设计理念,在当前技术不断发展的时代,多元化的表达和互动形式增加了艺术设计者的灵感,进而更加具体和生动的诠释了艺术设计的内涵。可是,在艺术设计中应用数字媒体有优势,也有劣势。数字媒体依赖数字技术,不是说掌握了数字技术就能进行艺术设计,这种错误的观点促使一些艺术设计人员重视技术,忽视艺术内涵,对艺术设计的创新发展产生了不良影响。数字媒体环境下的艺术设计要不断探索,充分利用数字技术,创新艺术设计的形式和手法。此外,艺术设计具有创造性,研究数字媒体环境下的艺术设计的创新和变化是很有必要的。 作者:易朝永 单位:昭通学院艺术学院 创新教育视角下高校艺术设计论文 一、高校艺术设计专业实行创新教育的必要性 (一)市场需求艺术设计专业创新性人才 目前艺术设计专业市场上的各类企业对于设计人才提出的要求不尽相同,但其中共同要求的有以下三个条件:(1)扎实的专业知识与技能(这包括对于各类设计工具的熟练使用);扎实的专业技术知识以及丰富的设计工作经验等;(2)求职者要富有创意,拥有独特的自己的设计理念;(3)对于自己所在行业以及市场情况有一定的了解。这些要求也许听起来并不十分苛刻,但是要想招募一个各方面都满足的创新性人才却是十分困难的。我国的艺术设计教育从80年代起步,发展至今也有30多年了,我国的现代艺术设计已逐步从幼稚走向成熟。改革开放30多年来,我国设计产业发展迅猛,设计从业人员队伍不断壮大。设计教育的发展、设计观念的更新、艺术水准的提高得到了空前的认可。但是不可否认我国的艺术设计教育仍存在弊端,创新教育得不到实施,人才的艺术设计创新能力严重滞后,市场对艺术设计人才的要求不断提高,供需矛盾不断加大。 (二)当前艺术设计专业学生的现状 大学生经过四年高等教育的培养,在毕业后要离开学校步入社会,投身与设计相关的各行各业,将四年所学将在实践中进行检验,从而实现自身价值。但是,当前高校艺术设计专业的现状却不尽人意。其中存在的问题有: 1.艺术与专业分开过早,专业面过窄 在高校艺术课程中,刚上大学时通常只是一些综合课程的学习,让学生接受浅显的入门知识,找到自己的兴趣所在,然后选择适合自己的专业。但是目前的现状却是专业的细化过早,并且专业课课程的内容出现重叠、雷同现象,艺术与专业分开过早,专业面过窄,这一系列问题对于高校艺术设计专业学生的学习都造成了很大的障碍。 2.基本功薄弱,艺术文化素质很低 目前,一些高校艺术专业的学生通常不是凭借艺术方面的突出成就而被高校所选拔,而是凭借的文化课的知识,甚至文化课也很一般,这就在一定程度上导致了高校艺术设计专业的学生在艺术专业基本理论课程上的薄弱性。另外艺术文化素质也很低,功底浅薄,难有创新性的发挥。 3.专业课学时结构设置不合理 高校中各个学期的时长是固定不变的,这样为了完成固定量的课程内容,就必须缩短课时,这其中就涉及到了课程各部分的比例分配、前后顺序的排列等等问题,在总时间缩短的情况下很难达到合情合理,学生在接受、消化知识的路途之中就有增加了一重障碍。 4.缺乏社会实践 上面提到了高校必须采取压缩课时的方法来达到预定的教学目标,那么一定的社会实践便更是压缩再压缩了。于是学生在进行艺术设计学习时,仅仅以机械的临摹为主,缺少自我的现实生活创作。而找工作时,用人单位对于实践经验又比较看重,这就造成了毕业前夕高校毕业生慌忙寻找实习单位从而荒废学业的现象,恶性循环,得不偿失。 二、对接市场,开展创新教育,强化创新性人才培养 艺术设计市场对于高校艺术设计教育的改革创新提出了要求,因此高校必须转变教育观念、与市场对接、在教育过程中植入创新元素。在这一过程中,我们既要总结近年来高校艺术设计专业对于学生创新精神与实践能力培养的经验、继承和发扬其中的精华部分,反思失败的教训,又要积极借鉴世界各国的成功做法和经验,并结合各高校的实际情况,大胆的进行探索和实践。对于高校培养创新性人才、开展创新教育的思路如下: (一)转变观念,精简课程内容,着重以培养学生创新、创造为主 传统教育观以知识的传授为中心,在有限的学期总时长下,内容不变,按比例压缩学时,导致学生对所有知识都不能有效地掌握,并且一味的传授课本知识,对学生创新能力的发展产生阻碍。《中共中央国务院关于深化教育改革全面推进素质教育的决定》指出,“要转变教育观念,激发学生独立思想和创新的意识,切实提高教学质量。要让学生感受、理解知识产生和发展的过程,培养学生的科学精神和创新思维能力。要重视培养学生处理信息的能力,获取新知识的能力,分析和解决问题的能力,语言文字表达能力及团结协作和社会活动的能力。”因此,高校的艺术设计教育观念应该由单纯的压缩学时,变为精简课程内容,将课程中的一些繁冗不必要的内容删除,给学生更多的创造设计空间,在减少总课时的情况下让学生自身得到充分的锻炼,由单纯的填鸭式的接受大篇幅的知识为自我的创新与实践锻炼。 (二)建立有利于创新性人才培养的学校环境 创新性人才的培养需要一个相对自由、安全的环境,以及必要设施装备的配置。这就需要学校采取一系列的措施,例如建立一个供学生们学习和交流的信息资料室、兴趣实验室以及网络交流平台等。另外,应该将学分制进一步完善,通过设立“创新学分”这一新模块,对学生的创新意识进一步激发,推进理论知识、实践技巧、创新意识培养、综合创新能力发挥的分层次教学。 (三)强化创新性教师的培养 教师是学生学习的引导者,只有具备创新意识的教师才能培养出创新性的学生。所谓的创新性教师就是指那些时刻关注最新教育科研成果,并且在实际教学中有效运用,有着自己独到的见解,通过实践教学能够不断总结发明出行之有效的新教学方法。创新性的教师一般都有一定的创造能力;强烈的求知欲;敬业乐业的精神;并且时刻设法形成高创新性的班级。创新性教师所在班级的氛围应该是民主、宽容、温暖的,并能够与学生共同学习,通过评价学生来促进其创新能力的发展。高校要有意识的对教师进行创新性的培养。并且在教师的业务考核与职称评聘上,要加入含有创新因素的指标,使教师自觉进行创新性的科研活动。只有高校拥有了大批创新性的教师,才能将创新性人才的培养落到实处。 (四)课程设置及教学方法改革,采取有利于创新性人才培养的课堂教学模式 对于学生创新性的培养,课堂教学模式也极其重要。一套完整的有明确教学方向的课程设置所起的作用不可忽视。对于高校艺术设计专业的学生来说,如何学会观察与认识身边的事物;如何表现自己的设计思维;能否提出有价值的问题,进而想出解决问题的办法;并且如何在课程中与他人合作等,这些都是作为设计师的最基本素质。在进行课堂教学模式选择时,如何通过采取有效地方式手段来对学生进行启发引导,培养学生进行设计时的创新意识、表现技巧与合作意识等都应该引起足够的重视。 作者:陈宏 单位:湖北职业技术学院艺术与传媒学院 艺术设计论文范文:色彩教学体系下艺术设计论文 一、现状分析 1、高校目前艺术设计类专业基础课面临很多问题:课时量锐减,教学信息量大,教学任务多,教学质量要求高等问题。学生进校以前是在应试教育的指导下过渡的艺术生,基础薄弱,基础课教学要针对这一教育现实,通过教师的教和学生的学,在有限的时间内把学生培养成能适应和接受艺术设计类专业要求的学生。 2、传统的教育现象是“讲得多、练得少”或“讲得少、练得多”或“讲得少、导得少”,而且很多基础教师重画技轻理论。有些老师经过一段时间教学之后容易形成固定的教学模式,不会主动反思和怀疑自己的教学中是否存在不合理或需要改进的地方,导致基础课教学发展进展缓慢。 3、过去的教育思想主要是传授知识,认为学校教学就是把知识传授给学生,教育质量的好与坏,主要看学生自己积累知识的多少,这种传统的教育观念仍在做怪。 二、加强教师自身修养 教书育人是老师的责任,老师是知识的传授者,必须拥有丰富的知识储备,以应对不断变化的教育环境和教育对象。博学多知,画技精湛,通过经常的研究和学习,开阔自身的视野,具有高效的认识知识层次和分析问题的方法,来提高自己的观察、分析能力和艺术表现力。教师要主动地学习,苦练基本功,不断提升创新思维能力和教学质量。只有努力专研,了解艺术设计教育专业的发展脉络,才能站在教育改革的前沿。 1、具有批判反思的思维意识和创新精神 艺术设计教师必须要主动思考,不断总结,经常回顾教学细节,做好教学反思,才能不断促进美术教学的发展。特别是艺术设计基础课的教师担负着培养学生能适应和接受艺术设计类专业要求的责任和义务。批判和反思的思维意识是要抱着怀疑的态度,敢于怀疑。无论是教案反思,教学反思,还是教学细节回顾,这都是一个教师的基本要求。当代艺术设计教师应不断进行教学反思。教育家普遍认为,具有批判和反思的思维意识是一种促进教师专业发展,提高教师素质的重要理论。艺术设计教师不仅仅是储存他人观念的容器,也要对传统教学所带来的不良后果,对当前课堂教学中存在的问题、进行自我观察、自我评价、自我反省、并能提出解决问题的方法。艺术设计教师应努力成为一名研究型的教师,要不断加强现代教育理论学习,要具备批判精神、反思精神、要不断提高创新意识和问题意识的能力,运用科学的研究方法,进行美术教学规律的研究和教学方法的改革与探索。 2、具有丰富的学识和精湛的专业技能 艺术设计教师不断发现身边的新材料运用于艺术设计教学之中,是通过讲解形式美的基本原理和形式法则进行形象创造。通过教学,打开学生已有的思维模式,开阔学生的知识储备,培养学生的创新思维能力和创造能力。艺术设计教师不但应具备各种画种的专业技能,还要不断的深入实践,向民间艺术去学习,学校应该给艺术设计教师提供更多的学习机会,不断提高教师的专业技能。专业教师要“一专多能”,无论是现场作画,还是示范教学。另外,艺术设计教师要学习新的技能技法,才能不断提高教学能力。 3、艺术设计教师要具有科研能力 作为当代高校艺术设计教师必须是:师德高尚,永不满足、追求卓越的美术学习态度,并且具有发现问题、提出问题、解决问题的能力;拥有研究精神,具备研究能力,完成各种课题或项目设计、作品的设计与制作的能力。美术教师不只是一名教书者,更是学习的引导者和创新者。艺术设计教学是讲授理论知识和传授专业技能的特殊的教学活动,科学研究则是进一步探究事物的性质和规律,以便发现新事物获取新知识的一种活动。加强艺术设计科研活动意义重大,它能提升自身专业素质,提高教学质量,加快教学发展。美术科研主要包括专业技能的方面的参加各项艺术赛事,教学改革和艺术设计学术论文的撰写。当代美术教师应不断地提高自身的创造力。美术教师由于专业特点,不能同其他专业一样整日地坐在办公室内备课,他们要到生活中寻找创作灵感和素材。不走出去创作,不去参加各种美术技能比赛,他们的艺术生命就会慢慢枯竭,美术教学就会滞后。因此,学校应该给美术教师更广阔的学习空间,不断提升他们的专业水平,以适应教育改革发展的需要。 三、改变传统色彩教学理念 要对传统色彩教学有新的看法:绘画的色彩,是作品的生命力。现在真实再现物象的色彩,表达物象的质感,已不是艺术表现的最高境界,色彩本身要具有充分的表现力和相对的个性。从早期文艺复兴开始,色彩的表现方法极其丰富,历代艺术家辛勤耕耘,给后后人留下了无数的艺术宝库。传统色彩在体现物体固有色方面形成了艺术特殊。在准确的造型基础上,赋以固有色的色彩表现。固有颜色,通过含糊与鲜明、明丽与暗淡的调子,创造出了身临其境的空间。怎样在色彩基础教学中吸取传统绘画的营养,启发学生的色彩感应力,成为一个新的研究问题。色彩绘画艺术在它发展的过程中,规则是不断变化的,在设计色彩教学中对色彩基础教训有一个深刻的、全面的认识。在平时课堂写生中,从一开始就要学生重视对色彩的感觉,不要受太多的色彩理论束缚住学生的思维。打破传统的色彩理论依靠色彩的空间关系去表达。现在,要求学生根椐自己对世界的认识和感应,重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系应理解为色彩结构上的位置关系,色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。在教学中要求学生根据自己的主观精神,使自己的画面中创作更多的抽象因素。要求学生将自己的主观感受运用到色彩画面中,将会创造出更多的具有个性的艺术作品。 四、改革措施向设计方向转移 设计色彩的基本训练包括构图、构形、构色及形式构成。与绘画色彩不同,设计色彩教学在绘画色彩的基础上把重心向设计实践方面转移。教学中不能用绘画色彩的教材和教学模式进行,而是向设计方向转移。 1、着眼点的转移 由绘画创作的自由性向设计创作的受限性转移。在教学中借助设计色彩优秀作品与学生共同欣赏,一起寻找作品中美之所在以及与绘画色彩的异同,使学生加深对设计色彩表现的特点及其倾向性的认识。 2、写生观察,由写实向写意转移 绘画重写实,设计重写意。在教学基本训练中,不要只局限于面对景物写生,应自由想象,让学生的思维天马行空似的驰骋,去寻找美的表现。写生重感悟,想象寓求新,合乎设计基础的重点要求。 3、在技法上向“色的分解”转移 将变化万千的自然色彩概括为几套色的归纳色彩写生方法,旨在培养学生用极简练的艺术语言去表现自然界中对象的丰富变化,使学生从自然结构中归纳出艺术形象与概括的色彩秩序,强调写生时将自然形态转化为艺术形态的有序步骤与造型特征以及形式美法则的具体运用,从而顺利进入到色彩诸关系对比元素联系的整体系统中去。在形态上重视轮廓影像效果,省略繁琐细节,以形成特征强烈的视觉效果。4、在色彩的选择上和使用上向红、黄、蓝三原色转移将画面各种色彩分解为基本色块红、黄、蓝的组合。间色和复色分解为原色的空间混色,灰色可分解为任意一对互补色块。色味则有色相和色块多少来控制。使画面增加色彩丰富、响亮、闪烁、强烈的艺术性。 5、在表现技法方向,向装饰性画面转移 从静物到风景再到人物,都以色点、色块、色阶来表现。利用点、线、面以及相结合的装饰手法进行画面刻画。采取色相推移、明度推移、纯度推移、冷暖推移、面积分割的色彩装饰手法;也可采用中国画勾线、勾边的装饰手法。 6、把创作思想和实践的重心转移到创新思维、理性认识和象征意义上来 创造性是评判装饰艺术作品的优劣的重要标准。以往的教学经验告诉我们,在设计色彩教学中只重视求同思维,而忽视求异思维,只强调逻辑思维,而轻视想象思维的种种弊病,会导致学生创作思维的思路闭塞,想象力贫乏。所以,在设计色彩课中培养创造性思维,课程目标首先是进行命题性色彩创作练习,创作出符合命题题意的设计性突出的作品。着重培养创造性的思维观念,主观表达的能力和综合设计的能力。把握主题、强化装饰造型、构图、色彩和表现手段。然后是进行设计性装饰画创作练习,模拟客观环境、空间进行假设设计、运用象征等手法创作出符合环境空间整体,和谐新颖的设计色彩作品。 五、结语 总之,教育大计,教师为本。高校艺术设计专业设计色彩课的教师担负着在有限的时间内把入学新生培养成能适应和接受艺术设计类专业要求的学生的重大职责。所以,在新的目的,新的理念,新的设计,新的内容,新的环境下,对教师提出了更高的要求。教师要不断学习修炼自己,提高自身素质,应该成为具有先进的理念和不断探索研究精神的教师,应该既是教学活动的组织者、实施者,同时也是课程的研究者、开发者和设计者。尤其是色彩专业教师不但要有丰富的艺术学养和精湛的绘画专业技能,还要了解学科前沿,成为“可持续发展的教师”,向着更专业化的道路发展。教学中不能用绘画色彩的教材和教学模式进行,而是向设计方向转移。艺术设计的创新,主要表现于形式美的创新:色彩的表现力求新颖而有创意,创造出本来不存在的形态。教学中首先是注意写生的同时,进行创作实践,启动他们求新、求异思维。然后从学习专业理论知识入手培养学生的艺术素质,向国内外优秀作品汲取营养,温故而知新,推陈出新。 作者:邱凤香 张桂可 单位:长春工业大学 艺术设计论文范文:高职环境艺术设计论文 一、高职环艺专业培养现状 (一)高职环艺专业学生培养存在的问题 高等职业教育是我国教育发展的有机组成部分。其培养目标是“为国家和地方经济发展培养适应市场、生产、建设、管理、服务等一线需要的应用型高素质人才”。高职教育的特色是办学方式灵活,课程设置和社会、市场需求对接。然而,从我们对浙江省6所开设环艺专业的高职院校调查来看,情况不容乐观。2012年,为了解社会对高职环艺专业学生的需求及评价情况,我们分别在杭州、宁波、湖州选择了有代表性的高职院校毕业生共80人进行了问卷调查。调查对象选择的是近3年6所高职院校从事本专业工作的毕业生,其中男性占77.5%,女性占22.5%。从社会对环艺专业毕业的人才结构情况来看,需要技术性人才的数量最大,占63.8%;其次是业务型人才,占25.6%;再次是管理型人才,占9.5%,其他的占2.1%。在调查中反映出的最突出问题是:虽然社会对高职环艺专业毕业生需求量较大,但由于培养方向、总体素质等问题,短期内毕业生整体素质与社会需求不匹配。在关于对学校开设课程与社会需求的问题调查中,有46.5%的受调查者认为现有高职环艺专业开设的课程与社会需求不太符合;有20.2%的学生认为不符合;15.6%的学生认为符合;17.7%的毕业生认为一般。在对高职环艺专业课程设置进行调查时,有46.2%的毕业生提出要注重教学内容知识结构上的总体交叉和整合,有必要在高职环艺专业课程设置中拓展专业基础知识。有53.8%的受调查者提出:课程设置要与时俱进,结合社会需要不断更新教学内容,并在专业知识教育中增强实践技能培养方面的内容。调查发现,目前高职环艺专业课程设置中主要存在以下问题:首先,由于高职设立环艺专业的时间不长,其课程基本上都是以本科院校的课程设置为蓝本,教学内容、计划缺乏社会需要的时代性和针对性,不符合高职教育培养人才的目标。其次,由于对“环艺专业”学生的定位和理解不同,各高职院校的专业建设和课程设置差异较大,造成环艺专业与室内设计专业没有区别、缺乏特色。再次,课程设置上没有突出职业教育特点,造成专业理论知识没有本科院校学生扎实,动手能力、实践技能又不比本科生强,毕业生在社会上没有竞争力。 (二)高职环艺专业课程设置现状 教育部[2000]2号文件“《教育部关于加强高职高专教育人才培养工作的意见》通知中规定,高等职业院校学制三年,课内总学时一般以1600-1800学时为宜。三年制专业的实践教学一般不低于教学活动总学时的40%”。目前浙江省调查的6所高职院校总学时都在2500左右。与教育部的要求基本一致。课程设置分必修课、选修课两大类。其中必修课2350学时左右,选修课150学时左右,选修课比例明显偏低,影响学生培养的灵活性和适应性。必修课又分为四大模块,其中公共课模块550学时左右,开设政治思想、英语、体育、国防教育、计算机基础、就业指导等课程。专业基础课模块350学时左右,开设素描与色彩、设计构成、设计速写、设计制图、计算机辅助设计等课程。专业课程模块约350学时,开设快图设计、材料与构造、住宅空间设计、公共空间设计、电脑效果图、景观设计等课程。专业实践课模块1000学时,包括专业认知、户外写生、专业实践、毕业设计答辩、顶岗实习等。高职环艺专业培养的是服务于环境艺术设计第一线的应用型高素质人才,环艺设计包含了艺术与技术,科学与社会人文等多方面、多学科交叉的综合性内容。社会上对环艺专业毕业生的知识、技术、技能和素质有较全面的要求。所以“环境艺术专业学生的培养必须提倡厚基础、宽口径、专业化的模式”。据此,可以看出,目前浙江省高职环艺专业的课程设置与培养目标是有较大差距的。主要表现在公共基础课、选修课模块的设置口径不够宽;专业基础课模块没有体现基础厚的培养目标。同时专业课模块的专业化教育也有待调整,特别是专业实践课的课时安排必须加强。 二、高职环艺专业课程设置现状的改革 高职环艺专业学生在校时间只有3年,由于受目前国家高考体制制约,高职环艺专业所招的学生基本上有以下两个类型:第一类是以前学过美术,有一定美术基础,但在文史或数理方面基础较差;第二类是文化素质还可以,但原来没有学习过绘画技能,美术基础欠缺。因此,在短短三年时间内,完成高职环艺专业学生教育培养目标,必须对课程设置进行改革。 (一)创新高职环艺专业课程设置基本原则 1.预见性原则 这是面向21世纪,培养适应社会需要的高职环艺专业人才的前提,也是高职环艺专业发展的基本动力,只有对社会、市场需求进行认真研究,准确预测,课程设置才能有的放矢。 2.适应性原则 环艺专业是一门综合性很强的交叉学科,它所涉及的学科范围广、内容多。而高职学生在校时间短、实践任务重,总学时不可能增加太多,因此必须对教学内容和实践项目进行符合社会和专业需求的取舍。力求避免教学资源的损失和浪费,做到人尽其才、物尽其用,使教学工作在有限的课时内收到最合理、最经济、最有效的教学成果,达成培养目标。 3.特色性原则 要紧紧围绕环艺专业培养目标,办出高职环艺专业特色,即要突出高素质、应用型,这是由高职的培养目标、生源和社会需求所决定的。在改革高职环艺专业课程设置时必须牢牢掌握这一原则。 4.创新性原则 创新是设计的灵魂,环艺专业集艺术与工艺于一体,创新是它的主要特征,也是生命活力之所在。树立以培养学生创新思维,提高创新能力为主的课程设置理念。 (二)改革高职环艺专业课程设置的思路 高职环艺专业的课程设置要体现高职教育特色,努力培养学生的创新思维和能力,紧紧围绕“厚基础、宽口径、专业化、应用型、高素质的培养目标”。教学内容强调基础知识扎实,专业面宽泛,改变目前围绕室内设计为中心构建课程体系的思路。 1.必修课的公共课模块 总学时按原课程设置550学时基本不变,在原有的8门课基础上增加“当代中国经济与政治”“大学语文”和“文献检索”三门课程。同时调整各课程的学分数和课时数。“思想和中国特色理论”由60学时调整为36学时;“高职英语”由180学时调整为144学时;“就业指导”由40学时调整为18学时,以体现高职教育宽口径、厚基础的教育目标,改变浙江省高职环艺专业公共基础课程设置口径不够宽的缺点。 2.专业基础课模块 适当增加课时数,专业基础课由原来360学时增加到414学时。专业基础课在保持原有的五门课基础上增加:“艺术概论”“设计史”“建筑概论”三门课程。同时调整各门课程的课时数与学分,素描与色彩由120学时调整为108学时,学分也由8学分调为6学分。构成、计算机辅助设计、设计与速写三门课程由60学时调整为54学时,学分由4学分调整为3学分。 3.专业课的设置总课时基本不变,较大幅度调整课程设置 保持原设置的6门课程外,增加“设计程序”“景观设计”两门课程,同时大幅度调整教学内容,对现有教学大纲和教学内容进行改革和创新。积极吸纳近几年专业领域内的新知识、新技术。力求体现环艺专业研究最新成果,体现高职环艺专业学生高素质的要求。 4.提高学生专业实践课的学习效果 积极引入项目教学法等先进的实践课教学手段,选择企业实践设计的典型案例作为教学载体引导专业实践课教学,提高学生兴趣,发挥学生的主观能动性,启发学生学习的自觉性,提高学习效果。 5.选修课的设置总课时基本不变,大幅度增加选修课的课程设置门数 由原来的9门增加至15门,增幅达60%,以增加学生选课的余地和兴趣。同时,提高选修课的学分数量,以提高学生对选修课的重视程度。并以学科发展与社会需求为导向,积极开设符合高职环艺专业发展需要的特色课程,以提高学生的社会适应性,使学生就业竞争力提高。 三、结语 高职院校环境艺术设计专业课程设置的改革与创新是一个系统工程,也是一项极其复杂的工作。它直接影响学校人才培养与社会需求的对接,关系到专业的生存与发展。必须要在保持总课时基本不变的情况下,增加专业基础课,扩大选修课的学分和内容,以适应“厚基础、宽口径、专业化、应用型、高素质”的培养目标。 作者:吴思 单位:湖州职业技术学院建工分院 艺术设计论文范文:我国城市环境艺术设计论文 1城市环境设计应以城市环境为依托 城市环境从广义角度分析,城市环境包含以下内容:城市所在地的地域空间、物质要素以及城市发展变迁过程中所承载的一切同城市发展相关的要素。城市环境不单单指的是物质层面的环境,还包括同城市文明相关的人文环境及文化环境等。总而言之城市环境包含的内容丰富,概念比较宽泛。在城市环境艺术设计前有关的设计人员应认清城市环境的概念,明确设计的目标。进而以城市现有环境条件为依托和载体对城市环境进行艺术设计,使城市环境具有艺术风格和魅力,进而提升城市的艺术价值和品位。只有将城市环境作为城市环境艺术设计的载体和依托,以城市环境为设计的基础,才能设计出符合城市居民审美观及满足城市居民高品质生活环境的要求的城市环境艺术工程作品。如果在城市环境艺术设计中脱离城市环境为依托,完全采用脱离城市环境为依托和载体的设计理念,那么即使城市环境艺术设计作品完成,投入到城市环境规划及改造工程中也很难体现出其艺术价值。因此,作为城市环境艺术设计工作者,应深刻滴认识到城市环境艺术设计和城市环境之间的关系,即城市环境决定和主导城市环境艺术设计,城市环境艺术设计必须要以城市环境为依托,在具体的城市环境艺术设计中,应根据不同城市所在地的不同环境特征采取不同的设计思路,使城市环境艺术设计思路同城市环境艺术要求相统一、相协调。只有城市环境艺术设计者透彻地分析城市环境,才能通过艺术手段创作出高品质、高品位的城市环境艺术作品,使城市变得更加美丽。 2城市环境艺术设计能够提升城市环境质量水平及艺术气质 城市环境艺术设计工作的开展的前提是必须要有城市环境物质条件、人文风貌及其他相关的条件为基础。城市环境艺术设计者通过采用艺术手段对城市环境进行美化的同时,还需保证城市环境能够满足城市居民生活、生产高质量环境的需求。换句话讲,城市环境艺术设计的主要目的是在保持现有城市环境条件的基础下,对城市环境进行改进和美化,赋予城市环境艺术气质,改变城市环境固有的面貌,以崭新的面貌出现在市民的视野中,通过城市环境艺术设计可有效提高城市环境质量,给城市居民创造良好的生存发展空间,从某种意义上将城市环境艺术设计水平的高低标志着城市文明发展水平的高低。此外,以城市环境为载体和平台进行城市环境艺术设计,还能够改善城市环境气质及艺术魅力。比如我国的一些比较闻名的旅游城市就是通过城市环境艺术设计手段来改善城市环境质量和环境气质,使城市具有鲜活的生命感和活力。诚然,一旦旅游城市的环境质量水平及艺术气质提升了,将会吸引更多的游客前来观光旅游,对促进城市商业经济发展以及城市影响力都有着积极作用。基于上述原因,我国目前的许多城市在城市建设化过程中逐渐将城市环境艺术设计作为城市规划设计的重点内容,以通过在改变城市环境质量及赋予城市环境艺术气质的基础上促进城市经济的和谐发展。加强城市环境艺术设计研究,将艺术的元素融入到城市环境中进而提升城市的整体“素质”是实现现代城市可持续发展的重要战略手段。 3城市环境艺术设计与城市环境存在相互依存,不可分割的关系 对于城市环境艺术设计者而言,必须要遵循以城市环境为依托的原则,透彻了解城市环境和城市环境艺术设计二者之间的关系的条件下进行城市环境艺术设计,如果没有透彻了解二者之间的关系,甚至是在城市环境艺术设计过程中完全脱离城市环境本体,闭门造车,那么设计出来的作品将毫无意义。因此,城市环境艺术设计工作者必须要在设计前认真地了解及掌握城市环境的内涵,透彻地分析城市所在地的环境情况,如城市的人文风貌、风俗习惯、地质条件、地理位置等,在综合考虑城市环境的基础上运用有关城市环境艺术设计知识及手段赋予城市环境艺术气质及内涵,进而提升城市环境质量。相应地城市环境质量一旦提升将会带动城市经济的发展,使城市在一个良性循环轨道上健康发展。所以在城市环境艺术设计过程中应重视城市环境及城市环境艺术设计的关系,其二者之间是相互联系,不可分割的关系,只有准确定位二者之间关系,城市环境艺术设计作品才能体现出其价值,才能为城市环境建设增光添彩。 4结语 综上所述,城市环境和城市环境艺术设计二者是相互联系、相互依存的关系,脱离城市环境本体进行城市环境艺术设计是没有意义的,只有透彻认清二者之间的关系,才能使城市环境艺术设计作品具有意义和价值。 作者:李璐 单位:扬州大学美术与设计学院 艺术设计论文范文:基于语料库的艺术设计论文 1语料库的艺术设计英语研究的意义 语料库的艺术设计对英语的研究具有非常重要的意义,作为语言学研究的一门新兴学科,语料库语言学起源于20世纪60年代的英美国家。随着英语作为国际交流的通用语各行各业都在学习英语。据统计,当今世界的文字出版物和音像出版物大约85%使用英文。英语的能力表现在听、说、读、写、译等方面。在世界上,先进的思想和高深的技术,以及大多数知识分子间的交流都将用英语进行,这就需要我们拥有较强的英语能力。英语学习可以不断丰富人们的文化背景知识,扩展知识面等。所以我们对语料库的艺术设计英语研究,就具有非常大的意义,不但关系着一个人的学习发展,也关系到一个国家的英语学习水平,所以对语料库的艺术设计和英语研究具有必要性和重要性,我们必须要对其进行一定的研究分析。 2语料库的艺术设计的不足之处 虽然我国的英语教育等环节都得到了实质性的提升,且我国也越来越重视对英语语料库的发展和完善。但是在实际应用中,语料库的艺术设计仍然存在很多的不足之处,具体来说,主要表现为以下几点。 (1)语料库的主题索引范围过大 从目前来看,语料库的主题索引范围过大,给搜索造成了一定的影响,不利于提升索引的效率。在语料库进行搜索的时候,我们往往会遇到一些在搜索时出现搜索结果范围过大的现象,这样就对学习者搜索到相应的准确资料造成很大的影响,极大地浪费了时间。这样长期下去对于学习者来说是非常不利的。例如,在英语中,job和work表达两个不同的语义概念,但中国学生却往往把二者当作同义词交换使用。相似的失误还有,用select、choose表达对工作的选择,而英语本族人则一般在job前使用lookfor或take。所以我们必须要对语料库进行一定的改进,以此来促进英语语言的学习。学习英语的过程中,能对学习效果产生重要影响的通常都是学习者情感方面的因素,如学习者对学习的热情度高,便可产生学习者对学习的内驱力,相反如果学生对学习没有投入足够的情感,也就很难拥有良好的学习潜力和积极性。因此,在英语学习中情感因素是很重要的一项,所以我们必须要做到有效提高学习者学习的兴趣和积极性。 (2)语料库的翻译的文化差异性 受到语言间的差异性特点的影响,在语料库进行翻译的时候,会出现一些翻译不准确的现象,而且掌握了一定的词汇还要提高语法能力。语法包括词汇和句法,语法能力是指语法知识的能力以及对构词法和标点符号等方面的掌握和运用。英语不光是词汇和语法这两方面,还涉及到其它方面,各地的文化差异,某些词语概念基本相同,意义其实是表达当地的文化特色。内容一般涉及社会和文化、环境保护、科普常识、教育制度、历史人物等。所以语料库进行翻译的时候,会出现一些翻译不准确的现象,这就需要我们进行一定的研究,进行相应的改进。 (3)单词构词法的练习设计缺乏科学性 从目前来看,一些学习者对单词构词法的练习设计缺乏科学性。对于一些学习者来说,由于受到母语语言的限制,这就需要我们对单词构词法以及语法进行学习,但是语料库在这一方面却是明显比较缺乏,但是正确的应该是将汉语的名词结构转换为英语的动词结构,不显累赘。“在哲学艺术方面的表现都反映出”应译为“Thephilosophical,literaryandartisticworksallreflectthat…”,但是语料库却不能提供给我们相应的训练,所以在这一方面,就需要我们进行一定的研究,进行相应的改进,提高语料库的利用效率。 3如何促进语料库的艺术设计的进一步完善 为了有效提升语料库的艺术设计水平,现提出以下几点建议,希望有所帮助。 (1)扩大词汇量的录入 提高英语阅读水平的关键要素就是掌握足够的词汇量。所以要求语料库的艺术设计在词汇的录入方面,较多地吸收具有文化特色的词汇,这样可以促进我们对文化的了解,提高我们英语学习的文化背景。而在英语学习中要多阅读,在阅读中积累词汇的同时还可以扩大知识面。对于很多死记硬背的学生要学一些构词规则,也要在平时生活中多看报纸、杂志、新闻等,经常记录添加词汇,养成边阅读边记住词汇的好习惯,扩大词汇量。也可以随身携带一本字典,使它来查找生词并记牢。还要适当阅读一些小故事、生活常识和关于社会科学等方面的文章来扩大知识面。所以资料库在设计时,可以增加一些时事新闻方面的内容,便于我们学习英语的积极性和时效性。 (2)提高在线翻译水平,提高语法能力 提高在线翻译水平,提高语法能力,就需要我们在对语料库进行设计的时候,要进行合理化翻译,就是要注意句子的翻译语境,以及句子所处的文化背景,只有这样才能真正加深对句子的理解。每一篇文章都是由一个个句子组成,每一段都有不同的含义,彼此之间有紧密的关联,包括逻辑关系。因此在阅读一篇文章的时候,要想快速知道文章想表达的内容和作者想表达的观点,就要求学习者在平常的时候多多阅读,锻炼自己的逻辑思维能力,边阅读,边思考,读完了文章的内容也大概明白了。否则的话,不能正确理解文章表达的含义,在做阅读理解题的时候就会选错答案。因为语言是逻辑思维的连接点,所以每次练习阅读也是一次思维的练习,不要为了阅读而阅读,要去加强训练自己在阅读同时的逻辑思维,才能提高阅读的正确性和连贯性,最后做出正确的选择。 (3)增加相应的单词句法练习 学习者应该进一步增加对相应的单词和句法的练习,以此来有效提升自己的英语水平。例如基于单词意义的练习设计,在单词学习的过程中,词义无疑是一个应该重点对待的部分。在word一栏输入单词后就可以得到该词的英文释义,搭配、近义词以及语境共现索引行。以facilitates一词为例,与其最常搭配的名词按照出现频率高低则依次为Process、student、development、learning,近义词则包含enable、assist、ease,根据以上信息可以设计题型。只有这样合理的设计,才能使学生学习英语有信心,这是做任何事成功的基础。其次,学习英语要一步一步脚踏实地慢慢来,由简单到困难。建立学习成功的经验,对求知好学的期待有很大帮助,鼓励自己坚持学习英语的热情。最后,必须要清楚学习是一个迎难而上的过程,所以学习者要渐渐加大做题的难度,让自己逐渐适应困难的程度,进而让自己开始有信心,更加自信地去掌握英语内容。 4结语 英语是当今社会最重要的沟通工具,在未来的几十年里,随着社会科技的不断发展国际之间的交往更加频繁,用于外贸、对外交流以及国际性会议等都将于英语进行。英语的学习是中关重要的,通过本文的分析研究,可以进一步促进语料库的改进和完善,促进英语学习者英语技能的提高和发展。 作者:刘昌利 单位:苏州工艺美术职业技术学院公共基础部 艺术设计论文范文:专业实践性教学艺术设计论文 一、艺术设计专业进性实践性教学的重要性及其环节介绍 (一)艺术设计专业进性实践性教学的重要性。 艺术设计专业是一整个比较特殊的专业,教师需要着重培养学生的艺术设计于创新能力,而非是大量的专业知识,这就需要学生能够在实践中欣赏艺术设计、感受艺术设计,从而获得足够的艺术素养,进而真正的学会艺术设计。然而,长期以来,由于教学条件和教学理论的限制,艺术设计专业还是以理论的教学为主,空洞的教学方案使得艺术设计专业的教育理论与实践分离、教育与产业脱节。长此以往,学生缺少对美的欣赏,很难获得足够的艺术灵感,更是难以将艺术设计运用到实践当中。 (二)艺术设计专业进性实践性教学——专业考察。 在艺术设计专业的本科第一年,要以基础技能培训为主,着重培养学生的理论知识与专业素质。从这时开始,就要将专业考察相关的信息传递给学生,学院应该组织实地调研、现场观摩、专题考察、专家现场讲解等与专业息息相关的课余活动,让学生能够真正的了解艺术设计专业,要做到让学生了解今后他们发展的方向。初步的实践性教学可以让学生明确目标,让学生明白艺术设计专业在社会上的工作方向。同样的,学生若能基本掌握艺术设计专业的全部程序和技能,这样既有利于提高设计质量,也能减轻教师毕业设计辅导时的工作量。 (三)艺术设计专业进性实践性教学——技能实习。 在学生对于艺术设计专业有着一定的了解,并掌握一定的专业基础知识之后,就需要展开实习和实训教学,我们将之称为“技能实习”,具体来说是组织学生深入现场从事一定的实际工作,让学生进行独立操作,解决实际问题的教学形式,以提高学生的实践能力,强化学生的专业意识,提高学生对理论知识的应用、发现问题、独立思考的能力。技能实习的重点是让学生真正的将所学知识运用到艺术设计当中,通过让学生提前接触到今后工作可能接触到的内容,来加强学生对于艺术设计的认知与了解。技能实习的内容包括课程实习、生产实习、专业考察、社会调查实践;综合实习包括创新能力训练、现场实习、毕业设计等。 二、进行实践性教学的控制管理要点 (一)提前做好实践性教学的教学安排。 由于开展实践性教学的案例比较少,教师很难直接的获取教学资料,这就需要教师发挥主观能动性,根据现有的资料制定全新的教学方案。在制定教学方案的时候,教师可以通过教务管理部门利用校园网建立健全的教学计划、教学资源、学生学籍与课表编排等电子系统,直接获取与实践教学有关的原始数据,结合实践教学承担单位的具体安排,从而简便、快捷、完整、准确地制定出学期实践教学任务。另外,还要采取互补、协调与一致等原则,安排出科学、合理的实践教学课表,保证教学计划具有良好的执行性和制度的可持续性。 (二)设置合理的实践性教学考核方案。 凡是教学,必要有一个教学考核的过程,艺术设计专业的实践性教学也不例外。而实践性教学不同于其它的教学,它的考核方式不应该局限于笔试,而应该扩展开来,即“实践性考试”。学生通过实践性的学习所学得的内容繁杂,可以通过结业设计来进行考核,要求学生根据实践性学习过程中所学到的东西自行创作作品。这种“实践性考试”方案可以最大程度的发挥学生的自主创造性,也避免了目的性的考核。实践性学习不同于其它的教学方案,它有很强的灵活性,但随之而来的还有着不可控性。在该教学方案下,学生收教师监管的程度较低,因此,应该设立规范的学生考勤、考核制度,避免让实践性教学沦为“实践性娱乐”。参与实践性教学的教师应该建立严格的考勤考核方案,做到每次实践性教学都进行签到和签退,学生请假、缺勤、旷课、不及格的处理,参照学籍管理办法,根据专业课程有关规定执行。每次实践性教学完成之后都进行一次小规模的考核,并将成绩编辑入册,评语归档,与推优评奖挂钩。通过这种考核制度可以有效的避免学生忽视实践性教学的重要性。相信通过合理的考核制度,定能使得实践性教学取得良好的成果。 (三)完善实践性教学资料,做好成果汇报工作。 由于我国艺术设计专业的实践性教学尚处于起步的阶段,还在进行“摸石头过河”的探索过程,相关的教学资料少之又少,因此,每一次实践性教学的资料都使珍贵的资料,教师在完成实践性教学之后,不能放手了事,而要将实践性教学的教学大纲、课程安排、学生作品、教师的教学心得等资料详细整理,并做好资料的归档工作。另外,如果实际条件允许,学院还应该组织参与实践性教学的教师进行教学汇报,分享自己的教学心得,做到资源共享。实践性教学是一个新型的教学方案,教师应该在进行实践性教学之后对学生的整体水平做一个评估,并与之前的数据进行对比,综合研究开展实践性教学的得与失,并在下次实践性教学中对于存在的漏洞进行修正。 三、结语 本文对艺术设计专业的实践性教学方案进行了简单的分析,讨论了该教学方案的具体步骤以及开展实践性教学过程中需要注意的一些问题。实践性教学使教育改革的重要步骤,我国在此方面的参考资料比较少,这就需要各教师要有大胆创新的精神,又要对教学方案进行仔细的斟酌。希望广大教育研究人员对实践性教学加大研究力度,为我国的教育改革作出更大的贡献。 作者:李俊 单位:广西民族大学艺术学院 艺术设计论文范文:课程教学模式下的艺术设计论文 1普通高校艺术设计基础课程教学的现状分析 (1)教学方式强调教师的主导性。 当前艺术设计教育正面临着一个机遇与挑战并存的时代,但由于受多种因素的影响,我国艺术设计教育的发展及其改革的步伐一直滞后于艺术设计自身的发展速度和社会对艺术设计发展的需求程度。高等艺术设计教育必须根据自己的实际情况,培养适应社会发展需求的高素质设计人才。我国艺术设计教育一直沿用传统教学方式,在教学模式过分强调统一,强调正规化;强调课堂教育为主和教师的主导作用,注重基础技法的训练,而忽视学生艺术素养,艺术积淀的训练;注重学生严格按教学大纲要求,按老师的要求完成作业,而忽视了开发学生灵活运用基础知识,主动思维进行艺术创作的能力;注重学生校内课堂的练习,忽视了学生的艺术实践活动,注重继承现有的一成不变的艺术观念,忽视艺术发展的创新。 (2)具体的实践应用的教学模式比较少。 我国现阶段高校艺术设计专业课程设置的研究还比较浅显,大多只是停留在某一个方面,而且注重的是理论层面的探讨、课程结构体系的整合、培养目标和评价体系的研究,并未考虑到我国高校基础课程设置的现状及存在的问题,关于具体的实践应用层面的研究比较少,而从根据地方市场的实际需求出发的教学模式研究就少之又少。从而,制约了地方高校设计基础课程体系的改革与发展。通过对国外艺术设计教育的研究发现,国外更加注重课程开发以及课程实施与社会各界的广泛合作,注重实践课程的实施,以及课程设置的多样化和弹性化,有很多方面是值得我们借鉴与学习的。以期为我国地方高校艺术设计基础课程设置和教学模式的改革提供有益参考,为我校艺术设计教育跟市场经济接轨,能更好地位地方经济服务。 2针对社会需求的艺术设计基础课程教学模式的改革策略 随着教学改革的深入,多媒体教学的应用,使得一些新的、有特色的教学方式融入艺术设计教学中,一些老师进行了大胆而有益的尝试,如让学生成为主体、注重学生健康的审美个性以及在教学环境中营造平等氛围等,这些教学方式的更新取得了一定效果。笔者认为艺术设计学科的教学,应打破传统思维模式,通过创新的教学方法充分发挥学生创造力,激发学生学习兴趣。笔者根据自身的教学实践以及其他方面的调查,发现目前我校艺术设计专业基础课程的教学实践中,还存在很多问题,这些问题会潜移默化地影响我们的教学效果,希望通过对这些问题的分析,能够使艺术设计教学方面取得良好效果。一是忽视学生审美能力和创造性思维的培养,二是忽视学生的实际操作能力,不切实际地照搬央美的课程内容。三是重视理论的学习,课程项目设计都是虚构的,实际上是教学模式与市场需求脱节。针对这些问题,提出几点建议: (1)设计基础课程的设置首先考虑的是提高学生的审美能力 通过领导学生到当地的中大型企业考察时尚造型、色彩潮流等,使得学生的审美能力提高了并且与市场需求相吻合。艺术设计基础课程的内容设置以学生的兴趣为出发点,注重对学生实践能力的培养和发挥学生自主学习的能动性。每年都会邀请知名艺术家、设计家来院系作各种讲座和报告,让学生更多地了解和学习现代艺术的发展动态和趋势。美国几乎所有的艺术设计学院都非常重视动手能力的培养,教室就是工作室,里面大部分是操作间和工作台,很少有课桌。通过实际的操作,学生能感受和体会到实际设计中动手的细节,有效提高了自身的实践动手操作能力。姚小刚在《比较视野中的中国艺术设计教育》文章中提到美国克兰布鲁克学院的教学模式的特点是“工作室”教学,办学机制是产学研一体化。 (2)设计基础课程内容的设置邀请本地企业用人单位参与 课程结束后,学生就能完成相关的工作,有较强的实践能力和创造力,向社会输入高级应用型人才。党的十八大报告对教育工作做出了重要部署,特别强调“加快发展现代职业教育”,进一步明确指出今后教育事业的发展目标定位和战略选择。本人认为发展人的创造能力与创新精神是当前中国艺术设计教育的目标。而艺术设计教育的目的是通过学生对艺术设计方法、技能以及思维能力的训练,培养出符合人们需要、满足社会需求、具备扎实的实践能力与较高的创新精神,能够适应教学、设计等综合型的设计人才,重点在于对学生实践能力的培养与创新思维能力的培养。对于艺术设计的学生绝不能仅仅只是传授一些基本的理论知识和制作技能,还必须培养学生关注市场、提高实践能力、培养学生的创新能力。因此,必须分析我校目前设计基础课程设置内容和教学方式不足的方方面面,针对问题召开座谈会,向设计公司负责人了解当前艺术设计毕业生的工作能力和创造力,市场需求信息,进行统计、分析和整理。确立艺术设计基础课程内容和“培训包”课程的设置,学生走出校门就能顺利就业,实现和世界市场接轨。 (3)创建职业“培训包”课程与部级职业资格证书考试直接挂钩 培养高级技能型人才,从容地实现为地方经济服务的高等级教育目标。德国包豪斯学院为现代设计教学奠定了基本的理论框架,并为世界各国所借鉴,同时,德国的“乌尔姆设计学院”构建了一整套完备的理性主义的现代设计方法。其最大的特点是,把艺术设计教育与现代科学技术相结合起来,把艺术设计教育转移到科学技术的基础上来。德国的艺术设计院校还特别注重教学和实践的衔接,设置各种实习车间,如模型车间、木工、金工、陶瓷、塑料成型、染织、石版车间和书籍装订车间等等一应俱全。另外,积极地与企业进行合作,培养学生实际动手操作能力。召开小型座谈会向设计公司负责人了解当前艺术设计毕业生的工作能力和创造力,课题所需要的信息,进行统计、分析和整理。确立艺术设计基础课程内容和“培训包”课程的设置,学生走出校门就能顺利就业,实现和世界市场接轨。 (4)创新性教学模式的探索。 例如,命题式教学、工作室式教学、模拟公司式教学、参与比赛式教学、实习基地式教学、课程支援式教学等等。就目前来看高校艺术设计教育最薄弱的环节恰恰就是实践教学与对学生创新能力培养这样两个环节,学生制作的作品基本都是假设出的课题,使专业学习与企业需求不合,很难使学生了解市场的真正需求,学生在课堂得不到真正的锻炼,致使学生在实际中很难应对。在高速发展的现代社会中,商品经济十分繁荣,市场竞争日趋激烈,经济的发展必然将艺术设计推向一个重要位置。同样,艺术设计的发展也将给经济的发展带了一个更加广泛的市场。一方面,艺术设计的发展促进了经济的发展;另一方面,经济的高速发展也为艺术设计人才的培养提出一系列的要求。社会经济的发展离不开人才的培养,艺术设计人才的数量与规格,可反映一个国家和地区的科学与文化发展的进程,同时也可从中看出该国家和地区的经济实力。所以它必须培养学生关注市场、提高实践能力、培养学生的创新能力。 作者:胡美芳 单位:湘南学院美术与设计学院 艺术设计论文范文:现代绘画作品中艺术设计论文 一、现代绘画的发展阶段及设计理念 20世纪初期,法国野兽主义绘画和德国表现主义绘画出现,这两种绘画流派的艺术形象均极度夸张甚至趋于变形,色彩明暗对比强烈,笔触豪迈粗犷、潇洒不羁,标志着现代绘画的正式诞生。1907年,法国立体主义绘画兴起,以抽象的块面进行构图,完全打破了传统绘画中画面的完整性,现代绘画由此进入独立的逻辑创作阶段。1909年,在现代科学技术的启发之下,意大利未来主义艺术家尝试通过对线、形、色、光的重叠排列来表现物体的运动感、速度感乃至光感和声音。同时期出现的德国青骑士社将表现主义推向新的高度,在造型设计上无限夸张、强烈扭曲、极度变形,在色彩运用上强弱突出、对比鲜明,在创作技巧上则采取富于哲理意蕴的抽象或半抽象手法,直接促成了抽象主义绘画的产生。抽象主义绘画不再强调形象的象征意义,而是主张使用点、线、面和色彩等基本的绘画语言来传达艺术家的主观情感和态度。第一次世界大战期间,达达主义流派在瑞士形成,并迅速流行于欧洲各国。它完全否定了以往的艺术规范,采用彻底的虚无主义,将拼贴手法、偶然机遇等融合于美术创作之中,个体主观性色彩极强。二三十年代,超现实主义出现,它以精神分析学的潜意识学说为艺术创作的优秀理念,主张从梦境、潜意识和臆想中获取灵感,创造出完全摆脱现实束缚的超现实画面。二战后,现代绘画在美国获得进一步发展,分化出抽象表现主义,这种绘画风格集抽象主义、表现主义和超现实主义于一体,彰显出极高程度的自由和个性,构图设计与色彩安排的独到性将现代绘画推向又一个高峰。 二、以抽象变形为构成原则的艺术设计 俄国画家康定斯基是德国青骑士社的重要代表,也是投身抽象主义艺术创作的领军人物。他指出,“点、线、面是造型艺术最基本的单位和语言,它具有符号和图形功能,可以表达不同的性格和丰富的内涵,它具有抽象的形式、艺术的内在本质和非凡的精神”。点是相对于所存在的空间而言面积和体积都非常小的空间占有实体,形状对它来说无关紧要,这就赋予了点以实质的抽象性。线既可以是任何物体的运动轨迹,也可是视为任何形态细长之物的简约存在,在形式上具有高度的概括性、简化性和普遍性,因而也是一种典型的抽象元素。面同样如此,任何一个二维空间,无论形状如何、尺寸如何,均可归为此类,相对于点和线而言,是更为直观的抽象存在。基于其自身的抽象特质,点、线、面的艺术性结合也是抽象的。在现代绘画中,艺术家不再囿于自然事物的本来面貌,而是经过自身情感的加工与个性的灌注,通过剖析内力的运动变化,对事物的外在形态进行抽象变形,着力刻画物质的内在本质,而这种内力的运动变化则被艺术家们视为自然物质的生命活力。因此可以认为,现代绘画是通过点、线、面三种艺术元素的运动组合来表现形态的抽象变化,包括形态的节奏、韵律、方向和位置等,继而展示形态之下饱满的生命活力。例如蒙特里安的作品《树》,通过纵向与横向的线条来表现树木的生长规律与生命特性,位于中心位置的模糊可见的主干,则展示出树木生长运动的主要脉络。由此可见,以抽象变形为优秀的构成原则所强调的是事物内部的气势、节奏和生命力这些共性的存在,而不再是外形这种个性因素。这就说明,尽管抽象变形之后,事物的原本形态在现代绘画中不复存在,但其本质的、共性的内涵却清晰可现。又如,在米罗的《绘画》中,观者可以发现其中的很多形象都是由单纯的点构成,并且这些点是富于思想、蕴含表情的,它们艺术性地连成线、结成面,令整个画面充满动态美、节奏感与灵活性,让观者产生无限联想。 三、以分解组合为形态要素的艺术设计 现代绘画以分解组合为形态要素的艺术设计主要体现为三个方面,分别是打散构成、立体解析和意义合成。打散构成是指,在现代绘画中,艺术家往往以局部为形态要素,把单一的自然形或其变形自由分解为部件,这些切断后的部件可以不再具有自然形,也可以不再具有原本的功能,随后,艺术家把这些部件作为绘画的构成要素,使用全部或其中的一部分来构成新的形象或画面。打散构成是一种自由的分解组合,具有同一性的部件经过重复组合,便可创造出一定的节奏和韵律,进而产生和谐统一的整体美感。例如,在康定斯基的《几个圆形,第323号》中,重复出现了众多大小各异、颜色不同的圆形色块,它们在暗夜之中静静流淌,相互重叠而又彼此分离,整个画面展示出一种强烈的节奏感和运动感,还体现出强烈的和谐美和韵律美。立体解析是一种有规律的分解和组合模式。在这种模式之下,艺术家把单一的形体分解成为多个立体投影图,再通过诸多艺术手段,将这些投影图组合成为崭新的画面形态。这种分解模式能够让画面产生一种支离破碎的美感,并能营造出一种传统美术所不具备的多维空间感受。西方现代立体主义大师毕加索就是立体解析的典型代表,他将爱因斯坦的相对论与绘画完美融合,把所要描绘的对象分解为多个形态各异的部分,创造出与众不同的视觉美感和空间概念。例如,在《拉提琴的人》中,毕加索为观者提供了多个观察角度,观者可以通过不同的视角看到同一对象的不同侧面。美国画家希勒继承和发展了毕加索的立体主义,他的《震教徒的农舍》在画面中同时呈现出正面和侧面效果,左侧似乎是蓝天,但上面点缀着三扇窗户,又像是农舍侧面的墙壁。整个画面呈现出复杂的几何式构造,构图严谨稳固,视觉效果丰富,既体现出极强的秩序性,又彰显出透视重叠的效果,源于现实而又超越现实,艺术色彩浓厚,令观者产生耳目一新之感。意义合成是指对多个形态进行分解,从中挑选出一部分意象进行组合与重构,对意象的意义进行叠加,继而扩大形象的内涵。不过,融为一体的意义相互之间并不能保证是完全肯定和包容的关系,它们往往与现实不符,是一种偶然的、随机的结合,呈现出超自然和超现实的特征。通过这种艺术设计方式所构画的图像能够带给观者强烈的内心冲击,让他们产生丰富的联想,感受到图像背后艺术家深刻的思想与充沛的情感。意义合成方法的运用主体是超现实主义画派。超现实主义艺术家强调远离或超越现实,潜入人的内心世界,其创作灵感大多来自人的潜意识及幻觉。他们结合弗洛伊德的精神分析学说,运用夸张、变形、分解、种族、错位、叠印、倒置等艺术手段,将一些毫不相干的形象拼凑在一起,塑造出近乎荒诞的心理幻境,借此表现人类复杂多变的精神世界。例如,西班牙超现实主义画家萨尔瓦多•达利的《记忆的永恒》,画面中三块停止行走的时钟几乎完全脱离了现实的形态,它们像柔软的面饼一样,一个软绵绵地挂在树枝上,一个呈九十度直角耷拉在像是长着婴儿脸的怪里怪气的生物上,还有一个搭在生物旁边的平台边沿上,仿佛就要融化一般。在空洞荒凉的海湾背景之下,三个超越现实的时钟向观者呈现出一个时间已经绝对停止的绝对安静的世界。在这幅图画中,各个形象细节精准,除却三个钟表以外呈现出高度的写实性,但整个画面在视觉上却带给观者一种荒诞怪异、不合逻辑、同时又似梦似幻的感受。 四、结语 总之,现代绘画作品追求的是一种纯粹艺术化的设计形式,通过具有高度抽象性和普遍性的描绘手法,去表现事物的内在本质,传达艺术家的深刻情感与丰富哲思。它的兴起催生了一系列崭新的艺术形式,极大地促进了绘画艺术的进步,也推动了艺术设计理念的变革。它那以抽象变形为优秀的构成原则和以分解组合为形态要素的艺术设计引发了设计理念的变革,使现代艺术设计朝着更具生命力与感染力的方向不断迈进。 作者:倪明 单位:宿迁学院五系 艺术设计论文范文:环境艺术设计中城镇形象设计论文 1环境艺术设计中生态理念的特点 1.1持续性 现代社会物质和能量的开发要有一定的节制,在满足当代需求的同时还要考虑到后代的需求,要在不危及后代人的正常生产生活需求的基础上进行合理的开发,体现了生态理念的持续性。要实现持续发展,就要合理的规划设计的构思、布局结构以及设施设置等,有效地利用可再生自然资源,实现可再生自然资源的优化配置,同时采取措施不断地减少对不可再生资源的浪费,发挥其最大的生产效应,为人们的生活创造更加舒适的环境。 1.2循环性 实现对生产生活所需要的物质和能量的有效利用,使得使用过的废料可以继续通过科学的加工利用到生活当中,最后得到自行分解,尽量减少对周边环境的污染,体现生态理念的循环性。生态理念的循环性使得能量利用、物质消耗以及信息分解等形成一个循环的体系,在自然中,物质和能量的流动是一个闭合的循环流,而生活中的物质和能量的使用是单向的,人们在生产生活中产生的垃圾和废弃物会对周边环境造成大量的污染,因此在环境艺术设计中要考虑到环境的承载力,合理科学的利用和处理资源。 1.3高效性 在现代的生产生活中依然存在着严重的浪费现象,资源得不到有效地利用,加大了资源的投入成本,而生态理念下的生产生活要求最大限度地利用可再生资源和不可再生资源,以最低的成本投入来获得最高的资源利用率,改善资源利用和发展模式,努力实现资源的合理配置。 1.4多样性 随着人们的生活水平的不断地提高,对于环境设计产品的需求也越来越多,逐渐呈现出多样化和复杂化的特点,因此要提供更多选择的环境设计产品,促进多样化的消费,降低因为无节制的扩大消费而造成的环境压力,转变人们被动的消费选择方式,提供有利于人类和自然环境和谐相处的多样化产品,使得环境艺术设计具有更大的实际意义。 1.5舒适性 环境艺术设计生态理念要满足居民的物质和精神需求,既有益于人们的身心健康,又能够体现设计的审美价值和激发人们的生活情趣,体现生态理念的舒适性。 2环境艺术设计中生态理念下的城镇形象设计 城镇的形象设计与环境艺术设计密切相关,对乡镇进行合理的规划建设是当代促进乡镇发展的重要内容,环境艺术设计生态理念体现了生态与人文的统一、现代与历史的统一、艺术与科学的统一,运用科学的设计方式,进行大胆的创新,树立良好的城镇形象,推动城镇建设与自然环境的和谐发展,努力提升居民的生活质量和水平。环境艺术设计中生态理念对城镇形象设计的具体启示。 2.1城镇形象设计的原则和范围 生态理念影响的城镇形象设计要充分地考虑到居民的听觉、嗅觉以及其他的感官感受,营造和谐的艺术氛围。城镇当中包含着人文要素、人工要素和自然要素,要做到三者的和谐统一并不容易,既要考虑到整个城镇的形象,又要注意环境艺术设计的每一个环节。城镇环境艺术不仅仅是建筑建设,更重要的是设计理念的价值体现,要不断地加强环境艺术意识,体现生态环保的设计理念,更要受到建筑设计和规划的限制。不仅要完成城镇规划中的各种策划,而且还要弥补建筑设计中存在的缺陷,提高城镇形象的设计水平。 2.2在城镇形象设计中的生态理念要体现以人为本 城镇的形象设计要对居民的综合感受进行全面的考虑,可以通过丰富的想象对居民的感官进行刺激,对居民的生理和心理产生良好的影响,使得居民能够保持轻松愉悦的心情。环境艺术设计和城镇形象设计主要是在视觉艺术的基础上来发掘触觉艺术、味觉艺术等感官艺术,从而创造出具有民情特色、地域特色的城镇形象。城镇形象设计将审美需求、材料选择以及功能进行协调统一,促进城镇的可持续发展,改善居民的生活条件和居住环境。 2.3城镇形象设计中的设计要素和设计结构 城镇环境艺术是从不同的时空、层面、角度进行综合分析,体现城镇形象的审美价值和艺术价值。城镇的设计结构是按照从整体到部分、从小到大、从具体到抽象的顺序进行的,要体现生态理念中整体与局部、要素与系统之间的协调统一。 3结论 环境艺术设计成为当今城镇形象设计中所关注的焦点,因为城镇的发展没有考虑到对生态环境的保护,只是片面的追求先进的设计风格,而缩短了建筑的使用寿命,导致大量的建筑损坏,制造更多的建筑垃圾,极大地影响了人们的身心健康。污染物的随意排放和扩散极大地污染了生态环境,所以要把环境艺术设计与生态理念相结合,为城镇的形象设计做贡献,提升城镇的环境质量,促进其长远发展。 作者:欧阳尚海 单位:长江大学艺术学院 艺术设计论文范文:创意产业视野下的艺术设计论文 1提高教师的专业水平 创意产业视野下的艺术设计实践教学课程,老师是站在第一位的,是学生在实践教学中的引导者。而如今老师的专业水平明显不高,老师的艺术设计素质不高会造成学生掌握的知识面相对少,对艺术设计实践教学课程产生影响。教师学位的高低情况也会对艺术设计实践教学课程有阻碍,采取有效的教学方式来提高,对提高教师的师资水平应采用有实践意义的教学模式,且要对教师的教学质量也提出高要求。在实践教学中教师不仅要具备良好的教学质量,同时具备高艺术设计水平,阅历很多社会实践经验,教师在实践教学中要具有调解能力与交流能力,这样教师的专业艺术水平明显提高,从而提高学生艺术设计水平。实践教育这个关键环节更需要培育一批具有专业性较强的教师团体,如何发挥好教师这个队伍的主导作用成为学生们的引领者,教师的主导作用会对实现实践环节的教学有相对的影响。所以支持教师和鼓励教师在工作中要做到深入发展学位、积极参加科学研究活动,并且在国内外高知名度、高水平的研究基地中研修学习,开展与其他学者交流学习以及专业艺术能力培养的专题,让教师在交流的过程中自己的专业水平有很大的进步,且创新能力也会随着教学的交流得到提高,组织协调能力有所改观,构建出具有高素质教师队伍,可以提高实践教学的重要作用。在我国各所艺术院学校正在采用多个渠道来提升艺术设计教师们整体水平。例如,要求制定教师队伍研修制度以及构建终身学习制度,同时要求教师与其他学校的教师队伍交流学习经验,从学校的角度出发,邀请具有较高的知名度和高水平的专业人员参与到日常的教学中进行探讨,运用聘请相结合与采用学院的培养的这两种方式,采用高资历、高素质、高专业水平的人才到我校进行研讨与实践教学,让学者们组成对艺术设计实践教学课程提建议的讨论组合,教师在该讨论中也能把新的创新思维传递给每个学者,也让教师的得到锻炼,且提高教师的专业水平。 2实践教学要重视学生的创新意识培养 当前的艺术设计的课程中,要重视培育学子们的创新思路,艺术设计的专业领域里对教学实践这个环节应该侧重讲明设计运作中的过程,根据设计目的的要求,从前期调研工作、设计推敲、小组讨论、环境分析等方面进一步分析实践教学。要求的是要对学生们实践思维与创新的思维的进行培养与锻炼。要更好地进行艺术设计实践教学,促进艺术设计实践教学得到明显的提升,要依靠丰富学科知识。而对艺术设计普及的知识层次来看其中的多元性就代替了艺术设计实践教育的因素,所以对艺术设计教学内容要求涉及有关知识的领域是与多个方面相结合的,艺术设计教育的课程与实践课程框架应该是与多个方面相结合,将专业理论课、基础课、专业基础课进行合理的规划,建立与艺术设计专业方向有关的自然科学和人文科学,以两者合二为一的方式交叉进行实践教学,通过采风、讲座、参观等方式来展现,让学生了解更多的相关的领域的知识,且广泛接触相关知识,通过运用特殊的教学方式,确保学生创造性思维得到有效培养。 3合理的规划出一套实习方案可以有效地提高实践教学 每个艺术类的学院办学都有自己的教学特色,办学特色可以根据学校的优良传统与教学优势,建立有效的教学方案,体现出自己的专业特色。如今来讲,艺术设计在社会经济发展中有相对的效益,这就需要以消费者的角度来定夺,让消费者带动发展,更好的实践艺术教育要与市场相结合,如何让艺术设计专业教学得到有效性的发展,在实践中不能光说不练,思考问题要结合市场。艺术设计专业性开展的平台有很多,有学校的艺术设计实践教学园地、艺术设计实验室创、意产业下的艺术教学研究地以及与社会相关的实践基地。合理的规划出好的实习方案从而有效提高实践教学,学生的艺术设计水平也会提升。 4很多国家对就业水平重视 学校就业宣传教育的开展工作,不仅是以我国时展的需求作为基础,同时还应该符合市场的发展现状,要培养出有创新型的人才,建立创新的人才是根据国家的需要而不断创新,就业教育在艺术设计的实践过程中被确立为主要的目标。我国的就业教育明显比其他能力强的国家相差一大截,且起步跟不上发达国家的脚步,与西方发达的国家的就业教育相比较的话,我国在艺术设计领域明显过于短暂,且我国的艺术设计也存在许多的不足之处,艺术生实践课程需要靠学校自身的努力。在政府的推动下,各学校积极在课堂上对学生们进行就业教育活动,单单在课堂上对学生讲解就业教育问题,从实际上看不能根本的解决问题的关键,把实践教学课程与社会的资源相结合,发展学校与企业的合作,艺术类专业与创意产业相结合,成为艺术设计实践教学与就业教育共同发展的结合体,从而让学生普及自己的知识面,丰富学生社会实践经验,让学校在开展就业教育有很大的发展空间,就业教育的发展与进行将体现出国家的进步与发展有相关的联系。往届的毕业生在就业时候要考虑从事艺术类的工作,与在学校所学的艺术设计实践教学有相关的联系,学校对学生专业的普及,要重视把艺术设计专业与就业教育课程相结合,让各自都有明显的发展与进步。 5结语 进入21世纪以来,我国设计艺术教育成为社会经济建设的主导者并占有一席之地,在创意产业视野下对高素质的艺术设计人才持有较高的重视。现今的社会越来越信息化,信息技术也在不断的改革与进步,文化创意产业得到良好的发展与艺术设计的水平有相关的作用。实践教学中要确保艺术设计被采纳就应该提高教学的水平改正自己的不足,从而,构建好的教学模式,建立好的实践教学课程体系,让教师的学位有明显的提升,开展实践活动鼓励学生参加。 作者:朱笛青 单位:湖南科技职业学院艺术设计分院 艺术设计论文范文:博物馆陈列艺术设计论文 一、充分发挥场景直观生动的特性 传统陈展中往往是文物或其它展品的机械罗列,很少运用场景展示,因而显得单调呆板,缺少生气。场景展示是改变这种状况的一个有效方法。场景展示这种形式因其形象逼真、直观生动而成为当今博物馆的陈列和多种主题的大型展览普遍采用的表现形式。场景可以是典型人物、事件的情景再现。如中国文字博物馆第一展厅中,有一组商王问卜的场景,解释商朝时期甲骨的用途--占卜。表现商王问卜的瞬间,大臣以跪姿出现,并等待商王宣读占卜结果,中间有红色火堆,祭祀的人正在操作,周围有两个红色纹样装饰的柱子,所围合的环境,所有的操作只是在一块巨大的龟甲上面完成,背景利用动画剪影的手法,来介绍内容,串联文物陈列。景场也可以是以某主题为线索贯穿起来的文物集合。 二、注重人性化和观众的参与性 陈展工作创新的一个重要目的就是要克服传统陈展模式冰冷呆板的弊病,树立服务大众的意识,坚持以人为本的理念,重视观众心理需求,坚持人性化方针,调动观众参与热情,充分发挥博物馆的服务功能。注重人性化应该体现在陈展工作的各个方面。应多替观众着想,在陈展布局及服务设施方面,突出以人为本的特点。在形式设计中突出以人为本,切实考虑群众的认知特性及心理特征,办出符合观众需要的展览。 在参观通道、展板高度、展板大小、色彩、灯光等方面注重人性化设置,运用心理学和工程的方法,使陈列形式适应观众的感觉系统特性,并使用声音、气味、暖通等辅助手段,可充分激发观众感觉系统的功能和诱发观众良性的心理效应,从而加深对内容的理解和记忆。中国文字博物馆在前期设计准备阶段,就对展板高度,展板大小、色彩、灯光等方面做出了严格的论证工作,充分考虑参观群众的需求,并制作模型样板,审核设计效果。中国文字博物馆在基本陈列的六大展厅中,都设计有互动项目,从动手识甲骨、金文图形选择、汉字计算机输入等来体会汉字从古到今的发展演变历程。能够吸引观众亲身参与,动手动脑,体验展品的丰富内涵和独特魅力,这样的展览一定是成功的。观众参与程度高的展览,其展出效果一定比较理想,反之,效果则必然不如人意。 三、利用现代科技手段突出个性特点 利用现代科技手段,狠抓个性特点,是陈展工作发展的基础。如何设计体现博物馆的个性特点,营造出奇光异彩的具有自己特色的陈列展览,已经越来越受到博物馆工作者的重视。追求个性化的陈列展览是当代博物馆发展的必然趋势,只有充分发挥自身优势,运用现代科技手段,以创新的理念为指导,不断探索适合自己的发展模式,才能实现陈展工作的突破和飞跃,才能创造出更多更好的、观众们喜闻乐见的、具有个性化的陈列展览精品。 《文字过大年》展览,运用生动活泼的文字演变模型演示汉字起源,用欢乐喜庆的对联、年画、剪纸、灯谜展示文字风采,在用色方面,选用大红及大黄传统色调,突出节日的喜庆氛围,并增加红灯笼、中国结、组字拍照等辅助手段,营造年味氛围。此次“文字过大年”展览可以说是文字与春节的完美结合,是一次非常有个性的展览。个性化特征应立足于本馆的实际展示内容,充分发挥本馆的科技技术优势,运用新颖个性的展示手段,营造个性化的陈列展览。 四、总结 随着科技的进步,高新技术的发展,许多博物馆根据陈列需要引进声光电、4D、计算机等现代先进的科学技术。声光电技术以其强大的视觉冲击力和新颖独特的个性受到普遍好评和广泛应用,使展览增加了的诠释手段,增强了展览的震撼力和视觉效果。中国文字博物馆《甲骨纪事》展览单元内的甲骨整治声像系统,短短60秒,把甲骨的整治过程阐述清楚,时间短内容强,可谓静态实物展览的有益补充。博物馆陈展艺术设计不只是我们论及的这些方面。同时,陈展创新也是一个动态的、长期的任务,不可能一蹴而就,应该坚持不断实践,长期探索,使陈展工作与时俱进,常办常新。 作者:贺春辉 黄冬冬 单位:中国文字博物馆 保定职业技术学院 艺术设计论文范文:现代高等艺术设计论文 在现代高等艺术设计教育中,所谓的“传统艺术设计教育”是传统的艺术学院教育传承下来的,主要是通过艺术基础训练培养有一定艺术素质和艺术创造能力的人才的教育方式。一般传统艺术设计教育在入学时就注重基础美术,大部分生源来自我们所说的“艺术生”,都有一定美术基础的训练,但要通过更专业的设计训练才能成为社会需求的人才。而现代艺术设计教育更强调现代电脑软件的运用和设计,就是现代高等艺术设计教育中常讲的技能的教育,且有大部分学生并没有美术和艺术基础,而高等院校艺术设计教育,因为要考虑现代设计方面的问题,所以在传统艺术设计教育方面还有很多不足,如基础课程开设时间太短,素描、色彩等开设的时间一般是一个学期,而许多没有艺术基础的学生在一个学期的学习中,基础课程只能是“过眼云烟”!而一个艺术设计的学生没有扎实的艺术基础,就像一栋大厦的建设没有基础一样,其它的学得再好,终造就不了一栋艺术的大厦。当然,如果只注重对艺术基础的训练,不注重电脑信息和各种软件处理的学习,以及社会实践,也是和现代社会脱轨的。因此我认为现代高等艺术设计教育,应从处理好上述所言的现代艺术设计和传统艺术设计两种教育模式的相互关系入手。 在实践的现代高等艺术设计教育中,只有先按照现代社会的需求,从人才培训计划入手,先抓好各艺术设计专业的较为扎实的艺术素质教育,又有合理的技能教育,合理安排理论和实践时间,有针对性地对待各艺术专业的基础课程与专业课程。 在现代高等艺术设计教育中,首先应该确定传统和现代两种教育模式应该是并存的,缺一不可的。高等艺术设计教育培养的学生,应该是具有比较高的艺术素质功底和艺术创造能力,又有很强的信息处理和软件操作能力,以及社会实践的能力的。通过对我国高等艺术设计教育现状的分析,我认为加强传统艺术设计的教育是当务之急。高等教育中艺术设计的教育,不仅是一种技能的教育,更是一种社会行为和文化行为,这就要求职业院校的艺术设计教育不能庸俗化、简单化和遵从简单的实用主义。 理解“学以致用”要从精神之用和物质之用、间接之用和直接之用、即时之用和长期之用多角度去思考艺术设计教育和教学工作。加强传统艺术设计的教育就是强调艺术设计是一种社会行为和文化行为,从根本解决简单化、庸俗化去对待艺术设计教育,提高学生艺术素质的同时,开创学生的艺术创造能力,艺术设计不能只讲究实用,更应从精神方面去满足人们对美的需求,作为一个合格的高等院校的艺术设计系,教育教学的目的就必须使学生达到艺术和实用相结合,符合社会的需求和发展。 我们应该知道,有很强艺术功底的人,学习信息处理和软件操作技术是很快就能掌握的,但一个计算机信息处理和软件操作人才,要想很快地提高艺术创造水平,那是很难做到的。因此,高等艺术设计专业教育教学的思路应该先重点加强传统艺术基础课的训练和提高艺术素质,再施以现代艺术设计中的信息化处理和软件课程,两者相结合,才能造就适应社会的人才。 社会在发展,教育也会随着社会的发展而不断变化,作为艺术设计教育的一份子,更希望和大家一起研讨艺术设计教育的方式方法,为高等艺术设计教育添砖加瓦。 作者:张琦 单位:广州南洋理工职业学院 艺术设计论文范文:现代纺织艺术设计论文 一、纺织产品中敦煌艺术元素的应用 (一)卷草纹在纺织艺术设计中的应用 卷草纹的设计多取忍冬、荷花、兰花、牡丹等花草,它的造型是经过处理后,呈现出一种S形波曲状排列构成二方连续图案。因为花草的造型大多呈现出卷曲圆润的特点,所以就被称之为卷草纹。早在汉代的时候就出现了卷草纹,到了唐朝以后,卷草纹达到了鼎盛时期,逐渐的摆脱了传统中忍冬花的造型设计,不是仅仅停留在对于线条的追逐,更加讲求丰满的肉质。卷草纹作为敦煌装饰艺术中具有特色的纹样,主要的设计是在卷草纹的藤蔓上配置牡丹花、茶花、莲花、石榴等形象,并且与连绵不断的枝茎相组合,再加上一些叶、花、果实的搭配,将飞禽立于枝头,表现出的景象就是一派生机盎然。在这种设计之下,卷草纹姿态就会有一种流动感,体现出一种婉转自如,似是而非,别具特色的花枝叶蔓。卷草纹在纺织艺术的设计之中的应用,就应该选取一些适当的图案,将其镶嵌到纺织品之中。在设计的过程中,应该借鉴卷草纹的那种流动感,体现出它的婉转自如。对于纺织艺术的设计来说,应该学习的是卷草纹中对于肉质丰满的追求,不要仅仅停留在对线的追求。这样才能更好地进行设计工作,创造出更加完美的纺织品。 (二)莲花在纺织艺术设计中的应用 莲花是佛教的四大古花之一,同时也是八宝之一,也是佛教的九大象征之一,在佛教中占着非常重要的地位,甚至被称为圣花。莲花所表现出的是圣洁与吉祥,是出淤泥而不染的代表,因此可以作为一个主要的佛教象征。从古至今,人们对于莲花的喜爱就没有停止过,最看重的当属其洁身自好不同流合污的高尚品质。因此,如果将敦煌艺术中关于莲花的因素设计进去,就可以提升纺织品的品味,提升其艺术性。 二、应用时应注意的问题 首先,应该慎重地选取设计的元素。敦煌艺术中涉及到的种类繁多,其意义也各不相同。因此在进行纺织艺术的设计之中,应该慎重取材,选择合适的元素设计到纺织艺术之中,这样才能更好的体现出纺织艺术中的敦煌色彩。比如。荷花,在印度就是坚贞纯洁的象征,而在日本则是祭奠亡者的意思。因此,对于纺织艺术的设计,应该根据当地的文化,结合敦煌文化,更好的促进纺织业的发展。其次,应该有准确的市场定位。纺织艺术的设计,最主要的是为了让纺织品更具艺术性,取得更好地销售业绩。因此,要注意市场的消费对象,这样才能更好地将纺织品销售出去。敦煌艺术可以说是佛、道、儒的共同产物,所以在纺织艺术设计的过程中要兼顾文化与市场,实现纺织业的更好发展。最后,要注重传承与发展。在进行纺织艺术设计之中,不应该仅仅局限于原有的敦煌艺术之中,不仅要对敦煌文化进行传承,还要进行适当的发展。只有在继承了传统的文化基础上,再进行一些适当的创新,这样才能实现纺织艺术设计的更好发展。 三、结语 将敦煌艺术的元素应用到纺织艺术设计中,可以极大地提升纺织产品的艺术性。而敦煌艺术作为多元化艺术相互包容与融合的典范,敦煌图案中的典型元素不仅包含着佛教的标识性意义,最重要的是兼具本土气息、异域情调以及中西合璧等特色。将其融入到纺织艺术设计中以后,可以提升纺织产品的艺术性,更好地促进纺织业的发展。 作者:李惠 单位:南通市三威家纺科技有限公司 艺术设计论文范文:广告艺术设计论文 一、广告设计中图形创意的作用分析 1.打造更好的视觉效果 好的图形设计是通过最简单、清晰的方法表达出来的。在这个充满视觉冲击的时代,人们对新颖的、视觉冲击鲜明的图片更加地喜爱和关注。在图片创意设计的时候,要尽可能地用简洁准确的图形设计来表达创作思路,并能够体现设计者的设计理念和产品的信息。在广告设计中,要突出图形本身与产品的联系,以及图形在推广中所产生的效应,因而,优秀的广告设计中的图形在注重文字语言和视觉形象有机结合的同时,更重要的是要具有强烈的视觉感染力,这也是文字广告所不能达到的效果。 2.独特的表现力和优越性 随着消费需求的个性化发展,人们已经对传统的视觉感知麻木,在追求新鲜的好奇心驱使下,更加关注与众不同、表现独特的广告,独特的视角、新颖的设计理念和表现手法都是营造视觉新鲜感的方式,同时,图形本身就具有直观生动性,在设计人员的加工处理下更加突出其趣味性和幽默感,这也迎合了大众的心理需求,从而能够在最短时间内让消费者了解到设计者的设计理念和产品信息。除此之外,图形还具有国际性的特点,它突破了语言文字所带来的地域障碍,能让更多人了解和关注,从而达到更有深度、更为广阔的传播目的。 3.准确传达信息 广告设计的基本要求就是要在有限的时间内让大众能够对其内容和所传达的产品信息有一个准确清晰的认识。相比较而言,图片所传达的信息更为准确直观,让人一目了然,并且能够轻松接受,代替了人们对文字的研究和理解。由此可见,图像传达的信息一目了然,准确直观,更直观地宣传产品,在传达广告的主题中占有直接有力的优势,有助于人们最直接地接受和理解广告的意图从而达到销售的目的。 4.具有较强的艺术性 所谓的艺术性,就是对美有独特的解读,具有一定的审美价值,并能够带领大众通过读取作品而感知其中的美感。优秀的图形设计,从创意到构图,到整个画面的协调及所处的视角,都是紧紧围绕图形创意本身展开的。用艺术表现的手法将图形的创意表现出来,而且还能够巧妙、艺术地将图形所传递的信息表达出来,吸引大众,从而实现信息传递。 二、图形创意在广告设计中的新应用要求 1.首先图形创意要具备丰富的想象力和灵活的思维方式 想象力是创意的基础,人们的形象思维活动是创意的优秀所在,同时也是人类的本能,先想象才能有创造,同样在广告艺术设计中首先要具有形象的思维模式。从想象是创造的基础这一角度来说没有图形的创造也就没有图形的创意,图形的创造是产生创意的基础。因此培养想象力就成为图形创意人员的必修课程。能够充分发挥想象并创造出新鲜的东西,打破现实常规,大胆想象,并灵活地发挥是整个创意过程的优秀所在,正如常说的一句话“没有做不到,只有想不到”。由此可见,想象在整个广告图形创意设计中起着关键性的作用。 2.要有简单而突出的形式表现 大众对于事物的视觉感就是图形创意中要做到的视觉感,在创意中成功的图形创意在表达这种视觉感中具有较强的感染力。对于视觉感不仅能够激发人们对于图片所传递信息的联想效应,而且图片所能体现出的艺术效果也能给大众留下深刻的印象。在这个信息化时代,如何确保人们能在很短的时间里接受最有价值的一部分信息,是目前广告设计人员所面临的重要课题。 3.图形应当具备视觉的吸引力和冲击力 图形创意首先应当个性鲜明,独树一帜,个性是特色的具体表现。人的个性往往是心理面貌的外在反映,个性会具体在人的日常生活和工作中体现出来,而这种独特的行为和思维方式也影响着他的创作思路,作为一名优秀的图像创意设计人员,所设计的产品能够把自己的个性和产品的信息完美结合,其效果明显,对大众具有很强的吸引力,并带给观者视觉的新鲜感和冲击力。 4.图形在广告作品中的表现 图形在广告中首先应当能够做到简单并且完整。图形运用的数量是影响广告作品的一个重要因素,同样也影响着作品的传播效果。一组优秀的图片设计,其形象应当特别鲜明突出,主题表达也应当清晰、完整并具有吸引力。除此之外,图形面积的大小也会影响广告作品的质量和传播效果,众所周知,图形的重要性与图形面积的大小呈正相关。在渲染气氛方面面积较大的图形往往吸引力更大。尤其是对室外广告而言,特别需要形象生动的图片来抓住读者的眼球,从而实现瞬间传递的目的。另外,在加深读者印象中小面积的图片发挥着重要作用。例如邮寄广告、报纸广告等读者在阅读中有一定的时间准备,能够在对信息阅读时给予更加细致和精深的研究。 5.在创意图形的使用上应当注重打造精品 在现代商业社会中,竞争日趋激烈,只有优秀的作品才能生存下来,尤其目前,偶像崇拜年代,人们对广告已日趋麻木,人们面前并不缺乏各种作品,而是缺少创意,缺乏亮点。创意图形的传播效果与作品的质量和新颖性有着较强的联系。形象鲜明突出的一幅图形,在表达广告主题方面具有无可替代的作用。随着现代消费大众在知识结构和理念上的不断更新,人们对作品的思想性已经和以往发生了明显的改变。为此广告设计中的图片创意必须做到打造精品方能不断满足人们的需求,从而达到传递信息和吸引消费的效果。 6.合理选择和使用创意图形的面积 正如以上所提到的,图形的面积不同也会影响图片的传播效果。相对于室外宣传,面积大的创意图形更加适合去投放,它具有强烈的视觉感染力和冲击力,室外广告主要是面对大批流动人群,如果没有独特的创意和强烈的视觉感受,就很难发挥广告的效应,因而大型的室外广告特别需要新颖的图片创意的支撑,能够第一时间吸引人们的视觉,提高广告艺术设计的影响力。 7.重视消费大众的视觉惯性和感情因素 视觉惯性和感情因素现已成为图片创意中的重要关注因素。这也是现代创意所提出的新的具体要求。设计者首先要站在大众的角度,去领会和遵守人们的习惯和情感规律,在此前提下运用所掌握的知识发挥自己的创意才能更好地实现图片创意的价值,只有这样人们才有可能欣然接受这种创意。 三、结语 就目前而言,广告中图形创意不仅仅能够吸引消费者、引导其消费理念和刺激消费,而且它也成为当今社会的一道靓丽的风景线,更是作为一种艺术设计展现给大众的。所以在重视图片创意功能性的同时还要重视它们的艺术性和大众性,从而打造出更完美的广告。 作者:田珂 单位:河南财政税务高等专科学校
职高艺术设计教育研究:对于职高艺术设计教育解析 人们深深地为他独树一帜的创新作品和独特的艺术魅力所折服。那么达利的创新能力来源于何处呢?这主要是与他颇具深厚的美术功底分不开的。由此,培养创新思维的前提是培养学生具备扎实的美术基本技能及理论基础。此外,教师也可以采用启发式、开放式的课堂教学模式,充分尊重学生的个性发展,对学生创新性的设计思维进行引导和培养,营造出人文气息浓厚的良好氛围。简而言之,学生创新能力的培养不仅是我国当前高职艺术设计教育的重要内容,也是适应设计行业发展的必然趋势。 建设教学实训基地,全面提高学生实践性的综合素质 实践性很强的艺术设计专业应该根据当前市场需要,依照市场发展规律,遵循市场法则跟踪市场动态。当前我国高职艺术设计教育要想提升学生的就业竞争力,全面提高学生实践性的综合素质,最有效的途径就是建设教学实训基地,大力地开展专业教学和社会培训工作。学生可以通过学习课程前期的理论知识,利用后期课程实践专用周,深入企业内部去实践操作,提高技能。这样便真正地实现了将艺术启迪与技术传授相结合,不但全面提高了学生实践性的综合素质,而且有效地促进了教师实际工作能力的提高。 关注高职艺术设计专业教师综合素质的提升 当前高职艺术设计不同于纯艺术,它与市场动向紧密相连。教师不但要提升其教育素质,而且要不断加强自身的文化修养。只有不断追求新的知识 ! 结语 当前高职艺术设计教育是设计教育的一个重要组成部分。随着高职艺术设计教育的蓬勃发展,面对高职艺术设计教育发展过程中存在的问题与不足,文章提出了注重培养学生的创新能力,建设教学实训基地,全面提高学生实践性的综合素质,关注高职艺术设计专业教师综合素质提升的解决对策。强调对学生实践能力的培养,同时重视对学生创新能力的培养,只有这样才能培养出更高质量、更适应社会需要的优秀高职艺术设计人才。 职高艺术设计教育研究:浅析高职高专艺术设计专业如何加强素质教育 论文关键词:高职高专 艺术设计 素质教育 论文摘要:高职高专的艺术设计教育注重培养全面发展的技术型、应用型设计人才;使学生在必备的理论知识和专业知识的基础上,重点掌握从事艺术设计专业领域实际工作的基本知识和基本技能,同时应具有良好的职业道德和敬业精神。在经济型社会飞速发展的今天,高职高专院校的艺术设计教育必须认清人才需求的发展形势,在把握培养原则的前提下,不能忽略了素质教育对高职高专教育的影响。 随着社会经济的迅猛发展,人们生活水平显著提高,随之人们的审美情趣也在不断进步,对艺术领域的关注度也大大提高。近几年出现了“艺考热”的风潮,全国各高职高专院校也纷纷开设艺术设计专业,但是在教学中往往出现这样的问题:通过在校的学习,学生能够掌握一些设计的基本技能,走上设计一线的工作岗位,但是在专业技能外却缺少一些人文底蕴、个性修养、发展思维等综合能力素质,不利于职业生涯的长远发展。因此,在大力发展高职高专艺术设计专业应用性、适用性、岗位性专业人才的同时,也一定要加强能够面向世界、面向未来、面向市场的综合素质的培养。 一、当前高职高专艺术设计专业素质教育的现状分析 这些年素质教育成为了高职高专艺术设计专业教育中容易被忽略的部分,素质教育是教育者基于个体发展和社会发展的需要,利用各种有利条件,通过多种途径,以适当方法引导全体受教育者积极主动地、最大限度地开发自身潜能,提高自身整体素质,并实现个体充分而自由发展的教育。 首先,一般高职高专的艺术设计专业学制短,课程任务繁重,为了能培养出应用型人才更是花费了很大的精力在专业教育上,根本无暇顾及学生综合素质的提高,以至于“发展素质教育”成了一个口号,而没有具体行动。 其次,大部分教育者总是把素质教育放在嘴边,但是却不知道怎样提高学生的综合素质,更不知道如何把素质教育作为课程传道授业。也有些院校片面的把专业教育、素质教育隔离开,认为将时间花在开展“素质教育”上看不到效果,得不偿失,简单地认为素质教育是课外活动。 再者,在国家的“双师型”教师培养政策鼓励下,高职高专艺术设计专业的教师十分注重提高自己的专业理论知识和实践经验,却忽略了自身综合素养的提高,教师缺乏个人修养势必会影响到学生的素质发展。 二、高职高专艺术设计专业加强素质教育的具体措施 (一)结合社会需求,构建新的课程体系,拓展专业素质。 艺术设计专业是一门站立在时代潮头浪尖的学科,要时刻把握社会发展的最新形势,以此为根据制定本专业的教学计划。从基础课程、专业基础课程、专业设计课程三个阶段入手,彼此之间要强调联系性、共通性、连贯性、针对性的原则,使单门课程不再孤立的培养学生的某一单项能力,并且同时注重综合素质的拓展。如:在景观设计课程中,除了让学生设计出具有设计感的方案以外,并让学生能够从人文地理、持续发展、生态环保、绿色污染等多个方面考虑案例的完整性,从而提高学生的综合素养。 (二)实行多元化教学模式,提高学生学习兴趣,培养主动学习能力。 在传统的艺术设计教育模式中,教师和学生大部分都是在教室中完成教学过程的,授课过程简单,教师只能通过一些形式上的作业去努力让学生掌握所学知识,这样的后果就是学生被动地去学习,达不到好的教学效果。 要想适应时代的发展,提高学生的综合素质,培养合格的应用型、技能型人才,就要实现教学模式多元化。艺术需要创新,创意性的教学方法对艺术设计专业的教育尤为重要,它能够缩短学生与教师之间的距离,能够激发师生互动交流的设计热情,也能够充分激发出学生的创作热情。比如:经常让学生去接触社会,了解市场,这样既能充分发挥学生的主动性又能够锻炼学生在市场、社会中的个人适应能力。还可以经常组织学生参加一些国际国内的设计比赛,请一些学者专家到学校进行讲座,引导师生共同创办实践工作室等,为学生创造一个开放式的具有浓厚设计氛围的教学环境。 (三)大力发展教学的实践环节 实践课程已经成为高职高专艺术设计专业的一个重要环节,也是为了培养出应用型人才的一个关键环节,那么如何在实践课程中渗入素质教育呢? 艺术设计专业对未来设计师的培养要求是独立的、全面的。从好的创意产生到图纸的表达,再到方案的实施,每个步骤都要求设计师亲历亲为。在教学中,可以引入实际真题,让学生自己去了解题目的现状、要求、市场,并以此为依据进行设计,如果有机会还可以参与投标,或者跟客户实际沟通交流,不但完成了实践教学环节,又能培养学生融入社会、与人沟通的能力。又或者在课业的布置上采用公司化教学,把设计公司的项目引入到教学中,用产、学、研结合的教育方式,培养学生的团队意识,同时也在一定程度上实现了学生的社会价值。 此外,部分院校的艺术设计专业已经开始增设顶岗实习课程。顶岗实习不同于其他实习方式的地方在于它使学生完全履行其实习岗位的所有职责,独当一面,具有很大的挑战性,对学生的能力锻炼起很大的作用,是《国务院关于大力发展职业教育的决定》中的“2+1”教育模式,即在校学习两年,第三年到专业相应对口的指定企业,带薪实习12个月。这就要求学校送出去的学生一定要有适应岗位的综合素质,有较强的动手能力,达到一定的技术要求,而且能够培养学生自己面对问题、分析问题、解决问题的能力,为学生面临就业时能够马上适应提供了必要条件。 (四)加强教师队伍的素质培养 教师是教学活动的优秀,教学效果的评价直接来源于教师队伍的建设。古人云:“师者,人之模范”(杨雄《法言学行》)。教师的综合素质直接影响着学生,作为一名人民教师,不仅仅是在七尺讲台上把知识传授给学生,还应该肩负起影响学生人格、品格的重要任务。教师人格魅力的力量是不可想象的,一名优秀的教师不仅要具备良好的专业素质,更要有坚定的职业操守,有健康的世界观、价值观,有高尚的道德情操,这样才能兼顾学术和人格上的感召力。 高职高专艺术设计专业发展的关键在于培养出优秀的设计人才,而决定是否能成为优秀设计师的关键不仅在于专业能力的强弱,还在于综合素质的高低。一个设计师即使具备了优秀的专业素质,而缺失了与客户有效沟通的能力,或者缺失面对困难时的积极乐观人生态度,或者缺失起码的诚信与职业道德等其他素质,都不能够胜任新时代的市场需求。因此,培养出具有高等综合素养的应用型、技能型的专业人才,才是高职高专艺术设计专业发展的根本原则。 职高艺术设计教育研究:职高艺术设计教育解析 人们深深地为他独树一帜的创新作品和独特的艺术魅力所折服。那么达利的创新能力来源于何处呢?这主要是与他颇具深厚的美术功底分不开的。由此,培养创新思维的前提是培养学生具备扎实的美术基本技能及理论基础。此外,教师也可以采用启发式、开放式的课堂教学模式,充分尊重学生的个性发展,对学生创新性的设计思维进行引导和培养,营造出人文气息浓厚的良好氛围。简而言之,学生创新能力的培养不仅是我国当前高职艺术设计教育的重要内容,也是适应设计行业发展的必然趋势。 建设教学实训基地,全面提高学生实践性的综合素质 实践性很强的艺术设计专业应该根据当前市场需要,依照市场发展规律,遵循市场法则跟踪市场动态。当前我国高职艺术设计教育要想提升学生的就业竞争力,全面提高学生实践性的综合素质,最有效的途径就是建设教学实训基地,大力地开展专业教学和社会培训工作。学生可以通过学习课程前期的理论知识,利用后期课程实践专用周,深入企业内部去实践操作,提高技能。这样便真正地实现了将艺术启迪与技术传授相结合,不但全面提高了学生实践性的综合素质,而且有效地促进了教师实际工作能力的提高。 关注高职艺术设计专业教师综合素质的提升 当前高职艺术设计不同于纯艺术,它与市场动向紧密相连。教师不但要提升其教育素质,而且要不断加强自身的文化修养。只有不断追求新的知识、积极向上,培养出来的学生才能充满活力,真正适应当代社会的需求,并在激烈的市场竞争中站稳脚跟。当前我国高职艺术设计专业的教师队伍建设是我国教育改革系统工程重要的组成部分。有些人只是笼统地将“双师”理解为“双证”或是教师与工程师身份的简单叠加,而只有真正地实现两者在知识、能力和素质诸多方面的有机结合,才能有助于当前我国高职艺术设计教育与教学的改革和我国高职艺术设计专业教师素质的全面提高,更有利于我国高职艺术设计教育特色的形成。 结语 当前高职艺术设计教育是设计教育的一个重要组成部分。随着高职艺术设计教育的蓬勃发展,面对高职艺术设计教育发展过程中存在的问题与不足,文章提出了注重培养学生的创新能力,建设教学实训基地,全面提高学生实践性的综合素质,关注高职艺术设计专业教师综合素质提升的解决对策。强调对学生实践能力的培养,同时重视对学生创新能力的培养,只有这样才能培养出更高质量、更适应社会需要的优秀高职艺术设计人才。 作者:付晶 职高艺术设计教育研究:高职高专艺术设计教育发展对策研究 摘 要:现今社会人们生活水平的提高,人们开始不仅仅满足于温饱,而是想要享受生活,所以人们对艺术和美的追求水准越来越高,为了满足人们的需求,艺术设计已经成了一门学科,并逐渐受到人们的广泛关注。高职高专纷纷开设艺术设计教育专业,并且报考率也十分理想,但高职高专艺术设计教育发展中依然存在着很多问题,制约着艺术设计教育的开展。因此,本文首先分析了当前高职高专艺术设计教育的现状,并在此基础上提出了促进高职高专艺术教育发展的对策。 关键词:高职高专;艺术设计教育;发展对策研究 0 引言 根据统计,我国已经有超过一千五百所高职高专开设艺术设计专业,为社会输送培养着艺术人才,可以看到艺术设计已经被应用到各个领域,虽然社会对艺术设计人才有一定的需求量,但由于艺术设计专业毕业生的批量生产,难以保证质量,造成了艺术设计毕业生就业难等问题。 1 高职高专艺术设计教育发展现状 随着需求量的加大,高职高专纷纷开设艺术设计专业,可以说艺术设计教育前景一片大好,艺术设计教育已经形成了一个良性系统,为社会输送了大批艺术型人才,优化了人才结构,促进了社会人才的分布,推进了我国经济发展,艺术设计教育对社会有着重大意义。艺术设计专业符合高职高专教育特点,所以被高职高专所重视。但是由于当前高职高专教学条件有限,师资力量和设备等问题,达到的艺术设计教育效果并不理想,对人才的定位培养不明确、不科学、不专业、缺乏针对性、在课程设置上合理等问题,给当前的艺术设计教育造成了困难。在课程设置上,高职高专由于缺乏专业教师人才,所以课程上往往是专业课不够专业、专业课少、科目间关联性差,缺乏针对性,不符合社会需求。解决高职高专艺术设计专业的师资力量,是改善现在高职高专艺术设计教育的必经之路。高职高专应采取引进专业人才,注重社会实践,为教师做定期培训等方式提高师资力量。由于教学课程结束后,课程缺乏针对性,学生又没有相应的实践机会,导致学生所学习的理论和实际应用无法结合,也造成了学生就业难等问题。[1] 2 高职高专艺术设计教育发展对策 虽然高职高专艺术设计教育行业前景一片大好,但是由于高职高专艺术设计教育还处于起步阶段,仍然有着很多缺陷和不完善的地方。如何完善高职高专艺术设计教育水平,改善高职高专艺术设计教育发展现状,接下来将分几方面进行分析。[2] 2.1 定向培养专业人才 高职高专艺术设计教育的初衷是培养定向实用型人才,既所谓的专科教育,但是很多高职高专学校已经偏离了这一目的,艺术设计教育想要有出路,必须坚持高职高专的教学特点,进行定向培养,集合社会需求培养人才。在对艺术设计人才培养教育时,不能与社会脱节,应经过社会调查,再进行适应社会需要的有针对性专业化的艺术设计教育,使学生具备相应岗位的职业技能和知识,以此来使学生适应岗位需求,最终达到就业目的。 2.2 高职高专在艺术设计教育中课程结构要合理 现在很多企业已经开始转变观念,不仅仅重视人才的文凭,更重视实践经验,所以高职高专艺术设计教育课程结构上,必须一改传统的被动和不适应等问题,跟上社会和企业对艺术设计的需求,合理调整课程设置。高职高专艺术设计教育课程必须具备适应性、渐进性、针对性、实用性、连贯性,教材选择上应符合新时代、新知识、新科技,为学生提供更符合社会需求且有含量的知识技能,并在课后加强实践和讨论。现今艺术设计已经和国际接轨,整体大环境和国际环境、能源、资源等问题紧密地联系在一起,在课堂上应相应的把这些内容结合进去,使学生达到更高的层次。 2.3 改善教学质量和教学方法 高职高专艺术设计教育目的在于使毕业生最终走向社会,成功就业。所以教学方法上,不能偏离社会需要。在艺术设计教学中,教师应多带领学生走向社会,多进行实践,培养学生对技能知识的适用性。经常为学生提供实习机会,在实习中,学生较容易自主发现自身不足,能够更有针对性的学习,这将大大提高教学质量。通过实践学生的思维方式发生转变,设计会变得更加成熟。[3] 2.4 完善师资力量 师资力量是保障学生能够学到有用知识技能的关键,专业的人才才能培养出专业的人才。在师资力量建设方面,高职高专应重视起来并采取措施,帮助教师提高综合素质和教学能力,建设完善的教学硬件,整体提高高职高专艺术设计教育水准。对教师的培养,应有计划、有规划、有规模、有战略、多进修、多自我完善,绝不能聘用不合格的教师,误人子弟。现今高职高艺术设计应打造一批实践和理论知识合格的骨干教师团队,为教学质量护航。 2.5 加强文化教育培养 艺术源于生活却高于生活,很多的艺术设计元素不仅仅源于现代社会,源远流长的历史中也有着很多的艺术设计元素供学生参考,在高职高专的艺术设计教育中,绝对不能忽视文化对艺术设计教育带来的影响,很多的优秀艺术设计作品,往往都是来自旧时代,艺术设计就应该结合民土文化进行,才能够取得成功,较强的文化底蕴才能设计出美的艺术设计,良好的文化涵养是现在艺术设计教育的基础。设计元素可以包括历史、文化、民俗、中交等元素。但是想要对这些进行了解,学生的文化涵养水平就要跟上,重视高职高专的文化培养是提高学生艺术修养的必要手段,在文化教育中学生能够更好地树立人生观、价值观、对学生设计思维有很大的影响,所以高职高专必须加强文化教育。 2.6 优化高职高专艺术设计招生制度,提高生源素质 艺术设计专业本身就具有一定的专业性和综合性,想要有效地改善高职高专艺术设计教育现状,不仅仅要从校园抓起,更应该从源头着手,改革高职高专招生制度是重要环节。首先在招生时应多考虑学生的综合素质,更应该考虑到艺术设计基本技能,艺术设计专业人才需要具备绘画能力、良好的文化素养、和创造思维,和独特的审美观念等。首先在艺术设计专业招生时,应采取专业考试和绘画考试,而不是单纯的考试就可以被录取,将普通学生和艺术设计考生分开进行考试,从试卷内容上就有所区分,艺术生的考试题目应更加倾向专业知识和创造力的发挥。但是艺术设计专业的特殊性,对学生综合知识也有一定的要求,可是由于现今高职高专普遍对于艺术设计考生的文化成绩要求标准放得比较低,造成了艺术设计考生不喜欢学习文化课,最终不具备一定的综合知识,导致考生在艺术设计方面也难以有所突破。高职高专在招生时,需要适当地提高对文化课成绩的要求,这不仅仅提高了生源质量,更对学生的未来付起了责任,将大大改善艺术设计教育发展。 3 结束语 高职高专艺术设计教育担任着为我国社会输送人才的重要任务,为了使艺术设计教育课可持续发展下去,不断提升教学质量,增强毕业生生存能力迫在眉睫,高职高专应制定有效的战略,使艺术设计教育再创辉煌,达成高职高专艺术设计教育目的。 职高艺术设计教育研究:“工作室”制在高职高专艺术设计教育中应用研究 摘 要: 传统意义上的艺术类院校在人才培养模式、教学方式等方面存在一些弊端,而艺术类高职教育则特色不鲜明。实施“工作室制”教学模式,能够缓解这些问题,是对学生职业能力培养的有效途径;是建立较为完善的艺术类专业教学体系,体现艺术类专业教学特色,加大实践环节所占的比例,促进产学研结合,重视学生职业能力的培养,为能力培养找到载体,缩短毕业生与行业用人单位的距离的关键。 关键词: 高职高专 艺术设计 “工作室制”教学模式 近年来,由于高职高专院校培养人才方向逐步明确为高素质的专业技术型人才,其艺术设计专业学生的实践能力、动手能力的培养也得到了高度的重视,如何激发学生的主动性、首创性及求知欲,提高学生的职业能力,创建体现艺术专业特色的实践教学模式是各个院校一直探讨的问题,由此,“工作室制”教学模式引起了各高职院校的广泛关注。 1.高职高专院校实行“工作室制”的必要性 1.1目前我国高职高专艺术设计类专业的教学现状。 近年来,艺术设计在我国得到迅速发展,引起各行各业的高度重视。由于我国高职高专艺术设计教育起步较晚,受到专业背景和办学基础条件的限制,高职高专艺术设计教育的特色不鲜明,并且存在一些突出问题。目前,高职高专艺术设计教育的问题主要表现如下:1)高职高专艺术设计教育对学生就业能力的培养没落到实处;2)高职高专艺术设计人才培养的特色没有凸显;3)艺术设计专业实践性教学的有效性体现不够;4)高职高专艺术设计专业产学研分离;5)教师队伍结构不合理,有实践经验的教师缺乏。因此如何尽快建立较为完善的艺术设计教育体系,体现专业教育特色,加大实践环节所占的比例,促进产学研结合,重视学生的职业能力的培养,使学生毕业上岗后,上手快,动手能力强,成为每一位从事高职高专艺术设计的教学人员都需要思考的问题。 随着个别院校“工作室制”的展开,这个新颖而又实用的教学方法逐渐被大家所认可。“工作室制”教学模式,是以学生为本、以工作室为依托、以实际项目为内容、以完全准就业的形式在工作室完成高学年的综合课程;是“师徒式”的教学,也就是师傅带徒弟的形式进行教学。这种教学模式突出职业能力的培养,促进高职高专教学与就业的自然融合,使学生“能力更强、专业更专、业务更实、技能更高”。 1.2实行“工作室制”的优势。 1.2.1“工作室制”模式能够较好地解决专业知识与职业技能接轨的问题。 教育规律告诉人们,人们的思想观念、行为方式的培养不可能是嵌入式的,它有着自身的张力,艺术设计更是如此。在实行“工作室制”的教学过程中,注重加强学术交流,倾听各个专业的学术报告,与同一领域或不同领域的专家进行沟通;注重加强学生与学生之间的交流、学生与导师之间的交流,有利于激发创作灵感,开拓思维,捕捉转瞬即逝的设计思想,从而带来有趣的设计成果。 1.2.2“工作室制”的开展解决了高职高专艺术类专业的实习设施、场地利用率低的问题。 高校里艺术设计类的工作室、实习设施、场地不少,而利用率却不算高,这种环境下培养的人才达不到设计艺术所要求的目标。开展“工作室”制教学模式,能够成功地解决实习设施、实习场地的问题,同时拉近了学生与社会的距离,遏制了学生脱离实际、脱离社会的设计。 1.2.3“工作室制”的实行能够有效促进工学结合。 高等职业技术教育是以培养必须适应社会主义现代化建设需要,具有创新精神、创业精神、创业能力和较强的实践能力,能够胜任生产、建设、管理、服务第一线工作的高等技术应用型专门人才为目标。“工作室制”教学模式部分地解决了当前艺术类专业的艺术与技术、理论与实践偏颇的矛盾,填补了人才培养的层次性空白。可以说艺术类专业是多学科交叉、应用性很强的专业,所培养的人才重点不是大师、大家,而职业教育的重点应放在培养能力和技能型的应用人才上,与行业的紧密结合更为重要。 1.2.4“工作室制”教学模式对培养双师素质教师作用明显。 教师队伍结构不合理,普遍缺乏有实践经验的教师,是高职教育教师队伍的特点。而工作室的导师是行业专业领域的实战专家、行家,是在艺术专业领域中具有前瞻性的老师,这为一起工作的院内导师提供了一种难得的交流提高的平台,无疑可以促进院校“双师”素质的师资队伍建设。 1.2.5“工作室制”模式的实行可以缓解学生就业的心理压力。 有利于缓解学生就业的心理压力,使就业方向更加明确。通常学生在进工作室之前就进行双向选择:学生根据所进的工作室及自己的基础、能力及兴趣爱好,申报导师;导师依据项目需求,拟定岗位考核确定人选。这相当于模拟了一次岗位竞争、就业竞争。在双向选择的过程中,学生的专业方向更明确,对以后的就业起到指导作用。通过选择,学生就业更具明确的方向性,进一步缩短了毕业生与行业、社会的距离。 2.实行“工作室制”教学模式应具备的条件 2.1采用“工作室制”教学模式应具备相应的硬件条件、软件条件及软环境。 硬件条件指的是工作室应具备完成专业项目所需要的设备。例如必要的电脑设备、绘图工具、相机、打印仪器等,都是一个三维设计工作室必不可少的硬件设备。 2.2“工作室制”的载体可是校内基地,也可是校外基地,以校外基地为首选。 工作室能有效利用行业及社会资源,让学生到公司去到企业去,这样学生学习与工作结合会更紧密,更有实战感,更有针对性,更能发挥行业导师的作用。“工作室制”不同于通常意义上的实习、实训基地模式,而是一种学习与工作紧密结合、学生实质性参与工作任务的实体。 校内基地采取“工作室制”,需配备具有实战经验的“双师型”教师为导师,同时需聘请行业导师加入指导学生,以导为主,以讲为辅,开展实战任务或模拟实战任务的教学。校内基地是一种设在校内的“生产加工车间”。 3.“工作室制”教学模式应解决的问题与对策 3.1教学安排需要做较大调整。 艺术类专业课程的授课方式,多采用阶段课程的教学组织方式,一门课几周内完成。实行“工作室制”的班级,需要将几门课程依据能力培养目标按照项目实际进行重新整合,将几门课程整合到一个项目上,以完成项目为出发点,将所需的专业理论和技能训练有机地融为一体,而不能分离。“工作室制”最适合于高职三年级的学生。 3.2工作室容量、设备等条件必须满足教学需求。 需要加大对艺术类专业工作室建设的投入力度,防止因资源短缺而无法实施。 3.3学生管理难度增加。 由于工作室设备繁多,存在人身安全、设备安全问题,开展项目的时间不同于正常教学,为保证学习实践的连续性,经常是长时间连续运转,学生相对自由,这给管理带来了许多难度,甚至使成本增加(课时多)。因此必须有足够的准备,认真解决相关问题,才能使好事办好。另一方面,如果是利用院外资源实施“工作室制”,由于工作室一般远离学校,需解决好学生在工作室上课、住宿、就餐及安全、管理等一系列问题,这给学生管理带来了新的挑战。如何有效地加强学生的管理,是实行“工作室制”教学模式的过程中一个值得探讨的问题。 3.4教学质量评价体系尚需完善。 教育教学评价的目的是检查教与学,了解培养方案、培养过程、培养效果及存在问题,为人才培养方案的实施和过程的修正工作提供依据,从而保证培养目标的实现。实行“工作室制”教学模式,需要重新设计制定质量评价考核方法,将过程评价融入到考核评价中来,由双方导师乃至于学生一起参加考核评价,使考核评价更贴近于实际。在工作室学习的过程,也是导师或用人单位很好的考察过程,使学生向员工的过渡更加自然,更早地锻炼求职就业的心理素质和表达展示能力,使用人单位选人用人更有针对性。 4.结语 包豪斯时代的作坊解决了学生的实践问题,提高了学生的实际动手能力,注重的是学生的技能训练。现代设计的“工作室制”更注重教学与实践的环境。因此,要立足解决好培养设计艺术人才的实践教学环境,注重让学生通过工作室这个特定教学窗口与社会接轨,了解社会的需求,使教学、研究、实践一体化,创造一个培养学生的适应能力、实际动手能力、创新能力的实践环境,培养社会需求的设计艺术人才。
景观建筑艺术设计研究:谈城市建筑景观的环境艺术设计 摘要:建筑中环境艺术设计是一个具有更加广阔的时间和空间上的表现平台。设计者可以在这个平台上表达更加丰富、更加多元的文化艺术形式和内容。本文根据受众对于城市建筑景观环境艺术的需求,分析了目前城市建筑景观设计中存在的不足之处,并从整体外观的景观艺术设计以及建筑市内设计两方面进行深入的研究,以供参考。 关键词:城市;建筑景观;环境;艺术设计 引言 环境艺术设计是一项系统的工程,囊括了城市及地区规划设计、公共空间设计、建筑设计、室内设计甚至景观设计等,在人类的生存环境中扮演着重要的角色,引导着社会的发展,协调着人们的生活。环境艺术不同于普通的艺术,其设计必须在一定的范围内充分应用各种技术手段,使人们的生活环境达到人与自然的有机结合。 随着时代的发展,人们的生活水平逐日提高,高楼大厦平地而起,人们对于生活的享受不再局限在吃饱、穿暖的层面上,而是越来越追求拥有良好的居住环境、舒适的居住场所,因而对住宅室内环境艺术设计的要求也越来越高。 一、受众对建筑中环境艺术设计的审美需求 (一)、自由、快乐的审美需求 建筑中的环境设计从某种意义上来说是对人们文化意识和审美思想高度概括和集中的表现。相对于其他的文化和艺术形式,建筑中的环境艺术设计和人们的生活联系得更加紧密,或者说已经深入人们的生活之中。因此,人们对于文化和艺术最基本的审美需求也在建筑中的环境艺术设计中有所表现。当代人们对于建筑中环境艺术设计自由、快乐的审美需求成为了最基本的审美需求。中国传统建筑中往往将对文化的传承和对受众的教化与环境艺术设计紧密联系起来,因此在审美取向上更多地担负了沉重的文化使命和社会使命。 (二)、动态的审美需求 对于动态的需求一直是指导环境艺术发展的重要审美需求。人们对于建筑中环境艺术的体验过程是一个运动的过程而非静止,观赏者需要从外到内再到外对于环境艺术进行时间和空间上不断变化的感知体验,而不像欣赏一幅美术作品那样需要驻足观赏和研究。建筑中环境艺术设计者应该充分发挥这种时间和空间上的优势,充分利用欣赏者视角的变化为其营造出不断变化的文化氛围和艺术体验。同时,由于时间也在不断变化,设计者应该能够根据时间的推移如日夜的交替和季节的变化让环境呈现出不同的艺术意境,以满足人们的审美需求。 (三)、多元艺术的审美需求 多元艺术的审美需求表现在两个方面:第一,受众需要的是多感官、立体性的审美体验而非单一性的审美体验;第二,用户需要的是多元文化风格和艺术风格的审美体验,而非单一文化风格和艺术风格的体验。 当前人们对于建筑中环境艺术设计的审美体验和感知不再是单纯依靠视觉的体验和感知而是各种感官共同形成的复合型、综合型、多元的审美体验。人们对于建筑和环境的感知是通过所有的感官形成的对于空间和时间上的共同感知。建筑中环境设计本身便是一个多元化、立体化的构建过程。设计者通过颜色和造型给人以视觉感官上的体验,通过材质给人以触觉感官上的体验,通过水、风给人以听觉感官上的体验,通过树木、花、草给人以嗅觉感官上体验等,通过对这些艺术元素的融合给人以情感和心灵上不同的体验。这些不同角度、不同感官上多元化的体验便是受众置身于建筑环境中所感知的综合性、符合性的审美体验。 二、 城市建筑景观设计现状 就目前的情况来看,我国城市建筑的景观设计中还存在着较多的问题。这些问题的存在阻碍了环境艺术性在城市建筑景观中的发挥,在一定程度上影响了城市建筑景观的发展。具体而言,目前我国城市建筑景观设计主要存在以下几个方面的问题。 (一)、缺乏特色 目前,不少城市都存在盲目跟风的现象,引进不少外来的品种。有些城市的景观设计,只是单纯地追求景观的艺术效果,而没有根据植物自身的特点进行选择性的引入。这样盲目引进外来品种的方式,不仅给景观的建造带来了较大的成本,还使得本地的物种得不到有效的利用,这就容易使整个城市的景观缺乏个性不能很好地展现出当地的特色。 (二)、缺少内涵 目前,不少城市的建筑规划都比较注重绿化。在对景观进行设计的过程中,大量使用草坪或花坛的现象较为常见。这不仅在一定程度上违背了环境艺术的美观,使环境的整体艺术效果大打折扣,而且还增加了城市绿化的成本,造成了一定程度上的浪费。另外,这种单方面注重绿化的设计方案,还使得整个城市景观的内容显得较为单一,不能很好的展现出当地的人文地理特色。容易使整个城市展现出单调而没有内涵的一面,不利于城市的发展。 三、建筑景观室外环境艺术设计 (一)、艺术设计的过程具有很大的模糊性和抽象性 所谓的限制性信息,是指它可以准确的用语言进行表达,而非限制性信息,无法运用准确的语言进行表达,本身带有很强的模糊性和不确定性,它需要用自身的感觉来体会,但是每个人的感觉又是不同的,所以很容易出现很大的模糊性。但是,环境艺术设计过程中我们一定要深刻的认识得,一定要传播的文化信息肯定不是限制性的确定信息,而是这种非限制性的,正是这种模糊的、非限制性的信息,才更需要人们去不断的联想。 环境艺术设计进行研究主要是根据人与建筑的关系为切入点,而人作为一种复杂的高级动物,他的品味和感觉很难做到高度统一,环境艺术设计学科具有很大的复杂性,覆盖范围又非常的宽泛,对于文化建筑所传达的信息,没有必要整体把握,进行感受和分析仅仅需要抓住最主要的一点或者自己感兴趣的一点。例如,上海东方东方艺术中心(图1):似五瓣之莲花,三个音乐厅如珍宝般地被装在里面,中心外壳通透,外壁点缀有七彩陶瓷珍珠。整个建筑充满活力,如流动的曲线般优美。 (二)、建筑的人性化信息与传达手段的多元化 随着科技的不断进步,尤其是高新科技以计算机网络技术为代表的获得了空前的发展:①人们因为不同的原因聚集在了一起,从而传输的载体和介质都发生了极大的变化。②传播的速度和手段都与之前有很大的不同,以往的那种单一的信息交流方式被打破,呈现出一种网状的态势。③文化建筑的艺术设计可能会带来的视觉信息传播,不仅可以在很大程度上跨越民族以及国界,还可以摆脱时间和空间的限制,对以往的那种自上往下的传播格局这种传播方式甚至造成了非常大的冲击,它在某种程度上是整个社会网络关系之中的每一位成员都参与到信息的交流中。 上海大剧院(图2),是中国传统图腾的现代诠释。地基是方形的、屋顶是拱形的,象征“天圆地方”。侧墙正面装有玻璃,面向广场,可以使人们饱览全城景胜。 图2上海大剧院 四、城市建筑室内各部分环境艺术设计 在同一栋住宅建筑物里,考虑到建设成本及可操作性的问题,在建筑设计时,楼层上下的建筑设计如出一辙,对于每家每户的住宅设计,只可能提供相应基础的空间条件,如一致的厨房、浴厕的位置。不同家庭的风格只有在不同的室内环境艺术设计中才得以体现,所以设计师应根据不同家庭的需要及追求设计出不同的个性化室内环境。 在探讨住宅室内环境艺术设计所涉及的内容时,首先要考虑的就是住宅的基本功能,即工作、学习、娱乐、饮食、休息等,这些功能的存在导致了不同房间的不同设计,造成了卧室、书房、客厅之分。而各个房间不同的布局,亦是住宅环境艺术设计的要求,不一样的平面用材与色彩、照明的应用使得不同房间各显其职。 结束语 城市景观的环境艺术设计是一个相当复杂的过程,它不仅需要各方面的知识文化背景,还要求相关人员对城市的文化内涵及其发展有一个很好的认识。在设计的过程中,不仅要将当地的历史人文特色巧妙地展现出来,还要充分考虑建筑景观与自然的和谐统一。不仅要保证建筑景观的艺术特性,还应重视其对环境、对社会的影响。只有对各个因素综合考虑,才能实现景观与环境的高度统一。 景观建筑艺术设计研究:试论景观建筑的艺术设计 摘要:景观艺术设计学科正处于探索的阶段,从学科观念、学科性质、学科目标到学科实践主体范围均缺少系统性,明确性和指向性,本文就上述问题从景观学的引导、多元系统设计及景观艺术设计实践主体进行了系统的论述。 关键词:景观设计;多元系统;目标;实践主体 客观地讲就目前的中国景观艺术设计学科正处于探索阶段,从学科概念、学科性质到学科实践范围均缺少系统性、明确性和指向性。那么什么是景观艺术设计,景观艺术设计与景观学是一种怎样的关系,与传统意义上的环境艺术设计是一种什么关系,在景观学体系中它的实践主体是什么?本文将就以上问题从景观学的引导、多元系统设计以及景观艺术设计的实践主体进行系统的论述。 一、景观学引导下的艺术设计 景观艺术设计依托景观生态学,通过对自然的尊重、表达、展现生态环境的和谐与优美,依托景观建筑学创建城乡宜人的环境空间,依托景观人文学,表达人类行为心理的精神寄托及愿望,景观艺术设计成为景观形象高品质化生成的驱动力。 就景观学而言,景观艺术设计是景观学体系中的一个分支,是一个狭义的景观定义,是微观层次意义上的景观设计,在体现景观形象的创作上常常成为景观形象品格的重要组成部分,尽管景观艺术设计也涉及到景观学内容本身,但它更多的是遵循景观学的引导,关注景观形象要素对各景观环境系统空间进行艺术化处理,其优秀任务是协调人与环境空间视觉形象的关系。景观艺术设计在景观学的引导下,构成了一个交叉融合的设计系统,它是运用艺术融于景观科学的手段来协调景观形象在环境空间的发展关系问题,并使之达到最佳状态。它融合了园林学、生态学、城市规划学、建筑学、心理学、艺术学等学科的成熟经验,以其艺术的视野,从系统、和谐、优美的角度,解决城乡发展过程中的景观形象的创新问题。 景观艺术设计在景观学的引导下,依据艺术和谐原则干预协调各景观系统的规划与设计,在人与环境之间建立均衡关系时,更强调景观生成时对人精神上、视觉上、生理健康上的基本需求,通过景观环境空间艺术的创作,用以提升、陶冶公众的视觉审美经验,可以说景观艺术设计也是一种改善人们使用与体验户外空间的艺术创造活动。 二、多元系统设计含义的艺术设计 景观艺术设计与传统意义上的环境艺术设计是从不同角度研究人类聚居环境空间艺术的二个方面。环境艺术设计从改善建筑室内环境质量的室内设计起步,以室内室外环境一体化设计为优秀,注重环境空间的自身形态,以及环境艺术的具体样式。而景观艺术设计更强调环境空间的综合形态、环境艺术的复合样式、环境表述的多层空间,具体表现在多元系统设计下的互融与综合。 (一)综合性系统。 景观艺术设计是将城市、广场、街道、园林、建筑、壁画、广告、公共设施等环境空间看成一个多层次、多元化的有机综合体,虽然它们有时是以几组形式出现,有时是以相对单一的个体出现,然而解决上述问题却要求兼顾到整体的环境,是在一个被“创造”出来的人造环境空间基础上实现的二次创造,景观艺术设计涉及到园林设计、建筑设计、城市设计、环境艺术设计、工业造型设计、平面设计以及生态学、材料学、心理学、民俗学等学科,并将这些知识纳入到景观艺术生成的总体设计系统之中。 (二)复合性系统。 景观艺术设计是在景观学的引导下所构成的复合设计系统,由于景观艺术设计的综合性特点,因此常常表现出设计内容界定的模糊性、不确定性。其中包括基于景观空间形态的视觉系统设计,融于区域景观精神的形象系统设计,反映区域文化特征的风格样式系统设计,以及关注人的行为、心理的人文关怀系统设计等等。各系统之间相互融合与交叉,共同构建起景观艺术设计的复合设计系统。 (三)多层性系统。 景观艺术设计的设计空间呈现为多层性的表述特点,表现在从微观意义层面上的景观设计为主体到中观意义上的景观规划、宏观意义上的景观策划的多层与协调。 (四)广泛性系统。 景观艺术设计的设计观念呈现出广泛性,《亚太景观》一书在导言中谈到现代景观设计带来的变化:“首先是观念上的,宏观的观念、生态的观念、构成的观念、文脉的观念、民众参与的观念等等。其次是创作方法上……所有这些凝结成现代的、后现代的、结构的、解构的、极简的、高技的……为景观设计师提供了广泛的创造可能性”.广泛的设计观念构成了景观艺术设计多元系统设计的哲学基础。 三、微观景观为实践主体的艺术设计 正如前文所述,景观艺术设计学科涉及到多个学科领域,其实践范围广泛,内容综合而庞杂,既涉及到景观空间的各个层面又融合了环境要素的全部内容。但是如果只是从广义的概念出发而缺乏具体目标的限定,景观艺术设计学科建构将会一直处在模糊不清的状态。这也是目前很多高校增设景观艺术设计专业方向后所共同面对的问题,即在庞大的景观学科中,景观艺术设计的实践范围或者说它的实践主体是什么的问题。 (一)宏观层面--景观策划。 宏观层面上的景观实践是建立在经济、旅游、生态等专业的基础上,包括进行大规模的景观生态保护、治理改造、景观资源开发、旅游策划规划等。这类景观实践主要侧重于景观前期的策划。优秀是协调土地的利用与管理。是在大规模、大尺度上进行景观体系的把握,具体项目有区域控制性规划、城市规划和环境规划等。策划是这一层面的实践主体。 (二)中观层面--景观规划。 中观层面上的景观实践是指有一定的规模,涉及到某一地域历史、文化、生态及地方特色整体风貌内容的较大型景观规划,包括与人类社会、文化相关内容,以及生态、历史等多学科的应用。规划是这一层面的实践主体。 (三)微观层面--景观设计。 微观层面上的景观实践主要指规模尺度较小,与人们日常生活相关联的景观环境设计。包括城市地形、水体、植被、建筑、构筑物以及公众艺术品等等。设计对象是城市开放空间,包括广场、公园、商业街区、居住区环境、城市街头绿地以及城市滨水地带等,其目的在满足景观环境功能的基础上,不断改善提高景观的艺术品质,已此丰富人的心理体验和精神要求。设计是这一层面的实践主体。 近年来,景观艺术设计伴随着中国城市景观建设的快速推进,以及人们对城市景观艺术形象期望值的不断提高,短短几年已发展成为一门十分重要的设计门类,然而与“遍地开花”的景观艺术实践工程项目相比,其学科发展与理论建构显得相对滞后,正因为这一缘故,景观艺术设计面临着许多课题,从学科观念、支撑专业、人才培养、实践主体,都有待做深入细致的研究。 景观建筑艺术设计研究:浅谈景观建筑的艺术设计 摘要:景观艺术设计学科正处于探索的阶段,从学科观念、学科性质、学科目标到学科实践主体范围均缺少系统性,明确性和指向性,本文就上述问题从景观学的引导、多元系统设计及景观艺术设计实践主体进行了系统的论述。 关键词:景观设计;多元系统;目标;实践主体 客观地讲就目前的中国景观艺术设计学科正处于探索阶段,从学科概念、学科性质到学科实践范围均缺少系统性、明确性和指向性。那么什么是景观艺术设计,景观艺术设计与景观学是一种怎样的关系,与传统意义上的环境艺术设计是一种什么关系,在景观学体系中它的实践主体是什么?本文将就以上问题从景观学的引导、多元系统设计以及景观艺术设计的实践主体进行系统的论述。 一、景观学引导下的艺术设计 景观艺术设计依托景观生态学,通过对自然的尊重、表达、展现生态环境的和谐与优美,依托景观建筑学创建城乡宜人的环境空间,依托景观人文学,表达人类行为心理的精神寄托及愿望,景观艺术设计成为景观形象高品质化生成的驱动力。 就景观学而言,景观艺术设计是景观学体系中的一个分支,是一个狭义的景观定义,是微观层次意义上的景观设计,在体现景观形象的创作上常常成为景观形象品格的重要组成部分,尽管景观艺术设计也涉及到景观学内容本身,但它更多的是遵循景观学的引导,关注景观形象要素对各景观环境系统空间进行艺术化处理,其优秀任务是协调人与环境空间视觉形象的关系。景观艺术设计在景观学的引导下,构成了一个交叉融合的设计系统,它是运用艺术融于景观科学的手段来协调景观形象在环境空间的发展关系问题,并使之达到最佳状态。它融合了园林学、生态学、城市规划学、建筑学、心理学、艺术学等学科的成熟经验,以其艺术的视野,从系统、和谐、优美的角度,解决城乡发展过程中的景观形象的创新问题。 景观艺术设计在景观学的引导下,依据艺术和谐原则干预协调各景观系统的规划与设计,在人与环境之间建立均衡关系时,更强调景观生成时对人精神上、视觉上、生理健康上的基本需求,通过景观环境空间艺术的创作,用以提升、陶冶公众的视觉审美经验,可以说景观艺术设计也是一种改善人们使用与体验户外空间的艺术创造活动。 二、多元系统设计含义的艺术设计 景观艺术设计与传统意义上的环境艺术设计是从不同角度研究人类聚居环境空间艺术的二个方面。环境艺术设计从改善建筑室内环境质量的室内设计起步,以室内室外环境一体化设计为优秀,注重环境空间的自身形态,以及环境艺术的具体样式。而景观艺术设计更强调环境空间的综合形态、环境艺术的复合样式、环境表述的多层空间,具体表现在多元系统设计下的互融与综合。 (一)综合性系统。 景观艺术设计是将城市、广场、街道、园林、建筑、壁画、广告、公共设施等环境空间看成一个多层次、多元化的有机综合体,虽然它们有时是以几组形式出现,有时是以相对单一的个体出现,然而解决上述问题却要求兼顾到整体的环境,是在一个被“创造”出来的人造环境空间基础上实现的二次创造,景观艺术设计涉及到园林设计、建筑设计、城市设计、环境艺术设计、工业造型设计、平面设计以及生态学、材料学、心理学、民俗学等学科,并将这些知识纳入到景观艺术生成的总体设计系统之中。 (二)复合性系统。 景观艺术设计是在景观学的引导下所构成的复合设计系统,由于景观艺术设计的综合性特点,因此常常表现出设计内容界定的模糊性、不确定性。其中包括基于景观空间形态的视觉系统设计,融于区域景观精神的形象系统设计,反映区域文化特征的风格样式系统设计,以及关注人的行为、心理的人文关怀系统设计等等。各系统之间相互融合与交叉,共同构建起景观艺术设计的复合设计系统。 (三)多层性系统。 景观艺术设计的设计空间呈现为多层性的表述特点,表现在从微观意义层面上的景观设计为主体到中观意义上的景观规划、宏观意义上的景观策划的多层与协调。 (四)广泛性系统。 景观艺术设计的设计观念呈现出广泛性,《亚太景观》一书在导言中谈到现代景观设计带来的变化:“首先是观念上的,宏观的观念、生态的观念、构成的观念、文脉的观念、民众参与的观念等等。其次是创作方法上…….所有这些凝结成现代的、后现代的、结构的、解构的、极简的、高技的……为景观设计师提供了广泛的创造可能性”。广泛的设计观念构成了景观艺术设计多元系统设计的哲学基础。 三、微观景观为实践主体的艺术设计 正如前文所述,景观艺术设计学科涉及到多个学科领域,其实践范围广泛,内容综合而庞杂,既涉及到景观空间的各个层面又融合了环境要素的全部内容。但是如果只是从广义的概念出发而缺乏具体目标的限定,景观艺术设计学科建构将会一直处在模糊不清的状态。这也是目前很多高校增设景观艺术设计专业方向后所共同面对的问题,即在庞大的景观学科中,景观艺术设计的实践范围或者说它的实践主体是什么的问题。 (一)宏观层面――景观策划。 宏观层面上的景观实践是建立在经济、旅游、生态等专业的基础上,包括进行大规模的景观生态保护、治理改造、景观资源开发、旅游策划规划等。这类景观实践主要侧重于景观前期的策划。优秀是协调土地的利用与管理。是在大规模、大尺度上进行景观体系的把握,具体项目有区域控制性规划、城市规划和环境规划等。策划是这一层面的实践主体。 (二)中观层面――景观规划。 中观层面上的景观实践是指有一定的规模,涉及到某一地域历史、文化、生态及地方特色整体风貌内容的较大型景观规划,包括与人类社会、文化相关内容,以及生态、历史等多学科的应用。规划是这一层面的实践主体。 (三)微观层面――景观设计。 微观层面上的景观实践主要指规模尺度较小,与人们日常生活相关联的景观环境设计。包括城市地形、水体、植被、建筑、构筑物以及公众艺术品等等。设计对象是城市开放空间,包括广场、公园、商业街区、居住区环境、城市街头绿地以及城市滨水地带等,其目的在满足景观环境功能的基础上,不断改善提高景观的艺术品质,已此丰富人的心理体验和精神要求。设计是这一层面的实践主体。 近年来,景观艺术设计伴随着中国城市景观建设的快速推进,以及人们对城市景观艺术形象期望值的不断提高,短短几年已发展成为一门十分重要的设计门类,然而与“遍地开花”的景观艺术实践工程项目相比,其学科发展与理论建构显得相对滞后,正因为这一缘故,景观艺术设计面临着许多课题,从学科观念、支撑专业、人才培养、实践主体,都有待做深入细致的研究。 景观建筑艺术设计研究:透析景观建筑的艺术设计 客观地讲就目前的中国景观艺术设计学科正处于探索阶段,从学科概念、学科性质到学科实践范围均缺少系统性、明确性和指向性。那么什么是景观艺术设计,景观艺术设计与景观学是一种怎样的关系,与传统意义上的环境艺术设计是一种什么关系,在景观学体系中它的实践主体是什么?本文将就以上问题从景观学的引导、多元系统设计以及景观艺术设计的实践主体进行系统的论述。 一、景观学引导下的艺术设计 景观艺术设计依托景观生态学,通过对自然的尊重、表达、展现生态环境的和谐与优美,依托景观建筑学创建城乡宜人的环境空间,依托景观人文学,表达人类行为心理的精神寄托及愿望,景观艺术设计成为景观形象高品质化生成的驱动力。 就景观学而言,景观艺术设计是景观学体系中的一个分支,是一个狭义的景观定义,是微观层次意义上的景观设计,在体现景观形象的创作上常常成为景观形象品格的重要组成部分,尽管景观艺术设计也涉及到景观学内容本身,但它更多的是遵循景观学的引导,关注景观形象要素对各景观环境系统空间进行艺术化处理,其优秀任务是协调人与环境空间视觉形象的关系。景观艺术设计在景观学的引导下,构成了一个交叉融合的设计系统,它是运用艺术融于景观科学的手段来协调景观形象在环境空间的发展关系问题,并使之达到最佳状态。它融合了园林学、生态学、城市规划学、建筑学、心理学、艺术学等学科的成熟经验,以其艺术的视野,从系统、和谐、优美的角度,解决城乡发展过程中的景观形象的创新问题。 景观艺术设计在景观学的引导下,依据艺术和谐原则干预协调各景观系统的规划与设计,在人与环境之间建立均衡关系时,更强调景观生成时对人精神上、视觉上、生理健康上的基本需求,通过景观环境空间艺术的创作,用以提升、陶冶公众的视觉审美经验,可以说景观艺术设计也是一种改善人们使用与体验户外空间的艺术创造活动。 二、多元系统设计含义的艺术设计 景观艺术设计与传统意义上的环境艺术设计是从不同角度研究人类聚居环境空间艺术的二个方面。环境艺术设计从改善建筑室内环境质量的室内设计起步,以室内室外环境一体化设计为优秀,注重环境空间的自身形态,以及环境艺术的具体样式。而景观艺术设计更强调环境空间的综合形态、环境艺术的复合样式、环境表述的多层空间,具体表现在多元系统设计下的互融与综合。 (一)综合性系统。 景观艺术设计是将城市、广场、街道、园林、建筑、壁画、广告、公共设施等环境空间看成一个多层次、多元化的有机综合体,虽然它们有时是以几组形式出现,有时是以相对单一的个体出现,然而解决上述问题却要求兼顾到整体的环境,是在一个被“创造”出来的人造环境空间基础上实现的二次创造,景观艺术设计涉及到园林设计、建筑设计、城市设计、环境艺术设计、工业造型设计、平面设计以及生态学、材料学、心理学、民俗学等学科,并将这些知识纳入到景观艺术生成的总体设计系统之中。 (二)复合性系统。 景观艺术设计是在景观学的引导下所构成的复合设计系统,由于景观艺术设计的综合性特点,因此常常表现出设计内容界定的模糊性、不确定性。其中包括基于景观空间形态的视觉系统设计,融于区域景观精神的形象系统设计,反映区域文化特征的风格样式系统设计,以及关注人的行为、心理的人文关怀系统设计等等。各系统之间相互融合与交叉,共同构建起景观艺术设计的复合设计系统。 (三)多层性系统。 景观艺术设计的设计空间呈现为多层性的表述特点,表现在从微观意义层面上的景观设计为主体到中观意义上的景观规划、宏观意义上的景观策划的多层与协调。 (四)广泛性系统。 景观艺术设计的设计观念呈现出广泛性,《亚太景观》一书在导言中谈到现代景观设计带来的变化:“首先是观念上的,宏观的观念、生态的观念、构成的观念、文脉的观念、民众参与的观念等等。其次是创作方法上…….所有这些凝结成现代的、后现代的、结构的、解构的、极简的、高技的……为景观设计师提供了广泛的创造可能性”。广泛的设计观念构成了景观艺术设计多元系统设计的哲学基础。 三、微观景观为实践主体的艺术设计 正如前文所述,景观艺术设计学科涉及到多个学科领域,其实践范围广泛,内容综合而庞杂,既涉及到景观空间的各个层面又融合了环境要素的全部内容。但是如果只是从广义的概念出发而缺乏具体目标的限定,景观艺术设计学科建构将会一直处在模糊不清的状态。这也是目前很多高校增设景观艺术设计专业方向后所共同面对的问题,即在庞大的景观学科中,景观艺术设计的实践范围或者说它的实践主体是什么的问题。 (一)宏观层面——景观策划。 宏观层面上的景观实践是建立在经济、旅游、生态等专业的基础上,包括进行大规模的景观生态保护、治理改造、景观资源开发、旅游策划规划等。这类景观实践主要侧重于景观前期的策划。优秀是协调土地的利用与管理。是在大规模、大尺度上进行景观体系的把握,具体项目有区域控制性规划、城市规划和环境规划等。策划是这一层面的实践主体。 (二)中观层面——景观规划。 中观层面上的景观实践是指有一定的规模,涉及到某一地域历史、文化、生态及地方特色整体风貌内容的较大型景观规划,包括与人类社会、文化相关内容,以及生态、历史等多学科的应用。规划是这一层面的实践主体。 (三)微观层面——景观设计。 微观层面上的景观实践主要指规模尺度较小,与人们日常生活相关联的景观环境设计。包括城市地形、水体、植被、建筑、构筑物以及公众艺术品等等。设计对象是城市开放空间,包括广场、公园、商业街区、居住区环境、城市街头绿地以及城市滨水地带等,其目的在满足景观环境功能的基础上,不断改善提高景观的艺术品质,已此丰富人的心理体验和精神要求。设计是这一层面的实践主体。 近年来,景观艺术设计伴随着中国城市景观建设的快速推进,以及人们对城市景观艺术形象期望值的不断提高,短短几年已发展成为一门十分重要的设计门类,然而与“遍地开花”的景观艺术实践工程项目相比,其学科发展与理论建构显得相对滞后,正因为这一缘故,景观艺术设计面临着许多课题,从学科观念、支撑专业、人才培养、实践主体,都有待做深入细致的研究。 景观建筑艺术设计研究:浅谈景观建筑的艺术设计 摘要:景观艺术设计学科正处于探索的阶段,从学科观念、学科性质、学科目标到学科实践主体范围均缺少系统性,明确性和指向性,本文就上述问题从景观学的引导、多元系统设计及景观艺术设计实践主体进行了系统的论述。 关键词:景观设计;多元系统;目标;实践主体 客观地讲就目前的中国景观艺术设计学科正处于探索阶段,从学科概念、学科性质到学科实践范围均缺少系统性、明确性和指向性。那么什么是景观艺术设计,景观艺术设计与景观学是一种怎样的关系,与传统意义上的环境艺术设计是一种什么关系,在景观学体系中它的实践主体是什么?本文将就以上问题从景观学的引导、多元系统设计以及景观艺术设计的实践主体进行系统的论述。 一、景观学引导下的艺术设计 景观艺术设计依托景观生态学,通过对自然的尊重、表达、展现生态环境的和谐与优美,依托景观建筑学创建城乡宜人的环境空间,依托景观人文学,表达人类行为心理的精神寄托及愿望,景观艺术设计成为景观形象高品质化生成的驱动力。 就景观学而言,景观艺术设计是景观学体系中的一个分支,是一个狭义的景观定义,是微观层次意义上的景观设计,在体现景观形象的创作上常常成为景观形象品格的重要组成部分,尽管景观艺术设计也涉及到景观学内容本身,但它更多的是遵循景观学的引导,关注景观形象要素对各景观环境系统空间进行艺术化处理,其优秀任务是协调人与环境空间视觉形象的关系。景观艺术设计在景观学的引导下,构成了一个交叉融合的设计系统,它是运用艺术融于景观科学的手段来协调景观形象在环境空间的发展关系问题,并使之达到最佳状态。它融合了园林学、生态学、城市规划学、建筑学、心理学、艺术学等学科的成熟经验,以其艺术的视野,从系统、和谐、优美的角度,解决城乡发展过程中的景观形象的创新问题。 景观艺术设计在景观学的引导下,依据艺术和谐原则干预协调各景观系统的规划与设计,在人与环境之间建立均衡关系时,更强调景观生成时对人精神上、视觉上、生理健康上的基本需求,通过景观环境空间艺术的创作,用以提升、陶冶公众的视觉审美经验,可以说景观艺术设计也是一种改善人们使用与体验户外空间的艺术创造活动。 二、多元系统设计含义的艺术设计 景观艺术设计与传统意义上的环境艺术设计是从不同角度研究人类聚居环境空间艺术的二个方面。环境艺术设计从改善建筑室内环境质量的室内设计起步,以室内室外环境一体化设计为优秀,注重环境空间的自身形态,以及环境艺术的具体样式。而景观艺术设计更强调环境空间的综合形态、环境艺术的复合样式、环境表述的多层空间,具体表现在多元系统设计下的互融与综合。 (一)综合性系统。 景观艺术设计是将城市、广场、街道、园林、建筑、壁画、广告、公共设施等环境空间看成一个多层次、多元化的有机综合体,虽然它们有时是以几组形式出现,有时是以相对单一的个体出现,然而解决上述问题却要求兼顾到整体的环境,是在一个被“创造”出来的人造环境空间基础上实现的二次创造,景观艺术设计涉及到园林设计、建筑设计、城市设计、环境艺术设计、工业造型设计、平面设计以及生态学、材料学、心理学、民俗学等学科,并将这些知识纳入到景观艺术生成的总体设计系统之中。 (二)复合性系统。 景观艺术设计是在景观学的引导下所构成的复合设计系统,由于景观艺术设计的综合性特点,因此常常表现出设计内容界定的模糊性、不确定性。其中包括基于景观空间形态的视觉系统设计,融于区域景观精神的形象系统设计,反映区域文化特征的风格样式系统设计,以及关注人的行为、心理的人文关怀系统设计等等。各系统之间相互融合与交叉,共同构建起景观艺术设计的复合设计系统。 (三)多层性系统。 景观艺术设计的设计空间呈现为多层性的表述特点,表现在从微观意义层面上的景观设计为主体到中观意义上的景观规划、宏观意义上的景观策划的多层与协调。 (四)广泛性系统。 景观艺术设计的设计观念呈现出广泛性,《亚太景观》一书在导言中谈到现代景观设计带来的变化:“首先是观念上的,宏观的观念、生态的观念、构成的观念、文脉的观念、民众参与的观念等等。其次是创作方法上…….所有这些凝结成现代的、后现代的、结构的、解构的、极简的、高技的……为景观设计师提供了广泛的创造可能性”。广泛的设计观念构成了景观艺术设计多元系统设计的哲学基础。 三、微观景观为实践主体的艺术设计 正如前文所述,景观艺术设计学科涉及到多个学科领域,其实践范围广泛,内容综合而庞杂,既涉及到景观空间的各个层面又融合了环境要素的全部内容。但是如果只是从广义的概念出发而缺乏具体目标的限定,景观艺术设计学科建构将会一直处在模糊不清的状态。这也是目前很多高校增设景观艺术设计专业方向后所共同面对的问题,即在庞大的景观学科中,景观艺术设计的实践范围或者说它的实践主体是什么的问题。 (一)宏观层面——景观策划。 宏观层面上的景观实践是建立在经济、旅游、生态等专业的基础上,包括进行大规模的景观生态保护、治理改造、景观资源开发、旅游策划规划等。这类景观实践主要侧重于景观前期的策划。优秀是协调土地的利用与管理。是在大规模、大尺度上进行景观体系的把握,具体项目有区域控制性规划、城市规划和环境规划等。策划是这一层面的实践主体。 (二)中观层面——景观规划。 中观层面上的景观实践是指有一定的规模,涉及到某一地域历史、文化、生态及地方特色整体风貌内容的较大型景观规划,包括与人类社会、文化相关内容,以及生态、历史等多学科的应用。规划是这一层面的实践主体。 (三)微观层面——景观设计。 微观层面上的景观实践主要指规模尺度较小,与人们日常生活相关联的景观环境设计。包括城市地形、水体、植被、建筑、构筑物以及公众艺术品等等。设计对象是城市开放空间,包括广场、公园、商业街区、居住区环境、城市街头绿地以及城市滨水地带等,其目的在满足景观环境功能的基础上,不断改善提高景观的艺术品质,已此丰富人的心理体验和精神要求。设计是这一层面的实践主体。 近年来,景观艺术设计伴随着中国城市景观建设的快速推进,以及人们对城市景观艺术形象期望值的不断提高,短短几年已发展成为一门十分重要的设计门类,然而与“遍地开花”的景观艺术实践工程项目相比,其学科发展与理论建构显得相对滞后,正因为这一缘故,景观艺术设计面临着许多课题,从学科观念、支撑专业、人才培养、实践主体,都有待做深入细致的研究。
艺术设计专业论文:艺术设计专业工业设计分析论文 21世纪初,工业设计在德国兴起,促进了德国经济的大发展;工业设计也创造了美国现代工业发展的神话,使美国能够在半个多世纪内雄居世界经济“大哥大”的宝座…… 工业设计前景之设计竞争力是工业发展的重要竞争力 21世纪的市场竞争,是科学技术的竞争,同时也是工业设计的竞争。 什么是工业设计?1980年,巴黎国际学术年会权威的论述是,赁借训练、技术知识、经济及视觉感受,而赋予材料、结构、构造、形状、色彩、表面加工以及装饰全新的品质和风格。 21世纪是知识经济的时代。高度发展的科学技术与代表新世纪潮流的工业设计相结合,将为人类书写美好的篇章。 由于工业设计是由工业设计师、结构工程师、价值分析师、模型工程师等专家集团组成的共同劳动,其本身就形成了一种特殊竞争力。专家们基于他们对技术、产品、市场、消费者、购买力、价格水平、生活习惯等的科学把握,开发、设计出了一大批具有竞争力的产品。如瑞士的机械手表,微软的软件…… 日本千叶大学著名学者宫畸清教授在介绍日本经济发展的过程时,谈到日本产业振兴和经济增长有三要诀:一是艰苦奋斗的民族精神;二是领先一步的工业设计;三是不断完善的经济政策。这三者相辅相成,其中,工业设计对日本经济的起飞发挥了巨大的推动作用。 亚洲金融危机之后,日本人痛定思痛,面对21世纪,又一次将“设计竞争力”作为日本经济振兴的法宝。他们用全新的设计思维,在策划、在设计“太阳经济”、智能建筑、地下城市、空间城市、模糊汽车等等。 工业设计是优秀竞争力,是因为它可以科学地配置资源,投资少,见效快。据测算,工业品外观每投入一美元,可带来1500美元的收益。日本日立公司的数据则更具说服力,该公司每增加1000亿日元的销售收入,工业设计所占的作用占51%,而设备改造的作用只占12%,显而易见,工业设计的主旨同可持续发展战略是一脉相通的。在21世纪,工业设计将成为企业生存的关健和优秀。商家将切实感受到,如果没有卓越的产品设计,任何先进技术精良装备与严格的管理都无法创造出精美的商品。 工业设计前景之“组织设计”是全新的革命 现代工业设计应该包括组织设计。 现代企业制度是20世纪组织设计最重要的成果。但是,企业制度的革命是永恒的。企业组织设计也没有终点。 随着信息化、自动化、全球化的出现,人们设计了“全球工厂”、“元纸贸易”、“战略联盟”、“电视直销”、“网络营销”等各种生产和营销组织形式d 我们需要设计“全球工厂”。在社会分工日趋细化的时代,“大而全”、“小而全”的企业已经难以在激烈的市场竞争中占据竟争的优势,商战的严峻现实需要众多的各具优势的企业联合起来,互相支持、互相补充,形成“全球工厂”。 耐克(NIKE)公司是世界上最大的旅游鞋供应商和制造商,公司将主要精力放在产品的设计和销售上,产品的生产制造主要在新兴国家和地区进行。耐克甚至连样鞋也不生产。这就是“全球工厂”的初级阶段。 我们需要设计“战略联盟”。康柏电脑公司为迅速进入自己并不熟悉的个人电脑市场,获得竞争优势,一开始就与十几家著名的软硬件公司,如微软、迪吉多等结成技术战略联盟,“借他人力量发展自己”。康柏电脑的大部分零件也采用外包的形式来组织供应,公司本身仅仅掌握快速的研究开发能力及行销网络。由于实行轻巧的高弹性组织,配合低价策略,康柏很快占领了个人电脑市场,成为全球个人电脑的著名品牌。 工业设计前景之设计创意是企业人的基本素质 科学的工业设计,其灵魂是设计创意。 设计创意是21世纪企业入的基本素质。 我们所知道的有关设计创意的经典事例太多了。索尼的盛田昭夫苦于女儿的收录机的声音太大的烦躁,促发了“随身听”的构想:美国硅谷两个青年电脑“发烧友”基于“让每个消费者桌上都有一台电脑” 的理想,领导了被认为是“20世纪最伟大的技术革命”的PC电脑潮流;海湾战争后赋闲的摩托罗拉工程师为了“让普通人在移动中通讯”,轻松地将军工技术转化为民用,引发了“大哥大”的流行;“令妇孺都能操作摄象机”的目标,使索尼创造了“掌中宝”;“在拍摄中即时观看影象”的设想,激发了夏普“彩色液晶显示屏手提摄象机”的独创...... 21世纪的设计创意是在“世界产品大交流”的冲撞中产生的。目前世界市场各类商品的总量是150万种,中国市场才40多万种。由此可见,我国产品种类的市场空间还很大。企业应当大力激发设计师,多多创意,多多开发,积极投身于风起云涌的全球工业设计浪潮当中。 21世纪也是设计教育大发展时期。创意是需要教育的。创意也需要教育来普及。目前,各国都在加大设计学院的建设力度,如美国有35所工业设计的专门学院,日本与德国各有20所,韩国有15所,这些设计院校把目光都放在21世纪。未来世界级的服装设计师、汽车设计师、建筑设计大师......将从这里诞生。 工业设计前景之“虚拟设计”是高科技设计的旗帜 21世纪的设计,应该是“虚拟设计”。 “虚拟设计”(VirtualReality简称VR)技术的概念,最早是由美国科学家拉厄尔于80年代初提出的,现在它已被广泛应用于社会生活的各个方面,如“虚拟生产”、“虚拟贸易”、“虚拟市场”、“虚拟网络”等等。而虚拟设计则是通过“虚拟现实”的手段,追求产品的设计完美和合理化。 虚拟设计通过“三维空间电脑图象”达到:1)真实。借助电脑和其它技术,逼真地模拟人在自然环境中的各种活动,把握人对产品的真实需要;2)交互。实现人与所设计对象的操作与交流,以不断改进设计模型;3)构想。强调三维图形的立体显示,使设计对象与人、环境更具现实感和客观性。 美国福特汽车公司科隆研究中心设计部经理罗勃认为,采用虚拟设计技术,可使整个设计流程时间减少2/3。 21世纪,虚拟设计将在建筑设计、装备设计、产品设计、服装设计中发挥神奇的效用。 工业设计前景之“绿色设计”是新世纪的设计主题 绿色设计,是维护人类地球绿色环境的设计。绿色设计的目的是系统有序地探索人类产业发展与社会文明的关系,有效地避免高科技工业化社会与生态环境的冲突。 绿色设计要求必须从生态伦理学出发,掌握如下原则: ——在新产品中尽可能节约物质资源。 ——实行语义学革命。随着产品日趋多样化,能赋予产品“生命与意义”的产品语义学,正在取代传统的产品“机能与外型”的关系。要突出自然、环境的命题。 ——设计创新。在造型、功能、色彩、选材等方面,努力向高、精、尖攀登。同时,要兼顾民族性和层次性 谈到工业设计专业,可以先看看在上海"中国工业设计周"了解的两组数据,其一是我国近20年来培养的工业设计专业毕业生仅3万人左右,只相当于韩国目前该专业在校生的数量;其二是我国高校工业设计专业的毕业生,就业形势不好,很多工业设计专业毕业生都不得不改行。每年约有30%至40%的人流向包装和商标设计等行当,有40%至50%的人改行去搞装潢、广告,也有部分毕业生到网站进行网页设计,真正去做工业设计的人很少。为什么如此少量的毕业生就业要改行呢?难道真是市场饱和,还是市场不需要工业设计人才吗? 一些专家指出,这是因为国内许多企业对工业设计的重要性不甚了解,更谈不上重视。有的企业甚至认为工业设计就是产品外观设计和包装。许多企业的产品设计十几年、甚至几十年一成不变,如热水瓶、自行车、床单等,"老面孔"传了几代人。 令人可喜的是进入21世纪,更多企业已意识到工业设计的重要性。据国家轻工业局副局长朱焘介绍,现代工业产品的市场,在很大程度上依赖工业设计的成功。随着高科技技术的发展,产品的质量不再是主要矛盾,抢占市场,获胜的关键在于工业设计的创新,在于其能否引导世界潮流。今天的汽车、手机、电脑市场中,各企业越来越关注其设计问题,谁的工业设计有创新能取胜,谁就能赢得市场。目前国外许多大企业都拥有庞大的设计机构,象日本东芝,拥有的工业设计师数以百计。还有国内大企业海尔集团,就高薪聘用了多名外国工业设计专家,每年投入的开发设计费达8000多万元。这些高投入获得了高回报,海尔产品广泛行销海外世界市场就是一个证明。这说明,市场需求更多的专业设计人才,工业设计越来越在市场受到重视,起到举足轻重的作用。 中国加入WTO之后,只有工业设计人才得到重视、使用,我国的工业产品才能跻身广阔的世界市场,市场需要多层次、多门类的工业设计人才,工业设计人才在未来有极大的升值潜力。"工业设计"将是一个为我们国家、我们的企业大量创造知识产权的黄金水道,这就是为什么有人说21世纪的文化将是设计的文化! 艺术设计专业论文:艺术设计专业课程教学设计论文 一、艺术设计专业项目工作室制课程的定位 (一)强调针对性,符合艺术类学生的特点 艺术类学生个性较鲜明,重感性思维,在入校前参加过艺术写生的专业训练,具有一定的写实造型基础,易于接受新事物,对图形表现技法的探索力强,对图形图像表现的技法兴趣较高,对市场、品牌定位、目标受众、媒体环境等认识不足,须提升整合的设计观念,在制定艺术设计专业项目工作室制课程,首先需要考虑以上艺术类学生的特点,针对其专业基础,制定与之相适应的课程体系,才能取得较好的教学效果。 (二)以职业能力为中心,凸显艺术设计专业的特点 艺术设计专业是以视觉形象为载体来传递信息,从视觉传达的角度来看,以造型基础为基础课程,通过三大构成课程引入专业设计课程,着力培养艺术设计专业所必需的图形思维表达能力,并强调从事本专业领域工作的实际操作能手。着力培养学生运用艺术设计的基本原理把握不同广告媒体特点以及设计创意方法和表现形式,在课程教学环节上,应多安排优秀设计鉴赏和同一主题的多种风格的转换的表现,培养学生的图形思维能力,提高图形图像的敏锐度,拓展学生的图形设计的表现语言。 (三)以就业为导向,适应现代艺术设计的发展趋势 现代艺术设计随着市场及媒体环境的改变,其领域也不断拓展,由传统的平面广告、企业识别系统、出版物逐渐拓展到动画广告、多媒体广告、网络广告、手机广告等不同应用领域,课程的设置上应主动介入艺术设计行业现状及发展趋势,把握设计公司的岗位流程要求,使学生了解信息时代的特征,特别是电子商务时代对艺术设计的影响,提升学生的团队、项目管理意识。 二、与岗位相适应的模块化教学单元 (一)真实工作体验式的课程体系 学生通过第1学年的职业基本技能的学习,以及第2学年进入项目工作室的模拟公司化、以赛促学的职业优秀技能课程的学习,不断提升职业技能,完成由学生到设计师的角色转换,为企业顶岗实习和广告设计公司实现“无缝对接”。以项目驱动课程教学,围绕理论知识传授和技能实训的有机结合,把每一项目进行合理拆解分工,使每个学生都能参与到项目制作中,在实践中发现问题、解决问题、总结问题,提升学生的艺术设计职业能力。 (二)职业岗位技能与自我发展的协同安排 以艺术设计岗位职业能力分析为基础,重构广告设计公司的工作流程,即市场策略、创意定位、设计表现、设计执行、效果评估五个步骤,将从业所需要的技能、知识、思维方式等有机地整合在一起,以培养学生的职业岗位技能,同时兼顾到学生综合艺术素养、团队协作意识的培养,形成了“岗位+职业发展”的基于工作流程的课程设计理念。针对广告设计的初始岗位能力,与发展的自我发展能力做出相适应的细化要求,以明确学生在掌握职业技能的同时,注重培养专业发展的多条路径。 (三)多层次的延伸扩展的专业课程安排 艺术设计专业课程以广告设计、包装设计、样本设计、画册设计、企业形象设计等专业优秀技能课程为中心,进行课程的重组与整合,主要分为基础素质类课程如造型基础、色彩、速写等,专业基础类课程如平面构成、色彩构成、立体构成、二维图像软件,二维矢量软件等,专业优秀类课程如专业的设计类课程,专业拓展类课程以及专业综合训练类课程等。以岗位需求为出发点,对课程进行模块化设计,注重基础课程与专业课程的穿插,同一课程不同应用方向的设计,通过专业课程的学习,使学生掌握不同专业设计的差别和相同的设计原理。 三、基于项目实现的弹性教学管理 课程采用商业艺术设计项目教学,项目的设置可能以解决企业的某个现实问题为目标,通过对优秀艺术设计项目案例的分析研究,使学生能够完成商业项目的制作,教学过程实行课堂理论讲授和机房实训相结合,授课采用多媒体演示优秀艺术设计作品、点评解析作品、分组讨论、模拟提案等多种教学手段,机房实训采用电脑教室或大屏幕投影,讲练结合,在教学过程中实行项目管理教学法,把整个班级分为若干个项目团队,将整个教学内容按照知识点分解成若干目标节点。按照公司化的项目管理和团队合作的理念来组织教学,以培养学生符合艺术设计项目管理理念的生产创作习惯和良好的团队精神。教学课程由专业课程组与合作的广告设计公司共同开发,项目教学由模拟项目向真实项目过渡,单纯技能型的分项训练向项目综合技能的提升训练渐进。课程项目任务由项目工作组、教师工作组、项目控制员、提案小组协调完成。课程实行弹性教学管理,其优秀就是教学设计服从于客户项目的要求。项目工作组由教研室主任及骨干教师组成,其职责是:与合作的广告设计公司密切合作,与客户进行有效沟通,确定客户的需求,确保创意定位的准确。教师工作组由专业教师组成,其职责是:指导学生建立项目小组,明确分工任务,有效完成设计方案,保证项目的品质和质量。项目控制员由创意小组专职人员担任,职责是:组织项目展开,控制项目进展的节奏,确保项目如期完成。教学班级由若干创意小组(每组4-6人)同时跟进一个项目,进行内部提案竞标,形成项目小组间的竞争,在项目实施过程构建教学与实践结合的良性关系,项目完成时,由专业教师对项目完成情况进行总结分析,使学生通过项目的制作,理解项目制作的流程,把握制作过程的重点。 四、多元化的教学评价考核机制 广告设计与制作专业课程分阶段进行评价。建立职业能力综合评价体系,以目标水平为主,阶段成绩为辅,结合课外作业、学习态度以及本人课程学习中职业技能的提高程度进行综合评价。强调目标评价和过程评价相结合,注重作业过程、方法步骤的流程控制,加强实践性教学环节的考核,注重平时成绩记录。课程按百分制考评。在教学中按课程教学节点分别进行综合评估,按不同的权重计算总成绩,学生成绩评价采取多元评价体系: (一)目标性评价 选取最能体现或代表所需职业能力的商业项目,让创意小组完成这些项目,然后根据项目完成的效率与质量进行评价,依据课程的目标,按照行业相应要求,可直接把最终商业客户的评价引入教学考核,使学生能了解市场的真实需求,以避免自己的主观喜好把握设计样式。 (二)阶段性评价 根据项目任务书要求,从完成工作任务的阶段过程中进行评价。将评价对象的学习发展轨迹作为评价内容,强调评价主体多元化,强调学生对设计流程各关键节点的把握,强调设计的程序化,重视评价对象自我反馈、自我调整、自我完善、自我提升的作用。 (三)多元性评价 在教学中特别注重鼓励启发和引导学生,关注那些有个性、有创新意识的学生。作业评讲可以是学生自评,每个同学都要阐述自己作业的设计思路、定位点及表现手法以及创作体会,还可以是同学之间互评,在此基础上教师再作总评。评分标准包括作品立意构思、整体构图、元素表现、材料运用、工艺效果、作品的完整性等,还包括学习态度、团队的协作、规范的制作、符合后期生产工艺等。 (四)校企结合评价 遵循“课程与实训结合”的理念,采取公司设计师与学校教师相结合方式进行评价。按照广告设计公司要求与课程目标相结合进行评价,注重能力与实际工作的关联程度,将创意思维能力、表现能力、策划能力之类的单方面要素考核转变为完整工作任务评价。评价形式可以通过实际操作任务等评价项目,做出职业能力水平的综合评价。 五、结语 结合艺术类学生的特点,有针对性的制定艺术设计专业的课程,以项目工作室制为载体,通过艺术设计职岗位分析,灵活的制定相应模块化课程包,理论知识根据技能训练展开教学,教学中采取优化课内、强化课外、以赛促学的方法,引入企业真实项目,定期举办设计类竞赛与展览,引导学生积极参加各大设计竞赛,激发学生的创作热情,调动学生的积极性与主动性,增强学生的创新意识和能力。按行动教学逻辑关系实施项目驱动的教学方法,使学生学练结合,不断提升职业设计技能,从而将教学过程由“单向式”的被动讲授转变为“互动式”的启发和能力积累,以适应现代的广告设计公司的岗位人才需求。 作者:李曙光吴双单位:安徽电子信息职业技术学院 艺术设计专业论文:艺术设计专业通识教育论文 一、目前我国高校通识教育存在的问题 和国外的高等教育一样,国内高校也是通过设置通识课程实现全人教育的理想。通识教育提倡以整合的知识锻造健全的人格,不是简单地增加学生的知识量或教授专业之外的一些学科知识,而是强调培养学生的价值观和思维方式。通识教育充分体现了全人教育的价值取向,是实现全人教育的一个重要途径。我国高等教育意识到了通识教育的重要性,但是通识教育在各高校的发展很不均衡,存在一定的问题,主要体现在:第一,通识课程多为“两课+外语+计算机+体育”模块的公共必修课或素质教育类的公共选修课程,能真正拓展艺术设计专业学生综合素养的通识课程很少,现有通识课程成为修满学分的一个途径,未得到学生应有的重视。同时通识课程偏向应用性、工具性,忽视人文性、思辨性,教学形式仍沿袭传统的教学模式,并没有很好地体现通识教育的精神。通识课程的课程体系、教学模式和教学方法有待优化。第二,全人教育理念的实现,并不能单纯依靠通识课程教学,而是需要通过每位教师以身作则,把理念渗透到教学的每一个环节。与此同时,通识课程的综合性和跨学科性对教师自身综合素质的要求更高。目前,我国一些高校艺术设计专业的通识课程教学没有从事通识课程研究和授课的专业教师团队,缺乏卓越的师资队伍。第三,素质教育的选修课程设置,各高校根据其办学理念、办学条件和学科特色各有差异,但基本以自然科学、人文社科、艺术、经济与社会、道德修养与法律基础等为其内部构成。对于艺术设计专业而言,一方面学生的自然科学基础薄弱,人文素养有待加强;另一方面通识课程的内容结构缺乏逻辑联系,授课教师缺乏艺术美学的相关素养,使得通识教育效果很难让人满意。 二、艺术设计专业通识教育的改革 全人教育的最大特色就在于培养人的全面素质和广阔而博大的世界观。优秀通识课程体系的构建就是从更宽广的角度帮助学生认识世界、认识社会、认识自我。教育者应根据当前艺术设计专业生源的实际素质状况,调整现有通识课程框架,实施系统化、精品化的通识教育,以培养更具人格素养的艺术设计人才。 1.强化通识课程的人本化、综合化,建设优秀通识课程 相对专业课程而言,通识教育的课程体系应具有永恒价值,由专业范畴转向社会范畴,由知识技能的传递转向人格情感的培养。可以说,通识教育承担着培养对学生来说是受益终身的素质的责任。因此,我们需要提炼几项优秀素质作为通识教育的主要目标。从课程体系上说,需要建立通识教育优秀课程体系。现代意义上提出全人教育第一人的隆•米勒指出,教育应该“更着重人的情感、创造力、想象力、同情心、好奇心以及人对终极存在的体悟等内在情感体验与人格的全面培养,从而达到人的精神性与知识、技能的统一”。他将全人的发展方向概括为智能、情感、身体、社会、审美、精神六个范畴,强调通识教育课程中人文、社会、自然等的互动、整合。具有社会责任感的设计人才的培养,需要学生对大千世界的自然科学以及政治、经济、伦理和生活知识等都有较为深入的了解和体会,需要其有良好的文化修养。基于这一理念,结合我国的国情,可围绕人文历史、文学与艺术、道德伦理、自然科学、社会与经济五个模块进行设计和建设。 (1)人文历史课程模块 这一模块一方面增进学生对人类文明历史的全新审视和理解,另一方面通过学习文明的发展历程,使学生进一步认识艺术与社会历史、人文思想的密不可分。其中应该包括西方文明史和中国文明史两个方面的内容,学生还要有重点地选取对人类文明有重大影响的经典进行精读和讨论。 (2)文学与艺术课程模块 这一模块培养学生丰富的情感感知力和对艺术表现的批判性理解力,领域涉及文学、音乐等。对艺术设计专业学生而言,由于在专业必修和选修课中已经有了大量的艺术类课程,因此这一课程模块需要避免重复开课,应开设综合性、跨专业的艺术素养课程。鉴于文学与艺术设计的紧密联系性,该课程模块的比例可加大,为学生提供文学创作、文学批评和分析方法等内容的课程,提高艺术设计专业学生的文学素养。 (3)道德伦理课程模块 增加学生对中外哲学家有关伦理、道德、公平、正义、民主等内容的阅读和讨论,使学生了解重要的思想传统,了解道德问题的复杂性,塑造公民意识。通过课程的教学,学生可拓展对于政治与道德哲学的认知理解,探究固有观念的是与非,具备分析复杂多变的现代问题的能力。 (4)自然科学课程模块 科技文明对世界文明的贡献是实质性的。基于艺术设计专业学生的理工科基础知识较为薄弱,这一课程模块需要进行细分,选择合适的主题内容并针对艺术设计专业的学生单独授课。如,开设科学的精神与方法、环境与生命、宇宙的性质、黑洞等课程,对重大发现与重要理论的历史演化过程、杰出贡献人物、对社会的影响等多方面进行综合的、辩证的论述,其重点是让学生理解科技发展的特有规律及人文内涵,并培养其思辨能力,把科学作为观察人类与世界的一种方法,对于艺术设计专业学生培养更为宽广的世界观和思维方法显得尤为重要。 (5)社会与经济课程模块 在美国,“服务社会”成为诸多大学理念的重要成分,而这也恰恰是我国一些大学生所缺乏的基本意识。社会与经济课程模块的开设目的就是让学生清楚而正确地认识社会,更自觉地参与社会生活,同时就生活中的物价问题、房产问题、经济周期和生活中的投资等问题展开研究,通过对经济学基础知识的讲解,传播蕴含在生活中的经济学原理,解释现实生活中的一些经济现象。 2.实现通识课程教学模式的多元化 (1)由单一的大班授课转变为小班授课为主、大班授课为辅的形式 教学方式是影响课程教学质量的重要因素。目前国内的通识教育课程以大班授课为主,课堂教学缺少师生、学生之间的交流与互动,人数过多导致无法实现对学生基本能力和批判性思维方式的培养、引导,这使得通识课程沦为另一种形式的理论或概论课程。大学之所以重要的原因之一,就是大学是师生之间面对面交往的场所,知识的获取不仅仅依赖于书籍,教师的行为举止、品德修养乃至学识水平要依靠面对面的传授和感染。因此,通识课程教学要提高小班授课的比例,以增加师生的接触频率和交流深度。 (2)实现课程设计的科学化、多元化 当前我国高校开设了五花八门的公共选修课和专业选修课,一些课程内容庞杂、形式重于内容、体系缺乏科学逻辑性。全人教育十分注重知识领域之间关系的构建,反对一门科目对应一个知识领域的课程设计,课程安排应该跨学科建立起广泛的联系网。因此通识课的内容、设计是需要慎重对待的,需要通识课程的教学团队共同讨论、制定具体的教学目标与更具逻辑性和体系的教学内容。根据教师的专长,通识课程内容可以按照一个主题或围绕一个学科领域这两条线进行组织。按主题内容进行课程设计,即设定一个教学主题,通过一门课程或系列课程从不同的角度对其进行讲述和探讨。其优点在于跨学科性和综合性,并能充分激发学生的学习兴趣。按学科领域进行课程设计,即通过系列课程的学习了解一个领域的内容,从教学内容上看虽然与传统教学类似,但其优点在于精与深。这类课程要在教学方法和考核方式上以综合素质的培养为出发点,以达到通识教育的目的。 (3)实现通识课程教学形式的多样化 隆•米勒认为:“全人教育是所有学生和教师共同学习和成长的发现、表达和掌握多层面经验的旅程。”在通识课程教学中必须强调学习者的主体地位和多元化的学习,教师是学生学习的引导者而非控制者。高校教师要扮演这样的角色需要根据课程特点,结合学生特质,采用多元化的教学形式,做到因材施教。 艺术设计专业学生个性鲜明、创造欲望强、情感丰富、感性思维多于理性思维,但同时存在逻辑思维较差、文学功底薄弱和集体观念弱等特征。教师在通识课程的教学中可以通过“课前阅读+课堂讲授+课堂讨论+师生答疑”的教学形式发挥学生的学习自主性,以解决上述问题,实现全人教育所倡导的平等、自由的精神交往。这一教学过程大概可以分为以下几个环节:在开课前的假期就为学生提供阅读的书目,开课后教师进行一定程度的讲解并提出紧扣参考书目的优秀问题,学生分小组讨论和提问,最后教师和其他小组学生就问题提出自己的见解。此外,针对人文历史、文学与艺术等课程模块,还可以提供经典著作书目供学生课外阅读,要求学生深度阅读并于课后提交小论文。如,美国芝加哥大学的通识教育课程要求学生每个学期至少要精读20本书,很多课程要求提交1500字左右的论文。这种“课外阅读+写作”的教学形式,可加强学生的独立思考能力、分析能力、写作能力与独立研究能力。 作者:姚奇志明兰单位:南华大学设计与艺术学院 艺术设计专业论文:艺术设计类专业实验室管理论文 1工科院校艺术设计类专业实验室管理的必要性 进行实验室规范管理实际上是具有一定目标的,应该把相应的规章制度运用到管理过程中,依据实验室工作的规律和性质进行实验室的管理,并且统一要求学生、教师以及技术人员的行为,建立一定的行为准则。现阶段,实验室管理规程中最重要的就是科学规范。虽然工科院校艺术设计类专业实验室管理发展的比较缓慢,没有多少的管理经验,但是由于其具有科研和教学的重要任务,可以培养创新型人才,提高学生的技术能力,因此,就需要在实验室管理过程中进行科学的管理,不断协调各种工作,达到共同进步的目的,也可以说是把行为、思想、意志等合理的融入到实验室工作中,达到科学管理的目的,提高实验室的效率。现阶段,大部分院校没有一定的实验室系统的、规范的、科学的管理制度,不够重视实验室的管理,导致实验室与实际设计施工、规划使用以及维修之间出现脱节问题,不能合理的进行使用实验室设备。很多实验室由于施工不合理以及不能进行技术维修等从而降低使用年限,甚至出现刚成立的实验室,需要进行和换地方或者重修的问题,导致损失了大量的人力、物力、财力,导致实验室不能进行合理的使用。所以,就需要我们建立相应的管理制度,规范实验室管理人员的行为以及使用人员的行为,保证在以后的实验室管理过程中达到有章可循、有法可依,对于管理人员的行为进行约束,从而提高实验室管理人员的积极性和管理结构的完善,最大限度的发挥实验室的功能,保证实验室具有协调、有效的管理秩序和系统。 2工科院校艺术设计类专业实验室管理过程中的问题 2.1课前培训不合理 实验室的主要参与人员就是工科院校艺术设计类专业学生,因此,他们对实验室的管理和维护也具有一定规定责任和义务,可以通过多种方式来培养学生对实验室设备的责任和义务,现阶段,最主要的就是进行课前培训,可以在一定程度上起到提醒的作用,在第一次进入实验室之前进行相应的课前培训是十分重要的,需要专业老师进行分析和讲解,主要分析使用规则、上下课时间以及管理规范等,但是学生对于这种制度不是很上心,仅仅当做一种形式。 2.2实验室相关管理人员没有积极性 在进行实验室管理的过程中,管理人员没有很高的积极性,工作能力也不高,大部分实验室都会出现这种问题,实验室管理人员既不是任课教师,也不是行政人员,在学校管理的边缘,实验室管理人员不仅自身积极性不高,当做一种闲职来看,还会有大部分老师和学生也不重视实验室管理人员,长此以往,使得很多实验室管理人员开始离职,从而造成人员混乱和流失。 3实验室设备陈旧 由于目前大部门实验室设施比较老旧,在使用过程中十分容易出现故障,从而在一定程度上影响着提高学生专业技能的进度和质量,主要有以下几个原因:一是,学校资金不足,更新速度比较缓慢;二是,实验室管理人员水平不高,使得在使用过程中不能及时的修复设备,导致不能正确的使用相关设备,从而很大程度上减少了设备的使用年限以及使用速度;三是,大部分院校不是十分重视实验室管理。 4管理制度不完善 管理制度不是十分完善,导致实验室管理不规范,现阶段,大部分工科院校艺术设计类专业基本上都有相关的管理制度,拥有不少的专业人才,但是在管理实验室的时候,还是会存在一些问题和不足,管理内容不够完善以及管理规定比较松散宽泛,没有明确处罚损坏设备人员的制度和处罚,从而会出现纵容损坏问题,此外,很多管理人员对于这项工作存在偏见,认为工作不重要,因此,不能积极的进行工作。 5创新工科院校艺术设计类专业实验室管理的对策 5.1合理进行课前培训 在课前切实做好培训工作,可以有效地提高学生使用实验室设备时候的素质,增加学生对于实验设备的重视,主要管理表现在学生使用设备时候的认真态度以及责任意识,可以通过进行一定的课前培训来培养学生的这种态度和意识,合理的进行课前培训可以在一定程度上打破传统的僵化模式,可以使用正确的视频等方式来介绍实验室管理的规范和制度以及使用方法,从而可以有效的提高学生的积极性和注意力,促进学生加强使用器材的责任与意识,还应该充分了解仪器使用记录,主要有使用人员、使用地点、使用时间等,来对学生使用设备的情况进行了解,从而不断规范学生的使用方式和行为,不断提高学生的责任和意识,最大限度的降低学生使用设备过程中出现的磨损。 5.2建设完善的实验室管理制度 不断完善实验室管理机制,实现科学化实验室管理,提高建设实验室制度的力度,为创新工科院校艺术设计类专业实验室管理提供保障和依据,大致可以把实验室管理制度分为实验室设备情况、实验室学生使用设备规范、实验室人员管理规范以及实验室日程管理制度四大部分。应该不断从细节着手,充分考虑管理人员和学生在使用过程中可能会出现的问题,做到一定的防范作用,还应该创新管理的张贴方式以及公布手段,也应该注意使用语言,最好使用学生能够接受的方式和话语,从而拉近师生之间的距离,最大限度的提高学生的注意力。 5.3建立专业的管理团队 建立相应的专业管理团队,不断提高实验室管理教学的质量,实际上实验室教师与管理人员水平和素质直接影响着实验室管理的效果和质量,因此,建立一支具有专业素质的队伍就变得尤为重要。想要发展这种规划就需要首先解决实验室归属的问题,在管理之前,需要学校进行严格明确实验室的所属情况,从而可以在一定程度上提高管理人员的地位,不断激发管理人员的工作积极性和热情。第二,提高管理人员的专业培训力度。可以定期的把实验室相关管理人员给予一定的技术管理等专业知识的培训,积极鼓励相关人员进行职称评定和进修,不断提高管理人员的技能水平,第三,提高实验室管理人员的监督与考核制度,进行不定期考核,并且把考核结果与管理人员的加薪和升值进行密切联系,激发工作人员积极工作的态度,从而提高管理的质量。 6建立相应的专业实验室 建立一定的专业实验室,达到与时俱进的目的,现阶段,很多问题并不是技术和制度问题,而是内部设备老化问题,导致设备功能不齐全,不能满足时代的发展需求,不能满足工科院校艺术设计类专业的发展要求,因此,就需要老师和学生不断掌握和了解先进管理理念和管理技术以及一定的市场需求,从而培养符合社会发展的创新型人才,及时更新实验室设备对于学生的发展起到很大促进作用,学校可以与相关艺术设计企业进行联合,形成实验室,学校成为企业培训的基地,企业为学校提供先进设备,从而不断把优秀毕业生引入到企业,达到企业与学校共赢的目的。 7结语 总而言之,创新工科院校艺术设计类专业实验室管理是一项艰巨并且长期的任务,需要老师、学校、学生三者之间进行沟通和协调,在实验室管理过程中,及时发现问题,并且给予足够重视,解决问题,并且能够从根本上把实践放在设计专业教学的主要地位,不断改革教学目标,这样才可以为学生提供高效、科学、先进的环境,为培养创新人才提供保证和依据。 作者:谭大青单位:江苏盐城工学院设计艺术学院 艺术设计专业论文:建构主义下艺术设计专业教学改革论文 一、艺术设计专业特征分析 1.学科特征 设计主要借助于计算机设备,将设计理念、设计草图转化为数字化的设计作品,并通过印刷设备、工业生产线将设计稿生成为实物的过程。随着社会的发展和市场需求,艺术设计专业分类更加细化,已经从早期平面设计、工业设计到现在的多样化发展。艺术设计课程由艺术基础课、计算机辅助设计课和专业设计课等部分组成,虽然课程数量不同,但是这些课程都具有实践性较强、技能涵盖广的特点,从基本艺术素养训练,到计算机辅助技术训练,最后到专业创作训练,逐步培养学生的动手实践能力和提升学生创新思维能力。因此,该学科更多强调学生的主体地位和个人成长。这一点也恰巧和建构主义思想吻合,因此,研究建构主义思想并将其运用到设计专业教学改革中显得颇有意义。 2.学习者特征 学生是学习的主体,因此,教学改革必须分析学生特征,才能做到有的方矢,保证教学改革的顺利进行。艺术生具有以下特征:一是学生思想活跃,勇于实践,因为设计是一项创意工作,所以,在长期的训练中,学生养成了爱思考、爱想象的特质,在课程学习和作品创作中也敢于尝试不同的设计理念,完成多种设计方案,另外,高校有很多工作室,为学生提供更多的实践机会,学生可以借助这一平台承接设计项目,将所学知识运用到社会生产中;二是学生标新立异,爱好广泛,由于受专业知识的熏陶,艺术生身上散发着独特的文艺气息,引领校园新潮文化。同时,他们爱好较为广泛,涉及音乐、舞蹈、体育、书法、绘画等诸多领域,他们是校园文化活动的佼佼者;以上两个特征对于学生学习专业知识具有一定的促进作用。艺术生在学习中也存在一些不足,一方面学生自控能力较弱,很容易受到外界因素影响,在学习中,部分学生往往刚开始满腔热情,但是缺乏踏实刻苦的学习态度,外加自身交友、参加社团、社会实践等因素影响,部分学生会出现迟到、旷课或早退情况,久而久之,影响了专业课学习;另一方面,学生学习习惯陷入不良循环,艺术创作是一个艰苦、孤独,又充满趣味性的活动,为了完成一个好作品,学生经常要彻夜奋战,这也使学生睡眠不足,影响白天专业课学习。因此,为了提升学生的培养质量,必须采取有效手段引导监督学生学习。 二、建构主义思想对艺术设计专业教学改革启示 建构主义是心理学发展史上的一个重要学派,最早是由心理学家皮亚杰提出,建构主义思想强调“以学生为中心”,让学生从具体情境中实践探索,从而获取知识,更侧重学生知识建构这一理念。建构主义思想对现代教学有良好的指导作用。 1.转变教育理念 国内外教育理念存在一定的差异,外国教育更关注人的成长发展和生存能力,中国教育体制下,应试教育长期困扰孩子成长,虽然“素质教育”已经提出,但是,我们现在的教育是否达到素质教育的层面还值得深思。对于设计专业教学来说,更应该从实用性出发,不能和社会需求脱节。时代在变,设计专业学科决策者要审时度势,每隔一段时间修改教学计划和教学大纲,教师作为教学引导者,应关注学科前沿知识,将其运用到课堂教学中。使学生更适应市场的需求。此外,不同级别、不同地区的高校也要结合各自的情况,转变观念,找准定位,不跟风,培养有各学校特色的符合社会需要的设计工作者,而不是培养学生都成为艺术家。 2.借鉴优秀教学方法 建构主义思想在国外高校已经有较好的应用基础,在哈佛大学,较为著名的教学方法有“苏格拉底法”、“习明纳法”、“案例教学法”和“模拟教学法”,这些教学方法已经屡见不鲜,有很好的应用案例。在我国教学中也逐步引进这些优秀教学方法,只是名称称谓不同。但是,要把这些教学方法用好用活,着实需要下一番苦功夫。在设计课程中,“案例教学法”无疑是首选的,笔者对案例教学法的理解是“教师为主导、学生为主体、以市场为导向、用案例来驱动”,这样既体现了学生实践者的地位,同时阐明了教师是整个事件的组织者和引导者。案例教学法的关键因素之一是案例选取,笔者认为案例选取不能脱离实际,纸上谈兵,应该结合市场需求,有意识的培养学生解决实际问题的能力。 3.教学设计更人性化 建构主义思想强调学生的主体地位,教学设计是教学质量的保证,因此,在教学设计中要“以学生为中心”。首先是对学生进行分析,学生分析包括:学习者年龄、爱好、成长环境等综合特征,充分发掘学生特质和喜好,为接下来教学内容选取做准备;其次是教学内容选取,做为设计课程教学来说,教学内容选取要紧扣设计发展前沿,将最新的知识加入到日常教学中,同时考虑知识的难易程度和可接受性,适量即可;第三是教学过程设计,为了提高课堂学习积极性和活跃课堂气氛,可以采用“头脑风暴”、“角色扮演”和“小组协作”等方式。头脑风暴可以培养学生发散思维,前提是学生在课前对本节课内容有一定的预习和知识储备;角色扮演是培养学生主动性和参与性的重要方法,在角色扮演的过程中学生可以针对某一问题展开研讨,主动探索学习,解决非良构领域知识,在主动参与过程中也收获了知识和成就感,同时,也坚定了学生学习信心;小组协作是学生就业前的实战演练,因为一个完整的商业设计作品多数是由一个团队完成的,因此,在教学中培养学生的团队协作意识显得尤为重要,在案例或项目的驱动下,学生以小组的方式展开合作,一方面小组内协作可以增进学生交流,另一方面,小组间的竞争也可以进一步调动学生学习的积极性,使课堂更加有趣。 4.教学组织形式更加灵活 “抛锚式教学法”和“支架式教学法”是建构主义较为有名的教学方法。两种教学组织形式都是通过设定一定情景,将复杂的知识分解为一个个需要解决的问题,教师首先抛出问题,让学生主动探究,教师在整个过程中对学生进行指导与启发,学生可以通过小组协作方式完成一个个学习任务,从而获得知识。在艺术设计专业教学中可以借鉴“抛锚式教学法”,特别适用于一些专业理论课程。在专业理论课程教学中,传统课堂讲授形式,学生一般会觉得枯燥乏味,以至于教师煞费苦心讲,但是教学效果不佳,这也正是教学中存在的“学生不喜欢学习理论课”现象。因此,专业理论课可以采用抛锚式教学法,将教学内容划分为一个个主题,并将学生分成不同小组,每个小组选取一个主题在课下展开研究,在课堂上汇报研究成果,教师对每个主题做补充总结。这样,既减轻了教师上课负担,又能使学生“从做中学”,达到知识建构。采用“抛锚式教学法”组织教学是对传统教学方法的重要变革。 三、小结 教学理念、教学方法、教学设计、教学组织形式是教学的重要因素,建构主义思想对教学各要素改革具有一定的指导作用,同时,教学改革也是一个漫长的过程,不能一刀切,也不是一蹴而就的,需要因地制宜,根据学科特征、课程性质和学生特征来选择使用,并需要不断摸索,不断总结改进。 作者:王建明 孟真 单位:郑州大学西亚斯国际学院 北京大学附属中学河南分校 艺术设计专业论文:艺术设计专业本科毕业设计论文 摘要:毕业设计是高等院校艺术设计学科重要的教学环节,也是本科阶段学位考核的重要方式。完整科学的毕业设计指导评审体系,对于检验学生专业学习成果,总结梳理专业知识认知,提升专业实践能力具有重要作用。考核体系的构建主要包括选题体系、指导体系、评审体系三部分。 关键词:毕业设计;选题体系;指导体系;评审体系 艺术设计作为一门综合性极强的学科,它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素,是包括表现能力、感知能力、想象能力、创作能力等设计专业综合素质的体现。毕业设计教学指导是本科教育阶段总结性实践教学环节。同时,也是培养学生创新意识和基本技能,提高学生综合运用所学基础理论、专业知识,分析和解决实际问题的能力的重要步骤。科学、规范化的毕业设计教学评估体系的研究具有重要的教学指导意义。 1艺术设计本科毕业设计选题体系 爱因斯坦说过,在科学面前,“提出问题往往比解决问题更重要”。准确而恰当的毕业设计选题,可以明确设计方向,检验专业水平。提出问题是解决问题的第一步,制定好毕业选题是毕业设计指导体系的重要环节。结合艺术设计专业特点,联系专业发展方向,结合学生专业特长和课题价值,毕业设计选题体系可以分为三个方向。①项目应用型:主要是指专业实践项目,具备实战性、规范性、约束性、市场性等特点。项目应用性选题是以解决实际问题设计训练目标,注重强化设计应用能力,认知行业设计流程,熟悉行业设计规范。②概念实验型:主要是指具有探索性、抽象性、概念性、前沿性的设计选题。概念性项目往往对某种理念或思想进行提炼、概括、表达。概念项目的设计训练要求我们立足于时代最先进的技术和社会意识,大胆尝试新技术、新材料、新工艺、新的生活观念,凝聚时代先进技术成果,对于培养和锻炼学生的创新能力具有较好的意义。③专题研究型:主要针对专业发展的某一领域,进行深入性、拓展性、研究性的设计实训。应对专业细分和未来职业发展需要,强化对设计专业某一领域的设计应用和研究能力方面的培养。我国著名哲学家张世英所说:“能提出象样的问题,不是一件容易的事,却是一件很重要的事”。一个好的选题需要大量地阅读、收集、整理和研究资料,从对资料的分析、思考选择中确定设计选题方向,为后续毕业设计工作打下良好的基础。 2艺术设计本科毕业设计指导体系 毕业设计指导是设计专业本科教学活动中,用时最长,教学模式最为灵活的教学阶段,也是对于本科专业设计能力提升的重要教学环节。针对学科特质和设计流程,以毕业设计指导实践中学生经常出现的问题为依据,分为开题、设计、结题三阶段的毕业设计指导体系。1)开题阶段:针对学生在设计初期就选题及前期调研进行指导。主要内容包括选题背景和意义、国内外研究现状、成果内容、发展动态、课题研究方法、设计方向等内容进行指导,明确课题研究的框架性认识。2)设计阶段:重点指导学生就毕业设计选题制定清晰的设计目标、明确的设计内容和可行的设计计划。确定设计思路,充分利用技术资料,注重设计方法和合理使用工具。学生设计时,应注重辅导理论与实际的联系,充分考虑设计的可行性。注重对设计项目的分析,启发独立思考以及设计技术层面的强化。针对不同设计选题内容,注重初稿问题的沟通,二稿的调整,三稿的完善。不少于三个环节的指导是毕业设计环节质量的保证,也是更好地对设计质量和速度进行把控的措施。3)结题阶段:主要针对毕业设计方案的完善、展示、阐述等内容进行指导。着重强调设计方案的完整性、准确性、展示性。毕业设计阶段性指导体系有利于分解设计任务,控制设计效果,引导专业知识与设计实践的关系,弥补教学过程中的薄弱环节,加强专业课程的有机结合和综合运用。侧重对于设计的思路、方法、步骤和技巧的详细介绍,讲解设计选题的重点、难点,扩展知识结构,深化设计能力。 3艺术设计本科毕业设计评审体系 毕业设计的评审体系是毕业设计科学规范化评审标准。毕业设计的评审直接关系到对设计专业本科毕业生专业能力水平客观准确的认定。毕业设计评审体系着重审核毕业设计完整性、规范性、知识性、展示性的完成情况。评审标准分为优秀、良好、及格、不及格四个等级:①优秀:按时优质完成毕业设计任务书的设计内容,体现专业理论和知识技能的熟练应用,具有创造性地独立完成毕业设计的能力,设计规范,设计方案具备较强的应用性和社会意义。②良好:按时良好地完成任务书的设计内容,体现专业理论和知识技能的准确应用,具有良好独立完成毕业设计的能力,设计规范,设计方案具备一定的应用性和社会意义。③及格:按时全面地完成设计任务书的设计内容,体现专业理论和知识技能的应用,具备完成毕业设计的能力,设计规范,设计方案完整。④不及格:未能按时地完成任务书的设计内容,专业理论和知识技能欠佳,不具备独立完成毕业设计的能力,设计方案不完整。 4结语 毕业设计教学评估体系是高等院校教学体系的重要组成部分,剖析毕业设计质量的影响因素,提出毕业设计质量监控的方法和措施,是对设计专业学生学习成果的考核检查的重要标准,是科学授予学士学位的依据。完整科学的毕业设计教学评审体系能有效地考察本科专业设计应用知识,能良好地反映本科专业设计专业认知,能客观地体现本科专业设计创造能力,是毕业设计教学质量的重要保障。科学的毕业设计指导体系能够更好地帮助同学们研究、巩固、扩大、加深、提升专业知识和技能,明确毕业设计指导各环节的主要质量控制点和质量标准,是提高和控制本科毕业设计质量的重要方法,对国家建设培养和输送合格的设计人才有着积极重要的作用。 作者:孙磊 单位:重庆人文科技学院 艺术设计专业论文:艺术设计类专业教学改革论文 摘要:随着社会的发展,信息时代的到来,人们的生产生活方式发生了翻天覆地的变化,在这种情况下高等教育的教学内容,教学方式以及教学手段都必须做出适当的改革,只有这样才能够满足社会和企业对人才的需求,才能够使高校实现可持续发展,进一步提高高校大学生的综合素质。本文以高等院校艺术类专业教学现状为主要切入点,系统的阐述了高校艺术类专业教学改革路径,旨在为社会培养更多的高素质人才。 关键词:信息时代;大学生;艺术类专业 艺术类课程的主要作用是引导学生跨入艺术的门槛,帮助学生深入了解艺术专业的教学内容,可以说,它既是学生进入艺术之门的敲门砖,也是学生能够在艺术的领域里不断发展的基础。然而,就现阶段的实际情况来看,现阶段,我国高等院校绝大多数艺术类专业课程存在很多问题,例如教学形式滞后,教学方法单一等等,这些问题的存在不利于高等院校艺术类专业大学生综合素质的进一步提升,也不利于高等院校艺术类专业教学水平的提高,因此,对高等院校进行教育教学改革势在必行。邓小平同志曾经说过,教育应面向现代化,面向世界,面向未来,艺术设计教学也不例外。笔者认为,高等院校艺术设计类专业,应当以进一步提高高校办学质量,提升高校办学效率为思想,以党和国家所颁布的教育方针为行动指南,采取多种方法,多管齐下,多措并举,遵循人才培养规律,将教育教学改革落实到实处。 一、艺术类专业教学现状 艺术类专业作为我国高等院校教育体系中最为重要的组成部分之一,已经得到了广大学生和家长的高度认同。[1]早在上世界90年代,我国部分重点院校就开始了针对艺术类考生开设的艺术教育专门机构,这些专门机构的设立一方面能够帮助艺术类考生实现自身艺术领域的进一步发展,另一方面还能够使那些普通学生开始走进艺术,可以说是一举多得。经过数年的教育探索,随着艺术教育活动的展开,现阶段,我国高校已经逐步将艺术教育作为了针对大学生进行的素质教育中一部分,以艺术教育为基础开设了诸多课程。然而,这些课程却存在很多弊端,主要表现在以下几个方面: 1)边缘化问题。艺术类理论教学边缘化问题是我国高等院校艺术类专业所必须要面对的问题。在艺术类课堂上,学生重理论、轻实践的现象普遍存在,很多学生对于教师所讲述的理论知识持一种“可有可无”的态度,认为所谓的理论知识没有什么太大的用途,不能够直接体现出鲜明的效果,而实践则不同,它能够有效指导其进行艺术创作。[2]在这种错误意识的引导下,学生在理论课课堂上缺乏学习的主动性,学习知识的兴趣不高,逃课现象比较严重。不仅如此,与其他学生相比,艺术类考生其形象思维相对较强,但是文化素养相对较低,这也导致学生对艺术类课程的理论知识缺乏学习兴趣的主要原因之一。 2)教学方法落后。众所周知,良好的教学方法能够激发学生的学习兴趣,调动学生学习的积极性,然而,现阶段,艺术类专业的教师在授课过程中所沿用的教学方式由于过于落后,导致其难以发挥教学方法的优势作用。首先,从课程教学情况来看。教师所沿用的教学方法依旧是传统、老旧的教学方法,教师在课堂上居于主要地位,一本书、一支笔、一块黑板就是教学的所有教具。学生被动的接受教师的讲授内容,这种枯燥的一边倒的填鸭式教学,对学生来说既不新鲜也不生动,特别无趣,在这种情况下,学生的学习效率可想而知。其次,教师很少应用新颖的多媒体教学。[3]虽然,近年来,我国高校艺术类专业引进了大量的多媒体设备,但这些多媒体设备大多成为了摆设,教师在课堂上一旦遇到那些艰涩难懂的理论知识,就会通过黑板进行板书或是照本宣科的讲读书本上的知识,这种教学方式就导致了这样一种现象,即教师在课堂上讲述的慷慨激昂,而学生在课堂上则因缺少必要的实践而昏昏欲睡。长此以往,势必不利于我国高校艺术类专业大学生综合素质的进一步提升,也不利于教学质量的提高。 3)教学内容不明确。在我国高等院校传统的教学中,艺术类专业主要以教授学生技能为主要目的,教学内容单一,在安排课程的过程中课程的安排往往呈现出一定的随意性,换句话说就是缺乏必要的周密性,甚至部分课程还存在教学内容东拼西凑的现象。除此之外,教学内容难以实现与时俱进也是艺术类专业教学水平难以提升的最主要原因。教学信息更新速度慢,对艺术领域内的那些科研成果没有做到及时的更新、更近,这种现象必然导致艺术类专业教学内容的落后,内容呈现片面性的特点。一直以来,我国传统的艺术教育都是以“教”为主要的教学内容,进而忽视了对艺术育人功能的重视,这是艺术类专业课程教学一直存在的缺陷。笔者通常长期的研究与实践认为,想要彻底解决艺术类专业教学中存在的问题,必须从教学方式方面入手,以教学形式、教学理论以及教学内容三方为切入点进行行之有效的教学改革,只有这样才能够达到理论与实践相统一的结果。 二、艺术类专业教学改革的路径 随着社会的发展,教育教学改革的不断深入,越来越多的人开始意识到,艺术教育课程应当打破传统的以专业技艺培训为主要教学内容的弊端,应将专业技艺培训作为艺术教育的主要载体,将育人融入到艺术教育中来,那么,这一观点如何实现在教育教学中?笔者认为,应当在艺术类专业课堂教学中应用情景体验式教学、多媒体教学以及互动式教学同学生自主学习有机结合在一起的教学模式。 1)在艺术类专业教学中着重强调情景体验式教学。在教学方式方法上,实现艺术类专业的教学改革最大的突破点在于将情景体验式教学应用到具体的教学过程中。例如,教师在讲授《艺术概论》这门课程的过程中的“中国汉朝时期的美术”的时候,教师可以带领艺术专业的学生去博物馆中进行参观和学习,引导学生深入了解马王堆汉墓所出土的文物,并在此基础上,了解我国汉朝时期的服饰等等;在给学生讲授世界建筑的时候,教师可以在上课之前收集相关的建筑图片,从世界范围内帮助学生了解不同国家的代表建筑作品,并将这些建筑作品背后的一些历史背景弄清楚。[4]可以说,这种情景体验式教学能够有效改变传统落后的教学模式,极大的丰富了传统教学内容,使学生能够走出课堂,充分调动了学生学习的兴趣以及学习的积极性,使学生能够直观的感受到艺术带给他们的不一样的体验。值得注意的是,情景体验教学模式在教学中的应用应当做到有所侧重,应将情景体验与理论教学有机结合在一起,只有这样做,才能够达到艺术类专业教学想要达到的教学目的、目标。 2)在艺术类专业教学中应着重强调多媒体教学。随着社会的发展,人类科学水平的进一步提高,以互联网为基础的多媒体教学模式已经逐步深入到了艺术类专业的教学过程中,并给艺术类专业的教学内容以及教学形式带来了翻天覆地的变化。笔者认为,以往的传统的教学方式已经难以满足现阶段艺术类专业学生的需求,因此,必须做到适时而变,通过将多媒体技术应用到艺术类专业教学中来,将图像、动画以及视频等多媒体信息同教学内容有机结合在一起,能够在培养学生学习兴趣的同时,充分调动学生学习的积极性,从而达到优化教学的目的。我们还以《艺术概论》这门课程为例,将多媒体技术应用到该门课程中,能够促使学生获得最为直接的体验,教师在讲授“美学原理”等理论知识的时候,如果单纯的依照艺术理论课程来进行教学,则会导致学生对学习存在一定的抵触情绪,甚至还会出现厌学情绪。而如果在课堂上利用多媒体设备展示法国拉斯科洞窟等岩画作品图片,引导学生深入的了解这些图片,就可以有效解决学生上课积极性不高等问题。因此,艺术类专业的教师可以将多媒体教学和理论课教学有机联合在一起,并在此基础上结合教师的引导式教学,可以有效提高课堂的趣味性。 3)在艺术类专业教学中应将互动式教学和学生自主教学有机结合在一起。例如,教师在讲授艺术的分类等相关内容的时候,可以设定一些问题,作为课堂的导入,引导学生带着问题进行学习,随着相关问题的解决,学生能够深入的了解相关知识,并最后进行总结。笔者认为,在这一过程中,学生能够对教师所提出的问题逐步形成自己的看法和观点,并在课程的最后阶段同教师进行沟通和交流,这种做法能够进一步加强师生之间的互动性,除此之外,学生在教师的引导下展开讨论,并将自己的讨论结果归纳出来,能够实现自身从感性认识逐步向理性认识的方向转变。除此之外,教师还应当积极鼓励学生实现自主学习,教师可以同学生转换角色,使学生成为课堂的“教师”,而教师成为课堂上的“学生”,学生在上课之前应做好相应的教学课件,并代替教师在课堂上进行讲授,讲授结束后,教师要根据学生讲述的实际情况进行评价。以“电影艺术”相关内容的讲述为例,教师可以让学生到讲台上代替教师讲解一些美国电影的发展史,将学生的主动性充分的发挥出来,使学生的学习成绩得到一定的提升。学生在准备课件的过程中,自行搜集材料,完成了由被动学习向主动学习的转变,在讲台上讲解相关课程内容的过程中,还能够进一步的梳理和强化理论知识。通过这种学习方式,学生的学习兴趣得到了进一步提高,课堂气氛也得到了活跃,极大的提升了教学效果。 三、结语 总的来说,艺术设计类专业的教学现状不容乐观,存在很多问题,这些问题的存在对艺术类专业教学水平的进一步提升,具有一定的阻碍作用,因此,必须采取多种办法、多管齐下,切实提高学生的学习兴趣,调动学生学习的积极性,进一步活跃课堂氛围,将新颖的教学手段和教学方式方法引入到教学当中,从而帮助学生完成从被动学习向主动学习的方向转变。 作者:夏璞 单位:三门峡职业技术学院 艺术设计专业论文:高职高专艺术设计专业教学论文 摘要:简化是一种思维方法,是造型艺术的一种手段,也是一种设计方法:将复杂的视觉元素通过删繁就简,去粗取精,提炼为有秩序的、简洁的、单纯的视觉语言。简化是现代设计中的重要方法。该文从人类对简化作品的基础美学需求、设计中繁与简的关系、现代设计的手段、现代生活方式与现代审美心理需求、艺术家或设计师作品形成个性化造型特点的重要方法五个方面研究学习简化的缘由。 关键词:简化;设计方法;造型手段;思维方法 通过近年来设计基础与相关课程的教学可以发现,部分进入高职高专艺术设计专业的一、二年级学生的思维模式还处在高考前画石膏、画模特的具象表现阶段。推进简化课题可以有效解决学生从高考前具象思维到进入大学后抽象设计思维的转换这个难题。通过简化对内部小课题进行重组、优化,使很多不同科目的相关知识点串联成知识线,提高了学生的学习效率,为后续的其他专业课学习奠定了良好的基础。简化是一种思维方法,是造型艺术的一种手段,也是一种设计方法:将复杂的视觉元素通过删繁就简,去粗取精,提炼为有秩序的、简洁的、单纯的视觉语言。许多现代主义艺术作品或设计作品都应用了简化的方法。文章从以下几个方面研究简化。 一、从美学发展史看,人类视觉对 简化作品的美学需求人类用发现美的眼睛发现了大自然中许多未经雕琢的美,但这些美的元素与丑的元素常常混杂在一起,多种设计元素纠缠在一起,不能突出某个重点元素的特点。俗话说“花多不艳”,就是这个道理。简化可以在繁杂的视觉元素中剥离出关键设计元素,有效组织好元素间的关系。但简化绝不是简单的删减,而是设计元素的高度提炼。简化的目的是以简洁的外观体现设计风格,更好地传达设计精神,为情感沟通服务。 二、设计中简与繁的关系 设计作品中的简不是孤立存在的,繁与简两个概念是对立统一、相辅相成的,并在一定条件下可以相互转化。从不同风格作品上看,繁与简是对立的。繁的作品带有装饰的意味,简的作品风格单纯,是反装饰的。两者都具有形式美感。一些作品的整体面貌呈现多元素组织在一起的繁,从内容、形式、手段等方面给人以丰富多样、华美艳丽、绚烂、热烈等视觉美感。而简约风格的作品呈现少量元素的组织关系,带来冥想、干练、纯粹等视觉美感。繁与简也都有负面的视觉感受,繁的元素过多,负面感受就是杂乱、无序、拥挤等;简的元素过多,负面感受就是冷清、空洞、简陋等。繁与简没有孰高孰低之分,只是由于时期、地域、社会环境、心理、个人喜好和作品内容等因素不同,决定了作品风格与人们对繁与简的偏好。在同一作品中,繁与简是统一、互补的关系。在形式上,简常常烘托繁,使作品中的繁显得越发精致。在大面积的繁中出现的简会显得清爽、透气,极致的简是留白,是空。我们在学习简化这种艺术方法的同时,要明确简不是简陋、简单,而应该是言简意赅、简约,是内在优秀品质的体现。外在形式的简与内在精神的繁必须相互作用才能产生优秀的设计作品。就像日本无印良品的产品设计,在简单外观的背后,注重选择合适的材料、颜色,采用精湛的加工工艺,注重功能、使用上的每个细节。在简的背后是追求自然、质朴、功能至上的生活态度。那份细密的用心正是简背后的繁。这样的简是有内涵的简,更能彰显出产品的气质。 三、简化是现代设计中的重要手段 简在设计中具有重要的艺术价值。简的精神是精练地表达主题,以少胜多。它不添加多余的元素,一针见血。在各种设计领域,都存在简化方法的应用。如,简风格的平面设计作品表现在形、色彩、文字、排版方面,就意味着简洁。1.形的简化现实的、不加修饰的自然形往往附加了一些与主题无关的信息。如果直接用在平面设计中,画面就会表意不明确甚至杂乱。设计的过程通过删掉影响主题的形,保留能明确表达主题的形,对重点形根据设计精神进行变化。最终通过简化这一手段帮助设计师达到形式的凝练。特别是标志设计,必须通过简洁的图形明确表达内涵。如荷兰皇家壳牌石油集团的标志经历了多次的变化,逐渐由复杂的具象造型转向简约的抽象造型(图1),转变的过程体现出社会审美观念的变革。2.色彩的简化作品的色彩会给人留下直观印象,往往比形的视觉冲击力更大。但如果一件作品色彩应用太复杂,没有秩序或整体性的色彩,一定是混乱的。所以,经过简化后的单一的、少量的、有秩序的、能够表达作品情感或符合设计风格的色彩,能够增强作品的感染力。3.文字的简化文字作为信息传递的主要载体,是抽象的形式语言。形式运用合理、有特点、新颖,会对深层内涵起到很好的阐释作用。但一味追求怪异、奇险,并不能产生理想的设计效果,这也不是设计追求的最终目标。在标志、招贴中,文字数量要少,形式上要简,做到文字以一当十。如,2008年北京奥运会的会徽(图2),把人、地点、运动、中国文化、奥运精神等多种元素通过一个变化后的篆字“京”与印章巧妙地结合在一起。作品形式上简洁明快,形与意完美统一。4.排版的简化繁风格作品的排版装饰感强,简风格作品的排版体现功能至上的特点。在同一作品中,繁与简需要根据主题、内容、风格相互配合,掌控好繁与简的程度,尺度把握很重要。排版离不开简,简是排版中的空白,是简洁的线条或图形,是人们视觉休憩的港湾,是对设计重点的烘托。 四、简化是现代生活方式与现代 审美心理需求的必然产物当下,现代人的生活节奏快、信息量爆炸,视听感官在短时间内就会受到大量信息的冲击。这些视觉信息让我们目不暇接,我们自然会产生视觉疲劳。这时就需要简洁、纯粹的艺术作品。以简化为手段的极简主义设计风格恰好满足了这种生活方式与审美的内在需求,同时也符合当今绿色环保的主张。由贝伦斯与密斯•凡德罗提出的“少即是多”的建筑设计哲学,成为极简主义的优秀思想,对日后的设计美学产生了深远影响。简化是极简主义应用中最主要的造型方法。“极简主义在形式上进行‘量’和‘形’的简化,通过对造型元素抽象、提取出几何形体,使形式、色彩、材质等表现符号具有含蓄和凝练的特点。”①极简主义作品外表简洁,强调功能、本质、品质,注重人的主体地位。极简主义在建筑、服装、雕塑、绘画等领域都有影响。五、简化是很多艺术家或设计师作品形成个性化造型特点的重要方法通过简化课题学习,学生了解了艺术家作品形成的过程,从而明白作品背后重要的是思维观念的转变。简化从自然物象中抽取本质元素,是从具象向抽象转变的重要手段。探讨古典主义绘画向现代主义绘画的转变,不得不谈到保罗•塞尚,他在造型上将复杂的物体归纳为简单的几何体并进行表达。“他(笔者注:保罗•塞尚)的贡献在于,他在对表面的视觉印象进行分析与综合的基础上,使绘画达到了一种深层的完整性——他超越了经验主义对自然的表面性认识,在自己的画面中建立了一种与自然的物象有着较为密切的关系但是又具有内在自足性的视觉模式,为20世纪艺术家进行更深入的形式探索提供了观念与实践的重要启示。”②立体主义的代表人物毕加索在造型上延续了塞尚提出的认识方法,但不像塞尚一样把事物归结为球体、圆柱体、圆锥体,而是理性分析人对自然的不同印象,从中找到稳定的、本质的内在结构,他的《亚威农少女》正是如此。之后,几何抽象画派代表人物蒙德里安将理性的形式感又向前推进了一大步,其作品在形式与色彩上做了更多大胆的简化。他把事物的形态简化成水平线与垂直线的纯粹抽象构成,从内省的深刻观感与洞察里,创造普遍的现象秩序与均衡之美。他崇拜直线美,主张透过直角可以静观万物内部的安宁。他不画眼睛看见的实物,而是把事物画成绘画语言因素中的直线、直角、三原色(红、黄、蓝)和无彩色(黑、白、灰)所构成的整体。虽然艺术家的理念不同,观察、思考事物的角度、方法不同,但是以上几位画家都应用了简化的方法,在造型上都存在几何化表现,从具象思维向抽象思维进行了不同程度的转化。艺术家抽取不同元素,通过各种处理方法,最终获得艺术作品的迥异风格。作品不再是对自然的单纯描摹,更接近艺术家的心灵体验。 在中国传统文化中很早就有简的概念,老子在《道德经》中就提到“少则得,多则惑”,意在不要过于在意事物复杂的表象,而要抓住事物的本质。这和贝伦斯与密斯•凡德罗提出的“少即是多”的思想不谋而合。在设计中,我们要以人为中心,简化那些无关痛痒的元素,将深厚的内涵体现出来。简化需要智慧,需要设计师的境界与胸怀。针对高职高专艺术设计专业的基础教学,我们尝试通过简化的课题,将设计的精神与理念传达给学生。 作者:田华 单位:呼和浩特职业学院美术与传媒学院 艺术设计专业论文:艺术设计专业教育论文 文化创意产业是文化、知识和技术高度关联的产业,所涉及的每一个环节都与人才密不可分,因而文化创意产业是典型的以人为本的现代经济发展模式。作为我国文化创意产业人才培养的摇篮,高校艺术设计专业担负着为我国文化创意产业输送适配人才的重任。那么如何以文化创意产业的发展为战略目标,不断调整和优化我国高校艺术设计专业教育,培养出符合市场要求的文化产业人才,就成为当下高校艺术设计专业改革中需要关注和研究的重要问题。本文从艺术设计专业教育与文化创意产业发展之间的内在联系入手,对文化创意产业视角下,我国艺术设计专业教育的发展重心及对策问题进行探讨。 一、艺术设计专业教育与文化创意产业 艺术设计专业教育与文化创意产业之间有着紧密联系,可以说,艺术设计专业教育是我国文化创意产业人才培养的基础,而文化创意产业则是我国艺术设计专业教育发展的风向标。二者相互依存,互相作用。 (一)艺术设计专业教育助力文化创意产业发展 在培养文化创意产业人才方面,艺术设计专业教育发挥着极其重要的作用。首先,文化创意产业是通过人的能力将艺术与文化进行创新、升华而形成经济价值的产业。在这个过程中,人的创造力是发展的最根本动力。正是由于艺术设计教育具有这样的特性和内涵,因此其对人的创新能力的开发有重要影响。其次,近些年越来越多的艺术设计专业毕业生走向文化创意产业的创业浪潮中。围绕一个好的艺术设计创意可以衍生出很多高质量的文化产品,甚至形成产业链条,惠及其他产业。艺术设计教育培养的“高、精、尖”人才正是文化产业发展的中坚力量。再次,几乎所有的文化创意产业的门类和分支都需要大量的艺术设计人才,而从创意设计到制作推广,再到文化创意产业运行的各个环节均离不开设计人员的参与。只有具有创新性、具有美感的设计才能够实现对产品内容的表现,从而提升文化产品的附加值。从这个角度来说,艺术设计教育对文化创意产业的支持是不容忽视的。 (二)文化创意产业引导艺术设计专业教育 第一,伴随着文化创意产业的发展上升为国家发展战略,近些年围绕着如何提升文化软实力,促进经济结构的调整,我国先后出台了一系列推动文化创意相关产业发展的政策意见。这些政策其中包含着关于文化创意产业人才培养的理念与策略。因此,与之密切相连的是,艺术设计教育也必然要根据这些方针作出相应的调整和改变。第二,随着文化创意产业对我国社会经济所做贡献的日益增大,大力发展文化创意产业已成为人们的普遍共识。在此前提下,过去那种侧重于仿造和贴牌,低附加值、缺乏优秀竞争力的文化加工产品必然会被高附加值、自主创新的文化创意产品所取代。这样的转变对我国艺术设计专业教育的培养目标形成了新的导向。第三,我国传统艺术正面临着新媒体和全球化的冲击,如何通过具有创意的设计让这些文化资源得以延续和重生,在保留其文化价值的同时又能符合当代文化市场的需求,需要更多适应新形势和新环境的创新设计人才。艺术设计专业教育只有顺应文化产业发展的人才需求,构建起艺术设计专业教育和文创产业之间有效的对接,才能使学生学有所用,在市场竞争中处于优势地位。由此可见,文化创意产业的发展与走向起到了引领我国艺术设计专业教育发展的作用。 二、艺术设计专业教育的发展重心 我国的文创产业在经历了较长时间的快速发展之后,产业特征以及人才标准逐渐清晰起来,这为我国艺术设计教育的培养目标提供了一些启示。 (一)提升文化素质培养高度 文化是创意滋生的土壤。一个优秀的创意设计一定是凝结了创造者对某种文化的独特认识、深入观察以及审美理解,蕴含了创造者对多种知识和思想资源的吸收、转化与提炼。因此,提高文化创意产业人才的创作能力,文化素养的加强必然是重中之重,文化素质的培养可以说是艺术设计教育人才培养的重要基础。而我国的艺术设计教育专业在很长一段时间里大多偏重于对学生专业水平的培养,忽视了对文化素质的要求,没有将文化素养的提升作为专业培养的重要方向。一些院校不只是在专业招生时不太看重文化课成绩,在大学期间的文化课安排也不够充分,导致一些学生只重视专业课的学习,而缺少历史文化知识的积淀,由此也导致其设计创意原创度不高,设计产品无法呈现出足够的内涵和活力。因此,笔者认为必须要转变教育观念,将文化素质的培养上升到与专业培养同等重要的高度,使之成为艺术设计专业教育的重心之一。 (二)注重对实践能力的培养 一般来说,一个文化创意项目的成功,要经历市场调研、信息分析、设计策划、制作生产、营销推广等多个环节,每一个环节都要密切联系文化消费市场,是在提出合理实施策略之后将其付诸于实践。因此,实践性一直以来都是文化创意产业最重要的特征之一,也决定了人才培养中动手能力和应用能力的必要性。在现代艺术设计教育中,特别需要强化并落实这一理念,需要将艺术设计人才培养的目标与市场需求对接起来,既要注重学生专业知识的积累,又要培养他们解决实际问题的能力,这应该也是艺术设计专业教育发展的重心之一。 (三)信息技术的使用与掌握 随着我国科技水平的不断提高,互联网、大数据、云技术、虚拟现实等新技术的广泛应用成为文化创意产业成长的新助力。文化创意人才也可以借助互联网、新媒体平台、大数据等多重手段,更加高效和便捷地实现信息交互、资源分配,以及市场分析和创意整合,并通过现代技术强化艺术和文化元素结合的表现力,提升内容输出时带给人的丰富体验感。因此,艺术设计教育需要加强对学生相关科技应用能力的培养力度,把对信息技术的使用和掌握作为艺术设计专业教育的重要一环,以培养出更多能够适应数字技术环境与当代媒介发展特点的文化创意类人才。 (四)培养复合型跨界人才 文化创意产业的内容不仅包含文化创意,还涉及到艺术、管理、规划、营销、科技等多方面的知识和技能,交叉性和综合性是其重要特征之一。应该说,今天的艺术设计已不再是过去的技能性学科,所培养的人才应具有跨界能力、多元的知识储备和广阔视野。所以根据这样的需求,未来的艺术设计专业教育就不能停留在只让学生掌握艺术设计的技能上,还要通过多种教育途径、多方面知识的灌输来拓宽学生视野,让学生学会如何探索创意设计与科技、文化知识以及相关产业的结合点,运用更广阔的思维模式,跨学科、跨领域、跨行业,融合多元文化和艺术语言来实现创新。因此,培养复合型跨界人才既是艺术设计专业教育人才培养的发展方向,也是艺术设计专业人才培养的重要目标。 三、艺术设计专业教育的发展对策 (一)明确培养目标,构建新的教育理念 清晰的培养目标是艺术设计专业教育改革的坚实基础。因此,各艺术设计院校首先要确立明确的培养目标,构建起以创新创意能力为优秀的教育理念,充分发挥其对文化创意产业人才的培养作用。为此,一方面,艺术设计院校要从外部打造一个灵活高效的创意生态,树立以人为本的培养方针,关注每个个体的主观能动发展;另一方面,要从内部通过教学方法的改革来提升学生的创新创意能力。教师要注重学生设计创新思维的建立与方法的应用,指导学生建立起宏观、系统、整体的设计思维习惯,培养他们在创新中掌握分析问题和解决问题的能力。 (二)丰富课程设置,打造多元化课程体系 当前我国的艺术设计专业已覆盖了人文、艺术、经济、传播、管理、计算机等多个领域,形成“大设计”的概念,这也正好与文化创意产业的综合性、多样性、复杂性特征以及对复合型人才的需求相吻合。因此,艺术设计学院在课程的设置上也需顺应这一发展态势,加快课程体系的建设与教学内容的调整:第一,可根据各高校艺术设计专业自身原有的特色和基础开设与文化创意产业对接的选修课程,如文化创意产业概论、文化产业管理、文化创意产业与艺术设计等课程,以增强学生对文化创意产业知识的了解及对文化市场的认知;第二,可以适当增加人文课程的比重,如开设文化思想史、文化发展史、文化经济、文化哲学等相关课程,着力提升学生的文化素养,增强创意人才的文化底蕴;第三,需要增开一些与新技术应用相关的课程,如虚拟现实、新媒体界面设计等,使学生在设计中能够熟练操作并运用最新技术,自如地将设计理念与高新技术相结合。 (三)以文化市场为导向,加强校企合作 实践能力是文化创意产业市场对人才的优秀要求。要培养出更多适合文化创意产业发展需要的合格人才,艺术设计院校需要在课程中增加实践教学环节,帮助学生加强对市场的认知,学会根据市场特点和需要来构建设计逻辑,建立系统全面的设计思维。同时,艺术设计院校也可以根据自身的特色和企业需求与校外文化企业建立合作关系,利用企业与学校所提供的不同教育资源,打造产学研一体的合作模式。目前,较为有效的方式是建立校外实践基地以及校内设计工作室,让学生参与真实项目的研究和设计,深入到创意合作的第一线,在具体实践中有效提升其专业素养和实践能力。此外,通过邀请和聘任在设计以及文化创意领域中具有丰富经验和较高技能的实践型专家参与教学也是一种不错的方式,这种“双师”教学制有利于拉近从知识到应用之间的距离。鉴于文化创意产业发展与艺术设计教育之间的密切关系,艺术设计院校需要根据我国文化创意产业的产业特征及其对人才的需求特点,找准艺术设计教育发展的重心,将人才培养目标与文化市场需求相结合,以更好地为我国文化创意产业输送大量具有创新精神和实践能力的复合型艺术设计人才。 作者:张牧 单位:深圳大学艺术设计学院 平面艺术设计专业课程改革论文 1.建立具有高职特色的教学模式 高职课程的构建要以应用能力的形成和综合素质的培养为主线。动手能力、创新能力是高职艺术设计类课程内容的重心所在。所以在课时分配中,技能训练要占有较大比例,理论知识方面应根据岗位需求确定基础理论、专业理论与专业技能三者比例,在职业态度方面,应注重团队意识、创新意识、开拓精神的培养。教师要以学生为主体,利用高职生思维活跃的特性,注重促进学生之间的交流,这样既能培养团队意识,又能发挥学生的能动性,从而促进该课程的学习质量的提高。未来的平面艺术教育应该实现开放式教学、开门办学,企业经理、技术员都可以来授课和指导,实现真正意义上的校企合作。只有这样才能建立面向社会需求的开放的教学环境和先进的技术知识支撑体系,使学生从原有的僵化的、尘封的系统中解放出来。教师不再采用单一教学方式,学生不再局限于个人独立设计,发散式思维、开阔的思路、设计的灵感应运而生。具体做法应该是:以本专业为根本点,尽量广泛吸收艺术类其他学科的知识,融入新理念、新思想,加强校企合作,定期安排学术讲座和交流活动,营造学生乐于接受的学术氛围和学习环境。与设计类公司、装饰装潢公司、动漫和广告公司等建立长期交流与合作关系,聘请双师型教师参与教学,多给教师和学生创造参加竞赛、展出等的机会,建立规范的激励制度,逐渐营造开放化、人性化的学习、研究、交流的氛围,使高职生成为最大的受益者。 2.按照“工作过程系统化”的要求组织教学情境 在真实的教学活动中,我们一定要尽可能地依据高职生将来岗位的实际发展需要,按“岗位过程实际系统化”来组织教学情境,遵循使用原则来选定课程内容。职业技术教育是为生产、服务、管理第一线培养实用型人才的,教师要选择具有实用性的知识,能使高职学生通过学习体会到在实际工作中要做什么、怎么做、怎样做得更好。实际教学中,把企业实际项目引入到课堂教学中开展教学实践和技能训练,也就是“项目教学”。这种方法是以模拟真实的设计项目为教学实践的载体,按照企业项目流程完成设计项目的教学实践、技能训练、管理规范和能力评价等,培养学生在技术开发和服务方面具有创新能力。我们以平面广告课程为例,它需要根据广告业的发展、技术应用、岗位能力等要求,利用企业项目资源,开发教学案例,进而实施以项目为载体的教学实践和技能训练。课程的设计是以实际项目为整体设计的优秀,并将该优秀所关联到的知识由点到面、由简到难渗透到实际项目中。学生在进行这一项目实践的过程中,对相关的新知识点、新技能就很自然地、轻松地掌握了。 3.编写具有高职特色的教材 教材编写是课程建设的优秀,是进行教学工作、稳定教学秩序、提高教学质量、达成教学目标的重要保证。目前许多高职院校的专业课教材在整体上注意了与实践的衔接,注重了学生技能的培养,但在编写思路创新上还不够,内容也落后于实际生产和技术的发展。这就需要组织具有丰富教学和实践经验的教师与企业人士来共同编写教材,从适应企业岗位所需知识点出发设计各门课程的知识板块,应该更多地体现新知识、新技术、新方法、新工艺,突出鲜明的职业特色,使学生学了会用,学了有用。编者应与时俱进,彻底改变在教材编写中过分强调学科体系的完整性的做法,突出教材的实用性,摒弃那些脱离时代和社会生产力发展的东西,赋予教材以新意。突出教材的实践性,着重培养学生的实际操作能力。使学生通过学习,在掌握必备理论知识的基础上,更具备熟练的职业技能和适应职业变化的能力。 高职平面艺术设计类课程的变革应根据社会和企业实际需求,建立具有高职特色的教学模式,按照真实工作过程组织教学内容,编写具有鲜明的职业特色的高职教材。通过优化组织教学过程,培养更多适应社会需要的高等技术应用型人才。 作者:赵桂茹 单位:长春职业技术学院 艺术设计专业学生毕业生就业论文 一、危机之二:综合知识素养的匮乏与单一 1.综合知识素养的匮乏与单一是艺术设计专业学生普遍存在的问题市场经济的深入发展,城市化进程的不断推进,使艺术设计学科成为中国美术教育的热点,全国各大美术院校都开办、扩办艺术设计专业,同时很多综合性院校新开设的美术专业也多为设计学科,就连以“纯美术”教学为主的中央美院、中国美院,也重新增设了“平面设计”和“环境艺术设计”等专业,由此可见设计专业受到了诸多院校的格外重视。然而,问题相伴而来,艺术设计专业学生文化课的分数要求相对较低,因而报考美术院校艺术设计专业对于文化课成绩较差的高中生来说具有很大的诱惑力。由于这些学生文化课基础不好,只是在美术高考班进行短时间的应急突击培训,导致他们文化课基础和美术设计基础两个方面都存在致命的弱点。这种由入学之时“胎生”带来的问题一直蔓延到高校学习阶段。伴随科技的进步,互联网的普及,学生获得知识的方式也发生了较大的变化。从对2012年度沈阳大学部分在校生的调查问卷来看,“电子阅读成为主流,‘宅’文化盛行,学生的阅读和自学时间均有所下降,学生购买书籍的开支所占比重降低。”传统的阅读习惯原本是学生获得丰富的文史哲知识、全面提高综合素养的主要途径之一,但是目前的纸质媒体却与人们的感情日益淡化。加上专业理论课程的设置不足和学生自身的“胎生”因素最终导致学生知识结构的单一和匮乏。这种知识“偏食症”造成绝大多数学生学术上的营养不良,难以适应社会对复合型人才的要求就不足为怪了。 2.教师的综合素质和教学水平存在许多弊端从近几年到高校面试和任教的艺术设计专业青年教师来看,教师的素质和教学水平同样存在许多弊端。凭关系进高校是其中弊端之一。很多青年教师技能技巧操作一般毫无疑问,但是综合理论素养和语言表达能力成为其授课时的瓶颈。一些老教师麻木了日常的教学,所使用的教材多年不加更新、扩展,导致知识的陈旧过时。大部分中年以上的教师对日益更新的设计理念、设计方法、软件操作难以胜任,这必然影响艺术设计课程的教学质量。以上因素直接导致艺术设计专业学生综合知识素养的匮乏与单一,也是造成学生就业难的第二大危机。 二、解决之道:有指向且可行的对策 1.适时调整学科体系就目前各美术高校来看,原有的学科体系难以适应社会新行业的发展。高校艺术设计专业学科必须改善陈腐的学院“教学”和学生功利性的“自学”,在设置专业和扩大办学规模的同时,把教学工作作为首要任务来抓。学校应该根据人才市场的需求,调整更新僵化老化的专业课程设置,每三到五年就应该修订一次教学大纲,依据人才市场的动向调整专业发展方向。各高校应向学生深入贯输强化专业理论和人文学科知识的重要性,调整脱离实践、陈腐闭塞的课程设置,使学生克服功利性的“自学”心理,积极为学生创造提供社会实践的参与机会,实现艺术设计专业毕业生专业理论基础和实践操作技能的双向统一,为他们走向就业岗位提前铺设求职之路。此外,为弥补学校的学科建设不足,有些专业可以聘请相关专家学者到学校讲学或定期授课,“徐悲鸿、刘海粟、林风眠等老一代教育家都是身兼几所学校的教授,第一学期在北京上课,第二学期有可能到杭州上课,教师的流动无疑能带来新的信息,国外的大学很多都采用这种聘请方式。教学效果好就聘用,不好就不聘,实现人才的社会化共享”。 2.协调改善“学”“产”“研”的关系,提高学生实践操作能力教师是实现学生“学”的质量保障。各艺术设计专业院校应该加强高精尖人才的引进和教师轮流的培训、研修,打破行业垄断,强化竞争机制,充分发挥教师的学术特长。当学校作为人才的加工厂向社会输送“学生产品”的时候,如果只注重数量而忽视质量,必然会导致毕业生就业率的下降。由“设计作品”过渡到“工业产品”,可以邀请企业家、消费者到学校来,邀请工厂的工程师、设计师走入大学校园和高校的艺术设计专业师生进行对话;反过来也可以让艺术设计专业毕业生提前到工厂去,深入了解产品的生产流程、制作过程,以增强艺术设计的针对性、可操作性,进而提升艺术设计产品的实用性和对产品价格的控制。设计人员、企业生产、消费市场应有机整合,实现设计产品和企业、消费群体实现直接接轨。尝试在艺术院校开设理工科知识课程,如把工业产品外观设计与工业机械原理知识结合,使产品的艺术性与科学性,审美性与实用性完美统一。 3.通过各种手段培训提高教师,打造教学“强将”整个教学中影响学生最直接的是美术教师。“当文化的气候缺乏精神的价值,有大量的作品一方面说明了视觉上的才华与技巧,一方面也令人叹息地说明思想的浅薄。艺术教育的一个主要任务就是对抗这种文化的干旱,而这一任务又基本上依赖于在艺术殿堂本身引领创作的那种精神。”[4]美术教师就是这种精神的引领者。捷克教育家夸美纽斯曾说:“教师的嘴就是一个源泉,从那里可以产生知识的溪流。”这就要求美术教师在传道授业的过程中,加强对理论知识的学习,提高自身的文化素养,强化自己的语言表达与交流能力。在技能操作方面,专业教师自身应重视教学内容与实践操作的统一,以及对最新设计动态信息的把握,到生产工厂、公司进行实地考察学习。各高校应加大资金投入力度,鼓励中青年教师在做好教学工作的基础上,有计划地输送教师去更高层次的美术院校交流深造,并且针对学科建设为教师提供提高技能技巧的实践机会,打造教学“强将”,培养学科带头人,力争使教师队伍站在设计的最前沿。 4.提高艺术设计专业大学生的综合知识素养随着就业环境与技术要求的不断变化,用人单位对高等美术院校毕业生就业能力的要求越来越趋向于复合化、综合化。如果没有全面的知识素养和设计技能,必然难以被社会所接纳。为了应对就业难的问题,艺术设计专业毕业生必须调整思路和心态,在努力提升艺术设计技能的同时,还必须全面加强专业理论及人文知识素养。以鲁迅美术学院为例,用人单位对该院艺术设计专业毕业生的要求体现在:其一,重视美术创意渊源、理论依据和对作品的可行性报告分析;其二,重视综合理论素养以及与之相应的技能技巧表现。鲁迅美术学院近几年多次召开用人单位与毕业生的见面会,通过这些见面会的历练,很多毕业生普遍认识到专业理论知识学习的重要性,对在校求学期间没有认真学习专业理论的问题进行了深刻的反思。从学校教学角度讲,学校相关部门也在逐渐调整本科教学当中专业理论课程的设置比重,增设比如艺术管理学、艺术交往学、设计创意学等学科内容,将公共外语课向专业外语课倾斜,加大计算机实践操作力度,强化艺术史、设计史等课程内容的教学。在就业与创业指导课程的建设方面,把就业与创业指导规划到本科日常的教学范畴内,增加课时量,使艺术设计专业学生对就业与创业的相关知识获得比较系统、全面的了解,毕业前强化对学生的就业和创业能力的培训,增强在校学生就业的紧迫感,为毕业生走向社会参与就业竞争扫清障碍。5.注重实践,深入生产生活第一线早在20世纪初期,有的学校就已经建立了由担任技术教育的导师和担任艺术形式教育的导师两部分人员组成的教育教学体系,并建立了自己的工厂、车间,不仅为学生提供实践基地,同时也为学生进行新产品的研发提供了有力的环境与空间。目前辽宁省只有鲁迅美术学院拥有学院的艺术工程总公司,承揽艺术馆、博物馆以及大规模的建筑装饰设计、施工以及大型壁画、雕塑等的设计制作任务,学院的各系部专业教师大多拥有自己的工作室,很多优秀的毕业生由导师“传”“帮”“带”参与设计项目的实施并得到了很好的锻炼。沈阳建筑大学、沈阳航空航天大学等院系教师也分别建立了部门或个人的工作室。但是,更多的学生参与社会实践的机会相对较少,只能利用业余时间到社会上的一些小公司兼职。学校应加大对人才孵化基地的建设,带动毕业生的就业与创业,形成学校与企业共享、共赢的合作关系。 三、结论 尽管美国芝加哥大学社会科学系AndrewAbbott教授“否定教育有未来的目的,否定了教育意味着学习一些特定的内容,推翻了认为教育的目的是学某些具体的内容的看法”,认为“教育不在于内容,甚至不在于能力,它是一种心灵的习惯或者思维方式。受教育是培养一种给我们观察到的任何事件和现象找到新的和不同的意义的能力。”[5]但是,符合中国国情的高等美术教育的办学方针必须是以服务社会为宗旨,以就业为导向,积极为现代化建设培养和造就数以千万计的高技能应用型美术人才。落实这一方针的一个极其重要的工作,就是要丰富学生的理论知识内容,强化学生的技能操作能力,培养具有实践操作能力与专业综合知识素养的复合型专门人才,使学生实现顺利就业,适应工作岗位和社会发展要求。如果培养出来的学生难以就业,那么高等院校艺术设计专业的教育就没有尽到自身的责任,这样的培养模式必然没有前途。未来的社会需要的是全面发展的复合型、应用型人才,它要求打破学科界限和行业壁垒,因此为了适应社会的未来发展趋向,因此,必须改变教育理念,将“学”“产”“研”三个环节有机整合,强化对学生专业技能、综合知识素养和社会实践能力的培养,为学生顺利就业打下坚实的基础,为祖国设计事业的繁荣昌盛而高歌猛进! 作者:邵艳芬常庆伟单位:沈阳大学美术学院鲁迅美术学院 艺术设计专业教育改革论文 一、教师问题 在这里我们再重申一遍,设计专业是一门实用性很强的专业,而现在在高校的教师队伍当中不乏一大批年轻教师,多为硕士毕业,学历高,专业知识多,但实际的应用经验则比较缺乏,因此,教师自身能力和素质的提高也是不可忽视的。教师是教学骨干,肩负着培养高素质人才的重任,同时又是学生学习的引路者,对学生的将来具有举足轻重的作用,然而,在年轻一代的教师中,由于工作量的压力较大,没有足够时间和精力投入到科研工作中,因此在教学内容,教学模式上,一致在沿用老教师的授课模式,科研成果更是相对较少,自身专业水平提高较慢甚至停滞不前。 二、学校问题 在许多高校特别是综合性大学,在艺术类专业的课程设置上,繁而不精;在教学基础设施的投入上,比如教学场地,教学道具等严重不足;对专业的实践应用教学上,研究比较滞后,教学实习往往因人力物力不足,让学生自己联系学校和企业实习,有些流于形式,这些做法使实习教学形同虚设,教学质量难以保证,也给学生带来安全隐患。在高校教育教学中存在的问题,对学生的培养产生很大的隐患,教学改革与创新势在必行。 1、艺术设计的教学方向 高校的教育目标就是培养具有良好的文化修养,专业能力和实践能力强,并能从事相关专业工作人才的地方,艺术设计专业更加注重这些方面的培养,并且要求学生要具备较高的审美能力和创新能力,以适应现代社会发展建设的需要。不断创作出关注生活,反映生活,表现时代,开拓创新,服务社会的作品。突出学生综合能力的培养,适应社会就业的需要,采用“学校、企业、社会”紧密联系的培养方式,注重学生动手实践能力和创新思维的训练。 2、教学方法改革 2.1调整课程设置 在一些高校特别是综合性院校,对于艺术设计专业的课程设置比较繁复,有些课程可以说作用不大。我们都知道,一门专业课程的设置要其存在的价值和意义,就必须能够应用于实践中才行。假如不能用于实践当中,那就是毫无意义的。由于本专业的时代特点,随着社会的发展以及人们生活方式的改变,对设计的发展都会产生深远的影响,所以在建立设计工作室和专业实习基地时,不仅要具有科研攻关的功能,同时对于参与社会实践以及培养学生的创造性思维和动手能力都要重视起来。特别是近些年学校扩招,带来一些负面影响。学生多,教师少,所以在课程的设置上是理论多实践少。教师也不能将全部学生带出去实习,往往一学期开设的课程比较多,但是时间周期却很短,这样的结果可想而知,学生学习了很多理论知识却是实践不了。因此,我们一定要考虑到课程设置的合理性。针对于设计专业来说应该在艺术表现的基础上多重视艺术的实践技能的训练,从而培养出符合社会需求的专业设计人才。在课程设置上,可以分为专业基础(比如手绘基本功,电脑基础设计软件的应用等),项目实践,设计比赛,专业考察,毕业实习,毕业设计等。 2.2师资队伍建设专任教师。 现在很多学校的年轻教师大多都是刚毕业的研究生博士生,理论知识十分丰富,但是缺乏实践。学校可以实施教师定期分批轮训制度,特别是像艺术设计专业,更为重要。可以让年轻教师到相关企业挂职培训学习,这样可以提高教师的专业技能,更加可以让他们认识到在教学中的不足,从而丰富教学内容,提升专业业务水平,同时也可以提高专业骨干教师的教学设计水平,培养出即精于理论教学又善于实践技能培训的教师。兼职教师。学校在教师的聘用上有时显得过于严谨,比如教师必须在研究生以上文凭才可以任教,应该视情况而定。在与企业中不乏一些文凭低,但是通过多年的工作经验,实践技能十分丰富,可能就缺少一些授课经验而已,学校可以对他们进行一些教育教学能力的培训,或者可以聘请他们直接对在职教师进行培训,在交流中相互学习,这也是一批优秀的教育团队。 2.3教学方式的改革 教师的教学方式非常关键,能否调动学生学习的积极主动性,是学生学好本门课程的关键所在。兴趣非常重要,兴趣是一切主动性的来源。当然,教学方式也不是单一的,每一位教师都有自己一套独特的教学方法,但是仍存在很多问题,比如现在的教师讲的多了,写的少了,现在多媒体应用很广泛,从而也使部分教师产生了惰性,一门课一直使用一个课件,学生在不断的变换,教材在不断的变换,社会需求同时也在不断的变换,但是教师的课件始终如一,这对学生来说,存在很大的负面影响。因此,教师在教学方式上教学内容上,不能一沉不变。总之,艺术设计教学的改革非常必要,它在一定程度上推动了设计人才的培养,为我国的设计水平的提高加薪添炭。教师只有不断改革和探索,才会涌现出更适合我国国情的艺术设计教学模式,为我国的艺术设计教学事业做出积极的贡献。 作者:张翼 单位:郑州大学 高职艺术设计类专业毕业设计论文 一、“校企合作”模式下毕业设计过程的质量控制 高职院校一般从重点专业推进校企合作,因为这些专业与地方产业结合较紧,有较好的校企对接基础,具备开展工学结合的条件。但由于是试点改革,学校各个教学部门在人流、物流、信息流的交互方面,往往采用“特事特办”的方法,高职院校投入大量的人力、物力、财力,通过“特设”的试点方式创建了校企合作的条件。如广东的部分国家示范院校,艺术设计类专业已经建立起毕业设计展览、毕业设计答辩和用人单位现场招聘“三位一体”的毕业设计教学模式,但这成功模式并不能被其它众多的高职院校移植、复制和推广,其实践的模式显然缺乏共性的土壤。在没有更多的财力、物力、人力等外在因素的支撑下,我们更需要面对的实际问题是:更多非国家示范院校的毕业设计怎么做?更多非重点建设专业的毕业设计质量过程怎么控制提高?这也是本文的切入点,探讨的是在现有基础及可行条件下,不同办学条件的院校专业如何有效推进“校企合作”模式下毕业设计的质量。这种可行性方法,显然适用于更多的高职院校、更多的艺术设计类专业。 二、基于“校企合作”高职艺术设计类专业毕业设计质量控制的基本对策 本人所在的高职院校,作为一所普通的地方高职院校,在毕业设计实施过程中,遇到的问题也是国内其它一般高职院校艺术设计类专业存在的共性问题:毕业设计选题与社会企业设计项目匹配度低;具有实际工程经验、企业经历的指导教师偏少;教学条件滞后;过程管理难度增大,质量控制亟待加强等。在缺乏“特事特办”的国家示范院校专项建设资金的支持下,在缺乏“优势专业”、“示范专业”诸多“政策”“、人力”、“财力”优势点的支撑下,借助“校企合作”这种外力是一种可行的推广模式。“工作室”教学模式已经在本人所在院校专业群实施多年,在连续多年的实践教学中,我们已引进了多家优秀毕业生自己创业的公司入驻分院,学校给他们提供办公场所,免去了他们在社会上的店面房租费用等,作为回报的是:这些企业的老总,要参与设计专业群的专业建设。在平时的专业实践课程、综合实训课程教学过程中,这些企业的老总也是设计各专业的“兼职教师”,学校也给予他们一定的课时津贴补助。另外,分院的部分设施也与入驻企业共享,如广告制作与输出设备、会议室、图书资料室等。学校与企业在“双赢”的前提下,达成了利益上的一致。在装潢艺术设计、动漫设计与制作、多媒体技术等艺术设计类专业为期半年的毕业设计实施过程中,需要解决的问题涉及很多。我们紧紧抓住毕业设计环节中存在的主要问题,从用人单位对艺术设计类专业毕业生的实际能力需求出发,在优化毕业设计流程,精心建设毕业设计项目库,引进设计单位一线评价标准,重新量化毕业设计答辩评定的基础上,提出了一种现阶段适用一般地方高职院校艺术设计类专业“可行”“、有效”“、规范”的毕业设计质量控制的运行模式。 (一)毕业设计流程的优化与监控。 就是强化整个毕业设计各个过程环节的控制,构建由分院、系(教研室)、合作设计企业组成的过程控制体系。对毕业设计的重要环节,如选题、实践指导、成绩答辩等严格把关。一般而言,整个毕业设计过程可分成三个阶段:前期阶段包括毕业设计动员、选题申报、审核、公布设计课题库、学生选题、下发毕业设计任务书、完成开通报告等。中期阶段包括学生按计划进行毕业设计各环节的设计任务,包括设计进度及文本表格进度的控制。后期阶段包括学生完成课题任务,二级分院做好毕业教学环节的答辩资格审查、答辩和成绩评定、总结评优及资料归档等工作。无论是装潢艺术设计专业,还是动漫设计与制作、多媒体技术专业,整个项目的过程可以概括为策划、设计、制作、展示四个基本环节,直接入驻分院的设计公司,是全天候开放式的平台,方便学生预约校外兼职指导教师进行指导,特别是在草图方案绘制、确定最后方案等重要的阶段节点,当然这需要学校对兼职指导教师进行毕业设计辅导的管理进行弹性的调控,而不是简单的“一周主动约见校外指导教师一次”的考核。而校内的专职指导教师,更多的是整个设计过程时间节点的控制;后期展板制作与答辩准备;表格文本的规范性书写表达等方面的推进。整个毕业设计实施耗时长,加上学生在外实习,管理难度大,因此其良好运转,离不开合理的系统化流程设置。作为毕业设计整个系统实施的基层部门,包括二级分院、系(教研室)主任、专业负责人、校内及企业指导教师,除了学校层面制度的制定与考核,更需要“校企合作”模式下有分工、尽职责的投入,由此构建扎实的毕业设计过程质量控制体系,改变目前毕业设计大多面临放羊式的松懈应付。 (二)毕业设计质量控制点的落实。 具体包括:选题要求,如何设置有效、可行的毕业设计命题,筛选出与学生职业岗位的内容、深度、强度贴近的项目;如何加强企业力量的导向,形成共识性的毕业设计质量评价标准,在明确评分指标的前提下,以定量的方式规范评审标准,消除评分过程中自由度过大的问题等。 1.毕业设计选题 选题是毕业设计的首要环节。笔者之前在浙江省湖州、宁波、温州等职业院校进行的调研显示,常见的选题方式有:专业教师给出设计项目。这些项目均来自教师承接的真实社会项目,指导教师结合毕业设计要求和学生的实际情况给出一定数量的命题;二是学生结合自己的实习单位进行的选题;三是合作企业提供设计项目为载体的命题。毕业设计具体的选题方式,与各自院校二级分院开展的“校企合作”情况有直接的影响。整个分院营造的设计产业环境真实、运行良好,基于“校企合作”方式推进毕业设计质量控制更为有效。就笔者所在的地方高职院校,十一届毕业生的社会积累,尤其是毕业生成功创业者越来越多,。在长期稳定合作的机制下,专业教师与入驻企业及时进行互动,以毕业设计课题内容与毕业生就业岗位的贴近度为评价标准,共同建设毕业设计课题库,选题保持一个基本的更新率,每年对其中的项目进行及时的更新,尽量控制与往届重复的课题数量。教师在阶段指导过程中,严禁将往届毕业设计的成果作品借给学生参考,避免出现抄袭的现象。另外,用“信息化”方式建立符合用人单位实际质量需求的毕业设计项目选题系统。在建设、更新毕业设计项目库的基础上,方便学生和教师在网上系统进行前期的课题预报与互选。 2.毕业设计质量评价 目前,高职院校艺术设计类专业毕业设计的质量评价基本形式为:毕业设计指导教师负责过程考核、毕业设计答辩小组负责答辩考核,答辩完成后进行校内毕业设计作品汇报展。笔者在浙江省三地市高职院校的调研中发现,目前存在的普遍性问题有三:一是以校内专业教师的评价为主,设计企业设计师参与的社会评价少,系统的开放性不够;二是艺术设计类专业特有的,有别于传统文科或理科的毕业实践评价标准还没有建立与运行。浙江省所有的高职高专专业毕业实践评价标准参照的是省级教育行政单位制定的《高职高专毕业综合实践评价标准》,这个文理科并用的任务评价、成果评价模式,很难适用于艺术设计类专业以社会真实设计项目为表现形式的命题实践。三是考核和评价形式大于内容。教师投入大量的时间应付检查学生毕业设计的表格填写,文本规范性盖过设计内容。除了前期书面文本的逐一沟通修改外,后期所有毕业设计文档要上传到毕业设计网上系统,教师需要在一定时间节点内做出学生毕业设计网上各项内容的评价和考核输入。在“校企合作”长期稳定的机制下,在用人单位实际需求的驱动下,对传统毕业设计的运作策略、教学组织、评估方式等要素进行变革和创新。在开放性的原则下,引进设计企业的评价力量。二级分院的专业负责人、专业教师协同设计公司的一线设计师,共同制定并执行校企共识的艺术设计类专业毕业设计质量评判标准,以“定量法”制定艺术设计专业毕业设计评判标准。将设计企业的用人需求融入毕业设计的各个环节,从而对高职院校艺术设计类专业毕业设计的实施进行有效的调控。 三、结语 本文在客观分析高职院校艺术设计类毕业设计教学质量现状的基础上,提出了就“校企合作”培养模式下毕业设计组织、实施、评价各过程的切入点,这些具体的实施策略,促使毕业设计教学的改革更有针对性,毕业设计的教学实施着力点更准确,毕业设计教学管理更具弹性化。这个范式并非个例,其操作运行尊重各个地方高职院校艺术设计类专业的实际条件,可以为更多的高职院校艺术设计类专业的毕业设计所移植、复制和推广。 作者:汲晓辉 单位:湖州职业技术学院 艺术设计专业职业技术论文 一、专业知识与社会实践有脱节现象 实践教学是职业院校建设中极为重要的方面,实践教学的质量直接影响了职业院校的办学水平,同时是决定该校教育、教学质量的重要标志,因此实践教学是职业院校人才培养的重点所在。现在诸多职业院校把实践教学理解为在学高年级时将学生退给企业或公司,让学生作为实习生来在真正的工作中加以锻炼学习,从而为学生毕业就业打下良好的实践经验基础。这种把学生的学习任务完全退给社会的思想是片面的,只考虑学生的安全问题而不及时与实习单位取得联系,不时刻关注学生思想动态的行为也是不负责任的。学生在校期间的专业课程学习不能够与时俱进的进行知识更新,一味的讲述理论知识而忽略了学生的主观能动性、忽略了学生的动手锻炼机会,将理论知识与实践分离的教育方法是落伍的。 二、艺术设计专业教育改革的思路 (一)调整教学模式课程设置合理化 设计教育改革已经是不可回避的话题,艺术设计课程设置的改革势在必行。要想规划更加合情合理的课程体系,首先要了解自身的情况,熟悉国内外职业院校的课程设置,结合地方特色,地方文化,针对地方企业,进行有针对性的专业方向建设,培养符合国情、民情、社会情的实用性人才。由单一的“课堂教学”转变成“实践教学”的模式,鼓励学生多观察、多动手、勤动脑,培养具有实际操作能力的应用型人才。艺术设计专业由于旧的教学机制和观念,导致改革具有一定困难,受高等学校教育模式影响,职业院校应尽量摆脱研究性院校的课程设置模式,尽快建立自己的应用型技术性课程体系。 (二)课堂教学要时刻与专业紧密联系 艺术设计作为实用性的、综合性的学科,学生在学习理论知识的同时也将会面临大量的“动手做”的学科,在学校除了学习必要的专业课,还要学习相关的交叉学科的知识。对于职业院校的学生而言,老师的职责就是学生进入职业院校以后,我们的就业目标是什么,学生选择艺术设计这个专业,这个专业的概括如何,就业前景如何,学生在校期间将要完成哪些课程的学习,达到什么程度等等比较切实际的问题。对于《概论》本身的理论更要言简意赅、多方法、多形式的教学方法,而非传统的“一言堂”。教师的认为也是在吸收和消化了大量的知识理论之后,尽量用幽默的语言,风趣的例子,动态的视频等多种方式来阐述所要学习的知识点,必要时可以让学生主动参与讨论,甚至抛出问题,让同学生课下用自己的方式寻求答案,学生主动阐述给班级听,教师则进行补充和纠正的作用。避开教师“独角戏”的局面,激发学生的兴趣,调动学生的学习积极性。对于艺术设计专业不同方向基础课程的学习,教师应在讲述基本知识的同时,根据学生方向的不同,有所针对性和侧重点。在具体教学中,其素描范本,以简单的家具、生活用品为主,在绘画过程中更多的关注透视、比例、空间思维能力的培养。漫画专业的学生,在学习素描时,教师应更加注重线条的流畅,着重想象力的培养,甚至可以开展创意素描的课题,让同学们自主研讨、培养学生的创新能力。 (三)实现学校与企业真正对接 教师在教学过程中,时刻以培养应用型技术人才为根本目标,尽量简化和减少课堂理论教学,帮助学生创造模拟环境,鼓励学生步入社会参与实践。在课程设置方面,与相关企业共同商议;在教学内容方面,教师自己应该到实践中去历练,把最新的材料、技术、软件、公司发展趋势等情况融入到课堂教学中去。定期安排业内知名人士进入课堂为学生讲座,邀请业内技术专家指导学生实践作业,带领学生参观地方具有一定规模和影响力的企业、公司等机构进行实地考察。成立专业工作室或社团,鼓励学生模拟课题来进行实践教学,按照企业、公司和市场的运作模式和程序来完成实践联系。近几年,我国教育部、国务院的教改《决定》和《意见》的文件均明确要求各地职业院校要大力推行校企合作、工学结合的模式来办学,要努力办可持续发展的校企合作良性循环模式。 三、结语 为解决本文中所提到的职业院校艺术设计专业办学中的一些问题,及时修订人才培养方案,课程设置的系统化,学科建设的合理化,教学计划的科学化,对学生都是十分重要的。艺术设计专业作为一门应用性极强的学科,我们要改变以往的教学模式,真正建立以学生为本,采用多种教学方法为手段,理论与实践课程对接,培养高素质专业技术人才为根本宗旨,切实做好学校与企业的共同培养为目标,不断提高教学质量,最终达到与国际职业院校教育接轨的目的。 作者:杨晓宇 单位:哈尔滨劳动技师学院 专业课艺术设计论文 一、素描在艺术设计教学中应用的前提———创新观念 培养综合、应用实践能力强的艺术设计人才成为高等艺术设计教学的现实主题,因此,艺术设计专业需要优化教学内容、方法,转换思维,转变观念,以绘画为本位的素描教学基础也应顺势适应以设计为本位的转变,实现删除重复内容、整合交叉内容。在转换和优化的过程中也应各有侧重:素描是培养学生利用肌理、图形、质感、量感等感官变化、微观特征来表现对象;艺术设计是培养学生对于构造关系的理解、增强应用实践能力的提升、创造性思维训练的强化;将二者结合,可探索一种新肌理、新质感、新材料、新形式等等的表现手法,尝试设置一种亦写生、亦创作的开拓性命题式教学训练模式,培养学生的观察、想象、分析、表现能力。 1.素描的创新发展演变 素描,是用单色描绘的形式进行造型训练、培养造型能力的独立画种,是绘画艺术的基础,也是关联其他造型艺术的纯艺术。素描亦是一个历史范畴,即随着时展变化演变着。素描架上艺术初始于古希腊时期,画家们开始利用透视法和明暗法来造型,直到千年后的文艺复兴时期,西方的科学、理性精神逐步渗透影响了绘画艺术的发展,透视法和明暗法也逐步成熟起来,利用客观事物写生之法,发展出了新的素描表现形式和手段。16世纪至19世纪,素描由传统的作坊式传授发展至学院式教学。19世纪,素描的基本法则日趋完善,光照原理和色彩学也更加影响了明暗法的发展。进入20世纪以来,西方的造型艺术,尤其是素描绘画中,更多地注入了画家的主观感情表现和变化,尤其是受到东方艺术的浸染,其表现形式更加异彩纷呈。中国传统素描教学,其最初表现形式是以“线”为主的白描,绘画与叙事、抒情功能紧密相连,人与物的交融更具东方式的神韵。自二十世纪初开始,中国的素描教学受西方教学体系的影响,也发生着急速的变化,即三十年代西学体系的逐渐普及;五十年代苏联教学模式的渗透;八十年代改革开放大潮影响下的多样发展;二十一世纪,工业化、信息化急速发展环境中,人文价值、审美价值标准的提升,使得素描教学中培养学生创新能力、与实践相结合的要求更加迫切。 2.素描与艺术设计教学创新的关系 素描艺术的特点即外延广、内涵丰,在现代教学模式环境下,应该深入挖掘素描教学对于培养学生创造力的巨大潜力,塑造更具人文精神内涵的个体。在艺术设计学逐渐独立于绘画门后,其专业教学内容逐渐细化,与之相关联基础训练素描教学部分,也从绘画素描演变出设计素描,即以线条为主的透视画法,只反映客观对象的隐性结构体。二者教学规范不同,规范化、模式化的素描训练对于艺术设计教学也是有着负面影响的。现代主义、后现代主义中,其哲学、美学、艺术思潮、现代媒介符号、新的艺术表现手段等等,日渐刺激着传统艺术中缺乏洞悉、敏感、活跃、理解的视觉作品的淘汰。素描教学的创新必须加强实践,而创新又是艺术设计的本原,从设计学习出发,重构素描与艺术设计教学之法,如素描中外部造型元素和内部结构要素运用之处的变换、改造、创新,将素描创作的象征、暗示、能指运用于艺术设计之中,将静止的客观再现改变为一种动态的思辨,将素描中的灵动之法结合到艺术设计的自我创造之中。 二、素描与艺术设计教学结合的应用原则 在继承传统、融合新时代审美要求的社会语境下,素描与艺术设计都面临着运用现代技法和创造性思维进行教学和创作,摆脱技术模式的禁锢,新的法则和规律势必要在探讨和实践的过程中寻找。基于实践经验,探讨二者结合应用之基本原则为:传承性、创造性、实践性。 1.传承性 西方艺术中新的流派、新的美学观念颠覆了传统艺术的非理性、客观性,在艺术行为过程、创作材料和创作领域中,采用了多角度、多维度、多元素的创作实验,如超现实主义、纯粹主义、极简主义、观念主义等等。我国传统艺术中的意象造型观念融纳了深刻哲理和观念。道法自然、物我两忘的观察法则蕴含了超脱的造型观和意识论。在素描和艺术设计教学中融入并加强中西方艺术中的造型观是培养高校学生创作能力的有效方法,不能将西方块面式的素描和东方线条式的白描简单的归同于造型之法,更需要将二者的意象观念渗透到多元化的教学之中。 2.创造性 传统的素描教学强调客观事物的再现性,而缺乏表现性和能动性。素描教学科结合艺术设计教学中的主观能动性,用视觉探索事物的多维度信息,进行再分析、再判断、再解构、再整合,艺术设计可借助素描绘画中的写实、变形、肌理化、意象化等等表现形式进行设计创作的视觉化再创作。素描工具、材料的潜能也是强化肌理语言的重要手段,材质的表现形式训练亦可培养学生的创造能力,突破常规。新肌理语言的创造能够激发学生的创作欲望,也是发挥意象造型的途径。 3.实践性 现代素描教学意在强调结构、分析,根据艺术设计专业课程的需要,素描的功能更加宽泛,如建筑设计素描中的结构分析性、产品设计素描中的几何结构表现性、环境艺术设计素描中的综合空间形态的表现性等等。素描的抽象语言元素包含:点、线、面、形体、比例、结构、空间等,利用这种复合抽象元素可以加强学生在艺术设计创作中的独立创造能力,在抽象图式、符号、意境的训练内容中,可将微观的情感元素转化、整合成有独特意味的抽象图像,从而调动学生的自我表现能力。 三、利用素描教学特点加强艺术设计专业课程中的应用研究 1.整合素描与艺术设计教学的特点,发挥优势 传统的素描训练内容是有明确的方法和步骤的,其目的是提高学生对于造型的把握能力和画面空间的组织能力,具有科学性和合理性,在授课过程中应当保留这部分的教学内容。长期的写实性素描训练是培养学生的综合能力,而关涉艺术设计的设计素描则是短期的,且具备实效性。因此,在二者教学改革的应用当中应做到如下几点:一方面,保留素描教学训练中科学合理部分,加强学生对于素描基本原理、绘画规律的掌握能力;另一方面,利用素描教学中的主观性和创造性来开拓学生的创作思路,以本能的表现欲望来反对机械的技术性再现,突破传统思维惯式,为艺术设计专业课程的传授奠定基础。 2.利用素描教学的表现性调动学生的主观能动性 素描注重学生的动手能力,大量写生的实践活动易造成学生的倦怠感,为此,应作出适当调整,将重点转移到艺术表现力的培养和反应时代特色的专业性训练上。通过大量表现主义绘画作品进行横向、纵向比较,主观化、自由化、感人化的作品势必能够打动观者和学习者的内心。在教学过程中要注意调动学生的积极性,在一种愉悦的心境下更易于学生充分发挥创作能动性,开拓自由空间,营造一种和谐的学术氛围。对于艺术设计专业的学生来说,设计素描强调结构与设计的应用,线条的力度、构图的形式是艺术设计教学中培养设计思维能力的重要手段,但在高校教学中,依然还存在素描写实描绘的原样照搬现象,要想达到教学方法的实效性,必须扭转这种弊端,将素描教学的重心调整,加大学生对于表现力的培养,使教学目标更加明确,才能使得设计功能和意境更加清晰的彰显。 3.加强理论学习深度注重综合能力培养 虽然表现性素描是一门独立的艺术种类,它的训练手段和方法却不是孤立的,且与其他相关专业具有连续性和关联性。在教学课程结束后加强深入的理论教学会起到事半功倍的效果,理论结合实践是最好的学习过程培养。传统的素描课程是在二维空间中的展开,具有一定的局限性,而在现代素描与艺术设计教学课程结合的当下,可以将二维的画面与三维的立体实物相结合,采用镂空、钻孔、拼贴、镶嵌、黏合、重组等新的创作手法来再创作,如德国新表现主义艺术家基弗作品中,利用各种材料与二维画面结合,创造新的画面激励效果,通过实与虚,两种元素的结合表达内心的状态和思想。在具体的教学内容上还应注意以下几点:第一、培养理性思维的设计意识。在艺术设计教学过程中的素描训练,不仅要注重研究对象的客观再现,还要注重对象内在结构、本质的理解与表达;第二、注重装饰效果的表达。设计素描强调形式化、意象化、抽象画,是客观对象不同侧面,不同角度的联想与分析。因此,强调装饰性的训练可以强化艺术设计专业学生的抽象与联想能力,利用变形、夸张、象征等手法塑造更具美感的新图像。四、结语素描作为艺术设计专业(环境艺术设计、装饰设计、室内设计、产品设计、服装设计、广告设计等等)和相关专业的造型训练基础,其基本原理、创作手段和绘画规律都是艺术设计专业可以依据的,但在教学过程中,不能停留在单一化的、规范化的、模式化的教学模式中,要与时代语境相融合,把培养学生的创造能力放在首位;要放眼未来,以一颗包容之心来迎接新的探索。在现代设计意识和精神的背后,我们才能在教学过程中将素描与艺术设计的理念相联系,从而在一种动态的产学研环境下发展。发挥素描艺术的无限魅力,感受现代素描对于艺术设计专业的重要性作用。 作者:魏志英 单位:河北师范大学美术与设计学院
艺术设计理论教育研究:谈对高校艺术设计理论教育的思考 论文关键词:艺术设计理论 任务 现状 改革措施 论文内容摘要:在高校艺术设计专业教育中,培养学生的创新精神和实践能力同等重要。创新精神的培养,离不开对知识的广泛接纳和吸收,离不开创造性思维的训练。艺术设计理论教育是培养创新精神的重要途径,在当今大多重技能、轻理论的情况下,加强对艺术设计理论教育的投入,是一项艰巨而又意义深远的工程。 我国1998年8月通过的《中华人民共和国高等教育法》第五条明确规定:“高等教育的任务是培养有创新精神和实践能力的高级专门人才,发展科学技术文化,促进社会主义现代化建设。”因而,当前高校艺术设计教育的任务就是培养有创新精神和实践能力的高级设计人才。“形而上者谓之道,形而下者谓之器”,其中“道”是无形的、本源的物质本身所遵照的运动规律;“器”是有形的、现象的技能、技法等。创新精神和实践能力的关系犹如“道”和“器”,创新精神是实践能力的根本、源泉。创新精神从何而来?它来自于艺术设计理论教育的培养。 一、艺术设计理论教育的任务 1.艺术设计理论概述 艺术设计理论是一门对艺术设计的基础知识、基本问题和基本原理做专门综合探讨的知识体系,主要包含艺术设计史的研究、艺术设计基础理论的研究、设计批评、艺术设计实践理论的研究等内容。艺术设计史的研究包括:通史通论——中外设计史、中外美术史等,专史专论——中外广告史、中外服装史、中外陶瓷史、平面设计史、工业设计史等。艺术设计基础理论的研究包括:设计概论、艺术概论、设计心理学、设计方法学、设计文化学、设计美学、艺术美学、艺术心理学、设计艺术原理等。设计批评是对与设计相关的对象的评价和判断。艺术设计实践理论是针对每一门具体设计专业的专业理论,这种理论不是简单的对技法和工艺的概述,而是对技法和工艺一般规律的总结,是对技法和工艺本质及外延的研究。艺术设计理论是一个综合性的、交叉边缘学科,其知识体系涵盖了哲学、美学、艺术学、心理学、社会学、市场营销学、管理学、生态学、仿生学、人体工学、自然科学等诸多领域;因而,艺术设计理论课程的开设,是拓宽学生知识视野、提高学生综合素质、培养学生创新精神、指导学生设计实践的重要途径。 2.艺术设计理论教育的任务 ①艺术设计理论教育是培养科学精神和人文精神的重要途径 李砚祖先生认为艺术设计是“人类为生存而进行的造物活动,是人为实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值,因而是一种艺术质的造物”。①诸葛凯先生也认为艺术设计的本质是“按照美的规律为人造物的艺术”。②从以上的观点中可以分析出艺术设计的两大要素:“造物”体现的科学精神,造物之“美”蕴含的人文精神。科学精神是人们在长期的科学实践活动中形成的共同信念、价值标准和行为规范的总称,是体现在科学知识中的思想或理念;艺术设计实用功能性决定了它必须要遵循一定的科学原理进行造物,因而科学精神是艺术设计的内涵之一。人文精神是一种普遍的人类自我关怀,表现为对人的价值的维护、追求,对人类遗留下来的各种精神文化现象的珍视。艺术设计具有审美属性和精神价值,体现了其对人文精神的追求和重视。若使科学精神和人文精神很好地融入到艺术设计中、渗透到设计人员的设计理念中,需要合理解决科技发展与文化心理之间的矛盾,需要学习生态学、仿生学、人体工学、自然科学等方面的知识,需要研究历史、哲学、美学、艺术学、社会学、心理学、民族民俗学等相关内容。艺术设计理论知识体系涵盖了自然科学知识和人文知识的方方面面,因而,艺术设计理论教育是树立、培养科学精神和人文精神的重要途径,是使艺术设计真正实现“以人为本”的重要渠道。 ②艺术设计理论教育是培养创造性思维的基础 当今时代,一方面人们对艺术设计的物质需要和精神需要越来越多样,另一方面,艺术设计已呈多元化发展趋势,多种风格与流派并存。在这样的时代背景下,若想设计出既符合大众需要又与众不同的艺术作品,需要的是创新精神。创新需要以丰富的知识为基础,艺术设计理论包含艺术设计史知识、艺术设计基础理论知识、设计批评、艺术设计实践理论知识等内容——知识体系庞大而丰富,所以艺术设计理论教育是扩大学 生知识面、提高学生理论修养的根本途径。 艺术设计教育不是培养技术工人,而是培养具有理论修养,具备发现问题、分析问题、解决问题的全面发展的人才。所以艺术设计教育不应只传授技法、技能,同时也应传授“道”(即技法之外的艺术设计创新的本质、内涵),重在授之以“渔”而非“鱼”。 艺术设计理论揭示艺术设计的客观运行规律、总结艺术设计现象背后的本质,因而,艺术设计理论教育是培养创造性思维能力、指导设计实践的基础。 二、艺术设计理论教育的现状 1.对待艺术设计理论不够重视 高校艺术设计专业的学生,甚至是一部分老师,都没有充分认识到艺术设计理论知识的重要性,认为理论可有可无。这与有些人的浮躁、急功近利思想分不开。在艺术设计专业教学活动中,学生更偏爱能够迅速带来设计成果的设计实践课,而艺术设计理论课相对枯燥乏味,不能立即物化出设计成果,较少受到学生的喜欢、重视。事实上,没有艺术理论知识做支撑的艺术设计作品,不过是没有灵魂的视觉元素的简单组合。艺术设计教育,不是仅仅教会学生能创作成果,重要的是教会学生掌握创作成果的方式、方法、规律和内涵等本质性的东西。艺术设计实践课程是教学的显性课程,教给学生的是“形而下”的“器”;艺术设计理论课程培养的是设计师的气质、创造意识和设计的综合素质,教给学生的是“形而上”的“道”,所以应加强学生的理论意识。同时,教师的艺术设计理论意识也有待提高。教师在进行艺术设计实践课程的教学时,可用相关理论知识来指导教学思想和教学方法、充实教学内容,授技的同时,也要传“道”,通过言传身教,培养学生对艺术设计理论知识的重视。 2.艺术设计理论课程设置不大科学 目前高校的艺术设计理论课程体系不够完善,理论课程开设参差不齐,有的高校只开设了设计史、设计概论和中国工艺美术史。科学的艺术设计理论课程体系应该包括:基础理论课,如设计概论、设计心理学、设计美学、设计方法学等;艺术设计史论课,包括通史通论(如中外设计史)和专史专论(如工业设计史、平面设计史);相关的设计批评课程和艺术设计实践理论课程等。 3.授课方法单调 传统的艺术设计理论课一般都是教师讲解,学生听,教学效果较差。现在多媒体引入教学,但是教学方式依然是灌输式的,多媒体成了第二黑板。这一方面是因为教师没有充分利用多媒体的声、光、色的优势,另一方面也因为理论课往往是以合班形式的大班上课,听课人数众多,限制了互动式、灵活式教学手段的实施。另外,多媒体教学依然局限于狭小的教室空间,学生缺乏消化理论知识的身临其境的客观环境条件。 三、艺术设计理论教育的改革措施 1.加强教师队伍的建设 艺术设计理论是一个庞大的知识体系,涉及到方方面面的内容,因此艺术设计理论教育对教师综合素养的要求就相当高。不仅仅是艺术设计理论课教师要具备丰富的理论知识,而且艺术设计实践课老师也同样要具备。由于艺术设计理论教育必须紧密联系设计实践,所以对教师的要求就是双重的:既要懂设计理论知识,又要会从事设计实践活动。专职的艺术设计理论课教师,在专心研究、教授理论知识的同时,也要了解相关的艺术设计实践知识,这样才能更好地深入到艺术设计理论研究的本质问题,避免纸上谈兵的尴尬。专职的艺术设计实践课老师,在掌握和教授设计技能、技法的同时,也要掌握大量的理论知识,不仅仅包括设计实践课的专业理论,也包括基础理论、艺术设计史论及设计批评等。教师队伍是培养人才的优秀,只有教师的全面发展,才可能培养出全面发展的人才,所以提高教师素质、建设教师队伍是教育的大计。 2.教学方法和内容的改革 艺术设计理论课在教与学的过程中都带有较强的主观性,所以理论课教学在形式上要更为开放与自由,使学生由以前被动的听课变为主动的参与课堂。教学不应只局限于教室范围,可以在适当的时间安排学生到博物馆参观学习,针对现成作品进行理论讲解和分析;也可以针对某一艺术设计理论观点,进行课堂辩论或讨论。教师在授课过程中,不要为理论而理论,艺术设计理论知识要和艺术设计实践紧密结合,要提炼出设计观、美学思想及其对现代设计实践的影响与实用价值,使学生在学习过程中真正体会到理论课程的实用性和指导性。 3.考核方式的改革 艺术设计理论课程最终的考核方式一般是写论文或闭卷笔试。写论文并不能检验学生真正的学习效果,因为历年来的学生论文抄袭现象较严重,很多学生的论文都没有实质性内容;试卷考核方式考查的只是学生的死记硬背能力。所以艺术设计理论课的考核方式需要改革,可以以论文加设计作品或试题加设计作品的方式来考核。论文加设计作品,是在写论文的同时,要学生根据所写论文的论点,设计出能反映论点思想或与论点思想相关的作品,并把作品附在论文后面;试题加设计作品,就是把传统的题型变化一下,把纯文字型的试题,改为根据已知理论来设计相应作品的画图题或者是分析图片作品的分析题。这样,才能真正考核出学生理解、分析、应用理论知识的能力,使学生在运用理论知识的过程中真正体会到艺术设计理论知识的价值。 结语 艺术设计人才的培养关键在于综合素质的培养,而综合素质中很大一块是艺术设计理论修养。设计师不可能都是设计理论家,但只要是在专业设计上有一定成就的设计师,就一定是具备相当理论素养的人。艺术设计理论教育是培养具有创新精神、全面发展的高级专门人才的关键因素,所以我们应抛弃重技能、轻理论的思想,应加强对艺术设计理论教育的重视和投入。 艺术设计理论教育研究:高校艺术设计理论教育研究 一、艺术设计理论课程现状 (一)在思想上,不重视艺术设计理论在艺术理论课上,很多学生不是打瞌睡,就是玩手机,这反映出现在的艺术理论课堂学习氛围不浓,学生不重视理论的学习,觉得实践比理论更重要。这其中的原因是多方面的: 1.在艺术设计课程中,学生更偏爱能够迅速带来设计成果的设计实践课,而理论课相对枯燥乏味,加上理论概念一般比较抽象,逻辑性又比较强,学习起来有一定的难度和压力,无法引起学生的兴趣,所以,很难引起学生的重视; 2.来自市场的需求,特别是企业的需要。现在很多企业在招聘的过程中,只看重应聘者的设计能力,看能不能设计出好的作品,不管学生专业理论知识扎不扎实。社会上重实践,也促使学生轻视理论,而在设计实践上花大功夫,让自己在走出校园之后,能见到立竿见影的效果; 3.现在高校的影响。高校越来越重视就业率,在这样的环境影响下,学校也在无意识中偏向设计实践,从而忽视了对理论课程的监督,从老师到学生都对理论课抱着无所谓的态度,进而使艺术设计理论偏向边缘化,造成现如今人们不重视的结果。 (二)艺术设计理论课程设置不太科学因为高校在艺术这个专业上,大多注意设计实践课,所以,在安排设计理论课时不太合理,课时少而内容多,艺术设计理论课程体系不够完善,理论课程开设参差不齐。有些学校理论课的开设没有按照学科规律由浅入深,而是东一榔头、西一榔头,缺乏系统性和前后联系。有些理论课的开设缺乏针对性,对现实的实践环节没有指导意义。甚至有些学校为了完成课程安排所谓的“硬性要求”,将理论课“见缝插针”地随意安插于实践课中,或者放在集中时间“一气呵成”,造成理论课严重失效,也容易对学生造成误解,使之觉得理论课可有可无,无关紧要。 (三)课程的教学方法不合理在很多大学的课堂上,以前是老师对着书本讲、对着黑板讲,现在是对着PPT讲,差别就在以前站着讲课,现在可以坐着。但是,其本质是一样的,都是以满堂灌的形式,对学生进行填鸭式地灌输。这样的教学方式使得老师上课没有激情,学生上课没有兴趣。再者就是,教师在教学方法上,没有顺应时代的发展,对教学方法进行创新,还是采取老套的方法,单纯靠讲,不进行相应的改变,无法激发学生在课堂上的热情,来提高他们的兴趣。 二、改善艺术设计理论课的措施 (一)在思想上,应该转变观念。首先要重视艺术设计理论,只有在思想上高度重视,我们才会有动力去学习艺术设计理论,时时刻刻记住艺术设计理论课程是艺术设计的基础,是设计作品的原创力,只有充分了解设计原理的本质与客观规律,了解社会、人文等方面的知识,才能通过作品展现自己的思想情感、人文关怀,体现作品的生命力。 (二)在对课程的设置上,需要对艺术设计理论的性质进行详细的理解与把握,对理论的教学目的也要对学生进行详细的讲解。在对课程进行科学的设置时,还要借鉴国外高等院校对艺术设计理论课程的设置,取其精华,去其糟粕,使艺术设计理论课程的设置更趋于合理,使学生能够更好地进行学习。 (三)在教师队伍方面,在促使艺术系教师提高设计实践能力的同时,更注重专业理论知识的学习。因为一个教师只有具备综合素养,才能更好地指导学生学习,不光对艺术实践擅长,更要精通专业理论知识。这样的老师才会让学生觉得是真正的大学老师,培养出来的学生也才能长期地为社会所用。 (四)在教学方法改革上,可以从这些方面着手: 1.在大的方面,要使艺术设计理论与实践相结合,教师在教授理论的基础上,可以适当加入实践活动,例如,可以在课堂上,布置一些简单的实践操作的设计活动,运用当堂课的理论知识来设计作品,并可以在课堂上讨论,通过讨论可以了解别人的学习方法和设计理念。可以在课堂上学习理论知识,也可以申请去博物馆参观,增加学生的课外阅历,在参观完之后,让学生写写在博物馆里学到了什么,或者针对某一作品写自己的感受或者看法。还有,设计人才是需要走进社会经受考验的,可以进行校企合作,老师带学生去企业参观,或者寒暑假去企业参加实践活动,使理论与实践的结合得到更好的发挥; 2.在小的方面,通过各种教学形式,提高学生对理论的兴趣。例如,在一堂课的开始,教师可以根据本堂课的主要内容,以故事的形式开头来调动课堂的氛围,不管是古代或者现代,从建筑中我们可以了解到该建筑反映的社会背景、人文文化等等,这样肯定会调动学生的积极性。 三、总结 在课堂上,我们要充分利用现代多媒体,在课堂中多用图片、动画的形式,改变以前纯用文字讲述的形式,让学生更加明确地学习知识,利用文字与图片的结合可以更好地传授教学内容。还可以放一些关于教学内容的短片,有解释,有剧情,还有图画,这样更有利于教学目的,学生也不会觉得太单调,在享受中学完课程。还有利用表格的形式,便于学生记忆,从形式上提高理论课程的学习效率。 要使作品具有创造力、生命力,艺术设计专业学生需要了解艺术设计理论的重要性,认识到认真学习理论课程知识的重要性,从理论课程中学习、发现艺术设计教育的客观运行规律、总结艺术设计现象背后的本质,通过改善现在艺术设计的现状,从思想上重视艺术设计理论,对理论课程进行合理的设置,加强教师队伍建设,改善教学方法,使设计理论越来越受学生的喜爱,使艺术设计焕发生命的光彩。 作者:葛祥国 单位:江西服装学院艺术设计与传媒学院 艺术设计理论教育研究:传统艺术设计理论教育的反思与转型探索 摘 要:在艺术设计领域,传统的理论教育面临着改革的难题,现有的教育模式存在很多有待解决的问题,很有必要对传统艺术设计理论教育中存在的问题进行深刻的反思,这样才会使得艺术设计的理论教学有所发展和创新。实际上,艺术理论的教学在我国起步很晚,其在发展过程中本就不具有完备的知识教育模式与方法。随着社会形势的不断变化,传统的艺术设计理论教育也已经逐渐落后于时代的发展。因此,我们有必要进行转型与创新,不断探索新的教育模式与方法。文章主要是对传统艺术设计理论教育的反思与转型探索。 关键词:传统艺术设计;理论教育;反思;转型 0 前言 实际上,只有具备扎实的理论功底才能够在实际的运用过程中游刃有余。但目前,理论的讲解在传统艺术设计理论的教育中并不受青睐,人们通常都是重视实践技能的学习,而忽视了理论的重要意义。传统的艺术设计理论在具体的实践教学中不能够做到顺应时代的发展,有所变革。因此,有必要对理论教育进行适当的改变,以使其适应目前的实际教学。无论是任何领域,只有改革才能不断向前发展。只有不断深入实际、顺应形势改变,才能够符合教育体制改革的时代要求,强化对于艺术设计学科的建设。 1 传统艺术设计理论教育的反思 1.1 传统艺术设计理论的教学理念落后 中国的艺术设计理论教育起步较晚,多是对国外艺术理论的借鉴。由于在借鉴中不重视本国的实际教育情况,所以在具体的操作中并没有形成具有本国特色的艺术设计理论教学模式,并且在长期的理论教学中一直都存在这样的情况。在教育体制改革的过程中,艺术设计理论在教学理念方面的缺陷逐渐显露出来。 在很长一段时间内,业界都把艺术设计的理论教育当做一种可有可无的教育。但是实际情况恰恰相反,理论教学对于艺术设计的学习与实践都至关重要,理论在任何时候都起着最基础的作用。学生只有在充分学习了理论知识以后,才能更加高效地进行艺术设计的实践,才可以在今后的艺术道路中有更加长足稳定的发展。反之,那些不重视学习艺术设计理论知识的学生,或许可以在短时间内学习到艺术设计的技术,但是在未来的发展中一定会受到缺乏理论知识教育的制约。 1.2 传统艺术设计理论的课程设置不合理 传统艺术设计理论教育理念的偏差,造成理论课程在设置方面的不合理。多数课程的设置都是浅尝辄止,并没有重视对于学生的理论教学。纵观各个高校的艺术设计的课程表便可了解到,我国对于艺术设计理论的教学并不重视,主要表现在安排的课时少;理论教学覆盖的艺术类专业太多,相应的课本少之又少;同时多作为公共必修课进行教学安排。这种不合理的课程设置严重影响到学生对于艺术设计理论的看法,以及艺术理论的学习在学生心中的重要程度。[1] 按照正常的课程设置来说,应该针对不同的艺术类专业开设不同的理论课程。同时,还要将艺术理论课程的讲授设置成专业必修课,并增加理论知识的讲授课时,不断提高理论课程的地位。只有在课程的设置方面重视理论课程的安排,才能够提高学生对于艺术设计理论的重视程度,不断强化传统艺术设计理论在学生心中的地位,使得学生掌握扎实的专业理论基础,在未来的职业竞争中占有绝对的理论优势。 1.3 传统艺术设计理论的教育方式、方法需改变 传统的理论课堂在对于理论知识的讲授方法过于单一,就是简单的教师讲授知识、学生接受知识的模式。这会使得本应是有趣、丰富的理论知识在课堂上变得枯燥、乏味,不能够引起学生们的学习兴趣,使学生对于理论知识的关注度不高,掌握程度低。 出现这种现象的原因,是教师的教学方式过于陈旧,不能够适应新的教学变革。在理论教学过程中,应该重视学生的主体地位,不断通过理论知识与学生进行课堂的互动。同时,也可以利用多媒体技术,在理论知识的讲解中多例举一些具体的实例,这样既可以提高学生的学习兴趣,又可以加强学生对于知识的理解。 2 传统艺术设计理论教育的转型策略 2.1 转变教育观念,重视艺术设计理论教育 理论的教育对于学生的发展至关重要,首先学校要转变对于理论教育的观念,不断加大对于传统设计理论教育的宣传,并且重视理论教育的师资投入,使得教师与学生对于艺术设计理论的认识有一个新的提升,使他们明白理论知识的学习对于学生艺术发展道路的重要性,观念从根本上有所转变。 由于传统的艺术设计理论知识都是对于国外艺术理论教育的借鉴,所以形成符合我国艺术教育实际情况的教材至关重要。国家要加大对于艺术理论知识教材的编写,出版适合我国实际艺术教育情况的教材,这样教材才能更加符合学生的实际情况,更加适应时代的发展需要。[2] 2.2 加强艺术设计理论的教师队伍建设 理论知识的传播需要传播者的介入,而教师恰恰就是知识的传播者。因此,想要让学生对于理论知识有一个好的理解,就必须要加强艺术设计理论教师队伍的建设。在设计专业中,更多的人员只是熟悉设计技能,而对艺术设计知识没有深入的掌握与了解。因此,要强化教师队伍的建设,培养出一批不仅具有专业技能,还具有扎实专业知识的优秀教师。 3 结语 作为教育改革的一部分,传统的艺术设计理论知识的改革并不是在短时间内就可以实现的,而是需要各个群体的不断努力与创新才可以取得一定的成果,最终培养出优秀的设计者。
艺术设计毕业论文范文:环境艺术设计毕业论文 经过科学家的分析宇宙里存在的大约有1900万种颜色,一个正常人可以辨别大约680种的色彩,能感受到的主要是环境色彩和固有色。英国物理学家牛顿是第一个发现太阳的七色光谱,从而是人类科学的认识地认识了色彩。在室内装饰中每一个地方和物体都是有他的色彩的,主要包括吊顶,墙地面,家具,织物色彩等。随着时间,文化,区域,制度,科技等等的发展和变化使人们对建筑的功能和要求也有不同的追求,从而出现了很多的流派和风格。 在我看来色彩对我们每一个人来说都是离不开的,色彩是对我们今天的社会非常重要的。对于建筑室内装饰也是一样,从人类认识色彩的那一刻起人类就对每一种色彩的认识有了一个基本的概念,随时间的发展和各个区域对人类对每种色彩的不同爱好,在加上每个民族区域的风俗习惯和地理环境的不同是每一个区域的建筑也有很大的区别,从而使每一个不同的建筑风格有他相对统一的色彩。 室内的色彩包括吊顶,墙地面,家具织物色彩的设计和选择。科学的用色有利于人的身心健康,除了视觉产生影响外,还直接影响人的情趣和心理,要充分利用色彩的多种变化,既符合功能要求又要能获得更美的效果,室内空间不论的吊顶的处理还是家具的款式,大小,形状和色彩等,都不能脱离它所处的实体空间环境,色彩和形态具有同样重要的作用,有时候甚至色彩比形态更重要。 室内装饰风格流派的色彩体现 1.色彩的搭配的价值和重要性 (1)论述色彩的属性 谈到色彩我们都知道它有三大属性:明度、色相、饱和度 所谓明度就是表示色所具有的亮度和暗度被称为明度。色彩可以分为有彩色和无彩色,但后者仍然存在着明度。 作为色相,指的是这些不同波长的色的情况。在色相环上排列的色是纯度高的色,被称为纯色。在色相环上,与环中心对称,并在180度的位置两端的色被称为互补色。 用数值表示色的鲜艳或鲜明的程度称之为彩度。 有彩色的各种色都具有彩度值,无彩色的色的彩度值为0,对于有彩色的色的彩度(纯度)的高低,区别方法是根据这种色中含灰色的程度来计算的。彩度由于色相的不同而不同,而且即使是相同的色相,因为明度的不同,彩度也会随之变化的。 (2)论述如何更好的搭配色彩 在室内的装修中色彩的搭配是有很重要的讲究的,如何能利用色彩的合理搭配创造出更好的居住空间,要从自己对色彩的喜爱程度,色彩对个人的心理属性以及自己对空间的心理需求来确定的。不同的颜色进入人的视野,刺激了大脑,使人产生冷,热,深,浅,明,暗的感觉,也产生了安静,兴奋,紧张,轻松的情绪效应。一般小型化结构的住宅以单色为宜,采用较明亮的色彩,如浅黄、奶黄,以增加住宅的开阔感,利用住宅色彩衬托您的家具使住宅或显朴素大方或显庄重高雅。一般来说每种风格居住空间的色彩搭配都有他自己的原则。具有‘阳光味’的黄色调会给人的心灵带来暖意;如果不想要统一的色调在整体中带点新的变化,采用活泼的色彩组成,粉红色配玫瑰白,搭配同样色系组成的沙发,窗帘,靠垫委婉而多情;冷灰色常给人粗糙,生硬的印象。但在宽敞的明亮的空间,大胆选用淡灰色,反而使你的白色床具和窗棱更为肃静高雅。不过也要穿插一些讨自己喜欢的鲜艳色彩;蓝色有镇定情绪的作用,非常适合有理智感的选择。 2.各种装饰风格的色彩搭配体现和分析 (1)古典欧式风格 欧式风格的底色大多采用白色、淡色为主,家具则是白色或深色都可以,但是要成系列,风格统一为上。在古典欧式风格只能中主要分为巴洛克式,洛可可式等类型。起主要构成手法有三种,第一类的室内构件要素,如柱式和楼梯等;第二类是家具要素,如床,桌椅和几柜等,常以兽腿,花及螺钿雕刻来装饰;第三类是装饰要素,如墙纸,窗帘,地毯,灯具和壁画等 巴洛克式,产生于公元17世纪,它的主要特点是在造型上以椭圆形,曲线和曲面为主要形式,强调变化和动感;将建筑空间设计与绘画和雕塑结合营造出富丽堂皇的室内效果;室内色彩以红,黄等纯色为主,并大量饰以金箔,宝石和青铜等材料进行装饰,表现奢华的效果。室内和家具的豪华,富丽的特点,充满了强烈的动感效果。 洛可可式产生与公元17-18世纪,他在设计上追求华丽,精致和繁复的艺术效果,主要特点是室内装饰呈平面化,注重曲线的使用,室内色彩以鲜艳的颜色为主,比较明快,如靛蓝,嫩绿和玫瑰红等;线脚多用金色,还采用大量中国式装饰和陈设,喜欢闪烁的光泽,大量镶嵌镜子,悬挂晶体玻璃的吊灯,墙面多用磨光大大理石,喜欢在镜前安装烛台,造成摇摆的迷离的效果。 (2)现代风格 现代风格它是比较流行的风格,追求时尚和潮流,以造型简洁新颖,实用为目的,注重室内空间的布局合理与使用功能的完美结合。没有过多的复杂造型和装饰,也不追求豪华,高档和绝对的个性,重视家居的选用及色彩的搭配,追求‘少就是多’的观点。现代设计派大师赖特提倡室内设计与建筑设计协调一致,不仅满足现代生活需求,而且强调艺术性,具有当今时代感的建筑形象和室内环境。如一间现代风格的居室,利用不规则墙面形成壁面家具,同时这一墙面也起到美化居室的作用。地面、天花板均朴素、淡雅,无一多余饰物,显得简洁、舒适、大方,令人赏心悦目。 (3)后现代风格 它是由对现代主义纯理性的逆反而出现的一种设计风格,反对现代主义‘少就是多’的观点,强调建筑的复杂性和矛盾性,使得室内设计繁多复杂。 ①强调室内设计应具有历史的延续性,崇尚隐喻与象征手法,提倡多样化与多元化。它通过传统建筑原件以新的手法加以组合来实现。 ②多用夸张,变形,断裂,折叠,二元并列等装饰主义的设计手法,在表现上具有刺激性,使人有舞台美术的视觉感受,达到了雅俗共赏的目的。 (4)混合形式风格 混合形式风格是指把不同时代,不同风格,统一时代不同风格和不同民族,各不相同的东西糅合在一起,把同一民族和新旧各不相同的东西结合在一起,也就是说把不同国家,不同风格元素结合在一个室内空间里,呈现多元化的风格特征。 用非传统的元素结合传统构件,给人以现代传统室内装饰的种种联想。但并不是将各种形式任意拼凑,互不协调,缺乏整体感,而是把传统文化脉络与现代设计观念和方法相结合,是多样丰富的设计语言。例如贝聿铭先生在北京香山饭店的设计中,以中国的影壁,牌楼,粉墙,灰砖,天井,方圆母题,民间磨砖对缝的工艺,以及云南的石头,东北和山东的卵石作为传统的设计元素。 兼容并蓄,推陈出新,反映时代性,民族性与地方性。在室内设计中,采用传统,民族,地域或自然等元素并加以简化,提炼,在用新的手法组织这些简练了形式,构成具有新意义的形式。既趋于现代实用,又吸收传统的象征,融古今中西与一体。 (5)简约风格 简约风格现代主义建筑和室内的主流风格之一,是一种符合审美规律的艺术简化,追求的是由发杂趋于简单的视觉效果。装饰要素有金属灯罩、玻璃灯,高纯度色彩,线条简洁的家具。它主张设计中突出功能,强调自然,形式简洁,在设计时奉行删繁就简的原则,减少不必要的装饰,色彩的凝练和造型的力度也是“少就是多”更高层的体现。简洁要克服现代主义的单调乏味,缺少人情味的缺点,追求丰富,多层次和多方位的表现,但丰富的表现并不是无意义的堆砌,而是经过提炼后符合时代精神的简洁形象。简洁与丰富是并存的,简洁的设计形式是现代社会的特点和发展趋向,具有丰富的包含性,丰富的词汇融合在简洁之中。在简约室内设计中空间简约了色彩就要跳跃出来。苹果绿、深蓝、大红、纯黄等高纯度色彩要大量运用,大胆而灵活,不单是对简约风格的遵循,也是个性的展示。(6)中式风格 中式风格中国室内设计的传统风格比较讲究端庄气质和丰富的文化内涵,从家具的陈列到陈列品的布置,常采用对称的手法来达到稳健,庄重的效果。装饰要素有红木灯、羊皮灯+咖啡色、适当的金色+中式家具,在色彩方面很多人都感觉中式的室内色彩略显呆板,其实只要是搭配好都很漂亮,中式家具或配饰一般颜色较深,而适当的金色则会让中式更有味道。因为在中国传统文化中,金色是权利和地位的象征。金色的小面积点缀和运用,可以与深色家具形成鲜明对比,使色彩变化更丰富。主要用色有红,黄,紫色,金色等,装饰品及黑、红为主的装饰色彩上。室内多采用对称式的布局方式,格调高雅,造型简朴优美,色彩浓重而成熟。新中式家具偏重暖色调,表面大都作亚光处理。避免繁复的“雕梁画栋”造型,简简单单更能体现典雅大方。 (7)地中海风格 地中海风格地中海周边国家众多,民风也各有不同,但独特的气候特征还是让他们出现了一些相同的特点,他们的设计元素主要是白灰泥墙,连续的拱廊与拱门,陶砖,海蓝色的屋瓦和门窗。这种风格的灵魂目前比较一致的看法就是''''''''蔚蓝色的浪漫情怀,海天一色,艳阳高照的纯美自然’。他的主要色彩搭配有蓝与白,这是比较典型的地中海颜色搭配,希腊的白色村庄与沙滩和碧海,蓝天连成一片,甚至门框,窗户,椅面都是蓝与白的配色,加上混着贝壳,细沙的墙面,小鹅卵石石地,拼贴马赛克,将蓝与白不同程度的对比与组合发挥到机制。 黄,蓝紫和绿,南意大利的向日葵,南法的薰衣草花田,金黄与蓝紫的花卉与绿叶相映,形成一种别有情调的色彩组合,十分具有自然的美感。 土黄及红褐,这是北非特有的沙漠,岩石,泥,沙等天然景观颜色,再辅以北非土生植物的深红,靛蓝,在加上黄铜,带来一种大地般的浩瀚感觉。 3.案例分析 案例来自成都一个普通白领阶层的装修方案,由于是年轻人,不喜欢太过复杂的装饰,采用了现代的装饰风格。住宅是一个100平方左右的住房,主人暂时没有孩子,把原有的老人房改为书房。 主人在色彩方面喜欢大面积的暖色,特别是乳黄色所以在设计的时候客厅和餐厅的背景墙上实用了大面积的淡淡乳黄色,看上去比白色稍黄一点,即达到了主人的意思,也更好的使空间不完全被同一种色所包括。电视墙是用黄色的硅藻泥材料做成,使主人刚刚进门的感觉给人一种温馨家庭的感觉,同时在家居方面特别是沙发点缀了一点是冷颜色,因为如果在大面积的黄色背景下没有一点冷色,会使人的心情变的急躁,长时间会有抑郁的趋向,所以在家居的选用上我们选用的了冷一点色彩。在地面的色彩选用上,地砖还是采用了淡黄色的地砖,但是在客厅的中沙发的地毯我们选用了黑色的地毯,一方面是考虑在整个空间里没有重颜色的沉稳,还有就是搭配一点黑色能使空间看着更加的舒服。再在空间配置一点绿色的植物,使主人进门的感觉即温暖又清新。 总结 我对室内装饰风格色彩体现的主要认识是,由于时代的进步,精神,物质等诸方面都有了很大的提高,在室内装修色彩的方面也同样如此,很多的现代人把原来固定风格的装饰色彩给打破,注入新的血液。在我看来不管是原来某种风格内的主要传统用色还是现在的新色彩都能接受,因为色彩搭配的一个重要的基础或者是底线就是色彩没有绝对的对和错,只有合理的和不合理的区别。所以在室内装饰色彩的搭配上,利用每种风格的传统用色和客户自己的喜爱色彩,最后在根据设计师的统一调和处理。总之不管怎么搭配都是为了室内色彩的效果更好的体现出来。 艺术设计毕业论文范文:多学科交叉环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的概念和发展演变 环境与艺术设计的出现首先要依附于建筑物设计,其次是在建筑物周边的空间进行规划和设计,以达到美的效果。建筑物作为环境的主体,是环境艺术设计的基础,所以环境艺术设计和建筑设计基础是密不可分的。新中国成立后,随着改革开放的号召,科学技术的发展,人们的对生活审美水平的提高使得中国的环境艺术设计的有了很大的发展。随着我国建筑体系的不断成熟,环境艺术设计逐渐被分成两大派,一派是例如古代的壁画等家具装饰纹样以及室内空间规划,统称为室内设计,另一派是围绕着建筑物周围的空间进行规划,从而达到建筑物的艺术效果。这两派统称为环境艺术设计。 二、环境艺术设计多学科交叉特性的发展现状和必要性 1、发展现状 环境艺术设计类学科,是根据我国国情和社会环境的客观需求下逐渐发展起来的。因此环境艺术设计在我国的发展根基并不稳定,面对社会的需求,我国高校对社会发展定位的不准确,使我国缺少大量的环境艺术类学科的人才。毕业生理论知识的不系统,使社会对毕业生的需求供大于求,与社会市场的需求脱节。毕业生的艺术素养与能力参差不齐,距离社会所需要的高素质,高质量的人才还有很大距离。从发展的进程上看,我国艺术设计的教育是从美术教育,机械设计等延伸而成,基础薄弱。当时正值我国经济发展的飞速时期,各高校一直忙于扩大规模,没有对理论知识进行系统化的梳理和整合,有些理论完全就是照搬照抄,没有一套系统的,理论化的环境艺术类学科的知识体系。由于理论知识的缺失,导致各高校对艺术类学科的定位不准确,使我国环境艺术教育发展较缓慢。根据国情的发展,在当时大势所趋下,当时学生都面临着升学难,就业难的情况下,为了顺应国家的综合国力发展,各个高校普遍对学生进行统招,学生素质良莠不齐,很多成绩不好的学生因此走了捷径;在高校中,教师对学科认识不准确,专业性不强,有很多高校都是大班授课,致使很多人没有真正学到东西。在当下随着社会的竞争越来越激烈,市场在这一方面所要要的人才供大于求,正是要求各高校对环境艺术类学科准确定位发展的关键。 2、必要性 就本身高校教育来说,各高校都没有准确定位环境艺术类学科的发展前景以及市场需求,随着社会的不断发展,人们生活水平的提高,大多数人越来越重视精神文化的需求。而对环境艺术类学科定位的不准确,使得大量人才容易走到学习的误区,有悖于市场的发展。造成环境科学类人才培养的缺失,最主要的原因就是对学科本质认识的不彻底。高校因顺应时展的潮流,培养精英化人才。教育发展定位应适应社会发展,顺从大众教育方向。在充分领悟中国传统文化的同时应加以创新,从空间、色彩、生活等方面在进行创造。由于环境艺术类学科范围涉及较广,导致许多院校对其的概念认识定位不准确。随着科学进步的不断发展,环境艺术类学科的理论知识的不断增加和扩充,逐渐融合到新兴的景观设计,空间规划设计,城市设计等。在这不断发展的过程中,逐渐被人们接受。人们审美水平的提高,环境艺术类学科却是能改变生活环境,提升生活质量的最根本方式。 三、环境艺术设计的多学科交叉特性的内涵 信息全球化时代,人们研究对象的方法趋于多元化。单从字面上来说,“环境艺术设计”环境是前提条件,而“环境”一词又颇为广泛,环境分为自然环境和人工环境,自然环境是指自然生长而成的宽泛环境,人为环境是指某些空间设计,经过人为的后期设计而形成的环境。一些宽泛的词也可以统指环境,比如生态,物质,文化等等。环境艺术设计是一门立足于艺术设计的学科,是一门集艺术、科学、文化的综合性发展学科。所谓多学科交叉可以用新的研究方法,用新的眼光去研究问题,从而得到新的发现,使交叉学科得以蓬勃发展,是各个学科的文化知识得以融会贯通。“环境艺术设计”融合了多种学科,是环境艺术和环境设计的总称,包含了美学、建筑学,物理学,人体工程学,园林学,工艺美术学等多学科的研究,各学科相互交叉构成了内容丰富的黄精艺术设计。多学科交叉的发展是教育发展的必然趋势,学科之间的相互交叉创新出新内容,针对环境艺术设计发展的特性,还需要经过更多的实践发展来寻求方案。对学科的交叉性研究,转换新的思想,实践探索出一条跨学科的新的理论体系,以满足社会多方面,多层次的社会需求。这对高校提高人才素质和质量的培养,是一个重要的突破。也对各个学科之间相互联系,资源相互整合,具有重要的现实意义。 四、环境艺术设计的多学科交叉特性的未来发展趋势 环境艺术设计在我国一直立足于实践的发展,随着科技的进步,人们对环境艺术设计也有了理解,从以前的为设计而设计的发展趋势已经演变成美化、舒适的人们所要求的环境设计。环境艺术设计已经成为以“人”为主体的研究方向,人已经变成环境的协调者。随着时间的推移,人们对环境艺术设计的认识加强,使环境艺术设计知识更加融合,理论知识更加趋于系统化。顺应国情的发展,发展可持续世界发展观,我们应积极引导人们走向可持续发展生活方式的设计,建立可持续发展的人为环境是对当今社会发展实践具有重要意义。 五、结语 综上所述,在经济一体化的时代,对于环境艺术类学科的定位,应立足于艺术领域发展。将“可持续发展生态环境”作为新课题进行研究,环境艺术设计的“技术”和“艺术”的结合必然是发展的趋势。对学科交叉特性的研究,应转换新的思想,整合优化资源,对教育体制进行新改革,满足市场的需求。 作者:谷晓龙 单位:石家庄职业技术学院艺术设计系 艺术设计毕业论文范文:高职院校艺术设计论文 一、高职院校艺术设计专业基础教学的改革措施 1.努力实现人才培养模式的多样化 高职院校艺术设计教育应与当前社会文化、经济、技术、市场营销等方面紧密衔接,保证培养出来的人才能满足社会的需要,保质保量地完成高职院校的人才培养目标。虽然高职生生源质量较差、基础知识薄弱是长期存在的现象,很难立即解决,但是高职院校也应对此引起重视,根据市场发展形势制订有针对性、有个性的人才培养计划,设计不同类型、不同层次的艺术设计教学方案,以满足不同层次学生的学习需求。而学生应根据社会需求,结合自身的发展条件,确定专业层次与类型,进行人才培养模式改革,努力培养有特色、高质量、可满足社会需求的艺术设计人才,提高学校的特色与声誉。 2.明确基础课程的教学目标 高职院校艺术设计专业应根据本校专业设置,明确艺术专业基础课的教学目标,按照既定目标进行教学,保证基础教学的合理性与有效性。首先,艺术设计专业基础课程应以培养学生的感知能力、绘画能力、创新能力为主要教学目标;其次,教学需重视培养学生的自主探究能力、独立判断能力、观察能力以及合作交流能力,提高学生的综合素质;最后,教师应鼓励学生打破常规,进行天马行空的想象与联想,激发学生学习艺术设计的热情,培养学生的创新思维与创新能力。 3.构建科学的基础课教学体系 在艺术设计基础课教学体系设计中,很多高职院校仍沿用传统的三段式模式,这种教学模式适应性和实用性较差。因此,教师应根据艺术设计专业的特点和教学方向,构建科学的基础课教学体系,对基础课程进行分类,形成相互渗透、相互交错、横向排列的基础课程群,突出实践教学,强化对学生动手能力与应用能力的培养,以构成完整、合理、相互衔接的课程体系结构,构建新型的教学体系,使高职院校艺术设计专业的教学内容、教学方法与教学手段发生了实质性改变,使学生成为既有一定理论素养,又能进行具体设计、管理、施工的实用型、技术型人才。 二、结语 综上所述,高职院校必须注意与专业院校间的差异,制定出符合高职院校良性发展的人才培养目标,不断优化改革措施,切实保证高职艺术设计专业为社会培养出高素质、高技能的艺术设计人才。 作者:刘洪哲 单位:辽宁机电职业技术学院 艺术设计毕业论文范文:高等教育艺术设计论文 一以英国为主的艺术设计高等教育 由于人才培养目标决定了培养模式和教学方法,因此英国艺术设计专业的培养目标主要体现为:第一,以学生个性为本位,激发学生的内部动因,注重学生个人的可持续发展培养,同时要求学生具备适应社会的道德素养。第二,注重学生综合能力的训练,即形象思维能力,形态简化和抽取能力,发散思维和逆向思考能力,以及绘画功底、设计软件技术、模型制作和动手操作能力,文字语言的阐述和表达能力等。第三,在专业素质方面,强调学生基本素质的养成和设计专业素养的培养。为了实现以上的教学目标,英国艺术设计专业主要采用以下的教学模式和方法: (1)采用分阶段大班小班小组单元式模块教学模式。其教学方法,以学生为主体,采用多种教学手段即讲授式、启发式、案例分析式以及小组讨论式等。强调对学生创新能力、思维能力、动手能力的启发和培养。 (2)采用项目式教学模式。其优秀是让学生体验项目的整个设计流程,感受抽象的设计概念变为现实的过程,突出培养学生将设计概念实物化的能力。 (3)采用跨界培养教学模式。美国的教育专家认为学生不应该过早精通某一门学科,而涉猎多学科的“通才”将来会有更广阔的择业空间[5]。因此,英国高校在教学中,非常注重多专业、多学科的交叉。鼓励艺术设计专业的学生,按照个人喜好和自身发展的需要自由选择跨专业和跨学科的选修课程,学到交叉学科、多种学术领域的专业知识。跨界培养教学模式,有利于设计人才的个性化培养,更有利于多专业、多学科复合型创新设计人才的培养。 (三)考核评价体系英国的艺术设计高等教育是以德育为教学基调,以学生和老师严格遵守学术道德为评判界限,已建立完善的评判体系和科学有效的评判标准。具体来说,英国利兹大学艺术设计学院的课程成绩以百分制计算,由3部分组成:一是平时成绩占30%~40%,以考核学生出勤率为主;二是最终作品及答辩成绩占20%;三是完成设计作品过程及工作量的成绩占50%~60%。这种考核评价标准强调的是过程比结果更重要。重视过程考核的优势体现在:学生通过设计准备、灵感构思、调查、筛选、表现、制作、再修改、再构思的反复过程,首先激发了学生的原创动力,避免了抄袭剽窃他人或者现有设计作品的学术不端情况的出现;其次,学生在设计过程中需要运用各种调查方法,研究手段,翻阅大量的资料书刊,对学生树立严谨的学术态度以及设计管理能力提供了有效支持;再次,过程考核提高了学生观察、发现、解决设计过程中对不断涌现的问题的设计执行能力,为学生的设计创新奠定了基础。 二对我国艺术设计教育的反思 (一)人才培养与教学目标的不符 在教育全球化的世界环境背景下,我国的艺术设计高等教育的人才培养目标、课程建设、教学模式和方法,均围绕着以学生就业为导向。我国艺术设计专业的人才培养目标是面向艺术设计行业,根据行业相关岗位需求而设置,具有良好的职业道德和创新意识,掌握相应的专业理论知识,具有较强的适用社会岗位的动手技能,能进行创意、设计、制作多层次的高素质、高技能专门人才。但是我国正处于经济转型和产业更迭的历史背景下,我国的艺术设计高等教育一直落后于同时期设计行业的领域扩展和技术革新速度,与企事业的人才需求错位,不符合社会与时俱进的创新要求,出现了人才培养与教学目标不符的现状。 (二)教学模式单一且课程设置不科学 我国的艺术设计教育从创始之日迄今,在迷茫中摸索了三十载却仍然照搬西方的教育模式,既没有形成适应我国国情的教育体系,也没有确立明确的教学目标,一面铺天盖地空喊高歌产学研和素质教育、职业教育,一面跟随西方世界的教育强国将高等教育迅速产业化,主次颠倒地将经济价值列为高等教育的首要目标,单纯地追求升学率和就业率,过度细分设计学科内专业,设置局限的专业课程框死了学科发展的可能性,忽视设计学科各专业之间的知识和技术的交叉性和综合性。除课程设置的不科学与现实社会的行业发展和就业需要脱节外,我国至今没有建立起完善合理的考核评价体系和评价标准。由此导致学生甚至教师的抄袭、剽窃、作弊等学术道德败坏的行为屡禁不止,甚至已经形成设计专业默许的潜规则。 (三)长期忽视师资建设 扩招犹如一夜之间拔苗助长,各艺术设计高校为解决迫在眉睫的师资匮乏问题,不惜“乱投医、广纳员”,以至于相当一部分毫无设计专业背景的教师从绘画、工艺美术、工程、机械、材料等专业改行成为艺术设计的专业教师。如此以来,艺术设计高等教育就逐渐演变成就了由各学科散沙课拼凑出的缺乏课程特色,与设计行业脱节的泛滥专业。综上所述,要把我国高等艺术设计专业建成世界一流的专业,就有必要借鉴西方国家先进的办学理念及经验。 作者:闫胜男 单位:成都理工大学应用核技术与自动化工程学院 艺术设计毕业论文范文:民办高校艺术设计论文 一、民办高校艺术设计专业转型发展的障碍因素 民办院校艺术设计人才在转型前基本是依托校内资源来培养,换句话说就是将学生圈养在学校进行教育,既让学生脱离生活在艺术,也让学生的艺术失去现实感。艺术设计人才培养渠道狭窄,没有完善的实习实训基地,也没有丰富的校外合作资源。艺术设计专业的学生生涯基本都是在学校度过,而艺术设计专业是一门创造性、实践性很强的专业,转型前的民办高校在实践教学课程方面还无法满足课程设置的需要,学生的艺术设计与社会需求脱节,学生难以有效掌握设计流程,没有紧跟市场需求艺术素养。 二、民办高校艺术设计教育有效应对转型发展的策略 1、重新定位艺术设计人才培养目标 进入数字化时代之后,艺术设计领域不但产生全新的设计理念与设计思维,也必然出现与其他学科的交融,如何使得艺术设计教育与时代特征相吻合,加强与其他学科的融合性,增强艺术设计专业学生的就业能力,就必须满足市场需求。民办高校未来发展定位就是为什么培养高素质的技能型人才,因此,艺术设计专业的学生培养定位也是应用技术型的艺术设计人才,培养过程中强调提升技能。随着社会的演变,艺术设计人才不再是纯艺术设计,还要懂得运用各类技术。 2、拓宽艺术设计人才培养途径与渠道 民办高校难以克服的发展资金受限问题,难以满足艺术设计专业的科研投入、基础设施建设,民办高校艺术设计专业可以通过与校外资源协同培养艺术设计人才,拓宽培养人才的途径与渠道。校外协同可以体现在校-校合作,与实训设施和条件比较好的公办院校,实现资源共享机制,比如说与艺术类高等院校合作;也可以校-企合作,与艺术设计类公司或艺术设计中心合作,实现利益共享机制;鼓励艺术设计师生积极参与各类艺术设计博览会或者艺术设计大赛,突出艺术设计人才培养的实践性。建设好校外合作平台,建设友好合作的长效机制,通过合作平台,将学生的创意挖掘,通过校外实习实训基地展示。 3、创新人才培养方式与教学方法 传统的艺术设计理念已经被新技术所突破,新兴技术的发展迎来了各类教学手段和方法的创新,艺术设计的培养目标应该是注重培养学生的创意能力,但是传统的培养在注重技术的时候忽视了对于创意的开发。增加学生社会实践与社会认知的机会,让学生了解真正的而艺术,强调能力培养的实践实训,设计实验性教学活动,通过案例教学法、小组讨论法、团队设计作品、任务教学法、项目教学法、情景模拟法等,激发学生的学习兴趣,使得学生的设计贴近生活,在“干中学”,在实践中掌握设计流程与技巧。 4、重视艺术设计教师队伍建设 艺术设计教育转型发展的关键在于教师,教师是转型发展的员工里,民办高校的艺术设计教师应该注重自身角色定位,改变陈旧的知识结构,不断汲取新知识,改变科研态度。注重艺术教师队伍建设,应该组建课程开发团队、课程设计团队、课程讲授团队,加大艺术设计教师团队中行业人士的比例,加大艺术设计教师的专业性,注重提升教学技能与水平,拓展新思维,寻找发展的新路径,最终艺术教育团队既懂得理论,也懂得实践操作,熟悉艺术设计专业生产工艺、生产流程和实用技术,懂生产、懂工艺、能够实操的专业教师,这才能顺利向应用技术型院校转型。总之,随着社会经济的发展,艺术数字与技术化特征日益明显,新兴产业如动漫、游戏、漫画等就飞速发展,这必将对于高级艺术设计人才需求旺盛,为适应新的发展契机,民办院校艺术设计教育向应用技术方向转型,培养高素质有创意的艺术设计人才已经很迫切,民办高校必须有针对性地采取有效策略,为满足社会对于人才需求,从而培养更多优秀的人才。 作者:曹保荣 单位:西安培华学院 艺术设计毕业论文范文:图形艺术设计心理学论文 一.设计心理学与图形艺术之间的关系 计心理学的应用范畴图形艺术的形成吸引了各行各业专家的注意,由于不同专业的人共同参与进来,以设计心理学为基础的图形艺术,被应用到各行各业中,为社会和民众广泛服务,成为设计心理学应用的重要结果。 二.基于设计心理学的图形艺术作用 图形艺术具有选择性、整体性、可识别性、和恒常性等规律,在信息交流、引导行为、解释议题、宣传文化等多方面都具有特别的优势及特定的作用。 1.图形艺术建立了世界性的 图形艺术语言体系图形作为一种直观的视觉语言,能够跨越民族、语言、文字等的障碍进行信息的传递。它创造了无需语言的沟通,与无国界障碍的交流。即使是较为复杂的议题也可以通过图形读懂。目前,各个国家将一些极为重要的图形标志进行了统一,已经部分实现了世界性图形语言的通用。如交通标志、医疗标志、环保标志、绿色标志、安全食品标志、安全卫生标志、禁止标志等。 2.促进图形艺术的理性发展 图形艺术的创作,运用的是形象思维、具象思维,将具象或抽象的概念转化为图形进行阐释说明。因此设计心理学的介入可以更好的与感性思维方式相结合,有利的引导和扶正图形艺术的理性发展。 3.提高图形艺术的实用价值 图形艺术信息的传播建立在设计师与受众之间。设计师与受众之间存在一定的差异性,这种相对差异性导致了图形艺术设计和接受的双重差异性。而介入设计心理学的图形艺术,可以最大化的降低这种差异性。从使用或需要的角度出发,使双发对图形的理解趋于相对一致,从而图形艺术的实用性得以加强。 4.增强受众的理解能力和鉴赏能力 由于部分议题或较为复杂的内容需要专业知识基础才能够理解,因此受众在接受这类信息时会存在一定障碍。但基于设计心理学的图形艺术如果在这些领域进行表达,就可以更好的增强受众的理解能力和鉴赏能力。例如计算机软件中,对于界面、工具、命令、各种面板等的图形化设计就非常有效的提高了受众的理解能力。在多层次作品和图形艺术之间,受众有能力选择更为有效、更高品质的图形艺术。综上,人类生活质量的提高,人们对使用舒适度的关注逐步提升到对视觉舒适度及心理舒适度的关注。图形艺术的功能被更大程度的发掘出来,将以其独特的优势更加广泛的被人们所应用。 作者:徐明霞 艺术设计毕业论文范文:家具陈设设计环境艺术设计论文 一、教学方法创新手段 设计教育不能局限于知识的认知过程,而是要在课程体系中全面培养学生对设计定位的敏锐感知力、设计分析的洞察力和设计解决的创造力。教育不但要教会学生认识“What”,更要教会学生认识到“How”和“Why”,积极寻求思维转化途径、提升综合思维能力。 二、教学方法创新目标 1.关注材料与工艺的选择与运用 材料是家具陈设设计的物质基础,而工艺是家具陈设设计的方法基础,制作模型的过程需要学生实践家具的成型工艺以及形态、材质、空间对于家具设计的影响。许多学生在制作过程中体会到了不同材料的性能和构造方法,从而不断总结经验,结合家具的结构特性,在设计过程中避免了出现违背材料特性的结构形式;学习掌握常用家具施工机具的使用方法和注意事项,理解家具构造中各层结构的连接、嵌缝、饰面的工艺,了解家具施工构造,即“结构+基层+面层”的设计原则和内容。 2.关注家具尺度之于人体工程学和经济考量的运用 家具陈设设计不是单纯的“机械设计”,而是以人为本的“生命设计”,仅仅依靠书本上关于人体工程学的尺度数据,学生无法直观、有效地以科学的观点做设计。因此,在家具实践制作过程中,应当引导学生了解常用材料的规格,并学会计算和下料;同时,利用等大实物模型可以随时切身感受家具的尺寸和使用功能,并按需调整其尺寸使之舒适、耐用。 3.关注团队合作及沟通能力的培养 良好的团队协作精神及沟通能力是设计师的基本技能,在课程中引入团队学习的方法可以让学生提前演练自我发展能力和专业表达能力。团队成员之间在方案选择与优化、材料选择与购买、工艺操作与选择上都会有不同层次的沟通与交流,学生走上工作岗位后也会实时与同事、业主、工人、供应商等沟通交流,通过教学上的实战可以提高学生的协作能力和沟通技巧。在教学过程中,教师要重视塑造学生积极的动手能力、分析能力和创造能力,使其养成良好的学习习惯和严谨的工作作风,不仅仅要学会课本知识,更要学会做人和做事。 4.关注创新能力和设计素养的养成 家具陈设设计的教学目标是在保证学生的基础知识完备的同时,努力保护学生的创造性,激发学生的学习热情和创作动力,教师要积极扶持学生设计思维的多元化,补充教科书中没有的背景知识和专业发展的最新动态,在教学过程中让学生了解当今设计行业的概况和发展趋势,使在校学生以从业者的姿态而不是以旁观者的姿态进入这个行业;教学中,通过给学生列出系统的课后阅读书目,以阅读和分析案例培养学生的能力、启发学生的思维。在探索环境艺术设计专业家具陈设设计课程教学方法的过程中,需要注重专业基础教育的知识结构与学生综合素质、职业技能和创新能力的结合;针对教学方法进行相应的系统整合,强化教学内容与手段的贯通机制;扩宽学生的知识面和就业面,为学生学业成功、就业成功、事业成功打下坚实的基础。 单位:武昌理工学院艺术设计学院 艺术设计毕业论文范文:创新实践教学艺术设计论文 一、艺术设计实践教学的创新思路 1.实施创新设计案例课堂讨论实践教学 作为教师,在结束艺术设计专业课基础理论部分的讲授后,可以为学生布置相关的社会调查任务,要求学生在规定的时间内完成,并上交调查报告。在结束社会调查后,教师可以让学生在课堂上逐一对自己的调查报告进行介绍,由其他学生发表意见、提出看法、展开讨论,最后由教师对理论、实践等环节进行总结与点评。显然,这样的教学过程不但能够有效促进理论知识与实践活动的有机结合,还能够从根本上增强课堂教学的互动性。 2.教学课程“特色化” 对于课程的安排,教师应对一些传统课程进行优化与整合。如图案课程与平面构成课程,这两者在内容与形式上都存在很多共同之处,可以将其整合为一门课,既避免了重复,也可以取长补短,同时还能缩短教学学时。另外,教师应该学习国内外先进的教学观念与方法,结合学校的实际情况开发出一些既具有时代精神也符合艺术设计发展规律的校本课程。 3.增强学生的协作能力,培养学生人际交往能力 首先,作为21世纪的设计人才,必须具备强烈的团队意识、独特的艺术个性以及严明的纪律观念。只有在拥有突出业务能力的前提下培养自身的团队意识、协作能力以及自觉接受现代社会相应法律法规的约束,才能真正符合现代社会对于艺术设计人才的要求。其次,只有建立广泛、和谐的人际关系,具备灵敏的市场嗅觉,自身的才能才会得到充分的体现。因此,在艺术设计的实践教学中,教师不但要教会学生怎样读懂市场、接近市场、把握市场,还应该引导学生对市场学、管理学、营销学等进行了解与学习,以此教会学生如何正确处理社会人际关系,如何在错综复杂的人际交往与市场竞争中变劣势为优势、变被动为主动。 二、结语 要想让高校艺术设计专业学生的实践能力得到提升,需要结合当前教学观念、专业建设、课程安排等对教学理念进行优化。同时,应主动吸取国内外先进的教学成果,结合学校的实际情况进行不断创新,从而实现艺术设计专业的长足发展。 单位:新疆大学纺织与服装学院 艺术设计毕业论文范文:色彩教学艺术设计论文 一、艺术设计专业中色彩教学新模式的探索与实践 1.采用主题性设计教学模式 主题性设计教学就是以学生为本,采用启发式教学,教师在讲述基本色彩理论之后给学生设计一个课题,提出问题,让学生开动脑筋进行分析思考,教师只关注学生的思路变化,及时为他们提供素材,启发引导他们朝着正确的方向思考,师生互动学习研究,合作完成作业,不断提高学生的色彩理论水平和技法技巧,不断拓展学生的色彩视野和创作思维。这种主题性设计教学,引入色彩设计观念,以色彩研究为手段,强化了色彩创新能力的培养。这种主题性设计教学,设计主题可以多元化,扩大色彩研究学习范围,使学生学习兴趣具有广泛性,学生专业知识具有全面性,夯实探索色彩表现力、创造性运用色彩的基础。 2.运用电脑多媒体现代教学手段 艺术设计专业学生,一般都学习了素描与色彩写生课程,基本掌握了色彩的调配、组合、表现、造型知识。色彩教学就是要使学生系统认识色彩理论、掌握色彩形式法则,运用色彩对比、调和、统一关系使画面色彩优化组合。在色彩教学中运用电脑多媒体现代教学手段,引入“电脑辅助设计”思想,把传统手绘与现代计算机技术结合起来,让学生认识电脑在艺术设计中辅助作用,也为专业课学习打下坚实基础。传统手绘与电脑辅助手段各有优劣,不可能以一种替代另一种,要结合使用,优势互补,但电脑辅助设计的优势是强大无比的,恰当运用电脑辅助手段,可以培养学生的色彩审美能力和创新能力,能实现教学模式由以教为主向以研究为主方向转化,取得最佳的教学效果。 3.改革色彩课程教学体系 建立一个适合艺术设计专业的色彩教学体系,提高色彩教学在课程中所占比例,强化色彩基础训练,提高学生的色彩表现能力及创造能力。在色彩课程教学体系中要提高色彩调和练习和色彩对比练习的实践课时比例,锻炼学生的色彩创造能力。普通高校和高职院校的艺术设计专业在色彩课程设置中要各有侧重,要区别对待、显示特色。要适当调整色彩课程内容,不断探索出一个科学有效的色彩课程教学体系。高职院校的色彩教学不能与高职院校完全匹配,要以培养学生色彩调和能力、色彩表现能力和色彩创造能力为侧重点。如高职院校的室内设计主要侧重于空间色彩认知和色彩搭配,所以要多安排“色彩调和”内容,使学生受到严谨的色彩构建训练、理解色彩调配的重要作用,提高学生的专业技能水平。 4.改变色彩课程授课方式 高校艺术专业的色彩课程是一门基础课程,所以在教学中要改革传统的色彩教学方法,要注重培养学生良好的观察方法,教师要求学生口述物体色相,以及物体之间的色相区别,写生时要严格尊重事实,不能改变物体色相。在中后期写生过程中,要注意培养学生把握整体画面的能力,要求学生适当提炼物体的色彩偏向,适当添加主观意向,既要画得“像”,又要把握画面氛围,注重画面效果。在讲解动漫游戏专业学生作业时,要注意结合动画或影视场景,让学生知道专业对色彩应用能力的需求,知道色彩课程对后续课程的重要性,激发学生的学习兴趣,引导学生向专业课程方向发展。高校在大学一年级开设《色彩》课程,加强与专业课程的结合,力求提高学生色彩能力。教师在具体教学中要加大由基础课向专业课的引导力度,加强学生主观色彩表现和色彩应用训练,使色彩教学与艺术设计专业的后续课程紧密结合,增强学生独立的色彩设计能力。 二、结论 艺术设计专业的色彩教学必须要改革传统的教学方法,不断创新色彩教学模式,有意识、有目标、多方位、多角度训练学生,使学生能自由驾驭色彩,最大限度地发挥和展现主观色彩表现与创造性思维,把一个个学生培养成与时俱进的优秀艺术设计创作者。 作者:贺林 单位:桂林理工大学 艺术设计毕业论文范文:设计课程教学艺术设计论文 一、改革课程设置,更新教学内容,突出创新能力的培养 由于艺术设计教育长期以来受传统教育模式的影响,表现在课程设置上注重基本功的训练,而忽视创造性的培养。艺术类院校的绘画基础课程、课时较多,这导致学生的美术基础与写实能力远远超出国外艺术设计院校学生,但是设计的创意和效果却远远落后。艺术设计课程方向的设计应强调思维方法的训练。引导学生创造性的由表及内、由此及彼的认识问题、提出问题、解决问题。由此,我们迫切需要拓展对专业与知识的认识,努力拆除“专业”之间的界限,打破小专业课程间的壁垒,强调学科交叉、知识交叉。在“淡化专业,突出课程”的原则下,开设综合设计课程,把多个设计领域的知识结合起来,以设计为中心,学生围绕教师精心设计的课题进行探讨研究,以若干基础课程围绕一个设计课题构成课程循环,有机地编排相应的支撑知识,强化综合的创造性训练的内容。以课题带动课程,这种系列化设计课题面向设计的程序及方法论,强调相关交叉学科之间的交流,以及交叉学科教学与专业教学目的相统一,从思维方式上、工艺方法上解决了多门课程教学要求。这充分有利于学生创新能力的培养。另外,要重视通过隐性课程来培养学生的创新能力。设计课程可分为显性课程和隐性课程两大类,所谓显性课程,如造型、色彩、图形等课程教学,它们是能够纳入教学课表进行教学的课程。而隐性课程,如思维方法、设计师的气质和创造意识等,它们是长期专业教育和艺术熏陶的结果,这对学生创新能力的培养有着潜移默化的促进作用。 二、改革教学方法,发挥学生的主动性 包豪斯的瑞士画家和设计教学家伊顿曾说过:“首先应解放和加强学生的想象力和创造性思维,注重技术的自由发挥”。同时,伊顿认为“提高和促进学生的表现能力”是“教师最艰难的工作”。教学方法是完成教学任务的工作方法。它包括任课教师授课的方法和学生学习的方法。教师教的是一种思维方式、创新意识与观念,而非具体过程与结果。无论是基础教学还是专业教学,都应形成以培养学生的创造性思维为主线的教学活动。因此,在艺术设计教学中尤其要采用启发式、引导式的方法来实施教学。要提倡“互动性”交流法教学,从根本上改变师生之间、学生与学生之间教与学的关系,在课程中打破讲台的局限,提倡师生对话式授课。运用提问式、启发式、反问式教学,着重启发和诱导,通过“质疑”引起兴趣,由问题导入设计,采用“头脑风暴法”、“典型案例分析法”等课堂教学形式,鼓励探索学习,从不同设计方向和不同定位的角度,快速进行大量的创意练习。师生之间,学生个体之间,群体之间进行多向交流,相互评定,相互启发,这种交流式学习,使创新意识与创造能力的培养自然地渗透于教学过程中,激活学生全方位的创造性思维。学生在教学过程中要占有主体性地位,教师应视学生为教学主体,最大限度地发掘每一个学生的潜质和潜能。教师的作用重在引导,培养学生主动学习和思考的态度,提高学生的创新意识和创造能力。 三、改革教学组织形式和管理方式 实行学分制,给学生自主权,选择自己要学的课程,使学生能自主组合专业知识构架,按学分制选课规划进入课程学习,这是一种新的学习革命,学生在自我选择中可以看到自己前进的方向。除了必修课、选修课之外还可以通过专家讲学、素质教育多种形式将课堂教学延伸,为培养创新人才奠定基础。另外,在条件许可下,建立多学科工作室,不同专业、风格的工作室,由学生根据自身条件、爱好选择,参与实践训练,在不断的训练当中培养他们的创新能力,给学生一个宽松自由环境,激发他们各种发展的可能性。 作者:吴昀辰 单位:苏州工艺美术职业技术学院 艺术设计毕业论文范文:地区经济与环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的特征 1.自然性与人文性的统一环境艺术首先是对自然环境中元素加以合理利用,因而环境艺术依赖于自然环境,但是环境艺术不是对自然环境的简单利用,在设计过程中还呈现出对人的爱护与关心人的人文精神。因此环境艺术设计必须做到自然性与人文性的统一才达到追求美好生活的目的。 2.正面性与无害性的统一环境艺术设计要遏制肮脏、丑陋与低俗同时体现出精神上的美好与纯洁,并在此基础上使自然环境与人文环境建立和谐关系。因此,环境艺术设计是一种理性规划上的审美创造,因此,环境艺术系统必须做到整体上的美学设计,从而使全系统体现出正面性与无害性的统一。 3.实用性与审美性的统一由于环境艺术设计脱胎于建筑设计范畴的室内设计,因此实用性是其最明显的特征之一,环境艺术设计必须要考虑人们的生活需求,方便人们的物质生活应该是其根本目的之一。任何对这一本质的舍弃都会失去设计的本意。在满足实用性的条件下环境艺术设计还必须满足人的审美体验。给人创造一个身心健康与愉悦的生活环境,因此环境艺术设计必须做到实用性与审美性的统一。 4.多样性与整体性的统一由于环境艺术涉及的人类生活的各个角落,设计中涉及到的感性质料和个体存在多样性和差异性。但是通过设计必须将这些感性质料和个体通过有机的联系创造出统一的整体意境。 二、地区经济是环境艺术设计发展的基础和源泉 (一)环境艺术设计产生于人类的经济活动 环境艺术设计是一种创造性的活动,它最早出现在石器文化时期,并伴随着人类物质生产活动而产生。其本质是人类进行的原始造物活动,是人类为实现实用价值而进行的物化劳动形态。当在实用价值的基础上渗入一定的审美功能和价值时,这种创造便具有了审美属性和精神价值,原始的环境艺术设计便由此产生。人类的文明史是伴随着从制造工具开始的社会经济活动开始的,环境艺术设计也从这里发源。当我们的祖先把石头制成一件件实用工具时,最早的设计活动就开始了,首先工具的创造必须满足实用性,用起来要方便、省力,以引起主体的快感。同时还要看起来美观大方。因此其制作就需要有一定的设计思想和能力。从某种意义上说创造这种功能和形式相结合的石制工具的原始猎人就是人类第一批设计师。这些与人的生活紧密相联的工具和器物就是最早的环境艺术设计作品。由此可见,环境艺术设计伴随着人类的经济活动而产生,并随着人类文明的发展而发展,虽然现代环境艺术设计的科学性与技术性越来越高,并且由自发转变为自觉地、有目的的创造活动,但作为协调生产和消费之间的手段的经济特征并没有根本改变。 (二)环境艺术设计元素与灵感源于地区经济发展 长期来看,环境艺术设计要想取得进步,离不开这一地区的社会经济发展对于环境艺术提出的新要求以及提供的广阔创作源泉。由于环境艺术设计的设计要求、设计材料、设计方法和表现手段都受制于当地的经济发展水平,因此,环境艺术设计的发展方向和表现元素都是与当地的经济发展水平保持一致的。首先,地区社会经济的发展是环境艺术设计发展的最终推动力。地区经济的发展推动了社会生活水平的不断提高,在这一背景下,人们对工作、生活环境设计的要求逐步由实用性为主、审美性为辅,逐步转变为实用性与审美性并重,并且经济愈发达的地区,人们对环境设计的审美要求越高。这种新要求成为环境艺术设计发展的重要原动力。其次,经济的发展和科技水平的提高在提高经济收入的同时,还不断创造出新材料和新产品,这就为环境艺术设计在原料选择和设计思想上的多元化不断提供了新的可能。再次,由于经济的发展,现代社会从物质层面的多样化到精神层面的多元化都为环境艺术设计的发展源源不断地提供了设计新思路和新灵感。在社会经济高度发达的今天,环境艺术设计不再是客观世界的简单复制,它被多元化的设计选择赋予了强大的艺术生命力和创造力,将我们生活环境中的很多细节,化作了精妙的艺术作品。最后,环境艺术设计的发展和高新科技手段的融合可以丰富设计作品表现力。环境艺术设计的发展依赖于社会科技经济发展提供的高科技手段,社会经济发展支撑下的高新科技手段不断发展成熟,可以为环境艺术设计提供丰富多样的表现手段和表现形式,并促进环境艺术设计理念、方式、目的、途径的不断革新。尤其是随着经济的发展,许多地区已经步入了网络时代,先进的网络信息技术为环境艺术设计创造了更好的表现条件,为环境艺术设计的发展注入了新的动力。 (三)经济因素贯穿于环境艺术设计活动的全过程 人类对物质和精神生活的追求促进了社会的进步和经济的发展,而社会经济的不断发展也必然导致人类对物质和精神生活的新追求。环境艺术设计区别于其他艺术活动的首要特征是它的经济属性。它以艺术与技术为双重基础进行创新设计,来创造着以艺术为表现形式的现代社会的物质文明。而经济因素贯穿于环境艺术设计活动从设计到实现设计的全过程。在产生阶段环境艺术设计师需要把握与设计对象相关的各种因素,然后通过设计思维创造形成设计方案。其中对设计对象的经济价值、市场需求以及设计方案的经济内容等方面都要进行分析,而这些方面无一不体现着经济因素。并且经济因素是影响设计观念的重要方面。实施阶段指的是将设计方案由图纸转变为实体的过程,由于这一过程需要建筑、装饰、机械等多方面的参与,其中的每一步都要受到经济因素的制约。因此也使得环境艺术设计与其他艺术相比更具有明显的经济特征。现代设计是“艺术与技术的统一”。这也是环境艺术设计与其他艺术的主要区别,而在经济高度发展与信息化的今天,我们更应该遵循设计与经济的结合的原则,把握好贯穿于环境艺术设计活动全过程的经济属性。 三、环境艺术设计对于地区经济发展的促进作用 (一)环境艺术设计反作用于经济发展 “科学技术是第一生产力”,一个地区的高新科技的发展是促进这一地区社会生产力和社会发展的重要推动力。在人类的文明史上科技和艺术从没有被割裂开而单独发展的历程,科学技术总是以丰富的形式与艺术相互融合为人类社会经济的发展作出贡献。当然现代环境艺术设计也不例外,环境艺术设计发展的原动力是人们对审美追求的本能。而这种本能,正成为促进社会经济发展的内在动力。同时,环境艺术设计的进步离不开高新技术的不断发展,在其为环境艺术设计提供了多元化的设计思想和设计手段的同时,环境艺术设计也通过其促进人们对社会物质生活的不断需求,从而推动当地的经济发展。从社会生产力的发展过程来看,环境艺术设计通过设计理念与风格的现代化,不断创造出符合社会经济发展和人们的审美需求的优秀产品。而这些产品反过来又会进一步激发人们的审美追求与创作需求,并对环境艺术设计在设计思想、材质和建筑加工技术上提出了更高的要求,这种要求就需要社会经济的发展和科学技术的进步来进行支撑。在这个层面上讲,环境艺术设计可以不断地推动社会经济的发展。 (二)环境艺术设计的发展是社会经济腾飞的翅膀 现代环境艺术设计作为艺术与科技融合的产物同样也是一种生产力,在推动地区社会经济的发展方面起着重要的作用。满足人的使用与审美的双重需求,不仅是环境艺术设计发展的目的,也是其发展的主要动力。人类在生存与发展过程中会产生各种需求。环境艺术设计的发展是以满足、引导和创造需求为目标的。环境艺术设计的手段是对物改造,但是其目的是人。环境艺术设计除了给人带来物质与精神上的愉悦与享受以外,还改变着人们的生活方式。因此,从社会发展的角度来说环境艺术设计是把未来生活和观念的现实化和实物化,其中孕育的是人们对于将来美好生活的审美表达,是人们对所进行经济建设活动作出的艺术化的设想和筹划。因此,强调创造性与个性的现代环境艺术设计不再是对客观世界的低层次改造,具有化腐朽为神奇的力量。所以环境艺术设计已经成为推动地区社会发展的内在动力和经济腾飞的翅膀。 四、结语 环境艺术设计是近期发展起来的一个艺术设计分支学科,由于其设计对象是人们生活和工作的室内外工作环境,设计理念的实现需要各种现代技术的支撑,因此环境艺术设计是艺术与技术的融合。环境艺术设计与地区经济发展是紧密联系、相辅相成的关系。一方面环境艺术设计产生于社会经济活动,需要地区的社会经济进步为其提供设计元素与灵感;另一方面环境艺术设计的发展能够对经济发展起到推进作用,是地区经济发展与腾飞的翅膀。理清和把握这一关系,无论对于环境艺术设计的进步还是当地经济的发展都具有重要的意义。 作者:张乐 单位:安徽工商职业学院 艺术设计毕业论文范文:教学改革环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的教学现状 1.教学过于注重理论知识 环境艺术专业具有很强的专业性与实践性,要求相应的知识与技术密切联系社会发展,要求大中专院校培养出理论与实践、技术与艺术相结合的复合型人才,同时具备很强的实践能力与创造力。但是目前我国的环境艺术专业的人才培养仍沿袭着传统落后的教学模式,过于注重理论知识的教授,忽略实践能力的培养。产生这种现象的原因是多种多样的,主要体现在师资与教学环境等方面。大中专院校的课程设置、教学内容与方法、技能的培养等教育教学体系落后,集中于理论知识的学习,忽略动手能力的培养,也无法提供大量的案例与实践教学。 2.学生学习主观能动性差 目前我国的环境艺术设计的教学往往采取传统的接受式的学习方法,忽略了对学生主体性的体现。传统的教学模式使学生处于被动的学习环境中,无法激发出学生的学习兴趣,也无法吸引学生对课本知识的注意力,更加无法对本专业的知识理论技术等方面进行深入探索,久而久之,学生就会对本专业失去主动学习的动力。而且大中专院校的学生的入校水平参差不齐,有的学生是经过美术联考考入本专业,具有一定的美术基础,有的学生是未经过美术联考而直接填报本专业,没有基本的美术功底。学校的教学并未考虑到学生之间的差距,按照以往的教学大纲进行授课,基础差的学生无法跟上进度,最终失去对本专业的兴趣。长此以往,大中专院校将无法培养出市场需要的环境艺术设计人才。 二、环境艺术设计的普适教学改革 1.课程改革适应市场需求 我国有着丰富的文化底蕴,如果能够将其与时代需求结合,产生新的设计理念,并运用到实际社会生活当中,必然会形成我国特有的艺术设计风格。我国的多民族文化体现出个性化与多元化,相应的艺术设计也应体现出多民族的特性。在国际化的背景下,我国的环境艺术设计的课程应符合时代的特性,体现出我国环境艺术独有的特性。我国有着广阔的土地,拥有丰富独特的民族环境风格,如丽江古城、苏州园林、皇家园林、平遥古城、湘西吊脚楼,掌握着多种多样的民间技艺,如陶瓷、印染、刺绣、雕刻。我国大中专院校的环境艺术设计的教育应结合本民族的特点,充分利用现有的资源,将这些元素加入到教学内容中,使其贴近实际生活,既能使学生从中获得创作灵感,又能发扬民族传统文化。 2.注重基础技能训练与创造性思维培养相结合 环境艺术设计专业应培养出具备扎实的专业知识与文化素养、良好的专业技能和创造性的思维的人才。该专业是技术与艺术相结合的学科,要求学生具备较高的动手能力,更要求学生在设计的作品中体现出创意与创新。对本专业的学生的培养应遵循以下两点,在低年级注重基础技能的训练,在高年级注重培养创造性思维。低年级的课程中应注重对学生的专业基础理论与知识及相关技能的培养,同时多让学生接触新知识、新思想、新技术,潜移默化地向学生灌输创新的思想。高年级的课程在提升学生的专业技能的基础上,鼓励学生参与到社会实践中,创作出具有新意的作品。由于创造力的培养是一个长期的过程,需要学生不断地积累,要求学生在低年级时尽早培养创新意识,使其在今后的学习与创作中能够逐步地、独立地设计出具创造力的作品。 3.采用多元化教学方法和手段,激发学生学习主动性 大多数环境艺术设计的课程是枯燥乏味的,大部分的教师在讲授相关知识时也仅仅是采用单一化的教学方法,这不仅不能够达到良好的教学效果,而且会使学生丧失对课程学习的兴趣。同时,教师在讲授课程时仅讲授课本中出现的理论与知识,不涉及其他相关的理论与知识,不注重对学生的知识与思维的扩展。因此为了能够激发学生的学习兴趣,提高学生学习主动性,应采取多元化的教学方法和手段,突出学习重点与难点,提高学习效率与效果,并发散学生思维。大中专院校教师可以利用现代教学设备与手段,如网络、多媒体、投影仪,展示课程有关的图片、影像、文字信息等,培养学生的独立思考能力,引导学生主动学习。教师还可以带领学生进行实地参观访问,将理论知识运用到实际社会中。教师在采取多元化的教学手段时,应考虑到环境艺术设计教育的特殊性,综合运用多学科知识,培养学生的艺术素养和设计能力,让其更好地掌握相关的技术与技能。 三、结语 我国的环境艺术设计专业的教育才刚刚起步,存在着很多的缺点与不足。相关的大中专院校也在积极探索一条适合本校的教学方法,适应时代的要求,符合市场的需求。针对环境艺术设计的普适教学改革,各学校也在积极探索中,只有大中专院校能够落实到实处,并进一步改善,一定能够培养出符合大众需求的环境艺术设计人才,为我国社会主义事业发展贡献出自己的一份力量。 作者:邹航英 单位:桂林理工大学艺术学院 艺术设计毕业论文范文:人才培养环境艺术设计论文 一、环境艺术设计教学人才培养的合理体系 1.设计基础课程部分 设计基础课程包括造型基础、构成基础、专业基础等课程。进入设计基础课程学习后,要使本专业学生从临摹型思维向创意型思维转变,从一名美术类学生过渡为设计类学生。 2.设计理论课程部分 设计理论课程包括设计原理、计算机二维三维设计、工程构造、材料等课程。针对本专业“一专多能”的市场型人才培养目标,掌握理论知识是非常必要的。这样不仅能在以后的设计课程中应用到,并且能与设计实践相结合,如景观设计方向开设的景观环境原理、景观工程、景观设计初步、景观构造与材料等课程。 3.专业设计课程部分 专业设计课程包括室内设计、景观设计、建筑设计、植物设计、家具设计等课程。以景观设计方向为例,开设景观设计(庭院、社区、综合场地设计)、景观建筑设计、植物配置与造景三个门类的课程,还可以增加景观规划专题这一系列的辅助设计课程。 4.专业选修课程 部分专业选修课程包括雕塑、陶艺、城市家具、景观生态学、城市设计、中外园林史等专业课程。该类课程为完成基础及专业课程之外的扩充,既可以拓展学生的专业能力,又可以丰富学生的专业知识,提高学生对于本专业的学习兴趣。5.专业实践课程专业实践课程包括建筑风景速写、手绘表现、设计实践项目调研、毕业设计等课程。专业实践包括学生将所学基础知识、专业知识与社会实践相结合的过程,以及将四年学习期间所学综合完成的毕业设计。 二、环境艺术设计的工作室模式教学 应用型人才培养要求学生将基础知识和专业理论在实践中应用,参与课题设计是理论与实践结合的最佳途径。课程的开展有规范的内容,由实题开始,以副教授职称以上导师和至少两名辅导教师构成的工作室形式展开。将专业教师分为多组,承担不同的设计课题,由学生及工作室教师双向选择,既培养了学生的自主学习能力,又给予了教师教学充分的自由度。学生在工作室学习不仅深化了所学的专业知识,而且能熟练掌握相应的制作技能,有利于团队管理和协作、现场踏勘、资料分析与研究、设计创新创意、市场分析等综合能力的培养。环境艺术设计的学科性质要求学生能同时具备设计能力与表现能力。传统的教学模式中,课堂练习是主要教学方式,实践课程少,实践时间短,忽略了社会实践环节,很难将理论和实践有机结合起来,而开展工作室模式教学正是针对此弊端而进行的改革。因此,环境艺术设计专业开展工作室模式教学很有必要,也迫在眉睫。 三、环境艺术设计教学专业教师队伍的建设 教师的素质和学历职称不容忽视。除此以外,教师的创造性思维也是很重要的,优秀院校创造的成果,都离不开具有创新意识和奉献精神的高素质教师队伍。设计学院的专业教师队伍现阶段年龄结构和层次比较合理,中青年教师占的比例比较大。这就需要学院多提供深造、培训、交流的机会,可以体现在以下几个方面: 1.继续深造 针对当前环境艺术设计专业的发展趋势以及学生专业能力的培养,对教师队伍专业水平的进一步提升是大学教育中的一个重要组成部分。对于教师的继续深造,学院应给予支持、鼓励及制定相关的奖励机制。 2.培训及交流 社会需求的时效性、行业的发展是环境艺术设计教育的主要推动力,其影响是全面而持久的。而专业教师的业务素质决定了设计企业的管理技术、经验和学科发展的前沿信息能否及时融入相关的实践教学。因此,环境艺术专业教师在行业间的培训和交流对于促进实践教学的改革及项目工作室的顺利进行是基本保证。教学经验和专业发展的交流也是非常重要的,这包括学院内部不同专业教师之间的教学经验交流、教师与学生之间的互动交流和专业教师教学与学院管理层之间的交流。为了保障顺利交流,除了学院提供交流的机会及平台以外,每位教师的积极参与也是必不可少的。这就需要制定一些正式的规章制度,采用如展览、座谈、考察等多种交流形式,以形成良好、持久的交流机制及氛围。最后,校际相关专业之间的考察及交流也是不能忽视的一个环节。 四、结语 每个专业建设的阶段性是必然的,成长是迅速的,过程是曲折的。环境艺术设计专业建设应在继承传统的基础上加以创新。值得肯定的是,目前环境艺术设计教育理念的探索和发展之路,正是沿着这个发展方向前进。 作者:杨霞 单位:云南艺术学院设计学院 艺术设计毕业论文范文:设计教学艺术设计论文 一、新型艺术设计教学理论在艺术设计教学中的运用 1、双主教学模式。这一新型教学模式在保留传统的“传导———接收”教学活动开展方式的基础上,更多地为学生提供了自主思考、自主探索的机会。艺术设计是一个自主创作的过程,在艺术设计教学中,充分利用双主教学模式,能够强调学生的主体地位,使学生的自主创造能力得到有效发挥。教师要注重情景的建构,使学生能够利用已有认知结构中相关经验对新知识进行顺化,并使其根据反馈信息形成对问题解决方法的自主构思。此外,双主教学模式还强调学生间的合作学习与多媒体工具的使用,学生在教师指导下组建学习团体,通过各类信息设备的支持开展相关理论、课题的讨论,使学生间形成思维共享,共同实现知识的意义建构。 2、3P1D教学模式。当前艺术设计的教学模式主要采用教师布置课题、学生搜集资料、构思、确定设计方案、设计图展示、教师评价的顺序,课堂上教师对教学过程的把握与学生交流存在一定缺陷,利用3P1D模式能够有效处理这些问题。这一新型教学模式要注重以下几个基本点: (1)教学中的课题选择(Project):教师的课题的选择上可以是实际设计项目或非实际练习,教师在备课阶段就要注重对课题内容的构想,在保障课题要求符合教学大纲的基础上,选择具有可操作性与时代性的课题,并根据实事求是原则制定规范的评定标准,便于学生把握艺术设计方向。 (2)课堂教学质量(Process):教师要注意设计具有针对性的课堂练习项目,对学生的设计创新能力和审美意识进行系统性提升,在学生课堂项目评定上,教师要根据教学目标,结合学生的自我评价与相互评价对学生作品开展点评,最大限度激发学生的教学参与热情。 (3)设计说明(Description):教师应把学生的设计说明作为其成绩的重要参考因素,培养学生对课题认识、设计方法探索、图纸模型绘制能力,在艺术设计过程中使学生得到眼、脑、手的全面训练。 (4)课题陈述(Presentation):教师在学生进行课题陈述的过程中要注重对其设计构思、问题处理方式、语言组织能力等多方面因素考量,结合学生设计方案为学生指出设计亮点及存在问题,在设计实践中对学生进行设计师基本素质的培养。 二、艺术设计教学理论体系的完善策略 1、与时俱进,提高艺术设计教学创新性。艺术设计是一门更新速度极快的学科,在具体教学实践中,若只关注于学生对事物形态的描摹能力,则易使学生丧失应有的个性表达与自主创新能力。因此,要建立完善的艺术设计教学体系,教师首先要对教学手段加以创新,在课堂教学中可适当地融入新型教学手段与流行设计元素,充分发挥多媒体设备在艺术设计教学中的作用,利用具有时尚元素的影视剧展示等手段向学生表现艺术设计的美学价值,从而提升学生的审美情趣与自主创造欲望。 2、推进教学目标分层化。教学活动开展前,教师应针对不同学生对具体教学目标进行有计划、有层次的设定,例如大一学生要加强对基础课程的巩固,大二学生要实现专业课程的初步入门,大三则要全面提高专业素养。在完成教学目标时,可采用多种手段辅助教学,充分利用现代信息技术,艺术设计教学内容设计尽量做到简明扼要,让学生在轻松的课堂氛围中完成对专业知识的理解。 3、建立艺术设计教学整体框架。在图形技术、色彩、传播等艺术设计基础原理方面,有必要对艺术设计教学的整体框架进行科学建造。在课程体系的设置中,务必保证课程间的相互联系,建立系统的课程体系,使对学生的专业能力与素质培养能够始终贯穿在各门课程的学习中。 4、强化设计实践。设计是一门实践性很强的专业,在艺术设计学科发展中,更强调对设计实际经验的积累。要健全艺术设计教学理论体系,便要加强艺术设计教学的实践性,转变传统的课堂教学模式,根据学生实际情况开展艺术设计的交流实践。艺术设计的实践活动可分为欣赏课程与创作课程,前者可通过教师带领学生参观优秀艺术设计方案,引导学生对作品中的形式美法则进行体会,后者则通过教师布置设计课题,由学生自主创作并上交方案,使学生获得艺术设计的实际经验。综上所述,艺术设计具有较强的时代性,过分拘泥于传统教学模式,将无法满足社会对艺术设计人才的需求。高校只有不断深化艺术设计学科特点,结合时代特色不断对教学模式与手段进行创新,构建科学的学科体系与人才培养方式,才能建立完善、高效的艺术设计教学理论体系,不断培养满足社会发展需求的设计人才。 作者:刘畅 单位:衡水学院分院 艺术设计毕业论文范文:实践教学下艺术设计论文 一、艺术设计专业课程实践教学的意义 在经过漫长的考察多个地区、多个企业、多个院校,针对不同社会结构、不同调研对象对艺术设计专业课程与市场人才的真正需求,笔者当下艺术设计专业课程设置与实际市场需求之间的真实差距,应该并针对该现象提出了“入学即实践”、“随市场需求阶段性渐进式结合”等创新建议、研究。艺术设计专业如何通过转变课程设置来更好的培养出合格的高素质技能型艺术设计人才,让学生学有所成、学以致用、顺利就业是本课题研究的优秀目标。经过几年的快速发展,如今的艺术设计教育已具备相当的规模,高校数量、每年招生数和在校生数在整个高等教育中均占很大的比重,成为我国高等教育中不可或缺的重要组成部分。但是,相比规模的快速扩张,艺术设计教育与市场的关系却在渐行渐远,培养的人才质量提高并不快,且没有得到社会的广泛认可。随着艺术设计教育也得以迅猛发展,招生人数逐年上升。但传统的教学模式、课程体系、教学与实践等日益呈现出了其不合理性。艺术设计专业课程的有效转型即与市场接轨是最终目标。 二、艺术课程实践发展方向 调研与分析,抽样调查我国当前部分高校和职业教育院校艺术设计专业的课程设置、教学与实践、学生就业、校企合作情况,并通过统计,分析当前高职艺术设计教育的问题症结所在。 1“.包豪斯”设计教育模式“、双元制”职业教育基础理论学习。 2.针对我国当前不同地区经济特点、产业结构、人才需求等,在“包豪斯”设计教育模式、“双元制”艺术设计专业课程教育理论基础上,引申并提出适合我国当前国情的新的艺术设计专业课程教育培养体系,从“制造走向创造”,包括: ①课程设置和教学内容的重新定义。 ②学校与企业社会的合作教学、课堂与工作室的结合。 ③学生理论学习与实践的及时配合。 ④院系根据社会需求建立动态的培养体系。 ⑤网络实践培训“企业、学生一对一监控”、“教师、学生一对一辅导”。 ⑥培养学生终生学习的习惯模式等。 ⑦对教师的提出新的评价及要求标准。 三、艺术课程实践发展目标 以办学机构的教育内容形式为主要视角,同时也将多角度的考虑接受艺术设计专业课程者即学生的最终培养效果、社会企业等经济活动实体的相关收益、政府相关部门的支持因素等方面。本课题研究方法的立足根本是调查研究,实践教学模式研究和来自多方包括教师、学生、社会企业及学校的总结汇总对比研究。采用的研究方法步骤主要是:一、相关资料收集的方法,主要通过文献、网络查询我国艺术设计专业教学实践环节的发展脉络和当今高职院校开设艺术设计学科的数据;二、问卷调查收集毕业生及在校设计专业学生对艺术设计专业教学实践环节的看法及满意度的相关数据;三、走访企业、行业协会对高校艺术设计专业人才的需求及建议的相关数据;四、对艺术设计专业学生进行实践性教学研究。五、归纳分析我国高校艺术设计专业教学中实践环节的不足之处,并在分析实践环节不足成因后归纳提出几点建设性意见。 作者:邓凡 单位:武昌工学院艺术设计学院 艺术设计毕业论文范文:数字化技术艺术设计论文 一、数字化技术对艺术设计的影响 (1)促进了艺术创作的大众化 艺术创造需要投入大量的时间和精力,繁缛的传统艺术设计所耗费的时间之长、训练过程之艰苦都是生活节奏越来越快的现代人所难以接受的,以高技术代替大量传统技法训练的数字化艺术设计只需要很短时间的培训就可以进行简单的艺术设计,大大缩短了艺术创作的过程,这对追求简易快捷的现代人来说具有极大的吸引力。同时,在数字化环境中,各种绘图软件为创作多样化的设计效果提供了方便,人们可以从各种预存的“素材库”中寻找自己需要的形象,进行色彩调配、重新组合表现新的感觉;而应用软件中画笔、数位板等数字绘画技法的设计为人们随心所欲的展现自己的艺术创作提供了可能性,这种便捷的表现形式不仅更贴近大众,为人们独立实现自己的想法、展现自己的艺术构思和艺术设计提供了平台。美国学者在谈到数字化艺术设计作品时说到:对于专业人员来说,数字化技术不仅能证明计算机分析现存技术或规则的潜力,帮助艺术家理解艺术创作的过程,而且还能证明普通人的创造能力,使人们从中获得创作的乐趣。 (2)为设计师表达设计意图提供了新的平台 随着计算机技术的发展,计算机已成为数码图形制作的重要手段,具有强大的生命力。越来越适合处理高质量图象的计算机辅助设计软件已成为艺术设计表现的主流。设计人员可以运用数字化绘图和数字化三维动态手段等辅助电脑设计的诸多软件将复杂的四维空间形象绘制在二维空间,反映空间状态、构造和装饰材料的质感,尤其是在艺术设计的后期制作中数字化绘图软件更是体现出明显的优势:数字化图形技术的发展不仅丰富了设计的表现手法,提升了设计的艺术效果、优化设计方案,而且还能较好地反映空间的视觉效果、写实地模拟真实的空间环境、装饰材料的光影等,从休闲到工作、从娱乐到学习、从欣赏到创造改变着人们的创造性思维和审美习惯,为人们的预期判断提供了更加可信的依据;而数字化图形技术还可以对效果图进行造型、色彩、灯光等进行反复修改,有助于多角度展示设计的构思和表达。 (3)改变了视觉设计 以传统艺术设计为基础发展起来的数字化技术设计摆脱了传统艺术环境单一化、表态化的视觉传达形式,实现了视觉传达的综合化、动态化和瞬间化,加强了艺术设计在人们生活中的地位,影响着人们的感官和思想。如2008年北京奥运会印章的设计不仅让全世界从中感受到中国文化的艺术魅力,而且还给观众留下了深刻的印象。数字化技术对视觉艺术的影响不仅造成了人们对艺术品个性化创意的忽视,也非常容易将艺术设计带入发展的死胡同,这显然与技术发展的初衷是相违背的。 二、数字化艺术设计的发展趋势 艺术设计的发展是对传统的继承、对新事物的吸收和借鉴。在社会发展过程中,艺术设计对传统的继承和对对社会新变化的体现是艺术设计永恒的追求。数字化技术的发展不仅为艺术设计和人们的生活带来了巨大的影响和变化,还为艺术创作带来了新的创作方式和设计语言。科学和艺术是不可分割的。在个性张扬的数字化时代,只有个性化和有艺术价值的设计作品才是真正的艺术品,数字化艺术设计丰富了艺术设计语言,为设计人员表现产品提供了新手段,符合人们对个性的追求。随着信息视觉化的发展,数字化艺术设计将获得更大范围的发展,将侵蚀人们生活的每一个角落。 作者:胡玥 单位:河南大学艺术学院
环境艺术设计专业论文:环境艺术设计专业设计论文 摘要:文章通过对空间概念和建筑空间分类的阐述,从设计角度出发,对建筑空间的阶段性、地域性、前瞻性等方面论述了文化内涵、历史渊源对建筑的影响及对人们的心理和生活的影响。 关键词:形式协调前瞻性阶段性地域性 空间的概念 “空间”是无限宇宙空间的总称,它与“时间”对应,本文不讨论这个大的概念,只涉及我们生活的环境区域空间和建筑空间,主要来探讨与人们生活关系最密切的建筑空间的属性以及对其设计定位的理解。 空间的存在都应考虑到与周围环境的呼应,它的美也因空间的自然状态或人为的雕琢而变得更加璀璨。在中国,“天人合一”是传统哲学和审美思想的基本精神,这正是体现了一种和自然和谐、亲密的关系,即“意”和“境”的高度统一,这样的“统一”也就是我们在设计当中应该强调的完整性之一。在做构思方案的时候就必须考虑它的环境因素,应该放在一个什么样的环境中,通过什么方式来使主体形态更加完整和耐人寻味。灯光明度,色彩的变化,环境与主题形态的反差形成对比方向、朝向等等,这一切都会发生相应的视觉反应,这样一种感受是空间的、全面的。 综合性因素在设计中起着重要作用 建筑的适用性早在2000多年前,古罗马杰出的建筑师维特鲁威就提出建筑要符合“坚固、适用、愉悦”的原则,被后来的建筑师们奉为建筑学上的“六字箴言”。所谓“适用”,是对建筑最基本的功能要求,也是最本质的要求,不同的建筑功能适用于不同人的各种基本功能需求。 设计之初的前瞻性要考虑到未来人们需求的发展变化对建筑的灵活适应性要求,特别是随着社会经济水平的逐步发展,人们的生活方式、工作方式与消费方式也有了很大的变化,随之而来的对建筑功能的要求也越来越多样,越来越细化,满足由此带来的不断发展变化的功能要求是“适用”的真正内涵。 了解潜在的文化内涵从本义来讲,建筑是为人类提供一个最适宜创业和生活的空间,它的功能实用性仍然是其第一性。如何全面协调可持续发展,处理好建筑的安全适用、经济和美观,一直是建筑的永恒主题。正如王受之先生所说:“目前,不少青年建筑设计师急功近利的希望知道什么是‘最新’的建筑潮流,如果从设计史的角度来看,这仅仅是一种只见树木不见森林的狭隘倾向。” 综合因素的协调融合建筑设计是一项创造性的劳动,每个建筑师都希望自己的作品能有所创新,有个性,有特色。建筑创新首先体现在设计理念和理论上,建筑创新还体现在影响设计的各个因素上。例如总体布局如何与城市和环境的协调融合,在功能上如何以人为本满足使用的要求,在文化上如何承前启后表达建筑的内涵和文化品位,以及材料、结构、技术的创新。它涉及到环境、功能、文化、技术、经济的各个方面,常常是诸因素的综合,并在某一环节形成突出的创新点。建筑空间的阶段性与地域性在远古时代,先民们就基于自身的生存环境和人文素质,创造了符合自身特性和环境特征的各类文化,人们按照自己的意念去生产生活,使文化带有强烈的民族色彩;并因其不断改造和利用生存环境,又使文化烙上鲜明的区域印痕。《礼记·王制》说:“高山大川异制,民生其间异俗。”中华文化的形成过程,既是各民族文化精华的荟萃过程,又是各文化区域相互影响、冲突和融合的过程,文化的民族性和区域性确实有着紧密的联系。 影响建筑设计的因素在现今的建筑设计市场中,风格、理念以及手法可谓千差万别。笔者曾读到一篇文章,提出了建筑设计的三种倾向,一是“民族形式”的设计倾向,二是商业化的设计倾向,三是“高技术”的建筑设计倾向。这三种倾向基本概括了国内的建筑设计潮流。 在做空间设计时不要受太多所谓的流派的影响,每个时代有每个时代的特色,在特定的情况下,把材料形式和当时当地的伦理道德有机完善的结合才会有好的设计。 设计师应胸有成竹、意在笔先 建筑空间可以分很多类,居住空间、公共空间、商业空间、餐饮空间等等。在对待不同的建筑空间进行设计规划的初始阶段,应考虑到其使用目的,对建筑空间的使用者或使用人群(儿童,老年人,残障人群,孕龄人群等特殊人群),以及时间、性质等进行了解,把握空间的大轮廓和定位、风格,也就是说,意在笔先。当然,结合甲方的要求也是必要的。 在考虑使用目的、使用人群、时间、性质定位、风格等因素的基础上,在对公共空间设计的初始阶段,我们该想到随着时代的变迁,更多的功能将被赋予,设计师应该具有前瞻性,要胸有成竹、意在笔先。例如,当今的博物馆已经不再单纯是艺术品陈列室了,随着人们要求的提高,设计师正赋予它越来越多的功能以满足人们的需求。博物馆是联结艺术和大众的枢纽,陈列和展出艺术作品不失为达到这一目标的有效途径,但却远远不够。因而,在博物馆的设计中不要繁琐奢华的装饰,所有的装饰要为空间来服务。 结语 在设计一个空间时,设计师在初始阶段的工作内容就是把握空间的性质,理解所要设计的空间的内涵,了解当时当地的人文地貌、建筑技术和建筑材料,根据不同的使用人群、使用要求进行有针对性的设计。空间是为功能来服务的,拘泥于某种形式哗众取宠的设计是不堪一击的。通俗地讲,成功的设计应该是与周边环境协调,符合使用者身份,使用舒适,适合于中国的速度、节奏、规模。对各种设计理念和形式的借鉴,要做到洋为中用,古为今用。 环境艺术设计专业论文:浅谈环境艺术设计专业基础课程教学改革 【论文关键词】环境艺术设计专业 教育现状 教学改革措施 实践教学 教学训练框架 【论文摘 要】本文从我国环境艺术设计专业现状及其基础课程的本质特点入手,分析了在专业设置、教学方法上的不足。提出了解决这些问题的课堂改革措施,如在专业基础课上实施新的课堂教学形式,逐步形成多样化的教学方法,培养更多的专业人才。 一 环境艺术设计专业现状 环境艺术设计是多种学科知识汇集的一个综合性学科。从广义上讲,环境艺术设计几乎涵盖了当代所有的艺术与设计,是一个艺术设计的综合系统。其专业内容是以建筑的内外空间环境来界定的,可以简单地分为室内设计和景观设计两大部分。从发展来看室内设计相对成熟,所以我国各高校开设环境艺术设计时,通常都偏向室内设计教学方向。 环境艺术设计的对象涉及自然生态环境与人文社会环境的各个领域。自从我国高等院校设立环艺设计专业以来,这个介于科学和艺术边缘的综合性学科在全国各高校中都有不同程度的发展,但其教学模式大多是模仿欧美日本等发达国家的教学模式。尤其是近年来,各高等院校不断扩招,学生人数呈倍数增长,毕业的学生也就相应增多了,而就业问题也成为我们必须面对的首要问题。 二 专业基础课的教学模式 我国大部分高等院校环艺设计的专业基础课通常设置在大一、大二阶段,部分学校在学生进校后将一年级的课程都设置为素描、色彩,用以加强学生的基础专业能力。这是加强本身专业素质不高的学生的一个非常有效的教学方式,但是大部分高校的教学方法是“灌输式”教学,缺少师生间、同学间的相互研讨,忽视培养学生的观察、分析和解决问题的能力和自主学习能力。另外,在教学中部分教师不注意设计与实践相结合,启发学生自主设计的能力,而单纯地强调完成作业,忽视在完成作业时学生对设计的理解,尤其不能自主地进行设计创作。大部分学生都抱着应付作业的消极态度,而不去对设计本身做太多的研究。这种教学方式不利于培养学生的创造能力和自主学习能力。 三 环境艺术设计专业基础课程教学改革思考 1.合理安排基础课教学体系和课程设置 在环境艺术设计专业教学中,不能沿袭传统的美术教育课程体系,要增强学生艺术想象力和创新能力的培养,以及建筑形体、比例、空间、结构关系的深刻理解。应设立一些相应的关于环境、建筑、空间设计理论课程的学习,使环艺设计专业基础课程和绘画专业拉开距离。 2.优化教学环节,创新教学环境 环境艺术设计的专业基础课程要更加注重实践过程的教学,要让学生有更多的机会参与实际项目的设计,鼓励学生将在外实习的课题项目带到学校来,在老师的指导下完成。从而在实践中使学生将理论知识运用到实际的设计中,在设计中增强自己的创新能力。课堂上老师在完成教学的过程后,要让学生自己组织讨论完成课堂学业,充分调动学生的积极性,培养创造能力和自主学习能力。 3.注重课程的融合和交叉,增强专业基础课程教学的系统性 环艺专业基础课程中的单个课程不是孤立的而是紧密联系的,因此要注重课程的融合和交叉,强调专业基础课程教学的科学性。像在环艺专业基础课程中,设计素描的教学内容是通过写生手段培养学生观察、塑造形体的能力。要根据学生自身专业的特色来寻找适当的训练方式。可以结合环艺专业的特点多做些配色训练,注意基础课和专业课之间的联系性和支撑性。根据环艺设计专业的方向决定基础课的内容,与环艺专业设计课程衔接起来,为后续设计课程的学习打下坚实的基础,以利于提高学生设计的实践能力。 4.建立课堂教学新形式 针对环艺专业课程建设中普遍存在重专业轻基础的现象,基础课和专业课存在严重的脱节现象。因此要以设计思维的形成和对设计方法的掌握为引领,构建环艺设计基础课程新体系。为进一步明确课程的目的,需要重新结构课程的内容与形式。 (1)教学方略上突出大的课程方向,强调整体性、综合性,弱化单一性:将平面构成与色彩构成合二为一,成为设计基础。主要解决二维空间的问题;强调素描与色彩的共性和统一性,分而不离,区别在于表现因素上的多少。目的主要在于解决画面的结构问题,注意表现的丰富性和学生的特点。 (2)各课程在教学内容与形式上进一步明确:①增强课题意识。将课题始终作为一个整体来对待,增强师生双方面在课程中的主动性和互动性;②设计基础。将平面构成与色彩构成有机地结合在一起,注重内容上的延承与变化,避免片面的解决问题没进一步加强点、线、面在语言形式方面的表现力度,突出画面的结构意味;③设计素描。基础中的基础,在设计基础为能迅速进入这种状态提供了先决的形式,使学生能更好地投入到画面的经营之中,点线面、黑白灰、节奏、韵律成为画面主导的形式因素,要让学生充分理解素描的本质含义,避免为形式而形式;④设计色彩。注重色彩因素在画面结构中的意义,要让学生保持设计素描的中心方略,同时将色彩因素贯穿进来,通过在对色彩在色相、明度、饱和度以及色调等方面的训练与运用,解决好色彩在画面结构组织中的构成意义。把所学全面而恰当地运用到课程中;设计色彩还可以通过风景写生的练习,进一步解决好色彩在画面结构组织中的构成意义,注重色彩归纳和主观调整,一切从画面结构出发。 课程顺序的调整和课程内容与形式的变化,带来的不仅仅是一种简单的形式变化,这是在理论推究基础上所进行的教学实践,呈现出一种不同寻常的学习面貌和学习效果。 四 结束语 环境艺术设计教育是由专业基础课程和专业设计课程两个部分构成,专业基础课程作为环境艺术设计学科的基础优秀课程,应根据不同专业的特点制定不同的教学计划、教学内容和研究方向,让学生明确发展方向,顺利从专业基础课向专业设计课过渡。并引入相关学科的知识和生产实践,与理论知识进行有机整合,形成科学合理的知识结构体系,为学生今后的学习和就业奠定良好的基础。 环境艺术设计专业论文:浅谈高职环境艺术设计专业人才培养模式中的突出问题 【论文关键词】高职环境艺术设计专业 培养模式 【论文摘要】高职院校的艺术设计专业应进行人才培养模式的改革和创新。本文从培养目标与课程体系、教学模式、实践教学环节、师资队伍四个方面,分析了当前高职环境艺术设计专业人才过程中存在的突出问题。 随着我国城市建设的高速发展,建筑装饰行业突飞猛进,面对行业发展所带来的挑战和新形势下就业所面临的巨大压力,人才培养模式的改革和创新已经成为高职环境艺术设计专业教学改革的目标和优秀问题。目前,我国的高职环境艺术设计专业总体发展势头良好,但在人才培养过程中,仍存在着认识不到位、改革不到位、特色不鲜明等问题,具体表现在课程设置、实践教学环节、“双师”型教师队伍、校企联合办学等方面。分析来看,当前存在的主要问题集中在以下四个方面: 一高职人才培养目标与市场需求脱节,课程体系的高职特色不够突出 我国在现行的高职环境艺术设计专业的教学体系,多是照搬或脱胎于本科院校以理论教学为主的培养模式。而高职教育应以培养技术应用型人材为主要目标,只有确立了与专业人材培养目标相适应的培养模式,教学目标才能得以实现。 当前高职环境艺术设计专业的教学过程中,大多仍以理论教学为主,教学内容、教学方法与市场人才需求脱节,教学方式趋于程式化、模式化,学生们的学习热情不高。尤其是在实践课程中,学生大多是以模拟项目的训练为主,跟着老师的思路走,缺乏发现问题与解决问题的能力。因此加强教学的实用性、减少模拟性亟待解决。在教学中应重视对学生们创新能力的培养,教学内容要从结合实际出发,通过真实的设计实践来完成设计方案,教师再不能照本宣科。此外,除了校内的实践课程外,要积极参与社会上的艺术设计活动,理论与实践相结合,课题与实际生产相结合,提高学生们的学习兴趣,丰富实践经验。 摒弃学科型的本科“压缩饼干”式教学模式,构建出符合我国高职艺术教育规律的全新教学体系,围绕专业优秀职业技能的形成合理的安排理论课和实践课,理论教学以“必需、够用”为度,以职业能力培养为优秀,注重创新能力的培养,强化实际操作技能的训练,是高职环境艺术设计专业急需解决的问题。 二教学内容知识老化、教学方法陈旧落后,缺乏科学的多样化教学 在环境艺术设计教学中,由于现有的教学观念和教学条件的原因,大多数高职院校环境艺术设计专业依然延用传统教学模式,依然采取老师在讲台上讲、学生听的灌输式教学方法。在设计任务的布置上,脱离实际、过于虚拟化,设计案例也过于陈旧,完全与社会需求脱节;在环节测试中,过于注重形式而忽略内容。通过对用人单位及环境艺术设计专业毕业生反馈意见的调查,传统教学模式培养出来的学生普遍存在以下问题:专业知识过于松散与陈旧,动手能力偏弱、与人沟通能力不强,往往出现“样样通,样样松”的问题。用人单位也普遍反映目前环境艺术设计专业毕业生到了企业后完全不清楚自己的专长,找不到自己发展的方向,缺乏作为一个环境艺术设计师最重要的认识能力与创造能力。 所以,必须明确认识到高等职业教育是以就业为前提的教育,人才培养要突出适应职业能力的形成,满足职业岗位的需要,课程也显然不能以学科为本位,而应是以能力为本位的。因此就业导向、能力本位是高等职业教育课程观的优秀内容。转变学科本位的思想,实现高职教育的课程模式向能力本位的转换,在与时俱进和有机整合的观念指导下实现课程开发,对于当前建设有中国特色的高等职业教育是十分重要的。所以一套科学的符合高职环境艺术设计教育的课程开发方法,是设计课程开发的重中之重。 三实践性教学体系有待完善 高职院校环境艺术设计专业在不同的学习阶段,分别设置了课程设计、专业实训、毕业实习、毕业设计等实践教学环节,它们是培养学生解决实际问题、完成技能训练的主要途径,是培养学生综合素质能力的重要手段,是学生从学校走向社会的重要过渡阶段。但大部分实践教学课流于表面形式,教学效果并不理想。很多实践课程的任课教师缺少实践经验,依然沿袭传统的教学方式,通常布置一套模拟的设计课题,要求学生在课堂上完成所有的实践教学。而环境艺术设计专业与社会实践的联系非常密切,社会实践包含很多与实际工作相关的内容,拘泥于课堂常规教学形式,显然无法满足实际需要,这就导致了“闭门造车、纸上谈兵”的情况。学生在完成作业时更侧重于艺术的表现,而不太重视实务性、应用性设计。环境艺术设计毕竟不只是表现图的绘制,它涉及到很多具体的材料及施工方式以及与其他技术工种的衔接与配合,还要有施工组织设计的实施等。在这样的实际流于形式的实践教学模式下,学生仅凭感性思维对待设计任务,没有与实际生活相结合,所以设计出来的作品经常犯常识性错误并漏洞百出,在实际操作当中难于实施,到工作岗位后,需要几年时间的实际锻炼才能适应工作需要。 加强校外实践教学基地建设,尽可能让学生明确本课程在实际运用中的作用,明确该课程的设置目的,少走弯路与偏差。课堂作业目的明确,针对性强,每一次作业都有一次新的目的要求,让学生尽量探索不同的设计方法,培养其创新意识。尽可能给学生安排实际工程项目的考察实习活动,让学生了解材料与施工工艺。加强学生的沟通与表达能力,训练学生与工程甲方的谈判技巧。培养学生团队实践合作意识和分工合作理念。建立完善与环境艺术设计专业培养目标相适应的实践教学体系,加强校内外实践教学基地的建设,加大实践教学环节的比重,可以突出培养学生基本实践能力,突显出高职教育的特色。 在具体实践课程内容的设置上应深入分析各实践课程间的内涵及内在联系,不能把每个阶段具体的实践教学看做是简单的各门课程的累加。可根据不同年级不同学习阶段做出科学合理的安排,加强实践课程的连贯性和统一性。在市场调节的基础上有取舍有重点地以能力需要进行整合,以实现实践教学效能的最大化。 四师资队伍结构过于单一,结构有待改善 高职环境艺术设计的教学改革以及能否办出特色,关键是教师,教师的专业素质与教学方法会直接影响到教学效果和学生创新能力的培养。目前,高职教师大多数是从学校毕业后直接分配到教师岗位上,虽然在理论水平上有一定的造诣,但缺乏理论与实践相结合的经验,这种状况严重制约着教育水平的提高,也难以培养出符合高职培养目标要求的技术应用型人才。因此,必须重视师资队伍的建设。专业与专业基础课教师既要具备扎实的理论基础知识和较高的教学水平,还要有丰富的实际工作经验。作为学校,结合我们的设计专业,聘请一定比例的设计师作为兼职教师,一方面可以改善师资的结构,有利于教师成长和建设,另一方面也能灵活的适应设计专业变化的要求。作为专业教师必须转变观念,要充分利用各种实习机会和学习资源锻炼自己,不断更新我们的思维,改革教学方法,多方面的提高自身素质。 综上所述,高职环境艺术设计专业应积极改革目前滞后的教育模式,思想要开放,立足本土文化,选择性的学习国外先进的办学理念,明确培养目标,加大学生技能型人才培养力度,积极寻求企业参与,改善教学条件,丰富教学模式,加强“双师型”教师队伍的建设,最大限度地提高我们的教学质量和实现良好的教学效果。 环境艺术设计专业论文:环境艺术设计专业设计方向探究 内容摘要:文章通过对空间概念和建筑空间分类的阐述,从设计角度出发,对建筑空间的阶段性、地域性、前瞻性等方面论述了文化内涵、历史渊源对建筑的影响及对人们的心理和生活的影响。 关键词:形式 协调 前瞻性 阶段性 地域性 空间的概念 “空间”是无限宇宙空间的总称,它与“时间”对应,本文不讨论这个大的概念,只涉及我们生活的环境区域空间和建筑空间,主要来探讨与人们生活关系最密切的建筑空间的属性以及对其设计定位的理解。 空间的存在都应考虑到与周围环境的呼应,它的美也因空间的自然状态或人为的雕琢而变得更加璀璨。在中国,“天人合一”是传统哲学和审美思想的基本精神,这正是体现了一种和自然和谐、亲密的关系,即“意”和“境”的高度统一,这样的“统一”也就是我们在设计当中应该强调的完整性之一。在做构思方案的时候就必须考虑它的环境因素,应该放在一个什么样的环境中,通过什么方式来使主体形态更加完整和耐人寻味。灯光明度,色彩的变化,环境与主题形态的反差形成对比方向、朝向等等,这一切都会发生相应的视觉反应,这样一种感受是空间的、全面的。 综合性因素在设计中起着重要作用 建筑的适用性早在2000多年前,古罗马杰出的建筑师维特鲁威就提出建筑要符合“坚固、适用、愉悦”的原则,被后来的建筑师们奉为建筑学上的“六字箴言”。所谓“适用”,是对建筑最基本的功能要求,也是最本质的要求,不同的建筑功能适用于不同人的各种基本功能需求。 设计之初的前瞻性要考虑到未来人们需求的发展变化对建筑的灵活适应性要求,特别是随着社会经济水平的逐步发展,人们的生活方式、工作方式与消费方式也有了很大的变化,随之而来的对建筑功能的要求也越来越多样,越来越细化,满足由此带来的不断发展变化的功能要求是“适用”的真正内涵。 了解潜在的文化内涵从本义来讲,建筑是为人类提供一个最适宜创业和生活的空间,它的功能实用性仍然是其第一性。如何全面协调可持续发展,处理好建筑的安全适用、经济和美观,一直是建筑的永恒主题。正如王受之先生所说:“目前,不少青年建筑设计师急功近利的希望知道什么是‘最新’的建筑潮流,如果从设计史的角度来看,这仅仅是一种只见树木不见森林的狭隘倾向。” 综合因素的协调融合建筑设计是一项创造性的劳动,每个建筑师都希望自己的作品能有所创新,有个性,有特色。建筑创新首先体现在设计理念和理论上,建筑创新还体现在影响设计的各个因素上。例如总体布局如何与城市和环境的协调融合,在功能上如何以人为本满足使用的要求,在文化上如何承前启后表达建筑的内涵和文化品位,以及材料、结构、技术的创新。它涉及到环境、功能、文化、技术、经济的各个方面,常常是诸因素的综合,并在某一环节形成突出的创新点。 建筑空间的阶段性与地域性在远古时代,先民们就基于自身的生存环境和人文素质,创造了符合自身特性和环境特征的各类文化,人们按照自己的意念去生产生活,使文化带有强烈的民族色彩;并因其不断改造和利用生存环境,又使文化烙上鲜明的区域印痕。《礼记·王制》说:“高山大川异制,民生其间异俗。”中华文化的形成过程,既是各民族文化精华的荟萃过程,又是各文化区域相互影响、冲突和融合的过程,文化的民族性和区域性确实有着紧密的联系。 影响建筑设计的因素在现今的建筑设计市场中,风格、理念以及手法可谓千差万别。笔者曾读到一篇文章,提出了建筑设计的三种倾向,一是 “民族形式”的设计倾向,二是商业化的设计倾向,三是“高技术”的建筑设计倾向。这三种倾向基本概括了国内的建筑设计潮流。 在做空间设计时不要受太多所谓的流派的影响,每个时代有每个时代的特色,在特定的情况下,把材料形式和当时当地的伦理道德有机完善的结合才会有好的设计。 设计师应胸有成竹、意在笔先 建筑空间可以分很多类,居住空间、公共空间、商业空间、餐饮空间等等。在对待不同的建筑空间进行设计规划的初始阶段,应考虑到其使用目的,对建筑空间的使用者或使用人群(儿童,老年人,残障人群,孕龄人群等特殊人群),以及时间、性质等进行了解,把握空间的大轮廓和定位、风格,也就是说,意在笔先。当然,结合甲方的要求也是必要的。 在考虑使用目的、使用人群、时间、性质定位、风格等因素的基础上,在对公共空间设计的初始阶段,我们该想到随着时代的变迁,更多的功能将被赋予,设计师应该具有前瞻性,要胸有成竹、意在笔先。例如,当今的博物馆已经不再单纯是艺术品陈列室了,随着人们要求的提高,设计师正赋予它越来越多的功能以满足人们的需求。博物馆是联结艺术和大众的枢纽,陈列和展出艺术作品不失为达到这一目标的有效途径,但却远远不够。因而,在博物馆的设计中不要繁琐奢华的装饰,所有的装饰要为空间来服务。 结语 在设计一个空间时,设计师在初始阶段的工作内容就是把握空间的性质,理解所要设计的空间的内涵,了解当时当地的人文地貌、建筑技术和建筑材料,根据不同的使用人群、使用要求进行有针对性的设计。空间是为功能来服务的,拘泥于某种形式哗众取宠的设计是不堪一击的。通俗地讲,成功的设计应该是与周边环境协调,符合使用者身份,使用舒适,适合于中国的速度、节奏、规模。对各种设计理念和形式的借鉴,要做到洋为中用,古为今用。 环境艺术设计专业论文:谈环境艺术设计专业对建筑空间认知的研究 论文内容摘要:本文分析了环境艺术设计专业认识建筑空间与建筑设计的起点和有效途径,以及初始建筑设计课题的内容设定和组织结构。同时,强调环境艺术设计专业在面对所涉及的诸多学科领域和“大知识组团”的围合中,应以研究组成专业的中心要素为主的专业体系建设。 论文关键词:环境艺术设计 空间 功能与形式 环境 环境艺术设计专业作为一个新兴专业,在国内艺术设计学科建设中,发展历程较短,正处在蓬勃向上的成长期。我们应抓住这一时机,充分发挥院校的各自优势,关注环境艺术设计专业的学科体系建设,完善教学理念和指导思想,注重教学规律的探索与总结。 环境艺术设计涉及的范围广阔,专业结构上是由多种学科领域交叉构成的复合体,知识结构呈现多元化、综合化的“大知识组团”,而且有领域扩大化的趋势。对此各院校应结合本校资源结构特点,在环艺专业的内容设置上突出重点,抓中心领域的构成研究,或围绕中心领域开辟新的专业知识增长点,避免大而全的做法。但也不能将环艺专业的发展建设依附于某个学科,因为环境艺术设计并不是哪个学科的分支。应注重环境艺术设计专业的自身建设的研究,保持专业良性发展的趋势,共同努力,形成专业发展的合力,完善专业体系建设。在分析构成环境艺术设计中心要素时,应以视觉艺术要素为切入点,对涉及到艺术表现且与环境相关的领域和专业,进行重点研究,并对其内容进行必要的筛选整合,使之更有针对性和连贯性,而不能只是将相关学科专业的内容简单相加。只有构成内容的合理配置,才能形成环境艺术设计专业建设的有机整体。目前的环境艺术设计专业的中心要素,至少包括建筑艺术、园林艺术、城市规划、公共艺术等。对各中心要素内容的整合研究、学习,将是环境艺术设计专业健康有序发展的关键之一。 环境艺术设计的目的是对人们所处的生活空间环境进行有序地规划与设计的过程,是使自然环境生态化、社会环境艺术化、人工环境和谐化的有效手段之一。由此可以看出,环境艺术设计首先是对以人为中心的生活“大环境”的改善和创造。随着社会的进步、科技的发展,当今人们的活动空间范围日趋扩大,建筑的概念不只局限于建造的房屋,应包括人们生活和活动的场所,“因此正确地评价建筑应该是人类进行生产、生活的基本条件和环境”。 意大利建筑理论家赛维指出:“建筑空间是我们生活的场地、生活的环境、生活的舞台。”室内设计和景观设计,是环境艺术设计专业目前两个发展迅速的方向。前者是为了满足人们的生活、工作、休闲的物质要求和精神需求所进行的建筑内部空间设计;后者是对建筑外部空间环境的设计。因此,环艺专业的学生对建筑的认识不能停留在一个艺术的接受者和欣赏者的角度,应以空间的概念理解建筑,应从建筑设计的学习中,升华对建筑艺术的认识。 万事开头难,一个好的开始也就是成功的一半。 建筑设计的初始学习,自然十分关键。小住宅建筑设计(或称别墅设计)是建筑专业学习建筑设计初始的课题。针对环艺专业的特点,将其内容作必要的调整,使之成为环艺专业认知建筑空间与设计原理的主要起点课程。 首先,通过对小住宅建筑历史的回顾,以点带面,可以使学生认识建筑艺术在社会不同历史时期和不同社会背景下的发展历程,以及建筑作为一种文化现象的传承性、多样性和创造性。特别是要向大师学习,现代许多建筑大师都曾对小住宅(别墅)的设计情有独钟。感悟他们在小住宅设计中体现出来的设计理念和创新精神,可以从中解读世界现代建筑思潮和流派的演变、发展、兴盛与更迭的历史轨迹。如,柯布西耶在萨伏伊别墅设计中体现了他倡导的现代建筑五原则,“建造出与以往的石砌结构形式的建筑彻底决裂的里程碑建筑”。(安滕忠雄语)同样、密斯·凡·德·罗在其设计的图根德哈特以及范斯沃斯等住宅中,也充分体现了设计者“少就是多”的建筑理念,并将钢和玻璃的组合提升到一种精神境界,对建筑细部的处理,更可以用完美来形容。“流水别墅”的设计在建筑史上留下了绝妙的一笔,赖特的“有机建筑论”更是具有深远影响。如他所言:“我努力使住宅具有一种协调的感觉,一种结合的感觉,使它成为环境的一部分。”建筑史上将20世纪60年代以后出现的各种建筑思潮,称为“后现代主义”时代。这其中的许多代表性人物也大多在小住宅设计中最先体现出各自对建筑空间建构、材料的表现性等建筑语言方面的探索与追求,也反映了在新的价值观基础上,设计者对建筑人性化的关注和对建筑的时代性与建筑表达的可能性等问题的思考。改革开放后的中国也留下了他们当中很多人的足迹,如设计cctv新楼座的库哈斯,中央美术学院新美术馆的设计者矶崎新,自学成才的安滕忠雄,奥运会场“鸟巢”的设计者之一的德梅隆和多次来华讲学的文图里等,这使我们近距离、多方面体会名家的作品成为可能。在环境艺术设计专业开设建筑设计课,也是根据学生的知识技能构成特点而设立的。目前环艺专业的学生以造型为专业基础,对形式的感受力强,但对空间的认识,往往停留在平面中所形成的三维虚拟的立体空间上,并且在设计时常有重形式、轻功能的问题。因此,培养未来的专业设计人员应具有的素质,还有很长的路要走,更需要有一个良好的开始。 一、课题内容的确定 通过教学培养学生的空间立体形态意识,并对建筑的功能与形式,建筑的尺度、材料与色彩,建筑与环境等建筑设计的基本原理与方法有一个较完整的了解。同时,更需关注建筑与人文精神、与经济技术、与所服务的对象的关系这些建筑设计中的本质问题。 二、课题的定义和特点 小住宅建筑涵盖了别墅的定义,但小住宅不一定就是别墅。最大的不同在于别墅的用地有其特殊性,“往往指建在环境优美的地带,供人居住和休憩的独户住宅”。而小住宅可以身处闹市,环境条件并不一定优美,但它有别墅的特点,它不在于建筑面积的大小,也不是用富丽堂皇来衡量,而是讲求独具特色,追求便利、舒适和美观。这种单独设计、个体建造的小住宅建筑反映了服务对象的个性化特征、品位和理念。 三、教学的目的与方向 1.小住宅建筑设计是建筑设计的初始,通过学习了解掌握建筑设计的一般程序、基本原理和基本的方式、方法,对建筑的认识有质的飞跃。 2.一个好的小住宅设计应当解决好建筑与周围环境的协调问题,充分利用自然景观,因地制宜地将地域历史文化传统和审美趣味创造性地融入到建筑设计之中。 3.解决好建筑形式与功能的关系。以人为本合理细化功能组织,使空间布局自由流畅、富于变化,同时各空间元素具有内在的有机衔接,且比例、尺度人性化。 4.学习掌握建筑形态构成的一般原理,充分发挥艺术类学生对形式美感的独特感应能力和艺术想象力与创造力,将生活的感受、知识的积累通过艺术的知觉提炼,浓缩为抽象化和空间化的形态构成。 5.通过学习小住宅建筑设计,使学生初步掌握建筑设计的语言与技巧,提高设计方案从概念至全面深化的能力。培养从平面草图至立体模型表现的设计能力,以及规范运用制图正确表述方案的能力,为日后环境艺术设计中正确处理好建筑与空间环境的关系创造良好的开端。 四、小住宅建筑设计的内容与主要步骤 一是由教师选定一个基地环境并设立功能任务书,如,在依山傍水之地设计建筑面积300平米左右的单层或多层小住宅建筑(别墅)。二是由学生自己选择模拟客户。根据要求选择基地环境,参照任务书内容,进行有针对性的资料收集和调研活动,然后写出调研报告,根据综合分析的结果,对小住宅建筑的形式、功能、景观、车流和人流等做出全面规划,并选择自己最为理想的构思创意方案,最终完成住宅的设计。 五、难点分析 1.在空间的认识问题上,应注重空间的功能性对人感知空间时的心理影响。“功能性”是多方面的,不能简单理解为只满足实用需求,应强调居住者在空间中的心理感应(由视觉引起),唤起人们在空间中的情感与联想,所以设计时应始终关注实用与立意的结合,并将其作为创作的目标。要创造首先能感动你自己的有意义的空间与形态,并且能将功能有机地贯穿组织起来,使空间兼有物质与精神的双重属性。 2.艺术院校的学生思维活跃,初学建筑设计时,对潮流和时尚感觉敏锐,且有较好的形式感和表现力,欠缺的是通过理性思维和推理过程寻求解决问题答案的能力。设计初始,往往形成一个或多个构思,但只停留在对形式的直观感受层面,缺少系统和综合分析问题的能力。有时只形成一个概念性方案但深入不进去,使最终的方案得不到升华。应当注意的是,设计方案的构思立意明确以后,各环节问题的处理没有一个既定的程序模式,更不是一个问题完全解决之后再考虑下一个问题,因为毕竟方案设计不是加工标准件的过程,方案设计过程的各个环节是一个互动的、相互关联的整体,应同时关注几个环节和环节的各个方面。这期间的反复推敲,“一步一停、一步二晃”,都在所难免,应把握立意这条主线,统筹兼顾,综合分析存在的问题,弄清问题的相互作用点,并进行整理归纳,在衔接中解决矛盾。 设计素质的培养不是一朝一夕的事,也不是一两个课题就能解决的问题,需要不断的积累,并且有赖于教育者经常性的正确引导,不断拓宽学生的视野,使学生更加关注社会文明进步成果,打破专业界限,培养起广泛的兴趣与爱好。 环境艺术设计专业论文:环境艺术设计专业人才培养的分析与对策 环境艺术设计作为同城市规划设计、建筑设计一起构成国家建设设计人才格局的三个组成部分之一越来越受到重视,社会对环境艺术设计人才的需求逐年加大,这一专业设计人才的培养,成为许多高校办学的热点,如何办好专业,培养出适应社会需要的专业人才是教育工作者,同时也是业内人士关注和思考的内容。本文就哈尔滨工业大学建筑学院(原哈尔滨建筑大学)环境艺术设计专业的建设和发展,分析阐述进一步办好专业教育工作的思路和观点。 一、对环境艺术设计专业社会需求的再认识 社会需求是办好专业的必要条件和直接动力。在我国"环境艺术"这一名词才出现不长时间,但年轻的环境艺术设计专业及建筑装饰业,似乎越来越显示出它独特的魅力,目前已成为令人倾心的行业之一。显然,中国近些年来的发展,以经济建设为中心的"大环境"为环境艺术建设的发展提供了一个前所未有的空间。这种随着社会、经济以及人们对生存环境和历史传统认识的改变和新的要求,追求更有意义的人文环境,改善人的空间环境质量,从而提高人的生活品质,成为一个新焦点。在经济和文化向更高层次发展过程中,环境艺术是体现崭新生存观念、审美情趣,以及积极乐观生活态度的重要标志。现代社会的发展,人们开始关注自己周围的环境,由于文化生活的普及和生活与消费水平的提高,对所生活的环境空间有了更广泛的文化艺术需求。环境艺术在中国正经历着从对环境的美化处理向对美好环境的创造转化。环境艺术工程建设越来越多,规模也越来越大。据有关部门不完全统计,仅北京市每年竣工的公共建筑约300万平方米,如用作装饰工程费按2000元/平方米计算,工程总量在60亿元左右。北京市的住宅每年竣工面积为600万平方米,约12万户,按每户平均用作装饰工程费2万元,总计约24亿元。如果统计全国用在建筑室内外环境装饰工程上的费用将是一个天文数字,这个潜力巨大的市场,正呼唤具有专业水准的环境艺术设计工作者去建设。 目前在全国许多省、市的建筑设计部门都设置了环境艺术设计所(室),上海市、江苏省、深圳市、大连市等相继设置了环境艺术设计或建筑装饰设计研究院,各种大小环境艺术设计工程公司更是如同雨后春笋般出现,仅哈尔滨市就有近千家注册的专业装饰公司。国家建设部门也正在进一步规范环境艺术设计和工程建设市场。 据有关部门对目前从事环境艺术设计工作的人员调查,主要由三部分人员组成,一是由建筑学专业转为从事室内外环境艺术设计,二是由美术专业转为室内外环境艺术设计,三是受过环境艺术设计专业教育的人员担任,但这部分人仅占百分之计二十左右,院校培养的专业设计人员,还远远满足不了社会的需求。 从生源情况看,近些年来报考环境艺术设计专业的考生一直是报考人数远远多于录取人数,在有些省区甚至接近百里挑一。从生源和就业两个方面看,继续办好环境艺术设计专业是大势所趋,是社会发展的必然。 二、在动态发展中完善专业教学体系 环境艺术设计专业的开办在我国历史较短,在工科院校中如何办好环境艺术设计专业更没有现成的经验可借鉴。只有不断地研究探索,总结经验在办学实践中完善教学体系。 环境艺术设计专业是涉及建筑和美术两大学科而形成的一个新型的边缘学科,如何把握好两者在教学体系中的结合和比重是搞好专业建设的关键,它们不是简单的拼凑,而需要寻找两者内在的结合点,这是我们需要解决好的一个新课题。从哈工大建筑学院的专业建设看,参与环境艺术设计专业策划与教学的人员主要由建筑学专业和美术专业两类学科的教师组成,彼此都在寻找作为围绕建筑展开的内外环境艺术设计,从本专业角度如何相互渗透并实施教学。教学内容的结合,各环节的连接,教师知识结构的更新等等是进一步调整和完善环境艺术设计专业教学体系的焦点。经过多次社会对人才知识结构需求的调查,教师和学生在教与学两个方面的意见反馈,一个相对完整并具有工科院校特点的环境艺术设计专业教学计划基本形成,课程内容也进行了切合专业实际的改动,在探索中大家逐步达成共识,明确了环境艺术设计即涉及逻辑思维又涉及形象思维,它具有工程性,又具有艺术性,把握好两者的结合是教师教好同时也是学生学好环境艺术设计专业的关键。几年来,哈工大建筑学院教师们在教学过程中总结经验,修正不足,使专业教育不断完善,一个相对完整的专业教学体系基本形成。 三、以建筑学为依托办出专业特色 从广义建筑学的角度看,环境艺术设计也可作为大建筑学概念的组成部分,都是为人类开拓高品质生活空间的环境科学和艺术,同建筑学有许多共同点,也同样具有功能、艺术与技术的统一体的特质。国际建筑师协会在《华沙宣言》中把建筑学定义为:"建筑学是创造人类生活环境的综合的艺术和科学。"这一定义也同样适合于"环境艺术设计",只不过在文化内涵上环境艺术更为深入,在形式上更多具有艺术特性。对环境艺术的研究主要是围绕着建筑的内外空间环境展开,所以,以建筑学为依托组织环境艺术设计专业的教学是办好专业的原则。 哈工大建筑学院环境艺术设计专业的创办正是在这样一个特有的条件下发展起来,构成了区别于我国艺术院校及其它工科院校开办环境艺术设计专业的特点,以建筑学为依托成为办学的优势。应充分认识社会对环境艺术设计人才的需求状况并把握时机,把环境艺术设计专业办成面向二十一世纪,具有建筑行业特色和较高专业水准的环境艺术设计专业人才培养基地。 四、课程建设是专业建设的重要环节 即将到来的二十一世纪将是充满机遇和挑战的年代,如何培养我国社会主义市场经济和现代化建设设计人才,需要重新审视传统的教育观和人才观,只有敢于面对现实,才能跟上时展的步伐。当前重要的在于转变教育指导思想,改革人才培养模式,这一切是抓好课程建设的前提条件。 在教学体系、教学内容中强调基础知识扎实,专业面宽泛的指导思想。在环境艺术设计专业的课程体系中,改变有些院校只围绕"室内装饰设计"建构课程体系的思路,强调围绕建筑的内、外空间环境艺术设计及公共艺术设计进行课程体系建设的思路,强调围绕建筑的内、外空间环境艺术设计及公共艺术设计进行课程体系建设的思路,充分利用在建筑院校办环境艺术设计专业的优越条件。在基础阶段选择部分建筑学专业的专业基础、技术基础课程,同时加进具有本专业要求的基础课程,使学生打下良好的专业基础。在专业学习阶段强调以建筑室内空间环境艺术设计为主,以建筑室外空间环境艺术设计及公共艺术设计为辅的主干课程设置,拓宽专业面。使学生在本科学习阶段,掌握较宽泛的知识。提高综合素质和适应性。在实践环节方面,充分利用短学期实习,有计划有目标地安排社会实践,参观调研,让学生接触社会,接触实践工程,在提高专业认识的同时,提高交流沟通能力,协作能力,组织能力,语言表达等方面的能力。 充分认识设计教育的实质是培养学生的创造能力,并将这一指导思想贯彻于课程内容、教学方法之中,这也是课程建设追寻的重要目标。"创造"是设计的灵魂。环境艺术设计是创造性地对人的生活环境进行规划和提出方案的思考。设计教育要以人的创造力培养为主线,它的目的是对学生进行合乎社会发展趋势的、感性和理性协调发展的创造力的培养。在课程建设中如何把这一教育主题与教育重心在实际操作中贯彻与落实,是培养综合设计能力人才的关键,这种综合能力包括了理解能力,研究能力,构想能力,表现能力等。作为以行业划分为基础的本科教育,往往是一种静态目标的培养方式,侧重于技能的培养,而忽视人才素质、创造能力的培养。只有树立正确的设计教育目标,认真对本学科的课程设置,教学内容进行合理优选,才能保证环境艺术设计专业教育发展的健康性。 五、把握时机,完善环境艺术设计专业建设 环境艺术设计专业经过近些年的发展,初步完成了教学体系的建立,今后的完善和发展还有许多的工作,下一步专业建设的重点主要是加强内涵建设。 1、 加强教学管理,提高教学质量 教学质量的提高,有赖于完善的教学管理和秩序。在教学工作中,规章制度的建立、健全及落实与监督等方面的工作是提高教学质量的必要保证。 2、 发挥、科研、生产作用,带动教学发展 产学研相结合,促进教学的发展已被许多成功经验证实。在知识经济时代即将来临的今天,教育和科学技术对经济发展的重要促进作用备受世人瞩目。抓住时机结合专业建立有效的"产学研"机制是进一步推动专业发展的重要一步。 作为以建筑内外环境设计展开的环境艺术设计,涉及到诸多 学科的内容,并形成一个多样文化现象的复合体,反映了环境和人的关系,结合教学和设计实践,这一新兴学科在许多方面,都需要更深层次的探索和研究。 环境艺术设计是一门应用性学科,工程实践对促进教学及专 业研究具有重要意义。同时作为教学实践环节将会更有效使学生把书本知识转化到实际工作中。 3、制定专业建设规划,稳步、健康地发展 办好一个专业不是一朝一夕的事,要制定出不同阶段的建设 规划,确定明确的奋斗目标,使专业建设具有努力的方向和工作动力。 环境艺术设计专业正处在成长阶段,它的发展需要一批热衷 于环境艺术教育事业的教师们去努力工作,同时更需要学校及相关专业的支持和理解。我们已经认识到在国家建设飞速发展的今天,环境艺术专业逐渐成为充满活力的朝阳产业,满足国家对环境艺术设计人才的需求,将是我们面向二十一世纪培养建设设计人才的重要任务。 环境艺术设计专业论文:高职环境艺术设计专业综合实训研究与实践 摘要:高职院校的实践教学,其职业要素、企业要素的融入一直是“软肋”。以 地方院校的非重点专业建设而言,环境艺术设计专业的实践教学组织不能简单套用国家示范院校的高标准而盲目执行。以综合实训项目为载体,以参与设计全过程为依托,以职业岗位综合能力提升为目的的高职综合实训课程改革,在场地、项目、师资、教学质量监控等方面做了有益的尝试。这种实践教学模式及由此而产生的有关实践课程体系重构,更具推广性与借鉴性,更适于地方高职院校非重点建设的艺术设计类专业。 关键词:高职院校;环境艺术设计专业;实训课程 一、高职艺术设计类专业实践课程存在的主要问题 当前高职院校专业课程体系的设置基本上是“三段式”安排:公共课—专业基础课—专业实践课。笔者所在的湖州职业技术学院,艺术设计专业群(环境艺术设计、室内设计技术、装潢艺术设计、动漫设计与制作、多媒体技术等专业)实施的人才培养方案,其专业课程划分为专业基础课、专业课、专业实践课三个课程群的模块。其中,环境艺术设计专业实践课包括专业认知与体验、艺术写生考察、环艺设计工作室、顶岗实习、毕业设计与答辩等环节。作为主要实践环节的工作室,贯穿三个学期(第三—五学期),二个年级(大二、大三)。在全面推行工作室实训教学的过程中,出现诸多亟待解决的问题,如工作室的教学组织形式(全班必修、部分选修、可跨专业选修),考核评价体系,师资的配置不足(十几个工作室同时开设,师资、场地就是首要解决的问题),教师职业能力提升等。以江浙两省高职院校来说,较为成功的艺术设计工作室运行模式有宁波城市职业技术学院、无锡商业职业技术学院等,但毕竟占少数,推广性和实效性还有待验证。反观其他众多的高职院校,特别是中小城市的地方性院校,运行工作室模式教学碰到的第一个“瓶颈”就是师资,有实践工程经验的教师缺乏;其次是受众的学生群体面,工作室教学模式是“师傅带徒弟式”的小班化教学组织,一般不超过20名学生;第三是工作室实践教学项目缺乏与企业的直接合作关系,教学过程与企业真实设计过程缺乏对接[1]。 每个专业都有自己的优秀课程,环境艺术设计专业的优秀课程有住宅空间设计、公共空间设计、景观设计等。这些课程的实践教学是切实提高学生职业技能的关键,也是确保学生应知、应会,立足社会现实的根本。目前,不少高职院校在专业人才培养方案的制定中,特别是学校非重点建设的专业,往往由1~2位专业教师负责优秀课程的目标设定、教学内容、课程评价等,对课程的能力目标、项目选题、实施要求、教学方式、考核评价等缺乏有效的规范要求,实施过程松散、片面。工学结合、项目导向在课程改革中的探索性还不够。对应教育部《关于全面提高高等职业教育教学质量的若干意见》中明确指出的“人才培养模式改革的重点是教学过程的实践性、开放性和职业性”,优秀课程并没有体现其“实践性、开放性、职业性”。作为专业课程设置体系中的“第三模块”,目前的专业实践课教学,对前一阶段所学的专业基础课程没有进行有效、及时的综合、提升,对后一阶段的定岗实习、毕业设计也缺少有效的指引、过渡。 二、高职环境艺术设计专业综合实训的内涵 运行工作室模式教学的目的是提高学生的实际动手能力,学生的技能训练也通过这个特定的教学平台得以提升。而推进工学结合人才培养模式,深化教学过程的实践性、开放性、职业性,仍是一个有待探讨的问题。 综合实训,是以岗位群典型综合性技术任务的工作过程为主线而进行的项目教学,是在学生完成单项、单元能力培养的基础上,以集中训练的方式,以培养学生岗位综合能力为目标的实践教学环节。这种基于工作过程的项目化教学,是以典型工作任务进行的课程开发[2]。与工作室模式比较而言,综合实训课程更适用于全体学生,更有利于知识整合和技能综合,更大限度地增强对就业岗位的适应度。 环境艺术设计专业综合实训课程的实践教学,秉承“开放场地、开放项目、开放实施、开放教学、开放考核”的原则,基于室内设计(或景观设计)的工作内容,以“典型工作任务”为载体。如室内设计方向,针对中小型装饰工程公司家装设计师岗位,完成“别墅装饰工程项目”( 括庭院设计)的设计及施工参与的综合实训项目。教师针对企业或职业技术领域的典型设计工作,提炼出具有典型工作任务的专业实践[3]。其目的是有效提高学生动手能力,使学生获得工作过程的完整训练,以拓宽同一专业学生的就业面,促成学生职业能力和职业素质的初步养成,从而缩短学生到企业设计单位工作的适应期。 (一) 以实际企业岗位工作内容构建实训课程 课程主要针对高职环境艺术设计毕业生的就业岗位知识和技能需求,设计开发开放式综合实训课程。如室内方向对应具体的需求岗位包括:方案设计、施工管理、后期表现、概预算等。基于实际工作岗位细分的思路进行课程开发设计,以实际企业岗位工作内容构建课程,突出职业能力的培养。 (二)突出职业能力的培养,促进职业素养的养成 着重培养学生完成一个典型住宅设计应具备的专业能力。如设计方案初步设计与决策能力、客户的沟通能力、设计图纸绘制能力、施工文件的编制能力、施工的参与及管理能力。除常规的专业能力外,学生也能获取一定的社会能力,为学生的可持续发展奠定基础。 (三)协助学生建立明确的就业岗位目标,有效缩短适应期 环境艺术设计专业首先面临室内和室外的择业,细分又对应方案设计、施工管理、后期表现、概预算等工作岗位。通过开放式综合实训课程的实践,学生在参与真实的设计过程中,了解了各岗位的基本职责和发展前景,近可为毕业实习、毕业设计提供直接的感知,远可为学生职业生涯作引领,对今后的工作有了较明确的岗位认知与规划。 三、高职环境艺术设计专业综合实训教学改革的方案实施 以“联排别墅室内及室外环境设计”这一典型项目实施的过程为例,说明综合实训实践教学的具体实施。 (一)总体能力目标 在住宅空间设计、景观设计、效果图制作、材料与构造、工程预算等专业课程学习后,进行“联排别墅室内及室外环境设计”项目的综合实践,其目的是通过校内责任教师与校外设计公司设计师,共同指导学生完成别墅室内及室外环境的设计,使学生在典型项目设计的完整工作过程中获得技能训练。这种在依次完成单项能力基础上的集中实训方式,有利于培养学生的岗位综合技能,更大限度地增强学生对实习、就业岗位的适应度。 (二)实训项目选题 联排别墅室内及室外环境设计项目,建筑面积基本选择在200~300 m2之间。通常具有客厅、主卧室、次卧室、书房、娱乐室、客卫、主卫、厨房、地下室、庭院、屋顶阳台等典型空间。 (三)项目实训任务分解 实训任务分解的子项目内容如表1所示。 (四) 过程实施要领与规范 项目实训过程中的学习情境、教学组织过程、作业及考核安排等内容见表2。 四、以强化综合实践为导向,改革专业课程体系 从工作室到综合实训,艺术设计专业的责任教师一直在尝试新的实践教学模式。通过综合实训课程的教学改革,基本确立了以学校为主导,设计企业参与,校企合作的实践教学模式,最大限度地突破了高职艺术设计类专业实训的诸多不足。 首先是场地,实训场地不是仅放几台电脑、陈设一些材料的多媒体教室。教学过程中的某个阶段(如测绘、平面方案、施工图绘制等),都可以由责任教师和设计公司协商,在施工现场由设计师指导。跟踪参与一个具体、完整的设计,对接有实力的装饰公司,比挂有多少铭牌的“人情”实训基地更有效。 其次是实训项目,改变主要依靠任课教师个人工程项目进行实训的现状(往往还缺乏典型性,与学期授课进度不同步),通过联动设计公司的设计师,紧密结合设计企业,整个实训教学的组织过程与装饰项目的设计、施工过程尽可能同步(整个综合实训总课时为76课时,贯穿一个学期)。如何有效地让学生熟悉材料和了解基本的施工工艺是设计类专业的教学难点。在综合实训课程之前,学生已经完成材料与构造课程的学习,该课程主要是让学生熟悉材料市场,抄绘施工图,而综合实训课程主要解决的问题是由单一材料认知到综合应用。在施工现场的阶段性同步跟踪中(实训过程中就优秀技能点可多次组织学生去实地参观),由公司施工图设计师现场讲解,帮助学生了解材料的合理选择和构造方法,重点不是创新,而是理解程度。阶段性教学或最终项目作品答辩,引入一线设计师进行指导、评价,校内责任教师 与设计公司设计师共同指导、评定,有效提升学生实训作业的质量。作为学校课程教师与公司项目设计师,对学生实训作业评价的侧重点肯定是有差异的,这是综合实训教学活动与实际设计的差距,也是学校教学质量与用人单位期望之间的差距。在课程的阶段评价及最终评定中,更多地引入、尊重公司设计师即用人单位岗位的评价标准。 最后是强化专业师资。高职校内责任教师的普遍软肋是:年轻的硕士生毕业直接进入学校,工程实践项目参与太少,这可以在整个综合实训教学过程中,得到有效改善。只有参与具体的设计项目和具体的施工过程,教师才能与设计企业的设计师建立有效的对话机制,提升自己的综合职业技能。当教师和设计公司的设计师、优秀毕业生一起投入精力,把综合实训项目做得扎实、有序时,诸多看似困难的高职院校实训教学的“瓶颈”问题,包括实训场地、项目、师资、教学质量评价等,自然迎刃而解。 通过综合实训的项目运行,从专业教师到专业负责人、分院领导,无论是意识观念,还是实践效果,自下而上都达成了一致,艺术设计专业群形成了浓厚的“综合实训”课程教学改革氛围。在学校新一届艺术设计专业人才培养方案的制定中,正式把综合实训作为一门优秀实践课程,纳入了环境艺术设计、室内设计技术两个专业的实践课程体系中。综合实训课程与其他专业课程形成了能力串联、递进的关系,这是一种基于职业能力综合性递进式培养的体系构建。综合实训的前修课程为设计制图、设计速写等专业基础课程,以及室内设计初步、住宅空间设计、电脑效果图、材料与构造、公共空间设计、工程预算等专业课程。而后续课程是工作室(环境艺术设计专业分成室内、室外两个方向,以选修课进行)、顶岗实习、毕业设计与答辩等。相对而言,设计制图、住宅空间设计、电脑效果图、室内设计初步、材料与构造、工程预算等课程更多侧重于单项职业能力的培养,教学的组织、实施、评价等活动以校内课程责任教师为主体,整个教学过程较封闭。综合实训课程,强调基于完整工作过程(即设计过程)的教学组织,与真实项目的设计、施工进度吻合,既对前修各课程的单项能力有了提升、综合,又为后续的顶岗实习、毕业设计奠定基础,加深学生对设计方向各具体岗位的认知,提升职业技能。 五、结语 以工作过程为参照,组织实施教学活动,建立新的教学模式,这是综合实训课程改革的落脚点。整个实训的实施过程,不是学科、课程体系的完整,而是设计过程的完整性构建,即资料收集与现场勘测、与客户业主洽谈沟通、方案初步设计、深化设计、效果图制作、工程预算、设计实施与跟踪等一般工作程序的训练,其关注的重点是保证与职业岗位相关的经验、知识、技能在结构上的系统化。责任教师或是主导者,或是企业设计师的教学协助人。在项目实施中,教师必须进行二次教学设计,既要尊重学校现有的实训条件及教学管理机制,又要考虑设计公司的工作环境及设计过程。这种融入企业生产要素,强化校企合作的实践探索,带有普遍的意义,是高职院校艺术设计专业实训教学的可行化选择。 环境艺术设计专业论文:高校环境艺术设计专业毕业设计质量探析 本篇文章以笔者学院环境艺术设计专业的毕业设计课程为研究方向,剖析毕业设计课程水平降低的缘由,归纳了毕业设计教育实施阶段的履历,对课程范围的制定、评估方式和监管体系的创建等部分展开了讨论。本文结合对提升毕业设计水平的探索,研究适合于技能型高校人才培育目的的办法,力求找到符合现实需要的毕业设计教育理念及管理方式。为加深执行《教育部关于全面提高高等教育质量的若干意见》,每所大学把提升整个教育体系的质量摆在了首要位置。毕业设计是大学整个教育阶段中最后一个关键的生活化、情景化、社会化的教育阶段,对于看重实践的技能型高校显得特别关键。毕业设计是对同学们所学到的理论常识与技术的查验与综合应用过程,是提升学生革新能力的关键环节,是学生迈入社会的必经之路,在专业人才培育中起着关键的作用,大连艺术学院是一所以艺术文化为主的多种学科协同发展的艺术类大学,通过长时间以来的教育实践,不停的研究怎样提升毕业设计教育水平、为创建毕业设计管理活动等方面进行了主动的钻研和分析,获得了很好的成效。本人也依据对环境艺术设计专业毕业设计课程诸多年的教导履历归纳出怎样提升毕业设计水平的肤浅意见。 1.毕业设计水平降低的缘由 最近几年技能型大学环境艺术设计专业毕业设计的走势,缘由通常情况下有四个方面:首先,伴随大学环境艺术设计专业招生范围的不断扩大,教师水平程度单薄。一些刚步入教师行业的老师没有充足的履历辅导毕业设计。其次,一些学生不看重毕业设计,受应聘、考研等的影响,不能够全身心的渗透到毕业设计当中去,对自己的要求不高。再次,毕业设计流程监管不够苛刻。因为毕业设计时间长,很难监管毕业设计流程;最后,毕业设计条件,评估方式标准有待提高。一些大学没有制定一个具体的条件、评估方式和毕业设计样板。这样就造成学生们没有可以依照的标准,毕业设计格式五花八门。 2.提高环境艺术设计专业毕业设计水平举措 (1)做好思想教育工作和教师队伍建设 开展思想教育工作,增强传播毕业设计的关键性,使教师与学生的认识得到提升。依靠开会和专门技术人才报告方式进行毕业设计课程的初期动员。着重提出毕业设计的关键性,使学生弄清毕业设计的宗旨和道理。让学生在开展毕业设计之前明确弄清毕业设计时间计划、详细工作、格式、标准。联系到环境艺术专业人才缺乏,企业需求实践经验丰富的学生的特征,动员学生的主动性和关心程度。大连艺术学院毕业设计和学生是否可以顺顺当当的完成学业密切相关,是提高学生毕业设计水平的有效路径。增强毕业设计辅导老师的队伍创建,提升导师专业技能。大连艺术学院环境艺术设计专业一向就特别看重辅导老师的构成,经过对辅导老师的业务水平的和自觉性的提高来使毕业设计水平提升。遵守准则为以聘请外面大学的具有高级职称的老师为主,经过对年青老师的培育、勉励年青老师到外校去学习深造、去工厂实习、主动参加研发项目等方式培育自己的辅导老师团队。2015年应届毕业生共有70人,参加辅导的老师有11人,不算本校的2名讲师外,别的全部具有副高级以上称号。 (2)创建管理体制,看重流程监管 确定选题界限,拟定选题联合比赛和实际活动进行,彻底制止学生无目的的选题,严格控制选题范围。学生决定的选题要通过学校毕业设计辅导小组的严苛审阅,通过后才能接着进行。中间阶段查验需要学生必须都回到学校,严苛审查学生毕业设计进度状况,展开中间阶段的评判。需要学生完结毕业设计日志,仔细记载每天的完成状况。学生找辅导老师教导的次数、看待毕业设计的看重程度和仔细程度等当做学生日常成绩的主要指标。严格把控毕业设计答辩关。在答辩前要求学生遵照有关资料准备文字资料、设计成就和展板内容。答辩是评定毕业设计水平与学生培育水平的主要路径。设立答辩小组,遵循学校拟定的相关文件精神对学生的毕业设计展开评价。对学生苛刻的流程监管是提升毕业设计水平的条件。严格把控毕业设计的辅导关。对老师辅导流程的管理是提升毕业设计水平的一个主要因素。在辅导老师的选用上,挑选具有丰富实践经验的高级职称老师,对年青老师进行培养训练后在辅导。依靠限制每名老师辅导数量保障辅导老师有充沛的精力来辅导学生。规定导师每星期必须和学生见面辅导毕业设计一回。指引学校环境艺术专业对学生进行全程监管。注重学生选题记载是不是用心、辅导成效好坏将当做导师是不是可以接着承担下届毕业设计辅导老师的根据。创建管理体制,设立毕业设计监管领导小组,拟定进度表和量化表,拟定各类监管体系,固定时间对毕业设计完成状况实施检查,实施管控。发现问题及时处理。 (3)制定标准的毕业设计文件 拟定适合于艺术类并且科学可行的毕业设计管理规章体系及教学资料。大连艺术学院环境艺术设计专业拟定了多种相关文件来规范毕业设计,从选题、辅导、答辩到写作要求等实施标准化,毕业设计水平有了显著提升。大连艺术学院环境艺术设计专业最近几年着重毕业设计教育流程控制与质量关联的探索和实践,得到了有效的成果。依靠严格标准化的监管与管理体制的创建,毕业设计水平显著得到了提升。 作者:赵亮 单位:长春光华学院视觉艺术设计学院 环境艺术设计专业论文:环境艺术设计专业实践教学 【摘要】目前随着我国高校的不断扩招,环境艺术设计专业毕业后的就业举步维艰,究其原因主要是实践能力较弱。所以高校开始重视环境艺术设计专业对于实践能力的培养。笔者将从其教育现状入手进行分析,希望通过笔者的研究,可以有效提高学生的实践能力。 【关键词】环境艺术设计专业;实践教学;教学改革 一、概念界定 环境艺术设计专业,环境艺术设计专业是艺术设计类专业的一个分支,环境艺术设计类专业主要是指对于建筑室内外道空间环境,通过艺术设计的方式进行整合与设计的一门实用性艺术。环境艺术设计所涉及的专业与学科较为广泛,其中不仅有建筑学、美学、宗教学、文学、环境生态学等多个学科,同时也包括了环境心理学、历史学等多个学科内容。所谓实践教学,就是对于理论知识的实践性巩固。实践教学可以加深学生对于理论知识的有效途径。是学校培养具有创新意识的高素质专业人才的重要环节。是将理论联系实际,充分促进学校对于学生人才培养计划的科学规划性。利用实践教学可有有效提高学生的素养,促进学生行成正确的三观。 二、环境艺术设计专业教育现状 (一)环境艺术设计专业教育主要问题 第一,环境艺术设计专业学生就业率偏低,由于近年来高校在改革中逐渐扩招,环境艺术设计专业的的学生质量转而变得参差不齐,且数量庞大,但是在面对毕业于就业的过程中,却无法保持原有的就业率。就业率的逐年下降为环境艺术设计类专业的学生带来了极大的压力。毕业之后无法找到工作使得艺术设计类专业的学生陷入了两难的境地。第二,毕业生水平无法满足用人单位的需求,虽然毕业生面临着就业难的现象,但是用人单位同样面临着大量岗位空缺,雇佣不到自身需要的人才。很多用人单位雇佣了应届的毕业生,但是由于其实践能力较差,造成了一定的损失。基于这一原因,很多用人单位在应聘时,都要求应聘人员要具有工作经验。第三,我国现阶段教学体系不利于实践性课程的开展。一般来说高校的课程体系建设,以理论教育为基础,在对于基础知识的讲解的基础上,环境艺术设计专业也注重训练学生的专业技能,但是传统的教学方式抑制了学生的创新思维,也阻挠了学生对于知识的自由探索,形成了被动学习的惯性。也就更加不会主动探索构建自身的实践道路。第四,学生在校期间的时间课题,过于理想化。在我国大学期间,很多要求学生实际操作的内容,都是一些假设性的题目。这些题目中学生可以自由发挥,所受的限制较少,很多学生无法正视有无限制的课题。但是实际上,设计师在对于外在环境进行设计中,要受到种种条件的约束。在理想与现实的差距中,学生的实践能力很难得到培养。 (二)产生以上问题的原因 艺术环境设计专业在发展中遇到了种种困难,究其原因主要是由以下几个原因造成的:第一,高校盲目扩招,学生质量参差不齐,教育教学成果减少,学科建设发展缓慢:第二,高校对于现阶段专业教育的认识不够清晰与明确,管理体制的课程不够健全,导致实践性课程无法得到实施,形同虚设;第三,很多设计公司在设计市场中简单生存,激烈的竞争,阻碍了企业对于新员工的吸纳与培训能力。很多设计工作基本不接受实习生的实习,学校也难以找到校外的实践基地。 三、环境艺术设计专业的实践教学 第一,保障师资建设,促进实践教学,很多环境艺术设计类专业的教师都是毕业后直接任教的,在高校的工作促进了他们的科研能力,以及对于学术动向的敏锐性。但是,与他们的学生一样,他们缺少实践能力。没有参与实际的工程设计的经验,更加没有施工与相应的管理经验,但是在教学活动之中,要由这些教师带领学生参加实践教学,所以,这就要求环境艺术设计专业,聘请更多参与过一线设计工作的设计师与学校的任课教师一同参与,共同带领学生参与实践教学,带领学生真正的投入到一下的设计活动当中,有效促进自身的实践能力。其次,建立校外实践基地,促进教学实践活动。缺乏实践基地,是现阶段学生无法获得实践能力的根本,正所谓“巧妇难为无米之炊”,这就要求学校建立统一的实践基地,与设计类企业签订长期的互惠互利的合同,建立长期的实践基地。同时对于学生的教学活动,教师对于学生的作业,也应该尽量多的才有实际的案例,在课堂中对于学生进行实践能力的培养,避免理想化的作业题目,对于学生带来的不良影响。再次,注重学生个性化培养,因材施教。对于环境艺术设计类学生进行实践化教学,并不是要求所有的学生都参与教学活动,应该以学生的实际情况为基础,做到因材施教。帮助学生建立自身的职业生涯规划,对于毕业后想要找到工作的学生,建立人才的培养计划,加强实践活动,提高学生的实践能力;而对于那些想要继续深造的学生来说,教师应该对其实践能力记性较为节制的实践能力培养。保证每个学生都获得自身希望的培养方式。 作者:冯伟博 单位:吉林信息工程学校 环境艺术设计专业论文:环境艺术设计专业手绘技能课程教学模式 摘要:随着经济的快速发展,各行各业也受到了不同程度的带动,设计行业也不例外,设计工作表达方式也因此发生了显著的变化。自电脑软件技术运用到设计行业以来,减轻了繁复的工作量,但也有不少设计师急功近利,减少了设计前期的推敲,大量复制模型,使得设计行业也投入了流水线作业当中,这会减缓设计行业的发展。艺术设计是一项综合性很强的工作,而高职院校作为培养艺术设计人才的主要力量,应遵循教学传统,注重培养学生的设计能力以及手绘表现能力,这样不仅能够做到促进设计行业的发展还有利于学生艺术设计能力的提高。 关键词:高职院校;环境艺术设计专业;教学新模式 一、高职环境艺术设计专业手绘技能概述 手绘技能是绘画的一种表现形式,具体做法是将设计内容通过手绘的方式将所描绘事物真实、形象地描述出来,通过手绘方式,设计师能够将其设计意图以及设计理念生动形象地展现出来。在实际的绘画过程当中,手绘大致可以分为两种形式,第一种是草图式手绘,这种手绘方式能够在某种程度上反映设计师的设计灵感以及表达意图,并将设计师的设计方案快速地进行展现;第二种是效果式手绘,通过这样的手绘形式,设计师能够将其作品的最终设计效果展现出来,并可以加入设计师的设计主题与个性。作为艺术设计专业中环艺设计专业的学生,掌握手绘技能是十分有必要的,不仅能够提高其设计素养,还能够培养艺术设计表现技术,因此,手绘技能是将设计技能与艺术表现、工程技术结合为一体的具有综合性的设计手段。 二、手绘技能对高职学生的意义和作用 手绘技能是高职院校艺术设计专业学生的必修课,这门课程对设计专业学生的设计能力的培养起到了一个促进的作用,不仅能够培养其专业素养,还能够加强对艺术的认知能力。长期以来,手绘技能作为艺术设计专业学生的必修课,一直都受到教学管理人员的重视,艺术设计专业的学生从素描绘画开始学起,手绘技能则有助于表达其思想意识与思维能力,每一个设计师能够将其设计想法与表达意图清楚地传递出来,良好的手绘技能是功不可没的,与此同时,手绘技能也是判断每一个设计师设计能力强弱的主要依据。对于高职院校的艺术设计专业学生而言,手绘技能是培养其艺术设计爱好的一个良好的工具,与此同时,在学习掌握手绘技能之时,还能够确立起未来艺术设计发展的大方向。 三、高职环境艺术设计专业手绘技能课程教学现状 在多个高职院校实地调查之后发现,许多学生对于多媒体的依赖性十分强,完成设计作业之时,大部分都选择用计算机进行辅助,从而手绘技能受到了忽视。手绘能力作为一种艺术表达形式,在设计专业中的地位是十分重要的,大多数学生在提交艺术作业之时,往往都是选择用电脑设计来诠释自己的艺术思想,却无法用手绘草图来表达自己的艺术设计思路,结构不清晰,导致了艺术设计创意失去了其本身意义。而电脑设计的方案所花费的时间又远远超过手绘图的设计时间,这就使得设计方案更改周期变长,事倍功半。四、高职环境艺术设计专业手绘技能课程教学新模式 1.重视学生个性。 鲁道夫•阿恩海姆提到,视觉形象并不是对感性材料的复制,而是对现实感受的再次创作,所创作的作品具有想象性与创新性。在手绘方面,这个理论也是通用的,进行手绘的过程当中,要用自己丰富的想象力去描绘作品,只有对作品赋予生命力才能够使得作品能够表达出作者真正的意图。在高职院校的艺术设计教学过程当中,除了要对学生进行理论教学之外,还要加强对学生个性的培养,这能够帮助学生塑造其独特的设计风格,除此之外,教师应督促学生在艺术主观感受表达上多加努力,因为每一幅艺术作品都需要展示作者最真实的内心思想。 2.手绘表现与电脑表现相结合。 手绘表现与电脑表现都是设计者向外界传达思维信息的一种方式,电脑表现方式能够表现出事物的真实的样貌,还原度较高,而手绘效果图的运用方式则较为简便,且生成迅速,作品的概括程度也较高。在设计理念角度来看,电脑表现能够将作者的设计作品通过多媒体的技术展示真实的材质的运用与最终的效果,但是耗费的时间较长;而手绘能够快速地体现设计者对于艺术的想法,并能够及时更改,展示设计者的设计才华以及个人艺术素养,所以,将手绘表现与电脑表现进行有效地结合后,能够取长补短,将作品材质的部分运用计算机技术呈现,作者的设计理念则由手绘的方式呈现,这样能够使设计者真实的想法完全地展示出来。 3.培养创新思维与提升个人素质。 对于各行各业来说,创造力都是不可或缺的,因此,我国的高职院校应将学生的创新能力的培养放在首位,在艺术设计专业,这更是不可或缺的一种能力。在艺术设计专业中,手绘设计图对于立意的要求是十分高的,需要学生对事物的描述有着很强的捕捉能力,能够看到普通人所看不到的事物的特质,因此,良好的创新能力与个人专业素养是艺术设计专业学生必不可少的。大自然中的事物千姿百态,艺术设计专业的学生应从广泛的角度去看待每一件事物所蕴含的美,从而才能够发现事物的另一面与新奇趣,并将所见所感通过手绘的形式表达出来,从而形成一项具有新意的设计作品。 4.适应社会竞争。 高职院校学生的艺术设计作品最终都是要呈现到实际应用中的,因此,免不了与客户进行沟通以起到改善设计方案的作用。在对设计方案进行讨论的过程当中,设计者与客户可能会出现意见分歧,当与客户进行沟通时,设置者应为客户找到最为合理的解决方案,客户也会有不断地提出修改意见的可能性。高职院校的学生应多参与课外实践活动,这样就会适应与客户不断的沟通协调的过程,从而适应社会竞争。 总结 高职院校除了要培养学生的艺术设计技能之外,还要对学生的手绘技能加以重视,以起到塑造艺术综合性人才的作用。除此之外,还要培养学生具备艺术设计表达的不同能力,这样对提升设计思维以及快速捕捉灵感都能够起到促进作用。 作者:邱玉磊 单位:江苏建筑职业技术学院 环境艺术设计专业论文:环境艺术设计专业递进式教学模式 【内容摘要】浙江树人大学环境艺术设计专业结合学校培养高级应用型人才的要求,提出递进式实践教学模式的改革。从人才培养目标、课程体系设置、课堂教学内容等方面,积极展开与之相适应的改革,建立教师创造性活动的实践平台。文章从材料学和设计施工与预算两门课程的整合与创新角度出发,探讨目前该专业教学面临的问题、递进式实践教学改革的内容以及预期成效,以更好地引领学生适应学习递进式教学模式。 【关键词】课程改革实践教学校企合作递进式 结合浙江树人大学提出培养高级应用型人才的要求,艺术学院环境艺术设计专业提出了重组专业基础课、设立教师专业工作室、建设创意思维仿真工程试验室、建立校企合作的递进式实践教学模式。同时为满足“双师型”师资队伍的需求,环境艺术设计专业一方面委派教师到设计院所、设计公司学习,另一方面将富有经验的一线设计师请进学校进行指导,做到带项目进课堂。 一、环境艺术设计专业教学中的问题 环境艺术设计专业传统的教学模式给教学双方都带来较多的局限性,以课程中常用的建筑装饰材料(金属、非金属、复合材料等)为例,不同类型材料之间存在很大的专业跨度,材料之间关联性差。在实际教学中,教师很难将条目众多的课程内容归纳成一个完善的体系进行讲授,从而出现教师难讲、学生难学的局面。另外,课本教授的理论知识离不开各种参数或表格,这些枯燥乏味的数据很难激起学生的学习兴趣。教学条件滞后也是现存的问题之一。环境艺术设计专业的教学与材料学、工程施工工艺等课程密切相关,课程设计方案中表现的建筑室内外装饰效果、材料使用性能等需要通过实物体验和物理实验来强化识别。但在实际操作中,由于授课时数、实验场地、硬件条件等诸多因素的限制,实践教学环节形同虚设。许多应用性课程的教师只能“纸上谈兵”,学生对环境艺术设计专业仅获得了概括性的了解,导致最终的设计方案缺乏新意和艺术创造力。 二、环境艺术设计专业教学模式新思路 20世纪初,瑞士设计师、教育家约翰•伊顿就强调学生对于各种材料的感受,以现代构成艺术的方式训练学生对材料的认知和深层次感受。其目的不仅是让学生知道材料的功能与特性,更重要的是发掘每个学生对材料的独特感知,体现出材料的文化意义与性格特征,使产品与室内外环境更加具有生命力和存在感。环境艺术设计专业递进式实践教学模式的开展,解决了课堂教学理论与实践相脱节的现状,可以有效填补理论教学配备的欠缺,实验室的硬件设施对环境艺术设计专业的教学改革将起到极为重要的作用。在对外合作方面,环境艺术设计专业引进各类设计公司加强校企合作模式,拓宽学生实习和就业方向,也为专业教师承接社会服务提供了物质基础和技术保证。环境艺术设计专业提出了递进式实践教学模式这一新思路,内容包括以下几点: (一)重组专业基础课程 设计材料与施工课程是学生由设计理论走向实践的桥梁,它是将原来计划中的材料学和设计施工与预算两门课程进行优化整合的结果,学时数精简到64学时。由于教学大纲中将现有学时数进行了缩减,但是学生需要吸收的知识点却不能减少,二者存在矛盾,使“教”“学”之间失去平衡,因此课程改革极具必要性。另外,材料学和设计施工与预算两门课程在实践中相互依存,关系紧密。材料学是设计工程的物质基础,材料价格、性能和质量直接影响到工程建设的经济性、适用性、美观性和安全性。在设计工程造价中材料成本占50%以上,科学合理地使用材料才能减少资源浪费,进而降低工程造价、提高建设项目的经济效益。整合优化后的设计材料与施工课程体现了课程改革的必要性和合理性。 (二)设立教师专业工作室 环境艺术设计专业共有7位专业教师,分别安排了2至3名教师组建教师工作室。专用教室配备专业硬件设施,以实验室管理系统作依托为学生提供课外自主学习,教师根据自身的专业方向开展横向设计服务,带动优秀学生提前进入行业运行模式。如展示设计课程中,教师以“婚庆展示空间设计”为主题与杭州知名婚庆策划公司长期合作,在理论授课的基础上聘请婚庆策划总监进行专题讲座,并延伸到对学生的设计方案进行评奖的竞赛活动。“业师进课堂”“项目进课堂”“赛事进课堂”等系列教学教研活动得到了艺术学院师生的一致好评。 (三)建设创意思维仿真工程试验室 根据环境艺术设计专业高级应用型人才的培养目标,创意思维仿真工程试验室是针对三四年级的专业实践、毕业设计、国内外设计大赛及校企合作虚拟班产学研合作项目等实践教学而申请建设的,目的是强化学生的专业实践能力和创新精神。当毕业生奔赴社会就业时,越来越多的公司希望招聘到应用型人才。以室内设计专业为例,近几年就业市场对设计人才的需求可分为两大趋势:一是室内设计制图员,二是主案设计师。室内设计制图员完全以软件应用的熟练程度为标准择优录用,几乎对聘用人员的艺术创造和专业知识没有更深层次的要求。而主案设计师是一个工程项目的灵魂人物,用人单位对应聘者的专业能力与现场经验要求很高,且要求设计理念新颖。创意思维仿真工程试验室将满足环境艺术、视觉传达、工业设计和产品设计等4个专业共计30余门实验教学课程,新增实验室开放项目15个以上,可为设计材料与施工、建筑设计、室内设计、景观设计、设计初步、公共艺术设计、展示空间设计、工业设计、产品设计和陶艺等课程提供实验实训项目。它具有较高的综合性和利用率,填补了环境艺术设计专业实践教学环节的空白,同时也向其他相关专业延展服务,满足实验实训资源的完全共享。创意思维仿真工程试验室明确了“一个环境、两个中心、三大任务”的定位:一个环境,即营造真实的工程职业环境;两个中心,即成为融实训教学、技能培训、技术研发于一体的设计艺术专业教学中心,以及艺术学院学生职业素养的训导中心;三大任务,即:开展以环境艺术设计专业为主,工业、视传、产品等专业为辅的实践教学活动,开展专业技术开发与生产(业师进课堂、项目进课堂、竞赛进课堂),开展学生职业素养训导等递进式教学活动。 (四)建立校企合作模式 环境艺术设计专业开展了与浙江省中天建筑设计研究院、南方设计院、潘功私塾等多家行业设计机构的紧密合作,创立了校企合作虚拟班的专业实践教学模式。以2012级环境艺术设计专业为例,该班35名学生被分成6至7人一组的行业实训小组,他们到对接企业作为其专业对口部门的实习员工。企业项目负责人担任小组成员实训基地的导师,高校专业教师则作为课程辅导老师,在企业导师的总负责下,以跟进项目的形式展开行业实训实践。每位学生都可以置身于工程项目的全过程,包括项目勘测、调研、方案构思、团队讨论、方案汇报、施工图绘制、施工现场的监管与协调,直至工程竣工验收。这种全过程的见习体验,对即将步入社会的大学生来说是非常必要的。在项目组里学生可以交替轮换工作岗位,通过在不同岗位的实训,得到较为全面的行业特质训练和专业技能提升。这是在学校课堂上无法接触到的全新学习形式,学生能够实时了解当前国内外行业发展现状和趋势,把握行业市场最新动态,更加明确自己的专业定位。同时,通过这种校企合作的教学模式在校专业教师也能及时把握行业资讯,避免闭门造车、与市场脱节,实现社会需求与学校人才培养的合理对接。缺乏应用性的实践活动,创意设计的理念只能成为空想,因此建设符合高级应用型人才培养的专业实践教学平台是极为必要的。 三、递进式实践教学模式改革的成效 (一)满足实验项目的需求 递进式实践教学模式满足了根据专业培养计划和教学大纲要求设置的实验项目,课程设计、毕业设计开出率达到100%,可提供30门课程的专业实践教学,预计使用率达90%,约76545学时。该模式为教师与学生的教研、教改、科学研究、创新设计等提供基础设施,积极鼓励教师带领优秀学子申报实验室开放项目,争取展开横向和纵向设计服务项目每年达到3项以上,学生自主学习项目每年开展4项以上,获得省级科技竞赛及全国性艺术设计竞赛达每年3项以上,学生科研项目达2项及以上。 (二)达成培养高级应用型人才的目标 递进式实践教学模式充分发掘专业课程之间的资源整合再利用,重新开辟了课程之间、专业之间的交互合作,填补了目前环境艺术设计专业在实践实训环节的空白,从根本上完善了学校培养与校企合作培养相结合、学生课堂学习与自主学习相结合、专业实践与创意设计相结合,最终实现“能设计、会创意、善学习、懂工程”的应用型人才培养目标。 结语 递进式实践教学模式不仅适用于环境艺术设计专业的教学,对于设计类课程都是具有借鉴意义的。只是不同的专业、授课教师、授课对象以及授课过程,会产生不同的创造性教学效果,这也是极具探讨的教学成效。课堂教学模式不断革新的最终目的是培养一批学术骨干,形成若干学术水平高、创新能力强、富有团结协作精神的学术团队和“双师型”专业实践教学团队。同时,培养具有“创新意识、创新能力、创业精神和技能”的高级应用型设计人才。环境艺术设计专业递进式实践教学模式的建立,势必对艺术学院整体的教学体系改革、师资建设、资源整合利用起到全方位的推进作用。 作者: 楼五艳 单位:浙江树人大学艺术学院 环境艺术设计专业论文:环境艺术设计专业人才培养探讨 随着社会的发展,人们对于生存居住的要求,已经不再停留在温饱舒适的要求上了,而是对生活要求更高,要让生活更有艺术性、更有欣赏性,环境艺术设计便应运而生。人们为了居住的更加惬意,从而产生了环境艺术设计。环境艺术设计专业在我国的发展时间还不长,但是随着我国经济的蓬勃快速的发展,环境艺术设计专业的发展可谓“一日千里”,如雨后春笋班出现在我国的各大城市之中。 1环境艺术设计专业发展现状 1.1国内现状 对于环境艺术设计内涵理解的不同,导致专业发展方向也有所不同。回顾改革开放几十年来,我国的环境艺术设计专业大部分是从室内装饰和设计专业的基础上发展起来的。但是把环境艺术设计完全归于室内装饰显得过于狭义,我们应该更加深刻的认识环境艺术设计的更加广泛的内涵,进而促进环境艺术的发展。深刻的认识环境艺术设计要从各个方面进行探讨,从建筑学方面来分析,环境艺术设计可以作为建筑学的一个分支,可以归类到二级建筑行业里。他和建筑学一样都是一种为提高人类的生活品质的科学,与建筑学不同的是,环境艺术设计专业更加具有艺术性。因此,从目前来看,在国内环境艺术设计专业基本上涵盖了所有的艺术设计类专业,具体包括城市规划设计、建筑艺术、景观园林设计、室内家具设计、工业产品设计等设计专业。 1.2国际现状 纵观整个世界,国际上发达国家的环境艺术设计的平均水平要远高于国内,因此,国外有很多的理念和经验值得我们学习和研究。国外发达国家,诸如美国、欧洲,他们的观念更加“无规则化”,更加注重思维的任意性。就像当代美国多数大学是没有统一教材的,也没有统一的授课大纲,大部分是靠学生自己探讨,独自思考,天马行空的设计来完成课业的。这样,会使他们设计出来的建筑环境更加随意化和多样化。 2环境艺术设计专业培养人才的模式 从这几年培养环境艺术设计人才的过程中看来,环境艺术设计专业在培养人才的模式上大致可以分为两种类型,即综合型环境艺术设计人才和专一型环境艺术设计人才。 2.1综合型环境艺术设计专业人才 所谓综合型,顾名思义就是指学识广博,知识全面。这种类型的环境艺术设计人才需要对各行各业的知识都进行了解,诸如:建筑学、心理学、历史学、易经八卦、风水相面、地理勘探、民俗宗教、厚黑学等等,可以“广而不精”,但“广”是必要的。这样的人才主要是用来起“明灯”效应的,也就是他们会经常发表言论、演讲,来对环境艺术的设计主流进行引领,从而提高环境艺术设计专业在大众当中的舆论地位。 2.2专一型环境艺术设计专业人才 专一型人才的主要魅力体现在“专”上,这种类型的人才知识面可能没有综合型人才广,但是他们贵在“专”,他们熟知本专业的所有知识,熟悉行业规范,是在具体的实践设计中起中心指导作用,有了他们,才可以使丑陋的钢筋混凝土外表变得美轮美奂,才可以使人们舒适的坐在办公楼里舒适的办公,爽朗的他在居民楼里睡觉。综上所述,只要综合型环境艺术设计人才和专一型环境艺术设计人才相辅形成,各司其职,齐心合力才可以使环境艺术设计专业发展的更加完美,更加适合人们的居住需求。 3环境艺术设计专业人才需要的特性 环境艺术设计专业的人才是需要有特性的,是不能平平无奇的,通过对以往经验的总结分析,环境艺术设计专业的人才要具有三种特性才可以在环境艺术设计上游刃有余,这三种特性就是:创新性、技术性、实践性。下面就从这三个方面加以分析。 3.1创新性 每一个人的思考方式是不同的,不同的人对同一件事的处理结果也是有很大差别的。因此,学生在牢牢掌握了环境艺术方面的基本知识时,就要开拓思维,把自己想象成一个设计大师,可以天马行空的进行想象,开创一个属于自己的设计风格。只有这样环境艺术设计专业才可以永远充满活力,不断的发展更新,不停地为世界增添新的风景。 3.2技术性 有道是万丈高楼拔地而起,地基最重要。培养环境艺术设计专业的人才也是如此,培养人才的“地基”,就是对专业知识的学习,只有熟知基础知识,才可以为自己的设计建立强大的理论后盾,只有这样你设计的作品才可以从理论上说服众人,才会有变为实际的可能。因此,掌握好技术是你成为环境艺术设计人才的基础步骤,只有有了强有力的技术为你做支持,你才可以在环境艺术设计上站稳脚跟,为自己的人生蓝图奠定坚实的基础。 3.3实践性 当一个人拥有了技术性和创新性,那他还不能算一个完整的人才,只有当他可以把他所学的理论知识和实际结合起来时才可以说他是个人才。环境艺术设计更是如此,你只有理论知识,那是不够的,够理论知识你只能纸上谈兵,是没有使用效果的,你只有基础到实际的工程项目,在实战中积累经验,那么你才可以称得上是一个合格的人才。因此,培养环境艺术专业的人才应该以创新性、技术性、实践性为主要的特性。只有以此为培养人才的优秀目标,才可以培养出高素质的环境艺术设计人才。通过以上的探讨,综合艺术设计的个性化要求,可以推断出,统一授课式的环境艺术设计人才的培养模式是不符合社会的发展需要的。因此,我们就要根据我们的实际需求不断的研究摸索,总结自己的经验教训,借鉴他人的成功案例,不断地完善环境艺术设计专业人才的培养方式和方法。如此,才能走出一条完完全全属于自己的模式去培养环境艺术设计专业的人才,才能培养出符合现在社会发展状况的环境艺术设计人才。 作者:于春霞 单位:郑州电力职业技术学院 环境艺术设计专业论文:环境艺术设计专业项目教学法实践 纵观当今社会,培养符合当今社会发展需求的专业型人才是各大高职院校的目标和前提。怎样从传统的教学模式和教学方法中全新蜕变,让项目教学法成为促使学生良好发展的强有力保障。不但要加强本专业的师资队伍建设,提升整体师资水平,而且还要适时修正和完善相应的教学内容,启动校企合作模式,从学生的实际情况进行考量和制定。本文就项目教学法的实践路径进行探讨和分析。 一、合理选用教学材料 当下我国高职院校的环境艺术设计专业还处于初级阶段,教材专业性还有待成熟,加之经验丰富、技能较强的专业老师相对甚少,必要时仍需向发达国家借鉴和学习,但大多教材的费用值都超出了学生的承受范围,这也从侧面抑制了学生的学习和发展。除此之外,我国高职院校目前所使用的环境艺术设计专业教材有些不符合国内实际情况,项目教学模式定位不明确,有些教材明显超乎高职学生的理解能力,严重抑制了我国高职院校环境艺术设计专业教学质量的提升。高职院校在选择教学内容时,要重点体现出项目式教学实践指导作用,同时还要加强对阶段式综合评价方法的体现,最好要实现从小项目到大项目,从单个项目到综合项目的教学延伸,加强对学生实践能力的培养。而高职院校教师也要结合学生的现实情况对教材内容进行加工整理,以适应学生的理解能力、接受能力。教材编写时也要注重对实际案例的穿插,尤其是一些设计公司的常见案例,要有效结合高职院校的教学理念,逐渐探索项目教学法的实践教学之路。 二、加强课堂教学实践设计 加强课堂教学实践设计是项目教学法中的关键环节,但在当前的课堂教学中仍存在一些弊病:第一,教学目标定位较高,理论教学比例过重,忽视了对学生的实践动手能力的培养,导致教学实践与教学目标相脱离。第二,环境艺术设计专业教师在教学模式上较为单一,教学内容枯燥,无法激发学生的学习兴趣,教学知识面较窄,无法有效拓宽学生的知识视野。想要解决高职院校环境艺术设计专业的教学实践问题,必须要从教学方法和教学手段两方面入手。首先要结合教学实际案例,创设项目教学情境,积极引导学生融入到教学情境之中,让学生能够亲自去分析问题、解决问题,这样不单可以有效调动学生的积极性,还可以激发学生对项目教学法的学习兴趣,有效转换课堂教学主体。其次,教师也要加强教学手段的创新,可以采用推行环境艺术设计实际项目设计训练,为学生创造一个模拟实战的环境,让学生能够将自己所学到的知识应用到实际之中,这样就可以有效锻炼学生的动手实践能力,也提高了业务模拟的真实性。 三、考核方法的制定 在传统考核方法中主要是通过闭卷考试的形式开展,这种考核方法只能对学生的笔试能力进行考查,并不符合环境艺术设计专业课程重在实务的要求,现代教学理念相偏离。因此,高职院校就必须要对考核方法进行创新,要增强对学生能力的考核,采取多元化鉴定措施。在对教师教学业绩考核时,不要再单一地以学生成绩为考核标准。在对学生进行考核时,要注重收集学生的学习表现,记录学生的成长过程,要积极鼓励教师和学生进行互评,尤其是在项目教学法实践方面,要实现双边互动模式,教师可以通过学生的意见进行教学方法的修正与调整,而学生可以经过教师的指点,更好地朝着既定目标而努力。 四、实训基地的建立 充分利用校内外资源及现代化的教学技术和设施,为学生创建实训基地,比如:一些校外实训基地的构建和环境艺术实训室的创建等。不仅为高职院校项目教学法的有效实践提供了场所保障,还历练和强化了学生们的专业技能,为学生以后的就业开辟更多的机遇。由于高职院校教学资金较为紧张,可以与校外企业进行合作,本着多元化发展的原则,积极实行校企合作形式的教学模式。高职院校环境艺术设计专业的学生在毕业前,必须要到实训基地进行顶岗实习,学生的实习表现也将作为毕业考核的重要标准之一。 五、实训课程体系的建设 实训课程体系的合理化和科学化建设,是培养合格的环境艺术设计专业学生的重要环节。 1、建立明确的教学实训目标 高职院校在建立环境艺术设计专业学生实训目标时,务必要从学生自身发展去考虑,所制定的目标要符合高职院校学生的专业能力,要可以在规定时间内完成实训目标,增强学生的自信心和成就感。 2、科学、合理地设计实训项目 高职院校在设计环境艺术设计专业实训项目内容时,要结合企业岗位要求,同时还要加强对校内教学内容的实践,要让学生在岗位实训中可以有效利用所学的知识,合理配置环境艺术设计专业教学要素,要让学生在顶岗实训中锻炼环艺设计的实践能力,活学活用,体现出实训基地的重要价值。 3、建立行之有效的实训评价体系 高职院校的存在与发展就是立足市场实际用人需求,在制定实训评价机制时首先要遵循高职院校教育规律,要强化实践效用,加以理论知识的结合,考核评价机制要体现出公正、公平的原则。在对学生实训过程进行评价时,要注重对学生实习表现的记录,另外要让学生编写实习报告和实训成果,由实训基地的领导对学生的实训过程进行打分,此外学生还要进行实训答辩,展示自己所学到的岗位技能,最后学校将学生的所有表现按照一定比例计算出实训课程成绩,并在学生毕业时记入学生成绩档案,这样不仅可以有效锻炼学生的动手实践能力,还可以让学生更好了解环境艺术设计专业相关知识。 作者:闫付海 单位:南阳职业学院 环境艺术设计专业论文:环境艺术设计专业人体工程学课程教学改革 人体工程学是20世纪40年代后期发展起来的一门技术学科,研究的是人——机——环境相互作用下,如何达到安全、健康、舒适和工作效率的最优化。人体工程学研究的范围广泛,涉及的学科众多,除与人体科学、环境科学和工程技术密切相关之外,还与生理学、心理学、行为学、技术美学等有紧密联系。人体工程学的交叉性、边缘性和综合性特点,使其成为了一门体系庞大的独立学科。目前,环境艺术设计专业将人体工程学作为专业基础课纳入课程体系。环境艺术设计研究的是通过技术与艺术相结合的手段,结合建筑的特性及空间性质的要求对室内外空间进行合理的划分和设计,从而创造出舒适、宜人的生活、工作、学习、娱乐环境,满足人们生理和心理上的需求。环境艺术设计的顺利进行,需要人体工程学相关理论的指导,因此,人体工程学在环境艺术设计课程体系中具有基础性作用,占有极其重要的地位。 一、人体工程学课程现状 从课程设置来看,人体工程学是环境艺术设计专业的必修课程,通常安排在大学二年级的下半学期,是进入专业课程学习前的专业基础课,有8周的课程安排,共32个学时。在此之前,学生已学习的课程主要为基础必修课,如素描、色彩、设计构成、图案、计算机辅助设计等。从课程内容来看,人体工程学作为一门综合性的边缘学科,研究的内容和范围极其广泛。因此,许多专业都开设了此门课程,只是针对不同专业的特点,在授课内容的重点、难点及时间安排上略有不同。以环境艺术设计专业为例,课程的内容包括人体工程学及其应用、人体工程学基础(包括人体生理学知识、心理学知识、人体测量学知识)、人与环境(包括人与环境的交互作用、行为与环境、视觉与环境、听觉与环境、肤觉与环境、嗅觉与环境、人和环境质量评价)、环境行为与室内设计(包括居住行为与户内设计、商业行为与店堂设计、餐饮行为与餐厅设计、观展行为与展厅设计、人际行为与室内交往空间设计)。从教师授课情况来看,环境艺术设计专业的人体工程学涵盖的理论知识多、涉及范围广,若要在短短8周的时间内既对每个章节进行细致的分析讲解,还对每个知识要点进行扩展和延伸,时间明显不够。因此,教师通常以理论课的方式讲述人体工程学,主要讲授人体工程学的基本原理、概念、方法,课程结束后以传统的理论考式进行考核。从学生学习情况来看,相比专业课程而言,人体工程学在整个课程体系中所占学分分值较少。大部分学生认为此课程属基础理论课,以理论课的心态对待,对人体工程学课程重要性的认识不足,课堂出勤率不高,常出现迟到、旷课现象。 二、教学中存在的问题 (一)教学模式单一,教学方法陈旧 教师围绕教材内容,固守传统教学模式和思维模式,采取单一的教学方法,是导致人体工程学教学效果差的直接原因。在传统的教学理念中,教师是课堂的主导者,常常采取“填鸭式”的教学模式;学生是信息的被动接收者,习惯性采用机械的、死记硬背的方式记住知识要点,完成对课程内容的学习,很难将知识内化成与实际经验相符的内容。加之受课时的限制,教师忽视了与学生的互动和交流。这种授课方式既限制了学生的思维能力,也使教师很难收到学生反馈的信息,更无法全面了解学生的情况,进而不能针对学生的学习情况进行及时的教学调整。 (二)同质化教学,缺少与专业课程的联系 作为一门交叉学科,人体工程学常以基础课的形式引入不同学科专业,如工程制造专业、工业设计专业等。教师常以讲述的方式对课程内容进行陈述式的讲解,往往忽略人体工程学针对不同学科、不同专业具有不同的重点与难点,若均采用同样的教学方法讲授相同的内容,必然导致学生对该课程在本专业的作用理解不足,做不到有的放矢的学习,影响学习效果。 (三)缺乏实践环节,理论与实际脱节 人体工程学属应用型学科,需要在理论框架上辅以实践教学。但是,目前教学中教师讲授理论知识的时间占据了全部课时,实践部分流于形式,导致这种情况出现的原因主要有三点:一是授课教师将本门课程定性为理论课,仅按照理论课的步骤和方法,围绕书本内容完成讲解部分;二是课堂缺少实验环境,无法进行有效的实践教学环节;三是课程学时少,除理论讲授之外没有更多的时间进行实践教学,导致本门课程终究无法与专业相结合,最终沦为一门讲授纯理论的课程。 三、课程教学改革与实践 (一)明确课程定位 人体工程学包含对人的生理和心理特征、人的行为模式、人体基本数据、人与环境关系的分析,其内容是环境艺术设计顺利实施的基础。教师应围绕教学大纲的要求,明确人体工程学在专业中的基础作用,制定具有针对性的教学方案和课程设计。同时,在上课之初就应该向学生指出人体工程学课程的重要性及其与本专业其他课程的关系,充分调动学生的学习积极性,促进教学工作更好的开展。 (二)转变教学理念 “以学生为导向”的教学模式,强调学生作为教学主体在教学中的地位,改变学生以往作为教学附属者而导致学习目标不明确、产生学习惰性的现象。学生由被动接受者转变为知识体系的构建者、信息加工者,提高了学习的能动性,强化了学习效果。教学模式的转变,首先要求教师改变教学理念,由知识的传输者转变成学习的引导者,加强师生互动,及时对学生的学习情况进行评估,通过案例分析、课题讨论、现场教学等环节加强学生对知识的应用,使理论与专业有机结合起来。 (三)采用多样化的教学方法 由于受到教学条件、学时的限制,人体工程学的实践课题很难在既定的教学时间开展,但这并不意味着人体工程学只能作为理论课的形式出现。若仅注重理论框架的完整性而忽视与实践课题的结合,势必会限制其与专业课的联系,也必然会使其成为无关紧要的理论课。在有限的教学时间里,教师可采用多样的教学方式,如案例分析、实地调研、小组讨论等,将理论与实践结合。在提高学生学习能力、问题分析能力的同时,强化学生对人体工程学的认识,使人体工程学真正成为环境艺术设计专业不可或缺的基础课。具体做法如下:第一,在教学中以实践为导向,以理论为指导。人体工程学和环境艺术设计都属于应用型学科,理论和实践相结合,才能使理论更好的指导实践。教师讲授理论时,可将文字讲解与视觉图片相结合,用图片展示空间形态,用文字做阐述,如在讲到人的行为与环境的关系时,可联系学生熟悉的校园环境,以某一行动路径为导向,分析学生的行为方式及由此形成的空间形态,并对行为模式与空间形态之间的相互制约的关系做进一步的解释。第二,引入调研课题,开展实践教学。在学生已基本掌握概念、原理的基础上,教师可以设计实践课题,如指导学生综合运用自然观察法、实测法、资料研究法、调查分析法等,对人体、家具进行测量,制作人体模型或空间模型;或是对校园空间进行实地考察与测量,分析人的行为模式与空间形态的关系等。课题实施的方式可以是自主研究,也可以是团队合作。通过对个案的调查、测量、分析、总结,将教师口中抽象的理论与学生切身体验结合起来,转化成形象、生动、可感知的内容,以加深学生对知识的理解。第三,设计课堂讨论环节,鼓励学生提出自己的观点。通过前期实地调研课题的开展,学生对空洞的概念、数据、原理有了更多的理性认识。教师设计课堂讨论环节,鼓励学生以汇报演讲的方式,对前期调研的成果进行总结并提出自己的观点。通过理论——实践——总结的过程,使学生完成课程的学习,提高学习能力,逐步完善知识体系。第四,考核内容既要涵盖基础知识,又要体现专业特色。人体工程学涵盖的知识点多,教师常采用问答的模式进行考核,虽然能够考察到学生对知识的掌握情况,却不能考察到学生的实践能力,也无法了解学生综合运用知识的能力。因此,考核形式应多样化,内容应当从理论与专业结合的角度设计,如针对室内设计方向的学生,考核内容可以是“完成一套居室空间的平面布置图”。由教师提供原始建筑图,学生假定空间性质、人群使用情况等,完成对空间的分析与布局。如此,学生将人体工程学课程学到的知识综合运用于实际案例中,既得到了实践的机会,又提高了学习兴趣,同时帮助学生建立起学科专业间的联系。 四、结语 人体工程学与环境艺术设计专业的结合尚处于探索阶段,教学中存在教学模式单一、教学内容晦涩难懂、专业特点不突出等问题。人体工程学的教学改革应紧密围绕专业特色,转变教学理念,明确教学目的,采用多样化教学方法,充分调动学生的学习主动性和积极性,更好地构建人体工程学与环境艺术设计专业紧密联系的学科体系。 作者: 赵菁 单位:西南交通大学艺术与传播学院 环境艺术设计专业论文:高职院校环境艺术设计专业教育探析 随着我国城市化进程的加快,人们的审美情趣及对生活环境和品质的要求不断提高,社会对环境艺术设计专业人才的需求也日益增长,这推动了高职院校环境艺术设计专业教育的发展。虽然目前高职院校环境艺术设计专业教育已取得一定成效,但仍存在诸多问题。怎样提高教学质量,培养符合社会发展需要的高水平应用型人才已成为院校和教师必须认真思考的问题。 一、高职院校环境艺术设计专业教育的发展现状及问题分析 (一)艺术类专业招生及专业设置的问题 目前我国从事环境艺术设计工作主要是注重设计艺术效果的艺术设计类专业人才和注重技术结构的建筑设计类专业人才,但两类人才及行业之间的交流协作还存在诸多问题。而相关院校管理者和教育者把环境艺术设计归类为单纯的艺术学科,加上自1999年高校扩招以来众多院校为赚取利益,不管硬件、软件、师资等资源是否配备齐整,纷纷开设环境艺术设计专业。这样放低专业门槛进行扩招的方式已成为许多文化课成绩差、综合素质低,甚至对艺术设计专业毫无兴趣的考生通过艺考圆大学梦的捷径。生源质量逐年下降给环境艺术设计专业教学带来更大的难度和问题,同时势必影响学生就业及行业发展。 (二)师资力量薄弱 造成环境艺术设计专业师资薄弱的原因,一方面是由于许多学校在硬件、软件、师资等资源没有配备齐整的情况下开设环境艺术设计专业,造成从事专业教学的师资紧缺;另一方面有些环境艺术设计专业的教师在教学中过分强调艺术创作、个体表现、视觉冲击力,而忽视人文科学、自然科学、工程技术等方面的教学,这就使得学生在实际工作中根本无法独立完成环境设计项目。另外教师受自身能力、知识面等所限,加上缺乏行业实践经验,不能用科学合理的思想和方法进行教学。 (三)教学体系陈旧,实践教学环节薄弱 首先,目前还有很多高职院校的环境艺术设计教学仍然沿用传统艺术和美术教育的方针,开设的课程多、杂、无侧重点,教学内容落后,各科知识之间缺少关联和衔接;其次,现有的实习、实践环节时间短暂,忽略了高职院校设计教育应对接产业需求培养应用型人才的特点,学生往往无法将所学知识形成体系,不能很好地对接实践;再次,校企合作流于表面形式,部分学校的校内外实训基地没有按照市场要求和行业结构来进行建设,存在结构不合理、管理体系不健全、实训项目匮乏等问题,造成实训不能达到真正与市场对接的目的,从而导致应届毕业生的实际技能与社会需求相脱节,无法就业。 (四)学生缺乏创造性思维能力 艺术创作的过程是一个不断创新的过程,设计的优秀就是创造性思维。目前很多高职院校往往重技术、轻理念;重制作、轻创造,忽略了学生的创造性思维能力的培养,导致学生的设计仅仅是对名家的设计作品进行简单的模仿、修改、拼凑。 二、高职院校环境艺术设计专业教育改革与实践措施 (一)对接市场需求,科学合理地建构教学体系 摒弃陈旧和脱离实际的教学内容,以就业为导向,以行业岗位优秀能力和企业职位用人标准为依据,因地制宜地根据具体院校所在区域的经济、文化、生源特点等科学构建环境艺术设计专业教育体系,充分做到科学、艺术、技术、人文的有机结合,按职业岗位的工作流程、工作任务进行设计教学,切实与市场需求接轨。 (二)加大校企合作深度,拓展实践教学渠道 高职院校应与行业企业深度合作,将教学、研究、实践三者融为一体,建立“厂中校”和“校中厂”的工作坊模式,按企业所需培养人才。将原来单纯的课堂理论教学内容与企业的实际项目相结合,充分发挥高校与企业各自优势,加大课堂教学与社会实践的联系,加强实践能力培养是为社会培养新型应用型人才的必由之路。可根据市场需求,结合专业特点建立全新的人才培养教学模式,依托企业实际工作项目加强实践教学环节。在校内通过实验室、工作室等特定的“校中厂”教学窗口与社会和企业接轨,系统性、针对性地创造培养学生适应能力、实际动手能力、创新能力的实践环境。同时结合“厂中校”,让校内师生到项目一线与行业和企业专家共同协作参与实体项目,把企业、施工现场作为实践教学的平台,以工作过程为教学内容,以真实工作任务为载体,校企双方共同协作按企业工作管理体系全过程规范和监控实践教学环节,共同实施人才培养和开发符合职业规范、体现岗位能力要求、理论与实践一体化的工学结合的课程体系,促进教、学、做统一,从而提高整体教学质量和水平。 (三)“引进来”与“走出去”双向结合,加强师资队伍建设 高校师资队伍的能力与素养直接决定学校的教学水平,优秀的师资队伍是学校教学水平的重要保障。首先应创新人才引进模式,多领域、多渠道引进高端人才,如聘请企业一线专家与校内教师共同参与到学校的专业教学、校本教材的编写工作中来;其次,通过学术交流等形式来培养和提升校内教师综合能力;第三,建立激励制度,发挥教师潜能,让校内教师“走出去”,如激励校内教师通过到企业一线进修学习,提高自身的行业专业知识技能,取得有权威的证书,成为真正了解行业前沿动态且实践能力强的“双师型”教师,从而使教学顺应市场的需求。 (四)加强学生创造性思维能力的培养 在实际的专业教育中,把创造性思维能力的培养作为高职院校环境艺术设计专业的优秀能力,不断挖掘学生的设计潜力及个性化表达能力,充分调动其创作的积极性与参与性,培养学生独立自主地不断开拓与创造的能力。 三、结语 总之,高职院校环境艺术设计专业教育亟须及时采取科学有效的措施解决目前教学中存在的问题,提高教育的整体质量和水平,培养更多满足国家和社会需求的应用型环境艺术设计人才。 作者:李温喜 单位:四川艺术职业学院 四川华泽建筑设计有限公司
环境艺术设计论文:实践课程教学环境艺术设计论文 一、基于校企合作为基础的环境艺术设计专业岗位性实践课程体系的提出 1.什么是综合性岗位实践课。“综合性岗位实践课程”是在高职专科学生完成两年通识基础课及专业课之后,在学生正式进入企业实习前插入的一个周期为三个月,由学院教师及企业管理者(或设计师)共同管理、教学的由一门或几门课程构成的课程组。课程一般分为两个阶段:认知阶段与实践操作阶段。 2.综合性岗位实践课程的目的与作用。环境艺术设计专业综合性岗位实践课程的目的是为了将学生从学校环境下的课本内容对接到企业环境下进行岗位性(任务)项目训练,使学生认识企业,了解企业工作流程及管理运作方式,熟悉企业行业规范,进而有效提高学生职业岗位能力,让学生在专业就读期间即可直接获取相关经验、熟悉了解岗位性质、特点及技术要点,有效提高学生职业竞争力与岗位能力。综合型岗位实践课程的开设不是简单意义上的赴企业实习,综合性岗位实践课程更多的是起到桥接的作用,为学生积累能够跨入企业门槛的初步实践操作经验,熟悉企业环境,适应未来岗位要求。 二、环境艺术设计专业综合性岗位实践课程的组织构建探索 1.岗位实践课管理体系的组织与构建。环境艺术设计专业综合性岗位实践课程采取“一对多”的形式,即在一个时间段内,校方与多家行业企业签订课程协议,同时开展岗位教学。课程的构建离不开企业,企业的参与是整个课程体系的灵魂,因此在课程的管理与组织上,企业不但要全程参与而且要扮演主要角色。但是课程的组织过程中,又不能带给企业过多的其他管理性负担,使企业能够专注于学生技术的灌输和操作的培养,为此在管理与组织模式上要采取“A+B”双负责制的模式,其中A代表校方,B代表企业,各方在教学过程与实践管理中各派出一名教工/员工,共同管理一个20~30人的自然班,“A+B”的模式贯穿整个课程体系的始终。企业员工是主要角色,负责对学生的培训、指导、分配岗位与任务等工作;校方指导教师则负责学生的出勤、组织、协同考核等工作,配合企业对学生进行管理。通过“A+B”双负责制的模式发挥出了学校与企业的各自优势,企业可以从繁重的教学组织中解脱出来,直接对学生进行技术性培训,而校方则可以发挥自己的组织优势,在最大限度保障学生安全的同时,使学生深入到岗位一线进行实践性训练;同时也迫使教师由课堂走入企业,接受企业环境的熏陶,也推动专业教师向综合型双师转变。 2.综合性岗位实践课程的体系的构建。综合性岗位实践课程应开设于高职专科的第五学期,周期二至三个月,控制在200学时以内;分为“专业岗位认知课程”(60学时)与“专业综合性实践训练”(140学时)两个阶段,前一阶段的主要课程任务是行业企业认知,了解企业的组成,公司文化与背景,设计公司的运作与管理模式,日常工作内容,企业的设计规范与施工工艺等基本情况。后一阶段则主要进入企业采取岗位轮换制实践,分别在制图员、设计师、监理等岗位充当助理工作,从而积累初步的设计与管理工作经验。 3.综合性岗位实践课课程的管理与考核方式。由于在教学过程中课程涉及到校企双方,因此在管理体系上必须完善,校方除编写基本的实践教学标准、实践教学实施计划外,还需要起草校企合作的岗位实践课程协议,明确校方、学生、企业等三方的责、权、利,给予企业未来用人的优先权,同时也要求企业确保学生在岗位实践过程的稳定性与安全性。为了保证教学质量,要求校企双方共同编写“岗位实践课程的指导书”“岗位实践课程表”切实保障学生的实践效果。在课程考核上,利用“动态考核法”,不以学生单一能力为最终标准,企业负责学生的德、才、能综合评分,学院教师负责学生出勤与管理评分,在分值权重上向企业倾斜,五项分值相加为学生实践课程的最终成绩。 三、环境艺术设计专业综合性岗位实践课课程的特点 1.综合性岗位实践课的引入适应环境艺术设计行业企业的特色,解决了由于环境艺术设计行业企业的数量多、规模小、分布不均匀造成的实习实践困难的问题,完善了实践课程的体系。 2.综合性岗位实践课程的引入真正实现了环境艺术设计专业教学的“工学轮动”,实现了学校教学与企业岗位的对接,增强了学生的适应力,解决了学生对接企业的瓶颈,为学生积累的宝贵的实践经验,切实提升学生岗位能力。 3.通过开设综合性岗位实践课程,切实实现“校企合作、共同育人”的理念,消除了企业对学生组织管理的负担,同时也最大限度保证了学生实践中的安全。 4.通过岗位实践,保证专业教师与学生共同赴企业锻炼,解决了教师实践能力不足的问题,提升了师资水平。五、结语为了能够适应就业市场多层次的变化,高职类院校必须要提升专业人才在市场的竞争力和适应力。而课程实践就是一种极为有效的手段,也符合环境艺术设计专业本身的应用性特征。但无论怎样,实践教学课程设置的改革、教学方式的改变、教师素质的提高以及考核体系的完善,都将是永久性的课题,也将是一个漫长的不断完善的过程。 作者:谷晓龙 单位:石家庄职业技术学院艺术设计系 环境艺术设计论文:信息时代教学环境艺术设计论文 一、适应新时代的环境艺术设计教学改革方案 1.改变思维模式 教育者应转变传统教育教学思维模式。使学生能真正获得解决实际问题的能力是设计教育的最终目的,这就是要把提高学生的综合能力作为教学的主要方向,过去的办学模式都是比较封闭的,在信息时代下,我们需要向开放型办学模式转变,与社会接轨,满足市场数量与质量需求;面向市场经济建设,教学内容与方式要在科技创新、可持续发展等方面时常进行更新与探索从而将环境艺术设计人才培养成综合素质高和技能优秀的的专业设计人才。 2.多向欧美国家学习有关审美价值的教育经验 在传统的美术审美价值教育上,我国应多向欧美发达国家学习经验。注重在高中阶段,使得美术课程规划围绕着“如何提升学生的审美兴趣和审美能力”的层次上展开,促使审美教育建立在宽厚的艺术人文学基础之上,将人文主义充分发挥出来,同时与优秀的传统文化加以结合,借鉴其他国家优秀的审美价值理念,构建符合社会主流思想的审美价值体系,这样做的话会为学生日后继续美术学习与审美思维构建打下良好的基础。为适应人才市场需求,采用计算机辅助设计教学来培养学生计算机辅助设计的能力。循序渐进地加强学生观察、思维、认知的学术能力。 二、改革方案有效实施的保障 1.教育视野的开阔 教育者应学习多方面的知识来开阔教育视野。环境艺术是一门交叉学科,它把建筑园林等方面的创意结合在一起,并包含了环境科学、卫生保健学、社会科学以及自然科学。相比之下,它对教师自身要具备综合素质有较高的要求。教师要涉及其交叉学科的相关知识,学院吸收其他优秀同行的教育经验,学校可以增设相关系列的讲座,开阔学生的视野,请一些一线的高级技师骨干来授课,讲授新的设计思维及鲜活的社会实例。 2.教育与市场的对接 要使环境艺术设计专业教育教学与市场对接,教师也应该具有较强的商业意识和实践经历,从事专业教育教学的教师的能力与素质是引导学生培养意识的关键因素。不能忽略了学生将来就业。教师是知识的传播者,不应该只停留在传授专业知识,还可以帮助学生制定有效可行的就业计划。 三、结语 很多企业也不重视数字艺术在企业发展中的运用,一些环境艺术设计、商业展示设计、装潢设计、商业广告设计领域今年来都获得了巨大的发展,但是却没有将数字艺术的科学技术创新作为发展的助推力因而也不利于数字艺术与科学技术的结合。由于以上这些因素的影响数字艺术与科学技术的结合面临着相当大的苦难因而需要有关方面认识到这一点并尽快的使数字艺术的发展走上正轨。了解如今教育模式,制定可行性的改革方案,劲往一处使地有效实施。这样的话,环境艺术设计专业教育教学就不会落后陈旧,才能生机勃勃,健康发展。 作者:刘敬允 单位:天水师范学院美术与艺术设计学院 环境艺术设计论文:校企合作教学环境艺术设计论文 一、环境艺术设计专业校企合作模式改革探索 (一)以行业龙头企业为主导及时了解行业信息,调整专业发展方向和专业优秀课程 职业教育正处于信息化时代,环境艺术设计行业受信息化技术的影响也在不断发展变化,人才需求也随着行业的发展而变化。而大多数高职院校在行业发展信息的获取方面往往滞后,通过行业龙头企业的合作,高校可以获取信息并及时调整专业发展方向和专业优秀课程,让学生获得有用的、行业需要的专业知识。例如在与常州大地装潢合作的大地订单班中,通过合作企业及时了解企业最新研发的室内设计新技术,根据新技术和企业需求设置专业优秀课程,充实优秀课程的内涵,让专业优秀课程始终满足于市场的需求,让企业参与到专业优秀课程的改革和专业内涵建设中去。 (三)以行业龙头企业为主导的校企合作课程建设,提高学生的职业优秀技能 高职教学的课程内容和设施相对陈旧、滞后,教学内容也往往停留在验证性的层面,因此,与企业在课程建设方面的合作是高职环境艺术设计专业最常用的模式。让企业参与该课程的教学计划制订与教学管理,让企业全方位融入学校、融入专业,通过企业的带动来促进专业发展和专业建设。校方积极配合调整教学计划,使之更加符合市场需求、更加实用化。以行业龙头企业为主导的合作模式下,设计企业可以根据其在社会一线的成功实践经验和对市场动态的把握,向校方提出当今环境艺术设计领域中,社会所需人才的专业知识结构要求、岗位能力要求、职业素质要求等。我院环境艺术设计专业与上海水晶石公司通过在重点优秀课程领域的合作,探索环境艺术专业校企合作如何深入、紧密的问题。我院环境艺术设计专业通过课程置换,以建筑可视化的课程置换的教学改革为试点探索在教学领域的校企合作模式。课程建设由上海水晶石和学校共同开发,校企共同研究制定教学计划,编写教学标准,课程教学中全程引入“企业技术培训”和“企业化工作模式”,按公司的工作流程制订项目展开与实施计划,专业课程内容与职业标准对接实现多任务、多技能的综合训练与职业体验。 (三)以行业龙头企业为主导的校企合作师资建设,培养“专兼结合”教师队伍 通过与龙头企业的校企合作,由企业安排经验丰富的技师进入课堂,可以解决专业教师实践经验不足的难题,完善师资队伍结构。同时,专业教师通过在教学与技术合作中,也可以提高实践能力、科研能力和专业教学水平。在我院与上海水晶石的合作过程中,学校安排一名专业教师全程负责教学安排,同时负责辅导学生和与企业技师沟通,并及时调整教学计划,由企业技师和学校教师共同培养学生。企业分阶段选派不同的技师进课堂授课,由企业技师将多年积累的专业技能带入课堂。期间,企业项目负责人定期来校参与辅导并讲评,课程采取学院教师和企业技师共同考核。在我院与常州大地装潢的订单班的实践环节中,学生到企业顶岗实习,学院派一名专任教师深入企业负责学生顶岗实习的组织管理,又与企业工作人员共同参与企业的实践项目,教师既可在实际项目中得到专业能力的实践根据在企业项目的贡献得到企业一定的经济回报,在合作中提高了专任教师的实践能力和教学能力,为学校的师资力量培养和“双师型”教师队伍的建设提供了一条有效的途径。 (四)以行业龙头企业为主导提高学生职业素养,提高就业竞争力 环境艺术设计的工作任务通常具有项目周期短、工作任务强度的特点,不光需要从业人员具备职业技能更需要具有吃苦耐劳的意志和高效的管理能力。因此,设计公司对于毕业生的职业素养具有很高的要求。我院与常州本土的龙头企业霍克展示合作开办了“霍克订单班”,在共同培养学生的职业素养方面进行了一定的探索。在合作中,学校按照企业对人才的知识、能力、素质要求,制定相应的人才培养方案,在培养方案中融入企业的员工手册。企业为学生提供效率手册,负责定期对学生进行职业素养培训,培养学生良好的学习习惯和生活习惯。校企双方的合作重点在学生的职业素质与岗位职业能力的培养与训练,毕业生经考核达到企业人才录用标准,由合作企业优先录用。 二、结语 常州机电职业技术学院环境艺术设计专业通过以行业龙头企业为主导的校企合作模式探索过程中,总结了一些成功的经验,也有效地解决了校企合作中存在的一些问题。但是,在与企业合作的深度和广度上任然存在一些不足。例如,在校企合作的机制方面还不够完善,在与企业共同开发优秀课程和实训教材的广度还不够,合作的内容还需由满足课堂向满足岗位需求发展,等等。在我院环艺专业今后的校企合作中,还需进一步将专业课程内容与职业标准对接,将合作内容越来越贴近岗位工作过程,加大教材合作建设力度,合作完善教学方法和教学评价,提高校企合作的实效。 作者:钱靓 环境艺术设计论文:生态性趋向环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的生态性趋向发展的有力措施 (一)积极吸收外来生态性发展的成功经验 经济发展与环境保护之间的矛盾是城市发展过程中必然会产生的,要理性对待,不能为了短期利益而盲目照搬西方国家的二、环境艺术设计的生态性趋向发展的有力措施设计,这样不仅不利于我国经济与环境的协调发展,很可能会将两者的矛盾进一步激化,所以在借鉴西方生态性发展的成功经验的同时要充分考虑我国的实际情况,并结合我国的古典美学进行设计,这样才能创造出真正符合我国环境艺术生态性发展的设计,调动我国本土设计师的积极性,保证其持久发展。 (二)加大本土生态文化的发展力度 随着经济一体化的发展,我国在世界上的地位逐渐提高,西方国家不惜利用文化倾销磨灭国民意识,在环境文化设计盲目跟风的过程中大量不伦不类的作品出现,不仅浪费了大量的建筑材料,而且破坏了区域的整体美感,例如北京作为我国几朝古都,一直以大气恢弘作为环境艺术设计的“主色调”,而中央电视台新办公大楼的出现打破了其城市的整体设计,不仅没有给人现代建筑的时尚感,反而因无法融入城市建筑风格而饱受争议,由此可见本土生态文化是生态性发展的必然选择,抛弃它生态性发展必然无法实现[3]。 (三)正确对待传统生态建筑 传统生态建筑不仅体现了区域的民风民俗和自然环境,而且聚集了区域的历史文化和人文沉淀,所以在进行环境艺术设计的过程中要对其进行在建造或改建,不能盲目的拆毁,传统生态建筑具有不可复制性,损毁后其历史价值将彻底消失,甚至使区域的特色也随之消失,所以要正确、慎重对待传统建筑,例如北京菊儿胡同旧区改造工程就是成功的设计案例。 (四)尽量控制消费主义对生态型发展的操纵力度 “消费主义”在以美国为代表的西方国家比较盛行,我国“消费主义”很大程度上受到其影响,所以要实现环境艺术设计生态性发展首要措施就是正确对待西方外来文化,树立具有我国特色的本土文化,为居民建立以人为本、以自然为本、以绿色为本的消费观念,是生态性发展的必然要求。 二、结语 环境艺术设计只有将城市与自然的高度和谐作为发展的方向才能够满足可持续发展战略的要求,才符合时展对城市建设提出的新标准,虽然现阶段生态性发展过程中仍存在一些问题,但这并不能改变其生态性趋向,通过有针对性的改进,其生态性发展将更加顺畅。 作者:孙梅 环境艺术设计论文:数字技术应用下的环境艺术设计论文 1环境艺术设计及数字技术分析 数字技术是指通过对0和1两个数字的应用,进一步完成数字编码,并利用诸多设备,如电子计算机及通信卫星设备等,从而达到传输及处理信息的一种技术。数字技术涵盖诸多,如数字编码、数字传输以及数字调制解调技术等均属于数字技术的范畴。数字技术能够使数字实现信息化,在一般情况下人们又会将数字技术成为数码技术及计算机技术等。基于环境艺术设计中对数字技术加以应用,便是通过数字信息传达环境设计中需要描述的图、文及声像等。属于环境艺术设计中的一种辅助设计手段或方法。将数字技术合理、科学地应用在环境艺术设计当中,能够体现出先进的设计风格,显然这将是未来环境艺术设计的一大必然趋势。 2环境艺术设计中数字技术的具体应用探究 (1)设计师理念的更新。随着数字技术的出现,设计师们在环境艺术设计中产生了许多新的想法,并且会在以往设计的基础上,融入数字技术,从而进行全新的尝试。对于设计师来说,为了使数字技术能够合理、有效地应用在环境艺术设计过程中,也对自身又了更高的要求,比如数字技术的应用必须能够起到改善环境艺术设计及优化环境艺术设计的作用。要充分解决传统设计观念与现代设计观念之间存在的矛盾。这样,数字技术才能够顺利地在环境艺术设计中加以应用。对于环境艺术设计来说,属于艺术及科学两者的有机融合,环境艺术设计之所以能够迅速发展起来,与相关技术的融入是存在较为密切的关联性的。数字技术的融入,为环境艺术设计的创作提供了全新的理念,同时也丰富了设计内涵,使得设 计的美观、舒适感及艺术效果得到有效增强。对于设计师来说,需要重视社会中新技术的出现,认清新技术的价值作用及优势,充分利用,方能使设计效果更加优化,更具艺术感及层次感。(2)数字技术使环境艺术设计步伐加快。数字技术在环境艺术设计中的应用是非常突出的,利用数字技术能够对文字进行有效处理,同时也可以对图形及图像进行有效处理,与传统模式下的环境艺术设计是极为不同的。对于一些刚刚接触环境艺术设计的人而言,能够很好地应用数字技术,并且传达出很好的效果。具体来说,数字技术的融入使得环境艺术设计的步伐得到有效加快。环境艺术设计理念是满足消费者的生活需求的,我们知道传统模式下的环艺设计采取手工绘图的发光法的,这样修改起来就显得较为麻烦,而用数字技术取代传统的手工绘图便能够使后期设计修改更为简单,并且还使得设计更加精准、规范,进一步为设计艺术效果的完美传达提供了有效依据。 (3)数字技术使环境艺术设计速度得到有效加快。在环境艺术设计过程中,充分利用数字技术,能够使图像声音及文字以数字的形式传达出来,这样便能够为设计者构象及方案的成立提供便利。并且还方便设计的修改。数字技术通过部分先进的图形展现技术,让技术和艺术很好地融合在仪器,从而使数字技术的优势充分展现出来。与此同时,通过与传统白描及渲染等技巧的融合,数字技术更加具备表现力及感染力,从而使环境艺术作用更具层次感及优越感。大致上分析,数字技术使环境艺术设计速度得到有效加快,改善了传统手工绘图难以修改的缺陷,使得环境艺术设计效率得到有效提升。 (4)数字技术使环境艺术设计在市场的竞争力度得到有效增强。数字技术中的图文、声像等信息均是一类以数据格式存储的数字文件,通过对有关图形软件的应用,便能够对这些数字文件进行有效转换,用户便能够将这些数字格式的文件调出来,并进行加工处理,进一步使环境艺术设计的效果得到有效增强。在环境艺术设计中融入数字技术,能够使设计成本得到有效降低,同时减低设计错误率,使设计质量得到有效提升,进一步使设计作品在同类设计作品中的竞争力度得到有效增强。充分融入数字技术,对作品的复制拷贝也是极为便利的,同一类稳健能够进行反复印刷及打印,不会导致文件受到损坏,很好地保护了文件的质量。与此同时,通过与网络互交技术及信息传输技术的融合,还能够实现远程文件共享,从而使工作效率得到有效提升。大致上分析,在环境艺术设计中充分利用数字技术,能够使设计产品在市场竞争中的地位得到有效提升,能够提高业主的满意度,从而赢取业主的充分信任。 3结语 通过本课题的探究,认识到数字技术在环境艺术设计中具有多方面的价值作用,包括能够很好地更新设计师的设计理念、能够使环境艺术设计的步伐加快、能够使环境艺术设计的速度加快、能够使环境艺术设计在市场中的竞争力度得到有效增强。显然,数字技术在环境艺术设计中是非常具有应用价值的。对于设计师来说,在环境艺术设计过程中,便需要充分利用数字技术,从而使环境艺术设计的层次感及美观充分展现出来,进一步为环境艺术设计提供充分有效的保障依据。相信在环境艺术设计过程中,充分遵循高度信息化制度管理准则,同时参照国际化标准规划,进一步融入数字技术,将能够使我国环境艺术设计更加优化、更具感染力,从而为经济效益及社会效益的提升起到推波助澜的作用。 作者:李晓刚 单位:昆明学院 环境艺术设计论文:以人为本室内环境艺术设计论文 1人的心理、行为与室内环境设计的关系及其应用 1.1领域性与人际距离 人独自处于室内环境中的时候,其生活与生产活动都不希望收到外界的打扰或者是妨碍,并且其活动的不同对于生理或者是心理范围与领域的要求也不一样,但总归就是一句话,人们都不希望被外来的人或者是事务打破现有的环境。室内环境中,个人也需要与其他人进行必要的交流与接触,但是人际接触的实质是要在接触对象的不同与唱歌的不同上有不同的差异。有研究者曾经用动物的环境和行为的研究为基础,提出了人际距离的理念,然后根据人际交往的密切程度的不同将人际距离进行了不同的定位,分别为密切距离、人体距离、社会距离与公众距离四个程度。其中不论何种程度,都可以根据具体的行为性质将其细分为远方相与接近相两种。也就是说,在距离比较密切的环境中,对与对方可有嗅觉和辐射热感觉为接近相;可与对方接触、握手为远方相。当然,我国民族、宗教信仰、性别、职业与其文化程度的不同都会影响到人际交往,也随之会影响到人际距离。因此,我们在设计的过程中,要不断的了解居住者的生活及其精神设计,然后在满足其需要,最终使其满足整个设计方案。 1.2私密性、“尽端趋向”与心理需要的和谐构建 当前人们往往将自己的居住空间作为隐私对待,这一现象普遍存在在人类社会当中。比如在某一具体的空间范围内视线、声音都是处于单方向屏蔽与隔绝的,他们只希望能够在自己的私密空间内看到更多、听到更多的东西,而不希望其他人来窥探自身任何一点内容。不仅如此,现代室内环境艺术设计还具有尽端趋向性这一特性。例如人们在日常生活当中,率先进入集体宿舍的那一个人自己首先挑选床位必然会更加愿意挑选处于房间尽头的那一个床铺,其目的在于在生活时确保受到更少的干扰。相对于就餐情况来说,在挑选座位的时候,人们都不太愿意挑选靠近门或者是人流较为频繁的地方,在餐厅中靠墙而设的座位也使得了更多的尽端的存在,进而贴近客户在就餐时人们尽端趋向的这一潜在心理,从而这也是人们为何选择这一位置的原因,正因如此我们在进行室内设计的过程中应尽量考虑客户的这一主观意向。 2环境心理学与室内环境设计的“以人为本” 在人与环境这一系统中最为优秀的部分即人,正因如此,我们在展开室内设计工作室也必须要严格遵循以人为本这一原则,确保设计工作中将人的心理需求及生理需求放在第一位。即空间设计工作必须要确保人们能够更加便捷、安全和高效的展开日常工作和学习,从而确保人们在各类环境中都能够较为顺利的获取所需信息,使得空间设计不仅能够在确保人的安全之外获得心理上的舒适感。需要注意的是,以人为本的室内设计工作必须要充分重视人类的精神层面需求。人的需求千差万别,室内设计必须要根据不同需求的人群来展开不同的审美设计,即创造出风格迥异的室内环境。由此可知,此种多元化的设计思维很难脱离人的需求存在,因此必须要在设计始终坚持以人为本的理念。正是由于当前人们对于环保、简谱、自然、温馨等需求,在这一背景下多元化的审美设计走向了室内设计主流。从宏观方向来看,室内设计还应该从可持续发展的思维展开工作,并进一步将以人为本理念上升至以环境为本。同时在具体的环境设计工作时,要合理的对空间利用弹性与效率合理把握,从而在最大限度上减少空间资源的浪费、使有限的空间发挥出最大的效用。最后就是在室内环境设计中选择材料是,要尽可能的选择绿色环保的节能材料,并且使用新的工艺来完成整个设计过程,无论是处于设计中,还是设计结束之后,我们都要倡导环保节能的理念。 3结语 在室内环境设计中加入环境心理学的知识是要从更高层面的设计出符合现代人居住的居住环境,进而为人类创造更加舒适的居住及办公环境。对于现代室内设计而言,设计师不仅要满足人们对于室内装饰的美感、功能,满足不同人群在心理及精神方面的需求。总而言之,室内设计工作者必须要充分发挥自己专长,为人们创造出合理、舒适的空间。 作者:孙晓利 单位:浙江中天建设集团有限公司 环境艺术设计论文:生态理念下的环境艺术设计论文 一、对环境艺术设计的理解 环境艺术设计指对特定环境中对一定的对象进行设计、开发。艺术设计涵盖的范围很广,包涵到园林、雕塑、书法和建筑等方面,环境艺术设计过程中进行规划,设计过程中融入生态环境理念,实现人与自然的和谐相处 二、环境艺术设计为什么要融入生态理念 1、环境需求 社会的进步就是一把双刃剑,给人类带来利益的同时也给生态环境带来了巨大压力,环境破坏带来的一系列问题已然让人们尝到了自己酿造的苦果,人类的生存遇到了威胁,人们开始重视这个我们赖以生存的环境,环境保护意识也逐渐加强。 2、社会需求 艺术是精神和物质的结合,是人类思想的升华和结晶。人类把环境进行改造和美化,不仅突出了环境的审美价值,还传达了生态这一理念,使人与环境和谐地处于一个环境当中,这顺应了社会发展的需要,使生态破坏尽可能降到最低。 3、艺术需求 俗话说:艺术源于生活又高于生活,说明艺术的本质是源于原本的生活现象和自然景象,艺术家们取材于自然界,从自然界获取创作灵感,再和自己的精神情感相结合,最后进行提炼和升华,最终创作出最终的艺术作品,所以,在环境艺术设计中融入生态理念,不仅是环境的需求,社会的需求,更是对艺术的继承和发扬,也是对艺术的崇高与尊敬。 三、环境艺术设计融入生态理念的措施 1、环境艺术设计中融入生态理念 首先,室内设计中融入生态理念,可以发挥创造力,利用贴近于自然的天然材料,营造一个绿化的环境,使人仿佛置身于自然界中,使生态环境再现于室内环境中。设计过程中要注意的是,设计理念要人性化,符合人的需求,要营造温馨舒适的环境,还要注意安全性和环保性,既然要体现生态理念,就要把环保意识融于设计中,切记不要造成浪费和安全事故,达到环保与健康共存的目的。其次是城市景观中融入生态理念。生态环境设计源于生态,要使人们感受到社会、经济和自然环境的统一,使其身心舒适,努力做到以最小的生态破坏换取最大的经济社会效益。 2、环境艺术设计中融入生态理念要坚持以人为中心 环境艺术设计作为一门艺术,最终目的还是服务于人类,其实就是为了打造一个更适于人类生存的环境,可以看出,环境艺术设计的过程必须始终坚持以人为本,要以人的最基本的需求为出发点,这样设计出的作品在满足人们的审美需求的同时还能为人们提供一个温馨、安逸、舒适的环境生活,总而言之,满足人们精神需求的同时最大程度地做到人与自然的和谐相处。 3、运用自然的生态材料 在进行环境艺术设计过程中切勿造成浪费,不然就违背了生态理念。自然生态材料的运用是环境艺术设计中一个重要的部分,像安全性高并且无公害的花草树木可以大量运用和种植,利于人们身心健康又不浪费的生态材料可以大量采用,比如:鹅卵石可以大量运用于路面铺设,可促进人们的身心健康发展,还能让人们感受到视觉上的享受。简言之,在保护生态环境的前提下不要造成材料的浪费,要最大限度地节约资源。 作者:田国鑫 单位:西北民族大学 环境艺术设计论文:项目制教学环境艺术设计论文 1环境艺术设计专业实施“项目制”教学的具体应用 1.1制定具体、详细、科学的工作计划 在选定项目后,教师应该组织学生们自由分组,让学生以项目小组的方式共同完成项目任务目标。项目小组成员可以按照项目任务要求在正式开始实施项目前广泛收集、查阅项目实施的相关资料以及数据,而且进行深入、全面分析,探究科学的研究方法,最后共同讨论一种合理、有效的项目工作计划,制定具体的工作方法以及工作步骤。例如,第3学期设计的“城市绿地景观测绘以及规划设计”的项目中,教师可以先组织学生们直接到达选定地点亲自在现场进行测绘,测绘面积应该 3000平方米。每一个项目小组内成员应该以分组方式完成测绘任务,在现场拍摄一些照片,准确地绘制图表以及现场平面,然后再广泛收集关于本次项目研究的相关资料以及相关的经典案例,然后综合各方面进行评价、分析,采用手绘制作以及拼贴草图进行汇编,最后确定一个合理的设计目标以及设计创意主题,将设计图纸绘制出来后即可完成设计文本。 1.2计划实施 在制定项目实施计划后,项目小组内的学生应该合理分工,明确每一个小组成员的任务,分配成员的合作形式,然后根据实现确定的步骤以及程序严格执行计划。为了确保能够顺利实施学生制定的计划,教师应该进行跟踪控制,并且将相关的教学内容穿插到其中,在整个过程中,教师应该起到监控、指导、组织、引导以及辅助等作用。在计划实施的过程中,教师应该引入关于项目的景观设计方案作为分析案例,这样有利于学生更好地了解现代景观的发展历史以及发展趋势,了解、掌握景观设计的基本程序。 1.3项目评价 这个环节主要有过程性评价、终结性评价两步,其中过程性评价主要是评价项目实施的整个过程,首先学生应该阐述自己执行项目活动的任务情况以及工作结果,对自己进行一次客观评价,然后教师结合学生自评情况进行整体评价。结束项目的过程中,需要进行全面综合汇报,相同专业的很多教师共同成立一个评审小组,每一个项目小组整体将自己调查的资料上交上去,具体的资料包括项目图纸、经典案例分析PPT、调研分析报告等,一定要将各项目小组的组织以及具体实施过程全面、真实地反映出来,明确其中的问题并且提出相应的修改方案。每一个小组都应该选派出一名同学汇报项目的实施情况,最后由评审教师给出客观的评定成绩,通常都是根据图纸绘制质量、设计创意、设计表现、资料收集分析、团队协作精神、图纸数量、图纸质量、表达技能水平等多个方面进行综合评定。 2环境艺术设计专业实施“项目制”教学的效果以及心得体会 环境艺术设计专业学生在实施“项目制”教学方法后,学生对于本专业知识学习兴趣以及学习主动性大大提高,而且在很大程度上提高了学生的协作能力、沟通能力、综合分析问题及解决问题的能力、创新能力、实践能力。笔者认为,在实施“项目制”教学法的过程中,应该以主要教学环节作为重点,主要监测教学设计、作品展示、课程报告、学生反馈以及学业报告等关键环节,还应该注意选定的项目应该高度结合学习课程,项目内容应该具有真实性、连续性,把握好难易程度,严格控制“项目制”教学法的实施质量。“项目制”教学方法的科学性、有效性已经获得社会以及很多企业的肯定和认可,实施“项目制”教学方法可有效提高学生收集信息能力、整理分析能力、沟通能力、合作能力等多方面专业技能。教师在实施“项目制”教学法的过程中应该帮助、指导、督促学生完成项目任务,使学生顺利完成项目目标。 作者:徐凡 单位:贵阳职业技术学院 环境艺术设计论文:传统装饰环境艺术设计论文 一、传统色彩的表现 在我国的传统文化中,色彩元素在装饰艺术中的应用也可以加强艺术效果。不同的色彩往往会在不同的领域中发生微妙的改变,例如当人们想要表达自身喜悦的心情或者营造喜庆的气氛,那么一般就会使用红色为主色调。又比如,在古代,金色与黄色都代表着权力至上,古代的宫殿、帝王的服饰都是以金黄为主。设计师们通过对传统的色彩进行分析利用,就可以使我国传统的文化内涵在现代装饰艺术中表现出来,增强装饰艺术的魅力。 二、传统图形的表现 在环境艺术设计中,一些传统图形甚至能够与现代的载体完美结合,既展现出图形代表的传统意义,又不失大雅之堂,形成一种全新的视觉环境。这里体现出了一种融合的概念,也是一种新思维的创造。同时,也不能忽略了现代环境艺术设计与周围环境有无违和感,以达到充分表达图形含义的目的,赋予现代环境深刻的文化内涵。 三、情感的表达 在古代的建筑设计中,传统文化大多使用含蓄的手法来表达情感,无论是外观还是室内布局,都通过合适的物品陈列和文化图案来承载文化,这种表达手法被称为隐喻。在现代环境艺术设计中,这种隐喻依然受到青睐,也是一种独一无二的表现方式。 四、形神并举,和谐搭配 环境艺术设计作为一项专业的现代设计技术,也要求用现代的审美态度对于传统文化元素进行审视。在此过程中,设计师必须充分理解传统文化,利用现代艺术手段对其开发创新,促进传统文化与现代文化的相互融合。著名的苏州博物馆就是一个最好的例子,它既保留了传统的文化元素,又嵌入了现代审美。将传统文化融入到现代环境艺术设计中,使其形神并举,和谐搭配,充满诗情画意,传统文化的精神更好地展现出来。 1.自然环境搭配色彩 人作为环境中的主体,生来就对大自然亲近至极,同时人们对美好和谐的事物多有特别的倾心。人无法离开自然环境生存,而通过人对大自然的情感烘托,自然环境也可以变得更加丰富多彩。当人们在贴近大自然时,会情不自禁觉得亲近,会自然而然表现出最亲切顺畅的行为方式。值得一提的是,自然界中许多事物都是相对的,就如同你在自然界中永远也无法找到两片一模一样的树叶。然而正因为不加修饰又与众不同,才能带给人们舒适的感觉。站在环境艺术设计的角度上看,设计师在把握色彩的使用时,要考虑到与自然环境是否协调,要学会从自然界中采集独特的元素,也要注重颜色节奏对总体结构的影响,唯有如此,方能达到环境艺术设计的高要求。 2.自然环境融合文化 我国古代的装饰风格具有很强的亲和力,房屋环境的设计与自然界融合尤其体现了这一特色,这是对现代环境艺术设计最好的启示。而这种近乎完美的融合也是人们千百年来实践经验总结得出,其规律性和视觉效果都经得起漫长岁月的考验。比如,古代建筑中的檐柱就扮演着重要的角色,它使得建筑看起来有一种稳定的感觉,而屋角的上翘更是很好地展现了建筑的全局性,充分地表达了处在平衡中的和谐之美。在现代环境艺术设计中,设计师可以借鉴古人的建筑经验,在充分运用传统文化的同时,注重其与自然环境的融合,最终呈现出精美的嵌入型结构,使得处在自然环境中的建筑结构既无突兀之感,又恰到好处地体现出设计的巧妙之处。 作者:田亮 单位:汉口学院 环境艺术设计论文:环境艺术设计文化建筑论文 一、文化建筑环境设计中的审美要素 1.比例和尺度 比例是建筑物整体与局部或局部与局部之间的关系,在空间中体现为长、宽、高之间的比值。建筑环境形式的比例是一种重要的审美要素。根据审美经验,建筑物环境的形式比例存在相同比值关系的时候,整体感觉更和谐,更具有美感。尺度是指建筑环境给人感觉上的大小印象。尺度与建筑物的真实尺寸大小有一定的比例关系,但尺度与比例并不完全相同,审美原则的尺度是一种基于建筑物环境大小而产生的感觉。西方建筑环境设计特别推崇比例和尺度的美,著名建筑学家维特鲁威在《建筑十书》特别强调比例的美学观。文化建筑设计中比例和尺寸往往密切相关,在进行环境设计的时候,应当反复推敲比例和尺度的大小,选择最佳值和最合适的搭配,提升文化建筑的美感。 2.均衡与主从 均衡是指在设计的空间中,各组成部分之间的平衡关系。在自然界中,相对静止的物体能产生视觉上的平衡感,在文化建筑的环境设计中,这种平衡感符合安全的原则,也能达到整体的审美要求。主从与均衡看似相同,其实存在很大区别。主从体现的是各组成部分之间的区别,即各组成要素在整体中所处的地位与所占的比重对整体效果的影响。主从设计可以有效避免设计作品松散和单调的现象。建筑设计中,主从和均衡往往也是相互联系的,过于注重均衡则无主从,过于主从则失去均衡。在进行设计的时候,要全面考虑均衡和主从产生的审美效果,从平面与立面、外部环境与内部空间、从局部到整体等各方面处理好主从与均衡关系,力求取得完整统一的效果。 3.反复与韵律 反复是指以相近或者相同的构成单元按固定的规律出现。反复的设计效果体现为组成要素有节奏和秩序出现的美,一目了然,易于辨认。韵律是指形式要素引起视觉和心理上的律动效果,例如光线、色彩、材质、造型等合乎某种规律时给人的节奏感。反复和韵律并不相同,反复一般是某一要素简单重复出现,而韵律具有极强的连续性和条理性,但是二者都是最基本的构图原理,也是中国古典艺术中流行的构图方式。在环境艺术设计中,合理采用反复和韵律的构图方法,注重简单重复和韵律变化,能使文化建筑设计作品产生生动、活跃、协调、富有节奏的美感。 4.渐变与对比 渐变是指利用类似要素的微差关系进行连续排列而取得统一的形式。渐变设计往往用于对比悬殊较大的要素之间的过渡转化。渐变设计的关键在于基本比率的选择,一般选用等差或等比数列作为渐变比例。渐变的效果一般体现为优美的节奏感、强烈的韵律感和柔和、含蓄的视觉感。例如公园长廊设计往往采用规律变化的廊柱来获得的渐变效果。对比是指各形式要素之间的差异性。对比设计容易刺激人的感官,同时产生兴奋的审美效果。文化建筑设计中常采用此法使造型生动而富有活力。对比的形式主要是“量”方面的对比和“质”方面的对比。对比和渐变往往是成对出现的,渐变就是对了消除对比,而对比又体现了渐变的两个极端。在环境设计中,正确运用对比和渐变,能产生生动活跃而又不失柔和的审美效果。 二、结束语 文化建筑环境艺术设计具有广阔的空间平台,设计者应当注重文化艺术形式多元和内容丰富,在保证建筑物功能性的同时,合理的调整自然环境和照顾人们的视觉感受,注重满足人们内心的审美需求,最创造出高质量的建筑环境艺术设计作品。 作者:霍迪 环境艺术设计论文:中高职课程衔接环境艺术设计论文 一、高职环境艺术设计专业中职和高职课程体系衔接现状 经过长时间的积累和探索,环境艺术设计专业中职教育的实践教学已经逐渐形成一套成熟的模式,中职教育下的学生普遍具有扎实过硬的实践动手能力,方案设计水平也大大提高。相比之下,高职教育还在部分复制本科教育,实践教学不具备明显优势,一些高职院校的专业实践课程的数量和质量并不明显好于环境艺术设计职业教育的内在要求,校内实践基本局限于工作室虚拟项目教学和校外考察,造成环境艺术设计专业高职与中职实践设计课程“倒挂”的现象,特别是材料工艺和模型制作等课程。 二、环境艺术设计专业中高职课程衔接体系问题及原因分析 (一)课程设置以学科为中心 国家在2001年颁布了《中等职业教育园林专业现行指导方案》,中等职业学校在指导方案的规定下制定教学计划。不难看出,中职学校的理论课程较多,理论知识涉猎较全,而我国的高职教育受本科高等教育的影响,课程以学科为中心,没有完全从其课程模式脱离出来形成自己的职业教育特点,不论是课程的模式还是体系,还以大量的理论课程作为专业支撑,这就不可避免地使中职阶段和高职阶段的相关课程部分重复。 (二)专业课程内容缺乏统一标准 职业教育在我国的发展时间较短,较之国外的职业教育还具有较多不完善之处,尤其是高等职业教育。就目前的状态来看,我国教育部并没有对高等职业教育制定统一的课程标准,也没有划分中职学校和高职院校的课程分类标准和课程内容的难易等级。这就会造成职业教育的混乱,中职学校和高职院校制定各自的课程,因此课程标准雷同、课程内容重复的现象时常出现,中高职教育出现“断档”的现象 (三)课程实施未能体现因材施教的原则 辽宁省高职环境艺术设计专业主要招收两类生源的学生,并且进行统一教育培养,一类是来自普通高中的学生,一类是来自中职学校的学生,大多高职院校采用混合教学。普高生没有任何专业基础,而中职生文化基础较差。高职院校在课程设计时往往以招生人数较多的普高生为对象,以零起点设置专业课程内容,也是造成中职、高职课程内容重复的根本原因。近两年辽宁省3所高职院校环境艺术设计专业招生情况,教学模式均采用混合教学。 三、环境艺术设计专业中高职课程衔接体系 建设应遵循的原则职业教育与普通教育的主要区别是“职业化”,我国职业化教育一是中职,二是高职,因此两者均属于职业教育范畴,只是层级不同,为培养优秀的职业人才,中职教育应和高职教育形成一个统一的职业教育体系,这就涉及二者衔接的问题,最终达到有机衔接的优秀就是课程体系的衔接,在进行课程设置的衔接中应遵循一定的原则,才能使中高职形成统一的职业教育体系。 (一)能力本位原则 职业教育首先要明确自身的培养目标,要搞清与普通教育的区别,确定自己的培养方向,这就是明确“能力本位”的问题。环境艺术设计专业无论是在中职阶段,还是在高职阶段都要明确“能力本位”,要培养什么样的学生,通过什么培养手段,教授给学生哪些知识,使学生具备哪些职业能力,这些都是需要在“能力本位”上考虑清楚的问题。所谓环境艺术设计专业的“能力本位”原则,就是要培养学生具有创意思维,扎实的艺术表现技能和良好的沟通协作能力,以适应社会对该专业人才的需求。 (二)市场导向原则 职业院校的培养目标首先要适应市场的需求,因为职业教育首先要为市场提供人才,职业教育的课程设置一定要遵循市场导向,重视实训基地的建设和实践教学的开展,突出环境艺术设计专业的特点,充分开展工作室项目式教学。因此课程设置要具有一定的前瞻性和预见性,并且要针对岗位需求,开设不同层次的实践课程来满足市场的需求。为避免课程重复和实践能力重复,中等职业教育和高等职业教育根据各自岗位的要求,进行技能划分,高职培养的职业技能要强于中职培养的职业技能。 (三)多元化原则 职业教育是培养技能型人才的教育形式,技能的形成是一个复杂的过程,是由简单到复杂、由易到难的过程,因此在进行课程设置时,要考虑到学生对技能的接受程度,合理的编排课程,中职和高职两个培养层次的课程设置要体现技能由简单到复杂,知识点由易到难。中职的课程设置不宜过多过难,要考虑学生的接受程度和理解能力;高职的课程设置要考虑到中职的知识点,否则容易造成课程设置上的重复、断档、脱节等问题。 四、环境艺术设计专业中高职衔接课程体系建设的路径 (一)根据行业需求,确定培养模式 职业院校的教材选用,要具有一定的实践价值,体现职业教育的特点。目前职业院校的教材编写主要是教师,而教师多数较缺乏行业背景。在这种情况下,就需要行业人才参与到教材的编写当中来,把教师的理论知识与行业专家的实践经验融合在一起,形成一个较为完善的符合职业教育特点的教材。同时,要加快毕业生能够尽快适应企业工作,辽宁经济职业技术学院环境艺术系于2009年采取工作室教学模式,模拟公司化管理,项目式教学的方式,让学生提前进入工作角色。 (二)优化课程结构设置 中高职课程衔接涉及到课程内容的衔接,中职学生毕业升入高职,已经具有一定的专业知识,进入高职后与高中生并班学习显然不适当。高中生的文化基础较好,但是专业知识基本空白。两种生源的混班授课必然会影响课程质量。对于普高生源来讲应该对其进行技能补课,充分利用其良好的学习能力快速将技能操作课程基础夯实;对于中职生源来讲,文化基础薄弱,必须对中职生源进行文化基础知识的补习。在教学资源充足的情况下,建议不同生源的学生分班授课,优化高职的课程结构设置,中职生源的学生在项目设计类课程中要体现出设计方案的延伸和提升,要体现出高职的高层次职业教育。 (三)实施学分制管理 中职和高职的课程体系衔接应以学分制为基础,施行动态弹性的衔接。这就给职业教育管理部门提出了一个更高的要求。中职和高职的课程设置,可以由教育部门下达学分标准,中职和高职两种学历对应相应的学分总数。学分制可以解决不同生源学生授课的问题,因此课程设置必须合理。在学分制的大环境下,通过不同生源的导向,让高中毕业生多选择专业基础课程,让中职毕业生多选择文化基础课程,经过一年的学分制课程导向和因材施教,在二年级的时候,两种生源的学生之间的差距就会有所减小,项目设计课程对于所有学生来说就不难开展,同时也符合高职的高层次职业化教育的理念,培养出具有职业能力的设计人才。 (四)建设强有力的师资队伍 职业院校要培养高能力、高素质的学生,就必须有高能力的教师队伍。职业院校的教师要注重自身知识结构的不断提高,具备一定的实践能力,最好能够满足当前行业对职业高级人才的要求。教师要不断更新教育理念,提高对行业的认识和实践能力。环境艺术设计专业注重项目的实践经验,应鼓励教师经常下企业参与实际项目设计。辽宁省职业院校目前加大了对教师培训的力度,让教师自我提升的同时,也给教学带入新鲜血液。中高职的教学管理制度应逐步完善,教学环节管理严格,施行教学管理部门和学生“双监督”政策。高职院校应多开展教师交流,沟通教师教学情况,有助于教师间相互学习和提高。将教师的实践能力纳入到评价体系中去,改变教师授课课时工作量的单一化评价体制。鼓励教师引进企业实际设计项目,提高学生的积极性,具有事半功倍的教学效果,有助于教学和行业之间的接轨,使中职和高职都具有可持续发展的潜力。 环境艺术设计论文:展示空间设计环境艺术设计论文 1.空间的心理学特点 在空间环境中,人往往拥有一块空间,这块空间不仅仅提供了休息的环境,同时也提供心理上的安全感,人们往往不太习惯太高的房屋,人们喜欢站在柱子旁边,这些都是人下意识的找依托感,通过这些空间引起的心理变化,能够很好的处理空间高度以及与周边事物的设计。不同的空间形状往往给人不同的心理感受,如低矮的空间设计,会让人有一种压抑感,动态变化的空间会让人产生一种不规则感觉,圆形空间设计则会使人米欧式方向,空间形态变化很多,所引起的心理也存在很大的差异,只有充分掌握这些联系才能设计出美观的展示空间。 2.基于环境艺术设计心理学的展示空间设计 在展示空间设计中,基于心理学角度分析,需要充分利用围和透的关系。若是一个空间的设计没有采用任何一种透视方法,必然会给人一种压抑的柑橘。若是空间的设计仅仅是开场,就无法充分发挥出内部空间的特征,使用功能无法得到发挥,因此在展示空间的设计中需要把握好围和透的尺度,根据具体需要表现的事物来进行设计。 2.1空间流动性、引导性设计 展示空间本身属于一种三维空间,人不可能一眼看到全部设计,需要在走动中看到各种设计,也就是需要注意看到各个设计部分。在这个走动的过程中,属于一个连续的过程,人们所看到的信息也是一个连续的过程,因此在设计中就需要保证空间变化的连续性,保证每个空间展示的效果都是连贯性的,保证人能够得到好的视觉效果,保证人在行走的过程中感到空间的协调一致性,同时又富有变化,增强人的感受。展示空间在设计中原则上需要保证采用有序性原则,人在参观展览中,具有非常大的流动性,一般是靠右走,走捷径,不走回头路,这就要求空间设计拘留流动性和引导性,合理安排空间布局来安排观众参观,引导人的驻足。 2.2空间长短和色彩的设计 在展示空间设计中,长短因素是影响人们心理的主要因素之一,一般而言在展示空间设计中,高潮部分需要偏向于后部,前面的空间设计让人们产生一种期待感,增强空间的表现效果。在建筑空间的设计中,若是需要强调高潮部分的重要性,满足人们乘兴而归的想法,可以适当加长观赏浏览的空间设计,针对一些比较特殊的物品,在展示空间设计中,高潮部分就需要放在前面,引起人们的新奇感。在展示空间设计中,色彩同样是影响人们心理变化的重要因素之一,色彩具有很强的视觉效果,能够引起人们的注意。心理学研究表明人们在观看事物中,总是先看见色彩,然后再看见物体。在色彩的设计中涉及到了公众色彩心理问题,这是因为对于人而言不同色彩所引起的直觉效果是不同的,同时也受到宗教信仰、社会规范等的影响。如红色在美国象征着健康欢乐,在我国象征着信心、传统等,因此在展示空间设计中需要考虑到色彩对人们心理的影响。 2.3垂直和水平空间的设计 依照心理学分析,在竖直方向上,物体的垂直距离越高越容易引起人的压迫感,因此竖直方向的空间,人们习惯采用远处观看的方式。从空间心理学角度分析,高而瘦的事物会引起不安全感,因此在设计中需要尽量避免出现这种空间设计。在垂直空间的设计中可以采用一种抑扬空间法,将高空间的顶面包装,做成阶梯性的变化,降低人们对空间的不安全感。也可以采用一种叠加空间的设计方法,采用叠加增高的方式获取新的空间。水平空间的设计主要根据不同的空间需求来尽行设计,在展卖空间的设计中要求空间氛围展示空间、休息空间等,宜采用采用维隔空间法,这是一种最常采用的设计方法。也可以采用连系空间设计方式,通过走廊、彩带以及花草等形式来连系不同的空间,增强空间的统一性。渗透空间设计方法是一种综合性的设计,主要达到增加展示层次,达到精致的目的。目前展示空间设计主要方式包括四种,中心布置法是指在空间中心塑造中心,展台多是圆柱状,周边围绕中心设计。散点布置一般使用在不规则场地空间设计中,网络布置法使用在商业展卖空间设计中,是经贸展示空间设计基本方法,重视展位的有序性,混合布置法是前集中设计方法的结合,这也是最常使用的一种。 作者:周广燕 单位:西北民族大学 环境艺术设计论文:多学科交叉环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的概念和发展演变 环境与艺术设计的出现首先要依附于建筑物设计,其次是在建筑物周边的空间进行规划和设计,以达到美的效果。建筑物作为环境的主体,是环境艺术设计的基础,所以环境艺术设计和建筑设计基础是密不可分的。新中国成立后,随着改革开放的号召,科学技术的发展,人们的对生活审美水平的提高使得中国的环境艺术设计的有了很大的发展。随着我国建筑体系的不断成熟,环境艺术设计逐渐被分成两大派,一派是例如古代的壁画等家具装饰纹样以及室内空间规划,统称为室内设计,另一派是围绕着建筑物周围的空间进行规划,从而达到建筑物的艺术效果。这两派统称为环境艺术设计。 二、环境艺术设计多学科交叉特性的发展现状和必要性 1、发展现状 环境艺术设计类学科,是根据我国国情和社会环境的客观需求下逐渐发展起来的。因此环境艺术设计在我国的发展根基并不稳定,面对社会的需求,我国高校对社会发展定位的不准确,使我国缺少大量的环境艺术类学科的人才。毕业生理论知识的不系统,使社会对毕业生的需求供大于求,与社会市场的需求脱节。毕业生的艺术素养与能力参差不齐,距离社会所需要的高素质,高质量的人才还有很大距离。从发展的进程上看,我国艺术设计的教育是从美术教育,机械设计等延伸而成,基础薄弱。当时正值我国经济发展的飞速时期,各高校一直忙于扩大规模,没有对理论知识进行系统化的梳理和整合,有些理论完全就是照搬照抄,没有一套系统的,理论化的环境艺术类学科的知识体系。由于理论知识的缺失,导致各高校对艺术类学科的定位不准确,使我国环境艺术教育发展较缓慢。根据国情的发展,在当时大势所趋下,当时学生都面临着升学难,就业难的情况下,为了顺应国家的综合国力发展,各个高校普遍对学生进行统招,学生素质良莠不齐,很多成绩不好的学生因此走了捷径;在高校中,教师对学科认识不准确,专业性不强,有很多高校都是大班授课,致使很多人没有真正学到东西。在当下随着社会的竞争越来越激烈,市场在这一方面所要要的人才供大于求,正是要求各高校对环境艺术类学科准确定位发展的关键。 2、必要性 就本身高校教育来说,各高校都没有准确定位环境艺术类学科的发展前景以及市场需求,随着社会的不断发展,人们生活水平的提高,大多数人越来越重视精神文化的需求。而对环境艺术类学科定位的不准确,使得大量人才容易走到学习的误区,有悖于市场的发展。造成环境科学类人才培养的缺失,最主要的原因就是对学科本质认识的不彻底。高校因顺应时展的潮流,培养精英化人才。教育发展定位应适应社会发展,顺从大众教育方向。在充分领悟中国传统文化的同时应加以创新,从空间、色彩、生活等方面在进行创造。由于环境艺术类学科范围涉及较广,导致许多院校对其的概念认识定位不准确。随着科学进步的不断发展,环境艺术类学科的理论知识的不断增加和扩充,逐渐融合到新兴的景观设计,空间规划设计,城市设计等。在这不断发展的过程中,逐渐被人们接受。人们审美水平的提高,环境艺术类学科却是能改变生活环境,提升生活质量的最根本方式。 三、环境艺术设计的多学科交叉特性的内涵 信息全球化时代,人们研究对象的方法趋于多元化。单从字面上来说,“环境艺术设计”环境是前提条件,而“环境”一词又颇为广泛,环境分为自然环境和人工环境,自然环境是指自然生长而成的宽泛环境,人为环境是指某些空间设计,经过人为的后期设计而形成的环境。一些宽泛的词也可以统指环境,比如生态,物质,文化等等。环境艺术设计是一门立足于艺术设计的学科,是一门集艺术、科学、文化的综合性发展学科。所谓多学科交叉可以用新的研究方法,用新的眼光去研究问题,从而得到新的发现,使交叉学科得以蓬勃发展,是各个学科的文化知识得以融会贯通。“环境艺术设计”融合了多种学科,是环境艺术和环境设计的总称,包含了美学、建筑学,物理学,人体工程学,园林学,工艺美术学等多学科的研究,各学科相互交叉构成了内容丰富的黄精艺术设计。多学科交叉的发展是教育发展的必然趋势,学科之间的相互交叉创新出新内容,针对环境艺术设计发展的特性,还需要经过更多的实践发展来寻求方案。对学科的交叉性研究,转换新的思想,实践探索出一条跨学科的新的理论体系,以满足社会多方面,多层次的社会需求。这对高校提高人才素质和质量的培养,是一个重要的突破。也对各个学科之间相互联系,资源相互整合,具有重要的现实意义。 四、环境艺术设计的多学科交叉特性的未来发展趋势 环境艺术设计在我国一直立足于实践的发展,随着科技的进步,人们对环境艺术设计也有了理解,从以前的为设计而设计的发展趋势已经演变成美化、舒适的人们所要求的环境设计。环境艺术设计已经成为以“人”为主体的研究方向,人已经变成环境的协调者。随着时间的推移,人们对环境艺术设计的认识加强,使环境艺术设计知识更加融合,理论知识更加趋于系统化。顺应国情的发展,发展可持续世界发展观,我们应积极引导人们走向可持续发展生活方式的设计,建立可持续发展的人为环境是对当今社会发展实践具有重要意义。 五、结语 综上所述,在经济一体化的时代,对于环境艺术类学科的定位,应立足于艺术领域发展。将“可持续发展生态环境”作为新课题进行研究,环境艺术设计的“技术”和“艺术”的结合必然是发展的趋势。对学科交叉特性的研究,应转换新的思想,整合优化资源,对教育体制进行新改革,满足市场的需求。 作者:谷晓龙 单位:石家庄职业技术学院艺术设计系 环境艺术设计论文:家具陈设设计环境艺术设计论文 一、教学方法创新手段 设计教育不能局限于知识的认知过程,而是要在课程体系中全面培养学生对设计定位的敏锐感知力、设计分析的洞察力和设计解决的创造力。教育不但要教会学生认识“What”,更要教会学生认识到“How”和“Why”,积极寻求思维转化途径、提升综合思维能力。 二、教学方法创新目标 1.关注材料与工艺的选择与运用 材料是家具陈设设计的物质基础,而工艺是家具陈设设计的方法基础,制作模型的过程需要学生实践家具的成型工艺以及形态、材质、空间对于家具设计的影响。许多学生在制作过程中体会到了不同材料的性能和构造方法,从而不断总结经验,结合家具的结构特性,在设计过程中避免了出现违背材料特性的结构形式;学习掌握常用家具施工机具的使用方法和注意事项,理解家具构造中各层结构的连接、嵌缝、饰面的工艺,了解家具施工构造,即“结构+基层+面层”的设计原则和内容。 2.关注家具尺度之于人体工程学和经济考量的运用 家具陈设设计不是单纯的“机械设计”,而是以人为本的“生命设计”,仅仅依靠书本上关于人体工程学的尺度数据,学生无法直观、有效地以科学的观点做设计。因此,在家具实践制作过程中,应当引导学生了解常用材料的规格,并学会计算和下料;同时,利用等大实物模型可以随时切身感受家具的尺寸和使用功能,并按需调整其尺寸使之舒适、耐用。 3.关注团队合作及沟通能力的培养 良好的团队协作精神及沟通能力是设计师的基本技能,在课程中引入团队学习的方法可以让学生提前演练自我发展能力和专业表达能力。团队成员之间在方案选择与优化、材料选择与购买、工艺操作与选择上都会有不同层次的沟通与交流,学生走上工作岗位后也会实时与同事、业主、工人、供应商等沟通交流,通过教学上的实战可以提高学生的协作能力和沟通技巧。在教学过程中,教师要重视塑造学生积极的动手能力、分析能力和创造能力,使其养成良好的学习习惯和严谨的工作作风,不仅仅要学会课本知识,更要学会做人和做事。 4.关注创新能力和设计素养的养成 家具陈设设计的教学目标是在保证学生的基础知识完备的同时,努力保护学生的创造性,激发学生的学习热情和创作动力,教师要积极扶持学生设计思维的多元化,补充教科书中没有的背景知识和专业发展的最新动态,在教学过程中让学生了解当今设计行业的概况和发展趋势,使在校学生以从业者的姿态而不是以旁观者的姿态进入这个行业;教学中,通过给学生列出系统的课后阅读书目,以阅读和分析案例培养学生的能力、启发学生的思维。在探索环境艺术设计专业家具陈设设计课程教学方法的过程中,需要注重专业基础教育的知识结构与学生综合素质、职业技能和创新能力的结合;针对教学方法进行相应的系统整合,强化教学内容与手段的贯通机制;扩宽学生的知识面和就业面,为学生学业成功、就业成功、事业成功打下坚实的基础。 单位:武昌理工学院艺术设计学院 环境艺术设计论文:地区经济与环境艺术设计论文 一、环境艺术设计的特征 1.自然性与人文性的统一环境艺术首先是对自然环境中元素加以合理利用,因而环境艺术依赖于自然环境,但是环境艺术不是对自然环境的简单利用,在设计过程中还呈现出对人的爱护与关心人的人文精神。因此环境艺术设计必须做到自然性与人文性的统一才达到追求美好生活的目的。 2.正面性与无害性的统一环境艺术设计要遏制肮脏、丑陋与低俗同时体现出精神上的美好与纯洁,并在此基础上使自然环境与人文环境建立和谐关系。因此,环境艺术设计是一种理性规划上的审美创造,因此,环境艺术系统必须做到整体上的美学设计,从而使全系统体现出正面性与无害性的统一。 3.实用性与审美性的统一由于环境艺术设计脱胎于建筑设计范畴的室内设计,因此实用性是其最明显的特征之一,环境艺术设计必须要考虑人们的生活需求,方便人们的物质生活应该是其根本目的之一。任何对这一本质的舍弃都会失去设计的本意。在满足实用性的条件下环境艺术设计还必须满足人的审美体验。给人创造一个身心健康与愉悦的生活环境,因此环境艺术设计必须做到实用性与审美性的统一。 4.多样性与整体性的统一由于环境艺术涉及的人类生活的各个角落,设计中涉及到的感性质料和个体存在多样性和差异性。但是通过设计必须将这些感性质料和个体通过有机的联系创造出统一的整体意境。 二、地区经济是环境艺术设计发展的基础和源泉 (一)环境艺术设计产生于人类的经济活动 环境艺术设计是一种创造性的活动,它最早出现在石器文化时期,并伴随着人类物质生产活动而产生。其本质是人类进行的原始造物活动,是人类为实现实用价值而进行的物化劳动形态。当在实用价值的基础上渗入一定的审美功能和价值时,这种创造便具有了审美属性和精神价值,原始的环境艺术设计便由此产生。人类的文明史是伴随着从制造工具开始的社会经济活动开始的,环境艺术设计也从这里发源。当我们的祖先把石头制成一件件实用工具时,最早的设计活动就开始了,首先工具的创造必须满足实用性,用起来要方便、省力,以引起主体的快感。同时还要看起来美观大方。因此其制作就需要有一定的设计思想和能力。从某种意义上说创造这种功能和形式相结合的石制工具的原始猎人就是人类第一批设计师。这些与人的生活紧密相联的工具和器物就是最早的环境艺术设计作品。由此可见,环境艺术设计伴随着人类的经济活动而产生,并随着人类文明的发展而发展,虽然现代环境艺术设计的科学性与技术性越来越高,并且由自发转变为自觉地、有目的的创造活动,但作为协调生产和消费之间的手段的经济特征并没有根本改变。 (二)环境艺术设计元素与灵感源于地区经济发展 长期来看,环境艺术设计要想取得进步,离不开这一地区的社会经济发展对于环境艺术提出的新要求以及提供的广阔创作源泉。由于环境艺术设计的设计要求、设计材料、设计方法和表现手段都受制于当地的经济发展水平,因此,环境艺术设计的发展方向和表现元素都是与当地的经济发展水平保持一致的。首先,地区社会经济的发展是环境艺术设计发展的最终推动力。地区经济的发展推动了社会生活水平的不断提高,在这一背景下,人们对工作、生活环境设计的要求逐步由实用性为主、审美性为辅,逐步转变为实用性与审美性并重,并且经济愈发达的地区,人们对环境设计的审美要求越高。这种新要求成为环境艺术设计发展的重要原动力。其次,经济的发展和科技水平的提高在提高经济收入的同时,还不断创造出新材料和新产品,这就为环境艺术设计在原料选择和设计思想上的多元化不断提供了新的可能。再次,由于经济的发展,现代社会从物质层面的多样化到精神层面的多元化都为环境艺术设计的发展源源不断地提供了设计新思路和新灵感。在社会经济高度发达的今天,环境艺术设计不再是客观世界的简单复制,它被多元化的设计选择赋予了强大的艺术生命力和创造力,将我们生活环境中的很多细节,化作了精妙的艺术作品。最后,环境艺术设计的发展和高新科技手段的融合可以丰富设计作品表现力。环境艺术设计的发展依赖于社会科技经济发展提供的高科技手段,社会经济发展支撑下的高新科技手段不断发展成熟,可以为环境艺术设计提供丰富多样的表现手段和表现形式,并促进环境艺术设计理念、方式、目的、途径的不断革新。尤其是随着经济的发展,许多地区已经步入了网络时代,先进的网络信息技术为环境艺术设计创造了更好的表现条件,为环境艺术设计的发展注入了新的动力。 (三)经济因素贯穿于环境艺术设计活动的全过程 人类对物质和精神生活的追求促进了社会的进步和经济的发展,而社会经济的不断发展也必然导致人类对物质和精神生活的新追求。环境艺术设计区别于其他艺术活动的首要特征是它的经济属性。它以艺术与技术为双重基础进行创新设计,来创造着以艺术为表现形式的现代社会的物质文明。而经济因素贯穿于环境艺术设计活动从设计到实现设计的全过程。在产生阶段环境艺术设计师需要把握与设计对象相关的各种因素,然后通过设计思维创造形成设计方案。其中对设计对象的经济价值、市场需求以及设计方案的经济内容等方面都要进行分析,而这些方面无一不体现着经济因素。并且经济因素是影响设计观念的重要方面。实施阶段指的是将设计方案由图纸转变为实体的过程,由于这一过程需要建筑、装饰、机械等多方面的参与,其中的每一步都要受到经济因素的制约。因此也使得环境艺术设计与其他艺术相比更具有明显的经济特征。现代设计是“艺术与技术的统一”。这也是环境艺术设计与其他艺术的主要区别,而在经济高度发展与信息化的今天,我们更应该遵循设计与经济的结合的原则,把握好贯穿于环境艺术设计活动全过程的经济属性。 三、环境艺术设计对于地区经济发展的促进作用 (一)环境艺术设计反作用于经济发展 “科学技术是第一生产力”,一个地区的高新科技的发展是促进这一地区社会生产力和社会发展的重要推动力。在人类的文明史上科技和艺术从没有被割裂开而单独发展的历程,科学技术总是以丰富的形式与艺术相互融合为人类社会经济的发展作出贡献。当然现代环境艺术设计也不例外,环境艺术设计发展的原动力是人们对审美追求的本能。而这种本能,正成为促进社会经济发展的内在动力。同时,环境艺术设计的进步离不开高新技术的不断发展,在其为环境艺术设计提供了多元化的设计思想和设计手段的同时,环境艺术设计也通过其促进人们对社会物质生活的不断需求,从而推动当地的经济发展。从社会生产力的发展过程来看,环境艺术设计通过设计理念与风格的现代化,不断创造出符合社会经济发展和人们的审美需求的优秀产品。而这些产品反过来又会进一步激发人们的审美追求与创作需求,并对环境艺术设计在设计思想、材质和建筑加工技术上提出了更高的要求,这种要求就需要社会经济的发展和科学技术的进步来进行支撑。在这个层面上讲,环境艺术设计可以不断地推动社会经济的发展。 (二)环境艺术设计的发展是社会经济腾飞的翅膀 现代环境艺术设计作为艺术与科技融合的产物同样也是一种生产力,在推动地区社会经济的发展方面起着重要的作用。满足人的使用与审美的双重需求,不仅是环境艺术设计发展的目的,也是其发展的主要动力。人类在生存与发展过程中会产生各种需求。环境艺术设计的发展是以满足、引导和创造需求为目标的。环境艺术设计的手段是对物改造,但是其目的是人。环境艺术设计除了给人带来物质与精神上的愉悦与享受以外,还改变着人们的生活方式。因此,从社会发展的角度来说环境艺术设计是把未来生活和观念的现实化和实物化,其中孕育的是人们对于将来美好生活的审美表达,是人们对所进行经济建设活动作出的艺术化的设想和筹划。因此,强调创造性与个性的现代环境艺术设计不再是对客观世界的低层次改造,具有化腐朽为神奇的力量。所以环境艺术设计已经成为推动地区社会发展的内在动力和经济腾飞的翅膀。 四、结语 环境艺术设计是近期发展起来的一个艺术设计分支学科,由于其设计对象是人们生活和工作的室内外工作环境,设计理念的实现需要各种现代技术的支撑,因此环境艺术设计是艺术与技术的融合。环境艺术设计与地区经济发展是紧密联系、相辅相成的关系。一方面环境艺术设计产生于社会经济活动,需要地区的社会经济进步为其提供设计元素与灵感;另一方面环境艺术设计的发展能够对经济发展起到推进作用,是地区经济发展与腾飞的翅膀。理清和把握这一关系,无论对于环境艺术设计的进步还是当地经济的发展都具有重要的意义。 作者:张乐 单位:安徽工商职业学院 环境艺术设计论文:吉祥文化现代环境艺术设计论文 一、中国传统吉祥文化的概念 在历史悠久的中国传统文化当中,吉祥文化是其中非常重要的一支。传统吉祥文化的产生与发展与中华民族传统习俗和文化背景息息相关,其大多承载着中国人追求幸福、平安、美好的强烈愿望。传统文化以文字、图形、符号等艺术形式体现着吉祥意识,渗透在人们生活的各个方面。随着历史的积累和变迁形成了独具民族特色的中国传统吉祥文化。吉祥文化最初的艺术雏形是象征着神祗的远古图腾,这些古老的图腾是一个民族最初凝聚力的象征。随后,人类对自然的崇拜渐渐延伸至动植物、天体等,对人类社会的美好希冀扩展到长寿、团圆、品格等。传统吉祥文化的内涵和形式也愈加丰富,从天文,生物到人时令,凡是人们认为好的事物都会体现在吉祥文化之中。如龙图腾,是按中国人的思维方式复合虚构的形象,组合了多种动物的不同身体部位,寓意尊贵祥瑞,作为几千年来中国人恒定认同的民族象征流传至今。 二、传统吉祥文化在现代环境艺术设计中的应用方式 传统吉祥文化在现代环境艺术设计中有着广泛的应用,但是很多应用都是简单地将传统吉祥文化元素照搬,很难与现代环境相协调,给人以刻板的印象。由于传统吉祥文化具有独特性和隐性语言,因此需要研究传统吉祥文化的组成元素,需要深入挖掘传传统吉祥文化的内涵,将其隐藏的文化思想和审美思想作为环境艺术设计的指导思想,与现代环境艺术设计和谐自然地相融合。 (一)图形的重构 传统吉祥文化在现代环境艺术设计中最直接的表现形式是图形、纹饰和符号。现代环境艺术设计需要以创新性的形式运用吉祥图案元素,重新构图整合成新的图形,以融入时代特性。在现代环境艺术设计中应用吉祥图案的主要手法有分解转化、打散再构和变形。分解转化是指,根据现代环境艺术设计的主题,将吉祥图案进行分解、提炼,创造出新的图案;打散再构是对吉祥图案的原型进行分解、移动、切割、变换位置,重新构成图案;变形是指,运用现代审美观对图案进行整体或局部改造。现代环境艺术设计将传统吉祥图案按照现代审美要求,对其进行重构,以满足现代设计的使用需求和审美需求。如家居设计中最常见的玄关,通常采用回纹以起到装饰、分隔空间的。回纹在中国传统吉祥文化中代表富贵不断。玄关中的回纹经过了放大变形,以减少材料使用,同时满足玄关的功能要求,并且富贵不断的寓意也表达了主人对美好生活的追求。 (二)融合吉祥思想 现代环境艺术设计中,在运用吉祥图案的同时也需要传承传统吉祥文化,从文化的角度出发,传承吉祥文化中的价值观、哲学思想和审美。吉祥思想融合现代艺术设计主要有两个方向:与整体环境的融合和吉祥色彩的应用。吉祥思想与整体环境融合时,应当避免大量运用吉祥图案元素,而是将吉祥思想融入到设计当中,如建筑环境中“天人合一”的思想符合建筑风水理论,被人们视为吉祥。如北京香山饭店,巧妙地融入吉祥思想,堪称传统与现代紧密融合的典范。室内引入江南水乡设计理念,建有庭院、假山,种有绿植,透明屋顶,整个环境很好地体现了人与自然和谐相处的吉祥理念,让人们在封闭的室内空间中,享受大自然的妙趣。颜色是能够带来强烈视觉感受的元素,是现代环境艺术设计中不可缺少的重要部分。在传统吉祥文化中,黑白代表朴素庄重、红色代表喜庆、紫色代表清丽脱俗等。在现代环境艺术设计中,颜色仍表现出其独特的吉祥文化内涵。如黄色代表土地,经常被用于室内地板的颜色,让居者感觉回到了大地的怀抱,感受到安宁和放松。 三、结语 中国数千年的历史,使得传统吉祥文化已经深入人心,在现代社会仍表现出蓬勃的生命力。传统吉祥文化在现代环境艺术设计中的应用,既是传统吉祥文化对现代环境艺术设计的影响,又是传统吉祥文化在现代环境艺术设计中的传承和发展。在科技迅速发展的今天,传统吉祥文化的传承和发展显得更为重要,更需要获得人们的关注。 作者:刘宇
文化建筑环境艺术设计研究:基于审美视角的文化建筑环境艺术设计 摘要:文化建筑的环境艺术设计不仅仅是要建立在不断发展的科学技术基础之上,而且还应该满足民众日益追求的多元化审美需求,才能呈现文化建筑的纷繁多样性,才能让精彩绚丽的新型独特的文化建筑既符合民众的审美心理,又能贴近时代、贴近本土文化气息,才能让文化建筑更具魅力与吸引力。 关键词:审美角度;文化建筑;环境艺术设计 引言 文化建筑在生活中随处可见,给友们的生活带来很多的情调和乐趣文化建筑的环境是围绕建筑主体概念而专门设计的表现形式和载体,对构建具有高艺术价值的文化建筑具有重要意义随看现代艺术水平的提高和生活方式的变化,人们对文化建筑环境艺术设计要求审美越来越高。 1基本概念 1.1关于审美 市美、是客观存在的感受和体验,它更多来源于人们的心理话动,同时受到客观囚素的制约建筑、是技术与艺术结合的产物,在其作品创作中,市美话动既有助于设计者从更广泛的角度去深化作品,同时又叫一以辅助他们更准确的把握受众的心理,使创作始终贯穿以人为本的理念,达到其“天人合一”艺术效果 1.2文化建筑 文化建筑属于公共建筑,是人们日常生话和进行社会话动小叫一缺少的场所。文化建筑包含的类型较多,常见的有展览建筑、文教建筑、纪念建筑、演出建筑及特定环境的风景建筑等等。在西方国家,文化建筑甚至是衡量一个国家和城市发展水平的重要标志。文化建筑越多,或者建筑水准越高,就说明这个国家的文化经济水平越高。如今,文化建筑的类型越来越多样化数量也旱现出小断增加的态势(见表D} 1.3文化建筑与环境艺术设计 文化建筑的设计是功能一艺术一技术的空间组合,三者应达到高度的统一。优秀的建筑设计小能脱离总体关系孤立地进行,应将它融入特定的环境之中去考虑。 (1)在建筑设计的环节中,环境艺术设计主要是以环境来作为衬托,结合整体建筑物的使用功能与相应的标准,通过物质手段的辅助以及美学原理的分析,从而创造出能够满足当下民众物质文化生活的室内以及室外环境。 (2)环境艺术设计作品不仅仅可以实现文化建筑的基本使用价值,还可以在更广泛的范围内体现环境氛围以及建筑特征等精神层次的要素和特征。 2文化建筑的审美特点 2.1审美主体的大众性 随着信息社会的不断发展,民众日常生活中的文化因素日益凸显。在一定程度上说,环境艺术设计正是传达与弘扬了这种大众文化。在社会文化民主化、价值观念多样化、公众需求多元化的现今时代,文化建筑应当为民众不同的文化需求营造新的空间以及创造新的形象。“一切都是艺术”,文化建筑应该是把日常生活当做文人景观,拥抱大众生活,倾力展示人类与环境的见证物场所。文化建筑以及室内外环境应该是易于接近与理解的、能为民众自我学习提供服务的、可以促进文化传播的公共交流“论坛”的理想模式。基于审美主体的大众化,文化建筑依靠自身的公共文化特性来吸引民众的眼球,从而把自己打造成公共文化中心。 2.2文化传达的模糊性。 信息具有限制性与非限制性之分的特点。限制性信息可以用精准的言语来描述;非限制性信息具有不确定性,它需要用感觉来体会,只能依靠比较含糊的言语来描述。然而,环境艺术设计所要传播的文化信息正是这种模糊性很大的非限制性信息,当其表达不清楚的时候需要人们去修缮和联想。所以,不管是接收到的信息量,还是接收到的信息内容,都因每个人的感受不同而有所区别的。由于室内外环境设计主要是对人与建筑关系进行研究的学科,一方面人自身是一个复杂的有机体,拥有许多的模糊性思维,难以用精准的言语来描述;另一方面室内外环境设计学科涵盖的内容十分广泛,复杂性越高精确表达的程度就越低。所以,人们不能对所传播的文化信息一点一点地仔细思考,而只能抓住其中的主要部分。 2.3审美知觉的直观性。 在这视觉传达时代里,文化建筑环境艺术设计通常以“视觉”为文化传达的存在基础,又因为在人类所有的感官中只有视觉与听觉属于认识性的感官,所以视听有别于其他感官形态,它能够直观有效地把握世界,领会其含义。更深一层讲,在人的视听感知中,视觉比听觉更具有优势,因为它不仅仅具有感知和理解的直接性,而且还能跟图像与形象紧密相连。由此可以把视觉与听觉的关系转变为视觉-图像与听觉-语言这两层关系。换言之,相比听觉,视觉具有图像对语言的优势。 3文化建筑环境设计中的审美要素 3.1比例和尺度 比例是建筑物整体与局部或局部与局部之间的关系,在空间中体现为长、宽、高之间的比值。建筑环境形式的比例是一种重要的审美要素。根据审美经验,建筑物环境的形式比例存在相同比值关系的时候,整体感觉更和谐,更具有美感。尺度是指建筑环境给人感觉上的大小印象。尺度与建筑物的真实尺寸大小有一定的比例关系,但尺度与比例并不完全相同,审美原则的尺度是一种基于建筑物环境大小而产生的感觉。文化建筑设计中比例和尺寸往往密切相关,在进行环境设计的时候,应当反复推敲比例和尺度的大小,选择最佳值和最合适的搭配,提升文化建筑的美感。 3.2均衡与主从 均衡是指在设计的空间中,各组成部分之间的平衡关系。在自然界中,相对静止的物体能产生视觉上的平衡感,在文化建筑的环境设计中,这种平衡感符合安全的原则,也能达到整体的审美要求。主从与均衡看似相同,其实存在很大区别。主从体现的是各组成部分之间的区别,即各组成要素在整体中所处的地位与所占的比重对整体效果的影响。主从设计可以有效避免设计作品松散和单调的现象。建筑设计中,主从和均衡往往也是相互联系的,过于注重均衡则无主从,过于主从则失去均衡。在进行设计的时候,要全面考虑均衡和主从产生的审美效果,从平面与立面、外部环境与内部空间、从局部到整体等各方面处理好主从与均衡关系,力求取得完整统一的效果。 3.3反复与韵律 反复是指以相近或者相同的构成单元按固定的规律出现。反复的设计效果体现为组成要素有节奏和秩序出现的美,一目了然,易于辨认。韵律是指形式要素引起视觉和心理上的律动效果,例如光线、色彩、材质、造型等合乎某种规律时给人的节奏感。反复和韵律并不相同,反复一般是某一要素简单重复出现,而韵律具有极强的连续性和条理性,但是二者都是最基本的构图原理,也是中国古典艺术中流行的构图方式。在环境艺术设计中,合理采用反复和韵律的构图方法,注重简单重复和韵律变化,能使文化建筑设计作品产生生动、活跃、协调、富有节奏的美感。 结语 综上所述,随着时代的发展,文化建筑的审美主体更加趋向于大众化。文化建筑环境艺术设计具有广阔的空间平台,设计者应当注重文化艺术形式多元和内容丰富,在保证建筑物功能性的同时,合理的调整自然环境和照顾人们的视觉感受,注重满足人们内心的审美需求,最创造出高质量的建筑环境艺术设计作品。 文化建筑环境艺术设计研究:文化建筑环境艺术设计论文 经济的发展推动了文化建筑在整个建筑体系中的发展,图书馆、文化馆、博物馆、展览馆、美术馆、影剧院、电视台等等文化建筑的新建设,不仅改变了传统的文化建筑体系,还增加了城市建筑结构的美观性和实用性。从审美心理角度观察文化建筑,其建筑结构和内部装饰都体现出高水准的艺术价值,所以相对于其他设计结构,环境艺术设计内容更为丰富。随着我国人民生活方式方方面面的转变,加上多元文化的不断融合,故而人们的审美观也发生了变化,进而对文化建筑的环境艺术设计理念产生的影响可见一斑。本文从审美艺术学的视角,对我国文化建筑设计结构的环境艺术设计内容进行逐一阐述和分析。 一文化建筑与环境艺术设计 人们审美经验和审美愉悦是艺术活动的本质特征,审美的方法可以在环境艺术设计体现,同时,环境艺术设计中也有审美需要。 (一)文化建筑 文化建筑是一个泛指,即允许人们参与、游嬉的,对国民提供素质教育的场所。各类博物馆、展览馆,还有剧院、图书馆、音乐厅、美术馆,甚至于酒吧、游乐园都属于文化建筑,另外有名的学府以及作为旅游景点的历史遗迹都在此范围内。文化建筑对于一个国家来说至关重要,因为它的类型、数量和质量是衡量城市发展的关键指标。 (二)环境艺术设计 环境艺术设计是指以环境为衬托、结合建筑物的使用功能与相应标准,运用建筑美学原理和物质技术手段,设计创造出能够满足民众物质生活与精神文化生活需要的功能合理齐全、舒适优美的室内外环境。通过环境是艺术设计,文化建筑能充分发挥其文化教育功能,还可以营造富有特色的精神文化内涵。该设计以“人”为中心,重视人的实际需求,为人提供能让其身心得到满足的环境。通过文化建筑设计,让建筑内部的自然环境、环境内部的视觉秩序以及人的存在环境和生活质量三者有机统一,和谐一致。文化建筑环境设计是环境设计中的最广阔的领域,也是建筑设计领域中最具魅力的部分,它集中体现了环境设计中艺术性的层面。 (三)以环境艺术设计为载体的文化建筑环境设计 可以让文化建筑在不同社会背景下展现出不同的设计理念,早在封建王朝,建筑设计师就懂得应用相对独立的组墙划分统治者与平民生存领土[2](P118)。现如今,我国文化与经济飞速发展,文化建筑中环境设计的价值更为突出,每个国家、地区都有象征性的文化建筑,如法国的凯旋门、印度的泰姬陵、英国的大本钟、埃及的金字塔还有我国的长城等,所以文化建筑要想突显文化价值,其存留环境也必须起到强有力的支撑作用。 二文化建筑的环境艺术设计与审美心理 (一)美与审美心理 马克思主义美学对美是这样阐述的:“任何一个事物都有主观倾向美和客观倾向美两种,从心理角度看来,事物引发的感知觉心理波动是人们对美最直观的理解感受。”[3](P324)文化建筑所体现出来的美感是一个相对矛盾的综合体系,复杂环境与社会发展情况相互联系、相互影响,二者在发展过程中势必会对建筑的直观美学享受和客观美术价值体现产生较大的影响,所以针对个人来讲,美与审美心理对文化建筑的影响巨大,人的生理机能是主导这些感情因素的主要诱因[4](P120)。审美心理学是研究和阐释人类在审美过程中心理活动规律的心理学分支。所谓审美,主要是指美感的产生和体验,而心理活动则指人的知、情、意。因此审美心理学也可以说是一门研究和阐释人们美感的产生和体验中的知、情、意的活动过程,以及个性倾向规律的学科,由此可见,审美心理学也是介于美学与心理学之间的边缘学科。心理学能够阐明那些有助于设计师们进行创作的理论问题。在一个文化空间当中,到底是什么东西吸引者我们?当我们每个人在空间中活动,通过视觉、听觉、触觉、嗅觉接触对象之后的心理反映既不是完全相同的,也不是极端个性化的。因此,设计师通过把握现当代人们审美心理的共性和倾向来指导文化空间环境艺术设计,多样化的艺术设计语言的发展和综合运用又可以引起人们审美情感上的共鸣。文化建筑的审美感受,将富有时代美感的文化建筑呈现给公众。 (二)环境艺术设计与审美 1.环境艺术设计与审美的创造环境艺术设计是人的合规律、合目的相统一的审美创造活动。艺术设计创造着前所未有的合乎自然规律和人类需要的生活环境,这就是它的审美创造意义之所在。马克思说理解的劳动是活的、是塑造形象之火。马克思这里说的“劳动”,不是重复的、机械的、“死”的劳动,而是有目的的、合规律的劳动,即经过设计的、富有创造性的、“活”的劳动。如恩格斯在《自然辩证法》中所指出的:“人离开动物愈远,他们对自然界的作用就愈带有经过思考的、有计划的、向着一定的和事先知道的目标前进的特征。”[3](P234)愈是复杂、高级的生产劳动,就愈需要进行周密细致的艺术设计,它们的审美创造意义也就愈大。环境艺术设计的审美创造意义,表现在它是一种汲汲于美的追求的创造性活动。创新是它的灵魂。没有创新,也就没有艺术设计的生命。诚然,环境艺术设计十分重视流行性、公众性,必须顾及在公众中流行的审美观念和审美爱好,否则它的设计不会被人们所接受。对于环境艺术设计来说,必须重视独创性、前瞻性,要能预见公众审美观念和审美爱好的发展趋势,推陈出新,不断创造。如意大利前卫设计集团“孟菲斯”的李特萨斯曾经指出:当查理·依姆斯设计出他的椅子之时,他其实并不只是设计一把椅子,而是设计一种坐的方式。所以,环境艺术设计实质上是对人的生存方式的设计,这种“生存方式”,包括着工作、劳动、休憩、娱乐、交往、饮食、交通、居住等等一切人的存在和活动方式,这是艺术设计对社会最重要的审美创造。 2.环境艺术设计与审美的欣赏环境艺术设计有审美观赏意义而其他的技术设计都没有这方面的意义。何谓审美观赏?它是在对审美受体的体验和感受中获得心理美的感受,包括审美愉悦和享受。这其中建筑的色彩、设计与居室是否和谐,是否符合自己的审美爱好,即更重视它的审美观赏意义。环境艺术设计的审美观赏意义的大小,与人们对它在感觉上产生满足的程度相一致。固然,对艺术设计的审美观赏,一般要以使用价值作为基础;如果在技术上、使用上存在缺陷,那么它的外形就不会让人喜爱。但是,艺术设计之所以具有审美观赏意义,其直接原因却在于它的形式完善地表现了它的内容,人们的情感愉悦和精神满足是直接因为它的内外形式的合理、悦目产生的。所谓“观赏”,最主要是观赏艺术设计物化成果的外形式美,在艺术设计的美学规则上,外在形式是其美的主要表现形式。 (三)环境艺术创作语言与审美的心理———以中国首都博物馆为例 博物馆作为典型的文化建筑,在世界各地均有著名的博物馆。中国首都博物馆作为我国最大的综合类博物馆,在环境艺术创作语言上有着其独特的审美。 1.设计的公众需求 文化建筑环境设计所体现出来的物质价值只能满足公众一部分的感官享受,并不能引起建筑与思想上的共鸣,文化建筑体现的是生活和思想交流功能,所以要想加深艺术情感,首先要提高建筑本身环境设计风格的精神价值。做到贴近生活,其设计结构能够服务于公众,体现思想上的真诚和审美享受。人的思想对建筑设计师的行为能力的影响很大,在统一设计主题的影响下,建筑设计师必须充分调动人与环境的协同作用,给人带来实用享受的同时,为观众呈现一个新颖的审美角度。以中国首都博物馆为例,因为中国首都博物馆保存了我国著名的文化遗产,所以馆内陈列的文物都具有很好的文化价值,由时间、种类、内容等分类方法对文物进行分类,并按照分类内容将文物有序地放在博物馆中,不仅可以突出文物的收藏价值,还能进一步体现出文物在博物馆环境艺术设置中的突出位置。从认知角度,文物的排放方式、陈列时间都具有明显的艺术享受价值,所以具有地域特色,精神特色、思想特色的文物陈列专区,其艺术审美价值更高。 2.设计思维的变化 传统设计理念讲究的是文化建筑的服务功能,融入审美理念的文化建筑则不同,要在提高环境艺术内涵的同时,适当引入符号设计元素,利用符号设计的手法强制性地提高审美理念和规范的融合性[5]。环境艺术的矛盾性不仅仅会呈现出相反的艺术理念,有时也会给公众呈现出不一样的艺术情感,所以文化建筑在设计思维上要推陈出新,尽可能地应用一些创造性的设计思维,找到现代设计理念与审美观念的结合点,以自我角度和服务性角度开展创造性的环境艺术设计项目。中国首都博物馆主展厅宽敞明亮,且馆内一切陈列物品都是依照其建筑格局排列的,并不会显示突兀的感觉。室内外环境设计与室内文物表现出了浑然一体的气质,中国五千年的文化历史使博物馆的文化气息浓重,所以在构思阶段,设计师更注重体现环境与文物文化思想上的共鸣和时间追溯的历史价值,浮雕、书籍、模型、沙盘等多元素文物组成主展厅的展览群,在这个展览群中设计师运用背景音乐和多媒体演示以及相关文字介绍将文物的视觉、听觉、思想内涵有机地融合在了一起,整体环境设计全方位地展示了博物馆想要表达的主体感性认识。 3.审美视野的传达 在环境艺术设计中应加入复杂且简单的设计思想理论,通过信息的多样化丰富环境艺术设计的思想内涵和文化内涵。信息的延展性和扩充性可以大幅度提升文化建筑的服务价值和设计价值,充分体现出文化建筑的交流意义。因此对民族文化传统有所了解,审美习惯有所认识,对设计师而言是相当必要的。古典文学在表现人类感官意识之前,通常会对其思想信息进行综合评估,评估结果可以展现出人类在事物面前的生态意识和人文导向,建筑设计师可以利用这些多元化的理论倾向,感受公众在论定文化建筑的艺术价值时的重心和侧重点。所以,在后现代主义设计,都是通过主客体间的物质性和艺术性的形式和意义的融合创造着审美文化,并在物质性、文化性、审美性的融合中探索和寻找自己的创造性逻辑中介[6](P120)。空间表达是环境艺术设计的终极目标,通过改造空间环境可以增进文物与建筑结构之间的关联性,所以在满足文物使用要求和观众观赏要求的基础上,设计师还增添了空间使用功能,以提高博物馆展厅内空间功能的多样化,使观赏者在观赏的过程中不会因为单调的空间环境而感到无聊乏味。用玻璃墙壁建造成的中空墙壁不仅能够消除观赏者的审美疲劳,同时还提高了对参观效果的思考、情感,以及感官冲击力。总的说来,中国首都博物馆是我国最大的综合性文化建筑,建筑本身是一座具有浓郁文化古典美的艺术品,并没有将传统的设计理念加注在文化建筑中,整体建筑富有时代感,文物陈列方式也打破常规,采用生活化的排列方法,让公众在欣赏文物的过程中能够切实感受到家与生活的文化环境[7](P197)。 三结语 审美心理是文化建筑环境艺术设计存在和发展的源泉,而这种源泉的生命力在依靠不断发展的科技手段同时还要贴近时代,符合当今时代的审美特征,因此对文化建筑环境艺术设计的研究也不能完全停留在技术层面而掩盖其本质与精华的部分。由此可见,在科技迅速发展的时代背景下,解决国内文化建筑环境艺术设计问题的有效方式既不是运用多少数字化高科技手段,也不在于从形式上借鉴多少国际流行的设计风格,而应是从根本上解决具有时代特征的审美心理与整个环境设计相结合的问题。诸多理论研究与设计实例证明,审美情感对观众认知深度与信息交流质量有着非常重要的影响。同时当代文化建筑中的环境艺术设计也体现了审美的特征。这为以后文化建筑的环境设计提供了启示。首先,要注重审美主体的大众性。相对于其他艺术形式,文化建筑及其环境艺术都是置于社会之中,供人们时刻感知和体验的开放式的艺术形式。文化建筑中环境艺术的审美主体毫无疑问是广大普通群众,而非某个特殊的受众群体。审美主体的大众性也因此成为了当代文化建筑中环境艺术设计基础性的审美特征。注重审美主题的大众性随即成为环境艺术设计的根本出发点。其次,要重视信息传达的发散性。发散性的信息传达是对于多元艺术需求的一种表达。人们对于文化建筑中环境艺术在审美意识上的信息感知不再是线性的对于某个特定审美状态的感知而是以发散性的、多元的感知方式从各个维度对其艺术内涵和思想进行感知。这种变化表现的是当前文化艺术表现的发展趋势。最后,要重视文化传达的融合性。文化和艺术的交流与融合是当前世界发展的主题。这种交流与融合影响着各种不同形式的文化作品和艺术作品。当代文化建筑的环境艺术设计中,中国传统文化和西方文化以各种形式或多或少地融合在一起。文化传达的融合性使得文化建筑中的环境艺术设计以更加丰富多彩的形象呈现在群众面前。文化传达的融合形式也要表现在其环境艺术设计的方方面面。 作者:万然 朱华亮 单位:南昌大学艺术与设计学院 文化建筑环境艺术设计研究:文化建筑环境艺术设计研究 摘要:近年来,多元文化设计艺术观念在我国文化建筑环境设计中得到广泛的应用,对国内文化建筑环境艺术产生了较大的影响。环境艺术设计是城市建设和发展进程中非常重要的一项内容,具有超高的文化艺术价值,也是我国设计理念多样化的重要体现。艺术设计的基本特征审美经验和审美愉悦,因此,对建筑环境进行设计时,就必须要考虑人们的审美需要。本文主要针对审美心理角度下我国文化建筑环境艺术的设计进行探讨。 前言 社会经济的不断发展的,推动了我国文化建筑艺术设计的发展与进步,美术馆、图书馆、文化馆、展览馆、电视台以及影剧院等文化建筑日益增多,不但对传统文化建筑体系进行了完善,也使得城市建筑结构更美观、更实用。如果要从审美心理的角度对文化建筑进行观察和分析,就会发现文化建筑的结构、内部装饰以及环境设计方面都具备很高的艺术价值,因此,与建筑的结构设计相比,建筑环境艺术的设计的内容更加多样化。 环境艺术设计和文化建筑概述 1.环境艺术设计的概念 环境艺术设计主要是指将环境作为衬托,根据建筑物具体的使用功能和标准,通过建筑美学的原理与物质技术方面的手段,设计的能够达到满人们在物质与精神文化生活方面实际需求和审美的室内外环境,通过对优秀的环境设计,让文化建筑文化教育的功能得到充分的发挥,给人们营造出一个独特的文化环境。 2.文化建筑的概念 文化建筑所指领域非常广泛,其中包括所有可为人们提供玩乐、参与的共公场所,例如展览馆、博物馆、图书馆、美术馆及游乐园等公共文件化场所。另外,有名的学府,以旅游景点开放让人们参观、游览的历史遗迹也包含在文化建筑的范畴之内。文化建筑是一个国家必不可少的组成部分,建筑的类型、数量及质量能将这个国家城市发展的水平充分的体现出来,是衡量一个因家经济发展的重要标准备。 文化建筑的审美心理与环境艺术设计 1.美和审美心理 文化建筑体现的美是相对矛盾和复杂的综合体系,而环境与的社会发展的实际情况之间则是相互联系、相互影响的关系,两者在不断的发展进程会文化建筑艺术的直观美享受和客观艺术价值的体现带来了很大的影响,因此,美与审美心理也影响着的文化建筑的设计效果,而设计者的生理机能和心理感受就是其审美观念的主导和诱因。审美主要是指人们见到某一事物后,心理上产生的美观与体验,心理波动则是指人们对外界事物的知、情以及意,而审美心理学则对人们如何产生和体验美感的过程进行研究和分析。 2.环境艺术设计与审美 (1)创造审美与环境艺术设计环境艺术设计就是指人们对规律和目的进行综合之后,开展的审美创造活动,艺术设计可以创造出更符合自然规律和人类需求的艺术环境,这也是创造审美与环境艺术设计的本质意义。建筑环境的艺术设计对于流行性与公众性非常重视,设计者需要对大多数支持的审美观念和爱好进行全面的考虑,否则共设计出来的艺术作品就难以得到大众的认可和喜爱。因此,作为一名优秀的环境艺术设计员,必须在自己设计的作品中强调独创性与前瞻性同,根据公众审美观念和爱好未来的发展趋势,坚持推陈出新的设计原则,这样设计和创造出来的环境艺术才能受到人们的喜爱。(2)审美和环境艺术设计的观赏环境艺术设计非常重视审美观赏意义,审美观赏就是指人样在体验和感受中获得的心理美感,也包括审了美愉悦和享受。因此,建筑环境设计的色彩和居室的和谐,是否能够满足受众审美爱好和需求,就取决于其审美观赏的意义。在建筑环境的艺术设计中,审美观赏性高低,和人们看到环境后感觉上产生的满足程度成正比,所以,艺术设计里的审美观赏,大部分都把其存在的价值作为基础,一旦建筑环境艺术设计在使用功能和技术都存较大的问题,那么这件作品在外形于的观赏意义就会降低,人们自然也就不会对其产生美感。 基于审美心理角度下我国文化建筑环境艺术设计需要注意的问题 1.强调审美的大众性 不同于其他的艺术形式,文化建筑和环境艺术的都来自于社会,也存在于社会,是能人们随时感知和体验的作品,是一种开放性很强艺术表现形式。文化建筑环境艺术的审美受体所有的民众,而不是某一个要或是某一个群体,因此,审美受的大众是现代文化建筑环境艺术设计中最基本的审美特征,也环境艺术设计最基本原则。 2.强调融合性的文化传达 文化和艺术两者间的完美交流与融合,是现代艺术设计发展的重点,文化和艺术的交流和融合,对各种类型和形式的作品都有着非常用重要的影响。因此,在现代的文化建筑环境艺术设计过程中,设计者应该通过各种形式将中国传统文化艺术和西方文化艺术进行有效的融合,进而让我国各类文化建筑环境艺术作品能够味以更加的多样化的形象出现在大众的视野中。结束语总之,审美心理是现代文化建筑环境艺术设计不断发展的动力和源泉,需要依靠先进的科技手段进行创造和完善,才能创造出与当前时代审美特征相符的设计作品,由此可见,将审美心理和整个文化建筑环境艺术设计相结合,至关重要。 作者:周文明 文化建筑环境艺术设计研究:文化建筑环境艺术设计思考 摘要:在人们得到了足够的物质条件时,就会开始寻求精神上的追求,而文化建筑的环境艺术设计正是这样的一个表现,本文通过介绍文化建筑的审美与环境艺术设计,来进一步的探讨文化建筑的环境艺术设计。 关键词:文化建筑;环境艺术设计;关系 1引言 因为时代的快速发展,我国的城市加强对文化建筑的需求,尤其是那些一线二线的城市。因为建筑是为了大众所设计,那么自然而然的在设计当中就要以人们为设计的中心点,不论是在审美还是在使用上都是要牢牢地结合住人们的所需,而想要在设计之中牢牢地抓住“人”这一中心点的话,那么文化建筑的环境艺术设计功底就需要比较的深厚,进而能够将一个符合大家心意的文化建筑提供给大众。 2文化建筑的审美与环境艺术设计 2.1环境艺术设计 其是以环境作为一个辅助因素、遵守相应的标准,利用美学手法设计出一个拥有功能完善和舒适的室内环境,同时期还具备更加高的精神文化。文化建筑师文化体育的载体,而环境艺术设计可以将其此功能给发挥出来。环境艺术设计是不能够脱离人儿进行的,因此,在设计的时候要自始至终都要抓住使用者的需求,给其提供良好的环境。同时文化建筑的设计能够很好的统一使用者感受、内部视觉秩序、建筑周围环境。环境艺术设计被运用的最为全面的领域就是文化建筑的环境艺术设计,能够展现出它的艺术性和实用性层面。 2.2文化建筑 在现今的城市当中,文化建筑属于公共的场所,它的作用主要是给大众提供一个休闲娱乐和相互进行交流的平台。同时它作为一个公共场所,自然设计的时候自然要考虑到大众的需求,所以它能够很好的集聚到不同社会阶段的文化价值观念,能够基本上表达出现代的审美情趣。立足在社会角度而言,文化建筑还能够作为一个衡量的标准来评价国家发展和人民生活水平是否有提高。在文化建筑场地以及基础设施的选择上,要是城市发展的水平较高,就会产生以大众为中心、尊重自然和提供大众舒适的环境等观念,进而站在这样的一个观念之下去进行选择,切将审美和实用价值给融入到设计当中去。它具有一个较好的功能就是使得人、物体、自然的联系更加的紧密,让人能够初一个较为舒适的环境下去感受人文关怀的生存环境,能够身心自如的处在自然文化于社会文化自如。 3建筑设计和环境艺术设计的关系 3.1建筑设计和环境艺术设计的关系 不断发展的经济,在强大了国家的同时也提高了人们的生活水平,当温饱得到了满足时,人们就会开始寻求精神上追求,因此,现代建筑的外观和功能在人们快速提高的生活水平之下,自然,对于它的要求也就会变得更加的高。因此,审美需求在不断的上升,那么一直维持着之前审美要求的传统设计模式就会显得比较的之后,不能够满足现今大众对审美的要求。现今的人在很多的方面都提高的要求,希望一个事物能够兼具多种事物的功能,自然人们也就开始希望建筑的设计能够丰富它的设计,完善它的功能。所以,建筑所处的综合环境是现代建筑设计着重考虑的因素,要设计的建筑和其周围的环境看起来就像是一个整体。 3.2建筑设计和陈设艺术的关系 陈设艺术是属于空间范围当中的。有效的结合好陈设艺术于建筑设计,对于建设的审美和实用性上能够起到十分大的作用。空间如果只是单纯的将陈设技术给脱离除去,那么空间也就没有什么较多的审美意义了。在设计建筑实用价值的物品时,要建立在挑选和设计物品上,进而有效的去结合好陈设艺术于建筑设计,如果能够很好的做好这一点,能够很大程度上的促进建设美观性和使用性等方面。 3.3与生态环境的关系 生态环境概念在建筑设计领域是21世纪才兴起的新概念,具体而言其的组成部分注有2部分,那就是建筑周围所属无机环境和生物物种。此生态系统从开始到现在一直都维持这样的动态平衡,从而使其能够正常的发挥出子自身的功能,对于这一平衡,在客观上建筑物的参与会对其产生影响,当因这一因素产生的消极影响超出了限度后,那么就会带来毁灭想的灾难给周围的生态系统,在生态系统被毁坏后,就会很大程度上的降低建筑物自身的观赏价值和使用。因此,21世纪给建筑设计主体提出了生态建筑设计的理念,主张是在将对其周围生态环境破坏降到最低的情况下完成在建筑使用目标。且在建筑设计当中,“建筑”是不会进行移动的,这就需要建筑要想和生态环和谐的进行共存,就需要前者去适应后者。想要将环境和建筑较好的给融为一个和谐的整体,所以建筑设计就要对其的布局来进行利用,营造出一个和谐的氛围。 4文化建筑的环境艺术设计的特点 4.1文化内涵嵌入 对于居住的舒适实用度上,文化建筑的环境艺术设计进行了完善了,因此更加的具有人性化,同时,前者还在设计当中嵌入了多元文化内涵,这也就说明了在对环境的构造当中不只是单纯的输入一些生态思想,其更为重要就是让大众在生存环境当中去认真和用自己的身心去感受到设计当中所蕴含的一些为人处事以及人鱼自然的关系等等。比起人和自然和谐的相处以及环境的舒适,这里面所含的文化意义要重要的多。人们在设计当中能够体会到多重的感受,除了生存环境的被改善还有历史文化遗迹精神文化的熏陶。如水立方,在我们不但惊叹被应用在它当中高科技技术还有其建筑风格的独特艺术造型理解。“水善利万物而不争”是其设计思想,在外形上,水立方就像个盒子一样,而这种造型会让它更加的具有立体感,鸟巢也同水立方具有一样的设计理念和传统的文化,两者都市属于的2008年奥运的标志性建筑,这样的建筑有效的结合了建筑功能和文化内涵极。 4.2造型思维的应用 文化内涵能够对环境艺术设计中的历史文化内容进行一个加深作用,同时培养环境艺术设计的造型思维和构思。对于传统文化而言,在建筑的风格上,文化建筑的环境艺术设计给其提供很好的布局及造型上的学习。这种效仿行为只是一种建立在它基础之上的一个创新,而不是一味的照搬,对于传统文化造型和布局上,现代设计师会会进行艺术上的加工,那么造型在环境艺术设计的加工之后会更具有创造性。比如设计师在对巢体育是馆惊喜设计的时候,为了让建筑看起来能够达到他所想要的效果,对于巨大的钢筋,其采用了镂空等方法相互交错焊接形成巨型网状结构,所以鸟巢在远观是像个巨巢。在设计鸟巢时,设计师将阴阳太极的中线给加入到了设计中,从而使得整个造型既不失现代感又具备中国的特色感。 5结束语 纵观历史,可知建筑具有资格来能够代表人类文明。同时城市建筑还能够作为一把衡量的标准来衡量城市发展的程度。对建筑配套设施进行完善,塑造环境,是有利于人类聚居,与此同时也是有利于人类历史发展的,但是在这当中我们努力是使得环境能够个生存和谐的相处。 作者:李旋 单位:广东省装饰有限公司 文化建筑环境艺术设计研究:审美心理角度的文化建筑环境艺术设计研究 社会经济的发展,使得文化建筑对整个建筑体系持续发展意义非凡,图书馆及文化馆和美术馆等文化建筑逐年增多,此类新建设改变了传统文化建筑体系,且提升了城市建筑结构美观性、实用性。基于审美心理角度分析文化建筑,其各种结构及内部装饰无一不体现着高水准艺术价值,环境艺术设计内容也是极为丰富、多样。随着国民生活方式的改变,经济水平的提升,多元文化的持续融合而使得人们的审美观出现了颠覆性变化,这也影响了文化建筑中环境艺术设计理念。 一、概念界定 审美心理,往往人们将其释义为对美的感受及体验。具体来讲,其主要是人们于美的体验中享受情感自由的过程。文化建筑环境设计的优秀程度,关乎着设计师对相关理念的理解和更多创作灵感,其可充分引导大众审美心理,是设计师掌握大众审美心理普遍性、趋势性的重要参考;文化建筑,文化建筑是人们日常生活中普遍的建筑类型,有利于我们生活及学习。文化建筑通常是指可提供学习及休息和娱乐的公共场所,比如图书馆及博物馆和美术馆等类建筑。文化建筑数量及质量和类型影响着一个城市的发展,文化建筑多样性极为关键,可为人们日常生活及娱乐和学习提供更大空间;环境设计,环境设计主要是指不影响建筑应用功能而利用建筑美学理论知识,再结合现代化机械设备,基于环境而设计创作出是应有人们物质及文化两方面需求的室内外环境。其应具备健全的功能性设施,且务必体现所处城市的文化氛围及城市风格与历史文化等。环境设计应以人为本,着眼于人们的需求来提升人们生活质量,设计创作极具实用性、美观性的室内外环境。 二、现今大众文化建筑中艺术设计审美需求 当今大众文化建筑中艺术设计审美需求主要是,崇尚自由、阳光、多样化。现今的文化建筑呈多样化发展趋势,但也还是遵循社会主流,崇尚自由、阳光。我国文化底蕴非常浓厚,古代文化建筑亦是历史中的伟大工程,传统文化影响着建筑思想传承及人们的审美观,其间文化环境艺术设计也随之变化。环境艺术设计承载着传统文化继承及建筑艺术的使命,随着人们建筑思想观念的不断变化,传统建筑思想也应逐渐淡化,以寻找适应于现代化社会发展的新型审美理念及审美取向。并且,人们的审美需求逐渐多元化,受众更需要多感官及立体性审美体验,而并非单一性审美体验。人们所需要的是多元文化风格及艺术风格,而不再是单一文化风格及艺术风格体验。人们的审美体验及感知早已不是仅凭视觉来评判,而是基于多感官及综合性审美体验,文化建筑中的环境设计更应该注重不同颜色及不同形状和不同方位来刺激、吸引人们的眼球,风声、水声、鸟声可用于刺激人们的听觉,草木、花朵可用于刺激人们的嗅觉,这些都是综合性方式带给人们的不同审美体验。 三、文化建筑环境设计基本特征 文化建筑环境设计主要是公共文化交流场所,文化建筑属于各类信息交流中心,早已成为人们日常生活中不可缺少的场所,影响着人们生活学习的各个方面。文化建筑亦是世界各国及各民族之间的友好使者,其基于实物而将文字与图像结合,用这种方式吸引人们的眼球,拓宽人们的眼界,从而丰富人们的文化知识,也是其更深层的了解世界各国的文化风情。文化环境设计均是不同时期而有着不同特点,其属于承载文化多样性的载体。不同时期的社会环境下,文化建筑可体现其文化价值理念及信念。文化建筑环境设计是民族文化的长期积淀,承载了中华文明历史上的各种文明,代表了不同时期的文化发展结晶,更是地区特色不可磨灭的文化理念。 四、结束语 文化建筑环境艺术设计应充分满足人们的审美观,以更具时代气息及活力,基于先进科学技术而将其创造的更加优秀,所构造的文化建筑更近人意。因此,分析基于审美心理角度的文化建筑环境艺术设计,对文化建筑环境艺术设计水平提升有着极大现实意义。本文对审美心理及文化建筑和环境设计这三个概念进行了界定,分析了现今大众文化建筑中艺术设计审美需求及其文化建筑环境设计基本特征,以期提升国内文化建筑环境艺术设计水平。 作者:邱玉蕊 杜佳麟 杨润 单位:河北建材职业技术学院
1目前我国高校艺术设计专业课程的教学现状 1.1艺术专业生人文素质缺乏 艺术类专业在我国目前的发展如火如荼,但是本身的质量却良莠不齐,我国高校对于艺术生的选拔标准较低,且部分高校引入艺术生进行教学的目的是为了吸取艺术生的教学资金,因为相对而言,艺术生比一般的文化生的报名费用高上太多,且对于艺术生,教师的管制力度较松,这就导致了本来文化分数低的艺术生就更难以在高校中学习到更多的文化知识。我国的高考制度是对于艺术生有一定的偏向性,艺术生的文化课成绩的分数标准可以比文化生低几十分或者几百分,且艺术生只要有一定的文化功底和不错的自身条件基本上就可以进入高校中进行学习,这种情况下,艺术生的文化底蕴不够,那么在设计的过程中可能将很难对于设计的整体大局进行系统的掌握,尤其是艺术设计中的建筑结构设计,室内环境设计、服装设计等与文化紧密联系的专业课程,当艺术设计类学生自身的能力没有达到社会的需求水平时,就会造成艺术设计类的学生很难就业的情况发生。 1.2教师的教学理念和教学方式落后 艺术设计常常是与社会的审美水平相联系的,而学生在高校的长时间学习中,其本身虽然能够多多少少通过计算机信息技术来了解外界的审美艺术的变化,然而这些只是冰山一角,行业中一般有很多不为人知的秘密,学生只有真正进入设计行业中才学习到这些专业知识。而教师的对外界的信息了解更少,高校艺术设计教师在高校的教学时间更长,与社会的脱节更加严重,因此艺术设计教师只能根据自身的理论知识来教学,在理论知识的教学中,学生就不能联系实践,大学四年的学习是学生在整个学习生涯中最为关键性的一环,大学中学生要对自己的思维方式和行为方式进行系统的构建,这对学生以后的生活、学习和工作都产生巨大的影响。如果学生在学习的过程中难以理解真实的外界,那么艺术设计专业的学生很可能根据目前的生活进行思维的固化思考模式和设计方式,而一旦进入残酷的社会中会难以适应,阻碍了自身的发展。 1.3高校对于理论课程和实践课程的设置不均衡 高校对于艺术设计课程的分配不合理,理论知识课程设置较多而实践课程设置不足。对于理论课的设置一般过于偏向对学生的专业技能的培养和提升,而缺少与其他科目的联系。艺术设计专业课程与其他的科目其实联系非常紧密,其实践性非常强,例如建筑结构和室内艺术设计中,艺术设计专业学生就要学习与建筑结构相关的知识,但是目前的艺术设计专业中学生所学习的专业课程领域过于狭窄,不利于学生思维的发散性。此外艺术设计专业的实践课程时长设置相对较少,对于艺术专业学生的实践操作能力水平的成长造成了限制。 2艺术专业教学模式创新的方式 2.1确定明确的教学目标,提高教师的教学水平 虽然社会的审美水平一直在不断的变化,但是实际上只要艺术专业教学水平和质量在不断提升,学生的基础扎实,那么艺术设计专业学生就有足够的基础来面对这种变化,甚至引领这种变化的发展趋势。要做到这些,首先就要高校加大对艺术设计专业学生的关注度,制定一个明确的目标,例如,要注重学生的技能培养或者更注重学生的艺术性的培养,要提高学生技能的能力,就是把学生打造成某一个艺术设计领域的工匠大师,而要提升学生的艺术性就是将学生培养成这个设计领域的艺术大师或艺术宗师。但是由于学生自身的天赋的限制,部分的学生只能成为行业中的工匠大师而有些学生就可以成为引领潮流的艺术大师,所以艺术设计专业教师就要对学生因材施教,不断挖掘学生的潜能。 2.2注重对学生的文化知识素养的培养 艺术设计专业与现实衣食住行等等各大行业相联系,因为随着人民经济能力越来越高,满足了基本的生活需求后就会有更高的需求,根据马斯洛需求层次理论所描述的,人最基本的需求是生存需要,而最高的需求是实现自我价值的需求,还有一种需求是满足人们的审美需求,而审美的需求往往与文化相联系,这就要求高校不断加大对学生理论课的培养,培养对学生的文化素养。尤其是我国五千年的文化博大精深,其中有非常丰富的艺术元素能够增加学生的对艺术设计的感悟,例如最近较为流行的复古元素、汉服唐装等等是较为受学生欢迎的艺术设计方向,其中的服装文化和时代的礼仪文化紧密联系,这也能在一定的程度提高学生的文化面,并在此基础不断创新,尤其是目前古装剧的在国内较为火热,如果学生对创业有较大的想法,就可以适当的去学习不同朝代的服装文化,将还原的服装与电视剧的剧组进行合作等。 2.3加大对实践课程的设计比例 艺术设计专业学生无论学习到了什么专业知识,最终还是要在实践中不断运用的,只有加大高校中的实践课程的比例,学生才能将学习到的技能和知识在实践中纯熟运用,在运用的过程中发现自身的不足然后再不断的进行完善来提高自我。在实践课的设计上,高校可以将学生按照自身的专业去不同的企业进行实习,在企业中实习可以学习到行业中的前沿知识,也可以了解到当下人们对艺术设计专业的人的要求和标准,只有感受过行业的竞争是多么激烈和残酷,艺术设计专业学生才能不断的鞭策自身,不断学习和吸收新的知识,提高自主学习能力和不断创新以免被社会所淘汰。 3结束语 社会的发展是动态的、潜移默化的,没有基本的规律可循,艺术设计专业学生要想在这个社会中扎根和发展,首先就要提高自身的综合素质和自主的创造力,而高校也要紧跟时代的变化与时俱进,提高教学质量培养出更多更优秀的大学生。 参考文献 [1]谢海涛.艺术设计类人才培养模式改革初探[J].教育与现代化,2010(94):1-8. 作者:涂逸娟 单位:江西现代职业技术学院
幼儿园环境艺术设计研究:幼儿园活动室环境艺术设计论文 摘要:幼儿园是帮助幼儿适应学习氛围和了解知识的重要场所,幼儿在幼儿园中要学习各种新知识,摆脱对父母依赖的习惯,这是幼儿初次尝试独立的重要过程。但是,对于幼儿的自身发展来说,环境对幼儿的生活习惯及能力培养会带来许多潜在的影响,同时也能通过环境的合理设计来促进幼儿的生长发育,加快幼儿掌握各个运动技能的速度,使幼儿在幼儿园学习中打下良好的基础。当前,我国大多数幼儿园活动室的建设都十分简单,与小学、初中院校的室内设计基本无异,设计方向缺乏对幼儿年龄阶段的考虑,同时也未从人性化角度来思考幼儿的发展需求,使得环境设计难以给幼儿的自身成长及培养带来帮助。对此,本文从人性关怀视角下对幼儿园活动室环境的艺术设计展开研究。 关键词:人性关怀;幼儿园;艺术设计 幼儿园活动室是为幼儿提供的自由活动场所,幼儿可在该室内完成游戏、绘画、唱歌等课程任务,从而使幼儿从中学习和接触新领域的知识。对于幼儿来说,影响幼儿学习与成长的不单单是来自于知识层面,其活动室的环境也是促进幼儿学习的重要因素之一。因此,幼儿园的环境设计在幼儿学习中占据着不可忽视的地位。对于幼儿来说,活动室的环境设计会给幼儿的行为、心理及生理均带来影响,这些影响虽不会立即反映在表面,但实则早已潜移默化地影响着幼儿,长此以往会给幼儿的综合能力带来极大影响。这表示幼儿园活动室的环境设计需充分考虑幼儿的年龄、生长需求及教学需求,使其给幼儿的未来发展带来良好的帮助。 1幼儿特征对活动室环境艺术设计的影响 1.1生理 幼儿园活动室环境艺术设计的最终目的是为了给幼儿打造更舒适、更良好的活动环境,使幼儿在活动室中能够自由学习。活动室作为幼儿园开展教学活动的重要场所,环境设计会关系着幼儿的生活质量,因此在设计时,需充分考虑幼儿的发展需求进行设计。对于4~6岁阶段的幼儿来说,其身高普遍是在96~100cm之间,活动室内的各个尺寸需根据幼儿的平均身高来进行合理设计。同时,该年龄阶段的幼儿其四肢基本已具备了弹跳、攀爬、跑步等技能,活动室的环境设计需能充分满足幼儿的各个生理条件,且室内色彩也尽量以鲜艳为主,室内家具及空间都能满足幼儿的各个运动行为需求。[1] 1.2心理 大多数幼儿在该年龄阶段时都已有了自己的想法,虽然在逻辑思维上还处于初级状态,但对周围环境的认知、色彩认知以及方向认知都已逐渐形成。对此,幼儿园活动室的环境艺术设计可从室内形状、颜色、结构等方向对幼儿的感官进行刺激,进一步增强幼儿感官的认知力。可在室内设计一些兴趣空间,在空间环境内专门培养学生的绘画能力,锻炼幼儿对色彩的感知力,同时也从环境中激发幼儿的想象力,使幼儿对事物有更明确的认知。[2] 1.3行为 幼儿在具备一定的肢体行动力后,其行为方式会开始变得复杂,对于幼儿行为的发展来说,幼儿园活动室的内部环境设施能够对幼儿的行为带来一定的影响,会增强幼儿与他人的肢体交流。在活动室的艺术设计上,其设计方向可选择具备情感的行为设计,如抚摸母亲脸庞的图像设计、打招呼的动作设计等,幼儿在该环境的活动中能够掌握行为的互动方式。[3] 2基于人性化的幼儿园活动室环境艺术设计 2.1功能方面 在人性化关怀视角下,幼儿园活动室的环境功能艺术设计上,其主要包括空间设计、家具设计及玩具设计。在空间设计上,活动室作为幼儿开展各个活动的重要场所,该环境的设计面积需大于50㎡,室内空间无需摆放课桌,应有足够的空间让幼儿能自由的进行各种行为活动。在家具设计上,活动室需充分考虑幼儿的日常需求,设计小型图书架、小桌椅、玩具箱等,在满足幼儿活动需求的基础上,设计多变和多样化功能的家具,可将家具和室内墙面进行结合设计,减少家具占地面积,为幼儿提供更大的活动空间。在玩具设计上,设计者需充分考虑幼儿创造力、想象力、思维能力的发展,设计一些具有益智、提升动手能力、思考能力及运动力的玩具,使幼儿综合能力的发展在物质的帮助下得到提升。 2.2感官方面 在幼儿园活动室感官艺术设计上,其设计内容主要包含色彩、光线、装饰设计。在色彩设计上,需结合幼儿活泼的性格,设计愉悦、轻松的色彩搭配。幼儿对空间颜色有一定的敏感度,也更偏爱丰富的色彩,所以在设计时,需合理运用各个颜色的搭配,但不可过于鲜艳,避免给视觉神经带来刺激。在光线设计上,光是环境设计中的重点内容,也是幼儿在活动室内正常完成各种活动的基础条件。按照幼儿园建筑的设计标准来看,幼儿园活动室窗户与地面之间的比例应为1∶5,而该数据也表明活动室内的采光要求较高,需确保让幼儿视觉保持舒适的状态,能在自然光下进行各种活动。设计者可在窗户上设计不同的色彩组合,使自然光透过窗户形成不同的颜色,让活动室内的颜色更加缤纷多彩。在装饰设计上,幼儿园活动室的室内装饰重点应在四周的墙面,设计者可根据活动室面积及结构,运用丰富的色彩及线条来打造生动的室内形象,减少复杂的装饰设计,可在设计初期让幼儿参与到墙面装饰设计中,促进幼儿想象力的发展,也使活动室的整体风格更适合幼儿的性格及喜好。 2.3个性方面 幼儿时期作为人生成长中的重要时期,所接触的教育、知识、环境均会给其人生带来巨大影响。因此,幼儿园活动室在设计时,需对幼儿的性别、性格、认知程度等进行合理设计,设计出符合幼儿生长要求的室内风格,了解不同阶段如小班、中班及大班幼儿的不同发展需求,加强对不同阶段幼儿心理的关注,设计出符合幼儿个性的室内风格。 3人性关怀理念下幼儿园活动室环境艺术设计发展 3.1科技化 科技的发展给我国的环境艺术设计带来了极大影响,为我国环境设计方式、设计范围、设计领域带来了更广阔的天地。在幼儿园活动室的环境艺术设计上,设计方向可借助一些科技手段对活动室进行多媒体设计、采光设计、自动化技术设计,还可安装红外线警报设施,为幼儿的日常安全带来有效保障。 3.2多元化 传统的幼儿园活动室设计会给幼儿提供一些滑梯、沙地、游戏等活动区域,而在未来幼儿园的活动场地会更大,幼儿能够在宽阔的游戏室内完成各个游戏,并且布局更丰富,室内主题活动区域更多,使幼儿的能力发展得到有效提升。 3.3生态化 传统的幼儿园活动室环境设计大多会配备一些电子设备,这些设备使得幼儿失去了对大自然的喜爱与好奇。对此,在未来的幼儿园活动室设计上,可在环境中融入自然元素,增强室内绿色植物的种植,让幼儿了解不同植物的生长周期,同时还能绿化幼儿园室内环境。此外,幼儿园室内环境在装饰上,需选择环保型材料,减少对幼儿身体的伤害,使幼儿园活动室环境设计更加生态化。 综上所述,幼儿园是幼儿学习和成长的重要环境,对于幼儿环境建设来说,其设计方向不仅要从环境的功能性上进行考虑,还需结合幼儿的感官及个性来进行设计,使其满足幼儿的日常活动需求,也能满足幼儿的成长条件。 作者:宋美儒 唐建 单位:大连理工大学 幼儿园环境艺术设计研究:基于人性关怀视角下的幼儿园活动室环境艺术设计研究 摘要:在学前教育日益发展的今天,幼儿的生存质量得到普遍关注。作为一种“隐性课程”,环境在幼儿园教育活动中开发幼儿智力、促进幼儿良好个性发展方面发挥着重要的作用,同时也越来越受到大家的重视。幼儿园活动室内设计应充分考虑幼儿的特征及其对环境的影响,运用多元的构成要素创造生动、积极、多变的幼儿园活动室内环境。 关键词:幼儿园活动室 室内设计 环境创设 幼儿特征 幼儿园是幼儿长期生活、游戏和学习的场所,幼儿的健康成长有赖于在幼儿园内接受教师指导的游戏、舞蹈、歌唱、绘画、手工等直接的行为课程。然而周围环境对幼儿成长潜移默化的熏陶和影响也是不可忽视的,这种熏陶和影响既可能是积极的,也可能是消极的。最大化发挥环境的积极作用,做好幼儿园环境艺术设计首先必须充分了解幼儿的特征及其影响。 1 幼儿的特征及其对幼儿园活动室内设计的影响 幼儿园环境艺术设计是改善幼儿生存环境、提高幼儿生存质量的重要手段,创造优质的学习生活环境将是幼儿园教育的重要组成部分。活动室是幼儿园环境中最优秀的区域,是幼师进行教学活动,幼儿游戏学习的主要空间,其设计直接关系到幼儿的生存质量。婴幼儿是人在其人生发展过程中的特殊阶段,有着与成人截然不同的特性,幼儿园活动室内设计应充分考虑幼儿的生理、心理及行为特征。 1.1 生理特征 幼儿在3-6岁的平均身高为95厘米-100厘米,幼儿园活动室内的所有尺寸都应该遵照幼儿的平均身高进行设计。在这个年龄段的幼儿已经具备了攀爬、跑跳、投掷、摇荡等运动技能,肌肉的发育相对缓慢,需要视觉的辅助才能很好地控制自身的姿势。幼儿园活动室需要较大的场地满足幼儿的各种行为动作,室内设计应该以鲜艳色彩为主。活动室内设计的空间形态、家具造型及装饰都应为适应幼儿对各项运动技能的行为需求。 1.2 心理特征 幼儿心理在此阶段随着语言的出现而不断发展并拓宽,学会了利用语言或肢体表达自己的想法,但仍处于发展阶段,还无法进行逻辑思维,容易受外界因素的影响,不能正确理解是非对错。幼儿在成长过程中,色彩视觉、空间知觉、方位知觉等感知能力都得到了一定的发展,活动室内设计可通过色彩、形状、肌理、结构等刺激幼儿的感官系统,增强幼儿的感知能力;创造小型兴趣空间,培养幼儿的注意力,利用鲜艳的色彩、丰富的图案保持幼儿的学习兴趣;丰富的想象力有益于提高儿童的再造和创新能力,抽象的图样形式、多变的空间形态、有趣的家具设施更有利于想象力的培养;角色场景的营造有利于拓展幼儿的认知和情感的培养。 1.3 行为特征 幼儿的行为在其各个发展阶段都有着明显的变化,优质的幼儿园环境与设施的提供能加强幼儿之间的相互交往,增进幼儿与人相处的能力。小班幼儿刚脱离婴儿期,应通过视觉、听觉、嗅觉、触觉等不同感官刺激其感知力,获得良好的发展;中班幼儿好奇心强,拥有熟练的行动技能和模仿能力,体验真实情感的主题性设计会更受欢迎;大班幼儿心智相对成熟,动作技巧更加熟练,可进行互动交流的场所是他们所喜欢的。 2 幼儿园活动室内环境艺术的构成要素 活动室作为幼儿在幼儿园中学习生活最主要的空间区域,要想取得好的效果,必须站在孩子的立场上,设计既要满足他们自身的功能需求和审美需求,更应考虑他们在成长过程中的变化,接受新鲜事物并与其互动的能力也不断增强,合理的幼儿园活动室环境设计无疑将有利于儿童智力能力、行为能力与审美能力等方面的发展和提高。 2.1 功能要素 幼儿园活动室是幼师进行常规教学组织,幼儿学习、活动、游戏、就餐的场所,是提供给以班级为单位的幼儿使用的空间,幼儿在园区的50%以上的时间在班级活动室中度过。因此班级活动室是幼儿园最重要、最基本的活动空间,在设计上需充分满足幼儿与幼师在活动室内各种行为的使用需求。 2.1.1 空间 活动室幼儿在活动空间活动行为发生的主要场所,在《托儿所、幼儿园建筑设计规范》中要求活动室的面积不小于50O。优秀的幼儿园活动室内空间不应该是整齐地摆放着课桌椅,靠墙设置收纳柜,而更应该留足够的空间供幼儿自由选择多样活动内容,满足幼儿的行为需求。 2.1.2 家具 家具是活动室内最重要的功能性陈设。活动室内主要的幼儿家具有桌椅、玩具柜、教具柜、图书架、水杯架等。虽然每一类家具都有它特定的功能,但在幼儿园活动室内的家具设计上,我们应该力求多样、多变,不要将思维禁锢在其原本的样式。家具建筑化便成为了新的趋势,将家具的设计与建筑空间的界面结合起来,既有效地节约了空间面积,又极大地丰富了空间形态,准确地将幼儿的特征考虑进来,将其功能最大化。 2.1.3 玩具 玩是幼儿的天性。幼儿园教育中最常用的教育方式就是引导幼儿在玩乐中学习,因此玩具是幼儿园活动室内必不可少的。儿童玩具能促进幼儿的运动能力、知觉、思维等各种感官的训练发展;能激发幼儿的想象力;能提高幼儿分析、判断的能力;发展幼儿的表现力和创造力,为儿童的智力、身心健康发展提供了物质条件。活动室内玩具的选择应充分考虑设计的整体性。 2.2 感官要素 功能的满足是对设计最基本的要求,充分考虑到对幼儿的人性关怀,应在满足其行为需求的基础上,还要实现他们的审美需求。 2.2.1 色彩 活动室的色彩搭配应该是明亮、轻松、悦目的。幼儿对色彩十分敏感,同时也十分喜爱多彩的颜色,因此,在活动室内的色彩运用应该准备把握其度,过于鲜艳的色彩会刺激幼儿的视觉神经,并非大面积的颜色就是他们心中最理想的活动空间,而要合理地运用色彩搭配。在颜色的选择上要关注孩子的成长,更要关心他们的心理健康,利用色彩培养他们乐观向上的性格。 2.2.2 光 光是重要的环境摄入,光虽是视觉感官元素,它也是完成各项功能的基础。在幼儿园活动室环境中,自然采光是最主要的光线来源。《托儿所、幼儿园建筑设计规范》中要求活动室的窗地比为1∶5,这就决定了活动室需要获得大面积的自然采光,使幼儿在视觉上感到习惯且舒适,在心理上能和自然更接近、更协调,不仅能看到室外的景色,还能满足精神上的要求。窗户可以适当运用色彩组合,在阳光的照射下,室内形成多彩的投影,令活动室内更加生动。人工照明主要满足阴天、冬天、夜晚等光线不足时的视觉需求,可选择造型新颖别致的灯具。 2.2.3 装饰 装饰是运用各种手段对环境进行美化。幼儿园活动室最主要的装饰界面为墙面。活动室的墙饰主要是运用线条、构图、色彩等手段,将生动的形象、绚丽的色彩和鲜明的主题表现出来。为了更大程度地发挥幼儿在环境中主体性作用,设计师应减少繁复的装饰,给幼儿留出一片天地,让幼儿参与到幼儿园墙面环境创设中来。通过这个过程,使幼儿各方面的能力都得以发展,同时让幼儿园的墙面装饰在不同的主题变现中不断变化,活动室内的环境也更加具有生命力。 2.2.4 游戏 幼儿对游戏的需求远大于食物和睡眠,创设不同的游戏场地是设计师应重点考虑的问题。游戏形式的多样化和各年龄层游戏类型决定了游戏区域不仅仅是一块空地。不同游戏形式的介入,影响着幼儿园活动室环境的空间形态和结构。我们应该将游戏的过程融入到整个空间中来,提升幼儿在活动室空间中的参与性和体验感。 2.3 个体要素 幼儿是人的心理和生理发展的关键时期,这个阶段所形成的思想和习惯将影响终身,优化幼儿教育环境将为其一生发展奠定良好的基础。设计师需要深入研究幼儿年龄、性格、性别等个性因素的差异以及幼儿成长的发展目标及阶段性特征。幼儿园活动室环境装饰艺术设计已不再单纯是功能设计,应更加关注幼L性格和心理活动,注重幼儿个性化设计。 3 幼儿园活动室环境艺术设计的发展趋势 幼儿园活动室环境艺术设计的功能就是创造一种有利于幼儿共同学习、游戏、生活,健康成长的环境。整体设计由设计师完成,除了最为基础的使用安全,幼儿园活动室的设计必然被要求以遵循适应幼儿发展的特定规律为原则,这样才能使得本应有益儿童身心发展的幼儿园整合有利因素,发挥出最大效能。 3.1 主题化 建筑空间总是给人以冷冰、封闭的感觉,幼儿处于心智和体能的发育阶段,客观因素的不良感受对幼儿的心理发展有一定阻碍作用,通过主题化的室内装饰手段,可以利用熟悉的人物、场景吸引幼儿的注意力,给予强烈的安全感,勾起丰富的想象力。通过具体的构成形象、空间层次、主题思想来创造一个适于幼儿学习成长的空间环境。幼儿园活动室内设计的主题及表达形式是多种多样不拘一格的。生活中的各种事物都能成为表现的主题,从幼儿的视角出发,选择他们喜爱的人或物亦或是故事,不要简单地从形式、符号来理解,还应从体现文化内涵的角度去思考,恰如其分地进行主题化的表达,营造生动的室内环境气氛,让儿童感受到一份浓浓的自然情趣,寓教于乐。 3.2 多元化 人们总认为幼儿园的环境里应该有五彩缤纷的颜色,活泼可爱的图画;卡通动物造型的幼儿园大门;阳光下色彩斑斓的滑梯、木马;一个个生动有趣的游戏区、沙池。然而,幼儿喜欢的幼儿园空间远不止这些,人们总是低估了幼儿的审美,片面地理解了幼儿的喜好。幼儿园活动室环境应该是有大气的空气维度,有大面积的落地窗户,有明快的色彩组合,有简单的空间布局。多元化的原则体现在活动室内设计的各个方面:空间表现形式多元化、主题选择多元化、幼儿参与方式多元化、环境创设途径多元化等。 3.3 科技化 科学技术的发展大大影响着环境艺术设计的效果。新科技的应用,拓宽了室内装饰设计的手段,也加深了室内设计的艺术渊源。采光、通风技术、自动化控温系统等科技手段的运用能使幼儿园室内空间获得良好的大气维度,创造舒适的教学环境。红外线报警系统、自动控制、自动化设备,能为幼儿提供一个尽量安全、舒适和自然的室内环境。多媒体、网络技术、介质成像等新型科技产品通过多样的方式能为幼儿的教学提高效率,提升质量。但是科技产品的应用要适中、恰当,避免过量使用,以免起到反作用。 3.4 生态化 幼儿对大自然的向往是与生俱来的,但在现代社会中,电视、网络、手机等电子设备却占据了幼儿的大多数时间,它们抢夺了大自然对幼儿的吸引力。在幼儿园活动室环境艺术设计中,应注入自然的元素特点,使人与自然亲密接触、和谐对话,让幼儿仿佛置身轻松自然的生活环境中,回归他们本真的状态。生态化原则更是要求在进行幼儿园环境艺术设计时要选择绿色环保材料,进行绿色施工,最大程度减少装修对幼儿身体造成的伤害。在进行活动室内的墙面环境创设时,采用幼儿的美工作品作为装饰材料,既强调幼儿的参与性,又减少了材料的浪费。 总之,幼儿园在今日已经成为一个幼儿活动越来越重要的场所,幼儿园活动室的环境与幼儿的健康成长息息相关,环境在幼儿园教育活动中开发幼儿智力、促进幼儿良好个性发展方面发挥着重要的作用,同时也越来越受到大家的重视。幼儿园活动室内设计应充分考虑幼儿的特征及其对环境的影响,运用多元的构成要素创造生动、积极、多变的幼儿园活动室内环境。 幼儿园环境艺术设计研究:幼儿园活动室环境艺术设计研究 摘要:在学前教育日益发展的今天,幼儿的生存质量得到普遍关注。作为一种“隐性课程”,环境在幼儿园教育活动中开发幼儿智力、促进幼儿良好个性发展方面发挥着重要的作用,同时也越来越受到大家的重视。幼儿园活动室内设计应充分考虑幼儿的特征及其对环境的影响,运用多元的构成要素创造生动、积极、多变的幼儿园活动室内环境。 关键词:幼儿园活动室;室内设计;环境创设;幼儿特征 幼儿园是幼儿长期生活、游戏和学习的场所,幼儿的健康成长有赖于在幼儿园内接受教师指导的游戏、舞蹈、歌唱、绘画、手工等直接的行为课程。然而周围环境对幼儿成长潜移默化的熏陶和影响也是不可忽视的,这种熏陶和影响既可能是积极的,也可能是消极的。最大化发挥环境的积极作用,做好幼儿园环境艺术设计首先必须充分了解幼儿的特征及其影响。 1幼儿的特征及其对幼儿园活动室内设计的影响 幼儿园环境艺术设计是改善幼儿生存环境、提高幼儿生存质量的重要手段,创造优质的学习生活环境将是幼儿园教育的重要组成部分。活动室是幼儿园环境中最优秀的区域,是幼师进行教学活动,幼儿游戏学习的主要空间,其设计直接关系到幼儿的生存质量。婴幼儿是人在其人生发展过程中的特殊阶段,有着与成人截然不同的特性,幼儿园活动室内设计应充分考虑幼儿的生理、心理及行为特征。 1.1生理特征 幼儿在3-6岁的平均身高为95厘米-100厘米,幼儿园活动室内的所有尺寸都应该遵照幼儿的平均身高进行设计。在这个年龄段的幼儿已经具备了攀爬、跑跳、投掷、摇荡等运动技能,肌肉的发育相对缓慢,需要视觉的辅助才能很好地控制自身的姿势。幼儿园活动室需要较大的场地满足幼儿的各种行为动作,室内设计应该以鲜艳色彩为主。活动室内设计的空间形态、家具造型及装饰都应为适应幼儿对各项运动技能的行为需求。 1.2心理特征 幼儿心理在此阶段随着语言的出现而不断发展并拓宽,学会了利用语言或肢体表达自己的想法,但仍处于发展阶段,还无法进行逻辑思维,容易受外界因素的影响,不能正确理解是非对错。幼儿在成长过程中,色彩视觉、空间知觉、方位知觉等感知能力都得到了一定的发展,活动室内设计可通过色彩、形状、肌理、结构等刺激幼儿的感官系统,增强幼儿的感知能力;创造小型兴趣空间,培养幼儿的注意力,利用鲜艳的色彩、丰富的图案保持幼儿的学习兴趣;丰富的想象力有益于提高儿童的再造和创新能力,抽象的图样形式、多变的空间形态、有趣的家具设施更有利于想象力的培养;角色场景的营造有利于拓展幼儿的认知和情感的培养。 1.3行为特征 幼儿的行为在其各个发展阶段都有着明显的变化,优质的幼儿园环境与设施的提供能加强幼儿之间的相互交往,增进幼儿与人相处的能力。小班幼儿刚脱离婴儿期,应通过视觉、听觉、嗅觉、触觉等不同感官刺激其感知力,获得良好的发展;中班幼儿好奇心强,拥有熟练的行动技能和模仿能力,体验真实情感的主题性设计会更受欢迎;大班幼儿心智相对成熟,动作技巧更加熟练,可进行互动交流的场所是他们所喜欢的。 2幼儿园活动室内环境艺术的构成要素 活动室作为幼儿在幼儿园中学习生活最主要的空间区域,要想取得好的效果,必须站在孩子的立场上,设计既要满足他们自身的功能需求和审美需求,更应考虑他们在成长过程中的变化,接受新鲜事物并与其互动的能力也不断增强,合理的幼儿园活动室环境设计无疑将有利于儿童智力能力、行为能力与审美能力等方面的发展和提高。 2.1功能要素 幼儿园活动室是幼师进行常规教学组织,幼儿学习、活动、游戏、就餐的场所,是提供给以班级为单位的幼儿使用的空间,幼儿在园区的50%以上的时间在班级活动室中度过。因此班级活动室是幼儿园最重要、最基本的活动空间,在设计上需充分满足幼儿与幼师在活动室内各种行为的使用需求。2.1.1空间活动室幼儿在活动空间活动行为发生的主要场所,在《托儿所、幼儿园建筑设计规范》中要求活动室的面积不小于50m2。优秀的幼儿园活动室内空间不应该是整齐地摆放着课桌椅,靠墙设置收纳柜,而更应该留足够的空间供幼儿自由选择多样活动内容,满足幼儿的行为需求。2.1.2家具家具是活动室内最重要的功能性陈设。活动室内主要的幼儿家具有桌椅、玩具柜、教具柜、图书架、水杯架等。虽然每一类家具都有它特定的功能,但在幼儿园活动室内的家具设计上,我们应该力求多样、多变,不要将思维禁锢在其原本的样式。家具建筑化便成为了新的趋势,将家具的设计与建筑空间的界面结合起来,既有效地节约了空间面积,又极大地丰富了空间形态,准确地将幼儿的特征考虑进来,将其功能最大化。2.1.3玩具玩是幼儿的天性。幼儿园教育中最常用的教育方式就是引导幼儿在玩乐中学习,因此玩具是幼儿园活动室内必不可少的。儿童玩具能促进幼儿的运动能力、知觉、思维等各种感官的训练发展;能激发幼儿的想象力;能提高幼儿分析、判断的能力;发展幼儿的表现力和创造力,为儿童的智力、身心健康发展提供了物质条件。活动室内玩具的选择应充分考虑设计的整体性。 2.2感官要素 功能的满足是对设计最基本的要求,充分考虑到对幼儿的人性关怀,应在满足其行为需求的基础上,还要实现他们的审美需求。2.2.1色彩活动室的色彩搭配应该是明亮、轻松、悦目的。幼儿对色彩十分敏感,同时也十分喜爱多彩的颜色,因此,在活动室内的色彩运用应该准备把握其度,过于鲜艳的色彩会刺激幼儿的视觉神经,并非大面积的颜色就是他们心中最理想的活动空间,而要合理地运用色彩搭配。在颜色的选择上要关注孩子的成长,更要关心他们的心理健康,利用色彩培养他们乐观向上的性格。2.2.2光光是重要的环境摄入,光虽是视觉感官元素,它也是完成各项功能的基础。在幼儿园活动室环境中,自然采光是最主要的光线来源。《托儿所、幼儿园建筑设计规范》中要求活动室的窗地比为1:5,这就决定了活动室需要获得大面积的自然采光,使幼儿在视觉上感到习惯且舒适,在心理上能和自然更接近、更协调,不仅能看到室外的景色,还能满足精神上的要求。窗户可以适当运用色彩组合,在阳光的照射下,室内形成多彩的投影,令活动室内更加生动。人工照明主要满足阴天、冬天、夜晚等光线不足时的视觉需求,可选择造型新颖别致的灯具。2.2.3装饰装饰是运用各种手段对环境进行美化。幼儿园活动室最主要的装饰界面为墙面。活动室的墙饰主要是运用线条、构图、色彩等手段,将生动的形象、绚丽的色彩和鲜明的主题表现出来。为了更大程度地发挥幼儿在环境中主体性作用,设计师应减少繁复的装饰,给幼儿留出一片天地,让幼儿参与到幼儿园墙面环境创设中来。通过这个过程,使幼儿各方面的能力都得以发展,同时让幼儿园的墙面装饰在不同的主题变现中不断变化,活动室内的环境也更加具有生命力。2.2.4游戏幼儿对游戏的需求远大于食物和睡眠,创设不同的游戏场地是设计师应重点考虑的问题。游戏形式的多样化和各年龄层游戏类型决定了游戏区域不仅仅是一块空地。不同游戏形式的介入,影响着幼儿园活动室环境的空间形态和结构。我们应该将游戏的过程融入到整个空间中来,提升幼儿在活动室空间中的参与性和体验感。 2.3个体要素 幼儿是人的心理和生理发展的关键时期,这个阶段所形成的思想和习惯将影响终身,优化幼儿教育环境将为其一生发展奠定良好的基础。设计师需要深入研究幼儿年龄、性格、性别等个性因素的差异以及幼儿成长的发展目标及阶段性特征。幼儿园活动室环境装饰艺术设计已不再单纯是功能设计,应更加关注幼儿性格和心理活动,注重幼儿个性化设计。 3幼儿园活动室环境艺术设计的发展趋势 幼儿园活动室环境艺术设计的功能就是创造一种有利于幼儿共同学习、游戏、生活,健康成长的环境。整体设计由设计师完成,除了最为基础的使用安全,幼儿园活动室的设计必然被要求以遵循适应幼儿发展的特定规律为原则,这样才能使得本应有益儿童身心发展的幼儿园整合有利因素,发挥出最大效能。 3.1主题化 建筑空间总是给人以冷冰、封闭的感觉,幼儿处于心智和体能的发育阶段,客观因素的不良感受对幼儿的心理发展有一定阻碍作用,通过主题化的室内装饰手段,可以利用熟悉的人物、场景吸引幼儿的注意力,给予强烈的安全感,勾起丰富的想象力。通过具体的构成形象、空间层次、主题思想来创造一个适于幼儿学习成长的空间环境。幼儿园活动室内设计的主题及表达形式是多种多样不拘一格的。生活中的各种事物都能成为表现的主题,从幼儿的视角出发,选择他们喜爱的人或物亦或是故事,不要简单地从形式、符号来理解,还应从体现文化内涵的角度去思考,恰如其分地进行主题化的表达,营造生动的室内环境气氛,让儿童感受到一份浓浓的自然情趣,寓教于乐。 3.2多元化 人们总认为幼儿园的环境里应该有五彩缤纷的颜色,活泼可爱的图画;卡通动物造型的幼儿园大门;阳光下色彩斑斓的滑梯、木马;一个个生动有趣的游戏区、沙池。然而,幼儿喜欢的幼儿园空间远不止这些,人们总是低估了幼儿的审美,片面地理解了幼儿的喜好。幼儿园活动室环境应该是有大气的空气维度,有大面积的落地窗户,有明快的色彩组合,有简单的空间布局。多元化的原则体现在活动室内设计的各个方面:空间表现形式多元化、主题选择多元化、幼儿参与方式多元化、环境创设途径多元化等。 3.3科技化 科学技术的发展大大影响着环境艺术设计的效果。新科技的应用,拓宽了室内装饰设计的手段,也加深了室内设计的艺术渊源。采光、通风技术、自动化控温系统等科技手段的运用能使幼儿园室内空间获得良好的大气维度,创造舒适的教学环境。红外线报警系统、自动控制、自动化设备,能为幼儿提供一个尽量安全、舒适和自然的室内环境。多媒体、网络技术、介质成像等新型科技产品通过多样的方式能为幼儿的教学提高效率,提升质量。但是科技产品的应用要适中、恰当,避免过量使用,以免起到反作用。 3.4生态化 幼儿对大自然的向往是与生俱来的,但在现代社会中,电视、网络、手机等电子设备却占据了幼儿的大多数时间,它们抢夺了大自然对幼儿的吸引力。在幼儿园活动室环境艺术设计中,应注入自然的元素特点,使人与自然亲密接触、和谐对话,让幼儿仿佛置身轻松自然的生活环境中,回归他们本真的状态。生态化原则更是要求在进行幼儿园环境艺术设计时要选择绿色环保材料,进行绿色施工,最大程度减少装修对幼儿身体造成的伤害。在进行活动室内的墙面环境创设时,采用幼儿的美工作品作为装饰材料,既强调幼儿的参与性,又减少了材料的浪费。总之,幼儿园在今日已经成为一个幼儿活动越来越重要的场所,幼儿园活动室的环境与幼儿的健康成长息息相关,环境在幼儿园教育活动中开发幼儿智力、促进幼儿良好个性发展方面发挥着重要的作用,同时也越来越受到大家的重视。幼儿园活动室内设计应充分考虑幼儿的特征及其对环境的影响,运用多元的构成要素创造生动、积极、多变的幼儿园活动室内环境。 作者:尹婧 单位:长沙师范学院 幼儿园环境艺术设计研究:幼儿园环境艺术设计研究 摘要: 幼儿园是帮助幼儿适应学习氛围和了解知识的重要场所,幼儿在幼儿园中要学习各种新知识,摆脱对父母依赖的习惯,这是幼儿初次尝试独立的重要过程。但是,对于幼儿的自身发展来说,环境对幼儿的生活习惯及能力培养会带来许多潜在的影响,同时也能通过环境的合理设计来促进幼儿的生长发育,加快幼儿掌握各个运动技能的速度,使幼儿在幼儿园学习中打下良好的基础。当前,我国大多数幼儿园活动室的建设都十分简单,与小学、初中院校的室内设计基本无异,设计方向缺乏对幼儿年龄阶段的考虑,同时也未从人性化角度来思考幼儿的发展需求,使得环境设计难以给幼儿的自身成长及培养带来帮助。对此,本文从人性关怀视角下对幼儿园活动室环境的艺术设计展开研究。 关键词: 人性关怀;幼儿园;艺术设计 0引言 幼儿园活动室是为幼儿提供的自由活动场所,幼儿可在该室内完成游戏、绘画、唱歌等课程任务,从而使幼儿从中学习和接触新领域的知识。对于幼儿来说,影响幼儿学习与成长的不单单是来自于知识层面,其活动室的环境也是促进幼儿学习的重要因素之一。因此,幼儿园的环境设计在幼儿学习中占据着不可忽视的地位。对于幼儿来说,活动室的环境设计会给幼儿的行为、心理及生理均带来影响,这些影响虽不会立即反映在表面,但实则早已潜移默化地影响着幼儿,长此以往会给幼儿的综合能力带来极大影响。这表示幼儿园活动室的环境设计需充分考虑幼儿的年龄、生长需求及教学需求,使其给幼儿的未来发展带来良好的帮助。 1幼儿特征对活动室环境艺术设计的影响 1.1生理 幼儿园活动室环境艺术设计的最终目的是为了给幼儿打造更舒适、更良好的活动环境,使幼儿在活动室中能够自由学习。活动室作为幼儿园开展教学活动的重要场所,环境设计会关系着幼儿的生活质量,因此在设计时,需充分考虑幼儿的发展需求进行设计。对于4~6岁阶段的幼儿来说,其身高普遍是在96~100cm之间,活动室内的各个尺寸需根据幼儿的平均身高来进行合理设计。同时,该年龄阶段的幼儿其四肢基本已具备了弹跳、攀爬、跑步等技能,活动室的环境设计需能充分满足幼儿的各个生理条件,且室内色彩也尽量以鲜艳为主,室内家具及空间都能满足幼儿的各个运动行为需求。[1] 1.2心理 大多数幼儿在该年龄阶段时都已有了自己的想法,虽然在逻辑思维上还处于初级状态,但对周围环境的认知、色彩认知以及方向认知都已逐渐形成。对此,幼儿园活动室的环境艺术设计可从室内形状、颜色、结构等方向对幼儿的感官进行刺激,进一步增强幼儿感官的认知力。可在室内设计一些兴趣空间,在空间环境内专门培养学生的绘画能力,锻炼幼儿对色彩的感知力,同时也从环境中激发幼儿的想象力,使幼儿对事物有更明确的认知。[2] 1.3行为 幼儿在具备一定的肢体行动力后,其行为方式会开始变得复杂,对于幼儿行为的发展来说,幼儿园活动室的内部环境设施能够对幼儿的行为带来一定的影响,会增强幼儿与他人的肢体交流。在活动室的艺术设计上,其设计方向可选择具备情感的行为设计,如抚摸母亲脸庞的图像设计、打招呼的动作设计等,幼儿在该环境的活动中能够掌握行为的互动方式。[3] 2基于人性化的幼儿园活动室环境艺术设计 2.1功能方面 在人性化关怀视角下,幼儿园活动室的环境功能艺术设计上,其主要包括空间设计、家具设计及玩具设计。在空间设计上,活动室作为幼儿开展各个活动的重要场所,该环境的设计面积需大于50㎡,室内空间无需摆放课桌,应有足够的空间让幼儿能自由的进行各种行为活动。在家具设计上,活动室需充分考虑幼儿的日常需求,设计小型图书架、小桌椅、玩具箱等,在满足幼儿活动需求的基础上,设计多变和多样化功能的家具,可将家具和室内墙面进行结合设计,减少家具占地面积,为幼儿提供更大的活动空间。在玩具设计上,设计者需充分考虑幼儿创造力、想象力、思维能力的发展,设计一些具有益智、提升动手能力、思考能力及运动力的玩具,使幼儿综合能力的发展在物质的帮助下得到提升。 2.2感官方面 在幼儿园活动室感官艺术设计上,其设计内容主要包含色彩、光线、装饰设计。在色彩设计上,需结合幼儿活泼的性格,设计愉悦、轻松的色彩搭配。幼儿对空间颜色有一定的敏感度,也更偏爱丰富的色彩,所以在设计时,需合理运用各个颜色的搭配,但不可过于鲜艳,避免给视觉神经带来刺激。在光线设计上,光是环境设计中的重点内容,也是幼儿在活动室内正常完成各种活动的基础条件。按照幼儿园建筑的设计标准来看,幼儿园活动室窗户与地面之间的比例应为1∶5,而该数据也表明活动室内的采光要求较高,需确保让幼儿视觉保持舒适的状态,能在自然光下进行各种活动。设计者可在窗户上设计不同的色彩组合,使自然光透过窗户形成不同的颜色,让活动室内的颜色更加缤纷多彩。在装饰设计上,幼儿园活动室的室内装饰重点应在四周的墙面,设计者可根据活动室面积及结构,运用丰富的色彩及线条来打造生动的室内形象,减少复杂的装饰设计,可在设计初期让幼儿参与到墙面装饰设计中,促进幼儿想象力的发展,也使活动室的整体风格更适合幼儿的性格及喜好。 2.3个性方面 幼儿时期作为人生成长中的重要时期,所接触的教育、知识、环境均会给其人生带来巨大影响。因此,幼儿园活动室在设计时,需对幼儿的性别、性格、认知程度等进行合理设计,设计出符合幼儿生长要求的室内风格,了解不同阶段如小班、中班及大班幼儿的不同发展需求,加强对不同阶段幼儿心理的关注,设计出符合幼儿个性的室内风格。 3人性关怀理念下幼儿园活动室环境艺术设计发展 3.1科技化 科技的发展给我国的环境艺术设计带来了极大影响,为我国环境设计方式、设计范围、设计领域带来了更广阔的天地。在幼儿园活动室的环境艺术设计上,设计方向可借助一些科技手段对活动室进行多媒体设计、采光设计、自动化技术设计,还可安装红外线警报设施,为幼儿的日常安全带来有效保障。 3.2多元化 传统的幼儿园活动室设计会给幼儿提供一些滑梯、沙地、游戏等活动区域,而在未来幼儿园的活动场地会更大,幼儿能够在宽阔的游戏室内完成各个游戏,并且布局更丰富,室内主题活动区域更多,使幼儿的能力发展得到有效提升。 3.3生态化 传统的幼儿园活动室环境设计大多会配备一些电子设备,这些设备使得幼儿失去了对大自然的喜爱与好奇。对此,在未来的幼儿园活动室设计上,可在环境中融入自然元素,增强室内绿色植物的种植,让幼儿了解不同植物的生长周期,同时还能绿化幼儿园室内环境。此外,幼儿园室内环境在装饰上,需选择环保型材料,减少对幼儿身体的伤害,使幼儿园活动室环境设计更加生态化。 综上所述,幼儿园是幼儿学习和成长的重要环境,对于幼儿环境建设来说,其设计方向不仅要从环境的功能性上进行考虑,还需结合幼儿的感官及个性来进行设计,使其满足幼儿的日常活动需求,也能满足幼儿的成长条件。 作者:宋美儒 唐建 单位:大连理工大学
“无界化”,是指没有国界的限制。在教育教学工作中,可以将“无界化”这个含义广义延伸成为没有专业、系部,乃至于学院其他部门之间的限制,这样就可以从宏观的角度实现“无界化理念”在课程教学中的实际应用。追踪溯源,“无界化”教育理念的鼻祖是新加坡南洋理工学院(简称NYP)。它推出的这一教育教学理念成功打破了理论与实践的界限,冲破了鸿沟,是职业生涯规划中不可或缺的成功案例。“无界化”教育理念受到了广大高等院校的“追捧”,成为了很多高职高专院校学习的榜样。通过在新加坡南洋理工学院研修班的学习,笔者深刻领悟到“无界化”理念是一个系统化的学习过程,贯穿于教育教学活动的始终,我们应积极主动接纳外部的新鲜事物,敢于创新,摒弃过去陈旧、老套的教育教学模式,实现“无界化”对接的项目化教改新模式。积极有效发动身边优秀的师资力量,推动教学管理的有序化,创新教学改革新思路,加大与企业的密切合作,将教育教学资源重新整合,最大限度地实现教学资源的最优化,避免教学资源的冗余和人才的浪费,促进高职院校教学质量的提升。 1“无界化”理念在高职艺术设计类项目式课程教学中的研究价值 1.1以人才培养目标为依托,打破学科界限,实现资源整合 通过在新加坡南洋理工学院的短期培训活动,笔者认为可以打破相似学科间的“屏障”,将“无界化”理念贯穿于相似的专业中,实现课程的“无缝对接”,促进教学资源的有效利用。以哈尔滨职业技术学院艺术设计专业为例,在大方向下我们又可以分为环境艺术设计专业、数字媒体艺术设计专业、视觉传播设计与制作专业、广告设计与制作专业、人物形象设计专业、服装与服饰设计专业等六个专业。这六个专业岗位需求类似,相同的设计要求,相近的人才培养模式与实践实训体系,因此,可以将资源整合,进行学科间课程的深度融合,让学生通过课程的学习融会贯通、举一反三,达到灵活运用的教学目的。 1.2教师要实时做好教学反思,促进教学质量的提升 艺术设计类课程多属于实践性课程,对于教师的实践水平要求极高,教师只有具有扎实的实践理论基础,才能指导学生理论联系实际,将知识点更好地运用于教育教学中。教师也应和学生一样,在课后进行教学反思,形成课后分析报告。要根据学生的实时反馈,及时调整教学内容、教学进度等,以学生的接受程度为课程导向,因材施教。我们应该加大自身的知识储备,实时更新教学理论,与当今最新的研究成果接轨,进行信息的采集与筛查工作,给予学生最需要的知识资源。 1.3实现教学资源的整合与优化 艺术设计专业六大专业具有相通性,为避免教学资源的过度浪费,可通过“云空间”、“慕课”、“微课”、“微信公众号”等多个网络平台实现相似学科资源的整合,学生可在上面浏览到各个专业、各个学校,乃至国际各大课程的学科带头人的精彩讲解。对于教师的选择也趋向于多元化,我们拥有一批科班出身、业务过硬的资深艺术设计专业教师,可与行业企业建立校企合作,聘请企业有丰富实战经验的专家进行实战演练,线上线下双管齐下,为学生提供优质的教学资源。 1.4以市场需求为导向,完善课程考核评价体系 高职院校人才培养方案的修订应从实际教学出发,以“市场需求”为导向,为社会输送企业最需要的人才。必须坚持学科与岗位需求相融合,以企业的岗位需要、技能要求为切入点,引入实践教学。在学生成绩的审核与评定中,避免以期末试卷为单一的考核标准,加大学生成绩评定的多元化与合理性。可以请企业专家进行评判打分,以企业的角度综合把握学生的整体水平。 2“无界化”理念在高职艺术设计类项目 式课程教学中的研究目标在实现“无界化”项目式课程教学模式前,大多数的院校采取的是传统的教育模式,即以完成本门课程的教学目标为己任,没有考虑学科之间的关联性与穿插性。在“无界化”理念的指导下,可以通过课程项目式合作,加强专业课程之间的联系,有效促进专业课程的研发与融合。学科间的融合,可以加强学生综合运用知识解决问题的能力。 3“无界化”理念在高职艺术设计类项目式课程教学中的研究内容 3.1无界化课程设计 可以将“无界化”理念贯彻落实到教育教学的每个环节中,比如:在课程设计中,应引进“无界化”这一元素,将专业的体系结构、知识点按照岗位需要,设置成不同的任务板块,进行资源的重组与整合。可以结合当地的风土人情,打造地方特色的创意设计。 3.2实现教学资源的无缝衔接 应打造一支“双师型”教学精英团队。校内优秀教师与校外优秀的企业精英进行优势互补,由专业教师讲授丰富的理论知识,实践环节由具有工作经验的企业专家把握。根据学生的需求与学习程度,形成分层次的梯队合作,构建优质的教学团队。由校内外专家共同合作,多方位考察学生的学习效果。 4“无界化”教育理念的创新点 随着“创新创业”口号的提出,创新已经成为了未来教育教学改革发展的重要趋势。在新加坡南洋理工学院“无界化”理念的熏陶与指导下,应打破学科的界限,实现相似专业课程的“无缝化对接”。虽然在“无界化”理念的指导下,我们的教育教学改革初见成效,但是由于起步较晚,仍处于不断完善和发展时期,需要加大校际、企业间的沟通与合作,掌握教学内容的侧重点和切入点,提升教学课程的贯通。 5结语 在“无界化”理念的正确引导下,我们应加大创新改革实践工作,注重产学研的交流和合作,打破学科的界限,注重学科之间的融合,实现资源的共享,最大限度地实现教学质量的提升。 参考文献: [1]姜大源,王泽荣,吴全全,等.当代世界职业教育发展趋势研究———现象与规律(之一)基于横向维度延伸发展的趋势:定界与跨界[J].中国职业技术教育,2012,(02):145-146. [2]马宏,未志,杨圣春,等.借鉴南洋理工学院办学理念,深化高等职业院校内涵建设[J].高等工程教育研究,2013,(07):87-88. [3]廖克玲,林闰慧.本土视阈下高职院校校企共享与利他模式探索———专业无界化管理模式的实践探索[J].学园(教育科研),2012,(09):112-113. [4]杨志红,海争平.新加坡“无界化”理念对我国高职教育的启示[J].中国校外教育,2010,(04):72-73. [5]洪宵,付彬,李涤非.高职院校项目化教学探讨[J].中国成人教育,2008,(04):50-51. 作者:吴琼 单位:哈尔滨职业技术学院
环境艺术设计教学改革思考:环境艺术设计教学改革探究 摘要: 随着国家经济的迅速发展,人们的生活水平不断提高,人们对生存环境的艺术性提出了更高的要求。在这种情况下,高校对环境艺术设计专业更加重视。但是,环境艺术设计教学的发展与社会的需求存在一定的距离。如果教学更偏重于理论,则往往存在一定的滞后性和理想化,所以,环境艺术设计教学的改革势在必行。只有按照社会需求发展,进一步完善教学内容和方法,提升教学的实用性,才能保证市场环境下环境艺术设计专业有更好的发展。 关键词: 市场需求;环境艺术设计;改革方案 随着市场经济的发展,环境艺术设计作为一种创造美的专业,受到很多学生的青睐。但是,高校对环境艺术设计教学的侧重点与市场发展的需求存在一定的差异。因此,高校要根据社会需求改革教学方案。文章根据环境艺术设计专业的市场需求状况分析环境艺术设计教学改革。 一、环境艺术设计的市场需求 为了环境艺术设计专业能够获得更好的发展,学生可以更好地就业,很多高校对环境艺术设计的市场需求进行了调查。调查结果显示,市场中尚缺乏优秀的环境艺术设计专业人才,而本专业毕业生的就业压力也很大。调查还发现,市场中的环境艺术设计从业者中,有一些人的专业水平不高,缺乏自我风格,装饰手法老套,为设计而设计的痕迹过重,过于依赖电脑。 1.环境艺术设计的行业现状环境艺术设计在我国是一个从模糊逐渐清晰的概念,它的迅速发展受到了众多人的瞩目。环境艺术设计的就业面很广,原因在于我国经济快速发展,市政建设项目和房地产项目如雨后春笋,无论是室内设计还是景观设计均需要大量的专业人才,因此,环境艺术设计专业就业市场一直很广阔,如建筑装饰设计、室内外效果图设计、园林景观设计、环境工程改造等,而且待遇较高。然而该专业毕业生就业情况不尽相同,有的特别顺利,没费什么周折,有的则一波三折。 2.学生存在的不足环境艺术设计的目的是在原有环境的基础上进行创新,针对不同的情况提出相应的方案,实现环境的二次设计。优秀的设计人员能够帮助工作人员最快地发现外部环境的不足。部分学生对环境艺术设计不感兴趣,学习积极性不高,被动接受知识,学习的主动性没有得到很好的发挥,难以满足社会对环境艺术设计人才的需求。 二、环境艺术设计的改革方案 通过分析市场对环境艺术设计人才的需求,很多高校发现固有的教学模式存在一定的局限性,已经不能满足当今社会的需求。如果固守这样的教学模式,则不利于学生的就业。所以,高校应该从多个方面改革环境艺术设计的教学模式。 1.加强专业基础知识的学习和技能的训练首先,要加强基础教学。在环境艺术设计教学中,教师不能只停留在传授理论知识的层面,更需要提高学生的创造能力,要让学生对与环境艺术设计相关的建筑设计、结构设计、美学、人文等知识有全面的了解,提高学生的综合能力。其次,要活跃课堂气氛。教师要在教学中与学生进行互动,根据学生在课堂上反馈的信息进行针对性教学。同时还要扩展学生的专业眼界,多进行实际操作的训练,让教学形式更加多样化和贴近实际,从而充分调动学生学习的积极性。最后,要打破教学的局限性。在教学过程中,教师要减少教材的滞后性和局限性,充分利用网络渠道将最新的专业信息转化为教学内容,提升教学内容的新鲜度。 2.加强市场意识,定位培养目标高校应通过对毕业生的跟踪调查,分析相关职位的能力要求,准确定位培养方向,并且调整学科结构,以适应市场的需求。设计教学可以让人的心灵充满创造精神,设计基础教学应是一种形成思想和让创造性萌芽的方法。学生的背景和天分各不相同,教师应该发掘他们的潜能,调动他们的主动性,使他们建立自信,培养他们的原创能力。教师还要根据具体的市场需要和学生的不同能力细化环境艺术设计专业教学,有重点地进行课程设置,使学生学好学精,学以致用。 3.改变教育观念和教学方法,培养实践能力环境艺术设计的实践性很强,因此,建立教学与实践的互动关系是培养高水平环境艺术设计人才的重要环节。要加强素质教育,但也不应该忽视基本职业技能的训练,这是由环境艺术设计的实践性决定的。教师要在环境艺术设计专业课程教学中突出实践性,注重培养学生的兴趣,采用启发式教学,让他们积极主动地探索知识、培养能力;在校企结合的基础上,在课程中引入实践性教学,以具体的设计实践结合理论教学;积极鼓励学生利用课余时间参与设计实践和各类设计竞赛、设计创新活动。 三、结语 随着社会的进步,人类对环境的认识越来越深刻,对生活和工作环境的要求越来越高,尤其是在可持续发展观念的引导下,人们对环境的态度开始回归,追求环境的自然性。所以,环境艺术设计将成为今后的热门职业。虽然目前的教学与市场需求存在一定的距离,但经过一系列的改革,环境艺术设计专业一定会取得长足的发展。 作者:王静 单位:河北美术学院 环境艺术设计教学改革思考:环境艺术专业教学改革探讨 一、高职环境艺术设计专业的发展现状 在现有的高职院校中,开设环境艺术设计专业的比例相当高,但整体发展水平参差不齐。大多数院校命名为“环境艺术设计专业”,但课程设置只有室内设计方面内容。还有的则是偏重室内装修、装饰等美化室内环境方面。形成这种状况的原因,一方面是学术上的认识问题;另一方面是特定历史时期社会发展需求。在这种教学体系培养下的学生专业面过窄、知识结构单一、综合素质不佳、社会适应性不强。在学生生源方面,高职校生源素质结构复杂,部分学生欠缺良好的学习习惯。随着开办设计类专业规模的扩大,高职院校艺术设计专业师生比迅速拉大,有些院校甚至到了一比几十,师资明显不足,引起教学质量下降,教学过程中教师压力大、效果差。原有的教学设施也显得捉襟见肘,硬件的发展远远跟不上人数的增加。环艺专业本身具有很强的实践性,院校在硬件建设方面,对实践环节上的重视程度、对校内外的实验实训基地建设投入等都会直接影响到对学生实践能力的培养。 二、高职环境艺术设计专业教学改革措施 (一)构建课程目标新模式。环境艺术设计专业起步晚、发展快。我们要从社会实际需要出发,按照“实际、实用、实践、必需、够用”的原则,以职业能力和岗位就业能力为主线,构建综合素质、职业能力、岗位技术三位一体的课程目标模式。专业教学改革的一个主要策略就是制定科学合理的指导性计划及课程体系。实现高职教育内涵的完整发展,其最根本的选择就是构建课程新模式,选择和发展具有个性特色的课程。形成适应就业市场、行业特色、学校条件、个体发展需要的课程体系。突出实践能力的培养,将素质教育和实践能力的培养融入到专业教学中。课程教学内容与社会需求一致,把学历教育规定的基础理论和专业知识与职业资格考证的“应知、应会”内容融为一体,实现“双证融通”。 (二)改革教学内容,探索多样化的教学方法。高职现在所使用的专业教材有些只能阐述一般的专业理论和实践原则,无法尽述个别案例的特殊情况和要求,也无法在短时间内与时俱进,更新教材,而且大部分学生靠自学也能够基本掌握书本知识。因而,环境艺术设计专业的教学不能停留在教师讲、学生听的单向教育模式,这样会导致学生没有思考和创造的空间,在教学中应采取灵活多样的教学方法。下面介绍几种常用的有效方法。 1、互动式教学方法。在教学中,专业教师应尽量以提问、启发的方式,让学生多思考,发挥个性化思维。实践课和理论课程的讲授,不局限于“老师站,学生坐”的呆板形式,师生应多进行交流。可采用课堂内小组讨论方案、综合讲评与学生登台自述方案相结合的教学模式,整个过程教师承担策划者、引导者的角色,而非单纯的知识传授者,突出信息的交互和教学环节的互动。 2、案例分析教学法。在教学中,要求学生对设计方案进行自述,结合具体情况也可开展学生间的互评与辩论,教师作总评。一则可以发现学生在学习和认识中存在的问题;二则可以培养学生分析问题、处理问题的能力,提高学生作为设计人员必不可少的语言表达能力。 3、模拟教学法。针对职业资格考证采取模拟教学的方法进行强化训练:首先要学生明确自己设计师的身份,独立完成从设计、表达到概预算的完整过程;再接受教师面试提问,通过交流,对岗位目标能力做较为全面的理论回顾。模拟教学法可帮助学生熟悉设计师的职业特点,熟悉从立项到完成的全过程,提高综合应用知识的水平,拓展了“双证融通”的内涵。 4、项目教学法。许多艺术设计工作是以项目为单位开展的,“项目教学法”是体现高职艺术设计教学特色的重要方法。专业教师要加强和企业的横向合作,把企业在市场中承接的室内外设计项目带入课堂,转化为课堂训练作业。学生自始至终参与一个项目或几个项目,学习从项目分析、设计到最终实现这个过程中所需要的各种知识和技能,以及团队精神、需求分析与项目实施能力等。这样既能发挥学生的主体作用,同时也是产教结合、专业实体化、实现“双师型”教师授课的有利途径。 (三)加强实践教学,建立产学研一体化教学模式。 1、理论与实践相结合,建立灵活多样的课堂教学模式。环境艺术设计的学科性质要求学生能把设计思想和新的概念变成现实,把抽象的理论变成具体的物质形象,因此就需要与实际的生产相结合。学生从专业思想教育和认知实习中初步了解专业;在基础理论课、专业基础课和专业课的教学中,通过习题课、课程设计和现场教学,采用讲、做结合,在做中强化对理论知识的理解,实现理论教学和实践教学的交替渗透。把课堂教学与现场教学相结合,将枯燥的理论知识融进每个具有代表性的工程实例中去。通过参观,教师进行现场授课,让学生零距离感受到每个设计原理在实践工程中的应用效果,从而增强了学习的直观性。 2、建立环境艺术设计专业工作室,开展产学研结合的实践教学。比如:环境艺术设计专业建立模型工作室,学生们可以将自己的设计草图制作成模型,不但能提高其动手能力以及对从图纸到实物这一过程的认识,同时也能培养他们的空间想象能力。这些专业技术和技能是对课堂理论教学的一种有力补充。对外走市场化道路,利用工作室资源优势,联系企业、行业,承揽业务;对内提供教学实践与科研,形成与企业、行业产品与技术发展紧密联系的产品设计与技术联合体,使专业教学得以更有效地与生产实际相结合,架起了专业教学与行业技术发展之间的桥梁,为师生的课堂带来了大量来源于生产实际的项目和课题,从而为产学研相结合的教学提供了坚实可靠的基础。 3.建立校外实训基地,积极开展顶岗实习。培养实践操作能力需要有操作特色的实践基地。环境艺术设计专业可根据专业培养目标要求,与大中企业和专业设计公司建立实训基地。工程实习和毕业设计采用顶岗实习方式,让学生以工程技术人员的身份到产学合作单位参与工程的设计、施工和管理,做到由学生动手完成实际装饰课题,使学生在工程中学习设计,在设计中完成环境艺术装饰工程,以实际工程成果来完成毕业实践、毕业设计。学生在真实的工作环境中进行职业规范化训练,不仅能培养解决生产实践和工程项目中实际问题的技术及管理能力,而且还能陶冶学生爱岗敬业的精神,使学生从思想上热爱本职工作,树立为事业和企业献身的精神,有助于学生真正地领悟到现代设计师应具备的质量意识、安全意识、管理意识、市场意识、竞争意识和创新意识等素质要求和团结协作的群体精神。 环境艺术设计教学改革思考:环境艺术设计教学改革研究论文 摘要:随着市场环境的不断变化,做好对环境艺术设计教学的改革对于实现对环境艺术设计人才的培养具有重要意义。文章先对环境艺术设计教学现状进行分析,之后着重探讨了市场环境下环境艺术设计教学改革的对策,希望能够为高校环境艺术设计教学进步提供支持。 关键词:市场环境;环境艺术设计;教学改革 环境艺术设计专业是环境设计行业在高校教育模式当中的直接体现,其对于培养环境设计专业人才目标的实现具有重要意义。在社会环境不断发展与变化的背景下,其对于环境设计专业人才的需求也在逐渐变化,这为高校环境艺术设计专业提出了新的要求,如何紧紧围绕市场环境对环境设计人才的需求开展教学活动,以实现对环境艺术设计教学人才培养目标的实现,是高校环境艺术设计专业发展的重要目标。 一、环境艺术设计教学现状分析 从当前的环境艺术设计教学水平来看,其存在着较为明显的教学方法与市场需求不相符的情况,这使得环境艺术设计教学遇到了发展问题,其表现形式主要有以下几个方面,需要我们予以重视。 1、学生积极性不高 根据相关调查数据显示,很多学生对环境艺术设计学习兴趣不高,笔者认为导致学生产生这一现象的原因主要有以下两方面:一是,环境艺术设计学习内容较为复杂,所涉及的知识面广泛,该学科的复杂性使学生提不起对这门课程学习的积极性,教师始终采用单一的教学方式开展教学活动,学生在学习中极易产生疲劳感,最终导致学生学习积极性不高;二是,环境艺术设计教学模式以传统教学中的教师教授为主,学生始终被动的接受知识,学生的学习主动性并没有被充分发挥。 2、过于注重理论教学 环境艺术设计学科对实践性要求较高,这要求教师在开展教学活动时要随时掌握市场环境的需求,在传授学生理论知识的基础上培养学生的实践能力,将理论与实践有机结合,培养出综合能力较强的设计人才。高校环境艺术设计教学由于受到外部因素、师资力量等因素的影响,教学活动的开展仍然采用传统教学模式,过于注重理论知识的教授,而忽视了学生实践能力的培养。 二、市场环境下艺术设计教学改革分析 1、转变传统教学观念 环境艺术设计教学的最终目,是使学生能够具有解决实际问题的能力,提高学生的实践能力和综合素质,这也是环境艺术教学的主要方向。传统封闭的办学模式要彻底改变,要满足市场环境的需求,要与社会接轨,就要转变为开放式的办学模式。环境艺术设计教学所面向的是经济建设主战场,在可持续发展观与了彩色设计、环保节能理念等方面对教学内容和教学方式进行探索研究。环境艺术设计属于一种综合性的边缘学科,传统教学中单一的学科发展观要转变,要朝着学科群方向转变,将环境艺术设计学科发展为交叉学科。对于学生的培养方面,也要做出改变,由传统教学中只重视设计技能和表现技巧的教育,转变为向综合型艺术设计教育、环境艺术设计等社会职能方向,进而使得环境艺术设计人才能够满足市场多方面的需求,成为一名优秀的专业的设计人才。 2、从“实践中来”到“实践中去” 环境艺术设计是一门应用性、实践性较强的综合性专业科学。在环境艺术设计教学中,学生只在课上学习扎实的理论知识是不够的,还需要配合实践,将学习的理论知识应用到实践中,使自身的专业技能得到锻炼和提升,这样才能够达到环境艺术设计专业的教育目标。环境艺术设计专业的传统教学模式,需要在教学内容、教学方法上做出调整和改进,以满足市场环境下社会对环境艺术设计人才的需求。笔者认为环境艺术设计教学改革,要将重点放在实践教学环节,加强环境艺术设计与市场环境的对接,使学生在掌握了扎实的基础知识后,能够更多的参与实践活动,将课上学习的理论知识运用到实践中,使理论知识得到巩固,培养出具有创造能力、设计能力的设计师,否则环境艺术设计教学将成为无本之木。在环境艺术设计教学改革中要建立以实践为主的教学模式及,将校内教学与市场需求进行完美对接,加强与企业间的联系,与企业签订协议,建立学生实践的实习基地。使学生在实践中能够灵活运用理论知识,逐渐的接触到社会,并了解市场环境和需求,学会与各种客户如何交流,在实践中提高自身的技术水平,增强实践能力。在基地实践过程中,学生在学习中会更加的积极主动,通过实践,环境艺术设计的课堂教学效果得到了很大的提升。另外,如果条件允许还可以建立专业的实训室,如建筑材料工作室、设计车间、灯光效果实验室等,将其作为补充学生课堂不论不足的实践场所,帮助学生在学习理论知识的同时,能够对学习的内容有更真实的认识。 3、注重学生创造性思维的培养 创新是环境艺术设计的灵魂,设计就是寻找创新的生活环境、新的设计理念、新的造型符号。校方可以定期开设相关内容的讲座,使学生通过听讲座使自身的视野更丰富,聘请高级讲师、该领域专家学者,讲授最新的设计理论和实践中的真实案例,提高学生的设计语言能力和设计表达能力。现代设计语言包括现代设计思维方法、现代设计观念、现代设计表现手法、现代设计理念。简单来说,在环境艺术设计教学过程中注重技术和理论原理内容的教授,培养学生的实践动手能力,充分发挥出计算机的辅助设计作用。在环境艺术设计教学中充分运用计算机辅助教学,使学生具备计算机熟练运用的能力,从而更满足市场环境对新型设计人才的需求。另外,还要对学生进行拓展教育,提高学生的借鉴、吸纳异域文化的能力,在理论教学中以艺术原理发展为基础,建立可以科学表述出产业发展与艺术设计属性关系的体系。 三、结束语 综上所述,想要发挥出环境艺术设计的专业环境设计人才培养目标作用,就必须要保证其教学目标与环境行业市场对专业人才需求标准的一致性,为此高校环境艺术设计专业教师必须要发挥出自己的教学引导者作用,通过超前的教学观念、先进的教学方法来实现对环境艺术设计教学课程的改革,在保证教学目标与环境行业市场人才需求目标一致性的同时,最大限度提高学生的专业水平,为他们的环境设计专业技能提升创造条件,也为他们未来的环境设计职业发展打下良好的基础。 作者:姚辉 单位:湖南科技学院 环境艺术设计教学改革思考:环境艺术设计教学改革研究 摘要:环境艺术教学不仅是一门注重理论的课程,同时也是一门十分注重课外实践参与的课程。纵观环境设计教学课程设置机制,当今对于理论的重视远高于对于实践课程。本文针对此种状况,提出四种改革方法,以期实现多元化教学设计。 关键词:环境艺术;设计;教学 关于环境艺术设计专业的教学工作,一直是设计院校关注的焦点所在。如何将教师课堂所授专业知识与课下的理论实践相结合,如何鼓励更多的学生加入到课外实践课程中去,如何培养出既熟悉理论知识又兼顾实际操作方法的学生,是每一位教师都应该深刻思考的问题,也是笔者撰写本文的目的所在。 一、重设教育目标,重视综合能力培养 环境艺术设计专业是一个紧密与市场结合的新兴课程,也是一门需要多方面专业知识的综合课程,因此,该专业处于一个很尴尬的处境。一方面,应试教育为大学所提供的学生往往只重视课本知识,忽视课堂之外的一切活动,使得学生的综合能力十分欠缺。另一方面,由于与市场的密切关联,使得只重视课堂知识的学生一旦踏入社会,即将面临所学知识与工作脱节的处境。所以,正视该专业的教学目标,以培养综合能力的高素质人才,是本专业教学改革的当务之急。针对此种境况,环境艺术设计专业的教师更应该明白自己的使命所在,为社会输送环境设计行业的高水平、高素质人才是每一个老师最迫切的任务之一。在教学实践中,应将在课堂教学中多多参照现实案例,顺应整个市场对于专业的需求所在,有针对性地进行教学,并注重对学生动手能力的培养,不仅使学生学得精,而且用得精,以便更好地应对工作中出现的问题。 二、提高教师专业技能水平,完善师资队伍 鉴于环境艺术设计教学所出现的问题,不仅要改变对学生的培养教育模式,也应该看到教师自身的不足。要想确保环境艺术设计教学改革顺利进行,势必要重新审视教师在课堂教学之外可以提升的地方,积极鼓励在职教师利用本身所教授技能,带领学生共同投身具体的社会实践,在具体的案例中领悟学习方法;其次,要善于挖掘本领域的前沿设计师、专业人士,聘请他们作为学校的客座教师,为同学讲授自己所设计成功的实例;最后,切勿唯文凭取材,要鼓励本专业的优秀学生留校教学,这样便可以驾轻就熟,更熟练地将所学运用到实践教学之中去。 三、充实教学内容,改变教学方法 环境艺术设计专业对于学生最基本的要求在于既要充分发挥学生的思维创造力,更要在实践中锻炼学生的操作力。所以整个教学环节最重要的一环在于教师对于学生思维创造能力的挖掘,这不是一朝一夕的事情,只有意识到这一点,才能有针对性地将传授理论知识,进行设计,运用到生产实践中去,三者完美地结合。这种教育体制的推广有以下几个益处。1)生产实践并不是个人的行为创作,而是整个团队的活动。学生参与到生产实践中去有利于锻炼学生的实际操作能力,与他人合作的精神,以及自身品质的提高。2)教学改革的优秀在于改变昔日以理论为中心的教育方法,转而注重实践性,注重二者的有机融合。诚然,理论知识固然重要,学习理论知识有利于更好地掌握专业技能,了解教育发展脉络,但是,只注重书本知识而抛弃实践的做法是不可取的。环境艺术设计是市场经济时代下的新兴科目,更是离不开时代的发展要求,要紧跟时代的步伐。在此种情境下,教学与实践相结合显得尤为重要。3)与市场的密切结合,也对教师的教学水平提出了要求。一方面,有助于教师把握市场动向,更好地引导教学。另一方面,教师可以更多地参与实践项目,提升自身业务水平,更好地作用于学生。 四、环境艺术设计专业改革的具体策略 1、艺术与科技相结合 包豪斯设计学校的出现是世界设计史上具有里程碑意义的事件,无论是从教学理念、办学初衷、课程设置理念、教育机制改革等方面,都为后来的设计院校提供了一个杰出的范烈。包豪斯所开创的工作室体制,学生参与其中,以及与企业、工业界联系,都是十分具体且值得借鉴的经验。格罗皮乌斯所秉承的“艺术与技术新统一”的崇高理念在包豪斯设计学校得到了完美地结合。艺术家和工匠分别负责课堂教学与课外实践,一方面,他们将对色彩、图形、线条、材质的追求提升到极致,另一方面,他们将所学、所想、所创造的理念付之于实践,并有相关技术人员的指导,可以将之视为设计学院的不二法则,值得贯彻发扬与学习。中国设计教育发展起步晚,基础薄弱,很多理念只能借鉴西方,我们要正视自身的不足,更要反思如何改变这种局面,如何实现设计人才的转型,如何形成完善的设计教育体系。当今时代经济的高速发展,对于环境艺术设计人才的渴求,使得我们不得不思考教育改革的迫切性。技术与艺术教育并重,是包豪斯提供给我们的基本思路。 2、设置教学中的实践环节 教学中的实践环节可谓是教学改革的重中之重,将实践课程作为必修课程列入教学课程设置则是实现“技术与艺术教育”并重理念的一个有效方法。将艺术教学中对于造型方法、构图手段、色彩搭配等方面的知识与实践环节中注重环节、制作工艺、制作流程等相结合,是我们首先要考虑的一点。其次,教师可有选择性地设置与实践相关的课程作业,便于学生积极地参与到工艺实践,自发地将所学知识运用到实践技术中去。 3、改善教学环境,完善教学配置 由于国内对于艺术设计的忽视,使得当代的高校设计专业学校在硬件方面还存在很多不完善的地方,这是很不利于环境艺术设计教学改革的。所谓,工欲善其事必先利其器,学生要想得到理想的效果,学校势必要提供相对完善的教学环境,供老师教学以及学生学习。传统的课堂式教学,黑板、课桌、电脑、讲台已经不能满足艺术设计教师的课堂要求,更不能成为学生完善、实践创意的地方。所以,开展工作室教学方法迫在眉睫。工作室不仅是教师教学、学生实践的地点所在,也是学校与社会沟通的一扇窗口。外界通过老师与学生的设计成果能够更好地选择比对,学生也可以及时地知晓市场的要求,把握市场规律,设计出更多更成功的案例。工作室教学所能提供的优势是课堂教学无法比拟的,学生与教师从中获得的益处也是无法想象的,学校更是最大的获益者,从而促进中国设计教学的发展,一举多得,何乐而不为? 作者:史页新 单位:遵义师范学院美术学院 环境艺术设计教学改革思考:浅谈环境艺术设计教学改革 摘要:随着当前我国环境艺术设计专业日益蓬勃发展,许多学校也陆续开展了环境艺术设计的专业学科,但是关于该学科应当怎么培养的问题,仍然受到众多议论。本文对环境艺术教学的现实状况和弊端进行详细分析,并提出具有针对性的建议和策略,以解决教学脱离实际的现实状况,协调教学和实践两者之间的关系,使该专业的人才更符合社会发展的需求。 关键词:环境技术设计;教学;教学改革 随着经济的飞速增长,国内环境艺术设计专业如雨后春笋般被各院校纷纷设立。然而,对于该专业应当如何开展教育和培养的问题,一直受到许多议论。本文将对此进行深入的讨论,期望能够对相关领域提供参考和借鉴。 一、环境艺术教学的现实状况和弊端 (一)关于人才定位 设计教育的价值已经受到许多国家的重视,不少政府已将设计教育列入教育工作的重点,不少世界企业也将设计看作是决定企业存亡的关键。设计教育也应当要贴近时代的需求,当前设计人才的类型主要有以下三类:管理型、决策型和实用型。当亲各高校主要培养的人才是实用型人才,这是由社会需求所决定的,所以环境艺术设计所培养的人才也应当是这一类型的人才。实用型的设计人才必须具备良好的设计知识,包括管理知识、工程知识、人机工学理论等等,此外还需要有职业道德和素养。 (二)关于课程设置 设计类院校与专业在不断扩大的过程中,新的问题也在不断涌现,其中之一就是“纯艺术类教育与艺术设计类教育的区别何在”。探讨这个问题的答案实际上就是探讨专业课与基础课该如何配置。纯艺术类以及设计类的基础课程,一般是指色彩、素描等等的课程,笔者认为,课程的安排应当根据学校的自身条件、生源质量等都能因素来确定。然而一些地方艺术院校在生源质量、办学条件上都比不上国家部属的院校。国家部属院校的生源质量较高,每人都经过了几年的基础性艺术训练之后才入学的,他们在大学刚入学时不需要再进行素描、色彩等基础课程的教学。而地方院校的生源则比较差,在入学以前普遍只经过一两个月的艺术训练,对艺术的理解非常有限。因此每个学校应当依据自身实际情况来设置课程的安排,不能做一刀切的规定。 (三)关于师资和硬件 设计类专业的开设与十几年前相比有了很大的增长,然而在此过程中,不但生源质量有所下降,就连师生比也达到了非常不平衡的比例。十年前的师生比是一比几,然而如今,已经发展到了一比几十。师资不足的情况非常明显,这所直接导致的直接结果显然是教学水平和质量的下降。教师在巨大的教学压力之下开展工作,所获得的教学效果也不尽人意。此外,教师队伍年轻化的现象也越来越严重。不少刚毕业的艺术院校学生刚从学校出来就变成了讲台上的教师,他们缺乏丰富的教学经验,对于教学质量也有不少的影响。师资流失的问题也是比较严重的,已经形成了固定的流动趋势,分别是“从地方到中央、从内地到沿海、从沿海到境外”的方向。 二、关于教学改革的几点举措 第一,每个学校应当充分考虑自身的生源质量、教学条件等等,在保证基础课程不被减少的基础上,对课程的顺序和设置进行合理的配置和调整。在重视理论教学的同时,也要注重培养动手能力。重视计算机的运用,培养学生较高的计算机辅助使用水平。第二,贴合时代要求,结合当前市场和企业对于人才的要求,以培养应用型人才为教学目标,向学生传授更多关于现代企业管理和组织的相关知识,使学生深入了解环境设计以及相关管理项目的原理和方法,增强学生对于设计市场的经济意识和灵敏度。第三,将培养施工技能和操作技能作为教学基础,对施工技术进行强化性的指导,更多地开设可供学生操作和实验的课程,使学生在动手实验和课题操作过程中学习更多理论知识,使理论和实际操作之间有机结合起来,以适应社会和市场对于人才的要求。第四,注重对于师资队伍的建设。学校应当定期对教师新人开展培训课程,以多种形式举办教师学习活动,比如举办公开课、征文比赛等等。新的师资队伍应当被积极鼓励参与培训,他们应当被安排更多的社会实践,以丰富自身的社会阅历和实践阅历,使得众多教师新人获得教学水平上的提高。环境艺术专业应当有自身的专业特色,应当结合社会的需求,对学生的能力、素质进行针对性的教学;应当对教学内容进行充实和完善;应当重视实践教学的意义,安排更多实践课程,让学生多动手、多思考;应当让学校与企业合作起来,为学生提供更多实习的机会,以提高操作技能,学习更多关于项目验收、项目管理、材料选择、投标报价以及工程决算的知识,为将来的就业打好坚实的基础。随着国内经济水平的不断发展,环境艺术设计专业被各院校所相继开设,在这样的现实状况下,对该专业的完善和改进显得更加刻不容缓。虽然现实中依旧存在着诸多问题,包括生源质量问题、课程设置问题、人才定位问题以及师资队伍过于年轻的问题等等,但我们依然坚信,该专业的前途是光明的,只有找到科学合理的改革方向,一定会为社会培养出更多有用的人才。 作者:邱玉蕊 杜佳麟 杨润 单位:河北建材职业技术学院
高校艺术设计专业教学模式探讨:综合高校艺术设计专业实践教学模式探讨 【内容摘要】推动创意产业快速发展的基础是拥有大批优秀的设计创意人才。作为应用性极强的设计艺术专业应按照理论与实践、技能与创意、实用与创意、创意与市场、创新与创业的思路递进,提升理论、实验和实训教学平台,加强实践环节,调整课堂教学和实践的衔接方式,力求使教学实现“学习实践有平台,创意理念能实现,创新作品能入市,创造价值能实现”的良性循环模式。 【关键词】设计 创意 实践 创新 艺术设计为人们生活提供具有价值、功能、美观、实用和精神享受的产品。而艺术设计中的创意则是以视觉感观、感应、互动等方面延伸附加值为目的的方法与手段,是时下以提升附加值为主的朝阳行业,也是提高国家、城市优秀竞争力的重要环节。这些产业调整政策给高校带来机遇,同时也带来较大的挑战。毫无疑问,创意推动创意产业快速发展的基础是大批优秀的设计创意人才。目前,90%以上的高校设立了设计艺术类专业,每年大量设计类毕业生涌入职场,但能迅速适应市场需要的、具有较强原创能力的人才尚显不足。其原因有很多,但实践环节的衔接是十分重要的一环,因此,建立设计艺术专业“理论与技能、技能与原创、课堂与实践、实践与市场、的人才培养模式应建立常设性机制并予以秩序化。 在艺术设计创意教学中有两个问题应予明晰:一是围绕工业化生产及产品设计类;二是以手工为主的设计、制作类。前者依附于大机构和产业,在集约化条件下实现价值。后者有强烈的个体艺术色彩,作品可直接面对市场、开发,实现价值。在近30年的高校设计教学模式中,伴随大规模工业发展的趋势,往往更重视前者,而大工业所需的高端设计多数是依靠国内外高学历设计人才,许多设计还依赖国外机构,相对每年的毕业生能提供的机会较少。学校可鼓励学生从事个体手工或小规模机械加工的创意设计,放大个体思维和创意的闪光点,将设计创意转化为财富。引导学生成立设计工作室、事务所、加工坊等自主创意机构。可参照发达国家街头的服装、小型家庭实用产品、家具等商店和工作室结合的单元,可成为一个个就业及施展创意智慧的场所和模式,不失为拓宽创意设计发展的特色路径。我国目前画廊、艺术工作室不少,而设计、实用类的工作室则很少。 创意来自实践、来自经验的积累。“知识来源于实践,能力来源于实践,素质教育更需要在实践中养成。各种实验教学环节对于培养学生的实践能力和创新能力尤为重要。”①为此,在目前面临创意产业大发展和学生就业压力增大的背景下,学校应从理论与实践、市场的结合上探索,制定相应的创新培养方案,从具体执行和操作上建立实践课程的新型模式,探讨多元的、与自身特点及条件相符的实施方法显得十分必要。在基本路径确定以后可按德国模式做参照,“德国双元制教学模式也有其显著的特点,即在两个地方(学校和企业)有两个实施主体(教师与企业人员),在教学过程中重视学生的实践、技能、技巧的培训,理论教学注重实用性,紧密与实践联系,服从实践需要”。②照此以校内实验室为中心,以校外实习、实训基地为稳定基础,以项目和课题促教学实践为主线,以学分制相关学籍管理形式为准,将教学体系内各个板块有机连接起来的分阶段一体化的运行模式,为设计艺术教学模式注入新内涵。 扩招以来,实践教学在不少学校就更成为难题。建立常设性实践教学机制既是老话题,也是难题,其难度在于课堂模式的重组,实践机会、运行时间的不确定性。只靠临时、关系和教师个人行为是无法保证这个庞大机制运行的。笔者认为,应从几个现实问题上下功夫以建立保障体系:一是完善实践机制和实习、实训单元体;从基础上保障实践教学的运行。二是丰富实践教学的手段,建立广泛而相对稳定的外联实训基地。三是实行学分制运行,可保证学生灵活选择学科与时间,从基础和形式上形成实践教学保障机制。 引入有实力、有行业前沿性的企业,寻求长远支撑和实践指导,可共同建立设计部、工作室等研发、教学机构。还可采用“前开店经营,中设置设计、工作室,后建厂开发,形成产业”的运行模式,将教学融入到各个环节,可从以下几个部分积累壮大:1.依托合作企业联建项目投资,建立校友基金会,以共建企业后备实验室为切入点。2.以实验设备、技术研发为条件,引入合作企业对项目进行开发性投入。3.对创意设计、科研及实用项目的立项开发式投入,共享项目成果。4.引入企业及风险基金公司对创意设计产品和项目的风险投入,以人才储备和共享风险利益的方法实现。使实验教学模式在互动式补充、双赢的格局中运行,有条件时实行股份制实体的模式。从常设性、规范化运行上探索一条实践教学和运行途径,力求实现学习实践有平台,创意理念能实现,创新作品能入市,创造价值能实现的良性循环模式。在实施中防止重技能、轻理论,重经验、轻创新的纯技能意识蔓延,从而缩短由学生到成熟、高端设计师之间的距离。“任何一门学科都必须以学术要求与社会实践的某种特殊变化的融合为基础。这些要求和实践互为支撑,又得到该学科制度化再产生的不断增强。”③使学生在了解前沿信息、知识和技能的前提下,掌握设计艺术创意的实施方法和流程,探索创意思维、新材料、新技术的结合与运用,培养学生的市场开发、经营和管理能力,具体操作上可让学生从三年级全方位进入设计实验各教学单元。建成以设计创意实体为支撑的教学单元,分阶段一体化运行,让学生在教学和市场体验中开发创意设计成果,在市场的打拼中获取部分运行资金,并建立良好的分配制度,在创意成果的价值实现中享受回报,使其超越一般意义上的勤工俭学。 实践教学的管理与运行在具体执行时有较大的难题,如实践教学运行与课程进行的矛盾,学生实践和项目课题组与其他未参与项目人员学习安排的矛盾。因此,在管理与运行中,学校应成立实验教学领导小组,逐步形成实验区、教研室、实习实训基地的教学平台。形成以科研、实践项目为实践教学主线的运行机制,在不影响学生完成通识课的情况下采用学分制来解决运行的问题。 在具体执行上,可尝试如下几个办法。 1.在包装、产品设计中,将课堂教学设计课题与专利挂钩,注入“设计——应用——市场”关系的观念,结合课堂作业和课题,树立专利意识。组织学生按照专利规范进行设计和材料组织,进行类似的市场调查和分析,有针对性地进行模拟设计。这样,每次课程下来就可组织到班人次约一半左右的作业,由教师组织申请外观专利和新型适用专利。然后组织学生进行后续追踪,到相关机构和单位推广和宣传,接受市场检验,寻找新的可能的设计和应用机会。让学生直面市场,增加其参与感,从中体会设计作品的全过程。 2.在实践、培训与企业用人选择相结合这个环节中,一些有实力的用人单位对刚毕业的学生有一些芥蒂,怕他们没有发展前景而耽误单位的用人,而社会上有经验的设计师又因种种原因无法引入。于是,我们采取了大四年级实习与岗前培训相结合的方法,让有意向的学生到各类设计公司实习,做相关的设计、策划方案及其他市场应用或辅助工作,专门追踪其设计业务和相关领域的前沿信息,经一段有效的实习后,供用人单位选择或双向选择。使学生对设计以及设计之外的边缘学科有了进一步的认识,其专业技能的提高和就业的可能性无疑比泛泛的实习机会要大得多。 3.在专业工作室里,围绕一个较大的社会实践课题分成多个项目组,进行同时比较,适时竞争,互相补充形成合力,产生好的方案。在此过程中模拟实战竞争的形式,组织收集信息,做广泛的市场调查,确定各自的设计定位,最终综合两三套具有实际操作性的方案投入应用阶段。并让学生参与实施过程、后续设计和现场补充设计,直至完成项目的实施,使学生在这一过程中体会设计与应用与工程实施、管理的全部过程。 4.根据市场和社会热门意向,组织模拟创意、概念设计竞赛课题,组织学生跨专业参加竞赛。教师负责具体的指导、引导,结合课程需要,分阶段进行。并由科研秘书收集信息,开展申报科研项目、创新与创意设计大赛及其他竞赛活动,推荐参加更高级别竞赛,引导学生以各种形式参赛。学生通过竞赛的过程,进行专题化的思考和技能上的专研,可以提高设计的主动性和综合能力。通过参赛、获奖和应用,可极大地提高学生的自信心和设计原动力。 创新实验教学管理机制,可借助各地建设“创新人才试验区”平台,缩短设计创意知识和技能实现产业化的路径,将设计创意与市场对应、接轨及运用提前到校园。强调设计创意和人才培养模式的创新,强调创意成果的转化,实现创意设计和创新知识的价值。采取成绩、分数、竞赛成果奖励、成果出售以及产权激励。在此过程中寻找高等教育设计创意类教育功能改革的有效路径。当然,实践教学模式应根据不同条件而设定,可根据当时、当地自身条件而确立其运行机制,建立适应新形势需求的实践教学创新模式,走创意设计紧密联系实践、市场的路子是设计艺术教育的必由之路。 作者单位:重庆工商大学设计艺术学院 高校艺术设计专业教学模式探讨:高校艺术设计专业教学模式创新研究 摘 要:当前高校艺术设计专业教学普遍存在着课程设置不合理、重理论、轻实践及与市场严重脱节等诸多问题。本文在对高校艺术设计教育现状梳理的基础上,从教育结合市场、重视实践、发挥素质讲座的作用、鼓励参加各级竞赛等角度提出了创新的教学模式,以期为当前高校艺术设计教育的人才培养提供参考。 关键词:艺术设计;教学模式;市场化 一、当前高校艺术设计教育现状 (一)办学思路模糊、课程设置不合理 当前我国艺术设计专业理论性的课程占大多数,缺乏专业的技能性课程,很多课程的设置与专业并无多大关系。而需要开设的与专业相关的课程却很多都没有开设。存在着课程设置不合理的现象。 (二)过分注重理论教学、轻视实践环节 目前,艺术设计专业教学存在着理论教学和实践性教学分离,对实践教学重视明显不够的现象。理论教学和实践教学脱节,各课程之间、排课顺序、授课教师之间缺少因果连带关系。尤其是对于需动手实践的课程环节,学生的实际操作及项目的可行性部分都没有得到应有的重视。 (三)教育模式与市场严重脱节 当前艺术设计专业毕业生就业问题突显,根据笔者调查了解到,有很多毕业生认为在学校学到的很多东西到工作中用不上,而工作中需要的很多专业知识在学校中却没有学到。因此学校教育应加大社会实践及与市场接轨的教学内容。艺术设计教育如果不能真正与市场结合,不能使设计为社会和生活服务,就完全失去了设计的真正意义。 二、艺术设计专业教育模式改革与创新途径 鉴于目前艺术设计专业在教育模式上存在的问题,结合笔者所在高校设计教学的经验,对教育模式从以下几方面提出改革与创新: (一)课程设置中增加与市场相衔接的内容 目前高校艺术设计专业在课程设置上存在的最大问题是缺乏科学的规划和市场的指导。传统教育模式下的大多数艺术院校和工科院校的设计专业的课程设置中缺乏与市场有关的设计教学内容。大多是学院里有什么专业的教师就开什么课,没有科学的评价标准和方法。鉴于设计与市场结合得如此紧密,设计教育应该引入市场研究的内容,如可适当开设:市场调查、市场营销、消费心理学、广告学等相关理论课程。使设计学生在设计作品时脑袋里装着市场的观念,设计出为市场服务的设计作品才能算有生命力的作品。 (二)授课环节中增加实地考察的内容 艺术设计课程中很多课程在理论授课之外,可以增加实地考察环节。这就是所谓的“理论与实践相结合”。学生在课程中学到的理论知识太抽象,如果能够结合设计实地考察,则能够使学生的理论知识得到吸收,同时掌握理论如何在实际中加以应用,因为设计的最终目的就是应用于实践,服务于社会的。如“家具设计”课程可带学生到家具厂参观,了解家具制作工艺,家具原材料的性能以及家具市场行情。又如“印刷工艺”课程,可带学生到印刷厂实地参观了解印刷的整个流程。“陶瓷工艺”课程,可参观陶瓷厂,了解陶瓷的生产工艺流程等。总之,每所艺术院校都有挂牌的实践基地,应该真正利用起来,为实践教学服务。 (三)充分发挥艺术设计素质讲座的拓展作用 设计的理论应与时俱进,在教学之外中应注重提高学生的艺术素养,开扩学生的视野。通过定期邀请业界、理论界专家来校讲座的方式,给学生的设计学习注入新的气息。另外,在实践教学环节中,学校可以请合作的优秀设计师到学校为学生的设计作品进行辅导,介绍实战经验和心得以及当前设计趋向,对学生的校内学习也起到引导作用。另一方面,学院教师也可定期到公司为企业员工提供免费技术、管理和培训。 (四)鼓励学生参加各级设计竞赛检验教学效果 每年全国各部委及各级各类设计协会、企业等都面向社会举办各级各类设计竞赛,教师可积极关注竞赛信息,鼓励和指导学生参赛。通过学生参加竞赛,可激发学生的创作热情,一定程度上检验其设计水平。如果学生能获奖,将是很大的鼓舞,通过竞赛学生可以查找自己的经验与不足,在日后的设计学习中不断锻炼。多参赛,多锻炼才能使设计与市场和社会有更多的融合,更好的服务于社会。 三、结语 当代高校艺术设计专业教育在与市场接轨中暴露出很多问题,目前国内很多院校已针对艺术设计专业发展积极的探索市场化道路,设计专业只有在课程设置、教学内容等方面紧密结合市场发展需求,在校内打好理论基础的同时,积极重视实践动手能力,加强与设计公司的联系,多实习,增强实战经验,才能使培养出的毕业生更好的融入社会,走在市场前沿,引领社会发展。 高校艺术设计专业教学模式探讨:民族地区普通高校艺术设计专业工作室制教学模式研究 摘 要: 本文根据民族地区普通高校艺术设计专业的特点,创新性地提出民族地区普通高校艺术设计专业工作室制教学模式,以老师作为具体课程的组织者,把理论课程融合在艺术作品创作实践中,把学员分组安排在各工作区域进行实验性设计,旨在建立并逐步完善培养学生实践能力的实践教学方法新体系。 关键词: 民族地区普通高校 艺术设计专业 工作室制教学模式 一、民族地区普通高校艺术设计专业实践教学现状及问题分析 (一)艺术教育是推动国民经济发展、培养艺术综合性人才的有效载体 我国民族地区普通高校艺术设计专业致力于培养艺术素养宽厚、专业基础扎实、职业技能熟练、面向民族地区文化教育发展的综合性人才。设计教育快速而超常规的发展给设计教学、设计产业带来很多的负面影响,不少院校未将艺术设计实践纳入教学体系,双师型教师的缺乏成为现代艺术高校的通病,这种问题在民族地区的高校中尤为突出。 (二)传统课堂教学的授课形式需要改革 学生在沉闷的教室中没有艺术灵感,大部分的设计构思局限于参考资料的框架之内,这种教学模式禁锢了思维,违背了艺术设计教育的宗旨。一方面,相当多的高校,特别是民族地区普通高校由于学校地理位置偏僻,位于经济不发达地区,其实践条件不高,造成实践教学具有局限性。另一方面,设计专业本身对实践条件要求很高,设计项目所需要的所有实践场所和设备必须是诸如实际工程、设计项目、模型或仿真软件等实际的东西。 二、民族地区普通高校艺术设计类专业实践教学模式理论研究 (一)教学理论研究工作者为实践教学提供智力支持 各大高校针对中国的国情、设计艺术实践教学的自身规律及社会对设计艺术人才的需求,认真研究办学层次问题,并对每个层次的培养目标、培养要求和面向的社会层面进行系统研究等。且在我国很多高校已经采用艺术设计类专业实践教学培养模式,如:清华大学美术学院、中央美院、湖南大学设计艺术学院等。 (二)艺术设计类专业实践教学已成为国内外艺术教育的共同话语 在包豪斯的教育体制中,作坊(或者车间)是教学的主要场地和方式,在这种方式下,让学生在老师的指导下学习技能技巧,通过实践提升设计产品化意识,推动艺术设计教学。 三、创建民族地区普通高校艺术设计专业工作室制模式的构想 (一)明确民族地区普通高校艺术设计类专业工作室制模式的目标 1.创新艺术设计专业的特色实践教学模式。“工作室教学模式这些年来在许多开设艺术设计专业的高等院校正在尝试开展,以引入项目式教学推动过程式教学研究在很多高职院校进行试验及推广,工作室教学就是一个很好地把项目教学引入实际教学的一种教学改革方式,并从真正意义上弥补先基础后专业学习的僵化教学”[1]。根据普通高校艺术设计专业的特点,创新性地提出实践教学模式——工作室制模式。工作室制以专业为依托,走产学研相结合的道路,密切联系社会,了解市场规律,参与市场竞争,以获得宝贵经验,提升设计能力,为师生参与社会实践打开一个窗口,搭建一个平台。 2.创新实践课程的教学方式方法,摆脱一味强调学生追求结果的应试教育模式,通过对课程体系中课程实施、课程评价等内容的研究,建构一种发散学生思维、培养合理的具有实战经验的师资结构,建立有利于培养学生实践能力的实践教学方法新体系。 (二)创建民族地区普通高校艺术设计类专业工作室制模式实施方案 1.确立实践课程具体目标。“工作室制下的项目教学模式为教师和学生提供了一种开放与发展的教育教学环境,比传统的教学模式拥有更多的自主权与更实际的教学作用”[2]。要有效实施艺术设计实践课程,师生必须理解课程所包含的专业技能及所要达到的素质与能力要求,该实践课程在专业人才培养方案中处于什么环节和位置,它解决岗位工作过程中哪一项或哪几项工作的实际问题,这样才能让师生明确该实践课程的具体目标。 2.建立实践项目操作平台。成立与社会市场经济接轨的校内设计公司或工作室,直接参与市场大循环,捕捉和掌握最新的市场动态和新技术、新材料、新工艺及现代化的管理模式,并以此及时充实教学内容,更好地为张家界市的地方城镇建设、园林规划与设计、建筑设计、旅游工艺品的设计、旅游地规划与设计等服务。 高校艺术设计专业教学模式探讨:校企合作环境下高校艺术设计类专业教学模式改革探析 摘 要: 高校艺术设计专业是为设计与服务领域培养优秀创新型人才的主要阵地之一。为了满足企业在发展中对人才类型及能力不断更新变化的需求,学校与地方企业大胆合作,创建专业性教育实践基地,并在高校教学模式与方法、课程结构等方面做出调整与改进,通过校企教师互聘、“双导师”制等方法,为社会培养和输送高素质、高效率、高质量的人才。 关键词: 校企合作 艺术设计 教学模式 高校艺术设计专业的教育目标是在尊重社会人才需求的前提下,培养具有创新能力的、高素质应用型人才,尤其是以区域性产业发展需求为主导的技能型人才。就广西而言,“十二五”规划明确提出“大力推进城镇化建设,建立生态文明广西”的目标[1];作为“北部湾战略”的重要城市,区域经济发展必然带动地产业、制造业和旅游业的快速进步;同时,城市精神文明建设也需要不断强化和提升。坐拥天下奇景,中国-东盟自贸区的蓬勃建设[2],每年一度的民族节日“三月三”、奇石节和广西园艺博览会等丰富的民族文化展示平台,在城市景观、环境艺术、平面设计、民族服饰等方面形成对以实践创新能力为主的新型艺术设计人才的巨大刚性需求。因而,高校教育必须与时俱进地更新和改进传统教育模式,真正成为育人的先锋。 一、高校艺术设计类专业人才培养模式 虽然高校每年都在倡导和鼓励教学改革,但大体上仍沿用传统的、以理论教育为主的四年制人才培养模式,思想政治教育、英语教育、基础教育、专业课和基础技能课教育,以及短期实习实践等环节占据大约四分之三以上的学习时间。在信息化的移动互联时代,学生随时随地可以通过网络深入学习自己喜欢的方面,因此采用以说教为主的传统教学方式,教学效率不断下降。加上知识应用的滞后性,以及企业在选择用人时的经验优先原则,学生毕业后的就业往往遭遇“高不成,低不就”的尴尬,造成学生在课堂上的被动性甚至逆反心理,乃至形成“读书无用”的错误观念。因此高校教育必须面向市场需求,在人才培养目标上向培养实践型、能力型、创新型综合人才转变[3]。 二、校企合作环境下的教学模式改革 遵照国家中长期教育改革和发展规划纲要(2010-2020年)[4]及广西“十二五”规划中对“项目设计+综合技能”的人才培养模式改革的要求,借鉴国内外成功经验,广西科技大学艺术设计专业在尝试中不断深化校企合作力度,大胆实施教学改革,以“3+1”的教育模式与企业共同合作办学,以挂牌实习基地为平台,创建长期稳定的合作关系。同时不断完善校企合作过程中对校方、企业和学生的监督、管理与测评体系,在安全问题、课程及教师结构调整、校企双方的成绩评估与认定等方面做出许多努力,取得良好的收效。 (一)选择合适的企业为合作伙伴。 正所谓“志同道合”,对实习企业的选择是校企合作中非常关键的问题,必须以校企双方满意为前提。校企合作对于企业来讲是“功在今,利在后”的事情,不少有一定实力的企业是非常愿意与高校合作的。我们选择合作企业的标准是比较正规、成熟,有实力且了解愿意致力于教育,尤其是对校企合作有充分的认识,最好是先前已有与学校合作经验的企业。从2008年开始,经过反复考察和对比,先后选择了江西南昌的迪卡传媒、广西建工集团第五建筑工程有限责任公司桂林分公司、广东星艺装饰有限公司、广西视觉空间数码影像有限公司等单位作为我们的合作伙伴,送往企业实习学生达数百人。在双方相互沟通交流并达成共识的基础上,由校方代表与企业签署合作协议,并到企业挂牌,作为艺术设计专业学生的实习与就业基地。 (二)课程结构与时间的调整:基础理论+基础技能+实践+项目。 教育的目的是“学以致用”,艺术设计涵盖城市景观、环境艺术、平面设计、动漫游戏、服装设计等方面,各行业的交叉融合更是将艺术设计的应用领域扩大到我们生活的方方面面。但艺术设计专业自开设以来,一直以其他本科专业的教育模式为参照,偏重于理论教育,不能与实践环节紧密对接,致使许多“眼高手低”的毕业生在就业时遭冷遇。据“麦可思-中国2011届大学生毕业社会需求与培养质量调查”结果显示,仍有46%的毕业生认为“实习和实践环节不够”[5]。针对这种状况,我们对课程结构与上课时间进行调整,一方面压缩理论授课时间,加大作业量,提高考核标准,强化理论与实践的结合,完成“基础理论+基础技能”的教育。另一方面,采用“3+1”的教学模式,通过一年的企业实幅提升实践课程的比例,力求“以能力为中心、以技能为优秀,以岗位为标准”[6]的学习效果。 相较于高校的课堂式教学,企业实习的另一大实际好处就是可以直接参与真实的项目。在实习过程中,合作企业根据学生的技能水准、特长、喜好及岗位需求,将他们安排到各个岗位,使其按照企业运行模式直接参与商业水准的项目创作,强化团体协作意识与能力,并接受发行商、市场、受众等各方面的考验。如此一来,丰富企业的人力资源构成,减少人员流动,节约企业成本,还培养符合相关产业未来发展要求的合格人才,在很大程度上缩小校企人才供需的差距。更重要的是学生可以通过亲历一线制作过程培养团队精神和团队协作能力,预先适应工作环境。同时积累实战经验,洞悉行业发展动态与市场对求职者综合能力的要求,从而对自我有一个恰当的定位,或努力弥补自己的不足,为毕业后的求职做好充分的准备。而企业留任优秀实习生的举措也为很多毕业生解除了后顾之忧。 经验表明,参与校企合作的学生在就业率和就业质量方面比普通毕业生高出许多。我校送到企业的学生在实习过程中由于态度和表现较好,半数以上学生在经过专业技术人员指导和训练后被委以重任,在团队中担任各创作版块的组长,并按照各人对企业的贡献获得实习企业不同程度的奖励,极大地调动学生的积极性,建立自信心。这些同学在毕业三年内,约有三分之一进入北上广等一线城市发展,在职位选择上具有很强的主动性,收入普遍较高。以教育和培训为主的就业领域对有实习经验的学生是相当欢迎的,因为经过企业标准训练的学生更容易进入工作状态,人际关系融洽,并且在教学方面能够将理论与实践相结合,表现非常出色。 (三)教师结构的调整:教师互聘,双导师制。 1.教师互聘。对企业人才资源的借用是校企合作的一大亮点。由于我们把学生大四实习期间的主要课程委托企业来开设,因此自然要聘请一些企业技术人员作为兼职教师。为保证教育质量,我们严格把关,从合作企业有资质的高级技术人员中选择具有教师任职条件、有实践经验、会教学的人员,正式下发聘书,并提供教材、大纲等教学条件,按照学校外聘教师待遇支付薪酬。此外,我们还邀请这些外聘教师定期来学校为低年级同学做本专业的专题知识讲座,促进学生对企业发展动态和就职要求的了解。而实习企业也聘请高校的专业教师做项目顾问,参与或咨询企业的部分工作。这样既体现真正意义上的合作,又使校企双方互相促进、相得益彰。 2.双导师制。为了确保学生在实习的同时保质保量地完成毕业设计创作,我们制定了“双导师制”。一方面学生在合作企业兼职教师的技术指导下,完成企业商业标准的作品制作,另一方面,学校导师在作品创意、设计要求与规范等方面加以指导。相较而言,企业一般比较重视作品良好的视觉效果和带来的经济价值,而学校教育则更重视作品的内涵与文化价值。“双导师制”既能保证学生作品的原创性、高水准,又能保证其规范性。 三、结语 校企合作是学校与企业共同培养人才的“多赢”合作模式。在社会竞争日益激烈的环境中,高校通过与企业合作的途径,建立校企资源与信息共享平台,将理论与实践充分结合,注重培养人才的实用性与实效性,有针对性地为地方产业培养高质量应用型人才。这样,不仅完善高校的教育职能,提高人才的输出率,而且大批综合能力较强的社会型人才将成为企业发展的新鲜血液和强劲动力。另外,加强学校与企业的合作、教学与生产的结合,不仅对于优化教师结构、提高教师文化与专业素养大有裨益,而且学生就业满意度的提升对提高高校知名度、助推社会和谐稳定、正能量传递等有非常重要的意义。
我校招收的学生大多数是因为中考成绩不理想无法上高中,而被动选择中职学校的,这些学生里总少不了一些是因为家长期望就读、个人感兴趣但没有足够的了解等类型的学生,这些学生大多数年龄较小,独生子女,初中毕业,心理和生理处于不成熟阶段[1]。刚刚离开父母,他们依赖性、自我意识较强,思想活跃,容易受外界环境影响,因此树立正确的思想观念有利于加强学生的学习能力和责任感。而增加直接性、灵活性、趣味性强的美术教学,能满足他们好奇心强的特点,提高学习主动性,使他们更积极地投入课堂学习中。而通过艺术素养的熏陶,能完善学生的性格,提高职业素养。而使他们成为社会有用之才。手绘艺术设计是美术专业的基础课,在中职教育中具有十分重要的意义。 1手绘艺术设计在中职教育中的作用 1.1培养学生良好的心理素质 以学习小组的方式进行教学活动,学生自己准备学习资料,成员之间进行自我评价、给对方评价,相互尊重、相互合作,在这个过程中锻炼学生自己找到不足之处,提出改进措施,从而提高他们自己纠正错误的能力,增强自信心。 1.2培养学生的责任感 通过把学生设计的公益海报用于学校公益环保宣传,让学生得到师生的认可,增强他们的成就感,促进他们认真用心地去设计,辅导教师及时给予学生认可和肯定,有助于他们更好地完成作品。 1.3培养学生的创新能力 课堂上通过用投影播放手绘公益广告设计,让学生了解手绘海报的内涵及应用,从视觉和听觉上激发学生的学习兴趣,启发创造性思维,培养学生创新精神和勇气。 2手绘艺术的概念及特点 充满艺术氛围的美术课既可以让学生得到美的熏陶,也可以提高自身修养,我们将手绘艺术设计应用于中职教育,目的就是促进学生德、智、体、美全方位发展。 2.1手绘艺术的概念 手绘艺术设计是美术专业的基础课,是从事各种设计专业的必修课,手绘是艺术设计者表达其设计构思的一种直观也是最快捷的方式,通过手工绘画达到预想效果的绘制过程。它不但可以通过熟练的表达技巧表现出设计师的创造思维,还能反映出设计师独特的创造能力与艺术修养。对于一件优秀的设计作品来说,设计的灵感来源于头脑,而灵感常常是瞬间即变的东西,而能很快记录与表达这一瞬间灵感的“视觉语言”就是手绘[2]。其是服装设计、室内设计、花艺设计、工业设计、模具设计、美术动漫、园林、环艺、产品包装设计、视觉传达等专业的必修课。设计师根据客户的需要,结合自己的灵感和创意构思草图,通过与客户沟通交流,不断修正,最后绘制出客户满意的作品,这也是衡量设计师专业技术的标准。 2.2手绘艺术的常用表现类型 漫画型手绘、写实型手绘、抽象型手绘等都是手绘艺术的常用表现类型[3]。 2.2.1漫画型手绘 漫画是最为常用的手绘艺术,大多数为娱乐作品,来源于日常生活,或者热门话题,有一定的社会性。漫画常常使用幽默、比喻、夸张、拟人、搞笑、喜剧、讽刺的手法,具有艺术特点以及认识、教育、警示和审美等社会功能。漫画型手绘具备轻松、幽默与通俗易懂的特征,以轻松易读的方式表现主题,尤其以卡通漫画的形象为主题的作品深受年轻群体的喜爱,有着广泛的社会观众。 2.2.2写实型手绘 写实型手绘是以真实的手法来表达主题,通过观察物象及描摹,亲身体验和理解,再现外界的物象,图形语言上采用真实、逼真的手法,绘画构图、色彩、结构等直接易懂,直接表达作者的情感,能充分满足观者的视觉体验。 2.2.3抽象型手绘 抽象型手绘是通过抽象的颜色、点、线等来表达和叙述情感的艺术方式,一般不用经验的构想。视觉上多以点、线、面的构成效果为主,不模仿任何已有的创造,刻意在视觉空间创造出独特的绘画语言,观者可以通过抽象阅读来感觉作品的独创性,给观者主观意识以最大的活动空间,自由感受艺术的美好。随着人们生活水平、文化素养的提升,抽象型手绘在平面设计中逐渐增多。 2.3手绘设计的特点 手绘是最为原始的绘画方式,手绘效果图还可以帮助设计师培养三维立体思维能力,在快速勾画的同时,可以激发设计师的灵感与思维。对于设计师来说,计算机只是设计的工具,而手绘则是设计的灵魂[2],手绘艺术在平面设计领域的推广,为平面设计师的自然情感表达提供了广阔的空间,为设计领域带来了活力和生机,为美术爱好者的作品交流和学习提供了广阔的舞台。 2.3.1手绘艺术给予设计师表达个人情感的空间 设计是通过视觉的方式来表现和沟通的,具备艺术性和专业性,是凭借视觉和创造性思维、个人的创造理念、个人情感、个人艺术风格表达出来,是一种情感的寄托形式与方法,往往能够透过设计作品反映出设计师的世界观与价值观,也就是作品独特的风格。好的作品拥有强大的生命力和震撼力,会吸引读者的眼球,能够激发人们的想象力、思维和灵感。因此,设计师越来越喜欢通过手绘艺术来表达自己的感情和个性特征。 2.3.2手绘艺术能增强平面设计的艺术效果 手绘艺术是一种有生命的艺术表达方法,不管是在勾线、上色,或是修改过程中,有一定的随机性和随意性,由此设计师更能充分发挥他们的灵感和创意,使作品具备生命力和富有感情色彩,达到心与作品结合,充分实现创作过程与心意理念直接对应而勾画出来的手绘艺术,有自然温馨、亲切温暖、随性自由的艺术气息,富有生命力、生动逼真。 2.3.3手绘艺术能够增进作品与受众的交流沟通 手绘艺术能表达出设计师真实的想法,结合顾客的需求,通过与设计师的交流、沟通,不断修改,最后完成富有感情色彩的作品。手绘艺术具有传递人与人之间的感情的功能,为设计师、作品与顾客之间的沟通搭建了桥梁。 2.3.4手绘艺术是最具亲和力的表现形式 如五代西蜀画家黄筌是花鸟画的集大成者,他不仅引领了当时的艺术风尚,其作品风格的巨大影响力还在北宋画院中延续了近百年。黄筌的花鸟画,勾勒极其轻柔,栩栩如生,后人称其为“写生”,即摹写活物,以此表达黄筌花鸟的逼真灵动。他的《写生珍禽图》画面上散乱地画有一些鸟雀、昆虫及龟类共24只,乍看上去像某幅动物科普著作的插图。细细去看,能感受到画家超凡的美感和直觉,忽大忽小、忽近忽远的安排似乎经过了精密计算,使得任何两只动物间的距离都恰到好处。所绘鸟雀,体态优美,精巧细致,连鸟背上最细微的绒毛都一丝不苟,它们的眼睛里闪烁着精神之光:平和、深沉、机警。这一方面是鸟雀本身的特点,同时也是黄签的精神之反映[4]。 2.3.5手绘艺术具备独特的艺术品位 手绘艺术经常出人意料,给人带来全新的艺术感受。如南宋画家刘松年所绘的《雪山图》,以全新的形式塑造了一幅雄奇、古雅、神秘、浪漫的雪景山水图。画中山势高耸又延绵不绝,积雪极其夸张地覆盖了山岩的每一处,这给本来雄奇巍峨的高山增添了平易、生动、可爱的气息。山岩的轮廓以及褶皱处的线条,也都因积雪而无限地雅致柔和起来,充满柔情,充满耐性,也充满神性,几乎要飞起来,水天相接处,云山相合,渲染出美妙的境界[5]。由此可知,手绘设计不同于计算机应用,不会限制设计师的设计构思与理念,而是以一种自由的状态将设计师的设计思想与创意表现出来[4]。 2.3.6手绘艺术更新快 手绘艺术能表达出设计师真实的思想,结合顾客的需求,通过与设计师的交流、沟通,不断修改、修正,在进行设计创作时必须不断进行草图的绘制与创意的完善,保证了作品的原创性与文化性[5]。 2.3.7手绘设计的个性化 手绘艺术具备个性化的特点,手绘艺术在应用工具、绘画取材方面都与设计师本身的经历、理念、灵性、创意、天赋有着密切关系,真实性和创意性恰恰是计算机绘制所缺失的,而手绘可以直接打破这种限制,充分发挥手绘的优势,使作品更具有真实感和生活气息,从而进一步拓展创意的空间。使用计算机软件制作平面设计,其表现力十分有限,缺乏灵活性,缺少个性化,其模式简单、造型单一、设计局限。一些人在生产过程中为了追求社会效益、经济利润、产量而忽略产品的个性化设计,从而导致产品的同一化。 2.3.8手绘艺术给人们带来视觉上的享受 各种设计都需要消费者,手绘艺术满足不同层面消费者需要,从消费心理学的角度来看,产品的独一无二更能彰显消费者的品位,手绘艺术可以应用不同的色彩、形状、线条等满足人们的精神文化需要,给消费者带来精神和视觉上的满足。 3手绘艺术的创新应用 3.1海报手绘设计 海报设计是在追求信息传达要求的同时,注重情感和设计感并存的一种设计载体[6]。手绘艺术能呈现海报的主题,渲染浓厚的文化气息,凸显海报设计的文化内涵,提升艺术品位,这也体现了手绘艺术的创新性,增强了海报的视觉吸引力。例如,“新春快乐”的海报手绘设计,可以既有中国传统春节的“年味”,又有动漫萌宠,加入漫画二次元的味道,把中国特有的“年味”与“漫味”相结合,独有一番滋味,颇有节日喜庆气息。 3.2表情包手绘设计 漫画型手绘艺术具有轻松、幽默、简单与通俗易懂的特点,用轻松易读的方式表现主题、表达创意[3],被广泛接受。例如手绘表情包,可以绘制人物头像、卡通、萌娃,也可以采用素描、速写等手法,普遍迎合年轻人的喜好。 3.3标志手绘设计 手绘艺术给标志带来意境的美,形成一个美的想象空间,能够触动人们的心灵,产生美好的情感体验。标志虽然不大,却体现了创造性之美。是信息传递功能过程中最为关键且具有很高准确性要求的一类设计对象[6]。艺术气息和情感色彩较强,凸显设计的独特性、艺术性。例如,品管圈标志的手绘设计,重症医学科(ICU)的圈徽,圈名寓意:白衣天使“急患者之所急,痛患者之所痛”,用爱心、耐心、热心、真心和同情心去护理每一位患者,燃烧自己的青春,编织起希望之羽,激发患者求生的欲望,树立起战胜疾病的信心。门诊护理品管圈圈徽,圈名寓意:以温暖的笑,倾听患者的心音;以谦卑的心,聆听患者的呼声;用勤劳的双手,为患者的健康注入力量;用太阳的曙光,为患者照亮阴暗的道路前进。 3.4卡片手绘设计 手绘艺术充分利用构图色彩、造型等,表达作者的想法、意图,具有灵活、生动、逼真,大众化、通俗易懂的特点,能拉近与读者的距离,并且在气氛的烘托上形成较好的效果,从日常生活入手,赋予作品创意,在作品中融入想象力和趣味性,使作品与众不同,在“出新”中提升设计品质,满足受众的审美需求[7]。例如,别具一格的祝福卡片、生日卡、贺年卡。 3.5手机墙纸设计 桌面动态壁纸软件,让用户的桌面壁纸不再仅仅是好看,还能够好玩,每次的点击都可能会有惊喜。拥有海量资源,用户自主选择,如果结合手绘艺术,可以给用户一个不同的体验,桌面壁纸实现个人定制,设置专属桌面,提供一系列的动漫壁纸套图,例如动漫次元、可爱萌宠等。尤其是年轻人希望有属于自己的风格特色,带来视觉上的享受。 3.6公益广告手绘设计 公益广告平面设计具备强烈的时代感,既要考虑创作原则,也要顾及个性原则,艺术性与时事政治相结合。党的十八大以来,我国把生态文明建设纳入“五位一体”总体布局,确立了“尊重自然、顺应自然、保护自然”的指导原则。例如,“保护生态”的公益广告设计,是一个倡导全社会保护生态环境、保护濒临灭绝野生动物的广告设计,设计师的理念、创造性、思想性相结合,把海草、塑料袋混在一起,海龟分辨不出以至于当成食物,从而一步步走向死亡,让每个看了这个广告的人都有了一种迫切想要保护环境和野生动物的责任感。保护野生动物是全世界人类的公益事业,更是世界生态文明建设和生态系统治理的重要内容。人类为了一己私念,满足自己的虚荣心,肆意捕杀野生动物,严重违背“人与自然和谐共生”的基本规则。基于此,设计师通过绘制披着血淋淋的野生动物皮毛的人物形象,让人仿佛看到了野蛮的原始社会,带给人心灵的震撼,给观者很强的震撼,激发了保护野生动物的强烈意愿。 3.7食品包装手绘设计 食品类平面广告设计要侧重于产品本身的特点进行具体的广告策划和创意设计。食品类广告设计的特点是,该类型的广告设计强调的是产品本身对于受众购买需求的引导,促使大众消费,从而产生消费依赖[8]。设计前必须做充分的市场调查,对产品的基本情况,即功能、充分、用途、制作、安全性能,有没有副作用等进行了解,还要对顾客的喜好进行分析,充分发挥创造性,把日常食品包装配上卡通漫画、小动物的图案,充分体现出设计的创意性,吸引青少年这一主要消费群体。 3.8化妆品包装广告手绘设计 一个完整的化妆产品由多个部分组成,包括散装、内包装、外包装、标签、附件和卖点展示,帮助化妆品和美容品牌保持或提高竞争力。产品包装设计不仅是装饰功能,更要体现品牌文化内涵,实现与消费者的精神和情感共鸣。 3.9书籍杂志手绘设计 书籍是学习知识的重要物质载体[3],为提高书籍的阅读率,减少人们对电子书的依赖,势必对书籍设计有更高的要求。可以在书籍的装帧、内容设计中融入手绘艺术,如手绘漫画书籍,漫画手绘具备轻松、幽默与通俗易懂的特征,以轻松易读的方式表现主题,从而吸引读者眼球,提高阅读兴趣。 3.10包装的手绘设计 手绘艺术作为最为基本的设计元素,是凭借视觉和创造性思维、个人的创造理念、个人情感、艺术风格表达出来。包装设计能充分体现设计者的艺术性,传递人与人之间的感情功能,为设计师、作品与顾客之间的沟通搭建了桥梁。可以用卡通、漫画,尤其以市场热门话题为抓手,将手绘艺术应用于文具、玩具、旅游产品、食品、装饰品等的包装设计中,设计出顾客喜欢的作品,从而体现出手绘艺术带来的价值。 3.11网页的手绘设计 随着信息时代的迅速发展,手绘艺术也应用于网页设计,对于互联网应用作品起到了积极的作用。从标题、内文、背景、色调、主体图形、留白、视觉中心等方面进行手绘艺术设计,为网络世界增加无限的神秘感。受众对网页的审美、体验、要求也日益提高,这对设计者提出更高的要求,也是一种挑战。手绘艺术为网页带来轻松自然、亲切温暖、幽默有趣、随性自由的艺术气息,使设计作品的效果富有生命力和生动逼真,不同的主题和绘画风格,使其表现形式具有原创性,给设计带来了多元化的特征[9]。 3.12室内装潢的手绘设计 室内装潢的手绘设计通过人性化、个性化等优势,体现了手绘艺术在室内装潢中的优越性。丰富多样的颜色、图案设计,给人以视觉上的享受。在室内装潢设计中,可以对室内墙面进行手绘艺术设计,根据人们的喜好、风格等对墙面、客厅、餐厅、卧室、卫生间、天花板进行设计,例如,客厅主墙,或者电视背景墙,可以采用风格独特、富有创意的手绘画,给观者第一视觉的享受。如果是小孩子的房间设计,可以绘制卡通漫画、田园风光、花卉草地等,再选择喜欢的颜色设计,设计师可以在室内任何一个面进行手绘设计及色彩搭配,这样更能彰显主人的个性化。手绘艺术在室内装潢设计中可根据墙面的面积不同结合空间设计出不同的图案来达到客户的需求。 4结语 随着时代的发展,手绘艺术的灵活性、趣味性设计将在平面设计中越来越受到欢迎,让手绘艺术能够以全新的姿态应用于平面设计,使作品呈现最大化的艺术效果。有新意、有特点的手绘艺术设计课程,正好满足中职学生对新事物的好奇心,丰富学生的学习生活,活跃思维,使学生在轻松快乐、新颖的教学中学到一些实用技能,帮助学生建立完整的审美体系,培养良好的职业素养。通过手绘艺术的实际例子去感染学生,不断改进教学方法,增强学生的自信心、责任心、创新能力,全面推进学生德、智、体、美全面发展,把学生培养成有良好思想品质、高尚情操、知识渊博的职业技术人才,使中职学生更好地适应社会,将来更好地为社会贡献力量。 参考文献: [1]袁文静.中职卫生学校护生的生命教育探讨[J].广东职业技术教育与研究,2019(6):138-139. [2]于洋.浅论手绘的基本特征及其对设计行业的重要性[J].科教导刊,2012(14):151,164. [3]许丹桂.手绘艺术在现代平面设计中的应用及创新体现[J].北京印刷学院学报,2018,26(9):54-57. [4]子禾.你不可不知的中国画家及其作品[M].北京:中国法制出版社,2019.[5]申姚.论手绘艺术与平面设计[J].魅力中国,2019(11):321-322. [6]林力婷.现代平面设计中手绘艺术创新探究[J].黑河学院学报,2019,10(4):162-164. [7]沙禹乔.现代平面设计的创意性与审美性研究[J].大众文艺,2017(18):122. [8]朱雷,朱娜.食品类广告设计的特点与设计要素[J].食品界,2017(7):118. [9]郑旻璐.手绘表现在网页设计中的应用[J].电脑知识与技术,2013(30):6904-6906. 作者:陈俊宇 单位:珠海市卫生学校
环境艺术设计人才培养策略:环境艺术设计人才培养教学方法探讨 [摘要]环境是人类赖以生存的空间,环境的优劣直接影响着人类的发展。人生活在环境中,环境反作用于人,环境艺术设计显得尤为重要。首先,应该学习“环境”了解“环境”;明白艺术运用于环境设计中的必要性;环境艺术设计教育的意义;最终培养学生具有环境艺术设计的能力。 [关键词]环境艺术设计教育 在人类还没有诞生之前,地球上就已经有了环境――自然环境。万物生灵都在这同一个环境下生存繁衍,人类的出现是自然的选择。从人类的产生一直到人类的今天,无时无刻不进行着创造,努力的求索,宇宙的神秘面纱被人一步步的揭开,基因也已向人类敞开了它的大门。无论人类文明如何的发达,人所处的环境与人的学习、工作、生活始终密切相连。 追求更加适宜生活和居住的环境是人的基本需要。随着人类物质文明的不断发展,难以避免地对环境造成了破坏,致使当前人类生存环境前景不容乐观。人类已经深深意识到改造环境和美化环境的必要性和重要性。因为,人类在创造生存空间环境的同时,也被自己创造的环境深深地影响着。由于人所能及的地方必将有环境与其相依相伴,环境影响着人的心情、人的审美、人的意识活动等。对公众进行普及性教育,创造和谐的生存环境空间,培养具有环境艺术设计能力的人才迫在眉睫。 雨果曾说道:“没有艺术,人类生活便会黯然失色。”那么人类赖以生活的环境,如果没有了艺术,人类就如同生活在地狱。在人间创造天堂,正是环境艺术设计的魅力所在。环境艺术涉及的范围十分之广泛,从建筑、城市空间、公共空间、室内设计、园林艺术到人的生活的所有空间,无所不包。可以说凡是人所在之处,皆为环境艺术所涵盖的范围。将艺术融入环境,使环境适宜人类生活,培养具有环境艺术设计能力的人才相当重要。对于从事环境艺术设计的人员,以及大众进行环境艺术设计教育就显的尤其重要。 环境艺术教育是指以环境艺术为媒介对公众所进行的教育或施加的影响。因此,教育是以环境的形成,环境的价值以及特定环境对人所形成的影响诸方面展开的。环境是当时的时代风貌的体现,它能够反映一个时代的科技进步水平。雅典卫城的帕提农神庙、罗马的斗兽场以及北京的紫禁城都是当时那个时代最高的物质和精神的结晶。环境艺术教育不同于纯艺术的教育,环境艺术的美与不美是不以我们主观感受为转移的,它带有某种程度的强迫性,它在每时每刻影响着我们。从民众的角度来说,一件优秀的环境设计作品,无疑是一项公益事业,这些也就是当前普及环境艺术教育之根本所在。 高校的环境艺术设计专业,仅仅靠市场的带动和自然发展是远远不够的。加强专业教学的规范性,提高教职人员专业文化素质,势在必行。提高环境设计水平,首先是“源头”的治理。如艺术高校及一些工科院校的艺术设计专业加强对自身的建设,中国传统美育的一个观点“蒙以养正,圣功也”从环境艺术教育的意义上来说,要达到“养正”的目的,应遵循以下几点: 1.独立思考与群体交流相结合:通过环境艺术设计教育使个人设计能力全面协调而自由的发展,通过个体与个体、个体与群体之间的沟通,学习,交流共同促进环境艺术设计能力的提高。 2.感性与理性结合:通过对环境艺术范畴基础知识的了解,重点培养设计意识,世界上不是缺少美,是缺少发现美的眼睛,只有意识到环境中的不美之处,才能有意识的进行环境艺术设计,做到由“饱参”到“顿悟”。有了这种对知识的把握,才能在直觉的“瞬间”把握对象的精髓,运用自己所学得的理性知识进行环境设计创造。 3.艺术与科技结合:艺术的表现永远脱离不了技术的支持,对设计相关软件的熟练操作是基础,它就是设计人员的画笔,科学技术的飞速发展为环境艺术设计领域的发展开拓了新天地,当今建筑材料,雕塑艺术的造型材料都随时代的发展不断创新,造型材料的变化决定了加工工艺和造型的变化,要想设计跟的上时代的要求,这些知识和技能,需要我们深入到生活、工作中去学习,去体会。 4.审美与非审美结合:审美能力是一种高度综合的心理能力,是审美活动过程中认识和体验、感受和创构审美对象和审美意象的能力。只有意识到什么是美,才能发现环境中的不美。而非审美涉及人生的诸多方面,如情感、理论、科学等,主要给予人们认知和教化,在人的心灵中发生影响和作用。环境沉默无声,却洋溢着热烈的情感,它感染人们让人产生美的感悟,激发人们再创造。 5.危机意识:不乏有环境艺术设计教育做的好的国家,环境设计好的国家也有,我国要迎着风浪勇往直前,感受危机,产生危机意识,有压力,将压力和危机转换为动力。 环境艺术设计教育是近年年来快速发展起来的一门学科,以发展的眼光进入当代的环境设计领域,从全国乃至世界范围来讲,环境设计的发展是不平衡的,认识也是不一致的。如何进行环境艺术设计教育,这一问题的研究,必将随着教育方式、方法和社会的进步而不断改进。因此,环境艺术设计教育有待于我们坚持不懈的去努力探索。 环境艺术设计人才培养策略:基于应用型设计人才培养的民办高校环境艺术设计课程评价体系研究 【摘 要】本文以民办高校培养应用型设计人才为出发点,通过对社会企业岗位需求的调查和环境艺术设计专业人才培养目标的研究,依据课程设置的整体结构,从公共课程、专业课程以及实践课程三方面内容,对环境艺术设计专业的课程体系合理化建设作出全面的分析及评价。 【关键词】民办高校;环境艺术设计;课程体系 本文从课程设置的整体结构出发,主要从公共课程体系、专业课程体系和实践课程体系三方面入手,对如何构建新时期民办高校环境艺术设计课程体系做了一些探讨研究。 一、公共课程体系建设 (一)公共必修课程模块:包括政治理论、形式与政策、大学英语、大学语文、大学体育、应用文写作、计算机基础及应用、大学生心理健康教育及职业发展与就业指导、读书活动。该模块对实现大学生全面素质发展具有不可或缺的作用,对学生的个性培养、创造性的能力和专业发展也起到良好的促进作用。 (二)公共选修课程模块:包括人文社会科学、自然科学、艺术教育、健康教育、创新创业教育。该模块培养学生要具有宽阔的视野、积极乐观的态度、建立良好的人际关系、健全的人格品质。 二、专业课程体系建设 (一)专业基础课程模块:包括设计素描、专业透视、建筑速写、数字图像、设计色彩、立体构成、专业制图、平面构成、色彩构成、立体构成、人体工程学、设计概论、建筑概论、室内设计原理、建筑外立面设计、CAD制图、MAX建模基础、渲染技法、效果图表现技法。该模块是使学生具备基本的专业理论素养、基本的造型技能以及基本的专业设计技能,为创新设计奠定基础。 (二)专业优秀课程模块:包括装饰材料与施工工艺、工程预算与报价、陈设设计、家具设计、家居设计、别墅设计、办公空间设计、餐饮空间设计、娱乐空间设计、商业空间设计、展示设计、景观规划设计。该模块是让学生认识行业发展特点,掌握设计的一般原理和方法,引导和发现学生的兴趣点,因材施教,培养应用型的设计人才,为学生就业指引方向。 (三)专业选修课程模块:包括摄影基础、装饰画、民间美术、广场景观设计、小区景观设计、植物景观设计、城市环境景观雕塑、快题设计、模型制作。该模块是培养学生具有一定欣赏美、发现美和创造美的能力,同时,拓宽专业层面,丰富更加全面的知识体系。 三、实践课程体系建设 (一)课程设计模块:计算辅助设计与优秀设计课程相结合的课程设计。例如,在办公空间设计课程中,将课程分为两部分进行,一部分理论基础课程;一部分设计课程,并使用设计软件完成最终作品,题目应来源于实际工程,使学生直接或间接参与工程实践。同时,有组织有计划地引导并指导学生参与设计竞赛活动。该模块是使学生将所学理论运用到实践当中去,并像真正的设计师一样独立完成整套设计方案,为更早的进入工作角色,奠定坚实基础。 (二)社会实践模块:积极鼓励学生利用假期时间,进行社会实践学习,学有所用的同时不断发现自身的不足,然后再学习再实践,形成一个良性循环,自我完善。该模块是使学生考察市场,认识社会,在此过程中提高自身的沟通与合作能力、自我控制能力和抗挫折能力。 (三)专业考察模块:此课程为外出考察课程,结合环境艺术设计专业的特殊性和学生的实际情况,选择考察线路,考察前要做好外出准备工作,合理安排出行计划,并指导学生学会有效考察以及如何完成考察报告。该模块是让学生尽可能接触更多的事物,使学生学会收集专业信息,加强对专业的理解,开拓眼界,并亲身感受专业与设计在社会发展中的地位,正确审视自己的前途。 (四)毕业设计模块:该模块是对学生所学专业知识及应用的考察和全面总结,结合专业特色,其内容包含设计作品和设计说明两部分,并强调其设计的创新性。实行开题报告、中期检查、毕业答辩、毕业展览制度。该模块目的是通过教师的引导,激发学生的创新性思维,同时培养学生独立分析和解决问题的能力。 综上所述,做好公共课程、专业课程、实践课程三大课程设置的分析与评价,是构建合理化的环境艺术设计课程体系的基础,是培养应用型设计人才教育模式的优秀。在今后的实施过程中,将不断结合社会的发展需求和我院的教育特色,对课程体系建设作出调整并加以改进,使民办高校环境艺术设计课程评价体系的设置更加科学、更加完整。 环境艺术设计人才培养策略:高校环境艺术设计人才培养的优化 [摘要]部分高校对环境艺术设计专业人才的培养无法跟上时展步伐,人才难以适应社会经济发展,以社会需求为导向优化环境艺术设计专业人才培养是高校的重要课题。下面在进一步认识和明确高校环境艺术设计专业的内涵及其人才培养定位的基础上提出若干优化措施,希望对人才培养水平的提升有所帮助。 [关键词]高校;环境艺术设计专业;人才培养;优化措施 高校环境艺术设计专业人才培养的优化是新世纪研究环境艺术设计的一个热门话题,环境艺术设计专业的教育教学具备自身的特征及规律,不仅要强调科学化、结构化、综合化的课程体系,还要求具备专业精深度。因此,高校在培养环境艺术设计专业人才时应充分尊重学生发展规律,结合实践训练与综合知识等特征合理定位其人才培养,以适应专业的客观要求,不断优化人才培养。 一、高校环境艺术设计专业的内涵 环境艺术具备自身内涵,它依托环境而存在,是一种通过作品来强调和环境的融合、依存关系的一种艺术形式,重视表达作者的艺术观念,通过空间体型、材质肌理、比例尺度以及光影色彩等表现出作品在环境氛围里的融合。现代教育迅猛发展,它不仅受到各个学科自身发展的推动,还使越来越多的人接受专业的教育,并对各学科产生反作用,使各学科更加完善,在持续的推陈出新中划分新的学科门类。从当下国内各个高校的招生情况可以看出,环境艺术设计专业已经是一门最热门的专业,学生录取数量逐年攀升。高校将环境艺术设计专业的大量本科毕业生投向社会市场,在加快城市化进程的同时大大刺激了其他与环境艺术设计相关的学科的发展。 二、高校环境艺术设计专业人才培养定位 高校环境艺术设计专业培养人才的数量取决于社会发展要求,社会需求是优化培养专业人才的直接动力、必要条件。尽管环境艺术设计专业在国内还很年轻,但发展态势是生机盎然、朝气蓬勃的,环境艺术设计当下已经成为一个令人倾心的行业,该专业也被戏称为有前途、有钱图。在这样的形势下,高校迎来了发展环境艺术设计专业的最佳机遇。当下,社会所需求的环境艺术设计专业人才主要包括三部分,即从建筑学专业转去从事室内外环境艺术设计、从美术专业转去从事室内外环境艺术设计、由具备接受环境艺术设计专业教育的人员担任,但不管是质量还是数量都无法满足社会需求。在某种程度上,创新精神、实践能力会对高校环境艺术设计专业人才的实际职业能力产生直接影响,且这同时也是社会判断该专业人才是否合格的重要标准之一,重视培养和提升人才的创新精神与实践能力对优化高校环境艺术设计专业人才质量非常有效,而人才培养质量的优化也取决于社会需求。 三、优化高校环境艺术设计专业人才培养的措施 (一)注重学科整合,优化专业教学内容 在社会需求的导向下,环境艺术设计专业应重视培养人才的复合型思维,而让学生具备扎实的基础理论知识是必要前提。因此,教师要用联系的理念来看待环境艺术设计专业教学中传统内容和现代内容之间的关系,注重学科之间的交叉与结合,以达到优化教学内容和人才培养的目的。就拿艺术设计的理论课来说,传统教学内容有显著优势,对学生掌握中西方发展艺术设计的历史、设计创造思维及设计风格变迁、掌握艺术设计史料等至关重要。但教师不能受到传统教学内容的局限,要注意更新和优化专业教学内容,用现代知识来补充,以适应市场经济时代对环境艺术设计人才提出的新要求。在培养人才的过程中,教师不仅要保留基础性的传统教学内容,还要及时了解和掌握学术动态信息,将新的研究成果融入环境艺术设计专业教学,提高教学内容的前瞻性、学术性。 (二)坚持因材施教,分组分层培养人才 基于高校艺术教育的基本原则导向,按照环境艺术设计专业的内涵,教师可在同一个年级采取课堂互动以及独立快题练习的方式了解每一名学生的专业水平及爱好、志向,并以此为依据实施真正意义上的因材施教,为学生分组并合理设计课题。在分组时,教师从自己所了解的学生情况出发,把处于各个水平段的学生平均分配到每一组,实现以优带差,并在结束课题设计之后采取模拟招标答辩的手段让每一组选出代表,准确表达各小组真实的设计意图、实施手段,然后让各个小组相互评价,最后教师进行点评,选出小组最成功的表达、最突出的设计作品。具体而言,教师可通过分课题的形式,按照环境艺术设计专业课题要求的不同、学生能力的差异及设计理念、设计风格的区别,分派几类空间类型不同、难度不同的快题设计训练,让各个小组自由选择主题,并鼓励小组的每一名学生都要展示各自的长项,且教师要加以辅导,最终进行模拟招标答辩。 (三)参与教师项目,提升学生实践能力 高校同时承载着教育和科研职能,对高校环境艺术设计专业的教师而言,他们不仅要严格履行教书育人的职责,还要自觉参与科学研究活动,参加项目设计工作,这是教师自身发展需要、是社会对高校教育提出的客观要求。在科学研究和设计创作中,教师能发挥模范带头作用,应鼓励环境艺术设计专业的学生们主动参与自己的科学研究和设计创作项目。学生在教师的带领下做项目,这在当前的高校教育中并不常见,原因主要包括两点:第一,教师承担的教育教学任务过于繁重,确实无法在科学研究及设计创作中投入太多精力;第二,高校学生的专业水平较低,无法在教师的项目中发挥应有作用。但随着高校环境艺术设计专业教学资源的不断优化,教师将会慢慢从繁重的教学任务中抽身,调整更多时间进行科学研究,而高校对教师科学研究及设计创作的重视也会促使更多教师主动投身各种实践项目,并带动学生参与。这样做的好处在于不仅能提高高校整体的科学研究水平,还能整体提升学生的专业水平,提升环境艺术设计专业学生的专业实践能力,为他们毕业后更好地满足社会需求、适应社会发展提供强有力的支撑。 (四)优化培养模式,培养复合型的人才 在市场经济体制下,高校环境艺术设计专业人才培养的优化离不开产学研人才培养合作模式的创新,即借助校企合作、校外实训基地的建立等坚持创新和优化环境艺术设计专业的人才培养模式。通过校企、校研的合作来创新和优化人才培养的合作模式主要有4种:第一,校企合作3+1人才培养模式,即高校和企业签订合作教育的相关协议,约定当学生学习完3年的环境艺术设计专业课程之后,企业就到高校招聘,和学生签订协议,约定学生最后1年的毕业设计等实践活动均在企业里完成,企业按月将补贴发给学生,学生在毕业之后直接到企业工作。第二,围绕专业人才培养的优化,基于科研课题和同行的科研单位、企业等研究多学科、交叉学科以及前沿学科的综合性理论及应用课题,通过科研成果使校企实现双赢。第三,高校举办专业讲座,鉴于环境艺术设计专业的多名教师被企业、设计院等聘任为兼职的设计师,高校可邀请企业、科研院所等的高级技术人员、管理人员定期到学校讲学,做一做学术报告,在学校及专业教学中引入企业的先进设计理念及现代管理经营理念、科研院所的最新研究成果。第四,校企合作开办培训班,即高校优秀的环境艺术设计专业教师及企业高级设计师针对学生、企业员工开办培训班,按实际需要合理设置课程的学时及内容,主要应针对学员的薄弱处来设置。这四种优化培养高校环境艺术设计专业人才的模式有机结合了教学、生产与科研三个方面,最大限度发挥出高校、科研单位及企业的资源优势,充分体现专业人才培养的创新与优化,成功培养更多复合型人才。 (五)创新师资队伍,提高人才培养水平 强有力的师资队伍是高校环境艺术设计专业优化人才培养的必要保障,但很多高校环境艺术设计专业的师资力量都较薄弱,甚至很是欠缺。部分教师没有从业经验,直接从学校毕业后就走上专业的教师岗位,尽管理论水平过硬,但缺乏实践经验,影响环境艺术设计专业提高人才培养质量,制约高校塑造学生的职业能力,造成学生在毕业后很难直接适应工作岗位的实际需要,师资队伍亟待创新。但创新师资队伍并非否定高校环境艺术设计专业现有师资力量,而应针对问题将新鲜活力注入师资队伍。高校环境艺术设计专业人才培养的优化不但要以专业理论知识为基础储备人才素质,还离不开高水平的实践能力和丰富的实验经验。高校具体可从两方面创新师资队伍:第一,聘任一线设计师到学校兼职当教师,在解决现有师资缺乏实践经验这一问题的同时补强师资力量,从而时刻把握好社会需求,在环境艺术设计专业的课堂教学中引入最新的设计潮流、理念及工艺等,使学生获得了解设计岗位实际需求的新渠道,帮助学生灵活应对市场发展趋势的改变。第二,高校环境艺术设计专业的教师要坚持与时俱进,更新教育教学及人才培养理念,自觉到一线企业兼职或调研,把握一切机会丰富自身的实践经验,准确把握市场趋势,提高本专业的人才培养水平。 四、结语 环境艺术设计专业是在改革开放的推进下产生的艺术设计类学科,与市场经济体制息息相关,社会需求是其根本出发点。而高校环境艺术设计专业的教育教学目的就在于培养出高素质的、优秀的环境艺术设计专才、全才,要实现这一人才培养目标,就须对该专业的内涵及人才培养定位有更加深刻的认识,从而采取一系列针对性较强的措施优化人才培养,并在今后的工作中继续探索。 作者:蔡汝庄 单位: 广东工商职业学院 环境艺术设计人才培养策略:环境艺术设计人才培养探讨 摘要: 环境艺术设计人才培养的要求需要我们对于培养模式自身进行改革和创新,“工作室”模式既注重理论结构,又注重其实践感悟,提倡根据社会对人才的需求重构人才的培养模式,既获得结果性知识,也获得过程性知识,去体验专业知识发生展开的过程,形成一定的专业素养和科学态度,从根本上完善人才的知识结构。 关键词: 工作室环境;艺术设计;培养模式 环境艺术设计人才所研究和工作的对象是一个可操作的界面——环境,在乡村和城市环境重构的重要历史时期,物质主义、城市化以及全球化需要环境艺术设计学直面三大挑战:文化身份认同的挑战、能源、资源与环境危机带来的可持续挑战、重建精神信仰的挑战,环境艺术设计人才处于对环境这一媒介设计和调控的特殊地位。在环境界面上,社会和精神过程、历史和文化过程、以及各种自然和生物过程发生并相互影响和推动,而环境艺术设计本质上就是协调这些过程的科学艺术。目前我国环境艺术设计上呈现出整体水平不高,模仿主义、拿来主义、拼贴主义盛行,缺乏特色和创意,环境设计碎片化严重,其根源在于僵化的脱离实践的流水线化工业模式环境艺术设计人才培养。 (一)“工作室”模式环境艺术设计人才培养的内容 环境艺术设计是一门跨学科、综合性强、重实践的学科,环境艺术设计人才培养怎样体现以能力为主导,将培养学生的专业技能和综合素质结合起来;怎样加大实践教学环节所占的比重,将教学与实践有机的结合起来,这是环境艺术设计人才培养模式创新的方向。从环境艺术设计的运行程序来看,一套完整的流程应该包括:立项、设计、施工、视觉传达。因此也就意味着环境艺术设计人才不能仅是一个绘图员,而是能够本着可持续发展的思想做出人文和自然相融合的设计作品,同时具有对设计作品个性化的表达与美学呈现的设计水准,而且其设计意图是可以通过现阶段的工程控制、施工技术和物资条件得以充分的呈现,并且这种呈现能够为业主和大众所认知。因此这已经不再是一个狭义的设计的要求,如果从专业教育的角度来看,就会发现导致中国环境艺术设计缺乏创意的一大原因,同样也是中国环境艺术设计人才培养模式中相应创造思维教学的缺位。“工作室”模式充分利用科研机构、单位、社会其他力量等各种渠道的教育资源,将他们在人才培养方面的优势与学校的优势进行互补,将学校的教育与社会实践有机的结合起来,着重培养学生的综合素质、开放性思维、创新能力和专业竞争力。“工作室”模式既是在学生完成基础课程后,在专业基础课及初级的专业设计课内容熟练掌握的基础上,把实际的设计项目引入“工作室”,采取“工作室”内项目跟单式教学,由专业导师指导参与实际的设计项目的各项岗位工作,针对工作完成过程中自身的专业知识和能力不足,及时补充人居环境理论,环境生态学、园艺理论,施工与管理理论,规划与设计理论等等知识。学生在各个学科的相互交叉互动的过程中,更加深了对设计理论的理解和拓展。“工作室”模式即注重艺术设计的成果,结果是一个长远的目标,而不是短期得到的;更重视的是艺术设计的过程以及过程中的积累,注重成长的过程,而非结果,在实践的过程中掌握、丰富和完善知识结构,使学生能够学到方法和思想,才能达到环境艺术设计教学的目的。 (二)“工作室”模式环境艺术设计人才培养的特征 1.“工作室”模式环境艺术设计人才培养将市场需求作为出发点,改变学校只重视理论教育的缺点,将学生带到现场进行实践操作。通过企业与学校的联系与合作,让学生从实践中汲取营养,充分发挥资源优势,达到设计艺术教育的目的,培养适应当前形势的既有专业水平,也有实践经验的人才。2.“工作室”模式环境艺术设计人才培养将学生的视角从微观环境艺术设计的层面延伸开去——主要设计对象是视觉感受,因此追求造型艺术的应用,追求材料的肌理对比,追求色彩的运用,追求空间的变换,追求美的视觉呈现等成为的设计目标。“工作室”模式环境艺术设计人才培养帮助学生理解设计方案完美与现实的结合,理解设计方案在实施的过程中的困难与制约因素,理解设计方案个性化表达与人文和环境的融合。3.“工作室”模式下将学生定位于工作者的地位,使学生在学习中产生积极性、能动性和压力感,根据项目要求按照现实规范来完成项目的制作,“工作室”模式环境艺术设计人才培养是对传统课堂教学方式的一次变革,实际的项目的设计命题也有利于提高学生的竞争意识,促使学生不断地根据社会的需求,提高学习的效果,锻炼自身各方面的综合能力。4.学生在“工作室”通过资料整理、分析、概念设计、方案设计(手绘图、材料的选用、风格的定位)、初步设计(效果图制作)、施工图、现场服务、总结(验证、社会评判)完成一个完整的设计流程并熟悉各个岗位环节的工作职责和流程衔接。直接参与实际操作项目过程中,学生即增强了团队合作意识,提高其在未来工作环境工作岗位的适应能力,也加强了个人的管理和操作技能和创造性思维及创造能力,可成为能够担负起一系列环境艺术设计相关工作(效果图制作、投标报价等)的专业人才。“工作室”模式环境艺术设计人才培养方式,不仅在注重学生专业技能培养的多样化上,还在专业理论的涵盖面广上,都是非常典型的代表,它为学生走向社会奠定了基础,是知识转化成生产力的孵化器,一方面为在校学生提供最清晰的专业发展动态,有助于把握环境艺术设计的时代脉动,紧跟信息潮流;一方面还可以为校企合作提供一个较高层面的平台,并争取尽可能多的社会横向项目纵向交流;为社会开展设计与技术服务,使专业教师和学生与企业能面对面的交流,一起寻求问题的解决途径,一起进步,也使学生能符合社会要求。体现了学科教育的要求,也可建立完善的教学体系并积累丰富的教学经验。 (三)“工作室”模式环境艺术设计人才培养的展望 环境艺术设计与创造力息息相关,它是抽象思维与形象思维的结合体,是一项需要摒弃传统的思维在自觉性创新意识下创造性思维的活动。通过“工作室”模式环境艺术设计人才培养模式在理性和感性之间搭建一个桥梁,将书本上的知识形象化、让学生能够更加真实的体会抽象的知识,以此来激发学生的学习兴趣,拓展学生的创新思维,从而使他们设计出来的作品更加生动、更加有活力。每个学生的想法基础都是不一样的,教育的关键就是因材施教,学校不仅仅要让学生熟练掌握专业技术,也要学会独立思考和工作,教师应该去努力了解学生的想法,对其提出意见和指导,这样才能让学生更好地适应未来的进步和变化。 作者:李莉 单位:湖南涉外经济学院 环境艺术设计人才培养策略:环境艺术设计人才培养的途径 摘要:为了促进环境艺术设计人才创新意识的养成,对人才培养模式进行探索,通过分析工作岗位,从人才培养目标定位、校企合作开发体系构建、师资队伍建设、实训建设等方面有了新的改革。以此为主题,对环境艺术人才创新意识培养途径进行分析。 关键词:人才培养模式;校企合作;创新意识;工学结合;基地建设 近几年来,国家大力推行高职教育,提升职业教育在教育系的地位。这也意味着,职业教育的发展面临着前所未有的机遇。为什么要培养高职教育呢?高职教育培养的都是高等技术应用型专门人才,实践性和应用型是它们的主要特点,随着社会的进步,环境艺术设计受到了各界的密切关注,市场正缺乏这种专业人才,所以高职教育呈逐步向上的趋势。本文以此为背景,对环境艺术人才创新意识培养途径进行探讨。 一、培养和确立目标 环境艺术设计专业是一个与可持续发展战略息息相关的艺术设计研究,经济社会发展对高等教育提出的要求就是创新人才培养模式,培养高质量的应用型人才。正确定位人才培养目标,构建工学结合的人才培养模式,以市场需求为导向,面向室内建筑装饰以及景观设计,掌握设计的基本理论,培养德智体美全面发展,着重培养能够从事环境艺术设计、施工等岗位的人才和能适应经济发展的高素质人才。 二、校企合作培养开发 德国的职业教育学者和其团队在一系列研究成果的基础上提出以工作过程为导向的职业教育理论,这个理论提出后迅速被德国的学术界所认同,并把这一理论作为教育改革的基础,工作任务、内在联系以及工作过程中的知识为教育内容,主要的教育方式是行动导向教育,这一种思想在设计上构建了实践理论一体化的教育模式。1.目前,在国内的一些高职教育改革中,已普遍认可以“工作过程为导向”的专业人才培养方案。要进一步把工作岗位分析和工作过程相结合。学校的教育和改革以及提高教育质量的关键环节就是培养,是学生职业教育能力的依托和基础。岗位分析是指对某项工作进行说明,从而进行信息的收集、分析以及综合管理,这也是一种工作方法。这既可以运用到教育培养体系,也可以运用于企业的管理。为培养改革开创了新的思路,同时有助于实现整体优化的教育计划。对于高校教育工作者来说,这样可以更加有效地组织安排教育,有助于实施教育过程,把职业能力作为主线,着力点为岗位技能要求,把工作任务作为导向,选择配置教育模块,合理地组合和排序,努力培养社会需要的专业化人才。2.通过校企合作建构科学体系。教育模式和培养体系的转型是人才培养模式中最为关键的,环境艺术设计的培养应与创新为主,培养方案、优秀培养及培养结构的设定应邀请建筑行业与园林景观的专家召开论证会进行探讨和修订。同时,对培养设置尽量要简洁但又富有精华,注重学生的实践能力,突出培养的重点和专业特色,着重培养社会需要的应用型专业人才。积极构建工学结合、模块教育的培养体系,专业培养体系由素质目标、能力目标、知识目标等要素结合成五大培养群,即专业延展培养群、工程技术与管理培养群、专业基础培养群、设计制图培养群以及设计与表现培养群。把项目任务书的应对能力、设计的表现技法、规范的应用能力、经济运作能力以及专业创新与可行性能力作为依据培养优秀能力的定位。3.教育过程实施的项目化。在校企合作形式的模式上要改进教育方法,优化培养结构,更新教育内容,把导向作为市场需求,项目教育法作为原理为指导,把学习过程与项目过程结合为一体,开启“教育做合一”的教育模式。由企业专门的技术人员通过现场教育去锻炼实训,指导项目过程的结合,通过校企合作共同开发新培养,进一步加强培养改革,从培养教育大纲、培养实训大纲、人才培养模式、人次培养计划、项目教育方法、培养教材等多方面开展校企合作。企业要监督学校参与制订培养计划和教材的编写,并请专业的技术人才进入课堂进行授课,指导学生在实践去锻炼自己,为企业培养合格的人才。4.工作室的教育模式要以实行具体的工作任务为导向。为了提高学生们的主动性,锻炼他们的实践能力,就要把教育模式转变为“工作室制”。除了要学习课堂理论知识,还要进行实训,从设计风格、平面规划、效果图制作、施工图制作与软件相配饰,学生通过分组讨论进行方案细化,把过程和方法、情感态度和价值观、知识和技能三个方面融合到工作任务中,改变教育身份,教师、企业人员、学生之间相互合作,促进学生知识技能的提高。 三、师资队伍建设 环境艺术设计专业的教师团队应由企业教师、校外教师及本专业教师三大部分组成。在教育过程中采用校内专业教师与校外教师结合的创新模式,对一些实践性的培养进行授课。企业教师去培养学生的实训部分,理论知识则由校内专业教师去指导。充分让教师们相互学习,共同指导学生,实现师资的高配置。 四、实训基地的建设 高职院校对实训基地越来越重视,实训基地在实践中起着重要的作用。实训基地建设是否完备直接影响高职院校学生的能力培养。对于培养创新能力、社会适应能力及实践能力为目标的教育探索已取得了辉煌成绩。例如,德国的学生在接受教育时,还要同时完成教育实践环节。我国的实践教育环节创新能力有所提高,为了引导学生更好地完成项目,我们要邀请专家带着项目走进课堂进行实践教育。现在榆林学院正积极建设校内实训室,现已建成制图实训室、设计实训室、模型设计实训室和计算机辅助设计实训室共4个。目前,已与厦门知名的企业建立了校企合作校外实训基地,方便学生走进现场走进企业,促进实践能力的培养。通过这些项目实训中心吸引企业专家和项目走进课堂,建立起集培训、开发、教育的生产性质的实训基地。同时,完善实训室的设备,与企业共同创建高质量的实训中心,为培养的项目教育实施提供场地支持与技术支持,为社会培养环境艺术的人才。 五、总结 总之,环境艺术设计是一门科学与艺术息息相关的学科,高职教育的人才培养模式关键在于校企合作、工学结合。对我国环境艺术设计中存在的问题应认真分析,首先要加强学科的培养,完善培养设计,建立专业化体系,建设一条高素质高水平的师资队伍,其次注重实训基地的开发。人才培养还应着重从市场出发,同时,解决校企合作的形式化问题,改善良好的校企合作关系,在培养开发、实训基地建设、培养体系改革等方面与企业合作,构建标准体系,才能促进学生更快地融入社会,为社会培养高素质高水平的环境艺术人才。 作者:慕云舒 单位:榆林学院 环境艺术设计人才培养策略:环境艺术设计人才培养对策 一、环境艺术设计教育的理论基础 改革开放以来,我国发生了翻天覆地的变化,对外开放的政策使得国外各种思想进入中国,同时也对我们传统的思想和教学理论提出了挑战。国外许多先进的理论和艺术设计的理念不断冲击着国内传统的理论基础,让国内环境艺术设计领域的专业人士认识到自身的不足,并改变以往单纯借鉴和堆砌理论的做法。完成了初期在环境艺术设计道路上的探索之后,相关教育人士研究出了一条把多门学科如哲学、艺术、生物、物理、心理等融合在一起的设计理论。在这一新理论的指导下,国内的设计风格逐渐多样化,环境设计功能得到开发和创新,并将个人的情怀和情趣通过环境艺术的设计体现出来。当社会的分工越来越细时,人们不断提升在艺术上的审美要求,这便直接造成了建筑行业对环境艺术设计人才需求的增加和要求的提高,原有的优秀环境艺术设计人才出现了供不应求的情况。虽然我国在环境艺术设计上相对于国外来说起步晚、水平低,但是发展的速度并不慢,尤其是近年房地产等建筑事业的快速发展,使得环境技艺设计的发展如火如荼。 二、环境艺术设计人才培养的方向 在整个环境艺术设计教育发展的历史过程中,我国的环境艺术设计教育借鉴和参考了其他国家的教育模式和理念等,经过多年在中国的补充、运用和发展,培养出的专业设计人才为人们的生活环境做了美丽的改变,而且高校教师们经过学习和吸收这些理论后,明确了目前环境艺术设计人才培养的方向,即培养出具备将我国的民族个性、民族精神和民族文化通过环境艺术设计的形式体现在建筑物上的能力的新一代专业设计人士,并且能够及时顺应时展,不断与时俱进革新设计形式的人才,提高我国环境艺术设计人才在国际上的竞争力。 三、环境艺术设计教育的发展现状 现在,国内很多高等院校都创立了与环境艺术设计相关的专业,尤其是一些综合院校和一些理工类、建筑类、艺术类院校。随着环境艺术设计的不断升温,许多高职院校以及成人教育等也都开设了相关的专业。由于教育精力和师资力量的不足,造成大量本专业毕业生专业能力不足,无法全部满足社会需求的情况,所以不管是教育者还是环境艺术设计工作者都应该对这样的问题进行思考。众所周知,我国的教育向来以理论为主,在对理论更深入的思考和探索以及将理论和实践结合起来培养学生综合能力方面重视程度不高。这样的教育方式和教育理念既限制了学生综合能力的培养,又阻挡了环境艺术设计发展的进程。因此,教育者要注重将环境艺术设计的教育理论和实践结合起来,为培养符合社会需求的专业人才建立完善统一的教学系统。由于我国的环境艺术设计教育起步较晚,很多教育理念并未发展成熟,所以其发展仍处于初级阶段。但是,高校并没有考虑到这方面的因素,为了顺应时代的发展,满足社会需求,这些年来很多高校持续扩大招生,盲目增加招生数量,却没有考虑到如何保证人才质量,以及满足人才培养需要投入的资源。这样一方面违背了培养高质量专业人才的初衷,另一方面阻碍了该行业未来的发展。环境艺术设计总的来说就是艺术设计,在设计和创新思想以及实际操作的技术上要求都不低,可以说是一个双标准的专业,并且有一定的难度系数。但是,在学校进行教育工作的专业教师并没有同时具备丰富的理论知识和实践经验,而该行业杰出的专业人才也很少进入课堂参与教学活动,课堂上学习的理论知识缺乏实际的经验作为支撑,无法培养出符合社会要求的环境艺术设计人才。 四、培养环境艺术设计人才的方法 要培养出合格的专业人才,首先要正确看待社会发展的趋势,清楚社会发展的背景,在这个基础上,对教学的内容和理念进行补充和发展,使之完善。这就要求高校及时调整好师资队伍的结构,将师资能力高效地运用在适当的教学活动中,加强培养学生的设计能力,为其今后的实践打下基础,把师生两方面的工作做好,将人才培养体系系统化。 (一)认清时代背景,改革教学体系 随着世界经济全球化的到来,21世纪的发展变化翻天覆地。信息发展和交流的高速性,要求教育者对环境艺术设计人才的培养必须提前做好充分的准备。这都是为了能够优化环境艺术设计人才培养的计划以及清楚认识到现在时展的背景,保持与国际顶端的设计教育进行切磋交流,互相学习,深入学习现代化的新技术,在课堂上向学生灌输先进的教学理念、教学方法以及教学内容。有效地将我国的传统民族文化和现代时尚因素融合在一起,使我国环境艺术设计在保持自身传统元素和精髓的同时充满时尚感和现代气息。比如在对设计人员进行培养的时候,督促他们时刻关注国际设计的走向,同时还要关注并参加各种相关建筑设计的比赛,以比赛来锻炼自己,检测自身的水平并提高设计的能力。时代在发展,世界在变化,环境艺术设计教育要想跟上科学技术的发展速度,就必须革新教学的内容和理念,以积极的态度学习国外优秀的设计理念和设计风格的走向。从他人设计的杰出作品中不断总结经验,去掉不好的部分并吸收精华的部分,来辅助设计教育工作的展开,将与设计相关的所有教学活动融入到课程中去,注重培养学生的实践能力,加强并完善教育的管理力度和制度。只有真正把教育工作实践在实际操作中,才能加快实施环境艺术设计人才的培养速度,最终用科学的方法革新专业设计的教学内容和教学理念。鼓励学生多花时间到环境艺术设计的经验交流会中去学习他人的经验,作为自己能力提升的基础或者辅助手段。教师要经常性地给学生创造实地考察的机会,让学生获取更多的实战经验,这对于学生实践能力的培养具有很大的推动作用。教育工作者应不断引导学生关注外界设计的发展和变换,拓宽学生的视野从而发散学生的思维和设计视觉。尤其是现代各种电视节目的发展也将环境设计作为节目的内容,吸引优秀的设计人才参与其中的同时,为观众普及与环境艺术设计相关的知识。更重要的是,参赛者能够在激烈紧张的比赛氛围中锻炼自己各方面的能力,特别是应急能力和实践操作的能力。 (二)完善师资队伍,提高学生能力 教师是知识传播的主体,因此师资结构的完善和健全能够极大地推动环境艺术设计人才的培养以及环境艺术设计教育的发展。师资队伍的水平和人才培养的质量以及学校的教学质量有直接的关系,所以目前最紧迫的事情就是建立符合社会发展需求的师资队伍,不断健全现有环境艺术设计教育工作者的理论知识系统和实践操作能力。学校应努力为教师创造经验交流的机会,促进知识和经验的相互交流等等,来获取更多与环境艺术设计相关的信息,以更好地培养出更多与时俱进的杰出人才。除了教师间的相互交流,学校还可以邀请业内具备丰富经验的从业者来与教师们进行实际操作经验和知识的探讨,或者邀请著名的专家教授等以讲座的形式为广大教师和学生讲授相关的经验和知识,帮助教师完善自身理论知识的同时提高教师的教学水平。根据社会的要求,环境艺术设计人才必须具备这样的特点,即拥有强烈的实际操作和动手能力以及综合能力。所以教育者在教授学生环境艺术设计知识的时候,除了要加强学生的动手能力,还要注重培养学生符合社会发展所需要的能力。也就是说,社会需要的不只是具备丰富理论知识的专业人才,还需要具备很强的实践操作能力和一定的实战经验,这就要求学生在注重理论和实践能力培养和构建的同时,还要多参加相关比赛获取实战经验。总而言之,在培养的过程中,要注意理论和实践之间的相互结合,以及实战经验的获取,对培养学生的创新思维和实际操作能力以及综合能力至关重要。 五、结语 社会的不断发展,对环境艺术设计人才提出了更高的要求。为了顺应社会发展的需要,高校有责任培养出符合社会要求的人才,这就使得学校和教师肩上的责任不断加重。为了培养出这样的优秀人才,学校和教师首先要做的是仔细看清楚目前时展的趋势,顺应时代的发展做出相应的变革,比如教学理念和内容的革新,调整师资队伍,注重培养学生的动手能力,鼓励学生拓宽自己的视野。不断完善教育体系,不断完善学生的综合能力尤其是动手能力,以达到社会需求的标准。 作者:王永强 单位:黄河科技学院艺术设计学院讲师
现代环境艺术设计与传统文化的融合:现代环境艺术设计与传统文化渊源初探 [摘要] 本文从传统文化现状着眼,分析现代环境艺术创作中的传统文化要素,以及现代环境艺术设计中的传统回归,阐述传统文化要素在现代环境艺术设计中的现代化,旨在剖析现代环境艺术设计与传统文化不可分割的本质特征。 [关健词]环境艺术设计 传统文化 文化性 民族性 地域性 文化传统,是历史的投影和积淀,是支持一个民族心理活动的潜流。要科学地展现一个民族的历史过程,就必须展现其文化品格和独特的文化精神。世界文化从人类迄今发现的最早的洞窟到今天高耸入云的玻璃幕墙摩天大楼,无不体现着人类社会的飞速发展。人类对空间的艺术设计需求已经从早期的简单生活,发展到更高的要求。这使得环境艺术设计逐渐形成了单独的学科,一门创造适合人类生活环境的综合性艺术的科学。环境艺术的存在和发展是通过为人提供适合的生存和生活的场所而实现的人文关怀,随着时代的发展,在当今社会的环境艺术设计所涉及的学科更加广泛,其中主要有建筑学、城市设计学、景观设计学、城市规划学、人体工程学、环境行为学、环境心理学、设计美学、环境美学、社会学、文化学、民族学、历史学、考古学、宗教学等多方面学科。 一、现代环境艺术中的文化性、民族性、地域性 上个世纪80年代,人们追求“现代”的渴望空前高涨,“赶超”的冲动弥漫于整个社会。一时间,传统的文化和规范受到极大的冲击,人们向往科学、丰裕、文明、工业化。许多发展中国家以西方发达国家的发展模式来设计和发展自己的经济,人们照搬照抄西方的生活方式,其结果往往以失败告终,这已从90年代末东南亚地区的经济危机得到证实。然而国际化和产业化又是我们无法逃避的现实,在经过徘徊和失落之后,开始把注意力转向社会的主体,考虑自身的发展,在追求现代化的同时,重新开始用理性的眼光去寻找那久久被淡忘的传统文化,认识到任何国家的发展和文明的进步都不能够以淡漠历史、忘却传统为代价,“现代化”应该是在传统文化基础之上的现代化。进入20世纪90年代后,全球的文化格局发生了巨大的改变,但就总体而言,世界的“全球化”与“土化”的双向发展已成为当今世界的基本走向。 二、设计必须现代化,我们不仅要继承,而且要发展,要创造 只有创造性地继承,传统文化才会有生命力,而且也只有这样,才能适应不断发展的科学技术和社会生产力,才能适应已经变化了的国情、民情,满足人们的基本需求。创造有文化价值的环境艺术空间,是设计师责无旁贷的历史责任,尤其是当前的文化多元共存之中,如何在环境艺术设计中体现出我们自己本民族的特色,如何营造体现地方特征及风俗习惯的环境艺术空间,是需要我们付出气力去研究的。而今,我们不仅有外国设计师的经验,而且还有很多实践的机会,这样,我们就会少走弯路,探索出适合中国国情,能够体现地方特色的环境艺术设计创作方法,发展我国的环境艺术设计事业。 三、传统文化要素在现代环境艺术设计中的展望 环境艺术使用一种设计的艺术语言。中国人历来主张语贵含蓄,如苏东坡所谓“言有尽而意无穷”。环境艺术要以设计的语言之“境”感人,给人以整体的感觉,既忌标语口号化和过于直观的表达,亦忌艺术语言的泛滥与过分堆砌。这便是传统文化中的“贵不言”所给予现代环境艺术设计的启示。 环境艺术所使用的艺术语言是一种“形态语言”,又是一种非确定性的感性语言,此种语言的非确定性特质决定了环境艺术表现的含蓄性与多义性。含蓄的艺术是宽容的艺术,它不那么武断,不那么盛气凌人,仿佛是和观者一同讨论和探讨生活的真谛。引发观者联想和对生活的回味,同时也默默地允许各人有不同的感受和理解,从而也导致了环境艺术欣赏的多义性。这正如听众对音乐之感受与理解,可以因人而异,各人有各人的理解再创造过程。环境艺术的感受也是如此,对环境艺术的感受依欣赏者的年龄、性别、文化、职业、种族、经历、信仰、身体状况、社会经历等方面的不同而异。作为信号接受者的人各有其敏感的“频段”,或者说,有各自的“频谱响应特征”。多波段广谱型的人只是少数。环境提供的感官信息则如同电台所发射的某些节目,随不同的针对性而有不同的频段,人们取舍有不同,选取节目的志趣各异,或者感受而引人共鸣的频段各异况且环境艺术所使用的是比电台节目更具模糊性的感觉语言,观者有各自的感受和派生联想。环境艺术以其含蓄性使人产生遐思联想,给人再创造的余地,给每人提供了发挥想象力的机会,含蓄性使对环境艺术的体会达到意味无穷的境地,这是传统的力量所致,诗经有云:“诗有可解、不可解,不必解者也”。现代环境艺术设计的语言含蓄性大义盖与此通。 ?四、传统文化要素与现代环境艺术设计的可持续性发展思想 我国传统文化具有儒、释、道相补充的文化特征。三家均主张人与自然建立密切的关系.儒家重仕途经济,积极进取,主张:“达则兼济天下,穷则独善其身。”士人得志,多指点江山,激扬文字,仕途失意,多归隐田园,浪迹江湖或遁迹山林,深入大化之中,以大自然为其归宿。释教则主张:“色即是空,空即是色。”将自然实体与个人玄想世界相统一。道家则提倡“清静无为,回顾自然,顺应自然,师法自然”。庄周梦蝶,分不清自然之蝶和自身所化之蝶,使本体与自然融合。中国人一直把自己视为自然环境的一部分,与环境息息相通,这种自然观构成了中国传统环境艺术设计及室内设计的基本思想,如中国园林就是一种把自然之美与人工美高度结合起来的环境空间,人工环境与自然融为一体,相得益彰。回顾人类文明的发展史,可以清楚地看到在不同的发展时期人与环境的关系处于不同的层面上,在前工业社会,由于受到自然条件与技术能力的制约,人们被动地、潜意识地改造了自然生存的环境,工业社会,科学技术的进步给人类的发展带来了前所未存的物质财富,技术力量的提高,生产力的进步增强了人们改变自身的生存环境的信心,在社会进步的同时,相应也带来了负面效应,自然资源迅速消耗,环境日益破坏,人类生存的基础受到了威胁。技术的进步促进了人类社会的发展,但同时也带来了预料到的问题:人口恶性膨胀、环境污染、生态危机、人性的淡漠等一系列社会问题。到了后工业杜会,这些日益严重的问题迫使人们反思人类的发展历史,重新认识人与环境的关系,“可持续发展”理论被人们普遍认同,人与环境开始逐步向良性互动的方向发展,“把自然还给人,把人还给自己”,这成为人们的理想和目标。在现代中国,亦开始走上了“现代化”的发展道路。既然有了前车之鉴,我们能否避免西方国家那样因工业发展给生存环境带来的不良影响?我们不应再盲目地追从西方,而应正确对待发展与环境的关系,悉心爱护民族的文化传统和艺术精神,走我们自己的发展之路,用艺术设计的方式,创造新的生存环境,这就是现代环境艺术设计的指导思想。 现代环境艺术设计与传统文化的融合:现代环境艺术设计与传统文化元素的融合 摘要:现代环境艺术设计是一项新兴行业,在我国的环境设计领域发展迅猛。在实际设计环节中,中国传统文化元素被广泛应用,是中国传统艺术与文化的现代化传承与发展。加强现代环境艺术设计与我国传统文化元素的相互融合,有利于促进我国特色化环境艺术设计行业的不断发展。本文通过简要分析了现代环境艺术设计中我国传统文化元素的融入现状,提出了现代环境艺术设计中我国传统文化元素的实际融入措施,以期为我国的现代环境艺术设计的特色性发展提供参考。 随着社会经济的不断发展,我国的现代环境艺术设计发展速度迅猛,其主要涵盖了现代城市规划、建筑装饰、室内外装修以及园林景观设计,主要追求设计中为设计赋予艺术性表达。但是就目前的我国的现代环境艺术设计来说,在融入中国传统文化方面还存在着一定的问题,主要表现为设计追求西方艺术与国际化,忽略了中国特色的现代环境艺术设计的重要性。所以,为实现中国现代环境艺术设计的不断发展,应当加强中国传统文化在现代环境艺术设计中的融入。 一、现代环境艺术设计中我国传统文化元素的融入现状 从上个世纪末开始,中国现代化环境艺术设计逐渐走入设计误区,部分设计师在进行设计创作时过度追求西方文化,部分设计师在设计创作过程中一味的追求高档材料的运用,忽略了设计搭配的重要性。另外,还存在着一部分的设计师在设计过程开始之前并没有对设计进行科学合理的整体规划,这些都导致我国传统文化在实际中的应用较少或者应用实施单一刻板。造成这种现状的主要原因有以下两点。其一,外来设计理念在中国的盛行甚至后来居上,其主要表现为我国现代环境艺术设计中对于中国传统的环境风水学以排除迷信的观念进行抵制,以致于我国在设计理念方面存在着一定的理论空白。在这样的情况下,发展较为完整的外来设计理念逐渐在中国设计行业中占领重要地位。正是由于现代环境艺术设计师对于西方文化的过度追求,以致于我国的传统建设特色都逐渐在被忽视的过程中失去光环。另外,这还导致当前的环境设计大都形式相同,失去了我国传统的地域特征与文化特色。其二,中国传统特色的环境作品越来越少,急需被保护。这主要表现在我国当前现存的中国特色传统建筑的设计思维与案例保存较为完整的地区大多都集中在偏远城镇或者山区。例如中国传统特色明显的环境设计典范包括存在安徽皖南的宏村,在环境设计以及建筑设计方面都具有较为完整的中国传统特色,但是随着外来设计理念的影响逐渐深入,此类具有中国传统特色的设计正在逐渐减少,并且由于现代化建设与城市的不断推广与扩张,现代环境下的这类建筑正在逐渐消失减少。所以,应当加强在现代环境艺术设计中中国传统文化的融入以及加强保护传统的具有中国文化特色的建筑。 二、现代环境艺术设计中我国传统文化元素的实际融入措施 1.在设计中对传统中国文化进行引用与复制 要实现中国传统文化元素在现代化设计中的有效融入,设计师可以在设计中对传统中国文化进行引用与复制,将中国传统文化中象征性意义强的视觉形式在现代环境艺术设计中进行体现,从而实现在新的载体上进行全新的视觉形式创造,从而实现符合现代审美的情感塑造。另外还可以在传统文化的基础上进行适当创新,让相关文化元素在保留其基本形态与神韵的基础上实现现代化设计的表现,表达相关的民族思想与精神。同时,在现代环境艺术设计中也可以直接对传统元素进行复制应用,将其融入到现代化设计载体当中,通过现代化的形式对中国传统文化进行有力表达。 2.在设计中对传统中国文化进行优化与变异 在现代环境设计当中,加强传统文化融入的重要手段还包括在设计中对传统中国文化进行优化与变异。设计师可以对中国传统文化元素进行深入研究,从中发现适合现代化设计的美的元素作为实现设计创作的素材。之后对相关素材进行现代化的分解、重组,使中国传统文化元素可以与现代化设计进行相互融合,这主要是进行传统文化与现代化西方特色的相互结合的方式。例如,上海的著名建筑经贸大厦就是通过以上方法实现的具有中国传统特色现代化建筑设计的典型实例。在设计进行时,设计师将传统的塔型结构进行元素分解与创新,将其运用到现代化高层建筑设计当中。设计师在进行塔型结构运用时,没有对该元素进行生搬硬套的形状放大,其主要是运用现代美学实现塔型比例与建筑比例的协同。并且设计师主要是以密檐式塔作为建筑设计的基本设计思维立脚点,对该塔型的轮廓、线条以及精神进行深入分析与概括,再通过现代化的设计手段与设计理念进行传统元素的有效表达。 3.在设计中对传统中国文化进行继承与创新 在现代环境艺术设计工作中,设计师可以在设计中对传统中国文化进行继承与创新,将中国传统文化元素与现代化的审美观念的现代化的建筑结构进行相互融合。在进行相关建筑设计时,利用文化传承进行传统建筑特征表达的同时又以创新精神实现现代化建筑风格的表达。例如,苏州博物馆的建设就是实现文化传承与创新两相结合的重要成功设计案例。在进行该建筑设计时,设计师首先对中国的传统文化内涵与人文精神进行深入分析,并以此作为设计实现基础,然后采取现代化环境艺术设计理念采用现代化的建筑材料进行传统文化的表达。在进行博物馆外观设计时,将其以传统建筑的形式进行表达,使其在所处的苏州古建筑群落中不至于格格不入,实现该地区环境的建筑设计整体性。而博物馆的内部构造与设计有充分发挥了现代化的设计理念,运用科技感与现代感十足的多种几何图形来进行造型设计。博物馆内的现代化设计元素与馆外的中国传统造型元素的两两结合,在表达公国传统文化的同时符合现代人们的审美观念,有效的实现了在现代环境艺术设计中对传统文化的继承以及创新。 4.在设计中对传统中国文化进行隐喻与创新 在现代环境艺术设计当中,隐喻手法的应用是实现中国传统文化内涵表达的重要手段。其主要是通过环境设计当中所包含的元素与形式来对环境之外的精神进行隐晦表达。对于中国传统文化精神来说,其主要是对传统文化内涵、价值以及寓意的表达。将具有民族的特色的图案、摆设以及风格融入到环境艺术设计当中,都是实现文化内涵表达的重要手段。利用创新思维来实现传统文化的隐喻表达,主要是对现代环境艺术设计作品同时兼具现代化与中国化的特点。另外,根据设计所处的环境还应当包含相关区域的区域文化特征。例如,孔子研究院的设计就是在设计中对中国传统文化进行了隐喻与创新。在进行建筑设计时,设计师主要是将中国传统书院引入到建筑规划当中,使其具有古典建筑的精巧构局。设计师在建筑的左右两边分别设置了座山与案山的象征形态,并根据中国传统风水学进行引水渠与小河的添加,体现了中国的传统文化观念,从风水学上为该建筑提供了极佳的风水地理位置,是传统的设计体现。在该建筑群落的设计中,设计师运用多种传统的建筑文化元素作为设计支撑,灵活运用隐喻手法,将传统的文化元素利用现代美学观念进行充分提炼与变异,实现隐喻下的中华传统文化的有效表达。 三、结束语 对于我国现代环境艺术设计来说,对于中国传统文化的吸收与融入应当避免生搬硬套的复制与模仿,实现中国传统文化的内涵表现与精神表达。在进行两者结合时,要注重现代环境下人们的内心情感需求以及传统文化的长久传承,以中国特色表现中国情怀。要做到这一点,设计时应当在进行中国传统文化融入时,发挥自身的创造性能力,对传统元素进行合理的创新与重建。最终设计出以中国传统文化元素为基础的现代化设计,集成中国传统特色与文化的同时贴近现代人审美观念。 作者:彭湛 单位:山西职业技术学院 现代环境艺术设计与传统文化的融合:现代环境艺术设计与传统文化构思 摘要:现代环境艺术设计的诞生,为我们的生存环境带来了翻天覆地的变化,它具有鲜明的时代特征,是处在一个不断创新与发展的,且与社会、民生息息相关的阶段,然而,在此阶段中,现代环境艺术设计却与我国传统文化渐行渐远,呈现出了“西化”特点,具有代表性的、能展现东方传统文化的现代环境艺术设计作品也不多见,基于此,本文笔者将浅谈现代环境艺术设计中的传统文化构思,希望对于我国传统文化在现代环境设计中的传承有所帮助。 关键词:环境艺术设计;传统文化;构思 引言 环境艺术设计在我国的发展史虽然不算长远,但是发展势头却非常迅猛,其中不乏一些具有鲜明时代特征,且体现中国传统文化的环境艺术作品,但是更多的却是偏“西化”作品或“伪东方化”作品,许多设计师断章取义,没有对中国传统文化进行深入分析、探究,从而设计出一些肤浅的作品,因此,当前中国环境艺术设计的首要问题是如何融合东方传统文化,设计符合时代精神风貌的现代环境艺术作品。 一、环境艺术设计 在中国,环境艺术设计一词,最早起源于上世纪八十年代,是为效仿日本,将“室内设计“改为”环境艺术设计“。它从某种角度来讲,是艺术的一个分支,但是又区别于艺术,其表达方式及表现形态也是多种多样,在几代人的不断研发中,它逐渐与现代科学、社会经济、现代艺术及传统文化相结合,呈现出全新的画面,真正成为了一门新的综合性学科,实现了审美与实用的完美统一。 二、传统文化 中国作为四大文明古国,在悠远的历史长河中,积淀了丰富的传统文化,其反映了中华民族思想和文化的发展历程,在千年的历史进程中,涌现出了大量的思想学派,最著名的,影响力最大的当属儒学思想,其次是佛道两家,也正是源于这些文化思想的推动,才使得我国的传统文化呈现出了独特的民族风格,拥有了独特的魅力,然而今天,西方文化的入侵,使得传统文化的传承受到了严重的影响,如何将传统文化与现代中国的发展相结合,也成为了当代人所思所虑的重要问题。 三、现代环境艺术设计中传统文化的表达形式 中国传统文化丰富多彩,因此,在现代环境艺术设计中的运用也是多种多样,现阶段主要有以下几种表达形式:1、情感表达情感表达,即将思想以事物为载体展现出来。在古代,通常会将图案及物品陈列运用到房屋院落上,以此进行情感表达,而这种委婉的情感表达在现代环境艺术设计中也是备受青睐,设计师会结合当地风土人情,将文化元素融入到艺术设计中,借此抒情。2、图形表达现代环境艺术设计可以直接将图形运用到作品上,能更直观的表现出作品所表达的含义,这种直接的运用,体现了整合观念,是积极的创造、创新,它将周围环境与现代环境艺术设计融合,赋予了现代环境更为深刻的内涵。例如,沈阳北站的方圆大厦,正是将中国古代的货币图案与现代环境艺术设计紧密结合,它一方面体现了传统文化中的天圆地方理念,一方面又将现代环境艺术设计以一种新的姿态呈现在人们面前。3、神形并举要想真正实现环境艺术设计与传统文化的神形并举,必须要对传统文化进行深度的剖析,并以现代审美角度审视,利用现代艺术手段进行创新,给传统文化一个传承文明的空间,也让现代环境艺术设计更具诗情画意,只有这样,才能保证传统文化与现代文化的相互融合。 四、环境艺术设计中传统文化的重要作用 现代环境艺术设计的根本理念是为人们创造更为舒适的生存、生活环境,使得人与自然能够有机的结合,其表现手法的多样,更是反映出了不同地域、不同民族的生活习惯,虽然不同文化底蕴的人们对其都有自己独到的见解,但其本质依然是展现同样的文化内涵——传统文化内涵,在现代艺术设计中加入传统文化元素,已经成为区别环境艺术设计与其他设计的重要因素,21世纪以来,世界文化格局发生了巨大的变化,“全球化“与”本土化“成为了时代文化发展的优秀,西方文化对中国传统文化造成了强有力的冲击,因此,要想获得传统文化的传承,现代环境艺术设计必须立足于本土文化,重视传统文化对现代环境艺术设计本质上的影响与介入,这样才能提高具有本土特色的现代环境艺术设计的行业影响力。 五、现代环境艺术设计中的传统文化构思 1、自然环境与文化融合环境设计很多都是以建筑为载体,进行艺术表达的,在我国古代亦是如此,将流畅线条与自然完美融合,具有强烈的亲和力,这也是其对现代环境艺术设计的启迪,我国的古代建筑,既有特定的规律性,又给人带来别样的视觉冲击,展现了自然环境与传统文化在时间上、空间上的融合,例如古代的“花窗”,体现了“通透”的实用价值和艺术审美价值。而设计师可以对我国古建筑风格进行深入的研究、推敲,基于与自然环境融合的角度出发,合理运用传统文化,将传统文化嵌入现代艺术设计中去2、自然环境与色彩搭配在现代环境艺术设计中,我们要明确自然界中的事物是相对的,无论花草还是树木都有属于它们的自然之美,那种美是不加修饰的,基于现代环境艺术的角度出发,要从中吸取更多的不加修饰的自然元素,对于色彩的把握也要与自然相融,同时,以现代审美观进行衡量、把控,实现完美的环境艺术设计。 结束语 我国现代环境艺术设计的道路依然任重而道远,传统文化的缺失,外来文化的入侵,将是设计师需要思考的问题。笔者认为,我们要从传统文化要素着眼,阐述现代环境艺术设计与传统文化的密不可分,基于国情出发,立足传统,面向未来,在继承传统的基础上创新,借鉴西方文化而不抄袭,让时代感与传统文化意识相结合,探索具有中国特色的现代环境技术设计之路. 作者:惠宝乐 吕炎翰 舒鼎 单位:沈阳理工大学 现代环境艺术设计与传统文化的融合:现代环境艺术设计与传统文化渊源初探 [摘要] 本文从传统文化现状着眼,分析现代环境艺术创作中的传统文化要素,以及现代环境艺术设计中的传统回归,阐述传统文化要素在现代环境艺术设计中的现代化,旨在剖析现代环境艺术设计与传统文化不可分割的本质特征。 [关健词]环境艺术设计 传统文化 文化性 民族性 地域性 文化传统,是历史的投影和积淀,是支持一个民族心理活动的潜流。要科学地展现一个民族的历史过程,就必须展现其文化品格和独特的文化精神。世界文化从人类迄今发现的最早的洞窟到今天高耸入云的玻璃幕墙摩天大楼,无不体现着人类社会的飞速发展。人类对空间的艺术设计需求已经从早期的简单生活,发展到更高的要求。这使得环境艺术设计逐渐形成了单独的学科,一门创造适合人类生活环境的综合性艺术的科学。环境艺术的存在和发展是通过为人提供适合的生存和生活的场所而实现的人文关怀,随着时代的发展,在当今社会的环境艺术设计所涉及的学科更加广泛,其中主要有建筑学、城市设计学、景观设计学、城市规划学、人体工程学、环境行为学、环境心理学、设计美学、环境美学、社会学、文化学、民族学、历史学、考古学、宗教学等多方面学科。 一、现代环境艺术中的文化性、民族性、地域性 上个世纪80年代,人们追求“现代”的渴望空前高涨,“赶超”的冲动弥漫于整个社会。一时间,传统的文化和规范受到极大的冲击,人们向往科学、丰裕、文明、工业化。许多发展中国家以西方发达国家的发展模式来设计和发展自己的经济,人们照搬照抄西方的生活方式,其结果往往以失败告终,这已从90年代末东南亚地区的经济危机得到证实。然而国际化和产业化又是我们无法逃避的现实,在经过徘徊和失落之后,开始把注意力转向社会的主体,考虑自身的发展,在追求现代化的同时,重新开始用理性的眼光去寻找那久久被淡忘的传统文化,认识到任何国家的发展和文明的进步都不能够以淡漠历史、忘却传统为代价,“现代化”应该是在传统文化基础之上的现代化。进入20世纪90年代后,全球的文化格局发生了巨大的改变,但就总体而言,世界的“全球化”与“本 土化”的双向发展已成为当今世界的基本走向。 二、设计必须现代化,我们不仅要继承,而且要发展,要创造 只有创造性地继承,传统文化才会有生命力,而且也只有这样,才能适应不断发展的科学技术和社会生产力,才能适应已经变化了的国情、民情,满足人们的基本需求。创造有文化价值的环境艺术空间,是设计师责无旁贷的历史责任,尤其是当前的文化多元共存之中,如何在环境艺术设计中体现出我们自己本民族的特色,如何营造体现地方特征及风俗习惯的环境艺术空间,是需要我们付出气力去研究的。而今,我们不仅有外国设计师的经验,而且还有很多实践的机会,这样,我们就会少走弯路,探索出适合中国国情,能够体现地方特色的环境艺术设计创作方法,发展我国的环境艺术设计事业。 三、传统文化要素在现代环境艺术设计中的展望 环境艺术使用一种设计的艺术语言。中国人历来主张语贵含蓄,如苏东坡所谓“言有尽而意无穷”。环境艺术要以设计的语言之“境”感人,给人以整体的感觉,既忌标语口号化和过于直观的表达,亦忌艺术语言的泛滥与过分堆砌。这便是传统文化中的“贵不言”所给予现代环境艺术设计的启示。 环境艺术所使用的艺术语言是一种“形态语言”,又是一种非确定性的感性语言,此种语言的非确定性特质决定了环境艺术表现的含蓄性与多义性。含蓄的艺术是宽容的艺术,它不那么武断,不那么盛气凌人,仿佛是和观者一同讨论和探讨生活的真谛。引发观者联想和对生活的回味,同时也默默地允许各人有不同的感受和理解,从而也导致了环境艺术欣赏的多义性。这正如听众对音乐之感受与理解,可以因人而异,各人有各人的理解再创造过程。环境艺术的感受也是如此,对环境艺术的感受依欣赏者的年龄、性别、文化、职业、种族、经历、信仰、身体状况、社会经历等方面的不同而异。作为信号接受者的人各有其敏感的“频段”,或者说,有各自的“频谱响应特征”。多波段广谱型的人只是少数。环境提供的感官信息则如同电台所发射的某些节目,随不同的针对性而有不同的频段,人们取舍有不同,选取节目的志趣各异,或者感受而引人共鸣的频段各异况且环境艺术所使用的是比电台节目更具模糊性的感觉语言,观者有各自的感受和派生联想。环境艺术以其含蓄性使人产生遐思联想,给人再创造的余地,给每人提供了发挥想象力的机会,含蓄性使对环境艺术的体会达到意味无穷的境地,这是传统的力量所致,诗经有云:“诗有可解、不可解,不必解者也”。现代环境艺术设计的语言含蓄性大义盖与此通。 四、传统文化要素与现代环境艺术设计的可持续性发展思想 我国传统文化具有儒、释、道相补充的文化特征。三家均主张人与自然建立密切的关系.儒家重仕途经济,积极进取,主张:“达则兼济天下,穷则独善其身。”士人得志,多指点江山,激扬文字,仕途失意,多归隐田园,浪迹江湖或遁迹山林,深入大化之中,以大自然为其归宿。释教则主张:“色即是空,空即是色。”将自然实体与个人玄想世界相统一。道家则提倡“清静无为,回顾自然,顺应自然,师法自然”。庄周梦蝶,分不清自然之蝶和自身所化之蝶,使本体与自然融合。中国人一直把自己视为自然环境的一部分,与环境息息相通,这种自然观构成了中国传统环境艺术设计及室内设计的基本思想,如中国园林就是一种把自然之美与人工美高度结合起来的环境空间,人工环境与自然融为一体,相得益彰。回顾人类文明的发展史,可以清楚地看到在不同的发展时期人与环境的关系处于不同的层面上,在前工业社会,由于受到自然条件与技术能力的制约,人们被动地、潜意识地改造了自然生存的环境,工业社会,科学技术的进步给人类的发展带来了前所未存的物质财富,技术力量的提高,生产力的进步增强了人们改变自身的生存环境的信心,在社会进步的同时,相应也带来了负面效应,自然资源迅速消耗,环境日益破坏,人类生存的基础受到了威胁。技术的进步促进了人类社会的发展,但同时也带来了预料到的问题:人口恶性膨胀、环境污染、生态危机、人性的淡漠等一系列社会问题。到了后工业杜会,这些日益严重的问题迫使人们反思人类的发展历史,重新认识人与环境的关系,“可持续发展”理论被人们普遍认同,人与环境开始逐步向良性互动的方向发展,“把自然还给人,把人还给自己”,这成为人们的理想和目标。在现代中国,亦开始走上了“现代化”的发展道路。既然有了前车之鉴,我们能否避免西方国家那样因工业发展给生存环境带来的不良影响?我们不应再盲目地追从西方,而应正确对待发展与环境的关系,悉心爱护民族的文化传统和艺术精神,走我们自己的发展之路,用艺术设计的方式,创造新的生存环境,这就是现代环境艺术设计的指导思想。 (作者单位:贵州大学艺术学院)
艺术设计专业教学改革研究:艺术设计跨专业融合实践教学改革 长时间以来,很多高校的艺术设计专业在教学教育过程中都存在着一定的问题,表现为重视艺术表现而忽略了学生的专业实践能力的提升,偏重单一专业方向的教学实践而忽视学生在项目实现中的综合实践能力。在现阶段,社会对人才提出了更高的重视,艺术设计专业改革势在必行。艺术设计专业的改革正在向着系统化、应用化的方向发展,通过跨专业、跨学科的交叉性、融合实践教学,可以大大提高学生的实践能力,从而培养出多结构的综合性人才。 1.现阶段艺术设计跨专业实践教学中存在的问题 1.1教师本身存在的问题 从目前的情况来看,艺术设计在跨专业实践教学过程中依然还存在着很多问题,首先是教师本身存在的问题,在跨专业的实践教学中,要求建立一个跨专业的教师队伍,既然是跨专业的实践教学,就要求在教师队伍中应该含有高校中的艺术设计的专业教师和艺术设计行业中的企业人员,只有这样才能真正对学生进行实践教学。但是在实际的跨专业实践教学过程中,很多高校的教师自身并没有进入行业工作,自身也不具备实践能力,因此导致实践教学的效果不理想。而且在实际的教学过程中,课程教学的指导教师的专业结构比较单一,并且缺乏和实际行业的业界交流。 1.2校外实习基地建设不足 在艺术设计跨专业的实践教学过程中,建设校内的实习基地是远远不够的,还应该建设校外的实习基地,但是从目前的情况很多,很多高校在校外实习基地的建设中依然存在着很多问题。在校外实习基地的建设过程中,需要消耗大量的资金,因此很少有学校会花费大量的资金建设一个专门的校外实习基地,一般通过校企合作的方式进行校外实习。但是在企业中进行校外实习,虽然企业会无偿的提供专业的技术指导和教学地点,但是却不会承担学生在实习过程中的耗材成本和人力成本。 1.3校内实习基地存在的问题 在设计专业的跨专业实践教学中,最主要的实践教学依然是在校内实习基地集中进行,因此,高校应该加强校内实习基地的建设。但是从现阶段的情况来看,校内实习基地也同样存在着各种问题。在很多高校中,在艺术设计专业没有专门针对专业的实习基地,虽然在一些高校中也存在着动画工作室、平面工作室等实习基地,可以为学生提供一些指导,但是对于整个艺术设计专业的学生来说,仅仅依靠这些是远远不够的。 2.艺术设计跨专业实践教学的改革措施 2.1构建多元化的教师队伍 艺术设计本身就是一门多结构和多层次的学科,具有自己非常独特的特点。由于艺术设计本身是一门多元化的学科,因此在跨专业的实践教学中,应该构建多元化的教师队伍,艺术设计作为一门复杂性和综合性的学科,从艺术设计学科诞生以来,艺术设计就具有跨学科的特性,和很多学科都具有交叉性。在艺术设计的跨专业实践教学过程中,需要体现学科体系中很多个不同专业之间的关系,这就要求教师自身具备不同专业素养和学科知识背景。因此,在艺术设计的跨专业融合实践教学过程中,应该构建多元化专业背景的教师队伍,在跨专业的过程中,要求应该由不同专业背景的教师来进行教学,可以实现教学过程中的异质互补,实现专业互补和能力互补等,除了艺术设计专业的知识背景的教师之外,还应该招聘更多的相关专业和科学知识背景的教师。另外,还应该多派一线教师外出参加各种研讨会,以增加新的行业信息,使实践教学教师具备真正的实践知识。此外,还可以组织教师参加各类专业展览、各种论坛,鼓励教师利用课余时间外出实践,并将所承担校外项目带入教学,选拨物色优秀企业工作人员来校兼课和指导学生的实践教学。 2.2加强校外实习基地的建设 在艺术设计跨专业的实践教学过程中,应该不断加强校外实践基地的建设。在校企合作实践模式的教学过程中,学生在企业中,可以在实习过程中学到企业正在进行项目技能合技术的学习,但是却不会单独针对学生的特点来进行专门的培训,如果学生需要通过动手实践来提升自己的技能,则需要一定的经费保障,因此高校应该投入更多的资金在校外实践基地的建设中,可以给予单位挂牌,并对实习基地的负责人给予外聘专家的身份,投入更多的实习经费,让学生在企业的实习过程中可以基础到更多的实践活动,保证学生在校外实践过程中的基本费用。在校企合作的现场教学过程中,会对企业的实际生产造成一定的影响,因此在进行现场教学时,可以将学生分组进行实践教学,减少对企业的影响,增强校企合作的效果。 2.3加强校内实习基地的建设 针对校内实习基地存在的问题,高校也应该加强校内实习基地的建设,增加校内实习基地建设的资金,构建多样化的工作室,并灵活应用各种工作室,建立师生之间的联合创作工作团队,教师发挥引导作用,让学生自主动手完成各种实践项目,这样才能满足艺术设计专业的学生和教师的科研要求。另外,针对以往的校内实习实训模式也应该积极进行改革,加大对各种艺术设计相关联的设计工作室的研究,在工作室中可以引入不同专业和不同年级的学生,让学生之间自主进行跨专业实践活动,不断提高学生的设计能力和实践能力。另外,还可以在课外实践活动中灵活的应用各种比赛,通过比赛促进学生的学习,有意识的引导学生参与不同专业和不同学科的竞赛和活动,从而实现跨专业的实践教学。 3.结语 在实现艺术设计跨专业的实践教学过程中,首先应该构建多元化和多结构的跨专业实践教师队伍,并搭建校企之间的无障碍交流通道,不断拓展校企合作范围,强化校企互动,通过校内实习基地和校外实习基地的有机结合,从不同的角度培养学生的实践能力。此外,还可以开通高校之间的联合创作途径,通过小项目与工作室训练等实践环节结合的方式进行跨专业的实践教学。 作者:廖建民 单位:湖南商学院设计艺术学院 艺术设计专业教学改革研究:艺术设计类专业教学改革分析 摘要:随着社会的发展,信息时代的到来,人们的生产生活方式发生了翻天覆地的变化,在这种情况下高等教育的教学内容,教学方式以及教学手段都必须做出适当的改革,只有这样才能够满足社会和企业对人才的需求,才能够使高校实现可持续发展,进一步提高高校大学生的综合素质。本文以高等院校艺术类专业教学现状为主要切入点,系统的阐述了高校艺术类专业教学改革路径,旨在为社会培养更多的高素质人才。 关键词:信息时代;大学生;艺术类专业 艺术类课程的主要作用是引导学生跨入艺术的门槛,帮助学生深入了解艺术专业的教学内容,可以说,它既是学生进入艺术之门的敲门砖,也是学生能够在艺术的领域里不断发展的基础。然而,就现阶段的实际情况来看,现阶段,我国高等院校绝大多数艺术类专业课程存在很多问题,例如教学形式滞后,教学方法单一等等,这些问题的存在不利于高等院校艺术类专业大学生综合素质的进一步提升,也不利于高等院校艺术类专业教学水平的提高,因此,对高等院校进行教育教学改革势在必行。邓小平同志曾经说过,教育应面向现代化,面向世界,面向未来,艺术设计教学也不例外。笔者认为,高等院校艺术设计类专业,应当以进一步提高高校办学质量,提升高校办学效率为思想,以党和国家所颁布的教育方针为行动指南,采取多种方法,多管齐下,多措并举,遵循人才培养规律,将教育教学改革落实到实处。 一、艺术类专业教学现状 艺术类专业作为我国高等院校教育体系中最为重要的组成部分之一,已经得到了广大学生和家长的高度认同。[1]早在上世界90年代,我国部分重点院校就开始了针对艺术类考生开设的艺术教育专门机构,这些专门机构的设立一方面能够帮助艺术类考生实现自身艺术领域的进一步发展,另一方面还能够使那些普通学生开始走进艺术,可以说是一举多得。经过数年的教育探索,随着艺术教育活动的展开,现阶段,我国高校已经逐步将艺术教育作为了针对大学生进行的素质教育中一部分,以艺术教育为基础开设了诸多课程。然而,这些课程却存在很多弊端,主要表现在以下几个方面: 1)边缘化问题。 艺术类理论教学边缘化问题是我国高等院校艺术类专业所必须要面对的问题。在艺术类课堂上,学生重理论、轻实践的现象普遍存在,很多学生对于教师所讲述的理论知识持一种“可有可无”的态度,认为所谓的理论知识没有什么太大的用途,不能够直接体现出鲜明的效果,而实践则不同,它能够有效指导其进行艺术创作。[2]在这种错误意识的引导下,学生在理论课课堂上缺乏学习的主动性,学习知识的兴趣不高,逃课现象比较严重。不仅如此,与其他学生相比,艺术类考生其形象思维相对较强,但是文化素养相对较低,这也导致学生对艺术类课程的理论知识缺乏学习兴趣的主要原因之一。 2)教学方法落后。 众所周知,良好的教学方法能够激发学生的学习兴趣,调动学生学习的积极性,然而,现阶段,艺术类专业的教师在授课过程中所沿用的教学方式由于过于落后,导致其难以发挥教学方法的优势作用。首先,从课程教学情况来看。教师所沿用的教学方法依旧是传统、老旧的教学方法,教师在课堂上居于主要地位,一本书、一支笔、一块黑板就是教学的所有教具。学生被动的接受教师的讲授内容,这种枯燥的一边倒的填鸭式教学,对学生来说既不新鲜也不生动,特别无趣,在这种情况下,学生的学习效率可想而知。其次,教师很少应用新颖的多媒体教学。[3]虽然,近年来,我国高校艺术类专业引进了大量的多媒体设备,但这些多媒体设备大多成为了摆设,教师在课堂上一旦遇到那些艰涩难懂的理论知识,就会通过黑板进行板书或是照本宣科的讲读书本上的知识,这种教学方式就导致了这样一种现象,即教师在课堂上讲述的慷慨激昂,而学生在课堂上则因缺少必要的实践而昏昏欲睡。长此以往,势必不利于我国高校艺术类专业大学生综合素质的进一步提升,也不利于教学质量的提高。 3)教学内容不明确。 在我国高等院校传统的教学中,艺术类专业主要以教授学生技能为主要目的,教学内容单一,在安排课程的过程中课程的安排往往呈现出一定的随意性,换句话说就是缺乏必要的周密性,甚至部分课程还存在教学内容东拼西凑的现象。除此之外,教学内容难以实现与时俱进也是艺术类专业教学水平难以提升的最主要原因。教学信息更新速度慢,对艺术领域内的那些科研成果没有做到及时的更新、更近,这种现象必然导致艺术类专业教学内容的落后,内容呈现片面性的特点。一直以来,我国传统的艺术教育都是以“教”为主要的教学内容,进而忽视了对艺术育人功能的重视,这是艺术类专业课程教学一直存在的缺陷。笔者通常长期的研究与实践认为,想要彻底解决艺术类专业教学中存在的问题,必须从教学方式方面入手,以教学形式、教学理论以及教学内容三方为切入点进行行之有效的教学改革,只有这样才能够达到理论与实践相统一的结果。 二、艺术类专业教学改革的路径 随着社会的发展,教育教学改革的不断深入,越来越多的人开始意识到,艺术教育课程应当打破传统的以专业技艺培训为主要教学内容的弊端,应将专业技艺培训作为艺术教育的主要载体,将育人融入到艺术教育中来,那么,这一观点如何实现在教育教学中?笔者认为,应当在艺术类专业课堂教学中应用情景体验式教学、多媒体教学以及互动式教学同学生自主学习有机结合在一起的教学模式。 1)在艺术类专业教学中着重强调情景体验式教学。 在教学方式方法上,实现艺术类专业的教学改革最大的突破点在于将情景体验式教学应用到具体的教学过程中。例如,教师在讲授《艺术概论》这门课程的过程中的“中国汉朝时期的美术”的时候,教师可以带领艺术专业的学生去博物馆中进行参观和学习,引导学生深入了解马王堆汉墓所出土的文物,并在此基础上,了解我国汉朝时期的服饰等等;在给学生讲授世界建筑的时候,教师可以在上课之前收集相关的建筑图片,从世界范围内帮助学生了解不同国家的代表建筑作品,并将这些建筑作品背后的一些历史背景弄清楚。[4]可以说,这种情景体验式教学能够有效改变传统落后的教学模式,极大的丰富了传统教学内容,使学生能够走出课堂,充分调动了学生学习的兴趣以及学习的积极性,使学生能够直观的感受到艺术带给他们的不一样的体验。值得注意的是,情景体验教学模式在教学中的应用应当做到有所侧重,应将情景体验与理论教学有机结合在一起,只有这样做,才能够达到艺术类专业教学想要达到的教学目的、目标。 2)在艺术类专业教学中应着重强调多媒体教学。 随着社会的发展,人类科学水平的进一步提高,以互联网为基础的多媒体教学模式已经逐步深入到了艺术类专业的教学过程中,并给艺术类专业的教学内容以及教学形式带来了翻天覆地的变化。笔者认为,以往的传统的教学方式已经难以满足现阶段艺术类专业学生的需求,因此,必须做到适时而变,通过将多媒体技术应用到艺术类专业教学中来,将图像、动画以及视频等多媒体信息同教学内容有机结合在一起,能够在培养学生学习兴趣的同时,充分调动学生学习的积极性,从而达到优化教学的目的。我们还以《艺术概论》这门课程为例,将多媒体技术应用到该门课程中,能够促使学生获得最为直接的体验,教师在讲授“美学原理”等理论知识的时候,如果单纯的依照艺术理论课程来进行教学,则会导致学生对学习存在一定的抵触情绪,甚至还会出现厌学情绪。而如果在课堂上利用多媒体设备展示法国拉斯科洞窟等岩画作品图片,引导学生深入的了解这些图片,就可以有效解决学生上课积极性不高等问题。因此,艺术类专业的教师可以将多媒体教学和理论课教学有机联合在一起,并在此基础上结合教师的引导式教学,可以有效提高课堂的趣味性。 3)在艺术类专业教学中应将互动式教学和学生自主教学有机结合在一起。 例如,教师在讲授艺术的分类等相关内容的时候,可以设定一些问题,作为课堂的导入,引导学生带着问题进行学习,随着相关问题的解决,学生能够深入的了解相关知识,并最后进行总结。笔者认为,在这一过程中,学生能够对教师所提出的问题逐步形成自己的看法和观点,并在课程的最后阶段同教师进行沟通和交流,这种做法能够进一步加强师生之间的互动性,除此之外,学生在教师的引导下展开讨论,并将自己的讨论结果归纳出来,能够实现自身从感性认识逐步向理性认识的方向转变。除此之外,教师还应当积极鼓励学生实现自主学习,教师可以同学生转换角色,使学生成为课堂的“教师”,而教师成为课堂上的“学生”,学生在上课之前应做好相应的教学课件,并代替教师在课堂上进行讲授,讲授结束后,教师要根据学生讲述的实际情况进行评价。以“电影艺术”相关内容的讲述为例,教师可以让学生到讲台上代替教师讲解一些美国电影的发展史,将学生的主动性充分的发挥出来,使学生的学习成绩得到一定的提升。学生在准备课件的过程中,自行搜集材料,完成了由被动学习向主动学习的转变,在讲台上讲解相关课程内容的过程中,还能够进一步的梳理和强化理论知识。通过这种学习方式,学生的学习兴趣得到了进一步提高,课堂气氛也得到了活跃,极大的提升了教学效果。 三、结语 总的来说,艺术设计类专业的教学现状不容乐观,存在很多问题,这些问题的存在对艺术类专业教学水平的进一步提升,具有一定的阻碍作用,因此,必须采取多种办法、多管齐下,切实提高学生的学习兴趣,调动学生学习的积极性,进一步活跃课堂氛围,将新颖的教学手段和教学方式方法引入到教学当中,从而帮助学生完成从被动学习向主动学习的方向转变。 作者:夏璞 单位:三门峡职业技术学院 艺术设计专业教学改革研究:艺术设计专业人才培养与教学改革思考 摘要:艺术设计学科本身具有实践性、科学性和实用性等诸多特点,更是一门融合了艺术学、市场学、生态学等多门学科的综合性和知识密集型的学科。本文将重点研究独立学院艺术设计专业人才培养与教学,从阐述独立学院艺术设计专业的特点,进一步探索到如何做好该专业人才培养和教学工作的有效措施。 关键词:独立学院;艺术设计专业;人才培养;教学改革 一、独立学院艺术设计专业特点 独立学院是由普通高等学校与社会组织或者个人合作,同时利用现有民间资本办起的本科学历教育的高等院校,独立学院的性质介于民办学校和公办学校之间。首先独立学院筹办的资金较民办学院多得多。其次就是独立学院办学资源和办学的经验远远落后于公办学校,这种背景下的独立学院艺术设计专业自然具备自身的特征。 1)独立院校的应用人才培养目标与艺术设计专业的实践性完美的结合。 艺术设计专业本身是与生产实践紧密联系的专业,艺术设计的重要目的就是为市场经济提供服务,艺术设计本身与实践紧密相连,设计的最终效果也是由消费者进行检验的。而国家教育部对于独立院校人才培养的目标就是严格按照我国当前社会发展状况和经济发展水平进行专业的设计,培养出更多素质水平的专业型人才。独立院校艺术设计专业开设的主要原因也是由于其实践性强能够更好的为我国今后经济发展服务。 2)与其他院校相比 美术学院的艺术设计专业的培养目标是将美术学院长期的美术基础作为依托的,更注重个性化教育的培养。而师范院校艺术设计专业的培养定位则是在人文教育的大背景下,注重艺术设计专业学生的素质培养。综合性院校的艺术设计专业开展的目标是将综合学科作为基础,更注重交叉型人才的培养。独立学院技术设计专业在培养上更注重学生应用能力和创造能力的培养。 二、独立学院艺术设计专业人才培养和教学改革措施 1、构建一个艺术设计教学和实践相结合的教学模式 传统学院课程教学更注重是学生知识的定式思维培养,对于学生知识创新能力却没有给予过多的关注,在艺术设计专业人才培养上也是采用传统的工艺美术教育的模式,这种教育模式的应用下,使得教师和学生之间沟通不够顺畅,教学更是远离了市场和社会,学生学到的知识也是零散、不具有系统性的,大大降低了艺术设计专业学生主动性和创新能力的提升,针对现阶段独立学院艺术设计专业的教学方式,开展艺术设计和实践相结合的教学方式尤为必要,这样才能让实践步入艺术设计的课堂,也才能让艺术设计的课堂真正的走向社会和市场,并与社会实践紧密相连。 1)实践走进艺术设计课堂教学和实验。 针对独立学院艺术设计专业的特征,在艺术设计教学中,要关注理论和实际的结合,首先要详细讲述和演示艺术设计与实践的结合,在课堂教学过程中除了讲述必要的理论知识外,还需要运用多媒体和视频,让学生做到实践和联系。教师更需要做好现场指导工作,帮助学生解决操作中遇到的问题,大大提升了艺术设计专业的教学效率。其次就是开展设计案例的课堂讨论。也就是在艺术设计专业相关理论讲授之后,学生掌握了必要的绘图设计,教师可以安排学生参与市场调查和进行设计选题,学生在完成任务后提交调查报告和设计稿。最后就是开展合作学习和合作设计。在整个艺术设计教学过程中,在合作学习理论的指导下,教师采用合作学习的教学模式,让艺术设计学生在合作设计任务中,全面发挥自身的主观能动性,做到相互学习和相互帮助,大大提升教学的质量和效果。 2)教学、实验走进市场和社会。 艺术设计专业本身就是一门理论和实践并重的学科,所以开展产、学、研相结合的教学方式,能够实现艺术设计教学和市场的连接,构建一个良好的平台。同时更是便于教学互动的开展,调动和激发艺术设计专业学生的实践主动性,教师也能够帮助学生运用相关理论知识解决问题。让学生在学习理论知识的同时也开展实践活动,学会利用市场资源做好调查工作,了解现在市场的需求和艺术设计的发展方向。 2、做好艺术设计专业师资队伍建设 独立学院想要培养出更多富有创新能力的人才,就必须提升教师自身的创新意识,构建一支创新团队,这样才能培养出更多富有创新意识的艺术设计人才。当前我国独立学院的艺术教师都具备较为深厚的理论基础,专业知识掌握的也较为全面,但是在艺术设计实践中的创新能力却有所缺乏,所以改进教师职能,完善艺术设计专业师资队伍建设也是艺术设计教学改革的必要项目。 1)改革教师传统职能,实现教师教与学的双重身份,在独立学院艺术设计专业人才培养和教学改革中,强化艺术设计教师自身的专业知识体系的完善非常必要的,独立学院更应该鼓励教师多去参加社会培养和社会项目,进行自身实践经验的积累。 2)做好校企合作,构建学校和企业互利共赢的合作关系。首先独立学院能够将企业中先进的设备和实践项目引进到艺术设计课堂重要,锻炼艺术设计专业教师和学生的动手操作能力。其次就是通过与企业之间的合作,学校教师和企业内部的设计师门可以进行沟通和交流,这样能够大大提升独立学院艺术设计专业教师的实践能力。 3)强化与国外先进艺术设计院校的合作,大大提升独立学院艺术设计教师的国际视野,由于欧美一些先进国家在艺术设计教育方面开始比较早,也逐步进入到一个相对成熟的阶段,独立学院通过与这些院校的合作,能够借鉴和学习到先进的教学方式。 三、结束语 独立学院发展的时间较短,但是其在我国整体教育中也占据着重要的地位,艺术设计专业作为独立学院一门重要的专业,在长期的发展中独立学院培养大批的艺术设计专业应用人才,在高等教学普及的今天,结合当前市场和社会需求和独立院校艺术设计专业特征,做好人才培养和教学改革工作还是十分必要的。 作者:赵嗣发 单位:吉首大学 艺术设计专业教学改革研究:装饰艺术设计专业陶艺课程教学改革探索 【内容摘要】陶瓷在我国有着悠久的历史,随着人们对传统文化以及手工艺认识的不断提高,陶艺课程在我国各大高职高专院校也都有相应的设置,本文主要针对高职院校非陶艺专业的陶艺课程进行研究,通过笔者多年的教学以及实践研究,以河北建材职业技术学院装饰艺术设计专业陶艺课程为切入点,总结当前装饰艺术设计专业陶艺课程教学中存在的普遍问题,经过不断的教学实践研究,进行陶艺教学改革与探索。 【关键词】装饰艺术设计;陶艺课程;项目化教学 中国陶艺教育有着悠久的历史,中国现代陶艺教育经历了30余年的发展与建设,取得了较好的成绩,结合高职高专院校以服务为宗旨,以就业为导向,走产学研相结合的发展之路,培养高技能专门人才,高职院校非专业陶艺课程改革势在必行。陶艺课程是装饰艺术设计专业的一门必修课程,在装饰艺术设计的人才培养与教育方面,起着极其重要的作用。现代陶艺不仅仅是传统的“道器并存”以实用形式存在的精神产物,同时也更多融入到环境艺术之中,成为环境艺术中不可或缺的组成部分。因此在装饰艺术设计专业,陶艺课程成为了专业必修课。装饰艺术设计专业陶艺课程传统的教学内容相对保守,教学理念相对陈旧。笔者经过多年的陶艺教学,不断实践与研究,进行陶艺课程的改革,以装饰艺术设计为载体,以陶艺创作为手段,在提高学生艺术文化素养的同时,锻炼了学生对整体装饰空间的氛围营造以及风格把控能力。 一、装饰艺术设计专业陶艺课程的设置背景 伴随着社会经济的不断进步与发展,人们生活水平逐渐提高的同时,人们的审美也在随之发生了根本性的变化。人们对空间环境的要求较之以往也有所不同,不仅要满足其功能性,同时还要具备精神意味的满足。比如自身的居住空间,以及除了自身居住空间之外的其他空间环境,如购物空间环境、休闲空间环境、娱乐休闲环境等,人们对这些空间环境的要求越来越高。装饰艺术设计专业,就担负着去创造美好空间环境的重任。 (一)教学对象。 陶艺课程是装饰艺术设计专业的一门必修课,教学对象主要是针对高职院校装饰艺术设计专业的学生,这些学生均具备一定的美术功底,对于绘画,电脑设计等都具有一定的基础。由于我国教育体制的原因,我国学生普遍存在立体造型能力以及空间想象力较弱,创新能力不足的问题。 (二)教学师资与设备。 相对于专业艺术院校陶艺专业,我国高职高专院校的陶艺教师队伍相对薄弱,很多陶艺教师甚至都是由雕塑专业的教师担任,或者是其他艺术专业的教师来兼职,这是普遍存在的现象。由于陶艺教学设备具有相对的复杂性与多样性,一般非专业艺术院校在教学设备上都只是具有完成相应教学成果的一些简单设备,例如一些拉坯机,手动转盘,电窑等。像球磨机、练泥机、泥片机、吹釉机等都还达不到专业院校的水平。基于这种情况,高职院校装饰艺术设计专业开设陶艺课程无论从教学受众群体还是教学主体上,与专业艺术院校陶艺专业都存在着很大的差别。高职院校装饰艺术专业陶艺课程的教学目的不同于专业艺术院校陶艺专业的以培养陶艺设计人才为目的,而是为了提高学生们的艺术素养与审美,锻炼学生的动手能力,培养学生的空间感,并且能够设计与制作出符合环境空间风格的陶艺作品,以陶瓷为材料最终创造出更好的环境空间装饰效果为最根本目的。 二、当前装饰艺术设计专业陶艺课程教学中的问题 (一)教育“单向化”显著,学生创新能力缺失。 高职院校的教育,不仅是要教授学生学习一定的技能,同时也应该注意学生自主学习能力的培养。然而多数学生仍然保留着初高中时期的教师单一的传授式的学习方法,学习被动,对学习缺乏主动性以及缺乏探索问题、研究问题的能力。设计本身就是人类有目的的创造性的活动,学习的主动性、研究性、创造性是决定设计成败的关键。这种“单向化”教育直接导致学生创造力的缺失。大多数学生在陶艺设计与制作课程中缺乏创新能力,对古今中外优秀的陶艺作品赏析,不但不能用来借鉴与激发创作灵感,反倒是成了学生们直接拿来进行抄袭的样本。这种抄袭性、模仿性设计是装饰艺术设计专业陶艺课程中普遍存在的问题。 (二)教学体系不完善,缺乏相应的教学模式。 相对于专业艺术院校陶艺专业,高职院校装饰艺术设计专业陶艺课程的设置时间较短,一般都只有60学时到80学时左右。陶瓷制作是一个复杂的工艺,一是要让学生了解陶瓷的历史以及陶瓷的制作工艺,二是在对陶艺有了一定了解的基础上进行陶艺作品的设计,三是在以上工作完成的基础上进行陶艺作品的成型、烧制。陶艺作品的制作要经历这样一个复杂而漫长的过程,然而作为装饰艺术设计专业下的陶艺课程,不可能给我们足够长的时间去完成一件陶艺作品。当前我们的陶艺课程,大多时候都是顾头顾不了尾,时间短,任务重,制作工艺又相对复杂,很多工作例如上釉、烧窑等,在安排的教学时间内都无法完成,只能占用教师和学生的业余时间去进行,直接影响了学生的学习效果,也无形中对下面的课程造成了影响。依据装饰艺术设计专业人才培养方案以及陶艺课程教学目标,制订出一套适合本专业的完善的教学体系,以及相应的教学模式迫在眉睫。 三、装饰艺术设计专业陶艺课程教学改革的建议 (一)传授技能与改变思维模式并重。 教学改革的重点不仅在于改革教学模式、教学手段及教学方法,同时教学改革应注重学生学习方法与思维模式的改变,从设计模仿,改良,转向创意理念的提升和原创性设计理念的开发。作为高职院校,我们培养的不仅仅是如同社会上电脑速成班里的学生,只是单单掌握熟练的电脑操作技能,同时我们的任务在于传授技能的同时培养学生的艺术情操,让他们具备一定的审美和艺术修养,改变他们的思维模式,这样我们的学生才更具有竞争力,才能从根本上改变就业难等问题。 (二)采用项目化教学模式,突出装饰艺术设计专业特色。 装饰艺术设计专业下的陶艺课程设置,要突出装饰艺术设计专业的特色,要有别于陶艺专业的陶艺课程,以及其他专业范畴内的陶艺课程。装饰艺术设计专业,主要强调环境空间的设计,在这样的前提下,陶艺课程的教学内容应紧密围绕环境空间而展开,以空间环境为主体,进行相应的陶艺作品。项目化的教学模式,能够让学生在课程中更加明确陶艺作品的创作目标,同时也更能够提升学生的学习兴趣。譬如,在一个东南亚风格的休闲会所设计中,需要设计一件陶瓷香薰器皿。这时,我们所设计的陶艺作品具有鲜明的风格特征,它一定是要与东南亚风格会所相融合的,无论是它的造型、装饰都要与大的环境空间相统一。这样很好地避免了学生盲目进行陶艺创作,节省了大量的前期构思的时间。同时,制作的陶艺作品还能够很好地运用到整个项目教学之中,大大提高了学生学习的主动性。 四、结语 陶艺课程在高职院校装饰艺术设计专业中得到越来越多的认可与重视,是因为陶艺课程的开设不仅能够培养学生的动手能力,立体造型能力,同时让装饰艺术设计变得更加丰富且具有趣味性。装饰艺术设计专业陶艺课程的改革,项目化的教学模式,让学生们可以通过陶瓷这种特殊的材料,结合自己设计的空间风格去创作相应的陈设元素与摆件,在提高了学生们艺术修养的同时,使他们的设计作品更具有原创性,进而增强了学生的自信。 作者:杨润 单位:河北建材职业技术学院 艺术设计专业教学改革研究:艺术设计专业教学改革 信息时代的到来,改变着人类社会的生产方式、工作方式、学习方式、生活方式乃至思维方式,无疑对高等教育提出了新的任务和要求,迫使高等教育的教学内容、教学方法、教学手段和人才培养模式必须进行改革。 艺术设计教学改革必须以邓小平同志“教育要面向现代化、面向世界、面向未来”,“教育要全面适应现代化建设对各类人才培养的要求,全面提高办学的质量和效益”的思想为指导,以党的现行教育方针和教育部高等学校教育改革各项原则为依据,以加强基本素质和专业技能教育为基础,突出能力培养,以基本素质和专业技能培养为主线、以理论教学和实践教学改革为重点、以强化艺术设计、施工、治理为支柱、以加强教材建设、师资队伍建设、实践性教学基地建设、实验室建设为保证,遵循人才培养规律和专业教育规律,突出“面向基层、面向工程、面向生产一线”,着眼于基层。 教学改革是一项带有方向性、全局性和开创性的工作,是一项复杂的系统工程。艺术设计专业教学改革必须从艺术设计的实际出发,对培养目标、培养规格、教学模式、课程设置体系、教学内容和教材等方面进行全面、系统的改革,突出综合素质培养,强化岗位技术教育,建立以艺术设计、施工和治理能力培养为主线的教学模式。 艺术设计专业的教学改革,应体现专业教育特色,从社会实际需要出发,有针对性地构建学生的知识、能力、素质结构;强化岗位知识的学习和运用;完善、充实教学内容;加强以操作技能、工艺实习等为主的实践环节;加大实践教学环节所占的比例;加强产学合作,逐步建立学校与企业合作培养人才的机制。毕业生上岗后,上手快、动手能力强,经过一段时间的磨练,可成为工程设计、投标报价、材料选择、施工技术和施工机具操作、施工项目治理、项目验收、工程决算等技术人才。 艺术设计专业是实践性很强的专业。为突出技术应用型人才的培养,艺术设计专业教学改革应强调课程设置的针对性、强调基础课教学的适应性、强调专业课教学的实用性、强调实践教学的连续性和渐进性等,分述如下: 一.课程设置强调针对性 艺术设计专业起步晚,发展快。这次改革我们从社会实际需要出发,按照“实际、实用、实践、必需、够用”的原则和专业技能培养的实际需要,对课程设置作一些调整,突出技术应用能力培养。在新的教学体系中,主要加强以下几项改革: 第一、在设计模块中,注重理论教学,突出动手能力培养,加强计算机辅助设计教学,强化计算机辅助设计在工程设计中的作用,建设计算机设计中心,通过计算机辅助设计教学,使学生具备运用计算机辅助设计的能力,适应人才市场需求。 第二、在施工技术模块中,以施工操作技能培养为基础,强化施工技术指导。在教学过程中,以校内操作实验室为依托,让学生在学中做,在做中学。通过实践,提高动手能力,初步把握施工操作规程、施工操作方法和施工机具的操作、使用、维护和保养;把握工程质量的控制方法及检查、验收标准,理论联系实际,培养学生施工技术指导能力。 第三、在治理模块中,调整原有的企业经营治理和施工组织治理的教学内容,根据用人单位对应用型人才的要求,突出“项目施工治理”,使学生把握建立现代企业组织治理制度的基本原理;把握艺术设计组织的基本原理和方法,把握艺术设计项目治理的基本原理和方法;加强工程经济及经济核算方面的教育,增设《工程经济治理与预算》等课程,使学生把握工程经济的基本计算方法和预算方法,加强投标、报价和工程成本核算的技能培养;使学生把握在市场经济条件下,工程成本核算、工程预算、决算的方法及工程索赔的有关知识,进一步提高学生市场意识和工程经济意识。 二.基础课教学强调适应性 艺术设计专业教学改革中我们纠正过去基础课与专业课“各自为政”的脱节现象,使基础课名副其实地成为专业的“基础”,打破原有狭隘的基础课教学格局,超越单纯技巧和经验的传授。为纠正基础课教学与专业课脱节的现象,改调子素描为设计素描;改绘画色彩为装饰色彩,并加大室外写生练习。从宏观上考虑基础课所从属的专业课和生产一线的需要,注重培养以下能力: 第一.培养视觉反映力,增强视觉接受信息的能力,即感悟能力; 第二.开发想象能动性和对未知领域自觉探索即创新能力; 第三.培养分析、思维能力,锻炼对事物的把握能力,努力使基础课教学适应专业课的需要。 三.专业课教学强调实用性 一种理论只有用于实践才有其存在的价值和意义;假如不能指导实践,那便是毫无意义的空话。在制定改革方案时,经认真调查研究,按照专业教育特点,强调专业课教学、理论教学的实用性、实践性,着眼于培养技术应用型设计人才,总结过去的教学经验,结合省情、校情以及社会对艺术设计人才的实际需求,对专业课教学、理论教学内容加以调整,强调实用性。 四.实践教学强调连续性和渐进性 在“初步实践――理论教学和实践教学并行――系统实践”的模式中,学生从专业思想教育和认知实习中,初步了解专业;在基础理论课、专业基础课和专业课的教学中,通过实验课、习题课、课程设计和现场教学,采用讲、做(操作)结合,在做(操作)中强化对理论知识的理解,实现理论教学和实践教学的交替渗透。 艺术设计是活的,是多学科综合知识的集结。在具体设计中,难以确认固定的秩序和搭配关系,因此拘泥于课堂常规教学形式,无法满足实际需要。校门洞开的今天,对外设计服务已不可逆转,以教师带领学生走向社会,使专业必修课在社会实际设计中完成,是加强教学的重要举措。为保证实践教学的落实,我们与学校所在地的几家用人单位挂钩,建立校外实践教学产学合作基地。生产实习和毕业设计采用顶岗实习方式,让学生以工程技术人员的身份到产学合作单位参与工程的设计、施工和治理,做到“实题实做”,即由学生动手完成实际装饰课题,使学生在工程中学习设计,在设计中完成环境艺术装饰工程,以实际工程成果来完成毕业实践、毕业设计。在毕业答辩时既能见到学生的实际工程设计作品,又能见到工程实例图片或现场。这样不仅摆脱了“压缩型”、“三段式”教学,还突出了实践教学,强化应用能力和动手能力的培养,以实践教学促进能力的提高,使学生毕业后能够胜任与所学专业相关的实际工作。 通过一段时间的改革实践,艺术设计专业的教学内容、教学方法和教学手段等出现了新的变化,所培养的学生基本做到既有一定理论素养,又能进行具体的设计、施工、治理,成为新一代技术型、实用型人才,初步形成了新的适应社会主义市场经济需求的艺术设计专业人才培养模式。据问卷调查显示艺术设计专业88.43%的学生认为专业课教学充实,92.58%的学生认为教学效果良好。截至6月底艺术设计专业2000届毕业生一次就业率超过84%,受到学生家长和用人单位的好评。 努力实现人才培养模式的多样化是人才培养模式改革的一个重要方面。我国社会职业技术岗位的分工不同、行业和地区之间存在的发展不平衡性,以及高等学校办学基础、办学条件的差异,决定了人才需求的多层次、多类型、多规格,决定了不同学校承担着不同的人才培养任务。因此,高等学校必须根据国家的教育方针和政策,根据社会的实际需求和自身条件,确定办学层次和类型,大胆进行人才培养模式改革,努力培养出受社会欢迎、有特色、高质量的人才,创出学校的声誉和特色。 艺术设计专业教学改革研究:艺术艺术设计专业教学改革 信息时代的到来,改变着人类社会的生产方式、工作方式、学习方式、生活方式乃至思维方式,无疑对高等教育提出了新的任务和要求,迫使高等教育的教学内容、教学方法、教学手段和人才培养模式必须进行改革。 艺术设计教学改革必须以邓小平同志“教育要面向现代化、面向世界、面向未来”,“教育要全面适应现代化建设对各类人才培养的要求,全面提高办学的质量和效益”的思想为指导,以党的现行教育方针和教育部高等学校教育改革各项原则为依据,以加强基本素质和专业技能教育为基础,突出能力培养,以基本素质和专业技能培养为主线、以理论教学和实践教学改革为重点、以强化艺术设计、施工、管理为支柱、以加强教材建设、师资队伍建设、实践性教学基地建设、实验室建设为保证,遵循人才培养规律和专业教育规律,突出“面向基层、面向工程、面向生产一线”,着眼于基层。 教学改革是一项带有方向性、全局性和开创性的工作,是一项复杂的系统工程。艺术设计专业教学改革必须从艺术设计的实际出发,对培养目标、培养规格、教学模式、课程设置体系、教学内容和教材等方面进行全面、系统的改革,突出综合素质培养,强化岗位技术教育,建立以艺术设计、施工和管理能力培养为主线的教学模式。 艺术设计专业的教学改革,应体现专业教育特色,从社会实际需要出发,有针对性地构建学生的知识、能力、素质结构;强化岗位知识的学习和运用;完善、充实教学内容;加强以操作技能、工艺实习等为主的实践环节;加大实践教学环节所占的比例;加强产学合作,逐步建立学校与企业合作培养人才的机制。毕业生上岗后,上手快、动手能力强,经过一段时间的磨练,可成为工程设计、投标报价、材料选择、施工技术和施工机具操作、施工项目管理、项目验收、工程决算等技术人才。 艺术设计专业是实践性很强的专业。为突出技术应用型人才的培养,艺术设计专业教学改革应强调课程设置的针对性、强调基础课教学的适应性、强调专业课教学的实用性、强调实践教学的连续性和渐进性等,分述如下: 一.课程设置强调针对性 艺术设计专业起步晚,发展快。这次改革我们从社会实际需要出发,按照“实际、实用、实践、必需、够用”的原则和专业技能培养的实际需要,对课程设置作一些调整,突出技术应用能力培养。在新的教学体系中,主要加强以下几项改革: 第一、在设计模块中,注重理论教学,突出动手能力培养,加强计算机辅助设计教学,强化计算机辅助设计在工程设计中的作用,建设计算机设计中心,通过计算机辅助设计教学,使学生具备运用计算机辅助设计的能力,适应人才市场需求。 第二、在施工技术模块中,以施工操作技能培养为基础,强化施工技术指导。在教学过程中,以校内操作实验室为依托,让学生在学中做,在做中学。通过实践,提高动手能力,初步掌握施工操作规程、施工操作方法和施工机具的操作、使用、维护和保养;掌握工程质量的控制方法及检查、验收标准,理论联系实际,培养学生施工技术指导能力。 第三、在管理模块中,调整原有的企业经营管理和施工组织管理的教学内容,根据用人单位对应用型人才的要求,突出“项目施工管理”,使学生掌握建立现代企业组织管理制度的基本原理;掌握艺术设计组织的基本原理和方法,掌握艺术设计项目管理的基本原理和方法;加强工程经济及经济核算方面的教育,增设《工程经济管理与预算》等课程,使学生掌握工程经济的基本计算方法和预算方法,加强投标、报价和工程成本核算的技能培养;使学生掌握在市场经济条件下,工程成本核算、工程预算、决算的方法及工程索赔的有关知识,进一步提高学生市场意识和工程经济意识。 二.基础课教学强调适应性 艺术设计专业教学改革中我们纠正过去基础课与专业课“各自为政”的脱节现象,使基础课名副其实地成为专业的“基础”,打破原有狭隘的基础课教学格局,超越单纯技巧和经验的传授。为纠正基础课教学与专业课脱节的现象,改调子素描为设计素描;改绘画色彩为装饰色彩,并加大室外写生训练。从宏观上考虑基础课所从属的专业课和生产一线的需要,注意培养以下能力: 第一.培养视觉反映力,增强视觉接受信息的能力,即感悟能力; 第二.开发想象能动性和对未知领域自觉探索即创新能力; 第三.培养分析、思维能力,锻炼对事物的把握能力,努力使基础课教学适应专业课的需要。 三.专业课教学强调实用性 一种理论只有用于实践才有其存在的价值和意义;如果不能指导实践,那便是毫无意义的空话。在制定改革方案时,经认真调查研究,按照专业教育特点,强调专业课教学、理论教学的实用性、实践性,着眼于培养技术应用型设计人才,总结过去的教学经验,结合省情、校情以及社会对艺术设计人才的实际需求,对专业课教学、理论教学内容加以调整,强调实用性。 四.实践教学强调连续性和渐进性 在“初步实践――理论教学和实践教学并行――系统实践”的模式中,学生从专业思想教育和认知实习中,初步了解专业;在基础理论课、专业基础课和专业课的教学中,通过实验课、习题课、课程设计和现场教学,采用讲、做(操作)结合,在做(操作)中强化对理论知识的理解,实现理论教学和实践教学的交替渗透。 艺术设计是活的,是多学科综合知识的集结。在具体设计中,难以确认固定的秩序和搭配关系,因此拘泥于课堂常规教学形式,无法满足实际需要。校门洞开的今天,对外设计服务已不可逆转,以教师带领学生走向社会,使专业必修课在社会实际设计中完成,是加强教学的重要举措。为保证实践教学的落实,我们与学校所在地的几家用人单位挂钩,建立校外实践教学产学合作基地。生产实习和毕业设计采用顶岗实习方式,让学生以工程技术人员的身份到产学合作单位参与工程的设计、施工和管理,做到“实题实做”,即由学生动手完成实际装饰课题,使学生在工程中学习设计,在设计中完成环境艺术装饰工程,以实际工程成果来完成毕业实践、毕业设计。在毕业答辩时既能见到学生的实际工程设计作品,又能见到工程实例图片或现场。这样不仅摆脱了“压缩型”、“三段式”教学,还突出了实践教学,强化应用能力和动手能力的培养,以实践教学促进能力的提高,使学生毕业后能够胜任与所学专业相关的实际工作。 通过一段时间的改革实践,艺术设计专业的教学内容、教学方法和教学手段等出现了新的变化,所培养的学生基本做到既有一定理论素养,又能进行具体的设计、施工、管理,成为新一代技术型、实用型人才,初步形成了新的适应社会主义市场经济需求的艺术设计专业人才培养模式。 据问卷调查显示艺术设计专业88.43%的学生认为专业课教学充实,92.58%的学生认为教学效果良好。截至6月底艺术设计专业2000届毕业生一次就业率超过84%,受到学生家长和用人单位的好评。 努力实现人才培养模式的多样化是人才培养模式改革的一个重要方面。我国社会职业技术岗位的分工不同、行业和地区之间存在的发展不平衡性,以及高等学校办学基础、办学条件的差异,决定了人才需求的多层次、多类型、多规格,决定了不同学校承担着不同的人才培养任务。因此,高等学校必须根据国家的教育方针和政策,根据社会的实际需求和自身条件,确定办学层次和类型,大胆进行人才培养模式改革,努力培养出受社会欢迎、有特色、高质量的人才,创出学校的声誉和特色。
随着互联网技术的不断发展,现代环境艺术设计的涵盖范畴已经从传统意义上的室内空间扩展到室外环境,而这种转变事实上也顺应了当前环艺设计发展的需要。在全球化时代背景下,我国对于传统文化的重视程度也愈渐加深,近年来人们对于传统文化回归的呼吁也愈发高涨,社会上也因此出现了“传统文化回归热”的现象。包括茶文化在内的传统文化元素被越来越多地运用到设计、教育等诸多领域,且取得了不错的效果。当前,国内环境艺术设计仍然存在一些不容忽视的问题,比如缺乏文化内涵和审美价值等,正是这些问题的存在导致现代环艺设计止步不前。为了改变时下环境艺术设计的现状,我们不妨“回归”到传统茶文化之中,撷取其中的丰富元素,并将其运用到环艺设计之中。 1传统茶文化元素概述 茶文化元素是从我国传统茶文化中提取出来的相关元素,这些元素既包括茶学典籍、茶文学等精神文化元素,同时也包括茶具等物质文化元素。为了较好地运用传统茶文化元素,我们有必要对其特征及作用加以了解。 1.1传统茶文化元素的特征 对于现代环境艺术设计而言,茶文化元素有着四大特征。首先,传统茶文化元素具有民族性,且该特征是此类元素最为明显的特点。原因在于,传统茶文化根植于我国,茶文化的物质形态和精神外延都或多或少体现了中华传统文化之美,茶文化思想也是华夏先祖的智慧凝结之所在。举例来讲,茶联(以茶为主题的对联)就十分具有民族特征,这种特殊的对联体现了茶人的专属情怀。其次,传统茶文化元素具有审美性。比如,茶道就对制茶、饮茶、茶人着装、茶人言行等都有着一系列的规定,这使得茶道本身具有较高的艺术价值和审美价值。除此之外,茶艺表演、茶文学艺术等也将茶文化元素升华到了艺术层面。再者,传统茶文化元素有着人文性,这主要是因为茶文化中有很多与人文相关联的内容及概念。例如,“倒茶七分满”、“以茶待客”等茶文化习俗,功夫茶、擂茶等地方饮茶方式都综合体现了茶元素的人文性。最后,传统茶文化元素具有现代性,因为此类元素在现代社会的诸多领域都得到了较为具体的运用。茶文化传承至今,这足以证明茶文化元素经过了时间的考验。 1.2传统茶文化元素的作用 经过考察发现,现当代家居环境及室外环境的设计会将茶文化元素融入其中,而这些元素的存在也极大地增强了环境的艺术性和审美性。对于现代环境艺术设计来讲,茶文化元素的融入主要发挥着这样三个作用。其一,茶文化元素可以增强环境艺术设计的文化内涵。正如我们所知,茶文化是我国传统文化的集大成者,其不仅融入了儒释道等流派的思想精华,而且还体现了古朴哲学思想。将茶联、茶画、茶诗等具有文化艺术价值的茶文化元素融入到现代环境艺术设计之中,可以使整个环境充满文化韵味,处于该环境下的人也会因此变得更具文化品位。其二,茶文化元素可以让整个环境艺术设计变得生活化。正所谓“柴米油盐酱醋茶”,茶文化元素与华夏儿女的生活息息相关,在环境艺术设计之中采用茶文化元素也会使得整个环境更加贴近现代人的生活。比如,在家居环境中单独设计茶室可以使受众感受到“不可一日无茶”的乐趣。其三,茶文化元素可以提升环境艺术设计的美感。很多现代环境艺术在设计上十分繁杂,导致受众难以认同其中内涵,而茶文化元素简单又不失美感,质朴又不失高雅,因而茶文化元素有助于环艺设计美感的增强。 2现代环境艺术设计的误区 所在随着社会物质水平的提升,人们对于环境艺术设计的需要也随之增加。然而仍旧有不少环艺设计工作者受到以往工作思维的限制,他们未根据实际需要对环境设计进行适当的改变和创新。当前,国内现代艺术设计的误区主要表现在以下几方面: 2.1抄袭、盲目模仿 相关调查显示,一些设计者在环艺设计过程中存在照搬、抄袭他人的嫌疑。比如近年来,一些地区的环境艺术设计开始流行“复古怀旧风”,自然色及图案被大量运用到室内外空间设计之中,这样构筑的视觉效果也得到了人们的肯定。然而,拿家居环境为例,小户型或错层户型却不太适合这种风格。再者,环境艺术设计是艺术灵感的表达,如果一味地抄袭和模仿他人的设计,整个环境也将会变得索然无味。正所谓世界上没有完全相同的两片树叶,为了确保环艺设计的独特,设计者应该坚决杜绝盲目抄袭的问题。但这并不意味着设计者不能参考其他设计,事实上设计者可以在模仿的基础上进行创新,使整个环境艺术设计焕发新的生机。 2.2缺少文化内涵 随着环境艺术设计领域的不断发展,越来越多的人逐渐意识到文化内涵对于环境艺术设计的重要性。然而现代设计者在环境艺术设计过程中往往会将实用性作为优先考虑项,从而在一定程度上忽视了文化内涵的导入。举例而言,很多都市家居环境只考虑了住宅本身的舒适性和居住性,但却鲜少将饮茶空间等传统文化元素融入其中。再比如一些室外主题公园虽然整体上功能设置齐全,但是,园内石碑的碑文和假山的布局都存在显而易见的漏洞,这些都是环境艺术设计缺乏文化内涵的表现。文化内涵就好比环境艺术设计的“灵魂”所在,因而文化内涵的缺失会使得整个环境设计变得单调乏味,同时也会间接影响到受众的生活质量。 2.3缺乏审美价值 环境艺术设计常常被视作“美”的阐释和表达,因而其对于审美内涵的把握也有着较高的要求。当前某些环境艺术设计存在缺乏审美价值的问题。比如就颜色搭配而言,一些环境艺术的主题色被设定为正红色和鲜绿色,这种对比鲜明的颜色搭配会影响到人们的视觉体验。再者,粉红色会引起烦躁,深紫色会带来压抑,金黄色会伤害眼睛,这些颜色往往不应该被设置为室内环境的主色调。但是,仍有许多设计者并不考虑颜色、图案等因素,导致整个环境艺术设计严重缺乏审美价值。 3传统茶文化元素在现代环境艺术设计中的应用 延伸来讲,传统茶文化元素涉及到许多方面,设计者在使用茶文化元素时可以将其进行简单区分,确保环艺设计能够达到预期效果。考虑到环艺设计存在的误区,设计者可以从以下几点出发展开现代环境艺术设计: 3.1物质元素 茶文化物质元素包括茶具、茶联等物质形态在内,比如紫砂壶就是其中的代表。在环境艺术设计过程中,设计者可以适当地加入茶文化物质元素,借以凸显出整个环境的文化内涵。比如说,设计者在室内空间可以挂上茶联,让环境变得更加贴近生活。对于户外空间的设计来讲,设计者则可以考虑适当运用茶树进行设计,比如在主题公园或公寓衔接区移栽品质好、抗虫害强的茶树品种,并将其修剪成特定的图案,借以优化整体环境,从而使环境变得更加和谐自然。 3.2人文元素 茶文化人文元素主要指茶俗,比如以茶待客等。就“以茶待客”来讲,环艺设计者在设计家居环境时不妨增设茶室空间,或者预留出专门的区域供饮茶使用。设计者可以由茶道出发,将茶道所需的茶桌、茶具等纳入到室内空间,并将茶室空间周围的色调设置为淡雅的颜色或直接采用纯木色,借以凸显出茶室空间的清新淡雅。对于户外休闲环境设计而言,设计者可以在亭台中设计可供饮茶的石桌或木桌,这样人们在途径时可以坐下来享受惬意时光。 3.3思想元素 我们知道,茶文化融合了儒释道等思想,比如“天人合一”、“禅茶一味”等就是茶文化思想。再比如现代人总结的茶道四谛(清、静、怡、真)也属于茶文化思想元素的范畴。这些思想对于现代环境艺术设计具有一定的指导价值。举例来讲,设计者可以秉持“清”、“静”的茶道思想,将整个环境设计为清幽宁静的场所(比如采用隔音装置),这样可以使身处于其中的人们的身心得到彻底的放松。同时设计者还可以采用“怡”的思想,材质选择、空间设计都应该遵循适度原则,确保环境能够做到和谐。最后,设计者可以从“真”的茶道思想入手,采用绿色环保、无污染的材质进行设计,以确保整体环境更加自然。 参考文献 [1]陈冲.试论中国传统文化元素在现代环境艺术设计中的运用[J].包装世界,2014(4):104-105. [2]任君.论中国传统文化元素与现代室内空间环境设计的共生[J].华中建筑,2008,26(6):101-103. [3]谢科.环境艺术设计中的传统文化及其继承与发展[J].大舞台,2012(12):136-137. [4]张伟.职业教育视角下传统文化的传承研究———以环境艺术设计专业为例[J].中国职业技术教育,2017(4):74-78. [5]丁甜甜.中国传统文化在现代环境艺术设计中的回归[J].艺术科技,2014(12):153-153. 作者:高西美 单位:常州大学
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设计艺术论文:福梅园设计艺术论文 【摘要】重庆市北碚区静观镇梅花,已经享誉了二百多年历史,素有“梅花之乡”称号。特别是素心腊梅,在这里基本上家家都种植若干。为了迎接重庆市梅花艺术节,由重庆市山茂园林工程有限公司积极建造新型的梅花基地,“福梅园”便是其中之一。 【关键词】福梅园艺术赏析 福梅园,位于重庆市北碚区静观镇腊梅基地内,占地面积约为10565.00平方米。界内地形呈自然浅丘状,相对标高差12.6米,西北隅奇石嶙峋,自然山地景观独特,有挖掘潜力。现种有腊梅、松树等观赏植物。 腊梅,chimonanthuspraecoxLink腊梅科植物,落叶灌木,叶对生,椭圆状卵形至卵状披针形,先端渐尖,全缘粗糙,11月-1月带叶盛开,黄色腊质杯状花卉,自古至今咏梅、赞梅者枚不胜举。如:《广群芳谱》、《墨梅》、《学圃余疏》、《花疏》等。“松、竹、梅”被誉为“岁寒三友”;“梅、兰、竹、菊”被誉为“四君子”。中国历代“梅痴”、“梅痞”层出不穷。如:宋朝“画梅圣手”杨补之,一生以画匠仲仁僧“墨晕梅花法”为范,大事绘梅,其作品被收入南宋临安皇宫。传闻“宫墙画中盛开的梅花常引来蜂蝶扑画,宫女太监驱之不散的奇景。”元朝“画梅高手”王冕,隐居九里山,号梅花屋主。筑室三盈,环植梅花,过着“山中煮石乍归来,满树琼花顷刻开”的意境生活。 清朝咸丰年间画梅者彭玉麟,一生“狂写梅花十万枝”。传闻彭玉麟表妹名梅仙,两者自幼青梅竹马并在梅树下私订终身,然而,在封建制度下梅姑娘被迫改嫁他人,梅姑娘不从殉情。彭玉麟痛不欲生,从此将“爱”全部寄托于梅花之上,每画“梅图”后,均加盖“一生知己是梅花”的鲜红印章。 梅者,冰肌傲骨、梅开五福。梅花绽开五瓣,常象征着快乐、幸福、长寿、顺利、和平。竹梅双喜,常以竹喻夫、梅喻妻,两者永远不分离。 福梅园,按照总体园林空间序列设计类型、干道交通组织设计以及“观梅、祈寿、祝福”等为设计手法,有机地将全园划分为四个功能区,即:福梅寿韵、茶香书海、四德赋、玩趣区等。 一、福梅寿韵 位于园内西侧,占地面积约为3600.00平方米。由山门区、蹬梅道、腊梅品展室、盆景园等四个主要景点组成。 1.山门区。由静观镇从园西南隅进入,四米车道直抵山门广场。整个山门区借用槽凹地形设置照壁、二柱带跨楼柱出头牌楼,强调主入口文化氛围。 照壁,长×高=8米×6米,为砖混结构琉璃头照壁,壁中央设置琉璃麒麟浮雕图像,以示“正气、压邪、傲气、吉祥”。 二柱带跨楼柱出头牌楼,系全园主入口,门阔8米,复道。牌楼上匾额题咏:福梅园。两侧对联取自苏东坡咏梅绝句:“万花敢向雪中出,一树独开天下春。” 2.蹬梅道。由山门进入拾级而上,隐喻:喜鹊蹬梅。喜鹊早春报梅,吉祥如意。另外,整个山道设计为三段五十一级。拟将人生路划为三段,即: 苦道—以爬坡上坎为主,以长坡道、曲折道为喻意。 甜道—借梅化香道为主要观赏,可谓“十年不到香雪海,梅花忆我我忆梅。”(吴昌硕) 回味道—以百寿祈福为主要设计思路,设置了龟寿地浮雕、百寿山、摸福墙等。 3.腊梅品展室。系歇山顶二层仿古建筑,占地面积208平方米。展室内主要展示:腊梅的历史文脉、咏梅、赞梅的名句名联;腊梅品种志展览;腊梅的墓志铭、拓片以及腊梅的其他功能等。 4.盆景园。位于福梅园内,占地面积140平方米。设置盆景台置放梅桩、品种梅等,铺地为梅影卵石艺术铺地。 二、茶香书海 位于园内中部,设计风格为日本茶庭式,占地面积3984平方米。由日本茶庭、枯山水园、功德碑林、露天游泳池等景点组成。 1.日本茶庭。模仿日本茶庭风格布置建造。茶、梅二物,皆入药、具文化、富品味,借品茶而誉梅。 由牌坊门进入茶艺厅,或品茶、或小驻、或会友、或精神皆可。“高山流水”、“缚袖弄蝶”…。茶艺厅右侧设置二座小木屋,门前各置柴门,上书:“梅汤茶”、“竹梅茶”。 梅花点茶的方法是:梅将开时,摘半开之花,带蒂置于瓶中,每重一两,用炒盐一两洒之,勿用手触,必以厚纸数重密封之,置阴处。次年取时,先置蜜于盏,然后取花二三朵,沸水泡之,花头自开而香美。 2.枯山水园。于蹬梅道侧设置了一座长×宽=13米×6米的矮墙式枯山水园。园中设置追石、逃石、观海石等,任白沙耙成海波纹状,以景取意。 3.功德碑林。于茶庭北侧利用自然山石林,修建一座占地约为200平方米的功德碑林,集历史上各种“梅”体拓片碑、捐赠建园名录碑等,增加文化内涵。 4.露天游泳池。依附于茶艺厅设置一座自然式露天游泳池,池中划分梅汤浴、香汤浴…洗尘修行,体现茶道精神。 三、四德赋 位于园东北角,占地面积3200平方米。古人认为:“梅具四德。即初生蕊为元,开花为亨,结子为利,成熟为贞。”本方案借助于浅丘南向地形优势设置五瓣形五福广场,供人们小驻眺望。广场正中设置“图腾柱”象征“四德”品格。广场东理水西出,金带环抱,叠泉绵延,预祝未来幸福长久。本方案将广场西侧的自然山石加以保留,辟为玩趣空间。超级秘书网 四、玩趣区 位于园内东南隅,占地面积3984平方米,由多功能厅、爬坡廊、曲廊、梅溪、趣味高尔夫球练杆场等主要景点组成。 1.多功能厅。歇山顶仿古建筑,占地面积96平方米。系下榻处,右以连廊,爬坡拾级而上,组成园内又一条主要通道。是观赏远景最佳之处。 2.梅溪。以自然小溪落水设计手法引水东进西出,蜿蜒流长,溪边置观景实木平台、坐憩区、花船区等,供人们动态观赏。 3.趣味高尔夫球练杆场。以练杆、推杆为趣,普及高尔夫球知识,全民健身。 五、结束语 福梅园,因其所在“重庆梅花艺术节”活动中所起到的重要作用,因此,在景观打造的同时也大量收集了一些有关梅花文化艺术的瑰宝,如:名人字画、笔墨字岘、艺石等。总之,借梅花艺术,来宏扬重庆山城古老文化。 设计艺术论文:环境空间设计艺术论文 一、环境艺术设计中的空间艺术的概述和特征 (一)环境艺术设计中空间意识的概述在环境艺术设计中,环境中实体和空间是构成环境两个彼此依赖的最为重要的方面,环境设计的主体首先是空间,其次才是创造出适合人类的需求,因此环境艺术的设计者应当着重的认识环境的空间性,在环境艺术教学的环节上加强对于空间意识的培养。空间被分为二维空间和三维空间,甚至还有一种思维空间,在目前已有的环境艺术的建造实例中,绘画的应用是二维空间,雕塑的应用则是三维空间,建筑物的应用就是思维空间的最佳体现,这些空间意识已经是构成了环境艺术设计的基本元素,由此可见环境艺术的重要性。在环境艺术设计中,空间具有多种的表现形式,构成空间的形式也是多种多样,因此建筑艺术空间成为了环境艺术的主体,并时刻表现在环境设计的教学之中,因此培养学生的空间意识主要是培养学生具有多维空间的意识以及不同的空间属性整合后的空间意识。 (二)环境艺术空间的特征 1.环境艺术空间的真实性在美术艺术手法的多重表现之中,工艺美术、绘画以及雕塑都是造型艺术中较常见的审美形象,在表现形式之中是以实体的形式存在的,这些艺术表现形式在创作的过程中最主要的就是要体现出作品中的逼真性和感染力,努力的展现出空间感,但是在真正的环境艺术设计中,所具有的空间感是真实的,而不是通过不同的艺术手法展现出真实的空间感,也只有环境艺术才可以突出表现出空间性审美特征,倘若仅以平面的照片或者是图画是不可能使得环境艺术展现出生机勃勃的精致以及整体空间气势与空间意境,这些都不符合三维空间中对于艺术的追求,所以环境艺术设计的空间感的真实性是提升环境空间感重要性的一点。 2.环境艺术空间的固定性环境艺术的设计创作必需在真实的地质之上,一旦环境艺术的设计被敲定,环境艺术的装饰品被制作成功之后,就是不能随意的在空间范围内移动,受到空间范围内的因素制约比较多,因此在进行环境艺术的设计时,为了保证环境艺术设计在完成之后具有较强的审美性,就一定要使得环境艺术设计中的涉及到的街道、建筑、公园甚至是一座广场,都受到特定的空间的制约,因此要与周围的环境保持着各种的联系,在环境艺术的设计中保持环境艺术空间审美的固定性特征。只有妥善处理好设计作品与周围大环境之间的关系,才可以成功的创造出环境的艺术设计的意境,达到预想的效果。 二、在环境艺术设计教学中空间意识的锻炼学习方法 (一)学会在多媒体技术的应用中创造出空间的情景由于环境艺术设计中,设计者一定要掌握环境的空间意识,所以空间意识的培养就成为了环境艺术教学中的重点。为了使得学生充分的认识到空间意识的重要性,环境艺术界内的专家认为首先要为学生创造一个空间意境,使得环境艺术的学习者可以通过闻、摸、尝、听以及看等感官感受中增强对于空间的感知。在现代技术中,多媒体技术在教学中的使用是最常见的,在环境艺术教学中对于创造空间意境也是相当容易的,使用多媒体技术进行情境创设,设计环境空间情景,在这一过程中学生一定要学会通过感官的感受体验环境的空间意识。 (二)加强实践教学,增强学生的空间体验在环境艺术设计中,教师教育学生产生初步的空间感并不是一件十分困难的事情,但是如何使得学生合理的利用空间感进行环境设计,使得环境展现出更高的艺术性则是一件十分困难的事情,因此,为了使得学生更好的掌握空间意识,更合理的在环境设计内展现出空间感,所以一定教师应当在课堂上通过多媒体图片或者是视频调动学生们的积极性,在这一过程中,学生们应当积极地参与到空间环境内的体验中,这是学生可以加强对各种各样环境空间实体的了解,对一些空间造型和特征有一个基本的感知和概念,其次,当教师在课堂教学中开展实践性的教学的时候,学生应当积极的参与到环境艺术空间观察、体验之中,例如教师带领学生参观一些著名建筑的设计,进行参观,布置一些环境艺术设计类的作业,学生可以充分的利用自己的想象力进行设计,让教师对于学生的作品进行内容点评,在教师的教导之下学生可以充分的认识到自己环境艺术设计作品的不足,学生在教师的点评的过程中逐渐的树立正确的、合理的、科学的空间意识,提升学生对于环境空间感的实践教学,提升学生对于空间的体验,促进学生形成正确的空间意识。 (三)加强学生的眼手心的协调性训练,提高学生对于空间的把握能力环境艺术的设计主要是设计者在完美的使用眼手心之间的关系而完成的作品,在设计的过程中,眼手心充分的发挥自己的作用:眼睛对于环境艺术创作具有整体的空间感知,对于空间结构以及空间形式的把握具有初步的认识,手对于环境艺术的创作在于对于美术技巧的掌握,也就是接触材料并进行体验的制作技能,心则是对于环境艺术创作的一个整体的感知,将艺术创作能录、个体思想以及个体的主观意识用正确的方法展现出来,对于眼与手的技能进行加工。当眼手心三者之间的关系得到最佳的协调之后,环境艺术的空间意识就被学生们以最完美的方式展现出来,学生在这一过程中增强了对于空间情感的把握。 三、总结 在环境艺术的设计中,空间意识是一项重要的设计元素,使整个环境艺术设计的灵魂,因此为了提高环境设计意识的整体艺术感,就一定要加强设计者的空间意识,在了解了环境艺术设计空间意识的特征之后,对学生的空间意识采取正确的培养方法,在教学中加入多媒体技术的应用,创设出空间情景,加强学生的实践经验,增强学生的空间体验,协调学生的眼手心能力。 作者:王嘉敏单位:华南师范大学美术学院 设计艺术论文:本土文化现代设计艺术论文 摘要:现代社会我们已经不能简单的把我们的作品作为一个工具或器物来看待,在强调产品实用性的同时,人们越来越注重产品可承载的情感内容,即希望通过产品获得某种情绪感受,满足特定的感情需要,如友情,亲情,寄托希望,向往;展示情趣,格调,追求自然,回归等。产品被要求蕴涵丰富的情感色彩,以能够满足消费者的感情需要。 关键词:文化;回归;承载 文化影响现代设计,现代设计传承并表现文化,设计是一个载体,设计体现文化的发展,设计的主观意志应体现在文化发展的客观规律的认识与把握之上。 一、本土文化对现代设计的影响 设计,是文化艺术与科学技术相结合的产物,而艺术与科技,同属于广义的文化范畴,而本土文化本身即是本国人民历代在实践中物质文明与精神文明的总结、归纳。具有不可逆的传承性。曾经一代又一代的艺术家设计师都企图摆脱传统文化的阴影,但本土文化还是如影随形。因此,我们可以说,任何传统文化都必然对艺术与科学的发展产生非常深刻的影响,并且通过艺术与科技,都对现代设计产生连带的巨大作用。 在人类社会,各国的本土文化都在发挥其自身的功能--对现代设计的影响。在此我们仅以中国为例,以点窥面,从中发现其规律性。在当今世界里,像中华文化一脉相承的,也只有中华文化,所谓四大文明古国,也只有中华民族五千年的历史一脉相承,不曾中断。也正是基于这一点,中国人对本土文化情有独钟。我们谈中国本土文化,大体离不开易学文化,离不开儒道,释文化,即儒学、道学、佛学。在东方,或者说主要在中国,各种文化相互通融,数千年相安无事,这本身就说明中华文化巨大的兼容性,也正是这种兼容性才使中华文化博大精深。到了现代社会,中国的文化再传承,中国的设计也在延伸。 本土文化可谓是一脉相承的器物和习惯,就像一个家庭的传家宝和日常行为,站在历史的角度,传统文化即是物质与精神的沉淀,生产力的发展使得物质得到改进和创新,使人类有了新的征服自然和表述情感的工具,物质的变化,环境的变化,使得人在精神系统养成的习惯也发生了变化。设计,作为我们生活息息相关的一种活动,从宏观角度来看,国家一些政治改革,经济发展方面,都可以称之为设计,微观方面,人们日常生活中衣食住行都包含其中。 设计是"以人为本",其中的人我们又可以分为两种人:主观形态的人[设计师]和客观形态的人[大众群体]。从文化的角度来看"设计引导人"与"人引导社会"这本身就是相互融合在一起的,就像法国印象派兴起的时候,连街头擦鞋的姑娘也会谈论莫奈的油画,中国历史上也曾出现;类似情况,宋朝宋徽宗崇尚道教,导致了街上买烧饼的也回说道,这不也就说明了我们的设计在引导人的时候也在引导自己的方向,反过来,人引导设计的时候也在引导自己,从物质与意识的关系来看,物质是第一性,意识是第二性,物质影响意识,意识也影响物质。当人们有一定的时代特征向前发展了,这时候用什么作为语言呢?无疑,最好还是本土文化。毕竟本土文化离我们较近,就好像中国人用筷子用惯了叫他用刀叉反倒还不习惯。这就是人的一种情怀,设计师如果把握好了这种情怀,一切问题就解决了。 陈汉民老师在设计王府井饭店的标志时,把传统的中国结与建筑墙壁上的装饰融合在一起,使我们看到这个标志时,既有中国情结,又具备现代设计的特点。 靳棣强老师在其招贴设计《自在》系列中,运用中国水墨画技法,融合了现代技术的特殊肌理效果,现代又不失传统。贝津铭先生更是世界公认的建筑大师,在做中国香山饭店运用江南水乡的青砖灰瓦白墙色调,使现代建筑加上文化情怀,形成一种共鸣。 他们这些大师自身都具备一定的文化素质,挖掘出中国传统文化的精髓,一种韵致。 现代设计的发展,不仅仅是设计师个人的问题,寻找相同切如点,那么传统文化的介入应该来说对当代设计文化具有推动作用,这也就是传统文化对现代设计的最大意义了。 二、本土文化是现代设计的基石 之所以提出以上观点进行试析,其目的也就在于体现本土文化在现代设计所特有的分量,曾经全球十大营销公司世界伙伴公司的执行长说:"本土文化的广告要比国际化的广告效果至少强百分之三十"。因此,他们从来都和当地的营销公司平均持股,使命是增加本地商的力量,使之与全球传播集团的商抗衡。屡获广告大奖的NIKE广告创意掌门人说:"不管他们给不给你奖都别在乎,没有什么大不了的,广告来自于一个国家的文化,惟有从自己的文化和角度出发告诉世界其他角落的人什么是你所认为的广告。 以上两个观点告诉我们,使用本土话语言进行创作与设计,向世界呈现自己独特的文化视角其所具有的广告效应,商业价值是国际化的设计所不能抗衡的。现今社会都笼罩在全球化、一体化的趋势之下,可当文化也到了一体化的哪天,其实也就是文化的终结点,而设计作为文化发展的一个方面,将遭遇其同等命运。可这一切的操纵者、传承者、发展者皆为人,以人为优秀进行外延,有什么样的需求,就会产生什么样的设计。 人类最初的设计正是针对人们最普遍最基本的需要展开的,几千年来不同的民族,不同的时代的消费品蕴藏着不同的审美情趣、审美理想、审美追求,表现出不同的民族性格、民族心理和人们对自我实现的不同追求,产品本土化设计符合不同民族需要民族识别,民族认同的亲情感要求,是民族表现欲不同文化上的共同心理素质民族识别的要求表现为不同的精神生活方式,即不同的风俗习惯、起居饮食、喜庆节日、信仰祭祀、婚姻家庭、文学艺术特点等等。民族认同表现为同个民族共同的民族心理素质,即在物质和精神文化生活中,感觉到大家都属于一个人们共同体的"自己人"的这种心理,这种心理强烈而集中的体现在共同的风俗习惯、情感需求。 设计需要创造,如果没有创造,世界将是一副模样,但创造是有基石的不同的地区有其地域环境,气候条件,经济情况,人文思想,民族习惯等等不同,表现在设计方面,每个民族都有自己的特色。如法兰西民族,地处温带海洋性气候,良好的生活环境造就了法兰西民族追求美妙而浪漫的生活习惯,时尚成了这个迷人国度奉行的生活准则,时装、香水这些时尚的载体成了这个民族的代词,洛可可风格的延存与装饰艺术运动的渲染,形成一种华丽、经典的法国浪漫风格。德意志民族则不同,气候干燥,多山的自然环境造就了严谨的德国人。因而,德国的设计体现了严谨、重功能的品质,就连较为倾向艺术性的平面设计在这里也自由不起来,包豪斯是其代表,乌尔姆设计学院提出的设计就是科学技术,从而形成重功能、技术缺乏艺术感的德国风格,与之相反,美利坚民族是个民族大融合,渴望自由的环境下造就了设计的幽默感与随意性,短暂的历史,自由的人性,使美国设计更具轻松、乐观的色彩。 社会文明的不断提高,使越来越多的有识之士意识到了设计本土化的问题,设计必须融如当地本土文化中去才能得到持续发展,特别是在中国这样一个地大物博,人口众多,处于东亚文化优秀地位的国度里,更是需要迫切解决的问题,设计的本土化并不是对本土中国文化的肤浅理解即"形"的简单融如进去,香港设计师靳棣强的成功,就是因为他懂得如何将浸淫五千年中国文化如中国水墨文化,儒家文化之精髓融如设计中,儒家的审美标准用一个字来概括,就是"和",体现包容性,包容性必然衍生多样性,而多样性也是造型与装饰在注重整体效果之上,就体现在形式与功能协调结合与造型的多样性。 综上所述,设计是一种把人们的思想赋予形态的工作,设计就是将所有的人造物赋予美好的目的并加以实现,优秀的设计是真善美的体现,设计从过去对功能的满足进一步把人们上升到了对人的关怀,这是在设计中融如文化,增强产品的文化附加值的根本所在,这是设计师的责任。 设计艺术论文:平面设计艺术创意性与实用性浅议 摘要: 随着新潮流和新的设计观点的出现,很多平面设计艺术品开始突破传统设计的禁锢,能够将艺术性和实用性巧妙地结合起来,设计出既美观又实用的作品。一个优秀的设计师就必须要做到在实用性中寻求巧妙的创意,在创意设计中寻求实用意义的表达。所以,他在面对一件作品的时候,首先要具备设计的基本知识,然后通过一定的方法表现出新颖的创意,这样才能够设计出为大众所接受的艺术作品。 关键词: 平面设计;艺术创意性;实用性 在传统设计观点中,实用性占据主流,这主要是为了满足普通百姓劳动和生活的需要。不仅如此,在过去,社会上还存在着“好看不实用,实用不好看”的观点,这种观点完全将艺术设计的实用性和创意性对立起来。随着社会的进步,艺术设计领域逐渐意识到创意性和实用性并不是绝对对立的,在某些情况下,创意性提高了艺术设计作品的流行程度,扩大了艺术设计作品的使用范围,而实用性增强了艺术设计品审美效果,二者可以做到统一。所以,优秀的平面设计师总是能够凭借自己的设计知识,运用一定的设计方法,来兼顾艺术性和实用性,创造出更多有创意、有价值的作品。 一、创意在平面设计中的重要性 什么是创意?创意就是与众不同的想法、意想不到的组合、无中生有的妙想。我们评价说一件作品非常具有创意,通常就意味这件作品是新颖的、与众不同的、巧妙的、意想不到的,这种评价就说明了创意的特性——新颖。但是创意并不意味着思维的天马行空,无所拘束,它需要建立在规范的形式之上。规范的形式是人们接受艺术设计品的基础,而巧妙的创意则是人们被艺术设计品抓住眼球和心灵的东西。在通常情况下,人们鉴定一件艺术设计品是否具有创意,并不是建立在理性分析的基础上,而是首先被作品吸引了目光,然后才有意识地分析这件作品的与众不同之处,最后得出这件作品是否具有创意的结论。所以,在这里,创意是一下子抓住人们眼球的东西,是设计师在客观事物和理性思维后的升华,是超前的无中生有。每一件艺术设计品都有其最吸引人的地方。无论是家具设计还是服装设计,都讲究风格、特点、创意,这样才能够吸引别人的目光,使得这件艺术品在同类产品中脱颖而出,给人以不同寻常的印象。一件成功的艺术设计品,必然是富于创意的。创意在平面设计中的价值不可估量,它能够形成一种风气、带动一种潮流、改变一种审美观点,有的时候甚至能够改变一个人的命运,扭转一种社会风气。它具有点土成金的魅力,能够让平面设计作品瞬间提升档次、具有独特的魅力。例如,2008年的奥运图标,作者独具匠心,在设计中加入中国传统元素,给予观众一种独特的视觉快感和享受,同时中国红的巧妙使用,也让中国人不由自主地生发出民族自豪感和民族自信心。这一设计已经不仅仅是个人设计水平的体现,更是中国在设计领域方面的进步。 二、平面设计的创意要兼顾艺术性和实用性 首先,平面设计属于美术的范畴,所以,它不可避免地带有艺术的审美价值。创意就是其艺术性的表现之一。在高等美术教学中,教师都是从艺术欣赏的角度来引导学生感受美、理解美,从艺术价值的角度来分析艺术设计的创意和艺术设计的成功之处,学生的审美水平和审美能力也就随着老师的讲解而有所提高。当学生学会基本的艺术鉴赏方法之后,就能够运用专业的眼光来对平面设计的艺术性进行解析,对平面设计中所包含的创意进行学习,进而在各种高水平比赛中展现出自身独特的思维特性。我们详细分析艺术家对于创意的剖析,就会发现他们的观点比较概念化、抽象化、理论化,只可意会不可言传。语言不足以准确表达,唯有灵犀一点的思维可以互通。纵观世界著名设计大师的作品,莫不如此。他们每个人的平面设计作品都具有极高的艺术欣赏价值和独特而巧妙的寓意,这就是创意的表现形式。观众在欣赏的过程中,因为生活经历和知识储备不同,他们对于平面设计作品的理解各不相同,所欣赏到的艺术内涵也不相同。但是无论他们看到的东西如何不同,有一点都是相同的,那就是平面设计的思想。这也是创意的一个主要特点——允许运用不同的形式来表现同样的主题和思想。正因为如此,创意才有高下优劣之分。但是,不得不提的是,创意的来源固然与设计者本身的阅历和知识储备有关,但也充满了机遇和偶然,有时候灵光一闪,智从心来,电光火石间就有可能产生一个巧妙的创意。其次,平面设计的创意具有服务现实社会的功能。世界知名设计大师的平面设计作品,都具有深刻的内涵和抽象的形式。观众在欣赏的时候,需要具备一定的美术修养或美术基本知识才能够理解其内涵。所以,这些高水平的艺术设计作品是各大美术高校学习的主要对象,也是教师推荐学生学习模仿的范本。但是,在欣赏平面设计艺术性的同时,我们也要看到平面设计作品还具有为社会现实生活服务的功能。优秀的平面设计作品总是能够感染每一个能够读懂它的人,这是因为创意具有实用性的一面。创意的实用性是指设计出来的作品符合社会主流心理趋势,能够被大众所接收且能够被运用到物品上,成为物品价值的一部分。例如我们常见的纸制品的包装盒设计,它要求不仅要准确传递出包装内容的特征、用途、颜色、规格等商品信息,还要能够被再次利用。如果包装盒的设计能够同时满足这两个要求,那它无疑是成功的。再如,蛋糕盒的设计,常见的蛋糕包装盒颜色艳丽、包装精致,能够起到保护蛋糕不受污染、方便携带的作用。但是,如果设计者能够在包装盒的设计中加入其它元素,如巧妙地传情达意、暗藏惊喜等,无疑能够增加其使用频率和使用价值。 三、总结 放眼国内市场,平面设计大多属于低端设计,这样的设计固然简单明了,但是却明显地缺乏创意,这也暴露出一个问题,即学校学到的知识和创意与社会的实际需要并不接轨,学习和实践相脱离。平面设计专业的毕业生在进入社会后还需要较长一段时间的磨合和锻炼,才能够正式进入工作状态。而这个磨合和锻炼的过程又会逐渐消磨掉其在高校学到的先进知识和创意方式,使得一个原本非常具有创意天赋的学生变得普普通通。究其深层次的原因,就是平面设计艺术性和实用性相分离的原因。所以,高校在培养学生艺术审美能力和美术修养的同时,也要加强平面设计与社会的联系,引导学生在实践中寻求设计灵感,在实际中灵活运用创意,在实践中创造优秀的艺术设计作品。 作者:白洁 单位:山西师范大学美术学院 设计艺术论文:现代景观设计艺术和科技研究 摘要: 随着社会经济的不断发展,我国的现代景观设计也在不断变化,很多现代景观在应用了新材料之后,景观的表达形式更为丰富,使日常生活中人们对环境的不同需求得以满足[1],本文阐述了新材料的应用意义,并就现代景观设计中艺术和科技的结合做了论述。 关键词: 新材料;现代景观设计;科技;艺术 1新材料的应用意义 因为新材料的出现,不断丰富了人类的科学技术,而金属材料的不断增加,像铝、不锈钢以及合金等材料,都让我们所生存的环境有了新的色彩[1]。尤其是玻璃渐渐发展成承重材料,而使用方式上也有了较大变化。以视觉冲击效果来看,新的LED灯以及光纤带给景观非常出彩的视觉体验。新的材料也表明,有新的结构出现。由于钢结构体系自重较轻,所以,在跨度较大的结构中相对来说更有优势。不仅如此,传统材料在工业化的影响下也衍生了新的表现方式,像石材悬挂以及木材铆接等都能将新时代特点表现出来,结构美学的创新取代了传统装饰美学。尽管新材料在现阶段景观设计中的应用十分广泛,但还是存在一些新材料的材质及构造不太环保的问题,有些甚至会对人们的身体造成一定的影响。部分新材料是由很多化学物质构成,所以,无法完全排除其污染性,我国有关部门在对新材料进行质检时,一定要注重其污染程度,避免对人们身体健康造成影响。相关部门要加强对新材料的监管,使景观设计对新材料的应用能更加自如,同时也使人们对新材料能有更高的认知,以此促进新材料的不断发展。 2新材料的综合技术———结合科学与艺术 在传统景观作品中,现代景观设计在其基础上正在不断进步,有一些人在往艺术的路上前进,尤其对艺术与景观的相互结合非常关注[3],而其艺术表现也在不断增多。部分人认为,在景观设计中不断增加艺术成分,会在一定程度上对生态环境产生影响,而对生态效益的偏重也会使得景观艺术性有所减弱。但是,有很多设计师将艺术与科学相结合,在景观设计中,将艺术性与生态环境同时考虑在内,使景观设计更为完美。在现代景观设计中,不单单要考虑到生态原则,还需要将艺术形式进行考虑。在经过科学的分析后,会有一些个性的植物配置以及设计形式出现,在很好地突出艺术性的同时,还要尊重生态性原则。艺术与科学的相互结合会改变人们对传统景观的看法,而景观艺术所形成的革命性变化也会非常自然的发生,技术在提供高生产力时,也能让我们有全新的景观体验、观感以及价值观。针对社会的发展,景观设计师也做出了积极回应,满怀激情地面对未来的新鲜事物。在景观设计中应用新材料能不断开阔视野,不仅有一定的现实意义,同时也能很好地反应现代生活方式。平时生活中一般能接触到的是普通材料,比如高分子、普通金属以及普通陶瓷材料等。新材料一般指的是一些正在发展且性能更优的材料,比如细料陶瓷、新型技术以及复合材料等。时代与科技的不断进步,使得景观材料也在不断更新,在一定程度上使景观设计更加灵活。而设计师应用不同类型的材料,将景观设计不断地进行改变。先进前卫的现代景观设计方式,就像装置一样,不同于传统的设计理念,这些艺术性较高的现代景观设计需要现代技术的支持。在现代景观中应用新技术,在材料的应用中有一定的挑战,比如合成纤维、玻璃以及塑料等,要尽最大可能反复应用材料,还可以应用现代化技术,以此生成最新的材料,在物质环境中应用可持续生态,以此形成一种新的方式。新材料能不断应用自身的质地、色彩以及表面,以此唤起一种特殊的情绪。 3结语 综上所述,在景观语汇中,材料作为新的元素,在一定程度上能成为作品以及设计师当中的媒介,以此形成有独特风格的景观。应用各种各样的新型材料,在一定程度上能将景观概念进行全新定义。要想景观设计能不断获得进步,必须重点对材料进行研究,才能不断丰富其设计。在现代景观设计中,对于材料缺乏了一定的创造力、洞察力,导致景观设计在一定程度上缺乏了活力。所以,如果能重视新型材料,科学合理地应用,并将科技与艺术形态进行有效结合,便能以此形成更加优秀的现代景观设计。 作者:郝娜 单位:连云港市建筑设计研究院有限责任公司 设计艺术论文:图形设计艺术语言研究 与其他感官相比,视觉、听觉的感受范围有着更大概括的可能,这与对世界的理性认识,与人的高级心理、精神活动有关,它们具有更多的理解的功能,具有更明显的社会特点,更善于去把握、反映客观世界的本质,以达到更深入的认识。因此,视觉、听觉就成为审美感受的两种主要官能,形成为感受音乐的耳朵,感受形式美的眼睛。而图形设计正是利用视觉来接受外部信息传达的。人类只有有了知觉才能感知世界,享受信息。知觉的主要特点在于它不只是反映事物的个别特性和属性,而是把感觉的材料联合为完整的形象。通过采用各种手法把图形进行组合或分解,以为了表达某种含义或达到某种视觉效果,所有的手法和技巧都应当表述思想内容,所谓“形式服从于功能”就是这个道理。 一、图形语言的两种传达手法 图形语言的表述形式是指图形的传达手法而言,主要有两种:一种是倾向于创意思维的逻辑类图形,是力求表现内容与形象相结合,其效果指向感情、趣味和意义,表现图形创意的思考。在此类图形中,大多要通过一个形象同另一形象的某些联系来使人产生联想(例如本体与喻体)。而且另一形体本身具有某种象征性,代表某种含义,能引发某种联想,通过这两种形象的组合来产生联想,生发出新的意义。这种组合常常通过某种组构形象的方法,主要要解决的问题就是采用何种方法把不同的形放在一个画面中进行艺术地组合,或者是画面只有喻体,而本体用文字在标题或说明中体现出来。这种情况下文字语言的作用是引起形象指涉,而不是表达逻辑。而且文字和图形并非同指一意,此种方法在画面中虽看不到明显的图与图的蒙太奇,文字起到图形代号的作用,由图和文的装配剪接、形和意的剪接,“装配”以及“镜头组合”而成的,文字语言也属于广义符号,所以图文组合也是一种潜在组构方式。另一类是倾向于视觉表现的形式效应类图形,主要是注重图形表达的形式规律的表现,把形式规律作用于视知觉,主要体现“样式”的新奇性,图形大多借用现代艺术中的研究成果,在表达形式上下功夫,概念隐藏在视觉表现中。例如在海报中,以形式感见长,注重视觉效果和视觉感受的立体主义、未来主义、风格派、构成主义、欧普艺术、波普艺术、达达主义等。这些艺术流派的出现使图形不必必须拘泥于“严谨的思维逻辑”的表现,为思想的表述从外在形式上提供了一种可能,大大加强了图形设计的表现力。 二、符号的结合功能在逻辑类图形设计中的作用 与语言表达类似的是,现代图形语言往往靠形的比喻,象征,借代等手法来阐述思想,表达概念。在画面中往往要出现例如喻体和被喻体等元素。这二者之间发生关系,形象上可能截然不同,但要出现在一个画面当中,所以如何协调或设计二者之间的关系,达到画面的美观、协调,便成了设计师的一个要解决的重点。苏珊•朗格认为符号具有一种构形功能。符号的这种功能,朗格称为符号的“接合”功能或逻辑表现功能,因为符号可以把种种思想连接在一起,这种功能在图形设计中表现的最为明显。经过设计师的不断研究,在图形设计中便出现了不同形象的组构方式,这些组构方式方法主要应用于具象图形中,方式较为单纯、严谨,意义目的明确,具有很强的目的性。往往采用各种方法来进行拼接组合进行图形表现,如现代图形设计中的许“正负形、影子效应、元素替代、同构图形、相似型联想、解构图形,变异图形,解构重组……”等多种组合方式均属于此。设计面对的是大众消费者,这些组合语言没有破坏物体形象的整体性,视觉语言艺术而单纯,大多针对具体形象,具有传达逻辑概念的功能。 三、联想、通感、移情在形式效应类图形设计中的作用 1.“想象”“联想”在图形设计中的作用 设计师保罗•哈里斯认为所有的图形交流都是通过我们对其的联想以及通过联想建立联系来实现的。联想是由此及彼地想到其他的相关人或事物,它使形象的并置或组合产生了因果联系。蒙太奇式组合与绘画拼贴组合的视觉效果不同,在图形中的组合必须是有意义的连接,需要依靠逻辑思维来进行加工和完善。想象是一种观念上的再造和创造形象的心理能力——也就是想象力。想象力是人类运用储存在大脑中的信息进行综合分析、推断、设想的思维能力,它是由思维调节的。在思维过程中,如果没有想象的参与,思考就无法良好进行,特别是创造性想象。图形设计中的想象是人在脑子中凭借记忆所提供的材料进行加工,从而产生新的形象的心理过程,也就是人们将过去经验中已形成的一些暂时联系进行新的结合的行为,它是人类特有的对客观世界的一种反映形式,它能突破时间和空间的束缚,达到“思接千载”“神通万里”的境域。想象是创意的原动力,图形设计也不例外,只有通过想象,才能使自己的思维超越自然的限定,进入理想化的设计境地。爱因斯坦说过:“想象力比知识更重要,因为知识是有限的,而想象力概括着世界的一切,推动着进步,并且是知识进化的源泉。”图形设计的想象是一个广阔的心理范畴,各种视觉元素,包括抽象元素都是可以通过想象加以完善的,现实中的形体通过想象可以变异、错位、交替、融合,构成超视图形,各种客观现象也可以通过想象转换成多种意象。因此,想象是艺术的源泉,有着决定性的作用。“想象”与联想有所不同,“联想”指由于某人或某事物而想起其他相关的人或事物,“想象”是在原有感性形象的基础上创造出新形象的过程。因为联想是有关的事物之间产生的思维连接,所以在图形设计中,联想是想象的最主要形式。联想是在审美感受中的一种最常见的心理现象。审美感受中的所谓见景生情,就是指曾被一定对象引起过感情反映的审美主体,在类似的或相关的条件刺激下,回忆起过去有关的生活经验和思想感情,这是联想的一种表现形式。一般分为近似联想、对比联想、因果联想和欲望联想四种。他们在审美感受的想象活动中,都有着重要的作用。联想在图形设计中应用的更为直接,更为广泛,它架起图形形象之间的桥梁,使视觉表现成为可能。 2.通感在图形中的作用 通感又叫“联觉”。简单的说,通感是人的各种感觉的彼此沟通,是相互交织,交互为用的感觉基础。用语言来描述形象感受,与利用视觉形式表现感受有所不同,前者只需要表述抽象性质,后者则需要借助具体可视的形象或者形式特征。对于图形艺术来说,比喻和联想不是形式表现的实质,形式表现的关键是要找到与各种感受想关联的特征,以可视的形式特征传达较为准确的意向,形成特定的心理感受、风格情调、感情色彩。例如如何在画面中表现“噪音”?噪音是一种刺耳的,另人烦躁不安的声音,是一种听觉感受,如果能够在美术的形式上形成类似的形式特征,如在表现上使整体关系趋于对比和波动,大量采用锯齿状短线来表现,有意使形态变化较为动荡,就会在视觉上给观众以噪音的感受。图形设计中的通感表现就是把听觉、嗅觉、味觉、触觉等各种感受转化为视觉的过程,往往需要调动各种形态、色彩等视觉元素的心理感受。在图形中选择的形象或者符号必须具有普遍人认为的通性,因此,受众群体的定位是及其重要的。创造性的想象需要付诸具体的艺术构思,最终的目的还要落实在表现形式上,必须借助某些视觉能够看到的媒介、形态、方法使想象得以具体化、形象化,这是艺术创造中最基本的问题,而通感的手法则使一些抽象题材有了更大的表现空间。 3.移情在图形中的作用 寄情于物就是移情,也就是把自己的感情寄托于艺术对象之中,达到物我同一的境界,产生人和物的共鸣。移情现象是一种外射作用,即把“我”的情感变成事物的属性。“移情说”是西方现代美学中影响最大的流派之一,德国的心理学家和美学家立普斯是审美心理学中“移情说”的代表,他说:“移情作用所指的不是一种身体感觉,而是把自己‘感’到审美对象里面去。”“它是一种位于人自己身上的直接的价值感觉,而不是一种设计对象的感觉。”立普斯把移情分为四种:视觉移情,给普通对象的形式以生命,如线转化为性格;经验或自然移情,如风在低吟;氛围移情,如色彩产生情境和表现力;生物的感性表现的移情,如人的表情外貌的意蕴。移情作用侧重于主体心理功能和体验,离开了人的主观感觉,就不存在美。中国古诗是最注重移情的,诗人以物咏志抒情,抒发了自己的情感和思想,使人体会到含蓄之美。审美情感不能脱离完整、具体、生动的对象,而对于对象的背景、意义、题材等的理解是极其重要的,正因为人作为高级动物所拥有的联想机制的作用,有着通感和移情等审美机制,才使作品的表达多样而又感人并且易于解读。在图形中可以用具体的物代人,也可以用抽象的点线面、色彩、肌理质感来表达人的各种情绪和感受,也可以此物来表现彼物,通过物与物,物与人的相互关系来表达抽象或具象的内容。移情使表达形式更丰富,也使抽象艺术作品更易理解、更亲切、更生动。 四、结语 图形设计是在现代艺术表达手法和观念上形成的一种新的平面设计艺术风格流派,是几代设计师不断努力的结果。现代的图形设计,从设计创意到表现形式已经进入了一个新的层面,这种变化可以说是紧随时代的,特别是由于现代科学技术的迅速发展和各种现代艺术流派的波及,人们的设计观念已经冲破了原有专业的局限,许多设计家均以多元化的知识结构和超常的艺术想象力,创造着图形设计的新风格。人们对图形设计的认识,也随着时代的发展,走向了新的自觉。随着时代的发展,新技术、新观念会不断涌现,图形的表达和表现将会有更多的方式,人类与生俱来的对美的追求也会使其形式不断发展和更新,图形这一既新鲜又古老的艺术定会随现代思维的不断变化和新媒介的不断出现而永远充满活力。 作者:王建辉 单位:河北师范大学美术与设计学院 设计艺术论文:现代海报设计艺术特征分析 一、网格化的编排布局 顾名思义,网格是由垂直线和水平线交叉而形成的一种格子状的坐标系统,这种说法最早来源于编织工艺。早在人类早期文明开始的时候,网格纹样就已经出现在了人们的生活之中,如我国出土的一些陶瓷瓦罐等日常生活用品就经常以网格状的编织纹样作为装饰。随着时代的不断发展,网格不再仅仅作为一种装饰纹样,而被人类应用到了各种编排布局定位或是计算之中,最常见的米字格、九宫格、田字格等都是来源于此。当然,作为一种辅助设计手段,网格化的编排布局也被应用到了现代海报设计之中,并成为现代海报设计的主要创作特征之一。在具体的海报编排布局过程中,网格能够将各种图文信息有效地组织起来,使整幅海报作品系统化、逻辑化,从而赋予了海报作品一种严谨的秩序感和冷峻的现代主义理性美。这种风格特征甚至曾被评为“国际主义平面设计风格”。此外,由于网格化的编排布局过于理性、冷静,为了达到一种更为和谐的视觉美感,设计师在进行编排布局时往往会对每一个小格子、每一个小的构成元素都进行精心、多样化的改善,从而进一步完善网格化的编排布局。以韩国设计师LeeYong-Kyu的海报作品《BIGMONEY》为例,该海报作品好似一幅色彩斑斓的印染织物,仔细观看就会发现该幅海报采用的是网格化的编排布局,且不同方向位置的网格都有自己不同的特色,从而形成了复合的网格结构。第一层的网格系统是水平线与垂直线等距离交叉而形成的正方形网格,每一个小格子内都被填充了图案,并且这些图案巧妙地形成了一种文字语言;第二层的网格系统则是由位于中间水平方向位置的旋转四十五度的小方格构成,这些小方格经过旋转之后悬浮于第一层上方,从而使整体海报形成一种双层次网格编排布局形式,琐碎繁复但不杂乱,充满了浓郁的历史感和鲜明的时代气息,非常符合该海报的主题思想。 二、图案化的视觉语言 图案有广义和狭义之分。广义的图案多是手工艺人或是艺术家的意念体现,是通过一定的方法手段所创作出的具体实物产物;狭义的图案则是指各种器物类表面或是特定平面作品上所形成的装饰纹样图案。随着设计理念的不断强化以及细分化发展,图案的内涵和外延都发生了剧烈的变化,而我们所艺论述的图案则主要是指狭义概念上的图案,是用来做织物、墙纸等的装饰纹理、产品的外在包装设计或是平面作品设计等,即装饰性的图案。值得注意的是,无论一个图形是多么得完美或是复杂,其都不是完整意义上的图案,只能称之为图案的构成要素,只有多个、连续的图案排列组合在一起的图案才可称之为完整的图案。在具体的海报设计过程中,设计师常常利用二方连续或是四方连续的图案构成方式将图案的基本单位进行有规则的排列,从而形成视觉上的连续感、韵律感和节奏感。此外,设计师还经常借助归纳简化、强调特征、夸张变形、添加组合、分解重构等设计手法将表现对象平面化,以消除过于冗杂的体积感或层次感,突出物象上下左右的平面感和轮廓外形,这样更有利于图案化视觉语言的呈现。例如,加州艺术学院创作的海报作品《ToOceansofJoy》就呈现出了图案化的视觉语言这种创作特征,设计师将海鸥、龙虾、鱿鱼、轮船等各种海洋世界的视觉元素都应用到了海报平面中。整幅画面以蓝色为主,象征着辽阔的大海,蓝色上边则用规整的把波浪线来代表海面上的浪花,中间画有船、虾、鱼等,海报四周则是绳索状的装饰边框,而海鸥则和文字共同构成二方的连续纹样,以传递出海报的思想主题。总之,这种处理手法不仅提高了现代海报的装饰性意味,还提升了海报阅读的趣味性。 三、隐匿的文字信息 无论是传统的海报设计还是现代海报设计,文字都是其重要的构成要素,精彩的文字设计以及条理化的文字编排不仅能够有效提高海报设计的传达效率,还能形成强烈的视觉震撼力。相较于传统海报而言,现代海报设计中的文字摆脱了传统单一无趣的字体设计原则,形成了别具匠心的文字特征,即隐匿化的文字信息。所谓的隐匿化的文字信息是指海报设计中的文字像是一个透明的容器,只是为了承装一定的内容、传递一定的信息而存在,其依附于图案图形,没有任何多余的表情,也不需要任何多余的空间。在具体的海报设计过程中,这种隐匿的文字常常被放置于画面的显要位置,详细文字则以中规中矩的无衬线的形式出现,没有过多繁琐的文字笔画和装饰,且主题文字和画面中的图案、图形巧妙地融合在了一起,好似隐匿于图案之中,若即若离、若隐若现、似有似无,生动而又趣味。此外,由于现代海报设计中的文字和图形具有同样的构形形式,所以整体画面效果也比较统一,可谓“远观有整体,近看有细节”。以加拿大设计公司MarianBantjes设计的宣传海报作品《设计关乎生活》为例,该海报作品中的文字就呈现出了隐匿化的信息。海报的主体图形为卷曲的纹样图案,而文字部分也以一种类似的简单化的卷曲纹样形式出现,从而和主体图形巧妙地融合到了一起,受众需要仔细观看才能找到隐匿于其中的文字信息。虽然这种隐匿化的处理手法在一定程度上降低了文字的辨识度,但也为海报设计增添了一丝趣味,具有一种独特的视觉美感。 四、反色彩的设色理念 随着人们生活水平的提高和审美理念的提升,设计师开始在具体的海报设计过程中加入各种色彩以博取眼球,但这不仅没有满足受众的审美需求,反而造成了相反的效果。现代海报设计师应摒弃五颜六色的设色理念,在“节俭、自然”的生活理念指导下追求简洁明快、形式简约而又清晰的反色彩设计。反色彩并没有否认色彩在现代社会生活中的重要地位,只是针对色彩的过度使用提出了一种解决办法,是针对现有的视觉疲劳以及心理厌腻感而生发的一种改变现有视觉观念的表现手法。具体而言,反色彩设计包含黑、白、灰三色设计,单色设计,对色设计及白色设计这四种主要的表现形式,其有效消除了受众的审美疲劳,营造出了一种简洁、统一的色彩,能够更加有效地传递出海报信息。例如,岗特•兰堡系列海报作品《去年圣诞》就是使用的反色彩设计,黑色的大背景之上点缀着许多白色的小蜡烛,且这些小蜡烛组合成了圣诞树的形状,在这些小鞋子下边则随意散放着两只白色的小靴子。整个设计只有黑白两种颜色,摆脱了过多色彩所带来的杂乱感和窒息感,色彩虽简单但所表现出来的情感内容却不简单,且没有一丝一毫的严肃感,整个设计作品都充满了欢快色彩,从而传递出了圣诞节的热闹气氛。又如,《全球变暖》海报作品也仅仅采用了蓝色和白色两种色彩,且将两种颜色以海水和人体的形象表现出来,好似将要被海水淹没的人类,以促使受众产生一丝紧迫感,意识到全球变暖的危害性,从而号召大家好好保护环境。 五、总结 综上所述,无论在编排布局、视觉语言、文字信息还是色彩表现方面,现代海报设计都拥有自己独树一帜的创作特征,这些创作特征和时代紧密结合,是为了最大限度地满足现代受众的审美观念。作为一名现代海报设计师,我们不能仅仅满足于现有成就,而要站在时展的最前沿,以最新的眼光来审视现有的海报设计,并不断改革、创新海报设计形式,以最大限度地保持海报设计的时代性和潮流性。 作者:孙大力 单位:大庆师范学院美术与设计学院教授 设计艺术论文:汉字字体设计艺术美研究 一、视觉语言在字体设计中的体现 1.语意的体现 所谓的语意主要包括文字所包含的语义信息或者其本身固有的字义,一般情况下主要为文学性语言艺术的语意以及理性的文字概念性语意;也包含着在结构形式与及造型方面文字形态所表现的意蕴信息,通常其属于感性的视觉表现性意蕴信息。在文字设计中除了要要对文字的固有信息进行优化设计之外,还要开发设计文字形态本身的形态语言信息,并且在总设计目标中要有机的统一和结合这两者。 2.语性的体现 所谓的语性主要是指文字语言的属性或者性质,其主要包括文字语言的文学性、传达设计性审美艺术、概念性与形象性、理性与感性等不同性质的文字语言。使设计信息视觉传达的需要得到满足是文字语性设计的主要要求,其首先要对语言本身的固有条件进行考虑,还要对传达环境和对象等各方面的因素进行考虑。不同语性的文字语言具有不同的传达形式、语意表现以及视觉形态特征等,因此设计者必须要对其进行周密的分析,最终能够做出最佳的组合和选择。 3.语式的体现 所谓的语式主要指的是文字语言传达的,其主要包括综合形式单独行事协议形式写实形式抽象形式图形形式文字形势隐喻形式以及直观形式的。在具体的文字字体设计中要对其文字注解进行充分的利用,其作为设计元素,并且用文字表达其内涵,即属于文字语言传达形式的重要设计手噶,同时还是表现设计艺术的非常关键的一项因素,由于其的表现性价之一是独立的,因此可以对不同语式的表现功能进行开发,并且将新的文字视觉语言形式创造出来。 4.语境的体现 在传递过程中设计信息所处的语言环境就是所谓的语境。文字设计的视觉语言环境主要包括在色彩、空间、文字以及图等方面设计本体呈现出来的环境、文字设计的外部视觉环境氛围等。在具体的字体设计中必须要充分的把握和调控受众的视觉接受新的环境,所以文字设计信息传达语言环境除了要将客观和主观两个方面的环境里充分地囊括进来,不是还要积极的关注设计受众的主观接受心理环境。从现在很多的汉字字体设计中我们可以感受到,现代文字设计除了是一种综合了艺术、心理、科学等学科的理智性的表现活动之外,还属于一种感性思维和理性思维相互碰撞的创造性活动。总之,文字设计的平面表现形式除了要满足各个方面的设计规范和需要之外,还要保证不会刻板。文字设计在现代设计文化背景下除了要具备科学的理性分析,从而能够对设计者的客观的思考进行充分的引导之外,同时设计者也要有效的表达自己感性的艺术感觉,只有这样才能够对文字视觉信息的外在以及内在的视觉品质进行不断的丰富、充实和提升,最终能够使文字形态在文字设计中的视觉语言品质得以极大提升。 二、汉字美在字体设计中的表现 中国汉字具有质朴天然、形体优美的特点,整个汉字由偏旁组成,而偏旁又有不同的点和线组成,汉字的结构巧妙、意蕴深远。由于汉字最初是刻在竹简上的,从而形成了“纵式长方”的形体特点,显示出典雅,端庄、稳重的美。 1.汉字的结构美 汉字的美感首先表现在其结构,方块汉字给人以稳固感。从汉字的结构中可以找到很多美学因素,例如神韵美、意向美、流动美、圆润美、曲线美、错综美、平衡美、对称美等,给人以丰富的气势和美感。通过对汉字结构美的欣赏,可以将其他主题与汉字结构联系起来,找到设计的方向。例如结合家具的结构造势和汉字的结构美,使作品更加生动、富有文化气息。由于我国汉字基本成方块结构,因此在设计的过程中可以将主观的创造对象和客观的字形结构结合起来,成为一种良好的表现形式,表现创作者的创作思想和意图。 2.汉字的形体美 形体不一的汉字具有不同的神韵,从而传达出不同的审美情趣,或灵气、或生动、或磅礴,汉字能够通过形体,带给人们别样的心理感受。例如汉字的笔画中的浓与淡、急与缓、方与圆、粗与细、曲与直、长于短都能够激发起受众的情感。而汉字的整体外观的行与楷、断与联、集与散、简与繁都能够应用于设计,传达设计意图。还可以对汉字进行组合,例如汉字的横列和堆叠、汉字的相背或相依,能够给受众带来“错落有致、疏密相间”的感觉。 3.汉字的神韵美 汉字的神韵美是通过汉字的形态和结构来表达的。在设计时以字形的结构形态为基础,发挥汉字的神韵美,能够使设计作品更加传神。例如通过笔画的变化和字体的组合,能够表现出古典、自然、柔和、刚硬、运动、静止、轻巧、稳重等不同的神韵,从而带给观者不同的心理感受。 三、汉字字体设计的发展过程 尽管字体设计在当今迅速的发展,在进行字体设计时也要注意设计对象的性质。不同的外形特征和字体设计给人们不同的视觉动向,产生不同的心理感受。因此在设计之前要对字体结构进行审视和分析,掌握其气质和内涵,对文字的视觉动向进行合理的运用,对观众的视线进行引导,将设计主题呈现出来。不同的字体也会带来不同的心理感受,要把握每一种字体在笔形的塑造和字体的行动方面带来的不同感受,从而进行合理的设计。还要对受众对不同自行设计的情感心理进行分析,从而把握受众对字体设计的不同情感。 四、结语 汉字是中华民族的瑰宝,其具有独特的结构美、形体美和神韵美,对汉字进行字体设计时,可以运用平面表现的手法,充分把握汉字的含义、笔画和结构,使观者能够受到视觉上的冲击,获得全新的感受,并且对作品进行细细的品位,感受到作品的内涵,从而有效的传达设计者的思想感情。 作者:郭淑君 单位:山西职业技术学院 设计艺术论文:陶瓷设计艺术中的服装设计论文 1中国陶瓷艺术之美 世界各地的陶瓷艺术风格迥异、精彩纷呈,其中,作为陶瓷艺术鼻祖的中国陶瓷,以其宁静安详、高贵大气的清雅韵味在世界陶瓷之林中一直屹立不倒。陶瓷发明于中国,中国陶瓷的存在早于欧洲陶瓷约有1000多年,陶瓷艺术是中国古代劳动人民勤劳和智慧的结晶,在中国的陶瓷艺术中积淀着这个泱泱大国上下5000年的历史,凝结着中国人世代传承的文化情怀。正因为如此,中国陶瓷艺术在世界文化史中已经不仅仅作为一种单纯的陶瓷艺术风格存在,更成为了代表中国本土优势文化的符号之一。中国文化精神非常符合当今这个后现代主义思潮风靡时代的思维模式和审美观,这也成为中国传统文化越来越为世界瞩目的原因之一。中国传统文化本质上较之西方传统文化的“物化”和理性更趋“情化”和感性,注重追求“情”、“境”、“意”等,同时体现出一种中国文化人格所特有的从容大气,那儒雅的宁静、含蓄的矜持彰显出中国文化不容小觑的尊严感和包容乃大的宽宏气度。“中国古典艺术美学博大精深。其特点表现为对宇宙与生命的一种超强的感性体悟。”纵观中国文化,无论是传统哲学、文学、医学、音乐、绘画、工艺美术、建筑、戏曲等,无一不体现出“天人合一”是中国传统文化终极求索的境界,这种虚空神秘的境界体现出清雅俗的诗意和禅性,如兰花的味道般沁人心脾,幽香四溢,正是这种诗境和禅意赋予了中国陶瓷艺术感动世界的魅力。中国陶瓷的意境主要通过其造型、质感和装饰图案体现出来。常见的中国传统陶瓷的造型圆浑有致。无论造型简洁或复杂,其用线都极富美感。无论曼妙轻柔,或遒劲挺拔,线的起承转合间塑造出的体量感和空间感都韵感十足。中国传统陶瓷的质感美中体现着中国文化讲求和谐交融的内涵。陶瓷的制作从开始到完成体现出五行的运转规律。如制陶材料是土,成泥需土与水和,以木求火,所用釉料取材金属等,在制陶的过程中,若要一气呵成,还需在每一步骤控制各元素间的和谐平衡,这又要求制陶者必须达到身心的平衡,并与陶器之魂融为一体,如此制出的陶器质感才能传神。中国传统陶瓷装饰风格里有写意风格的瓷画还有讲求精致细腻风格的工笔瓷画,写意风格瓷画往往狂放、随性,惜墨如金,点到为止,在陶瓷造型立体空间中经营出虚实相和且意蕴流畅的美景。工笔瓷画则见长于精细逼真的表现生活,其需要制陶者具有高度审美素养来对往往是繁杂的装饰元素进行组织掌控使之相和于陶瓷造型质感的气韵并最终完成对陶器灵魂的塑造。 2中国陶瓷艺术元素在服装设计艺术中的体现 中国传统陶瓷艺术元素与服装设计艺术结合的杰出范例有很多,最为著名,也最为国人所称道感动的当属2008年在中国举行的奥运会礼仪服装《融》的设计,这一系列的服装款型是中西合璧式的,装饰纹样是服装的亮点,取材于中国传统青花瓷图案。“‘移我情’、‘移世界’,是美的形象涌现出来的条件。”中国传统青花瓷就具备了这样的底蕴和力量。青花瓷那如凝脂般的质感,葱翠鲜亮而不妖娆的釉色花纹使得它由内而外的散发出素雅、宁静、内敛的气质,然这种悠然的静雅却是经过1300℃的高温炼就的,且每件青花瓷只能一次烧制成功。这一过程中体现出了一种坚韧的精神,和宁为玉碎不为瓦全的气节。这高温炼就的铮铮铁骨隐然于青花瓷外在的素洁柔美之中,内敛儒雅如一位腹有诗书气韵华的谦谦君子。中国奥运会礼仪服装《融》中凸显青花瓷设计元素,正是因为青花瓷这一文化符号的高贵内涵能够体现出中国这个礼仪之邦的大国风范,它满载着中国文化的历史荣誉感和民族尊严感,在向世界昭示中国文化的魅力和与世界文化不断交融的美好愿景。第二个例子是意大利设计师KarisiaPaponi为容祖儿的EP《2010空港》封套形象设计的陶瓷概念装。整款服装风格简洁、朴拙、大气,把欧式服装的典雅造型与配饰与中国传统白瓷瓶的艺术特点进行了完美的融合,较为凸显的是对于白瓷的造型和质感的借鉴表现上。设计师用洗练的线条勾勒出裙身,如一个亭亭玉立的优雅白瓷瓶,那灵动的曲线柔美中暗含力道,含蓄的散发出东方美的韵味。面料质感控制得恰到好处,那质感模拟之传神,不仅在视觉和触觉上让人感觉到白瓷那如玉如雪般的至简、至纯、至净,同时还能够激发我们的想象力,仿佛敲击它就能够如当年进献给杨贵妃的著名德化白瓷编磬一样发出空灵的乐音。在这个范例中装饰图案着墨不多,设计师生动且恰到好处地表现出白瓷图案的立体感,堪称点睛之笔。最富有意趣的要数用雕塑手法制作的相当于长手套的白色假手臂的配饰设计,这是一个与整款服装传统白瓷风格的优雅含蓄格调较为对立的元素,然而,正是它的加入使得整款服装更加具有艺术的张力和感染力,使得传统白瓷风格的古典美愈显鲜活。 至此,前两个范例中所例举的服装款型走的是经典路线,接下来例举的这款服装则是要在借鉴青花瓷的装饰元素的同时进行一种造型上的颠覆,这就是著名服装设计师郭培在2010年《一千零二夜》高级时装秀上的青花瓷礼服裙。该礼服裙通体装饰借鉴的是青花瓷图案元素,然而,在服装造型上却大胆进行了解构重组处理,颇具中国古建筑的美感,线的回转,面的交叠,充满动感,却没有破坏青花瓷元素宁静的美,反而能够让人感到仿佛进入了一处中国古典园林,那庭院深深的幽静神秘,曲径通幽处的暗香袭来,让人品味出一种极静与极动转换间的混沌之美。文行至此,似乎更多的是在描绘中国陶瓷文化元素里的含蓄和静美,然而当它从遥远的古代穿越到当代后,却也可以拥有野性之美、性感之媚。在意大利著名设计师RobertoCavalli于2013年推出的春夏系列里,长于表现奔放性感之美的RobertoCavalli把大面积的青花瓷图案与性感的服装款型及暗示性感的黑色蕾丝巧妙结合,使得整款服装散发出蛊惑人心的另类妖娆魅力。对比矛盾元素的并存永远是婆娑世界和艺术能够产生恒久魅力的重要因素,在这款服装中青花瓷元素欲掩还怯的清纯美遭遇了黑色蕾丝的神秘诱惑,加上款型的大胆外露,向人们展示出充满异域风情的柔美和火辣。最后一个例子的与众不同之处,在于陶瓷被当作材质直接用来制成了服装。中国艺术家李晓峰用皮革内衣把中国古典陶瓷碎片缝制连缀起来制成各种款型的时装。这是服装选材上的创新。而且运用的是碎的古典陶瓷片,这颠覆了古典陶瓷追求完美的审美标准。每一件古典陶瓷作品都需要一次高温炼就成功,否则就成为废弃的碎片,陶瓷成品与废碎片间的天壤之别,犹如远在庙堂之上的精英文化不屑于混与市井的下里巴人的草根文化。然时至今日,世界文化的后现代特征之一即是草根文化的崛起与盛行,李晓峰的这些服装化腐朽为神奇,让这些陶瓷碎片焕发出异彩。它触碰了大众心底的希望和一种励志情怀,即一切皆有可能! 3结语 如今,中国传统陶瓷元素为很多服装设计大师和服装品牌所青睐,如上的例子在当今国际服装设计界屡见不鲜。然中国传统文化之精深,沉淀之厚重,使它与当代文化结合后必将变幻万千,释放无穷能量。因此,现在服装设计界对中国陶瓷元素的理解和应用虽然取得了一些成果,但还是远远不够的。钻研中国陶瓷艺术文化元素并把其应用与当代服装设计中这条科研之路可谓任重而道远。在这条路上,作为中国的服装设计师,更应该感到责任之重,应该意识到要振兴中国服装设计艺术,使其成为引领世界潮流文化的一条主流文化,从中国传统文化的根脉吸取养分,积淀文化底蕴这一途径是不可或缺的。同时,还要通过对中国陶瓷文化元素的借鉴和表现,把中国文化内涵向世界更好的展示,促进中国文化与世界文化的交融。 作者:董敏子 单位:大连工业大学 设计艺术论文:网页设计艺术浅析 一、网页设计中的整体表现艺术 网页设计并不是对于一个网页的设计,而是对一个网站中不同网页进行设计。这就要求对于不同网页的设计需要按照统一的特色主题进行编辑和设计,形成统一的整体表现。这就是网页设计中的整体表现艺术。一个网站中的网页通常会有很多,网页与网页之间也都有着一定的联系。通常一个网页中的元素需要链接到另外一个网页中去。这是由网页彼此之间的链接性所决定的。网页设计有了明确的主题之后便是如何在主题的统一思想下将不同的网页元素有机地组合一起形成统一的主题风格和统一的美学表现。网页设计中的整体表现艺术首先需要从网页内容上的整体表现做起。 在内容上由于网页传递的是信息,所以网页的主题内容和思想在某种程度上决定了网页的主题风格。前文已经论述,网页的主题是由网页的内容概括、提炼而形成的,反过来网页的内容也一定是在统一的主题下集合、表现的。从网页传递的信息来看,不同的网页传递不同的信息,不同的信息彼此之间有着必然的联系。网页设计者应该从网页的整体表现艺术出发,将不同的网页有机地组织起来,在内容导向上保持统一,而不是彼此零散。这样观众在阅读网页时无论读到哪一页网页都会感受到网页在内容上的整体性和统一性,如同读一部内容趋向统一的小说一样,自然、和谐、顺畅。 超级链接是网页的基本属性和基本元素,通过超级链接浏览者可以轻易地从一个网页跳转到另外一个网页。这无疑使得网页在内容表现上得到了无限的扩张,但同时也为网页的统一性带来了挑战。一个优秀的网页设计者不会在网页上做随意链接,而是会对所有链接的网页进行精心的设计和统一的思考、组织。网页中所链接的网页一定是为主题服务并和主题的内容风格保持一致的。也就是每一个不同的网页所传递的信息取向一定要一致,而不是发散式的。这一点看似简单,在实际的网页设计中却往往是很容易被忽视的。 现在的网页设计往往会由于缺乏统一的主题设计而对网页中所链接的内容不假思索,甚至有时为了提高经济效益而添加一些和网页内容没有关联的广告。网页设计的整体表现艺术需要设计者对网页及其所链接的内容进行统筹的规划和思考。网页设计中对于形式美要求遵从网页的主题表现和内容思想并不是要求因此而限制网页形式的视觉表现,而是为了使网页形式更加具有艺术表现力和内涵。网页设计中对形式的设计应该以此为基本原则尽可能丰富外在的视觉表现。这样的网页设计才具有同一的审美思想和丰富的外在表现,达到内在统一与外在美的统一。 二、网页设计中的形式表现艺术 网页设计中的形式是与内容高度统一的。网页有了特色鲜明的主题和趋向一致的内容之后便是如何通过形式将网页主题和内容完美地表现出来。随着信息技术的发展,网页设计中所包含的元素越来越丰富。图形、图像、文字、动画、视频和音效等都是网页设计中的重要形式元素。网页的主题为网页的视觉表现提供了基本的灵魂,网页的内容为网页的视觉表现提供了丰富的架构,网页的形式则是在这两者之上对网页进行更具外在表现的视觉传达。网页设计中的形式和内容一样都是为主题服务,在主题的统一调配下进行的创作。网页设计中的形式由于包含的元素很多,风格也各具特色,因此为了更好地表达统一的主题思想和内容情感往往需要设计者更加精心的设计。 同网页设计中内容的表现艺术一样,网页设计中形式的表现艺术也是以美为基本的前提。但网页设计中的形式美并不是脱离实际内容和主题风格的花哨美,而是在主题统一的思想下仅仅依附于内容的实际美。网页设计中的形式如果脱离了主题和内容则会显得空洞无力,没有生命力,自然也无法引起人们继续阅读的欲望。只有将网页的主题和内容以准确、恰当、丰富的形式完美地表达出来才能体现出网页设计独具特色的艺术魅力和价值。为了达到这一艺术标准,网页设计者需要对网页中的元素进行细致入微地设计,确定每一个元素都对于表达主题和内容能够发挥作用。只有通过统一设计的形式才能够与网页主题和内容高度保持一致,形成视觉表现艺术上主题、内容和形式的统一,形成艺术表现上的合力。 三、网页设计中的造型艺术 网页设计中造型艺术的巧妙运用在给用户带来极大感官享受的同时,还能较好地提高网站的形象和知名度,因此在具体设计中要根据实际情况,使用最合适的表现手法,不同的主题有不同的表现手法,通常我们可以使用的组合手法如均衡、反复、交叉、重叠、对称、反射等都有各自的特点,例如,使用清晰字体设计配合流畅的文字内容会使得信息更加容易被吸收。并非造型设计艺术水准高才是好的网页设计,符合用户的审美观,用户便于理解,能与用户无障碍沟通的设计才是好的设计,才能达到网页更好传递信息的目的。 如今,网络的发展已进入WEB2.0时代:其特点是以普通用户为主,并且能够实现用户与网站交互建设的开放型网络页面。在WEB2.0站点中,总体的造型设计都具有简约朴素的风格,站点中的图形外框一般都使用新CSS技术所支持的圆角,优点是首先可以减少维护的工作量,因为圆角图片在图片文件的生成和更新中不需要编写网页代码,其次是可以提高网页的性能,加快网页的载入速度,因为圆角图片在显示的时候不会再发出多余的HTTP请求,最后,可以增加视觉可靠性,使用圆角图片不会出现由于网络阻塞、服务器错误等情况下造成的背景图片下载失败,从而造成整体视觉效果差的情况。在Web2.0中使用的具有立体效果并且有斜边的圆角图标能使网页不再古板、僵硬,具有优雅、光洁的气质,将网页上的各种元素有机组织起来,直接通过图片传达网页意图,可以有效地引导用户的视线,简化了语言上的表达。 在图片使用上还要注意以下几点:首先,受到用户计算机显示器以及肉眼的有限感知能力的限制,图片分辨率合适即可,没有必要去盲目地追求高分辨率。其次,受网络传输速率的影响,图片并非越大越好,应该在保证图片的清晰度,不影响视觉美感的前提下尽可能的小。再次,在网页设计中,图片的大小,图片所处的位置以及图片和文字的关系都会影响到网页的整体审美效果和传递信息的效果,因此,要注意图片的使用形式,在选择图片和处理图片的时候,在保证与网页的整体样式、风格统一的前提下,为了引起用户的注意,尽量选用新颖的图片,但是必须要突出重点,避免想要表达的重要信息被花哨的次要信息所掩盖。 四、网页设计中的色彩艺术 1色彩的取向 网页的色彩属于应用色彩的范畴,即网页的色彩通过用户显示器的屏幕在RGB模式下用光色来显示,比传统视觉色彩的显示程度要丰富。一般的网站均选用明快而生机勃勃的显示方式。蓝色系和绿色系是比较常见的色彩。橙色系、黄色系以及粉红系也是经常使用的色系。相对奔放而明快的主色调给人以一种轻松,愉悦的心情,并且也能很好地把用户的视线拉回到网页所要传达的主要内容上来。 2色彩的表现形式 在网页的设计中,有多种不同的方式可以使色彩的表现形式达到预期的目的。运用色彩学中关于深浅变化的“明度变化”原理,可以利用色彩表现形式来区分网页内容的主次关系或等级关系,这主要考虑到主页背景色的深和浅,使用“高调”和“低调”原理(深为高调,浅为低调)来控制文字与底色关系。统一的色彩取向搭配上鲜明的色彩层次能够给用户一种舒适的视觉体验。 3色彩体系的搭配 除了上述两种情况外,在网页的设计中还应该注重色彩体系的搭配问题,不好的色彩搭配会给用户一种不舒服的感觉,会影响到用户对实际传达内容的接受,所以具体设计中一般会选择调和舒适对比的色彩系为基础,在传达重要的文字内容或者关键性的图形标识时可以在局部运用点睛式的强对比色彩,可以使整个页面更加生动,易于让用户接受。 作者:邓佳 单位:秦皇岛职业技术学院 设计艺术论文:谈平面设计艺术的发展 1平面设计艺术的现状及特点分析 1.1过分强调个性,丧失了内涵 当今时代是一个解放和宣扬个性及个性化的时代,在这个社会背景下,人们虽然能够获得较大的精神满足感,但是在有些领域,因为过分的强调“个性化”而造成其本身内涵的缺失,平面设计艺术便是其中之一。部分设计者将宣扬个性与求异直接画上了等号,这些平面设计艺术作品虽然具备前所未有的外观造型,但是人们却不能够通过该作品读取到有用的或是良性的信息。这部分作品仅能够被作为一件普通工艺品,沦为人们视觉观看的对象。这样的情况与平面设计艺术最初“透过多种方式来创造和结合符号、图片和文字,借此作出用来传达想法或讯息的视觉表现”的目的是相背离的,不利于该行业的长久发展,同时还有可能伤及观赏者的审美观。 1.2拷贝现象严重 上世纪90年代,以陈汉民等为代表的一批我国设计师,率先把中国传统元素运用进标志和包装等设计中,充分体现了中国式的传统古文化的精髓,这一举动虽然为中国传统文化在平面设计行业中的兴起起到了较大的推动作用,但是在其成功的光环下,也顺便为后续平面设计艺术的发展埋下了一定的隐患。一方面,平面设计艺术在众多艺术当中算是后来者,其发展状况本身就不够全面,在设计技术和思路方面未能形成较强、较多的分支,新时代的部分设计者往往在对作品无从下手时,就不恰当地引用了上诉方法,直接将一些现成的元素硬性地拉倒作品中。另一方面,平面设计艺术在技艺技巧方面尚不成熟,在时间、效率、效果等各方面因素的趋势下,设计者只能退而求其次,选择“拷贝”的方式完成作品。 2平面设计艺术的发展趋势 2.1综合性 在经济、科技、文化、社会等各方面元素综合发展的背景下,社会诸多行业均要求自身进行量化改革,期望以综合性的作为实现综合性的利益。在平面设计方面,人们最初将其独立的思想发生了本质转变,使之在融入社会的同时,又染上了综合性色彩。1)内容的综合性。平面设计艺术所要表达的不再局限于广告等基础项目,继而开始转向于社会任何信息的表达,就连音乐、思想等抽象元素也能够通过它传达出来。2)受众综合性。平面设计渐渐趋向于大众化,它的受众由小部分人转变成为广大人民群众,并且同时为广大人民群众服务,成为一项基本的社会服务性设计艺术。3)形式综合性。品面设计艺术作品在表达方式和承载体上也会发生转变,渐渐脱离了书面二维设计,更多的是倾向了虚拟化设计和三维及多维表达方式。 2.2特殊化 未来的设计师不再是狭隘的民族主义者,而每个民族的标志更多的体现在民族精神层面,民族和传统也将成为一种图式或者设计元素,作为设计师有必要认真看待民族传统和文化。创造出“中国特色”的设计作品。 2.3专业化 此外,不可否认,当前平面设计艺术正以一种势不可挡的趋势发展着,它的能量终将扩展到影响社会各种元素的地步,实现与社会的完全融合。在这样的趋势下,平面设计艺术的技术和理论都将因为庞大的时间经验和教训获得长足发展,继而使之更具专业性,能够独立承担更多的社会事务,最后发展成为一门强大、时尚、独立的艺术门类,受人类推崇和喜爱。 3平面设计艺术变革发展方向的思考 3.1与科学技术充分结合 平面设计仅限于艺术形象的展现,是作品的抽象成形阶段,缺乏物化过程,而物化过程要求必须通过技术手段、工艺材料等,将某种元素制成现实成品,使艺术形象达成具体化。因此,平面艺术的设计与现代科技的进步是分不开的,必须在相互的配合、补充和依赖的情况下共同存续下去。科学技术在限制创意的同时也促进创意,制作可参照设计创意同时可以迥异于设计创意。所以说,一件成功的平面设计艺术作品必须从艺术灵感、构思、表现技巧上和制作技术上进行精加工。不但要把握表现规律,还要研究充满个性的表现手法,依赖科技手段,造就设计对象的色彩美、造型美和结构美。 3.2空间学说的运用 1)在空间中表现平面其意在于摆脱传统平面,以三维物体为二维设计的载体,遵循一定的规律,利用人的视觉错觉和多维的空间关系,以表现平面的视觉效果。2)在平面中表现空间此形式是空间思维在平面设计中的拓展最为常见的。其意在于遵循传统平面设计的设计载体,但在图形的表现上融入了时空的思考。 4总结 随着近年来社会经济的发展,人们生活水平不断提高,人们在提高消费、接触更多的社会信息的同时,使他们的审美观不断地发展变化,审美水平获得了提高。同时,面临西方文化的不断冲击。当我国平面设计艺术,除了要注重色彩、民族元素、美术元素等方面的整合之外,还应当特别注重保持我中华民族的本性,最终造就“中国特色”平面设计艺术。在此,应当充分认识到当代平面设计艺术发展、创新的困难,根据实际情况进行分析和探究,以人的能动力为优秀,以坚强的意志力和民族信仰为根本保障,以科学的社会理念为指引,将传统平面设计解放出来,造就富含个性特征的新事物。 作者:吴民庆 单位:洛阳师范学院 设计艺术论文:海报设计艺术的文化表现 一、海报设计的视觉语言 图形创意设计呈现出大胆的想象和逼真的视觉表现,各种“蒙太奇”式的设计手法打破了平面图像的维度和时空的局限。现代海报设计传达给大众的是更新奇、变幻的视觉效果。全球化的经济体系和网络信息的快速传播,要求视觉设计可以满足跨越国家、地域文化的障碍。追求国际化的设计语言和电脑软件合成的视觉效果一度成为平面设计的主流,地域特色和民族性的视觉符号却被一些设计师所忽略甚至排斥。海报设计作为一种艺术形式,缺失民族个性和地域文化就会缺乏独立的审美特性和持久的艺术生命力。 二、海报设计艺术的文化表达 依据海报传播信息的分类,可分为商业性海报与文化性海报两种类型。文化性海报设计的内容触及社会文化生活的丰富层面,如大型文体活动、社会热点文化事件、社会文化新思潮与观念、文化与艺术展览等信息的传播。恩斯特•卡西尔提出文化论,“人是符号化的动物,人生活的各个方面都是由符号形成的,人生活的各个方面又都形成了文化。人类不仅生活在一个自然的世界中,更生活在‘文化的世界’中。从建筑到器物,从抽象的道德到具体的法律,从艺术宗教到科学技术。文化就是人类的生活方式!”海报是为“人”的社会生活服务、向人们传达“美”的设计形式。 海报设计师依照主题内容发现和提取相对应的文化符号并转化为海报设计的视觉语言。视觉语言是海报设计固有的组成部分,主题意义与文化符号之间存在的关联性是海报设计视觉语言的支撑点,也是设计的创意思维所在。忽略了深层的文化属性,一味追求“全球共通”的视觉语言只会让海报设计流于表面的时尚潮流,缺乏深刻的文化内涵和艺术价值。商业海报是商业广告体系中的传播媒介,企业文化和品牌形象的传播通常是商业海报设计所要解决的问题。隐喻和象征的诉求方式普遍存在于现代广告创意设计之中,设计师应该通过对企业文化或品牌个性的准确理解,在社会生活和人类行为中找到相关联的文化符号并转化为商业海报的视觉语言,最终完成广告的诉求。 三、中国海报设计艺术的文化传承与表达 近年中国保持着经济高速发展、城镇化快速推进的态势,建设“国际化都市”的目标深深影响着城市建设的理念和社会生活的状态。“国际化”的潮流同样影响着中国创意设计行业的发展方向。中国的海报设计师也一度追求国际共通性的视觉符号和设计风潮,削弱甚至忽略中国本土文化的视觉语言。我国拥有悠久、丰厚的历史文化和艺术传统,设计师应该根植中华民族传统文化的土壤,发现对现代设计视觉语言有意义的文化符号,创造出真正的“中国设计”,才能在全球化的融合与交流中树立鲜明的民族个性,完成文化的传承与拓新。值得借鉴的是,在东方文化背景下的日本设计大师们已经实践出了一条注重本土文化的传承与表达又兼具国际化的设计之路。以龟仓雄策、田中一光、福田繁雄为代表的平面设计大师,自上世纪60年代开始将日本传统图案和浮世绘艺术融入现代图形创意设计中去,追求简洁素朴、宁静空灵的美学意境,对现代日本海报设计带来本质性的影响。 面临国际化的潮流,以三木健、原研哉、佐藤卓为代表的新世代设计师,秉承了将日本传统文化元素与自身个性化设计语言相结合的设计理念。三木健将日本古建筑中的格、柱、壁、段等结构元素转化为海报设计中的创意图形,在平面之中创造出兼融二维和三维空间的个人化的视觉图形语言。原研哉结合日本传统和室中“空”的审美趣味,在海报设计中营造出虚空之境和禅意之美。靳埭强是华人世界中较早尝试将中国传统文化观念和传统艺术符号应用在平面设计之中的我国香港设计大师。他是最早把中国传统水墨画法融入现代海报设计中去的设计师,浓淡相宜的笔墨意趣传达着中国文化艺术的生动气韵;他还独创将中国“器物之美”换化为海报的图形语言,化物为意、以物载艺。平日收藏的顽石、古砚、断尺等器物都被他顺手拈来,自然天成出海报古朴、凝练的视觉语言和高雅的艺术品位。 四、结语 在世界文化趋于融合的时代背景下,如何保持艺术设计的独立性,创作具有审美个性的作品是中国设计师面临的课题。来自不同地域和民族的设计师应该接受多样化的视觉语言,并理解和欣赏不同文化的表达方式。在本土传统文化中探寻与设计主题相关的符号并转化为视觉语言,创造出具有民族审美观和文化内涵的海报设计作品。“只有民族的,才是世界的。”民族文化的传承与表达应该成为现代海报设计艺术的精神追求。 作者:王欣 单位:武汉大学城市设计学院艺术设计系 设计艺术论文:探析白玉藏刀设计艺术风格与文化内涵 白玉藏刀注重刀柄首神兽纹的装饰和刀鞘鹰、狼和鹿等动物纹的装饰就体现了这一特点。此外,格萨尔时期的图腾群鹏、龙、狮、虎、象、鹞鹰、雕、狼等在白玉藏刀上也烙下了深深的印迹。白玉藏区随着战争的平息和藏传佛教思想的广泛传播,当地人生活的中心由战事转向了佛事,白玉藏刀的功能也发生了变化。从前作为兵器的白玉藏刀变成了佛教的供奉物、藏族的生活用具和装饰品。纹饰主题也有了更多的吉祥八宝纹、七珍宝等藏传佛教纹样。从南宋绍兴二十九年(1159年)在白玉河坡乡修建嘎拖寺起到明代,嘎拖寺请来了大量中原工匠,并从河坡乡派大量藏族工匠到内地学习金属工艺。藏汉工匠共修殿堂,合建宝库。作为藏传佛教供奉物的白玉藏刀从形制到装饰也不断受到南宋、元代和明代金属工艺装饰纹样、装饰技艺、装饰风格的影响,大量使用龙纹、如意云型,结构趋向繁密,细线錾刻,浮雕凸花,珠宝镶嵌。至清代,白玉藏刀名扬康区和整个藏区。从唐宋到清代,白玉与中原一直保持着政治、经济和文化上的联系。这种联系直接影响了白玉藏刀装饰纹样的发展。可以说,白玉藏刀装饰纹样的形成与发展与白玉藏族社会、政治、经济和宗教的发展密不可分,它承载着白玉藏族丰厚的文化和历史。 白玉藏刀装饰纹样分类 (一)白玉藏刀的主纹 白玉藏刀装饰主纹是指刀柄、刀鞘的装饰上的主体装饰纹样。白玉藏刀装饰主纹在各种不同的白玉藏刀上有不同的装饰主题。白玉藏刀从尺寸规格上分为长刀和短刀。第一,白玉长藏刀,两尺多长,刀鞘主纹装饰多为吉祥八宝纹、七珍宝、和气四瑞、法轮双鹿、火焰宝、金刚杵和莲花等。白玉长藏刀的刀柄造型多采用如意云型和神兽头型、鹰(雕)头型造型。白玉长藏刀正面的宝石镶嵌基座为单层莲花型。第二,白玉短藏刀按使用性别分为:男式藏刀和女式藏刀。白玉男式短藏刀有两种;一种长40厘米左右,也称为腰刀。刀鞘正面主纹多为虎、狮、鹞鹰、龙、鹿、鹏、莲花、七珍宝、火焰宝、和气四瑞、卷草纹、饕餮纹和海水江崖纹等,背面主纹有狼、兔与卷草纹等。另一种白玉男式短藏刀长10厘米多,也叫小刀。其刀鞘正面主纹装饰錾刻有卷草纹和龙纹,背面主纹则为卷草纹。以上两种白玉男式短刀刀柄和刀鞘上还常有奔跑回首状或回首静卧状鹿纹。白玉女式短藏刀也称为白玉女式堆珠翘刀,其装饰主纹则是卷草纹。卷草纹(又称“唐草”,藏语称“甘青”)是白玉女式短藏刀中最普遍使用的装饰纹样,主要用于它的刀鞘正面和背面主纹装饰。 (二)白玉藏刀的底纹 白玉藏刀的底纹(也称地纹),是指衬托主纹的辅助纹样,与主纹协调一致,起丰富装饰的作用。白玉长藏刀底纹使用龙纹、鹞鹰、法螺、七珍宝、和气四瑞、卷草纹和鱼子纹等搭配。白玉男式短藏刀的底纹大片使用卷草纹和鱼子纹。白玉女士短藏刀正面底纹为卷草纹镂空的纹样,背面底纹为鱼子纹。鱼子纹(又称珍珠地)是由錾花工艺制作的密集的小圆圈纹样。 (三)白玉藏刀的边纹 白玉藏刀的边纹是白玉藏刀边沿与厚度的装饰纹样。其纹样多为藏族传统的网形纹、菱形纹、水纹、雍仲纹和汉族的回纹、城墙纹(也称“丁”字纹)等几何化纹饰构成二方连续纹样带,装饰白玉藏刀刀柄和刀鞘的边沿与厚度。 白玉藏刀装饰纹样的艺术风格 白玉藏刀装饰纹样在各种形式因素、多样排列组合以及多种装饰材料、技法的不断融合、传播中逐渐形成了自己独具个性与鲜明特色的艺术风格。 (一)分块装饰与密集装饰相结合 白玉藏刀的装饰纹样突出表现在刀柄和刀鞘上。其刀柄和刀鞘以分块装饰与密集装饰为特色,分块中区块连着区块,每块装饰区域内花纹层层密布、构图对称、布局整齐、密而不乱、整体协调一致。如白玉男士长藏刀刀柄分成三块,块面大小从柄端依次向下减小,每块上布满了密密的卷草纹和动物纹样。白玉男士长藏刀刀鞘正面主纹区域多分为横向三排或一排纹样布局。刀鞘底纹区域横向分成三排,中间区域稍大,两边稍小大小相等,成对称排列;底纹区域纵向多分为三块长方形连接,中间小,上下大,成对称式。每个区域的底纹装饰带密集的花纹上还装饰有凸出的主纹,纹样多种、密集而丰满。白玉男式短藏刀刀柄、刀鞘纹样布局多分为三个区块。刀柄纹样以阴槽錾线分成三分:一种刀鞘纹样由三组纹样构成没有明显的分割线,形成隐形的三段式构图,狮、鹞鹰和龙纹依次排于刀鞘;另一种刀鞘纹样明显分成三块,每个区块成长方形,以阴槽錾线分隔开,注重比例与均衡,每个区块花纹层层密布。白玉女式短藏刀刀鞘纹样以鳄鱼皮把装饰纹样分成两块三段,鳄鱼皮两边的卷草纹连绵不断、枝繁叶茂。无论白玉藏刀刀鞘和刀柄的装饰纹样怎样分割布局,最终刀的各个部分装饰纹样相互衬托,凹纹的装饰带精细、纤巧、华丽给凸纹突出体的厚重、敦实、体感增添了风采,整把白玉藏刀在严谨的节奏和悦目的比例中,将多种繁茂的装饰纹样集合成一个统一、和谐的整体,体现出分块装饰与密集装饰的完美结合。 (二)多层次空间装饰,突出凹凸变化 白玉藏刀装饰纹样主要采用凸花、凹花、镂花和宝石镶嵌工艺等,这些装饰纹样形成多层次空间装饰效果,高低错落、凹凸变化、主次分明。特别是白玉男士长藏刀正面刀柄和刀鞘上镶嵌有高高突出于所有纹饰的各种宝石(珊瑚、松耳石、玛瑙、九眼石),第二层次才是由一个个单体的高浮雕凸花凸显于阴线錾刻的凹花底纹之上,即使是底纹之上的阴线錾刻的凹花浅浮雕錾刻纹样,也是依照纹样主次按高低不等、深浅不一、粗细不同的层次装饰。白玉女式短藏刀装饰纹样的立体层次也很突出,除了高高的宝石镶嵌外,在镂空的底纹上还采用旋转堆高的卷草纹,底与纹形成凹凸有致,虚实相生的多层次空间。对于这些精妙雕刻所产生的多层次凹凸变化的空间追求,成为白玉藏刀装饰纹样的艺术准则。白玉藏刀装饰纹样的审美造型,实为青藏高原凹凸多变的地形地貌的艺术反映。 (三)装饰材料多样,装饰技法多种 白玉藏刀主要纹样装饰材料有纯银、白铜、黄铜、紫铜等金属,还有珊瑚、松耳石、玛瑙、九眼石等宝石。多种装饰材料的自然色泽白、黑、黄、蓝、绿、红等色相互映衬,显得富丽堂皇。白玉藏刀装饰纹样造型多采用高浮雕凸花(藏语称“布尔擦”)、浅浮雕錾刻雕花(藏语称“江木擦”)、镂空雕刻(藏语称“锥擦”)和堆花工艺等,多种雕刻工艺融于一体,精彩纷呈。白玉藏刀装饰纹样在装饰手法上还采用宝石镶嵌和镀金等。宝石镶嵌工艺多用于白玉男士长藏刀和女式短藏刀的刀柄、刀鞘的正面装饰。白玉男士长藏刀刀柄装饰有三颗或一颗不同颜色的宝石,其鞘头和鞘尾也镶嵌有一颗、三颗、五颗或七颗不等的红、黄、蓝宝石。白玉女式短藏刀一般刀柄镶嵌一颗蓝色或红色宝石,刀鞘装饰三颗等距排列的红蓝宝石。镀金工艺,又称“西番水镀砑金”,用于白玉男士长藏刀和白玉男式短藏刀刀柄中段和刀鞘中段浅浮雕卷草纹上或鞘口、鞘尾的镂空卷草纹上。各种宝石的镶嵌与金碧辉煌的镀金使白玉藏刀装饰纹样色彩丰富,精美绝伦。这些精美的装饰材料和多样的装饰工艺是藏族审美理念、审美情趣的充分反映。这既是衡量一把白玉藏刀身价的标准,也是衡量持刀主人财富的象征。#p#分页标题#e# (四)錾花工艺精湛,线性造型突出 白玉藏刀装饰纹样精湛的錾花工艺和善于用线造型是其重要的艺术特点。要识别一把白玉藏刀的优劣,其中重要一点就是看纹样錾花工艺是否精美。白玉藏刀突出的錾花工艺表现在对虎、狮、鹏、龙、鹞鹰和卷草纹的精雕细刻中,虎的吼叫,狮的回首遥望,龙的盘旋、鹞鹰的展翅,鹏的高飞,卷草纹的圆润舒展,其生动的艺术造型充满了激情飞扬的精神活力,显示了白玉藏族人奔放的性格特征。白玉藏刀装饰纹样无论是主纹、底纹,还是边纹,主要以线性造型为主,长线、短线、直线、曲线相互协调,具有东方造型艺术的特点。如既是主纹又是底纹的卷草纹,无论是镂空堆高的还是阴线錾刻的,造型都以S型曲线为主,卷草纹主杆S型曲线的弧度尽量接近于圆形的弧度,卷草纹主杆分枝由圆润、舒展具有弹性,充满活力的长短曲线构成,体现了古朴、大气又不失精致。又如,作为直线型造型的“卍”、“卐”、回纹、菱形纹、网纹作为边纹,线条挺直,遒劲有力。柔婉动感的S型曲线与刚劲静态的直线型纹样相互协调,产生急缓的节奏,形成阴阳刚柔之美。 艺术的基本原则有共性,也有个性,遍观世界各民族,“几乎在所有民族的艺术中都可以看出特定的风格”。一把藏刀从共性上看是大体相同的,但从个性上看,其风格却是大不相同的。白玉藏刀制作艺术上的典雅、远奥、精约、华美,刀鞘、刀柄苑囿其中,实为川藏高原白玉藏民族的独特的艺术风格。白玉藏刀“各种操作方法、形式因素及排列方法,在当地传播以后就逐渐形成了各个民族的艺术风格”。 白玉藏刀装饰纹样的文化内涵 白玉藏刀装饰纹样体现了白玉藏族的审美意识、生活风貌、文化习俗、宗教信仰以及艺术的积累。白玉藏刀装饰纹样无论从藏族传统文化意义上看,还是从历史层面、艺术角度来看都有着很深的社会文化价值,具有丰富的文化内涵。 (一)浓郁的宗教色彩是白玉藏刀装饰纹样宗教信仰观的突出显现 白玉藏刀装饰纹样题材并不是一种可以自由创作的艺术,它必须严格按照自己的文化体系进行表现。白玉藏刀装饰纹样题材始终受制于宗教膜拜型的文化体系,信仰是高于一切的精神追求。宗教纹样在白玉藏刀装饰纹样中占有突出位置。如源于藏族原始宗教对动物灵魂崇拜的鹏、龙、狮、虎。在早期苯教中具有某种神性的动物鹿、鹰,本教的教符“卍”和藏传佛教的瑞祥符号“卐”、吉祥八宝纹、七珍宝、莲花纹、大象纹、法轮双鹿、金轮四宝等,这些代表藏族宗教的纹样处处妆点着白玉藏刀,使它既具有装饰美,又承载着宗教文化观,暗示着藏族能够意识到的普遍具有的宗教意义。除纹样题材外,圆形的纹样造型、圆波形二方连续构图形式和密集的纹样布局以及对称的构图形式,都是藏族对佛教轮回观念以及佛法圆转不息、永无休止意识的物化,体现了对“圆通”、“圆觉”、“圆满”境界的追求和对称、旋转、回环的佛教美学特征。白玉藏刀作为藏族宗教文化的载体把宗教的内在精神提炼为程式化的装饰纹样充分展示了出来。在制作白玉藏刀装饰纹样和欣赏白玉藏刀装饰纹样的过程中使宗教信仰得到加强和巩固,于审美过程中达到“净化”心灵的境界,对创造物产生一种神秘的敬畏和审美的愉悦。 (二)浓厚的求吉思想是白玉藏刀装饰纹样世俗文化的集中体现 白玉藏刀装饰纹样不仅仅在于装饰意义,它更是藏族吉祥祈福的内在文化精神的充分展现,“实际上,纹样系统也成为特定文化内部的一种工具”。白玉藏刀装饰纹样正是传递藏族吉祥祈福这一特定文化思想的一种工具,它承载着藏民族对吉祥、平安、快乐、如意、圆满等美好愿望的祈福和祝愿,是功利和审美的和谐统一。如卷草纹、和气四瑞等都充满了浓郁、温馨的人情味,彰显趋吉辟邪的作用。又如藏族认为鹏、龙是天上的,虎、狮是地上的,它们都代表吉祥,都是藏族的吉祥物,象征运气好,象征胜利,它是男子汉的护身法器,起着驱灾避祸、敬畏神灵、祈求保佑的作用,也表现出彪悍威武的民族气质。水纹则反映了藏族希望风调雨顺的美好愿望。“卍”和“卐”构成雍仲拉曲纹样为吉祥延续不断、牢固之意。白玉藏刀装饰纹样构图中的三区块和三排式构图,体现了藏族人崇尚奇数,把奇数“三”看作吉祥数,它是吉祥数字观念在白玉藏刀构图中的表现。吉祥观是白玉藏刀装饰纹样表现的优秀,是对连绵不断的吉祥、美好、祝福的民间世俗文化的表达。 (三)格萨尔图腾群的运用使白玉藏刀装饰纹样打上了格萨尔文化的烙印 白玉藏刀创作地处于格萨尔文化的腹地,在白玉藏刀装饰纹样风格中处处都感受到了格萨尔文化的影响。格萨尔认为必须借助于许多图腾群(“维尔玛”)的综合威力,才能战胜邪恶,逢凶化吉。强烈的格萨尔图腾群形象体现了白玉藏刀独具的地域化格调。格萨尔的图腾群综合了岭国四大氏族图腾、叔伯兄弟图腾、家族图腾和个人图腾等。如在白玉男士短藏刀刀鞘的主纹装饰中常常看到有鹏、龙、狮、虎,这“四个瑞兽”是格萨尔岭国四大氏族季、仲、伯和大荣氏族的图腾,是藏族神话传说中的战神、保护神。而象是格萨尔岭国众兄弟的共同图腾,狮是格萨尔的家族图腾,鹞鹰是酋长查根的家族图腾还是伯父氏族的尼朋达雅的个人图腾,雕是仲父氏族的阿努巴森个人图腾,狼是季父氏族的仁钦达鲁个人图腾。这些动物图腾象征战无不胜。因此在白玉男士短藏刀刀鞘上有鹏、龙、狮、虎、象、鹞鹰、雕和狼的纹样,他们是格萨尔文化的物化形式,是格萨尔文化的历史传承。 (四)多元一体的装饰特色是白玉藏刀装饰纹样多元文化交融的映射 白玉藏刀装饰纹样是融合多元文化为一体,而又不失藏族装饰特色的文化复合体,是多元文化交融的体现。白玉藏刀主纹受藏传佛教和格萨尔文化的影响较深,同时也受到汉族风格和北方草原艺术、动物风格或斯基泰艺术风格影响;白玉藏刀地纹受汉地风格的影响多一些;而白玉藏刀边纹更多地体现了藏族原始文化、本教文化。如卷草纹,具有藏式风格的卷草纹底纹为镂空,卷草纹波形骨架中讲究纹样的圆润、旋转和高堆凸花、强调立体层次效果,叶、茎上有阴刻细线装饰;而汉式风格卷草纹讲究纹样的线形自由、舒展和流畅,叶片上很少有细部装饰,与鱼子纹搭配使用。这两种风格的卷草纹在白玉女式堆珠翘刀中的完美结合,充分体现了汉藏文化的交融。又如龙纹,造型与汉族的龙相似,构成上龙纹与鹞鹰纹、鹿纹、卷草纹互相缠绕在一起,还有神兽头形、鹰(雕)头型造型和奔跑回首状或回首静卧状鹿纹、双翅展开的鹞鹰以及网形纹、菱形纹、水纹、雍仲拉曲纹等。这些纹样既有汉族风格的影响,又吸收了北方草原文化动物艺术因子,也是藏族原始文化、苯教思想和藏传佛教思想的体现。白玉藏刀装饰纹样显示了不同的艺术风格,承载着不同的文化思想,是独特的审美观和多元文化交融的结晶。#p#分页标题#e# 白玉藏刀装饰纹样是藏文化的物质载体,是藏民族传统心理和意识的反映,展现出藏民族文化的特质和精华。弗朗兹•博厄斯在《原始艺术》中说:“形式与思想之间的联系越紧密,艺术的表现性质就越突出。”白玉藏刀装饰纹样的风格形式与文化内涵的紧密联系就是白玉藏刀装饰纹样文化艺术的突出特点。白玉藏刀装饰纹样的形成与发展就是一部白玉藏族社会、政治、经济和宗教的发展史。白玉藏刀装饰纹样的研究,对传承与发展民族民间文化艺术遗产,丰富和完善藏族文化、艺术、宗教、历史研究都有着十分重要的意义。 本文作者:袁姝丽 单位:西南民族大学艺术学院 设计艺术论文:设计艺术鉴赏教学措施 作者:常笑尘 单位:河北大学 在高等院校上好设计艺术鉴赏课具有一定的挑战性。艺术院校专业教师上设计艺术鉴赏课普遍反应感到吃力,老师没激情,学生没热情。出现这样的尴尬场面,深究其源,主要是因为授课教师的缘故,其一是任课教师不适合上艺术鉴赏课,其二是老师没有真正理解设计艺术鉴赏课程在整个艺术教学体系当中的地位,没有真正理解设计艺术鉴赏课程实质,没有认识到它是高等教育中的设计艺术基础理论教育;另外,艺术设计专业本身“重技轻道”的特点使很多学生的兴趣集中在技术层面上,认为学习艺术设计就是运用电脑技能,还没有真正理解艺术设计的真正的含义。以至于出现教师费心地备课,精心地上课,可是结果却是寥寥几个人听课,使上课老师很是尴尬。要想上好这门课,笔者认为应注意如下几点: 一、教师提高业务水平,开阔知识视野 高等院校艺术鉴赏教育的目的,是为了培养学生对问题看得深广和培养、激发他们的想象力、表现力和创造力,促进创造思维,使之成为极具实用性的应用型人才。这就要求教师在“专”的同时要“广”,吸收姊妹艺术,并将其应用到教学当中。 首先,高等艺术院校教师必须具有非常全面通透的业务水平和高尚的人格魅力。高等艺术院校艺术鉴赏课教师和专业教师需要的是一专多能。他们的知识面要广,既要懂基础美术绘画知识和技能,又要懂一定的设计知识和技能以及美术史、设计史等知识和理论,这样才能适应艺术院校艺术设计鉴赏课程的教学工作。如学生经常找老师帮忙,为晚会设计广告招贴、传授摄影知识、了解建筑欣赏等,当你一一为他们解决时,学生就视你为能人,是好老师。否则就会出现因为知识储备不足而无法满足学生学习需求的尴尬局面。 其次,上艺术鉴赏课的教师还应具有较高的文艺理论水平和具备一定史学修养。如南方建筑和北方建筑的区别和联系,大的历史文化分区以及每个时期艺术的特点归类。如中国古代的图形符号和中国文化、生活元素具有传统文化的精髓,把其融入到西方现代设计的理念中,就需要文化知识和经验的积淀,这种相融不是简单的相加,而是在对中国文化深刻理解上的融合。比如教师在讲解罗中立的油画《父亲》时,使这件艺术作品能够深深影响到学生、感染到学生,其实也是在教育学生,这一过程是受教育者认识美的过程,是在不断的审美过程中完成的教育。正是因为艺术本身是美的铸造,它感染人,作用于人类的审美,靠的就是它自身美的魅力。艺术教育是提高人的审美意识的重要手段之一。 二、艺术教师要扮演好培养者、促进者的角色 首先,教师要积极地做好艺术理论灌输的引导者和学生思维的开发者,改变以往的灌输式教育。艺术设计鉴赏课程所涉猎的领域十分广泛,需要在知识的储备和拓展上加大同行间的交流,这样才会在教学过程中形成自己对艺术形态独特的见解。 其次,建立师生同乐的学习活动空间和互动交流平台,使师生在一个同思索、共发展的环境中,达到教学相长,共同进步。教师要做到蹲下身来和学生讲话,耐下心来听取学生在艺术思维上的困惑和迷茫,全身心地参与学生的思维活动,并做到理性听取,感性交流,用自我的方法引导学生打开畅想的大门。专业艺术院校设计艺术鉴赏课教学,首先要培养人的鉴赏能力。其实这是关系到设计艺术专业知识传授时“度”和“量”的问题,是使学生在日常生活中不断地发现与之有关的设计因素。并能用高的思维来思考它的魅力。 再次,教师要学会积极地“旁观”。学生在艺术课程中需要教师作理性的引导,使学生能够发现自己在艺术设计中的不足和幼稚,使之在课堂上与教师课程产生共鸣,达到积极地跟进,这样才会达到教学的目的,而不是徒有虚表了。最后,教师要给学生以心理上的支持,为学生创设一个良好的艺术学习氛围。活泼多样的艺术教学活动,能使学生在轻松、愉快的气氛中进行艺术学习,促进学生的思维,激发学生探索的热情,使课堂更加生气盎然。在学生学习出现困难或表现不当时,教师不是求全责备,而是给予理解和鼓励,使学生敢于行动,敢于探索和思考。在课堂上,教师更应是学生最可信赖的朋友、知己和支持者。师生之间这种温暖的人际关系,便于一个生机勃勃的教与学的气氛的形成。 三、注重激发学生的兴趣 激发学生的兴趣,必须采取多种办法。不能以单一的艺术来引导学生,可以以音乐教学为例,通过讲解音乐背景、情节等,通过画面展示、播放幻灯或电影等多种方式,既可以加深学生对曲目的理解,又可以激发学生进行音乐欣赏的强烈兴趣。这可以说明艺术是相通的,只要把握了艺术本质,任何事情都可以成为艺术思维的源泉。又如,根据民间传说的爱情故事及越剧《梁山伯与祝英台》而创作的小提琴协奏曲《梁祝》,其美妙的旋律令人无限神往,其曲折动人的故事情节扣人心弦。但是,如今学生对于这个故事,并不一定完全熟悉,尤其他们欣赏该曲时,也并不一定能够充分理解。若在欣赏此曲前,教师将故事的梗概以及“草桥结拜”、“同窗共读”、“十里相送”、“婚变投坟”、“化蝶”等情节向学生讲述清楚,便能激发学生欣赏该曲的强烈兴趣,使学生加深对作品的理解。 此外,随着科技的发展,多媒体越来越多地受到音乐欣赏教学研究和实践者的注意。有论者认为,使用多媒体辅助教学,能够更好地启发、诱导、感化、影响学生心理,促使他们积极思考,激发他们认知上的需要和对艺术直观感受,加强学生对比较抽象艺术的兴趣点和挖掘艺术规律。 四、要使学生在心理上接受艺术设计鉴赏课程 在高校艺术设计鉴赏课程教学的过程中,大部分学生并没有从认识上接受艺术设计鉴赏课程,他们觉得这些课好过,学与不学都一样。针对这样的思想,教师应该对他们进行正面教育,同时给予适当的鼓励,让他们从心理上接受艺术设计鉴赏课程,并全身心地投入其中,这样才能达到艺术教育的真正目的。 设计艺术论文:设计艺术传播方式与价值 设计艺术的发展,一般有二个基本决定因素。其一,设计艺术的内在“自变性因素”即自在规律,它决定了设计艺术的发展;其二,是设计艺术的外在“他变性因素”即外在规律,它是设计艺术发展的外因,设计艺术发展是内外因素综合影响的结果。在影响设计艺术发展的他变性因素中,传播就是一个重要的因素。 一、传播学 传播,用最简单的说法,就是一个把信息从信源传递给受者的过程。人类传播活动由来已久,然而作为一门学科却是20世纪30年代才产生的。它是研究人类一切传播行为和传播过程发生、发展的规律以及传播与人和社会的关系的学问。传播学建立后,迅速发展,取得了显著的成果。当今,传播学研究除了自身学科之外,日益结合相应的各个学科领域进行分支传播学研究,比如科技传播学、文化传播学、教育传播学、艺术传播学等。设计艺术是艺术传播学的重要领域,设计艺术的存在和发展,离不开它的传播活动;设计艺术其本身的存在关键,就是由于有了人类多元、多样化的需求及其传播所致。因而,应该对设计艺术传播研究,给予应有的关注。 二、设计艺术传播 设计艺术传播是指传递设计艺术信息的一个过程,它是一切设计艺术文化得以延续的根本保证,也是人们实现对设计艺术信息认知、传递、交流与共享的过程。对于设计艺术传播的定义,仁者见仁,智者见智,但是应当把设计艺术当作信息来看待,这是一个基点,因为设计艺术传播研究的各种具体问题,都需要在这个基点来展开。设计艺术传播,是设计艺术得以实现其功能的一种社会行为,这种社会行为最简单的表现是一个人或一群人将设计艺术以一定的形式传递给另外一个人或一群人。 三、设计艺术的传播方式 设计艺术的传播方式是指实现设计艺术传播的工具、手段、方法与技巧的总和。设计艺术的传播方式多种多样,依据不同的分类标准,设计艺术的传播方式也会有不同的形式。从传播内容来看,设计艺术传播既有对设计艺术作品的传播,又有对设计艺术家、设计艺术事件的传播。从设计艺术作品来看,设计艺术传播有两个方面的含义,即设计艺术作品物质载体的传播和设计艺术作品所负载的设计艺术文化的传播。设计艺术作品传播方式大致可以分为实物传播和非实物传播两大类。实物传播方式,是指直接运用设计艺术作品的实物进行传播活动,其常见的样形式就是日常生活接触到的器物、建筑、园林、广告等。伴随着现代展览制度的出现,实物传播方式发展出展示性传播,例如博物馆、美术或设计馆、展会等的实施的设计艺术传播行为(图1)。设计艺术的非实物传播方式是通过传播媒介进行的设计艺术传播,目前主要表现为大众传播媒介广泛介入设计艺术传播,包括纸质媒介(印刷品、报纸、期刊、杂志等)和电子媒介(主要是广播、电视、网络等)。 四、设计艺术传播的价值 设计艺术传播的价值,是指设计艺术的传播的诉求。透过纷纷复杂设计艺术传播行为的表象,其价值诉求体现在下面几个方面。 (一)、普及设计艺术文化 设计艺术的传播行为,为设计艺术文化的普及做出了重要的贡献。在工业化社会以前,设计艺术在社会文化中显得较为传统、封闭;进入工业化社会以后,随着设计艺术本身大众化的推进,以及传播的发展,设计艺术开始转向开放、多元。设计艺术文化是属于大众的,在当下,满足大众对设计艺术文化需求,可以充分利用传播,全面、充分地传递设计艺术文化,让大众更好地认识、理解设计艺术,构建起设计艺术发展的良好社会生态环境。 (二)、促进设计艺术教育的发展 我国的设计艺术教育应如何演进?这是一个必须去正视并深入思考的现实问题。除了专门的学校设计艺术教育之外,可以拓展设计艺术教育的观念,通过提高社会设计艺术教育的水平,实现学校设计艺术教育和社会设计艺术教育良性互动的教育目标。所谓社会设计艺术教育是指有由博物馆、设计或美术馆、会展,传媒等实施的设计艺术教育(图2)。社会设计艺术教育是相对于学校设计艺术教育而言的,是二种不同的设计艺术教育形式。社会设计艺术教育的对象是社会全体公民;在教育的实施过程中,不像学校教育那样,根据教育对象和培养目标,有教学计划、教学大纲、课程安排、教学评估等,比较自由灵活。在设计艺术传播的过程中,设计艺术教育功能也随之产生;这种设计艺术教育,表现为伴随设计艺术的传播过程中,受众认识、感知和理解设计艺术的行为。利用设计艺术传播所进行社会设计艺术教育,可以让更多的人了解设计艺术文化,接受设计文化教育;达到设计艺术教育的目的,提升大众设计艺术文化素养;进而影响大众的设计艺术消费观念。 (三)、推动设计艺术文化产业的发展 设计艺术文化产业作为文化产业的重要组成部分,其对于文化产业的贡献和影响不可小觑。设计艺术文化产业是指通过技术的介入和产业化的方式制造、营销不同形态设计艺术文化产品的行业。设计艺术传播,一方面,具有载体上的经济性,其传播活动需要通过商业运作,与市场发生联系,因而其本身已经成为设计艺术文化产业的重要组成部分,推动设计艺术文化产业的发展。另一方面,设计艺术的传播行为,也影响设计艺术的发展,表现为促进设计艺术市场建设以及开发设计艺术的传播资源等。 五、结语 设计艺术传播,是设计艺术发展的重要影响因素。目前,设计艺术的传播活动缺乏专业性和系统性,有待依据传播属性和设计艺术自身特征,建立多元、合理的设计艺术传播手段和方式。同时,也应对设计艺术传播,进行系统、深入的理论研究。本文尝试对设计艺术传播的概念、传播方式以及传播价值进行了研究,理清了设计艺术传播中的一般性问题,以期引起大家的关注。 设计艺术论文:动漫设计艺术教育思考 校企联合办学本质在于把动漫艺术教育和经济社会发展紧密的结合在一起,实现良性互动,形成双赢局面;其优秀就是产学研合作,多向参与,实现学校办学质量稳步提升、企业经济效益稳健提高、社会文化产业的同步发展、共同提高的可喜局面。其基本的路径就是学校和企业零距离合作,学校和企业共同创造办学条件,共同确定培养目标,共同制订培养计划,共同商定教学内容。其中,企业负责向学校提供部分专业教师和实训实习指导教师,学校负责向企业培养定向动漫人才。通过企业精神和校园文化的双重熏陶,两种不同教学场景的交替,这样既满足了动漫公司企业对动漫人才的需求,又满足了学生求知和就业的需求,从而实现毕业学生与动漫公司岗位需求的无缝对接。 校企联合办学体现在教学上主要有几个显著的特色。 一是办学思路、专业设置特色。校企联合办学开展动漫人才培养,在办学思路上,要以市场为导向,设置市场需求的专业,培养市场需要的动漫设计艺术人才。这种办学模式要求动漫人才培养模式从由政府主导、直接管理的计划培养模式向由市场驱动、政府引导的培养模式转变;也是由传统的升学导向、科研导向转向当下的就业导向,是一条遵循“政府主导,市场引导,依靠企业,社会参与”的办学思路。相应的专业设置上,就是要以动漫产业市场为导向,设置专业方向。学校根据公司企业的要求共与企业共同制定专业方向,开设的专业方向以市场需求为导向,都是市场急需的人才;相对应的,开设的专业课程也具有针对性,学以致用,实现了学生知识与社会、市场和企业的无缝对接。 二是课程设置,特色教学。校企联合办学开展动漫人才培养,在办学思路上,要以市场为导向,设置市场需求的专业,培养市场需要的动漫设计艺术人才。具体体现在课程设置上,最终呈现的是一改过去固定不变的课程而采用结构化形态的项目课程。项目指动漫产业过程中一件具体的,具有实际应用价值的产品或完成一项完整的服务等目的的工作任务。项目课程是指一个案例化的学习单元,它把实践知识、理论知识和实际应用情境结合在一起,是学习领域的具体化,它建立在职业技术教学论基础上,由学校实施的学习行动领域。 项目是一种以工作任务为载体,选择、组织并学习工作知识的课程模式。项目需求分为虚拟项目和现实项目两类。校企合作培养动漫人才可由学习方面精心策划虚拟项目或者企业方面精心选择现实项目。在操作项目、完成任务的过程中,学校教师和企业指导这两方面的老师把知识、技能和情感、态度等附着于项目,使得完成任务的过程就是从事教、学活动的过程。项目教学可为学生提供体验完整工作过程的学习机会。完成不同的项目任务可能要求学生具备不同的技能、不同的知识结构,学生可以按照工作过程的需求来选择学习多门技术课程、知识经验课程。从而改变“实践是理论的延伸和应用”的原有思维定势,实现“理论知识和实践知识”的整合,使学生理论知识与动手能力得以全面发展。在具体的教学方法上,项目教学的关键是设计和制订一个项目的工作任务,通过“做学合一、情境学习”来加以完成。 行动导向作为一种教学方法,更强调情境学习。因为不同职业及其工作环境、工作情景各具特色,所要求的综合职业能力在内涵、表现方式等方面也是格局差异的。这种差异性的“能力”具有共通的一面,可以进行知识传授,但是更多地还须与具体的情境相联系才能形成。动漫人才的职业技能,很难单一传授或通过单一的训练方式完成,须由学生在具体的工作情景中体验和感悟。 三是实践实训特色。实训实践实战性强。由于校企合作共建专业实习基地,学生实训实践培养学生的实际操作能力,但除了锻炼了学生的动手能力外,动漫公司的氛围、动漫企业的文化对学生的影响非常大,这样加大了学生接触社会、市场和企业的机会,开拓了学生的视野,提高了学生适应环境的能力,增强了责任感和使命感。 多元整合,系统设计。校企联合办学开展动漫人才培养,涉及众多参与主体:学校、企业、政府等等,在校企合作的内容上,涵盖了受训者选拔的标准和规则,培养目标的确定,培养方式的选择,教学资源的共享、师资的多元合作等诸多方面,因此校企联合办学能否成功,更深层的还在于是否有一个多元整合、相互协调的机制。 一是制度层面。使得所有与动漫人才培养的相关机构都能在制度的约束下履行各自的责任和义务。制定校企合作的制度框架,明晰企业和学校的责任和义务,建立以能力序列为主的职业资格认定体系,理顺劳动用工制度,工资薪酬制度、继续教育制度和学习考核制度等相互配套的制度。 二是机制层面。建立合理的鼓励企业参与动漫人才培养的利益补偿机制,企业自然会积极主动地承担动漫人才培养的责任和义务。如根据国家法规确保企业等投资主体对职业教育的有效投入,给予办学的企业以税费的减免,支持企业参与职业教育与培训;建立人才需求预测、预警机制,对技能型人才资源的家底和需求动态进行科学统计和预测,从而使得政府在宏观层面上把握经济发展和技能型人才发展的适当配度;建立和完善有利于职业教育发展的服务体系,为校企合作双方牵线搭桥,搭建校企合作多样化的合作平台,促进学校和企业的合作和交流。 三是操作层面。选择部分规模企业和骨干学校,在政府的主导下,形成稳固的对接关系和合作意向,明确各自的职责和义务,以企业为主,学校为辅举办职业教育和培训,建立半工半读的职业教育模式;建立企业接受职业院校学生实习的制度。 为了深化教育改革,提高教育质量,提升教育水平,近年来长沙理工大学设计艺术学院媒体动漫艺术专业方向加强市场调研力度,抓住时机,多方出击,主动寻找机会,探索多层次的联合办学模式,探索与多家动漫有限公司实行校企合作,努力走“工学结合”的校企合作办学之路。 一、关于我校动漫专业校企合作办学的具体做法#p#分页标题#e# 1.主动适应市场需求,成立动漫专业建设委员会。以就业为导向,主动适应市场需求,成立了动漫专业建设委员会。我们聘请了十多位专家和十多家动漫公司、广告公司的管理者担任了该专业建设委员会的成员,2006年2月底召开了专业建设委员会成立大会,会议通过了委员会章程。学校与动漫专业建设委员会里面有的动漫公司之间互赠牌匾,专业建设委员会一般每年活动三次,就专业人才培养规格、课程设置和就业要求等展开研讨,力求为湖南提供更多服务于动漫的艺术人才。 2.学校与多家动漫公司(包括著名的三辰公司和潇湘电影公司)签约协议,不定期开设“校企合作沙龙”。“校企合作沙龙”力求以宽松、和谐、融洽、自由的氛围,沟通信息,建立感情,协助共进。“校企合作沙龙”活动内容每期各有不同。大体上有:⑴近期产业用人方向及动态变化的沟通;⑵学校如何跟踪市场,企业如何应对市场;⑶学生适应市场的心理准备;⑷学校所教与市场所需如何对接的思考等等。 3.学校与企业签订了合作办学的协议,为学生实训、实习和就业提供有利条件。我们与多家动漫公司达成了合作协议、与湖南和外地多家动漫公司签订了实习合作协议和顶岗实习协议,为动漫专业学生提供实训、实习和就业机会。 二、动漫专业校企合作办学校企合作所带来的主要变化 1.动漫专业的硬件变化。近三年来,学校为发我院媒体艺术专业建设投入五百多万元。学校拥有专用的动画制作实训室2间,传统动画室1间,动画扑捉仪器设备1台,计算机图形处理中心、计算机数字艺术实验室各1间和4间标准美术画室等。学校已经购买装置了200多张手绘板,用做原画工具,以保证校企合作技能的有效联接。 2.专业骨干教师队伍的变化。学校共有28位该专业的专任教师。近年来学校先选派了多位教学能力强,综合素质高的青年教师,参加了湖南多媒体协会游戏动漫师资班相关课程的师资培训并获得证书,后又选派12名该专业和相关专业教师参加CIA影视动画有限公司动漫行业培训并获得证书,这样学校共派出教师16人次参加了三种不同层次和学制的动漫专业的培训并获得了证书,初步形成了一支年轻的有创新和实践能力的动漫专业教师队伍。 我校有一支强有力的外聘师资队伍。CIA影视动画有限公司、Adrobe中心、外籍教师、三辰影视动画公司等多位来自行业的兼职教师都给我校学生上课,给教师开讲座和培训。近年来,我校动漫专业教师队伍中共有8位老师开设省级专业展示课公开课,不断提高自己专业课的教学能力,得到好评。另外,学校还计划派部分老师走进企业,在市场里摸索培训。我校动漫专业教师队伍建设,逐步完成着从输血功能到造血功能的实质性转变。 3.动漫专业由小变大、由弱转强。近三年来,面对飞速发展的数字媒体市场,面对日新月异的产业技术更新,我们紧随形势,更新理念,一直不断探索以就业为导向的校动漫专业建设的大课题。在新形势下,学校实行开门办学,虚心请教,努力打造我校动漫专业,使之成为学校的特色专业。如我校与湖南省三辰影视动画有限公司校企合作办学。自今年4月份以来,学校先后派出30人次,到三辰影视动画有限公司见习和实习。目前,我校在动漫制作专业的教学方面有固定的客座教授(师)10多位,在实践基地方面,有固定的用人单位10多家,还有两个协作密切的动画公司培训学院作为我校的技术支撑,动漫专业已成为我校设计艺术学院的骨干和特色专业。 总之,实质性的校企合作办学是我校动漫人才培养的一大举措。它能够让动漫教育更贴近企业需求,经过定单式教学培养出来的学生更具有竞争力,为学生提供一个良好的发展平台,同时为企业缩短人才培养期,为学生成功融入社会创造条件,充分体现了学校、企业、学生、社会多赢的目的。 设计艺术论文:景观规划中园林设计艺术的应用 摘要:城市的园林景观建设是城市规划中的重要部分,对于改善城市居民的生活质量、改善城市的生态环境具有重要作用。从城市园林景观建设出发,对园林设计艺术在景观规划中的应用进行探讨和分析。 关键词:城市规划;园林景观;园林设计艺术 引言 我国城市的环境问题越来越突出,加之人们对生活质量和居住环境的要求逐渐增高,这些都要求城市的生态环境建设必须提上日程,因此,园林绿化工程的建设得到越来越多的重视。不同于农村,城市的园林景观建设要求具备更高的人文价值、观赏价值以及生态价值,这要求在景观建设的规划中要融入园林设计的艺术,提升园林景观的价值和质量。1园林设计艺术的概念园林设计艺术就是指在园林景观的建设中,要充分结合城市的地形地势特点,并充分考虑城市的建筑聚集情况和居民的居住情况、社会活动特点,对园林景观进行科学的规划与设计。同时,在园林景观的建设中,要注重在花草植物的培植时融入设计艺术理论,增强景观的艺术性、设计感,通过对花草树木的组合创造出具备美感与艺术气息的园林景观,为城市居民提供一个环境优美、悠闲惬意的环境。 2园林设计艺术的原则 2.1功能性原则 城市园林景观建设要充分体现其功能,保证能为城市居民生活质量的改善提供帮助。在对园林景观进行美化时,首先要保证其设计贴近现实生活,体现生活中的美感。在园林建筑的设计方面,要保证建筑的风格、色彩、结构等体现自然美的需要,而不能破坏自然景观的美感,通过两者相辅相成来进一步提升园林景观的美观性和实用性。园林景观的建设要强调空间的开阔性,比如公园、广场和道路两旁等,通过园林艺术设计来提升其景观质量,为人们进行各种社会活动创造一个良好的环境。在进行设计时,要注重把握空间的尺度,通过对景观空间的合理把握来增强其实用性。 2.2以人为本的原则 园林景观的设计要充分体现城市居民日常生活和放松休闲的特点,并将这些因素在园林景观的建设和管理中予以充分落实。首先是在园林建设的选址方面,要因地制宜,以方便人们的生活为前提,进行科学选址;其次是在园林景观的视觉效果上,在进行设计时要充分考虑当地居民的生活习惯和爱好特点,在此基础上增加园林景观的风格和特色,使得园林景观能够符合大众的审美需求,引起人们进行户外活动和景观观赏的兴趣,引导人们积极参加各种户外娱乐活动,真正体现为人民服务的目的和要求。 2.3人文性原则 城市的园林景观建设不仅是城市建设中的一部分,还是城市形象和城市风格的重要体现,因此,在园林的设计艺术中,要注重体现人文性的原则。简单地说,就是要将精神文明建设的内涵融入到园林景观的设计中。在对园林进行设计和规划时,要注重体现设计的主题,这个主题要保证具有一定的指导和教育意义,与城市的精神文化建设以及人民大众对精神文化的需求相符合。同时,要保证园林的主题具有重点和中心,并具备一定的趣味性,使人们在欣赏景观的同时提升自身的人文素养和精神品质。 2.4生态型原则 城市园林景观建设的一个重要出发点就是生态性,即通过增加绿化面积来改善城市的生态环境,提升居民的生活质量。因此,在进行园林景观设计时,不仅要体现艺术性,还要兼具生态性,后者具备更加重要的实际意义。从生态的角度出发,在对园林景观进行设计时,要充分结合当地的自然特色,根据环境特点选择合适的植物进行栽培,保证生物的多样性,建立起符合当地环境特点的自然风光,比如可以建立生态长廊等,既可以增加园林景观的艺术效果,更突出了生态价值。 3园林艺术设计在园林景观建设中的应用 3.1增强园林设计内涵,提升其设计理念 若想提升园林景观建设的生态性、人文性和观赏性,就必须在园林景观的设计阶段增强设计理念建设,做好充分的事前准备和规划工作,为园林景观的建设提供科学合理的指导。在设计时,要从植物的特点和生长习性出发,在保证植物得到保护和正常生长的前提下,对园林景观中的植物造景进行科学的规划和修整,以增强植被的层次性和美观性。同时,还要充分结合城市的风格和建筑特色,尤其是园林景观周边的建筑的特点,选择合适的花草植被进行栽培,使得园林景观的风格与城市建筑相匹配,提升城市景观的多元性,使得园林设计的理念和艺术性得以充分体现。 3.2加大城市园林的建设力度 城市化进程的加快导致了各种“城市病”,其中,最严重的莫过于人口和经济活动的迅速增长给城市自然环境带来的压力,使得城市的生态环境质量大大下降。因此,在城市园林景观的建设中要注重融入生态环境建设的理念,加大园林的建设力度,培育健全的园林生态系统。在这一过程中,要注重提升园林绿化建设的规模和质量,借助绿色植物的光合作用和吸附净化功能来改善城市的空气质量,减少空气污染,逐步改善城市环境恶化的情形。并且可以借助绿地面积的增加来促进城市的水循环,发挥园林植被涵养水源的重要作用,更好地保证生态平衡。通过加大城市园林的建设力度,来达到有效改善城市环境,促进可持续发展的重要目的,进一步改善城市居民的生活质量。 3.3保存和繁育种质资源 在城市园林设计中,植物多样性、景观的层次性和丰富性是一个重要的追求目标。在实际的园林景观的设计和建设中,就表现为要进一步丰富园林中的植被种类,促进种质资源的保存和繁育。一方面,要充分考虑当地的自然环境,分析自然环境在植物的培育和生长中的有利因素和不利因素的影响,在做出科学准确分析的基础上,积极引进和培育新型的植物种类,保证这些种质资源的生产习性和当地的自然环境状况相符合,能够得到优质的培育和生长;另一方面,要注重对已有种质资源的进一步养护和繁育,最大程度地利用这些资源来丰富园林景观,提升园林的植被容量和绿化面积,实现植被品种的多样化,不断提升园林景观的质量和其实际价值。 3.4明确园林景观建设的标准 城市园林景观的建设离不开一定标准的规范和指导。在进行景观设计和规划时,要充分体现园林景观设计的科学性和实用性,提升园林景观的质量,严格按照以下标准进行设计和建设工作。①功能标准,即园林景观的建设必须以满足人们的实际需要、改善人们的生活为前提,引导人们进行户外娱乐休闲活动进而促进身心健康发展,同时,还要能够有效地改善城市的生态环境。②经济性与高效标准,在园林景观的建设中,要注重经济性原则,实现以最少的投入来换取最大的生态价值、审美价值和人文价值的目的,提升园林景观建设的有效性。③循环与可再生标准,即在园林景观的设计中注重保持各种植物生态系统的完整性,尽量减少人类活动给生态环境带来的破坏,保证植物资源可以实现循环再利用。④系统性标准,园林生态环境的建设应该作为一项系统性工程,落实到城市建设的方方面面和各个时期,并保证园林景观与城市和居民生活的融合,成为城市生活的一部分而非一个独立的存在。 4结语 城市园林景观的质量直接影响着城市的健康发展以及人们生活质量的提升,加强园林设计艺术在园林景观建设中的应用是提升园林质量的重要一环。在这一标准和要求下,城市园林景观的建设理念可以得到更加充分的体现,其生态价值、观赏价值和人文价值也将得到进一步的发挥,这对于改善城市的整体风貌具有重要意义。 作者:周镇平 单位:深圳市方森园林花卉有限公司 设计艺术论文:在室内设计艺术语言中的分析 摘要:随着人们生活水平的不断提升,对于美的追求也在不断的进步。现阶段,我国改革开放的步伐加快,西方的审美理念和思想在我国有了广泛的传播,在这样的大环境下,人们的审美多样化倾向愈发的明显。室内空间是人们生活起居的重要场所,为了让自己的生存环境看起来更加的温馨和自然,也为了使其更加的符合自身的审美,对其进行设计变成了一项重要的工作。基于大环境的发展,室内设计工作的重要性在社会实践中得到不断的突显,而在室内设计中,光元素有着广泛的应用,主要是因为不同的光可以表达不同的艺术语言,所以为了让室内设计的光元素应用更加的具有艺术美感,本文就光在室内设计艺术语言中的应用进行分析。 关键词:光;室内设计;艺术语言 光是自然界中存在的一种元素,在室内设计中有着重要的应用。一方面,室内设计要基于最基本的光影效果,因为所有的设计都需要在有光的情况下才能呈现出别具一格的美感,另一方面,利用不同的光色又可以表达出不同的情感韵味,所以说光是一种充满艺术语言的元素。如何在室内设计中进行其艺术语言的应用便是现阶段室内设计需要考虑的一项重点内容。在不同的环境下,不同的处理方法可以使得光的艺术语言表达更加生动,所以为了在未来的室内设计中进行更加准确的运用,从而传递更为生动的艺术语言,本文就其具体艺术效果的运行进行分析和探讨。 光的艺术语言 光在目前的社会生活中运用十分的普遍,主要是因为在目前的室内设计中不仅会用到自然光,更多的会用到人造光。就具体分析来看,不同的光具有不同的艺术语言:比如自然中的日光,其温暖而热烈,又因为其自然性突出,所以日光有着积极、纯真的艺术韵味。同样作为自然光的月光,其清辉幽冷而静谧,所以月光的艺术语言表现在安静和柔和方面。就人造光源来看,暖色调的光源表现出的艺术语言往往比较浓烈而厚重,而冷色系的光源则表现出清洁、淡然的艺术语言。总而言之,无论是自然光还是人造光,其都具有较为独特的艺术语言,而且这种艺术语言会随着场所的变化而发生变化。 光在室内设计中的应用 光在室内设计的时候有着重要的应用,而从光源来看有自然和人造的区别,所以在室内设计中光的运用研究方面,主要从自然光的应用和人造光的应用进行分析。 自然光的应用 自然光在室内设计中有着重要的应用,一方面是利用自然光可以表现整个室内设计的大环境,其他的设计效果也会在自然光的衬托下显现出来。另一方面是利用自然光,可以对室内设计的某些缺陷部分进行弥补。比如在建筑空间中窗体较小的时候,整个室内光线会偏暗,这时候在室内设计的时候利用浅色系墙体可以有效的将自然光进行反射,室内空间的光亮效果会有明显的增加。从自然光的具体应用来看,主要有日光和月光的区别。日光的应用主要目的是进行照明,其次是对整个室内设计的整体布局进行呈现,从而利用光和影的效果实现室内整体布局的突出美感展示。月光的应用主要是利用其清辉投撒的深浅暗影营造一种静谧的氛围。简言之就是自然光的应用主要体现在环境整体方面。 人造光的应用 在室内设计中,光的另一项重要应用就是人造光的使用,和自然光的应用相比,人造光的使用更多的突出在局部构造方面。就目前的情况来看,人造光主要是利用电能在其他器具中的发亮来形成的,而因为电能的发亮具有一致性,所以在使用不同颜色的器具的时候,光的色彩会发生变化。就目前室内设计而言,在一般的大厅灯具安装的时候,其灯具的色彩都具有综合性,这样,在不同的情况下,会出现不同的采光。上文提到人造光的利用具有局部构造的特征,所以即使是在大厅中进行多种颜色的灯具安装,其颜色扩展也达不到全面性。另外,在走道连廊以及私密空间位置安装的灯具,其人造光也具有局部性的特点。 光的艺术语言在室内设计中的表达 基本情感表达 光的艺术语言在室内设计中的表达突出体现在基本情绪和情感的表达方面。在上文分析中了解到,不同的光具有不同的艺术语言,而在室内设计中进行运用就会表达不同的艺术情感。举个简单的例子,在某些人进行室内设计的时候,会大量的使用自然的光,因为这些光都来自于自然,所以其代表的情绪或者情感更加的纯粹,他们的色调比较单一,因此不会从光影中折射出光怪陆离的情绪。大面积的玻璃幕墙,浅色的卷帘,这些布置只有一个目的,就是为了让自然的光能够更加充分的进入到室内空间中,无论是太阳光的明媚、炽热、温暖,还是月光的清幽和皎洁,落在室内空间中只会有深浅两种色调,这种色调的情绪表达饱满而单一,因此许多做此室内设计的人员更喜欢在窗前享受阳光,在窗前品味夜的宁静。 环境氛围的渲染 光的艺术语言在室内设计中的另一个重要表达就是进行环境氛围的渲染。在渲染环境氛围的设计中,利用到的主要是人造光,而且更多的是利用材料不同塑造出来的彩光。社会具有丰富性,室内区域因为功能的不同也具有丰富性,而这种不同的功能需要在不同的环境中进行发挥,所以彩光正好来达到渲染气氛的作用。举个简单的例子,在酒吧以及一些主要是晚间营业的场所,彩光的利用量非常的大,一方面是为了实现照明的需要,更多的一方面是进行环境的渲染。酒吧是个鱼龙混杂的场所,各种各样的人都有,所以利用多样的彩光来渲染出多样的环境,这样,人们能够在自己所处的环境中进行自我要求的寻找。简而言之就是利用人造光可以实现环境氛围的渲染,从而达到发挥区域场所功能的效果。 生活方式以及习惯的表现 光的艺术语言在室内设计中的另一个重要表达就是对使用者生活方式以及习惯进行表达。从实际研究来看,使用者本身的行为习惯越单一,其在室内设计中运用的光元素越单调,反之亦然。另外,室内设计的采光风格也可以表现一个人的生活方式。比如在某室内设计进行的时候,如果客户要求的室内色调较为单一,而且都偏浅色,那么此人的生活习惯应该是比较规范,而且生活方式更加的阳光自然。反之,如果某人在室内设计的时候要求色彩的丰富和绚丽,那么此人的生活习惯与常人有异,生活方式也更加的独特。简而言之,室内设计是反应使用者心境的一面镜子,而通过心境的反应,使用者本身的一些喜好也会表现出来。所以说光的艺术语言可以从人的内心深处对其的深层进行外向型扩散。 结束语: 光是自然界中普遍存在的一种元素,这种元素对于人们有着重要的影响。在技术不断进步的情况下,人造光源在人们的生活中得到了普遍的应用。现阶段,人们的审美在不断的变化,所以对于室内设计的要求也在不断的提高。而为了使得室内设计的效果更加的突出,越来越多的室内设计都在进行光元素的融入。从艺术角度来看,不同的光具有不同的艺术效果,所以准确把握光的艺术语言并在室内设计中进行运用价值明显。 作者:潘树峰 单位:福建省建筑设计研究院
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《艺术与设计》主要栏目:视觉传达设计、设计理念、设计管理、服装产品、产品设计、艺术、传统工艺美术、设计艺术教育等。
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通过对现当代艺术源流的总结,提炼现当代艺术思想,可以探究出景观设计在现当代艺术影响下所表现出的各种不同形态及不同的表现手法,思考西方现代园林取得成就的原因,对于今后中国的园林发展具有很好的借鉴意义。 一、研究现状 (一)现代艺术概述 20世纪初,在美国和欧洲相继出现了一系列艺术改革运动,尤其是在世纪之初到二战期间,从思想方法、表现形式、创作手段、表达媒介上对人类传统艺术进行了全面的改革,完全改变了视觉艺术的内容和形式,这个庞大的运动浪潮被称作现代艺术。现代艺术起源于后印象主义的三位巨匠:塞尚、梵高和高更,它的标志性运动从立体主义开始,随即抽象派艺术、未来派艺术、达达派艺术及其后的超现实主义艺术相继产生,共同构筑起了20世纪现代艺术的宏伟大厦。现代艺术的发展时期可以分为两大阶段:第一阶段是指从1870年以后的后印象主义开始到抽象主义的现代主义时期,第二阶段是指以20世纪60年代为开端的后现代主义时期,也称当代艺术时期。西方现代艺术作为一个庞大的体系,基本沿着两条不太相同的路径发展。一条路在形式上力图找到所谓的“真实”,从表现主义、超现实主义一直到战后美国的抽象表现主义基本都属于这一条路。另一条路则力图强调艺术家的个人表现,强调真实的心理写照,强调表达人类的潜意识,代表新时代的方式。 (二)现代艺术研究综述 夏建统、林菁、王向荣、王晓俊等国内学者对西方现代景观设计的发展进行了系统介绍与分析,总结出西方现代景观设计对于现代艺术的传承;王向荣把不同国家的设计思想、设计流派和设计师联系起来,构成了西方现代景观设计产生和发展的脉络。国外学者汤姆•特纳(TomTurner)对英国的抽象现代园林进行了定义与时间限定,简•布朗(JaneBrown)介绍了英国现代主义建筑,大多数学者也从其中总结出了1925年是现代主义影响英国园林的起点。目前,国内学者对于现代艺术与现代园林相关的研究不断增加,2000年至今,通过中国知网检索出的“现代艺术”“园林设计”的相关文献数量逐年递增。在现代艺术与现代园林设计师及设计手法的研究中,多与景观设计、景观发展方向的研究相结合,并且研究热点为极简主义、大地艺术、波普艺术、空间表现、城市公园等,与此课题相关的热点设计师有佐佐木英夫、玛莎施瓦茨、野口勇、哈迪德等。 二、不同形式的现代艺术对现代园林设计的影响 (一)现代艺术对现代园林设计的影响 1.抽象艺术。抽象艺术可以说是整个20世纪艺术与设计运动的出发点,它使得我们在形式上脱离了客观事物的束缚。从亚美尼亚建筑师盖伍莱康在巴黎“国际现代工艺美术展”上设计的“光与水的庭园”和后来设计的“玛丽•劳尔和查理•得若耶别墅庭园”可以看到现代园林对现代艺术的引入,通过铺装设计与花坛的结合,根据原有三角形框架进行编排与组织,打破了以往的规则式传统,并以一种现代的几何构图手法完成。完全采用立体主义的几何抽象构图,极力追求的是创造一个能够像体验一件独立的艺术品一样的庭园,形式关系的视觉效果在庭院中处于主导地位,与蒙德里安的“红黄蓝”抽象画以及毕加索的立体派作品如“伏拉像”“诗人”比较,即可看出其吸收了立体主义的形式解放的创新思维,在这一过渡时期率先融入了现代构成的艺术手法,被称为“立体派园林”。 2.立体主义与超现实主义。抽象艺术发源于立体主义,有冷抽象与热抽象之分,继后者的代表人物康定斯基之后,又出现了野兽派、表现主义、超现实主义以及战后美国的抽象表现主义。虽然艺术流派之间思想和观念相差很大,但无论是情感的、梦境的或者是潜意识的,都强调了艺术家思想情绪的主观表达。美国第一代景观设计师托马斯•丘奇(ThomasChurch)的设计作品加州花园与超现实主义画家米罗笔下抽象的生物形态和童稚般的笔触相对比,可以察觉到两者之间的渊源。托马斯•丘奇将新的视觉形式运用到了园林景观中,同时满足了所有的功能要求。他受到“立体主义”的影响,利用多重视觉焦点创造了无尽的视觉感受,“立体主义”“超现实主义”的形式语言(如锯齿线、钢琴线、肾型、阿米巴曲线)被他整合形成了简洁流动的平面。在他的作品唐纳花园(Donnellgarden)和阿普托斯花园(Aptosgarden)的设计中,肾形的游泳池、现代风格的更衣室、锯齿形的座凳等都将现代艺术形式运用到了景观中,并满足了功能要求。英国著名景观设计师杰里科(GeofferyJellicoe)也受到了超现实画家保罗•克利(PaulKlee)的符号化的影响,使作品带有了超现实主义的潜意识和神秘感。其最具代表性的亚特兰大历史花园,创造了一连串不同的空间,给人以穿越的感觉。 (二)后现代艺术对现代园林设计的影响 与现代艺术时期相比,后现代艺术时期园林的设计风格也发生了极大的变化,在社会的直接影响下,呈现出一种多元化的设计风格。设计师们以多样的园林形象体现了当时社会价值的多元化。20世纪60年代以来的后现代主义是一个包含极广的艺术范畴,后现代主义园林景观以功能性、无装饰性为目的,以历史的折中主义、大众化的装饰风格和戏谑性的符号为主要特征,它反对现代主义的纯粹性,更倾向于大众艺术。通过对传统语汇的转化,以隐喻或象征的手法将意义隐含于园景之中,使景观作品具有了文化气息和地方烙印。哈格(R.Haag)设计的西雅图煤气厂公园保留了相当一部分基址现状,用废旧机器设备拼装出一派“反如画般景色”(Anti-picturesque),讲述了场地曾经拥有的历史,对城市工业废弃地的开发与重新利用具有很好的借鉴意义。并且该公园还吸收文脉主义的精粹,兼纳装置艺术(InstallationArt)为代表的集合艺术(AssemblageArt)、废物雕塑(JunkSculpture)、摭拾物艺术(FoundobjectArt)等艺术营养。 1.从极简艺术看现代艺术与景观设计。极简主义艺术为了达到美学效果,偏向纯粹、单一的艺术要素,通过极少的形式语言建构体现作品的艺术性。1955年印第安纳州哥伦布市的米勒花园(MillerGarden)被认为是丹•凯利(DanKiley)的第一个真正现代主义的设计,同时它也是丹•凯利具有相当极简主义风格的作品。随后彼得•沃克融合60年代初开始的极简艺术、勒•诺特尔的古典主义和早期现代主义三种艺术思想创作出一种新颖的景观设计风格——极简主义景观。哈佛大学校园内的泰纳喷泉充分展现了沃克对于极简主义手法的纯熟运用,159块巨石镶嵌于草地之中,质朴的巨石与周围古典建筑风格完全协调。一些其他风格的设计师在作品中也会或多或少地体现出一些极简的特征,如玛莎•施瓦茨、乔治•哈格里夫斯、高伊策等,使景观中的极简主义成为了当代景观设计中具有代表性的、普遍的艺术追求。安腾忠雄1997年设计的日本直岛现代美术馆附属工程庭园,既受到极简主义绘画的启发,又吸纳了印象派绘画艺术的精华与罗斯科的“红紫—绿—红”极简主义绘画的形而上学效果,极简主义园景同样纯粹、光亮、静默而圣洁,使人产生丰富而复杂的联想。 2.从波普艺术看现代艺术与景观设计。波普艺术(PopArt)通常是对日常生活的转译描述,以抽象表面主义作为形态表征,在创作过程中积极尝试新主题、新材料与新形式,这种创作手法和作品呈现出的是具有时代特征的工业化与商业化气氛。玛莎•施瓦茨用人们所熟知的日常用品如面包圈、轮胎、糖果等来表达自己的设计,虽然行业内争议颇多,但波普艺术以其无所不包的取材手法和有意识的粗俗以及不太严肃的表现,更易被大众所接受。 3.从大地艺术看现代艺术与景观设计。大地艺术是将自然环境作为创作场所,使用大尺度和抽象的形式及自然材料,创造出的一种富有艺术整体性的视觉化艺术形式。大地艺术对景观设计的一个重要影响是带来了艺术化地形设计的观念,1991年查尔斯•詹克斯的“宇宙臆想”园景和螺旋形防波堤是典型的大地艺术作品,美国最具有影响之一的雕塑家景观设计师野口勇(IsamuNoguchi),早在大地艺术产生之前的20世纪初期已成功地将雕塑概念扩展到风景空间,使大地不再是展示作品的背景,而是作品自身的组成部分。 4.从其他艺术看现代艺术与景观设计。与上述各类艺术风格一样,现代景观设计极少受到单一艺术思潮的影响,除吸收了抽象艺术、立体艺术、超现实主义、后现代艺术、极简艺术、POP艺术、观念艺术、过程艺术等艺术效果外,还接纳了装置艺术、废物雕塑和各种其他时代艺术思想的影响。现代艺术的形式语言通过借助水池、道路、草地和植物等园林要素予以表达。通过对现代西方园林作品的要素解析、形式解构,可以从中探究与现代艺术的渊源。 三、结语 现代与后现代艺术对现代西方景观设计有着深远的影响,设计师受艺术设计思想的影响,体现在园林设计要素与结构的表达等诸多方面,众多的艺术流派为现代园林提供了丰富的艺术表现手段。但与纯现代艺术不同的是,现代园林设计面临着复杂的社会问题和使用问题,在景观成为艺术思想载体的同时,需多元考虑时代的影响与科技社会的创新性。 作者:杨子蕾 单位:北京林业大学
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艺术教育关乎心灵,是人的基本素质;高校所具有的精英性、学术性与民主性特点使之成为国家推进艺术教育的主力军[1]。根据国家统计局数据显示,自2008年至2015年,全国艺术普通本科在校人数由82.5万人逐年递增至148.9万人,高校艺术教育建筑也得到了迅猛发展。作为承载艺术类专业师生行为与功能需求的物质资源,良好的空间环境对激发师生活力与创造力并进一步促进艺术类学科发展具有至关重要的作用。新型教育建筑不仅要为学生提供学习、生活空间,还要提供讨论、展览、休息和独处思考等多种空间形式;在设计中,对非正式交流空间的理解与关注既是知识经济时代人们获取信息手段变化的结果,也是现代人情感得以满足的需要[2]。 一、艺术教育建筑中的非正式交流空间解析 艺术教育建筑是指艺术类专业的教育建筑,通常包括教学、实验、科研、行政及配套服务用房等。高校艺术类专业可以分为三类:纯艺术、师范艺术、应用艺术[3]。其中,应用艺术类专业学生毕业后多从事设计类工作,如环境设计、建筑设计、服装设计、广告设计等。近年来,更加贴近大众生产、生活的应用艺术类专业发展很快,本文理论分析及案例讨论的主要对象是应用艺术类学科教育建筑。艺术类专业教学方式与师生行为特点决定了艺术教育建筑中充满了各种各样的交流活动。艺术类专业师生往往个性活跃、多才多艺,善于表达并乐于表现,其行为活动内容丰富、形式多样。除了常规的集中教学及课堂实验,还有小组讨论、个别辅导、模型制作、评图看图等教学活动,以及多种多样且频繁发生的娱乐休闲、展览展示、相互讨论等“课外活动”。这些活动涉及的对象包括集体、小群、个体各类使用对象,涉及的空间包括大、中、小各类交流空间;艺术教学的过程亦是一个创作的过程,自由的交流可以促进信息快速流动与思想激烈碰撞,无论是对专业能力的提升还是学生个人的成长,都具有重要作用。交流是分享、建立共同看法的行为,是知识、技术转移的过程;参与人员通过正式与非正式的方式分享知识和信息[4]。非正式交流相较于正式交流具有更多的优越性,首先,非正式交流多为主动产生,是基于共同的兴趣、爱好选取某一主题进行平等交谈,交谈的氛围更为轻松愉悦;其次,非正式交流形式更为自由随意,交谈的地点、内容选择广泛,因而发生得更为频繁;最后,非正式交流强调参与者的互动,交流内容可以得到快速反馈,大大增加了交流的效率[5]。因此,正式交流之外,促进非正式交流的产生将有助于知识与信息的快速传播与共享。高校教育建筑是知识获得与传播最重要的场所之一。教育家纽曼在《大学的理想》一书里曾写到,学生在大学中的主要才智收获,并不主要来自对具体知识分支的学习,而更多来自生活于洋溢着普遍知识的氛围中[6]。艺术教育建筑内各种非正式交流活动如小组讨论、评图看图、展览展示、聚会闲聊等发生得更为主动与频繁,而利于形成更加开放互动、更具创新活力的教育环境;同时有研究显示,非正式交流能更好地实现知识共享特别是隐性知识的传播[7],进而有助于促进创新创意的产生与设计灵感的迸发。合理地组织和设计非正式交流空间,努力实现空间环境对于使用人群的行为活动产生积极影响,促进各类非正式交流更高频次地发生,对营造新型教育建筑内部空间环境具有重要意义。 二、艺术教育建筑的非正式交流空间组织 结合知识及信息的传播方式与建筑内使用者流线的动态特点,可将穿插于整个艺术教育建筑并呈现出一种网络形态的非正式交流空间抽象为点、线、面的有机组合构成。其中,点是指整个非正式交流空间网络中的节点空间,知识和信息在这里交换,如各类小型交流平台,通常适用于小群体即2-4人的交流对象,次数更为频繁、内容亦更加深入;线是指编织这一空间网络的各类线性空间,是人员流动、信息传递的路径,包括所有的水平及竖向交通空间,由于空间的流动性特点,主要适用于小群的交流,交流较为频繁但内容多浅尝辄止,不会久聊亦不会深入;面是指多种交流行为发生的场所即面域空间,有大量的人员聚集、信息汇聚,并在这一空间分散与传播,如建筑门厅、展厅、中庭等,适用的交流群体数量范围更大,通过空间的划分或限定,2-4人的小群体与5-10人的小团体都可以在其中进行较深层次的交谈。点线面的结构划分并不意味着空间之间是孤立存在,相反,点线面有机组合共同构成一个整体,合理的规划与设计使之成为艺术教育建筑非正式交流空间活力与吸引力的源泉,也是形成激发创新创意产生的新型学习环境的重要组成部分。 三、艺术教育建筑的非正式交流空间设计——以同济大学设计创意学院为例 2005年,同济大学在原建筑与城市规划学院艺术设计系的基础上,成立了同济大学设计创意学院,2018年QS世界排名第18(数据来源:同济大学设计创意学院官网),现已成为全世界顶尖设计学院之一,其“艺术与设计”学科入选2017年国家的“世界一流学科”建设名单。学院共有三座教学楼,分别为IF楼、IT楼、IS楼,总占地面积共计4742.5平米,如图1。IF楼(InnovationField),意为“创意工场”,共三层,设有多个实验室和实践基地;IT楼(InspirationTank),意为“灵感智库”,俗称“堡垒”,建筑由玻璃外墙环绕,楼内三层空间为各专业教室;IS楼(InteractionShelter),意为“交互天地”,俗称“大棚”,改造自原上海巴士一汽维修车间,主要包括愤怒小鸟广场、报告厅、图书馆、展厅等,是学院最为开放和交互的场所。空间组成上,设计创意学院的非正式交流空间占比远大于一般教育建筑的非正式交流空间所占比例,其中,IF楼与IT楼以实验室、教室等正式交流空间为主,使用者行为主要包括上课、做实验、模型制作、材料加工等,局部穿插非正式交流空间,体现方式为以节点空间与线性空间元素为主;IS楼则含有大量的展览、咖啡茶饮、运动休闲等非正式交流空间,使用者行为包括看展、交流、讨论、打乒乓球等。除了沿南侧外墙布置部分行政办公用房外,设计者将报告厅、会议室等正式交流空间嵌入原工业厂房的穹顶之下,打破了原有大空间一望到底的节奏,增加了室内空间的丰富性与层次性,如图2。下文将主要从节点空间、线性空间、面域空间三个角度以及包含于其中的“不定空间”方面结合实例探讨各类非正式交流空间设计策略。 (一)节点空间设计:赋细微处以精彩 节点空间属于小尺度的非正式交流空间,尺寸通常为6㎡(2m×3m)以下,适合2-5人的小群体交流讨论。其地点设置往往兼顾交通的便捷性,交流发生频次较高,讨论的内容亦较为深入。节点空间位置可分为三类:一类是与水平线性空间即各类走廊相结合,通过廊道一侧的栏杆外凸或空间附加形成节点空间,具有交通便捷性的同时具有一定的领域感,构成了稳定的利于非正式交流发生的空间特性;第二类是与垂直线性空间即楼梯、坡道等相结合,通过梯段、楼层的平台扩大构成节点空间,与交通流线关系紧密,具有更高的交流发生可能性,但较容易受到交通的干扰;第三类是与功能用房相结合,位于出入口周围,作为附加空间,同时又具有一定的独立性。设计时可通过引入阳光、通风及良好的景观,配备促进深入交流的设备,如可移动黑板、小型书架、杂志架、座椅、电脑电源及网络接口等,来增加节点空间的活力与吸引力。同济大学设计创意学院的节点空间设置包含上述三类,如图3。在建筑内部的走廊、楼梯与实验室的门口等设置了可供师生进行非正式交流的节点空间。其中,与水平交通空间结合时增加了玻璃门,引入景观、通风采光的同时更加强了交流空间的领域感;位于楼梯楼层平台的节点空间加入了杂志架与面对面的双人小沙发,提供一个可供休息交谈的小空间,增加了空间的使用率;实验室入口空间配备了可移动白板与座椅形成了可供交流讨论之所,特殊的地点及讨论内容更容易引起实验室出入人员的兴趣和共鸣,引发更广泛和更深入的交流。设计创意学院内的不同类型、各有侧重的小空间设计组成了丰富多彩的室内节点空间,对于触发高频率、深层次的非正式交流具有重要意义。 (二)线性空间设计:破冗长线之单调 线性空间是建筑室内承载信息传递、人员流动的交通空间,包括内廊、外廊、连廊及垂直方向的楼梯、坡道等,其最大的特征是触发信息交换的可能性更高,但往往交流的内容深度较浅,长时间驻足交谈的意愿较低。传统的教育建筑由于追求较高的建筑使用系数,交通空间设计仅仅满足消防疏散之用,环境质量重视程度不够,如昏暗冗长的内廊、尺度仅够通行的楼梯等,因此,非正式交流发生频率偏低。新的教育建筑开始注重从设计改善交通空间环境的质量,通过适当加宽线性空间宽度、赋予空间内涵信息、引入自然通风采光等方式增加空间的事件性与话题性,引发人流驻足,激发深入交谈的欲望与可能性。设计创意学院水平线性交通空间主要体现为建筑内廊与外廊,其中内廊由于光线不足,需要设置合适的光源照明,同时通过加宽走廊、布置陈设与展览等增加走廊空间的吸引力,另外,专业教室临内廊的墙壁材质处理为玻璃,大大削弱了教室与廊道的隔离之感;外廊则通过引入自然通风采光改善环境质量,同时通过引入室内台阶、地面材质划分、局部空间扩大并置入家具等方式打破线性通道的冗长与单调。垂直线性交通则在满足消防疏散的前提下,设置开敞楼梯,并将之置于有趣的大空间中,划分区域的同时增强了空间使用率与事件性,使楼梯成为驻足拍照、交流讨论的理想之所。最后,结合艺术类专业特点,发挥师生兴趣与特长,在墙面绘制或装饰体现专业特色的标志或墙绘,增强空间的文化特质,形成独特的场所记忆,如图4。 (三)面域空间设计:点与线交织成趣 面域空间是建筑内部信息传递与交流行为大量聚集的场所,可以看作是人员与信息流动线路中的枢纽,既有线的流动,又有点的安定,空间主要包括常见的门厅、中庭、过厅以及部分建筑设置的用于休闲活动的屋顶花园与底层架空等。其中,门厅、过厅及中庭主要承担的是交通集散的功能,是建筑内部公共空间的主要组成部分,通过空间围合与限定,合理地进行区域划分,使交通流线与人员驻足交谈相对独立,整体空间里流动的区域与安定的空间相互交织而由各得其所;空间布置可以引入多种触发行为与交流发生的功能,带来更多的可能性,如信息、咖啡茶饮、零售小卖、打印复印、运动健身等等。屋顶花园与底层架空等往往通过营造具有良好绿化、开阔视野的空间环境给使用人群一个休闲放松的非正式交流场所。设计创意学院内的面域空间具有极强的吸引力与活力,建筑门厅及与门厅相连的展厅部分成为展示学院精神文化与师生创新能力的舞台。同时又通过灵活的区域划分,将展示、演讲、咖啡、休闲座椅、运动设施如乒乓球桌等置于大空间中,使各类活动形式趋于多样性,相应的各种行为呈现丰富性,大大增加了利于非正式交流的空间特征即事件性与驻足交谈的可能性. (四)不定空间:“无”和“有”灵活可变 “不定空间”即“不特定空间”,由日本著名建筑师槙文彦提出,他认为人的行为具有复杂性和偶然性,而空间被设计为特定功能的做法会阻碍或限制使用者的自发行为,不利于形成充满活力的室内环境。因此应考虑空间的不定性设计,使有限的空间去适应人们的多种活动和人际交往[8]。设计创意学院的“不定空间”可以分为两类,一是设计师赋予的空间灵活多变。在进行原建筑改造设计时,选择“点到即止”,设计师安排了很多开放性空间,让使用者在建筑中充分发挥主观能动性[9]:如IS楼的门厅在使用过程中被师生改造为阅读、展览、会客等可以进行多种复合活动的功能空间;另一类是师生根据独有的使用经验,设置一些功能不定空间,由使用者针对自身需求提前预约,通过后自行布置使用。 三、结语 建筑空间资源是高校教育发展与学科建设的重要硬件基础,也是学院文化与教育理念的物质载体,空间环境设计直接影响到其中使用人群的行为活动。同济大学设计创意学院的各类非正式交流空间层次不同、大小各异,且能够面向不同师生群体、适应多种行为需求,大大提高了内部公共空间的使用率与活力,形成了良好的空间氛围。文章基于此案例探讨促进非正式交流空间的设计策略,以期为以后的艺术教育建筑空间设计提供有益的参考。 参考文献 [1]唐景莉.艺术教育是全民的教育[N].中国教育报,2014-11-03(010). [2]何境堂主编.当代大学校园规划理论与设计实践[M].北京:中国建筑工业出版社.2009:157. [3]徐元卿.高校艺术教学建筑设计研究[D].哈尔滨:哈尔滨工业大学.2008:16. [4]邱建发.研究型大学的协同创新空间设计策略研究[D].广州:华南理工大学.2014:73. [5]金洁琴.网络环境下非正式信息交流的理论与模式探讨研究[D].南京:南京农业大学.2005:7-8. [6]约翰•亨利•纽曼.徐辉等译.大学的理想[M].杭州.浙江教育出版社.2001:15. [7]王辑慈.创新的空间-企业集群与区域发展[M].北京:北京大学出版社.2001:330. [8]宋泽方,周逸湖.大学校园规划与建筑设计[M],北京:中国建筑工业出版社.2006:48. [9]邹子敬,刘健.工业遗产适应性再利用中的“嵌入”策略上海同济大学设计创意学院大楼改扩建设计[J].时代建筑.2016.(3):124. 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室内设计中装饰艺术探讨:软装饰艺术在室内设计中的应用探究 摘要:近年来,随着社会的进步和经济的发展,人民的生活水平在不断提高,衣、食、住、行等条件都得到了有效改善。在新世纪,当满足了基本温饱问题后,人们便将目光转移到生活质量的提高上来,过上更加舒适的生活已经逐渐成为现代人,尤其是年青一代人不断追求的目标,而这一点在居住条件上的体现就是人们越来越重视室内设计问题。作为室内设计的重要内容,软装饰艺术的作用是不可忽视的。本文主要探讨的就是软装饰艺术在室内设计中的应用问题。 关键词:软装饰艺术;室内设计;应用 前言:软装饰指的是与墙面、地板、家具等硬装饰相匹配,用于对室内进行深入装修的一系列家居用品的总称,如地毯、窗帘、工艺品、盆栽等。其最大的特点就是不受原有装修风格的限制,主人可以根据个人喜好随意改变。近年来,随着人们审美水平的提高,越来越多的人将目光投向软装饰艺术,而软装饰艺术也凭借其更能体现艺术美感的优势,得到了设计师的青睐。将软装饰艺术应用于室内设计中,不仅仅是对家的美化,同时也是家中艺术气息的渗透与表达,能够让家变得更加温馨。 1、室内软装饰艺术的概念分析 软装饰的设计理念指的是合理的运用建筑自身的可以更换的装饰物以及位置特点,对硬装修进行加强与改良,并且通过相关构件,实现对室内空间的重新改造,对室内的基本布局形式和基本的陈设进行重新的设计。总的来讲,软装饰是当前现代化建筑室内设计的一种新型的理念,是对空间视觉感官的一种全新发展和延伸,通过软装饰的相关技术,可以将室内原本不可移动的。固定的以及可以移动的装饰物品完美的融合在一起,使得室内的环境更加舒适 并且可靠。另外,软装饰对于各种材质和物品之间的色彩有着很高的要求,对于材质的形状。不同材料和装饰物的互相搭配也有着较高的标准。所以,也正是因为上述的原因,在相关设计工作当中首先应当全面确定出整体的家具风格,并且选择一致的。优质的装饰物品可以起到较强的画龙点睛的效果,而成功的室内软装饰设计,也是居住者自身兴趣爱好。个人修养。阅历以及审美的集中体现,有时甚至可以体现出一个人的情感和世界观。软装饰在通常的情况之下随意性较强,并且经费较少,简便,容易操作,在清洁过程当中也为人们创造出了巨大的便利条件。所以软装饰的设计理念受到了更多人们的青睐。 2、软装饰艺术在室内设计中的作用及应用策略 如果按照应用功能进行分类的话,软装饰可以分为布艺、壁挂与书画、绿色小品和灯具等四类。下面将一一对这四种软装饰在室内设计中的作用及其应用策略进行介绍。 2.1布艺 布艺,又称室内纺织品,主要包括窗帘、床罩、地毯、桌布等,是室内设计过程中不可或缺的家居。在舍内设计中,布艺起到的是调和作用,能够营造出一种柔和的氛围,让地板、墙面、家具等不再那么生硬。例如,地毯一方面能为冰冷的地面增添色彩,另一方面也能为地面增添几分柔软的感觉。在实际应用中,每一种布艺都有着各自的特点,设计者需要根据其特点将其合理应用,并应处理好各种布艺之间的关系,将颜色、样式等进行合理搭配,因为只有这样,设计出来的房间才能主次分明、舒适温馨。 2.2壁挂与书画 壁挂以其色彩绚丽、图案丰富、质感柔软的特点常被设计师用来作为立而软装饰的必备元素。壁挂选材广泛,绒、泛、棉等均可成为壁挂材料。在画而色彩和图案的选用上,设计师常常使用较为柔和对比色,这样既能吸引人的注意力,又不会显得突兀。壁挂的题材选择就更加广泛了,简洁现代的几何图案、复古精致的抽象图案都可以运用到壁挂构思中,再配以流苏和小规则边缘的处理,使得壁挂增添了几分民族韵味,更加具有文艺气息。接触壁挂时,其材料会给人以舒适亲切之感,远观壁挂时,其色彩与图案又会给人以温暖高贵之感。总之,只要精心设计,壁挂往往能带来独特的软装饰效果。 书画作为软装饰的要素之一,其品类可谓枝繁叶茂,它包括书法和绘画两部分,其中仅绘画部分就涵盖油画、国画、水彩画、版画等多种形式,书法部分的笔体风格更是数小胜数。这两种软装饰品的运用小但能提升居室的文化意境,还能陶冶观者的情怀,提高观者的修养。在软装饰设计中,设计师多选用西洋油画和国画作为陈设画种。油画以其色彩浓郁、层次丰富、具象饱满、空间透视感强的特点被当做软装饰上品。尤其是风景油画常常给人一种亲近自然的感觉,受到大部分居室主人的喜爱。讲求意蕴的国画和书法则更能体现居室主人的深厚思想和文化内涵,成为玄关和书房软装饰的佳品。 2.3绿色小品 植物美化是软装饰的一项重要内容,恰当地应用植物美化能够创造奇特的装饰效果。室内环境山于相对隔绝,人工制造的内部环境们们缺乏生气和艺术感染力,而绿化小品和花艺这些植物美化元素的使用则使得空间里有了纯自然的、有生命的风景,缓解了“硬装修”和家居陈设带来的生硬感,达到美化室内环境、陶冶居者情操的目的。绿化小品的形式多种多样,从水培到土培,从灌木到乔木都各具风格、怡然清新。通常较为高大的土培灌木可放置于客厅一角,既起到填充空自空间的作用,又起到软装饰的作用。而水培的小型植物则适合厨房、卧室等较为狭小的空间,使得空间更为精致。 2.4灯具 作为室内设计所要用到的重要元素,现代化的灯具不再只是单纯的照明作用,它还能够通过光与影的来进行氛围的烘托与意境的强化,起到调节视觉和心理的作用。现代灯具不论是功能还是造型,都是多种多样的,因此在选用灯具时,设计师或居住者一定要以设计主题为前提,选择造型、材质、光照度均与室内装修相协调的灯具。例如,客厅、走廊等地方可选用简约、大方的吸顶灯,厨房则可以选择造型时尚、独特的吊灯。此外,在室内设计中灯光的选择也是非常重要的,不同种类的灯光适用于室内不同的区域。例如,暖色调的灯光适用于大多数的室内区域,尤其是卧室和餐厅;而冷色调的灯光则适合用于办公区、学习区,如书房、客厅等。当然,光的照射强度以及光色的选择则可以根据居住者的个人喜好和适用情况而定了,这样让灯具既完成了照明的基本使命,又能为室内的软装饰作出贡献。 3、重视以人为本的个性化设计 现代技术的高速发展给人们的生活带来了无尽的便利,人们的生活和工作方式因科技而改变。但凡事都具有两面性,技术给我们带来便利的同时也在渐渐改变着我们生活的轨迹:人们生活在钢筋水泥构筑的“森林”中,心中却对大自然更向往。使用大量材料装饰的室内空间中,却有无形的“杀手”在危害着人们的健康。人们生活和工作的空间越舒适,而耗费的资源就越多。从而越来越多的问题出现使我们不得不重新审视室内设计,让我们重新回到起点去关注“人”这个主体。室内设计的目的是创造满足人们物质和精神生活需要的室内环境,这就要求我们在设计中一定要坚持人性化的设计原则,综合考虑使用者心理。视觉感受等全方面的需求。只有对不同的消费群做深入研究,才能创造出个性化的室内软装饰;只有把人放在首位。以人为本,才能使设计人性化。 4、结束语 总之,软装饰艺术虽然在室内设计中所占比重并不是很大,但其表现出了点缀室内空间、营造情感氛围、提升视觉享受、调整区域空间的独特装饰功能。软装饰艺术代表着时代的发展和人民生活水平的提高,在进行室内设计时,设计师要顺应这一潮流,重视室内设计中软装饰艺术的应用,将软装饰艺术同时代气息和群众审美有机结合,设计出更多更好的软装饰作品,装点人们的生活。 室内设计中装饰艺术探讨:室内设计中装饰艺术探讨 伴随人们物质文化生活水平的持续提升,其对室内空间环境的要求更加细化,进一步促进装饰艺术的多元化发展,并渐渐成为现代社会中与大众息息相关的重要门类。现代社会的快速发展进程中,装饰艺术发展变成了大众创造艺术审美的重要优秀。美观实用的室内设计则需要运用独到的装饰艺术,方能符合大众丰富多彩的需要。室内设计中,运用装饰艺术并非单纯的几个线条、几种形式或几类色彩,而是要通过合理的设计符合人们更为深层面的追求与需要。本文就室内设计中的装饰艺术展开了进一步研究,对提升设计水平,优化装饰效果,展现装饰艺术魅力,有重要的实践意义。 装饰艺术运动与室内装饰艺术 装饰艺术通过独具特色的风格形式符合了大众对美的向往与追求。装饰艺术运动为上世纪在英法等国开展的独具风格的一次设计运动,并对大众生活形成了深刻影响。室内设计中,通过装饰艺术运动可以在设计方式以及装饰运用上提供丰富的参考素材,并可在室内装饰装修的风格上给设计师们更多的启示。例如应用新型装饰材料,各个设计师持续尝试应用新鲜元素,颠覆传统,使室内设计装饰艺术更为独特与新颖,并富有人文气息。色彩装饰则符合了人们不断变化的心理需要,可使人们一回到家中便体会到温暖以及舒适。装饰形式的运用则力求做到艺术同功能的良好结合,尽可能的在居室空间中开创一类舒适和谐并体现时代特色的装饰艺术,使室内设计不断求新求变,凸显了美学价值。 室内设计中的装饰艺术 1.室内设计中装饰艺术体现简约美感 室内设计中,运用装饰艺术体现的美感为内部空间美的具体化以及典型化,为形式以及内容的有效统一,可令人们体会到一类更高品质的美感享受。当前,简洁的形式对室内装饰艺术设计产生了更为深远的影响,可使大众生活以及认识理念形成质的变化。他们不再一味的强调繁琐以及奢华,而是更加注重结构以及形式的全面整体性与简洁性。应用装饰材料则注重新颖独特、功能实用、设计人性化以及绿色环保性。借助高新科技,可使室内空间装饰设计更具深度,更体现内涵。应用简洁的艺术形式,清晰明了的线条组合,可令室内空间更为浪漫、更为完美。形式上,可利用不同块面组合穿插,点线的良好结合,使得更为复杂的形式变得一目了然,栩栩生动。也就是说简约已经成为一种时尚,一种认识与态度。空间为装饰设计的根本,是进行简约设计的重要构成元素,通过简洁的艺术形式方能展现空间构想的独特魅力,并形成新的意念。 事实上,简洁的审美性会由于人们年龄、经历、学识、素质、生活背景、兴趣爱好以及品味的不同而不同。装饰形式力求简约的同时,还可在色彩运用以及选择装饰材料上体现简单明快的风格。例如,对色彩进行高度的凝练以及造型方面的精炼,在符合功能标准的基础上,可使人物同空间有效的组合,通过简练的设计,呈现出生动多彩的空间效果。实际上这恰恰是室内设计装饰艺术的高层境界。 2.室内设计中装饰艺术特征 室内设计中装饰艺术为科学性同功能性、延续性、人文性、和谐美的有效统一。设计的终极目标需要为大众服务。伴随现代社会的快速发展,今后室内设计会充分体现人性化,即时下人们倡导的舒适、宁静与自然的生活态度。进行室内设计根本任务在于采用综合技术手段,顾忌四周环境条件影响,借助各项有利条件,主动的创造出良好的室内空间环境,真正契合人们的生理与心理需要。该过程中,需要不断创新,可应用新的装饰形式、独特的材料、崭新的色彩,表达个性。应与时代保持同步,体现前卫感,确保物质以及精神功能的有效统一,最终实现和谐发展的目标。即室内各类物品的造型、整体风格与色彩、采用质料等应做到协调组合,进而使整个空间变成极为和谐的整体。在客厅的设计装饰环节,家具应尽可能的选择简单轻便的设计款式,凸显时尚性。而装饰物则应与之协调配合,不应过度的繁琐以及厚重。在墙壁设计装饰环节,可选择一些抽象寓意的画作,或摆放小型饰品,造型应力求灵活方便。倘若客厅为传统设计风格,陈列物品古色古香,则一些设计饰品应凸显浓厚的文化特征,进而营造出一种厚重的效果。例如可选择红木家具,并配以根雕、书法以及国画作品等。这样一来整体风格将更加统一和谐。倘若在古典家具上悬挂具有强烈反差的抽象画作品,将使人们产生文化断层之感,无法达到良好的设计效果。 3.室内设计中装饰艺术风格 室内设计装饰艺术风格多样,更多的设计人员运用淳朴的风格,达到了回归自然的效果。久而久之,装饰的比重超过了装修的比重,人们则更倾向于简约艺术的装饰风格。空间处理上,通常注重明亮宽敞性,强调通透性。平面设计上则倾向于不受承重墙影响限定的自由。在地面处理,墙面以及顶棚处理上,家具的陈设上,均注重造型简约,做工精细、质地纯正,尽量避免多余的设计装饰,而是衡量如何使形式更好的服务于功能。当然,这里所说的简约并非简单,而是将以往的浮华尘俗摆脱开来,应用新型材料以及工艺手段,同人们不断发展的思想,不断完善的认识全面统一,进而营造出天人合一,人本化的理想境界。也就是说简约主要针对无法移动或难以改变的各类硬装饰,通过功能完善尽可能的做到简约处理,确保为再装饰营造出更大的空间,实现功能以及审美的全面统一。 结语 总之,优秀的室内设计需要合理的运用装饰艺术,注重精神环境的协调规划,进而营造出室内环境相互融合的良好效果,使人们产生愉悦之感,真正达到使用功能、艺术性与和谐型的完美统一,提升室内设计整体水平。 (作者单位:广西工业建筑设计研究院有限公司) 室内设计中装饰艺术探讨:新时期室内设计装饰艺术符号化研究 摘 要:室内设计是我国建筑装饰的一种,在建筑物的使用过程中,发挥了重要的作用。随着社会经济的发展和科学技术的进步,室内设计艺术也正在逐步完善,形成了一种新的理论知识。装饰艺术是在一定的时间积累下形成的一种具有欣赏发展和美学规律的艺术,是对社会美和自然美的一种高度概括。符号是一种具有代表意义的特殊符号,通过对一些复杂事物的概括,在一定的艺术化处理之后形成。在新时期内,实现对室内设计装饰艺术符号化的研究,可以提高室内设计水平,促进室内设计的发展。 关键词:室内设计;装饰艺术;符号化 一、新时期室内设计装饰艺术符号化的形式 在建筑物的装饰和设计过程中,不同的装饰艺术手法会表现出不一样的建筑美感,体现出不同的装饰艺术和室内设计风格。装饰艺术的符号化在经过了一定的历史沉淀和积累之后,可以体现出不同的民族、历史和地域特点,在室内设计的应用过程中,主要的形式包括装饰纹样的符号化、装饰颜色的符号化、结构形态的符号化和原始构件的符号化。下面简述装饰纹样的符号化、装饰颜色的符号化和结构形态的符号化: (一)装饰纹样的符号化 装饰纹样是一种特殊的图案,具有一定的隐喻意味。例如,我国传统的“福寿纹”,一般都是寿桃、蝙蝠或者团寿组成的,根据谐音翻译而来,代表福寿绵延。新时期中,在室内设计中的使用也越来越多,具有与众不同的意味,不再只是单纯的装饰。 (二)装饰颜色的符号化 装饰颜色的符号化,主要是利用一些固定的颜色进行组合搭配。这些颜色主要是原始陶器中应用的黑色、红色和白色,通过不同的组合搭配,可以实现丰富的变化。在室内设计中应用装饰颜色的符号化,对不同的色彩进行重新组合,可以体现出新的活力。例如,在室内设计中应用中式青花瓷瓶中的青色和白色进行设计,进行墙面装饰或者地面铺装,都会让人产生联想,感受到新的东西。 (三)结构形态的符号化 结构形态的符号化,主要是指一种象征性的符号,具有方便记忆和可以重复的特点。这些结构形态的符号,具有很久的历史。例如,我国的阴阳八卦图、犹太教的十字架和埃及的日轮翅膀等。这些都是比较常见的结构形态,在建筑设计中有着广泛的应用。新时期中,这些结构形态符号也有着大量的使用,从空间机构的划分到建筑中不同界面的装饰等,都有具体的应用。 二、新时期室内设计装饰艺术符号化的方法 随着艺术形式的不断发展,我国的艺术设计水平正在不断的提高。在新时期中,室内设计装饰艺术符号的应用,需要经过一定的艺术处理方法。这些艺术处理方法,现在已经很常见。简述单体装饰符号的变形处理、装饰符号的交互与共融和装饰符号使用范围的变化: (一)单体符号的变形处理 在新时期中实现对装饰艺术符号的应用,可以通过对单体符号进行变形处理实现。例如,在进行室内设计的过程中,对全部的室内空间标识进行处理,可以利用夸张的手法,对单体符号进行缩小或者变大。这种方式可以让人们,因为符号的适度夸张,而留下比较深刻的印象。 (二)装饰符号交互与共融 装饰符号的交互和共融也是新时期中室内设计过程中,经常用到的设计方法。这种方法,主要是通过融合两种或者两种以上的符号特性,形成一种具有新的特点的装饰符号。在室内设计的过程中,应用这种装饰符号艺术处理方法,属于一种加工组合方式,是对原有符号限制的一种突破,应用了现代技术和新型材料,成为一种新的装饰语言。 (三)装饰符号使用范围的变化 新时期,室内设计的要求不断的发生变化。为了满足新时期中室内设计的变化,设计师可以在应用装饰符号的过程中,根据室内设计的要求,对原有的装饰符号功能或者使用位置进行改变,形成一种新的仅仅是装饰的元素,或者为这些符号添加新的使用价值。 三、新时期室内设计装饰艺术符号化的发展 新时期中,室内设计水平有了很大的提高,装饰艺术也得到了一定的发展。随着社会经济的发展和科学技术的进步,装饰手法越来越丰富,新的技术和材料不断更换。面对更多的选择,很多的室内设计师,不能掌握它们的特点,根据实际的室内设计要求,设计出具有自己设计风格的作品。例如,目前我国的室内设计师有很多,设计出的作品也有不同的特点。但是,在这些绚丽的装饰手法背后,很多设计作品都缺乏灵魂,比较空洞乏味。针对这种现象,室内设计师在进行室内设计的时候,应该运用真正的装饰艺术符号化元素体现装饰水平,保证运用符号的统一性,体现室内设计的艺术美感。 四、总结 新时期中,不论是室内设计还是装饰艺术,都有了新的发展。为了适应新时期中,人们不断增长的室内设计新的要求,设计师可以应用装饰艺术符号化的元素,经过一定的艺术处理,实现装饰符号的良好运用,提高室内设计水平,促进我国室内设计的发展。 室内设计中装饰艺术探讨:谈装饰陈设艺术品对室内设计的影响 摘要:装饰陈设艺术品不仅是一类具有独立性的艺术品,同时也是更具适应性的艺术品,更多的功能体现在辅助整个室内环境设计进行深入美化。从装饰陈设艺术品对室内设计的影响来看,无论在什么情况下装饰陈设艺术品的艺术完美性和实用舒适性一定要相融合。本文从二者相互作用等几个方面进行研究。用自己的研究解释来说明装饰陈设艺术品对室内设计的影响。 关键词:装饰陈设艺术品;室内空间;点缀;协调 装饰陈设艺术品对于当代社会是一个很时尚的话题它引导着人们对室内设计的审美导向,更重要的是对室内设计表达效果有着较强的影响。当下室内设计的流行趋势是重装饰与轻装修,本文的论点也是以探讨装饰陈设艺术品多为重点。以下从六个方面来谈谈装饰陈设艺术品对室内设计的影响。 一、相辅相成的互利作用 在室内空间里整体基础的装修是必要的,但这样还不完美,需要装饰陈设艺术品的后期补充;但对于装饰陈设艺术品来说,放什么样的装饰陈设艺术品,是需要借鉴室内前期定位与环境营造等条件的要求。从而突显装饰陈设艺术品的审美与使用功能。 二、画龙点睛的点缀作用 对于室内来说,装饰陈设艺术品是对室内的二次装修,有着对室内空间环境的点缀、美化的作用。装饰陈设艺术品与室内设计两者在这一节突显重要关系,不一样的装饰陈设艺术品在不一样的设计中会产生不一样的效果、作用。在室内设计确定整体风格后,将利用装饰陈设艺术品的点睛之笔,就会给整个室内带来无限生机与趣味。 三、对比统一的协调作用 一般来说,大空间里装饰陈设艺术品其面积或体积就较大;在小空间里装饰陈设艺术品则面积或体积应小。无论怎样设计,装饰陈设艺术品要和空间体量感相一致。在这一节中关键词则是协调,我们从协调的意思可以探索出另一个名词――和谐。在这一节中一定要注意整体与局部的关联性、统一性,布局之间的协调性。在室内空间中有着相同的元素则可以将这些元素搭配进行组合,达到一种协调和谐的气氛。 四、分合自如的分隔作用 装饰陈设艺术品对室内空间起着分隔的作用,将室内空间得到可变性,像是把大的空间分成小空间,从中提升空间利用率和舒适性,也可以用装饰陈设艺术品来暗示出虚拟空间。在当下无论是居室还是公共空间,用装饰陈设艺术品来暗示虚拟空间的手法很多,利用这种手法既可美化空间又可以起到分隔的作用。如在酒吧里,利用具有装饰性的珠帘或藤帘将每个雅座隔开,这样美化环境、装饰了空间,也起了对部分空间的分隔;在雅鲁藏布大酒店里,餐厅处则是利用了每一个不同形状的铜质佛像或金属器皿,将用餐区域进行分隔,这种手法就利用了虚拟分隔。 五、出奇制胜的个性体现 说到个性,这一环节对于人们现代社会来说是很重要的关键词,在说到室内设计中人们都要个性。室内装饰逐步走向追求个性化风格,追求生活舒适度的理性消费。人们终于明白,室内装修永远不肯能一步到位,因而过多的室内硬装饰实际上是限制了室内装修理念,“轻装修,重装饰”越来越深入人心,出现了现代简约装修风格就是这一时期应用而生的。可有时一件雕塑,一件工艺品,一幅画甚至一块有特色的桌布能为室内空间增添色彩和文化品位,通过自己对空间装饰的创造和参与,使室内装饰风格深深打上了个性化文化品位的烙印,对室内的创造得到很好的满足。这种室内文化的创造方式,在现在和未来相当时期内,将是中国室内装饰的主流。生活来自于自我,在我认为自我才能突显个性,装饰陈设艺术品只有来自生活,才能反映个性,这样才是自己的独一无二的,潮流的。 六、综合营造的掌控作用 室内空间里装饰陈设艺术品在不同程度下需要恰当的把握摆放与布置,也要把握好它们的数量、色彩、形态、比例、位置与室内空间整体定位及环境营造等条件相联系、相融合,达到二者相辅相成的作用。装饰陈设艺术品在对室内空间里的装修、改造、美化、点缀时也要把握住它的人性化。装饰陈设艺术品和整个空间要一样,动静有别,声色兼俱,从中要表达出空间的品味和趣味。 从环境上说装饰陈设艺术品在美化室内环境时,必须做到由室内环境来选择装饰陈设艺术品,达到两者的融洽、相联。目前,装饰陈设艺术品对市场具有很大的潜力,人们生活水平越来越高,对于室内的装饰改造,要求也越来越高,从而使装饰陈设艺术品的样式、风格也具有了不同的种类。在设计师和业主的共同努力下利用装饰陈设艺术品将室内空间表现得更加人性化、更具有了时代感,在室内设计中起到了举足轻重的作用。 室内设计中装饰艺术探讨:中国传统装饰艺术在室内设计中的应用 摘要:中式的室内设计不管是在空间的布局上,还是在装饰风格上,也都体现了中国传统装饰文化内在的一些思想风格,在整个空间的感觉上和设计理念上追求比较自然和谐的风格。 关键词:传统装饰艺术; 室内设计 中国传统的文化理念对室内设计有着很深远的影响,现代室内设计里的各种造型、装饰、陈设等都表现了人们对美好生活的追求和向往,也反映出一个民族的文化精神。随着时代的发展,我们需要为现代设计注入新的灵魂与血液。因此,将传统的文化理念及装饰艺术手法融入到室内设计中是十分重要。就装饰艺术而言,中国传统装饰艺术因为历史、地域、宗教、文化、经济、习俗、环境等因素的不同,形成了各式各样的艺术形式。 一、中国传统装饰艺术特点及作用 中国传统装饰艺术突出两个特点:一个是整个空间的庄严典雅,另一个是空间氛围意境深厚。传统的室内布局就是把内部空间和装饰陈设放在一起,进行总体的设计。中国的传统住宅把伦理道德的价值观转化成了美的意识,因此这也把建筑和室内设计的审美观念放在了一个比较理性的的环境中来。伦理上的精神已经成为中国传统建筑和室内设计的一个特点。可以这样说,我们可以把空间当成一张白纸,把装饰手法当成一支画笔,通过内部空间的自由的组合来完成对空间布局、立面造型和家具陈设的协调,使它们能够形成和谐统一的画面。 传统装饰艺术在现代室内设计中的作用主要体现在这几个方面:烘托室内气氛、创造环境意境,丰富空间层次、调节环境色彩,突出室内环境风格、反映民族特色等。装饰艺术通过再现、点睛、提炼等表现手法在本质上传递着一种内在的、深层次的可延续的传统。在室内陈设一些具有民族特色的装饰品,增加自然的意境;或者在墙上挂上书法或者国画作品,再配上一些盆景植物,会使人感到清新、舒畅,跟自然达到完美的结合,这些使空间环境显出高雅、优美。而那些具有文化内涵的装饰品使人赏心悦目,陶冶情操,这些装饰品已超越其本身的美学界限而赋予室内空间以精神价值。中国的传统文化一般都比较崇尚自然的事物,这种崇尚自然和谐的精神内涵,经常运用在室内设计的处理和装饰物的摆设上,把自然的元素运用到空间的布置中。这样就可以建立起一种和谐、自然的生活环境,这也体现人和自然的和谐相处的境界。再有就是利用建筑构件,营造开敞的和半开敞的空间,把室外的景观“借”入到室内;绿色的植物和自然景观与室内环境融为一体,可以让室内增加亲近自然的感觉。 二、中国传统装饰艺术中的书画在室内设计的应用 我国古代就有“坐卧高堂,究尽泉壑”的说法。在室内装饰中挂书画已经成为中国人居家装饰的一种风气,也是体现民族文化的一种表现,在室内空间悬挂书画等艺术作品,可以渲染艺术气氛,增添美感。 书画在中国传统室内装饰里是一种高雅的装饰品,是大家都比较推崇的装饰品,是传统室内装饰的最好选择物之一。悬挂书画是在中国是一种吉祥意境的象征。在家里挂字画,有助于表达空间的文化特色,烘托出室内的书香气息,有助于提升主人的文化生活品味。清代著名学者魏青红在《辨宅气色》中说:“一进门,觉红光闪烁,霭气腾腾,其家必有非常之喜,登科甲,报升迁,生贵子,发横财。”通过悬挂书画来体现屋内的喜气吉祥的氛围,吉祥题材的书画作品最常用的是象征荣华富贵的牡丹花画,象征年年有余的莲花和锦鲤图,象征健康长寿的松鹤延年图等等这一类型的作品。 现代人无论在精神和生理的享受上都有很强烈的追求生活质量的愿望,在布置空间上更是希望能体现生活的品质,特别是对悬挂书画的选择上。悬挂书画的选择往往寄托了现代人对自己人生发展的美好追求。这时候书画不仅仅是一种装饰品了,更是居住者的思想寄托和追求。将带有吉祥意味的书画当做一种对美好生活的向往寄托,悬挂在客厅,可以为室内空间锦上添花,给所处空间的人内心带来美好的感受,也就是寓意为“福气”。悬挂书画在室内设计中已经成为了一种象征的装饰手法,是一种中国人所追求吉祥幸福意境的表现形式,也是中国传统文化中的一种表现形式。 三、中国传统装饰艺术中的吉祥图案在室内设计的应用 中国传统装饰艺术的起源和发展都经历了很长时间的发展变化,但装饰艺术里的吉祥图案的象征意义却一直延续到现代,这也是中国传统装饰文化所具有的强烈的民族特点。象征性装饰在中国传统的装饰设计中被广泛运用,形成了吉祥、礼教、避邪等许多的表现特征。具有很强烈的象征意义和美感的装饰设计直到现在都还在被应用,而且将传承下去。中华民族在几千年的发展变化中形成了有属于自己民族的文化特点的艺术风格,慢慢的也形成了拥有各种文化内涵的图案和装饰纹样。 中国传统文化在慢慢的发展和变化的过程里,已经产生了非常深厚的文化底蕴,这也是中国传统文化可以一代一代继续传承下去的原因。把它深厚的文化底蕴运用到室内的装饰装修里,表达出了传统文化蕴含的比较内在的气质。用图形符号这样比较表面的表达来体现内在的特点,但外在的形态,是一种比较观念化的表现。在中国的传统文化艺术中一般都喜欢用吉祥意味的装饰手法,利用字和字之间的谐音,来暗示着吉祥的意思。比如说在很多传统室内设计中室内厅堂案桌上摆设花瓶和镜子,用“瓶”和“平”的谐音,“镜”和“静”的谐音寓意家里平静。再用 “蝠”和“福”的谐音表现出福的寓意;“鱼”和“余”的谐音可表现成年年有余的寓意。还有就是多用“梅、兰、竹、菊”等植物图案,借着植物的一些自然生态特征,来表现居者所追求的生活意境和做人原则。用竹子图案,因为竹子有“节”寓意着人有“气节”;梅花耐寒寓意着人应该顽强,不畏艰险。选用石榴作为图案,因为石榴的子很多,象征为“多子多孙”,还有就是因为鸳鸯成双成对出现,这个可以理解为“婚姻美满”,当然还有类似用松鹤象征延年长寿等等。 中国传统室内设计的图案元素包括了人物、植物、动物、几何符号等等各类形式的图像,以及一些中国传统文化中的精华,成语典故、人物、景物等各种组合,这些元素有着传统的内涵和比喻意义,比如各种动植物,经常都被当做反应生活意象符号,在传统室内装饰中应用的非常多。中国室内装饰设计的最突出的特点就是体现民俗、礼教、宗教等人们对美好生活的向往方面,这些拥有寓意和意象的美感的图案型把高雅和通俗联系在一起,烘托出文化底蕴的内涵深厚,表达了这个民族特有的风俗习惯、民族心理的特点和观念上的意识。这些由风俗人情、社会风尚、民族心理和民族崇拜等很多方面的因素联系在一起,并且是人们平日生活里观察听到的意象的符号,在室内设计中都会受到非常广泛的运用,在石雕、砖雕、木雕的图形上都会用到这个,用以表达喜庆、祥和的祝愿、祈福的心愿还有比较隐藏性的寓意。装饰象征性在变现手法上不但是影响我国传统室内设计思路的一个比较重要的内容,更是我国传统室内装饰的一个重要的特征,还是我国传统室内设计中用来表达意象的美感的因素。 四、中国传统装饰艺术中的传统家具在室内设计中的应用 中国传统家具是中国传统装饰艺术的一个象征,它具有端庄、沉稳的造型特点、精湛的工艺,表现出了古朴、典雅的气质,也拥有了中国传统文化深厚的底蕴。在当今的室内设计里最常用的就是明清的家具了。明清家具造型运用了传统美学的原理,利用简练、流畅、又有力的线条和沉稳、坚实的质感来表现它的设计理念,既简洁、舒展又朴素,设计上考虑到人体比例,并突出家具的美观,给人舒适、恬静的美感,中国传统家具的结构很明确,做工精细,技术一流,可以说是各种优点都聚集在一起,这也展现了它优雅大方的古典气质,也给人以一种很有内涵的感觉。传统家具因为有优美的线条、原始的木质纹路,所以很容易与现代的家具、电器等搭配在一起。传统家具有严格的做法,首先也是最重要的,选择材料需要讲究,传统家具一般都采用大量的优质木材,比方说紫檀木、黄花梨木、楠木等等,还要根据材料的特性来塑造家具的造型,而且还要善于根据家具的不同部位,判断出木材的材质、色泽和纹理,除了这些还需注重功能和木材的天然纹理,表现表现自然朴实的美感。传统家具在室内设计中的运用,也可以跟现代室内设计的元素很好的结合,突出传统文化的深刻内涵,体现居住者的文化品位。 五、结语 中国传统装饰文化在室内设计中的应用,既要与现在人们思想相适应,更要尊重民族艺术的独特性。努力寻找我们民族传统文化中与其他民族所不同的价值所在和独特风格,并把它们学以致用,在设计中得到体现,在设计过程中与传统文化相结合,弘扬中华民族文化,展示传统风采。